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Qui a composé le thème musical de la Panthère Rose ?

Henry Mancini

La Panthère Rose est une série de films comiques mettant en vedette un détective de police français incompétent, l'inspecteur Jacques Clouseau. La série a commencé avec la sortie de La Panthère Rose (1963). Le rôle de Clouseau a été créé par Peter Sellers et lui est le plus étroitement associé. La plupart des films ont été réalisés et co-écrits par Blake Edwards, avec un thème musical composé par Henry Mancini. Dans les films, la Panthère Rose est un gros et précieux diamant rose qui est montré pour la première fois dans le film d'ouverture de la série. Le diamant est appelé « Panthère Rose » car le défaut en son centre, vu de près, ressemble à une panthère rose bondissante. La phrase réapparaît dans le titre du quatrième film Le Retour de la Panthère Rose, dans lequel le vol du diamant est à nouveau au centre de l'intrigue. L'expression a été utilisée pour tous les films suivants de la série, même lorsque le joyau ne figurait pas dans l'intrigue. Il est finalement apparu dans six des onze films. Le premier film de la série avait une séquence d'ouverture animée, créée par DePatie-Freleng Enterprises et mise en musique par Mancini, qui mettait en vedette le personnage de Pink Panther. Ce personnage, conçu par Hawley Pratt et Friz Freleng, a ensuite fait l'objet de sa propre série de dessins animés qui ont acquis leur plus grande notoriété lors de leur diffusion le samedi matin sous le nom de The Pink Panther Show. Le personnage figurerait à l'ouverture de chaque film de la série de films, à l'exception de A Shot in the Dark et de l'inspecteur Clouseau. Développement Bien qu'il y ait deux films ultérieurs de Pink Panther mettant en vedette Steve Martin, la plupart des films de la série mettaient en vedette Sellers dans le rôle de l'inspecteur Clouseau et ont été réalisés et co-écrits par Blake Edwards. Le thème musical basé sur le jazz a été composé par Henry Mancini. En plus des séquences de générique, le thème accompagne souvent toute séquence de suspense dans le premier film et dans les films suivants utilisant le personnage. La "Pink Panther" du titre est un diamant censé contenir un défaut qui forme l'image d'une "panthère bondissante" qui peut être vue si elle est exposée à la lumière d'une certaine manière. Ceci est expliqué au début du premier film, et la caméra zoome sur le diamant pour révéler le défaut flou, qui se concentre sur la Panthère (bien qu'elle ne saute pas réellement) pour commencer la séquence du générique d'ouverture (cela se fait également dans Return). . L'intrigue du premier film est basée sur le vol de ce diamant. Le diamant réapparaît dans plusieurs films ultérieurs de la série, Le Retour de la Panthère Rose, La Piste de la Panthère Rose et La Malédiction de la Panthère Rose, tous avec Sellers. Il apparaît également dans la renaissance du personnage de l'inspecteur Clouseau dans les films beaucoup plus tardifs de Steve Martin, La Panthère Rose (2006), et sa suite, La Panthère Rose 2 (2009). Le nom « la Panthère Rose » s'est attaché à l'inspecteur Clouseau de la même manière que Frankenstein a été utilisé dans les titres de films pour faire référence à la création du Dr Frankenstein, ou que The Thin Man a été utilisé dans une série de films policiers. A Shot in the Dark, un film qui n'était pas initialement destiné à présenter Clouseau, est le premier des deux films de la série (l'autre étant l'inspecteur Clouseau) qui ne présente ni le diamant ni la panthère rose animée distinctive dans le générique d'ouverture et la fin. . De nombreux critiques, dont Leonard Maltin, considèrent ce film comme le meilleur de la série. Dans le film original, sorti en 1963, l'accent était mis sur le rôle de David Niven dans le rôle de Sir Charles Litton, le tristement célèbre voleur de bijoux surnommé « le Fantôme », et sur son projet de voler la Panthère Rose. L'inspecteur Clouseau n'était qu'un personnage secondaire en tant qu'antagoniste incompétent de Litton et apportait un soulagement comique burlesque à un film qui était par ailleurs un drame policier subtil et léger, un contraste de styles quelque peu discordant typique des films d'Edwards. La popularité de Clouseau l'a amené à devenir le personnage principal des films ultérieurs de Pink Panther, qui étaient des comédies burlesques plus simples. Le thème de Mancini, avec des variations dans l'arrangement, est utilisé au début de tous les films suivants, sauf les deux premiers. Les autres thèmes de Mancini pour le premier film incluent un décor en italien appelé Meglio Stasera, dont le but semble principalement présenter la jeune actrice Fran Jeffries. Des portions d'une version instrumentale apparaissent également à plusieurs reprises dans la partition musicale du film. D'autres segments incluent "Shades of Sennett", un numéro de piano "honky tonk" présentant la scène de poursuite culminante du film dans les rues de Rome. La plupart des morceaux restants de l'album de la bande originale sont des morceaux de jazz orchestral du début des années 1960, correspondant au style de l'époque. Bien que des variations du thème principal reprennent pour de nombreuses entrées de la série Pink Panther, ainsi que pour la série de dessins animés, Mancini a composé un thème différent pour A Shot in the Dark qui a ensuite été adopté par la série dérivée animée The Inspector. Les cinq premiers films Sellers-Edwards ont été initialement publiés par United Artists. Trail, Curse et Son ont été publiés par MGM/UA. Les droits DVD du Retour de la Panthère Rose sont désormais contrôlés par la division Focus Features d'Universal Pictures, en partenariat avec la société de production britannique ITC Entertainment et son successeur ITV Global Entertainment Ltd. Focus Features a publié ce film sur DVD pour la région 1. ITC avait initialement prévu de réaliser une série télévisée sur l'Inspecteur Clouseau, mais Blake Edwards a convaincu la société de production de soutenir d'abord un long métrage, puis une série plus tard, si le film devait s'avérer un succès. Le film a dépassé les attentes en devenant le film le plus rentable de 1975. UA a rapidement racheté l'investissement d'ITC et le travail a immédiatement commencé sur le prochain long métrage. Bien qu'officiel, le film live-action Inspecteur Clouseau (1968) n'est généralement pas considéré par les fans comme faisant partie du canon de la série, puisqu'il n'impliquait ni Sellers ni Edwards. Certains éléments de la performance et des costumes d'Arkin ont cependant été conservés lorsque Peter Sellers a repris le rôle de Return en 1975. Malgré les spéculations, Alan Arkin n'apparaît pas dans Trail of the Pink Panther. Le film qui a lancé la deuxième série Pink Panther, The Pink Panther, avec Martin dans le rôle de Clouseau, réalisé par Shawn Levy et produit par Robert Simonds, est sorti en février 2006 par Metro-Goldwyn-Mayer et a été coproduit avec Columbia Pictures. Il se déroule de nos jours et introduit différents personnages principaux, appartenant donc à une continuité différente. Martin joue également dans la suite, The Pink Panther 2, sortie en 2009. Action réelle/animation Le 31 mars 2014, Metro-Goldwyn-Mayer a annoncé qu'elle développerait un nouveau film d'action réelle/d'animation Pink Panther, réalisé par David Silverman et produit par Walter Mirisch et Julie Andrews. Ce film ne se concentrera pas sur l'inspecteur Clouseau mais se concentrera plutôt sur la Panthère Rose. En mars 2015, le film était toujours en développement. Films Characters Inspector Jacques Clouseau * Première apparition : La Panthère Rose (1963) * Apparitions : Tous les films Panther sauf Le Fils de la Panthère Rose Jacques Clouseau est un policier et détective maladroit, incompétent mais zélé qui parle anglais – avec un accent français ridicule – tandis que d'autres personnages parlent anglais, souvent avec leur propre accent. L'accent de Clouseau n'est pas accentué dans le premier film, mais à partir de A Shot in the Dark, l'accent exagéré est devenu une partie de la plaisanterie. Il a été suggéré que la présentation du policier incompétent comme étant français repose sur un stéréotype britannique de la police française ou même de la population française dans son ensemble. Peter Sellers, l'acteur qui incarne Clouseau, a fait remarquer que, à son avis, Clouseau savait qu'il était un bouffon, mais qu'il avait un incroyable talent pour survivre. La chance ou la maladresse le sauve généralement, comme dans le premier film où une folle course-poursuite en voiture autour d'une fontaine aboutit à la collision de tous les véhicules et à la capture des voleurs. Cette approche s'accélère, Clouseau tombant dans les escaliers, tombant dans les piscines et les fontaines, provoquant des incendies et des catastrophes, et même étant bombardé à plusieurs reprises, une idée intégrée dans la représentation du personnage par Steve Martin. Dans La Panthère Rose contre-attaque, des assassins du monde entier sont envoyés pour tuer Clouseau, après quoi celui-ci s'éloigne de leur cible juste au bon moment pour s'assurer que les tueurs s'éliminent les uns les autres. Dans Trail of the Pink Panther, nous voyons que pendant la Seconde Guerre mondiale, Clouseau a combattu dans la Résistance française, mais les flashbacks ne servent qu'à réitérer le fait que Clouseau peut survivre à tout malgré, ou peut-être grâce à, son incompétence. L'inspecteur Clouseau est un Français patriote dont le pays est prétendument sa plus haute priorité, a été enclin à l'engouement (souvent réciproque) après avoir été cocu par Sir Charles Litton, et est à plusieurs reprises perplexe devant les travestis, dans la mesure où il les appelle "Monsieur ou Madame". ". Le rôle a été créé et développé par Peter Sellers au fil des années, mais a également été joué par Alan Arkin (dans Inspecteur Clouseau), Daniel Peacock et Lucca Mezzofonti (dans des versions plus jeunes dans des flashbacks dans Trail of the Pink Panther), Roger Moore (dans un apparition à la fin de Curse of the Pink Panther) et Steve Martin (dans le film Pink Panther de 2006 et sa suite de 2009). Inspecteur en chef Charles LaRousse Dreyfus * Première apparition : A Shot in the Dark (1964) *Apparitions : Tous les films Panther sauf le premier film et l'Inspecteur Clouseau. Le supérieur de Clouseau, Charles Dreyfus, est présenté dans A Shot in the Dark, dans lequel il occupe le rang de commissaire. Il est constamment distrait par la maladresse de Clouseau et finit par devenir fou. Dans Le Retour de la Panthère Rose, Dreyfus détient le grade d'inspecteur en chef - mais redevient fou à la fin du film - qui montre Dreyfus en camisole de force dans une cellule capitonnée, écrivant "Tuez Clouseau" sur le mur (avec ses orteils). Comme dans A Shot in the Dark, Dreyfus subit d'abord diverses blessures corporelles (impliquant son arme et un briquet de forme similaire et lui coupant accidentellement le pouce avec un coupe-cigare) --- avant d'étrangler accidentellement son thérapeute en fantasmant sur Clouseau. mort, puis tente d'assassiner Clouseau avec un fusil de sniper. Dans La Panthère Rose contre-attaque, Dreyfus est sur le point de sortir d'un asile après s'être complètement rétabli ; cependant, moins de cinq minutes après l'arrivée de Clouseau pour parler au conseil d'administration au nom de Dreyfus, il subit diverses blessures, le faisant rechuter. Ensuite, Dreyfus s'échappe de l'asile et kidnappe un scientifique, le forçant à construire un rayon désintégrateur utilisé plus tard pour intimider le reste du monde afin qu'il tente d'assassiner Clouseau. Dreyfus semble se désintégrer à la fin de Strikes Again, mais par la suite (et sans aucune explication) réapparaît dans La Vengeance de la Panthère Rose et est réintégré inspecteur en chef lorsque Clouseau est déclaré mort par erreur. Herbert Lom a donné à son personnage un tic prononcé qui s'est produit sous un stress particulier... et un rire enfantin qui l'accompagnait lorsqu'il préparait le meurtre de Clouseau. Dans Le Fils de la Panthère Rose, Dreyfus (à nouveau commissaire) traite du fils tout aussi bouffon de Clouseau, Jacques Gambrelli, mais il se montre plus tolérant envers Gambrelli. A la fin du film, Dreyfus épouse l'ancienne amante de Clouseau, Maria Gambrelli (la mère de Jacques Gambrelli), mais est choqué d'apprendre que Clouseau et Maria ont conçu des jumeaux : Jacques (Roberto Benigni) et Jacqueline Gambrelli (Nicoletta Braschi). Dans le redémarrage de La Panthère Rose en 2006, Dreyfus (à nouveau en tant qu'inspecteur en chef) utilise Clouseau comme leurre pendant qu'il tente lui-même de résoudre les crimes. Dreyfus considère simplement Clouseau comme un idiot et ne tente jamais de le faire tuer, tandis que Clouseau attaque son employeur à un moment donné, se trompant sur son identité. Plus tard dans le film, Dreyfus est accidentellement traîné derrière la voiture intelligente de Clouseau et apparaît à l'hôpital, où la maladresse de Clouseau le fait tomber d'une fenêtre. Dans la suite de 2009, Dreyfus joue un rôle bien moindre que dans le film précédent et est moins hostile envers Clouseau. Dreyfus a été joué par Herbert Lom dans les films de Blake Edwards et par Kevin Kline dans le film de 2006. Il a été joué par John Cleese dans la suite de 2009. Cato Fong * Première apparition : A Shot in the Dark (1964) *Apparitions : Tous les films Panther sauf le premier film, le film Inspecteur Clouseau de 1968 et les films 2006-2009. Cato (écrit "Kato" dans A Shot in the Dark) est le serviteur de Clouseau et un expert en arts martiaux. On ne sait pas s'il considère Clouseau comme un grand détective ou s'il se contente de lui faire plaisir. C'est une blague courante qu'il soit chargé d'attaquer Clouseau de manière inattendue, pour maintenir les compétences de combat et la vigilance de Clouseau. Caton pousse souvent ces instructions jusqu'à tendre une embuscade à Clouseau dans sa propre maison ou à des moments où Clouseau préférerait visiblement ne pas être dérangé. S'ils sont interrompus lors d'une telle attaque (par exemple par un appel téléphonique), Cato cesse de projeter l'image d'agresseur et devient un valet de chambre bien discipliné. Peu importe qui s'en sort le moins bien dans la bataille réelle (et c'est Clouseau qui est le plus souvent humilié, puisque les embuscades de Caton le prennent généralement par surprise), Clouseau se venge toujours de Caton en lui infligeant un coup de ventouse après qu'il semble que le combat soit terminé. sur. Dans des films ultérieurs, Cato aide Clouseau dans certains cas, comme à Hong Kong, lorsque Clouseau profite de sa propre mort présumée pour déterminer l'identité de son assassin potentiel. Ici, Cato porte des lunettes comme déguisement mais entre en collision avec divers objets lorsque les lunettes altèrent sa vision. Dans Revenge, Caton, croyant son maître mort, dirige un bordel secret dans l'appartement de Clouseau : le mot de passe d'entrée est "Inspecteur Clouseau", ce qui provoque une scène humoristique lorsque le véritable inspecteur Clouseau apparaît. Cato ouvre un autre bordel dans La Malédiction de la Panthère Rose et transforme l'appartement de Clouseau en musée présentant tous les déguisements que l'inspecteur a portés au fil des ans. Dans la série précédente, Cato était joué par Burt Kwouk. Lors de la relance, le rôle de Cato a été proposé à Jackie Chan, mais le personnage a ensuite été abandonné de peur que le stéréotype chinois ne soit offensant, et Cato a été remplacé par un nouveau personnage, le gendarme Gilbert Ponton (Jean Reno), assigné par le commissaire Dreyfus pour veiller sur Clouseau. Dans un renversement de la relation Cato-Clouseau, Clouseau attaque souvent Ponton de manière inattendue, pour être arrêté d'un seul coup. François François, l'assistant de Dreyfus, observe généralement les interactions de son patron avec Clouseau (et les dépressions émotionnelles qui s'ensuivent) avec une perplexité placide. André Maranne, acteur français, a joué François dans six films Panther. Dans Fils de la Panthère Rose, il a été remplacé par Dermot Crowley. Dans A Shot in the Dark, Trail of the Pink Panther et Curse of the Pink Panther, il est appelé le sergent François Duval alors que dans les trois suites des années 1970, il est le sergent François Chevalier. Lors du redémarrage de 2006, Philip Goodwin joue un personnage similaire nommé Renard. Goodwin est revenu dans le rôle de Renard dans la suite de 2009. Sir Charles Lytton/Le Fantôme "Le Fantôme" est un voleur de bijoux, l'ennemi juré de Clouseau (d'après Dreyfus) dans plusieurs films et connu du public sous le nom de Sir Charles Lytton. Il est le principal méchant du premier film, à la fin duquel (et avec l'aide de la femme de Clouseau et d'une princesse en exil) il accuse Clouseau de ses vols passés et le fait envoyer temporairement en prison. Cela attise la soif de vengeance de Clouseau dans le troisième film de Sellers/Edwards, dans lequel la Panthère rose est volée dans un musée. Dans le premier film, il était interprété par David Niven et dans Return par Christopher Plummer. Dans des films ultérieurs, Niven vieillissant et fragile a fait des apparitions dans le rôle, avec sa voix doublée par l'impressionniste Rich Little. Dans ces films ultérieurs, Lytton est censé avoir été marié à l'ex-femme de Clouseau après les événements du premier Panthère Rose, même si dans Return, sa femme était un personnage différent, mais apparemment familier avec Clouseau (voyant à travers et riant). à, ses déguisements). Dans La Panthère Rose 2, le diamant est volé par un maître voleur similaire, « la Tornade » (Johnny Hallyday). Professeur Auguste Balls Le professeur Auguste Balls est un commerçant excentrique qui fournit à Clouseau ses nombreux déguisements. Il a été interprété par Graham Stark dans La Vengeance de la Panthère Rose et Fils de la Panthère Rose, tandis qu'Harvey Korman l'a joué dans Trail of the Pink Panther et Curse of the Pink Panther. Bien que Korman ait été le premier acteur à incarner Balls, ses scènes dans The Pink Panther Strikes Again ont été coupées et n'ont été utilisées que Trail of the Pink Panther six ans plus tard. Le professeur Balls a une épouse, Martha (Liz Smith), et une assistante, Cunny (Danny Schiller), qui font de brèves apparitions. Équipage Statistiques des séries de films Hommages et références aux films * Dans un épisode de 1978 de la série animée Lupin le Troisième, intitulé "Black Panther" (titre américain "My Birthday Pursuit"), Lupin tente de voler le diamant Black Panther comme cadeau d'anniversaire pour sa petite amie. L'inspecteur Zenigata est aidé par un personnage clairement inspiré de Clouseau, l'inspecteur Conaiseau. Conaiseau est même assisté d'un personnage inspiré de Caton, Hageito. Également dans l'épisode, Lupin et Conaiseau infiltrent tous deux une colonie nudiste, un peu comme Clouseau le fait dans A Shot in the Dark. * Les Simpsons : dans l'épisode de la saison cinq "Homer le Vigilante" (1994), lorsque le cambrioleur du chat de Springfield cambriole la maison des Simpsons, la musique de fond ressemble au thème de la Panthère Rose, et il vole la plus grande zircone cubique du monde dans un musée, un peu comme le Fantôme volant le diamant de la Panthère Rose. Lorsqu'il est capturé, il se révèle être un personnage suave, semblable à celui de David Niven. Dans un autre épisode de la saison cinq "Le garçon qui en savait trop", lorsqu'il a été révélé que les blessures du serveur étaient auto-infligées en raison de sa maladresse et non du fait de l'agression de Freddie Quimby, le serveur proclame "C'est un scandale ! Je suis pas un serveur maladroit à la Clouseau ! » avant de trébucher sur une chaise et de tomber par la fenêtre dans un camion à toit ouvrant rempli de pièges à rats. Dans l'épisode de 1998 "This Little Wiggy", on entend un présentateur à la télévision du chef Wiggum dire "Nous revenons maintenant au retour du retour de la panthère rose, avec Ken Wahl dans le rôle de l'inspecteur Clouseau". *Cato apparaît dans le film Inspecteur Gadget de 1999 lors de la réunion des Minions Anonymes. * Dans un épisode de 2000 de la série animée Jackie Chan Adventures, intitulé "Enter the Viper", Jackie Chan et sa nièce Jade doivent protéger le diamant "Pink Puma" d'une voleuse de bijoux appelée Viper. * Dans La vie et la mort de Peter Sellers (2004), un grand hommage est rendu au personnage de Clouseau dans les scènes jouées par Geoffrey Rush, et l'histoire couvre également la relation de Sellers avec Blake Edwards, notamment où Sellers décrit sa relation avec Edwards via Clouseau. habillé en marin suédois de La Revanche de la Panthère Rose. * Dans l'épisode 2005 de Family Guy Breaking Out is Hard to Do, il y a une scène de poursuite à travers Asiantown qui est une parodie de la scène de poursuite originale vers la fin de La Revanche de la Panthère Rose, utilisant la même musique. * Dans la série taïwanaise Hi My Sweetheart (2009), la Panthère Rose est un point essentiel de la série ambient, et apparaissant de nombreuses fois sous forme de peluches ou de plusieurs autres objets. Le protagoniste masculin prend également le nom de "Da Lung" en référence à la chanson Pink Panther. * Dans l'épisode 2012 de 30 Rock "Standards and Practices", Jack (Alec Baldwin) engage un homme nommé Kato pour l'attaquer au hasard. Comme pour l'inspecteur Clouseau, ces attaques ont lieu dans son appartement. Le personnage de la Panthère Rose et les dessins animés La séquence titre d'ouverture du film original de 1963 La Panthère Rose a été un tel succès auprès des dirigeants d'United Artists qu'ils ont décidé d'adapter la séquence titre dans une série de courts métrages d'animation théâtraux. DePatie-Freleng Enterprises, dirigée par les anciens créateurs de Warner Bros. Cartoons, David H. DePatie et Friz Freleng, a produit les séquences d'ouverture, avec Freleng comme réalisateur. United Artists a commandé une longue série de courts métrages The Pink Panther, dont le premier, The Pink Phink de 1964, a remporté l'Oscar du court métrage d'animation en 1964. C'était la première (et à ce jour la seule) fois que la première œuvre d'un studio remportait un Oscar. "[http://www.bcdb.com/cartoon/10259-Pink_Phink.html The Pink Phink]". www.bcdb.com, 13 avril 2013 À l'automne 1969, les courts métrages étaient diffusés sur NBC "[http://www.bcdb.com/cartoons/Other_Studios/D/DePatie-Freleng_Enterprises/The_Pink_Panther_Show/index.html The Pink Panther Show]". www.bcdb.com, le 14 avril 2014 le samedi matin sur The Pink Panther Show ; après 1969, de nouveaux courts métrages ont été produits pour la télévision et les salles de cinéma. Un certain nombre de séries sœurs ont également rejoint le personnage de la Panthère Rose sur les écrans de cinéma et sur les ondes, notamment L'Inspecteur, mettant en vedette un policier français comique basé sur le personnage de Jacques Clouseau. Le personnage animé de Pink Panther est également apparu dans des jeux vidéo sur ordinateur et console, ainsi que dans des campagnes publicitaires pour plusieurs entreprises, notamment pour l'isolation Owens Corning Fiberglas. Il y avait aussi une série animée de courte durée intitulée Pink Panther and Pals (2010) destinée aux jeunes enfants. En 2014, MGM a annoncé qu'elle prévoyait un redémarrage de film hybride d'animation / action réelle de la franchise, réalisé par David Silverman et produit par Walter Mirisch et Julie Andrews.

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Quelle actrice a épousé Dennis Quaid le jour de la Saint-Valentin en 1991 ?

Meg Ryan

Dennis William Quaid (né le 9 avril 1954) est un acteur américain connu pour une grande variété de rôles dramatiques et comiques. Ayant attiré l'attention pour la première fois dans les années 1980, sa carrière a rebondi dans les années 1990 après avoir surmonté une dépendance à la drogue et un trouble de l'alimentation. Certains de ses crédits notables incluent Breaking Away, The Right Stuff, Wyatt Earp, The Rookie, The Day After Tomorrow, Traffic, Vantage Point, Footloose, Frequency, The Parent Trap, Yours, Mine & Ours et Soul Surfer. Pour son rôle dans Loin du paradis (2002), il a remporté le New York Film Critics Circle Award du meilleur acteur dans un second rôle, le Chicago Film Critics Association Award du meilleur acteur dans un second rôle, le Online Film Critics Society Award du meilleur acteur dans un second rôle et l'Independent Spirit Award. pour le meilleur second rôle masculin. Début de la vie Quaid est né à Houston, au Texas, fils de Juanita B. "Nita" Quaid, agent immobilier, et de William Rudy Quaid, électricien. Quaid a des ancêtres anglais, irlandais, écossais-irlandais et cajun (français). Carrière Quaid a abandonné ses études à l'Université de Houston avant d'obtenir son diplôme et a déménagé à Hollywood pour poursuivre une carrière d'acteur. Il a d'abord eu du mal à trouver du travail, mais a commencé à se faire remarquer lorsqu'il est apparu dans Breaking Away (1979) et a obtenu de bonnes critiques pour son rôle dans The Right Stuff (1983). Connu pour son sourire, Quaid est apparu dans des rôles comiques et dramatiques. Quaid a joué des rôles principaux dans les films Enemy Mine (1985), Innerspace (1987) et The Big Easy (1987). Il a également été acclamé pour son interprétation de Jerry Lee Lewis dans Great Balls of Fire ! (1989). En 1989, il est également apparu dans le clip de Bonnie Raitt pour la chanson « Thing Called Love ». La carrière de Quaid s'est essoufflée au début des années 1990, après avoir combattu l'anorexie mentale provoquée par la perte de 40 livres pour incarner Doc Holliday, atteint de tuberculose, dans Wyatt Earp et s'être également débarrassé d'une dépendance à la cocaïne. Il a cependant continué à recueillir des critiques positives dans une variété de films. Quaid était également la star invitée d'un épisode de la saison 2 de Muppets Tonight (1997). Il a joué le rôle principal dans le film d'aventure Dragonheart de 1996, le remake de The Parent Trap (1998), jouant le rôle du père des jumeaux, et celui d'un quarterback de football professionnel vieillissant dans Any Given Sunday (1999) d'Oliver Stone. Certains des crédits de films les plus récents de Quaid incluent Frequency (2000), The Rookie (2002), Loin du paradis (2002), Cold Creek Manor (2003), The Flight of the Phoenix (2004), The Alamo (2004), In Good Company (2004), Le lendemain (2004), Le vôtre, le mien et le nôtre (2005), Vantage Point (2008), G.I. Joe : L'Ascension du Cobra (2009) et Pandorum (2009). En 2009, Quaid a joué dans un épisode de Bob l'éponge, dans le rôle du grand-père de M. Krabs, le capitaine Barbe Rouge. Il a interprété le président américain Bill Clinton, aux côtés de Michael Sheen dans le rôle de Tony Blair et de Hope Davis dans le rôle d'Hillary Clinton, dans le film de 2010 The Special Relationship. En 2012 et 2013, Quaid a joué le rôle du shérif Ralph Lamb dans la série dramatique télévisée CBS Vegas. Prix Pour son rôle dans Loin du paradis (2002), il a remporté le New York Film Critics Circle Award du meilleur acteur dans un second rôle, le Chicago Film Critics Association Award du meilleur acteur dans un second rôle, le Online Film Critics Society Award du meilleur acteur dans un second rôle et l'Independent Spirit Award. pour le meilleur second rôle masculin. Il a reçu des nominations pour le meilleur acteur dans un second rôle aux Golden Globe Awards, aux Phoenix Film Critics Society Awards et aux Screen Actors Guild Awards. Quaid a également reçu un Distinguished Alumni Award de son alma mater, l'Université de Houston, en avril 2012. Vie privée Relations et enfants Quaid a été marié trois fois et a trois enfants. Quaid et sa première épouse, l'actrice P. J. Soles, se sont mariés le 25 novembre 1978. Le couple a divorcé en 1983. Le 14 février 1991, Quaid épouse l'actrice Meg Ryan. Quaid et Ryan sont tombés amoureux lors du tournage de leur deuxième film ensemble, D.O.A. Quaid et Ryan ont un fils, Jack Henry (né le 24 avril 1992). Ils ont annoncé leur séparation le 28 juin 2000, affirmant qu'ils étaient alors séparés depuis six semaines. Leur divorce a été finalisé le 16 juillet 2001. Quaid est sorti avec le mannequin Shanna Moakler en 2001. Ils étaient ensemble lorsqu'elle a été approchée par Playboy, et ils en ont discuté avant qu'elle ne pose nue dans le magazine. La relation a duré huit mois. Quaid a épousé l'agent immobilier texan Kimberly Buffington, le 4 juillet 2004, dans son ranch de Paradise Valley, Montana. Ils ont des jumeaux fraternels, Thomas Boone et Zoe Grace, nés par gestationnelle le 8 novembre 2007 à Santa Monica, en Californie. Le 18 novembre 2007, le personnel de l'hôpital a administré par erreur aux jumeaux de dix jours de Quaid une dose d'héparine 1 000 fois supérieure à la dose habituelle pour les nourrissons. Leur avocat a déclaré que les nouveau-nés « iraient bien maintenant », mais Quaid a intenté une action en justice contre le fabricant de médicaments, Baxter Healthcare, affirmant que les emballages des deux doses d'héparine n'étaient pas suffisamment différents. En mai 2008, les Quaid ont témoigné devant le Comité de la Chambre des représentants des États-Unis sur la surveillance et la réforme gouvernementale, demandant au Congrès américain de ne pas priver le droit de poursuivre les fabricants de médicaments pour négligence en vertu de la loi de l'État. Cet incident a conduit Quaid à devenir un défenseur de la sécurité des patients, en produisant une série de documentaires sur les erreurs médicales évitables diffusées sur Discovery Channel et en co-rédigant un article dans une revue médicale traitant de l'influence positive des histoires de patients pour motiver le changement dans les soins de santé. Le premier documentaire, Chasing Zero: Winning the War on Healthcare Harm, a été diffusé sur Discovery Channel en 2010, et le deuxième documentaire, Surfing the Healthcare Tsunami: Bring Your Best Board, a été diffusé sur Discovery Channel en 2012. Buffington a demandé le divorce de Quaid en mars 2012. Selon la demande de divorce, le mariage était « devenu insupportable en raison de discordes ou de conflits de personnalités ». L'avocat de Buffington a ensuite retiré les papiers du divorce le 26 avril 2012. À l'été 2012, Quaid et Buffington ont déménagé en Californie. En octobre 2012, Quaid et Buffington ont de nouveau décidé de se séparer et Buffington a demandé la séparation de corps, demandant la garde légale conjointe et physique exclusive des jumeaux. Après avoir attendu d'établir les six mois de résidence requis en Californie, Quaid a demandé le divorce le 30 novembre 2012, demandant la garde légale et physique conjointe des enfants et proposant de payer une pension alimentaire à Buffington. Ils se sont ensuite réconciliés et le divorce a été annulé en septembre 2013. Le 28 juin 2016, le couple a annoncé dans une déclaration commune qu'ils divorçaient. Intérêts Quaid a été élevé dans la foi baptiste. En plus d'agir, Quaid est musicien et joue avec son groupe, les Sharks. Il a écrit et interprété la chanson "Closer To You" dans le film The Big Easy (1987). Quaid possède également une licence de pilote et possédait un Cessna Citation. Il est également golfeur à un handicap. En 2005, il a été nommé meilleur golfeur du « plateau hollywoodien » par Golf Digest. Quaid est un fervent fan des Astros de Houston, et après leur saison 2005 gagnante du championnat de la Ligue nationale, il a raconté leur sortie DVD commémorative. Il a inventé l'expression « Go 'Stros ». Après le tournage de The Express: The Ernie Davis Story, Quaid s'est rendu au Cleveland Browns Stadium pour dédier le maillot de Davis. Consommation de substances Il y a eu de nombreuses histoires sur l'abus passé de cocaïne par Quaid. Dans une interview franche avec Larry King en 2002 dans son talk-show, après que King lui ait demandé quelles étaient ses motivations pour consommer de la drogue, Quaid a répondu : "Eh bien, il faut replacer cela dans son contexte. À la fin des années 60, au début des années 70. C'était à l'époque où, vous savez, les drogues allaient élargir nos esprits et tout le monde expérimentait et tout. Nous étions vraiment Je me souviens d'articles dans le magazine People qui disaient que ce n'était pas une dépendance, mais que l'alcool était pire. Je pense que nous sommes tous tombés là-dedans. Mais ce n'est pas comme ça que ça s'est passé. Lorsqu'on lui a demandé s'il croyait avoir déjà été accro à la drogue, il a répondu : « C'était une chose progressive. Mais c'est arrivé au point où je ne pouvais plus m'amuser sans en avoir. Ce qui est un mauvais endroit où être. ". Plus tard dans l'interview, il a déclaré : "Mais je me voyais mourir dans environ cinq ans si je ne m'arrêtais pas. Les organismes de bienfaisance Quaid prête son nom au « Dennis Quaid Charity Weekend » annuel (anciennement le « Jiffy Lube/Dennis Quaid Charity Classic ») à Austin. Le tournoi de golf attire de nombreuses célébrités et les bénéfices sont répartis entre des œuvres caritatives locales pour les enfants. Il est membre du Bel-Air Country Club à Bel Air, Los Angeles, Californie, et essaie de rester chez lui sur des cours privés lorsqu'il est en déplacement. Quaid travaille avec l'Hôpital international pour enfants de la Nouvelle-Orléans. Il se rend en Amérique centrale pour aider à construire des cliniques médicales et à transporter des enfants malades vers les États-Unis pour des traitements qu'ils ne peuvent pas obtenir localement. Filmographie Télévision

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Durant les années où Margaret Thatcher était Premier ministre, il y avait trois chanceliers de l'Échiquier. Geoffrey Howe et Nigel Lawson étaient deux, mais qui était l'autre ?

John Major

Margaret Hilda Thatcher, baronne Thatcher ( Roberts ; 13 octobre 1925 - 8 avril 2013) était une femme d'État et femme politique britannique qui fut première ministre du Royaume-Uni de 1979 à 1990 et chef du Parti conservateur de 1975 à 1990. Elle a été le Premier ministre britannique le plus ancien du XXe siècle et la première femme à occuper ce poste. Un journaliste soviétique l'a surnommée la « Dame de fer », un surnom associé à sa politique intransigeante et à son style de leadership. En tant que Première ministre, elle a mis en œuvre des politiques connues sous le nom de thatchérisme. À l'origine chercheuse en chimie avant de devenir avocate, Thatcher a été élue députée de Finchley en 1959. Edward Heath l'a nommée secrétaire d'État à l'Éducation et à la Science dans son gouvernement de 1970. En 1975, Thatcher a battu Heath aux élections à la direction du Parti conservateur pour devenir chef de l'opposition et est devenue la première femme à diriger un parti politique majeur au Royaume-Uni. Elle est devenue Premier ministre après avoir remporté les élections générales de 1979. En arrivant en , Thatcher a introduit une série d'initiatives politiques et économiques destinées à inverser le taux de chômage élevé et les difficultés de la Grande-Bretagne à la suite de l'hiver du mécontentement et d'une récession en cours. Sa philosophie politique et ses politiques économiques mettaient l'accent sur la déréglementation (en particulier du secteur financier), la flexibilité des marchés du travail, la privatisation des entreprises publiques et la réduction du pouvoir et de l'influence des syndicats. La popularité de Thatcher au cours de ses premières années de mandat a décliné dans un contexte de récession et de chômage élevé, jusqu'à ce que la victoire dans la guerre des Malouines en 1982 et la reprise de l'économie amènent un regain de soutien, ce qui aboutit à sa réélection en 1983. Thatcher a été réélue pour un troisième mandat en 1987. Au cours de cette période, son soutien à une charge communautaire (appelée « capitation ») était largement impopulaire et ses opinions sur la Communauté européenne n'étaient pas partagées par d'autres membres de son cabinet. . Elle a démissionné de son poste de Premier ministre et de chef du parti en novembre 1990, après que Michael Heseltine ait lancé un défi à sa direction. Après avoir pris sa retraite des Communes en 1992, elle a reçu une pairie à vie en tant que baronne Thatcher, de Kesteven dans le comté de Lincolnshire, ce qui lui a permis de siéger à la Chambre des Lords. Après une série de petits accidents vasculaires cérébraux en 2002, on lui a conseillé de se retirer de la parole en public. Malgré cela, elle a réussi à préenregistrer un éloge funèbre à Ronald Reagan avant sa mort, qui a été diffusé lors de ses funérailles en 2004. En 2013, elle est décédée d'un autre accident vasculaire cérébral à Londres à l'âge de 87 ans. Première vie et éducation Thatcher est née Margaret Hilda Roberts le 13 octobre 1925 à Grantham, Lincolnshire. Son père était Alfred Roberts, originaire du Northamptonshire, et sa mère était Beatrice Ethel (née Stephenson) du Lincolnshire. Elle a passé son enfance à Grantham, où son père possédait deux épiceries. Elle et sa sœur aînée Muriel (1921-2004) ont grandi dans l'appartement au-dessus du plus grand des deux, sur North Parade. Son père était actif dans la politique locale et dans l'église méthodiste, en tant qu'échevin et prédicateur local, et a élevé sa fille comme une méthodiste wesleyenne stricte fréquentant l'église méthodiste de Finkin Street. Il venait d'une famille libérale mais se présentait – comme c'était alors la coutume dans le gouvernement local – comme indépendant. Il fut maire de Grantham en 1945-1946 et perdit son poste d'échevin en 1952 après que le Parti travailliste eut remporté sa première majorité au conseil de Grantham en 1950. Margaret Roberts a fréquenté l'école primaire de Huntingtower Road et a remporté une bourse pour les écoles de filles Kesteven et Grantham. Ses bulletins scolaires montraient un travail acharné et une amélioration continue ; ses activités parascolaires comprenaient le piano, le hockey sur gazon, des récitals de poésie, la natation et la marche. Elle était préfète en chef en 1942-1943. Au cours de sa sixième année supérieure, elle a demandé une bourse pour étudier la chimie au Somerville College d'Oxford, mais elle a d'abord été rejetée et s'est vu offrir une place seulement après le retrait d'un autre candidat. Roberts est arrivé à Oxford en 1943 et a obtenu son diplôme en 1947 avec les honneurs de deuxième classe au baccalauréat ès sciences en chimie de quatre ans, spécialisé en cristallographie aux rayons X sous la direction de Dorothy Hodgkin. Sa thèse portait sur la structure de l'antibiotique gramicidine. Même lorsqu'elle travaillait en chimie, elle pensait déjà au droit et à la politique. Elle aurait été plus fière de devenir la première Premier ministre titulaire d'un diplôme en sciences que la première femme Premier ministre. Roberts est devenue présidente de l'Association conservatrice de l'Université d'Oxford en 1946. Elle a été influencée à l'université par des ouvrages politiques tels que The Road to Serfdom (1944) de Friedrich Hayek, qui condamnait l'intervention économique du gouvernement comme précurseur d'un État autoritaire. Après avoir obtenu son diplôme, Roberts a déménagé à Colchester dans l'Essex pour travailler comme chercheur chimiste pour BX Plastics. En 1948, elle postula pour un emploi chez ICI, mais fut rejetée après que le service du personnel l'eut jugée « entêtée, obstinée et dangereusement opiniâtre ». Roberts a rejoint l'Association conservatrice locale et a assisté à la conférence du parti à Llandudno en 1948, en tant que représentant de l'Association conservatrice des diplômés universitaires. L'une de ses amies d'Oxford était également une amie du président de l'Association conservatrice de Dartford dans le Kent, qui recherchait des candidats. Les responsables de l'association furent tellement impressionnés par elle qu'ils lui demandèrent de postuler, même si elle ne figurait pas sur la liste approuvée du Parti conservateur : elle fut sélectionnée en janvier 1951, à l'âge de 25 ans, et ajoutée à la liste approuvée post ante. Lors d'un dîner après son adoption officielle comme candidate conservatrice dans Dartford en février 1951, elle rencontra Denis Thatcher, un riche et prospère homme d'affaires divorcé, qui la conduisit à son train d'Essex. En préparation des élections, Roberts a déménagé à Dartford, où elle subvenait à ses besoins en travaillant comme chercheuse chimiste pour J. Lyons and Co. à Hammersmith, au sein d'une équipe développant des émulsifiants pour la crème glacée. Début de carrière politique Aux élections générales de 1950 et 1951, Roberts était le candidat conservateur pour le siège travailliste sûr de Dartford. Le parti local l'a choisie comme candidate parce que, bien que n'étant pas une oratrice dynamique, Roberts était bien préparée et intrépide dans ses réponses ; une autre candidate potentielle a rappelé qu '"une fois qu'elle a ouvert la bouche, le reste d'entre nous a commencé à avoir l'air plutôt de second ordre". Elle a attiré l'attention des médias en tant que plus jeune et seule candidate féminine. Elle a perdu à deux reprises contre Norman Dodds, mais a réduit la majorité travailliste de 6 000, puis de 1 000 supplémentaires. Pendant les campagnes, elle est soutenue par ses parents et par Denis Thatcher, qu'elle épouse en décembre 1951. Denis finance les études de barreau de sa femme ; elle a obtenu son diplôme d'avocat en 1953 et s'est spécialisée en fiscalité. Plus tard la même année, leurs jumeaux Carol et Mark sont nés, accouchés par césarienne. Ce mariage lui a valu d'être appelée « Mme Denis Thatcher » – désormais considérée comme datée – par des sources officielles telles que les procès-verbaux de sélection, les itinéraires de voyage et les publications sociales telles que Queen, même après son élection en tant que députée, après quoi elle préféré "Mme Margaret Thatcher". Député : 1959-1970 En 1954, Thatcher a été vaincue lorsqu'elle a demandé à être sélectionnée pour être la candidate du parti conservateur à l'élection partielle d'Orpington de janvier 1955. Elle a choisi de ne pas se présenter comme candidate aux élections générales de 1955, déclarant plus tard : « J'ai vraiment juste ressenti le les jumeaux n'étaient ... que deux, j'avais vraiment l'impression que c'était trop tôt, je ne pouvais pas faire ça. Par la suite, Thatcher a commencé à chercher un siège sûr pour les conservateurs et a été sélectionné comme candidat pour Finchley en avril 1958 (battant de peu Ian Montagu Fraser). Elle a été élue députée pour ce siège après une dure campagne lors des élections de 1959. Bénéficiant de son heureux résultat à une loterie destinée aux députés d'arrière-ban pour proposer une nouvelle législation, le premier discours de Thatcher était en faveur de son projet de loi d'initiative parlementaire (Loi de 1960 sur les organismes publics (admission aux réunions)), exigeant que les autorités locales tiennent leurs réunions du conseil en public. En 1961, elle s'opposa à la position officielle du Parti conservateur en votant pour le rétablissement de l'élevage de bouleaux comme châtiment corporel judiciaire. Le talent et le dynamisme de Thatcher lui ont valu d'être mentionnée comme future Premier ministre au début de la vingtaine, même si elle-même était plus pessimiste, déclarant jusqu'en 1970 : « Il n'y aura pas de femme Premier ministre de mon vivant – la population masculine a trop de préjugés. ". En octobre 1961, elle fut promue au premier rang en tant que sous-secrétaire parlementaire au ministère des Pensions et de l'Assurance nationale dans l'administration d'Harold Macmillan. Thatcher a été la plus jeune femme de l’histoire à recevoir un tel poste et l’une des premières députées élues en 1959 à être promues. Après la défaite des conservateurs aux élections de 1964, elle devient porte-parole pour le logement et le foncier, poste dans lequel elle défend la politique de son parti consistant à permettre aux locataires d'acheter leurs logements sociaux. Elle a rejoint l'équipe du Trésor fantôme en 1966 et, en tant que porte-parole du Trésor, s'est opposée aux contrôles obligatoires des prix et des revenus du Labour, arguant qu'ils produiraient des effets contraires à ceux escomptés et fausseraient l'économie. En 1966, les dirigeants du parti considéraient Thatcher comme un membre potentiel du cabinet fantôme. James Prior l'a proposée comme membre après la défaite des conservateurs en 1966, mais le chef du parti Edward Heath et le whip en chef Willie Whitelaw ont choisi Mervyn Pike comme seule femme membre du cabinet fantôme. Lors de la conférence du Parti conservateur de 1966, elle a critiqué les politiques d'impôts élevés du gouvernement travailliste comme étant des pas « non seulement vers le socialisme, mais aussi vers le communisme », arguant que la baisse des impôts servait d'incitation au travail acharné. Thatcher était l'un des rares députés conservateurs à soutenir le projet de loi de Leo Abse visant à décriminaliser l'homosexualité masculine. Elle a voté en faveur du projet de loi de David Steel visant à légaliser l'avortement, ainsi qu'à interdire la course au lièvre. Elle a soutenu le maintien de la peine capitale et a voté contre l'assouplissement des lois sur le divorce. En 1967, l'ambassade des États-Unis à Londres choisit Thatcher pour participer à l'International Visitor Leadership Program (alors appelé Foreign Leader Program), un programme d'échange professionnel qui lui donna l'opportunité de passer environ six semaines à visiter diverses villes et personnalités politiques américaines. ainsi que des institutions telles que le Fonds monétaire international. Même si elle n'était pas encore membre du cabinet ou du cabinet fantôme, l'ambassade l'aurait décrite au Département d'État comme une possible future première ministre. Cette description a permis à Thatcher de rencontrer de nombreuses personnalités au cours d'un itinéraire chargé axé sur les questions économiques, notamment Paul Samuelson, Walt Rostow, Pierre-Paul Schweitzer et Nelson Rockefeller. Après la retraite de Pike, Heath a nommé Thatcher plus tard cette année-là au Cabinet fantôme en tant que porte-parole du carburant et de l'électricité. Peu de temps avant les élections générales de 1970, elle a été promue porte-parole de Shadow Transport, puis à l'Éducation. Secrétaire à l'éducation : 1970-1974 Le Parti conservateur dirigé par Edward Heath a remporté les élections générales de 1970 et Thatcher a ensuite été nommé au Cabinet en tant que secrétaire d'État à l'Éducation et à la Science. Au cours de ses premiers mois de mandat, elle a attiré l'attention du public en raison des tentatives de l'administration de réduire les dépenses. Elle a donné la priorité aux besoins académiques dans les écoles. Elle a imposé des coupes dans les dépenses publiques du système éducatif public, ce qui a abouti à la suppression du lait gratuit pour les écoliers âgés de sept à onze ans. Elle a estimé que peu d’enfants souffriraient si le lait était facturé aux écoles, mais a accepté de fournir aux plus jeunes un tiers de pinte par jour, à des fins nutritionnelles. Des documents du Cabinet ont révélé plus tard qu'elle s'était opposée à cette politique, mais qu'elle y avait été contrainte par le Trésor. Sa décision a provoqué une tempête de protestations de la part du parti travailliste et de la presse, ce qui lui a valu le surnom de « Margaret Thatcher, Milk Snatcher ». Elle aurait envisagé de quitter la politique par la suite et aurait écrit plus tard dans son autobiographie : « J'ai appris une leçon précieuse [de cette expérience]. J'avais encouru le maximum de haine politique pour le minimum de bénéfice politique. Le mandat de Thatcher a été marqué par des propositions visant à ce que davantage d'autorités éducatives locales ferment les lycées et adoptent un enseignement secondaire complet. Même si elle était attachée à un système d'enseignement secondaire moderne à plusieurs niveaux et était déterminée à préserver les lycées, au cours de son mandat de secrétaire à l'Éducation, elle n'a refusé que 326 des 3 612 propositions visant à ce que les écoles deviennent des écoles polyvalentes ; la proportion d'élèves fréquentant des écoles polyvalentes est ainsi passée de 32 pour cent à 62 pour cent. Chef de l'opposition : 1975-1979 Le gouvernement Heath a continué à connaître des difficultés avec les embargos pétroliers et les revendications des syndicats en faveur d'augmentations de salaires en 1973 et a perdu les élections générales de février 1974. Les travaillistes formèrent un gouvernement minoritaire et remportèrent une courte majorité aux élections générales d'octobre 1974. Le leadership de Heath au sein du Parti conservateur semblait de plus en plus douteux. Thatcher n’était pas initialement la remplaçante évidente, mais elle est finalement devenue la principale challenger, promettant un nouveau départ. Son principal soutien provenait du Comité conservateur de 1922, mais le mandat de Thatcher lui a donné la réputation d'une pragmatique plutôt que d'une idéologue. Elle a battu Heath au premier tour et il a démissionné de la direction. Au deuxième tour, elle a battu Whitelaw, le successeur préféré de Heath. Le vote s'est polarisé entre droite et gauche, la région, l'expérience et la formation du député ayant également eu leurs effets. Le soutien à Thatcher était plus fort parmi les députés de droite, ceux du sud de l'Angleterre et ceux qui n'avaient pas fréquenté les écoles publiques ou Oxbridge. Thatcher est devenu chef du parti et chef de l'opposition le 11 février 1975 ; elle a nommé Whitelaw comme son adjoint. Heath n'a jamais été réconcilié avec le leadership de Thatcher. Thatcher a commencé à assister régulièrement aux déjeuners de l'Institut des affaires économiques (IEA), un groupe de réflexion fondé par le magnat de la volaille Antony Fisher, disciple de Friedrich Hayek ; elle visitait l'AIE et lisait ses publications depuis le début des années 1960. Là, elle a été influencée par les idées de Ralph Harris et d'Arthur Seldon et est devenue le visage du mouvement idéologique opposé à l'État-providence. Selon eux, l’économie keynésienne affaiblissait la Grande-Bretagne. Les brochures de l'institut proposaient moins de gouvernement, une baisse des impôts et plus de liberté pour les entreprises et les consommateurs. Le critique de télévision Clive James, écrivant dans The Observer lors du vote à la direction, a comparé sa voix de 1973 à celle d'un chat glissant sur un tableau noir. Thatcher avait déjà commencé à travailler sur sa présentation sur les conseils de Gordon Reece, un ancien producteur de télévision. Par hasard, Reece a rencontré l'acteur Laurence Olivier, qui a organisé des cours avec le coach vocal du Théâtre National. Thatcher a réussi à supprimer complètement son dialecte du Lincolnshire, sauf lorsqu'elle était sous pression, notamment après la provocation de Denis Healey à la Chambre des communes en avril 1983, lorsqu'elle accusait les députés travaillistes d'être frits. Le 19 janvier 1976, Thatcher prononça un discours à l'hôtel de ville de Kensington dans lequel elle lança une attaque cinglante contre l'Union soviétique : En réponse, le journal du ministère soviétique de la Défense, Krasnaya Zvezda (Étoile rouge), l'a surnommée la « Dame de fer », un sobriquet qu'elle a adopté avec plaisir. Margaret Thatcher voulait empêcher la création d'une assemblée écossaise. Elle a demandé aux députés conservateurs de voter contre le projet de loi sur l'Écosse et le Pays de Galles en décembre 1976, qui a été rejeté, puis lorsque de nouveaux projets de loi ont été proposés, elle a soutenu l'amendement de la législation pour permettre aux Anglais de voter lors du référendum de 1979 sur la décentralisation. L'économie britannique dans les années 1970 était si faible que le ministre des Affaires étrangères James Callaghan a mis en garde ses collègues travaillistes du cabinet en 1974 contre la possibilité d'un « effondrement de la démocratie », en leur disant que « si j'étais un jeune homme, j'émigrerais ». Au milieu de 1978, l'économie a commencé à s'améliorer et les sondages d'opinion ont montré que les travaillistes étaient en tête, avec des élections générales attendues plus tard dans l'année et une victoire des travaillistes étant une sérieuse possibilité. Aujourd'hui Premier ministre, Callaghan en a surpris plus d'un en annonçant le 7 septembre qu'il n'y aurait pas d'élections générales cette année-là et qu'il attendrait 1979 avant de se rendre aux urnes. Thatcher a réagi à cela en qualifiant le gouvernement travailliste de « poulets », et le chef du Parti libéral David Steel s'est joint à lui, critiquant le parti travailliste pour « avoir eu peur ». Le gouvernement travailliste fut alors confronté à un nouveau malaise public quant à la direction que prenait le pays et à une série de grèves dommageables au cours de l'hiver 1978-1979, surnommé « l'hiver du mécontentement ». Les conservateurs ont attaqué le bilan du gouvernement travailliste en matière de chômage, en utilisant une publicité avec le slogan « Les travaillistes ne travaillent pas ». Des élections générales ont été déclenchées après que le gouvernement de Callaghan ait perdu une motion de censure au début de 1979. Les conservateurs ont remporté une majorité de 44 sièges à la Chambre des communes et ont pris les choses en main. Premier ministre du Royaume-Uni : 1979-1990 Thatcher est devenue Premier ministre le 4 mai 1979. En arrivant au 10 Downing Street, elle a déclaré, dans une paraphrase de la prière de Saint François d'Assise, Faites de moi un instrument de votre paix : Relations avec la reine En tant que Premier ministre, Thatcher rencontrait chaque semaine la reine Elizabeth II pour discuter des affaires du gouvernement, et leurs relations ont fait l’objet d’un examen minutieux. En juillet 1986, le Sunday Times rapportait des allégations attribuées aux conseillers de la reine concernant une « rupture » entre le palais de Buckingham et Downing Street « sur un large éventail de questions nationales et internationales ». Le Palais a publié un démenti officiel, mettant fin aux spéculations sur une éventuelle crise constitutionnelle. Après la retraite de Thatcher, une source haut placée du palais a de nouveau rejeté comme « absurde » l'« idée stéréotypée » selon laquelle elle ne s'entendait pas avec la reine, ou qu'ils s'étaient brouillés à cause de la politique de Thatcher. Thatcher écrivit plus tard : « J'ai toujours trouvé l'attitude de la reine à l'égard du travail du gouvernement absolument correcte... les histoires d'affrontements entre « deux femmes puissantes » étaient tout simplement trop belles pour ne pas être inventées. Économie et fiscalité La politique économique de Thatcher a été influencée par la pensée monétariste et par des économistes tels que Milton Friedman et Alan Walters. Avec le chancelier de l'Échiquier Geoffrey Howe, elle a réduit les impôts directs sur le revenu et augmenté les impôts indirects. Elle a augmenté les taux d'intérêt pour ralentir la croissance de la masse monétaire et ainsi réduire l'inflation, a introduit des limites de liquidités sur les dépenses publiques et a réduit les dépenses en matière de services sociaux tels que l'éducation et le logement. Ses réductions des dépenses dans l'enseignement supérieur ont fait d'elle le premier Premier ministre d'après-guerre formé à Oxford à ne pas recevoir de doctorat honorifique de l'Université d'Oxford, après un vote de 738 contre 319 de l'assemblée dirigeante et une pétition des étudiants. Ses nouveaux City Technology Colleges, financés au niveau central, n'ont pas connu beaucoup de succès et l'Agence de financement des écoles a été créée pour contrôler les dépenses en ouvrant et en fermant des écoles ; la Social Market Foundation, un groupe de réflexion de centre-gauche, l'a décrit comme doté d'« une gamme extraordinaire de pouvoirs dictatoriaux ». Certains conservateurs Heathites du Cabinet, les soi-disant « mouillés », ont exprimé des doutes sur la politique de Thatcher. Les émeutes de 1981 en Angleterre ont amené les médias britanniques à discuter de la nécessité d’un revirement politique. Lors de la conférence du Parti conservateur de 1980, Thatcher a abordé la question directement, avec un discours écrit par le dramaturge Ronald Millar qui comprenait les lignes suivantes : « Vous vous retournez si vous le souhaitez. La dame n'est pas pour se retourner ! Le taux d'approbation du travail de Thatcher est tombé à 23% en décembre 1980, soit un taux inférieur à celui enregistré pour n'importe quel Premier ministre précédent. Alors que la récession du début des années 1980 s'aggravait, elle augmenta les impôts, malgré les préoccupations exprimées dans une déclaration signée par 364 éminents économistes publiée vers la fin mars 1981. En 1982, le Royaume-Uni commença à ressentir des signes de reprise économique ; l'inflation est tombée à 8,6 % après un sommet de 18 %, mais le chômage a dépassé les 3 millions pour la première fois depuis les années 1930. En 1983, la croissance économique globale était plus forte et l'inflation et les taux hypothécaires étaient à leurs plus bas niveaux depuis 1970, même si la production manufacturière avait chuté de 30 % depuis 1978 et que le chômage restait élevé, culminant à 3,3 millions en 1984. En 1987, le chômage diminuait, l’économie était stable et forte et l’inflation était faible. Les sondages d'opinion ont montré une avance confortable des conservateurs et les résultats des élections aux conseils locaux ont également été positifs, ce qui a incité Thatcher à convoquer des élections générales pour le 11 juin de la même année, bien que la date limite pour les élections soit encore dans 12 mois. L'élection a vu Thatcher réélu pour un troisième mandat consécutif. Tout au long des années 1980, les revenus de la taxe de 90 % sur l’extraction pétrolière en mer du Nord ont été utilisés comme source de financement à court terme pour équilibrer l’économie et payer les coûts des réformes. Thatcher a réformé les impôts des collectivités locales en remplaçant les taux nationaux – un impôt basé sur la valeur locative nominale d’une maison – par la taxe communautaire (ou capitation) dans laquelle le même montant était facturé à chaque résident adulte. La nouvelle taxe a été introduite en Écosse en 1989, puis en Angleterre et au Pays de Galles l'année suivante, et s'est avérée être l'une des politiques les plus impopulaires de son mandat de Premier ministre. L'inquiétude du public a culminé avec une manifestation rassemblant 70 000 à 200 000 personnes à Londres le 31 mars 1990 ; la manifestation autour de Trafalgar Square s'est détériorée en émeutes de Poll Tax, faisant 113 blessés et 340 en arrestation. La charge communautaire a été abolie par son successeur, John Major. Relations industrielles Thatcher était déterminée à réduire le pouvoir des syndicats, dont elle accusait les dirigeants de saper la démocratie parlementaire et les performances économiques par des grèves. Plusieurs syndicats ont lancé des grèves en réponse à la législation introduite pour limiter leur pouvoir, mais la résistance a fini par s'effondrer. Seuls 39 % des syndiqués ont voté pour le parti travailliste aux élections générales de 1983. Selon la BBC, Thatcher "a réussi à détruire le pouvoir des syndicats pendant près d'une génération". La grève des mineurs a été la plus grande confrontation entre les syndicats et le gouvernement Thatcher. En mars 1984, le National Coal Board (NCB) a proposé de fermer 20 des 174 mines publiques et de supprimer 20 000 emplois sur 187 000. Les deux tiers des mineurs du pays, dirigés par le Syndicat national des mineurs (NUM) dirigé par Arthur Scargill, ont abattu leurs outils en signe de protestation. Scargill avait refusé d'organiser un scrutin sur la grève, après avoir perdu trois scrutins lors d'une grève nationale (janvier 1982, octobre 1982 et mars 1983). Cela a conduit à déclarer la grève illégale. Thatcher a refusé de répondre aux revendications du syndicat et a comparé le conflit des mineurs au conflit des Malouines deux ans plus tôt, déclarant dans un discours en 1984 : « Nous avons dû combattre l'ennemi à l'extérieur aux Malouines. Nous devons toujours être conscients de l'ennemi à l'intérieur. , ce qui est bien plus difficile à combattre et plus dangereux pour la liberté. » Après un an de grève, en mars 1985, la direction du NUM céda sans parvenir à un accord. Le coût pour l'économie a été estimé à au moins 1,5 milliard de livres sterling, et la grève a été imputée à une grande partie de la chute de la livre sterling par rapport au dollar américain. Le gouvernement a fermé 25 mines de charbon non rentables en 1985, et en 1992, 97 au total avaient été fermées ; celles qui restaient ont été privatisées en 1994. La fermeture éventuelle de 150 mines de charbon, qui ne perdaient pas toutes de l'argent, a entraîné la perte de dizaines de milliers d'emplois et a dévasté des communautés entières. Les mineurs avaient contribué à faire tomber le gouvernement de Heath, et Thatcher était déterminé à réussir là où il avait échoué. Sa stratégie consistant à préparer des stocks de carburant, à nommer Ian MacGregor, un dirigeant antisyndical du BCN, et à garantir que la police soit correctement formée et équipée de matériel anti-émeute, a contribué à sa victoire. Le nombre d'arrêts de travail au Royaume-Uni a culminé à 4 583 en 1979, lorsque plus de 29 millions de journées de travail ont été perdues. En 1984, année de la grève des mineurs, il y en a eu 1 221, entraînant la perte de plus de 27 millions de journées de travail. Les arrêts ont ensuite diminué régulièrement tout au long du reste du mandat de Thatcher ; en 1990, il y a eu 630 jours de travail perdus, soit moins de 2 millions, et ce chiffre a continué à baisser par la suite. Le mandat de Thatcher a été témoin d'une forte baisse du taux de syndicalisation, le pourcentage de travailleurs appartenant à un syndicat passant de 57,3 % en 1979 à 49,5 % en 1985. En 1979 et jusqu'à la dernière année du mandat de Thatcher, l'adhésion syndicale a également diminué. , de 13,5 millions en 1979 à moins de 10 millions. Privatisation La politique de privatisation a été qualifiée d'« ingrédient crucial du thatchérisme ». Après les élections de 1983, la vente des services publics s’est accélérée ; plus de 29 milliards de livres sterling ont été récoltés grâce à la vente d'industries nationalisées et 18 milliards de livres supplémentaires grâce à la vente de logements sociaux. Le processus de privatisation, en particulier la préparation des industries nationalisées à la privatisation, a été associé à de nettes améliorations des performances, notamment en termes de productivité du travail. Certaines des industries privatisées, notamment le gaz, l’eau et l’électricité, constituaient des monopoles naturels pour lesquels la privatisation n’impliquait que peu d’augmentation de la concurrence. Les industries privatisées qui ont fait preuve d’amélioration l’ont parfois fait alors qu’elles étaient encore propriété de l’État. British Steel Corporation, par exemple, a réalisé d’importants gains de rentabilité alors qu’elle était encore une industrie nationalisée sous la présidence nommée par le gouvernement de Ian MacGregor, qui a fait face à l’opposition des syndicats pour fermer des usines et réduire les effectifs de moitié. La réglementation a également été considérablement élargie pour compenser la perte du contrôle direct du gouvernement, avec la création d'organismes de réglementation tels que l'Ofgas, l'Oftel et la National Rivers Authority. Il n’y avait pas de tendance claire quant au degré de concurrence, de réglementation et de performance parmi les industries privatisées ; dans la plupart des cas, la privatisation a profité aux consommateurs en termes de baisse des prix et d'amélioration de l'efficacité, mais les résultats ont été globalement « mitigés ». Thatcher a toujours résisté à la privatisation des chemins de fer et aurait déclaré au secrétaire aux Transports Nicholas Ridley : « La privatisation des chemins de fer sera le Waterloo de ce gouvernement. S'il vous plaît, ne me parlez plus jamais des chemins de fer. Peu avant sa démission, elle a accepté les arguments en faveur de la privatisation de British Rail, que son successeur John Major a mis en œuvre en 1994. L'effet de la privatisation du chemin de fer est contesté, avec une forte croissance du nombre de passagers et une efficacité croissante accompagnées d'importantes subventions publiques et d'inquiétudes concernant les étrangers. sociétés gérant les chemins de fer britanniques. La privatisation des biens publics a été combinée à la déréglementation financière dans le but d'alimenter la croissance économique. Geoffrey Howe a aboli le contrôle des changes en Grande-Bretagne en 1979, permettant ainsi d'investir davantage de capitaux sur les marchés étrangers, et le Big Bang de 1986 a supprimé de nombreuses restrictions sur la Bourse de Londres. Le gouvernement Thatcher a encouragé la croissance dans les secteurs de la finance et des services pour compenser les difficultés de l'industrie manufacturière britannique. Irlande du Nord En 1980 et 1981, les prisonniers de l'Armée républicaine irlandaise provisoire (IRA) et de l'Armée nationale irlandaise de libération (INLA) de la prison de Maze en Irlande du Nord ont mené des grèves de la faim dans le but de retrouver le statut de prisonniers politiques qui avaient été retirés en 1976 par le précédent parti travailliste. gouvernement. Bobby Sands a lancé la grève de 1981, affirmant qu'il jeûnerait jusqu'à la mort à moins que les détenus n'obtiennent des concessions sur leurs conditions de vie. Thatcher a refusé d'accepter un retour au statut politique pour les prisonniers, déclarant que « le crime est un crime, c'est un crime ; ce n'est pas politique », mais le gouvernement britannique a néanmoins contacté en privé les dirigeants républicains dans le but de mettre un terme aux grèves de la faim. Après la mort de Sands et de neuf autres personnes, la grève a pris fin. Certains droits ont été restitués aux prisonniers paramilitaires, mais leur statut politique n'a pas été officiellement reconnu. La violence en Irlande du Nord s'est considérablement intensifiée pendant les grèves de la faim ; en 1982, le politicien du Sinn Féin, Danny Morrison, a décrit Thatcher comme « le plus grand salaud que nous ayons jamais connu ». Thatcher a échappé de peu aux blessures lors d'une tentative d'assassinat de l'IRA dans un hôtel de Brighton tôt le matin du 12 octobre 1984. Cinq personnes ont été tuées, dont l'épouse du ministre John Wakeham. Thatcher séjournait à l'hôtel pour assister à la conférence du Parti conservateur, qui, selon elle, devait s'ouvrir comme prévu le lendemain. Elle a prononcé son discours comme prévu, une décision qui a été largement soutenue dans tout le spectre politique et qui a renforcé sa popularité auprès du public. Le 6 novembre 1981, Thatcher et le Taoiseach irlandais Garret FitzGerald avaient créé le Conseil intergouvernemental anglo-irlandais, un forum de rencontres entre les deux gouvernements. Le 15 novembre 1985, Thatcher et FitzGerald signèrent l'accord anglo-irlandais de Hillsborough, c'est la première fois qu'un gouvernement britannique accordait à la République d'Irlande un rôle consultatif dans la gouvernance de l'Irlande du Nord. En signe de protestation, le mouvement Ulster dit non a attiré 100 000 personnes à un rassemblement à Belfast, Ian Gow a démissionné de son poste de ministre d'État au Trésor de Sa Majesté et les quinze députés unionistes ont démissionné de leur siège parlementaire ; un seul n'a pas été élu lors des élections partielles suivantes du 23 janvier 1986. Environnement Thatcher a soutenu une politique active de protection du climat et a joué un rôle déterminant dans la création de la loi sur la protection de l'environnement de 1990 et dans la fondation du Groupe d'experts intergouvernemental sur l'évolution du climat et du Centre britannique Hadley pour la prévision et la recherche climatiques à Exeter. Alice Bell, [http://www .theguardian.com/environment/blog/2013/apr/09/margaret-thatcher-green-hero « L'histoire de Greenwashing Thatcher est une injustice à la fois envers elle et envers la politique scientifique et technologique »], TheGuardian.com, 9 avril 2013. Thatcher a contribué à inscrire le changement climatique, les pluies acides et la pollution en général au cœur des préoccupations britanniques au début des années 1980. Ses discours comprenaient un discours à la Royal Society le 27 septembre 1988 et à l'Assemblée générale des Nations Unies en novembre 1989. Elle n'a pas assisté au Sommet de la Terre en 1992 et est devenue plus tard sceptique quant à la politique en matière de changement climatique. Affaires étrangères La première crise de politique étrangère de Thatcher est survenue avec l’invasion soviétique de l’Afghanistan en 1979. Elle a condamné l'invasion, a déclaré qu'elle démontrait la faillite d'une politique de détente et a contribué à convaincre certains athlètes britanniques de boycotter les Jeux olympiques de Moscou de 1980. Elle a apporté un faible soutien au président américain Jimmy Carter qui tentait de punir l'URSS par des sanctions économiques. La situation économique de la Grande-Bretagne était précaire et la plupart des pays de l'OTAN étaient réticents à rompre leurs liens commerciaux. Il a été rapporté que son gouvernement avait secrètement fourni à Saddam Hussein du matériel militaire dès 1981. Thatcher s'est étroitement alignée sur la politique de guerre froide du président des États-Unis Ronald Reagan, sur la base de leur méfiance partagée à l'égard du communisme, bien qu'elle se soit fermement opposée à l'invasion de la Grenade par Reagan en octobre 1983. Reagan avait assuré à Thatcher qu'une invasion n'était pas envisagée, et par la suite Thatcher a estimé qu'elle ne pourrait plus jamais pleinement faire confiance à Reagan. Au cours de sa première année en tant que Premier ministre, elle a soutenu la décision de l'OTAN de déployer des missiles de croisière nucléaires américains et des missiles Pershing II en Europe occidentale et a permis aux États-Unis de stationner plus de 160 missiles de croisière à la RAF Greenham Common, à partir du 14 novembre 1983, déclenchant des protestations massives de la part de la RAF. Campagne pour le désarmement nucléaire. Elle a acheté le système de sous-marins lance-missiles nucléaires Trident aux États-Unis pour remplacer Polaris, triplant ainsi les forces nucléaires du Royaume-Uni pour un coût final de plus de 12 milliards de livres sterling (aux prix de 1996-1997). La préférence de Thatcher pour les liens de défense avec les États-Unis s'est manifestée dans l'affaire Westland de janvier 1986, lorsqu'elle a agi avec ses collègues pour permettre au constructeur d'hélicoptères en difficulté Westland de refuser une offre de rachat de la société italienne Agusta en faveur de l'option préférée de la direction, un lien avec Sikorsky Aircraft Corporation. Le secrétaire britannique à la Défense, Michael Heseltine, qui avait soutenu l'accord Agusta, a démissionné en signe de protestation. Le 2 avril 1982, la junte militaire au pouvoir en Argentine ordonna l’invasion des îles Falkland et de la Géorgie du Sud sous contrôle britannique, déclenchant ainsi la guerre des Malouines. La crise qui a suivi a été « un moment déterminant de son mandat de Premier ministre [de Thatcher] ». À la suggestion d'Harold Macmillan et de Robert Armstrong, elle créa et présida un petit cabinet de guerre (officiellement appelé ODSA, Comité d'outre-mer et de défense, Atlantique Sud) pour prendre en charge la conduite de la guerre, qui, les 5 et 6 avril, avait autorisé et envoyé une force opérationnelle navale pour reprendre les îles. L'Argentine s'est rendue le 14 juin et l'opération a été saluée comme un succès.

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À quel poète Il Postino livre-t-il le courrier ?

Pablo Neruda

Il Postino : The Postman () est un film italien de 1994 réalisé par Michael Radford. Le film est initialement sorti aux États-Unis sous le titre The Postman, une traduction directe du titre italien. Cependant, depuis la sortie du film post-apocalyptique du même nom de Kevin Costner, le film porte le titre Il Postino : The Postman. Le film raconte une histoire fictive dans laquelle le véritable poète chilien Pablo Neruda noue une relation avec un simple facteur qui apprend à aimer la poésie. Il met en vedette Philippe Noiret, Massimo Troisi et Maria Grazia Cucinotta. Le scénario a été adapté par Anna Pavignano, Michael Radford, Furio Scarpelli, Giacomo Scarpelli et Massimo Troisi du roman Ardiente paciencia d'Antonio Skármeta. En 1983, Skármeta écrit et réalise lui-même le film Ardiente paciencia (traduction anglaise : « Burning Patience »), qu'il adapte ensuite au roman du même nom en 1985. Le scénariste et star Massimo Troisi a reporté son opération cardiaque afin de pouvoir terminer le film. Le lendemain de la fin du tournage, il a été victime d'une crise cardiaque mortelle. Parcelle Dans les années 1950, Pablo Neruda, le célèbre poète chilien, est exilé sur une petite île d'Italie pour des raisons politiques. Sa femme l'accompagne. Sur l'île, un habitant de l'île, Mario Ruoppolo, n'est pas satisfait d'être pêcheur, comme son père. Mario cherche un autre travail et est embauché comme facteur temporaire, avec Neruda comme seul client. Il utilise son vélo pour livrer en main propre le courrier de Neruda (l'île n'a pas de voitures). Bien que peu instruit, le facteur finit par se lier d'amitié avec Neruda et est davantage influencé par les opinions politiques et la poésie de Neruda. Pendant ce temps, Mario tombe amoureux d'une belle jeune femme, Beatrice Russo, qui travaille dans le café du village de sa tante. Il est timide avec elle, mais il demande l'aide de Neruda. Mario demande constamment à Neruda si les métaphores particulières qu'il utilise conviennent à ses poèmes. Mario est capable de mieux communiquer avec Béatrice et d'exprimer son amour à travers la poésie. Malgré la forte désapprobation de la tante à l'égard de Mario, en raison de sa poésie sensuelle (qui s'avère en grande partie volée à Neruda), Béatrice répond favorablement. Les deux sont mariés. Le prêtre refuse de permettre à Mario d'avoir Neruda comme témoin pour des raisons politiques ; cependant, cela est bientôt résolu. En effet, Di Cosimo était le politicien au pouvoir dans la région avec les démocrates-chrétiens. Lors du mariage, Neruda reçoit la bonne nouvelle qu'il n'y a plus de mandat d'arrêt chilien contre lui et retourne donc au Chili. Mario écrit une lettre mais ne reçoit jamais de réponse. Plusieurs mois plus tard, il reçoit une lettre de Neruda. Cependant, à sa grande consternation, il s'agit en fait de sa secrétaire, demandant à Mario de renvoyer les anciennes affaires de Neruda au Chili. Là-bas, Mario tombe sur un vieux phonographe et écoute la chanson qu'il a entendue pour la première fois lorsqu'il a rencontré Neruda. Ému, il enregistre sur une cassette tous les beaux sons de l'île, dont les battements de cœur de son futur enfant. Plusieurs années plus tard, Neruda retrouve Béatrice et son fils, Pablito (nommé en l'honneur de Neruda) dans la même ancienne auberge. Grâce à elle, il découvre que Mario a été tué avant la naissance de leur fils. Mario devait réciter un poème qu'il avait composé lors d'un grand rassemblement communiste à Naples ; la manifestation a été violemment dispersée par la police. Elle donne à Neruda des enregistrements de sons de village que Mario avait réalisés pour lui. Casting * Philippe Noiret – Pablo Neruda * Massimo Troisi – Mario Ruoppolo * Maria Grazia Cucinotta – Béatrice Russo * Renato Scarpa – Télégraphe * Linda Moretti – Donna Rosa * Mariano Rigillo – Di Cosimo *Anna Bonaiuto – Mathilde * Simona Caparrini – Elsa Morante Paramètre Alors que le roman et le film de 1985 se sont déroulés au Chili, avec Neruda vivant dans sa maison à Isla Negra vers 1970, Il Postino : Le facteur déplace le décor en Italie vers 1950. Le film se déroule et a été tourné sur l'île de Procida. , golfe de Naples et en partie sur l'île de Salina, de la chaîne volcanique des îles Éoliennes au large de la côte nord de la Sicile. Bande sonore En 1994, pour promouvoir le film, Miramax a publié The Postman (Il Postino): Music From The Miramax Motion Picture, qui, outre la musique du film, composée par Luis Enríquez Bacalov, comprend des poèmes de Neruda récités par de nombreuses célébrités. Il y a un total de 31 pistes. En 2002, CAM Original Soundtracks a publié une version 17 pistes de la partition (CAM 509536-2) qui a été masterisée en Dolby Surround. L'album a remporté l'Oscar de la meilleure musique dramatique originale et le BAFTA Award de la meilleure musique de film. Pour l'opéra de 2010 basé sur le film, voir Daniel Catan. Réception Le film a été très bien accueilli. Rotten Tomatoes rapporte que 93 % des critiques ont aimé le film, sur la base de 26 critiques. Il a reçu une note de 81 sur Metacritic, indiquant "Universal Acclaim", sur la base de 13 critiques. Prix Oscars Lors de la 68e cérémonie des Oscars (1995), Il Postino : The Postman a reçu cinq nominations et un Oscar. * La musique du film, composée par Luis Enríquez Bacalov, a remporté l'Oscar de la meilleure musique (partition dramatique originale). * Le film a également été nominé pour : Meilleur film ; Meilleur réalisateur (Michael Radford); Meilleur acteur dans un rôle principal (Massimo Troisi) ; et Meilleure écriture (scénario basé sur du matériel précédemment produit ou publié). Dans les catégories du meilleur acteur et du meilleur scénario, Troisi a reçu des nominations à titre posthume. Prix ​​BAFTA * Le film a remporté le prix BAFTA du meilleur film non anglais. * La musique du film, composée par Luis Enríquez Bacalov, a remporté le prix BAFTA de la meilleure musique de film.

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Quel scientifique était la « Personne du 20e siècle » selon le magazine Time ?

Albert Einstein

Time 100 : les personnes les plus importantes du siècle est une compilation des 100 personnalités les plus influentes du XXe siècle, publiée dans le magazine Time en 1999. L'idée d'une telle liste est née le 1er février 1998, lors d'un débat lors d'un symposium à Hanoï, au Vietnam. Les participants au panel étaient Dan Rather, ancien présentateur de CBS Evening News, l'historienne Doris Kearns Goodwin, l'ancien gouverneur de New York Mario Cuomo, alors prévôt de Stanford, Condoleezza Rice, l'éditeur Irving Kristol et le rédacteur en chef de Time, Walter Isaacson. Dans un numéro distinct du 31 décembre 1999, Time a reconnu Einstein comme la personne du siècle. Liste des catégories L'article du Time cite vingt personnes dans chacune des cinq grandes catégories : dirigeants et révolutionnaires, scientifiques et penseurs, bâtisseurs et titans, artistes et animateurs, et héros et icônes. Personne du siècle Parmi les 100 élus, Albert Einstein a été élu Personne du siècle, au motif qu'il était le scientifique le plus éminent d'un siècle dominé par la science. Les rédacteurs du Time pensaient que le 20e siècle « restera avant tout dans les mémoires pour sa science et sa technologie », et qu'Einstein « sert de symbole à tous les scientifiques, tels que Heisenberg, Bohr, Richard Feynman, ... qui ont bâti sur son travail » . La couverture du magazine présentait la célèbre image d'Einstein prise en 1947 par le photographe portraitiste américain Philippe Halsman. Finalistes : Fichier:FDR en 1933.jpg|Franklin D. Roosevelt Fichier:Portrait_Gandhi.jpg|Mahatma Gandhi Controverses Il a été débattu pour savoir si Adolf Hitler et Benito Mussolini, responsables de la Seconde Guerre mondiale, de l'Holocauste et de la deuxième guerre italo-éthiopienne, auraient dû être nommés Personnes du siècle pour leur influence sur le XXe siècle. L’argument était basé sur le critère explicite du Times selon lequel les personnes choisies devraient avoir le plus grand impact sur ce siècle, pour le meilleur ou pour le pire. Dans le même numéro du Time du 31 décembre 1999, l'essayiste Nancy Gibbs abordait le sujet avec l'article The Necessary Evil ? Dans l'article, elle soutient qu'Hitler et Mussolini « étaient simplement les derniers d'une longue lignée de personnages meurtriers, remontant à avant Gengis Khan. La seule différence était la technologie : Hitler et Mussolini se sont livrés à leur carnage cynique avec toute l'efficacité que l'industrie moderne s'était perfectionnée » et présentent plusieurs questions rhétoriques telles que « Le mal est peut-être une force puissante, une idée séduisante, mais est-il plus puissant que le génie, la créativité, le courage ou la générosité ? Seuls les hommes ont façonné le 20e et le début du 21e siècle Parmi les 100 personnalités les plus influentes du 20e siècle établies par le magazine Time, seules les cinq suivantes ont eu la particularité d'être à nouveau répertoriées au 21e siècle, lorsque Time a commencé à publier une liste annuelle des 100 personnes qui continuent de changer le monde : Image : Muhammad Ali NYWTS.jpg | Muhammad Ali Image : Bill Gates juin 2015.jpg|Bill Gates Image:JohannesPaul2-portrait.jpg|Pape Jean-Paul II Image : Luciano Pavarotti 15.06.02 recadré.jpg|Luciano Pavarotti Image :Nelson Mandela-2008 (modifier).jpg|Nelson Mandela Muhammad Ali est reconnu comme le sportif le plus important de l’histoire. Bill Gates était considéré comme influent au XXe siècle pour son rôle dans la révolution informatique, puis reconnu au XXIe siècle pour son influence philanthropique. Le pape Jean-Paul II a été reconnu en partie pour son rôle dans la fin du communisme en Europe de l’Est, puis dans la conduite de l’Église catholique romaine vers l’ère moderne du 21e siècle. Luciano Pavarotti a été déclaré comme l'un des ténors les plus titrés de tous les temps. Nelson Mandela a été reconnu pour son rôle dans la fin de l'apartheid sud-africain au 20e siècle et comme symbole du pardon au 21e. Winfrey était considéré comme influent au XXe siècle pour avoir créé une forme confessionnelle plus intime de communication médiatique, libéré la culture de la confession et popularisé et révolutionné le genre des talk-shows tabloïd lancé par Phil Donahue, qui, selon une étude de Yale, avait brisé les tabous du XXe siècle et autorisé les gays et les lesbiennes. , les bisexuels et les transgenres à entrer dans le courant dominant. Au 21e siècle, elle était considérée comme un modèle inspirant, pour l'impact de son club de lecture visant à rendre la littérature accessible aux masses et pour avoir contribué à l'élection du premier président afro-américain des États-Unis. L'influence de Winfrey sur la culture américaine est si significative et d'une telle portée que son prénom fait l'objet du néologisme « oprahisation », faisant référence à une sensibilité accrue à l'auto-révélation de la part des victimes d'abus ou de tragédie. Le mot n'apparaît pas dans les dictionnaires physiques, bien qu'il ait été cité dans plusieurs articles et écrits professionnels. des reproches La liste des 20 meilleurs artistes et artistes, en particulier, a été critiquée pour ne pas inclure Elvis Presley, une décision que Handy a initialement défendue de la manière suivante : L’une des choses les plus importantes et les plus innovantes du rock est la notion même d’auteurs-compositeurs chantant leurs propres œuvres, d’immédiateté de l’expression. Puisqu'Elvis n'a pas écrit son propre matériel, contrairement aux Beatles ou à Bob Dylan ou à Luciano Pavarotti ou à Enrico Caruso ou à Robert Johnson, qui est aussi quelqu'un qui aurait pu être inclus, peut-être que cela lui a porté préjudice… Je pense que les Beatles ont beaucoup repoussé les limites plus loin. Les enregistrements les plus originaux d'Elvis étaient ses premiers. Les Beatles ont commencé comme imitateurs, puis ont continué à grandir au fil de leurs années ensemble. Handy a également été invité à défendre la décision du Times d'inclure le personnage fictif Bart Simpson de la série télévisée Les Simpsons parmi les 100 personnes les plus influentes du 20e siècle, et il l'a fait comme suit : Je ne vois pas comment on peut considérer ce siècle sans inclure les dessins animés. C'est une de nos grandes contributions, avec le jazz et le cinéma. (Je sais, je sais. Les films étaient une invention du 19e siècle. Mais nous, les gens du 20e siècle, en faisons vraiment bon usage.)… Dans une certaine mesure aussi, nous voulions des gens qui représentaient également des tendances ou des développements importants du 20e siècle. Cela aiderait à expliquer les Bart et les Oprah... Ce que Bart, ou plutôt les Simpson, ont fait, c'est fusionner la satire sociale avec l'animation populaire d'une manière qui n'a jamais vraiment été faite auparavant. La liste a également été critiquée pour l'inclusion de Lucky Luciano, qui a été choisi en partie parce qu'il « a modernisé la mafia, en la transformant en un syndicat national du crime bien géré et axé sur les résultats ». Le maire de New York, Rudy Giuliani, a accusé Time de « romantiser » les gangsters et a déclaré : « L'idée selon laquelle il a civilisé la mafia est absurde. Il a assassiné pour obtenir le poste qu'il occupait, puis il a autorisé des centaines et des centaines de meurtres. " La sélection a été qualifiée d'« outrage » par Philip Cannistraro, professeur d'études italo-américaines au Queens College, et Thomas Vitale, vice-président de Fieri, une organisation caritative italo-américaine de l'État de New York, a critiqué Time pour « perpétuer les mythes » sur Italo-Américains. Cependant, le rédacteur économique du Time, Bill Saporito, a défendu cette sélection en qualifiant Luciano de « sorte de génie maléfique » qui a eu un impact profond sur l'économie souterraine. "Nous ne sommes pas là pour rendre gloire à ces gens", a-t-il expliqué. "Nous voulons dire que ce sont des gens qui ont influencé nos vies." Saporito a en outre noté que "chaque pièce de marchandise sortant du Garment District entraînait un petit coût supplémentaire en raison du crime organisé".

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Quel a été le surnom donné au premier footballeur Neil Ruddock ?

Razor

Neil "Razor" Ruddock (né le 9 mai 1968) est un ancien footballeur professionnel anglais, personnalité de la télévision et acteur. En tant que footballeur, il a joué comme défenseur central de 1986 à 2003 et a été élu 17e « footballeur le plus dur de tous les temps ». Il a fait ses débuts à Millwall, associé au club depuis l'âge de 13 ans, et a également représenté Tottenham Hotspur, Southampton, Liverpool, West Ham United, Crystal Palace, Queens Park Rangers et Swindon Town au cours d'une carrière professionnelle de 17 ans. Il a été sélectionné une fois par l'Angleterre, en 1994. Ruddock est sorti de sa retraite en 2015, à l'âge de 46 ans, pour jouer pour l'équipe de la United Counties League Wellingborough Whitworth. Carrière en club Southampton Ruddock a rejoint Southampton en février 1989 dans le cadre d'un transfert de 200 000 £ depuis Millwall. Défenseur robuste et intransigeant, il est rapidement devenu populaire auprès des supporters de Southampton, notamment après avoir inscrit avec confiance un penalty contre Newcastle United le 1er avril lors de son sixième match seulement pour le club, aidant ainsi les "Saints" à remporter leur première victoire en 18 matches et démarrer Southampton dans une ascension loin de la zone de relégation. Sa célébration de but après le penalty de la 89e minute est devenue connue sous le nom de "Ruddock stomp". Ruddock a raté ses deux pénalités suivantes, permettant à Matt Le Tissier de prendre le relais pour la saison suivante. Malgré les premiers problèmes disciplinaires au Dell, les talents de Ruddock en tant que défenseur gaucher confiant lui ont valu les honneurs de l'Angleterre des moins de 21 ans. Puissant dans les airs, il pouvait tacler avec force mais était également capable de faire sortir le ballon de la défense. Au cours de la saison 1991-1992, Ruddock était membre de l'équipe de Southampton qui a atteint la finale de la Zenith Data Systems Cup, où ils ont été battus en prolongation 3-2 par Nottingham Forest. Après trois ans sur la côte sud, il a été attiré à Tottenham par Terry Venables en mai 1992, le tribunal fixant les frais de transfert à un montant « ridicule » de 750 000 £. Liverpool Ruddock a été signé par Liverpool en provenance de Tottenham Hotspur pour un transfert de 2,5 millions de livres sterling. À Liverpool, Ruddock a été impliqué dans une bagarre sur le terrain avec la star de Manchester United, Eric Cantona. Ruddock a répondu aux railleries de Cantona concernant son poids en baissant le col du Français - dans son discours après le dîner, Ruddock dit de l'incident - "faites-moi confiance pour choisir le seul Français qui voulait une larme". Ruddock n'a jamais été loin de la controverse pendant son séjour à Liverpool, les tabloïds soulignant ses problèmes de poids personnels, ses problèmes parentaux, ses flirts, ses problèmes conjugaux et ses infractions au volant en état d'ébriété, y compris un incident tristement célèbre impliquant sa "Porsche et une blonde", comme l'a confirmé Suleman, son privé. serviteur. En 1995, il a été absous de la fracture de la mâchoire de Peter Beardsley avec un coude lors d'un match de témoignage, pour lequel Beardsley a envisagé une action en justice au motif que Ruddock avait agi délibérément, mais a ensuite décidé de retirer les accusations. En 1996, le tacle de Ruddock sur Andrew Cole de Manchester United lors d'un match de réserve à Anfield a laissé le joueur avec deux jambes cassées, et Ruddock a clamé son innocence, tandis que Cole a déclaré qu'il pensait que Ruddock n'avait pas l'intention de lui faire du mal. Cependant, dans une interview accordée à Talksport en 2010, il qualifie en plaisantant l'incident de « ni grave ni intelligent », ajoutant « mais c'était génial » et que « je ne voulais pas lui casser les deux jambes si je » Je suis honnête, je voulais seulement en casser un". Son meilleur match pour Liverpool a sans doute eu lieu le 20 janvier 1996, lorsqu'il a marqué deux fois pour eux lors d'une victoire 5-0 en championnat à domicile contre Leeds United. À Liverpool, Ruddock faisait également partie de l'équipe des années 1990 sous Roy Evans, connu sous le nom de "Spice Boys", qui comprenait David James, Robbie Fowler, Jamie Redknapp, Jason McAteer, Steve McManaman et Stan Collymore, mais il est parti en 1998 au moment où le nouvel entraîneur Gérard Houllier se lançait dans une révolution française à Anfield. West Ham United En juillet 1998, Ruddock a déménagé à West Ham United pour un montant de 300 000 £, faisant ses débuts le 15 août 1998 lors d'une victoire 1-0 à l'extérieur contre Sheffield Wednesday. En octobre 1999, alors qu'il jouait pour West Ham, Ruddock a également été impliqué dans une dispute avec Patrick Vieira d'Arsenal, Vieira recevant une interdiction de six matches et une amende de 30 000 £ après avoir craché sur Ruddock après une bagarre verbale entre les deux. En 56 matchs pour West Ham, il a marqué trois buts, a été réservé 14 fois et expulsé une fois, en décembre 1998, lors d'une défaite 4-0 à l'extérieur contre Leeds United, pour un tacle dangereux sur Harry Kewell. Les Hammers ont terminé cinquième de la Premier League cette saison-là – leur meilleur résultat depuis 13 ans – et se sont qualifiés pour la Coupe UEFA pour mettre fin à 19 ans d'absence des compétitions européennes. Ville de Swindon En 2000, Ruddock a déménagé à Crystal Palace grâce à un transfert gratuit, y passant une saison avant de signer pour l'équipe de Division Deux de Swindon Town. Il a marqué deux fois pour Swindon, avec des buts contre Colchester en championnat et Hartlepool en FA Cup. Les relations se sont détériorées lorsque Ruddock a refusé d'arrêter après avoir été conseillé de le faire par un spécialiste ; à une époque où le club connaissait de graves difficultés financières. Le club a répondu en nommant Steve Coppell comme directeur adjoint et en supprimant les fonctions d'entraîneur de Ruddock. Le conseil d'administration a finalement cessé de payer le salaire de Ruddock pour tenter de le chasser. Il a poursuivi le club devant un tribunal du travail et a reçu en décembre 2002 57 000 £, représentant l'argent perdu en salaires et en indemnités de fidélité, avec un accord pour mettre fin à son contrat de joueur/entraîneur. Il a également été accusé par le président de Crystal Palace, Simon Jordan, en novembre 2005, d'avoir « éliminé l'équipe et de l'avoir gaspillée alors que nous luttions contre la relégation ». Wellingborough-Whitworth En janvier 2015, il a été annoncé que Ruddock était sorti de sa retraite à l'âge de 46 ans pour signer pour l'équipe de la United Counties League Wellingborough Whitworth. Carrière internationale Il a remporté quatre sélections pour l'équipe d'Angleterre des moins de 21 ans et une en 1994 pour l'Angleterre B lorsqu'il était capitaine de l'équipe contre l'Irlande B à Anfield. Le 16 novembre 1994, il remporte sa seule sélection pour l'Angleterre, lors d'un match amical contre le Nigeria lorsque Terry Venables était sélectionneur national. Honneurs ;Southampton *Finaliste de la Coupe des Membres à part entière : 1992 ;Liverpool *Vainqueur de la Coupe de la Ligue de football : 1995 Carrière télévisuelle En 2004, il est apparu dans la troisième série de I'm a Celebrity... Get Me Out of Here !. Il a exploité cela en enregistrant un single caritatif, une version de "Jungle Rock", avec d'autres concurrents Lord Brocket, Peter Andre et Mike Read, jouant le rôle des Jungle Boys. En 2006, il a participé à l'émission télévisée Razor Ruddock's Pass & Move Soccer School où les enfants libérés par les académies étaient entraînés par Ruddock. En 2006, Ruddock a contribué à la production de Football Saved My Life, une émission de télé-réalité sportive pour Bravo qui tentait de changer la vie de 15 hommes dysfonctionnels grâce à leur implication dans le football. En novembre 2011, il est apparu dans Man Lab de James May sur BBC Two, entraînant James May sur la façon de marquer un penalty devant 20 000 Allemands à la Veltins-Arena de Gelsenkirchen. James May a raté le penalty. Il est apparu à nouveau en avril 2013 en tant que membre de l'équipe Manlab représentant la Chine aux championnats du monde Pierre, Papier, Ciseaux. Vie privée Ruddock a reçu le surnom de « Razor » par ses coéquipiers après avoir vu le boxeur indépendant Donovan Ruddock présenté comme « Razor Ruddock » lors d'un match de boxe à White Hart Lane. En 2011, Ruddock a déclaré faillite. Le 25 septembre 2014, il a figuré dans un épisode de l'émission Can't Pay? Nous l'enlèverons ! où il a été approché par des agents chargés de l'application de la loi de la Haute Cour qui cherchaient à recouvrer une prétendue facture impayée auprès d'un chenil totalisant 3 000 £.

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Wayne Rooney a signé pour Manchester United, depuis quel autre club de Premiership ?

Everton

Wayne Mark Rooney (né le 24 octobre 1985) est un footballeur professionnel anglais qui joue et est capitaine de Manchester United et de l'équipe nationale d'Angleterre. Il a joué une grande partie de sa carrière en tant qu'attaquant, mais il a également été utilisé dans divers rôles de milieu de terrain. Agé de neuf ans, Rooney rejoint l'équipe de jeunes d'Everton, pour laquelle il fait ses débuts professionnels en 2002 à l'âge de 16 ans. Il passe deux saisons au club du Merseyside, avant de rejoindre Manchester United pour 25,6 millions de livres sterling lors du mercato d'été 2004. . Depuis lors, avec Rooney dans l'équipe, United a remporté la Premier League cinq fois, l'UEFA Champions League une fois, la Coupe du Monde des Clubs de la FIFA une fois, le FA Community Shield trois fois, la Coupe de la Ligue de football deux fois et la FA Cup une fois. En septembre 2013, Rooney a marqué son 200e but pour Manchester United. Il compte actuellement 244 buts, ce qui fait de lui le deuxième meilleur buteur du club de tous les temps. Ses 192 buts en Premier League font de lui le deuxième meilleur buteur de la compétition de tous les temps, et il détient le record du plus grand nombre de buts pour un club de Premier League, avec 177 pour Manchester United. Rooney a fait ses débuts internationaux senior en février 2003 à l'âge de 17 ans, devenant ainsi le plus jeune joueur à représenter l'Angleterre (un record battu depuis par Theo Walcott) et il est le plus jeune buteur anglais de tous les temps. Il a joué à l'UEFA Euro 2004 et a marqué quatre buts, devenant brièvement le plus jeune buteur de l'histoire du Championnat d'Europe. Rooney a depuis participé aux Coupes du monde 2006, 2010 et 2014 et est largement considéré comme le meilleur joueur de son pays. Il a remporté le prix du joueur anglais de l'année à quatre reprises, en 2008, 2009, 2014 et 2015. Avec 53 buts en 115 sélections internationales, Rooney est le meilleur buteur de tous les temps en Angleterre et le deuxième joueur le plus capé. Avec David Beckham, Rooney est le joueur le plus cartonné de l'Angleterre, après avoir été expulsé deux fois. En 2009-2010, Rooney a reçu le prix du joueur de l'année des joueurs PFA et du footballeur de l'année FWA. Il a remporté le prix du joueur du mois de Premier League à cinq reprises, un record seulement amélioré par Steven Gerrard. Il est arrivé cinquième lors du vote pour le FIFA Ballon d'Or 2011 et a été nommé dans le FIFPro World 11 pour 2011. Rooney a remporté le prix du « But de la saison » selon le sondage Match of the Day de la BBC à trois reprises, avec son coup de pied de vélo contre son rival Manchester City remportant le prix du « But de la Premier League des 20 saisons ». Première vie et éducation Rooney est né à Croxteth, Liverpool, de Jeanette Marie (née Morrey) et Thomas Wayne Rooney. Il est d'origine irlandaise et a été élevé dans la religion catholique romaine avec ses jeunes frères Graham et John ; tous les trois ont fréquenté l'école primaire Notre-Dame et St Swithin et l'école De La Salle. Il a grandi en soutenant Everton. Carrière en club Everton Escouades de jeunes Rooney a commencé à jouer pour les Schoolboys de Liverpool et a marqué 72 buts en une saison, un record qui a duré jusqu'en mai 2010. À neuf ans, Rooney a joué pour le club de garçons de Copplehouse dans la ligue junior locale de Walton et Kirkdale et a marqué 99 buts lors de sa dernière saison avant être repéré par le scout d'Everton Bob Pendleton. Rooney a rejoint Everton à neuf ans et était la mascotte d'Everton pour le derby du Merseyside contre Liverpool à l'âge de 11 ans. Au cours de la saison 1995-1996, il a marqué 114 buts en 29 matchs pour les moins de 10 et 11 ans d'Everton, et à l'âge de 15 ans, il jouait pour les moins de 19 ans. Il a marqué huit buts en huit matchs lors de la course d'Everton à la finale de la FA Youth Cup en 2002. Cela comprenait un but lors de la défaite finale contre Aston Villa et, après avoir marqué, il a révélé un T-shirt qui disait : "Une fois un Bleu, toujours un bleu." Rooney a été inclus dans la première équipe d'Everton pour leur camp d'entraînement en Autriche à l'été 2002 et a marqué son premier but senior lors d'une victoire amicale 3-1 contre le SC Weiz le 15 juillet. Percée de la première équipe Rooney était un remplaçant inutilisé lors de la victoire 1-0 à l'extérieur d'Everton contre Southampton le 20 avril 2002. Il a fait ses débuts senior le 17 août lors d'un match nul 2-2 à domicile contre Tottenham Hotspur, commençant le match et aidant le premier but de Mark Pembridge. Il est devenu le deuxième plus jeune joueur de l'équipe première de l'histoire d'Everton derrière Joe Royle. Lors de ce match, il a été hué par les supporters des Spurs qui criaient "Qui es-tu ?" chaque fois qu'il touchait le ballon. Ses premiers buts seniors sont survenus le 2 octobre lorsqu'il a marqué deux fois lors d'une victoire 3-0 à l'extérieur contre Wrexham au deuxième tour de la Coupe de la Ligue. Ces buts signifiaient que Rooney était à l'époque le plus jeune buteur d'Everton. Le 19 octobre, cinq jours avant son 17e anniversaire, Rooney a marqué un but vainqueur à la dernière minute contre Arsenal. Ce but a mis fin à la série de 30 matches sans défaite d'Arsenal et a également fait de Rooney le plus jeune buteur de l'histoire de la Premier League, un record qui a depuis été dépassé deux fois, par James Milner et James Vaughan. Il a marqué le seul but lors d'une victoire 1-0 à l'extérieur contre Leeds United 15 jours plus tard. En décembre, Rooney a été nommé Jeune personnalité sportive de l'année 2002 par la BBC. Six jours après avoir réclamé le prix, il a marqué le but vainqueur contre les Blackburn Rovers lors d'une victoire 2-1 à domicile. Son premier carton rouge en carrière est survenu le lendemain de Noël lors d'un match nul 1–1 à l'extérieur contre Birmingham City pour un défi tardif contre Steve Vickers. En janvier 2003, Rooney signe son premier contrat professionnel, ce qui fait de lui l'un des adolescents les mieux payés du football mondial. Le premier but de Rooney en 2003 est survenu le 23 mars, marquant le seul but d'Everton lors d'une défaite 2-1 à Arsenal. En avril, il a marqué un but lors de la victoire 2-1 à domicile d'Everton contre Newcastle United, avant de marquer un but vainqueur de dernière minute contre Aston Villa lors d'une autre victoire 2-1 à domicile. Il a terminé sa première saison avec 8 buts en 37 apparitions toutes compétitions confondues avec les Toffees. Rooney a marqué son premier but de la saison 2003-2004 lors d'un match nul 2-2 à l'extérieur contre Charlton Athletic le 26 août 2003. Il n'a retrouvé le chemin des filets qu'en décembre lorsqu'il a marqué lors d'une victoire 2-1 à l'extérieur contre Portsmouth, et un Victoire 3-2 à domicile contre Leicester City. Son dernier but en 2003 est survenu lors de sa 50e apparition en championnat, marquant le seul but lors d'une victoire 1-0 à domicile contre Birmingham City le 28 décembre. Le 21 février 2004, Rooney a marqué deux buts lors d'un match de Premier League pour la première fois lors d'un match nul 3–3 à l'extérieur contre Southampton. Il a marqué le seul but lors d'une victoire 1-0 contre Portsmouth le 13 mars, avant de marquer lors d'un match nul 1-1 à l'extérieur contre Leicester City une semaine plus tard. Il a marqué son dernier but de la saison lors d'un match nul 1-1 à l'extérieur contre Leeds United le 13 avril. Manchester United saison 2004-05 Rooney a fait une demande de transfert en août 2004, bien qu'Everton ait fait une nouvelle offre de contrat d'une valeur de 50 000 £ par semaine. Everton a ensuite rejeté une offre de 20 millions de livres sterling de Newcastle et a finalement signé pour Manchester United à la fin du mois après la conclusion d'un accord de 25,6 millions de livres sterling. Il s’agit du montant le plus élevé jamais payé pour un joueur de moins de 20 ans ; Rooney n'avait que 18 ans lorsqu'il a quitté Everton. Sir Alex Ferguson, alors manager de United, a déclaré que "beaucoup de sourcils ont été levés" lorsqu'il a persuadé le conseil d'administration du club d'autoriser "une décision de plusieurs millions de livres" pour tenter de recruter Rooney d'Everton. Rooney a reçu le maillot numéro 8 à son arrivée à Old Trafford. Il a fait ses débuts avec United le 28 septembre lors d'une victoire 6-2 à domicile contre Fenerbahçe en Ligue des champions, marquant un triplé et délivrant une passe décisive. Ces buts ont fait de Rooney le plus jeune joueur à réussir un triplé en Ligue des champions, à l'âge de 18 ans et 335 jours. Cependant, sa première saison avec Manchester United s'est terminée sans remporter de trophée car ils n'ont pu réussir qu'une troisième place en championnat et n'ont pas réussi à se qualifier pour les huit derniers de la Ligue des champions. United a eu plus de succès dans les compétitions de coupe, mais a été éliminé de la Coupe de la Ligue en demi-finale par une équipe de Chelsea qui a également remporté le titre de Premier League cette saison-là, et un match nul et vierge contre Arsenal en finale de la FA Cup a été suivi par une défaite aux tirs au but. Rooney a été le meilleur buteur de United cette saison-là avec 11 buts et a été crédité du prix PFA du jeune joueur de l'année. 2005-07 En septembre 2005, Rooney a été expulsé lors d'un match vierge de Ligue des Champions contre l'Espagnol Villarreal pour avoir applaudi sarcastiquement l'arbitre, qui l'avait averti pour une faute involontaire sur un adversaire. Son premier trophée avec United est venu lors de la Coupe de la Ligue 2006, et il a également été nommé homme du match après avoir marqué deux fois en finale alors que United gagnait 4-0 contre Wigan Athletic. Son club a terminé la saison en tant que finaliste de la Premier League, leurs espoirs de titre ayant pris fin fin avril lorsqu'ils ont perdu 3-0 à l'extérieur contre les champions de Chelsea. Rooney a subi une fracture du métatarsien lors de ce match après un tacle de Paulo Ferreira. Rooney a marqué un total de 16 buts en 26 matchs de Premier League au cours de la saison 2005-2006. Rooney a été expulsé lors d'un match du Tournoi d'Amsterdam contre Porto le 4 août 2006 après avoir frappé le défenseur de Porto Pepe avec son coude. Il a été sanctionné d'une suspension de trois matches par la FA, suite à la réception d'un rapport de 23 pages de l'arbitre Ruud Bossen expliquant sa décision. Rooney a menacé de retirer l'autorisation de la FA d'utiliser son image si elle ne révoquait pas l'interdiction, bien que la FA n'ait aucun pouvoir pour prendre une telle décision. Au cours de la première moitié de la saison 2006-07, Rooney a connu une séquence de dix matchs sans but avant de marquer un triplé contre Bolton Wanderers. Il a ensuite signé une prolongation de contrat de deux ans le mois suivant qui l'a lié à United jusqu'en 2012. En avril 2007, il a marqué deux buts lors d'une victoire cumulée de 8 à 3 en quart de finale de la Ligue des champions contre la Roma et deux autres dans la même compétition plus tard. dans le mois, lors d'une victoire 3-2 en demi-finale aller contre Milan. Rooney a remporté sa première médaille de vainqueur du titre de Premier League à la fin de la saison 2006-07. Il a marqué 14 buts en championnat cette saison-là. 2007-09 En juin 2007, Rooney a reçu le numéro 10, porté pour la dernière fois par Ruud van Nistelrooy. Rooney a estimé qu'il avait toujours aimé ce numéro. Il s'est fracturé le métatarse gauche lors du match nul et vierge de United contre Reading le 12 août, la même blessure qu'il avait subie au pied droit en 2004. Après avoir été absent pendant six semaines, il est revenu pour la victoire 1-0 de United en phase de groupes de la Ligue des Champions. contre la Roma le 2 octobre, marquant le seul but du match. Rooney a de nouveau été blessé le 9 novembre, se blessant à la cheville lors d'une séance d'entraînement et manquant deux semaines supplémentaires. Son prochain match après blessure eut lieu contre Fulham le 3 décembre, au cours duquel il joua 70 minutes. Rooney a raté un total de dix matchs et a terminé la saison 2007-08 avec 18 buts (dont 12 en championnat), permettant à United de remporter la Premier League. Lors de la toute première finale 100 % anglaise de la Ligue des champions, United a battu son rival Chelsea pour remporter un autre trophée. Rooney a disputé la Super Coupe de l'UEFA 2008, où United a perdu contre le Zenit Saint-Pétersbourg et n'a pas pu avoir d'impact. Le 4 octobre 2008, lors d'une victoire à l'extérieur contre les Blackburn Rovers, Rooney est devenu le plus jeune joueur à disputer 200 matches de Premier League. Le 18 décembre, Rooney a marqué deux fois lors de la victoire 5-3 en demi-finale contre le club japonais Gamba Osaka lors de la Coupe du Monde des Clubs de la FIFA et, après avoir marqué le but vainqueur alors que United battait LDU Quito 1-0 en finale à Yokohama, a été a reçu le Ballon d'Or en tant que meilleur joueur du tournoi. Le 14 janvier, après avoir marqué le seul but du match 54 secondes après le début de la victoire 1-0 contre Wigan Athletic, Rooney a boité en raison d'une blessure aux ischio-jambiers à la huitième minute. Le 25 avril 2009, Rooney a marqué ses derniers buts en championnat de la saison contre Tottenham ; United a marqué cinq buts en seconde période pour passer de 2 à 0 et gagner 5 à 2 ; Rooney a marqué deux buts, en a préparé deux et a fourni la passe décisive qui a conduit au penalty du premier but de United. Le 27 mai, Rooney a joué contre Barcelone lors de la finale de la Ligue des champions 2009 à Rome, United perdant 2-0. Rooney a terminé la saison avec 20 buts toutes compétitions confondues. Une fois de plus, il a inscrit 12 buts en championnat. saison 2009-10 Rooney a marqué à la 90e minute du Community Shield d'ouverture de la saison 2009, bien que United ait perdu le match contre Chelsea aux tirs au but. Il a ensuite marqué le seul but du premier match de championnat de la saison 2009-10 contre Birmingham City, portant son total à 99. Le 22 août, il est devenu le 20e joueur de Manchester United à marquer 100 buts pour le club, lorsqu'il a trouvé le chemin des filets à deux reprises lors d'une victoire 5-0 à l'extérieur à Wigan Athletic. Le 29 août, United affrontait Arsenal à Old Trafford. Rooney a marqué un but sur penalty pour égaliser le match après qu'Andrei Arshavin ait donné l'avantage aux Gunners. Le match s'est terminé 2-1 contre Manchester United après qu'Abou Diaby ait marqué un but contre son camp. Le 28 novembre 2009, Rooney a marqué son premier triplé depuis trois ans lors d'une victoire 4-1 à l'extérieur contre Portsmouth, dont deux des buts étaient des pénalités. Le 27 décembre 2009, il a été nommé Homme du match contre Hull City. Il a été impliqué dans tous les buts marqués dans le match, marquant le premier match puis donnant le ballon pour le penalty égalisateur de Hull. Il a ensuite forcé Andy Dawson à concéder un but contre son camp, puis a préparé Dimitar Berbatov pour le troisième but de United, ce qui leur a donné une victoire 3-1. Le 30 décembre 2009, Rooney a marqué un autre but alors que United battait Wigan 5-0 lors de son dernier match de la décennie. Le 23 janvier 2010, Rooney a marqué les quatre buts lors de la victoire 4-0 de Manchester United contre Hull City ; trois des buts ont été marqués dans les 10 dernières minutes du match. C'était la première fois de sa carrière qu'il inscrivait quatre buts en un seul match. Le 27 janvier 2010, il poursuit sa série de buts en marquant de la tête le vainqueur dès la deuxième minute du temps additionnel contre son rival du derby, Manchester City. Cela a donné à United une victoire globale de 4 à 3, les emmenant en finale ; c'était son premier but en Coupe de la Ligue depuis qu'il en avait marqué deux lors de la finale de 2006. Le 31 janvier 2010, Rooney a marqué son 100e but en Premier League lors d'une victoire 3-1 contre Arsenal pour la première fois en championnat aux Emirats, notamment son premier but en Premier League a également été contre Arsenal. Le 16 février 2010, Rooney a inscrit ses premiers buts européens de la saison, marquant deux buts de la tête lors de la victoire 3-2 à l'extérieur contre Milan lors de la toute première victoire de Manchester United contre eux à San Siro. Le 28 février 2010, il a marqué une autre tête contre Aston Villa (son cinquième but consécutif de la tête), ce qui a permis à Manchester United de remporter la finale de la Coupe de la Ligue 2-1. Lors du match retour du match européen de United contre Milan, Rooney a marqué un doublé lors d'une retentissante victoire 4-0 à domicile, portant son total de buts cette saison à 30. Il en a ensuite ajouté deux autres à son total cinq jours plus tard à Old Trafford, en une victoire 3-0 en championnat contre Fulham. Le 30 mars 2010, lors de la défaite aller de United en quart de finale de la Ligue des champions contre le Bayern Munich à l'Allianz Arena de Munich, Rooney s'est effondré lorsqu'il s'est tordu la cheville à la dernière minute, boitillant pendant que le Bayern produisait la préparation qui a conduit à son deuxième but. On craignait qu'il ait subi de graves lésions ligamentaires ou même une cheville cassée, mais il a été annoncé que la blessure n'était qu'une légère lésion ligamentaire et qu'il serait absent pendant 2 à 3 semaines, manquant le match crucial de United contre Chelsea et le match retour. match contre Munich la semaine suivante. La liste des équipes pour le match retour a créé une énorme surprise lorsque Rooney a obtenu une place de titulaire dans l'alignement de United. Malgré une avance de 3-0 à la 41e minute, Munich a récupéré un but et United a ensuite été contraint à 10 hommes après l'expulsion de Rafael da Silva. Munich a remporté le match après avoir marqué un deuxième but à l'extérieur et Rooney a été remplacé après s'être à nouveau blessé à la cheville. Le 25 avril, Rooney a été nommé Joueur de l'année 2010 des joueurs PFA. Saison 2010-11 Le 28 août 2010, Rooney a marqué son premier but de la saison en inscrivant un penalty lors d'une victoire 3-0 à domicile contre West Ham United. En octobre, le manager de Manchester United, Sir Alex Ferguson, a déclaré lors d'une conférence de presse que Rooney souhaitait quitter le club. Cela est survenu après une période de controverse quant à l'étendue de la blessure à la cheville de Rooney, où Rooney avait réfuté l'affirmation de Ferguson selon laquelle la blessure était la raison pour laquelle Rooney avait été renvoyé sur le banc. Rooney et ses représentants ont publié une déclaration concernant sa décision de quitter le club, insistant sur le fait que ce n'était pas une question d'argent mais d'ambition. Suite à cette déclaration, Rooney a fait volte-face et a conclu un nouveau contrat de cinq ans à Manchester United jusqu'en juin 2015. Rooney a fait son retour en équipe première en tant que remplaçant contre Wigan le 20 novembre. Quatre jours plus tard, il est revenu dans la formation de départ et a marqué un penalty lors d'une victoire 1-0 à l'extérieur contre les Rangers en Ligue des champions. Il a raté un penalty lors d'une victoire 1-0 à domicile contre Arsenal le 13 décembre. Son premier but de la saison en jeu ouvert est survenu le 1er janvier 2011 lors d'une victoire 2-1 à l'extérieur contre West Bromwich Albion. Le 1er février, Rooney a marqué deux fois et a aidé le but de Nemanja Vidić lors d'une victoire 3-1 à domicile contre Aston Villa. Le 12 février, Rooney a marqué un coup de pied de bicyclette à la 78e minute du derby de Manchester, qui s'est avéré être le but gagnant de leur victoire 2-1 contre Manchester City. Après le match, Rooney a déclaré que c'était le meilleur but de sa carrière, avant que Sir Alex Ferguson ne décrive ce but comme le meilleur but qu'il ait jamais vu à Old Trafford. Deux semaines plus tard, il a marqué le troisième but lors d'une victoire 4-0 à l'extérieur contre Wigan, avant d'ouvrir le score lors d'une défaite 2-1 à l'extérieur contre Chelsea le 1er mars. Rooney a marqué le deuxième but lors d'une victoire 2-0 à domicile contre Arsenal lors d'un match nul en FA Cup le 12 mars. Le 2 avril, United est revenu de deux buts alors que Rooney a marqué son premier triplé de la saison lors d'une victoire 4-2 à l'extérieur contre West Ham United. Il s'agissait de son cinquième triplé pour Manchester United, tandis que le deuxième but était son 100e en Premier League pour le club. Il est devenu le troisième joueur de Manchester United à marquer 100 buts en Premier League, rejoignant Ryan Giggs et Paul Scholes. Lors des célébrations de Rooney après son troisième but, il a juré devant une caméra au bord du terrain et a ensuite été inculpé par la Football Association pour avoir utilisé un langage offensant. Rooney a accepté l'accusation, mais pas la suspension automatique de deux matches qui lui a été infligée. Il a fait appel de la durée de la suspension, la qualifiant d'"excessive", mais n'a pas réussi à annuler l'interdiction, qui l'a exclu de la demi-finale de la FA Cup contre Manchester City le 16 avril. Le match suivant, le 6 avril, a vu Rooney marquer le seul but d'une victoire 1-0 à l'extérieur contre Chelsea lors du match aller des quarts de finale aller de la Ligue des champions. Il a enchaîné avec un autre but lors du match aller de la demi-finale contre l'équipe allemande de Schalke le 26 avril, marquant le deuxième d'une victoire 2-0 à l'extérieur. C'était la première fois que Rooney revenait à la Veltins-Arena de Gelsenkirchen depuis son expulsion lors de la Coupe du Monde de la FIFA 2006 contre le Portugal. Le 14 mai 2011, Rooney a marqué un penalty pour que United égalise lors d'un match nul 1–1 contre les Blackburn Rovers à Ewood Park lors de l'avant-dernier match de la saison de Premier League – suffisamment pour assurer un record de 19e titre de première division pour United, et donner à Rooney sa quatrième médaille de vainqueur du titre de Premier League. Saison 2011-2012 Rooney a commencé la saison avec un but lors du premier match de championnat aux Hawthorns contre West Bromwich Albion. Rooney a joué un une-deux avec Ashley Young avant un virage serré et une arrivée de l'extérieur de la surface qui a trouvé le coin inférieur du but. Il a également marqué lors du deuxième match de la saison, à domicile contre Tottenham Hotspur, lorsqu'il a dirigé un centre de Ryan Giggs. Fin août, Rooney a marqué son 150e but pour United, le premier d'un triplé, aidant à battre Arsenal 8-2. Rooney a remporté l'homme du match, marquant deux coups francs, un penalty et contribuant également à une passe décisive pour Nani. Le 10 septembre, Rooney a marqué un autre triplé lors d'une victoire 5-0 à l'extérieur contre Bolton Wanderers le 10 septembre, devenant ainsi le quatrième joueur de l'histoire de la Premier League à marquer un triplé lors de matchs consécutifs. Ces buts l'ont amené à égalité avec Sir Bobby Charlton sur sept tours du chapeau avec United, quatrième sur la liste de tous les temps derrière Denis Law, Jack Rowley et Dennis Viollet. Après les conséquences de son carton rouge contre le Monténégro en sélection internationale, Rooney a été exclu du onze de départ contre Liverpool le 15 octobre 2011. Il est revenu au jeu le 18 octobre 2011, où il a marqué deux buts lors du match de phase de groupes. contre Oțelul Galați et a surpassé son ancien coéquipier Paul Scholes en tant qu'Anglais le plus buteur de l'UEFA Champions League. Le 10 décembre, Rooney a mis fin à une sécheresse de 8 matchs avec un doublé contre les Wolves lors d'une victoire 4-1 à Old Trafford. Le 18 décembre, Rooney a continué sur sa lancée en marquant le premier but contre les Queens Park Rangers, ce qui en fait le but le plus rapide de Manchester United de la saison jusqu'à présent après seulement 52 secondes à Loftus Road. Il a été aidé par le centre d'Antonio Valencia. Le 21 décembre, Rooney a marqué son 130e but en Premier League lors de sa 300e apparition en Premier League contre Fulham à Craven Cottage avec un effort à longue portée qui s'est écrasé à l'intérieur du poteau lors d'une victoire 5-0. Le 8 janvier, Rooney a marqué deux buts lors de la victoire 3-2 à l'extérieur du troisième tour de la FA Cup contre Manchester City au stade Etihad. Son premier but a été assisté par Antonio Valencia. Avec ces buts, Rooney a dépassé Mark Hughes dans le classement des meilleurs buteurs de tous les temps de United pour se hisser à la septième place du classement général avec 164 buts. Le 14 janvier, Rooney a apporté une grande contribution à son équipe lors d'une victoire 3-0 à domicile contre Bolton. Bien qu'il ait raté un penalty, il a créé deux buts en aidant Paul Scholes pour le premier but et Danny Welbeck pour le deuxième. Le 5 février, Rooney a marqué deux fois sur penalty alors que United revenait d'un déficit de 3-0 pour faire match nul 3-3 lors d'un affrontement en Premier League contre Chelsea à Stamford Bridge. Le 11 février 2012, Rooney a marqué son 500e match en carrière senior en marquant deux buts alors que United battait son rival Liverpool 2-1 à Old Trafford. C'était également son 350e match pour United toutes compétitions confondues. Le 4 mars, Rooney a marqué le premier but d'une victoire 3-1 à l'extérieur contre Tottenham Hotspur à White Hart Lane et a dépassé Joe Spence dans le classement des meilleurs buteurs de tous les temps de Manchester United pour se hisser à la sixième place du classement général avec 169 buts. Il a marqué un autre doublé lors de son prochain match, contre l'Atletico Bilbao en Ligue Europa. Le 11 mars, Rooney a marqué les deux buts qui ont permis à United de remporter la victoire contre West Bromwich Albion lors d'une victoire 2-0 à domicile. Le 15 mars, Rooney a marqué lors du match retour de la Ligue Europa contre l'Athletic Bilbao à Bilbao malgré la défaite de United 2-1 dans la nuit et 5-3 au total. Saison 2012-13 Bien qu'il ait débuté le match d'ouverture de la saison contre Everton, Rooney a été renvoyé sur le banc pour le deuxième match contre Fulham en faveur de la nouvelle recrue Robin van Persie. Après avoir remplacé Shinji Kagawa à la 68e minute, Rooney a subi une grave entaille à la jambe droite causée par Hugo Rodallega de Fulham qui l'a tenu à l'écart pendant quatre semaines. Il a fait son retour le 29 septembre lors d'une défaite 3-2 contre Tottenham. Rooney a marqué ses premiers buts de la saison lors d'une victoire 4-2 en championnat à domicile contre Stoke City le 20 octobre, où il a atteint son 200e but en club. Le 7 novembre, il a marqué son premier but de la saison en UEFA Champions League, marquant un penalty lors d'une victoire 3-1 contre le S.C. Braga. Il a marqué deux fois et aidé un but lors d'une victoire 4–3 contre Reading le 1er décembre. Il a marqué un doublé lors du derby de Manchester au City of Manchester Stadium le 9 décembre 2012, que United a remporté 3-2. Le 16 janvier, il marque un but contre West Ham United en FA Cup. Quinze jours plus tard, il marquait deux fois lors d'une victoire 2-1 contre Southampton. Il a continué à marquer des buts lors de matches consécutifs de la FA Cup contre Fulham et Chelsea. Le 12 mai, Sir Alex Ferguson a annoncé, après la victoire 2-1 de United contre Swansea City, que Rooney avait remis sa demande de transfert, un match dans lequel Rooney a également demandé de ne pas jouer. Saison 2013-2014 Le 5 juillet 2013, le nouveau manager de United, David Moyes, a annoncé que Rooney n'était pas à vendre, après des spéculations selon lesquelles Chelsea, Arsenal, le Real Madrid et le Paris Saint-Germain faisaient partie des clubs cherchant à le signer. Le 17 juillet 2013, Chelsea a confirmé avoir fait une offre pour Rooney la veille, estimée à environ 20 millions de livres sterling, mais elle avait été rejetée par Manchester United. Il a subi une entaille à la tête à l'entraînement le 31 août après une collision avec Phil Jones qui l'a empêché de participer au match contre Liverpool. Il a marqué son premier but de la saison sur coup franc lors d'une victoire 2-0 contre Crystal Palace. Le 17 septembre, Rooney a marqué deux fois lors d'une victoire 4-2 contre le Bayer Leverkusen en UEFA Champions League, marquant ainsi son 200e but pour United. Le 22 septembre, Rooney a marqué un magnifique coup franc à la onzième heure pour inscrire un but de consolation lors du 4-1 contre son voisin, Manchester City, lors du derby de Manchester. Il a marqué un doublé contre Tottenham Hotspur à White Hart Lane lors d'un match nul 2–2 le 1er décembre. Il a marqué son 150e but en championnat pour le club avec une volée contre Hull City le 26 décembre alors que United revenait d'un déficit de 2-0 pour remporter le match 3-2 ; il a également fourni des passes décisives pour les deux autres buts. Le 21 février 2014, Rooney a signé une prolongation de contrat avec Manchester United, qui le maintiendra à Old Trafford jusqu'en 2019. Rooney a fourni une passe décisive à Robin van Persie, alors que Manchester United battait l'Olympiakos lors du match retour de l'UEFA Champions League. Le 22 mars 2014, Rooney a marqué deux buts pour United à West Ham United, le plaçant à la troisième place sur la liste des buteurs de tous les temps du club avec 212 buts en carrière. Rooney a terminé la saison en tant que meilleur buteur et passeur de Manchester United en championnat avec 17 buts et 10 passes décisives. Il a également obtenu le plus de passes décisives lors de la Ligue des champions 2013-2014 avec 8 passes décisives, battant la 2e place Ángel Di María qui a obtenu 6 passes décisives. Saison 2014-15 Après le départ de Nemanja Vidić de Manchester United en juillet 2014, Rooney a été nommé par le nouveau manager Louis van Gaal pour le remplacer en tant que capitaine du club avant la saison 2014-15. Le jour de l'ouverture de la saison, le 16 août, Rooney a marqué un coup de pied de bicyclette pour égaliser contre Swansea City, bien que United ait finalement perdu 1–2. Le 27 septembre 2014, Rooney est devenu le troisième meilleur buteur de tous les temps en Premier League, devant Thierry Henry avec 176 buts après avoir marqué un but lors d'une victoire 2-1 contre West Ham United. Dans le même match, il a été expulsé pour une faute sur Stewart Downing et a été suspendu pour trois matchs. Le 22 novembre 2014, Rooney a marqué pour United lors d'une victoire 2-1 contre son rival Arsenal, leur première victoire à l'extérieur de la saison. Il a continué à marquer lors du match suivant, lors d'une victoire 3-0 contre Hull City. Le 14 décembre, il a marqué le premier but lors d'une victoire 3-0 contre son rival Liverpool. Le 26 décembre, Rooney a marqué deux buts contre Newcastle United, un match que son équipe a remporté 3-1 – le 50e match consécutif du Boxing Day de United. Pour ses performances, Rooney a été élu joueur du mois de décembre de United. Au cours de la saison, Rooney a souvent été déployé comme milieu de terrain par van Gaal. Le 16 février 2015, lors d'un match de FA Cup contre Preston, Rooney a fait l'objet de critiques pour avoir plongé pour obtenir un penalty ; United allait remporter le match 3-1. L'enregistrement semblait montrer que Rooney n'était pas entré en contact avec le gardien. Cependant, le manager anglais Roy Hodgson a défendu Rooney, affirmant qu'il avait été contraint de prendre des mesures évasives. Rooney s'est ensuite excusé pour son comportement en déclarant : "C'était ma chance d'obtenir un penalty. Je devais l'utiliser." Ce penalty était également le premier but de Rooney en 2015, mettant ainsi fin à une série de 0-0. Le 28 février 2015, il a marqué un doublé lors d'une victoire 2-0 contre Sunderland, devenant ainsi le premier joueur à marquer plus de 10 buts en 11 saisons consécutives. Le 15 mars, Rooney a marqué le troisième but lors d'une victoire 3-0 contre Tottenham. Rooney a été le meilleur buteur de Manchester United pour la campagne 2014-15, mais son total de 14 est le plus bas d'un meilleur buteur depuis 1982. Le total de 62 buts de United était également le deuxième pire de l'ère de la Premier League. Saison 2015-2016 Le 26 août 2015, Rooney a mis fin à une séquence de 878 minutes sans but en marquant un triplé lors d'une victoire 4-0 (7-1 au total) contre le club belge de Bruges lors du match retour des barrages de la Ligue des champions. Il s'agissait de son premier triplé en compétition européenne depuis ses débuts avec United contre Fenerbahçe en 2004. Il a marqué lors d'une victoire 3-0 contre Everton le 17 octobre, le plaçant à 187 buts en Premier League, deuxième avec Andy Cole et derrière Alan Shearer. . Après une absence liée à une blessure, Rooney est revenu dans la formation de départ le 19 décembre, faisant sa 500e apparition à Manchester United lors d'une défaite 2-1 à domicile contre Norwich City. Le 2 janvier 2016, Rooney a marqué lors d'une victoire 2-1 contre Swansea pour devancer Cole en tant que deuxième meilleur buteur de tous les temps de la Premier League, et avec 238, il a surpassé Denis Law parmi les meilleurs buteurs de United de tous les temps, derrière seulement Bobby Charlton. 249. Quinze jours plus tard, il a marqué le seul but d'une victoire à Liverpool, son 176e but en championnat pour United, battant le record de Thierry Henry du plus grand nombre de buts pour un club de Premier League. Après avoir été exclu depuis le 13 février en raison d'une blessure au genou, Rooney est revenu dans la formation de départ lors d'une victoire 1-0 à domicile contre Aston Villa le 16 avril. Le 21 mai 2016, Rooney a été capitaine de Manchester United lors de la finale de la FA Cup 2016 contre Crystal Palace. Il a joué les 120 minutes complètes au milieu de terrain central, remportant la compétition pour la première fois de sa carrière après une victoire 2-1 en prolongation au stade de Wembley. Carrière internationale Début de carrière internationale et Euro 2004 Rooney était éligible pour représenter la République d'Irlande, par l'intermédiaire d'une grand-mère irlandaise. En 2015, il a confirmé qu'il avait rejeté une approche irlandaise à l'âge de 16 ans, se décrivant comme « anglais de bout en bout ». Rooney est devenu le plus jeune joueur à jouer pour l'Angleterre lorsqu'il a remporté sa première sélection lors d'une défaite amicale contre l'Australie au Boleyn Ground le 12 février 2003 à 17 ans et 111 jours, entrant en jeu à la mi-temps alors que le manager Sven-Göran Eriksson alignait un autre équipe dans chaque mi-temps. Le 6 septembre de la même année, âgé de 17 ans et 317 jours, il devient le plus jeune joueur à marquer pour l'Angleterre, égalisant lors d'une victoire 2-1 à l'extérieur contre la Macédoine lors d'un match de qualification pour l'UEFA Euro 2004. Sa première action en tournoi a eu lieu à l'UEFA Euro 2004, au cours duquel il est devenu le plus jeune buteur de l'histoire de la compétition le 17 juin 2004, lorsqu'il a marqué deux fois contre la Suisse ; cependant, ce record a été battu par le milieu de terrain suisse Johan Vonlanthen quatre jours plus tard. Rooney s'est blessé lors du match de quart de finale contre le Portugal et l'Angleterre a été éliminée aux tirs au but. Après avoir marqué quatre buts en quatre matches, Rooney a été nommé dans l'équipe du tournoi de l'UEFA. Coupes du monde 2006 et 2010 Suite à une blessure au pied lors d'un match de Premier League en avril 2006, Rooney s'est lancé dans une course à la forme physique pour la Coupe du Monde de la FIFA 2006. L'Angleterre a tenté d'accélérer sa récupération en utilisant une tente à oxygène, ce qui a permis à Rooney de participer à un match de groupe contre Trinité-et-Tobago et de débuter le prochain match contre la Suède. Cependant, il ne s'est jamais remis en forme et est resté sans but alors que l'Angleterre s'est inclinée en quarts de finale, toujours aux tirs au but. match L'Angleterre paie une pénalité pour le rouge de Rooney] The Observer, 2 juillet 2006 Rooney a reçu un carton rouge à la 62e minute du quart de finale pour avoir frappé le défenseur portugais Ricardo Carvalho alors que tous deux tentaient de prendre possession du ballon, un incident qui s'est produit juste devant l'arbitre Horacio Elizondo. bbc.co.uk/sport1/hi/football/world_cup_2006/teams/england/5130880.stm Le licenciement de Rooney étourdit l'Angleterre] BBC Sport, 1er juillet 2006. Le coéquipier de Rooney à Manchester United, Cristiano Ronaldo, a ouvertement protesté contre ses actions et a été à son tour bousculé par Rooney. . Elizondo a expulsé Rooney, après quoi Ronaldo a été vu faire un clin d'œil sur le banc du Portugal. Rooney a nié avoir intentionnellement ciblé Carvalho dans un communiqué du 3 juillet, ajoutant : "Je n'ai aucun ressentiment envers Cristiano mais je suis déçu qu'il ait choisi de s'impliquer. Je suppose que je dois cependant me rappeler qu'à cette occasion particulière, nous n'étaient pas des coéquipiers." Elizondo a confirmé le lendemain que Rooney avait été licencié uniquement pour l'infraction sur Carvalho. Rooney a été condamné à une amende de 5 000 CHF pour cet incident. Rooney a été le meilleur buteur de l'Angleterre lors de sa campagne de qualification pour la Coupe du Monde de la FIFA 2010 avec neuf buts ; un derrière le meilleur buteur de la section UEFA, le Grec Theofanis Gekas. Le 14 novembre 2009, Rooney a été capitaine de l'Angleterre pour la première fois lors d'un match amical d'avant-tournoi contre le Brésil. Lors de la Coupe du Monde de la FIFA 2010 en Afrique du Sud, l'Angleterre a fait match nul contre l'Algérie et les joueurs anglais ont été hués hors du terrain par suppo.

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Le fleuve Yalu forme une sorte de frontière naturelle entre la Chine et lequel de ses voisins ?

Corée du Nord

La rivière Yalu, également appelée rivière Amnok, est une rivière située à la frontière entre la Corée du Nord et la Chine. Avec le fleuve Tumen à l'est et une petite partie de la montagne Paektu, le Yalu forme la frontière entre la Corée du Nord et la Chine et est remarquable en tant que site impliqué dans les conflits militaires de la première guerre sino-japonaise, la guerre russo-japonaise. , la Seconde Guerre mondiale et la guerre de Corée. Nom Il existe deux versions concernant l'origine du nom de la rivière. Une version est que le nom dérive de « Yalv ula » en langue mandchoue. Le mot mandchou « Yalu » signifie « la frontière entre deux pays ». En chinois mandarin, « Yalu » se rapproche phonétiquement du mot mandchou original « Yalu », mais signifie littéralement « vert canard », qui aurait été autrefois la couleur de la rivière. L'autre version est que la rivière tire son nom de la combinaison de ses deux branches supérieures, appelées respectivement « Ya » et « Lu ». Géographie À partir de 2 500 m d'altitude sur le mont Paektu, à la frontière entre la Chine et la Corée du Nord, le fleuve coule vers le sud jusqu'à Hyesan avant de parcourir 130 km au nord-ouest jusqu'à Linjiang, puis de revenir sur une route plus au sud sur 300 km supplémentaires pour se jeter dans la baie de Corée entre Dandong (Chine) et Sinuiju (Corée du Nord). Les provinces chinoises limitrophes sont le Jilin et le Liaoning. La rivière mesure 795 km (493 mi) de long et reçoit l'eau de plus de 30 000 km² de terres. Les affluents les plus importants du Yalu sont les rivières Changjin (장진강/), Hochon (허천강/), Tokro (독로강/) et Ai (瑷河). La rivière n'est pas facilement navigable sur la majeure partie de sa longueur. La majeure partie de la rivière gèle en hiver et peut être traversée à pied. La profondeur de la rivière Yalu varie de certaines des parties les plus peu profondes du côté est de Hyesan (1 mètre) aux parties plus profondes de la rivière près de la mer Jaune (2,5 mètres). L'estuaire est le site de la zone importante pour les oiseaux de l'estuaire de la rivière Amrok, identifiée comme telle par BirdLife International. Il y a 205 îles sur le Yalu. Un traité frontalier de 1962 entre la Corée du Nord et la Chine a divisé les îles selon le groupe ethnique qui vivait sur chaque île. La Corée du Nord en possède 127 et la Chine 78. En raison des critères de division, certaines îles comme l'île de Hwanggumpyong appartiennent à la Corée du Nord mais jouxtent la rive chinoise du fleuve. Histoire Le bassin fluvial est le site où l’ancien royaume de Goguryeo a accédé au pouvoir. De nombreuses anciennes forteresses sont situées le long de la rivière et l'ancienne capitale de ce royaume était située dans ce qui est aujourd'hui la ville moyenne de Ji'an, Jilin, le long du Yalu, un site riche en reliques de l'ère Goguryeo. L'île de Wihwa, sur la rivière, est historiquement célèbre comme l'endroit où, en 1388, le général Yi Songgye (plus tard Taejo de Joseon) décida de faire reculer son armée vers le sud, jusqu'à Kaesong, dans la première d'une série de révoltes qui conduisirent finalement à la création de la Maison. de Yi. Le fleuve a été le théâtre de plusieurs batailles en raison de son emplacement stratégique entre la Corée et la Chine, notamment : * Bataille de la rivière Yalu (1894) – Première guerre sino-japonaise * Bataille de la rivière Yalu (1904) – Guerre russo-japonaise * Bataille près de la rivière Yalu (1950) – Guerre de Corée La rive coréenne du fleuve était fortement industrialisée pendant la période de domination japonaise (1910-1945) et, en 1945, près de 20 % de la production industrielle totale du Japon impérial provenait de Corée. Pendant la guerre de Corée, le mouvement des troupes des Nations Unies s'approchant du fleuve a précipité une intervention chinoise massive depuis les environs de Dandong. Au cours du conflit, tous les ponts traversant le fleuve, sauf un, ont été détruits. Le seul pont restant était le pont de l'amitié sino-coréenne reliant Sinuiju, en Corée du Nord, à Dandong, en Chine. Pendant la guerre, la vallée entourant l'extrémité ouest de la rivière est également devenue le point central d'une série de combats aériens pour la supériorité aérienne sur la Corée du Nord, ce qui lui a valu le surnom de « MiG Alley » en référence aux chasseurs MiG-15 pilotés par l'armée nord-coréenne. , forces chinoises et soviétiques. C'est l'avancée des forces de l'ONU pendant la guerre de Corée vers les Yalu qui a incité le président Mao Zedong à impliquer la Chine dans la guerre par crainte d'une invasion américaine, puisque renverser le communisme était l'un des objectifs déclarés des États-Unis et que Douglas MacArthur avait exprimé son désir d'élargir son champ d'action. la guerre en Chine. Le fleuve est fréquemment traversé par des Nord-Coréens fuyant vers la Chine depuis le début des années 1990. Économie Le fleuve est important pour l'énergie hydroélectrique, et l'un des plus grands barrages hydroélectriques d'Asie se trouve à Sup'ung Dam, haut de 106 m et long de plus de 850 m, situé en amont de Sinuiju, en Corée du Nord. Le barrage a créé un lac artificiel sur une partie de la rivière, appelé lac Sapung. De plus, la rivière est utilisée pour le transport, notamment du bois provenant de ses rives boisées. La rivière fournit du poisson à la population locale. En aval de Sup'ung se trouve le barrage de Taipingwan. En amont de Sup'ung se trouve le barrage de Yunfeng. Les deux barrages produisent également de l'énergie hydroélectrique. Traversées * Pont de l'amitié sino-coréenne, Dandong, Chine – Sinŭiju, Corée du Nord * Pont ferroviaire frontalier de la rivière Ji'an Yalu, Ji'an Chine – Manp'o, Corée du Nord * Nouveau pont sur la rivière Yalu, en construction entre Dandong, Chine et Sinŭiju, Corée du Nord

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Quel humoriste présente 8 chats sur 10 et Distraction ?

Jimmy Carr

8 Out of 10 Cats est un jeu de comédie télévisé britannique produit par Zeppotron (une filiale d'Endemol UK) pour Channel 4. Il a été diffusé pour la première fois le 3 juin 2005. L'émission est animée par Jimmy Carr et les capitaines actuels des équipes sont Sean Lock. et Jon Richardson. L'émission est basée sur des statistiques et des sondages d'opinion, et s'appuie sur des sondages produits par diverses organisations et sur de nouveaux sondages commandés pour le programme, réalisés par Harris Poll. Le titre est dérivé d'un slogan publicitaire bien connu pour la nourriture pour chats Whiskas, qui affirmait que « 8 chats sur 10 préfèrent les Whiskas ». Aperçu L'émission est animée par le comédien Jimmy Carr et présente deux équipes, composées chacune d'un capitaine d'équipe régulier et de deux invités célèbres. Sean Lock est apparu en tant que capitaine de la première équipe depuis le début de la série ; le capitaine adverse était à l'origine Dave Spikey, parti après la série 4 pour poursuivre d'autres projets et a été remplacé par Jason Manford. Manford est parti après la série 10 et a été remplacé par Jon Richardson pour la série 11. Chaque semaine, les capitaines sont rejoints par deux célébrités comme David Walliams et Alan Carr. Souvent, des célébrités d'actualité apparaissent dans l'émission, par exemple Ruth Badger après son apparition dans The Apprentice. L'émission est actuellement enregistrée aux Pinewood Studios, auparavant au BBC Television Centre, généralement la veille de la transmission. Cependant, ces dernières années, en raison du programme de stand-up de Jimmy Carr, certains épisodes sont préenregistrés et diffusés plus tard en tant qu'épisodes « spéciaux » traitant d'un sujet particulier. show_id=407 audiences sro] 2015 a été la seule année depuis le début de l'émission en 2005 au cours de laquelle aucune série complète n'a été diffusée. Deux émissions spéciales de Noël ont cependant été filmées pour être diffusées les 24 et 30 décembre 2015. 8 chats sur 10 font un compte à rebours a cependant été diffusé pour un total de 24 épisodes tout au long de 2015. Tours en cours Les tours actuels présentés sur 8 Out of 10 Cats sont : * "De quoi parles-tu?" – L’organisme de sondage a demandé au public de quoi il parlait au cours de la semaine. Les équipes doivent essayer de deviner les trois premiers. * "Choix des sondages" - Les équipes disposent de quatre images parmi lesquelles choisir et reçoivent un sondage basé sur cette image. * "Croyez-le ou non" - Les équipes reçoivent une statistique et tentent de deviner si elle est vraie ou fausse. * "Et le gagnant est..." – Les équipes reçoivent une question issue d'un sondage, puis elles essaient de deviner ce qui est arrivé en tête de ce sondage. * "Le sondage avec un trou" - chaque équipe reçoit une statistique mais il lui manque une information importante. Les équipes doivent deviner quelle est cette information. Jusqu'à la série 8, il y avait quatre tours pendant le jeu, mais il a depuis été réduit à trois. Souvent, les points ne s'additionnent pas correctement, car l'émission doit être montée pour tenir dans son créneau de 26 minutes. De la série 9, il existe une version plus longue de l'émission intitulée 8 Out of 10 Cats Uncut, diffusée quelques jours plus tard. Anciens tours Ces tours ne figuraient que dans la série 1 et les émissions spéciales Big Brother : * "Face Off" - Les équipes doivent deviner qui, parmi une liste de personnes célèbres, est arrivée en tête sur un sujet particulier. * "Association de mots" - Les équipes visionnent un clip illustrant un mot et doivent deviner les trois principales choses auxquelles les gens ont pensé en entendant ce mot. * « Quel est le sondage ? » – Les équipes reçoivent cinq personnages célèbres, image par image, et elles doivent deviner dans quel sondage elles sont apparues. 8 chats sur 10 font un compte à rebours Entre 2012 et 2016, plusieurs séries d'épisodes croisés entre 8 chats sur 10 et Countdown ont été diffusés. L'émission suit le format de Countdown, mais est animée par Jimmy Carr, avec les candidats permanents Sean Lock et Jon Richardson, ainsi que deux autres candidats invités. Autres promotions Le 4 janvier 2013, un épisode spécial de Deal or No Deal mettant en vedette Carr comme hôte aux côtés de Richardson et Lock a été diffusé lors d'une autre "soirée mash-up" de Channel 4, l'histoire derrière cela étant que Noel Edmonds avait été poussé à partir lorsque Derren Brown était Je jouais et je récupérais toutes les cases du plus bas au plus haut. Noel s'est enfui avec la boîte de 250 000 £, affirmant qu'il "avait tout dépensé pour sa chemise". Le personnel des coulisses a ensuite sorti un marteau et brisé la boîte « briser le verre pour Jimmy Carr », ce qui a produit un klaxon, qui a été utilisé pour appeler Carr sur le plateau. L'invité Joe Wilkinson a joué le rôle de l'assistant du banquier. Les invités étaient Nicola Adams, Rob Beckett, Gemma Collins, Mia Cross, Corinne Davies, Susie Dent, Matt Forde, John Fothergill, Stephen Frost, Nick Helm, Elis James, Dave Johns, Tony Law, Alice Levine, Mark Olver, Rachel Riley, John Robins, Katherine Ryan, Nong Skett, Andy Smart et Holly Walsh. Baladodiffusions Une série de podcasts a également été diffusée sur iTunes, avec du matériel directement tiré de l'émission pour plusieurs épisodes. Chaque podcast est généralement le cycle « De quoi parlez-vous » de cet épisode. Casting Épisodes Série originale Les fonds colorés désignent le résultat de chacune des séries : – Indique que l'équipe de Sean a gagné. – Indique que l'équipe de Dave/Jason/Jon a gagné. – Indique que la série s’est terminée par un match nul. Offres spéciales DVD 8 Out of 10 Cats: Claws Out est une collection de quatre-vingt-dix minutes des faits saillants des premières séries qui présente des scènes supprimées considérées comme trop offensantes pour être diffusées. Il est sorti le 20 novembre 2006.

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Nommez le jeu télévisé, présenté par Leslie Grantham et Melinda Messenger, dans lequel les participants devaient relever des défis physiques et mentaux ?

Fort Boyard

Leslie Michael Grantham (née le 30 avril 1947)[http://web.researcha.com/iccquery/detail/?did7374474&c uk Researcha.co.uk – UK Company and Company Director Reports] est un acteur anglais surtout connu pour son rôle de "Dirty" Den Watts dans le feuilleton de la BBC EastEnders. Grantham est également un meurtrier reconnu coupable, ayant purgé 10 ans de prison pour le meurtre d'un chauffeur de taxi ouest-allemand, et il a suscité une importante couverture médiatique à la suite d'un scandale sexuel en ligne en 2004. Début de la vie Grantham est né à Camberwell, Londres, fils d'Adélaïde (née Flinders) et de Walter William Grantham (1915-1998). Il était un joueur de netball prometteur dans sa jeunesse, représentant les écoles combinées du sud de Londres sous le nom de Wing Attack. Il s'engage dans le régiment des Royal Fusiliers de l'armée britannique en 1965, à l'âge de 18 ans. Condamnation pour meurtre Le 3 décembre 1966, Grantham a tenté de cambrioler un chauffeur de taxi, Felix Reese, à Osnabrück, en Basse-Saxe, en Allemagne de l'Ouest. Une bagarre entre Grantham et le conducteur a suivi et Reese est décédé des suites d'une blessure par balle à la tête. [http://www.bbc.co.uk/wiltshire/content/articles/2006/10/20/leslie_grantham_feature.shtml BBC – Wiltshire – À propos du Wiltshire – Entretien avec Leslie Grantham] Dans sa déclaration à la police suite à son arrestation, Grantham a affirmé qu'il ne savait pas que l'arme était chargée et qu'elle avait explosé pendant la bagarre, ce qui aurait abouti à une condamnation pour homicide involontaire si un jury avait cru cette version des événements. Cependant, lors de son procès en 1967, il fut par la suite reconnu coupable de meurtre et condamné à la réclusion à perpétuité. Bien qu'il ait commis le meurtre en Allemagne de l'Ouest, il a purgé la totalité de son emprisonnement dans diverses prisons britanniques. En effet, les soldats et officiers reconnus coupables de toute infraction pénale justifiant une peine de plus de deux ans sont automatiquement transférés au service pénitentiaire de Sa Majesté, puisqu'ils sont également automatiquement libérés pour déshonneur. Grantham a été libéré en 1977, après avoir purgé 10 ans. Alors qu'il était à la prison de Leyhill, il a joué dans plusieurs pièces de théâtre pour les détenus et le public et a édité le journal de la prison. Il a été encouragé à s'impliquer davantage dans le métier d'acteur par le politicien en disgrâce du Parti travailliste, T. Dan Smith, qui avait également été détenu à Leyhill au milieu des années 1970. Il a également rencontré l'actrice Louise Jameson lors de sa visite à Leyhill au milieu des années 1970 ; elle l'avait également encouragé à devenir comédien et il était devenu de bons amis avec elle. Carrière Premiers travaux À sa sortie de prison, Grantham a décidé de poursuivre une carrière d'acteur et s'est formé à la Webber Douglas Academy of Dramatic Art. Son travail théâtral comprenait un rôle dans une pièce de théâtre au Battersea Free Theatre écrite par le réalisateur de télévision Matthew Robinson. En 1982, Grantham a fait ses débuts à la télévision dans le rôle de Boollie dans une édition BBC2 Playhouse intitulée Jake's End. //www.wgazette.com/wint06-grantham.html Walford Gazette : Interview EXCLUSIVE de Leslie Grantham « Dirty Den ne peut pas revenir en arrière une troisième fois »] L'année suivante, il est apparu dans le rôle de Frank dans un épisode de la sitcom de courte durée Goodnight and Que Dieu vous bénisse. [http://www.comedy.co.uk/guide/tv/good_night_and_god_bless/episodes/1/2/ Bonne nuit et que Dieu vous bénisse – Épisode 1.2. Little Green Eyed Monster – British Comedy Guide] Grantham a ensuite été choisi par Matthew Robinson dans le rôle de Kiston, l'homme de main de Davros, dans une série Doctor Who de 1984, La Résurrection des Daleks. Il a également joué un sergent des transmissions dans l'épisode 12 de la mini-série télévisée The Jewel in the Crown. Il a également écrit une pièce intitulée A Reason To Live, qui a remporté le prix du Gloucester Drama Festival pour la meilleure pièce originale. En 1985, il fait une brève apparition dans le film Les abrutis venus de l'espace extra-atmosphérique, mais au moment de la sortie de ce film, Grantham était devenu célèbre dans un environnement tout à fait différent et avec un rôle beaucoup plus médiatisé. Premier passage à EastEnders En 1984, il auditionne avec la BBC pour un rôle dans son nouveau feuilleton EastEnders, diffusé en février 1985. Il est recommandé par Matthew Robinson, qui deviendra un membre clé de l'équipe de production d'EastEnders. Grantham avait auditionné pour le rôle du commerçant Pete Beale, mais il a obtenu le rôle de Dennis Watts. Le personnage, propriétaire de la maison publique de la reine Victoria, est rapidement devenu un favori national et a gagné le surnom de Dirty Den principalement en raison de la façon dont il traitait sa femme Angie, jouée par Anita Dobson, avec l'une de ses nombreuses aventures qui s'est notamment produite à l'âge de 39 ans, lorsque Den a engendré un enfant avec Michelle Fowler, 16 ans, interprétée par Susan Tully. Le jour de Noël 1986, le personnage de Grantham a remis à sa femme à l'écran des papiers de divorce, avec la célèbre phrase "Happy Christmas Ange". L'épisode a été regardé par un nombre record de 30 millions de téléspectateurs, soit plus de la moitié de la population britannique. En 1988, le personnage de Den Watts vendit son pub à Frank Butcher et s'éloigna progressivement des intrigues clés jusqu'à son départ définitif en février 1989, bien que ses dernières scènes aient été tournées l'automne précédent. Grantham avait annoncé son intention de quitter la série au début de 1988, à peu près au même moment où il était annoncé qu'Anita Dobson quitterait la série. Cependant, les patrons de la série n'avaient pas voulu subir le double coup de perdre ses deux plus grands personnages si proches l'un de l'autre et ont entrepris un bloc de tournage intensif qui permettrait à Den de rester à l'écran jusqu'en 1989, tout en permettant à Grantham de rester uniquement sur EastEnders. jusqu'à l'automne précédent. Den s'était impliqué dans The Firm au cours de l'été 1988 et sa seule option était de fuir la place. Après une période de détention provisoire et une évasion dramatique de la police et des membres de la Firme qui lui ont tendu une embuscade alors qu'il se rendait au tribunal, les téléspectateurs ont vu un mystérieux homme armé tirer sur Den avec une arme cachée dans un bouquet de jonquilles, avant d'entendre un éclaboussure. Un plan représentant la mort de Den a été coupé de la scène finale, dans l'espoir que Grantham pourrait un jour être persuadé de reprendre le rôle. L'année suivante, un corps que l'on croit être celui de Den a été retrouvé dans le canal. Autre travail De 1989 à 1990, il incarne Danny Kane dans la série télévisée policière The Paradise Club aux côtés de Don Henderson. Il est ensuite apparu dans de nombreuses autres séries télévisées telles que Cluedo dans le rôle du Colonel Mustard, The Detectives (1993) et 99-1 (1994-1995). En 1994, il a raconté le premier volume du classique érotique de Frank Harris, My Life and Loves. En 1997, il a produit et joué dans la mini-série de science-fiction The Uninvited. Il est ensuite devenu surtout connu en tant que co-animateur du jeu télévisé Fort Boyard aux côtés de Melinda Messenger qu'il a présenté de 1998 à 2001. Il a également retrouvé sa co-star d'EastEnders Anita Dobson dans un téléfilm unique intitulé The Stretch qui a été diffusé. sur ITV en 2000 et dans un film de gangsters britannique de 2004 intitulé Charlie. Retour à EastEnders Le 3 mai 2003, il a été confirmé que Grantham reviendrait à EastEnders plus tard cette année-là pour reprendre son rôle de Dirty Den. Le 29 septembre 2003, son retour à EastEnders a été diffusé. Den Watts, qui était apparu pour la dernière fois 14 ans plus tôt, est arrivé dans la discothèque appartenant désormais à sa fille adoptive Sharon. Le retour du personnage a permis à Grantham de remporter le plus gros chèque de paie du feuilleton britannique avec un contrat de 500 000 £ par an. Il a été révélé que Watts avait survécu à la fusillade et s'était enfui en Espagne avec l'aide de son ancienne maîtresse Jan Hammond, tandis que le corps retrouvé un an plus tard dans le canal avait été identifié à tort. Plus de 17 millions de personnes ont regardé l'un des événements télévisés les plus attendus de l'année, le lundi 29 septembre, alors que Den prononçait les célèbres mots « Bonjour, princesse ». Il y a eu beaucoup de spéculations dans les médias après le départ de Den quant à savoir si le personnage était réellement mort. Les patrons de la BBC ont déclaré que le retour de Den était à l'ordre du jour presque chaque année depuis le départ du personnage en 1989, et que la première offre de retour avait été faite dès 1991. Mais Grantham avait refusé toutes les offres de retour jusqu'à celle-ci. lui a fait au début de 2003, estimant que son personnage n'avait pas de liens adéquats avec la série pour qu'un retour soit autre chose qu'une tentative d'augmenter les audiences - en particulier lorsque la fille de Den, Sharon, était absente de la série de 1995 à 2001, quittant Den. sans aucune famille dans le casting. En 2003, cependant, sa fille Vicki avait rejoint le casting et un fils jusqu'alors inconnu appelé Dennis Rickman, joué par Nigel Harman, était également dans la série – le produit d'une liaison entre Den et une jeune femme appelée Paula Rickman, 30 ans plus tôt. (plus d'une décennie avant la création d'EastEnders). En décembre 2004, Dirty Den a organisé une arnaque pour récupérer le pub Queen Vic de Sam Mitchell, 16 ans après l'avoir vendu à Frank Butcher. Scandale sexuel en ligne En mai 2004, un journal du dimanche a publié des photographies de Grantham s'exposant et se masturbant tout en suçant son doigt d'une manière sexuellement suggestive via une webcam depuis sa loge à une journaliste infiltrée nommée "Amanda". Elle s'était connectée à MSN Messenger, se faisant appeler « Halo Polisher », et discutait bientôt avec Grantham qui se faisait appeler « kwanertoo », expliquant que c'était un jeu de mot branleur. Il se serait également habillé en capitaine Hook tout en se faisant plaisir, aurait partagé ses fantasmes sexuels sur les animaux et aurait insulté plusieurs acteurs d'EastEnders, dont Shane Richie, Wendy Richard, Kim Medcalf et Jessie Wallace. Grantham a publié une déclaration qui disait: "J'ai totalement honte de mon comportement et j'ai le sentiment d'avoir laissé tomber mes collègues, ainsi que mes amis et ma famille." Il a également ajouté : "En guise de petite récompense, j'ai l'intention de faire un don à une œuvre caritative en guise de mes excuses." Il a affirmé lors d'entretiens ultérieurs qu'il avait « été piégé ». Départ d’EastEnders En novembre 2004, il a été confirmé que Grantham quitterait EastEnders au cours de la nouvelle année. Les patrons ont déclaré que le personnage serait tué, mais cette fois "le couvercle du cercueil serait cloué". Le 19 février 2005, 16,2 millions de téléspectateurs ont assisté à la deuxième disparition de son personnage, cette fois aux mains de sa nouvelle épouse Chrissie, qui l'a frappé à la tête avec un arrêt de porte en fer en forme de chien après l'avoir attaqué lors d'une dispute. La vie après EastEnders : 2005-présent Grantham est depuis apparu dans deux tournées au Royaume-Uni de Beyond Reasonable Doubt, une adaptation scénique d'une pièce de Jeffrey Archer, aux côtés de Simon Ward et Alexandra Bastedo, et reste un méchant populaire de la pantomime de Noël. Il a réalisé et joué dans une pantomime de Peter Pan à l'Alban Arena de St. Albans à Noël 2005, qui a fait salle comble et a reçu d'excellentes critiques. Après que Grantham ait quitté EastEnders en 2005, il s'est prononcé publiquement contre la série, critiquant ses intrigues exagérées et tirées par les cheveux, affirmant "qu'il y avait un meurtre chaque semaine... ce n'est pas la vraie vie". En janvier 2005, un article de journal affirmait que Grantham était en train d'écrire son autobiographie, ce qu'il a nié. Cependant, en juin 2006, il a confirmé qu'il travaillait en fait sur le livre intitulé Life And Other Times, pour lequel Timewell Publishing lui avait proposé une « somme substantielle ». Le livre a été mis en vente dans les librairies du Royaume-Uni le 18 octobre 2006. En octobre 2006, il a été annoncé que, dans son premier rôle à la télévision depuis son départ d'EastEnders, il apparaîtrait dans la longue série dramatique policière d'ITV1, The Bill, jouant le rôle de Jimmy Collins, qui fuyait la prison. L'épisode a été diffusé le 8 février 2007. Il s'agissait de la deuxième apparition de Grantham dans The Bill puisqu'il était déjà apparu dans quelques épisodes en 1998, jouant également par hasard un autre personnage nommé Jimmy. En février 2007, il entame une tournée au Royaume-Uni avec la pièce de Donald Churchill, The Decorator. En avril 2007, il a été annoncé qu'il jouerait le soldat Walker dans une production scénique de Dad's Army, ce qui a amené le Daily Mail à commenter qu '«au moins, il y aura un membre de la distribution qui aura effectivement tiré sur un Allemand» - en référence à Assassinat par Grantham du chauffeur de taxi ouest-allemand environ 40 ans plus tôt. Il a contribué à EastEnders Revealed : Nick Cotton en décembre 2008, où il a parlé du retour et des sorties de son personnage au fil des ans, ainsi que de ceux de sa fille à l'écran Sharon Watts/Rickman. Il a fait un commentaire disant : « Qui sait, peut-être que je pourrai revenir ? Grantham a joué Abanazar dans Aladdin au White Rock Theatre de Hastings pour la saison de pantomime 2009. En février 2010, Grantham est apparu dans EastEnders : The Aftermath sur BBC Three pour marquer l'épisode en direct de l'émission et son 25e anniversaire. Il a été interviewé par Kirsten O'Brien depuis le bar du pub The Queen Victoria que son personnage possédait autrefois. Grantham a été choisi pour le rôle principal dans le thriller britannique DeadTime. Du 28 novembre au 11 décembre 2010, Grantham est apparu dans le rôle d'Ebenezer Scrooge dans la production de A Christmas Carol du Lincoln Theatre Royal. Il a interprété le personnage principal John dans la série télévisée bulgare. Le voisin anglais, basé sur le roman du même nom. En 2015, il est apparu dans le film Mob Handed (sortie 2016) réalisé par Liam Galvin dans le rôle d'un détective. Popularité Il avait joué une poignée de petits rôles dans d'autres programmes télévisés avant de rejoindre EastEnders, notamment Doctor Who, mais était pratiquement inconnu du public britannique lorsqu'il fit sa première apparition dans le rôle de Den Watts le 19 février 1985. Quatre jours plus tard, cependant, le Daily Mirror a révélé que Grantham avait passé une décennie derrière les barreaux pour avoir tué un chauffeur de taxi ouest-allemand. Il avait averti les patrons de la BBC de son passé criminel lorsqu'il avait accepté de rejoindre la nouvelle série à la fin de 1984, mais ils avaient juré de le soutenir même après que les médias eurent rendu public le passé de Grantham. Grantham s'était également porté volontaire pour quitter la série si ses collègues n'étaient pas satisfaits de lui, mais ils l'ont soutenu et il est resté dans la série pendant les quatre années suivantes. Le rôle de Grantham dans le rôle de Den Watts lui avait valu un statut emblématique parmi les fans de télévision au moment de son premier départ au début de 1989, et il s'est appuyé sur ce succès en apparaissant dans d'autres rôles télévisés de haut niveau au cours des années 1990, bien qu'aucun d'entre eux n'ait attiré l'attention médiatique ou la popularité du public dont il avait bénéficié en tant que Dirty Den. Le personnage de Dirty Den était encore une icône aux yeux de nombreux téléspectateurs au moment de son « retour d'entre les morts » en 2003, et Grantham était désormais l'un des acteurs les plus reconnaissables de la télévision britannique. La décision de ramener un personnage prétendument mort était controversée, mais elle a stimulé les chiffres d'audience d'EastEnders pendant un certain temps, et le personnage de Den a été au centre de nombreux scénarios notables pendant plusieurs mois après, même si une grande partie de 2004 et 2005 a vu les audiences d'EastEnders à leur plus bas niveau dans l'histoire de la série et leurs intrigues ont reçu de nombreuses critiques de la part des médias et des critiques, ce qui a prouvé que le personnage était loin du succès espéré par les patrons de la série. Le scandale sexuel sur Internet en mai 2004 a provoqué une grande honte publique sur Grantham, en particulier dans la presse tabloïd. Des appels constants ont été lancés pour son limogeage, mais il est revenu après deux mois de suspension sans solde. Le 5 novembre 2004, il a été confirmé que Grantham quitterait la série et que le personnage serait à nouveau tué – mais cette fois il n'y aurait pas de retour et « le couvercle du cercueil serait cloué ». menmedia.co.uk/tv_and_showbiz/s/136007_dirty_den_set_for_boot Dirty Den prêt à démarrer - Manchester Evening News] Den a finalement été tué en février 2005, et ce n'est qu'à l'automne de l'année suivante qu'il a affirmé que son retour à EastEnders ne durerait que 18 mois, à l'occasion du 20e anniversaire de la série. Den a été mentionné dans la série relancée de Doctor Who en 2006. Dans l'épisode "Army of Ghosts", le Docteur et d'autres regardent un morceau d'un épisode d'EastEnders dans lequel le fantôme de Den Watts est censé revenir au pub. Il lui est immédiatement demandé de partir avant que la chaîne ne soit changée. Il a également été mentionné dans Mock The Week par Andy Parsons lors de la série de scènes « improbables à entendre dans une émission de télévision » que nous aimerions voir, décrivant Grantham comme l'hôte de la Wank Week fictive de Channel 4. Pendant la période des fêtes de Noël 2007, Grantham est apparu dans la pantomime Dick Whittington, dans le rôle de « Dirty Rat ». Filmographie sélectionnée *Silenced : Georgi Markov and the Umbrella Murder (2013) – Narrateur (version anglaise) *Le voisin anglais (2011) – John *Le projet de loi (2007) – Jimmy Collins (1 épisode) *Charlie (2004)-Richard Waldeck *Heartbeat (2002) – George East (1 épisode) *L'étirement (2000) – Terry Greene *Bernard's Watch (1999) – M. Rattle (série 3 ; épisode 13) *Le projet de loi (1998) – Jimmy Smith (4 épisodes) *Fort Boyard (1998-2001) – Boyard *Les non invités (1997) – Philip Gates *Épisode long métrage de Wycliffe : La Danse des Scorpions (1997) – Patrick Durno *99-1 séries 1 et 2 (1994-95) – Mick Raynor *Les détectives (1993) – Danny Kane (1 épisode) *Cluedo (1993) – Colonel Mustard (6 épisodes) *Trame! (1992) – M. Flint (1 épisode) *La famille Grove (1991) – Bob Grove (1 épisode) *Le Paradise Club (1989-1990) – Danny Kane *Hélas Smith & Jones (1986) – (1 épisode) *EastEnders (1985-1989, 2003-2005) – "Dirty" Den Watts *Abrutis de l'espace extra-atmosphérique (1985) – policier des autoroutes *Dramarama (1984) – Le père de Mo (1 épisode) *Le joyau de la couronne (1984) – sergent des transmissions *Doctor Who : La Résurrection des Daleks (1984) – Kiston

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Qui a présenté Family Fortunes au cours des deux années entre Bob Monkhouse et Les Dennis ?

Max Bygraves

Family Fortunes est un jeu télévisé britannique basé sur le jeu télévisé américain Family Feud. Le programme a été diffusé sur ITV du 6 janvier 1980 au 6 décembre 2002, avant d'être relancé par la même chaîne en 2006 sous le titre de All Star Family Fortunes. Le jeu implique deux familles qui répondent à des « questions quotidiennes » interrogées par 100 membres du public britannique avant le spectacle (par exemple « Nommez quelque chose qui se fait habituellement dans le noir ») pour gagner des prix en espèces (et parfois des prix mystères pour avoir donné une réponse correcte). répondre). Les meilleures réponses aux enquêtes sont affichées sur un grand tableau électronique, connu à l'origine sous le nom de "M. Babbage", qui émet un effet sonore "Eh-uhh" de mauvaise réponse et le X qui l'accompagne pour signaler la grève, ainsi qu'un "Eh-uhh" ding" pour une bonne réponse). Hôtes et présentation Family Fortunes a d'abord été animé par le comédien Bob Monkhouse (1980-1983), puis par le chanteur et artiste Max Bygraves (1983-1985). Après avoir été reposée pendant toute l'année 1986, l'émission est revenue le 27 juin 1987 avec Les Dennis comme présentateur et a connu un succès constant pendant les 15 années suivantes. Elle a ensuite été déplacée des heures de pointe et est devenue une émission quotidienne de jour, animée par Andy Collins, mais elle n'a eu qu'une courte diffusion dans ce format avant d'être supprimée. En 2006, la série a été relancée avec Vernon Kay comme hôte et a été rebaptisée All Star Family Fortunes, chaque équipe étant composée d'une célébrité et de quatre membres de la famille. L'émission a également été retransmise aux heures de grande écoute. Les prix en argent sont reversés à un organisme de bienfaisance au choix de la célébrité, et les candidats sont soit des familles de célébrités, soit un groupe d'acteurs célèbres pour avoir joué une famille fictive. Plusieurs émissions spéciales de Noël de All Star Family Fortunes ont également été diffusées. Les aspects les plus emblématiques de l'émission sont le grand écran d'ordinateur, nommé "M. Babbage" par l'animateur original Bob Monkhouse et le célèbre son informatisé "Eh-uhh" utilisé lorsque de mauvaises réponses sont données. Les deux ont été conçus à l'origine pour paraître high-tech, mais sont depuis devenus affectueusement considérés comme étant tout le contraire (par rapport à l'US Feud original, qui utilise une carte vidéo depuis sa renaissance en 1999). Le nom d'écran de l'ordinateur « M. Babbage » était en hommage au mathématicien, philosophe, inventeur et ingénieur en mécanique anglais à l'origine du concept d'ordinateur programmable, Charles Babbage. Format Deux équipes familiales, chacune composée de cinq membres, sont invitées à deviner les résultats d'enquêtes dans lesquelles 100 personnes seraient posées à des questions ouvertes (par exemple « nous avons demandé à 100 personnes de nommer quelque chose associé au pays de Galles » ou « nous avons demandé à 100 personnes pour nommer une race de chien"). Bien que rarement reconnues dans le spectacle, les 100 personnes interrogées sont invariablement des membres du public qui se sont portés volontaires avant le spectacle. Chaque tour commence avec un membre de chaque famille (en rotation, ce qui signifie que tous les joueurs le font au moins une fois) s'approchant du podium. Au fur et à mesure que la question est lue, le premier des deux nominés à avoir sonné donne la réponse. Si ce n’est pas la réponse la plus populaire, la question est posée à l’autre candidat. La famille ayant la réponse la plus populaire choisit alors de « jouer » la question ou de « passer » le contrôle à l'autre famille. L'hôte transmet ensuite la ligne à l'équipe de contrôle, demandant une réponse à chacun. Après chaque réponse, le tableau révèle si cette réponse figurait. Dans le cas contraire, la famille se voit attribuer une grève et perd le contrôle du conseil d'administration après avoir accumulé trois grèves (également appelées retraits au bâton) au cours de la ronde. Si une famille parvient à trouver toutes les réponses à l'enquête (le plus souvent six au début de l'émission, en nombre réduit après la pause publicitaire) avant de se retirer, elle gagne le montant en livres du nombre total de personnes qui ont eu étant donné les réponses. Une frappe est marquée de la même manière qu'au bowling à dix quilles avec un X sur le plateau, accompagné d'un buzzer (le buzzer utilisé au Royaume-Uni et en Australie est différent de la version d'Atlanta). Dans les versions ultérieures avec un écran couleur, la frappe est marquée par une puce de frappe sur un autre jeu télévisé FremantleMedia aux États-Unis (The Price Is Right, du jeu de tarification 3 Strikes), avec un disque rouge comportant le X noir. la famille se retire, l'adversaire a la possibilité de « voler » en trouvant une réponse qui pourrait figurer parmi les disparus. Seul le chef de famille (le premier membre de la famille, le capitaine désigné) peut donner la réponse après concertation. Si cette réponse est présente, cette famille remporte la manche et on dit qu'elle a « volé » l'argent ; sinon, la famille qui a joué au tableau garde l'argent. Souvent, les hôtes ne qualifient pas les grèves de « grèves » ; ils diront plutôt qu'une « vie est perdue » et qu'il reste à la famille « deux vies » ou « une vie ». Double argent Après trois tours avant la pause publicitaire (deux tours dans la série 1), "Double Money" est joué. Le gameplay est le même que celui des premiers tours, mais chaque réponse vaut 2 £ pour chaque personne qui l'a dit, et il y a généralement moins de réponses possibles. La famille qui dépasse 300 £ (200 £ dans la série 1) joue d'abord à « Big Money » (connu dans certaines versions étrangères sous le nom de « Fast Money ») pour le jackpot. Dans la version relancée de 2006, il y avait trois tours du jeu principal et deux tours de double argent, puis la famille qui avait le plus d'argent après cela a continué à jouer à Big Money, qu'elle ait ou non atteint 300 £. Beaucoup d'argent Il s'agit de deux candidats (sur les cinq de l'équipe familiale, lors du renouveau de 2006 incluant la célébrité comme seconde) répondant à cinq questions qui correspondent à celles posées par les « 100 personnes interrogées », les questions étant posées dans un délai serré. . Le premier candidat répond aux cinq questions dans un délai de 15 secondes ; puis le deuxième concurrent (qui était hors de portée de voix) répond dans les 20 secondes (le temps supplémentaire est disponible au cas où le candidat répéterait une réponse déjà donnée). S'ils obtiennent 200 points ou plus sur les dix réponses, ils remportent le premier prix en espèces. À partir de 1994, un prix étoile bonus était disponible si les cinq réponses « meilleures » (les plus populaires) étaient trouvées et qu'elles avaient atteint 200 points ou plus. Si la famille ne gagnait pas 200 points, elle gagnait 2 £ par point, jusqu'à 398 £. Dans la version relancée de 2006, une perte rapportait 10 £ fois les points gagnés dans les parties initiales et finales, jusqu'à 1 990 £. Argent et prix Le premier prix en espèces de "Big Money" de la première série (1980) était de 1 000 £. À partir de la deuxième série (1981), le prix commençait à 1 000 £, puis augmentait de 500 £ par semaine si personne ne gagnait, jusqu'à une limite de 2 500 £ (3 000 £ à partir de 1982, auquel il pouvait rester pendant plus d'une semaine s'il persistait). n’a pas été gagné). Une fois gagné, il revient à 1 000 £ pour l'édition suivante. Dans la série de 1987, le montant commençait à 1 000 £, et s'il n'était pas gagné, il augmentait de 1 000 £ par semaine jusqu'à un maximum de 3 000 £. À partir de la série 1988, le prix a été stabilisé à 3 000 £. Après la suppression des limites de prix de l'IBA, le premier prix est passé à 5 000 £ à partir de 1996. Il ne faut cependant pas oublier que l'argent devait être partagé entre cinq personnes ; à la fin de sa diffusion, même le premier prix en espèces semblait relativement petit par rapport à ceux disponibles dans d'autres jeux télévisés tels que Qui veut gagner des millions ?. Entre 1994 et 1998, le prix étoile bonus était toujours une voiture. De 1998 à 2002, les participants avaient le choix entre une voiture ou des vacances. Les équipementiers automobiles étaient Honda en 1994, SEAT en 1995, puis Daewoo entre 1996 et 2002. Cependant, cela conduisait souvent l'émission à un anti-climax, car après avoir remporté le prix en espèces avec une ou plusieurs questions non révélées, le jeu devait continuer pour voir si le prix bonus avait également été gagné. Sinon, le spectacle s'est terminé sur un point bas, bien que la famille ait remporté le prix principal. Au cours de la brève diffusion diurne du programme en 2002, la valeur des prix a considérablement diminué. Si les participants marquaient plus de 200 points, ils gagnaient 1 000 £ et s'ils trouvaient 5 meilleures réponses en plus, ce montant était alors augmenté à 3 000 £. (Comme pour les prix précédents, les 3 000 £ ne pouvaient être gagnés qu'en plus des 200+ points) À partir de la deuxième série en 1981, des prix ponctuels étaient disponibles dans le jeu principal, apparaissant apparemment au hasard lorsque certaines réponses étaient trouvées. Il s'agissait généralement de centres de musique, de téléviseurs ou de magnétoscopes (ou, plus tard, de lecteurs DVD). Certains étaient plus peu orthodoxes, comme un an de bière, tandis que les mêmes courts séjours – un week-end de meurtre d'Agatha Christie, un séjour dans un spa ou des vacances sur un canal – étaient gagnés dans l'émission pendant de nombreuses années. Les acteurs actuels qui présentent les prix spot sont Neil Hurst et Louise Cole. [http://www.youtube.com/watch?v=pIbd56xfpto Neil Hurst - All Star Family Fortunes Spot Prizes - YouTube] La série 2006 propose un premier prix de 30 000 £. Les candidats célèbres peuvent gagner 10 000 £ pour avoir obtenu plus de 200 points dans « Big Money », augmentés à 30 000 £ pour avoir obtenu les cinq meilleures réponses. Les prix ponctuels sont restés mais ont été rarement remportés et étaient désormais davantage basés sur l'action, comme des cours de parapente. Ceux-ci sont remportés par d'autres membres de la famille, et non par la célébrité. Thème musical Le thème musical original a été utilisé de 1980 à 1985 et a été composé par Jack Parnell et David Lindup. C'était à l'époque de Bob Monkhouse et Max Bygraves. En 1987, lorsque Les Dennis est devenu l'animateur, un nouveau thème musical a été écrit par Mike Alexander. Même si les arrangements ont changé au fil des années, le thème reste toujours le même. La première version a été utilisée de 1987 à 1992, la deuxième (créditée sous le nom de Michael Alexander) de 1993 à 1999 et la troisième de 2000 à 2002 a été arrangée par Mike Woolmans. Le thème actuel, utilisé pour la première fois en 2006 lorsque Vernon Kay a pris la relève en tant qu'hôte d'une version célébrité, a été arrangé par Ash Alexander et Simon Darlow. Annonceurs Au fil des années, des annonceurs voix off de Family Fortunes ont été utilisés dans l'émission. Pour la première série de Bob Monkhouse, Max Bygraves et Les Dennis, l'annonceur était Andrew Lodge, tandis que Stephen Rhodes annonçait pendant la majeure partie de l'ère des Dennis jusqu'en 2000. De 2000 à 2002, c'était Peter Dickson, tandis que pour les 70 épisodes série de jour 2002, c'était la voix off de University Challenge Roger Tilling. Lisa I'Anson a été l'annonceuse de la première série de All Star Family Fortunes en 2006, faisant d'elle la première femme à occuper ce rôle, avant le retour de Peter Dickson à partir de 2007. Spéciaux TV Deux programmes spéciaux, présentés par Les Dennis, présentant des clips hilarants des époques Bob Monkhouse, Max Bygraves et Les Dennis du programme, ont été diffusés sur ITV. La première émission spéciale s'appelait Family Misfortunes en 2000, suivie de More Family Misfortunes en 2001. En 2002, un troisième programme spécial, présenté par Andy Collins, appelé Family Misfortunes 3 présentait des extraits uniquement des époques Les Dennis et Andy Collins du programme. Retour Marathon des jeux télévisés d'Ant & Dec Le 29 octobre 2005, Family Fortunes est revenu en tant que « grande finale » du Gameshow Marathon d'Ant & Dec, une série de reprises d'anciens jeux télévisés populaires d'ITV présentés pour marquer le 50e anniversaire de la chaîne et animés par ses présentateurs les plus omniprésents de ces dernières années. Dans cette émission, Carol Vorderman et Vernon Kay jouaient pour une œuvre caritative avec leurs propres familles, Vorderman finissant par gagner. Ironiquement, Kay serait choisie comme animatrice du nouveau All Star Family Fortunes (voir ci-dessous), dont un épisode présentait à nouveau Vorderman et sa famille jouant pour le même organisme de bienfaisance qu'avant. Fortune de la famille All Star Par la suite, Family Fortunes est revenu (sous le nom de All Star Family Fortunes) pour une série complète qui a débuté le 28 octobre 2006, avec Kay comme hôte, et des célébrités et leurs familles jouant au jeu, dans l'espoir de gagner jusqu'à 30 000 £ pour une œuvre caritative de leur choix. Un changement significatif par rapport à l'ancienne série a été l'utilisation d'un tableau d'affichage informatisé multicolore à la place de la version classique à LED jaune et noire. La seule autre fois où un tableau d'affichage en couleur a été utilisé, c'était en 1987 et 1988. de la même manière que les jetons 3 Strikes de The Price Is Right, chacun étant rouge avec un X noir. Un autre changement important (et plutôt étrange) est que même s'il y a toujours cinq membres de la famille pour chaque équipe, seuls quatre sont assurés de participer à un face-à-face. , similaire à la règle aux États-Unis depuis 2003 (où seuls trois joueurs sont assurés d'une mise au jeu, et le cinquième joueur ne participe à une mise au jeu avec réponse en or que si aucune des deux familles n'atteint 300), bien que le programme soit un 45- production d'une minute maintenant au lieu du créneau original de 30 minutes. Exemples de questions et réponses * Fait partie d'un ensemble hi-fi. Aiguille/Stéréo * Couleur de l'arc-en-ciel. Rouge orange * Sorte de soupe. Tomate/Légume * Pièce britannique. Pièce d'une livre/Penny * Pays commençant par A. Australie/Autriche/Afghanistan * Nom de la fille commençant par M. Mandy/Marlene (les deux ont marqué zéro point) Transmission Série De nombreux épisodes de Bob Monkhouse ont été effacés des archives, l'épisode 1 de la série 1, l'épisode 23 de la série 2, les épisodes 2 et 5 de la série 3 et les épisodes 1 à 12 et 15 à 26 de la série 4 ayant survécu à l'effacement, mais Bob Monkhouse a sauvegardé plus de 80 épisodes de sa collection de cassettes vidéo. Offres spéciales

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Sur quelle planète des lunes portent des noms de personnages shakespeariens ?

Uranus

Une planète est un objet astronomique en orbite autour d'une étoile ou d'un vestige stellaire qui * est suffisamment massif pour être arrondi par sa propre gravité, * n'est pas assez massif pour provoquer une fusion thermonucléaire, et * a débarrassé sa région voisine des planétésimaux. Cette définition est tirée de deux déclarations distinctes de l'AIU ; une définition formelle convenue par l'AIU en 2006 et une définition de travail informelle établie par l'AIU en 2001/2003 pour les objets en dehors du système solaire. La définition officielle de 2006 s'applique uniquement au système solaire, tandis que la définition de 2003 s'applique aux planètes autour d'autres étoiles. La question des planètes extrasolaires a été jugée trop complexe pour être résolue lors de la conférence de l'AIU de 2006. Le terme planète est ancien et a des liens avec l’histoire, l’astrologie, la science, la mythologie et la religion. Plusieurs planètes du système solaire sont visibles à l’œil nu. Ceux-ci étaient considérés par de nombreuses cultures anciennes comme divins ou comme émissaires de divinités. À mesure que les connaissances scientifiques progressaient, la perception humaine des planètes a changé, intégrant un certain nombre d’objets disparates. En 2006, l’Union Astronomique Internationale (UAI) a officiellement adopté une résolution définissant les planètes du système solaire. Cette définition est controversée car elle exclut de nombreux objets de masse planétaire en fonction de l'endroit ou de leur orbite. Bien que huit des corps planétaires découverts avant 1950 restent des « planètes » selon la définition moderne, certains corps célestes, tels que Cérès, Pallas, Junon et Vesta (chacune étant un objet de la ceinture d'astéroïdes solaires) et Pluton (le premier corps planétaire transneptunien) objet découvert), qui étaient autrefois considérées comme des planètes par la communauté scientifique, ne le sont plus. Ptolémée pensait que les planètes orbitaient autour de la Terre selon des mouvements déférents et épicycliques. Bien que l’idée selon laquelle les planètes tournaient autour du Soleil ait été suggérée à plusieurs reprises, ce n’est qu’au XVIIe siècle que cette vision a été étayée par les preuves des premières observations astronomiques télescopiques réalisées par Galileo Galilei. En analysant minutieusement les données d'observation, Johannes Kepler a découvert que les orbites des planètes n'étaient pas circulaires mais elliptiques. À mesure que les outils d’observation se sont améliorés, les astronomes ont constaté que, comme la Terre, les planètes tournaient autour d’axes inclinés et que certaines partageaient des caractéristiques telles que les calottes glaciaires et les saisons. Depuis l’aube de l’ère spatiale, l’observation attentive des sondes spatiales a révélé que la Terre et les autres planètes partagent des caractéristiques telles que le volcanisme, les ouragans, la tectonique et même l’hydrologie. Les planètes sont généralement divisées en deux types principaux : les grandes planètes géantes de faible densité et les petites planètes terrestres rocheuses. Selon les définitions de l'AIU, il y a huit planètes dans le système solaire. Par ordre de distance croissante au Soleil, ce sont les quatre planètes terrestres, Mercure, Vénus, la Terre et Mars, puis les quatre planètes géantes, Jupiter, Saturne, Uranus et Neptune. Six des planètes sont orbitées par un ou plusieurs satellites naturels. Plus de deux mille planètes autour d'autres étoiles (« planètes extrasolaires » ou « exoplanètes ») ont été découvertes dans la Voie Lactée. Depuis , des planètes extrasolaires connues dans des systèmes planétaires (y compris plusieurs systèmes planétaires), dont la taille varie de juste au-dessus de la taille de la Lune jusqu'à des géantes gazeuses environ deux fois plus grandes que Jupiter, parmi lesquelles plus de 100 planètes sont identiques. de la taille de la Terre, dont neuf sont à la même distance relative de leur étoile que la Terre du Soleil, c'est-à-dire dans la zone habitable. Le 20 décembre 2011, l'équipe du télescope spatial Kepler a annoncé la découverte des premières planètes extrasolaires de la taille de la Terre, Kepler-20e et Kepler-20f, en orbite autour d'une étoile semblable au Soleil, Kepler-20. Une étude de 2012, analysant les données de microlentilles gravitationnelles, estime en moyenne au moins 1,6 planètes liées pour chaque étoile de la Voie Lactée. On estime qu’environ une étoile semblable au Soleil sur cinq possède une planète de la taille de la Terre dans sa zone habitable. Histoire Le mot « planète » dérive du grec ancien ἀστήρ πλανήτης aster planētēs, ou πλάνης ἀστήρ planēs astēr, qui signifie « étoile errante », et faisait à l'origine référence aux objets du ciel nocturne qui se déplaçaient les uns par rapport aux autres, par opposition au « étoile errante ». étoiles fixes", qui maintenaient une position relative constante dans le ciel. L’idée des planètes a évolué au cours de son histoire, depuis les lumières divines de l’Antiquité jusqu’aux objets terrestres de l’ère scientifique. Le concept s’est élargi pour inclure des mondes non seulement dans le système solaire, mais aussi dans des centaines d’autres systèmes extrasolaires. Les ambiguïtés inhérentes à la définition des planètes ont donné lieu à de nombreuses controverses scientifiques. Les cinq planètes classiques, visibles à l’œil nu, sont connues depuis l’Antiquité et ont eu un impact significatif sur la mythologie, la cosmologie religieuse et l’astronomie ancienne. Dans les temps anciens, les astronomes remarquaient comment certaines lumières se déplaçaient dans le ciel par rapport aux autres étoiles. Les Grecs de l'Antiquité appelaient ces lumières (« étoiles errantes ») ou simplement (« vagabonds »), d'où le mot actuel « planète » est dérivé. Dans la Grèce antique, en Chine, à Babylone et dans toutes les civilisations prémodernes, il était presque universellement admis que la Terre était le centre de l’Univers et que toutes les « planètes » tournaient autour de la Terre. Les raisons de cette perception étaient que les étoiles et les planètes semblaient tourner autour de la Terre chaque jour et que la Terre était solide et stable et qu’elle ne bougeait pas mais était au repos. Babylone La première civilisation connue pour avoir une théorie fonctionnelle des planètes était celle des Babyloniens, qui vivaient en Mésopotamie aux premier et deuxième millénaires avant JC. Le texte astronomique planétaire le plus ancien survivant est la tablette babylonienne de Vénus d'Ammisaduqa, une copie du 7ème siècle avant JC d'une liste d'observations des mouvements de la planète Vénus, qui date probablement du deuxième millénaire avant JC. Le MUL.APIN est une paire de tablettes cunéiformes datant du 7ème siècle avant JC qui retracent les mouvements du Soleil, de la Lune et des planètes au cours de l'année. Les astrologues babyloniens ont également jeté les bases de ce qui allait devenir l’astrologie occidentale. L'Enuma anu enlil, écrit pendant la période néo-assyrienne au 7ème siècle avant JC, comprend une liste de présages et leurs relations avec divers phénomènes célestes, notamment les mouvements des planètes. Vénus, Mercure et les planètes extérieures Mars, Jupiter et Saturne ont toutes été identifiées par les astronomes babyloniens. Celles-ci resteront les seules planètes connues jusqu’à l’invention du télescope au début des temps modernes. Astronomie gréco-romaine Au début, les Grecs de l’Antiquité n’attachaient pas autant d’importance aux planètes que les Babyloniens. Les Pythagoriciens, aux 6ème et 5ème siècles avant JC, semblent avoir développé leur propre théorie planétaire indépendante, composée de la Terre, du Soleil, de la Lune et des planètes tournant autour d'un « feu central » au centre de l'Univers. Pythagore ou Parménide aurait été le premier à identifier l'étoile du soir (Hespéros) et l'étoile du matin (Phosphoros) comme une seule et même (Aphrodite, grec correspondant au latin Vénus). Au IIIe siècle avant JC, Aristarque de Samos proposa un système héliocentrique selon lequel la Terre et les planètes tournaient autour du Soleil. Le système géocentrique est resté dominant jusqu’à la Révolution scientifique. Au 1er siècle avant JC, pendant la période hellénistique, les Grecs avaient commencé à développer leurs propres schémas mathématiques pour prédire la position des planètes. Ces schémas, qui étaient basés sur la géométrie plutôt que sur l'arithmétique des Babyloniens, finiraient par éclipser les théories babyloniennes en termes de complexité et d'exhaustivité, et expliqueraient la plupart des mouvements astronomiques observés depuis la Terre à l'œil nu. Ces théories atteindront leur expression la plus complète dans l'Almageste écrit par Ptolémée au IIe siècle de notre ère. La domination du modèle de Ptolémée fut si complète qu'il supplanta tous les travaux antérieurs sur l'astronomie et resta le texte astronomique définitif dans le monde occidental pendant 13 siècles. Pour les Grecs et les Romains, il y avait sept planètes connues, chacune étant supposée tourner autour de la Terre selon les lois complexes énoncées par Ptolémée. Il s'agissait, par ordre croissant à partir de la Terre (dans l'ordre de Ptolémée) : la Lune, Mercure, Vénus, le Soleil, Mars, Jupiter et Saturne. Inde En 499 de notre ère, l'astronome indien Aryabhata a proposé un modèle planétaire qui intégrait explicitement la rotation de la Terre autour de son axe, qu'il explique comme la cause de ce qui semble être un mouvement apparent des étoiles vers l'ouest. Il croyait également que les orbites des planètes étaient elliptiques. Les adeptes d'Aryabhata étaient particulièrement nombreux dans le sud de l'Inde, où ses principes de rotation diurne de la Terre, entre autres, étaient suivis et où un certain nombre d'ouvrages secondaires étaient basés sur eux. En 1500, Nilakantha Somayaji de l'école d'astronomie et de mathématiques du Kerala, dans son Tantrasangraha, révisa le modèle d'Aryabhata. Dans son Aryabhatiyabhasya, un commentaire sur l'Aryabhatiya d'Aryabhata, il a développé un modèle planétaire où Mercure, Vénus, Mars, Jupiter et Saturne gravitent autour du Soleil, qui à son tour orbite autour de la Terre, similaire au système Tychonic proposé plus tard par Tycho Brahe à la fin du 16e siècle. . La plupart des astronomes de l'école du Kerala qui l'ont suivi ont accepté son modèle planétaire. Astronomie musulmane médiévale Au XIe siècle, le transit de Vénus fut observé par Avicenne, qui établit que Vénus se trouvait, au moins parfois, sous le Soleil. Au 12ème siècle, Ibn Bajjah a observé « deux planètes comme des points noirs sur la face du Soleil », qui ont ensuite été identifiées comme un transit de Mercure et de Vénus par l'astronome Maragha Qotb al-Din Shirazi au 13ème siècle. Ibn Bajjah n'a pas pu observer de transit de Vénus, car aucun transit ne s'est produit de son vivant. Renaissance européenne Avec l'avènement de la révolution scientifique, l'utilisation du terme « planète » a changé : il s'agissait désormais de quelque chose qui se déplaçait dans le ciel (par rapport au champ d'étoiles) ; à un corps qui tournait autour de la Terre (ou qui était censé le faire à l'époque) ; et au XVIIIe siècle, à quelque chose qui tournait directement autour du Soleil lorsque le modèle héliocentrique de Copernic, Galilée et Kepler a pris le dessus. Ainsi, la Terre a été incluse dans la liste des planètes, tandis que le Soleil et la Lune en ont été exclus. Au début, lorsque les premiers satellites de Jupiter et de Saturne furent découverts au XVIIe siècle, les termes « planète » et « satellite » étaient utilisés de manière interchangeable – même si ce dernier deviendra progressivement plus répandu au siècle suivant. Jusqu'au milieu du XIXe siècle, le nombre de « planètes » augmentait rapidement car tout objet nouvellement découvert en orbite directe autour du Soleil était répertorié comme planète par la communauté scientifique. 19ème siècle Au XIXe siècle, les astronomes ont commencé à se rendre compte que les corps récemment découverts et classés comme planètes depuis près d'un demi-siècle (comme Cérès, Pallas et Vesta) étaient très différents des corps traditionnels. Ces corps partageaient la même région de l’espace entre Mars et Jupiter (la ceinture d’astéroïdes) et avaient une masse beaucoup plus petite ; en conséquence, ils ont été reclassés comme « astéroïdes ». En l'absence de toute définition formelle, une « planète » en est venue à être comprise comme tout « grand » corps en orbite autour du Soleil. Parce qu’il existait un écart de taille considérable entre les astéroïdes et les planètes et que la vague de nouvelles découvertes semblait avoir pris fin après la découverte de Neptune en 1846, il n’était apparemment pas nécessaire d’avoir une définition formelle. 20ième siècle Au XXe siècle, Pluton a été découverte. Après que les premières observations aient laissé croire qu’il était plus grand que la Terre, l’objet a été immédiatement accepté comme la neuvième planète. Une surveillance plus approfondie a révélé que le corps était en réalité beaucoup plus petit : en 1936, Raymond Lyttleton a suggéré que Pluton pourrait être un satellite échappé de Neptune, et Fred Whipple a suggéré en 1964 que Pluton pourrait être une comète. Comme il était encore plus gros que tous les astéroïdes connus et qu’il ne semblait pas exister au sein d’une population plus importante, il a conservé son statut jusqu’en 2006. En 1992, les astronomes Aleksander Wolszczan et Dale Frail annonçaient la découverte de planètes autour d'un pulsar, PSR B1257+12. Cette découverte est généralement considérée comme la première détection définitive d'un système planétaire autour d'une autre étoile. Puis, le 6 octobre 1995, Michel Mayor et Didier Queloz de l'Observatoire de Genève annoncent la première détection définitive d'une exoplanète en orbite autour d'une étoile ordinaire de la séquence principale (51 Pegasi). La découverte de planètes extrasolaires a conduit à une autre ambiguïté dans la définition d’une planète : le moment où une planète devient une étoile. De nombreuses planètes extrasolaires connues ont une masse plusieurs fois supérieure à celle de Jupiter, se rapprochant de celle des objets stellaires appelés naines brunes. Les naines brunes sont généralement considérées comme des étoiles en raison de leur capacité à fusionner le deutérium, un isotope plus lourd de l'hydrogène. Bien que des objets plus massifs que 75 fois celui de Jupiter fusionnent de l’hydrogène, des objets de seulement 13 masses de Jupiter peuvent fusionner du deutérium. Le deutérium est assez rare et la plupart des naines brunes auraient cessé de fusionner le deutérium bien avant leur découverte, ce qui les rendrait impossibles à distinguer des planètes supermassives. 21e siècle Avec la découverte, au cours de la seconde moitié du XXe siècle, d'un plus grand nombre d'objets dans le système solaire et de grands objets autour d'autres étoiles, des différends ont surgi sur ce qui devrait constituer une planète. Il y avait des désaccords particuliers sur la question de savoir si un objet devait être considéré comme une planète s'il faisait partie d'une population distincte telle qu'une ceinture, ou s'il était suffisamment grand pour générer de l'énergie par la fusion thermonucléaire du deutérium. Un nombre croissant d'astronomes ont plaidé pour que Pluton soit déclassifiée en tant que planète, car de nombreux objets similaires approchant sa taille avaient été découverts dans la même région du système solaire (la ceinture de Kuiper) au cours des années 1990 et au début des années 2000. Il s’est avéré que Pluton n’était qu’un petit corps parmi une population de milliers d’habitants. Certaines d'entre elles, comme Quaoar, Sedna et Eris, ont été présentées dans la presse populaire comme la dixième planète, sans toutefois recevoir une large reconnaissance scientifique. L'annonce d'Eris en 2005, un objet alors considéré comme 27 % plus massif que Pluton, a créé la nécessité et le désir du public d'une définition officielle d'une planète. Consciente du problème, l'AIU a entrepris de créer une définition de planète et en a produit une en août 2006. Le nombre de planètes est tombé à huit corps nettement plus grands qui avaient dégagé leur orbite (Mercure, Vénus, Terre, Mars, Jupiter, Saturne, Uranus et Neptune), et une nouvelle classe de planètes naines a été créée, contenant initialement trois objets (Cérès, Pluton et Éris). Planètes extrasolaires Il n’existe pas de définition officielle des planètes extrasolaires. En 2003, le groupe de travail de l'Union astronomique internationale (AIU) sur les planètes extrasolaires a publié une déclaration de position, mais cette déclaration de position n'a jamais été proposée comme résolution officielle de l'AIU et n'a jamais été votée par les membres de l'AIU. L’énoncé de position intègre les lignes directrices suivantes, principalement axées sur la frontière entre les planètes et les naines brunes : # Les objets dont la masse réelle est inférieure à la masse limite pour la fusion thermonucléaire du deutérium (actuellement calculée à 13 fois la masse de Jupiter pour les objets ayant la même abondance isotopique que le Soleil) qui orbitent autour d'étoiles ou de restes stellaires sont des "planètes" (peu importe comment ils se sont formés). La masse et la taille minimales requises pour qu'un objet extrasolaire soit considéré comme une planète doivent être les mêmes que celles utilisées dans le système solaire. # Les objets substellaires dont la masse réelle est supérieure à la masse limite pour la fusion thermonucléaire du deutérium sont des « naines brunes », peu importe comment ils se sont formés ou où ils se trouvent. # Les objets flottant librement dans les jeunes amas d'étoiles avec des masses inférieures à la masse limite pour la fusion thermonucléaire du deutérium ne sont pas des "planètes", mais des "naines sous-brunes" (ou quel que soit le nom le plus approprié). Cette définition de travail a depuis été largement utilisée par les astronomes lors de la publication de découvertes d’exoplanètes dans des revues universitaires. Bien que temporaire, cette définition reste une définition de travail efficace jusqu'à ce qu'une définition plus permanente soit formellement adoptée. Il ne traite pas du différend sur la limite inférieure de masse et évite ainsi la controverse concernant les objets du système solaire. Cette définition ne fait également aucun commentaire sur le statut planétaire des objets en orbite autour de naines brunes, comme 2M1207b. Une définition d’une naine sous-brune est un objet de la masse d’une planète qui s’est formé par l’effondrement des nuages ​​plutôt que par l’accrétion. Cette distinction de formation entre une naine sub-brune et une planète n’est pas universellement acceptée ; les astronomes sont divisés en deux camps quant à savoir s'il convient de considérer le processus de formation d'une planète dans le cadre de sa division en matière de classification. L’une des raisons de cette dissidence est que, souvent, il n’est pas possible de déterminer le processus de formation. Par exemple, une planète formée par accrétion autour d'une étoile peut être éjectée du système pour devenir flottante, et de même, une naine sous-brune qui s'est formée d'elle-même dans un amas d'étoiles suite à l'effondrement d'un nuage peut être capturée en orbite autour d'une étoile. . Le seuil de masse de 13 Jupiter représente une masse moyenne plutôt qu’une valeur seuil précise. Les gros objets fusionneront la majeure partie de leur deutérium et les plus petits n'en fusionneront qu'un peu, et la valeur 13 se situe quelque part entre les deux. En effet, les calculs montrent qu'un objet fusionne 50 % de sa teneur initiale en deutérium lorsque sa masse totale est comprise entre 12 et 14 . La quantité de deutérium fondu dépend non seulement de la masse mais aussi de la composition de l'objet, de la quantité d'hélium et de deutérium présente. L'Encyclopédie des planètes extrasolaires comprend des objets jusqu'à 25 masses de Jupiter, en disant : "Le fait qu'il n'y ait aucune caractéristique particulière autour de 13 dans le spectre de masse observé renforce le choix d'oublier cette limite de masse." L'Exoplanet Data Explorer inclut des objets jusqu'à 24 masses de Jupiter avec l'avertissement suivant : "La distinction de 13 masses de Jupiter par le groupe de travail de l'IAU est physiquement non motivée pour les planètes à noyau rocheux et problématique sur le plan de l'observation en raison de l'ambiguïté du péché." Les archives des exoplanètes de la NASA comprennent des objets dont la masse (ou la masse minimale) est égale ou inférieure à 30 masses de Jupiter. Un autre critère pour séparer les planètes et les naines brunes, plutôt que la fusion du deutérium, le processus de formation ou l'emplacement, est de savoir si la pression du noyau est dominée par la pression coulombienne ou la pression de dégénérescence électronique. Définition de la planète par l'AIU en 2006 La question de la limite inférieure a été abordée lors de la réunion de 2006 de l'Assemblée générale de l'AIU. Après de nombreux débats et l'échec d'une proposition, 232 membres des 10 000 membres de l'assemblée, qui constituaient néanmoins une large majorité de ceux qui restaient à la réunion, ont voté en faveur d'une résolution. La résolution de 2006 définit les planètes du système solaire comme suit : Selon cette définition, le système solaire est considéré comme composé de huit planètes. Les corps qui remplissent les deux premières conditions mais pas la troisième (comme Cérès, Pluton et Éris) sont classés comme planètes naines, à condition qu'ils ne soient pas également les satellites naturels d'autres planètes. À l'origine, un comité de l'AIU avait proposé une définition qui aurait inclus un nombre beaucoup plus grand de planètes car elle n'incluait pas (c) comme critère. Après de nombreuses discussions, il a été décidé par un vote que ces corps devraient plutôt être classés comme planètes naines. Cette définition est basée sur les théories de la formation planétaire, dans lesquelles les embryons planétaires débarrassent initialement leur voisinage orbital d'autres objets plus petits. Comme le décrit l'astronome Steven Soter : "Le produit final de l'accrétion secondaire des disques est un petit nombre de corps relativement grands (planètes) sur des orbites non sécantes ou résonantes, qui empêchent les collisions entre eux. Les planètes mineures et les comètes, y compris les KBO [objets de la ceinture de Kuiper], diffèrent des planètes. en ce sens qu'ils peuvent entrer en collision les uns avec les autres et avec des planètes. La définition de l'AIU de 2006 présente certains défis pour les exoplanètes car le langage est spécifique au système solaire et parce que les critères de rondeur et de dégagement de la zone orbitale ne sont pas actuellement observables. L'astronome Jean-Luc Margot a proposé un critère mathématique qui détermine si un objet peut franchir son orbite pendant la durée de vie de son étoile hôte, en fonction de la masse de la planète, de son demi-grand axe et de la masse de son étoile hôte. Cette formule produit une valeur π supérieure à 1 pour les planètes. Les huit planètes connues et toutes les exoplanètes connues ont des valeurs π supérieures à 100, tandis que Cérès, Pluton et Éris ont des valeurs π de 0,1 ou moins. Les objets avec des valeurs π de 1 ou plus devraient également être approximativement sphériques, de sorte que les objets qui satisfont à l'exigence de dégagement de la zone orbitale satisfont automatiquement à l'exigence de rondeur. Objets autrefois considérés comme des planètes Le tableau ci-dessous répertorie les corps du système solaire autrefois considérés comme des planètes. Au-delà de la communauté scientifique, Pluton revêt toujours une importance culturelle pour de nombreuses personnes du grand public en raison de sa classification historique comme planète de 1930 à 2006. Quelques astronomes, comme Alan Stern, considèrent les planètes naines et les plus grandes lunes comme des planètes, sur une définition purement géophysique de la planète. Mythologie et dénomination Les noms des planètes du monde occidental dérivent des pratiques de dénomination des Romains, qui dérivent en fin de compte de celles des Grecs et des Babyloniens. Dans la Grèce antique, les deux grands luminaires, le Soleil et la Lune, étaient appelés Hélios et Séléné ; la planète la plus éloignée (Saturne) s'appelait Phainon, le méné ; suivi de Phaéton (Jupiter), « brillant » ; la planète rouge (Mars) était connue sous le nom de Pyroeis, la « fougueuse » ; la plus brillante (Vénus) était connue sous le nom de Phosphoros, le porteur de lumière ; et la dernière planète éphémère (Mercure) s'appelait Stilbon, la lueur. Les Grecs ont également rendu chaque planète sacrée pour l'un de leurs panthéons de dieux, les Olympiens : Hélios et Séléné étaient les noms à la fois des planètes et des dieux ; Phainon était sacré pour Cronos, le Titan qui engendra les Olympiens ; Phaéton était sacré pour Zeus, le fils de Cronos qui le déposa comme roi ; Pyroeis fut donné à Arès, fils de Zeus et dieu de la guerre ; Phosphoros était gouverné par Aphrodite, la déesse de l'amour ; et Hermès, messager des dieux et dieu du savoir et de l'esprit, régnait sur Stilbon. La pratique grecque consistant à greffer les noms de leurs dieux sur les planètes a presque certainement été empruntée aux Babyloniens. Les Babyloniens ont nommé Phosphoros d'après leur déesse de l'amour, Ishtar ; Pyroeis d'après leur dieu de la guerre, Nergal, Stilbon d'après leur dieu de la sagesse Nabu et Phaethon d'après leur dieu principal, Marduk. Il y a trop de concordances entre les conventions de dénomination grecques et babyloniennes pour qu’elles soient apparues séparément. La traduction n'était pas parfaite. Par exemple, le babylonien Nergal était un dieu de la guerre et les Grecs l’identifiaient donc à Arès. Contrairement à Ares, Nergal était aussi le dieu de la peste et des enfers. Aujourd’hui, la plupart des habitants du monde occidental connaissent les planètes sous des noms dérivés du panthéon des dieux olympien. Bien que les Grecs modernes utilisent encore leurs anciens noms pour les planètes, d’autres langues européennes, en raison de l’influence de l’Empire romain et, plus tard, de l’Église catholique, utilisent les noms romains (latins) plutôt que les noms grecs. Les Romains, qui, comme les Grecs, étaient Indo-européens, partageaient avec eux un panthéon commun sous des noms différents, mais il leur manquait les riches traditions narratives que la culture poétique grecque avait données à leurs dieux. Au cours de la dernière période de la République romaine, les écrivains romains ont emprunté une grande partie des récits grecs et les ont appliqués à leur propre panthéon, au point qu'ils sont devenus pratiquement impossibles à distinguer. Lorsque les Romains étudiaient l'astronomie grecque, ils donnaient aux planètes leurs propres noms de dieux : Mercure (pour Hermès), Vénus (Aphrodite), Mars (Arès), Iuppiter (Zeus) et Saturne (Cronos). Lorsque des planètes ultérieures furent découvertes aux XVIIIe et XIXe siècles, la pratique de dénomination fut conservée avec Neptūnus (Poséidon). Uranus est unique en ce sens qu'il porte le nom d'une divinité grecque plutôt que de son homologue romaine. Certains Romains, suivant une croyance peut-être originaire de Mésopotamie mais développée dans l'Égypte hellénistique, croyaient que les sept dieux dont les planètes portaient le nom se relayaient toutes les heures pour s'occuper des affaires sur Terre. L'ordre des changements était Saturne, Jupiter, Mars, Soleil, Vénus, Mercure, Lune (de la planète la plus éloignée à la plus proche). Ainsi, le premier jour a été commencé par Saturne (1ère heure), le deuxième jour par le Soleil (25ème heure), suivi de la Lune (49ème heure), Mars, Mercure, Jupiter et Vénus. Parce que chaque jour a été nommé par le dieu qui l'a commencé, c'est aussi l'ordre des jours de la semaine dans le calendrier romain après le rejet du cycle Nundinal – et encore préservé dans de nombreuses langues modernes. En anglais, samedi, dimanche et lundi sont des traductions simples de ces noms romains. Les autres jours ont été renommés d'après Tiw (mardi), Wóden (mercredi), Thunor (jeudi) et Fríge (vendredi), les dieux anglo-saxons considérés comme similaires ou équivalents à Mars, Mercure, Jupiter et Vénus, respectivement. La Terre est la seule planète dont le nom en anglais ne dérive pas de la mythologie gréco-romaine. Parce qu’elle n’a été généralement acceptée comme planète qu’au XVIIe siècle, il n’existe aucune tradition lui donnant le nom d’un dieu. (Il en va de même, du moins en anglais, pour le Soleil et la Lune, bien qu'ils ne soient généralement plus considérés comme des planètes.) Le nom provient du mot anglo-saxon erda du VIIIe siècle, qui signifie sol et a été utilisé pour la première fois. écrit comme nom de la sphère terrestre peut-être vers 1300. Comme ses équivalents dans les autres langues germaniques, il dérive finalement du mot proto-germanique ertho, « sol », comme on peut le voir dans l'anglais earth, l'allemand Erde, l'aarde hollandaise et le jord scandinave. De nombreuses langues romanes conservent l'ancien mot romain terra (ou une variante de celui-ci) qui signifiait « terre ferme » par opposition à « mer ». Les langues non romanes utilisent leurs propres mots natifs. Les Grecs conservent leur nom d'origine, Γή (Ge). Les cultures non européennes utilisent d'autres systèmes de dénomination planétaire. L'Inde utilise un système basé sur le Navagraha, qui intègre les sept planètes traditionnelles (Surya pour le Soleil, Chandra pour la Lune et Budha, Shukra, Mangala, Bṛhaspati| et Shani pour Mercure, Vénus, Mars, Jupiter et Saturne) et le nœuds lunaires ascendants et descendants Rahu et Ketu. La Chine et les pays d'Asie de l'Est historiquement soumis à l'influence culturelle chinoise (comme le Japon, la Corée et le Vietnam) utilisent un système de dénomination basé sur les cinq éléments chinois : l'eau (Mercure), le métal (Vénus), le feu (Mars), le bois ( Jupiter) et la Terre (Saturne). Dans l'astronomie hébraïque traditionnelle, les sept planètes traditionnelles ont (pour la plupart) des noms descriptifs - le Soleil est חמה Ḥammah ou "la chaude", la Lune est לבנה Levanah ou "la blanche", Vénus est כוכב נוגה Kokhav Nogah ou "la planète brillante", Mercure est כוכב Kokhav ou "la planète" (étant donné son manque de caractéristiques distinctives), Mars est מאדים Ma'adim ou "la rouge", et Saturne est שבתאי Shabbatai ou "celle qui se repose" (en référence à son mouvement lent par rapport aux autres planètes visibles). L’intrus est Jupiter, appelé צדק Tzedeq ou « justice ». Steiglitz suggère que cela pourrait être un euphémisme pour le nom original de כוכב בעל Kokhav Ba'al ou « la planète de Baal », considéré comme idolâtre et euphémisé de la même manière qu'Ishbosheth de II Samuel. Formation On ne sait pas avec certitude comment se forment les planètes. La théorie dominante est qu’ils se forment lors de l’effondrement d’une nébuleuse en un mince disque de gaz et de poussière. Une protoétoile se forme au noyau, entourée d'un disque protoplanétaire en rotation. Par accrétion (un processus de collision collante), les particules de poussière dans le disque accumulent régulièrement de la masse pour former des corps toujours plus grands. Des concentrations locales de masse appelées planétésimaux se forment, et celles-ci accélèrent le processus d'accrétion en attirant de la matière supplémentaire par leur attraction gravitationnelle. Ces concentrations deviennent de plus en plus denses jusqu'à ce qu'elles s'effondrent vers l'intérieur sous l'effet de la gravité pour former des protoplanètes. Lorsqu'une planète atteint une masse légèrement supérieure à celle de Mars, elle commence à accumuler une atmosphère étendue, augmentant considérablement le taux de capture des planétésimaux au moyen de la traînée atmosphérique. En fonction de l'historique d'accrétion des solides et des gaz, une planète géante, une géante de glace ou une planète tellurique peut en résulter. Lorsque la protoétoile a grandi de telle sorte qu'elle s'enflamme pour former une étoile, le disque survivant est retiré de l'intérieur vers l'extérieur par photoévaporation, le vent solaire, la traînée de Poynting-Robertson et d'autres effets. Par la suite, il peut encore y avoir de nombreuses protoplanètes en orbite autour de l'étoile ou les unes des autres, mais avec le temps, plusieurs entreront en collision, soit pour former une seule planète plus grande, soit pour libérer de la matière que d'autres protoplanètes ou planètes plus grandes pourront absorber. Les objets devenus suffisamment massifs capteront la majeure partie de la matière dans leur voisinage orbital pour devenir des planètes. Les protoplanètes qui ont évité les collisions peuvent devenir des satellites naturels de planètes grâce à un processus de capture gravitationnelle, ou rester dans des ceintures d'autres objets pour devenir soit des planètes naines, soit de petits corps. Les impacts énergétiques des petits planétésimaux (ainsi que la désintégration radioactive) réchaufferont la planète en croissance, la faisant fondre au moins partiellement. L’intérieur de la planète commence à se différencier en masse, développant un noyau plus dense. Les petites planètes telluriques perdent la plupart de leur atmosphère à cause de cette accrétion, mais les gaz perdus peuvent être remplacés par les dégazages du manteau et par l'impact ultérieur des comètes. (Les planètes plus petites perdront toute atmosphère qu’elles gagnent grâce à divers mécanismes d’évasion.) Avec la découverte et l'observation de systèmes planétaires autour d'étoiles autres que le Soleil, il devient possible d'élaborer, de réviser, voire de remplacer ce récit. On pense désormais que le niveau de métallicité – un terme astronomique décrivant l’abondance d’éléments chimiques ayant un numéro atomique supérieur à 2 (hélium) – détermine la probabilité qu’une étoile ait des planètes. Par conséquent, on pense qu’une étoile de population I riche en métaux aura probablement un système planétaire plus substantiel qu’une étoile de population II pauvre en métaux. Système solaire Il y a huit planètes dans le système solaire, qui sont de plus en plus éloignées du Soleil : # Mercure # Vénus # Terre # Mars # Jupiter # Saturn #Uranus #Neptune Jupiter est la plus grande, avec 318 masses terrestres, tandis que Mercure est la plus petite, avec 0,055 masse terrestre. Les planètes du système solaire peuvent être divisées en catégories en fonction de leur composition : * Terrestres : Planètes semblables à la Terre, dont les corps sont en grande partie composés de roches : Mercure, Vénus, la Terre et Mars. Avec 0,055 masse terrestre, Mercure est la plus petite planète tellurique (et la plus petite planète) du système solaire. La Terre est la plus grande planète terrestre. * Planètes géantes (Joviennes) : Planètes massives nettement plus massives que les terrestres : Jupiter, Saturne, Uranus, Neptune. ** Les géantes gazeuses, Jupiter et Saturne, sont des planètes géantes principalement composées d'hydrogène et d'hélium et sont les planètes les plus massives du système solaire. Jupiter, avec 318 masses terrestres, est la plus grande planète du système solaire, et Saturne est un tiers de sa masse, avec 95 masses terrestres. ** Les géantes de glace, Uranus et Neptune, sont principalement composées de matériaux à faible point d'ébullition comme l'eau, le méthane et l'ammoniac, avec des atmosphères épaisses d'hydrogène et d'hélium. Leur masse est nettement inférieure à celle des géantes gazeuses (seulement 14 et 17 masses terrestres). Attributs planétaires Exoplanètes Une exoplanète (planète extrasolaire) est une planète située en dehors du système solaire. Plus de 2000 planètes de ce type ont été découvertes (planètes dans des systèmes planétaires, y compris plusieurs systèmes planétaires à partir de ). Début 1992, les radioastronomes Aleksander Wolszczan et Dale Frail ont annoncé la découverte de deux planètes en orbite autour du pulsar PSR 1257+12. Cette découverte a été confirmée et est généralement considérée comme la première détection définitive d'exoplanètes. On pense que ces planètes pulsars se sont formées à partir des restes inhabituels de la supernova qui a produit le pulsar, lors d'un deuxième cycle de formation de planètes, ou bien sont les noyaux rocheux restants des planètes géantes qui ont survécu à la supernova et se sont ensuite désintégrées dans leurs orbites actuelles. . La première découverte confirmée d'une planète extrasolaire en orbite autour d'une étoile ordinaire de la séquence principale a eu lieu le 6 octobre 1995, lorsque Michel Mayor et Didier Queloz de l'Université de Genève ont annoncé la détection d'une exoplanète autour de 51 Pegasi. Depuis lors jusqu'à la mission Kepler, les planètes extrasolaires les plus connues étaient des géantes gazeuses comparables en masse à Jupiter ou plus grandes car elles étaient plus faciles à détecter. Le catalogue des planètes candidates à Kepler se compose principalement de planètes de la taille de Neptune et plus petites, voire plus petites que Mercure. Il existe des types de planètes qui n'existent pas dans le système solaire : les super-Terres et

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Qui a écrit la trilogie de livres Bourne, adaptée en films avec Matt Damon ?

Robert Ludlum

« Bourne » est une série de trois romans de Robert Ludlum basés sur l'espion fictif Jason Bourne. La série a depuis été prolongée par Eric Van Lustbader après la mort de Robert Ludlum. Des romans Les trois romans originaux de Ludlum sur Bourne sont : *L'identité Bourne (1980) *La suprématie Bourne (1986) *L'ultimatum de Bourne (1990) Les romans de suite de Van Lustbader sont : *L'héritage Bourne (2004) *La trahison de Bourne (2007) *La sanction Bourne (2008) *La tromperie Bourne (2009) *L'objectif Bourne (2010) *Le Domaine Bourne (2011) *L'impératif de Bourne (2012) *Le châtiment Bourne (2013) *L'Ascendance Bourne (2014) *L'énigme Bourne (2016) Films The Bourne Identity a été adapté en action réelle à deux reprises. La première adaptation est un téléfilm de 1988 mettant en vedette Richard Chamberlain et Jaclyn Smith. Le second est une série de longs métrages de 2002 mettant en vedette Matt Damon, qui s'est avérée être un fort succès critique et commercial, lançant la série de films Bourne, composée de cinq films, le cinquième étant sorti sur grand écran le 29 juillet 2016.

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La Bible parle de trois mages rendant visite à Jésus après sa naissance, mais dans lequel des Évangiles cela apparaît-il ?

Matthieu

La Bible (du grec Koine τὰ βιβλία, tà biblía, « les livres ») est un recueil de textes sacrés dans le judaïsme et le christianisme. Il s'agit d'un recueil d'écritures écrites à différentes époques par différents auteurs et dans différents lieux. Les juifs et les chrétiens considèrent les livres de la Bible comme un produit d’inspiration divine ou comme un récit faisant autorité sur la relation entre Dieu et les humains. La Bible canonique varie selon les traditions ou les groupes ; un certain nombre de canons bibliques ont évolué, avec des contenus qui se chevauchent et divergent. L'Ancien Testament chrétien chevauche la Bible hébraïque et la Septante grecque ; la Bible hébraïque est connue dans le judaïsme sous le nom de Tanakh. Le Nouveau Testament est un recueil d’écrits rédigés par les premiers chrétiens, considérés pour la plupart comme des disciples juifs du Christ, rédigés en grec koine du premier siècle. Ces premiers écrits grecs chrétiens se composent de récits, de lettres et d’écrits apocalyptiques. Parmi les confessions chrétiennes, il existe des désaccords sur le contenu du canon, principalement dans les Apocryphes, une liste d'œuvres considérées avec différents niveaux de respect. Les attitudes envers la Bible varient également selon les groupes chrétiens. Les catholiques romains, les anglicans et les chrétiens orthodoxes orientaux soulignent l'harmonie et l'importance de la Bible et de la tradition sacrée, tandis que les églises protestantes se concentrent sur l'idée de sola scriptura, ou de l'écriture seule. Ce concept est apparu pendant la Réforme protestante, et de nombreuses confessions continuent aujourd'hui de soutenir l'utilisation de la Bible comme seule source d'enseignement chrétien. Avec des ventes totales estimées à plus de 5 milliards d’exemplaires, la Bible est largement considérée comme le livre le plus vendu de tous les temps. Ses ventes annuelles sont estimées à 100 millions d'exemplaires et ont eu une influence majeure sur la littérature et l'histoire, notamment en Occident, où la Bible de Gutenberg a été le premier livre imprimé en masse. Il s'agit du premier livre jamais imprimé à caractères mobiles. Étymologie Le mot anglais Bible vient du latin biblia, du même mot en latin médiéval et en latin tardif et finalement du grec koine ta biblia « les livres » (singulier biblion). Le latin médiéval biblia est l'abréviation de biblia sacra « livre saint », tandis que biblia en grec et en latin tardif est un pluriel neutre (gen. bibliorum). Il est progressivement devenu considéré comme un nom féminin singulier (biblia, gen. bibliae) dans le latin médiéval, et ainsi le mot a été prêté au singulier dans les langues vernaculaires de l'Europe occidentale. Le latin biblia sacra « livres saints » traduit le grec ta biblia ta hagia, « les livres saints ». Le mot lui-même avait le sens littéral de « papier » ou de « parchemin » et a fini par être utilisé comme mot ordinaire pour « livre ». C'est le diminutif de byblos, « papyrus égyptien », peut-être ainsi appelé du nom du port maritime phénicien Byblos (également connu sous le nom de Gebal) d'où le papyrus égyptien était exporté vers la Grèce. Le grec ta biblia (lit. « petits livres de papyrus ») était « une expression utilisée par les Juifs hellénistiques pour décrire leurs livres sacrés (la Septante). L'utilisation chrétienne du terme remonte à environ 223 de notre ère. Le bibliste F.F. Bruce note que Chrysostome semble être le premier écrivain (dans ses Homélies sur Matthieu, prononcées entre 386 et 388) à utiliser l'expression grecque ta biblia (« les livres ») pour décrire ensemble l'Ancien et le Nouveau Testament. Histoire textuelle Au IIe siècle avant notre ère, les groupes juifs appelaient les livres bibliques les « écritures » et les qualifiaient de « saintes », ou en hébreu כִּתְבֵי הַקֹּדֶשׁ (Kitvei hakkodesh), et les chrétiens appellent maintenant communément l'Ancien et le Nouveau Testament de la Bible chrétienne. « La Sainte Bible » (en grec, tà biblía tà ágia) ou « les Saintes Écritures » (, e Agía Graphḗ). La Bible a été divisée en chapitres au 13ème siècle par Stephen Langton et en vers au 16ème siècle par l'imprimeur français Robert Estienne et est maintenant généralement citée par livre, chapitre et vers. La plus ancienne copie existante d'une Bible complète est un livre sur parchemin du début du IVe siècle conservé dans la Bibliothèque du Vatican et connu sous le nom de Codex Vaticanus. La copie la plus ancienne du Tanakh en hébreu et en araméen date du 10ème siècle de notre ère. La copie la plus ancienne d'une Bible latine complète (Vulgate) est le Codex Amiatinus, datant du 8ème siècle. Développement Le professeur John K. Riches, professeur de théologie et de critique biblique à l'Université de Glasgow, déclare dans une introduction à la Bible d'Oxford University Press que « les textes bibliques eux-mêmes sont le résultat d'un dialogue créatif entre des traditions anciennes et différentes communautés à travers le époques", et "les textes bibliques ont été produits sur une période au cours de laquelle les conditions de vie des écrivains – politiques, culturelles, économiques et écologiques – variaient énormément". Timothy H. Lim, professeur de Bible hébraïque et de judaïsme du Second Temple à l'Université d'Édimbourg, affirme que l'Ancien Testament est « une collection de textes faisant autorité, d'origine apparemment divine, qui ont subi un processus humain d'écriture et d'édition ». Il déclare qu’il ne s’agit pas d’un livre magique et qu’il n’a pas été littéralement écrit par Dieu et transmis à l’humanité. Parallèlement à la solidification du canon hébreu (vers le IIIe siècle avant notre ère), seules la Torah d'abord, puis le Tanakh, ont commencé à être traduits en grec et développés, maintenant appelés la Septante ou l'Ancien Testament grec. Dans les Bibles chrétiennes, les Évangiles du Nouveau Testament sont issus de traditions orales de la seconde moitié du premier siècle de notre ère. Riches dit que : Les chercheurs ont tenté de reconstruire quelque chose de l’histoire des traditions orales derrière les Évangiles, mais les résultats n’ont pas été très encourageants. La période de transmission est courte : moins de 40 ans se sont écoulés entre la mort de Jésus et la rédaction de l'Évangile de Marc. Cela signifie que les traditions orales ont eu peu de temps pour prendre une forme fixe. La Bible a ensuite été traduite en latin et dans d’autres langues. John Riches déclare que : La traduction de la Bible en latin marque le début d’une séparation entre le christianisme latin occidental et le christianisme oriental, qui parlait grec, syriaque, copte, éthiopien et d’autres langues. Les Bibles des Églises orientales varient considérablement : le canon orthodoxe éthiopien comprend 81 livres et contient de nombreux textes apocalyptiques, tels que ceux trouvés à Qumran et par la suite exclus du canon juif. En règle générale, on peut dire que les Églises orthodoxes suivent généralement la Septante en incluant plus de livres dans leur Ancien Testament que dans le canon juif. Bible hébraïque Le texte massorétique est le texte hébreu faisant autorité de la Bible hébraïque, ou Tanakh. Il définit les livres du canon juif, ainsi que les lettres-textes précises de ces livres bibliques, avec leur vocalisation et leur accentuation. Les plus anciens manuscrits existants du texte massorétique datent d'environ le 9ème siècle de notre ère, et le Codex d'Alep (autrefois la plus ancienne copie complète du texte massorétique, mais il manque désormais sa section de la Torah) date du 10ème siècle. Le nom Tanakh (hébreu : ) reflète la triple division des Écritures hébraïques, Torah (« Enseignement »), Nevi'im (« Prophètes ») et Ketuvim (« Écrits »). Torah La Torah (תּוֹרָה) est également connue sous le nom de « Cinq Livres de Moïse » ou Pentateuque, signifiant « cinq étuis à parchemins ». Les noms hébreux des livres dérivent des premiers mots des textes respectifs. La Torah se compose des cinq livres suivants : * Genèse, Beresheth * Exode, Shemot (noms) * Lévitique, Vayikra * Nombres, Bamidbar (במדבר) * Deutéronome, Devarim (דברים) Les onze premiers chapitres de la Genèse racontent la création (ou l'organisation) du monde et l'histoire des premières relations de Dieu avec l'humanité. Les trente-neuf chapitres restants de la Genèse rendent compte de l'alliance de Dieu avec les patriarches bibliques Abraham, Isaac et Jacob (également appelés Israël) et les enfants de Jacob, les « enfants d'Israël », en particulier Joseph. Il raconte comment Dieu a ordonné à Abraham de quitter sa famille et sa maison dans la ville d’Ur, pour finalement s’installer dans le pays de Canaan, et comment les enfants d’Israël ont ensuite déménagé en Égypte. Les quatre autres livres de la Torah racontent l’histoire de Moïse, qui vécut des centaines d’années après les patriarches. Il conduit les enfants d’Israël depuis l’esclavage dans l’Égypte ancienne jusqu’au renouvellement de leur alliance avec Dieu au mont Sinaï et à leurs pérégrinations dans le désert jusqu’à ce qu’une nouvelle génération soit prête à entrer dans le pays de Canaan. La Torah se termine avec la mort de Moïse. La Torah contient les commandements de Dieu, révélés au Mont Sinaï (bien qu'il y ait un certain débat parmi les érudits traditionnels quant à savoir si ceux-ci ont tous été écrits en une seule fois, ou sur une période de temps au cours des 40 années d'errance dans le désert, alors que plusieurs mouvements juifs modernes rejettent l'idée d'une révélation littérale, et que des érudits critiques estiment que bon nombre de ces lois se sont développées plus tard dans l'histoire juive). Ces commandements constituent la base de la loi religieuse juive. La tradition affirme qu’il existe 613 commandements (taryag mitsvot). Nevi'im Nevi'im (« Prophètes ») est la deuxième division principale du Tanakh, entre la Torah et Ketuvim. Il contient deux sous-groupes, les anciens prophètes (les livres narratifs de Josué, des Juges, de Samuel et des Rois) et les derniers prophètes (les livres d'Isaïe, de Jérémie et d'Ézéchiel et les douze prophètes mineurs). Les Nevi'im racontent l'histoire de la montée de la monarchie hébraïque et de sa division en deux royaumes, l'ancien Israël et Juda, en se concentrant sur les conflits entre les Israélites et d'autres nations, et les conflits entre Israélites, en particulier les luttes entre les croyants au « Dieu ». " et les croyants en dieux étrangers, et la critique du comportement contraire à l'éthique et injuste des élites et des dirigeants israélites ; dans lequel les prophètes ont joué un rôle crucial et de premier plan. Elle se termine par la conquête du royaume d'Israël par les Assyriens suivie de la conquête du royaume de Juda par les Babyloniens et de la destruction du Temple de Jérusalem. Anciens prophètes Les anciens prophètes sont les livres Josué, Juges, Samuel et Rois. Ils contiennent des récits qui commencent immédiatement après la mort de Moïse avec la nomination divine de Josué comme son successeur, qui conduit ensuite le peuple d'Israël dans la Terre promise, et se terminent avec la libération de l'emprisonnement du dernier roi de Juda. Traitant Samuel et Kings comme des livres uniques, ils couvrent : * La conquête par Josué du pays de Canaan (dans le Livre de Josué), * la lutte du peuple pour posséder la terre (dans le Livre des Juges), * la demande du peuple à Dieu de lui donner un roi pour qu'il puisse occuper le pays face à ses ennemis (dans les Livres de Samuel) * la possession de la terre sous les rois divinement nommés de la maison de David, se terminant par la conquête et l'exil à l'étranger (Livres des Rois) Derniers prophètes Les derniers prophètes sont divisés en deux groupes, les prophètes « majeurs », Isaïe, Jérémie et Ézéchiel, et les douze prophètes mineurs, rassemblés dans un seul livre. La collection est divisée pour former douze livres individuels dans l'Ancien Testament chrétien, un pour chacun des prophètes : * Osée, Osée (הושע) * Joël, Joël (יואל) * Amos, Amos (עמוס) * Abdias, Ovadyah * Jonas, Yona * Michée, Mikhah (Michée) *Nahum, Nahum * Habacuc, Havakuk (Habacuc) * Sophonie, Tsefanya (Sophonie) * Aggée, Khagay * Zacharie, Zekharyah * Malachie, Malakhi Kétuvim Ketuvim ou Kəṯûḇîm (dans « écrits ») est la troisième et dernière section du Tanakh. On pense que les Ketuvim ont été écrits sous le Ruach HaKodesh (le Saint-Esprit), mais avec un niveau d'autorité inférieur à celui de la prophétie. Les livres poétiques Dans les manuscrits massorétiques (et certaines éditions imprimées), les Psaumes, les Proverbes et Job sont présentés sous une forme spéciale à deux colonnes mettant l'accent sur les points parallèles dans les versets, qui sont fonction de leur poésie. Collectivement, ces trois livres sont connus sous le nom de Sifrei Emet (un acronyme des titres en hébreu, איוב, משלי, תהלים donne Emet אמ"ת, qui est aussi l'hébreu pour "vérité"). Ces trois livres sont également les seuls du Tanakh à disposer d'un système spécial de notes de cantillation conçues pour souligner les points parallèles dans les vers. Cependant, le début et la fin du livre de Job sont dans le système de prose normal. Les cinq parchemins (Hamesh Megillot) Les cinq livres relativement courts du Cantique des Cantiques, du Livre de Ruth, du Livre des Lamentations, de l'Ecclésiaste et du Livre d'Esther sont collectivement connus sous le nom de Hamesh Megillot (Cinq Megillot). Ce sont les derniers livres rassemblés et désignés comme « faisant autorité » dans le canon juif même s'ils n'étaient complets qu'au IIe siècle de notre ère. Autres livres Outre les trois livres poétiques et les cinq rouleaux, les livres restants de Ketuvim sont Daniel, Esdras-Néhémie et les Chroniques. Bien qu’il n’existe pas de regroupement formel de ces livres dans la tradition juive, ils partagent néanmoins un certain nombre de caractéristiques distinctives : * Leurs récits décrivent tous ouvertement des événements relativement tardifs (c'est-à-dire la captivité babylonienne et la restauration ultérieure de Sion). * La tradition talmudique leur attribue à tous une paternité tardive. * Deux d'entre eux (Daniel et Ezra) sont les seuls livres du Tanakh comportant des parties significatives en araméen. Ordre des livres La liste suivante présente les livres de Ketuvim dans l'ordre dans lequel ils apparaissent dans la plupart des éditions imprimées. Il les divise également en trois sous-groupes en fonction du caractère distinctif de Sifrei Emet et Hamesh Megillot. Les trois livres poétiques (Sifrei Emet) * Tehilim (Psaumes) * Mishlei (Livre des Proverbes) * Iyyôbh (Livre de Job) Les Cinq Mégillot (Hamesh Megillot) * Shīr Hashshīrīm (Cantique des Cantiques) ou (Chant de Salomon) Cantique des Cantiques (Pâque) * Rūth (Livre de Ruth) Ruth (Shābhû‘ôth) * Eikhah (Lamentations) Ikha (Neuvième Av) [Aussi appelé Kinnot en hébreu.] * Qōheleth (Ecclésiaste) Ecclésiaste (Sukkôth) * Estēr (Livre d'Esther) Esther (Pûrîm) Autres livres * Dānî'ēl (Livre de Daniel) Daniel * 'Ezrā (Livre d'Esdras-Livre de Néhémie) Ezra * Divrei ha-Yamim (Chroniques) דברי הימים La tradition textuelle juive n'a jamais finalisé l'ordre des livres de Ketuvim. Le Talmud babylonien (Bava Batra 14b-15a) donne leur ordre comme Ruth, Psaumes, Job, Proverbes, Ecclésiaste, Cantique de Salomon, Lamentations de Jérémie, Daniel, Rouleau d'Esther, Esdras, Chroniques. Dans les codex massorétiques tibériens, y compris le Codex d'Alep et le Codex de Leningrad, et souvent aussi dans les vieux manuscrits espagnols, l'ordre est Chroniques, Psaumes, Job, Proverbes, Ruth, Cantique de Salomon, Ecclésiaste, Lamentations de Jérémie, Esther, Daniel, Esdras. Canonisation Le Ketuvim est la dernière des trois parties du Tanakh à avoir été acceptée comme canon biblique. Alors que la Torah a pu être considérée comme canon par Israël dès le 5ème siècle avant notre ère et que les anciens et derniers prophètes ont été canonisés au 2ème siècle avant notre ère, les Ketuvim n'étaient pas un canon fixe avant le 2ème siècle de l'ère commune. Les preuves suggèrent cependant que le peuple d’Israël ajoutait ce qui allait devenir les Ketuvim à sa littérature sainte peu après la canonisation des prophètes. Dès 132 avant notre ère, des références suggèrent que les Ketuvim commençaient à prendre forme, même s'il manquait un titre formel. Les références dans les quatre Évangiles ainsi que dans d'autres livres du Nouveau Testament indiquent que bon nombre de ces textes étaient à la fois connus et considérés comme ayant un certain degré d'autorité religieuse au début du 1er siècle de notre ère. De nombreux érudits pensent que les limites des Ketuvim en tant qu'écriture canonisée ont été déterminées par le Concile de Jamnia c. 90 CE. Contre Apion, les écrits de Josèphe en 95 EC traitaient le texte de la Bible hébraïque comme un canon fermé auquel "... personne ne s'est aventuré ni à ajouter, ni à supprimer, ni à modifier une syllabe..." Car longtemps après cette date, l'inspiration divine d'Esther, le Cantique des Cantiques et l'Ecclésiaste furent souvent sous surveillance. Langues originales Le Tanakh a été principalement écrit en hébreu biblique, avec quelques petites portions ( et , , ) en araméen biblique, une langue sœur qui est devenue la lingua franca d'une grande partie du monde sémitique. Septante La Septante, ou LXX, est une traduction des Écritures hébraïques et de certains textes connexes en grec koine, commencée à la fin du IIIe siècle avant notre ère et achevée en 132 avant notre ère, initialement à Alexandrie, mais également ailleurs. Il n’est pas tout à fait clair ce qui a été traduit, quand et où ; certains peuvent même avoir été traduits deux fois, dans des versions différentes, puis révisés. À mesure que le travail de traduction progressait, le canon de la Bible grecque s’élargissait. La Torah a toujours maintenu sa prééminence en tant que base du canon, mais la collection d'écrits prophétiques, basée sur les Nevi'im, comprenait diverses œuvres hagiographiques incorporées. De plus, certains livres plus récents ont été inclus dans la Septante, parmi lesquels les Macchabées et la Sagesse de Sirach. Cependant, on sait maintenant que le livre du Siracide a existé dans une version hébraïque, puisque d'anciens manuscrits hébreux en ont été redécouverts dans les temps modernes. La version Septante de certains livres bibliques, comme Daniel et Esther, est plus longue que celles du canon juif. Certains de ces livres deutérocanoniques (par exemple la Sagesse de Salomon et le deuxième livre des Macchabées) n'ont pas été traduits, mais composés directement en grec. Depuis l’Antiquité tardive, autrefois attribuée à un hypothétique concile de Jamnia de la fin du Ier siècle, le judaïsme rabbinique dominant a rejeté la Septante en tant que textes scripturaires juifs valides. Plusieurs raisons ont été avancées pour cela. Premièrement, certaines erreurs de traduction ont été signalées. Deuxièmement, les textes sources hébreux utilisés pour la Septante différaient de la tradition massorétique des textes hébreux, choisis comme canoniques par les rabbins juifs. Troisièmement, les rabbins voulaient distinguer leur tradition de la nouvelle tradition émergente du christianisme. Enfin, les rabbins revendiquaient une autorité divine pour la langue hébraïque, contrairement à l’araméen ou au grec – même si ces langues étaient la lingua franca des Juifs à cette époque (et l’araméen se verrait finalement attribuer un statut de langue sainte comparable à l’hébreu). La Septante constitue la base des versions latine, slave, syriaque, arménienne, géorgienne et copte de l'Ancien Testament chrétien. Les Églises catholique romaine et orthodoxe orientale utilisent la plupart des livres de la Septante, contrairement aux églises protestantes. Après la Réforme protestante, de nombreuses Bibles protestantes ont commencé à suivre le canon juif et à exclure les textes supplémentaires, appelés apocryphes bibliques. Les Apocryphes sont inclus sous un titre distinct dans la version King James de la Bible, base de la version standard révisée. Incorporations de Théodotion Dans la plupart des copies anciennes de la Bible qui contiennent la version Septante de l'Ancien Testament, le Livre de Daniel n'est pas la version originale de la Septante, mais plutôt une copie de la traduction de Théodotion de l'hébreu, qui ressemble plus au texte massorétique. La version de la Septante a été abandonnée au profit de la version de Théodotion aux IIe et IIIe siècles de notre ère. Dans les régions de langue grecque, cela s'est produit vers la fin du IIe siècle, et dans les régions de langue latine (au moins en Afrique du Nord), cela s'est produit au milieu du IIIe siècle. L'histoire n'en enregistre pas la raison, et saint Jérôme rapporte, dans la préface de la version Vulgate de Daniel, "Cette chose" vient "de se produire." L'un des deux textes en grec ancien du Livre de Daniel a été récemment redécouvert et des travaux sont en cours pour reconstruire la forme originale du livre. Le canonique Esdras-Néhémie est connu dans la Septante sous le nom de « Esdras B », et 1 Esdras est « Esdras A ». 1 Esdras est un texte très similaire aux livres d’Esdras et de Néhémie, et les érudits pensent largement que les deux sont dérivés du même texte original. Il a été proposé, et est considéré comme très probable par les érudits, que « Esdras B » – le canonique Esdras-Néhémie – est la version de Théodotion de ce matériau, et « Esdras A » est la version qui figurait auparavant seule dans la Septante. Forme définitive Certains textes se trouvent dans la Septante mais ne sont pas présents en hébreu. Ces livres supplémentaires sont Tobit, Judith, la Sagesse de Salomon, la Sagesse de Jésus fils de Sirach, Baruch, la Lettre de Jérémie (qui devint plus tard le chapitre 6 de Baruch dans la Vulgate), des ajouts à Daniel (La Prière d'Azarias, le Cantique de les Trois Enfants, Suzanne et Bel et le Dragon), ajouts à Esther, 1 Macchabées, 2 Macchabées, 3 Macchabées, 4 Macchabées, 1 Esdras, Odes, dont la Prière de Manassé, les Psaumes de Salomon et le Psaume 151. Certains livres isolés dans le texte massorétique sont regroupés. Par exemple, les Livres de Samuel et les Livres des Rois sont dans la LXX un livre en quatre parties appelé Βασιλειῶν (« Des règnes »). Dans LXX, les Livres des Chroniques complètent Reigns et s'appelle Paralipomenon (Παραλειπομένων—choses laissées de côté). La Septante organise les prophètes mineurs en douze parties d'un Livre des Douze. Bibles chrétiennes Une Bible chrétienne est un ensemble de livres qu'une confession chrétienne considère comme divinement inspirés et constituant ainsi l'Écriture. Bien que l'Église primitive utilisait principalement la Septante ou les Targums parmi les locuteurs araméens, les apôtres n'ont pas laissé un ensemble défini de nouvelles écritures ; au lieu de cela, le canon du Nouveau Testament s'est développé au fil du temps. Les groupes au sein du christianisme incluent différents livres dans leurs écrits sacrés, parmi lesquels les plus importants sont les apocryphes bibliques ou les livres deutérocanoniques. Les versions importantes de la Bible chrétienne anglaise comprennent la Bible de Douay-Rheims, la version autorisée King James, la version anglaise révisée, la version standard américaine, la version standard révisée, la nouvelle version standard américaine, la nouvelle version King James, la nouvelle version internationale. Version et la version standard anglaise. L'Ancien Testament Les livres qui composent l'Ancien Testament chrétien diffèrent entre les églises catholique (voir Bible catholique), orthodoxe et protestante (voir Bible protestante), le mouvement protestant n'acceptant que les livres contenus dans la Bible hébraïque, tandis que les catholiques et les orthodoxes ont une portée plus large. canons. Quelques groupes considèrent que certaines traductions sont divinement inspirées, notamment la Septante grecque et la Peshitta araméenne. Livres apocryphes ou deutérocanoniques Dans le christianisme oriental, les traductions basées sur la Septante prédominent encore. La Septante a été généralement abandonnée au profit du texte massorétique du Xe siècle comme base pour les traductions de l'Ancien Testament dans les langues occidentales. Certaines traductions occidentales modernes depuis le 14ème siècle utilisent la Septante pour clarifier des passages du texte massorétique, où la Septante peut conserver une lecture variante du texte hébreu. Ils adoptent aussi parfois des variantes qui apparaissent dans d’autres textes, par exemple celles découvertes parmi les manuscrits de la mer Morte. Un certain nombre de livres qui font partie de la Peshitta ou de la Septante grecque mais qui ne se trouvent pas dans la Bible hébraïque (rabbinique) (c'est-à-dire parmi les livres protocanoniques) sont souvent appelés livres deutérocanoniques par les catholiques romains faisant référence à un secondaire ultérieur (c'est-à-dire, deutéro), ce canon tel que fixé définitivement par le Concile de Trente 1545-1563. Il comprend 46 livres pour l'Ancien Testament (45 si l'on compte Jérémie et les Lamentations pour un seul) et 27 pour le Nouveau. La plupart des protestants qualifient ces livres d’apocryphes. Les traditions protestantes modernes n'acceptent pas les livres deutérocanoniques comme canoniques, bien que les Bibles protestantes les aient inclus dans les sections apocryphes jusque dans les années 1820. Cependant, les Églises catholique romaine et orthodoxe orientale incluent ces livres dans leur Ancien Testament. L'Église catholique romaine reconnaît : * Tobie *Judith * 1 Macchabées * 2 Macchabées * Sagesse * Sirach (ou Ecclésiastique) * Baruch * La Lettre de Jérémie (Baruch Chapitre 6) * Ajouts grecs à Esther (Livre d'Esther, chapitres 10 :4 – 12 :6) * La prière d'Azaria et le chant des trois saints enfants, versets 1 à 68 (Livre de Daniel, chapitre 3, versets 24 à 90) * Susanna (Livre de Daniel, chapitre 13) * Bel et le Dragon (Livre de Daniel, chapitre 14) En plus de cela, les Églises orthodoxes grecque et russe reconnaissent ce qui suit : * 3 Macchabées * 1 Esdras * Prière de Manassé * Psaume 151 Les Églises orthodoxes russes et géorgiennes comprennent : * 2 Esdras, c'est-à-dire les Esdras latines dans les Bibles russe et géorgienne Il y a aussi 4 Maccabées qui ne sont acceptées comme canoniques que dans l'Église géorgienne, mais qui ont été incluses par saint Jérôme dans une annexe à la Vulgate, et qui sont une annexe à la Bible orthodoxe grecque, et sont donc parfois incluses dans les recueils de la Bible orthodoxe grecque. Apocryphes. La tradition syriaque orthodoxe comprend : * Psaumes 151-155 * L'Apocalypse de Baruch * La lettre de Baruch Le canon biblique éthiopien comprend : * Jubilés * Hénoc * 1 à 3 Meqabyan et quelques autres livres. L'Église anglicane utilise liturgiquement certains livres apocryphes. Par conséquent, les éditions de la Bible destinées à être utilisées dans l'Église anglicane comprennent les livres deutérocanoniques acceptés par l'Église catholique, plus 1 Esdras, 2 Esdras et la Prière de Manassé, qui se trouvaient dans l'annexe de la Vulgate. Livres pseudépigraphiques Le terme Pseudepigrapha décrit communément de nombreuses œuvres de la littérature religieuse juive écrites entre 300 avant notre ère et 300 de notre ère. Toutes ces œuvres ne sont pas réellement pseudépigraphiques. Il fait également référence aux livres du canon du Nouveau Testament dont la paternité est déformée. Les œuvres pseudépigraphiques de « l'Ancien Testament » comprennent les suivantes : Harris, Stephen L., Understanding the Bible. Palo Alto : Mayfield. 1985. * 3 Macchabées * 4 Macchabées * Assomption de Moïse * Livre éthiopien d'Enoch (1 Enoch) * Livre slave d'Enoch (2 Enoch) * Livre hébreu d'Enoch (3 Enoch) (également connu sous le nom de « La Révélation de Métatron » ou « Le Livre du Rabbin Ismaël le Grand Prêtre ») * Livre des Jubilés * Apocalypse syriaque de Baruch (2 Baruch) * Lettre d'Aristée (Lettre à Philocrate concernant la traduction des Écritures hébraïques en grec) * Vie d'Adam et Ève * Martyre et Ascension d'Isaïe * Psaumes de Salomon * Oracles sibyllins * Apocalypse grecque de Baruch (3 Baruch) * Testaments des douze patriarches Livre d'Hénoch Les œuvres pseudépigraphiques notables incluent les Livres d'Enoch (tels que 1 Enoch, 2 Enoch, survivant uniquement en vieux slave, et 3 Enoch, survivant en hébreu, du 5e au 6e siècle de notre ère). Il s’agit d’œuvres religieuses juives anciennes, traditionnellement attribuées au prophète Enoch, l’arrière-grand-père du patriarche Noé. Ils ne font pas partie du canon biblique utilisé par les Juifs, à l'exception de Beta Israel. La plupart des dénominations et traditions chrétiennes peuvent accepter les livres d’Enoch comme ayant un intérêt ou une signification historique ou théologique. Il a été observé qu'une partie du Livre d'Enoch est citée dans l'Épître de Jude (une partie du Nouveau Testament), mais les confessions chrétiennes considèrent généralement les Livres d'Enoch comme non canoniques ou non inspirés. Cependant, les livres d'Enoch sont traités comme canoniques par l'Église orthodoxe éthiopienne de Tewahedo et l'Église orthodoxe érythréenne de Tewahedo. On estime que les sections les plus anciennes (principalement dans le Livre des Veilleurs) datent d'environ 300 avant notre ère, et la partie la plus récente (Livre des Paraboles) a probablement été composée à la fin du 1er siècle avant notre ère. Vues confessionnelles de Pseudepigrapha Il est apparu dans certaines études bibliques protestantes une utilisation étendue du terme pseudépigraphe pour des œuvres qui semblaient devoir faire partie du canon biblique, en raison de la paternité qui leur était attribuée, mais qui se situaient en dehors à la fois des canons bibliques reconnus par les protestants et Catholiques. Ces ouvrages étaient également en dehors de l'ensemble particulier des livres que les catholiques romains appelaient deutérocanoniques et auxquels les protestants avaient généralement appliqué le terme apocryphe. En conséquence, le terme pseudépigraphique, tel qu’il est maintenant souvent utilisé aussi bien par les protestants que par les catholiques romains (prétendument pour la clarté qu’il apporte à la discussion), peut rendre difficile la discussion impartiale des questions de paternité pseudépigraphique des livres canoniques avec un public profane. Pour rendre les choses encore plus confuses, les chrétiens orthodoxes orientaux acceptent comme canoniques des livres que les catholiques romains et la plupart des confessions protestantes considèrent comme pseudépigraphiques ou, au mieux, avec beaucoup moins d'autorité. Il existe également des églises qui rejettent certains des livres acceptés par les catholiques romains, les orthodoxes et les protestants. Il en va de même pour certaines sectes juives. De nombreuses œuvres « apocryphes » sont par ailleurs considérées comme authentiques. Rôle de l'Ancien Testament dans la théologie chrétienne L'Ancien Testament a toujours été au cœur de la vie de l'Église chrétienne. Le bibliste N.T. Wright dit que « Jésus lui-même a été profondément façonné par les Écritures ». Il ajoute que les premiers chrétiens ont également étudié ces mêmes écritures hébraïques dans leur effort pour comprendre la vie terrestre de Jésus. Ils considéraient les « écrits saints » des Israélites comme nécessaires et instructifs pour le chrétien, comme le montrent les paroles de Paul à Timothée (2 Timothée 3 : 15), et comme désignant le Messie, et comme ayant atteint un accomplissement culminant en Jésus lui-même. , générant la « nouvelle alliance » prophétisée par Jérémie. Nouveau Testament Le Nouveau Testament est une collection de 27 livres de 4 genres différents de littérature chrétienne (Évangiles, un récit des Actes des Apôtres, des Épîtres et une Apocalypse). Jésus en est le personnage central. Le Nouveau Testament présuppose l'inspiration de l'Ancien Testament. (2 Timothée 3:16) Presque tous les chrétiens reconnaissent le Nouveau Testament comme une écriture canonique. Ces livres peuvent être regroupés en : Les Évangiles * Évangiles synoptiques ** Évangile selon Matthieu ** Évangile selon Marc ** Évangile selon Luc * Évangile selon Jean Littérature narrative, récit et histoire de l'époque apostolique * Actes des Apôtres Épîtres pauliniennes * Épître aux Romains * Première épître aux Corinthiens * Deuxième épître aux Corinthiens * Épître aux Galates * Épître aux Éphésiens * Épître aux Philippiens * Épître aux Colossiens * Première épître aux Thessaloniciens * Deuxième épître aux Thessaloniciens Épîtres pastorales * Première épître à Timothée * Deuxième épître à Timothée * Épître à Tite * Épître à Philémon * Épître aux Hébreux Épîtres générales, également appelées épîtres catholiques * Épître de Jacques * Première épître de Pierre * Deuxième épître de Pierre * Première épître de Jean * Deuxième épître de Jean * Troisième épître de Jean * Épître de Jude Littérature apocalyptique, aussi appelée prophétique * L'Apocalypse ou l'Apocalypse Les livres du Nouveau Testament sont classés différemment selon la tradition catholique/orthodoxe/protestante, la tradition slave, la tradition syriaque et la tradition éthiopienne. Langue originale Le consensus dominant est que le Nouveau Testament a été écrit sous une forme de grec koine, qui était la langue commune de la Méditerranée orientale depuis les conquêtes d'Alexandre le Grand (335-323 avant notre ère) jusqu'à l'évolution du grec byzantin (vers 600). . Éditions historiques Les autographes originaux, c’est-à-dire les écrits grecs originaux et les manuscrits rédigés par les auteurs originaux du Nouveau Testament, n’ont pas survécu. Mais historiquement, il existe des copies de ces autographes originaux, transmis et conservés dans un certain nombre de traditions manuscrites. Il y a eu quelques variations mineures, ajouts ou omissions dans certains textes. Lorsque les scribes anciens copiaient des livres antérieurs, ils écrivent parfois des notes dans les marges de la page (gloses marginales) pour corriger leur texte – surtout si un scribe a accidentellement omis un mot ou une ligne – et pour commenter le texte. Lorsque les scribes ultérieurs copiaient la copie, ils ne savaient parfois pas si une note était destinée à être incluse dans le texte. Au fil du temps, différentes régions ont développé différentes versions, chacune avec son propre ensemble d'omissions et d'ajouts. Les trois principales traditions textuelles du Nouveau Testament grec sont parfois appelées le type de texte alexandrin (généralement minimaliste), le type de texte byzantin (généralement maximaliste) et le type de texte occidental (parfois sauvage). Ensemble, ils constituent la plupart des manuscrits anciens. Développement des canons chrétiens Le canon de l'Ancien Testament est entré dans l'usage chrétien dans les traductions grecques de la Septante et les livres originaux, ainsi que dans leurs différentes listes de textes. En plus de la Septante, le christianisme a ensuite ajouté divers écrits qui deviendront le Nouveau Testament. Des listes quelque peu différentes d’œuvres acceptées ont continué à se développer dans l’Antiquité. Au IVe siècle, une série de synodes produisit une liste de textes équivalents au canon de 39, 46(51), 54 ou 57 livres de l'Ancien Testament et au canon de 27 livres du Nouveau Testament qui serait ensuite utilisé pour aujourd'hui, notamment le Synode d'Hippone en 393 CE. Aussi c. 400, Jérôme réalise un L définitif

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Athos et Porthos sont deux des 3 mousquetaires, nommez l'autre.

Aramis

Athos, comte de la Fère, est un personnage fictif des romans Les Trois Mousquetaires, vingt ans après et Le Vicomte de Bragelonne d'Alexandre Dumas, père. Il s'agit d'une version hautement romancée du mousquetaire historique Armand de Sillègue d'Athos d'Autevielle (1615-1644). Dans les romans Dans Les Trois Mousquetaires, lui et les deux autres mousquetaires, Porthos et Aramis, sont des amis du protagoniste du roman, d'Artagnan. Il a un passé mystérieux qui le relie à la méchante du roman, Milady de Winter. Dans une partie du livre, il s'implique ivre comme le meurtrier d'une jeune fille de seize ans, ce qui dérange d'Artagnan. Aîné de quelques années, Athos est décrit comme noble et beau mais aussi très secret, noyant ses chagrins secrets dans la boisson. Il est très protecteur envers d'Artagnan, le cadet, qu'il traite comme son fils. À la fin du roman, il est révélé qu'il s'agit du comte de la Fère, qui était le mari de Milady avant qu'elle n'épouse le baron de Winter. Dans les deux derniers romans, il est ouvertement connu sous le nom de Comte de la Fère et est le père adoptif du jeune héros Raoul, vicomte de Bragelonne (et il est finalement révélé qu'il est également son père biologique). Dans Vingt ans après, on ne sait pas si Athos est le père de Mordaunt (Jean François de Winter, fils de Milady). Mordaunt tente de venger la mort de sa mère en tuant les responsables. Cependant, il meurt lui-même alors que lui et Athos luttent au milieu de la Manche. Athos lui-même se noie presque dans cette lutte, ce qui amène Aramis, Porthos et d'Artagnan à déplorer sa mort pendant quelques instants avant de refaire surface. Le prénom d'Athos n'est jamais mentionné dans les romans. Cependant, dans la pièce de Dumas « La Jeunesse des Mousquetaires », la jeune Milady, alors nommée Charlotte, appelle Olivier, alors vicomte de la Fère. Sources L'Athos fictif porte le nom du mousquetaire historique Armand de Sillègue d'Athos d'Autevielle, bien qu'ils aient peu de points communs au-delà du nom. Son lieu de naissance est la commune d'Athos-Aspis dans le département des Pyrénées-Atlantiques. Le nom ressemble également au mont Athos, auquel fait référence le chapitre 13 des Trois Mousquetaires dans lequel un garde de la Bastille dit : « Mais ce n'est pas un nom d'homme ; c'est le nom d'une montagne ». Son titre, Comte de la Fère, bien qu'inventé, est lié aux domaines de La Fère qui appartenaient autrefois à Anne d'Autriche, reine de France dans ces romans et dans la période historique dans laquelle ils se déroulent. Au cinéma et à la télévision Les acteurs qui ont joué Athos à l'écran incluent : *Herbert Delmar, dans Les Trois Mousquetaires : Parties I et II (1911) *Alfred Hollingsworth, dans Les Trois Mousquetaires (1916) *Henri Rollan, dans Les trois mousquetaires (1921) *Léon Bary, dans Les Trois Mousquetaires (1921) et Le Masque de fer (1929) *Henri Rollan, dans Les Trois Mousquetaires (1933) *Paul Lukas, dans Les Trois Mousquetaires (1935) *Van Heflin, dans Les Trois Mousquetaires (1948) *John Hubbard, dans Les Trois Mousquetaires (1950) *Steve Brodie, dans La Dame au masque de fer (1952) *Jean Martinelli, dans Les Trois Mousquetaires (1953) *Paul Hansard, dans Les Trois Mousquetaires (1954) *Domenico Modugno, dans Les Trois Mousquetaires (1956) *Barry Morse, dans Les Trois Mousquetaires (téléfilm) (1960) *Georges Descrières, dans Les Trois Mousquetaires : La Vengeance de Milady (1961) et Les Trois Mousquetaires : Les Ferrets de la Reine (1961) *Franco Fantasia, dans D'Artagnan contro i tre moschettieri (1963) *Jeremy Watson, dans Les Trois Mousquetaires (1966) *Jeremy Young, dans Les Nouvelles Aventures des Trois Mousquetaires (1967) *Erik Maes, dans Les Drie Musketiers (1968) *Powys Thomas, dans Les Trois Mousquetaires (1969) *Yvan Tanguy, dans Les Quatre Charlots Mousquetaires (1971) *Oliver Reed, dans Les Trois Mousquetaires (1973), Les Quatre Mousquetaires (1974) et Le Retour des Mousquetaires (1989) *Veniamin Smekhov, dans D'Artanyan i Tri Mushketyora (1978), Mushketyory 20 let spustya (1992) et Tayna Korolevy Anny ili Mushketyory 30 Let Spustya (1993) *José Ferrer, dans Le Cinquième Mousquetaire (1979) *Akira Kamiya, dans Anime San Jushi (1987) *Kiefer Sutherland, dans Les Trois Mousquetaires (1993) *Jean-Luc Bideau, dans La Revanche des Mousquetaires (1994) *Edward Albert, dans un film du début de 1998 de L'Homme au masque de fer *John Malkovich, dans L'Homme au masque de fer (1998) *Gordon Carpenter, dans Trois Mousquetaires (1999) *Scott Hickman, dans Young Blades (2001) (pilote de série télévisée non diffusé) *Jan Gregor Kremp, dans Le Mousquetaire (2001) *Christopher Cazenove, dans La Femme Mousquetaire (mini-série TV) (2003) *Heino Ferch, dans D'Artagnan et les trois mousquetaires (2005) *Matthew Macfadyen, dans Les Trois Mousquetaires (2011) *Tom Burke, dans Les Mousquetaires (série télévisée) (2014-présent)

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Dans quelle mer le Danube se jette-t-il ?

Mer Noire

Le Danube (connu sous différents noms dans d'autres langues) est le deuxième plus long fleuve d'Europe, après la Volga, et également le plus long fleuve de la région de l'Union européenne. Elle est située en Europe centrale et orientale. Le Danube était autrefois une frontière de longue date de l’Empire romain et traverse aujourd’hui 10 pays. Originaire d'Allemagne, le Danube coule vers le sud-est, traverse ou touche la frontière de l'Autriche, de la Slovaquie, de la Hongrie, de la Croatie, de la Serbie, de la Roumanie, de la Bulgarie, de la Moldavie et de l'Ukraine avant de se jeter dans la mer Noire. Son bassin hydrographique s'étend sur neuf autres pays. Noms et étymologie Le nom latin Dānuvius est l'un des nombreux noms de rivières « anciens européens » dérivés d'un proto-indo-européen *dānu. D'autres noms de rivières de la même racine incluent le Don, le Donets, la Dzvina/Duna, la Dysna, le Dniepr et le Dniestr. En sanskrit rigvédique, dānu signifie « fluide, goutte », en Avestan, le même mot signifie « rivière ». Dans le Rigveda, Dānu apparaît autrefois comme la mère de Vrtra. Il est possible que dānu en scythe comme en Avestan soit un mot générique pour « rivière » : Dniepr et Dniestr, de Danapris et Danastius, sont présumés continuer le scythe *dānu apara « rivière lointaine » et *dānu nazdya- « près de rivière », respectivement. Connu des anciens Grecs sous le nom d'Istros (Ἴστρος), un emprunt à un nom daco-thracien signifiant « fort, rapide » (semblable au sanscrit iṣiras « rapide »). En latin, le Danube était connu sous le nom de « ou comme ». Le nom dace/thrace était Donaris/Donaris pour le Danube supérieur et Istros pour le Danube inférieur. Le nom thraco-phrygien était Matoas, « le porteur de chance ». Le nom latin est masculin (tout comme le nom du Rhin). L'allemand Donau (allemand moderne Donaw, Tonaw, moyen haut-allemand Tuonowe) est féminin, car il a été réinterprété comme contenant le suffixe -ouwe « zone humide ». Les langues modernes parlées dans le bassin du Danube utilisent toutes des noms dérivés du Dānuvius : (; ; ); ; ; ; ; ( ou; ; ; ; . Géographie Classée voie navigable internationale, elle prend sa source dans la ville de Donaueschingen, située dans la Forêt-Noire allemande, au confluent des rivières Brigach et Breg. Le Danube coule ensuite vers le sud-est pendant , traversant quatre capitales avant de se jeter dans la mer Noire via le delta du Danube en Roumanie et en Ukraine. Autrefois frontière de l'Empire romain, le fleuve traverse ou touche les frontières de 10 pays : Roumanie (29,0% de la superficie du bassin), Hongrie (11,6%), Serbie (10,2%), Autriche (10,0%), Allemagne (7,0 %), Bulgarie (5,9 %), Slovaquie (5,9 %), Croatie (4,4 %), Ukraine (3,8 %) et Moldavie (1,6 %). Son bassin versant s'étend sur neuf autres. Bassin de drainage En plus des pays limitrophes (voir ci-dessus), le bassin versant comprend des parties de neuf autres pays : la Bosnie-Herzégovine (4,6 %), la République tchèque (2,9 %), la Slovénie (2,0 %), le Monténégro (0,9 %), la Suisse. (0,2%), Italie (Le point culminant du bassin versant est le sommet du Piz Bernina à la frontière italo-suisse, 4049 m. Affluents Le bassin versant du Danube s'étend dans de nombreux autres pays. De nombreux affluents du Danube sont des fleuves importants à part entière, navigables par des barges et autres bateaux à faible tirant d'eau. De sa source jusqu'à son débouché dans la mer Noire, ses principaux affluents sont (pour y entrer) : Grandes villes et villes Le Danube traverse de nombreuses villes, dont quatre capitales nationales (indiquées ci-dessous en gras), plus que tout autre fleuve au monde. Ordonnés de la source à la bouche, ce sont : * **Donaueschingen dans le Land de Bade-Wurtemberg – les rivières Brigach et Breg se rejoignent pour former le Danube **Möhringen sur le Danube dans le Bade-Wurtemberg **Tuttlingen dans le Bade-Wurtemberg **Sigmaringen dans le Bade-Wurtemberg **Riedlingen dans le Bade-Wurtemberg **Munderkingen dans le Bade-Wurtemberg **Ehingen dans le Bade-Wurtemberg **Ulm dans le Bade-Wurtemberg **Neu Ulm en Bavière ** Guntzbourg en Bavière **Dillingen sur le Danube en Bavière **Donauworth en Bavière **Neuburg sur le Danube en Bavière **Ingolstadt en Bavière **Kelheim en Bavière **Ratisbonne en Bavière **Straubing en Bavière **Deggendorf en Bavière **Passau en Bavière * **Linz, capitale de la Haute-Autriche **Krems en Basse-Autriche **Tulln en Basse-Autriche **Vienne – capitale de l'Autriche et ville la plus peuplée du Danube, où la plaine inondable du Danube est appelée Lobau, bien que l'Innere Stadt soit située à l'écart du flux principal du Danube (elle est délimitée par le Donaukanal – « canal du Danube) '). * **Bratislava – capitale de la Slovaquie **Moustique **Sturov * **Mosonmagyaróvár **Gyr **Mon moustique **Tourneur **Visegrad **Vac **Szentendre **Danube **Budapest – capitale de la Hongrie, la plus grande ville et la plus grande agglomération du Danube (environ 3 300 000 habitants). **Szigetszentmiklos **Des centaines de chauves-souris **Écrevisse **Faire un don **Dunaújváros **Dunaföldvar **Paquets **Kalocha **Inquiéter **Mohacs * **Vukovar **Ilok * **Apatine **Backa Palanka **Pied de pied **Moulin à vent **Novi triste **Sremski Karlovci **Zemun **Belgrade – capitale de la Serbie **Pancevo **Smederevo **Covin **Veliko Gradichte **Pigeon **Donji Milanovac **Kladovo * **Vidin **Ferraille **Kozlodouy **Oriakhovo ** Nikopol **Peeling **Svichtov **Russe **Toutrakan **Silistra * **Giurgiulesti * **Renny **Ismaël **Une cellule **Vylkové * **Nouvelle Moldavie **Orsova **Drobeta Turnu-Severin **Calfeutrage **Béchet **Dabuléni **Le bateau **Tour Magurele **Zimnicée **George **Olteniţa **Cavaliers **Filles **Cernavoda **Hârsova **Bracelet **Galati – le plus grand port du Danube ** Isaac **Tulcea **Sulina – dernière ville traversée îles *Île d'Adakale *Ostrovul Mare, Gogoșu *Balta Ialomita *Île Béléné *Île de Csepel *Île du Donau *Grande île de Braïla *Île de la Grande Guerre *Île de Vukovar *Île de Šarengrad *Žitný ostrov *Szigetköz *Île de Szentendre *Île Marguerite *Île de Csepel *Île de Mohács *Île de Ciocănești *Île de Mare, Islaz *Ostrvo (Kostolac) *Île de Kozlodouy *Ribarsko Ostrvo, Novi Sad *Île de Vardim Sectionnement *Partie supérieure : De la source à la Porte Devín. Le Danube reste une rivière de montagne caractéristique jusqu'à Passau, avec une pente de fond moyenne de 0,0012 % (12 ppm), de Passau à la porte Devín, la pente diminue à 0,0006 % (6 ppm). *Section du milieu : de la porte Devín à la porte de fer. Le lit de la rivière s'élargit et la pente moyenne du fond ne devient que de 0,00006 % (0,6 ppm). *Section inférieure : De Iron Gate à Sulina, avec une pente moyenne aussi faible que 0,00003 % (0,3 ppm). Navigation moderne Le Danube est navigable par des navires océaniques depuis la mer Noire jusqu'à Brăila en Roumanie et par des navires fluviaux jusqu'à Kelheim, en Bavière, en Allemagne ; les petites embarcations peuvent naviguer plus en amont jusqu'à Ulm, Wurtemberg, Allemagne. Une soixantaine de ses affluents sont également navigables. Depuis l'achèvement du canal allemand Rhin-Main-Danube en 1992, le fleuve fait partie d'une voie navigable transeuropéenne allant de Rotterdam sur la mer du Nord à Sulina sur la mer Noire, sur une distance de 3 500 km. En 1994, le Danube a été déclaré l'un des dix corridors de transport paneuropéens, des routes d'Europe centrale et orientale qui ont nécessité des investissements majeurs au cours des dix à quinze années suivantes. La quantité de marchandises transportées sur le Danube a augmenté jusqu'à environ 100 millions de tonnes en 1987. En 1999, le transport sur le fleuve a été rendu difficile par le bombardement par l'OTAN de trois ponts en Serbie pendant la guerre du Kosovo. Le nettoyage des débris résultants a été achevé en 2002 et un pont flottant temporaire qui gênait la navigation a été retiré en 2005. À la Porte de Fer, le Danube traverse une gorge qui fait partie de la frontière entre la Serbie et la Roumanie ; il contient le barrage de la centrale hydroélectrique Iron Gate I, suivi à environ 60 km en aval (à l'extérieur de la gorge) par la centrale hydroélectrique Iron Gate II. Le 13 avril 2006, un débit record au barrage Iron Gate a atteint 15 400 m3/s. Il existe trois voies navigables artificielles construites sur le Danube : le canal Danube-Tisa-Danube (DTD) dans les régions du Banat et de Bačka (Voïvodine, province du nord de la Serbie) ; le canal Danube-mer Noire de 64 km, entre Cernavodă et Constanța (Roumanie), achevé en 1984, raccourcit la distance jusqu'à la mer Noire de 400 km ; le canal Rhin-Main-Danube mesure environ 171 km, achevé en 1992, reliant la mer du Nord à la mer Noire. Le piratage En 2010-2012, les compagnies maritimes (notamment ukrainiennes) ont affirmé que leurs navires souffraient d'« attaques régulières de pirates » sur les tronçons serbes et roumains du Danube (c'est-à-dire à l'intérieur du territoire de l'Union européenne). Toutefois, ces transgressions ne peuvent pas être considérées comme des actes de piraterie, au sens de la Convention des Nations Unies sur le droit de la mer, mais plutôt comme des « vols fluviaux ». D’un autre côté, les médias rapportent que les équipages des navires de transport volent et vendent souvent leur propre cargaison et imputent ensuite le pillage aux « pirates », et les attaques présumées ne sont pas de la piraterie mais des petits vols de contrebande qui ont lieu le long du fleuve. . Delta du Danube Le delta du Danube (; ) est le plus grand delta fluvial de l'Union européenne. La plus grande partie du delta du Danube se trouve en Roumanie (département de Tulcea), tandis que sa partie nord, sur la rive gauche du bras Chilia, est située en Ukraine (oblast d'Odessa). La superficie approximative est de 4 152 km2, dont 3 446 km2 en Roumanie. Si l'on inclut les lagunes de Razim-Sinoe (1015 km2 dont 865 km2 de surface d'eau), qui sont situées au sud du delta proprement dit, mais qui lui sont liées géologiquement et écologiquement (leur territoire combiné fait partie du site du patrimoine mondial), la superficie totale du delta du Danube atteint 5 165 km2. Le delta du Danube est également le delta fluvial le mieux préservé d’Europe, inscrit au patrimoine mondial de l’UNESCO (depuis 1991) et site Ramsar. Ses lacs et marais abritent 45 espèces de poissons d'eau douce. Ses zones humides abritent de vastes troupeaux d'oiseaux migrateurs de plus de 300 espèces, dont le cormoran pygmée (Phalacrocorax pygmaeus), une espèce en voie de disparition. Ceux-ci sont menacés par des projets de canalisation et de drainage concurrents tels que le canal Bystroye. Coopération internationale Ecologie et environnement La Commission internationale pour la protection du Danube (ICPDR) est une organisation composée de 14 États membres (Allemagne, Autriche, République tchèque, Slovaquie, Slovénie, Hongrie, Croatie, Bosnie-Herzégovine, Serbie, Bulgarie, Roumanie, Moldavie, Monténégro et Ukraine) et l’Union européenne. La commission, créée en 1998, s'occupe de l'ensemble du bassin du Danube, qui comprend les affluents et les ressources en eaux souterraines. Son objectif est de mettre en œuvre la Convention pour la protection du fleuve Danube en promouvant et en coordonnant la gestion durable et équitable de l'eau, y compris la conservation, l'amélioration et l'utilisation rationnelle des eaux et la mise en œuvre de la directive-cadre sur l'eau de l'UE. La navigation La Commission du Danube s'occupe du maintien et de l'amélioration des conditions de navigation sur le fleuve. Il a été créé en 1948 par sept pays riverains du fleuve. Les membres comprennent des représentants d'Autriche, de Bulgarie, de Croatie, d'Allemagne, de Hongrie, de Moldavie, de Slovaquie, de Roumanie, de Russie, d'Ukraine et de Serbie. Il se réunit régulièrement deux fois par an. Elle convoque également des groupes d'experts pour examiner les points prévus dans les plans de travail de la commission. La commission remonte aux Conférences de Paris de 1856 et 1921, qui ont établi pour la première fois un régime international visant à sauvegarder la libre navigation sur le Danube. Aujourd'hui, la Commission comprend des États riverains et non riverains. Géologie Bien que le cours supérieur du Danube soit aujourd'hui relativement petit, géologiquement, le Danube est beaucoup plus ancien que le Rhin, avec lequel son bassin versant est en concurrence dans le sud de l'Allemagne actuelle. Cela entraîne quelques complications géologiques intéressantes. Étant donné que le Rhin est le seul fleuve des Alpes qui coule vers le nord en direction de la mer du Nord, une ligne invisible commençant au Piz Lunghin divise de grandes parties du sud de l'Allemagne, parfois appelée le bassin versant européen. Avant la dernière période glaciaire du Pléistocène, le Rhin commençait à la pointe sud-ouest de la Forêt-Noire, tandis que les eaux des Alpes qui alimentent aujourd'hui le Rhin étaient transportées vers l'est par ce qu'on appelle l'Urdonau (le Danube originel). Des parties du lit de cet ancien fleuve, qui était beaucoup plus grand que le Danube actuel, sont encore visibles dans les canyons (aujourd'hui sans eau) du paysage actuel du Jura souabe. Après l’érosion de la vallée du Rhin supérieur, la plupart des eaux des Alpes ont changé de direction et ont commencé à alimenter le Rhin. Le Haut Danube d’aujourd’hui n’est qu’un doux reflet de l’ancien. Étant donné que le Jura souabe est en grande partie constitué de calcaire poreux et que le niveau du Rhin est bien inférieur à celui du Danube, les rivières souterraines transportent aujourd'hui une grande partie de l'eau du Danube au Rhin. Pendant de nombreux jours de l'été, lorsque le Danube transporte peu d'eau, celle-ci s'écoule complètement et bruyamment dans ces canaux souterrains situés à deux endroits du Jura souabe, appelés Donauversickerung (puits du Danube). La majeure partie de cette eau ne refait surface qu'à 12 km au sud de l'Aachtopf, la source d'Allemagne avec le débit le plus élevé, en moyenne 8 500 l/s, au nord du lac de Constance, alimentant ainsi le Rhin. La ligne de partage des eaux européenne s'applique uniquement aux eaux qui dépassent ce point et uniquement pendant les jours de l'année où le Danube transporte suffisamment d'eau pour survivre aux gouffres de la Donauversickerung. Étant donné que de si grands volumes d'eau souterraine érodent une grande partie du calcaire environnant, on estime qu'un jour le cours supérieur du Danube disparaîtra entièrement au profit du Rhin, un événement appelé captage de cours d'eau. Les paramètres hydrologiques du Danube sont régulièrement surveillés en Croatie à Batina, Dalj, Vukovar et Ilok. Histoire Le bassin du Danube a été le site de certaines des premières cultures humaines. Les cultures néolithiques danubiennes comprennent les cultures de poterie linéaire du bassin moyen du Danube. De nombreux sites de la culture Vinča du sixième au troisième millénaire avant JC (Vinča, Serbie) sont situés le long du Danube. La culture Vučedol du troisième millénaire avant JC (du site de Vučedol près de Vukovar, en Croatie) est célèbre pour ses céramiques. Darius le Grand, roi de Perse, traversa le fleuve à la fin du VIe siècle avant JC afin d'envahir la Scythie européenne et de soumettre les Scythes. Alexandre le Grand a vaincu le roi tribal Syrmus et les tribus barbares du nord thraces et illyriennes en avançant de la Macédoine jusqu'au Danube en 336 avant JC. Sous les Romains, le Danube formait la frontière de l'Empire avec les tribus du nord presque depuis sa source jusqu'à son embouchure. En même temps, c'était une route pour le transport des troupes et l'approvisionnement des colonies en aval. De 37 ap. réalisé par l'Imperium Romanum, d'abord lors de deux batailles en 102 puis en 106 après la construction d'un pont en 101 près de la ville de garnison de Drobeta à la Porte de Fer. Cette victoire sur la Dacie sous Décébale permit la création de la Province de Dacie, mais en 271 elle fut de nouveau perdue. Les Avars utilisaient la rivière comme frontière sud-est au 6ème siècle. Perspectives culturelles anciennes du bas Danube Une partie des rivières Danubius ou Istros était également connue (avec la mer Noire) sous le nom d'Okeanos dans les temps anciens, étant appelée Okeanos Potamos (rivière Okeanos). Le Danube inférieur était également appelé Keras Okeanoio (Golfe ou Corne d'Okeanos) dans l'Argonautique par Apollonius Rhodos (Argon. IV. 282). À l'extrémité de l'Okeanos Potamos, se trouve l'île sainte d'Alba (Leuke, Python Nisi, île des Serpents), sacrée pour l'Apollon pélasgien (et plus tard grec), saluant le soleil levant à l'est. Hecateus Abderitas fait référence à l'île d'Apollon de la région des Hyperboréens, dans l'Okeanos. C'est à Leuke, dans une version de sa légende, que fut enterré le héros Achille (à ce jour, l'une des bouches du Danube s'appelle Chilia). De vieilles chansons folkloriques roumaines racontent un monastère blanc sur une île blanche avec neuf prêtres.[http://www.pelasgians.org/ Dacia Preistorica], Nicolae Densusianu (1913). Rivalité ottomane-hongroise et ottomane-Habsbourg le long du Danube Entre la fin du XIVe et la fin du XIXe siècle, l'Empire ottoman a d'abord rivalisé avec le royaume de Hongrie, puis avec les Habsbourg autrichiens, pour le contrôle du Danube (les Turcs l'appellent Tuna), qui a formé pendant des siècles la frontière nord de l'Empire ottoman. De nombreuses guerres ottomanes-hongroises (1366-1526) et ottomanes-Habsbourg (1526-1791) se sont déroulées le long du fleuve. Les guerres les plus importantes de l'Empire ottoman le long du Danube comprennent la bataille de Nicopolis (1396), le siège de Belgrade (1456), la bataille de Mohács (1526), ​​le premier siège turc de Vienne (1529), le siège d'Esztergom. (1543), la Longue Guerre (1591-1606), la Bataille de Vienne (1683), la Grande Guerre turque (1683-1699), la Guerre de Crimée (1853-1856) et la Guerre russo-turque (1877-1878) . Économie Boire de l'eau Tout au long de son cours, le Danube est une source d'eau potable pour environ 20 millions de personnes. Dans le Bade-Wurtemberg, en Allemagne, près de 30 pour cent (en 2004) de l'eau de la zone située entre Stuttgart, Bad Mergentheim, Aalen et Alb-Donau (district) provient de l'eau purifiée du Danube. D'autres villes comme Ulm et Passau utilisent également de l'eau du Danube. En Autriche et en Hongrie, la majeure partie de l'eau provient de sources souterraines et de sources, et l'eau du Danube n'est utilisée que dans de rares cas. La plupart des États trouvent également trop difficile de nettoyer l’eau en raison d’une pollution importante ; Seules les régions de Roumanie où l'eau est plus propre reçoivent encore régulièrement de l'eau potable du Danube. Navigation et transports Au XIXe siècle, le Danube était une voie navigable importante mais, comme le disait le Times de Londres, « chaque année, il était balayé par les glaces qui soulevaient un grand navire hors de l'eau ou le coupaient en deux comme s'il était une carotte ». Aujourd'hui, en tant que « Corridor VII » de l'Union européenne, le Danube est une voie de transport importante. Depuis l'ouverture du canal Rhin-Main-Danube, le fleuve relie le port de Rotterdam et les centres industriels de l'Europe occidentale à la mer Noire et, également, via le canal Danube-mer Noire, au port de Constanța. La voie navigable est conçue pour les grands bateaux de navigation intérieure (), mais elle peut transporter des bateaux beaucoup plus gros sur la majeure partie de son parcours. Le Danube a été partiellement canalisé en Allemagne (5 écluses) et en Autriche (10 écluses). Les propositions visant à construire un certain nombre de nouvelles écluses pour améliorer la navigation n'ont pas progressé, en partie à cause de préoccupations environnementales. En aval des écluses de Freudenau à Vienne, la canalisation du Danube était limitée au barrage et aux écluses de Gabčíkovo près de Bratislava et aux deux écluses à double porte de fer dans le tronçon frontalier du Danube entre la Serbie et la Roumanie. Ces serrures ont des dimensions plus grandes. En aval de la Porte de Fer, le fleuve coule librement jusqu'à la mer Noire, sur une distance de plus de 860 km. Le Danube se connecte au canal Rhin-Main-Danube à Kelheim, au Donaukanal à Vienne et au canal Danube-mer Noire à Cernavodă. Hormis quelques bras navigables secondaires, les seuls grands fleuves navigables reliés au Danube sont la Drava, la Sava et la Tisa. En Serbie, un réseau de canaux est également relié au fleuve ; le réseau, connu sous le nom de canaux Danube-Tisa-Danube, relie les sections en aval. Dans les sections autrichiennes et allemandes du Danube, un type de bateau à fond plat appelé Zille a été développé pour être utilisé le long du fleuve. Les Zillen sont encore utilisés aujourd'hui pour la pêche, le transport par ferry et d'autres transports de marchandises et de personnes dans cette région. Pêche L'importance de la pêche sur le Danube, qui était cruciale au Moyen Âge, a considérablement diminué. Certains pêcheurs sont encore actifs à certains endroits du fleuve et le delta du Danube possède toujours une industrie importante. L’écorégion du Haut Danube compte à elle seule environ 60 espèces de poissons et l’écorégion du Bas Danube – Dniestr en compte environ deux fois plus. Hales, J. (2013). [http://www.feow.org/ecoregions/details/417 Haut Danube]. Écorégions d'eau douce du monde. Récupéré le 25 février 2013. Parmi ceux-ci se trouvent une diversité exceptionnellement élevée d'esturgeons, un total de six espèces (béluga, esturgeon russe, esturgeon bâtard, stérlet, esturgeon étoilé et esturgeon marin européen), mais celles-ci sont toutes menacées et ont largement ou entièrement disparu. dans le cas de l’esturgeon marin européen, il a disparu du fleuve. Le huchen, l'une des plus grandes espèces de saumon, est endémique du bassin du Danube, mais a été introduit ailleurs par l'homme. Tourisme Les sites touristiques et naturels importants le long du Danube comprennent la vallée de la Wachau, le parc national Donau-Auen en Autriche, Gemenc en Hongrie, le parc naturel Obere Donau en Allemagne, Kopački rit en Croatie, la Porte de Fer en Serbie et en Roumanie, le delta du Danube en Roumanie, et la réserve naturelle de Srebarna en Bulgarie. Les croisières de loisirs et de voyage sur le fleuve sont également importantes. Outre la route souvent fréquentée entre Vienne et Budapest, certains navires relient même Passau en Allemagne au delta du Danube et vice-versa. Pendant la haute saison, plus de 70 paquebots de croisière sillonnent le fleuve, tandis que les parties supérieures, sans circulation, ne peuvent être découvertes qu'en canoë ou en bateau. La région du Danube n'a pas seulement une importance culturelle et historique, mais elle est également importante pour l'industrie touristique régionale en raison de ses monuments et sites fascinants. Avec ses infrastructures bien établies en matière de cyclisme, de randonnée et de possibilités de voyages, la région située le long du Danube attire chaque année une clientèle internationale. Rien qu'en Autriche, on compte chaque année plus de 14 millions de nuitées et environ 6,5 millions d'arrivées. Les rives du Danube à Budapest font partie des sites du patrimoine mondial de l'UNESCO et peuvent être visitées à partir d'un certain nombre de croisières touristiques proposées dans la ville. La Courbe du Danube est également une destination touristique populaire. Piste cyclable du Danube La piste cyclable du Danube (également appelée piste cyclable du Danube ou Donauradweg) est une piste cyclable le long du fleuve. Les parties traversant l'Allemagne et l'Autriche sont particulièrement très populaires, ce qui en fait l'une des 10 pistes cyclables les plus populaires d'Allemagne. La piste cyclable du Danube commence à l'origine du Danube et se termine là où le fleuve se jette dans la mer Noire. Il est divisé en quatre sections : #Donaueschingen–Passau (559 km) #Passau–Vienne (340 km) #Vienne–Budapest (306 km) #Budapest–Mer Noire (1 670 km) Sentier des Sultans Le Sentier des Sultans est un sentier de randonnée qui longe la rivière entre Vienne et Smederevo en Serbie. De là, le sentier des Sultans quitte le Danube et se termine à Istanbul. Les sections le long de la rivière sont les suivantes. #Vienne–Budapest (323 km) #Budapest-Smederevo (595 km) Donausteig En 2010, le Donausteig, un sentier de randonnée de Passau à Grein, a été ouvert. Il fait 450 km de long et est divisé en 23 étapes. L'itinéraire traverse cinq communautés bavaroises et 40 communautés autrichiennes. Un paysage impressionnant et de magnifiques points de vue le long de la rivière sont les points forts du Donausteig. La Route des Empereurs et des Rois La Route des Empereurs et des Rois est une route touristique internationale menant de Ratisbonne à Budapest, en passant par Passau, Linz et Vienne. Le consortium international ARGE Die Donau-Straße der Kaiser und Könige, composé de dix organisations touristiques, compagnies maritimes et villes, s'efforce de préserver et de développer le tourisme dans la région du Danube. C'est dans la Ratisbonne médiévale, avec sa vieille ville bien entretenue, son pont de pierre et sa cathédrale, que commence la Route des empereurs et des rois. Elle continue jusqu'à Engelhartszell, où se trouve le seul monastère trappiste d'Autriche. Parmi les autres arrêts incontournables le long du Danube figurent le « Schlögener Schlinge », la ville de Linz, capitale européenne de la culture en 2009 avec sa richesse en art contemporain, l'abbaye de Melk, la ville universitaire de Krems et la ville cosmopolite de Vienne. Avant la fin de la Route des Empereurs et des Rois, vous passerez par Bratislava et Budapest, cette dernière qui était considérée comme la ville jumelle de Vienne à l'époque de l'Empire austro-hongrois. Depuis l’époque romaine, des empereurs célèbres et leur suite voyageaient sur et le long du Danube et utilisaient le fleuve pour leurs déplacements et leurs transports. Bien que voyager sur le continent soit assez épuisant, la plupart des gens préféraient voyager par bateau sur le Danube. Ainsi, la Route des Empereurs et des Rois a été le théâtre de nombreux événements historiques importants qui caractérisent le Danube jusqu'à aujourd'hui. La route doit son nom à l'empereur romain germanique Frédéric Ier de Barberousse et aux croisés ainsi qu'à Richard Ier d'Angleterre, emprisonné dans le château de Dürnstein, situé au-dessus du Danube. Les voyages les plus impériaux à travers le temps furent ceux de la famille Habsbourg. Une fois couronnés à Francfort, les empereurs régnaient depuis Vienne et tenaient également à Ratisbonne la Diète perpétuelle de Ratisbonne. De nombreux châteaux, palais, résidences et couvents gérés par l'État ont été construits par les Habsbourg le long de la rivière. Aujourd'hui encore, ils nous rappellent l'architecture audacieuse du « Donaubarock ». Aujourd'hui, les gens peuvent non seulement voyager en bateau sur le Danube, mais aussi en train, à vélo sur la piste cyclable du Danube ou à pied sur le « Donausteig » et visiter les villes de Ratisbonne, Wachau et Vienne classées au patrimoine mondial de l'UNESCO. Parcs nationaux importants * Parc naturel Obere Donau (Allemagne) * Plaines inondables du Danube entre Neuburg et Ingolstadt (Allemagne) – [http://danubemap.eu/donauauwald map] * Zone de protection naturelle Donauleiten (Allemagne) * Parc national Donau Auen (Autriche) – [http://danubemap.eu/donauauen map] * Aire paysagère protégée de Dunajské Luhy (Slovaquie) – [http://danubemap.eu/dunajskeluhy map] * Parc national Danube-Ipoly (Hongrie) – [http://danubemap.eu/dunaipoly map] * Parc national Danube-Drava (Hongrie) – [http://danubemap.eu/dunadrava map] * Parc naturel de Kopacki Rit (Croatie) – [http://danubemap.eu/kopackirit map] * Réserve naturelle du Haut Danube (Serbie) – [http://danubemap.eu/podunavlje map] * Parc national de Fruška Gora (Serbie) * Réserve naturelle de Koviljsko-Petrovaradin rit (Serbie) * Réserve naturelle de Great War Island (Serbie) * Parc national de Đerdap (Serbie) * Parc Naturel des Portes de Fer (Roumanie) * Parc naturel de Persina (Bulgarie) – [http://danubemap.eu/persina map] * Site protégé Kalimok-Bruxelles (Bulgarie) – [http://danubemap.eu/kalimok map] * Réserve naturelle de Srebarna (Bulgarie) – [http://danubemap.eu/srebarna map] * Parc Naturel des Monts Măcin (Roumanie) * Petite île du parc naturel de Brăila (Roumanie) * Réserve de biosphère du delta du Danube (Roumanie) – [http://danubemap.eu/delta map] * Réserve de biosphère du Danube en Ukraine Importance culturelle *Le Danube est mentionné dans le titre d'une célèbre valse du compositeur autrichien Johann Strauss, An der schönen, blauen Donau (Sur le beau Danube bleu). Cette pièce est bien connue dans le monde entier et est également largement utilisée comme berceuse. Les Vagues du Danube () est une valse du compositeur roumain Iosif Ivanovici (1845-1902). Joe Zawinul a écrit une symphonie sur le Danube intitulée Histoires du Danube. Elle a été jouée pour la première fois au festival Bruckner en 1993, à Linz. *En 2008, le groupe de rock indépendant finlandais Wiidakko a sorti une chanson intitulée Tonava (Danube en finnois) sur son deuxième album Asiat joita et voi koskaan saavuttaa. *Le Danube figure en bonne place dans l'hymne national bulgare, en tant que représentation symbolique de la beauté naturelle du pays. Dans les chansons folkloriques lituaniennes, l'apparition du Danube (Dunojus, Dunojėlis) est plus courante que l'apparition du plus long fleuve lituanien Neman. *La tradition allemande de la peinture de paysage, l'école du Danube, s'est développée dans la vallée du Danube au XVIe siècle. *L'un des chefs-d'œuvre de Claudio Magris s'appelle Danube (ISBN 1-86046-823-3). Le livre, publié en 1986, est un grand essai culturel et historique, dans lequel Magris parcourt le Danube depuis les toutes premières sources jusqu'au delta, retraçant tout au long du chemin le riche héritage ethnique et culturel européen, le passé et le présent littéraire et idéologique. *Le Pilote du Danube (1908) de Jules Verne dépeint les aventures du pêcheur Serge Ladko alors qu'il descend le fleuve. The Willows d'Algernon Blackwood, sur une excursion en bateau sur la rivière, est considéré comme l'une des plus grandes histoires de la littérature surnaturelle. *La rivière est le sujet du film The Ister (2004) (site officiel ici [http://www.theister.com/]). Certaines parties du road movie allemand Im Juli se déroulent le long du Danube. Dans le film Bad Timing de Nicolas Roeg de 1980, le passage de la frontière sur le Danube entre Bratislava et Vienne est un lieu récurrent dans lequel se joue la romance entre Milena (Teresa Russell), Alex (Art Garfunkel) et le mari de Milena, Stefan (Denholm Elliot). *Dans l'univers Star Trek, le runabout de classe Danube est un type de vaisseau utilisé par la Fédération Starfleet, notamment dans la série Deep Space Nine. *La rivière est mentionnée un grand nombre de fois tout au long de la Saga des Enfants de la Terre de Jean M. Auel, notamment dans le livre Les Plaines de Passage, lorsque les personnages principaux Ayla et Jondalar voyagent vers l'ouest le long de cette rivière, qu'ils appellent la Grande Rivière Mère. , en raison de sa grande taille. *Le film de Miklós Jancsó La Valse du Danube bleu (1992) *La spécialité sucrée hongroise, Duna kavics (« galets du Danube »), doit son nom au fleuve. *Un ensemble folklorique hongrois, l'Ensemble folklorique du Danube (Duna Művészegyüttes), doit son nom au fleuve. Le groupe est composé de 30 danseurs et musiciens. Au cours de leurs représentations, ils présentent de la musique, des danses et des costumes folkloriques hongrois. * Il existe des chants hassidiques (Chabad Nigunnim) appelés "dunai", datant d'environ 1800. Ce sont souvent des berceuses et portent le nom de la rivière Dunay. Les agriculteurs autour de la rivière venaient y chanter des chants spirituels pour remercier leur dieu pour la grande beauté qu'ils voyaient chaque jour.

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Wayne Rooney a marqué son premier but en senior contre quel club ?

Arsenal

Wayne Mark Rooney (né le 24 octobre 1985) est un footballeur professionnel anglais qui joue et est capitaine de Manchester United et de l'équipe nationale d'Angleterre. Il a joué une grande partie de sa carrière en tant qu'attaquant, mais il a également été utilisé dans divers rôles de milieu de terrain. Agé de neuf ans, Rooney rejoint l'équipe de jeunes d'Everton, pour laquelle il fait ses débuts professionnels en 2002 à l'âge de 16 ans. Il passe deux saisons au club du Merseyside, avant de rejoindre Manchester United pour 25,6 millions de livres sterling lors du mercato d'été 2004. . Depuis lors, avec Rooney dans l'équipe, United a remporté la Premier League cinq fois, l'UEFA Champions League une fois, la Coupe du Monde des Clubs de la FIFA une fois, le FA Community Shield trois fois, la Coupe de la Ligue de football deux fois et la FA Cup une fois. En septembre 2013, Rooney a marqué son 200e but pour Manchester United. Il compte actuellement 244 buts, ce qui fait de lui le deuxième meilleur buteur du club de tous les temps. Ses 192 buts en Premier League font de lui le deuxième meilleur buteur de la compétition de tous les temps, et il détient le record du plus grand nombre de buts pour un club de Premier League, avec 177 pour Manchester United. Rooney a fait ses débuts internationaux senior en février 2003 à l'âge de 17 ans, devenant ainsi le plus jeune joueur à représenter l'Angleterre (un record battu depuis par Theo Walcott) et il est le plus jeune buteur anglais de tous les temps. Il a joué à l'UEFA Euro 2004 et a marqué quatre buts, devenant brièvement le plus jeune buteur de l'histoire du Championnat d'Europe. Rooney a depuis participé aux Coupes du monde 2006, 2010 et 2014 et est largement considéré comme le meilleur joueur de son pays. Il a remporté le prix du joueur anglais de l'année à quatre reprises, en 2008, 2009, 2014 et 2015. Avec 53 buts en 115 sélections internationales, Rooney est le meilleur buteur de tous les temps en Angleterre et le deuxième joueur le plus capé. Avec David Beckham, Rooney est le joueur le plus cartonné de l'Angleterre, après avoir été expulsé deux fois. En 2009-2010, Rooney a reçu le prix du joueur de l'année des joueurs PFA et du footballeur de l'année FWA. Il a remporté le prix du joueur du mois de Premier League à cinq reprises, un record seulement amélioré par Steven Gerrard. Il est arrivé cinquième lors du vote pour le FIFA Ballon d'Or 2011 et a été nommé dans le FIFPro World 11 pour 2011. Rooney a remporté le prix du « But de la saison » selon le sondage Match of the Day de la BBC à trois reprises, avec son coup de pied de vélo contre son rival Manchester City remportant le prix du « But de la Premier League des 20 saisons ». Première vie et éducation Rooney est né à Croxteth, Liverpool, de Jeanette Marie (née Morrey) et Thomas Wayne Rooney. Il est d'origine irlandaise et a été élevé dans la religion catholique romaine avec ses jeunes frères Graham et John ; tous les trois ont fréquenté l'école primaire Notre-Dame et St Swithin et l'école De La Salle. Il a grandi en soutenant Everton. Carrière en club Everton Escouades de jeunes Rooney a commencé à jouer pour les Schoolboys de Liverpool et a marqué 72 buts en une saison, un record qui a duré jusqu'en mai 2010. À neuf ans, Rooney a joué pour le club de garçons de Copplehouse dans la ligue junior locale de Walton et Kirkdale et a marqué 99 buts lors de sa dernière saison avant être repéré par le scout d'Everton Bob Pendleton. Rooney a rejoint Everton à neuf ans et était la mascotte d'Everton pour le derby du Merseyside contre Liverpool à l'âge de 11 ans. Au cours de la saison 1995-1996, il a marqué 114 buts en 29 matchs pour les moins de 10 et 11 ans d'Everton, et à l'âge de 15 ans, il jouait pour les moins de 19 ans. Il a marqué huit buts en huit matchs lors de la course d'Everton à la finale de la FA Youth Cup en 2002. Cela comprenait un but lors de la défaite finale contre Aston Villa et, après avoir marqué, il a révélé un T-shirt qui disait : "Une fois un Bleu, toujours un bleu." Rooney a été inclus dans la première équipe d'Everton pour leur camp d'entraînement en Autriche à l'été 2002 et a marqué son premier but senior lors d'une victoire amicale 3-1 contre le SC Weiz le 15 juillet. Percée de la première équipe Rooney était un remplaçant inutilisé lors de la victoire 1-0 à l'extérieur d'Everton contre Southampton le 20 avril 2002. Il a fait ses débuts senior le 17 août lors d'un match nul 2-2 à domicile contre Tottenham Hotspur, commençant le match et aidant le premier but de Mark Pembridge. Il est devenu le deuxième plus jeune joueur de l'équipe première de l'histoire d'Everton derrière Joe Royle. Lors de ce match, il a été hué par les supporters des Spurs qui criaient "Qui es-tu ?" chaque fois qu'il touchait le ballon. Ses premiers buts seniors sont survenus le 2 octobre lorsqu'il a marqué deux fois lors d'une victoire 3-0 à l'extérieur contre Wrexham au deuxième tour de la Coupe de la Ligue. Ces buts signifiaient que Rooney était à l'époque le plus jeune buteur d'Everton. Le 19 octobre, cinq jours avant son 17e anniversaire, Rooney a marqué un but vainqueur à la dernière minute contre Arsenal. Ce but a mis fin à la série de 30 matches sans défaite d'Arsenal et a également fait de Rooney le plus jeune buteur de l'histoire de la Premier League, un record qui a depuis été dépassé deux fois, par James Milner et James Vaughan. Il a marqué le seul but lors d'une victoire 1-0 à l'extérieur contre Leeds United 15 jours plus tard. En décembre, Rooney a été nommé Jeune personnalité sportive de l'année 2002 par la BBC. Six jours après avoir réclamé le prix, il a marqué le but vainqueur contre les Blackburn Rovers lors d'une victoire 2-1 à domicile. Son premier carton rouge en carrière est survenu le lendemain de Noël lors d'un match nul 1–1 à l'extérieur contre Birmingham City pour un défi tardif contre Steve Vickers. En janvier 2003, Rooney signe son premier contrat professionnel, ce qui fait de lui l'un des adolescents les mieux payés du football mondial. Le premier but de Rooney en 2003 est survenu le 23 mars, marquant le seul but d'Everton lors d'une défaite 2-1 à Arsenal. En avril, il a marqué un but lors de la victoire 2-1 à domicile d'Everton contre Newcastle United, avant de marquer un but vainqueur de dernière minute contre Aston Villa lors d'une autre victoire 2-1 à domicile. Il a terminé sa première saison avec 8 buts en 37 apparitions toutes compétitions confondues avec les Toffees. Rooney a marqué son premier but de la saison 2003-2004 lors d'un match nul 2-2 à l'extérieur contre Charlton Athletic le 26 août 2003. Il n'a retrouvé le chemin des filets qu'en décembre lorsqu'il a marqué lors d'une victoire 2-1 à l'extérieur contre Portsmouth, et un Victoire 3-2 à domicile contre Leicester City. Son dernier but en 2003 est survenu lors de sa 50e apparition en championnat, marquant le seul but lors d'une victoire 1-0 à domicile contre Birmingham City le 28 décembre. Le 21 février 2004, Rooney a marqué deux buts lors d'un match de Premier League pour la première fois lors d'un match nul 3–3 à l'extérieur contre Southampton. Il a marqué le seul but lors d'une victoire 1-0 contre Portsmouth le 13 mars, avant de marquer lors d'un match nul 1-1 à l'extérieur contre Leicester City une semaine plus tard. Il a marqué son dernier but de la saison lors d'un match nul 1-1 à l'extérieur contre Leeds United le 13 avril. Manchester United saison 2004-05 Rooney a fait une demande de transfert en août 2004, bien qu'Everton ait fait une nouvelle offre de contrat d'une valeur de 50 000 £ par semaine. Everton a ensuite rejeté une offre de 20 millions de livres sterling de Newcastle et a finalement signé pour Manchester United à la fin du mois après la conclusion d'un accord de 25,6 millions de livres sterling. Il s’agit du montant le plus élevé jamais payé pour un joueur de moins de 20 ans ; Rooney n'avait que 18 ans lorsqu'il a quitté Everton. Sir Alex Ferguson, alors manager de United, a déclaré que "beaucoup de sourcils ont été levés" lorsqu'il a persuadé le conseil d'administration du club d'autoriser "une décision de plusieurs millions de livres" pour tenter de recruter Rooney d'Everton. Rooney a reçu le maillot numéro 8 à son arrivée à Old Trafford. Il a fait ses débuts avec United le 28 septembre lors d'une victoire 6-2 à domicile contre Fenerbahçe en Ligue des champions, marquant un triplé et délivrant une passe décisive. Ces buts ont fait de Rooney le plus jeune joueur à réussir un triplé en Ligue des champions, à l'âge de 18 ans et 335 jours. Cependant, sa première saison avec Manchester United s'est terminée sans remporter de trophée car ils n'ont pu réussir qu'une troisième place en championnat et n'ont pas réussi à se qualifier pour les huit derniers de la Ligue des champions. United a eu plus de succès dans les compétitions de coupe, mais a été éliminé de la Coupe de la Ligue en demi-finale par une équipe de Chelsea qui a également remporté le titre de Premier League cette saison-là, et un match nul et vierge contre Arsenal en finale de la FA Cup a été suivi par une défaite aux tirs au but. Rooney a été le meilleur buteur de United cette saison-là avec 11 buts et a été crédité du prix PFA du jeune joueur de l'année. 2005-07 En septembre 2005, Rooney a été expulsé lors d'un match vierge de Ligue des Champions contre l'Espagnol Villarreal pour avoir applaudi sarcastiquement l'arbitre, qui l'avait averti pour une faute involontaire sur un adversaire. Son premier trophée avec United est venu lors de la Coupe de la Ligue 2006, et il a également été nommé homme du match après avoir marqué deux fois en finale alors que United gagnait 4-0 contre Wigan Athletic. Son club a terminé la saison en tant que finaliste de la Premier League, leurs espoirs de titre ayant pris fin fin avril lorsqu'ils ont perdu 3-0 à l'extérieur contre les champions de Chelsea. Rooney a subi une fracture du métatarsien lors de ce match après un tacle de Paulo Ferreira. Rooney a marqué un total de 16 buts en 26 matchs de Premier League au cours de la saison 2005-2006. Rooney a été expulsé lors d'un match du Tournoi d'Amsterdam contre Porto le 4 août 2006 après avoir frappé le défenseur de Porto Pepe avec son coude. Il a été sanctionné d'une suspension de trois matches par la FA, suite à la réception d'un rapport de 23 pages de l'arbitre Ruud Bossen expliquant sa décision. Rooney a menacé de retirer l'autorisation de la FA d'utiliser son image si elle ne révoquait pas l'interdiction, bien que la FA n'ait aucun pouvoir pour prendre une telle décision. Au cours de la première moitié de la saison 2006-07, Rooney a connu une séquence de dix matchs sans but avant de marquer un triplé contre Bolton Wanderers. Il a ensuite signé une prolongation de contrat de deux ans le mois suivant qui l'a lié à United jusqu'en 2012. En avril 2007, il a marqué deux buts lors d'une victoire cumulée de 8 à 3 en quart de finale de la Ligue des champions contre la Roma et deux autres dans la même compétition plus tard. dans le mois, lors d'une victoire 3-2 en demi-finale aller contre Milan. Rooney a remporté sa première médaille de vainqueur du titre de Premier League à la fin de la saison 2006-07. Il a marqué 14 buts en championnat cette saison-là. 2007-09 En juin 2007, Rooney a reçu le numéro 10, porté pour la dernière fois par Ruud van Nistelrooy. Rooney a estimé qu'il avait toujours aimé ce numéro. Il s'est fracturé le métatarse gauche lors du match nul et vierge de United contre Reading le 12 août, la même blessure qu'il avait subie au pied droit en 2004. Après avoir été absent pendant six semaines, il est revenu pour la victoire 1-0 de United en phase de groupes de la Ligue des Champions. contre la Roma le 2 octobre, marquant le seul but du match. Rooney a de nouveau été blessé le 9 novembre, se blessant à la cheville lors d'une séance d'entraînement et manquant deux semaines supplémentaires. Son prochain match après blessure eut lieu contre Fulham le 3 décembre, au cours duquel il joua 70 minutes. Rooney a raté un total de dix matchs et a terminé la saison 2007-08 avec 18 buts (dont 12 en championnat), permettant à United de remporter la Premier League. Lors de la toute première finale 100 % anglaise de la Ligue des champions, United a battu son rival Chelsea pour remporter un autre trophée. Rooney a disputé la Super Coupe de l'UEFA 2008, où United a perdu contre le Zenit Saint-Pétersbourg et n'a pas pu avoir d'impact. Le 4 octobre 2008, lors d'une victoire à l'extérieur contre les Blackburn Rovers, Rooney est devenu le plus jeune joueur à disputer 200 matches de Premier League. Le 18 décembre, Rooney a marqué deux fois lors de la victoire 5-3 en demi-finale contre le club japonais Gamba Osaka lors de la Coupe du Monde des Clubs de la FIFA et, après avoir marqué le but vainqueur alors que United battait LDU Quito 1-0 en finale à Yokohama, a été a reçu le Ballon d'Or en tant que meilleur joueur du tournoi. Le 14 janvier, après avoir marqué le seul but du match 54 secondes après le début de la victoire 1-0 contre Wigan Athletic, Rooney a boité en raison d'une blessure aux ischio-jambiers à la huitième minute. Le 25 avril 2009, Rooney a marqué ses derniers buts en championnat de la saison contre Tottenham ; United a marqué cinq buts en seconde période pour passer de 2 à 0 et gagner 5 à 2 ; Rooney a marqué deux buts, en a préparé deux et a fourni la passe décisive qui a conduit au penalty du premier but de United. Le 27 mai, Rooney a joué contre Barcelone lors de la finale de la Ligue des champions 2009 à Rome, United perdant 2-0. Rooney a terminé la saison avec 20 buts toutes compétitions confondues. Une fois de plus, il a inscrit 12 buts en championnat. saison 2009-10 Rooney a marqué à la 90e minute du Community Shield d'ouverture de la saison 2009, bien que United ait perdu le match contre Chelsea aux tirs au but. Il a ensuite marqué le seul but du premier match de championnat de la saison 2009-10 contre Birmingham City, portant son total à 99. Le 22 août, il est devenu le 20e joueur de Manchester United à marquer 100 buts pour le club, lorsqu'il a trouvé le chemin des filets à deux reprises lors d'une victoire 5-0 à l'extérieur à Wigan Athletic. Le 29 août, United affrontait Arsenal à Old Trafford. Rooney a marqué un but sur penalty pour égaliser le match après qu'Andrei Arshavin ait donné l'avantage aux Gunners. Le match s'est terminé 2-1 contre Manchester United après qu'Abou Diaby ait marqué un but contre son camp. Le 28 novembre 2009, Rooney a marqué son premier triplé depuis trois ans lors d'une victoire 4-1 à l'extérieur contre Portsmouth, dont deux des buts étaient des pénalités. Le 27 décembre 2009, il a été nommé Homme du match contre Hull City. Il a été impliqué dans tous les buts marqués dans le match, marquant le premier match puis donnant le ballon pour le penalty égalisateur de Hull. Il a ensuite forcé Andy Dawson à concéder un but contre son camp, puis a préparé Dimitar Berbatov pour le troisième but de United, ce qui leur a donné une victoire 3-1. Le 30 décembre 2009, Rooney a marqué un autre but alors que United battait Wigan 5-0 lors de son dernier match de la décennie. Le 23 janvier 2010, Rooney a marqué les quatre buts lors de la victoire 4-0 de Manchester United contre Hull City ; trois des buts ont été marqués dans les 10 dernières minutes du match. C'était la première fois de sa carrière qu'il inscrivait quatre buts en un seul match. Le 27 janvier 2010, il poursuit sa série de buts en marquant de la tête le vainqueur dès la deuxième minute du temps additionnel contre son rival du derby, Manchester City. Cela a donné à United une victoire globale de 4 à 3, les emmenant en finale ; c'était son premier but en Coupe de la Ligue depuis qu'il en avait marqué deux lors de la finale de 2006. Le 31 janvier 2010, Rooney a marqué son 100e but en Premier League lors d'une victoire 3-1 contre Arsenal pour la première fois en championnat aux Emirats, notamment son premier but en Premier League a également été contre Arsenal. Le 16 février 2010, Rooney a inscrit ses premiers buts européens de la saison, marquant deux buts de la tête lors de la victoire 3-2 à l'extérieur contre Milan lors de la toute première victoire de Manchester United contre eux à San Siro. Le 28 février 2010, il a marqué une autre tête contre Aston Villa (son cinquième but consécutif de la tête), ce qui a permis à Manchester United de remporter la finale de la Coupe de la Ligue 2-1. Lors du match retour du match européen de United contre Milan, Rooney a marqué un doublé lors d'une retentissante victoire 4-0 à domicile, portant son total de buts cette saison à 30. Il en a ensuite ajouté deux autres à son total cinq jours plus tard à Old Trafford, en une victoire 3-0 en championnat contre Fulham. Le 30 mars 2010, lors de la défaite aller de United en quart de finale de la Ligue des champions contre le Bayern Munich à l'Allianz Arena de Munich, Rooney s'est effondré lorsqu'il s'est tordu la cheville à la dernière minute, boitillant pendant que le Bayern produisait la préparation qui a conduit à son deuxième but. On craignait qu'il ait subi de graves lésions ligamentaires ou même une cheville cassée, mais il a été annoncé que la blessure n'était qu'une légère lésion ligamentaire et qu'il serait absent pendant 2 à 3 semaines, manquant le match crucial de United contre Chelsea et le match retour. match contre Munich la semaine suivante. La liste des équipes pour le match retour a créé une énorme surprise lorsque Rooney a obtenu une place de titulaire dans l'alignement de United. Malgré une avance de 3-0 à la 41e minute, Munich a récupéré un but et United a ensuite été contraint à 10 hommes après l'expulsion de Rafael da Silva. Munich a remporté le match après avoir marqué un deuxième but à l'extérieur et Rooney a été remplacé après s'être à nouveau blessé à la cheville. Le 25 avril, Rooney a été nommé Joueur de l'année 2010 des joueurs PFA. Saison 2010-11 Le 28 août 2010, Rooney a marqué son premier but de la saison en inscrivant un penalty lors d'une victoire 3-0 à domicile contre West Ham United. En octobre, le manager de Manchester United, Sir Alex Ferguson, a déclaré lors d'une conférence de presse que Rooney souhaitait quitter le club. Cela est survenu après une période de controverse quant à l'étendue de la blessure à la cheville de Rooney, où Rooney avait réfuté l'affirmation de Ferguson selon laquelle la blessure était la raison pour laquelle Rooney avait été renvoyé sur le banc. Rooney et ses représentants ont publié une déclaration concernant sa décision de quitter le club, insistant sur le fait que ce n'était pas une question d'argent mais d'ambition. Suite à cette déclaration, Rooney a fait volte-face et a conclu un nouveau contrat de cinq ans à Manchester United jusqu'en juin 2015. Rooney a fait son retour en équipe première en tant que remplaçant contre Wigan le 20 novembre. Quatre jours plus tard, il est revenu dans la formation de départ et a marqué un penalty lors d'une victoire 1-0 à l'extérieur contre les Rangers en Ligue des champions. Il a raté un penalty lors d'une victoire 1-0 à domicile contre Arsenal le 13 décembre. Son premier but de la saison en jeu ouvert est survenu le 1er janvier 2011 lors d'une victoire 2-1 à l'extérieur contre West Bromwich Albion. Le 1er février, Rooney a marqué deux fois et a aidé le but de Nemanja Vidić lors d'une victoire 3-1 à domicile contre Aston Villa. Le 12 février, Rooney a marqué un coup de pied de bicyclette à la 78e minute du derby de Manchester, qui s'est avéré être le but gagnant de leur victoire 2-1 contre Manchester City. Après le match, Rooney a déclaré que c'était le meilleur but de sa carrière, avant que Sir Alex Ferguson ne décrive ce but comme le meilleur but qu'il ait jamais vu à Old Trafford. Deux semaines plus tard, il a marqué le troisième but lors d'une victoire 4-0 à l'extérieur contre Wigan, avant d'ouvrir le score lors d'une défaite 2-1 à l'extérieur contre Chelsea le 1er mars. Rooney a marqué le deuxième but lors d'une victoire 2-0 à domicile contre Arsenal lors d'un match nul en FA Cup le 12 mars. Le 2 avril, United est revenu de deux buts alors que Rooney a marqué son premier triplé de la saison lors d'une victoire 4-2 à l'extérieur contre West Ham United. Il s'agissait de son cinquième triplé pour Manchester United, tandis que le deuxième but était son 100e en Premier League pour le club. Il est devenu le troisième joueur de Manchester United à marquer 100 buts en Premier League, rejoignant Ryan Giggs et Paul Scholes. Lors des célébrations de Rooney après son troisième but, il a juré devant une caméra au bord du terrain et a ensuite été inculpé par la Football Association pour avoir utilisé un langage offensant. Rooney a accepté l'accusation, mais pas la suspension automatique de deux matches qui lui a été infligée. Il a fait appel de la durée de la suspension, la qualifiant d'"excessive", mais n'a pas réussi à annuler l'interdiction, qui l'a exclu de la demi-finale de la FA Cup contre Manchester City le 16 avril. Le match suivant, le 6 avril, a vu Rooney marquer le seul but d'une victoire 1-0 à l'extérieur contre Chelsea lors du match aller des quarts de finale aller de la Ligue des champions. Il a enchaîné avec un autre but lors du match aller de la demi-finale contre l'équipe allemande de Schalke le 26 avril, marquant le deuxième d'une victoire 2-0 à l'extérieur. C'était la première fois que Rooney revenait à la Veltins-Arena de Gelsenkirchen depuis son expulsion lors de la Coupe du Monde de la FIFA 2006 contre le Portugal. Le 14 mai 2011, Rooney a marqué un penalty pour que United égalise lors d'un match nul 1–1 contre les Blackburn Rovers à Ewood Park lors de l'avant-dernier match de la saison de Premier League – suffisamment pour assurer un record de 19e titre de première division pour United, et donner à Rooney sa quatrième médaille de vainqueur du titre de Premier League. Saison 2011-2012 Rooney a commencé la saison avec un but lors du premier match de championnat aux Hawthorns contre West Bromwich Albion. Rooney a joué un une-deux avec Ashley Young avant un virage serré et une arrivée de l'extérieur de la surface qui a trouvé le coin inférieur du but. Il a également marqué lors du deuxième match de la saison, à domicile contre Tottenham Hotspur, lorsqu'il a dirigé un centre de Ryan Giggs. Fin août, Rooney a marqué son 150e but pour United, le premier d'un triplé, aidant à battre Arsenal 8-2. Rooney a remporté l'homme du match, marquant deux coups francs, un penalty et contribuant également à une passe décisive pour Nani. Le 10 septembre, Rooney a marqué un autre triplé lors d'une victoire 5-0 à l'extérieur contre Bolton Wanderers le 10 septembre, devenant ainsi le quatrième joueur de l'histoire de la Premier League à marquer un triplé lors de matchs consécutifs. Ces buts l'ont amené à égalité avec Sir Bobby Charlton sur sept tours du chapeau avec United, quatrième sur la liste de tous les temps derrière Denis Law, Jack Rowley et Dennis Viollet. Après les conséquences de son carton rouge contre le Monténégro en sélection internationale, Rooney a été exclu du onze de départ contre Liverpool le 15 octobre 2011. Il est revenu au jeu le 18 octobre 2011, où il a marqué deux buts lors du match de phase de groupes. contre Oțelul Galați et a surpassé son ancien coéquipier Paul Scholes en tant qu'Anglais le plus buteur de l'UEFA Champions League. Le 10 décembre, Rooney a mis fin à une sécheresse de 8 matchs avec un doublé contre les Wolves lors d'une victoire 4-1 à Old Trafford. Le 18 décembre, Rooney a continué sur sa lancée en marquant le premier but contre les Queens Park Rangers, ce qui en fait le but le plus rapide de Manchester United de la saison jusqu'à présent après seulement 52 secondes à Loftus Road. Il a été aidé par le centre d'Antonio Valencia. Le 21 décembre, Rooney a marqué son 130e but en Premier League lors de sa 300e apparition en Premier League contre Fulham à Craven Cottage avec un effort à longue portée qui s'est écrasé à l'intérieur du poteau lors d'une victoire 5-0. Le 8 janvier, Rooney a marqué deux buts lors de la victoire 3-2 à l'extérieur du troisième tour de la FA Cup contre Manchester City au stade Etihad. Son premier but a été assisté par Antonio Valencia. Avec ces buts, Rooney a dépassé Mark Hughes dans le classement des meilleurs buteurs de tous les temps de United pour se hisser à la septième place du classement général avec 164 buts. Le 14 janvier, Rooney a apporté une grande contribution à son équipe lors d'une victoire 3-0 à domicile contre Bolton. Bien qu'il ait raté un penalty, il a créé deux buts en aidant Paul Scholes pour le premier but et Danny Welbeck pour le deuxième. Le 5 février, Rooney a marqué deux fois sur penalty alors que United revenait d'un déficit de 3-0 pour faire match nul 3-3 lors d'un affrontement en Premier League contre Chelsea à Stamford Bridge. Le 11 février 2012, Rooney a marqué son 500e match en carrière senior en marquant deux buts alors que United battait son rival Liverpool 2-1 à Old Trafford. C'était également son 350e match pour United toutes compétitions confondues. Le 4 mars, Rooney a marqué le premier but d'une victoire 3-1 à l'extérieur contre Tottenham Hotspur à White Hart Lane et a dépassé Joe Spence dans le classement des meilleurs buteurs de tous les temps de Manchester United pour se hisser à la sixième place du classement général avec 169 buts. Il a marqué un autre doublé lors de son prochain match, contre l'Atletico Bilbao en Ligue Europa. Le 11 mars, Rooney a marqué les deux buts qui ont permis à United de remporter la victoire contre West Bromwich Albion lors d'une victoire 2-0 à domicile. Le 15 mars, Rooney a marqué lors du match retour de la Ligue Europa contre l'Athletic Bilbao à Bilbao malgré la défaite de United 2-1 dans la nuit et 5-3 au total. Saison 2012-13 Bien qu'il ait débuté le match d'ouverture de la saison contre Everton, Rooney a été renvoyé sur le banc pour le deuxième match contre Fulham en faveur de la nouvelle recrue Robin van Persie. Après avoir remplacé Shinji Kagawa à la 68e minute, Rooney a subi une grave entaille à la jambe droite causée par Hugo Rodallega de Fulham qui l'a tenu à l'écart pendant quatre semaines. Il a fait son retour le 29 septembre lors d'une défaite 3-2 contre Tottenham. Rooney a marqué ses premiers buts de la saison lors d'une victoire 4-2 en championnat à domicile contre Stoke City le 20 octobre, où il a atteint son 200e but en club. Le 7 novembre, il a marqué son premier but de la saison en UEFA Champions League, marquant un penalty lors d'une victoire 3-1 contre le S.C. Braga. Il a marqué deux fois et aidé un but lors d'une victoire 4–3 contre Reading le 1er décembre. Il a marqué un doublé lors du derby de Manchester au City of Manchester Stadium le 9 décembre 2012, que United a remporté 3-2. Le 16 janvier, il marque un but contre West Ham United en FA Cup. Quinze jours plus tard, il marquait deux fois lors d'une victoire 2-1 contre Southampton. Il a continué à marquer des buts lors de matches consécutifs de la FA Cup contre Fulham et Chelsea. Le 12 mai, Sir Alex Ferguson a annoncé, après la victoire 2-1 de United contre Swansea City, que Rooney avait remis sa demande de transfert, un match dans lequel Rooney a également demandé de ne pas jouer. Saison 2013-2014 Le 5 juillet 2013, le nouveau manager de United, David Moyes, a annoncé que Rooney n'était pas à vendre, après des spéculations selon lesquelles Chelsea, Arsenal, le Real Madrid et le Paris Saint-Germain faisaient partie des clubs cherchant à le signer. Le 17 juillet 2013, Chelsea a confirmé avoir fait une offre pour Rooney la veille, estimée à environ 20 millions de livres sterling, mais elle avait été rejetée par Manchester United. Il a subi une entaille à la tête à l'entraînement le 31 août après une collision avec Phil Jones qui l'a empêché de participer au match contre Liverpool. Il a marqué son premier but de la saison sur coup franc lors d'une victoire 2-0 contre Crystal Palace. Le 17 septembre, Rooney a marqué deux fois lors d'une victoire 4-2 contre le Bayer Leverkusen en UEFA Champions League, marquant ainsi son 200e but pour United. Le 22 septembre, Rooney a marqué un magnifique coup franc à la onzième heure pour inscrire un but de consolation lors du 4-1 contre son voisin, Manchester City, lors du derby de Manchester. Il a marqué un doublé contre Tottenham Hotspur à White Hart Lane lors d'un match nul 2–2 le 1er décembre. Il a marqué son 150e but en championnat pour le club avec une volée contre Hull City le 26 décembre alors que United revenait d'un déficit de 2-0 pour remporter le match 3-2 ; il a également fourni des passes décisives pour les deux autres buts. Le 21 février 2014, Rooney a signé une prolongation de contrat avec Manchester United, qui le maintiendra à Old Trafford jusqu'en 2019. Rooney a fourni une passe décisive à Robin van Persie, alors que Manchester United battait l'Olympiakos lors du match retour de l'UEFA Champions League. Le 22 mars 2014, Rooney a marqué deux buts pour United à West Ham United, le plaçant à la troisième place sur la liste des buteurs de tous les temps du club avec 212 buts en carrière. Rooney a terminé la saison en tant que meilleur buteur et passeur de Manchester United en championnat avec 17 buts et 10 passes décisives. Il a également obtenu le plus de passes décisives lors de la Ligue des champions 2013-2014 avec 8 passes décisives, battant la 2e place Ángel Di María qui a obtenu 6 passes décisives. Saison 2014-15 Après le départ de Nemanja Vidić de Manchester United en juillet 2014, Rooney a été nommé par le nouveau manager Louis van Gaal pour le remplacer en tant que capitaine du club avant la saison 2014-15. Le jour de l'ouverture de la saison, le 16 août, Rooney a marqué un coup de pied de bicyclette pour égaliser contre Swansea City, bien que United ait finalement perdu 1–2. Le 27 septembre 2014, Rooney est devenu le troisième meilleur buteur de tous les temps en Premier League, devant Thierry Henry avec 176 buts après avoir marqué un but lors d'une victoire 2-1 contre West Ham United. Dans le même match, il a été expulsé pour une faute sur Stewart Downing et a été suspendu pour trois matchs. Le 22 novembre 2014, Rooney a marqué pour United lors d'une victoire 2-1 contre son rival Arsenal, leur première victoire à l'extérieur de la saison. Il a continué à marquer lors du match suivant, lors d'une victoire 3-0 contre Hull City. Le 14 décembre, il a marqué le premier but lors d'une victoire 3-0 contre son rival Liverpool. Le 26 décembre, Rooney a marqué deux buts contre Newcastle United, un match que son équipe a remporté 3-1 – le 50e match consécutif du Boxing Day de United. Pour ses performances, Rooney a été élu joueur du mois de décembre de United. Au cours de la saison, Rooney a souvent été déployé comme milieu de terrain par van Gaal. Le 16 février 2015, lors d'un match de FA Cup contre Preston, Rooney a fait l'objet de critiques pour avoir plongé pour obtenir un penalty ; United allait remporter le match 3-1. L'enregistrement semblait montrer que Rooney n'était pas entré en contact avec le gardien. Cependant, le manager anglais Roy Hodgson a défendu Rooney, affirmant qu'il avait été contraint de prendre des mesures évasives. Rooney s'est ensuite excusé pour son comportement en déclarant : "C'était ma chance d'obtenir un penalty. Je devais l'utiliser." Ce penalty était également le premier but de Rooney en 2015, mettant ainsi fin à une série de 0-0. Le 28 février 2015, il a marqué un doublé lors d'une victoire 2-0 contre Sunderland, devenant ainsi le premier joueur à marquer plus de 10 buts en 11 saisons consécutives. Le 15 mars, Rooney a marqué le troisième but lors d'une victoire 3-0 contre Tottenham. Rooney a été le meilleur buteur de Manchester United pour la campagne 2014-15, mais son total de 14 est le plus bas d'un meilleur buteur depuis 1982. Le total de 62 buts de United était également le deuxième pire de l'ère de la Premier League. Saison 2015-2016 Le 26 août 2015, Rooney a mis fin à une séquence de 878 minutes sans but en marquant un triplé lors d'une victoire 4-0 (7-1 au total) contre le club belge de Bruges lors du match retour des barrages de la Ligue des champions. Il s'agissait de son premier triplé en compétition européenne depuis ses débuts avec United contre Fenerbahçe en 2004. Il a marqué lors d'une victoire 3-0 contre Everton le 17 octobre, le plaçant à 187 buts en Premier League, deuxième avec Andy Cole et derrière Alan Shearer. . Après une absence liée à une blessure, Rooney est revenu dans la formation de départ le 19 décembre, faisant sa 500e apparition à Manchester United lors d'une défaite 2-1 à domicile contre Norwich City. Le 2 janvier 2016, Rooney a marqué lors d'une victoire 2-1 contre Swansea pour devancer Cole en tant que deuxième meilleur buteur de tous les temps de la Premier League, et avec 238, il a surpassé Denis Law parmi les meilleurs buteurs de United de tous les temps, derrière seulement Bobby Charlton. 249. Quinze jours plus tard, il a marqué le seul but d'une victoire à Liverpool, son 176e but en championnat pour United, battant le record de Thierry Henry du plus grand nombre de buts pour un club de Premier League. Après avoir été exclu depuis le 13 février en raison d'une blessure au genou, Rooney est revenu dans la formation de départ lors d'une victoire 1-0 à domicile contre Aston Villa le 16 avril. Le 21 mai 2016, Rooney a été capitaine de Manchester United lors de la finale de la FA Cup 2016 contre Crystal Palace. Il a joué les 120 minutes complètes au milieu de terrain central, remportant la compétition pour la première fois de sa carrière après une victoire 2-1 en prolongation au stade de Wembley. Carrière internationale Début de carrière internationale et Euro 2004 Rooney était éligible pour représenter la République d'Irlande, par l'intermédiaire d'une grand-mère irlandaise. En 2015, il a confirmé qu'il avait rejeté une approche irlandaise à l'âge de 16 ans, se décrivant comme « anglais de bout en bout ». Rooney est devenu le plus jeune joueur à jouer pour l'Angleterre lorsqu'il a remporté sa première sélection lors d'une défaite amicale contre l'Australie au Boleyn Ground le 12 février 2003 à 17 ans et 111 jours, entrant en jeu à la mi-temps alors que le manager Sven-Göran Eriksson alignait un autre équipe dans chaque mi-temps. Le 6 septembre de la même année, âgé de 17 ans et 317 jours, il devient le plus jeune joueur à marquer pour l'Angleterre, égalisant lors d'une victoire 2-1 à l'extérieur contre la Macédoine lors d'un match de qualification pour l'UEFA Euro 2004. Sa première action en tournoi a eu lieu à l'UEFA Euro 2004, au cours duquel il est devenu le plus jeune buteur de l'histoire de la compétition le 17 juin 2004, lorsqu'il a marqué deux fois contre la Suisse ; cependant, ce record a été battu par le milieu de terrain suisse Johan Vonlanthen quatre jours plus tard. Rooney s'est blessé lors du match de quart de finale contre le Portugal et l'Angleterre a été éliminée aux tirs au but. Après avoir marqué quatre buts en quatre matches, Rooney a été nommé dans l'équipe du tournoi de l'UEFA. Coupes du monde 2006 et 2010 Suite à une blessure au pied lors d'un match de Premier League en avril 2006, Rooney s'est lancé dans une course à la forme physique pour la Coupe du Monde de la FIFA 2006. L'Angleterre a tenté d'accélérer sa récupération en utilisant une tente à oxygène, ce qui a permis à Rooney de participer à un match de groupe contre Trinité-et-Tobago et de débuter le prochain match contre la Suède. Cependant, il ne s'est jamais remis en forme et est resté sans but alors que l'Angleterre s'est inclinée en quarts de finale, toujours aux tirs au but. match L'Angleterre paie une pénalité pour le rouge de Rooney] The Observer, 2 juillet 2006 Rooney a reçu un carton rouge à la 62e minute du quart de finale pour avoir frappé le défenseur portugais Ricardo Carvalho alors que tous deux tentaient de prendre possession du ballon, un incident qui s'est produit juste devant l'arbitre Horacio Elizondo. bbc.co.uk/sport1/hi/football/world_cup_2006/teams/england/5130880.stm Le licenciement de Rooney étourdit l'Angleterre] BBC Sport, 1er juillet 2006. Le coéquipier de Rooney à Manchester United, Cristiano Ronaldo, a ouvertement protesté contre ses actions et a été à son tour bousculé par Rooney. . Elizondo a expulsé Rooney, après quoi Ronaldo a été vu faire un clin d'œil sur le banc du Portugal. Rooney a nié avoir intentionnellement ciblé Carvalho dans un communiqué du 3 juillet, ajoutant : "Je n'ai aucun ressentiment envers Cristiano mais je suis déçu qu'il ait choisi de s'impliquer. Je suppose que je dois cependant me rappeler qu'à cette occasion particulière, nous n'étaient pas des coéquipiers." Elizondo a confirmé le lendemain que Rooney avait été licencié uniquement pour l'infraction sur Carvalho. Rooney a été condamné à une amende de 5 000 CHF pour cet incident. Rooney a été le meilleur buteur de l'Angleterre lors de sa campagne de qualification pour la Coupe du Monde de la FIFA 2010 avec neuf buts ; un derrière le meilleur buteur de la section UEFA, le Grec Theofanis Gekas. Le 14 novembre 2009, Rooney a été capitaine de l'Angleterre pour la première fois lors d'un match amical d'avant-tournoi contre le Brésil. Lors de la Coupe du Monde de la FIFA 2010 en Afrique du Sud, l'Angleterre a fait match nul contre l'Algérie et les joueurs anglais ont été hués hors du terrain par suppo.

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Combien de fois Liverpool a-t-il remporté la Coupe d’Europe ?

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Liverpool est une grande ville et un arrondissement métropolitain du nord-ouest de l'Angleterre. En 2015, la zone du conseil municipal comptait une population estimée à 478 580 habitants, tandis que la zone métropolitaine de Liverpool/Birkenhead comptait plus de 2,2 millions d'habitants. Liverpool est la principale ville de la région urbaine de Liverpool. Liverpool se trouve sur la rive orientale de l'estuaire de la Mersey et se trouvait historiquement dans l'ancienne centaine de West Derby, au sud-ouest du comté de Lancashire. Elle est devenue un arrondissement à partir de 1207 et une ville à partir de 1880. L'expansion de la ville lors de la révolution industrielle s'est accompagnée de sa croissance en tant que port majeur et de sa participation à la traite négrière atlantique. Liverpool était le port d'immatriculation du paquebot RMS Titanic et de nombreux autres paquebots Cunard et White Star tels que le RMS Lusitania, Queen Mary et Olympic. La ville a célébré son 800e anniversaire en 2007 et a détenu le titre de Capitale européenne de la culture avec Stavanger, en Norvège, en 2008. Plusieurs zones du centre-ville de Liverpool ont été classées au patrimoine mondial de l'UNESCO en 2004. La ville marchande maritime de Liverpool comprend le Pier Head, l'Albert Dock et la rue William Brown. Le tourisme représente une part importante de l'économie de la ville. Étiquetée « Capitale mondiale de la pop » par le Guinness World Records, la popularité des Beatles et d'autres groupes de l'ère Merseybeat contribue plus tard au statut de Liverpool en tant que destination touristique. Liverpool est également le siège de deux clubs de football de Premier League, Liverpool et Everton, les matchs entre les deux étant connus sous le nom de derby du Merseyside. La course hippique Grand National, de renommée mondiale, a lieu chaque année à l'hippodrome d'Aintree, à la périphérie de la ville. Le statut de Liverpool en tant que ville portuaire a contribué à la diversité de sa population, qui, historiquement, était issue d'un large éventail de peuples, de cultures et de religions, en particulier celles d'Irlande et du Pays de Galles. La ville abrite également la plus ancienne communauté noire africaine du pays et la plus ancienne communauté chinoise d’Europe. Les natifs de Liverpool sont appelés Liverpudlians (ou moins communément Liverpolitans) et familièrement « Scousers », une référence au « scouse », une forme de ragoût. Le mot « Scouse » est également devenu synonyme de l'accent et du dialecte de Liverpool. Histoire Histoire ancienne Les lettres patentes du roi Jean de 1207 annonçaient la fondation de l'arrondissement de Liverpool, mais au milieu du XVIe siècle, la population n'était encore que d'environ 500 habitants. Le plan original des rues de Liverpool aurait été conçu par le roi Jean à peu près à la même époque. il reçut une charte royale, ce qui en faisait un arrondissement. Les sept rues d'origine étaient tracées en forme de H : Bank Street (maintenant Water Street), Castle Street, Chapel Street, Dale Street, Juggler Street (maintenant High Street), Moor Street (maintenant Tithebarn Street) et Whiteacre Street (maintenant Old rue Hall). Au XVIIe siècle, le commerce et la croissance démographique progressèrent lentement. Des batailles pour la ville ont eu lieu pendant la guerre civile anglaise, y compris un siège de dix-huit jours en 1644. En 1699, Liverpool a été érigée en paroisse par une loi du Parlement et la même année, son premier navire négrier, le Liverpool Merchant, a mis le cap sur l'Afrique. À mesure que le commerce des Antilles dépassait celui de l'Irlande et de l'Europe et que la rivière Dee s'envasait, Liverpool commença à se développer. La première cale sèche commerciale a été construite à Liverpool en 1715. Les bénéfices substantiels de la traite des esclaves ont aidé la ville à prospérer et à se développer rapidement, même si plusieurs hommes locaux éminents, dont William Rathbone, William Roscoe et Edward Rushton, étaient à l'avant-garde du mouvement abolitionniste. mouvement. 19ème siècle Au début du XIXe siècle, un volume important de commerce transitait par Liverpool et la construction de bâtiments majeurs reflétait cette richesse. En 1830, Liverpool et Manchester sont devenues les premières villes à disposer d'une liaison ferroviaire interurbaine, via le Liverpool and Manchester Railway. La population a continué d'augmenter rapidement, en particulier dans les années 1840, lorsque les migrants irlandais ont commencé à arriver par centaines de milliers à la suite de la Grande Famine. Compte tenu de la place cruciale du coton et de l'esclavage dans l'économie de la ville, pendant la guerre civile américaine, Liverpool était, selon les mots de l'historien Sven Beckert, « l'endroit le plus pro-confédéré au monde en dehors de la Confédération elle-même ». Pendant des périodes du XIXe siècle, la richesse de Liverpool dépassait celle de Londres, et la douane de Liverpool était le plus grand contributeur au Trésor britannique. Le statut de Liverpool peut être jugé par le fait qu'elle a été la seule ville britannique à avoir jamais eu son propre bureau à Whitehall. Au début du XIXe siècle, Liverpool a joué un rôle majeur dans l'industrie du phoque en Antarctique, c'est pourquoi Liverpool Beach, dans les îles Shetland du Sud, doit son nom à la ville. Dès 1851, la ville était décrite comme « le New York de l’Europe ». À la fin du XIXe et au début du XXe siècle, Liverpool attirait des immigrants de toute l'Europe. Cela a abouti à la construction d'un large éventail d'édifices religieux dans la ville pour les nouveaux groupes ethniques et religieux, dont beaucoup sont encore utilisés aujourd'hui. La Deutsche Kirche Liverpool, l'église orthodoxe grecque de Saint-Nicolas, l'église Gustav Adolf et la synagogue Princes Road ont toutes été créées dans les années 1800 pour servir respectivement les communautés croissantes allemande, grecque, nordique et juive de Liverpool. L'une des églises les plus anciennes de Liverpool, l'église catholique romaine Saint-Pierre, a servi de lieu de culte à la communauté polonaise au cours de ses dernières années. 20ième siècle La période d’après-guerre a été marquée par des troubles sociaux alors que la société était aux prises avec les pertes massives de jeunes hommes et tentait d’intégrer les anciens combattants dans l’économie. Des organisations syndicales et des grèves ont eu lieu dans de nombreux endroits, y compris des grèves de la police métropolitaine de Londres. De nombreux soldats et marins coloniaux ayant servi au Royaume-Uni se sont installés à Liverpool et dans d’autres villes portuaires. En juin 1919, ils furent attaqués par des Blancs lors d'émeutes raciales ; les résidents du port comprenaient des immigrants suédois, et les deux groupes devaient rivaliser avec les autochtones de Liverpool pour l'emploi et le logement. Au cours de cette période, des émeutes raciales ont également eu lieu à Cardiff, Newport et Barry, ainsi que des incidents à Glasgow, South Shields, Londres, Hull et Salford.[http://www.history.ac.uk/reviews/review/ 840 Dr Laura Tabili, « Review of Jacqueline Jenkinson, Black 1919: Riots, Racism and Resistance in Imperial Britain, Liverpool, Liverpool University Press, 2009, ISBN 9781846312007 », site Internet Reviews in History, consulté le 13 avril 2016] Il y en avait tellement des émeutes raciales cet été-là dans les grandes villes des États-Unis qu'un leader noir a baptisées Red Summer. Il y a également eu des émeutes dans les villes des Caraïbes et d’Afrique du Sud au cours de cette première année d’après-guerre. La loi sur le logement de 1919 a abouti à la construction massive de logements sociaux à Liverpool dans les années 1920 et 1930. Des milliers de familles ont été relocalisées du centre-ville vers de nouveaux lotissements de banlieue, convaincues que cela améliorerait leur niveau de vie, bien que cela soit largement subjectif. De nombreuses maisons privées ont également été construites à cette époque. La Grande Dépression du début des années 1930 a vu le chômage dans la ville culminer à environ 30 %. Liverpool a été le site du premier aéroport provincial de Grande-Bretagne, opérationnel à partir de 1930. Ce fut le premier aéroport britannique à être renommé en l'honneur d'un individu : le regretté chanteur et compositeur John Lennon des Beatles, un groupe de renommée internationale au début des années 1960, qui était assassiné à New York. Pendant la Seconde Guerre mondiale, l'importance stratégique critique de Liverpool a été reconnue à la fois par Hitler et Churchill, la ville subissant un blitz juste derrière celui de Londres. La bataille cruciale de l’Atlantique a été planifiée, menée et remportée depuis Liverpool. Les Allemands ont lancé 80 raids aériens sur le Merseyside, tuant 2 500 personnes et endommageant près de la moitié des maisons de la zone métropolitaine. D'importantes reconstructions ont suivi la guerre, notamment d'immenses lotissements et le Seaforth Dock, le plus grand projet de quai de Grande-Bretagne. Une grande partie de la reconstruction immédiate du centre-ville a été profondément impopulaire. Ce système était aussi imparfait que le renouveau de l’urbanisme qui a suivi dans les années 1950 et 1960. Les parties historiques de la ville qui ont survécu aux bombardements allemands ont subi d'importantes destructions lors de la rénovation urbaine. Depuis 1952, Liverpool est jumelée avec Cologne, en Allemagne, une ville qui a également subi de violents bombardements aériens pendant la guerre. Comme la plupart des villes britanniques et des villes industrialisées, Liverpool est devenue le foyer d'un nombre important d'immigrants du Commonwealth, à commencer après la Première Guerre mondiale par des soldats coloniaux et des marins qui avaient servi dans la région. Une importante communauté noire antillaise existait dans la ville depuis les deux premières décennies du XXe siècle. D'autres immigrants sont arrivés après la Seconde Guerre mondiale, s'installant principalement dans les quartiers plus anciens du centre-ville tels que Toxteth, où le logement était moins cher. La construction de logements sociaux périurbains s'est développée après la Seconde Guerre mondiale. Certains des quartiers les plus anciens du centre-ville ont été réaménagés pour de nouvelles maisons. Dans les années 1960, Liverpool était le centre du son « Merseybeat », devenu synonyme des Beatles et des autres groupes de rock de Liverpudlian. Influencés par le rythme et le blues américains et la musique rock, ils ont également fortement influencé la musique américaine pendant des années et ont connu une popularité internationale. Anciennement partie du Lancashire et arrondissement du comté à partir de 1889, Liverpool est devenu en 1974 un arrondissement métropolitain au sein du comté métropolitain nouvellement créé du Merseyside. À partir du milieu des années 1970, les quais de Liverpool et les industries manufacturières traditionnelles ont connu un déclin marqué en raison de la restructuration du transport maritime et de l'industrie, entraînant des pertes massives d'emplois. L'avènement de la conteneurisation a rendu les quais de la ville devenus largement obsolètes et les dockers ont perdu leur emploi. Au début des années 1980, le taux de chômage à Liverpool était parmi les plus élevés du Royaume-Uni, s'élevant à 17 % en janvier 1982. Cela représentait environ la moitié du niveau de chômage qui avait touché la ville pendant la Grande Dépression 50 ans auparavant. À la fin du XIXe siècle, l'économie de Liverpool a commencé à se redresser. Depuis le milieu des années 1990, la ville connaît des taux de croissance supérieurs à la moyenne nationale. À la fin du XXe siècle, Liverpool se concentrait sur la régénération, un processus qui se poursuit aujourd'hui. 21e siècle Pour célébrer le jubilé d'or d'Elizabeth II en 2002, l'association caritative de conservation Plantlife a organisé un concours pour choisir les fleurs du comté ; le houx de mer était le choix final de Liverpool. Capitalisant sur la popularité des groupes de rock des années 1960, tels que les Beatles, ainsi que sur les galeries d'art, musées et monuments de classe mondiale de la ville, le tourisme est également devenu un facteur important dans l'économie de Liverpool. En 2004, le promoteur immobilier Grosvenor a lancé le projet Paradise, un développement de 920 millions de livres sterling basé sur Paradise Street. Il s'agit des changements les plus importants apportés au centre-ville de Liverpool depuis la reconstruction d'après-guerre. Rebaptisé « Liverpool ONE », le centre a ouvert ses portes en mai 2008. En 2007, la ville a célébré le 800e anniversaire de la fondation de l'arrondissement de Liverpool, pour lequel de nombreux événements étaient prévus. Liverpool a été désignée capitale européenne commune de la culture pour 2008. Les principales célébrations, en septembre 2008, comprenaient l'érection de La Princesse, une grande araignée mécanique de 20 mètres de haut et pesant 37 tonnes, qui représente les « huit pattes » de Liverpool : honneur , l'histoire, la musique, la Mersey, les ports, la gouvernance, le soleil et la culture. La Princesse a parcouru les rues de la ville pendant les festivités et a conclu en entrant dans le tunnel Queensway. Menée par le projet de développement de Liverpool ONE, évalué à plusieurs milliards de livres, la régénération s'est poursuivie jusqu'au début des années 2010. Certains des projets de réaménagement les plus importants comprennent de nouveaux bâtiments dans le quartier commercial, le King's Dock, Mann Island, le Lime Street Gateway, le Baltic Triangle, les RopeWalks et le Edge Lane Gateway. Tous les projets pourraient être éclipsés par le projet Liverpool Waters, qui, s'il était construit, coûterait environ 5,5 milliards de livres sterling et constituerait l'un des plus grands mégaprojets de l'histoire du Royaume-Uni. Liverpool Waters est un développement à usage mixte prévu pour contenir l'un des plus grands groupes de gratte-ciel d'Europe. Le projet a reçu un permis de construire en 2012, malgré l'opposition farouche de groupes tels que l'UNESCO, qui affirmaient que cela nuirait au statut de patrimoine mondial de Liverpool. Le 9 juin 2014, le Premier ministre David Cameron a lancé le Festival international des affaires à Liverpool, le plus grand événement commercial au monde en 2014 et le plus grand au Royaume-Uni depuis le Festival of Britain en 1951. Inventions et innovations Liverpool a été un centre d'innovation industrielle et ultérieure. Les chemins de fer, les bateaux à vapeur transatlantiques, les tramways municipaux et les trains électriques ont tous été lancés à Liverpool en tant que modes de transport en commun. En 1829 et 1836, les premiers tunnels ferroviaires du monde furent construits sous Liverpool. De 1950 à 1951, le premier service régulier d'hélicoptères de passagers au monde a fonctionné entre Liverpool et Cardiff. La première école pour aveugles, le Mechanics' Institute, le lycée pour filles, le conseil municipal et le tribunal pour mineurs ont tous été fondés à Liverpool. La RSPCA, la NSPCC, Age Concern, Relate, le Citizen's Advice Bureau et l'aide juridique sont toutes issues du travail effectué dans la ville. Dans le domaine de la santé publique, première station de sauvetage, bains et lavoirs publics, acte sanitaire, médecin-hygiéniste, infirmière de district, assainissement des bidonvilles, ambulance spécialement conçue, diagnostic médical radiologique, école de médecine tropicale, moto camion de pompiers municipal, le lait et les repas scolaires gratuits, le centre de recherche sur le cancer et le centre de recherche sur les zoonoses sont tous originaires de Liverpool. Le premier prix Nobel britannique a été décerné en 1902 à Ronald Ross, professeur à l'École de médecine tropicale, la première école de ce type au monde. La chirurgie orthopédique a été lancée à Liverpool par Hugh Owen Thomas et l'anesthésie médicale moderne par Thomas Cecil Gray. Le premier système d'égouts intégré au monde a été construit à Liverpool par James Newlands, nommé en 1847 premier ingénieur d'arrondissement du Royaume-Uni. Dans le domaine financier, Liverpool a fondé la première association des assureurs du Royaume-Uni et le premier institut des comptables. Les premiers produits financiers dérivés du monde occidental (à terme sur le coton) ont été négociés à la Bourse du coton de Liverpool à la fin des années 1700. Dans le domaine des arts, Liverpool abritait la première bibliothèque de prêt, la société athenaeum, le centre des arts et le centre public de conservation de l'art. Liverpool abrite également le plus ancien orchestre classique du Royaume-Uni, le Royal Liverpool Philharmonic Orchestra, ainsi que le plus ancien théâtre de répertoire encore existant, le Liverpool Playhouse. En 1864, Peter Ellis a construit le premier immeuble de bureaux au monde à charpente de fer et aux murs-rideaux, Oriel Chambers, le prototype du gratte-ciel. Le premier grand magasin spécialement construit au Royaume-Uni fut Compton House, achevé en 1867 pour le détaillant J.R. Jeffrey ; c'était à l'époque le plus grand magasin du monde. Entre 1862 et 1867, Liverpool a organisé chaque année un grand festival olympique. Conçus par John Hulley et Charles Melly, ces jeux ont été les premiers à être entièrement amateurs par nature et à vocation internationale. Le programme de la première Olympiade moderne à Athènes en 1896 était presque identique à celui des Jeux olympiques de Liverpool. En 1865, Hulley a cofondé la National Olympian Association à Liverpool, précurseur de la British Olympic Association. Ses articles fondateurs ont fourni le cadre de la Charte Internationale Olympique. L'armateur Sir Alfred Lewis Jones a introduit la banane en Grande-Bretagne en 1884. Le chemin de fer de la Mersey, ouvert en 1886, comprenait le premier tunnel au monde sous un estuaire à marée et les premières stations souterraines en profondeur au monde. En 1889, l'ingénieur de l'arrondissement John Alexander Brodie a inventé le filet de but de football. Il fut également un pionnier dans l'utilisation de logements préfabriqués. Brodie a supervisé la construction du premier périphérique du Royaume-Uni, de la première autoroute interurbaine du Royaume-Uni, ainsi que du tunnel Queensway reliant Liverpool et Birkenhead. Qualifié de « huitième merveille du monde » au moment de sa construction, il fut le plus long tunnel sous-marin du monde, titre qu'il conserva pendant 24 ans. En 1897, les frères Lumière ont filmé Liverpool, y compris ce qui est considéré comme le premier travelling au monde, pris depuis le Liverpool Overhead Railway, le premier chemin de fer électrifié surélevé au monde. L'Overhead Railway a été le premier chemin de fer au monde à utiliser des unités multiples électriques, le premier à utiliser la signalisation automatique et le premier à installer un escalier mécanique. L'inventeur de Liverpool, Frank Hornby, était un visionnaire dans le développement et la fabrication de jouets ; il a produit trois des gammes de jouets les plus populaires du 20e siècle : Meccano, Hornby Model Railways et Dinky Toys. La British Interplanetary Society, fondée à Liverpool en 1933 par Phillip Ellaby Cleator, est la plus ancienne organisation au monde consacrée à la promotion des vols spatiaux. Son journal est la publication astronautique la plus ancienne au monde. En 1999, Liverpool a été la première ville en dehors de la capitale à recevoir des plaques bleues de l'English Heritage en reconnaissance de « la contribution significative apportée par ses fils et ses filles dans tous les domaines ». Gouvernement Liverpool a plusieurs niveaux de gouvernement ; le maire et le conseil local, qui sont également parties prenantes de l'autorité combinée de la région de la ville de Liverpool, du gouvernement national et du Parlement européen. Liverpool est officiellement gouvernée par une autorité unitaire, car lorsque le conseil du comté de Merseyside a été dissous, les fonctions civiques ont été renvoyées au niveau d'un district. Toutefois, plusieurs services, tels que la police et les services d'incendie et de secours, continuent d'être gérés à l'échelle du comté. Maire et conseil local La ville de Liverpool est gouvernée par le maire de Liverpool élu directement et par le conseil municipal de Liverpool, et est l'un des six arrondissements métropolitains qui forment la région de la ville de Liverpool. Le maire est élu par les citoyens de Liverpool tous les quatre ans et est responsable de la gestion quotidienne du conseil. Les 90 conseillers élus du conseil, qui représentent les communautés locales de toute la ville, sont chargés d'examiner les décisions du maire, d'établir le budget et le cadre politique de la ville. La responsabilité du maire est d'être une voix puissante pour la ville tant au niveau national qu'international, de diriger, de renforcer la confiance des investisseurs et d'orienter les ressources vers les priorités économiques. Le maire échange également un dialogue direct avec les ministres du gouvernement et le Premier ministre à travers son siège au « Cabinet des maires ». Les discussions incluent la pression sur les décideurs du gouvernement sur les questions locales ainsi que l'établissement de relations avec les autres maires directement élus en Angleterre et au Pays de Galles. Le maire est Joe Anderson. La ville de Liverpool compte effectivement deux maires. Outre le maire élu au suffrage direct, il y a le « lord-maire » cérémonial (ou maire civique) qui est élu par l'ensemble du conseil municipal lors de son assemblée générale annuelle en mai et qui est élu pour un an. Le lord-maire agit en tant que « premier citoyen » de Liverpool et est chargé de promouvoir la ville, de soutenir les associations caritatives et les groupes communautaires locaux, ainsi que de représenter la ville lors d'événements civiques. Le lord-maire est le conseiller Frank Prendergast. Pour les élections locales, la ville est divisée en 30 circonscriptions locales, qui sont par ordre alphabétique : Lors des dernières élections locales, tenues en mai 2011, le Parti travailliste a consolidé son contrôle sur le conseil municipal de Liverpool, après avoir repris le pouvoir pour la première fois en 12 ans, lors des élections précédentes de mai 2010. Le Parti travailliste a remporté 11 sièges. lors de l'élection, portant leur total à 62 sièges, contre 22 pour les libéraux-démocrates. Sur les sièges restants, le Parti libéral en a remporté trois et le Parti vert deux. Le Parti conservateur, l'un des trois principaux partis politiques du Royaume-Uni, n'était pas représenté au conseil municipal de Liverpool. En février 2008, le conseil municipal de Liverpool s'est révélé être le conseil le moins performant du pays, n'ayant reçu qu'une étoile (classé comme inadéquat). La principale cause de cette mauvaise note a été attribuée à la mauvaise gestion par le conseil de l'argent des contribuables, notamment à l'accumulation d'un déficit de 20 millions de livres sterling sur le financement du Capital of Culture. Alors que Liverpool, pendant la majeure partie du 19e et au début du 20e siècle, était un bastion municipal du torysme, le soutien au Parti conservateur a récemment été parmi les plus faibles de toutes les régions de Grande-Bretagne, en particulier depuis les politiques économiques monétaristes de la première ministre Margaret Thatcher après son mandat général de 1979. La victoire électorale a contribué à un chômage élevé dans la ville, qui n'a pas commencé à baisser avant de nombreuses années. Liverpool est l'un des principaux bastions du parti travailliste ; Cependant, la ville a également connu des moments difficiles sous les gouvernements travaillistes, en particulier lors de l'hiver du mécontentement (fin 1978 et début 1979), lorsque Liverpool a subi des grèves dans le secteur public comme le reste du Royaume-Uni, mais a également subi le malheur particulièrement humiliant d'avoir de graves conséquences. -les creuseurs se mettent en grève, laissant les morts sans sépulture. Autorité combinée de la région de la ville de Liverpool La ville de Liverpool est l'un des six districts d'administration locale constituants de la région de la ville de Liverpool. Depuis le 1er avril 2014, certaines responsabilités de la ville ont été regroupées avec les autorités voisines de la zone métropolitaine et intégrées à la Liverpool City Region Combined Authority. L'autorité combinée est effectivement devenue l'organe administratif de premier plan pour la gouvernance locale de la région de la ville et le maire de Liverpool, ainsi que les cinq autres dirigeants des districts de gouvernement local voisins, prennent des décisions stratégiques en matière de développement économique, de transport, d'emploi et de compétences. , le tourisme, la culture, le logement et les infrastructures physiques. Depuis juillet 2015, des négociations sont actuellement en cours entre le gouvernement national britannique et l'autorité combinée sur un éventuel accord de décentralisation visant à conférer de plus grands pouvoirs à la région. Les discussions portent notamment sur l’opportunité d’introduire un « maire de métro » élu pour superviser l’ensemble de la zone métropolitaine. Circonscriptions parlementaires et députés Liverpool compte quatre circonscriptions parlementaires entièrement au sein de la ville, à travers lesquelles les députés (députés) sont élus pour représenter la ville à Westminster : Liverpool Riverside, Liverpool Walton, Liverpool Wavertree et Liverpool West Derby. Lors des dernières élections générales, tous ont été remportés par les travaillistes, représentés respectivement par Louise Ellman, Steve Rotheram, Luciana Berger et Stephen Twigg. En raison de changements de limites avant les élections de 2010, la circonscription de Liverpool Garston a fusionné avec la majeure partie de Knowsley Sud pour former le siège transfrontalier de Garston et Halewood. Lors des dernières élections, ce siège a été remporté par Maria Eagle, du Parti travailliste. Géographie Liverpool a été décrite comme ayant « le cadre le plus splendide de toutes les villes anglaises ». À (53,4, −2,98), à 176 km au nord-ouest de Londres, située dans la baie de Liverpool, dans la mer d'Irlande, la ville de Liverpool est construite sur une crête de collines de grès s'élevant jusqu'à une hauteur d'environ 230 pieds (70 m) au-dessus de la mer. -niveau à Everton Hill, qui représente la limite sud de la plaine côtière de l'ouest du Lancashire. L'estuaire de la Mersey sépare Liverpool de la péninsule de Wirral. Les limites de Liverpool sont adjacentes à Bootle, Crosby et Maghull au sud de Sefton au nord, et à Kirkby, Huyton, Prescot et Halewood à Knowsley à l'est. Climat Liverpool connaît un climat maritime tempéré, comme la plupart des îles britanniques, avec des étés relativement frais et des hivers doux. Historiquement, l'observatoire de Bidston (actuellement situé sur la péninsule de Wirral) a fourni les données météorologiques les plus longues et les plus ininterrompues pour la région du Merseyside. Plus récemment, le Met Office a exploité une station météorologique à Crosby. La température minimale absolue enregistrée à Bidston était en janvier 1881, généralement la nuit la plus froide de l'année devrait tomber à (moyenne 1971-2000). Cependant, la variabilité du climat local a été exposée lorsque la station météorologique de Crosby est tombée à en décembre 2010. La température maximale absolue enregistrée à Bidston était en août 1990 – le jour le plus chaud de l’année devrait généralement atteindre (moyenne 1971-2000). Le maximum absolu à Crosby est de , enregistré en juillet 2006. Le climat océanique modéré de Liverpool contraste fortement avec les températures attendues en Europe continentale, tant à la même latitude qu'à des latitudes beaucoup plus au nord, avec de très faibles variations entre les saisons en comparaison. Par exemple, les régions de la Scandinavie continentale, beaucoup plus au nord, connaissent des étés plus chauds avec des vagues de chaleur plus longues, tandis que Liverpool, tout comme le reste des îles britanniques, ne connaît pas d'hivers enneigés réguliers, malgré sa situation géographique au nord. Liverpool vert En 2010, le conseil municipal de Liverpool et le Primary Care Trust ont chargé [http://www.merseyforest.org.uk The Mersey Forest] de finaliser une stratégie d'infrastructure verte pour la ville. Démographie Population La ville Lors du recensement britannique de 2011, la population enregistrée de Liverpool était de 466 415 habitants, soit une augmentation de 6,1 % par rapport au chiffre de 439 473 enregistré lors du recensement de 2001. La population de la zone du conseil municipal de Liverpool a culminé dans les années 1930 avec 846 101 habitants enregistrés lors du recensement de 1931. Jusqu'à la publication des chiffres de 2011 révélant un retour à la croissance démographique, la zone du conseil municipal avait connu une croissance démographique négative chaque décennie depuis le recensement de 1931. Une grande partie de la perte de population était le résultat de programmes de réinstallation à grande échelle dans les zones voisines introduits au lendemain de la Seconde Guerre mondiale, des villes telles que Kirkby, Skelmersdale et Runcorn connaissant une augmentation correspondante de leur population (Kirkby étant la ville à la croissance la plus rapide). ville de Grande-Bretagne dans les années 1960). La population de Liverpool est plus jeune que celle de l'Angleterre dans son ensemble, avec 42,3 pour cent de sa population âgée de moins de 30 ans, contre une moyenne anglaise de 37,4 pour cent. , 66 pour cent de la population était en âge de travailler. Zone urbaine et métropolitaine Liverpool est la plus grande autorité locale en termes de population, de PIB et de superficie du Merseyside. Liverpool est généralement regroupée avec la région plus large du Merseyside dans le but de définir son empreinte métropolitaine, et il existe plusieurs méthodologies. Liverpool est définie comme une zone NUTS3 autonome par l'ONS à des fins statistiques et fait partie de la zone NUTS2 « Merseyside » avec East Merseyside (Knowsley, St Helens et Halton), Sefton et Wirral. La population de cette zone était de 1 513 306 habitants, selon les estimations de 2014. La « zone urbaine de Liverpool » est un terme utilisé par l'Office for National Statistics (ONS) pour désigner la zone urbaine autour de la ville à l'est de la rivière Mersey. La zone bâtie contiguë s'étend au-delà de la zone administrée par le conseil municipal de Liverpool dans les zones d'autorité locale adjacentes, en particulier certaines parties de Sefton et Knowsley. Telle que définie par l'ONS, la zone s'étend à l'est jusqu'à Haydock et St. Helens. Contrairement à la zone métropolitaine, la zone urbaine n'inclut pas The Wirral ou ses zones contiguës. La population de cette zone en 2011 était de 864 211 habitants. La « Liverpool City Region » est un partenariat économique entre les autorités locales du Merseyside sous l'égide de la Liverpool City Region Combined Authority telle que définie par le Mersey Partnership. La zone couvre le Merseyside et l'arrondissement de Halton et compte une population estimée entre 1 500 000 et 2 000 000 d'habitants. En 2006, ESPON (maintenant (Réseau européen d'observation pour le développement et la cohésion territoriale) a publié une étude définissant une « zone métropolitaine de Liverpool/Birkenhead » comme une zone urbaine fonctionnelle composée de zones urbaines contiguës, d'un bassin de main-d'œuvre et de « zones de déplacement vers le travail » pour les navetteurs. L'analyse a regroupé le comté métropolitain du Merseyside avec l'arrondissement de Halton, Wigan dans le Grand Manchester, la ville de Chester ainsi qu'un certain nombre de villes du Lancashire et du Cheshire, dont Ormskirk et Warrington, estimant que la zone métropolitaine polynucléaire a une population de 2 241 000 personnes. Liverpool et Manchester sont parfois considérées comme une grande zone métropolitaine polynucléaire, ou mégalopole. Origine ethnique Selon les données du recensement de 2011, 84,8 pour cent de la population de Liverpool était composée de Britanniques blancs, 1,4 pour cent d'Irlandais blancs, 2,6 pour cent de Blancs autres, 4,1 pour cent d'Asiatiques ou de Britanniques d'origine asiatique (dont 1,1 pour cent d'Indiens britanniques et 1,7 pour cent de Chinois britanniques). ), 2,6 pour cent de Noirs ou de Noirs britanniques (dont 1,8 pour cent de Noirs africains) et 2,5 pour cent de métis. 1,8 pour cent des personnes interrogées appartenaient à d’autres groupes ethniques. Liverpool abrite la plus ancienne communauté noire de Grande-Bretagne, datant au moins des années 1730. Certains Liverpudliens noirs peuvent retracer leurs ancêtres dans la ville depuis dix générations. Les premiers colons noirs de la ville comprenaient des marins, des enfants de commerçants envoyés pour être éduqués et des esclaves affranchis, puisque les esclaves entrant dans le pays après 1722 étaient considérés comme des hommes libres. Depuis le 20e siècle, Liverpool est également connue pour ses grandes communautés afro-antillaises, ghanéennes et somaliennes, formées d'immigrants d'origine africaine plus récents et de leurs générations ultérieures. La ville abrite la plus ancienne communauté chinoise d'Europe ; les premiers habitants du quartier chinois de la ville sont arrivés comme marins au XIXe siècle. La porte d'entrée chinoise traditionnelle érigée dans le quartier chinois de Liverpool est la plus grande porte d'entrée en dehors de la Chine. La ville est également connue pour son importante population irlandaise et sa population galloise historiquement nombreuse. En 1813, 10 % de la population de Liverpool était galloise, ce qui a valu à la ville le surnom de « capitale du nord du Pays de Galles ». Après le début de la Grande Famine irlandaise au milieu du XIXe siècle, jusqu'à deux millions d'Irlandais se sont rendus à Liverpool en une décennie, et beaucoup sont ensuite partis pour les États-Unis. En 1851, plus de 20 pour cent de la population de Liverpool était irlandaise. Lors du recensement de 2001, 1,17 pour cent de la population était née au Pays de Galles et 0,75 pour cent étaient nés en République d'Irlande, tandis que 0,54 pour cent étaient nés en Irlande du Nord, mais beaucoup plus de Liverpudliens sont d'ascendance galloise ou irlandaise. Les autres ethnies contemporaines comprennent les Indiens, les Latino-américains, les Malaisiens et les Yéménites. communautés, qui comptent chacune plusieurs milliers de personnes. Religion Les milliers de migrants et de marins transitant par Liverpool ont donné naissance à une diversité religieuse qui est encore visible aujourd'hui. Cela se reflète dans l’ensemble tout aussi diversifié d’édifices religieux, dont deux cathédrales chrétiennes. Liverpool est connue pour être la « ville la plus catholique » d'Angleterre, avec une population catholique beaucoup plus importante que dans d'autres régions d'Angleterre. L'église paroissiale de Liverpool est l'église anglicane Notre-Dame et Saint-Nicolas, familièrement connue sous le nom de « l'église des marins », qui existe près du front de mer depuis 1257. Elle accueille régulièrement des messes catholiques. D'autres églises remarquables comprennent l'église orthodoxe grecque de Saint-Nicolas (construite dans le style architectural néo-byzantin) et l'église Gustav Adolf (l'église des marins suédois, qui rappelle les styles nordiques). La richesse de Liverpool en tant que ville portuaire a permis la construction de deux énormes cathédrales au XXe siècle. La cathédrale anglicane, conçue par Sir Giles Gilbert Scott et qui accueille chaque année le festival Shakespeare de Liverpool, possède l'une des nefs les plus longues, les plus grands orgues et les carillons de cloches les plus lourds et les plus hauts au monde. La cathédrale métropolitaine catholique romaine, située sur Mount Pleasant, à côté du parc scientifique de Liverpool, devait initialement être encore plus grande. De la conception originale de Sir Edwin Lutyens, seule la crypte était achevée. La cathédrale a finalement été construite selon une conception plus simple par Sir Frederick Gibberd. Bien que ce soit à une échelle plus petite que la conception originale de Lutyens, il intègre toujours le plus grand panneau de vitraux au monde. La route qui relie les deux cathédrales s'appelle Hope Street, une coïncidence qui plaît aux croyants. La cathédrale est familièrement appelée « Paddy's Wigwam » en raison de sa forme. Liverpool contient plusieurs synagogues, dont la synagogue de Princes Road de style néo-mauresque, classée Grade I, est la plus remarquable sur le plan architectural. Princes Road est largement considérée comme la plus magnifique des synagogues néo-mauresques de Grande-Bretagne et l'un des plus beaux bâtiments de Liverpool. Liverpool a une communauté juive florissante avec deux autres synagogues orthodoxes, une dans le quartier d'Allerton de la ville et une seconde dans le quartier de Childwall de la ville.

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The Sign Of Four était un roman policier écrit par quel auteur ?

Sir Arthur Conan Doyle

Parcelle Le Signe des Quatre (1890), également appelé Le Signe des Quatre, est le deuxième roman mettant en vedette Sherlock Holmes écrit par Sir Arthur Conan Doyle. Doyle a écrit quatre romans et 56 histoires mettant en vedette le détective fictif. L'histoire se déroule en 1888. Le Signe des Quatre raconte une intrigue complexe impliquant le service dans la Compagnie des Indes orientales, en Inde, la rébellion indienne de 1857, un trésor volé et un pacte secret entre quatre condamnés (« les Quatre » du titre). ) et deux gardiens de prison corrompus. Il présente la toxicomanie du détective et l'humanise d'une manière qui n'avait pas été faite dans le roman précédent, A Study in Scarlet (1887). Il présente également la future épouse du docteur Watson, Mary Morstan. Selon Mary, en décembre 1878, son père lui avait télégraphié à son retour sain et sauf d'Inde et lui avait demandé de le rencontrer à l'hôtel Langham à Londres. Lorsque Mary est arrivée à l'hôtel, on lui a dit que son père était sorti la nuit précédente et n'était pas revenu. Malgré tous les efforts, aucune trace de lui n’a jamais été retrouvée. Mary a contacté le seul ami de son père qui était dans le même régiment et avait depuis pris sa retraite en Angleterre, un certain major John Sholto, mais il a nié savoir que son père était revenu. La deuxième énigme est qu'elle a reçu six perles par courrier d'un bienfaiteur anonyme, une par an depuis 1882, après avoir répondu à une question anonyme d'un journal la concernant. Avec la dernière perle, elle reçut une lettre faisant remarquer qu'elle avait été une femme lésée et demandant un rendez-vous. Holmes prend le cas et découvre bientôt que le major Sholto est décédé en 1882 et que peu de temps après, Mary a commencé à recevoir les perles, ce qui implique un lien. Le seul indice que Mary puisse donner à Holmes est une carte d'une forteresse trouvée dans le bureau de son père avec les noms de Jonathan Small, Mahomet Singh, Abdullah Khan et Dost Akbar. Holmes, Watson et Mary rencontrent Thaddeus Sholto, le fils du regretté major Sholto et l'expéditeur anonyme des perles. Thaddeus confirme que le major avait vu le père de Mary la nuit de sa mort ; ils avaient organisé une réunion pour partager un trésor inestimable que Sholto avait ramené d'Inde. Alors qu'il se disputait le trésor, le capitaine Morstan, dont la santé était fragile depuis longtemps, fut victime d'une crise cardiaque. Ne voulant pas attirer l'attention du public sur l'objet de la querelle - et craignant également que les circonstances suggèrent qu'il avait tué Morstan lors d'une dispute, d'autant plus que la tête de Morstan a heurté une table lors de sa chute - Sholto s'est débarrassé du corps et a caché le corps. trésor. Cependant, il souffrait lui-même d'une mauvaise santé et d'une hypertrophie de la rate (peut-être à cause du paludisme, car une bouteille de quinine se trouve à côté de son lit). Sa propre santé s'est détériorée lorsqu'il a reçu une lettre de l'Inde au début de 1882. Mourant, il a appelé ses deux fils et a avoué la mort de Morstan et était sur le point de divulguer l'emplacement du trésor lorsqu'il a soudainement crié : « Gardez-le dehors ! avant de retomber et de mourir. Les fils, perplexes, aperçurent un visage dans la fenêtre, mais la seule trace était un seul pas dans la terre. Sur le corps de leur père se trouve une note indiquant « Le signe des quatre ». Les deux frères se disputèrent pour savoir si un héritage devait être laissé à Marie Morstan, et Thaddée quitta son frère Barthélemy, prenant un chapelet et en envoyant ses perles à Marie. La raison pour laquelle il a envoyé la lettre est que Barthélemy a trouvé le trésor et que Thaddeus et Mary pourraient peut-être le confronter pour en partager le trésor. Bartholomew est retrouvé mort chez lui à cause d'une fléchette empoisonnée et le trésor a disparu. Alors que la police prend à tort Thaddeus comme suspect, Holmes en déduit qu'il y a deux personnes impliquées dans le meurtre : un unijambiste, Jonathan Small, ainsi qu'un autre « petit » complice. Il les retrace jusqu'à un débarcadère où Small a loué une vedette à vapeur nommée Aurora. Avec l'aide du chien Toby qu'il envoie Watson chercher auprès de M. Sherman, des Baker Street Irregulars et de son propre déguisement, Holmes retrace le lancement à vapeur. Dans une vedette à vapeur de la police, Holmes et Watson poursuivent l'Aurora et la capturent, mais finissent par tuer le "petit" compagnon après avoir tenté de tuer Holmes avec une fléchette empoisonnée tirée par une sarbacane. Small tente de s'échapper mais est capturé. Cependant, le coffre au trésor en fer est vide ; Small prétend avoir jeté le trésor par-dessus bord pendant la poursuite. Small avoue que des années auparavant, il était soldat du Troisième Buff en Inde et a perdu sa jambe droite dans un accident de nage à cause d'un crocodile. Après un certain temps, alors qu'il était surveillant dans une plantation de thé, la rébellion indienne de 1857 éclata et il fut contraint de fuir pour sauver sa vie vers la forteresse d'Agra. Alors qu'il montait la garde une nuit, il fut maîtrisé par deux soldats sikhs qui lui donnèrent le choix d'être tué ou d'être complice de l'arrestation d'un serviteur déguisé d'un Rajah qui envoya le serviteur avec une précieuse fortune en perles et bijoux aux Britanniques pour qu'il le garde. Le vol et le meurtre ont eu lieu et le crime a été découvert, même si les bijoux ne l'ont pas été. Small a été condamné aux travaux forcés sur les îles Andaman et, vingt ans plus tard, il a entendu dire que John Sholto avait perdu de l'argent en jouant. Small voit sa chance et conclut un accord avec Sholto et Arthur Morstan : Sholto récupérera le trésor et enverra en retour un bateau pour récupérer Small et les Sikhs. Sholto double Morstan et Small et vole le trésor pour lui-même. Small jure de se venger et s'échappe des îles Andaman avec un insulaire nommé Tonga. C'est la nouvelle de son évasion qui a choqué Sholto et l'a amené à sa maladie mortelle. Small arrive trop tard pour connaître l'emplacement du trésor mais laisse la note qui fait référence au nom du pacte entre lui et ses trois complices sikhs. Lorsque Bartholomew a trouvé le trésor, Small avait prévu de le voler uniquement, mais affirme qu'un problème de communication a conduit Tonga à le tuer également. Mary Morstan se retrouve sans la majeure partie du trésor d'Agra, même si elle recevra apparemment le reste du chapelet. John Watson tombe amoureux de Mary, et on apprend à la fin qu'il lui a proposé et qu'elle a accepté. Historique de la publication Sir Arthur Conan Doyle a décrit comment il avait été chargé d'écrire l'histoire lors d'un dîner avec Joseph M. Stoddart, rédacteur en chef d'une publication américaine Lippincott's Monthly Magazine, à l'hôtel Langham de Londres le 30 août 1889. Stoddart voulait produire une version anglaise. de Lippincott avec un éditeur britannique et des contributeurs britanniques. Le dîner a également été suivi par Oscar Wilde, qui a finalement contribué au portrait de Dorian Gray dans le numéro de juillet 1890. Doyle a parlé de ce qu'il a appelé cette « soirée dorée » dans son autobiographie de 1924, Memories and Adventures. Le roman est apparu pour la première fois dans l'édition de février 1890 du magazine mensuel de Lippincott sous le titre The Sign of the Four ; ou The Problem of the Sholtos (titre de cinq mots), paru à Londres et à Philadelphie. L'édition britannique du magazine se vendait à l'origine pour un shilling et l'édition américaine pour 25 cents. Les exemplaires survivants valent désormais plusieurs milliers de dollars. Au cours des mois suivants de la même année, le roman fut ensuite réédité dans plusieurs revues régionales britanniques. Ces resérialisations ont donné le titre The Sign of Four. Le roman a été publié sous forme de livre en octobre 1890 par Spencer Blackett, toujours sous le titre The Sign of Four. Cette édition a été illustrée par Charles H. M. Kerr. Le titre des éditions britannique et américaine de cette première édition du livre omis le deuxième « le » du titre original. Différentes éditions au fil des ans ont varié entre les deux formes du titre, la plupart des éditions privilégiant la forme de quatre mots. Le texte même du roman utilise presque toujours « le Signe des Quatre » (la forme de cinq mots) pour décrire le symbole de l'histoire, bien que la forme de quatre mots soit utilisée deux fois par Jonathan Small dans son récit à la fin de l'histoire. l'histoire. Comme pour la première histoire, A Study in Scarlet, réalisée deux ans auparavant, The Sign of the Four n'a pas été particulièrement réussie au départ. Ce sont les nouvelles, publiées à partir de 1891 dans Strand Magazine, qui ont fait connaître Sherlock Holmes et son créateur. Adaptations cinématographiques Il existe au moins treize adaptations cinématographiques basées sur ce livre :

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Qui est l'auteur de « La vieille boutique de curiosités » ?

Charles Dickens

La vieille boutique de curiosités est un roman de Charles Dickens. L'intrigue suit la vie de Nell Trent et de son grand-père, tous deux résidents du Old Curiosity Shop à Londres. The Old Curiosity Shop était l'un des deux romans (l'autre étant Barnaby Rudge) que Dickens publia avec des nouvelles dans sa série hebdomadaire Master Humphrey's Clock, qui dura de 1840 à 1841. Il fut si populaire que les lecteurs new-yorkais prirent d'assaut le quai lorsque le navire transportant le dernier versement est arrivé en 1841. Le vieux magasin de curiosités a été imprimé sous forme de livre en 1841. La reine Victoria a lu le roman en 1841, le trouvant « très intéressant et intelligemment écrit ». Résumé de l'intrigue The Old Curiosity Shop raconte l'histoire de Nell Trent, une belle et vertueuse jeune fille de « pas tout à fait quatorze ans ». Orpheline, elle vit avec son grand-père maternel (dont le nom n'est jamais révélé) dans sa boutique de bric et de broc. Son grand-père l'aime beaucoup et Nell ne se plaint pas, mais elle mène une existence solitaire avec presque aucun ami de son âge. Son seul ami est Kit, un honnête garçon employé au magasin, à qui elle apprend à écrire. Secrètement obsédé par le fait de veiller à ce que Nell ne meure pas dans la pauvreté comme l'ont fait ses parents, son grand-père tente de fournir à Nell un bon héritage en jouant aux cartes. Il garde secrets ses jeux nocturnes, mais emprunte beaucoup au maléfique Daniel Quilp, un prêteur nain malveillant, grotesquement déformé et bossu. En fin de compte, il joue le peu d'argent dont ils disposent et Quilp saisit l'opportunité de prendre possession du magasin et d'expulser Nell et son grand-père. Son grand-père souffre d'une dépression qui le laisse dépourvu d'esprit, et Nell l'emmène dans les Midlands d'Angleterre, pour vivre comme mendiant. Convaincu que le vieil homme a accumulé une fortune importante et prospère pour Nell, son frère aîné, Frederick, convainc Dick Swingler, de bonne humeur mais facilement conduit, de l'aider à retrouver Nell, afin que Swingler puisse épouser Nell et partager sa supposée héritage avec Frédéric. Pour cela, ils s'associent à Quilp, qui sait pertinemment qu'il n'y a pas de fortune, mais choisit sadiquement de les « aider » à profiter de la misère qu'elle infligera à tous. Quilp commence à essayer de retrouver Nell, mais les fugitifs ne sont pas faciles à découvrir. Pour garder Dick Swingler sous ses yeux, Quilp fait en sorte qu'il soit engagé comme commis par l'avocat de Quilp, M. Brass. Au sein de la firme Brass, Dick se lie d'amitié avec la servante maltraitée et la surnomme « la marquise ». Nell, après avoir rencontré un certain nombre de personnages, certains méchants et d'autres gentils, réussit à conduire son grand-père en sécurité dans un village lointain (identifié par Dickens comme étant Tong, Shropshire), mais cela a un coût considérable pour la santé de Nell. . Pendant ce temps, Kit, ayant perdu son emploi au magasin de curiosités, a trouvé un nouvel emploi auprès des aimables M. et Mme Garland. Le voilà contacté par un mystérieux « gentleman célibataire » qui cherche des nouvelles de Nell et de son grand-père. Le « gentleman célibataire » et la mère de Kit les poursuivent sans succès et rencontrent Quilp, qui chasse également les fugueurs. Quilp en veut à Kit et le fait qualifier de voleur. Kit est condamné au transport. Cependant, Dick Swingler prouve l'innocence de Kit avec l'aide de son amie la marquise. Quilp est pourchassé et meurt en tentant d'échapper à ses poursuivants. Au même moment, une coïncidence amène M. Garland à savoir où se trouve Nell, et lui, Kit et le monsieur célibataire (qui s'avère être le frère cadet du grand-père de Nell) partent à sa recherche. Malheureusement, au moment où ils arrivent, Nell est décédée des suites de son voyage ardu. Son grand-père, déjà mentalement infirme, refuse d'admettre qu'elle est morte et s'assoit chaque jour près de sa tombe en attendant son retour jusqu'à ce que, quelques mois plus tard, il meure lui-même. Arrière-plan Les événements du livre semblent se dérouler vers 1825. Au chapitre 29, Miss Monflathers fait référence à la mort de Lord Byron, décédé le 19 avril 1824. Lorsque l'enquête conclut (à tort) que Quilp s'est suicidé, son cadavre reçoit l'ordre d'être enterré à un carrefour avec un pieu dans le cœur, pratique interdite en 1823. Le grand-père de Nell, après sa dépression, craint d'être envoyé dans une maison de fous, puis enchaîné à un mur et fouetté ; ces pratiques sont devenues obsolètes après 1830 environ. Au chapitre 13, l'avocat M. Brass est décrit comme « l'un des avocats de Sa Majesté », le plaçant sous le règne de la reine Victoria, qui a commencé en 1837, mais compte tenu de toutes les autres preuves. , et le fait que Kit, lors de son procès, soit accusé d'avoir agi « contre la paix de notre Souverain Seigneur le Roi » (en référence à George IV), cela doit être une erreur de plume. Dispositif d'encadrement Master Humphrey's Clock était une série hebdomadaire contenant à la fois des nouvelles et deux romans (The Old Curiosity Shop et Barnaby Rudge). Certaines des nouvelles servent de cadre aux romans. À l'origine, l'idée de l'histoire était que Maître Humphrey la lisait à haute voix à un groupe de ses amis, réunis chez lui autour de l'horloge de son grand-père dans laquelle il gardait excentriquement ses manuscrits. Par conséquent, lorsque le roman commence, il est raconté à la première personne, avec Maître Humphrey comme narrateur. Cependant, Dickens a rapidement changé d'avis sur la meilleure façon de raconter l'histoire et a abandonné le narrateur à la première personne après le chapitre trois. Une fois le roman terminé, Maître Humphrey's Clock a ajouté une scène finale, où les amis de Maître Humphrey (après qu'il ait fini de leur lire le roman) se plaignent que le « gentleman célibataire » ne reçoive jamais de nom ; Maître Humphrey leur dit que le roman était une histoire vraie, que le « gentleman célibataire » était en fait Maître Humphrey lui-même et que les événements des trois premiers chapitres étaient fictifs, destinés uniquement à présenter les personnages. C'était l'explication après coup de Dickens de la raison pour laquelle le narrateur avait disparu et pourquoi (s'il était leur proche parent) il n'avait donné aucun signe dans les trois premiers chapitres pour savoir qui ils étaient. Il s'agit d'un dispositif maladroit, et au moins un éditeur estime qu'« il n'est pas nécessaire de le prendre au sérieux ». L'intention artistique originale de Dickens était de conserver les nouvelles et les romans ensemble, et les nouvelles et les romans ont été publiés en 1840 en trois volumes reliés sous le titre Master Humphrey's Clock, qui conserve l'ordre original complet et correct des textes. Cependant, Dickens lui-même a annulé l'horloge de Maître Humphrey avant 1848 et décrit dans une préface de The Old Curiosity Shop qu'il souhaite que l'histoire ne soit pas liée au mélange dans lequel elle a commencé. La plupart des anthologies ultérieures ont publié séparément les nouvelles et les romans. Personnages de The Old Curiosity Shop Personnages majeurs *Nell Trent, le personnage principal du roman. Présentée comme infailliblement bonne et angélique, elle guide son grand-père dans son voyage pour les sauver de la misère. Elle s'affaiblit progressivement tout au long du voyage et, bien qu'elle trouve un foyer avec l'aide du maître d'école, elle tombe malade et meurt avant que ses amis à Londres ne la retrouvent. *Le grand-père de Nell, le tuteur de Nell. Après avoir perdu sa femme et sa fille, il considère Nell comme l'incarnation de leur bonne humeur. Son petit-fils Fred est considéré comme le successeur de son gendre, qu'il jugeait indigne de sa fille. En tant que tel, il ne lui montre aucune affection. Il est paranoïaque à l'idée de tomber dans la pauvreté et joue pour essayer de l'éviter ; Alors que son argent s'épuise, il se tourne vers Quilp pour obtenir des prêts afin de continuer à fournir à Nell la vie qu'il estime mériter. Après avoir cru que Kit avait révélé sa dépendance secrète, il tombe malade et est ensuite mentalement instable. Nell le protège alors comme il l'avait fait pour elle. Bien qu'il sache que Nell est morte, il refuse de l'admettre et ne reconnaît pas son frère qu'il avait protégé dans leur enfance. Il meurt peu de temps après Nell et est enterré à côté d'elle. *Christopher 'Kit' Nubbles, ami et serviteur de Nell. Il surveille Nell lorsqu'elle est laissée seule dans le magasin la nuit (même si elle ne sait pas qu'il est là) et « ne rentrera jamais dans son lit tant qu'il ne pensera pas qu'elle est en sécurité dans le sien ». Après que Quilp reprenne la boutique, il lui propose une place dans sa maison. Sa mère s'inquiète de son attachement à Nell et plaisante à un moment donné : « Certaines personnes diraient que tu es tombé amoureux d'elle », ce à quoi Kit devient très timide et essaie de changer de sujet. Il obtient plus tard un poste dans la maison des Garland et devient un membre important de leur maison. Son dévouement envers sa famille lui vaut le respect de nombreux personnages, et le ressentiment de Quilp. Il est accusé de vol, mais est ensuite libéré et rejoint le groupe voyageant pour récupérer Nell. *Daniel Quilp, le principal méchant du roman. Il maltraite sa femme, Betsy, et manipule les autres à ses propres fins grâce à un faux charme qu'il a développé au fil des années. Il prête de l'argent au grand-père de Nell et prend possession du magasin de curiosités pendant la maladie du vieil homme (qu'il avait provoquée en révélant sa connaissance des mauvaises habitudes de jeu de Trent). Il utilise le sarcasme pour rabaisser ceux qu'il souhaite contrôler, notamment sa femme, et prend un plaisir sadique à la souffrance des autres. Il écoute aux portes pour connaître toutes les pensées les plus intimes du « vieil homme » et le taquine en lui disant « tu n'as plus de secrets pour moi maintenant ». Il creuse également un fossé entre Kit et le vieil homme (et par conséquent entre Kit et Nell) en prétendant que c'était Kit qui lui avait parlé du jeu. *Richard 'Dick' Swingler, à son tour, l'ami manipulé de Frederick Trent ; le commis de Sampson Brass ; et le tuteur et éventuel mari de la marquise. Il aime citer et adapter la littérature pour décrire ses expériences. Il est très décontracté et ne semble se soucier de rien, même s'il doit de l'argent à presque tout le monde. Après le départ de Fred de l'histoire, il devient plus indépendant et est finalement considéré comme une force puissante pour le bien, assurant la libération de Kit de prison et l'avenir de la marquise. *Le monsieur célibataire, qui n'est jamais nommé, est le frère cadet du grand-père de Nell. Il mène la recherche des voyageurs après avoir logé dans les chambres de Sampson Brass et s'être lié d'amitié avec Dick, Kit et les Garlands. Autres personnages *Mme. Betsy Quilp, la femme maltraitée de Quilp. Elle a terriblement peur de son mari, mais semble l'aimer malgré tout, car elle était véritablement inquiète lorsqu'il a disparu pendant une longue période. *M. Sampson Brass, avocat (ce qu'on appellerait maintenant un solicitor) de la Cour du Banc du Roi. Homme rampant et obséquieux, il est un employé de M. Quilp, à la demande duquel il accuse Kit de vol. *Mlle Sarah (« Sally ») Brass, la sœur et employée odieuse de M. Brass. Elle est la véritable autorité de la firme Brass. Elle est parfois qualifiée de « dragon » et elle maltraite la marquise. Quilp lui fait des avances amoureuses, mais est repoussé. *Mme. Jarley, propriétaire d'une exposition itinérante de cire, qui accueille Nell et son grand-père par gentillesse. Cependant, elle n'apparaît que brièvement. *Frederick Trent, le frère aîné sans valeur de Nell, qui est convaincu que son grand-père est secrètement riche (alors qu'en réalité, il était la principale cause de la pauvreté du vieil homme, selon le monsieur célibataire). Initialement personnage majeur du roman et très influent sur Richard Swingler, il est exclu du récit après le chapitre 23. Brièvement mentionné comme voyageant en Grande-Bretagne et dans le monde entier après sa disparition de l'histoire, avant d'être retrouvé blessé et noyé dans le La Seine après la conclusion de l'histoire. Le personnage doit son nom au frère cadet du romancier, Frederick Dickens. *M. Garland, un homme bienveillant, père d'Abel Garland et employeur de Kit. *La petite servante, la servante de Miss Brass. Dick Swingler se lie d'amitié avec elle et, constatant qu'elle ne connaît ni son âge ni son nom (Sally Brass l'appelle simplement "Petit Diable") ni ses parents, la surnomme La Marquise et lui donne plus tard le nom de Sophronia Sphynx. Dans le manuscrit original, il est précisé que la marquise est en fait la fille illégitime de Miss Brass, peut-être par Quilp, mais seule une suggestion de cela a survécu dans l'édition publiée. *Isaac List et Joe Jowl, joueurs professionnels. Ils sont invités au pub où Nell et son grand-père, incapables de rentrer chez eux, passent une nuit orageuse. Le grand-père de Nell est incapable de résister à jouer avec eux et vole à Nell le peu d'argent dont elle dispose à cette fin. La même nuit, il lui vole encore plus d'argent. *M. Chuckster, le corps de chien du notaire M. Witherden, qui emploie M. Abel Garland. Il déteste Kit après que M. Garland ait trop payé Kit pour un travail et que Kit revienne travailler avec la différence; il montre son aversion à chaque occasion, appelant Kit « Snobby ». *M. Marton, un pauvre maître d'école. Il se lie d'amitié avec Nell et la rencontre plus tard par inadvertance, ainsi que son grand-père, sur les routes. Nell s'approche de lui pour lui demander l'aumône, sans se rendre compte qui il est. Elle s'évanouit à la fois sous le choc et l'épuisement et, se rendant compte qu'elle est malade, il l'emmène dans une auberge et paie le médecin, puis l'emmène avec son grand-père vivre avec lui dans le village éloigné où il a été nommé paroisse. greffier. *Thomas Codlin, propriétaire d'un spectacle itinérant Punch and Judy. *M. Harris, surnommé « Short Trotters », le marionnettiste du spectacle Punch and Judy. *Barbara, la servante de M. et Mme Garland et future épouse de Kit. *Le célibataire, frère de M. Garland. Vit dans le village où Nell et son grand-père terminent leur voyage et alerte sans le savoir son frère de leur présence par une lettre. Signification littéraire et critique La critique la plus largement répétée à l'encontre de Dickens est probablement la remarque d'Oscar Wilde selon laquelle "il faudrait avoir un cœur de pierre pour lire la mort de la petite Nell sans se fondre dans des larmes... de rire". (Le lit de mort de Nell n'est cependant pas réellement décrit.) Le poète Algernon Swinburne était du même avis, qui a qualifié Nell de "monstre aussi inhumain qu'un bébé à deux têtes". Le leader irlandais Daniel O'Connell a fondu en larmes lors de la finale et a jeté le livre par la fenêtre du train dans lequel il voyageait. Le battage médiatique entourant la conclusion de la série était sans précédent ; Les fans de Dickens auraient pris d'assaut les quais de New York, criant aux marins qui arrivaient (qui avaient peut-être déjà lu les derniers chapitres au Royaume-Uni) : « La petite Nell est-elle vivante ? En 2007, de nombreux journaux affirmaient que l'enthousiasme suscité par la sortie du dernier opus de The Old Curiosity Shop était la seule comparaison historique qui pouvait être faite avec l'enthousiasme suscité par la sortie du dernier roman de Harry Potter, Harry Potter et les Reliques de la Mort. L'auteure norvégienne Ingeborg Refling Hagen aurait enterré un exemplaire du livre dans sa jeunesse, affirmant que personne ne méritait de lire sur Nell, car personne ne comprendrait jamais sa douleur. Elle s'est comparée à Nell, en raison de sa propre situation misérable à l'époque. Allusions à l'histoire réelle, à la géographie Un magasin nommé « The Old Curiosity Shop » se trouve au 13-14 Portsmouth Street, Westminster, Londres, WC2A 2ES, parmi les bâtiments de la London School of Economics. Le bâtiment date du XVIe siècle, mais ce nom a été ajouté après la sortie du roman, car on pensait qu'il avait inspiré la description du magasin d'antiquités par Dickens. À une certaine époque, elle fonctionnait comme laiterie sur un domaine donné par le roi Charles II à l'une de ses nombreuses maîtresses. Il a été construit avec du bois provenant de vieux navires et a survécu aux bombes de la Seconde Guerre mondiale. Nell et son grand-père rencontrent Codlin et Short dans un cimetière d'Aylesbury. Les courses de chevaux auxquelles Nell et son grand-père participent avec les gens du spectacle ont lieu à Banbury. Le village où ils rencontrent le maître d'école pour la première fois est Warmington, Warwickshire. Ils rencontrent Mme Jarley près du village de Gaydon, Warwickshire. La ville où ils travaillent chez Jarley's Waxworks est Warwick. La ville fortement industrialisée où Nell passe la nuit près du four est Birmingham (après avoir voyagé sur le canal de Warwick et de Birmingham). La ville dans laquelle Nell s'évanouit et est secourue par le maître d'école est Wolverhampton, dans le Pays Noir. Le village où ils trouvent enfin la paix et le repos et où Nell meurt est Tong, Shropshire. D'autres lieux réels utilisés dans le roman incluent London Bridge, Bevis Marks, Finchley et Minster-on-Sea. Adaptations * Il y a eu plusieurs adaptations cinématographiques muettes du roman dont deux réalisées par Thomas Bentley : ** L'Ancienne Boutique de Curiosités (1914) ** L'Ancienne Boutique de Curiosités (1921) * Nelly, un opéra basé sur le roman du compositeur italien Lamberto Landi, a été composé en 1916 ; il a été créé à Lucques en 1947.[http://www.treccani.it/enciclopedia/lamberto-landi_%28Dizionario-Biografico%29/ Biographie] sur treccani.it * La première version parlante était un film britannique de 1934 mettant en vedette Hay Petrie dans le rôle de Quilp. * Le roman a été publié en série pour la télévision par la BBC en 1960. * Une version musicale britannique de The Old Curiosity Shop (intitulé Mr. Quilp aux États-Unis) est sortie en 1975. Les cinéastes espéraient tirer profit du récent succès d'Oliver !, également basé sur un classique de Dickens, mais le film a été notamment un échec. * Une série d'animation japonaise Sasurai no Shoujo Nell créée en 1979-80. * En 1979, une mini-série en neuf parties a été créée par la BBC et publiée plus tard sur DVD. Il n'y avait pas de personnage de Frederick et l'histoire se termine avec le deuil du grand-père sur la tombe de Nell. * Une adaptation pour BBC Radio 4, diffusée pour la première fois en 1990, a été racontée par Alex Jennings, avec Emily Chenery (Nell), Phil Daniels (Quilp), Daniel Bliss (Kit), Trevor Peacock (grand-père), Clive Swift, Anna Massey et Julia McKenzie. * Une deuxième adaptation de BBC Radio 4 a été diffusée en 1998. La production mettait en vedette Tom Courtenay dans le rôle de Quilp, Denis Quilley, Michael Maloney et Teresa Gallagher. * En 1995, Tom Courtenay et Peter Ustinov ont joué dans un téléfilm Disney [http://www.imdb.com/title/tt0108886/ The Old Curiosity Shop (1995) (TV)] dans le rôle de Quilp et le grand-père, avec Sally Walsh[http://us.imdb.com/name/nm0909848/ Sally Walsh (II)] dans le rôle de Nell. * Une adaptation cinématographique télévisée a été produite par ITV, diffusée au Royaume-Uni le 26 décembre 2007 et rediffusée le 14 décembre 2008. * Little Nell est présenté dans le groupe sculptural Dickens and Little Nell (1890) de Philadelphie, Pennsylvanie, l'une des deux seules représentations sculpturales connues de Dickens. * Nell et son grand-père figurent en bonne place dans le drame de Noël 2015 de la BBC, Dickensian, qui rassemble de nombreux personnages emblématiques de Dickens dans une seule histoire. Éditions majeures *1840-1841, Royaume-Uni, Chapman et Hall, date de publication (88 parties hebdomadaires) d'avril 1840 à novembre 1841, série dans le cadre de Master Humphrey's Clock *1841, Royaume-Uni, Chapman et Hall (ISBN non utilisé), date de publication ? ? 1841, relié (première édition) *1870, Royaume-Uni, Chapman et Hall (ISBN non utilisé), couverture rigide *1904, NY, Thomas Y. Crowell (ISBN non utilisé), date de publication ? ? 1904, relié en cuir *1995, États-Unis, Everyman's Library ISBN 0-460-87600-7, Date de publication ? ? 1995, Broché *1997, Royaume-Uni, Clarendon Press (Oxford University Press) ISBN 0-19-812493-7, date de publication 13 novembre 1997, livre cartonné. Ceci est considéré comme l'édition définitive du livre. *2001, Royaume-Uni, Penguin Books Ltd ISBN 0-14-043742-8, date de publication 25 janvier 2001, livre broché (Penguin Classic)

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En quelle année l’ère du chemin de fer a-t-elle commencé avec l’introduction de la ligne Liverpool-Manchester ?

1830

Il y avait autrefois quatre lignes ferroviaires directes entre Liverpool et Manchester, dans le nord-ouest de l'Angleterre. Il ne reste plus que deux lignes ferroviaires directes entre les deux villes. Une ligne, désormais la route du nord, est entièrement électrique et l'autre, la route du sud, est une ligne uniquement diesel. Une troisième ligne a été divisée en une partie électrique et l'autre partie diesel, nécessitant un changement de passager entre les deux villes. La quatrième route est en grande partie abandonnée à l'est de Warrington, le tronçon restant étant principalement destiné aux trains de marchandises. Les deux autres itinéraires directs sont : * L'itinéraire nord depuis la gare terminus via et vers soit , soit . Cette ligne suit le tracé du chemin de fer original de Liverpool et de Manchester de 1830. * La route sud du terminus jusqu'à Manchester Piccadilly fonctionne sur des lignes qui appartenaient autrefois au Cheshire Lines Committee. Route du Nord La route du nord part de la gare de Liverpool Lime Street, via et , et continue vers ou . La ligne suit le chemin de fer original de 51,5 km de George Stephenson, Liverpool and Manchester Railway, datant de 1830, qui fut le premier chemin de fer interurbain de voyageurs au monde et le premier à avoir assuré des services «réguliers». De nombreuses premières locomotives à vapeur ont été initialement utilisées sur cette ligne, notamment la Stephenson's Rocket, qui a remporté les essais Rainhill en 1829 (voir Liste des locomotives des chemins de fer de Liverpool et de Manchester). La ligne comprend également un certain nombre de structures classées, notamment des gares et des ponts, notamment le Rainhill Skew Bridge et le viaduc de Sankey à neuf arches. Prestations actuelles Après l'achèvement de l'électrification en mai 2015, les services vers et Manchester Victoria sont désormais généralement exploités par des unités multiples électriques (UEM) à 4 voitures de classe 319. Un service horaire semi-rapide est exploité par Northern, du à , appelant généralement à , , et , et continuant jusqu'à l'aéroport de Manchester. Northern exploite également un service horaire appelant à toutes les gares le long de la ligne entre Liverpool Lime Street et . Ce « service d'arrêt » est complété par un service supplémentaire toutes stations entre Liverpool Lime Street et , qui continue le long de la West Coast Main Line jusqu'à . Entre Earlestown et Manchester Piccadilly, il existe des services horaires supplémentaires opérés par Arriva Trains Wales, qui partent de la North Wales Coast Line et de . Le dimanche, il y a un train par heure le long de la ligne, faisant escale dans toutes les gares de Manchester Piccadilly sauf et . Il est exploité par Northern et continue jusqu'à l'aéroport de Manchester. Northern est l'opérateur dominant sur la route et ses services sont exploités avec des EMU à 4 voitures de classe 319 ou des unités multiples diesel (DMU) de classe 150, classe 156 et classe 142. Les services d'Arriva Trains Wales entre Earlestown et Manchester Piccadilly sont généralement exploités par des DMU de classe 175, mais des unités de classe 158 peuvent être remplacées à l'occasion. À partir du changement d'horaire de mai 2014, un nouveau service horaire First TransPennine Express de Newcastle Central à Liverpool Lime Street via York, Leeds, Huddersfield et Manchester Victoria a été introduit. Ce service est exploité par des DMU de classe 185 et circule sans escale entre Manchester Victoria et Liverpool Lime Street (32 minutes). La route du nord de Liverpool à Manchester est également utilisée par les trains First TransPennine Express et East Midlands pour les mouvements de stock d'entraîneurs vides (ECS) et comme itinéraire de dérivation lorsque la route sud est fermée. Au cours des dernières années, la ligne a été utilisée par de nombreux services express, notamment des trains directs vers , et Newcastle (via ), et vers , et Édimbourg (en divergeant vers la ligne principale de la côte ouest à Newton-le-Willows). Des trains locaux desservaient également Manchester via Leigh, mais ces services ont cessé en 1969 lorsque la succursale Eccles-Tyldesley-Leigh-Kenyon a été fermée à la suite du Beeching Axe. La ligne nord de Liverpool à Manchester a également été régulièrement utilisée au fil des ans pour des services détournés de la West Coast Main Line lorsque certaines parties de cette dernière ont été fermées pour travaux d'ingénierie, mais les déviations via Manchester sont désormais devenues plus courantes car elles n'impliquent pas le train faisant marche arrière, comme cela serait nécessaire à Edge Hill, suite à l'électrification du tracé. Détails techniques Les principaux carrefours de cet itinéraire sont : * Edge Hill West Jn (vers la ligne CLC via Warrington Central) * Edge Hill East Jn (vers Edge Hill CS) * Bootle Branch Jn (vers Canada Dock Branch, menant aux quais) * Olive Mount Jn (Olive Mount Jn Chat Moss à Regent Rd) * Huyton Jn (vers la ligne Wigan) * Earlestown West Jn (ligne principale de la côte ouest en direction sud via Warrington Bank Quay) * Earlestown East Jn (ligne principale de la côte ouest en direction sud via Warrington Bank Quay) * Newton-le-Willows Jn (pour les services quotidiens de Wigan via Golborne Junction) * Parkside Jn (pour les services quotidiens de Wigan via Golborne Junction) * Eccles Station Jn (vers l'embranchement Weaste en direction du Manchester Ship Canal) * Ordsall Lane Jn (sépare la ligne Chat Moss (vers Victoria) des lignes Bolton (vers Piccadilly) Au cours d'un trajet, les trains sont contrôlés par : * Contrôle de Lime Street (LS) (Lime Street et les tunnels de Lime Street) * Boîte de signalisation Edge Hill (LE) (jonction Edge Hill à Edge Hill) * Sandhills IECC (ML) (Olive Mount Jn à Regent Rd) * Boîte de signalisation de Huyton (HN) (Edge Hill à Huyton) - désormais bureau dédié au nouveau centre d'exploitation ferroviaire de Manchester (LL) * Boîte de signalisation de Warrington (WN) * Boîte de signalisation Astley (AY) * Poste de signalisation Eccles (ES) * Contrôle de Manchester Piccadilly (MP) Ce qui précède est susceptible de changer à l'avenir à mesure que diverses sections seront transférées sous le contrôle du nouveau centre d'exploitation ferroviaire de Manchester à Ashburys. Électrification À partir du 5 mars 2015, les trains de classe 319 sont entrés en service électrique sur cette route reliant Liverpool à l'aéroport de Manchester via le viaduc d'Oxford Road. La gare de Manchester Victoria elle-même est désormais électrifiée et lors du nouveau changement d'horaire du 17 mai 2015, les services d'arrêt de Liverpool à Manchester Victoria ont également commencé à fonctionner électriquement en utilisant le même matériel roulant. À la suite de l'achèvement de l'électrification de Manchester Castlefield Junction à Newton-le-Willows Junction, les services TransPennine Express entre et / utilisent désormais de nouvelles EMU de classe 350 et sont réacheminés le long d'une partie de la route nord de Liverpool à Manchester avant de rejoindre l'Ouest. Ligne principale côtière à Golborne Junction. Les DMU TransPennine Express Classe 185 qui exploitaient auparavant le service Aéroport de Manchester - Glasgow/Édimbourg sont désormais redéployés sur d'autres routes. Le ministère des Transports a initialement annoncé en juillet 2009 que la route nord de la ligne Manchester-Liverpool allait être électrifiée. avec 25 kV, 50 Hz AC, ligne aérienne. Le processus d'électrification devait initialement être achevé d'ici 2013, mais à la suite d'un changement de gouvernement en 2010, les travaux ont été retardés par le gouvernement, ce qui signifie que, même si le tronçon Manchester-Newton-le-Willows a été achevé en décembre 2013 pour permettre à Manchester - Services électriques d'Écosse, le tronçon restant vers Liverpool n'a été achevé que le 5 mars 2015. Maintenant que l'électrification de la ligne est terminée et que les services électriques sont opérationnels, le temps de trajet entre Liverpool et Manchester a été réduit d'environ 45 minutes aujourd'hui à 30 minutes. minutes en raison de la plus grande accélération obtenue par les trains électriques et de l'augmentation de la limite de vitesse sur la ligne de 75 à 90 mph. Les EMU de classe 319 ont été entièrement rénovées et transférées de la route Thameslink pour fonctionner entre Liverpool et Manchester, tandis que les services Thameslink seront exploités par de nouveaux trains économes en énergie, qui devaient initialement être livrés entre 2011 et 2013. L'électrification offre également des options de transport électrique pour les trains de marchandises, offrant ainsi une route secondaire vers la West Coast Main Line depuis Liverpool. Route du sud (ancienne ligne du Cheshire Lines Committee) La route sud va de Liverpool Lime Street à . Il y a quatre trains de voyageurs par heure (tph) dans chaque direction entre Liverpool et Manchester, qui sont généralement exploités par une variété d'unités multiples diesel de classe 185, classe 150, classe 156, classe 158 et classe 142. Ces services sont gérés par plusieurs compagnies ferroviaires et les intervalles de temps ne sont pas uniformément espacés ; il existe de grands écarts entre certains services et, à d'autres moments, les trains partent à quelques minutes d'intervalle. First TransPennine Express utilise des trains modernes de classe 185, tandis que d'autres opérateurs exploitent un mélange de matériel roulant plus ancien. Alors que le service TransPennine Express une fois par heure prend généralement 45 minutes pour atteindre Manchester depuis Liverpool Lime Street, certains services du Nord mettent une heure et dix minutes pour parcourir les 35 miles. La station la plus récente de la ligne est Liverpool South Parkway, qui a ouvert ses portes en juin 2006 après que son coût de construction estimé à 16 millions de livres sterling ait doublé pour atteindre 32 millions de livres sterling au moment de son achèvement. Cette gare a remplacé les gares de Garston et dispose de liaisons de bus fréquentes vers l'aéroport John Lennon de Liverpool. Cet itinéraire est plus fréquenté que l'itinéraire du nord en termes de fréquence de service (2 trains express et 2 trains à arrêt par heure dans chaque sens sur tout le trajet, contre 1 train express, 1 semi-rapide et 1 train à arrêt direct via Earlestown, bien que des trains Arriva supplémentaires Les services du Pays de Galles et du TransPennine Express utilisent l'extrémité est de la route nord). À l'origine, cette ligne allait de la station terminus de High Level à la station terminus construite par le Cheshire Lines Committee (CLC) en 1873. La station de High Level a été démolie en 1973 en raison de la concentration de tous les services longue distance du Merseyside, le Merseyrail exploitant le réseau urbain local. services avec des stations de métro dans les centres de Liverpool et de Birkenhead. Manchester Central a fermé ses portes en 1969 et est aujourd'hui le Manchester Central Convention Complex. À l'extrémité de Liverpool, la ligne allant de Hunts Cross à la station Central High Level - qui accédait à la gare via un tunnel - a été cédée à la Northern Line des services électriques Merseyrail et la ligne de Hunts Cross a été détournée en 1966 sur le court tronçon de la ligne principale de la côte ouest jusqu'à la station Lime Street. La divergence se trouve à Allerton Junction, immédiatement au sud-est de . En 1977-1978, la ligne d'origine du tunnel approchant du terminus Liverpool Central High Level a été abaissée dans un nouveau tunnel de niveau inférieur immédiatement au sud de la gare pour entrer dans la station de métro Liverpool Central, devenant ainsi une ligne de transit continuant sous terre au nord de Liverpool et sur Southport. La station souterraine et le tunnel Low Level ont été construits en 1890 pour s'aligner sur le tunnel d'approche de la station High Level si à l'avenir le besoin s'en faisait sentir. La prospective victorienne a été utilisée près de 80 ans plus tard. Du côté de Manchester, la ligne a été détournée vers Manchester Piccadilly après la fermeture de Manchester Central. Le tronçon Liverpool-Warrington de cette ligne devait initialement se trouver sur le réseau urbain électrique Merseyrail. Le Plan stratégique pour le Nord-Ouest, le SPNW, prévoyait en 1973 que l'Outer Loop qui devait être une ligne orbitale faisant le tour de la ville de Liverpool, l'Edge Hill Spur qui est un tunnel reliant l'est de Liverpool aux sections souterraines centrales, et les lignes vers St. Helens, Wigan et Warrington seraient électrifiées et toutes intégrées au Merseyrail d'ici 1991. Cela signifiait que les trains en provenance de Warrington accéderaient aux stations de métro du centre-ville de Liverpool via la Northern Line et la station de métro Liverpool Central, donnant accès aux boutiques de Liverpool. et les quartiers d'affaires. Cela ne s'est jamais produit, mais c'est une aspiration à long terme de Merseytravel. Prestations actuelles Actuellement (2009), un service rapide d'une demi-heure fonctionne entre Liverpool Lime Street et Manchester Piccadilly, faisant escale à Warrington Central et Manchester Oxford Road. Sur les deux trains par heure, l'un est exploité par East Midlands Trains et l'autre par First TransPennine Express. Les services des East Midlands Trains s'arrêtent généralement également à Liverpool South Parkway et , et continuent au-delà de Manchester via Sheffield et , tandis que les services First TransPennine Express ne font pas escale à Widnes, mais appellent plutôt à et continuent généralement via et , bien que certains trains également opèrent vers Hull, , ou . Il existe également un service local d'une demi-heure exploité par Northern le long de la route sud jusqu'à Manchester Oxford Road. De nombreuses gares intermédiaires sont desservies par ces deux trains, même si certaines ne le font qu'à raison d'un par heure, tandis que , et ne sont desservies qu'occasionnellement en dehors des périodes de pointe. Le dimanche, ce service ne fonctionne qu'une fois par heure et plusieurs gares le long de l'itinéraire ne reçoivent aucun service le dimanche. La majorité des services First TransPennine Express sont exploités par des trains de classe 185, bien qu'une fois chaque soir de semaine, une classe 170 circule le long de la ligne allant de Liverpool Lime Street à Hull via Manchester et circule dans la direction opposée chaque samedi soir. Les trains des East Midlands utilisent principalement des Class 158 le long de la ligne et, depuis août 2009, la flotte de 27 unités fait actuellement l'objet d'un programme de rénovation approfondi. Comme sur la route du nord via Newton-le-Willows, Northern exploite un mélange d'unités de classe 156, de classe 150 et de classe 142 le long de la ligne. Dans le passé, l'itinéraire CLC était utilisé par divers services locaux en plus des express à arrêts limités entre les deux villes. Il s'agissait notamment de trains entre Warrington Central et , Liverpool et Manchester et même Liverpool vers via , bien que cette dernière route ait été fermée dès 1952. Le détournement des trains à destination de Liverpool vers Lime Street en 1966 et la fermeture de Manchester Central en 1969. (tous les trains circulant par la suite vers Oxford Road et Piccadilly) ont vu l'importance de l'itinéraire diminuer et à partir de là jusqu'au milieu des années 1980, il a été exploité comme un itinéraire autonome en raison de problèmes de congestion à l'extrémité de Manchester. La fréquence du service était également inférieure à celle actuelle, par exemple l'horaire de British Rail 1985 prévoyait un train semi-rapide et un train à arrêt par heure dans chaque direction en semaine (à l'exclusion des périodes de pointe en semaine). La circulation vers des destinations à l'est de Manchester via cette route n'a commencé sur une base régulière qu'en 1986, lorsque l'ouverture d'une nouvelle connexion a permis aux trains en provenance de Sheffield de circuler via Stockport et ainsi d'éviter des mouvements conflictuels à travers la gorge de la gare de Piccadilly. Détails techniques Les principaux carrefours de cet itinéraire sont : * Lime Street (utilisée pour déplacer les trains sur le quai approprié) * Edge Hill East Junction (pour la ligne Huyton) * Allerton West Junction (jusqu'à la West Coast Main Line, connue sous le nom de Allerton Junction) * Hunts Cross Junction (vers la Merseyrail Northern Line) * Glazebrook East Junction (anciennement pour les services Warrington-Stockport, mais maintenant utilisé comme point de passage) * Trafford Park Junction (pour le terminal de fret Euroterminal) * Castlefield Junction (où convergent les lignes vers Manchester). Au cours d'un trajet, les trains sont contrôlés par : * Contrôle de Lime Street (LS) (Lime Street et les tunnels de Lime Street) * Boîte de signalisation Edge Hill (LE) (jonction Edge Hill à Edge Hill) * Boîte de signalisation Allerton (AN) (jonction Edge Hill avec Liverpool South Parkway) * Boîte de signalisation de Hunts Cross (HC) (jonction d'Allerton à la gare de Widnes) * Poste de signalisation Warrington Central (WC) (de la station Widnes à la station Padgate) * Poste de signalisation Glazebrook East (GE) (de la station Birchwood à Urmston) * Contrôle de Manchester Piccadilly (MP) (Urmston jusqu'au terminus de la route) Ce qui précède est susceptible de changer à l'avenir à mesure que diverses sections seront transférées sous le contrôle du nouveau centre d'exploitation ferroviaire de Manchester à Ashburys. Autres itinéraires Il est possible de voyager entre Liverpool et Manchester, avec un changement de train depuis la station de métro via Kirkby et Wigan Wallgate jusqu'à . Cependant, cette ligne nécessite un changement à Kirkby, en utilisant la même plate-forme, pour passer des trains électriques Merseyrail Northern Line aux trains diesel Northern. Des tronçons de cette route ont été construits par le Lancashire and Yorkshire Railway et leurs chemins de fer acquis, tels que le Liverpool and Bury Railway et le Manchester and Southport Railway. Cette ligne a été partiellement construite par le Liverpool and Bury Railway, ouvert en 1848, qui a ensuite fusionné avec le Lancashire and Yorkshire Railway qui, lors de son acquisition, possédait le Manchester and Southport Railway, qui formait la ligne continue complète de Liverpool à Manchester. L'itinéraire était continu du terminus Liverpool Exchange jusqu'à . Avec la création du réseau urbain électrique Merseyrail, la ligne a été effectivement coupée en deux avec deux modes de traction. La moitié de Liverpool est équipée d'un troisième rail électrique rapide et celle de Manchester, d'une traction diesel plus lente. Le point de rencontre des deux modes est Kirkby, qui fait office de terminus pour les services électriques et diesel. Le terminus Merseyrail à l'extrémité de Liverpool de la ligne a été étendu de Liverpool Exchange au métro souterrain de Liverpool Central. Avec la fermeture de la gare terminus Liverpool Exchange en 1977, le terminus à l'extrémité Liverpool du service diesel a été réduit à la gare de Kirkby. Les passagers de Manchester descendant à Kirkby descendent sur la même plate-forme à bord d'un train électrique à destination de Liverpool se terminant à la station souterraine centrale de Liverpool. Le train diesel de Manchester devrait rencontrer un train électrique Merseyrail de Liverpool à Kirkby pour faciliter les transferts de passagers. Une nouvelle station de passage souterraine a été construite à Moorfields pour remplacer certains des services de la station terminus Liverpool Exchange à proximité. À 37 miles (59,5 km), cet itinéraire est plus long que l'un ou l'autre des deux itinéraires directs. Selon le [http://www.nationalrail.co.uk/site Internet National Rail Inquires], le temps de trajet d'un bout à l'autre serait de 1 heure 38 minutes, changement compris, contre moins de 50 minutes de Lime Street à Manchester Piccadilly. et les 30 minutes prévues lorsque la route directe du nord sera électrifiée. Cependant, pour les passagers qui habitent à proximité des gares situées au milieu de la ligne, le trajet peut s'avérer plus rapide vers Liverpool ou Manchester. Une route plus au sud, utilisant ce qui était St Helens and Runcorn Gap Railway et Warrington and Stockport Railway, reliait Liverpool Lime Street à Manchester Oxford Road via Ditton Junction, Warrington Bank Quay (plates-formes basses) et Timperley. Une partie de cette route est toujours utilisée pour le trafic de charbon et de calcaire vers la centrale électrique de Fiddlers Ferry, mais à l'est de Warrington, elle a été abandonnée et fait désormais partie du Trans Pennine Trail. Horaires et vitesses de ligne , les temps de trajet les plus rapides sont d'environ une demi-heure, ce qui n'est guère mieux qu'un siècle plus tôt. La course enregistrée la plus rapide a été celle de Manchester Exchange à Liverpool Lime St en 30 minutes 46 secondes par un Jubilee 5707 construit en 1936 avec 7 autocars. Une locomotive à vapeur composée construite en 1882 a été chronométrée sur le même itinéraire en 38 minutes 18 secondes. Jusqu'en 1968, les trains de Liverpool à Manchester par les trois itinéraires devaient prendre 40 minutes et prenaient souvent moins. La route sud via Warrington est désormais limitée à 85 mph et la route nord via Earlestown à 90 mph, avec 75 mph au-dessus de Chat Moss. Des travaux sont en cours pour quatre voies sur la ligne entre Huyton et Roby, dont l'achèvement est prévu en décembre 2017.

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Qui a joué Frankenstein dans le film du même nom de 1994 ?

Kenneth Branagh

Frankenstein; ou, The Modern Prometheus est un roman écrit par l'auteur anglais Mary Wollstonecraft Shelley qui raconte l'histoire d'un jeune étudiant en sciences Victor Frankenstein, qui crée une créature grotesque mais sensible dans une expérience scientifique peu orthodoxe. Shelley a commencé à écrire l'histoire à l'âge de 18 ans et la première édition du roman a été publiée de manière anonyme à Londres en 1818, alors qu'elle avait 20 ans. Le nom de Shelley est apparu pour la première fois sur la deuxième édition, publiée en France en 1823. Shelley a traversé l'Europe en 1814, longeant le Rhin en Allemagne avec une escale à Gernsheim, à seulement 17 km (10 mi) du château de Frankenstein, où, deux siècles auparavant, un alchimiste était engagé dans des expériences. Plus tard, elle a voyagé dans la région de Genève (Suisse) – où se déroule une grande partie de l’histoire – et le thème du galvanisme et d’autres idées occultes similaires étaient des thèmes de conversation entre ses compagnons, en particulier son amant et futur mari, Percy Shelley. Mary, Percy, Lord Byron et John Polidori ont décidé d'organiser un concours pour voir qui pourrait écrire la meilleure histoire d'horreur. Après avoir réfléchi pendant des jours, Shelley rêva d'un scientifique qui créait la vie et fut horrifié par ce qu'il avait fait ; son rêve a ensuite évolué vers l'histoire du roman. Frankenstein est imprégné d'éléments du roman gothique et du mouvement romantique. En même temps, c’est un des premiers exemples de science-fiction. Brian Aldiss a soutenu qu'elle devrait être considérée comme la première véritable histoire de science-fiction car, contrairement aux histoires précédentes comportant des éléments fantastiques ressemblant à ceux de la science-fiction ultérieure, le personnage central « prend une décision délibérée » et « se tourne vers des expériences modernes en laboratoire ». " pour obtenir des résultats fantastiques. Il a eu une influence considérable sur la littérature et la culture populaire et a donné naissance à un genre complet d’histoires, de films et de pièces de théâtre d’horreur. Depuis la publication du roman, le nom « Frankenstein » a souvent été utilisé pour désigner le monstre lui-même, comme c'est le cas dans l'adaptation scénique de Peggy Webling. Cet usage est parfois considéré comme erroné, mais les commentateurs de l'usage le considèrent comme bien établi et acceptable. Dans le roman, le monstre est identifié par des mots tels que « misérable », « créature », « monstre », « démon » et « ça ». S'adressant à Victor Frankenstein, le misérable se désigne lui-même comme « l'Adam de vos travaux », et ailleurs comme quelqu'un qui « aurait » été « votre Adam », mais qui est plutôt « votre ange déchu ». Résumé Frankenstein est écrit sous la forme d'une histoire cadre qui commence avec le capitaine Robert Walton écrivant des lettres à sa sœur. Cela se déroule à une époque indéterminée au XVIIIe siècle, puisque les dates des lettres sont indiquées comme « 17— ». Récit d'introduction du capitaine Walton Le roman Frankenstein est écrit sous forme épistolaire, documentant une correspondance fictive entre le capitaine Robert Walton et sa sœur, Margaret Walton Saville. Walton est un écrivain raté qui entreprend d'explorer le pôle Nord et d'élargir ses connaissances scientifiques dans l'espoir de devenir célèbre. Pendant le voyage, l'équipage aperçoit un traîneau à chiens conduit par une silhouette gigantesque. Quelques heures plus tard, l'équipage sauve un homme presque gelé et émacié nommé Victor Frankenstein. Frankenstein est à la poursuite de l'homme gigantesque observé par l'équipage de Walton. Frankenstein commence à se remettre de son effort ; il voit chez Walton la même ambition excessive et raconte à Walton l'histoire des misères de sa vie en guise d'avertissement. L'histoire racontée sert de cadre au récit de Frankenstein. Le récit de Victor Frankenstein Victor commence par raconter son enfance. Nés à Naples, dans une riche famille genevoise, Victor et ses frères, Ernest et William, tous trois fils d'Alphonse Frankenstein et de l'ancienne Caroline Beaufort, sont encouragés à rechercher une meilleure compréhension du monde à travers la science. En tant que jeune garçon, Victor est obsédé par l'étude de théories dépassées axées sur la simulation de merveilles naturelles. Lorsque Victor a cinq ans, ses parents adoptent la fille orpheline d'un noble italien exproprié, Elizabeth Lavenza, dont Victor tombe plus tard amoureux. (Pendant cette période, les parents de Victor, Alphonse et Caroline, accueillent encore une autre orpheline, Justine Moritz, qui devient la nounou de William.) Quelques semaines avant son départ pour l'Université d'Ingolstadt en Allemagne, sa mère meurt de la scarlatine contractée en traitant Elizabeth (qui avait été infectée en premier mais a survécu), créant ainsi une nouvelle impulsion en faveur de ses expériences. À l'université, il excelle en chimie et dans d'autres sciences, développant bientôt une technique secrète pour donner la vie à la matière non vivante, ce qui conduit finalement à la création de la créature. En raison de la difficulté de reproduire les plus petites parties du corps humain, Victor rend la créature grande, environ 8 pieds de hauteur. Malgré ses intentions, la belle création de ses rêves est plutôt hideuse, avec des yeux et une peau jaunes qui cachent à peine les tissus musculaires et les vaisseaux sanguins en dessous. Repoussé par son travail, Victor s'enfuit et le renvoie. En errant dans les rues, il rencontre son ami d'enfance, Henry Clerval, et tente de lui montrer sa création, mais la Créature s'est échappée, attristée par son rejet. Victor tombe malade à la suite de cette expérience et est soigné par Henry. Après quatre mois de convalescence, il rentre chez lui lorsqu'il apprend le meurtre de son frère William. En arrivant à Genève, Victor voit la créature (maintenant appelée monstre) sur les lieux du crime, ce qui lui fait croire qu'il (le monstre) en est responsable. Justine Moritz, la nounou de William, est reconnue coupable du crime après que le médaillon de William, qui contenait un portrait miniature de Caroline, ait été retrouvé dans sa poche. Victor doute que quiconque croie son histoire, qui pourrait empêcher la pendaison de Justine. Ravagé par le chagrin et la culpabilité, Victor se retire dans les montagnes. Le monstre le trouve et supplie Victor d'entendre son histoire. Intelligente et articulée, la créature dit que ses rencontres avec les gens l'ont amené à avoir peur d'eux, le poussant dans le désert. Alors qu'il vivait dans une structure abandonnée reliée à un chalet, il s'est attaché à la famille qui y vivait. La Créature a appris à parler en les écoutant et il a appris à lire par lui-même après avoir découvert une sacoche de livres perdue. Lorsqu'il a vu son reflet dans une piscine, il a réalisé que son apparence physique était hideuse, et cela le terrifiait comme cela terrifie les humains normaux. Néanmoins, il s'est approché de la famille dans l'espoir de devenir leur ami. Au début, il a réussi à se lier d'amitié avec la figure paternelle aveugle de la famille, mais les autres ont eu peur et ont tous fui leur maison. La créature a ensuite brûlé le chalet dans un accès de rage et a assassiné le frère de Victor, William, accusant Justine du meurtre. La Créature exige que Victor crée une compagne comme lui. Il affirme qu’en tant qu’être vivant, il a droit au bonheur. La créature promet que lui et son compagnon disparaîtront dans la nature sauvage d'Amérique du Sud, pour ne jamais réapparaître, si Victor accède à sa demande. Craignant pour sa famille, Victor accepte à contrecœur. Clerval l'accompagne en Angleterre, mais ils se séparent à Perth, en Écosse. Victor soupçonne que la Créature le suit. Travaillant sur la créature femelle des îles Orcades, il est en proie à des prémonitions de désastre, en particulier l'idée que la création d'un partenaire pour la créature pourrait conduire à la reproduction d'une race qui pourrait tourmenter l'humanité. Il détruit la créature femelle après avoir vu la créature regarder à travers une fenêtre. La Créature le confronte, jurant d'être avec Victor et Elizabeth lors de leur prochaine nuit de noces. La Créature tue alors Clerval, laissant le cadavre retrouvé là où Victor atterrit en Irlande. Victor est emprisonné pour le meurtre de Clerval et souffre d'une nouvelle dépression nerveuse en prison. Après avoir été acquitté, il rentre chez lui avec son père, qui a restitué à Elizabeth une partie de la fortune de son père. A Genève, Victor s'apprête à épouser Elizabeth et se prépare à combattre la Créature. Croyant que la créature a menacé sa vie, la veille de leur mariage, Victor demande à Elizabeth de rester dans sa chambre pendant qu'il cherche « le démon ». Pendant que Victor fouille la maison et le terrain, la créature assassine Elizabeth. Depuis la fenêtre, Victor voit la créature, qui nargue Victor avec le cadavre d'Elizabeth. Accablé par la mort de William, Justine, Clerval et Elizabeth, le père de Victor décède. Cherchant à se venger, Victor poursuit la Créature jusqu'au Pôle Nord, mais il ne parvient pas à tuer sa création. Le cadre narratif final du capitaine Walton À la fin du récit de Victor, le capitaine Walton reprend le récit de l'histoire, clôturant le cadre du récit de Victor. Quelques jours après la disparition de la créature, le navire se retrouve coincé dans la banquise et l'équipage de Walton insiste pour retourner vers le sud une fois libéré. Malgré un discours passionné de Victor encourageant l'équipage à pousser plus au nord, Walton se rend compte qu'il doit accéder aux demandes de ses hommes et accepte de rentrer chez lui. Victor devient agité, insistant pour continuer à chercher la créature, mais il est trop faible à cause de ses efforts et meurt peu de temps après. Walton découvre la créature sur son navire, pleurant le corps de Victor. Walton entend les raisons de la créature pour sa vengeance et ses expressions de remords. La mort de Victor ne lui a pas apporté la paix. Au contraire, ses crimes ont accru sa misère et son aliénation, et ses paroles sont presque exactement identiques à celles de Victor pour se décrire. La créature jure de se suicider sur son propre bûcher funéraire afin que personne d'autre ne connaisse jamais son existence. Walton le regarde s'éloigner sur un radeau de glace qui se perd bientôt dans l'obscurité, pour ne plus jamais être revu. Composition Au cours de l'été pluvieux de 1816, « l'année sans été », le monde a été enfermé dans un long hiver volcanique froid provoqué par l'éruption du mont Tambora en 1815. Mary Shelley, 18 ans, et son amant (et plus tard mari) Percy Bysshe Shelley, a rendu visite à Lord Byron à la Villa Diodati au bord du lac Léman en Suisse. Cet été-là, le temps était toujours trop froid et maussade pour pouvoir profiter des activités de vacances en plein air qu'ils avaient prévues, alors le groupe s'est retiré à l'intérieur jusqu'à l'aube. Assis autour d'un feu de bois dans la villa de Byron, la compagnie s'est amusée à lire des histoires de fantômes allemandes traduites en français du livre Fantasmagoriana, puis Byron leur a proposé "d'écrire chacun une histoire de fantômes". Incapable de penser à une histoire, la jeune Mary devint anxieuse : "Avez-vous pensé à une histoire ? On me le demandait chaque matin, et chaque matin j'étais obligé de répondre par un négatif mortifiant." Au cours d'une soirée en plein été, les discussions ont tourné autour de la nature du principe de vie. "Peut-être qu'un cadavre serait réanimé", nota Mary, "le galvanisme avait donné un gage de telles choses". Il était plus de minuit lorsqu'ils se retirèrent, et incapable de dormir, elle devint possédée par son imagination alors qu'elle contemplait les sinistres terreurs de son « rêve éveillé ». En septembre 2011, l'astronome Donald Olson, après avoir visité la villa du lac Léman l'année précédente et inspecté les données sur le mouvement de la lune et des étoiles, a conclu que son « rêve éveillé » s'était déroulé « entre 2 heures et 3 heures du matin ». le 16 juin 1816, plusieurs jours après l'idée initiale de Lord Byron d'écrire chacun une histoire de fantômes. Elle a commencé à écrire ce qu’elle pensait être une nouvelle. Avec les encouragements de Percy Shelley, elle a développé le conte pour en faire un roman à part entière. Elle a décrit plus tard cet été en Suisse comme le moment "où je suis sortie de l'enfance pour entrer dans la vie". Shelley a écrit les quatre premiers chapitres dans les semaines qui ont suivi le suicide de sa demi-soeur Fanny. Byron a réussi à écrire juste un fragment basé sur les légendes de vampires qu'il a entendues lors de son voyage dans les Balkans, et à partir de là, John Polidori a créé The Vampyre (1819), l'ancêtre du genre littéraire des vampires romantiques. C'est ainsi que deux contes d'horreur légendaires sont issus du conclave. Le groupe a également parlé des idées des Lumières et des Contre-Lumières. Shelley croyait à l'idée des Lumières selon laquelle la société pourrait progresser et se développer si les dirigeants politiques utilisaient leurs pouvoirs de manière responsable ; cependant, elle croyait également à l’idéal romantique selon lequel un mauvais usage du pouvoir pouvait détruire la société (Bennett 36-42). Les manuscrits de Mary et Percy Bysshe Shelley pour la première édition en trois volumes en 1818 (écrite entre 1816 et 1817), ainsi que la copie au net de Mary Shelley pour son éditeur, sont maintenant conservés à la bibliothèque Bodleian d'Oxford. Le Bodleian a acquis les papiers en 2004 et ils appartiennent désormais à la collection Abinger. En 2008, le Bodleian a publié une nouvelle édition de Frankenstein, éditée par Charles E. Robinson, qui contient des comparaisons du texte original de Mary Shelley avec les ajouts et interventions de Percy Shelley. Publication Shelley a terminé ses écrits en mai 1817, et Frankenstein ; ou, The Modern Prometheus a été publié pour la première fois le 11 mars 1818 par la petite maison d'édition londonienne Lackington, Hughes, Harding, Mavor et Jones. Il a été publié de manière anonyme, avec une préface écrite pour Mary par Percy Bysshe Shelley et avec une dédicace au philosophe William Godwin, son père. Il a été publié dans une édition de seulement 500 exemplaires en trois volumes, le format standard « à trois étages » pour les premières éditions du XIXe siècle. La deuxième édition de Frankenstein a été publiée le 11 août 1822 en deux volumes (par G. et W. B. Whittaker) suite au succès de la pièce de théâtre Présomption ; ou le destin de Frankenstein de Richard Brinsley Peake ; cette édition crédite Mary Shelley comme l'auteur. Le 31 octobre 1831 paraît la première édition « populaire » en un seul volume, publiée par Henry Colburn et Richard Bentley. Cette édition a été fortement révisée par Mary Shelley, en partie à cause des pressions exercées pour rendre l'histoire plus conservatrice. Il comprenait une nouvelle préface plus longue, présentant une version quelque peu embellie de la genèse de l'histoire. Cette édition tend à être la plus lue actuellement, bien que des éditions contenant le texte original de 1818 soient toujours publiées. De nombreux chercheurs préfèrent le texte de 1818, arguant qu'il préserve l'esprit de la publication originale de Shelley (voir « Choisir un texte de Frankenstein à enseigner » d'Anne K. Mellor dans l'édition critique de W. W. Norton). Frankenstein et le monstre La créature Une partie du rejet de Frankenstein de sa création réside dans le fait qu'il ne lui donne pas de nom, ce qui provoque un manque d'identité. Au lieu de cela, il est désigné par des mots tels que « misérable », « monstre », « créature », « démon », « diable », « démon » et « ça ». Lorsque Frankenstein s'entretient avec la créature au chapitre 10, il l'appelle « vil insecte », « monstre abhorré », « démon », « misérable diable » et « diable abhorré ». Lors d'un récit de Frankenstein, Shelley a appelé la créature "Adam". Shelley faisait référence au premier homme du jardin d'Eden, comme dans son épigraphe : Est-ce que je t'ai demandé, Créateur, de mon argile Pour me façonner, mec ? Est-ce que je t'ai sollicité Des ténèbres pour me promouvoir ? : John Milton, Paradis perdu (X. 743–5) Bien que le monstre soit décrit dans des travaux ultérieurs comme un composite de parties de corps entières greffées à partir de cadavres et réanimées par l'utilisation de l'électricité, cette description n'est pas entièrement cohérente avec le travail de Shelley ; l'utilisation de l'électricité et l'image bricolée du monstre de Frankenstein étaient davantage le résultat de l'adaptation cinématographique populaire de James Whale en 1931, ainsi que d'autres premières œuvres cinématographiques basées sur la créature. Dans l'œuvre originale de Shelley, le Dr Frankenstein découvre un principe de vie jusqu'alors inconnu mais élémentaire, et cette perspicacité lui permet de développer une méthode pour imprégner de vitalité la matière inanimée, bien que la nature exacte du processus reste largement ambiguë. Après bien des hésitations dans l'exercice de ce pouvoir, le médecin passe deux ans à construire minutieusement le corps de la créature (un élément anatomique à la fois, à partir des matières premières fournies par « la salle de dissection et l'abattoir »), qu'il apporte ensuite à la vie en utilisant son processus non spécifié. La créature a souvent été appelée à tort « Frankenstein ». En 1908, un auteur disait : « Il est étrange de constater à quel point le terme « Frankenstein » est presque universellement utilisé à mauvais escient, même par des personnes intelligentes, pour décrire un monstre hideux ». The Reef (1916) d'Edith Wharton décrit un enfant indiscipliné comme un « bébé Frankenstein ». "The Bridal Ornament" de David Lindsay, publié dans The Rover du 12 juin 1844, mentionnait "le créateur du pauvre Frankenstein". Après la sortie du film cinématographique Frankenstein de Whale, le grand public a commencé à parler de la créature elle-même sous le nom de « Frankenstein ». Cela se produit également dans les films de Frankenstein, notamment Bride of Frankenstein (1935) et plusieurs films ultérieurs, ainsi que dans des titres de films tels qu'Abbott et Costello Meet Frankenstein. De plus, les futures interprétations et adaptations de l’histoire incluent un assistant de laboratoire maléfique, Igor/Ygor, qui n’existe pas réellement dans le récit original. Nom de famille de Victor Frankenstein Mary Shelley a affirmé qu'elle tirait le nom de Frankenstein d'une vision de rêve. Malgré ses affirmations publiques d'originalité, un certain nombre d'autres sources ont été suggérées comme étant la véritable source d'inspiration de Shelley. Le nom allemand Frankenstein signifie « pierre des Francs » et est associé à divers lieux en Allemagne, notamment le château de Frankenstein (Burg Frankenstein) à Darmstadt, en Hesse, et le château de Frankenstein à Frankenstein, une ville du Palatinat. Il existe également un château appelé Frankenstein à Bad Salzungen, en Thuringe, et une municipalité appelée Frankenstein en Saxe. Jusqu'en 1945, Ząbkowice Śląskie, aujourd'hui une ville de Silésie, en Pologne, s'appelait Frankenstein en allemand et fut le théâtre d'un scandale impliquant des fossoyeurs en 1606, qui a été suggéré comme source d'inspiration pour l'auteur. Enfin, le nom est porté par la maison aristocratique Franckenstein de Franconie. Radu Florescu soutient que Mary et Percy Shelley ont visité le château de Frankenstein près de Darmstadt en 1814 lors de leur retour en Angleterre après leur fugue en Suisse. C'est dans ce château qu'un alchimiste notoire, Conrad Dippel, avait expérimenté des corps humains, et Florescu explique que Mary a supprimé la mention de sa visite afin de maintenir son affirmation publique d'originalité. Un essai littéraire d'A. J. Day soutient la position de Florescu selon laquelle Mary Shelley connaissait le château de Frankenstein et l'avait visité avant d'écrire son premier roman. Day comprend les détails d'une prétendue description du château de Frankenstein qui existe dans les journaux « perdus » de Mary Shelley. Selon Jörg Heléne, les « journaux perdus », ainsi que les affirmations de Florescu, ne peuvent être vérifiés. Le prénom de Victor Frankenstein Une interprétation possible du nom Victor est dérivée de Paradise Lost de John Milton, une grande influence sur Shelley (une citation de Paradise Lost se trouve sur la première page de Frankenstein et Shelley la fait même lire au monstre lui-même). Milton se réfère fréquemment à Dieu comme « le vainqueur » dans Paradise Lost, et Shelley voit Victor comme jouant Dieu en créant la vie. De plus, la représentation du monstre par Shelley doit beaucoup au personnage de Satan dans Paradise Lost ; en effet, le monstre dit, après avoir lu le poème épique, qu'il sympathise avec le rôle de Satan dans l'histoire. Il existe de nombreuses similitudes entre Victor et Percy Shelley, le mari de Mary. Victor était un pseudonyme de Percy Shelley, comme dans le recueil de poésie qu'il a écrit avec sa sœur Elizabeth, Original Poetry by Victor and Cazire. Il y a des spéculations selon lesquelles l'un des modèles de Mary Shelley pour Victor Frankenstein était Percy, qui à Eton avait « expérimenté l'électricité et le magnétisme ainsi qu'avec la poudre à canon et de nombreuses réactions chimiques », et dont les chambres à Oxford étaient remplies d'équipements scientifiques. Percy Shelley était le fils aîné d'un riche propriétaire de campagne ayant de solides relations politiques et un descendant de Sir Bysshe Shelley, 1er baronnet du château de Goring, et de Richard Fitzalan, 10e comte d'Arundel. La famille de Victor est l'une des plus distinguées de cette république et ses ancêtres étaient conseillers et syndics. Percy avait une sœur nommée Elizabeth ; Victor avait une sœur adoptive nommée Elizabeth. Le 22 février 1815, Mary Shelley donna naissance à un bébé deux mois prématurément et le bébé mourut deux semaines plus tard. Percy ne se souciait pas de l'état de ce prématuré et partit avec Claire, la demi-sœur de Mary, pour une liaison sordide. Lorsque Victor a vu la créature prendre vie, il a fui l'appartement, bien que la créature nouveau-née se soit approchée de lui, comme un enfant le ferait avec un parent. La question de la responsabilité de Victor envers la créature est l'un des thèmes principaux du livre. Prométhée moderne Le Prométhée moderne est le sous-titre du roman (bien que certaines éditions modernes abandonnent désormais le sous-titre, le mentionnant uniquement dans une introduction). Prométhée, dans les versions ultérieures de la mythologie grecque, était le Titan qui a créé l'humanité à la demande de Zeus. Il a créé un être à l’image des dieux auquel un esprit pouvait être insufflé. Prométhée a appris à l'homme à chasser, à lire et à guérir ses malades, mais après avoir trompé Zeus pour qu'il accepte des offrandes de mauvaise qualité de la part des humains, Zeus a empêché le feu de l'humanité. Prométhée, étant le créateur, a repris le feu à Zeus pour le donner à l'homme. Lorsque Zeus découvrit cela, il condamna Prométhée à être puni éternellement en le fixant sur un rocher du Caucase, où chaque jour un aigle lui picorait le foie, pour que le foie repousse le lendemain en raison de son immortalité en tant que dieu. Il était destiné à souffrir seul pour l'éternité, mais finalement Héraclès (Hercule) le relâcha. Prométhée était aussi un mythe raconté en latin, mais c'était une histoire très différente. Dans cette version, Prométhée crée l'homme à partir d'argile et d'eau, encore une fois un thème très pertinent pour Frankenstein, car Victor se rebelle contre les lois de la nature (comment la vie est naturellement créée) et est par conséquent puni par sa création. Le Titan dans la mythologie grecque de Prométhée est parallèle à Victor Frankenstein. Le travail de Victor en créant l'homme par de nouveaux moyens reflète le même travail innovant du Titan dans la création des humains. Certains ont affirmé que Mary Shelley ne considérait pas Prométhée comme un héros mais plutôt comme une sorte de diable, et lui reprochait d'avoir apporté le feu à l'homme et ainsi séduit la race humaine vers le vice de manger de la viande (le feu a apporté la cuisine qui a amené la chasse et la mise à mort). . Byron était particulièrement attaché à la pièce Prometheus Bound d'Eschyle, et Percy Shelley écrira bientôt son propre Prometheus Unbound (1820). Le terme « Prométhée moderne » a en fait été inventé par Emmanuel Kant en référence à Benjamin Franklin et à ses expériences avec l’électricité. Les sources de Shelley Shelley a incorporé un certain nombre de sources différentes dans son travail, dont le mythe prométhéen d'Ovide. L'influence de Paradise Lost de John Milton et de The Rime of the Ancient Mariner de Samuel Taylor Coleridge est également clairement évidente dans le roman. Mary a probablement acquis quelques idées sur le personnage de Frankenstein dans le livre d'Humphry Davy, Elements of Chemical Philosophy, dans lequel il avait écrit que « la science a... conféré à l'homme des pouvoirs que l'on peut qualifier de créatifs ; qui lui ont permis de changer et de modifier les êtres qui l'entourent...". Les références à la Révolution française parcourent le roman ; une source possible pourrait résider dans Le Miroir des événemens actuels, ou la Belle au plus offrant (1790) de François-Félix Nogaret : une parabole politique sur le progrès scientifique mettant en vedette un inventeur nommé Frankénsteïn qui crée un automate grandeur nature. Au cours des trente dernières années, de nombreux écrivains et historiens ont tenté d'associer plusieurs philosophes naturels alors populaires (maintenant appelés physiciens) aux travaux de Shelley en raison de plusieurs similitudes notables. Deux des philosophes naturels les plus remarquables parmi les contemporains de Shelley étaient Giovanni Aldini, qui a fait de nombreuses tentatives publiques de réanimation humaine grâce au galvanisme bioélectrique à Londres et Johann Konrad Dippel, qui était censé avoir développé des moyens chimiques pour prolonger la durée de vie des humains. Même si Shelley était manifestement au courant de l'existence de ces hommes et de leurs activités, elle ne fait aucune mention ou référence à eux ou à leurs expériences dans aucune de ses notes publiées ou publiées. Réception L'accueil critique initial du livre a été pour l'essentiel défavorable, aggravé par des spéculations confuses quant à l'identité de l'auteur. Sir Walter Scott a écrit que « dans l'ensemble, l'ouvrage nous impressionne par une haute idée du génie original de l'auteur et de son heureux pouvoir d'expression », mais la Quarterly Review l'a décrit comme « un tissu d'absurdité horrible et dégoûtante ». Mary Shelley a eu des contacts avec certains des esprits les plus influents de son époque. Le père de Shelley, William Godwin, était très progressiste et encourageait sa fille à participer aux conversations qui se déroulaient chez lui avec divers esprits scientifiques, dont beaucoup étaient activement engagés dans l'étude de l'anatomie. Elle était familière avec l'idée d'utiliser des cadavres à des fins d'étude, la nouvelle théorie de l'utilisation de l'électricité pour animer les morts, ainsi que les préoccupations de la religion et du grand public concernant la moralité de la falsification de l'œuvre de Dieu. Malgré les critiques, Frankenstein connaît un succès populaire quasi immédiat. Il est devenu largement connu notamment grâce à des adaptations théâtrales mélodramatiques : Mary Shelley a vu une production de Presumption ; ou Le destin de Frankenstein, une pièce de Richard Brinsley Peake, en 1823. Une traduction française parut dès 1821 (Frankenstein : ou le Prométhée Moderne, traduit par Jules Saladin). Frankenstein a été à la fois bien accueilli et ignoré depuis sa publication anonyme en 1818. Les critiques critiques de l'époque démontrent ces deux points de vue. La Belle Assemblée a qualifié le roman de « fiction très audacieuse » (139). La Quarterly Review déclarait que « l'auteur a le pouvoir à la fois de conception et de langage » (185). Sir Walter Scott, écrivant dans le Blackwood's Edinburgh Magazine, a félicité « le génie original de l'auteur et son heureux pouvoir d'expression » (620), bien qu'il soit moins convaincu de la manière dont le monstre acquiert des connaissances sur le monde et la langue. Le Edinburgh Magazine and Literary Miscellany espérait voir « davantage de productions de cet auteur » (253). Dans deux autres critiques où l'auteur est connue comme la fille de William Godwin, la critique du roman fait référence à la nature féminine de Mary Shelley. Le critique britannique attaque les défauts du roman en les accusant de l'auteur : « L'auteur du roman est, nous le comprenons, une femme ; c'est une aggravation de ce qui est le défaut dominant du roman ; mais si notre auteur peut oublier la douceur de son sexe, ce n'est pas une raison pour que nous le fassions ; et nous rejetterons donc le roman sans autre commentaire » (438). Le Literary Panorama and National Register attaque le roman comme une « faible imitation des romans de M. Godwin » produite par la « fille d'un célèbre romancier vivant » (414). Malgré ces premiers rejets, l’accueil critique a été largement positif depuis le milieu du XXe siècle. Des critiques majeurs tels que M. A. Goldberg et Harold Bloom ont loué la pertinence « esthétique et morale » du roman et, ces dernières années, le roman est devenu un sujet populaire de critique psychanalytique et féministe. Le roman est aujourd’hui généralement considéré comme une œuvre phare de la littérature romantique et gothique, ainsi que de la science-fiction. Dans son livre non-fictionnel Danse Macabre de 1981, l'auteur Stephen King considère le monstre de Frankenstein (avec Dracula et le loup-garou) comme un archétype de nombreuses créations horribles qui ont suivi dans la littérature, le cinéma et la télévision, dans un rôle qu'il qualifie de " La chose sans nom." Il considère des créations contemporaines telles que le film de 1951 La Chose d'un autre monde et L'Incroyable Hulk comme des exemples de monstruosités similaires qui ont suivi dans son sillage. Il considère le livre comme « une tragédie shakespearienne » et affirme : « son unité classique n'est brisée que par l'incertitude de l'auteur quant à l'endroit où réside le défaut fatal - est-ce dans l'orgueil de Victor (usurper un pouvoir qui n'appartient qu'à Dieu) ou dans son son incapacité à assumer la responsabilité de sa création après lui avoir doté de l'étincelle de vie ? » Frankenstein a abordé des sujets controversés et abordé des idées religieuses. Victor Frankenstein joue Dieu lorsqu'il crée un nouvel être. Frankenstein traite de thèmes chrétiens et métaphysiques. L'importance du Paradis perdu et la conviction de la créature qu'il s'agit d'une « histoire vraie » apportent un ton religieux au roman. Travaux dérivés Il existe de nombreux romans racontant ou continuant l'histoire de Frankenstein et de son monstre. Films, pièces de théâtre et télévision *1826 : adaptation de Henry M. Milner, L'Homme et le Monstre ; ou Le destin de Frankenstein a débuté le 3 juillet au Royal Coburg Theatre de Londres. *1910 : Edison Studios produit le premier film Frankenstein, réalisé par J. Searle Dawley. *1915 : Sortie de Life Without Soul, la deuxième adaptation cinématographique du roman de Mary Shelley. Aucune copie connue du film n'a survécu. *1920 : Le Monstre de Frankenstein, réalisé par Eugenio Testa, avec Luciano Albertini et Umberto Guarracino. *1931 : Frankenstein d'Universal Studios, réalisé par James Whale, avec Colin Clive, Mae Clarke, John Boles, Edward Van Sloan, Dwight Frye et Boris Karloff dans le rôle du monstre. *1935 : James Whale réalise la suite Bride of Frankenstein, avec Colin Clive dans le rôle du Docteur et Boris Karloff dans le rôle du monstre une fois de plus. Cela incorporait le motif de l'intrigue du roman du docteur Frankenstein créant une épouse pour le monstre omis du film précédent de Whale. Il y a eu deux autres suites, avant les films Universal « Monster Rally » combinant plusieurs monstres de diverses séries de films ou franchises de films. *1939 : Fils de Frankenstein était un autre film de monstres universel avec Boris Karloff dans le rôle de la créature. Le film comprenait également Basil Rathbone dans le rôle du personnage principal et Bela Lugosi dans le rôle du sinistre assistant Ygor. Karloff a fini de jouer le monstre Frankenstein avec ce film. *1942 : Le Fantôme de Frankenstein présentait une transplantation cérébrale et un nouveau monstre, joué par Lon Chaney Jr. Le film mettait également en vedette Evelyn Ankers et Bela Lugosi. *1942-1948 : Universal a réalisé des films de « rallye de monstres » mettant en vedette le monstre de Frankenstein, Dracula et l'homme-loup. Inclus seraient Frankenstein rencontre l'homme-loup, Maison de Frankenstein, Maison de Dracula et Abbott et Costello rencontrent Frankenstein. Les films présentaient Glenn Strange comme le monstre de Frankenstein. *1957-1974 : Hammer Films en Angleterre a réalisé une série de films de Frankenstein mettant en vedette Peter Cushing, dont La Malédiction de Frankenstein, La Vengeance de Frankenstein et Frankenstein doit être détruit. Les co-vedettes de ces films étaient Christopher Lee, Hazel Court, Veronica Carlson et Simon Ward. Un autre film de Hammer, L'Horreur de Frankenstein, mettait en vedette Ralph Bates dans le rôle du personnage principal, Victor Frankenstein. *1965 : Toho Studios crée le film Frankenstein à la conquête du monde ou Frankenstein contre Baragon, suivi de La Guerre des Gargantuas. *1972 : Une adaptation comique sur scène, Frankenstein's Monster, a été écrite par Sally Netzel et produite par le Dallas Theatre Center. *1973 : Le téléfilm Frankenstein : The True Story apparaît sur NBC. Le film mettait en vedette Leonard Whiting, Michael Sarrazin, James Mason et Jane Seymour. *1981 : Une adaptation à Broadway de Victor Gialanella a été jouée pour une seule représentation (après 29 avant-premières) et a été considérée comme le flop le plus cher jamais produit à cette date. *1984 : La production flop de Broadway a donné lieu à un téléfilm mettant en vedette Robert Powell, Carrie Fisher, David Warner et John Gielgud. *1992 : Frankenstein devient un film de Turner Network Television réalisé par David Wickes, avec Patrick Bergin et Randy Quaid. John Mills jouait le rôle de l'aveugle. *1994 : Frankenstein de Mary Shelley est apparu au cinéma, réalisé par et avec Kenneth Branagh, avec Robert De Niro et Helena Bonham Carter. Son casting de stars comprenait également John Cleese, Ian Holm et Tom Hulce. *2004 : Frankenstein Une mini-série de 2 épisodes mettant en vedette Alec Newman, avec Luke Goss et Donald Sutherland. *2011 : en mars, BBC3 a diffusé la production en direct de Colin Teague depuis l'abbaye de Kirkstall, à Leeds, présentée comme Frankenstein's Wedding, Live in Leeds. À peu près au même moment, le National Theatre de Londres a présenté une version scénique de Frankenstein, qui a duré jusqu'au 2 mai 2011. La pièce a été écrite par Nick Dear et mise en scène par Danny Boyle. Jonny Lee Miller et Benedict Cumberbatch ont alterné les rôles de Frankenstein et de la Créature. Le Théâtre National a diffusé des représentations en direct de la pièce dans le monde entier (à 13h00 et 19h30) le 17 mars. *2011 : Once Upon a Time est une série fantastique sur ABC qui présente plusieurs personnages de contes de fées et de littérature classique piégés dans le monde réel. La série comprend le Dr Victor Frankenstein, joué par David Anders,

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Dans le film Stuart Little de 1999, qui joue le rôle de Mme Eleanor Little ?

Geena Davis

Stuart Little est un film d'animation américain live-action/CGI de 1999 réalisé par Rob Minkoff. Il est vaguement basé sur le roman du même nom de E. B. White. Il combine action en direct et animation par ordinateur. Le scénario a été écrit par M. Night Shyamalan et Greg Brooker. L'intrigue ressemble peu à celle du livre, car seuls certains personnages et un ou deux éléments mineurs de l'intrigue sont identiques. La suite du film ressemble davantage au roman original. Michael J. Fox est la voix de Stuart Little. Geena Davis et Hugh Laurie incarnent Eleanor et Frederick Little, avec Jonathan Lipnicki dans le rôle du grand frère de Stuart, George Little, et Nathan Lane dans le rôle de la voix du chat de la famille, Snowbell. Le film est sorti le 17 décembre 1999 par Columbia Pictures. Il a reçu une nomination aux Oscars pour les meilleurs effets visuels, mais a perdu contre The Matrix. Le film, le premier de la série de films, a donné naissance à une suite en 2002, Stuart Little 2, à l'émission télévisée de courte durée Stuart Little: The Animated Series en 2003, et à une autre suite en 2005, à l'animation directe en vidéo Stuart Little. 3 : L'Appel de la nature. Ce film était le dernier film d'Estelle Getty avant sa retraite en 2001 et sa mort en 2008. Parcelle Eleanor Little (Geena Davis) et Frederick Little (Hugh Laurie) se rendent à l'orphelinat pour adopter un frère cadet pour leur fils George (Jonathan Lipnicki). À l'orphelinat, ils rencontrent et tombent amoureux d'une souris anthropomorphe nommée Stuart (exprimée par Michael J. Fox). Malgré le découragement de Mme Keeper (Julia Sweeney), ils adoptent Stuart et le ramènent à la maison. Cependant, Stuart est mal accueilli par George, qui refuse de reconnaître la souris comme son frère, et par le chat de la famille Snowbell (Nathan Lane), qui est contre l'idée d'avoir une souris pour « maître ». La nouvelle vie de Stuart à la maison commence mal lorsque George, sans le savoir, le piège dans une pile de linge et que sa mère met le linge dans la machine à laver. Stuart se sent vite mis au ban de la grande famille Little, surtout lorsque George déclare que Stuart n'est pas son frère, mais simplement une souris. Lorsque Stuart dit à ses parents qu'il se sent seul, ils demandent à Mme Keeper de faire des recherches sur la famille biologique de Stuart. Après être tombés accidentellement par hasard sur la salle de jeux de George au sous-sol, Stuart et George apprennent à se connaître et prévoient de terminer le bateau télécommandé de George, le Wasp, pour une prochaine course de bateaux à Central Park. Au même moment, l'un des amis chats de gouttière de Snowbell, Monty (Steve Zahn), lui rend visite à l'improviste et découvre Stuart. Déterminé à ne pas voir sa réputation ruinée, Snowbell rencontre le chef de Monty, Smokey (Chazz Palminteri), un chat de gouttière mafieux, et complote pour retirer Stuart de la maison sans lui faire de mal. Stuart et George terminent la Guêpe à temps, mais lorsque le contrôleur est cassé le jour de la course, Stuart pilote lui-même la Guêpe. Il se retrouve empêtré dans un bateau plus grand appartenant au rival de George, Anton (Miles Marsico) qui triche toujours en écrasant les bateaux des autres concurrents, mais Stuart casse les câbles du bateau d'Anton, le rendant inutilisable, et parvient à gagner la course. Après cela, George se sent plus à l'aise avec Stuart et l'appelle « son frère ». Lors de la fête de famille, cependant, les Petits reçoivent la visite d'un couple de souris, Reginald et Camille Stout (Bruno Kirby et Jennifer Tilly), qui prétendent être les parents de Stuart et qu'ils l'ont abandonné en adoption il y a des années en raison de la pauvreté. Sombrement, Stuart part avec les Stouts. Trois jours plus tard, Mme Keeper vient leur rendre visite et dit aux Petits que les parents de Stuart sont décédés il y a de nombreuses années dans un accident de supermarché. Comprenant que leur fils a été kidnappé, les Petits appellent la police, qui lance une opération de recherche. Cette nuit-là, Snowbell rencontre Smokey et les chats de gouttière, qui révèlent qu'ils ont forcé les Stouts à se faire passer pour les parents de Stuart afin de retirer Stuart de la maison. Craignant des représailles si les Petits découvrent la tromperie de Snowbell, Smokey ordonne aux Stouts de leur livrer Stuart. Cependant, les Stouts, s'étant liés avec Stuart, lui disent la vérité et lui ordonnent de s'échapper. Smokey ordonne par la suite une chasse à la souris pour Stuart. Lui et les chats de gouttière l'affrontent à Central Park et le poursuivent dans un égout, mais il parvient à les distancer, perdant ainsi son roadster. Il rentre chez lui, mais trouve les Petits absents, sortant pour mettre des affiches de lui. Le seul présent est Snowbell, qui ment en disant que les Petits s'amusent depuis le départ de Stuart et utilise le visage de Stuart retiré de la photo de famille comme preuve (qu'ils avaient en fait utilisé pour les affiches). Découragé, Stuart repart. Lorsque les Petits reviennent sans succès pour retrouver Stuart, Snowbell commence à reconnaître son égoïsme et se sent coupable pour ce qu'il a fait. Les chats localisent l'emplacement de Stuart dans Central Park et emmènent Snowbell avec eux pour la chasse. Cependant, il trouve Stuart pensivement assis dans un nid d'oiseau dans un arbre et décide de le sauver des chats, admettant qu'il a menti et que les Petits l'aiment. Snowbell essaie alors de raisonner Smokey pour qu'il laisse Stuart tranquille, mais Smokey refuse d'écouter et demande à son gang de tuer Stuart et Snowbell. Stuart attire les chats, mais reste suspendu à une branche d'arbre. Monty et les chats se regroupent sur une branche inférieure pour attraper Stuart, mais Snowbell brise la branche sur laquelle ils se tiennent, les envoyant tomber dans la rivière en contrebas. Smokey, cherchant à se venger, se faufile derrière Snowbell et est sur le point de tuer Snowbell, mais Stuart lâche une fine branche qui frappe Smokey au visage et l'envoie tomber dans l'eau en contrebas. Dévasté, Smokey s'enfuit, pour être chassé par une meute de chiens vicieux. Stuart monte Snowbell jusqu'à chez lui et ils partagent de joyeuses retrouvailles avec la famille Little lorsqu'ils arrivent pour retrouver Stuart sain et sauf à la maison. Casting *Michael J. Fox dans le rôle de Stuart Little *Geena Davis dans le rôle d'Eleanor Little *Hugh Laurie dans le rôle de Frederick Little *Jonathan Lipnicki dans le rôle de George Little *Nathan Lane dans le rôle de Snowbell *Chazz Palminteri dans le rôle de Smokey *Steve Zahn dans le rôle de Monty *Jim Doughan dans le rôle de l'officier Allen et Lucky *David Alan Grier dans le rôle de Rouge *Bruno Kirby dans le rôle de Reginald Stout *Jennifer Tilly dans le rôle de Camille Stout *Stan Freberg comme annonceur de course *Jeffrey Jones dans le rôle d'oncle Crenshaw *Connie Ray dans le rôle de tante Tina *Allyce Beasley dans le rôle de tante Béatrice *Brian Doyle-Murray dans le rôle du cousin Edgar *Estelle Getty dans le rôle de grand-mère Estelle *Harold Gould dans le rôle de grand-père Spencer *Patrick Thomas O'Brien dans le rôle d'Oncle Stretch *Julia Sweeney dans le rôle de Mme Keeper *Dabney Coleman dans le rôle du Dr Beechwood *Miles Marsico dans le rôle d'Anton *Jon Polito dans le rôle de l'officier Sherman *Joe Bays comme starter de la course *Taylor Negron comme vendeur Décor L'une des peintures utilisées comme accessoire pour la maison des Petits était le tableau des années 1920 La Dame endormie avec un vase noir du peintre d'avant-garde hongrois Róbert Berény, qui avait longtemps été considéré comme un tableau perdu. Un scénographe du film avait acheté le tableau dans un magasin d'antiquités de Pasadena, en Californie, pour 500 $ pour l'utiliser dans le film, ignorant sa provenance. En 2009, l'historien de l'art Gergely Barki, alors qu'il regardait Stuart Little à la télévision avec sa fille, a remarqué le tableau et, après avoir contacté les studios, a pu localiser son emplacement. En 2014, son propriétaire a vendu le tableau aux enchères pour 229 500 €. Réception Box-office Stuart Little est sorti en salles le 17 décembre 1999. Lors de son week-end d'ouverture, Stuart Little a rapporté 15 millions de dollars, le plaçant au premier rang. Il est tombé au n°2 au cours de son deuxième week-end, mais est remonté au n°1 lors de son troisième week-end avec 16 millions de dollars. Selon Box Office Mojo, son montant brut final aux États-Unis et au Canada était de 140 millions de dollars et il a rapporté 160,1 millions de dollars au box-office international, pour un total estimé à 300 millions de dollars dans le monde. Réception critique Stuart Little a reçu des critiques généralement positives de la part des critiques de cinéma. Selon Rotten Tomatoes, 66 % des critiques ont donné une critique positive au film. Le consensus du site se lit comme suit : "Stuart Little est charmant auprès des enfants et des adultes pour son humour et ses effets visuels." Sur Metacritic, le film a une note de 61 sur 100, indiquant des critiques « généralement favorables ». Médias domestiques Stuart Little est sorti en VHS et DVD le 18 avril 2000. Il a ensuite été publié en édition Deluxe le 21 mai 2002 et sur disque Blu-Ray le 28 juin 2011. Bande sonore L'album de la bande originale Stuart Little (Musique tirée et inspirée du film) est sorti par Motown/Universal Records le 30 novembre 1999 sur CD audio et cassette compacte. Les pistes en gras n'apparaissent pas dans le film. # J'ai besoin de savoir - R Angels (3:54) # Nous deux - S Club 7 (3:35) # Tu es là où j'appartiens - Trisha Yearwood (4:17) # You Can't Rock Me - L'Orchestre Brian Setzer (2:40) # 1+1=2 - Lou Béga (4:04) # Il gouverne - 702 (3:04) # Accueil - Brian McKnight (4:22) # Marcher haut - Lyle Lovett (3:16) # Jour de chance - Matt Goss (4:03) # Souris dans la maison - Colby O'Donis (4:34) # La course de bateaux - Alan Silvestri (5:12) # Tu vas me manquer - Alan Silvestri (4:43) # Tu es là où j'appartiens (Soul Solution Remix) - Trisha Yearwood (4:04)

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Suger Mice était un single de 1987 pour quel groupe de rock britannique ?

Marillion

Sugar Mice est une chanson du groupe de rock néo-progressif britannique Marillion. C'était le deuxième single de leur quatrième album studio Clutching at Straws. Sorti le 13 juillet 1987, il a culminé à la 22e place du UK Singles Chart, devenant ainsi le 8e hit consécutif du groupe dans le top 30. release.php?release=14297 Chart Stats - Marillion - Sugar Mice] En dehors du Royaume-Uni, il est sorti en France, en Irlande, aux Pays-Bas, au Portugal, en Allemagne de l'Ouest et (sur Capitol Records) aux États-Unis et au Canada. Un certain nombre de formats étaient disponibles : disque simple de 7 pouces, disque d'images de 7 pouces (contenant une pochette dépliante avec une affiche), disque simple de 12 pouces, disque d'images de 12 pouces. 3 000 exemplaires d'un CD single de 5 pouces ont été produits et vendus exclusivement lors de concerts. Arrière-plan Chanson de protestation qui aborde directement l'effet dévastateur que le chômage peut avoir sur les relations personnelles, le morceau prend la forme d'une ballade rock mélancolique avec des paroles du point de vue d'un travailleur britannique qui émigre aux États-Unis pour trouver un emploi, laissant derrière lui sa famille. Il finit par désespérer, buvant dans un bar d'hôtel à Milwaukee et accusant le gouvernement de l'avoir laissé sans travail. Le parolier Fish a décrit le contexte comme suit : "J'étais allongé dans mon lit à l'Holiday Inn et je regardais au plafond des cœurs et des trucs que certains amants avaient sculptés, et je me sentais vraiment déprimé. Alors j'ai appelé ma vieille dame mais c'était un mauvais appel téléphonique ; beaucoup de longs silences. Je me sentais encore plus déprimé. "[http://marillion.baldyslaphead.co.uk/albums/Clutching/Sugar.htm Marillion - Explication des éléments de la chanson - That Time Of The Night] Le narrateur à la première personne résume ses sentiments avec la métaphore « Nous ne sommes que des souris en sucre sous la pluie », qui donne le titre à la chanson.[http://www.marillion.com/music/lyrics/cas.htm marillion.com | MUSIQUE - Paroles - Clutching at Straws | Le site officiel de Marillion] En l'interprétant lors du concert du groupe Live from Loreley en 1987, Fish l'a dédié à "tous les chômeurs d'Europe d'aujourd'hui, aux romantiques, aux rêveurs et à ceux qui ont encore du cœur". Le CD single de 12" et 5" présentait une version étendue de la chanson titre, contenant de la musique supplémentaire entre le premier et le deuxième couplet. La face B, "Tux On", est une chanson rock qui raconte l'histoire d'une rock star montante qui perd progressivement contact avec la réalité et finit par abuser de drogues. "Sugar Mice" figurait sur les compilations Now That's What I Call Music 10 et 100 Hits: 80s Classics. Une réplique CD du single faisait également partie d'un coffret collector sorti en juillet 2000 qui contenait les douze premiers singles de Marillion et a été réédité sous forme de coffret de 3 CD en 2009 (voir The Singles '82–'88). Couverture La couverture a de nouveau été conçue par Mark Wilkinson. Contrairement aux pochettes de l'album Clutching at Straws et au premier single de celui-ci, "Incommunicado", qui étaient des collages basés sur des photographies, celle-ci présentait à nouveau le style aérographe caractéristique de Wilkinson. Il montre des souris en sucre autour d'un verre à cocktail, fondant à cause du liquide renversé, avec un visage masculin en arrière-plan. Liste des pistes 7" simple Face A #"Sugar Mice" (version album)—05:47 Face B #"Tux en marche"—05:12 Disque d'images 7" #"Sugar Mice" (Radio Edit)—05:00 Face B #"Tux en marche"—05:09 Disque simple/image 12" Face A # « Souris à sucre » (version étendue) — 06:08 Face B #"Sugar Mice" (version album) — 05:45 #"Tux en marche"—05:12 CD simple 5" #"Sugar Mice" (Radio Edit)—05:00 #"Tux en marche"—05:09 # « Souris à sucre » (version étendue) — 06:09 Durée totale 16:26 Tous les morceaux écrits par Dick/Rothery/Kelly/Trewavas/Mosley. Personnel *Poisson – chant *Steve Rothery – guitares *Mark Kelly - claviers *Pete Trewavas - basse *Ian Mosley - batterie

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Quels sont les renards métamorphes du folklore japonais ?

renard

est le mot japonais pour renard. Les renards sont un sujet courant du folklore japonais ; en anglais, kitsune y fait référence dans ce contexte. Les histoires les décrivent comme des êtres intelligents et possédant des capacités magiques qui augmentent avec leur âge et leur sagesse. Selon le folklore Yōkai, tous les renards ont la capacité de se transformer en hommes ou en femmes. Alors que certains contes populaires parlent de kitsune utilisant cette capacité pour tromper les autres – comme le font souvent les renards dans le folklore – d'autres histoires les décrivent comme de fidèles gardiens, amis, amants et épouses. Les renards et les êtres humains vivaient à proximité les uns des autres dans le Japon ancien ; cette compagnie a donné naissance à des légendes sur les créatures. Les Kitsune sont devenus étroitement associés à Inari, un kami ou esprit shinto, et lui servent de messagers. Ce rôle a renforcé la signification surnaturelle du renard. Plus un kitsune a de queues (il peut en avoir jusqu'à neuf), plus il est vieux, sage et puissant. En raison de leur pouvoir et de leur influence potentiels, certaines personnes leur font des offrandes comme à une divinité. À l'inverse, les renards étaient souvent considérés comme des « animaux sorciers », en particulier pendant la période superstitieuse d'Edo (1603-1867), et étaient des gobelins auxquels on ne pouvait pas faire confiance (semblable à certains blaireaux et chats). Origines Les mythes japonais sur le renard trouvent leurs origines dans la mythologie chinoise. Les contes populaires chinois parlent d'esprits renards appelés húli jīng () qui peuvent avoir jusqu'à neuf queues (Kyūbi no Kitsune en japonais). La plupart des premières histoires survivantes sont enregistrées dans le Konjaku Monogatarishū, un recueil de récits chinois, indiens et japonais du XIe siècle. Les renards à neuf queues ont été adaptés comme motif de la mythologie chinoise à la mythologie japonaise. Smyers (1999) note que l’idée du renard comme séductrice et le lien entre les mythes du renard et le bouddhisme ont été introduits dans le folklore japonais à travers des histoires chinoises similaires, mais elle maintient que certaines histoires de renard contiennent des éléments uniques au Japon. Étymologie L'étymologie complète est inconnue. La plus ancienne utilisation connue du mot se trouve dans le texte de 794 Shin'yaku Kegonkyō Ongi Shiki. D'autres sources anciennes incluent Nihon Ryōiki (810-824) et Wamyō Ruijushō (vers 934). Ces sources les plus anciennes sont écrites en Man'yōgana, ce qui identifie clairement l'orthographe historique comme ki1tune. Suite à plusieurs changements phonologiques diachroniques, cela devient kitsune. De nombreuses suggestions étymologiques ont été faites, bien qu'il n'y ait pas d'accord général : *Myōgoki (1268) suggère qu'il est ainsi appelé parce qu'il est « toujours (tsune) jaune (ki) ». * Début de la période Kamakura, Mizukagami indique que cela signifie « est venu (ki) [particule d'aspect parfait tsu] dans la chambre (ne) » en raison d'une légende selon laquelle un kitsune se transformerait en femme et aurait des enfants. *Arai Hakuseki dans Tōga (1717) suggère que ki signifie « puanteur », tsu est une particule possessive et ne est lié à inu, le mot pour « chien ». *Tanikawa Kotosuga dans Wakun no Shiori (1777-1887) suggère que ki signifie « jaune », tsu est une particule possessive et ne est lié à neko, le mot pour chat. *Ōtsuki Fumihiko dans Daigenkai (1932-1935) propose que le mot vienne de kitsu, qui est une onomatopée désignant l'écorce d'un renard, et ne, qui peut être un affixe ou un mot honorifique désignant un serviteur d'un sanctuaire Inari. * Nozaki suggère également que le mot kitsune était à l'origine une onomatopée. Kitsu représentait le jappement d'un renard et est devenu le mot général pour désigner le renard. -Ne signifie une humeur affectueuse. Kitsu est désormais archaïque ; en japonais moderne, le cri d'un renard est transcrit par kon kon ou gon gon. L’un des plus anciens contes de kitsune encore existants fournit une étymologie populaire largement connue du mot kitsune. Contrairement à la plupart des histoires de kitsune qui deviennent humains et épousent des hommes humains, celle-ci ne se termine pas tragiquement : : Ono, un habitant de Mino (selon une ancienne légende japonaise de 545 après J.-C.), a passé les saisons à aspirer à son idéal de beauté féminine. Il la rencontra un soir dans une vaste lande et l'épousa. Simultanément à la naissance de leur fils, la chienne d'Ono a donné naissance à un chiot qui, en grandissant, est devenu de plus en plus hostile à la dame des landes. Elle a supplié son mari de le tuer, mais il a refusé. Enfin, un jour, le chien l'attaqua si furieusement qu'elle perdit courage, reprit sa forme vulpine, sauta par-dessus une clôture et s'enfuit. :"Tu es peut-être un renard", lui cria Ono, "mais tu es la mère de mon fils et je t'aime. Reviens quand tu veux, tu seras toujours la bienvenue." :Alors chaque soir, elle revenait et dormait dans ses bras. Parce que le renard revient chaque nuit vers son mari en tant que femme mais repart chaque matin en tant que renard, elle s'appelle Kitsune. En japonais classique, kitsu-ne signifie venir dormir, et ki-tsune signifie venir toujours. Caractéristiques On pense que les Kitsune possèdent une intelligence supérieure, une longue vie et des pouvoirs magiques. Ils constituent un type de yōkai, ou entité spirituelle, et le mot kitsune est souvent traduit par esprit de renard. Cependant, cela ne signifie pas que les kitsune sont des fantômes, ni qu'ils sont fondamentalement différents des renards ordinaires. Parce que le mot esprit est utilisé pour refléter un état de connaissance ou d’illumination, tous les renards qui vivent longtemps acquièrent des capacités surnaturelles. Il existe deux classifications courantes de kitsune. Ce sont des renards célestes bienveillants associés à Inari ; ils sont parfois simplement appelés renards Inari. D’un autre côté, ils ont tendance à être espiègles, voire malveillants. Les traditions locales ajoutent d'autres types. Par exemple, un ninko est un esprit renard invisible que les êtres humains ne peuvent percevoir que lorsqu'il les possède. Physiquement, les kitsune sont connus pour avoir jusqu'à neuf queues. Généralement, un plus grand nombre de queues indique un renard plus âgé et plus puissant ; en fait, certains contes populaires disent qu’un renard n’aura de queue supplémentaire qu’après 100 ans. Un, cinq, sept et neuf queues sont les nombres les plus courants dans les histoires populaires. Lorsqu'un kitsune atteint sa neuvième queue, sa fourrure devient blanche ou dorée. Ceux-ci acquièrent la capacité de voir et d’entendre tout ce qui se passe n’importe où dans le monde. D'autres contes leur attribuent une sagesse infinie (omniscience). Changement de forme Un kitsune peut prendre forme humaine, une capacité qu'il acquiert lorsqu'il atteint un certain âge, généralement 100 ans, bien que certains contes parlent de 50 ans. Comme condition préalable à la transformation, le renard doit placer des roseaux, une large feuille ou un crâne sur son corps. sa tête. Les formes courantes prises par les kitsune incluent les belles femmes, les jeunes filles ou les hommes âgés. Ces formes ne sont pas limitées par l'âge ou le sexe du renard, et un kitsune peut reproduire l'apparence d'une personne spécifique. Les renards sont particulièrement réputés pour incarner de belles femmes. Dans le Japon médiéval, la croyance commune était que toute femme rencontrée seule, surtout au crépuscule ou la nuit, pouvait être un renard. Kitsune-gao ou visage de renard fait référence aux femmes humaines qui ont un visage étroit avec des yeux rapprochés, des sourcils fins et des pommettes saillantes. Traditionnellement, cette structure faciale est considérée comme attrayante et certains contes l'attribuent aux renards sous forme humaine. Les variantes sur le thème font que les kitsune conservent d'autres traits semblables à ceux du renard, comme une couche de poils fins, une ombre en forme de renard ou un reflet qui montre sa vraie forme. Dans certaines histoires, les kitsune ont du mal à cacher leur queue lorsqu'ils prennent forme humaine ; chercher la queue, peut-être lorsque le renard est ivre ou négligent, est une méthode courante pour discerner la vraie nature de la créature. Dans certains cas, un individu particulièrement pieux peut même voir à travers le déguisement d'un renard simplement en le percevant. Les Kitsune peuvent également être exposés sous forme humaine par leur peur et leur haine des chiens, et certains deviennent tellement secoués par leur présence qu'ils reprennent la forme d'un renard et s'enfuient. Une histoire populaire illustrant ces imperfections dans la forme humaine du kitsune concerne Koan, un personnage historique crédité de sagesse et de pouvoirs magiques de divination. Selon l'histoire, il séjournait chez l'un de ses fidèles lorsqu'il s'est ébouillanté le pied en entrant dans un bain parce que l'eau avait été trop chaude. Puis, « dans sa douleur, il sortit nu de la salle de bain en courant. Quand les gens de la maison le virent, ils furent étonnés de voir que Koan avait de la fourrure recouvrant une grande partie de son corps, ainsi qu'une queue de renard. Alors Koan se transforma devant d'eux, devenant un renard âgé et s'enfuyant. D'autres capacités surnaturelles communément attribuées aux kitsune incluent la possession, les bouches ou les queues qui génèrent du feu ou des éclairs (connues sous le nom de kitsunebi), la manifestation volontaire dans les rêves des autres, la fuite, l'invisibilité et la création d'illusions si élaborées qu'elles sont presque impossibles à distinguer des kitsune. réalité. Certains contes parlent de kitsune dotés de pouvoirs encore plus grands, capables de plier le temps et l'espace, de rendre les gens fous ou de prendre des formes fantastiques comme un arbre d'une hauteur incroyable ou une seconde lune dans le ciel. D'autres kitsune ont des caractéristiques rappelant celles des vampires ou des succubes et se nourrissent de la vie ou de l'esprit des êtres humains, généralement par contact sexuel. Kitsunetsuki , également écrit kitsune-tsuki, signifie littéralement « l'état d'être possédé par un renard ». La victime est généralement une jeune femme, que le renard pénètre sous ses ongles ou par sa poitrine. Dans certains cas, les expressions faciales des victimes changent de telle manière qu'elles ressemblent à celles d'un renard. La tradition japonaise veut que la possession d'un renard puisse permettre aux victimes analphabètes d'acquérir temporairement la capacité de lire. Bien que dans le folklore, les renards puissent posséder une personne de leur propre volonté, les kitsunetsuki sont souvent attribués aux intentions malveillantes des employeurs des renards héréditaires, ou tsukimono-suji. Le folkloriste Lafcadio Hearn décrit la condition : Il poursuit en notant qu'une fois libérée de la possession, la victime ne pourra plus jamais manger de tofu, d'azukimeshi ou d'autres aliments appréciés des renards : Au Japon, le kitsunetsuki a été signalé comme une maladie dès la période Heian et est resté un diagnostic courant de maladie mentale jusqu'au début du 20e siècle. La possession était l'explication du comportement anormal affiché par les individus affligés. À la fin du XIXe siècle, le Dr Shunichi Shimamura a noté que les maladies physiques provoquant de la fièvre étaient souvent considérées comme des kitsunetsuki. La croyance a perdu de sa popularité, mais des histoires de possession de renards se produisent encore, comme des allégations selon lesquelles des membres de la secte Aum Shinrikyo auraient été possédés. En médecine, le kitsunetsuki est un syndrome lié à la culture propre à la culture japonaise. Ceux qui souffrent de cette maladie croient qu'ils sont possédés par un renard. Les symptômes comprennent des envies de riz ou de haricots adzuki sucrés, de l'apathie, de l'agitation et une aversion pour le contact visuel. Kitsunetsuki est similaire mais distinct de la lycanthropie clinique. Hoshi pas tama Les représentations de kitsune ou de leurs victimes possédées peuvent comporter des boules blanches rondes ou en forme d'oignon connues sous le nom de . Les contes les décrivent comme brillants de kitsunebi. Certaines histoires les identifient comme des bijoux ou des perles magiques. Lorsqu'il n'est pas sous forme humaine ou ne possède pas d'humain, un kitsune garde la balle dans sa bouche ou la porte sur sa queue. Les bijoux sont un symbole commun d'Inari, et les représentations de renards sacrés d'Inari sans eux sont rares. Une croyance veut que lorsqu'un kitsune change de forme, son hoshi no tama détient une partie de son pouvoir magique. Une autre tradition veut que la perle représente l'âme du kitsune ; le kitsune mourra s'il en est séparé pendant longtemps. Ceux qui obtiennent le ballon pourront peut-être extraire une promesse du kitsune de les aider en échange de son retour. Par exemple, un conte du XIIe siècle décrit un homme utilisant le hoshi no tama d'un renard pour obtenir une faveur : « Confondre ! » claqua le renard. "Rends-moi ma balle !" L'homme a ignoré ses supplications jusqu'à ce qu'il finisse par dire en larmes : « Très bien, vous avez le ballon, mais vous ne savez pas comment le garder. Cela ne vous sera d'aucune utilité. Pour moi, c'est une perte terrible. . Je te le dis, si tu ne le rends pas, je serai ton ennemi pour toujours. Si tu le rends, je resterai à toi comme un dieu protecteur. Le renard lui sauve plus tard la vie en le conduisant devant une bande de voleurs armés. Représentation Ancrés dans le folklore japonais, les kitsune apparaissent dans de nombreuses œuvres japonaises. Les pièces de théâtre nô, kyogen, bunraku et kabuki dérivées des contes populaires les présentent, tout comme des œuvres contemporaines telles que les anime, les mangas et les jeux vidéo. Le groupe d'idoles de métal japonais Babymetal fait référence au mythe des kitsune dans leurs paroles et inclut l'utilisation de masques de renard, de signes de la main et d'interludes d'animation lors des spectacles en direct. Les auteurs de fiction occidentaux ont également utilisé les légendes des kitsune. Serviteurs d'Inari Les kitsune sont associés à Inari, la divinité shinto du riz. Cette association a renforcé la signification surnaturelle du renard. À l'origine, les kitsune étaient les messagers d'Inari, mais la frontière entre les deux est désormais floue, de sorte qu'Inari Ōkami peut être représenté comme un renard. De même, des sanctuaires entiers sont dédiés aux kitsune, où les fidèles peuvent déposer des offrandes. On dit que les esprits du renard sont particulièrement friands d'un tofu frit en tranches appelé aburage, que l'on retrouve ainsi dans les plats à base de nouilles kitsune udon et kitsune soba. De même, Inari-zushi est un type de sushi nommé d'après Inari Ōkami et composé de sachets de tofu frit remplis de riz. Il y a des spéculations parmi les folkloristes quant à savoir si une autre divinité shinto renard existait dans le passé. Les renards ont longtemps été vénérés comme des kami. Les kitsune d'Inari sont blancs, une couleur de bon augure. Ils possèdent le pouvoir de conjurer le mal et servent parfois d’esprits gardiens. En plus de protéger les sanctuaires d'Inari, ils sont sollicités pour intervenir au nom des locaux et notamment pour aider contre les nogitsune gênants, ces renards spirituels qui ne servent pas Inari. Les renards noirs et les renards à neuf queues sont également considérés comme de bon augure. Selon les croyances dérivées du fusui (feng shui), le pouvoir du renard sur le mal est tel qu'une simple statue de renard peut dissiper le mauvais kimon, ou énergie, qui coule du nord-est. De nombreux sanctuaires Inari, comme le célèbre sanctuaire Fushimi Inari à Kyoto, présentent de telles statues, parfois en grand nombre. Les Kitsune sont liés à la religion bouddhiste à travers les Dakiniten, déesses confondues avec l'aspect féminin d'Inari. Dakiniten est représenté comme une boddhisattva féminine brandissant une épée et chevauchant un renard blanc volant. Les escrocs Les Kitsune sont souvent présentés comme des escrocs, avec des motivations qui varient du mal à la malveillance. Les histoires racontent que des kitsune jouent des tours à des samouraïs trop fiers, à des marchands avides et à des roturiers vantards, tandis que les plus cruels abusent de pauvres commerçants et agriculteurs ou de fervents moines bouddhistes. Leurs victimes sont généralement des hommes ; les femmes sont plutôt possédées. Par exemple, on pense que les kitsune utilisent leur kitsunebi pour égarer les voyageurs à la manière d'un feu follet. Une autre tactique consiste pour le kitsune à confondre sa cible avec des illusions ou des visions. D'autres objectifs courants des kitsune filou incluent la séduction, le vol de nourriture, l'humiliation de l'orgueilleux ou la vengeance pour un affront perçu. Un jeu traditionnel appelé kitsune-ken (poing de renard) fait référence aux pouvoirs du kitsune sur les êtres humains. Le jeu est similaire à celui de la pierre, du papier et des ciseaux, mais les trois positions des mains représentent un renard, un chasseur et un chef de village. Le chef bat le chasseur, qu'il surpasse ; le chasseur bat le renard, qu'il tue ; le renard bat le chef qu'il ensorcelle. Cette représentation ambiguë, couplée à leur réputation de vengeance, amène les gens à tenter de découvrir les motivations d'un renard gênant. Dans un cas, le leader du XVIe siècle Toyotomi Hideyoshi a écrit une lettre au kami Inari : Les Kitsune tiennent leurs promesses et s'efforcent de rembourser toute faveur. Parfois, un kitsune s'attache à une personne ou à un foyer, où il peut causer toutes sortes de méfaits. Dans une histoire du XIIe siècle, seule la menace du propriétaire d'exterminer les renards les convainc de se comporter. Le patriarche kitsune apparaît dans les rêves de l'homme : D'autres kitsune utilisent leur magie au profit de leur compagnon ou de leurs hôtes tant que les êtres humains les traitent avec respect. En tant que yōkai, cependant, les kitsune ne partagent pas la moralité humaine, et un kitsune qui a adopté une maison de cette manière peut, par exemple, apporter à son hôte de l'argent ou des objets qu'il a volés aux voisins. En conséquence, les foyers communs soupçonnés d’héberger des kitsune sont traités avec suspicion. Curieusement, les familles de samouraïs étaient souvent réputées partager des arrangements similaires avec les kitsune, mais ces renards étaient considérés comme des zenko et l'utilisation de leur magie comme un signe de prestige. Les maisons abandonnées étaient des repaires communs pour les kitsune. Une histoire du XIIe siècle raconte qu'un ministre emménageait dans un vieux manoir et y découvrait une famille de renards qui y vivait. Ils tentent d'abord de l'effrayer, puis prétendent que la maison "est la nôtre depuis de nombreuses années et... nous souhaitons exprimer une vigoureuse protestation". L'homme refuse et les renards se résignent à s'installer dans un terrain abandonné à proximité. Les contes distinguent les cadeaux kitsune des paiements kitsune. Si un kitsune offre un paiement ou une récompense comprenant de l'argent ou une richesse matérielle, une partie ou la totalité de la somme sera constituée de vieux papiers, de feuilles, de brindilles, de pierres ou d'objets similaires sans valeur sous une illusion magique. Les véritables cadeaux kitsune sont généralement des éléments intangibles, tels que la protection, la connaissance ou une longue vie. Épouses et amants Les Kitsune sont généralement représentés comme des amants, généralement dans des histoires impliquant un jeune homme humain et un kitsune qui prend la forme d'une femme humaine. La kitsune est peut-être une séductrice, mais ces histoires sont le plus souvent de nature romantique. Généralement, le jeune homme épouse sans le savoir le renard, qui se révèle une épouse dévouée. L'homme découvre finalement la vraie nature du renard et la femme-renard est obligée de le quitter. Dans certains cas, le mari se réveille comme s’il sortait d’un rêve, sale, désorienté et loin de chez lui. Il doit alors revenir affronter honteusement sa famille abandonnée. De nombreuses histoires racontent que des épouses-renards ont des enfants. Lorsque ces descendants sont humains, ils possèdent des qualités physiques ou surnaturelles particulières qui sont souvent transmises à leurs propres enfants. L'astrologue-magicien Abe no Seimei était réputé pour avoir hérité de pouvoirs extraordinaires. D'autres histoires racontent que des kitsune se marient. La pluie tombant d'un ciel clair - une averse de soleil - est appelée kitsune no yomeiri ou le mariage des kitsune, en référence à un conte populaire décrivant une cérémonie de mariage entre les créatures se déroulant dans de telles conditions. L'événement est considéré comme de bon augure, mais les kitsune chercheront à se venger de tout invité non invité, comme le montre le film Dreams d'Akira Kurosawa. Stephen Turnbull, dans "Nagashino 1575", raconte l'histoire de l'implication du clan Takeda avec une femme-renard. Le chef de guerre Takeda Shingen, en 1544, a vaincu au combat un petit chef de guerre local nommé Suwa Yorishige et l'a conduit au suicide après une conférence de paix « humiliante et fallacieuse », après quoi Shingen a forcé le mariage de la belle fille de 14 ans de Suwa Yorishige, Lady Koi. —La propre nièce de Shingen. Shingen, écrit Turnbull, "était tellement obsédé par la jeune fille que ses disciples superstitieux se sont alarmés et ont cru qu'elle était une incarnation de l'esprit du renard blanc du sanctuaire Suwa, qui l'avait ensorcelé afin de se venger". Lorsque leur fils Takeda Katsuyori s'est avéré être un chef désastreux et a conduit le clan à leur défaite dévastatrice à la bataille de Nagashino, écrit Turnbull, "les vieilles têtes sages ont hoché la tête, se souvenant des circonstances malheureuses de sa naissance et de sa mère magique".

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Dans la mythologie grecque, qui était le jumeau de Polydeuce ?

Castor

Dans la mythologie grecque et romaine, Castor et Pollux ou Polydeuces ; Le « vin très doux » de Poludeukē étaient des frères jumeaux, connus ensemble sous le nom de Dioskouri. Leur mère était Léda, mais Castor était le fils mortel de Tyndareus, le roi de Sparte, et de Pollux, le fils divin de Zeus, qui séduisit Léda sous l'apparence d'un cygne. Bien que les récits sur leur naissance soient variés, on dit parfois qu'ils sont nés d'un œuf, avec leurs sœurs jumelles et demi-sœurs Hélène de Troie et Clytemnestre. En latin, les jumeaux sont également connus sous le nom de Gémeaux ou Castors. Lorsque Castor fut tué, Pollux demanda à Zeus de le laisser partager sa propre immortalité avec son jumeau pour les garder ensemble, et ils furent transformés en constellation des Gémeaux. Les deux hommes étaient considérés comme les patrons des marins, pour qui ils apparaissaient comme le feu de Saint-Elme, et étaient également associés à l'équitation. Ils sont parfois appelés Tyndaridae ou Tyndarids, considérés plus tard comme une référence à leur père et beau-père Tyndareus. Naissance et fonctions L'histoire la plus connue de la naissance des jumeaux est que Zeus s'est déguisé en cygne et a séduit Léda. Ainsi, on dit souvent que les enfants de Léda sont nés de deux œufs qu'elle a ensuite produits. Les Dioscures sont reconnaissables dans les peintures de vases à la calotte crânienne qu'ils portent, le pilos, que l'on expliquait dans l'Antiquité comme étant les restes de l'œuf. Que les enfants soient ainsi mortels ou à moitié immortels n'est pas cohérent entre les récits, pas plus que le fait que les jumeaux soient nés ensemble d'un seul œuf. Dans certains récits, seul Pollux a été engendré par Zeus, tandis que Léda et son mari Tyndareus ont conçu Castor. Cela explique pourquoi ils ont obtenu une immortalité alternative. Il est communément admis que l’un vivrait parmi les dieux tandis que l’autre serait parmi les morts. La figure de Tyndareus est peut-être entrée dans leur tradition pour expliquer leur nom archaïque Tindaridai dans les inscriptions spartiates ou dans la littérature Tyndaridai, provoquant à son tour des récits incompatibles sur leur filiation. Castor et Pollux sont tantôt mortels, tantôt divins. Un point cohérent est que si un seul d’entre eux est immortel, c’est bien Pollux. Dans l'Iliade d'Homère, Hélène regarde depuis les murs de Troie et se demande pourquoi elle ne voit pas ses frères parmi les Achéens. Le narrateur remarque qu'ils sont tous deux déjà morts et enterrés dans leur pays natal de Lacédémone, suggérant ainsi qu'au moins dans certaines premières traditions, tous deux étaient mortels. Leur mort et l'immortalité partagée offerte par Zeus étaient le matériau de la Cypria perdue dans le cycle épique. Les Dioscures étaient considérés comme des assistants de l'humanité et étaient considérés comme les patrons des voyageurs et des marins en particulier, qui les invoquaient pour rechercher des vents favorables. Leur rôle de cavaliers et de boxeurs les a également amenés à être considérés comme les patrons des athlètes et des compétitions sportives. . Ils sont typiquement intervenus au moment de la crise, aidant ceux qui les honoraient ou leur faisaient confiance. Sources classiques Les auteurs grecs anciens racontent plusieurs versions de l’histoire de Castor et Pollux. Homère les dépeint d'abord comme de simples mortels, les traitant comme morts dans l'Iliade, mais dans l'Odyssée, ils sont traités comme vivants même si « la terre productrice de blé les tient ». L'auteur les décrit comme « ayant un honneur égal à celui des dieux », vivant un jour sur deux grâce à l'intervention de Zeus. Tant dans l'Odyssée que dans Hésiode, ils sont décrits comme les fils de Tyndare et de Léda. En Pindare, Pollux est le fils de Zeus tandis que Castor est le fils du mortel Tyndareus. Le thème de la filiation ambiguë n’est pas propre à Castor et Pollux ; des caractérisations similaires apparaissent dans les histoires d'Hercule et de Thésée. Les Dioscures sont également invoquées dans le fragment 34a d'Alcée, mais on ne sait pas si ce poème est antérieur à l'hymne homérique aux jumeaux. Ils apparaissent ensemble dans deux pièces d'Euripide, Hélène et Elektre. Cicéron raconte comment Simonide de Ceos fut réprimandé par Scopas, son patron, pour avoir consacré trop d'espace aux louanges de Castor et Pollux dans une ode célébrant la victoire de Scopas dans une course de chars. Peu de temps après, Simonide apprit que deux jeunes hommes souhaitaient lui parler ; après qu'il eut quitté la salle du banquet, le toit s'effondra et écrasa Scopas et ses invités. Mythologie Les deux Dioscures étaient d'excellents cavaliers et chasseurs qui participèrent à la chasse au sanglier de Calydon et rejoignirent plus tard l'équipage du navire de Jason, l'Argo. En tant qu'Argonautes Lors de l'expédition des Argonautes, Pollux participa à un concours de boxe et vainquit le roi Amycus des Bebryces, peuple sauvage et mythique de Bithynie. De retour du voyage, les Dioskouroi ont aidé Jason et Pélée à détruire la ville d'Iolcus pour se venger de la trahison de son roi Pélias. Sauver Hélène Lorsque leur sœur et demi-sœur Hélène furent enlevées par Thésée, les demi-frères envahirent son royaume d'Attique pour la sauver. Pour se venger, ils enlevèrent Aethra, la mère de Thésée, et l'emmenèrent à Sparte tout en plaçant son rival, Ménesthée, sur le trône d'Athènes. Aethra fut alors forcée de devenir l'esclave d'Helen. Elle fut finalement ramenée chez elle par ses petits-fils Démophon et Acamas après la chute de Troie. Les Leucippides, Lyncée et la mort Castor et Pollux aspiraient à épouser les Leucippides (« filles du cheval blanc »), Phoebe et Hilaeira, dont le père était un frère de Leucippe (« cheval blanc »). Les deux femmes étaient déjà fiancées aux cousins ​​des Dioscures, les frères jumeaux Lynceus et Idas de Thèbes, fils du frère de Tyndareus, Aphareus. Castor et Pollux emmenèrent les femmes à Sparte où chacun eut un fils ; Phoebe enfanta Mnesileos à Pollux et Hilaeira enfanta Anogon à Castor. Cela commença une querelle familiale entre les quatre fils des frères Tyndareus et Aphareus. Les cousins ​​ont mené ensemble un vol de bétail en Arcadie, mais se sont disputés à propos du partage de la viande. Après avoir volé le troupeau, mais avant de le diviser, les cousins ​​dépecèrent, coupèrent en quartiers et rôtirent un veau. Alors qu'ils se préparaient à manger, le gigantesque Idas suggéra que le troupeau soit divisé en deux parties au lieu de quatre, en fonction du couple de cousins ​​qui avait terminé son repas en premier. Castor et Pollux étaient d'accord. Idas mangea rapidement sa part et celle de Lynceus. Castor et Pollux avaient été trompés. Ils ont permis à leurs cousins ​​de prendre tout le troupeau, mais ont juré de se venger un jour. Quelque temps plus tard, Idas et Lynceus visitèrent la maison de leur oncle à Sparte. L'oncle était en route pour la Crète, il a donc laissé à Hélène le soin de divertir les invités, qui comprenaient les deux groupes de cousins, ainsi que Pâris, prince de Troie. Castor et Pollux ont reconnu l'occasion de se venger, ont trouvé une excuse pour justifier leur abandon du festin et ont entrepris de voler le troupeau de leurs cousins. Idas et Lynceus sont finalement rentrés chez eux, laissant Helen seule avec Paris, qui l'a ensuite kidnappée. Ainsi, les quatre cousins ​​contribuèrent à déclencher les événements qui donnèrent naissance à la guerre de Troie. Pendant ce temps, Castor et Pollux étaient arrivés à destination. Castor grimpa sur un arbre pour surveiller Pollux qui commençait à libérer le bétail. Au loin, Idas et Lyncée s'approchèrent. Lynceus, nommé d'après le lynx parce qu'il pouvait voir dans le noir, aperçut Castor qui se cachait dans l'arbre. Idas et Lynceus comprirent immédiatement ce qui se passait. Idas, furieux, tendit une embuscade à Castor, le blessant mortellement d'un coup de lance, mais pas avant que Castor n'appelle pour avertir Pollux. Dans la bagarre qui a suivi, Pollux a tué Lynceus. Alors qu'Idas était sur le point de tuer Pollux, Zeus, qui observait depuis le mont. Olympe, lança un coup de foudre, tuant Idas et sauvant son fils. De retour auprès de Castor mourant, Zeus donna à Pollux le choix de passer tout son temps sur le mont Olympe ou de donner la moitié de son immortalité à son frère mortel. Il opta pour cette dernière solution, permettant aux jumeaux d'alterner entre l'Olympe et Hadès. Les frères sont devenus les deux étoiles les plus brillantes de la constellation des Gémeaux (« les jumeaux ») : Castor (Alpha Geminorum) et Pollux (Beta Geminorum). Emblèmes de l'immortalité et de la mort, les Dioskouri, comme Héraclès, auraient été initiés aux mystères d'Éleusiniens. Iconographie Castor et Pollux sont systématiquement associés aux chevaux dans l'art et la littérature. Ils sont largement représentés comme des cavaliers casqués portant des lances. Le manuscrit pseudo-oppien représente les frères chassant, à cheval et à pied. Sur les reliefs votifs, ils sont représentés avec une variété de symboles représentant le concept de gémellité, tels que le dokana (δόκανα – deux morceaux de bois verticaux reliés par deux poutres transversales), une paire d'amphores, une paire de boucliers ou une paire de serpents. Ils sont également souvent représentés portant des bonnets en feutre, parfois avec des étoiles au-dessus. Ils sont représentés sur des métopes de Delphes les montrant lors du voyage de l'Argo (Ἀργώ) et du vol de bétail avec Idas. Les vases grecs les montrent régulièrement capturant Phoebe et Hilaeira, en Argonautes, ainsi que lors de cérémonies religieuses et lors de la livraison à Léda de l'œuf contenant Hélène. On les reconnaît dans certaines peintures de vases à la calotte qu'ils portent, le pilos (πῖλος), qui était déjà expliqué dans l'Antiquité comme les restes de l'œuf d'où ils ont éclos. Sanctuaires et rites Les Dioskouri étaient vénérés aussi bien par les Grecs que par les Romains ; il y avait des temples dédiés aux jumeaux à Athènes, comme Anakeion et Rome, ainsi que des sanctuaires dans de nombreux autres endroits du monde antique. Les Dioskouri et leurs sœurs ont grandi à Sparte, dans la maison royale de Tyndareus ; ils étaient particulièrement importants pour les Spartiates, qui les associaient à la tradition spartiate de double royauté et appréciaient que deux princes de leur maison dirigeante soient élevés à l'immortalité. Leur connexion là-bas était très ancienne : une représentation aniconique uniquement spartiate des Tyndaridai était sous la forme de deux poteaux verticaux reliés par une barre transversale ; en tant que protecteurs de l'armée spartiate, la « figure de poutre » ou dókana était portée devant l'armée en campagne. La double royauté unique de Sparte reflète l'influence divine des Dioscures. Lorsque l'armée spartiate partit en guerre, un roi resta chez lui, accompagné de l'un des Jumeaux. "De cette façon, le véritable ordre politique est assuré dans le royaume des Dieux". Leur héroon ou tombeau se trouvait au sommet d'une montagne à Thérapné, de l'autre côté de l'Eurotas depuis Sparte, dans un sanctuaire connu sous le nom de Meneláeion où Hélène, Ménélas, Castor et Pollux auraient tous été enterrés. Castor lui-même était également vénéré dans la région de Kastoria, au nord de la Grèce. Ils étaient commémorés à la fois comme des dieux sur l'Olympe dignes de l'holocauste et comme des mortels décédés dans l'Hadès, dont les esprits devaient être apaisés par des libations. Des sanctuaires moindres dédiés à Castor, Pollux et Helen ont également été établis dans un certain nombre d'autres endroits autour de Sparte. Le poirier était considéré par les Spartiates comme sacré pour Castor et Pollux, et des images des jumeaux étaient accrochées à ses branches. Le serment standard des Spartiates était de jurer « par les deux dieux » (en grec dorique : νά τώ θεὼ, ná tō theō, dans le nombre Double). Le rite de la théoxénie (θεοξενία), « divertissant Dieu », était particulièrement associé à Castor et Pollux. Les deux divinités étaient convoquées à une table dressée avec de la nourriture, que ce soit chez les particuliers ou dans les foyers publics ou lieux équivalents contrôlés par les États. On les montre parfois arrivant au galop au-dessus d'une table chargée de nourriture. Bien que de telles « offrandes de table » fussent une caractéristique assez courante des rituels du culte grec, elles étaient normalement faites dans les sanctuaires des dieux ou des héros concernés. Le cadre domestique de la theoxenia était une distinction caractéristique accordée aux Dioskouri. L'image des jumeaux assistant une déesse est très répandue et relie les Dioskouri aux sociétés masculines d'initiés sous l'égide de la Grande Déesse anatolienne. et les grands dieux de Samothrace. Les Dioscures sont les inventeurs des danses de guerre qui caractérisent les Kurètes. Analogues indo-européens Les jumeaux célestes apparaissent également dans la tradition indo-européenne comme les radieux frères-cavaliers védiques les Ashvins, le lituanien Ašvieniai et le germanique Alcis. L'Italie et l'Empire romain À partir du Ve siècle avant JC, les frères étaient vénérés par les Romains, probablement en raison d'une transmission culturelle via les colonies grecques de la Grande Grèce, dans le sud de l'Italie. Une inscription latine archaïque du VIe ou Ve siècle avant JC trouvée à Lavinium, qui se lit Castorei Podlouqueique qurois (« À Castor et Pollux, le Dioskouri »), suggère une transmission directe des Grecs ; le mot « qurois » est virtuellement une translittération du mot grec κούροις, tandis que « Podlouquei » est en fait une translittération du grec Πολυδεύκης. La construction du Temple de Castor et Pollux, situé dans le Forum Romain au cœur de leur ville, a été entreprise pour accomplir un vœu (votum) prononcé par Aulus Postumius Albus Regillensis en remerciement pour la victoire romaine dans la bataille du lac Regillus en 495 avant JC. L'établissement du temple peut aussi être une forme d'evocatio, le transfert d'une divinité tutélaire d'une ville vaincue à Rome, où le culte serait offert en échange de faveurs. Selon la légende, les jumeaux combattirent à la tête de l'armée romaine et rapportèrent ensuite la nouvelle de la victoire à Rome. Les Locriens de la Grande Grèce avaient attribué leur succès lors d'une bataille légendaire sur les rives du Sagras à l'intervention des Jumeaux. La légende romaine pourrait en fait avoir ses origines dans le récit locrien et fournirait peut-être une preuve supplémentaire de la transmission culturelle entre Rome et la Grande Grèce. Les Romains croyaient que les jumeaux les aidaient sur le champ de bataille. Leur rôle de cavaliers les rendait particulièrement attrayants pour les équites et la cavalerie romaines. Chaque année, le 15 juillet, jour de la fête des Dioskouri, les 1 800 cavaliers défilaient dans les rues de Rome dans un spectacle élaboré dans lequel chaque cavalier portait une tenue militaire complète et toutes les décorations qu'il avait gagnées. Dans les traductions des comédies de Plaute, les femmes ne jurent généralement que par Castor, et les hommes par Pollux ; Ceci est illustré par le personnage de femme esclave Staphyla dans Un pot d'or (acte I, ll.67-71) où elle jure par Castor à la ligne 67, puis le préfixe négatif à la ligne 71 dénote une réfutation contre le fait de jurer par Pollux. Kastur et Pultuce étrusques Les Étrusques vénéraient les jumeaux sous les noms de Kastur et Pultuce, collectivement les tinas cliniiaras, « fils de Tinia », l'homologue étrusque de Zeus. Ils étaient souvent représentés sur des miroirs étrusques. Comme c'était la mode en Grèce, ils pouvaient aussi être représentés de manière symbolique ; un exemple peut être vu dans la Tomba del Letto Funebre à Tarquinia où un lectisternium est peint pour eux. Ils sont symbolisés dans le tableau par la présence de deux bonnets pointus couronnés de laurier, faisant référence aux bonnets phrygiens qu'ils étaient souvent représentés portant. christianisation Même après la montée du christianisme, les Dioskouroi ont continué à être vénérés. Le pape Gélase Ier du Ve siècle attesta de l'existence d'un « culte de Castores » que le peuple ne voulait pas abandonner. Dans certains cas, les jumeaux semblent avoir simplement été absorbés dans un cadre chrétien ; ainsi les poteries et les sculptures du IVe siècle après J.-C. d'Afrique du Nord représentent les Dioskouroi aux côtés des Douze Apôtres, de la Résurrection de Lazare ou de Saint Pierre. L'Église adopta une attitude ambivalente, rejetant l'immortalité des Dioskouroi mais cherchant à les remplacer par des couples chrétiens équivalents. Les saints Pierre et Paul furent ainsi adoptés à la place des Dioskouroi comme patrons des voyageurs, et les saints Côme et Damien assumèrent leur fonction de guérisseurs. Certains ont également associé les saints Speusippus, Eleusippus et Melapsippus aux Dioskouroi. L'érudit du Nouveau Testament, Dennis MacDonald, identifie Castor et Pollux comme personnages de base pour l'apparition de Jacques, fils de Zébédée, et de son frère Jean qui apparaissent dans le récit de Marc l'Évangéliste. MacDonald cite l'origine de cette identification en 1913, lorsque J. Rendel Harris a publié son ouvrage Boanerges, un terme grec pour Tonnerre, l'épithète de Zeus père de Pollux dans ce que MacDonald appelle une forme de dioscurisme chrétien primitif. Dans la culture populaire Deux frères nommés Castor et Pollux Troy figurent dans le film Face/Off. Castor est le principal antagoniste du film et Pollux est en quelque sorte son acolyte, donc la référence peut être ironique. Dans The Hunger Games, Castor et Pollux sont des frères qui composent l'équipe de tournage de Cressida depuis le Capitole. Il y a aussi une paire de jumeaux nommés Castor et Pollux dans les livres de Percy Jackson. Ce sont les enfants de Dionysos, dieu grec du vin, du raisin, de la fertilité, de la folie et du théâtre. Castor est tué lors de la bataille de Manhattan dans The Last Olympian. Dans Homestuck, le troll Gemini s'appelle Sollux Captor, inversant le S et le P.

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Quel film présente la banque fiduciaire Dawes Tomes Mousley Grubbs Fidelity ?

Mary Poppins

"Fidelity Fiduciary Bank" est une chanson du film Mary Poppins de Walt Disney, composée par Richard M. Sherman et Robert B. Sherman. La chanson chantée par les vieux banquiers lourds de la Dawes, Tomes, Mousely, Grubbs Fidelity Fiduciary Bank, dirigée par « l'aîné M. Dawes » (Dick Van Dyke), aux deux enfants de George Banks, Jane et Michael, dans une tentative de Demandez à Michael Banks d'investir son argent dans la banque. Alors que la chanson continue, la pression est exercée sur George, un employé junior de la banque, pour influencer Michael. Lorsque Michael ouvre enfin, et très légèrement, sa main qui contient la pièce de monnaie, l'aîné M. Dawes lui prend la pièce de monnaie. Michael proteste très fort, ce qui provoque panique et chaos. Une ruée sur la banque s’ensuit. La chanson n'est pas présente dans la version musicale scénique de la partition. Un couplet que M. Banks chante pour tenter de convaincre Michael d'investir son argent ressemble à ceci : a pour origine un essai de C. C. Turner intitulé « Money London » dans le livre édité par G. R. Sims intitulé Living London (Londres : 1903) : Sources littéraires * Sherman, Robert B. Walt's Time : d'avant en au-delà. Santa Clarita : Éditeurs Camphor Tree, 1998.

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Comment s'appelle le personnage de Robin Williams dans Good Morning Vietnam ?

Adrian

Robin McLaurin Williams (21 juillet 1951 – 11 août 2014) est un comédien, acteur, réalisateur, producteur, écrivain, chanteur et doubleur américain. Ayant débuté comme humoriste à San Francisco et à Los Angeles au milieu des années 1970, on lui attribue le mérite d'avoir dirigé la renaissance de la comédie à San Francisco. Après être devenu célèbre sous le nom de Mork dans Mork & Mindy (1978-1982), Williams a ensuite entamé une carrière dans la comédie stand-up et dans le cinéma. Il était connu pour ses talents d'improvisation. Après ses débuts au cinéma dans Popeye (1980), il a joué ou joué dans des films largement acclamés, notamment Le monde selon Garp (1982), Good Morning, Vietnam (1987), Dead Poets Society (1989), Awakenings (1990). , The Fisher King (1991), Aladdin (1992), Good Will Hunting (1997) et One Hour Photo (2002), ainsi que des succès financiers, comme Hook (1991), Mrs. Doubtfire (1993), Jumanji ( 1995), The Birdcage (1996), Night at the Museum (2006) et World's Greatest Dad (2009). Williams a remporté l'Oscar du meilleur acteur dans un second rôle en 1997 pour son interprétation de Sean Maguire dans Good Will Hunting. Il a également reçu deux Emmy Awards, six Golden Globe Awards, deux Screen Actors Guild Awards et cinq Grammy Awards tout au long de sa carrière. Le 11 août 2014, Williams s'est suicidé à son domicile de Paradise Cay, en Californie. Début de la vie Williams est né Robin McLaurin Williams à l'hôpital St. Luke de Chicago, Illinois, le 21 juillet 1951. Son père, Robert Fitzgerald Williams, était un cadre supérieur de la division Lincoln-Mercury de Ford Motor Company. Sa mère Laurie McLaurin était une ancienne mannequin de Jackson, Mississippi ; son arrière-grand-père était le sénateur et gouverneur du Mississippi Anselm J. McLaurin. Williams avait deux demi-frères aînés nommés Robert et McLaurin. Il avait des ancêtres anglais, gallois, irlandais, écossais, allemands et français. Alors que sa mère pratiquait la science chrétienne, Williams a été élevé comme épiscopalien et a ensuite rédigé une liste comique intitulée «Les dix principales raisons d'être épiscopalien». Lors d'une interview télévisée sur Inside the Actors Studio en 2001, il a attribué à sa mère une influence précoce importante pour son sens de l'humour, notant également qu'il essayait de la faire rire pour attirer l'attention. youtube.com/watch?v 0IDy5GlUuf8&t=12m23s "Robin Williams – À l'intérieur du studio des acteurs"], 10 juin 2001 Williams a fréquenté l'école primaire publique de la Gorton Elementary School (maintenant Gorton Community Center) et le collège de la Deer Path Junior High School (maintenant Deer Path Middle School), toutes deux situées à Lake Forest, dans l'Illinois. Il se décrit comme un enfant calme et timide qui n'a pas surmonté sa timidité jusqu'à ce qu'il s'implique dans le département d'art dramatique de son lycée. Les amis de Williams se souviennent de lui comme étant très drôle. Fin 1963, alors que Williams avait douze ans, son père fut transféré à Détroit. Ils vivaient dans une ferme de 40 pièces sur 20 acres dans la banlieue de Bloomfield Hills, dans le Michigan, où il était étudiant à la Detroit Country Day School privée. Il a excellé à l'école, où il a fait partie de l'équipe de football et de l'équipe de lutte de l'école, et est devenu président de classe. Comme le père de Williams était absent la plupart du temps et que sa mère travaillait également, il était pris en charge par la femme de chambre de la famille, qui était sa principale compagne. Quand Williams avait 16 ans, son père a pris une retraite anticipée et la famille a déménagé à Tiburon, en Californie. Suite à ce déménagement, Williams a fréquenté le Redwood High School, à proximité de Larkspur. Au moment de l'obtention de son diplôme en 1969, il a été élu « le plus susceptible de ne pas réussir » et « le plus drôle » par ses camarades de classe. Collège et école Juilliard Après avoir obtenu son diplôme d'études secondaires, Williams s'est inscrit au Claremont Men's College de Claremont, en Californie, pour étudier les sciences politiques, puis a abandonné ses études pour poursuivre sa carrière d'acteur. Williams a ensuite étudié le théâtre pendant trois ans au College of Marin, un collège communautaire de Kentfield, en Californie. Selon James Dunn, professeur d'art dramatique à Marin, la profondeur du talent de Williams est devenue évidente lorsqu'il a été choisi pour la comédie musicale Oliver ! comme Fagin. Williams était connu pour improviser pendant son séjour dans le programme dramatique de Marin, rendant les acteurs hystériques. Dunn a appelé sa femme après une répétition tardive pour lui dire que Williams "allait être quelque chose de spécial". En 1973, Williams a obtenu une bourse complète à la Juilliard School de New York. Il était l'un des 20 étudiants acceptés dans la classe de première année et l'un des deux seuls étudiants à être acceptés par John Houseman dans le programme avancé de l'école cette année-là ; l'autre était Christopher Reeve. William Hurt et Mandy Patinkin étaient également camarades de classe. Maslon, Laurence et Kantor, Michael. Make 'em Laugh: The Funny Business of America, Twelve, 2008 pp. 241-244 Reeve se souvient de sa première impression de Williams lorsqu'ils étaient deux nouveaux étudiants à Juilliard : Williams et Reeve ont suivi un cours de dialectes dispensé par Edith Skinner, qui, selon Reeve, était l'un des plus grands professeurs de chant et de parole au monde. Skinner ne savait pas quoi penser de Williams, ajoute Reeve, car il [Williams] pouvait instantanément se produire dans de nombreux dialectes, notamment l'écossais, l'irlandais, l'anglais, le russe et l'italien. Leur principal professeur de théâtre était Michael Kahn, qui était « tout aussi déconcerté par cette dynamo humaine », note Reeve. Williams avait déjà la réputation d'être drôle, mais Kahn critiquait parfois ses pitreries en les qualifiant de simple comédie stand-up. Dans une production ultérieure, Williams a fait taire ses critiques avec son rôle convaincant de vieil homme dans La Nuit de l'iguane, de Tennessee Williams. "Il était tout simplement le vieil homme", observa Reeve. "J'ai été étonné par son travail et très reconnaissant que le destin nous ait réunis." Williams et Reeve sont restés des amis proches jusqu'à la mort de Reeve en 2004, après qu'il soit devenu tétraplégique après un accident d'équitation. Zak, le fils de Williams, a déclaré qu'ils étaient comme des frères dans leur amitié. Williams a payé de nombreuses factures médicales de Reeve et a apporté un soutien financier à sa famille. Williams a quitté Juilliard au cours de sa première année en 1976 à la suggestion de Houseman, qui a déclaré que Juilliard ne pouvait plus rien lui apprendre. Son professeur à Juilliard, Gerald Freedman, note que Williams était un « génie » et que le style de formation conservateur et classique de l'école ne lui convenait pas, donc personne n'a été surpris qu'il parte. Carrière Comédie stand-up Après que sa famille ait déménagé dans le comté de Marin, Williams a commencé sa carrière en faisant des spectacles d'humour dans la région de la baie de San Francisco au milieu des années 1970. Sa première représentation a eu lieu au Holy City Zoo, un club de comédie de San Francisco, où il a gravi les échelons du bar jusqu'à monter sur scène. Dans les années 1960, San Francisco était le centre d'une renaissance de la musique rock, des hippies, de la drogue et d'une révolution sexuelle, et dans les années 1970, Williams a contribué à diriger sa « renaissance de la comédie », écrit le critique Gerald Nachman.Nachman, Gerald. Seriously Funny: The Rebel Comedians of the 1950s and 1960s, Pantheon, N.Y. (2003) Williams dit avoir découvert « la drogue et le bonheur » pendant cette période, ajoutant qu'il avait vu « les meilleurs cerveaux de mon temps se transformer en boue ». Il a déménagé à Los Angeles et a continué à faire des spectacles de stand-up dans divers clubs, dont le Comedy Club, en 1977, où le producteur de télévision George Schlatter l'a vu. Schlatter, réalisant que Williams deviendrait une force importante dans le show business, lui a demandé d'apparaître dans une reprise de son émission Laugh-In. L'émission a été diffusée fin 1977 et est devenue sa première apparition à la télévision. Williams a également donné un spectacle au LA Improv la même année pour Home Box Office. Bien que le renouveau de Laugh-In ait échoué, il a conduit Williams à une carrière à la télévision, période pendant laquelle il a continué à faire du stand-up dans des clubs de comédie, comme le Roxy, pour l'aider à maintenir ses talents d'improvisation. Premières influences Williams a attribué à d'autres comédiens l'avoir influencé et inspiré, notamment Jonathan Winters, Peter Sellers, Nichols and May et Lenny Bruce. Il attribue leur influence à leur capacité à attirer un public plus intellectuel en utilisant un niveau d'esprit plus élevé. Il appréciait également Jay Leno pour sa rapidité dans les routines comiques improvisées, et Sid Caesar, dont il considérait les actes comme « précieux ». Jonathan Winters est devenu son « idole » très tôt dans sa vie ; Williams l'a vu pour la première fois à la télévision à l'âge de 8 ans et lui a rendu hommage lors d'interviews tout au long de sa carrière. Williams a été inspiré par l'ingéniosité de Winters, réalisant, dit-il, "que tout est possible, que tout est drôle. Il m'a donné l'idée que cela pouvait être de forme libre, qu'on pouvait entrer et sortir des choses assez facilement." Lors d'une interview à Londres en 2002, il a déclaré à Sir Michael Parkinson que Peter Sellers avait eu une influence importante, en particulier ses rôles à plusieurs personnages dans Dr Folamour : "Il n'y a pas mieux que ça." Williams possédait un enregistrement rare des premières émissions de radio Goon Shows de Sellers. Les acteurs de comédie britanniques Dudley Moore et Peter Cook faisaient également partie de ses influences, a-t-il déclaré à Parkinson. Williams a également été influencé par la capacité intrépide de Richard Pryor à parler de sa vie personnelle sur scène, avec des sujets tels que sa consommation de drogues et d'alcool, et Williams a ajouté ce genre de sujets lors de ses propres performances. En abordant des sujets aussi personnels comme une forme de comédie, a-t-il déclaré à Parkinson, c'était « moins cher qu'une thérapie » et lui donnait un moyen de libérer son énergie et ses émotions refoulées. Spectacles live télévisés Williams a remporté un Grammy Award pour l'enregistrement de son spectacle live de 1979 au Copacabana à New York, "Reality...What a Concept". Certaines de ses tournées ultérieures, après être devenu une star de la télévision et du cinéma, incluent An Evening With Robin Williams (1982), Robin Williams: At The Met (1986) et Robin Williams Live on Broadway (2002). Ce dernier a battu de nombreux records de longue date pour une émission humoristique. Dans certains cas, les billets étaient vendus dans les trente minutes suivant leur mise en vente. En 1986, Williams a sorti Une nuit au Met. Après une pause de six ans, en août 2008, Williams a annoncé une nouvelle tournée de 26 villes intitulée « Armes d'autodestruction ». Il a déclaré que c'était sa dernière chance de faire des blagues aux dépens de l'administration Bush, mais au moment où le spectacle a été mis en scène, seules quelques minutes couvraient ce sujet. La tournée a débuté fin septembre 2009 et s'est terminée à New York le 3 décembre, et a fait l'objet d'une émission spéciale sur HBO le 8 décembre 2009. Difficultés à réaliser du stand-up Williams a déclaré qu'en partie à cause du stress lié au stand-up, il a commencé à consommer de la drogue et de l'alcool au début de sa carrière. Il a en outre déclaré qu'il n'avait jamais bu ni pris de drogue sur scène, mais qu'il se produisait occasionnellement alors qu'il souffrait d'une gueule de bois de la veille. Pendant la période où il consommait de la cocaïne, il a déclaré que cela le rendait paranoïaque lorsqu'il se produisait sur scène. Williams a décrit un jour la vie des comédiens de stand-up : Certains, comme le critique Vincent Canby, craignaient que les monologues de Williams soient si intenses qu'il semblait qu'à tout moment son « processus créatif pouvait s'inverser et se transformer en un effondrement complet ». Williams se sentait sûr de ne pas être à court d'idées, car le changement constant des événements mondiaux lui permettrait de rester approvisionné. Il a également expliqué qu'il utilisait souvent la libre association d'idées lors de l'improvisation afin de maintenir l'intérêt du public. Williams a noté que l'atmosphère compétitive des clubs de comédie pourrait causer des problèmes. Par exemple, certains comédiens l'ont accusé d'avoir intentionnellement copié leurs blagues, bien que Williams ait fermement nié l'avoir fait. Whoopi Goldberg a expliqué qu'il est difficile pour les comédiens de ne pas reprendre et réutiliser le matériel d'un autre comédien, et que cela se fait « tout le temps ». Il a ensuite évité d'assister aux représentations d'autres comédiens pour dissuader des accusations similaires. Lors d'une interview avec Playboy en 1992, on a demandé à Williams s'il avait déjà craint de perdre la capacité de parler ouvertement de ce genre d'événements et de sujets, et il a admis qu'il le ferait, "si j'avais l'impression de devenir non seulement ennuyeux mais aussi un roc, cela Je ne pouvais toujours pas déclencher, tirer ou parler de choses. » Tout en attribuant le récent suicide du romancier Jerzy Kosiński à sa peur de perdre sa créativité et son acuité, Williams sentait qu'il pouvait surmonter ces risques. Il en attribue le mérite à son père, qui, selon lui, lui a donné confiance en lui, lui disant de ne jamais avoir peur de parler de sujets qui lui tiennent à cœur. Télévision Après le renouveau de Laugh-In et son apparition dans le casting de The Richard Pryor Show sur NBC, Williams a été choisi par Garry Marshall dans le rôle de l'extraterrestre Mork dans un épisode de 1978 de la série télévisée à succès Happy Days. Williams a impressionné le producteur avec son sens de l'humour décalé lorsqu'il s'est assis sur la tête lorsqu'on lui a demandé de s'asseoir pour l'audition. En tant que Mork, Williams a improvisé une grande partie de ses dialogues et de sa comédie physique, parlant d'une voix aiguë et nasillarde. L'apparition de Mork était si populaire auprès des téléspectateurs qu'elle a conduit à la sitcom télévisée à succès Mork & Mindy, qui s'est déroulée de 1978 à 1982; le spectacle a été écrit pour s'adapter aux improvisations de Williams. Bien qu'il incarne le même personnage que dans Happy Days, la série se déroule dans le présent à Boulder, au Colorado, au lieu de la fin des années 1950 à Milwaukee. Mork & Mindy, à son apogée, avait une audience hebdomadaire de 60 millions de personnes et était crédité d'avoir fait de Williams une « superstar ». Selon le critique James Poniewozik, la série était particulièrement populaire parmi les jeunes car Williams est devenu « un homme et un enfant, flottant, au visage de caoutchouc, un jaillissement sans fin d'invention ». Mork est devenu un personnage extrêmement populaire, présenté sur des affiches, des livres de coloriage, des boîtes à lunch et d'autres produits. Mork & Mindy a connu un tel succès lors de sa première saison que Williams est apparu sur la couverture du 12 mars 1979 du magazine Time, alors le principal magazine d'information aux États-Unis. La photo de couverture, prise par Michael Dressler en 1979, aurait " [a capturé] ses différentes facettes : le comique agressant pour la caméra et une pose douce et plus réfléchie qui apparaît sur un petit téléviseur qu'il tient dans ses mains", selon Mary Forgione du Los Angeles Times. Cette photo a été installée à la National Portrait Gallery de la Smithsonian Institution peu après la mort de Williams pour permettre aux visiteurs de lui rendre hommage. Williams figurait également sur la couverture du numéro du 23 août 1979 du magazine Rolling Stone, avec la photo de couverture prise par le célèbre photographe Richard Avedon. À partir de la fin des années 1970 et tout au long des années 1980, Williams a commencé à toucher un public plus large avec ses comédies stand-up, dont trois émissions spéciales de comédie sur HBO, Off The Wall (1978), An Evening with Robin Williams (1982) et Robin Williams: Live. au Met (1986). Toujours en 1986, Williams a co-organisé la 58e cérémonie des Oscars. Williams était également un invité régulier de divers talk-shows, notamment The Tonight Show Starring Johnny Carson et Late Night with David Letterman, dans lesquels il est apparu 50 fois. Letterman, qui connaissait Williams depuis près de 40 ans, se souvient l'avoir vu pour la première fois jouer en tant que nouveau comédien au Comedy Store à Hollywood, où Letterman et d'autres comédiens faisaient déjà du stand-up. "Il est arrivé comme un ouragan", a déclaré Letterman, qui a ensuite déclaré s'être dit: "Putain de merde, voilà ma chance dans le show business." Le travail de stand-up de Williams a été un fil conducteur tout au long de sa carrière, comme en témoigne le succès de son one-man show (et du DVD ultérieur) Robin Williams : Live on Broadway (2002). Il a été élu 13e sur la liste de Comedy Central des « 100 plus grands stand-ups de tous les temps » en 2004. Williams et Billy Crystal faisaient une apparition non scénarisée au début d'un épisode de la troisième saison de Friends. Ses nombreuses apparitions à la télévision comprenaient un épisode de À qui appartient-il de toute façon ?, et il a joué dans un épisode de Law and Order : SVU. En 2010, il est apparu dans un sketch avec Robert De Niro sur Saturday Night Live, et en 2012, il a joué son propre rôle dans deux séries FX, Louie et Wilfred. En mai 2013, CBS a lancé une nouvelle série, The Crazy Ones, avec Williams, mais la série a été annulée après une saison. Acteur de cinéma Le premier film de Williams était la comédie à petit budget de 1977 Puis-je le faire jusqu'à ce que j'aie besoin de lunettes ?. Sa première performance majeure fut en tant que personnage principal de Popeye (1980) ; bien que le film ait été un échec commercial, le rôle a permis à Williams de mettre en valeur les talents d'acteur précédemment démontrés dans son travail télévisuel. Il a également joué le rôle principal dans Le Monde selon Garp (1982), qui, selon Williams, "manquait peut-être d'une certaine folie à l'écran, mais il avait un grand noyau". Williams a continué avec d'autres rôles plus petits dans des films moins réussis, tels que The Survivors (1983) et Club Paradise (1986), même s'il estimait que ces rôles ne l'aidaient pas à faire avancer sa carrière cinématographique. Sa première grande percée est venue de son rôle principal dans Good Morning, Vietnam (1987) du réalisateur Barry Levinson, qui a valu à Williams une nomination pour l'Oscar du meilleur acteur. Le film se déroule en 1965 pendant la guerre du Vietnam, avec Williams jouant le rôle d'Adrian Cronauer, un "shock jock" de la radio qui divertit les troupes avec de la comédie et du sarcasme. Williams a été autorisé à jouer le rôle sans scénario, improvisant la plupart de ses répliques. Au micro, il a créé des impressions vocales de personnes, notamment Walter Cronkite, Gomer Pyle, Elvis Presley, M. Ed et Richard Nixon. "Nous avons simplement laissé les caméras tourner", a déclaré le producteur Mark Johnson, et Williams "a réussi à créer quelque chose de nouveau pour chaque prise". Beaucoup de ses rôles ultérieurs étaient dans des comédies teintées de pathos. Les rôles de Williams dans des comédies et des films dramatiques lui ont valu l'Oscar du meilleur acteur dans un second rôle (pour son rôle de psychologue dans Good Will Hunting), ainsi que deux nominations précédentes aux Oscars (pour avoir joué un professeur d'anglais dans Dead Poets Society (1989). , et pour avoir joué un sans-abri en difficulté dans The Fisher King (1991)). En 1991, il incarne Peter Pan adulte dans le film Hook, même s'il avait déclaré qu'il devrait perdre vingt-cinq livres. Parmi les autres rôles que Williams a joué dans des films dramatiques acclamés, citons Moscou sur l'Hudson (1984), Awakenings (1990) et What Dreams May Come (1998). Dans le film Insomnia de 2002, Williams a dépeint un écrivain/tueur fuyant un policier de Los Angeles privé de sommeil (joué par Al Pacino) dans la campagne de l'Alaska. Toujours en 2002, dans le thriller psychologique One Hour Photo, Williams incarne un technicien en développement photo émotionnellement perturbé qui devient obsédé par une famille pour laquelle il développe des images depuis longtemps. Le dernier film de Williams sorti de son vivant était The Angriest Man in Brooklyn, un film abordant la valeur de la vie. Williams y incarne Henry Altmann, un homme en phase terminale qui réévalue sa vie et s'efforce de se racheter. Parmi les acteurs qui l'ont aidé au cours de sa carrière d'acteur, il a crédité Robert De Niro, auprès duquel il a appris le pouvoir du silence et l'économie du dialogue dans le jeu, pour incarner l'homme profond. Grâce à Dustin Hoffman, avec qui il a joué dans Hook, il a appris à adopter des types de personnages totalement différents et à transformer ses personnages grâce à une préparation extrême. Mike Medavoy, producteur de Hook, a déclaré à son réalisateur, Steven Spielberg, qu'il avait intentionnellement fait équipe avec Hoffman et Williams pour le film parce qu'il savait qu'ils voulaient travailler ensemble et que Williams était heureux de l'opportunité de travailler avec Spielberg. Williams a bénéficié de sa collaboration avec Woody Allen, qui l'a dirigé avec Billy Crystal dans Deconstructing Harry (1997), car Allen savait que Crystal et Williams s'étaient souvent produits ensemble sur scène. Le jeu pénétrant de Williams dans le rôle d'un thérapeute dans Good Will Hunting (1997) a profondément influencé certains vrais thérapeutes et lui a valu un Oscar. Dans Awakenings (1990), Williams incarne un médecin sur le modèle d'Oliver Sacks, qui a écrit le livre sur lequel le film est basé. Sacks a déclaré plus tard que la façon dont l'esprit de Williams fonctionnait était une « forme de génie ». En 1989, Williams a joué le rôle d'un professeur d'école privée dans Dead Poets Society, qui comprenait une scène finale émouvante qui, selon certains critiques, "a inspiré une génération" et est devenue une partie de la culture pop. En parcourant la plupart des films de Williams, un écrivain est "frappé par l'étendue des rôles de Williams" et par la façon dont la plupart étaient radicalement différents. Terry Gilliam, cofondateur des Monty Python et réalisateur de Williams dans deux de ses films, Le Roi Pêcheur et Les Aventures du Baron Munchausen (1988), notait en 1992 que Williams avait la capacité de « passer de maniaque à fou à tendre et vulnérable ». ", ajoutant que pour lui, Williams était "l'esprit le plus unique de la planète". Au cours de sa carrière, il a joué le rôle de doubleur dans plusieurs films d'animation. Son rôle de voix du Génie dans le film fantastique d'animation musical Aladdin (1992) a été écrit spécifiquement pour Williams. Les réalisateurs du film ont déclaré avoir pris un risque en écrivant le rôle et ont réussi à le convaincre de le prendre. Grâce à environ 30 heures d'enregistrement, Williams a pu improviser une grande partie de ses dialogues et se faire passer pour des dizaines de voix de célébrités, dont Ed Sullivan, Jack Nicholson, Robert De Niro, Groucho Marx, Rodney Dangerfield, William F. Buckley, Peter Lorre, Arnold Schwarzenegger. et Salle Arsenio. Au début, Williams a refusé de jouer le rôle puisqu'il s'agissait d'un film de Disney et il ne voulait pas que le studio profite de la vente de jouets et d'articles de fantaisie basés sur le film. Il a accepté le rôle sous certaines conditions : "Je le fais essentiellement parce que je veux faire partie de cette tradition de l'animation. Je veux quelque chose pour mes enfants. D'un côté, je ne veux tout simplement rien vendre, comme dans Burger". King, comme dans les jouets, comme dans les objets." Le film est devenu l'un de ses rôles les plus reconnus et les plus appréciés, et a été le film le plus rentable de 1992, remportant de nombreux prix, dont un Golden Globe pour Williams ; La performance de Williams dans le rôle du Génie a ouvert la voie à d'autres films d'animation pour incorporer des acteurs avec plus de pouvoir de star pour les rôles de doublage. Williams a continué à fournir des voix dans d'autres films d'animation, notamment FernGully : The Last Rainforest (1992), Robots (2005), Happy Feet (2006) et une performance vocale non crédité dans Everyone's Hero (2006). Il a également exprimé le personnage holographique du Dr Know dans le film d'action réelle A.I. Intelligence artificielle (2001). Il était la voix de The Timekeeper, une ancienne attraction du Walt Disney World Resort sur un robot voyageant dans le temps qui rencontre Jules Verne et l'emmène dans le futur. En 2006, il a joué dans The Night Listener, un thriller sur un animateur de radio qui se rend compte qu'un enfant avec lequel il a développé une amitié peut exister ou non ; cette année-là, il a joué dans cinq films, dont Homme de l'année, a été l'invité surprise aux Nickelodeon Kids' Choice Awards et est apparu dans un épisode de Extreme Makeover: Home Edition diffusé le 30 janvier 2006. Au moment de sa mort en 2014, Williams était apparu dans quatre films non encore sortis : Night at the Museum : Secret of the Tomb, A Merry Friggin' Christmas, Boulevard et Absolutely Anything. Acteur de théâtre Williams est apparu aux côtés de Steve Martin au Lincoln Center dans une production off-Broadway de Waiting for Godot en 1988. Il a fait ses débuts d'acteur à Broadway dans Rajiv Joseph's Bengal Tiger au zoo de Bagdad, qui a ouvert ses portes au Richard Rodgers Theatre le 31 mars 2011. Il a présenté son propre one-man show, Robin Williams: Live on Broadway, joué au théâtre de Broadway en juillet 2002. Vie privée Mariages et enfants Williams a épousé sa première femme Valerie Velardi en juin 1978, à la suite d'une relation avec la comédienne Elayne Boosler. Velardi et Williams se sont rencontrés en 1976 alors qu'il travaillait comme barman dans une taverne de San Francisco. Leur fils Zachary Pym "Zak" Williams est né en 1983. Williams et Velardi ont divorcé en 1988. Le 30 avril 1989, il épouse Marsha Garces, la nounou de Zachary, qui était enceinte de son enfant. Ils ont eu deux enfants, Zelda Rae Williams (née en 1989) et Cody Alan Williams (né en 1991). En mars 2008, Garces a demandé le divorce d'avec Williams, invoquant des différences irréconciliables. Leur divorce a été finalisé en 2010. Williams a épousé sa troisième épouse, la graphiste Susan Schneider, le 22 octobre 2011 à Sainte-Hélène, en Californie. Les deux vivaient dans la maison de Williams à Sea Cliff, à San Francisco, en Californie. Williams a déclaré: "Mes enfants me procurent un grand sentiment d'émerveillement. Juste de les voir devenir ces êtres humains extraordinaires." Autres Intérêts Williams était membre de l'Église épiscopale. Il a décrit sa dénomination dans une routine comique comme « Catholique Lite – mêmes rituels, moitié de culpabilité ». Il s'est également décrit comme un « juif honoraire » et, lors du 60e anniversaire de l'indépendance d'Israël en 2008, il est apparu à Times Square, aux côtés de plusieurs autres célébrités, pour souhaiter un joyeux anniversaire à Israël. Williams était un passionné de jeux de rôle sur papier et de jeux vidéo. Sa fille Zelda a été nommée d'après le personnage principal de The Legend of Zelda, l'une des séries de jeux vidéo préférées de Williams, et il se produisait parfois lors de salons de divertissement grand public. Ses livres préférés étaient la trilogie Foundation d'Isaac Asimov, son livre préféré étant enfant étant Le Lion, La Sorcière et L'Armoire magique, qu'il partagea plus tard avec ses enfants. Williams est devenu un passionné de cyclisme, après avoir commencé ce sport en partie pour remplacer la drogue. Finalement, il a accumulé sa propre collection de vélos et est devenu un fan de cyclisme sur route professionnel, se rendant souvent à des événements de course, tels que le Tour de France. Philanthropie En 1986, Williams s'est associé à Whoopi Goldberg et Billy Crystal pour fonder Comic Relief USA, une prestation télévisée annuelle de HBO consacrée aux sans-abri, qui a permis de récolter 80 millions de dollars en 2014. Bob Zmuda, créateur de Comic Relief, explique que Williams se sentait Il était béni parce qu'il venait d'un foyer riche, mais il voulait faire quelque chose pour aider les moins fortunés. Williams a fait des apparitions pour soutenir l'alphabétisation et les droits des femmes, ainsi que pour les avantages sociaux des anciens combattants. Il était un habitué du circuit USO, où il a voyagé dans 13 pays et s'est produit devant environ 100 000 soldats. Après sa mort, l'USO l'a remercié « pour tout ce qu'il a fait pour les hommes et les femmes de nos forces armées ». Williams et sa seconde épouse Marsha ont fondé une organisation philanthropique appelée Windfall Foundation pour collecter des fonds pour de nombreuses œuvres caritatives. En décembre 1999, il a chanté en français dans le clip vidéo inspiré de la BBC de célébrités internationales faisant une reprise de "It's Only Rock 'n Roll (But I Like It)" des Rolling Stones pour l'association caritative Children's Promise. En réponse au tremblement de terre de Canterbury en 2010, il a fait don de tous les bénéfices de son spectacle « Armes d'autodestruction » à Christchurch pour aider à reconstruire la ville néo-zélandaise. La moitié des bénéfices a été reversée à la Croix-Rouge et l'autre moitié au fonds de construction du maire. Williams a joué avec l'USO pour les troupes américaines stationnées en Irak et en Afghanistan. Pendant plusieurs années, Williams a soutenu l'hôpital de recherche pour enfants St. Jude. Problèmes de toxicomanie et de santé À la fin des années 1970 et au début des années 1980, Williams était accro à la cocaïne. Il était un ami occasionnel de John Belushi, et la mort soudaine de Belushi, avec la naissance de son fils Zak, l'a incité à arrêter la drogue et l'alcool : « Était-ce un signal d'alarme ? Oh oui, à un niveau énorme. le grand jury a aussi aidé. » Williams s'est tourné vers l'exercice et le vélo pour aider à soulager sa dépression peu de temps après la mort de Belushi, selon le propriétaire d'un magasin de vélos, Tony Tom, qui a déclaré que "le vélo m'a sauvé la vie". En 2003, il a recommencé à boire de l'alcool alors qu'il travaillait sur un film en Alaska. En 2006, il s'est inscrit dans un centre de réadaptation pour toxicomanes à Newberg, dans l'Oregon, affirmant qu'il était alcoolique. Des années plus tard, Williams a reconnu son incapacité à rester sobre, mais a déclaré qu'il n'avait jamais recommencé à consommer de la cocaïne, déclarant dans une interview en 2010 : Non. Cocaïne – paranoïaque et impuissante, quel plaisir. Je ne pensais pas du tout, ooh, revenons à cela. Conversations inutiles jusqu'à minuit, réveil aux aurores en se sentant comme un vampire en journée. Non. En mars 2009, il a été hospitalisé en raison de problèmes cardiaques. Il a reporté sa tournée individuelle pour une intervention chirurgicale visant à remplacer sa valve aortique. L'opération s'est terminée le 13 mars 2009 à la clinique de Cleveland. À la mi-2014, Williams s'est admis au centre de traitement de la toxicomanie de la Hazelden Foundation à Lindstrom, Minnesota, pour un traitement lié à son alcoolisme. Sa publiciste Mara Buxbaum a déclaré qu'il souffrait d'une grave dépression avant sa mort. Susan, l'épouse de Williams, a déclaré que dans la période précédant sa mort, il était sobre, mais qu'on lui avait diagnostiqué une maladie de Parkinson à un stade précoce, ce qu'il n'était "pas encore prêt à partager publiquement". La mort Le 11 août 2014, Williams s'est suicidé dans sa maison de Paradise Cay, en Californie, à l'âge de 63 ans. Dans le rapport initial publié le 12 août, le coroner adjoint du bureau du shérif du comté de Marin a déclaré que Williams s'était pendu avec une ceinture et était mort par asphyxie. Le rapport final d'autopsie, publié en novembre 2014, affirmait que Williams s'était suicidé comme décrit initialement ; ni l'alcool ni les drogues illégales n'étaient impliqués, tandis que tous les médicaments sur ordonnance présents dans le corps de Williams étaient à des niveaux « thérapeutiques ». Le rapport notait également que Williams souffrait « d’une récente augmentation de la paranoïa ». Un examen de ses tissus cérébraux a révélé la présence d'une « démence diffuse à corps de Lewy », qui pourrait avoir été diagnostiquée à tort comme la maladie de Parkinson. Les médecins de Williams auraient cru que la démence à corps de Lewy « était le facteur critique » qui a conduit à son suicide. Son corps a été incinéré et ses cendres ont été dispersées dans la baie de San Francisco le 12 août. Hommages La nouvelle de la mort de Williams s'est rapidement répandue dans le monde entier. Le monde du divertissement, ses amis et ses fans ont réagi à sa mort par le biais des réseaux sociaux et d'autres médias. Son épouse, Susan Schneider, a déclaré : "J'ai perdu mon mari et mon meilleur ami, tandis que le monde a perdu l'un de ses artistes les plus aimés et un être humain magnifique. J'ai le cœur brisé." Zelda, la fille de Williams, a répondu à la mort de son père en déclarant que "le monde est toujours un peu plus sombre, moins coloré et moins plein de rires en son absence". Le président américain Barack Obama a déclaré à propos de Williams : « Il était unique en son genre. Il est arrivé dans nos vies en tant qu'extraterrestre – mais il a fini par toucher tous les éléments de l'esprit humain. » Les théâtres de Broadway à New York ont ​​baissé leurs lumières pendant une minute en son honneur. Le casting d'Aladdin de Broadway a rendu hommage à Williams en invitant le public à se joindre à eux pour chanter "Friend Like Me", une chanson nominée aux Oscars, chantée à l'origine par Williams dans le film de 1992. Les fans de Williams ont créé des monuments commémoratifs de fortune à son étoile sur le Hollywood Walk of Fame et dans des lieux de sa carrière télévisuelle et cinématographique, comme le banc du jardin public de Boston présenté dans Good Will Hunting ; le Pacific Heights, San Francisco, maison utilisée par Mme Doubtfire ; et la maison de Boulder, Colorado, utilisée pour Mork & Mindy. Il a également été rapporté qu'un livre biographique sur la vie de Williams était en préparation, qui serait écrit par l'écrivain du New York Times David Itzkoff. De plus, un tunnel sur l'autoroute 101 au nord du Golden Gate Bridge a été officiellement nommé « tunnel Robin Williams » le 29 février 2016. À la télévision, lors de la 66e cérémonie des Primetime Emmy Awards le 25 août 2014, Billy Crystal a rendu hommage à Williams, le qualifiant de « l'étoile la plus brillante de notre galaxie de la comédie ». Le 9 septembre 2014, PBS a diffusé une émission spéciale d'une heure consacrée à la carrière de Williams et le 27 septembre 2014, des dizaines de stars et célébrités ont rendu hommage à San Francisco pour célébrer sa vie et sa carrière. Peu de temps après sa mort, Disney Channel, Disney XD et Disney Junior ont tous diffusé gratuitement la publicité originale d'Aladdin pendant une semaine, avec un dessin dédié du génie à la fin de chaque diffusion avant le générique. Héritage et influence Bien que Williams ait d'abord été reconnu comme un comédien de stand-up et une star de la télévision, il est ensuite devenu connu pour avoir joué dans des rôles cinématographiques importants et dramatiques. Il était considéré comme un « trésor national » par de nombreux acteurs de l’industrie du divertissement et par le public. Son énergie sur scène et son talent d'improvisation sont devenus un modèle pour une nouvelle génération d'humoristes. De nombreux comédiens ont apprécié la façon dont il a intégré des problèmes très personnels dans ses routines comiques, en particulier son honnêteté à propos de la toxicomanie et de l'alcoolisme, ainsi que de la dépression. -Ses-riffs-non-scénarisés-n'étaient-pas-simplement-drôles-mais-observateurs-vidéo "Robin Williams : Ses riffs non-scénarisés n'étaient pas seulement drôles, mais observateurs"],(+vidéo), Christian Science Monitor, 12 août 2014 Selon le spécialiste des médias Derek A. Burrill, en raison de l'ouverture avec laquelle Williams a parlé de sa propre vie, « probablement la contribution la plus importante qu'il a apportée à la culture pop, à travers tant de médias différents, a été celle de Robin Will.

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Qui joue Cruella de Vil dans la version live action de 1996 des 101 Dalmatiens ?

Glenn Close

Cent un Dalmatiens, souvent écrit 101 Dalmatiens, est un film d'aventure d'animation américain de 1961 produit par Walt Disney Productions et adapté du roman du même nom de Dodie Smith de 1956. Il s'agit du 17e long métrage d'animation de la série Walt Disney Animated Classics. Il met en vedette Rod Taylor et Cate Bauer comme respectivement les voix de Pongo et Perdita, ses protagonistes canins, et Betty Lou Gerson comme la voix de Cruella de Vil, son antagoniste qui kidnappe leurs chiots. Le film est initialement sorti en salles le 25 janvier 1961 par Buena Vista Distribution. Dès sa sortie, ce fut un succès au box-office, sortant avec succès le studio des déboires financiers causés par La Belle au Bois Dormant, une production plus coûteuse sortie deux ans auparavant. Outre ses revenus au box-office, son succès commercial était dû à l'emploi de techniques d'animation peu coûteuses, telles que l'utilisation de la xérographie pendant le processus d'encrage et de peinture des cellules d'animation traditionnelles, qui maintenaient les coûts de production à un niveau bas. Il a été réédité quatre fois en salles : en 1969, 1979, 1985 et 1991. La réédition de 1991 était le vingtième film le plus rémunérateur de l'année en termes de revenus nationaux. Il a été refait en film d'action réelle en 1996. Parcelle L'auteur-compositeur Roger Radcliffe vit dans une garçonnière à Londres, avec son dalmatien Pongo. Lassé de la vie de célibataire, Pongo décide de trouver une épouse à Roger et un compagnon pour lui-même. Tout en regardant diverses paires chien-humain par la fenêtre, il aperçoit la parfaite, une femme nommée Anita et sa dalmatien, Perdita. Il fait rapidement sortir Roger de la maison et l'entraîne à travers le parc pour organiser un rendez-vous. Lui et Anita tombent amoureux et se marient. Plus tard, Perdita donne naissance à une portée de quinze chiots. Le même soir, ils reçoivent la visite de Cruella De Vil, une riche ancienne camarade de classe d'Anita. Elle propose d'acheter toute la portée, mais Roger dit qu'elles ne sont pas à vendre. Quelques semaines plus tard, elle engage ses acolytes, Jasper et Horace, pour les voler. Lorsque Scotland Yard ne parvient pas à les retrouver, Pongo et Perdita utilisent le "Twilight bark", une ligne de potins canins, pour demander de l'aide aux autres chiens de Londres. Le Colonel, un vieux chien de berger, accompagné de ses compatriotes Captain, un cheval gris, et le Sergent Tibbs, un chat tigré, retrouvent les chiots dans un endroit appelé Hell Hall (le domaine familial abandonné et délabré de Cruella, également connu sous le nom de The De Vil Place), ainsi que de nombreux autres chiots dalmatiens qu'elle avait achetés dans divers magasins pour chiens. Lorsque Tibbs apprend qu'ils vont être transformés en manteaux de fourrure en peau de chien, le colonel envoie rapidement un message à Londres. Dès réception du message, Pongo et Perdita quittent la ville pour récupérer leurs chiots. L'hiver est arrivé et ils doivent traverser la rivière Stour qui coule vite et chargée de plaques de glace brisée. Pendant ce temps, Tibbs entend Cruella ordonner à Jasper et Horace de tuer les chiots cette nuit-là, de peur que la police ne les retrouve bientôt. En réponse, Tibbs tente de les sauver pendant que Jasper et Horace sont occupés à regarder la télévision, mais ils terminent leur émission et viennent les chercher avant qu'il ne puisse les faire sortir de la maison. Pongo et Perdita entrent par effraction et affrontent Jasper et Horace au moment où ils sont sur le point de tuer les chiots. Pendant que les chiens adultes les attaquent, le Colonel et Tibbs guident les chiots hors de la maison. Après de joyeuses retrouvailles avec leurs propres chiots, Pongo et Perdita se rendent compte qu'il y en a des dizaines d'autres avec eux, 99 au total, dont le leur. Choqués par les projets de Cruella, ils décident de tous les adopter, certains que Roger et Anita ne les rejetteront jamais. Ils commencent à rentrer vers Londres à travers la neige épaisse ; toute l’eau libre est gelée. D'autres animaux les aident tout au long du chemin. Cruella, Jasper et Horace les poursuivent. Dans une ville, ils se couvrent de suie pour ressembler à des labrador retrievers, puis s'entassent dans une camionnette de déménagement à destination de Londres. En partant, la fonte des neiges enlève la suie et Cruella les voit. En colère, elle suit la camionnette dans sa voiture et l'enfonce, mais Jasper et Horace, qui tentent de la couper par le haut, finissent par la percuter. Les deux véhicules sont réduits en miettes et tombent dans un profond ravin ; et battus, meurtris et bloqués, Cruella et ses acolytes sont enfin vaincus. Cruella crie de frustration alors que la camionnette s'éloigne. De retour à Londres, Roger et Anita tentent de célébrer Noël et son premier grand succès, une chanson sur Cruella, mais leurs amis canins leur manquent. Soudain, des aboiements se font entendre à l'extérieur et, après que leur nounou ouvre la porte, la maison est remplie de chiens. Après avoir essuyé le reste de la suie, ils sont ravis de constater que leurs compagnons sont rentrés chez eux. Après avoir compté 84 chiots supplémentaires, ils décident d'utiliser l'argent de la chanson pour acheter une grande maison à la campagne afin de pouvoir garder les 101 dalmatiens. Distribution de voix * Rod Taylor dans le rôle de Pongo (voix) * Cate Bauer dans le rôle de Perdita (voix) * Betty Lou Gerson dans le rôle de Cruella De Vil et Miss Birdwell (voix) * Ben Wright comme voix parlante de Roger Radcliffe * Bill Lee dans le rôle de la voix chantée de Roger Radcliffe * Lisa Davis dans le rôle d'Anita Radcliffe (voix) * Martha Wentworth dans le rôle de Nanny, Queenie et Lucy (voix) * Frederick Worlock dans le rôle d'Horace et de l'inspecteur Craven (voix) * J. Pat O'Malley dans le rôle de Jasper et Colonel (voix) * Thurl Ravenscroft en tant que capitaine (voix) * David Frankham dans le rôle du sergent Tibbs le chat (voix) * Barbara Baird dans le rôle de Rolly (voix) * Mickey Maga dans le rôle de Patch (voix) * Sandra Abbott dans le rôle de Penny (voix) * Mimi Gibson dans le rôle de Lucky (voix) * Tudor Owen dans le rôle de Towser (voix) * George Pelling dans le rôle de Danny (voix) * Queenie Leonard dans le rôle de la princesse (voix) * Marjorie Bennett comme duchesse (voix) * Barbara Luddy dans le rôle de Rover (voix) * Rickie Sorenson dans le rôle de Spotty (voix) * Tom Conway dans le rôle de Collie et Quizmaster (voix) * Paul Wexler comme mécanicien automobile (voix) * Basil Ruysdael comme chauffeur de camion (voix) * Paul Frees dans le rôle de Dirty Dawson (voix) * Jeanne Bruns comme chanteuse radio * Lucille Bliss en tant que chanteuse de publicité télévisée * Helene Stanley dans le rôle d'Anita Radcliffe (modèle live-action) * Mary Wickes dans le rôle de Cruella De Vil (modèle live-action) Production Développement Dodie Smith a écrit le livre Les Cent et un Dalmatiens en 1956. Lorsque Walt Disney l'a lu en 1957, il a immédiatement attiré son attention et il en a rapidement acquis les droits. Smith avait toujours secrètement espéré que Disney en ferait un film. Disney a chargé Bill Peet d'écrire l'histoire, ce qu'il a fait, marquant la première fois que l'histoire d'un film Disney était créée par une seule personne. Thomas, Bob : « Chapitre 7 : Les films d'après-guerre », page 106. Disney's Art of Animation : De Mickey Mouse à Hercules, 1997 Bien que Disney n'ait pas été aussi impliqué dans la production des films d'animation que les années précédentes, il était néanmoins toujours présent aux réunions d'histoire. Cependant, il estimait que le projet original de Peet était si parfait qu'il n'avait que peu d'implication dans sa réalisation. Lorsque Peet a envoyé à Dodie Smith quelques dessins des personnages, elle a répondu en disant qu'il avait réellement amélioré son histoire et que les dessins étaient plus beaux que les illustrations du livre. Les modifications apportées à l'histoire du livre au film incluent : *Personnages supprimés : la Perdita dalmate tachetée de foie (et son nom transféré à Missis) ; le garçon Tommy ; le vieil épagneul et son maître ; les gitans *Changements de nom : la ferme près de Hell Hall, de Dympling à Withermarsh *Événements ajoutés : la poursuite en voiture entre la voiture de Cruella et le camion de déménagement Animation Après l'échec au box-office du très coûteux La Belle au bois dormant (1959), il a été question de fermer le département d'animation du studio Disney. Lors de la production, Disney a déclaré à l'animateur Eric Larson : "Je ne pense pas que nous puissions continuer, c'est trop cher". Malgré cela, il avait toujours des sentiments profonds pour l'animation parce qu'il avait bâti l'entreprise sur cette base. Ub Iwerks, responsable des processus spéciaux au studio, avait expérimenté la photographie Xerox pour faciliter l'animation. Finch, Christopher : « Chapitre 8 : Interruptions et innovations », pages 245-246. L'Art de Walt Disney, 2004 En 1959, il avait modifié un appareil photo Xerox pour transférer les dessins des animateurs directement sur des cellulos d'animation, éliminant ainsi le processus d'encrage, économisant ainsi du temps et de l'argent tout en préservant la spontanéité des éléments dessinés au crayon. Cependant, en raison de ses limites, l'appareil photo était incapable de s'écarter d'un contour noir rayé et n'avait pas la qualité somptueuse de l'encrage manuel. Cependant, l'un des avantages du Xerox était qu'il était d'une grande aide pour animer les chiens tachetés. Selon Chuck Jones, Disney a pu terminer le film pour environ la moitié de ce qu'il aurait coûté s'ils avaient dû animer tous les chiens et tous les spots. Pour réaliser les Dalmatiens tachetés, les animateurs considéraient le motif de taches comme une constellation. Une fois qu'ils avaient un "point d'ancrage", le suivant était placé par rapport à ce point, et ainsi de suite jusqu'à ce que le motif complet soit obtenu. Au total, le film comportait 6 469 952 spots, Pongo arborant 72 spots, Perdita 68 et chaque chiot 32. La production du film a également marqué un changement dans le style graphique de l'animation Disney. La Belle au bois dormant avait un style plus graphique et anguleux que les films Disney précédents, et les Dalmatiens avaient un look encore plus stylisé, inspiré du dessinateur britannique Ronald Searle, qui allait devenir la norme de l'animation Disney pour les années à venir. Pour le film, le directeur artistique Ken Anderson et le styliste couleur Walter Peregoy ont élaboré une nouvelle façon de peindre les arrière-plans en laissant de côté le dessin au trait habituel. Le dessin au trait a été imprimé sur une cellule d'animation séparée avant d'être posé sur l'arrière-plan. Cela lui a donné une apparence similaire à l'animation Xeroxed. Disney n'aimait pas l'aspect artistique du film et sentait qu'il perdait l'élément fantastique de ses films d'animation. Ken Anderson a pris cela à cœur, mais Walt lui a finalement pardonné lors de son dernier voyage au studio à la fin de 1966. Comme Anderson l'a rappelé dans une interview : Il avait l'air très malade, j'ai dit "Eh bien, c'est génial de te voir Walt", et il a dit "Tu sais ce que tu as fait sur les Dalmatiens". Il n'a rien dit d'autre, mais il m'a juste lancé ce regard et j'ai su que tout était pardonné et à son avis, peut-être que ce que j'avais fait aux dalmatiens n'était pas si mal. C'était la dernière fois que je le voyais. Puis quelques semaines plus tard, j'ai appris qu'il était parti. Référence en direct Comme pour d'autres films Disney, Disney a embauché une actrice pour réaliser des scènes d'action réelle comme référence pour le processus d'animation. L'actrice Helene Stanley a interprété le personnage d'Anita en live-action. Elle a réalisé le même genre de travail pour les personnages de Cendrillon et de la princesse Aurore dans La Belle au bois dormant. Selon Christopher Finch, auteur de The Art of Walt Disney : Disney a insisté pour que toutes les scènes impliquant des personnages humains soient d'abord tournées en live-action afin de déterminer qu'elles fonctionneraient avant que le coûteux business de l'animation ne soit autorisé à démarrer. Les animateurs n’aimaient pas cette façon de travailler, estimant qu’elle nuisait à leur capacité à créer des personnages. [...] [Les animateurs] ont compris la nécessité de cette approche et ont reconnu rétrospectivement que Disney avait géré les choses avec beaucoup de subtilité. Fonderie Le membre le plus connu du casting était l'acteur australien Rod Taylor (The Birds, The Time Machine), qui, avant le tournage de ce film, avait acquis une vaste expérience à la radio. Il a été choisi pour incarner Pongo. Les cinéastes ont délibérément choisi des chiens avec des voix plus graves que celles de leurs propriétaires humains afin qu'ils aient plus de pouvoir. Walt Disney avait initialement demandé à Lisa Davis de lire le rôle de Cruella De Vil, mais elle ne pensait pas avoir raison pour le rôle et voulait essayer de lire le rôle d'Anita. Disney était d'accord avec elle après qu'ils aient tous deux lu le scénario une deuxième fois. Chansons Contrairement à de nombreux longs métrages d'animation Disney, le film ne contient que trois chansons, dont une seule, "Cruella De Vil", y joue un grand rôle. Les deux autres sont "Kanine Krunchies Jingle" (chanté par Lucille Bliss, qui a exprimé Anastasia Tremaine dans le film Disney de 1950 Cendrillon) et "Dalmatian Plantation" dans lequel seulement deux lignes sont chantées par Roger à sa clôture. L'auteur-compositeur Mel Leven avait en fait écrit plusieurs chansons supplémentaires, notamment "Don't Buy a Parrot from a Sailor", un chant cockney destiné à être chanté par Jasper et Horace au manoir De Vil, et "March of the Cent un", que les chiens étaient censés chanter après avoir échappé à Cruella en camionnette. Différentes versions plus longues de "Kanine Krunchies Jingle" et "Dalmatian Plantation" apparaissent sur l'album de lecture de Disneyland Records basé sur le film. Camées des personnages de La Belle et le Clochard Lors de la scène où tous les chiens de Londres envoient un message indiquant que les chiots ont fait une sieste (l'aboiement crépusculaire), Peg de La Belle et le Clochard est vue dans une animalerie comme l'un des animaux à vendre. Lady, Tramp et Jock apparaissent également, reçoivent le message et l'envoient. Libérer Le film est sorti pour la première fois en salles le 25 janvier 1961. Après sa première sortie en salles, il a été réédité en salles quatre fois de plus : janvier 1969, juin 1979, décembre 1985 et juillet 1991. La réédition de 1991 était la vingtième plus élevée gagnant du film de l'année pour les revenus nationaux. Il a gagné 215 880 014 $ de recettes au box-office national au cours de son histoire. Le film est sorti en VHS le 10 avril 1992, dans le cadre de la série de vidéos Walt Disney Classics. Il a été réédité le 9 mars 1999 dans le cadre de la série vidéo Walt Disney Masterpiece Collection. En raison de problèmes techniques, il n'est jamais sorti sur Laserdisc et a été retardé à plusieurs reprises avant sa sortie sur DVD. Le 19 décembre 1999, il a reçu sa première sortie DVD dans le cadre de la série Disney's Limited Issue. Un DVD Platinum Edition à deux disques est sorti le 4 mars 2008. Il est sorti sur disque Blu-ray au Royaume-Uni le 3 septembre 2012. Une édition Blu-ray Diamond de celui-ci est sortie en Amérique du Nord le 10 février 2012. 2015. Réception Box-office Le film était le dixième film le plus rentable de 1961 aux États-Unis et au Canada, accumulant 6 400 000 $ en locations nationales des distributeurs (États-Unis et Canada) au cours de sa première année de sortie. C'est le film le plus regardé de l'année en France, avec 14 705 526 entrées. C'était l'un des films les plus populaires du studio de la décennie. Critique Le film détient actuellement une note « fraîche » de 98 % de la part des critiques et des utilisateurs de Rotten Tomatoes. Il a reçu quelques critiques négatives. Phillip Martin de l'Arkansas Democrat-Gazette ne lui a attribué que 2 étoiles sur 5. En 2011, Craig Berman de MSNBC l'a classé, ainsi que son remake de 1996, parmi les pires films pour enfants de tous les temps en disant : « L'intrigue elle-même est un peu folle. Faire un manteau avec des chiens ? Qui fait ça ? Mais pire que Cruella de Le sens de la mode de Vil réside dans le fait que vos enfants commenceront certainement à demander leur propre dalmatien pour leur prochain anniversaire. ;Listes de l'American Film Institute *Les 100 ans de l'AFI... 100 films - Nominés *100 ans d'AFI... 100 héros et méchants : **Cruella De Vil – Méchant n°39 *10 Top 10 de l'AFI - Film d'animation nominé Séquelles et spin-offs Au cours des années qui ont suivi la sortie originale du film, Disney a pris la propriété dans diverses directions. Le premier de ces projets fut le remake live-action, 101 Dalmatiens (1996). Avec Glenn Close dans le rôle de Cruella De Vil, aucun des animaux n'est mentionné dans cette version. Son succès en salles a conduit à 102 Dalmatiens, sorti le 22 novembre 2000. Après la première version live-action du film, un dessin animé intitulé 101 Dalmatiens : la série a été lancé. Les dessins des personnages ont été stylisés davantage pour permettre une animation économique et faire appel aux tendances contemporaines. 101 Dalmatiens II : Patch's London Adventure, la suite officielle du film d'animation original, est sorti directement en VHS/DVD le 21 janvier 2003. Disney a annoncé qu'un autre remake live-action était en développement, mais il se concentrera davantage sur Cruella de Vil. Emma Stone devrait jouer Cruella.

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Qui joue dans le film Seven Pounds de 2008 ?

Will Smith

Seven Pounds est un film dramatique américain de 2008, réalisé par Gabriele Muccino, dans lequel Will Smith incarne un homme qui entreprend de changer la vie de sept personnes. Rosario Dawson, Woody Harrelson et Barry Pepper jouent également le rôle principal. Le film est sorti en salles aux États-Unis et au Canada le 19 décembre 2008 par Columbia Pictures. Malgré des critiques négatives, ce fut un succès au box-office, rapportant 168 168 201 $ US dans le monde. Parcelle Tim Thomas (Will Smith), alors qu'il envoie négligemment un message texte en conduisant, traverse la ligne médiane dans la circulation venant en sens inverse et provoque un accident impliquant plusieurs voitures dans lequel sept personnes meurent : six inconnus et sa fiancée, Sarah Jenson (Robinne Lee). Deux ans plus tard, dans une tentative d'expiation, Tim entreprend de sauver la vie de sept bonnes personnes en faisant don de ses propres organes vitaux, un processus qui s'achèvera après son suicide planifié. Un an après l'accident, après avoir quitté son emploi d'ingénieur aéronautique, Tim fait don d'un lobe pulmonaire à son frère Ben (Michael Ealy), un agent de terrain de l'IRS. Tim vole ensuite le badge d'identification fédéral IRS et les informations d'identification de son frère, met sa photo sur celle de Tim, s'identifie par le nom de son frère et utilise les privilèges de Ben pour vérifier les antécédents financiers d'autres candidats potentiels à ses dons. Dans chaque cas, il les « interroge » d’abord pour déterminer s’ils sont de bonnes personnes. Dans un cas, le directeur d'un établissement de soins palliatifs, qui a subi un échec de greffe de moelle osseuse, demande une prolongation de six mois pour ses arriérés d'impôts. Tim, qui porte désormais le nom de son frère, n'est pas sûr de l'éthique de cet homme, car il prétend être insolvable, mais conduit une nouvelle BMW. Pour résoudre le problème, "Ben" demande passionnément à une patiente résidente, une femme âgée alitée, de lui dire s'il est un "homme bon", pour découvrir que l'homme punit la femme pour avoir refusé de prendre un nouveau médicament en ne permettre aux infirmières de lui donner un bain. Six mois plus tard, « Ben » fait don d'une partie de son foie à une assistante sociale des services de protection de l'enfance nommée Holly (Judyann Elder). Il retrouve alors George (Bill Smitrovich), un entraîneur de hockey junior et lui fait don d'un rein. Il fait ensuite don de moelle osseuse à un jeune garçon nommé Nicholas (Quintin Kelley), choisissant de ne subir aucune anesthésie pendant l'intervention, conséquence évidente de son désir d'expiation. Dans chaque cas, il ne dit pas aux gens quelles sont ses intentions concernant ses dons, bien qu'on lui ait demandé à plusieurs reprises. Deux semaines avant sa mort, il contacte Holly et lui demande si elle connaît quelqu'un « dans le système » qui a besoin et mérite de l'aide mais qui est trop fier pour la demander. Holly suggère Connie Tepos (Elpidia Carrillo), qui vit avec ses deux enfants et un petit ami violent, mais qui n'a pas les moyens de partir. Lorsque « Ben » arrive pour « l'interroger » sous prétexte de traiter avec l'IRS, Connie est embarrassée et humiliée de savoir ce qui se passe. Elle défend son petit ami, est offensée par la suggestion de « Ben » de partir avec ses enfants et le met à la porte de chez elle. Pendant ce temps, "Ben" quitte sa maison et s'installe dans un motel local, emmenant avec lui sa méduse-boîte, sans aucun doute la créature la plus venimeuse sur terre, dont la piqûre provoque la mort en trois à cinq minutes. Cette nuit-là, après avoir été à nouveau battue par son petit ami, Connie contacte « Ben ». Il la rencontre, lui dit de ne pas être faible et lui donne les clés et les directions de sa maison sur la plage. Elle emmène ses deux enfants et ils emménagent dans la maison. Puis elle lit une lettre de "Ben" qui comprend l'acte de propriété de la maison, ne donnant encore une fois aucune explication et lui demandant (1) de respecter ses souhaits, (2) de ne pas essayer de le contacter, (3) de ne dire à personne comment elle a obtenu la maison, et (4) "vive abondamment". Le sixième candidat de « Ben » est Ezra Turner (Woody Harrelson), un télévendeur aveugle pour une entreprise de viande, qui joue du piano. "Ben" appelle Ezra et l'a harcelé au travail des semaines plus tôt, pour voir s'il était prompt à se mettre en colère ; Quand Ezra reste calme et humble malgré les abus, "Ben" décide qu'il en est digne. "Ben" contacte alors Emily Posa (Rosario Dawson), une imprimeuse de faire-part de mariage/cartes de vœux qui souffre d'une maladie cardiaque congénitale et d'un groupe sanguin rare qui ne lui laisse que quelques semaines à vivre. "Ben" l'"interroge" chez elle, toujours sous couvert d'une enquête de l'IRS, et la traque plus ou moins à l'hôpital. Mais ensuite, il commence à passer du temps avec elle, promenant son dogue allemand appelé Duke, désherbant son jardin et réparant sa rare presse à moulin à vent d'Heidelberg. Il combat visiblement son affection pour elle, cherchant à nouveau l'expiation pour la mort de sa fiancée, mais il tombe lentement amoureux d'elle. À un moment donné, tout en réconfortant Emily (qui est à l'hôpital après une urgence), il lui raconte « l'histoire d'un jeune garçon nommé Tim, qui voulait voler et est devenu ingénieur spatial ». Emily reconnaît qu'il s'agit d'une véritable histoire de son enfance et suggère que le garçon s'appelait Ben, mais "Ben" la corrige par pur réflexe, lui disant que le garçon s'appelle Tim... évidemment lui-même. Le frère de Tim, le vrai Ben, retrouve finalement "Tim-Ben" chez Emily, disant qu'il doit rendre ses informations d'identification de l'IRS. Après un intermède sexuel passionné avec Emily et avec Ben attendant devant sa maison, Tim disparaît par la porte arrière, la laissant dormir. Il retourne à pied au motel, s'arrêtant d'abord à l'hôpital pour demander au médecin s'il y a une chance qu'Emily s'améliore. Découvrant qu'elle mourra probablement avant qu'un organe donné ne soit disponible, il décide "qu'il est temps". Tim remplit ensuite la baignoire du motel avec de l'eau glacée pour préserver ses organes vitaux, appelle le 9-1-1 d'urgence et signale son propre suicide, grimpe dans la baignoire et libère sa méduse-boîte dans l'eau avec lui. La méduse enroule ses tentacules autour de son bras, provoquant une mort rapide mais atrocement douloureuse. À l'hôpital, son meilleur ami d'enfance Dan (Barry Pepper) agit en tant qu'exécuteur testamentaire de Tim pour garantir que ses organes soient donnés à Emily et Ezra. Ezra reçoit les cornées de Tim, qui guérissent sa cécité, et Emily reçoit son cœur. Ensuite, Ben trouve des lettres de Tim qu'il doit remettre à chaque personne expliquant pourquoi il a fait ce qu'il a fait. Cela laisse Emily le cœur brisé. Emily trouve Ezra (maintenant professeur d'école) au concert de la chorale de ses enfants dans un parc et l'arrête alors qu'il passe. Ne s'étant jamais rencontrée auparavant, Emily est obsédée par les yeux d'Ezra, sachant qu'ils appartenaient à Tim. Emily commence à s'effondrer, ce qui indique à Ezra qui elle est. Quand il dit : "Tu dois être Emily", elle fond en larmes et ils partagent une étreinte sincère par amour et respect mutuels pour Tim. Casting * Will Smith dans le rôle de Ben Thomas (en fait Tim Thomas, utilisant le nom de son frère) Smith a décrit la raison pour laquelle il a accepté ce rôle : Smith a estimé que le personnage devait être une personne calme et plutôt introvertie qui ne s'épuise pas à chaque fois que possible. Le personnage contrastait avec les personnages précédents de Smith, et Smith a estimé que la confiance du réalisateur Gabriele Muccino en lui l'avait aidé à se détendre et à éviter de trop s'étendre. Smith a reconnu Seven Pounds comme un film dramatique, mais il le considérait plutôt comme une histoire d'amour. * Michael Ealy dans le rôle de Ben Thomas, le frère de Tim et un agent de l'IRS, dont les références et le nom sont « pris » par son frère. Will Smith a choisi Ealy pour le rôle du frère du personnage principal. Connor Cruise, le fils adoptif de l'acteur Tom Cruise et de l'actrice Nicole Kidman, a joué son premier rôle en tant que version plus jeune de Ben Thomas. * Barry Pepper dans le rôle de Dan Morris, l'ami de Tim-Ben et exécuteur testamentaire. * Rosario Dawson dans le rôle d'Emily Posa, imprimeuse de cartes de vœux indépendante et amoureuse de Tim-Ben. * Octavia Spencer dans le rôle de Kate, l'infirmière attentionnée d'Emily. * Woody Harrelson dans le rôle d'Ezra Turner, un vendeur de viande aveugle qui joue du piano. * Elpidia Carrillo dans le rôle de Connie Tepos, une femme dans une relation brisée avec son petit ami. * Judyann Elder dans le rôle de Holly, une employée des services à l'enfance. * Bill Smitrovich dans le rôle de George, entraîneur de hockey junior. * Quintin Kelly dans le rôle de Nicholas, un enfant. * Robinne Lee dans le rôle de Sarah Jenson, la fiancée de Tim-Ben * Madison Pettis comme la fille de Connie * Ivan Angulo comme le fils de Connie * Skylan Brooks en tant qu'enfant de la chorale * Bryce J Harris dans le rôle d'un enfant en bas âge dans le bureau des services sociaux * Bradly J Harris en tant que bambin dans le bureau des services sociaux * Enfant de sexe masculin de Weston Harris au bureau des services sociaux Production Seven Pounds est basé sur un scénario écrit par Grant Nieporte pour Columbia Pictures. En juin 2007, Will Smith a rejoint le studio pour jouer dans le film prévu et en être l'un des producteurs. En septembre 2007, le réalisateur Gabriele Muccino, qui a travaillé avec Smith sur The Pursuit of Happyness (2006), a été chargé de réaliser Seven Pounds, accompagné de son équipe créative du film de 2006. Smith a été rejoint par Rosario Dawson et Woody Harrelson en décembre suivant pour jouer dans Seven Pounds. Le tournage a débuté en février 2008. La majeure partie du film a été tournée à Los Angeles, Pasadena, Californie et Malibu, Californie. Les points d'intérêt utilisés dans le film incluent le Travel Inn à Tujunga, en Californie, le Colorado Bar, la bibliothèque Huntington, le Sheraton et la patinoire de Pasadena, tous à Pasadena, ainsi que la plage de Malibu à Malibu. Titre Avant la sortie du film, le titre Seven Pounds était considéré comme un « mystère » que le studio refusait d'expliquer. Les premières bandes-annonces de Seven Pounds gardaient les détails du film mystérieux. Le réalisateur Gabriele Muccino a expliqué l'intention : "Le [public] ne saura pas exactement ce que cet homme fait." Will Smith aurait confirmé que le titre faisait référence au Marchand de Venise de Shakespeare, dans lequel un débiteur doit payer une livre de chair. Dans ce cas, cela équivaut à sept cadeaux à sept individus jugés dignes par le caractère de Smith, pour expier sept morts qu'il a causées. Libérer Seven Pounds a été promu lors d'une tournée dans cinq villes à travers les États-Unis en novembre 2008, avec une projection à Cleveland, Miami, Dallas, St. Louis et Denver afin de collecter des fonds pour les banques alimentaires de chaque région. Le film a été promu lors d'une projection caritative à Minneapolis en soutien à Second Harvest Heartland. Étant donné que les projections de nouveaux films avaient généralement lieu à Los Angeles ou à New York, le choix des villes n'était pas conventionnel. Smith a déclaré: "Cela ressemble plus aux tournées musicales de la vieille école. Différents clubs, différentes villes, rencontrer des gens. Vous entrez en contact avec ce que les gens ressentent et pensent, et c'est beaucoup plus personnel lorsque vous serrez la main. " L'acteur cherchait à "renouer" avec une Amérique qu'il considérait comme "ouverte au changement" avec l'élection de Barack Obama comme premier président afro-américain. Le film est sorti le 19 décembre 2008 dans 2 758 salles aux États-Unis et au Canada. Il a rapporté environ 16 millions de dollars américains, se classant deuxième au box-office du week-end après Yes Man. Le montant brut de l'ouverture était le plus bas pour un film mettant en vedette Smith depuis Ali en 2001. Le montant brut était inférieur de 5 millions de dollars aux prévisions, en partie attribué aux tempêtes hivernales dans le nord-est du pays au cours du week-end. Communiqué de presse à domicile Le film est sorti en DVD le 31 mars 2009 par Sony Pictures Home Entertainment. Le film est également disponible à la location ou à l'achat sur le PlayStation Network en format standard ou haute définition. , dans les ventes de DVD en Amérique du Nord, le film a rapporté 28 812 423 $ US. Réception critique Le film a reçu des critiques généralement négatives de la part des critiques. Rotten Tomatoes a attribué au film une note de 27 % sur la base d'un échantillon de 186 critiques avec une note moyenne de 4,6/10. Sur Metacritic, qui attribue une note normalisée sur 100 aux critiques des critiques grand public, le film a reçu une note inférieure à la moyenne de 36 sur la base de 33 critiques. Le critique de films de Variety, Todd McCarthy, a prédit que le point culminant du film "sera émotionnellement dévastateur pour de nombreux téléspectateurs, peut-être en particulier ceux qui ont de sérieuses croyances religieuses", et a qualifié le film de "fable sans fin sentimentale sur le sacrifice et la rédemption qui ne vise que le cœur du aux dépens du chef." A. O. Scott, écrivant pour le New York Times, a déclaré que le film « est peut-être parmi les plus transcendants et les plus époustouflants, appelez votre ami-délire-au-milieu-de-la-nuit-juste pour- revoyez-le une fois de plus, des films incroyablement horribles jamais réalisés. " Des critiques positives ont souligné la performance de Dawson. Richard Corliss a écrit dans Time que Dawson donne « une belle performance », tandis que Mick LaSalle du San Francisco Chronicle a noté que la performance de Dawson « montre une fois de plus qu'elle a en elle le pouvoir d'être la centrale ». Roger Ebert du Chicago Sun Times a commenté le fait que le public est complètement tenu à l'écart de ce que fait Ben, comparant le film au Samouraï de Jean-Pierre Melville, soulignant qu'il « trouve cela plus intéressant qu'un film sur un homme dont la nature et les objectifs sont clairement expliqués dès les cinq premières minutes, dans une intrigue qui le dirige simplement droit devant. »

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Marilyn Monroe a joué dans Seven Year Itch. Qui l'a dirigé ?

Billy Wilder

Marilyn Monroe (née Norma Jeane Mortenson ; 1er juin 1926 - 5 août 1962) était une actrice et mannequin américaine. Célèbre pour avoir incarné des personnages de « blonde idiote », elle est devenue l’un des sex-symbols les plus populaires des années 1950, emblématique des attitudes de l’époque à l’égard de la sexualité. Même si elle n'a été une actrice de premier plan que pendant une décennie, ses films ont rapporté 200 millions de dollars au moment de sa mort inattendue en 1962. Elle continue d'être considérée comme une icône majeure de la culture populaire. Née et élevée à Los Angeles, Monroe a passé la majeure partie de son enfance dans des familles d'accueil et un orphelinat et s'est mariée pour la première fois à l'âge de seize ans. Alors qu'elle travaillait dans une usine dans le cadre de l'effort de guerre en 1944, elle rencontra un photographe et entama une carrière réussie de mannequin de pin-up. Le travail a conduit à des contrats cinématographiques de courte durée avec Twentieth Century-Fox (1946-1947) et Columbia Pictures (1948). Après une série de rôles mineurs au cinéma, elle signe un nouveau contrat avec la Fox en 1951. Au cours des deux années suivantes, elle devient une actrice populaire avec des rôles dans plusieurs comédies, dont As Young as You Feel et Monkey Business, ainsi que dans les drames Clash. la nuit et ne vous embêtez pas à frapper. Monroe a fait face à un scandale lorsqu'il a été révélé qu'elle avait posé pour des photos nues avant de devenir une star, mais plutôt que de nuire à sa carrière, l'histoire a accru l'intérêt pour ses films. En 1953, Monroe était l'une des stars hollywoodiennes les plus rentables, avec des rôles principaux dans trois films : le film noir Niagara, qui mettait l'accent sur son sex-appeal, et les comédies Gentlemen Prefer Blondes et How to Marry a Millionaire, qui établissaient son image de star. une "blonde idiote". Même si elle a joué un rôle important dans la création et la gestion de son image publique tout au long de sa carrière, elle a été déçue d'être cataloguée et sous-payée par le studio. Elle fut brièvement suspendue au début de 1954 pour avoir refusé un projet de film, mais revint pour jouer dans l'un des plus grands succès au box-office de sa carrière, Sept ans de réflexion (1955). Alors que le studio hésitait encore à modifier son contrat, Monroe fonda une société de production cinématographique à la fin de 1954, Marilyn Monroe Productions (MMP). Elle consacre l'année 1955 à la création de sa compagnie et commence à étudier la méthode du théâtre à l'Actors Studio. Fin 1955, Fox lui accorda un nouveau contrat, qui lui donnait plus de contrôle et un salaire plus élevé. Après une performance acclamée par la critique dans Bus Stop (1956) et après avoir joué dans la première production indépendante de MMP, The Prince and the Showgirl (1957), elle remporte le Golden Globe de la meilleure actrice pour Some Like It Hot (1959). Son dernier film terminé était le drame The Misfits (1961). La vie privée troublée de Monroe a reçu beaucoup d'attention. Elle luttait contre la dépendance, la dépression et l'anxiété. Elle a eu deux mariages très médiatisés, avec le joueur de baseball Joe DiMaggio et le dramaturge Arthur Miller, qui se sont tous deux soldés par un divorce. Elle est décédée à l'âge de 36 ans d'une overdose de barbituriques à son domicile de Los Angeles le 5 août 1962. Bien que la mort ait été considérée comme un suicide probable, plusieurs théories du complot ont été proposées dans les décennies qui ont suivi sa mort. vie et carrière Enfance et premier mariage (1926-1944) Monroe est née Norma Jeane Mortenson à l'hôpital du comté de Los Angeles le 1er juin 1926, en tant que troisième enfant de Gladys Pearl Baker (née Monroe, 1902-1984). Gladys, la fille de deux pauvres migrants du Midwest en Californie, était une fille et travaillait comme coupeuse de négatifs chez Consolidated Film Industries. À l'âge de quinze ans, elle épousa un homme de neuf ans son aîné, John Newton Baker, et eut deux enfants de lui, Robert (1917-1933) et Berniece (née en 1919). Elle a demandé le divorce en 1921 et Baker a emmené les enfants avec lui dans son Kentucky natal. Monroe n'a appris qu'elle avait une sœur qu'à l'âge de douze ans et l'a rencontrée pour la première fois à l'âge adulte. Gladys épousa son deuxième mari Martin Edward Mortensen en 1924, mais ils se séparèrent avant qu'elle ne tombe enceinte de Monroe ; ils ont divorcé en 1928. L'identité du père de Monroe est inconnue et Baker était le plus souvent utilisé comme nom de famille. La petite enfance de Monroe a été stable et heureuse. Alors que Gladys n'était pas préparée mentalement et financièrement à un enfant, elle a pu placer Monroe chez les parents adoptifs Albert et Ida Bolender dans la ville rurale de Hawthorne peu après la naissance. Ils ont élevé leurs enfants adoptifs selon les principes du christianisme évangélique. Au début, Gladys vivait avec les Bolender et se rendait au travail à Los Angeles, jusqu'à ce que des horaires de travail plus longs la forcent à retourner en ville au début de 1927. Elle commença alors à rendre visite à sa fille le week-end, l'emmenant souvent au cinéma et à visite à Los Angeles. Bien que les Bolender voulaient adopter Monroe, à l'été 1933, Gladys se sentait suffisamment stable pour que Monroe emménage avec elle et acheta une petite maison à Hollywood. Ils l'ont partagé avec les locataires, les acteurs George et Maude Atkinson et leur fille, Nellie. Quelques mois plus tard, en janvier 1934, Gladys fit une dépression nerveuse et reçut un diagnostic de schizophrénie paranoïde. Après plusieurs mois dans une maison de repos, elle a été internée au Metropolitan State Hospital. Elle a passé le reste de sa vie dans et hors des hôpitaux et a rarement été en contact avec Monroe. Monroe a été déclarée pupille de l'État et l'amie de sa mère, Grace McKee Goddard, a assumé la responsabilité d'elle et de ses affaires. Au cours des quatre années suivantes, elle a vécu dans plusieurs familles d'accueil et a souvent changé d'école. Pendant les seize premiers mois, elle a continué à vivre avec les Atkinson ; elle a été agressée sexuellement pendant cette période. Toujours timide, elle a désormais également développé un bégaiement et s'est renfermée. Au cours de l'été 1935, elle resta brièvement avec Grace et son mari Erwin "Doc" Goddard et deux autres familles, jusqu'à ce que Grace la place dans le Los Angeles Orphans Home à Hollywood en septembre 1935. Alors que l'orphelinat était "une institution modèle", et a été décrite en termes positifs par ses pairs, Monroe a trouvé son placement là-bas traumatisant, car pour elle "il semblait que personne ne voulait de moi". Encouragée par le personnel de l'orphelinat, qui pensait que Monroe serait plus heureuse de vivre dans une famille, Grace devint sa tutrice légale en 1936, même si elle ne put la faire sortir de l'orphelinat qu'à l'été 1937. Deuxième séjour de Monroe chez les Goddard n'a duré que quelques mois, alors que Doc l'a agressée. Après avoir séjourné avec divers parents et amis d'elle et de Grace à Los Angeles et à Compton, Monroe trouva un foyer plus permanent en septembre 1938, lorsqu'elle commença à vivre avec la tante de Grace, Ana Atchinson Lower, dans le district de Sawtelle. Elle était inscrite à l'Emerson Junior High School et était emmenée aux services hebdomadaires de la Science Chrétienne avec Lower. Bien qu'il soit par ailleurs un élève médiocre, Monroe excellait en écriture et contribuait au journal de l'école. En raison des problèmes de santé de la personne âgée Lower, Monroe retourna vivre avec les Goddard à Van Nuys à la fin des années 1940 ou au début de 1941. Après avoir obtenu son diplôme d'Emerson, elle commença à fréquenter le lycée Van Nuys. Au début de 1942, l'entreprise pour laquelle Doc Goddard travaillait lui demanda de déménager en Virginie occidentale. Les lois californiennes empêchaient les Goddard de faire sortir Monroe de l'État, et elle risquait de devoir retourner à l'orphelinat. En guise de solution, elle épousa le fils de leurs voisins, James "Jim" Dougherty, ouvrier d'usine de 21 ans, le 19 juin 1942, juste après son 16e anniversaire. Monroe a ensuite abandonné ses études secondaires et est devenue femme au foyer ; elle a déclaré plus tard que "le mariage ne m'a pas rendu triste, mais il ne m'a pas rendu heureux non plus. Mon mari et moi nous parlions à peine. Ce n'était pas parce que nous étions en colère. Nous n'avions rien à dire. Je mourais d'ennui." En 1943, Dougherty s'engage dans la marine marchande. Il était initialement stationné sur l'île de Catalina, où elle vivait avec lui jusqu'à ce qu'il soit expédié vers le Pacifique en avril 1944 ; il y restera pendant la majeure partie des deux années suivantes. Après le départ de Dougherty, Monroe a emménagé avec ses parents et a commencé à travailler à l'usine de munitions Radioplane pour participer à l'effort de guerre et gagner son propre revenu. Mannequin et premiers rôles au cinéma (1945-1949) À la fin de 1944, Monroe rencontra le photographe David Conover, qui avait été envoyé par la première unité de cinéma de l'armée de l'air américaine (FMPU) à l'usine pour prendre des photos de travailleuses qui remontent le moral. Bien qu'aucune de ses photos n'ait été utilisée par la FMPU, elle a arrêté de travailler à l'usine en janvier 1945 et a commencé à poser pour Conover et ses amis. Elle a quitté la maison de sa belle-famille et, défiant eux et son mari, a signé un contrat avec la Blue Book Model Agency en août 1945. Elle a commencé à utiliser occasionnellement le nom de Jean Norman lorsqu'elle travaillait et a fait lisser ses cheveux bruns bouclés. et teinte en blond pour la rendre plus employable. Comme sa silhouette était jugée plus adaptée aux pin-up qu'au mannequinat, elle était principalement employée pour des publicités et des magazines masculins. Selon la propriétaire de l'agence, Emmeline Snively, Monroe était l'un de ses modèles les plus ambitieux et les plus travailleurs ; au début de 1946, elle était apparue sur 33 couvertures de magazines pour des publications telles que Pageant, U.S. Camera, Laff et Peek. Impressionnée par son succès, Snively conclut un contrat pour Monroe avec une agence de théâtre en juin 1946. Après un entretien infructueux avec les producteurs de Paramount Pictures, elle reçut un test d'écran par Ben Lyon, un cadre de la 20th Century-Fox. Le directeur général Darryl F. Zanuck n'était pas enthousiaste à ce sujet, mais il a été persuadé de lui donner un contrat standard de six mois pour éviter qu'elle ne soit signée par le studio rival RKO Pictures. Monroe a commencé son contrat en août 1946 et, avec Lyon, a choisi le nom d'écran de « Marilyn Monroe ». Le prénom a été choisi par Lyon, qui rappelle la star de Broadway, Marilyn Miller ; le dernier a été choisi par Monroe d'après le nom de jeune fille de sa mère. En septembre 1946, elle obtint le divorce d'avec Dougherty, qui s'opposait à ce qu'elle fasse carrière. Monroe n'a eu aucun rôle au cinéma pendant les premiers mois de son contrat et a plutôt consacré ses journées à des cours de théâtre, de chant et de danse. Désireuse d'en apprendre davantage sur l'industrie cinématographique et de se promouvoir, elle a également passé du temps au studio pour observer les autres travailler. Son contrat fut renouvelé en février 1947 et elle reçut bientôt ses deux premiers rôles au cinéma : neuf lignes de dialogue en tant que serveuse dans le drame Dangerous Years (1947) et une apparition d'une seule ligne dans la comédie Scudda Hoo ! Scudda Hay! (1948). Le studio l'a également inscrite à l'Actors' Laboratory Theatre, une école de théâtre enseignant les techniques du théâtre de groupe ; elle a déclaré plus tard que c'était "mon premier avant-goût de ce que pourrait être un vrai jeu d'acteur dans un vrai drame, et j'étais accro". Le contrat de Monroe n'a pas été renouvelé en août 1947 et elle est revenue au mannequin tout en effectuant des petits boulots occasionnels au studio. Déterminé à réussir en tant qu'acteur, Monroe a continué ses études à l'Actors' Lab et, en octobre, est apparu comme un vampire blond dans la pièce éphémère Glamour Preferred au Bliss-Hayden Theatre, mais la production n'a été revue par aucune publication majeure. . Pour se promouvoir, elle fréquentait les bureaux des producteurs, se liait d'amitié avec le chroniqueur de potins Sidney Skolsky et recevait des invités masculins influents lors de réceptions en studio, une pratique qu'elle avait commencée chez Fox. Elle est également devenue une amie et une partenaire sexuelle occasionnelle du directeur de Fox, Joseph M. Schenck, qui a persuadé son ami Harry Cohn, directeur général de Columbia Pictures, de la signer en mars 1948. Alors qu'à Fox, ses rôles étaient ceux d'une "fille d'à côté", à Columbia, elle s'inspirait de Rita Hayworth. La racine des cheveux de Monroe a été relevée par électrolyse et ses cheveux ont été décolorés encore plus clairs, jusqu'au blond platine. Elle a également commencé à travailler avec la coach dramatique en chef du studio, Natasha Lytess, qui restera son mentor jusqu'en 1955. Son seul film au studio était la comédie musicale à petit budget Ladies of the Chorus (1948), dans laquelle elle eut son premier rôle principal. en tant que choriste courtisée par un homme riche. Pendant la production, elle a entamé une liaison avec son coach vocal, Fred Karger, qui a payé pour faire corriger sa légère supraclusion. Malgré le rôle principal et un test d'écran ultérieur pour le rôle principal dans Born Yesterday (1950), le contrat de Monroe n'a pas été renouvelé. Ladies of the Chorus est sorti en octobre et n'a pas été un succès. Après avoir quitté Columbia en septembre 1948, Monroe devint la protégée de Johnny Hyde, vice-président de l'agence William Morris. Hyde a commencé à la représenter et leur relation est rapidement devenue sexuelle, même si elle a refusé ses propositions de mariage. Pour faire avancer la carrière de Monroe, il a financé l'implantation d'une prothèse en silicone dans sa mâchoire et éventuellement une rhinoplastie, et a organisé un petit rôle dans le film des Marx Brothers Love Happy (1950). Monroe a également continué le mannequinat et, en mai 1949, a posé pour des photos nues prises par Tom Kelley. Même si son rôle dans Love Happy était très petit, elle fut choisie pour participer à la tournée promotionnelle du film à New York cette année-là. Percée (1950-1952) Monroe est apparue dans six films sortis en 1950. Elle a joué de petits rôles dans Love Happy, A Ticket to Tomahawk, Right Cross et The Fireball, mais a également fait des apparitions mineures dans deux films acclamés par la critique : le film policier de John Huston The Asphalt Jungle et le drame de Joseph Mankiewicz. Tout à propos d'Eve. Dans le premier, Monroe jouait Angela, la jeune maîtresse d'un criminel vieillissant. Bien qu'elle ne soit apparue à l'écran que pendant cinq minutes, elle a obtenu une mention dans Photoplay et, selon Spoto, "est passée efficacement de modèle de cinéma à actrice sérieuse". Dans All About Eve, Monroe incarnait Miss Caswell, une jeune actrice naïve. Suite au succès de Monroe dans ces rôles, Hyde négocia un contrat de sept ans avec la 20th Century-Fox en décembre 1950. Il mourut d'une crise cardiaque quelques jours plus tard, la laissant dévastée. Malgré son chagrin, 1951 est l’année où elle gagne en visibilité. En mars, elle a été présentatrice à la 23e cérémonie des Oscars et en septembre, Collier's est devenu le premier magazine national à publier un profil complet d'elle. Elle a eu des rôles de soutien dans quatre films à petit budget : dans le drame MGM Home Town Story et dans trois comédies à succès modéré pour Fox, As Young as You Feel, Love Nest et Let's Make It Legal. Selon Spoto, les quatre films la présentaient « essentiellement [comme] un ornement sexy », mais elle a reçu quelques éloges de la critique : Bosley Crowther du New York Times l'a décrite comme « superbe » dans As Young As You Feel et Ezra Goodman du New York Times. Le Los Angeles Daily News l'a qualifiée de "l'une des [actrices] les plus brillantes" pour Love Nest. Pour développer davantage ses talents d'actrice, Monroe a commencé à suivre des cours avec Michael Chekhov et la mime Lotte Goslar. Sa popularité auprès du public grandit également : elle reçoit plusieurs milliers de lettres de fans par semaine et est déclarée « Miss Cheesecake de 1951 » par le journal militaire Stars and Stripes, reflétant les préférences des soldats de la guerre de Corée. Dans sa vie privée, Monroe entretenait une relation avec le réalisateur Elia Kazan et sortait également brièvement avec plusieurs autres hommes, dont les réalisateurs Nicholas Ray et Yul Brynner et l'acteur Peter Lawford. La deuxième année du contrat avec Fox a vu Monroe devenir une actrice de premier plan, la chroniqueuse de potins Florabel Muir la nommant la "it girl" de l'année et Hedda Hopper la décrivant comme la "reine du cheesecake" devenue "un succès au box-office". En février, elle a été nommée "meilleure jeune personnalité du box-office" par l'Association de la presse étrangère d'Hollywood et a entamé une relation amoureuse très médiatisée avec le Yankee de New York à la retraite Joe DiMaggio, l'une des personnalités sportives les plus célèbres de l'époque. Le mois suivant, un scandale éclata lorsqu'elle révéla dans une interview qu'elle avait posé pour des photos nues en 1949, qui figuraient sur des calendriers. Le studio avait eu connaissance des photographies quelques semaines plus tôt, et pour contenir les effets potentiellement désastreux sur sa carrière, eux et Monroe avaient décidé d'en parler ouvertement tout en soulignant qu'elle n'avait posé pour eux que dans une situation financière désastreuse. La stratégie a réussi à gagner la sympathie du public et à accroître l'intérêt pour ses films : le mois suivant, elle a fait la couverture de Life sous le titre "The Talk of Hollywood". Monroe a ajouté à sa réputation de nouveau sex-symbol avec d'autres coups publicitaires cette année-là, comme porter une robe révélatrice lorsqu'elle agissait en tant que Grand Marshal au défilé de Miss America Pageant, et en déclarant au chroniqueur de potins Earl Wilson qu'elle ne portait généralement pas de sous-vêtements. Avec sa co-vedette Keith Andes dans Clash by Night (1952). Le film a permis à Monroe de montrer davantage son talent d'acteur dans un rôle dramatique. Quelle que soit la popularité de son sex-appeal, Monroe souhaitait présenter davantage son talent d'acteur et, à l'été 1952, est apparue dans deux drames à succès commercial. Le premier était Clash by Night de Fritz Lang, pour lequel elle a été prêtée à RKO et a joué le rôle d'une ouvrière dans une conserverie de poisson ; pour se préparer, elle a passé du temps dans une vraie conserverie de poisson à Monterey. Elle a reçu des critiques positives pour sa performance : le Hollywood Reporter a déclaré qu '"elle mérite le statut de vedette avec son excellente interprétation", et Variety a écrit qu'elle "a une facilité de prestation qui en fait un jeu d'enfant pour la popularité". Le deuxième film était le thriller Don't Bother to Knock, dans lequel elle jouait le rôle d'une baby-sitter mentalement perturbée et que Zanuck lui avait demandé de tester ses capacités dans un rôle dramatique plus lourd. Il a reçu des critiques mitigées de la part des critiques, Crowther la jugeant trop inexpérimentée pour le rôle difficile et Variety blâmant le scénario pour les problèmes du film. Les trois autres films de Monroe en 1952 ont continué son casting dans des rôles comiques axés sur son sex-appeal. Dans Nous ne sommes pas mariés !, son rôle principal de candidate à un concours de beauté a été créé uniquement pour « présenter Marilyn en deux maillots de bain », selon son scénariste Nunnally Johnson. Dans Monkey Business de Howard Hawks, dans lequel elle était en vedette face à Cary Grant, elle a joué une secrétaire qui est une "blonde stupide et enfantine, innocemment inconsciente des ravages que son côté sexy provoque autour d'elle". Dans O. Henry's Full House, son dernier film de l'année, elle a joué un rôle mineur de prostituée. Au cours de cette période, Monroe a acquis une réputation d'être difficile sur les plateaux de tournage, qui s'est aggravée à mesure que sa carrière progressait : elle était souvent en retard ou ne se présentait pas du tout, ne se souvenait pas de ses répliques et exigeait plusieurs reprises avant d'être satisfaite. avec sa prestation. Une dépendance à l'égard de ses coachs d'acteur, d'abord Natasha Lytess puis Paula Strasberg, a également irrité les réalisateurs. Les problèmes de Monroe ont été attribués à une combinaison de perfectionnisme, de faible estime de soi et de trac ; elle n'aimait pas le manque de contrôle qu'elle avait sur son travail sur les plateaux de tournage et n'avait jamais rencontré de problèmes similaires lors des séances photo, au cours desquelles elle avait davantage son mot à dire sur sa performance et pouvait être plus spontanée au lieu de suivre un scénario. Pour soulager son anxiété et son insomnie chronique, elle a commencé à consommer des barbituriques, des amphétamines et de l'alcool, ce qui a également exacerbé ses problèmes, même si elle n'est devenue gravement dépendante qu'en 1956. Selon Sarah Churchwell, certains comportements de Monroe, surtout plus tard dans sa carrière, étaient également en réponse à la condescendance et au sexisme de ses co-stars et réalisateurs masculins. De même, Lois Banner a déclaré avoir été victime d'intimidation de la part de plusieurs de ses réalisateurs. Étoile montante (1953) Monroe a joué dans trois films sortis en 1953, devenant un sex-symbol majeur et l'un des artistes les plus rentables d'Hollywood. Le premier d'entre eux était le film noir Technicolor Niagara, dans lequel elle incarnait une femme fatale complotant pour assassiner son mari, interprété par Joseph Cotten. À ce moment-là, Monroe et son maquilleur Allan "Whitey" Snyder avaient développé le maquillage qui lui était associé : des sourcils foncés arqués, une peau pâle, des lèvres rouges "luisantes" et un grain de beauté. Selon Sarah Churchwell, Niagara était l'un des films les plus ouvertement sexuels de la carrière de Monroe, et il comprenait des scènes dans lesquelles son corps était couvert uniquement par un drap ou une serviette, considérées comme choquantes par le public contemporain. Sa scène la plus célèbre est un long plan de 30 secondes de Monroe montrant Monroe marchant par derrière avec ses hanches se balançant, qui a été largement utilisée dans le marketing du film. Lors de la sortie de Niagara en janvier, les clubs de femmes ont protesté contre le film, le qualifiant d'immoral, mais le film s'est avéré populaire auprès du public, rapportant 6 millions de dollars au box-office. Alors que Variety l'a jugé "cliché" et "morbide", le New York Times a commenté que "les chutes et Miss Monroe sont quelque chose à voir", car même si Monroe n'est peut-être pas "l'actrice parfaite à ce stade... elle peut être séduisante". – même quand elle marche". Monroe a continué à attirer l'attention avec ses tenues révélatrices lors d'événements publicitaires, notamment lors des Photoplay Awards en janvier 1953, où elle a remporté le prix « Fastest Rising Star ». Elle portait une robe moulante en lamé doré, ce qui a incité la star vétéran Joan Crawford à décrire son comportement comme « indigne d'une actrice et d'une dame » à la presse. Tandis que Niagara faisait de Monroe un sex-symbol et établissait son « look », son deuxième film de l'année, la comédie musicale satirique Gentlemen Prefer Blondes, établissait son personnage à l'écran de « blonde idiote ». Basé sur le roman à succès d'Anita Loos et sa version Broadway, le film se concentre sur deux showgirls « chercheuses d'or », Lorelei Lee et Dorothy Shaw, interprétées par Monroe et Jane Russell. Le rôle de Lorelei était initialement destiné à Betty Grable, qui avait été la « bombe blonde » la plus populaire de la 20th Century-Fox dans les années 1940 ; Monroe l'éclipsait rapidement en tant que star capable de plaire à la fois au public masculin et féminin. Dans le cadre de la campagne publicitaire du film, elle et Russell ont laissé leurs mains et leurs empreintes dans le béton humide devant le Grauman's Chinese Theatre en juin. Gentlemen Prefer Blondes est sorti peu de temps après et est devenu l'un des plus gros succès au box-office de l'année en rapportant 5,3 millions de dollars, soit plus du double de ses coûts de production. Crowther du New York Times et William Brogdon de Variety ont tous deux commenté favorablement Monroe, notant notamment sa performance de « Diamonds Are a Girl's Best Friend » ; selon cette dernière, elle a démontré sa "capacité à sexer une chanson ainsi qu'à souligner les valeurs visuelles d'une scène par sa présence". En septembre, Monroe a fait ses débuts à la télévision dans le Jack Benny Show, jouant la femme fantastique de Jack dans l'épisode "Honolulu Trip". Son troisième film de l'année, Comment épouser un millionnaire, mettait en vedette Betty Grable et Lauren Bacall et est sorti en novembre. Il mettait en vedette Monroe dans le rôle d'un mannequin naïf qui fait équipe avec ses amis pour trouver des maris riches, répétant la formule à succès de Gentlemen Prefer Blondes. Il s'agissait du deuxième film jamais sorti en CinemaScope, un format grand écran qui, espérait Fox, ramènerait le public au cinéma alors que la télévision commençait à causer des pertes aux studios de cinéma. Malgré des critiques mitigées, le film a été jusqu'à présent le plus grand succès au box-office de Monroe, gagnant 8 millions de dollars en locations mondiales. Monroe a été répertorié dans le sondage annuel Top Ten Money Making Stars en 1953 et 1954, et selon l'historien de la Fox, Aubrey Solomon est devenu le « plus grand atout » du studio aux côtés de CinemaScope. La position de Monroe en tant que sex-symbol de premier plan a été confirmée en décembre, lorsque Hugh Hefner l'a présentée sur la couverture et au centre du premier numéro de Playboy. L'image de couverture était une photo d'elle lors du défilé du concours Miss America en 1952, et la page centrale présentait l'une de ses photographies de nu de 1949. Conflits avec la 20th Century-Fox et mariage avec Joe DiMaggio (1954-1955) Même si Monroe était devenue l'une des plus grandes stars de la 20th Century-Fox, son contrat n'avait pas changé depuis 1950, ce qui signifiait qu'elle était bien moins payée que les autres stars de sa stature et ne pouvait pas choisir ses projets ou ses collègues. Elle était également fatiguée d'être cataloguée, et ses tentatives d'apparaître dans des films autres que des comédies ou des comédies musicales avaient été contrecarrées par Zanuck, qui avait une forte aversion personnelle pour elle et ne pensait pas qu'elle gagnerait autant de revenus au studio dans les drames. Lorsqu'elle refusa de commencer le tournage d'une autre comédie musicale, une version cinématographique de La Fille aux collants roses, qui devait jouer avec Frank Sinatra, le studio la suspendit le 4 janvier 1954. La suspension a fait la une des journaux et Monroe a immédiatement lancé une campagne publicitaire pour contrer toute presse négative et renforcer sa position dans le conflit. Le 14 janvier, elle et Joe DiMaggio, dont la relation faisait l'objet d'une attention médiatique constante depuis 1952, se sont mariés à l'hôtel de ville de San Francisco. Ils se sont ensuite rendus au Japon, combinant lune de miel et voyage d'affaires. De là, elle s'est rendue seule en Corée, où elle a interprété des chansons de ses films dans le cadre d'un spectacle USO devant plus de 60 000 Marines américains sur une période de quatre jours. De retour à Hollywood en février, elle a reçu le prix Photoplays de la « Star féminine la plus populaire ». Elle a conclu un accord avec le studio en mars : il comprenait un nouveau contrat à conclure plus tard dans l'année et un rôle principal dans la version cinématographique de la pièce de Broadway The Seven Year Itch, pour lequel elle devait recevoir une prime de 100 000 $. . Le mois suivant voit la sortie de Western River of No Return d'Otto Preminger, dans lequel Monroe apparaît aux côtés de Robert Mitchum. Elle l'a qualifié de "film de cow-boy de qualité Z dans lequel le jeu des acteurs terminait après le décor et le processus CinemaScope", bien qu'il ait été populaire auprès du public. Le premier film qu'elle a réalisé après son retour à Fox était la comédie musicale There's No Business Like Show Business, qu'elle n'aimait pas du tout mais que le studio lui demandait de faire en échange de l'abandon de The Girl in Pink Tights. La comédie musicale a échoué lors de sa sortie en décembre et la performance de Monroe a été considérée comme vulgaire par de nombreux critiques. En septembre 1954, Monroe commença le tournage de la comédie de Billy Wilder, The Seven Year Itch, dans laquelle elle joua aux côtés de Tom Ewell dans le rôle d'une femme qui devient l'objet des fantasmes sexuels de son voisin marié. Bien que le film ait été tourné à Hollywood, le studio a décidé de générer une publicité préalable en organisant le tournage d'une scène sur Lexington Avenue à New York. Dans ce film, Monroe se tient debout sur une grille de métro avec l'air gonflant la jupe de sa robe blanche, qui est devenue l'une des scènes les plus célèbres de sa carrière. Le tournage a duré plusieurs heures et a attiré une foule de près de 2 000 spectateurs, dont des photographes professionnels. Si le coup publicitaire a placé Monroe à la une du monde entier, il a également marqué la fin de son mariage avec DiMaggio, qui en était furieux. Le syndicat avait été troublé dès le début par sa jalousie et son attitude autoritaire ; Spoto et Banner ont également affirmé qu'il était physiquement violent. Après son retour à Hollywood, Monroe engagea le célèbre avocat Jerry Giesler et annonça qu'elle demandait le divorce en octobre 1954. Sept ans de réflexion sortit en juin suivant et rapporta plus de 4,5 millions de dollars au box-office, ce qui en faisait l'une des plus grandes publicités. succès cette année-là. Après la fin du tournage de Itch en novembre, Monroe a entamé une nouvelle bataille pour le contrôle de sa carrière et a quitté Hollywood pour la côte Est, où elle et le photographe Milton Greene ont fondé leur propre société de production, Marilyn Monroe Productions (MMP) – une action qui a ensuite eu lieu. été qualifié de "instrumental" dans l'effondrement du système des studios. Annonçant sa création lors d'une conférence de presse en janvier 1955, Monroe déclara qu'elle était "fatiguée des mêmes vieux rôles sexuels. Je veux faire de meilleures choses. Les gens ont de la marge, vous savez". Elle a affirmé qu'elle n'était plus sous contrat avec Fox, car le studio n'avait pas rempli ses obligations, comme lui verser le bonus promis pour The Seven Year Itch. Cela a déclenché une bataille juridique d'un an entre elle et le studio. La presse a largement ridiculisé Monroe pour ses actions et elle a été parodiée dans Will Success Spoil Rock Hunter? de l'écrivain George Axelrod de Itch? (1955), dans lequel son sosie Jayne Mansfield jouait le rôle d'une actrice stupide qui crée sa propre société de production. Monroe a consacré 1955 à l'étude de son métier. Elle a déménagé à New York et a commencé à suivre des cours de théâtre avec Constance Collier et à assister à des ateliers sur la méthode de jeu à l'Actors Studio, dirigé par Lee Strasberg. Elle s'est rapprochée de Strasberg et de sa femme Paula, recevant des cours particuliers chez eux en raison de sa timidité, et est rapidement devenue comme un membre de la famille. Elle a licencié son ancienne coach d'art dramatique, Natasha Lytess, et l'a remplacée par Paula ; les Strasberg sont restés une influence importante pour le reste de sa carrière. Monroe a également commencé à suivre une psychanalyse sur la recommandation de Strasberg, qui pensait qu'un acteur devait faire face à ses traumatismes émotionnels et les utiliser dans ses performances. Dans sa vie privée, Monroe a poursuivi sa relation avec DiMaggio malgré la procédure de divorce en cours, tout en sortant également avec l'acteur Marlon Brando et le dramaturge Arthur Miller. Elle avait été présentée à Miller pour la première fois par Kazan au début des années 1950. La liaison entre Monroe et Miller est devenue de plus en plus sérieuse après octobre 1955, lorsque son divorce d'avec DiMaggio fut finalisé et que Miller se sépara de sa femme. Le studio craignait que Monroe ne soit mise sur liste noire et l'a exhortée à mettre fin à l'affaire, car Miller faisait l'objet d'une enquête du FBI pour des allégations de communisme et avait été assigné à comparaître par le comité des activités anti-américaines de la Chambre. Le FBI a également ouvert un dossier sur elle. Malgré le risque pour sa carrière, Monroe a refusé de mettre fin à la relation, qualifiant plus tard les chefs de studio de « lâches nés ». À la fin de l'année, Monroe et Fox étaient parvenus à un accord sur un nouveau contrat de sept ans. Il était clair que MMP ne serait pas en mesure de financer des films à lui seul, et le studio était impatient de voir Monroe travailler à nouveau. Le contrat l'obligeait à réaliser quatre films pour Fox pendant sept ans. Le studio lui paierait 100 000 $ pour chaque film et lui accorderait le droit de choisir ses propres projets, réalisateurs et directeurs de la photographie. Elle serait également libre de réaliser un film avec MMP pour chaque film terminé pour Fox. Acclamation critique et mariage avec Arthur Miller (1956-1959) Monroe a commencé 1956 en annonçant sa victoire sur la 20th Century-Fox ; la presse, qui l'avait auparavant ridiculisée, a désormais écrit favorablement sur sa décision de combattre le studio. Time l'a qualifiée de "femme d'affaires avisée" et Look a prédit que la victoire serait "un exemple de l'individu contre le troupeau pour les années à venir". Elle a également officiellement changé son nom pour Marilyn Monroe en mars. Sa relation avec Miller a suscité des commentaires négatifs dans la presse, notamment la déclaration de Walter Winchell selon laquelle "la star blonde du cinéma la plus connue d'Amérique est désormais la coqueluche de l'intelligentsia de gauche". Monroe et Miller se sont mariés au tribunal du comté de Westchester à White Plains, New York, le 29 juin, et deux jours plus tard ont eu une cérémonie juive au domicile de son agent à Waccabuc, New York. Monroe s'est convertie au judaïsme avec ce mariage, ce qui a conduit l'Égypte à interdire tous ses films. Les médias ont considéré le syndicat comme inadapté compte tenu de son image de star en tant que sex-symbol et de sa position d'intellectuel, comme le démontre le titre de Variety "Egghead Weds Hourglass". Le premier film que Monroe choisit de réaliser dans le cadre du nouveau contrat fut le drame Bus Stop, sorti en août 1956. Elle incarnait Chérie, une chanteuse de saloon dont les rêves de célébrité sont compliqués par un cow-boy naïf qui tombe amoureux d'elle. Pour le rôle, elle a appris un accent d'Ozark, a choisi des costumes et un maquillage qui n'avaient pas le glamour de ses films précédents et a proposé des chants et des danses délibérément médiocres. Le réalisateur de Broadway, Joshua Logan, a accepté de réaliser, même s'il doutait initialement de ses capacités d'actrice et connaissant sa réputation de difficile. Le tournage a eu lieu dans l'Idaho et l'Arizona au début de 1956, avec Monroe "techniquement responsable" à la tête du MMP, prenant occasionnellement des décisions sur la cinématographie et avec Logan s'adaptant à son retard chronique et à son perfectionnisme. L'expérience a changé l'opinion de Logan sur Monroe, et il l'a comparée plus tard à Charlie Chaplin dans sa capacité à mélanger la comédie et la tragédie. Bus Stop est devenu un succès au box-office, rapportant 4,25 millions de dollars et recevant des critiques majoritairement favorables. Le Saturday Review of Literature a écrit que la performance de Monroe « dissipe effectivement une fois pour toutes l'idée qu'elle n'est qu'une personnalité glamour » et Crowther a proclamé : « Accrochez-vous à vos chaises, tout le monde, et préparez-vous à une surprise retentissante. Marilyn Monroe a elle s'est finalement révélée actrice." Elle a reçu une nomination au Golden Globe de la meilleure actrice pour sa performance. En août 1956, Monroe commença le tournage de la première production indépendante de MMP, The Prince and the Showgirl, aux Pinewood Studios en Angleterre. Il était basé sur The Sleeping Prince de Terence Rattigan, une pièce sur une liaison entre une showgirl et un prince dans les années 1910. Les rôles principaux avaient d'abord été joués sur scène par Laurence Olivier et Vivien Leigh ; il a repris son rôle et a réalisé et coproduit le film.

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Lors du Red Nose Day 2001, qui a remporté Celebrity Big Brother ?

Jack Dee

Comic Relief est une organisation caritative britannique fondée en 1985 par le scénariste de comédie Richard Curtis et le comédien Lenny Henry en réponse à la famine en Éthiopie. Le point culminant de l'appel de Comic Relief est le Red Nose Day, un téléthon biennal organisé en mars, en alternance avec le projet frère Sport Relief. Comic Relief est l'un des deux téléthons de grande envergure organisés au Royaume-Uni, l'autre étant Children in Need, organisé chaque année en novembre. Comic Relief a été lancé en direct dans l'émission Late, Late Breakfast Show de Noel Edmonds sur BBC1, le jour de Noël 1985, depuis un camp de réfugiés au Soudan. L'idée de Comic Relief est venue de Jane Tewson, une travailleuse caritative, qui en a fait le nom commercial de Charity Projects, un organisme de bienfaisance enregistré en Angleterre et en Écosse. Le 4 avril 1986, le premier spectacle de collecte de fonds en direct, "Comic Relief Utterly Utterly Live", a été organisé au Shaftesbury Theatre de Londres avec des comédiens alternatifs et des pop stars populaires (dont Rowan Atkinson, Billy Connolly, Stephen Fry, Lenny Henry, Kate Bush et Cliff Richard). Un enregistrement audio a été diffusé sur WEA qui comprenait une performance live du single caritatif "Living Doll" de Cliff Richard et The Young Ones. Le 8 février 1988, Lenny Henry se rend en Éthiopie et célèbre le tout premier téléthon du Red Nose Day. Plus de 150 célébrités et comédiens y ont participé. L'événement a permis de récolter 15 millions de livres sterling et d'attirer 30 millions de téléspectateurs sur le réseau BBC. Le point culminant de Comic Relief est le Red Nose Day. À ce jour, Richard Curtis et Lenny Henry participent toujours activement au téléthon Red Nose Day, qui continue de collecter des fonds pour de nombreuses œuvres caritatives qui aident les enfants dans le besoin et luttent contre la pauvreté dans le monde. L'organisme caritatif déclare que son objectif est « d'apporter un changement positif et durable dans la vie des personnes pauvres et défavorisées, ce qui, selon nous, nécessite d'investir dans un travail qui répond aux besoins immédiats des gens ainsi que de s'attaquer aux causes profondes de la pauvreté et de l'injustice ». L'un des principes fondamentaux qui sous-tendent le travail chez Comic Relief est le « principe de la livre d'or » selon lequel chaque livre (£) donnée est dépensée pour des projets caritatifs. Tous les coûts de fonctionnement, tels que les salaires du personnel, sont couverts par des entreprises sponsors ou par les intérêts gagnés sur l'argent en attente de distribution. Actuellement, ses principaux soutiens sont la BBC, BT, la chaîne de supermarchés Sainsbury's et British Airways. La BBC est responsable de l'extravagance télévisée en direct du Red Nose Day ; BT fournit la téléphonie et Sainsbury's vend des marchandises au nom de l'association caritative. Les comptes de juillet 2010 de l'organisme de bienfaisance enregistré 326568 montrent des versements de subventions de 59 millions de livres sterling, un actif net de 135 millions de livres sterling, avec un portefeuille d'investissement détenu dans une gamme de fonds communs gérés et de dépôts à terme. L'effectif moyen à temps plein était de 214 personnes, dont 14 salariés payés plus de 60 000 £ avec une rémunération annuelle, hors pensions, pour Kevin Cahill, directeur général de 120 410 £. En 2002, Comic Relief et BBC Sport se sont associés pour créer Sport Relief, une nouvelle initiative visant à unir la communauté sportive et à aboutir à une soirée de sport, de divertissement et de collecte de fonds sur BBC One. Sport Relief est un événement caritatif biennal et la campagne alterne délibérément les années avec le Red Nose Day, l'événement phare de Comic Relief. Le Jour du Nez Rouge a lieu les années impaires et le Sport Relief les années paires. En 2009, Comic Relief a lancé un site Internet appelant à une taxe sur les transactions financières, la taxe « Robin des Bois ». À la fin du téléthon Red Nose Day 2015, le 14 mars, il a été annoncé qu'au cours des 30 ans d'histoire de Comic Relief, les appels au Red Nose Day et au Sport Relief avaient permis de récolter plus d'un milliard de livres sterling (1 047 083 706 £). Histoire de la Journée du Nez Rouge Le Red Nose Day est le principal moyen par lequel Comic Relief collecte des fonds. La première Journée du nez rouge (RND) a eu lieu le 5 février 1988, date à laquelle elle a été lancée comme Journée nationale de la comédie. Il a eu lieu à nouveau l'année suivante et par la suite tous les deux ans depuis. Ils ont eu lieu le deuxième ou le troisième vendredi de mars. Le concept a été créé par Wendy Crossman (née Robinson), directrice de la collecte de fonds de Comic Relief. De nombreuses écoles organisent des journées sans uniforme sur le thème du rouge (c'est-à-dire que les élèves doivent porter quelque chose de rouge dans le cadre de leur tenue non uniforme). La journée se termine par un téléthon en direct sur BBC One, qui commence le soir et se poursuit jusqu'aux petites heures du matin, mais d'autres événements de collecte de fonds ont lieu. Comme son nom l'indique, cette journée implique le port de nez rouges en plastique/mousse disponibles, en échange d'un don, dans les magasins Sainsbury's et Oxfam. À la télévision La programmation télévisée commence dans l'après-midi, avec CBBC présentant divers reportages connexes, des événements de collecte de fonds et des critiques de célébrités. Tout cela se situe entre les programmes réguliers, mais après le journal de 18 heures, la grille normale de BBC One est suspendue à 19 heures au profit d'une émission en direct, avec une pause à 22 heures pour le programme d'information régulier. Tandis que BBC News at Ten est diffusé sur BBC One, Comic Relief continue sur BBC Two, puis reprend sur BBC One à 22h35, chaque heure étant supervisée par une équipe de célébrités différente. Ces célébrités font le travail gratuitement, tout comme l'équipe, avec un studio et des installations de production offerts par la BBC. Les thèmes réguliers tout au long des émissions incluent des parodies d'émissions populaires récentes, des films et des clips, des événements et des versions spécialement filmées d'émissions comiques. Smith et Jones, ainsi qu'un sketch parodique mettant en vedette Rowan Atkinson, sont tous deux régulièrement présentés. Présentateurs *Adam Buxton (2003) *Joe Cornish (2003) * Fourmi et décembre (2001-03) * Lenny Henry (2003-07, 2011-) *Bob Mortimer (2003) *Graham Norton (2003-11) *Vic Reeves (2003) *Jonathan Ross (2001-13) *Chris Evans (2005-07) *Davina McCall (2005–) *Dermot O'Leary (2005, 2011-13) * Fearne Coton (2007-12, 2015-) *Russell Brand (2007, 2013) *Jeremy Clarkson (2007) *Nick Frost (2007) *Richard Hammond (2007) *James May (2007) *Paul O'Grady (2007) *Simon Pegg (2007) *Kate Thornton (2007) * Fougère Britton (2009) *Alan Carr (2009-13) *James Corden (2009) * Tess Daly (2009, 2015–) * Noël Fielding (2009) * Mathew Horne (2009) *David Tennant (2009, 2013) *Claudia Winkleman (2009–) *Reggie Yates (2009) *Kevin Bridges (2011) *Jimmy Carr (2011) * Michael McIntyre (2011-2013) *Jack Whitehall (2011-13) * John Bishop (2013–) *Rob Brydon (2013) *David Walliams (2013–) *Sarah Millican (2015–) *Greg James (2015–) Années 1980 et 1990 1988 La première Journée du nez rouge a eu lieu le vendredi 5 février 1988 avec le slogan : « The Plain Red Nose » et a permis de récolter 15 millions de livres sterling. 1989 Le deuxième Red Nose Day a eu lieu le vendredi 10 mars 1989 avec le slogan : « Red Nose Day 2 » et a permis de récolter 27 millions de livres sterling. 1991 La troisième Journée du nez rouge a eu lieu le vendredi 15 mars 1991, avec le slogan « The Stonk », et a permis de récolter 20 millions de livres sterling. La chanson caritative était "The Stonk" interprétée par Hale & Pace. 1993 La quatrième Journée du nez rouge a eu lieu le vendredi 12 mars 1993 avec le slogan « L'invasion des tomates comiques » et a permis de récolter 18 millions de livres sterling. 1995 La cinquième Journée du nez rouge a eu lieu le vendredi 17 mars 1995, avec le slogan "Quelle différence un jour fait", et a permis de récolter 22 millions de livres sterling. événement de 1997 L'événement Red Nose Day 1997 a eu lieu le 14 mars. Son slogan pour l'année était « Petit changement – ​​Grande différence ». L'événement a permis de récolter plus de 27 millions de livres sterling pour des causes caritatives. La chanson des Spice Girls "Who Do You Think You Are" est devenue le single officiel Comic Relief de cet événement et s'est vendue à 672 577 exemplaires. Le téléthon était animé par le père Ted Crilly (Dermot Morgan) et le père Dougal McGuire (Ardal O'Hanlon), personnages de la sitcom Father Ted. événement de 1999 Le Red Nose Day de 1999 a eu lieu le 12 mars et a permis de récolter plus de 35 millions de livres sterling. Les hôtes éternels Jonathan Ross et Lenny Henry ont été rejoints par Davina McCall, Chris Evans, Ben Elton, Jack Dee et Julian Clary, Peter Snow fournissant des mises à jour régulières sur les dons. Angus Deayton a organisé un jeu de panel croisé en direct, Have I Got Buzzcocks All Over. Une parodie de la série Doctor Who mettant en vedette Rowan Atkinson dans le rôle du Docteur, Doctor Who et la malédiction de la mort fatale, a été présentée pendant l'émission, tout comme Wetty Hainthropp Investigates (une parodie de Victoria Wood de Hetty Wainthropp Investigates) et The Naughty Men (un pilote simulé de 1967 pour Men Behaving Badly). Sur Radio 1, Simon Mayo a établi le record de 37 heures de diffusion consécutives (qui a ensuite été battu en mars 2011 par Chris Moyles sur la même station pendant 52 heures), "BBC Radio 1's Longest Show Ever with Chris Moyles and Comedy Dave for Comic Relief". ", le record mondial de la plus longue émission de l'histoire de la radio). La chanson Comic Relief de 1999 était When the Going Gets Tough de Boyzone. années 2000 événement 2001 La Journée du nez rouge 2001 a eu lieu le 16 mars. Le montant total récolté s'élève à 61 000 140 £. En plus des dons le soir de l'émission télévisée, l'argent provient d'événements sponsorisés dans tout le pays et du merchandising, en particulier des nez rouges eux-mêmes. 5,8 millions de nez rouges ont été vendus, soit environ un dixième de la population britannique. La finale de Celebrity Big Brother 1 a également été diffusée. événement 2003 La Journée du nez rouge 2003 a eu lieu le 14 mars. Les activités de collecte de fonds comprenaient Lenny Henry qui a fourni la voix de l'horloge parlante entre le 10 et le 23 mars, le coût de l'appel étant reversé à Comic Relief. Le soir du spectacle en direct, 35 millions de livres sterling ont été récoltés, un record pour la soirée. Un total de 61 477 539 £ a été collecté cette année-là, établissant un nouveau record. Jack Dee se tenait dehors au sommet d'un poteau pendant toute la durée du spectacle, parodiant les actes de David Blaine. Celebrity Driving School a précédé l'événement, avec les résultats des tests annoncés lors du téléthon : ils ont tous échoué. Les hôtes du Red Nose Day 2003 étaient : *Jonathan Ross *Lenny Henri *Anthony McPartlin *Declan Donnelly *Vic Reeves *Bob Mortimer *Graham Norton *Adam Buxton *Joe Cornish Spectacles inclus Comme d'habitude, diverses versions spécialement filmées d'émissions de télévision ont été réalisées. L'émission de talents populaire de la BBC, Fame Academy, est de retour alors que Comic Relief fait Fame Academy. Autres spectacles inclus: *EastEnders *Au revoir animal de compagnie *Défi universitaire *École de conduite de célébrités Harry Potter et le pot de chambre secret d'Azerbaïdjan, une parodie de Harry Potter, avec Dawn French dans le rôle de Harry Potter, Jennifer Saunders dans le rôle de Ron Weasley et Miranda Richardson dans le rôle d'Hermione Granger. événement 2005 La Journée du Nez Rouge 2005 a eu lieu le 11 mars et a été animée par un groupe de stars de la télévision : *Chris Evans *Lenny Henri *Davina McCall *Graham Norton *Dermot O'Leary *Jonathan Ross L'événement de 2005 a également été remarquable pour son soutien à la campagne Abolissons la pauvreté : de nombreuses vidéos enregistrées pour la campagne MPH (y compris des vidéos de Bono et Nelson Mandela) ont été projetées tout au long de la soirée. Plus de 63 millions de livres sterling ont été collectés en novembre 2005. Spectacles inclus Comme d'habitude, diverses versions spécialement filmées d'émissions de télévision ont été réalisées. L'émission de talents populaire de la BBC, Comic Relief Does Fame Academy, a réuni des célébrités chantant des reprises de chansons. Les téléspectateurs ont voté pour leur favori, les bénéfices étant reversés à la cause et à la célébrité. Autres spectacles inclus: *Absolument fabuleux *Petite-Bretagne, je veux celui-là *Le Vicaire de Dibley *Aile verte *Spider-Plant Man, une parodie de Spider-Man avec Rowan Atkinson. Le téléthon de 2005, plus que tout autre, a été largement dépassé et de nombreux segments pré-filmés ont été interrompus, notamment TV Burp de Harry Hill, Al Murray, Smith et Jones et Lenny Henry dans le rôle de Condoleezza Rice. Les versions non coupées n'ont jamais été projetées. McFly a sorti le single officiel, une double face A de "All About You/You've Got a Friend" qui a atteint le numéro 1 du classement des singles britanniques, et également le numéro 1 du classement des singles irlandais. La couverture est majoritairement rouge et présente les membres de McFly vêtus de rouge, portant un nez rouge, en l'honneur du Red Nose Day. Levé en mars 2006 : 65 millions de livres sterling. événement 2007 La Journée du nez rouge de 2007 a eu lieu le 16 mars. Son slogan est « The Big One » qui est également représentatif du nez nouveauté. Walkers, Kleenex et Andrex ont également fait la promotion de l'association, ainsi que de Sainsbury's. Certains des croquis présentés étaient : Le Vicaire de Dibley. A Question of Comedy, un quiz comique utilisant le format (et le décor) de A Question of Sport, était également destiné à être diffusé, et animé par Jack Dee, avec les capitaines d'équipe Frank Skinner, Dara Ó Briain et M. Bean et des invités, dont Jade Goody. Cependant, à la lumière de la controverse sur le racisme de Celebrity Big Brother impliquant Goody, le segment préenregistré a été abandonné par les producteurs de la BBC. À l’approche du Jour du Nez Rouge, de nombreux événements de collecte de fonds ont eu lieu : * À partir du vendredi 9 mars 2007, l'équipe du petit-déjeuner de BBC Radio 1 a organisé une tournée à travers le Royaume-Uni intitulée The Chris Moyles Rallyoke. La tournée comprenait sept soirées karaoké organisées dans un lieu bien connu du Royaume-Uni avec des membres du public et des célébrités et artistes musicaux bien connus. La plupart des émissions de Radio 1 rendent compte de leurs progrès et organisent des concours pour gagner des billets pour participer à la finale du Red Nose Day, ainsi que pour gagner le contenu d'un camion offert par diverses célébrités. En plus de collecter des fonds à chaque événement, les bénéfices des concours téléphoniques sont reversés à Comic Relief, pour un total de 600 000 £. * Les événements télévisés comprenaient une troisième série de Comic Relief Does Fame Academy, et une version célèbre de The Apprentice intitulée Comic Relief Does The Apprentice a également été projetée. Un hybride spécial de Top of the Pops et Top Gear intitulé Top Gear of the Pops a également été créé pour le Red Nose Day. Il mettait en vedette ses présentateurs Jeremy Clarkson, Richard Hammond et James May chantant avec Justin Hawkins, ainsi que des segments Top Gear tels que The Cool Wall. * Les produits de collecte de fonds vendus au cours de la campagne 2007 comprenaient le Big One (Red Nose) lui-même, « Walkears », un chiot Andrex avec un nez rouge, un DVD spécial Little Britain Live et le single officiel, qui était une reprise de « Walk » d'Aerosmith. This Way' chanté par Girls Aloud et Sugababes. *Le dernier épisode du Vicaire de Dibley a été diffusé dans le cadre de l'émission, avec le casting habituel. Il mettait en vedette Sting participant à une émission télévisée de célébrités et de non-entités, échangeant ses épouses avec le mari du vicaire, Harry. *Le Little Britain Live spécial mettait en vedette des personnalités telles que : Dennis Waterman, Chris Moyles, Jonathan Ross, Kate Moss et Russell Brand. Kate Moss a joué un chav, Russell Brand a joué un travesti, et Chris Moyles et Jonathan Ross ont été recrutés soit comme de petits rôles, soit comme des personnes venant vers le public pour être embarrassées. *Il y avait plusieurs sketchs de Catherine Tate : dans lesquels David Tennant (avec qui elle travaillerait à nouveau un an plus tard dans Doctor Who, auquel il fait référence et dont il plaisante dans le sketch) est devenu professeur d'école ; Daniel Craig est tombé amoureux de Tate ; Lauren, une adolescente bavarde, a reçu une expérience de travail au 10 Downing Street, ce qui a amené Tony Blair à utiliser son slogan « Suis-je bovvered ? » ; et "Nan" grossier est apparu avec Noel Edmonds sur Deal or No Deal. *Pour gagner de l'argent supplémentaire, Peter Kay et Matt Lucas ont sorti une reprise du hit des Proclaimers, I'm Gonna Be, et l'ont sorti sous la forme d'un single « I Should Roll (500 Miles) » (tous deux jouaient des personnages en fauteuil roulant de Little Britain et les Nuits du Phénix). De nombreux invités célèbres y ont également participé. *Il y avait aussi un spectacle live de The Mighty Boosh. événement 2009 L'événement 2009 a eu lieu le vendredi 13 mars 2009. Les collecteurs de fonds avaient le choix entre trois modèles de nez différents : « celui-ci », « celui-là » et « l'autre » – tous avec des expressions faciales différentes. Les samedis ont fourni le single officiel, une reprise de « Just Can't Get Enough ». De nombreux événements et promotions ont eu lieu avant le grand jour. Le directeur général de Comic Relief a annoncé que les monuments du Royaume-Uni devenaient rouges avant le grand jour. Claudia Winkleman et Steve Jones ont présenté un nouveau spectacle Comic Relief intitulé Let's Dance for Comic Relief. Un livre spécial de Mr. Men en édition limitée, Mr. Funny's Red Nose Day, a été mis en vente avec 2 £ provenant de la vente de chaque livre allant à Comic Relief. Entre le 3 février et le 23 mars 2009, Kimberley Walsh, Cheryl Cole, Gary Barlow, Chris Moyles et Fearne Cotton ont collecté des fonds en prêtant leur voix à BT Speaking Clock. Composer le 123 était l'un des moyens par lesquels BT espère collecter plus de 300 000 £, car la société a fait don de 10 pence pour chaque appel reçu depuis une ligne fixe BT. L'ascension du Nez Rouge a vu neuf célébrités escalader avec succès le sommet du Kilimandjaro à 19 330 pieds pour atteindre le sommet de la plus haute montagne d'Afrique afin de collecter des fonds pour Comic Relief. Le 27 février 2009, Gary Barlow, Ronan Keating, Chris Moyles, Ben Shephard, Cheryl Cole, Kimberley Walsh, Denise Van Outen, Fearne Cotton et Alesha Dixon partent en Tanzanie pour affronter le mont Kilimandjaro avec le chef de projet et guide Jeremy Gane de Charity. Défi. The Climb avait déjà récolté plus de 3,3 millions de livres sterling, dont plus de 1,8 millions de livres sterling provenant de l'audience de Radio 1 (un record pour la station). Les neuf célébrités ont atteint le sommet du mont Kilimandjaro le samedi 7 mars 2009. Cheryl Cole, Fearne Cotton, Denise Van Outen et Ben Shephard ont atteint le sommet en premier au lever du soleil, suivis de près par Ronan Keating, Kimberley Walsh et Gary Barlow. Dans l'après-midi du 14 mars, 59 187 065 £ avaient été donnés. Présentateurs années 2010 événement 2011 L'événement de 2011 a eu lieu le vendredi 18 mars 2011. 74,3 millions de livres sterling ont été collectés dans la nuit, le total le plus élevé jamais enregistré « dans la nuit ». Ce chiffre a été battu de 0,8 million de livres sterling lors de l'événement nocturne du Red Nose Day 2013. La soirée était animée par Lenny Henry, Fearne Cotton, James Corden, Davina McCall, Michael McIntyre, Graham Norton, Jack Whitehall, Kevin Bridges, Claudia Winkleman et Jonathan Ross. Whitehall et Bridges ont animé l'émission de fin de soirée avec certains de leurs clips comiques préférés dans leur Comic Relief Late Night Lock In. Les pièces comprenaient Harry Hill (une mise à jour basée sur Autumnwatch de l'épisode Goodies "Scatty Safari"), James Corden dans le rôle de Smithy, un croisement entre Miranda et Pineapple Dance Studios, le casting de Outnumbered, The Inbetweeners Rude Road Trip, Geraldine McQueen en duo avec Susan. Boyle, Newport State of Mind de Goldie Lookin' Chain, un épisode de The Choir sur le thème d'un chef célèbre, la première de la vidéo Comic Relief du single Happy Now de Take That, Armstrong et Miller, une présentation en avant-première d'Angry Boys de Chris Lilley, un spécial édition de Mid-Morning Matters d'Alan Partridge et Uptown Downstairs Abbey - une parodie de Jennifer Saunders et Adrian Edmondson (produite dans le style de French et Saunders) comprenant des apparitions de Victoria Wood, Harry Enfield, Joanna Lumley, Patrick Barlow, Dale Winton, Olivia Colman, Tim Vine, Simon Callow et les voix de Michael Gambon et Harry Hill. En plus des émissions comiques, des mini-épisodes canoniques spéciaux d'EastEnders et de Doctor Who ont également été diffusés. Les invités musicaux comprenaient Adele, Annie Lennox, Elbow, JLS, Take That, The Wanted et The Axis of Awesome. L'événement a réuni de nombreuses autres personnalités célèbres, dont Ross Kemp, Gordon Brown, Sebastian Coe, David Cameron, Rio Ferdinand, Paul McCartney et bien d'autres. En plus de l'absence continue de Rowan Atkinson, deux autres partisans éminents de l'association étaient absents en 2011 – il s'agissait du tout premier événement Comic Relief à ne présenter aucune contribution de Dawn French, et le premier depuis plus de dix ans à ne comporter aucune contribution de Matt Lucas. De même, plusieurs autres contributeurs fréquents des années précédentes sont apparus uniquement dans des films d'appel ou dans le cadre de l'événement 24 Hour Panel People. Lenny Henry est cependant finalement revenu après une absence pour interpréter du matériel comique. Les programmes TV et radio qui ont précédé l'événement principal comprennent : * Let's Dance for Comic Relief (19 février – 12 mars) * Célèbre, riche et dans les bidonvilles. * Un panel de 24 heures a eu lieu pendant vingt-quatre heures du 5 au 6 mars. L'événement a été marqué par une succession de programmes populaires, avec une présence constante de David Walliams pendant 24 heures, assumant différents rôles. * Comic Relief fait du Glee Club * Le Trek du désert BT Red Nose * Soulagement comique : Fille sur fil * L'émission la plus longue de Radio 1 avec Chris Moyles et Comedy Dave pour Comic Relief Le fabricant de snacks Walkers a créé quatre nouvelles saveurs de chips pour Comic Relief 2011. Chaque saveur porte le nom d'un comédien britannique ; Le dîner rôti de Frank Skinner, Jimmy Con Carrne, Steak and Al Pie et Stephen Fry Up. The Wanted a sorti le single officiel de la bande dessinée 2011 "Gold Forever" le 13 mars. Parmi les autres singles de Comic Relief, citons la reprise par George Michael de la chanson "True Faith" de 1987 de New Order et la chanson "Happy Now" de Take That avec Take That et Fake That composée de David Walliams, James Corden, John Bishop, Alan Carr et Catherine Tate. . Plus d'une centaine de célébrités seront impliquées dans "Twit Relief", un événement sur Twitter. Lord Prescott va lire les prévisions d'expédition sur BBC Radio 4 afin de collecter des fonds pour Comic Relief le samedi 19 mars 2011 vers 00h48. British Airways a établi un nouveau record mondial Guinness pour « le plus grand concert de comédie au monde » à l'occasion du Red Nose Day 2011, avec Dara Ó Briain, Jack Whitehall et Jon Richardson. La compagnie aérienne a collecté 800 747 £ pour Comic Relief grâce à son partenariat caritatif « Flying Start ». Présentateurs événement 2013 L'événement 2013 a eu lieu le vendredi 15 mars 2013. À la fin de la nuit, Comic Relief a collecté 75 107 852 £. One Direction a enregistré le single officiel "One Way or Another", un medley de "One Way or Another" de Blondie et "Teenage Kicks" de The Undertones. Le single est sorti le 17 février 2013. Les programmes télévisés qui ont précédé l'événement principal comprenaient : * Le grand soulagement comique Bake Off * Excellent menu britannique pour le soulagement comique * Dansons pour un soulagement comique * Comic Relief fait le Glee Club * Big Chat de Comic Relief avec Graham Norton * Debout pour le soulagement comique * Grimmy's Comic Relief Tard dans la nuit * Spécial Blue Peter Comic Relief * Marie et Marthe * À travers l'enfer et les hautes eaux * Spécial inutile Comic Relief événement 2015 L'événement 2015 a eu lieu le vendredi 13 mars 2015. Il a été diffusé en direct pour la première fois au London Palladium, avec 99 418 831 £ récoltés, le plus élevé à ce jour. Les programmes télévisés qui ont précédé l'événement principal comprenaient : * Le grand soulagement comique Bake Off * Jouons aux fléchettes pour un soulagement comique * Le peuple est strictement pour le soulagement comique * Le seul spectacle * Opération Santé Notes Collecte de fonds * Y compris l'argent récolté par Sport Relief Marchandise Divers articles de marchandises ont été vendus pour promouvoir et collecter des fonds pour Comic Relief. En 1991, la bande dessinée de secours totalement stupéfiante, étonnamment éducative et totalement époustouflante a été publiée par Fleetway. Conçu, tracé et édité par Neil Gaiman, Richard Curtis, Grant Morrison et Peter K. Hogan, il présentait les contributions d'un large éventail de talents de la bande dessinée britannique, dont Jamie Delano, Garth Ennis, Dave Gibbons, Mark Millar, Simon Bisley, Mark Buckingham. , Steve Dillon, D'Israeli, Jamie Hewlett et Bryan Talbot. (Alan Moore, sans doute l'auteur de bandes dessinées le plus célèbre de Grande-Bretagne, n'a pas été crédité pour avoir travaillé sur le livre, ayant juré de ne plus jamais travailler pour Fleetway, mais il aurait travaillé avec sa partenaire Melinda Gebbie sur ses pages.) La bande dessinée était unique en ce sens qu'elle présentaient des apparitions de personnages de tout le spectre des éditeurs de bandes dessinées, notamment les super-héros Marvel et DC, les personnages de Beano, Dandy, Eagle et Viz, Doctor Who, les Teenage Mutant Ninja Turtles, en plus d'une cavalcade de personnages de la comédie britannique (à la fois réels et fictifs). ). Tout cela était lié par les deux récits de cadrage de la soirée Comic Relief elle-même et par l'histoire de « l'homme le plus méchant de Grande-Bretagne », Sir Edmund Blackadder, persuadé de donner de l'argent à l'événement. La bande dessinée "s'est vendue en quelques minutes", récoltant plus de 40 000 £ pour l'association caritative, et est désormais un objet de collection très prisé. Comic Relief a également vendu des chaussettes en coton équitables auprès d'un certain nombre de fournisseurs. C'est principalement pour leur association caritative Sport Relief. En 1993, un jeu de plateforme informatique est sorti, appelé Sleepwalker. Le jeu présentait des voix off de Lenny Henry et Harry Enfield, ainsi que plusieurs autres références à Comic Relief et aux tomates ; le thème de la campagne de 1993. En 2001, J. K. Rowling a écrit deux livres pour Comic Relief basés sur sa célèbre série Harry Potter, intitulés "Les Animaux Fantastiques et où les trouver" et "Le Quidditch à travers les âges". En 2007, Walkers a complété la marchandise habituelle en ajoutant sa propre version du nez rouge, faisant plutôt la promotion des oreilles rouges. Les grandes oreilles, surnommées « Walk-ears », sont basées sur une très vieille blague impliquant les oreilles réelles de l'ancien footballeur Gary Lineker, qui dirige leur campagne publicitaire depuis le début des années 1990. Walkers avait déjà fait la promotion de l'association en 2005, en créant quatre saveurs croustillantes inhabituelles en édition limitée. Le jeu 2007 du Red Nose Day, "Let It Flow", pouvait être joué en ligne. Ce jeu a été développé par Matmi, spécialiste mondial du marketing viral, et se déroule dans la nature africaine. Des hyènes espiègles avaient gâché le système d'irrigation de l'eau qui alimentait les cultures. Vous avez dû aider à réorganiser les tuyaux pour permettre à l'eau de s'écouler vers les cultures afin de les maintenir en vie. Une fois les tuyaux disposés, il fallait actionner la trompe de l'éléphant pour pomper l'eau à travers les conduites d'eau. Pour la campagne 2007, Andrex, connu pour sa campagne publicitaire mettant en scène un chiot Labrador, a offert des chiots jouets au nez rouge. En tant que partenaire de soutien, Jackpotjoy a lancé deux jeux Red Nose Day pour le Red Nose Day 2011. nez rouge Le symbole le plus important de Comic Relief est un « nez rouge » en plastique/mousse, qui est offert dans divers supermarchés et magasins caritatifs tels qu'Oxfam en échange d'un don à l'association caritative et pour faire rire les autres. Les gens sont encouragés à porter le nez lors de la Journée du nez rouge pour contribuer à faire connaître l'organisme de bienfaisance. Le dessin du nez a été modifié chaque année, en commençant par un nez assez simple, qui a ensuite fait pousser des bras, s'est transformé en tomate et a même changé de couleur. En 2007, le nez rouge était en mousse ; il s'agissait de faciliter la « croissance » du nez (en le faisant rouler dans les mains de l'utilisateur) pour rester en phase avec le slogan de cette année-là, The Big One (voir le tableau ci-dessous). Des nez plus grands sont également disponibles et sont conçus pour être fixés à l'avant des voitures, des bâtiments et, en 2009, un nez gonflable de 6 m de diamètre a été fixé au ferry de croisière DFDS Seaways King of Scandinavia. Cependant, le matériau du nez utilisé pour les bâtiments a été classé comme présentant un risque d'incendie et a été interdit des spectacles de la Comic Relief Does Fame Academy. Chronologie des nez , il y a eu 20 nez rouges différents sur 14 émissions Comic Relief. Trois nez par événement ont été lâchés de 2009 à 2013. En 2015, neuf nez ont été lâchés. Chronologie des nez de voiture Une sélection de « nez de voiture » du Red Nose Day a été produite au fil des ans, pour montrer son soutien à l'association caritative lors de ses déplacements. Il s'agit traditionnellement d'un nez incurvé qui se fixe à la calandre de la voiture. En 2009, celui-ci a été remplacé par une conception magnétique pour des raisons de sécurité. Le modèle original pouvant être fixé au gril est revenu en 2011, pour la première fois depuis 1999. 2014 a vu la nouvelle version de 2 nez Flip Flap, les modèles de nez rouges Poppy et drapeau anglais et les premiers nez en papier pour voitures et la 1ère année pour 2 nez de voiture. Célibataires caritatifs En avril 1986, le premier disque caritatif Comic Relief est sorti. Il mettait en vedette Cliff Richard et le casting de The Young Ones dans une interprétation de "Living Doll". Une partie de l’argent récolté grâce à la vente de chaque single est reversée à Comic Relief. Normalement, une chanson sort juste avant le Red Nose Day officiel. Il y a eu des exceptions, comme « (Je veux être) élu » qui a été publié pour coïncider avec les élections générales britanniques de 1992. Avant la chanson de 1995, il s'agissait tous plus ou moins de disques de comédie, impliquant principalement un véritable groupe ou chanteur et un groupe de comédie. À partir de 1995, elles sont généralement plus sérieuses, même si les vidéos comportent toujours des moments comiques. 2003 a vu un retour au format d’antan. À partir de 2005, deux chansons de bande dessinée ont été publiées chaque Red Nose Day, une chanson d'un artiste grand public et une chanson comique. En 1991, un clip vidéo intitulé Helping Hands a été créé, qui comprenait de nombreuses personnalités de marionnettes télévisées pour enfants, notamment des personnages de « The House of Gristle », « Fraggle Rock », « Rainbow », « Roland Rat », « Thunderbirds », « Round the Bend', 'Bill & Ben', 'The Gophers', 'Spitting Image', 'Jim Hensons Tale of the Bunny Picnic' et plus encore. La chanson n'est jamais sortie. * "Is This the Way to Amarillo", bien que publié expressément dans le but de reverser les bénéfices à Comic Relief, n'était pas un single officiel de Comic Relief. La chanson a été initialement interprétée par Peter Kay (synchronisation labiale sur la voix de Tony Christie) pendant la soirée, et a ensuite été publiée en single. C'était le single numéro un pendant sept semaines, et au cours de sa première semaine, il a dépassé le reste du Top 20 combiné. * En 2007, une version de la chanson « 500 Miles » des Proclaimers, sortie le 19 mars, mettait en vedette Peter Kay et Matt Lucas dans le rôle de leurs personnages en fauteuil roulant Brian Potter et Andy Pipkin. Avant sa sortie officielle, la chanson a atteint le numéro 3 sur la base des seuls téléchargements. Le single a atteint le numéro un le 25 mars, éliminant le single officiel de Comic Relief "Walk This Way" de la première place. * En 2009, la sortie comique a pris le pas sur la sortie single d'un artiste grand public. Ruth Jones et Rob Brydon de Gavin et Stacey ont couvert "Islands in the Stream" pour l'événement, celui-ci étant publié la semaine de Comic Relief. Les samedis ont sorti leur disque une semaine plus tôt. * "Gold Forever" est le premier single du deuxième album studio de The Wanted, Battleground. Il s'agit également d'un single promotionnel sur leur premier album américain de 2012, The Wanted EP. * C'était un simple double-A De plus, la première chanson des Red Nose Day Schools (« Make Someone Happy ») a été publiée en 2007. Un CD de la chanson, accompagné de morceaux d'accompagnement et d'idées de collecte de fonds, a été envoyé gratuitement à toutes les écoles primaires du Royaume-Uni en février. par l'éditeur de musique éducative « Out of the Ark Music ». Les écoles seront libres d'utiliser la chanson lors d'assemblées, de marathons de musique ou d'autres activités de collecte de fonds. Une deuxième chanson du Red Nose Day a été publiée pour que chaque école du Royaume-Uni puisse l'utiliser gratuitement. Il peut être téléchargé sur le site Web Red Nose Day 09 ou visionné sur YouTube, et une copie est envoyée à chaque école primaire du Royaume-Uni. Il a de nouveau été publié par "Out of the Ark" music et contient une mélodie plus optimiste que la chanson de 2007. Il a été enregistré aux Hook Studios, Hook, Surrey, par le Out of the Ark Choir, entièrement composé d'enfants. Les enfants de la vidéo portent des T-shirts Comic Relief en édition spéciale de Stella McCartney et ont été filmés en noir et blanc afin que seul le rouge ressorte. des reproches Le manque d'égalité des sexes dans les causes soutenues par Comic Relief a suscité certaines inquiétudes, une grande partie du financement étant versée à des œuvres caritatives politisées pour les femmes ou à des œuvres caritatives axées sur les femmes. Écrivant dans The Spectator, Ross Clark a soulevé la question suivante : « Pourquoi toutes ces organisations caritatives de femmes… ressentent-elles le besoin de déguiser leur collecte de fonds dans le festival qu'est Comic Relief plutôt que de faire appel directement au public ? » Il a ajouté : « craignent-ils que si le public britannique réalisait où va son argent, il serait moins enclin à être aussi généreux ? » Il existe également plus d'annonces pour que des stagiaires non rémunérés travaillent aux côtés du personnel rémunéré de la BBC et de Comic Relief. La British Stammering Association a critiqué le comédien Lenny Henry pour son sketch d'ouverture du Comic Relief 2011, au cours duquel il a usurpé le film The King's Speech et s'est impatienté face au portrait du roi George VI par Colin Firth alors qu'il bégayait sur son discours. Le Sun a rapporté que la British Stammering Association avait qualifié le sketch de « joie grossière et dégoûtante de souligner le malheur de quelqu'un d'autre ». Les millions de livres sterling donnés à Comic Relief ont été investis dans des fonds contenant des actions dans des sociétés de tabac, d'alcool et d'armement. Événements similaires en dehors du Royaume-Uni États-Unis Inspirée par l'association caritative britannique, une organisation caritative américaine Comic Relief a été fondée en 1986 par Bob Zmuda. Comic Relief était un événement organisé de manière irrégulière, télévisé sur Home Box Office (HBO), qui a permis de collecter et de distribuer près de 50 millions de dollars américains pour fournir des services de soins de santé aux sans-abri à travers les États-Unis. Les comédiens Robin Williams, Billy Crystal et Whoopi Goldberg sont les hôtes de l'événement. L'émission HBO Comic Relief de 1989 a lancé la chanson "Mr. President", écrite par Joe Sterling, Ray Reach et Mike Loveless. La chanson a été chantée par Al Jarreau et Natalie Cole. Le 18 novembre 2006, l'événement a été relancé pour collecter des fonds pour les personnes touchées par l'ouragan Katrina et a été diffusé simultanément sur TBS. Richard Curtis a également créé le spécial Idol Gives Back pour American Idol, qui suit le même principe de base que Comic Relief, avec des courts métrages spécialement filmés.

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Quel est le nom de la station de métro de Londres à EastEnders ?

Walford East

EastEnders est un feuilleton britannique ; le premier épisode a été diffusé au Royaume-Uni sur BBC One le 19 février 1985. Les intrigues d'EastEnders examinent la vie domestique et professionnelle des personnes qui vivent et travaillent dans le quartier fictif de Walford, dans l'East End de Londres. La série se concentre principalement sur les habitants d'Albert Square, une place victorienne de maisons mitoyennes, et de ses rues voisines, à savoir Bridge Street, Turpin Road et George Street. Le quartier comprend un pub, un marché de rue, une boîte de nuit, un centre communautaire, un salon funéraire, un café, un bar à vin, diverses autres petites entreprises, un parc et des jardins familiaux. La série était initialement projetée en deux tranches d'une demi-heure par semaine. Depuis 2001, des épisodes sont diffusés chaque jour de la semaine, sauf le mercredi, sur BBC One. Une rediffusion le même jour a été diffusée sur BBC Three, de 2004 au 15 février 2016, après quoi W a repris la diffusion. Une édition omnibus a été diffusée un dimanche, de 1985 jusqu'à son arrêt, en 2015, mais, comme pour la rediffusion, elle a été reprise par W en 2016. Il s'agit de l'un des programmes les mieux notés du Royaume-Uni, apparaissant souvent à proximité ou en tête des audiences BARB de la semaine. Huit mois après son lancement, il a atteint la première place des audiences et est resté régulièrement parmi les programmes télévisés les mieux notés en Grande-Bretagne. En 2013, la part d'audience moyenne d'un épisode était d'environ 30 pour cent. Créé par la productrice Julia Smith et le scénariste Tony Holland, EastEnders est resté un programme important en termes de succès et de part d'audience de la BBC, ainsi que dans l'histoire des séries télévisées britanniques, abordant auparavant de nombreuses questions controversées et tabous dans la culture et la vie sociale britanniques. invisible à la télévision grand public du Royaume-Uni. , EastEnders a remporté neuf BAFTA Awards et le Inside Soap Award du meilleur feuilleton pendant 14 années consécutives (de 1997 à 2012), ainsi que douze National Television Awards pour la série dramatique la plus populaire et 11 prix du meilleur feuilleton aux British Soap Awards. Il a également remporté 13 TV Quick et TV Choice Awards pour le meilleur feuilleton, six prix TRIC pour le feuilleton de l'année, quatre prix de la Royal Television Society pour le meilleur drame continu et a été intronisé au Temple de la renommée de la Rose d'Or. Paramètre Le point central d'EastEnders est la place victorienne fictive Albert Square dans le quartier fictif de Walford à Londres. Dans le récit de l'émission, Albert Square est une rue du XIXe siècle, nommée en l'honneur du prince Albert (1819-1861), époux de la reine Victoria (1819-1901, régnant de 1837 à 1901). Ainsi, au centre d'Albert Square se trouve la Queen Victoria Public House. Les fans ont essayé d'établir l'emplacement que Walford aurait à Londres s'il était réel. Walford East est une station de métro fictive pour Walford, et un plan du métro qui a été vu pour la première fois à l'antenne en 1996 montrait Walford East entre Bow Road et West Ham, à l'emplacement réel de Bromley-by-Bow sur les lignes District et Hammersmith & City. . Walford a le district postal de E20. Le district de code postal a été sélectionné comme s'il faisait partie de la zone de code postal E réelle qui couvre une grande partie de l'est de Londres, bien que le prochain district de code postal inutilisé dans la région était, et est toujours (), E19. Le E signifie Eastern.HMSO, The Inner London Letter Post, (1980) En 1917, les districts postaux actuels de Londres ont été attribués par ordre alphabétique en fonction du nom du bureau de tri principal de chaque district. Si Walford avait été affecté à ce schéma, il aurait reçu E17, qui est le district postal actuel de Walthamstow. En mars 2011, Royal Mail a attribué le district postal E20 au parc olympique de 2012. Le district postal d'EastEnders était jusque-là entièrement fictif, car les districts postaux de London East s'arrêtaient à cette époque à l'E18. Les créateurs de la série ont opté pour l'E20 au lieu de l'E19 car ils pensaient que cela sonnerait mieux. En septembre 2011, le code postal d'Albert Square a été révélé dans un épisode comme E20 6PQ. Un Albert Square existe dans l'East End de Londres à Ratcliff, et une autre place de ce type existe juste au-delà de l'East End à Stratford, mais les producteurs de la série ont basé la conception de la place sur Fassett Square à Dalston. Il y a aussi un marché près de Fassett Square, sur Ridley Road. Le code postal de la zone, E8, était l'un des titres de travail de la série. Le nom Walford est à la fois une rue de Dalston où vivait Tony Holland et un mélange de Walthamstow et Stratford, les quartiers du Grand Londres où les créateurs sont nés. D'autres parties de la place et les intérieurs du décor sont basés sur d'autres emplacements. Le pont est basé sur celui situé près du centre de télévision de la BBC, le Queen Vic sur l'ancien pub au bout de Scrubs Lane/Harrow Road NW10, et l'intérieur des Fowlers est basé sur une maison de Manor Road, Colchester, près de où vivait le directeur artistique superviseur. Le journal local fictif, la Walford Gazette, dans lequel apparaissent des événements d'actualité locaux tels que les arrestations ou les meurtres de personnages, reflète la véritable Hackney Gazette. Personnages EastEnders est construit autour de l'idée de relations et de familles fortes, chaque personnage ayant sa place dans la communauté. Ce thème englobe toute la Place, faisant de la communauté entière une sorte de famille, en proie aux bouleversements et aux conflits, mais qui se rassemble dans les moments difficiles. Le co-créateur Tony Holland était issu d'une grande famille de l'East End, et ces familles sont typiques des EastEnders. La première famille centrale était la combinaison de la famille Fowler, composée de Pauline Fowler, de son mari Arthur Fowler et des adolescents Mark Fowler et Michelle Fowler et de la famille Beale, composée de Pete Beale (le frère jumeau de Pauline), de son épouse Kathy Beale et leur fils adolescent Ian Beale. La mère de Pauline et Pete était la dominatrice Lou Beale, qui vivait avec Pauline et sa famille. Holland s'est inspiré des noms de sa propre famille pour les personnages. Les familles Watts et Mitchell ont joué un rôle central dans de nombreux scénarios notables d'EastEnders, la série ayant été dominée par les Watts dans les années 1980, les années 1990 se concentrant sur les Mitchell. Le début des années 2000 a vu un changement d'attention vers le clan féminin Slater nouvellement introduit, avant un regain d'intérêt pour la famille Watts restaurée à partir de 2003. Depuis 2006, EastEnders a été largement dominé par les familles Mitchell et Branning, bien que le début des années 2010 ait également a vu une attention renouvelée sur la famille Moon et, à partir de 2013, sur les Carters. Les Beales sont la famille la plus ancienne de la série, faisant partie d'EastEnders depuis ses débuts en 1985. Les personnes clés impliquées dans la production d'EastEnders ont souligné l'importance de l'idée de familles fortes pour le programme. Peggy Mitchell, en particulier, est connue pour sa répétition incessante de déclarations telles que « Vous êtes une Mitchell ! » et "Tout est une question de famille !". Pauline Fowler est également connue pour son insistance sur la famille et pour mentionner son frère et son mari afin de fidéliser les membres de sa famille. Sa mère Lou Beale est réputée pour ses réunions de famille et son approche traditionnelle de la famille. Plus récemment, Derek Branning exprime régulièrement l'importance d'une cellule familiale solide. En tant que frère aîné, il affirme constamment sa position de chef de famille et rappelle à chacun de se serrer les coudes dans les moments difficiles. De plus, Derek se réfère généralement à lui-même, à Max Branning et à Jack Branning comme « les frères Branning ». Certaines familles présentent une matriarche stéréotypée de l'East End. En effet, le rôle matriarcal a été observé dans diverses réincarnations depuis le début du programme, souvent décrit comme le centre de la cellule familiale. La matriarche originale était Lou Beale, bien que des exemples ultérieurs incluent Pauline Fowler, Mo Harris, Pat Butcher, Peggy Mitchell, Zainab Masood, Cora Cross et, dans une certaine mesure, Dot Cotton. Ces personnages sont perçus comme étant bruyants et interférents, mais surtout responsables du bien-être de la famille et soulignant généralement l'importance de la famille, réfléchissant au passé. Comme c'est la tradition dans les feuilletons britanniques, les personnages féminins en général sont au cœur du programme. Ces personnages comprennent des femmes fortes, audacieuses et qui souffrent depuis longtemps, qui affichent un comportement de diva et se battent stoïquement contre toute une série de tragédies et de malheurs. Ces personnages incluent Angie Watts, Kathy Beale, Sharon Watts, Pat Butcher, Denise Fox et Tanya Branning. À l’inverse, il existe des personnages féminins qui gèrent moins bien la tragédie, décrits comme des victimes éternelles et des souffrances sans fin, parmi lesquels Sue Osman, Little Mo Mitchell, Laura Beale, Lisa Fowler, Ronnie Mitchell et Linda Carter. La « tarte au cœur » est un autre personnage récurrent, souvent apprécié des téléspectateurs. Souvent, leur promiscuité masque une vulnérabilité cachée et un désir d’être aimé. Ces personnages incluent Pat Butcher (bien que dans ses dernières années, cela ait changé), Tiffany Mitchell, Kat Slater, Stacey Slater, Dawn Swann et Roxy Mitchell. L'équilibre entre les sexes dans la série est maintenu grâce à l'inclusion de diverses personnalités masculines "machos" telles que Mick Carter, Phil Mitchell, Grant Mitchell, Jack Branning et Max Branning, de "mauvais garçons" tels que Den Watts, Michael Moon et Vincent Hubbard, et des « idoles » comme Simon Wicks, Jamie Mitchell, Dennis Rickman et Joey Branning. Un autre type de personnage masculin récurrent est l’homme d’affaires élégamment habillé, souvent impliqué dans la culture des gangs et dans la criminalité et considéré comme une figure de l’autorité locale. Les exemples incluent Derek Branning, Steve Owen, Jack Dalton, Andy Hunter et Johnny Allen. Suite aux critiques visant à mettre trop l'accent sur les « gangsters » dans la série en 2005, ces personnages ont été considérablement réduits. Un autre personnage masculin récurrent vu dans EastEnders est le « perdant » ou le « toucher doux », des hommes souvent comiquement sous la coupe de leurs homologues féminins, parmi lesquels Arthur Fowler, Ricky Butcher, Lofty Holloway et Billy Mitchell. D'autres types de personnages récurrents qui sont apparus tout au long de la série sont les « effrontés » Pete Beale, Alfie Moon, Garry Hobbs et Kush Kazemi, les « filles perdues » comme Mary Smith, Donna Ludlow et Mandy Salter, les délinquants comme Stacey Slater, Jay Brown et Lola Pearce, des « méchants » comme Nick Cotton, Trevor Morgan, May Wright, Yusef Khan, Archie Mitchell et Dean Wicks, des « salopes » comme Cindy Beale, Janine Butcher, Lucy Beale, Abi Branning et Babe Smith et cockney" "wide boys" ou "wheeler dealers" comme Frank Butcher, Alfie Moon, Kevin Wicks, Darren Miller et Fatboy. Au fil des années, EastEnders a généralement présenté un certain nombre de résidents âgés, qui sont utilisés pour montrer leur vulnérabilité, leur nostalgie, leurs attributs de fidèle et sont parfois utilisés à des fins comiques. Les premiers résidents âgés comprenaient Lou Beale, Ethel Skinner et Dot Cotton. Au fil des années, ils ont été rejoints par Mo Butcher, Jules Tavernier, Marge Green, Nellie Ellis, Jim Branning, Charlie Slater, Mo Harris, Patrick Trueman, Cora Cross, Les Coker, Rose Cotton, Pam Coker, Stan Carter, Babe Smith et Claudette Hubbard. L'accent mis sur les personnages âgés a diminué depuis le début de la série. Le programme a plus récemment inclus un plus grand nombre d'adolescents et de jeunes adultes prospères dans le but de capter le jeune public de la télévision. Cela a suscité des critiques, notamment de la part de l'actrice Anna Wing, qui incarnait Lou Beale dans la série. Elle a commenté : "Je ne veux pas être déloyale, mais je pense qu'il faut quelques personnes mûres dans un feuilleton parce qu'elles lui donnent de la colonne vertébrale et du corps... si tous les personnages principaux sont jeunes, cela devient un peu maigre et inexpérimenté. devient trop léger." EastEnders est connu pour présenter un « double acte comique », démontré à l'origine avec les personnages de Dot et Ethel, dont l'amitié était l'une des plus durables de la série. D'autres exemples incluent Paul Priestly et Trevor Short, Huw Edwards et Lenny Wallace, Shirley Carter et Heather Trott, Garry Hobbs et Minty Peterson, Denise Fox et Zainab Masood, ainsi que Poppy Meadow et Jodie Gold. La majorité des personnages d’EastEnders appartiennent à la classe ouvrière. Les personnages de la classe moyenne deviennent parfois des habitués, mais ont eu moins de succès et deviennent rarement des personnages à long terme. Pour l’essentiel, les personnages de la classe moyenne existent comme des méchants, comme James Wilmott-Brown, May Wright, Stella Crawford et Yusef Khan, ou sont utilisés pour promouvoir des influences libérales positives, comme Colin Russell ou Rachel Kominski. EastEnders a toujours présenté une distribution culturellement diversifiée comprenant des personnages noirs, asiatiques, turcs, polonais et lettons. "L'expansion de la représentation minoritaire marque un éloignement du format traditionnel du feuilleton, offrant davantage de possibilités d'identification du public avec les personnages et donc un attrait plus large". Malgré cela, le programme a été critiqué par la Commission pour l'égalité raciale, qui a fait valoir en 2002 qu'EastEnders ne donnait pas une représentation réaliste de la « composition ethnique » de l'East End. Ils ont suggéré que la proportion moyenne de visages de minorités visibles sur EastEnders était considérablement inférieure à la population réelle des minorités ethniques dans les arrondissements de l'Est de Londres et qu'elle reflétait donc l'East End des années 1960, et non l'East End des années 2000. En outre, il a été suggéré qu'un élément de « symbolisme » et de stéréotypes entourait bon nombre de ces personnages minoritaires. Le programme a depuis tenté de résoudre ces problèmes. Un magasin de sari a été ouvert et divers personnages de différentes ethnies ont été présentés tout au long de 2006 et 2007, notamment la famille Fox, les Masood et divers artistes de fond. Cela faisait partie du plan du producteur Diederick Santer de « se diversifier », pour que EastEnders « se sente plus du 21e siècle ». Le 24 février 2009, pour la première fois dans l'histoire du feuilleton, un épisode entier a été projeté composé entièrement d'acteurs noirs. EastEnders a eu un succès variable auprès des personnages de minorités ethniques. La famille indienne Ferreira a peut-être eu le moins de succès, qui n'a pas été bien accueillie par les critiques ou les téléspectateurs et a été rejetée comme irréaliste par la communauté asiatique du Royaume-Uni. EastEnders a été félicité pour son portrait de personnages handicapés, notamment Adam Best (spina bifida), Noah Chambers (sourd), Jean Slater et sa fille Stacey (trouble bipolaire), Janet Mitchell (trisomie 21), Jim Branning (accident vasculaire cérébral). EastEnders a un roulement de casting élevé et les personnages sont régulièrement modifiés pour faciliter les intrigues ou actualiser le format. La série est également devenue connue pour le retour des personnages après leur départ de la série. Sharon Rickman est revenue en août 2012 pour son septième passage dans la série. Den Watts est revenu 14 ans après sa mort présumée, un exploit répété par Kathy Beale en 2015. Des figurants parlants, dont Tracey la barmaid (qui est dans la série depuis le premier épisode en 1985), ont fait des apparitions tout au long de la série. durée, sans être au centre d’un scénario majeur. Le personnage de Nick Cotton a acquis la réputation de faire des sorties et des retours constants depuis la première année du programme, jusqu'à la mort du personnage en 2015. Au cours des 30 ans d'histoire d'EastEnders, Sharon, Kathy Beale et Ian Beale sont les trois seuls personnages originaux restants dans le feuilleton, après le retour de Kathy d'entre les morts lors de l'épisode du 30e anniversaire d'EastEnders. Ian Beale est le seul personnage à être apparu continuellement depuis le premier épisode sans le quitter officiellement, et est le personnage le plus ancien d'EastEnders. Dot Cotton est le personnage féminin le plus ancien de la série depuis 1985, tandis que Pat Butcher est l'ancien personnage le plus ancien, apparaissant de 1986 jusqu'au début de 2012. Production Tournage La majorité des épisodes d'EastEnders sont tournés au BBC Elstree Center à Borehamwood, Hertfordshire. Lorsque le nombre d'épisodes a été augmenté à quatre par semaine, plus d'espace de studio était nécessaire, c'est pourquoi Top of the Pops a été transféré de son studio d'Elstree au BBC Television Center en avril 2001. Les épisodes sont produits en « quatuors » de quatre épisodes, chacun dont le tournage commence un mardi et prend neuf jours pour être enregistré. Chaque jour, entre 25 et 30 scènes sont enregistrées. Au cours de la semaine de tournage, les acteurs peuvent filmer jusqu'à huit à douze épisodes. Les scènes extérieures sont tournées sur un terrain de cinéma spécialement construit et les scènes intérieures se déroulent dans quatre studios. Les épisodes sont généralement filmés environ six à huit semaines avant leur diffusion. Durant la période hivernale, les tournages peuvent avoir lieu jusqu'à douze semaines à l'avance, en raison de moins de lumière du jour pour les tournages en extérieur. On sait que ce décalage horaire pose des problèmes lors du tournage de scènes en extérieur. Le 8 février 2007, de fortes chutes de neige sont tombées sur le plateau et le tournage a dû être annulé car les scènes qui devaient être tournées ce jour-là devaient être retransmises en avril. EastEnders est normalement enregistré à l’aide de quatre caméras. Lorsqu'un quatuor est terminé, il est monté par le réalisateur, le monteur vidéo et le superviseur du scénario. Le producteur examine ensuite les montages et décide si quelque chose doit être réédité, ce que fera le réalisateur. Une semaine plus tard, le son est ajouté aux épisodes et ceux-ci sont révisés techniquement et sont prêts à être diffusés s'ils sont jugés de qualité acceptable. Bien que les épisodes soient principalement enregistrés des semaines avant leur diffusion, EastEnders inclut occasionnellement des événements actuels dans leurs épisodes. En 1987, EastEnders a couvert les élections générales. Grâce à un plan conçu par les co-créateurs Smith et Holland, cinq minutes de matériel ont été coupées de quatre des épisodes préenregistrés précédant l'élection. Ceux-ci ont été remplacés par du matériel électoral spécialement enregistré, comprenant des représentants de chaque grand parti, et une scène enregistrée le lendemain de l'élection reflétant le résultat, qui a été diffusée le mardi suivant. Le résultat des élections générales de 2010 a été évoqué dans l'épisode du 7 mai 2010. Lors de la Coupe du Monde de la FIFA 2006, les acteurs ont filmé de courtes scènes suivant les événements du tournoi qui ont été intégrées au programme de l'épisode suivant. Des scènes de dernière minute ont également été enregistrées pour faire référence au cinquantième anniversaire de la fin de la Seconde Guerre mondiale en 1995, aux deux minutes de silence du jour du Souvenir 2005 (2005 étant également l'année du soixantième anniversaire de la fin de la Seconde Guerre mondiale). guerre et le 200e anniversaire de la bataille de Trafalgar), la victoire électorale de Barack Obama en 2008, la mort de Michael Jackson en 2009, l'examen complet des dépenses de 2010, la victoire d'Andy Murray en simple messieurs aux championnats de Wimbledon 2013, le mariage du prince William. et Kate Middleton, la naissance du prince George de Cambridge., l'Écosse votant non contre l'indépendance en 2014 et le 100e anniversaire du début de la Grande Guerre. EastEnders est souvent filmé sur place, loin des studios de Borehamwood. Parfois, un quatuor entier est filmé sur place, ce qui a une fonction pratique et est le résultat de la création par EastEnders d'une « double banque », lorsqu'une semaine supplémentaire d'épisodes est enregistrée en même temps que le programme régulier, permettant la production du programme s'arrêtera pour une pause de deux semaines à Noël. Ces épisodes sont souvent diffusés fin juin ou début juillet, puis fin octobre ou début novembre. La première fois que cela s'est produit, c'était en décembre 1985, lorsque Pauline (Wendy Richard) et Arthur Fowler (Bill Treacher) se sont rendus à Southend-on-Sea pour retrouver leur fils Mark, qui s'était enfui de chez lui. En 1986, EastEnders a tourné pour la première fois à l'étranger, à Venise, et c'était aussi la première fois qu'il n'était pas filmé sur bande vidéo, car une règle syndicale de l'époque empêchait les producteurs d'emmener une équipe vidéo à l'étranger et une équipe de tournage devait être utilisée. plutôt. Si des scènes d'une semaine normale doivent être filmées sur place, cela se fait pendant la semaine normale d'enregistrement. Les lieux décalés qui ont été utilisés pour le tournage incluent Clacton (1989), Devon (septembre 1990), Hertfordshire (utilisé pour les scènes se déroulant à Gretna Green en juillet 1991), Portsmouth (novembre 1991), Milan (1997), Irlande (1997). ), Amsterdam (décembre 1999), Brighton (2001) et Portugal (2003). En 2003, le tournage a eu lieu au Loch Fyne Hotel and Leisure Club à Inveraray, au Arkinglass Estate à Cairndow et au Grims Dyke Hotel, Harrow Weald, au nord de Londres, pour une semaine d'épisodes se déroulant en Écosse. L'épisode du 9 avril 2007 présentait des scènes filmées à l'église St Giles et à la maison publique The Blacksmiths Arms à Wormshill, au Ringlestone Inn, à trois kilomètres de là et à Court Lodge Farm à Stansted, Kent. D'autres emplacements incluent le palais de justice, un immeuble de bureaux désaffecté, Evershed House et l'église Saint-Pierre, tous à St Albans, un établissement psychiatrique abandonné à Worthing, Carnaby Street à Londres et un magasin de robes de mariée à Muswell Hill, au nord de Londres. Une semaine d'épisodes en 2011 a vu le tournage se dérouler sur une plage de Thorpe Bay et sur une jetée de Southend-on-Sea - au cours duquel un cascadeur a été blessé lorsqu'une rafale de vent l'a déséquilibré et il est tombé sur des rochers - avec d'autres scènes. filmé sur la côte de l'Essex. En 2012, le tournage a eu lieu à Keynsham, Somerset. En janvier 2013, le tournage sur place au Grahame Park à Colindale, au nord de Londres, a été interrompu par au moins sept jeunes qui ont lancé un feu d'artifice sur le plateau et ont menacé de tuer les membres de l'équipe. En octobre 2013, des scènes ont été tournées sur une route près de l'aéroport de Londres Southend dans l'Essex. Les doubles (lorsque seulement deux acteurs apparaissent dans un épisode) ont été initialement conçus pour la vitesse ; pendant qu'un double est en cours de tournage, le reste du casting réalisera un autre épisode. EastEnders a présenté sept émissions en direct. Pour son 25e anniversaire en février 2010, un épisode en direct a été diffusé dans lequel Stacey Slater (Lacey Turner) a été révélée comme l'assassin d'Archie Mitchell (Larry Lamb). Turner n'a été informée que 30 minutes avant l'épisode en direct et pour maintenir le suspense, elle murmure cette révélation à l'ancien amant et beau-père actuel, Max Branning, dans les tout derniers instants de l'émission en direct. De nombreux autres acteurs ne l’ont découvert qu’en même temps que le public, lors de la diffusion de l’épisode. Le 23 juillet 2012, une partie de l'épisode de cette soirée a été projetée en direct alors que Billy Mitchell (Perry Fenwick) portait la flamme olympique autour de Walford en préparation pour les Jeux olympiques d'été de 2012. En février 2015, pour le 30e anniversaire du feuilleton, cinq épisodes par semaine présentaient des inserts en direct tout au long d'eux. Les épisodes diffusés les mardi 17, mercredi 18 et jeudi 19 (qui comportaient un épisode d'une heure et un deuxième épisode) comportaient tous au moins un insert en direct. L'émission a révélé que le meurtrier de Lucy Beale (Hetti Bywater) était son jeune frère, Bobby (Eliot Carrington), lors du deuxième épisode jeudi, après dix mois de mystère sur qui l'avait tuée. Bobby a tué sa sœur dans un épisode de flashback qui revient sur la nuit du meurtre. L'épisode suivant, diffusé le vendredi 20, était entièrement en direct et expliquait en détail la mort de Lucy. Carrington a été informé qu'il était l'assassin de Lucy le lundi 16, tandis que Laurie Brett (qui joue la mère adoptive de Bobby, Jane) a été informée en novembre, car le personnage jouait un rôle important dans la dissimulation du meurtre de Lucy. Bywater n'a découvert que Bobby était responsable de la mort de Lucy le matin du jeudi 19, plusieurs heures avant de filmer les scènes révélant Bobby comme l'assassin de Lucy. Budgets et coûts Selon le livre How to Study Television, en 1995, les EastEnders ont coûté en moyenne 40 000 £ par épisode à la BBC. Un accord de 2012 entre la BBC, la Writers' Guild of Great Britain et la Personal Managers' Association fixait le taux de rémunération des scripts EastEnders à 137,70 £ par minute de temps de transmission (4 131 £ pour 30 minutes), soit 85 % du tarif pour les scripts d’autres séries télévisées de la BBC. Les scénaristes recevraient 75 % de ces frais pour toute répétition de l'épisode. En 2011, il a été rapporté que les acteurs recevaient une rémunération par épisode comprise entre 400 £ et 1 200 £ et se voyaient garantir un certain nombre d'épisodes par an, peut-être aussi peu que 30 ou jusqu'à 100. Les salaires annuels pouvaient donc varier de 12 000 £ à 200 000 £ selon la popularité d'un personnage. Les salaires de certains acteurs ont été divulgués en 2006, révélant que Natalie Cassidy (Sonia Fowler) avait reçu 150 000 £, Cliff Parisi (Minty Peterson) avait reçu 220 000 £, Barbara Windsor (Peggy Mitchell) et Steve McFadden (Phil Mitchell) avaient tous deux reçu 360 000 £. et Wendy Richard (Pauline Fowler) avait un salaire de 370 000 £. Un rapport de 2011 du National Audit Office a montré qu'EastEnders disposait d'un budget annuel de 29,9 millions de livres sterling. Sur cette somme, 2,9 millions de livres sterling ont été dépensés en scénarios et 6,9 millions de livres sterling ont servi à payer les acteurs, les figurants et les accompagnateurs des enfants acteurs. Selon le National Audit Office, les dirigeants de la BBC ont approuvé un financement supplémentaire de 500 000 £ pour l'épisode en direct du 25e anniversaire (19 février 2010). Avec un coût total de 696 000 £, la différence a été couverte par le budget de la série 2009-10 d'EastEnders. Reconstruire l'ensemble EastEnders Le producteur exécutif Dominic Treadwell-Collins a déclaré qu'il souhaitait qu'Albert Square ressemble à un véritable quartier de l'est de Londres en 2014 afin que bientôt le feuilleton « reflète mieux les quartiers les plus en vogue de l'est de Londres, appréciés des jeunes professionnels », donnant une saveur de la « gentrification rampante » de l’Est de Londres. Il a ajouté : "Cela devrait ressembler davantage à Londres. Cela fait trop longtemps que c'est gelé en gelée." En 2014, la BBC a annoncé qu'elle reconstruirait le plateau d'EastEnders, afin d'assurer l'avenir à long terme de la série, l'achèvement étant prévu pour 2018. Le plateau fournira une ressource de tournage extérieure moderne et améliorée pour EastEnders et copiera l'apparence des bâtiments existants. Il sera toutefois 20 % plus grand que l'actuel, afin de permettre une plus grande ambition éditoriale et d'améliorer les conditions de travail du personnel. Un décor temporaire sera créé sur place pour permettre la poursuite du tournage pendant la reconstruction de la structure permanente. Le réalisme Les responsables du programme d'EastEnders ont pris la décision que l'émission devait parler de « la vie quotidienne » dans le centre-ville « aujourd'hui » et la considéraient comme une « tranche de vie ». La créatrice/productrice Julia Smith a déclaré : « Nous ne créons pas la vie, nous la reflétons ». Elle a également déclaré: "Nous avons décidé d'opter pour un type de drame réaliste et assez franc qui pourrait englober des histoires sur l'homosexualité, le viol, le chômage, les préjugés raciaux, etc., dans un contexte crédible. Par-dessus tout, nous voulions du réalisme". Dans les années 1980, EastEnders présentait des intrigues « réalistes » impliquant la drogue et la criminalité, représentant les problèmes rencontrés par la classe ouvrière britannique thatchérienne. Les intrigues comprenaient la mort subite du bébé Hassan Osman, 14 mois, l'homophobie de Nick Cotton, le racisme et le meurtre de Reg Cox, le chômage d'Arthur Fowler reflétant la récession des années 1980, le viol de Kathy Beale en 1988 par James Willmott-Brown et Michelle Fowler. grossesse chez les adolescentes. L'émission traitait également de la prostitution, des relations métisses, du vol à l'étalage, du sexisme, du divorce, de la violence domestique et des agressions. Au fur et à mesure que la série progressait dans les années 1990, EastEnders présentait toujours des problèmes percutants tels que Mark Fowler découvrant qu'il était séropositif en 1991, la mort de sa femme Gill suite à une maladie liée au sida en 1992, le meurtre, l'adoption, l'avortement, la mort de Peggy Mitchell. la lutte contre le cancer du sein, ainsi que l'alcoolisme et la violence de Phil Mitchell envers sa femme Kathy. Des problèmes de santé mentale ont été confrontés en 1996 lorsque Joe Wicks, 16 ans, a développé la schizophrénie à la suite de la mort hors écran de sa sœur dans un accident de voiture. Au début des années 2000, EastEnders a abordé la question de l'euthanasie (la mort d'Ethel Skinner dans le cadre d'un pacte avec son ami Dot Cotton), le dévoilement des abus commis par Kat Slater par son oncle Harry lorsqu'elle était enfant (qui ont conduit à la naissance de sa fille Zoe, qui avait été élevée dans l'idée que Kat était sa sœur), la violence conjugale infligée à Little Mo Morgan par son mari Trevor (qui impliquait un viol et a abouti à la mort de Trevor après avoir tenté de tuer Little Mo dans un incendie), Sonia Jackson accouchant à la à l'âge de 15 ans puis de faire adopter son bébé, et la prostitution, l'agoraphobie et la toxicomanie de Janine Butcher. Le feuilleton aborde également la question de la maladie mentale et des soignants des personnes souffrant de troubles mentaux, illustré par la mère et la fille Jean et Stacey Slater ; Jean souffre de troubles bipolaires et sa fille adolescente Stacey était sa soignante (ce scénario a remporté un Mental Health Media Award en septembre 2006). Stacey a elle-même lutté contre ce trouble. La question de l'analphabétisme a été mise en évidence par les personnages de Keith, d'âge moyen, et de son jeune fils Darren. EastEnders a également couvert la question du syndrome de Down, puisque le bébé de Billy et Honey Mitchell, Janet, est né avec cette maladie en 2006. EastEnders a couvert la maltraitance des enfants avec son scénario impliquant Ben, le fils de 11 ans de Phil Mitchell, et sa petite amie avocate Stella Crawford, et le toilettage des enfants impliquant les personnages Tony King et Whitney Dean. David Proud, qui incarne le personnage d'Adam Best, est le premier acteur à utiliser un fauteuil roulant dans l'histoire du feuilleton. En dehors de cela, des feuilletons de base sur la romance juvénile, la jalousie, la rivalité domestique, les potins et les relations extraconjugales sont régulièrement présentés, avec des intrigues très médiatisées se produisant plusieurs fois par an. Des polars apparaissent également régulièrement, notamment "Who Shot Phil?" scénario en 2001 qui a attiré plus de 19 millions de téléspectateurs et a été l'un des plus grands succès du feuilleton télévisé britannique. Un autre polar est le meurtre d'Archie Mitchell (Larry Lamb), tué le jour de Noël 2009 après s'être fait plusieurs ennemis. Le tueur s'est révélé être Stacey Branning dans un épisode spécial en direct de la série pour marquer son 25e anniversaire ; un épisode qui a attiré un pic de 17 millions de téléspectateurs. Histoire L'idée d'un nouveau feuilleton sur BBC1 a été conçue en 1983 par des dirigeants de la BBC, principalement David Reid, alors responsable des séries et feuilletons, qui souhaitait que la BBC produise un nouveau feuilleton du soir. Ils ont confié la création de ce nouveau feuilleton au scénariste Tony Holland et à la productrice Julia Smith, célèbres pour leur travail ensemble sur Z-Cars. Ils ont créé vingt-quatre personnages originaux pour la série, basés sur la propre famille de Holland et sur des personnes dont ils se souvenaient de leurs propres expériences dans l'East End. Granada Television a donné à Smith un accès illimité à la production de Coronation Street pendant un mois afin qu'elle puisse avoir une idée de la manière dont un drame continu était produit. Ils ont choisi des acteurs pour leurs personnages et ont commencé à filmer la série au BBC Elstree Center à Borehamwood, Hertfordshire. Alan Jeapes et Simon May ont créé la séquence titre et le thème musical, et l'émission avec un titre provisoire d'East 8 a été renommée EastEnders, lorsque Smith et Holland ont réalisé qu'ils téléphonaient aux agences de casting depuis des mois pour leur demander s'ils avaient "de vrais East Enders". sur leurs livres. Julia Smith pensait que "Eastenders" "avait l'air moche écrit" et a mis le deuxième "e" en majuscule, et c'est ainsi que le nom EastEnders est né. Le tournage a commencé à la fin de 1984 et l'émission a été diffusée pour la première fois le 19 février 1985 et est devenue extrêmement populaire, déplaçant souvent Coronation Street du sommet des audiences pour le reste des années 1980. Planification Diffuser Depuis 1985, EastEnders est resté au centre de la programmation aux heures de grande écoute de BBC One. Elle est actuellement diffusée à 19h30 le mardi et le jeudi, et à 20h le lundi et le vendredi. EastEnders était initialement diffusé deux fois par semaine à 19 heures les mardis et jeudis à partir du 19 février 1985, avec un omnibus à 15h30 le dimanche ; cependant, en août 1985, les deux épisodes ont été déplacés à 19h30 car Michael Grade ne voulait pas que le feuilleton soit en concurrence directe avec Emmerdale Farm, et cela est resté le même jusqu'au 7 avril 1994. La BBC avait initialement prévu de profiter de les « pauses estivales » qu'Emmerdale Farm prenait habituellement pour capitaliser sur les audiences, mais ITV a ajouté des épisodes et des rediffusions supplémentaires afin qu'Emmerdale Farm ne soit pas retirée des ondes au cours de l'été. Conscient de la futilité de la situation, Grade a décidé de déplacer l'émission à 19h30, mais pour éviter les spéculations des tabloïds selon lesquelles il s'agissait d'un « mouvement de panique » de la part de la BBC, ils ont dû « habiller la présentation de cette émission ». déplacer de manière à protéger le spectacle", donnant "toutes sortes de raisons" pour le déménagement. La production d'EastEnders est ensuite passée à trois fois par semaine les lundis, mardis et jeudis du 11 avril 1994 au 2 août 2001. À partir du 10 août 2001, EastEnders a ensuite ajouté son quatrième épisode (diffusé le vendredi). Cela a provoqué une certaine controverse car il s'est heurté à Coronation Street, qui à l'époque a été déplacée à 20 heures pour faire place à un épisode d'une heure du feuilleton rural Emmerdale à 19 heures. Cette décision a immédiatement provoqué une réaction de colère de la part des initiés d'ITV, qui ont fait valoir que la décision de dernière minute de la BBC, révélée seulement à 15h30 ce jour-là, enfreignait une règle de programmation non écrite selon laquelle les deux feuilletons phares ne seraient pas opposés directement l'un à l'autre. Dans ce premier face-à-face, EastEnders a revendiqué la victoire sur son rival. Début 2003, les téléspectateurs pouvaient regarder l'épi

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Surnommé le cannibale, qui est le seul coureur à avoir remporté les trois maillots la même année sur le Tour de France ?

Eddy Merckx

Le Tour de France est une course cycliste annuelle à plusieurs étapes qui se déroule principalement en France, tout en passant occasionnellement par les pays voisins. La course a été organisée pour la première fois en 1903 pour augmenter les ventes de papier du magazine L'Auto ; il est actuellement géré par Amaury Sport Organisation. La course a lieu chaque année depuis sa première édition en 1903, sauf lorsqu'elle a été arrêtée à cause des deux guerres mondiales. À mesure que le Tour gagnait en importance et en popularité, la course s'allongeait et sa portée commençait à s'étendre à travers le monde. La participation s'est élargie à partir d'un peloton principalement français, alors que des coureurs du monde entier ont commencé à participer à la course chaque année. Le Tour est une épreuve UCI World Tour, ce qui signifie que les équipes qui participent à la course sont pour la plupart des UCI WorldTeams, à l'exception des équipes invitées par les organisateurs. Le Tour de France, le Giro d'Italia et la Vuelta a España constituent les prestigieux Grands Tours cyclistes d'une durée de trois semaines ; le Tour est le plus ancien et généralement considéré comme le plus prestigieux des trois. Traditionnellement, la course se déroule principalement au mois de juillet. Si le parcours change chaque année, le format de la course reste le même avec l'apparition des contre-la-montre, le passage des chaînes montagneuses des Pyrénées et des Alpes, et l'arrivée sur les Champs-Élysées à Paris. Les éditions modernes du Tour de France se composent de 21 segments (étapes) d'une journée sur une période de 23 jours et couvrent environ 3 500 km. La course alterne entre les circuits de France dans le sens des aiguilles d'une montre et dans le sens inverse. Le nombre d'équipes varie généralement entre 20 et 22, comptant chacune neuf coureurs. Toutes les étapes sont chronométrées jusqu'à l'arrivée ; les temps des coureurs sont cumulés avec leurs temps d'étape précédents. Le coureur avec le temps cumulé le plus bas est le leader de la course et reçoit le très convoité maillot jaune. Si le classement général retient le plus l'attention, d'autres compétitions sont organisées au sein du Tour : le classement par points pour les sprinteurs, le classement en montagne pour les grimpeurs, le classement des jeunes coureurs pour les coureurs de moins de 26 ans et le classement par équipe pour les équipes les plus rapides. . Gagner une étape est également une compétition très disputée, disputée par un sprinter cycliste spécialisé dans chaque équipe. Histoire Origines Le Tour de France a été créé en 1903. Les racines du Tour de France remontent à l'émergence de deux journaux sportifs rivaux dans le pays. D'un côté, Le Vélo, le premier et le plus grand quotidien sportif de France qui se vendait à 80 000 exemplaires par jour. De l'autre, L'Auto, créé en 1899 par des journalistes et des hommes d'affaires dont le comte Jules-Albert de Dion, Adolphe Clément et Édouard Michelin. Le journal rival est né à la suite de désaccords sur l'affaire Dreyfus, une cause célèbre. (dans lequel de Dion était impliqué) qui a divisé la France à la fin du XIXe siècle sur l'innocence d'Alfred Dreyfus, un officier de l'armée française reconnu coupable – bien que plus tard disculpé – d'avoir vendu des secrets militaires aux Allemands. De Dion, Clément et Michelin étaient particulièrement préoccupés par Le Vélo, qui rapportait plus que le cyclisme, car son bailleur de fonds était l'un de leurs concurrents commerciaux, la société Darracq. De Dion pensait que Le Vélo accordait trop d'attention à Darracq et lui trop peu. De Dion était un homme courtois mais franc-parler qui écrivait déjà des chroniques dans Le Figaro, Le Matin et d'autres. Il était également riche et pouvait se permettre de satisfaire ses caprices, notamment en fondant Le Nain Jaune (le gnome jaune), une publication qui "... ne répond à aucun besoin particulier". Le nouveau journal nomme Henri Desgrange comme rédacteur en chef. Il fut un éminent cycliste et propriétaire avec Victor Goddet du vélodrome du Parc des Princes. De Dion le connaissait grâce à sa réputation de cycliste, à travers les livres et articles sur le cyclisme qu'il avait écrits et à travers les articles de presse qu'il avait rédigés pour l'entreprise de pneus Clément. L'Auto n'a pas eu le succès espéré par ses bailleurs de fonds. La stagnation des ventes, inférieures à celles de son rival qu'elle était censée surpasser, conduisit à une réunion de crise le 20 novembre 1902 au rez-de-chaussée du bureau de L'Autos, 10 rue du Faubourg Montmartre, à Paris. Le dernier à prendre la parole était le plus jeune des lieux, le journaliste en chef du cyclisme, un jeune de 26 ans nommé Géo Lefèvre. Desgrange l'avait débauché dans le journal de Giffard. Lefèvre a suggéré une course de six jours comme celle qui est populaire sur piste mais dans toute la France. Les courses cyclistes de longue distance étaient un moyen populaire de vendre davantage de journaux, mais aucune tentative de la longueur suggérée par Lefèvre n'avait été tentée. Desgrange avait d'abord tenté de copier et de surpasser les courses organisées par son rival. En 1901, il relance l'épreuve Paris-Brest après une décennie d'absence. Giffard fut le premier à proposer une course de plusieurs jours, nouvelle dans le cyclisme mais établie dans la course automobile. Contrairement à d’autres courses cyclistes, elle se déroulerait également en grande partie sans meneurs. S'il réussissait, cela aiderait L'Auto à rivaliser avec son rival et peut-être à la mettre en faillite. Cela pourrait, comme le disait Desgrange, « clouer le bec de Giffard ». Desgrange et Lefèvre en discutèrent après le déjeuner. Desgrange était dubitatif mais le directeur financier du journal, Victor Goddet, était enthousiaste. Il remit à Desgrange les clés du coffre-fort de l'entreprise et lui dit : « Prenez tout ce dont vous avez besoin. L'Auto annonce la course le 19 janvier 1903. Le premier Tour de France Le premier Tour de France a été organisé en 1903. Le plan était une course en cinq étapes du 31 mai au 5 juillet, commençant à Paris et s'arrêtant à Lyon, Marseille, Bordeaux et Nantes avant de revenir à Paris. Toulouse a été ajoutée plus tard pour interrompre le long trajet à travers le sud de la France, de la Méditerranée à l'Atlantique. Les étapes se dérouleraient la nuit et se termineraient l'après-midi suivant, avec des jours de repos avant que les coureurs ne repartent. Mais cela s'est avéré trop intimidant et les coûts trop élevés pour la plupart et seuls 15 concurrents étaient inscrits. Desgrange n'a jamais été totalement convaincu et il a failli abandonner l'idée. Au lieu de cela, il a réduit la durée à 19 jours, a modifié les dates du 1er au 19 juillet et a offert une indemnité journalière à ceux qui roulaient en moyenne à au moins 20 km/h sur toutes les étapes, équivalente à ce qu'un coureur aurait pu s'attendre à gagner chaque étape. jour, il avait travaillé dans une usine. Il a également réduit les frais d'inscription de 20 à 10 francs et fixé le premier prix à 12 000 francs et le prix du vainqueur de chaque jour à 3 000 francs. Le gagnant gagnerait ainsi six fois ce que la plupart des travailleurs gagnaient en un an. Cela a attiré entre 60 et 80 participants – le nombre le plus élevé pouvait inclure des demandes sérieuses et certains qui ont abandonné – parmi lesquels non seulement des professionnels mais des amateurs, certains au chômage, d'autres simplement aventureux. Desgrange ne semble pas avoir oublié l'affaire Dreyfus qui a lancé sa course et attisé les passions de ses partisans. Il annonce sa nouvelle course le 1er juillet 1903 en citant l'écrivain Émile Zola, dont la lettre ouverte dont chaque paragraphe commençait par « J'accuse ... » conduisit à l'acquittement de Dreyfus, consacrant le style fleuri qu'il employa désormais. Le premier Tour de France a débuté presque devant le Café Réveil-Matin, à la jonction des routes de Melun et de Corbeil, dans le village de Montgeron. Il a été écarté par le starter, Georges Abran, à 15h16. le 1er juillet 1903. L'Auto n'avait pas fait la une de la course ce matin-là. L'Auto préférait se concentrer sur la course automobile Coupe Gordon-Bennett, même si elle ne devait démarrer que dans 48 heures. Ce choix reflète non seulement que le Tour de France était une quantité inconnue – ce n'est qu'après la fin de la première course qu'il a établi une réputation – mais il fait allusion à l'incertitude de Desgrange. Sa position de rédacteur dépendait de l'augmentation des ventes. Cela arriverait si le Tour réussissait. Mais le journal et ses employeurs perdraient beaucoup d’argent s’il ne le faisait pas. Desgrange préférait garder ses distances. Il n'a pas baissé le drapeau au départ et il n'a pas suivi les coureurs. Le reportage était laissé à Lefèvre, dont c'était l'idée, qui suivait la course à vélo et en train. Desgrange n'a montré un intérêt personnel pour sa course que lorsqu'elle semblait être un succès. Parmi les concurrents se trouvaient le futur vainqueur, Maurice Garin, son rival bien bâti Hippolyte Aucouturier, le favori allemand Josef Fischer et un groupe d'aventuriers dont un sous le nom de "Samson". L'utilisation de noms faux et souvent colorés n'était pas inhabituelle. Cela reflétait non seulement l'audace de l'entreprise mais le léger scandale encore associé aux courses cyclistes, au point que certains préférèrent utiliser un faux nom. La première course de ville à ville, de Paris à Rouen, comportait de nombreux noms inventés ou simplement des initiales. La première femme à terminer était entrée sous le nom de « Miss Amérique », bien qu'elle ne soit pas américaine. De nombreux coureurs ont abandonné la course après avoir terminé les premières étapes, car l'effort physique requis par le tour était tout simplement trop important. Il ne restait plus que 24 participants à l'issue de la quatrième étape. La course s'est terminée aux portes de Paris à Ville d'Avray, devant le Restaurant du Père Auto, avant une course cérémoniale dans Paris et plusieurs tours du Parc des Princes. Garin a dominé la course, remportant la première et les deux dernières étapes, à 25,68 km/h. Le dernier coureur, Millocheau, termine 64h 47m 22s derrière lui. La mission de L'Auto a été accomplie puisque le tirage de la publication a doublé tout au long de la course, faisant de la course quelque chose de bien plus important que Desgrange n'avait jamais espéré. 1904-1939 La passion que le premier Tour a suscitée chez les spectateurs et les coureurs était telle que Desgrange a déclaré que le Tour de France de 1904 serait le dernier. La tricherie était monnaie courante et les coureurs étaient tabassés par des supporters rivaux alors qu'ils approchaient du sommet du col de la République, parfois appelé col du Grand Bois, à l'extérieur de St-Étienne. Les coureurs de tête, dont le vainqueur Maurice Garin, ont été disqualifiés, mais il a fallu attendre le 30 novembre pour que l'Union Vélocipède de France prenne la décision. McGann dit que l'UVF a attendu si longtemps "... bien conscient des passions suscitées par la course". L'opinion de Desgrange sur les bagarres et la tricherie apparaît dans le titre de sa réaction dans L'Auto : THE END. Le désespoir de Desgrange ne dura pas. Au printemps suivant, il prévoyait un autre Tour, plus long avec 11 étapes au lieu de 6 - et cette fois en plein jour pour rendre toute tricherie plus évidente. En 1905, les étapes commençaient entre 3 h et 7 h 30. La course a captivé l'imagination. Le tirage de L'Auto passe de 25 000 à 65 000 exemplaires ; en 1908, c'était un quart de million. Le Tour revient après sa suspension pendant la Première Guerre mondiale et continue de croître, le tirage de L'Auto atteignant 500 000 exemplaires en 1923. Le record revendiqué par Desgrange est de 854 000 exemplaires lors du Tour de 1933. Le Vélo, quant à lui, fait faillite en 1904. Desgrange et son Tour ont inventé les courses cyclistes par étapes. Desgrange a expérimenté différentes manières de juger le gagnant. Au départ, il utilisait le temps total accumulé (tel qu'il est utilisé dans le Tour de France moderne), mais de 1906 à 1912, il utilisait des points pour le classement chaque jour. La formule de 1905 était une combinaison de temps et de points. Les coureurs se voyaient déduire des points pour chaque cinq minutes perdues. Desgrange a vu des problèmes pour juger à la fois par temps et par points. Avec le temps, un coureur confronté à un problème mécanique – que le règlement exigeait qu'il répare seul – pouvait perdre tellement de temps que cela lui coûtait la course. De même, les coureurs pourraient terminer de manière si séparés que le temps gagné ou perdu sur un ou deux jours pourrait décider de l'ensemble de la course. Juger la course par points a supprimé les différences horaires trop influentes mais a découragé les concurrents de rouler dur. Peu importe qu'ils finissent vite ou lentement ou séparés par des secondes ou des heures, ils étaient donc enclins à rouler ensemble à un rythme détendu jusqu'à proximité de la ligne, se disputant ensuite le classement final qui leur donnerait des points. Le format a changé au fil du temps. À l’origine, le Tour parcourait le périmètre de la France. Le cyclisme était un sport d'endurance et les organisateurs ont réalisé les ventes qu'ils réaliseraient en créant des surhommes parmi les concurrents. La conduite de nuit a été abandonnée après le deuxième Tour en 1904, alors qu'il y avait des tricheries persistantes lorsque les juges ne pouvaient pas voir les coureurs. Cela a réduit la distance quotidienne et globale, mais l'accent est resté sur l'endurance. Desgrange a déclaré que sa course idéale serait si difficile qu'un seul coureur parviendrait à Paris. Les premières étapes de montagne (dans les Pyrénées) sont apparues en 1910. Les premiers circuits comportaient de longues étapes de plusieurs jours, le format s'établissant sur 15 étapes de 1910 à 1924. Par la suite, les étapes ont été progressivement raccourcies, de sorte qu'en 1936 il y en avait jusqu'à trois étapes en une seule journée. Desgrange a d'abord préféré voir le Tour comme une course d'individus. Les premiers Tours étaient ouverts à tous ceux qui voulaient concourir. La plupart des coureurs faisaient partie d'équipes qui s'occupaient d'eux. Les participants privés étaient appelés touristes-routiers – touristes de la route – à partir de 1923 et étaient autorisés à participer à condition de ne rien exiger des organisateurs. Certains des personnages les plus hauts en couleur du Tour ont été des touristes-routiers. Chaque jour, on terminait la course et on effectuait ensuite des acrobaties dans la rue pour augmenter le prix d'un hôtel. Jusqu'en 1925, Desgrange interdisait aux membres de l'équipe de se suivre les uns les autres. Les Tours de 1927 et 1928 consistaient cependant principalement en des contre-la-montre par équipes, une expérience infructueuse qui cherchait à éviter une prolifération des arrivées au sprint sur des étapes de plat. Desgrange était un traditionaliste avec du matériel. Jusqu'en 1930, il exigeait que les cyclistes réparent leur vélo sans aide et qu'ils utilisent le même vélo du début à la fin. L'échange d'un vélo endommagé contre un autre n'a été autorisé qu'en 1923. Desgrange s'est opposé à l'utilisation de plusieurs vitesses et a insisté pendant de nombreuses années pour que les cyclistes utilisent des jantes en bois, craignant que la chaleur du freinage en descendant les montagnes ne fasse fondre la colle qui retenait les pneus sur les jantes métalliques. (ils furent finalement autorisés en 1937). À la fin des années 1920, Desgrange pensait qu’il ne pouvait pas vaincre ce qu’il croyait être les tactiques sournoises des usines de vélos. Lorsque l'équipe Alcyon a réussi à faire gagner Maurice De Waele alors qu'il était malade, il a déclaré : « Ma course a été gagnée par un cadavre ». En 1930, Desgrange tenta à nouveau de prendre le contrôle du Tour des équipes, insistant sur le fait que les concurrents s'inscrivaient dans des équipes nationales plutôt que dans des équipes commerciales et que les concurrents utilisaient des vélos jaunes simples qu'il fournirait, sans nom de fabricant. Il n'y avait pas de place pour les individuels dans les équipes d'après 1930 et Desgrange créa donc des équipes régionales, généralement françaises, pour accueillir des coureurs qui autrement ne se seraient pas qualifiés. Les touristes-routiers d'origine ont pour la plupart disparu mais certains ont été absorbés par des équipes régionales. En 1936, Desgrange subit une opération de la prostate. A l’époque, deux opérations étaient nécessaires ; le Tour de France devait se situer entre eux. Desgrange persuade son chirurgien de le laisser suivre la course. La deuxième journée s'avère trop lourde et, fiévreux à Charleville, il se retire dans son château de Beauvallon. Desgrange meurt chez lui, sur la côte méditerranéenne, le 16 août 1940. La course est reprise par son adjoint, Jacques Goddet. Le Tour fut de nouveau perturbé par la guerre après 1939 et ne revint qu'en 1947. 1947-1969 En 1944, L'Auto est fermée – ses portes clouées – et ses biens, dont le Tour, sont mis sous séquestre par l'État pour avoir publié des articles trop proches des Allemands. Les droits sur le Tour appartenaient donc au gouvernement. Jacques Goddet a été autorisé à publier un autre quotidien sportif, L'Équipe, mais il y avait un candidat rival pour diriger le Tour : un consortium regroupant Sports et Miroir Sprint. Chacun a organisé une course aux candidats. L'Équipe et Le Parisien Libéré avaient La Course du Tour de France et Sports et Miroir Sprint avaient La Ronde de France. Les deux étaient constitués de cinq étapes, la plus longue que le gouvernement autorisait en raison des pénuries. La course L'Équipes était mieux organisée et séduisait davantage le public car elle mettait en vedette des équipes nationales qui avaient connu du succès avant la guerre, alors que le cyclisme français était au plus haut. L'Équipe a obtenu le droit d'organiser le Tour de France 1947. Cependant, les finances de L'Équipes n'ont jamais été saines et Goddet a accepté une avance d'Émilion Amaury, qui avait soutenu sa candidature à la direction du Tour d'après-guerre. Amaury était un magnat de la presse dont la condition était que son rédacteur sportif, Félix Lévitan, rejoigne Goddet pour le Tour. Les deux hommes travaillent ensemble, Goddet s'occupant du côté sportif et Lévitan du côté financier. Au retour du Tour, le format de la course s'est arrêté entre 20 et 25 étapes. La plupart des étapes duraient une journée, mais la programmation d'étapes « fractionnées » s'est poursuivie jusque dans les années 1980. 1953 a vu l'introduction de la compétition « Points » du Maillot Vert. Les équipes nationales ont disputé le Tour jusqu'en 1961. Les équipes étaient de tailles différentes. Certaines nations avaient plus d'une équipe et certaines étaient mélangées à d'autres pour constituer le nombre. Les équipes nationales ont captivé l'imagination du public, mais elles ont eu un problème : les coureurs auraient normalement pu faire partie d'équipes commerciales rivales pour le reste de la saison. La loyauté des coureurs était parfois discutable, au sein des équipes et entre elles. Les sponsors étaient toujours mécontents de laisser leurs coureurs anonymes pour la plus grande course de l'année, car les coureurs des équipes nationales portaient les couleurs de leur pays et un petit panneau en tissu sur la poitrine qui nommait l'équipe pour laquelle ils couraient habituellement. La situation devient critique au début des années 1960. Les ventes de vélos avaient chuté et les usines de vélos fermaient. Il y avait un risque, selon le commerce, que l'industrie meure si les usines n'étaient pas autorisées à faire de la publicité sur le Tour de France. Le Tour est revenu aux équipes commerciales en 1962, mais avec d'autres problèmes. Le dopage était devenu un problème qui a culminé avec la mort de Tom Simpson en 1967, après quoi les coureurs se sont mis en grève, même si les organisateurs soupçonnaient que les sponsors les avaient provoqués. L'Union Cycliste Internationale a introduit des limites aux distances quotidiennes et totales, imposé des jours de repos et des tests ont été introduits pour les coureurs. Il était alors impossible de suivre les frontières, et le Tour zigzaguait de plus en plus à travers le pays, avec parfois des journées de courses sans lien les unes avec les autres, reliées par train, tout en conservant une sorte de boucle. Le Tour est revenu aux équipes nationales pour 1967 et 1968 comme « une expérience ». Le Tour est revenu aux équipes commerciales en 1969 avec la suggestion que les équipes nationales pourraient revenir toutes les quelques années. Cela n'est jamais arrivé. 1969-1988 Au début des années 1970, la course était dominée par Eddy Merckx, qui remporta cinq fois le classement général, deux fois le classement de montagne, trois fois le classement par points et un record de 34 étapes. À cette époque, le directeur de course Félix Lévitan a introduit une nouvelle ère commerciale du Tour, commençant à recruter des sponsors, acceptant parfois des prix en nature s'il ne pouvait pas obtenir d'argent. Il introduit l'arrivée du Tour sur l'avenue des Champs-Élysées en 1975, la même année où le maillot à pois (aux couleurs d'une chocolaterie sponsor) est introduit pour le vainqueur du classement Montagne. Il a contribué à l'internationalisation du Tour de France et du cyclisme en général. En 1982, Sean Kelly d'Irlande (points) et Phil Anderson d'Australie (jeune coureur) sont devenus les premiers vainqueurs de tous les classements du Tour en dehors du cœur du cyclisme en Europe continentale, tandis que Lévitan a joué un rôle déterminant en facilitant la participation au Tour de France 1983 des coureurs amateurs. du bloc de l’Est et de Colombie. L'Américain Greg LeMond est devenu le premier vainqueur non européen de la course de 1986. Alors que la notoriété et la popularité mondiales du Tour ont augmenté au cours de cette période, ses finances se sont mises à rude épreuve. Goddet et Lévitan continuent de s'affronter sur le déroulement de la course. Lévitan a lancé le Tour d'Amérique, précurseur de son projet d'emmener le Tour de France aux États-Unis. Le Tour d'Amérique a perdu beaucoup d'argent et il semble avoir été financé de manière croisée par le Tour de France. Lévitan a insisté sur son innocence, mais il a été renvoyé de la tournée en mars 1987. Goddet a pris sa retraite l'année suivante. 1988-présent En 1988, le Tour est organisé par Jean-Pierre Courcol, directeur de L'Équipe, puis en 1989 par Jean-Pierre Carenso puis par Jean-Marie Leblanc, qui en 1989 avait été directeur de course. L'ancien animateur de télévision Christian Prudhomme — il commentait entre autres le Tour — a remplacé Leblanc en 2007, après avoir été directeur adjoint pendant trois ans. En 1993, la propriété de L'Équipe a été transférée au Groupe Amaury, qui a formé Amaury Sport Organisation (ASO) pour superviser ses opérations sportives, bien que le Tour lui-même soit géré par sa filiale, la Société du Tour de France. ASO emploie environ 70 personnes à temps plein, dans un bureau situé en face mais non relié à L'Équipe, à Issy-les-Moulineaux, à l'ouest de Paris. Ce nombre s'élève à environ 220 pendant la course elle-même, sans compter les 500 entrepreneurs employés pour déplacer les barrières, ériger les scènes, signaler le parcours et autres travaux. ASO organise désormais également plusieurs autres courses cyclistes majeures tout au long de l'année. Classement La compétition la plus ancienne et principale du Tour de France est connue sous le nom de « classement général », pour lequel le maillot jaune est attribué : le vainqueur est censé avoir remporté la course. Quelques coureurs de chaque équipe visent la victoire au classement général, mais il existe trois autres compétitions pour attirer les coureurs de toutes les spécialités : par points, en montagne et un classement pour les jeunes coureurs aspirant au classement général. Le leader de chacun des classements précités porte un maillot distinctif, les coureurs en tête de plusieurs classements portant le maillot du plus prestigieux qu'il dirige. En plus de ces quatre classements, il existe plusieurs classements mineurs et abandonnés qui sont en compétition pendant la course. Classification générale Le classement le plus ancien et le plus recherché du Tour de France est le classement général. Toutes les étapes sont chronométrées jusqu'à l'arrivée. Les temps des coureurs sont cumulés avec leurs temps d'étape précédents ; le coureur avec le temps cumulé le plus bas est donc le leader de la course. Le leader est déterminé après la conclusion de chaque étape. Le leader de la course a également le privilège de porter le maillot jaune de leader de la course. Le maillot est remis au coureur de tête sur un podium dans la ville d'arrivée de l'étape. Si un coureur est en tête de plus d'un classement attribuant un maillot, il porte le "maillot jaune", puisque le classement général est le plus important de la course. Le leader peut changer après chaque étape. Entre 1905 et 1912 inclus, en réponse aux inquiétudes concernant la tricherie des coureurs lors de la course de 1904, le classement général a été attribué selon un système basé sur des points en fonction de leur classement dans chaque étape, et du coureur avec le total de points le plus bas après la conclusion du Tour. était le gagnant. Le leader du premier Tour de France a reçu un brassard jaune. La couleur jaune a été choisie car le magazine créateur du Tour, L'Auto, imprimait ses journaux sur du papier jaune. Le maillot jaune a été ajouté à la course lors de l'édition 1919 et est depuis devenu un symbole du Tour de France. Le premier coureur à porter le maillot jaune fut Eugène Christophe. Chaque équipe apporte plusieurs maillots jaunes avant le Tour au cas où l'un de ses coureurs deviendrait le leader général de la course. Les coureurs essaient généralement de faire un effort supplémentaire pour conserver le maillot le plus longtemps possible afin d'obtenir plus de publicité pour l'équipe et le(s) sponsor(s) de l'équipe. Eddy Merckx a porté le maillot jaune lors de 96 étapes, soit plus que tout autre coureur dans l'histoire du Tour de France. Quatre coureurs ont remporté cinq fois le classement général dans leur carrière : Jacques Anquetil, Eddy Merckx, Bernard Hinault et Miguel Indurain. Classement des montagnes Le classement montagne est le deuxième classement le plus ancien attribuant des maillots au Tour de France. Le classement montagne a été ajouté au Tour de France lors de l'édition 1933 et a été remporté pour la première fois par Vicente Trueba. Les prix du classement ont été décernés pour la première fois en 1934. Lors des étapes de la course contenant des ascensions, des points sont attribués aux premiers coureurs à atteindre le sommet de chaque ascension catégorisée, avec des points disponibles pour les 10 premiers coureurs, en fonction du classement de la montée. Les ascensions sont classées en fonction de la pente et de la longueur de cette colline particulière, avec plus de points disponibles pour les ascensions plus difficiles. Le classement était précédé du meilleur grimpeur () qui était décerné par le journal organisateur l'Auto à un cycliste ayant terminé chaque course. Le classement n'attribuait aucun maillot au leader jusqu'au Tour de France 1975, lorsque les organisateurs décidèrent d'attribuer un maillot blanc distinctif à pois rouges au leader. Le maillot des grimpeurs est porté par le coureur qui, au départ de chaque étape, possède le plus grand nombre de points de grimpe. Si un coureur est en tête de deux ou plusieurs classements, le maillot des grimpeurs est porté par le coureur en deuxième ou troisième place dans cette compétition. A l'issue du Tour, le coureur détenant le plus de points de montée remporte le classement. Certains coureurs peuvent courir dans le but de remporter cette compétition particulière, tandis que d'autres qui gagnent des points dès le début peuvent se concentrer sur le classement pendant la course. Le Tour comporte cinq catégories pour classer les montagnes couvertes par la course. L'échelle va de la catégorie 4, la plus facile, à hors catégorie, la plus difficile. Au cours de sa carrière, Richard Virenque a remporté sept fois le classement de la montagne, un record. La répartition des points pour les montagnes est la suivante : * Les points attribués sont doublés pour les arrivées de catégorie deux ou plus. Classement par points Le classement par points est le troisième plus ancien des classements de maillots actuellement attribués. Il a été introduit lors du Tour de France 1953 et a été remporté pour la première fois par Fritz Schär. Le classement a été ajouté pour attirer la participation des sprinteurs ainsi que pour célébrer le 50e anniversaire du Tour. Des points sont attribués aux 15 premiers coureurs à terminer une étape, avec un ensemble de points supplémentaires attribués aux 15 premiers coureurs à franchir un point de « sprint » prédéterminé au cours du parcours de chaque étape. Le maillot vert de leader du classement par points est porté par le coureur qui, au départ de chaque étape, totalise le plus grand nombre de points. Au cours des premières années, le cycliste recevait des points de pénalité s'il ne finissait pas à une place élevée, de sorte que le cycliste avec le moins de points recevait le maillot vert. À partir de 1959, le système a été modifié de sorte que les cyclistes recevaient des points pour les meilleures places (la première place obtenant le plus de points et les classements inférieurs obtenant successivement moins de points), de sorte que le cycliste avec le plus de points recevait le maillot vert. Le nombre de points attribués varie en fonction du type d'étape, les étapes de plat attribuant le plus de points à l'arrivée et les contre-la-montre et les étapes de haute montagne attribuant le moins de points à l'arrivée. Cela augmente la probabilité qu'un sprinteur remporte le classement par points, bien que d'autres coureurs puissent être compétitifs pour le classement s'ils ont un nombre suffisant de hautes places. Le vainqueur du classement est le coureur ayant totalisé le plus de points à l'issue du Tour. En cas d'égalité, le leader est déterminé par le nombre de victoires d'étapes, puis le nombre de victoires au sprint intermédiaire et enfin, la place du coureur au classement général. Le classement a été remporté six fois, un record, par Erik Zabel. Le lauréat le plus récent, Peter Sagan, l'a remporté en 2012, 2013, 2014, 2015 et 2016. La première année où le classement par points a été utilisé, il était sponsorisé par La Belle Jardinière, un producteur de tondeuses à gazon, et le maillot est devenu vert. En 1968, le maillot fut changé en rouge pour faire plaisir au sponsor. Cependant, la couleur a été modifiée l'année suivante. Pendant près de 25 ans, le classement a été parrainé par le Pari Mutuel Urbain, une société publique de paris. Cependant, ils ont annoncé en novembre 2014 qu'ils ne poursuivraient pas leur parrainage, et en mars 2015, il a été révélé que le maillot vert serait désormais sponsorisé par le constructeur automobile tchèque Skoda. Depuis 2015, les points attribués s'élèvent à : Classement des jeunes cavaliers Le leader du classement est déterminé de la même manière que le classement général, les temps des coureurs étant additionnés après chaque étape et le coureur éligible avec le temps cumulé le plus bas est désigné leader. Le classement Jeune cavalier est réservé aux coureurs de moins de 26 ans. À l'origine, le classement était réservé aux néo-professionnels - coureurs qui en sont à leurs trois premières années de course professionnelle - jusqu'en 1983. En 1983, les organisateurs ont fait en sorte que seuls les coureurs débutants étaient éligibles pour le classement. En 1987, les organisateurs ont modifié les règles du classement pour les rendre telles qu'elles sont aujourd'hui. Ce classement a été ajouté au Tour de France lors de l'édition 1975, Francesco Moser étant le premier à remporter le classement après s'être classé septième au classement général. Le Tour de France attribue un maillot blanc au leader du classement, même si cela n'a pas été fait entre 1989 et 2000. Quatre coureurs ont remporté à la fois le classement des jeunes et le classement général la même année : Laurent Fignon (1983), Jan Ullrich (1997), Alberto Contador (2007) et Andy Schleck (2010). Deux cavaliers ont remporté trois fois le classement des jeunes cavaliers au cours de leur carrière respective : Jan Ullrich et Andy Schleck. Depuis 2015, le sponsor du maillot est la société d'opticien Krys, en remplacement de Skoda qui a rejoint le maillot vert. Classements mineurs et prix Le prix de la combativité revient au coureur qui anime le plus la journée, généralement en tentant de s'échapper du peloton. Le cavalier le plus combatif porte un numéro imprimé en blanc sur rouge au lieu de noir sur blanc le lendemain. Un prix est décerné au coureur le plus agressif tout au long du Tour. Déjà en 1908, une sorte de prix de combativité était offert, lorsque les Sports Populaires et L'Education Physique créaient le Prix du Courage, 100 francs et une médaille en vermeil pour "le cavalier ayant terminé le parcours, même non classé, qui se distingue particulièrement par l'énergie qu'il a utilisée. La compétition moderne a débuté en 1958. En 1959, un prix Super Combativité est décerné au cycliste le plus combatif du Tour. Au départ, il n'était pas décerné chaque année, mais depuis 1981, il est décerné annuellement. Eddy Mercx a le plus de victoires (4) pour le prix global. Le classement par équipe est évalué en additionnant chaque jour les temps des trois meilleurs coureurs de chaque équipe. La compétition ne possède pas son propre maillot mais depuis 2006 l'équipe leader porte des numéros imprimés noir sur jaune. Jusqu'en 1990, l'équipe dirigeante portait des casquettes jaunes. Depuis 2012, les coureurs de l'équipe de tête portent des casques jaunes. À l’époque des équipes nationales, la France et la Belgique ont gagné 10 fois chacune. De 1973 à 1988, il existait également un classement par équipes par points (classement d'étape) ; les membres de l'équipe dirigeante porteraient des casquettes vertes. Classements historiques Il existe un classement des sprints intermédiaires, qui attribue depuis 1984 un maillot rouge pour les points attribués aux trois premiers à franchir les points intermédiaires au cours de l'étape. Ces sprints ont également marqué des points pour le classement par points et des bonus pour le classement général. Le classement des sprints intermédiaires avec son maillot rouge a été supprimé en 1989, mais les sprints intermédiaires sont restés, offrant des points pour le classement par points et, jusqu'en 2007, des bonifications de temps pour le classement général. À partir de 1968, il existait un classement combiné, noté selon un système de points basé sur le classement général, par points et en montagne. Le design était à l'origine blanc, puis un patchwork avec des zones ressemblant à chaque design de maillot individuel. Cela a également été aboli en 1989. Lanterne rouge Le cavalier qui a pris le plus de temps s'appelle la lanterne rouge (lanterne rouge, comme le feu rouge à l'arrière d'un véhicule pour qu'on puisse le voir dans l'obscurité) et ces dernières années, il portait parfois une petite lumière rouge sous sa selle. La sympathie était telle qu'il pouvait exiger des honoraires plus élevés dans les courses qui suivaient auparavant le Tour. En 1939 et 1948, les organisateurs excluaient chaque jour le dernier coureur pour encourager des courses plus compétitives. Jacques Goddet a déclaré dans son autobiographie que les équipes utilisaient la règle pour éliminer leurs rivaux. Un coureur en dernière position savait qu'il serait disqualifié à la fin de l'étape. S'il abandonnait avant ou pendant l'étape, un autre concurrent devenait le dernier et il abandonnait également la course. Cela a affaibli une équipe rivale, qui disposait désormais de moins de passeurs. Prix Des prix en argent ont toujours été attribués. A partir de 20 000 anciens francs la première année, les prix en argent ont augmenté chaque année, même si de 1976 à 1987, le premier prix était un appartement offert par un sponsor de la course. Le premier prix en 1988 était une voiture, un studio-appartement, une œuvre d'art et 500 000 francs en espèces. Prix ​​uniquement en espèces restitués en 1990. Des prix et des bonus sont attribués pour les placements quotidiens et les placements finaux.

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Sous quel nom le méchant de la bande dessinée Oswald Chesterfield Cobblepot est-il mieux connu ?

Le pingouin

Le Pingouin (Oswald Chesterfield Cobblepot) est un super-vilain fictif apparaissant dans les bandes dessinées américaines publiées par DC Comics, généralement comme un adversaire du super-héros Batman. L'artiste Bob Kane et l'écrivain Bill Finger ont présenté le personnage dans Detective Comics #58 (décembre 1941). Le Pingouin est l'un des ennemis les plus endurants de Batman et appartient au collectif d'adversaires qui composent la galerie des voleurs de Batman. Le Pingouin est représenté comme un homme petit et corpulent qui utilise des parapluies spécialisés de haute technologie comme armes. Gangster et voleur, il se considère comme un « gentleman du crime ». Le Pingouin gère une discothèque appelée Iceberg Lounge, qui fournit une couverture aux activités criminelles, et Batman utilise parfois la discothèque comme source d'informations sur la pègre. Selon Kane, le personnage s'est inspiré de la mascotte publicitaire de l'époque, celle des cigarettes Kool : un pingouin avec un haut-de-forme et une canne. Finger pensait que l’image des messieurs de la haute société en smoking rappelait les manchots empereurs. Burgess Meredith a dépeint le Pingouin dans la série télévisée Batman des années 1960 et son film. Danny DeVito a joué une version plus sombre et plus grotesque dans le film Batman Returns de 1992. Les séries animées ultérieures de Batman le présentaient dans des représentations alternant entre un paria déformé et un aristocrate de haut niveau, ou un mélange des deux. Robin Lord Taylor incarne actuellement un jeune pingouin dans la série télévisée Gotham. Le Pingouin a été nommé à plusieurs reprises l'un des meilleurs méchants de Batman et l'un des plus grands méchants de la bande dessinée et, paradoxalement, a également été décrit par d'autres comme l'un des moins convaincants. Penguin a été classé n°51 dans la liste IGN des 100 meilleurs méchants de bandes dessinées de tous les temps. Biographie du personnage fictif Né Oswald Chesterfield Cobblepot, le pingouin a été victime d'intimidation lorsqu'il était enfant en raison de sa petite taille, de son poids et de son nez en forme de bec. Plusieurs histoires racontent qu'il a été forcé, lorsqu'il était enfant, à toujours porter un parapluie par sa mère surprotectrice en raison du décès de son père d'une pneumonie après une inondation. Sa mère possédait des oiseaux de compagnie que Cobblepot prodiguait avec attention et était ses seuls amis en grandissant. Son amour pour les oiseaux le conduira éventuellement à obtenir une spécialisation en ornithologie à l'université. Dans certaines versions, Cobblepot se tourne vers le crime après la mort de sa mère et les oiseaux sont repris pour payer les dettes de sa mère. Dans d’autres, il est un paria au sein de sa famille de la haute société et leur rejet le pousse à devenir un criminel. Fidèle à ses origines, le Pingouin poursuit sa carrière criminelle avec classe : il préfère les tenues formelles telles qu'un haut-de-forme, un monocle et un smoking, en particulier du modèle « cravate et queue blanches ». Il est criminellement brillant et psychologiquement sain d'esprit. Il possède une puissance cérébrale qui pourrait éventuellement déjouer certains des hommes les plus intelligents qui existent. Associé à sa compréhension de la trahison et de la loyauté ; Penguin est un adversaire coriace et imbattable dans le monde du crime organisé. Avant la crise Initialement connu uniquement sous son pseudonyme, le Pingouin est apparu pour la première fois à Gotham City comme un voleur habile, sortant furtivement un tableau inestimable du musée en cachant la toile enroulée dans le manche de son parapluie. Le Pingouin a ensuite utilisé la toile comme preuve de son intelligence auprès d'une foule locale, à laquelle il a ensuite été autorisé à se joindre. Avec l'aide du Pingouin, la foule a réussi une série de braquages ​​ingénieux, mais le chef de la foule et « l'oiseau monocle » ont fini par se brouiller, ce qui a conduit Cobblepot à le tuer avec son pistolet parapluie. Le Pingouin est devenu le chef de la foule et a tenté de neutraliser Batman en le accusant de vol. Les plans du Pingouin furent finalement contrecarrés, mais le bandit lui-même s'échappa. Le Pingouin était un ennemi persistant pour Batman et Robin tout au long de l'âge d'or et de l'âge d'argent, réussissant stratagème après stratagème, comme faire équipe avec le Joker, tentant d'extorquer de l'argent à une compagnie maritime en faisant semblant de geler un membre de son conseil d'administration. des réalisateurs et en participant à la vente aux enchères par Hugo Strange de l'identité secrète de Batman. Le Pingouin a fait sa dernière apparition lors de la dernière apparition de Earth-One Batman. Après que lui et une multitude d'ennemis de Batman aient été évadés de l'asile d'Arkham et du pénitencier d'État de Gotham par Ra's al Ghul, le Pingouin met à exécution les plans de Ra visant à kidnapper les amis et alliés de Batman. Le Pingouin, avec le Joker, le Chapelier Fou, le Cavalier, Deadshot et Killer Moth, assiègent le quartier général de la police de Gotham City, mais sont furieux lorsque le Joker sabote leur tentative de détenir le commissaire James Gordon contre une rançon. Une confrontation s'ensuit, avec le Joker d'un côté et le Pingouin et le Chapelier fou de l'autre. Le Joker soumet rapidement les deux avec une explosion de gaz hilarant provenant de l'un de ses nombreux gadgets. Post-crise Après la crise qui a redémarré l'histoire de l'univers DC, le Pingouin a été relégué à des apparitions sporadiques, jusqu'à ce que l'écrivain Alan Grant (qui avait auparavant écrit l'histoire d'origine du Pingouin "The Killing Peck") et l'artiste Norm Breyfogle le ramènent, plus meurtrier que jamais. À l'époque de Tim Drake dans le rôle de Robin, le Pingouin forme un bref partenariat avec l'hypnotiseur Mortimer Kadaver, qui l'aide à simuler sa propre mort comme un stratagème pour frapper un Gotham sans méfiance. Le Pingouin tue plus tard Kadaver, après s'être bouché les oreilles avec du papier toilette afin que l'hypnotiseur n'ait plus de pouvoir sur lui. Après que Batman ait déjoué cette tentative particulière, le Pingouin se lance dans l'un de ses plus grands projets dans l'histoire en trois parties "L'Affaire Pingouin". Trouvant Harold Allnut tourmenté par deux membres d'un gang, le Pingouin accueille le bossu doué en technologie, lui montrant de la gentillesse en échange de services. Harold construit un gadget qui permet au Pingouin de contrôler des volées d'oiseaux à des kilomètres de distance, que le Pingouin utilise pour détruire les communications radio à Gotham et écraser un avion de ligne. Cette tentative est également déjouée par Batman, qui engage Harold comme mécanicien. Le Pingouin refait surface pendant le mandat de Jean Paul Valley en tant que Batman, et est l'un des rares à en déduire que Valley n'est pas le Caped Crusader original. Pour confirmer sa théorie, il kidnappe Sarah Essen Gordon, la place dans un piège mortel qui doit exploser à minuit et se rend, profitant de l'occasion pour se moquer de son mari, le commissaire Gordon, à l'approche de minuit. Gordon, de plus en plus furieux, est presque poussé à le jeter du toit du quartier général de la police avant que Valley ne sauve Sarah quelques instants avant minuit. Alors que Valley s'en va, il dit : "Il n'y a rien que le Pingouin puisse me lancer que je n'ai jamais rencontré auparavant." Le Pingouin partage à contrecœur ce sentiment, acceptant qu'il est devenu dépassé. Par la suite, le Pingouin tourne son attention vers un nouveau mode opératoire, opérant derrière la devanture d'un restaurant et casino légitime qu'il appelle "The Iceberg Lounge". Bien qu'il soit arrêté à plusieurs reprises pour activités criminelles au cours de sa « réforme », il parvient toujours à obtenir sa libération grâce à ses avocats aux tarifs élevés. Dans le scénario « No Man's Land », Gotham City est presque rasée par un tremblement de terre. Le Pingouin reste sur place lorsque le gouvernement américain bloque la ville. Il devient l'un des acteurs majeurs de la ville sans loi, utilisant ses relations pour tirer profit en échangeant de l'argent que personne d'autre à Gotham ne pourrait utiliser contre des marchandises grâce à ses contacts en dehors de la ville. L'une de ces connexions s'avère être Lex Luthor et sa société, LexCorp. Les informations de Penguin aident Luthor à prendre le contrôle des registres de propriété de Gotham, mais Luthor le renvoie lorsque Penguin tente de faire chanter Luthor. Le Pingouin est entraîné dans les événements d'Infinite Crisis. Dans le septième numéro, il est brièvement vu dans le cadre de la bataille de Metropolis, une bagarre à plusieurs personnages lancée par la société secrète des super-vilains. Le Pingouin, ainsi que plusieurs autres méchants, sont bouleversés par l'apparition surprise de Bart Allen. Un an plus tard, alors que le Pingouin est loin de Gotham City, le Grand Requin Blanc et Tally Man tuent de nombreux méchants qui avaient travaillé pour lui et encadrent le réformé Harvey Dent. Great White avait prévu de reprendre le syndicat criminel de Gotham et d'éliminer la concurrence, y compris le Pingouin. À son retour à Gotham, le Pingouin continue de prétendre qu'il est allé tout droit et rouvre l'Iceberg, vendant des marchandises Pingouin trop chères. Il exhorte les Riddler à éviter le crime, car leur nouveau style de vie louche mais légal est plus lucratif. Le Pingouin a été présenté comme une figure éminente du lien entre Gotham Underground et la série Countdown. Il mène une guerre de gangs contre Tobias Whale et Intergang tout en dirigeant soi-disant un « chemin de fer clandestin » pour les criminels. Alors que le Pingouin mène ses affaires, Two-Face entre dans le club et demande à faire partie de son projet de chemin de fer clandestin. Le Pingouin l'amène à une réunion avec plusieurs des méchants les plus notoires de Gotham, dont Hugo Strange, Scarecrow et Mad Hatter. Batman, déguisé en Matches Malone, espionne la réunion depuis une alcôve sombre. La Suicide Squad fait irruption dans la pièce et attaque l'assemblée des méchants. Il est révélé que le Pingouin est impliqué dans la Suicide Squad et qu'il a piégé les autres méchants pour gagner les faveurs de la Suicide Squad. Le Pingouin négocie avec Tobias Whale. Le Pingouin et le Spoiler avaient rassemblé des gangs comme les Bat Killers, basés sur les ennemis de Batman ; les Dead End Boys, basés sur la Suicide Squad ; les Femme Fatales, basées sur des méchantes féminines ; le Five Points Gang, basé sur les Fearsome Five ; le L.O.D., basé sur la Légion du Destin à laquelle le Pingouin lui-même avait autrefois appartenu ; et les New Rogues, basés sur les Rogues. Le pingouin et la baleine se battent, et Robin, la chasseresse, Batgirl et le quatrième Wildcat s'impliquent. Lorsque le Pingouin prend le dessus, Whale appelle à contrecœur une trêve afin qu'ils puissent arrêter Johnny Stitches et Intergang. Johnny Stitches fournit la preuve qu'il a tué Riddler et M. Jessup, creusé un fossé entre Penguin et Whale et sapé la force de Penguin en menaçant la vie des familles de ses acolytes. Il ordonne à Penguin de quitter la ville dans 24 heures. Intergang attaque l'Iceberg Lounge, mais est déjoué par Batman. Batman insiste pour que le Pingouin paie le sauvetage de sa discothèque en devenant son informateur. Le Pingouin perd plus tard le soutien de Batman après la mystérieuse disparition de ce dernier et l'exploitation par Intergang du retour des dieux Apokoliptan. Il apparaît dans Battle for the Cowl : The Underground, qui décrit les effets de la disparition de Batman sur ses ennemis. La foule du Pingouin est absorbée par Black Mask II, qui contrôle ses activités criminelles. Le Pingouin, avec l'aide du Chapelier Fou, enlève Batman et lui fait un lavage de cerveau pour assassiner Black Mask. Lors des événements de Brightest Day, les Birds of Prey découvrent le Pingouin battu et poignardé aux pieds du Canari Blanc. Les oiseaux le sauvent et s'enfuient vers l'iceberg. En convalescence, le Pingouin exprime son attirance pour Dove. Finalement, le Pingouin révèle que sa blessure était une ruse et qu'il travaille avec le White Canary en échange de précieux fichiers informatiques sur la communauté des super-héros. Il trahit les oiseaux et blesse gravement Lady Blackhawk et Hawk avant que la chasseresse ne le vainc. La Chasseresse l'enregistre avec l'intention de l'emmener avec elle, seulement pour être informée par Oracle qu'elle doit le laisser partir en raison d'une chasse à l'homme policière pour les oiseaux. La Chasseresse envisage de le tuer avec son arbalète, mais le laisse finalement ligoté et bâillonné dans une ruelle avec la promesse qu'elle se vengerait de lui plus tard. Le Pingouin est finalement attaqué par les Secret Six, qui tuent plusieurs de ses gardes dans une embuscade dans son manoir. Bane l'informe qu'il a besoin d'informations sur les partenaires de Batman, car il envisage de tuer Red Robin, Batgirl, Catwoman et Azrael. Le Pingouin trahit bientôt l'emplacement de l'équipe, ce qui conduit la Justice League, les Teen Titans, les Birds of Prey, la Justice Society et divers autres héros à traquer et capturer les criminels. À cette époque, un nouveau super-méchant, qui se faisait appeler l'Architecte, pose une bombe dans le salon Iceberg pour se venger des crimes commis par l'ancêtre du Pingouin. Bien que Blackbat et Robin parviennent à évacuer le bâtiment, le salon est détruit dans l'explosion qui s'ensuit. Le nouveau 52 Dans The New 52 (un redémarrage de l'univers DC Comics), le Pingouin est le client d'un criminel nommé Raju qui a été envoyé pour offrir de l'or à Dollmaker pour la libération de Batman. Dans son casino Iceberg, le Pingouin voit Charlotte Rivers déguisée sur ses caméras de surveillance et il dit à sa femme de main Lark de s'assurer que Rivers ait "une histoire à tomber par terre". Lors du crossover Death of the Family, le Pingouin confie à son bras droit Ignatius Ogilvy la responsabilité de ses opérations en son absence temporaire. Ogilvy, cependant, profite de l'absence du Pingouin pour le déclarer mort, reprenant son gang et tuant ses fidèles. Sous le pseudonyme d'Emperor Penguin, Ogilvy reprend les opérations du Penguin. Après la défaite du Joker, Batman tente en vain d'emprisonner le Pingouin au pénitencier de Blackgate, pour ensuite être contraint de le libérer plus tard. En apprenant la trahison d'Ogilvy, le Pingouin attaque le nouvel empire de son ancien acolyte, mais Batman intervient et l'arrête. Le Pingouin est cependant déclaré non coupable grâce aux machinations de son allié M. Combustible. Pendant ce temps, Ogilvy libère le sérum Man-Bat de Kirk Langstrom sur Gotham City, transformant de nombreux citoyens en créatures. Langstrom découvre un remède, ramenant les citoyens à la normale. Ogilvy prend ensuite le sérum lui-même, ainsi que les ajouts effectués par Poison Ivy. L'Empereur Pingouin défie alors ouvertement Batman dans un combat, battant le justicier masqué grâce à ses nouvelles prouesses et le laissant secourir par le Pingouin. Le couple forge une alliance temporaire et bat Ogilvy. Le Pingouin a également joué un rôle dans le redémarrage de Black Canary. Dans Oiseaux de proie vol. 4 #0, Dinah a cherché à décrocher un emploi chez Iceberg Lounge, sachant qu'une piste sur l'organisation Basilisk qu'elle poursuivait y surgirait bientôt. Malheureusement, le Pingouin n'avait pas l'habitude d'accepter les candidatures, alors elle a décidé de prouver sa valeur en infiltrant elle-même la tenue. Lorsqu'elle arriva dans la salle de bain du Pingouin, celui-ci ne fut pas impressionné. Pour prouver sa valeur, elle a démontré sa capacité spéciale : un cri sonore qui pourrait faire tomber le toit, s'il était suffisamment intense. Naturellement, le cri a alerté les hommes de main de Penguin, et elle n'a fait qu'une bouchée d'eux grâce à ses compétences en arts martiaux. Finalement impressionné, Penguin l'a embauchée et l'a surnommée Black Canary en accord avec le thème ornithologique. Au cours de l'histoire de Forever Evil, Penguin fait partie des méchants recrutés par le Crime Syndicate of America pour rejoindre la Société Secrète des Super Villains. Les héros partis, Penguin devient le maire de Gotham City et divise les différents territoires entre les détenus de l'asile d'Arkham. Bane récupère Ignatius Ogilvy (se faisant désormais appeler Empereur Blackgate) pour le Pingouin dans le cadre de leur accord. Lorsqu'il l'amène au Pingouin, il dit à l'Empereur Pingouin que les combattants d'Arkham n'ont pas peur de Bane car il n'inspire pas la peur comme l'a fait Batman. Caractérisation Compétences et aptitudes Le Pingouin est un maître criminel et un ingénieur occasionnel qui utilise son intellect de génie pour gagner de l'argent et du pouvoir par des moyens criminels. La richesse du Pingouin lui donne accès à de meilleures ressources que la plupart des autres méchants de Batman et sa vie de millionnaire lui donne une connaissance supérieure des antécédents des célébrités et des politiciens, en particulier de ceux qu'il envisage de cibler dans ses futurs crimes. Il est également capable de retourner très facilement à son style de vie luxueux malgré ses antécédents criminels violents et son casier judiciaire. Il a même tenté à plusieurs reprises d’entrer dans le monde politique, allant même jusqu’à lancer de coûteuses campagnes électorales. Le Pingouin entretient également des liens étroits avec d'autres barons du crime à Gotham, ce qui lui permet d'embaucher leurs assassins et leurs ouvriers ou de les espionner facilement. Le Pingouin s'appuie sur la ruse, l'esprit et l'intimidation pour exploiter son environnement à des fins lucratives, et il est normalement décrit comme étant plus rationnel et sensé que les autres méchants de Batman, ou du moins relativement. Bien qu'il délègue souvent le sale boulot à ses acolytes, il n'hésite pas à commettre lui-même des actes agressifs et meurtriers, surtout lorsqu'il est provoqué. Malgré son apparence, il est un dangereux combattant au corps à corps avec suffisamment de compétences autodidactes en judo et en boxe à mains nues pour submerger des attaquants plusieurs fois sa taille et son allure physique. Le Pingouin est généralement décrit comme un combattant physique capable lorsqu'il estime que la situation l'exige, mais son niveau de compétence varie considérablement selon l'auteur ; le personnage a été écrit à la fois comme un match physique pour Batman et comme quelqu'un que le justicier masqué est capable de vaincre avec un solide coup de poing. Ses crimes tournent souvent autour du vol d'objets de valeur liés aux oiseaux, et sa voiture et d'autres véhicules ont souvent un thème aviaire. Équipement Le Pingouin utilise un assortiment de parapluies, notamment le parapluie bulgare. Ceux-ci contiennent généralement des armes telles que des mitrailleuses, des pointes d'épées, des missiles, des lasers, des lance-flammes et des dispositifs de pulvérisation de gaz acides ou toxiques tirés depuis la virole. (Cependant, le Pingouin est capable d'armer ses parapluies d'une variété presque illimitée de manières.) Selon l'écrivain, certains de ses parapluies peuvent transporter plusieurs armes à la fois. Il porte souvent un parapluie qui peut transformer sa verrière en une série de pales tournantes : celui-ci peut être utilisé comme hélicoptère miniature ou comme arme offensive ; il l'utilise souvent pour échapper à une situation menaçante. La verrière du parapluie est parfois représentée comme étant un bouclier pare-balles, et certains sont structurés de différentes manières, allant d'une spirale capable d'hypnotiser les adversaires à des signes flashy. Il peut également faire appel à ses oiseaux volants pour attaquer et confondre ses ennemis au combat. Des relations L'idée du Pingouin et du Joker en tant qu'équipe date de plusieurs décennies, car les deux méchants, du point de vue de la culture pop, sont sans doute les deux ennemis les plus célèbres de Batman. Leur première rencontre a eu lieu assez tôt, dans "Knights of Knavery". Depuis lors, les deux hommes se sont associés d’innombrables fois au cours des âges d’or et d’argent. Cela s'est également répercuté sur la télévision ; tous deux sont apparus ensemble en équipe à plusieurs reprises. Ils ont une très forte amitié l’un avec l’autre ; le Pingouin a toujours fait référence au Joker comme à son ami très proche et à son meilleur ami, ce que le Joker a dit de même pour le Pingouin. Ils se sont même montrés affectueux à plusieurs reprises. Une fois, le Joker a pleuré lorsqu'il pensait que le Pingouin avait été assassiné, et le Joker voulait venger la mort du Pingouin. Autres versions Joker Le Pingouin (appelé par moquerie "Abner" par le Joker) est apparu dans Joker, un roman graphique de Brian Azzarello et Lee Bermejo. Cette incarnation exploite l'Iceberg Lounge, gère la plupart des investissements personnels de Joker et gère les revenus des matchs de boxe. Ailleurs mondes Dans l'histoire d'Elseworlds Batman : Crimson Mist, le troisième volet d'une trilogie qui a transformé Batman en vampire, le Pingouin est le premier des nombreux criminels à être tué par le vampirique Batman après s'être rendu à ses instincts les plus sombres. Batman arrache brutalement la gorge du Pingouin alors qu'il boit son sang et décapite ensuite son ennemi pour s'assurer qu'il ne puisse pas revenir en tant que vampire. Dans The Doom That Came to Gotham, un décor d'Elseworlds basé sur les œuvres de H. P. Lovecraft, Bruce Wayne est le chef d'une expédition en Antarctique dont il ne reste qu'un seul survivant. L'équipe de secours ne trouve aucune trace de lui, mais il est révélé au lecteur que Cobblepot, désormais à moitié fou, a abandonné son humanité et rejoint les pingouins albinos de la ville des Choses Anciennes. Point d'éclair Dans la chronologie alternative de Flashpoint, Oswald Cobblepot travaille en tant que chef de la sécurité des casinos Wayne, fournissant des informations sur ses clients et la pègre à Batman de cet univers, Thomas Wayne. Terre Un Dans Batman : Earth One de Geoff Johns et Gary Frank, Oswald Cobblepot est le maire corrompu de Gotham City. Il tente de faire tuer Thomas Wayne, le candidat adverse à la mairie, mais son plan échoue. Wayne, ainsi que sa femme, sont tués dans une agression aléatoire le soir des élections. Cobblepot dirige Gotham d'une main de fer, contrôlant tous les centres de pouvoir de la ville et utilisant un tueur à gages nommé "Birthday Boy". Il tue presque Batman avec son parapluie (qui cache une lame) une fois qu'il découvre l'identité secrète de Batman, mais Alfred Pennyworth lui tire dessus et le tue juste à temps. Il est également sous-entendu que Cobblepot a fait assassiner la femme de James Gordon lorsque le détective était trop près de découvrir l'implication de Cobblepot dans le meurtre des Waynes. Il essaie de faire la même chose à Barbara, la fille de Gordon, en "l'envoyant" à Birthday Boy, mais elle est sauvée par Batman, Gordon et Harvey Bullock. Contes de Batman Dans la nouvelle "Vulture: A Tale of the Penguin", de Steve Rasnic, le Pingouin devient un justicier, se faisant appeler Le Vautour. Batman/Teenage Mutant Ninja Turtles Dans le crossover Batman/Teenage Mutant Ninja Turtles, Penguin est vu pour la première fois sur les quais avec le Shredder, lui vendant un moteur de résonance WayneTech, mais Shredder le trahit et révèle qu'il a déjà pris soin de la plupart de ses hommes et envisage de prendre le moteur lui-même. . Shredder est alors sur le point de tuer Penguin, mais Penguin propose de lui fournir des armes et de l'argent pour son plan afin de se sauver. Shredder décide d'épargner Penguin, l'appelant "Bird Man". Shredder utilise ensuite l'Iceberg Lounge comme base, où Penguin a des ingénieurs travaillant sur le moteur de résonance pour alimenter sa machine. Shredder révèle alors qu'il envisage de faire passer une armée à travers le portail dimensionnel et de prendre le contrôle de Gotham City. Penguin s'y oppose, mais Shredder menace de le tuer et lui dit qu'il appartient au Foot Clan. Alors que Shredder s'apprête à ouvrir le portail, Batman et les Tortues Ninja arrivent pour les arrêter, mais Shredder détruit le portail et s'échappe avec Ra's al Ghul. Pendant la bataille, Penguin s'échappe également. Penguin rend ensuite visite à Batman, aux Tortues Ninja et au commissaire Gordon et leur parle des plans de Shredder, le trahissant. Penguin n'est cependant pas d'accord avec les plans de Shredder et révèle que Shredder et le Foot Clan travaillent désormais avec Ra's al Ghul et la League of Assassins. Plus tard, Robin et Casey Jones révèlent que la Ligue et le Foot utilisent l'asile d'Arkham comme base. Lorsque Batman et Robin arrivent, ils sont accueillis par Penguin, qui a été muté en pingouin mutant en guise de punition pour avoir trahi Shredder, ainsi que par The Joker, Two-Face, Riddler, Harley Quinn, Mr. Freeze, Mad Hatter, Bane, Scarecrow. , Poison Ivy et Ventriloque, qui ont tous été mutés en animaux mutants et attaquent Batman et Robin. Batman est capturé, mais Robin parvient à s'échapper. Les Tortues Ninja et Splinter arrivent alors, où Splinter bat les méchants mutés, tandis que Batman utilise sa nouvelle armure Intimidator pour vaincre Shredder et les Tortues battent Ra's. Plus tard, Gordon dit à Batman que les scientifiques de la police ont réussi à ramener tous les détenus d'Arkham à la normale et qu'ils sont actuellement à l'A.R.G.U.S. garde à vue. Dans d'autres médias

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Combien de fois Wyatt Earp a-t-il été abattu ?

Aucun

Wyatt Berry Stapp Earp (19 mars 1848 - 13 janvier 1929) était un joueur américain du Far West, shérif adjoint du comté de Pima et maréchal adjoint de la ville de Tombstone, dans le territoire de l'Arizona, qui a participé à la fusillade à l'O.K. Corral, au cours de laquelle des hommes de loi ont tué trois Cowboys hors-la-loi. Il est souvent considéré comme la figure centrale de la fusillade à Tombstone, bien que son frère Virgil était ce jour-là maréchal de la ville de Tombstone et maréchal adjoint des États-Unis, et avait beaucoup plus d'expérience en tant que shérif, gendarme, maréchal et soldat au combat. Earp a vécu une vie agitée. Il a été à différentes époques agent de police, policier de la ville, shérif du comté, maréchal adjoint des États-Unis, coéquipier, chasseur de bisons, videur, gardien de salon, joueur, gardien de bordel, mineur et arbitre de boxe. Earp a passé sa jeunesse dans l'Iowa. En 1870, Earp épousa sa première femme, Urilla Sutherland Earp, qui contracta la fièvre typhoïde et mourut peu de temps avant la naissance de leur premier enfant. Au cours des deux années suivantes, Earp a été arrêté, poursuivi en justice à deux reprises, s'est évadé de prison, puis a été arrêté trois fois de plus pour « avoir gardé et été retrouvé dans une maison de mauvaise réputation ». Il a atterri dans la ville en plein essor du bétail de Wichita, au Kansas, où il est devenu maréchal adjoint de la ville pendant un an et a développé une solide réputation d'homme de loi. En 1876, il suivit son frère James à Dodge City, Kansas, où il devint maréchal adjoint de la ville. À l'hiver 1878, il se rendit au Texas pour traquer un hors-la-loi et rencontra John « Doc » Holliday, à qui Earp attribua plus tard le mérite de lui avoir sauvé la vie. Earp s'est déplacé constamment tout au long de sa vie d'une ville en plein essor à une autre. Il quitta Dodge City en 1879 et s'installa à Tombstone avec ses frères James et Virgil, où un boom de l'argent était en cours. Là, les Earps se sont affrontés avec une fédération lâche de hors-la-loi connue sous le nom de Cowboys. Wyatt, Virgil et leur jeune frère Morgan ont occupé divers postes dans les forces de l'ordre qui les ont mis en conflit avec Tom et Frank McLaury, ainsi qu'avec Ike et Billy Clanton, qui ont menacé à plusieurs reprises de tuer les Earps. Le conflit s'est intensifié au cours de l'année suivante, culminant le 26 octobre 1881 lors de la fusillade à l'O.K. Corral, dans lequel les Earps et Holliday ont tué trois des Cowboys. Au cours des cinq mois suivants, Virgil fut pris dans une embuscade et mutilé, et Morgan fut assassiné. Poursuivant une vendetta, Wyatt, son frère Warren, Holliday et d'autres ont formé un groupe fédéral qui a tué trois des Cowboys qu'ils pensaient responsables. Wyatt n'a jamais été blessé dans aucune des fusillades, contrairement à ses frères Virgil et James ou Doc Holliday, ce qui n'a fait qu'ajouter à son mystère après sa mort. Earp était un joueur de longue date et cherchait toujours un moyen rapide de gagner de l'argent. Après avoir quitté Tombstone, Earp se rend à San Francisco où il retrouve Josephine Earp. Elle est devenue sa conjointe de fait. Ils se joignirent à une ruée vers l'or à Eagle City, dans l'Idaho, où ils possédaient des intérêts miniers et un saloon. Ils sont partis là-bas pour faire des courses de chevaux et ouvrir un saloon lors d'un boom immobilier à San Diego, en Californie. De retour à San Francisco, Wyatt a de nouveau couru des chevaux, mais sa réputation a été irrémédiablement affectée lorsqu'il a arbitré le match de boxe Fitzsimmons-Sharkey et a commis une faute qui a amené beaucoup à croire qu'il avait truqué le combat. Ils ont déménagé brièvement à Yuma, en Arizona, avant de rejoindre la ruée vers l'or de l'Alaska à Nome, en Alaska. Ils ouvrirent le plus grand saloon de la ville et gagnèrent une grosse somme d'argent. De retour dans le Lower 48, ils ouvrirent un autre saloon à Tonopah, dans le Nevada, site d'une nouvelle découverte d'or. Vers 1911, Earp commença à exploiter plusieurs concessions minières à Vidal, en Californie, prenant sa retraite pendant les étés chauds avec Joséphine à Los Angeles. À la mort d'Earp en 1929, il était bien connu pour sa gestion notoire de la lutte Fitzsimmons-Sharkey aux côtés de l'O.K. Combat au canon de Corral. Une biographie extrêmement flatteuse et largement romancée fut publiée en 1931 après sa mort, devenant un best-seller et créant sa réputation d'homme de loi intrépide. Depuis lors, Wyatt Earp a été le sujet et le modèle de nombreux films, émissions de télévision, biographies et œuvres de fiction qui ont accru son mystère. La réputation d’Earp aujourd’hui est celle du « tireur le plus dur et le plus meurtrier de son époque » du Far West. Jusqu'à la publication du livre, Earp avait une réputation douteuse en tant qu'ancien homme de loi et combattant armé occidental qui avait été arrêté neuf fois et avait quitté plus d'une ville avec des mandats d'arrêt toujours en cours contre lui. Dans les temps modernes, Wyatt Earp est devenu synonyme de l’image stéréotypée du juriste occidental et un symbole de la justice frontalière américaine. Début de la vie Wyatt est né le 19 mars 1848 de Nicholas Porter Earp et de sa seconde épouse, Virginia Ann Cooksey. Il a été nommé d'après le commandant de son père dans la guerre américano-mexicaine, le capitaine Wyatt Berry Stapp, de la 2e compagnie des volontaires montés de l'Illinois. Certaines preuves soutiennent que le lieu de naissance de Wyatt Earp est le 406 South 3rd Street à Monmouth, dans l'Illinois, bien que l'adresse soit contestée par le professeur et historien du Monmouth College, William Urban. Monmouth se trouve dans le comté de Warren, dans l’ouest de l’Illinois. Wyatt avait un demi-frère aîné issu du premier mariage de son père, Newton, et une demi-soeur Mariah Ann, décédée à l'âge de dix mois. En mars 1849 ou au début de 1850, Nicholas Earp rejoignit une centaine d'autres personnes dans un projet de déménagement dans le comté de San Bernardino, en Californie, où il avait l'intention d'acheter des terres agricoles. À seulement 240 km à l'ouest de Monmouth, leur fille Martha est tombée malade. La famille s'est arrêtée et Nicholas a acheté une nouvelle ferme de 160 acres à 11 km au nord-est de Pella, dans l'Iowa. Martha y mourut le 26 mai 1856. Adelia, la dernière enfant de Nicholas et Virginia Earp, est née en juin 1861 à Pella. Newton, James et Virgil rejoignirent l'armée de l'Union le 11 novembre 1861. Leur père était occupé à recruter et à forer des entreprises locales, et Wyatt et ses deux jeunes frères Morgan et Warren furent chargés de s'occuper de 80 acres de maïs. Wyatt n'avait que treize ans, trop jeune pour s'enrôler, mais il tenta à plusieurs reprises de s'enfuir et de rejoindre l'armée. A chaque fois, son père le retrouvait et le ramenait à la maison. James a été grièvement blessé à Fredericktown, dans le Missouri, et est rentré chez lui à l'été 1863. Newton et Virgil ont mené plusieurs batailles dans l'est et ont ensuite suivi la famille en Californie. Californie Le 12 mai 1864, Nicholas Earp organisa un train de wagons et se dirigea vers San Bernardino, en Californie, où il arriva le 17 décembre 1864. À la fin de l'été 1865, Virgil trouva du travail comme chauffeur pour la Stage Coach Line de Phineas Banning dans l'Imperial Valley en Californie, et Wyatt, 16 ans, a aidé. Au printemps 1866, Wyatt devient camionneur, transportant des marchandises pour Chris Taylor. De 1866 à 1868, il a conduit des marchandises sur la route des wagons de 720 milles depuis Wilmington, en passant par San Bernardino puis Las Vegas, Nevada, jusqu'à Salt Lake City, territoire de l'Utah. Au printemps 1868, Earp fut embauché pour transporter les fournitures nécessaires à la construction de l'Union Pacific Railroad. Il a appris le jeu et la boxe alors qu'il travaillait sur la tête de chemin de fer dans le territoire du Wyoming. Earp a développé une réputation d'arbitre de matchs de boxe et a arbitré un combat devant 3 000 spectateurs entre John Shanssey et Mike Donovan le 4 juillet 1869 à Cheyenne, Wyoming. Homme de loi et mariage Au printemps 1868, les Earp se déplaçèrent de nouveau vers l'est, jusqu'à Lamar, Missouri, où le père de Wyatt, Nicholas, devint le gendarme local. Wyatt a rejoint la famille l'année suivante. Nicholas démissionna de son poste de gendarme le 17 novembre 1869 pour devenir juge de paix, et Wyatt fut nommé gendarme à sa place. À la fin de 1869, Earp courtisa Urilla Sutherland, 20 ans (vers 1849-1870), fille de William et Permelia Sutherland, qui exploitaient l'Exchange Hotel à Lamar. Ils furent mariés par son père Nicholas à Lamar le 10 janvier 1870 et, en août 1870, Wyatt acheta un terrain à la périphérie de la ville pour 50 $ où il construisit une maison. Urilla était enceinte et sur le point d'accoucher de son premier enfant lorsqu'elle est décédée subitement de la fièvre typhoïde. En novembre, Earp a vendu le terrain et une maison pour 75 $. Dans l'espoir de conserver le poste auquel il avait été nommé, il s'est présenté contre son demi-frère aîné Newton pour le poste de gendarme. Les Earp espéraient peut-être conserver le travail dans la famille d’une manière ou d’une autre. Wyatt a gagné par 137 voix contre 108 pour Newton, mais leur père Nicholas a perdu l'élection du juge de paix dans une course à quatre très serrée. Poursuites et accusations Après la mort d'Urilla, Wyatt a traversé une spirale descendante et a eu une série de problèmes juridiques. Le 14 mars 1871, le comté de Barton intenta une action en justice contre Earp et ses cautions. Earp était chargé de collecter les droits de licence pour Lamar, qui finançait les écoles locales, et il était accusé de ne pas avoir remboursé les frais. Le 31 mars, James Cromwell a intenté une action en justice contre Earp, alléguant qu'Earp avait falsifié des documents judiciaires concernant le montant d'argent collecté auprès de Cromwell pour satisfaire à un jugement. Pour compenser la différence entre ce qu'Earp avait rendu et ce que Cromwell devait (qu'il prétendait avoir payé), le tribunal a saisi la tondeuse de Cromwell et l'a vendue pour 38 $. La poursuite de Cromwell affirmait qu'Earp lui devait 75 $, la valeur estimée de la machine. Le 28 mars 1871, Earp, Edward Kennedy et John Shown furent accusés d'avoir volé deux chevaux, « chacun d'une valeur de cent dollars », à William Keys alors qu'ils se trouvaient dans le pays indien. Le 6 avril, le maréchal adjoint des États-Unis J. G. Owens a arrêté Earp pour le vol de chevaux. Le commissaire James Churchill a traduit Earp en justice le 14 avril et a fixé la caution à 500 $. Le 15 mai, un acte d'accusation a été émis contre Earp, Kennedy et Shown. Anna Shown, l'épouse de John Shown, a affirmé qu'Earp et Kennedy avaient saoulé son mari et avaient ensuite menacé sa vie pour le persuader de l'aider. Le 5 juin, Edward Kennedy a été acquitté tandis que les poursuites contre Earp et John Shown restaient en suspens. Earp n'a pas attendu le procès. Il a grimpé par le toit de sa prison et s'est dirigé vers Peoria, dans l'Illinois. Arrestations à Peoria Des années plus tard, le biographe de Wyatt, Stuart N. Lake, écrivit que Wyatt chassait le bison pendant l'hiver 1871-1872. Mais Earp a été arrêté trois fois dans la région de Peoria, dans l'Illinois, au cours de cette période. Earp est également répertorié dans l'annuaire de la ville de Peoria en 1872 en tant que résident de la maison de Jane Haspel, qui exploitait un bordel. En février 1872, la police de Peoria fit une descente dans le bordel et arrêta quatre femmes et trois hommes : Wyatt et Morgan Earp, ainsi que George Randall. Ils ont été accusés de « détention et présence dans une maison de mauvaise réputation ». Ils ont ensuite été condamnés à une amende de vingt dollars plus les frais pour cette infraction criminelle. Wyatt Earp a été arrêté pour le même crime le 11 mai et de nouveau le 10 septembre 1872. Le Peoria Daily National Democrat a rapporté en septembre que Wyatt avait été arrêté à bord d'un bordel flottant qu'il possédait, nommé Beardstown Gunboat, avec une femme nommée Sally Heckell, qui se faisait appeler la femme de Wyatt Earp. En qualifiant Earp de « déception de Peoria », le journal l'incluait dans une classe de « fainéants méprisables qui imposent aux citoyens qui travaillent dur », un « mendiant » et pire que des clochards. C’étaient des hommes de mauvaise moralité qui étaient des contrevenants chroniques. Wichita, Kansas Wyatt a déménagé dans la ville en pleine croissance de Wichita au début de 1874, et les dossiers d'arrestation locaux montrent qu'une prostituée nommée Sally Earp exploitait un bordel avec la femme de son frère James du début de 1874 au milieu de 1876. Wyatt était peut-être un proxénète, mais l'historien Robert Gary L. Roberts pense qu'il était plus probable qu'il était un exécuteur ou un videur du bordel. Il est possible qu'il ait chassé le bison entre 1873 et 1874 avant de se rendre à Wichita. Lorsque le recensement de l'État du Kansas fut terminé en juin 1875, Sally ne vivait plus avec Wyatt, James et Bessie. Wichita était un terminal ferroviaire et une destination pour les transports de bétail en provenance du Texas. Comme dans d'autres terminaux ferroviaires frontaliers, lorsque les cowboys accompagnant les convois de bétail sont arrivés, la ville était remplie de cowboys ivres et armés célébrant la fin de leur long voyage. Les hommes de loi étaient occupés. Lorsque les collectes de bétail se sont terminées et que les cowboys sont partis, Earp a cherché autre chose à faire. Un article de journal d'octobre 1874 rapportait qu'il avait gagné de l'argent en aidant un policier en congé à retrouver des voleurs qui avaient volé le chariot d'un homme. Earp rejoignit officiellement le bureau du maréchal de Wichita le 21 avril 1875, après l'élection de Mike Meagher comme maréchal de la ville (ou chef de la police), gagnant 100 $ par mois. Il a également distribué du faro au Long Branch Saloon. Fin 1875, le journal Wichita Beacon publia cet article : Earp fut embarrassé le 9 janvier 1876 alors qu'il était assis avec des amis dans l'arrière-salle du Custom House Saloon lorsque son revolver chargé à simple action tomba de son étui. Il s'est déchargé lorsque le marteau a touché le sol. "La balle a traversé son manteau, a heurté le mur nord, puis s'est éloignée et a traversé le plafond." Wyatt était si rouge face à l'incident que des années plus tard, il persuada le biographe Stuart Lake de l'omettre de son livre Wyatt Earp, Frontier Marshal. Le mandat de Wyatt en tant que député de Wichita prit fin brusquement le 2 avril 1876, lorsque Earp s'intéressa trop activement à l'élection du maréchal de la ville. Selon les médias, l'ancien maréchal Bill Smith a accusé Wyatt d'utiliser son bureau pour aider à embaucher ses frères comme avocats. Wyatt s'est battu avec Smith et l'a battu. Meagher a été contraint de licencier Earp et de l'arrêter pour trouble à l'ordre public, ce qui a mis fin à une période de service que les journaux ont qualifiée par ailleurs de « irréprochable ». Meagher a remporté les élections, mais le conseil municipal a été divisé également sur la réembauche d'Earp. Son frère James a ouvert un bordel à Dodge City et Wyatt a quitté Wichita pour le rejoindre. Dodge City, Kansas Après 1875, Dodge City est devenue un terminal majeur pour les transports de bétail en provenance du Texas le long de la piste Chisholm. Earp a été nommé maréchal adjoint à Dodge City sous les ordres du maréchal Lawrence « Larry » Deger vers mai 1876. Il existe des preuves qu'Earp a passé l'hiver 1876-1877 dans une autre ville en plein essor, Deadwood, territoire du Dakota. Il ne faisait pas partie des forces de police de Dodge City à la fin de 1877, mais rejoignit les forces de police au printemps 1877 à la demande du maire James H. "Dog" Kelley. Le journal Dodge City rapporta en juillet 1878 qu'Earp avait été condamné à une amende de 1 $ pour avoir giflé une prostituée musclée nommée Frankie Bell, qui (selon les journaux) « avait accablé d'épithètes la tête inoffensive de M. Earp au point de donner une gifle. de l'ancien officier". Bell a passé la nuit en prison et a été condamné à une amende de 20 $, tandis que l'amende d'Earp était le minimum légal. En octobre 1877, le hors-la-loi Dave Rudabaugh a pillé un camp de construction du chemin de fer de Sante Fe et s'est enfui vers le sud. Earp a reçu une commission temporaire en tant que maréchal adjoint des États-Unis et il a quitté Dodge City, suivant Rudabaugh sur plus de 400 milles à travers Fort. Clark, Texas, où le journal rapporta sa présence le 22 janvier 1878, puis à Fort Griffin, Texas. Il est arrivé à la ville frontière sur Clear Fork de la rivière Brazos. Earp s'est rendu au Bee Hive Saloon, le plus grand de la ville et appartenant à John Shanssey, qu'Earp connaissait depuis l'âge de 21 ans. Shanssey a dit à Earp que Rudabaugh était passé par la ville plus tôt dans la semaine, mais il ne savait pas où il se dirigeait. . Shanssey a suggéré à Earp de demander au joueur « Doc » Holliday, qui avait joué aux cartes avec Rudabaugh. Holliday a dit à Earp que Rudabaugh était retourné au Kansas. Le 11 mai 1878, les journaux Dodge rapportèrent que Wyatt était retourné à Dodge City et le 14 mai, le Times nota que Wyatt avait été nommé maréchal adjoint pour un salaire de 75 $ par mois, sous les ordres de Charlie Bassett. Doc Holliday et sa conjointe de fait Big Nose Kate se sont également présentés à Dodge City au cours de l'été 1878. Au cours de l'été, Ed Morrison et d'autres cowboys du Texas sont entrés dans Dodge et ont envahi la ville, galopant sur Front Street. Ils sont entrés dans le Long Branch Saloon, ont vandalisé la pièce et harcelé les clients. En entendant l'agitation, Wyatt a fait irruption par la porte d'entrée et s'est retrouvé avec un tas d'armes pointées sur lui. Holliday jouait aux cartes à l'arrière et a pointé son pistolet sur la tête de Morrison, le forçant ainsi que ses hommes à désarmer. Earp a crédité Holliday de lui avoir sauvé la vie ce jour-là, et lui et Earp sont devenus amis. À Dodge City, il a fait la connaissance de James et Bat Masterson, Luke Short et de la prostituée Celia Anne "Mattie" Blaylock. Blaylock est devenue l'épouse de fait d'Earp jusqu'en 1881. Earp a démissionné de la police de Dodge City le 9 septembre 1879 et elle l'a accompagné à Las Vegas dans le territoire du Nouveau-Mexique, puis à Tombstone dans le territoire de l'Arizona. Tir de George Hoyt Vers 3 heures du matin le 26 juillet 1878, George Hoyt (écrit dans certains récits comme « Hoy ») et d'autres cowboys ivres ont tiré sauvagement avec leurs armes, dont trois coups de feu sur le Comique Theatre de Dodge City, obligeant le comédien Eddie Foy à jeter lui-même sur la scène au milieu de son numéro. Heureusement, personne n'a été blessé. Le maréchal adjoint Earp et le policier Bat Masterson ont répondu et "avec plusieurs citoyens, ont lâché leurs pistolets en direction des cavaliers en fuite". Alors que les cavaliers traversaient le pont de la rivière Arkansas, au sud de la ville, George Hoyt est tombé de son cheval après avoir été blessé au bras ou à la jambe. Earp a déclaré à Stuart Lake qu'il avait vu Hoyt à travers le viseur de son arme contre l'horizon du matin et avait tiré le coup fatal, le tuant ce jour-là, mais le Dodge City Times a rapporté que Hoyt avait développé une gangrène et était décédé le 21 août après que sa jambe ait été amputée. Déménager à Tombstone, Arizona En 1879, Wyatt reçut une lettre de son frère aîné Virgil, qui était le gendarme de la ville de Prescott, dans le territoire de l'Arizona. Virgil a écrit à Wyatt sur les opportunités offertes par la ville en plein essor des mines d'argent de Tombstone. En septembre 1879, Wyatt démissionna de son poste de maréchal adjoint à Dodge City. Accompagnés de sa conjointe de fait Mattie Blaylock, de son frère Jim et de son épouse Bessie, ils sont partis pour le territoire de l'Arizona. Ils se sont arrêtés à Las Vegas, au Nouveau-Mexique, où ils ont retrouvé Doc Holliday et sa conjointe de fait Big Nose Kate. Les cinq d'entre eux sont arrivés à Prescott en novembre. Wyatt, Virgil et James Earp avec leurs femmes arrivèrent à Tombstone le 1er décembre 1879, bien que Doc restât à Prescott, où le jeu offrait de meilleures opportunités. Là, les Earps ont acheté une participation dans la mine Vizina, la première extension nord de la mine Mountain Maid et certains droits d'eau. Plus tard dans sa vie, Wyatt écrivit : « En 1879, Dodge commençait à perdre une grande partie de l'attrait qui lui avait donné un charme auprès des hommes de sang imprudent, et j'ai décidé de déménager à Tombstone, qui était en train de se forger une réputation. » Le 27 novembre 1879, trois jours avant de déménager à Tombstone, Virgil fut nommé par Crawley Dake, maréchal américain pour le territoire de l'Arizona, maréchal américain adjoint pour le district minier de Tombstone, à environ 280 milles de Prescott. Son territoire comprenait toute la zone sud-est du territoire de l'Arizona. Le 5 mars 1879, lorsque la ville de Tombstone fut fondée, elle comptait environ 100 personnes vivant sous des tentes et quelques cabanes. Au moment où les Earps sont arrivés neuf mois plus tard, le 1er décembre, ils comptaient environ 1 000 habitants. Wyatt a amené des chevaux et un chariot à chariot, qu'il prévoyait de transformer en diligence, mais à son arrivée, il a trouvé deux lignes de scène établies déjà en marche. À Tombstone, les Earps ont jalonné leurs droits miniers et leurs droits sur l'eau, tentant de tirer parti du boom minier. Jim travaillait comme barman. Le 6 décembre 1879, les trois Earp et Robert J. Winders déposèrent un avis de localisation pour le premier prolongement nord de la mine Mountain Maid. Lorsqu'aucun de leurs intérêts commerciaux ne s'est avéré fructueux, Wyatt a été embauché en avril ou mai 1880 par l'agent de Wells, Fargo & Co., Frederick James Dodge, comme messager de fusil de chasse sur les diligences lorsqu'ils transportaient des coffres-forts de Wells Fargo. À l'été 1880, les jeunes frères Morgan arrivèrent du Montana et Warren Earp déménagea également à Tombstone. En septembre, l'ami de Wyatt, Doc Holliday, est arrivé de Prescott avec 40 000 $ de gains de jeu en poche. Première confrontation avec les Cowboys Le 25 juillet 1880, le capitaine de l'armée américaine Joseph H. Hurst a demandé au maréchal américain adjoint Virgil Earp de l'aider à retrouver les Cowboys qui avaient volé six mules de l'armée américaine au Camp Rucker. Virgil a demandé l'aide de ses frères Wyatt et Morgan, ainsi que de l'agent de Wells Fargo, Marshall Williams, et ils ont trouvé les mules au ranch des McLaury. McLaury était un Cowboy, un terme qui, à cette époque et dans cette région, était généralement utilisé pour désigner une association informelle de hors-la-loi, dont certains étaient également propriétaires fonciers et éleveurs. Les vachers légitimes étaient appelés éleveurs ou éleveurs de bétail. Ils ont trouvé le fer à marquer utilisé pour changer le « États-Unis » marque à "D.8." Le vol des mules était un délit fédéral car les animaux étaient la propriété des États-Unis. Le cowboy Frank Patterson "a fait une sorte de compromis" avec le capitaine Hurst, qui a persuadé le groupe de se retirer, étant entendu que les mules seraient restituées. Les Cowboys sont arrivés deux jours plus tard sans les mules et se sont moqués de Hurst et des Earps. En réponse, le capitaine Hurst a imprimé un prospectus décrivant le vol et a spécifiquement accusé Frank McLaury d'avoir aidé à cacher les mules. Il a également reproduit le dépliant dans The Tombstone Epitaph, le 30 juillet 1880. Frank McLaury a imprimé avec colère une réponse dans le Cowboy-friendly Nuggett, qualifiant Hurst de « peu viril », de « lâche, de vagabond, de coquin et de menteur malveillant ». , et a accusé Hurst d'avoir lui-même volé les mules. Le capitaine Hurst a ensuite averti Wyatt, Virgil et Morgan que les Cowboys avaient menacé leur vie. Virgil a rapporté que Frank l'avait abordé et l'avait prévenu "Si jamais vous nous suivez d'aussi près que vous l'avez fait, vous devrez de toute façon vous battre." Un mois plus tard, Earp rencontra Frank et Tom McLaury à Charleston, et ils lui dirent que s'il les suivait comme il l'avait fait auparavant, ils le tueraient. Devient shérif adjoint Le 28 juillet 1880, Wyatt fut nommé shérif adjoint pour la partie orientale du comté de Pima, qui comprenait Tombstone, par le shérif du comté démocrate Charlie Shibell. Wyatt a transmis son travail à Wells Fargo en tant que messager de fusil de chasse à son frère Morgan. Wyatt a bien fait son travail et, d'août à novembre, son nom a été mentionné presque chaque semaine par les journaux The Tombstone Epitaph ou Nugget. Le poste de shérif adjoint valait plus de 40 000 dollars par an (environ 400 dollars aujourd'hui) car il était également évaluateur du comté et percepteur des impôts, et le conseil de surveillance lui permettait de conserver dix pour cent des sommes versées. Alors que Wyatt était shérif adjoint, l'ancien législateur démocrate de l'État Johnny Behan est arrivé en septembre 1880. Coup de feu du maréchal de la ville Le 28 octobre 1880, le populaire maréchal de la ville de Tombstone, Fred White, a tenté de disperser un groupe de cinq fêtards ivres tirant sur la lune dans Allen Street à Tombstone. Le shérif adjoint Wyatt se trouvait dans l'Owens Saloon, à un pâté de maisons, bien que non armé. Lorsqu'il a entendu la fusillade, il a couru sur les lieux, a emprunté un pistolet à Fred Dodge et est allé aider White. Il a vu White tenter de désarmer Curly Bill Brocius et le coup de feu, frappant White à l'aine. Wyatt a fouetté Brocius avec un pistolet, le jetant au sol. Puis il attrapa Brocius par le col et lui dit de se lever. Brocius protesta en demandant : « Qu'ai-je fait ? Fred Dodge est arrivé sur les lieux. Dans une lettre adressée à Stuart Lake plusieurs années plus tard, il se souvient de ce qu'il avait vu. Wyatt a modifié son histoire plus tard, disant à John H. Flood qu'il n'avait vu le pistolet de Brocius au sol dans l'obscurité qu'après. Le pistolet contenait une cartouche épuisée et cinq balles réelles. Brocius a renoncé à une audience préliminaire afin que lui et son cas puissent être transférés au tribunal de district de Tucson. Virgil et Wyatt ont escorté Brocius à Tucson pour y être jugé, le sauvant peut-être d'un lynchage. White, 31 ans, est décédé des suites de sa blessure deux jours après sa fusillade. Le 27 décembre 1880, Wyatt témoigna que la fusillade de White était accidentelle. Brocius a exprimé ses regrets, affirmant qu'il n'avait pas l'intention de tirer sur White. L'armurier Jacob Gruber a témoigné que le revolver à simple action de Curly Bill était défectueux, ce qui lui permettait d'être déchargé à mi-armement. Une déclaration de White avant sa mort a été présentée, indiquant que la fusillade était accidentelle. Le juge a jugé que la fusillade était accidentelle et a relâché Brocius. Brocius, cependant, restait extrêmement en colère contre la façon dont Wyatt l'avait frappé avec un pistolet et était devenu un ennemi des Earps. Virgil a également été nommé maréchal par intérim de la ville de Tombstone. Perd son renouvellement Wyatt n'a servi comme shérif adjoint pour l'est du comté de Pima que pendant environ trois mois parce qu'en novembre, le démocrate Shibell s'était présenté aux élections contre son challenger républicain Bob Paul. La région était fortement républicaine et Paul devait gagner. Le républicain Wyatt s'attendait à ce qu'il continue à occuper ce poste. Compte tenu de la croissance rapide du comté de Pima dans l’est, tout le monde s’attendait à ce qu’il soit bientôt divisé en son propre comté avec Tombstone comme siège. Wyatt espérait remporter le poste de nouveau shérif du comté et continuer à recevoir les 10 % de tous les impôts collectés. Southern Pacific était le principal propriétaire foncier, de sorte que la perception des impôts était un processus relativement simple. Le jour du scrutin, le 2 novembre, la circonscription 27 de la vallée de San Simon, dans le nord du comté de Cochise, a obtenu 104 voix, dont 103 pour Shibell. Shibell a remporté les élections de manière inattendue avec une marge de 58 voix dans des circonstances suspectes. James C. Hancock a rapporté que les Cowboys Curly Bill Brocius et Johnny Ringo étaient fonctionnaires électoraux dans la circonscription de San Simon. Cependant, le 1er novembre, la veille des élections, le biographe de Ringo, David Johnson, place Ringo au Nouveau-Mexique avec Ike Clanton. Curly Bill avait été arrêté et emprisonné à Tucson le 28 octobre pour avoir tiré sur le shérif Fred White, et il était toujours là le jour du scrutin. La maison de John Magill a été utilisée comme lieu de vote. La circonscription ne contenait qu'une dizaine d'électeurs éligibles (une autre source parle de 50), mais les Cowboys ont rassemblé les non-votants comme les enfants et les Chinois et les ont fait voter. Insatisfaits, ils ont nommé tous les chiens, burros et volailles et ont voté en leur nom pour Shibell. Le comité électoral s'est réuni le 14 novembre et a déclaré Shibell vainqueur. Earp démissionna du bureau du shérif le 9 novembre 1880 et Shibell nomma immédiatement Behan comme nouveau shérif adjoint pour l'est du comté de Pima. Le démocrate Johnny Behan avait beaucoup plus d’expérience politique que le républicain Wyatt Earp. Behan avait auparavant été shérif du comté de Yavapai de 1871 à 1873. Il avait été élu à deux reprises à la législature territoriale de l'Arizona, représentant le pays de Yavapai à la 7e législature territoriale en 1873 et le comté de Mohave à la 10e en 1879. Behan a déménagé pendant un certain temps au Territoire du nord-ouest de l'Arizona, où il a été enregistreur du comté de Mohave en 1877, puis shérif adjoint du comté de Mohave à Gillet, en 1879. Paul a intenté une action en justice le 19 novembre pour contester les résultats des élections, alléguant que les partisans de Shibell's Cowboy, Iike Clanton, Curly Bill Brocius et Frank McLaury, avaient coopéré au bourrage des bulletins de vote. Juge en chef de l'Arizona C.G.W. French se prononça en faveur de Paul fin janvier 1881, mais Shibell fit appel. Son procès fut finalement résolu en avril 1881. La commission électorale découvrit qu'un mystérieux « Henry Johnson » était chargé de certifier les bulletins de vote. Il s'est avéré qu'il s'agissait de James Johnson, le même James K. Johnson qui tirait sur Allen Street la nuit où le maréchal White a été tué. De plus, c'était le même Johnson qui avait témoigné à l'audience préliminaire de Curly Bill après avoir tiré sur Fred White. James Johnson a ensuite témoigné en faveur de Bud Paul lors de l'audience électorale et a déclaré que les bulletins de vote avaient été confiés aux soins de Phin Clanton. Aucun des témoins lors de l'audience électorale n'a signalé que des bulletins de vote avaient été déposés pour les chiens. Le recomptage a révélé que Paul avait 402 voix et Shibell 354. Soixante-deux n'ont pas été examinées de plus près. Paul a été déclaré vainqueur de l'élection du shérif du comté de Pima, mais à ce moment-là, l'élection était devenue un point discutable. Paul n'a pas pu remplacer Behan par Earp car le 1er janvier 1881, le comté de Cochise a été créé à partir de la partie orientale du comté de Pima. Behan remporte les élections Earp et Behan ont tous deux postulé pour occuper le nouveau poste de shérif du comté de Cochise, qui, comme le poste de shérif du comté de Pima, versait au titulaire du poste 10 % des frais et taxes perçus. Earp pensait qu'il avait de bonnes chances de remporter le poste car il était l'ancien sous-shérif de la région et républicain, comme le gouverneur territorial de l'Arizona, John C. Fremont. Cependant, Behan avait une plus grande expérience politique et une plus grande influence à Prescott. Earp a témoigné de manière improbable lors de l'audience préliminaire après la fusillade à l'O.K. Corral que lui et Behan avaient conclu un accord. Si Earp retirait sa candidature à la législature, Behan acceptait de nommer Earp comme sous-shérif. Behan reçut la nomination en février 1881, mais ne respecta pas sa part du marché et choisit à la place Harry Woods, un éminent démocrate, comme sous-shérif. Behan a d'abord témoigné qu'il n'avait conclu aucun accord avec Earp, bien qu'il ait admis plus tard qu'il avait menti. Behan a déclaré qu'il avait rompu sa promesse de nommer Earp en raison d'un incident survenu peu de temps avant sa nomination. Cet incident est survenu après qu'Earp ait appris qu'un de ses chevaux de récompense, volé plus d'un an auparavant, était en possession d'Ike Clanton et de son frère Billy. Earp et Holliday se sont rendus au ranch Clanton près de Charleston pour récupérer le cheval. En chemin, ils ont dépassé Behan, qui circulait dans un chariot. Behan se rendait également au ranch pour signifier une assignation à comparaître à Ike Clanton pour une audience électorale. Tiré de Turner, Alford (Ed.), The O. K. Corral Inquest (1992). Les récits diffèrent quant à ce qui s'est passé ensuite. Earp a témoigné plus tard que lorsqu'il est arrivé au ranch Clanton, Billy Clanton a abandonné le cheval avant même de recevoir les papiers de propriété. Cependant, selon le témoignage de Behan, Earp avait dit aux Clantons que Behan était sur le point de les arrêter pour vol de chevaux. Après l'incident, qui a embarrassé à la fois les Clantons et Behan, Behan a témoigné qu'il ne voulait pas travailler avec Earp et a choisi Woods à la place. Relation avec Sadie Marcus Wyatt Earp, 32 ans, et Johnny Behan, 35 ans, partageaient apparemment un intérêt pour la même femme de 18 ans, Josephine Sarah Marcus. Elle a déclaré qu'elle avait visité Tombstone pour la première fois en tant que membre de la troupe de théâtre Pauline Markham le 1er décembre 1879 pour un engagement d'une semaine, mais les chercheurs modernes n'ont trouvé aucune trace indiquant qu'elle ait jamais fait partie de la compagnie de théâtre. Behan possédait un saloon à Tip Top, en Arizona, où il entretenait une prostituée nommée Sadie Mansfield. En septembre 1880, Behan déménage à Tombstone. Sadie est peut-être retournée à San Francisco puis a rejoint Behan à Tombstone, où elle et Behan ont poursuivi leur relation. Sadie était un surnom bien connu pour Sarah, et il était courant que les prostituées changent de prénom. Wyatt avait un sens de l'humour espiègle. Lorsqu'ils formèrent un couple en 1882, il savait que sa femme préférait le prénom « Joséphine » et détestait « Sadie », mais au début de leur relation, il commença à l'appeler « Sadie ». Sadie Mansfield et Sadie Marcus avaient des noms et des initiales très similaires et étaient toutes deux connues par leurs amis sous le nom de « Sadie ». Tous deux ont fait un voyage en diligence de San Francisco à Prescott, dans le territoire de l'Arizona ; tous deux ont voyagé avec une femme noire nommée Julia ; tous deux étaient des partenaires sexuels de Behan ; tous deux avaient 19 ans, étaient nés à New York et avaient des parents prussiens. La seule différence constatée lors du recensement de 1880 est leur profession : Sadie à San Francisco est répertoriée comme « À la maison », tandis que Sadie à Tip Top est enregistrée comme « Courtisane ». Mais Joséphine a déclaré que ses parents ont caché ses activités et qu'ils l'ont peut-être couverte lorsque le recenseur, un voisin qui connaissait la famille, est apparu à leur porte. Au printemps 1881, Marcus trouva Behan au lit avec la femme d'un ami et le chassa, même si elle utilisait encore le nom de famille Behan jusqu'à la fin de cet été. Earp entretenait une union de fait avec Mattie Blaylock, qui figurait comme son épouse lors du recensement de juin 1880. Elle souffrait de graves maux de tête et est devenue dépendante du laudanum, un opiacé et un analgésique couramment utilisé. Il n'y a aucune trace contemporaine à Tombstone d'une relation entre Joséphine et Earp. Le chroniqueur de Tombstone, George W. Parsons, n'a jamais mentionné avoir vu Wyatt et Joséphine ensemble, et John Clum non plus dans ses mémoires. Mais Earp et Marcus se connaissaient certainement, puisque Behan et Earp avaient tous deux des bureaux au-dessus du Crystal Palace Saloon. Une lettre écrite par l'ancien gouverneur du territoire du Nouveau-Mexique, Miguel Otero, en 1940, semble indiquer qu'Earp avait de forts sentiments pour Joséphine en avril 1882. Après avoir quitté Tombstone après l'Earp Vendetta Ride, le groupe d'Earp se rendit à Albuquerque, au Nouveau-Mexique, pendant deux semaines. Pendant son séjour, Wyatt est resté avec l'éminent homme d'affaires Henry N. Jaffa, qui était également président du Board of Trade de New Albuquerque. Comme Joséphine, Jaffa était juive. Wyatt et Holliday étaient de bons amis depuis

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Quel célèbre cowboy a été créé par George W. Trendle ?

The Lone Ranger

George Washington Trendle (4 juillet 1884 - 10 mai 1972) était un avocat et homme d'affaires de Détroit, surtout connu pour être le producteur des programmes de radio et de télévision Lone Ranger ainsi que The Green Hornet. Il est enterré au cimetière Woodlawn de Détroit. Salles de cinéma Au cours des années 1920, George W. Trendle était un avocat de Détroit, dans le Michigan, qui s'était bâti une réputation de négociateur acharné, spécialisé dans les contrats et les baux de films. Trendle s'est impliqué dans le secteur du divertissement de la région de Détroit en 1928 lorsque le propriétaire d'un cinéma local, John H. Kunsky, a offert à Trendle une participation de 25 % en échange de ses services. Kunsky avait été l'un des premiers investisseurs dans Nickelodeons à partir de 1905. En 1911, il construisit la première salle de cinéma à Détroit. C'était la deuxième salle de cinéma du pays. En 1928, il possédait vingt salles de cinéma, dont quatre des plus grandes salles de première diffusion de Détroit. Kunsky était chassé du secteur du théâtre lorsque Adolph Zukor a acquis la bourse de films de la région de Détroit, connue sous le nom de Cooperative Booking Office, et a commencé à faire pression sur les propriétaires de théâtres locaux pour qu'ils vendent leurs films à la Paramount. Trendle a négocié la vente des théâtres Kunsky pour six millions de dollars. Zukor a transféré les théâtres à une filiale de Paramount nommée United Detroit Theatres. En 1948, le monopole de la Paramount est devenu l'objet d'une poursuite antitrust initiée par la Society of Independent Motion Picture Producers (SIMPP). Dans le cadre de l'accord, Trendle et Kunsky se sont vu interdire de réintégrer le secteur cinématographique à Détroit. Cependant, Zukor a apparemment reconnu les talents de Trendle et l'a embauché pour gérer les théâtres Paramount à Détroit. On attribue à Trendle la construction du théâtre historique Alger, qui a ouvert ses portes le 22 août 1935, dans l'est de Détroit. Trendle a été renvoyé des United Detroit Theatres pour « négligence » en 1937. Stations de radio et de télévision Trendle et Kunsky ont formé la Kunsky-Trendle Broadcasting Company en 1929 après avoir acheté la station de radio de Détroit WGHP. Les lettres d'appel de la station de radio ont été remplacées par WXYZ. Trendle était le président et Kunsky le vice-président de l'entreprise. Trendle était actif en tant que directeur de la station. Kunsky est rarement mentionné sauf en tant que copropriétaire. WXYZ était initialement affiliée au Columbia Broadcasting System, mais est devenue une station indépendante en un an. Le partenaire de Trendle, Kunsky, a légalement changé son nom en King en 1936, et la Kunsky-Trendle Broadcasting Company est devenue la King-Trendle Broadcasting Company. WXYZ a amélioré ses installations techniques tout au long des années 1930, en agrandissant ses studios, en augmentant sa puissance diurne de 1 000 à 5 000 watts à la fin des années 1930 et en augmentant la puissance nocturne à 5 000 watts à temps pour son passage obligatoire en 1941 de 1 240 à 1 270 kHz sous le régime nord-américain. Accord de radiodiffusion. En 1931, Kunsky-Trendle acquiert WASH et WOOD à Grand Rapids, Michigan. Les deux stations ont fusionné leurs installations, y compris les studios et les émetteurs, mais ont conservé les licences des deux stations. WASH était diffusé de 8 h 00 à midi et WOOD de midi à minuit. WOOD-WASH est devenu une filiale de NBC Red en 1935. King et Trendle ont décidé d'abandonner la licence WASH en 1942, conservant l'identification WOOD. En 1946, la nouvelle American Broadcasting Company a acheté la King-Trendle Broadcasting Company et ses stations de radio pour 3,65 millions de dollars. Cette vente concernait les installations de diffusion (y compris WOOD, WXYZ et le réseau régional du Michigan) et un permis de construire pour ce qui allait devenir plus tard WXYZ-TV (canal 7), mais n'incluait pas la propriété des programmes de radio de Trendle. La FCC a approuvé l'achat d'ABC le 18 juillet 1946. En 1952, Paramount Theatres (propriétaires de l'ancienne chaîne de théâtres de Kunsky et Trendle dans la région de Détroit) a acquis ABC, y compris WXYZ. WXYZ (utilisant désormais l'indicatif d'appel WXYT) appartient aujourd'hui à CBS, le réseau Trendle a été abandonné peu de temps après avoir repris la station. Trendle a conclu un nouveau partenariat avec ses associés de longue date H. Allen Campbell et Raymond Meurer. La Trendle-Campbell Broadcasting Company a été créée en 1946 et a lancé la station de radio WTCB à Flint, Michigan. La nouvelle station de radio a été diffusée le 26 avril 1946, avec un réseau de diffusion à quatre tours de 1 000 watts. Les lettres d'appel ont ensuite été changées en WTAC. En 1953, ils ajoutèrent la station de télévision UHF WTAC-TV affiliée à ABCTV et DuMont. La chaîne de télévision a fermé ses portes moins d’un an plus tard, car trop peu de téléviseurs étaient alors équipés pour recevoir les chaînes UHF. La station de radio a changé de propriétaire à plusieurs reprises et son indicatif d'appel a été changé pour WSNL en 1997. La station appartient actuellement à The Christian Broadcasting System. Trois des quatre tours ont été démolies en 2003 pour laisser place au réaménagement du site. La quatrième tour a été retirée en 2004 après l'achèvement de nouvelles installations de transmission dans le canton de Gaines, au sud-ouest de Flint. Une autre station de radio Trendle-Campbell (WPON) a été diffusée en décembre 1954. La station était située à Pontiac, Michigan, avec des studios à l'hôtel Waldron au centre-ville de Pontiac. Trendle et Campbell auraient été encore en charge des opérations de la station à la fin des années 1960. En 1987, l'émetteur de WPON a été déplacé de Pontiac à Walled Lake. La station appartient actuellement à Birach Broadcasting, basée à Southfield, et propose un format talk-and-oldies. Pincement d'un centime L'entreprise commerciale Kunsky-Trendle a débuté au début de la Grande Dépression, et Trendle a pris de nombreuses mesures de réduction des coûts qui lui ont valu une réputation de pinceur. Selon Dick Osgood dans son livre Wyxie Wonderland: An Unauthorized 50-Year Diary of WXYZ Detroit, il a été assisté dans cette tâche par H. Allen Campbell. Campbell était un vendeur de publicité pour l'organisation Hearst que Trendle avait embauché pour trouver des sponsors pour ses programmes de radio. On attribue à Campbell la signature de Silvercup Bread (de la Gordon Baking Company) en tant que premier sponsor de la série Lone Ranger. Il s'agissait d'un gros compte qui a contribué à amener l'émission à une syndication à l'échelle nationale. Apparemment, les contributions de Campbell à l'entreprise ont été significatives. Il a continué à travailler pour Trendle pendant les vingt années suivantes et est finalement devenu l'un des partenaires commerciaux de Trendle. Campbell aurait tenu une série de livres pour montrer aux employés que l'entreprise perdait de l'argent et ne pouvait pas se permettre de payer des salaires plus élevés. Trendle et Campbell répondaient souvent aux demandes d'augmentation de salaire des employés en minimisant leur valeur pour l'entreprise et en menaçant de les licencier. Cette menace s'est avérée particulièrement efficace pendant la Grande Dépression. Trendle a précisé que la musique des émissions de WXYZ devait être du classique non protégé par le droit d'auteur afin que la musique soit libre de droits. C'est la raison pour laquelle l'Ouverture de Guillaume Tell a été adoptée comme thème du Lone Ranger et Le Vol du bourdon est devenu le thème du spectacle Green Hornet. Nouvelle programmation En juin 1932, Trendle décida d'abandonner l'affiliation au réseau pour exploiter WXYZ en tant que station indépendante. Sa station produirait sa propre série radiophonique et diffuserait des programmes musicaux produits localement plutôt que de payer pour des programmes syndiqués. Jim Jewell a été embauché comme directeur dramatique de la station et a fourni les acteurs de sa propre compagnie de répertoire, les « Jewell Players ». La rédactrice radio indépendante Fran Striker a été embauchée pour écrire plusieurs de ces programmes. Les premières séries radiophoniques dramatiques comprenaient Thrills of the Secret Service, Dr. Fang et Warner Lester, Manhunter. Striker a écrit de nombreux scripts et est finalement devenu chef du département de script de WXYZ. À la fin de 1932, Trendle commença à discuter d'idées pour créer une nouvelle série radiophonique avec un cow-boy comme héros. Il voulait un héros mystérieux qui aurait le même type d'attrait que Zorro ou Robin des Bois. Le public cible étant constitué d'enfants, Trendle a insisté sur un héros sain et doté de normes morales élevées. La violence et la romance devaient être minimisées. Trendle a élaboré le concept de base d'un justicier masqué, un ranger solitaire du Texas avec un grand cheval blanc, lors de réunions d'équipe avec Jim Jewell et le directeur du studio Harold True. Ensuite, Fran Striker a été chargé d'étoffer les détails et de fournir les scripts. Ses contributions comprenaient des balles d'argent et un compagnon indien. Le résultat fut The Lone Ranger, qui commença à diffuser le 30 janvier 1933 sur WXYZ et les sept autres stations du réseau régional du Michigan. Le Lone Ranger a connu un succès presque immédiat. En mai, un popgun gratuit a été offert aux 300 premiers auditeurs ayant envoyé une demande écrite ; la station a reçu près de 25 000 réponses. En juillet, le Lone Ranger a fait une apparition publique dans un parc et une foule estimée à 70 000 personnes s'est rassemblée. Trendle a reconnu la valeur du Lone Ranger et a forcé Striker et Jewell à céder tous les droits. Outre les droits légaux, Trendle a revendiqué le mérite du créateur du Lone Ranger. Trendle et ses partenaires ont conservé la plupart des bénéfices provenant de la syndication radio, des droits cinématographiques et du merchandising, tandis que Striker et Jewell n'ont reçu qu'un peu plus que leurs salaires. Au début de 1934, l'émission était diffusée sur WGN, Chicago et WOR, Newark. D'autres stations suivirent bientôt. Les émissions en direct ont été transmises par lignes téléphoniques aux autres stations. Lorsque le Mutual Broadcasting System a été créé en 1934, WXYZ est devenu membre fondateur et le programme Lone Ranger a été présenté sur le Mutual Network. Bien que WXYZ ait abandonné pour rejoindre NBC Blue environ un an plus tard, les obligations contractuelles ont maintenu The Lone Ranger sur Mutual jusqu'en 1942, pendant cette période, The Lone Ranger a été produit à WXYZ mais entendu dans la région de Détroit via la nouvelle filiale de Mutual, CKLW. Elle est ensuite passée au NBC Blue Network, qui est devenu ABC en 1943. La popularité de la série a rapidement augmenté et elle a finalement été entendue sur 249 stations de radio dans tout le pays. Afin de desservir un public national, la diffusion en direct a été réalisée trois fois, une pour chaque fuseau horaire. À partir de février 1938, la troisième représentation fut également enregistrée sur un disque de transcription pour être diffusée ultérieurement sur des stations qui n'avaient pas de connexion en direct au réseau. En 1936, The Green Hornet a été ajouté à la liste des programmes WXYZ. Le Green Hornet était un combattant du crime masqué des temps modernes nommé Britt Reid et descendait du neveu du Lone Ranger, Dan Reid. Il était assisté de son valet japonais (changé en philippin après Pearl Harbor) Kato, qui utilisait les arts martiaux. Fran Striker a écrit la plupart des scénarios de la série. En 1937, Trendle a autorisé Republic Pictures à produire une version cinématographique de The Lone Ranger. Trendle n'était pas satisfait des changements apportés aux adaptations cinématographiques et a engagé l'avocat Raymond Meurer pour superviser les licences de la franchise. Cependant, Trendle a aimé la musique accessoire que Republic a utilisée sur la bande originale de la série et a acquis le droit de l'utiliser sur The Lone Ranger. En 1939, lorsque The Lone Ranger est passé de Mutual à NBC (Blue), de nouveaux arrangements ont été enregistrés par The NBC Symphony et utilisés pour le reste de la série radiophonique et sur les épisodes de séries télévisées produits par la société Trendle. En 1938, Trendle a demandé à son équipe de rédaction de créer une série d'aventures mettant en vedette un chien comme héros. L'écrivain Tom Dougall a créé Challenge of the Yukon, une série sur le sergent Preston de la Police à cheval du Nord-Ouest et son chien de traîneau Yukon King. En 1939, Striker créa Ned Jordan Secret Agent pour WXYZ. En 1949, Trendle engagea Jack Chertok, ancien producteur de films de la MGM, pour produire la série télévisée The Lone Ranger. Trendle a été crédité en tant que producteur exécutif. En 1950, Trendle commença à produire Bob Barclay – American Agent. Bob Barclay était un agent infiltré du gouvernement américain avec une identité de correspondant de presse. Trendle a reçu des plaintes du gouvernement américain parce que les histoires ressemblaient trop à des cas réels. La presse américaine s'est également plainte du fait que la série nuisait à la situation réelle de William Oatis. Oatis était un journaliste détenu pour espionnage en Tchécoslovaquie. La série a été annulée à la fin de sa première saison. En juillet 1954, Trendle vendit les droits du Lone Ranger à la Wrather Corporation pour 3 millions de dollars. La série radiophonique a cessé à cette époque, mais la série télévisée a continué jusqu'en 1957 avec Jack Wrather comme nouveau producteur exécutif. De 1955 à 1958, l'émission radiophonique Challenge of the Yukon a été adaptée pour la télévision sous le titre Sergeant Preston of the Yukon. La série a été produite par Trendle-Campbell-Meurer Inc. au cours de ses deux premières saisons mais a été vendue à Jack Wrather Productions en 1957.

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En 1961, qui a marqué six buts dans un match mais s'est quand même retrouvé dans l'équipe perdante lors d'un match nul en FA Cup ?

Denis Law

Denis Law CBE (né le 24 février 1940) est un ancien footballeur écossais. Sa carrière de footballeur a commencé à Huddersfield Town en deuxième division en 1956. Après quatre ans à Huddersfield, il a été signé par Manchester City moyennant des frais de transfert de 55 000 £, ce qui a établi un nouveau record britannique. Law y a passé un an avant que Turin ne l'achète pour 110 000 £, établissant cette fois un nouveau record pour un transfert entre un club anglais et un club italien. Bien qu'il ait bien joué en Italie, il a eu du mal à s'y installer et a signé pour Manchester United en 1962, établissant un autre record britannique de transfert de 115 000 £. Law a passé 11 ans à Manchester United, où il a marqué 237 buts en 404 apparitions. Son total de buts le place au troisième rang de l'histoire du club, derrière Bobby Charlton et Wayne Rooney. Il a été surnommé Le Roi et Le Lawman par les partisans, et Denis la Menace par les partisans adverses. Il est le seul joueur écossais à avoir remporté le Ballon d'Or, en 1964, et a aidé son club à remporter la Première Division en 1965 et 1967. Il a raté son triomphe en Coupe d'Europe en 1968 en raison d'une blessure. Law a quitté Manchester United en 1973 pour retourner à Manchester City pour une saison et a représenté l'Écosse à la Coupe du Monde de la FIFA 1974. Il prend sa retraite au début de la saison 1974-1975. Law a joué pour l'Écosse 55 fois au total et détient conjointement le record international écossais de buts avec 30 buts. Law détient le record de United en marquant 46 buts en compétition en une seule saison. Début de la vie Law est né à Aberdeen, en Écosse, de George Law, pêcheur, et de sa femme, Robina ; il était le plus jeune de sept enfants, quatre garçons et trois filles. La famille Law n'était pas aisée et vivait dans un appartement social à Printfield Terrace à Aberdeen. Il est resté pieds nus jusqu'à l'âge de 12 ans et a porté des chaussures d'époque tout au long de son adolescence ; sa première paire de chaussures de football lui est venue comme cadeau d'anniversaire d'occasion d'un voisin, qu'il a reçu alors qu'il était adolescent. Il soutenait Aberdeen et les regardait quand il avait assez d'argent pour le faire, regardant les équipes locales hors championnat quand il n'en avait pas. Son obsession pour le football l'a amené à refuser une place à l'Aberdeen Grammar School, car il aurait dû y jouer au rugby. Au lieu de cela, il a fréquenté la Powis Academy à Aberdeen. Malgré un sérieux louchement, il s'est montré très prometteur une fois qu'il a été déplacé de l'arrière latéral à l'intérieur gauche et a été sélectionné pour les Scotland Schoolboys. Carrière en club Ville de Huddersfield Au cours de la saison 1954-1955, il fut repéré par Archie Beattie, un éclaireur de Huddersfield Town, qui invita Law, 15 ans, à passer un procès. Lorsqu'il est arrivé sur place, l'entraîneur a déclaré : "Ce garçon est un monstre. Je n'ai jamais vu un espoir de football moins probable – faible, chétif et à lunettes." Cependant, à la surprise de Law, ils le signèrent le 3 avril 1955. Alors qu'il était à Huddersfield, il subit une opération pour corriger son strabisme, ce qui renforça considérablement sa confiance en lui. La relégation de Huddersfield dans ce qui était alors la deuxième division a permis à Law d'obtenir plus facilement un match, et il a fait ses débuts le 24 décembre 1956, à seulement seize ans, dans une victoire 2-1 contre Notts County. Le manager de Manchester United, Matt Busby, a rapidement proposé à Huddersfield 10 000 £ pour Law, une somme d'argent substantielle pour un footballeur adolescent à l'époque, mais le club a refusé l'offre. Bill Shankly a été manager de Huddersfield entre 1957 et 1959, et lorsqu'il est parti pour Liverpool, il voulait emmener Law avec lui, mais Liverpool n'avait pas les moyens de l'acheter à ce moment-là. Manchester City En mars 1960, Law signa pour Manchester City pour ce qui était alors un montant de transfert record britannique de 55 000 £, bien que la part de Law dans les frais était « précisément nulle ». Une fois de plus, Matt Busby avait tenté de signer Law pour Manchester United, mais les rivaux de United les ont battus à la signature de Law. Bien qu'il appartienne à la Première Division, City avait évité de peu la relégation la saison précédente, et il pensait sincèrement que Huddersfield avait une meilleure équipe à l'époque. Law a fait ses débuts le 19 mars, marquant lors d'une défaite 4–3 contre Leeds United. En avril 1961, il marqua deux buts lors d'une victoire 4-1 contre Aston Villa qui assura la survie de City en Division 1. Même s'il avait pensé à partir, il jouait bien et en 1961, Law marqua six buts incroyables lors d'un match nul de la FA Cup contre Luton Town. Malheureusement pour lui, le match est arrêté à vingt minutes de la fin, ses six buts ne comptent donc pas. Pour aggraver les choses pour lui, Luton a remporté la rediffusion 3-1 et City a été éliminé de la Coupe. Même s'il appréciait son séjour à City, il souhaitait jouer dans une équipe plus performante et fut vendu au club italien de Turin à l'été 1961. Turin Law a déménagé à Turin pour un montant de 115 000 £ et était accompagné de Joe Baker qui avait signé du côté écossais Hibernian. Le séjour de Law en Italie ne s'est pas déroulé comme prévu. Un autre club italien, l'Internazionale, a tenté de l'empêcher de devenir joueur de Turin dès son arrivée, affirmant qu'il avait signé un accord pré-contrat avec eux, bien qu'ils aient abandonné cette réclamation avant le début de la saison. Au Royaume-Uni, les joueurs n'étaient pas bien traités à l'époque et le salaire maximum des footballeurs n'y avait été aboli que récemment. Il a donc été agréablement surpris de constater que l'entraînement de pré-saison se déroulait dans un hôtel de luxe dans les Alpes. Cependant, Turin a poussé la rémunération liée aux performances à l'extrême, en donnant aux joueurs des sacs pleins d'argent lorsque l'équipe gagnait, mais peu, voire rien, lorsqu'ils perdaient. Comme beaucoup de footballeurs britanniques partis jouer en Italie, Law n'aimait pas le style de football et avait du mal à s'y adapter. Le système de catenaccio ultra-défensif y était populaire à l'époque, donc les attaquants n'avaient pas beaucoup d'occasions de marquer. Le 7 février 1962, il a été blessé dans un accident de voiture lorsque son coéquipier Joe Baker a roulé à contresens autour d'un rond-point et a coupé le trottoir alors qu'il tentait de faire demi-tour, la renversant. Baker a failli être tué, mais les blessures de Law ne mettaient pas sa vie en danger. En avril, il avait déposé une demande de transfert, qui a été ignorée. La goutte d'eau qui a fait déborder le vase pour Law est venue lors d'un match contre Naples lorsqu'il a été expulsé. Après le match, on lui a dit que l'entraîneur de Turin, Beniamino Santos, avait demandé à l'arbitre de l'expulser parce qu'il était en colère contre Law pour avoir effectué une remise en jeu, ce qu'on lui avait dit de ne pas faire. Law est sorti et on lui a dit qu'il serait transféré à Manchester United. Quelques jours plus tard, cependant, on lui annonçait qu'il était vendu à la Juventus et que les petits caractères de son contrat l'engageaient à y aller, qu'il le veuille ou non. Il a répondu en rentrant chez lui à Aberdeen, sachant que Turin ne recevrait pas un centime en frais de transfert s'il refusait de jouer à la Juventus. Il a finalement signé pour United le 10 juillet 1962, pour un nouveau montant record britannique de 115 000 £. Bien que son séjour en Italie ait été mitigé, Law a été élu joueur étranger numéro un en Italie devant son coéquipier Joe Baker, l'ailier de la Fiorentina Kurt Hamrin et le milieu de terrain de l'Inter Milan Luis Suarez. Le mode de vie et la culture d'un pays étranger ont été une révélation pour le jeune Écossais, et l'expertise médicale et la science du sport en Italie étaient bien en avance sur ce qui était disponible au Royaume-Uni à l'époque. En fin de compte cependant, Law a trouvé le football sans joie et trop défensif, le soumettant fréquemment à des marquages ​​violents et à des tacles violents. Manchester United Années de gloire Law est retourné à Manchester, logeant chez la même logeuse avec laquelle il avait vécu lorsqu'il était joueur de City. Son premier match pour United eut lieu contre West Bromwich Albion le 18 août 1962, et il fit un excellent départ, marquant après seulement sept minutes. Le match s'est terminé sur un match nul 2–2. Cependant, la forme de United était irrégulière depuis la catastrophe aérienne de Munich en 1958, et en raison de leur incohérence, ils ont passé la saison à lutter contre la relégation. Lors d'un match de championnat contre Leicester City, Law a réussi un tour du chapeau mais United a quand même perdu. Ils ont cependant trouvé la forme en FA Cup, Law marquant un autre tour du chapeau lors d'une victoire 5-0 contre son ancien club de Huddersfield Town, et ils ont ensuite atteint la finale contre Leicester City. Leicester était un grand favori, après avoir terminé quatrième de la ligue, mais Law a marqué le premier but alors que United gagnait 3-1 dans ce qui s'est avéré être la seule finale de la FA Cup de sa carrière. Il épousa également sa femme Diana cette saison-là, le 11 décembre 1962. Un incident a eu lieu cette saison-là et Law a estimé qu'il avait des répercussions au cours des années suivantes. Lors d'un match contre West Brom le 15 décembre 1962, l'arbitre Gilbert Pullin a constamment incité Law avec des railleries telles que "Oh, tu es intelligent untel, tu ne peux pas jouer", et après le match, Law et son manager Matt Busby ont rapporté l'affaire à la Fédération de Football. Un comité de discipline a décidé que Pullin devait être sévèrement censuré, mais il n'a pas accepté son verdict et a quitté le jeu. Law a affirmé plus tard que « aux yeux de certains arbitres, j'étais un homme marqué » et a imputé l'incident aux « punitions incroyablement lourdes » qu'il a reçues plus tard dans sa carrière. Law a marqué un certain nombre de buts au début de la saison 1963-1964 et a été sélectionné pour jouer pour une équipe du reste du monde contre l'Angleterre à Wembley, marquant son but lors d'une défaite 2-1. Il a décrit plus tard cela comme le plus grand honneur de sa carrière. Sa saison a été interrompue par une suspension de 28 jours pour une expulsion qu'il a reçue contre Aston Villa. L'hiver inhabituellement froid a forcé United à disputer plusieurs de ses matches en peu de temps, et ses résultats en ont souffert. Law a ensuite imputé cela à l'échec de United à remporter un trophée cette saison-là. Malgré le manque d'argenterie, Law a connu une saison de buts prolifique et a terminé la campagne avec 46 buts toutes compétitions confondues, ce qui reste aujourd'hui un record du club. En 1964-1965, Law a remporté le Ballon d'Or et Manchester United a remporté son premier titre de champion depuis Munich. Les 28 buts de Law en championnat cette saison-là ont fait de lui le meilleur buteur de la Première Division. La saison suivante, Law s'est blessé au genou droit alors qu'il jouait pour l'Écosse contre la Pologne le 21 octobre 1965. Il avait déjà subi une opération au même genou à Huddersfield, et la blessure allait le troubler pour le reste de sa carrière. En 1966, Law a demandé au manager de United, Matt Busby, de lui accorder une augmentation de salaire lors de son prochain renouvellement de contrat et a menacé de quitter le club s'il n'en obtenait pas. Busby a immédiatement placé Law sur la liste des transferts, annonçant qu '"aucun joueur ne rançonnera ce club, aucun joueur". Lorsque Law est allé le voir, Busby a sorti des excuses écrites qu'il a signées, les montrant à la presse une fois qu'il les a faites. Law a affirmé plus tard que Busby avait utilisé l'incident pour avertir les autres joueurs de ne pas faire la même chose, mais lui avait secrètement accordé une augmentation de salaire. Malgré tout cela, Law a marqué 23 buts en 36 matches de championnat en 1966-1967, aidant United à remporter à nouveau le titre de champion. En 1968, United remporte la Coupe d'Europe pour la première fois, mais la blessure au genou de Law lui cause de sérieux problèmes et il rate à la fois la demi-finale et la finale. Il recevait régulièrement des injections de cortisone pour soulager la douleur, mais jouer alors que le genou était encore blessé provoquait des dommages à long terme. Il a consulté un spécialiste en janvier 1968 qui a écrit à United affirmant qu'une précédente opération visant à retirer le cartilage du genou avait échoué et recommandant qu'une deuxième opération soit effectuée, mais Law n'a pas reçu le rapport pendant plusieurs années et a dû poursuivre sa formation complète. . En 1968-1969, United atteint la demi-finale de la Coupe d'Europe contre l'AC Milan. United a perdu le match aller à San Siro 2-0, remportant le match retour à Old Trafford 1-0 avec un but de Bobby Charlton. Law pensait qu'il avait passé le ballon au-delà de la ligne pour le voir repoussé par un défenseur milanais. Law a réclamé un but mais l'arbitre a fait signe de continuer le jeu et United est sorti sur le total. Après avoir marqué sept fois lors de la victoire cumulée 10-2 au premier tour contre Waterford United, Law a terminé meilleur buteur du tournoi avec 9 buts. Déclin Wilf McGuinness a pris la relève en tant qu'entraîneur de la première équipe au début de la saison 1969-1970. United a terminé huitième de la ligue, mais Law a raté presque toute la saison en raison d'une blessure et, en avril 1970, il a été transféré pour 60 000 £. Personne n'a fait d'offre pour lui, alors il est resté à United. Après une mauvaise saison 1970-1971, United nomme Frank O'Farrell au poste de manager. Ils ont fait un bon début de saison 1971-1972 et ont terminé 1971 avec cinq points d'avance en tête de la ligue, Law ayant marqué douze buts. Cependant, les résultats se sont détériorés et ils ont terminé la saison à la huitième place. Law a marqué lors du premier match de la saison suivante, 1972-1973, mais sa blessure au genou le troublait à nouveau et il n'a pas réussi à marquer pour le reste de la saison. Les mauvais résultats se sont poursuivis et O'Farrell a été limogé. Law a recommandé à United de remplacer O'Farrell par Tommy Docherty, qu'il connaissait depuis qu'il jouait avec l'équipe nationale écossaise. Le club a suivi sa recommandation et les choses ont bien commencé, les résultats améliorés de l'équipe les plaçant au milieu du tableau. Retour à Manchester City Law a été transféré gratuitement par Tommy Docherty à l'été 1973, après 11 années au club au cours desquelles il avait marqué un total de 237 buts en 404 matchs toutes compétitions confondues, et récolté deux médailles de titre de champion et une FA Cup. médaille du vainqueur. Seul Bobby Charlton (qui a pris sa retraite en 1973) avait marqué plus de buts pour United. Law s'est ensuite vu proposer un contrat par le manager de Manchester City, Johnny Hart, marquant deux buts lors de ses débuts contre Birmingham City lors du match d'ouverture de la saison 1973-1974. Il a fait 27 apparitions complètes et deux en tant que remplaçant cette saison-là, dont la défaite 2-1 de City en finale de la Coupe de la Ligue contre les Wolves. Lors du dernier match de City de la saison 1973-1974 contre Manchester United à Old Trafford, le but de Law à la 81e minute a donné à City une avance de 1-0 mais, pensant que son but pourrait reléguer United, Law ne l'a pas célébré. Les résultats des autres matches de la journée signifiaient que United était relégué quel que soit son résultat, mais Law ne le savait pas à l'époque. Un certain nombre d'invasions du terrain par des supporters de United ont suivi, et Law a quitté le terrain la tête baissée alors qu'il était remplacé. Les invasions du terrain ont contraint l'arbitre à abandonner le match à la 85e minute. Après examen, la Ligue de football a décidé que le résultat devait être maintenu. À l'été 1974, il fait une apparition pour l'Écosse lors de la Coupe du monde 1974, contre le Zaïre. Law avait toujours un contrat avec Manchester City, mais le nouveau manager Tony Book lui a dit qu'il ne jouerait au football en équipe de réserve que s'il restait au club au cours de la nouvelle saison. Il ne voulait pas terminer sa carrière de cette manière, alors il se retira du football professionnel à l'été 1974. Law joua deux matchs pour Manchester City au cours de la saison 1974-1975, lors du tournoi de pré-saison de la Coupe Texaco, marquant le dernier. but de sa carrière lors du match contre Sheffield United à Bramall Lane le 6 août 1974. Son dernier match professionnel fut la victoire 2-1 contre Oldham Athletic à Maine Road le 10 août 1974. Il prit officiellement sa retraite le 26 août 1974. Carrière internationale Law n'a pas été choisi pour jouer pour l'Écosse lors de la Coupe du Monde de la FIFA 1958, mais a marqué lors de ses débuts contre le Pays de Galles le 18 octobre 1958 et s'est rapidement imposé comme un joueur de premier choix. Il a joué mais n'a pas marqué lors du match de l'Écosse contre l'Angleterre le 15 avril 1961. L'Écosse a perdu le match 9-3 et Law l'a décrit comme son « jour le plus noir ». À Turin, Law a continué à jouer pour l'Écosse, même si le club n'était pas disposé à le libérer pour des matches internationaux et avait mis une clause dans son contrat stipulant qu'ils n'étaient pas obligés de le faire. Law a été choisi pour l'équipe du reste du monde qui a affronté l'Angleterre lors du match du centenaire de la FA en 1963. Law s'est blessé au genou droit alors qu'il jouait pour l'Écosse contre la Pologne le 21 octobre 1965. Law a marqué lors de la célèbre victoire 3-2 de l'Écosse contre l'Angleterre le 15 avril 1967 lors du British Home Championship 1967, moins d'un an après que l'Angleterre soit devenue championne du monde. Manchester United a remporté le championnat cette saison-là, mais Law a estimé que la victoire contre l'Angleterre était encore plus satisfaisante. L'Écosse a atteint la finale de la Coupe du monde à l'été 1974, pour la première fois depuis 1958. Bien qu'il n'ait pas beaucoup joué au football en équipe première la saison précédente, Law a été inclus dans l'équipe et a disputé son premier match, contre le Zaïre. Il n'a pas marqué, mais l'Écosse a gagné 2-0. Law était "très déçu" de ne pas être sélectionné pour le match suivant contre le Brésil, et n'a pas non plus été sélectionné pour le match suivant contre la Yougoslavie. Bien que l'Écosse n'ait été battue dans aucun de ses matches, elle ne s'est pas qualifiée pour la deuxième phase et a été éliminée de la Coupe du monde. Le match contre le Zaïre s'est avéré être la dernière des 55 apparitions de Law pour l'Écosse. Vie privée Il a rencontré sa future épouse, Diana, pour la première fois dans une salle de danse de l'Aberdeenshire alors qu'ils étaient tous les deux encore adolescents. Ils se sont mariés en décembre 1962 et ont eu cinq enfants. Leur fille, également appelée Diana, a travaillé plusieurs années au bureau de presse de Manchester United. Leurs autres enfants sont Gary, Andrew, Robert et Iain. Et ils ont également cinq petits-enfants, Emilia, Isla, Ollie, James et Harvey. Denis et Diana vivent toujours dans la région de Manchester. Depuis qu'il a pris sa retraite en tant que joueur, Law a souvent travaillé à la radio et à la télévision pour résumer et présenter des jeux. Il est apparu en tant qu'invité spécial dans l'émission télévisée This Is Your Life le 19 février 1975, quelques mois après avoir pris sa retraite en tant que joueur. Law a été nommé premier intronisé au Temple de la renommée du football anglais en 2002 en reconnaissance de son impact sur le football anglais. Le 23 février 2002, une statue de Law a été inaugurée à Old Trafford, dans la partie du stade connue sous le nom de Scoreboard End. Il a subi avec succès une opération pour traiter le cancer de la prostate en novembre 2003 et a reçu des diplômes honorifiques des universités d'Aberdeen et de St. Andrews en 2005. L'émergence de l'international néerlandais Dennis Bergkamp dans les années 1990 a révélé une histoire selon laquelle les parents du joueur étaient des fans de Law et ont donné son nom à leur fils. Cependant, les autorités néerlandaises ont refusé de reconnaître le nom à moins qu'il ne soit orthographié avec deux n, car elles estimaient qu'il ressemblait par ailleurs trop au prénom féminin Denise. Le 25 novembre 2005, Law était au chevet de son ancien coéquipier de United George Best alors qu'il décédait d'une défaillance multiviscérale. En mai 2008, au City of Manchester Stadium, Law (avec le président de l'UEFA Michel Platini) a remis les médailles aux vainqueurs de la Coupe UEFA, le Zenit Saint-Pétersbourg et à leurs adversaires, les Rangers écossais. En février 2010, Law a été nommé patron de l'association caritative britannique Football Aid, succédant à feu Sir Bobby Robson. Law a été nommé Commandeur de l'Ordre de l'Empire britannique (CBE) lors des honneurs du Nouvel An 2016 pour services rendus au football et à la charité. Honneurs club ;Manchester United *FA Cup : 1962-1963 *Première division de la Ligue de football : 1964-1965, 1966-1967 *Bouclier de charité : 1965, 1967 *Coupe d'Europe : 1967-1968 Individuel *Ballon d'Or : 1964 *XIe mondial de football mondial : 1964 *Meilleur buteur de la Coupe d'Europe : 1968-1969 *Football League 100 Légendes : 1974 *Prix du mérite PFA : 1975 *Tableau d'honneur de l'équipe nationale de football d'Écosse (joueurs avec plus de 50 sélections) : intronisé en 1988 *Prix hommage FWA : 1994 *Premier intronisé au Temple de la renommée du football anglais : 2002 *Joueur d'or d'Écosse : joueur le plus remarquable des 50 dernières années par la Fédération écossaise de football (novembre 2003, pour célébrer le jubilé de l'UEFA) * Temple de la renommée du football écossais : intronisé en 2004 *Équipe PFA du siècle (1907-1976) : 2007 Statistiques de carrière club International Objectifs internationaux Les scores et les résultats indiquent le total des buts de l'Écosse en premier.

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Quel économiste a écrit La Richesse des Nations ?

Adam Smith

The Economist est un hebdomadaire de langue anglaise appartenant au groupe Economist et édité dans des bureaux basés à Londres. La publication continue a commencé sous la direction du fondateur James Wilson en septembre 1843. Pour des raisons historiques, The Economist se présente comme un journal, mais chaque édition imprimée apparaît sur du petit papier glacé comme un magazine d'information. En 2006, son tirage hebdomadaire moyen était de 1,5 million, dont environ la moitié était vendu aux États-Unis. La publication appartient à l'Economist Group. Elle est détenue à 50% par la branche anglaise de la famille Rothschild et par la famille Agnelli à travers sa holding Exor. Les 50 % restants sont détenus par des investisseurs privés, dont les rédacteurs et le personnel. Les Rothschild et les Agnelli sont représentés au conseil d'administration. Un conseil d'administration nomme formellement le rédacteur en chef, qui ne peut être révoqué sans son autorisation. Bien que The Economist ait une portée et une portée mondiales, environ les deux tiers des 75 journalistes du personnel sont basés dans la ville de Westminster, à Londres. En mars 2014, l'Economist Group a déclaré un bénéfice d'exploitation de 59 millions de livres sterling. Les principaux actionnaires précédents incluent Pearson PLC. The Economist affirme qu'il « ne s'agit pas d'une chronique économique ». Il adopte une position éditoriale de libéralisme classique et économique qui soutient le libre-échange, la mondialisation, la libre immigration et le libéralisme culturel (comme le soutien à la reconnaissance légale du mariage homosexuel ou à la libéralisation des drogues). La publication se décrit comme « un produit du libéralisme calédonien d'Adam Smith et de David Hume ». Il cible des lecteurs très instruits et revendique un public composé de nombreux dirigeants et décideurs politiques influents. Le PDG du journal a décrit ce récent changement global, remarqué pour la première fois dans les années 1990 et accéléré au début du 21e siècle, comme une « nouvelle ère du renseignement de masse ». Énoncé de mission Sur la page de contenu de chaque magazine d'information, la déclaration de mission de The Economists est écrite en italique. Il déclare que The Economist a été « publié pour la première fois en septembre 1843 pour participer à « une lutte sévère entre l'intelligence, qui se presse, et une ignorance indigne et timide qui fait obstacle à nos progrès ». Histoire The Economist a été fondé par l'homme d'affaires et banquier britannique James Wilson en 1843, pour promouvoir l'abrogation des Corn Laws, un système de tarifs d'importation. Un prospectus du « journal », du 5 août 1843, énumérait treize domaines de couverture sur lesquels ses rédacteurs souhaitaient que le journal se concentre : #Des articles de fond originaux, dans lesquels les principes du libre-échange seront appliqués de la manière la plus rigide possible à toutes les questions importantes de l'heure. #Articles relatifs à un sujet pratique, commercial, agricole ou étranger d'intérêt passager, comme les traités étrangers. #Un article sur les principes élémentaires de l'économie politique, appliqués à l'expérience pratique, couvrant les lois relatives aux prix, aux salaires, aux loyers, aux changes, aux revenus et aux impôts. #Rapports parlementaires, avec un accent particulier sur le commerce, l'agriculture et le libre-échange. #Rapports et récits de mouvements populaires prônant le libre-échange. #Nouvelles générales de la Cour de St. James's, de la Métropole, des Provinces, de l'Écosse et de l'Irlande. #Sujets commerciaux tels que les changements dans la réglementation fiscale, l'état et les perspectives des marchés, les importations et les exportations, l'actualité étrangère, l'état des districts manufacturiers, les avis de nouvelles améliorations mécaniques importantes, l'actualité du transport maritime, le marché monétaire et les progrès de les chemins de fer et les entreprises publiques. #Thèmes agricoles, y compris les applications de la géologie et de la chimie ; avis sur les outils nouveaux et améliorés, l'état des récoltes, les marchés, les prix, les marchés étrangers et les prix convertis en monnaie anglaise ; de temps en temps, avec quelque détail, les plans poursuivis en Belgique, en Suisse et dans d'autres pays bien cultivés. #Sujets coloniaux et étrangers, y compris le commerce, les produits, les changements politiques et fiscaux, et d'autres sujets, y compris les exposés sur les méfaits de la restriction et de la protection, et les avantages de la liberté des relations et du commerce. #Rapports juridiques, limités principalement aux domaines importants pour le commerce, l'industrie manufacturière et l'agriculture. #Livres, limités principalement, mais pas exclusivement, au commerce, à l'industrie manufacturière et à l'agriculture, et comprenant tous les traités d'économie politique, de finance ou de fiscalité. #Une gazette commerciale, avec les prix et les statistiques de la semaine. #Correspondance et demandes de renseignements des lecteurs du magazine d'information. Il a longtemps été respecté comme « l’un des périodiques occidentaux les plus compétents et les plus subtils sur les affaires publiques ». Le journal était une source majeure d'informations financières et économiques pour Karl Marx dans la formulation de la théorie socialiste ; il écrit : « le London Economist, l'organe européen de l'aristocratie financière, a décrit de la manière la plus frappante l'attitude de cette classe ». Son logo a été conçu en 1959 par Reynolds Stone. En janvier 2012, The Economist a lancé une nouvelle section hebdomadaire consacrée exclusivement à la Chine, la première nouvelle section nationale depuis l'introduction d'une section sur les États-Unis en 1942. En août 2015, The Economist Group a racheté 5 millions de ses actions (d'une valeur de 284 millions de dollars) à Pearson. Les actions restantes de Pearson (d'une valeur de 447 millions de dollars) seraient vendues à Exor. Liste des éditeurs Les rédacteurs de The Economist ont été : * James Wilson 1843-1857 (Herbert Spencer fut sous-éditeur de 1848 à 1853) *Richard Holt Hutton 1857-1861 *Walter Bagehot, 1861-1877 *Daniel Conner Lathbury, 1877-1881 * Inglis Palgrave, 1877-1883 *Edward Johnstone, 1883-1907 *Francis Wrigley Hirst, 1907-1916 *Hartley Withers, 1916-1921 * Sir Walter Layton, 1922-1938 *Geoffrey Crowther, 1938-1956 *Donald Tyerman, 1956-1965 * Sir Alastair Burnet, 1965-1974 *Andrew Knight, 1974-1986 *Rupert Pennant-Rea, 1986-1993 * Bill Emmott, 1993-2006 *John Micklethwait, 2006-2014 * Zanny Minton Beddoes, 2015—présent Des avis Lors de la création du magazine d'information, le terme « économisme » désignait ce que l'on appellerait aujourd'hui le « libéralisme économique ». The Economist soutient généralement le libre-échange, la mondialisation et la libre immigration. Le militant et journaliste George Monbiot l'a qualifié de néolibéral tout en acceptant parfois les propositions de l'économie keynésienne lorsqu'elles sont jugées plus « raisonnables ». Le magazine d'information est favorable à une taxe carbone pour lutter contre le réchauffement climatique. Selon l'ancien rédacteur en chef Bill Emmott, « la philosophie des économistes a toujours été libérale et non conservatrice ». Les contributeurs individuels ont des points de vue divers. The Economist est favorable au soutien, via les banques centrales, des banques et d’autres entreprises importantes. Ce principe remonte (sous une forme beaucoup plus limitée) à Walter Bagehot, le troisième rédacteur en chef de The Economist, qui soutenait que la Banque d'Angleterre devait soutenir les grandes banques en difficulté. Karl Marx considérait The Economist comme « l'organe européen » de « l'aristocratie de la finance ». Le journal a également soutenu des causes libérales sur des questions sociales telles que la reconnaissance des mariages homosexuels, la légalisation des drogues, critique le modèle fiscal américain dans un numéro récent et semble également soutenir certaines réglementations gouvernementales sur des questions de santé, telles que le tabagisme en public. comme l'interdiction de donner la fessée aux enfants. The Economist favorise systématiquement les programmes de travailleurs invités, le choix de l'école par les parents et les amnisties et a publié une fois une « nécrologie » de Dieu. The Economist soutient également depuis longtemps le contrôle des armes à feu. The Economist a soutenu à la fois le Parti travailliste (en 2005) et le Parti conservateur (en 2010 et 2015) lors des élections générales en Grande-Bretagne, ainsi que les candidats républicains et démocrates aux États-Unis. Economist.com présente sa position de la manière suivante : The Economist accuse fréquemment des personnalités et des pays de corruption ou de malhonnêteté. Ces dernières années, par exemple, il a critiqué l'ancien président de la Banque mondiale, Paul Wolfowitz ; Silvio Berlusconi, Premier ministre italien (qui l'a surnommé L'Ecommuniste) ; Laurent-Désiré Kabila, défunt président de la République démocratique du Congo ; Robert Mugabe, chef du gouvernement du Zimbabwe ; et, récemment, Cristina Fernández de Kirchner, présidente de l'Argentine. The Economist a également appelé à la destitution de Bill Clinton et, après l'émergence des tortures à Abou Ghraib et des mauvais traitements infligés aux prisonniers, à la démission de Donald Rumsfeld. Bien que The Economist ait initialement apporté un soutien vigoureux à l'invasion de l'Irak menée par les États-Unis, il a ensuite qualifié l'opération de « ratée dès le départ » et a critiqué la « négligence presque criminelle » de la gestion de la guerre par l'administration Bush, tout en affirmant que le fait de tirer à court terme serait irresponsable. Lors des élections américaines de 2004, les rédacteurs ont soutenu « à contrecœur » John Kerry. Lors des élections américaines de 2008, le magazine d'information a soutenu Barack Obama, tout en utilisant la couverture du numéro de la veille des élections pour promouvoir sa candidature. Lors des élections américaines de 2012, Barack Obama a de nouveau été soutenu : l'éditorial disait qu'ils préféraient Obama en matière d'économie, de politique étrangère et de santé, mais lui reprochaient d'avoir mené une campagne négative contre Romney et pour une « mauvaise appréciation du commerce ». Ton et voix Bien qu'il comporte de nombreuses colonnes individuelles, par tradition et pratique actuelle, le magazine assure une voix uniforme - aidée par l'anonymat des écrivains - tout au long de ses pages, comme si la plupart des articles étaient écrits par un seul auteur, ce qui peut être perçu comme affichant une expression sèche et discrète. l'esprit et l'utilisation précise du langage. Le traitement de l'économie proposé dans cet article suppose une connaissance pratique des concepts fondamentaux de l'économie classique. Par exemple, il n’explique pas des termes tels que main invisible, macroéconomie ou courbe de demande, et peut prendre seulement six ou sept mots pour expliquer la théorie de l’avantage comparatif. Les articles impliquant l’économie ne présupposent aucune formation formelle de la part du lecteur et visent à être accessibles au profane instruit. Le magazine d'information ne traduit généralement pas de courtes citations ou phrases en français (et en allemand). Il décrit l'activité ou la nature même d'entités bien connues, écrivant par exemple « Goldman Sachs, une banque d'investissement ». De nombreux articles contiennent des mots d'esprit ; les légendes des images sont souvent des jeux de mots humoristiques et la section des lettres se termine généralement par une lettre étrange ou légère. Ces efforts d’humour ont parfois reçu un accueil mitigé. Par exemple, la couverture du numéro du 20 septembre 2003, titrée par un article sur la réunion ministérielle de l'OMC à Cancún, présentait un cactus faisant un doigt d'honneur. Les lecteurs ont envoyé des lettres positives et négatives en réponse. Anonymat éditorial Les articles adoptent souvent une position éditoriale précise et ne portent presque jamais de signature. Même le nom de l'éditeur (depuis 2015, Zanny Minton Beddoes ) n'est pas imprimé dans le numéro. C'est une tradition de longue date que le seul article signé par un éditeur pendant son mandat soit rédigé à l'occasion de son départ de son poste. L'auteur d'un article est nommé dans certaines circonstances : lorsque des personnalités notables sont invitées à contribuer à des articles d'opinion ; lorsque les journalistes de The Economist compilent des rapports spéciaux (anciennement appelés enquêtes) ; pour l'édition spéciale Year in Review; et pour mettre en évidence un conflit d’intérêt potentiel concernant une critique de livre. Les noms des rédacteurs et correspondants de The Economist peuvent être trouvés sur les pages d’annuaire des médias du site Web. Les articles de blog en ligne sont signés avec les initiales de l'auteur et les auteurs d'articles imprimés sont autorisés à noter leur paternité sur leur site Web personnel. Les rédacteurs estiment que cela est nécessaire car « la voix et la personnalité collectives comptent plus que l'identité des journalistes individuels » et reflètent « un effort de collaboration ». Dans la plupart des articles, les auteurs se désignent eux-mêmes comme « votre correspondant » ou « ce critique ». Les auteurs des colonnes d'opinion intitulées ont tendance à se désigner eux-mêmes par le titre (par conséquent, une phrase dans la colonne « Lexington » pourrait se lire « Lexington a été informé... »). L'auteur américain Michael Lewis a critiqué l'anonymat éditorial du magazine, le qualifiant de moyen de cacher la jeunesse et l'inexpérience de ceux qui rédigent des articles. En 1991, Lewis plaisantait : « Le magazine est écrit par des jeunes qui se font passer pour des personnes âgées... Si les lecteurs américains voyaient le teint boutonneux de leurs gourous économiques, ils annuleraient en masse leurs abonnements ». Il convient de noter que même si les articles individuels sont rédigés de manière anonyme, il n'y a aucun secret sur l'identité des auteurs de The Economist, puisqu'ils le divulguent publiquement, par exemple sur leurs comptes de réseaux sociaux. John Ralston Saul décrit The Economist comme un « magazine qui cache les noms des journalistes qui écrivent ses articles afin de créer l'illusion qu'ils diffusent une vérité désintéressée plutôt que des opinions. Cette technique de vente, qui rappelle le catholicisme d'avant la Réforme, n'est pas surprenante. dans une publication du nom de la science sociale la plus encline aux conjectures folles et aux faits imaginaires présentés sous couvert d'inévitabilité et d'exactitude. Le fait qu'elle soit la Bible du dirigeant d'entreprise montre à quel point la sagesse reçue est le pain quotidien d'une civilisation managériale". Circulation La plage de dates officielle de chaque numéro de The Economist va du samedi au vendredi suivant. The Economist publie chaque semaine le nouveau contenu en ligne vers 21 heures le jeudi soir, heure du Royaume-Uni, avant la date de publication officielle. En 1877, le tirage du journal était de 3 700 exemplaires. En 1920, ils étaient 6 000. Le tirage a augmenté rapidement après 1945, pour atteindre 100 000 exemplaires en 1970. La circulation est vérifiée par le Bureau d'audit des circulations (ABC). D’environ 30 000 en 1960, ce chiffre est passé à près d’un million en 2000 et en 2016 à environ 1,3 million. En 2007, les ventes en Amérique du Nord représentaient environ 54 pour cent du total, les ventes au Royaume-Uni représentant 14 pour cent du total et celles en Europe continentale 19 pour cent. The Economist revendique des ventes, tant par abonnement que chez les marchands de journaux, dans plus de 200 pays. Parmi ses lecteurs américains, deux sur trois gagnent plus de 100 000 dollars par an. The Economist s'est un jour vanté de sa diffusion limitée. Au début des années 1990, il utilisait le slogan « The Economist – non lu par des millions de personnes ». "Jamais dans l'histoire du journalisme autant de choses n'ont été lues aussi longtemps par si peu de personnes", a écrit Geoffrey Crowther, ancien rédacteur en chef. The Economist Newspaper Limited est une filiale en propriété exclusive de The Economist Group. Les publications du groupe comprennent la famille de marques CFO ainsi que le magazine annuel The World in..., le bimensuel lifestyle 1843, European Voice et Roll Call. Sir Evelyn Robert de Rothschild fut président de la société de 1972 à 1989. Des lettres The Economist reçoit fréquemment des lettres d'hommes d'affaires de haut rang, de politiciens, d'ambassadeurs et de porte-parole de divers ministères gouvernementaux, d'organisations non gouvernementales et de lobbies. Les réponses bien écrites ou pleines d'esprit de chacun sont prises en compte, et les questions controversées produisent souvent un torrent de lettres. Par exemple, l’enquête sur la responsabilité sociale des entreprises, publiée en janvier 2005, a produit des lettres largement critiques de la part d’Oxfam, du Programme alimentaire mondial, du Pacte mondial des Nations Unies, du président du groupe BT, d’un ancien directeur de Shell et de l’Institut des administrateurs du Royaume-Uni. De nombreuses lettres publiées critiquent sa position ou ses commentaires. Après que The Economist ait publié une critique d'Amnesty International et des droits de l'homme en général dans son numéro du 24 mars 2007, sa page de lettres a publié une réponse vibrante d'Amnesty, ainsi que plusieurs autres lettres de soutien à l'organisation, dont une du chef de la Commission des droits de l'homme des Nations Unies. Les réfutations des responsables de régimes tels que le gouvernement de Singapour sont régulièrement publiées, afin de respecter les lois locales sur le droit de réponse sans compromettre l'indépendance éditoriale. Il est extrêmement rare qu’un commentaire de The Economist apparaisse à côté d’une lettre publiée. Les lettres publiées dans le magazine d'information comptent généralement entre 150 et 200 mots (et commençaient par la salutation « Monsieur » jusqu'à la rédaction de Zanny Minton Beddoes, la première femme rédactrice en chef ; elles n'ont désormais plus de salutation). Avant un changement de procédure, toutes les réponses aux articles en ligne étaient généralement publiées dans "The Inbox". Les commentaires peuvent désormais être formulés directement sous chaque article. Caractéristiques Les Economists se concentrent principalement sur les événements mondiaux, la politique et les affaires, mais ils proposent également des sections régulières sur la science et la technologie ainsi que sur les livres et les arts. Toutes les deux semaines environ, la publication comprend un rapport spécial approfondi. (anciennement appelées enquêtes) sur un sujet donné. Les cinq catégories principales sont les suivantes : Pays et régions, Affaires, Finance et économie, Science et technologie et Autres. Tous les trois mois, il publie un rapport technologique appelé Technology Quarterly ou TQ, une section spéciale axée sur les tendances et développements récents en science et technologie. Depuis juillet 2007, une édition audio complète du magazine d'information est également disponible le jeudi à 21 heures, heure de Londres. La version audio de The Economist est produite par la société de production Talking Issues. La société enregistre le texte intégral du magazine d'information au format mp3, y compris les pages supplémentaires de l'édition britannique. Le téléchargement hebdomadaire de 130 Mo est gratuit pour les abonnés et disponible moyennant des frais pour les non-abonnés. Les rédacteurs de la publication adoptent un style strict qui cherche à inclure le maximum d'informations dans un espace limité. L'éditeur d'Atlantic Monthly, David G. Bradley, a décrit la formule comme « une vision du monde cohérente exprimée, de manière cohérente, dans une prose serrée et engageante ». Il y a une section de statistiques économiques. Des tableaux tels que les statistiques de l'emploi sont publiés chaque semaine et comportent également des fonctionnalités statistiques spéciales. Il est le seul parmi les hebdomadaires britanniques à fournir une couverture faisant autorité des statistiques officielles et son classement dans les statistiques internationales a été décisif. En outre, The Economist est connu pour son indice Big Mac, publié pour la première fois en 1986, qui utilise le prix du hamburger dans différents pays comme mesure informelle du pouvoir d'achat des devises. La publication publie plusieurs chroniques d'opinion dont les noms reflètent leur sujet : * Analectes (Chine) — nommée d'après Les Entretiens, un recueil de dictons confucéens, cette chronique a été créée en février 2012. * Bagehot (Grande-Bretagne) — du nom de Walter Bagehot, constitutionnaliste britannique du XIXe siècle et premier rédacteur en chef de The Economist. De juillet 2010 à juin 2012, il a été écrit par David Rennie. Depuis juillet 2015, il a été écrit par Jeremy Cliffe. * Bello (Amérique latine) - du nom d'Andrés Bello, diplomate, poète, législateur et philosophe, qui a vécu et travaillé au Chili. La chronique a été créée en janvier 2014 et est rédigée par Michael Reid. * Charlemagne (Europe) — du nom de Charlemagne, empereur de l'Empire franc. Il est écrit par Tom Nuttall et auparavant par David Rennie (2007-2010) et par Anton La Guardia (2010-2014). * Lexington (États-Unis) — du nom de Lexington, Massachusetts, site du début de la guerre d'indépendance américaine. De juin 2010 à mai 2012, il a été écrit par Peter David, jusqu'à sa mort dans un accident de voiture. * Buttonwood (Finance) — du nom de l'arbre boutonnier où se rassemblaient les premiers commerçants de Wall Street. Jusqu'en septembre 2006, cet ouvrage n'était disponible que sous forme de chronique en ligne, mais il est désormais inclus dans l'édition imprimée. Il est écrit par Philip Coggan. * Banyan (Asie) — du nom du banian, cette chronique a été créée en avril 2009 et se concentre sur diverses questions à travers le continent asiatique. Elle est écrite par Dominic Ziegler. * Baobab (Afrique et Moyen-Orient) — du nom du baobab, cette chronique a été créée en juillet 2010 et se concentre sur diverses questions à travers le continent africain. * Babbage (Technologie) — du nom de l'inventeur Charles Babbage, cette chronique a été créée en mars 2010 et se concentre sur diverses questions liées à la technologie. * Prospero (Livres et arts) — du nom du personnage de la pièce La Tempête de William Shakespeare, cette chronique passe en revue des livres et se concentre sur les questions liées aux arts. * Théorie des jeux (sport) — nommée d'après la science de la prédiction des résultats dans une certaine situation, cette chronique se concentre sur « les sports majeurs et mineurs » et « la politique, l'économie, la science et les statistiques des jeux auxquels nous jouons et regardons ». * Schumpeter (Business) — du nom de l'économiste Joseph Schumpeter, cette chronique a été créée en septembre 2009 et est rédigée par Adrian Wooldridge. * Johnson (langue) — du nom de Samuel Johnson, cette chronique est revenue au journal en 2016 et couvre la langue Les autres fonctionnalités régulières incluent : * Valeur faciale sur des personnalités éminentes du monde des affaires * Free Exchange, une rubrique d'économie générale, souvent basée sur des recherches universitaires, a remplacé la rubrique Economics Focus en janvier 2012. * Une nécrologie. Depuis 1997, il est écrit par Ann Wroe. * sections sur les sciences et les arts Le magazine d'information paraît sous presse le jeudi, entre 18h00 et 19h00 GMT, et est disponible dès le lendemain dans les kiosques de nombreux pays. Il est imprimé sur sept sites à travers le monde. Connu sur leur site Web sous le nom de « l'édition imprimée de cette semaine », il est disponible en ligne, même si seuls les cinq premiers articles consultés sont gratuits (et disponibles pour les abonnés uniquement à la mi-octobre 2009 – 2010). The Economist a publié en 2015 son premier classement des universités américaines, axé sur les avantages économiques comparables définis comme « la valeur économique d'une université est égale à l'écart entre ce que gagnent ensuite ses étudiants et ce qu'ils auraient pu gagner s'ils avaient étudié ailleurs ». . Sur la base d'un ensemble de critères stricts provenant du ministère américain de l'Éducation (« College Scorecard ») avec des « gains attendus » pertinents et de multiples statistiques appliquées dans le calcul des « gains médians », une méthode d'évaluation concluante a été appliquée pour analyser les données sur les revenus de la carte de score à travers un multiple analyse de régression, une méthode courante pour mesurer les relations entre les variables. The Economist produit également la publication annuelle The World in [Year]. Il parraine également un prix d'écriture. Les prix des économistes Prix ​​de l'innovation The Economist parraine chaque année les « Economist Innovation Awards », dans les catégories biosciences, informatique et communications, énergie et environnement, innovation sociale et économique, innovation des processus commerciaux, produits de consommation et une catégorie spéciale « sans frontières ». Les prix sont décernés depuis 2002. Les nominations ont lieu entre le 2 et le 30 avril. La cérémonie de remise des prix aura ensuite lieu le 15 novembre. Les choix sont basés sur les facteurs suivants : * Combien de revenus leur innovation a généré pour leur entreprise ou son impact économique sur une bonne cause spécifique ou sur la société en général * L'effet que leur travail a eu sur le marché (ou s'il a créé un tout nouveau marché) * L'impact de leur innovation sur un nouveau type de science ou de technologie Prix ​​d'écriture En 1999, The Economist a organisé un concours mondial d'écriture futuriste, The World in 2050. Co-parrainé par Royal Dutch/Shell, le concours comprenait un premier prix de 20 000 $ US et une publication dans la publication phare annuelle de The Economists, The World In. Plus de 3 000 candidatures du monde entier ont été soumises via un site Web créé à cet effet et dans divers bureaux de Royal Dutch Shell dans le monde. Le jury comprenait Bill Emmott, Esther Dyson, Sir Mark Moody-Stuart (alors président de Royal Dutch Shell) et Matt Ridley (scientifique britannique et membre de la Chambre des Lords). La censure Les sections de The Economist critiquant les régimes autoritaires sont fréquemment supprimées du magazine par les autorités de ces pays. The Economist a régulièrement des difficultés avec le parti au pouvoir à Singapour (le People's Action Party), qui l'a poursuivi en justice pour diffamation devant un tribunal singapourien. The Economist, comme de nombreuses autres publications, est soumis à la censure en Inde chaque fois qu'il représente une carte du Cachemire. Les cartes sont estampillées par les fonctionnaires des douanes indiennes comme étant « ni correctes, ni authentiques ». Les problèmes sont parfois retardés, mais pas arrêtés ou saisis. Le 15 juin 2006, l'Iran a interdit la vente de The Economist après avoir publié une carte qualifiant simplement le golfe Persique de « Golfe » – un choix qui tire sa signification politique du différend sur la dénomination du golfe Persique. Dans un autre incident, le gouvernement du Zimbabwe est allé plus loin et a emprisonné le correspondant de The Economists, Andrew Meldrum. Le gouvernement l'a accusé d'avoir violé une loi sur la « publication de mensonges » pour avoir écrit qu'une femme avait été décapitée par des partisans du parti au pouvoir, l'Union nationale africaine du Zimbabwe – Front patriotique. L'allégation de décapitation a été rétractée et aurait été fabriquée de toutes pièces par le mari de la femme. Le correspondant a ensuite été acquitté, mais a ensuite reçu un ordre d'expulsion. Le 19 août 2013, The Economist a révélé que le Département correctionnel du Missouri avait censuré son numéro du 29 juin. Selon la lettre envoyée par le Ministère, les détenus n'ont pas été autorisés à recevoir le numéro parce que « 1. il constitue une menace à la sécurité ou à la discipline de l'établissement ; 2. peut faciliter ou encourager une activité criminelle ; ou 3. peut interférer avec la réhabilitation d'un délinquant". Critique, accusation et éloge En 1991, James Fallows affirmait dans le Washington Post que The Economist utilisait des lignes éditoriales qui contredisaient les reportages qu'ils prétendaient mettre en avant. En 1999, Andrew Sullivan s'est plaint dans The New Republic d'avoir recours au « génie du marketing » pour compenser les lacunes de l'analyse et des rapports originaux, ce qui a donné lieu à « une sorte de Reader's Digest » pour l'élite corporative américaine. Bien qu'il ait reconnu que l'affirmation du magazine concernant l'éclatement de la bulle Internet serait probablement exacte à long terme (la bulle a éclaté sur le marché américain deux ans plus tard), Sullivan a souligné que le magazine avait grandement exagéré le danger dans lequel se trouvait l'économie américaine après la crise. Le Dow Jones est tombé à 7 400 points au cours du week-end de la fête du Travail de 1998. Il a également déclaré que The Economist était soumis à des contraintes éditoriales car de nombreux scribes sont diplômés du même collège de l'Université d'Oxford, le Magdalen College. Le Guardian a écrit que "ses auteurs voient rarement un problème politique ou économique qui ne peut être résolu par le fameux jeu à trois cartes que sont la privatisation, la déréglementation et la libéralisation". En 2008, l'ancien rédacteur en chef de Newsweek Jon Meacham, un « fan » autoproclamé, a critiqué l'accent mis par The Economist sur l'analyse plutôt que sur les reportages originaux. En 2012, The Economist a été accusé d'avoir piraté l'ordinateur du juge de la Cour suprême du Bangladesh, Mohammed Nizamul Huq, ce qui a conduit à sa démission de son poste de président du Tribunal pénal international.[http://www.economist.com/blogs/banyan/2012 /12/bangladesh Disrepancy in Dhaka], The Economist, 8 décembre 2012. [http://www.washingtonpost.com/business/bangladesh-crimes-tribunal-accuses-the-economist-magazine-of-hacking-judges-computer /2012/12/09/8f248da2-421e-11e2-8c8f-fbebf7ccab4e_story.html « Un économiste accusé d'avoir piraté l'ordinateur d'un juge chargé des TIC »], Washington Post, 9 décembre 2012. [http://www.huffingtonpost.com/huff-wires /20121209/as-bangladesh-war-crimes Le magazine Economist fait face à du mépris au Bangladesh], Huffington Post, 9 décembre 2012. [http://www.indianexpress.com/news/bangladeshi-war-crimes-tribunal-issues-notice- to-the-economist/1041394 « Le tribunal bangladais pour les crimes de guerre émet un avis à The Economist »], The Indian Express, 6 décembre 2012. [http://www.thedailystar.net/newDesign/news-details.php?nid 260294 « Discussions sur le réseau du chef du tribunal, courrier piraté »], Daily Star, 7 décembre 2012. on-explique Le procès de la naissance d'une nation], The Economist, 15 décembre 2012. Le magazine a nié ces accusations. En 2014, le magazine a retiré une critique sévèrement critiquée d'un livre d'Edward Baptist sur l'esclavage et le capitalisme américain ; The Economist s'était plaint que « [presque] tous les Noirs de son livre sont des victimes, presque tous les Blancs sont des méchants ». Baptist a attribué cette critique sévère à l'adhésion du magazine aux théories « fondamentalistes du libre marché », « l'idée que tout irait mieux si on le mesurait d'abord et en dernier par son efficacité à produire du profit ». Louanges et distinctions En 2005, le Chicago Tribune l'a nommé meilleur magazine de langue anglaise, soulignant sa force dans le journalisme international « où il ne se sent pas poussé à couvrir un pays lointain uniquement à une époque de désastre total » et qu'il a gardé un mur entre ses reportages et ses politiques éditoriales plus conservatrices. En tant qu'invité de l'émission Desert Island Discs de BBC Radio 4 le 31 janvier 2016, Bill Gates a avoué avoir lu The Economist « d'un bout à l'autre chaque semaine ».

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Macbeth appartenait à quelle maison royale ou dynastie ?

maison de Dunkeld

La maison Stuart, à l'origine Stewart et, en gaélique, Stiubhard, est une maison royale européenne originaire d'Écosse. Les ancêtres patrilinéaires bretons de la dynastie occupaient le poste de grand intendant d'Écosse depuis le XIIe siècle, après être arrivés par l'Angleterre normande. La lignée royale Stewart a été fondée par Robert II, et ils étaient rois et reines d'Écosse à partir de la fin du 14e siècle jusqu'à l'union avec l'Angleterre en 1707. Mary I, reine d'Écosse a été élevée en France, où elle a adopté l'orthographe française de le nom, Stuart. Son fils, Jacques VI d'Écosse, hérita des trônes d'Angleterre et d'Irlande à la mort d'Elizabeth I en 1603. À l'exception de la période du Commonwealth, 1649-1660, les Stuart furent monarques d'Angleterre, d'Écosse et d'Irlande jusqu'en 1707 ; puis de Grande-Bretagne et d'Irlande, jusqu'à la mort de la reine Anne en 1714. Au total, neuf monarques Stewart/Stuart ont gouverné seuls l'Écosse de 1371 à 1603. Jacques VI d'Écosse a ensuite hérité des royaumes d'Elizabeth I d'Angleterre, devenant Jacques Ier d'Angleterre et d'Irlande dans l'Union des couronnes. Après la Glorieuse Révolution de 1688, deux reines Stuart régnèrent sur les îles : Marie II et Anne. Toutes deux étaient les filles protestantes de Jacques VII et II par sa première épouse. Leur père s'était converti au catholicisme et sa nouvelle épouse donna naissance à un fils en 1688, qui élèvera une catholique romaine et précédera ses demi-sœurs ; James fut donc destitué par le Parlement en 1689, en faveur de ses filles. Mais aucun enfant n'avait survécu jusqu'à l'âge adulte, donc selon les termes de l'Act of Settlement 1701 et de l'Act of Security 1704, la couronne passa à la Maison de Hanovre à la mort de la reine Anne en 1714. Sous le règne des Stuarts, l'Écosse est passée d'un pays relativement pauvre et féodal à un État prospère, moderne et centralisé. Ils ont régné à une époque de transition dans l’histoire européenne, du Moyen Âge, en passant par la Renaissance, jusqu’au milieu de la période moderne. Des monarques tels que Jacques IV étaient connus pour avoir parrainé des représentants de la Renaissance du Nord tels que le poète Robert Henryson et d'autres. Après que les Stuarts eurent régné sur toute la Grande-Bretagne, les arts et les sciences continuèrent à se développer ; Bon nombre des pièces les plus connues de William Shakespeare ont été écrites à l'époque jacobéenne, tandis que des institutions telles que la Royal Society et le Royal Mail ont été créées sous le règne de Charles II. Origines Étymologie Le nom « Stewart » dérive de la position politique similaire à celle d'un gouverneur, connue sous le nom d'intendant. Il a été initialement adopté comme nom de famille par Walter Stewart, 3e grand intendant d'Écosse, qui était le troisième membre de la famille à occuper ce poste. Avant cela, les noms de famille n'étaient pas utilisés, mais des patronymes définis par le père ; par exemple, les deux premiers grands intendants étaient respectivement connus sous le nom de FitzAlan et FitzWalter. L'orthographe francisée a été adoptée pour la première fois par John Stewart de Darnley après son passage dans les guerres françaises. Au XVIe siècle, l'orthographe française Stuart a été adoptée par Mary, reine d'Écosse, alors qu'elle vivait en France. Elle a approuvé le changement pour garantir la prononciation correcte de la version écossaise du nom Stewart, car conserver la lettre « w » aurait rendu la tâche difficile pour les francophones, qui ont suivi les Allemands en rendant généralement « w » par /v/. L'orthographe Stuart a également été utilisée par son deuxième mari, Henry Stuart, Lord Darnley ; il était le père de Jacques VI et moi, donc l'orthographe officielle Stuart pour la famille royale britannique dérive de lui. Arrière-plan Les origines ancestrales de la famille Stuart sont assez obscures : ce qui est sûr, c'est qu'elles remontent à Alan FitzFlaad, un Breton arrivé en Grande-Bretagne peu de temps après la conquête normande. Alan avait été l'intendant héréditaire de l'évêque de Dol dans le duché de Bretagne ; Alan entretenait de bonnes relations avec le monarque normand au pouvoir, Henri Ier d'Angleterre, qui lui accorda des terres dans le Shropshire. La famille FitzAlan s'est rapidement imposée comme une maison noble anglo-normande de premier plan, certains de ses membres étant haut shérif du Shropshire. C'est l'arrière-petit-fils d'Alan, Walter FitzAlan, qui devint le premier grand intendant héréditaire d'Écosse, tandis que la famille de son frère William allait devenir comte d'Arundel. Lorsque la guerre civile dans le Royaume d'Angleterre, connue sous le nom d'Anarchie, éclata entre la prétendante légitimiste Matilda, Dame des Anglais et son cousin qui l'avait usurpée, le roi Stephen, Walter s'était rangé du côté de Matilda. Un autre partisan de Mathilde était son oncle David Ier d'Écosse de la maison de Dunkeld. Après que Mathilde ait été poussée hors d'Angleterre vers le comté d'Anjou, échouant essentiellement dans sa tentative légitimiste d'accéder au trône, beaucoup de ses partisans en Angleterre ont également fui. C'est alors que Walter suivit David jusqu'au royaume d'Écosse, où il obtint des terres dans le Renfrewshire et le titre à vie de Lord High Steward. Le prochain monarque d'Écosse, Malcolm IV, fit du titre de High Steward un arrangement héréditaire. Alors qu'elle était Grand Intendant, la famille était basée à Dundonald, Ayrshire entre les XIIe et XIIIe siècles. Histoire Le sixième grand intendant d'Écosse, Walter Stewart (1293-1326), épousa Marjorie, fille de Robert the Bruce, et joua également un rôle important dans la bataille de Bannockburn, gagnant encore plus de faveurs. Leur fils Robert était l'héritier de la maison Bruce, de la seigneurie de Cunningham et des terres Bruce de Bourtreehill ; il hérita finalement du trône écossais lorsque son oncle David II mourut sans enfant en 1371. En 1503, Jacques IV tenta d'assurer la paix avec l'Angleterre en épousant la fille du roi Henri VII, Margaret Tudor. La naissance de leur fils, plus tard Jacques V, a amené la maison Stewart dans la lignée de la maison Tudor et du trône anglais. Margaret Tudor épousa plus tard Archibald Douglas, 6e comte d'Angus, et leur fille, Margaret Douglas, était la mère de Henry Stuart, Lord Darnley. En 1565, Darnley épousa sa demi-cousine Mary, reine d'Écosse, fille de James V. Le père de Darnley était Matthew Stewart, 4e comte de Lennox, membre de la branche Stewart de Darnley de la maison. Lennox était un descendant d'Alexander Stewart, 4e grand intendant d'Écosse, également descendant de Jacques II, étant l'héritier présomptif de Mary. Ainsi, Darnley était également lié à Mary du côté de son père et en raison de ce lien, les héritiers de Mary sont restés partie de la maison Stuart. Suite à l'anoblissement de John Stewart de Darnley pour sa participation à la bataille de Baugé en 1421 et à l'octroi de terres à Aubigny et Concressault, le nom de famille des Darnley Stewart fut francisé en Stuart. Mary, reine d'Écosse, et Lord Darnley avaient tous deux de fortes prétentions sur le trône anglais, par l'intermédiaire de leur grand-mère commune, Margaret Tudor. Cela a finalement conduit à l'avènement du seul enfant du couple, James, comme roi d'Écosse, d'Angleterre et d'Irlande en 1603. Cependant, il s'agissait d'une union personnelle, car les trois royaumes partageaient un monarque, mais avaient des gouvernements, des églises et des institutions séparés. En effet, l'union personnelle n'empêcha pas un conflit armé, connu sous le nom de guerres des évêques, d'éclater entre l'Angleterre et l'Écosse en 1639. Cela allait s'inscrire dans le cycle de conflits politiques et militaires qui marquèrent le règne de Charles Ier d'Angleterre. , l'Écosse et l'Irlande, aboutissant à une série de conflits connus sous le nom de Guerre des Trois Royaumes. Le procès et l'exécution de Charles Ier par le Parlement anglais en 1649 marquèrent le début de 11 années de gouvernement républicain connu sous le nom d'Interrègne anglais. L'Écosse a d'abord reconnu le fils du défunt roi, également appelé Charles, comme son monarque, avant d'être soumise et forcée d'entrer dans le Commonwealth de Cromwell par l'armée d'occupation du général Monck. Durant cette période, les principaux membres de la Maison Stuart vivaient en exil en Europe continentale. Le jeune Charles retourna en Grande-Bretagne pour assumer ses trois trônes en 1660 sous le nom de « Charles II d'Angleterre, d'Écosse et d'Irlande », mais daterait son règne de la mort de son père onze ans auparavant. En termes féodaux et dynastiques, la dépendance écossaise à l'égard du soutien français a été relancée sous le règne de Charles II, dont la propre mère était française. Sa sœur Henrietta s'est mariée dans la famille royale française. Charles II n'a laissé aucun enfant légitime, mais ses nombreux descendants illégitimes comprenaient les ducs de Buccleuch, les ducs de Grafton, les ducs de Saint Albans et les ducs de Richmond. Ces liens entre les Français et les catholiques romains se sont révélés impopulaires et ont entraîné la chute des Stuarts, dont les ennemis communs s'identifiaient au protestantisme et parce que Jacques VII et II ont offensé l'establishment anglican en proposant la tolérance non seulement pour les catholiques mais aussi pour les dissidents protestants. La Glorieuse Révolution provoqua le renversement du roi Jacques au profit de son gendre et de sa fille, Guillaume et Marie. James a continué à revendiquer les trônes d'Angleterre et d'Écosse auxquels il avait été couronné et a encouragé les révoltes en son nom, et son petit-fils Charles (également connu sous le nom de Bonnie Prince Charlie) a mené un soulèvement finalement infructueux en 1745, devenant ironiquement les symboles de la rébellion conservatrice. et le romantisme. Certains blâment l'identification de l'Église catholique romaine avec les Stuarts pour le retard extrêmement long dans le passage de l'émancipation catholique jusqu'à ce que le jacobitisme (tel que représenté par les héritiers directs des Stuarts) soit éteint ; cependant, cela était tout aussi probablement dû à des préjugés anticatholiques enracinés au sein de l'establishment anglican d'Angleterre. Malgré les intentions whigs d'étendre la tolérance aux sujets irlandais, ce n'était pas la préférence des conservateurs géorgiens et leur échec au compromis a joué un rôle ultérieur dans la division actuelle de l'Irlande. Aujourd'hui La maison royale Stuart a disparu avec la mort du cardinal Henry Benedict Stuart, frère de Charles Edward Stuart, en 1807. Le duc François de Bavière est l'actuel héritier principal. Cependant, Charles II a eu un certain nombre de fils illégitimes dont les descendants survivants dans la lignée masculine comprennent Charles Gordon-Lennox, 10e duc de Richmond, Murray Beauclerk, 14e duc de St Albans, Henry FitzRoy, 12e duc de Grafton et Richard Scott, 10e duc. de Buccleuch. De plus, le fils illégitime de Jacques II, James FitzJames, 1er duc de Berwick, fonda la Maison FitzJames comprenant deux succursales, une en France et une en Espagne. Le dernier de la branche française est décédé en 1967 et le dernier des descendants masculins de Jacques II, Cayetana Fitz-James Stuart, 18e duchesse d'Albe de la branche espagnole, est décédé en novembre 2014. Liste des monarques Monarques d'Écosse Monarques de Grande-Bretagne et d'Irlande Ces monarques utilisaient le titre de « Roi/Reine de Grande-Bretagne », bien que ce titre n'ait aucun fondement juridique jusqu'à l'entrée en vigueur des Actes d'Union de 1707 le 1er mai 1707. Légalement, ils occupaient chacun simultanément deux trônes, en tant que « Roi/Reine de Grande-Bretagne ». d'Angleterre » et « Roi/Reine d'Écosse ». Arbre généalogique Origine *Alan Fitz Flaad ** William FitzAlan, seigneur d'Oswestry *** William Fitz Alan, 1er seigneur d'Oswestry et Clun **** William Fitz Alan, 2e seigneur d'Oswestry et Clun **** John Fitzalan, seigneur d'Oswestry ***** John FitzAlan, 6e comte d'Arundel ****** Maison de FitzAlan ** Jordan fitz Alan, sénéchal de Dol ** Walter fitz Alan, 1er grand intendant d'Écosse *** Alan fitz Walter, 2e grand intendant d'Écosse **** Walter Stewart, 3e Grand Intendant d'Écosse ***** Alexander Stewart, 4e Grand Intendant d'Écosse ****** James Stewart, 5e Grand Intendant d'Écosse ******* Walter Stewart, 6e Grand Intendant d'Écosse ******** Robert II d'Écosse ******** John Stewart de Ralston ****** John Stewart de Bonkyll ******* Alexandre Stewart de Bonkyll ******** Comtes d'Angus (éteint en 1361) ******* Alan Stewart de Dreghorn ******** Stewart de Darnley ********* Comtes de Lennox ********* Stewart de Garlies ********* Comtes de Galloway ********* Stewart de Burray ********** Stewart de Physgill (Phisgal) ********* Stewart de Minto *********** Seigneurs Blantyre ********* Stewart de Tongrie ********* Stewart de Barclye ******* Walter Stewart de Garlies et Dalswinton ******** John Stewart de Dalswinton ********* Walter Stewart de Garlies et Dalswinton ******* James Stewart de Pearston ******** Stewart de Pearston ********* Stewart de Lorn ********* Clan Stewart d'Appin ********* Comtes d'Atholl ********* Comtes de Buchan ******* John Stewart de Daldon ******* Robert Stewart de Daldowie ***** Walter Bailloch ****** Comtes de Menteith ***** Robert Stewart, seigneur de Darnley ** Simon Fitz Alan ***Clan Boyd Maison de Stewart *Robert II d'Écosse ** Robert III d'Écosse *** David Stewart, duc de Rothesay *** Jacques Ier d'Écosse **** Alexander Stewart, duc de Rothesay **** Jacques II d'Écosse ***** Jacques III d'Écosse ****** Jacques IV d'Écosse ******* Jacques, duc de Rothesay ******* Arthur Stewart, duc de Rothesay ******* Jacques V d'Écosse ******** Jacques, duc de Rothesay ******** Arthur, duc d'Albany ******** Mary, reine d'Écosse ******* Alexander Stewart, duc de Ross ****** James Stewart, duc de Ross ****** John Stewart, comte de Mar ***** Alexander Stewart, duc d'Albany ****** Alexander Stewart, évêque de Moray ****** John Stewart, duc d'Albany ***** David Stewart, comte de Moray ***** John Stewart, comte de Mar **** Sir John Stewart (illégitime) ***** Stewart de Ballechin ** Walter, seigneur de Fife ** Robert Stewart, duc d'Albany *** Murdoch Stewart, duc d'Albany ****Robert Stewart ****Walter Stewart ***** Seigneurs Avandale ****** Seigneurs Stuart d'Ochiltree ******* Château des Barons Stewart ******** Earls Castle Stewart **** Alasdair Stewart **** James Mor Stewart ***** James "Beg" Stewart (illégitime) ****** Stewart de Balquhidder ******* Stewart d'Ardvorlich ******* Stewart de Glen Buckie ******* Stewart de Gartnafuaran ******* Stewart d'Annat *** John Stewart, comte de Buchan *** Robert Stewart, comte de Ross ** Alexander Stewart, comte de Buchan, le loup de Badenoch *** Fils illégitimes **** Stewart d'Atholl ** David Stewart, comte de Strathearn ** Walter Stewart, comte d'Atholl *** Alan Stewart, 4e comte de Caithness *** David Stewart, maître d'Atholl ** John Stewart, shérif de Bute (illégitime) *** Clan Stuart de Bute Maison Stuart Descendant des Stewarts of Darnley (Stewarts of Lennox) * Henry Stuart, Lord Darnley, époux de Mary, reine d'Écosse ** Jacques VI et moi *** Henry Frederick, prince de Galles *** Charles Ier d'Angleterre **** Charles II d'Angleterre ***** James Scott, 1er duc de Monmouth (illégitime) ****** Ducs de Buccleuch ***** Charles FitzCharles, 1er comte de Plymouth (illégitime) ***** Charles FitzRoy, 2e duc de Cleveland (illégitime) ****** Ducs de Cleveland (éteint en 1774) ***** Henry FitzRoy, 1er duc de Grafton (illégitime) ****** Ducs de Grafton ***** George FitzRoy, 1er duc de Northumberland (illégitime) ***** Charles Beauclerk, 1er duc de St Albans (illégitime) ****** Ducs de St Albans ***** Charles Lennox, 1er duc de Richmond (illégitime) ****** Ducs de Richmond, Lennox et Gordon **** Jacques II d'Angleterre ***** Charles Stuart, duc de Cambridge ***** James Stuart, duc de Cambridge ***** Charles Stuart, duc de Kendal ***** Edgar, duc de Cambridge ***** Charles Stuart, duc de Cambridge ***** James Francis Edward Stuart ****** Charles Édouard Stuart ****** Henri Benoît Stuart ***** James FitzJames, 1er duc de Berwick (illégitime) ****** Maison de FitzJames ******* Ducs de Berwick ******* Ducs de Fitz-James (éteint en 1967) ***** Henry FitzJames (illégitime) **** Henri Stuart, duc de Gloucester *** Robert Stuart, duc de Kintyre et Lorne

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Dans Harry Potter et la coupe de feu, quel dragon Harry devait-il vaincre ?

Horntail hongrois

Harry Potter et la coupe de feu est un film fantastique britannique de 2005 réalisé par Mike Newell et distribué par Warner Bros. Pictures. Il est basé sur le roman du même nom de J. K. Rowling. Le film, qui est le quatrième volet de la série de films Harry Potter, a été écrit par Steve Kloves et produit par David Heyman. L'histoire suit la quatrième année d'Harry Potter à Poudlard alors qu'il est choisi par la Coupe de Feu pour participer au Tournoi des Trois Sorciers. Le film met en vedette Daniel Radcliffe dans le rôle de Harry Potter aux côtés de Rupert Grint et Emma Watson dans le rôle des meilleurs amis de Harry, Ron Weasley et Hermione Granger. C'est la suite de Harry Potter et le Prisonnier d'Azkaban et est suivi de Harry Potter et l'Ordre du Phénix. Le tournage a commencé début 2004. Les scènes de Poudlard ont été tournées aux Leavesden Film Studios. Cinq jours après sa sortie, le film avait rapporté plus de 102 millions de dollars au box-office nord-américain, ce qui constitue le troisième plus haut total de premier week-end pour un film de Harry Potter derrière Harry Potter et les Reliques de la Mort – Partie 1 et Partie 2. Goblet of Fire a connu un immense succès au box-office, gagnant un peu moins de 900 millions de dollars dans le monde, ce qui en a fait le film le plus rentable de 2005 et le huitième film le plus rentable de tous les temps à cette époque. , c'est le 37e film le plus rentable au monde et le sixième film le plus rentable de la série Harry Potter. Le film a été nominé pour l’Oscar de la meilleure direction artistique et a remporté le BAFTA Award pour le meilleur design de production. Goblet of Fire était le deuxième film de Potter à sortir en IMAX. Le film est l'un des épisodes les mieux notés de la série, loué pour le niveau plus élevé de maturité et de sophistication de ses personnages, de son intrigue, de son écriture et des performances des acteurs principaux. Parcelle Harry Potter rêve de Frank Bryce, qui est tué après avoir entendu Lord Voldemort discuter de ses plans avec Peter Pettigrew et un autre homme. Harry assiste à la Coupe du monde de Quidditch avec les Weasley, mais après le match, les Mangemorts terrorisent les spectateurs et l'homme qui apparaît dans le rêve d'Harry invoque la Marque des Ténèbres. À Poudlard, Albus Dumbledore présente l'ex-Auror Alastor "Mad-Eye" Moody comme nouveau professeur de Défense contre les forces du Mal. Il annonce également que l'école accueillera l'événement légendaire connu sous le nom de Tournoi des Trois Sorciers où trois écoles de magie vont s'affronter dans une compétition très meurtrière en faisant face à trois défis dangereux. Les champions sont sélectionnés par la Coupe de Feu : Cédric Diggory de Poufsouffle est choisi pour représenter Poudlard, Viktor Krum représentera l'Institut de Durmstrang et Fleur Delacour représentera l'Académie de Magie de Beauxbâtons. La Coupe choisit de manière inattendue un quatrième champion : Harry Potter. Abasourdi, Dumbledore est incapable de retirer Harry mineur du tournoi, car le responsable du ministère, Barty Crouch Sr., insiste sur le fait que les champions sont liés par un contrat et que, par conséquent, Harry est invité à concourir. Cela rend le meilleur ami de Harry, Ron Weasley, jaloux de lui. Pour la première tâche du tournoi, les champions doivent chacun récupérer un œuf d'or gardé par un dragon. Harry réussit après avoir invoqué son balai pour récupérer l'œuf, qui contient des informations sur le deuxième défi. Peu de temps après, un autre événement connu sous le nom de bal de Noël a lieu, au cours duquel Cho Chang, le béguin de Harry, assiste avec Cédric, et Hermione Granger y assiste avec Viktor, ce qui rend Ron jaloux de Viktor. Au cours de la deuxième tâche, les champions doivent plonger sous l'eau pour sauver leurs compagnons. Harry sort dernier mais se classe deuxième derrière Cédric en raison de sa « fibre morale ». Ensuite, Barty Croupton Sr. est retrouvé mort par Harry. Harry rend visite à Dumbledore à son bureau, et en l'attendant, il découvre une pensine qui contient les souvenirs de Dumbledore. À l'intérieur, Harry est témoin d'un procès au cours duquel Igor Karkaroff (directeur de l'Institut Durmstrang) a avoué au ministère de la Magie les noms d'autres Mangemorts, après la défaite de Voldemort. Il a nommé Severus Snape comme l'un d'entre eux, mais Dumbledore l'a défendu ; il a ensuite nommé Barty Crouch Jr. Barty Crouch Sr. a été dévasté et son fils a été emmené à Azkaban. Après être sorti de la Pensine, Harry en déduit que l'homme qu'il a vu dans ses rêves avec Voldemort est Barty Croupton Jr. Dans la troisième et dernière tâche, les concurrents sont placés dans un labyrinthe de haies et doivent atteindre la Coupe des Trois Sorciers. Viktor, sous l'influence de la malédiction Imperius, neutralise Fleur. Après qu'Harry ait sauvé Cédric lorsque le labyrinthe l'attaque, les deux réclament un match nul et attrapent la coupe ensemble, qui s'avère être un portoloin et les transporte dans un cimetière, où Pettigrew et Voldemort attendent. Pettigrew tue Cédric avec le sortilège de la mort et exécute un rituel utilisant un os du père de Voldemort, la chair de Pettigrew et le sang de Harry, qui rajeunit Voldemort, qui invoque ensuite les Mangemorts. Voldemort libère Harry afin de le battre en duel pour prouver qu'il est le meilleur sorcier. Harry est incapable de se défendre, mais tente le sortilège Expelliarmus au même moment où Voldemort tente le sortilège de la mort. Leurs baguettes ne fonctionnent pas l'une contre l'autre et la baguette de Voldemort est obligée de restituer les derniers sorts qu'elle a exécutés. Cela se traduit par des impressions fantômes des personnes qu'il a assassinées apparaissant dans le cimetière, y compris les parents de Harry et Cédric. Cela fournit une grande distraction à Voldemort et à ses Mangemorts, permettant à Harry de s'échapper avec le corps de Cédric en attrapant le Portoloin. À son retour, Harry dit à Dumbledore que Voldemort est de retour et qu'il est responsable de la mort de Cédric. Maugrey ramène Harry dévasté dans sa chambre pour l'interroger sur Lord Voldemort, où il fait exploser sa couverture par inadvertance lorsqu'il demande à Harry s'il y avait « d'autres » dans le cimetière, bien qu'Harry n'ait pas déduit qu'il y avait été transporté. Exposé, Maugrey révèle que c'est lui qui a mis le nom d'Harry dans la Coupe de Feu, et qu'il avait guidé et manipulé Harry tout au long du tournoi pour s'assurer qu'il gagnerait, afin que Voldemort prenne le sang d'Harry pour revenir. Maugrey essaie alors de tuer Harry, mais Harry est sauvé par Dumbledore, Severus Snape et Minerva McGonagall. Les professeurs forcent Maugrey à boire du Veritaserum, une potion révélatrice de vérité où il est révélé qu'il n'est pas Maugrey et que le vrai Maugrey est emprisonné dans une malle magique. La fausse potion Polynectar de Moody's disparaît et il se révèle être Barty Crouch Jr., travaillant pour Voldemort. Croupton Jr. est renvoyé à Azkaban, d'où il s'était échappé. Dans la matinée, Dumbledore révèle aux étudiants que Voldemort a tué Cédric, bien que le ministère de la Magie s'y oppose. Plus tard, Dumbledore rend visite à Harry dans son dortoir et lui présente ses excuses pour les dangers qu'il a dû traverser. Harry révèle qu'il a vu ses parents dans le cimetière ; Dumbledore nomme cet effet « Priori Incantatem ». Dumbledore reconnaît que même si les parents d'Harry sont apparus grâce à la baguette de Voldemort, aucun sort ne peut réveiller les morts. Dumbledore rappelle à Harry qu'il n'est pas seul. Peu de temps après, Poudlard, Durmstrang et Beauxbâtons se font leurs adieux. Casting * Daniel Radcliffe dans le rôle d'Harry Potter, un sorcier britannique de 14 ans célèbre pour avoir survécu au meurtre de ses parents aux mains de Voldemort alors qu'il était enfant, qui entre maintenant dans sa quatrième année à l'école de sorcellerie et de sorcellerie de Poudlard. * Rupert Grint dans le rôle de Ron Weasley, le meilleur ami de Harry à Poudlard. * Emma Watson dans le rôle d'Hermione Granger, la meilleure amie née-moldue de Harry et le cerveau du trio. * Robbie Coltrane dans le rôle de Rubeus Hagrid, le garde-chasse demi-géant et professeur de soins aux créatures magiques à Poudlard. * Ralph Fiennes dans le rôle de Lord Voldemort, un sorcier noir psychopathe déterminé à conquérir le monde sorcier et chef des Mangemorts. * Michael Gambon dans le rôle d'Albus Dumbledore, le directeur de Poudlard et l'un des plus grands sorciers de l'époque. * Brendan Gleeson dans le rôle d'Alastor Moody, le nouveau professeur de défense contre les forces du mal et ancien Auror. * Jason Isaacs dans le rôle de Lucius Malfoy, un Mangemort senior faussement gracié. * Gary Oldman dans le rôle de Sirius Black, le parrain de Harry et premier évadé d'Azkaban. * Miranda Richardson dans le rôle de Rita Skeeter, journaliste pour The Daily Prophet. * Alan Rickman dans le rôle de Severus Snape, le professeur de potions et directeur de Serpentard. * Maggie Smith dans le rôle de Minerva McGonagall, professeur de métamorphose et directrice de Gryffondor. * Timothy Spall dans le rôle de Peter Pettigrew, un serviteur de Voldemort qui a trahi les parents de Harry. * Frances de la Tour dans le rôle d'Olympe Maxime, la directrice de l'Académie de magie de Beauxbâtons et l'intérêt romantique de Hagrid. * Predrag Bjelac dans le rôle d'Igor Karkaroff, directeur de l'Institut de sorcellerie de Durmstrang et ancien Mangemort. * David Bradley dans le rôle d'Argus Filch, le gardien Squib de mauvaise humeur de Poudlard. * Warwick Davis dans le rôle de Filius Flitwick, le professeur de sortilèges et chef de Serdaigle. * Tom Felton dans le rôle de Draco Malfoy, le fils de Lucius Malfoy et le rival de Harry à Poudlard. * Robert Hardy dans le rôle de Cornelius Fudge, l'insensé ministre de la Magie. * Shirley Henderson dans le rôle de Moaning Myrtle, le fantôme d'un étudiant de Serdaigle né-moldu des années 1940 qui hante les toilettes des filles à Poudlard. * Roger Lloyd-Pack dans le rôle de Barty Crouch, Sr., chef du Département de la Société Magique Internationale au Ministère de la Magie, qui est nommé juge au Tournoi des Trois Sorciers. * Mark Williams dans le rôle d'Arthur Weasley, le père de Ron et chef du bureau de l'utilisation abusive des artefacts moldus au ministère. * Stanislav Ianevski dans le rôle de Victor Krum, capitaine de l'équipe nationale bulgare de Quidditch à la Coupe du monde de Quidditch et champion de Durmstrang au Tournoi des Trois Sorciers. * Robert Pattinson dans le rôle de Cedric Diggory, capitaine de l'équipe de Quidditch de Poufsouffle et l'un des deux champions de Poudlard du Tournoi des Trois Sorciers aux côtés d'Harry. * Clémence Poésy dans le rôle de Fleur Delacour, la championne des Beauxbâtons au Tournoi des Trois Sorciers. * David Tennant dans le rôle de Barty Crouch, Jr., le fils de Crouch Sr et un fidèle Mangemort. Production Le réalisateur britannique Mike Newell a été choisi pour réaliser le film après que le réalisateur de Harry Potter et le prisonnier d'Azkaban, Alfonso Cuarón, ait annoncé qu'il ne réaliserait qu'un seul film Potter. Dans une déclaration expliquant la transition des réalisateurs, le producteur de la série David Heyman a déclaré : Le tournage principal de Goblet of Fire a commencé le 4 mai 2004. Le tournage des scènes impliquant les principaux acteurs du film a commencé le 25 juin 2004 aux studios Leavesden en Angleterre. Steve Kloves, le scénariste des opus précédents, est de retour pour Goblet of Fire. Concernant l'adaptation du livre de 734 pages en un long métrage, Kloves a commenté : « Nous avons toujours pensé que ce serait deux films, mais nous n'avons jamais trouvé un moyen de le diviser en deux. Ce sera donc une expérience différente de celle du film. livre." Décor Comme dans les tranches précédentes, Stuart Craig et Stephenie McMillan ont respectivement fourni les illustrations et les décors du film. En raison de la portée du film, de nombreux nouveaux décors et transformations d'anciens décors ont été créés. McMillan était très enthousiasmé par la refonte de la Grande Salle pour les scènes impliquant le bal de Noël. "Au départ, nous pensions à des rideaux argentés, des nappes argentées et une piste de danse sur glace", a déclaré McMillan, "mais cela a continué encore et encore. L'homme aux rideaux a finalement dit : 'Pourquoi ne pas simplement coller les tissus sur le mur ?'" Chaque tâche du Tournoi des Trois Sorciers nécessitait des sets massifs. La carrière de roche prévue pour la première tâche, où Harry affronte le Horntail hongrois, a été construite en deux sections aux studios Leavesden. Craig l'a qualifié de "l'un des plus grands décors que nous ayons jamais construits pour aucun des films". Pour la deuxième tâche, impliquant les scènes sous-marines du film, l'équipe de tournage a conçu et construit un réservoir à écran bleu contenant « environ un demi-million de gallons d'eau ». Quant à la tâche finale, qui s'est déroulée dans le labyrinthe, des murs de haies allant de 20 à 40 pieds de haut ont été construits et améliorés avec des images générées par ordinateur. Musique Dès 2004, on pensait que John Williams ne reviendrait pas pour marquer le quatrième opus en raison d'un calendrier 2005 chargé. Des rumeurs ont alors commencé à circuler selon lesquelles le chanteur de Pulp, Jarvis Cocker, devait composer la musique du film, mais ces rumeurs ont été rapidement corrigées puisqu'il a été rapporté que Cocker et d'autres musiciens apparaîtraient dans des rôles de camée d'un groupe de rock sorcier. Avec Newell à la tête du film, Patrick Doyle a finalement été choisi pour composer la musique du film (après avoir collaboré avec Newell pour Into the West et Donnie Brasco). Différences avec le livre Avec le roman La Coupe de Feu presque deux fois plus long que le Prisonnier d'Azkaban, les scénaristes et les producteurs ont réduit certaines scènes et certains concepts pour effectuer la transition de la page à l'écran. Le réalisateur Mike Newell a décrit le problème comme celui de « compresser un énorme livre dans le cadre d'un film ». Ceci a été réalisé en « mettant de côté » tous les éléments du roman qui n'étaient pas directement liés à Harry et à son voyage. Goblet of Fire est la première adaptation cinématographique à ne pas commencer à Privet Drive ; après la séquence d'ouverture, Harry se réveille au Terrier le matin de la Coupe du monde de Quidditch. Le jeu de la Coupe du monde de Quidditch a été supprimé pour des raisons de timing, laissant un saut temporel abrupt que certains critiques ont considéré comme gênant ou « précipité ». Dans le livre, Harry et de nombreux Weasley ont soutenu l'Irlande, tandis que dans le film, Harry et Ron ont soutenu la Bulgarie. Mais ils aiment aussi le Bulgare Viktor Krum. D'autres scènes sont raccourcies et fusionnées pour inclure uniquement les détails les plus essentiels de l'intrigue : les trois procès des Mangemorts dont Harry est témoin dans la Pensine sont fusionnés en une seule séquence ; les personnages de Bill Weasley, Charlie Weasley, Ludo Bagman, Winky, Narcissa Malfoy et Bertha Jorkins sont absents, ainsi que Dobby, qui était censé aider Harry à obtenir des Gillyweed pour la deuxième tâche. Au lieu de cela, cette scène a été modifiée pour impliquer Neville Londubat. Il n'y a pas de scène de train à la fin où Rita Skeeter se révèle être une animagus illégale et non enregistrée ; On ne voit jamais Harry recevoir ou distribuer les 1 000 galions de gains. Toutes les répliques de Sirius Black sont condensées en une seule conversation au coin du feu. La scène dans laquelle Croupton Jr. est ramené à Azkaban est différente du livre, dans lequel il a été « tué » par un Détraqueur invoqué par Cornelius Fudge. Il n'y a pas non plus de conversation dans laquelle Fudge refuse de croire que Voldemort est revenu, donc cela est expliqué dans le prochain film. Distribution Commercialisation Un premier aperçu exclusif du film a été diffusé sur ABC lors de la première télévisée de Harry Potter et la Chambre des Secrets le 7 mai 2005. La première bande-annonce a été mise en ligne le 8 mai 2005. La bande-annonce internationale a été lancée en ligne le 23 août 2005. . La version jeu vidéo, conçue par EA UK, est sortie le 8 novembre 2005. Mattel a publié une gamme de figurines et d'artefacts basés sur le film. Parmi ceux-ci figurait la première édition de Harry Potter Scene It ? contenant plus de 1 000 questions concernant les quatre films. Notation Goblet of Fire a été le premier film de la série à recevoir une note PG-13 par la MPAA pour "séquences de violence fantastique et images effrayantes", M par l'ACB et un 12A par le BBFC pour ses thèmes sombres, sa violence fantastique, sa menace. et des images effrayantes. Procès des Wyrd Sisters À l'approche du film, Warner Bros. a approché un groupe folk canadien appelé les Wyrd Sisters pour obtenir la permission d'utiliser le nom THE WEIRD SISTERS pour son groupe Harry Potter. Lorsqu'un accord n'a pas pu être conclu, le groupe canadien a intenté une poursuite de 40 millions de dollars contre Warner Bros., le distributeur nord-américain du film, ainsi que contre les membres du groupe du film (membres des groupes Radiohead et Pulp , entre autres) pour utilisation abusive du nom de leur groupe. (Dans une scène supprimée, ils sont simplement présentés comme "le groupe qui n'a pas besoin d'être présenté".) Le groupe canadien a également déposé une injonction pour arrêter la sortie du film dans son pays car il contenait une performance du groupe de rock fictif du même nom. . Un juge ontarien a rejeté cette requête et, pour éviter toute nouvelle controverse, Warner Bros. a rendu le groupe anonyme dans le film et dans de nombreux produits dérivés. Cependant, le groupe basé à Winnipeg a poursuivi sa poursuite; La chanteuse principale Kim Baryluk a déclaré dans son affirmation que «les consommateurs supposeront que le groupe canadien plus petit et moins célèbre essaie de profiter de la renommée de Harry Potter en copiant le nom du groupe Harry Potter alors qu'en fait, c'est l'inverse qui est vrai». L'injonction a été rejetée et la bande a été condamnée aux dépens. Depuis mars 2010, le procès a été réglé et les détails scellés. Sortie en salles Goblet of Fire était le deuxième film de la série à sortir simultanément dans les salles conventionnelles et IMAX. Surnommé Harry Potter et la coupe de feu : l'expérience IMAX, le film a été remasterisé numériquement pour IMAX à partir de sa forme 35 mm pour participer à une « stratégie de croissance commerciale » mise en place entre IMAX et Warner Bros. Pictures. Le film est sorti dans la plupart des pays sur une période de deux semaines commençant le 18 novembre 2005 au Royaume-Uni et aux États-Unis, avec une sortie le 1er décembre 2005 en Australie. Aux États-Unis, le film a été projeté dans un maximum de 3 858 cinémas, dont plusieurs écrans IMAX. La première mondiale du film a eu lieu à Londres, en Angleterre, le 6 novembre 2005. L'une des caractéristiques de la première était un Horntail hongrois animatronique cracheur de feu. Le dragon de 40 pieds de long, utilisé lors de la scène où Hagrid conduit Harry dans la forêt une nuit avant la première tâche, a été conçu et construit par le superviseur des effets spéciaux du film John Richardson et le superviseur des effets de créature et du maquillage Nick Dudman. Médias domestiques Le film est sorti sur DVD en Amérique du Nord le 7 mars 2006. Il était disponible en éditions à un et deux disques, ainsi que dans le cadre d'un coffret de 8 disques comprenant les quatre films réalisés à cette époque. Le disque bonus propose trois jeux interactifs, ainsi que sept featurettes en coulisses. Le film est également sorti au format UMD pour PSP. Lors de son premier jour de sortie en Amérique du Nord, plus de 5 millions d'exemplaires ont été vendus, enregistrant un record de franchise pour les ventes du premier jour. Au cours de sa première semaine, il a vendu plus de 9 millions d'unités combinées des versions grand écran et plein écran du DVD. L'édition britannique est sortie sur DVD le 20 mars 2006 et est devenue le DVD britannique le plus vendu de tous les temps, se vendant à six exemplaires par seconde le premier jour de sa sortie. Selon l'Official Charts Company, le DVD s'est vendu à 1,4 million d'exemplaires au cours de sa seule première semaine. Il est également disponible dans une édition sur deux disques avec des fonctionnalités spéciales similaires à l'édition nord-américaine sur deux disques. Actuellement, le DVD détient le record mondial Guinness du DVD le plus vendu de tous les temps. Cet exploit a été ajouté à l'édition 2007 du livre Guinness World Records, qui comprend une photo du prix remis à Dan Radcliffe sur le tournage de L'Ordre du Phénix aux Leavesden Film Studios en avril 2006. Aux États-Unis, les cinq premiers films Harry Potter sont sortis sur HD DVD et disque Blu-ray le 11 décembre 2007. Le quatrième film est depuis disponible dans de nombreux coffrets contenant les autres films sortis de la série, dont le Harry Potter. : Collection complète de 8 films et collection du sorcier Harry Potter. Une édition ultime de Goblet of Fire est sortie le 19 octobre 2010, comprenant des images des coulisses, des bandes-annonces, des scènes supplémentaires et un long métrage spécial Créer le monde de Harry Potter, partie 4 : son et musique. Bien qu'elle ne soit pas incluse dans l'Ultimate Edition, une version étendue a été diffusée lors de certaines diffusions télévisées avec une durée d'environ 167 minutes. Réception Box-office Après une journée d'ouverture de 40 millions de dollars au box-office nord-américain et resté n°1 pendant trois semaines, La Coupe de feu a réalisé avec succès une sortie en salles de 20 semaines, pour se clôturer le 6 avril 2006. Le film a établi de nombreux records, dont le week-end d'ouverture le plus élevé hors mai aux États-Unis, et a gagné 14,9 millions de livres sterling lors de son week-end d'ouverture au Royaume-Uni, un record qui a depuis été battu par le film de James Bond 2008 Quantum of Solace, qui a rapporté 15,4 millions de livres sterling. La Coupe de Feu a récolté 102,7 millions de dollars lors de son week-end d'ouverture au box-office nord-américain, établissant un nouveau record d'ouverture pour la franchise et a également réalisé le plus haut week-end de début en novembre, ce dernier étant dépassé par The Twilight Saga: New Moon en 2009. Il a vendu autant de billets que Harry Potter à l'école des sorciers lors de son week-end d'ouverture. Le record de franchise du film a ensuite été dépassé en 2010 par Harry Potter et les reliques de la mort – Partie 1, qui a ouvert à 125 millions de dollars ; Harry Potter et les Reliques de la Mort – Partie 2 a suivi avec 169,1 millions de dollars lors de son week-end d'ouverture. Les débuts de Goblet of Fires ont marqué le quatrième week-end de 100 millions de dollars de l'histoire et, en juillet 2011, il s'agit du 17e plus grand week-end d'ouverture jamais vu. En Chine continentale, le film a généré 93 millions de yuans. La Coupe de Feu a rapporté près de 897 millions de dollars dans le monde, ce qui en fait la sortie internationale et mondiale la plus rentable de 2005. Dans les salles IMAX uniquement, le film a rapporté un total de 20 033 758 $ US dans le monde, pour une moyenne cumulée par écran de 188 998 $, établissant ainsi un nouveau record et une nouvelle étape pour une sortie IMAX 2D remastérisée numériquement. En janvier 2006, La Coupe de Feu a dépassé les recettes au box-office de Harry Potter et la Chambre des Secrets (2002) pour devenir le huitième film le plus rentable au monde et le deuxième film le plus rentable de la série Harry Potter, derrière La pierre philosophale. En juillet 2011, il s'agissait du sixième film Harry Potter le plus rentable derrière La Pierre Philosophale, L'Ordre du Phénix et Le Prince de Sang-Mêlé, Les Reliques de la Mort – Partie 1 et Les Reliques de la Mort – Partie 2. Le film se classe troisième au box-office nord-américain derrière Star Wars : Épisode III – La revanche des Sith et Les Chroniques de Narnia : Le Lion, la Sorcière et l'Armoire magique pour 2005, bien que les deux films se classent moins bien que Harry Potter et la Coupe de Le feu en termes mondiaux. Réponse critique Harry Potter et la Coupe de Feu a reçu des critiques généralement positives. En octobre 2012, le film détenait un taux d'approbation global de 88 % « Certifié frais » chez Rotten Tomatoes. De même chez Metacritic, le film a reçu une note de 81, ce qui indique une "reconnaissance universelle". Le New York Daily News a salué le film à la fois pour son humour et son ton sombre. Les jeunes acteurs ont été félicités pour avoir démontré une « plus grande gamme d'émotions subtiles », en particulier Daniel Radcliffe que Variety a décrit comme offrant une « performance dimensionnelle et nuancée ». Les nouveaux membres de la distribution ont également été félicités : le portrait de Mad-Eye Moody par Brendan Gleeson a été décrit comme « coloré » ; Les scènes de Miranda Richardson dans le rôle de Rita Skeeter ont été décrites comme « merveilleuses » ; et le portrait de Lord Voldemort par Ralph Fiennes a été décrit comme une « méchanceté sublime ». La maturité de Harry, Ron et Hermione, entre autres, a impressionné la plupart des critiques. Alors que les personnages principaux étaient représentés comme des enfants dans les films précédents, "ils sont subtilement transformés en adolescents (dans Goblet of Fire)", selon un critique de USA Today. Desson Thomson du Washington Post a qualifié le film de "Probablement le film le plus engageant de la série Potter à ce jour". Joe Morgenstern du Wall Street Journal a déclaré : « Le studio, comme le courageux Harry, réussit avec brio. Le nouveau, réalisé par Mike Newell à partir d'un autre scénario astucieux de M. Kloves, est encore plus riche et plus complet, ainsi que dramatiquement plus sombre. C'est vraiment effrayant à quel point ce film est bon". Les critiques négatives incluaient le rythme du film que The Arizona Republic a décrit comme étant « beaucoup trop épisodique », tandis que CNN.com a décrit le film comme « maladroit et décousu ». Une autre critique était que les nombreux personnages secondaires n'avaient pas suffisamment de temps à l'écran. Le film a été classé n°36 sur la liste des 50 meilleurs films de lycée d'Entertainment Weekly, félicitant Rowling pour avoir ingénieusement mélangé « deux traditions littéraires, la fantasy et la fiction de passage à l'école ». Distinctions Le film a été nominé pour l'Oscar de la meilleure direction artistique lors de la 78e cérémonie des Oscars, mais a perdu contre Mémoires d'une geisha. Aux Teen Choice Awards 2006, le film a remporté le prix du Choice Movie Drama. Le film a remporté le prix BAFTA du meilleur design de production, ce qui en fait le premier film de Harry Potter à remporter un prix aux BAFTA. Aux Kids' Choice Awards 2006, le film a remporté le Blimp Award du film préféré, devenant ainsi le premier et le seul film de Harry Potter à remporter cet honneur.

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Tony Hadley était le chanteur de quel nouveau groupe romantique des années 1980 ?

Spandau Ballet

Anthony Patrick "Tony" Hadley (né le 2 juin 1960) est un auteur-compositeur-interprète pop anglais, acteur de théâtre occasionnel et présentateur de radio qui est devenu célèbre dans les années 1980 en tant que chanteur principal du groupe de new wave Spandau Ballet. Hadley est reconnaissable à son image suave, ainsi qu'à sa puissante voix soul aux yeux bleus, qui a été décrite par AllMusic comme un « gazouillis dramatique ». Il a également été qualifié de « meilleur crooner » par la BBC. Début de la vie Anthony Patrick Hadley est l'aîné de trois enfants au Royal Free Hospital, dans le quartier de Hampstead, dans le centre de Londres. Il a une sœur, Lee, et un frère, Steve. Son père, Patrick Hadley, travaillait comme ingénieur électricien pour le Daily Mail et sa mère, Joséphine, travaillait pour l'autorité sanitaire locale. Hadley a fréquenté le lycée Dame Alice Owen en Angleterre. Ballet de Spandau Spandau Ballet a été formé en 1976 sous le nom de The Cut, avec Gary Kemp, Steve Norman, John Keeble, Michael Ellison et Tony Hadley, tous étudiants du même lycée. En tant que membre du Spandau Ballet, Hadley a connu un succès international dans les années 1980, notamment avec des succès tels que "True", "Gold" et "Through the Barricades", et est apparu au Live Aid en 1985. Le Spandau Ballet s'est dissous en 1989 après leur dernier album studio, Heart Like a Sky, n'est pas à la hauteur du succès critique et commercial de leurs albums précédents, tels que True et Parade. Heart Like a Sky n'est pas sorti aux États-Unis. En avril 1999, Hadley, ainsi que les autres membres du groupe Steve Norman et John Keeble, ont échoué dans leur tentative de poursuivre Gary Kemp, le principal auteur-compositeur du groupe, pour obtenir une part de ses redevances. Cependant, ces dernières années, Norman est de nouveau en bons termes avec Gary et son frère, Martin Kemp, qui jouait autrefois de la basse dans le groupe. Début 2009, des articles de journaux affirmaient que le Spandau Ballet était sur le point de se réformer plus tard dans l'année. Le 25 mars 2009, il a été confirmé que le groupe s'était reformé et qu'il entamait une tournée au Royaume-Uni et en Irlande en octobre 2009. Carrière solo 1989-2000 Après la dissolution du Spandau Ballet, Hadley poursuivit une carrière solo, signa chez EMI et enregistra son premier album, The State of Play, en 1992. Après avoir quitté EMI, Hadley créa sa propre maison de disques, SlipStream Records, et son premier album fut le single " " Build Me Up", tiré du film When Saturday Comes. Peu de temps après, en décembre 1996, Hadley entreprend une tournée orchestrale en Europe, avec Joe Cocker, Paul Michiels, Dani Klein et Guo Yue, jouant devant 500 000 spectateurs en six semaines. À son retour de cette tournée, Hadley a signé un accord commun avec PolyGram TV et a sorti son prochain album solo éponyme, Tony Hadley, en 1997, qui comprenait des reprises et des chansons choisies pour correspondre à sa voix. L'album présentait également certaines de ses propres chansons écrites, telles que "She", qu'il a écrite pour sa fille Toni. En 1996, Hadley a joué dans une performance live de Jesus Christ Superstar sur BBC Radio 2, jouant le rôle titre face à Judas de Roger Daltrey. Pour combler le fossé entre les albums studio, Hadley a également sorti Obsession (plus tard réédité sous le nom d'Obsession Live), un album live enregistré en une seule nuit en 2001 au club Ronnie Scott's à Birmingham. Il a également collaboré, hier et aujourd'hui, avec divers groupes de danse et DJ, tels que Tin Tin Out, Eddie Lock, Marc et Claude, Regi Penxten (Milk Inc.) et les Disco Bros, et a joué aux côtés de personnes comme Alice Cooper. , Paul Young, Jon Anderson et Brian May. En 1999, Alan Parsons le choisit comme chanteur principal du morceau "Out of the Blue" de l'album The Time Machine. La formation habituelle du groupe Hadley comprend John Keeble (batterie), Phil Taylor (claviers), Phil Williams (guitare basse), Richie Barrett (guitare) et Dawn Joseph aux chœurs. Son premier groupe, avec lequel il a réalisé son premier album, comprenait, outre lui et Keeble, le claviériste régulier du Spandau Ballet, Toby Chapman, Jerry Stevenson (guitare) et Kevin Miller (guitare basse). 2000-présent Hadley a fait l'objet d'un nouveau respect dans les années 2000, enraciné dans une appréciation « ironique » du Spandau Ballet ; John Darnielle du groupe de rock folk indépendant The Mountain Goats a écrit sur son admiration pour les forces vocales de Hadley. En 2000, son album solo des plus grands succès est sorti, intitulé Debut, composé de quelques premières chansons solo. En 2003, Hadley a remporté la série de téléréalité ITV Reborn aux États-Unis, aux côtés d'autres chanteurs, tels qu'Elkie Brooks, Peter Cox de Go West et Leee John d'Imagination. Capitalisant sur sa victoire dans l'émission de téléréalité américaine, sa compilation Debut est rééditée et son deuxième recueil sort également la même année, True Ballads, comprenant certains de ses morceaux solo, la plupart des reprises déjà contenues dans son deuxième album studio et des succès historiques de la période du Spandau Ballet. Hadley a continué avec un programme de concerts chargé et a également tourné avec Cox et Martin Fry du groupe ABC. Il a sorti un album jazz-swing en 2006, intitulé Passing Strangers, et a effectué une tournée « sur demande » de mars à mai 2006. Elle a été suivie d'une tournée de big band à la fin de la même année. En janvier 2007, Hadley s'est produit dans la comédie musicale du West End de Chicago dans le rôle de l'avocat véreux Billy Flynn, au Cambridge Theatre. Hadley a succédé à l'ancien acteur d'Emmerdale Ian Kelsey et a joué du 29 janvier au 14 avril 2007. Il a déclaré: "Trois mois, c'était assez long, je ne voulais pas prolonger mon accueil. J'ai reçu un appel téléphonique me proposant le rôle. Je suis allé voir le spectacle, que j'ai trouvé génial. Pendant que j'y étais, j'ai reçu d'excellentes critiques liées à mon album swing, Passing Strangers, donc tout a bien fonctionné. Hadley a joué un set avec d'autres artistes des années 1980 au Retro Fest le 1er septembre 2007 au château de Culzean dans l'Ayrshire, en Écosse. Cette apparition comprenait une interprétation de "Addicted to Love", avec Fry et Cox. En février 2008, Hadley a participé au Festival italien de Sanremo, où il a fait un duo en anglais et en italien avec le candidat Paolo Meneguzzi sur la chanson de Meneguzzi, "Grande" ("Big"), pendant le troisième jour du concours (où tous les candidats re -interprété leurs chansons avec des artistes invités). Le 22 février 2008, il s'est produit en acte d'intervalle lors de la demi-finale de Dora 2008, la sélection de la candidature croate au Concours Eurovision de la chanson. Hadley a révélé que sa carrière solo avait été plus gratifiante financièrement que sa période au sommet des charts avec le Spandau Ballet. Il a déclaré que 2008 était sa meilleure année de revenus, ayant joué dans plus de 220 spectacles. En 2013, Hadley et ses pairs des années 1980, Kim Wilde, Bananarama et Go West, ont établi un nouveau record du monde pour Comic Relief en réalisant le concert le plus haut jamais réalisé, en chantant sur un Boeing 767 à 43 000 pieds (13 000 m). En 2014, Hadley a participé à l'émission télévisée La Pista aux heures de grande écoute de la RAI en tant que chef d'équipe de la troupe de danse féminine Tacco 10. Au cours de la compétition, Hadley a interprété à la fois "Gold" du Spandau Ballet et "Rio", à l'origine un succès du groupe rival Duran Duran. Parmi les autres chanteurs-candidats bien connus participant à l'émission hebdomadaire figuraient Amii Stewart et Sabrina Salerno. Autre travail Hadley a travaillé comme présentateur radio avec Virgin Radio, reprenant l'émission Friday Night Virgin Party Classics de Suggs (du groupe Madness) en août 2007. En janvier 2008, il a également reçu l'émission Saturday Night Virgin Party Classics. Il a quitté les deux émissions en septembre 2008. En 2015, il est répertorié comme présentateur pour Absolute Radio. Hadley est apparu, a chanté et a donné des conseils à la Pinoy Dream Academy, une émission de téléréalité chantée aux Philippines. Il est également apparu dans RocKwiz, une émission télévisée australienne diffusée en novembre 2008. Hadley apparaît également dans le court métrage britannique Shoot The DJ, dans lequel il incarne Eddie Richards. Le film mettait également en vedette la fille de Hadley, Toni. La chanson de Hadley "After All This Time" a été utilisée comme chanson thème de la populaire série BBC Down to Earth, diffusée de 2000 à 2005. Hadley a participé à la série 2015 de I'm a Celebrity... Get Me Out of Here !, à partir du 10 novembre 2015. Il a été éliminé le 4 décembre, terminant à la sixième place. Vie privée Hadley est père de cinq enfants : Thomas, Toni et Mackenzie avec sa première épouse, Leonie Lawson, puis Zara (née le 21 décembre 2006) et Geneviève (née le 6 février 2012) avec Alison Evers, qu'il a épousée en juillet 2009 à Cliveden House. . Hadley s'est séparé de Léonie en 2003, après vingt ans de mariage. Hadley vit dans le Buckinghamshire avec sa femme Alison et ses deux plus jeunes enfants, Zara et Geneviève. Hadley est également un fan d'Arsenal et joue pour l'équipe ex-Professional et Celebrity XI d'Arsenal. Il court également et aime skier. Hadley est un acteur régulier du East Festival. Il est également un mécène de la UK Huntington's Disease Association. Hadley a déclaré dans l'émission télévisée Loose Women (22 février 2007) qu'il mesurait 6 pieds et . Il est fier de son éthique de travail, qui, selon lui, lui a été inculquée dès son plus jeune âge par ses parents, et il affirme n'avoir jamais réclamé de prestations. En 2006, Hadley est devenu copropriétaire de la Red Rat Craft Brewery, où il a émis la Hadley's Golden Ale, la Hadley's Crazy Dog Stout, la Hadley's Gold et la Hadley's SB. L'entreprise a fermé ses portes en 2013, mais Hadley a ensuite émis une bière blonde dorée en association avec The Great Yorkshire Brewery. Affiliations politiques Hadley est un partisan du Parti conservateur et un admirateur de l'ancienne première ministre Margaret Thatcher. Le journaliste Andrew Pierce, dans un article du Daily Mail de 2014, a décrit Hadley comme « le plus grand soutien célèbre des conservateurs ». Il a assisté à la conférence annuelle du parti et aurait déjà été intéressé à se présenter comme député. Le New Statesman a décrit Hadley comme l'une des rares rock stars ouvertement de droite. Discographie Albums studios * 1992 – Premier album studio : The State of Play (premier album) * 1997 – Deuxième album studio : Tony Hadley (album de reprises, comprenant également quelques chansons auto-écrites) – numéro 45 au Royaume-Uni * 2006 – Troisième album studio : Passing Strangers (album jazz/swing) * 2015 – Quatrième album studio : The Christmas Album (album de Noël) Albums en direct *2000 – Premier album live : Obsession (réédité par la suite sous le titre Obsession Live) Albums de compilation *2000 – Première collection de grands succès : Debut (avec les premiers morceaux en solo, interprétés en direct à la télévision allemande en 1992) *2003 – Deuxième collection de plus grands succès : True Ballads (comprenant des morceaux solo, des reprises et les succès classiques du Spandau Ballet) – numéro 31 au Royaume-Uni Simple *1992 – « Lost in Your Love » / « Why Can't We Fall in Love » / « Theme No. 7 » – numéro 42 au Royaume-Uni *1992 – « For Your Blue Eyes Only » / « Tonight » / « Close-up » – numéro 67 au Royaume-Uni *1992 – « The Game of Love » / « Fever » (version acoustique) / « On and On » – numéro 72 britannique *1993 – " Absolution " / " Through the Barricades " / " The Boys of Summer " / " Rock'n'Roll Suicide " numéro britannique 86 *1996 – "Build Me Up" / "One to One" / "Jealous Mind" / "Build Me Up" (instrumental) [bande originale du film When Saturday Comes] *1997 – « Dance with Me » (Tin Tin Out avec Tony Hadley) – numéro 35 britannique *1998 – "First of May" (montage radio) / "The First Cut Is the Deepest" / "Love Affair" / "Maybe You and I" [sortie retirée] *1998 – "Save a Prayer" (montage radio) / "She" / "Have You Seen Her" / "Save a Prayer" (version album) [uniquement sorti en Belgique début avril] *1998 – "Dance with Me" / "She" [sorti uniquement aux Pays-Bas le 16 février] *1998 – "Dance with Me" (montage radio) [uniquement sorti en Italie] * 1999 – "Dance with Me" (mix radio) / (mix étendu) / (angels of love break) [remix CD single sorti uniquement en Italie] *2000 – "Will U Take Me" (single mix) / (a ​​cappella de Tony Hadley) / (level mix de DJ Wout) [version techno sortie uniquement au Benelux en novembre] *2000 – "Will U Take Me" (mixage unique) / (mixage étendu) / (mixage de niveau de DJ Wout) / (a ​​cappella de Tony Hadley) [version techno sortie uniquement en Espagne en novembre] *2001 – " Tony Hadley EP " : " Get So Lonely ", " Beautiful Girl ", " Follow Me ", " Have I the Right " [sorti le 17 septembre] *2002 – "Sweet Surrender" (remix radio Milk Inc.) / (remixes de Mr. Sam) [sorti en mai] *2006 – "The Mood I'm In" [promo sortie en novembre] *2007 – "Wives & Lovers" [sorti en janvier] *2007 – « The Good Life » [sorti en avril] *2011 – « Au revoir Malinconia » (ft. Caparezza) Littérature *

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Quel était le nom de famille du majordome joué par Gordon Jackson dans Upstairs Downstairs ?

Hudson

Un majordome est un employé de maison dans une grande maison. Dans les grandes maisons, la maison est parfois divisée en départements, le majordome étant responsable de la salle à manger, de la cave à vin et du garde-manger. Certains sont également responsables de tout le salon et des femmes de ménage s'occupent de toute la maison et de son apparence. Un majordome est généralement un homme et s'occupe des serviteurs masculins, tandis qu'une femme de ménage est généralement une femme et s'occupe des servantes. Traditionnellement, les serviteurs masculins (comme les valets de pied) étaient plus rares et donc mieux payés et jouissaient d'un statut plus élevé que les servantes. Le majordome, en tant que serviteur principal, a le statut de serviteur le plus élevé. Il peut aussi parfois être utilisé comme chauffeur. Dans les maisons plus anciennes où le majordome est l'ouvrier le plus ancien, des titres tels que majordome, administrateur de majordome, directeur de maison, domestique, chef de personnel, chef de cabinet, capitaine de personnel, directeur du domaine et chef du personnel de maison sont parfois attribués. Les tâches précises de l'employé varieront dans une certaine mesure en fonction du titre attribué, mais peut-être plus important encore en fonction des exigences de chaque employeur. Dans les demeures les plus prestigieuses ou lorsque l'employeur possède plusieurs résidences, il existe parfois un régisseur de rang supérieur au majordome. Arrière-plan Le mot « majordome » vient de l'anglo-normand buteler, variante du vieux normand *butelier, correspondant au vieux français botellier « officier chargé des bouteilles de vin du roi », dérivé de boteille « bouteille », bouteille française moderne, elle-même du gallo -Romance BUTICULA "bouteille". Le rôle du majordome, depuis des siècles, a été celui de l'intendant en chef d'une maison, le préposé chargé de prendre soin et de servir le vin et autres boissons en bouteille qui, dans les temps anciens, auraient pu représenter une partie considérable des actifs de la maison. En Grande-Bretagne, le majordome était à l’origine un membre de rang intermédiaire du personnel d’une grande maison. Aux XVIIe et XVIIIe siècles, le majordome devient progressivement le membre le plus âgé, généralement masculin, du personnel des plus grandes maisons. Cependant, il y avait parfois un intendant qui dirigeait le domaine extérieur et les affaires financières, plutôt que seulement la maison, et qui était le plus ancien du majordome en termes de statut social jusqu'au 19e siècle. Autrefois, les majordomes portaient toujours un uniforme spécial, distinct de la livrée des jeunes domestiques, mais aujourd'hui, un majordome est plus susceptible de porter un costume d'affaires ou des vêtements décontractés et d'apparaître en uniforme uniquement lors d'occasions spéciales. Un argentier ou un majordome d'argent possède une expertise et des connaissances professionnelles dans la gestion, le stockage sécurisé, l'utilisation et le nettoyage de toute l'argenterie, de la vaisselle associée et d'autres accessoires destinés à être utilisés lors de fonctions militaires et autres fonctions spéciales. Voir aussi Argent (ménage). To Butler (verbe) : To majordome, distribuer des vins ou des liqueurs ; faire office de majordome. (passé simple et participe passé majordomé) Origine et histoire Le rôle moderne du majordome a évolué à partir de rôles antérieurs qui concernaient généralement le soin et le service des boissons alcoolisées. De l'Antiquité aux époques médiévales De l'Antiquité au Moyen Âge, les boissons alcoolisées étaient principalement stockées d'abord dans des récipients en terre cuite, puis plus tard dans des fûts en bois, plutôt que dans des bouteilles en verre ; ces conteneurs auraient constitué une partie importante des biens d'un ménage. La garde de ces biens était donc généralement réservée aux esclaves de confiance, même si le travail pouvait également être confié à des personnes libres en raison de lignes de classe fondées sur l'hérédité ou de l'héritage des métiers. Le livre biblique de la Genèse contient une référence à un rôle précurseur des majordomes modernes. Le premier hébreu Joseph a interprété un rêve du שקה (shaqah) de Pharaon (littéralement « donner à boire »), qui est le plus souvent traduit en anglais par « majordome en chef » ou « échanson en chef ». Dans la Grèce antique et à Rome, c'étaient presque toujours des esclaves qui étaient chargés du soin et du service du vin, tandis qu'à l'époque médiévale, la pincerna, généralement un serf, remplissait ce rôle au sein de la cour noble. Le mot anglais "butler" lui-même vient du mot moyen anglais bo(u)teler (et plusieurs autres formes), de l'anglo-normand buteler, lui-même du vieux butelier normand, correspondant au vieux français botellier ("porteur de bouteille"), moderne Bouteiller français, et avant cela du latin médiéval butticula. Le « majordome » anglais moderne concerne donc aussi bien les bouteilles que les fûts. Finalement, le majordome européen est devenu un membre de rang intermédiaire des domestiques d'une grande maison, responsable de la beurrerie (à l'origine un entrepôt pour les « mégots » d'alcool, bien que le terme soit devenu plus tard un entrepôt général ou un garde-manger). S'il en est ainsi pour les majordomes de maison, ceux portant le même titre mais au service de la Couronne jouissaient d'une position de pouvoir administratif et n'étaient que très peu impliqués dans les différents magasins. Élisabéthain à travers les époques victoriennes L’intendant de l’ère élisabéthaine ressemblait davantage au majordome qui apparut plus tard. Peu à peu, tout au long du XIXe siècle et en particulier à l'époque victorienne, alors que le nombre de majordomes et autres domestiques augmentait considérablement dans divers pays, le majordome est devenu un fonctionnaire masculin principal du personnel d'une maison. À cette époque, il était responsable de la cave à vin plus moderne, la « beurrerie » ou garde-manger (du français pan du latin panis, pain), comme on l'appelait, qui fournissait du pain, du beurre, du fromage et d'autres provisions de base, et la coutière, qui contenait des serviettes et des bassines pour se laver et se raser. Dans les plus grandes maisons, il y avait parfois un intendant du domaine ou un autre intendant principal qui supervisait le majordome et ses fonctions. Le Book of Household Management de Mme Beeton, un manuel publié en Grande-Bretagne en 1861, rapportait : Le nombre des domestiques masculins dans une famille varie selon la richesse et la position du maître, depuis le propriétaire de l'hôtel ducal, avec une suite de serviteurs, à la tête desquels se trouvent le chambellan et l'intendant de la maison, jusqu'à l'occupant. de la maison la plus humble, où un seul valet de pied, ou même un homme à tout faire, est le seul serviteur masculin. La majorité des établissements pour messieurs comprennent probablement un domestique en livrée, ou un majordome, un valet de pied et un cocher, ou un cocher et un palefrenier, lorsque les chevaux dépassent deux ou trois. Les majordomes étaient à la tête d'une hiérarchie de service stricte et y occupaient une position de pouvoir et de respect. Ils étaient plus gestionnaires que « pratiques » – plus que servants, ils officiaient dans le service. Par exemple, même si le majordome était à la porte pour saluer et annoncer l'arrivée d'un invité officiel, la porte était en fait ouverte par un valet de pied, qui recevait le chapeau et le manteau de l'invité. Même si le majordome avait aidé son employeur à enfiler son manteau, celui-ci lui avait été remis par un valet de pied. Cependant, même le majordome le plus haut placé intervenait lorsque cela était nécessaire, par exemple en cas de pénurie de personnel, pour garantir le bon fonctionnement de la maison, bien que certaines preuves suggèrent que c'était le cas même en temps normal. Le foyer lui-même était généralement divisé en domaines de responsabilité. Le majordome était responsable de la salle à manger, de la cave à vin, du garde-manger et parfois de tout le rez-de-chaussée. Directement sous le majordome se trouvait le premier valet de pied (ou valet de pied en chef), bien qu'il puisse également y avoir un majordome adjoint ou un sous-majordome qui remplacerait le majordome pendant la maladie ou l'absence du majordome. Le valet de pied - il y avait souvent de nombreux jeunes hommes dans ce rôle au sein d'un ménage - effectuait diverses tâches, notamment servir les repas, s'occuper des portes, transporter ou déplacer des objets lourds, et faisait souvent office de valet de chambre. Les voituriers eux-mêmes accomplissaient diverses tâches personnelles pour leur employeur. Les majordomes engageaient et dirigeaient tout ce personnel subalterne et chacun relevait directement de lui. La gouvernante était responsable de la maison dans son ensemble et de son apparence. Dans une maison sans chef de ménage officiel, les servantes et le personnel de cuisine étaient également directement sous la direction du majordome, tandis que dans les ménages plus petits, le majordome faisait généralement office de valet de chambre. Les employeurs, leurs enfants et leurs invités s'adressaient au majordome (et au sous-majordome, s'il y en avait un) par son seul nom de famille ; collègues serviteurs, serviteurs et commerçants sous le nom de « M. [Nom de famille] ». Les majordomes étaient généralement embauchés par le maître de maison, mais relevaient généralement de sa dame. Beeton, dans son manuel, suggère un salaire annuel de 25 à 50 GBP (2 675 à 5 350 USD) pour les majordomes ; le logement, la pension et les vêtements de livrée constituaient des avantages supplémentaires, et les pourboires, connus sous le nom de vails, étaient courants. Les quelques majordomes mariés devaient organiser un logement séparé pour leur famille, comme le faisaient tous les autres domestiques de la hiérarchie. Les majordomes au début de l'Amérique Dès le début de l’esclavage en Amérique, au début du XVIIe siècle, les Afro-Américains ont été mis à contribution comme domestiques. Certains sont finalement devenus majordomes. Gary Puckrein, un historien social, soutient que ceux qui étaient utilisés dans des foyers particulièrement aisés intériorisaient authentiquement le genre de normes « raffinées » et d'attributs personnels qui refléteraient fortement la stature sociale de leurs maîtres ou maîtresses. L'un des premiers livres écrits et publiés par un éditeur commercial américain par un Afro-Américain était celui d'un majordome nommé Robert Roberts. Le livre, The House Servant's Directory, publié pour la première fois en 1827, est essentiellement un manuel pour les majordomes et les serveurs, et est appelé par Puckrein « le livre le plus remarquable d'un Afro-Américain dans l'Amérique d'avant-guerre ». Le livre suscita un tel intérêt qu'une deuxième édition fut publiée en 1828 et une troisième en 1843. Les serviteurs européens sous contrat formaient un corps de travailleurs domestiques dont les majordomes furent finalement tirés. Même s’ils n’étaient pas victimes de l’esclavage institutionnalisé, nombre d’entre eux ne s’étaient pas portés volontaires pour le service domestique, mais y avaient été contraints par l’endettement ou par la coercition. Comme les esclaves afro-américains, ils pouvaient progresser dans le service domestique, et leur bonheur ou leur malheur dépendait grandement de la disposition de leurs maîtres. Le majordome moderne À partir du début des années 1920 (après la Première Guerre mondiale), l’emploi dans les services domestiques a commencé à décliner globalement dans les pays d’Europe occidentale, et de manière encore plus marquée aux États-Unis. Malgré cela, il y avait encore environ 30 000 majordomes employés en Grande-Bretagne pendant la Seconde Guerre mondiale. On estime qu’il n’en restait plus qu’une centaine au milieu des années 1980. L'historien social Barry Higman soutient qu'un nombre élevé de travailleurs domestiques au sein d'une société est en corrélation avec un niveau élevé d'inégalité socio-économique. À l’inverse, à mesure qu’une société subit un nivellement entre ses classes sociales, le nombre d’employés du service domestique diminue. Suite à divers changements et évolutions accompagnant la mondialisation accélérée à partir de la fin des années 1980, la demande mondiale globale de majordomes depuis le tournant du millénaire a augmenté de façon spectaculaire. Selon Charles MacPherson, président de Charles MacPherson Associates et propriétaire de l'Académie Charles MacPherson pour majordomes et chefs de famille, la cause immédiate est que le nombre de millionnaires et de milliardaires a augmenté ces dernières années et que ces personnes découvrent qu'elles ont besoin d'aide pour gérer leur ménage. MacPherson souligne que le nombre de personnes riches en Chine a particulièrement augmenté, créant dans ce pays une forte demande de majordomes professionnels formés dans la tradition européenne des majordomes. Il existe également une demande croissante pour de tels majordomes dans d’autres pays asiatiques, en Inde et au Moyen-Orient, riche en pétrole. Higman soutient en outre que les niveaux d’inégalité/égalité des sociétés sont un déterminant majeur de la nature de la relation domestique/employeur. À l'approche du XXIe siècle, de nombreux majordomes ont commencé à effectuer un nombre croissant de tâches autrefois réservées aux domestiques les plus jeunes. Aujourd'hui, les majordomes peuvent être appelés à accomplir toutes les tâches ménagères et personnelles que leurs employeurs jugent appropriées, dans le but de libérer leurs employeurs pour qu'ils puissent s'occuper de leurs propres affaires personnelles et professionnelles. Le majordome professionnel et auteur Steven M. Ferry déclare que l'image des majordomes brandissant des plateaux et spécialisés dans le service des tables et la décantation du vin est désormais anachronique et que les employeurs pourraient bien être plus intéressés par un majordome capable de gérer un éventail complet de tâches ménagères. affaires – de la fourniture du service de dîner traditionnel à la fonction de valet de chambre, en passant par la gestion de systèmes de haute technologie et de plusieurs maisons avec des complexes de personnel. Alors que dans les grandes maisons, le majordome moderne peut encore fonctionner exclusivement en tant que gestionnaire des affaires ménagères de premier plan, dans les maisons de moindre importance, comme celles des professionnels de la classe moyenne à double revenu, il accomplit une gamme complète de tâches ménagères et d'assistants personnels, y compris ménage banal. Aujourd'hui, les majordomes peuvent également être situés dans des entreprises, des ambassades, des bateaux de croisière, des yachts, ou au sein de leur propre petite entreprise « Rent-a-Butler » ou agence similaire. Parallèlement à ces changements de portée et de contexte, la tenue vestimentaire des majordomes a changé. Alors que les majordomes portaient traditionnellement un uniforme spécial qui les séparait des jeunes serviteurs, et bien que cela soit encore souvent le cas, les majordomes d'aujourd'hui peuvent porter des vêtements plus décontractés adaptés au climat, tout en les échangeant contre une tenue de travail formelle uniquement lors d'occasions de service spéciales. Il existe également des distinctions culturelles. Aux États-Unis, les majordomes portent fréquemment un polo et un pantalon, tandis qu'à Bali, ils portent généralement des sarongs. En 2007, le nombre de majordomes en Grande-Bretagne était estimé à 5 000. Le drame d'époque, Downton Abbey, a été crédité pour être à l'origine d'une soudaine recrudescence de la demande de « majordomes correctement formés ». Entraînement Les majordomes apprenaient traditionnellement leur poste tout en progressant dans l’échelle de service. Par exemple, dans le documentaire The Authenticity of Gosford Park, le majordome à la retraite Arthur Inch (né en 1915) décrit ses débuts comme garçon de salle. Bien que cela soit encore souvent le cas, de nombreuses écoles privées de majordome existent aujourd'hui, comme le British Butler Institute, et les meilleurs diplômés peuvent commencer entre 50 000 et 60 000 $ US (25 350-30 400 £). De plus, les grands hôtels haut de gamme tels que le Ritz-Carlton proposent une formation de majordome traditionnelle, tandis que certains hôtels ont formé une sorte de pseudo-majordome pour le service dans des domaines définis tels que les « majordomes technologiques », qui réparent les ordinateurs et autres appareils électroniques des clients. , et des « majordomes de bain » qui dessinent des bains personnalisés. En plus de la formation formelle, quelques livres ont été publiés pour aider les majordomes dans leurs tâches, notamment Dinner is Served d'Arthur Inch et Arlene Hirst en 2003. De plus, des sites Web, ainsi qu'une publication d'information, Modern Butlers' Journal, aident les majordomes à réseauter et à se tenir au courant des développements dans leur domaine. Genre et majordome Les majordomes sont traditionnellement des hommes, et cela reste la norme. La première mention d'une femme majordome se trouve probablement dans le livre de 1892 Interludes Being Two Essays, a Story, and Some Verses d'Horace Smith. Smith y cite un certain Sydney Smith qui avait apparemment connu une période difficile : Un domestique coûtait trop cher, alors j'ai rattrapé une petite jardinière, j'ai fait comme une borne kilométrique, je l'ai baptisée Bunch, je lui ai mis une serviette à la main et j'en ai fait mon majordome. Les filles lui apprirent à lire, Mme Sydney à attendre, et je me chargeai de ses mœurs. Bunch est devenu le meilleur majordome du pays. Aujourd'hui, les femmes majordomes sont parfois préférées, en particulier pour le travail au sein des familles du Moyen-Orient et de l'Extrême-Orient, où il peut être religieusement problématique pour les hommes de travailler en étroite collaboration avec les femmes dans un foyer. Les célébrités féminines occidentales peuvent également préférer un majordome féminin, tout comme les ménages dans lesquels la femme est à l'origine de la décision d'embaucher un majordome. En 2004, le palais de Buckingham a annoncé qu'il recrutait activement des femmes pour ce poste. Malgré ces tendances, l’école Ivor Spencer affirme que les femmes majordomes ne sont généralement pas faciles à placer. La Charles MacPherson Academy for Butlers and Household Managers rapporte que 40 % des étudiants admis dans son programme sont des femmes. L'école poursuit en signalant que le marché du travail a toujours une préférence pour les majordomes masculins, mais que le marché devient plus progressiste et qu'un nombre croissant de majordomes féminines sont embauchées. Dans les temps anciens, les rôles précédant le rôle de majordome étaient réservés aux biens meubles ou à ceux confinés dans des structures de classe fondées sur l'hérédité. Avec l’avènement de l’ère médiévale, le majordome est devenu une opportunité d’avancement social, encore plus à l’époque victorienne. Bien que toujours basé sur divers rôles antérieurs manifestés à différentes époques, le majordome a souvent repris aujourd'hui de nombreux rôles autrefois réservés aux domestiques de rang inférieur. Dans le même temps, c’est devenu une option de carrière potentiellement lucrative. Majordomes historiquement importants *Eugene Allen, majordome de la Maison Blanche qui a servi sous huit présidents américains *Grant Harrold, majordome de Charles, prince de Galles et expert en étiquette, fondateur de Nicholas Veitch Limited *Paul Burrell, majordome de Diana, princesse de Galles *Ivor Spencer, toastmaster et spécialiste de l'étiquette, directeur de l'école internationale Ivor Spencer pour administrateurs de majordomes/assistants personnels et gestionnaires de domaines *Leslie Bartlett, majordome, toastmaster et fondatrice de la London School of British Butlers *Alonzo Fields, majordome en chef de la Maison Blanche de 1932 à 1953 En art visuel Les majordomes ont parfois été représentés dans les arts visuels. Un tableau célèbre, Têtes de six serviteurs de Hogarth (vers 1758), est unique parmi ces œuvres. Dans ce document, l'artiste anglais du XVIIIe siècle, William Hogarth, représentait ses domestiques, chacun entourant le majordome. En montrant le groupe dans un assemblage serré plutôt que dans l'accomplissement de leurs tâches ménagères habituelles, Hogarth a cherché à les humaniser et à les rendre dignes d'une manière semblable aux membres de la classe aisée, qui étaient les sujets normaux de tels portraits. Bien qu'il s'agisse d'un acte subversif qui a certainement fait sourciller de nombreuses personnes à son époque (Hogarth a exposé ostensiblement l'œuvre dans sa maison à la vue des invités), il a en même temps peint les expressions faciales de ses serviteurs pour exprimer la sincérité et la déférence attendues de leur part. membres de la classe des serviteurs. Dans l'art contemporain, la série "The Butler's in Love" de l'artiste américain Mark Stock est particulièrement poignante. Dans la série, Stock dépeint le majordome comme malade d'amour, mais la possibilité de s'accomplir est sans espoir : l'amour est un amour interdit, peut-être ressenti pour la maîtresse de maison, et il doit donc être souffert seul dans une dissimulation silencieuse. En plus des manières et des expressions faciales continues du majordome, une dame assise apparaissant un jour dans une pièce aux rideaux et un verre à absinthe taché de rouge à lèvres récurrent sur lequel le majordome est obsédé fournissent les indices d'interprétation. En choisissant un majordome comme sujet, Stock a cherché à créer un « personnage universel », une figure chargée de pathos qui pourrait être largement associée et qui pourrait décrire l'universalité de la solitude ressentie par quelqu'un qui ne peut regarder que de l'extérieur. Stock a commencé la série en 1985 pour exprimer ses sentiments difficiles lors d'une expérience personnelle d'amour non partagé. L'une des peintures a inspiré un court métrage en 3D, "The Butler's in Love" de l'acteur/réalisateur David Arquette, tourné en 2008 dans le manoir historique Westerfield de San Francisco. Dans la fiction Le majordome moderne de la vie réelle s'efforce d'être discret et discret, amical mais pas familier, parfaitement anticipant les besoins de son employeur, et gracieux et précis dans l'exécution de ses fonctions. Le majordome de la fiction, en revanche, a souvent tendance à être plus grand que nature et est devenu un outil d'intrigue dans la littérature et un rôle traditionnel dans les arts du spectacle. Les majordomes peuvent fournir un soulagement comique avec des commentaires ironiques, des indices sur les auteurs de divers crimes, et sont représentés comme au moins aussi intelligents et moraux que leurs « meilleurs », voire plus. Ils sont souvent décrits comme étant sérieux et sans expression et dans le cas où le héros riche est orphelin, comme Batman, Satella Harvenheit de Chrono Crusade ou Lara Croft de Tomb Raider, il peut s'agir d'une figure paternelle dudit héros. Quel que soit le genre dans lequel ils sont choisis, les majordomes de fiction suivent presque invariablement le modèle du « majordome britannique » et reçoivent un nom de famille à consonance appropriée. Le majordome fictif a tendance à recevoir un nom de famille anglo-celtique typique et à avoir un accent anglais. Le garçon de maison asiatique, afro-américain ou caribéen est une variante, mais même ces majordomes sont basés sur l'icône britannique. Aujourd’hui, les majordomes sont généralement décrits comme étant raffinés et s’exprimant bien. Cependant, dans les fictions du XIXe siècle telles que Dracula, les majordomes parlaient généralement avec un fort accent cockney ou autre régional. "Le majordome" fait partie intégrante de l'intrigue d'innombrables chaudières et mélodrames, que le personnage ait reçu ou non un nom. Les majordomes occupent une place si importante dans les pièces d'époque et les polars qu'ils peuvent être considérés comme des personnages de base au cinéma et au théâtre, où un slogan est "Le majordome l'a fait!" Le domestique fictif le plus connu, et le prototype du majordome britannique par excellence, n’est pas lui-même un majordome. Reginald Jeeves, la création emblématique de l'auteur P. G. Wodehouse, est un « gentleman's gentleman » et un factotum général. Les majordomes fictifs les plus connus sont probablement Alfred de la bande dessinée et des films Batman ; Hudson de Upstairs, renommée télévisée en bas; M. Carson de la série télévisée Downton Abbey ; et Crichton de The Admirable Crichton de J. M. Barrie. Les moins connus incluent M. Belvedere du roman Belvedere, qui a été adapté en long métrage avec des suites et plus tard en série télévisée ; Lurch, de la série télévisée La Famille Addams, basée sur les dessins animés du New Yorker de Charles Addams ; Plage, de la série Wodehouse sur le château de Blandings ; Niles, le majordome de la maison Sheffield dans la sitcom américaine The Nanny, et Benson des deux séries Soap et Benson. Cependant, tous les majordomes fictifs ne représentent pas le « stéréotype du majordome ». Alan Bates, qui a joué le majordome Jennings dans le film Gosford Park, a été entraîné dans les moindres détails par Arthur Inch, un majordome de longue date. M. Stevens, le majordome joué par Anthony Hopkins dans le film Remains of the Day, a également été joué avec un réalisme remarquable. Une majordome, Sarah Stevens, est le personnage principal de Dying to Please de Linda Howard (2002), un roman de meurtre et d'amour. Howard donne des descriptions détaillées et généralement précises du majordome dans l'ouvrage. Exemples *Alfred Pennyworth, le majordome de Bruce Wayne dans Batman *Edwin Jarvis, le majordome de Tony Stark dans Iron Man *Geoffrey Butler, le majordome de la famille Banks dans Le Prince de Bel-Air *Ronove, le démon majordome et le meuble le plus haut placé de la Sorcière Dorée ; Béatrice et le sorcier éternel, combattante d'Umineko no Naku Koro ni *Angus Hudson, de l'émission télévisée Upstairs, Downstairs *Benson DuBois, le majordome de la Tate dans la sitcom à succès des années 1970, Soap *Edmund Blackadder, majordome de Prince George le prince régent, dans la série télévisée Blackadder the Third *Nestor, le majordome de Marlinspike Hall dans Les Aventures de Tintin *Niles le majordome dans la série télévisée The Nanny *Sebastian Michaelis, un démon déguisé en homme lié par contrat à son maître dans la série manga et anime Black Butler *Sebastian Beach, tiré des histoires du château de Blandings de P. G. Wodehouse, conspire fréquemment avec l'intelligente Gally Threepwood. *Smithers, le majordome fictif de Veronica Lodge *Hugh Edgar, majordome, The Edwardian Country House, série télévisée britannique de loisirs historiques de 2002 *Charles Carson, majordome de la famille Crawley à Downton Abbey *John Lawless, un personnage central du film musical des Sherman Brothers de 1967, The Happiest Millionaire, joué par l'idole des adolescents de 60 ans, Tommy Steele. *Wadsworth, le protagoniste du film Clue *M. Stevens, le protagoniste du roman lauréat du Booker Prize de Kazuo Ishiguro, The Remains of the Day et du film du même nom *Spencer, majordome dans Power Rangers Operation Overdrive *Cadbury, majordome de Richie Rich *Higgins, tiré de la sitcom Our Man Higgins et de la comédie radiophonique sur laquelle elle est basée, It's Higgins, Sir *Underling, le majordome de la comédie musicale Broadway 2006 The Drowsy Chaperone *Le protagoniste titulaire de Hayate the Combat Butler ; Hayate Ayasaki *Butler, le majordome du prince Salde Canarl Shellbrick III du jeu de réflexion Puyo Puyo Fever 2 *Giles, le majordome de Whodunnit sur ABC ? Séries TV *Subaru Konoe, la majordome de Kanade Suzutsuki qui est déguisée en homme dans le Mayo Chiki ! anime, manga et roman léger *Domovoi Butler, majordome d'Artemis Fowl dans la série de livres Artemis Fowl d'Eoin Colfer.

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Qui était le septième président des États-Unis ?

Andrew Jackson

Andrew Jackson (15 mars 1767 - 8 juin 1845) était un homme d'État américain qui fut le septième président des États-Unis de 1829 à 1837. Il est né vers la fin de l'ère coloniale, quelque part près de la frontière alors non marquée. entre la Caroline du Nord et la Caroline du Sud, dans une famille d'agriculteurs écossais-irlandais récemment immigrée et aux moyens relativement modestes. Pendant la guerre d'indépendance américaine, Jackson, dont la famille soutenait la cause révolutionnaire, faisait office de courrier. À 13 ans, il est capturé et maltraité par l'armée britannique. Il est ensuite devenu avocat. Il a également été élu au Congrès, d'abord à la Chambre des représentants des États-Unis et à deux reprises au Sénat américain. En 1801, Jackson fut nommé colonel de la milice du Tennessee, qui devint sa base politique et militaire. Il possédait des centaines d'esclaves qui travaillaient sur la plantation de l'Ermitage. En 1806, il tua un homme en duel pour une question d'honneur concernant sa femme Rachel. Il a acquis une renommée nationale grâce à son rôle dans la guerre de 1812, notamment au cours de laquelle il a remporté une victoire décisive sur la principale armée d'invasion britannique lors de la bataille de la Nouvelle-Orléans, bien que quelques semaines après la signature du traité de Gand (à l'insu des autorités britanniques). combattants). En réponse au conflit avec les Séminoles en Floride espagnole, il envahit le territoire en 1818. Cela conduisit directement à la première guerre séminole et au traité Adams-Onís de 1819, qui transféra officiellement la Floride de l'Espagne aux États-Unis. Après avoir remporté l'élection au Sénat, Jackson a décidé de se présenter à la présidence en 1824. Bien qu'il ait obtenu une pluralité de votes électoraux et populaires contre trois candidats majeurs, Jackson n'a pas réussi à obtenir la majorité et a perdu à la Chambre des représentants face à John Quincy Adams. Jackson a affirmé qu'il avait perdu à cause d'un « marché corrompu » entre Adams et le président de la Chambre Henry Clay, qui était également candidat, pour donner à Clay le poste de secrétaire d'État en échange de la victoire d'Adams à la présidence. Les partisans de Jackson fondèrent alors ce qui devint le Parti démocrate. Il se présenta de nouveau à la présidence en 1828 contre Adams. S'appuyant sur sa base à l'Ouest et avec le nouveau soutien de la Virginie et de New York, il a gagné haut la main. Il a imputé la mort de sa femme, Rachel, survenue juste après les élections, aux militants d'Adams, qui l'ont qualifiée de « bigame ». En tant que président, Jackson faisait face à une menace de sécession de la Caroline du Sud à cause du « Tarif des abominations », que le Congrès avait promulgué sous Adams. Contrairement à plusieurs de ses successeurs immédiats, il niait le droit d'un État de se séparer de l'union ou d'annuler la loi fédérale. La crise de l'annulation a été désamorcée lorsque le tarif a été modifié et Jackson a menacé de recourir à la force militaire si la Caroline du Sud tentait de faire sécession. En prévision des élections de 1832, le Congrès, dirigé par Clay, tenta de réautoriser la Deuxième Banque des États-Unis quatre ans avant l'expiration de sa charte. Conformément à son programme de décentralisation économique, Jackson a opposé son veto au renouvellement de sa charte, mettant ainsi apparemment en péril ses chances de réélection. Cependant, en se présentant comme le défenseur des citoyens ordinaires contre les riches banquiers, il réussit à vaincre Clay aux élections de cette année-là. Il démantela complètement la banque au moment où sa charte expirait en 1836. Ses luttes avec le Congrès étaient incarnées dans sa rivalité personnelle avec Clay, que Jackson n'aimait profondément pas et qui dirigeait l'opposition du parti Whig naissant. La présidence de Jackson a marqué le début de l’ascendant du « système des butins » dans la politique américaine. Il est également connu pour avoir signé l'Indian Removal Act en 1830, qui a transféré de force un certain nombre de tribus indigènes du Sud vers le territoire indien (aujourd'hui l'Oklahoma). Jackson a soutenu la campagne présidentielle réussie de son vice-président Martin Van Buren en 1836. Il a travaillé pour renforcer le Parti démocrate et a aidé son ami James K. Polk à remporter l'élection présidentielle de 1844. Première vie et éducation Andrew Jackson est né le 15 mars 1767. Ses parents étaient des colons écossais-irlandais Andrew et Elizabeth Hutchinson Jackson, presbytériens qui avaient émigré d'Irlande deux ans plus tôt. Le père de Jackson est né à Carrickfergus, dans le comté d'Antrim, dans l'actuelle Irlande du Nord, vers 1738. Les parents de Jackson vivaient auparavant dans le village de Boney, également dans le comté d'Antrim. Sa lignée familiale patrilinéaire est originaire de Killingswold Grove, dans le Yorkshire, en Angleterre. Lorsqu'ils ont immigré en Amérique du Nord en 1765, les parents de Jackson ont probablement atterri à Philadelphie, en Pennsylvanie. Très probablement, ils ont voyagé par voie terrestre à travers les Appalaches jusqu'à la communauté écossaise-irlandaise de la région de Waxhaws, à cheval sur la frontière entre la Caroline du Nord et la Caroline du Sud. Ils ont amené deux enfants d'Irlande, Hugh (né en 1763) et Robert (né en 1764). Le père de Jackson est décédé dans un accident en février 1767 à l'âge de 29 ans, trois semaines avant la naissance de son fils Andrew dans la région de Waxhaws. Son lieu de naissance exact n'est pas clair car il est né à peu près au moment où sa mère faisait un voyage difficile chez elle après avoir enterré le père de Jackson. La zone était si isolée que la frontière entre la Caroline du Nord et la Caroline du Sud n'avait pas été officiellement étudiée. En 1824, Jackson écrivit une lettre disant qu'il était né dans la plantation d'un oncle dans le comté de Lancaster, en Caroline du Sud. Mais il a peut-être prétendu être un Caroline du Sud parce que l'État envisageait d'annuler le tarif de 1824, auquel il s'opposait. Au milieu des années 1850, des preuves de seconde main indiquaient qu'il était peut-être né chez un autre oncle en Caroline du Nord. Jackson a reçu une éducation sporadique dans l'école locale « old-field ». En 1781, il travailla quelque temps dans un atelier de sellier. Plus tard, il a enseigné et étudié le droit à Salisbury, en Caroline du Nord. En 1787, il fut admis au barreau et s'installa à Jonesborough, dans ce qui était alors le district ouest de la Caroline du Nord. Cette zone devint plus tard le Territoire du Sud-Ouest (1790), précurseur de l'État du Tennessee. Service de la guerre révolutionnaire Pendant la guerre d'indépendance, Jackson, à treize ans, a aidé de manière informelle la milice locale en tant que coursier. Son frère aîné, Hugh, mourut d'épuisement dû à la chaleur lors de la bataille de Stono Ferry le 20 juin 1779. Lui et son frère Robert furent capturés par les Britanniques et détenus comme prisonniers ; ils ont failli mourir de faim en captivité. Lorsqu'Andrew a refusé de nettoyer les bottes d'un officier britannique, l'officier a frappé le jeune avec une épée, lui laissant des cicatrices sur la main gauche et la tête, ainsi qu'une haine intense pour les Britanniques. Pendant leur incarcération, les frères ont contracté la variole. Robert Jackson est décédé le 27 avril 1781, quelques jours après que leur mère Elizabeth ait obtenu la libération des frères. Après avoir été assurée qu'Andrew se rétablirait, elle s'est portée volontaire pour soigner les prisonniers de guerre à bord de deux navires dans le port de Charleston, où il y avait eu une épidémie de choléra. En novembre 1781, elle mourut de la maladie et fut enterrée dans une tombe anonyme. Andrew est devenu orphelin à 14 ans. Après la mort de ses frères et de sa mère pendant la guerre, il a imputé ses pertes aux Britanniques. Carrière juridique et politique Jackson a commencé sa carrière juridique à Jonesborough, aujourd'hui dans le nord-est du Tennessee. Même si sa formation juridique était limitée, il en savait suffisamment pour devenir avocat de campagne à la frontière. N'étant pas issu d'une famille distinguée, il dut faire sa carrière par ses propres mérites ; Bientôt, il commença à prospérer dans le monde difficile du droit des frontières. La plupart des actions étaient le résultat de revendications territoriales contestées ou d'agressions et de coups et blessures. En 1788, il fut nommé procureur du district de l'Ouest et occupa le même poste au sein du gouvernement du territoire au sud de la rivière Ohio après 1791. Jackson a été élu délégué à la convention constitutionnelle du Tennessee en 1796. Lorsque le Tennessee a obtenu le statut d'État cette année-là, il a été élu représentant des États-Unis. L’année suivante, il a été élu sénateur américain en tant que républicain-démocrate, mais il a démissionné au bout d’un an. (Son retour au Sénat américain en 1823, après 24 ans, 11 mois et 3 jours d'absence de ses fonctions, marque la deuxième plus longue interruption de service à la chambre de l'histoire.) En 1798, il fut nommé juge de la Cour suprême du Tennessee, servant jusqu'en 1804. Spéculation foncière et fondation de Memphis En 1794, Jackson créa une entreprise avec son collègue avocat et planteur John Overton « dans le but d'acheter des terres ainsi que des terres situées à l'extérieur ou à l'intérieur des limites militaires » - achetant et vendant ouvertement des terres qui avaient été réservées par traité aux Cherokee et aux Chickasaw. À son retour de Floride, Jackson a négocié la vente des terres de la nation Chickasaw en 1818 (appelée Jackson Purchase). Il était l'un des trois premiers investisseurs qui fondèrent Memphis, Tennessee, en 1819. Plantation de l'Ermitage En plus de sa carrière juridique et politique, Jackson a prospéré en tant que planteur, propriétaire d'esclaves et marchand. Il construit une maison et le premier magasin général à Gallatin, Tennessee, en 1803. L'année suivante, il acquiert l'Hermitage, une plantation de 640 acres dans le comté de Davidson, près de Nashville. Il a ensuite ajouté 360 acres à la plantation, qui a finalement atteint 1 050 acres. La principale culture était le coton, cultivé par des travailleurs esclaves. Commençant avec neuf esclaves, il en détenait jusqu'à 44 en 1820, puis jusqu'à 150 esclaves, ce qui le plaçait parmi l'élite des planteurs. Tout au long de sa vie, Jackson aurait possédé jusqu'à 300 esclaves. Des hommes, des femmes et des enfants afro-américains étaient gardés comme esclaves par Jackson dans trois sections de la plantation Hermitage. Les esclaves vivaient dans des unités familiales élargies de cinq à dix personnes logées dans des cabanes de 20 pieds carrés en briques ou en rondins. La taille et la qualité de ses quartiers d'esclaves de l'Ermitage dépassaient les normes de son époque. Pour aider les esclaves à acquérir des denrées alimentaires, en plus de ses rations, il leur fournissait des fusils, des couteaux et du matériel de pêche pour la chasse et la pêche. Parfois, il payait ses esclaves avec de l'argent et des pièces de monnaie pour qu'ils fassent du commerce sur les marchés locaux. La plantation Hermitage était une entreprise à but lucratif et Jackson, exigeant la loyauté des esclaves, autorisait les esclaves à être fouettés pour augmenter la productivité ou s'il pensait que les infractions de ses esclaves étaient suffisamment graves. À plusieurs reprises, il a publié des annonces pour ses esclaves fugitifs. Selon les normes de son époque, il était considéré comme un propriétaire d'esclaves humanitaire qui fournissait à ses esclaves nourriture et logement et n'interdisait pas à ses esclaves d'avoir des enfants. Carrière militaire Jackson fut nommé commandant de la milice du Tennessee en 1801, avec le grade de colonel. Il fut ensuite élu major général de la milice du Tennessee en 1802. Guerre de 1812 Campagne et traité de Creek Pendant la guerre de 1812, le chef Shawnee Tecumseh a encouragé les Indiens Creek « Red Stick » du nord de l'Alabama et de la Géorgie à attaquer les colonies blanches. Il avait unifié les tribus du Nord-Ouest pour se soulever contre les Américains, tentant de repousser les colons américains des terres situées au nord de l'Ohio. Quatre cents colons ont été tués lors du massacre de Fort Mims en 1813 – l'un des rares cas où des Amérindiens ont tué un grand nombre de colons américains et de leurs esclaves afro-américains – qui a amené les États-Unis dans la campagne interne de Creek. Se déroulant en même temps que la guerre de 1812, la campagne de Creek a vu Jackson commander les forces américaines, qui comprenaient la milice du Tennessee, des réguliers américains et des guerriers Cherokee, Choctaw et Lower Creek. Sam Houston et David Crockett ont servi sous Jackson dans cette campagne. Jackson a vaincu les Red Sticks à la bataille de Horseshoe Bend en 1814. Les forces américaines et leurs alliés ont tué 800 guerriers Red Stick dans cette bataille, mais ont épargné le chef Red Eagle, un métis également connu sous le nom de William Weatherford. Après la victoire, John Armstrong Jr., secrétaire à la Guerre de Madison, ordonna au major-général Thomas Pinckney en avril 1814 de conclure le traité de capitulation. Pinckney a précisé les conditions de la cession. Ces conditions comprenaient la remise d'une quantité indéterminée de terres, la construction de forts américains, la remise des guerriers qui ont déclenché les hostilités et un accord pour arrêter le commerce avec les pays étrangers. Jackson s'est opposé au traité impopulaire de Pinckney, désireux de mettre fin aux menaces qui avaient provoqué le conflit avec la nation Creek en premier lieu. Jackson a été promu major général et chargé du septième district militaire, en remplacement du major général Thomas Flournoy. Jackson, maintenant général commandant, invalida le traité de Pinckney et précisa des conditions plus directes sur l'Upper Creek et le Lower Creek. En fin de compte, ces conditions ont eu pour effet de déclarer vingt-deux millions d'acres dans les actuels Géorgie et Alabama ouverts à la colonisation américaine. Le 9 août 1814, 35 anciens dirigeants indiens signèrent le Traité de Jackson de Fort Jackson. La faction guerrière de la nation Creek et les Britanniques n’ont cependant pas officiellement reconnu le traité. Selon l'auteur Gloria Jahoda, les Creeks ont inventé leur propre nom, Jacksa Chula Harjo ou « Jackson, vieux et féroce ». Bataille de la Nouvelle-Orléans Le service de Jackson dans la guerre de 1812 contre le Royaume-Uni se distingue par sa bravoure et son succès. Lorsque les forces britanniques menacèrent la Nouvelle-Orléans, Jackson prit le commandement des défenses, y compris des milices de plusieurs États et territoires occidentaux. C'était un officier strict mais populaire auprès de ses troupes. Ils disaient qu'il était « dur comme du vieux bois de caryer » sur le champ de bataille, et il a acquis le surnom de « vieux caryer ». Lors de la bataille de la Nouvelle-Orléans le 8 janvier 1815, les 5 000 soldats de Jackson remportèrent une victoire décisive sur 7 500 Britanniques. À la fin de la bataille, les Britanniques comptaient 2 037 victimes : 291 morts (dont trois généraux supérieurs), 1 262 blessés et 484 capturés ou disparus. Les Américains comptent 71 victimes : 13 morts, 39 blessés et 19 disparus. Loi martiale appliquée à la Nouvelle-Orléans Jackson a ordonné l'arrestation du juge du tribunal de district américain Dominic A. Hall en mars 1815, après que le juge ait signé une ordonnance d'habeas corpus au nom d'un législateur de Louisiane que Jackson avait arrêté. Louis Louaillier avait écrit un article anonyme dans le journal de la Nouvelle-Orléans, contestant le refus de Jackson de libérer la milice, après que les Britanniques eurent cédé le champ de bataille. Jackson avait revendiqué le pouvoir de déclarer la loi martiale sur toute la ville de la Nouvelle-Orléans, et pas seulement sur son « camp ». Après avoir ordonné l'arrestation d'un législateur de Louisiane, d'un juge fédéral, d'un avocat et après l'intervention de Joshua Lewis, un juge d'État, qui servait simultanément sous Jackson dans la milice et qui a également signé une ordonnance d'habeas corpus contre Jackson, son commandant officier, demandant la libération du juge Hall, Jackson a cédé. Les autorités civiles de la Nouvelle-Orléans avaient des raisons de craindre Jackson. Mais ils s'en sortent mieux que les six membres de la milice dont les exécutions, ordonnées par Jackson, feront surface sous le nom de Coffin Handbills lors de sa campagne présidentielle de 1828. Néanmoins, Jackson est devenu un héros national pour ses actions dans cette bataille et pendant la guerre de 1812. Par une résolution du 27 février 1815, Jackson a reçu les remerciements du Congrès ainsi qu'une médaille d'or du Congrès. Alexis de Tocqueville, "déçu" par Jackson, commenta plus tard dans Democracy in America que Jackson "... a été élevé à la présidence et y a été maintenu, uniquement par le souvenir d'une victoire qu'il a remportée, il y a vingt ans, sous les murs de la Nouvelle-Orléans. Première guerre séminole Jackson a de nouveau servi dans l'armée pendant la première guerre séminole. Le président James Monroe lui ordonna en décembre 1817 de mener une campagne en Géorgie contre les Indiens Seminole et Creek. Jackson a également été accusé d'avoir empêché la Floride espagnole de devenir un refuge pour les esclaves en fuite. Les critiques ont allégué plus tard que Jackson avait outrepassé les ordres dans ses actions en Floride. Ses instructions étaient de « mettre fin au conflit ». Jackson pensait que le meilleur moyen d’y parvenir était de reprendre la Floride à l’Espagne une fois pour toutes. Avant de partir, Jackson écrivit à Monroe : « Qu'il me soit signifié par n'importe quel canal ... que la possession des Florides serait souhaitable aux États-Unis, et dans soixante jours, cela sera accompli. » Les Séminoles ont attaqué les volontaires de Jackson dans le Tennessee. L'attaque des Seminole a rendu leurs villages vulnérables et Jackson a incendié leurs maisons et leurs récoltes. Il trouva des lettres indiquant que les Espagnols et les Britanniques aidaient secrètement les Indiens. Jackson pensait que les États-Unis ne pourraient pas être en sécurité tant que l'Espagne et les Britanniques encourageaient les Indiens à se battre, et il affirmait que ses actions étaient entreprises en légitime défense. Jackson a capturé Pensacola, en Floride, avec à peine plus que quelques coups de semonce, et a déposé le gouverneur espagnol. Il captura puis jugea et exécuta deux sujets britanniques, Robert Ambrister et Alexander Arbuthnot, qui fournissaient et conseillaient les Indiens. Les actions de Jackson ont semé la peur dans les tribus Seminole alors que la rumeur de sa cruauté au combat se répandait (il est devenu connu sous le nom de "Sharp Knife"). Les exécutions et l’invasion par Jackson d’un territoire appartenant à l’Espagne, un pays avec lequel les États-Unis n’étaient pas en guerre, ont créé un incident international. De nombreux membres de l’administration Monroe ont demandé la censure de Jackson. Le secrétaire d'État, John Quincy Adams, l'un des premiers partisans du destin manifeste, a défendu Jackson. Lorsque le ministre espagnol a exigé une « punition appropriée » pour Jackson, Adams a répondu : « L'Espagne doit immédiatement [décider] soit de placer en Floride une force adéquate immédiatement pour la protection de son territoire... soit de céder aux États-Unis une province, dont elle ne conserve que la possession nominale, mais qui est, en fait ... un poste qui les ennuie. Adams a utilisé la conquête de Jackson et la propre faiblesse de l'Espagne pour amener l'Espagne à céder la Floride aux États-Unis par le traité Adams-Onís. Jackson fut ensuite nommé gouverneur militaire de Floride et servit du 10 mars 1821 au 31 décembre 1821. Élection de 1824 La législature du Tennessee a nommé Jackson à la présidence en 1822. Elle l'a également réélu sénateur américain. En 1824, le Parti républicain-démocrate était devenu le seul parti national fonctionnel. Ses candidats à la présidence avaient été choisis par un comité de nomination informel du Congrès, mais cela était devenu impopulaire. En 1824, la plupart des républicains-démocrates du Congrès boycottèrent le caucus. Ceux qui étaient présents ont soutenu le secrétaire au Trésor William H. Crawford pour le président et Albert Gallatin pour le vice-président. Un mois plus tard, une convention de Pennsylvanie a nommé Jackson à la présidence, déclarant que le caucus irrégulier ignorait « la voix du peuple » et constituait un « vain espoir que le peuple américain puisse être ainsi trompé en lui faisant croire qu'il [Crawford] était le démocrate régulier. candidat". Gallatin a critiqué Jackson comme "un homme honnête et l'idole des adorateurs de la gloire militaire, mais à cause de son incapacité, de ses habitudes militaires et de son mépris habituel des lois et des dispositions constitutionnelles, totalement inapte à ce poste". Outre Jackson et Crawford, le secrétaire d'État John Quincy Adams et le président de la Chambre Henry Clay étaient également candidats. Jackson a reçu les votes les plus populaires (mais pas la majorité, et quatre États n'ont pas eu de scrutin populaire). Les votes électoraux ont été divisés en quatre, Jackson ayant la majorité. Aucun candidat n'ayant obtenu la majorité, l'élection a été décidée par la Chambre des représentants, qui a choisi Adams. Les partisans de Jackson ont dénoncé ce résultat comme un « marché corrompu » parce que Clay a apporté le soutien de son État à Adams, qui a ensuite nommé Clay au poste de secrétaire d'État. Comme aucun des électeurs du Kentucky, l'État d'origine de Clay, n'avait initialement voté pour Adams et que Jackson avait remporté plus de votes populaires à l'échelle nationale qu'Adams, certains politiciens du Kentucky ont critiqué Clay pour avoir violé la volonté du peuple en échange de faveurs politiques personnelles. La défaite de Jackson a cependant redoré ses références politiques ; de nombreux électeurs pensaient que « l'homme du peuple » avait été volé par les « aristocrates corrompus de l'Est ». Élection de 1828 Jackson a dénoncé le « marché corrompu » qui a placé Adams à la Maison Blanche et a élaboré des plans pour une croisade pour évincer Adams de ses fonctions. Après avoir démissionné du Sénat en octobre 1825, il poursuivit sa quête de la présidence. La législature du Tennessee a de nouveau nommé Jackson à la présidence. Il a attiré le vice-président John C. Calhoun, Martin Van Buren et Thomas Ritchie dans son camp (Van Buren et Ritchie étaient d'anciens partisans de Crawford). Van Buren, avec l’aide de ses amis de Philadelphie et de Richmond, a ravivé bon nombre des idéaux de l’ancien Parti républicain, lui a donné un nouveau nom : Parti démocrate et a forgé une organisation nationale durable. La coalition Jackson a vaincu Adams haut la main en 1828. Lors de l'élection, les opposants de Jackson l'ont qualifié d'« crétin ». Jackson a aimé ce nom et a utilisé le crétin comme symbole pendant un certain temps, mais il s'est éteint. Cependant, il est devenu plus tard le symbole du Parti démocrate lorsque le caricaturiste Thomas Nast l'a popularisé. La campagne était très personnelle. Comme c'était la coutume à l'époque, aucun des deux candidats n'a personnellement fait campagne, mais leurs partisans politiques ont organisé de nombreux événements de campagne. Les deux candidats ont été attaqués rhétoriquement dans la presse, qui a atteint un point bas lorsque la presse a accusé Rachel, l'épouse de Jackson, de bigamie. Bien que l'accusation soit techniquement vraie, comme l'étaient la plupart des attaques personnelles dirigées contre lui pendant la campagne, elle était basée sur des événements survenus plusieurs années auparavant (1791 à 1794). Jackson a déclaré qu'il pardonnerait à ceux qui l'insultaient, mais qu'il ne pardonnerait jamais à ceux qui agressaient sa femme. Rachel mourut subitement le 22 décembre 1828, avant son investiture, et fut enterrée la veille de Noël. Il a imputé sa mort aux militants d'Adams. "Que Dieu Tout-Puissant pardonne à ses meurtriers", a-t-il juré lors de ses funérailles. "Je ne pourrai jamais." Jackson a également été fortement attaqué en tant que marchand d'esclaves qui achetait et vendait des esclaves et les déplaçait au mépris des normes modernes ou de la moralité. (Il n’a pas été attaqué simplement parce qu’il possédait des esclaves utilisés dans les plantations.) Présidence 1829-1837 Le nom de Jackson a été associé à la démocratie jacksonienne ou à la propagation de la démocratie en termes de transfert du pouvoir politique des élites établies aux électeurs ordinaires basés dans les partis politiques. « L'ère de Jackson » a façonné l'agenda national et la politique américaine. La philosophie de Jackson en tant que président suivait en grande partie la même ligne que celle de Thomas Jefferson, prônant les valeurs républicaines défendues par la génération de la guerre d'indépendance. La présidence de Jackson avait un ton hautement moraliste ; ayant lui-même en tant que planteur des sympathies agraires, une vision limitée des droits des États et du gouvernement fédéral. Jackson craignait que les intérêts financiers et commerciaux ne corrompent les valeurs républicaines. Lorsque la Caroline du Sud s'est opposée à la loi douanière, il a adopté une ligne ferme en faveur du nationalisme et contre la sécession. Jackson pensait que l'autorité du président provenait du peuple et que la fonction présidentielle était au-dessus de la politique des partis. Au lieu de choisir les favoris du parti, Jackson a choisi des « hommes d'affaires simples » qu'il avait l'intention de contrôler. Jackson a choisi Martin Van Buren comme secrétaire d'État, John Eaton comme secrétaire à la Guerre, Samuel Ingham comme secrétaire au Trésor, John Branch comme secrétaire à la Marine, John Berrien comme procureur général et William T. Barry comme ministre des Postes. Le premier choix de cabinet de Jackson s'est avéré infructueux, plein de partisanerie amère et de ragots, en particulier entre Eaton, le vice-président John C. Calhoun et Van Buren. Au printemps 1831, seul Barry restait, tandis que le reste du cabinet de Jackson avait été démis de ses fonctions. Les sélections ministérielles suivantes de Jackson fonctionnaient mieux ensemble. Inauguration Le 4 mars 1829, Andrew Jackson est devenu le premier président élu des États-Unis à prêter serment sur le portique est du Capitole des États-Unis. Jackson a été le premier président à inviter le public à assister au bal de la Maison Blanche en l'honneur de sa première investiture. De nombreux pauvres sont venus au bal inaugural avec leurs vêtements faits maison. La foule est devenue si nombreuse que les gardes de Jackson n'ont pas pu les empêcher d'entrer dans la Maison Blanche, qui est devenue si bondée de monde que la vaisselle et les objets décoratifs à l'intérieur ont finalement été brisés. Certaines personnes se tenaient sur de bonnes chaises, avec des bottes sales, rien que pour jeter un coup d'œil au président. La foule était devenue si déchaînée que les assistants versaient du punch dans des pots et le mettaient sur la pelouse de la Maison Blanche pour attirer les gens dehors. Le populisme rauque de Jackson lui a valu le surnom de « King Mob ». Politique du jupon Jackson a consacré une partie considérable de son temps présidentiel au cours de ses premières années de mandat à répondre à ce qui est devenu connu sous le nom de « l'affaire Petticoat » ou « l'affaire Eaton ». Des ragots vicieux à Washington ont circulé parmi les membres du cabinet de Jackson et leurs épouses, y compris l'épouse du vice-président John C. Calhoun, Floride Calhoun, concernant le secrétaire à la Guerre John H. Eaton et son épouse Peggy Eaton. Des rumeurs salaces affirmaient que Peggy, en tant que barmaid dans la taverne de son père, avait eu des relations sexuelles légères ou même s'était prostituée. La politique du jupon a émergé lorsque les épouses des membres du cabinet, dirigées par Mme Calhoun, ont refusé de socialiser avec les Eaton. Jackson était indigné : l'honneur masculin, croyait-il fermement, exigeait que les maris contrôlent leurs femmes. Autoriser une prostituée dans la famille officielle était bien sûr impensable, mais pour Jackson, après avoir perdu sa propre femme à cause d'horribles rumeurs, la vertu de Peggy ne pouvait être remise en question. C'était une question d'autorité : Jackson a déclaré à son cabinet qu'« elle est aussi chaste qu'une vierge ! » Jackson croyait que les personnes déshonorantes étaient les colporteurs de rumeurs qui remettaient en question et déshonoraient Jackson lui-même. Pendant ce temps, les épouses du Cabinet insistaient sur le fait que les intérêts et l’honneur de toutes les femmes américaines étaient en jeu. Ils pensaient qu’une femme responsable ne devrait jamais accorder de faveurs sexuelles à un homme sans l’assurance qui accompagne le mariage. Une femme qui enfreignait ce code était déshonorante et inacceptable. L'historien Daniel Walker Howe note que c'est cet esprit féministe qui a façonné le mouvement pour les droits des femmes au cours de la décennie suivante. Les épouses aristocratiques des diplomates européens ont ignoré l’affaire ; ils avaient leur intérêt national à défendre et avaient vu comment fonctionnait la vie à Paris et à Londres. Le secrétaire d'État Martin Van Buren, veuf, formait déjà une coalition contre Calhoun ; il voyait désormais sa principale chance de frapper fort ; il a pris le parti de Jackson et d'Eaton. Le résultat fut une refonte totale du cabinet, avec la démission ou le licenciement de tous, à l'exception du ministre des Postes. Jackson a nommé Van Buren au poste de ministre en Angleterre ; Calhoun a bloqué la nomination. Calhoun a continué à exercer ses fonctions de vice-président et s'est vanté que la carrière politique de Van Buren était terminée, déclarant que la nomination défaite "... le tuerait, monsieur, tuerait mort. Il ne donnera jamais de coups de pied, monsieur, jamais de coups de pied." Van Buren, cependant, s'est complètement rétabli et a joué un rôle de premier plan dans l'armoire de cuisine non officielle de Jackson. Il devint le candidat à la vice-présidence de Jackson en 1832 et son successeur en 1836. Jackson acquit également le journal Globe afin de disposer de sa propre arme de propagande pour lutter contre les rumeurs. Politique d'expulsion des Indiens Depuis la présidence de James Madison, lorsque Jackson était commandant militaire, Jackson avait joué un rôle de premier plan dans les relations avec les Indiens. Bien qu'il y ait peu de détails, Madison rencontrait souvent des Indiens du sud-est et de l'ouest, dont les Creek et les Osage. Madison rencontrait les Indiens et les encourageait souvent à abandonner leur vie de chasseurs-cueilleurs et à se lancer dans l'agriculture. Rutland (1990), pp. 199-200Rutland (1990), p. 37. Les conflits indiens ont continué à s'intensifier pendant la présidence de Madison, en particulier avec la guerre de 1812, et dans les années qui ont suivi. Au cours de ses huit années au pouvoir, Jackson a conclu environ 70 traités avec des tribus amérindiennes du Sud et du Nord-Ouest. La présidence de Jackson a marqué une nouvelle ère dans les relations indo-anglo-américaines, initiant une politique d'expulsion des Indiens. Jackson lui-même participait parfois au processus de négociation de traités avec diverses tribus indiennes, bien que d'autres fois il laissait les négociations à ses subordonnés. Les tribus du sud comprenaient les Choctaw, Creek, Chickasaw, Seminole et Cherokee. Les tribus du nord-ouest comprennent les Chippewa, les Ottawa et les Potawatomi. Bien que des conflits entre Indiens et colons américains aient eu lieu au nord et au sud, le problème était pire dans le sud, où les populations indiennes étaient plus importantes. Les guerres indiennes éclatèrent à plusieurs reprises, souvent lorsque les tribus indigènes, en particulier les Indiens Muscogee et Seminole, refusèrent de respecter les traités pour diverses raisons. La Seconde Guerre Séminole, déclenchée en décembre 1835, dura plus de six ans et se termina finalement en août 1842 sous le président John Tyler. Bien que les relations entre les Européens (et plus tard les Américains) et les Indiens aient toujours été compliquées, elles sont devenues de plus en plus compliquées lorsque les colonies américaines ont commencé à s'étendre plus à l'ouest dans les années qui ont suivi la Révolution américaine. Ces relations étaient souvent pacifiques, même si elles devenaient de plus en plus tendues et parfois violentes, tant de la part des colons américains que des Indiens. De George Washington à John Quincy Adams, le problème était généralement ignoré ou traité à la légère ; bien qu'à l'époque de Jackson, la politique antérieure soit devenue intenable. Le problème était particulièrement aigu dans le sud (en particulier dans les terres proches de l’État de Géorgie), où les populations indiennes étaient plus nombreuses, plus denses et plus américanisées que celles du nord. Un mouvement populaire et politique croissant s'est développé pour faire face au problème, et à partir de là, une politique de relocalisation de certaines populations indiennes s'est développée. Jackson, qui n'a jamais été connu pour sa timidité, est devenu un défenseur de cette politique de réinstallation dans ce qui est considéré par certains historiens comme l'aspect le plus controversé de sa présidence. Cela contrastait avec son prédécesseur immédiat, le président John Q. Adams, qui avait tendance à suivre la politique de ses propres prédécesseurs, laissant le problème se résoudre avec une intervention minimale. La présidence de Jackson s'inscrit ainsi dans une nouvelle ère des relations indo-anglo-américaines, marquée par une action fédérale et une politique de délocalisation. Durant la présidence de Jackson, les relations indiennes entre les tribus du Sud et les gouvernements des États avaient atteint un tournant critique. Dans son premier message annuel au Congrès du 8 décembre 1829, Jackson préconisait que les terres à l'ouest du fleuve Mississippi soient réservées aux tribus indiennes. Le Congrès avait élaboré son propre projet de loi sur la réinstallation des Indiens, et Jackson avait de nombreux partisans au Sénat et à la Chambre qui étaient d'accord avec son objectif. Le 26 mai 1830, le Congrès adopta l'Indian Removal Act, que Jackson signa. La loi autorisait le président à négocier des traités pour acheter des terres tribales dans l'est en échange de terres plus à l'ouest, en dehors des frontières existantes des États américains. L'adoption du projet de loi fut le premier triomphe législatif de Jackson et marqua l'émergence du parti démocrate dans la société politique américaine. L'adoption de la loi a été particulièrement populaire dans le Sud, où la croissance démographique et la découverte d'or sur les terres Cherokee avaient accru la pression sur les terres tribales. L'État de Géorgie a été impliqué dans un conflit de compétence avec les Cherokees, qui a abouti à la décision de la Cour suprême des États-Unis en 1832 (Worcester c. Géorgie). Dans cette décision, le juge en chef de la Cour suprême des États-Unis, John Marshall, a écrit au nom du tribunal que la Géorgie ne pouvait pas imposer ses lois sur les terres tribales Cherokee. Jackson se voit souvent, bien qu'à tort, attribuer la réponse suivante : « John Marshall a pris sa décision, laissez-le maintenant l'appliquer ». La citation provient de Horace Greeley en 1863. Jackson a utilisé la crise en Géorgie pour négocier un accord par lequel les dirigeants Cherokee ont accepté un traité de renvoi. Un groupe de Cherokees dirigé par John Ridge a négocié le traité de New Echota avec les représentants de Jackson. Ridge n'était pas un leader largement reconnu de la nation Cherokee, et ce document a été rejeté par certains comme étant illégitime. Un groupe de Cherokees a déposé une pétition pour protester contre le retrait proposé, bien que cette proposition n'ait pas été reprise par la Cour suprême ou le Congrès américain, en partie à cause des retards et du timing. Le traité a été appliqué par le successeur de Jackson, le président Martin Van Buren, qui a envoyé 7 000 soldats pour mener à bien la politique de relocalisation. En raison des luttes intestines entre les factions politiques, de nombreux Cherokees pensaient que leurs appels étaient toujours à l'étude lorsque la réinstallation a commencé. C'est par la suite que pas moins de 4 000 Cherokees sont morts sur la « Piste des larmes ». Dans les années 1830, sous la pression constante des colons, chacune des cinq tribus du sud avait cédé la plupart de ses terres, mais d'importants groupes autonomes vivaient en Géorgie, en Alabama, au Mississippi et en Floride. Tous ces éléments (sauf le

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Dans quel pays se trouvent les Saltos Angel, la plus haute cascade du monde ?

Venezuela

Angel Falls (; langue Pemon : Kerepakupai Vená, signifiant « cascade de l'endroit le plus profond », ou Parakupá Vená, signifiant « la chute du point le plus élevé ») est une cascade au Venezuela. C'est la plus haute cascade ininterrompue du monde, avec une hauteur de 979 m et un plongeon de 807 m. La cascade tombe au bord de la montagne Auyantepui dans le parc national Canaima (espagnol : Parque Nacional Canaima), un site classé au patrimoine mondial de l'UNESCO dans la région de Gran Sabana de l'État de Bolívar. Le chiffre de hauteur comprend principalement le plongeon principal, mais comprend également environ 400 m de cascade en pente et de rapides sous le tombant et un plongeon de 30 m de haut en aval des rapides d'éboulis. Les chutes se trouvent le long d'une fourche du Rio Kerepacupai Meru qui se jette dans la rivière Churun, un affluent de la rivière Carrao, elle-même un affluent de l'Orénoque. Histoire Nom La cascade est connue sous le nom de « Angel Falls » depuis le milieu du 20e siècle ; ils portent le nom de Jimmie Angel, un aviateur américain, qui fut la première personne à survoler les chutes. Les cendres d'Angel ont été dispersées sur les chutes le 2 juillet 1960. Le nom espagnol commun Salto Ángel dérive de son nom de famille. En 2009, le président Hugo Chávez a annoncé son intention de changer le nom pour le prétendu terme autochtone original Pemon (« Kerepakupai Vená », signifiant « cascade de l'endroit le plus profond »), au motif que le monument le plus célèbre du pays devrait porter un nom autochtone. . Expliquant le changement de nom, Chávez aurait déclaré : « Ceci est à nous, bien avant qu'Angel n'y arrive… c'est une propriété indigène. » Cependant, il a déclaré plus tard qu'il ne décréterait pas le changement de nom, mais qu'il défendait seulement l'utilisation de Kerepakupai Vená. Exploration Sir Walter Raleigh a décrit ce qui était peut-être un tepuy (montagne au sommet d'une table), et il aurait été le premier Européen à voir Angel Falls, bien que ces affirmations soient considérées comme tirées par les cheveux. Certains historiens affirment que le premier Européen à visiter la cascade fut Fernando de Berrío, explorateur et gouverneur espagnol des XVIe et XVIIe siècles. Selon les récits de l'explorateur vénézuélien Ernesto Sánchez La Cruz, il aurait repéré les chutes en 1912, mais il n'aurait pas rendu public sa découverte. Cruz a peut-être vu les chutes de Montoya dans la région de la Sierra Pacaraima, qui mesurent plus de 500 m de hauteur. Ils n'étaient pas connus du monde extérieur jusqu'à ce que l'aviateur américain Jimmie Angel les survole le 16 novembre 1933 lors d'un vol alors qu'il recherchait un précieux gisement de minerai. De retour le 9 octobre 1937, Angel tenta de faire atterrir son monoplan Flamingo El Río Caroní au sommet d'Auyan-tepui, mais l'avion fut endommagé lorsque les roues s'enfoncèrent dans le sol marécageux. Angel et ses trois compagnons, dont sa femme Marie, ont été contraints de descendre le tepui à pied. Il leur a fallu 11 jours pour retourner à la civilisation par l'arrière en pente douce, mais la nouvelle de leur aventure s'est répandue et la cascade a été nommée Angel Falls en son honneur. Le nom de la cascade – « Salto Angel » – a été publié pour la première fois sur une carte du gouvernement vénézuélien en décembre 1939. L'avion d'Angel est resté au sommet du tepui pendant 33 ans avant d'être décollé par hélicoptère. Il a été restauré au Musée de l'aviation de Maracay et se trouve désormais à l'extérieur, devant l'aéroport de Ciudad Bolívar. La première personne d'origine européenne enregistrée à atteindre la base des chutes fut l'explorateur letton Aleksandrs Laime, également connu sous le nom d'Alejandro Laime par la tribu indigène Pemon. Il atteint les chutes seul en 1946. Il fut le premier à atteindre la face supérieure des chutes à la fin des années 1950, en grimpant par la face arrière là où la pente n'est pas verticale. Il a également atteint l'avion d'Angel 18 ans après l'atterrissage en catastrophe. Le 18 novembre 1955, jour de l'indépendance de la Lettonie, il annonça au journal vénézuélien El Nacional que ce ruisseau, sans nom local connu, devrait porter le nom d'une rivière lettone, Gauja. La même année, ce nom a été enregistré auprès de l'Institution cartographique nationale du Venezuela. Il n'existe aucune preuve convaincante que les indigènes Pemon aient nommé les ruisseaux locaux, car Auyán-tepui était considéré comme un endroit dangereux et n'était pas visité par les indigènes. Cependant, dernièrement, le nom Pemon Kerep est également utilisé. Laime a également été le premier à ouvrir un sentier menant de la rivière Churun ​​à la base des chutes. Sur le chemin se trouve un point de vue couramment utilisé pour capturer les chutes en photographie. Il est nommé Mirador Laime ("Le point de vue de Laime" en espagnol) en son honneur. Ce sentier est désormais principalement utilisé par les touristes, pour les conduire du campement d'Isla Ratón à la petite clairière. La hauteur officielle des chutes a été déterminée par une enquête réalisée par une expédition organisée et financée par la journaliste américaine Ruth Robertson le 13 mai 1949. La première tentative connue d'escalader la falaise a eu lieu en 1968 pendant la saison des pluies. Il a échoué à cause d'une roche glissante. En 1969, une deuxième tentative fut faite pendant la saison sèche. Cette tentative a été contrecarrée par le manque d'eau et un surplomb à 400 pieds du sommet. La première ascension jusqu'au sommet de la falaise a été achevée le 13 janvier 1971. Les grimpeurs ont mis neuf jours et demi pour monter et un jour et demi pour descendre en rappel. Tourisme Angel Falls est l'une des principales attractions touristiques du Venezuela, même si un voyage aux chutes est une affaire compliquée. Les chutes sont situées dans une jungle isolée. Un vol depuis Puerto Ordaz ou Ciudad Bolívar est nécessaire pour rejoindre le camp Canaima, point de départ des excursions fluviales jusqu'au pied des chutes. Les excursions fluviales ont généralement lieu de juin à décembre, lorsque les rivières sont suffisamment profondes pour être utilisées par les guides Pemon. Pendant la saison sèche (décembre à mars), il y a moins d'eau que les autres mois. Dans les médias populaires Angel Falls a également inspiré le décor du film d'animation Disney Up (2009), bien que, dans le film, le lieu s'appelle Paradise Falls au lieu d'Angel Falls. Il fait également une petite apparition dans le film Disney Dinosaur, ainsi que dans le film Arachnophobia de 1990. Plus récemment, il fait une apparition dans le film Point Break de 2015. Fichier:Salto angel.jpg|Angel Falls pendant la saison sèche Fichier:JimmieAngelPlane.jpg|L'avion de Jimmie Angel, El Rio Caroní, exposé devant l'aéroport de Ciudad Bolívar Fichier:Angel Falls au Venezuela 001.JPG|Prise de vue panoramique des chutes Angel Fichier:Salto Angel - Cañon del Diablo.JPG|Churún Canyon (également connu sous le nom de Devil's Canyon)

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La comédie de 1955 We're No Angels était centrée sur trois condamnés évadés. Peter Ustinov et Aldo Ray étaient deux, mais qui a joué le troisième ?

Humphrey Bogart

Nous ne sommes pas des anges est un film de comédie de Noël de 1955 mettant en vedette un ensemble composé de Humphrey Bogart, Peter Ustinov, Aldo Ray, Joan Bennett, Basil Rathbone et Leo G. Carroll. Tournée à la fois en VistaVision et en Technicolor, la production des studios Paramount a été réalisée par Michael Curtiz, qui avait dirigé Bogart à Casablanca lorsque tous deux étaient sous contrat avec Warner Brothers. C'est l'une des rares comédies de Bogart. Le scénario a été écrit par Ranald MacDougall, basé sur la pièce Mes Trois Anges de Samuel et Bella Spewack, elle-même basée sur la pièce française La Cuisine Des Anges d'Albert Husson. Mary Grant a conçu les costumes du film. Parcelle Trois condamnés – Joseph, Albert et Jules – s'échappent de la prison de l'Île du Diable juste avant Noël et arrivent dans une ville coloniale française voisine. Ils se rendent dans un magasin géré par la famille Ducotel, la seule à s'approvisionner à crédit. Sur place, ils remarquent que son toit fuit et proposent de le réparer. Ils n'en ont pas vraiment l'intention, mais décident d'y rester jusqu'à la tombée de la nuit, lorsqu'ils voleront des vêtements et des fournitures et s'enfuiront sur un bateau qui attend dans le port. En attendant, ils découvrent que la petite famille de Félix, Amélie et leur fille Isabelle est en difficulté financière et proposent leurs services pour cacher la trop sinistre ruse du trio. Joseph se met même au travail pour escroquer les gens et falsifier les registres pour faire prospérer le magasin. Cependant, les trois criminels commencent à changer d'avis après avoir préparé un délicieux dîner de Noël pour les Ducotel, composé principalement d'objets volés. Les tensions s'intensifient après l'arrivée du propriétaire du magasin André Trochard de Paris avec son neveu Paul, la lumière dans les yeux d'Isabelle. Les Trochard envisagent de reprendre le magasin, qu'ils estiment peu rentable en raison de l'utilisation du crédit. Il s'avère que Paul est fiancé à une autre femme, au grand désarroi d'Isabelle. Avant qu'aucune mesure ne puisse être prise, les deux hommes sont mordus par la vipère de compagnie d'Albert, Adolphe, et meurent presque instantanément. Isabelle trouve un autre amour et la famille est heureuse alors que les condamnés sont enfin prêts pour leur évasion reportée. Cependant, en attendant sur les quais l'arrivée de leur bateau, le trio reconsidère. Jugeant que le monde extérieur risque d'être pire que celui de la prison, ils décident de s'y rendre. Alors qu'ils s'y dirigent à la fin du film, des halos apparaissent au-dessus de leurs têtes... suivis d'un au-dessus de la cage d'Adolphe. Casting *Humphrey Bogart dans le rôle de Joseph *Aldo Ray dans le rôle d'Albert *Peter Ustinov dans le rôle de Jules *Joan Bennett dans le rôle d'Amélie Ducotel *Basil Rathbone dans le rôle d'André Trochard *Leo G. Carroll dans le rôle de Felix Ducotel *Gloria Talbott dans le rôle d'Isabelle Ducotel *John Smith dans le rôle du docteur Arnaud *Torben Meyer dans le rôle de l'homme papillon *Paul Newlan en tant que capitaine du port *John Baer dans le rôle de Paul Trochard *Léa Penman dans le rôle de Mme. Parole *Jack Del Rio dans le rôle du gendarme *Joe Ploski comme inspecteur des douanes *Louis Mercier dans le rôle de Céleste *George Dee dans le rôle du cocher *Victor Romito dans le rôle du gendarme

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L'Équateur a une frontière avec le Pérou et quel autre pays ?

Colombie

L'Équateur ( ,), officiellement la République de l'Équateur (qui se traduit littéralement par « République de l'Équateur »), est une république démocratique représentative du nord-ouest de l'Amérique du Sud, bordée par la Colombie au nord, le Pérou à l'est et au sud et la L'océan Pacifique à l'ouest. L'Équateur comprend également les îles Galápagos dans le Pacifique, à environ 1 000 km à l'ouest du continent. Ce qui est aujourd'hui l'Équateur abritait une variété de groupes amérindiens qui furent progressivement incorporés à l'Empire Inca au cours du XVe siècle. Le territoire a été colonisé par l'Espagne au XVIe siècle, obtenant son indépendance en 1820 et faisant partie de la Grande Colombie, dont il a émergé comme son propre État souverain en 1830. L'héritage des deux empires se reflète dans la population ethniquement diversifiée de l'Équateur, avec la plupart de ses habitants. 15,2 millions de personnes sont des métis, suivis de grandes minorités de descendants européens, amérindiens et africains. L'espagnol est la langue officielle et est parlée par la majorité de la population, bien que 13 langues amérindiennes soient également reconnues, dont le quichua et le shuar. La capitale est Quito et la plus grande ville est Guayaquil. Reflétant le riche patrimoine culturel du pays, le centre historique de Quito a été déclaré site du patrimoine mondial de l'UNESCO en 1978. Cuenca, la troisième plus grande ville, a également été déclarée site du patrimoine mondial en 1999 en tant qu'exemple exceptionnel d'aménagement intérieur planifié. Ville coloniale de style espagnol dans les Amériques. L'Équateur a une économie en développement qui dépend fortement des matières premières, notamment du pétrole et des produits agricoles. Le pays est classé parmi les pays à revenu intermédiaire. L'Équateur est une république présidentielle démocratique. La nouvelle constitution de 2008 est la première au monde à reconnaître les droits de la nature, ou droits écosystémiques, juridiquement exécutoires. L'Équateur est également connu pour sa riche écologie, abritant de nombreuses plantes et animaux endémiques, comme ceux des îles Galápagos. C’est l’un des 17 pays mégadivers au monde. Histoire Ère pré-inca Avant l’arrivée des Incas, la région était colonisée par divers peuples. Certains ont probablement navigué vers l'Équateur sur des radeaux depuis l'Amérique centrale, d'autres sont arrivés en Équateur via les affluents de l'Amazonie, d'autres sont descendus du nord de l'Amérique du Sud et d'autres sont remontés depuis la partie sud de l'Amérique du Sud à travers les Andes ou en naviguant sur des radeaux. Ils ont développé différentes langues tout en devenant des groupes ethniques uniques. Même si leurs langues n'étaient pas liées, ces groupes ont développé des cultures similaires car ils vivaient dans le même environnement. Les habitants de la côte ont développé une culture de pêche, de chasse et de cueillette ; les habitants des hautes terres des Andes ont développé un mode de vie agricole sédentaire ; et les habitants du bassin amazonien ont développé un mode de vie nomade de chasse et de cueillette. Au fil du temps, ces groupes ont commencé à interagir et à se mélanger les uns aux autres, de sorte que les groupes de familles d'une même région sont devenus une communauté ou une tribu, avec une langue et une culture similaires. De nombreuses civilisations sont nées en Équateur, comme la culture Valdivia et la culture Machalilla sur la côte, les Quitus (près de l'actuelle Quito) et les Cañari (près de l'actuelle Cuenca). Chaque civilisation a développé sa propre architecture, sa poterie et ses intérêts religieux. Dans les montagnes des Andes, où la vie était plus sédentaire, des groupes de tribus ont coopéré et ont formé des villages ; ainsi se sont formées les premières nations basées sur les ressources agricoles et la domestication des animaux. Finalement, à travers les guerres et les alliances matrimoniales de leurs dirigeants, un groupe de nations a formé des confédérations. Une région a été consolidée sous une confédération appelée Shyris, qui exerçait un commerce organisé et un troc entre les différentes régions. Son pouvoir politique et militaire était sous la domination de la lignée Duchicela. ère inca Lorsque les Incas sont arrivés, ils ont constaté que ces confédérations étaient si développées qu'il a fallu aux Incas deux générations de dirigeants - Topa Inca Yupanqui et Huayna Capac - pour les absorber dans l'Empire Inca. Les confédérations indigènes qui leur posaient le plus de problèmes furent déportées vers des régions éloignées du Pérou, de la Bolivie et du nord de l'Argentine. De même, un certain nombre de fidèles sujets incas du Pérou et de Bolivie ont été amenés en Équateur pour empêcher la rébellion. Ainsi, la région des hautes terres de l’Équateur est devenue une partie de l’Empire Inca en 1463, partageant la même langue. En revanche, lorsque les Incas ont fait des incursions sur la côte équatorienne et dans les jungles amazoniennes orientales de l’Équateur, ils ont trouvé à la fois l’environnement et les populations autochtones plus hostiles. De plus, lorsque les Incas tentèrent de les soumettre, ces peuples indigènes se retirèrent vers l'intérieur et recoururent à des tactiques de guérilla. En conséquence, l’expansion des Incas dans le bassin amazonien et sur la côte Pacifique de l’Équateur a été entravée. Les peuples indigènes de la jungle amazonienne et de la côte équatorienne sont restés relativement autonomes jusqu'à l'arrivée en force des soldats et missionnaires espagnols. Le peuple amazonien et les Cayapas de la côte équatorienne ont été les seuls groupes à résister à la domination inca et espagnole, préservant leur langue et leur culture jusqu'au XXIe siècle. Avant l’arrivée des Espagnols, l’Empire Inca était impliqué dans une guerre civile. La mort prématurée de l'héritier Ninan Cuchi et de l'empereur Huayna Capac, suite à une maladie européenne qui s'est propagée en Équateur, a créé un vide de pouvoir entre les deux factions. La faction du Nord dirigée par Atahualpa affirme que Huayna Capac a donné un décret verbal avant sa mort sur la manière dont l'empire devait être divisé. Il a donné les territoires appartenant à l'Équateur actuel et au nord du Pérou à son fils préféré Atahualpa, qui devait régner depuis Quito ; et il donna le reste à Huáscar, qui devait régner depuis Cuzco. Il a souhaité que son cœur soit enterré à Quito, sa ville préférée, et que le reste de son corps soit enterré avec ses ancêtres à Cuzco. Huáscar n'a pas reconnu la volonté de son père, car elle ne suivait pas les traditions incas de nommer un Inca par l'intermédiaire des prêtres. Huáscar a ordonné à Atahualpa d'assister à l'enterrement de leur père à Cuzco et de lui rendre hommage en tant que nouveau dirigeant inca. Atahualpa, avec un grand nombre de soldats vétérans de son père, décida d'ignorer Huáscar, et une guerre civile s'ensuivit. Un certain nombre de batailles sanglantes ont eu lieu jusqu'à ce que finalement Huáscar soit capturé. Atahualpa marcha vers le sud jusqu'à Cuzco et massacra la famille royale associée à son frère. Un petit groupe d'Espagnols dirigé par Francisco Pizarro débarqua à Tumbez et marcha à travers les Andes jusqu'à atteindre Cajamarca, où le nouvel Inca Atahualpa devait tenir un entretien avec eux. Valverde, le prêtre, a tenté de convaincre Atahualpa de rejoindre l'Église catholique et de se déclarer vassal de l'Espagne. Cela a tellement rendu Atahualpa furieux qu’il a jeté la Bible par terre. À ce stade, les Espagnols enragés, sur ordre de Valverde, attaquèrent et massacrèrent les escortes non armées des Incas et capturèrent Atahualpa. Pizarro a promis de libérer Atahualpa s'il tenait sa promesse de remplir une pièce pleine d'or. Mais après un simulacre de procès, les Espagnols exécutèrent Atahualpa par strangulation. Règle espagnole De nouvelles maladies infectieuses, endémiques aux Européens, ont causé un nombre élevé de décès parmi la population amérindienne au cours des premières décennies de la domination espagnole, car ils n'avaient aucune immunité. Dans le même temps, les indigènes ont été contraints de participer au système de travail encomienda des Espagnols. En 1563, Quito devient le siège d'une véritable audiencia (district administratif) d'Espagne et fait partie de la vice-royauté du Pérou et plus tard de la vice-royauté de la Nouvelle-Grenade. Après près de 300 ans de domination espagnole, Quito était encore une petite ville de 10 000 habitants. Le 10 août 1809, les criollos de la ville réclamèrent l'indépendance de l'Espagne (le premier parmi les peuples d'Amérique latine). Ils étaient dirigés par Juan Pío Montúfar, Quiroga, Salinas et Mgr Cuero y Caicedo. Le surnom de Quito, "Luz de América" ​​("Lumière de l'Amérique"), est basé sur son rôle de premier plan dans la tentative d'assurer un gouvernement local indépendant. Même si le nouveau gouvernement n'a duré que deux mois, il a eu des répercussions importantes et a été une source d'inspiration pour le mouvement indépendantiste du reste de l'Amérique espagnole. Fichier : Ruines incas d'Ingapirca en Équateur.jpg|Ruines d'Ingapirca au nord-est du canton de Cañar, province de Cañar Fichier:Luis Montero - Les funérailles de l'Inca Atahualpa - Google Art Project.jpg|L'un des principaux événements de la conquête de l'empire inca fut la mort d'Atahualpa, le dernier Sapa Inca, le 29 août 1533. Fichier:Quito-San Diego-01.jpg|Centre historique espagnol de Quito Fichier:Pizarroshipbuilding.jpg|Les charpentiers de l'expédition de Francisco de Orellana construisant un petit brigantin, le San Pedro. Indépendance Le 9 octobre 1820, Guayaquil devient la première ville d'Équateur à obtenir son indépendance de l'Espagne. Le reste de l'Équateur a gagné son indépendance après qu'Antonio José de Sucre a abattu les forces royalistes espagnoles dans la bataille de Pichincha, près de Quito. Après la bataille, l'Équateur a rejoint la République de Grande Colombie de Simon Bolivar, comprenant également la Colombie, le Venezuela et le Panama d'aujourd'hui. En 1830, l’Équateur se sépare de la Grande Colombie et devient une république indépendante. Le 19ème siècle a été marqué par l'instabilité de l'Équateur avec une succession rapide de dirigeants. Le premier président de l'Équateur fut Juan José Flores, d'origine vénézuélienne, qui fut finalement destitué, suivi par plusieurs dirigeants autoritaires, tels que Vicente Rocafuerte ; José Joaquín d'Olmedo ; José María Urbina; Diego Noboa ; Pedro José de Arteta ; Manuel d'Askásubi ; et le propre fils de Flores, Antonio Flores Jijon, entre autres. Le conservateur Gabriel Garcia Moreno a unifié le pays dans les années 1860 avec le soutien de l'Église catholique romaine. À la fin du XIXe siècle, la demande mondiale de cacao a lié l’économie aux exportations de matières premières et a conduit à des migrations des hautes terres vers la frontière agricole de la côte. L'Équateur a aboli l'esclavage et libéré ses esclaves noirs en Révolution libérale La révolution libérale de 1895 sous Eloy Alfaro a réduit le pouvoir du clergé et des propriétaires fonciers conservateurs. Cette aile libérale a conservé le pouvoir jusqu'à la « Révolution julienne » militaire de 1925. Les années 1930 et 1940 ont été marquées par l'instabilité et l'émergence de politiciens populistes, comme le quintuple président José María Velasco Ibarra. Perte de territoires revendiqués depuis 1830 Revendications territoriales du président Juan José Flores de Jure pour l'Équateur Depuis la séparation de l'Équateur de la Colombie le 13 mai 1830, son premier président, le général Juan José Flores, a revendiqué le territoire appelé la Real Audiencia de Quito, également appelée Présidence de Quito. Il a soutenu ses revendications avec des décrets royaux espagnols ou Real Cedulas, qui délimitaient les frontières des anciennes colonies espagnoles d'outre-mer. Dans le cas de l'Équateur, les revendications de jure de l'Équateur, basée à Flores, sur les cedulas suivantes : Real Cedula de 1563, 1739 et 1740 ; avec des modifications dans le bassin amazonien et les montagnes des Andes qui ont été introduites par le Traité de Guayaquil (1829) que le Pérou a signé à contrecœur, après que la force colombienne, largement en infériorité numérique, dirigée par Antonio José de Sucre, ait vaincu la force d'invasion péruvienne du président et général La Mar dans la bataille de Tarqui. De plus, la frontière orientale de l'Équateur avec la colonie portugaise du Brésil dans le bassin amazonien a été modifiée avant les guerres d'indépendance par le premier traité de San Ildefonso (1777) entre l'Empire espagnol et l'Empire portugais. De plus, pour ajouter de la légitimité à ses revendications, le 16 février 1840, Flores signa un traité avec l'Espagne, par lequel Flores convainquit l'Espagne de reconnaître officiellement l'indépendance équatorienne et ses droits exclusifs sur les titres coloniaux sur l'ancien territoire colonial espagnol connu autrefois par l'Espagne sous le nom de Royaume. et Présidence de Quito. Au cours de sa longue et mouvementée histoire, l'Équateur a perdu la plupart de ses territoires contestés au profit de chacun de ses voisins les plus puissants, comme la Colombie en 1832 et 1916, le Brésil en 1904 grâce à une série de traités de paix, et le Pérou après une courte guerre au cours de laquelle le Protocole de Rio de Janeiro a été signé en 1942. Lutte pour l'indépendance Pendant la lutte pour l'indépendance, avant que le Pérou ou l'Équateur ne deviennent des nations indépendantes, quelques régions de l'ancienne vice-royauté de la Nouvelle-Grenade - Guayaquil, Tumbez et Jaén - se sont déclarées indépendantes de l'Espagne. Quelques mois plus tard, une partie de l'armée de libération péruvienne de San Martín décida d'occuper les villes indépendantes de Tumbez et Jaén avec l'intention d'utiliser ces villes comme tremplins pour occuper la ville indépendante de Guayaquil et ensuite libérer le reste de l'Audiencia. de Quito (Équateur). Il était de notoriété publique parmi les officiers supérieurs de l'armée de libération du sud que leur chef San Martin souhaitait libérer l'actuel Équateur et l'ajouter à la future république du Pérou, car il faisait partie de l'empire inca avant la conquête des Espagnols. il. Cependant, l'intention de Bolívar était de former une nouvelle république connue sous le nom de Grande Colombie, à partir du territoire espagnol libéré de la Nouvelle-Grenade qui comprenait la Colombie, le Venezuela et l'Équateur. Les plans de San Martin furent contrecarrés lorsque Bolívar, avec l'aide du maréchal Antonio José de Sucre et de la force de libération de la Grande Colombie, descendit des Andes et occupa Guayaquil ; ils ont également annexé l'Audiencia de Quito nouvellement libérée à la République de Grande Colombie. Cela s'est produit quelques jours avant que les forces péruviennes de San Martin puissent arriver et occuper Guayaquil, avec l'intention d'annexer Guayaquil au reste de l'Audiencia de Quito (Équateur) et à la future république du Pérou. Des documents historiques ont déclaré à plusieurs reprises que San Martin avait dit à Bolivar qu'il était venu à Guayaquil pour libérer la terre des Incas de l'Espagne. Bolivar a répliqué en envoyant un message de Guayaquil souhaitant la bienvenue à San Martin et à ses troupes sur le sol colombien. Occupation péruvienne de Jaén, Tumbes et Guayaquil Au sud, l'Équateur revendiquait de jure un petit morceau de terre au bord de l'océan Pacifique, connu sous le nom de Tumbes, situé entre les rivières Zarumilla et Tumbes. Dans la région montagneuse du sud des Andes, à la croisée du Marañon, l'Équateur revendiquait de jure une zone qu'il appelait Jaén de Bracamoros. Ces zones ont été incluses dans le territoire de la Grande Colombie par Bolivar le 17 décembre 1819, lors du Congrès d'Angostura lors de la création de la République de Grande Colombie. Tumbes s'est déclarée indépendante de l'Espagne le 17 janvier 1821 et Jaen de Bracamoros le 17 juin 1821, sans aucune aide extérieure des armées révolutionnaires. Cependant, cette même année 1821, les forces péruviennes participant à la révolution de Trujillo occupèrent Jaen et Tumbes. Certains généraux péruviens, sans aucun titre légal et avec l'Équateur toujours fédéré avec la Grande Colombie, avaient le désir d'annexer l'Équateur à la République du Pérou aux dépens de la Grande Colombie, estimant que l'Équateur faisait autrefois partie de l'Empire Inca. . Le 28 juillet 1821, l'indépendance du Pérou fut proclamée à Lima par le libérateur San Martin et Tumbes et Jaen qui furent incluses dans la révolution de Trujillo par la force d'occupation péruvienne, firent prêter allégeance à toute la région au nouveau drapeau péruvien et furent incorporées. au Pérou, même si le Pérou n'a pas été complètement libéré de l'Espagne. Après que le Pérou ait été complètement libéré de l'Espagne par les armées patriotes dirigées par Bolivar et Antonio José de Sucre lors de la bataille d'Ayacucho du 9 décembre 1824, certains Péruviens manifestaient un fort désir de ressusciter l'empire inca et d'inclure la Bolivie et l'Équateur. L'un de ces généraux péruviens était José de La Mar, d'origine équatorienne, qui est devenu l'un des présidents du Pérou après la démission de Bolivar de son poste de dictateur du Pérou et son retour en Colombie. La Grande Colombie avait toujours protesté contre le Pérou pour le retour de Jaen et Tumbes pendant près d'une décennie, puis finalement Bolivar, après de longues et vaines discussions sur le retour de Jaen, Tumbes et d'une partie de Mainas, a déclaré la guerre. Le président et général José de La Mar, né en Équateur, croyant que l'occasion était venue d'annexer le district de l'Équateur au Pérou, a personnellement, avec une force péruvienne, envahi et occupé Guayaquil et quelques villes de la région de Loja, au sud de l'Équateur. le 28 novembre 1828. La guerre a pris fin lorsqu'une armée triomphante du sud de la Grande Colombie, largement en infériorité numérique, à la bataille de Tarqui le 27 février 1829, dirigée par Antonio José de Sucre, a vaincu la force d'invasion péruvienne dirigée par le président La Mar. Cette défaite a conduit à la signature du Traité de Guayaquil du 22 septembre 1829, par lequel le Pérou et son Congrès reconnaissent les droits de la Grande Colombie sur Tumbes, Jaen et Maynas. Grâce à des réunions protocolaires entre les représentants du Pérou et de la Grande Colombie, la frontière a été fixée à l'ouest par le fleuve Tumbes et à l'est, les fleuves Maranon et Amazone devaient être suivis vers le Brésil comme frontières les plus naturelles entre eux. Cependant, la question était de savoir si la nouvelle frontière autour de la région de Jaen devait suivre la rivière Chinchipe ou la rivière Huancabamba. Selon les négociations de paix, le Pérou a accepté de restituer Guayaquil, Tumbez et Jaén ; malgré cela, le Pérou a restitué Guayaquil, mais n'a pas restitué Tumbes et Jaén, alléguant qu'il n'était pas obligé de respecter les accords, puisque la Grande Colombie a cessé d'exister lorsqu'elle s'est divisée en trois nations différentes : l'Équateur, la Colombie et le Venezuela. La dissolution de la Grande Colombie Le district central de la Grande Colombie, connu sous le nom de Cundinamarca ou Nouvelle-Grenade (Colombie moderne) avec sa capitale à Bogota, n'a pas reconnu la séparation du district sud de la Grande Colombie, avec sa capitale à Quito, de la fédération de la Grande Colombie. 13 mai 1830. Après la séparation de l'Équateur, le département du Cauca décide volontairement de s'unir à l'Équateur en raison de l'instabilité du gouvernement central de Bogota. Le président Juan José Flores, avec l'approbation du congrès équatorien, annexa le département du Cauca le 20 décembre 1830, puisque le gouvernement du Cauca avait déjà appelé en avril 1830 à l'union avec le district du Sud. sa longue histoire a eu des liens économiques et culturels très forts avec le peuple équatorien. En outre, la région du Cauca, qui comprenait des villes telles que Pasto, Popayan et Buenaventura, a toujours dépendu de la Presidencia ou Audiencia de Quito. Des négociations infructueuses se sont poursuivies entre les gouvernements de Bogota et de Quito, où le gouvernement de Bogota n'a reconnu la séparation de l'Équateur ni celle du Cauca de la Grande Colombie jusqu'à ce que la guerre éclate en mai 1832. En cinq mois, la Nouvelle-Grenade a vaincu l'Équateur en raison de la fait que la majorité des forces armées équatoriennes étaient composées d'anciens combattants rebelles et impayés du Venezuela et de Colombie qui ne voulaient pas se battre contre leurs compatriotes. Voyant que ses officiers se rebellent, se mutinent et changent de camp, le président Flores n'a d'autre choix que de faire la paix à contrecœur avec la Nouvelle-Grenade. Le Traité de Pasto de 1832 fut signé par lequel le département du Cauca fut cédé à la Nouvelle-Grenade (Colombie moderne), le gouvernement de Bogota reconnut l'Équateur comme pays indépendant et la frontière devait suivre la Ley de División Territorial de la República de Colombie (Loi de partage du territoire de la Grande Colombie) adoptée le 25 juin 1824. Cette loi fixait la frontière au niveau de la rivière Carchi et la frontière orientale qui s'étendait jusqu'au Brésil au niveau de la rivière Caquetá. Plus tard, l'Équateur a soutenu que la République de Colombie, tout en réorganisant son gouvernement, avait illégalement rendu sa frontière orientale provisoire et que la Colombie avait étendu ses revendications au sud jusqu'au fleuve Napo parce qu'elle affirmait que le gouvernement de Popayan avait étendu son contrôle jusqu'au fleuve Napo. . Lutte pour la possession du bassin amazonien Lorsque l'Équateur a fait sécession de la Grande Colombie, le Pérou a décidé de ne pas suivre le traité de Guayaquil de 1829 ni les accords protocolaires conclus. Le Pérou a contesté les revendications de l'Équateur avec la Real Cedula de 1802 nouvellement découverte, par laquelle le Pérou prétend que le roi d'Espagne avait transféré ces terres de la vice-royauté de la Nouvelle-Grenade à la vice-royauté du Pérou. À l'époque coloniale, cela devait mettre un terme à l'expansion constante des colonies portugaises dans les domaines espagnols, laissés vacants et en désordre après l'expulsion des missionnaires jésuites de leurs bases le long du bassin amazonien. L'Équateur a répliqué en qualifiant la Cedula de 1802 d'instrument ecclésiastique, qui n'avait rien à voir avec les frontières politiques. Le Pérou a commencé son occupation de facto des territoires amazoniens contestés après avoir signé un traité de paix secret en 1851 en faveur du Brésil. Ce traité ne tenait pas compte des droits espagnols qui avaient été confirmés à l'époque coloniale par un traité hispano-portugais sur l'Amazonie concernant les territoires détenus par des colons portugais illégaux. Le Pérou a commencé à occuper les villages missionnaires sans défense de la région de Mainas ou Maynas qu'il a commencé à appeler Loreto avec sa capitale à Iquitos. Au cours de ses négociations avec le Brésil, le Pérou a déclaré que, sur la base de la cédula royale de 1802, il revendiquait les territoires du bassin amazonien jusqu'au fleuve Caqueta au nord et vers la cordillère des Andes, privant l'Équateur et la Colombie de toutes leurs prétentions sur le bassin amazonien. La Colombie a protesté en affirmant que ses revendications s'étendaient vers le sud, en direction des fleuves Napo et Amazone. L'Équateur a protesté en affirmant qu'il revendiquait le bassin amazonien compris entre le fleuve Caqueta et le fleuve Marañon-Amazon. Le Pérou a ignoré ces protestations et a créé en 1853 le département de Loreto avec pour capitale Iquitos qu'il avait récemment envahi et commencé à occuper systématiquement en utilisant les réseaux fluviaux dans tous les territoires revendiqués par la Colombie et l'Équateur. Le Pérou occupa à nouveau brièvement Guayaquil en 1860, car le Pérou pensait que l'Équateur vendait une partie des terres contestées à des fins de développement aux détenteurs d'obligations britanniques, mais il rendit Guayaquil après quelques mois. Le différend frontalier fut ensuite soumis à l'arbitrage de l'Espagne de 1880 à 1910, mais en vain. Au début du XXe siècle, l’Équateur s’est efforcé de définir pacifiquement ses frontières orientales amazoniennes avec ses voisins par la négociation. Le 6 mai 1904, l'Équateur a signé le Traité Tobar-Rio Branco reconnaissant les prétentions du Brésil sur l'Amazonie en reconnaissance de la prétention de l'Équateur d'être un pays amazonien pour contrer le traité antérieur du Pérou avec le Brésil le 23 octobre 1851. Puis, après quelques réunions avec Avec les représentants du gouvernement colombien, un accord fut conclu et le Traité Muñoz Vernaza-Suarez fut signé le 15 juillet 1916, dans lequel les droits colombiens sur la rivière Putumayo étaient reconnus ainsi que les droits de l'Équateur sur la rivière Napo et la nouvelle frontière était une ligne qui traversait à mi-chemin entre ces deux rivières. De cette manière, l'Équateur a renoncé à ses prétentions sur les territoires amazoniens situés entre le fleuve Caquetá et le fleuve Napo au profit de la Colombie, se coupant ainsi du Brésil. Plus tard, une brève guerre éclata entre la Colombie et le Pérou, à propos des revendications du Pérou sur la région de Caquetá, qui se termina par la signature à contrecœur par le Pérou du traité Salomon-Lozano le 24 mars 1922. L'Équateur a protesté contre ce traité secret, car la Colombie a cédé les terres revendiquées par l'Équateur à Le Pérou que l'Équateur avait donné à la Colombie en 1916. Le 21 juillet 1924, le Protocole Ponce-Castro Oyanguren a été signé entre l'Équateur et le Pérou, par lequel les deux pays ont convenu de tenir des négociations directes et de résoudre le différend de manière équitable et de soumettre les différents points du différend à l'arbitrage des États-Unis. Les négociations entre les représentants équatoriens et péruviens commencèrent à Washington le 30 septembre 1935. Ces négociations furent longues et fastidieuses. Les deux parties ont logiquement présenté leurs arguments, mais personne ne semble avoir renoncé à leurs prétentions. Puis, le 6 février 1937, l'Équateur présenta une ligne transactionnelle que le Pérou rejeta le lendemain. Les négociations se transformèrent en disputes intenses au cours des 7 mois suivants et finalement, le 29 septembre 1937, les représentants péruviens décidèrent de rompre les négociations sans soumettre le différend à l'arbitrage car les négociations directes n'aboutissaient à rien. Quatre ans plus tard, en 1941, au milieu de tensions croissantes dans les territoires contestés autour de la rivière Zarumilla, la guerre éclata avec le Pérou. Le Pérou a affirmé que la présence militaire de l'Équateur sur le territoire revendiqué par le Pérou constituait une invasion ; L'Équateur, pour sa part, a affirmé que le Pérou avait récemment envahi l'Équateur autour du fleuve Zarumilla et que, depuis l'indépendance de l'Équateur de l'Espagne, il avait systématiquement occupé Tumbez, Jaen et la plupart des territoires contestés du bassin amazonien entre les fleuves Putomayo et Marañon. En juillet 1941, des troupes sont mobilisées dans les deux pays. Le Pérou disposait d'une armée de 11 681 soldats qui faisaient face à une force équatorienne de 2 300 hommes, mal approvisionnée et insuffisamment armée, dont seulement 1 300 étaient déployés dans les provinces du sud. Les hostilités ont éclaté le 5 juillet 1941, lorsque les forces péruviennes ont traversé la rivière Zarumilla à plusieurs endroits, mettant à l'épreuve la force et la détermination des troupes frontalières équatoriennes. Finalement, le 23 juillet 1941, les Péruviens lancèrent une invasion majeure, traversant en force la rivière Zarumilla et avançant dans la province équatorienne d'El Oro. Au cours de la guerre équatorienne-péruvienne, le Pérou a pris le contrôle d'une partie du territoire contesté et de certaines parties de la province d'El Oro et de certaines parties de la province de Loja, exigeant que le gouvernement équatorien renonce à ses revendications territoriales. La marine péruvienne a bloqué le port de Guayaquil, coupant presque tout approvisionnement aux troupes équatoriennes. Après quelques semaines de guerre et sous la pression des États-Unis et de plusieurs pays d’Amérique latine, tous les combats ont cessé. L'Équateur et le Pérou sont parvenus à un accord formalisé dans le Protocole de Rio, signé le 29 janvier 1942, en faveur de l'unité hémisphérique contre les puissances de l'Axe pendant la Seconde Guerre mondiale, favorisant le Pérou avec le territoire qu'ils occupaient à la fin de la guerre. La Glorieuse Révolution de Mai de 1944 a suivi une rébellion militaro-civile et une grève civique qui a réussi à destituer Carlos Arroyo del Río de son poste de dictateur du gouvernement équatorien. Cependant, la récession qui a suivi la Seconde Guerre mondiale et les troubles populaires ont conduit à un retour à une politique populiste et à des interventions militaires nationales dans les années 1960, tandis que des sociétés étrangères exploitaient les ressources pétrolières de l'Amazonie équatorienne. En 1972, la construction du pipeline andin est achevée. L'oléoduc acheminait le pétrole de la partie est des Andes jusqu'à la côte, faisant de l'Équateur le deuxième exportateur de pétrole d'Amérique du Sud. Le gazoduc dans le sud de l’Équateur n’a toutefois pas contribué à résoudre les tensions entre l’Équateur et le Pérou. Le Protocole de Rio n’a pas réussi à résoudre précisément la frontière le long d’une petite rivière dans la région isolée de la Cordillera del Cóndor, dans le sud de l’Équateur. Cela a provoqué un différend de longue date entre l’Équateur et le Pérou, qui a finalement conduit à des combats entre les deux pays ; d'abord une escarmouche à la frontière en janvier-février 1981 connue sous le nom d'incident de Paquisha, et finalement une guerre à grande échelle en janvier 1995 au cours de laquelle l'armée équatorienne a abattu des avions et des hélicoptères péruviens et l'infanterie péruvienne a marché vers le sud de l'Équateur. Chaque pays a blâmé l'autre pour le début des hostilités, connues sous le nom de guerre de Cenepa. Sixto Durán Ballén, le président équatorien, a déclaré qu'il n'abandonnerait pas un seul centimètre de l'Équateur. Le sentiment populaire en Équateur est devenu fortement nationaliste contre le Pérou : des graffitis pouvaient être vus sur les murs de Quito faisant référence au Pérou comme le « Caïn de Latinoamérica », une référence au meurtre d'Abel par son frère Caïn dans le livre de la Genèse. L'Équateur et le Pérou ont signé l'accord de paix de la loi présidentielle de Brasilia le 26 octobre 1998, qui a mis fin aux hostilités et a effectivement mis fin au plus long conflit territorial de l'hémisphère occidental. Les garants du Protocole de Rio (Argentine, Brésil, Chili et États-Unis d'Amérique) ont décidé que la frontière de la zone non délimitée devait être fixée au niveau de la Cordillère du Condor. Alors que l'Équateur a dû renoncer à ses revendications territoriales vieilles de plusieurs décennies sur le versant oriental de la Cordillère, ainsi que sur toute la zone occidentale du cours supérieur de la Cenepa, le Pérou a été contraint de donner à l'Équateur, en bail perpétuel mais sans souveraineté, 1 km2 de terrain. son territoire, dans la zone où se trouvait la base équatorienne de Tiwinza – point central de la guerre – sur le sol péruvien et que l'armée équatorienne détenait pendant le conflit. La démarcation définitive de la frontière est entrée en vigueur le 13 mai 1999 et le déploiement multinational de troupes MOMEP (Mission d'observation militaire pour l'Équateur et le Pérou) s'est retiré le 17 juin 1999. Gouvernements militaires (1972-1979) En 1972, une junte militaire « révolutionnaire et nationaliste » renverse le gouvernement de Velasco Ibarra. Le coup d'État a été dirigé par le général Guillermo Rodríguez et exécuté par le commandant de la marine Jorge Queirolo G. Le nouveau président a exilé José María Velasco en Argentine. Il est resté au pouvoir jusqu’en 1976, date à laquelle il a été destitué par un autre gouvernement militaire. Cette junte militaire était dirigée par l'amiral Alfredo Poveda, qui fut déclaré président du Conseil suprême. Le Conseil Suprême comprenait deux autres membres : le général Guillermo Durán Arcentales et le général Luis Leoro Franco. La société civile réclame de plus en plus avec insistance des élections démocratiques. Le Colonel Richelieu Levoyer, Ministre du Gouvernement, a proposé et mis en œuvre un Plan de retour au système constitutionnel par des élections universelles. Ce plan a permis au nouveau président démocratiquement élu d'assumer les fonctions du bureau exécutif. Retour à la démocratie Des élections ont eu lieu le 29 avril 1979, en vertu d'une nouvelle constitution. Jaime Roldós Aguilera a été élu président, recueillant plus d'un million de voix, un record dans l'histoire de l'Équateur. Il a pris ses fonctions le 10 août, en tant que premier président constitutionnellement élu après près d’une décennie de dictatures civiles et militaires. En 1980, il fonde le Partido Pueblo, Cambio y Democracia (Parti du peuple, du changement et de la démocratie) après s'être retiré de la Concentración de Fuerzas Populares (Concentration des forces populaires) et gouverne jusqu'au 24 mai 1981, date à laquelle il meurt avec sa femme et son mari. le ministre de la Défense, Marco Subia Martinez, lorsque son avion de l'armée de l'air s'est écrasé sous une forte pluie près de la frontière péruvienne. Beaucoup de gens pensent qu’il a été assassiné par la CIA, compte tenu des multiples menaces de mort proférées contre lui en raison de son programme réformiste, de la mort dans des accidents de voiture de deux témoins clés avant qu’ils n’aient pu témoigner au cours de l’enquête et des récits parfois contradictoires de l’incident. Roldos fut immédiatement remplacé par le vice-président Osvaldo Hurtado, suivi en 1984 par León Febres Cordero du Parti social-chrétien. Rodrigo Borja Cevallos, du parti de la Gauche démocratique (Izquierda Democrática, ou ID), a remporté la présidence en 1988, en se présentant au second tour des élections contre Abdalá Bucaram (beau-frère de Jaime Roldos et fondateur du Parti Roldosiste équatorien). Son gouvernement s'est engagé à améliorer la protection des droits de l'homme et a mené certaines réformes, notamment l'ouverture de l'Équateur au commerce extérieur. Le gouvernement Borja a conclu un accord conduisant à la dissolution du petit groupe terroriste "¡Alfaro Vive, Carajo!". ("Alfaro Lives, Bon sang!"), du nom d'Eloy Alfaro. Cependant, les problèmes économiques persistants ont miné la popularité du ID et les partis d’opposition ont pris le contrôle du Congrès en 1999. L’émergence de la population amérindienne en tant que groupe actif a ajouté à la volatilité démocratique du pays ces dernières années. La population a été motivée par l’incapacité du gouvernement à tenir ses promesses de réforme agraire, de réduction du chômage et de fourniture de services sociaux, ainsi que par l’exploitation historique par l’élite propriétaire foncière. Leur mouvement, ainsi que les efforts déstabilisateurs continus de l’élite et des mouvements de gauche, ont conduit à une détérioration du pouvoir exécutif. La population et les autres branches du gouvernement accordent très peu de capital politique au président, comme l'illustre la destitution la plus récente du président Lucio Gutiérrez par le Congrès en avril 2005. Le vice-président Alfredo Palacio a pris sa place et est resté en fonction jusqu'à l'élection présidentielle. de 2006, au cours de laquelle Rafael Correa a accédé à la présidence. En décembre 2008, le président Correa a déclaré illégitime la dette nationale de l'Équateur, arguant qu'il s'agissait d'une dette odieuse contractée par des régimes antérieurs corrompus et despotiques. Il a annoncé que le pays ferait défaut sur plus de 3 milliards de dollars d'obligations ; il s'est ensuite engagé à combattre les créanciers devant les tribunaux internationaux et a réussi à réduire le prix des obligations en circulation de plus de 60 %

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En 2009, qui a été reconnu coupable du meurtre de Lana Clarkson ?

Phil Spector

Lana Jean Clarkson (5 avril 1962 – 3 février 2003) était une actrice et mannequin américaine. Au cours des années 1980, elle s'est fait connaître dans plusieurs films d'épée et de sorcellerie. Elle a été abattue au domicile du producteur de disques Phil Spector. Il a été accusé et reconnu coupable de meurtre au deuxième degré le 13 avril 2009. Début de la vie Clarkson est né à Long Beach, en Californie, de Donna et James M. Clarkson et a grandi dans les collines du comté de Sonoma, en Californie. Elle a un frère, Jessee J. Clarkson, et une sœur, Fawn. Alors qu'elle vivait dans le nord de la Californie, elle a fréquenté la Cloverdale High School et la Pacific Union College Preparatory School. Pendant la saison de Noël 1978 et après la mort de son père, la famille de Clarkson retourna en Californie du Sud et s'installa dans la région de Los Angeles, dans la vallée de San Fernando. Après que la famille de Clarkson soit revenue dans le comté de Los Angeles, elle a poursuivi une carrière dans l'industrie du divertissement en tant qu'interprète et mannequin. Carrière Au début des années 1980, Clarkson décroche de petits rôles au cinéma et à la télévision. En 1982, elle fait ses débuts à l'écran en tant que personnage mineur dans la comédie sur le passage à l'âge adulte de la réalisatrice Amy Heckerling, Fast Times at Ridgemont High, basée sur le livre de Cameron Crowe. Elle a joué l'épouse du professeur de sciences M. Vargas (Vincent Schiavelli). Le film était son premier rôle parlant. En 1983, elle jette également un coup d'œil dans le cadre de Scarface derrière Michelle Pfeiffer dansant sur le sol de la Phoenix Hill Tavern. Les films les plus connus de Clarkson sont peut-être son travail avec Roger Corman, apparaissant pour la première fois dans son film fantastique Deathstalker, en tant que guerrière et amoureuse du personnage principal joué par Richard Hill. Corman a orienté ses films vers les jeunes spectateurs masculins, en utilisant un mélange d'action et de nudité féminine. Le travail de Clarkson dans Deathstalker lui a valu de se voir offrir le rôle-titre dans le prochain film de Corman, Barbarian Queen, un rôle que Corman a appelé "la Xena originale" en raison du parallèle dans la mise en scène d'un personnage principal féminin fort dans un balancement d'épée orienté vers l'action. rôle. Le film a acquis un statut culte, en partie grâce à une scène tristement célèbre où Clarkson est attaché seins nus à un support de torture, interrogé et violé. En 1987, Clarkson est apparu dans la parodie de John Landis, Amazon Women on the Moon. Suite à cela, Clarkson a joué dans la suite de Barbarian Queen de Roger Corman, Barbarian Queen II: The Empress Strikes Back, bien que les intrigues et les personnages ne ressemblent en rien à l'autre film. Tourné au Mexique, le film mettait en vedette des femmes amazoniennes luttant dans la boue, des sceptres magiques et (en hommage à son prédécesseur) le personnage de Clarkson déshabillé par un méchant et étendu sur un support de torture, se tordant et gémissant d'agonie alors qu'elle est lentement torturée à mort. . Clarkson a reçu la vedette dans le film qui est allé directement en vidéo. Bien que les ventes de la vidéo aient été faibles, Corman a réussi à réaliser des bénéfices. En 1990, elle a joué le rôle d'un personnage secondaire dans le film d'horreur d'époque Haunting of Morella dans le rôle de la méchante servante d'une jeune femme interprétée par la mannequin/actrice Nicole Eggert. Dans le film, Clarkson incarne un personnage lesbien dominant qui tente de ressusciter l'esprit d'une sorcière brûlée vive lors des procès des sorcières de Salem. Le travail de Clarkson dans le genre de science-fiction des films B a inspiré un culte, ce qui en a fait une favorite lors des conventions de bandes dessinées, où elle a fait quelques apparitions promotionnelles en signant des autographes pour ses fans. Elle est apparue dans de nombreux autres films de série B ainsi que dans une série de spots télévisés et dans des publicités pour Mercedes-Benz, Kmart, Nike, Mattel et Anheuser-Busch. Ses apparitions à la télévision incluent des rôles dans Night Court, Silk Stalkings, Riptide, Three's Company, Knight Rider et Wings, et une apparition en tant que méchant dans l'adaptation télévisée du film Black Scorpion de Roger Corman dans ce qui serait son dernier rôle. Clarkson a voyagé aux États-Unis et en Europe tout en travaillant sur des séances photo de mode. D'autres projets l'ont emmenée au Japon, en Grèce, en Argentine, en Italie, en Suisse, en France, en Jamaïque et au Mexique. Dans les années 1980, elle a fait du bénévolat chaque semaine au sein de l'association caritative Project Angel Food, qui livre de la nourriture aux personnes handicapées de Los Angeles à cause du VIH ou du SIDA, à une époque où la maladie était très redoutée par le grand public. La carrière de Clarkson a commencé à stagner à l'approche de la trentaine. Ne pouvant plus gagner sa vie en tant qu'actrice, Clarkson a cherché d'autres sources de revenus, notamment en exploitant son propre site Web sur lequel elle vendait des DVD dédicacés de ses films et communiquait directement avec ses fans sur son propre forum. Même si elle gagnait sa vie en jouant des femmes aux gros seins et vigoureuses, le désir le plus cher de Clarkson était de devenir actrice comique ou de jouer le rôle d'un comédien. Son ami publiciste Edward Lozzi a déclaré à l'écrivain de Vanity Fair Dominic Dunne que Clarkson travaillait sur un numéro de comédie stand-up dont il avait été témoin. En 2001, alors qu'il vivait à Venice, en Californie, Clarkson a développé, écrit, produit et réalisé une bobine de présentation intitulée Lana Unleashed. Elle a accepté un emploi secondaire à temps partiel début janvier 2003 à la House of Blues à West Hollywood, en Californie, pour joindre les deux bouts. La mort Le 3 février 2003, Clarkson a été retrouvé mort dans le manoir appartenant au producteur de disques Phil Spector. Aux petites heures de la matinée, elle a rencontré Spector alors qu'elle travaillait à la House of Blues à Los Angeles. Ils quittèrent la House of Blues dans la limousine de Spector et se rendirent à son manoir. Spector et Clarkson sont entrés à l'intérieur pendant que son chauffeur attendait dehors dans la voiture. Environ une heure plus tard, le conducteur a entendu un coup de feu avant que Spector ne sorte de sa maison par la porte arrière avec une arme à feu. Il aurait déclaré, selon ses affidavits : « Je pense que je viens de lui tirer dessus ». Spector a déclaré plus tard que la mort de Clarkson était un « suicide accidentel » et qu'elle « avait embrassé l'arme ». Spector a été jugé pour le meurtre de Clarkson en 2007. Le 26 septembre 2007, le procès a été déclaré nul en raison d'un jury sans majorité de dix contre deux pour la condamnation. Il a été de nouveau jugé pour meurtre au deuxième degré le 20 octobre 2008. Le 13 avril 2009, le jury a déclaré Spector coupable du meurtre de Clarkson. Spector a été condamné le 29 mai 2009 à 19 ans de prison à vie. Filmographie

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En quelle année Édouard VIII a-t-il abdiqué ?

1936

Édouard VIII (Edward Albert Christian George Andrew Patrick David ; 23 juin 1894 – 28 mai 1972) fut roi du Royaume-Uni et des dominions de l'Empire britannique, et empereur de l'Inde, du 20 janvier 1936 jusqu'à son abdication le 11 décembre. année. Edward était le fils aîné du roi George V et de la reine Mary. Il a été créé prince de Galles le jour de son seizième anniversaire, neuf semaines après que son père soit devenu roi. Jeune homme, il a servi dans l'armée britannique pendant la Première Guerre mondiale et a effectué plusieurs missions à l'étranger au nom de son père. Edward devint roi à la mort de son père au début de 1936. Il se montra impatient à l'égard du protocole judiciaire et suscita l'inquiétude des politiciens par son mépris apparent pour les conventions constitutionnelles établies. Quelques mois seulement après son règne, il provoqua une crise constitutionnelle en proposant de se marier avec Wallis Simpson, une Américaine qui avait divorcé de son premier mari et cherchait à divorcer de son second. Les premiers ministres du Royaume-Uni et des Dominions se sont opposés au mariage, arguant que le peuple n'accepterait jamais comme reine consort une femme divorcée ayant deux ex-maris vivants. De plus, un tel mariage aurait été en conflit avec le statut d'Edward en tant que chef titulaire de l'Église d'Angleterre, qui à l'époque s'opposait au remariage des personnes divorcées si leurs ex-conjoints étaient encore en vie. Edward savait que le gouvernement britannique, dirigé par le Premier ministre Stanley Baldwin, démissionnerait si le mariage avait lieu, ce qui aurait pu forcer la tenue d'élections générales et ruinerait son statut de monarque constitutionnel politiquement neutre. Choisissant de ne pas mettre fin à la relation, Edward a abdiqué. Son jeune frère Albert lui succéda, qui choisit George VI comme nom royal. Avec un règne de 326 jours, Édouard fut l'un des monarques au règne le plus court de l'histoire britannique. Après son abdication, il fut créé duc de Windsor. Il épousa Simpson en France le 3 juin 1937, après que son deuxième divorce soit devenu définitif. Plus tard cette année-là, le couple part en tournée en Allemagne. Pendant la Seconde Guerre mondiale, il fut d'abord en poste au sein de la mission militaire britannique en France mais, après des accusations privées selon lesquelles il avait des sympathies nazies, il fut nommé gouverneur des Bahamas. Après la guerre, Edward passa le reste de sa vie retraité en France. Début de la vie Edward est né le 23 juin 1894 à White Lodge, Richmond Park, à la périphérie de Londres, sous le règne de son arrière-grand-mère, la reine Victoria. Il était le fils aîné du duc et de la duchesse d'York (plus tard le roi George V et la reine Mary). Son père était le fils du prince et de la princesse de Galles (plus tard le roi Édouard VII et la reine Alexandra). Sa mère était la fille aînée du duc et de la duchesse de Teck (Francis et Mary Adelaide). Au moment de sa naissance, il était troisième dans l'ordre de succession au trône, derrière son grand-père et son père. En tant qu'arrière-petit-fils du monarque dans la lignée masculine, Edward était appelé Son Altesse le prince Edward d'York à sa naissance. Il fut baptisé Edward Albert Christian George Andrew Patrick David dans le salon vert de White Lodge le 16 juillet 1894 par Edward White Benson, archevêque de Canterbury. Ses douze parrains étaient : la reine Victoria (son arrière-grand-mère paternelle) ; le roi et la reine du Danemark (ses arrière-grands-parents paternels, pour qui son oncle maternel le prince Adolphus de Teck et sa tante paternelle la duchesse de Fife étaient mandataires) ; le roi de Wurtemberg (le cousin éloigné de sa mère, pour qui son grand-oncle le duc de Connaught était mandataire) ; la reine de Grèce (sa grand-tante, pour laquelle sa tante paternelle, la princesse Victoria de Galles, était mandataire) ; le duc de Saxe-Cobourg et Gotha (son grand-oncle, pour qui le prince Louis de Battenberg était mandataire) ; le prince et la princesse de Galles (ses grands-parents paternels) ; le tsarévitch (le cousin de son père) ; le duc de Cambridge (son grand-oncle maternel et cousin de la reine Victoria) ; et le duc et la duchesse de Teck (ses grands-parents maternels). Les noms ont été choisis en l'honneur du défunt oncle d'Edward, connu par sa famille sous le nom de « Eddy » ou Edward, et de son arrière-grand-père, le roi Christian IX du Danemark. Le nom Albert a été inclus à la demande de la reine Victoria pour son défunt mari Albert, prince consort, et les quatre derniers noms – George, Andrew, Patrick et David – proviennent des saints patrons d'Angleterre, d'Écosse, d'Irlande et du Pays de Galles. Il a toujours été connu de sa famille et de ses amis proches sous son dernier prénom, David. Comme c'était une pratique courante chez les enfants des classes supérieures de l'époque, Edward et ses jeunes frères et sœurs étaient élevés par des nounous plutôt que directement par leurs parents. L'une des premières nounous d'Edward le maltraitait souvent en le pinçant avant qu'il ne soit présenté à ses parents. Ses pleurs et gémissements ultérieurs conduiraient le duc et la duchesse à le renvoyer, lui et la nounou. La nounou a été libérée après avoir découvert les mauvais traitements qu'elle avait infligés aux enfants. Le père d'Edward, bien qu'il soit sévèrement disciplinaire, était manifestement affectueux, et sa mère affichait un côté espiègle avec ses enfants qui démentait son image publique austère. Elle s'amusait de voir les enfants préparer des têtards sur des toasts pour leur maître français et les encourageait à se confier à elle. Éducation Au départ, Edward était encadré à la maison par Helen Bricka. Lorsque ses parents ont parcouru l'Empire britannique pendant près de neuf mois après la mort de la reine Victoria en 1901, le jeune Edward et ses frères et sœurs sont restés en Grande-Bretagne avec leurs grands-parents, la reine Alexandra et le roi Édouard VII, qui ont comblé leurs petits-enfants d'affection. Au retour de ses parents, Edward fut placé sous la garde de deux hommes, Frederick Finch et Henry Hansell, qui élevèrent virtuellement Edward, ses frères et sa sœur pendant leurs dernières années de crèche. Edward a été maintenu sous la stricte tutelle de Hansell jusqu'à presque 13 ans. Il a appris l'allemand et le français par des tuteurs privés. Edward passa l'examen pour entrer à l'Osborne Naval College et y commença en 1907. Hansell avait voulu qu'Edward entre à l'école plus tôt, mais son père n'était pas d'accord. Après deux années au Osborne College, qu'il n'a pas appréciées, Edward a rejoint le Royal Naval College de Dartmouth. Un cursus de deux ans suivi d'une entrée dans la Royal Navy était prévu. Lorsque son père monta sur le trône le 6 mai 1910, après la mort d'Édouard VII, Édouard devint automatiquement duc de Cornouailles et duc de Rothesay, et il fut créé prince de Galles un mois plus tard, le 23 juin 1910, son 16e anniversaire. Les préparatifs commencèrent sérieusement pour ses futures fonctions de roi. Il a été retiré de son cours naval avant d'obtenir son diplôme officiel, a servi comme aspirant pendant trois mois à bord du cuirassé Hindustan, puis est immédiatement entré au Magdalen College d'Oxford, pour lequel, de l'avis de ses biographes, il était sous-préparé intellectuellement. Passionné d'équitation, il apprend le polo au sein du club universitaire. Il a quitté Oxford après huit mandats sans aucun diplôme universitaire. Prince de Galles Edward fut officiellement investi prince de Galles lors d'une cérémonie spéciale au château de Caernarvon le 13 juillet 1911. L'investiture eut lieu au Pays de Galles, à l'instigation de l'homme politique gallois David Lloyd George, gendarme du château et chancelier de l'Échiquier du parti libéral. gouvernement. Lloyd George a inventé une cérémonie plutôt fantaisiste dans le style d'un concours gallois et a entraîné Edward à prononcer quelques mots en gallois. Lorsque la Première Guerre mondiale éclata en 1914, Edward avait atteint l’âge minimum du service actif et souhaitait y participer. Il avait rejoint les Grenadier Guards en juin 1914, et bien qu'Edward était disposé à servir sur la ligne de front, le secrétaire d'État à la Guerre, Lord Kitchener, refusa de le permettre, invoquant le préjudice immense qui se produirait si l'héritier du trône était capturé par l'ennemi. Malgré cela, Edward a été témoin direct de la guerre des tranchées et a tenté de se rendre sur la ligne de front aussi souvent qu'il le pouvait, ce qui lui a valu la Croix militaire en 1916. Son rôle dans la guerre, bien que limité, l'a rendu populaire parmi les vétérans de la guerre. conflit. Edward entreprit son premier vol militaire en 1918 et obtint plus tard une licence de pilote. Tout au long des années 1920, Edward, en tant que prince de Galles, a représenté son père, le roi George V, au pays et à l'étranger à de nombreuses reprises. Son rang, ses voyages, sa beauté et son statut de célibataire lui ont valu une grande attention du public et, au sommet de sa popularité, il était la célébrité la plus photographiée de son temps. Il s'intéresse particulièrement à la science et, en 1926, il est président de la British Association for the Advancement of Science lorsque son alma mater, l'Université d'Oxford, accueille l'assemblée générale annuelle de la société. Il visita également les régions pauvres du pays et entreprit 16 tournées dans diverses parties de l'Empire entre 1919 et 1935. Lors d'une tournée au Canada en 1919, il acquit le ranch Bedingfield, près de Pekisko, en Alberta, et en 1924, il a fait don du Trophée Prince de Galles à la Ligue nationale de hockey. De janvier à avril 1931, lui et son frère Prince George ont parcouru 18 000 milles lors d'un tour de l'Amérique du Sud, voyageant à bord du paquebot et revenant via Paris et un vol Imperial Airways depuis l'aéroport de Paris-Le Bourget qui a atterri spécialement en Grand parc de Windsor. Ses attitudes envers de nombreux sujets de l'Empire et divers peuples étrangers, à la fois pendant son mandat de prince de Galles et plus tard de duc de Windsor, ont été peu commentées à l'époque, mais ont aigri sa réputation par la suite. En 1920, il écrivait à propos des Australiens autochtones : « ils sont la forme de créature vivante la plus révoltante que j'ai jamais vue !! Ils sont la forme la plus basse connue d'êtres humains et sont ce qui se rapproche le plus des singes. » En 1919, le prince accepta de présider le comité organisateur du projet d'exposition de l'Empire britannique à Wembley Park, au nord-ouest de Londres. Le Prince souhaitait que l'Exposition comprenne « un grand terrain de sport national » et participa ainsi à la création du stade de Wembley. Romances En 1917, pendant la Première Guerre mondiale, Edward commença une histoire d'amour avec la courtisane parisienne Marguerite Alibert, qui conserva une collection de ses lettres indiscrètes après avoir rompu l'affaire en 1918 pour en commencer une avec une Anglaise mariée, Freda Dudley Ward, une héritière du textile. En 1923, Alibert fut acquittée lors d'un spectaculaire procès pour meurtre après avoir abattu son mari dans le Savoy de Londres. Le comportement imprudent et féministe d'Edward au cours des années 1920 et 1930 a inquiété le Premier ministre Stanley Baldwin, le roi George V et les proches du prince. Alan Lascelles, secrétaire particulier d'Edward pendant huit ans au cours de cette période, pensait que « pour une raison héréditaire ou physiologique, son développement mental normal s'était arrêté net lorsqu'il atteignait l'adolescence ». George V était déçu par l'incapacité d'Edward à s'installer dans la vie, dégoûté par ses liaisons avec des femmes mariées et hésitait à le voir hériter de la couronne. "Après ma mort", a déclaré George, "le garçon se ruinera dans 12 mois". En 1929, le magazine Time a rapporté qu'Edward avait taquiné sa belle-sœur, Elizabeth, l'épouse de son jeune frère Albert, en l'appelant « Reine Elizabeth ». Le magazine lui demande si "elle ne se demande pas parfois à quel point il y a de vrai dans l'histoire selon laquelle il a dit un jour qu'il renoncerait à ses droits à la mort de George V – ce qui ferait de son surnom une réalité". Le frère et la belle-sœur d'Edward ont eu deux enfants, dont la princesse Elizabeth, la future reine Elizabeth II. George V favorisa son fils Albert (« Bertie ») et sa petite-fille Elizabeth (« Lilibet ») et dit à un courtisan : « Je prie Dieu pour que mon fils aîné [Edward] ne se marie jamais et n'ait jamais d'enfants, et que rien ne vienne ». entre Bertie et Lilibet et le trône. En 1930, George V céda à Edward le bail du Fort Belvedere, dans le Windsor Great Park. Là, Edward a poursuivi ses relations avec une série de femmes mariées, dont Freda Dudley Ward et Lady Furness, l'épouse américaine d'un pair britannique, qui a présenté le prince à son amie et compatriote américaine Wallis Simpson. Simpson avait divorcé de son premier mari, l'officier de marine américain Win Spencer, en 1927. Son deuxième mari, Ernest Simpson, était un homme d'affaires anglo-américain. Wallis Simpson et le prince de Galles, il est généralement admis, sont devenus amants pendant que Lady Furness voyageait à l'étranger, bien qu'Edward ait insisté catégoriquement auprès de son père sur le fait qu'il n'avait pas d'intimité avec elle et qu'il n'était pas approprié de la décrire comme sa maîtresse. Cependant, la relation d'Edward avec Simpson a encore affaibli sa mauvaise relation avec son père. Bien que le roi George V et la reine Mary aient rencontré Simpson au palais de Buckingham en 1935, ils ont ensuite refusé de la recevoir. La liaison d'Edward avec une divorcée américaine a suscité de si graves inquiétudes que le couple a été suivi par des membres de la branche spéciale de la police métropolitaine, qui ont examiné en secret la nature de leur relation. Un rapport non daté détaille une visite du couple dans un magasin d'antiquités, où le propriétaire a noté plus tard « que la dame semblait avoir complètement sous sa coupe le prisonnier de guerre [le prince de Galles] ». La perspective de voir un Américain divorcé au passé douteux exercer une telle influence sur l'héritier présumé a suscité l'inquiétude des personnalités du gouvernement et de l'establishment. Règne Le roi George V mourut le 20 janvier 1936 et Edward monta sur le trône sous le nom de roi Édouard VIII. Le lendemain, il a enfreint le protocole royal en regardant la proclamation de sa propre accession depuis une fenêtre du palais St James en compagnie de Simpson, alors encore marié. Il est devenu le premier monarque de l'Empire britannique à voler dans un avion lorsqu'il a volé de Sandringham à Londres pour son Conseil d'adhésion. Edward a provoqué un malaise dans les cercles gouvernementaux avec des actions qui ont été interprétées comme une ingérence dans les affaires politiques. Son commentaire lors d'une tournée dans des villages en difficulté du sud du Pays de Galles, selon lequel "quelque chose doit être fait" pour les mineurs de charbon au chômage, a été considéré comme une tentative d'orienter la politique du gouvernement, même s'il n'a jamais été clair quel genre de remède il avait en tête. Les ministres du gouvernement étaient réticents à envoyer des documents confidentiels et des documents d'État à Fort Belvedere, car il était clair qu'Edward n'y prêtait que peu d'attention, et on craignait que Simpson et d'autres invités de la maison ne les lisent, divulguant de manière inappropriée ou par inadvertance des informations qui pourraient être préjudiciable à l’intérêt national. L'approche peu orthodoxe d'Edward vis-à-vis de son rôle s'est également étendue à la monnaie qui portait son image. Il a rompu avec la tradition selon laquelle, lors de la frappe de la monnaie, chaque monarque successif faisait face dans la direction opposée à celle de son prédécesseur. Edward a insisté pour qu'il soit tourné vers la gauche (comme son père l'avait fait), pour montrer la raie de ses cheveux. Seule une poignée de pièces d'essai ont été frappées avant l'abdication, et lorsque George VI a accédé au trône, il a également fait face à gauche, pour maintenir la tradition en suggérant que si des pièces de monnaie avaient été frappées avec le portrait d'Edward, elles l'auraient montré face à droite. Le 16 juillet 1936, un fraudeur irlandais du nom de Jerome Bannigan, alias George Andrew McMahon, sortit un revolver chargé alors qu'Edward montait à cheval à Constitution Hill, près du palais de Buckingham. La police a repéré l'arme et s'est jetée sur lui ; il a été rapidement arrêté. Lors du procès de Bannigan, il a allégué qu'« une puissance étrangère » l'avait approché pour tuer Edward, qu'il avait informé le MI5 du plan et qu'il exécutait simplement le plan pour aider le MI5 à attraper les vrais coupables. Le tribunal a rejeté ces demandes et l'a condamné à un an de prison pour « intention d'alarmer ». On pense désormais que Bannigan avait effectivement été en contact avec le MI5, mais la véracité du reste de ses affirmations reste ouverte. En août et septembre, Edward et Simpson ont navigué en Méditerranée orientale sur le yacht à vapeur Nahlin. En octobre, il devenait clair que le nouveau roi envisageait d'épouser Simpson, en particulier lorsque la procédure de divorce entre les Simpson fut engagée aux assises d'Ipswich. Des préparatifs pour toutes les éventualités ont été faits, y compris la perspective du couronnement du roi Édouard et de la reine Wallis. En raison des implications religieuses de tout mariage, des plans ont été élaborés pour organiser une cérémonie de couronnement laïque, non pas dans le lieu religieux traditionnel de l'abbaye de Westminster, mais dans la Maison des Banquets de Whitehall. Même si les rumeurs autour de son affaire étaient répandues aux États-Unis, les médias britanniques sont restés volontairement silencieux et le public n'en a rien su jusqu'au début décembre. Abdication Le 16 novembre 1936, Edward invita le Premier ministre britannique Stanley Baldwin au palais de Buckingham et exprima son désir d'épouser Wallis Simpson lorsqu'elle deviendra libre de se remarier. Baldwin l'a informé que ses sujets considéreraient le mariage comme moralement inacceptable, en grande partie parce que le remariage après un divorce était opposé par l'Église d'Angleterre et que le peuple ne tolérerait pas Simpson comme reine. En tant que roi, Édouard était le chef titulaire de l'Église d'Angleterre et le clergé attendait de lui qu'il soutienne les enseignements de l'Église. Edward a proposé une solution alternative d'un mariage morganatique, dans lequel il resterait roi mais Simpson ne deviendrait pas reine. Elle bénéficierait à la place d'un titre moindre, et les enfants qu'ils pourraient avoir n'hériteraient pas du trône. Cela a également été rejeté par le Cabinet britannique ainsi que par d'autres gouvernements du Dominion, dont les avis ont été sollicités conformément au Statut de Westminster de 1931, qui prévoyait en partie que « toute modification de la loi touchant la succession au trône ou le style et les titres royaux nécessitera désormais l'assentiment des parlements de tous les dominions ainsi que du parlement du Royaume-Uni. Les premiers ministres d'Australie (Joseph Lyons), du Canada (Mackenzie King) et d'Afrique du Sud (J. B. M. Hertzog) ont clairement exprimé leur opposition à ce que le roi épouse une personne divorcée ; leur homologue irlandais (Éamon de Valera) a exprimé son indifférence et son détachement, tandis que le Premier ministre de la Nouvelle-Zélande (Michael Joseph Savage), n'ayant jamais entendu parler de Simpson auparavant, hésitait avec incrédulité. Face à cette opposition, Edward a d'abord répondu qu'il n'y avait « pas beaucoup de monde en Australie » et que leur opinion n'avait pas d'importance. Edward informa Baldwin qu'il abdiquerait s'il ne pouvait pas épouser Simpson. Baldwin a alors présenté à Edward trois choix : renoncer à l'idée du mariage ; se marier contre la volonté de ses ministres ; ou abdiquer. Il était clair qu'Edward n'était pas prêt à abandonner Simpson et il savait que s'il se mariait contre l'avis de ses ministres, il provoquerait la démission du gouvernement, provoquant une crise constitutionnelle. Il a choisi d'abdiquer. Edward a dûment signé les instruments. Il y avait quinze exemplaires distincts – un pour chaque Dominion, l'État libre d'Irlande, l'Inde, la Chambre des communes, la Chambre des Lords et le Premier ministre, entre autres. d'abdication à Fort Belvedere le 10 décembre 1936 en présence de ses jeunes frères : le prince Albert, duc d'York, prochain sur le trône ; le prince Henry, duc de Gloucester ; et Prince George, duc de Kent. Le lendemain, le dernier acte de son règne fut la sanction royale à la loi de 1936 sur la déclaration d'abdication de Sa Majesté. Comme l'exige le Statut de Westminster, tous les dominions consentirent à l'abdication. Dans la nuit du 11 décembre 1936, Edward, désormais revenu au titre et au style de prince, expliqua sa décision d'abdiquer dans une émission de radio mondiale. Il a déclaré : « J'ai trouvé impossible de porter le lourd fardeau de la responsabilité et de m'acquitter de mes fonctions de roi comme je souhaiterais le faire sans l'aide et le soutien de la femme que j'aime. » Edward quitta la Grande-Bretagne pour l'Autriche le lendemain ; il n'a pas pu rejoindre Simpson jusqu'à ce que son divorce devienne définitif, plusieurs mois plus tard. Son frère, le prince Albert, duc d'York, succéda au trône sous le nom de George VI. La fille aînée de George VI, la princesse Elizabeth, est devenue la première dans la succession, en tant qu'héritière présomptive. Duc de Windsor Le 12 décembre 1936, lors de la réunion d'adhésion du Conseil privé du Royaume-Uni, George VI annonça qu'il allait nommer son frère « Son Altesse Royale le duc de Windsor ». Il souhaitait que ce soit le premier acte de son règne, même si les documents formels ne furent signés que le 8 mars de l'année suivante. Pendant l’intérim, Edward était universellement connu sous le nom de duc de Windsor. La décision de George VI de faire d'Édouard un duc royal garantissait qu'il ne pouvait ni se présenter aux élections à la Chambre des communes ni s'exprimer sur des sujets politiques à la Chambre des Lords. Des lettres patentes datées du 27 mai 1937 confèrent à nouveau le « titre, le style ou l'attribut d'Altesse Royale » au duc de Windsor, mais déclarent spécifiquement que « son épouse et ses descendants, le cas échéant, ne détiendront pas ledit titre ou attribut ». Certains ministres britanniques ont indiqué que la reconfirmation n'était pas nécessaire puisqu'Edward avait automatiquement conservé le style, et en outre que Simpson obtiendrait automatiquement le rang d'épouse d'un prince avec le style Son Altesse Royale ; d'autres ont soutenu qu'il avait perdu tout rang royal et ne devrait plus porter aucun titre ou style royal en tant que roi abdiqué, et être simplement appelé « M. Edward Windsor ». Le 14 avril 1937, le procureur général Sir Donald Somervell soumit au ministre de l'Intérieur Sir John Simon un mémorandum résumant les vues du Lord Advocate T. M. Cooper, du conseiller parlementaire Sir Granville Ram et de lui-même : # Nous sommes enclins à penser que lors de son abdication, le duc de Windsor n'aurait pas pu revendiquer le droit d'être décrit comme une Altesse Royale. Autrement dit, aucune objection raisonnable n'aurait pu être formulée si le Roi avait décidé que son exclusion de la succession en ligne directe l'excluait du droit à ce titre conféré par les lettres patentes existantes. # La question doit cependant être examinée sur la base du fait que, pour des raisons faciles à comprendre, il jouit de ce titre, avec l'approbation expresse de Sa Majesté, et a été désigné comme Altesse Royale lors d'une occasion formelle et dans des actes formels. documents. À la lumière du précédent, il semble clair que l'épouse d'une Altesse Royale jouit du même titre à moins qu'une mesure expresse appropriée puisse être et soit prise pour l'en priver. # Nous sommes arrivés à la conclusion que l'épouse ne pouvait revendiquer ce droit sur aucune base légale. Le droit d'utiliser ce style ou titre, à notre avis, est de la prérogative de Sa Majesté et elle a le pouvoir de le réglementer par lettres patentes en général ou dans des circonstances particulières. Le duc de Windsor a épousé Simpson, qui avait changé son nom par acte de vote en Wallis Warfield, lors d'une cérémonie privée le 3 juin 1937, au Château de Candé, près de Tours, en France. Lorsque l'Église d'Angleterre a refusé d'approuver l'union, un ecclésiastique du comté de Durham, le révérend Robert Anderson Jardine (vicaire de St Paul's, Darlington), a proposé d'effectuer la cérémonie, et le duc a accepté. Le nouveau roi, George VI, a interdit aux membres de la famille royale de s'occuper du ressentiment durable du duc et de la duchesse de Windsor. Edward avait particulièrement souhaité que ses frères les ducs de Gloucester et Kent et son cousin germain Louis Mountbatten assistent à la cérémonie. Le refus du style Son Altesse Royale à la duchesse de Windsor a provoqué d'autres conflits, tout comme le règlement financier : le gouvernement a refusé d'inscrire le duc ou la duchesse sur la liste civile et l'allocation du duc a été payée personnellement par George VI. Le duc a compromis sa position auprès de son frère en cachant l'étendue de sa valeur financière lorsqu'ils se sont mis d'accord de manière informelle sur le montant de l'allocation. La richesse d'Édouard s'était accumulée grâce aux revenus du duché de Cornouailles qui lui étaient versés en tant que prince de Galles et habituellement à la disposition d'un nouveau roi. George VI a également payé Edward pour Sandringham House et le château de Balmoral, qui étaient la propriété personnelle d'Edward, héritée de son père, George V, et n'ont donc pas été automatiquement transmis à George VI lors de son avènement. Les relations entre le duc de Windsor et le reste de la famille royale furent tendues pendant des décennies. Edward devint aigri contre sa mère, la reine Mary, lui écrivant en 1939 : « [votre dernière lettre] Elle avait demandé à Alec Hardinge d'écrire au duc pour lui expliquer qu'il ne pouvait pas être invité à la cérémonie commémorative de son père. vestige du sentiment que j'avais laissé pour vous ... [et a] rendu impossible toute correspondance normale entre nous." Dans les premiers jours du règne de George VI, le duc téléphonait quotidiennement, réclamant de l'argent et insistant pour que la duchesse reçoive le titre d'Altesse Royale, jusqu'à ce que le roi, harcelé, ordonne que les appels ne soient pas transmis. Le duc avait supposé qu'il s'installerait en Grande-Bretagne après un an ou deux d'exil en France. Le roi George VI (avec le soutien de la reine Mary et de son épouse la reine Elizabeth) a menacé de supprimer l'allocation d'Edward s'il retournait en Grande-Bretagne sans invitation. Deuxième Guerre mondiale En octobre 1937, le duc et la duchesse se rendirent en Allemagne, contre l'avis du gouvernement britannique, et rencontrèrent Adolf Hitler dans sa retraite d'Obersalzberg. La visite a été très médiatisée par les médias allemands. Au cours de la visite, le duc a prononcé le salut nazi. L'ancien ambassadeur d'Autriche, le comte Albert von Mensdorff-Pouilly-Dietrichstein, qui était également un cousin germain autrefois éloigné et ami de George V, pensait qu'Édouard favorisait le fascisme allemand comme rempart contre le communisme, et même qu'il était initialement favorable à une alliance avec l'Allemagne. . Selon le duc de Windsor lui-même, l'expérience des « scènes d'horreur sans fin » durant la Première Guerre mondiale l'a amené à soutenir l'apaisement. Hitler considérait qu'Edward était amical envers l'Allemagne nazie et pensait que les relations anglo-allemandes auraient pu être améliorées grâce à Edward sans l'abdication. Albert Speer citait directement Hitler : « Je suis certain que grâce à lui, des relations amicales permanentes auraient pu être établies. S'il était resté, tout aurait été différent. Son abdication a été une grave perte pour nous. » Le duc et la duchesse s'installent en France. En mai 1939, le duc fut chargé par NBC de donner une émission radiophonique (la première depuis son abdication) lors d'une visite sur les champs de bataille de Verdun. Dans ce document, il appelait à la paix, en disant : « Je suis profondément conscient de la présence de la grande compagnie des morts et je suis convaincu que s'ils pouvaient faire entendre leur voix, ils seraient avec moi dans ce que je vais dire. simplement en tant que soldat de la dernière guerre dont la prière la plus sincère est qu'une folie aussi cruelle et destructrice ne s'empare plus jamais de l'humanité. Il n'y a aucun pays dont les habitants ne veulent la guerre. L'émission a été entendue dans le monde entier et par des millions de personnes en Amérique. Il a été largement considéré comme un soutien à l'apaisement et la BBC a refusé de le diffuser. Bradford, p. 285 ; Ziegler, pp. 398-399. Il a été diffusé en dehors des États-Unis sur la radio à ondes courtes et a été intégralement rapporté par les journaux britanniques. Lors du déclenchement de la Seconde Guerre mondiale en septembre 1939, ils furent ramenés en Grande-Bretagne par Louis Mountbatten à bord du HMS Kelly, et le duc, bien que maréchal honoraire, fut nommé major-général attaché à la mission militaire britannique en France. . En février 1940, l'ambassadeur d'Allemagne à La Haye, le comte Julius von Zech-Burkersroda, affirma que le duc avait divulgué les plans de guerre alliés pour la défense de la Belgique, ce que le duc nia plus tard. Lorsque l'Allemagne envahit le nord de la France en mai 1940, les Windsor fuirent vers le sud, d'abord à Biarritz, puis en juin vers l'Espagne. En juillet, les deux hommes ont déménagé à Lisbonne, où ils ont d'abord vécu dans la maison de Ricardo de Espírito Santo, un banquier portugais ayant des contacts à la fois britanniques et allemands. Sous le nom de code Opération Willi, des agents nazis, principalement Walter Schellenberg, complotèrent sans succès pour persuader le duc de quitter le Portugal et de retourner en Espagne, en le kidnappant si nécessaire. Lord Caldecote a écrit un avertissement à Winston Churchill : « [le duc] est connu pour être pro-nazi et il pourrait devenir un centre d'intrigues ». Churchill a menacé le duc de comparaître devant une cour martiale s'il ne retournait pas sur le sol britannique. En juillet 1940, Edward fut nommé gouverneur des Bahamas et le 1er août, le duc et la duchesse quittèrent Lisbonne à bord du navire à vapeur Excalibur d'American Export Lines, qui fut spécialement détourné de sa route directe habituelle vers New York pour pouvoir être déposés à Bermudes le 9. Ils ont quitté les Bermudes pour Nassau à bord du navire à vapeur canadien Lady Somers le 15 août et sont arrivés deux jours plus tard. Le duc n'aimait pas être gouverneur et qualifiait les îles de « colonie britannique de troisième classe ». Le ministère britannique des Affaires étrangères s'est vigoureusement opposé lorsque le duc et la duchesse envisageaient de naviguer à bord d'un yacht appartenant à un magnat suédois, Axel Wenner-Gren, que les services de renseignement américains croyaient à tort être un ami proche du commandant de la Luftwaffe Hermann Göring. Le duc a été félicité pour ses efforts visant à lutter contre la pauvreté sur les îles, même s'il méprisait autant les Bahamiens que la plupart des peuples non blancs de l'Empire. Il a dit à propos d'Étienne Dupuch, rédacteur en chef du Nassau Daily Tribune : « Il faut se rappeler que Dupuch est à plus de moitié noir et qu'en raison de la mentalité particulière de cette race, ils semblent incapables de se faire connaître sans perdre leur équilibre. » Il a été félicité, même par Dupuch, pour sa résolution des troubles civils liés aux bas salaires à Nassau en 1942, même s'il a imputé les troubles aux « fauteurs de troubles – communistes » et aux « hommes d'origine juive d'Europe centrale, qui avaient obtenu des emplois en tant que travailleurs ». prétexte pour obtenir un sursis de conscription". Il démissionna de son poste le 16 mars 1945. De nombreux historiens ont suggéré qu’Hitler était prêt à réintégrer Édouard comme roi dans l’espoir d’établir une Grande-Bretagne fasciste. Il est largement admis que le duc et la duchesse sympathisaient avec le fascisme avant et pendant la Seconde Guerre mondiale et qu'ils ont été transférés aux Bahamas pour minimiser leurs possibilités d'agir en fonction de ces sentiments. En 1940, il déclarait : « Au cours des dix dernières années, l'Allemagne a totalement réorganisé l'ordre de sa société ... Les pays qui n'étaient pas disposés à accepter une telle réorganisation de la société et les sacrifices qui l'accompagnent devraient orienter leur politique en conséquence. » Pendant l'occupation de la France, le duc demanda aux forces allemandes de placer des gardes dans ses maisons de Paris et de la Côte d'Azur ; ils l'ont fait. En décembre 1940, le duc accorda à Fulton Oursler du magazine Liberty une interview à la Government House de Nassau. L'interview a été publiée le 22 mars 1941 et le duc y aurait déclaré que « Hitler était le leader juste et logique du peuple allemand » et que le moment était venu pour le président Franklin D. Roosevelt de négocier un règlement de paix. Oursler a transmis le contenu de l'entretien au président lors d'une réunion privée à la Maison Blanche le 23 décembre 1940. Le duc a protesté contre le fait qu'il avait été mal cité et mal interprété. Les Alliés furent suffisamment perturbés par les complots allemands autour du duc pour que le président Roosevelt ordonna une surveillance secrète du duc et de la duchesse lors de leur visite à Palm Beach, en Floride, en avril 1941. Le duc Carl Alexander de Wurtemberg (alors moine dans un monastère américain) avait a déclaré au Federal Bureau of Investigation que la duchesse avait couché avec l'ambassadeur d'Allemagne à Londres, Joachim von Ribbentrop, en 1936, qu'elle était restée en contact permanent avec lui et qu'elle avait continué à divulguer des secrets. L'auteur Charles Higham a affirmé qu'Anthony Blunt, un agent du MI5, agissant sur ordre de la famille royale britannique, avait effectué avec succès un voyage secret au château de Friedrichshof en Allemagne vers la fin de la guerre pour récupérer des lettres sensibles entre le duc de Windsor et Adolf Hitler et d'autres dirigeants nazis. Ce qui est sûr, c'est que George VI envoya le bibliothécaire royal Owen Morshead, accompagné de Blunt, qui travaillait alors à temps partiel à la Bibliothèque royale ainsi que pour les renseignements britanniques, à Friedrichshof en mars 1945 pour récupérer des papiers relatifs à l'impératrice allemande Victoria. l'aîné des enfants de la reine Victoria. Des pilleurs avaient volé une partie des archives du château, notamment des lettres survivantes entre la fille et la mère, ainsi que d'autres objets de valeur, dont certains ont été récupérés à Chicago après la guerre. Les papiers sauvés par Morshead et Blunt, ainsi que ceux restitués par les autorités américaines de Chicago, furent déposés aux Archives royales. Après la guerre, le duc a admis dans ses mémoires qu'il admirait les Allemands, mais il a nié être pro-nazi. À propos d'Hitler, il écrit : « [le] Führer m'a semblé un personnage quelque peu ridicule, avec ses postures théâtrales et ses prétentions grandiloquentes. » Dans les années 1950, le journaliste Frank Giles a entendu le duc accuser le ministre britannique des Affaires étrangères Anthony Eden d'avoir contribué à « précipiter la guerre par son traitement envers Mussolini ... c'est ce qu'[Eden] a fait, il a contribué à déclencher la guerre ... et de bien sûr Roosevelt et les Juifs". La vie plus tard A la fin de la guerre, le couple retourne au Père

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Quel meurtrier notoire vivait au 10 Rillington Place ?

John Christie

John Reginald Halliday Christie (8 avril 1899 - 15 juillet 1953) était un tueur en série britannique actif dans les années 40 et au début des années 50. Il a assassiné au moins huit femmes – dont sa femme, Ethel – en les étranglant dans son appartement du 10 Rillington Place, Notting Hill, Londres. Christie a quitté Rillington Place en mars 1953 et peu de temps après, les corps de trois de ses victimes ont été découverts cachés dans une alcôve de la cuisine. Le corps de sa femme a été retrouvé sous le plancher de la pièce de devant. Christie a été arrêté et reconnu coupable du meurtre de sa femme, pour lequel il a été pendu. Christie est née à Northowram près d'Halifax dans le West Riding of Yorkshire. Alors qu'il servait comme fantassin pendant la Première Guerre mondiale, il aurait été blessé par une attaque au gaz qui, selon lui, l'aurait rendu définitivement incapable de parler fort. Après avoir été libéré de l'armée, il a été emprisonné à plusieurs reprises pour des délits tels que vol et agression. Lors du déclenchement de la Seconde Guerre mondiale en 1939, il fut accepté dans la police de réserve de guerre lorsque les autorités ne vérifièrent pas son casier judiciaire. Il a commis ses meurtres entre 1943 et 1953, généralement en étranglant ses victimes après les avoir rendues inconscientes avec du gaz domestique ; certains, il les a violés alors qu'ils gisaient inconscients. Deux des victimes de Christie étaient Beryl Evans et sa fille Geraldine, qui, avec le mari de Beryl, Timothy, étaient locataires du 10 Rillington Place en 1948-49. Cette affaire a suscité une énorme controverse après que Timothy Evans ait été accusé des deux meurtres, reconnu coupable du meurtre de sa fille et pendu en 1950. Christie était un témoin majeur à charge ; mais, lorsque ses propres crimes furent découverts trois ans plus tard, de sérieux doutes furent soulevés quant à l'intégrité de la condamnation d'Evans. Christie lui-même a par la suite admis avoir tué Beryl Evans, mais pas Geraldine ; il est maintenant généralement admis que Christie a assassiné Beryl et Geraldine et que la mauvaise gestion de l'enquête initiale par la police, ainsi que son incompétence lors des perquisitions à la maison, ont permis à Christie d'échapper à toute détection et lui ont permis d'assassiner quatre autres femmes. La Haute Cour, lorsqu'elle a annulé la condamnation dans l'affaire Evans dans les années 2000, a reconnu qu'Evans n'avait assassiné ni sa femme ni son enfant, et qu'une erreur judiciaire s'était donc produite lorsque Timothy Evans avait été pendu. Transcription du hansard de la décision de Jenkins de recommander une grâce à la Chambre des communes. Dans une enquête officielle menée en 1965-66, le juge (Sir Daniel) Brabin a conclu qu'il était « plus probable qu'improbable » qu'Evans ait tué sa femme mais qu'il n'ait pas tué sa fille, Geraldine. Cette conclusion, contestée lors de procédures judiciaires ultérieures, a permis au ministre de l'Intérieur d'accorder à Evans une grâce posthume pour le meurtre de sa fille en octobre 1966. L'affaire a contribué à la suspension de la peine capitale pour meurtre au Royaume-Uni en 1965. L'histoire de Christie était dramatisé dans le film de 1971 10 Rillington Place, dans lequel il a été interprété par Richard Attenborough. Début de la vie Christie était la sixième d'une famille de sept enfants. Il entretenait une relation difficile avec son père, le créateur de tapis Ernest John Christie, un homme austère et peu communicatif qui montrait peu d'émotion envers ses enfants et les punissait pour des délits insignifiants. Christie était également dominé par ses cinq sœurs, ce qui a amené sa mère, Mary Hannah Halliday, à le surprotéger, autant d'expériences qui ont miné sa confiance en lui. Plus tard dans sa vie, les pairs d'enfance de Christie l'ont décrit comme « un garçon queer » qui « se tenait seul » et « n'était pas très populaire ». En tant qu'adulte, Christie a raconté avoir vu à l'âge de huit ans le cercueil ouvert de son grand-père maternel et à quel point cela avait été une expérience profonde de voir le cadavre d'un homme qui l'avait effrayé auparavant. À l'âge de 11 ans, Christie a remporté une bourse pour l'école secondaire d'Halifax, où sa matière préférée était les mathématiques, en particulier l'algèbre. On a découvert plus tard qu'il avait un QI de 128. Christie chantait dans la chorale de l'église et était un boy-scout. Après avoir quitté l'école à 15 ans, il commence un travail d'assistant projectionniste de cinéma. En septembre 1916, Christie s'enrôla dans l'armée et en avril suivant, il fut appelé à rejoindre le 52e Régiment du Nottinghamshire et du Derbyshire. En avril 1918, le régiment de Christie's fut envoyé en France, où il fut détaché auprès du régiment du duc de Wellington (West Riding) en tant que signaleur. En juin de cette année-là, Christie fut blessée dans une attaque au gaz moutarde et passa un mois dans un hôpital militaire de Calais. Plus tard dans sa vie, Christie a affirmé avoir été aveuglée et rendue muette pendant trois ans et demi à cause de l'attaque. La période de mutisme de Christie était la raison présumée de son incapacité à parler beaucoup plus fort qu'un murmure pour le reste de sa vie. Ludovic Kennedy souligne qu'aucune trace de sa cécité n'a été retracée et que, même si Christie a peut-être perdu la voix lors de son admission à l'hôpital, il n'aurait pas été libéré comme apte au travail s'il était resté muet. Selon Kennedy, son incapacité à parler fort était une réaction psychologique au gazage plutôt qu'un effet toxique durable du gaz. Cette réaction, ainsi que l'exagération de Christie quant aux effets de l'attaque, provenaient d'un trouble de la personnalité sous-jacent qui l'a amené à exagérer ou à feindre la maladie pour attirer l'attention et la sympathie. Christie a eu un problème d'impuissance toute sa vie ; ses premières tentatives sexuelles ont été des échecs, le qualifiant tout au long de son adolescence de « Reggie-No-Dick » et de « Can't-Do-It-Christie ». (Néanmoins, un rapport d'autopsie a confirmé que les organes génitaux de Christie étaient physiquement normaux.) Ses difficultés sexuelles sont restées tout au long de sa vie et la plupart du temps, il ne pouvait se produire qu'avec des prostituées. Le 10 mai 1920, Christie épousa Ethel Simpson de Sheffield, au bureau d'enregistrement d'Halifax, mais ses problèmes d'impuissance persistaient et il continua à recourir à des prostituées. Le couple a déménagé à Sheffield, mais s'est séparé après quatre ans de mariage. Christie a déménagé à Londres et Ethel est restée à Sheffield avec ses proches. Début de carrière criminelle Au cours de la décennie qui a suivi son mariage avec Ethel, Christie a été reconnu coupable de plusieurs infractions pénales. Sa première condamnation fut pour vol de mandats postaux alors qu'il travaillait comme facteur, pour lequel il fut condamné à trois mois d'emprisonnement le 12 avril 1921. En janvier 1923, Christie fut reconnu coupable d'avoir obtenu de l'argent sous de faux prétextes et de conduite violente, pour laquelle il fut lié et mis respectivement à 12 mois de probation. Il commit deux autres délits de vol en 1924 et fut condamné à des peines consécutives de trois et six mois d'emprisonnement à partir de septembre 1924. En mai 1929, il fut reconnu coupable d'avoir agressé une prostituée avec laquelle il vivait à Battersea et fut condamné à six mois de prison ferme. travail; Christie l'avait frappée à la tête avec une batte de cricket, ce que le magistrat a qualifié d'« attaque meurtrière ». Finalement, il fut reconnu coupable d'avoir volé une voiture à un prêtre qui s'était lié d'amitié avec lui et fut emprisonné pendant trois mois à la fin de 1933. Christie et Ethel se sont réconciliés après sa sortie de prison, mais bien que Christie ait pu mettre fin à son recours à la petite délinquance, il a continué à rechercher des prostituées. En 1937, Christie et sa femme emménagèrent dans l'appartement au dernier étage du 10 Rillington Place à Ladbroke Grove, alors un quartier plutôt délabré de Londres, et emménagèrent au rez-de-chaussée en décembre 1938. La maison était une terrasse en brique de trois étages. ; le rez-de-chaussée et le premier étage contenaient une chambre, un salon et une cuisine, mais l'appartement du deuxième étage n'avait pas de salon. Les conditions de vie étaient « sordides » : les occupants de l'immeuble n'avaient qu'un seul WC extérieur à partager et aucun des appartements ne disposait de salle de bain. La rue était proche d'une section aérienne de la ligne Metropolitan (maintenant les lignes Hammersmith & City et Circle), et le bruit du train aurait été « assourdissant » pour les occupants du 10 Rillington Place. Au début de la Seconde Guerre mondiale, Christie a postulé pour rejoindre la police de réserve de guerre et a été accepté malgré son casier judiciaire, les autorités n'ayant pas vérifié ses dossiers. Il a été affecté au poste de police de Harrow Road, où il a rencontré une femme avec qui il a commencé une liaison. Leur relation dura jusqu'au milieu de 1943, lorsque le mari de la femme, un soldat en service, revint de la guerre. Après avoir appris l'affaire, il s'est rendu dans la maison où vivait sa femme, y a découvert Christie et l'a agressé. Meurtres Victimes connues : # Ruth Fuerst, 21 ans (août 1943) # Muriel Eady, 32 ans (octobre 1944) # Beryl Evans, 20 ans (8 novembre 1949) # Geraldine Evans, 13 mois (8 novembre 1949) # Ethel Christie, 54 ans (12 décembre 1952) # Rita Nelson, 25 ans (19 janvier 1953) # Kathleen Maloney, 26 ans (février 1953) # Hectorina MacLennan, 26 ans (6 mars 1953) Premiers meurtres La première personne que Christie a admis avoir tuée était Ruth Fuerst, une travailleuse autrichienne des munitions et une prostituée à temps partiel. Christie a affirmé avoir rencontré Fuerst alors qu'elle sollicitait des clients dans un snack-bar à Ladbroke Grove. Selon ses propres déclarations, il l'a étranglée impulsivement pendant des rapports sexuels à Rillington Place en août 1943. Il a enterré le corps de Fuerst dans le jardin arrière après l'avoir initialement caché sous le plancher de son salon avant. Peu de temps après le meurtre, fin 1943, Christie démissionna de son poste de gendarme spécial. L'année suivante, il trouva un nouvel emploi comme commis dans une usine de radio. Il y rencontre sa deuxième victime, sa collègue Muriel Amelia Eady. En octobre 1944, il invita Eady à revenir dans son appartement en lui promettant qu'il avait concocté un « mélange spécial » qui pourrait guérir sa bronchite. Eady devait inhaler le mélange à partir d'un pot avec un tube inséré dans le haut. Le mélange était en fait du Friar's Balsam, que Christie utilisait pour dissimuler l'odeur du gaz domestique. Une fois qu'Eady était assise, respirant le mélange du tube, le dos tourné, Christie a inséré un deuxième tube dans le pot relié à un robinet de gaz. Alors qu'Eady continuait de respirer, elle a inhalé du gaz domestique, ce qui l'a rapidement rendue inconsciente : le gaz domestique dans les années 1940 était du gaz de houille, qui avait une teneur en monoxyde de carbone de 15 %. Une fois qu'Eady était inconsciente, Christie l'a violée puis étranglée, avant d'enterrer son corps aux côtés de celui de Fuerst dans le jardin arrière. Meurtres de Beryl et Geraldine Evans À Pâques 1948, Timothy Evans et sa femme Beryl ont emménagé au dernier étage de Rillington Place, où Beryl a donné naissance à leur fille, Geraldine, en octobre 1948. À la fin de 1949, Evans a informé la police que sa femme était morte. Une fouille policière au 10 Rillington Place n'a pas permis de retrouver leurs corps, mais une fouille ultérieure a révélé les cadavres de Geraldine et Beryl Evans dans un lavoir extérieur. Le corps de Beryl avait été enveloppé deux fois dans une couverture puis dans une nappe. L'autopsie a révélé que tous deux avaient été étranglés et que Beryl Evans avait été agressée physiquement avant sa mort, à en juger par les contusions sur son visage. Evans a d'abord affirmé que Christie avait tué sa femme lors d'une opération d'avortement bâclée, mais lors d'un interrogatoire de la police, il a finalement avoué lui-même le meurtre. Les aveux allégués pourraient avoir été fabriqués de toutes pièces par la police elle-même, dans la mesure où la déclaration semble artificielle et artificielle. Après avoir été inculpé, Evans a retiré ses aveux et a de nouveau accusé Christie, cette fois des deux meurtres. Le 11 janvier 1950, Evans fut jugé pour le meurtre de sa fille, l'accusation ayant décidé de ne pas poursuivre une deuxième accusation de meurtre de sa femme. Christie était l'un des principaux témoins de la Couronne et a nié les accusations d'Evans. Le jury a déclaré Evans coupable malgré la révélation du casier judiciaire de Christie pour vol et violence et, après l'échec d'un appel du 20 février, Evans a été pendu le 9 mars 1950. Erreurs dans l'enquête La police a commis plusieurs erreurs dans le traitement de l'affaire, notamment en négligeant les restes des précédentes victimes du meurtre de Christie's laissés dans le jardin de Rillington Place ; un fémur a ensuite été retrouvé soutenant une clôture. Le jardin de la maison était très petit (environ 16 pieds sur 14) et la clôture se trouvait à côté du lavoir où les corps de Beryl et Geraldine ont été retrouvés plus tard. Plusieurs perquisitions ont été effectuées dans la maison après qu'Evans a avoué avoir jeté sa femme dans les égouts, mais les trois policiers impliqués ne sont entrés à aucun moment dans le lavoir. Le jardin a apparemment été examiné, mais toutes les recherches ont manqué les ossements visibles. Christie a admis plus tard que son chien avait déterré un crâne humain dans le jardin peu après les perquisitions de la police, qu'il avait enlevé et laissé dans une maison voisine bombardée. Il est clair qu'aucune recherche systématique n'a été effectuée sur la scène du crime dans laquelle ce ou d'autres restes humains auraient été retrouvés, et l'auteur a été désigné Christie comme l'auteur du crime. Plusieurs perquisitions policières dans la propriété ont montré un manque total d'expertise médico-légale et ont été, au mieux, superficielles. Si les recherches avaient été menées efficacement, l'enquête aurait révélé Christie comme un meurtrier et la vie de quatre femmes, ainsi que celle d'Evans, aurait été sauvée. Les témoignages des maçons travaillant sur la maison ont été ignorés et leurs divers entretiens avec Evans suggèrent que la police a concocté de faux aveux. Il aurait dû ressortir clairement, par exemple, dès la toute première déclaration faite au Pays de Galles, qu'Evans ignorait totalement l'endroit où reposait le corps de sa femme, ni comment elle avait été tuée. Il a affirmé que le corps de sa femme se trouvait dans un égout devant la maison, mais qu'une fouille policière n'a permis de trouver aucun reste. Cela aurait dû en soi donner lieu à une fouille approfondie de la maison, du lavoir et du jardin, mais aucune mesure n'a été prise jusqu'à ce que les deux corps soient retrouvés dans le lavoir. Evans ignorait également totalement lors de sa première interview que sa fille avait été tuée. L'interrogatoire de la police à Londres a été mal géré dès le début, lorsqu'ils lui ont montré les vêtements de sa femme et de son bébé et ont révélé qu'ils avaient été retrouvés dans le lavoir. De telles informations auraient dû lui être cachées afin de l'obliger à dire à la police où les corps avaient été cachés. Les plusieurs « aveux » apparents contiennent des mots et des expressions douteuses dans un langage de registre élevé, tels que « argument formidable », qui semblent déplacés pour un jeune homme en détresse, sans instruction, de la classe ouvrière comme Evans et n'ont aucun rapport avec ce qu'il a probablement dit. . Il s’agissait presque certainement d’inventions réalisées par la police, comme l’a souligné Ludovic Kennedy, bien plus tard après que la vérité sur Christie ait été révélée. La police a accepté toutes les déclarations de Christie comme étant factuelles sans enquête plus approfondie, et il a été le témoin crucial au procès d'Evans. Compte tenu du fait que Christie avait été condamné au pénal pour vol et blessures intentionnelles (ce qui n'était pas le cas d'Evans), la confiance accordée à son témoignage était discutable. Près de trois années se sont écoulées sans incident majeur pour Christie après le procès d'Evans. Christie a perdu son emploi à la Post Office Savings Bank parce que son passé criminel avait été révélé lors du procès, mais il a trouvé un autre emploi en tant que commis auprès des British Road Services dans leur dépôt de Shepherd's Bush. Au même moment, de nouveaux locataires sont arrivés pour occuper les chambres vacantes du premier et du deuxième étage du 10 Rillington Place. Les locataires étaient des immigrants noirs des Antilles ; cela horrifiait les Christies, qui considéraient leurs voisins comme inférieurs et n'aimaient pas vivre avec eux. Les tensions entre les nouveaux locataires et les Christie ont atteint leur paroxysme lorsqu'Ethel Christie a poursuivi l'un de ses voisins pour agression. Christie a négocié avec succès avec le Poor Man's Lawyer Center pour continuer à avoir l'usage exclusif du jardin arrière, apparemment pour avoir un espace entre lui et ses voisins. Meurtre d'Ethel Christie Le matin du 14 décembre 1952, Christie étrangla Ethel au lit. Elle avait été vue pour la dernière fois en public deux jours plus tôt. Christie a inventé plusieurs histoires pour expliquer la disparition de sa femme et pour aider à atténuer la possibilité que des enquêtes plus approfondies soient menées. En réponse à une lettre de parents à Sheffield, il écrivit qu'Ethel souffrait de rhumatismes et ne pouvait pas écrire elle-même ; à une voisine, il a expliqué qu'elle rendait visite à ses proches à Sheffield ; à une autre, il dit qu'elle était partie à Birmingham. Christie avait démissionné de son emploi le 6 décembre et était depuis lors au chômage. Pour subvenir à ses besoins, Christie a vendu l'alliance, la montre et les meubles d'Ethel. Chaque semaine, il se rendait à la Bourse du Travail pour récupérer ses allocations de chômage. Le 26 janvier 1953, il falsifie la signature de sa femme et vide son compte bancaire. D'autres meurtres Entre le 19 janvier et le 6 mars 1953, Christie assassina trois autres femmes qu'il avait invitées au 10 Rillington Place : Kathleen Maloney, Rita Nelson et Hectorina MacLennan. Maloney était une prostituée de la région de Ladbroke Grove. Nelson était originaire de Belfast et rendait visite à sa sœur à Ladbroke Grove lorsqu'elle a rencontré Christie. Christie a rencontré MacLennan pour la première fois, qui vivait à Londres avec son petit ami, Alex Baker, dans un café. Tous les trois se sont rencontrés à plusieurs reprises par la suite et Christie a laissé MacLennan et Baker rester à Rillington Place pendant qu'ils cherchaient un logement. À une autre occasion, Christie a rencontré MacLennan seule et l'a persuadée de revenir dans son appartement, où il l'a assassinée. Plus tard, il a convaincu Baker, venu à Rillington Place à la recherche de MacLennan, qu'il ne l'avait pas vue. Christie a continué à faire semblant pendant plusieurs jours, rencontrant régulièrement Baker pour voir s'il avait des nouvelles de sa localisation et pour l'aider à la rechercher. Pour les meurtres de ses trois dernières victimes, Christie a modifié la technique de gazage qu'il avait utilisée pour la première fois sur Muriel Eady ; il a simplement utilisé un tube en caoutchouc relié au tuyau de gaz de la cuisine qu'il a maintenu fermé par une pince bouledogue. Il a fait asseoir ses victimes dans la cuisine, a relâché le clip du tube et a laissé du gaz s'infiltrer dans la pièce. Le rapport Brabin a souligné que l'explication de Christie sur sa technique de gazage n'était pas satisfaisante car il aurait également été maîtrisé par le gaz. Il a néanmoins été établi que les trois victimes avaient été exposées au monoxyde de carbone. Le gaz a rendu ses victimes somnolentes, après quoi Christie les a étranglées avec un morceau de corde. Comme pour Eady, Christie a violé ses trois dernières victimes alors qu'elles étaient inconscientes et a continué à le faire jusqu'à leur mort. Lorsque cet aspect de ses crimes fut révélé publiquement, Christie acquit rapidement une réputation de nécrophile. Un commentateur a cependant mis en garde contre la catégorisation de Christie comme telle ; selon les récits que Christie a donnés à la police, il n'a eu de relations sexuelles avec aucune de ses victimes exclusivement après sa mort. Après avoir assassiné chacune de ses dernières victimes, il a caché leurs corps dans une petite alcôve derrière le mur de l'arrière de la cuisine, recouvert de papier peint. Christie a enveloppé les corps de ses victimes à moitié nues dans des couvertures, de la même manière que le corps de Beryl Evans avait été enveloppé. Arrêter Christie a quitté le 10 Rillington Place le 20 mars 1953, après avoir frauduleusement sous-loué son appartement à un couple à qui il a pris 7 £ 13s 0d (7,65 £ ou environ £ au ). Le propriétaire est venu le soir même et, trouvant le couple là-bas à la place de Christie, a exigé qu'ils partent à la première heure le lendemain matin. Le propriétaire a alors autorisé le locataire de l'appartement du dernier étage, Beresford Brown, à utiliser la cuisine de Christie. Le 24 mars, Brown a découvert l'alcôve de la cuisine lorsqu'il a tenté d'insérer des supports dans le mur pour maintenir un poste sans fil. En retirant le papier peint, Brown a vu les corps de Maloney, Nelson et MacLennan. Après avoir obtenu la confirmation d'un autre locataire du 10 Rillington Place qu'il s'agissait de cadavres, Brown a informé la police et une recherche de Christie dans toute la ville a commencé. Après avoir quitté Rillington Place, Christie s'est rendu dans une Rowton House à King's Cross, où il a réservé une chambre pour sept nuits sous son vrai nom et sa véritable adresse. Il n'est resté que quatre nuits, avant de repartir le 24 mars lorsque la nouvelle de la découverte de son appartement a été annoncée, après quoi il a erré dans Londres, passant une grande partie de son temps dans les cafés. Le matin du 31 mars, Christie a été arrêté sur le talus près de Putney Bridge après avoir été interrogé sur son identité par un policier ; tout ce qu'il avait en sa possession, c'était quelques pièces de monnaie et une vieille coupure de journal concernant la détention provisoire de Timothy Evans. Condamnation et exécution Pendant sa détention, Christie a avoué sept meurtres : les trois femmes trouvées dans l'alcôve de la cuisine, sa femme et les deux femmes enterrées dans le jardin arrière. Il a également admis être responsable du meurtre de Beryl Evans, dont Timothy Evans avait été initialement accusé lors de l'enquête policière en 1949, bien qu'il ait nié avoir tué Geraldine Evans. Christie n'a été jugé que pour le meurtre de sa femme Ethel. Son procès débuta le 22 juin 1953, devant le même tribunal devant lequel Evans avait été jugé trois ans plus tôt. Christie a plaidé la folie et a affirmé avoir un mauvais souvenir des événements. Le jury a rejeté le plaidoyer et, après 85 minutes de délibération, a déclaré Christie coupable. Christie ne fit pas appel de sa condamnation et, le 15 juillet 1953, il fut pendu à la prison de Pentonville par Albert Pierrepoint, qui avait également pendu Evans. Après avoir été pressenti pour être exécuté, Christie s'est plaint de démangeaisons au nez. Pierrepoint lui a assuré que "ça ne vous dérangera pas longtemps". Il existe un modèle en cire de Christie's accroché dans la Chambre des Horreurs de Madame Tussaud's à Londres. Innocence de Timothy Evans Après la condamnation de Christie, il y a eu une controverse importante concernant le procès antérieur d'Evans, qui avait été condamné principalement sur la base du témoignage d'un tueur en série vivant dans la même propriété dans laquelle Evans aurait commis ses crimes. Christie a avoué le meurtre de Beryl Evans et bien qu'il n'ait ni avoué ni été accusé du meurtre de Geraldine Evans, il a été considéré comme coupable des deux meurtres par beaucoup à l'époque. Ceci, à son tour, a jeté le doute sur l'équité du procès d'Evans et a soulevé la possibilité qu'une personne innocente ait été pendue. La controverse a incité le ministre de l'Intérieur de l'époque, David Maxwell-Fyfe, à commander une enquête menée par John Scott Henderson, QC, le Recorder de Portsmouth, pour déterminer si Evans avait été innocent de ses crimes et si une erreur judiciaire s'était produite. Scott Henderson a interrogé Christie avant son exécution, ainsi qu'une vingtaine d'autres témoins impliqués dans l'une ou l'autre des enquêtes policières. Il a conclu qu'Evans était en fait coupable des deux meurtres et que les aveux de Christie sur le meurtre de Beryl Evans n'étaient pas fiables et faits dans le contexte de sa propre défense selon laquelle il était fou. Loin de mettre fin à l'affaire, des questions ont continué d'être soulevées au Parlement concernant l'innocence d'Evans, ainsi que des campagnes dans les journaux et des livres publiés faisant des affirmations similaires. L'enquête Scott Henderson a été critiquée pour avoir été menée sur une période trop courte (une semaine) et pour avoir fait preuve de préjugés quant à la possibilité qu'Evans soit innocent. Cette controverse, ainsi que la coïncidence selon laquelle deux étrangleurs auraient vécu dans la même propriété en même temps si Evans et Christie avaient tous deux été coupables, ont maintenu en vie la question selon laquelle une erreur judiciaire avait eu lieu lors du procès d'Evans. Cette incertitude a conduit à une deuxième enquête, présidée par le juge de la Haute Cour, Sir Daniel Brabin, qui a été menée au cours de l'hiver 1965-1966. Brabin a réexaminé une grande partie des preuves des deux cas et a évalué certains des arguments en faveur de l'innocence d'Evans. Ses conclusions étaient qu'il était « plus probable qu'improbable » qu'Evans ait tué sa femme mais pas sa fille Geraldine, dont Christie était responsable de la mort. Le motif probable de Christie était que sa présence continue aurait attiré l'attention sur la disparition de Beryl. Brabin a également noté, cependant, que l'incertitude impliquée dans l'affaire aurait empêché un jury d'être convaincu au-delà de tout doute raisonnable de la culpabilité d'Evans s'il avait été rejugé. Ces conclusions ont été utilisées par le ministre de l'Intérieur, Roy Jenkins, pour recommander une grâce posthume pour Timothy Evans, qui a été accordée, car Evans avait été jugé et exécuté pour le meurtre de sa fille. Jenkins a annoncé l'octroi de la grâce d'Evans à la Chambre des communes le 18 octobre 1966. Cela a permis aux autorités de restituer la dépouille d'Evans à sa famille, qui l'a fait inhumer de nouveau dans une tombe privée. Un débat a déjà eu lieu au Royaume-Uni sur le maintien de la peine de mort dans le système judiciaire. La controverse générée par le cas d'Evans, ainsi qu'un certain nombre d'autres cas controversés de la même époque, ont contribué à la suspension en 1965, puis à l'abolition de la peine capitale au Royaume-Uni pour meurtre. Développements ultérieurs En 1954, l'année qui a suivi l'exécution de Christie, Rillington Place a été rebaptisée Ruston Close, mais le numéro 10 a continué à être occupé à plusieurs reprises. Les trois familles qui y vivaient en 1970 ont refusé de déménager pour le tournage du film 10 Rillington Place de 1971, qui s'est donc déroulé dans le numéro 6 vide. La maison et la rue ont été démolies plus tard et le quartier a changé au point de devenir méconnaissable. Des logements à Bartle Road, Londres W11, occupent désormais le site. Richard Attenborough, qui incarnait Christie dans le film, a parlé de son ambivalence concernant le rôle : « Je n'aime pas jouer ce rôle, mais je l'ai accepté tout de suite sans voir le scénario. Je ne me suis jamais senti aussi totalement impliqué dans un rôle que celui-ci. (...) C'est une déclaration des plus dévastatrices sur la peine capitale." Septembre 1969 voit la première de Christie in Love, une pièce de Howard Brenton sur les meurtres et les anomalies psychologiques de Christie, qui les relie à la violence et au sadisme dans la société dans son ensemble. Depuis, il a été relancé à plusieurs reprises. En janvier 2003, le ministère de l'Intérieur a accordé à la demi-sœur de Timothy Evans, Mary Westlake, et à sa sœur, Eileen Ashby, des paiements à titre gracieux en guise de compensation pour l'erreur judiciaire survenue lors du procès de Timothy Evans. L'évaluateur indépendant du ministère de l'Intérieur, Lord Brennan QC, a reconnu que « la condamnation et l'exécution de Timothy Evans pour le meurtre de son enfant étaient illicites et constituaient une erreur judiciaire » et qu'« il n'y a aucune preuve permettant d'impliquer Timothy Evans dans le meurtre ». de sa femme. Elle a très probablement été assassinée par Christie. Lord Brennan pensait que la conclusion du rapport Brabin selon laquelle Evans avait probablement assassiné sa femme devrait être rejetée compte tenu des aveux et de la condamnation de Christie. Autres meurtres Sur la base des poils pubiens que Christie a collectés sur ses victimes, il a été supposé qu'il était responsable de plus de meurtres que ceux perpétrés au 10 Rillington Place. Christie a affirmé que les quatre touffes de cheveux différentes de sa collection provenaient de sa femme et des trois corps découverts dans l'alcôve de la cuisine, mais qu'une seule correspondait au type de cheveux de ces corps, celui d'Ethel Christie. Même si deux des autres provenaient des corps de Fuerst et Eady, qui s'étaient alors décomposés en squelettes, il restait toujours une touffe de cheveux introuvable - elle ne pouvait pas provenir de Beryl Evans, car aucun poil pubien n'avait été retrouvé. retirée de son corps. En 1978, le professeur Keith Simpson, l'un des pathologistes impliqués dans l'examen médico-légal des victimes de Christie, a déclaré ceci à propos de la collecte de poils pubiens : Cependant, aucune tentative n'a été ou n'a été faite pour retrouver d'autres victimes de Christie, comme l'examen des dossiers de femmes disparues à Londres pendant sa période d'activité. Michael Eddowes a suggéré dans son livre de 1955 que Christie était dans une position idéale en tant qu'agent de police spécial pendant la guerre pour avoir commis beaucoup plus de meurtres que ce qui a été découvert.

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Qui a tué Lee Harvey Oswald ?

Jack Ruby

John Fitzgerald Kennedy, le 35e président des États-Unis, a été assassiné à 12h30. Heure normale du centre (18h30 UTC) le vendredi 22 novembre 1963, à Dealey Plaza, Dallas, Texas. Mortellement abattu par Lee Harvey Oswald, Kennedy voyageait avec sa femme, Jacqueline, le gouverneur du Texas John Connally et l'épouse de Connally, Nellie, dans un cortège présidentiel. Une enquête de dix mois menée de novembre 1963 à septembre 1964 par la Commission Warren a conclu qu'Oswald avait agi seul en tirant sur Kennedy et que Jack Ruby avait également agi seul lorsqu'il avait tué Oswald avant de pouvoir être jugé. La mort de Kennedy constitue le quatrième et dernier assassinat réussi d'un président américain. Le vice-président Lyndon B. Johnson est devenu président à la mort de Kennedy, prêtant le serment d'office prescrit par la Constitution à bord d'Air Force One à l'aéroport Love Field de Dallas avant de partir pour Washington, D.C. Contrairement aux conclusions de la Commission Warren, le Comité spécial de la Chambre des représentants sur les assassinats (HSCA) des États-Unis a conclu en 1979 que Kennedy avait été « probablement assassiné à la suite d'un complot ». La HSCA était d'accord avec la Commission Warren sur le fait que les blessures de Kennedy et Connally avaient été causées par les trois coups de feu d'Oswald, mais elle a également déterminé l'existence de coups de feu supplémentaires sur la base de l'analyse d'un enregistrement audio et donc "... une forte probabilité que deux hommes armés ont tiré". chez [le] Président". Le Comité n'a été en mesure d'identifier aucun individu ou groupe impliqué dans le complot. En outre, la HSCA a conclu que les enquêtes fédérales initiales étaient « sérieusement viciées » en ce qui concerne le partage d'informations et la possibilité de complot. Comme l'a recommandé la HSCA, les preuves acoustiques indiquant un complot ont ensuite été réexaminées et rejetées. À la lumière des rapports d'enquête déterminant que « des données acoustiques fiables ne permettent pas de conclure qu'il y avait un deuxième tireur », le ministère de la Justice a conclu une enquête active, déclarant « qu'aucune preuve convaincante ne peut être identifiée pour étayer la théorie d'un complot dans ... l'assassinat du président Kennedy". Cependant, l'assassinat de Kennedy fait toujours l'objet d'un large débat et a donné naissance à de nombreuses théories du complot et scénarios alternatifs. Un sondage réalisé en 2013 a montré que 60 % des Américains pensent qu'un groupe de conspirateurs était responsable de l'assassinat. Assassinat Arrière-plan John Fitzgerald Kennedy s'est rendu au Texas en novembre 1963 afin de soutenir sa prochaine campagne de réélection pour les élections présidentielles américaines de 1964. Route vers Dealey Plaza Le parcours du cortège du président Kennedy à travers Dallas était prévu pour lui donner une exposition maximale aux foules de Dallas avant son arrivée, aux côtés du vice-président Lyndon Johnson et du gouverneur du Texas John Connally, lors d'un déjeuner avec des dirigeants civiques et commerciaux de cette ville. Le personnel de la Maison Blanche a informé les services secrets que le président arriverait à Dallas via un court vol depuis la base aérienne de Carswell à Fort Worth jusqu'à l'aéroport de Dallas Love Field. Le Dallas Trade Mart avait été préalablement sélectionné pour le déjeuner et la décision finale du Trade Mart car la fin du voyage en cortège a été choisie par l'ami du président Kennedy et secrétaire aux nominations, Kenneth O'Donnell. Au départ de Love Field de Dallas, 45 minutes avaient été allouées au cortège pour atteindre le Dallas Trade Mart à une heure d'arrivée prévue à 12 h 15. L'itinéraire réel a été choisi comme étant un itinéraire sinueux de 16 km entre Love Field et le Trade Mart, qui pouvait être parcouru lentement dans le temps imparti. L'agent spécial Winston G. Lawson, un membre de l'équipe de la Maison Blanche qui a agi en tant qu'agent avancé des services secrets, et l'agent des services secrets Forrest V. Sorrels, agent spécial en charge du bureau de Dallas, ont été les plus actifs dans la planification de l'itinéraire réel. Le 14 novembre, Lawson et Sorrels ont assisté à une réunion à Love Field et ont emprunté l'itinéraire que Sorrels croyait le plus adapté au cortège. Depuis Love Field, l'itinéraire traversait une partie de la banlieue de Dallas, traversait le centre-ville le long de Main Street et enfin jusqu'au Trade Mart via un court segment de l'autoroute Stemmons. Pour le retour du président à Love Field, d'où il prévoyait de partir pour un dîner de collecte de fonds à Austin plus tard dans la journée, les agents ont choisi un itinéraire plus direct, d'environ 4 miles, soit 6,4 kilomètres (une partie de cet itinéraire serait être utilisé après l'assassinat). L'itinéraire prévu vers le Trade Mart a été largement rapporté dans les journaux de Dallas plusieurs jours avant l'événement, au profit des personnes souhaitant voir le cortège. Pour traverser le centre-ville de Dallas, un itinéraire vers l'ouest le long de la rue principale de Dallas, plutôt que d'Elm Street (un pâté de maisons au nord) a été choisi, car il s'agissait de l'itinéraire traditionnel du défilé et offrait une vue maximale sur les bâtiments et la foule. L'itinéraire de la rue Main empêchait un virage direct vers la sortie Fort Worth Turnpike (qui servait également de sortie de l'autoroute Stemmons), qui était la route vers le Trade Mart, car cette sortie n'était accessible que depuis Elm Street. L'itinéraire prévu du cortège comprenait donc un court virage d'un pâté de maisons à la fin du segment du centre-ville de Main Street, sur Houston Street pendant un pâté de maisons vers le nord, avant de tourner à nouveau vers l'ouest sur Elm, afin de traverser Dealey Plaza avant de quitter Elm sur la Autoroute Stemmons. Le Texas School Book Depository était situé à ce coin de Houston et Elm. Trois véhicules ont été utilisés pour les services secrets et la protection de la police dans le cortège de Dallas. La première voiture, une Ford blanche (à toit rigide) banalisée, transportait le chef de la police de Dallas, Jesse Curry, l'agent des services secrets Win Lawson, le shérif Bill Decker et l'agent de terrain de Dallas, Forrest Sorrels. La deuxième voiture, une Lincoln Continental décapotable de 1961, transportait l'agent Bill Greer, SAIC Roy Kellerman, le gouverneur John Connally, Nellie Connally, le président Kennedy et Jackie Kennedy. La troisième voiture, une Cadillac décapotable de 1955 nommée "Halfback", contenait le chauffeur Agent Sam Kinney, l'ATSAIC Emory Roberts, les assistants présidentiels Ken O'Donnell et Dave Powers, le chauffeur Agent George Hickey et l'agent PRS Glen Bennett. Les agents des services secrets Clint Hill, Jack Ready, Tim McIntyre et Paul Landis montaient sur les marchepieds. Il y avait un fusil AR-15 dans le troisième véhicule. Le 22 novembre, après un petit-déjeuner à Fort Worth, où le président Kennedy avait passé la nuit après son arrivée de San Antonio, Houston et Washington, D.C., la veille, le président est monté à bord d'Air Force One, qui est parti à 11 h 10 et est arrivé. à Love Field 15 minutes plus tard. Vers 11 h 40, le cortège présidentiel a quitté Love Field pour le voyage à travers Dallas, qui durait environ 10 minutes de plus que les 45 minutes prévues, en raison d'une foule enthousiaste estimée entre 150 000 et 200 000 personnes, et de deux arrêts imprévus dirigés vers par le président. Au moment où le cortège a atteint Dealey Plaza, ils n'étaient qu'à 5 minutes de leur destination prévue. L'assassinat Tournage à Dealey Plaza À 12h30 CST, alors que la limousine décapotable à quatre portes Lincoln Continental de 1961 du président Kennedy entrait dans Dealey Plaza, Nellie Connally, alors Première Dame du Texas, se tourna vers le président Kennedy, qui était assis derrière elle, et commenta : « Monsieur le Président, vous pouvez "Je ne dis pas que Dallas ne vous aime pas", ce que le président Kennedy a reconnu en disant "Non, vous ne pouvez certainement pas." Ce furent les derniers mots prononcés par John F. Kennedy. Depuis Houston Street, la limousine présidentielle a effectué le virage à gauche prévu sur Elm Street, lui permettant d'accéder à la sortie Stemmons Freeway. En tournant vers Elm, le cortège est passé devant le Texas School Book Depository. Des coups de feu ont été tirés sur le président Kennedy alors qu'ils poursuivaient leur route dans Elm Street. Environ 80 % des témoins se souviennent d'avoir entendu trois coups de feu. Une minorité de témoins ont reconnu le premier coup de feu qu'ils ont entendu comme un tir d'arme, mais il n'y a eu pratiquement aucune réaction au premier coup de feu de la part de la majorité des personnes présentes dans la foule ou de celles qui circulaient dans le cortège. Beaucoup ont déclaré plus tard avoir entendu ce qu'ils pensaient d'abord être un pétard, ou le pétard d'échappement d'un véhicule, juste après que le président ait commencé à faire signe. À une seconde d'intervalle, le président Kennedy, le gouverneur Connally et Mme Kennedy se sont tous brusquement tournés de leur regard vers la gauche vers leur droite, entre les images 155 et 169 du film Zapruder. Connally, comme le président, un militaire de la Seconde Guerre mondiale un vétéran (et, contrairement à lui, un chasseur de longue date), a déclaré avoir immédiatement reconnu le bruit d'un fusil de grande puissance, puis il a tourné la tête et le torse vers la droite, essayant de voir le président Kennedy derrière lui. Le gouverneur Connally a déclaré qu'il ne pouvait pas voir le président, alors il a alors recommencé à se tourner vers l'avant (en se tournant de sa droite vers sa gauche). Connally a témoigné que lorsque sa tête était tournée à environ 20 degrés à gauche du centre, il a été touché dans le haut droit du dos par une balle qu'il n'a pas entendu tirer. Le médecin qui a opéré Connally a mesuré sa tête au moment où il a été frappé, à 27 degrés à gauche du centre. Après que Connally ait été touché, il a crié : "Oh, non, non, non. Mon Dieu. Ils vont tous nous tuer !" Mme Connally a témoigné que juste après avoir entendu un bruit fort et effrayant venant de quelque part derrière elle et à sa droite, elle s'est tournée vers le président Kennedy et l'a vu avec ses bras et ses coudes levés haut, avec ses mains devant son visage et sa gorge. . Elle a ensuite entendu un autre coup de feu, puis le gouverneur Connally crier. Mme Connally s'est ensuite détournée du président Kennedy vers son mari, à quel point un autre coup de feu a retenti et elle et l'intérieur de la limousine ont été couverts de fragments de crâne, de sang et de cerveau. Selon la Commission Warren et le Comité spécial de la Chambre sur les assassinats, alors que le président Kennedy saluait la foule à sa droite avec son bras droit levé sur le côté de la limousine, une balle a pénétré dans le haut de son dos, a pénétré son cou et a légèrement endommagé une colonne vertébrale. vertèbre et le haut de son poumon droit, et est sorti de sa gorge presque au centre, juste en dessous de son larynx, entaillant le côté gauche du nœud de cravate de son costume. Il leva les coudes et serra les poings devant son visage et son cou, puis se pencha en avant et partit. Mme Kennedy, lui faisant face, passa alors ses bras autour de lui avec inquiétude. Le gouverneur Connally a également réagi après que la même balle a pénétré dans son dos juste en dessous de son aisselle droite, créant une blessure d'entrée ovale, a touché et détruit quatre pouces de sa cinquième côte droite, est sortie de sa poitrine juste en dessous de son mamelon droit, créant un deux et un. - une plaie thoracique ovale d'un demi-pouce d'air aspiré, est entrée dans son bras juste au-dessus de son poignet droit, a proprement brisé son radius droit en huit morceaux, est sortie juste en dessous du poignet, sur le côté intérieur de sa paume droite, et s'est finalement logée dans son intérieur gauche. cuisse. La Commission Warren a émis l'hypothèse que la « balle unique » (voir théorie de la balle unique) avait frappé entre les images Zapruder 210 et 225, tandis que le comité spécial de la Chambre a émis l'hypothèse qu'elle avait frappé exactement l'image Zapruder 190. Selon la Commission Warren, un deuxième coup de feu a touché le président à l'image 313 du film Zapruder. La Commission n'a tiré aucune conclusion quant à savoir s'il s'agissait de la deuxième ou de la troisième balle tirée. La limousine présidentielle passait alors devant la structure en béton de la pergola nord de John Neely Bryan. Chaque organisme a conclu que le deuxième coup de feu visant le président était entré à l'arrière de sa tête (le comité spécial de la Chambre a placé la blessure d'entrée quatre pouces plus haut que la Commission Warren ne l'avait placée) et, passant par fragments à travers sa tête, a créé un grand " trou à peu près ovale" [sic] à l'arrière, côté droit. Le sang du président et des fragments de son cuir chevelu, de son cerveau et de son crâne ont atterri sur l'intérieur de la voiture, les surfaces intérieures et extérieures du pare-brise en verre et des pare-soleil surélevés, le capot moteur avant, le couvercle du coffre arrière, le suivi des services secrets. voiture et le bras gauche de son conducteur, et des agents motocyclistes chevauchant des deux côtés du président derrière lui. L'agent spécial des services secrets des États-Unis, Clint Hill, se trouvait sur le marchepied avant gauche de la voiture suivante, qui se trouvait immédiatement derrière la limousine présidentielle. Hill a témoigné qu'il avait entendu un coup de feu, puis, comme le montrent d'autres films et en même temps que l'image 308 de Zapruder, il a sauté dans Elm Street et a couru en avant pour essayer de monter dans la limousine et de protéger le président. (Hill a témoigné devant la Commission Warren qu'après avoir sauté dans Elm Street, il avait entendu deux autres coups de feu.) Après que le président ait reçu une balle dans la tête, Mme Kennedy a commencé à monter à l'arrière de la limousine, même si elle ne s'en souvenait plus par la suite. Hill pensait qu'elle cherchait quelque chose, peut-être un morceau du crâne du président. Il a sauté à l'arrière de la limousine tandis qu'au même moment Mme Kennedy retournait à son siège, et il s'est accroché à la voiture alors qu'elle quittait Dealey Plaza et a accéléré, se dirigeant à toute vitesse vers l'hôpital Parkland Memorial. Après que Mme Kennedy ait regagné son siège de limousine, le gouverneur Connally et Mme Connally l'ont entendue dire plus d'une fois : « Ils ont tué mon mari » et « J'ai son cerveau dans ma main ». Dans une interview longuement rédigée pour le magazine Life quelques jours plus tard, Mme Kennedy se souvient : "Pendant tout le trajet jusqu'à l'hôpital, je n'arrêtais pas de me pencher sur lui en disant : 'Jack, Jack, tu m'entends ? Je t'aime, Jack.' Je n'arrêtais pas de lui maintenir le haut de la tête baissé pour essayer de maintenir le..." La veuve du Président n'a pas pu terminer sa phrase. D'autres blessés Le gouverneur Connally, qui se trouvait dans la même limousine, assis devant le président et à trois pouces de plus à gauche que le président, a également été grièvement blessé mais a survécu. Les médecins ont déclaré plus tard qu'après que le gouverneur ait été abattu, sa femme l'avait tiré sur ses genoux et que la posture qui en résultait avait aidé à refermer sa blessure à l'avant de la poitrine (ce qui provoquait l'aspiration d'air directement dans sa poitrine autour de son poumon droit effondré). James Tague, spectateur et témoin de l'assassinat, a également reçu une blessure mineure à la joue droite alors qu'il se tenait à 531 pieds du sixième étage du dépôt, fenêtre la plus à l'est, à 270 pieds devant et légèrement à droite de la tête du président Kennedy, face à la direction. , et à plus de 16 pieds sous le sommet de la tête du président. La blessure de Tague s'est produite lorsqu'une balle ou un fragment de balle sans enveloppe en cuivre a heurté le trottoir sud de la rue Main, à proximité. Un shérif adjoint a remarqué du sang sur la joue de Tague et Tague a réalisé que quelque chose lui avait piqué le visage pendant la fusillade. Lorsque Tague a montré où il se tenait, le policier a remarqué une trace de balle sur un trottoir voisin. Neuf mois plus tard, le FBI a retiré la bordure et une analyse spectrographique a révélé des résidus métalliques correspondant à ceux du noyau de plomb des munitions d'Oswald. Lorsque Tague a témoigné devant la Commission Warren et qu'on lui a demandé lequel des trois coups de feu qu'il se souvenait avoir entendu l'avait frappé, il a déclaré qu'il s'agissait du deuxième ou du troisième coup de feu. Lorsque l'avocat de la Commission Warren a insisté davantage, Tague a déclaré qu'il avait été frappé en même temps que le deuxième coup de feu. Conséquences à Dealey Plaza La limousine présidentielle passait devant une butte herbeuse du côté nord d'Elm Street au moment de la balle mortelle dans la tête. Alors que le cortège quittait la place, des policiers et des spectateurs ont couru vers le haut de la butte et depuis un pont ferroviaire au-dessus d'Elm Street (le triple passage souterrain), jusqu'à la zone située derrière une palissade de cinq pieds (1,5 m) de haut au sommet de la butte, la séparant. d'un parking. Aucun tireur d'élite n'a été trouvé. S. M. Holland, qui surveillait le cortège sur le triple passage souterrain, a déclaré qu'« immédiatement » après les coups de feu, il a contourné le coin où le passage supérieur rejoignait la clôture, mais n'a vu personne fuir la zone. Lee Bowers, un aiguilleur de chemin de fer assis dans une tour à deux étages, avait une vue dégagée sur l'arrière de la palissade au sommet de la butte herbeuse pendant la fusillade. Il a vu un total de quatre hommes dans la zone située entre sa tour et Elm Street : un homme d'âge moyen et un homme plus jeune, espacés de dix mètres près du triple passage souterrain, qui ne semblaient pas se connaître, et un ou deux hommes en uniforme. préposés au stationnement. Au moment de la fusillade, il a vu « quelque chose d'anormal, une sorte de grouillage », qu'il n'a pas pu identifier. Bowers a témoigné que l'un des hommes, ou les deux, étaient toujours là lorsque le policier motocycliste Clyde Haygood a gravi la colline herbeuse jusqu'à l'arrière de la clôture. Dans une interview en 1966, Bowers a précisé que les deux hommes qu'il avait vus se tenaient dans l'ouverture entre la pergola et la clôture, et que « personne » n'était derrière la clôture au moment où les coups de feu ont été tirés. Pendant ce temps, Howard Brennan, un monteur de vapeur qui était assis en face du Texas School Book Depository, a informé la police que, alors qu'il regardait passer le cortège, il a entendu un coup de feu venir d'en haut et a levé les yeux pour voir un homme avec un fusil faire un autre plan depuis une fenêtre d'angle au sixième étage. Il a déclaré avoir vu le même homme quelques minutes plus tôt regarder par la fenêtre. Brennan a donné une description du tireur, et la police de Dallas a ensuite diffusé des descriptions à 12 h 45, 12 h 48 et 12 h 55. Après le deuxième coup de feu, Brennan se souvient : "Cet homme que j'ai vu précédemment visait son dernier coup ... et s'est peut-être arrêté une seconde de plus, comme pour s'assurer qu'il avait atteint sa cible." Alors que Brennan parlait à la police devant le bâtiment, ils ont été rejoints par Harold Norman et James Jarman, Jr., deux employés du Texas School Book Depository qui avaient observé le cortège depuis les fenêtres du coin sud-est du cinquième étage. Norman a rapporté avoir entendu trois coups de feu venant directement au-dessus de leurs têtes. Norman a également entendu le bruit d'un fusil à verrou et de cartouches tombant sur le sol au-dessus d'eux. On estime que la police de Dallas a bouclé les entrées du Texas School Book Depository entre 0 h 33 et 12 h 50. Sur les 104 témoins auditifs de Dealey Plaza qui ont donné une opinion sur la direction d'où provenaient les coups de feu, 54 (51,9 %) pensaient que tous les tirs provenaient de la direction du Texas School Book Depository, 33 (31,7 %) pensaient que que tous les tirs provenaient de la zone de la butte herbeuse ou du triple passage souterrain, 9 (8,7 %) pensaient que tous les tirs provenaient d'un endroit entièrement distinct de la butte ou du Dépôt, 5 (4,8 %) pensaient avoir entendu des coups de feu provenant de deux endroits, et 3 (2,9 %) pensaient que les tirs provenaient d'une direction compatible avec la butte et le dépôt. De plus, la Commission Warren a déclaré qu'à propos des trois coups de feu dont elle avait conclu qu'ils avaient été tirés, "une majorité substantielle des témoins ont déclaré que les coups n'étaient pas uniformément espacés. La plupart des témoins se sont souvenus que les deuxième et troisième coups étaient regroupés". Lee Harvey Oswald Lee Harvey Oswald, porté disparu à la police de Dallas par Roy Truly, son superviseur au dépôt, a été arrêté environ 70 minutes après l'assassinat du policier de Dallas, J. D. Tippit. Selon le témoin Helen Markam, Tippit avait repéré Oswald marchant le long d'un trottoir dans le quartier résidentiel d'Oak Cliff, à cinq kilomètres de Dealey Plaza. L'agent Tippit avait reçu plus tôt un message radio décrivant le suspect recherché dans l'assassinat et avait appelé Oswald à la voiture de patrouille. Helen Markam a témoigné qu'après un échange de mots, Tippit est sorti de sa voiture et Oswald lui a tiré dessus à quatre reprises. Oswald a ensuite été vu par le gérant du magasin de chaussures, Johnny Brewer, "en train de se cacher" dans l'alcôve d'entrée de son magasin. Se méfiant de cette activité, Brewer a regardé Oswald continuer dans la rue et se glisser dans le Texas Theatre voisin sans payer. Brewer a alerté le guichetier du théâtre, qui a téléphoné à la police vers 13 h 40. Selon l'un des agents qui ont procédé à l'arrestation, M.N. McDonald, Oswald a résisté à son arrestation et tentait de dégainer son pistolet lorsqu'il a été frappé et retenu de force par la police. Il a été accusé des meurtres du président Kennedy et de l'officier Tippit plus tard dans la nuit. Oswald a nié avoir tiré sur qui que ce soit et a affirmé qu'il était un bouc émissaire arrêté parce qu'il avait vécu en Union soviétique. Le cas d'Oswald n'a jamais été jugé car deux jours plus tard, alors qu'il était escorté jusqu'à une voiture pour être transféré du quartier général de la police de Dallas à la prison du comté de Dallas, il a été mortellement blessé par balle par le propriétaire de la discothèque de Dallas, Jack Ruby, en direct à la télévision américaine à 11h21. matin, CST, le dimanche 24 novembre. Il a été transporté inconscient en ambulance à l'hôpital Parkland Memorial, le même hôpital où les médecins avaient tenté de sauver la vie du président Kennedy deux jours plus tôt, et est décédé à 13 h 07. La mort d'Oswald a été annoncée au journal télévisé par le chef de la police de Dallas, Jesse Curry. Une autopsie a été pratiquée par le médecin légiste du comté de Dallas à 14 h 45. le même jour. La cause du décès indiquée dans le rapport d'autopsie était "une hémorragie secondaire à une blessure par balle à la poitrine". Arrêté immédiatement après la fusillade, Ruby a déclaré plus tard qu'il avait été bouleversé par l'assassinat de Kennedy et que tuer Oswald épargnerait "... à Mme Kennedy la déconfiture de revenir au procès". Fusil Carcano Un fusil à verrou italien Carcano M91/38 (voir cartouche Mannlicher-Carcano 6,5 × 52 mm) a été trouvé au 6ème étage du Texas School Book Depository par le gendarme adjoint Seymour Weitzman et le shérif adjoint Eugene Boone peu après l'assassinat du président Kennedy. La reprise a été filmée par Tom Alyea de WFAA-TV. Ces images montrent que le fusil est un Carcano, et il a été vérifié plus tard par une analyse photographique commandée par le HSCA que le fusil filmé était le même que celui identifié plus tard comme l'arme de l'assassinat. Par rapport aux photographies prises d'Oswald tenant le fusil dans son jardin, "une encoche dans la crosse à [un] point qui apparaît très faiblement sur la photographie" correspondait, ainsi que les dimensions du fusil. En mars précédent, le fusil Carcano avait été acheté par Oswald sous le nom de « A. Hidell » et livré dans une boîte postale louée par Oswald à Dallas. Selon le rapport de la Commission Warren, une empreinte palmaire partielle d'Oswald a également été trouvée sur le canon du pistolet, et une touffe de fibres trouvée dans une crevasse du fusil correspondait aux fibres et aux couleurs de la chemise qu'Oswald portait au moment de l'attaque. moment de son arrestation. Une balle trouvée sur la civière de l'hôpital du gouverneur Connally et deux fragments de balle trouvés dans la limousine présidentielle correspondaient balistiquement à ce fusil. Le président Kennedy déclaré mort aux urgences Le personnel de la salle de traumatologie 1 de l'hôpital Parkland qui a soigné le président Kennedy a observé que son état était « moribond » (une blessure mortelle), ce qui signifie qu'il n'avait aucune chance de survie à son arrivée à l'hôpital. George Burkley, le médecin personnel du président, a déclaré qu'une blessure par balle au crâne était la cause du décès. Burkley a signé le certificat de décès du président Kennedy. À 13h00, CST (19h00 UTC), après que toute activité cardiaque ait cessé et après que le père Oscar Huber ait administré les derniers sacrements, le président a été déclaré mort. Le père Huber a déclaré au New York Times que le président était déjà mort au moment où il est arrivé à l'hôpital et qu'il a dû retirer un drap couvrant le visage du président pour lui administrer le sacrement de l'extrême-onction. La mort du président Kennedy a été officiellement annoncée par le secrétaire de presse par intérim de la Maison Blanche, Malcolm Kilduff, à 13 h 33. CST (19h33 UTC). Kilduff était attaché de presse par intérim pendant le voyage car Pierre Salinger se rendait au Japon avec la moitié du Cabinet, dont le secrétaire d'État Dean Rusk. Le gouverneur Connally, quant à lui, a été emmené en chirurgie d'urgence, où il a subi deux opérations ce jour-là. Alors que les membres des services de sécurité du président tentaient de retirer le corps de Kennedy de l'hôpital, ils se sont brièvement battus avec des responsables de Dallas, notamment le coroner du comté de Dallas, Earl Rose, qui pensait qu'il était légalement obligé de procéder à une autopsie avant que le corps de Kennedy ne soit retiré. Les services secrets sont intervenus et Rose a finalement démissionné. Le comité médico-légal de la HSCA, dont Rose était membre, a rapporté plus tard que la loi du Texas indiquait qu'il incombait au juge de paix de déterminer la cause du décès ainsi que la nécessité de savoir si une autopsie était nécessaire pour déterminer. la cause du décès. Theran Ward, juge de paix du comté de Dallas, a signé le procès-verbal officiel de l'enquête ainsi qu'un deuxième certificat de décès. Quelques minutes après 14h00 CST (20h00 UTC), le corps du président Kennedy a été emmené de l'hôpital Parkland et conduit à Air Force One. Le cercueil a ensuite été chargé à bord de l'avion par la porte arrière, où il est resté à l'arrière de l'habitacle, à la place d'une rangée de sièges supprimée. Lyndon B. Johnson, qui, en tant que vice-président, est devenu président à la mort de Kennedy et qui conduisait deux voitures derrière le président Kennedy dans le cortège, a refusé de partir pour Washington sans le président Kennedy et sa veuve. À 14h38 CST (20h38 UTC), le président Johnson a prêté serment à bord d'Air Force One juste avant son départ de Love Field, avec Jacqueline Kennedy à ses côtés. Autopsie L'autopsie a été pratiquée vers 20 heures. et se terminant vers minuit HNE à l'hôpital naval de Bethesda à Bethesda, Maryland. Le choix de l'hôpital d'autopsie dans la région de Washington, D.C., a été fait à la demande de Mme Kennedy, au motif que John F. Kennedy avait été officier de marine. Funérailles Les funérailles nationales ont eu lieu à Washington, D.C., dans les trois jours qui ont suivi l'assassinat. Le corps du président Kennedy a été ramené à Washington, D.C., et placé dans la salle Est de la Maison Blanche pendant 24 heures. Le dimanche après l'assassinat, son cercueil a été transporté sur un caisson tiré par des chevaux jusqu'au Capitole des États-Unis pour y être exposé. Jour et nuit, des centaines de milliers de personnes faisaient la queue pour voir le cercueil gardé. Des représentants de plus de 90 pays ont assisté aux funérailles nationales le lundi 25 novembre. Après la messe de requiem à la cathédrale Saint-Matthieu, le défunt président a été inhumé au cimetière national d'Arlington, en Virginie. Enregistrements de l'assassinat Aucune chaîne de radio ou de télévision n'a retransmis l'assassinat en direct, car la zone traversée par le cortège n'était pas considérée comme suffisamment importante pour une retransmission en direct. La plupart des équipes de médias n'étaient même pas avec le cortège mais attendaient au Dallas Trade Mart en prévision de l'arrivée du président Kennedy. Les membres des médias qui faisaient partie du cortège se trouvaient à l'arrière du cortège. La police de Dallas enregistrait ses transmissions radio sur deux chaînes. Une fréquence désignée comme Channel One a été utilisée pour les communications policières de routine ; Channel Two était une chaîne auxiliaire dédiée au cortège du président. Jusqu'au moment de l'assassinat, la plupart des émissions sur la deuxième chaîne consistaient en des annonces du chef de la police Jesse Curry sur l'emplacement du cortège alors qu'il traversait la ville. Les dernières secondes du président Kennedy traversant Dealey Plaza ont été enregistrées sur un film muet de 8 mm pendant les 26,6 secondes avant, pendant et immédiatement après l'assassinat. Cette célèbre séquence de film a été prise par le fabricant de vêtements et caméraman amateur Abraham Zapruder, dans ce qui est devenu connu sous le nom de film Zapruder. Des agrandissements d'images du film Zapruder ont été publiés par le magazine Life peu de temps après l'assassinat. Les images ont été diffusées pour la première fois publiquement sous forme de film lors du procès de Clay Shaw en 1969, puis à la télévision en 1975. Selon le Livre Guinness des records, en 1999, un comité d'arbitrage a ordonné au gouvernement américain de payer 615 384 dollars par seconde de film à Zapruder pour avoir donné le film aux Archives nationales. Le film complet, qui dure 26 secondes, a été évalué à 16 millions de dollars. Zapruder n'était pas la seule personne à avoir photographié au moins une partie de l'assassinat ; un total de 32 photographes se trouvaient à Dealey Plaza. Des films amateurs réalisés par Orville Nix, Marie Muchmore (diffusés à la télévision à New York le 26 novembre 1963) et le photographe Charles Bronson ont capturé le coup fatal, bien qu'à une plus grande distance que Zapruder. D'autres films cinématographiques ont été tournés à Dealey Plaza au moment du tournage ou à peu près par Robert Hughes, F. Mark Bell, Elsie Dorman, John Martin Jr., Patsy Paschall, Tina Towner, James Underwood, Dave Wiegman, Mal Couch, Thomas Atkins et une inconnue vêtue d'une robe bleue du côté sud d'Elm Street. Des photos ont été prises par Phillip Willis, Mary Ann Moorman, Hugh W. Betzner Jr., Wilma Bond, Robert Croft et bien d'autres. Le seul photographe professionnel de Dealey Plaza qui n'était pas dans les voitures de presse était Ike Altgens, rédacteur photo pour l'Associated Press à Dallas. Une femme non identifiée, surnommée la Dame Babouchka par les chercheurs, aurait pu filmer le cortège présidentiel lors de l'assassinat. Elle a apparemment été vue en train de le faire sur un film et sur des photographies prises par les autres. Des images couleur jusqu'alors inconnues filmées le jour de l'assassinat par George Jefferies ont été diffusées le 19 février 2007 par le Sixth Floor Museum de Dallas, au Texas. Le film n'inclut pas le tournage, ayant été tourné environ 90 secondes à l'avance et à quelques pâtés de maisons. Le seul détail pertinent pour l'enquête sur l'assassinat est une vue claire de la veste de costume bouffante du président Kennedy, juste en dessous du col, ce qui a conduit à différents calculs sur la hauteur dans le dos du président Kennedy qui a été touché pour la première fois (voir discussion ci-dessus). Enquêtes officielles Police de Dallas Après avoir arrêté Oswald et rassemblé des preuves matérielles sur les scènes de crime, la police de Dallas a détenu Oswald au quartier général de la police pour l'interroger. Oswald a été interrogé tout l'après-midi sur la fusillade de Tippit et sur l'assassinat du président. Il a été interrogé par intermittence pendant environ 12 heures entre 14 h 30 le 22 novembre et 11 heures le 24 novembre. Tout au long de cet interrogatoire, Oswald a nié toute implication dans l'assassinat du président Kennedy ou dans le meurtre du patrouilleur Tippit. Le capitaine Fritz du bureau des homicides et des vols a réalisé la plupart des interrogatoires, ne gardant que des notes rudimentaires. Quelques jours plus tard, il a rédigé un rapport sur l'interrogatoire à partir des notes qu'il avait prises par la suite. Il n’y a eu aucun enregistrement sténographique ou sur bande. Des représentants d'autres organismes chargés de l'application des lois étaient également présents, notamment le FBI et les services secrets, et ont parfois participé aux interrogatoires. Plusieurs des agents du FBI présents ont rédigé des rapports contemporains sur l'interrogatoire. Dans la soirée du 22 novembre, la police de Dallas a effectué des tests à la paraffine sur les mains et la joue droite d'Oswald dans le but apparent de déterminer, au moyen d'un test scientifique, si Oswald avait récemment tiré avec une arme. Les résultats ont été positifs pour les mains et négatifs pour la joue droite. En raison du manque de fiabilité de ces tests, la Commission Warren ne s'est pas appuyée sur les résultats des tests pour formuler ses conclusions. Oswald a fourni peu d'informations lors de son interrogatoire. Confronté à des preuves qu'il ne pouvait pas expliquer, il a eu recours à des déclarations qui se sont révélées fausses. Les autorités de Dallas n'ont pas pu terminer leur enquête sur l'assassinat du président Kennedy en raison d'interruptions du FBI et du meurtre d'Oswald par Jack Ruby. Enquête du FBI Le FBI a été la première autorité à mener une enquête. Le 9 décembre 1963, le FBI publia un rapport et le remit à la Commission Warren. Le FBI a déclaré que trois balles avaient été tirées lors de l'assassinat de Kennedy ; la Commission Warren était d'accord avec l'enquête du FBI selon laquelle trois coups de feu avaient été tirés, mais en désaccord avec le rapport du FBI sur les coups de feu qui ont touché Kennedy et ceux qui ont touché le gouverneur Connally. Le rapport du FBI affirmait que le premier coup avait touché le président Kennedy, le deuxième le gouverneur Connally et le troisième le président Kennedy à la tête, le tuant. En revanche, la Commission Warren a conclu que l'un des trois coups de feu manqués, l'un des coups de feu avait touché le président Kennedy, puis le gouverneur Connally, et un troisième coup avait touché le président Kennedy à la tête, le tuant. Commission Warren La Commission présidentielle sur l'assassinat du président Kennedy, connue officieusement sous le nom de Commission Warren, a été créée le 29 novembre 1963 par le président Johnson pour enquêter sur l'assassinat. Son rapport final de 888 pages fut présenté au président Johnson le 24 septembre 1964 et rendu public trois jours plus tard. Il a conclu que Lee Harvey Oswald avait agi seul dans l'assassinat du président Kennedy et dans les blessures du Texas Go.

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Qui a tué Robert F. Kennedy ?

Sirhan Sirhan

Robert Francis « Bobby » Kennedy (20 novembre 1925 - 6 juin 1968), communément connu sous ses initiales RFK, était un homme politique américain du Massachusetts. Il a été sénateur de New York de 1965 jusqu'à son assassinat en 1968. Il était auparavant le 64e procureur général des États-Unis de 1961 à 1964, sous la direction de son frère aîné, le président John F. Kennedy et de son successeur, le président Lyndon B. Johnson. Icône du libéralisme américain moderne et membre du Parti démocrate, Kennedy s'est présenté à l'investiture démocrate à la présidentielle lors des élections de 1968. Après avoir servi dans la Réserve navale des États-Unis en tant qu'apprenti matelot de 1944 à 1946, Kennedy est diplômé du Harvard College et de la faculté de droit de l'Université de Virginie. Avant d'accéder à des fonctions publiques, il a travaillé comme correspondant du Boston Post et comme avocat adjoint auprès du comité sénatorial présidé par Joe McCarthy. Il a attiré l'attention nationale en tant que conseiller principal du Comité sénatorial des rackets du travail de 1957 à 1959, où il a publiquement défié le président des Teamsters, Jimmy Hoffa, sur les pratiques corrompues du syndicat, et est l'auteur de The Enemy Within, un livre sur la corruption dans le monde du travail. Kennedy était le directeur de campagne de son frère John lors de l'élection présidentielle de 1960. Il a été nommé procureur général après le succès des élections et a été le conseiller le plus proche du président de 1961 à 1963. Son mandat est surtout connu pour son plaidoyer en faveur du mouvement des droits civiques, sa croisade contre le crime organisé et la mafia et son implication dans les affaires étrangères des États-Unis. politique liée à Cuba. Après l'assassinat de son frère, il est resté en fonction dans l'administration Johnson pendant quelques mois jusqu'à ce qu'il parte se présenter au Sénat des États-Unis en 1964, où il a battu le républicain sortant Kenneth Keating. En 1968, Kennedy était l'un des principaux candidats à l'investiture démocrate à la présidence, attirant particulièrement les électeurs pauvres, afro-américains, hispaniques et catholiques. Peu après minuit le 5 juin 1968, après avoir battu le sénateur Eugene McCarthy à la primaire présidentielle de Californie, il fut abattu par Sirhan Sirhan, un Palestinien de 24 ans, et mourut le lendemain. Début de la vie Robert F. Kennedy est né le 20 novembre 1925 à Brookline, Massachusetts, le septième enfant de l'homme d'affaires et homme politique Joseph P. "Joe" Kennedy, Sr. (1888-1969) et de la philanthrope Rose Fitzgerald Kennedy (1890-1995). Ses frères aînés étaient Joseph P. Kennedy, Jr. (1915-1944) et John F. "Jack" Kennedy (1917-1963), élu 35e président des États-Unis en 1960. Son jeune frère était de longue date aux États-Unis. Sénateur Edward M. « Ted » Kennedy (1932-2009). Ses quatre grands-parents étaient les enfants d'immigrants irlandais. Son père était un riche homme d'affaires et une figure catholique irlandaise de premier plan du Parti démocrate. Après avoir démissionné de son poste d'ambassadeur au Royaume-Uni en 1940, Joe, Sr. a concentré son attention sur son premier-né, Joseph, Jr., prévoyant qu'il se lancerait en politique et serait élu président. Il a également exhorté les plus jeunes à examiner et discuter de l'actualité afin de les propulser vers la fonction publique. Après la mort de Joseph Jr. pendant la Seconde Guerre mondiale, les espoirs de Kennedy aîné se sont portés sur son deuxième fils, John, pour devenir président. Joseph, Sr. avait l'argent et les relations nécessaires pour jouer un rôle central dans les ambitions politiques de la famille. Le frère aîné de Kennedy, John, était souvent alité à cause de la maladie et devenait par conséquent un lecteur vorace. Bien qu'il ait fait peu d'efforts pour connaître son jeune frère durant son enfance, John l'emmenait se promener et le régalait des histoires de héros et d'aventures qu'il avait lues. L'un de leurs auteurs préférés était John Buchan, qui a écrit Les Trente-Neuf Étapes. Robert et John ont été influencés par le livre. John appelait parfois Robert « Black Robert » en raison de sa pruderie et de son caractère. Contrairement à ses frères aînés, Kennedy prenait à cœur le programme de leur mère Rose, selon lequel tout devait avoir « un but », qui comprenait la visite de sites historiques lors de sorties en famille, des visites à l'église lors de promenades matinales et des jeux utilisés pour développer le vocabulaire et les compétences en mathématiques. Il a décrit sa position dans la hiérarchie familiale en disant : « Quand on vient d'aussi bas, il faut lutter pour survivre. » Il essayait fréquemment d'attirer l'attention de ses frères aînés au fur et à mesure qu'ils grandissaient, mais il n'y parvenait pas souvent. En septembre 1927, la famille Kennedy a déménagé à Riverdale, New York, un quartier riche du Bronx, puis deux ans plus tard, à 8 km au nord-est de Bronxville, New York. Kennedy a passé les étés avec sa famille dans leur complexe à Hyannis Port, Massachusetts, et les vacances de Noël et de Pâques dans leur maison d'hiver à Palm Beach, Floride, achetée en 1933. Il a fréquenté l'école primaire publique de Riverdale de la maternelle à la deuxième année ; puis Bronxville School, l'école publique de Bronxville, de la troisième à la cinquième année. Il a redoublé la troisième année. Un enseignant de Bronxville a déclaré qu'il était "un garçon ordinaire". Elle a ajouté : « Il lui semblait parfois difficile de terminer son travail. Mais il n'avait que dix ans après tout. » Hilty, pp. 23-24. Il a ensuite fréquenté la Riverdale Country School, une école privée pour garçons à Riverdale, en sixième année. Il se souviendra plus tard de son enfance « alorsant dans différentes écoles, devant toujours se faire de nouveaux amis, et que j'étais très maladroit... [et] j'étais plutôt calme la plupart du temps. Et cela ne me dérangeait pas d'être seul. ". Il a développé un intérêt pour l'histoire américaine, décorant sa chambre avec des photos des présidents américains et remplissant ses étagères de volumes sur la guerre civile américaine. Il est également devenu un collectionneur passionné de timbres, après avoir reçu une lettre manuscrite de Franklin Roosevelt, qui était également philatéliste. En mars 1938, Kennedy s'embarqua avec sa mère et ses quatre plus jeunes frères et sœurs en Angleterre pour rejoindre son père qui avait commencé à servir comme ambassadeur au Royaume-Uni. Il fréquenta l'école privée Gibbs pour garçons à Londres en septième année, retournant aux États-Unis juste avant le début de la Seconde Guerre mondiale. déclenchement de la Seconde Guerre mondiale en Europe. En avril 1939, il prononça son premier discours public lors de la pose de la première pierre d'un club de jeunes en Angleterre. Selon les informations de l'ambassade et des journaux, ses déclarations ont été rédigées de sa propre main et ont été prononcées d'une manière « calme et confiante ». Prieuré Saint-Paul et Portsmouth En septembre 1939, Kennedy commença la huitième année à la St. Paul's School, une école préparatoire privée protestante d'élite pour garçons à Concord, dans le New Hampshire, que son père privilégiait. Cependant, après deux mois, sa mère, mécontente de leur utilisation de la Bible protestante, profita de l'absence de son mari ambassadeur de Boston et retira Kennedy de St. Paul's. Elle l'a plutôt inscrit à la Portsmouth Priory School, un internat catholique bénédictin pour garçons à Portsmouth, Rhode Island, où il y avait des prières du matin et du soir ainsi que la messe trois fois par semaine et la grand-messe le dimanche. Il a fréquenté Portsmouth de la huitième à la dixième année. À l'école du prieuré de Portsmouth, il était surnommé « Bobby le petit garçon de Mme Kennedy » après avoir présenté sa mère à ses camarades de classe, qui se moquaient d'eux. Il était sur la défensive envers sa mère et, à une occasion, il a chassé une étudiante du dortoir après que celle-ci ait commenté son apparence. Il s'est lié d'amitié avec Peter MacLellan et lui a écrit, alors que son frère John servait dans la marine américaine, qu'il rendrait visite à son frère « parce qu'il pourrait être tué à tout moment ». Kennedy s'est blâmé lorsque ses notes ne se sont pas améliorées. Dans des lettres adressées à son fils, Rose l'a exhorté à lire davantage et à renforcer son vocabulaire. Rose a également exprimé sa déception et a écrit qu'elle ne s'attendait pas à ce qu'il la laisse tomber. Mills, pp. 34-35. Il a commencé à se développer d'autres manières et son frère, John, a remarqué sa force physique accrue, prédisant qu'il « me ferait beaucoup rebondir dans deux ans ». Hilty, p. 38. Les moines de l'école du prieuré de Portsmouth le considéraient comme un élève maussade et indifférent. Le père Damian Kearney, qui se trouvait deux classes derrière lui, a déclaré qu'il "n'avait pas l'air heureux" et qu'il "ne souriait pas beaucoup". Selon l'examen des dossiers scolaires effectué par le père Damien, il était un « élève pauvre à médiocre, sauf en histoire ». Académie de Milton En septembre 1942, Kennedy fut transféré dans son troisième internat, Milton Academy, à Milton, Massachusetts, pour les onzième et douzième années. Schlesinger (2002) [1978] p. 42. Son père Joseph Kennedy, Sr. avait souhaité que Kennedy soit transféré à Milton, estimant que cela préparerait mieux son fils à Harvard. À Milton, il rencontre et se lie d'amitié avec David Hackett. Il a invité Hackett à le rejoindre pour la messe du dimanche. Hackett a commencé à l'accompagner et a été impressionné lorsqu'un dimanche, Kennedy a pris sur lui de remplacer un enfant de chœur disparu. Hackett admirait la détermination de Kennedy à contourner ses défauts et se souvenait de lui redoublant d'efforts chaque fois que quelque chose ne lui était pas facile, notamment l'athlétisme, les études, le succès auprès des filles et la popularité. Hackett se souvient qu'ils étaient tous les deux « inadaptés », un point commun qui l'a attiré vers Kennedy ainsi qu'une réticence à se conformer à la façon dont les autres agissaient, même si cela signifiait ne pas être accepté. Les notes de Kennedy se sont améliorées et l'une de ses premières relations a été avec une fille nommée Piedy Bailey. Le couple a été photographié ensemble alors qu'il la raccompagnait chez elle après la chapelle un dimanche soir. Bailey l'aimait et se souvenait de lui comme étant "très attirant". Elle se souvient qu'il était drôle, « séparé, farfelu ; en dehors des cliques ; privé tout le temps ». Peu de temps après son transfert à Milton, il a pressé son père de l'autoriser à s'enrôler, car il voulait rattraper ses frères, qui servaient tous deux dans l'armée. Kennedy était arrivé à Milton sans connaître ses pairs et n'avait guère essayé de connaître les noms de ses camarades de classe ; il a plutôt appelé la plupart des autres garçons « gars ». Pour cela, il fut surnommé « Fella ». La plupart des élèves de l'école étaient arrivés en huitième ou neuvième année et des cliques s'étaient déjà formées. Malgré cela, ses camarades diront plus tard que l’école n’avait aucun préjugé. Il a eu un sens précoce de la vertu ; il n'aimait pas les sales blagues et l'intimidation, étant intervenu une fois lorsqu'un élève d'une classe supérieure essayait de déranger un élève plus jeune. Thomas, pp. 37-40. Le directeur de Milton résumera plus tard qu'il était « un garçon très intelligent, calme et timide, mais pas exceptionnel, et qu'il n'a laissé aucune marque particulière sur Milton ». Relation avec les parents Dans les jeunes années de Kennedy, son père le surnommait « l’avorton » de la famille et le radiait. Un ami proche de la famille, Lem Billings, a un jour fait remarquer à Joe Sr. qu'il était "le petit garçon le plus généreux" et Joe Sr. a répondu qu'il ne savait pas d'où son fils "avait obtenu cela". Billings a commenté que la seule similitude entre Robert et Joe Sr. était la couleur de leurs yeux. Au fur et à mesure que Kennedy grandissait, son père craignait qu'il soit indulgent avec les autres, en contradiction avec l'idéologie de Joe. En réponse, Kennedy a développé une personnalité dure qui masquait sa douce personnalité, tentant d'apaiser son père. Mills, pp. 18-19. La biographe Judie Mills a écrit que le manque d'intérêt de Joe, Sr. pour Robert était évident par le temps qu'il lui a fallu pour décider de le transférer à la Milton Academy ; Joe, Jr. et John ont tous deux fréquenté l'école préparatoire protestante exclusive Choate dès leur première année, tandis que Robert était déjà junior au moment où il a été inscrit à Milton. Malgré le dédain de son père, Kennedy a continué à chercher son approbation, demandant à Joe, Sr., de lui écrire une lettre sur ses opinions sur différents événements politiques et sur la Seconde Guerre mondiale. Enfant, Kennedy s'efforçait également de répondre aux attentes de sa mère, de devenir le plus dévoué, le plus religieux, le plus affectueux et le plus obéissant des enfants Kennedy, mais la distance entre lui et son père s'est accrue. Rose trouvait sa douce personnalité attachante, même si cela était noté comme l'ayant rendu « invisible pour son père ». Elle l'a fortement influencé et comme elle, il est devenu un fervent catholique, pratiquant sa religion plus sérieusement que les autres garçons de la famille tout au long de sa vie. Il a impressionné ses parents lorsqu'il était enfant en empruntant la voie de la presse, en recherchant leur approbation et en souhaitant se distinguer. Cependant, il s'est fait conduire par le chauffeur familial, pour qu'il puisse effectuer ses livraisons, dans une Rolls-Royce. Sa mère l'a découvert et les accouchements ont cessé. Joe Sr. était satisfait de Kennedy en tant qu'adulte, estimant qu'il était devenu "dur comme des clous", plus comme lui que n'importe lequel des autres enfants, tandis que sa mère pensait qu'il incarnait tout ce qu'elle voulait chez un enfant. Mills a écrit : « Les opinions contradictoires de ses parents se retrouveraient dans les opinions de millions de personnes tout au long de la vie de Bobby. Robert Kennedy était un opportuniste impitoyable qui ne reculerait devant rien pour réaliser ses ambitions. Robert Kennedy était la personnalité publique la plus compatissante d'Amérique, la seule personne qui pourrait sauver un pays divisé. Service dans la marine (1944-1946) Six semaines avant son 18e anniversaire, Kennedy s'est enrôlé dans la Réserve navale des États-Unis en tant qu'apprenti matelot, mais a été libéré du service actif jusqu'en mars 1944, date à laquelle il a quitté l'Académie de Milton plus tôt pour se présenter au programme de formation du V-12 Navy College du Harvard College. Cambridge, Massachusetts. Sa formation sur le V-12 s'est déroulée à Harvard (mars-novembre 1944) ; Bates College à Lewiston, Maine (novembre 1944 - juin 1945, où il obtient un diplôme spécialisé V-12 du collège avec 15 autres membres de son service) ; et termina sa formation à Harvard (juin 1945 - janvier 1946). Alors qu'il servait à Lewiston, il a écrit une lettre à David Hackett qui reflétait ses sentiments d'insuffisance et de frustration d'être isolé de l'action. "Les choses sont comme d'habitude ici, et étant ma mauvaise humeur habituelle, je suis parfois très triste." Il a ajouté : "Si je ne sors pas d'ici bientôt, je mourrai." Mis à part Hackett, qui servait comme parachutiste, d'autres camarades de dortoir de Parker Hall sont partis à l'étranger et l'ont laissé derrière eux. L'un d'entre eux se lançant au combat avant lui était une pensée qui le faisait "se sentir de plus en plus comme un Draft Dodger ou quelque chose du genre". Il était également frustré par la mentalité d'esquive de certains des autres servant dans le V-12 à Bates. Le frère de Kennedy, Joseph P. Kennedy, Jr., a été tué au combat en août 1944, après l'explosion de son bombardier lors d'une mission de volontaires connue sous le nom d'Opération Aphrodite. Robert a été le plus affecté par la réaction de son père au décès de son fils aîné, qui semblait complètement navré et son pair Fred Garfield a commenté que Kennedy avait développé une dépression et avait remis en question sa foi pendant une courte période. Après la mort de son frère, Kennedy a attiré davantage d'attention, progressant plus haut dans le patriarcat familial. Thomas, p. 44. Le 15 décembre 1945, la marine américaine a mis en service le destroyer et a accédé peu de temps après à la demande de Kennedy d'être libéré de la formation d'officier de marine pour servir à bord du Kennedy à partir du 1er février 1946 en tant qu'apprenti marin lors de la croisière d'essai du navire dans les Caraïbes. . Le 30 mai 1946, il reçut sa libération honorable de la Marine. Pour son service dans la Marine, il était éligible à la Médaille de la campagne américaine et à la Médaille de la victoire de la Seconde Guerre mondiale. Études complémentaires et journalisme (1946-1951) En septembre 1946, Kennedy entra à Harvard en tant que junior, après avoir été crédité pour son passage dans le programme V-12. Il a travaillé dur pour faire partie de l'équipe de football universitaire de Harvard, a été titulaire et a marqué un touché lors du premier match de sa dernière année avant de se casser la jambe à l'entraînement, gagnant sa lettre universitaire lorsque son entraîneur l'a envoyé pour les dernières minutes. d'un match contre Yale, portant un plâtre. Son père parlait positivement de lui lorsqu'il servait de bloqueur et parfois de receveur pour le plus rapide Dave Hackett. Joseph, Sr. a assisté à certains entraînements de Kennedy et a vu son fils attraper une passe de touché lors d'une déroute en début de saison dans l'ouest du Maryland. Ses coéquipiers admiraient son courage physique. Il mesurait cinq pieds dix et 155 livres, ce qui le rendait trop petit pour le football universitaire. Malgré cela, il était un frappeur intrépide et s’est un jour attaqué de front à un arrière latéral de 230 livres. Wally Flynn, un autre joueur, a levé les yeux après une partie pour le voir pleurer après s'être cassé la jambe. Malgré sa blessure, il a continué à jouer. Tout au long de l'année 1946, Kennedy devint actif dans la campagne de son frère John pour le siège de représentant américain laissé vacant par James Michael Curley, rejoignant la campagne à plein temps après sa libération navale. Le biographe Schlesinger a écrit que l'élection a servi d'entrée en politique pour Robert et John. Deux ans plus tard, en mars 1948, Robert obtint un baccalauréat en sciences politiques de Harvard. Après avoir obtenu son diplôme, il embarque immédiatement avec un ami d'université pour une tournée de six mois en Europe et au Moyen-Orient, accrédité comme correspondant du Boston Post, pour lequel il dépose six articles. Quatre de ces récits, soumis depuis la Palestine peu avant la fin du mandat britannique, ont fourni un aperçu direct des tensions dans ce pays. Il a critiqué la politique britannique en Palestine et a fait l'éloge du peuple juif qu'il y a rencontré, les qualifiant de « robustes et durs ». Il a gardé un certain espoir après avoir vu Arabes et Juifs travailler côte à côte, mais a finalement craint que la haine entre les groupes ne soit trop forte et ne conduise à une guerre. En septembre 1948, il s'inscrit à la faculté de droit de l'Université de Virginie à Charlottesville. Kennedy s'est adapté au nouvel environnement en étant élu président du Student Legal Forum, où il a produit avec succès des conférenciers extérieurs, notamment James M. Landis, William O. Douglas, Arthur Krock et Joseph McCarthy et les membres de sa famille Joe Sr. et John F. Kennedy. . L'article de Kennedy sur Yalta, rédigé au cours de sa dernière année, est déposé dans le trésor de la bibliothèque de droit. Le 17 juin 1950, Kennedy épousa Ethel Skakel à l'église catholique St. Mary de Greenwich, Connecticut. Son frère John était son témoin. Kennedy est diplômé de la faculté de droit en juin 1951 et s'est envolé avec Ethel pour Greenwich pour rester dans la maison d'hôtes de son beau-père. Le premier enfant du couple, Kathleen, est né le 4 juillet 1951. Kennedy a passé l'été à étudier pour l'examen du barreau du Massachusetts. Pendant ce temps, son frère John a essayé de garder Joe, Sr. « à bout de bras ». Les frères interagissaient rarement jusqu'à ce que Robert soit contacté par Kenny O'Donnell pour réparer la relation entre John et leur père pendant la campagne de John au Sénat. En conséquence, Joe, Sr. en est venu à considérer Kennedy d'un bon œil comme étant fiable et « prêt à se sacrifier » pour la famille. Thomas, pp. 58-59. En septembre 1951, il se rend à San Francisco en tant que correspondant du Boston Post pour couvrir la convention concluant le Traité de paix avec le Japon. En octobre 1951, il entreprit un voyage de sept semaines en Asie avec son frère John (alors membre du Congrès du 11e district du Massachusetts) et leur sœur Patricia en Israël, en Inde, au Vietnam et au Japon. En raison de leur différence d'âge, les deux frères ne s'étaient que peu vus auparavant. Ce voyage de 25 000 milles a eu lieu à la demande de leur père et a été le premier temps prolongé qu'ils ont passé ensemble, contribuant ainsi à approfondir leur relation. Lors de ce voyage, les frères ont rencontré Liaquat Ali Khan juste avant sa mort par assassinat et le Premier ministre indien Jawaharlal Nehru. Conseiller du comité sénatorial et campagnes politiques (1951-1960) Campagne du Sénat JFK et Joseph McCarthy (1952-1955) En novembre 1951, Kennedy a déménagé avec sa femme et sa fille dans une maison de ville à Georgetown à Washington, D.C., et a commencé à travailler comme avocat dans la section de sécurité intérieure de la division pénale du ministère américain de la Justice ; la section était chargée d'enquêter sur des agents soviétiques présumés. En février 1952, il fut transféré dans le district oriental de New York à Brooklyn pour poursuivre les affaires de fraude. Le 6 juin 1952, Kennedy démissionna pour diriger la campagne réussie de son frère Jack au Sénat américain en 1952 dans le Massachusetts. La victoire de JFK était d'une grande importance pour la famille Kennedy, l'élevant à une notoriété nationale et faisant de lui un candidat potentiel sérieux à la présidentielle, mais la victoire de son frère était tout aussi importante pour Robert, qui estimait avoir réussi à éliminer les perceptions négatives de son père à son égard. En décembre 1952, à la demande de son père, Kennedy fut nommé par le sénateur républicain Joseph McCarthy comme conseiller adjoint du sous-comité permanent des enquêtes du Sénat américain. McCarthy était un ami de la famille Kennedy et était le parrain de la fille de Robert, Kathleen. Cependant, Kennedy désapprouvait les méthodes agressives du sénateur pour recueillir des informations sur des communistes présumés. C'était pour lui un travail très visible. Il démissionna en juillet 1953, mais « conserva un penchant pour McCarthy ». La période de juillet 1953 à janvier 1954 l'a vu avoir « un nadir professionnel et personnel » en raison du sentiment qu'il était à la dérive alors qu'il essayait de faire ses preuves auprès du reste de la famille Kennedy. Après une période en tant qu'assistant de son père à la Commission Hoover, Kennedy rejoignit le personnel du comité sénatorial en tant que conseiller principal de la minorité démocrate en février 1954. Ce mois-là, l'avocat principal de McCarthy, Roy Cohn, assigna à comparaître Annie Lee Moss, l'accusant d'être membre de la commission Hoover. Parti communiste. Kennedy a révélé que Cohn avait appelé la mauvaise Annie Lee Moss et il a demandé le dossier sur Moss au FBI. Le directeur du FBI, J. Edgar Hoover, avait été prévenu par Cohn et lui avait refusé l'accès, qualifiant RFK de "fouet arrogant". Hilty, pp. 86-87. Lorsque les démocrates obtinrent la majorité au Sénat en janvier 1955, Kennedy devint conseiller juridique principal et fut une figure de fond des audiences télévisées Army-McCarthy de 1954 sur la conduite de McCarthy. L'incident d'Annie Lee Moss a fait de Cohn un ennemi, ce qui a conduit Kennedy à aider les sénateurs démocrates à ridiculiser Cohn lors des audiences. L'animosité a grandi au point que Cohn a été retenu après avoir demandé à RFK s'il voulait le combattre. Pour son travail au sein du comité McCarthy, Kennedy a été inclus dans une liste des « dix jeunes hommes exceptionnels de 1954 », créée par la Jeune Chambre de Commerce des États-Unis. Son père avait organisé la nomination, son premier prix national. Hilty, pp. 90-91. Stevenson aide et se concentre sur le travail organisé (1956-1960) Kennedy a ensuite travaillé comme assistant d'Adlai Stevenson lors de l'élection présidentielle de 1956, ce qui l'a aidé à apprendre comment fonctionnaient les campagnes, en préparation d'un avenir dirigé par son frère, Jack. Peu impressionné par Stevenson, il aurait voté pour le président sortant Dwight D. Eisenhower. Kennedy était également délégué à la Convention nationale démocrate de 1956, après avoir remplacé Tip O'Neil à la demande de son frère John et se joindre à ce qui fut finalement un effort infructueux pour aider JFK à obtenir la nomination à la vice-présidence. Peu de temps après, Kennedy a tenté de se faire pardonner auprès de J. Edgar Hoover, selon les instructions de son père. Il semble y avoir eu une certaine amélioration dans leurs interactions, ce qui a fini par être considéré comme une « nécessité politique élémentaire » par Kennedy. Cela a changé plus tard après que Kennedy a été nommé procureur général, où Hoover le considérait comme une « menace sans précédent ». Il s'est rapidement fait un nom en tant que conseiller principal du Comité sénatorial des raquettes du travail de 1957 à 1959 sous la direction de John L. McClellan. McClellan a donné à Kennedy l'autorité sur le calendrier des témoignages, les domaines d'enquête et l'interrogatoire des témoins, une décision prise par le président pour limiter l'attention sur lui et permettre à l'indignation des syndicats de se diriger vers Kennedy. Dans une scène célèbre, Kennedy affronte le président du syndicat des Teamsters, Jimmy Hoffa, lors de la dispute antagoniste qui a marqué le témoignage de Hoffa. Au cours des audiences, Kennedy a été critiqué par des critiques libéraux et d'autres commentateurs, à la fois pour son explosion de colère passionnée et pour ses doutes sur l'innocence de ceux qui ont invoqué le Cinquième amendement. Les sénateurs Barry Goldwater et Karl Mundt se sont écrits et se sont plaints des « garçons Kennedy » comme ayant détourné le comité McClellan en se concentrant sur Hoffa et les Teamsters. Ils pensaient que Kennedy couvrait Walter Reuther et le United Auto Workers, un syndicat qui soutenait généralement les candidats démocrates aux élections. Au milieu des allégations, Kennedy a écrit dans son journal que les deux sénateurs n'avaient « aucun courage » car ils ne se sont jamais adressés à lui directement, uniquement à la presse. Il quitta le Comité des Raquettes fin 1959 pour diriger la campagne présidentielle de son frère. Campagne présidentielle de JFK (1960) En 1960, Kennedy a publié le livre à succès The Enemy Within, décrivant les pratiques de corruption au sein des Teamsters et d'autres syndicats sur lesquels il avait contribué à enquêter et qu'il avait rédigé au cours de l'été de l'année précédente. Le biographe Evan Thomas a écrit que le livre était un best-seller et aurait pu lancer une carrière politique à lui seul, mais "le devoir familial s'appelait", Thomas, pp. 88-89. et Kennedy est allé travailler sur la campagne présidentielle de son frère John. Contrairement à son rôle dans la campagne précédente de son frère huit ans auparavant, Kennedy a prononcé des discours tout au long de la saison primaire, gagnant en confiance au fil du temps. Sa stratégie « gagner à tout prix » l'a amené à faire appel à Franklin D. Roosevelt, Jr. pour attaquer Hubert Humphrey en tant que réfractaire ; Roosevelt a finalement déclaré que Humphrey avait évité le service. Craignant que John Kennedy ne reçoive l'investiture du Parti démocrate, certains partisans de Lyndon Johnson, également candidat à l'investiture, ont révélé à la presse que JFK souffrait de la maladie d'Addison, affirmant qu'il avait besoin de traitements vitaux à la cortisone. Bien qu'en fait un diagnostic ait été posé, Kennedy a tenté de protéger son frère en niant cette allégation, affirmant que JFK n'avait jamais eu « une maladie décrite classiquement comme la maladie d'Addison ». Après avoir obtenu la nomination, John Kennedy décide néanmoins d'offrir à Lyndon Johnson la vice-présidence. Cela n'a pas plu à certains partisans de Kennedy et Robert a tenté en vain de convaincre Johnson de refuser l'offre, ce qui a amené Johnson à considérer Robert avec mépris par la suite. RFK n'aimait déjà pas Johnson avant la campagne présidentielle, considérant ce dernier comme une menace pour les ambitions de son frère. Malgré les tentatives de Kennedy, Johnson est devenu le candidat à la vice-présidence de son frère. Kennedy s'est efforcé de minimiser la foi catholique de son frère lors des primaires, mais a adopté une position plus agressive et solidaire lors des élections générales. Ces inquiétudes ont été en grande partie apaisées après que JFK ait prononcé un discours en septembre à Houston, dans lequel il s'est déclaré en faveur de la séparation de l'Église et de l'État. Le mois suivant, Kennedy a participé à la libération du leader des droits civiques Martin Luther King, Jr. d'une prison d'Atlanta. Kennedy s'est entretenu avec le gouverneur de Géorgie Ernest Vandiver et plus tard avec le juge Oscar Mitchell après que le juge ait condamné King pour avoir violé sa probation alors qu'il manifestait dans un snack-bar réservé aux Blancs. Procureur général des États-Unis (1961-1964) Après avoir remporté l'élection présidentielle de 1960, le président élu John F. Kennedy a nommé son jeune frère procureur général. Le choix était controversé, le New York Times et The New Republic qualifiant Robert d'inexpérimenté et de non qualifié. Il n'avait aucune expérience dans un tribunal d'État ou fédéral, ce qui a amené le président à plaisanter : « Je ne vois pas que ce soit une erreur de lui donner un peu d'expérience juridique avant qu'il ne parte exercer le droit. Cependant, Kennedy possédait une expérience significative dans l’étude et la lutte contre le crime organisé. Selon Bobby Baker, secrétaire de la majorité au Sénat et protégé de Lyndon Johnson, le président élu Kennedy ne voulait pas nommer son frère procureur général. Cependant, leur père a renversé la décision du président élu. À la demande de Johnson, Baker a persuadé l'influent sénateur du Sud Richard Russell d'autoriser un vote vocal pour confirmer le frère du président en janvier 1961, car Kennedy « aurait eu la chance d'obtenir 40 voix » lors d'un vote par appel nominal. Evelyn Lincoln a écrit à propos de cette conversation du 19 novembre 1963, trois jours seulement avant l'assassinat de Kennedy. Kennedy s'est bien comporté lors de son audience de confirmation et a choisi ce que son ami et biographe Arthur M. Schlesinger, Jr. a appelé un groupe « exceptionnel » de procureurs généraux adjoints et adjoints, dont Byron White et Nicholas Katzenbach. Hilty conclut que Kennedy « a joué une combinaison inhabituelle de rôles : directeur de campagne, procureur général, superviseur exécutif, contrôleur du favoritisme, conseiller principal et frère protecteur » et que personne avant lui n'avait un tel pouvoir. Son mandat en tant que procureur général a été de loin la période de plus grand pouvoir pour le bureau : aucun précédent procureur général des États-Unis n'avait bénéficié d'une influence aussi claire sur tous les domaines politiques au cours d'une administration. Dans une large mesure, le président Kennedy a sollicité l'avis et les conseils de son jeune frère, Robert étant le conseiller politique le plus proche du président. On comptait sur lui à la fois comme principale source d'informations administratives du président et comme avocat général avec qui la confiance était implicite. Il exerça une autorité étendue sur tous les départements du cabinet, ce qui conduisit l'Associated Press à le surnommer « Bobby, l'homme n°2 de Washington ». Le président a un jour fait remarquer à propos de son frère : « Si je veux que quelque chose soit fait et immédiatement, je compte sur le procureur général. Il est vraiment un acteur d'action dans cette administration et possède un don d'organisation que j'ai rarement, voire jamais, vu dépassé. » Berlin En tant que l'un des plus proches conseillers du président à la Maison Blanche, Kennedy a joué un rôle crucial dans les événements entourant la crise de Berlin en 1961. Opérant principalement via une connexion privée avec l'espion soviétique Georgi Bolshakov, il a relayé d'importantes communications diplomatiques entre les gouvernements américain et soviétique. Plus important encore, cette connexion a aidé les États-Unis à organiser le sommet de Vienne en juin 1961 et à désamorcer plus tard l'impasse des chars avec les Soviétiques au Checkpoint Charlie de Berlin en octobre. Le crime organisé et les Teamsters En tant que procureur général, Kennedy a mené une croisade incessante contre le crime organisé et la mafia, parfois en désaccord sur la stratégie avec le directeur du FBI, J. Edgar Hoover. Les condamnations contre des personnalités du crime organisé ont augmenté de 800 pour cent au cours de son mandat. Kennedy s'est efforcé de détourner l'attention de Hoover du communisme vers le crime organisé ; le communisme est considéré par Hoover comme une menace plus sérieuse. Selon James Neff, le succès de Kennedy dans cette entreprise était dû à la position de son frère, donnant au procureur général une influence sur Hoover. Le biographe Richard Hack a conclu que l'aversion de Hoover pour Kennedy venait de son incapacité à le contrôler. Il a poursuivi sans relâche le président du syndicat des Teamsters, Jimmy Hoffa, en raison de la corruption connue de Hoffa dans les questions financières et électorales, tant sur le plan personnel que organisationnel. L'inimitié entre les deux hommes était intense, avec des accusations de vendetta personnelle – ce que Hoffa appelait une « vendetta » – échangées entre eux. En 1964, Hoffa fut emprisonné pour falsification du jury. Droits civiques En tant que procureur général Kennedy a exprimé l'engagement de l'administration en faveur des droits civiques lors d'un discours prononcé en 1961 à la faculté de droit de l'Université de Géorgie : Il prédit lors d'une interview en mai 1961 qu'un Afro-Américain « peut également accéder au même poste que celui que mon frère occupe en tant que président des États-Unis » au cours des trente à quarante prochaines années. Larry Sabato écrira plus tard que lorsque la famille de RFK a soutenu Barack Obama en 2008, elle a choisi un candidat avec une éducation très différente de celle du président privilégié Kennedy. En 1963, le directeur du FBI, J. Edgar Hoover, qui considérait le leader des droits civiques Martin Luther King, Jr. comme un fauteur de troubles parvenu, le qualifiant d'« ennemi de l'État », présenta à Kennedy des allégations selon lesquelles certains des proches confidents et conseillers de King étaient communistes. Craignant que ces allégations, si elles étaient rendues publiques, ne fassent dérailler les initiatives de l'administration en matière de droits civiques, Kennedy a averti King de mettre fin aux associations suspectes et a ensuite publié une directive écrite autorisant le FBI à mettre King sur écoute et d'autres dirigeants de la Southern Christian Leadership Conference, l'organisme civil de King. organisation de défense des droits. Bien que Kennedy n'ait donné son approbation écrite que pour des écoutes téléphoniques limitées des téléphones de King "à titre d'essai, pendant environ un mois", Hoover a prolongé l'autorisation afin que ses hommes soient "libres" pour rechercher des preuves dans tous les domaines de la vie de King qu'ils jugeaient dignes. Les écoutes téléphoniques se sont poursuivies jusqu'en juin 1966 et ont été révélées en 1968, quelques jours avant la mort de Kennedy. Kennedy est resté engagé en faveur du respect des droits civiques à un tel degré qu'il a déclaré en 1962 que cela semblait englober presque tous les domaines de sa vie publique et privée, depuis la poursuite des électeurs corrompus du Sud.

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Qui a tué Jean-Paul Marat ?

Charlotte Corday

Jean-Paul Marat (né le 24 mai 1743 et mort le 13 juillet 1793) était un théoricien politique et un scientifique amateur qui devint surtout connu pour son rôle de journaliste et d'homme politique radical pendant la Révolution française. Son journalisme est devenu réputé pour son ton féroce, sa position intransigeante envers les nouveaux dirigeants et institutions de la révolution et sa défense des droits humains fondamentaux des membres les plus pauvres de la société. Marat était l'une des voix les plus radicales de la Révolution française. Il devient un vigoureux défenseur des sans-culottes, publiant ses opinions dans des brochures, des pancartes et des journaux, notamment son L'Ami du peuple, ce qui contribue à faire de lui leur lien officieux avec le groupe jacobin radical et républicain qui arriva au pouvoir après juin 1793. Marat a été assassiné par Charlotte Corday, une sympathisante girondine, alors qu'il prenait un bain médicinal pour sa maladie cutanée débilitante. À sa mort, Marat est devenu une icône pour les Jacobins en tant que martyr révolutionnaire, comme le montre le célèbre tableau de Jacques-Louis David, La Mort de Marat. Pour cet assassinat, Corday fut exécuté quatre jours plus tard, le 17 juillet 1793. Vie, éducation et engagement politique Jean-Paul Marat est né à Boudry dans la principauté prussienne de Neuchâtel, aujourd'hui partie de la Suisse, le 24 mai 1743. Il était le deuxième des neuf enfants de Jean Mara (Giovanni Mara), originaire de Cagliari, en Sardaigne, et de Louise. Cabrol, un huguenot français de Castres. Son père était un « commendateur » mercédaire et réfugié religieux converti au calvinisme à Genève. À l'âge de seize ans, Marat quitte la maison familiale à la recherche de nouvelles opportunités, conscient des opportunités limitées offertes aux étrangers. Son père, très instruit, s'était vu refuser plusieurs postes d'enseignant dans les collèges (secondaires). Son premier arrêt se fait chez la riche famille Nairac à Bordeaux. Après deux ans là-bas, il s'installe à Paris où il étudie la médecine sans obtenir de diplôme. S'installant à Londres en 1765, de peur d'être « entraîné dans la dissipation », il s'installe de manière informelle comme médecin, se lie d'amitié avec l'artiste Royal Academician Angelica Kauffman et commence à côtoyer des artistes et des architectes italiens dans les cafés autour de Soho. Très ambitieux, mais sans patronage ni qualification, il entreprend de s'insérer sur la scène intellectuelle avec des ouvrages sur la philosophie ("Essai philosophique sur l'homme", publié en 1773) et la théorie politique ("Chaînes de l'esclavage", publié en 1774). La critique acerbe de Voltaire de « De l'Homme » (une traduction augmentée, publiée en 1775-1776), en partie pour défendre son protégé Helvétius, renforça le sentiment croissant de Marat d'un fossé grandissant entre les philosophes, regroupés autour de Voltaire d'une part, et leurs « de l'autre, vaguement regroupés autour de Rousseau. Vers 1770, Marat s'installe à Newcastle upon Tyne. Son premier ouvrage politique, Chains of Slavery, inspiré par les activités extraparlementaires du député privé de ses droits, puis maire, John Wilkes, a très probablement été compilé dans la bibliothèque centrale d'ici. Selon le propre récit coloré de Marat, il a vécu de café noir pendant trois mois, pendant sa composition, ne dormant que deux heures par nuit – puis a dormi profondément pendant treize jours d'affilée. Il lui donna le sous-titre « Un ouvrage dans lequel les tentatives clandestines et crapuleuses des princes pour ruiner la liberté sont soulignées et les scènes effroyables du despotisme révélées ». Cela lui a valu de devenir membre honoraire des sociétés patriotiques de Berwick-upon-Tweed, Carlisle et Newcastle. La bibliothèque de la Société littéraire et philosophique de Newcastle en possède un exemplaire, et le service des archives de Tyne and Wear en détient trois présentés aux différentes guildes de Newcastle. Un essai publié sur la guérison d'un ami de la gleets (gonorrhée) a probablement contribué à obtenir ses médecins arbitres pour un doctorat en médecine de l'Université de St Andrews en juin 1775. À son retour à Londres, il a publié Enquête sur la nature, la cause et le traitement de la gleets (gonorrhée). une maladie singulière des yeux. En 1776, Marat s'installe à Paris après une brève escale à Genève pour rendre visite à sa famille. Ici, sa réputation grandissante de médecin très efficace, ainsi que le patronage du marquis de l'Aubespine, époux d'une de ses patientes, lui valurent d'être nommé, en juin 1777, médecin de la garde du corps du comte d'Artois, Le plus jeune frère de Louis XVI qui deviendra roi Charles X en 1824. Le poste rapportait 2 000 livres par an plus les indemnités. Marat fut bientôt très demandé comme médecin de cour parmi l'aristocratie et il utilisa sa nouvelle richesse pour installer un laboratoire dans la maison de la marquise de l'Aubespine. Bientôt, il publia des ouvrages sur le feu et la chaleur, l'électricité et la lumière. Dans ses Mémoires, son futur ennemi Brissot admettait l'influence croissante de Marat dans les cercles scientifiques parisiens. Lorsque Marat a présenté ses recherches scientifiques à l'Académie des Sciences, leur publication officielle n'a pas été approuvée. En particulier, les académiciens furent consternés par sa témérité en désaccord avec Newton (jusqu'alors non critiqué). Benjamin Franklin lui a rendu visite à plusieurs reprises et Goethe a décrit son rejet par l'Académie comme un exemple flagrant de despotisme scientifique. En 1782, Marat publie son « œuvre préférée », un Plan de législation criminelle. Il s'agissait d'une polémique sur la réforme pénale, inspirée par Rousseau et Cesare Beccaria, qui avait été mise au concours annoncée par la Société économique de Berne en février 1777 et soutenue par Frédéric le Grand et Voltaire. L'entrée de Marat contenait de nombreuses idées radicales, y compris l'argument selon lequel la société devrait répondre aux besoins (naturels) fondamentaux tels que la nourriture et le logement si elle s'attendait à ce que tous ses citoyens respectent ses lois (civiles), et que le roi n'était rien de plus que le « premier magistrat ». de son peuple, qu'il devrait y avoir une peine de mort commune quelle que soit la classe sociale, et que chaque ville devrait avoir un "avocat des pauvres" dédié et mettre en place des tribunaux pénaux indépendants avec des jurés de douze hommes pour garantir un procès équitable. En avril 1786, il démissionna de son mandat à la cour et se consacra à plein temps à la recherche scientifique. Il a publié une traduction bien accueillie de Opticks de Newton (1787), encore imprimée jusqu'à récemment, et plus tard un recueil d'essais sur ses découvertes expérimentales, y compris une étude sur l'effet de la lumière sur les bulles de savon dans ses Mémoires académiques, ou nouvelles découvertes sur la lumière ("Mémoires académiques, ou nouvelles découvertes sur la lumière", 1788). En tant qu'hôte de la famille Nairac dans le principal port négrier de Bordeaux, Marat a peut-être été témoin de certains aspects du commerce, puisque Monsieur Nairac était un important marchand d'esclaves, puis un membre anobli de l'Assemblée nationale. Mais l'utilisation métaphorique de l'imagerie de l'esclavage dans les discours politiques de l'époque, y compris celui de Marat, découlait d'une tradition républicaine anglaise bien connue. En 1792, peu après les soulèvements de l'île caribéenne et de la colonie sucrière de Saint-Domingue (plus tard Haïti après sa révolution), Marat a écrit que les habitants de Saint-Domingue sont « un peuple distinct » de la France. Il a cité la nouvelle constitution (de 1791), "La base de tout gouvernement libre est qu'aucun peuple ne peut être légalement soumis à un autre peuple..." (extrait de "L'Ami du Peuple" 1792. Voir l'extrait dans Dubois & Garrigus , éditeurs, « Slave Revolution in the Caribbean, 1789-1804 », pp. 111-112). "Ami du peuple" A la veille de la Révolution française, Marat met derrière lui sa carrière de scientifique et de médecin et prend la plume au nom du Tiers État. En 1788, lorsque l'Assemblée des Notables conseilla la réunion des États généraux pour la première fois depuis 175 ans, Marat se consacra entièrement à la politique. En janvier 1789, il publie son Offrande à la Patrie qui touche à quelques-uns des mêmes points que le célèbre « Qu'est-ce que le Tiers État ? » de l'abbé Sieyès. (« Qu'est-ce que le tiers état ? »). Cela a été suivi d'un "Supplément de l'Offrande" en mars, suivi en juillet de "La Constitution, ou Projet de déclaration des droits de l'homme et du citoyen", destiné à influencer la rédaction de la nouvelle constitution française, alors en cours. débattu à l’Assemblée nationale. Le 12 septembre 1789, Marat lance son propre journal, intitulé Publiciste parisien, avant de changer son nom quatre jours plus tard pour L'Ami du peuple (« L'ami du peuple »). De cette position, il attaqua souvent les groupes les plus influents et les plus puissants de Paris, notamment la Commune, l'Assemblée constituante, les ministres et le Châtelet (le corps législatif d'ancien régime). En janvier 1790, il rejoint la section radicale des Cordeliers, alors sous la direction de l'avocat Danton, est presque arrêté pour ses attaques agressives contre Jacques Necker, le populaire ministre des Finances de Louis XVI, et est contraint de fuir à Londres. En mai, il retourne à Paris pour continuer la publication de L'Ami du peuple et dirige brièvement un deuxième journal en juin 1790 appelé « Le Junius français », du nom du célèbre polémiste anglais Junius. Marat a été confronté au problème des contrefacteurs distribuant des versions falsifiées de L'Ami du peuple, ce qui l'a amené à appeler à l'intervention de la police, ce qui a abouti à la suppression des numéros frauduleux, laissant Marat le seul auteur de L'Ami du peuple. Durant cette période, Marat lança des attaques régulières contre les dirigeants révolutionnaires les plus conservateurs. Dans un pamphlet du 26 juillet 1790 intitulé « C'en est fait de nous », il met en garde contre les contre-révolutionnaires : « cinq ou six cents têtes coupées auraient assuré votre repos, liberté et bonheur." Événements Entre 1790 et 1792, Marat fut souvent contraint de se cacher, parfois dans les égouts de Paris, où il a presque certainement aggravé sa maladie cutanée chronique débilitante (peut-être une dermatite herpétiforme). En janvier 1792, il épouse Simonne Evrard, 26 ans, lors d'une cérémonie d'union de fait à son retour d'exil à Londres, après lui avoir préalablement exprimé son amour. Elle était la belle-soeur de son typographe, Jean-Antoine Corne, et lui avait prêté de l'argent et l'avait hébergé à plusieurs reprises. Marat n'est apparu publiquement que lors de l'insurrection du 10 août, lorsque le palais des Tuileries a été envahi et la famille royale contrainte de se réfugier au sein de l'Assemblée législative. L'étincelle de ce soulèvement fut la proclamation provocatrice de Karl Wilhelm Ferdinand, duc de Brunswick-Lunebourg, qui appelait à l'écrasement de la Révolution et contribua à attiser l'indignation populaire à Paris. La Convention nationale Marat fut élu à la Convention nationale en septembre 1792 comme l'un des 26 députés de Paris bien qu'il n'appartienne à aucun parti. Lorsque la France a été déclarée République le 22 septembre, Marat a rebaptisé son L'Ami du peuple Le Journal de la République française ("Journal de la République française"). Sa position lors du procès du roi déchu Louis XVI était unique. Il déclara qu'il était injuste d'accuser Louis de quoi que ce soit avant son acceptation de la Constitution française de 1791, et, tout en affirmant implacablement qu'il croyait que la mort du monarque serait bénéfique pour le peuple, il défendit Guillaume-Chrétien de Lamoignon de Malesherbes, avocat du roi, comme un « sage et respectable vieillard » (« vieillard sage et respecté »). Le 21 janvier 1793, Louis XVI est guillotiné, ce qui provoque des troubles politiques. De janvier à mai, Marat combattit âprement les Girondins, qu'il considérait comme des ennemis cachés du républicanisme. La haine de Marat envers les Girondins devint de plus en plus vive, ce qui le conduisit à appeler à l'utilisation de tactiques violentes contre eux. Les Girondins ripostent et exigent que Marat soit jugé devant le Tribunal révolutionnaire. Après avoir tenté d'éviter d'être arrêté pendant plusieurs jours, Marat a finalement été emprisonné. Le 24 avril, il a été traduit devant le Tribunal pour les accusations qu'il avait imprimées dans ses déclarations écrites appelant à des meurtres généralisés ainsi qu'à la suspension de la Convention. Marat a défendu de manière décisive ses actions, affirmant qu'il n'avait aucune mauvaise intention dirigée contre la Convention. Marat a été acquitté de toutes les accusations portées contre les célébrations tumultueuses de ses partisans. La mort La chute des Girondins le 2 juin, favorisée par l'action de François Hanriot, le nouveau chef de la Garde nationale, fut l'une des dernières réalisations de Marat. Contraint de se retirer de la Convention en raison de l'aggravation de sa maladie de peau, il a continué à travailler depuis chez lui, où il prenait un bain médicinal. Maintenant que les Montagnards n'avaient plus besoin de son soutien dans la lutte contre les Girondins, Robespierre et d'autres dirigeants montagnards commencèrent à se séparer de lui, tandis que la Convention ignorait largement ses lettres. Marat est dans sa baignoire, le 13 juillet, lorsqu'une jeune Caennaise, Charlotte Corday, se présente à son appartement, affirmant détenir des informations vitales sur les activités des Girondins évadés qui ont fui vers la Normandie. Malgré les protestations de sa femme Simonne, Marat lui demanda d'entrer et lui donna audience près de son bain, sur lequel avait été posée une planche qui lui servait de bureau. Leur entretien a duré une quinzaine de minutes. Il lui demande ce qui se passe à Caen et elle lui explique en récitant une liste des députés incriminés. Après avoir fini de rédiger la liste, Corday a affirmé qu'il lui avait dit : « Leurs têtes tomberont d'ici quinze jours », une déclaration qu'elle a ensuite modifiée lors de son procès en : « Bientôt, je les ferai tous guillotiner à Paris ». C'était peu probable puisque Marat n'avait pas le pouvoir de faire guillotiner qui que ce soit. À ce moment-là, Corday se leva de sa chaise, sortit de son corset un couteau de cuisine de cinq pouces, qu'elle avait acheté plus tôt dans la journée, et l'enfonça violemment dans la poitrine de Marat, où il transperça juste sous sa clavicule droite, ouvrant la poitrine de Marat. artère carotide, proche du cœur. L’hémorragie massive a été fatale en quelques secondes. S'affalant en arrière, Marat cria ses derniers mots à Simonne : « Aide-moi, ma chère amie ! (« Aide-moi, mon cher ami ! ») et mourut. Corday était une sympathisante girondine issue d'une famille royaliste pauvre – ses frères étaient des émigrés partis rejoindre les princes royaux en exil. D'après son propre récit et celui de témoins, il ressort clairement que les discours girondins lui ont inspiré une haine des Montagnards et de leurs excès, symbolisés le plus puissamment dans le personnage de Marat. Le Livre des Jours affirme que le motif était de « venger la mort de son ami Barboroux ». L'assassinat de Marat contribue à la montée des soupçons qui alimente la Terreur au cours de laquelle des milliers d'adversaires des Jacobins – royalistes et girondins – sont exécutés sous de prétendues accusations de trahison. Charlotte Corday fut guillotinée le 17 juillet 1793 pour ce meurtre. Au cours de son procès de quatre jours, elle avait déclaré qu'elle avait commis l'assassinat seule, déclarant : « J'ai tué un homme pour en sauver 100 000 ». La mémoire dans la révolution L'assassinat de Marat a conduit à son apothéose. Le peintre Jacques-Louis David, membre d'un des deux « Grands Comités » (le Comité de Sûreté générale), fut chargé d'organiser de grandes funérailles. David s'est chargé d'immortaliser Marat dans le tableau La Mort de Marat, embellissant la peau décolorée et croûtée à cause de sa maladie cutanée chronique dans le but de créer une vertu antique. David, à la suite de ce travail, a depuis été critiqué comme glorifiant la mort des Jacobins. La Convention nationale entière assiste aux funérailles de Marat et il est enterré sous un saule pleureur, dans le jardin de l'ancien Club des Cordeliers (ancien Couvent des Cordeliers). Après la mort de Marat, beaucoup le considérèrent comme un martyr de la révolution et furent immortalisés de diverses manières afin de préserver les valeurs qu’il défendait. Son cœur a été embaumé séparément et placé dans une urne dans un autel érigé à sa mémoire aux Cordeliers afin d’inspirer des discours dont le style était similaire aux compétences journalistiques éloquentes de Marat. Sur sa tombe, l'inscription sur une plaque disait : « Unité, Indivisibilité de la République, Liberté, Égalité, Fraternité ou la mort ». Sa dépouille fut transférée au Panthéon le 25 novembre 1793 et ​​son rôle quasi messianique dans la Révolution fut confirmé par l'élégie : Comme Jésus, Marat aimait ardemment le peuple, et lui seul. Comme Jésus, Marat détestait les rois, les nobles, les prêtres, les coquins et, comme Jésus, il n'a jamais cessé de lutter contre ces fléaux du peuple. L'éloge funèbre a été prononcé par le marquis de Sade, délégué de la section Piqué et allié de la faction de Marat à la Convention nationale (il existe des preuves suggérant que peu de temps avant sa mort, Marat s'était brouillé avec de Sade et faisait en sorte qu'il soit arrêté). À ce stade, de Sade était consterné par les excès du règne de la terreur et fut ensuite démis de ses fonctions et emprisonné pour « modératisme » le 5 décembre. Le 19 novembre, la ville portuaire du Havre-de-Grâce change de nom pour devenir Le Havre-de-Marat puis Le Havre-Marat. Lorsque les Jacobins commencèrent leur campagne de déchristianisation pour instaurer le Culte de la Raison d'Hébert et Chaumette et le Culte de l'Être Suprême de Robespierre, Marat fut érigé en quasi-saint et son buste remplaça souvent les crucifix dans les anciennes églises de Paris. Au début de 1795, la mémoire de Marat était ternie. Le 13 janvier 1795, Le Havre-Marat devient simplement Le Havre, le nom qu'il porte aujourd'hui. En février, son cercueil est retiré du Panthéon et ses bustes et sculptures sont détruits. Sa dernière demeure est le cimetière de l'église de Saint-Étienne-du-Mont. Une sculpture en bronze de Marat a été retirée du Parc des Buttes Chaumont et fondue pendant l'occupation nazie de Paris. Sa mémoire a survécu en Union soviétique. Marat est devenu un nom commun et le cuirassé russe Petropavlovsk () a été rebaptisé Marat en 1921. Une rue du centre de Sébastopol a été nommée d'après Marat () le 3 janvier 1921, peu de temps après la prise de la ville par les bolcheviks. Maladie de peau Décrit à son époque comme un homme « de petite taille, difforme de personne et hideux de visage », Marat est depuis longtemps connu pour ses irrégularités physiques. La nature de la maladie cutanée débilitante de Marat, en particulier, fait l'objet d'un intérêt médical constant. Le Dr Josef E. Jelinek a noté que sa maladie de peau provoquait des démangeaisons intenses, des cloques, débutait dans la région périanale et était associée à une perte de poids conduisant à une émaciation. Il en a souffert pendant les trois années précédant son assassinat et a passé la majeure partie de ce temps dans sa baignoire. Il y avait divers minéraux et médicaments présents dans son bain pendant qu'il trempait pour aider à soulager la douleur causée par la maladie. Le bandana que l'on voit enroulé autour de sa tête a été trempé dans du vinaigre pour réduire la gravité de son inconfort. Le diagnostic de Jelinek est une dermatite herpétiforme. Baignoire Après la mort de Marat, sa femme aurait vendu sa baignoire à son voisin journaliste, car elle figurait dans un inventaire de ses biens. Le royaliste de Saint-Hilaire acheta le baquet et l'emporta à Sarzeau, Morbihan en Bretagne. Sa fille, Capriole de Saint-Hilaire, en hérita à sa mort en 1805 et le transmit au curé de Sarzeau à sa mort en 1862. Un journaliste du Figaro retrouva la trace du baquet en 1885. Le curé découvrit alors que la vente du baquet pouvait rapporter de l'argent à la paroisse, mais le musée Carnavalet l'a refusé en raison de son manque de provenance ainsi que de son prix élevé. Le curé s'approche des ateliers de cire de Madame Tussaud, qui acceptent d'acheter la baignoire de Marat pour 100 000 francs, mais l'acceptation du curé se perd dans le courrier. Après avoir rejeté d'autres offres, dont celle de Phineas Barnum, le curé vendit le baquet pour 5 000 francs au musée Grévin, où il se trouve aujourd'hui. La baignoire avait la forme d'une chaussure à boutons hauts à l'ancienne et avait une doublure en cuivre. Travaux Outre les ouvrages mentionnés ci-dessus, Marat écrit également : *Recherches physiques sur l'électricité, &c. (1782) *Recherches sur l'électricité médicale (1783) * Notions élémentaires d'optique (1784) * Lettres de l'observateur Bon Sens à M. de M sur la fatale catastrophe des infortunés Pilatre de Rozier et Ronzain, les aéronautes et l'aérostation (1785) * Observations de M. l'amateur Avec à M. l'abbé Sans . . . &c., (1785) * Éloge de Montesquieu (1785) (provincial Academy competition entry first published 1883 by M. de Bresetz) * Les Charlatans modernes, ou lettres sur le charlatanisme académique (L'Ami du Peuple, 1791) * Les Aventures du comte Potowski (unpublished manuscript first published in 1847 by Paul Lacroix) * Lettres polonaises (unpublished manuscript first printed in English in 1905; recently translated into French but authenticity disputed) Remarques

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Quel était le nom du kangourou que Sylvester le chat confondait souvent avec une souris géante ?

Hippety Hopper

Sylvester James Pussycat, Sr., Sylvester le chat ou simplement Sylvester, ou Puddy Cat, est un personnage fictif, un chat de smoking anthropomorphe trois fois lauréat d'un Oscar dans le répertoire des Looney Tunes et Merrie Melodies, poursuivant souvent Tweety Bird, Speedy Gonzales. , ou Hippety Hopper. Le nom « Sylvester » est un jeu de mots sur Felis silvestris, le nom scientifique de l'espèce de chat sauvage (les chats domestiques comme Sylvester, cependant, sont en réalité Felis catus). Le personnage a fait ses débuts dans Life With Feathers de Friz Freleng (1945). Le dessin animé Tweetie Pie de Freleng en 1947 était le premier duo de Tweety avec Sylvester, et Kitty Kornered (1946), réalisé par Bob Clampett, était le premier duo de Sylvester avec Porky Pig. Sylvester est apparu dans 103 dessins animés à l'âge d'or. Il est apparu quatrième le plus souvent dans les films derrière Bugs Bunny, Porky Pig et Daffy Duck respectivement. Trois de ses dessins animés ont remporté des Oscars, le plus grand nombre pour tous les personnages des Looney Tunes : il s'agit de Tweetie Pie, Speedy Gonzales et Birds Anonymous. Sylvester était n°33 sur la liste des 50 meilleurs personnages de dessins animés du TV Guide, avec Tweety. Personnage La marque de fabrique de Sylvester est son zézaiement bâclé et pourtant stridulant. Dans son autobiographie, That's Not All Folks !, le doubleur Mel Blanc a déclaré que la voix de Sylvester est identique à sa voix pour Daffy Duck, mais pas accélérée en post-production, avec en plus un zézaiement baveux encore plus exagéré. La sagesse conventionnelle veut que le zézaiement de Daffy, et donc aussi celui de Sylvester, soient basés sur le zézaiement du producteur Leon Schlesinger. Cependant, Blanc n’a pas fait une telle affirmation. Il a dit que le zézaiement de Daffy était basé sur son long bec et qu'il avait emprunté la voix de Sylvester. Il a également souligné que, à l'exception du zézaiement, la voix de Sylvester était assez proche de la sienne (une affirmation confirmée par son fils Noël Blanc). De plus, le réalisateur Bob Clampett, dans une interview à Funnyworld en 1970, était d'accord avec le récit de Blanc concernant Schlesinger. Dans de nombreux dessins animés, Sylvester est montré tirant intentionnellement la langue en parlant, soulignant que le zézaiement est intentionnel. Sylvester est également connu pour asperger les gens à qui il parle avec la salive de son zozotage, un trait rarement partagé par Daffy. Un gag commun utilisé à la fois pour Sylvester et Daffy est une tendance à se lancer dans une longue diatribe, à se plaindre d'un sujet, puis à le terminer en disant « saké ». Les prototypes Sylvester sont apparus de 1941 à 1944. Notes to You était le premier prototype. Il a été refait en couleur dans l'un des dessins animés de Sylvester, Back Alley Oproar. Le Hep Cat présente un autre prototype, ainsi que Birdy and the Beast, qui présente Tweety Bird, le dernier dessin animé à présenter un prototype. Pour souligner le zézaiement, comme avec le slogan de Daffy "Vous êtes desthpicable", l'exclamation caractéristique de Sylvester est "Sufferin' succotash!", qui est considéré comme un serment haché de "Suffering Savior". (Daffy dit aussi "Sufferin' succotash!" de temps en temps dans "Ain't That Ducky", "Baby Bottleneck", "His Bitter Half", "Hollywood Daffy", "The Great Piggy Bank Robbery", "Daffy Dilly". ", " Skyscraper Caper ", " You Were Never Duckier " et " Duck Dodgers Jr. ") Avant l'apparition de Sylvester dans les dessins animés, Blanc a exprimé un personnage nommé Sylvester dans The Judy Canova Show en utilisant la voix qui serait finalement associée au chat. Sylvester se montre très fier de lui-même et n'abandonne jamais. Malgré (ou peut-être à cause de) sa fierté et sa persévérance, Sylvester est, à de rares exceptions près, carrément placé du côté des « perdants » de la hiérarchie gagnant/perdant des Looney Tunes. Il montre un personnage différent lorsqu'il est associé à Porky Pig dans des explorations d'endroits effrayants, dans lesquels il ne parle pas, se comporte comme un chat effrayant et semble toujours voir les choses effrayantes que Porky ne voit pas et se fait gronder par lui pour cela. à chaque fois. Il apparaît également dans une poignée de dessins animés avec Elmer Fudd, notamment dans une série de dessins financés par la Fondation Alfred P. Sloan vantant le système économique américain. Sylvester, qui a pour la plupart toujours joué le rôle d'antagoniste, joue le rôle de protagoniste dans quelques dessins animés tout en devant faire face au duo canin de Spike le Bulldog et Chester le Terrier après avoir été pourchassé. Dans Tree for Two de Friz Freleng en 1952, Sylvester est coincé dans une ruelle, ce qui entraînerait la mutilation de Spike par une panthère noire qui s'était échappée d'un zoo. Dans le film Dr. Jerkyl's Hide de 1954, Sylvester frappe Spike (ici appelé "Alfie") grâce à une potion qui le transforme en monstre félin. Après l'épreuve de Spike, Sylvester aurait le courage et la confiance d'affronter Chester, pour ensuite être battu et jeté par le petit chien. Le rôle le plus développé de Sylvester est peut-être dans une série de courts métrages réalisés par Robert McKimson, dans lesquels le personnage est un malheureux instructeur qui attrape la souris pour son fils douteux, Sylvester Junior, la "souris" étant un puissant bébé kangourou qu'il prend constamment pour une "souris king-size". Ses épisodes tour à tour confiants et perplexes font honte à son fils, tandis que Sylvestre lui-même est réduit à des dépressions nerveuses. Sylvester a également eu des rôles atypiques dans quelques dessins animés : * Kitty Kornered (1946), un dessin animé de Bob Clampett dans lequel un Sylvester au nez noir et aux yeux jaunes faisait équipe avec trois autres chats pour évincer le propriétaire Porky Pig de sa maison. * Back Alley Oproar (1948), un dessin animé de Friz Freleng (en fait un remake du court métrage Notes to You de 1941) dans lequel Sylvester harcèle Elmer Fudd, privé de sommeil, en interprétant plusieurs numéros musicaux étonnants dans la ruelle (et même une douce berceuse (" va dormir... va dormir... ferme tes grands yeux injectés de sang...") pour ramener temporairement Elmer dans le monde des rêves, bien que très temporairement. * The Scarlet Pumpernickel (1950), un dessin animé de Chuck Jones dans lequel Sylvester incarne le méchant ressemblant à Basil Rathbone pour le héros Errol Flynn de Daffy Duck. * Red Riding Hoodwinked (1955) Sylvester partage la vedette avec The Big Bad Wolf dans lequel chacun essaie non seulement d'obtenir sa "proie" particulière (Sylvester contre Tweety Bird et le loup contre le petit chaperon rouge), mais ils en viennent tous les deux presque aux mains. les uns avec les autres jouant à "Grandma" ("Essayer de se muscler sur cette raquette") Dans les années 1970 et 1980, Sylvester est apparu dans diverses émissions spéciales télévisées de Warner Bros. et dans les années 1980, il est apparu dans des compilations de longs métrages. De 1979 à 1983, Sylvester était le « porte-parole » de la gamme de nourriture sèche pour chats de 9 Lives. Son visage est apparu sur les boîtes du produit et Sylvester a également figuré dans une série de publicités télévisées. Ces publicités consistaient généralement en Sylvester essayant d'accéder à sa boîte de 9 vies tout en évitant Hector le bouledogue. Sylvester réussissait toujours à attirer le chien pour qu'il puisse accéder à sa nourriture, mais se retrouvait toujours à nouveau une cible à la fin de la publicité, qui se terminait généralement par Sylvester appelant la nourriture sèche 9 Lives "qui valait la peine de risquer votre vie". " Dans la série télévisée Tiny Toon Adventures, Sylvester est apparu comme le mentor de Furrball. Le personnage a également joué dans The Sylvester et Tweety Mysteries. Dans la série, il joue le narrateur au début des épisodes. Dans Loonatics Unleashed, le descendant de Sylvester et probablement le descendant de Sylvester Junior est Sylth Vester, un tueur à gages engagé par le méchant, la reine Granicus, pour tuer les Tweetums royaux afin qu'elle n'ait pas à perdre son trône. Malgré tous ses efforts, il est battu par les Loonatics. Plus tard dans la série, il est montré qu'il n'est pas entièrement un méchant, car il a aidé les Loonatics à retrouver les Royal Tweetums (qui étaient cachés) et à lutter contre Optimatus et Deuce et leur plan de conquête de l'Univers. Tout comme son ancêtre, Sylth Vester tente de tuer le descendant de Tweety en utilisant toutes sortes d'astuces, mais toutes se retournent contre lui, ce qui entraîne de nombreuses blessures à Sylth Vester. En 1985, Sylvester pouvait être entendu dans un épisode du jeu télévisé Press Your Luck. L'animateur Peter Tomarken avait auparavant crédité à tort son slogan "Suffering Succotash!" à Daffy Duck. Même si les trois candidats avaient répondu correctement « Sylvester », ils ont été jugés incorrects. Dans un segment produit plus tard et monté dans l'émission, Sylvester a téléphoné à Tomarken et lui a dit : "Daffy Duck me vole tout le temps." Les trois participants sont revenus pour concourir dans les prochains épisodes. Sylvester est le plus « mort » de tous les personnages des Looney Tunes, étant « mort » dans I Taw a Putty Tat, Back Alley Oproar, Peck Up Your Troubles, Satan's Waitin', Mouse Mazurka, Tweety's Circus, Trick or Tweet, Tweet et Lovely. et La chasse sauvage. Western Publications a produit une bande dessinée sur Tweety et Sylvester intitulée Tweety et Sylvester, d'abord dans les séries Dell Comics Four Color n° 406, 489 et 524, puis dans leur propre titre de Dell Comics (n° 4-37, 1954-1962), et plus tard. de Gold Key Comics (n° 1-102, 1963-1972). Dans un dessin animé de Garfield, il a fait une apparition en envoyant une lettre d'amour à Rosalina. Dans d'autres médias Sylvester apparaît dans l'épisode Robot Chicken "Werewolf vs. Unicorn" exprimé par Patrick Pinney. Lors de l'annonce par Arnold Schwarzenegger des étrangers illégaux du Mexique, Sylvester démontre une clôture grillagée qui empêchera les extraterrestres d'entrer, seulement pour qu'elle soit pénétrée par Speedy Gonzales. Sylvester fait une apparition dans Who Framed Roger Rabbit, où il fournit la punchline d'une blague à double sens concernant l'identité du juge Doom (Christopher Lloyd). Sylvester apparaît dans le cadre de l'équipe TuneSquad dans Space Jam, portant le numéro 9 sur son maillot. Il a également deux apparitions dans Looney Tunes : Back in Action, mais la deuxième fois, "Sylvester" est en réalité M. Smith déguisé. Dans l'épisode de Family Guy Padre de Familia, Peter a inventé sa version américaine de Speedy Gonzales appelée Rapid Dave après avoir décidé que les immigrants ne devraient pas être autorisés à entrer en Amérique. Sylvester (dans lequel Jeff Bergman reprend son rôle) est apparu dans le dessin animé avec Dave réalisé par Peter et a tenté de l'attraper. Dans l'épisode "Bradventure" de My Life as a Teenage Robot, Jenny et Brad ont accidentellement capturé Sylvester et Snagglepuss. Une version bébé de Sylvester fait partie du casting principal des personnages de Baby Looney Tunes. Dans l'épisode des Simpsons Lisa's First Word, le tout-petit Bart s'exclame "Sufferin' succotash !" comme Sylvester quand Baby Lisa prononce son premier mot « Bart ». Sylvester est présenté dans The Looney Tunes Show exprimé par Jeff Bergman. Il est montré vivant avec Granny aux côtés de Tweety. Dans "Point, Laser Point", il est révélé que Sylvester a été attiré par un point rouge brillant qui se trouvait sur le collier de sa mère quand il était jeune, comme l'a expérimenté la thérapie hypnotique pratiquée par la sorcière Lezah. Il a également été révélé que sa mère (exprimée par Estelle Harris) s'était retirée en Floride (la mère de Sylvester étant déçue que Sylvester n'ait jamais continué à porter son appareil de rétention, ne se soit jamais rappelé où elle vit en Floride et n'ait pas encore attrapé Tweety). Cet épisode a également présenté le frère de Sylvester, Alan (exprimé par Jeff Bennett). Sylvester est apparu dans les jeux vidéo, Sylvester et Tweety dans Cagey Capers, The Bugs Bunny Crazy Castle, The Bugs Bunny Birthday Blowout, Bugs Bunny Rabbit Rampage, Looney Tunes : Acme Arsenal, The Bugs Bunny Crazy Castle 2, Looney Tunes : Back in Action, Looney Tunes : Space Race et Bugs Bunny : Crazy Castle 3 Appellation Bien que le personnage ait été nommé Sylvester dans des courts métrages de dessins animés ultérieurs (à partir de Scaredy Cat de 1948), il s'est appelé "Thomas" lors de sa première apparition avec Tweety Bird dans Tweetie Pie, probablement en référence à Tom de Tom et Jerry. Son nom a probablement été changé afin d'éviter des poursuites judiciaires de la part de la MGM. Mel Blanc avait également interprété un personnage humain nommé Sylvester dans l'émission de radio de Judy Canova plus tôt dans les années 1940. Sylvester a officiellement reçu son nom dans le court métrage de Chuck Jones de 1948, Scaredy Cat. Acteurs vocaux *Mel Blanc (1945-1988) ; (Je Tawt, je Taw un Puddy Tat) Archive Audio *Joe Alaskey (Les mystères de Sylvester et Tweety, Tiny Toon Adventures, Bah, Humduck! Un Noël Looney Tunes, Looney Tunes : Plus étrange que la fiction, Carrotblanca, Looney Tunes : Reality Check, Looney Tunes : De retour en action, L'aventure de haut vol de Tweety , Looney Tunes ClickN READ Phonics) *Terry Klassen (Bébé Looney Tunes) *Bill Farmer (Space Jam) *Jeff Bergman (Tiny Toon Adventures, The Looney Tunes Show, Scooby Doo et Looney Tunes : Cartoon Universe, Family Guy) *Jeff Bennett (Cri du musée) *Patrick Pinney (Poulet Robot) Autres apparitions Sylvester (ainsi que Speedy Gonzales et Porky Pig) est apparu dans un sketch vu à la fin d'un épisode du jeu télévisé Press Your Luck. Plus tôt dans l'épisode, Daffy Duck a été répertorié à tort comme la bonne réponse à la question « Quel personnage de dessin animé bien connu est célèbre pour avoir prononcé les mots immortels « Sufferin Succotash ! » ? À la fin de l'épisode, Mel Blanc a appelé l'émission avec sa voix de Sylvester pour corriger l'animateur Peter Tomarken sur la gaffe. Tomarken a assuré à "Sylvester" que les futures questions liées aux "Looney Tunes" seraient traitées par le bureau de Sylvester et que les trois candidats de l'épisode auraient une seconde chance, car tout tour attribué pour la bonne réponse aurait affecté le déroulement du gameplay de l'épisode. Sylvestre Jr.

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Le Gjetost est le fromage national de quel pays ?

Norvège

Brunost (« fromage brun ») est un nom norvégien commun pour mysost (« fromage de lactosérum », une famille d'aliments liés au fromage à base de lactosérum, de lait et/ou de crème. Il est souvent utilisé pour désigner simplement le type Gudbrandsdalsost (« Fromage Gudbrandsdal »), qui est la variété la plus populaire. Le Brunost est principalement produit et consommé en Norvège. Il est considéré comme l'un des aliments les plus emblématiques du pays et constitue un élément important de l'identité et du patrimoine gastronomique et culturel norvégiens. Histoire Faire bouillir du lactosérum pour créer une pâte à tartiner douce et brune (comme le prim norvégien et le messmör suédois) est probablement courant dans les pays nordiques depuis des temps immémoriaux. Cependant, la création du brunost moderne, ferme et gras est généralement attribuée à la laitière Anne Hov de Gudbrandsdalen. Dans la seconde partie du XIXe siècle, Gudbrandsdalen, une région rurale de Norvège, souffrait économiquement en raison de la baisse des bénéfices tirés des ventes de céréales et de beurre. Alors qu'elle travaillait à la ferme de montagne Valseter près de Gålå en 1863, Anne Hov (parfois appelée Anne Haav) a eu l'idée d'ajouter de la crème au lactosérum lorsqu'il bout et de la faire bouillir dans une marmite en fer jusqu'à ce que la teneur en liquide soit réduite à moins. plus de 80 %, créant un produit plus ferme, plus gras et ressemblant davantage à du fromage. Elle l'appelait à l'origine Feitost ("Fat Cheese"). Le nom a ensuite été changé en Fløtemysost (« Cream Whey Cheese »), et cette variété est actuellement le deuxième type le plus populaire. Le produit a immédiatement fait son chemin et a rapidement été produit et consommé couramment dans la région. Lorsqu'Anne Hov s'est mariée et a déménagé à la ferme Rusthågå à Sør-Fron, elle a commencé une production à plus grande échelle et a inventé une variété dans laquelle elle a ajouté du lait de chèvre au mélange pour un goût plus prononcé. Le commerçant local Ole Kongsli a tellement aimé ce produit qu'il a pensé qu'il pourrait y avoir un marché pour ce produit dans la capitale, Oslo. Il a commencé à l'exporter vers ses contacts commerciaux à Oslo sous le nom de Gudbrandsdalsost (« Fromage Gudbrandsdal »), et il a connu un tel succès qu'il a contribué de manière significative à l'économie de la région, aidant ainsi Gudbrandsdalen à sortir de la récession. En 1933, âgée de 87 ans, Anne Hov reçoit la Médaille du mérite du roi pour sa contribution à la cuisine et à l'économie norvégiennes. À l'époque moderne, le plus grand producteur mondial de brunost est la coopérative laitière norvégienne Tine, qui commercialise au total 13 variétés, ainsi que trois types de prim et trois types de pultost. La deuxième plus grande entreprise laitière est la société laitière norvégienne Synnøve Finden, qui commercialise deux variétés de brunost, ainsi que deux variétés de prim. Il existe également un certain nombre de petits producteurs artisanaux, principalement en Norvège et aux États-Unis. Description Mysost est une famille d'aliments liés au fromage à base de lactosérum et de lait et/ou de crème. Étant donné que l'ingrédient principal, le lactosérum, est un sous-produit du processus de fabrication du fromage, le brunost n'est pas techniquement du fromage et il n'a pas le goût du fromage. Cependant, il est produit par les fromagers et est vendu, manipulé et consommé de la même manière que le fromage. C’est pourquoi il est généralement considéré comme un fromage. La texture est ferme, mais légèrement plus douce que par ex. Fromage Gouda, et se prête bien à la découpe et au façonnage. Il ne s'effrite pas comme les fromages à pâte dure. Le goût est sucré et mieux décrit comme celui du caramel, mais avec une saveur plus prononcée dans les variantes contenant du lait de chèvre. La variante Ekte Geitost ("Vrai Fromage de Chèvre") ne contient que du lactosérum et du lait de chèvre et a un goût intense, semblable à celui du Chèvre, qui coupe le goût sucré. Production Le Brunost est fabriqué en faisant bouillir soigneusement un mélange de lait, de crème et de lactosérum pendant plusieurs heures afin que l'eau s'évapore. La chaleur transforme les sucres du lait en caramel, ce qui donne au fromage sa couleur brune et sa douceur caractéristiques. Il est prêt à la consommation dès qu’il est emballé et réfrigéré. Les variétés faibles en gras sont obtenues en augmentant la proportion de lactosérum dans le lait et la crème. Variétés En Norvège, le Brunost est généralement divisé en deux types : ceux qui contiennent uniquement de la crème et/ou du lait de vache, et ceux qui contiennent une certaine proportion de lait de chèvre. Ce dernier type est communément appelé Geitost ou Gjetost (qui signifie « fromage de chèvre »). Les variétés qui ne contiennent pas de lait de vache sont appelées Ekte Geitost (« vrai fromage de chèvre »). Techniquement, le terme « vrai fromage de chèvre » est trompeur, car le véritable fromage de chèvre (comme le Chèvre français) est relativement rare en Norvège et est communément appelé Hvit geitost (« fromage de chèvre blanc ») pour éviter toute confusion. La variété de loin la plus populaire est la Gudbrandsdalsost, qui contient un mélange de lait de vache et de chèvre, de crème et de lactosérum. En Norvège, c'est en fait si courant que les gens l'appellent simplement « Brunost » ou « Geitost », en supposant que, sauf indication contraire, Gudbrandsdalsost sera fourni. Cette variété est également la plus populaire au niveau international et aux États-Unis, elle est communément appelée « Gjetost ». La deuxième variété la plus populaire est la Fløtemysost, dont le goût est plus doux en raison du manque de lait de chèvre. Le troisième type le plus populaire est l’Ekte geitost. Prim (en norvégien) ou Messmör (en suédois) sont apparentés au brunost, une pâte à tartiner douce et sucrée couramment vendue en tubes dans tous les pays nordiques. Il s'agit du produit original et ancien fabriqué en faisant bouillir du lactosérum pendant une période de temps plus courte que le brunost, sans ajouter de lait ou de crème. De plus, en Norvège, le pultost est traditionnellement fabriqué à partir de sous-produits du processus de fabrication du brunost et a une saveur très particulière. Usage Le Brunost est principalement utilisé comme garniture pour les sandwichs, les pains croustillants et les biscuits. Il est très courant dans le matpakke traditionnel norvégien ("sandwich pack", littéralement "food pack"), qui est la manière traditionnelle norvégienne d'obtenir un déjeuner - dans lequel les sandwichs sont emballés dans du papier sandwich ou dans une boîte à lunch le matin, et transportés au travail pour être consommés pendant la pause déjeuner de 30 minutes généralement accordée aux travailleurs norvégiens. L’un des avantages du Brunost à cet effet est que même si sa texture change s’il n’est pas réfrigéré, son goût reste le même. Le brunost est également populaire sur les gaufres norvégiennes et comme ingrédient en cuisine, notamment dans les sauces pour la viande de gibier. Nutrition La question de savoir dans quelle mesure Brunost est en bonne santé ou non a fait l'objet d'une certaine controverse en Norvège. Brunost contient de grandes quantités de calcium, de protéines et de vitamine B, ainsi que de l'iode, ce qui est bénéfique. Il ne contient pas non plus de sel, comme les autres fromages. Il contenait autrefois des quantités importantes de fer car il était traditionnellement fabriqué dans des pots en fer. En fait, lorsque des méthodes de production modernes utilisant des casseroles en aluminium ont été introduites par la coopérative laitière norvégienne, le gouvernement craignait que cela réduise considérablement l'apport en fer de la population en général et a ordonné que du fer soit ajouté au fromage. Le Brunost moderne ne contient pas de quantités importantes de fer. Cependant, la teneur en sucre (naturel) du Brunost est assez élevée, ainsi que sa teneur en matières grasses, ce qui amène certains à le mettre en garde, voire à le comparer au chocolat au lait. Cependant, certains tests ont montré des différences nutritionnelles importantes entre les différentes variétés de brunost. En outre, il a été souligné que la teneur en matières grasses de la plupart des Brunost est nettement inférieure à celle de nombreux autres fromages, comme les fromages à pâte molle. Les accidents En janvier 2013, un camion transportant 27 tonnes de Brunost a pris feu dans le long tunnel du Bratli, dans le Tysfjord. La température a tellement augmenté que le Brunost a pris feu, les graisses et les sucres du fromage alimentant l'incendie, empêchant les pompiers de s'en approcher jusqu'à quatre jours plus tard, alors que la majeure partie avait brûlé. Le tunnel a été gravement endommagé et a ensuite été fermé pour réparation pendant plusieurs mois. L'accident a été largement médiatisé dans les médias internationaux et a été surnommé « l'incendie du fromage de chèvre ». Cela a été comparé à l’incendie du tunnel du Mont Blanc en 1999, où un camion transportant de la margarine et de la farine avait pris feu.

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Sous quel nom Arthur Wellesley est-il mieux connu ?

Duc de Wellington

Le maréchal Arthur Wellesley, 1er duc de Wellington (1er mai 1769 - 14 septembre 1852), était un soldat et homme d'État anglo-irlandais et l'une des principales personnalités militaires et politiques de la Grande-Bretagne du XIXe siècle. Sa défaite de Napoléon à la bataille de Waterloo en 1815 le place au premier rang des héros militaires britanniques. En 2002, il était numéro 14 dans le sondage de la BBC sur les 100 plus grands Britanniques. Wellington est né à Dublin, appartenant à l'ascendance protestante d'Irlande. Il fut nommé enseigne dans l'armée britannique en 1787, servant en Irlande comme aide de camp de deux Lords Lieutenant d'Irlande successifs. Il a également été élu député à la Chambre des communes irlandaise. Il était colonel en 1796 et a combattu aux Pays-Bas et en Inde, où il a combattu dans la quatrième guerre anglo-Mysore à la bataille de Seringapatam. Il fut nommé gouverneur de Seringapatam et de Mysore en 1799 et, en tant que major-général nouvellement nommé, remporta une victoire décisive sur la Confédération Maratha à la bataille d'Assaye en 1803. Wellesley s'est fait connaître en tant que général au cours de la campagne péninsulaire des guerres napoléoniennes et a été promu au rang de maréchal après avoir mené les forces alliées à la victoire contre les Français à la bataille de Vitoria en 1813. Après l'exil de Napoléon en 1814, il a été ambassadeur en France et a obtenu un duché. Pendant les Cent Jours en 1815, il commanda l'armée alliée qui vainquit Napoléon à Waterloo, ainsi qu'une armée prussienne dirigée par Blücher. Le bilan de bataille de Wellesley est exemplaire ; il a finalement participé à une soixantaine de batailles au cours de sa carrière militaire. Wellington est célèbre pour son style de guerre défensif adaptatif, aboutissant à plusieurs victoires contre une force numériquement supérieure tout en minimisant ses propres pertes. Il est considéré comme l’un des plus grands commandants défensifs de tous les temps, et nombre de ses tactiques et plans de bataille sont encore étudiés dans les académies militaires du monde entier. Après avoir mis fin à sa carrière militaire active, Wellington retourne à la politique. Il fut deux fois Premier ministre britannique au sein du parti conservateur : de 1828 à 1830, et pendant un peu moins d'un mois en 1834. Il supervisa l'adoption du Catholic Relief Act de 1829, mais s'opposa au Reform Act de 1832. Il continua à exercer ses fonctions. l'une des personnalités de la Chambre des Lords jusqu'à sa retraite et resta commandant en chef de l'armée britannique jusqu'à sa mort. Première vie et éducation Wellesley est né dans une famille aristocratique anglo-irlandaise du Royaume d'Irlande sous le nom de L'hon. Arthur Wesley, le troisième des cinq fils survivants (quatrième sinon) du 1er comte de Mornington et de son épouse Anne, fille aînée du 1er vicomte Dungannon. A ce titre, il appartenait à l’ascendance protestante. Ses biographes suivent pour la plupart les témoignages des journaux contemporains en disant qu'il est né le 1er mai 1769, jour de son baptême. Son lieu de naissance est incertain. Il est probablement né dans la maison de ses parents, au 24 Upper Merrion Street, à Dublin, aujourd'hui l'hôtel Merrion. Mais sa mère Anne, comtesse de Mornington, rappela en 1815 qu'il était né au 6 Merrion Street, à Dublin. D'autres lieux ont été proposés comme lieu de sa naissance, notamment Mornington House (la maison voisine sur Upper Merrion), comme son père l'avait affirmé ; le paquebot Dublin ; et le manoir du domaine familial d'Athy (consumé lors des incendies de 1916), comme le duc l'a apparemment indiqué dans sa déclaration de recensement de 1851. Il a passé la majeure partie de son enfance dans les deux maisons de sa famille, la première une grande maison à Dublin et la seconde le château de Dangan, à 5 km au nord de Summerhill sur Trim Road (maintenant la R158) dans le comté de Meath. En 1781, le père d'Arthur mourut et son frère aîné Richard hérita du comté de son père. Il est allé à l'école diocésaine de Trim lorsqu'il était à Dangan, à la Mr Whyte's Academy à Dublin et à la Brown's School à Chelsea lorsqu'il était à Londres. Il s'est ensuite inscrit à Eton, où il a étudié de 1781 à 1784. Sa solitude là-bas l'a amené à détester cela et rend très improbable qu'il ait réellement déclaré : « La bataille de Waterloo a été gagnée sur les terrains de jeu d'Eton », une citation ce qui lui est souvent attribué. De plus, Eton n’avait pas de terrain de jeu à l’époque. En 1785, l'absence de succès à Eton, combinée au manque de fonds familiaux dû au décès de son père, contraint le jeune Wellesley et sa mère à s'installer à Bruxelles. Jusqu'au début de la vingtaine, Arthur montra peu de signes de distinction et sa mère devint de plus en plus préoccupée par son oisiveté, déclarant : « Je ne sais pas ce que je ferai de mon maladroit fils Arthur. » Un an plus tard, Arthur s'inscrit à l'Académie Royale d'Equitation d'Angers, où il progresse considérablement, devenant un bon cavalier et apprenant le français, ce qui s'avérera plus tard très utile. De retour en Angleterre à la fin de 1786, il étonna sa mère par son amélioration. Carrière militaire Début de carrière Malgré sa nouvelle promesse, il n'avait pas encore trouvé de travail et sa famille manquait toujours d'argent. Ainsi, sur les conseils de sa mère, son frère Richard demanda à son ami le 4e duc de Rutland (alors Lord Lieutenant d'Irlande) d'envisager Arthur pour son poste. une commission dans l'armée. Peu de temps après, le 7 mars 1787, il fut inscrit dans la Gazette enseigne dans le 73e Régiment d'infanterie. En octobre, avec l'aide de son frère, il fut affecté comme aide de camp, avec dix shillings par jour (deux fois son salaire d'enseigne), au nouveau Lord Lieutenant d'Irlande Lord Buckingham. Il fut également transféré au nouveau 76e Régiment formé en Irlande et, le jour de Noël 1787, fut promu lieutenant. Pendant son séjour à Dublin, ses fonctions étaient principalement sociales ; assister à des bals, recevoir des invités et donner des conseils à Buckingham. Pendant son séjour en Irlande, il s'est surmené en empruntant en raison de son jeu occasionnel, mais pour sa défense, il a déclaré: "J'ai souvent su ce que c'était que d'avoir besoin d'argent, mais je ne me suis jamais endetté impuissant". Le 23 janvier 1788, il est transféré au 41e Régiment d'infanterie, puis de nouveau le 25 juin 1789, toujours lieutenant, il est transféré au 12e Régiment (du Prince de Galles) de dragons (légers) et, selon l'historien militaire Richard Holmes, il s’est également lancé à contrecœur dans la politique. Peu avant les élections générales de 1789, il se rendit dans le « quartier pourri » de Trim pour s'exprimer contre l'octroi du titre « d'homme libre » de Dublin au chef parlementaire du Parti patriote irlandais, Henry Grattan. Après avoir réussi, il a ensuite été nommé et dûment élu député de Trim à la Chambre des communes irlandaise. En raison du suffrage limité à l'époque, il siégeait dans un parlement où au moins les deux tiers des membres devaient leur élection aux propriétaires fonciers de moins d'une centaine d'arrondissements. Wellesley a continué à servir au château de Dublin, votant avec le gouvernement au parlement irlandais au cours des deux années suivantes. Le 30 janvier 1791, il devient capitaine et est transféré au 58e régiment d'infanterie. Le 31 octobre, il est transféré au 18th Light Dragoons et c'est durant cette période qu'il devient de plus en plus attiré par Kitty Pakenham, la fille d'Edward Pakenham, 2e baron Longford. Elle était décrite comme étant pleine de « gaieté et de charme ». En 1793, il chercha sa main, mais fut refusé par son frère Thomas, comte de Longford, qui considérait Wellesley comme un jeune homme endetté et avec de très mauvaises perspectives. Wellesley, un aspirant musicien amateur, dévasté par ce refus, brûla ses violons de colère et résolut de poursuivre sérieusement une carrière militaire. Il devient major par achat dans le 33e Régiment en 1793. Quelques mois plus tard, en septembre, son frère lui prête plus d'argent et avec cette somme il achète un lieutenant-colonel au 33e. Pays-Bas En 1793, le duc d'York est envoyé en Flandre pour commander le contingent britannique d'une force alliée destinée à l'invasion de la France. En juin 1794, Wellesley avec le 33e régiment appareilla de Cork à destination d'Ostende dans le cadre d'une expédition apportant des renforts pour l'armée en Flandre. Ils arrivèrent trop tard et rejoignirent le duc d'York alors qu'il reculait vers les Pays-Bas. Le 15 septembre 1794, lors de la bataille de Boxtel, à l'est de Bréda, Wellington, commandant provisoirement sa brigade, fait sa première expérience de combat. Lors du retrait du général Abercromby face aux forces françaises supérieures, le 33e résista à la cavalerie ennemie, permettant aux unités voisines de battre en retraite en toute sécurité. Au cours de l'hiver extrêmement rigoureux qui suivit, Wellesley et son régiment firent partie d'une force alliée tenant la ligne de défense le long de la rivière Waal. Le 33e, ainsi que le reste de l'armée, subirent de lourdes pertes dues à la maladie et au froid. La santé de Wellesley était également affectée par l’environnement humide. Même si la campagne devait se terminer de manière désastreuse, avec l'armée britannique chassée des Provinces-Unies vers l'Allemagne, Wellesley devait tirer plusieurs leçons précieuses, notamment l'utilisation de lignes d'infanterie stables contre les colonnes qui avançaient et les mérites du soutien de la puissance maritime. Il comprit que l'échec de la campagne était dû en partie aux fautes des dirigeants et à la mauvaise organisation du quartier général. Il a fait remarquer plus tard à propos de son séjour aux Pays-Bas : « Au moins, j'ai appris ce qu'il ne fallait pas faire, et c'est toujours une leçon précieuse ». De retour en Angleterre en mars 1795, il fut réélu député de Trim pour la seconde fois. Il espérait obtenir le poste de secrétaire à la guerre dans le nouveau gouvernement irlandais mais le nouveau lord-lieutenant, Lord Camden, ne put lui proposer que le poste d'arpenteur général de l'artillerie. Déclinant le poste, il retourna dans son régiment, maintenant à Southampton, se préparant à mettre le cap sur les Antilles. Après sept semaines en mer, une tempête contraint la flotte à rentrer à Poole, en Angleterre. Le 33e eut le temps de récupérer et quelques mois plus tard, Whitehall décida d'envoyer le régiment en Inde. Wellesley fut promu colonel par ancienneté le 3 mai 1796 et quelques semaines plus tard, il s'embarqua pour Calcutta avec son régiment. Inde Arrivé à Calcutta en février 1797, il y passa plusieurs mois, avant d'être envoyé pour une brève expédition aux Philippines, où il établit une liste de nouvelles précautions d'hygiène pour ses hommes afin de faire face au climat inconnu. De retour en Inde en novembre, il apprit que son frère aîné Richard, désormais connu sous le nom de Lord Mornington, avait été nommé nouveau gouverneur général de l'Inde. En 1798, il changea l'orthographe de son nom de famille en « Wellesley » ; jusqu'à cette époque, il était encore connu sous le nom de Wesley, ce que son frère aîné considérait comme l'orthographe ancienne et appropriée. Quatrième guerre anglo-Mysore Dans le cadre de la campagne visant à étendre le règne de la Compagnie britannique des Indes orientales, la quatrième guerre anglo-Mysore éclata en 1798 contre le sultan de Mysore, Tipu Sultan. Le frère d'Arthur, Richard, a ordonné qu'une force armée soit envoyée pour capturer Seringapatam et vaincre Tipu. Sous le commandement du général Harris, quelque 24 000 soldats furent envoyés à Madras (pour rejoindre une force égale envoyée de Bombay à l'ouest). Arthur et le 33e naviguèrent pour les rejoindre en août. Après une préparation logistique approfondie et minutieuse (qui deviendra l'un des principaux attributs de Wellesley), le 33e partit avec la force principale en décembre et parcourut 250 milles de jungle de Madras à Mysore. Grâce à son frère, pendant le voyage, Wellesley reçut un commandement supplémentaire, celui de conseiller en chef de l'armée du Nizam d'Hyderabad (envoyé pour accompagner la force britannique). Cette position devait provoquer des frictions parmi de nombreux officiers supérieurs (dont certains étaient des supérieurs de Wellesley). Une grande partie de ces frictions a été apaisée après la bataille de Mallavelly, à environ 32 km de Seringapatam, au cours de laquelle l'armée de Harris a attaqué une grande partie de l'armée du sultan. Pendant la bataille, Wellesley mena ses hommes, sur une ligne de bataille de deux rangs, contre l'ennemi jusqu'à une crête douce et donna l'ordre de tirer. Après une longue répétition de volées, suivies d'une charge à la baïonnette, le 33e, en conjonction avec le reste des forces de Harris, força l'infanterie de Tipu à battre en retraite. Seringapatam Immédiatement après leur arrivée à Seringapatam le 5 avril 1799, la bataille de Seringapatam commença et Wellesley reçut l'ordre de mener une attaque de nuit sur le village de Sultanpettah, adjacent à la forteresse, pour ouvrir la voie à l'artillerie. En raison des solides préparatifs défensifs de l'ennemi et de l'obscurité, avec la confusion qui en résultait, l'attaque échoua avec 25 victimes. Wellesley a subi une blessure mineure au genou suite à une balle de mousquet épuisée. Bien qu'ils réattaquèrent avec succès le lendemain, après avoir passé le temps de repérer les positions ennemies, l'affaire eut un impact sur Wellesley. Il résolut « de ne jamais attaquer un ennemi qui se prépare et qui est fortement posté, et dont les postes n'ont pas été reconnus de jour ». Lewin Bentham Bowring donne ce récit alternatif : Quelques semaines plus tard, après d'importants bombardements d'artillerie, une brèche est ouverte dans les murs principaux de la forteresse de Seringapatam. Une attaque menée par le major-général Baird sécurise la forteresse. Wellesley a sécurisé l'arrière de l'avancée, postant des gardes à la brèche, puis stationné son régiment au palais principal. Après avoir appris la nouvelle de la mort du Tipu Sultan, Wellesley fut le premier sur les lieux à confirmer sa mort, en vérifiant son pouls. Au cours des jours suivants, Wellesley devint de plus en plus préoccupé par le manque de discipline de ses hommes, qui buvaient et pillaient la forteresse et la ville. Pour rétablir l'ordre, plusieurs soldats ont été fouettés et quatre pendus. Après la bataille et la fin de la guerre qui en a résulté, la force principale dirigée par le général Harris a quitté Seringapatam et Wellesley, âgé de 30 ans, est resté sur place pour commander la région en tant que nouveau gouverneur de Seringapatam et de Mysore. Il fut promu général de brigade le 17 juillet 1801. Il s'installa au palais d'été du sultan et réforma le système fiscal et judiciaire de sa province pour maintenir l'ordre et prévenir la corruption. Il a également traqué le mercenaire et autoproclamé « roi » Dhoodiah Waugh, qui s'était évadé de la prison de Seringapatam pendant la bataille. Wellesley, avec le commandement de quatre régiments, a vaincu la plus grande force rebelle de Dhoodiah, ainsi que Dhoodiah lui-même qui a été tué dans la bataille. Il a payé l'entretien futur du fils orphelin de Dhoodiah. Pendant son séjour en Inde, Wellesley fut malade pendant un temps considérable, d'abord souffrant d'une grave diarrhée due à l'eau, puis de fièvre, suivie d'une grave infection cutanée causée par le trichophyton. Il reçut une bonne nouvelle lorsqu'en septembre 1802 il apprit qu'il avait été promu au grade de major-général. Wellesley avait été publié dans la Gazette du 29 avril 1802, mais la nouvelle mit plusieurs mois à lui parvenir par voie maritime. Il resta à Mysore jusqu'en novembre, date à laquelle il fut envoyé pour commander une armée lors de la Seconde Guerre Anglo-Maratha. Deuxième guerre anglo-marathe Lorsqu'il a déterminé qu'une longue guerre défensive ruinerait son armée, Wellesley a décidé d'agir avec audace pour vaincre la force numériquement plus importante de l'empire Maratha. Une fois le rassemblement logistique de son armée terminé (24 000 hommes au total), il donna l'ordre de lever le camp et d'attaquer le fort de Maratha le plus proche le 8 août 1803. Le fort se rendit le 12 août après qu'une attaque d'infanterie eut exploité une brèche faite par l'artillerie dans le mur. Le fort étant désormais sous contrôle britannique, Wellesley put étendre son contrôle vers le sud jusqu'à la rivière Godavari. Assaye Divisant son armée en deux forces, pour poursuivre et localiser la principale armée des Marathes (la deuxième force, commandée par le colonel Stevenson était beaucoup plus petite), Wellesley se préparait à rejoindre ses forces le 24 septembre. Ses renseignements ont cependant signalé l'emplacement de l'armée principale des Marathes, entre deux rivières près d'Assaye. S'il attendait l'arrivée de sa deuxième force, les Marathes seraient en mesure d'organiser une retraite, alors Wellesley décida de lancer une attaque immédiatement. Le 23 septembre, Wellesley mena ses forces au-dessus d'un gué dans la rivière Kaitna et la bataille d'Assaye commença. Après avoir traversé le gué, l'infanterie fut réorganisée en plusieurs lignes et avança contre l'infanterie Maratha. Wellesley ordonna à sa cavalerie d'exploiter le flanc de l'armée Maratha juste à côté du village. Pendant la bataille, Wellesley lui-même a essuyé des tirs ; deux de ses chevaux ont été abattus sous lui et il a dû en monter un troisième. À un moment crucial, Wellesley regroupa ses forces et ordonna au colonel Maxwell (tué plus tard dans l'attaque) d'attaquer l'extrémité est de la position de Maratha tandis que Wellesley lui-même dirigeait une nouvelle attaque d'infanterie contre le centre. Un officier participant à l'attaque a écrit sur l'importance du leadership personnel de Wellesley : « Le général était au cœur de l'action tout le temps... Je n'ai jamais vu un homme aussi calme et posé qu'il l'était... même si je peux vous assurer. , jusqu'à ce que nos troupes reçoivent l'ordre d'avancer, le sort de la journée semblait douteux ..." Avec quelque 6 000 Marathes tués ou blessés, l'ennemi fut mis en déroute, bien que la force de Wellesley ne soit pas en état de poursuivre. Les pertes britanniques furent lourdes : les pertes britanniques s'élevaient à 409 soldats tués, dont 164 Européens et 245 Indiens restants ; 1 622 autres soldats britanniques ont été blessés et 26 soldats ont été portés disparus (les chiffres des victimes britanniques sont tirés de la propre dépêche de Wellesley). Wellesley était troublé par la perte d'hommes et remarqua qu'il espérait « je n'aimerais pas revoir une perte telle que celle que j'ai subie le 23 septembre, même si elle s'accompagnait d'un tel gain ». Des années plus tard, cependant, il remarqua qu'Assaye était la meilleure bataille qu'il ait jamais menée. Argaum et Gawilghur Malgré les dégâts causés à l'armée de Maratha, la bataille n'a pas mis fin à la guerre. Quelques mois plus tard, en novembre, Wellesley attaqua une force plus importante près d'Argaum, menant à nouveau son armée à la victoire, avec un chiffre étonnant de 5 000 ennemis tués au prix de seulement 361 victimes britanniques. Une nouvelle attaque réussie contre la forteresse de Gawilghur, combinée à la victoire du général Lake à Delhi, força les Maratha à signer un accord de paix à Anjangaon (qui ne fut conclu qu'un an plus tard) appelé Traité de Surji-Anjangaon. L'historien militaire Richard Holmes a fait remarquer que les expériences de Wellesley en Inde ont eu une influence importante sur sa personnalité et ses tactiques militaires, lui apprenant beaucoup sur les questions militaires qui s'avéreraient vitales pour son succès dans la guerre d'Espagne. Ceux-ci comprenaient un fort sens de la discipline grâce à l'exercice et à l'ordre, le recours à la diplomatie pour gagner des alliés et la nécessité vitale d'une ligne d'approvisionnement sécurisée. Il a également établi une grande estime pour l'acquisition de renseignements grâce aux éclaireurs et aux espions. Ses goûts personnels se sont également développés, notamment s'habiller avec un pantalon blanc, une tunique sombre, des bottes de jute et un bicorne noir (qui sont devenus plus tard synonymes de son style). Quitter l'Inde Wellesley était fatigué de son séjour en Inde, remarquant "J'ai servi aussi longtemps en Inde que n'importe quel homme qui peut servir ailleurs". En juin 1804, il demanda l'autorisation de rentrer chez lui et, en récompense de son service en Inde, il fut nommé chevalier du bain en septembre. Pendant son séjour en Inde, Wellesley avait amassé une fortune de 42 000 £ (considérable à l'époque), composée principalement des prix en argent de sa campagne. Lorsque le mandat de son frère comme gouverneur général de l'Inde prit fin en mars 1805, les frères retournèrent ensemble en Angleterre à bord du HMS Howe. Arthur, par coïncidence, s'est arrêté au cours de son voyage sur la petite île de Sainte-Hélène et a séjourné dans le même bâtiment dans lequel Napoléon Ier serait plus tard exilé. De retour en Grande-Bretagne Wellesley a ensuite servi dans l'expédition anglo-russe avortée dans le nord de l'Allemagne en 1805, emmenant une brigade sur l'Elbe. Il prit ensuite une période de congé prolongé de l'armée et fut élu membre conservateur du parlement britannique pour Rye en janvier 1806. Un an plus tard, il fut élu député de Newport sur l'île de Wight, puis nommé député. Secrétaire en chef pour l'Irlande, sous le duc de Richmond. Parallèlement, il devient conseiller privé. Pendant son séjour en Irlande, il a promis verbalement que les lois pénales restantes seraient appliquées avec une grande modération, peut-être une indication de sa volonté ultérieure de soutenir l'émancipation catholique. Guerre contre le Danemark Wellesley était en Irlande en mai 1807 lorsqu'il entendit parler de l'expédition britannique au Danemark. Il décide de partir, renonçant à ses fonctions politiques et est nommé commandant d'une brigade d'infanterie lors de la deuxième bataille de Copenhague qui a lieu en août. Il combattit au Køge, au cours duquel les hommes sous son commandement firent 1 500 prisonniers, Wellesley étant présent plus tard lors de la reddition. Le 30 septembre, il était de retour en Angleterre et fut élevé au grade de lieutenant général le 25 avril 1808. En juin 1808, il accepta le commandement d'une expédition de 9 000 hommes. Se préparant à naviguer pour une attaque contre les colonies espagnoles d'Amérique du Sud (pour aider le patriote latino-américain Francisco de Miranda), ses forces reçurent plutôt l'ordre de naviguer vers le Portugal, de participer à la campagne péninsulaire et de rencontrer 5 000 soldats de Gibraltar. Vers la péninsule Prêt au combat, il quitta Cork le 12 juillet 1808 pour participer à la guerre contre les forces françaises dans la péninsule ibérique, avec ses compétences de commandant testées et développées. Selon l'historien Robin Neillands, « Wellesley avait désormais acquis l'expérience sur laquelle reposaient ses succès ultérieurs. Il connaissait le commandement de fond en comble, l'importance de la logistique, la conduite de campagne dans un environnement hostile. Il jouissait d'une influence politique et Il s'est rendu compte de la nécessité de maintenir un soutien dans son pays. Surtout, il avait acquis une idée claire de la façon dont, en fixant des objectifs réalisables et en s'appuyant sur ses propres forces et capacités, une campagne pouvait être menée et gagnée. Guerre péninsulaire 1808 Wellesley a vaincu les Français à la bataille de Roliça et à la bataille de Vimeiro en 1808, mais a été remplacé au commandement immédiatement après cette dernière bataille. Le général Dalrymple signa alors la controversée Convention de Sintra, qui stipulait que la Royal Navy britannique transportait l'armée française hors de Lisbonne avec tout son butin, et insistait sur l'association du seul ministre disponible, Wellesley. Dalrymple et Wellesley ont été rappelés en Grande-Bretagne pour faire face à une cour d'enquête. Wellesley avait accepté de signer l'armistice préliminaire, mais n'avait pas signé la convention et avait été autorisé. Pendant ce temps, Napoléon lui-même entra en Espagne avec ses troupes vétérans pour réprimer la révolte ; le nouveau commandant des forces britanniques dans la péninsule, Sir John Moore, mourut lors de la bataille de La Corogne en janvier 1809. Même si, dans l'ensemble, la guerre terrestre avec la France ne se déroulait pas bien du point de vue britannique, la péninsule était le seul théâtre où ils, avec les Portugais, avaient opposé une forte résistance à la France et à ses alliés. Cela contrastait avec la désastreuse expédition Walcheren, typique des opérations britanniques mal gérées de l’époque. Wellesley soumit un mémorandum à Lord Castlereagh sur la défense du Portugal. Il a souligné ses frontières montagneuses et a préconisé Lisbonne comme base principale car la Royal Navy pourrait aider à la défendre. Castlereagh et le cabinet ont approuvé le mémo et l'ont nommé chef de toutes les forces britanniques au Portugal. 1809 Wellesley arriva à Lisbonne le 22 avril 1809 à bord du HMS Surveillante, après avoir échappé de peu au naufrage. Renforcé, il passe à l'offensive. Lors de la deuxième bataille de Porto, il traversa le fleuve Douro lors d'un coup de main de jour et mit en déroute les troupes françaises du maréchal Soult à Porto. Une fois le Portugal sécurisé, Wellesley s'avança en Espagne pour s'unir aux forces du général Cuesta. La force alliée combinée se prépare à un assaut contre le I Corps de Victor à Talavera, le 23 juillet. Cuesta, cependant, hésita à accepter et ne fut persuadé d'avancer que le lendemain. Le retard permit aux Français de se retirer, mais Cuesta envoya son armée tête baissée après Victor et se retrouva confronté à la quasi-totalité de l'armée française en Nouvelle-Castille - Victor avait été renforcé par les garnisons de Tolède et de Madrid. Les Espagnols se retirèrent précipitamment, nécessitant l'avancée de deux divisions britanniques pour couvrir leur retraite. Le lendemain, 27 juillet, lors de la bataille de Talavera, les Français avancèrent en trois colonnes et furent repoussés plusieurs fois au cours de la journée par Wellesley, mais au prix d'un lourd tribut pour les forces britanniques. Dans la foulée, on découvrit que l'armée du maréchal Soult avançait vers le sud, menaçant de couper Wellesley du Portugal. Wellesley s'est déplacé vers l'est le 3 août pour le bloquer, laissant 1 500 blessés aux soins des Espagnols, dans l'intention d'affronter Soult avant de découvrir que les Français étaient en fait forts de 30 000 hommes. Le commandant britannique envoya la brigade légère se précipiter pour tenir le pont sur le Tage à Almaraz. Les communications et l'approvisionnement de Lisbonne étant sécurisés pour le moment, Wellesley envisagea de rejoindre à nouveau Cuesta, mais découvrit que son allié espagnol avait abandonné les blessés britanniques aux Français et qu'il était totalement peu coopératif, promettant puis refusant de ravitailler les forces britanniques, aggravant Wellesley et provoquant frictions considérables entre les Britanniques et leurs alliés espagnols. Le manque de ravitaillement, associé à la menace d'un renfort français (y compris l'éventuelle inclusion de Napoléon lui-même) au printemps, a conduit les Britanniques à décider de se retirer au Portugal. Suite à sa victoire à Talavera, Wellesley fut élevé au rang de pairie du Royaume-Uni le 26 août en tant que vicomte Wellington de Talavera et de Wellington, avec le titre subsidiaire de baron Douro de Wellesley. 1810 En 1810, une armée française nouvellement élargie, dirigée par le maréchal André Masséna, envahit le Portugal. L'opinion britannique, tant dans le pays que dans l'armée, était négative et certains suggéraient qu'ils devaient évacuer le Portugal. Au lieu de cela, Lord Wellington ralentit d'abord les Français à Buçaco ; il les empêcha ensuite de prendre la péninsule de Lisbonne par la construction de ses massifs ouvrages de terrassement, les Lignes de Torres Vedras, assemblés dans le plus grand secret et dont les flancs étaient gardés par la Marine royale. Les forces d’invasion françaises, déconcertées et affamées, se retirèrent au bout de six mois. La poursuite de Wellington fut contrecarrée par une série de revers infligés par le maréchal Ney lors d'une campagne d'arrière-garde très louée. 1811 En 1811, Masséna revient vers le Portugal pour relever Almeida ; Wellington a arrêté de peu les Français lors de la bataille de Fuentes de Onoro. Simultanément, son subordonné, le vicomte Beresford, combattit « l'armée du Sud » de Soult jusqu'à un arrêt sanglant mutuel lors de la bataille d'Albuera en mai. Wellington a été promu général à part entière le 31 juillet pour ses services. Les Français abandonnèrent Almeida, s'éloignant des poursuites britanniques, mais conservèrent les forteresses espagnoles jumelles de Ciudad Rodrigo et Badajoz, les « Clés » gardant les routes à travers les cols de montagne vers le Portugal. 1812 En 1812, Wellesley captura finalement Ciudad Rodrigo par un mouvement rapide alors que les Français entrèrent dans leurs quartiers d'hiver, la prenant d'assaut avant de pouvoir réagir. Il se dirigea ensuite rapidement vers le sud, assiégea la forteresse de Badajoz pendant un mois et la captura au cours d'une nuit sanglante. En voyant les conséquences de la prise de Badajoz, Wellington perdit son sang-froid et pleura à la vue du carnage sanglant dans les brèches. Son armée était désormais une force britannique vétéran renforcée par des unités de l'armée portugaise recyclée. En campagne en Espagne, il met en déroute les Français à la bataille de Salamanque, profitant d'un mauvais positionnement français mineur. La victoire a libéré la capitale espagnole de Madrid. En récompense, il fut créé « Comte » puis « Marquis de Wellington » et reçut le commandement de toutes les armées alliées en Espagne. Wellesley tenta de s'emparer de la forteresse vitale de Burgos, qui reliait Madrid à la France. Mais l'échec, dû en partie au manque de canons de siège, l'obligea à une retraite précipitée, faisant plus de 2 000 victimes. Les Français abandonnèrent l'Andalousie et réunirent les troupes de Soult et de Marmont. Ainsi combinés, les Français étaient plus nombreux que les Britanniques, mettant les forces britanniques dans une position précaire. Wellesley retire son armée et, rejoint le petit corps commandé par Rowland Hill, commence à se retirer au Portugal. Le maréchal Soult refuse d'attaquer. 1813 En 1813, Wellesley mène une nouvelle offensive, cette fois contre la ligne de communication française. Il traversa les collines au nord de Burgos, le Tras os Montes, et fit passer sa ligne de ravitaillement du Portugal à Santander, sur la côte nord de l'Espagne ; cela a conduit les Français à abandonner Madrid et Burgos. Continuant à déborder les lignes françaises, Wellesley rattrapa et écrasa l'armée du roi Joseph Bonaparte lors de la bataille de Vitoria, pour laquelle il fut promu maréchal le 21 juin. Il dirigea personnellement une colonne contre le centre français, tandis que d'autres colonnes commandées par Sir Thomas Graham, Rowland Hill et le comte de Dalhousie faisaient une boucle autour de la droite et de la gauche françaises (cette bataille devint le sujet de l'opus 91 de Beethoven, La Victoire de Wellington). Les troupes britanniques rompirent les rangs pour piller les chariots français abandonnés au lieu de poursuivre l'ennemi vaincu. Cet abandon flagrant de la discipline a amené Wellesley, furieux, à écrire dans une célèbre dépêche au comte Bathurst : « Nous avons au service la racaille de la terre en tant que simples soldats ». Bien que plus tard, lorsque son humeur s'est calmée, il a étendu son commentaire pour féliciter les hommes sous son commandement en disant que même si beaucoup d'entre eux étaient « la racaille de la terre », il est vraiment merveilleux que nous ayons fait d'eux des braves gens. ils sont". Après avoir pris les petites forteresses de Pampelune, Wellesley investit Saint-Sébastien mais fut frustré par l'obstination de la garnison française, perdant 693 morts et 316 capturés lors d'un assaut raté et suspendant le siège fin juillet. La tentative de secours de Soult fut bloquée par l'armée espagnole de Galice à San Marcial, permettant aux Alliés de consolider leur position et de resserrer l'anneau autour de la ville, qui tomba en septembre après une seconde défense animée. Wellesley a ensuite forcé l'armée démoralisée et battue de Soult à une retraite combattante en France, ponctuée de batailles dans les Pyrénées, à Bidassoa et à Nivelle. Wellesley envahit le sud de la France, gagnant la Nive et Orthez. La bataille finale de Wellesley contre son rival Soult eut lieu à Toulouse, où les divisions alliées furent sévèrement mutilées en prenant d'assaut les redoutes françaises, perdant quelque 4 600 hommes. Malgré cette victoire momentanée, la nouvelle de la défaite et de l'abdication de Napoléon arriva et Soult, ne voyant aucune raison de poursuivre les combats, accepta un cessez-le-feu avec Wellesley, permettant à Soult d'évacuer la ville. Conséquences Salué comme le héros conquérant par les Britanniques, Wellesley fut nommé « Duc de Wellington », titre toujours détenu par ses descendants (comme il ne revint en Angleterre qu'à la fin de la guerre d'Espagne, il reçut tous ses brevets de noblesse dans un cérémonie unique d'une durée d'une journée entière). Il reçut une certaine reconnaissance de son vivant (le titre de « Duque de Ciudad Rodrigo ») et le roi d'Espagne Ferdinand VII lui permit de conserver une partie des œuvres d'art de la Collection Royale qu'il avait récupérées auprès des Français. Son portrait équestre figure en bonne place dans le Monument de la Bataille de Vitoria, dans l'actuelle Vitoria-Gasteiz. Sa popularité en Grande-Bretagne était due à son image et à son apparence ainsi qu'à ses triomphes militaires. Sa victoire cadrait bien avec la passion et l'intensité du mouvement romantique, qui mettait l'accent sur l'individualité. Son style personnel a eu un impact sur la mode britannique de l'époque : sa silhouette grande et élancée, son chapeau noir à plumes, son uniforme grandiose mais classique et son pantalon blanc sont devenus très populaires. À la fin de 1814, le premier ministre voulait qu'il prenne le commandement au Canada et lui confie la mission de gagner la guerre de 1812 contre les États-Unis. Wellesley a répondu qu'il irait en Amérique, mais il pensait qu'il était davantage nécessaire en Europe. Il a déclaré: Il est nommé ambassadeur en France, puis prend la place de Lord Castlereagh comme premier plénipotentiaire au Congrès de Vienne, où il plaide avec force pour permettre à la France de conserver sa place dans l'équilibre des forces européen. Le 2 janvier 1815, le titre de chevalier du Bain fut converti en chevalier grand-croix lors de l'expansion de cet ordre. Campagne de Waterloo Le 26 février 1815, Napoléon s'échappe de l'île d'Elbe et rentre en France. Il a repris le contrôle du pays en mai et a dû faire face à une alliance renouvelée contre lui. Wellesley quitta Vienne pour ce qui devint connu sous le nom de campagne de Waterloo. Il arrive en Belgique pour prendre le commandement de l'armée anglo-allemande et de leurs alliés néerlando-belges, tous stationnés aux côtés des forces prussiennes de Gebhard Leberecht von Blücher. La stratégie de Napoléon était d'isoler les armées alliées et prussiennes et de les anéantir chacune séparément avant l'attaque autrichienne.

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Quelle ville de l'East Sussex se trouve aujourd'hui sur le site de la bataille d'Hastings ?

Battle

L'East Sussex est un comté du sud-est de l'Angleterre. Il est bordé par les comtés du Kent au nord et à l'est, du Surrey au nord-ouest et du West Sussex à l'ouest, et au sud par la Manche. Histoire L'East Sussex fait partie du comté historique du Sussex, qui trouve ses racines dans l'ancien royaume des Saxons du Sud, qui s'y établirent au Ve siècle après J.-C., après le départ des Romains. Les vestiges archéologiques sont nombreux, notamment dans les zones de montagne. La position de la région sur la côte a également entraîné l'arrivée de nombreux envahisseurs, notamment les Romains et plus tard les Normands. Les industries antérieures comprenaient la pêche, la fabrication du fer et le commerce de la laine, qui ont tous décliné ou ont complètement disparu. Gouvernance Le Sussex est traditionnellement divisé en six sous-divisions appelées viols. À partir du XIIe siècle, les trois viols orientaux et les trois viols occidentaux avaient chacun des quarts de séances séparés, le chef-lieu des trois viols orientaux étant Lewes. Cette situation a été formalisée par le Parlement en 1865, et les deux parties ont été transformées en comtés administratifs, chacun avec des conseils de comté élus distincts en 1889 en vertu de la loi sur le gouvernement local de 1888. Dans l'East Sussex, il y avait également trois arrondissements de comté auto-administrés : Brighton, Eastbourne. et Hastings. En 1974, l'East Sussex est devenu un comté non métropolitain et cérémonial, et les trois arrondissements du comté sont devenus des districts au sein du comté. Dans le même temps, la limite ouest a été modifiée, de sorte que la région du Mid Sussex (y compris Burgess Hill et Haywards Heath) a été transférée au comté de West Sussex. En 1997, Brighton et Hove sont devenues une autorité unitaire auto-administrée ; elle a obtenu le statut de ville en 2000, tout en faisant partie du comté cérémonial d'East Sussex. L'East Sussex est divisé en cinq districts d'administration locale. Trois districts plus grands et ruraux (d'ouest en est) sont : Lewes ; Wealden ; et Rother. Eastbourne et Hastings sont principalement des zones urbaines. Les districts ruraux sont eux-mêmes subdivisés en paroisses civiles. Géographie Géologie D'un point de vue géologique, l'East Sussex fait partie de l'anticlinal sud du Weald : les South Downs, une chaîne de collines de craie modérées qui traversent la partie sud du comté d'ouest en est et se reflètent dans le Kent par les North Downs. Au nord se trouvent des vallées et des crêtes parallèles, dont la plus haute est le Weald lui-même (les lits Hastings et Wealden Clay). Les grès et les argiles rencontrent la mer à Hastings ; les Downs, à Beachy Head. Climat L'East Sussex, comme la plupart des comtés de la côte sud, bénéficie d'un total annuel moyen d'environ 1 750 heures d'ensoleillement par an. C'est beaucoup plus élevé que la moyenne britannique d'environ 1 340 heures d'ensoleillement par an. Soulagement et drainage Le relief du comté reflète la géologie. Les hautes terres crayeuses des South Downs occupent la bande côtière entre Brighton et Eastbourne. Il y a deux brèches fluviales : les rivières Ouse et Cuckmere. Les Sept Sœurs, là où les Downs rencontrent la mer, sont les vestiges de vallées sèches creusées dans la craie ; ils se terminent à Beachy Head, à 530 pieds (162 m) au-dessus du niveau de la mer. À l'est de Beachy Head se trouvent les marais des Pevensey Levels, autrefois inondés par la mer mais maintenant enfermés dans une plage déposée. A Bexhill, la terre recommence à s'élever là où les sables et les argiles du Weald rencontrent la mer ; ceux-ci culminent dans les falaises de grès à l'est d'Hastings. Plus à l'est se trouvent les Pett Levels, plus de marais, au-delà desquels se trouve l'estuaire de la rivière Rother. De l'autre côté de l'estuaire se trouvent les dunes de Camber Sands. Le point culminant des Downs dans le comté est Ditchling Beacon, à 814 pieds (248 m) : on l'appelle Marilyn. Le Weald occupe la frontière nord du comté. Entre les Downs et Weald se trouve une étroite étendue de terre inférieure ; de nombreuses rivières et ruisseaux occupant cette zone prennent leur source dans le Weald. Le High Weald est fortement boisé contrairement aux South Downs ; le Low Weald l’est moins. Une partie du Weald est la forêt d'Ashdown. Règlements L'emplacement des colonies dans l'East Sussex a été déterminé à la fois par son histoire et sa géographie. Les villes et villages d'origine étaient généralement situés là où se trouvait son économie : la pêche le long de la côte et l'agriculture et l'exploitation minière du fer sur le Weald. L'industrie tend aujourd'hui à s'orienter vers le tourisme, notamment le long de la bande côtière. Ici se trouvent des villes telles que Bexhill-on-Sea, Eastbourne et Hastings. Newhaven et Rye sont des ports, même si ce dernier revêt également une importance historique. Peacehaven et Seaford sont plus des villes-dortoirs qu’autre chose. À l'écart de la côte se trouvent d'anciens bourgs tels que Hailsham, Heathfield et Uckfield ; Crowborough est un centre de la forêt d'Ashdown. Lewes, chef-lieu du comté d'East Sussex ; et Battle, avec ses débuts dans la conquête normande. sont les deux autres villes importantes. Économie et démographie Il s'agit d'un graphique de tendance de la valeur ajoutée brute régionale du comté non métropolitain d'East Sussex (Brighton & Hove a un tableau séparé) aux prix de base actuels [http://www.statistics.gov.uk/downloads/theme_economy/ RegionalGVA.pdf publié] (pp. 240–253) par l'Office for National Statistics avec des chiffres en millions de livres sterling britanniques. Politique Repères Le parc Seven Sisters fait partie du parc national des South Downs. Beachy Head est l'une des attractions locales les plus célèbres, avec les appartements le long de Normans Bay. Outre les monuments physiques tels que les Downs et le Weald, l'East Sussex possède un grand nombre de monuments d'intérêt historique. Il y a des châteaux à Bodiam, Herstmonceux, Lewes et Pevensey ; et des ouvrages de défense tels que les tours Martello et la redoute d'Eastbourne. Battle Abbey, construite pour commémorer la bataille d'Hastings ; Bateman's, maison de Rudyard Kipling, Hammerwood Park, l'un des premiers exemples d'architecture néo-grecque au Royaume-Uni ; et les bâtiments de l'Université du Sussex à Falmer font partie des bâtiments intéressants. Transport Routes L'East Sussex n'a pas d'autoroute. Les routes principales à travers le comté font partie du tracé radial de Londres : l'A21 jusqu'à Hastings ; l'A22 vers Eastbourne ; et l'A23 jusqu'à Brighton. Les routes de cross-country comprennent l'A26 qui achemine le trafic de Newhaven et Lewes vers le nord jusqu'au Kent ; et la route principale de la côte sud, qui commence à Folkestone (Kent) sous le nom de route nationale A259, et traverse la côte sud jusqu'à Eastbourne, où elle devient la route nationale A27 et se dirige vers l'ouest en direction de Chichester dans le West Sussex et finalement jusqu'à Honiton dans le Devon. Toutes les routes principales souffrent de congestion et de problèmes de circulation : l'A27 qui relie Eastbourne à Portsmouth est l'une des routes principales les plus fréquentées du Royaume-Uni. Les lignes de bus desservent toutes les principales zones d'habitation et de nombreux villages du comté. Les chemins de fer Les chemins de fer desservent les principales villes de la même manière que les routes. Jusqu'à la fermeture de nombreux embranchements ferroviaires au XXe siècle, l'East Sussex rural était bien desservi par le chemin de fer : peu de ces embranchements ont échappé à la Beeching Axe, de sorte qu'aujourd'hui il ne reste que des services de lignes principales. Ils comprennent la East Coastway Line (y compris la Marshlink Line) ; la ligne Londres-Hastings ; et la succursale d'Uckfield, le terminus de la ligne Oxted. Il existe trois chemins de fer patrimoniaux : le Kent and East Sussex Railway opère de Tenterden dans le Kent à Bodiam ; le chemin de fer Bluebell de Sheffield Park à East Grinstead ; et le chemin de fer à vapeur Lavender Line près de Lewes. Les trains du comté sont exploités par Southern, Southeastern, Thameslink et First Great Western. Southern est le principal opérateur du comté, exploitant des services le long des routes West Coastway et East Coastway, ainsi que des trains de Brighton, Eastbourne, Seaford et Hastings à Londres Victoria et, dans une moindre mesure, London Bridge, où les trains arrivent également. /Depuis Uckfield, partez. Southeastern exploite des trains de Londres Charing Cross à Hastings. Thameslink exploite des trains de Brighton à Bedford, et First Great Western opère de Brighton à Bristol Temple Meads, Cardiff Central, Gloucester, Worcester Shrub Hill et Great Malvern. Sentiers Parmi les sentiers de longue distance de l'East Sussex figurent le South Downs Way ; 1066 Country Walk, High Weald Landscape Trail, Saxon Shore Way, Sussex Border Path, Sussex Ouse Valley Way, Vanguard Way, Wealdway et The Monarch's Way Éducation L'Université du Sussex est basée à Brighton, et il existe également 150 écoles primaires dans l'East Sussex, dont beaucoup sont petites et desservent de petites communautés. L'East Sussex dispose d'un système éducatif complet avec 27 écoles secondaires publiques (sans compter les collèges de sixième année) et 12 écoles secondaires indépendantes, dont la Lewes Old Grammar School qui a célébré son 500e anniversaire en 2012. Chacune des plus grandes villes dispose également d'un établissement d'enseignement supérieur. Il existe également un certain nombre d'internats indépendants dans le comté. Le Village d'Enfants Pestalozzi, une fondation internationale, est situé à Sedlescombe.

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Quel film de Peter Weir de 1986, basé sur un roman de Paul Theroux, mettait en vedette Harrison Ford, Helen Mirren et River Phoenix ?

The Mosquito Coast

Peter Lindsay Weir, AM (né le 21 août 1944) est un réalisateur australien. Il fut une figure de proue du mouvement cinématographique australien New Wave (1970-1990), avec des films tels que le drame policier Picnic at Hanging Rock (1975), le thriller surnaturel The Last Wave (1977) et le drame historique Gallipoli (1981). . Le point culminant du début de la carrière de Weir fut la production multinationale de 6 millions de dollars, The Year of Living Dangerously (1983). Après le succès de The Year of Living Dangerously, Weir a réalisé un groupe diversifié de films américains et internationaux couvrant la plupart des genres, dont beaucoup étaient des succès majeurs au box-office, y compris des films nominés aux Oscars tels que le thriller Witness (1985), le drame Dead Poets Society (1989), la comédie romantique Green Card (1990), la comédie dramatique de science-fiction sociale The Truman Show (1998) et le film dramatique historique épique Master and Commander (2003). Pour son travail sur ces cinq films, Weir a personnellement accumulé six nominations aux Oscars en tant que réalisateur, scénariste ou producteur. Jeunesse et carrière Weir est né à Sydney, fils de Peggy (née Barnsley) et de Lindsay Weir, agent immobilier. Weir a fréquenté le Scots College et le Vaucluse Boys' High School avant d'étudier les arts et le droit à l'Université de Sydney. Son intérêt pour le cinéma a été suscité par sa rencontre avec des camarades étudiants, dont Phillip Noyce et les futurs membres du collectif cinématographique de Sydney, Ubu Films. Après avoir quitté l'université au milieu des années 1960, il rejoint la chaîne de télévision de Sydney ATN-7, où il travaille comme assistant de production sur le programme de comédie satirique révolutionnaire The Mavis Bramston Show. Durant cette période, utilisant les installations de la station, il réalise ses deux premiers courts métrages expérimentaux, Le dernier exercice du comte Vim et La vie et la fuite du révérend Buckshotte. Weir a ensuite accepté un poste au sein de la Commonwealth Film Unit (rebaptisée plus tard Film Australia), pour laquelle il a réalisé plusieurs documentaires, dont un court documentaire sur une banlieue défavorisée de Sydney, "Whatever Happened to Green Valley", dans lequel les habitants étaient invités à faire leur propres segments de film. Un autre film remarquable de cette période était le court métrage de performance musicale rock Three Directions In Australian Pop Music (1972), qui présentait des images couleur en concert de trois des groupes rock les plus importants de Melbourne de la période, Spectrum, The Captain Matchbox Whoopee Band. et Wendy Saddington. Il a également réalisé une section du long métrage en trois parties et trois réalisateurs Three To Go (1970), qui a remporté un prix AFI. Après avoir quitté la CFU, Weir réalise son premier grand film indépendant, le court métrage Homesdale (1971), une comédie noire décalée qui met en vedette la jeune actrice montante Kate Fitzpatrick et le musicien et comédien Grahame Bond, devenu célèbre en 1972 dans le rôle de la star. de Le spectacle Aunty Jack; Weir a également joué un petit rôle, mais ce devait être sa dernière apparition significative à l'écran. Les deux courts métrages CFU susmentionnés de Homesdale et Weir sont sortis sur DVD. Le premier long métrage de Weir fut le classique culte underground, The Cars That Ate Paris (1974), une comédie noire à petit budget sur les habitants d'une petite ville de campagne qui provoquent délibérément des accidents de voiture mortels et vivent des bénéfices. Ce fut un succès mineur dans les cinémas mais s'avéra très populaire sur le circuit des ciné-parcs alors en plein essor. L'intrigue de "Cars" a été inspirée par un article de presse que Weir avait lu sur deux jeunes femmes anglaises qui avaient disparu lors de vacances en voiture en France, et ce film, ainsi que le précédent Homesdale, ont établi le modèle thématique de base qui a persisté. tout au long de la carrière ultérieure de Weir - pratiquement tous ses longs métrages traitent de personnes confrontées à une forme de crise après s'être retrouvées isolées de la société d'une manière ou d'une autre - soit physiquement (Witness, Mosquito Coast, The Truman Show, Master and Commander), socialement/culturellement. (Picnic at Hanging Rock, The Last Wave, Dead Poets Society, Green Card) ou psychologiquement (Fearless). La percée majeure de Weir en Australie et dans le monde a été le mystère luxuriant et atmosphérique de la période Picnic at Hanging Rock (1975), réalisé avec le soutien substantiel de la South Australian Film Corporation, financée par l'État, et filmé sur place en Australie-Méridionale et dans la campagne de Victoria. Basé sur le roman de Joan Lindsay, le film raconte l'histoire prétendument « vraie » d'un groupe d'élèves d'une école de filles exclusive qui disparaît mystérieusement d'un pique-nique scolaire le jour de la Saint-Valentin en 1900. Largement reconnu comme une œuvre clé du film « Australian renaissance du cinéma" du milieu des années 1970, Picnic a été le premier film australien de son époque à recevoir à la fois des éloges de la critique et à bénéficier d'importantes sorties en salles internationales. Cela a également contribué à lancer la carrière du directeur de la photographie australien de renommée internationale Russell Boyd. Il a été largement acclamé par la critique, dont beaucoup l'ont salué comme un antidote bienvenu au genre dit du « film ocker », caractérisé par Les Aventures de Barry McKenzie et Alvin Purple. Le film suivant de Weir, The Last Wave (1977), était un thriller surnaturel sur un homme qui commence à avoir des visions terrifiantes d'une catastrophe naturelle imminente. Il mettait en vedette l'acteur américain Richard Chamberlain, bien connu du public australien et mondial en tant que médecin éponyme de la populaire série télévisée Dr. Kildare, et qui jouera plus tard dans la grande série australienne The Thorn Birds. The Last Wave était une œuvre pensive et ambivalente qui développait les thèmes de Picnic, explorant les interactions entre les cultures autochtones et européennes. Il mettait en vedette l'acteur aborigène David Gulpilil, dont la performance a remporté le Golden Ibex (équivalent Oscar) au Festival international de Téhéran en 1977, mais ce n'était qu'un succès commercial modéré à l'époque. Entre The Last Wave et son prochain long métrage, Weir a écrit et réalisé le téléfilm décalé à petit budget The Plumber (1979). Il mettait en vedette les acteurs australiens Judy Morris et Ivar Kants et a été tourné en seulement trois semaines. Inspirée d'une expérience réelle racontée par des amis, il s'agit d'une comédie noire sur une femme dont la vie est perturbée par un plombier subtilement menaçant. Weir a remporté un grand succès australien et d'autres éloges internationaux avec son prochain film, le drame d'aventure historique Gallipoli (1981). Scénarisé par le dramaturge australien David Williamson, il est considéré comme un classique du cinéma australien. Gallipoli a contribué à faire de Mel Gibson (Mad Max) une star majeure, même si sa co-star Mark Lee, qui a également reçu des éloges pour son rôle, a fait relativement peu d'apparitions à l'écran depuis. Le point culminant du début de la carrière de Weir fut la production multinationale de 6 millions de dollars, The Year of Living Dangerously (1983), mettant à nouveau en vedette Mel Gibson, jouant aux côtés de Sigourney Weaver, la vedette féminine d'Hollywood, dans une histoire sur la loyauté journalistique, l'idéalisme, l'amour et l'ambition dans le monde. troubles de l'Indonésie de Sukarno en 1965. Il s'agissait d'une adaptation du roman de Christopher Koch, basé en partie sur les expériences du frère journaliste de Koch, Philip, correspondant de l'ABC à Jakarta et l'un des rares journalistes occidentaux présents dans la ville lors de la tentative d'attentat de 1965. coup. Le film a également valu à Linda Hunt (qui jouait un homme dans le film) l'Oscar de la meilleure actrice dans un second rôle. Le film a été produit par Jim McElroy, qui avec son frère Hal McElroy avait également (co-)produit les trois premiers films de Weir, Les voitures qui ont mangé Paris, Pique-nique à Hanging Rock et La dernière vague. Le cinéma aux États-Unis Le premier film américain de Weir fut le thriller à succès Witness (1985), le premier des deux films qu'il réalisa avec Harrison Ford, sur un garçon qui assiste au meurtre d'un policier infiltré par des mafieux et doit se cacher dans sa communauté Amish pour se protéger. lui. L'enfant star Lukas Haas a reçu de nombreux éloges pour sa première performance au cinéma ; Witness a également valu à Weir sa première nomination aux Oscars en tant que meilleur réalisateur et a été le premier de plusieurs films à être nominé pour l'Oscar du meilleur film. Il en a ensuite remporté deux pour le meilleur montage de film et le meilleur scénario original. Il a été suivi par The Mosquito Coast (1986), plus sombre et moins commercial, l'adaptation par Paul Schrader du roman de Paul Theroux, dans lequel Ford incarne un homme poursuivant obsessionnellement son rêve de commencer une nouvelle vie dans la jungle d'Amérique centrale avec sa famille. Ces parties dramatiques ont fourni à Harrison Ford d'importantes opportunités de briser le typage de ses rôles de carrière dans les séries Star Wars et Indiana Jones. Les deux films ont montré sa capacité à jouer des personnages plus subtils et substantiels et il a été nominé pour l'Oscar du meilleur acteur pour son travail dans Witness, la seule récompense aux Oscars de sa carrière. La Mosquito Coast se distingue également par une performance impressionnante du jeune River Phoenix. Le prochain film de Weir, Dead Poets Society, fut un succès international majeur, Weir recevant à nouveau le mérite d'avoir élargi la gamme d'acteurs de sa star hollywoodienne. Robin Williams était principalement connu pour son stand-up comique anarchique et son rôle télévisé populaire d'extraterrestre farfelu dans Mork & Mindy ; dans ce film, il incarne un professeur inspirant dans une histoire dramatique sur la conformité et la rébellion dans une école préparatoire exclusive de la Nouvelle-Angleterre dans les années 1950. Le film a été nominé pour quatre Oscars, dont celui du meilleur film et du meilleur réalisateur pour Weir, il a ensuite remporté le prix du meilleur scénario original et a lancé la carrière d'acteur des jeunes acteurs Ethan Hawke et Robert Sean Leonard. Il est devenu un succès majeur au box-office et est l'un des films de Weir les plus connus du grand public. La première comédie romantique de Weir, Green Card (1990), représentait un autre risque de casting. Weir a choisi l'icône du cinéma français Gérard Depardieu dans le rôle principal - le premier rôle de Depardieu en anglais - et l'a associé à l'actrice américaine Andie MacDowell. Green Card a été un succès au box-office mais a été considéré comme un succès moins critique, bien qu'il ait aidé Depardieu à accéder à la renommée internationale, et Weir a reçu une nomination aux Oscars pour son scénario original. Fearless (1993) revient à des thèmes plus sombres et met en vedette Jeff Bridges dans le rôle d'un homme qui croit être devenu invincible après avoir survécu à un accident d'avion catastrophique. Bien que bien évalué, en particulier les performances de Bridges et Rosie Perez, qui ont reçu une nomination aux Oscars pour la meilleure actrice dans un second rôle, le film a connu moins de succès commercial que les deux films précédents de Weir. Il a été inscrit au 44e Festival international du film de Berlin. Après cinq ans, Weir revient pour réaliser son plus grand succès à ce jour, The Truman Show (1998), une satire fantastique du contrôle de la vie par les médias. Le Truman Show a été à la fois un box-office et un succès critique, recevant des critiques positives et de nombreux prix, dont trois nominations aux Oscars : Andrew Niccol pour le meilleur scénario original, Ed Harris pour le meilleur acteur dans un second rôle et Weir lui-même pour le meilleur réalisateur. En 2003, Weir revient au drame d'époque avec Master and Commander : The Far Side of the World, avec Russell Crowe. Adaptation à l'écran de divers épisodes de la série d'aventures à succès de Patrick O'Brian se déroulant pendant les guerres napoléoniennes, elle a été bien accueillie par la critique, mais n'a eu qu'un succès modéré auprès du grand public. Malgré une autre nomination pour le meilleur film et deux Oscars – pour la photographie de son collaborateur fréquent Russell Boyd et pour le montage des effets sonores – le succès du film au box-office a été modéré (93 millions de dollars au box-office nord-américain). Le film a rapporté un peu mieux à l'étranger, glanant 114 millions de dollars supplémentaires. Weir a écrit et réalisé son prochain film, The Way Back (2010), qui, comme une autre épopée historique, a été bien accueilli par la critique mais n'a pas été un succès financier. Vie privée Le 14 juin 1982, Weir a été nommé membre de l'Ordre d'Australie (AM) pour ses services rendus à l'industrie cinématographique. Il réside à Sydney avec sa femme Wendy Stites. Ils sont mariés depuis 1966. Filmographie Longs métrages Courts métrages *Le dernier exercice du comte Vim (1967) – 16 mm n/b, 15 minutes – scénariste, réalisateur *La vie et la fuite du révérend Buckshotte (1968) 16 mm n/b, 33 min – scénariste, réalisateur *Three to Go (1969) (segment "Michael") – 16 mm, n/b, 30 minutes – scénariste, réalisateur *Stirring the Pool (1970) – 16 mm, couleur, 10 min – réalisateur *Tempo (1970) – écrivain *Homesdale (1971) – 16 mm, n/b, 50 minutes – scénariste, réalisateur *Three Directions In Pop Music (1971) – 16 mm, couleur, 10 min – réalisateur *Incredible Floridas (1972) – 35 mm, couleur, 12 min – réalisateur *Qu'est-il arrivé à Green Valley ? (1973) – 16mm, 50 min – réalisateur Récompenses et nominations

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Quel est le nom du 7 livre fantastique de CS Lewis ?

The Chronicles of Narnia

Clive Staples Lewis (29 novembre 1898 – 22 novembre 1963) était un romancier, poète, universitaire, médiéviste, critique littéraire, essayiste, théologien laïc, animateur, conférencier et apologiste chrétien. Il a occupé des postes universitaires à l'Université d'Oxford (Magdalen College), 1925-1954, et à l'Université de Cambridge (Magdalene College), 1954-1963. Il est surtout connu pour ses œuvres de fiction, en particulier The Screwtape Letters, The Chronicles of Narnia et The Space Trilogy, et pour ses apologétiques chrétiennes non-fictionnelles, telles que Mere Christianity, Miracles et The Problem of Pain. Lewis et son collègue romancier J. R. R. Tolkien étaient des amis proches. Ils ont tous deux fait partie de la faculté d'anglais de l'Université d'Oxford et étaient actifs dans le groupe littéraire informel d'Oxford connu sous le nom de Inklings. Selon les mémoires de Lewis Surpris par la joie, il a été baptisé dans l'Église d'Irlande, mais a abandonné sa foi pendant l'adolescence. Lewis est revenu à la Communion anglicane à l'âge de 32 ans, grâce à l'influence de Tolkien et d'autres amis, et il est devenu un « laïc ordinaire de l'Église d'Angleterre ». Sa foi a profondément influencé son travail et ses émissions de radio en temps de guerre sur le thème du christianisme lui ont valu un large succès. En 1956, il épouse l'écrivaine américaine Joy Davidman ; elle est décédée d'un cancer quatre ans plus tard, à l'âge de 45 ans. Lewis est décédé le 22 novembre 1963 d'une insuffisance rénale, une semaine avant son 65e anniversaire. La couverture médiatique de sa mort a été minime, car lui et son collègue auteur britannique Aldous Huxley sont décédés le jour même de l'assassinat du président américain John F. Kennedy. En 2013, à l'occasion du 50e anniversaire de sa mort, Lewis a reçu un mémorial dans le coin des poètes de l'abbaye de Westminster. Les œuvres de Lewis ont été traduites dans plus de 30 langues et se sont vendues à des millions d'exemplaires. Les livres qui composent Les Chroniques de Narnia se sont vendus le plus et ont été popularisés sur scène, à la télévision, à la radio et au cinéma. Ses œuvres sont entrées dans le domaine public en 2014 dans des pays où le droit d'auteur expire 50 ans après la mort du créateur, comme le Canada. Biographie Enfance Clive Staples Lewis est né à Belfast, en Irlande, le 29 novembre 1898. Son père était Albert James Lewis (1863-1929), un avocat dont le père Richard était venu du Pays de Galles en Irlande au milieu du XIXe siècle. Sa mère était Florence Augusta Lewis, Hamilton (1862-1908), connue sous le nom de Flora, fille d'un prêtre de l'Église d'Irlande (anglicane). Il avait un frère aîné, Warren Hamilton Lewis. Quand il avait quatre ans, son chien Jacksie a été tué par une voiture et il a annoncé qu'il s'appelait désormais Jacksie. Au début, il ne répondait à aucun autre nom, mais il accepta plus tard Jack, le nom sous lequel ses amis et sa famille le connaissaient pour le reste de sa vie. Quand il avait sept ans, sa famille a emménagé dans "Little Lea", la maison familiale de son enfance, dans le quartier de Strandtown à l'est de Belfast. Enfant, Lewis était fasciné par les animaux anthropomorphes ; il est tombé amoureux des histoires de Beatrix Potter et a souvent écrit et illustré ses propres histoires d'animaux. Lui et son frère Warnie ont créé le monde de Boxen, habité et dirigé par des animaux. Lewis adorait lire. La maison de son père était remplie de livres et il pensait que trouver un livre à lire était aussi simple que d'entrer dans un champ et de « trouver un nouveau brin d'herbe ». Lewis a été scolarisé par des tuteurs privés avant d'être envoyé à la Wynyard School de Watford, Hertfordshire, en 1908, juste après la mort de sa mère des suites d'un cancer. Le frère de Lewis y était inscrit trois ans auparavant. L'école fut fermée peu de temps après faute d'élèves ; le directeur Robert "Oldie" Capron fut peu après interné dans un hôpital psychiatrique. Lewis a ensuite fréquenté le Campbell College, dans l'est de Belfast, à environ un mile de son domicile, mais il l'a quitté après quelques mois en raison de problèmes respiratoires. Il a ensuite été envoyé dans la ville thermale de Malvern, dans le Worcestershire, où il a fréquenté l'école préparatoire Cherbourg House, que Lewis appelle « Chartres » dans son autobiographie. C'est à cette époque que Lewis abandonna la foi chrétienne de son enfance et devint athée, s'intéressant à la mythologie et à l'occultisme. En septembre 1913, Lewis s'inscrivit au Malvern College, où il resta jusqu'au mois de juin suivant. Il a trouvé l'école socialement compétitive. Après avoir quitté Malvern, il a étudié en privé avec William T. Kirkpatrick, l'ancien tuteur de son père et ancien directeur du Lurgan College. Adolescent, Lewis était émerveillé par les chansons et les légendes de ce qu'il appelait la Northernness, la littérature ancienne de Scandinavie préservée dans les sagas islandaises. Ces légendes ont intensifié un désir intérieur qu'il a appelé plus tard « la joie ». Il a également appris à aimer la nature ; sa beauté lui rappelait les histoires du Nord, et les histoires du Nord lui rappelaient les beautés de la nature. Ses écrits d'adolescent s'éloignèrent des contes de Boxen et il commença à utiliser différentes formes d'art, notamment la poésie épique et l'opéra, pour tenter de capter son nouvel intérêt pour la mythologie nordique et le monde naturel. Étudier avec Kirkpatrick ("Le Grand Coup", comme Lewis l'appellera plus tard) lui a inculqué l'amour de la littérature et de la mythologie grecques et a aiguisé ses capacités de débat et de raisonnement. En 1916, Lewis reçut une bourse à l'University College d'Oxford. Quelques mois après son entrée à Oxford, l'armée britannique l'envoya en France pour combattre pendant la Première Guerre mondiale. Son expérience de l'horreur de la guerre confirmait son athéisme. "Ma vie irlandaise" Lewis a vécu un certain choc culturel à son arrivée en Angleterre : « Aucun Anglais ne pourra comprendre mes premières impressions de l'Angleterre », écrit Lewis dans Surpris par la joie. "Les étranges accents anglais dont j'étais entouré semblaient des voix de démons. Mais ce qui était pire, c'était le paysage anglais... J'ai rattrapé la querelle depuis; mais à ce moment-là j'ai conçu une haine pour l'Angleterre qui a mis de nombreuses années guérir." Dès son enfance, Lewis s'est immergé dans la mythologie nordique et grecque, puis dans la mythologie et la littérature irlandaises. Il a également exprimé son intérêt pour la langue irlandaise, même s'il n'y a pas beaucoup de preuves qu'il ait travaillé pour l'apprendre. Il a développé un penchant particulier pour le , en partie à cause de l'utilisation par Yeats de l'héritage celtique irlandais dans la poésie. Dans une lettre à un ami, Lewis a écrit : « J'ai découvert ici un auteur exactement selon mon cœur, qui, j'en suis sûr, vous ravirait, W. B. Yeats. Il écrit des pièces de théâtre et des poèmes d'un esprit et d'une beauté rares sur notre vieille mythologie irlandaise. ". En 1921, Lewis rencontra Yeats à deux reprises, depuis que Yeats avait déménagé à Oxford. Lewis fut surpris de trouver ses pairs anglais indifférents à Yeats et au mouvement Celtic Revival et écrivit : « Je suis souvent surpris de constater à quel point Yeats est totalement ignoré parmi les hommes que j'ai rencontrés : peut-être que son attrait est purement irlandais – si c'est le cas, alors Dieu merci, je suis irlandais." Au début de sa carrière, Lewis envisagea d'envoyer son travail aux principaux éditeurs de Dublin, en écrivant : « Si jamais j'envoie mes écrits à un éditeur, je pense que j'essaierai Maunsel, ces gens de Dublin, et me joindrai donc définitivement à l'école irlandaise. ". Après sa conversion au christianisme, ses intérêts se sont tournés vers la théologie chrétienne et loin du mysticisme celtique païen. Lewis a parfois exprimé un chauvinisme quelque peu ironique envers les Anglais. Décrivant une rencontre avec un compatriote irlandais, il écrit : « Comme tous les Irlandais qui se rencontrent en Angleterre, nous avons fini par critiquer l'invincible désinvolture et l'ennui de la race anglo-saxonne. Après tout, il ne fait aucun doute, mon ami, que le Les Irlandais sont le seul peuple : malgré tous leurs défauts, je ne vivrais ni ne mourrais volontiers parmi un autre peuple". Tout au long de sa vie, il a recherché la compagnie d'autres Irlandais vivant en Angleterre et s'est rendu régulièrement en Irlande du Nord, y passant même sa lune de miel en 1958 au Old Inn de Crawfordsburn. Il a appelé cela « ma vie irlandaise ». Divers critiques ont suggéré que c'était la consternation de Lewis face au conflit sectaire dans sa ville natale de Belfast qui l'avait finalement conduit à adopter une telle forme de christianisme œcuménique. Comme l'a dit un critique, Lewis « a vanté à plusieurs reprises les vertus de toutes les branches de la foi chrétienne, soulignant la nécessité d'une unité entre les chrétiens autour de ce que l'écrivain catholique a appelé le « simple christianisme », les croyances doctrinales fondamentales que partagent toutes les confessions. D'un autre côté, Paul Stevens de l'Université de Toronto a écrit que « le simple christianisme de Lewis masquait bon nombre des préjugés politiques d'un protestant d'Ulster à l'ancienne mode, originaire de la classe moyenne de Belfast pour qui le retrait britannique d'Irlande du Nord, même dans le Les années 1950 et 1960 étaient impensables". Première Guerre mondiale et Université d'Oxford Peu de temps après que Lewis soit entré à Oxford au cours du trimestre d'été 1917, il a rejoint le Corps de formation des officiers de l'université comme sa « voie la plus prometteuse vers l'armée ». De là, il a été enrôlé dans un bataillon de cadets pour y suivre une formation. Après sa formation, il a été nommé sous-lieutenant dans le troisième bataillon de la Somerset Light Infantry de l'armée britannique. Le jour de son dix-neuvième anniversaire, il arrive sur la ligne de front dans la vallée de la Somme en France, où il fait l'expérience de la guerre des tranchées. Le 15 avril 1918, Lewis fut blessé et deux de ses collègues furent tués par un obus britannique qui n'atteignit pas sa cible. Il a souffert de dépression et du mal du pays pendant sa convalescence et, une fois rétabli en octobre, il a été affecté à Andover, en Angleterre. Il fut démobilisé en décembre 1918 et reprit bientôt ses études. Après son retour à l'Université d'Oxford, il reçut une première en modération (littérature grecque et latine) en 1920, une première en grandes (philosophie et histoire ancienne) en 1922 et une première en anglais en 1923. En 1924, il devint professeur de philosophie. tuteur au University College et, en 1925, il fut élu membre et tuteur en littérature anglaise au Magdalen College, où il servit pendant 29 ans jusqu'en 1954. Jane Moore Au cours de son entraînement militaire, Lewis partageait une chambre avec un autre cadet, Edward Courtnay Francis « Paddy » Moore (1898-1918). Maureen Moore, la sœur de Paddy, a déclaré que les deux hommes avaient conclu un pacte mutuel selon lequel si l'un d'eux mourait pendant la guerre, le survivant prendrait soin de leurs deux familles. Paddy a été tué au combat en 1918 et Lewis a tenu sa promesse. Paddy avait déjà présenté Lewis à sa mère, Jane King Moore, et une amitié s'est rapidement nouée entre Lewis, qui avait dix-huit ans lorsqu'ils se sont rencontrés, et Jane, qui en avait quarante-cinq. L'amitié avec Moore était particulièrement importante pour Lewis alors qu'il se remettait de ses blessures à l'hôpital, car son père ne lui rendait pas visite. Lewis a vécu avec Moore et a pris soin d'elle jusqu'à ce qu'elle soit hospitalisée à la fin des années 1940. Il la présentait régulièrement comme sa mère, la désignait comme telle dans ses lettres et développait avec elle une amitié profondément affectueuse. La propre mère de Lewis était décédée alors qu'il était enfant et son père était distant, exigeant et excentrique. Les spéculations concernant leur relation ont refait surface avec la publication en 1990 de la biographie de Lewis par A. N. Wilson. Wilson (qui n'a jamais rencontré Lewis) a tenté de faire valoir qu'ils étaient amants pendant un certain temps. La biographie de Wilson n'était pas la première à aborder la question de la relation de Lewis avec Moore. George Sayer connaissait Lewis depuis 29 ans et il avait cherché à faire la lumière sur cette relation au cours des 14 années précédant la conversion de Lewis au christianisme. Dans sa biographie Jack : A Life of C. S. Lewis, il écrit : Plus tard, Sayer a changé d'avis. Dans l'introduction de l'édition 1997 de sa biographie de Lewis, il écrit : Lewis a fait du bien de Mme Moore tout au long de sa vie, disant à son ami George Sayer : « Elle était généreuse et m'a appris à l'être aussi. » En décembre 1917, Lewis écrivit dans une lettre à son ami d'enfance Arthur Greeves que Jane et Greeves étaient « les deux personnes qui comptent le plus pour moi au monde ». En 1930, Lewis emménagea dans « The Kilns » avec son frère Warnie, Mme Moore et sa fille Maureen. The Kilns était une maison située dans le quartier de Headington Quarry, à la périphérie d'Oxford, qui fait maintenant partie de la banlieue de Risinghurst. Ils ont tous contribué financièrement à l'achat de la maison, qui est passée à Maureen, qui était alors Dame Maureen Dunbar, à la mort de Warren en 1973. Jane Moore a souffert de démence au cours de ses dernières années et a finalement été transférée dans une maison de retraite, où elle est décédée en 1951. Lewis lui a rendu visite tous les jours dans cette maison jusqu'à sa mort. Retour au christianisme Lewis a grandi dans une famille religieuse qui fréquentait l'Église d'Irlande. Il est devenu athée à l'âge de 15 ans, bien qu'il ait décrit plus tard son jeune moi comme étant paradoxalement « en colère contre Dieu de ne pas exister ». Sa séparation précoce du christianisme a commencé lorsqu'il a commencé à considérer sa religion comme une corvée et un devoir ; à cette époque, il s'intéressa également à l'occulte, à mesure que ses études s'élargissaient pour inclure de tels sujets. Lewis a cité Lucrèce (De rerum natura, 5.198-9) comme ayant l'un des arguments les plus solides en faveur de l'athéisme : Si Dieu avait conçu le monde, il ne serait pas Un monde si fragile et défectueux comme nous le voyons. L'intérêt de Lewis pour les œuvres de George MacDonald était en partie ce qui l'a détourné de l'athéisme. Cela se voit particulièrement bien à travers ce passage du chapitre neuf du Grand Divorce de Lewis, lorsque le personnage principal semi-autobiographique rencontre MacDonald au paradis : Il retourna finalement au christianisme, après avoir été influencé par des disputes avec son collègue et ami d'Oxford J. R. R. Tolkien, qu'il semble avoir rencontré pour la première fois le 11 mai 1926, et par le livre L'Homme éternel de G. K. Chesterton. Lewis a vigoureusement résisté à la conversion, notant qu'il avait été amené au christianisme comme un prodigue, « donnant des coups de pied, se débattant, plein de ressentiment et jetant ses yeux dans toutes les directions pour avoir une chance de s'échapper ». Il a décrit son dernier combat dans Surpris par la joie : Après sa conversion au théisme en 1929, Lewis se convertit au christianisme en 1931, après une longue discussion et une promenade nocturne avec ses amis proches Tolkien et Hugo Dyson. Il rapporte avoir pris un engagement spécifique envers la croyance chrétienne alors qu'il se rendait au zoo avec son frère. Il devint membre de l'Église d'Angleterre – quelque peu à la déception de Tolkien, qui avait espéré qu'il rejoindrait l'Église catholique. Lewis était un anglican engagé qui soutenait une théologie anglicane largement orthodoxe, même si dans ses écrits d'excuses, il s'efforçait d'éviter d'épouser une seule confession. Dans ses écrits ultérieurs, certains pensent qu'il a proposé des idées telles que la purification des péchés véniels après la mort au purgatoire (Le Grand Divorce et Lettres à Malcolm) et le péché mortel (Les Lettres à vis), qui sont généralement considérées comme des enseignements catholiques romains, bien que ils sont également largement répandus dans l'anglicanisme (en particulier dans les cercles anglo-catholiques de la haute église). Quoi qu'il en soit, Lewis se considérait comme un anglican entièrement orthodoxe jusqu'à la fin de sa vie, pensant qu'il n'était initialement allé à l'église que pour communier et qu'il avait été repoussé par les hymnes et la mauvaise qualité des sermons. Plus tard, il en est venu à se considérer honoré en adorant avec des hommes de foi qui venaient vêtus de vêtements usés et de bottes de travail et qui chantaient tous les versets de tous les hymnes. Deuxième Guerre mondiale Après le déclenchement de la guerre en 1939, les Lewis ont emmené des enfants évacués de Londres et d'autres villes dans The Kilns. Lewis n'avait que 40 ans lorsque la guerre éclata et il tenta de réintégrer le service militaire, proposant d'instruire des cadets ; mais son offre n'a pas été acceptée. Il a rejeté la suggestion du bureau de recrutement d'écrire des chroniques pour le ministère de l'Information dans la presse, car il ne voulait pas « écrire des mensonges » pour tromper l'ennemi. Il a ensuite servi dans la Home Guard locale à Oxford. De 1941 à 1943, Lewis a pris la parole dans des programmes religieux diffusés par la BBC depuis Londres alors que la ville était périodiquement soumise à des raids aériens. Ces émissions étaient alors appréciées par les civils et les militaires. Par exemple, le maréchal en chef de l’Air Sir Donald Hardman a écrit : "La guerre, toute la vie, tout avait tendance à paraître inutile. Nous avions besoin, pour beaucoup d'entre nous, d'une clé du sens de l'univers. Lewis nous a fourni exactement cela." Les émissions ont été anthologisées dans Mere Christianity. À partir de 1941, il était occupé pendant ses week-ends de vacances d'été à visiter la R.A.F. stations pour parler de sa foi, invité par l'aumônier en chef de la R.A.F., Maurice Edwards. C'est également pendant la même période de guerre que Lewis fut invité à devenir le premier président de l'Oxford Socratic Club en janvier 1942, poste qu'il occupa avec enthousiasme jusqu'à sa démission suite à sa nomination à l'Université de Cambridge en 1954. Honneur refusé Lewis a été nommé sur la dernière liste d'honneurs de George VI en décembre 1951 en tant que membre de l'Ordre de l'Empire britannique (MBE), mais a refusé afin d'éviter toute association avec des questions politiques. Chaire à l'Université de Cambridge En 1954, Lewis accepta la nouvelle chaire de littérature médiévale et de la Renaissance au Magdalene College de Cambridge, où il termina sa carrière. Il a maintenu un fort attachement à la ville d'Oxford, y gardant une maison et y revenant le week-end jusqu'à sa mort en 1963. Joy Davidman Plus tard dans sa vie, Lewis correspondit avec Joy Davidman Gresham, une écrivaine américaine d'origine juive, ancienne communiste et convertie de l'athéisme au christianisme. Elle a été séparée de son mari alcoolique et violent, le romancier William L. Gresham, et est venue en Angleterre avec ses deux fils, David et Douglas. Lewis la considérait d'abord comme une agréable compagne intellectuelle et une amie personnelle, et c'est à ce niveau qu'il accepta de conclure un contrat de mariage civil avec elle afin qu'elle puisse continuer à vivre au Royaume-Uni. Le mariage civil a eu lieu au bureau d'état civil, 42 St Giles', Oxford, le 23 avril 1956. Le frère de Lewis, Warren, a écrit : « Pour Jack, l'attirance était au début sans aucun doute intellectuelle. Joy était la seule femme qu'il avait rencontrée ... qui avait un cerveau qui correspondait au sien en souplesse, en largeur d'intérêt et en capacité d'analyse, et surtout en humour et en sens de l'amusement. Après s'être plainte d'une hanche douloureuse, on lui a diagnostiqué un cancer des os en phase terminale et leur relation s'est développée au point qu'ils ont cherché à se marier chrétien. Depuis son divorce, ce n'était pas simple dans l'Église anglicane de l'époque, mais un ami, le révérend Peter Bide, a célébré la cérémonie dans son lit de l'hôpital Churchill le 21 mars 1957. Le cancer de Gresham est rapidement entré en rémission et le couple a vécu en famille avec Warren Lewis jusqu'en 1960, date à laquelle la récidive du cancer a provoqué sa mort le 13 juillet. Plus tôt cette année-là, le couple a pris de brèves vacances en Grèce et dans la mer Égée ; Lewis aimait marcher mais pas voyager, et cela marquait sa seule traversée de la Manche après 1918. Le livre de Lewis, A Grief Observed, décrit son expérience du deuil d'une manière si crue et personnelle qu'il l'a initialement publié sous le pseudonyme de N. W. Clerk. pour empêcher les lecteurs de lui associer le livre. Ironiquement, de nombreux amis ont recommandé le livre à Lewis comme méthode pour faire face à son propre chagrin. Après la mort de Lewis, sa paternité a été rendue publique par Faber, avec la permission des exécuteurs testamentaires. Lewis a continué à élever les deux fils de Gresham après sa mort. Douglas Gresham est chrétien comme Lewis et sa mère, tandis que David Gresham s'est tourné vers la foi dans laquelle sa mère est née, devenant juif orthodoxe dans ses croyances. Les écrits de sa mère présentaient les Juifs de manière antipathique, en particulier un « shohet » (abatteur rituel). David a informé Lewis qu’il allait devenir un massacreur rituel pour présenter au monde ce type de fonctionnaire religieux juif sous un jour plus favorable. Dans une interview en 2005, Douglas Gresham a reconnu que lui et son frère n'étaient pas proches, mais il a déclaré qu'ils étaient en contact par courrier électronique. Douglas reste impliqué dans les affaires du domaine Lewis. Maladie et mort Début juin 1961, Lewis commença à souffrir d’une inflammation des reins, qui entraîna un empoisonnement du sang. Sa maladie lui fit manquer le trimestre d'automne à Cambridge, même si sa santé commença progressivement à s'améliorer en 1962 et il revint en avril. La santé de Lewis a continué de s'améliorer et, selon son ami George Sayer, Lewis était pleinement lui-même au début de 1963. Le 15 juillet de la même année, il tomba malade et fut admis à l'hôpital. Le lendemain à 17h00, Lewis a eu une crise cardiaque et est tombé dans le coma, se réveillant de manière inattendue le lendemain à 14h00. Après sa sortie de l'hôpital, Lewis est retourné aux fours, bien qu'il soit trop malade pour retourner au travail. En conséquence, il a démissionné de son poste à Cambridge en août. L'état de Lewis a continué à se détériorer et, à la mi-novembre, on lui a diagnostiqué une insuffisance rénale terminale. Le 22 novembre, exactement une semaine avant son 65e anniversaire, Lewis s'est effondré dans sa chambre à 17h30 et est décédé quelques minutes plus tard. Il est enterré dans le cimetière de l'église Holy Trinity, Headington, Oxford. Son frère Warren Hamilton "Warnie" Lewis, décédé le 9 avril 1973, fut ensuite enterré dans la même tombe. La couverture médiatique de sa mort a été presque complètement éclipsée par la nouvelle de l'assassinat du président américain John F. Kennedy, survenu le même jour (environ 55 minutes après l'effondrement de Lewis), tout comme la mort de l'écrivain anglais Aldous Huxley, auteur de Meilleur des Mondes. Cette coïncidence a inspiré le livre de Peter Kreeft Between Heaven and Hell: A Dialog Somewhere Beyond Death avec John F. Kennedy, C. S. Lewis et Aldous Huxley. C. S. Lewis est commémoré le 22 novembre dans le calendrier ecclésial de l'Église épiscopale. Carrière Savant Lewis a commencé sa carrière universitaire en tant qu'étudiant de premier cycle à l'Université d'Oxford, où il a remporté une triple première, la plus haute distinction dans trois domaines d'études. Il a ensuite été élu membre du Magdalen College d'Oxford, où il a travaillé pendant près de trente ans, de 1925 à 1954. En 1954, il a reçu la nouvelle chaire de littérature médiévale et de la Renaissance à l'Université de Cambridge et a été élu membre du Collège Madeleine. Concernant son domaine universitaire, il a soutenu qu'il n'existait pas de Renaissance anglaise. Une grande partie de ses travaux scientifiques se sont concentrés sur la fin du Moyen Âge, en particulier sur son utilisation de l'allégorie. Son L'Allégorie de l'amour (1936) a contribué à revigorer l'étude sérieuse des récits de la fin du Moyen Âge tels que le Roman de la Rose. Lewis a écrit plusieurs préfaces à des œuvres littéraires et poétiques, comme Brut de Layamon. Son livre « Une préface au paradis perdu » reste l'une des critiques les plus précieuses de cet ouvrage. Son dernier ouvrage académique, The Discarded Image: An Introduction to Medieval and Renaissance Literature (1964), est un résumé de la vision médiévale du monde, une référence à « l'image rejetée » du cosmos. Lewis était un écrivain prolifique et son cercle d'amis littéraires est devenu une société de discussion informelle connue sous le nom de « Inklings », comprenant J. R. R. Tolkien, Nevill Coghill, Lord David Cecil, Charles Williams, Owen Barfield et son frère Warren Lewis. Au moins un érudit indique que décembre 1929 est la date de début des Inklings. L'amitié de Lewis avec Coghill et Tolkien s'est développée au cours de leur mandat en tant que membres du Kolbítar, un groupe de lecture en vieux norrois fondé par Tolkien et qui a pris fin à l'époque de la création des Inklings. À Oxford, il a été le tuteur du poète John Betjeman, du critique Kenneth Tynan, du mystique Bede Griffiths, du romancier Roger Lancelyn Green et du spécialiste soufi Martin Lings, parmi de nombreux autres étudiants de premier cycle. Curieusement, le religieux et conservateur Betjeman détestait Lewis, tandis que le contestataire Tynan conservait pour lui une admiration toute sa vie. À propos de Tolkien, Lewis écrit dans Surpris par la joie : Romancier En plus de ses travaux universitaires, Lewis a écrit plusieurs romans populaires, dont la trilogie spatiale de science-fiction pour adultes et les fantasmes de Narnia pour enfants. La plupart traitent implicitement de thèmes chrétiens tels que le péché, la disgrâce de l'humanité et la rédemption. La régression du pèlerin Son premier roman après être devenu chrétien fut The Pilgrim's Regress (1933), qui décrivait son expérience du christianisme dans le style de The Pilgrim's Progress de John Bunyan. Le livre a été mal accueilli par la critique à l'époque, bien que David Martyn Lloyd-Jones, l'un des contemporains de Lewis à Oxford, lui ait apporté des encouragements très précieux. Lorsque Lloyd-Jones lui a demandé quand il écrirait un autre livre, Lewis a répondu : « Quand je comprendrai le sens de la prière. » Romans de la trilogie spatiale La trilogie spatiale (également appelée trilogie cosmique ou trilogie de la rançon) traitait de ce que Lewis considérait comme les tendances déshumanisantes de la science-fiction contemporaine. Le premier livre, Out of the Silent Planet, a apparemment été écrit suite à une conversation avec son ami J.R.R. Tolkien à propos de ces tendances. Lewis a accepté d'écrire une histoire de « voyage dans l'espace » et Tolkien une histoire de « voyage dans le temps », mais Tolkien n'a jamais terminé « La Route Perdue », reliant sa Terre du Milieu au monde moderne. Le personnage principal de Lewis, Elwin Ransom, est basé en partie sur Tolkien, un fait auquel Tolkien fait allusion dans ses lettres. Le deuxième roman, Perelandra, dépeint un nouveau jardin d'Eden sur la planète Vénus, de nouveaux Adam et Eve et une nouvelle « figure de serpent » pour tenter Eve. L'histoire peut être considérée comme un récit de ce qui aurait pu se passer si l'Adam terrestre avait vaincu le serpent et évité la chute de l'homme, Ransom intervenant dans le roman pour « rançonner » les nouveaux Adam et Ève des tromperies de l'ennemi. Le troisième roman, That Hideous Strength, développe le thème de la science nihiliste menaçant les valeurs humaines traditionnelles, incarnées dans la légende arthurienne. De nombreuses idées de la trilogie, en particulier l'opposition à la déshumanisation telle que décrite dans le troisième livre, sont présentées de manière plus formelle dans The Abolition of Man, basé sur une série de conférences données par Lewis à l'Université de Durham en 1943. Lewis est resté à Durham, où il fut submergé par la cathédrale. That Hideous Strength se déroule en fait dans les environs de l'université "Edgestow", une petite université anglaise comme Durham, bien que Lewis nie toute autre ressemblance entre les deux. Walter Hooper, l'exécuteur littéraire de Lewis, a découvert un fragment d'un autre roman de science-fiction de Lewis intitulé La Tour Sombre. Ransom apparaît dans l'histoire mais il n'est pas clair si le livre était destiné à faire partie de la même série de romans. Le manuscrit a finalement été publié en 1977, bien que Kathryn Lindskoog, spécialiste de Lewis, doute de son authenticité. Les chroniques de Narnia Les Chroniques de Narnia est une série de sept romans fantastiques pour enfants et est considérée comme un classique de la littérature jeunesse. Écrite entre 1949 et 1954 et illustrée par Pauline Baynes, la série est l'œuvre la plus populaire de Lewis, s'étant vendue à plus de 100 millions d'exemplaires en 41 langues. Il a été adapté à plusieurs reprises, en totalité ou en partie, pour la radio, la télévision, la scène et le cinéma. Les livres contiennent des idées chrétiennes destinées à être facilement accessibles aux jeunes lecteurs. En plus des thèmes chrétiens, Lewis emprunte également des personnages de la mythologie grecque et romaine, ainsi que des contes de fées traditionnels britanniques et irlandais. Autres travaux Lewis a écrit plusieurs ouvrages sur le paradis et l'enfer. L'un d'eux, Le Grand Divorce, est une courte nouvelle dans laquelle quelques habitants de l'Enfer prennent un bus pour se rendre au Paradis, où ils sont accueillis par les habitants de cet endroit. La proposition est qu'ils peuvent rester s'ils le souhaitent, auquel cas ils peuvent appeler l'endroit d'où ils viennent "Purgatoire", au lieu de "Enfer". Mais beaucoup trouvent que cela n’est pas à leur goût. Le titre fait référence au Mariage du ciel et de l'enfer de William Blake, un concept que Lewis considérait comme une « erreur désastreuse ». Cette œuvre fait délibérément écho à deux autres œuvres plus célèbres sur un thème similaire : la Divine Comédie de Dante Alighieri et The Pilgrim's Progress de Bunyan. Un autre ouvrage court, The Screwtape Letters, consiste en des lettres de conseils suaves du démon senior Screwtape à son neveu Wormwood sur les meilleures façons de tenter un humain en particulier et d'assurer sa damnation. Le dernier roman de Lewis était Till We Have Faces, qu'il considérait comme son œuvre de fiction la plus mature et la plus magistrale, mais qui n'a jamais été un succès populaire. Il s'agit d'un récit du mythe de Cupidon et Psyché du point de vue inhabituel de la sœur de Psyché. Il est profondément concerné par les idées religieuses, mais le cadre est entièrement païen et les liens avec des croyances chrétiennes spécifiques restent implicites. Avant la conversion de Lewis au christianisme, il a publié deux livres : Spirits in Bondage, un recueil de poèmes, et Dymer, un poème narratif unique. Tous deux ont été publiés sous le pseudonyme de Clive Hamilton. D'autres poèmes narratifs ont depuis été publiés à titre posthume, notamment Launcelot, The Nameless Isle et The Queen of Drum. Il a également écrit Les Quatre Amours, qui explique rhétoriquement quatre catégories d'amour : l'amitié, l'éros, l'affection et la charité. En 2009, une ébauche partielle a été découverte de Language and Human Nature, que Lewis avait commencé à co-écrire avec J.R.R. Tolkien, mais qui ne fut jamais achevé. Apologiste chrétien Lewis est également considéré par beaucoup comme l'un des apologistes chrétiens les plus influents de son temps, en plus de sa carrière de professeur d'anglais et d'auteur de fiction. Mere Christianity a été élu meilleur livre du XXe siècle par Christianity Today en 2000. Il a été surnommé « l'apôtre des sceptiques » en raison de son approche de la croyance religieuse en tant que sceptique et de sa conversion ultérieure. Lewis était très intéressé à présenter des arguments raisonnables en faveur du christianisme. Le simple christianisme, Le problème de la douleur et les Miracles visaient tous, à un degré ou à un autre, à réfuter les objections populaires au christianisme, comme la question : « Comment un Dieu bon pourrait-il permettre que la douleur existe dans le monde ? Il est également devenu un conférencier et un diffuseur populaire, et certains de ses écrits provenaient de scénarios pour des conférences ou des conférences radiophoniques (y compris une grande partie du simple christianisme). Selon George Sayer, perdre un débat en 1948 avec Elizabeth Anscombe, également chrétienne, a conduit Lewis à réévaluer son rôle d'apologiste, et ses futurs travaux se sont concentrés sur la littérature dévotionnelle et les livres pour enfants. Anscombe avait un souvenir complètement différent de l'issue du débat et de son effet émotionnel sur Lewis. Victor Reppert conteste également Sayer, énumérant certaines des publications apologétiques de Lewis après 1948, y compris la deuxième édition révisée de ses Miracles en 1960, dans laquelle Lewis répondait aux critiques d'Anscombe. Il convient également de noter la suggestion de Roger Teichman dans The Philosophy of Elizabeth Anscombe selon laquelle l'impact intellectuel de l'article d'Anscombe sur la confiance en soi philosophique de Lewis ne devrait pas être surestimé : "... il semble peu probable qu'il se soit senti aussi irrémédiablement écrasé que certaines de ses connaissances. l'épisode est probablement une légende exagérée, dans la même catégorie que l'affaire du poker de Wittgenstein. Anscombe elle-même croyait certainement que l'argument de Lewis, bien que erroné, touchait à quelque chose de très important ; version améliorée que Lewis a présentée dans une édition ultérieure de Miracles – bien que cette version ait également « beaucoup à critiquer ». Lewis a également écrit une autobiographie intitulée Surpris par la joie, qui met un accent particulier sur sa propre conversion. (Il a été écrit avant qu'il ne rencontre sa femme, Joy Gresham ; le titre du livre vient du premier vers d'un poème de William Wordsworth.) Ses essais et discours publics sur la croyance chrétienne, dont beaucoup ont été rassemblés dans God in the Dock. et Le poids de la gloire et autres adresses, restent populaires aujourd'hui. Ses œuvres les plus célèbres, les Chroniques de Narnia, contiennent de nombreux messages chrétiens forts et sont souvent considérées comme des allégories. Lewis, un expert en matière d'allégorie, a soutenu que les livres n'étaient pas des allégories et a préféré qualifier leurs aspects chrétiens de « suppositionnels ». Comme Lewis l'écrivait dans une lettre à Mme Hook en décembre 1958 : Si Aslan représentait la Divinité immatérielle de la même manière que Giant Despair [un personnage de The Pilgrim's Progress] représente le désespoir, il serait une figure allégorique. En réalité, il s'agit d'une invention donnant une réponse imaginaire à la question : « À quoi pourrait ressembler le Christ, s'il existait réellement un monde comme Narnia et qu'il choisisse de s'incarner, de mourir et de ressusciter dans ce monde comme il l'a réellement fait dans ce monde ? les notres?' Ce n’est pas du tout une allégorie. "Trilemme" Dans un passage très cité de Mere Christianity, Lewis a contesté l’idée selon laquelle Jésus était un grand professeur de morale mais pas Dieu. Il a soutenu que Jésus avait fait plusieurs affirmations implicites sur la divinité, ce qui exclurait logiquement cette affirmation. J'essaie ici d'empêcher quiconque de dire la chose vraiment stupide que les gens disent souvent à son sujet : « Je suis prêt à accepter Jésus comme un grand professeur de morale, mais je n'accepte pas sa prétention d'être Dieu. Que

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Nommez la série télévisée sur l'agent du FBI Don Eppes et son frère génie mathématique Charlie.

Numb3rs

Donald "Don" Eppes est un personnage fictif et l'un des protagonistes du drame policier de CBS Numb3rs. Il est interprété par Rob Morrow. Don est un agent spécial du FBI qui dirige la brigade des crimes violents du FBI à Los Angeles. Don recrute son frère génial en mathématiques, Charlie Eppes, pour l'aider, lui et le Bureau, à résoudre certains de leurs cas les plus difficiles. Don fait de grands sacrifices dans sa vie personnelle pour se consacrer à sa carrière, qui est pour lui plus un mode de vie qu'un simple travail. Plus important pour lui que son travail est sa famille, en particulier Charlie, même s'il ne comprend pas la façon de voir le monde de son frère. Passé Don est le fils aîné d'Alan Eppes et de Margaret Mann-Eppes. Il a grandi dans une famille juive laïque. Pendant la guerre du Vietnam, ses parents l'emmenaient à des sit-in et il a vu à deux reprises son père se faire arrêter (comme mentionné dans l'épisode « Protestation »). Lorsque Don est devenu trop attaché à son arme-jouet, ses parents l'ont mis dans la Petite Ligue, espérant que Don oublierait son amour pour les armes à feu. Don a obtenu son diplôme d'études secondaires le même jour que son jeune frère Charlie, qui a cinq ans de moins ("Soft Target"). Il est allé à l'université grâce à une bourse de baseball, puis a joué en Single-A avec les Stockton Rangers (une équipe fictive) en tant que joueur utilitaire. Charlie avait l'habitude de prédire le nombre de buts sur balles qu'il obtiendrait rien qu'en se plaçant au marbre. Malgré cette attirance, Don n'a jamais pris de stéroïdes, même si son joueur suppléant l'a fait. Ce joueur a fait partie des ligues majeures et Don se demande depuis s'il aurait dû prendre des stéroïdes pour améliorer son jeu. Le lendemain après avoir réalisé qu'il ne serait jamais meilleur qu'un seul joueur A, Don a quitté les Rangers et s'est inscrit à l'examen d'entrée du FBI ("Identity Crisis"). À l'Académie du FBI, il est sorti avec son collègue agent Terry Lake. Comme il l'a dit plus tard à son père, son rendez-vous préféré était quand il mangeait une pizza dans une laverie automatique avec elle. Terry ne partage pas cette opinion. Après avoir obtenu son diplôme de l'Académie, Don a travaillé dans Fugitive Recovery avec Billy Cooper (épisode "Man Hunt") et l'ancien Navy SEAL Petey Fox ("Friendly Fire") et était très bon dans ce domaine. Il a enseigné à l'Académie du FBI pendant un certain temps après Fugitive Recovery pour l'aider à revenir à la civilisation ("Longshot"). Après cela, il a travaillé au bureau extérieur d'Albuquerque, au Nouveau-Mexique, et est sorti avec Kim Hall (Sarah Wayne Callies) et a failli l'épouser. Don a abandonné son poste d'agent spécial en charge du bureau du FBI d'Albuquerque pour retourner à Los Angeles lorsque sa mère est tombée malade d'un cancer, dont elle est finalement décédée. Caractérisation Don est un personnage de principe et très dévoué à son travail, ne lui laissant pas beaucoup de temps pour une vie sociale. Selon l'acteur Rob Morrow, Don a tendance à se sacrifier, même au détriment de ce qu'il attend de la vie. Il aime jouer occasionnellement au baseball et est également souvent vu en train de regarder le hockey, auquel il a joué dans sa jeunesse. Il est allé à l'université grâce à une bourse de baseball. Don pensait que le baseball était son premier amour, bien que son père Alan Eppes lui ait rappelé qu'un pistolet-jouet et jouer au flic lorsqu'il était enfant était en fait son premier amour, et l'a réconforté en remarquant que le FBI avait besoin de joueurs utilitaires. Charlie a dit qu'il était un « flic né ». L'abandon du jeu par Don est un sujet émouvant pour lui. Lui et Charlie ont eu des différends au fil des années, et Don a du mal à demander de l'aide à Charlie pour faire son travail. En fait, dans "One Hour", Don déclare qu'il n'aime pas vivre dans l'ombre de son frère génial, bien qu'il le respecte beaucoup ainsi que ses capacités et qu'ils se soient rapprochés. Parfois, il a l'impression que Charlie ne fait pas toutes les grandes choses qu'il pourrait faire parce qu'il travaille avec le FBI. Pourtant, il interroge souvent son frère pour retrouver sa confiance dans les capacités de Charlie. Dans « Burn Rate », leur père dit : « Mais avez-vous déjà vu votre frère laisser ses émotions l'emporter sur ses calculs ? Juste parce que Don devient ému, il pensait que c'était le cas de Charlie et a même déclaré que son frère soutenait l'un des siens. Dans "Trust Metric", Charlie dit qu'il a un ego géant. C'est un maître d'oeuvre dur, qui aime être le patron et qui ne pardonne pas beaucoup. L'une de ses anciennes stagiaires tactiques de Quantico, Liz Warner, l'a proclamé et, après que Colby lui ait confié qu'il avait commis une erreur, elle lui a dit que le fait même qu'il reste toujours dans l'équipe de Don signifiait quelque chose. Elle a également déclaré que Don n'avait jamais parlé de sa vie personnelle lorsqu'il était à l'Académie du FBI et qu'il était à l'époque fraîchement sorti du terrain pour chasser les fugitifs (avec son ami l'agent Cooper). Liz sait qu'il s'est adouci avec l'âge et qu'il peut s'engager avec une femme pendant de plus longues périodes. Il estime que la peine de mort est une forme de vengeance. Don a la capacité de comprendre comment pensent les criminels, ce qui l'amène à réprimer ses pensées dans le but de faire face aux horreurs qu'il voit dans son travail. L'arme principale de Don est un Glock 19. Evolution au fil de la série Ayant été agent spécial en charge du bureau d'Albuquerque, Don a été rétrogradé afin d'obtenir un poste d'agent spécial au bureau extérieur de Los Angeles, mais il l'a fait pour être avec sa famille lorsque sa mère a reçu un diagnostic de cancer deux ans avant. le pilote de la série. Margaret Eppes est décédée environ un an plus tard et, selon le pilote, Don a obtenu l'aide de Charlie sur deux cas entre sa mort et le pilote de la série. Ces cas impliquaient une extorsion de fonds par l’IRS et une fraude boursière. Initialement incertain de ce que Charlie pourrait réellement apporter, il permet à contrecœur à Charlie de les aider dans leurs tentatives de retrouver un violeur et est agréablement surpris lorsque les calculs de Charlie mènent à l'arrestation du suspect ("Pilote"). Sa relation avec Charlie était apparemment quelque peu tendue avant même la mort de leur mère, car Don est stupéfait d'apprendre que son petit frère a suffisamment d'habilitation de sécurité pour travailler à la fois avec le CDC et la NSA ("Vector"). Il est encore plus surpris de découvrir que Charlie ne semble pas savoir que son autorisation lui permettra d'entrer dans le bureau de Los Angeles quand il le souhaite, plutôt que d'obtenir un laissez-passer de visiteur à chaque fois et d'être limité dans ce qu'il peut y faire. Après avoir résolu le statut de Charlie, Don appelle apparemment Charlie pour la plupart de ses cas. Dans « Uncertainty Principe », Don s'emporte contre Charlie lorsque Charlie recommence à travailler sur P contre NP après que Don ait reçu une balle dans le bras par les « Charm School Boys ». Il exprime sa frustration et sa colère contre Charlie pour s'être caché dans ses calculs (les membres du fandom appellent cet état « Numbersville »). Dans "Vector", Don réconforte Charlie quand Charlie lui demande avec le cœur brisé si leur mère a souffert au cours de ces trois derniers mois, montrant que malgré sa colère parce que Charlie n'était pas là pour elle, il ne peut s'empêcher de protéger Charlie de tout ce qui lui fait mal. lui. Après que Charlie ait trouvé une composition de musique classique pour piano (une étude en sol mineur) que leur mère a écrite sous son nom de jeune fille et que son père admet que la musique était l'une des premières amours de Margaret, Don et son frère se souviennent des leçons de piano qu'elle leur a données. prendre. Tandis que Don plaisante sur l'horrible professeur qu'ils ont eu, lui et Charlie réalisent pourquoi c'était si important pour leur mère. A la fin de "Running Man", Don rentre à la maison et trouve la partition que sa mère a écrite sur la table. Il s'assoit et commence à jouer, avec hésitation au début, pendant que Charlie et Alan écoutent depuis le garage. Lorsque Megan Reeves a été kidnappée, Don a poussé son éthique à l'extrême pour la récupérer. Bien qu'il n'ait pas personnellement battu un suspect, il a demandé à l'agent spécial Ian Edgerton d'interroger l'adolescent pour obtenir des informations sur l'endroit où Megan était détenue. Il n'est jamais montré ni dit ce qu'Edgerton a fait pendant l'interrogatoire, mais il est fortement sous-entendu qu'il a peut-être utilisé la force physique, allant jusqu'à et y compris l'application d'une pression sur la blessure par balle à travers le poignet de l'adolescent ; Don a exprimé son inquiétude à son père quant à sa volonté d'aller aussi loin, même s'il ne le faisait pas lui-même. Après cette discussion, il a convaincu son père qu'il est bon d'avoir quelqu'un avec qui rentrer à la maison, et c'est pourquoi il vient si souvent chez l'artisan plutôt que de rester dans son appartement. Dans « Provenance », Don a commencé à se demander pourquoi leur famille n'était pas plus religieuse et voulait entrer en contact avec ses proches, en particulier le cousin de sa grand-mère qui a échappé à la Seconde Guerre mondiale. Une victime de l'Holocauste a trouvé du réconfort lorsque Don lui a offert un tableau volé qui lui cachait beaucoup de sentimentalité. Avant cela, elle avait dit qu'il éprouvait de la douleur à perdre sa mère. Tout cela avait fait ressortir de profondes émotions chez Don. Également dans cet épisode, Don a déclaré en plaisantant qu'il était une « cause perdue », lorsque son père a exprimé son échec dans sa parentalité. D'un autre côté, dans "Calculated Risk" de la saison précédente, Don a montré un lien avec un garçon qui avait perdu sa mère, donnant à Alan l'espoir qu'il avait fait quelque chose de bien. Don était autrefois presque marié à un collègue agent nommé Kim Hall, mais cette relation a pris fin à son retour à Los Angeles. En raison de son attitude distante et de sa prédilection pour l'isolement, Charlie n'était pas au courant de cette relation. En tant que fiancée de Don il y a longtemps, Kim Hall a eu la chance de connaître Don et a observé que les frères avaient « une partie d'exubérance, deux parties d'obsession », après avoir été affectée à une affaire travaillant aux côtés des deux. Il était également sorti avec un agent de l'ATF et avait été peiné d'apprendre qu'elle l'avait appelé avant d'être tuée. La procureure Nadine Hodges (Sarah Carter [http://www.imdb.com/name/nm0141931/]) semble être amoureuse de lui et vice versa. Dans l'épisode "Guns and Roses", il décide d'enquêter sur son flirt avec AUSA Robin Brooks (Michelle Nolden [http://www.imdb.com/name/nm0634409/]). Dans "Blackout", après que Robin ait rompu avec lui, Don s'est impliqué dans une brève romance avec l'agent spécial Liz Warner, dont il se souvient pour avoir un problème d'adrénaline et être sauvage. Il fait souvent référence aux difficultés à entretenir une relation, compte tenu de son parcours, tout comme sa famille. Don poursuit maintenant activement son intérêt amoureux pour Liz Warner ("End of Watch"), quelque chose qu'il n'a pas fait depuis longtemps. Elle hésite au départ à entrer dans une relation, surtout compte tenu de sa réputation de relations courtes. Don la persuade qu'ils peuvent toujours avoir une relation active bien qu'ils soient tous deux des agents du FBI et qu'ils travaillent tous deux au bureau de Los Angeles ("Finders Keepers"). Dans "One Hour", le thérapeute de Don a remis en question ses motivations concernant cette relation, et Don a défendu ses actes. Ses supérieurs au FBI sont au courant de cette relation mais les conséquences n'ont pas été révélées. Enfin, dans l'épisode « Graphic », il est révélé que Don a rompu avec Liz et qu'il en était très déprimé. Avec "In Security", le secret de Don et son refus de révéler des informations concernant sa relation avec une femme du programme de protection des témoins, Leah Wexford ([http://www.imdb.com/name/nm1907725/ Jennifer Riker]), qui il a connu à Albuquerque il y a des années, sa relation avec Liz a été tendue. Il en a parlé à son père. Dans "Take Out", Don doit voir un thérapeute qui est amené à croire qu'il est "heureux de la gâchette". Son père a noté que cela pourrait être vrai, car il tire souvent en premier. De plus, Alan a rappelé comment Don assumait le fardeau des autres lorsqu'il était enfant et lui a dit de consulter des conseils, ce qu'il a ensuite volontairement demandé, d'autant plus qu'il considérait le travail de sa vie comme une série d'actes sales. Dans "One Hour", Don a exprimé qu'il n'était pas obligé de faire confiance à son équipe, mais qu'elle devait lui faire confiance. L'exception à cette règle est peut-être Charlie, que le thérapeute a identifié comme membre de l'équipe, à la grande confusion initiale de Don. Il semble que Don considère Charlie davantage comme une extension de lui-même que comme un membre de son équipe, ce qui est peut-être vrai : Charlie ne serait probablement pas impliqué dans le volume de dossiers qu'il traite sans les demandes continues de Don pour son aide, malgré les le respect de l'équipe pour les contributions de Charlie. Il a également avoué à son psychiatre qu'il "respecte l'enfer" de Charlie pour tout ce que son frère fait pour le FBI, et que Charlie ne les a jamais laissé tomber bien qu'il ait souvent la vie de l'équipe et de Don entre ses mains. Lorsque le psychiatre insiste sur Don à propos de sa relation avec Charlie, indiquant d'abord que Don n'apprécie pas la présence de Charlie au FBI, puis que Don aime avoir son petit frère comme «employé», Don répond avec véhémence et défend Charlie. Cela montre à quel point la relation entre les frères a évolué, surtout depuis qu'elle a été endommagée par les pressions inhabituelles de leur enfance et les trois mois vers la fin de la vie de leur mère que Charlie a passés à travailler sur P vs. NP. Le thérapeute révèle que Don a des craintes profondément ancrées de perdre ce pour quoi il a travaillé, ainsi que des problèmes d'estime de soi du fait d'avoir grandi dans l'ombre de Charlie et probablement aussi des problèmes d'abandon. Dans "Money for Nothing", il acquiesce à la demande du conseiller de demander à Charlie de venir lui rendre visite. Un problème imminent était le jour où Charlie rentrait chez lui à pied après un voyage de camping à l'âge de 8 ans (pris pour le 13e anniversaire de Don) juste pour s'éloigner de Don qui ne voulait pas qu'il reste. Au cours de la réunion, il apprend que son frère n'était pas aussi incompétent que lui et son père le pensaient et a déclaré qu'il aimait travailler avec Charlie. Le thérapeute de Don et Edgerton lui-même évoquent l'incident au cours duquel un suspect a été torturé, ce qui a failli faire basculer Don ("One Hour" et "Pandora's Box"), mais étant donné que cela a été fait pour obtenir la localisation d'un disparu. L'agent du FBI, les supérieurs de Don et Ian semblent ignorer l'affaire pour le moment. Il était bouleversé par le fait que son père travaillait avec lui dans "Under Pressure", craignant pour sa sécurité. Son père le redresse cependant et lui montre qu'il peut l'aider, ce qui suscite la gratitude de Don - cela surprend Alan. Dans "The Janus List", Don sympathise avec le désir du brillant cryptographe de sentir que sa vie avait un sens, montrant une autre facette de lui à son père, car il n'apprécierait généralement pas les sentiments d'un criminel. Bien que "Number-vision" (comme on l'appelle dans les fonctionnalités spéciales des DVD) n'apparaisse généralement que lorsque l'esprit de Charlie établit des connexions mathématiques, il a été utilisé deux fois pour montrer l'esprit de Don établissant des connexions de la même manière : 1) Au cours de l'épisode pilote, Don examinait une scène de crime liée à l'enquête sur un violeur en série. En examinant la position des mégots de cigarettes sur les lieux, il a soudainement établi plusieurs liens et déterminé les véritables motivations du suspect pour rompre son schéma apparent. 2) Pendant "The Janus List" (finale de la saison 3), Don regarde des photos de placement d'engins explosifs sur un pont dans le bureau de Los Angeles avec Charlie. Sans avertissement, il voit un motif dans les explosifs qui se traduit par une gamme musicale, à la grande surprise de Charlie. Ce schéma, bien qu'il ait d'abord ignoré cela comme une coïncidence, s'est avéré être une partie de la clé qui a permis de révéler la liste Janus et la position de Colby Granger en tant qu'espion pour le gouvernement chinois. Lorsque Colby s'échappe dans Trust Metric, Don est en conflit sur le suivi de Colby et ne sait pas s'il doit lui faire confiance sur son statut d'agent triple. Cependant, lui et son équipe ont bon espoir et le sauvent quand même. Avant son évasion, Don a réfléchi aux aveux de Granger pendant cinq semaines. Dans l'épisode « In Security », Don cache le niveau d'intimité qu'il avait avec Leah Wexford et les informations contenues dans les dossiers effacés du FBI, après qu'elle ait été tuée. Il apparaît proche de son fils, le réconfortant de sa perte. Don se sent extrêmement coupable et Charlie effectue donc une analyse d'arbre de classification et de régression (CART) dans son dos. Le résultat montre qu'il n'était pas responsable de sa mort et que ses affirmations à ce sujet diminuent le courage de Leah. Après avoir protégé Robin Brooks, il s'est rapproché d'elle et ils se fréquentent à nouveau. Dans la finale de la saison, il est contrarié que Charlie ne puisse plus l'aider en raison de son acte extrême consistant à envoyer le travail de son ami à un terroriste. Il part seul vers une autre affaire. Lorsque la saison cinq s'ouvre, Don demande à Amita et Larry de l'aider avec les calculs puisque Charlie n'a plus son autorisation, pour laquelle aucun des deux frères ne veut se battre. Après que Charlie ait aidé l'équipe à retrouver Don lors d'une fusillade à flanc de montagne et à trouver une victime, Don décide de dire à Charlie de lui demander son autorisation. Lorsqu'ils commencent le processus de récupération de l'autorisation de Charlie, Don apprend que l'agent de sécurité du FBI, Carl McGowan (Keith Carradine), souhaite ouvrir une enquête sur Don au lieu d'ouvrir une enquête sur l'e-mail de Charlie au Pakistan. Lors de l'entretien formel, Don dit à McGowan de rétablir l'autorisation de Charlie, sinon Don quitte le FBI. McGowan recommande des mesures disciplinaires contre Don pour ses actions lors des incidents Crystal Hoyle et Clay Porter, ce à quoi Don s'attend. Lorsque l'ADIC annule les recommandations de McGowan concernant Charlie et Don, Don est heureux que Charlie travaille à nouveau avec lui mais se sent perdu face à la recommandation le concernant. Le combat avec McGowan, associé au fait de voir un collègue agent chercher une photo de sa famille avant de mourir dans une fusillade, amène Don à explorer le judaïsme. Sa décision surprend sa famille et Robin. Buck Winters s'évade de prison pour s'en prendre à Don, faisant craindre à Don de devoir tirer sur Buck. Après que Charlie lui ait dit qu'il ne pouvait pas remonter le temps et annuler ses actions, Don élabore alors un plan pour capturer Buck vivant. Don, l'équipe et Buck entrent dans le temple où Buck révèle qu'il voulait une mort par flic. L'équipe arrête Buck. Lorsque Charlie reçoit une offre de la DARPA, il confie à Alan qu'il ne sait pas s'il souhaite que Charlie l'accepte. Don dit plus tard à Charlie qu'il y avait une meilleure offre avec le FBI. Don fait également équipe avec Larry pour dire à Jane Karellen que Charlie n'acceptait pas leur offre par la DARPA. Vers la fin de la saison cinq, David postule pour devenir le principal superviseur de relève de Don. Don laisse d'abord la lettre de recommandation sur son bureau pour que David la lise. Une fois la demande acceptée et une formation sur le terrain pour devenir le gestionnaire de Liz, Don annonce la nouvelle de la demande à David. Don demande à Charlie de l'aider lors d'une affaire d'invasion de domicile. Les résultats de Charlie confirment la zone que les suspects frapperaient ensuite. Alors qu'il inspectait la propriété après une fusillade avec les quatre suspects, un cinquième homme sort et poignarde Don, perforant le poumon gauche de Don et entaillant l'artère pulmonaire de Don. Une fois que Don est sorti de l'opération, il fait un arrêt cardiaque et des flatlines. Les médecins parviennent à le réanimer. Don se réveille enfin avec Alan à son chevet. Plus tard, son équipe vient lui rendre visite. Il leur dit qu'il est autorisé à reprendre ses fonctions de bureau dans un premier temps, puis à remplir ses fonctions environ une semaine plus tard. En convalescence à la maison, Don se rend compte que son travail ne l'influence pas autant que par le passé. Il s'inquiète de la réaction de Charlie à son coup de couteau. Environ trois semaines après le coup de couteau, Don se rend pour la première fois au nouveau bureau de Charlie, étant ravi du nouveau bureau de Charlie. Après avoir trouvé le scanner de police converti de Charlie, Don met en garde Charlie contre le risque d'épuisement professionnel dû au travail de la police. Quinze minutes après son départ, Don reçoit un appel téléphonique de Charlie lui annonçant qu'Amita a été kidnappée. Tout au long de l'enquête, Don continue de se mettre à la place de Charlie et demande même à Larry de l'aider avec les calculs. Quand ils trouvent Amita, Don est celui qui réunit Amita et Charlie. À la maison, Don confie à Alan que sa foi en l'existence de Dieu a été ébranlée par le coup de couteau et qu'il ne sait pas s'il veut continuer son voyage spirituel. Depuis le début de la saison 6, certains signes montrent que Don devient fragile et plus hésitant. Sa poursuite contre un tireur d'élite en fuite lors de la première de la saison et sa chasse contre un agent voyou dans l'épisode 2 ne sont pas aussi rapides et écrasantes que les saisons précédentes. Il admet également que le coup de couteau l'a vraiment choqué, ce qui signifie qu'il s'inquiète désormais davantage pour sa sécurité. Bien qu'il admette qu'il a « perdu un pas » face à son père, ne se souvenant pas du moment où il a battu David ou Colby dans un sprint, il est assez rapide pour tuer son vieux et coriace copain du FBI, Pete « Petey » Fox, qui est un expert en fusillade et est tombé du mauvais côté de la loi. Il pleure la perte de son ami chasseur d'adrénaline. En réponse à une crise de la quarantaine déclenchée par son coup de couteau et la perte de Petey, Don achète une moto. Au milieu de la saison six, il propose à Robin. Elle rejette sa proposition, déclarant qu'elle sent qu'il est encore au milieu de changements importants dans sa vie. Elle promet d'accepter sa proposition lorsqu'il trouvera ce qu'il veut de la vie. Dans la finale de la sixième saison, Don est en paix avec lui-même après avoir récupéré son Glock, décide de prendre un poste de chef du FBI et propose une fois de plus à sa désormais fiancée Robin le jour du mariage de son frère. Il promet de rester proche de Charlie. Création Don Eppes a été créé en tant que frère de Charlie et comme lien avec la partie procédurale de la série. Gabriel Macht jouait à l'origine le rôle de Don Eppes dans le pilote original de Numb3rs. La crédibilité de la famille en termes d’apparence physique et de chimie a cependant créé le besoin de refondre le rôle. Rob Morrow a remplacé Macht lorsque Macht a quitté la série. À ce stade du développement, Don a été réécrit pour être plus intellectuel que dans le pilote original. Pour se préparer à son rôle de Don Eppes, Morrow a suivi une formation auprès du FBI, ainsi que des lectures et des discussions avec de vrais policiers. Réception Les premiers accueils critiques de Don ont été mitigés. Gillian Flynn de Entertainment Weekly a déclaré que la performance de Morrow était « avec un stoïcisme pleinement inspiré des Experts ». Melanie McFarland, critique télévisée pour le Seattle Post-Intelligencer, a déclaré que Don n'était pas un personnage original dès le pilote. Tim Goodman du San Francisco Chronicle, cependant, a qualifié Morrow, comme Don, de « sympathique ». Robert Bianco de USA Today a déclaré que, bien que Don ne soit pas apparu comme un choix évident de rôle pour Morrow, Morrow était excellent dans le rôle de Don. Depuis lors, Don a été plus largement accepté. Morrow est désormais aussi reconnu pour son rôle de Don Eppes que pour son rôle dans Northern Exposure. Dans un message d'intérêt public, Morrow a félicité le Federal Bureau of Investigation pour son 100e anniversaire. Avec 53 pour cent des voix, Don a pris la première place dans la catégorie "Agent du FBI le plus sexy" dans le sondage TV Guides.

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Qui est le saint patron des causes perdues ?

Saint Jude

Pour Thaddeus d'Edessa également connu sous le nom d'Adai Mar Addai, voir Thaddeus d'Edessa Jude, également connu sous le nom de Judas Thaddée, était l'un des douze apôtres de Jésus. Il est généralement identifié avec Thaddeus et est également appelé Jude de Jacques, Jude Thaddaeus, Judas Thaddaeus ou Lebbaeus. Il est parfois identifié à Jude, le frère de Jésus, mais se distingue clairement de Judas Iscariot, l'apôtre qui a trahi Jésus avant sa crucifixion. Judas Thaddée est devenu connu sous le nom de Jude après que les premiers traducteurs du Nouveau Testament du grec vers l'anglais aient cherché à le distinguer de Judas Iscariote et ont ensuite abrégé son prénom. La plupart des versions du Nouveau Testament dans des langues autres que l'anglais et le français font référence à Judas et Jude du même nom. L'Église apostolique arménienne honore Thaddée ainsi que Saint-Barthélemy comme ses saints patrons. Dans l’Église catholique romaine, il est le saint patron des cas désespérés et des causes perdues. L'attribut de Saint Jude est une massue. Il est également souvent représenté sur des icônes avec une flamme autour de la tête. Cela représente sa présence à la Pentecôte, lorsqu'il reçut le Saint-Esprit avec les autres apôtres. Un autre attribut commun est que Jude tient une image de Jésus-Christ, à l'image d'Édesse. Dans certains cas, il peut être représenté avec un parchemin ou un livre (l'épître de Jude) ou tenant une règle de charpentier. Identité Nouveau Testament Jude se distingue clairement de Judas Iscariot, un autre apôtre et plus tard traître de Jésus. "Jude" et "Judas" sont tous deux des traductions du nom Ὶούδας dans le Nouveau Testament original grec, qui à son tour est une variante grecque de Juda (Y'hudah), un nom qui était courant parmi les Juifs à l'époque. Dans la plupart des Bibles rédigées dans des langues autres que l’anglais et le français, Jude et Judas sont désignés par le même nom. « Jude de Jacques » n'est mentionné que deux fois dans le Nouveau Testament : dans les listes des apôtres dans Luc 6 :16 et Actes 1 :13. L'épître de Jude déclare qu'elle a été écrite par « Jude, serviteur de Jésus-Christ et frère de Jacques » (Jude 1 : 1). Le nom par lequel Luc appelle l'Apôtre, « Jude de Jacques », est ambigu quant à la relation de Jude avec ce Jacques (Jacob). Bien qu'une telle construction évoque parfois une relation père-fils, elle a été traditionnellement interprétée comme « Jude, frère de Jacques » (Luc 6 : 16). Bien que certains protestants modernes l'identifient comme « Jude, fils de Jacques » (dans la traduction de la nouvelle version internationale par exemple), dans la version King James et la version standard révisée, il est « Judas le frère de Jacques ». L'Évangile de Jean mentionne également un jour un disciple appelé « Judas, pas l'Iscariote » (, aïe ho Iskariōtēs), qui demande à Jésus : « Seigneur, comment te manifesteras-tu à nous, et non au monde ? (Jean 14 :22). Il est souvent admis qu'il s'agit de la même personne que l'apôtre Jude, bien que le théologien Raymond Brown considère cette identification comme incertaine. Dans certains manuscrits latins de Matthieu 10 : 3, il est appelé Judas le Zélote. Identité possible avec Thaddeus Dans les listes apostoliques de Matthieu 10 :3 et Marc 3 :18, Jude est omis, mais il y a un Thaddeus (ou dans certains manuscrits de Matthieu 10 :3, « Lebbaeus qui était surnommé Thaddaeus », et ainsi dans la version King James ) inscrit à sa place. Cela a conduit de nombreux chrétiens depuis les premiers temps à harmoniser les listes en posant l'hypothèse d'un « Jude Thaddeus », connu sous l'un ou l'autre nom. Ceci est rendu plausible par le fait que « Thaddeus » semble être un surnom (voir Thaddeus). Une autre complication est le fait que le nom « Judas » a été terni par Judas Iscariot. Il a été avancé que pour cette raison, il n'est pas surprenant que Mark et Matthew l'appellent sous un autre nom. Certains érudits bibliques rejettent cependant cette théorie, estimant que Jude et Thaddeus ne représentaient pas la même personne. Pesch, Rudolf. "Simon-Petrus. Geschichte und geschichtliche Bedeutung der ersten Juengers Jesu Christ", Paepste und Papsttum 15, Hiersmann, 1980. p.36. Les chercheurs ont proposé d'autres théories pour expliquer cette divergence : un remplacement non enregistré de l'un par l'autre pendant le ministère de Jésus en raison de l'apostasie ou de la mort ; Meier, John P., A Marginal Jew volume 3, pp 130-133, 200 ("Christian l'imagination n'a pas tardé à harmoniser et à produire Jude Thaddeus, une confusion qui n'a aucun fondement dans la réalité. ») la possibilité que « douze » soit un nombre symbolique et une estimation ; ou simplement que les noms n'étaient pas parfaitement enregistrés par l'église primitive. Thaddeus, l'un des douze apôtres, est souvent impossible à distinguer de Thaddeus d'Edesse, l'un des soixante-dix disciples. Frère de Jésus Les avis sont partagés sur l’auteur traditionnel de l’Épître de Jude. Généralement, les catholiques croient que les deux Judes sont la même personne. D'après les fragments survivants de l'ouvrage Exposition des paroles du Seigneur du Père apostolique Papias de Hiérapolis, qui vécut c. 70-163 après JC, Marie l'épouse de Cléophas ou Alphée serait la mère de Judas le frère de Jésus que Papias identifie à Thaddeus : Clément d'Alexandrie qui vécut c. 150-215 après JC a écrit dans son ouvrage « Commentaires sur l'épître de Jude » que Jude, l'auteur de l'épître de Jude, était un fils de Joseph et un frère du Seigneur (sans préciser s'il était fils de Joseph par un précédent mariage). ou de Joseph et Marie). Tradition et légende La tradition veut que saint Jude prêchait l'Évangile en Judée, en Samarie, en Idumée, en Syrie, en Mésopotamie et en Libye. Il aurait également visité Beyrouth et Édesse, bien que l'émissaire de cette dernière mission soit également identifié comme étant Thaddeus d'Édesse, l'un des soixante-dix. L'écrivain du XIVe siècle Nicéphore Calliste fait de Jude l'époux aux noces de Cana. La légende raconte que saint Jude est né dans une famille juive à Paneas, une ville de Galilée reconstruite plus tard par les Romains et rebaptisée Césarée de Philippe. Selon toute vraisemblance, il parlait grec et araméen, comme presque tous ses contemporains de la région, et était agriculteur de métier. Selon la légende, saint Jude était le fils de Clopas et de sa mère Marie, cousine de la Vierge Marie. La tradition raconte que le père de Jude, Clopas, fut martyrisé en raison de sa dévotion franche et franche au Christ ressuscité. Bien que saint Grégoire l'Illuminateur soit considéré comme « l'Apôtre des Arméniens », lorsqu'il baptisa le roi Tiridate III d'Arménie en 301, convertissant les Arméniens, on pense traditionnellement que les apôtres Jude et Bartholomée furent les premiers à introduire le christianisme en Arménie. et sont donc vénérés comme les saints patrons de l'Église apostolique arménienne. Le monastère Saint-Thaddeus (aujourd'hui dans le nord de l'Iran) et le monastère Saint-Barthélemy (aujourd'hui dans le sud-est de la Turquie), tous deux construits dans ce qui était alors l'Arménie, sont liés à cette tradition. La tradition veut que l'apôtre Jude était végétarien. Mort et restes Selon la tradition, saint Jude fut martyrisé vers 65 après JC à Beyrouth, dans la province romaine de Syrie, en compagnie de l'apôtre Simon le Zélote, avec lequel il est habituellement lié. La hache qu'on le voit souvent tenir dans les images symbolise la manière dont il a été tué. Leurs actes et leur martyre ont été enregistrés dans les Actes de Simon et Jude qui faisaient partie du recueil de passions et de légendes traditionnellement associées au légendaire Abdias, évêque de Babylone, et qui auraient été traduits en latin par son disciple Tropaeus Africanus, selon le Récit de la Légende dorée des saints. Quelque temps après sa mort, le corps de saint Jude fut transporté de Beyrouth à Rome et placé dans une crypte de la basilique Saint-Pierre qui fut visitée par de nombreux fidèles. Aujourd'hui, ses ossements se trouvent dans le transept gauche de la basilique Saint-Pierre, sous le maître-autel de Saint-Joseph, dans un tombeau avec les restes de l'apôtre Simon le Zélote. Selon une autre tradition populaire, les restes de saint Jude ont été conservés dans un monastère arménien situé sur une île de la partie nord du lac Issyk-Koul au Kirghizistan au moins jusqu'au milieu du XVe siècle. Des légendes ultérieures nient que les restes y soient conservés ou prétendent qu'ils ont été déplacés vers une forteresse encore plus désolée dans les montagnes du Pamir. Iconographie Jude est traditionnellement représenté portant l'image de Jésus dans sa main ou près de sa poitrine, témoignant de la légende de l'image d'Édesse, enregistrée dans la correspondance apocryphe entre Jésus et Abgar qui est reproduite dans l'Histoire Ecclesiastica d'Eusebius, I, xiii. Eusèbe raconte que le roi Abgar d'Edesse (aujourd'hui Şanlıurfa dans le sud-est de la Turquie) a envoyé une lettre à Jésus cherchant un remède à une maladie qui l'affligeait. Avec la lettre, il envoya son envoyé Hannan, le gardien des archives, offrant à Jésus sa propre ville natale comme lieu de résidence sûr. L'envoyé a peint une image de Jésus avec des peintures de choix (ou bien, impressionné par la foi d'Abgar, Jésus a pressé son visage dans un tissu et l'a donné à Hannan) pour l'apporter à Abgar avec sa réponse. En voyant l'image de Jésus, le roi la plaça avec un grand honneur dans l'une de ses somptueuses maisons. Après l'exécution du Christ, l'apôtre Thomas envoya Jude au roi Abgar et le roi fut guéri. Étonné, il se convertit au christianisme, comme de nombreux habitants de son règne. De plus, saint Jude est souvent représenté avec une flamme au-dessus de sa tête, représentant sa présence à la Pentecôte, alors qu'il aurait reçu le Saint-Esprit avec les autres apôtres. Vénération Selon la tradition, après son martyre, les pèlerins venaient prier sur sa tombe et beaucoup d'entre eux faisaient l'expérience des puissantes intercessions de saint Jude. D'où le titre « Le Saint des Désespérés et des Désespérés ». Sainte Brigitte de Suède et saint Bernard ont eu des visions de Dieu demandant à chacun d'accepter saint Jude comme « le saint patron de l'impossible ». Son jour de fête est le 28 octobre (Église catholique romaine, Communion anglicane et Église luthérienne) et le 19 juin (Église orthodoxe orientale). L'Ordre des Prêcheurs (mieux connu sous le nom de Dominicains) a commencé à travailler dans l'Arménie actuelle peu après sa fondation en 1216. À cette époque, il existait déjà une dévotion substantielle à Saint Jude de la part des chrétiens catholiques et orthodoxes de la région. Cela a duré jusqu'à ce que la persécution chasse les chrétiens de la région au XVIIIe siècle. La dévotion à Saint Jude reprit véritablement au XIXe siècle, d'abord en Italie et en Espagne, s'étendant à l'Amérique du Sud, et enfin aux États-Unis (en commençant dans la région de Chicago) grâce à l'influence des Clarétains et des Dominicains dans le années 1920. Patronage Parmi certains catholiques romains, saint Jude est vénéré comme le « saint patron des causes perdues ». Cette pratique découle de la croyance que peu de chrétiens l'invoquaient par peur injustifiée de prier le traître du Christ, Judas Iscariote, en raison de leurs noms similaires. Jude, ignoré, devint ainsi très désireux d'aider quiconque sollicitait son aide, au point d'intervenir dans les circonstances les plus désastreuses. L'Église voulait également encourager la vénération de ce disciple « oublié », et affirmait que saint Jude interviendrait dans toute cause perdue pour prouver sa sainteté et son zèle pour le Christ. Saint Jude est le saint patron de la police de Chicago et du Clube de Regatas do Flamengo (une équipe de football de Rio de Janeiro, au Brésil). Ses autres mécénats incluent des situations désespérées et des hôpitaux. L'un de ses homonymes est le St. Jude Children's Research Hospital de Memphis, Tennessee, qui a aidé de nombreux enfants atteints de maladies en phase terminale et leurs familles depuis sa fondation en 1962. Prières Une prière catholique romaine courante à saint Jude est la suivante : Une prière alternative : Neuvaine à Saint Jude (les neuvaines sont une prière dite pendant neuf jours consécutifs) : Sanctuaires et églises De nombreux pays vénèrent l'apôtre Jude et ont construit des sanctuaires ou des églises dédiés à sa mémoire. Ces sites comprennent ceux d'Australie, du Brésil, du Sri Lanka, de Cuba, de l'Inde, des Philippines, du Royaume-Uni, des États-Unis et du Liban. Le sanctuaire national de Saint Jude à Faversham en Angleterre a été fondé en 1955. Le sanctuaire national de Saint Jude Thaddeus aux Philippines a été érigé par l'archidiocèse de Manille en 1954 en tant que paroisse chinoise d'Espíritu Santo pour les Philippins chinois. Le sanctuaire, qui organise la neuvaine hebdomadaire du jeudi au saint, est désormais administré par la Société du Verbe Divin qui gère également l'école attenante.

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Quel « B » était le nom du requin mécanique utilisé dans le film original « Les Dents de la Mer » ?

Bruce

Mâchoires est un thriller américain de 1975 réalisé par Steven Spielberg et basé sur le roman du même nom de Peter Benchley de 1974. Dans l'histoire, un grand requin blanc géant mangeur d'hommes attaque les baigneurs sur Amity Island, une station balnéaire fictive de la Nouvelle-Angleterre, incitant le chef de la police locale à le chasser avec l'aide d'un biologiste marin et d'un chasseur de requins professionnel. Le film met en vedette Roy Scheider dans le rôle du chef de la police Martin Brody, Robert Shaw dans le rôle du chasseur de requins Quint, Richard Dreyfuss dans le rôle de l'océanographe Matt Hooper, Murray Hamilton dans le rôle de Larry Vaughn, le maire d'Amity Island, et Lorraine Gary dans le rôle de l'épouse de Brody, Ellen. Le scénario est attribué à Benchley, qui a écrit les premières ébauches, et à l'acteur-écrivain Carl Gottlieb, qui a réécrit le scénario pendant le tournage principal. Tourné principalement sur place à Martha's Vineyard dans le Massachusetts, le film a connu une production difficile, dépassant le budget et le calendrier dépassé. Alors que les requins mécaniques du département artistique souffraient de nombreux dysfonctionnements, Spielberg a décidé de suggérer principalement la présence de l'animal, en utilisant un thème inquiétant et minimaliste créé par le compositeur John Williams pour indiquer les apparitions imminentes du requin. Spielberg et d’autres ont comparé cette approche suggestive à celle du réalisateur de thriller classique Alfred Hitchcock. Universal Pictures a donné au film ce qui était alors une diffusion exceptionnellement large pour un grand studio, sur plus de 450 écrans, accompagnée d'une vaste campagne de marketing mettant fortement l'accent sur les spots télévisés et les produits dérivés. Désormais considéré comme l'un des plus grands films jamais réalisés, Les Dents de la mer était le prototype du blockbuster estival, sa sortie étant considérée comme un moment décisif dans l'histoire du cinéma. Jaws est devenu le film le plus rentable de tous les temps jusqu'à la sortie de Star Wars (1977). Il a remporté plusieurs prix pour sa bande originale et son montage. Avec Star Wars, Jaws a joué un rôle central dans l'établissement du modèle commercial hollywoodien moderne, qui s'articule autour de retours au box-office élevés pour des films d'action et d'aventure avec des prémisses simples « de haut concept » qui sont diffusées pendant l'été dans des milliers de cinémas et soutenues par publicité lourde. Il a été suivi de trois suites, dont aucune avec la participation de Spielberg ou de Benchley, et de nombreux thrillers d'imitation. Le film se classe cinquième sur la liste 2008 du magazine Empire des 500 plus grands films de tous les temps. En 2001, Jaws a été sélectionné par la Bibliothèque du Congrès pour être conservé dans le National Film Registry des États-Unis, étant considéré comme « culturellement, historiquement ou esthétiquement significatif ». Parcelle Lors d'une fête nocturne sur la plage sur Amity Island, une jeune femme va nager dans l'océan. Alors qu'elle fait du surplace, elle est violemment tirée vers le bas. Le lendemain matin, ses restes partiels sont retrouvés à terre. Le médecin légiste concluant à la mort d'une attaque de requin conduit le chef de la police Martin Brody à fermer les plages. Le maire Larry Vaughn l'écarte, craignant que cela ne ruine l'économie estivale de la ville. Le coroner partage désormais la théorie du maire selon laquelle la jeune fille a été tuée dans un accident de bateau. Brody accepte à contrecœur leur conclusion jusqu'à ce qu'une autre attaque mortelle de requin se produise peu de temps après. Au milieu d'une frénésie de chasse au requin amateur, le chasseur de requin professionnel local Quint propose ses services pour 10 000 $. Pendant ce temps, l'océanographe consultant Matt Hooper examine les restes de la première victime et conclut que la mort est due à une attaque de requin. Lorsque les pêcheurs locaux attrapent un gros requin tigre, le maire déclare les plages sûres. Hooper conteste qu'il s'agisse du même prédateur, le confirmant après qu'aucun reste humain n'a été trouvé à l'intérieur. Hooper et Brody trouvent un bateau à moitié coulé en fouillant les eaux nocturnes dans le bateau de Hooper. Hooper l'examine sous l'eau et récupère une importante dent de grand requin blanc incrustée dans la coque. Il le laisse tomber après avoir trouvé un cadavre partiel. Vaughn écarte les affirmations de Brody et Hooper selon lesquelles un énorme grand requin blanc est responsable et refuse de fermer les plages, n'autorisant que des précautions de sécurité supplémentaires. Le week-end du 4 juillet, les touristes envahissent les plages. À la suite d'une farce juvénile, le vrai requin entre dans un estuaire voisin, tuant un plaisancier et provoquant un choc temporaire chez le fils aîné de Brody, Michael. Brody convainc Vaughn d'embaucher Quint. Quint, Brody et Hooper partent sur le bateau de Quint, l'Orca, pour chasser le requin. Pendant que Brody pose une ligne de copain, Quint attend une opportunité d'attraper le requin. Sans prévenir, il apparaît derrière le bateau. Quint, estimant sa longueur à 25 pieds, le harponne avec une ligne attachée à un baril de flottaison, mais le requin tire le baril sous l'eau et disparaît. À la tombée de la nuit, les trois se retirent dans la cabine du bateau et échangent des histoires. Le grand blanc revient de manière inattendue, percutant la coque du bateau et coupant la puissance. Les hommes travaillent toute la nuit à réparer le moteur. Dans la matinée, Brody tente d'appeler la Garde côtière, mais Quint brise la radio, mettant Brody en colère. Après une longue poursuite, Quint harponne un autre baril sur le requin. La ligne est attachée à la poupe, mais le requin entraîne le bateau vers l'arrière, inondant le pont et inondant le compartiment moteur. Quint coupe la ligne pour empêcher le retrait du tableau arrière. Il se dirige vers le rivage pour attirer le requin dans des eaux moins profondes, mais le moteur surchargé s'arrête, immobilisant le bateau. Alors que l'Orca coule lentement, le trio tente une approche plus risquée : Hooper enfile un équipement de plongée et entre dans l'eau dans une cage à l'épreuve des requins, avec l'intention d'injecter mortellement de la strychnine au requin à l'aide d'une lance hypodermique. Le requin démolit la cage avant que Hooper ne puisse l'injecter et il s'échappe vers le fond marin. Le requin attaque directement le bateau, tuant Quint. Piégé sur le navire en train de couler, Brody enfonce une bouteille de plongée sous pression dans la gueule du requin et, grimpant sur le mât, tire sur le réservoir avec un fusil. L'explosion qui en résulte efface le requin. Hooper fait surface, et lui et Brody pagayent jusqu'à Amity Island en s'accrochant à l'épave du bateau. Production Développement Richard D. Zanuck et David Brown, producteurs chez Universal Pictures, ont indépendamment entendu parler du roman Jaws de Peter Benchley. Brown l'a découvert dans la section littérature du magazine lifestyle Cosmopolitan, alors édité par sa femme, Helen Gurley Brown. Une petite carte écrite par l'éditeur du magazine donnait une description détaillée de l'intrigue, se terminant par le commentaire "pourrait faire un bon film". Les producteurs ont chacun lu le livre au cours d'une seule nuit et ont convenu le lendemain matin que c'était "la chose la plus excitante qu'ils aient jamais lue" et qu'ils voulaient produire une version cinématographique, même s'ils ne savaient pas comment cela se passerait. réalisé. Ils ont acheté les droits du film en 1973, avant la publication du livre, pour environ 175 000 $ (l'équivalent d'un million de dollars en ). Brown a affirmé que s'ils avaient lu le livre deux fois, ils n'auraient jamais réalisé le film car ils auraient réalisé à quel point il serait difficile d'exécuter certaines séquences. Pour réaliser, Zanuck et Brown ont d'abord envisagé le cinéaste vétéran John Sturges, dont le curriculum vitae comprenait une autre aventure maritime, The Old Man and the Sea, avant d'offrir le poste à Dick Richards, dont le premier film, The Culpepper Cattle Co. était sorti l'année précédente. . Cependant, ils ont été irrités par l'habitude de Richards de décrire le requin comme une baleine et l'ont rapidement exclu du projet. Pendant ce temps, Steven Spielberg voulait vraiment ce poste. Le jeune homme de 26 ans venait de réaliser son premier film théâtral, The Sugarland Express, pour Zanuck et Brown. À la fin d'une réunion dans leur bureau, Spielberg remarqua leur exemplaire du roman encore inédit de Benchley et, après l'avoir lu, fut immédiatement captivé. Il a observé plus tard que c'était similaire à son téléfilm de 1971 Duel dans la mesure où les deux traitent de « ces léviathans ciblant tout le monde ». Après le départ de Richards, les producteurs ont engagé Spielberg pour réaliser en juin 1973, avant la sortie de The Sugarland Express. Cependant, avant le début de la production, Spielberg était devenu réticent à continuer avec Jaws, de peur de devenir le "réalisateur de camions et de requins". Il souhaitait plutôt passer à Lucky Lady de la 20th Century Fox, mais Universal a exercé son droit en vertu de son contrat avec le réalisateur d'opposer son veto à son départ. Brown a aidé à convaincre Spielberg de s'en tenir au projet, affirmant qu'« après [Jaws], vous pourrez faire tous les films que vous voulez ». Le film a reçu un budget estimé à 3,5 millions de dollars et un calendrier de tournage de 55 jours. Le tournage principal devait commencer en mai 1974. Universal souhaitait que le tournage se termine d'ici la fin juin, lorsque le contrat des grands studios avec la Screen Actors Guild devait expirer, afin d'éviter toute perturbation due à une grève potentielle. En écrivant Pour l'adaptation à l'écran, Spielberg a voulu rester avec l'intrigue de base du roman, tout en omettant les nombreuses intrigues secondaires de Benchley. Il a déclaré que sa partie préférée du livre était la chasse au requin dans les 120 dernières pages, et a dit à Zanuck lorsqu'il a accepté le poste : "J'aimerais faire le film si je pouvais changer les deux premiers actes et baser les deux premiers agit sur le matériel du scénario original, puis reste très fidèle au livre pour le dernier tiers. » Lorsque les producteurs ont acheté les droits de son roman, ils ont promis à Benchley qu'il pourrait écrire la première ébauche du scénario. L'intention était de s'assurer qu'un scénario pourrait être réalisé malgré la menace imminente d'une grève de la Writer's Guild, étant donné que Benchley n'était pas syndiqué. Au total, il a écrit trois ébauches avant que le scénario ne soit confié à d'autres écrivains ; livrant sa version finale à Spielberg, il a déclaré: "J'ai écrit là-dessus, et c'est le mieux que je puisse faire." Benchley décrira plus tard sa contribution au film fini comme « le scénario et les trucs océaniques – essentiellement, la mécanique », étant donné qu'il « ne savait pas comment mettre la texture du personnage dans un scénario ». L'un de ses changements a été de supprimer la liaison adultère du roman entre Ellen Brody et Matt Hooper, à la suggestion de Spielberg, qui craignait que cela compromette la camaraderie entre les hommes de l'Orca. Pendant la production du film, Benchley a accepté de revenir et de jouer un petit rôle à l'écran en tant que journaliste. Spielberg, qui estimait que les personnages du scénario de Benchley n'étaient toujours pas sympathiques, a invité le jeune scénariste John Byrum à réécrire le scénario, mais il a décliné l'offre. Les créateurs de Columbo, William Link et Richard Levinson, ont également décliné l'invitation de Spielberg. Le dramaturge Howard Sackler, lauréat du prix Tony et Pulitzer, était à Los Angeles lorsque les cinéastes ont commencé à chercher un autre écrivain et ont proposé de faire une réécriture non crédité ; Comme les producteurs et Spielberg n'étaient pas satisfaits des brouillons de Benchley, ils ont rapidement accepté. À la suggestion de Spielberg, la caractérisation de Brody lui faisait peur de l'eau, "venant d'une jungle urbaine pour trouver quelque chose de plus terrifiant au large de cette île placide près du Massachusetts". Spielberg voulait "un peu de légèreté" dans Les Dents de la Mer, un humour qui éviterait d'en faire "une sombre chasse à la mer", alors il s'est tourné vers son ami Carl Gottlieb, auteur-acteur de comédie travaillant alors sur la sitcom The Odd Couple. Spielberg a envoyé à Gottlieb un scénario, lui demandant ce que l'écrivain allait changer et s'il y avait un rôle qui l'intéresserait. Gottlieb a envoyé à Spielberg trois pages de notes et a choisi le rôle de Meadows, le rédacteur politiquement connecté du journal local. Il a réussi l'audition une semaine avant que Spielberg ne l'emmène rencontrer les producteurs pour un travail d'écriture. Alors que l'accord concernait initialement un « peaufinage du dialogue d'une semaine », Gottlieb est finalement devenu le scénariste principal, réécrivant l'intégralité du scénario pendant une période de neuf semaines de photographie principale. Le scénario de chaque scène était généralement terminé la veille du tournage, après que Gottlieb ait dîné avec Spielberg et les membres de la distribution et de l'équipe pour décider du contenu du film. De nombreuses pièces de dialogue sont issues des improvisations des comédiens lors de ces repas ; quelques-uns ont été créés sur le plateau, notamment la phrase improvisée de Roy Scheider "Tu vas avoir besoin d'un plus gros bateau". John Milius a contribué à peaufiner les dialogues, et les écrivains de Sugarland Express, Matthew Robbins et Hal Barwood, ont également apporté des contributions non créditées. Spielberg a affirmé avoir préparé son propre projet, même s'il n'est pas clair dans quelle mesure les autres scénaristes se sont inspirés de son matériel. Une modification spécifique qu'il a demandé dans l'histoire était de changer la cause de la mort du requin de blessures graves à une explosion de bouteille de plongée, car il pensait que le public réagirait mieux à une "grande fin entraînante". Le réalisateur a estimé que le scénario final comportait un total de 27 scènes qui ne figuraient pas dans le livre. Benchley avait écrit Jaws après avoir lu sur la capture d'un énorme requin par le pêcheur sportif Frank Mundus en 1964. Selon Gottlieb, Quint était vaguement basé sur Mundus, dont il avait lu le livre Sportfishing for Sharks pour ses recherches. Sackler a inventé l'histoire de Quint en tant que survivant du désastre de la Seconde Guerre mondiale. La question de savoir qui mérite le plus de crédit pour avoir écrit le monologue de Quint sur Indianapolis a suscité une controverse importante. Spielberg l'a décrit comme une collaboration entre Sackler, Milius et l'acteur Robert Shaw, qui était également dramaturge. Selon le réalisateur, Milius a transformé le discours des « trois quarts de page » de Sackler en un monologue, qui a ensuite été réécrit par Shaw. Gottlieb attribue le mérite principal à Shaw, minimisant la contribution de Milius. Fonderie Bien que Spielberg ait accédé à la demande de Zanuck et Brown de recruter des acteurs connus, il voulait éviter d'embaucher de grandes stars. Il a estimé que des artistes "quelque peu anonymes" aideraient le public "à croire que cela arrivait à des gens comme vous et moi", alors que "les stars apportent avec elles beaucoup de souvenirs, et ces souvenirs peuvent parfois... corrompre l'histoire". Le réalisateur a ajouté que dans ses projets, "la superstar serait le requin". Les premiers acteurs choisis étaient Lorraine Gary, l'épouse du président d'Universal Sid Sheinberg, dans le rôle d'Ellen Brody, et Murray Hamilton dans le rôle du maire d'Amity Island. La cascadeuse devenue actrice Susan Backlinie a été choisie pour incarner Chrissie (la première victime) car elle savait nager et était prête à se produire nue. La plupart des rôles mineurs ont été joués par des habitants de Martha's Vineyard, où le film a été tourné. Un exemple était l'adjoint Hendricks, joué par le futur producteur de télévision Jeffrey Kramer. Le rôle de Brody a été proposé à Robert Duvall, mais l'acteur ne s'intéressait qu'au portrait de Quint. Charlton Heston a exprimé son désir pour le rôle, mais Spielberg a estimé que Heston apporterait un personnage à l'écran trop grandiose pour le rôle d'un chef de police d'une communauté modeste. Roy Scheider s'est intéressé au projet après avoir entendu Spielberg lors d'une soirée discuter avec un scénariste au sujet de faire sauter le requin sur un bateau. Spielberg était initialement inquiet à l'idée d'embaucher Scheider, craignant qu'il incarne un « dur à cuire », semblable à son rôle dans The French Connection. Neuf jours avant le début du tournage, ni Quint ni Hooper n'avaient été choisis. Le rôle de Quint a été initialement proposé aux acteurs Lee Marvin et Sterling Hayden, qui ont tous deux réussi. Zanuck et Brown venaient de terminer leur travail avec Robert Shaw sur The Sting et le suggérèrent à Spielberg. Shaw était réticent à assumer le rôle car il n'aimait pas le livre, mais a décidé d'accepter à la demande de son épouse, l'actrice Mary Ure, et de sa secrétaire : "La dernière fois qu'ils ont été aussi enthousiastes, c'était De Russie avec amour. Et ils avaient raison. » Shaw a basé sa performance sur son collègue Craig Kingsbury, un pêcheur local, un agriculteur et un excentrique légendaire, qui jouait le pêcheur Ben Gardner. Spielberg a décrit Kingsbury comme « la version la plus pure de qui, dans mon esprit, était Quint », et certaines de ses déclarations hors écran ont été incorporées dans le scénario sous forme de répliques de Gardner et Quint. Une autre source pour certains dialogues et manières de Quint, en particulier dans le troisième acte en mer, était Lynn Murphy, mécanicienne de Vineyard et propriétaire de bateau. Pour le rôle de Hooper, Spielberg voulait initialement Jon Voight. Timothy Bottoms, Joel Grey et Jeff Bridges ont également été retenus pour le rôle. L'ami de Spielberg, George Lucas, lui a suggéré Richard Dreyfuss, qu'il avait dirigé dans American Graffiti. L'acteur a d'abord réussi, mais a changé sa décision après avoir assisté à une avant-première de L'Apprentissage de Duddy Kravitz, qu'il venait de terminer. Déçu par sa performance et craignant que personne ne veuille l'embaucher une fois Kravitz libéré, il a immédiatement appelé Spielberg et a accepté le rôle dans Les Dents de la mer. Parce que le film envisagé par le réalisateur était si différent du roman de Benchley, Spielberg a demandé à Dreyfuss de ne pas le lire. À la suite du casting, Hooper a été réécrit pour mieux convenir à l'acteur, ainsi que pour être plus représentatif de Spielberg, qui en est venu à considérer Dreyfuss comme son « alter ego ». Tournage Le tournage principal a commencé le 2 mai 1974 sur l'île de Martha's Vineyard, dans le Massachusetts, sélectionnée après avoir pris en considération l'est de Long Island. Brown a expliqué plus tard que la production "avait besoin d'une zone de vacances suffisamment bourgeoise pour que l'apparition d'un requin détruise l'activité touristique". Martha's Vineyard a également été choisie parce que l'océan environnant avait un fond sablonneux qui ne descendait jamais en dessous de 11 m sur une distance de 19 km du rivage, ce qui permettait aux requins mécaniques d'opérer sans que la terre soit visible. Alors que Spielberg souhaitait filmer les séquences aquatiques de manière relativement rapprochée pour ressembler à ce que les gens voient en nageant, le directeur de la photographie Bill Butler a conçu un nouvel équipement pour faciliter le tournage marin et sous-marin, notamment un appareil pour maintenir la caméra stable quelle que soit la marée et un boîtier de caméra submersible scellé. . Spielberg a demandé au département artistique d'éviter le rouge dans les décors et les costumes, afin que le sang des attaques soit le seul élément rouge et provoque un choc plus important. Trois requins à propulsion pneumatique grandeur nature, que l'équipe du film a surnommé « Bruce » d'après l'avocat de Spielberg, Bruce Ramer, ont été fabriqués pour la production : un « requin de traîneau marin », un accessoire complet sans ventre qui a été remorqué. avec une ligne de 300 pieds et deux "requins de plate-forme", un qui se déplaçait de gauche à droite de la caméra (avec son côté gauche caché exposant un ensemble de tuyaux pneumatiques), et un modèle opposé avec son flanc droit découvert. Les requins ont été conçus par le directeur artistique Joe Alves au cours du troisième trimestre 1973. Entre novembre 1973 et avril 1974, les requins ont été fabriqués chez Rolly Harper's Motion Picture & Equipment Rental à Sun Valley, en Californie. Leur construction a nécessité une équipe de 40 techniciens d'effets, supervisée par le superviseur des effets mécaniques Bob Mattey, surtout connu pour avoir créé le calmar géant dans 20 000 lieues sous les mers. Une fois les requins terminés, ils ont été transportés par camion jusqu'au lieu de tournage. Début juillet, la plateforme utilisée pour remorquer les deux requins à vue latérale a chaviré alors qu'elle était descendue au fond de l'océan, obligeant une équipe de plongeurs à la récupérer. Le modèle nécessitait 14 opérateurs pour contrôler toutes les pièces mobiles. Le film a connu un tournage difficile et a largement dépassé son budget. David Brown a déclaré que le budget « était de 4 millions de dollars et que le film a finalement coûté 9 millions de dollars » ; les dépenses liées aux effets à elles seules ont atteint 3 millions de dollars en raison des problèmes liés aux requins mécaniques. Les membres mécontents de l'équipe ont donné au film le surnom de "Défauts". Spielberg a attribué de nombreux problèmes à son perfectionnisme et à son inexpérience. Le premier était incarné par son insistance à tirer en mer avec un requin grandeur nature ; "J'aurais pu tourner le film dans le réservoir ou même dans un lac protégé quelque part, mais cela n'aurait pas été le même", a-t-il déclaré. Quant à son manque d'expérience : « En gros, j'étais naïf à propos de l'océan. J'étais assez naïf à l'égard de mère nature et l'orgueil d'un cinéaste qui pense pouvoir vaincre les éléments était téméraire, mais j'étais trop jeune pour savoir que j'étais en train de le faire. téméraire lorsque j'ai exigé que nous tournions le film dans l'océan Atlantique et non dans un tank du nord d'Hollywood. » Gottlieb a déclaré qu '"il n'y avait rien d'autre à faire que de faire le film", donc tout le monde continuait à se surmener, et même si en tant qu'écrivain, il n'était pas obligé d'assister au tournage de l'océan tous les jours, une fois les hommes d'équipage revenus, ils arrivèrent "ravagés et brûlés par le soleil, soufflés par le vent et recouvert d'eau salée". Le tournage en mer a entraîné de nombreux retards : des voiliers indésirables ont dérivé dans le cadre, les caméras ont été trempées et l'Orca a commencé à couler avec les acteurs à bord. Les requins accessoires fonctionnaient fréquemment mal en raison d'une série de problèmes, notamment le mauvais temps, les tuyaux pneumatiques prenant de l'eau salée, la fracture des cadres en raison de la résistance à l'eau, la corrosion de la peau et l'électrolyse. Dès le premier test d'eau, la mousse de néoprène « non absorbante » qui constituait la peau des requins a absorbé le liquide, provoquant le ballonnement des requins, et le modèle de traîneau marin s'est souvent empêtré dans les forêts d'algues. Spielberg a calculé plus tard que sur un horaire de travail quotidien de 12 heures, seules quatre heures en moyenne étaient réellement consacrées au tournage. Gottlieb fut presque décapité par les hélices du bateau et Dreyfuss fut presque emprisonné dans la cage en acier. Les acteurs avaient souvent le mal de mer. Shaw a également fui au Canada chaque fois qu'il le pouvait en raison de problèmes fiscaux, s'est livré à des beuveries et a développé une rancune contre Dreyfuss, qui recevait des critiques élogieuses pour sa performance dans Duddy Kravitz. La rédactrice en chef Verna Fields avait rarement du matériel avec lequel travailler pendant le tournage principal, car selon Spielberg "nous tournions cinq scènes dans une bonne journée, trois dans une journée moyenne et aucune dans une mauvaise journée". Les retards se sont avérés bénéfiques à certains égards. Le scénario a été affiné pendant la production et les requins mécaniques peu fiables ont forcé Spielberg à tourner de nombreuses scènes pour que le requin ne soit qu'une allusion. Par exemple, pendant une grande partie de la chasse au requin, son emplacement est indiqué par les barils jaunes flottants. Dans l'ouverture, le requin dévorait Chrissie, mais il a été réécrit pour qu'il soit tourné avec Backlinie traîné et tiré par des câbles pour simuler une attaque. Spielberg a également inclus plusieurs clichés de la nageoire dorsale uniquement. On pense généralement que cette retenue forcée a ajouté au suspense du film. Comme Spielberg l'a dit des années plus tard, "Le film est passé d'un film d'horreur japonais diffusé le samedi à un thriller d'Hitchcock, moins on en voit, plus on en a." Dans une autre interview, il a déclaré de la même manière : « Le requin qui ne fonctionnait pas était une aubaine. Cela m'a fait ressembler davantage à Alfred Hitchcock qu'à Ray Harryhausen. Le jeu des acteurs est devenu crucial pour faire croire au public en un si gros requin : "Plus le requin avait l'air faux dans l'eau, plus mon anxiété me poussait à accentuer le naturalisme des performances." Des images de vrais requins ont été tournées par Ron et Valerie Taylor dans les eaux au large de Dangerous Reef en Australie du Sud, avec un petit acteur dans une cage à requins miniature pour créer l'illusion que les requins étaient énormes. Pendant le tournage des Taylor, un grand blanc a attaqué le bateau et la cage. Les images de l'attaque en cage étaient si époustouflantes que Spielberg avait hâte de les intégrer dans le film. Cependant, personne n'était dans la cage à ce moment-là et le scénario, qui suit le roman, contenait à l'origine le requin tuant Hooper. Le scénario a par conséquent été modifié pour permettre à Hooper de s'échapper de la cage, ce qui a permis d'utiliser les images. Comme l'a dit le directeur de production Bill Gilmore, "Le requin en Australie a réécrit le scénario et a sauvé le personnage de Dreyfuss." Bien que le tournage principal devait durer 55 jours, il ne s'est terminé que le 6 octobre 1974, après 159 jours. Spielberg, réfléchissant au tournage prolongé, a déclaré: "Je pensais que ma carrière de cinéaste était terminée. J'ai entendu des rumeurs ... selon lesquelles je ne travaillerais plus jamais parce que personne n'avait jamais tourné un film 100 jours plus tard." Spielberg lui-même n'était pas présent lors du tournage de la scène finale dans laquelle le requin explose, car il pensait que l'équipe envisageait de le jeter à l'eau une fois la scène terminée. C'est depuis devenu une tradition pour Spielberg de s'absenter lors du tournage de la scène finale d'un de ses films. Par la suite, des scènes sous-marines ont été tournées au réservoir d'eau Metro-Goldwyn-Mayer à Culver City, avec les cascadeurs Dick Warlock et Frank James Sparks comme remplaçants de Dreyfuss dans la scène où le requin attaque la cage, ainsi que près de l'île de Santa Catalina. , Californie. Fields, qui avait réalisé un premier montage des deux premiers tiers du film, jusqu'à la chasse au requin, a terminé le montage et retravaillé une partie du matériel. Selon Zanuck, "elle est en fait entrée et a reconstruit certaines scènes que Steven avait construites pour la comédie et les a rendues terrifiantes, et certaines scènes qu'il a tournées pour être terrifiantes et en ont fait des scènes de comédie." Le navire utilisé pour l'Orca a été amené à Los Angeles afin que l'équipe des effets sonores puisse enregistrer les sons du navire et des scènes sous-marines. Deux scènes ont été modifiées suite aux projections tests. Alors que les cris du public avaient masqué le one-liner du « plus gros bateau » de Scheider, la réaction de Brody après que le requin saute derrière lui s'est étendue et le volume de la ligne a été augmenté. Spielberg a également décidé qu'il était avide de "un cri de plus" et a repris la scène dans laquelle Hooper découvre le corps de Ben Gardner, en utilisant 3 000 $ de son propre argent après qu'Universal ait refusé de payer pour le nouveau tournage. La scène sous-marine a été tournée dans la piscine de Fields à Encino, en Californie, à l'aide d'un modèle en latex de la tête de Craig Kingsbury attaché à un faux corps, qui a été placé dans la coque du bateau naufragé. Pour simuler les eaux troubles de Martha's Vineyard, du lait en poudre a été versé dans la piscine, qui a ensuite été recouverte d'une bâche. Musique John Williams a composé la musique du film, qui lui a valu un Oscar et a ensuite été classée sixième meilleure musique par l'American Film Institute. Le thème principal du "requin", un simple motif alterné de deux notes - diversement identifiées comme "E et F" ou "F et F dièse" - est devenu un morceau classique de musique de suspense, synonyme d'approche du danger (voir ton principal). Williams a décrit le thème comme "vous attaquant, tout comme le ferait un requin, instinctif, implacable, imparable". La pièce a été interprétée par le tuba Tommy Johnson. Lorsque Johnson lui a demandé pourquoi la mélodie était écrite dans un registre si aigu et n'était pas jouée par le cor français plus approprié, Williams a répondu qu'il voulait qu'elle sonne "un peu plus menaçante". Lorsque Williams a présenté pour la première fois son idée à Spielberg, en jouant seulement les deux notes sur un piano, Spielberg aurait ri, pensant que c'était une blague. Alors que Williams voyait des similitudes entre Les Dents de la mer et les films de pirates, à d'autres moments de la partition, il évoquait la « musique de pirate », qu'il qualifiait de « primale, mais amusante et divertissante ». Faisant appel à un jeu de cordes rapide et percussif, la partition contient des échos de La mer de Claude Debussy ainsi que du Sacre du printemps d'Igor Stravinsky. Williams a également interpolé l'air naval "Spanish Ladies", chanté à plusieurs reprises par Quint, dans la partition. Il existe diverses interprétations de la signification et de l’efficacité du thème musical principal, largement décrit comme l’un des thèmes cinématographiques les plus reconnaissables de tous les temps. Le spécialiste de la musique Joseph Cancellaro propose que l'expression à deux notes imite le battement de cœur du requin. Selon Alexandre Tylski, comme les thèmes écrits par Bernard Herrmann pour Taxi Driver, North by Northwest, et particulièrement Mysterious Island, il suggère la respiration humaine. Il soutient en outre que le motif le plus fort de la partition est en fait « la scission, la rupture » – lorsqu'il s'arrête de façon dramatique, comme après la mort de Chrissie. La relation entre le son et le silence est également exploitée dans la manière dont le public est conditionné à associer le requin à son thème, exploité jusqu'au point culminant du film lorsque le requin apparaît soudainement sans introduction musicale. Spielberg a déclaré plus tard que sans la musique de Williams, le film n'aurait eu que la moitié du succès et, selon Williams, cela a relancé sa carrière. Il avait déjà composé la musique du premier long métrage de Spielberg, The Sugarland Express, et a ensuite collaboré avec le réalisateur sur presque tous ses films. La bande originale de Jaws a été publiée par MCA Records sur LP en 1975 et sous forme de CD en 1992, comprenant environ une demi-heure de musique que Williams a refaite pour l'album. En 2000, deux versions de la partition sont sorties : Decca/Universal a réédité l'album de la bande originale pour coïncider avec la sortie du DVD du 25e anniversaire, contenant l'intégralité des 51 minutes de la partition originale, et Varèse Sarabande a sorti un réenregistrement de la partition. interprété par le Royal Scottish National Orchestra, dirigé par Joel McNeely. Inspirations et thèmes Moby-Dick d'Herman Melville est l'antécédent artistique le plus notable de Jaws. Le personnage de Quint ressemble fortement au capitaine Achab, le capitaine obsédé du Pequod qui consacre sa vie à la chasse au cachalot. Le monologue de Quint révèle une obsession similaire pour les requins ; même son bateau, l'Orca, porte le nom du seul ennemi naturel du requin blanc. Dans le roman et le scénario original, Quint meurt après avoir été traîné sous l'océan par un harpon attaché à sa jambe, semblable à la mort d'Achab dans le roman de Melville. Une référence directe à ces similitudes peut être trouvée dans le brouillon du scénario de Spielberg, qui présente Quint regardant la version cinématographique de Moby-Dick ; son rire continu incite les autres membres du public à se lever et à quitter le théâtre (le scénario de Wesley Strick pour le remake de Cape Fear de 1991 présente une scène similaire). Cependant, la scène de Moby-Dick n'a pas pu obtenir de licence de la star du film, Gregory Peck, son détenteur des droits d'auteur. Le scénariste Carl Gottlieb a également fait des comparaisons avec Le Vieil Homme et la Mer d'Ernest Hemingway : "Les Dents de la mer est... une lutte titanesque, comme Melville ou Hemingway." Les scènes sous-marines tournées du point de vue du requin ont été comparées à des passages de deux films d'horreur des années 1950, La Créature du lagon noir et Le Monstre qui défiait le monde. Gottlieb a cité deux productions de science-fiction de la même époque comme influences sur la façon dont le requin était représenté ou non : La chose d'un autre monde, que Gottlieb a décrit comme « un grand film d'horreur où l'on ne voit le monstre que dans la dernière bobine » ; et It Came From Outer Space, où « le suspense s'est construit parce que la créature était toujours hors champ ». Ces précédents ont aidé Spielberg et Gottlieb à « se concentrer sur la démonstration des « effets » du requin plutôt que sur le requin lui-même ». Des chercheurs tels que Thomas Schatz ont décrit comment Jaws fusionne différents genres tout en étant essentiellement un film d'action et un thriller. La plupart sont tirés de l'horreur, avec le cœur d'un film de monstres basé sur la nature tout en ajoutant des éléments d'un film slasher. La seconde moitié propose un film de copain sur l'interaction entre l'équipage de l'Orca et une horreur surnaturelle basée sur la représentation par le requin d'une menace presque satanique. Des critiques tels que Neil Sinyard ont décrit des similitudes avec la pièce de Henrik Ibsen, An Enemy of the People. Gottlieb lui-même a déclaré que lui et Spielberg avaient qualifié Jaws de "Moby-Dick rencontre l'ennemi du peuple". L'œuvre d'Ibsen met en scène un médecin qui découvre que les sources thermales médicinales d'une ville balnéaire, une attraction touristique majeure et une source de revenus, sont contaminées. Lorsque le médecin tente de convaincre les habitants du danger, il perd son emploi et est mis à l'écart. Cette intrigue est mise en parallèle dans Jaws par le conflit de Brody avec le maire Vaughn, qui refuse de reconnaître la présence d'un requin qui pourrait dissuader les baigneurs d'été de venir à Amity. Brody est justifié lorsque de plus en plus d'attaques de requins se produisent sur la plage bondée en plein jour. Sinyard qualifie le film de "combinaison habile du Watergate et de la pièce d'Ibsen". Critique scientifique Jaws a retenu l'attention des critiques universitaires. Stephen Heath relie les significations idéologiques du film au récent scandale du Watergate. Il soutient que Brody représente "la classe moyenne masculine blanche - [il n'y a] pas un seul noir et, très rapidement, pas une seule femme dans le film", qui rétablit l'ordre public "avec une sorte d'héroïsme d'homme ordinaire né de la peur". -et-la-décence". Pourtant, Heath va au-delà de l'analyse du contenu idéologique pour examiner Les Dents de la mer comme un exemple typique du film en tant que « produit industriel » qui se vend sur la base du « plaisir du cinéma, permettant ainsi la perpétuation de l'industrie (c'est pourquoi une partie du sens de Jaws doit être le film le plus rentable)". Andrew Britton oppose le film au cynisme post-Watergate du roman, suggérant que ses modifications narratives par rapport au livre (la survie de Hooper, la mort explosive du requin) contribuent à en faire « un exorcisme communautaire, une cérémonie pour la restauration de la confiance idéologique ». Il suggère que l'expérience du film est « inconcevable » sans la jubilation du grand public lorsque le requin est anéanti, ce qui signifie l'effacement du mal lui-même. Selon lui, Brody sert à

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Le drame juridique américain Shark s'est déroulé du 6 septembre au 8 mai. Qui a joué dans le rôle titre, dans le rôle de Sebastian Stark ?

James Woods

Shark est un drame juridique américain créé par Ian Biederman diffusé à l'origine sur CBS du 21 septembre 2006 au 20 mai 2008. La série met en vedette James Woods. Synopsis La série tourne autour de Sebastian Stark (Woods), un célèbre avocat de la défense de Los Angeles qui devient désillusionné par sa carrière après que sa défense réussie d'un agresseur de femme ait entraîné la mort de sa femme ; après plus d'un mois à essayer de comprendre sa situation, il est invité par le procureur du district de Los Angeles à devenir procureur afin de pouvoir appliquer ses talents peu orthodoxes mais efficaces pour mettre les coupables en détention au lieu de les réincarcérer. la rue. La relation de Stark avec le bureau du procureur du district de Los Angeles, son équipe et sa fille constitue l'intrigue centrale de la série. Membres de la distribution Personnages * Sebastian Stark : Un ancien avocat de la défense haut de gamme confiant et sévère. Stark a été recruté au bureau du procureur par le maire après qu'un client qu'il avait précédemment défendu contre des accusations d'agression ait tué sa femme (la cliente) quelques jours plus tard. Malgré sa prise de conscience après cette affaire, ses méthodes en tant qu'avocat de la défense n'ont pas radicalement changé dans son rôle de procureur. * Jessica Devlin : procureure du district de Los Angeles pendant 14 ans, Devlin a été le patron de Stark pendant toute la durée de la première saison. Cependant, lorsqu'elle fut battue aux élections, Stark l'engagea comme membre senior de son équipe. * Leo Cutler : deuxième saison du procureur du district de Los Angeles. * Madeline Poe : Poe était le seul membre volontaire de l'équipe originale de Stark. Elle avait le taux de condamnation le plus élevé de tout le bureau du procureur au cours des deux dernières années précédant le début de la série, et sans doute la meilleure avocate de l'équipe d'origine de Stark. * Casey Woodland : jeune et bel avocat issu d'une famille influente, Casey se retrouve obligé de prouver sa valeur à ceux qui pensent qu'il a acheté sa place pour ce poste. Il entame une relation sexuelle avec Madeline Poe malgré leur mépris mutuel. * Raina Troy : Troy est passionné, intelligent et dur, et décrit par Stark comme "brillant" mais "une citation de mépris attend d'arriver." Au milieu de la première saison, elle entame une relation avec Isaac Wright. * Danny Reyes : Reyes a été transféré de l'unité de lutte contre la criminalité liée aux gangs et a utilisé son expérience passée pour influencer ses motivations. Il est souvent en conflit avec Stark et Jessica, qui conviennent tous deux en privé qu'il est un très bon avocat. * Isaac Wright : ancien officier du LAPD, Stark lui a proposé un emploi dans son équipe après que Wright ait démissionné du LAPD parce qu'il avait déposé des preuves au domicile d'un suspect dans le but d'arrêter l'assassin de son partenaire. * Julie Stark : Fille de Sebastian, elle a décidé de rester avec son père après son audience pour la garde, car "il a plus besoin d'elle qu'il ne le saura jamais". * Wayne Callison : tueur en série, professeur d'écriture créative et ennemi personnel de Stark tout au long de la saison 1. Il a ciblé des femmes émotionnellement endommagées dans la vingtaine et les a torturées à mort en les coupant. Après avoir été acquitté, Stark devient obsédé par l'idée de le mettre derrière les barreaux. Les règles du requin *Le procès est la guerre. La deuxième place est la mort. *La vérité est relative. Choisissez-en un qui fonctionne. *Dans un procès devant jury, il n'y a que 12 opinions qui comptent et la vôtre (en parlant à son équipe) n'en fait pas partie. Épisodes Historique de diffusion L'émission a été diffusée pour la première fois à 22 h 00, le jeudi soir de l'Est. Le 20 octobre 2006, il a été annoncé que CBS avait repris la série pour une saison complète de 22 épisodes. CBS a annoncé le 16 mai 2007 que Shark reviendrait pour une deuxième saison. Dans la deuxième saison de Shark, la série a été déplacée au dimanche soir à 22h00, changeant de créneau horaire avec Without a Trace et rivalisant ainsi avec une autre série très appréciée, Brothers & Sisters d'ABC. Au Canada, Global avait également récupéré Brothers & Sisters, ils ont donc décidé de garder Shark jeudi à 22 h. créneau horaire, trois jours avant la diffusion sur CBS (sauf pour la première de la saison 2), et Brothers & Sisters pour leur dimanche soir à 22 h. créneau horaire. L'émission est revenue le mardi 29 avril 2008 dans un nouveau créneau horaire à 21h00. pour diffuser les quatre épisodes restants après la grève. CBS a officiellement annulé la série le 13 mai 2008. Lieux de tournage Shark a été tourné principalement à Hollywood et à Los Angeles en Californie. De nombreux monuments d'Hollywood peuvent être vus, notamment Hollywood Boulevard et Hollywood Hills. Il y a eu des scènes sur le toit de l'hôtel Hollywood Roosevelt, ainsi que des scènes extérieures et intérieures du Vibe Hotel, tous deux situés sur Hollywood Boulevard. Notes Sortie DVD Syndication Shark a commencé à être diffusé sur Ion début 2010, tard le dimanche (22 heures-minuit dans un bloc de deux épisodes), mais a ensuite été annulé, à l'exception des marathons organisés les week-ends fériés. Diffusions internationales En Australie, Shark a commencé à diffuser la saison 2 à 22 heures le jeudi 12 novembre 2009 sur la nouvelle chaîne numérique de Seven, 7TWO. La saison 2l et la série dans son ensemble ont terminé leur première diffusion sur W le vendredi 18 décembre. Au Royaume-Uni, Shark a été diffusé à 11h00 tous les jours de la semaine sur Channel 5.

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Qui est célèbre pour avoir popularisé la « petite robe noire » dans les années 1920 ?

Coco Chanel

Une petite robe noire (LBD) est une robe noire de soirée ou de cocktail, de coupe simple et souvent assez courte. Les historiens de la mode attribuent les origines de la petite robe noire aux créations des années 1920 de Coco Chanel et Jean Patou destinées à être durables, polyvalentes, abordables, accessibles au marché le plus large possible et dans une couleur neutre. Son omniprésence est telle qu’on l’appelle souvent simplement « LBD ». La « petite robe noire » est considérée comme essentielle à une garde-robe complète par de nombreuses femmes et observateurs de la mode, qui considèrent comme une « règle de la mode » que chaque femme devrait posséder une robe noire simple et élégante qui peut être habillée de manière habillée ou décontractée selon les goûts. occasion : par exemple, porté avec une veste et des escarpins pour une tenue professionnelle en journée ou avec des bijoux et des accessoires plus ornés pour le soir. Parce qu'elle est destinée à être un incontournable du dressing pendant plusieurs années, le style de la petite robe noire devrait idéalement être le plus simple possible : une robe noire courte qui s'inscrit trop clairement dans une tendance ne serait pas admissible car elle paraîtront bientôt datés. Histoire Avant les années 1920, le noir était souvent réservé aux périodes de deuil et considéré comme indécent lorsqu'il était porté en dehors de telles circonstances, comme le montre le tableau de John Singer Sargent, Portrait de Madame X. La robe de deuil d'une veuve était observée de près à une époque où les détails de la mode véhiculaient un langage symbolique sophistiqué. À l'époque victorienne et édouardienne, une veuve devait porter plusieurs tenues de deuil pendant au moins deux ans. Un deuil « profond » ou « complet » exigeait que la femme porte des vêtements noirs unis, sans aucune décoration, pendant la première année et un jour de deuil. La deuxième étape durait neuf mois et permettait le port de la soie noire. En « deuil ordinaire » de trois mois, la veuve ne pouvait accessoiriser qu'avec du ruban noir, de la dentelle, de la broderie ou des bijoux en jais. Les six derniers mois de « demi-deuil » ont permis aux personnes endeuillées de porter des couleurs douces ou neutres : les nuances et les teintes de violet étaient les plus courantes. En raison du nombre de décès au cours de la Première Guerre mondiale et des nombreux décès provoqués par l'épidémie de grippe espagnole, il est devenu plus courant que les femmes apparaissent en public vêtues de noir. En 1926, Gabrielle "Coco" Chanel a publié une photo d'une robe noire courte et simple dans le Vogue américain. Il était mi-long, droit et décoré seulement de quelques lignes diagonales. Vogue l'appelait "la Ford de Chanel". Comme le Model T, la petite robe noire était simple et accessible aux femmes de toutes classes sociales. Vogue a également déclaré que la LBD deviendrait "une sorte d'uniforme pour toutes les femmes de goût". La petite robe noire a continué à être populaire pendant la Grande Dépression, principalement en raison de son économie et de son élégance, même si sa ligne s'est quelque peu allongée. L'influence d'Hollywood sur la mode en Amérique du Nord a contribué à la popularité de la petite robe noire, mais pour des raisons plus pratiques : à mesure que les films Technicolor devenaient plus courants, les cinéastes se sont appuyés sur les petites robes noires parce que les autres couleurs semblaient déformées à l'écran et bâclaient le processus de coloration. Pendant la Seconde Guerre mondiale, le style a perduré en partie en raison du rationnement généralisé des textiles et en partie comme uniforme commun (accessoirisé pour les vêtements de travail) pour les femmes civiles entrant sur le marché du travail. L'essor du « New Look » de Dior dans l'après-guerre et le conservatisme sexuel des années 1950 ont ramené la petite robe noire à ses racines d'uniforme et de symbole de la femme dangereuse. Les femmes fatales d'Hollywood et les personnages de femmes déchues étaient souvent représentés dans des robes noires de style dos-nu, contrairement aux robes plus conservatrices des femmes au foyer ou des stars hollywoodiennes plus saines. Les fibres synthétiques rendues populaires dans les années 1940 et 1950 ont élargi la disponibilité et l’accessibilité de nombreux modèles. Le fossé des générations des années 1960 a créé une dichotomie dans la conception de la petite robe noire. La jeune génération "mod" préférait, en général, une mini-jupe sur leurs versions de la robe et les créateurs adaptés à la culture de la jeunesse ont continué à repousser les limites - en raccourcissant encore plus la jupe, en créant des découpes ou des fentes dans la jupe ou le corsage de la robe. , en utilisant des tissus transparents tels que le filet ou le tulle. De nombreuses autres femmes dans les années 1960 aspiraient à de simples robes fourreau noires semblables à celles conçues par Hubert de Givenchy et portées par l'actrice Audrey Hepburn dans le film Breakfast at Tiffany's. La popularité des tissus décontractés, en particulier des tricots, pour les vêtements vestimentaires et professionnels dans les années 1980 a remis la petite robe noire à la mode. Associés à l'engouement pour le fitness, les nouveaux modèles incorporaient des détails déjà populaires à l'époque, tels que des épaules larges ou des basques : plus tard dans la décennie et dans les années 1990, des modèles plus simples dans une variété de longueurs et d'ampleur étaient populaires. La culture grunge des années 1990 a vu la combinaison de la petite robe noire avec des sandales et des bottes de combat, même si la robe elle-même est restée simple dans sa coupe et son tissu. Le nouveau glamour de la fin des années 1990 a conduit à de nouvelles variations de la robe mais, comme dans les années 1950 et 1970, la couleur est réapparue comme facteur de mode et de tenue de soirée et montre à plusieurs reprises une aversion pour le noir. La résurgence des vêtements soucieux du corps, des couleurs douces et la réémergence du noir prédominant, ainsi que les tendances rétrospectives des années 1980 à la fin des années 2000, ont ouvert la voie au retour de l'intérêt pour la robe. Célèbres petites robes noires La robe noire Givenchy d'Audrey Hepburn dans le rôle de Holly Golightly dans Breakfast at Tiffany's, conçue par Hubert de Givenchy, incarnait la norme en matière de port de petites robes noires accessoirisées de perles (appelées ensemble « noir basique »), comme on le voyait fréquemment au début des années 1960. La robe a établi un record en 2006 lorsqu'elle a été vendue aux enchères pour 410 000 £, soit six fois son estimation initiale. Betty Boop, un personnage de dessin animé basé en partie sur "It Girl" Clara Bow des années 1920, a été dessinée portant une petite robe noire dans ses premiers films, bien qu'avec Technicolor plus tard, la robe de Betty soit devenue rouge. Wallis Simpson, duchesse de Windsor, était connue pour posséder plusieurs petites robes noires et faisait beaucoup d'éloges sur ces vêtements. Une citation de la duchesse : "Quand une petite robe noire est parfaite, il n'y a rien d'autre à porter à la place." Edith Piaf, l'icône du folk français, s'est produite tout au long de sa carrière dans une robe fourreau noire : pour cette habitude, elle a été surnommée « le petit moineau noir ». On pensait que la robe aidait le public à se concentrer davantage sur le chant de Piaf et moins sur son apparence. Lors d'un incident survenu au théâtre Covent Garden de Londres, un metteur en scène a renvoyé d'un opéra Deborah Voigt, alors obèse, soprano parce qu'elle ne pouvait pas rentrer dans une « petite robe de cocktail noire », la remplaçant par Anne Schwanewilms, plus mince. Anthony Tommasini, « With Surgery , Soprano Sheds a Brünnhilde Body", New York Times, 27 mars 2005, consulté sur [http://www.nytimes.com/2005/03/27/arts/music/27voig.html Site Web du New York Times]. Images avant et après incluses. Consulté le 27 mai 2009. Anthony Tommasini, "Second Date With a Little Black Dress", New York Times, 11 juin 2008, consulté sur [http://www.nytimes.com/2008/06/11/arts/music /11voig.html Site Web du New York Times]. Consulté le 27 mai 2009. Vivien Schweitzer, "Music Review: A Slimmed-Down Diva Keeps Her Vocal Heft", New York Times, 18 juin 2009, consulté sur [http://www.nytimes.com/2008/06/ 18/arts/music/18aria.html Site Web du New York Times]. Consulté le 27 mai 2009. Dans la culture populaire Un certain nombre de chansons sont intitulées "Little Black Dress", dont "Little Black Dress" de la comédie musicale Shock Treatment de 1981, qui est chantée pendant que l'un des antagonistes coud une petite robe noire et la présente à l'héroïne, qui la porte dans la seconde moitié du film. Le single "Long Cool Woman in a Black Dress" de Hollies de 1972 a été écrit pour l'album Distant Light à propos d'une femme qui a hypnotisé le chanteur principal dans une robe noire. Il s'est vendu à 2 millions d'exemplaires dans le monde et a atteint la deuxième place du Billboard Hot 100. Gavin Friday a interprété une chanson intitulée "Little Black Dress" pour son album Shag Tobacco de 1996. La chanson a été écrite par Maurice Seezer. La chanson de 2006 "Little Black Dress" est la chanson d'ouverture de l'album de Donnie Iris, Ellwood City. Il a été écrit par Mark Avsec. "Gettin' You Home (The Black Dress Song)" est une chanson de musique country de 2009 de Chris Young. C'est devenu son premier hit n°1 dans le classement Hot Country Songs daté du 24 octobre 2009. "Tiffany Blews" est le 10ème morceau du 4ème album studio de Fall Out Boy, Folie à Deux. Le refrain évoque une petite robe noire, symbole de classe. "Little Black Dress" est une chanson des One Direction incluse dans leur troisième album intitulé Midnight Memories. "Little Black Dress" est également une chanson de Sara Bareilles, le 6ème morceau de l'album The Blessed Unrest de 2013. Dans la chanson, danser en robe favorise la fin d’une relation. "Little Black Dress" est une chanson du groupe de reggae Roots One Drop, basé à San Diego, sortie en 2008 [https://onedrop.bandcamp.com/album/mission-blvd Mission Blvd].

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Le personnage de Meryl Streep, Miranda, dans le film de 2006 Le Diable s'habille en Prada était basé sur le rédacteur en chef de quel magazine de mode ?

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Le Diable s'habille en Prada est une comédie dramatique de 2006 basée sur le roman du même nom de Lauren Weisberger de 2003. Cette adaptation cinématographique met en vedette Meryl Streep dans le rôle de Miranda Priestly, une puissante rédactrice en chef d'un magazine de mode, et Anne Hathaway dans le rôle d'Andrea Sachs, une diplômée universitaire qui part à New York et décroche un emploi de co-assistante de Priestly. Emily Blunt et Stanley Tucci co-star, en tant que co-assistante Emily Charlton et directeur artistique Nigel, respectivement. Adrian Grenier, Simon Baker et Tracie Thoms jouent des rôles de soutien clés. Wendy Finerman a produit et David Frankel a réalisé le film, distribué par 20th Century Fox. La performance de Streep a été acclamée par la critique et lui a valu de nombreuses nominations, notamment sa 14e candidature record aux Oscars, ainsi que le Golden Globe de la meilleure actrice dans une comédie ou une comédie musicale. Blunt a également suscité des critiques favorables et des nominations pour sa performance, tout comme de nombreuses personnes impliquées dans la production du film. Le film a été bien accueilli tant par les critiques de cinéma que par le public et est devenu un succès surprise au box-office estival après sa sortie nord-américaine le 30 juin. Le succès commercial et les éloges critiques pour la performance de Streep se sont poursuivis sur les marchés étrangers, le film étant en tête du box-office international pendant la majeure partie du mois d'octobre. De même, la sortie DVD aux États-Unis a été la première location en décembre. Le film a terminé dans le Top 20 de 2006 aux États-Unis et à l'étranger et a rapporté plus de 300 millions de dollars, principalement grâce à sa diffusion internationale. Bien que le film se déroule dans le monde de la mode, la plupart des créateurs et autres notables de la mode ont évité d'apparaître comme eux-mêmes de peur de déplaire à la rédactrice en chef du Vogue américain Anna Wintour, qui est largement considérée comme l'inspiration de Priestly. Pourtant, beaucoup ont autorisé que leurs vêtements et accessoires soient utilisés dans le film, ce qui en fait le film costumé le plus cher de l'histoire. Wintour a ensuite surmonté son scepticisme initial, affirmant qu'elle aimait le film et Streep en particulier. Parcelle Andrea (Anne Hathaway) est une aspirante journaliste fraîchement sortie de l'Université Northwestern. Malgré son ridicule face à la superficialité de l'industrie de la mode, elle décroche un emploi "pour lequel un million de filles tueraient", assistante personnelle junior de Miranda Priestly (Meryl Streep), la glaciale rédactrice en chef du magazine de mode Runway. Andy prévoit de supporter le traitement bizarre et humiliant de Miranda pendant un an dans l'espoir de trouver un emploi de journaliste ou d'écrivain ailleurs. Au début, Andy tâtonne avec son travail et s'intègre mal avec ses collègues bavards et soucieux de la mode, en particulier l'assistante principale de Miranda, Emily Charlton (Emily Blunt). Cependant, avec l'aide du directeur artistique Nigel (Stanley Tucci), qui lui prête des vêtements de marque, elle apprend progressivement ses responsabilités et commence à s'habiller de manière plus élégante pour montrer ses efforts et son engagement envers le poste. Elle rencontre également le jeune écrivain séduisant Christian Thompson (Simon Baker), qui lui propose de l'aider dans sa carrière. Alors qu'elle passe de plus en plus de temps à la disposition de Miranda, des problèmes surviennent dans ses relations avec ses amis d'université et son petit ami Nate (Adrian Grenier), un chef qui gravit les échelons de carrière. Miranda est impressionnée par Andy et lui permet d'être celle qui apportera chez elle le précieux « Livre », une maquette de la prochaine édition, avec son pressing. Emily lui donne des instructions sur l'endroit où laisser les objets et lui dit de ne parler à personne dans la maison. Andy arrive au domicile de Miranda pour découvrir que les instructions qu'elle a reçues sont vagues. Alors qu'elle essaie de savoir quoi faire, Andy commence à paniquer. Les jumelles de Miranda (Caroline et Cassidy, jouées respectivement par Colleen et Suzanne Dengel) lui disent faussement qu'elle peut laisser le livre en haut des escaliers, comme Emily l'a fait à plusieurs reprises. En haut des escaliers, Andy interrompt Miranda et son mari en train de se disputer. Mortifié, Andy laisse le livre et s'enfuit de la maison. Le lendemain, Miranda lui dit qu'elle veut le nouveau livre inédit de Harry Potter pour ses filles et que, si Andy ne trouve pas d'exemplaire, elle sera renvoyée. Andy tente désespérément de retrouver le livre, abandonne presque, mais finit par l'obtenir grâce aux contacts de Christian. Elle surprend Miranda non seulement en trouvant le livre, mais en envoyant des exemplaires aux filles à la gare, ne laissant aucun doute sur le fait qu'elle a accompli la tâche « impossible » de Miranda, sauvant ainsi son emploi. Un jour, Andy évite à Miranda d'être embarrassée lors d'une prestation caritative, et Miranda la récompense en lui proposant de l'emmener aux défilés de mode d'automne à Paris à la place d'Emily. Andy hésite à retirer ce privilège à Emily mais est obligé d'accepter l'offre après que Miranda lui ait dit qu'elle perdrait son emploi si elle refusait. Andy essaie de le dire à Emily alors qu'elle se rend au travail. Cependant, Emily est heurtée par une voiture et Andy doit lui annoncer la mauvaise nouvelle en lui rendant visite à l'hôpital. Quand Andy dit à Nate qu'elle va à Paris, il est irrité par son refus d'admettre qu'elle est devenue ce qu'elle ridiculisait autrefois, et ils se séparent. Une fois sur place, Miranda, sans maquillage, s'ouvre à Andy sur l'effet que le divorce imminent de Miranda aura sur ses filles. Plus tard dans la nuit, Nigel dit à Andy qu'il a accepté un poste de directeur créatif avec la star montante de la mode James Holt (Daniel Sunjata) sur la recommandation de Miranda. Andy succombe finalement aux charmes de Christian et, après avoir passé la nuit avec lui, apprend de lui un projet visant à remplacer Miranda par Jacqueline Follet en tant que rédactrice en chef de Runway. Malgré les souffrances qu'elle a endurées à la demande de son patron, elle tente d'avertir Miranda. Cependant, lors d'un déjeuner plus tard dans la journée, Miranda annonce que c'est Jacqueline au lieu de Nigel qui quittera Runway pour Holt. Nigel fait remarquer à Andy stupéfait que, bien que déçu, il doit croire que sa loyauté envers Miranda portera un jour ses fruits. Plus tard, lorsque Miranda et Andy sont conduits à un spectacle, elle explique à un Andy toujours abasourdi qu'elle était reconnaissante pour l'avertissement mais qu'elle était déjà au courant du complot visant à la remplacer et qu'elle a sacrifié Nigel pour conserver son propre emploi. Satisfaite de cette démonstration de loyauté, elle dit à Andy qu'elle se voit beaucoup en elle. Andy, repoussé, dit qu'elle ne pourrait jamais faire ça à personne. Miranda répond qu'elle l'a déjà fait, enjambant Emily lorsqu'elle a accepté d'aller à Paris. Lorsqu'ils s'arrêtent, Andy sort et jette son téléphone portable dans la fontaine de la place de la Concorde, laissant derrière elle Miranda, Runway et la mode. Quelque temps plus tard, Andy retrouve Nate, qui déménage à Boston parce qu'il a trouvé un nouvel emploi de sous-chef dans un restaurant. Ils acceptent de recommencer à sortir ensemble et de voir ce que l’avenir leur réserve. Le même jour, Andy est interviewé et accepté pour travailler dans une grande maison d'édition new-yorkaise. C'est Miranda qui a insisté pour qu'ils embauchent Andy, même si elle n'a pas travaillé pour elle pendant une année complète, mais l'entreprise serait « la plus grande idiote » si elle ne le faisait pas. Andy appelle Emily et lui propose sa garde-robe parisienne et les deux partent en bons termes. Andy passe devant l'immeuble de bureaux "Runway" et voit Miranda monter dans une voiture. Andy fait un signe de la main, mais Miranda ne la reconnaît pas. Andy est habitué à cela et s'avance plus loin dans la foule. Cependant, une fois à l'intérieur de la voiture, Miranda sourit puis ordonne à son chauffeur de conduire. Casting *Anne Hathaway dans le rôle d'Andrea "Andy" Sachs * Meryl Streep dans le rôle de Miranda Priestly *Emily Blunt dans le rôle d'Emily Charlton * Stanley Tucci dans le rôle de Nigel * Simon Baker dans le rôle de Christian Thompson *Adrian Grenier dans le rôle de Nate Cooper * Gisele Bündchen dans le rôle de Serena * Tracie Thoms dans le rôle de Lily * Rich Sommer dans le rôle de Doug *Daniel Sunjata dans le rôle de James Holt *Colleen Dengel dans le rôle de Caroline Priestly * Suzanne Dengel dans le rôle de Cassidy Priestly * David Marshall Grant dans le rôle de Richard Sachs * Tibor Feldman dans le rôle d'Irv Ravitz *Rebecca Wood dans le rôle de Jocelyn * Alyssa Sutherland dans le rôle de Clacker * Ines Rivero dans le rôle de Clacker dans l'ascenseur * Stéphanie Szostak dans le rôle de Jacqueline Follet Camées * Valentino Garavani *Giancarlo Giammetti *Carlos de Souza * Charlène Shorto * Salle Brigitte * Lauren Weisberger comme nounou des jumeaux * Robert Verdi en journaliste de mode à Paris qui interviewe Miranda * Heidi Klum *Ivanka Trump *Nigel Barker Production Le réalisateur David Frankel et la productrice Wendy Finerman avaient initialement lu Le Diable s'habille en Prada sous forme de proposition de livre. Ce serait le deuxième long métrage théâtral de Frankel, et son premier depuis plus d'une décennie. Lui, le directeur de la photographie Florian Ballhaus et la costumière Patricia Field se sont largement inspirés de leur expérience dans la réalisation de Sex and the City. Frankel se souvient de cette expérience comme ayant des enjeux élevés pour les personnes impliquées, car pour lui et pour les autres derrière la caméra, il s'agissait du plus grand projet qu'ils aient jamais tenté, avec des ressources à peine suffisantes. "Nous savions que nous étions sur une glace très mince", a-t-il déclaré à Variety dans un article de 2016 sur le 10e anniversaire du film. "Il était possible que cela soit la fin du chemin pour nous." Préproduction Fox a acheté les droits du roman de Weisberger avant qu'il ne soit non seulement publié en 2003, mais même terminé. Carla Hecken, alors vice-présidente exécutive du studio, n'avait vu que les cent premières pages du manuscrit et un aperçu de la suite de l'intrigue. Mais pour elle, cela suffisait. "Je pensais que Miranda Priestly était l'une des plus grandes méchantes de tous les temps", se souvient-elle en 2016. "Je me souviens que nous sommes entrés de manière agressive et l'avons récupéré." En écrivant Le travail sur un scénario a commencé rapidement, avant même que Weisberger ait terminé son travail. Lorsqu'il est devenu un best-seller dès sa publication, des éléments de l'intrigue ont été incorporés au scénario en cours. La plupart se sont inspirés du film Zoolander de Ben Stiller (2000) et ont principalement fait la satire de l'industrie de la mode. Mais il n’était toujours pas prêt à filmer. Elizabeth Gabler, plus tard responsable de la production chez Fox, a noté que le roman fini n'avait pas de récit fort. "Comme il n'y avait pas de troisième acte fort dans le livre", a-t-elle déclaré plus tard, "nous devions l'inventer." Entre temps, le studio et la productrice Wendy Finerman cherchaient un réalisateur. Parmi de nombreux candidats ayant une expérience dans la comédie, David Frankel a été embauché malgré son expérience limitée, n'ayant réalisé qu'un seul long métrage, Miami Rhapsody, ainsi que quelques épisodes de Sex and the City et Entourage. Il n'était pas sûr de la propriété, la qualifiant de "indirectable... une satire plutôt qu'une histoire d'amour". Plus tard, il a cité Unzipped, le documentaire de 1995 sur le designer Isaac Mizrahi, comme modèle pour l'attitude du film envers la mode : « [Il] se délecte de certaines des bêtises du monde de la mode, mais est également très sérieux. » Lors d'une réunion avec Finerman, Frankel lui a dit qu'il pensait que l'histoire punissait inutilement Miranda. « Mon point de vue était que nous devrions être reconnaissants pour l’excellence. Pourquoi les personnes excellentes doivent-elles être gentilles ? Il s'est préparé à passer à autre chose et à envisager d'autres scénarios. Deux jours plus tard, son manager l'a persuadé de reconsidérer sa décision et de chercher quelque chose qui lui plaisait et dans lequel il pourrait façonner le film. Il a accepté le poste, donnant à Finerman des notes détaillées sur le scénario et en présentant un plan détaillé. vision du film. Quatre scénaristes ont travaillé sur la propriété. Peter Hedges a écrit la première ébauche, mais ne pensait pas pouvoir faire plus ; un autre écrivain est décédé. Paul Rudnick a travaillé sur les scènes de Miranda, suivi d'une réécriture de Don Roos. Après cela, Aline Brosh McKenna, qui a pu raconter à l'histoire ses propres expériences de jeunesse en tentant de lancer une carrière de journaliste à New York, a produit une ébauche après un mois de travail qui a trouvé le juste équilibre pour Finerman et Frankel, dont les notes ont été incorporées dans une version finale, réorganisant considérablement l'intrigue, suivant le livre de moins près et concentrant l'histoire sur le conflit entre Andrea et Miranda. Elle a trouvé l'expérience d'écrire une histoire avec des protagonistes féminines qui n'était pas centrée sur une relation "très libératrice... Je sentais que j'avais le droit de faire ce que le film voulait être, une histoire de Faust, un Wall Street pour les dames". McKenna a également initialement atténué la méchanceté de Miranda à la demande de Finerman et Frankel, pour ensuite la restaurer pour Streep. Elle a ensuite cité Don Rickles comme sa principale influence pour les insultes dans le dialogue ; avant même de commencer à travailler sur le scénario, elle avait imaginé la réplique de Miranda "Take a chance. Hire the smart fat girl", qui, selon elle, résumait la disparité entre Andy et le monde dans lequel elle se trouvait. McKenna a consulté des connaissances qui travaillaient dans le monde de la mode pour rendre son scénario plus réaliste. Elle a raconté lors d'une conférence de la British Academy of Film and Television Arts en 2010 une scène qu'elle avait modifiée après l'une de ces critiques, où Nigel a dit à Andy de ne pas trop se plaindre de son travail. À l’origine, elle avait fait de son discours plutôt un discours d’encouragement et de soutien ; cependant, l'une de ces connaissances a déclaré que cela n'arriverait pas : "[Personne dans ce monde n'est gentil les uns envers les autres... Il n'y a aucune raison de l'être, et ils n'ont pas le temps." elle l'a cité comme disant. Discours du pull céruléen Le "discours céruléen", où Miranda fait le lien entre la mode des créateurs dans les pages de Runway et le pull céruléen d'Andy, critiquant le snobisme d'Andy à l'égard de la mode, a son origine dans une scène coupée de versions antérieures que Streep avait demandé à restaurer. Cela s'est lentement développé à partir de quelques lignes où la rédactrice dénigrait le sens de la mode de son assistante, jusqu'à un discours expliquant "pourquoi elle pensait que la mode était importante... Elle est tellement consciente qu'elle affecte des milliards de personnes, et ce qu'elles choisissent sur le sol et ce qu'elles pensent". ils s'habillent le matin." Streep a déclaré en 2016 qu'elle s'intéressait à "la responsabilité qui repose sur les épaules d'une femme qui était à la tête d'une marque mondiale... Cette scène ne concernait pas le plaisir de la mode, mais le marketing et les affaires". McKenna se souvient qu'elle a continué à l'étendre pour l'adapter à Streep et Frankel, mais même quelques jours avant la date prévue du tournage, elle ne savait pas si le film serait utilisé ou même tourné. Elle était en train de le réviser dans un Starbucks voisin lorsqu'elle s'est rendu compte que Miranda décrirait quelque chose non seulement de bleu (choisi comme couleur pour le pull d'Andy car cela fonctionnerait mieux à l'écran), mais qu'elle utiliserait plutôt une teinte exacte. Dans une liste de nuances qu'elle a envoyées, Streep a choisi du céruléen ; le discours final occupe presque une page du scénario, long pour un film grand public. "Je me disais que ce serait cool si la moitié de cela se retrouvait dans le film", a déclaré l'écrivain. "Chaque mot est dans le film." Les références aux collections passées des créateurs sont entièrement fictives, explique McKenna, puisque le discours a été écrit autour de la couleur du pull (cependant, le Huffington Post l'a souligné plus tard, les créateurs s'inspirent souvent de la rue). Le discours est devenu l'un des moments les plus mémorables du film ; "Le monologue signature de Miranda" à The Ringer. "'Cerulean' [n'a jamais] paru aussi sinistre", écrivait le Huffington Post en 2016. Liz Jones, ancienne rédactrice en chef du britannique Marie Claire, a déclaré que c'était "un aperçu rare de la manière dont même les représentants les plus farfelus et les plus extrêmes du la mode… influence et enrichit toutes nos vies, même si nous ne faisons nos achats que chez Marks & Spencer ou Gap." Fonderie Une fois le scénario terminé, les cinéastes et Fox se sont concentrés sur le fait que Meryl Streep joue Miranda ; Hacken a rappelé qu'elle était considérée comme si parfaite pour le rôle que personne n'avait discuté d'alternatives (bien que McKenna se souvienne d'avoir écrit un dialogue provisoire au cas où les producteurs auraient dû se contenter d'une autre actrice). Weisberger, qui au départ ne pouvait pas imaginer Streep jouer le rôle, a rappelé qu'après l'avoir vue sur le tournage, il était "clair comme de l'eau de roche" qu'elle était parfaite pour le rôle. La nouvelle que Streep rencontrerait Frankel a été célébrée chez Fox. Mais même si Streep, pour sa part, savait que le film pourrait connaître un grand succès, elle estimait que le salaire qui lui était proposé pour incarner Miranda était "légèrement, voire insultant, ne reflétait peut-être pas ma valeur réelle dans le projet". Les producteurs l'ont doublé pour atteindre environ 4 millions de dollars et elle a signé, permettant à Fox de donner son feu vert au film. Selon Frankel, Streep voyait dans le film l'occasion de « embrouiller les doyennes du monde de la mode ». Elle a trois filles et, en tant que féministe fervente, elle estime que les magazines de mode « déforment l'esprit des jeunes femmes du monde entier et leurs priorités. C'était une façon intéressante de se venger d'elles ». En outre, a-t-elle déclaré, le film a réussi le test de Bechdel. Elle a insisté sur les scènes où elle explique à Andy le lien entre le pull bleu qu'elle porte et l'industrie de la haute couture, et la scène où Miranda se confie brièvement à Andy, sans maquillage, sur son divorce. "Je voulais", a-t-elle expliqué, "voir ce visage sans son vernis protecteur, apercevoir la femme dans la femme d'affaires." Le casting d’Andy était moins clair. Fox voulait une jeune actrice de premier plan et estimait que Rachel McAdams, qui venait alors de remporter des succès dans The Notebook et Mean Girls, aiderait les perspectives commerciales du film. Cependant, elle a décliné plusieurs offres pour jouer Andy, disant au studio qu'elle essayait d'éviter les projets grand public pendant un certain temps. Hathaway, en revanche, recherchait activement le rôle, traçant « Embauchez-moi » dans le sable du jardin zen sur le bureau de Hacken lorsqu'elle parlait du projet avec le dirigeant. Même si Frankel l'aimait suffisamment pour ne pas lui demander de passer une audition, elle savait qu'elle n'était pas le premier choix du studio et devait être patiente (d'autres récits disent qu'elle était la seule actrice considérée pour le rôle principal). La chef de production de Fox, Elizabeth Gabler, a déclaré que le studio n'avait pas réalisé à quel point son public était fort après les films Princess Diaries. Elle a accepté de travailler avec Streep, mais aussi pour des raisons personnelles. Elle aussi a célébré lorsqu'elle a appris qu'elle avait obtenu le rôle. Plus d'une centaine d'actrices avaient été envisagées pour Emily avant qu'un des agents de casting ait enregistré Emily Blunt en train de lire certaines lignes ailleurs sur le terrain de Fox alors qu'elle partait pour son vol à destination de Londres après son audition pour Eragon. Bien qu'elle les ait lus avec son accent britannique natal, bien que le personnage soit écrit aussi américain qu'elle l'est dans le roman, Frankel était intéressée ; Finerman l'aimait pour son sens de l'humour. Après que les créateurs d'Eragon aient choisi une autre actrice, Frankel l'a appelée dans les toilettes d'un « club de plongée » à Londres, où elle se consolait avec sa sœur. Il lui a dit que même s'il l'aurait choisie uniquement à partir de la cassette, le studio voulait voir une autre audition avec elle habillée davantage en personnage. Elle a insisté pour continuer à jouer le personnage en tant que britannique ; Hathaway et Emily Blunt ont perdu du poids pour leurs rôles, Hathaway racontant plus tard que "[elle] et moi nous agrippions et pleurions parce que nous avions tellement faim." Blunt a ensuite démenti les rumeurs selon lesquelles elle aurait agi ainsi à la demande des cinéastes. Tucci était l'un des derniers acteurs choisis ; il a accepté de jouer Nigel seulement trois jours avant le début du tournage. Les cinéastes auraient auditionné pour le rôle le directeur créatif de Barney's, Simon Doonan, et Robert Verdi de E!, tous deux ouvertement homosexuels très visibles en tant que commentateurs de mode dans les médias. Verdi affirmera plus tard qu'il n'y avait aucune intention de l'embaucher et que les producteurs avaient simplement utilisé lui et Doonan pour donner à celui qu'ils avaient finalement choisi des recherches filmées à utiliser pour jouer un personnage gay (il se retrouverait avec un rôle de figurant en tant que personnage gay). journaliste de mode à Paris). Tucci affirme qu'il n'en était pas conscient : "Tout ce que je sais, c'est que quelqu'un m'a appelé et j'ai réalisé que c'était un rôle formidable." Il a basé le personnage sur diverses personnes qu'il connaissait, en insistant sur les lunettes qu'il portait finalement. Sunjata avait initialement lu le rôle de Tucci, plutôt sans enthousiasme puisqu'il venait de finir de jouer un personnage similaire, mais a ensuite lu le rôle de Holt et lui a demandé s'il pouvait auditionner pour celui-ci. Baker a auditionné en envoyant une vidéo de lui-même, portant la même veste verte qu'il portait lors de sa première rencontre avec Andrea. Il est largement admis que Weisberger a basé Miranda sur Anna Wintour, la puissante rédactrice en chef de Vogue. Wintour aurait averti les grands créateurs de mode qui avaient été invités à faire des apparitions dans le film qu'ils seraient bannis des pages du magazine s'ils le faisaient. Vogue et d'autres grands magazines féminins et de mode ont évité de commenter ou même de mentionner le livre dans leurs pages. Les porte-parole de Wintour nient cette affirmation, mais la costumière Patricia Field affirme que de nombreux créateurs lui ont dit qu'ils ne voulaient pas risquer la colère de Wintour. Seul Valentino, qui avait conçu la robe noire que Streep porte lors de la scène caritative du musée, a choisi de faire une apparition. Par coïncidence, il était à New York pendant le tournage et Finerman a osé Field, une connaissance, lui demander personnellement. À sa grande surprise, il accepta. Parmi les autres camées à noter, citons Heidi Klum dans le rôle d'elle-même et Weisberger dans le rôle de la nounou des jumeaux. Les débuts au cinéma de la fille de Streep en tant que barista chez Starbucks ont été interrompus. Gisele Bündchen n'a accepté de figurer dans le film que si elle ne jouait pas le rôle d'un mannequin. Tournage Le tournage principal s'est déroulé pendant 57 jours à New York et Paris entre octobre et décembre 2005. Le budget du film était de 41 millions de dollars. Il était à l'origine plus bas, ce qui a posé des problèmes dans certains lieux : l'équipe n'a pas pu obtenir l'autorisation de tourner au Museum of Modern Art ou à Bryant Park. Ballhaus, à la suggestion de Finerman et Frankel, a composé autant de plans que possible, qu'ils soient intérieurs ou extérieurs, pour capturer au moins partiellement les scènes de rue animées de New York en arrière-plan, afin de transmettre l'enthousiasme de travailler dans une industrie glamour à New York. Il a également utilisé une caméra portative lors de certaines des scènes de réunion les plus chargées dans le bureau de Miranda, pour mieux transmettre le flux de l'action et le ralenti de l'entrée d'Andrea dans le bureau après son relooking. Quelques plans de processus ont été nécessaires, principalement pour placer des vues extérieures derrière les fenêtres des plateaux de tournage et dans la Mercedes où Miranda et Andrea ont leur conversation culminante. Fox avait initialement refusé l'autorisation de laisser Frankel tourner certaines scènes du troisième acte à Paris, où il se déroule, en raison du faible budget. Mais après six semaines de tournage « cauchemardesques », il a demandé à un monteur de couper une « bobine grésillante » de moments forts. Cela a convaincu le studio d'augmenter le budget pour permettre un tournage limité à l'étranger (Streep n'y est pas allé car Fox pensait que ce serait trop cher). Agissant Plusieurs semaines après le casting de tous les rôles principaux, les acteurs se sont réunis à New York pour une lecture sur table. Hathaway était nerveuse et maladroite, se souvient-elle, car elle n'avait pas encore développé son idée du rôle ; elle a décrit sa performance à ce moment-là comme « [rien] de particulièrement impressionnant ». Blunt, en revanche, a trouvé que le rire de Streep la détendait suffisamment pour la garder concentrée sur le rôle d'Emily nerveuse et distraite. Le point culminant de la séance a été le premier trio de Streep dans le rôle de Miranda. Au lieu de la « voix stridente, autoritaire et aboyante » à laquelle tout le monde s'attendait, dit Hathaway, Streep a réduit la pièce au silence en parlant presque à voix basse. "C'était tellement inattendu et brillant." Lors de la lecture, Streep a également changé la dernière phrase de Miranda en « tout le monde veut être nous » par rapport au « moi » original. Streep a pris la décision consciente de ne pas jouer le rôle comme une impression directe de Wintour, allant jusqu'à ne pas utiliser d'accent et à rendre le personnage américain plutôt qu'anglais ("J'ai trouvé que c'était trop restrictif"). "Je pense qu'elle voulait que les gens ne confondent pas du tout le personnage de Miranda Priestly avec Anna Wintour", a déclaré Frankel. "Et c'est pourquoi, dès le début du processus, elle a décidé de lui donner un look très différent et une approche différente du personnage." Les slogans « c'est tout », « s'il vous plaît, ennuyez quelqu'un d'autre... » ; son manteau jeté sur le bureau d'Andrea et son déjeuner au steak jeté sont conservés du roman. Streep préparé en lisant un livre de la protégée de Wintour, Liz Tilberis, et les mémos de la rédactrice en chef de Vogue, Diana Vreeland. Elle a perdu tellement de poids pendant le tournage qu'il a fallu rentrer ses vêtements. Au cours de la tournée de presse du film, elle a également déclaré que sa performance dans le rôle de Miranda était inspirée par différents hommes qu'elle connaissait, mais n'a pas précisé lesquels. En 2016, elle a révélé à Variety qu'elle avait emprunté le style de parole doux de Miranda à celui de Clint Eastwood : "Il n'élève jamais la voix et tout le monde doit se pencher pour écouter, et il est automatiquement la personne la plus puissante de la pièce." Cependant, a-t-elle dit, Eastwood ne fait pas de blagues, alors elle a plutôt modelé cet aspect du personnage sur le réalisateur de théâtre et de cinéma Mike Nichols. dont la remarque tranchante, a-t-elle dit, a fait rire tout le monde, y compris la cible. "La marche, j'en ai bien peur, m'appartient", a ajouté Streep. Pour le look réel de Miranda, Streep s'est tourné vers deux femmes. La coiffure bouffante a été inspirée par le mannequin et actrice Carmen Dell'Orefice, que Streep a déclaré vouloir mélanger avec "l'élégance et l'autorité inattaquables de [la politicienne française] Christine Lagarde". Les costumes conçus par Field pour ce look ont ​​donné lieu à de nombreuses prises époustouflantes lors du montage où Miranda jette à plusieurs reprises son pardessus sur le bureau d'Andrea lorsqu'elle arrive le matin. Lorsque McKenna a vu Streep dans le rôle de Miranda pour la première fois sur le tournage, elle se souvient avoir été si terrifiée qu'elle a jeté son bras devant Frankel "comme si nous étions dans un accident de voiture". Hathaway s'est préparée pour le rôle en faisant du bénévolat pendant une semaine en tant qu'assistante dans une maison de vente aux enchères où elle a été "mise à rude épreuve", selon Weisberger, qui ajoute que Hathaway a complété cela en lui posant de nombreuses questions sur son travail pour Wintour. Frankel se souvient qu'elle était nerveuse pendant la majeure partie du tournage, en particulier lorsqu'elle travaillait tard, car Raffaello Follieri, son petit ami à l'époque, préférait fortement qu'elle ne le fasse pas ; elle avait également des problèmes de santé dus à un kyste. La réalisatrice a déclaré qu'elle était "terrifiée" avant de commencer sa première scène avec Streep, qui avait commencé sa relation de travail avec Hathaway en disant d'abord "Je pense que tu es parfait pour le rôle et je suis tellement heureuse que nous allons travailler sur ce sujet ensemble", puis l'avertissant que c'était la dernière chose gentille qu'elle dirait. Streep a également appliqué cette philosophie à tout le monde sur le plateau, gardant ses distances avec les acteurs et les membres de l'équipe à moins qu'il ne soit nécessaire de discuter de quelque chose avec eux. Elle a également suggéré la scène de la réunion éditoriale, qui ne fait pas avancer l'intrigue mais montre Miranda au travail sans la présence d'Andrea. C'était aussi son idée que Miranda ne se maquille pas dans la scène où elle s'ouvre à Andrea et s'inquiète de l'effet sur ses filles de son divorce devenu public. Blunt, pour sa part, a contribué à la phrase où elle dit à Andy "J'entends ça", tout en ouvrant et fermant sa main, "et je veux entendre ça" en la gardant fermée. En 2015, elle a déclaré à Howard Stern qu'elle avait entendu une mère dire cela à un enfant dans un supermarché pendant la production. Costumes Frankel, qui avait travaillé avec Patricia Field sur son premier long métrage Miami Rhapsody ainsi que sur Sex and the City, savait que ce que porteraient les acteurs serait de la plus haute importance dans un film se déroulant dans l'industrie de la mode. "Mon approche était de l'embaucher puis de quitter la pièce", a-t-il plaisanté plus tard. Alors que seul Valentino Garavani est apparu à l'écran, de nombreux autres designers ont aidé Field. Son budget de 100 000 $ pour les costumes du film a été complété par l'aide d'amis de l'industrie. En fin de compte, estime-t-elle, au moins 1 million de dollars de vêtements ont été utilisés dans le film, ce qui en fait l'un des films costumés les plus chers de l'histoire du cinéma. L'article le plus cher était un collier Fred Leighton de 100 000 $ sur Streep. Lorsque Hathaway entre dans le bureau après que Nigel lui ait donné accès au placard de Runway, elle est entièrement habillée en Chanel. Field a expliqué en 2016 que "je sentais qu'Annie Hathaway était organiquement une fille Chanel, par opposition, disons, à une fille Versace [ou Roberto Cavalli]". Lorsqu'elle a appelé l'entreprise pour demander de l'aide, elle a été ravie car « elle voulait voir Chanel sur une jeune fille pour lui donner un autre point de vue », la présentant comme une marque « non seulement pour les femmes d'âge moyen en costume, mais aussi pour les femmes d'âge moyen en costume ». jeune et funky. » Calvin Klein complète la garde-robe d'Andrea. Dolce & Gabbana et Calvin Klein ont également aidé Field, avec quelques contributions du designer libanais Georges Chakra. Bien que Field évite de faire ressembler Streep à Wintour, elle l'habille de généreuses portions de Prada. (Selon l'estimation de Field, 40 % des chaussures aux pieds de Streep sont des Prada.) Field a ajouté qu'une grande partie du public ne serait pas familière avec le look de Wintour et que "Meryl ne ressemble en rien à Anna, donc même si je voulais copier Anna, Je ne pouvais pas." Mais, comme Wintour et sa prédécesseure de Vogue, Diana Vreeland, les deux hommes ont réalisé que Miranda avait besoin d'un look signature, qui était principalement fourni par la perruque et les mèches blanches qu'elle portait ainsi que par les vêtements pour lesquels ils ont passé beaucoup de temps à se pencher sur les look-books. "En choisissant sa garde-robe, mon idée était qu'elle était rédactrice en chef de la mode, qu'elle avait son propre style", a déclaré Fields au Women's Wear Daily en 2016. "Nous créons un personnage original." Field a déclaré qu'elle avait évité les tendances de la mode dominantes pour Miranda pendant la production en faveur d'un look plus intemporel basé sur les archives de Donna Karan et les pièces de Michaele Vollbracht pour Bill Blass, un look qu'elle décrit comme des « vêtements de femme riche ». Elle ne voulait pas que les gens reconnaissent facilement ce que portait Miranda. Elle a contrasté Andrea et Emily en donnant à Andrea un sens du style « classique », sans trop de prise de risque, qui suggérerait des vêtements qu'un magazine de mode aurait sous la main pour les séances photo. Blunt, en revanche, était "tellement au bord qu'elle est presque en train de tomber". Pour elle, Field a choisi des pièces de Vivienne Westwood et Rick Owens pour suggérer un goût pour des vêtements plus funky et plus « underground ». Après la sortie du film, certains des looks choisis par Field sont devenus populaires, au grand amusement des cinéastes. Tucci a loué l'habileté de Field à assembler des ensembles qui étaient non seulement élégants, mais qui l'ont aidé à développer son personnage : Elle restait en quelque sorte assise là avec sa cigarette et ses cheveux, et elle préparait des trucs - ces éléments très disparates - et les assemblait dans cet ensemble, et vous disiez : "Allez, Pat, tu ne peux pas porter ça." avec ça." Elle disait : "Eh, essaie-le." Alors vous l'avez mis, et non seulement cela a fonctionné, mais cela fonctionne à tellement de niveaux différents – et cela vous permet de découvrir qui est ce gars. Ces tenues réalisent exactement ce que j’essayais de réaliser. Il y a de la flamboyance, il y a une vraie prise de risque, mais quand j'entre dans la pièce, ce n'est pas tape-à-l'œil. C'est en fait très subtil. Vous le regardez et vous dites : « Cette chemise, cette cravate, cette veste, ce gilet ? Quoi ? Mais ça marche. Il a trouvé à son goût une cravate Dries van Noten qu'il portait pendant le film et l'a conservée. Conception de production Après avoir visité certains bureaux de vrais magazines de mode, Jess Gonchor a donné aux bureaux de Runway un look blanc et épuré destiné à suggérer un maquillage compact (« les beiges chastes et les blancs d'une autorité imperméable », l'appelait Denby). Le bureau de Miranda présente de fortes similitudes avec le véritable bureau d'Anna Wintour, jusqu'à un miroir octogonal sur le mur, des photographies et un arrangement floral sur le bureau (une similitude si marquée que Wintour a fait redécorer son bureau après le film). Le magazine lui-même ressemble beaucoup à Vogue et l'une des couvertures accrochées au mur du bureau, représentant trois mannequins, est un hommage direct à la couverture d'août 2004 de ce magazine. Elle a même choisi un fond d'écran d'ordinateur distinct pour mettre en valeur différents aspects du personnage de Blunt et de Hathaway : l'Arc de Triomphe de Paris sur celui de Blunt suggère ses aspirations à accompagner Miranda aux spectacles là-bas, tandis que l'image florale sur celui d'Andy suggère les qualités naturelles et sans prétention qu'elle affiche au début. de son mandat au sein du magazine. Pour la photo d'Andrea avec ses parents, Hathaway a posé avec sa propre mère et David Marshall Grant. L'un des prétendus manuscrits de Harry Potter a ensuite été vendu aux enchères pour 586 dollars sur eBay, avec divers vêtements utilisés dans le film, au profit de Dress for Success, une organisation caritative qui fournit des vêtements professionnels pour aider les femmes à entrer sur le marché du travail. Des produits Outre les vêtements et accessoires, d’autres marques connues apparaissent dans le film. * Des ordinateurs Apple sont utilisés dans les bureaux de Runway, ce qui correspond à de nombreuses véritables sociétés d'édition. * Des bouteilles d'eau minérale italienne San Pellegrino sont visibles dans les bureaux de Runway. * Les téléphones IP Mitel sont utilisés dans le bureau de RUNWAY Magazine – y compris dans les deux bureaux de réception à l'extérieur du bureau de Miranda Priestly (jouée par Meryl Streep), rédactrice en chef du magazine. * Miranda boit du café dans un Starbucks voisin. * Andrea utilise un téléphone portable Danger Hiptop 2 (ou T-Mobile Sidekick 2) et Miranda un Motorola RAZR V3 en argent, identique à celui de Nigel. * Les deux hommes circulent fréquemment dans les berlines Lincoln Town Cars et Mercedes-Benz Classe S S550 (sans plaque d'immatriculation). * Dans l'une des scènes, Anne Hathaway conduit une Porsche 911 Carrera Cabriolet. * Andrea offre à son amie un téléphone Bang & Olufsen. Emplacements New York * Eux

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Dans la série télévisée Camberwick Green, qui vivait à Colly's Mill ?

Windy Miller

Camberwick Green (1966) est une série télévisée britannique pour enfants, initialement vue sur BBC1, mettant en vedette des marionnettes en stop-motion. Camberwick Green est le premier de la trilogie Trumptonshire, qui comprend également Trumpton et Chigley Arrière-plan La série a été écrite et produite par Gordon Murray et animée par Bob Bura, John Hardwick et Pasquale Ferrari. La musique était de Freddie Phillips tandis que la narration et le chant des chansons étaient assurés par Brian Cant. Il y a 13 épisodes couleur de quinze minutes produits par Gordon Murray Pictures. On pense que l'inspiration pour le nom proviendrait du village de Wivelsfield Green, dans l'East Sussex, soutenu par les villages voisins de Plumpton (Trumpton) et Chailey (Chigley). Chaque épisode commence par un plan d'une boîte à musique qui tourne tout en jouant une mélodie. Il est accompagné du récit suivant : Le couvercle de la boîte s’ouvre alors et le personnage fantoche central de l’épisode émerge. Après une brève introduction, le contexte apparaît et l'histoire commence. La série se déroule dans le petit village pittoresque (et fictif) de Camberwick Green, dans le Trumptonshire, habité par des personnages tels que l'agent de police McGarry (numéro 452), Mickey Murphy le boulanger, le Dr Mopp (qui fait des visites à domicile dans son millésime voiture), et la potine de la ville, Mme Honeyman, que l'on voit toujours porter son bébé. Juste à l'extérieur du village vit Jonathan Bell, propriétaire d'une "ferme mécanique moderne", qui entretient une rivalité amicale avec Windy Miller, propriétaire d'un vieux moulin à vent bruyant - mais néanmoins efficace - et fervent partisan des méthodes agricoles à l'ancienne. M. Dagenham, un vendeur ambulant qui conduit une décapotable à toit ouvert, n'apparaît qu'une seule fois. Le personnel et les cadets de Pippin Fort, une académie militaire voisine dirigée par le capitaine Snort et le sergent-major Grout apparaissent dans tous les épisodes sauf un ("Paddy Murphy"). La série mélange la technologie contemporaine avec les costumes édouardiens et les attitudes sociales. Presque tous les personnages ont leurs propres chansons thématiques et chansons de voyage. Il y a un autre personnage qui n'apparaît jamais dans les histoires ; un clown ou un pierrot sans nom qui tourne une légende à rouleau pour afficher le générique de clôture de l'émission. Chaque semaine, les villageois sont confrontés à des crises domestiques telles qu'une pénurie de farine, un essaim d'abeilles, une pénurie d'eau et des rumeurs selon lesquelles une sous-station électrique indésirable serait en cours de construction dans le village. A la fin de chaque épisode, le narrateur fait ses adieux au personnage fantoche aperçu au début et ce dernier disparaît à nouveau dans la boîte à musique. Camberwick Green n'a aucun contenu fantastique manifeste en dehors de la boîte à musique. Pour l’essentiel, il s’agit simplement de gens ordinaires qui font des choses de tous les jours, et c’est peut-être pour cette raison qu’il est resté populaire jusqu’à ce jour. Avec ses deux successeurs, la série a été rediffusée à plusieurs reprises sur la BBC jusqu'en 1985, puis sur Channel 4 de 1994 à 2000. Épisodes #"Pierre le facteur" (3 janvier 1966) # "Windy Miller" (10 janvier 1966) # "M. Crockett le garageman" (17 janvier 1966) # "Dr Mopp" (24 janvier 1966) # "Le fermier Jonathan Bell" (31 janvier 1966) # "Capitaine Snort" (7 février 1966) # "Paddy Murphy" (14 février 1966) #"Roger Varley the Sweep" (21 février 1966) #"PC McGarry" (28 février 1966) #"M. Dagenham le vendeur" (7 mars 1966) #"M. Carraway le poissonnier" (14 mars 1966) # "Mickey Murphy le Boulanger" (21 mars 1966) # "Mme Honeyman et son bébé" (28 mars 1966) Les titres des épisodes ont été donnés dans Radio Times mais n'ont pas été affichés à l'écran. Utilisation moderne Le groupe pop des années 1970 Candlewick Green partage son nom avec le titre initialement prévu de la série. (Murray avait prévu de nommer l'émission « Candlewick Green », mais a constaté que la personne qui rédigeait son contrat avait mal entendu et déformé le nom ; comme il ne s'opposait pas au nouveau nom, Murray a continué avec l'émission sous le titre mutilé.) Camberwick Green a été usurpé pour une édition 1988 de Spitting Image, sous le nom de "Gamberwick Greenbelt". Le sketch de 90 secondes présentait une marionnette Nicholas Ridley, décrit comme « le vieux Nicky Ridley, l'idiot du village », à bord d'un bulldozer qui a ensuite procédé à la démolition de tout le village pour le réaménager. En 2015, Private Eye a ressuscité la parodie sous le nom de bande dessinée « Camberwick Greenbelt », offrant un commentaire satirique sur les impacts sociaux et politiques sur la campagne britannique. Le personnage de Windy Miller et son célèbre moulin à vent sont apparus en septembre 2005 avec d'autres personnages de Camberwick Green dans des publicités pour Quaker Oats à la télévision britannique. Les marionnettes et le décor sont tous des recréations car Murray a détruit les originaux dans les années 1970. Le narrateur original, Brian Cant, a auditionné pour faire la voix off des publicités, avant que le travail ne soit confié à Charlie Higson. L'épisode cinq de la deuxième série de Life on Mars de la BBC présente une reconstitution de l'ouverture de Camberwick Green, avec une marionnette du personnage principal de la série, Sam Tyler (John Simm), sortant de la boîte à musique et désespéré par son collègue, Gene. Hunt (Philip Glenister), que l'on peut voir sous forme de marionnette « donner un coup de pied » à la fin. Cela amène plus tard Sam à menacer Hunt, lui disant de "Restez en dehors de Camberwick Green!". Il apparaît que Sam trébuche après avoir été accidentellement victime d'une overdose dans son lit d'hôpital. Encore une fois, la voix off n'a pas été fournie par Brian Cant, mais est livrée dans un style similaire. Il diffère de l'original en disant : "C'est une boîte, une boîte magique, qui joue un air magique. Mais à l'intérieur de cette boîte se trouve une surprise. Savez-vous qui est dedans aujourd'hui ?" La narration a été assurée par Brian Little, co-fondateur de Hot Animation, la société qui a créé la séquence. Son enregistrement était censé servir de guide temporaire pour aider les animateurs à chronométrer les plans, mais les producteurs de Life on Mars se sont contentés de le conserver pour la version finale. La séquence d'une minute a été conçue et animée par Paul Couvela, l'animateur superviseur de Bob the Builder. Windy Miller est apparu dans la séquence de clôture de la vidéo "Animated All Star Band" de Peter Kay, single caritatif de la BBC Children in Need 2009. Le clip de Burn the Witch de Radiohead rend hommage à Camberwick Green et à The Wicker Man. Restauration et sorties commerciales Les maîtres originaux de Camberwick Green, ainsi que ceux de ses suites Trumpton et Chigley, auraient été perdus, la plupart des copies survivantes ayant tendance à souffrir d'une qualité d'image rayée, bancale ou granuleuse et d'une bande-son étouffée. Cependant, lorsque des boîtes d'un film original ont été découvertes dans le grenier de Gordon Murray - avec d'autres images découvertes ensuite par la BBC - la trilogie a été restaurée et remasterisée pour une sortie Blu-ray en 2011. VHS En 1984, dix-huit ans plus tard après les diffusions sur la BBC en 1966. Longman Video a publié les quatre premiers épisodes, dans le cadre de sa collection Children's Treasury. Plus tard, en 1989, la BBC a publié une vidéo avec les trois derniers épisodes (dont E12 Mickey Murphy the Baker comme premier épisode, E11 Mr Carraway comme deuxième épisode et E13 Mrs Honeyman and her Baby comme dernier épisode. Puis, en 1996-1997, Telstar Home Entertainment, dans le cadre de sa gamme Star Kids, a publié trois vidéos. DVD et Blu-ray Le Camberwick Green remasterisé numériquement[http://www.guardian.co.uk/uk/2012/jan/13/camberwick-green-trumpton-cleaned-up "Nouveau, nouveau Barney McGrew : Trumpton et Camberwick Green nettoyés" ], Guardian.co.uk, 13 janvier 2012, sorti en décembre 2011 dans un pack multiple comprenant un disque Blu-ray et un DVD. Références et notes

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Qui a joué le Dr Doug Ross dans la série télévisée E.R. ?

George Clooney

Le Dr Douglas "Doug" Ross est un personnage fictif de la série télévisée ER, interprété par George Clooney. La suppression de George Clooney du générique d'ouverture du casting principal a eu lieu dans le 16ème épisode de la saison 5. Parcelle Doug Ross a été élevé par sa mère, Sarah, après que son père, Ray, ait abandonné leur famille. Dans la saison 1, il a révélé à un patient qu'il avait un fils et il dit à l'infirmière Wendy qu'il ne connaît pas le nom de son fils car il ne l'a jamais vu. On ne sait pas grand-chose d'autre sur le passé de Doug. Malgré sa vie personnelle confuse, Ross est un pédiatre dévoué aux urgences. Il s'est toujours engagé envers la médecine et les enfants et à aider quelles que soient les règles ou les conséquences. Au cours de la saison 2, Doug a sauvé un garçon coincé dans un égout pluvial inondé lors d'une tempête de pluie. Ses efforts héroïques ont été filmés à la télévision locale, faisant de lui une star médiatique. Cet événement l'a aidé à récupérer son emploi au Comté, car son superviseur en pédiatrie n'allait pas à l'origine renouveler sa bourse en raison de son manque de respect envers l'autorité. Au cours de la saison 2, Ray, le père de Ross, tente de se réconcilier avec son ancien fils. Ross a du mal à renouer avec l'homme qui l'a abandonné ainsi que sa mère. Ray possède un hôtel chic à Chicago, et Doug baisse un peu sa garde, mais est déçu lorsque son père lui propose de l'emmener à un match des Chicago Bulls et lui pose ensuite un lapin. Ross révèle plus tard la raison pour laquelle lui et sa mère ont été maltraités par son père. Doug a plus tard une liaison avec la petite amie de Ray, une femme à qui Ray a volé de l'argent, mais met fin à la relation lorsqu'il devient clair qu'elle a beaucoup de problèmes. Ross est un coureur de jupons qui sort et quitte de nombreuses femmes tout au long de la série. Ses jours de femme prennent fin brusquement après une aventure d'un soir avec une femme épileptique qui cache son état et meurt aux urgences. Ross n'a connu son nom qu'après sa mort, après quoi il arrête de sortir ensemble pendant un certain temps jusqu'à ce qu'il se remette avec Carol Hathaway, l'infirmière en chef des urgences du comté. Warner Bros. Television, le studio qui produit ER pour NBC, a gardé secret l'apparition du Dr Ross dans "Such Sweet Sorrow" de NBC, qui a fait la promotion de l'épisode comme l'au revoir de Carol Hathaway, sans aucune mention de l'apparition de Ross. La version originale de "Such Sweet Sorrow" que Warner Bros. a envoyée à NBC s'est terminée après la scène où l'on voit Hathaway dans l'avion pour Seattle. À la onzième heure, Warner Bros. a envoyé une version « éditée » de l'épisode au siège de NBC à New York pour diffusion – NBC n'a pas eu le temps de prévisualiser l'épisode avant de diffuser l'épisode prolongé dans lequel Clooney apparaît. NBC était vexée d'avoir été tenue dans l'ignorance, car elle aurait pu générer de précieux revenus publicitaires si elle avait diffusé des promotions indiquant que l'épisode marquait le retour de George Clooney. Clooney a cité les fans de la série pour expliquer la raison pour laquelle il a fait cette apparition (il voulait que les personnages de Hathaway et Ross se remettent ensemble, ce que de nombreux fans espéraient). Clooney aurait seulement demandé à être payé pour le camée. Dans l'épisode de la saison 15 « Old Times », Ross travaille comme médecin traitant au centre médical de l'Université de Washington. Il vient en aide à une grand-mère en deuil (Susan Sarandon) dont le petit-fils a été grièvement blessé dans un accident de vélo. Il parle à Sam et Neela après avoir découvert qu'ils viennent du comté, leur demandant si l'un de ses anciens collègues y travaille encore. Doug et Carol sont chargés d'obtenir le rein pour Carter et un cœur pour un autre patient du comté, mais ils ne découvrent jamais qui reçoit les organes. Carrière Dans l'épisode pilote, qui se déroule le jour de la Saint-Patrick 1994, Ross est amené aux urgences peu de temps avant son quart de travail pour être « soigné » pour ivresse par son ami de longue date, le Dr Mark Greene. Au cours des prochaines saisons, Ross se montre compatissant, mais ne fait pas toujours preuve du meilleur jugement. Son amour pour les enfants se manifeste mieux dans des situations plus sombres, comme lorsqu'un enfant est en danger. Lorsque Peter Benton parle de la façon dont les chirurgiens gèrent les cas chargés d'émotion et que les médecins des urgences ont la vie facile, Ross le laisse abasourdi dans le silence en décrivant des cas qui incluent une jeune fille qui a battu sa mère à mort, un enfant qui va perdre sa jambe à cause de lui. un cancer et un autre enfant qui meurt d'une vie d'itinérance. Son manque de jugement l'amène à aller jusqu'à agresser des parents violents aux urgences, mais son conseil dans ce cas consiste simplement à ce que le psy lui dise de ne plus recommencer. C'est un médecin passionné qui place le bien-être de ses patients, en particulier des enfants, avant sa carrière médicale. Dans un épisode, le Dr Ross sauve un jeune garçon qui se noie et est transporté par avion au County General à l'aide d'un hélicoptère de presse. Cela lui attire beaucoup d’attention, lui vaut une récompense et sauve son emploi. Ross ne gère pas bien l'autorité, même lorsque Mark est son patron. Il est pédiatre, mais dans plusieurs épisodes, il effectue des interventions médicales sur des adultes, généralement lorsque les autres médecins sont occupés. Dans un épisode, Ross apprend qu'un de ses jeunes patients, un athlète, est un homosexuel enfermé. Ross semble d'abord mal à l'aise à l'idée de parler au garçon, qui quitte l'hôpital sans révéler ce qui le trouble. Dans un autre épisode, il tente de faire une détox ultra-rapide sur un bébé toxicomane sans l'accord de la mère. Hathaway assiste, mais lorsque Greene et Weaver découvrent que la procédure est effectuée en violation de la politique de l'hôpital et de la loi, Doug est puni. Il est laissé en probation pendant 30 jours et est supervisé par le Dr Kerry Weaver et le Dr Greene, qui doivent cosigner ses dossiers. L'attitude de Doug à l'égard du traitement des patients a souvent des conséquences sur ses collègues et superviseurs, qui ont reçu des réprimandes de la part de leurs supérieurs pour les actes de Doug. Il ambitionne de devenir médecin traitant en pédiatrie d'urgence. Il obtient finalement le poste, même si les docteurs Greene et Weaver s'opposent à sa promotion parce que le poste n'est pas nécessaire et que les fonds sont nécessaires ailleurs. Greene est finalement heureux pour Ross, mais Weaver est consterné et se mobilise contre sa nouvelle position. Il démissionne à la suite d'un scandale dans lequel il montre à une mère comment contourner les verrouillages d'un Dilaudid PCA, lui permettant ainsi de donner une dose mortelle de médicaments à son fils en phase terminale. Ross avait auparavant volé du Dilaudid lors d'une étude sur les analgésiques et l'avait donné à la mère, pour être découvert par Weaver et Greene, qui l'avaient réprimandé mais avaient gardé l'incident privé. L'incident entraîne la fermeture de la clinique gratuite de Hathaway à l'hôpital, car elle a fourni le PCA à cette mère, et Ross risque une suspension de son travail et d'éventuelles accusations criminelles. Un ami de Ross le défend et les charges retenues contre lui sont abandonnées, mais Ross démissionne de l'hôpital et déménage à Seattle. Lorsque Ross part, Hathaway et lui sont en mauvais termes jusqu'à ce qu'elle découvre qu'elle est enceinte de ses jumelles. Sa clinique est rouverte plus tard, mais elle doit se présenter à son ancienne assistante. Ross a été exclu de la série parce que Clooney souhaitait se concentrer sur sa carrière cinématographique en pleine expansion. Il a également déclaré qu'il n'y avait pas d'histoire forte en place pour son personnage après la saison 5. Il est apparu à la fin de l'avant-dernier épisode de la saison 6, lorsque Carol quitte le comté de Cook pour retrouver Ross à Seattle. On lui aurait demandé de revenir brièvement dans la saison 8, pour faire une apparition dans le dernier épisode d'Anthony Edwards lors des funérailles de Greene, mais Clooney a refusé parce qu'il ne voulait pas que son apparition éclipse le départ d'un personnage bien-aimé de la série. Clooney est revenu aux urgences pour sa 15e et dernière saison en 2009 dans un arc narratif commençant par l'épisode 328, intitulé "Old Times", avec Julianna Margulies revenant également dans le rôle de Hathaway. Développement Casting et création George Clooney n'a pas reçu d'appel au casting pour la série télévisée. Il a reçu une ébauche du scénario d'un ami ; il l'a lu et s'est intéressé au rôle. Il a déclaré : "J'aime les défauts de ce gars. Je peux le jouer." Neal Baer, ​​qui a travaillé sur ER, s'est inspiré de ses expériences personnelles pour écrire les intrigues du personnage de Doug Ross. Il a fait sa résidence alors qu'il était aux urgences et est devenu pédiatre, ce qui a permis de « s'appuyer sur des dilemmes éthiques vraiment compliqués ». Caractérisation Le personnage a été décrit comme "un médecin pour enfants compliqué qui pouvait être égocentrique, colérique et généreux, frappant la bouteille pour éviter de subir les conséquences de ses actes". Réception En 2004, Ross figurait parmi les 100 plus grands personnages télévisés de Bravo. Entertainment Weekly a placé Ross dans sa liste des « 30 grands médecins et infirmières de la télévision ». Le personnage a été inclus dans la liste de Fox News des « meilleurs médecins de télévision pour le chirurgien général » et dans les 10 meilleurs médecins de la télévision du Philadelphia Magazine. Ross a également été répertorié dans les « 10 médecins masculins les plus chauds à la télévision » de Wetpaint et dans les « 16 médecins les plus chauds à la télévision » de BuzzFeed. Sa relation avec Carol Hathaway a été incluse dans la liste d'AOL TV des « meilleurs couples télé de tous les temps » et dans la même liste par TV Guide. Pour son travail sur la série, Clooney a reçu deux nominations aux Emmy Awards pour le meilleur acteur principal dans une série dramatique en 1995 et 1996. Il a également été nominé pour trois Golden Globe Awards du meilleur acteur dans une série télévisée dramatique en 1995, 1996 et 1997 ( perdant face à sa co-star Anthony Edwards).

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Qui a joué le rôle de Kate Flax dans le film Sirènes de 1990 ?

Christina Ricci

Sirènes est un film de comédie dramatique américain de 1990 réalisé par Richard Benjamin et mettant en vedette Cher, Bob Hoskins, Winona Ryder (qui a été nominée pour un Golden Globe Award de la meilleure actrice dans un second rôle pour son rôle) et Christina Ricci dans son premier rôle au cinéma. Il est basé sur le roman du même titre de 1986 écrit par Patty Dann. Il a été tourné dans et autour de la ville d'Ipswich, dans le Massachusetts, et de Pawtucket, dans le Rhode Island. Parcelle Le film est raconté par Charlotte Flax, une jeune fille de 15 ans vivant dans l'Oklahoma avec sa mère glamour mais excentrique, Rachel (qu'elle appelle « Mme Flax »), et sa sœur de 9 ans, Kate, qui l'appelle par son prénom. La narration commence au début de l'automne 1963, juste au moment où la dernière aventure de Rachel avec son employeur marié se termine et qu'elle décide de déménager à nouveau. Cette fois, ils emménagent dans une nouvelle maison près d’un couvent dans la petite ville d’Eastport, dans le Massachusetts. Charlotte est obsédée par le catholicisme et idolâtre les religieuses vivant au couvent. Rachel lui rappelle toujours qu'ils sont juifs. Kate, quant à elle, aime les océans et la natation. Elle aurait apparemment appris à le faire lorsqu'elle était bébé, ce qui lui aurait permis de remporter de nombreuses compétitions. À Eastport, Charlotte s'intéresse particulièrement à Joe, le beau gardien du couvent de 26 ans et chauffeur de bus scolaire local tandis que Rachel tombe amoureuse d'un commerçant local nommé Lou Landsky. Après l'assassinat de John F. Kennedy, Charlotte réconforte Joe dans son deuil et ils finissent par s'embrasser dans le clocher où il sonne la cloche de l'église. Après la rencontre, elle commence à jeûner afin de purger ses pensées pécheresses. Craignant bientôt que Dieu ne la punisse en la rendant enceinte (et incapable d'en parler à sa mère), elle vole la voiture de Rachel et s'enfuit. Elle s'arrête chez une "famille nucléaire parfaite" dans le Connecticut et demande à passer la nuit, leur dit qu'elle s'appelle Sal Val et d'autres histoires folles (auxquelles ils ne semblent pas complètement croire). Plus tard, elle est récupérée par Lou et ramenée à la maison. De retour à la maison, Charlotte reçoit une sévère réprimande de Rachel qui se calme après avoir bu de l'alcool écossais et dit à Charlotte qu'elle s'inquiétait pour sa sécurité et, pensant que c'est de sa faute si Charlotte s'est enfuie de chez elle, admet que même si elle n'est pas une experte en matière de parentalité, elle est prête à faire des compromis et à faire de son mieux pour prendre soin de Charlotte et de Kate. Le lendemain, Charlotte prend rendez-vous à l'hôpital le plus proche, où elle va voir un obstétricien et on lui dit qu'elle est toujours vierge. Soulagée, elle rentre chez elle, dissipé de son hypothèse selon laquelle "un baiser peut vous mettre enceinte". Lors d'une soirée costumée du Nouvel An, Lou demande à Rachel d'emménager avec lui mais elle refuse, lui rappelant qu'ils sont toujours mariés à des conjoints différents et ne veulent pas rompre avec lui ni laisser leur relation progresser, et ils ont une grosse dispute. . Rachel demande alors à Joe de la raccompagner chez lui, après quoi elle lui souhaite une bonne année et l'embrasse. Charlotte voit cela et sent que sa mère essaie de lui voler. La nuit qui suit l'incident, Charlotte s'habille avec les vêtements et le maquillage de Rachel et elle et Kate se saoulent de vin. Elle l'emmène ensuite au couvent pour voir Joe. Kate décide de rester sur place et de ramasser des pierres pendant que Charlotte monte au clocher pour retrouver Joe et finit par lui perdre sa virginité. À leur insu, Kate tombe dans une rivière et manque de se noyer, mais est sauvée par les religieuses. Rachel est très en colère contre la tournure des événements et elle et Charlotte se disputent beaucoup, décidant plus tard de déménager à nouveau pour éviter l'embarras alors que toute la ville parle de Charlotte et Joe. Cependant, Charlotte la convainc d'y rester au moins un an supplémentaire. Rachel reste sur place et sa relation avec Lou progresse. Joe déménage en Californie mais reste en contact avec Charlotte via des cartes postales, tandis qu'elle se fait une réputation au lycée et prend les mythes grecs comme sa nouvelle passion (même si Rachel lui rappelle qu'elle n'est pas grecque). Kate se remet d'une quasi-noyade bien que l'accident ait laissé son audition floue, et le film se termine avec eux trois mettant la table pour le dîner (quelque chose qu'ils n'avaient jamais fait avant que Lou n'entre dans leur vie) et dansant. Casting *Cher dans le rôle de Rachel Flax *Winona Ryder dans le rôle de Charlotte Flax *Christina Ricci dans le rôle de Kate Flax *Bob Hoskins dans le rôle de Lou Landsky *Michael Schoeffling dans le rôle de Joe Porretti *Caroline McWilliams dans le rôle de Carrie Production Le rôle de Charlotte a été initialement interprété par Emily Lloyd. Elle avait commencé le tournage du film lorsque Cher aurait déposé une plainte selon laquelle elle ne pouvait pas jouer sa fille parce qu'elle était trop blonde et que Winona Ryder l'avait remplacée. Cette déclaration serait plutôt ironique étant donné que tous les vrais enfants de Cher sont blonds/clairs. Lloyd a poursuivi Orion Pictures Corporation et Mermaid Productions, parvenant à un règlement le deuxième jour du procès, le 30 juillet 1991. Cela devait être le premier film américain du réalisateur Lasse Hallström jusqu'à ce qu'il se heurte à plusieurs reprises à Cher et soit remplacé d'abord par Frank Oz, puis par Richard Benjamin. Réponse critique Le film détient actuellement une note de 73 % sur Rotten Tomatoes, ce qui indique des critiques largement positives. Time Out New York a écrit : « Le film est chargé de détails et d'observations curieux, et sa préoccupation pour tout ce qui est aquatique (la petite sœur est une excellente nageuse, maman se déguise en sirène pour le réveillon du Nouvel An, etc.) est surmenée. La caractérisation en souffre, Charlotte et Rachel étant trop égocentriques pour engager nos sympathies. Surtout, ils ne sont tout simplement pas drôles. Vincent Canby du New York Times a écrit : "Mermaids, adapté par l'écrivaine anglaise June Roberts du roman de Patty Dann, est une comédie terriblement douce mais ironique sur la question sérieuse de grandir."

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De quelle nationalité était Sonja Henie, triple médaillée d'or olympique en patinage artistique ?

norvégien

Les Jeux olympiques d'hiver (français : Jeux olympiques d'hiver) sont un événement sportif international majeur qui a lieu une fois tous les quatre ans. Contrairement aux Jeux olympiques d'été, les Jeux olympiques d'hiver présentent des sports pratiqués sur neige et sur glace. Les premiers Jeux olympiques d'hiver, les Jeux olympiques d'hiver de 1924, ont eu lieu à Chamonix, en France. Les cinq sports originaux (répartis en neuf disciplines) étaient le bobsleigh, le curling, le hockey sur glace, le ski nordique (composé des disciplines patrouille militaire, ski de fond, combiné nordique et saut à ski) et le patinage (constitué des disciplines patinage artistique et patinage de vitesse). Les Jeux ont eu lieu tous les quatre ans de 1924 à 1936, après quoi ils ont été interrompus par la Seconde Guerre mondiale. Les Jeux olympiques ont repris en 1948 et ont eu lieu à nouveau tous les quatre ans. Jusqu'en 1992, les Jeux Olympiques d'hiver et d'été se déroulaient les mêmes années, mais conformément à une décision de 1986 du Comité International Olympique (CIO) de placer les Jeux d'été et d'hiver sur des cycles de quatre ans distincts en alternant les années paires. , les prochains Jeux olympiques d'hiver après 1992 auront lieu en 1994. Les Jeux d'hiver ont évolué depuis leur création. Des sports et disciplines ont été ajoutés et certains d'entre eux, comme le ski alpin, la luge, le patinage de vitesse sur courte piste, le ski acrobatique, le skeleton et le snowboard, ont gagné une place permanente au programme olympique. D'autres (comme le curling et le bobsleigh) ont été abandonnés puis réintroduits, ou ont été définitivement abandonnés (comme la patrouille militaire, bien que le sport olympique d'hiver moderne du biathlon en soit le descendant). D'autres encore, comme le ski de vitesse, le bandy et le skijoëring, étaient des sports de démonstration mais n'ont jamais été intégrés aux sports olympiques. L'essor de la télévision comme moyen de communication mondial a rehaussé la visibilité des Jeux. Cela a créé une source de revenus, via la vente de droits de diffusion et de publicité, devenue lucrative pour le CIO. Cela a permis à des intérêts extérieurs, tels que des sociétés de télévision et des sociétés sponsors, d’exercer une influence. Le CIO a dû faire face à plusieurs critiques, à des scandales internes, à l'utilisation de produits dopants par les athlètes olympiques d'hiver, ainsi qu'à un boycott politique des Jeux olympiques d'hiver. Les nations ont utilisé les Jeux d’hiver pour démontrer la prétendue supériorité de leurs systèmes politiques. Les Jeux olympiques d'hiver ont été organisés sur trois continents par onze pays différents. Les États-Unis ont accueilli les Jeux à quatre reprises (1932, 1960, 1980, 2002) ; La France a été l'hôte à trois reprises (1924, 1968, 1992) ; L'Autriche (1964, 1976), le Canada (1988, 2010), le Japon (1972, 1998), l'Italie (1956, 2006), la Norvège (1952, 1994) et la Suisse (1928, 1948) ont accueilli les Jeux à deux reprises. L'Allemagne (1936), la Yougoslavie (1984) et la Russie (2014) ont accueilli les Jeux une fois. Le CIO a choisi Pyeongchang, en Corée du Sud, pour accueillir les Jeux olympiques d'hiver de 2018 et Pékin, en Chine, pour accueillir les Jeux olympiques d'hiver de 2022. Aucun pays de l’hémisphère sud n’a accueilli ou même n’a été candidat à l’organisation des Jeux olympiques d’hiver ; Le défi majeur qui empêche l'organisation des jeux est la dépendance aux conditions hivernales, et le calendrier traditionnel des jeux en février tombe au milieu de l'été de l'hémisphère sud. Douze pays – l'Autriche, le Canada, les États-Unis, la Finlande, la France, la Grande-Bretagne, la Hongrie, l'Italie, la Norvège, la Pologne, la Suède, la Suisse et la Suisse – ont envoyé des athlètes à chaque Jeux olympiques d'hiver. Six d'entre eux – l'Autriche, le Canada, les États-Unis, la Finlande, la Norvège et la Suède – ont remporté des médailles à chaque Jeux olympiques d'hiver, et un seul – les États-Unis – a remporté l'or à chaque Jeux. L'Allemagne et le Japon ont parfois été interdits de participer aux Jeux. Des sports La Charte olympique limite les sports d'hiver à "ceux... qui se pratiquent sur neige ou sur glace". Depuis 1992, un certain nombre de nouveaux sports ont été ajoutés au programme olympique ; qui comprennent le patinage de vitesse sur courte piste, le snowboard, le ski acrobatique et le ski de bosses. L'ajout de ces événements a élargi l'attrait des Jeux olympiques d'hiver au-delà de l'Europe et de l'Amérique du Nord. Alors que des puissances européennes telles que la Norvège et l'Allemagne dominent toujours les sports olympiques d'hiver traditionnels, des pays comme la Corée du Sud, l'Australie et le Canada connaissent du succès dans les nouveaux sports. Les résultats sont une plus grande parité dans les tableaux nationaux des médailles, un plus grand intérêt pour les Jeux olympiques d'hiver et des audiences télévisées mondiales plus élevées. Disciplines sportives actuelles Remarque 1. Des épreuves de patinage artistique ont eu lieu aux Jeux olympiques d'été de 1908 et 1920. Note 2. Un tournoi de hockey sur glace masculin a eu lieu aux Jeux olympiques d'été de 1920. Note 3. Le site Web du CIO traite désormais la patrouille militaire masculine aux Jeux de 1924 comme un événement dans le cadre du sport du biathlon. Événements de démonstration Les sports de démonstration ont toujours fourni aux pays hôtes un moyen de faire connaître les sports populaires localement en organisant une compétition sans décerner de médailles. Les sports de démonstration ont été abandonnés après 1992. La patrouille militaire, précurseur du biathlon, était un sport médaillé en 1924 et a été démontrée en 1928, 1936 et 1948, devenant un sport officiel en 1960. L'épreuve spéciale de patinage artistique n'a été disputée qu'au Jeux olympiques d'été de 1908. Le bandy (hockey russe) est un sport populaire dans les pays nordiques et en Russie. Dans ce dernier cas, il est considéré comme un sport national. Cela a été démontré aux Jeux d'Oslo. Le sport sur glace, une variante allemande du curling, a été démontré en 1936 en Allemagne et en 1964 en Autriche. L'épreuve de ballet de ski, plus tard connue sous le nom de ski-acro, a été présentée en 1988 et 1992. Le skijöring, ski derrière des chiens, était un sport de démonstration à Saint-Moritz en 1928. Une course de chiens de traîneau a eu lieu à Lake Placid en 1932. Vitesse le ski a été démontré à Albertville aux Jeux olympiques d'hiver de 1992. Le pentathlon d'hiver, une variante du pentathlon moderne, a été inclus comme épreuve de démonstration aux Jeux de 1948 en Suisse. Elle était composée de ski de fond, de tir, de ski alpin, d'escrime et d'équitation. Histoire Premières années Un prédécesseur, les Jeux nordiques, ont été organisés par le général Viktor Gustaf Balck en 1901 et ont eu lieu à nouveau en 1903 et 1905, puis tous les quatre ans jusqu'en 1926. Balck était membre fondateur du Comité international olympique (CIO) et un ami proche. du fondateur des Jeux Olympiques Pierre de Coubertin. Il a tenté d'ajouter les sports d'hiver, en particulier le patinage artistique, au programme olympique, mais sans succès jusqu'aux Jeux olympiques d'été de 1908 à Londres, au Royaume-Uni. Quatre épreuves de patinage artistique ont été disputées, au cours desquelles Ulrich Salchow (10 fois champion du monde) et Madge Syers ont remporté les titres individuels. Trois ans plus tard, le comte italien Eugenio Brunetta d'Usseaux proposa que le CIO organise une semaine de sports d'hiver dans le cadre des Jeux olympiques d'été de 1912 à Stockholm, en Suède. Les organisateurs se sont opposés à cette idée car ils souhaitaient protéger l'intégrité des Jeux nordiques et s'inquiétaient du manque d'installations pour les sports d'hiver. L'idée a été ressuscitée pour les Jeux de 1916, qui devaient se tenir à Berlin, en Allemagne. Une semaine de sports d'hiver avec patinage de vitesse, patinage artistique, hockey sur glace et ski nordique était prévue, mais les Jeux olympiques de 1916 furent annulés après le déclenchement de la Première Guerre mondiale. Les premiers Jeux olympiques d'après-guerre, les Jeux olympiques d'été de 1920, ont eu lieu à Anvers, en Belgique, et comprenaient du patinage artistique et un tournoi de hockey sur glace. L'Allemagne, l'Autriche, la Hongrie, la Bulgarie et la Turquie ont été interdites de participer aux Jeux. Lors du Congrès du CIO tenu l'année suivante, il fut décidé que le pays hôte des Jeux olympiques d'été de 1924, la France, organiserait une « Semaine internationale des sports d'hiver » distincte sous le patronage du CIO. Chamonix a été choisie pour accueillir cette « semaine » (en réalité 11 jours) d'événements. Les Jeux se sont révélés être un succès puisque plus de 250 athlètes de 16 nations ont concouru dans 16 épreuves. Les athlètes finlandais et norvégiens ont remporté 28 médailles, soit plus que le reste des nations participantes réunies. L'Allemagne est restée interdite jusqu'en 1925 et a accueilli à la place une série de jeux appelés Deutsche Kampfspiele, à commencer par l'édition d'hiver de 1922 (qui a précédé les premiers Jeux olympiques d'hiver). En 1925, le CIO décida de créer des Jeux Olympiques d'hiver distincts et les Jeux de 1924 à Chamonix furent désignés rétroactivement comme les premiers Jeux Olympiques d'hiver. Saint-Moritz, en Suisse, a été désigné par le CIO pour accueillir les deuxièmes Jeux Olympiques d'hiver en 1928. Les conditions météorologiques fluctuantes ont mis les hôtes au défi. La cérémonie d'ouverture s'est déroulée dans une tempête de neige alors que les conditions météorologiques chaudes ont affecté les événements sportifs tout au long du reste des Jeux. En raison des conditions météorologiques, l'épreuve de patinage de vitesse du 10 000 mètres a dû être abandonnée et officiellement annulée. La météo n'est pas le seul aspect remarquable des Jeux de 1928 : la Norvégienne Sonja Henie entre dans l'histoire en remportant la compétition de patinage artistique à l'âge de 15 ans. Elle devient la plus jeune championne olympique de l'histoire, distinction qu'elle conservera pendant 74 ans. Les prochains Jeux olympiques d'hiver seront les premiers organisés hors d'Europe. Dix-sept nations et 252 athlètes y ont participé. C'était moins qu'en 1928, car le voyage jusqu'à Lake Placid, aux États-Unis, était long et coûteux pour la plupart des concurrents qui disposaient de peu d'argent en pleine Grande Dépression. Les athlètes ont participé à quatorze épreuves dans quatre sports. Pratiquement aucune neige n'est tombée pendant les deux mois précédant les Jeux, et ce n'est qu'à la mi-janvier qu'il y a eu suffisamment de neige pour accueillir toutes les épreuves. Sonja Henie a défendu son titre olympique et Eddie Eagan, qui avait été champion olympique de boxe en 1920, a remporté la médaille d'or dans l'épreuve de bobsleigh masculin pour devenir le premier, et jusqu'à présent le seul, olympien à avoir remporté des médailles d'or à la fois en été et en Jeux olympiques d'hiver. Les villes allemandes de Garmisch et Partenkirchen se sont associées pour organiser l'édition 1936 des Jeux d'hiver, qui s'est tenue du 6 au 16 février. Ce serait la dernière fois que les Jeux olympiques d'été et d'hiver auraient lieu dans le même pays la même année. Le ski alpin a fait ses débuts olympiques, mais les professeurs de ski n'ont pas été autorisés à y participer parce qu'ils étaient considérés comme des professionnels. En raison de cette décision, les skieurs suisses et autrichiens ont refusé de participer aux Jeux. La Seconde Guerre mondiale La Seconde Guerre mondiale interrompt les célébrations des Jeux olympiques d'hiver. Les Jeux de 1940 avaient été attribués à Sapporo, au Japon, mais la décision fut annulée en 1938 en raison de l'invasion japonaise de la Chine. Les Jeux ont été déplacés à Garmisch-Partenkirchen, en Allemagne, mais l'invasion allemande de la Pologne en 1939 a forcé l'annulation complète des Jeux de 1940. En raison de la guerre en cours, les Jeux de 1944, initialement prévus à Cortina D'Ampezzo, en Italie, furent annulés. 1948 à 1960 Saint-Moritz a été choisi pour accueillir les premiers Jeux d'après-guerre en 1948. La neutralité de la Suisse avait protégé la ville pendant la Seconde Guerre mondiale et la plupart des sites étaient en place depuis les Jeux de 1928, ce qui faisait de Saint-Moritz un choix logique. Elle est devenue la première ville à accueillir deux fois des Jeux olympiques d'hiver. Vingt-huit pays ont concouru en Suisse, mais les athlètes d'Allemagne et du Japon n'ont pas été invités. La controverse a éclaté lorsque deux équipes de hockey des États-Unis sont arrivées, toutes deux prétendant être les représentants légitimes du hockey olympique américain. Le drapeau olympique présenté aux Jeux olympiques d'été de 1920 à Anvers a été volé, tout comme son remplaçant. Il y a eu une parité sans précédent lors de ces Jeux, au cours desquels 10 pays ont remporté des médailles d'or, soit plus que n'importe quel autre Jeux jusqu'à présent. La flamme olympique des Jeux de 1952 à Oslo a été allumée dans la cheminée par le pionnier du ski Sondre Nordheim et le relais de la flamme a été mené par 94 participants entièrement à skis. Le bandy, un sport populaire dans les pays nordiques, a été présenté comme sport de démonstration, même si seules la Norvège, la Suède et la Finlande ont présenté des équipes. Les athlètes norvégiens ont remporté 17 médailles, dépassant ainsi toutes les autres nations. Ils étaient menés par Hjalmar Andersen qui a remporté trois médailles d'or dans quatre épreuves de patinage de vitesse. Après n'avoir pas pu accueillir les Jeux en 1944, Cortina d'Ampezzo fut sélectionnée pour organiser les Jeux olympiques d'hiver de 1956. Lors de la cérémonie d'ouverture, le dernier porteur de la flamme, Guido Caroli, est entré dans le stade olympique en patins à glace. Alors qu'il patinait autour du stade, son patin s'est accroché à un câble et il est tombé, éteignant presque la flamme. Il put récupérer et allumer le chaudron. Ce furent les premiers Jeux d'hiver à être télédiffusés et les premiers Jeux olympiques jamais diffusés à l'échelle nationale, même si aucun droit de télévision ne fut vendu avant les Jeux olympiques d'été de 1960 à Rome. Guttman (1986), p. 135 Les Jeux de Cortina ont été utilisés pour tester la faisabilité de la télédiffusion de grands événements sportifs. L’Union soviétique a fait ses débuts olympiques et a eu un impact immédiat, remportant plus de médailles que toute autre nation. Chiharu Igaya a remporté la première médaille aux Jeux olympiques d'hiver pour le Japon et le continent asiatique, en se classant deuxième en slalom. Le CIO a attribué les Jeux olympiques de 1960 à Squaw Valley, aux États-Unis. Le village étant sous-développé, on s'est précipité pour construire des infrastructures et des installations sportives comme une patinoire, une piste de patinage de vitesse et un tremplin de saut à ski. Judd (2008), pp. 27-28. Les cérémonies d'ouverture et de clôture ont été produites. par Walt Disney. Judd (2008), p. 28 Les Jeux olympiques de Squaw Valley ont connu un certain nombre de premières notables : ils ont été les premiers Jeux olympiques à avoir un village d'athlètes dédié, ils ont été les premiers à utiliser un ordinateur (avec l'aimable autorisation d'IBM) pour compiler les résultats et les premiers à présenter le patinage de vitesse féminin. événements. Les épreuves de bobsleigh ont été absentes pour la seule fois, car le comité d'organisation a jugé trop coûteux la construction de la piste de bobsleigh. 1964 à 1980 La ville autrichienne d'Innsbruck a accueilli les Jeux en 1964. Même si Innsbruck était une station de sports d'hiver traditionnelle, le temps chaud a provoqué un manque de neige pendant les Jeux et l'armée autrichienne a été chargée de transporter la neige et la glace jusqu'aux sites sportifs. La patineuse de vitesse soviétique Lidia Skoblikova est entrée dans l'histoire en remportant les quatre épreuves de patinage de vitesse. Son total de six médailles d'or en carrière a établi un record pour les athlètes des Jeux olympiques d'hiver. La luge a été disputée pour la première fois en 1964, bien que le sport ait reçu une mauvaise publicité lorsqu'un concurrent a été tué lors d'une course d'entraînement pré-olympique. Organisés dans la ville française de Grenoble, les Jeux olympiques d'hiver de 1968 ont été les premiers Jeux olympiques à être diffusés en couleur. Il y avait 37 nations et 1 158 athlètes participant à 35 épreuves. Le Français Jean-Claude Killy est devenu seulement le deuxième vainqueur de toutes les épreuves de ski alpin masculin. Le comité d'organisation a vendu les droits de télévision pour 2 millions de dollars, soit plus du double du prix des droits de diffusion des Jeux d'Innsbruck. Findling et Pelle (2004), p. 277 sites étaient répartis sur de longues distances nécessitant trois villages d'athlètes. Les organisateurs ont affirmé que cela était nécessaire pour tenir compte des progrès technologiques. Les critiques ont contesté cette affirmation, alléguant que l'aménagement était nécessaire pour offrir les meilleurs sites possibles pour les retransmissions télévisées, aux dépens des athlètes. Les Jeux d'hiver de 1972, organisés à Sapporo, au Japon, ont été les premiers à être organisés en dehors de l'Amérique du Nord ou de l'Europe. La question du professionnalisme est devenue controversée lors des Jeux de Sapporo. Trois jours avant les Jeux, le président du CIO, Avery Brundage, a menacé d'interdire la compétition à un certain nombre de skieurs alpins parce qu'ils participaient à un camp de ski à Mammoth Mountain, aux États-Unis. Brundage estimait que les skieurs avaient bénéficié financièrement de leur statut d'athlètes et n'étaient donc plus des amateurs. Finalement, seul l'Autrichien Karl Schranz, qui gagnait plus que tous les autres skieurs, n'a pas été autorisé à concourir. Le Canada n'a pas envoyé d'équipes aux tournois de hockey sur glace de 1972 ou 1976 pour protester contre son incapacité à utiliser des joueurs de ligues professionnelles. Francisco Fernández Ochoa est devenu le premier (et le seul) Espagnol à remporter une médaille d'or aux Jeux olympiques d'hiver ; il a triomphé en slalom. Les Jeux olympiques d'hiver de 1976 avaient été attribués en 1970 à Denver, aux États-Unis, mais en novembre 1972, les électeurs de l'État du Colorado ont voté contre le financement public des jeux par une marge de 3 contre 2. Le CIO a décidé d'offrir les Jeux à Vancouver-Garibaldi, en Colombie-Britannique, qui avait été candidate aux Jeux de 1976. Cependant, un changement de gouvernement provincial a amené une administration qui n'a pas soutenu la candidature olympique, et l'offre a donc été rejetée. Salt Lake City, candidate aux Jeux de 1972, s'est proposée, mais le CIO a choisi de faire appel à Innsbruck, qui avait entretenu la plupart des infrastructures des Jeux de 1964. Avec la moitié du temps nécessaire pour préparer les Jeux comme prévu, Innsbruck accepta l'invitation de remplacer Denver en février 1973. Deux flammes olympiques furent allumées car c'était la deuxième fois que la ville autrichienne accueillait les Jeux. Les Jeux de 1976 ont présenté la première piste combinée de bobsleigh et de luge, dans la ville voisine d'Igls. L'Union soviétique a remporté sa quatrième médaille d'or consécutive en hockey sur glace. En 1980, les Jeux olympiques reviennent à Lake Placid, qui avait accueilli les Jeux de 1932. Le premier boycott des Jeux olympiques d'hiver a eu lieu en 1980, lorsque Taiwan a refusé d'y participer après qu'un décret du CIO leur ait ordonné de changer leur nom et leur hymne national. Le CIO tentait de accommoder la Chine, qui souhaitait concourir en utilisant le même nom et le même hymne que ceux utilisés par Taiwan. Le patineur de vitesse américain Eric Heiden a établi un record olympique ou mondial dans chacune des cinq épreuves auxquelles il a participé. Hanni Wenzel a remporté le slalom et le slalom géant et son pays, le Liechtenstein, est devenu la plus petite nation à produire une médaille d'or olympique. Dans le "Miracle sur glace", l'équipe de hockey américaine a battu les Soviétiques favoris, puis a remporté la médaille d'or. 1984 à 1998 Sapporo, au Japon, et Göteborg, en Suède, étaient les premiers à accueillir les Jeux olympiques d'hiver de 1984. Ce fut donc une surprise lorsque Sarajevo, en Yougoslavie, fut choisie comme hôte. Les Jeux étaient bien organisés et ne laissaient aucune trace de la guerre qui allait engloutir le pays huit ans plus tard. Au total, 49 nations et 1 272 athlètes ont participé à 39 épreuves. La Yougoslavie, pays hôte, a remporté sa première médaille olympique lorsque le skieur alpin Jure Franko a remporté l'argent en slalom géant. Un autre moment fort sportif a été le spectacle de danse libre des danseurs sur glace britanniques Jayne Torvill et Christopher Dean. Leur interprétation du Boléro de Ravel leur a valu la médaille d'or après avoir obtenu des notes unanimes parfaites pour l'impression artistique. En 1988, la ville canadienne de Calgary a accueilli les premiers Jeux olympiques d'hiver d'une durée de 16 jours. De nouvelles épreuves ont été ajoutées en saut à ski et en patinage de vitesse ; tandis que les futurs sports olympiques, le curling, le patinage de vitesse sur piste courte et le ski acrobatique, font leur apparition comme sports de démonstration. Pour la première fois, les épreuves de patinage de vitesse se sont déroulées en salle, sur l'Anneau olympique. La patineuse néerlandaise Yvonne van Gennip a remporté trois médailles d'or et établi deux records du monde, battant les patineurs de l'équipe préférée d'Allemagne de l'Est à chaque course. Son total de médailles a été égalé par le sauteur à ski finlandais Matti Nykänen, qui a remporté les trois épreuves de son sport. Alberto Tomba, un skieur italien, a fait ses débuts olympiques en remportant le slalom géant et le slalom. L'Allemande de l'Est Christa Rothenburger a remporté l'épreuve féminine du 1 000 mètres de patinage de vitesse. Sept mois plus tard, elle remportera une médaille d'argent en cyclisme sur piste aux Jeux d'été de Séoul, devenant ainsi la seule athlète à remporter des médailles aux Jeux olympiques d'été et d'hiver la même année. Les Jeux de 1992 furent les derniers à se dérouler la même année que les Jeux d'été. Ils ont eu lieu en Savoie, dans la ville d'Albertville, même si seulement 18 événements ont eu lieu dans la ville. La suite des épreuves s'est répartie sur la Savoie. Les changements politiques de l'époque se reflétaient dans les équipes olympiques apparaissant en France : il s'agissait des premiers Jeux organisés après la chute du communisme et le démantèlement du mur de Berlin, et l'Allemagne concourait comme une seule nation pour la première fois depuis 1964. Jeux; les anciennes républiques yougoslaves, la Croatie et la Slovénie, ont fait leurs débuts en tant que nations indépendantes ; la plupart des anciennes républiques soviétiques concouraient encore au sein d'une seule équipe connue sous le nom d'équipe unifiée, mais les États baltes ont fait des apparitions indépendantes pour la première fois depuis avant la Seconde Guerre mondiale. À 16 ans, le sauteur à ski finlandais Toni Nieminen est entré dans l'histoire en devenant le plus jeune champion olympique d'hiver masculin. La skieuse néo-zélandaise Annelise Coberger est devenue la première médaillée olympique d'hiver de l'hémisphère sud lorsqu'elle a remporté la médaille d'argent en slalom féminin. En 1986, le CIO avait voté pour séparer les Jeux d'été et d'hiver et les placer en alternance entre années paires. Ce changement est entré en vigueur pour les Jeux de 1994, organisés à Lillehammer, en Norvège, qui sont devenus les premiers Jeux olympiques d'hiver à se dérouler séparément des Jeux d'été. Après la division de la Tchécoslovaquie en 1993, la République tchèque et la Slovaquie ont fait leurs débuts olympiques. La compétition de patinage artistique féminin a attiré l'attention des médias lorsque la patineuse américaine Nancy Kerrigan a été blessée le 6 janvier 1994, lors d'une agression planifiée par l'ex-mari de l'opposante Tonya Harding. Les deux patineurs ont participé aux Jeux, mais la médaille d'or a été remportée par Oksana Baiul. Elle est devenue la première championne olympique d'Ukraine. Le Norvégien Johann Olav Koss a remporté trois médailles d'or, se classant premier dans toutes les épreuves de patinage de vitesse sur distance. Les Jeux olympiques d'hiver de 1998 ont eu lieu dans la ville japonaise de Nagano et ont été les premiers Jeux à accueillir plus de 2 000 athlètes. Le tournoi de hockey sur glace masculin a été ouvert pour la première fois aux professionnels. Le Canada et les États-Unis, avec leurs nombreux joueurs de la LNH, étaient les favoris pour remporter le tournoi. Cependant, ni l'un ni l'autre n'ont remporté de médaille au hockey, la République tchèque l'emportant. Le hockey sur glace féminin a fait ses débuts et les États-Unis ont remporté la médaille d'or. Le Norvégien Bjørn Dæhlie a remporté trois médailles d'or en ski nordique. Il est devenu l'athlète olympique d'hiver le plus décoré avec huit médailles d'or et douze médailles au total. L'Autrichien Hermann Maier a survécu à une chute lors de la compétition de descente et est revenu pour remporter l'or en super-g et en slalom géant. Une vague de nouveaux records du monde a été établie en patinage de vitesse grâce à l'introduction du clap skate. 2002 à 2010 Les Jeux olympiques d'hiver de 2002 ont eu lieu à Salt Lake City, aux États-Unis, accueillant 77 nations et 2 399 athlètes dans 78 épreuves dans 7 sports. Ces jeux étaient les premiers à avoir lieu depuis le 11 septembre 2001, ce qui signifiait un degré de sécurité plus élevé pour éviter une attaque terroriste. Les cérémonies d'ouverture des jeux ont vu des signes des conséquences des événements de cette journée, notamment le drapeau qui flottait à Ground Zero, l'officier du NYPD Daniel Rodríguez chantant « God Bless America » et les gardes d'honneur des membres du NYPD et du FDNY. L'Allemand Georg Hackl a remporté une médaille d'argent en luge simple, devenant ainsi le premier athlète de l'histoire olympique à remporter des médailles dans la même épreuve individuelle lors de cinq Jeux olympiques consécutifs. Le Canada a réalisé un doublé sans précédent en remportant les médailles d'or au hockey sur glace masculin et féminin. Le Canada s'est retrouvé mêlé à la Russie dans une controverse concernant le jugement de la compétition de patinage artistique en couple. Le duo russe composé de Yelena Berezhnaya et Anton Sikharulidze a affronté le duo canadien composé de Jamie Salé et David Pelletier pour la médaille d'or. Les Canadiens semblent avoir suffisamment bien patiné pour remporter la compétition, mais les Russes ont pourtant remporté la médaille d'or. Le jugement a rompu avec les lignes de la guerre froide, les juges des anciens pays communistes favorisant les deux russes et les juges des pays occidentaux votant pour les Canadiens. La seule exception a été la juge française Marie-Reine Le Gougne, qui a attribué l'or aux Russes. Une enquête a révélé qu'elle avait subi des pressions pour donner l'or au duo russe, quelle que soit la façon dont ils patinaient ; en échange, le juge russe accorderait un regard favorable aux participants français au concours de danse sur glace. Le CIO a décidé de décerner la médaille d'or aux deux paires lors d'une deuxième cérémonie de remise des médailles organisée plus tard au cours des Jeux. L'Australien Steven Bradbury est devenu le premier médaillé d'or de l'hémisphère sud en remportant l'épreuve de patinage de vitesse sur courte piste sur 1 000 mètres. La ville italienne de Turin a accueilli les Jeux olympiques d'hiver de 2006. C'était la deuxième fois que l'Italie accueillait les Jeux Olympiques d'hiver. Les athlètes sud-coréens ont remporté 10 médailles, dont 6 d'or dans les épreuves de patinage de vitesse sur courte piste. Sun-Yu Jin a remporté trois médailles d'or tandis que sa coéquipière Hyun-Soo Ahn a remporté trois médailles d'or et une de bronze. Lors de la poursuite par équipe de ski de fond féminin, la Canadienne Sara Renner a cassé l'un de ses bâtons et, voyant son dilemme, l'entraîneur norvégien Bjørnar Håkensmoen a décidé de lui prêter un bâton. Ce faisant, elle a pu aider son équipe à remporter une médaille d'argent dans cette épreuve aux dépens de l'équipe norvégienne, qui a terminé quatrième. L'Allemande Claudia Pechstein est devenue la première patineuse de vitesse à remporter neuf médailles en carrière. En février 2009, Pechstein a été testée positive pour « manipulation du sang » et a été condamnée à une suspension de deux ans, dont elle a fait appel. Le Tribunal arbitral du sport a confirmé sa suspension, mais un tribunal suisse a statué qu'elle pouvait concourir pour une place dans l'équipe olympique allemande de 2010. Cette décision a été portée devant le Tribunal fédéral suisse, qui a annulé la décision du tribunal inférieur et lui a interdit de concourir à Vancouver. En 2003, le CIO a attribué les Jeux olympiques d'hiver de 2010 à Vancouver, permettant ainsi au Canada d'accueillir ses deuxièmes Jeux olympiques d'hiver. Avec une population de plus de 2,5 millions d'habitants, Vancouver est la plus grande région métropolitaine à avoir jamais accueilli des Jeux olympiques d'hiver. Plus de 2 500 athlètes de 82 pays ont participé à 86 épreuves. Le décès du lugeur géorgien Nodar Kumaritashvili lors d'un entraînement le jour de la cérémonie d'ouverture a amené le Centre des sports de glisse de Whistler à modifier le tracé de la piste pour des raisons de sécurité. La fondeuse norvégienne Marit Bjørgen a remporté cinq médailles dans les six épreuves de fond du programme féminin. Elle a terminé les Jeux olympiques avec trois médailles d'or, une d'argent et une de bronze. Les Jeux de Vancouver se sont distingués par les mauvaises performances des athlètes russes. Depuis leurs premiers Jeux olympiques d'hiver de 1956 jusqu'aux Jeux de 2006, une délégation soviétique ou russe n'a jamais été en dehors des cinq nations les plus médaillées. En 2010, ils ont terminé sixième pour le total de médailles et onzième pour les médailles d'or. Le président Dmitri Medvedev a appelé à la démission des hauts responsables sportifs immédiatement après les Jeux. Les succès des pays asiatiques contrastaient fortement avec les sous-performances de l'équipe russe, Vancouver marquant un point culminant pour les médailles remportées par les pays asiatiques. En 1992, les pays asiatiques ont remporté quinze médailles, dont trois d'or. À Vancouver, le nombre total de médailles remportées par les athlètes asiatiques est passé à trente et une, dont onze en or. La montée en puissance des nations asiatiques dans les sports des Jeux olympiques d'hiver est due en partie à la croissance des programmes de sports d'hiver et à l'intérêt porté aux sports d'hiver dans des pays comme la Corée du Sud, le Japon et la Chine. 2014 Sotchi, en Russie, a été choisie comme ville hôte des Jeux olympiques d'hiver de 2014, devant Salzbourg, en Autriche, et Pyeongchang, en Corée du Sud. C'était la première fois depuis l'éclatement de l'Union soviétique que la Russie accueillait des Jeux olympiques d'hiver. Plus de 2 800 athlètes de 88 pays ont participé à 98 épreuves. Le village olympique et le stade olympique étaient situés sur la côte de la mer Noire. Tous les sites de montagne se trouvaient à 50 km dans la région alpine connue sous le nom de Krasnaya Polyana. Les Jeux olympiques d'hiver de 2014, officiellement les XXIIes Jeux olympiques d'hiver ou les 22e Jeux olympiques d'hiver, se sont déroulés du 7 au 23 février 2014. Avenir Le 6 juillet 2011, le CIO a choisi la ville de Pyeongchang, en Corée du Sud, pour accueillir les Jeux olympiques d'hiver de 2018. La ville hôte des XXIVes Jeux Olympiques d'hiver, également connus sous le nom de Jeux olympiques d'hiver de 2022, est Pékin, élue le 31 juillet 2015 lors de la 128e Session du CIO à Kuala Lumpur. Pékin sera la première ville à accueillir les Jeux olympiques d'été et d'hiver. Controverse Le processus d'attribution des honneurs à la ville hôte a fait l'objet d'un examen minutieux après que Salt Lake City ait obtenu le droit d'accueillir les Jeux de 2002. Peu après l'annonce de la ville hôte, on a découvert que les organisateurs s'étaient livrés à un stratagème de corruption élaboré pour s'attirer les faveurs des responsables du CIO. Des cadeaux et d'autres contreparties financières ont été offerts à ceux qui évalueraient et voteraient sur la candidature de Salt Lake City. Ces cadeaux comprenaient des soins médicaux pour les proches, une bourse d'études universitaire pour le fils d'un membre et une transaction foncière dans l'Utah. Même le président du CIO, Juan Antonio Samaranch, a reçu deux fusils d'une valeur de 2 000 dollars. Samaranch a défendu le cadeau comme étant sans conséquence puisque, en tant que président, il était membre sans droit de vote. Cashmore (2005), p. 444 L'enquête qui a suivi a révélé des incohérences dans les candidatures pour chaque Jeux (d'été comme d'hiver) depuis 1988. Par exemple, les cadeaux reçus par les membres du CIO de la part du comité d'organisation japonais pour la candidature de Nagano aux Jeux olympiques d'hiver de 1998 ont été décrits par le comité d'enquête comme "astronomique". Bien que rien de strictement illégal n'ait été fait, le CIO craignait que les sponsors privés perdent confiance dans l'intégrité du processus et que la marque olympique soit ternie à un point tel que les annonceurs commenceraient à retirer leur soutien. L'enquête a abouti à l'expulsion de 10 membres du CIO et à la sanction de 10 autres. De nouvelles conditions et limites d'âge ont été établies pour l'adhésion au CIO, et 15 anciens athlètes olympiques ont été ajoutés au comité. Des règles plus strictes ont été imposées pour les futures candidatures, avec des plafonds imposés sur la valeur des cadeaux que les membres du CIO pouvaient accepter des villes candidates. L'héritage de la ville hôte Selon le CIO, la ville hôte est chargée « ... d'établir des fonctions et des services pour tous les aspects des Jeux, tels que la planification sportive, les sites, les finances, la technologie, l'hébergement, la restauration, les services médiatiques, etc., ainsi que opérations pendant les Jeux." En raison du coût de l'accueil des Jeux Olympiques, la plupart des villes hôtes ne réalisent jamais de profit sur leur investissement. Par exemple, les Jeux olympiques d'hiver de 1998 à Nagano, au Japon, ont coûté 12,5 milliards de dollars. À titre de comparaison, l'organisation des Jeux de Turin de 2006 a coûté 3,6 milliards de dollars. Les organisateurs ont affirmé que le coût de l'extension du service de train à grande vitesse de Tokyo à Nagano était responsable du prix élevé. Le comité d'organisation espérait que la visibilité des Jeux Olympiques et l'accès accéléré à Nagano depuis Tokyo seraient une aubaine pour l'économie locale pendant des années. L'économie de Nagano a connu une poussée de deux ans après les Jeux olympiques, mais les effets à long terme ne se sont pas concrétisés comme prévu. La possibilité d’une dette lourde, associée à des sites et infrastructures sportifs inutilisés qui imposent à la communauté locale des coûts d’entretien et aucune valeur pratique post-olympique, est un élément dissuasif pour les villes hôtes potentielles. Pour atténuer ces préoccupations, le CIO a adopté plusieurs initiatives. Premièrement, elle a accepté de financer une partie du budget de la ville hôte pour l'organisation des Jeux. Deuxièmement, le CIO limite les pays hôtes éligibles à ceux qui disposent des ressources et des infrastructures nécessaires pour accueillir avec succès des Jeux Olympiques sans impact négatif sur la région ou la nation. Cela élimine une grande partie du monde en développement. Enfin, les villes candidates à l'accueil des Jeux doivent ajouter un « plan d'héritage » à leur proposition. Cela nécessite que les villes hôtes potentielles et le CIO planifient en tenant compte de l'impact économique et environnemental à long terme que l'accueil des Jeux olympiques aura sur la région. Se doper En 1967, le CIO a commencé à adopter des protocoles de dépistage des drogues. Ils ont commencé par tester au hasard les athlètes aux Jeux olympiques d’hiver de 1968. Le premier athlète des Jeux d'hiver à avoir été testé positif à une substance interdite a été Alois Schloder, un joueur de hockey ouest-allemand, mais son équipe a quand même été autorisée à concourir. Au cours des années 1970, les contrôles en dehors des compétitions se sont intensifiés parce qu'ils dissuadaient les athlètes d'utiliser des médicaments destinés à améliorer la performance. Mottram (2003), p. 313 Le problème des tests à cette époque était le manque de standardisation des procédures de test, ce qui nuisait à la crédibilité des tests. Ce n’est qu’à la fin des années 1980 que les fédérations sportives internationales ont commencé à coordonner leurs efforts pour normaliser les protocoles de dépistage des drogues. Le CIO a pris la tête de la lutte contre les stéroïdes en créant l'Agence mondiale antidopage (AMA) indépendante en novembre 1999. Les Jeux olympiques d'hiver de 2006 à Turin ont été marqués par un scandale impliquant la tendance émergente du dopage sanguin, l'utilisation de transfusions sanguines ou d'hormones de synthèse telles que l'érythropoïétine (EPO) pour améliorer le flux d'oxygène et ainsi réduire la fatigue. La police italienne a effectué une descente au domicile de l'équipe autrichienne de ski de fond pendant les Jeux, où elle a saisi des échantillons et du matériel de dopage sanguin. Cet événement faisait suite à la suspension pré-olympique de 12 skieurs de fond qui avaient été testés positifs à des taux d'hémoglobine inhabituellement élevés, preuve de dopage sanguin. Commercialisation Avery Br.

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Dans quelle ville hôte des Jeux Olympiques d'hiver trouveriez-vous la Cresta Run ?

Saint-Moritz

Le Cresta Run est une piste de luge naturelle de course de skeleton sur glace située en Suisse orientale. Située dans la ville de sports d'hiver de Saint-Moritz, la piste est l'une des rares au monde entièrement dédiée au skeleton. Il a été construit en 1884 près du hameau de Cresta dans la commune de Celerina/Schlarigna par le major Bulpett, futur fondateur du St. Moritz Tobogganing Club (SMTC), George Robertson et Charles Digby Jones (Robertson et Digby Jones ont planifié le parcours proposé) , C Metcalfe et J Biddulph (les 5 qui composent le comité d'amusement extérieur de l'hôtel Kulm) et les habitants de Saint-Moritz. Ce partenariat s'est poursuivi jusqu'à aujourd'hui entre la SMTC, fondée en 1887, et la population de Saint-Moritz. Le sport des courses de luge intra-muros est né des activités naissantes de la station d'hiver de l'hôtel Kulm à Saint-Moritz au cours des hivers du début des années 1870, et les membres d'aujourd'hui se rassemblent encore pour déjeuner au « Sunny Bar » du Kulm. Aux débuts de la luge de compétition, le style prédominant était la course de luge allongée sur le dos, mais l'invention du traîneau flexible (Flexible flyer) en 1887, connu familièrement sous le nom de « l'Amérique », a conduit M. Cornish à utiliser le style tête première du Grand National de 1887. Il a terminé quatorzième en raison de quelques courses irrégulières, mais a établi une tendance et au Grand National de 1890, tous les concurrents roulaient tête première. Le style tête première est devenu pendant un certain temps connu sous le nom de course « Cresta ». Le sport et son histoire Le Cresta Run et le SMTC ont été fondés par des passionnés de luge (luge dans le langage britannique) qui ont adopté une technique de course tête première (couchée) sur une piste glacée, par opposition à la course de luge pieds premiers (en décubitus dorsal) et un peu plus rapide. . Ces deux sports en évolution étaient des prolongements naturels de l’invention des traîneaux dirigeables au début des années 1870 par les clients britanniques de l’hôtel Kulm à Saint-Moritz. Ces premiers traîneaux rudimentaires ont été développés presque accidentellement, alors que des messieurs aisés et ennuyés se sont naturellement lancés dans la compétition intra-muros dans les rues et les ruelles du centre-ville montagneux et sinueux de Saint-Moritz, mettant en danger les uns les autres et les piétons. Cela a donné l'impulsion au désir de diriger les traîneaux, et bientôt des patins et un mécanisme maladroit ont évolué pour permettre exactement cela le long des rues courbes les plus longues des années 1870. Cela permettait également des vitesses plus élevées sur les trajets plus longs. Les sentiments locaux variaient, mais les plaintes devinrent finalement véhémentes et le propriétaire de l'hôtel Kulm, Caspar Badrutt, construisit la première piste de glace naturelle pour ses invités, car il avait travaillé dur pour populariser l'hivernage dans la station de montagne et ne voulait perdre aucun client à cause de l'ennui, ni ses employés ont été blessés par des traîneaux errants dans les rues. La course Le sommet de la piste (en haut) est situé sous les vestiges d'une église du XIIe siècle, démolie en 1890, connue sous le nom de « Tour penchée ». Le dénivelé global est de 157 m et la pente varie de 2,8 à 1 à 8,7 à 1 (longueur jusqu'au dénivelé). La piste moderne de Cresta n'est pas partagée avec le bobsleigh, contrairement à la première piste de luge en half-pipe construite par l'hôtelier Caspar Badrutt pour ses invités. La majeure partie est située dans le contour d'un ravin abrupt et elle est créée à nouveau chaque hiver en utilisant le ravin rocheux et les talus de terre comme rempart pour la neige tassée de glace. Il appartient et est géré par un club exclusivement masculin créé en 1885 par des officiers militaires britanniques sous le nom officiel de St. Moritz Tobogganing Club (SMTC), mais il est généralement et plus souvent appelé « The Cresta Run ». L'exclusion des femmes du parcours, qui est toujours en vigueur, date de la fin des années 1920 et a été instituée en raison de blessures subies par des coureuses et de la croyance, bien que jamais prouvée, selon laquelle une pratique excessive de la luge provoquait le cancer du sein. Elle est entrée en vigueur officiellement en 1929, même si les femmes avaient été interdites de compétition plusieurs années plus tôt. Le parcours comporte deux entrées connues sous le nom de « sommet » et « jonction » respectivement ; et deux parties, ou rives, appelées « supérieure » et « inférieure » ou, de manière équivalente, « inférieure ». L'entrée à la jonction est adjacente au club-house SMTC et se trouve à environ un tiers de la descente depuis le « sommet » lorsque le traîneau glisse. De même, la sortie est simplement appelée arrivée, et étant donné une vitesse moyenne typique de plus de cinquante mph, un coureur expérimenté quittera le parcours à plus de 80 mph lorsqu'il roule par le « sommet ». La piste a accueilli l'épreuve de skeleton aux Jeux olympiques d'hiver de 1928 et de 1948. Ce furent les seuls Jeux olympiques de skeleton jusqu'en 2002. Informations sur les clubs L'objectif principal du club de 1 300 membres fondé en 1887 est «… l'organisation de courses et d'entraînements sur la Cresta Run et l'encouragement de la luge en général». Sans être snob, le Cresta Club rassemble des messieurs aisés et est totalement amateur. Il existe de nombreuses autres pistes de luge et de bobsleigh dans le monde, mais une seule Cresta est consacrée à la luge tête la première. Le club affirme que la plupart des autres sports de luge sont dominés par des professionnels et qu'il constitue l'un des derniers bastions du véritable amateur de sport. Comme dans de nombreux clubs sociaux, les membres sont élus à partir d’une liste de qualificatifs appelée Liste supplémentaire. Le cours est ouvert à toute personne répondant aux trois critères pour figurer sur cette liste, et ne doit pas nécessairement être anglais. Il propose de nombreux rites clubbish comme le "Firework", le "Shuttlecock Club" et une boisson dédiée, le "Bullshot". Le point culminant du Shuttlecock Club est le dîner annuel Shuttlecock. Le dîner est organisé par le Président du Volant. Les présidents éminents étaient Constantin von Liechtenstein, Gianni Agnelli, Gunter Sachs, Sir Dudley Cunliffe-Owen, Rolf Sachs, Lord Dalmeny, Graf Luca Marenzi, Marc M.K. Fischer, Lord Wrottesley et Sven Ley. Le club sponsorise plus de trente courses par saison qui s'étend généralement de juste avant Noël jusqu'à fin février. La piste est ouverte dès que cela est possible selon la saison et reste ouverte de la même manière, en fonction des conditions météorologiques, que toutes les attractions naturelles sur glace et sur neige. Membres cavaliers notables Parmi les anciens coureurs particulièrement bons figurent Nino Bibbia, Italie; Jack Heaton, États-Unis ; et Billy Fiske, USA (le premier pilote américain tué pendant la Seconde Guerre mondiale en tant que volontaire dans le « Millionaire Squadron »). En 1955, Lord Brabazon, alors âgé de 71 ans, a remporté la Cresta Run Coronation Cup à une vitesse moyenne de 71 km/h. Parmi les meilleurs cavaliers de ces dernières années : le Suisse Franco Gansser, 8 fois vainqueur du Grand National, Lord Wrottesley, a terminé quatrième aux Jeux Olympiques d'hiver de 2002 et est l'actuel détenteur du record du Top (49,92 en 2015), et l'actuel détenteur du record de Junction Johannes Badrutt ( 41.02 en 1999). Marcel Melcher était le plus jeune vainqueur (19 ans, en 1979) du Grand National Le Wing Commander Andy Green est le capitaine de l'équipe de la RAF pour la Cresta Run. Green est un pilote établi de voitures record de vitesse sur terre et détient le record de vitesse sur terre actuel qu'il a atteint en Thrust SSC. Il conduira également la voiture Bloodhound SSC pouvant atteindre 1 000 mph. Les femmes et la Cresta Bien que les règles actuelles interdisent les cavalières féminines, il n’en a pas toujours été ainsi. Par exemple, TA Cook rapporte qu'en 1895, diverses expériences ont été faites par des femmes sur la Cresta, testant différentes positions de conduite sur différents styles de luge ; bien qu'à cette époque, les cavalières étaient encouragées à n'utiliser que la moitié inférieure du parcours. Vers la fin de la saison, il y a un événement féminin dans lequel les femmes concourent depuis Junction sur invitation uniquement.

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Quelle actrice née au Canada était la star du film Barb Wire ?

Pamela Anderson

Barb Wire est un film américain de science-fiction d'action de 1996 basé sur la série de bandes dessinées Dark Horse du même nom. Brad Wyman a produit et David Hogan a réalisé. Barb Wire met en vedette Pamela Anderson dans le rôle titre. Parcelle L'intrigue du film est vaguement basée sur l'intrigue de Casablanca. Barb Wire se déroule en 2017 pendant la « Seconde Guerre civile américaine », plutôt que pendant la Seconde Guerre mondiale. De nombreux rôles ont vu leur sexe changé. Barb Wire (Pamela Anderson) est propriétaire du Hammerhead, une discothèque à Steel Harbor – « la dernière ville libre » des États-Unis ravagés par la guerre civile – et elle gagne de l'argent supplémentaire en travaillant comme mercenaire et chasseuse de primes. Le chef de la police Willis (Xander Berkeley) fait une descente dans son club. La cible de Willis est la fugitive Dr Corrina "Cora D" Devonshire (Victoria Rowell), une ancienne scientifique du gouvernement possédant des informations sur une arme biologique en cours de développement par son ancien supérieur, le colonel Pryzer (Steve Railsback) de la direction du Congrès. Le Dr Devonshire espère s'enfuir au Canada afin de rendre cette information publique. Devonshire arrive plus tard au Hammerhead. Elle est accompagnée d'Axel Hood (Temuera Morrison), un « combattant de la liberté » que Barb avait connu et aimé au début de la guerre, mais les deux ont été séparés pendant le conflit. Axel essaie d'aider Cora à arriver au Canada. Ils tentent de trouver une paire de lentilles de contact de contrebande qui permettra à Cora d'échapper au scanner rétinien à l'aéroport de Steel Harbor. Les lentilles passent entre les mains de plusieurs voyous avant de finir également dans la discothèque Barb. Plutôt que de donner les lentilles à Cora et Axel, Barb passe un accord avec « Big Fatso » (Andre Rosey Brown), le chef d'un gang de casse : Fatso veut les lentilles, qui valent une fortune au marché noir, et Barb veut un million de dollars et une escorte armée jusqu'à l'aéroport, où elle envisage de prendre l'avion pour le Canada. Mais Fatso double Barb; Lorsque Barb, Axel et Cora se présentent à la casse pour effectuer l'échange, le colonel Pryzer et ses troupes d'assaut sont également là, ainsi que le chef de la police Willis. Willis fait semblant d'arrêter Barb et Cora, mais au lieu de mettre des menottes à Barb, il lui glisse une grenade à main. Barb utilise la grenade pour tuer Fatso et provoquer suffisamment de confusion pour permettre à Barb, Axel, Cora et Willis de s'entasser dans la camionnette blindée de Barb et de mener les membres du Congrès dans une poursuite en voiture, aboutissant à un combat au corps à corps entre Barb et le colonel Pryzer. sur un chariot élévateur suspendu par une grue au-dessus du port. Pryzer tombe à mort tandis que Barb s'échappe. Finalement, le groupe arrive à l'aéroport, où Barb révèle qu'elle a toujours les lentilles de contact. Elle les donne à Cora, et Cora et Axel montent dans l'avion pour le Canada tandis que Willis et Barb restent sur le tarmac balayé par la pluie. Casting * Pamela Anderson dans le rôle de Barbara "Barb Wire" Kopetski *Temuera Morrison dans le rôle d'Axel Hood * Victoria Rowell dans le rôle du Dr Corrina "Cora D" Devonshire * Jack Noseworthy dans le rôle de Charlie Kopetski * Xander Berkeley dans le rôle d'Alexander Willis * Udo Kier dans le rôle de Curly * Steve Railsback dans le rôle du colonel Pryzer *André Rosey Brown dans le rôle de Big Fatso * Nicholas Worth dans le rôle de Ruben Tentenbaum *Clint Howard dans le rôle de Schmitz *Jennifer Banko dans le rôle de Spike *Michael Russo dans le rôle de Santos * Loren Ruben dans le rôle de Krebs * Le petit Lister 'Zeus' dans le rôle du videur * Téo en tant que Disc Jockey * Mary Anna Reyes dans le rôle de la femme dans la salle de torture Dans le film, la taille d'Anderson était lacée jusqu'à 17 pouces. Elle a réalisé certaines de ses propres cascades, même si le corset et les talons qu'elle portait rendaient les scènes de combat très difficiles. Réception Barb Wire a été mal accueilli par la critique et a été une déception au box-office. Il détient un taux d'approbation de 28 % sur Rotten Tomatoes sur la base de 36 avis (10 positifs, 26 négatifs), le consensus déclarant que "Barb Wire aurait pu être un camp amusant, mais Pamela Anderson ne peut pas livrer ses répliques de manière dramatique ou dramatique". impact comique". Roger Ebert a souligné que l'intrigue du film était identique à celle de Casablanca. Récompenses et nominations Box-office Le film a été un échec au box-office, ne rapportant que 3 794 000 $ de recettes aux États-Unis. Bande sonore Une bande originale officielle est sortie en 1996.

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Quel film de « marionnettes » de 2004, réalisé par les créateurs de South Park, fait la satire de la politique et du chauvinisme américains ?

Team America: World Police.

Team America: World Police est un film de comédie d'action satirique de 2004 mettant en vedette des marionnettes produites par Scott Rudin, Matt Stone et Trey Parker, écrit par Parker, Stone et Pam Brady et réalisé par Parker, tous également connus pour la populaire série télévisée d'animation. Parc du Sud. Le film met en vedette Parker, Stone, Kristen Miller, Masasa Moyo, Daran Norris, Phil Hendrie, Maurice LaMarche, Chelsea Marguerite, Jeremy Shada et Fred Tatasciore, et est une satire des films d'action à gros budget et de leurs clichés et stéréotypes associés, avec notamment accent humoristique sur les implications mondiales de la politique des États-Unis. Le titre est dérivé des critiques politiques nationales et internationales selon lesquelles la politique étrangère des États-Unis tente fréquemment et unilatéralement de « surveiller le monde ». Avec un casting composé de supermarionnettes, Team America se concentre sur une équipe fictive de policiers politiques paramilitaires connue sous le nom de « Team America : World Police », qui tentent de sauver le monde d'un violent complot terroriste dirigé par Kim Jong-il. L'utilisation de marionnettes à la place d'acteurs dans un film d'action fait référence à Thunderbirds, une émission de télévision britannique populaire des années 1960, bien que Stone et Parker n'en soient pas fans. Le duo a travaillé sur le scénario avec l'ancienne scénariste de South Park, Pam Brady, pendant près de deux ans. Le film a connu une période de production difficile, avec divers problèmes concernant les marionnettes, ainsi que des horaires extrêmes pour que le film sorte à temps. En outre, les cinéastes se sont battus avec la Motion Picture Association of America, qui a rendu le film plus de neuf fois avec une note NC-17. Le film a été coupé de quelques secondes et classé R pour son humour graphique grossier et sexuel, ses images violentes et son langage fort – le tout impliquant des marionnettes. Le film a été présenté en première au Denver Film Festival le 14 octobre 2004 et est sorti dans les cinémas des États-Unis le 15 octobre 2004 par Paramount Pictures. Le film a reçu des critiques majoritairement positives et a rapporté plus de 52,1 millions de dollars dans le monde contre un budget de 32 millions de dollars. Parcelle Team America: World Police, une force paramilitaire antiterroriste, a une base située à l'intérieur du mont Rushmore. L'équipe comprend Lisa, une psychologue ; Carson, son amour ; Sarah, une médium présumée ; Joe, un sportif amoureux de Sarah ; et Chris, un expert en arts martiaux qui nourrit une profonde haine envers les acteurs. L'équipe est dirigée par Spottswoode et un superordinateur nommé I.N.T.E.L.L.I.G.E.N.C.E. Après avoir traqué un groupe de terroristes à Paris, en France, l'équipe détruit par inadvertance la Tour Eiffel, l'Arc de Triomphe et le Louvre lors d'une fusillade explosive, causant plus de destructions que les terroristes n'auraient jamais pu imaginer. L'équipe considère cependant cela comme un succès. Carson propose à Lisa, mais un terroriste survivant l'abat. En remplacement, Spottswoode recrute Gary Johnston, un acteur de Broadway spécialisé en théâtre et en langues du monde. À l’insu de l’équipe, le dictateur nord-coréen Kim Jong-il fournit des armes de destruction massive aux terroristes internationaux. Grâce à ses talents d'acteur, Gary infiltre avec succès un groupe terroriste au Caire, en Égypte. L'équipe parvient à tuer les terroristes et à déjouer leur complot, mais la ville reste en ruines. Pour leurs actions concernant le Caire, l'équipe est critiquée par la Film Actors Guild (F.A.G.), un syndicat d'acteurs libéraux d'Hollywood dirigé par l'acteur préféré de Gary, Alec Baldwin, et composé également de Matt Damon, Liv Tyler, Samuel L. Jackson, Janeane. Garofalo, George Clooney, Susan Sarandon, Ethan Hawke, Helen Hunt, Martin Sheen, Danny Glover, Sean Penn et Tim Robbins. Alors que l'équipe se détend après leur victoire, Gary raconte à Lisa son enfance : son talent d'acteur a fait tuer son frère par des gorilles. Tandis qu'ils partagent des émotions tendres et font l'amour, un groupe de terroristes fait exploser le canal de Panama en représailles à ce qui s'est passé au Caire. La Film Actors Guild accuse à nouveau Team America de l'incident concernant le canal de Panama. Gary, se rendant compte que ses talents d'acteur ont encore une fois abouti à une tragédie, abandonne les autres. Les membres d'origine partent pour Derkaderkastan, mais rencontrent des terroristes et des forces nord-coréennes, qui submergent et capturent les membres de l'équipe. Le cinéaste Michael Moore s'infiltre par vengeance dans la base de l'équipe du Mont Rushmore et fait exploser la zone. En Corée du Nord, Kim Jong-il organise une cérémonie de paix, invitant la Film Actors Guild et tous les dirigeants politiques du monde. Utilisant la cérémonie comme une simple diversion, Kim Jong-il envisage de faire exploser une série de bombes à travers le monde, réduisant chaque nation au rang de pays du tiers monde. Succombant à la dépression et à l'alcoolisme, Gary se retrouve rappelé à sa responsabilité par le discours d'un vagabond ivre. De retour au mont Rushmore, il trouve la zone en ruines, bien que Spottswoode et I.N.T.E.L.L.I.G.E.N.C.E. ont survécu. Après avoir regagné la confiance de Spottswoode en lui faisant une pipe et en suivant une formation d'une journée, Gary est envoyé en Corée du Nord, où il utilise ses talents d'acteur pour libérer les autres membres. L'équipe s'engage alors dans un combat sauvage avec la Film Actors Guild dans lequel la plupart des acteurs sont brutalement tués. Après que Gary ait utilisé ses talents d'acteur pour sauver la vie de Chris, Chris avoue finalement à Gary qu'il déteste les acteurs parce qu'à l'âge de 19 ans, il a été violé par les acteurs de la comédie musicale Cats. L'équipe affronte ensuite Kim Jong-il. Gary monte sur scène et convainc les dirigeants du monde de s'unir en utilisant le discours émotionnel du vagabond. Kim Jong-il tue Alec Baldwin avec un fusil d'assaut, puis se fait jeter par-dessus un balcon par Lisa. Il est empalé sur un Pickelhaube et se révèle être un cafard extraterrestre de la planète Gyron. La blatte s'enfuit alors dans un vaisseau spatial, promettant de revenir. Alors que Gary et Lisa entament une relation, l'équipe se réunit et se prépare à combattre tous les terroristes restants dans le monde. Casting * Trey Parker dans le rôle de Gary Johnston / Joe Smith / Carson / Kim Jong-il / Hans Blix / Matt Damon / Tim Robbins / Sean Penn / Michael Moore / Helen Hunt / Susan Sarandon / Drunk in Bar / Voix supplémentaires * Matt Stone dans le rôle de Chris Roth / George Clooney / Danny Glover / Ethan Hawke / Voix supplémentaires * Kristen Miller dans le rôle de Lisa Jones * Masasa Moyo dans le rôle de Sarah Wong * Daran Norris dans le rôle de Spottswoode * Phil Hendrie dans le rôle d'I.N.T.E.L.L.I.G.E.N.C.E. / Terroriste tchétchène * Maurice LaMarche as Alec Baldwin * Chelsea Marguerite as French mother * Jeremy Shada as Jean Francois * Fred Tatasciore dans le rôle de Samuel L. Jackson * Scott Land, Tony Urbano et Greg Ballora en tant que marionnettistes principaux Le film présente également un homme habillé comme une statue géante de Kim Il-sung, deux chats vivants, deux requins nourrices et un cafard, avec la différence de taille avec les marionnettes jouées pour un effet humoristique. Une affiche des Barbi Twins figurait sur le panneau d'affichage de Times Square, faisant des Twins les seules non-marionnettes du film. Production Développement Après les « tracas » liés à la production de leur dernier film, South Park : Bigger, Longer & Uncut, Parker et Stone ont juré de ne plus jamais créer un autre film. Les premières origines du film impliquent que Parker et Stone regardent les Thunderbirds de Gerry Anderson à la télévision tout en s'ennuyant. Lorsque le duo a vu la série, ils se souvenaient de l'avoir vue à la télévision mais n'étaient pas fans. Parker a constaté que la série était incapable de retenir son intérêt en tant qu'enfant parce que "le dialogue était si explicatif et lent, et il se prenait vraiment au sérieux". Le duo s'est renseigné sur les droits de la série et a découvert qu'Universal Studios tournait un film Thunderbirds réalisé par Jonathan Frakes. "Nous avons dit : 'Quoi ? Jonathan Frakes dirige les marionnettes ?' et puis nous avons découvert qu'il s'agissait d'une version live-action, et nous avons été déçus", a déclaré Parker. Les deux hommes ont ensuite lu que The Day After Tomorrow avait été vendu à Fox en raison d'un argumentaire d'une seule ligne concernant le réchauffement climatique, que Parker et Stone ont trouvé hilarant et "insensé". Parker se souvient que Stone avait couru vers lui alors qu'il travaillait à South Park en tenant le journal, qui s'était assis et avait lu le synopsis concernant "un réchauffement climatique soudain attaquant la terre". Les deux étaient en larmes de rire. Les deux hommes ont obtenu une copie du scénario et se sont vite rendu compte que Le lendemain était le « plus grand scénario de marionnettes jamais écrit ». Dans l'intention initiale de faire une parodie de marionnettes plan par plan du Jour d'après, Parker et Stone ont été informés par leurs avocats qu'il pourrait y avoir d'éventuelles répercussions juridiques. La parodie aurait été intitulée The Day After the Day After Tomorrow et aurait été publiée un jour plus tard que The Day After Tomorrow. La nouvelle a éclaté de la signature du duo pour créer le film le 17 octobre 2002, Stone révélant que ce serait un hommage à Anderson. La nouvelle a été confirmée en juin 2003, Variety citant Stone disant: "Ce que nous voulions, c'était faire une diffusion de ces énormes films d'action super importants que réalise Jerry Bruckheimer." En écrivant Lorsque le duo a présenté Team America à Paramount Pictures, le studio pensait que le film ne serait pas un succès financier. Les deux hommes ont d'abord présenté le film à leur producteur Scott Rudin, qui a immédiatement « compris » et compris le projet, et a finalement convaincu Paramount de donner le feu vert au projet. Les dirigeants du studio n'étaient initialement pas enthousiasmés par le projet, mais ont été conquis lorsqu'ils ont vu les quotidiens diffusés. Le studio était favorable au manque de politiquement correct du film, mais était déconcerté par l'utilisation de marionnettes. Les dirigeants ont expliqué qu'ils ne pouvaient pas tirer profit d'un long métrage de marionnettes classé R, et Parker a rétorqué qu'ils avaient dit la même chose à propos d'une comédie musicale animée classée R (en référence à South Park : Bigger, Longer & Uncut). Parker, Stone et Pam Brady, partenaire d'écriture de longue date, ont passé près de deux ans à perfectionner le scénario de Team America. Pour déterminer leurs influences, ils ont étudié des dizaines de films d'action et de catastrophes populaires, tels que Alien, Top Gun et S.W.A.T. Le duo a observé Pearl Harbor pour obtenir les nuances des marionnettes lorsqu'elles se regardaient, et a également utilisé Ben Affleck comme modèle. Pour aider à façonner les héros archétypaux du film (du vrai croyant au héros réticent en passant par l'homme qui vend ses amis pour une plus grande gloire), ils ont lu les livres de Joseph Campbell. "D'un certain point de vue, c'est un gros envoi", a déclaré Brady. "Mais d'un autre côté, il s'agit de politique étrangère." La première ébauche du scénario a été rédigée bien avant la guerre en Irak. Le film vise diverses célébrités, dont beaucoup se sont prononcées contre la guerre en Irak en 2003. Brady a expliqué que le traitement réservé aux célébrités dans le film découlait de son agacement face au temps d'écran accordé aux célébrités au début de la guerre en Irak. à la place d’experts en politique étrangère. Tournage Le concept central du film était plus facile à concevoir qu'à réaliser. Team America a été produit avec un équipage d'environ 200 personnes, ce qui nécessitait parfois quatre personnes à la fois pour manipuler une marionnette. Le duo a été contraint de réécrire constamment le film pendant la production en raison du caractère limité des marionnettes. Les 270 personnages de marionnettes ont été créés par les frères Chiodo, qui avaient auparavant conçu des marionnettes pour des films tels que Elf et Dinosaure. Les costumiers de l'équipe étaient chargés de s'assurer que les plus de 1 000 costumes restaient cohérents et réalistes. La production a commencé le 23 mai 2004. Le projet a été interrompu à plusieurs reprises au début de la production. Dès le début du tournage, Parker et Stone ont travaillé pour trouver le bon ton comique ; le scénario original du film contenait beaucoup plus de blagues. Après avoir tourné la toute première scène, les deux hommes ont réalisé que les blagues ne fonctionnaient pas et que l'humour venait plutôt des marionnettes. "Les marionnettes qui font des blagues ne sont pas drôles", a découvert Stone. "Mais quand on voit des marionnettes faire du mélodrame, cracher du sang et raconter comment elles ont été violées lorsqu'elles étaient enfants, c'est drôle." Le tournage a été réalisé par trois unités filmant différentes parties en même temps. Parfois, les producteurs avaient installé jusqu'à cinq caméras pour capturer la scène. Le film était principalement basé sur le film d'action classique culte de 1982, Megaforce, dont Parker et Stone étaient fans. De nombreuses idées avaient été copiées comme la séquence de moto volante. Le film a été minutieusement rendu réaliste, ce qui a conduit à refaire divers plans tout au long du processus en raison de l'obsession de Parker et Stone pour les détails et le savoir-faire. Par exemple, la construction d'un petit Uzi à l'échelle de l'équipe américaine a coûté 1 000 dollars, et les lunettes de Kim Jong-il ont été fabriquées avec des verres correcteurs meulés à la main. Bien que les cinéastes aient embauché trois douzaines d'opérateurs de marionnettes de premier ordre, les simples performances des marionnettes étaient presque impossibles, avec un simple plan tel qu'un personnage buvant pourrait prendre une demi-journée pour être réalisé avec succès. Parker et Stone ont convenu lors de la production de Team America que c'était "la chose la plus difficile [qu'ils] aient jamais faite". Plutôt que de s'appuyer sur des effets spéciaux générés par ordinateur et ajoutés en post-production, les cinéastes ont rivalisé pour capturer chaque cascade en direct sur pellicule. Parker a comparé chaque plan à un problème mathématique compliqué. La date limite de fin septembre 2004 pour l'achèvement du film a eu des conséquences néfastes sur les deux cinéastes, tout comme diverses difficultés liées au travail avec des marionnettes. Stone, qui a décrit le film comme "le pire moment de [ma] vie", a eu recours au café pour travailler. -heures par jour, et somnifères pour aller au lit. Le film était à peine terminé à temps pour sa date de sortie, le 15 octobre. Lors d'une conférence de presse à Los Angeles le 5 octobre, les journalistes n'ont eu droit qu'à une séquence de 20 minutes de faits saillants, car le tirage n'était pas terminé. De nombreux producteurs du film, outre Parker et Stone, n'avaient même pas vu l'intégralité du film avec le mixage sonore avant la première. Notation Les cinéastes se sont battus avec la Motion Picture Association of America, qui a rendu le film plus de neuf fois avec une note NC-17. Le film a été coupé de quelques secondes et classé R pour son humour graphique grossier et sexuel, ses images violentes et son langage fort – le tout impliquant des marionnettes. Édition Même avant la soumission de la scène à la Motion Picture Association of America, Parker avait prévu de « s'amuser » en repoussant les limites en y ajoutant une scène de sexe graphique. Le duo savait que le film racé rencontrerait une certaine opposition, mais a été indigné lorsque le film est revenu avec sa note la plus sévère, NC-17. La scène de sexe d'une minute et demie avec Gary et Lisa du montage original a été réduite à 50 secondes. La scène originale montrait également les deux marionnettes urinant et déféquant l'une sur l'autre. Toute la blague était basée sur ce que les enfants font avec humour avec des poupées comme Ken et Barbie. Au moins neuf montages de la scène d'amour des marionnettes ont été présentés à la MPAA avant que le conseil d'administration n'accepte qu'elle avait été suffisamment atténuée pour se qualifier pour une note R. Parker a comparé la réticence de la MPAA pour la scène de sexe à son acceptation de la violence : « Pendant ce temps, nous prenons d'autres marionnettes et, vous savez, nous leur faisons exploser la tête, elles sont couvertes de sang et d'autres choses, et la MPAA ne l'a pas fait. j'ai un mot à dire à ce sujet." En plus de la scène de sexe, la MPAA a également été contrariée par une marionnette mangée vivante par des requins. Le duo a été confronté à un conflit similaire avec leur film précédent, South Park : Bigger, Longer & Uncut, en 1999. Musique La musique du film a été composée par Harry Gregson-Williams. La bande originale contient également "Magic Carpet Ride" interprété par Steppenwolf, "Battle Without Honor or Humanity" interprété par Tomoyasu Hotei, "Forbidden Bitter-Melon Dance" interprété par Jeff Faustman, "Bu Dunyada Askindan Olmek" interprété par Kubat et des chansons de Trey. Parker, dont "Everyone Has Aids", "Freedom Isn't Free", "America, Fuck Yeah", "America, Fuck Yeah (Bummer Remix)", "Derka Derk (Terrorist Theme)", "Only a Woman", " I'm So Ronery », « The End of an Act », « Montage » et « North Korean Melody ». Individus parodiés dans le film Les personnages célèbres représentés comme des marionnettes et ridiculisés dans le film incluent Michael Moore, Alec Baldwin, Sean Penn, Tim Robbins, Helen Hunt, George Clooney, Liv Tyler, Martin Sheen, Susan Sarandon, Janeane Garofalo, Matt Damon, Samuel L. Jackson. , Danny Glover, Ethan Hawke, Kim Jong-il, Tony Blair, la reine Elizabeth II, Peter Jennings et Hans Blix. À l'exception de Jennings, Tony Blair et la reine Elizabeth (et Sheen, dont la mort n'est pas montrée malgré son implication dans la bataille F.A.G. contre Team America), tous sont tués de manière dramatique et extrêmement violente. Les réactions des personnes parodiées ont été mitigées ; Baldwin a trouvé le projet "tellement drôle" et a exprimé son intérêt à prêter sa voix à son personnage. Dans une interview vidéo accordée au Time en 2008, Baldwin a raconté comment les camarades de classe de sa fille lui récitaient la phrase de Kim Jong-il : "Tu es inutile pour moi, Arec Bardwin." Sean Penn, qui fait des déclarations farfelues sur le bonheur et l'utopie de l'Irak avant l'arrivée de Team America, a envoyé à Parker et Stone une lettre de colère les invitant à visiter l'Irak avec lui, se terminant par les mots "va te faire foutre". George Clooney et Matt Damon seraient amis avec Stone et Parker, et Clooney a déclaré qu'il aurait été insulté s'il n'avait pas été inclus dans le film. Kim Jong-il, un cinéphile réputé, n'a jamais commenté publiquement son interprétation dans Team America : World Police, bien que peu de temps après sa sortie, la Corée du Nord ait demandé à la République tchèque d'interdire le film ; Le pays a refusé, affirmant que les Nord-Coréens avaient été repoussés dans leurs efforts visant à saper la liberté post-communiste de la République tchèque. Les cinéastes l'ont reconnu dans un DVD supplémentaire et lui ont suggéré en plaisantant de chanter "I'm So Ronery". Moore est décrit comme un gros glouton mangeur de hot-dogs qui participe à des attentats suicides et est qualifié de « belette socialiste géante » par I.N.T.E.L.L.I.G.E.N.C.E. Stone a expliqué la raison de cette représentation dans une interview sur MSNBC : Nous avons un problème très spécifique avec Michael Moore. . . . J'ai fait une interview et il ne m'a pas dénaturé ni quoi que ce soit de ce que j'ai dit dans Bowling for Columbine. Mais ce qu'il a fait, c'est mettre ce dessin animé [intitulé Une brève histoire des États-Unis d'Amérique, écrit par Moore, animé et réalisé par Harold Moss] juste après moi, ce qui donnait l'impression que nous avions fait ce dessin animé. Une scène supprimée montre également Meryl Streep et Ben Affleck (qui est représenté avec une main réelle remplaçant sa tête). Libérer La première mondiale de Team America : World Police a eu lieu le 11 octobre 2004 à Hollywood, en Californie. La première aux États-Unis a eu lieu le 14 octobre 2004 au Denver Film Festival. Paramount Pictures a sorti le film aux États-Unis le 15 octobre 2004. Médias domestiques Le film est sorti sur DVD et VHS aux États-Unis le 17 mai 2005 par Paramount Home Entertainment, disponible en versions R-rated et non-rated. Le film a été réédité sur Blu-ray le 1er janvier 2013 aux États-Unis par Paramount Home Entertainment. Réception Réponse critique Team America: World Police a reçu des critiques majoritairement positives. Sur la base de 194 critiques, le film a reçu un taux d'approbation de 77 % sur le site Web de l'agrégateur de critiques Rotten Tomatoes. Le consensus déclare : « L’équipe américaine vous offensera ou vous laissera bouche bée. Elle fera probablement les deux. » Le film détient également une note de 64 sur 100 chez Metacritic sur la base de 38 critiques, indiquant « des critiques généralement favorables ». Le créateur des Thunderbirds, Gerry Anderson, était censé avoir rencontré Parker avant le tournage, mais ils ont annulé la rencontre, reconnaissant qu'il n'apprécierait pas les jurons du film. Anderson a vu le film terminé et a estimé "qu'il y a des parties bonnes et amusantes [dans le film] mais le langage ne me plaisait pas". National Review Online a nommé le film n°24 dans sa liste des « meilleurs films conservateurs ». Brian C. Anderson a écrit: "Le dégoût total du film pour l'activisme des célébrités de gauche et tête en l'air reste inégalé dans la culture populaire." Cependant, le commentateur politique et social Andrew Sullivan considère le film brillant dans sa manière de embrouiller l'approche de la gauche et de la droite sur le terrorisme. Sullivan (un fan des autres travaux de Stone et Parker également) a popularisé le terme « républicain de South Park » pour se décrire ainsi que d'autres conservateurs fiscaux/libertaires sociaux partageant les mêmes idées. Parker lui-même est un libertaire enregistré. En août, l'agrégateur d'informations sur Internet Matt Drudge a fustigé la Paramount et les cinéastes pour avoir tenté de « se moquer de la guerre terroriste ». Une semaine plus tard, le groupe conservateur Move America Forward a critiqué le film, affirmant qu'il était « inconcevable » que les cinéastes aient usurpé les nazis pendant la Seconde Guerre mondiale. En réalité, de nombreux films se moquant des nazis ont été produits pendant la guerre, notamment Le Dictateur de Charlie Chaplin, nominé pour cinq Oscars. Avant la sortie de Team America, des déclarations ont été publiées par un « haut responsable de l'administration Bush » condamnant le film. Après avoir reçu la nouvelle, le duo a appelé et a découvert qu'il s'agissait plutôt d'un "employé junior", ce qui a amené Stone à plaisanter "Qu'est-ce que c'est – junior ou senior ? De quoi parlons-nous ici ? Qui sait ? C'était peut-être le concierge." Les deux hommes ont finalement décidé qu’il s’agissait de publicité gratuite, ce qui leur convenait parfaitement. Certains médias ont interprété la sortie du film le 15 octobre comme une sortie en salles avant les élections de novembre. En réalité, la date de sortie n’a rien à voir avec les élections ; en fait, le film devait sortir plus tôt, mais la production a pris du retard. Box-office Team America a gagné 12 120 358 $ lors de son week-end d'ouverture aux États-Unis, se classant numéro trois derrière Shark Tale et Friday Night Lights. Le film a finalement rapporté un total de 52 107 422 $, dont 32 886 074 $ de recettes nationales aux États-Unis et 18 221 348 $ de recettes internationales. Réponse des cinéastes Dans une interview avec Matt Stone après la sortie du film, Anwar Brett de la BBC a posé la question suivante. "Pour toutes les cibles sur lesquelles vous choisissez de tirer," a-t-il demandé, "George W. Bush n'en fait pas partie. Comment se fait-il?" Matt Stone a répondu : "Si vous voulez voir Bush-bashing en Amérique, vous n'avez qu'à marcher environ 3 mètres pour le trouver. Trey et moi sommes toujours attirés par ce que les autres ne font pas. Franchement, ce n'était pas le film que nous avons choisi. je voulais faire." Dans une autre interview, Parker et Stone ont précisé davantage la fin du film qui semble justifier le rôle des États-Unis en tant que « police mondiale ». Prix Bande sonore La bande originale est sortie le 19 octobre 2004 et sur CD le 10 janvier 2005 par Atlantic Records et Sony Music Entertainment. Héritage À la suite des menaces terroristes proférées par les Gardiens de la Paix en décembre 2014 lors des projections du film The Interview, qui ont conduit Sony Pictures à retirer le film de sa sortie, plusieurs cinémas, dont l'Alamo Drafthouse Cinema à Austin, au Texas, ont protesté contre cette perte en programmant des films gratuits. projections de Team America: World Police. Cependant, Paramount a retiré la distribution de Team America des cinémas, notamment ceux de Cleveland, d'Atlanta et de la Nouvelle-Orléans. Cette action est considérée par le président Barack Obama comme une attaque contre la liberté d'expression de la part des studios hollywoodiens, et d'autres comme un acte de pure lâcheté. Par la suite, les ventes du film sur Amazon ont grimpé en flèche jusqu'à ce que les copies soient épuisées en décembre 2014. Des extraits du film se moquant de Kim Jong-il devraient être inclus, aux côtés des copies de The Interview, dans des ballons remplis d'hélium lancés par Nord. Les transfuges coréens dans leur pays d'origine dans le but d'inspirer l'éducation sur les opinions du monde occidental à ce sujet.

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Quel fleuve prend sa source dans les monts Taurus et traverse la Syrie et l'Irak ?

Euphrate

Les montagnes du Taurus (turc : Toros Dağları, grec ancien : Όρη Ταύρου) sont un complexe montagneux du sud de la Turquie, séparant la région côtière méditerranéenne du sud de la Turquie du plateau anatolien central. Le système s'étend le long d'une courbe allant du lac Eğirdir à l'ouest jusqu'au cours supérieur de l'Euphrate et du Tigre à l'est. Il fait partie de la ceinture Alpide en Eurasie. Les montagnes du Taurus sont divisées en trois chaînes d'ouest en est comme suit : *Taureau occidental (Batı Toroslar) ** Akdağlar, les montagnes Bey, la montagne Katrancık, la montagne Geyik *Taureau central (Orta Toroslar) ** Montagnes Akçalı, montagnes Bolkar, montagnes Anti-Taurus, montagnes Tahtalı, montagne Aladaglar *Taureau du Sud-Est (Güneydoğu Toroslar) ** Monts Nurhak, monts Malatya, monts Maden, monts Genç, monts Bitlis Histoire De la préhistoire au début de la période romaine Le taureau était généralement le symbole et la représentation des anciens dieux de la tempête du Proche-Orient, d'où le taureau Taureau, et d'où le nom des montagnes. Les montagnes abritent de nombreux temples anciens du dieu de la tempête. Les anciens Syriens considéraient que les orages torrentiels dans ces montagnes étaient l'œuvre du dieu de la tempête Adad pour faire monter et inonder les fleuves Tigre et Euphrate et ainsi fertiliser leurs terres. Les Hurriens, probablement à l'origine des divers dieux de la tempête de l'ancien Proche-Orient, étaient un peuple que les érudits modernes placent dans les montagnes du Taurus à leurs origines probables les plus anciennes. Un site archéologique de l'âge du bronze, où les premières preuves de l'exploitation minière de l'étain ont été trouvées, se trouve à Kestel. Le col connu dans l'Antiquité sous le nom de Portes Ciliciennes traverse la chaîne au nord de Tarse. La chaîne d'Amanus, dans le sud de la Turquie, est l'endroit où les montagnes du Taurus sont poussées vers le haut lorsque trois plaques tectoniques se rejoignent. L'Amanus est une frontière naturelle : à l'ouest se trouve la Cilicie, à l'est la Syrie. Il existe plusieurs cols, comme la Porte Amanienne (Bahçe Pass), qui revêtent une grande importance stratégique. En 333 avant notre ère, lors de la bataille d'Issus, Alexandre le Grand battit Darius III Codomannus sur les contreforts le long de la côte entre ces deux cols. À l’époque du Second Temple, les auteurs juifs cherchant à établir avec plus de précision la définition géographique de la Terre promise commencèrent à interpréter le mont Hor comme une référence à la chaîne Amanus des monts Taurus, qui marquait la limite nord de la plaine syrienne. Période romaine tardive à aujourd'hui Pendant la Première Guerre mondiale, le système ferroviaire allemand et turc traversant les montagnes du Taurus s'est avéré être un objectif stratégique majeur des Alliés. Cette région a été spécifiquement mentionnée comme un objectif stratégiquement contrôlé devant être rendu aux Alliés lors de l’armistice, qui a mis fin aux hostilités contre l’Empire ottoman. Géographie Dans les montagnes d'Aladaglar et de Bolkar, le calcaire s'est érodé pour former des paysages karstiques de cascades, de rivières souterraines et de certaines des plus grandes grottes d'Asie. La rivière Manavgat prend sa source sur le versant sud de la chaîne de Beydaglari. Attractions En plus de la randonnée et de l'alpinisme, il y a deux stations de ski sur la chaîne de montagnes, l'une à Davras à environ 25 km des deux villes les plus proches d'Egirdir et Isparta, la seconde à Saklıkent à 40 km de la ville d'Antalya. Le viaduc de Varda, situé sur la ligne ferroviaire Konya-Adana dans le village de Hacıkırı dans la province d'Adana, est un pont ferroviaire de 98 m de haut construit dans les années 1910 par les Allemands. Taureau occidental Le Taurus occidental et les montagnes du Taurus forment un arc autour du golfe d'Antalya. Le plateau East Taşeli et la rivière Goksu le séparent des montagnes centrales du Taurus. Il présente de nombreux sommets qui s'élèvent au-dessus. Le complexe est divisé en quatre gammes : *Chaîne de montagnes Beydaglari, ouest, plus haut sommet, mont Kizlarsivrisi 3086 m. *Chaîne de montagnes Aladaglar, centre, plus haut sommet Mont Demirkazik 3756 m *Chaîne de montagnes Bolkar, sud-est, sommet le plus élevé, mont Medetsiz 3 524 m. *Chaîne de montagnes Munzur, nord-est, plus haut sommet, mont Akbaba 3462 m. **Chaîne de montagnes Mercan, dans le Munzur Le point culminant des Taurus centraux est le sommet du mont Demirkazık (3 756 m). Image:Taurus-mountains.png |Relief des montagnes occidentales du Taurus Image : Termessos solymos 200603.jpg | Termessos est une ancienne ville de l'ouest du Taureau Image : AntalyaSunset.JPG | Antalya avec le coucher de soleil et les montagnes à l'ouest Image : Créer une photo d'Alanья.JPG | Alanya et les montagnes environnantes Taureau central Le Taureau central est approximativement défini comme étant au nord-est de Mersin et d'Antalya. Image : AlaDaglarDirektas.jpg | Aladağlar Image :Montagnes Tahtali.jpg | Montagnes Tahtalı Image:Puertas Cilícias.jpg | Gülek, province de Mersin Image : Varda Demiryolu Koprusu.jpg | Porte de chemin de fer, province d'Adana Image :Montagnes Toros près de Mersin.jpg|Près de Mersin Image : Karagöl, Toros.JPG| Lac (Karagöl) près du sommet Taureau du sud-est Les montagnes du sud-est du Taurus forment la limite nord de la région du sud-est de l'Anatolie et du nord de la Mésopotamie. Ils sont également la source de l’Euphrate et du Tigre. Image : chou frisé.jpg | Quartier du château de Malatya et sud-est du Taureau Image : Barrage de Karakaya-GAP.jpg | Barrage de Karakaya.

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Après le succès aux élections de 1979, dont le discours à la conférence du parti comprenait les lignes « vous vous tournez si vous voulez, la dame n'est pas pour vous tourner » ?

Margaret Thatcher

Les élections générales britanniques de 1979 ont eu lieu le 3 mai 1979 pour élire 635 membres à la Chambre des communes britannique. Le Parti conservateur, dirigé par Margaret Thatcher, a évincé le gouvernement travailliste actuel de James Callaghan avec une majorité parlementaire de 44 sièges. L'élection a été la première des quatre victoires électorales consécutives du Parti conservateur, et Thatcher est devenue la première femme élue chef de gouvernement du Royaume-Uni et d'Europe. La législature précédente avait débuté en octobre 1974, lorsque Harold Wilson avait mené les travaillistes à une majorité de trois sièges, mais en 18 mois, il avait démissionné de son poste de Premier ministre pour être remplacé par James Callaghan, et en un an, la faible majorité parlementaire du gouvernement avait disparu. . Callaghan avait conclu des accords avec les libéraux, les unionistes d'Ulster ainsi qu'avec les nationalistes écossais et gallois pour rester au pouvoir. Cependant, le 28 mars 1979, après la défaite du référendum écossais sur la décentralisation, Thatcher déposa une motion de censure à l'égard du gouvernement travailliste de James Callaghan, qui fut adoptée par une seule voix (311 contre 310), déclenchant des élections générales cinq mois avant la fin. du mandat du gouvernement. La campagne travailliste a été entravée par la série de conflits du travail et de grèves au cours de l'hiver 1978-79, connu sous le nom d'hiver du mécontentement, et le parti a concentré sa campagne sur le soutien au service national de santé et au plein emploi. Après d'intenses spéculations médiatiques, Callaghan avait annoncé au début de l'automne 1978 qu'une élection générale n'aurait pas lieu cette année-là, après avoir reçu des données de sondages privés suggérant qu'une majorité parlementaire était peu probable. La campagne conservatrice a fait appel à l'agence de publicité Saatchi & Saatchi et s'est engagée à contrôler l'inflation ainsi qu'à limiter le pouvoir des syndicats. Le Parti libéral a été endommagé par les allégations selon lesquelles son ancien chef Jeremy Thorpe aurait été impliqué dans une liaison homosexuelle et aurait conspiré pour assassiner son ancien amant. Les libéraux étaient désormais dirigés par David Steel, ce qui signifie que les trois principaux partis se présentaient aux élections avec un nouveau chef. L'élection a vu un basculement de 5,2 % du parti travailliste vers les conservateurs, le plus grand basculement depuis les élections de 1945, remportées par Clement Attlee pour le parti travailliste. Margaret Thatcher est devenue Premier ministre et Callaghan a été remplacé à la tête du parti travailliste par Michael Foot en 1980. Les résultats des élections ont été diffusés en direct sur la BBC et présentés par David Dimbleby, Robert McKenzie, David Butler et Robin Day. C'était la première élection générale à présenter la chanson Arthur de Rick Wakeman dans la couverture de la BBC. Chronologie Après avoir subi un vote de censure le 28 mars 1979, le Premier ministre James Callaghan fut contraint d'annoncer qu'il demanderait la dissolution du Parlement pour déclencher des élections générales. Les dates clés ont été les suivantes : Arrière-plan L'économie britannique dans les années 1970 était si faible que le ministre travailliste James Callaghan a mis en garde ses collègues membres du Cabinet en 1974 contre la possibilité d'un « effondrement de la démocratie », en leur disant : « Si j'étais un jeune homme, j'émigrerais ». Callaghan succède à Harold Wilson au poste de Premier ministre travailliste après la démission surprise de ce dernier en avril 1976. En mars 1977, le parti travailliste est devenu un gouvernement minoritaire après plusieurs défaites aux élections partielles, et de mars 1977 à août 1978, Callaghan est gouverné par un accord avec le Parti libéral par le biais d'un accord avec le Parti libéral. le pacte Lib-Lab. Callaghan avait envisagé de déclencher des élections à l'automne 1978, mais a finalement décidé que des réductions d'impôts imminentes et une éventuelle reprise économique en 1979 pourraient favoriser son parti dans les urnes en organisant les élections plus tard. Même si les sondages d'opinion publiés suggéraient qu'il pourrait gagner, des sondages privés commandés par le Parti travailliste à MORI suggéraient que les deux principaux partis bénéficiaient à peu près du même niveau de soutien. Cependant, les événements allaient bientôt rattraper le gouvernement travailliste. Une série de conflits du travail au cours de l'hiver 1978-1979, surnommé « l'hiver du mécontentement », a conduit à des grèves généralisées dans tout le pays et a gravement nui à la position du parti travailliste dans les sondages. Lorsque le Parti national écossais (SNP) a retiré son soutien au Scotland Act 1978, un vote de censure a été organisé et adopté par une voix le 28 mars 1979, forçant Callaghan à convoquer des élections générales. Comme les élections précédentes avaient eu lieu en octobre 1974, les travaillistes auraient pu tenir jusqu'à l'automne 1979 sans la perte du vote de confiance. Margaret Thatcher avait remporté les élections à la direction de son parti en 1975 face à l'ancien chef Edward Heath. David Steel avait remplacé Jeremy Thorpe à la tête du Parti libéral en 1976, après que des allégations d'homosexualité et de complot en vue du meurtre de son ancien amant aient forcé Thorpe à démissionner. L'affaire Thorpe a entraîné une chute du vote libéral après ce que l'on pensait être une percée lors des élections de février 1974. Campagne Il s'agissait de la première élection depuis 1959 à laquelle étaient présentés trois nouveaux dirigeants pour les principaux partis politiques. Les trois principaux partis se sont tous prononcés en faveur d'une réduction de l'impôt sur le revenu. Les travaillistes et les conservateurs n'ont pas précisé les seuils exacts d'impôt sur le revenu qu'ils mettraient en œuvre, mais les libéraux l'ont fait, affirmant qu'ils auraient un impôt sur le revenu commençant à 20 % avec un taux maximum de 50 %. Travail La campagne travailliste a réitéré son soutien au service national de santé et au plein emploi et s'est concentrée sur les dommages qu'ils pensaient que les conservateurs causeraient au pays. Lors d'une première émission de campagne, Callaghan a demandé : "La question que vous devrez vous poser est de savoir si nous risquons de tout détruire par les racines". Vers la fin de la campagne travailliste, Callaghan a affirmé qu'un gouvernement conservateur « resterait les bras croisés et permettrait simplement aux entreprises de faire faillite et de perdre des emplois au milieu d'une récession mondiale » et que les conservateurs étaient « un pari trop gros à prendre ». Le manifeste du Parti travailliste « La voie travailliste est la meilleure » a été publié le 6 avril. Callaghan a présenté quatre priorités : #(i) « Nous devons maintenir un frein à l'inflation et aux prix » ; #(ii) "nous poursuivrons la tâche de mettre en pratique le nouveau cadre pour améliorer les relations professionnelles que nous avons élaboré avec le TUC" #(iii) « nous accordons une haute priorité à œuvrer pour un retour au plein emploi » ; #(iv) « nous sommes profondément soucieux d'élargir la liberté du peuple » ; et « nous utiliserons l’influence de la Grande-Bretagne pour renforcer la paix mondiale et vaincre la pauvreté mondiale ». Conservateurs Les conservateurs ont fait campagne sur les questions économiques, s'engageant à contrôler l'inflation et à réduire le pouvoir croissant des syndicats qui soutenaient les grèves de masse. Ils ont également fait appel à l'agence de publicité Saatchi & Saatchi qui a créé pour eux l'affiche Labour Is not Working. La campagne conservatrice visait à obtenir le soutien des électeurs travaillistes traditionnels qui n'avaient jamais voté conservateur auparavant, des nouveaux électeurs et des personnes qui avaient voté libéral en 1974. Les conseillers de Thatcher, Gordon Reece et Timothy Bell, ont coordonné leur présentation avec le rédacteur en chef de Le Soleil, Larry Lamb. Le Sun a publié une série d’articles rédigés par d’anciens ministres travaillistes désillusionnés (Reginald Prentice, Richard Marsh, Lord George-Brown, Alfred Robens et Lord Chalfont) expliquant pourquoi ils avaient changé leur soutien en faveur de Thatcher. Elle a explicitement demandé le soutien des électeurs travaillistes lorsqu’elle a lancé sa campagne à Cardiff, affirmant que le parti travailliste était désormais extrémiste. Le Manifeste conservateur, publié le 11 avril, reflète les vues de Thatcher. Il promet cinq politiques majeures : #"(i) restaurer la santé de notre vie économique et sociale, en maîtrisant l'inflation et en établissant un juste équilibre entre les droits et les devoirs du mouvement syndical ; #(ii) rétablir les incitations afin que le travail acharné soit récompensé, que le succès soit récompensé et que de véritables nouveaux emplois soient créés dans une économie en expansion ; #(iii) faire respecter le Parlement et l'État de droit ; #(iv) soutenir la vie familiale, en aidant les gens à devenir propriétaires, en élevant le niveau d'éducation de leurs enfants et en concentrant les services sociaux sur le soutien efficace aux personnes âgées, aux malades, aux handicapés et à ceux qui en ont réellement besoin; et #(v) renforcer les défenses britanniques et travailler avec nos alliés pour protéger nos intérêts dans un monde de plus en plus menaçant. » Une analyse des élections a montré que les conservateurs ont obtenu un swing de 11 % parmi la classe ouvrière qualifiée (les C2) et un swing de 9 % parmi la classe ouvrière non qualifiée (les DE). Résultats En fin de compte, la variation globale de 5,2 % a été la plus importante depuis 1945 et a donné aux conservateurs une majorité viable de 43 voix pour la première femme Premier ministre du pays. La victoire des Conservateurs en 1979 a également marqué un changement de gouvernement qui s'est poursuivi pendant 18 ans jusqu'à la victoire des Travaillistes en 1997. Le SNP a connu un effondrement massif de ses soutiens, perdant neuf de ses 11 députés. Les libéraux ont connu des élections décevantes. leur ancien chef, Jeremy Thorpe, victime d'un scandale, a perdu son siège dans le nord du Devon au profit des conservateurs. |} Toutes les fêtes affichées. N.-B. Le Parti unioniste progressiste d'avant-garde s'est replié en 1978. Sur ses trois députés, deux ont rejoint le Parti unioniste d'Ulster (l'un a occupé son siège, l'autre a perdu face au Parti unioniste démocratique) et le troisième a défendu et occupé son siège pour le Parti unioniste uni d'Ulster. . James Kilfedder avait déjà été élu député unioniste d'Ulster, mais a quitté le parti, défendant et occupant son siège d'unioniste indépendant d'Ulster. Il a ensuite fondé le Parti unioniste populaire d'Ulster mais n'a pas utilisé cette étiquette lors de cette élection. Résumé des votes Récapitulatif des sièges Les titulaires vaincus Conservateur *Teddy Taylor (Glasgow Cathcart) *Andrew MacKay (Birmingham Stechford) – Victoire à l'élection partielle *Richard Page (Workington) – Victoire aux élections partielles *Tim Smith (Ashfield) – Victoire aux élections partielles *Robin Hodgson (Walsall Nord) – Victoire à l'élection partielle Travail *Geoffrey Edge (Aldridge-Brownhills) *Eric Moonman (Basildon) *Alfred Bates (Bebington et Ellesmere Port) *Roderick MacFarquhar (Belper) *Raymond Carter (Birmingham Northfield) - Ministre d'État au bureau d'Irlande du Nord *Tom Litterick (Birmingham Selly Oak) *Syd Tierney (Birmingham Yardley) - Président du Syndicat des travailleurs des ateliers, de la distribution et des secteurs connexes *Caerwyn Roderick (Brecon et Radnor) *Ronald Thomas (Bristol Nord-Ouest) *George Rodgers (Chorley) *Sydney Irving (Dartford) *William Molloy (Ealing Nord) *Bryan Davies (Enfield Nord) *John Watkinson (Gloucestershire Ouest) *John Ovenden (Gravesend) *Alan Lee Williams (Hornchurch) - Secrétaire privé parlementaire de Roy Mason *Shirley Williams (Hertford et Stevenage) - Secrétaire d'État à l'Éducation et aux Sciences *Arnold Shaw (Ilford Sud) *Terence Walker (Kingswood) *Bruce Grocott (Lichfield et Tamworth) – Secrétaire privé parlementaire *Margaret Beckett (Lincoln) - Sous-secrétaire d'État parlementaire au ministère de l'Éducation et des Sciences *Edward Loyden (Liverpool Garston) *Ivor Clemitson (Luton Est) *Brian Sedgemore (Luton Ouest) *John Desmond Cronin (Loughborough) *John Tomlinson (Meriden) - Sous-secrétaire d'État parlementaire au ministère des Affaires étrangères *Doug Hoyle (Nelson et Colne) *Edward Bishop (Newark) - Ministre de l'Agriculture, des Pêcheries et de l'Alimentation *Maureen Colquhoun (Northampton Nord) *Evan Luard (Oxford) *Arthur Latham (Paddington) *Michael Ward (Peterborough) *Frank Judd (Portsmouth North) - Ministre du développement d'outre-mer *Ronald Atkins (Preston Nord) *Hugh Jenkins (Putney) - Ministre des Arts *Robert Bean (Rochester et Chatham) *Michael Noble (Rossendale) *William Price (Rugby) *Bryan Gould (Test de Southampton) *Raphaël Tuck (Watford) *Hélène Hayman (Welwyn et Hatfield) *Gerald Fowler (The Wrekin) - Ministre de l'Éducation et des Sciences Libéral *Jeremy Thorpe (Dévon Nord) *Emlyn Hooson (Montgomeryshire) *John Pardoe (Cornouailles du Nord) Parti national écossais *Douglas Henderson (Aberdeenshire Est) *Andrew Welsh (South Angus) *Iain MacCormick (Argyll) *Hamish Watt (Banffshire) *Margaret Ewing (East Dunbartonshire) *George Thompson (Galloway) *Winnie Ewing (Moray et Nairn) *Douglas Crawford (Perth et East Perthshire) *George Reid (Clackmannan et East Stirlingshire) Plaid Cymru *Gwynfor Evans (Carmarthen) Parti travailliste écossais *Jim Sillars (South Ayrshire) – ancien député travailliste Avant-garde d'Ulster *William Craig (Belfast Est)

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Quel joueur de snooker était simplement connu sous le nom de « The Grinder » ?

Cliff Thorburn

Clifford Charles Devlin "Cliff" Thorburn (né le 16 janvier 1948) est un joueur de snooker professionnel canadien à la retraite. Il a remporté le Championnat du monde de snooker en 1980, devenant ainsi le premier joueur en dehors du Royaume-Uni à remporter le titre à l'ère moderne du sport. Il a également été classé numéro un cette année-là. En 1983, Thorburn est devenu le premier joueur à réaliser un break maximum au Championnat du monde. Il est l'un des deux joueurs de snooker intronisés au Panthéon des sports canadiens, l'autre étant George Chénier. Son style de jeu lent et déterminé lui a valu le surnom de « The Grinder ». Carrière Début de carrière Thorburn s'est rendu pour la première fois en Angleterre pour jouer au snooker professionnellement au début des années 70. Il avait rencontré John Spencer au Canada, qui lui avait conseillé d'aller au Royaume-Uni pour améliorer son jeu. Il fut vice-champion du monde en 1977 et fut rapidement considéré comme un prétendant aux tournois. années 1980 Le meilleur moment de Thorburn est survenu lors du Championnat du monde de 1980. Il a rencontré en finale Alex Higgins, une personnalité qui n'aurait guère pu être plus différente de la sienne. Thorburn a remporté le match 18-16 pour remporter le championnat et s'est hissé au deuxième rang du classement mondial. La couverture de la finale par la BBC avait été interrompue par la diffusion en direct d'images des SAS prenant d'assaut l'ambassade iranienne. La saison suivante, Thorburn atteint la première place du classement mondial. En 1983, Thorburn a été nommé membre de l'Ordre du Canada. Cette même année, il devient le premier joueur à réaliser un break maximum aux Championnats du monde. Il a compilé le break dans le quatrième frame de son match du deuxième tour contre Terry Griffiths (un match qu'il a remporté 13-12). Alors qu'il terminait le break, le jeu s'est arrêté sur la deuxième table du tournoi parce que l'ami de Thorburn et compatriote canadien, Bill Werbeniuk, voulait le voir terminer le break. Il a ensuite atteint la finale, mais a perdu contre le numéro 1 mondial de l'époque, Steve Davis. Sa femme a fait une fausse couche lors de sa demi-finale et explique en partie son éventuelle lourde défaite face à Davis en finale. Thorburn lui-même a refusé de blâmer cela pour sa défaite, citant à la place qu'il était fatigué après ses trois victoires consécutives dans le cadre final ; Victoire 13-12 contre Terry Griffiths au deuxième tour, victoire 13-12 contre Kirk Stevens en quarts de finale et une épuisante victoire 16-15 (contre 13-15 derrière) lors de sa demi-finale contre Tony Knowles, qui a terminé à 2. : 30h du matin et l'a laissé physiquement épuisé avant le début de la finale plus tard dans la même journée ; Thorburn a déclaré qu'après l'arrivée tôt le matin contre Knowles, il n'avait tout simplement plus rien pour la finale moins de treize heures plus tard contre Steve Davis, en forme, qui a finalement battu Thorburn 18-6, avec une séance à perdre. Thorburn a été trois fois champion du Benson and Hedges Masters, l'événement hors classement le plus prestigieux du calendrier de snooker depuis de nombreuses années. L'événement a eu lieu au Wembley Conference Centre, près de Londres, en Angleterre, où Thorburn a remporté le titre à trois reprises en gagnant en 1983 en battant Ray Reardon 9-7 en finale, en 1985 en battant Doug Mountjoy 9-6 et en 1986 en battant Jimmy White. 9-5. Thorburn a été le premier joueur à conserver le titre du Masters. Au cours de la saison 1984/85, Thorburn a connu un regain de forme. Il a atteint la finale du Grand Prix Rothmans en perdant contre Dennis Taylor 10-2 en finale. Le point culminant du tournoi a été la victoire 9-7 de Thorburn sur Steve Davis en demi-finale. Thorburn a joué un snooker exceptionnel pour vaincre son grand rival et la victoire est venue de manière inattendue car à cette époque Davis était dans une forme exceptionnelle. En janvier 1985, Thorburn a également atteint la finale du Mercantile Credit Classic et était à nouveau dans une forme exceptionnelle. A cette occasion, il a rencontré Willie Thorne en finale qui était dans une forme équivalente et Thorne a remporté le vainqueur 13-8. Thorburn a de nouveau terminé deuxième de la finale du Mercantile Credit Classic de 1986, perdant cette fois contre Jimmy White dans le cadre final 13-12. Thorburn a connu du succès lors des Langs Scottish Masters de 1985 et 1986, un événement sur invitation qui a ouvert la saison de snooker. Thorburn a battu Willie Thorne 9-7 en finale de 1985 et Alex Higgins 9-8 l'année suivante. Thorburn a remporté l'épreuve d'ouverture du calendrier de snooker 1985-1986, le Goya Matchroom Trophy. Thorburn a battu Jimmy White en finale 12-10 après avoir été mené 0-7 et 4-8 et a terminé deuxième dans la même épreuve les deux saisons suivantes. Des années plus tard Il s'est qualifié pour la dernière fois pour le Championnat du monde en 1994, où il a affronté Nigel Bond au premier tour. Thorburn menait par 9-2 mais perdait 10-9. En 2001, Thorburn a été intronisé au Panthéon des sports canadiens. La même année, il remporte le Championnat ouvert canadien pro-am; il avait déjà remporté le tournoi en 1974, 1975, 1976 et 1977. Lors des Championnats du monde 2006, Thorburn s'est envolé pour Sheffield pour dévoiler une peinture grandeur nature de sa pause, réalisée par l'artiste Michael Myers. Il est exposé à l'hôtel Macdonald St. Paul's à Sheffield. En 2010, Cliff Thorburn est retourné au Royaume-Uni pour participer au Snooker Legends Tour où il a affronté Alex Higgins, Jimmy White et John Parrott. Parallèlement aux hauts, il y a eu quelques bas. Son manager Darryl McKerrow a été tué dans un accident de chasse au milieu des années 80 et il a été condamné à une amende de 10 000 £ et à une interdiction de participer à deux tournois de classement en 1988 après avoir échoué à un test de dépistage de drogue. Il est père de deux garçons, Jamie et Andrew. Thorburn a remporté environ 2,5 millions de dollars canadiens en prix au cours de ses 25 années de carrière, mais a également reçu des revenus considérables, notamment grâce à l'équipement de billard, aux jeux d'exhibition, à un manuel d'instructions sur le snooker et à une autobiographie, Playing for Keeps, publiée en 1987. Finales du Championnat du Monde : 3 (1 titre, 2 finalistes) Victoires du tournoi Victoires au classement : (2) * Championnat du monde de snooker - 1980 * Trophée Goya Matchroom - 1985 Victoires hors classement : (21) * Open canadien - 1974, 1978, 1979, 1980 * Les Maîtres - 1983, 1985, 1986 * Masters écossais - 1985, 1986 *Pot Noir - 1981 * Championnat professionnel canadien - 1974, 1980, 1984, 1985, 1986, 1987 *Masters australiens - 1983 * Tournoi de snooker Lada - 1980 *Masters du monde (Australie) - 1974 *Championnat nord-américain - 1971, 1972

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Quel ancien lanceur rapide antillais était connu sous le nom de « Whispering Death » ?

Michael Holding

L'équipe de cricket des Antilles, également connue familièrement sous le nom de Windies, est une équipe multinationale de cricket représentant le West Indies Cricket Board, une confédération de 15 pays des Caraïbes principalement anglophones, de dépendances britanniques et de dépendances non britanniques. Du milieu des années 1970 au début des années 1990, l'équipe des Antilles était l'une des plus fortes au monde en test et en cricket international d'un jour. Un certain nombre de joueurs de cricket considérés parmi les meilleurs au monde sont originaires des Antilles: Sir Garfield Sobers, Lance Gibbs, Gordon Greenidge, George Headley, Brian Lara, Clive Lloyd, Malcolm Marshall, Sir Andy Roberts, Alvin Kallicharran, Rohan Kanhai, Sir Frank Worrell, Sir Clyde Walcott, Sir Everton Weekes, Sir Curtly Ambrose, Michael Holding, Courtney Walsh, Joel Garner et Sir Viv Richards ont tous été intronisés au Temple de la renommée de l'ICC. Les Antilles ont remporté la Coupe du monde de cricket ICC à deux reprises, en 1975 et 1979, l'ICC World Twenty20 à deux reprises, en 2012 et 2016, le Trophée des champions ICC une fois, en 2004, la Coupe du monde de cricket ICC des moins de 19 ans une fois, en 2016, et ont été finalistes de la Coupe du monde de cricket en 1983 et de la Coupe du monde de cricket des moins de 19 ans en 2004. Les Antilles ont été la première équipe à remporter deux Coupes du monde consécutives (1975 et 1979) et ont participé à trois finales consécutives de Coupe du monde. (1975, 1979 et 1983). Au 3 mars 2016, l'équipe de cricket des Antilles est classée huitième dans les tests, neuvième dans les ODI et deuxième dans les T20I par l'ICC. Les Antilles ont accueilli la Coupe du monde de cricket 2007 et l'ICC World Twenty20 2010. États membres et dépendances Le côté actuel représente : * États souverains **Antigua-et-BarbudaL **Barbade **DominiqueW **GrenadeW **Guyana **Jamaica **Saint LuciaW **Saint-Vincent-et-les GrenadinesW **Trinité-et-Tobago ** Certaines parties de Saint-Kitts-et-NevisSaint-Kitts-et-Nevis sont représentées séparément au sein de la Leeward Islands Cricket Association. ***Saint KittsL ***NevisL *Dépendances britanniquesTerritoires britanniques d'outre-mer. **Anguilla **Montserrat **Îles Vierges britanniques * Dépendance néerlandaisePays constitutif du Royaume des Pays-Bas et d'une partie des Caraïbes néerlandaises. **Sint MaartenL * Dépendance américaineTerritoire organisé non constitué en société des États-Unis. **Îles Vierges américainesL ; Légendes L = Participant de l'équipe des Îles sous le Vent et membre de la Leeward Islands Cricket Association W = Participant de l'équipe des Îles-du-Vent et membre du Conseil de contrôle du cricket des Îles-du-Vent ; Remarques Affiliés au Conseil de cricket des Antilles Le West Indies Cricket Board, l'organe directeur de l'équipe, se compose des six associations de cricket de la Barbade, de la Guyane, de la Jamaïque, de Trinité-et-Tobago, des îles sous le vent et des îles du Vent. La Leeward Islands Cricket Association se compose d'associations d'un État souverain (Antigua-et-Barbuda), des deux entités de Saint-Kitts-et-Nevis, de trois territoires britanniques d'outre-mer (Anguilla, Montserrat et îles Vierges britanniques) et de deux autres dépendances (îles Vierges américaines et Saint-Kitts-et-Nevis). Martin). Le Conseil de contrôle du cricket des îles Windward se compose d'associations de quatre États souverains (Dominique, Grenade, Sainte-Lucie et Saint-Vincent-et-les Grenadines). Actuellement, les îles Caïmans et les îles Turques et Caïques, autres parties historiques de l'ancienne Fédération des Antilles et désormais territoires britanniques d'outre-mer, disposent de leurs propres équipes. Il existe également des équipes nationales pour les différentes îles qui, comme elles sont toutes des pays distincts, conservent leur identité locale et soutiennent leurs favoris locaux. Ces équipes nationales participent à la compétition antillaise de première classe, la Carib Beer Cup (anciennement connue sous le nom de Busta Cup, Shell Shield et divers autres noms). Il est également courant que d'autres équipes internationales affrontent les équipes insulaires pour des matchs d'échauffement avant d'affronter l'équipe combinée des Antilles. La population officielle de ces pays et dépendances est estimée à environ 6 millions d’habitants, soit plus que l’Écosse et la République d’Irlande. Les associations membres du WICB sont : * Association de cricket de la Barbade (BCA) * Conseil de cricket de Guyane (GCB) * Association jamaïcaine de cricket (JCA) * Conseil de cricket de Trinité-et-Tobago (TTCB) * Association de cricket des îles sous le vent (LICA) ; lui-même composé de : **Association de cricket d'Anguilla **Association de cricket d'Antigua-et-Barbuda **Association de cricket des îles Vierges britanniques **Association de cricket de Montserrat **Nevis Cricket Association (pour l'île de Nevis uniquement) **St. Kitts Cricket Association (pour la seule île de Saint-Kitts) **St. Maarten Cricket Association (pour le pays constitutif des Pays-Bas, Sint Maarten) **Association de cricket des îles Vierges américaines *Conseil de contrôle du cricket des îles Windward (WICBC); lui-même composé de : **Association de cricket de la Dominique **Association de cricket de Grenade **St. Association de cricket de Lucie **St. Association de cricket de Vincent-et-les Grenadines Futurs membres potentiels * Saint-Martin (pour la seule partie française de Saint-Martin), affilié à la Leeward Islands Cricket Association * Saba (pour Saba Island, dépendance des Pays-Bas), filiale de la Leeward Islands Cricket Association * Sint Eustatius (pour l'île de Sint Eustatius, dépendance des Pays-Bas), affiliée à la Leeward Islands Cricket Association * Saint Barthélemy (pour l'île de Saint Barthélemy, dépendance de la France), affiliée à la Leeward Islands Cricket Association * Guadeloupe (pour Guadeloupe, dépendance de la France), affiliée à la Leeward Islands Cricket Association * Martinique (pour Martinique, dépendance de la France), affiliée au Windward Islands Cricket Board of Control Histoire L'histoire de l'équipe de cricket des Antilles a commencé dans les années 1890, lorsque les premières équipes représentatives ont été sélectionnées pour affronter des équipes anglaises en visite. Le WICB a rejoint l'organisme dirigeant international du sport, l'Imperial Cricket Conference, en 1926, et a disputé son premier match international officiel, obtenu le statut de Test, en 1928, devenant ainsi la quatrième nation de Test. À leurs débuts dans les années 1930, l’équipe représentait les colonies britanniques qui formeraient plus tard la Fédération des Antilles ainsi que la Guyane britannique. La dernière série jouée par les Antilles avant le déclenchement de la Seconde Guerre mondiale fut contre l'Angleterre en 1939. S'ensuivit une interruption qui dura jusqu'en janvier 1948, lorsque le MCC effectua une tournée aux Antilles. Parmi les joueurs des Antilles lors de ce premier match après la guerre, seuls Gerry Gomez, George Headley, Jeffrey Stollmeyer et Foffie Williams avaient déjà joué au Test cricket. En 1948, le joueur de jambe Wilfred Ferguson est devenu le premier quilleur antillais à remporter dix guichets lors d'un test, terminant avec 11/229 dans un match contre l'Angleterre ; plus tard la même année, Hines Johnson est devenu le premier quilleur rapide des Antilles à réaliser l'exploit, réussissant 10/96 contre les mêmes adversaires. Bien que dotés de quelques grands joueurs à leurs débuts en tant que nation test et battant l'Angleterre pour la première fois à Lord's le 29 juin 1950, leurs succès sont restés sporadiques jusqu'aux années 1960, lorsque l'équipe est passée d'une équipe dominée par les blancs à une équipe dominée par les noirs. côté. Dans les années 1970, les Antilles avaient une équipe reconnue comme championne du monde non officielle, réputation qu'elle a conservée tout au long des années 1980. Au cours de ces années de gloire, les Antilles étaient connues pour leur attaque de bowling rapide à quatre, soutenue par certains des meilleurs batteurs du monde. En 1976, le lanceur rapide Michael Holding a remporté 14/149 lors d'un test contre l'Angleterre, établissant un record qui représente toujours les meilleurs chiffres de bowling dans un test réalisé par un quilleur des Antilles. Les années 1980 ont vu l'équipe établir une séquence alors record de 11 victoires consécutives aux tests en 1984 et infliger deux « blackwashes » 5-0 contre le vieil ennemi de l'Angleterre. Cependant, tout au long des années 1990 et 2000, le cricket antillais a décliné, en grande partie à cause de l'échec du West Indian Cricket Board à faire passer le jeu d'un passe-temps amateur à un sport professionnel, couplé au déclin économique général dans les pays antillais et à la L'équipe a du mal à retrouver sa gloire passée. La victoire au Trophée des Champions 2004 et une deuxième place au Trophée des Champions 2006 laissaient certains espoirs, mais ce n'est qu'avec la création du cricket Twenty20 que les Antilles ont commencé à regagner une place parmi l'élite du cricket et parmi les fans de cricket, car ils a développé des rangs de joueurs capables de prendre le contrôle des matchs grâce à leur puissance de frappe, notamment Chris Gayle, Kieron Pollard, Marlon Samuels, Lendl Simmons, Andre Russell et Carlos Brathwaite. Ils ont battu l'Australie, puis accueillent le Sri Lanka lors du World Twenty20 2012 pour remporter leur premier championnat du monde ICC depuis la Coupe du monde 1979, puis ont battu l'Angleterre pour remporter le World Twenty20 2016, ce qui en fait la première équipe à remporter le World Twenty20 à deux reprises. En prime, les Antilles sont également devenues les premières à remporter à la fois le World Twenty20 masculin et féminin le même jour, l'équipe féminine battant l'Australie, triple championne en titre, pour son premier titre mondial ICC juste avant. Cricket après la Coupe du monde ICC 2015 Les Antilles ne joueront un One Day International après la Coupe du monde 2015 qu'après le 30 septembre, ce qui les a valu d'être éliminées du Trophée des champions ICC 2017. Une série triangulaire prévue avec le Zimbabwe et le Pakistan a été annulée après que le Pakistan Cricket Board a refusé de risquer sa place durement gagnée dans la même compétition. Le premier match des Antilles après la Coupe du monde était contre le Sri Lanka au Sri Lanka. Le Sri Lanka a blanchi les Antilles dans les séries Test et ODI respectivement 2-0 et 3-0, ce qui les a fait chuter dans le classement. Mais dans la série de 2 matchs T20, les Antilles ont réussi à faire match nul en remportant le dernier match de la tournée. Avec cette victoire, les Antilles ont progressé dans le classement des équipes T20I jusqu'à la troisième place et sont entrées dans la finale mondiale T20 2016 contre l'Angleterre à la deuxième place derrière l'Inde. Drapeau et hymne La plupart des nations de cricket utilisent leurs propres drapeaux nationaux à des fins de cricket. Cependant, comme les Antilles représentent un certain nombre d’États indépendants et de dépendances, il n’existe pas de choix naturel de drapeau. Le WICB a donc développé un insigne représentant un palmier et des souches de grillon sur une petite île ensoleillée (voir en haut de cet article). L'insigne, sur fond marron, constitue le drapeau antillais. Le fond présente parfois une bande blanche au-dessus d'une bande verte, séparée par une bande marron passant horizontalement par le milieu du fond. Avant 1999, le WICB(C) utilisait un insigne similaire représentant un palmier à chou et une île, mais il n'y avait pas de souche et, à la place du soleil, il y avait la constellation d'Orion. Il a été conçu en 1923 par Sir Algernon Aspinall, alors secrétaire du Comité des Indes occidentales. À peu près à la même époque, dans les années 1920, la devise suggérée pour l'équipe des Antilles était "Nec curat Orion leones", qui vient d'une citation d'Horace, signifiant qu'Orion, en tant que symbole du XI des Antilles, ne se soucie pas des lions. du cricket anglais]. Pour les tournois ICC, "Rally Round the West Indies" de David Rudder est utilisé comme hymne de l'équipe. Lieux Les onze stades suivants ont été utilisés pour au moins un match test. Le nombre de tests disputés sur chaque site suivi du nombre d'internationaux d'un jour et de vingt-20 internationaux disputés sur ce site est entre parenthèses au 11 juillet 2011 : ;Ovale de Queen's Park - Port d'Espagne, Trinité (58/61/3) Le Queen's Park Oval a accueilli plus de matchs tests que tout autre terrain des Caraïbes et a accueilli pour la première fois un match test en 1930. Le terrain est considéré comme l'un des sites les plus pittoresques du monde du cricket, offrant une vue sur la chaîne nord de Trinidad. Sa capacité est de plus de 18 000 personnes. ;Kensington Oval - Bridgetown, Barbade (30/48/13) Kensington Oval a accueilli le premier match test de la région en 1930 et est reconnu comme la « Mecque » du cricket des Antilles. Il a également accueilli le tout premier Test triple siècle, le 325 d'Andy Sandham. Sa capacité a été augmentée de 15 000 à 28 000 pour la Coupe du monde 2007 et jusqu'à sa capacité actuelle de 11 000 après la Coupe du monde. Il a accueilli deux finales mondiales ICC : la finale de la Coupe du monde de cricket 2007, que l'Australie a remportée contre le Sri Lanka, et la finale mondiale Twenty20 2010, que l'Angleterre a remportée contre l'Australie. ;Bourda - Georgetown, Guyane (30/11/0) Bourda a accueilli pour la première fois un match test en 1930. C'était le seul terrain d'essai en Amérique du Sud (jusqu'à l'utilisation de Providence), et le seul sous le niveau de la mer et avec ses propres douves (pour empêcher le terrain d'être fréquemment inondé). Sa capacité est d'environ 22 000 personnes. On se souvient de l'invasion du terrain lors d'un One Day International d'avril 1999 entre l'Australie et les Antilles, l'Australie ayant besoin de 3 points pour égaliser et de 4 pour gagner le dernier ballon, une invasion de terrain à grande échelle, qui a abouti à ce que le match soit considéré comme une égalité, car les moignons ont été volés avant que l'équipe antillaise puisse effectuer un épuisement. ;Sabina Park - Kingston, Jamaïque (45/33/0) Sabina Park a accueilli pour la première fois un match test en 1930. Les Blue Mountains, célèbres pour leur café, forment la toile de fond. Sabina Park a accueilli le 365 pas sorti de Garry Sobers, alors record du monde. En 1998, le test contre l'Angleterre a été abandonné ici le jour de l'ouverture car le terrain était trop dangereux. Sa capacité est de 15 000 personnes. ;Terrain de loisirs d'Antigua - St John's, Antigua (22/11/0) Le terrain de loisirs d'Antigua a accueilli pour la première fois un test en 1981. Trois triples siècles de test ont été marqués sur ce terrain : 317 de Chris Gayle en 2005 et les records du monde de Brian Lara de 375 en 1994 et 400 non éliminés en 2004. Le stade historique a été retiré de la liste des terrains accueillant des matchs internationaux en juin 2006, pour faire place au nouveau stade de cricket de l'île, en construction à 3 miles de la capitale, qui devrait être achevé à temps pour accueillir les matchs de la Coupe du monde de cricket 2007. Cependant, après la Test match abandonné entre l'Angleterre et les Antilles en février 2009 sur le nouveau terrain de North Sound, Test cricket est revenu à l'ARG. ;Arnos Vale - Arnos Vale, Kingstown, Saint-Vincent (23/02/0) L'Arnos Vale Ground, alias The Playing Fields, a accueilli pour la première fois un test en 1997. ;Stade national de cricket - St George's, Grenade (16/02/0) Queen's Park, à la Grenade, a accueilli pour la première fois un test en 2002. ;Stade national de cricket Darren Sammy - Gros Islet, Sainte-Lucie (23/03/12) À l'origine, le terrain de cricket de Beauséjour a accueilli pour la première fois un test en 2003. Il a une capacité de 12 000 places. Ce fut le premier stade des Caraïbes à accueillir un match de cricket de jour comme de nuit. Le match opposait les Antilles et le Zimbabwe. La Nouvelle-Zélande devait jouer un test en 2014 pour marquer le retour au Test cricket après une pause de 8 ans. Après la victoire des Antilles au World Twenty20 2016, le gouvernement de Sainte-Lucie a renommé le lieu en l'honneur du capitaine Sammy, originaire de Sainte-Lucie, avec un autre Saint-Lucien - Johnson Charles - ayant un stand nommé en son honneur après avoir également fait partie. des équipes des championnats 2012 et 2016. ;Warner Park Stadium - Basseterre, Saint-Kitts (13/03/1) Le complexe sportif Warner Park a accueilli son premier One Day International le 23 mai 2006 et son premier match test le 22 juin 2006. Le stade a une capacité permanente de 8 000 personnes, avec des dispositions pour des tribunes temporaires pour permettre au chiffre d'accueil de dépasser 10 000 personnes. ;Stade Providence - Georgetown, Guyane (11/02/6) Le stade Providence a accueilli son premier One Day International le 28 mars 2007 pour la Coupe du monde de cricket 2007 et son premier match test le 22 mars 2008. Le stade a une capacité permanente de 15 000 personnes et doit accueillir le test de cricket au lieu de Bourda. ;Stade Sir Vivian Richards - North Sound, Antigua (3/10/2) Le stade Sir Viv Richards a accueilli son premier One Day International le 27 mars 2007 pour la Coupe du monde de cricket 2007 et son premier match test le 30 mai 2008. Le stade a une capacité permanente de 10 000 personnes et doit accueillir le test de cricket au lieu de l'Antigua. Terrain de loisirs. ;Windsor Park Stadium - Roseau, Dominique (2/4/0) Windsor Park est un autre terrain de cricket majeur des Antilles et le siège de l'équipe antillaise. Les travaux ont commencé en 2005 et ont finalement ouvert leurs portes en octobre 2007, trop tard pour accueillir la Coupe du monde de cricket 2007. Il accueille le cricket de première classe et a organisé son premier test le 6 juillet 2011 contre l'Inde, mais il a organisé son premier One Day International le 26 juillet 2009. Il a une capacité de 12 000 places. Trois autres stades ont été utilisés pour les matchs internationaux d'un jour, mais pas pour les matchs tests. Le nombre d’Internationals d’un jour disputés sur chaque site est entre parenthèses : *Complexe sportif d'Albion à Albion, Berbice, Guyane (5) *Parc Mindoo Philip à Castries, Sainte-Lucie (2) *L'ancien terrain de Queen's Park à St George's, Grenade (1) Vêtements Lorsqu'ils jouent au cricket d'une journée, les Windies portent une chemise et un pantalon de couleur marron. Le maillot arbore également le logo du West Indian Cricket Board et le nom de leurs sponsors, actuellement Digicel. La casquette d'un jour est marron avec le logo WICB sur la gauche du devant, avec deux bandes jaunes. Lorsqu'ils jouent au cricket de première classe, en plus de leurs flanelles de cricket, les joueurs antillais portent parfois un chapeau marron à large bord. Le logo WICB se trouve sur le devant du chapeau. Les casques sont de couleur similaire. Lors des World Series Cricket, des uniformes colorés ont été adoptés. L'uniforme initial des Antilles était rose et a ensuite été changé en marron pour correspondre à leurs casquettes Test Match. Le gris a également été ajouté comme couleur secondaire. Dans certains de leurs uniformes, le gris a dominé le marron traditionnel. Équipe féminine de cricket des Antilles L'équipe féminine de cricket des Antilles a un profil beaucoup plus bas que l'équipe masculine. Ils ont disputé 11 matchs tests entre 1975-1976 et 1979, gagnant une fois, perdant trois fois et faisant match nul dans les autres matchs. Depuis lors, ils n'ont disputé qu'un seul autre match test, un match nul contre le Pakistan en 2003-2004. Ils ont également un record peu fréquent dans les One Day Internationals. Une équipe de Trinité-et-Tobago et une équipe de Jamaïque ont participé à la première Coupe du monde féminine en 1973, les deux équipes s'en étant mal tirées, terminant respectivement cinquième et sixième sur un peloton de sept. Les Windies se sont unis en équipe pour jouer leur premier ODI en 1979, mais n'ont ensuite joué qu'à la Coupe du monde 1993. L'équipe n'a jamais été l'une des meilleures équipes au monde, son principal succès étant d'avoir obtenu la deuxième place au Trophée du Conseil international de cricket féminin, une compétition pour le deuxième niveau des équipes nationales féminines de cricket, en 2003. cinquième place lors de la dernière Coupe du monde, qui s'est déroulée en 2004-05. Leur bilan global en une journée est d'avoir joué 45, gagné 17, perdu 27 et un sans résultat. En raison du profil relativement bas de l'équipe féminine, il y a peu de noms connus dans le football. La plus remarquable est probablement Nadine George, une gardienne de guichet/batteuse, qui est devenue la première, et à ce jour la seule, femme antillaise à remporter un siècle de test, à Karachi, au Pakistan, en 2003-2004. George est un éminent défenseur du sport aux Antilles, et en particulier dans sa Sainte-Lucie natale, et en 2005, elle a été nommée MBE par SAR le Prince de Galles pour services rendus au sport. 2016 a vu les femmes antillaises remporter leur premier championnat du monde ICC - le Women's World Twenty20 2016, après avoir battu la triple championne en titre de l'Australie par huit guichets à Eden Gardens avec des membres de l'équipe masculine dans la foule pour les soutenir. Historique du tournoi Une case rouge tout au long de l'année indique les tournois joués aux Antilles. Coupe du monde de cricket ICC ICC Monde Vingt20 Trophée des Champions ICC Connu sous le nom de « ICC Knockout » en 1998 et 2000. Championnat du monde de cricket 1985 : Troisième place 1988 : Quart de finale 2016 : Gagnants. Honneurs Coupe du monde de cricket (2) : 1975, 1979 ICC Monde Vingt20 (2) : 2012 , 2016 Trophée des Champions ICC (1) : 2004 Statistiques et enregistrements ; Le total des manches est supérieur à 700 Pour : 790 pour 3 déclarés contre le Pakistan à Kingston en 1957-1958 ; 751 pour 5 déclarés contre l'Angleterre à St John's en 2003-2004 ; 747 contre l'Afrique du Sud à St John's en 2004-2005 ; 749 pour 9 déclarés contre l'Angleterre à Bridgetown en 2008-2009 Contre : 849 par l’Angleterre à Kingston en 1929-1930 ; 758 pour 8 déclarés par l'Australie à Kingston en 1954-1955 ; Total des manches inférieur à 60 Pour : 47 contre l'Angleterre à Kingston en 2003-2004 ; 51 contre l'Australie à Port d'Espagne en 1998-1999 ; 53 contre le Pakistan à Faisalabad en 1986-1987 ; 54 contre l'Angleterre à Lord's en 2000 Contre : 46 par l’Angleterre à Port of Spain en 1993-1994 ; 51 par l'Angleterre à Kingston en 2008-09 ; Trois siècles marqués pour les Windies 400 non éliminé par Brian Lara contre l'Angleterre à St John's en 2003-2004 ; 375 par Brian Lara contre l'Angleterre à St John's en 1993-1994 ; 365 non éliminé par Garry Sobers contre le Pakistan à Kingston en 1957-1958 ; 333 par Chris Gayle contre le Sri Lanka à Galle en 2010-2011 ; 317 par Chris Gayle contre l'Afrique du Sud à St John's en 2004-05 ; 302 de Lawrence Rowe contre l'Angleterre à Bridgetown en 1973-1974 ; Douze guichets ou plus ont été pris pour les Windies lors d'un match test 14 pour le coût de 149 courses de Michael Holding contre l'Angleterre à l'Ovale en 1976 ; 13 sur 55 par Courtney Walsh contre la Nouvelle-Zélande à Wellington en 1994-1995 ; 12 sur 121 par Andy Roberts contre l'Inde à Madras en 1974-1975 ;Tours du chapeau Wes Hall contre le Pakistan en 1959 ; Lance Gibbs contre l'Australie en 1961 ; Courtney Walsh contre l'Australie en 1988 ; et Jermaine Lawson contre l'Australie en 2003 Matchs d'un jour ;Tour de chapeau Un triplé ODI a été réalisé par Jerome Taylor le 19 octobre 2006 à Mumbai lors d'un match de championnat du Trophée des Champions ICC contre l'Australie. Lors de la Coupe du monde de cricket ICC 2011, Kemar Roach est devenu le sixième quilleur à remporter un triplé en Coupe du monde contre les Pays-Bas. Capitaines d'essai Les hommes suivants ont dirigé l'équipe de cricket des Antilles dans au moins un match test : Équipe Ceci répertorie tous les joueurs qui ont joué pour les Antilles au cours de l'année écoulée et les formes sous lesquelles ils ont joué. Correct au 21 juillet 2016, lorsque Jerome Taylor a annoncé sa retraite de Test Cricket. Personnel d'entraîneur * Entraîneur-chef : Phil Simmons *Entraîneur adjoint : Stuart Williams *Entraîneur adjoint : André Coley *Entraîneur de quilles : Roderick Estwick * Responsable de l'équipe des opérations par intérim : Rawl Lewis * Physio : CJ Clarke * Entraîneur de force et de conditionnement physique : Ronald Rogers * Analyste des performances : Dexter Augustus *Entraîneur : Hector Martinez * Thérapeute : Virgil Browne * Responsable média : Philip Spooner

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Quel personnage d'Eastenders avait un chien appelé Willy ?

Ethel Skinner

EastEnders est un feuilleton britannique ; le premier épisode a été diffusé au Royaume-Uni sur BBC One le 19 février 1985. Les intrigues d'EastEnders examinent la vie domestique et professionnelle des personnes qui vivent et travaillent dans le quartier fictif de Walford, dans l'East End de Londres. La série se concentre principalement sur les habitants d'Albert Square, une place victorienne de maisons mitoyennes, et de ses rues voisines, à savoir Bridge Street, Turpin Road et George Street. Le quartier comprend un pub, un marché de rue, une boîte de nuit, un centre communautaire, un salon funéraire, un café, un bar à vin, diverses autres petites entreprises, un parc et des jardins familiaux. La série était initialement projetée en deux tranches d'une demi-heure par semaine. Depuis 2001, des épisodes sont diffusés chaque jour de la semaine, sauf le mercredi, sur BBC One. Une rediffusion le même jour a été diffusée sur BBC Three, de 2004 au 15 février 2016, après quoi W a repris la diffusion. Une édition omnibus a été diffusée un dimanche, de 1985 jusqu'à son arrêt, en 2015, mais, comme pour la rediffusion, elle a été reprise par W en 2016. Il s'agit de l'un des programmes les mieux notés du Royaume-Uni, apparaissant souvent à proximité ou en tête des audiences BARB de la semaine. Huit mois après son lancement, il a atteint la première place des audiences et est resté régulièrement parmi les programmes télévisés les mieux notés en Grande-Bretagne. En 2013, la part d'audience moyenne d'un épisode était d'environ 30 pour cent. Créé par la productrice Julia Smith et le scénariste Tony Holland, EastEnders est resté un programme important en termes de succès et de part d'audience de la BBC, ainsi que dans l'histoire des séries télévisées britanniques, abordant auparavant de nombreuses questions controversées et tabous dans la culture et la vie sociale britanniques. invisible à la télévision grand public du Royaume-Uni. , EastEnders a remporté neuf BAFTA Awards et le Inside Soap Award du meilleur feuilleton pendant 14 années consécutives (de 1997 à 2012), ainsi que douze National Television Awards pour la série dramatique la plus populaire et 11 prix du meilleur feuilleton aux British Soap Awards. Il a également remporté 13 TV Quick et TV Choice Awards pour le meilleur feuilleton, six prix TRIC pour le feuilleton de l'année, quatre prix de la Royal Television Society pour le meilleur drame continu et a été intronisé au Temple de la renommée de la Rose d'Or. Paramètre Le point central d'EastEnders est la place victorienne fictive Albert Square dans le quartier fictif de Walford à Londres. Dans le récit de l'émission, Albert Square est une rue du XIXe siècle, nommée en l'honneur du prince Albert (1819-1861), époux de la reine Victoria (1819-1901, régnant de 1837 à 1901). Ainsi, au centre d'Albert Square se trouve la Queen Victoria Public House. Les fans ont essayé d'établir l'emplacement que Walford aurait à Londres s'il était réel. Walford East est une station de métro fictive pour Walford, et un plan du métro qui a été vu pour la première fois à l'antenne en 1996 montrait Walford East entre Bow Road et West Ham, à l'emplacement réel de Bromley-by-Bow sur les lignes District et Hammersmith & City. . Walford a le district postal de E20. Le district de code postal a été sélectionné comme s'il faisait partie de la zone de code postal E réelle qui couvre une grande partie de l'est de Londres, bien que le prochain district de code postal inutilisé dans la région était, et est toujours (), E19. Le E signifie Eastern.HMSO, The Inner London Letter Post, (1980) En 1917, les districts postaux actuels de Londres ont été attribués par ordre alphabétique en fonction du nom du bureau de tri principal de chaque district. Si Walford avait été affecté à ce schéma, il aurait reçu E17, qui est le district postal actuel de Walthamstow. En mars 2011, Royal Mail a attribué le district postal E20 au parc olympique de 2012. Le district postal d'EastEnders était jusque-là entièrement fictif, car les districts postaux de London East s'arrêtaient à cette époque à l'E18. Les créateurs de la série ont opté pour l'E20 au lieu de l'E19 car ils pensaient que cela sonnerait mieux. En septembre 2011, le code postal d'Albert Square a été révélé dans un épisode comme E20 6PQ. Un Albert Square existe dans l'East End de Londres à Ratcliff, et une autre place de ce type existe juste au-delà de l'East End à Stratford, mais les producteurs de la série ont basé la conception de la place sur Fassett Square à Dalston. Il y a aussi un marché près de Fassett Square, sur Ridley Road. Le code postal de la zone, E8, était l'un des titres de travail de la série. Le nom Walford est à la fois une rue de Dalston où vivait Tony Holland et un mélange de Walthamstow et Stratford, les quartiers du Grand Londres où les créateurs sont nés. D'autres parties de la place et les intérieurs du décor sont basés sur d'autres emplacements. Le pont est basé sur celui situé près du centre de télévision de la BBC, le Queen Vic sur l'ancien pub au bout de Scrubs Lane/Harrow Road NW10, et l'intérieur des Fowlers est basé sur une maison de Manor Road, Colchester, près de où vivait le directeur artistique superviseur. Le journal local fictif, la Walford Gazette, dans lequel apparaissent des événements d'actualité locaux tels que les arrestations ou les meurtres de personnages, reflète la véritable Hackney Gazette. Personnages EastEnders est construit autour de l'idée de relations et de familles fortes, chaque personnage ayant sa place dans la communauté. Ce thème englobe toute la Place, faisant de la communauté entière une sorte de famille, en proie aux bouleversements et aux conflits, mais qui se rassemble dans les moments difficiles. Le co-créateur Tony Holland était issu d'une grande famille de l'East End, et ces familles sont typiques des EastEnders. La première famille centrale était la combinaison de la famille Fowler, composée de Pauline Fowler, de son mari Arthur Fowler et des adolescents Mark Fowler et Michelle Fowler et de la famille Beale, composée de Pete Beale (le frère jumeau de Pauline), de son épouse Kathy Beale et leur fils adolescent Ian Beale. La mère de Pauline et Pete était la dominatrice Lou Beale, qui vivait avec Pauline et sa famille. Holland s'est inspiré des noms de sa propre famille pour les personnages. Les familles Watts et Mitchell ont joué un rôle central dans de nombreux scénarios notables d'EastEnders, la série ayant été dominée par les Watts dans les années 1980, les années 1990 se concentrant sur les Mitchell. Le début des années 2000 a vu un changement d'attention vers le clan féminin Slater nouvellement introduit, avant un regain d'intérêt pour la famille Watts restaurée à partir de 2003. Depuis 2006, EastEnders a été largement dominé par les familles Mitchell et Branning, bien que le début des années 2010 ait également a vu une attention renouvelée sur la famille Moon et, à partir de 2013, sur les Carters. Les Beales sont la famille la plus ancienne de la série, faisant partie d'EastEnders depuis ses débuts en 1985. Les personnes clés impliquées dans la production d'EastEnders ont souligné l'importance de l'idée de familles fortes pour le programme. Peggy Mitchell, en particulier, est connue pour sa répétition incessante de déclarations telles que « Vous êtes une Mitchell ! » et "Tout est une question de famille !". Pauline Fowler est également connue pour son insistance sur la famille et pour mentionner son frère et son mari afin de fidéliser les membres de sa famille. Sa mère Lou Beale est réputée pour ses réunions de famille et son approche traditionnelle de la famille. Plus récemment, Derek Branning exprime régulièrement l'importance d'une cellule familiale solide. En tant que frère aîné, il affirme constamment sa position de chef de famille et rappelle à chacun de se serrer les coudes dans les moments difficiles. De plus, Derek se réfère généralement à lui-même, à Max Branning et à Jack Branning comme « les frères Branning ». Certaines familles présentent une matriarche stéréotypée de l'East End. En effet, le rôle matriarcal a été observé dans diverses réincarnations depuis le début du programme, souvent décrit comme le centre de la cellule familiale. La matriarche originale était Lou Beale, bien que des exemples ultérieurs incluent Pauline Fowler, Mo Harris, Pat Butcher, Peggy Mitchell, Zainab Masood, Cora Cross et, dans une certaine mesure, Dot Cotton. Ces personnages sont perçus comme étant bruyants et interférents, mais surtout responsables du bien-être de la famille et soulignant généralement l'importance de la famille, réfléchissant au passé. Comme c'est la tradition dans les feuilletons britanniques, les personnages féminins en général sont au cœur du programme. Ces personnages comprennent des femmes fortes, audacieuses et qui souffrent depuis longtemps, qui affichent un comportement de diva et se battent stoïquement contre toute une série de tragédies et de malheurs. Ces personnages incluent Angie Watts, Kathy Beale, Sharon Watts, Pat Butcher, Denise Fox et Tanya Branning. À l’inverse, il existe des personnages féminins qui gèrent moins bien la tragédie, décrits comme des victimes éternelles et des souffrances sans fin, parmi lesquels Sue Osman, Little Mo Mitchell, Laura Beale, Lisa Fowler, Ronnie Mitchell et Linda Carter. La « tarte au cœur » est un autre personnage récurrent, souvent apprécié des téléspectateurs. Souvent, leur promiscuité masque une vulnérabilité cachée et un désir d’être aimé. Ces personnages incluent Pat Butcher (bien que dans ses dernières années, cela ait changé), Tiffany Mitchell, Kat Slater, Stacey Slater, Dawn Swann et Roxy Mitchell. L'équilibre entre les sexes dans la série est maintenu grâce à l'inclusion de diverses personnalités masculines "machos" telles que Mick Carter, Phil Mitchell, Grant Mitchell, Jack Branning et Max Branning, de "mauvais garçons" tels que Den Watts, Michael Moon et Vincent Hubbard, et des « idoles » comme Simon Wicks, Jamie Mitchell, Dennis Rickman et Joey Branning. Un autre type de personnage masculin récurrent est l’homme d’affaires élégamment habillé, souvent impliqué dans la culture des gangs et dans la criminalité et considéré comme une figure de l’autorité locale. Les exemples incluent Derek Branning, Steve Owen, Jack Dalton, Andy Hunter et Johnny Allen. Suite aux critiques visant à mettre trop l'accent sur les « gangsters » dans la série en 2005, ces personnages ont été considérablement réduits. Un autre personnage masculin récurrent vu dans EastEnders est le « perdant » ou le « toucher doux », des hommes souvent comiquement sous la coupe de leurs homologues féminins, parmi lesquels Arthur Fowler, Ricky Butcher, Lofty Holloway et Billy Mitchell. D'autres types de personnages récurrents qui sont apparus tout au long de la série sont les « effrontés » Pete Beale, Alfie Moon, Garry Hobbs et Kush Kazemi, les « filles perdues » comme Mary Smith, Donna Ludlow et Mandy Salter, les délinquants comme Stacey Slater, Jay Brown et Lola Pearce, des « méchants » comme Nick Cotton, Trevor Morgan, May Wright, Yusef Khan, Archie Mitchell et Dean Wicks, des « salopes » comme Cindy Beale, Janine Butcher, Lucy Beale, Abi Branning et Babe Smith et cockney" "wide boys" ou "wheeler dealers" comme Frank Butcher, Alfie Moon, Kevin Wicks, Darren Miller et Fatboy. Au fil des années, EastEnders a généralement présenté un certain nombre de résidents âgés, qui sont utilisés pour montrer leur vulnérabilité, leur nostalgie, leurs attributs de fidèle et sont parfois utilisés à des fins comiques. Les premiers résidents âgés comprenaient Lou Beale, Ethel Skinner et Dot Cotton. Au fil des années, ils ont été rejoints par Mo Butcher, Jules Tavernier, Marge Green, Nellie Ellis, Jim Branning, Charlie Slater, Mo Harris, Patrick Trueman, Cora Cross, Les Coker, Rose Cotton, Pam Coker, Stan Carter, Babe Smith et Claudette Hubbard. L'accent mis sur les personnages âgés a diminué depuis le début de la série. Le programme a plus récemment inclus un plus grand nombre d'adolescents et de jeunes adultes prospères dans le but de capter le jeune public de la télévision. Cela a suscité des critiques, notamment de la part de l'actrice Anna Wing, qui incarnait Lou Beale dans la série. Elle a commenté : "Je ne veux pas être déloyale, mais je pense qu'il faut quelques personnes mûres dans un feuilleton parce qu'elles lui donnent de la colonne vertébrale et du corps... si tous les personnages principaux sont jeunes, cela devient un peu maigre et inexpérimenté. devient trop léger." EastEnders est connu pour présenter un « double acte comique », démontré à l'origine avec les personnages de Dot et Ethel, dont l'amitié était l'une des plus durables de la série. D'autres exemples incluent Paul Priestly et Trevor Short, Huw Edwards et Lenny Wallace, Shirley Carter et Heather Trott, Garry Hobbs et Minty Peterson, Denise Fox et Zainab Masood, ainsi que Poppy Meadow et Jodie Gold. La majorité des personnages d’EastEnders appartiennent à la classe ouvrière. Les personnages de la classe moyenne deviennent parfois des habitués, mais ont eu moins de succès et deviennent rarement des personnages à long terme. Pour l’essentiel, les personnages de la classe moyenne existent comme des méchants, comme James Wilmott-Brown, May Wright, Stella Crawford et Yusef Khan, ou sont utilisés pour promouvoir des influences libérales positives, comme Colin Russell ou Rachel Kominski. EastEnders a toujours présenté une distribution culturellement diversifiée comprenant des personnages noirs, asiatiques, turcs, polonais et lettons. "L'expansion de la représentation minoritaire marque un éloignement du format traditionnel du feuilleton, offrant davantage de possibilités d'identification du public avec les personnages et donc un attrait plus large". Malgré cela, le programme a été critiqué par la Commission pour l'égalité raciale, qui a fait valoir en 2002 qu'EastEnders ne donnait pas une représentation réaliste de la « composition ethnique » de l'East End. Ils ont suggéré que la proportion moyenne de visages de minorités visibles sur EastEnders était considérablement inférieure à la population réelle des minorités ethniques dans les arrondissements de l'Est de Londres et qu'elle reflétait donc l'East End des années 1960, et non l'East End des années 2000. En outre, il a été suggéré qu'un élément de « symbolisme » et de stéréotypes entourait bon nombre de ces personnages minoritaires. Le programme a depuis tenté de résoudre ces problèmes. Un magasin de sari a été ouvert et divers personnages de différentes ethnies ont été présentés tout au long de 2006 et 2007, notamment la famille Fox, les Masood et divers artistes de fond. Cela faisait partie du plan du producteur Diederick Santer de « se diversifier », pour que EastEnders « se sente plus du 21e siècle ». Le 24 février 2009, pour la première fois dans l'histoire du feuilleton, un épisode entier a été projeté composé entièrement d'acteurs noirs. EastEnders a eu un succès variable auprès des personnages de minorités ethniques. La famille indienne Ferreira a peut-être eu le moins de succès, qui n'a pas été bien accueillie par les critiques ou les téléspectateurs et a été rejetée comme irréaliste par la communauté asiatique du Royaume-Uni. EastEnders a été félicité pour son portrait de personnages handicapés, notamment Adam Best (spina bifida), Noah Chambers (sourd), Jean Slater et sa fille Stacey (trouble bipolaire), Janet Mitchell (trisomie 21), Jim Branning (accident vasculaire cérébral). EastEnders a un roulement de casting élevé et les personnages sont régulièrement modifiés pour faciliter les intrigues ou actualiser le format. La série est également devenue connue pour le retour des personnages après leur départ de la série. Sharon Rickman est revenue en août 2012 pour son septième passage dans la série. Den Watts est revenu 14 ans après sa mort présumée, un exploit répété par Kathy Beale en 2015. Des figurants parlants, dont Tracey la barmaid (qui est dans la série depuis le premier épisode en 1985), ont fait des apparitions tout au long de la série. durée, sans être au centre d’un scénario majeur. Le personnage de Nick Cotton a acquis la réputation de faire des sorties et des retours constants depuis la première année du programme, jusqu'à la mort du personnage en 2015. Au cours des 30 ans d'histoire d'EastEnders, Sharon, Kathy Beale et Ian Beale sont les trois seuls personnages originaux restants dans le feuilleton, après le retour de Kathy d'entre les morts lors de l'épisode du 30e anniversaire d'EastEnders. Ian Beale est le seul personnage à être apparu continuellement depuis le premier épisode sans le quitter officiellement, et est le personnage le plus ancien d'EastEnders. Dot Cotton est le personnage féminin le plus ancien de la série depuis 1985, tandis que Pat Butcher est l'ancien personnage le plus ancien, apparaissant de 1986 jusqu'au début de 2012. Production Tournage La majorité des épisodes d'EastEnders sont tournés au BBC Elstree Center à Borehamwood, Hertfordshire. Lorsque le nombre d'épisodes a été augmenté à quatre par semaine, plus d'espace de studio était nécessaire, c'est pourquoi Top of the Pops a été transféré de son studio d'Elstree au BBC Television Center en avril 2001. Les épisodes sont produits en « quatuors » de quatre épisodes, chacun dont le tournage commence un mardi et prend neuf jours pour être enregistré. Chaque jour, entre 25 et 30 scènes sont enregistrées. Au cours de la semaine de tournage, les acteurs peuvent filmer jusqu'à huit à douze épisodes. Les scènes extérieures sont tournées sur un terrain de cinéma spécialement construit et les scènes intérieures se déroulent dans quatre studios. Les épisodes sont généralement filmés environ six à huit semaines avant leur diffusion. Durant la période hivernale, les tournages peuvent avoir lieu jusqu'à douze semaines à l'avance, en raison de moins de lumière du jour pour les tournages en extérieur. On sait que ce décalage horaire pose des problèmes lors du tournage de scènes en extérieur. Le 8 février 2007, de fortes chutes de neige sont tombées sur le plateau et le tournage a dû être annulé car les scènes qui devaient être tournées ce jour-là devaient être retransmises en avril. EastEnders est normalement enregistré à l’aide de quatre caméras. Lorsqu'un quatuor est terminé, il est monté par le réalisateur, le monteur vidéo et le superviseur du scénario. Le producteur examine ensuite les montages et décide si quelque chose doit être réédité, ce que fera le réalisateur. Une semaine plus tard, le son est ajouté aux épisodes et ceux-ci sont révisés techniquement et sont prêts à être diffusés s'ils sont jugés de qualité acceptable. Bien que les épisodes soient principalement enregistrés des semaines avant leur diffusion, EastEnders inclut occasionnellement des événements actuels dans leurs épisodes. En 1987, EastEnders a couvert les élections générales. Grâce à un plan conçu par les co-créateurs Smith et Holland, cinq minutes de matériel ont été coupées de quatre des épisodes préenregistrés précédant l'élection. Ceux-ci ont été remplacés par du matériel électoral spécialement enregistré, comprenant des représentants de chaque grand parti, et une scène enregistrée le lendemain de l'élection reflétant le résultat, qui a été diffusée le mardi suivant. Le résultat des élections générales de 2010 a été évoqué dans l'épisode du 7 mai 2010. Lors de la Coupe du Monde de la FIFA 2006, les acteurs ont filmé de courtes scènes suivant les événements du tournoi qui ont été intégrées au programme de l'épisode suivant. Des scènes de dernière minute ont également été enregistrées pour faire référence au cinquantième anniversaire de la fin de la Seconde Guerre mondiale en 1995, aux deux minutes de silence du jour du Souvenir 2005 (2005 étant également l'année du soixantième anniversaire de la fin de la Seconde Guerre mondiale). guerre et le 200e anniversaire de la bataille de Trafalgar), la victoire électorale de Barack Obama en 2008, la mort de Michael Jackson en 2009, l'examen complet des dépenses de 2010, la victoire d'Andy Murray en simple messieurs aux championnats de Wimbledon 2013, le mariage du prince William. et Kate Middleton, la naissance du prince George de Cambridge., l'Écosse votant non contre l'indépendance en 2014 et le 100e anniversaire du début de la Grande Guerre. EastEnders est souvent filmé sur place, loin des studios de Borehamwood. Parfois, un quatuor entier est filmé sur place, ce qui a une fonction pratique et est le résultat de la création par EastEnders d'une « double banque », lorsqu'une semaine supplémentaire d'épisodes est enregistrée en même temps que le programme régulier, permettant la production du programme s'arrêtera pour une pause de deux semaines à Noël. Ces épisodes sont souvent diffusés fin juin ou début juillet, puis fin octobre ou début novembre. La première fois que cela s'est produit, c'était en décembre 1985, lorsque Pauline (Wendy Richard) et Arthur Fowler (Bill Treacher) se sont rendus à Southend-on-Sea pour retrouver leur fils Mark, qui s'était enfui de chez lui. En 1986, EastEnders a tourné pour la première fois à l'étranger, à Venise, et c'était aussi la première fois qu'il n'était pas filmé sur bande vidéo, car une règle syndicale de l'époque empêchait les producteurs d'emmener une équipe vidéo à l'étranger et une équipe de tournage devait être utilisée. plutôt. Si des scènes d'une semaine normale doivent être filmées sur place, cela se fait pendant la semaine normale d'enregistrement. Les lieux décalés qui ont été utilisés pour le tournage incluent Clacton (1989), Devon (septembre 1990), Hertfordshire (utilisé pour les scènes se déroulant à Gretna Green en juillet 1991), Portsmouth (novembre 1991), Milan (1997), Irlande (1997). ), Amsterdam (décembre 1999), Brighton (2001) et Portugal (2003). En 2003, le tournage a eu lieu au Loch Fyne Hotel and Leisure Club à Inveraray, au Arkinglass Estate à Cairndow et au Grims Dyke Hotel, Harrow Weald, au nord de Londres, pour une semaine d'épisodes se déroulant en Écosse. L'épisode du 9 avril 2007 présentait des scènes filmées à l'église St Giles et à la maison publique The Blacksmiths Arms à Wormshill, au Ringlestone Inn, à trois kilomètres de là et à Court Lodge Farm à Stansted, Kent. D'autres emplacements incluent le palais de justice, un immeuble de bureaux désaffecté, Evershed House et l'église Saint-Pierre, tous à St Albans, un établissement psychiatrique abandonné à Worthing, Carnaby Street à Londres et un magasin de robes de mariée à Muswell Hill, au nord de Londres. Une semaine d'épisodes en 2011 a vu le tournage se dérouler sur une plage de Thorpe Bay et sur une jetée de Southend-on-Sea - au cours duquel un cascadeur a été blessé lorsqu'une rafale de vent l'a déséquilibré et il est tombé sur des rochers - avec d'autres scènes. filmé sur la côte de l'Essex. En 2012, le tournage a eu lieu à Keynsham, Somerset. En janvier 2013, le tournage sur place au Grahame Park à Colindale, au nord de Londres, a été interrompu par au moins sept jeunes qui ont lancé un feu d'artifice sur le plateau et ont menacé de tuer les membres de l'équipe. En octobre 2013, des scènes ont été tournées sur une route près de l'aéroport de Londres Southend dans l'Essex. Les doubles (lorsque seulement deux acteurs apparaissent dans un épisode) ont été initialement conçus pour la vitesse ; pendant qu'un double est en cours de tournage, le reste du casting réalisera un autre épisode. EastEnders a présenté sept émissions en direct. Pour son 25e anniversaire en février 2010, un épisode en direct a été diffusé dans lequel Stacey Slater (Lacey Turner) a été révélée comme l'assassin d'Archie Mitchell (Larry Lamb). Turner n'a été informée que 30 minutes avant l'épisode en direct et pour maintenir le suspense, elle murmure cette révélation à l'ancien amant et beau-père actuel, Max Branning, dans les tout derniers instants de l'émission en direct. De nombreux autres acteurs ne l’ont découvert qu’en même temps que le public, lors de la diffusion de l’épisode. Le 23 juillet 2012, une partie de l'épisode de cette soirée a été projetée en direct alors que Billy Mitchell (Perry Fenwick) portait la flamme olympique autour de Walford en préparation pour les Jeux olympiques d'été de 2012. En février 2015, pour le 30e anniversaire du feuilleton, cinq épisodes par semaine présentaient des inserts en direct tout au long d'eux. Les épisodes diffusés les mardi 17, mercredi 18 et jeudi 19 (qui comportaient un épisode d'une heure et un deuxième épisode) comportaient tous au moins un insert en direct. L'émission a révélé que le meurtrier de Lucy Beale (Hetti Bywater) était son jeune frère, Bobby (Eliot Carrington), lors du deuxième épisode jeudi, après dix mois de mystère sur qui l'avait tuée. Bobby a tué sa sœur dans un épisode de flashback qui revient sur la nuit du meurtre. L'épisode suivant, diffusé le vendredi 20, était entièrement en direct et expliquait en détail la mort de Lucy. Carrington a été informé qu'il était l'assassin de Lucy le lundi 16, tandis que Laurie Brett (qui joue la mère adoptive de Bobby, Jane) a été informée en novembre, car le personnage jouait un rôle important dans la dissimulation du meurtre de Lucy. Bywater n'a découvert que Bobby était responsable de la mort de Lucy le matin du jeudi 19, plusieurs heures avant de filmer les scènes révélant Bobby comme l'assassin de Lucy. Budgets et coûts Selon le livre How to Study Television, en 1995, les EastEnders ont coûté en moyenne 40 000 £ par épisode à la BBC. Un accord de 2012 entre la BBC, la Writers' Guild of Great Britain et la Personal Managers' Association fixait le taux de rémunération des scripts EastEnders à 137,70 £ par minute de temps de transmission (4 131 £ pour 30 minutes), soit 85 % du tarif pour les scripts d’autres séries télévisées de la BBC. Les scénaristes recevraient 75 % de ces frais pour toute répétition de l'épisode. En 2011, il a été rapporté que les acteurs recevaient une rémunération par épisode comprise entre 400 £ et 1 200 £ et se voyaient garantir un certain nombre d'épisodes par an, peut-être aussi peu que 30 ou jusqu'à 100. Les salaires annuels pouvaient donc varier de 12 000 £ à 200 000 £ selon la popularité d'un personnage. Les salaires de certains acteurs ont été divulgués en 2006, révélant que Natalie Cassidy (Sonia Fowler) avait reçu 150 000 £, Cliff Parisi (Minty Peterson) avait reçu 220 000 £, Barbara Windsor (Peggy Mitchell) et Steve McFadden (Phil Mitchell) avaient tous deux reçu 360 000 £. et Wendy Richard (Pauline Fowler) avait un salaire de 370 000 £. Un rapport de 2011 du National Audit Office a montré qu'EastEnders disposait d'un budget annuel de 29,9 millions de livres sterling. Sur cette somme, 2,9 millions de livres sterling ont été dépensés en scénarios et 6,9 millions de livres sterling ont servi à payer les acteurs, les figurants et les accompagnateurs des enfants acteurs. Selon le National Audit Office, les dirigeants de la BBC ont approuvé un financement supplémentaire de 500 000 £ pour l'épisode en direct du 25e anniversaire (19 février 2010). Avec un coût total de 696 000 £, la différence a été couverte par le budget de la série 2009-10 d'EastEnders. Reconstruire l'ensemble EastEnders Le producteur exécutif Dominic Treadwell-Collins a déclaré qu'il souhaitait qu'Albert Square ressemble à un véritable quartier de l'est de Londres en 2014 afin que bientôt le feuilleton « reflète mieux les quartiers les plus en vogue de l'est de Londres, appréciés des jeunes professionnels », donnant une saveur de la « gentrification rampante » de l’Est de Londres. Il a ajouté : "Cela devrait ressembler davantage à Londres. Cela fait trop longtemps que c'est gelé en gelée." En 2014, la BBC a annoncé qu'elle reconstruirait le plateau d'EastEnders, afin d'assurer l'avenir à long terme de la série, l'achèvement étant prévu pour 2018. Le plateau fournira une ressource de tournage extérieure moderne et améliorée pour EastEnders et copiera l'apparence des bâtiments existants. Il sera toutefois 20 % plus grand que l'actuel, afin de permettre une plus grande ambition éditoriale et d'améliorer les conditions de travail du personnel. Un décor temporaire sera créé sur place pour permettre la poursuite du tournage pendant la reconstruction de la structure permanente. Le réalisme Les responsables du programme d'EastEnders ont pris la décision que l'émission devait parler de « la vie quotidienne » dans le centre-ville « aujourd'hui » et la considéraient comme une « tranche de vie ». La créatrice/productrice Julia Smith a déclaré : « Nous ne créons pas la vie, nous la reflétons ». Elle a également déclaré: "Nous avons décidé d'opter pour un type de drame réaliste et assez franc qui pourrait englober des histoires sur l'homosexualité, le viol, le chômage, les préjugés raciaux, etc., dans un contexte crédible. Par-dessus tout, nous voulions du réalisme". Dans les années 1980, EastEnders présentait des intrigues « réalistes » impliquant la drogue et la criminalité, représentant les problèmes rencontrés par la classe ouvrière britannique thatchérienne. Les intrigues comprenaient la mort subite du bébé Hassan Osman, 14 mois, l'homophobie de Nick Cotton, le racisme et le meurtre de Reg Cox, le chômage d'Arthur Fowler reflétant la récession des années 1980, le viol de Kathy Beale en 1988 par James Willmott-Brown et Michelle Fowler. grossesse chez les adolescentes. L'émission traitait également de la prostitution, des relations métisses, du vol à l'étalage, du sexisme, du divorce, de la violence domestique et des agressions. Au fur et à mesure que la série progressait dans les années 1990, EastEnders présentait toujours des problèmes percutants tels que Mark Fowler découvrant qu'il était séropositif en 1991, la mort de sa femme Gill suite à une maladie liée au sida en 1992, le meurtre, l'adoption, l'avortement, la mort de Peggy Mitchell. la lutte contre le cancer du sein, ainsi que l'alcoolisme et la violence de Phil Mitchell envers sa femme Kathy. Des problèmes de santé mentale ont été confrontés en 1996 lorsque Joe Wicks, 16 ans, a développé la schizophrénie à la suite de la mort hors écran de sa sœur dans un accident de voiture. Au début des années 2000, EastEnders a abordé la question de l'euthanasie (la mort d'Ethel Skinner dans le cadre d'un pacte avec son ami Dot Cotton), le dévoilement des abus commis par Kat Slater par son oncle Harry lorsqu'elle était enfant (qui ont conduit à la naissance de sa fille Zoe, qui avait été élevée dans l'idée que Kat était sa sœur), la violence conjugale infligée à Little Mo Morgan par son mari Trevor (qui impliquait un viol et a abouti à la mort de Trevor après avoir tenté de tuer Little Mo dans un incendie), Sonia Jackson accouchant à la à l'âge de 15 ans puis de faire adopter son bébé, et la prostitution, l'agoraphobie et la toxicomanie de Janine Butcher. Le feuilleton aborde également la question de la maladie mentale et des soignants des personnes souffrant de troubles mentaux, illustré par la mère et la fille Jean et Stacey Slater ; Jean souffre de troubles bipolaires et sa fille adolescente Stacey était sa soignante (ce scénario a remporté un Mental Health Media Award en septembre 2006). Stacey a elle-même lutté contre ce trouble. La question de l'analphabétisme a été mise en évidence par les personnages de Keith, d'âge moyen, et de son jeune fils Darren. EastEnders a également couvert la question du syndrome de Down, puisque le bébé de Billy et Honey Mitchell, Janet, est né avec cette maladie en 2006. EastEnders a couvert la maltraitance des enfants avec son scénario impliquant Ben, le fils de 11 ans de Phil Mitchell, et sa petite amie avocate Stella Crawford, et le toilettage des enfants impliquant les personnages Tony King et Whitney Dean. David Proud, qui incarne le personnage d'Adam Best, est le premier acteur à utiliser un fauteuil roulant dans l'histoire du feuilleton. En dehors de cela, des feuilletons de base sur la romance juvénile, la jalousie, la rivalité domestique, les potins et les relations extraconjugales sont régulièrement présentés, avec des intrigues très médiatisées se produisant plusieurs fois par an. Des polars apparaissent également régulièrement, notamment "Who Shot Phil?" scénario en 2001 qui a attiré plus de 19 millions de téléspectateurs et a été l'un des plus grands succès du feuilleton télévisé britannique. Un autre polar est le meurtre d'Archie Mitchell (Larry Lamb), tué le jour de Noël 2009 après s'être fait plusieurs ennemis. Le tueur s'est révélé être Stacey Branning dans un épisode spécial en direct de la série pour marquer son 25e anniversaire ; un épisode qui a attiré un pic de 17 millions de téléspectateurs. Histoire L'idée d'un nouveau feuilleton sur BBC1 a été conçue en 1983 par des dirigeants de la BBC, principalement David Reid, alors responsable des séries et feuilletons, qui souhaitait que la BBC produise un nouveau feuilleton du soir. Ils ont confié la création de ce nouveau feuilleton au scénariste Tony Holland et à la productrice Julia Smith, célèbres pour leur travail ensemble sur Z-Cars. Ils ont créé vingt-quatre personnages originaux pour la série, basés sur la propre famille de Holland et sur des personnes dont ils se souvenaient de leurs propres expériences dans l'East End. Granada Television a donné à Smith un accès illimité à la production de Coronation Street pendant un mois afin qu'elle puisse avoir une idée de la manière dont un drame continu était produit. Ils ont choisi des acteurs pour leurs personnages et ont commencé à filmer la série au BBC Elstree Center à Borehamwood, Hertfordshire. Alan Jeapes et Simon May ont créé la séquence titre et le thème musical, et l'émission avec un titre provisoire d'East 8 a été renommée EastEnders, lorsque Smith et Holland ont réalisé qu'ils téléphonaient aux agences de casting depuis des mois pour leur demander s'ils avaient "de vrais East Enders". sur leurs livres. Julia Smith pensait que "Eastenders" "avait l'air moche écrit" et a mis le deuxième "e" en majuscule, et c'est ainsi que le nom EastEnders est né. Le tournage a commencé à la fin de 1984 et l'émission a été diffusée pour la première fois le 19 février 1985 et est devenue extrêmement populaire, déplaçant souvent Coronation Street du sommet des audiences pour le reste des années 1980. Planification Diffuser Depuis 1985, EastEnders est resté au centre de la programmation aux heures de grande écoute de BBC One. Elle est actuellement diffusée à 19h30 le mardi et le jeudi, et à 20h le lundi et le vendredi. EastEnders était initialement diffusé deux fois par semaine à 19 heures les mardis et jeudis à partir du 19 février 1985, avec un omnibus à 15h30 le dimanche ; cependant, en août 1985, les deux épisodes ont été déplacés à 19h30 car Michael Grade ne voulait pas que le feuilleton soit en concurrence directe avec Emmerdale Farm, et cela est resté le même jusqu'au 7 avril 1994. La BBC avait initialement prévu de profiter de les « pauses estivales » qu'Emmerdale Farm prenait habituellement pour capitaliser sur les audiences, mais ITV a ajouté des épisodes et des rediffusions supplémentaires afin qu'Emmerdale Farm ne soit pas retirée des ondes au cours de l'été. Conscient de la futilité de la situation, Grade a décidé de déplacer l'émission à 19h30, mais pour éviter les spéculations des tabloïds selon lesquelles il s'agissait d'un « mouvement de panique » de la part de la BBC, ils ont dû « habiller la présentation de cette émission ». déplacer de manière à protéger le spectacle", donnant "toutes sortes de raisons" pour le déménagement. La production d'EastEnders est ensuite passée à trois fois par semaine les lundis, mardis et jeudis du 11 avril 1994 au 2 août 2001. À partir du 10 août 2001, EastEnders a ensuite ajouté son quatrième épisode (diffusé le vendredi). Cela a provoqué une certaine controverse car il s'est heurté à Coronation Street, qui à l'époque a été déplacée à 20 heures pour faire place à un épisode d'une heure du feuilleton rural Emmerdale à 19 heures. Cette décision a immédiatement provoqué une réaction de colère de la part des initiés d'ITV, qui ont fait valoir que la décision de dernière minute de la BBC, révélée seulement à 15h30 ce jour-là, enfreignait une règle de programmation non écrite selon laquelle les deux feuilletons phares ne seraient pas opposés directement l'un à l'autre. Dans ce premier face-à-face, EastEnders a revendiqué la victoire sur son rival. Début 2003, les téléspectateurs pouvaient regarder l'épi

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En quelle année a eu lieu le premier épisode de Minder ?

1979

Minder était une comédie dramatique britannique sur la pègre londonienne. Initialement produit par Verity Lambert, il a été réalisé par Euston Films, une filiale de Thames Television (plus tard, Central Independent Television en 1993 et ​​1994) et diffusé sur ITV. L'émission originale a duré dix séries entre le 29 octobre 1979 et le 10 mars 1994 et mettait en vedette Dennis Waterman dans le rôle de Terry McCann, un garde du corps honnête et sympathique (gardien en argot londonien) et George Cole dans le rôle d'Arthur Daley, un importateur socialement ambitieux, mais très peu scrupuleux. -exportateur, grossiste, vendeur de voitures d'occasion et fournisseur de tout ce qui permettait de gagner de l'argent, que ce soit dans le cadre de la loi ou non. La série se déroulait principalement dans le centre-ouest de Londres (Shepherd's Bush/Ladbroke Grove/Fulham/Acton) et était en grande partie responsable de l'introduction du mot minder, qui signifie garde du corps personnel, dans le lexique populaire britannique. Les personnages buvaient souvent au Winchester Club local réservé aux membres, où le propriétaire et barman Dave (Glynn Edwards) agissait, souvent à contrecœur, comme une machine à messages pour Arthur et fermait les yeux sur ses affaires louches. La série se distinguait par l'utilisation d'un certain nombre d'acteurs britanniques de premier plan, ainsi que de nombreux artistes prometteurs avant de connaître le grand succès. à son apogée, c'était l'un des plus grands gagnants d'audience d'ITV. En 2008, il a été annoncé que Minder entrerait en production pour diffusion en 2009 (sur Channel 5) pour une nouvelle version, bien qu'aucun des acteurs originaux n'apparaisse dans les nouveaux épisodes. Le nouveau spectacle s'est concentré sur le neveu d'Arthur, Archie (créé uniquement pour cette nouvelle version), joué par Shane Richie. La série a commencé à être diffusée le 4 février 2009. En 2010, il a été annoncé qu'aucun autre épisode ne serait réalisé suite à un accueil tiède de la première série. Arrière-plan Minder a été conçu par l'écrivain Leon Griffiths comme véhicule pour Dennis Waterman après son succès dans The Sweeney. Le personnage de marchand de roues de George Cole est presque secondaire, Arthur attribuant à Terry un nouveau travail de « garde » dans chaque épisode. Un certain nombre de premiers épisodes se concentrent sur Terry dans de telles missions, Arthur restant en arrière-plan. Cependant, à mesure que le potentiel comique du personnage douteux de Cole émergeait, ainsi que le couple réussi à l'écran de Waterman et Cole (qui s'est avéré être l'un des éléments les plus populaires de la série), l'accent s'est de plus en plus concentré sur les exploits d'Arthur. , et au cours de quelques séries dans la vie de la série, les intrigues typiques tournaient davantage autour des dernières escroqueries louches d'Arthur au lieu de certaines des intrigues les plus « granuleuses » des travaux de surveillance de Terry. Malgré son succès final, Minder a été un processus lent, non aidé par le retard causé par une grève des techniciens de neuf semaines qui a effectivement mis le réseau ITV hors service. À la lumière des chiffres d'audience initialement médiocres, la direction de Thames avait l'intention d'abandonner l'émission, mais le directeur général Bryan Cowgill les a persuadés de commander une autre série et de répéter la première. Les deux ont attiré un public beaucoup plus large et dès la série 3, la série était devenue un succès majeur et, à son apogée, elle était souvent citée comme le joyau de la couronne dramatique d'ITV. Terry McCann Terry est un ancien boxeur professionnel qui a purgé une peine de prison (Wormwood Scrubs) ("deux ans pour GBH et trois pour tentative de vol" selon un sergent de police dans le premier épisode, "Gunfight at the OK Laundrette", bien que d'autres épisodes légèrement contredit cela et les accusations globales sont souvent assez vagues), ayant purgé une peine importante parce qu'il ne voulait pas devenir un informateur contre ses coaccusés. Avec peu d'options, Terry est employé comme gardien d'Arthur dans des conditions vagues et peu généreuses, il est souvent laissé entendre qu'Arthur l'a manipulé dans ce travail, et on voit en effet continuer à manipuler Terry tout au long de la course du personnage dans la série, malgré son souvent. tenter de trouver d'autres moyens d'emploi et de se libérer du contrôle d'Arthur. (Le dernier long métrage spécial "Un officier et un vendeur de voitures", qui mène à la série 7, le dernier passage de Terry dans la série, commence avec Terry une fois de plus à l'intérieur, cette fois après avoir été surpris avec certaines des marchandises accrocheuses d'Arthur). Dans la séquence titre, Arthur rencontre Terry aux portes de la prison après sa libération. Il conduit une Ford Capri blanche, bien qu'il ne soit jamais précisé si Terry avait acheté le véhicule à Arthur, d'où leur rencontre, ou si Arthur avait donné cette voiture à Terry dans le cadre de leur contrat de travail qui a suivi, de la même manière que l'appartement. dans lequel Arthur héberge Terry. (Terry conduit une Capri de couleur cuivre dans certains épisodes à mi-parcours, et une Capri argentée dans plusieurs autres, et le modèle exact varie d'un épisode à l'autre). Terry aime boire un verre mais généralement de manière responsable, ne fume pas et a un œil pour les dames. Malgré son incarcération, il est honnête, digne de confiance et loyal, en particulier envers Arthur, bien que les éraflures dans lesquelles Arthur le fait se demander pourquoi. Il est suffisamment intelligent et avisé pour disperser les situations dans lesquelles son rôle de gardien se retrouve souvent lui-même - ainsi qu'Arthur ou ceux qui l'entourent -, bien qu'en même temps il ne semble pas avoir une volonté assez forte pour se libérer des manières souvent sournoises d'Arthur de garder. leur relation de travail en place. Arthur Daley Arthur est un criminel professionnel de niveau intermédiaire d'âge plutôt mûr, un escroc mineur éternellement impliqué dans des transactions douteuses et généralement vu en train de fumer des cigares Castella Panatella. Dans l'épisode de la série 3 "In", on découvre grâce à un policier allemand lisant le dossier d'Arthur qu'Arthur a purgé 18 mois de prison dans les années 1950, sans que l'on sache pourquoi. Il est révélé dans l'épisode « The Balance of Power » que le deuxième prénom d'Arthur est Edward. Arthur conduit généralement une voiture haut de gamme, à commencer par une Jaguar XJ6 4.2 Series II argentée. Dans la dernière partie de la série 3, Arthur est passé à une Mercedes 280E argentée et dans la série 4, il conduit une Daimler Sovereign 4.2 Series III beige Portland. La série 7 voit à nouveau Arthur conduire une Jaguar XJ6 argentée. En tant que vendeur de voitures d'occasion, il n'est pas surprenant qu'Arthur utilise occasionnellement d'autres voitures. Dans l'épisode de la série 3 « Broken Arrow », il utilise une Ford Granada Mk.II. Cependant, en raison d'un accident, cette voiture doit être réparée et Arthur est obligé d'emprunter la Chevrolet Corvette C3 Stingray personnalisée d'un ami qu'il essaie de vendre. Également dans la série 3, Arthur utilise une Jaguar XJR marron dans les épisodes « Dead Men Do Tell Tales » et « Looking for Micky ». Dans l'épisode de la série 7 "C'est un camion désolé, Morrie!", Arthur n'a pas de chance et doit recourir à la conduite d'une Ford Granada Mk.II jaune moutarde applaudie. Dans l'épisode "A Nice Little Wine", Daley conduit, afin de tester, une Rover SD1 bleu pâle. Dans l'épisode spécial "Un officier et un vendeur de voitures", Arthur a évolué dans le monde et conduit une Rolls Royce Silver Shadow jaune. Il survit grâce à ses ruses et à sa confiance en lui, et exploite tout le monde, en particulier Terry. Il essaie toujours de gagner rapidement de l'argent et ses projets se retournent généralement contre lui et le laissent soit endetté auprès de personnalités de la pègre locale, soit avec ses activités sous le contrôle de la police (ou souvent une combinaison des deux) - Terry étant finalement laissé. pour régler le problème et le sortir du pétrin. Arthur se considère comme un « entrepreneur », mais ses costumes trois pièces sur mesure, Jaguar et ses affectations sociales ne cachent pas son accent et ses origines ouvrières. Arthur teste la patience de Terry avec des projets malhonnêtes et voués à l'échec pour gagner de l'argent (« gentils petits salariés »), puis utilise sa ruse pour persuader Terry de rester avec lui. De la même manière, Arthur manipule des amis tels que Dave, le barman (et copropriétaire avec Arthur) du privé, quoique bas de gamme, "Winchester Club". Arthur se réfère à sa femme, qui n'est jamais apparue, comme « 'euh à l'intérieur » ; l'implication selon laquelle elle est une femme féroce et redoutable est renforcée par l'apparition de l'actrice Claire Davenport (célèbre pour de tels rôles) dans le rôle de sa sœur. Arthur n'hésite pas à enfreindre la loi et attire parfois l'attention de la police locale. Bien qu'il soit celui dont nous savons qu'il a purgé sa peine (Arthur l'a également fait mais cela n'est mentionné que dans un seul épisode (série 3, épisode 13, "In") et aucune autre référence n'est faite), c'est Terry qui sert de la conscience morale de la série, empêchant Arthur de s'éloigner trop de la loi et le persuadant de faire la bonne chose, qu'Arthur le veuille ou non. Le nom Arthur Daley est devenu synonyme de vendeur malhonnête ou de petit escroc. Avec les plans douteux d'Arthur, le duo rencontre des personnages indésirables de la pègre, dont beaucoup avec lesquels Arthur a affaire et dont beaucoup deviennent méchants, laissant Terry se battre et se sortir du pétrin. Mais malgré toute l'obsession d'Arthur pour les projets d'enrichissement rapide, il n'est jamais malveillant, généralement simplement aveuglé par la cupidité, et le couple finit souvent par réparer quelqu'un d'autre ou aider ceux qui sont dans le besoin ou qui ont été maltraités par, même si cela s'avère être le talon d'Achille d'Arthurs pour que son dernier projet réussisse pleinement. La plupart des plans d'Arthur échouent à la fin, en raison de sa cupidité, mais il remporte parfois une victoire mineure et en met une sur la loi ou sur des criminels plus graves. La boisson préférée d'Arthur était une grande vodka tonic, appelée « grande TVA », un jeu de mots sur la taxe sur la valeur ajoutée (la taxe britannique sur les ventes). Fonderie Au fur et à mesure que la série progressait, l'accent s'est déplacé vers une présentation plus uniforme de Terry et Arthur, avec plus de temps d'écran consacré à Arthur et à ses relations. Le barman Dave (dont le nom de famille a été donné à plusieurs reprises sous le nom de Harris) n'a d'abord fait que des apparitions occasionnelles, mais la relation entre Arthur, Terry et Dave est également devenue populaire et dans la deuxième série, il a également eu plus de temps à l'écran : 7, la dernière série à présenter Dennis Waterman dans le rôle de Terry et donc la dernière à présenter le générique d'ouverture original, la séquence a été très légèrement modifiée pour inclure des plans de Terry, Arthur et Dave au Winchester, donnant à Edwards sa propre facturation (auparavant, il avait été crédité parmi les acteurs invités). Scénarios Le ton du programme dans les séries un et deux, et une grande partie de la série trois, mélangeait des séquences dramatiques et d'action poignantes avec des moments comiques décalés, et beaucoup de ces contes avaient une sensation plus cruelle que les intrigues plus légères qui se poursuivraient. pour être plus familier. Au fur et à mesure que la série progressait sur 15 ans, l'accent a été mis davantage sur les aspects comiques de la relation gardien-principal, et la série est devenue davantage une comédie motivée par une intrigue dramatique. La satire sociale a joué un rôle important tout au long de la série, ancrée dans l'éthos cinématographique et social des années 1980. Dans la série précédente, Terry réussissait à séduire un "dolly bird", ce qui aboutissait à au moins une scène de semi-nudité féminine par épisode moyen, bien qu'à mesure que la série devenait plus populaire, ces cas étaient réduits (et certains visionnages répétés, même ceux-là). après le tournant, atténué ces scènes). Bien que toujours un élément de la série, les combats – courants et brutaux dans les premiers épisodes – ont également été atténués et sont devenus moins fréquents. Un autre élément important de la série étaient les intrigues secondaires que l'on trouve généralement dans un épisode de Minder. Bien que les intrigues secondaires n'aient pas nécessairement été trouvées dans tous les épisodes, elles ont été trouvées dans la plupart et consistaient généralement en l'une des affaires douteuses d'Arthur, les tâches de surveillance de Terry et/ou les faveurs faites à des amis et, dans quelques cas, impliquaient la police s'attaquant à des cas particuliers. La série présente un certain nombre de parallèles avec la comédie de longue date de la BBC Only Fools and Horses, les deux se déroulant à Londres et impliquant d'adorables dealers douteux avec des plans sans fin pour devenir riche rapidement qui se retournent invariablement contre eux et leur causent des ennuis (et les deux dont ont essayé de se faire passer pour un statut plus élevé qu'ils ne l'étaient réellement), et tous deux ont un mélange de comédie et de drame. En effet, le créateur/scénariste de Only Fools and Horses, John Sullivan, a affirmé que l'une des façons dont il avait persuadé la BBC de commander la série était de souligner le succès de Minder d'ITV, qui avait débuté l'année précédente. Après des débuts tièdes, les deux séries sont devenues d’énormes succès et partagent une grande partie de la même base de fans. À Noël 1985, des émissions spéciales de Only Fools, Horses et Minder étaient programmées les unes contre les autres, provoquant la colère de nombreux téléspectateurs (à l'époque où les magnétoscopes étaient monnaie courante dans de nombreux foyers britanniques). Thème musical Le thème musical, "I Could Be So Good for You", a été écrit en 1979 par Patricia Waterman et Gerard Kenny et chanté par Dennis Waterman. Le disque atteint la troisième place des charts britanniques en novembre 1980 et conduit Waterman à partir en tournée en tant que chanteur. Dennis Waterman a également chanté les chansons thématiques d'autres programmes dans lesquels il a joué, notamment On the Up, Stay Lucky et New Tricks, ce qui a conduit à une parodie dans Little Britain où Dennis Waterman se voit proposer un travail d'acteur ; il suppose toujours qu'il « écrira également la mélodie du thème, chantera la mélodie du thème... ». Le groupe de Glasgow Attic Lights a retravaillé le thème de la série 2009. Crédits La séquence de générique d'ouverture de la série montre les personnages d'Arthur Daley et Terry McCann négociant la vente de la Ford Capri blanche entrecoupée de photos fixes des deux personnages principaux, soulignant les références de Terry en tant que boxeur à la retraite et ancien détenu, ce qui symbolise vraisemblablement les personnages. première rencontre et les termes de leur partenariat. À l'époque de Dennis Waterman, le générique de clôture consistait en un certain nombre de photographies en noir et blanc (avec une teinte bleue) d'Arthur et Terry ensemble devant des monuments célèbres de Londres, et quelques allusions à des escapades précédentes (invisibles) typiques d'une intrigue d'épisode standard. . Dans la série ultérieure de Gary Webster, cela a changé : Arthur et Ray marchant le long de la jetée de Southend, longue de plus d'un mile : à la fin, Arthur se rend compte qu'il a laissé son briquet à l'autre extrémité de la jetée et ils commencent à revenir pour le trouver. Adversaires policiers Compte tenu de la nature des activités d'Arthur, il a toujours été sous le feu des projecteurs de la police locale et a croisé plusieurs personnages réguliers et occasionnels : DS Albert Chisholm ; Le sergent-détective Albert "Cheerful Charlie" Chisholm (joué par Patrick Malahide) a fait une brève apparition dans le premier épisode et est apparu dans 23 autres épisodes des six premières séries. Chisholm arrêtait fréquemment Arthur, mais n'était pas assez intelligent pour faire tenir les accusations. Dès la série 3, il était accompagné de : DC/DS « Taff » Jones ; (Michael Povey), un policier gallois. Bien que, ne semblant pas particulièrement brillant à première vue, Jones se montrait souvent plus vif (bien que légèrement) que son supérieur, et était tranquillement amusé par l'humiliation fréquente d'Arthur envers Chisholm, allant même occasionnellement au Winchester pour un verre social, loin de la domination de Chisholm. Il a toléré les dénigrements de son officier supérieur avec « une volonté celtique et une peur morbide du chômage ». Jones a été promu sergent-détective dans la série 7, avec DC MacDonald (Robin Cameron) comme assistant. DC/DS Ronald Rycott ; L'agent-détective Ronald "Kenny" Rycott (joué par Peter Childs) a fait sa première apparition dans l'épisode 3, "Plus ils sont petits". Rycott avait auparavant eu un « problème », ce qui l'empêchait de gravir les échelons, bien qu'il soit ensuite devenu sergent-détective. Personnage solitaire, n'ayant pas peur des situations violentes et plus que disposé à faire un peu de travail « indépendant », il était souvent au bord d'une crise de nerf lorsqu'Arthur lui glissait entre les doigts. Rycott est apparu dans 14 autres épisodes jusqu'à la fin de la série 7. Son assistant régulier était : DC Melish ; (Michael Troughton). DC Melish était, comme DC Jones, principalement amusé par les activités d'Arthur. De nombreux épisodes des sept premières séries mettaient en vedette Chisholm et Jones ou Rycott et Mellish, et les deux couples apparaissaient parfois ensemble, soulignant la rivalité professionnelle entre eux, au grand dam de leur officier supérieur, l'inspecteur-détective (chef) Norton (Tony Caunter). ). Cette rivalité a atteint son paroxysme dans l'épisode "Around the Corner" (qui a clôturé la série 5) lorsque les quatre policiers, dans deux voitures, se sont écrasés de plein fouet alors qu'ils tentaient d'arrêter Arthur et Terry. D.I. Les commentaires ultérieurs de Norton étaient cinglants. Même si les apparitions de Norton furent toujours brèves, elles démontrèrent la nature personnelle des campagnes de Chisholm et Rycott. Dans l'épisode de la série 6 « From Fulham with Love », Norton apparaît pendant moins d'une minute, mais passe toute cette apparition à dénoncer Chisholm pour sa « vendetta personnelle contre Arthur Daley ». Dans le long métrage "Un officier et un vendeur de voitures" qui a précédé la série 7, Chisholm a été exclu (il aurait accepté un poste d'agent de sécurité) et Jones a été promu DS. En sondant les complots d'Arthur, il était moins déterminé à l'attraper, trouvant la plupart des plans d'Arthur humoristiques. De nouveaux policiers sont apparus à partir de la série 8 : DS Michael Morley ; (Nicholas Day) Le DS Michael Morley était également un officier très motivé, mais tempéré par un sens de l'humour qui manquait à Chisholm. Il n'a pas non plus réussi à porter plainte contre Arthur devant le tribunal. Ses assistants étaient : Parc DC ; (Stephen Tompkinson). Le DC Johnny Park était ouvertement amusé par les activités d'Arthur et Ray, mais connaissait son devoir, tout comme Champ CC ; DC Field (Jonty Stephens) était un officier consciencieux mais rendait parfois un bon service à Arthur quand il le méritait (ce qui était rare). DS Rogerson ; (James Guerrier). Le DS Richard Rogerson était un officier loyal et tenace de la « vieille école ». À l'occasion, il a même aidé Ray à prouver qu'Arthur était innocent des accusations portées par la police. Autres personnages Le monde d'Arthur était principalement peuplé de petits escrocs, de « feuilles de thé », de « clôtures » et de gens heureux de remettre rapidement des marchandises douteuses, généralement (mais pas toujours) sans violence. Ils comprenaient des personnages mémorables tels que «Mournful Morris», «Self Inflicted Sid», «Freddy, the Fly», «Scotch Harry», «Pongo Harris» et «Dipso Pete». Au fil des saisons, les stars invitées sont devenues plus prestigieuses, notamment Michael Kitchen dans le rôle de « Tony maltais », et la dernière saison avec Cole et Waterman mettait en vedette Billy Connolly jouant Tick-tack, un bookmaker et escroc, Brian Blessed dans le rôle de DI Dyer, Ian McShane. dans le rôle du gangster Jack Last et Roy Kinnear dans le rôle de Fat Charlie. Les personnages récurrents comprenaient Des (George Layton) (séries 1-3), un ami mécanicien de Terry qui était sympathique et sympathique, mais pas au-delà du vol de voiture lorsqu'on l'appelait; la strip-teaseuse Debbie Mitchell (Diana Malin) et l'hôtesse de l'air Penny (Gennie Nevinson), toutes deux petites amies récurrentes de Terry ; Ray Winstone dans le rôle du mécanicien Arnie (séries 4-7, conçues pour remplacer le Des de George Layton et aussi sombres que Des était tranchant) ; et le grand garçon Justin James (Mark Farmer) (séries 5-7), qui idolâtrait Arthur et aspirait à être comme lui, le considérant comme une sorte de parrain. Royce Mills a également joué le rôle du conseiller financier d'Arthur, Andrew, dont le personnage est apparu dans plusieurs épisodes de plusieurs séries. Popularité À son apogée, l'émission était l'un des programmes les plus populaires d'ITV, attirant même plus de 10 millions de téléspectateurs en rediffusion. L'épisode le mieux noté était "Second Hand Pose" de 1984, avec 16,4 millions de téléspectateurs. En 2005, Arthur Daley est arrivé deuxième dans le sondage du 50e anniversaire d'ITV pour trouver ses personnages télé préférés. En plus de l'utilisation massive d'acteurs britanniques de premier plan, d'autres caractéristiques étaient l'argot aux rimes constantes d'Arthur et d'autres dictons mal cités (l'un étant "le monde est ton homard" et "J'ai fait un rêve"), les sites abandonnés utilisés comme lieux et l'épisode des titres qui contenaient des références à des films (par exemple "Gunfight at the O.K. Launderette", "Monday Night Fever", "National Pelmet", "The Beer Hunter", "Days of Fines and Closures", "The Wrong Goodbye" et "Devinez" Qui vient chez Pinner ?"). On a dit à plusieurs reprises que le spectacle avait pris fin, pour ensuite réapparaître. Par exemple, en 1984, TV Times rapportait que la série 5 serait la dernière. En 1985, il semblait à nouveau que la série actuelle était la dernière, et elle était restée hors antenne (reprises de mesures) pendant trois ans, pour réapparaître en 1988. Cette série semblait être la dernière lorsque Dennis Waterman a annoncé son départ à la fin de son parcours. Cependant, après une pause de deux ans et demi, la série était de retour pour une nouvelle série de deux ans et demi, qui s'est terminée avec la dixième série en 1994. La série a inspiré un single à succès, "Arthur Daley (E's Alright!)" de The Firm, qui a fait partie du Top 20 britannique en 1982. George Cole et Dennis Waterman ont sorti un disque de Noël en 1983 intitulé "What are We Gonna Get 'Er Indoors ?" qui a atteint la 21e place des charts. Le duo l'a interprété sur Top of the Pops le 22 décembre 1983. Séries 8-10 En 1989, après le tournage de la septième série, Waterman a annoncé qu'il avait quitté la série, estimant que le personnage avait suivi son cours et qu'il devenait de plus en plus difficile pour les scénaristes de proposer des intrigues aussi pointues que celles auxquelles la série était habituée. Cela semblait signifier la fin, mais la série fit un autre retour en 1991, avec un autre personnage remplaçant Terry. Le dernier épisode diffusé par Waterman, intitulé par hasard "The Wrong Goodbye", de la série 7, s'était terminé comme un épisode standard, filmé avant l'annonce de Waterman selon laquelle il devait partir et donc sans aucune idée du départ prochain de Terry. Dans l'épisode d'ouverture de la série 8, "La solitude de l'entrepreneur longue distance", Arthur découvre que Terry (invisible dans l'épisode) s'est marié et a émigré en Australie pour enfin échapper à son influence. Dans le même temps, il doit s'occuper de son neveu Ray Daley (Gary Webster), à la demande du frère d'Arthur pour lui donner un emploi et lui éviter des ennuis. Avec Terry hors de la scène, les indésirables locaux commencent à s'attaquer à Arthur, mais il apparaît vite que Ray est capable de se débrouiller dans un combat, et même dans une situation difficile, et Arthur le nomme son nouveau "gardien". Ray a été décrit comme plus intelligent, ayant une bonne intelligence et une bonne éducation (niveau "O" français et menuiserie) ainsi que capable de se battre (dont les cas, à ce stade, étaient beaucoup moins fréquents et beaucoup moins graphiques que ceux vus au début de la série). épisodes). Il était également un habilleur vif, généralement vu dans des costumes de créateurs, et non un gros buveur, généralement vu en train de siroter de l'eau minérale ou des boissons gazeuses. Ray n'avait pas de voiture ordinaire et se retrouvait généralement encombré d'une vieille Ford Transit bleue cassée provenant de la cellule d'Arthur. Le thème original a été remplacé par une version instrumentale de style rock, attribuée à "Kenny" (Gerard Kenny). À ce stade, les éléments bruts et prêts de la première série avaient été atténués, se concentrant sur les aspects comiques des relations douteuses d'Arthur. Waterman a félicité Gary Webster pour son intégration dans la série, mais a clairement déclaré que la série ne concernait plus un gardien et que la version remaniée devrait porter un titre différent, reflétant presque solidement son orientation autour d'Arthur. D'autres nouveaux personnages dans cette version remaniée étaient Sidney Livingstone dans le rôle de Bert Daley, le frère crédule et trop confiant d'Arthur (et le père de Ray), qui considère Arthur comme un homme d'affaires prospère et non comme un escroc et confie Ray à ses soins ; l'épouse de Bert et la mère de Ray, Doreen (Lill Roughley) ; et la petite amie récurrente de Ray, Gloria (Emma Cunningham), qui est frustrée que Ray soit déchiré entre elle et le laquais d'Arthur. Le nouvel ennemi de la police était le sergent-détective Michael Morley (Nick Day), associé à D.C. Park (Stephen Tompkinson) dans la série 8, qui à son tour a été remplacé par D.C. Field (Jonty Stephens) dans la série 9. La fin du dernier épisode de la série 10, "The Long Good Thursday", a vu Arthur (avec Ray et Dave) finalement être arrêté et chassé dans un convoi de police. Dans un monologue final sur le générique de clôture, Arthur était perplexe, se présentant comme un citoyen honnête et travailleur. La semaine suivante, une rediffusion du premier épisode, "Gunfight at the O.K. Laundrette" (légèrement édité pour son début avant le tournant) a été diffusée. Cole a fait une introduction, disant qu'on lui avait demandé de choisir son épisode préféré, mais que tous étaient d'une telle qualité qu'il ne pouvait pas. Il a terminé par "Au revoir... pour l'instant", laissant entendre que lui ou la série pourrait revenir. Série 11 En juillet 2008, il a été annoncé que Minder reviendrait sur Channel 5 après une interruption de 15 ans. Le premier épisode de la série en six parties a été diffusé le 4 février 2009. Les créateurs ont souligné qu'il s'agissait d'une reprise plutôt que d'un remake. L'émission s'est concentrée sur le neveu d'Arthur, Archie, joué par Shane Richie, et sur un nouveau personnage de « gardien », Jamie Cartwright, joué par Lex Shrapnel. Channel 5 a déclaré en juillet 2008 qu'il n'était pas prévu que Cole, Waterman ou Webster reprennent leurs rôles dans la série relancée. La série a été produite par Talkback Thames. Dans les semaines qui ont précédé la nouvelle série, Channel 5 a lancé une campagne publicitaire nationale pour promouvoir le retour de la série. Celles-ci présentaient une série de publicités contemporaines à la télévision, ainsi que des panneaux d'affichage. D'autres promotions comprenaient des publicités sur les reçus de taxi, une campagne sur les réseaux sociaux et des sous-bocks de marque, toutes conçues pour attirer le jeune public masculin ciblé par Channel 5. Le Sun a rapporté que Richie avait interdit à Waterman d'apparaître dans le remake de la série, mais Richie a dit aux fans d'ignorer cette histoire, affirmant que ce serait un honneur d'être en compagnie de Waterman et Cole, et encore moins de travailler avec eux à la télévision. Le 31 mai 2009, le journal britannique The Mirror a rapporté qu'en raison de prétendues mauvaises audiences, Channel 5 ne commanderait pas de nouvelle série de Minder. Épisodes Retombées En 1980, un annuel basé sur la série a été publié par Grandreams. Il était basé sur le premier concept de la série basé sur Terry et ne faisait aucune référence à Arthur. Deux autres annuaires ont été publiés par World International Publishing pour 1985 et 1986. Ces annuaires présentaient à la fois Terry et Arthur, avec des illustrations de Dennis Waterman et de George Cole. En 1985, un jeu informatique Minder sous licence officielle a été publié pour ZX Spectrum et Amstrad CPC. Le but du joueur était de gagner de l'argent en achetant et en vendant des biens. Le jeu a été écrit par Don Priestley et publié par dK'Tronics. Remarques

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Comment s'appelle le chat dans Rising Damp ?

Vienna

Rising Damp est une sitcom britannique produite par Yorkshire Television pour ITV. ITV a initialement diffusé le programme de 1974 à 1978. Il a été adapté pour la télévision par Eric Chappell de sa pièce de théâtre de 1971 The Banana Box (conservée comme titre provisoire au début de la série). La série était la sitcom ITV la mieux classée dans le sondage des 100 meilleures sitcoms de la BBC en 2004. Principe de base Rising Damp mettait en vedette Leonard Rossiter, Frances de la Tour, Richard Beckinsale et Don Warrington. Rossiter a joué Rupert Rigsby (à l'origine Rooksby dans la pièce de théâtre) : le propriétaire avare, miteux et ridiculement égoïste d'une maison de ville victorienne délabrée qui loue ses studios minables à divers locataires. Beckinsale a joué Alan Guy Moore, un étudiant en médecine aux cheveux longs, naïf, bon enfant et aimable qui occupe la chambre du haut. Frances de la Tour était Miss Ruth Jones : une vieille fille fantaisiste et administratrice d'université qui loue une autre chambre, dont Rigsby est amoureux et à qui il propose dans le dernier épisode. Dans l'épisode pilote, un nouveau locataire arrive. Philip Smith (Don Warrington) est un étudiant en urbanisme qui prétend être le fils d'un chef africain. En tant qu'homme noir, il fait ressortir les craintes mal informées et les soupçons instinctifs de Rigsby. Cependant, le propriétaire accepte rapidement son nouveau locataire et le considère désormais avec un respect prudent... méfiant à cause de l'intelligence et des manières douces de Philip, et surtout parce que Miss Jones se trouve attirée par le beau sophistiqué. Parmi ces quatre acteurs principaux, seul Beckinsale était une nouvelle recrue – les autres avaient tous joué leur rôle dans la pièce de théâtre originale. Dans la première série, il y avait un autre locataire Spooner, un lutteur professionnel, joué par Derek Newark. Rigsby se met en colère lorsque lui et Alan « empruntent » ses vêtements dans l'épisode « A Night Out ». Spooner n'a fait que deux apparitions mais est mentionné dans d'autres épisodes de la série 1. D'autres locataires emménagent occasionnellement dans la maison mais ne deviennent jamais résidents permanents, n'apparaissant souvent que dans un seul épisode. Peter Bowles et Peter Jeffrey faisaient partie des acteurs incarnant ces locataires. La série s'inscrit dans la tradition de la comédie britannique selon laquelle l'échec est un thème sous-jacent clé, chacun des personnages menant une vie de désespoir tranquille. Frances de la Tour quitte temporairement la série en 1975, après être apparue dans quatre épisodes de la deuxième série, en raison d'engagements théâtraux. Elle a été « remplacée » par Gabrielle (Gay) Rose pendant trois épisodes en tant que nouvelle locataire Brenda (elle est également apparue dans le dernier épisode de la Tour de 1975 « Moonlight and Roses »), tandis qu'Henry McGee a également remplacé pour un épisode en tant que nouveau locataire et escroc. Seymour. Frances de la Tour est revenue pour les deux dernières séries. Richard Beckinsale n'est pas apparu dans la quatrième série en raison d'engagements théâtraux du West End. Eric Chappell a écrit quelques lignes dans le premier épisode prévu "Fire and Brimstone" pour expliquer l'absence d'Alan (il avait réussi ses examens pour devenir médecin), mais celles-ci ont été coupées lorsqu'il a été décidé de diffuser le deuxième épisode "Hello Young Lovers" comme le premier épisode à la place. Eric Chappell a défendu Rigsby en disant qu'il "n'était ni raciste ni sectaire, mais qu'il avait des préjugés et se méfiait des étrangers". Mais il a accepté Philip et son seul souci par la suite a été de ne pas avoir une longueur d'avance sur Miss Jones. Paramètre Le décor est une maison de ville victorienne délabrée louée comme studio dans le Yorkshire. Le cadre exact n'est pas explicitement indiqué bien qu'il soit implicite qu'il s'agisse de Leeds, à travers des références à Leeds United, Yorkshire Rider, le M62 et le Corn Exchange. Le film se déroule cependant à Londres. Accent sur l'échec personnel Le programme dépeint de près les vies ratées de trois des quatre personnages principaux. Rigsby est séparé depuis longtemps de sa femme et est depuis devenu un homme miteux et ignorant qui se méfie de toute personne différente de lui. Miss Jones est une célibataire malheureuse qui se montre désespérée pour l'attention des hommes (même prête, en fait, à payer pour cela). Alan est socialement incompétent et reste vierge pendant une grande partie de la série, bien qu'il semble avoir la vingtaine. Philip, en revanche, est un homme relativement instruit et émotionnellement intelligent, qui répond à l'ignorance raciste de Rigsby par une sorte de complicité ironique, qui s'exprime à travers des mensonges rappelant sa vie africaine pleine de magie, de violence et de promiscuité sexuelle, ce qui amène souvent Rigsby à prendre des décisions. un imbécile de lui-même à cause de sa volonté crédule de croire ces histoires. Personnages Rigby Le propriétaire de la maison, Rupert Rigsby (Leonard Rossiter) est austère, intrusif et serré. Il a de fortes opinions de droite qui sont adoptées sans morale ni raison. Par exemple, dans l'adaptation cinématographique, il déclare que la pendaison devrait être rétablie, mais cette fois en public. Rigsby est un type colonial à l’ancienne avec des opinions préjugées. Il se méfie de tout ce qui dépasse sa sphère d'intérêt paroissiale et, plus particulièrement de Philip, qui est suave, intelligent, s'exprimant bien - et noir. Il est également jaloux de Philip parce qu'il est énigmatique, adroit, charismatique et instruit, tout ce à quoi Rigsby aspire mais ne l'est pas. Rigsby est un ardent patriote, se considérant comme un membre illégitime de la famille royale britannique. Il fait également des références exagérées et romancées à son service militaire pendant la Seconde Guerre mondiale, faisant fréquemment référence à « quelques ennuis avec les vieux éclats d'obus » et aux combats à la bataille d'Anzio. Rigsby est également un formidable snob, obsédé par le fait d'être perçu comme appartenant à la classe moyenne. Il affecte souvent une attitude de « cravate à l'ancienne » – un autre de ses fantasmes. Alors que Rigsby essaie de flirter avec les classes supérieures, quand celles-ci le rejettent invariablement, il prend ses distances, se déclarant autodidacte et traitant le candidat conservateur potentiel d'un « imbécile de la classe supérieure » après avoir qualifié la maison d'hébergement de Rigbsy de « idiot de la classe supérieure ». le « visage inacceptable du capitalisme » et accuse Rigsby d'avoir triché au billard dans le club conservateur local. Minable et furtif, Rigsby a de faibles compétences interpersonnelles. Son amour déclaré pour Miss Jones est simplement sexuel ; il passe la majeure partie de la série à essayer de la convaincre du contraire, inévitablement en vain. Alors qu'il fouille et espionne ses locataires, Rigsby transporte souvent Vienna, son grand matou pelucheux noir et blanc. L'aimable animal de compagnie et confident de Rigsby est ainsi nommé parce que - comme le dit Rigsby - quand il va le mettre dehors par une nuit froide et sombre, s'il y a une autre paire d'yeux là-bas, alors c'est Bonne nuit, Vienne. Mademoiselle Jones Ruth Jones (Frances de la Tour) est une administratrice universitaire instruite et une célibataire de toujours. C'est une romantique, mais elle n'attire généralement que l'attention masculine de Rigsby qui, même si elle l'apprécie parfois, la trouve surtout ennuyeuse. Comme Rigsby, Miss Jones a des prétentions, se croyant meilleure que la vie qu'elle mène et raisonnablement sophistiquée. La comédie utilise le pathos pour évoquer la vie triste et défaillante de Miss Jones ; dans un épisode, elle donne de l'argent à un homme pour lequel elle a un intérêt romantique, sachant très bien qu'il la trompe, mais ayant soif d'attention masculine à un point tel qu'elle est prête à le payer efficacement pour cela. Miss Jones aime ouvertement Philip, cuisinant fréquemment pour lui, au grand dam de Rigsby. Malheureusement pour elle, cela n’est pas réciproque. Elle trouve du réconfort dans l'intellect supérieur de Philip et les deux semblent être amis. En plus d'être un intérêt sexuel pour Rigsby, Miss Jones est également un intérêt social pour lui, étant donné qu'elle appartient véritablement à la classe moyenne (apparemment à la classe moyenne supérieure). Rigsby la considère comme une personne sophistiquée et toute relation avec Miss Jones serait une conquête sociale et sexuelle. Alain Alan George Moore (Richard Beckinsale) est un jeune étudiant en médecine sympathique. Rigsby le traite avec méfiance, principalement à cause des opinions permissives et de gauche d'Alan. Alan a peu de chance avec ses copines, mais il est content de sa vie. Alan est issu d'une famille de classe moyenne et apprécie la musique et les arts. Bien qu'Alan réussisse scolairement, socialement, il est quelque peu incompétent, semblant avoir peu d'amis en dehors de la maison d'hébergement. Alan confie occasionnellement ses problèmes avec Rigsby, qui se montre toujours antipathique. Cependant, à une occasion, Alan est défendu par Rigsby, lorsque le père incandescent de Brenda (une de ses petites amies) les soupçonne d'avoir eu des relations sexuelles, Rigsby envoie l'homme hors de la maison avec une "puce dans l'oreille". défendant Alan, apparemment parce que Rigsby était offensé, l'homme a supposé que Rigsby était le père d'Alan. Alan est immature et Rigsby devient pour lui une étrange figure paternelle. Philippe Philip Smith (Don Warrington) est un Africain britannique de deuxième génération originaire de Croydon, bien que pour la plupart de la série, il prétende être un « prince africain » et le fils d'un roi tribal africain. Les mensonges de Phillip sur son passé « primitif » semblent de toute évidence être une réponse ironique aux remarques racistes de Rigsby, et aboutissent parfois à des moments où la crédulité et le désespoir de Rigsby le conduisent à croire en certains aspects de l'histoire de Phillip : par exemple, le « bois d'amour » qui échoue. pour exciter Miss Jones (dans l'épisode « Charisma », première diffusion en 1974). Philip est un homme intelligent et instruit (plus que Alan et Miss Jones moyennement instruits), il est sophistiqué et suave ; cela rend Rigsby méfiant à son égard, d'autant plus que Miss Jones l'aime ouvertement. Philip ne rend pas la pareille à l'intérêt romantique de Miss Jones. Croydon ne s'est pas révélé être le véritable lieu de naissance de Phillip jusqu'à la version cinématographique de Rising Damp (1980). Don Warrington a commenté dans les 50 meilleures sitcoms britanniques sur Channel 4, que ce fait était prévu pour être un développement de l'intrigue de la série télévisée, mais la mort de Richard Beckinsale signifiait que cela n'était pas possible. Brenda Brenda (Gabrielle Rose) est une amie proche d'Alan, qui s'installe dans la pension lorsque Miss Jones s'en va se marier avec l'excentrique Desmond. Elle est sous-entendue qu'elle séjourne chez Rigsby depuis un certain temps, car dans l'épisode de la série 3 « Pour l'homme qui a tout », c'est Noël et elle reste depuis juillet. Alan prétend qu'elle a un niveau O en divinité (bien qu'il s'agisse probablement d'un mensonge pour impressionner Rigsby). Elle est une artiste nue et pose pour le club d'art local. Épisodes Film Une version long métrage est sortie en 1980, réutilisant plusieurs intrigues de la série télévisée. Comme Richard Beckinsale était décédé l'année précédente, Christopher Strauli a été choisi pour incarner un nouveau personnage, John, étudiant en art. Le personnage d'Alan est brièvement évoqué, comme étant parti. La chanson thème du film comporte des paroles d'Eric Chappell et est sortie en single de 7 pouces. La face B présente un dialogue comique entre Rigsby et Miss Jones. Philip se révèle non pas être le fils d'un chef d'Afrique, mais de Croydon, adoptant son faux personnage pour commencer une nouvelle vie et gagner le respect. Lorsque Rigsby le découvre, il dit à Philip qu'il pense qu'il doit avoir une ascendance royale et il ne parle pas au reste des personnages de sa tromperie. Cette intrigue est tirée de la pièce de théâtre originale The Banana Box. Rediffusions, DVD et scripts la série est toujours rediffusée sur la chaîne numérique britannique ITV3 ; Pâques a vu l'intégralité de la série et du film projetés pendant les quatre jours de vacances, accompagnés d'un tout nouveau documentaire en deux parties, Rising Damp Forever, présentant les souvenirs des acteurs et de l'équipe sur la réalisation de la série. La série complète est sortie sur DVD de la région 2 et Acorn Media la publie également sur le DVD de la région 1 en Amérique du Nord (voir ci-dessous). La série a été répétée sur Channel 4 entre 1998 et 2004 jusqu'au lancement d'ITV3. Des titres d'épisodes à l'écran ont été ajoutés aux versions DVD des séries 1 et 2, les titres des épisodes des séries 3 et 4 sont cependant originaux. Les scripts complets de la série ont été publiés sous le titre Rising Damp : The Complete Scripts d'Eric Chappell ; édité par Richard Webber. Londres : Granada Media, 2002. Cette collection n'inclut pas la version long métrage. Dans son introduction, Eric Chappell écrit : « Quand j'ai décidé de publier les scripts de Rising Damp, ma première pensée a été : les avais-je tous ? Ce qui a suivi a été une recherche désespérée dans le loft parmi des piles de papiers moisis jusqu'à ce que je les trouve.… Les scénarios ont été écrits dans une hâte fiévreuse par quelqu'un qui ne savait pas trop ce qu'il faisait et qui découvrait les choses au fur et à mesure. Je ne l'admettais pas à l'époque, même à moi-même. Les auteurs de sitcoms se répartissaient en deux catégories : les vifs et les morts, et je n'avais pas l'intention de faire partie de ces derniers !" Signification du titre L'humidité ascensionnelle est une condition causée par l'humidité du sol qui remonte un mur en maçonnerie par action capillaire. Cela se produit souvent lorsqu'il n'y a pas de couche de protection contre l'humidité (DPC) ou lorsque le DPC a été endommagé ou ponté. Les maisons plus anciennes, telles que celles représentées dans l'exposition, ont été construites sans assises étanches à l'humidité ou avec un matériau barrière susceptible de se briser. Dans le climat britannique tempéré/humide, l'infiltration d'eau dans une maison peut être un problème, en particulier dans les maisons sans cave ni vide sanitaire en dessous. Le résultat de la pénétration de l'eau dans le mur intérieur est visible sous la forme d'une tache plus sombre sur le revêtement en plâtre du mur intérieur, commençant généralement au niveau du sol au rez-de-chaussée et remontant à partir de là, d'où le terme. Dans les cas extrêmes, le sel extrait du mur forme des cristaux à la surface du plâtre à mesure que l’eau s’évapore. L'apparition de remontées d'humidité partout dans une maison est un symptôme d'abandon, d'âge, de décrépitude etc. Sorties DVD Cela inclut la version cinématographique, puisque Carlton avait acquis les droits sur le film et, grâce aux fusions des différentes sociétés ITV, Granada Television a par la suite acquis les droits sur les archives de Carlton et de Yorkshire Television.

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Quelle comédie écrite par Johnny Speight et diffusée pour la première fois en 1965 mettait en vedette un fervent partisan de West Ham ?

Jusqu'à ce que la mort nous sépare

Johnny Speight (2 juin 1920 – 5 juillet 1998) était un scénariste de télévision britannique de nombreuses sitcoms britanniques classiques. Il est apparu au milieu des années 1950. Il a écrit pour les bandes dessinées radiophoniques Frankie Howerd, Vic Oliver, Arthur Askey et Cyril Fletcher. Pour la télévision, il a écrit pour Morecambe & Wise et Peter Sellers, ainsi que pour The Arthur Haynes Show. Plus tard, il a commencé à écrire Till Death Us Do Part, qui comprenait sa création la plus célèbre, le bigot controversé Alf Garnett. Ses émissions exploraient souvent les thèmes du racisme et du sexisme à travers la satire. vie et carrière John Speight est né au 57 Chester Rd Canning Town, West Ham, Essex (aujourd'hui Grand Londres), et a commencé à rédiger des scénarios pour des émissions de comédie en 1955, en commençant par Great Scott - It's Maynard !. Il a ensuite contribué à Sykes And A... (1960-1965), qui mettait en vedette Eric Sykes, Hattie Jacques et Richard Wattis. Speight était l'un des nombreux talents d'écrivain de cette série qui comprenait également la star Sykes, John Antrobus et Spike Milligan. Il a créé le personnage emblématique du clochard de la classe ouvrière joué par Arthur Haynes dans la série comique ATV de longue date et de premier ordre de ce dernier. Haynes est décédé en 1966. En 1965, Speight a écrit un pilote de télévision pour la BBC qui est devenu la série de 1966 Till Death Us Do Part mettant en vedette Warren Mitchell dans le rôle d'Alf Garnett, un ouvrier réactionnaire votant conservateur avec une puce sur l'épaule et un mot de colère sur tout. Garnett est devenu l'un des personnages les plus mémorables de l'histoire de la télévision britannique, bien qu'il soit un personnage si épouvantable. La sitcom américaine de 1971 All in the Family était basée sur cette série. C'est pendant la production de Till Death Us Do Part qu'un bureaucrate de la BBC, selon la légende, a tenté de convaincre Speight d'améliorer son scénario en négociant le nombre d'occurrences de « putain », « sanglant » et d'autres mots jugés offensants. L'incident est devenu la base d'un sketch satirique réalisé par Peter Cook et Dudley Moore, avec Cook comme bureaucrate et Moore comme scénariste nommé "Johnny". La série ultérieure de Speight, Curry and Chips (1969), était une sitcom plus controversée de LWT pour la chaîne ITV, bientôt annulée sur les instructions de l'Independent Broadcasting Authority. Sa comédie suivante fut Pour plus riche... Pour plus pauvre (1975), un pilote unique mettant en vedette Harry H. Corbett comme une réponse de gauche à Alf Garnett. Après un bref retour de Till Death Us Do Part sur ITV en 1981 sous le nom de Till Death..., Alf Garnett est revenu avec vengeance sur In Sickness and in Health de la BBC, qui s'est déroulé de 1985 à 1992. La mort En 1998, Speight est décédé d'un cancer du pancréas, à l'âge de 78 ans, et LWT a présenté une série d'émissions spéciales mettant en vedette Warren Mitchell dans le rôle d'Alf Garnett, donnant ses réflexions sur une variété de sujets. Les programmes ont été initialement mis de côté par le contrôleur d'ITV, David Liddiment. Crédits d'écriture TV *Super Scott – C'est Maynard ! (1955) *La demeure d'Evans (1956) *Frankie Howerd (1956) *Le spectacle Dickie Valentine (1956) *La Compagnie des Deux (1956) *Au début de Braden (1957) *C'est la vie, dit Max Wall (1957) *Le spectacle d'Arthur Haynes (1957) *Frankie Howerd dans... (1958) *Le spectacle du 8 avril (sept jours plus tôt) (1958) *Le spectacle Cyril Fletcher (1959) *Mesdames et messieurs (1960) *Sykes et A... (1960) *Le Compartiment (1961) *C'était la semaine qui était (1962) *Trèfle (1963) *Le spectacle Graham Stark (1964) * Jusqu'à ce que la mort nous sépare (1965) *À Lucifer - Un fils (1967) *S'il n'y avait pas de Noirs, il faudrait les inventer (1968) *Curry et chips (1969) *Vague de folie (1969) *Tous dans la famille (1971) *Eux (1972) *Frankie Howerd en Ulster (1973) *Francis Howerd en concert (1974) *Marty de nouveau ensemble (1974) *Pour les plus riches... Pour les plus pauvres (1975) *Le spectacle de Mike Reid (1976) *Spooner's Patch (avec Ray Galton 1979) *Les dames du thé (avec Ray Galton 1979) *Les pensées du président Alf à Noël (1980) *Jusqu'à la mort... (1981) *La Dame est un clochard (1983) *En maladie et en bonne santé (1985) *Carrott confidentiel (1987) *Le dix-neuvième trou (1989) *Un mot avec Alf (1997) *Une audience avec Alf Garnett (1997) *Les pensées du président Alf (1998)

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Quel était le nom de la comédie écrite par Ray Galton, Alan Simpson qui a diffusé 57 épisodes ?

Steptoe and Son

Ray Galton OBE (né le 17 juillet 1930) et Alan Simpson OBE (né le 27 novembre 1929) sont des scénaristes britanniques. Ils se sont rencontrés en 1948 alors qu'ils se remettaient de la tuberculose au sanatorium de Milford, près de Godalming dans le Surrey. Ils ont basé la sitcom Get Well Soon sur leurs expériences partagées dans l'établissement. Ils sont surtout connus pour leur travail avec le comédien Tony Hancock à la radio et à la télévision entre 1954 et 1961, et pour leur longue comédie de situation télévisée, Steptoe and Son, dont huit séries ont été diffusées entre 1962 et 1974. Carrière La rupture du partenariat dans l'écriture de comédie est survenue avec le véhicule de Derek Roy, Happy Go Lucky, même si cela n'a pas été un succès. La connexion avec Hancock a commencé avec leur implication dans des séries de variétés radiophoniques ultérieures et, à partir de novembre 1954, elle s'est poursuivie avec Half Hour de Hancock à la radio ; une série présentant leurs scénarios pour Hancock a été diffusée à la télévision entre 1956 et 1961. En octobre de la même année, Hancock a mis fin à sa relation professionnelle avec les écrivains et avec Beryl Vertue qui travaillait avec les écrivains dans leur agence Associated London Scripts. Cette coopérative d'écrivains avait été fondée par Eric Sykes et Spike Milligan, avec d'autres personnes impliquées, dont Hancock pendant un temps. Après la fin de leur association avec Hancock, ils écrivirent une série de Comedy Playhouse (1961-1962), dix pièces uniques d'une demi-heure pour la BBC. Une pièce de la série, The Offer, a été bien accueillie, et de là est né Steptoe and Son (1962-1974), sur deux hommes en chiffon, père et fils, qui vivent ensemble dans une maison sordide de l'ouest de Londres. C'est sur cette base que sont nés la série américaine Sanford and Son et la série suédoise Albert & Herbert. Leur comédie se caractérise par un ton sombre et quelque peu fataliste. Steptoe and Son, en particulier, est parfois une comédie extrêmement noire et proche du drame social-réaliste. Le personnage joué par Tony Hancock dans Hancock's Half Hour et Harold Steptoe (Harry H. Corbett) sont tous deux des intellectuels prétentieux et potentiels qui se retrouvent piégés par la misère de leur vie. Ce thème a été développé dans le scénario du film The Rebel (1961) de Tony Hancock, sur un fonctionnaire qui s'installe à Paris pour devenir artiste. Le roman Clochemerle (1934) de Gabriel Chevallier a été adapté par Galton et Simpson en coproduction BBC/Allemagne de l'Ouest en 1972. Ils ont contribué au livre de Jacob's Journey, un accompagnement musical pour une production de 1973 de Joseph and the Amazing Technicolor Dreamcoat, qui a été mais bientôt abandonné. À cette époque, un pilote télévisé non diffusé a été enregistré pour une série intitulée Bunclarke With an E, basée sur les scripts de Hancock's Half Hour, avec Arthur Lowe et James Beck, mais Beck est décédé avant que le projet puisse être développé. Même si les deux scénaristes ont continué à travailler solidement après que Steptoe and Son ait cessé de diffuser, y compris plusieurs projets avec Frankie Howerd, ils n'ont pas connu d'autres succès de grande envergure. Duncan Wood, l'ancien producteur de Hancock et Steptoe maintenant chez Yorkshire Television, a commandé The Galton & Simpson Playhouse, une série en sept épisodes diffusée en 1977, mettant en vedette des acteurs de premier plan de l'époque tels que Leonard Rossiter et Arthur Lowe. Aucune de ces émissions n'a conduit à une autre série. Simpson a officiellement pris sa retraite de l'écriture de scénarios en 1978, se concentrant sur ses intérêts commerciaux, et Galton a collaboré à plusieurs projets avec Johnny Speight. En 1996 et 1997, le comédien Paul Merton a relancé plusieurs scénarios de Hancock's Half Hour et d'autres scénarios de Galton et Simpson pour ITV avec un accueil mitigé. Également en 1997, Get Well Soon de Ray Galton, basé sur ses premières expériences en sanatorium avec Simpson, a été diffusé par la BBC. En octobre 2005, Galton et John Antrobus ont créé leur pièce Steptoe and Son in Murder à Oil Drum Lane au Theatre Royal de York. La pièce se déroule de nos jours et raconte les événements qui ont conduit Harold à tuer son père et leur éventuelle rencontre trente ans plus tard (Albert apparaissant comme un fantôme). Une série de pièces anciennes mises à jour pour les temps modernes, intitulée Galton and Simpson's Half Hour, a été diffusée sur BBC Radio 2 en 2009. La série de quatre épisodes a été réalisée pour célébrer le 60e anniversaire du duo, et le casting est composé de Frank Skinner, Mitchell et Webb, Rik Mayall, June Whitfield et Paul Merton. Les séries télévisées scandinaves à succès Fleksnes Fataliteter et Albert & Herbert étaient basées sur Half Hour et Steptoe and Son de Hancock. Prix Galton et Simpson ont tous deux reçu des OBE dans la liste des distinctions honorifiques de 2000 pour leur contribution à la télévision britannique. Le samedi 1er juin 2013, la British Comedy Society a dévoilé une plaque bleue à Simpson et Galton à l'hôpital de Milford (anciennement le sanatorium dans lequel les deux hommes se sont rencontrés pour la première fois). Le 8 mai 2016, ils ont reçu une bourse BAFTA pour leur écriture comique.

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Bonar Law est le seul Premier ministre à ne pas être né au Royaume-Uni. Dans quel pays est-il né ?

Canada

Andrew Bonar Law (16 septembre 1858 - 30 octobre 1923), communément appelé Bonar Law (,), était un homme d'État et premier ministre du Parti conservateur britannique. Né dans la colonie du Nouveau-Brunswick (aujourd'hui au Canada), il est le seul Premier ministre britannique à être né en dehors des îles britanniques. Law était d'origine écossaise et écossaise d'Ulster, et étant retourné en Écosse en 1870, il quitta l'école à l'âge de seize ans pour travailler dans l'industrie du fer, devenant un homme riche à l'âge de trente ans. Il entra au Parlement aux élections générales de 1900, relativement tard dans la vie d'un homme politique de premier plan, et fut nommé ministre adjoint, secrétaire parlementaire du Board of Trade, en 1902. Law rejoignit le cabinet fantôme dans l'opposition après les élections de 1906. En 1911, il fut nommé conseiller privé et se présenta à la direction vacante du parti. Bien qu'il n'ait jamais fait partie du Cabinet et qu'il soit troisième derrière Walter Long et Austen Chamberlain, Law est devenu leader lorsque les deux favoris se sont retirés plutôt que de risquer un match nul qui diviserait le parti. En tant que chef du Parti conservateur et chef de l'opposition, Law a concentré son attention en faveur de la réforme tarifaire et contre l'Irish Home Rule. Sa campagne a contribué à transformer les tentatives libérales visant à faire adopter le troisième projet de loi sur l'autonomie locale en une lutte de trois ans finalement interrompue par le début de la Première Guerre mondiale, avec de nombreux débats sur le statut des six comtés à majorité protestante qui deviendraient plus tard l'Irlande du Nord. Law a d'abord occupé un poste au Cabinet en tant que secrétaire d'État aux colonies dans le gouvernement de coalition d'Asquith (mai 1915-décembre 1916). À la chute d'Asquith du pouvoir, il refusa de former un gouvernement, occupant plutôt le poste de chancelier de l'Échiquier dans le gouvernement de coalition de Lloyd George. Il démissionna pour raisons de santé au début de 1921. En octobre 1922, la coalition de Lloyd George étant devenue impopulaire auprès des conservateurs, il écrivit une lettre anonyme à la presse n'apportant qu'un soutien tiède aux actions du gouvernement concernant Chanak. Après que les députés conservateurs ont voté pour mettre fin à la coalition, il est redevenu chef du parti et, cette fois, premier ministre. En novembre, il obtint une nette majorité aux élections générales de 1922. Son bref mandat de Premier ministre a vu des négociations avec les États-Unis sur les prêts de guerre britanniques. Gravement atteint d'un cancer de la gorge, Law démissionna en mai 1923 et mourut plus tard cette année-là. Il a été le Premier ministre le plus court du 20e siècle (211 jours au pouvoir) et est parfois appelé « le Premier ministre inconnu ». Première vie et éducation Law est né le 16 septembre 1858 à Kingston (aujourd'hui Rexton), au Nouveau-Brunswick, du révérend James Law, ministre de l'Église libre d'Écosse d'ascendance écossaise et irlandaise (principalement écossaise d'Ulster), et de son épouse Eliza Kidston Law.R.J.Q. Adams (1999) p.3 Du point de vue de l'époque, Law n'est pas né au Canada, car à l'époque le Nouveau-Brunswick était une colonie distincte, et la Confédération canadienne n'a vu le jour qu'en 1867. Sa mère voulait à l'origine lui donner le nom de Robert Murray M'Cheyne, un prédicateur qu'elle admirait beaucoup, mais comme son frère aîné s'appelait déjà Robert, il portait plutôt le nom du révérend Andrew Bonar, biographe de M'Cheyne. Tout au long de sa vie, sa famille et ses amis proches l'ont toujours appelé Bonar (rimant avec honneur), jamais Andrew. Il a initialement signé son nom comme A.B. Law, devenant A. Bonar Law dans la trentaine, et il était également appelé Bonar Law par le public. Adams (1999) p. 4 James Law était ministre de plusieurs cantons isolés et devait se déplacer entre eux à cheval, en bateau et à pied. Pour compléter le revenu familial, il acheta une petite ferme sur la rivière Richibucto, que Bonar aida à entretenir avec ses frères Robert, William et John et sa sœur Mary. Étudiant à l'école du village local, Law a excellé dans ses études, et c'est ici qu'il s'est fait remarquer pour la première fois pour son excellente mémoire. Adams (1999) p. 5 Après la mort d'Eliza Law en 1861, sa sœur Janet s'est rendue au Nouveau-Brunswick depuis son domicile en Écosse pour s'occuper des enfants Law. Lorsque James Law se remarie en 1870, sa nouvelle épouse reprend les fonctions de Janet et Janet décide de retourner en Écosse. Elle a suggéré que Bonar Law l'accompagne, car la famille Kidston était plus riche et mieux connectée que les Laws, et Bonar aurait une éducation plus privilégiée. Adams (1999) p. 6 James et Bonar acceptèrent cela, et Bonar partit avec Janet pour ne jamais revenir à Kingston. Law est allé vivre chez Janet à Helensburgh, près de Glasgow. Ses frères Charles, Richard et William étaient associés dans la banque d'affaires familiale Kidston & Sons, et comme un seul d'entre eux s'était marié (et n'avait pas eu d'héritier), il était généralement admis que Law hériterait de l'entreprise, ou du moins jouerait un rôle dans sa gestion quand il était plus âgé. Adams (1999) p. 7 Immédiatement après son arrivée de Kingston, Law commença à fréquenter la Gilbertfield School, une école préparatoire à Hamilton. En 1873, alors qu'il avait quatorze ans, il fut transféré au lycée de Glasgow, où, grâce à son excellente mémoire, il montra un talent pour les langues, excellant en grec, en allemand et en français. Au cours de cette période, il a commencé à jouer aux échecs – il transportait un échiquier dans le train entre Helensburgh et Glasgow, défiant les autres voyageurs lors de matchs. Il est finalement devenu un excellent joueur amateur et a rivalisé avec des maîtres d'échecs de renommée internationale. Adams (1999) p. 9 Malgré son excellent dossier académique, il devint évident à Glasgow qu'il était mieux adapté aux affaires qu'à l'université, et à l'âge de seize ans, Law quitta l'école pour devenir commis chez Kidston & Sons. Carrière commerciale Chez Kidston & Sons, Law recevait un salaire nominal, étant entendu qu'il obtiendrait en travaillant là-bas une «éducation commerciale» qui lui serait très utile en tant qu'homme d'affaires. En 1885, les frères Kidston décidèrent de prendre leur retraite et acceptèrent de fusionner l'entreprise avec la Clydesdale Bank.Adams (1999) p. 12 La fusion aurait laissé Law sans emploi et avec de faibles perspectives de carrière, mais les frères à la retraite lui trouvèrent un emploi chez William Jacks, un marchand de fer qui avait commencé à poursuivre une carrière parlementaire. Les frères Kidston ont prêté à Law l'argent nécessaire pour acheter un partenariat dans l'entreprise de Jacks, et comme Jacks lui-même ne jouait plus un rôle actif dans l'entreprise, Law est effectivement devenu l'associé directeur. Travaillant de longues heures (et insistant pour que ses employés fassent de même), Law a transformé l'entreprise en l'un des marchands de fer les plus rentables sur les marchés de Glasgow et d'Écosse. Adams (1999) p. 13 Au cours de cette période, le droit est devenu un moyen de « s'améliorer » ; malgré son manque de formation universitaire formelle, il chercha à tester son intellect, assistant à des conférences données à l'Université de Glasgow et rejoignant la Glasgow Quantity Debating Association, Adams (1999) p.10, qui adhéra aussi étroitement que possible à la configuration du véritable Parlement de l'État. Royaume-Uni et a sans aucun doute aidé Law à perfectionner les compétences qui lui ont si bien servi dans l'arène politique.Adams (1999) p. 11 À l'âge de trente ans, Law s'était imposé comme un homme d'affaires prospère et avait du temps à consacrer à des activités plus tranquilles. Il est resté un joueur d'échecs passionné, qu'Andrew Harley a qualifié de "joueur fort, touchant le niveau amateur de première classe, qu'il avait atteint en s'entraînant au Glasgow Club plus tôt". Law a également travaillé avec l'Association de débat parlementaire et s'est lancé dans le golf, le tennis et la marche. Adams (1999) p. 16 En 1888, il quitta la maison Kidston et s'installa à Seabank, avec sa sœur Mary (qui était venue plus tôt du Canada) comme gouvernante. En 1890, Law rencontra Annie Pitcairn Robley, la fille de 24 ans d'un marchand de Glasgow, Harrington Robley.Adams (1999) p. 17 Ils tombèrent rapidement amoureux et se marièrent le 24 mars 1891. On sait peu de choses sur l'épouse de Law, car la plupart de ses lettres ont été perdues. On sait qu'elle était très appréciée à Glasgow et à Londres et que sa mort en 1909 frappa durement Law ; malgré son âge relativement jeune et sa carrière prospère, il ne s'est jamais remarié. Le couple eut six enfants : James Kidston (1893-1917), Isabel Harrington (1895-1969), Charles John (1897-1917), Harrington (1899-1958), Richard Kidston (1901-1980) et Catherine Edith (1905-1980). 1992). Le deuxième fils, Charlie, qui était lieutenant dans les King's Own Scottish Borderers, a été tué lors de la deuxième bataille de Gaza en avril 1917.Taylor (2007) p. 11 Le fils aîné, James, qui était capitaine dans les Royal Fusiliers, fut abattu et tué le 21 septembre 1917, et ces décès rendirent Law encore plus mélancolique et déprimé qu'avant. Taylor (2007) p.12 Le plus jeune fils, Richard a ensuite été député conservateur et ministre. Isabel a épousé Sir Frederick Sykes et Catherine a d'abord épousé Kent Colwell et, bien plus tard, en 1961, le 1er baron Archibald. Adams (1999) p. 293 Entrée en politique En 1897, on demanda à Law de devenir le candidat du Parti conservateur au siège parlementaire de Glasgow Bridgeton. Peu de temps après, on lui a offert un autre siège, celui-ci à Glasgow Blackfriars et Hutchesontown, qu'il a pris à la place de Glasgow Bridgeton. Adams (1999) p. 18 Blackfriars n'était pas un siège offrant de grandes perspectives ; une région ouvrière, elle avait élu des députés du Parti libéral depuis sa création en 1884, et le président sortant, Andrew Provand, était très populaire. Bien que les élections n'aient dû avoir lieu qu'en 1902, les événements de la Seconde Guerre des Boers ont forcé le gouvernement conservateur à déclencher des élections générales en 1900, connues plus tard sous le nom d'élections kaki. Adams (1999) p.19 La campagne a été désagréable pour les deux camps, avec des militants anti- et pro-guerre combattant avec véhémence, mais Law se distingua par son discours et son esprit. Lorsque les résultats furent connus le 4 octobre, Law fut renvoyé au Parlement avec une majorité de 1 000 voix, renversant la majorité de 381 voix de Provand. Il mit immédiatement fin à son travail actif chez Jacks and Company (bien qu'il conservât son poste d'administrateur) et s'installa à Londres. 1999) p. 20 Bonar fut d'abord frustré par la lenteur du Parlement par rapport au rythme rapide du marché du fer de Glasgow, et Austen Chamberlain se souvint de lui en disant à Chamberlain que "c'était très bien pour les hommes qui, comme moi, avaient pu entrer à la Chambre des Communes". jeune pour s'adapter à une carrière parlementaire, mais s'il avait su ce qu'était la Chambre des communes, il n'y serait jamais entré à ce stade. "Taylor (2007) p.8 Il apprit bientôt à être patient, et le 18 février 1901 a prononcé son premier discours. Répondant aux députés anti-guerre des Boers, dont David Lloyd George, Law a utilisé son excellente mémoire pour citer des sections du Hansard à l'opposition qui contenaient leurs discours précédents soutenant et saluant les politiques qu'ils dénonçaient désormais. Bien qu'il ne dure que quinze minutes et qu'il ne plaise pas à la foule ou à la presse comme les premiers discours de F.E. Smith ou de Winston Churchill, il a attiré l'attention des dirigeants du Parti conservateur. Adams (1999) p.21 Réforme tarifaire L'occasion pour Law de faire sa marque est venue avec la question de la réforme tarifaire. Pour couvrir les coûts de la Seconde Guerre des Boers, le Chancelier de l'Échiquier de Lord Salisbury (Michael Hicks Beach) a suggéré d'introduire des taxes ou des tarifs d'importation sur les métaux, la farine et les céréales étrangers entrant en Grande-Bretagne. De tels droits de douane existaient auparavant en Grande-Bretagne, mais les derniers d’entre eux ont été abolis dans les années 1870 en raison du libre-échange. Un droit fut désormais introduit sur le maïs importé.Adams (1999) p.22 La question devint « explosive », divisant le monde politique britannique, et continua même après la retraite de Salisbury et son remplacement comme Premier ministre par son neveu, Arthur Balfour. Law en profita pour prononcer son premier grand discours le 22 avril 1902, dans lequel il affirmait que même s'il estimait qu'un tarif général n'était pas nécessaire, une union douanière impériale (qui imposerait des droits de douane sur des produits extérieurs à l'Empire britannique, au lieu de tous les pays sauf la Grande-Bretagne) était une bonne idée, d'autant plus que d'autres pays comme l'Allemagne et les États-Unis appliquaient des droits de douane de plus en plus élevés. Adams (1999) p.23 S'appuyant sur son expérience des affaires, il a présenté un « argument plausible » selon lequel il n'y avait aucune preuve que les tarifs ont entraîné une augmentation du coût de la vie, comme l'avaient soutenu les libéraux. Une fois de plus, sa mémoire fut utilisée à bon escient : lorsque William Harcourt accusa Law de l'avoir mal cité, Law fut capable de donner précisément l'endroit dans le Hansard où se trouvait le discours de Harcourt. En raison de l'expérience avérée de Law en matière d'affaires et de ses compétences en tant que porte-parole économique du gouvernement, Balfour lui a proposé le poste de secrétaire parlementaire du Board of Trade lorsqu'il a formé son gouvernement, ce que Law a accepté, Adams (1999) p. 24 et il a été nommé le 8 août 1902.Taylor (2007) p.9 En tant que secrétaire parlementaire, son travail consistait à assister le président de la Chambre de commerce, Gerald Balfour. À l'époque, la controverse sur la réforme tarifaire couvait, menée par le secrétaire aux Colonies Joseph Chamberlain, un ardent réformateur tarifaire qui « déclara la guerre » au libre-échange et qui persuada le Cabinet que l'Empire devait être exempté du nouveau droit sur le maïs. Après son retour d'une tournée de conférences en Afrique du Sud en 1903, Chamberlain découvrit que le nouveau chancelier de l'Échiquier (C.T. Ritchie) avait plutôt aboli la taxe sur le maïs de Hicks Beach dans son budget. Irrité par cela, Chamberlain s'est exprimé à l'hôtel de ville de Birmingham le 15 mai sans la permission du gouvernement, plaidant en faveur d'un système de tarifs douaniers à l'échelle de l'Empire qui protégerait les économies impériales, forgerait l'Empire britannique en une seule entité politique et leur permettrait de rivaliser avec les autres pays du monde. pouvoirs.Adams (1999) p.25 Le discours et ses idées divisent le Parti conservateur et son allié de coalition, le Parti unioniste libéral, en deux ailes : les Free-Fooders, qui soutenaient le libre-échange, et les Tariff Reformers, qui soutenaient les réformes tarifaires de Chamberlain. Law était un réformateur dévoué des tarifs douaniers, mais alors que Chamberlain rêvait d'un nouvel âge d'or pour la Grande-Bretagne, Law se concentrait sur des objectifs plus banals et pratiques, comme la réduction du chômage. L.S. Amery a déclaré que pour Law, le programme de réforme tarifaire était "une question de chiffres commerciaux et non de politique nationale et impériale d'expansion et de consolidation dont le commerce n'était que le facteur économique". Keith Laybourn attribue l'intérêt de Law pour la réforme tarifaire non seulement à la bonne pratique commerciale qu'elle représentait, mais aussi au fait qu'en raison de son lieu de naissance « il a été attiré par les accords de préférence tarifaire impériale préconisés par Joseph Chamberlain ». Les électeurs de Law à Blackfriars n'étaient pas très enthousiasmés par la réforme tarifaire : Glasgow était à l'époque une région pauvre qui avait bénéficié du libre-échange. Au Parlement, Law a travaillé extrêmement dur pour faire pression en faveur d'une réforme tarifaire, s'exprimant régulièrement à la Chambre des communes et battant des débatteurs légendaires tels que Winston Churchill, Charles Dilke et Herbert Henry Asquith, ancien ministre de l'Intérieur et plus tard Premier ministre. Adams (1999) p.26 Ses discours de l’époque étaient connus pour leur clarté et leur bon sens ; Sir Ian Malcolm a déclaré qu'il avait rendu "les personnes impliquées intelligibles", et L.S. Amery a déclaré que ses arguments étaient "comme le martèlement d'un riveteur habile, chaque coup frappant le clou sur la tête". Malgré les efforts de Law pour forger un consensus au sein des conservateurs, Balfour fut incapable de maintenir ensemble les deux côtés de son parti et démissionna de son poste de Premier ministre en décembre 1905, permettant aux libéraux de former un gouvernement. En opposition Le nouveau Premier ministre, le libéral Henry Campbell-Bannerman, dissout immédiatement le Parlement. Malgré une campagne vigoureuse et la visite d'Arthur Balfour, Law perdit son siège aux élections générales qui suivirent. Au total, le Parti conservateur et les unionistes libéraux ont perdu 245 sièges, ne leur laissant que 157 députés, la majorité d'entre eux étant des réformateurs tarifaires. Adams (1999) p.28 Malgré sa défaite, Law était à ce stade un véritable atout pour les conservateurs. qu'un effort immédiat a été fait pour le ramener au Parlement. La retraite de Frederick Rutherfoord Harris, député conservateur du siège sûr de Dulwich, lui a offert une chance. Law a été renvoyé au Parlement lors de l'élection partielle qui a suivi, portant la majorité conservatrice à 1 279 voix. Le parti subit un coup dur en juillet 1906, lorsque deux jours après la célébration de son soixante-dixième anniversaire, Joseph Chamberlain fut victime d'un accident vasculaire cérébral et fut contraint de se retirer de la vie publique. Son fils Austen Chamberlain lui succéda à la tête des réformateurs tarifaires, qui, malgré son expérience antérieure en tant que chancelier de l'Échiquier et son enthousiasme pour la réforme tarifaire, n'était pas un orateur aussi doué que Law. En conséquence, Law rejoignit le cabinet fantôme de Balfour en tant que principal porte-parole de la réforme tarifaire. Adams (1999) p.31 La mort de l'épouse de Law le 31 octobre 1909 l'a amené à travailler encore plus dur, traitant sa carrière politique non seulement comme un travail mais comme stratégie d'adaptation à sa solitude. Le budget du peuple et la Chambre des Lords Campbell-Bannerman démissionna de son poste de Premier ministre en avril 1908 et fut remplacé par Herbert Henry Asquith. En 1909, lui et son chancelier de l'Échiquier David Lloyd George ont présenté le budget populaire, qui cherchait, par une augmentation des impôts directs et indirects, à redistribuer la richesse et à financer des programmes de réforme sociale. Adams (1999) p.38 Par convention parlementaire, les projets de loi financiers et budgétaires ne sont pas contesté par la Chambre des Lords, mais dans ce cas, les Lords à majorité conservatrice ont rejeté le projet de loi le 30 avril, déclenchant une crise constitutionnelle. Les libéraux déclenchèrent des élections générales en janvier 1910, et Law passa la majeure partie des mois précédents à faire campagne dans tout le pays pour d'autres candidats et députés conservateurs, sûr que son siège à Dulwich était en sécurité, et lorsque les résultats furent connus, il détenait une majorité accrue. sur 2 418.Adams (1999) p.39 Le résultat global était plus confus ; alors que les conservateurs avaient remporté 116 sièges, portant leur total à 273, c'était encore moins que le caucus libéral et a produit un parlement sans majorité, car ni l'un ni l'autre n'avait la majorité des sièges (le Parti parlementaire irlandais, le Parti travailliste et le All- Parti pour l'Irlande remportant lui-même plus de 120 sièges au total). Les libéraux sont restés au pouvoir avec le soutien du Parti parlementaire irlandais et le budget a été adopté une seconde fois par la Chambre des communes et, comme il disposait désormais d'un mandat électoral, a ensuite été approuvé par la Chambre des Lords sans division. Cependant, la crise budgétaire a mis en lumière une question constitutionnelle de longue date : la Chambre des Lords devrait-elle pouvoir annuler les projets de loi adoptés par la Chambre des communes ? Le gouvernement libéral a présenté un projet de loi en février 1910 qui empêcherait la Chambre des Lords d'opposer son veto aux projets de loi de finances et la forcerait à adopter tout projet de loi adopté par les Communes au cours de trois sessions du Parlement. Les unionistes s'y sont immédiatement opposés, et les deux partis ont passé les mois suivants dans une bataille continue sur le projet de loi. Les conservateurs étaient dirigés par Arthur Balfour et Lord Lansdowne, qui dirigeait les conservateurs à la Chambre des Lords, tandis que Law passait son temps à se concentrer sur le problème persistant de la réforme tarifaire. L'absence de progrès avait convaincu certains hauts conservateurs que ce serait une bonne idée d'abandonner complètement la réforme tarifaire, ce avec quoi Law n'était pas d'accord, arguant avec succès que la réforme tarifaire "était le premier travail constructif du [Parti conservateur]" et que l'abandonner « diviserait le Parti de haut en bas ». Adams (1999) p.40 Avec ce succès, Law revient sur la crise constitutionnelle entourant la Chambre des Lords. La mort d'Édouard VII le 6 mai 1910 incita les dirigeants des principaux partis politiques à se réunir secrètement dans le cadre d'une « Trêve de Dieu » pour discuter des Lords. Les réunions ont été gardées presque entièrement secrètes – en dehors des représentants du parti, les seules personnes au courant étaient F.E. Smith, J.L. Garvin, Edward Carson et Bonar Law. Adams (1999) p.41 Le groupe s'est réuni environ vingt fois au palais de Buckingham entre juin et Novembre 1910, avec les conservateurs représentés par Arthur Balfour, Lord Cawdor, Lord Lansdowne et Austen Chamberlain. La proposition présentée lors de la conférence par David Lloyd George était un gouvernement de coalition avec des membres des deux principaux partis au sein du Cabinet et un programme impliquant le Home Rule, de mauvaises réformes juridiques, une réorganisation impériale et éventuellement des réformes tarifaires. La proposition de Home Rule aurait fait du Royaume-Uni une fédération, avec un « Home Rule All Round » pour l'Écosse, l'Irlande, l'Angleterre et le Pays de Galles. En fin de compte, les plans ont échoué – Balfour a déclaré à Lloyd George le 2 novembre que la proposition ne fonctionnerait pas, et la conférence a été dissoute quelques jours plus tard. Élections générales de décembre 1910 N'ayant pas réussi à établir un consensus politique après les élections générales de janvier 1910, les libéraux ont déclenché une deuxième élection générale en décembre. Les dirigeants conservateurs ont décidé qu'un bon test de la popularité du programme de réforme tarifaire serait de voir un éminent réformateur tarifaire se présenter aux élections pour un siège contesté. Ils considéraient Law comme un candidat de choix, et après en avoir débattu pendant un mois, il accepta prudemment, enthousiasmé par l'idée mais inquiet des effets d'une défaite sur le parti. Adams (1999) p.42 Law fut choisi comme candidat pour Manchester North. West, et se sont laissés entraîner dans les débats des partis sur la force avec laquelle une politique de réforme tarifaire devrait être inscrite dans leur programme. Law a personnellement estimé que les droits sur les denrées alimentaires devraient être exclus, ce que Alexander Acland-Hood, Edward Carson et d'autres ont convenu lors d'une réunion du Constitutional Club le 8 novembre 1910, mais ils n'ont pas réussi à parvenir à un consensus et à l'idée d'inclure ou d'exclure les droits alimentaires ont continué à diviser le parti. Adams (1999) p.43 Au cours des négociations constitutionnelles, les conservateurs avaient exigé que, si le veto des Lords était supprimé, le Home Rule irlandais ne soit autorisé que s'il était approuvé par un référendum à l'échelle du Royaume-Uni. En réponse, Lord Crewe, leader libéral des Lords, avait suggéré sarcastiquement que la réforme tarifaire - une politique dont la popularité est discutable en raison de la probabilité d'une augmentation des prix des produits alimentaires importés - devrait également être soumise à un référendum. Arthur Balfour a maintenant annoncé devant une foule de 10 000 personnes au Royal Albert Hall qu'après les prochaines élections, un gouvernement conservateur soumettrait effectivement la réforme tarifaire à un référendum, ce qu'il a décrit comme « la proposition de Bonar Law » ou « l'engagement référendaire ». Adams ( 1999) p.43-4 La suggestion n'était pas plus celle de Law que celle des dizaines d'autres conservateurs qui avaient suggéré cela à Balfour, et son commentaire était simplement une tentative de « renvoyer la balle » et d'éviter la colère d'Austen Chamberlain. , qui était furieux qu'une telle annonce ait été faite sans lui ni le parti. Alors que Law avait écrit une lettre à Balfour suggérant qu'un référendum attirerait de riches conservateurs, il a déclaré que "une déclaration ne servirait à rien [à la classe ouvrière] et pourrait freiner l'enthousiasme des meilleurs travailleurs". Adams (1999) p.45 Le Parlement a été dissous le 28 novembre et les élections devaient avoir lieu et le scrutin se terminer le 19 décembre. Les partis conservateur et libéral étaient de force égale et, grâce au soutien continu des nationalistes irlandais, le parti libéral resta au gouvernement. Law a qualifié sa campagne à Manchester North West de la plus difficile de sa carrière ; son adversaire, George Kemp, était un héros de guerre qui avait combattu pendant la Seconde Guerre des Boers et un ancien conservateur qui avait rejoint le parti libéral en raison de son désaccord avec la réforme tarifaire. En fin de compte, Law a perdu de peu, avec 5 114 voix contre 5 559 pour Kemp, mais l'élection a fait de lui un « véritable héros [conservateur] », et il a déclaré plus tard que la défaite avait fait « plus pour lui dans le parti qu'une centaine de victoires ». Adams (1999) p.47 En 1911, le Parti conservateur n'ayant pas les moyens de lui permettre de quitter le Parlement, Law fut élu lors d'une élection partielle pour le siège conservateur sûr de Bootle. En sa brève absence, les suggestions libérales pour la réforme de la Chambre des Lords furent adoptées sous le nom de Parliament Act 1911, mettant fin à ce différend particulier. Chef du Parti conservateur Lors du couronnement de George V le 22 juin 1911, Bonar Law fut nommé conseiller privé sur la recommandation du premier ministre H. H. Asquith et Arthur Balfour. Adams (1999) p.49 C'était une preuve de l'ancienneté et de l'importance du Parti conservateur. Balfour était devenu de plus en plus impopulaire en tant que chef du Parti conservateur depuis les élections générales de 1906 ; les réformateurs tarifaires considéraient son leadership comme la raison de leurs défaites électorales, et les « free fooders » avaient été aliénés par les tentatives de Balfour pour apprivoiser le zèle de la faction réformatrice tarifaire. Balfour a refusé toutes les suggestions de réorganisation du parti jusqu'à ce qu'une réunion de hauts conservateurs dirigée par Lord Salisbury après la défaite électorale de décembre 1910 lance un ultimatum exigeant une révision de la structure du parti. Adams (1999) p.55 La défaite sur la question de la Chambre des Lords a retourné une aile du Parti conservateur dirigée par Henry Page Croft et son mouvement Reveille contre Balfour. Leo Maxse lança une campagne Balfour Must Go dans son journal National Review et, en juillet 1911, Balfour envisageait de démissionner. Law lui-même n'avait aucun problème avec le leadership de Balfour et, avec Edward Carson, il tenta de regagner du soutien en sa faveur. Adams (1999) p.57. En novembre 1911, il fut admis que Balfour était susceptible de démissionner, les principaux concurrents étant Law, Carson, Walter Long et Austen Chamberlain. Lorsque les élections ont commencé, Long et Chamberlain étaient en tête, Chamberlain bénéficiant du soutien de nombreux réformateurs tarifaires et Long des unionistes irlandais. Carson a immédiatement annoncé qu'il ne se présenterait pas, et Law a finalement annoncé qu'il se présenterait à la tête du groupe, la veille de la démission de Balfour le 7 novembre. Adams (1999) p.59 Au début des élections, la loi n'avait le soutien que de 40 des 270 députés ; les 130 restants furent répartis entre Long et Chamberlain. Bien que Long pensait qu'il avait le plus de députés, son soutien provenait largement des députés d'arrière-ban et la plupart des whips et des députés de premier plan préféraient Chamberlain. Long et Chamberlain étant presque au coude à coude, ils ont convoqué une réunion le 9 novembre pour discuter de la possibilité d'une impasse. Chamberlain a suggéré qu'il se retirerait si cela devenait une forte possibilité, en supposant que Long fasse de même. Long, craignant désormais que sa santé fragile ne lui permette pas de survivre au stress de la direction du parti, a accepté. Tous deux se retirèrent le 10 novembre et le 13 novembre, 232 députés se rassemblèrent au Carlton Club, où Law fut nommé chef par Long et Chamberlain. Avec le soutien unanime des députés, Law est devenu chef du Parti conservateur bien qu'il n'ait jamais siégé au Cabinet. En tant que leader, Law a d'abord « rajeuni la machine du parti », en sélectionnant des whips et des secrétaires plus récents, plus jeunes et plus populaires, en élevant F.E. Smith et Lord Robert Cecil au cabinet fantôme et en utilisant son sens des affaires pour réorganiser le parti, ce qui a abouti à de meilleures relations avec le parti. la presse et les sections locales, ainsi que la collecte d'un « trésor de guerre » de 671 000 £ pour les prochaines élections générales, soit presque le double de celui disponible lors de la précédente. Le 12 février 1912, il unifia finalement les deux partis unionistes (conservateurs et unionistes libéraux) dans l'Association unioniste nationale des organisations conservatrices et libérales-unionistes, au nom maladroit. À partir de ce moment-là, tous furent appelés « unionistes » jusqu'à la ratification du traité anglo-irlandais en 1922, après quoi ils redevinrent conservateurs (bien que le nom « unioniste » continuât d'être utilisé en Écosse et en Irlande du Nord). Au Parlement, Law a introduit ce qu'on appelle le « nouveau style » de discours, avec une rhétorique dure et accusatrice, qui domine encore aujourd'hui la politique britannique. Adams (1999) p. 61 C'était pour contrer Arthur Balfour, connu pour ses « plaisanteries magistrales », parce que le parti estimait qu'il avait besoin d'une figure guerrière. Law n'apprécia pas particulièrement sa manière plus dure et, lors de l'ouverture officielle du Parlement en février 1912, il s'excusa directement auprès d'Asquith pour son prochain discours, en disant : « J'ai peur de devoir me montrer très vicieux, M. Asquith, cette session. tu comprendras". La figure du « roi guerrier » de Law a contribué à unifier les conservateurs divisés en un seul corps, avec lui comme chef. La politique sociale À ses débuts à la tête du Parti conservateur, la politique sociale était la plus compliquée et la plus difficile à mettre en place. Dans son discours d'ouverture en tant que chef, il a déclaré que le parti serait un parti de principes et qu'il ne serait pas réactionnaire, mais qu'il s'en tiendrait à ses positions et mènerait des politiques fermes. Malgré cela, il a laissé le droit de vote des femmes tranquille, laissant le parti sans parti pris et affirmant que « moins nous prenons part à cette question, mieux c'est ». Adams (1999) p. 74 En termes de réforme sociale (législation visant à améliorer les conditions des pauvres et des classes ouvrières), Law était également peu enthousiaste, estimant qu'il s'agissait d'un domaine libéral dans lequel ils ne pouvaient pas rivaliser avec succès. Sa réponse à une demande de Lord Balcarres concernant un programme social était simplement « comme le [Parti libéral] refuse de formuler sa politique à l'avance, nous devrions être également absous ». Adams (1999) p.75 Son refus de se laisser entraîner a peut-être Il a en fait renforcé son emprise sur les députés conservateurs, dont beaucoup n’étaient pas non plus intéressés par la réforme sociale. Dans son premier discours public en tant que leader au Royal Albert Hall le 26 janvier 1912, il énuméra ses trois plus grandes préoccupations : une attaque contre le gouvernement libéral pour n'avoir pas soumis l'autonomie autonome à un référendum ; réforme tarifaire; et le refus des conservateurs de laisser les unionistes d'Ulster être « piétinés » par un projet de loi injuste sur le Home Rule. Adams (1999) p.76 La réforme tarifaire et l'Ulster ont dominé son travail politique, Austen Chamberlain disant que Law « m'a dit un jour que il ne se souciait intensément que de deux choses : la réforme tarifaire et l'Ulster ; tout le reste n'était qu'une partie du jeu ». Plus de réforme tarifaire Après un examen plus approfondi avec les membres de son parti, Law a changé ses convictions initiales sur la réforme tarifaire et a accepté l'ensemble du paquet, y compris les droits sur les produits alimentaires. Le 29 février 1912, l'ensemble du corps parlementaire conservateur (c'est-à-dire les députés et leurs pairs) s'est réuni à Lansdowne House, sous la présidence de Lord Lansdowne. Adams (1999) p.79 Lansdowne a soutenu que même si l'électorat pourrait préférer le Parti conservateur s'il supprimait les taxes alimentaires de leur projet de réforme tarifaire, cela les exposerait à des accusations de mauvaise foi et de « poltronie ». Law approuva l'argument de Lansdowne, soulignant que toute tentative d'éviter les droits de douane sur les produits alimentaires provoquerait une lutte interne au sein du parti et ne pourrait qu'aider les libéraux, et que le Canada, la colonie la plus importante économiquement et un important exportateur de produits alimentaires, n'accepterait jamais de tarifs sans les Britanniques. prise en charge des tâches alimentaires. Lord Salisbury, qui s'opposait aux taxes sur les produits alimentaires, écrivit à Law plusieurs semaines plus tard pour lui suggérer de séparer les produits alimentaires de la réforme tarifaire en vue du référendum. Si l’électorat appréciait les taxes alimentaires, il voterait pour l’ensemble du paquet ; sinon, ils n'étaient pas obligés de le faire. Adams (1999) p.80 Law a répondu en arguant qu'il serait impossible de le faire efficacement et qu'avec les coûts croissants de la défense et des programmes sociaux, il serait impossible de lever les capitaux nécessaires sauf si par une réforme tarifaire globale. Il a fait valoir que ne pas proposer l'intégralité du paquet de réforme tarifaire diviserait le Parti conservateur en deux, offensant la faction de la réforme tarifaire, et que si une telle scission avait lieu, "je ne pourrais pas continuer à être leader". Law a reporté le retrait de la « promesse référendaire » sur la réforme tarifaire en raison de la visite de Robert Borden, le premier ministre conservateur du Canada nouvellement élu, à Londres prévue pour juillet 1912. En rencontrant Borden à son arrivée, Law l'a amené à accepter de faire une déclaration. sur la nécessité d'une réforme tarifaire impériale, promettant des accords réciproques et affirmant que l'échec de Londres à accepter une réforme tarifaire entraînerait une « pression irrésistible » sur le Canada pour qu'il conclue un traité avec une autre nation, le plus évidemment les États-Unis. Law a décidé que la conférence du parti de novembre était le moment idéal pour annoncer le retrait de l'engagement référendaire et que Lord Lansdowne devait le faire, parce qu'il était leader à la Chambre des Lords lorsque l'engagement a été pris et en raison de son profil relativement bas. lors du différend initial sur la réforme tarifaire. Adams (1999) p. 82 Lorsque la conférence s’ouvrit, le monde politique britannique était fébrile ; le 12 novembre, l'opposition avait battu de peu le gouvernement sur un amendement au Home Rule Bill, et le lendemain soir, au milieu des cris hystériques de l'opposition, Asquith a tenté de présenter une motion annulant le vote précédent. Alors que les députés sortaient en fin de journée, Winston Churchill commença à narguer l'opposition et, dans sa colère, Ronald McNeil lança une copie du Règlement de la Chambre à Churchill, frappant

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Qui vit dans le bois de cent acres ?

Winnie l'ourson

Le bois de cent acres (également orthographié 100 Aker Wood, Hundred-Acre Wood et 100 Acre Wood ; également connu simplement sous le nom de « le bois »), basé sur le bois réel de cinq cents acres dans la forêt d'Ashdown, fait partie de la terre habitée par Winnie-l'ourson et ses amis dans la série d'histoires pour enfants Winnie-the-Pooh de l'auteur A. A. Milne. Le bois est régulièrement visité par le jeune garçon Christopher Robin, qui accompagne Pooh et compagnie dans leurs nombreuses aventures. Dans les livres de A. A. Milne, le terme « bois de cent acres » est en fait utilisé pour désigner une partie spécifique de la plus grande forêt, centrée sur la maison du hibou (voir la carte dans le livre, ainsi que les nombreuses références dans le texte aux personnages entrant « dans " ou " hors de " la forêt de cent acres lorsqu'ils se déplacent entre la maison du hibou et d'autres emplacements forestiers). Cependant, dans les films Pooh, et dans les conversations générales avec la plupart des fans de Pooh, « The Hundred Acre Wood » est utilisé pour le monde entier de Winnie-the-Pooh, la forêt et tous les lieux qu'elle contient. Le bois de cent acres des histoires de Winnie-l'ourson est en réalité le bois de cinq cents acres dans la forêt d'Ashdown dans l'East Sussex, en Angleterre, où se sont déroulées les histoires de Winnie-l'ourson. Les AA La maison de campagne de Milne à Cotchford Farm, Hartfield était située juste au nord de la forêt d'Ashdown, et Five Hundred Acre Wood est une forêt de hêtres dense que Christopher Robin Milne explorait en se rendant de Cotchford Farm à la forêt. Le bois de Five Hundred Acre est établi de longue date, ayant été initialement vendu de la forêt en 1678. Le bois reste une propriété privée, faisant partie du parc Buckhurst, et n'est donc généralement pas accessible au public, bien que deux sentiers qui sont des droits publics de un chemin, dont l'un fait partie d'un sentier de grande randonnée, le Wealdway, traverse le bois et peut être utilisé par le public. Milne s'est inspiré du magnifique paysage de la forêt d'Ashdown pour l'utiliser comme décor pour ses histoires de Winnie l'ourson, et de nombreux éléments des histoires peuvent être identifiés avec des endroits spécifiques de la forêt. Le parking au sommet de la colline de Gills Lap, les histoires des Galleons Lap of the Pooh (), contient un panneau d'affichage avec une carte des environs et les caractéristiques de plusieurs des histoires de Winnie-the-Pooh marquées dessus. Par exemple, Five Hundred Acre Wood se trouve à une courte distance au nord-est, tandis que le « Enchanted Place » est une petite zone boisée à 200 mètres (656 pieds) au nord. Une plaque commémorative dédiée aux AA. Milne et son illustrateur, Ernest H. Shepard, se trouvent à 100 mètres (328 pieds). Lieux dans le bois Les endroits suivants sont indiqués sur la carte de Shepard au début du livre Winnie-the-Pooh : * La maison de l'ourson * La maison de Kanga * Le Sandy Pit où joue Roo * Un bel endroit pour les pique-niques * L'arbre à abeilles * Le chemin vers le pôle Nord * Une zone avec de grosses pierres et rochers * La Maison du Lapin * Un espace pour les amis et relations de Rabbit * La maison de Christopher Robin * Les six pins * Le piège à ourson pour Heffalumps * Maison du Porcelet * Là où n'était pas le Woozle * Un endroit inondé * La maison du hibou * L'endroit sombre de Bourriquet Les lieux supplémentaires mentionnés dans les livres mais non indiqués sur la carte comprennent : * La maison à Pooh Corner * Le pont Poohsticks * Les tremplins * Une gravière * L'endroit réfléchi de Pooh * Tour des galions Les habitants du Bois *Winnie l'ourson *Christophe Robin *Lapin *Porcelet * Bourriquet *Hibou *Kanga *Roo *Tigrou *Lottie la loutre *Gopher (matériel Disney uniquement) *Kessie (matériel Disney uniquement) *Lumpy (matériel Disney uniquement) *Mme. Heffalump (matériel Disney uniquement) *Darby (matériel Disney uniquement) *Buster (matériel Disney uniquement) *Castor (matériel Disney uniquement) *Tortue (matériel Disney uniquement) *Porcupine (matériel Disney uniquement) *Pic (matériaux Disney uniquement) *Mouffette (matériel Disney uniquement) *Écureuils (matériel Disney uniquement) *Raton laveur (matériel Disney uniquement) Le bois de cent acres dans Kingdom Hearts Dans la série Kingdom Hearts, le bois de cent acres est situé dans un livre trouvé dans la maison de Merlin (qui se trouve à Traverse Town pendant Kingdom Hearts et Hollow Bastion pendant Kingdom Hearts II). Dans les jeux, le personnage principal, Sora, rassemble les pages d'un livre d'histoires de Winnie l'ourson après sa destruction. Le bois de Hundred Acre est composé de plusieurs mini-jeux qui servent à faire progresser le joueur et à récompenser des objets. Notes de bas de page

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Si vous entendiez le slogan « Ils sont géniaux », à quoi vous attendriez-vous ?

Frosties

Tony le Tigre est la mascotte de dessin animé publicitaire des céréales pour petit-déjeuner Kellogg's Frosted Flakes (également connues sous le nom de Frosties), apparaissant sur son emballage et sa publicité. Plus récemment, Tony est également devenu la mascotte de Tony's Cinnamon Krunchers et Tiger Power. Depuis ses débuts en 1951, le personnage a traversé plusieurs générations et est devenu une icône des céréales pour petit-déjeuner. Histoire En 1951, Eugene Kolkey, graphiste accompli et directeur artistique de Leo Burnett, a dessiné un personnage pour un concours visant à devenir la mascotte officielle des toutes nouvelles céréales pour petit-déjeuner Kellogg's. Kolkey a conçu un tigre nommé Tony (du nom d'un publicitaire de Leo Burnett — Raymond Anthony Wells) et a sélectionné Martin Provensen pour l'œuvre d'art terminée. Tony a concouru contre trois autres mascottes potentielles pour gagner l'affection du public : Katy le kangourou (créé par Robert Dulaney au début des années cinquante), Elmo l'éléphant et Newt le Gnu. Au cours de l'année, les autres mascottes ont été abandonnées (Elmo et Newt n'ayant jamais orné le devant de la boîte), et Tony a eu un fils, Tony Jr. Tony le Tigre finirait par devenir une icône des céréales. Le design final de Tony le Tigre est venu d'un groupe d'anciens animateurs de Disney connu sous le nom de Quartet Films, qui a également conçu The Jolly Green Giant, Snap Crackle Pop, Hamms Beer Bear et la mascotte des Baltimore Orioles, entre autres. Stan Walsh, Art Babbitt, Arnold Gillesspie et Michael Lah étaient les artistes/cinéastes qui ont formé le Quartet Films of Hollywood. Une voix reconnaissable et distincte était nécessaire pour le personnage de Tony le Tigre. Initialement, il était exprimé par Dallas McKennon, mais peu de temps après la diffusion des premières publicités de Sugar Frosted Flakes, McKennon a été remplacé par Thurl Ravenscroft, qui a passé les cinq décennies suivantes à fournir la voix de basse profonde caractéristique associée au personnage, notamment le familier "Ils". re Grrrrrrrrrrrrrrrrrrrrrreat!" slogan. John E. Matthews a inventé cette phrase alors qu'il travaillait comme rédacteur pour Leo Burnett. Ravenscroft a parlé à un intervieweur de l'injection de sa personnalité dans Tony : "J'ai fait de Tony une personne. Pour moi, Tony était réel. Je l'ai fait devenir un être humain et cela a affecté l'animation et tout." En 1958, Tony est apparu sur des boîtes de céréales Kellogg avec des personnages de Hanna-Barbera tels que Huckleberry Hound et Snagglepuss. Tony a commencé à être humanisé dans les années 1970 ; il a reçu la nationalité italo-américaine et les consommateurs ont été brièvement présentés à d'autres membres de la famille de Tony, notamment Mama Tony, Mme Tony et une fille, Antoinette. Tony était une figure populaire parmi la jeune population italo-américaine et cela s'est produit en 1974, où il a été élu « Tigre de l'année » dans un thème publicitaire tiré du calendrier lunaire chinois. Le thème publicitaire déclarait : « C'est l'année du Tigre et Tony est le Tigre de l'année ». Plus tard cette année-là, Tony a fait la couverture des magazines italiens GQ et Panorama. En plus du succès de Tony, au cours de cette décennie, son fils Tony Jr. a même reçu ses propres céréales de courte durée en 1975, Frosted Rice. La conception artistique originale de Provensen pour le tigre a considérablement changé au fil des ans, puisque Tony, le tigre fantaisiste de la taille d'une boîte de céréales avec une tête en forme de larme, a été remplacé par son fils adulte Jr., qui est maintenant un sportif élégant et musclé. passionné - il était entraîneur des Monster Wrestlers in My Pocket et arbitre des Monster Sports Stars in My Pocket (voir Monster in My Pocket). Tony le Tigre ne s'est jamais limité aux boîtes de céréales américaines, apparaissant sur les boîtes de céréales de la marque européenne Kellogg. Tony apparaît fréquemment dans les publicités américaines en tant que personnage animé dans un monde d'action réelle, souvent avec son image dessinée rotoscopique sur un personnage vivant, tel qu'un athlète de sports extrêmes, permettant à Tony non seulement d'apparaître dans une action réelle, mais également d'interagir. La voix de longue date de Tony, Thurl Ravenscroft, est décédée en 2005. En Amérique du Nord, il a été remplacé à partir de 2005 par l'annonceur Lee Marshall, qui a conservé le rôle jusqu'à sa mort d'un cancer en 2014. Cependant, les publicités pour Frosties au Royaume-Uni sont réharmonisé localement ; le Britannique Tony est exprimé par la voix off californienne basée au Royaume-Uni, Tom Clarke-Hill. Pendant quelque temps au Royaume-Uni, la chanson rock "Eye of the Tiger" de Survivor a été utilisée en conjonction avec les visionnages de Tony. Au Canada, Tony est exprimé par l'artiste vocal d'animation, commercial et promotionnel Tony Daniels. « Mettez un tigre dans votre équipe » a été présenté dans des publicités partout au pays en 1958, alors que la campagne de céréales de Kellogg s'adressait à toutes les organisations et équipes sportives pour enfants afin de recruter davantage de consommateurs. La même année 1958, Tony le Tigre a été rejoint par d'autres mascottes populaires pour promouvoir la dernière version de céréales, les « céréales pré-sucrées ». À cette époque, les médias et le marketing étaient en plein essor, en particulier dans l'industrie des produits alimentaires. À la suite des Frosted Flakes de Kellogg, l’objectif de l’entreprise céréalière était de produire une saveur « délicieuse et distinctive ». En 1974, après que Kellogg ait lancé l'Année chinoise du Tigre, Tony a été sélectionné comme Tigre de l'année pour ses techniques de marketing et de publicité. Quelques mois plus tard, une publicité innovante pour Tony le Tigre est sortie. Cette publicité a été significative dans le facteur humanisant de Tony avec la naissance de sa première fille, Antoinette. Cette technique publicitaire ciblait des millions de nourrissons alors qu'Antoinette, la bébé tigresse, était montrée en train de goûter pour la première fois aux flocons glacés au sucre de Kellogg, suivi du slogan de Tony le Tigre. La forme du tigre en vedette commençait à façonner le secteur de la commercialisation et de la publicité des céréales en faisant la promotion de nouvelles gammes de produits. La société a utilisé Tony Jr. comme mascotte pour introduire près de six nouveaux produits riches en nutriments au milieu des années 1970. Tout au long des années 1970, Tony le Tigre avait une famille complète de trois personnes. L'évolution de cette icône de la marque a continué de croître lorsque Tony le Tigre a participé à un championnat de montgolfières en 1981. Conception de personnages Au fil des générations passées, Tony a démontré de nombreuses caractéristiques humaines. Lorsque vous regardez la boîte de céréales Frosted Flakes de Kellogg, vous voyez Tony le Tigre se faire passer pour la structure musculaire fondamentale de l'humain. L'apparence emblématique de Tony le Tigre a évolué grâce à l'utilisation du design graphique et à ses capacités à améliorer la créativité. Bien que son apparence ait changé, son objectif en tant que mascotte emblématique est de vendre les Frosted Flakes de Kellogg et tout au long de sa carrière, Tony est resté suffisamment cohérent. La voix grave et unique derrière le célèbre « They’re Gr-eatt ! » Le slogan était Thurl Ravenscroft pendant cinquante ans. Polémique sur les marques Tony le Tigre a fait ses débuts avec Kellogg en 1952. Le Tigre était utilisé comme personnage de dessin animé sur chaque boîte de Frosted Flakes de Kellogg. Le félin emblématique a été enregistré au niveau fédéral sous le nom de marque Frosted Flakes de Kellogg. En outre, l'enregistrement et la classification concernaient les produits alimentaires. Douze ans plus tard, l’une des plus grandes compagnies pétrolières, Exxon Mobil, a commencé à utiliser un tigre similaire comme mascotte promotionnelle dans ses produits pétroliers. Exxon a ensuite suivi le protocole et a enregistré son tigre au niveau fédéral dans la catégorie des produits pétroliers. Contrairement au slogan de Kellogg derrière la voix de Thurl Ravenscroft « ils sont Gr-rr-eatttt », Exxon Mobil Corporation avait également un slogan « mettez un tigre dans votre réservoir ». Les deux grandes sociétés partageaient des relations apaisées entre les deux tigres emblématiques. Tout au long de leur coexistence, les entreprises ont dépensé ensemble plus d'un milliard et demi en publicité dans les industries céréalière et pétrolière. Aucune des deux sociétés n'a été confrontée à des problèmes entre elles, mais en 1992, tout a changé. Exxon Mobil a ouvert un nouveau secteur d'activité et une nouvelle gamme de produits grâce à la promotion de l'Exxon Tiger existant. La société n’a pas réussi à étendre l’enregistrement de sa marque fédérale à sa nouvelle gamme de produits. Avant le dernier ajout commercial d'Exxon consistant à ouvrir des magasins de proximité « Tiger Marts » et à vendre des aliments et des boissons, la société a été innocentée de tout litige en matière de marque. Après l'annonce de la nouvelle gamme de produits Exxon Mobil, Kellogg a rapidement intenté une action en justice. Le dernier tigre sans nom Exxon exploitait pour vendre des aliments et des boissons au-delà des limites de la marque. La confusion liée à l'utilisation de tigres très similaires comme mascotte pour des produits alimentaires n'a pas plu à Kellogg. Le procès consistait en : contrefaçon et dilution de la marque, et demande d'une injonction interdisant toute utilisation ultérieure. du tigre d'Exxon. Après plusieurs comparutions devant le tribunal, des millions de dollars, des décisions différentes et des années d'attente, la décision de la Cour d'appel du sixième circuit a finalisé l'affaire. Depuis 1986, Kellogg a été confronté à une situation différente en matière de marque. Lors de la préparation des Jeux Olympiques d’été de 1988, les organisateurs sud-coréens se sont mis d’accord sur un logo de tigre très similaire à celui de Tony le Tigre de Kellogg. L’entreprise céréalière très populaire s’inquiétait de la similitude et a lancé un signal d’alarme en enregistrant sa marque la même année. Kellogg a continué à souligner que Tony le Tigre était un outil publicitaire utilisé sur presque toutes les boîtes de céréales, ce qui confondait un tigre comparable dont la seule différence était l'ajout d'un insigne olympique distinct à cinq anneaux autour de son cou. L'actualité et les critiques sportives ont suscité tant de controverses et sont restées dans les mémoires comme la bataille de la marque du tigre « Hold That Tiger ».

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Combien de fois Boris Becker a-t-il été finaliste du simple messieurs à Wimbledon ?

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Boris Franz Becker (né le 22 novembre 1967) est un ancien joueur de tennis professionnel allemand n°1 mondial. Il est six fois champion majeur en simple ; notamment, avoir été le plus jeune champion masculin de Wimbledon à l'âge de 17 ans. Il a également remporté 13 titres de la Masters Series, cinq titres élites en salle (trois finales du circuit ATP, une finale du WCT et une Coupe du Grand Chelem). Il est le seul joueur à avoir remporté les 3 finales de fin de saison de l'ère Open, les finales du circuit ATP (ATP), les finales du WCT (WCT) et la Coupe du Grand Chelem (ITF). Becker a également remporté la médaille d'or olympique en double. Le magazine Tennis a classé Becker au 18e rang des meilleurs joueurs masculins de la période 1965-2005. Il entraîne actuellement Novak Djokovic. Début de la vie Boris Becker est né à Leimen, en Allemagne, fils unique d'Elvira et Karl-Heinz Becker. Sa mère était catholique et ils l'ont élevé dans cette religion. Son père Karl-Heinz, architecte, a fondé un centre de tennis à Leimen, où Becker a appris à jouer. Carrière de tennis Becker est devenu professionnel en 1984, sous la direction de l'entraîneur d'origine roumaine Günther Bosch et du manager roumain Ion Ţiriac, et a remporté son premier titre professionnel en double cette année-là à Munich. Adolescent allemand, Becker a remporté le Tennis World Young Masters au NEC de Birmingham en 1985, avant de remporter son premier titre en simple de haut niveau en juin de la même année au Queen's Club. Deux semaines plus tard, le 7 juillet, il devient le premier joueur non tête de série et le premier Allemand à remporter le titre en simple à Wimbledon, battant Kevin Curren en quatre sets. Non classé, Becker était à l'époque classé 20e au classement ATP, mais Wimbledon n'a alors pas classé les joueurs au-delà du top 16. Il était le plus jeune champion masculin du Grand Chelem en simple (un record battu plus tard par Michael Chang en 1989, qui a remporté le Roland-Garros quand il l'était). Deux mois après son triomphe, Becker est devenu le plus jeune vainqueur de l'Open de Cincinnati. Becker a depuis déclaré: "Le plan de mes parents pour moi était de terminer mes études, d'aller à l'université, d'obtenir un diplôme approprié et d'apprendre quelque chose de respectueux. La dernière chose qui préoccupait tout le monde était que je devienne un professionnel du tennis." En 1986, Becker a défendu avec succès son titre à Wimbledon en battant le numéro 1 mondial. 1 Ivan Lendl en deux sets en finale. En 1987, Becker, alors numéro 1 mondial. 2, a été contrarié au deuxième tour de Wimbledon par le numéro 1 mondial. 70 joueurs, Peter Doohan. Cette année-là, lors de la Coupe Davis, Becker et John McEnroe ont disputé l'un des matchs les plus longs de l'histoire du tennis. Becker a gagné 4-6, 15-13, 8-10, 6-2, 6-2 (à cette époque, il n'y avait pas de tie-break en Coupe Davis). Le match a duré 6 heures et 22 minutes. Becker était de retour en finale de Wimbledon en 1988, où il s'inclina en quatre sets contre Stefan Edberg dans un match qui marqua le début de l'une des grandes rivalités de Wimbledon. Becker a également aidé l'Allemagne de l'Ouest à remporter sa première Coupe Davis en 1988. Il a remporté le titre du Masters de fin d'année à New York, battant le quintuple champion Lendl en finale. La même année, il a également remporté la finale du WCT de fin de saison pour la tournée rivale du Championnat du monde de tennis, battant Edberg en quatre sets. En 1989, Becker a remporté deux titres du Grand Chelem en simple, la seule année où il en a remporté plus d'un. Après avoir perdu contre Edberg en demi-finale de Roland-Garros, il a battu Edberg en finale de Wimbledon, puis a battu Lendl en finale de l'US Open. Il a également aidé l'Allemagne de l'Ouest à conserver la Coupe Davis, battant Andre Agassi en demi-finale. En conséquence, Becker a été nommé joueur de l'année par le circuit ATP. Le monde non. Cependant, le classement 1 lui échappait toujours. En 1990, Becker a rencontré Edberg pour la troisième année consécutive lors de la finale de Wimbledon, mais cette fois-ci, il s'agissait du côté perdant d'un long match de cinq sets. Il n'a pas non plus réussi à défendre son titre à l'US Open, s'inclinant face à Agassi en demi-finale. Becker a atteint la finale de l'Open d'Australie pour la première fois de sa carrière en 1991, où il a battu Lendl pour remporter le numéro 1 mondial. 1 classement. Une autre défaite contre Agassi en demi-finale de Roland-Garros l'a empêché de remporter les deux premiers tournois du Grand Chelem de l'année. Il a été classé numéro 1 mondial. 1 pendant douze semaines en 1991, mais il n'a jamais réussi à terminer une année avec ce classement. En 1992, Becker a remporté sept titres du circuit, dont son deuxième championnat du monde du circuit ATP en battant Jim Courier en quatre sets. En 1993, des problèmes dans son pays concernant sa fréquentation et son mariage avec Barbara Feltus, dont la mère était allemande et le père était afro-américain, ainsi que des problèmes fiscaux avec le gouvernement allemand, avaient amené Becker à sombrer dans un grave déclin à mi-carrière. Becker a été classé numéro 1 mondial. 2 à Wimbledon en 1991 et y atteint sa quatrième finale consécutive. Cependant, il a perdu en deux sets contre son compatriote allemand et numéro mondial. 7 Michael Stich. Becker et Stich ont développé une rivalité féroce, les médias comparant souvent un Becker passionné à un Stich plus stoïque. Cependant, Becker et Stich ont fait équipe en 1992 pour remporter la médaille d'or en double masculin aux Jeux olympiques de Barcelone. Becker a battu Jim Courier en deux sets pour remporter les Championnats du monde ATP Tour de fin d'année 1992 à Francfort. En 1995, Becker atteint la finale de Wimbledon pour la septième fois en battant Agassi en demi-finale. En finale cependant, Becker, encore plus fatigué après d'éprouvants combats de fond de court avec Cédric Pioline puis avec Agassi, s'incline en quatre sets face à Pete Sampras. Il a remporté les Championnats du monde ATP Tour de fin d'année pour la troisième et dernière fois à Francfort avec une victoire en deux sets contre Michael Chang en finale. Le sixième et dernier titre du Grand Chelem de Becker a eu lieu en 1996 lorsqu'il a battu Chang en finale de l'Open d'Australie. Après avoir remporté les championnats du Queen's Club pour la quatrième fois, on s'attendait à ce que Becker se lance un sérieux défi pour le titre de Wimbledon en 1996, mais sa candidature a pris fin brusquement lorsqu'il s'est blessé au poignet droit lors d'un match de troisième tour contre Neville Godwin et a été forcé Se rétracter. Becker a battu Sampras en octobre 1996 lors d'une finale en cinq sets à Stuttgart. "Becker est le meilleur joueur en salle que j'ai jamais joué", a déclaré Sampras après le match. Becker a perdu contre Sampras en finale des Championnats du monde ATP Tour 1996 à Hanovre. Becker a sauvé deux balles de match dans le quatrième set et a tenu son service 27 fois consécutives jusqu'à ce qu'il soit brisé lors de l'avant-dernier match. Plus tard cette année-là, il remporte la Coupe du Grand Chelem en battant Goran Ivanisevic en finale. En 1997, Becker a perdu contre Sampras en quarts de finale à Wimbledon. Après ce match, il a juré qu'il ne jouerait plus jamais à Wimbledon. Cependant, Becker a joué à Wimbledon une fois de plus en 1999, perdant cette fois au quatrième tour contre Patrick Rafter. Becker était plus à l'aise en jouant sur des surfaces de jeu rapides, en particulier sur les terrains en gazon et sur tapis intérieur (sur lesquels il a remporté 26 titres). Il a atteint quelques finales sur terre battue, mais n'a jamais remporté de tournoi sur terre battue au cours de sa carrière professionnelle. Ses meilleures performances à Roland-Garros ont été lorsqu'il a atteint les demi-finales en 1987, 1989 et 1991. Au cours de sa carrière, Becker a remporté 49 titres en simple et 15 titres en double. Outre ses six titres du Grand Chelem, il a également remporté en simple les Championnats du monde de fin d'année Masters / ATP Tour en 1988, 1992 et 1995, les finales du WCT en 1988 et la Coupe du Grand Chelem en 1996. Il a remporté un record - égalant quatre titres en simple au Queen's Club de Londres. En Coupe Davis, son record de victoires-défaites en carrière était de 54-12, dont 38-3 en simple. Il a également remporté les deux autres grands titres internationaux par équipe en jouant pour l'Allemagne, la Coupe Hopman (en 1995) et la Coupe du monde par équipe (en 1989 et 1998). Becker a remporté des titres en simple dans 14 pays différents : Australie, Autriche, Belgique, Canada, France, Allemagne, Italie, Japon, Pays-Bas, Qatar, Suède, Suisse, Royaume-Uni et États-Unis. En 2003, Becker a été intronisé au Temple de la renommée du tennis international. Il joue occasionnellement sur le circuit senior et dans le World Team Tennis. Il est aussi parfois commentateur à Wimbledon pour la BBC. Le style de jeu Le jeu de Becker était basé sur un service rapide et bien placé, qui lui a valu les surnoms de "Boom Boom", "Der Bomber" et "Baron von Slam", ainsi que de grandes compétences de volée au filet. Il pouvait compléter son pur jeu de service-volée par un brillant athlétisme au filet, qui comprenait la volée plongeante qui était considérée comme une marque de fabrique du jeune Allemand et qui le faisait aimer de ses fans. Son coup droit lourd et son retour de service ont également été des facteurs très importants dans son jeu. Becker s'écartait parfois de son style de service et de volée pour tenter de surpasser, depuis la ligne de fond, des adversaires qui étaient normalement à leur meilleur tout en restant près de la ligne de fond. Même si Becker possédait des tirs puissants sur les deux ailes, cette stratégie a souvent été critiquée par les commentateurs. Becker avait de fréquentes explosions émotionnelles sur le terrain. Chaque fois qu'il considérait qu'il jouait mal, il se jurait souvent contre lui-même et cassait parfois ses raquettes. Contrairement à John McEnroe, Becker s'est rarement montré agressif envers ses adversaires ou ses officiels. Contrairement à McEnroe, son niveau de jeu et sa concentration avaient tendance à diminuer plutôt qu'à s'améliorer à la suite de ces explosions. La pièce hautement dramatique de Becker a engendré de nouvelles expressions telles que le Becker Blocker (son coup de retour précoce caractéristique), le Becker Hecht (une fente volante), le Becker Faust ("Becker Fist"), le Becker Shuffle (la danse qu'il exécutait parfois après avoir fait points importants) et Becker Säge (« Becker Saw » – en référence à la façon dont il pompait ses poings dans un mouvement de sciage). Becker, l'un des joueurs les plus efficaces de son époque sur gazon et sur tapis, a eu moins de succès sur terre battue. Il n'a jamais remporté de titre de haut niveau en simple sur terre battue, se rapprochant le plus en détenant deux balles de match contre Thomas Muster en finale de l'Open de Monte Carlo 1995. Becker a cependant fait équipe avec Michael Stich pour remporter la médaille d'or olympique en double masculin de 1992 sur terre battue. Équipement Becker a joué la majeure partie de sa carrière avec des raquettes de la société allemande Puma. Après l'arrêt de la production de cette raquette, il rachète les moules et les fait fabriquer par la société américaine Estusa. Il possède désormais sa propre ligne personnelle de raquettes et de vêtements. Statistiques de carrière Enregistrements * Ces records ont été atteints lors de l'ère ouverte du tennis. * Les enregistrements en gras indiquent des réalisations sans égal. * ^ Désigne une séquence consécutive. Prix ​​professionnels *Champion du monde ITF : 1989. *Joueur ATP de l'année : 1989. * Joueur le plus amélioré de l'ATP : 1985. Carrière après la retraite En 2012, Becker a décrit son approche de la retraite. "J'avais tellement gagné à 22 ans, un certain nombre de titres à Wimbledon, l'US Open, la Coupe Davis, le numéro un mondial. Vous recherchez la prochaine grande nouveauté et ce n'est pas dans le tennis." Depuis 2000, Becker est le principal propriétaire de la division tennis de Völkl Inc., un fabricant de raquettes et de vêtements de tennis. Becker a publié son autobiographie, Augenblick, verweile doch... (en : The Player) en 2003. D'octobre 2005 à juin 2006, Becker a été capitaine d'équipe dans le quiz sportif télévisé britannique They Think It's All Over. Becker est un joueur de poker réputé et est apparu dans l'European Poker Tour et le World Poker Tour ; en 2013, Becker avait gagné plus de 90 000 € de revenus de carrière grâce au poker. En octobre 2006, Becker a signé un contrat de deux ans avec Vodafone pour répondre à certains messages texte de ses fans. Les conditions étaient qu'il réponde à environ 300 messages par an. Il s’agissait principalement de questions sur sa carrière et d’anecdotes sur le circuit ATP masculin. Becker a visité plusieurs endroits en Europe pour promouvoir le service, notamment Moscou et Airdrie. En mai 2009, Becker a annoncé le lancement de la plateforme médiatique en ligne Boris Becker TV. Le site Internet, en anglais et en allemand, présente des extraits de sa carrière et des séquences de sa vie quotidienne. Depuis 2003, Becker est commentateur pour la BBC à Wimbledon. Becker est apparu dans le deuxième épisode de la série 16 de l'émission automobile Top Gear de la BBC en tant que "Star in a Reasonably Priced Car". Becker est un mécène de la Elton John AIDS Foundation. En décembre 2013, Novak Djokovic a annoncé sur son site Internet que Boris Becker deviendrait son entraîneur-chef pour la saison 2014. En conséquence, Becker a abandonné son travail de commentateur à la BBC. Depuis qu'il a travaillé ensemble, Becker a contribué à 6 des 12 titres du Grand Chelem de Novak et à 13 de ses 29 titres Masters 1000. Vie privée Becker vit à Wimbledon, Londres, Royaume-Uni. Il est fan du club de football allemand Bayern Munich et siège à son conseil consultatif aux côtés de l'ancien Premier ministre bavarois Edmund Stoiber. En plus de Munich, Monaco et Schwytz, Becker possède un appartement à Londres, à Wimbledon ou à proximité, et entretient peut-être encore une résidence à Miami, pour être près de ses enfants. Becker n'a aucun lien de parenté avec ses collègues joueurs de tennis professionnels allemands Benjamin Becker ni Richard Becker. Des relations Le 17 décembre 1993, Becker épouse l'actrice et créatrice Barbara Feltus. Le 18 janvier 1994, leur fils Noah Gabriel, du nom des amis de Becker, Yannick Noah et Peter Gabriel, est né. Leur deuxième enfant, Elias Balthasar, est né le 4 septembre 1999. Avant leur mariage, ils avaient choqué certains en Allemagne en posant nus pour la couverture de Stern sur une photo prise par son père. Après que Becker ait demandé à Barbara de se séparer en décembre 2000, elle s'est envolée pour Miami, en Floride, avec Noah et Elias et a déposé une demande de divorce auprès du tribunal du comté de Miami-Dade, contournant leur accord prénuptial qui lui donnait droit à un paiement unique de 2,5 millions de dollars. Barbara est partie pour la Floride après avoir été contactée par une femme affirmant être enceinte de l'enfant de Becker. Dans son autobiographie, Becker a déclaré qu'il avait admis à sa femme qu'il avait eu une aventure d'un soir avec une autre femme alors que Barbara était enceinte de leur deuxième enfant. Il a écrit que Barbara l'avait frappé lors d'une dispute survenue après qu'il se soit rendu en Floride pour la rencontrer et discuter de la rupture de leur mariage. L'audience préliminaire de janvier 2001 a été retransmise en direct en Allemagne. Becker a obtenu le divorce le 15 janvier 2001. Elle a reçu un règlement de 14,4 millions de dollars, leur copropriété sur l'exclusive Fisher Island et la garde de Noah et Elias. En février 2001, Becker a reconnu la paternité d'une fille, Anna (née le 22 mars 2000), avec la mannequin russe Angela Ermakova. En octobre 2009, il a confirmé les informations des médias selon lesquelles l'enfant était le résultat d'un rapport sexuel survenu en 1999 dans un restaurant de Londres. Il était sorti boire après avoir perdu un match du tableau principal en simple aux championnats de Wimbledon, dans ce qui avait été un retour sur le lieu de son plus grand succès. Becker a d'abord nié la paternité, mais a admis qu'il était le père de l'enfant après un test ADN. En novembre 2007, il a obtenu la garde partagée d'Anna après avoir exprimé ses inquiétudes quant à la manière dont sa mère l'élevait. Becker a été brièvement fiancée en 2008. Son père, Axel Meyer-Wölden, était le conseiller et le directeur de Becker dans les années 1990. Le couple s'est séparé en novembre 2008. Elle a ensuite épousé la personnalité de la télévision Oliver Pocher. En février 2009, dans l'émission de télévision allemande ZDF Wetten, dass..?, Becker a annoncé que lui et le mannequin allemand Sharlely "Lilly" Kerssenberg allaient se marier le 12 juin 2009 à St Moritz, en Suisse. En août 2009, ils ont annoncé qu'ils attendaient un enfant. En février 2010, leur fils, Amadeus Benedict Edley Luis Becker, est né à Londres. Le bébé porte le nom de l'oncle Edley de la femme de Becker et de son ami, le millionnaire mexicain-cubain Luis Garcia Fanjul, qui est également le parrain de l'enfant.

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Combien de fois Steffi Graf a-t-elle remporté le simple dames à Wimbledon ?

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Stefanie Maria "Steffi" Graf (née le 14 juin 1969) est une ancienne joueuse de tennis allemande, classée n°1 mondiale au cours de sa carrière. Graf a remporté 22 titres en simple du Grand Chelem. Ses 22 titres en simple, à égalité avec Serena Williams, constituent le record commun du plus grand nombre de victoires majeures par un joueur de tennis (homme ou femme) depuis l'introduction de l'Open Era en 1968 et le deuxième de tous les temps derrière Margaret Court (24). En 1988, elle est devenue la première et la seule joueuse de tennis (homme ou femme) à réaliser le Golden Slam en remportant les quatre titres du Grand Chelem en simple et la médaille d'or olympique au cours de la même année civile. a remporté chaque épreuve du Grand Chelem au moins 4 fois. Graf a été classée n°1 mondiale par la Women's Tennis Association (WTA) pour un total record de 377 semaines, soit la plus longue période pendant laquelle un joueur, homme ou femme, a occupé la première place depuis la WTA et l'Association of Tennis Professionals. a commencé à publier des classements. Elle a remporté 107 titres en simple, ce qui la classe au troisième rang sur la liste de tous les temps de la WTA après Martina Navratilova (167 titres) et Chris Evert (157 titres). Elle et Margaret Court sont les seuls joueurs, hommes ou femmes, à remporter 3 tournois du Grand Chelem à 5 reprises au cours d'une année civile (1988, 1989, 1993, 1995 et 1996). Une caractéristique notable du jeu de Graf était sa polyvalence sur toutes les surfaces de jeu, ayant remporté chacun des quatre Majors au moins quatre fois, la seule joueuse à le faire, et elle est surtout connue pour son excellent jeu de jambes et pour son puissant coup droit. Graf a remporté six titres en simple à Roland-Garros (deuxième derrière Evert), sept titres en simple à Wimbledon, quatre titres à l'Open d'Australie et cinq titres en simple à l'US Open. Elle est la seule joueuse en simple (homme ou femme) à avoir réalisé un Grand Chelem depuis que le terrain dur a été introduit comme surface à l'US Open en 1978. Par conséquent, le Grand Chelem de Graf a été réalisé sur gazon, terre battue et terrain dur tandis que le précédent cinq tournois du Grand Chelem se sont joués uniquement sur gazon et terre battue. Graf a atteint treize finales consécutives en simple du Grand Chelem, de Roland-Garros de 1987 à Roland-Garros de 1990, en remportant neuf d'entre elles. Elle a remporté 5 Majors consécutifs (de l'Open d'Australie de 1988 à l'Open d'Australie de 1989) et 7 Majors sur 8, en 2 années civiles (de l'Open d'Australie de 1988 à l'US Open de 1989, sauf l'Open de France de 1989). Elle a atteint un total de 31 finales en simple du Grand Chelem. Graf est considérée par certains comme la plus grande joueuse de tennis de tous les temps. Navratilova a inclus Graf sur sa liste de grands joueurs. En 1999, Billie Jean King a déclaré : « Steffi est sans aucun doute la plus grande joueuse de tennis féminine de tous les temps ». En décembre 1999, Graf a été nommée la plus grande joueuse de tennis du 20e siècle par un panel d'experts réunis par l'Associated Press. L'écrivain de tennis Steve Flink, dans son livre Les plus grands matchs de tennis du vingtième siècle, l'a désignée comme la meilleure joueuse du 20e siècle. En mars 2012, Tennis Channel a choisi Graf comme la plus grande joueuse de tennis de tous les temps dans sa liste des 100 plus grandes joueuses de tennis de tous les temps. Graf a pris sa retraite en 1999 alors qu'elle était classée n°3 mondiale. Elle a épousé l'ancien joueur de tennis masculin n°1 mondial Andre Agassi en octobre 2001. Le couple a deux enfants – Jaden Gil et Jaz Elle. Graf a été intronisé au Temple de la renommée du tennis en 2004. Début de la vie Stefanie Graf est née le 14 juin 1969, à Mannheim, Bade-Wurtemberg, Allemagne de l'Ouest, de Heidi Schalk et Peter Graf (18 juin 1938 - 30 novembre 2013), vendeur de voitures et d'assurances. Elle a un jeune frère Michael. Graf a été initiée au tennis par son père, un aspirant entraîneur de tennis, qui a appris à sa fille de trois ans à manier une raquette en bois dans le salon familial. Elle a commencé à s'entraîner sur un terrain à l'âge de quatre ans et a participé à son premier tournoi à cinq ans. Elle commença bientôt à remporter régulièrement des tournois juniors et, en 1982, elle remporta les Championnats d'Europe des 12 et 18 ans. Carrière Début de carrière Graf a participé à son premier tournoi professionnel en octobre 1982 à Stuttgart, en Allemagne. Elle a perdu son match du premier tour 6-4, 6-0 contre Tracy Austin, double championne de l'US Open et ancienne joueuse n°1 mondiale. (Douze ans plus tard, Graf a battu Austin 6-0, 6-0 lors d'un match de deuxième tour à l'Evert Cup à Indian Wells, en Californie, qui était leur deuxième et dernier match l'un contre l'autre.) Au début de sa première année professionnelle complète en 1983, Graf avait 13 ans et se classait au 124e rang mondial. Elle n'a remporté aucun titre au cours des trois années suivantes, mais son classement a grimpé régulièrement jusqu'au 98e rang mondial en 1983, au 22e rang. en 1984, et n°6 en 1985. En 1984, elle a attiré l'attention internationale pour la première fois lorsqu'elle a presque renversé la dixième tête de série, Jo Durie du Royaume-Uni, lors d'un match de quatrième tour sur le court central à Wimbledon. En août, à l'âge de 15 ans (et la plus jeune participante) représentant l'Allemagne de l'Ouest, elle a remporté l'épreuve de démonstration de tennis aux Jeux olympiques de 1984 à Los Angeles. Aucune médaille n'a été décernée car il ne s'agissait pas d'un événement olympique officiel. L'emploi du temps de Graf était étroitement contrôlé par son père, qui limitait son jeu afin qu'elle ne s'épuise pas. En 1985, par exemple, elle n'a joué que 10 événements avant l'US Open, alors qu'une autre star montante, l'Argentine Gabriela Sabatini, qui avait un an de moins que Graf, en a joué 21. Peter a également gardé les rênes serrés. La vie personnelle de Graf. Les invitations sociales lors de la tournée étaient souvent refusées car Graf se concentrait sur l'entraînement et le match play. Travaillant avec son père et alors entraîneur Pavel Složil, Graf s'entraînait généralement jusqu'à quatre heures par jour, se dirigeant souvent directement des aéroports vers les terrains d'entraînement. Cette vision étroite signifiait que Graf, déjà timide et de nature retirée, se faisait peu d'amis sur la tournée dans ses premières années, mais cela conduisait à une amélioration constante de son jeu. En 1985 et au début de 1986, Graf est devenu le principal challenger face à la domination de Martina Navratilova et Chris Evert. Au cours de cette période, elle a perdu six fois contre Evert et trois fois contre Navratilova, toutes en deux sets. Elle n'a remporté aucun tournoi mais a régulièrement atteint les finales et les demi-finales du tournoi, le point culminant étant sa défaite en demi-finale contre Navratilova à l'US Open. Le 13 avril 1986, Graf remporte son premier tournoi WTA et bat Evert pour la première fois en finale de la Family Circle Cup à Hilton Head, en Caroline du Sud. (Elle n'a plus jamais perdu contre Evert, la battant encore sept fois au cours des trois années et demie suivantes.) Graf a ensuite remporté ses trois tournois suivants à Amelia Island, Charleston et Berlin, culminant dans un 6-2, 6-3. défaite de Navratilova en finale de cette dernière. La maladie lui a fait manquer Wimbledon et un accident où elle s'est cassé un orteil plusieurs semaines plus tard a également réduit son jeu. Elle est revenue pour remporter un petit tournoi à Mahwah juste avant l'US Open où, dans l'un des matchs les plus attendus de l'année, elle a rencontré Navratilova en demi-finale. Le match s'est joué sur deux jours et Navratilova a finalement gagné après avoir sauvé trois balles de match 6-1, 6-7, 7-6. Graf a ensuite remporté trois titres consécutifs en salle à Tokyo, Zürich et Brighton, avant d'affronter à nouveau Navratilova aux championnats Virginia Slims de fin de saison à New York. Cette fois, Navratilova a battu Graf 7-6, 6-3, 6-2. Année révolutionnaire : 1987 La percée de Graf dans le tournoi du Grand Chelem a eu lieu en 1987. Elle a commencé l'année en force, avec six victoires en tournoi avant Roland-Garros, le point culminant étant le tournoi de Miami, où elle a battu Martina Navratilova en demi-finale et Chris Evert en finale et a concédé seulement 20 matchs sur les sept tours du tournoi. Lors de la finale de Roland-Garros, Graf a battu Martina, qui était n°1 mondiale, 6-4, 4-6, 8-6 après avoir battu Sabatini dans une demi-finale en trois sets. Graf a ensuite perdu contre Navratilova 7-5, 6-3 en finale de Wimbledon, sa première défaite de l'année. Cependant, lors de la finale de la Coupe de la Fédération à Vancouver, au Canada, trois semaines plus tard, elle bat facilement Evert 6-2, 6-1. L'US Open s'est terminé de manière décevante lorsque Navratilova a battu Graf en finale 7-6, 6-1. Graf avait un bilan de victoires-défaites de 75-2 pour un pourcentage de victoires de 97,4 en 1987, les deux défaites étant infligées à Navratilova alors qu'elles partageaient les quatre matches qu'elles ont disputés au cours de l'année. Le 17 août, après avoir battu Evert dans une finale en deux sets aux Virginia Slims de Los Angeles, Graf a dépassé Navratilova pour le premier rang mondial pour la première fois de sa carrière, un classement qu'elle détiendrait pendant les 186 prochaines semaines consécutives. un record qui n’a pas été battu. Graf a été la première joueuse autre que Navratilova ou Evert à occuper la première place depuis Tracy Austin en 1980. Golden Slam sans précédent : 1988 Graf a commencé 1988 en remportant l'Open d'Australie, battant Chris Evert en finale 6-1, 7-6. Graf n'a perdu aucun set pendant le tournoi et n'a perdu qu'un total de 29 matchs. Graf a perdu deux fois contre Sabatini au printemps, une fois sur terrain dur à Boca Raton, en Floride, et une fois sur terre battue à Amelia Island, en Floride. Graf a cependant remporté le tournoi de San Antonio, au Texas, et a conservé son titre à Miami, où elle a de nouveau battu Evert en finale. Graf remporte ensuite le tournoi de Berlin, ne perdant que douze matchs en cinq matches. À Roland-Garros, Graf a défendu avec succès son titre en battant Natasha Zvereva 6-0, 6-0 dans une finale de 32 minutes. Il s'agissait de la finale de Grand Chelem la plus courte et la plus unilatérale de tous les temps et du seul double bagel dans une finale majeure depuis 1911. Zvereva, qui avait éliminé Martina Navratilova au quatrième tour, n'a remporté que treize points dans le match. Vint ensuite Wimbledon, où Martina Navratilova avait remporté six titres consécutifs. Graf traînait Martina Navratilova dans la finale 7-5, 2-0 avant de remporter le match 5-7, 6-2, 6-1. Elle a ensuite remporté des tournois à Hambourg et Mahwah (où elle n'a perdu que huit matchs tout au long du tournoi). À l'US Open, Graf a battu Sabatini dans une finale en trois sets pour remporter le Grand Chelem par 6-3, 3-6, 6-1, un exploit réalisé auparavant par seulement deux autres femmes, Maureen Connolly Brinker en 1953 et Margaret Court. en 1970. Le Grand Chelem de Graf en 1988 reste le seul de l'histoire réalisé sur trois surfaces (gazon, terre battue, terrain dur), car tous les autres Grands Chelems de l'histoire du tennis ont été réalisés avant l'introduction du terrain dur à l'US Open en 1978. Graf a ensuite battu Sabatini 6–3, 6–3 dans le match pour la médaille d'or aux Jeux Olympiques de Séoul et a réalisé ce que les médias avaient surnommé le « Golden Slam ». L'exploit n'a été réalisé jusqu'à présent que par Graf. Graf a également remporté son seul titre en double du Grand Chelem cette année-là, à Wimbledon, en partenariat avec Sabatini, et a décroché une médaille de bronze olympique en double féminin. Aux championnats Virginia Slims de fin d'année, Graf a été contrariée par Pam Shriver, seulement sa troisième défaite de l'année. Elle a été nommée personnalité sportive de l'année 1988 par la BBC. Nouveaux challengers et défis personnels 1989 Les spéculations allaient bon train au début de 1989 sur la possibilité que Graf remporte un autre Grand Chelem. Certains observateurs de renom, tels que Margaret Court, ont suggéré que Graf pourrait réaliser cet exploit plusieurs fois de plus. Et l'année a commencé comme prévu, avec Graf prolongeant sa séquence de victoires consécutives en tournois du Grand Chelem à cinq épreuves à l'Open d'Australie, battant Helena Suková en finale. Sa défaite 6-3, 6-0 contre l'Argentine Gabriela Sabatini en demi-finale a été décrite par l'observateur vétéran Ted Tinling comme "probablement le meilleur tennis que j'ai vu". Il a ajouté : "Puis j'ai vu ce que Steffi a fait à Sabatini à l'Open d'Australie cette année, et c'est tout. Elle est meilleure qu'eux tous." Graf a suivi avec des victoires faciles lors de ses quatre tournois suivants à Washington, D.C., San Antonio, Texas, Boca Raton, Floride et Hilton Head, Caroline du Sud. Le tournoi de Washington, DC a été remarquable car Graf a remporté les vingt premiers points de la finale contre Zina Garrison. Lors de la finale de Boca Raton, Graf a perdu le seul set qu'elle a concédé à Chris Evert lors de leurs sept derniers matches. Lors de la finale d'Amelia Island sur terre battue, Graf a perdu son premier match de l'année contre Sabatini mais est revenue sur terre battue européenne avec des victoires faciles à Hambourg et Berlin. La séquence de victoires consécutives de Graf en tournoi du Grand Chelem s'est terminée à Roland-Garros, où l'Espagnole de 17 ans Arantxa Sánchez Vicario a battu Graf en trois sets. Graf a servi pour le match à 5–3 dans le troisième set mais a perdu le match et n'a remporté que trois points supplémentaires dans le match. Elle avait eu du mal à battre Monica Seles en demi-finale 6-3, 3-6, 6-3. Graf, cependant, s'est rétabli pour vaincre Martina Navratilova 6-2, 6-7, 6-1 en finale de Wimbledon après avoir battu Monica Seles 6-0, 6-1 lors d'un match de quatrième tour, Arantxa Sánchez Vicario en quart de finale et Chris. Evert en demi-finale. Graf s'est échauffé pour l'US Open avec des victoires faciles dans les tournois de San Diego et de Mahwah. Lors de son match de demi-finale à l'US Open, Graf a battu Sabatini 3-6, 6-4, 6-2. En finale, Martina Navratilova menait 6-3, 4-2 avant que Graf ne se rallie pour gagner 3-6, 7-5, 6-1 pour son troisième titre en simple du Grand Chelem de l'année. Les victoires à Zürich et Brighton ont précédé les championnats Virginia Slims, où Graf a consolidé son statut de première place en battant Navratilova en finale en quatre sets. Graf a terminé l'année 1989 avec un bilan de 86-2 et une perte de seulement douze sets. Son pourcentage de victoires de 0,977 est le deuxième plus élevé de l’ère ouverte derrière Navratilova. 1990 Graf a battu Mary Joe Fernández en finale de l'Open d'Australie, qui était son huitième titre en simple du Grand Chelem lors des neuf derniers qu'elle a disputés. Sa séquence de victoires (invaincue depuis la défaite de Roland-Garros en 1989 contre Arantxa Sánchez Vicario) s'est poursuivie avec des victoires à Tokyo, Amelia Island et Hambourg. À Berlin, elle a prolongé sa séquence d'invincibilité à 66 matches (deuxième de l'histoire de la WTA derrière les 74 de Martina Navratilova) avant de perdre la finale contre Monica Seles, 6-4, 6-3. Pendant le tournoi de Berlin, le tabloïd allemand le plus diffusé, Bild, a publié un article sur un prétendu scandale impliquant le père de Graf. La difficulté de répondre aux questions sur le sujet a atteint son paroxysme lors d'une conférence de presse à Wimbledon, où Graf a fondu en larmes. Les autorités de Wimbledon ont alors menacé de suspendre immédiatement toute conférence de presse ultérieure au cours de laquelle des questions sur le sujet seraient posées. La question de savoir si ce scandale a affecté la forme de Graf est sujette à débat. Dans une interview accordée au magazine Stern en juillet 1990, Graf a déclaré : « Je ne pouvais pas me battre comme d'habitude ». Graf a de nouveau perdu contre Monica Seles en finale de Roland-Garros 7–6, 6–4. Seles était mené 2 à 6 dans le bris d'égalité du premier set, mais est ensuite revenu pour gagner six points d'affilée et remporter le set. À Wimbledon, Graf a perdu en demi-finale contre Zina Garrison, qui, avec cette victoire, a brisé la série de 13 finales majeures consécutives de Graf. Après des victoires à Montréal et à San Diego, Graf a atteint la finale de l'US Open, où elle a perdu en deux sets contre Sabatini. Graf a remporté quatre tournois en salle après l'US Open, dont deux victoires consécutives contre Sabatini en finale de Zürich et Worcester. Bien que Sabatini ait pris le dessus sur Graf en demi-finale des championnats Virginia Slims de fin de saison, Graf a quand même terminé l'année en tant que joueur le mieux classé. 1991 Un mélange de problèmes de blessures, de difficultés personnelles et de perte de forme ont fait de 1991 une année difficile pour Graf. Seles s'est imposée comme la nouvelle joueuse dominante du circuit féminin, remportant l'Open d'Australie, l'Open de France et l'US Open et, en mars, mettant fin au record de 186 semaines consécutives de Graf au premier rang mondial. Graf a brièvement regagné le premier rang après avoir gagné à Wimbledon, mais l'a perdu à nouveau après sa défaite contre Navratilova à l'US Open. Graf a perdu un quart de finale de l'Open d'Australie contre Jana Novotná, la première fois qu'elle n'atteignait pas les demi-finales d'un tournoi en simple du Grand Chelem depuis l'Open de France de 1986. Elle a ensuite perdu contre Sabatini lors de ses trois tournois suivants avant de remporter les championnats américains sur terrain dur à San Antonio, battant Monica Seles en finale. Après avoir perdu une cinquième fois consécutive contre Sabatini à Amelia Island, en Floride, Graf a de nouveau battu Seles en finale de Hambourg. Après sa victoire au tournoi de l'Open d'Allemagne à Berlin, Graf a subi l'une des pires défaites de sa carrière lors d'une demi-finale de Roland-Garros où elle n'a remporté que deux matchs contre Arantxa Sánchez Vicario et a perdu son premier set 6-0 depuis 1984. À Wimbledon, cependant. , Graf a remporté sa troisième couronne féminine, cette fois aux dépens de Sabatini. Sabatini a servi deux fois pour le match et était à deux points de son premier titre à Wimbledon. Après avoir brisé le service de Sabatini jusqu'au troisième set à 6-6, Graf a battu Sabatini en remportant les deux jeux suivants pour remporter le match 6-4, 3-6, 8-6. Martina Navratilova a ensuite battu Graf 7–6, 6–7, 6–4 en demi-finale de l'US Open, la première fois qu'elle battait Graf en quatre ans. Graf a ensuite gagné à Leipzig, avec sa 500e victoire en carrière en quart de finale contre Judith Wiesner. Après avoir remporté deux autres tournois en salle à Zurich et Brighton, elle a de nouveau échoué aux championnats Virginia Slims, perdant son quart de finale contre Novotná. Peu de temps après, elle s'est séparée de son entraîneur de longue date, Pavel Složil. 1992 Une crise de rubéole a forcé Graf à rater le premier événement majeur de 1992, l'Open d'Australie. Son année s'est poursuivie indifféremment avec des défaites dans trois de ses quatre premiers tournois, dont une défaite en demi-finale contre Jana Novotná à Chicago. C'était la deuxième défaite consécutive de Graf contre Novotna, et depuis leur match de quart de finale de l'Open d'Australie de 1991, Jana avait remporté trois de leurs cinq dernières rencontres. À Boca Raton, en Floride, Graf a atteint sa première finale de l'année, où elle affrontait Conchita Martínez pour le titre. Lors de leurs cinq confrontations précédentes, Graf avait battu Martínez à chaque fois. Même si Conchita a remporté le premier set, Graf a continué à l'emporter 3-6, 6-2, 6-0. Elle a perdu deux fois contre Sabatini au début du printemps aux championnats Lipton International et Bausch & Lomb ; cependant, la défaite de Bausch & Lomb serait la défaite finale de Graf contre Sabatini, remportant ses 8 prochains et derniers matchs contre Sabatini. Les victoires à Hambourg et Berlin (en battant Arantxa Sánchez Vicario en finale des deux) l'ont préparée pour Roland-Garros, où elle a battu Sánchez Vicario en demi-finale après avoir perdu le premier set 6-0. Graf a ensuite renouvelé sa rivalité avec Monica Seles en finale, que Monica Seles a remportée 10-8 dans le troisième set. Monica a remporté le match sur sa 5ème balle de match ; Graf était à 2 points de remporter le match quelques matchs plus tôt. À Wimbledon, après avoir lutté lors des trois sets du début du tour contre Mariaan de Swardt et Patty Fendick, peu classées, elle a facilement battu Natasha Zvereva en quart de finale, Sabatini en demi-finale et Monica Seles en finale 6-2, 6-1, avec Monica jouant dans un silence presque complet en raison des critiques généralisées des médias et des joueurs concernant ses grognements. Graf a ensuite remporté ses cinq matches de Fed Cup, aidant l'Allemagne à vaincre l'Espagne en finale en battant Arantxa Sánchez Vicario 6-4, 6-2. Aux Jeux Olympiques de Barcelone, Graf a perdu contre Jennifer Capriati en finale et a remporté la médaille d'argent. À l'US Open, Graf a été contrarié en quart de finale par Sánchez Vicario 7-6, 6-3. Quatre victoires consécutives en tournoi en salle à l'automne ont amélioré son année, mais pour la troisième année consécutive, elle n'a pas réussi à remporter les championnats Virginia Slims, où elle a perdu au premier tour contre Lori McNeil. Deuxième période de domination 1993 Graf a commencé l'année 1993 avec quatre défaites lors de ses six premiers tournois de l'année : deux contre Arantxa Sánchez Vicario et une contre Seles et Martina Navratilova, 36 ans. Elle a connu des difficultés lors du tournoi de Berlin où elle a perdu un set 6-0 contre la méconnue Sabine Hack avant de vaincre Mary Joe Fernández et Sabatini dans des matchs en trois sets pour y remporter son septième titre en huit ans. Monica Seles a battu Graf en trois sets en finale de l'Open d'Australie 4-6, 6-3, 6-2. Cela a consolidé Seles en tant que joueur dominant n°1 au monde, ayant remporté 5 des 6 précédents, 7 des 9 précédents et 8 des 12 titres majeurs en simple précédents. Au cours de cette période de 12 tournois majeurs, Graf avait gagné deux fois (Wimbledon 1991 et 1992) en comparaison. Lors d'un match de quart de finale entre Seles et Magdalena Maleeva à Hambourg (pays d'origine de Graf), Seles a été poignardé entre les omoplates par un fan allemand malade mental de Graf, Günter Parche. Il a affirmé avoir commis l'attaque pour aider Graf à reconquérir la première place mondiale. Plus de deux ans se sont écoulés avant que Seles ne concoure à nouveau. Peu de temps après l'attaque, Graf et 24 des 25 meilleurs membres mondiaux de la WTA ont voté contre le maintien de la première place mondiale de Seles alors qu'elle était mise à l'écart (seul Sabatini s'est abstenu lors de ce vote). Suite à l'absence de Seles, Graf a remporté 65 des 67 matches, trois des quatre événements du Grand Chelem et les championnats de fin d'année Virginia Slims. Elle a remporté son premier titre à Roland-Garros depuis 1988 avec une victoire en trois sets contre Mary Joe Fernández en finale. Cette victoire a élevé Graf au premier rang mondial pour la première fois en 22 mois. À Wimbledon, Graf a battu Jana Novotná pour remporter son troisième titre féminin consécutif et son cinquième au classement général. Dans le troisième et décisif set, Jana avait un point pour remonter 5-1 sur son service. Après avoir brisé le service de Novotná, Graf a remporté les quatre matchs suivants pour remporter le match 7-6, 1-6, 6-4. Graf s'est blessé au pied droit lors de ce tournoi (et au cours des mois suivants), ce qui a finalement abouti à une intervention chirurgicale le 4 octobre. Entre-temps, elle a perdu contre l'Australienne Nicole Bradtke lors d'un match de Fed Cup sur terre battue avant de remporter le tournoi de San Diego et le tournoi de Toronto en préparation pour l'US Open. Elle y a gagné, battant confortablement Helena Suková en finale après avoir éliminé Sabatini en quart de finale en trois sets. Elle a de nouveau remporté le tournoi de Leipzig la veille de son opération au pied, perdant seulement deux matchs contre Jana Novotná en finale. Graf a perdu contre Conchita Martínez lors de son tournoi retour un mois plus tard à Philadelphie. Cependant, elle a terminé son année avec un moment fort, remportant ses premiers championnats Virginia Slims depuis 1989 en battant Arantxa Sánchez Vicario en finale malgré le besoin d'analgésiques pour une blessure au dos. 1994 Apparemment indemne de blessure pour la première fois depuis des années, Graf a commencé l'année en remportant l'Open d'Australie, où elle a battu Arantxa Sánchez Vicario en finale avec une défaite de seulement deux matchs. Elle a ensuite remporté ses quatre tournois suivants à Tokyo, Indian Wells, Delray Beach et Miami respectivement. Lors de la finale de Miami, elle a perdu son premier set de l'année contre Natasha Zvereva après avoir remporté 54 sets consécutifs. Lors de la finale de Hambourg, elle a perdu pour la première fois en 1994 après 36 victoires consécutives, s'inclinant face à Sánchez Vicario en trois sets. Elle a ensuite remporté son huitième German Open, mais certains signes montraient que sa forme se détériorait puisqu'elle a failli perdre contre Julie Halard en quart de finale. Alors que le champion en titre, Graf a perdu en deux sets contre Mary Pierce en demi-finale de Roland-Garros. Cela a été suivi par une défaite en deux sets au premier tour à Wimbledon contre Lori McNeil, sa seule défaite à Wimbledon entre 1991 et 1997 et sa première défaite dans un tournoi du Grand Chelem au premier tour en dix ans. Graf a quand même réussi à gagner San Diego le mois suivant, mais a aggravé une blessure au dos de longue date en battant Sánchez Vicario en finale. Elle a commencé à porter un corset dorsal et n'était pas sûre de jouer à l'US Open, mais a choisi de jouer tout en recevant un traitement et en s'étirant pendant deux heures avant chaque match. Elle a atteint la finale et a remporté le premier set contre Sánchez Vicario – la dernière victoire de Sanchez Vicario contre Graf – mais a perdu les deux sets suivants. Graf a pris les neuf semaines de congé suivantes, ne revenant que pour les championnats Virginia Slims où elle a perdu en deux sets contre Pierce en quart de finale. 1995 Une tension au mollet droit a forcé Graf à se retirer de l'Open d'Australie. Elle est revenue pour battre Arantxa Sánchez Vicario en finale de Roland-Garros et de Wimbledon. L'US Open était le premier tournoi du Grand Chelem de Monica Seles depuis l'attaque de 1993. Seles et Graf se sont rencontrés en finale, Graf gagnant 7-6, 0-6, 6-3. Graf a ensuite couronné l'année en battant sa compatriote Anke Huber dans une finale de cinq sets aux championnats du circuit WTA de fin de saison en 2 heures 46 minutes. Sur le plan personnel, 1995 a été une année difficile pour Graf, car elle a été accusée par les autorités allemandes de fraude fiscale au début de sa carrière. Pour sa défense, elle a déclaré que son père Peter était son directeur financier et que toutes les questions financières liées à ses revenus à l'époque étaient sous son contrôle. En conséquence, Peter a été condamné à 45 mois de prison. Il a finalement été libéré après avoir purgé 25 mois. Les procureurs ont abandonné les poursuites contre Graf en 1997, lorsqu'elle a accepté de payer une amende de 1,3 million de Deutsche Marks au gouvernement et à une organisation caritative non précisée. 1996 Graf a de nouveau raté l'Open d'Australie en raison d'une blessure qui a nécessité une opération au pied, puis a défendu avec succès les trois titres du Grand Chelem qu'elle avait remportés l'année précédente. Dans une finale serrée de Roland-Garros, Graf a de nouveau vaincu Arantxa Sánchez Vicario, remportant le troisième set 10-8. Il s'agit de la plus longue finale du simple féminin de Roland-Garros de l'histoire, tant en termes de durée (3 heures et 3 minutes) que de nombre de matchs joués (40). Graf a ensuite remporté des victoires en deux sets contre Sánchez Vicario en finale de Wimbledon et Monica Seles en finale de l'US Open. Graf a également remporté son cinquième et dernier titre des Championnats du circuit WTA avec une victoire en cinq sets contre Martina Hingis. Elle n'a pas pu participer aux Jeux olympiques d'été de 1996 à Atlanta en raison d'une blessure au genou gauche. En 1988, Graf est devenu le deuxième joueur de tennis de l'histoire à remporter un Grand Chelem sur terrain dur, terre battue et gazon au cours de la même saison. Elle a répété l’exploit en 1993, 1995 et 1996. Dernières années de la tournée : 1997-1999 Les dernières années de la carrière de Graf ont été marquées par des blessures, notamment aux genoux et au dos. Elle a perdu la première place mondiale contre Martina Hingis et n'a pas réussi à remporter un titre du Grand Chelem pour la première fois en dix ans en 1997. Cette année-là, Graf a perdu au quatrième tour de l'Open d'Australie en deux sets contre Amanda Coetzer. Après plusieurs mois d'arrêt pour blessure, Graf est revenue jouer à l'Open d'Allemagne à Berlin devant son public et a connu la pire défaite de sa carrière en quart de finale, quand Amanda Coetzer l'a battue en seulement 56 minutes 6-0, 6. -1. À Roland-Garros, Graf a de nouveau été battu par Amanda Coetzer en deux sets 6-1, 6-4. Graf a ensuite subi une opération au genou et a ensuite raté les championnats de Wimbledon et de l'US Open en 1997. Le traitement concernait une fracture du cartilage ainsi qu'un raccourcissement et une rupture partielle du tendon rotulien de son genou gauche. Après avoir raté près de la moitié de la tournée en 1998, Graf a battu la numéro 2 mondiale Hingis et la numéro 1 mondiale Lindsay Davenport en route vers le titre de Philadelphie. Au premier tour des championnats Chase de fin de saison, Graf a battu la n ° 3 mondiale Jana Novotná avant de perdre en demi-finale contre Davenport, première tête de série. Au début de 1999, Graf a joué l'épreuve de préparation à l'Open d'Australie à Sydney ; elle a battu Serena Williams au deuxième tour et Venus Williams en quarts de finale avant de perdre contre Lindsay Davenport en demi-finale. Graf a ensuite atteint les quarts de finale de l'Open d'Australie avant de s'incliner face à Monica Seles en deux sets. À Indian Wells, en 1999, Graf a perdu contre Serena Williams en trois sets. À Roland-Garros 1999, Graf a atteint sa première finale du Grand Chelem en trois ans et s'est battue après un set et deux fois après une rupture dans le deuxième set pour vaincre Hingis, la mieux classée, en trois sets pour une victoire mémorable. Graf est devenu le premier joueur de l'ère ouverte à vaincre les joueurs classés premier, deuxième et troisième dans le même tournoi du Grand Chelem en battant Davenport, deuxième, en quarts de finale, et Monica Seles, troisième, en demi-finale. Graf a déclaré après la finale que ce serait son dernier Roland-Garros, alimentant les spéculations sur sa retraite. Graf a ensuite atteint sa neuvième finale en simple à Wimbledon, s'inclinant face à Davenport, troisième tête de série, en deux sets. En double mixte à Wimbledon, Graf s'est associée à John McEnroe, mais elle s'est retirée en demi-finale pour protéger son genou avant la finale du simple. Le 13 août 1999, peu de temps après avoir pris sa retraite en raison d'une élongation aux ischio-jambiers lors d'un match de deuxième tour contre Amy Frazier à San Diego, Graf a annoncé sa retraite du circuit féminin à 30 ans. Graf a déclaré : "J'ai fait tout ce que je voulais faire dans le tennis. Je sens que je n'ai plus rien à accomplir. Les semaines qui ont suivi Wimbledon [en 1999] n'ont pas été faciles pour moi. Je ne m'amusais plus. Après Wimbledon, pour la première fois de ma carrière, je n'avais pas envie d'aller à un tournoi. Ma motivation n'était plus ce qu'elle était dans le passé. Matchs d'exhibition d'après-carrière Dans le cadre de sa tournée d'adieu, Graf a battu son ancienne rivale Arantxa Sánchez Vicario lors d'un match d'exhibition joué à Saragosse, en Espagne, en 1999. Il s'agissait de leur premier face-à-face depuis la finale féminine de Wimbledon en 1996, où Graf a battu Sánchez Vicario en 1999. ensembles droits. En février 2000, Graf a joué un match d'exhibition contre Kimiko Date au Nagoya Rainbow Hall de Tokyo. Il a eu lieu dans le cadre de son "Farewell World Tour", avec Graf battant Date en trois sets. En septembre 2004, Graf a éliminé son ancienne partenaire de double Gabriela Sabatini en deux sets, lors d'un match d'exhibition joué à Berlin, en Allemagne. Elle était également à Berlin pour animer un gala de charité et inaugurer un stade de tennis rebaptisé « Steffi Graf Stadion ». Les bénéfices de son match contre Sabatini ont été reversés à la fondation de Graf, "Les enfants de demain". En juillet 2005, Graf a participé à un match nul du World Team Tennis au sein de l'équipe des Houston Wranglers. Elle a été battue dans deux matches sur trois, chaque match représentant un set. Graf a perdu son match en simple contre Elena Likhovtseva 5–4. Elle a fait équipe avec Ansley Cargill en double féminin contre Anna Kournikova et Likhovtseva mais a perdu 5-2. Elle a cependant réussi le match de double mixte. Graf a complètement exclu un retour au tennis professionnel. "C'était très amusant. Ce n'était pas comme je m'y attendais." En octobre, Graf a affronté Sabatini lors d'un match d'exhibition à Mannheim, en Allemagne, battant Sabatini en deux sets. Comme lors du match d'exhibition de l'année précédente contre Sabatini, les bénéfices ont été reversés à la fondation Graf "Les enfants de demain". En 2008, Graf a perdu un match d'exhibition contre Kimiko Date au Ariake Colosseum de Tokyo. Dans le cadre de l'événement, présenté comme "Dream Match 2008", elle a battu Martina Navratilova dans une affaire en un set 8-7, Graf remportant un bris d'égalité 10-5. C'était la première fois en 14 ans que Graf jouait Navratilova. Graf a disputé un match d'exhibition en simple contre Kim Clijsters et une exhibition en double mixte aux côtés de son mari Andre Agassi contre Tim Henman et Clijsters dans le cadre d'un événement test et d'une célébration du toit nouvellement installé sur le court central de Wimbledon en 2009. Elle a perdu un long set. match en simple contre Clijsters et aussi en double mixte. En 2010, Graf a participé à l'exposition World Team Tennis Smash Hits à Washington, D.C., pour soutenir la Elton John AIDS Foundation. Elle et son mari, Andre Agassi, faisaient partie de l'équipe Elton John qui affrontait l'équipe Billie Jean King. Graf a joué dans le double des célébrités, le double féminin et le double mixte avant de se contracter le muscle du mollet gauche et d'être remplacée par Anna Kournikova. Résumé de carrière Graf a remporté sept titres en simple à Wimbledon, six titres en simple à Roland-Garros, cinq titres en simple à l'US Open et quatre titres en simple à l'Open d'Australie. Son bilan global dans 56 épreuves du Grand Chelem était de 282-32 (89 %) (87-10 à Roland-Garros, 75-7 à Wimbledon, 73-9 à l'US Open et 47-6 à l'Open d'Australie). Ses gains en argent de carrière ont totalisé 21 895 277 $ US (un record jusqu'à ce que Lindsay Davenport dépasse ce montant en janvier 2008). Son record de victoires et de défaites en simple était de 900 à 115 (88,7 %). Elle a été classée n°1 mondiale pendant 186 semaines consécutives (d'août 1987 à mars 1991, toujours le record du football féminin) et un total record de 377 semaines au total. Graf a également remporté 11 titres en double. Statistiques de carrière Enregistrements * Ces records ont été atteints lors de l'ère ouverte du tennis. * Les enregistrements en gras indiquent des réalisations sans égal. Le style de jeu Les armes principales du jeu de Graf étaient son puissant coup droit à l'envers, qui lui a valu le surnom de Fräulein Forehand, et son jeu de jambes complexe. Elle se positionnait souvent dans le coin de son revers, et bien que cela laissait son coup droit grand ouvert et vulnérable aux attaques, sa vitesse sur le terrain signifiait que seuls les tirs les plus précis à côté de son coup droit causaient des problèmes. Graf avait également un puissant revers, mais au cours de sa carrière, elle a eu tendance à l'utiliser moins fréquemment, optant plus souvent pour un revers efficace. Dans les échanges de base, elle a utilisé presque exclusivement le slice. Sa précision avec le slice, à la fois sur le terrain et vers le bas.

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Dans quelle zone de code postal se déroulent les championnats de Wimbledon ? SW15, SW17 ou SW19 ?

SW19

La zone de code postal SW (South Western et Battersea), également connue sous le nom de zone de code postal London SW, est un groupe de districts de code postal couvrant une partie du sud-ouest de Londres, en Angleterre. La zone est originaire des districts du sud-ouest (SW1 – SW10) et de Battersea (SW11 – SW20) de la ville postale de Londres. Administration postale La zone du code postal est née en 1857 sous le nom de district SW. En 1868, il gagna une partie de la superficie du district S aboli, le reste allant au SE. Il a été divisé en districts numérotés en 1917. Le district du sud-ouest comprend les districts de code postal SW1 à SW10 et le district de Battersea se compose des districts de code postal SW11 à SW20. Liste des districts postaux La couverture approximative des districts du code postal, avec les noms des districts postaux historiques indiqués en italique : |- ! SW1A | LONDRES | Whitehall et le palais de Buckingham | Westminster |- ! SW1E | LONDRES | entre Buckingham Gate et la gare Victoria | Westminster |- ! SW1H | LONDRES | à l'est de la porte de Buckingham | Westminster |- ! SW1P | LONDRES | zone triangulaire entre la gare Victoria, le Parlement et le pont Vauxhall | Westminster |- ! SW1V | LONDRES | zone triangulaire entre le pont Vauxhall, le pont Chelsea et la gare Victoria ; Pimlico proprement dit | Westminster |- ! SW1W | LONDRES | Belgravia, zone située entre Sloane Square et la gare Victoria, au sud de Kings Road | Kensington et Chelsea, Westminster |- ! SW1X | LONDRES | Belgravia, au nord d'Eaton Square, Knightsbridge (en partie) | Kensington et Chelsea, Westminster |- ! SW1Y | LONDRES | Saint-James | Westminster |- ! SW2 | LONDRES | District de Brixton : Brixton, Brixton Hill, Streatham Hill, Tulse Hill, Clapham Park, parties orientales de Balham | Lambeth |- ! SW3 | LONDRES | Quartier de Chelsea : Chelsea, Brompton, Knightsbridge (en partie) | Kensington et Chelsea |- ! SW4 | LONDRES | Quartier de Clapham : Clapham, Stockwell (partie) | Lambeth, Wandsworth |- ! SW5 | LONDRES | District d'Earls Court : Earls Court | Kensington et Chelsea |- ! SW6 | LONDRES | Quartier de Fulham : Fulham, Parsons Green | Hammersmith et Fulham |- ! SW7 | LONDRES | Quartier de South Kensington : South Kensington, Knightsbridge (partie) | Kensington et Chelsea, Westminster |- ! SW8 | LONDRES | District de South Lambeth : South Lambeth, Vauxhall, Battersea (en partie), Wandsworth Road, Clapham (en partie), zone nord-ouest de Stockwell | Lambeth, Wandsworth |- ! SW9 | LONDRES | District de Stockwell : Stockwell, Brixton (en partie), Clapham (en partie), Oval (en partie) | Lambeth |- ! SW10 | LONDRES | Quartier de West Brompton : West Brompton, Chelsea (partie) | Hammersmith et Fulham, Kensington et Chelsea |- ! SW11 | LONDRES | Quartier de Battersea et Clapham : Battersea, Clapham Sud | Lambeth, Wandsworth |- ! SW12 | LONDRES | Quartier de Balham : Balham, Clapham Sud, Hyde Farm | Lambeth, Wandsworth |- ! SW13 | LONDRES | Quartier de Barnes : Barnes | Richmond-upon-Thames |- ! SW14 | LONDRES | Quartier de Mortlake : Mortlake, East Sheen | Richmond-upon-Thames |- ! SW15 | LONDRES | District de Putney : Kingston Vale, Putney, Putney Heath, Putney Vale, Richmond Park, Roehampton, Roehampton Vale | Kingston upon Thames, Richmond upon Thames, Wandsworth |- ! SW16 | LONDRES | District de Streatham : Streatham, Streatham Common, Norbury, Thornton Heath, Streatham Park, Furzedown, Streatham Vale, Mitcham Common, Pollards Hill, Eastfields | Croydon, Lambeth, Merton, Wandsworth |- ! SW17 | LONDRES | Quartier de Tooting : Tooting, Mitcham (partie) | Merton, Wandsworth |- ! SW18 | LONDRES | Quartier de Wandsworth : Wandsworth, Southfields, Earlsfield | Wandsworth |- ! SW19 | LONDRES | Quartier de Wimbledon : Wimbledon, Colliers Wood, Merton Park, Merton Abbey, Southfields, Morden (en partie) | Merton, Wandsworth |- ! SW20 | LONDRES | Quartier ouest de Wimbledon : Raynes Park, Lower Morden, Merton Park, Wimbledon Chase | Merton |- ! SW95 | LONDRES | Neuf ormes | Lambeth, Wandsworth |- |} SW1 SW1 était à l'origine le district principal du sud-ouest. Comme il s'agit désormais d'un développement à très haute densité, il a été divisé en districts postaux plus petits. Lorsque les districts sont utilisés à des fins autres que le tri du courrier, comme une utilisation comme référence géographique et sur des panneaux de signalisation, les subdivisions SW1 continuent d'être classées comme un seul « district ». Au sein du district de code postal SW1, il existe plusieurs unités de code postal distinctes : * SW1A 0AA – Chambre des communes * SW1A 0PW – Chambre des Lords, Palais de Westminster * SW1A 1AA – Palais de Buckingham * SW1A 2AA – 10 Downing Street, Premier ministre et Premier Lord du Trésor * SW1A 2AB – 11 Downing Street, Chancelier de l'Échiquier * SW1A 2HQ – Quartier général du Trésor de Sa Majesté Frontières La zone de code postal du sud-ouest comprend neuf arrondissements, dont l'ensemble du quartier londonien de Wandsworth, la partie ouest du quartier londonien de Lambeth, une très petite partie du quartier royal de Kingston upon Thames, les sections sud de la ville de Westminster et le Royal Borough. Arrondissement de Kensington et Chelsea, la partie sud-est de l'arrondissement londonien de Hammersmith et Fulham, la zone nord-est de l'arrondissement londonien de Richmond upon Thames et les sections nord de l'arrondissement londonien de Merton et de l'arrondissement londonien de Croydon. Carte

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Quelle histoire a introduit les Cybermen ?

The Tenth Planet

Les Cybermen sont une race fictive de cyborgs qui sont parmi les ennemis les plus persistants du Docteur dans le programme télévisé britannique de science-fiction Doctor Who. Dans le contexte de la série, les Cybermen étaient à l'origine une espèce entièrement organique d'humanoïdes originaires de la planète jumelle de la Terre, Mondas, qui ont commencé à implanter de plus en plus de parties artificielles dans leur corps comme moyen d'auto-préservation. Cela a conduit la course à devenir froidement logique et calculatrice, chaque émotion étant supprimée de leur esprit. Ils ont été créés par le Dr Kit Pedler (le conseiller scientifique non officiel de la série) et Gerry Davis en 1966, apparaissant pour la première fois dans la série The Tenth Planet. Ils ont été présentés à plusieurs reprises, jusqu'à l'annulation de l'émission. Après la reprise de la série en 2005, les Cybermen sont revenus avec une nouvelle histoire d'origine dans un univers parallèle, dans la série en deux parties de 2006 "Rise of the Cybermen" et "The Age of Steel", et sont à nouveau des méchants récurrents. depuis. Une nouvelle refonte a eu lieu dans l'épisode de 2013 "Nightmare in Silver", montrant des Cybermen technologiquement avancés avec les mêmes origines que dans la série originale, décrits comme étant capables de se mettre à niveau instantanément pour corriger les défauts et les faiblesses. L'espèce est également apparue dans le spin-off de Doctor Who Torchwood dans son quatrième épisode, " Cyberwoman " (2006). Les cybermen sont également apparus dans des épisodes de la série de jeux vidéo Doctor Who 2010, The Adventure Games. Les apparences Série classique Les Cybermen apparaissent pour la première fois dans la série The Tenth Planet en 1966, qui se déroule en 1986, dans laquelle leur histoire d'origine est décrite comme suit. Il y a des millions d'années, à l'époque préhistorique, la Terre possédait une planète jumelle connue sous le nom de Mondas. Mondas a été expulsé de son orbite solaire et a dérivé dans l'espace lointain. Les Mondasiens, déjà très en avance sur la technologie terrestre et craignant pour la survie de leur race, dont la durée de vie se raccourcissait, ont remplacé la plupart de leurs corps par des parties cybernétiques. Ayant finalement supprimé toute émotion de leur cerveau, pour maintenir leur santé mentale, les indigènes ont installé un système de propulsion afin de pouvoir piloter la planète elle-même dans l'espace. Comme la race originale était limitée en nombre et était continuellement en voie d'épuisement, les Mondasiens – maintenant Cybermen – sont devenus une race de conquérants qui se reproduisaient en prenant d'autres êtres organiques et en les transformant de force en Cybermen. Ces Cybermen se battent contre le Premier Docteur (William Hartnell) lorsque les Cybermen tentent de drainer l'énergie de la Terre pour faire place au retour de Mondas dans le système solaire. Cependant, Mondas absorbe trop d'énergie de la Terre, la détruisant ainsi que les Cybermen sur Terre. L'aventure a des conséquences physiques sur le Docteur, l'obligeant à se régénérer pour la première fois, devenant ainsi le Deuxième Docteur (Patrick Troughton). Les Cybermen redessinés apparaissent ensuite dans The Moonbase (1967), qui se déroule en 2070, face au Second Docteur, qui découvre une crypte contenant des Cybermen lors d'une visite sur la Lune. Ils tentent de détruire la Terre à distance en modifiant ses conditions météorologiques à l'aide d'un appareil appelé Gravitron. Cependant, le Gravitron est utilisé contre eux, les projetant dans l'espace. Plus tard cette année-là, Le Tombeau des Cybermen voit une expédition humaine du 25ème siècle découvrir des sarcophages contenant des Cybermen en hibernation sur la planète Telos, où les créatures surgissent et attaquent. Cet épisode présente les cybermats, petits éclaireurs mécaniques utilisés par les Cybermen, ainsi que leur chef, le Cyber ​​Controller. Dans The Wheel in Space (1968), le Docteur et son équipage affrontent les Cybermen sur une station spatiale terrestre abandonnée au 21e siècle. Cet épisode présente le Cyber-Planner, une unité immobile qui dirige les Cybermen. Les Cybermen envisagent de s'emparer de la station spatiale, après quoi leur flotte envahira la Terre. Le Docteur utilise un laser à rayons X pour détruire les Cybermen. Dans The Invasion la même année, le Docteur et ses compagnons visitent l'Angleterre de la fin du 20e siècle où il découvre qu'une armée de Cybermen est cachée sur Terre, travaillant avec le magnat Tobias Vaughn (Kevin Stoney) pour que leur flotte envahisse la Terre. Leur invasion est vaincue par le Docteur et le soutien militaire de la nouvelle force opérationnelle de renseignement des Nations Unies. Les Cybermen n'ont pas été montrés face au Troisième Docteur (Jon Pertwee) lors de sa course originale, mais l'un d'entre eux est présenté dans le cadre d'une exposition dans Carnival of Monsters (1973). Le Quatrième Docteur (Tom Baker) rencontrera ensuite un petit groupe de Cybermen dans La Revanche des Cybermen (1975), pour lequel ils furent à nouveau repensés. Ces Cybermen sont décrits comme les vestiges errants d'un empire déchu, ravagé par les soi-disant cyber-guerres contre l'humanité victorieuse, qui avaient exploité de manière cruciale leur faiblesse face à l'or. Ces Cybermen tentent de restaurer la gloire de leur race en détruisant l'astéroïde humain riche en or Voga. Une autre longue interruption a précédé Earthshock (1982), dans lequel le Cinquième Docteur (Peter Davison) rencontre des Cybermen sur Terre en 2526, qui cherchent à détruire la planète avec une grosse bombe tandis que des dignitaires extraterrestres visitent la Terre pour discuter des cyber-guerres en cours. Après que le Docteur ait déjoué ce plan, ils décident d'écraser leur cargo sur la planète avec à peu près le même effet. Le compagnon du Docteur, le jeune génie Adric (Matthew Waterhouse), est coincé à bord et tente de s'échapper du cargo, mais le fait par inadvertance remonter dans le temps. Le cargo s'écrase sur la Terre préhistorique, tuant Adric et déclenchant l'événement d'extinction de K-T. Les Cybermen apparaissent une fois de plus à l'époque du Cinquième Docteur, aux côtés des quatre Docteurs précédents, dans Les Cinq Docteurs (1983), lorsqu'ils sont tous transportés aux côtés d'autres ennemis du Docteur sur sa planète natale de Gallifrey par le Président du Seigneur du Temps Borusa (Philip Latham). L'Attaque des Cybermen (1985) se déroule bien plus tôt dans les Cyber-Guerres que dans la Vengeance, à une époque où les Cybermen étaient vaincus suite à l'invention humaine du pistolet à paillettes et à la découverte de Voga, riche en or. Les Cybermen tentent d'utiliser une machine à remonter le temps pour éviter la destruction de Mondas. Leur plan échoue et ils perdent également leur monde natal adoptif de Telos au profit de ses habitants d'origine, les Cryons, suite à l'intervention du Sixième Docteur (Colin Baker). Les Cybermen sont apparus pour la dernière fois dans la série classique de Silver Nemesis (1988), dans laquelle une flotte de navires de guerre Cybermen se rassemble pour convertir la Terre en un nouveau Mondas. Une équipe de reconnaissance Cybermen est envoyée sur Terre à la recherche de la légendaire statue de Nemesis, un artefact du Seigneur du Temps doté d'un immense pouvoir, fabriqué à partir du validium "métal vivant". L'intervention du Septième Docteur (Sylvester McCoy) et de son compagnon Ace (Sophie Aldred) garantit cependant que le Nemesis détruit à la place toute la cyber-flotte. Entre l'annulation de la série et sa reprise ultérieure, ils font une autre brève apparition dans le film spécial Children in Need de 1993, Dimensions in Time, comme l'un des nombreux ennemis utilisés par la méchante Time Lady the Rani (Kate O'Mara) pour chasser le Docteur. Série relancée Doctor Who a été relancé après une longue interruption par le nouveau showrunner Russell T Davies en 2005. À cette époque, le développement de CGI permettait aux scénaristes d'inclure un grand nombre de Cybermen ou de Daleks dans les histoires. Dans la première série du programme relancé, les Cybermen n'apparaissent pas à l'exception de la tête inactive de l'un d'entre eux, qui est vue dans un musée privé d'objets extraterrestres sur Terre dans l'épisode « Dalek ». Pour la série 2 en 2006, Cybermen a été réintroduit avec une nouvelle histoire d'origine se déroulant dans un univers parallèle. Dans l'histoire en deux parties "Rise of the Cybermen"/"The Age of Steel", le dixième docteur (David Tennant) et ses compagnons s'écrasent dans un Londres parallèle où les Cybermen sont créés sur la Terre moderne. Les Cybermen sont créés par le propriétaire de Cybus Industries, le scientifique fou transhumaniste mourant John Lumic (Roger Lloyd-Pack). Les Cybermen de Lumic ont réussi à convertir une grande partie de la population mondiale en plaçant leurs cerveaux humains dans des coques robotiques. Le Docteur et ses amis libèrent Londres de leur contrôle. Un groupe de résistance humaine, les Prédicateurs, entreprend alors de nettoyer le reste des usines Lumic à travers le monde. Les Cybermen réapparaissent dans la finale de 2006 « Army of Ghosts »/« Doomsday », exploitant une brèche entre les univers pour envahir la Terre du Docteur. Cette brèche est provoquée par un engin de transport appartenant aux Daleks, qui se révèlent et déclenchent une guerre totale entre les espèces. Le Docteur rouvre finalement la brèche, obligeant les Cybermen et tous les Daleks à se retrouver piégés à l'intérieur avant qu'elle ne soit refermée. Les Cybermen apparaissent ensuite dans le spécial de Noël 2008 de Doctor Who "The Next Doctor", apparaissant en 1851 à Londres après que les Daleks aient endommagé les murs de la réalité dans l'épisode précédent. Ils tentent de lever une nouvelle armée sur Terre en utilisant la technologie d'époque, mais sont à nouveau déjoués par le Docteur. Après que Steven Moffat ait repris le rôle de producteur exécutif en 2010, Cyberman, essentiellement au design introduit par Davies, a continué à apparaître. Aucune référence explicite n'est faite à leur origine, mais généralement le « c » stylisé (pour Cybus Corporation) sur leur cuirasse avait été remplacé par un cercle simple, ce qui implique qu'ils ne venaient pas de l'univers parallèle. Ils apparaissent dans "The Pandorica Opens" (2010) aux côtés de nombreux ennemis récurrents du Docteur dans le cadre d'une alliance dédiée à l'arrêter, arrivant dans des cyber-navires en 102 CE. Ils apparaissent à nouveau dans "A Good Man Goes to War" (2011), lorsque Rory (Arthur Darvill), le compagnon du onzième docteur (Matt Smith), exige l'emplacement d'une base secrète d'astéroïdes dans un quadrant de l'espace qu'ils surveillent au 52e siècle. . Le Docteur détruit une grande flotte de leurs vaisseaux spatiaux pour indiquer leur sérieux. Dans "Closing Time", un ancien cyber-navire endormi est réveillé en 2011 à Colchester, et le Docteur et son ami Craig (James Corden) travaillent ensemble pour repousser une invasion Cyberman. Cet épisode réintroduit également les cybermats dans la série. L'épisode "Nightmare in Silver" de Neil Gaiman (2013) dépeint la réémergence des Cybermen dans un futur lointain, après ce que l'on croyait être leur éradication complète par l'humanité. Ces Cybermen repensés ont éliminé bon nombre de leurs limitations, faisant preuve d'une vitesse accrue, d'une mise à niveau rapide pour surmonter les faiblesses et de la capacité de cyberconvertir n'importe quel organisme biologique dans leurs rangs. Le Onzième Docteur subit une cyberconversion partielle et se bat mentalement avec un Cyber-Planificateur pour le contrôle de son corps. L'empereur de la galaxie (Warwick Davis) ordonne la destruction d'une planète pour anéantir le Cyberman, mais un cybermite intact (de nouvelles variantes minuscules de cybermat) est vu plus tard flottant dans l'espace. Une tête de Cyberman mort est brièvement montrée dans les archives UNIT Black dans "The Day of the Doctor", et dans "The Time of the Doctor", elle fait partie des nombreuses espèces qui assiègent la planète Trenzalore pendant des siècles. Dans ce dernier épisode, le Docteur utilise également une tête de Cyberman désincarnée, dépourvue de toute partie organique restante ; nommé « Poignées », il sert d'assistant personnel et de confident du Docteur pendant plusieurs siècles jusqu'à ce que sa « mort » éventuelle fasse pleurer le Docteur. Dans le final de la série 2014, "Dark Water"/"Death in Heaven", le douzième docteur (Peter Capaldi) apprend trop tard que les Cybermen ont formé une alliance avec le Maître (Michelle Gomez), qui convertit les corps volés. des morts dans une armée. Un processus de cyberconversion commence sur tous les morts de la Terre. Le Maître propose au Docteur le contrôle de l'armée des Cybermen afin qu'ils puissent diriger l'univers ensemble, mais son plan est déjoué lorsque Danny (Samuel Anderson), le petit ami cyberconverti du compagnon du Docteur, résiste à sa programmation et se détruit avec tous les autres. Les cyberhommes. Les Cybermen sont ensuite vus dans « Face the Raven » (2015), parmi les différents réfugiés extraterrestres cachés à Londres, et dans la finale de la série « Hell Bent », dans laquelle un Cyberman rouillé est emprisonné dans les cloîtres de Gallifrey. Retombées Les Cybermen sont apparus dans divers médias dérivés. Les audios BBV Cyber-Hunt et Cybergeddon et la vidéo BBV Cyberon présentent les Cyberons, qui sont une race de cyborgs semblable aux Cybermen ; Cyber-Hunt utilisait de manière assez flagrante les Cybermen et les Cyber ​​Wars sous un autre nom, l'intrigue étant basée sur le fait que les Cyberon/Cybermen étaient des humains convertis. Les Cybermen ont également été présentés dans le roman Iceberg de l'acteur David Banks, qui a joué le Cyber ​​Leader dans la série télévisée Earthshock à Silver Nemesis. Banks avait déjà écrit, en 1988, Cybermen, une histoire fictive des Cybermen qui comprenait un « futur » design pour eux. The Missing Adventure Novel Killing Ground présente également des Cybermen du type vu dans Revenge of the Cybermen. Au cours de ce roman, le nouveau compagnon du Sixième Docteur, Grant Markham, retourne sur sa planète natale et apprend qu'un groupe de Cybermen s'y cache depuis des siècles, sa robophobie étant basée sur le souvenir refoulé d'avoir vu un Cyberman tuer sa mère avant de s'échapper. Dans deux romans Virgin Missing Adventures de Craig Hinton, les Cybermen deviennent des Cyberlords à un moment donné de leur histoire. Ils sont mentionnés au passage dans The Crystal Bucephalus de Hinton, où le Cyberlord Hegemony est une future version pacifique des Cybermen qui ont un empire dans la Voie Lactée ; leur description était calquée sur les conceptions de Banks. Dans The Quantum Archange, il existe de nombreuses références inexpliquées aux Cyberlords en tant que race extrêmement avancée. À un moment donné, ils sont considérés comme le plus grand allié des Time Lords dans la Guerre du Millénaire, mais comme cette guerre était censée avoir eu lieu très longtemps avant l'ère moderne, on ne sait pas comment cette partie de la Cyberhistoire s'inscrit dans ou qu'ils aient ou non atteint des capacités avancées de voyage dans le temps. Bien que cela ne soit pas explicitement mentionné, Hinton a peut-être adopté cette idée du scénario avorté des Cinq Docteurs de Robert Holmes (scénariste), qui aurait amené les Cybermen à adopter l'ADN de Time Lord pour atteindre leur état d'être supérieur. Le roman Illegal Alien de Past Doctor Adventures présentait des Cybermen et des Cybermats à Londres pendant le Blitz. La cybertechnologie issue de cette aventure a ensuite été utilisée à mauvais escient dans Loving the Alien, écrit par les mêmes auteurs. L'histoire du Cinquième Docteur, Warmonger, de Terrance Dicks, amène les Cybermen à rejoindre l'alliance du Docteur contre Morbius. L'histoire de First Doctor, The Time Travelers, de Simon Guerrier, se déroule dans une réalité alternative, dans laquelle les Cybermen (qui ne sont jamais nommés) vivent au pôle Sud et échangent des technologies de pointe avec l'Afrique du Sud. Le roman Hope de Mark Clapham du huitième Doctor Adventures présente les Silverati, un groupe d'humains cybernétiquement améliorés qui rappellent fortement les Cybermen, existant dans un avenir très lointain alors que l'univers approche de sa fin, avec certaines preuves suggérant que les Silverati ont été adaptés à partir de restes. des Cybermen du présent. Les Cybermen sont apparus dans plusieurs pièces audio de Big Finish combattant le Docteur, dont la première était Sword of Orion (sortie sur CD en 2001 et diffusée sur BBC 7 en 2005), où le Huitième Docteur traite d'humains et d'androïdes engagés dans une guerre. qui recherchent la cyber-technologie pour améliorer leurs côtés. La pièce de 2002 Spare Parts a exploré certains aspects de l'origine des Cybermen, révélant que la conception n'a été ironiquement perfectionnée qu'après que leur créateur, le Docteur Allan, ait étudié la biologie du Cinquième Docteur et dupliqué un troisième lobe dans le cerveau du Docteur qui contrôlait ses fonctions corporelles. Ils étaient les méchants de l'émission Web BBCi de la société Real Time en 2002 et sont apparus dans une trilogie de pièces liée intitulée The Harvest (2004), The Reaping (2006) et The Gathering (2006). Ils sont récemment apparus dans Human Resources, que Big Finish a produit pour la radio BBC 7 et qui sera ensuite publié sur CD. Le premier volet d'une série de quatre CD intitulée Cyberman, qui ne présente pas le Docteur, est sorti en septembre 2005. Sword of Orion et la série Cyberman se déroulent autour des « cyber-guerres de la Grande Orion » du 26e siècle, lorsque les androïdes se sont rebellés contre l'humanité dans le système Orion et les humains et les androïdes se sont tournés vers les Cybermen pour obtenir un avantage militaire. Dans Sword Of Orion, les Cybermen sont toujours ensevelis sur Telos et sont pour la plupart oubliés, le plaçant avant Earthshock ; au moment de Cyberman, Telos a été détruit par une collision d'astéroïdes, plaçant cette série après l'Attaque des Cybermen. La pièce de Bernice Summerfield, The Crystal of Cantus, présente une ancienne colonie humaine transformée en Cybermen, Irving Braxiatel prévoyant de les utiliser comme armée privée. Une tombe de Cyberman est également apparue dans la pièce de Bernice Summerfield Silver Lining, fournie gratuitement avec Doctor Who Magazine #351. Ils sont également apparus dans les différentes bandes dessinées de Doctor Who, à commencer par The Coming of the Cybermen dans TV Comic #824-#827. TV Comic a profité de leur présence fréquente dans les séries télévisées à la fin des années 1960 en les présentant régulièrement, et ils sont apparus dans Flower Power (TVC #832-#835), Cyber-Mole (TVC #842-#845), The Cyber. Empire (TVC #850-#853), Eskimo Joe (TVC #903-#906), Masquerade (TVC Holiday Special 1968), The Time Museum (TVC Annual 1969), The Champion (TVC Holiday Special 1969) et Test-Flight. (TVC Annuel 1970). Leur absence de l'émission télévisée pendant la majeure partie des années 1970 s'est reflétée dans un manque d'apparitions dans le strip : ils sont finalement revenus au début des années 1980 dans le strip de Doctor Who Monthly Junk-Yard Demon (DWM #58-#59). Ils ont fait d'autres apparitions après que la publication ait été rebaptisée Doctor Who Magazine : Exodus/Revelation/Genesis (DWM #108-#110), The World Shapers (DWM #127-#129, écrit par Grant Morrison, qui a révélé que le Voord étaient la race qui a évolué vers les Cybermen et que Mondas était auparavant la planète Marinus), The Good Soldier (DWM #175-#178) et The Flood (DWM #346-#353). De plus, un Cyberman nommé Kroton, qui est apparu à l'origine dans quelques bandes de sauvegarde de Doctor Who Weekly appelées Throwback: The Soul of a Cyberman (DWW #5-#7) et Ship of Fools (DWW #23-#24). , a été réintroduit dans Unnatural Born Killers (DWM #277) et fut brièvement un compagnon du huitième docteur dans The Company of Thieves (DWM #284-#286) et The Glorious Dead (DWM #287-#296). Les Cybermen avaient leur propre bande d'une page dans DWM à partir des numéros 215 à 238, écrite par Alan Barnes et dessinée par Adrian Salmon. En 1996, le Radio Times a publié une bande dessinée Doctor Who. La première histoire, intitulée Dreadnought, mettait en scène les Cybermen attaquant un vaisseau humain en 2220 et présentait la compagne de strip-tease Stacy Townsend. Dans le crossover Doctor Who/Star Trek, Assimilation2, les Cybermen s'associent aux Borgs, forçant le Onzième Docteur à s'associer à l'équipage de l'Enterprise-D pour les arrêter. Les Borgs et les Cybermen ont commencé à attaquer et à convertir des mondes sans avertissement, le « leader » apparent étant un Cyber-Contrôleur doté de composants Borg. Le Docteur se souvient également d'un incident passé au cours duquel il a aidé l'équipage de l'Enterprise originale à vaincre une infiltration Cyberman d'un avant-poste de la Fédération lors de sa quatrième incarnation, bien qu'il semblerait qu'il s'agisse d'un ajout récent à son histoire passée, car le Onzième Docteur ne s'en souvient pas non plus. en me souvenant de cette rencontre. Les Cybermen tentent de renverser et de prendre le contrôle du collectif Borg, forçant le Docteur et l'Entreprise à s'allier avec les Borgs pour arrêter les Cybermen et restaurer le collectif à la normale. Le jeu vidéo Blood of the Cybermen de 2010 présente les Cybermen du design de 2006 sans la plaque thoracique de Cybus Industries. Ces Cybermen sont découverts dans l'Arctique en 2010 ; leur navire aurait été endommagé par une tempête temporelle et s'est écrasé 10 000 ans plus tôt. Le joueur incarne le onzième docteur et sa compagne Amy, qui travaillent pour vaincre les Cybermen. Les Cybermen apparaissent comme des ennemis dans Lego Dimensions, et l'un d'entre eux a été ajouté comme personnage jouable dans la vague 3. Caractéristiques physiques Alors que l'ennemi juré du Docteur, les Daleks, est resté dans l'ensemble inchangé au cours des 26 saisons de la série originale, les Cybermen ont changé à presque chaque rencontre. Les Cybermen sont humanoïdes, mais ont été modifiés jusqu'à ce qu'il ne leur reste plus que quelques parties organiques. Ils conservent des cerveaux humains vivants. Lors de leur première apparition dans la série, les seules parties de leur corps qui semblaient encore humaines étaient leurs mains ; lors de leur prochaine apparition dans The Moonbase (1967), leurs corps étaient entièrement recouverts de leurs combinaisons métalliques, leurs mains étant remplacées par des griffes à trois doigts, mais ils sont revenus à des mains normales à cinq doigts dans The Invasion (1968). Comme ils sont relativement peu nombreux, les Cybermen ont tendance à mener des activités secrètes, complotant en se cachant et utilisant des pions humains ou des robots pour agir à leur place jusqu'à ce qu'ils aient besoin d'apparaître. Ils cherchent également à augmenter leur nombre en convertissant les autres en Cybermen (un processus connu sous le nom de « cyber-conversion » ou Cybernisation » dans les épisodes plus anciens et de « mise à niveau » dans les épisodes les plus récents), un processus souvent douloureux car des parties du corps sont retirées et remplacées. avec des remplacements cybernétiques. Il est sous-entendu qu'il y a encore des composants organiques sous leurs combinaisons, ce qui signifie qu'ils sont des cyborgs et non des robots : dans La Dixième Planète, un Cyberman dit à un groupe d'humains que « nos cerveaux sont comme le vôtre », bien qu'au moment de l'Attaque de les Cybermen (1985), leur cerveau semble avoir été remplacé par l'électronique. Également dans cette histoire, deux prisonniers esclaves humains des Cybermen sur la planète Telos, nommés Bates et Stratton, révèlent que leurs bras et jambes organiques ont été retirés par les Cybermen et remplacés par des cyber-substituts. Dans Earthshock (1982), les menton des acteurs étaient vaguement visibles à travers une zone transparente en plexiglas sur le casque pour suggérer une sorte de matière organique. Dans La Tombe des Cybermen (1967), les veines et le cerveau étaient visibles à travers la tête bombée du Cyber-Controller, et de même, dans Attack of the Cybermen (1985) et « The Age of Steel » (2006), le Cyber- Le cerveau du contrôleur est visible à travers le dôme. Le premier est un Mondas Cyber ​​Controller, et le second implique John Lumic d'Alternative Earth. Cependant, dans La Revanche des Cybermen (1975), le Docteur dit qu'il s'agit de « créatures totalement machines ». La lecture audio en temps réel implique que le visage de la victime convertie reste sous la façade de Cyberman, bien que les lectures audio, comme tous les médias dérivés non télévisés, soient d'une canonicité incertaine par rapport à la série télévisée. Dans Death in Heaven de 2014, Danny Pink enlève la façade montrant son visage en dessous. Le roman Iceberg de Virgin New Adventures de David Banks déclare que certains Cybermen éprouvent de rares éclairs de mémoire émotionnelle avant leur conversion ; ces éclairs sont alors généralement supprimés. Les Cybermen de la série relancée sont généralement construits à partir de cerveaux humains liés à une coque exosquelettique Cyberman avec un système nerveux cultivé artificiellement enfilé partout ("L'Âge de l'Acier"), bien que la greffe directe de cyber-composants soit une autre méthode de conversion ("L'Âge de l'Acier"). Cyberfemme"). Dans "The Pandorica Opens", une tête de Cyberman s'ouvre, révélant un crâne humain entier, pas seulement le cerveau. Bien que les Cybermen prétendent souvent avoir supprimé les émotions humaines, ils ont manifesté des émotions allant de la colère à la satisfaction suffisante lors de leurs confrontations avec le Docteur. Certains Cybermen des premières histoires recevaient même des noms individuels tels que "Krang". Certains Cybermen terrestres parallèles ont conservé certains souvenirs de leur vie avant la conversion, bien que leur réponse émotionnelle variait. Dans "Cyberwoman", la conversion partielle a conduit Lisa Hallett à un certain degré de folie, qui a été conservé même après avoir transféré son cerveau dans un corps entièrement humain. Dans "Doomsday", Yvonne Hartman conserve au moins certains éléments de sa personnalité pour empêcher l'avancée d'un groupe d'autres Cybermen, et est vue pour la dernière fois en train de pleurer ce qui semble être soit une substance semblable à de l'huile, soit du sang. Dans le même épisode, le Cyber-Leader exprime une nette frustration face au refus des humains de se rendre, bien que dans une scène ultérieure, il critique le Docteur pour avoir montré de l'émotion. Dans "L'Âge de l'Acier", le Docteur bat les Cybermen en fermant leurs inhibiteurs émotionnels, leur permettant de "voir" ce qu'ils étaient devenus. Leur prise de conscience de ce qu'ils étaient devenus les a amenés soit à s'arrêter simplement par pure horreur, soit à exploser partiellement. Enfin, lorsque le premier Cyber ​​Leader est tué, sa tête explose et un liquide blanc coule sur son corps ; il y a des références dans cet épisode à un mélange breveté de produits chimiques de Cybus Industries utilisé pour préserver le cerveau. Dans "Death in Heaven", Danny Pink conserve également certains de ses traits de personnalité, notamment le choc de voir son reflet et ce qu'il est devenu, mais aussi son amour pour Clara Oswald. Le Docteur l'allume pour obtenir des renseignements et révéler que les Cybermen ont développé un moyen de cyber-convertir les humains vivants. Ce n'est qu'alors que le Docteur exploite le fait que Danny conserve ses traits de personnalité, même sous inhibiteur, pour commander la Cyber-Armée. Le roman Killing Ground de Virgin Missing Adventures, de Steve Lyons, suggère que certains Cybermen imitent les émotions pour intimider et déconcerter leurs victimes. La pièce audio Spare Parts de Big Finish Productions (située sur Mondas au début de la cyber-conversion) suggère que les Cybermen suppriment délibérément leurs émotions dans le cadre du processus de conversion pour étouffer le traumatisme physique et émotionnel lié au fait de devenir un Cyberman. Ce motif derrière la suppression des émotions est rendu plus explicite dans « L'Âge d'Acier », où cela est réalisé par un inhibiteur émotionnel. Dans cet épisode, la désactivation de leurs inhibiteurs émotionnels amène les Cybermen convertis à réaliser ce qu'ils sont devenus, les rendant fous et les tuant. Ce motif peut également s'appliquer aux Mondas Cybermen, étant donné leur conversion forcée d'autres formes de vie en Cybermen pour maintenir leur nombre, bien que les Mondasiens semblent s'être initialement volontairement convertis comme mécanisme de survie. Les Cybermen ont eu un certain nombre de faiblesses depuis leur introduction. La faiblesse la plus notable des Cybermen originaux est l’élément or. Leur aversion pour l'or n'a pas été mentionnée jusqu'à ce qu'ils tentent de détruire le planétoïde Voga (la soi-disant « Planète d'Or ») dans La Revanche des Cybermen (1975). Initialement, il a été expliqué qu’en raison de sa nature non corrodable, l’or étouffe essentiellement leur système respiratoire. Par exemple, le pistolet à paillettes, une arme utilisée lors des cyber-guerres du futur, tirait de la poussière d'or sur ses cibles. Cependant, dans les séries ultérieures, l'or semblait les affecter un peu comme l'argent affecte les loups-garous, avec des pièces d'or ou des balles à pointe d'or tirées sur eux ayant le même effet. Les Cybermen de la série relancée n'ont pas une telle faiblesse, bien que le site Web lié à l'épisode le mentionne. Les cybermen sont également tués efficacement lorsqu'ils sont abattus avec leurs propres armes ou par un Dalek. Parmi les autres faiblesses des premières histoires figurent les solvants, la technologie basée sur la gravité et les niveaux excessifs de rayonnement. Dans "The Age of Steel", une grenade EMP désactive un Cyberman et arrête son inhibiteur émotionnel. La vulnérabilité à l'or n'est clairement pas présente dans certains premiers types de Cyberman, par exemple le type vu dans la série de 1968 The Invasion était peu susceptible de la posséder, ou peut-être plus probablement la faiblesse n'est pas connue, sinon le Docteur/UNIT aurait simplement utilisé et n'avait pas besoin du plan élaboré impliquant l'assistance d'une base de missiles russe et de l'allié fantoche des Cybermen, Tobias Vaughn. Dans "Nightmare in Silver", le Docteur utilise l'or pour ralentir mais pas détruire certains circuits de Cybermen technologiquement avancés dans un avenir lointain. On ne sait pas exactement combien de différents types et quels types de Cyberman sont vulnérables à l’or. Leur armure est souvent décrite comme flexible et résistante aux balles, mais peut être pénétrée par des flèches en or et des projectiles en or. Les Cybus Cybermen sont à l'épreuve des balles et très résistants, mais ne sont pas indestructibles : ils sont vulnérables aux explosifs puissants, aux impulsions électromagnétiques, aux armes spécialisées et aux armes Dalek. Déguisements Les premiers costumes de Cyberman ont été conçus par la costumière de la BBC, Sandra Reid. Les premiers costumes de Cyberman comprenaient des objets et du matériel tels que du tissu, des combinaisons de plongée en caoutchouc, du PVC, des unités de poitrine, des tubes, des balles de golf d'entraînement, des gants de joueur de cricket et des bottes Doc Martens peintes en argent. Un costume de Cyberman de la BBC datant de l'ère de la télévision en noir et blanc a été récemment découvert. La conception des années 1980 utilisait des combinaisons de vol converties peintes en argent. Contrairement aux autres ennemis du Docteur, l'apparence des costumes des Cybermen a considérablement changé au fil des ans, paraissant de plus en plus modernes, tout en conservant certains points communs de conception, le plus emblématique étant les « guidons » attachés aux têtes des Cybermen qui étaient censés aider à leur audition. D'autres éléments de conception incluent leurs trous pour les yeux ronds et leurs unités de poitrine. Des Cybermen déguisés de couleur noire ont été aperçus brièvement dans Attack of the Cybermen. Outre ces changements, des variations dans la conception entre les Cybermen de base et leurs dirigeants ont été observées. Dans The Wheel in Space et The Invasion (tous deux de 1968), le Cyber ​​​​Directeur était représenté comme un mécanisme immobile. Dans La Tombe des Cybermen et L'Attaque des Cybermen, le Cyber ​​Contrôleur était un Cyberman plus grand avec une tête haute en forme de dôme au lieu du design du casque en forme de « barre de poignée ». Dans Revenge of the Cybermen, le Cyber ​​Leader avait un casque complètement noir à l'exception de son visage. À partir de Earthshock (1982), il se distinguait de ses troupes grâce au guidon noir de son casque. Les Cyber ​​Leaders de "Army of Ghosts" et "The Next Doctor" avaient également des poignées noires, ces derniers arborant également un visage (ou visière) noir et un boîtier cérébral transparent. Parce que le Docteur est un voyageur temporel, il rencontre les Cybermen à différents moments de leur histoire, dans le désordre par rapport à l'ordre de création des séries. Cela peut prêter à confusion puisque les Cybermen des séries se déroulant dans des périodes « antérieures » de l’histoire peuvent parfois sembler plus sophistiqués que ceux des périodes « ultérieures ». Lawrence Miles suggère dans son ouvrage de référence About Time 5 que les Cybermen de Earthshock et Silver Nemesis, conçus de manière anachronique, sont des voyageurs temporels, comme ceux d'Attack of the Cybermen. Le jeu de rôle Doctor Who "Cyber ​​Files" a contourné la contradiction en déclarant que sur la dixième planète, les modèles les plus anciens de Cybermen ont été utilisés pour l'attaque tandis que les modèles ultérieurs plus sophistiqués sont restés sur Mondas. Une tête de Cyberman a été vue dans l'épisode de 2005, "Dalek", conservée dans une vitrine. Le texte sur la carte d'information indique que la tête a été trouvée dans un égout, ce qui suggère qu'elle provenait de The Invasion. Cependant, les poignées ondulées sur la tête indiquent que l'accessoire provient de Revenge of the Cybermen. La carte d'information indique que la tête a été retrouvée en 1975, l'année où The Invasion s'est probablement déroulée et l'année où Revenge of the Cybermen a été diffusée. Les Cybermen sont revenus dans les épisodes 5 et 6 de la série 2006 de la série relancée, dans une histoire en deux parties se déroulant sur une Terre alternative. Les nouveaux Cybermen ont été conçus par l'équipe du chef décorateur Edward Thomas et Neill Gorton de Millennium FX. Le nouveau design de Cyberman est physiquement imposant, mesurant environ 6 pieds de haut. Ils sont fabriqués en acier bruni au lieu d'argent, portent le logo Cybus Industries sur la poitrine et ont un design art déco général. L'autre conception distincte de Cyberman est celle du Cyber ​​Controller, qui avait des yeux brillants, un front transparent révélant le cerveau et des prises sur sa plaque thoracique fournissant des connecteurs à d'autres systèmes. L'épisode de Torchwood "Cyberwoman" met en scène une femme partiellement cyber-convertie qui n'a pas le revêtement extérieur d'un Cyberman entièrement converti. Son corps est enfermé dans des structures métalliques mais une grande partie de sa chair, y compris son visage, est visible. Elle a également des seins métalliques clairement visibles, bien qu'il ne soit pas clair dans quelle mesure sa propre chair a été remplacée et quelle partie est simplement recouverte. Un autre personnage suppose qu'elle pourrait être à 40 à 45 % humaine et à 55 à 60 % Cyberman. Voix Les premiers Cybermen avaient une voix chantante et troublante, construite en plaçant les inflexions des mots sur les mauvaises syllabes. Lors de leur première apparition, l'effet de ceci a été augmenté en demandant à un Cyberman d'ouvrir brusquement la bouche et de la garder ouverte, sans bouger sa langue ou ses lèvres, pendant que la voix enregistrée séparément jouait, puis de la fermer rapidement lorsque la ligne était jouée. fini. Bien que les masques en tissu des premiers Cybermen aient été bientôt remplacés par un casque intégral, un effet physique similaire impliquant l'ouverture puis la fermeture de la « trappe » de la bouche lorsque la ligne était terminée a été utilisé jusqu'à La Roue dans l'espace (1968). Plus tard, l'équipe de production a utilisé les effets spéciaux de son atelier radiophonique en ajoutant d'abord un larynx mécanique, puis un vocodeur, pour modifier la parole afin de la faire sonner.

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Qui a joué le dixième Docteur ?

David Tennant

Le Dixième Docteur est une incarnation du Docteur, le protagoniste du programme télévisé de science-fiction de la BBC Doctor Who, qui est joué par David Tennant dans trois séries ainsi que neuf émissions spéciales. Comme pour les incarnations précédentes du Docteur, le personnage est également apparu dans d'autres spin-offs de Doctor Who. Dans le récit du programme, le Docteur est un extraterrestre du Seigneur du Temps vieux de plusieurs siècles de la planète Gallifrey qui voyage dans le temps dans son TARDIS, souvent avec des compagnons. Lorsque le Docteur est gravement blessé au-delà de toute réparation médicale, il peut régénérer son corps ; ce faisant, son apparence physique et sa personnalité changent, et un nouvel acteur assume le rôle. Le portrait du Docteur par Tennant est celui d'un aventurier extérieurement charismatique et charmant dont l'attitude sympathique et décontractée peut rapidement se transformer en une fureur juste lorsqu'elle est provoquée. Les compagnons de cette incarnation incluent la vendeuse de la classe ouvrière Rose Tyler (Billie Piper), l'étudiante en médecine Martha Jones (Freema Agyeman) et la fougueuse travailleuse intérimaire Donna Noble (Catherine Tate). Il finit par se séparer d'eux à la fin de la finale de la série 2008, "Journey's End", après quoi il tente de voyager seul pendant la durée des spéciaux 2008-2010 avant d'être accompagné par le grand-père de Donna Noble, Wilfred Mott, dans sa dernière aventure. dans La Fin des Temps. En novembre 2013, le docteur Tennant a été élu « docteur préféré du Royaume-Uni » dans une enquête menée par le magazine Radio Times. Aperçu Le producteur exécutif Russell T Davies a relancé Doctor Who après 16 ans d'absence avec la première de "Rose" en 2005. Suite à l'annonce par la BBC de la commande d'une deuxième série, l'histoire a éclaté selon laquelle Christopher Eccleston, qui jouait le titulaire du Neuvième Docteur, serait ne reviendra pas pour la deuxième série. Le 16 avril 2005, la BBC a annoncé que David Tennant avait été sélectionné pour le rôle du dixième docteur. Sa première apparition dans la série a duré 20 secondes après la régénération du Neuvième Docteur à la fin de "The Parting of the Ways". Son premier épisode complet en tant que Docteur, à l'exception d'une apparition dans un "mini-épisode" lors de l'émission Children in Need de 2005, était le spécial de Noël 2005, "The Christmas Invasion". Il est ensuite apparu dans la série 2006, le deuxième spécial Noël, la série 2007, le troisième spécial Noël et la série 2008. Plutôt qu'une série traditionnelle, 2009 propose une série de cinq émissions spéciales et une série de courts métrages d'animation, tous mettant en vedette Tennant dans le rôle du dixième docteur ; il a également joué dans une série de deux épisodes du spin-off de The Sarah Jane Adventures cette année-là. Tennant apparaît également dans deux séries animées ; The Infinite Quest compte avec la troisième série et Dreamland compte parmi les spéciaux 2008-2010. En 2013, Tennant a repris son rôle de Docteur pour le spécial 50e anniversaire "Le Jour du Docteur", où il est révélé qu'en raison d'une incarnation passée incalculable, le Dixième Docteur est en fait la onzième incarnation du Docteur. L'épisode suivant, "The Time of the Doctor", explique en outre que parce que le dixième docteur a subi une régénération avortée dans "Journey's End", le onzième docteur (sa douzième incarnation) en était en fait à sa treizième et dernière vie. Personnalité Le dixième docteur parle avec un accent anglais de l'Estuaire, plutôt que l'accent du Grand Manchester (le propre accent de Christopher Eccleston) que le neuvième docteur utilisait, la prononciation reçue de la plupart des médecins précédents ou l'anglais écossais naturel de Tennant. David Tennant a déclaré au magazine SFX en 2006 que Russell T. Davies lui avait demandé d'abandonner son accent écossais naturel, car il pensait que "nous aimerions ne pas opter pour un autre accent régional évident, parce que je suppose qu'ils l'avaient fait". Dans une interview du 23 décembre sur BBC Radio 1, Tennant a expliqué qu'une ligne avait été écrite pour le spécial de Noël expliquant que le Docteur nouvellement régénéré s'était imprimé sur l'accent de Rose Tyler, "comme un poussin éclos d'un œuf", mais la ligne a été coupée. du dernier épisode. Les représentations des personnalités des dixième et onzième docteurs partageaient certaines similitudes, par ex. tous deux étant jeunes, énergiques, amicaux, enfantins, « de bons petits amis médecins », comme les a décrits Steven Moffat et, selon Mark Gatiss, « des médecins très humains » par rapport à d'autres incarnations. Apparence Le Docteur se plaint que sa dixième incarnation n'est pas « gingembre ». Cependant, cette incarnation était heureuse d'avoir des favoris et d'avoir plus de cheveux que son incarnation précédente. Il porte ses propres cheveux bruns de différentes manières tout au long de la série : sans style dans "The Christmas Invasion", avec une touche de style années 1950 dans "The Idiot's Lantern" et aplatis vers l'avant dans "The Runaway Bride" et "The Day of the Doctor". , mais l'a principalement coiffé d'une manière pointue tout au long de la majeure partie de la série, ce style étant décrit par son ami et plus tard son ancien compagnon Wilfred Mott comme étant une "sorte de cheveux de style moderne. Tous collants". Il a les yeux marron foncé et est perçu par la plupart, y compris ses compagnons et autres personnages tels que sa future incarnation, comme « mince et un peu rusé ». Son costume a été dévoilé le 27 juillet 2005. Il porte généralement un costume à quatre boutons marron foncé (à fines rayures bleues) ou bleu (à fines rayures rouge rouille), une chemise et une cravate, un pardessus marron clair en faux suède ( qui, selon lui, lui a été offert par Janis Joplin), et des paires de baskets Converse All-Star de différentes couleurs, en fonction de son costume. Selon une interview sur Parkinson, David Tennant et Russell T Davies ont eu l'idée du costume du dixième docteur à partir d'une tenue que Jamie Oliver avait portée sur Parkinson juste après que Tennant ait accepté le rôle. David Tennant a commenté qu'il varierait la combinaison des boutons qu'il attachait sur sa veste dans différents épisodes. Tennant a trouvé le look très geek chic. Le Docteur enfile une paire de lunettes à monture rectangulaire en écaille de tortue foncée, une affectation (avec ses chaussures emblématiques) empruntée au Cinquième Docteur. Il porte aussi occasionnellement une paire de lunettes 3D Rouge-Cyan, à la fois pour plaisanter et pour des raisons pratiques. Le costume du dixième docteur est devenu si populaire qu'il a donné naissance à de nombreuses reconstitutions (y compris une réplique sous licence de la BBC du pardessus du dixième docteur par AbbyShot Clothiers et une version blanc/rouge portée par Tennant lorsqu'il a co-animé Comic Relief), et a été cité par la costumière Louise Page comme le costume dont elle est la plus fière depuis son passage dans Doctor Who. Les apparences Télévision Le Neuvième Docteur (Christopher Eccleston) se régénère en Dixième Docteur (David Tennant) au point culminant de la finale de la série 2005, « The Parting of the Ways » ; il se présente à nouveau à sa compagne Rose Tyler (Billie Piper) dans un mini-épisode sans titre Children in Need. Dans le spécial Noël, il est dans un état comateux pendant la majeure partie de l'épisode, suite à sa régénération. Après s'être finalement réveillé, il bat l'extraterrestre Sycorax et sauve la Terre ; dans la foulée, il perd une main, qui repousse grâce à sa récente régénération. Entre autres aventures de la série 2006, le Docteur et Rose sauvent la reine Victoria (Pauline Collins) d'un loup-garou, entraînant la création de l'institut anti-extraterrestre Torchwood. Le Docteur partage une aventure avec deux anciens compagnons, la journaliste Sarah Jane Smith (Elisabeth Sladen) et le chien robot K-9 (John Leeson), avant de prendre le petit ami de Rose, Mickey (Noel Clarke), comme deuxième compagnon. Le TARDIS glisse à travers une fissure dans le Vortex temporel, les obligeant à se retrouver bloqués sur une Terre parallèle, où ils rencontrent les Cybermen. Après avoir sauvé la Terre parallèle, Mickey décide de rester et d'aider à arrêter les Cybermen à travers le monde malgré le Docteur lui disant qu'il ne pourra jamais revenir. Lui et Rose se retrouvent bloqués sur une planète en orbite autour d'un trou noir où attend la Bête, avec une équipe de Torchwood. Pendant ce temps, la Bête se moque du Docteur et de Rose à propos de la mort de Rose. Lors des Jeux Olympiques de 2012, le Docteur récupère la flamme olympique et la porte jusqu'au bout, déclenchant les Jeux. La finale de la série se déroule dans le Londres contemporain, où Torchwood est le théâtre d'une guerre entre les méchants extraterrestres Daleks et les cyborgs de l'univers parallèle, les Cybermen ; sauver la Terre coûte cher au Docteur Rose, qui se retrouve bloqué dans un univers parallèle, avec Mickey et sa mère, dans "Doomsday". Dans la scène finale de "Doomsday", une mystérieuse épouse (Catherine Tate) apparaît inexplicablement dans son TARDIS. Le spécial de Noël 2006 voit le docteur et la future mariée Donna Noble sauver la Terre ; Donna empêche le Docteur d'aller trop loin dans sa vengeance contre l'extraterrestre Racnoss et décline son offre de compagnie. Dans la série 2007, le Docteur prend Martha Jones (Freema Agyeman) comme nouvelle compagne. Ensemble, ils voient le mystérieux visage de Boe (Struan Rodger) prophétiser au Docteur que « vous n'êtes pas seul ». Ils sont rejoints par l'ancien compagnon, le capitaine Jack Harkness (John Barrowman) dans une aventure en trois épisodes où l'ennemi juré présumé décédé et son compatriote Time Lord the Master (John Simm) devient Premier ministre du Royaume-Uni et asservit le Docteur pendant un an. Le plan de Martha voit le Docteur imprégné des énergies psychiques du monde, et il vainc facilement le Maître, qui refuse apparemment de se régénérer et meurt dans les bras du Docteur. Suite à cette aventure, au dénouement de la finale de la série "Last of the Time Lords", Jack et Martha quittent tous deux le TARDIS, et le Docteur est choqué de voir ce qui semble être le RMS Titanic s'écraser dessus. Quelques instants plus tôt, un autre mini-épisode de Children in Need, "Time Crash", présente une brève rencontre entre le dixième docteur de Tennant et le cinquième docteur (Peter Davison), contenant un méta-humour autour du fait que David Tennant avait regardé et aimé le médecin de Davison comme un enfant. En parallèle de la troisième série, Tennant prête sa voix à la série animée The Infinite Quest. Le spécial de Noël 2007 voit le Docteur et une serveuse, Astrid (Kylie Minogue), sauver la Terre du crash imminent du vaisseau Titanic ; Astrid meurt héroïquement et le Docteur rencontre Wilfred Mott (Bernard Cribbins) pour la première fois. Dans le premier épisode de la série 2008, le Docteur retrouve Donna Noble, la petite-fille de Mott, qui devient sa compagne habituelle. Dans "Planet of the Ood", l'extraterrestre Ood prophétise la disparition du dixième docteur. Martha les accompagne pendant trois épisodes ; dans deux, le Docteur combat les extraterrestres Sontariens, et le dernier le voit devenir une sorte de père pour Jenny (Georgia Moffett), dans "La Fille du Docteur". Il rencontre l'archéologue et futur compagnon River Song (Alex Kingston) pour la première fois de son point de vue dans le film en deux parties "Silence in the Library"/"Forest of the Dead" ; elle meurt, mais il stocke sa conscience sur un disque dur pour vivre éternellement, après avoir accepté qu'un jour elle comptera beaucoup pour lui. Après que Donna ait rencontré Rose dans un monde parallèle dans « Turn Left », le Docteur se rend compte que les paroles de Rose à Donna – « Bad Wolf » – doivent annoncer la fin du monde. Dans les épisodes finaux "The Stolen Earth" et "Journey's End" (qui croisent les spin-offs Torchwood et The Sarah Jane Adventures), le Docteur et Donna retrouvent leurs anciens compagnons Rose, Sarah Jane, Martha, Jack et Mickey pour sauver l'univers de Davros (Julian Bleach), le créateur des Daleks. Un Docteur à moitié humain est créé à partir de la main précédemment coupée du Docteur, et Donna reçoit l'esprit d'un Seigneur du Temps ; le Docteur Humain connaît une fin heureuse avec Rose dans l'univers parallèle, bien que le Docteur soit obligé d'effacer les souvenirs de Donna pour lui sauver la vie, le laissant seul. Un mini-épisode de Doctor Who Prom, "Music of the Spheres", met en scène un docteur solitaire composant son Ode musicale à l'univers avant d'être interrompu par le petit extraterrestre Graske (Jimmy Vee). Au lieu d'une série de 2009, Tennant apparaît comme le dixième docteur, sans compagnon régulier, dans plusieurs épisodes spéciaux au cours de 2008 et 2009, dont le dernier a été diffusé le jour du Nouvel An 2010. Dans l'émission spéciale de Noël "The Next Docteur", le Docteur croit à tort avoir rencontré une incarnation ultérieure de lui-même dans un Londonien amnésique (David Morrissey), avec qui il sauve le Londres de l'ère victorienne. "Planète des morts" (Pâques 2009) présente la voleuse de bijoux Lady Christina de Souza (Michelle Ryan) comme compagne unique du Docteur, et le Docteur se voit présenter une prophétie sur sa mort imminente. Tennant fait une apparition croisée dans un film en deux parties de The Sarah Jane Adventures, The Wedding of Sarah Jane Smith, dans lequel un être puissant connu sous le nom de Trickster (Paul Marc Davis) fait également allusion à la disparition imminente du dixième docteur. Dans « Les Eaux de Mars », le Docteur tente de modifier l'histoire et d'éviter la mort de sa compagne unique Adelaide Brooke (Lindsay Duncan) ; lorsqu'elle se suicide, il commence à sentir sa mortalité peser sur lui. Dans la série animée Dreamland, le Docteur est rejoint par deux compagnons ponctuels dans les années 1950 à Roswell, au Nouveau-Mexique. Dans le film d'adieu en deux parties La Fin des Temps, le Docteur confronte les Ood à propos de leur prophétie originale et est conduit sur la Terre contemporaine où, dans la deuxième partie, le Maître ressuscité (Simm) restaure Gallifrey et les Seigneurs du Temps. existence, bien qu'il se rachète en aidant le Docteur à vaincre le président Rassilon (Timothy Dalton) du Time Lord avant de disparaître aux côtés des autres Time Lords. Le Docteur sacrifie sa vie pour sauver Wilfred Mott, s'exposant à 500 000 rads de radiations mortelles et déclenchant sa régénération. Il le retient et est montré en train de rendre visite à plusieurs compagnons. Il donne à Donna un billet de loterie gagnant le jour de son mariage, l'achetant avec l'argent qu'il a emprunté à son défunt père dans le passé, sauve Martha et Mickey d'un tireur d'élite de Sontar, sauve le fils de Sarah Jane, Luke (Tommy Knight) d'une voiture, présente Jack à un intérêt romantique (Russell Tovey), et enfin, juste avant de se régénérer en Onzième Docteur (Matt Smith), il informe Rose en 2005 qu'elle est sur le point de passer une "grande année". Alors qu'il commence à se régénérer une fois dans le TARDIS, ses derniers mots sont "Je ne veux pas y aller". Tennant a repris le rôle pour le 50e anniversaire de la série dans "Le Jour du Docteur" (2013), apparaissant aux côtés du Onzième Docteur (Smith) et d'une incarnation passée oubliée, le Docteur de Guerre, joué par John Hurt. Dans la spéciale, dans laquelle nous regardons des scènes de l'époque du Dixième Docteur se déroulant entre "Les Eaux de Mars" et La Fin des Temps, le Docteur épouse involontairement la Reine Elizabeth I (Joanna Page) tout en attirant un Zygon. Il aide les autres médecins à sauver Gallifrey à la fin de la guerre du temps, mais ne conservera pas les souvenirs de l'événement. Ses derniers mots sont encore une fois "Je ne veux pas y aller" après avoir appris qu'il mourrait à Trenzalore. Parodies David Tennant a également fait de nombreuses apparitions en tant que Docteur en dehors de Doctor Who, souvent dans des apparitions parodies. La chanteuse et actrice Charlotte Church parodie Doctor Who aux côtés d'un acteur jouant le dixième docteur dans son propre The Charlotte Church Show (2006). Lors d'une apparition dans The Friday Night Project en 2007, Tennant incarne une compagne du dixième docteur (Justin Lee Collins) sur la planète rose, où ils sont confrontés à l'extraterrestre Gay Lord (Alan Carr). Lorsque la série est devenue The Sunday Night Project, Catherine Tate est apparue dans un sketch jouant le dixième docteur. Tennant a joué aux côtés de Catherine Tate dans son propre spécial The Catherine Tate Show (2007) dans le rôle du professeur de Lauren Cooper (Tate), M. Logan, que Cooper taquine pour sa ressemblance avec le Docteur ; finalement, il se révèle être le dixième docteur et réduit Cooper en une figurine Rose Tyler de 5 pouces. Dans le dernier épisode d'Extras (décembre 2007), une brève scène montre le Docteur et un compagnon Wren non identifié attaqués par Schlong, une limace. -comme un extraterrestre joué par Andy Millman (Ricky Gervais). Le Dixième Docteur est également présenté dans une satire politique dans un épisode de Dead Ringers de 2007, face à la question de la succession de Gordon Brown, Tony Blair (l'impressionniste Jon Culshaw) se régénère en David ; Tennant après avoir promis "Le New Labour est une question de renouveau", promettant plus tard 100 années supplémentaires de pouvoir, Tennant modifie sa première ligne dans "The Parting of the Ways" ("De nouvelles dents, c'est bizarre"), en "New Labour, c'est bizarre". " et s'adresse au public dans une impression de Tony Blair ressemblant à celle de Culshaw. Tennant a également été invité à exprimer son incarnation du Docteur dans un épisode de Family Guy. Littérature En tant que visage de la franchise Doctor Who pour 2005-2010, le dixième docteur apparaît largement dans les médias dérivés de Doctor Who ; dans la majorité de ces séries, le personnage prend simplement la place du Neuvième Docteur, et est à son tour remplacé par le Onzième après les débuts de la série 2010. Les romans mettant en vedette le dixième docteur sont tous publiés par BBC Books. Le personnage apparaît dans les romans New Series Adventures allant de The Stone Rose (avril 2006) à The Krillitane Storm (septembre 2009). Un certain nombre de romans Décidez de votre destin ont été publiés entre juillet 2007 et mars 2008, ainsi que cinq livres publiés dans le cadre de Quick Reads Initiative, un projet d'alphabétisation des adultes parrainé par le gouvernement. BBC Children's Books a publié sa propre série en 10 parties, The Darksmith Legacy, soutenue par un site Web interactif. De plus, des nouvelles sont fréquemment publiées dans Doctor Who Magazine, la série The Doctor Who Storybook (éditions 2007-2010), le site Web de la BBC, des publications annuelles et autres ; un exemple étant l'histoire "The Lodger" de Gareth Roberts, adaptée plus tard dans un épisode télévisé du Onzième Docteur du même nom. Les journaux nationaux The Daily Telegraph et The Sunday Times ont chacun publié une nouvelle sur le thème de Noël du Dixième Docteur. De plus, le dixième docteur apparaît dans une novélisation de son apparition croisée The Sarah Jane Adventures. Le dixième docteur apparaît également abondamment dans les bandes dessinées, remplaçant le neuvième docteur dans celles publiées dans Doctor Who Magazine, ainsi que dans les plus jeunes Doctor Who Adventures et Doctor Who: Battles in Time. L'éditeur américain de bandes dessinées a initialement publié une mini-série Tenth Doctor et Martha Jones en 2008 entre janvier et juin 2006. Elle a ensuite été suivie par une véritable série Tenth Doctor en juillet 2009, qui se déroule pendant les émissions spéciales 2008-2010 et dure seize numéros avant de relancer avec le Onzième Docteur. Dans les histoires se déroulant après « Journey's End », le Docteur est accompagné de nombreux compagnons ponctuels et récurrents qui ne figurent pas dans la série télévisée. En dehors de la littérature de Doctor Who, le dessinateur Georges Jeanty inclut une apparition du dixième docteur et de Rose dans un panneau de l'arc narratif de la saison huit de Buffy contre les vampires "No Future for You". Le dixième docteur a été utilisé dans la bande dessinée politique satirique américaine This Modern World. Arrivé en 2003, le Docteur laisse entendre à Sparky le Merveilleux Pingouin (le personnage principal de la bande dessinée) que dans cinq ans, le prochain président pourrait être un homme noir, avec le deuxième prénom Hussein, dont le père était musulman, faisant référence à la popularité du sénateur Barack Obama lors de l'élection présidentielle de 2008. Le personnage est également apparu dans un arc narratif du webcomic PvP, dans lequel le personnage Brent Sienna hallucine en se matérialisant dans le TARDIS. Drame audio Comme c'est le cas pour les romans de BBC Books, le Dixième Docteur a remplacé le Neuvième comme visage de la série de livres audio Doctor Who, commençant par Pest Control en mai 2008 et se terminant par Dead Air en mars 2010. La majorité est lue par David Tennant, sauf un lu par Michelle Ryan et deux par Catherine Tate. Un certain nombre de romans du Dixième Docteur ont également été abrégés pour devenir des livres audio, mettant à nouveau en vedette la voix de David Tennant aux côtés d'autres acteurs tels que Freema Agyeman et des stars invitées de séries télévisées telles que Georgia Moffett, Reggie Yates et Anthony Head ; le dernier d'entre eux prévu est le Jugement du Judoon, pour décembre 2010. Le 26 octobre 2015, il a été annoncé que Tennant reprendrait son rôle pour les histoires audio complètes produites par Big Finish Productions, aux côtés de Tate dans le rôle de Donna Noble. Le premier volume d'histoires, composé de Technophobia, Time Reaver et Death and the Queen, est sorti en mai 2016. Réception Le Dixième Docteur a été extrêmement populaire parmi les fans de Doctor Who, a été acclamé par la critique pour sa complexité et son humanité, et est considéré comme l'une des plus grandes incarnations du personnage, sinon la meilleure par beaucoup, à tel point que la BBC l'a considéré. mettant fin à la série en 2010 car ils pensaient que la série échouerait sans Tennant. En 2006, les lecteurs du magazine Doctor Who ont élu le docteur de Tennant « meilleur docteur » face à l'éternel favori Tom Baker. Il a également remporté le prix National Television Awards de l'acteur le plus populaire en 2006 et 2007, ainsi que le prix de la performance dramatique exceptionnelle en 2008 et 2010. Dans un sondage mené par Radio Times en mars 2007, le docteur de Tennant a été nommé « personnage le plus cool de la télévision. ". IGN a classé le dixième docteur comme meilleur docteur en 2011. En 2013, IGN a de nouveau classé Tennant comme meilleur docteur, avec le Daily Mail et Radio Times, Billie Piper étant également élue meilleure compagne. Les utilisateurs de Plusnet ont également élu David Tennant comme le meilleur docteur en 2013. Les utilisateurs de DoctorWhoTV ont également élu Tennant comme « Docteur ultime » en 2013. Les électeurs de Digital Spy ont également classé Tennant comme le plus grand docteur en 2013 avec 50,05 % des voix, et encore une fois. en 2015. Un sondage de novembre 2013 a révélé que Tennant était considéré comme le plus grand docteur avec 33 % des voix, soit une nette avance de 10 % sur la 2e place, Tom Baker. Les lecteurs du Telegraph ont élu Tennant comme le plus grand acteur à jouer le Docteur en 2014. Jenna Coleman, qui jouait Clara Oswald et est apparue avec Tennant dans "Le Jour du Docteur", a déclaré qu'il était son docteur préféré, avec Tom Baker. L'écrivain Terry Pratchett considérait le portrait de Tennant comme le plus grand docteur.

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Combien d’anneaux de pouvoir y avait-il au total ?

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Les Anneaux de Pouvoir du Légendaire de la Terre du Milieu de J. R. R. Tolkien sont des anneaux magiques créés par Sauron ou par les Elfes d'Eregion sous la tutelle de Sauron. Trois étaient destinés aux Elfes, Sept aux Nains, Neuf aux Hommes et un, l'Anneau Unique, a été créé par le Seigneur des Ténèbres Sauron lui-même sur le Mont Doom. Sauron avait l'intention que les anneaux subvertissent ces races de la Terre du Milieu à son pouvoir, puisque l'Anneau Unique était l'Anneau Régnant qui contrôlait les autres. Le plan de Sauron n'a pas été complètement réussi, car les Elfes ont caché leurs anneaux et ne les ont pas utilisés pendant que Sauron tenait l'Un, et les anneaux des Nains n'ont pas répondu au contrôle de l'Un comme Sauron s'y attendait. Mais les neuf mortels qui portaient les Neuf devinrent les Nazgûl, l'arme la plus redoutée de Sauron. Le Seigneur des Anneaux de Tolkien s'intéresse en grande partie à la tentative de Sauron de récupérer l'Un et aux efforts de l'Occident pour le devancer en le détruisant. L'Un est détruit vers la fin de la Guerre de l'Anneau lorsqu'il tombe dans les Cracks of Doom du Mont Doom. Tolkien n'est pas tout à fait clair sur ce qui est arrivé aux autres anneaux, bien qu'il ait laissé entendre que le pouvoir de ceux qui ont survécu a pris fin. Après la Guerre de l'Anneau, les trois Anneaux Elfes furent emmenés par leurs porteurs par-dessus la mer jusqu'aux Terres Immortelles. Littérature La confection des bagues L'essai de Tolkien « Des anneaux de pouvoir et du troisième âge » dans Le Silmarillion donne le contexte de la fabrication des anneaux. À la fin du Premier Âge, Sauron éluda l'appel des Valar à se rendre et s'enfuit vers la Terre du Milieu. Au milieu du Deuxième Âge, il se déguisa en Annatar (« Seigneur des Dons ») auprès des forgerons elfes d'Eregion, dirigés par Celebrimbor, et leur apprit le métier de forger des anneaux magiques. Tolkien écrit que les Elfes ont fabriqué de nombreux anneaux de moindre importance pour essayer ce métier, mais finalement, avec l'aide de Sauron, ils ont forgé les Sept et les Neuf. Les Trois ont été créés par Celebrimbor lui-même sans l'aide de Sauron ; ils sont restés intacts par son contact. Sauron retourna au Mordor et dans sa forge du Mont Doom, il fabriqua l'Anneau Unique, l'imprégnant d'une grande partie de son pouvoir. Son but était la domination sur les autres Anneaux et leurs pouvoirs, et l'ouverture des pensées et de la volonté de leurs porteurs à sa vue et à son contrôle. Cependant, lorsque Sauron a mis l'Anneau Unique et récité la formule qui y était inscrite : Discours noir : Anglais: Les Elfes prirent conscience de lui et comprirent qui il était et son but. Ils ont immédiatement enlevé les Trois et les ont cachés sans les utiliser. Sauron envahit l'Ouest pour récupérer les anneaux fabriqués par les Elfes, et une grande partie de l'Ouest, y compris l'Eregion, fut détruite avant d'être refoulée au Mordor. Sauron récupéra les Neuf et les Sept, mais pas les Trois, qui restèrent cachés. Le verset des anneaux Les mots inscrits sur l'Anneau Unique proviennent du verset suivant, qui décrit 20 des Anneaux de Pouvoir : Les Neuf Plus tard, au cours du Deuxième Âge, Sauron donna les Neuf à des hommes puissants, « des rois, des sorciers et des guerriers d'autrefois ». Seuls deux des porteurs des neuf anneaux sont identifiés individuellement. Leur chef deviendra plus tard le Roi-Sorcier d'Angmar, et son commandant en second s'appelait Khamûl, un Orient. Khamûl était le seul à être nommé. Trois des Neuf étaient Númenoréens. Tous les Neuf tomberaient sous la domination des anneaux, et ils devinrent les Nazgûl (Ringwraiths) : des esprits de terreur que Sauron pouvait commander même sans l'Un. Leurs vies furent prolongées indéfiniment par les anneaux, et ils devinrent les principaux serviteurs de Sauron, en particulier pendant la première partie du Troisième Âge, lorsqu'il était trop faible pour agir en son propre nom. N’importe lequel de ces anneaux de pouvoir semblait rendre invisible l’homme qui le portait. Les Nazgûl ne pouvaient pas être vus directement par les yeux des mortels, mais portaient des capes sombres pour se donner forme. Frodon a vu leur vraie forme lorsqu'il a mis l'Anneau Unique sur Weathertop. Il n'est pas clair si les Nazgûl ont continué à porter leurs bagues. Tolkien dit à la fois « les Neuf que Nazgûl garde » et que Sauron avait rassemblé les Neuf pour lui, bien que dans ce dernier cas, sa signification puisse être métaphorique. Lorsque les Nazgûl sont détruits, aucune mention n'est faite de leurs anneaux. Les sept Également au Deuxième Âge, Sauron donna les Sept à divers seigneurs nains (bien que les nains de la Moria maintiennent une tradition selon laquelle l'anneau donné à Durin III provenait directement des forgerons elfes). Gandalf mentionne une rumeur selon laquelle les sept trésors des nains commençaient chacun avec un seul anneau d'or, et bien que les Nains utilisaient leurs anneaux pour augmenter leur trésor, Tolkien n'explique pas comment les anneaux y parvinrent (sauf pour une référence selon laquelle les anneaux « ont besoin de l'or pour produire de l'or"). Le principal pouvoir des Sept sur ceux qui les portaient était d'exciter leur sentiment d'avarice. Les porteurs ne sont pas devenus invisibles, n'ont pas eu une durée de vie prolongée et n'ont pas succombé directement au contrôle de Sauron – bien qu'il puisse toujours les inciter à la colère et à l'avidité. Au fil des années, Sauron récupéra trois anneaux des Nains, le dernier de Thráin II lors de sa dernière captivité à Dol Guldur quelques années avant le début du Hobbit. Les quatre autres, selon Gandalf, ont été détruits par des dragons. Jusqu'au Conseil d'Elrond, les Nains ne savaient pas que Thráin détenait l'anneau de la lignée de Durin et l'avait perdu au profit de Sauron. Ils pensèrent plutôt qu'il aurait pu être perdu lorsque Thrór fut tué par Azog dans la Moria. L'une des motivations de l'expédition vouée à l'échec de Balin vers la Moria était la possibilité de récupérer l'anneau. Le messager de Sauron a tenté de soudoyer les Nains d'Erebor pour obtenir des nouvelles de Bilbon (le dernier porteur connu de l'Un) avec la promesse du retour des trois autres des Sept et du contrôle des Mines de la Moria. Les trois Les Trois étaient appelés Narya, l'Anneau de Feu (serti d'un rubis) ; Nenya, l'Anneau d'Eau ou Anneau d'Adamant (en mithril et serti d'une "pierre blanche"), et Vilya, l'Anneau d'Air, le "le plus puissant des Trois" (en or et serti d'un saphir). Avant le sac d'Eregion, Celebrimbor a donné Vilya et Narya à Gil-galad et Nenya à Galadriel. Gil-galad donna plus tard Narya à Círdan et Vilya à Elrond. Les Trois sont restés cachés de Sauron et insensibles à lui. Au cours du Troisième Âge, après qu'il ait perdu l'Un, ils furent utilisés pour la préservation et l'amélioration des trois royaumes restants des Eldar. Vilya était utilisée par Elrond à Fondcombe, Nenya par Galadriel en Lothlórien et Narya par Círdan à Lindon. Lorsque les Istari, ou sorciers, arrivèrent vers , Círdan donna Narya à Gandalf, qui le porta jusqu'à la fin du Troisième Âge. Pendant la période du Seigneur des Anneaux, les Trois étaient portés par Elrond, Galadriel et Gandalf ; mais jusqu'à la fin du livre, leurs bagues ne sont pas visibles. Seul Frodon, le porteur de l'Un, voit l'anneau de Galadriel, et seulement lorsqu'elle y attire son attention. À la fin du livre, ces trois-là emmènent leurs anneaux, désormais visibles et impuissants, au-dessus de la mer jusqu'aux Terres immortelles. Bien que le Verset des Anneaux déclare Trois Anneaux pour les rois Elfes, un seul possesseur des Trois Anneaux était roi, à savoir Gil-galad. Celui Contrairement aux autres Anneaux de Pouvoir, celui-ci était sans fioritures. Il ne portait que l'inscription de l'incantation que Sauron avait prononcée lorsqu'il l'avait créé, et même celle-ci était invisible à moins que l'anneau ne soit chauffé. Même si les autres anneaux pouvaient être détruits par le feu du dragon, l'Un ne pouvait être détruit que dans les feux inflexibles du Mont Doom où il avait été forgé. Lorsque Sauron a fabriqué l'anneau, il a été obligé d'y transférer une grande partie de son pouvoir afin qu'il puisse contrôler les autres anneaux, eux-mêmes des objets d'une grande puissance. Avec l'anneau, Sauron restait très puissant et il pouvait l'utiliser pour dominer la volonté des autres ; il a très rapidement corrompu Númenor dans le culte de Melkor et dans une rébellion ouverte contre les Valar. Lorsqu'Isildur lui coupa l'anneau de la main, Sauron devint beaucoup plus faible. Il avait besoin de l'anneau pour réaliser sa conquête de la Terre du Milieu et passa la majeure partie du Troisième Âge à tenter de le récupérer. L'anneau a eu un grand effet sur les porteurs humains qui l'ont détenu entre-temps. Cela leur a accordé une vie indéfinie; même si l'effort de vivre devenait plus difficile avec le temps, car il ne donnait pas une nouvelle vie. S'ils le portaient, cela les rendait invisibles, améliorait leur audition et leur rendait visible le monde obscur des spectres. Cela a exercé une influence malveillante ; Gandalf mentionne que même si un porteur pouvait commencer avec de bonnes intentions, ces bonnes intentions ne dureraient pas. L'Anneau donnerait à son porteur une fraction du pouvoir de Sauron, proportionnelle à la force et à la force de volonté du porteur. Gollum, Bilbo, Sam et Frodon ne sont devenus invisibles, bien que lorsque Frodon a lié Gollum à son service dans Les Deux Tours, il a indiqué qu'il pouvait utiliser l'Anneau pour contrôler Gollum (parce que l'Anneau avait maîtrisé Gollum depuis longtemps). Gandalf et Galadriel reconnurent cependant qu'ils pouvaient utiliser toute la puissance de l'Anneau, devenant encore plus puissants que Sauron lui-même, mais ils résistèrent, sachant qu'à la fin l'Anneau les corromptrait. Gandalf expliqua à Frodon qu'avec beaucoup de concentration et d'entraînement, même lui pourrait exploiter le pouvoir de l'Anneau, mais probablement au détriment de sa santé mentale. L’Anneau Unique possédait une sorte de volonté qui lui est propre. Son seul maître accepté était Sauron lui-même, et il chercherait à quitter tout autre porteur lorsqu'il causerait le plus de mal ou lorsqu'il pourrait revenir à Sauron. Bilbo en a averti Frodon, et Frodon l'a gardé sur une chaîne afin qu'il ne glisse pas inaperçu. En fin de compte, Gollum succombe à l'influence malveillante de l'anneau et défie Frodon de prendre l'anneau pour lui-même – et ce faisant, Gollum tombe dans les Fissures du Destin à Orodruin où l'anneau est détruit. Avec la destruction de l'Anneau, Gandalf explique que Sauron est affaibli au point qu'il ne pourra plus jamais se matérialiser. Adaptations Le film d'animation de Ralph Bakshi de 1978 commence avec la forge des Anneaux de pouvoir et les événements de la guerre de la Dernière Alliance contre Sauron, le tout représenté en silhouette sur fond rouge. Le Seigneur des Anneaux : La Communauté de l'Anneau de Peter Jackson commence par un prologue similaire, bien que plus long et plus détaillé. Les trois anneaux elfiques sont montrés coulés à l’aide d’un moule en os de seiche, une ancienne technique de moulage primitive. De plus, les illustrateurs de Tolkien, John Howe et Alan Lee, employés comme concepteurs pour les films, ont fait des apparitions dans le rôle de deux des neuf porteurs de l'Anneau humains qui deviennent Nazgûl.

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Quelle actrice a quitté Eastenders pour Hollywood pour ensuite échouer dans le rôle de The Bionic Woman ?

Michelle Ryan

The Bionic Woman est une série télévisée américaine d'action de science-fiction mettant en vedette Lindsay Wagner et diffusée entre 1976 et 1978. La série Bionic Woman met en vedette Jaime Sommers, qui entreprend des missions gouvernementales spéciales à haut risque en utilisant ses pouvoirs bioniques surhumains. La série Bionic Woman est un spin-off de la série télévisée d'action de science-fiction The Six Million Dollar Man des années 1970. Wagner incarne le joueur de tennis professionnel Jaime Sommers, grièvement blessé lors d'un accident de parachutisme. La vie de Jaime est sauvée par Oscar Goldman (Richard Anderson) et le Dr Rudy Wells (Martin E. Brooks) avec des implants chirurgicaux bioniques similaires à ceux de The Six Million Dollar Man Steve Austin (Lee Majors). Grâce à l'utilisation d'implants cybernétiques, connus sous le nom de bionique, Jaime est dotée d'une oreille bionique amplifiée qui lui permet d'entendre à faible volume et à des fréquences différentes de celle de la plupart des humains et sur des distances inhabituellement longues. Elle possède également une force extraordinaire dans son bras droit bionique et dans ses deux jambes, ce qui lui permet de courir à des vitesses supérieures à 60 miles par heure. Elle est ensuite affectée à ses propres missions d'espionnage en tant qu'agent occasionnel du Bureau de l'information scientifique, tout en étant sous le couvert d'un emploi d'institutrice auprès de collégiens. La série s'est avérée très populaire dans le monde entier, gagnant des audiences élevées aux États-Unis et particulièrement au Royaume-Uni (où elle est devenue le seul programme de science-fiction à atteindre la première place des audiences au cours du 20e siècle). La série a duré trois saisons, de 1975 à 1978, et a été diffusée pour la première fois sur le réseau ABC, puis sur le réseau NBC pour sa dernière saison. Des années après son annulation, trois téléfilms dérivés ont été produits entre 1987 et 1994. Des rediffusions de l'émission ont été diffusées sur Sci-Fi Channel de 1997 à 2001. Un remake de la série a été produit en 2007. Prémisse Le personnage de Jaime Sommers apparaît pour la première fois dans un épisode en deux parties de The Six Million Dollar Man en 1975 intitulé "The Bionic Woman". Dans le premier épisode, Steve se rend dans son ancienne ville natale d'Ojai, en Californie, pour acheter un ranch à vendre et rendre visite à sa mère et à son beau-père. Lors de sa visite, il renoue avec son ancienne relation avec Jaime Sommers, aujourd'hui l'un des meilleurs joueurs de tennis américains. Leur relation progresse rapidement au point où Steve propose le mariage. Lors d'une sortie, Steve et Jaime participent à un saut en parachute. Le parachute de Jaime fonctionne mal et elle s'effondre au sol, tombant à travers les branches d'arbres, heurtant le sol et subissant des blessures traumatiques à la tête, aux jambes et au bras droit. Steve lance alors un appel émotionnel à son patron, Oscar Goldman, pour qu'il sauve la vie de Jaime en mettant en œuvre la bionique, allant même jusqu'à engager Jaime à devenir un agent de l'Office of Scientific Intelligence (OSI). Goldman accepte de charger le Dr Rudy Wells (joué à ce stade de la série par Alan Oppenheimer) et l'équipe de bionique de la reconstruire. Le corps de Jaime est reconstruit avec des pièces similaires à celui de Steve, mais le coût réel de sa reconstruction n'est pas révélé. On dit avec humour dans le dialogue qu'il est inférieur aux 6 millions de dollars qu'il a coûté pour reconstruire Austin parce que les pièces de rechange pour elle étaient "plus petites" (bien qu'en Allemagne, le spectacle s'appelait Die Sieben Millionen Dollar Frau, qui se traduit par La femme à sept millions de dollars). ). Comme Steve avant elle, Jaime reçoit deux jambes bioniques, capables de la propulser à des vitesses supérieures à 60 mph (ayant été chronométrée à plus de 62 mph dans "Doomsday Is Tomorrow" et devançant une voiture de course roulant à 100 mph dans "Winning is Everything". ) et sauter vers et depuis de grandes hauteurs, et son bras droit est remplacé par une prothèse réaliste capable de plier l'acier ou de lancer des objets sur de grandes distances. Alors qu'Austin a reçu un œil bionique, le mécanisme interne de l'oreille droite de Jaime est remplacé par un appareil bionique qui lui donne une audition amplifiée de telle sorte qu'elle peut détecter la plupart des sons quel que soit le volume ou la fréquence. Ces implants bioniques ne peuvent pas être distingués des parties naturelles du corps, sauf dans les cas où ils subissent des dommages et où les mécanismes sous la peau sont exposés, comme on le voit dans la deuxième partie de l'épisode "Doomsday Is Tomorrow", lorsque Jaime a subi des dommages à sa jambe droite. Jaime découvre en vacances aux Bahamas que sa peau bionique artificielle ne peut pas bronzer en étant exposée au soleil. Après que Jaime se soit remise de son opération, Steve tente de rompre son accord avec Oscar selon lequel elle servira d'agent pour OSI. Jaime accepte d'entreprendre une mission pour Oscar malgré les inquiétudes de Steve. Au cours de la mission, ses systèmes bioniques fonctionnent mal et elle souffre de maux de tête graves et paralysants. Le Dr Wells détermine que le corps de Jaime rejette ses implants bioniques et qu'un énorme caillot cérébral lui cause des maux de tête et des dysfonctionnements. Peu de temps après, elle devient folle et se fraye un chemin hors de l'hôpital. Steve la poursuit et l'attrape, et elle s'effondre dans ses bras. Peu de temps après, Jaime meurt sur la table d'opération lorsque son corps s'arrête. Le personnage était si populaire qu'ABC a demandé aux scénaristes de trouver un moyen de la faire revenir. Dans le premier épisode de la saison suivante, il est révélé que Jaime n'était pas mort après tout, mais Steve n'en a pas été informé. Il découvre bientôt la vérité lorsqu'il est hospitalisé après avoir subi de graves dommages à ses jambes bioniques ; il voit Jaime avant de sombrer dans le coma. Comme Steve l'apprendra plus tard, l'assistant de Wells, le Dr Michael Marchetti, avait exhorté Rudy (maintenant joué par Martin E. Brooks) à essayer ses nouvelles techniques cryogéniques pour maintenir Jaime en animation suspendue jusqu'à ce que le caillot cérébral puisse être retiré en toute sécurité, après quoi elle a été réanimée avec succès. Un effet secondaire de la procédure amène Jaime à développer une amnésie rétrograde, l'empêchant de se souvenir des événements précédents, y compris sa relation avec Steve. Toute tentative de mémorisation lui provoque des maux de tête et des douleurs. Steve la laisse à contrecœur continuer à vivre sa propre vie en tant qu'agent de l'OSI, bien que les deux hommes travaillent fréquemment ensemble sur des missions et établissent une nouvelle amitié. Jaime, aujourd'hui joueur de tennis à la retraite, accepte un emploi d'instituteur dans une base de l'Air Force à Ojai, en Californie. Elle vit dans un appartement au-dessus d'une grange située dans le ranch appartenant à la mère et au beau-père de Steve, tous deux conscients de leurs implants bioniques et de leur vie d'agents secrets. La troisième saison s'est ouverte avec l'épisode en deux parties "The Bionic Dog", dans lequel Jaime découvre Max (abréviation de Maximillion), un berger allemand doté d'une mâchoire et de pattes bioniques capables de courir à des vitesses allant jusqu'à 90 mph. Ses bioniques sont antérieures à celles de Steve et Jamie, car il était un animal de laboratoire utilisé pour tester les premières prothèses bioniques. Il a été nommé "Maximillion" parce que ses bioniques coûtent "un million" de dollars. Lorsqu'il a été présenté, il a ressenti des symptômes suggérant un rejet bionique et devait être endormi. Jaime a découvert que son état était psychologique, résultant d'un incendie traumatisant dans un laboratoire qui l'a blessé alors qu'il était un chiot. Avec l'aide de Jaime, Max fut guéri et partit vivre avec elle, se révélant d'une aide considérable dans certaines de ses aventures. L'intention initiale était de créer une série dérivée mettant en vedette The Bionic Dog, et à la fin de l'épisode en deux parties qui le présentait, il était sous-entendu que Max resterait avec l'ami forestier de Jaime, Roger Grette, dans les montagnes de la Sierra et Jaime le ferait. visiter de temps en temps. Cependant, le réseau a rejeté la série dérivée proposée et Max est resté avec Jaime à la place, faisant plusieurs apparitions tout au long de la troisième saison de The Bionic Woman. Production et diffusion Pour maintenir la plausibilité de la série, le créateur/producteur exécutif Kenneth Johnson a fixé des limites très précises aux capacités de Jaime Sommers. Il a expliqué : « Quand vous abordez le domaine de la fantasy, si vous dites : « Eh bien, ils sont bioniques, ils peuvent donc faire ce qu'ils veulent », alors cela devient incontrôlable, vous devez donc avoir vraiment , des règles très strictes. [Steve et Jaime] peuvent sauter de deux étages mais pas de trois. Ils peuvent descendre de trois étages mais pas de quatre. Jaime ne peut pas renverser un camion mais elle peut renverser une voiture. Ces limites ont parfois été incorporées dans des épisodes, tels que "Kill Oscar Part 1" dans lequel Jaime est obligé de faire un saut trop bas pour ses jambes bioniques, leur causant d'énormes dégâts et causant presque sa mort. La série a été créée sur ABC en janvier 1976, en remplacement de mi-saison des sitcoms When Things Were Rotten et That's My Mama. Avec treize épisodes diffusés de janvier 1976 à mai 1976, elle est devenue la cinquième émission de télévision la plus regardée de toute la saison 1975-1976 – même si elle n'a duré que la moitié de la saison – derrière Maude, Laverne & Shirley, Rich Man, Poor Man, et All In The Family, et légèrement devant The Six Million Dollar Man. La deuxième saison s'est déroulée de septembre 1976 à mai 1977 avec 22 épisodes et s'est terminée avec de bonnes notes (n°14 au total – légèrement derrière The Six Million Dollar Man). La saison deux a également eu ses épisodes les plus remarquables, "Kill Oscar" où Jaime combat les fembots, et "Deadly Ringer", qui vaudra à Wagner un Emmy Award. Bien que la série ait bien fonctionné au cours de la saison deux, ABC a choisi de ne pas renouveler la série, estimant qu'elle n'attirait plus le type de données démographiques souhaitées par ABC. NBC a repris l'émission pour une troisième (et dernière) saison. La troisième saison s'est déroulée de septembre 1977 à mai 1978 avec 22 épisodes et verrait un nouveau personnage, Chris Williams (Christopher Stone), comme un intérêt amoureux récurrent pour Jaime. Cela était dû en partie au changement de réseaux, qui empêchait tout autre croisement de l'ancien amoureux de Jaime, Steve Austin ; cependant, dans une situation encore considérée comme unique ; Anderson et Brooks ont continué à jouer leur rôle dans les deux séries, malgré le différentiel de réseau. La série s'est avérée populaire dans le monde entier, particulièrement au Royaume-Uni, où elle a été diffusée sur le réseau ITV et a atteint des chiffres d'audience inhabituellement élevés pour une émission de science-fiction. Le premier épisode de la série (« Welcome Home Jaime ») a été diffusé le 1er juillet 1976 et était l'émission la plus regardée de la semaine. Il a été regardé dans 7 millions de foyers, soit une moyenne de 14 millions de téléspectateurs. Deux semaines plus tard, le troisième épisode de la série (Angel of Mercy) est également devenu l'émission la plus regardée de la semaine. Son succès s'est poursuivi avec 10 autres épisodes classés dans le top 20 en 1976 (en revanche, The Six Million Dollar Man n'est jamais entré une seule fois dans le top 10 au cours de ses cinq saisons, bien que cela soit probablement dû au fait que la série n'a jamais été diffusée). diffusé sur toutes les chaînes ITV du Royaume-Uni en même temps). La deuxième saison s'est également avérée populaire, avec sept épisodes terminant dans le top 20 hebdomadaire, le plus élevé étant l'épisode The Vega Influence du 12 mai 1977, qui a atteint la 8e place avec 14,8 millions de téléspectateurs. Cependant, la troisième saison n'a pas été diffusée simultanément sur toutes les chaînes ITV du Royaume-Uni et aucun épisode n'a donc atteint le Top 20 hebdomadaire. Épisodes Scénarios Le plus notable des croisements fréquents entre les deux émissions comprenait un épisode en deux parties dans lequel Steve et Jaime affrontent Bigfoot, parfois ami / parfois ennemi d'Austin, et un arc narratif en trois parties intitulé "Kill Oscar" qui a été diffusé en premier. et la troisième partie en tant qu'épisodes de Bionic Woman et la deuxième partie en tant qu'épisode de The Six Million Dollar Man. Le lien étroit entre The Six Million Dollar Man et The Bionic Woman a été mis en évidence par le fait que Richard Anderson et Martin E. Brooks ont joué leurs mêmes personnages dans deux émissions de télévision différentes (éventuellement) diffusées simultanément sur deux réseaux différents. Seule, les ennemis de Jaime incluent les Fembots, une lignée de robots puissants qu'elle combat deux fois dans la série sur plusieurs épisodes. Elle contrecarre également le plan d'un scientifique nucléaire vieillissant nommé Elijah Cooper visant à détruire toute vie sur Terre à l'aide d'un appareil apocalyptique dans " Doomsday Is Tomorrow ". Les missions de Jaime impliquaient souvent un travail d'infiltration dans lequel elle prenait une identité secrète, comme celle d'une religieuse, d'un policier, d'un étudiant, d'un steward de l'air, d'une chanteuse et d'un lutteur professionnel. Son expérience dans le tennis est également entrée en jeu de temps en temps, et elle a également été vue de temps en temps vivre des aventures avec certains de ses étudiants à Ojai. Comme pour les émissions d'espionnage à cette époque, Jaime était fréquemment kidnappée (le plus souvent avec l'utilisation de chloroforme ou d'une boisson médicamenteuse) et placée dans des situations dangereuses dont elle aurait besoin de ses capacités bioniques pour s'échapper. En règle générale, elle était attachée ou menottée à une bombe dont elle pouvait facilement s'échapper une fois réveillée. Cependant, à une occasion, elle a été menottée à un ami, elle ne pouvait donc pas utiliser sa force bionique pour s'échapper car cela lui arracherait la main. Jaime a traité un certain nombre de cas bizarres, comme celui d'un méchant qui exploite un salon de coiffure utilisant un shampooing « sérum de vérité » pour extraire des informations des agents OSI. Dans un autre épisode, une condamnée nommée Lisa Galloway (également interprétée par Lindsay Wagner) subit une chirurgie plastique et tente de remplacer Jaime. Dans un épisode ultérieur, Lisa ingère une substance pâteuse appelée Adrénalizine qui lui donne une super-force temporaire, lui permettant de remplacer complètement Jaime à l'OSI pendant que le vrai Jaime est emprisonné et amené à remettre en question sa propre identité. Lisa, cependant, ne connaissait pas les implants bioniques de Jaime et pensait que ses pouvoirs provenaient de l'Adrénalizine. Après l'éventuelle évasion de Jaime, le Dr Wells découvre que l'adrénalizine se dégradait et devenait toxique pour la santé de Lisa. La conviction croissante de Lisa qu'elle était en fait le vrai Jaime compliquait encore davantage le problème. Au cours de la série, il est démontré que les capacités améliorées de Jaime ont leurs limites. Dans l'un des chapitres "Kill Oscar", Jaime saute de la fenêtre d'un immeuble particulièrement haut en essayant d'échapper aux Fembots. Cependant, en raison de la hauteur d'où elle a sauté, ses jambes explosent à l'atterrissage, la tuant presque. Il a été démontré qu'un froid extrême inhibe ses implants bioniques, les provoquant à geler et à mal fonctionner (un scénario également courant avec Steve Austin). Cependant, son oreille droite, telle qu’elle est encastrée dans son corps, n’est généralement pas soumise à ces effets négatifs. Alors que Steve Austin utilisait occasionnellement (en particulier dans les premiers épisodes) la violence pour accomplir des missions, l'approche de Jaime avait tendance à être moins violente et, en tant que telle, elle était rarement montrée utilisant directement sa force bionique contre un adversaire humain (et même lorsqu'elle le faisait, jamais avec une force mortelle). Dernier épisode Dans le dernier épisode ("On the Run"), Jamie est appelée "Robot Lady" par une petite fille qui a découvert sa bionique. Comme Steve Austin dans le livre original Cyborg, elle doit accepter le fait qu'elle n'est pas tout à fait humaine. Après trois ans avec trop de missions pour lui laisser du temps pour elle, elle démissionne. Cependant, les responsables décident qu'elle ne peut pas simplement être autorisée à partir et veulent la placer dans une communauté sûre où ils pourront la surveiller. Elle part en fuite mais se rend compte plus tard qu'elle est toujours la même femme, malgré ses pièces mécaniques et retourne travailler pour l'OSI, mais avec moins de missions et plus de temps pour elle. Il a été reconnu que le dernier épisode avait été inspiré par The Prisoner, car Jaime est également poursuivie par des entités préoccupées par les informations secrètes qu'elle possède. Bien qu'ils soient sur des réseaux différents, The Bionic Woman et The Six Million Dollar Man ont été simultanément annulés au printemps 1978. Contrairement à The Six Million Dollar Man, qui se terminait par un épisode standard, "On the Run" a été écrit et filmé comme un résolution à la série. TV et Films Trois téléfilms ont été produits pour élargir la « famille bionique » et explorer un amour ravivé entre Jaime et Steve. Dans la première réunion, Le retour de l'homme qui valait six millions et de la femme bionique (1987), Jaime et Steve sont réunis après près de dix ans de vies séparées. La mémoire de Jaime est entièrement restaurée (selon Oscar, Jaime a été impliquée dans une explosion à l'ambassade américaine à Budapest et "elle s'est souvenue de tout" après s'être remise de sa commotion cérébrale) et elle essaie de concilier ses sentiments pour Steve tout en aidant former le fils de Steve, Michael, à l'utilisation de sa propre bionique mise à jour récemment acquise. Jaime défie Michael dans une course amicale. Il la dépasse et elle fait remarquer qu'elle se sent comme un "modèle obsolète". Michael est kidnappé par Fortress. Steve et Jamie ainsi que l'Air Force infiltrent l'usine de verre abandonnée pour « sauver » Michael. Le deuxième film, Bionic Showdown: The Six Million Dollar Man and the Bionic Woman, (1989) présente Sandra Bullock dans le rôle de Kate Mason paraplégique qui devient une femme bionique de nouvelle génération et Sommers aide à nouveau à former le cyborg néophyte. Dans le film final des retrouvailles, Bionic Ever After ? (1994), un virus informatique corrompt les systèmes bioniques de Jaime. Le Dr Wells informe Steve qu '"elle ne sera peut-être plus jamais bionique", mais la principale préoccupation de Steve est qu'il la veut en vie par-dessus tout. Elle subit une mise à niveau majeure, qui augmente non seulement la puissance de sa bionique, mais lui donne également une vision nocturne. Finalement, après tant d'années d'attente, le couple bionique dit "oui". Musique à thème Jerry Fielding a composé le premier thème d'ouverture de la série. À partir de la deuxième saison, le thème de Fielding a été progressivement supprimé et remplacé par un autre morceau de musique de Joe Harnell qui avait déjà été utilisé pour le générique de clôture. Sorties DVD Au Royaume-Uni, Universal a publié trois volumes sur disque unique d'épisodes sélectionnés de The Bionic Woman en 2001/02. Chaque volume contenait trois épisodes. Universal a ensuite sorti les deux premières saisons complètes de The Bionic Woman sur DVD au Royaume-Uni et en Australie en 2005/06. Il n'y avait aucune fonctionnalité particulière sur aucun des décors. La troisième saison a finalement été diffusée au Royaume-Uni par Fabulous Films en décembre 2012, avec des versions reconditionnées des deux premières saisons et un coffret complet de 18 disques des trois saisons. Ces versions contenaient diverses fonctionnalités spéciales que l'on trouve sur les décors de la région 1 (voir ci-dessous), bien que la version de la saison trois contienne également les trois films de réunion Bionic des années 1980 et 1990. En Allemagne, Koch Media a sorti les trois saisons sur DVD sous le nom de Die Sieben Millionen Dollar Frau (La femme à sept millions de dollars), bien que ces ensembles ne contiennent pas de fonctionnalités spéciales. Les plans pour une sortie DVD nord-américaine ont été annoncés pour la première fois en 2004 par Universal Home Video. Ces projets ont été rendus publics via une liste dans un guide de sortie de TV-DVD envoyé aux détaillants, une mention dans un communiqué de presse du studio autrement sans rapport et sous forme de bande-annonce incluse sur un DVD distribué par la chaîne de vente au détail Best Buy. Cependant, cette sortie n'a jamais eu lieu en raison de problèmes de droits qui ont empêché à la fois The Bionic Woman et The Six Million Dollar Man de sortir sur DVD en Amérique du Nord à cette époque. En avril 2010, le créateur Kenneth Johnson a déclaré que les problèmes de droits avaient été résolus et qu'il enregistrait des interviews pour le DVD. Le 15 juillet 2010, Universal Studios Home Entertainment a annoncé la sortie de la première saison sur DVD en Amérique du Nord, qui a eu lieu le 19 octobre 2010. La deuxième saison est sortie le 17 mai 2011. Le 4 octobre 2011, Universal a sorti The Bionic Woman : la troisième et dernière saison complète sur le DVD de la région 1. (Parallèlement, The Six Million Dollar Man a réalisé sa première sortie DVD en 2010 sous forme de coffret de vente par correspondance via Time-Life, les saisons individuelles recevant une sortie commerciale régulière à partir de 2012.) Le 13 octobre 2015, Universal sortira The Bionic Woman - The Complete Series sur DVD dans la région 1. Livres dérivés Deux romans adaptant divers épisodes ont été publiés pour coïncider avec la série : Welcome Home, Jaime et Extracurricular Activities, tous deux d'Eileen Lottman. Les éditions britanniques de ces deux livres ont été attribuées à « Maud Willis » et ont été rebaptisées respectivement Double Identity et A Question of Life. Bien que le générique de fin de chaque épisode indique que la série était basée sur le roman de Martin Caidin de 1972, Cyborg, cela ne fait référence qu'au concept bionique, aux personnages de Rudy Wells et d'Oscar Goldman et à l'apparition occasionnelle de Steve Austin ; Jaime Sommers n'apparaît dans aucun des romans de Caidin. Une série de bandes dessinées éphémères de Charlton Comics a été publiée aux États-Unis en 1976-1977. La bande dessinée britannique Look-In a publié une bande dessinée en couleur entre 1976 et 1979, écrite par Angus P. Allan et dessinée par des artistes dont John Bolton et Arthur Ranson. Le personnage devait également apparaître dans une mini-série comique de 1996 intitulée Bionix par Maximum Press. Bien que le magazine ait été annoncé dans des publications spécialisées dans la bande dessinée, il n'a finalement jamais été publié. La bande dessinée française Télé-Junior a publié des strips basés sur des séries télévisées populaires. Cela comprenait leurs propres versions de The Six Million Dollar Man et de Bionic Woman, rebaptisées Super Jaimie. En mars 2012, Dynamite Entertainment a lancé un nouveau titre de bande dessinée The Bionic Woman, basé sur la continuité révisée établie dans la bande dessinée The Bionic Man écrite par Kevin Smith (une réimagination de The Six Million Dollar Man), dans laquelle le personnage de Jaime Sommers a été réintroduit. Une mini-série croisée, The Bionic Man vs. The Bionic Woman, a été lancée en janvier 2013. Contrairement au titre Bionic Man, qui (selon l'artiste) rend parfois Steve Austin à l'image de l'acteur Lee Majors, la version Dynamite de Jaime Sommers n’est généralement pas représenté à l’image de Lindsay Wagner. Fin 2013, Dynamite a mis fin aux deux séries et a lancé au printemps 2014 la saison 6 de The Six Million Dollar Man, une adaptation plus fidèle de la série télévisée originale Six Million Dollar Man. Jaime Sommers, basé sur l'interprétation de Wagner, a été réintroduit dans le numéro 3 et en juin 2014, Dynamite a annoncé la publication de la saison 4 de The Bionic Woman, une suite de la série télévisée, à partir de l'automne 2014. Marchandise Comme son programme parent, The Bionic Woman a créé sa propre gamme de jouets. Kenner a produit une poupée de 12 pouces du personnage, avec des caractéristiques similaires à la version de Steve Austin (modules bioniques et membres bioniques amovibles), sauf qu'au lieu d'un œil bionique, la tête de la poupée cliquait lorsqu'elle était tournée, simulant le son de l'oreille bionique de Jaime. Les accessoires pour la poupée publiés par Kenner comprenaient des vêtements supplémentaires et un ensemble de jeu Bionic Beauty Salon. Une boîte à lunch en métal pour les enfants était disponible, ainsi qu'un disque d'histoire en vinyle produit par Wonderland Records. Kenner a produit une série d'autocollants et de tatouages ​​temporaires mettant en vedette Jaime Sommers individuellement et avec Steve Austin. Un jeu de société basé sur la série The Bionic Woman a également été créé. Il a été vendu par Parker Brothers aux États-Unis et était un jeu pour 2 à 4 joueurs adapté aux enfants de 7 à 12 ans. En juillet 2016, avant le Comic-Con International, le New York Times a publié un article sur Dynamite Entertainment. Dans ce document, l'auteur à succès Andy Mangels a révélé qu'il écrivait une nouvelle mini-série croisée intersociétés prestigieuse pour la société, en collaboration avec DC Comics : Wonder Woman '77 Meets The Bionic Woman, réunissant le personnage de télévision Lynda Carter avec Lindsay. La super-héroïne de la télévision des années 1970 avec Wagner. La série devait débuter à l'automne 2016. Remake de télévision En août 2002, il a été annoncé que la série devait être refaite par les producteurs Jennifer et Suzanne Todd (« Team Todd ») pour USA Network ; les médias ont suggéré que Jennifer Aniston était envisagée pour le rôle titre. Après la publication du communiqué de presse initial, la série n'est jamais sortie de la pré-production et aucune autre annonce n'a été faite quant au sort de la série. Le 9 octobre 2006, NBC Universal a annoncé qu'elle reprenait le projet, avec de nouveaux producteurs et une refonte du concept. Le pilote d'une heure du projet a reçu le feu vert officiel de NBC le 3 janvier 2007. Le 13 février 2007, il a été annoncé que l'actrice anglaise Michelle Ryan (affectant un accent américain) avait été choisie pour le rôle titre de ce pilote, et que Katee Sackhoff jouerait Sarah Corvus, l'ennemi juré de la femme bionique. La série a ensuite été reprise par NBC et a fait ses débuts le 26 septembre 2007. Huit autres épisodes ont été produits et diffusés avant que la grève de la Writers Guild of America n'oblige l'arrêt de la production. En mars 2008, NBC n'avait pas encore annoncé si la série serait renouvelée, autorisée à terminer sa commande initiale de 13 épisodes ou annulée purement et simplement, bien que le développeur et producteur de la série David Eick ait déclaré au site officiel de Sci-Fi Channel (maintenant connue sous le nom de Syfy) le 18 mars 2008, que la série avait été annulée. Lindsay Wagner, la Bionic Woman originale, n'était pas impliquée dans la nouvelle série. Wagner a déclaré : "Sur le plan technique, c'était très bien, mais je ne pense pas qu'ils aient compris le spectacle. C'était imprégné de cette pensée de la vieille école. C'était comme beaucoup de choses aujourd'hui, en colère et sombre.

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Dans Only Fools And Horses, Rodney Trotter partage son deuxième prénom avec quel club de football londonien ?

Charlton

Rodney Charlton Trotter (né le 2 novembre 1960) est un personnage fictif de la longue sitcom de la BBC Only Fools and Horses, joué par Nicholas Lyndhurst. Personnalité La personnalité de Rodney était basée sur les expériences du créateur de la série John Sullivan, qui avait également un frère aîné et prétendait avoir été, comme Rodney, un rêveur et un idéaliste dans sa jeunesse. Dave ? Le surnom « Dave » lui est attribué par le personnage Trigger, le seul personnage à le désigner ainsi, et est né d'une blague d'une ligne dans le tout premier épisode, Big Brother. C'est devenu une blague de longue date tout au long de la série. Vie privée Il est révélé dans de nombreux épisodes tels que "Big Brother", "The Long Legs of the Law" et "A Royal Flush" que Rodney est gêné par les pitreries de Del, notamment en mentant aux filles avec lesquelles ils veulent sortir. Dans « Yuppy Love », il a menti à une nouvelle petite amie, Cassandra, en disant qu'il vivait dans la rue chic « Kings Avenue », afin de l'impressionner ; cependant, elle a découvert plus tard où il vivait lorsqu'elle a téléphoné à la Maison Nelson Mandela. Del pose souvent des questions à Rodney en lui disant : « C'est vous qui avez les GCE ! ». Il est sous-entendu dans "The Frog's Legacy", que Freddie Robdal est le vrai père de Rodney, lorsque des rumeurs commencent à émerger sur la ressemblance entre lui et Rodney. Del a affirmé dans "Mother Nature's Son" que Rodney était encore nourri au sein jusqu'à l'âge de trois ans et demi. Enfant, Rodney était « tout morve et Marmite » avec une « drôle de coupe de cheveux ». Contrairement à Del, Rodney est allé au lycée, où il a réussi un GCE en art et en mathématiques. Il a ensuite été expulsé d'une école d'art de Basingstoke pour avoir fumé du cannabis. Dans les premiers épisodes, Rodney était troublé par cela, ainsi que par le fait qu'il avait un très mauvais travail et vivait dans un appartement très minable. Il craignait de ne jamais trouver l'indépendance, ce à quoi il aspirait vraiment. Lorsqu'il a rencontré Cassandra, cela lui a donné une chance d'avancer dans la vie, ce qui l'a amené à abandonner Del derrière lui. (Cela a été transmis dans "Petits problèmes", à la fin, lorsque tout le monde avait quitté la réception de mariage et que Del se tenait tout seul, tenant le marié du gâteau de mariage). Dans les épisodes ultérieurs, la seule chose qui troublait Rodney était son neveu Damien, dont il faisait des cauchemars récurrents. Il était convaincu qu'il allait être le fils de Satan, et s'appeler Damien n'arrangeait pas les choses (même si c'était la brillante idée de Rodney qu'il s'appelle Damien en premier lieu). Le fait que Trigger l’appelait « Dave » depuis 1981 ne l’aidait pas. Il ne savait pas que Rodney s'appelait Rodney, il l'appelait toujours « Dave ». Peu importe le nombre d'occasions que Trigger a eu pour se rendre compte que "Dave" n'était pas le nom de Rodney, il a continué à l'appeler Dave. Un exemple était dans "Trois hommes, une femme et un bébé", Rodney dit à Trigger que si le bébé de Del et Raquel est un garçon, ils l'appelleront Rodney après lui. Trigger dit alors à Mike (qui organise un concours « Devinez le nom du bébé ») que « si c'est un garçon, ils l'appellent Rodney, d'après Dave ». Un autre exemple a été décrit dans "Modern Men", lorsque Mike (le propriétaire du pub Nags Head), a annoncé un toast aux futurs maman et papa "Cassandra et Rodney" ; tout le monde a dit « Cassandra et Rodney », mais on pouvait entendre Trigger crier « Dave » après que tout le monde ait arrêté de parler. Dans "Homesick (Only Fools and Horses)", Rodney a dit à Trigger en face que son nom était "Rodney" et non "Dave", mais malgré cela, il continue de l'appeler "Dave" et se réfère même à lui comme ceci. , quand il n'est pas là. Cassandra est tombée enceinte dans "Heroes and Villains", mais a ensuite fait une fausse couche dans "Modern Men". Il est sous-entendu dans certains épisodes que Rodney est un partisan de Chelsea. Dans The Long Legs of the Law, Del remarque que ICI a perdu un point, ce à quoi Rodney répond que "Chelsea en a perdu 3 samedi!" Dans un épisode ultérieur, A Royal Flush, il emmène Victoria voir un match de football à Stamford Bridge. Famille Rodney est le demi-frère cadet de Derek "Del Boy" Trotter. "Rodders", comme l'appelle affectueusement son grand frère, est resté aux côtés de Del contre vents et marées. Rodney n'est pas aussi streetwise que son frère. Les commentaires de Del chaque fois que Rodney fait une erreur sont devenus des slogans notables tout au long de la série. Ils incluent "Plonker", "Wally", "Twonk", "Dipstick", "Tart". Rodney est le fils de Joan Mavis Trotter, petit-fils d'Edward Trotter et petit-neveu d'Albert Trotter. Il a un neveu nommé Damien et une fille nommée Joan Jr. Tout au long de la série, le père présumé de Rodney était Reg Trotter, bien que sa paternité réelle ait parfois été remise en question, comme dans les émissions spéciales de Noël de 1983 et 1987 "Thicker Than Water" et "The Frog's Legacy" en raison du fait inévitable qu'il partageait peu. ressemblance avec Del ou Reg en termes d'apparence ou de personnalité. Dans le dernier épisode de Only Fools and Horses, le spécial de Noël 2003 "Sleepless in Peckham", Rodney a découvert à travers une vieille photo de la toute première sortie des Jolly Boys que lui et Del ne partageaient pas réellement le même père. Son père biologique s'est révélé être un gentleman voleur local, Freddie "The Frog" Robdal, qui a eu une liaison avec la mère de Del et Rodney, Joan, en mars 1960, et Rodney l'a immédiatement su en raison de la ressemblance frappante de Robdal avec lui. Ceci est confirmé dans la série préquelle "Rock & Chips". Dans la scène finale de l'épisode, Rodney demande à Del s'il ressemble à Robdal, mais Del le nie, qualifiant Robdal de plusieurs noms comme un "voleur", un "escroc", un "menteur" et un "tricheur", dont aucun ne s'applique. à Rodney. Rodney vit avec Cassandra, leur fille Joan, Del, "l'autre significatif" de Del, Raquel et leur fils Damien, à la porte 368 au 12e étage de la maison fictive Nelson Mandela à Dockside Estate, Peckham, Londres. Mariage avec Cassandra Rodney a trouvé une partenaire de soutien en Cassandra, qu'il a rencontrée lors d'un cours de formation en informatique dans "Yuppy Love", et s'est marié en 1989. Son père, Alan, employait Rodney dans son entreprise, Parry Print Ltd, (au moins jusqu'à ce que Rodney quitte accidentellement cet emploi). , et, avec l'aide financière de Del, il a pu acheter un appartement et finalement quitter Nelson Mandela House. Leur mariage a souffert lorsque Rodney a frappé le patron de Cassandra et s'est cassé le nez en revenant de Margate dans "The Jolly Boys' Outing". Ils se sont séparés dans le spécial de Noël 1990 "Rodney Come Home" (après s'être séparés trois fois au cours des 18 derniers mois) et tout au long de la septième série ont tenté de rafistoler leur relation ; dans "The Chance of a Lunchtime", Del a joué le rôle d'entremetteur, afin qu'ils se réunissent. Cela a fonctionné, jusqu'à ce que Rodney soit vu par Cassandra, avec l'une des ex-fiancées de Del, alors qu'il l'accompagnait dans un taxi, car elle était très ivre. Dans "Trois hommes, une femme et un bébé", Cassandra a dit à Rodney que tout était fini entre eux, jusqu'à ce que sa mère insiste pour qu'elle consulte leur avocat pour obtenir conseil, qui lui a dit qu'ils devraient parler. Ils se sont réunis après que Rodney ait profité d'elle en prétendant qu'une queue de cheval était un rat. Il est resté pour la nuit mais ils ont été interrompus par Del téléphonant pour dire que Raquel avait commencé le travail. Dans "Miami Twice", il a été révélé que les deux vivaient ensemble le week-end alors qu'ils tentaient de reconstruire leur relation. Dans "Mother Nature's Son", ils étaient de nouveau ensemble. Depuis, ils essayaient d'avoir un bébé, alors quand il a été annoncé que Cassandra était enceinte, tout le monde jubilait. Cependant, elle a fait une fausse couche à la fin de l'épisode suivant ; "Les hommes modernes". Rodney et Cassandra ont maintenant une jeune fille appelée Joan, que Rodney a nommée d'après sa défunte mère et qui est née dans le dernier épisode ; "Sleepless in Peckham", résultant en une fin très émouvante et émouvante du spectacle. Carrière Avant le début de la série, Rodney a suivi un cours d'un an à l'école d'art de Basingstoke, mais a été expulsé au bout de trois semaines lorsqu'il a été surpris en train de fumer du cannabis dans la chambre d'un camarade. Il a été condamné à une amende de 250 £ et à dix-huit mois de prison avec sursis pour possession de cannabis. Avec seulement deux GCE et un casier judiciaire, Del a pris sur lui de donner à Rodney un emploi d'assistant commerçant sur le marché (ou "conseiller financier") et d'acolyte, sachant qu'il était peu probable qu'il obtienne un emploi décent ailleurs. Bien qu'être un partenaire puisse paraître impressionnant de l'extérieur, la tâche principale de Rodney était de garder un œil sur la police pendant que Del fouettait illégalement ses marchandises sur le marché de Peckham. Rodney avait occupé ce poste pitoyable jusqu'en 2001, date à laquelle Del a été déclaré en faillite, lui interdisant de diriger une entreprise. Lorsque Trotters Independent Traders était sur le point de cesser ses activités, Del savait que Rodney n'était pas interdit de gérer une entreprise et ainsi, après deux décennies en tant qu'assistant négociant sur le marché, Rodney est finalement devenu directeur général titulaire de T.I.T.CO, mais cela n'empêchera pas Del de essayant de contrôler l'entreprise. Mais Rodney faisait également la comptabilité et informatisait l'entreprise. Pendant un certain temps, Rodney a travaillé comme directeur financier de T.I.T.CO (un travail qui comprenait des tâches exécutives telles que le chargement de la camionnette). Rodney a une forte conscience et est souvent moralement indigné par les activités commerciales de Del, comme le trafic de biens volés. Malgré ses objections éthiques, Rodney est généralement attiré dans les projets lucratifs de Del par les charmes persuasifs de Del et la tentation des récompenses financières. Dans l'épisode "It's Only Rock And Roll", Rodney est le batteur d'un groupe dirigé par "Mental" Mickey Maguire. Réalisant que de l'argent rapide pourrait être gagné grâce à leur musique, quoique terrible, Del convainc le groupe qu'en l'ayant comme manager, ils deviendront un grand succès. Après avoir obtenu une réservation dans un pub local pour les célébrations de la Saint-Patrick, la nuit se termine par un désastre avec une bagarre qui éclate. Après avoir convaincu Rodney que le groupe ne va nulle part, il quitte finalement, laissant les quatre autres continuer sans lui. Cependant, un soir de retour dans leur appartement, Del allume la télévision et trouve l'ancien groupe de Rodney jouant sur Top of The Pops. Âge Le guide comique de la BBC pour Only Fools and Horses indique clairement que l'anniversaire de Rodney est le 26 février ; mais cela est contredit dans "Sleepless in Peckham", lorsque Cassandra confond Freddie la grenouille dans une vieille photo des années 1960 de la première sortie des Jolly Boys avec Rodney. Rodney la corrige, affirmant que la photo a été prise en juillet 1960 avant sa naissance (selon Rodney), faisant ainsi de la date de naissance de Rodney la date à laquelle il révèle qu'elle est dans "Le gagnant malchanceux est...", le 2 novembre. Ceci est confirmé lorsque la naissance de Rodney est montrée dans "Rock & Chips". Cependant, certains épisodes de Only Fools and Horses ne le prennent pas en charge ; dans "Big Brother", 1981, Rodney déclare à Del qu'il a 23 ans, ce qui ferait de son année de naissance 1957 ou 1958. Dans "As One Door Closes", qui se déroule au début de 1985, Rodney dit à Del qu'il est 24 ans, ce qui fait de son année de naissance 1960. Dans "Yuppy Love", Del déclare que la famille Trotter vit à Nelson Mandela House depuis 1962 et que Rodney est né dans l'appartement. De même, l'acte de mariage de Rodney et Cassandra montre qu'ils se sont mariés le 25 janvier 1989 et donne l'âge de Rodney à 26 ans et celui de Cassandra à 21 ans. Cela ferait de Rodney un enfant né en 1962 (en supposant qu'il n'avait pas encore fêté son anniversaire avant son mariage à 1989) et pendant "Modern Men" (qui se déroule autour de Noël 1996), Mickey Pearce décrit Rodney comme un "paperboy de 34 ans", ce qui confirmerait également une année de naissance en 1962. Cependant, pendant "Mother Nature's Son", aux alentours de Noël 1992, Rodney déclare qu'il a 31 ans, suggérant qu'il est né en 1961. Remarques

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Comment les Dr Stantz, Spengler et Venkman étaient-ils mieux connus dans les années 1980 ?

chasseurs de fantômes

Ghostbusters est un film de comédie surnaturelle américain de 1984 réalisé et produit par Ivan Reitman et écrit par Dan Aykroyd et Harold Ramis. Le film met en vedette Bill Murray, Aykroyd et Ramis dans le rôle de trois parapsychologues excentriques qui démarrent une entreprise de capture de fantômes à New York. Sigourney Weaver et Rick Moranis co-vedette dans le rôle d'une cliente et de son voisin, et Ernie Hudson dans le rôle de la première recrue des Ghostbusters. Aykroyd a conçu le film comme un projet pour lui-même et John Belushi, ancien élève de Saturday Night Live, avec les "Ghostmashers" voyageant à travers le temps et l'espace dans le futur avec des baguettes magiques. Lui et Ramis ont réécrit de façon spectaculaire le scénario après la mort de Belushi et après que Reitman ait jugé la vision initiale d'Aykroyd financièrement peu pratique. Ghostbusters est sorti aux États-Unis le 8 juin 1984, avec un succès critique et commercial, recevant une réponse positive de la part des critiques et du public et rapportant 242 millions de dollars aux États-Unis et plus de 295 millions de dollars dans le monde. Il a été nominé pour deux Oscars à la 57e cérémonie des Oscars pour les meilleurs effets visuels et la meilleure chanson originale (pour la chanson thème éponyme), mais a perdu respectivement contre Indiana Jones et le Temple maudit et La Femme en rouge. L'American Film Institute a classé Ghostbusters au 28e rang dans la liste des comédies cinématographiques de l'AFI 100 ans... 100 rires. En 2015, la Bibliothèque du Congrès des États-Unis a sélectionné le film pour le conserver dans le National Film Registry, le trouvant « culturellement, historiquement ou esthétiquement significatif ». Le film a lancé la franchise médiatique Ghostbusters, qui comprend une suite de 1989, Ghostbusters II, deux séries télévisées d'animation, The Real Ghostbusters et Extreme Ghostbusters et plusieurs jeux vidéo. Un redémarrage, également intitulé Ghostbusters, a été publié le 15 juillet 2016 par Columbia Pictures. Parcelle Les parapsychologues Peter Venkman, Raymond Stantz et Egon Spengler sont appelés à la bibliothèque publique de New York pour enquêter sur les récentes activités paranormales. Ils rencontrent le fantôme d'une bibliothécaire morte mais sont effrayés lorsqu'elle se transforme en un monstre horrible. Après avoir perdu leur emploi à l'Université de Columbia, le trio crée un service d'enquête paranormale et d'extermination connu sous le nom de « Ghostbusters ». Ils développent des équipements de haute technologie capables de capturer des fantômes et ouvrent leur entreprise dans une caserne de pompiers désaffectée et délabrée. Egon les avertit de ne jamais croiser les flux d'énergie de leurs armes à protons, car cela pourrait provoquer une explosion catastrophique. Ils capturent leur premier fantôme, Slimer, dans un hôtel et le déposent dans une unité de confinement spécialement construite au sous-sol de la caserne des pompiers. Alors que l'activité paranormale augmente à New York, ils embauchent un quatrième membre, Winston Zeddemore, pour faire face à la demande. Les Ghostbusters sont retenus par la violoncelliste Dana Barrett, dont l'appartement est hanté par un esprit démoniaque, Zuul, un demi-dieu vénéré comme serviteur de Gozer le Gozerian, un dieu sumérien de la destruction qui change de forme. Venkman s'intéresse particulièrement à l'affaire et rivalise avec le voisin de Dana, le comptable Louis Tully, pour son affection. Alors que les Ghostbusters enquêtent, Dana est possédée démoniaquement par Zuul, qui se déclare le "Gatekeeper", et Louis par un démon similaire, Vinz Clortho, le "Keymaster". Les deux démons parlent de l'arrivée du destructeur Gozer et de la libération des fantômes emprisonnés, et les Ghostbusters prennent des mesures pour séparer les deux. Walter Peck, un avocat représentant l'Environmental Protection Agency, fait arrêter les Ghostbusters pour avoir exploité des gestionnaires de déchets sans permis et ordonne la désactivation de leur système de confinement des fantômes, provoquant une explosion qui libère des centaines de fantômes. Les fantômes font des ravages dans toute la ville tandis que Louis/Vinz avance vers l'appartement de Dana/Zuul. Leur rencontre amoureuse ouvre la porte et les transforme en chiens surnaturels. En consultant les plans de l'immeuble de Dana, les Ghostbusters apprennent que le médecin fou et chef de secte Ivo Shandor, affirmant que l'humanité était trop malade pour survivre après la Première Guerre mondiale, a conçu le bâtiment comme une passerelle pour invoquer Gozer et provoquer la fin du monde. Les Ghostbusters sont libérés pour lutter contre la crise surnaturelle, mais après avoir atteint le toit de l'immeuble de Dana, ils ne peuvent pas empêcher l'arrivée de Gozer, qui apparaît sous la forme d'une femme. Brièvement maîtrisée par l'équipe, Gozer disparaît, mais sa voix fait écho au fait que le « destructeur » suivra, prenant une forme choisie par l'équipe. Ray se souvient par inadvertance d'une mascotte d'entreprise bien-aimée de son enfance - "quelque chose qui ne pourrait jamais nous détruire" - et le destructeur arrive sous la forme d'un géant Stay Puft Marshmallow Man et attaque la ville. Les Ghostbusters traversent les flux d'énergie de leur pack de protons (en inversant le flux de particules) et les tirent contre le portail de Gozer ; l'explosion bat Gozer/The Stay Puft Marshmallow Man et libère Dana et Louis de leurs démons possesseurs. Alors que des milliers de New-Yorkais s'essuient pour se débarrasser des guimauves, les Ghostbusters sont accueillis dans la rue comme des héros. Casting * Bill Murray dans le rôle de Peter Venkman * Dan Aykroyd dans le rôle de Raymond "Ray" Stantz *Harold Ramis dans le rôle d'Egon Spengler *Ernie Hudson dans le rôle de Winston Zeddemore *Annie Potts dans le rôle de Janine Melnitz * Sigourney Weaver dans le rôle de Dana Barrett * Rick Moranis dans le rôle de Louis Tully * William Atherton dans le rôle de Walter Peck * David Margulies dans le rôle de Lenny Clotch, maire de la ville de New York * Slavitza Jovan dans le rôle de Gozer ** Paddi Edwards dans le rôle de Gozer (voix) Le casting comprend également Alice Drummond en tant que bibliothécaire, Jennifer Runyon en tant que bénévole ESP, Michael Ensign en tant que directeur de l'hôtel, Jordan Charney en tant que Dean Yager et Reginald VelJohnson en tant que gardien de prison. Le réalisateur Ivan Reitman fournit les voix de Zuul et Slimer. Roger Grimsby, Ron Jeremy, Casey Kasem, Larry King, Joe Franklin et Bill Walton ont fait des apparitions; de plus, une jeune Debbie Gibson apparaît comme un figurant non crédité. Dans la scène supprimée, Kym Herein joue une femme fantôme dans un rêve. Production Développement Le concept du film a été inspiré par la fascination de Dan Aykroyd pour le paranormal. M. Aykroyd l'a conçu comme un véhicule pour lui-même et son ami et ancien élève de Saturday Night Live, John Belushi. L’histoire originale, telle qu’écrite par Aykroyd, était très différente de ce qui a finalement été filmé. Dans la version originale, un groupe de "Ghostsmashers" voyageait à travers le temps, l'espace et d'autres dimensions pour combattre d'énormes fantômes (dont le Stay-Puft Marshmallow Man était l'un des nombreux). Ils portaient des tenues de type SWAT et utilisaient des baguettes au lieu de packs de protons pour combattre les fantômes. (Les storyboards originaux les montrent portant des casques de type anti-émeute avec des visières transparentes mobiles.) En plus d'un titre similaire, le film partage le principe des « exterminateurs » professionnels en mission paranormale avec la comédie burlesque des Bowery Boys Spook Busters (1946, réalisé par William Beaudine) ainsi qu'avec le court métrage Disney Lonesome Ghosts de 1937. Lonesome Ghosts comprend la phrase "Je n'ai peur d'aucun fantôme". Aykroyd a présenté son histoire au réalisateur/producteur Ivan Reitman, qui a aimé l'idée de base mais a immédiatement vu l'impossibilité budgétaire de la première ébauche d'Aykroyd. À la suggestion de Reitman, Aykroyd et Ramis ont apporté une refonte majeure à l'histoire, écrivant le scénario final au cours d'un séjour de trois semaines dans un abri anti-bombes de Martha's Vineyard en mai-juin 1982. Fonderie Aykroyd et Ramis ont initialement écrit des rôles spécialement pour Belushi et John Candy. Cependant, Belushi est décédé avant que le scénario ne soit terminé et Candy ne s'est pas engagée dans le projet, alors Aykroyd et Ramis ont apporté d'autres changements qui ont été reflétés dans la production du film. Candy apparaîtra plus tard dans le clip de la chanson thème du film. Louis Tully a été conçu à l'origine comme un homme conservateur en costume d'affaires pour être joué par le comédien Candy ; mais Rick Moranis a plutôt dépeint Louis comme un geek. Gozer devait à l'origine apparaître sous la forme d'Ivo Shandor, un homme mince et banal en costume, joué par Paul Reubens ; mais le rôle a été joué par le mannequin yougoslave Slavitza Jovan. La voix démoniaque de Gozer a été fournie par Paddi Edwards. Selon Ernie Hudson, une version antérieure du scénario avait son personnage, Winston, dans un rôle plus important avec une histoire élaborée en tant qu'expert en démolition de l'Air Force. Enthousiasmé par le rôle, il a accepté le poste pour la moitié de son salaire habituel. La veille du début du tournage, il reçut un nouveau scénario avec un rôle considérablement réduit ; Reitman lui a dit que le studio avait voulu élargir le rôle de Murray. Dans un article de 2015 pour Entertainment Weekly, Hudson a écrit : « J'adore le personnage et il a de superbes répliques, mais je sentais que le gars était juste un peu là. J'adore le film, j'aime les gars. Je suis très reconnaissant envers Ivan de m'avoir choisi. Je suis très reconnaissant que les fans apprécient le personnage de Winston, mais cela a toujours été très frustrant, c'est une sorte de rapport amour/haine, je suppose." Libérer Box-office Ghostbusters est sorti le 8 juin 1984 dans 1 339 salles. Il a rapporté 13,6 millions de dollars lors de son week-end d'ouverture et 23 millions de dollars la première semaine, établissant à l'époque des records en studio. Le film a été numéro un au box-office pendant cinq semaines consécutives, rapportant 99,8 millions de dollars. Après sept semaines, il a finalement été propulsé à la deuxième place par le film Purple Rain de Prince, et a alors rapporté 142,6 millions de dollars, juste derrière Indiana Jones et le Temple maudit en tant que meilleure source de revenus de l'année. Remarquablement, Ghostbusters a ensuite regagné la première place la semaine suivante, puis à nouveau six semaines plus tard. Il a rapporté 229,2 millions de dollars de recettes, ce qui en fait le deuxième film le plus rentable de 1984, derrière le Flic de Beverly Hills. Ajustés à l'inflation, ces chiffres le placent parmi les 40 films les plus rentables de tous les temps. Box Office Mojo estime que le film a vendu plus de 68 millions de billets aux États-Unis lors de sa première sortie en salles. Une réédition en 1985 a porté le montant brut du film aux États-Unis à 238,6 millions de dollars (en dollars d'aujourd'hui), dépassant Le Flic de Beverly Hills et en faisant la comédie la plus réussie des années 1980. Réponse critique Ghostbusters a reçu des critiques favorables de la part des critiques et du public et est considéré par beaucoup comme le meilleur film de 1984. Il détient une note d'approbation de 97 % « Certified Fresh » sur le site Web d'agrégation d'avis Rotten Tomatoes, sur la base de 67 critiques ; le consensus du site a qualifié le film de "mélange contagieux et amusant d'effets spéciaux et de comédie, avec la performance hilarante et pince-sans-rire de Bill Murray menant un casting de grands tours comiques". Sur Metacritic, le film a une note de 67 sur 100, basée sur 7 critiques, indiquant des « critiques généralement favorables ». Le critique de cinéma Roger Ebert a attribué au film trois étoiles et demie sur quatre et a écrit : « Ce film est une exception à la règle générale selon laquelle les gros effets spéciaux peuvent détruire une comédie... rarement un film aussi cher n'a-t-il fourni autant de répliques citables. ". David Ansen du magazine Newsweek a écrit : « Tout le monde semble travailler vers le même objectif de folie détendue. Ghostbusters est une merveilleuse absurdité estivale. » Dans sa critique pour TIME, Richard Schickel a fait l'éloge des trois acteurs principaux : « Parmi les chasseurs de fantômes, les deux hommes interprétés par les scénaristes Aykroyd et Ramis sont gentiment sérieux quant à leur vocation et aimables de donner le film à leur co-star Bill Murray. évidemment (et à bon escient) considère le Dr Peter Venkman comme une opportunité unique de développer pleinement son personnage de bande dessinée breveté. " Pauline Kael a eu des problèmes avec l'alchimie entre les trois acteurs principaux : "Murray est le mécanisme comique du film... mais personne d'autre n'a beaucoup de matériel, et comme il n'y a presque pas de concessions mutuelles entre les trois hommes, le côté de Murray les lignes tombent sur de l'air mort. Dans sa critique du New York Times, Janet Maslin a écrit : « Ses blagues, ses personnages et son scénario sont aussi vaporeux que les fantômes eux-mêmes, et beaucoup moins substantiels. » Prix Le film a reçu deux nominations aux Oscars, dont celle de la meilleure chanson originale (pour la chanson à succès "Ghostbusters") et des meilleurs effets visuels (John Bruno, Richard Edlund, Chuck Gaspar et Mark Vargo). Le film a été nominé pour deux Golden Globes : Meilleur film musical ou comique et Meilleur acteur – Film musical ou comique (Bill Murray). Médias domestiques Ghostbusters est sorti en VHS, Betamax, Laserdisc et CED en 1985, quelques mois après la réédition du film en salles. La bande-son stéréo du transfert VHS a été inversée de droite à gauche ; la bande originale a été corrigée dans les éditions futures du film. Il a été réédité en VHS en 1987. En 1989, Criterion Collection a sorti une version LaserDisc du film, dans une version CLV à un disque et une version CAV en édition spéciale à deux disques. Ce dernier comprenait des scènes supprimées, une démonstration sur écran partagé des effets du film, le scénario et d'autres fonctionnalités spéciales. Le réalisateur Ivan Reitman n'était pas satisfait de la sortie du film sur LaserDisc car "cela augmentait tellement le niveau de lumière qu'on voyait toutes les lignes mates. J'en étais gêné toutes ces années". Il est sorti en VHS en 1990 dans le cadre d'un coffret VHS comprenant Ghostbusters II. Il a été réédité en VHS en 1994 et en 1996 dans le cadre de la collection familiale Columbia TriStar. La version DVD du film est sortie le 29 juin 1999, à une époque où environ quatre millions de foyers américains possédaient des lecteurs DVD, et est devenue l'un des produits les plus vendus de Reel.com. Sony a annoncé au Comic-Con 2008 que la version Blu-ray du film sortirait le 21 octobre 2008. Sony l'a initialement rendu disponible via son site Web promotionnel [http://www.ghostbustersishiring.com/ Ghostbustersishiring.com]. Le film est sorti sur Blu-ray le 16 juin 2009, pour coïncider avec le 25e anniversaire du film. Ghostbusters a été le premier film officiellement sorti sur une clé USB. Une deuxième version Blu-ray, sortie le 14 mai 2013, a été commercialisée sous le nom de « Mastered in 4k ». Rééditions Sony Pictures a réédité le film dans près de 500 salles aux États-Unis le 13 octobre 2011 et les deux jeudis suivants avant Halloween de la même année. Sony a réédité un remaster en version 4K pour son 30e anniversaire le 29 août 2014. Initialement une réédition d'une semaine pour la fête du Travail aux États-Unis, elle a duré trois semaines se terminant le 18 septembre. Le film a de nouveau été réédité les 8 et 12 juin 2016 pour générer de la publicité pour le remake de 2016 du film. Il a été projeté dans plus de 800 cinémas et comprenait des images du remake. Musique Bande sonore La bande originale de Ghostbusters est sortie sur LP en 1984 par Arista Records. La chanson thème du film, "Ghostbusters", écrite et interprétée par Ray Parker, Jr., a déclenché les slogans "Qui vas-tu appeler ? Ghostbusters !" et "Je n'ai peur d'aucun fantôme." La chanson a été un énorme succès, restant numéro un pendant trois semaines sur le palmarès Billboard Hot 100 et pendant deux semaines sur le palmarès Black Singles, et a valu à Parker une nomination aux Oscars pour la meilleure chanson originale. Selon Bruce A. Austin (en 1989), le thème « aurait ajouté 20 millions de dollars au box-office du film ». À l'automne 1984, le chanteur et compositeur Huey Lewis a poursuivi Ray Parker, Jr. pour plagiat, affirmant que Parker avait copié la mélodie de sa chanson de 1984 " I Want a New Drug ". Lewis avait été approché pour composer la chanson thème principale du film, mais a refusé en raison de son travail sur la bande originale de Retour vers le futur. Les deux musiciens se sont réglés à l'amiable. Il a été rapporté en 2001 que Lewis aurait violé un accord pour ne pas mentionner le procès initial, ce faisant sur Behind the Music de VH1. Le clip produit pour la chanson est devenu le clip numéro un sur MTV. Mettant en vedette l'actrice Cindy Harrell, réalisée par Ivan Reitman, produite par Jeffrey Abelson et conceptualisée par Keith Williams, la vidéo intégrait des images du film avec une performance humoristique de Parker. Il présentait également des apparitions de célébrités qui se sont jointes au chœur d'appel et de réponse, notamment Chevy Chase, Irene Cara, John Candy, Melissa Gilbert, Ollie E. Brown, Jeffrey Tambor, George Wendt, Al Franken, Danny DeVito, Carly Simon. , Peter Falk et Teri Garr. La vidéo se termine avec Parker et les stars du film, en costume complet de Ghostbuster, dansant et chantant derrière Parker à Times Square. Sony a obtenu les droits sur la bande originale du film lorsque sa division musicale Sony Music Entertainment a acquis le catalogue Arista via la coentreprise Bertelsmann Music Group en 2004 et le rachat de BMG à Sony en 2008. Personnel *Ray Parker, Jr. – chant, guitare, basse, synthétiseur, batterie *Kenny Loggins – chant de fond *Sheena Easton – chant de fond *Irene Cara – chant de fond *Steve Lukather – guitare *James Newton Howard – claviers *David Paich – claviers *Steve Porcaro – claviers, synthétiseur *David Foster – piano *Nathan East – basse *Tris Imboden – batterie *Albhy Galuten – arrangement orchestral Score La musique du film a été composée par Elmer Bernstein et se distingue par son utilisation des ondes Martenot (un incontournable du travail de Bernstein des années 1980) ainsi que du synthétiseur Yamaha DX7. Les orchestrateurs contribuant au film étaient Peter Bernstein, David Spear et Patrick Russ. La partition a été commercialisée en 2006 sous le titre Ghostbusters : Original Motion Picture Score de Varèse Sarabande. Il contient 39 morceaux de Bernstein, dont plusieurs morceaux qui ont été remplacés en tout ou en partie par des chansons, et les quatre morceaux que Bernstein a spécialement enregistrés pour l'album de la bande originale ("Ghostbusters Theme", "Dana's Theme" et l'inédit "Magic " et "Zool"). Bernstein a compris la décision de supplanter sa musique d'ouverture et une partie de la musique du générique de clôture par la chanson de Ray Parker Jr., mais n'aimait pas que cette tactique soit utilisée avec d'autres parties de la partition, en particulier avec "Ghosts!" (écrit pour la scène où les fantômes sont libérés) étant remplacé par "Magic" de Mick Smiley. Réception critique Les critiques d'AllMusic ont attribué à l'album de la bande originale et à la musique originale du film 4 étoiles sur un total de 5. Evan Cater décrit l'album de la bande originale de manière quelque peu péjorative comme « une écoute très décousue et schizophrène » qui « fait très peu pour évoquer les souvenirs du film ». Cependant, il note qu'il existe des exceptions à cela, à savoir la chanson titre de Ray Parker Jr. "Ghostbusters", "Magic" de Mick Smiley et les deux inclusions de la partition d'Elmer Bernstein. Jason Ankeny décrit la musique originale du film comme « épique tant par son son que par son ampleur », notant qu'elle « se classe parmi les efforts les plus éblouissants et divertissants de Bernstein, évoquant l'émerveillement grand écran de son matériel source », concluant que « ses mélodies complètent magnifiquement l'esprit. et la créativité du récit à l'écran. Suite et redémarrage Après le succès du premier film et de la série animée The Real Ghostbusters, Columbia Pictures a fait pression sur les producteurs pour qu'ils fassent une suite. Cependant, Aykroyd, Ramis et Reitman n'étaient pas à l'aise avec cela, car le film original était censé être concluant et ils souhaitaient travailler sur d'autres projets. Finalement, ils ont accepté et ont créé un scénario. Le deuxième film, Ghostbusters II, est sorti en 1989. Un scénario pour un troisième film potentiel était en cours de développement par Gene Stupnitsky et Lee Eisenberg, l'équipe de scénaristes qui a travaillé avec Ramis sur la comédie Year One de 2009 ; selon Ramis, les quatre principaux acteurs du film original devaient potentiellement avoir des rôles mineurs à l'écran : « Le concept est que les anciens Ghostbusters apparaîtraient dans le film en tant que mentor. » Les commentaires de Murray en août 2010, après la sortie de Year One, suggéraient que le mauvais accueil de ce dernier rendait improbable une nouvelle suite de Ghostbuster. Deux mois plus tard, Aykroyd a minimisé les commentaires de Murray, affirmant que Stupnitsky et Eisenberg "ont écrit à Bill le rôle comique de sa vie, et les nouveaux Ghostbusters et les anciens y sont tous bien représentés" ; ils ont rédigé une « première ébauche solide » sur laquelle Aykroyd et Ramis travailleraient. En février 2012, Aykroyd a déclaré : « Le scénario doit être parfait. Nous ne pouvons pas sortir un film qui soit moins que cela. Nous avons encore du travail à faire. Le 24 février 2014, Ramis est décédé, obligeant Sony Pictures à réévaluer le scénario qu'ils écrivaient pour Ghostbusters III. Sony prévoyait de démarrer la production à New York début 2015, mais Reitman a décidé de se retirer de la réalisation du film à la lumière du décès de Ramis. Reitman aidera cependant à trouver un nouveau directeur. Il a été révélé le 20 mars 2014 que Phil Lord et Chris Miller étaient en pourparlers pour réaliser le film, mais le 8 avril 2014, le duo avait décidé de renoncer au projet. Le 30 mai 2014, The Wrap a rapporté que Ruben Fleischer était envisagé pour réaliser le troisième film. Weaver a déclaré à Vanity Fair que le fils de son personnage, Oscar, serait un Ghostbuster dans le film. Le 2 août 2014, The Hollywood Reporter a révélé que le studio souhaitait que Paul Feig réalise le film et souhaite en faire une équipe entièrement féminine de Ghostbusters. Le 17 septembre 2014, Aykroyd a déclaré au Hollywood Reporter qu'il souhaitait créer un univers de style Ghostbusters, comme ce que Marvel a fait avec son propre univers. Le 8 octobre 2014, The Hollywood Reporter a annoncé que la scénariste Katie Dippold et le réalisateur Paul Feig écriraient le scénario. Le 10 décembre 2014, Rebel Wilson et Jennifer Lawrence ont révélé qu'elles avaient été approchées pour un rôle dans le redémarrage, tandis qu'Emma Stone, Melissa McCarthy, Amy Schumer et Lizzy Caplan étaient toutes intéressées à apparaître. Le 15 décembre 2014, des courriels divulgués par Sony ont révélé le projet ultime de Channing Tatum et Chris Pratt de faire équipe pour un autre film Ghostbusters, Tatum le comparant à Batman Begins. En janvier 2015, les principaux acteurs du film principal entièrement féminin ont été annoncés comme étant McCarthy, Kristen Wiig, Leslie Jones et Kate McKinnon. Les dates de sortie mondiale du redémarrage, intitulé Ghostbusters, étaient fixées à juillet 2016. Dans une interview en février 2015 sur l'émission de radio Unmasked de Ron Bennington, Aykroyd a déclaré qu'il aimerait toujours voir son idée de suite se réaliser. Héritage L'American Film Institute l'a classé 28e dans sa liste des 100 meilleures comédies de tous les temps (dans sa liste 100 Years... 100 Laughs), et l'a nominé pour sa liste des 100 plus grands films de 1998 et 2007 et des 100 plus grands films de tous les temps. des films palpitants (dans 100 ans... 100 sensations fortes d'AFI). La chanson titre a été nominée pour les 100 ans... 100 chansons de l'AFI, et deux citations ont été nominées pour les 100 ans... 100 citations de films de l'AFI : "Nous sommes venus. Nous avons vu. Nous lui avons botté le cul" et "Il m'a slimed, " tous deux prononcés par Venkman. En 2005, l'IGN a élu Ghostbusters la plus grande comédie de tous les temps. En 2006, Bravo a classé Ghostbusters au 76e rang sur sa liste des 100 films les plus drôles. Entertainment Weekly l'a classé comme le film le plus drôle des 25 dernières années. En 2008, le magazine Empire a classé le film au 189e rang de sa liste des 500 plus grands films de tous les temps. En 2009, le magazine National Review a classé Ghostbusters au 10e rang de sa liste des 25 meilleurs films conservateurs des 25 dernières années. En 2000, les lecteurs du magazine Total Film ont élu Ghostbusters le 44e plus grand film comique de tous les temps.

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Quel fromage partage son nom avec une équipe de rugby Guiness Premiership qui joue à Welford Road ?

Leicester.

La Premiership anglaise (également connue sous le nom d'Aviva Premiership pour des raisons de parrainage) est une compétition professionnelle anglaise de rugby à XV. La Premiership se compose de douze clubs et constitue la première division du système des syndicats de rugby anglais. Les clubs de Premiership se qualifient pour les deux principales compétitions interclubs européennes, la European Rugby Champions Cup et la European Rugby Challenge Cup. L'équipe qui termine en bas de la Premiership chaque saison est reléguée au Championnat RFU de deuxième division et le vainqueur du Championnat est promu en Premiership. La compétition se joue depuis 1987 et a évolué vers le système actuel de Premiership. Les champions actuels sont les Sarrasins. L'équipe la plus récemment promue est Bristol, qui est revenue dans l'élite après avoir battu Doncaster lors de la finale des barrages du championnat RFU 2015-16. Histoire Voir également Histoire du système des syndicats de rugby anglais Débuts : union nationale anglaise de rugby jusqu'en 1972 L'organisme directeur de l'union de rugby en Angleterre, la Rugby Football Union (RFU), a longtemps résisté aux ligues car on pensait que l'introduction de ligues augmenterait le jeu « sale » et ferait pression sur les clubs pour qu'ils paient leurs joueurs (contrevenant ainsi à l'éthos amateur). ). Au lieu de cela, les clubs organisaient leurs propres matchs amicaux et organisaient des matchs traditionnels. Les seuls tournois organisés étaient les County Cups et les County Championships – les premiers joués par des clubs et les seconds par des équipes représentatives du comté. Le Daily Telegraph et quelques journaux locaux – comme le Yorkshire Post – ont compilé des « fanions » basés sur les performances des équipes, mais comme la force des calendriers variait, il s'agissait au mieux d'une estimation de la performance d'une équipe tout au long d'une saison. 1972-1995 : ligues et coupes En 1972, la RFU a sanctionné une coupe nationale à élimination directe – la R.F.U. Compétition de clubs, prédécesseur de l'actuelle Coupe anglo-galloise – suivie d'abord par des tables de mérite régionales puis, au milieu des années 1980, par des tables de mérite nationales. L'une des victimes du passage aux ligues compétitives a été la perte des matchs traditionnels, car les nouveaux calendriers ne leur laissaient pas suffisamment de temps. Le système de ligue a évolué depuis ses débuts en 1987, lorsque les Courage Leagues ont été créées – une pyramide de ligues avec environ 1 000 clubs jouant dans 108 ligues chacun avec promotion et relégation. Au cours de la première saison, les clubs devaient organiser les rencontres à des dates mutuellement convenables. Les clubs impliqués étaient Bath, Bristol, Coventry, Gloucester, Harlequins, Leicester, Moseley, Nottingham, Orrell, Sale, Wasps et Waterloo. Cette première saison a été un succès sans réserve, les clubs des échelons supérieurs des ligues nationales faisant état d’une fréquentation accrue, de l’intérêt des bailleurs de fonds locaux et des entreprises nationales et d’un niveau de compétence plus élevé parmi les joueurs exposés à une compétition régulière. Les craintes que les ligues n’entraînent davantage de violence sur le terrain se sont révélées largement infondées. La saison suivante, la RFU a attribué des samedis fixes à la saison de championnat, supprimant ainsi la responsabilité des clubs dans la programmation des matches. Il n'y avait pas de structure aller-retour dans les ligues au cours de ces premières saisons, car les équipes ne se jouaient qu'une seule fois. Au départ, deux équipes, Bath et Leicester, se sont révélées être au-dessus des autres dans la Courage League, et à elles deux, elles ont dominé le haut du classement. En 1994, la structure de la ligue s'est élargie pour inclure pour la première fois une rotation complète de matches à domicile et à l'extérieur. La saison 1994-1995 a été la première à être diffusée en direct sur Sky Sports, une relation qui s'est poursuivie jusqu'à la saison 2013-14, lorsque BT Sport a acquis les droits exclusifs. 1996 : L'aube du rugby professionnel La ligue est devenue professionnelle pour la saison 1996-1997 lorsque les premiers vainqueurs furent les London Wasps, rejoignant Bath et Leicester en tant que seuls champions de la première décennie de la ligue. Des clubs comme Saracens, Newcastle et Northampton ont réussi à attirer de riches bienfaiteurs, mais l'ère professionnelle a également fait des victimes, puisque des clubs comme West Hartlepool, Richmond et London Scottish ont été contraints à la mise sous administration lorsque leurs bailleurs de fonds se sont retirés. 2000-2002 : Premiership, Championnat et séries éliminatoires Le début de la saison 2000-01 a entraîné une refonte de la structure de la saison. En 2000-2001, des séries éliminatoires à 8 équipes (le Championnat) ont été introduites. Cependant, l'équipe terminant en tête du classement à la fin de la saison régulière était toujours considérée comme championne d'Angleterre (« titre de Premiership »). À mi-chemin de la saison 2001-2002, alors que Leicester avait toutes les chances de remporter son quatrième titre consécutif, il a été décidé de manière controversée que les vainqueurs des séries éliminatoires à 8 équipes seraient couronnés champions d'Angleterre. Il y a eu un tollé de la part des fans et cette proposition a été abandonnée. 2003-2014 : L'ascendant des playoffs Dès le début de la saison 2002-2003, un nouveau format de séries éliminatoires a été introduit pour remplacer le championnat à 8 équipes. Le format exigeait que l'équipe classée première de la ligue affronte le vainqueur d'un match entre les équipes classées deuxième et troisième. Il est important de noter que le vainqueur de ce match (la finale de la Premiership) serait reconnu comme champion d'Angleterre. Bien que Gloucester ait remporté la ligue avec une nette marge, ils ont ensuite dû attendre trois semaines avant la finale. Ayant perdu leur élan, les Wasps, deuxièmes (qui avaient battu Northampton, troisième), les ont facilement battus en barrages. La structure des séries éliminatoires a été reformatée au cours de la saison 2005-2006 au cours de laquelle l'équipe classée première affronterait l'équipe classée quatrième en demi-finale (une éliminatoire de Shaughnessy). Depuis la mise en place du système des séries éliminatoires, seules quatre équipes ont remporté à la fois la saison régulière et les séries éliminatoires la même année ; Leicester en 2000-01 (la première année des séries éliminatoires) et de nouveau en 2008-09 et 2009-10, Sale Sharks en 2005-06, Harlequins 2011-12 et Saracens en 2015-16. De toutes les équipes de Premiership, les Wasps ont acquis la réputation de jouer le format de compétition à la perfection, culminant au bon moment pour être sacrés champions d'Angleterre en 2003, 2004, 2005 et 2008. Les Wasps n'étaient pas en tête du classement de la ligue à la fin de la saison. saison au cours de l’une de ces années. En effet, l'ancien club londonien n'a plus terminé premier du championnat depuis le début des playoffs. À l'inverse, Gloucester a acquis la malheureuse réputation de mener le classement à la fin de la saison régulière, mais n'a pas réussi à remporter le titre de Premiership en perdant les finales en 2003, 2007 et 2008. La seule victoire de Gloucester en séries éliminatoires, en 2002, s'est produite lorsque la ligue les leaders, cette saison-là, Leicester, étaient toujours considérés comme des champions d'Angleterre, la victoire du Championnat de Gloucester étant considérée comme secondaire. La saison 2011-2012 a vu les Harlequins ajouter leur nom au trophée dès leur première tentative, s'imposant 30-23 contre les neuf fois champions de Leicester. Avec leur tout premier titre en Premiership anglaise, ils ne sont que le sixième club à remporter la Premiership depuis sa création en 1997, les autres étant les Newcastle Falcons, les London Wasps, les Leicester Tigers, les Sale Sharks et les Saracens. Le 10e championnat de Leicester devra attendre 2012-2013, en battant Northampton en finale. La saison Aviva Premiership 2013-2014 a vu Northampton ajouter son nom au trophée pour la première fois, devenant ainsi la 8e équipe différente à le faire. Ceci a été réalisé en battant les Leicester Tigers en demi-finale 21-20 et en refusant à Leicester une 10e finale consécutive. En finale, ils ont battu les Saracens 20-24 avec un essai dans la dernière minute de la prolongation pour remporter l'Aviva Premiership 2013-2014. 2014-présent : initiatives américaines L'avenir de la Heineken Cup étant incertain au-delà de 2013-2014, en raison d'un différend entre la Premiership Rugby Limited d'Angleterre et la LNR de France d'un côté et les instances dirigeantes du sport de l'autre, Premiership Rugby Limited a exploré plusieurs mesures visant à étendre sa marque au Royaume-Uni. États-Unis. En mai 2013, Premiership Rugby Limited et la société américaine RugbyLaw ont conclu un plan selon lequel les deux organisations devaient aider à soutenir un projet de ligue professionnelle américaine qui aurait pu commencer à jouer dès 2014. La première phase du plan consistait à impliquer deux des exhibitions de pré-saison mettant en vedette une équipe des « American Barbarians » qui associera vétérans internationaux et jeunes talents américains. Les « Barbares » devaient jouer des matchs en août 2013 aux États-Unis et à Londres, mais ces plans ont échoué ; les matchs sont actuellement retardés indéfiniment. En août 2013, le président des Leicester Tigers, Peter Tom, a confirmé que Premiership Rugby Limited avait discuté de la possibilité d'organiser certains matchs de Premiership aux États-Unis. Le premier match disputé aux États-Unis a eu lieu le 12 mars 2016, lorsque les London Irish ont été battus par les Saracens à la Red Bull Arena de la région métropolitaine de New York. Clubs Clubs actuels *Remarque : la capacité indiquée pour les matchs de rugby à XV peut différer de la capacité officielle du stade. Participation à l'élite Au total, 28 clubs ont participé aux 30 saisons de la ligue de haut niveau depuis sa création lors de la saison 1987-1988. Le club le plus récent à faire ses débuts en Premiership était London Welsh, qui a fait ses débuts en Premiership en 2012-2013. Quatre clubs ; Bath, Gloucester, Leicester et Wasps sont apparus à chaque saison jusqu'à présent. Les Harlequins n'ont raté que la saison 2005-2006 et six autres clubs sont apparus au cours d'au moins 20 saisons. Coventry, Liverpool St Helens, Moseley, Nottingham, Rosslyn Park, Rugby et Waterloo ne sont apparus que pendant l'ère amateur, tandis qu'Exeter, Leeds, London Welsh, Richmond, Rotherham et Worcester ne sont apparus que pendant l'ère professionnelle. Ci-dessous, les clubs 2016-2017 sont répertoriés en gras ; les clubs omniprésents sont répertoriés en italique gras. Les années indiquées sont les années civiles au cours desquelles les saisons se sont terminées. * Remarque : Leeds est maintenant connu sous le nom de Yorkshire Carnegie, mais était connu sous le nom de Leeds pendant tout son temps en Premiership. Structure Saison régulière La saison Aviva Premiership Rugby s'étend de septembre à mai et comprend 22 tours de matches, chaque club s'affrontant à domicile et à l'extérieur. Les résultats des matchs rapportent des points à la ligue comme suit : *4 points sont attribués pour une victoire *2 points sont attribués pour un match nul *0 point n'est cependant pas attribué en cas de perte **1 point perdant (bonus) est attribué à une équipe qui perd un match de 7 points ou moins *1 point (bonus) supplémentaire est attribué à une équipe marquant 4 essais ou plus dans un match Playoffs Une fois la saison régulière terminée, les 4 meilleures équipes participent aux barrages, qui se déroulent tout au long du mois de mai. Les deux meilleures équipes bénéficient de l'avantage du terrain, les leaders de la ligue accueillent l'équipe classée 4e et l'équipe classée 2e accueille l'équipe classée 3e. Les vainqueurs de ces demi-finales accèdent à la finale, qui se déroule au stade de Twickenham, le vainqueur de la finale étant les champions de Premiership. Relégation Il existe un système de promotion et de relégation vers et depuis l'Aviva Premiership. Le dernier club classé après les 22 tours de la saison régulière de Premiership est relégué dans le Championnat RFU, tandis que le vainqueur des barrages de championnat est promu en Premiership pour la saison suivante. Cependant, la promotion et la relégation sont soumises à des critères de normes minimales. Si le vainqueur des barrages ne répond pas à ces normes, alors il n'y a pas de relégation/promotion, comme cela aurait été le cas lors de la saison 2011-2012 lorsque London Welsh a remporté la promotion du championnat mais s'est vu refuser la promotion, libérant ainsi les Newcastle Falcons de relégation, jusqu'à ce que London Welsh fasse appel avec succès de son blocage. Qualification au concours européen Les six meilleures équipes se qualifient pour la Coupe d'Europe des Champions de Rugby la saison prochaine, tandis que l'équipe classée septième se qualifie pour les séries éliminatoires pour une autre place. Les équipes non qualifiées pour la Champions Cup participent à la European Rugby Challenge Cup. Joueurs Les italiques gras désignent un joueur actif dans la Premiership 2016-2017. Tous les records se rapportent à 1997, lorsque la National League One a été relancée sous le nom de Premiership. Les apparences Points Essaie Champions Entre 1987 et 2002, l'équipe en tête de la ligue a été sacrée championne d'Angleterre. De 2002 à 2003, le vainqueur de la ligue a été déterminé lors d'une finale de Premiership ; qui a lieu à Twickenham. Gagnants Plafond salarial La Premiership anglaise applique un plafond salarial, fixé par le Premiership Rugby Board, précisant l'argent qu'un club peut dépenser pour les salaires des joueurs de son équipe par saison. Au cours de la saison 2015-2016, le plafond salarial de base était de 5,1 millions de livres sterling, avec un « crédit académique » pouvant aller jusqu'à 400 000 £ (50 000 £ par joueur pour un maximum de huit joueurs). La Premiership a annoncé les niveaux de plafond suivants pour les saisons à venir : *2016-2017 : plafond de base de 6,5 millions £, crédits universitaires maximum de 600 000 £ *2017-2018 : plafond de base de 7 millions de livres sterling, crédits académiques maximum de 800 000 £ Un club peut utiliser le crédit de l'académie sur un joueur qui : (i) a rejoint le club avant son 18e anniversaire ; (ii) est âgé de moins de 24 ans au début de la saison ; et (iii) gagne un salaire supérieur à 30 000 £. Cela signifie que, par exemple, un joueur qualifié qui gagne 60 000 £ est soumis à un plafond de seulement 10 000 £. Exclusions Deux joueurs peuvent être exclus du calcul du plafond, soit une augmentation par rapport à un lors des saisons précédentes. Le premier emplacement de « joueur exclu » peut être occupé par n'importe quel joueur de la liste actuelle d'une équipe qui répond à l'un des critères suivants : *A joué avec son club de Premiership pendant au moins deux saisons complètes avant d'être nommé joueur exclu. *A joué avec son club de Premiership pendant toute la saison avant d'être nommé joueur exclu, après avoir joué en dehors de la Premiership. *A joué en dehors de la Premiership au cours de la saison précédant sa nomination. Le deuxième emplacement ne peut être occupé que par un joueur qui a été en dehors de la Premiership pendant au moins une saison complète avant de signer son contrat initial avec son club actuel de Premiership. « Contrat initial » désigne le premier contrat signé pour la saison 2015-2016 ou ultérieure, ce qui signifie qu'un joueur qui est revenu dans un ancien club de Premiership après avoir passé au moins une saison complète en dehors de la Premiership peut se qualifier pour la deuxième place. Couverture médiatique Au Royaume-Uni, les droits sont actuellement détenus par BT Sport dans le cadre d'un accord de 125 millions de livres sterling signé le 12 septembre 2012 pour diffuser 69 matchs en direct par saison pendant trois ans à partir de la saison 2013-2014. En Australie, l'Aviva Premiership est disponible sur BeIN Sports Australia. Depuis la saison 2008/09, il y a eu une émission de moments forts sur ITV4, répétée en milieu de semaine sur ITV. Aux États-Unis, l'Aviva Premiership est disponible sur NBC Sports depuis le printemps 2016. Talksport et BBC Radio 5 Live, ainsi que diverses stations de radio locales de la BBC diffusent des commentaires et des programmes de magazines.

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Où à Londres les premiers escaliers mécaniques ont-ils été installés en 1898 ?

Harrods

Un escalier roulant est un type de transport vertical sous la forme d'un escalier mobile – un dispositif de transport par convoyeur permettant de transporter des personnes entre les étages d'un bâtiment. Le dispositif se compose d'une chaîne motorisée de marches liées individuellement qui montent ou descendent sur des rails, permettant aux marches de rester horizontales. Les escaliers mécaniques sont utilisés partout dans le monde pour déplacer la circulation des piétons dans des endroits où les ascenseurs ne seraient pas pratiques. Les principaux domaines d'utilisation comprennent les grands magasins, les centres commerciaux, les aéroports, les systèmes de transport en commun, les centres de congrès, les hôtels, les arènes, les stades, les gares (métros) et les bâtiments publics. Les escaliers mécaniques ont la capacité de déplacer un grand nombre de personnes et peuvent être placés dans le même espace physique qu’un escalier. Ils n'ont pas d'intervalle d'attente (sauf en cas de circulation très dense), ils peuvent être utilisés pour guider les gens vers les sorties principales ou des expositions spéciales, et ils peuvent être protégés contre les intempéries pour une utilisation en extérieur. Un escalier roulant qui ne fonctionne pas peut fonctionner comme un escalier normal, alors que de nombreux autres moyens de transport deviennent inutiles lorsqu'ils tombent en panne. Conception, composants et fonctionnement Fonctionnement et aménagement Les escaliers mécaniques, comme les trottoirs roulants, sont souvent alimentés par des moteurs à courant alternatif à vitesse constante et se déplacent à environ 1 par seconde. L'angle d'inclinaison typique d'un escalier mécanique par rapport au niveau horizontal du sol est de 30 degrés avec une élévation standard allant jusqu'à environ 60 pieds. Les escaliers mécaniques modernes sont dotés de marches monobloc en aluminium ou en acier inoxydable qui se déplacent sur un système de rails en boucle continue. Les escaliers mécaniques ont trois options de configuration typiques : parallèle (escaliers mécaniques montants et descendants côte à côte ou séparés par une distance, souvent vus dans les stations de métro et les salles de cinéma à plusieurs niveaux), croisé (minimise les besoins en espace en "empilant" les escaliers mécaniques qui vont dans une direction, fréquemment utilisés dans les grands magasins ou les centres commerciaux), et parallèles multiples (deux ou plusieurs escaliers mécaniques ensemble qui se déplacent dans un sens à côté d'un ou deux escaliers mécaniques dans la même banque qui se déplacent dans l'autre sens). Par mesure de sécurité, les escaliers mécaniques doivent être équipés de mains courantes mobiles qui suivent le mouvement des marches. Cela aide les passagers à se stabiliser, en particulier lorsqu'ils montent dans les escaliers en mouvement. Parfois, une main courante se déplace à une vitesse légèrement différente de celle des marches, la faisant « ramper » lentement vers l'avant ou vers l'arrière par rapport aux marches. La perte de synchronisation entre la main courante et la vitesse des marches peut résulter du glissement et de l'usure. La direction de déplacement de l'escalier roulant (vers le haut ou vers le bas) peut être réglée en permanence, ou être contrôlée par le personnel en fonction du flux prédominant de la foule, ou être contrôlée automatiquement. Dans certaines configurations, la direction est contrôlée automatiquement par celui qui arrive en premier, que ce soit en bas ou en haut (le système est programmé pour que la direction ne soit pas inversée lorsqu'un passager est sur l'escalier roulant). Considérations de conception et de mise en page Un certain nombre de facteurs affectent la conception des escaliers mécaniques, notamment les exigences physiques, l'emplacement, les modèles de circulation, les considérations de sécurité et les préférences esthétiques. Avant tout, des facteurs physiques tels que la distance verticale et horizontale à parcourir doivent être pris en compte. Ces facteurs détermineront la longueur et la pente de l’escalier roulant. L'infrastructure du bâtiment doit être capable de supporter les composants lourds. L’escalier roulant doit être situé à un endroit facilement visible du grand public. Dans les grands magasins, les clients doivent pouvoir visualiser facilement la marchandise. De plus, la circulation montante et descendante des escaliers mécaniques doit être physiquement séparée et ne doit pas conduire à des espaces confinés. Les schémas de circulation doivent également être anticipés. Dans certains bâtiments, l'objectif est simplement de déplacer les personnes d'un étage à un autre, mais dans d'autres, il peut y avoir une exigence plus spécifique, comme diriger les visiteurs vers une sortie principale ou une exposition. Les escaliers mécaniques doivent être conçus pour transporter le nombre requis de passagers. Par exemple, un escalier roulant simple largeur se déplaçant à une vitesse d'environ par seconde peut déplacer environ 2 000 personnes par heure. La capacité de charge d'un système d'escaliers mécaniques doit correspondre à la demande de pointe de trafic prévue, en supposant que les passagers voyagent en file indienne. Ceci est crucial en cas d’augmentation soudaine du nombre de passagers. Par exemple, les escaliers mécaniques des gares doivent être conçus pour répondre aux pics de trafic émis par un train, sans provoquer de regroupement excessif à l’entrée de l’escalier roulant. À cet égard, les escaliers mécaniques aident à contrôler le flux de personnes. Par exemple, un escalier roulant menant à une sortie décourage effectivement la plupart des gens de l’utiliser comme entrée et peut réduire les problèmes de sécurité. De même, les escaliers mécaniques sont souvent utilisés comme sortie des points de contrôle de sécurité des aéroports. Un tel point de sortie serait toujours généralement doté de personnel pour empêcher son utilisation comme entrée pendant les périodes de faible trafic piétonnier. Il est préférable que les escaliers soient situés à côté de l'escalier mécanique si celui-ci constitue le principal moyen de transport entre les étages. Il peut également être nécessaire de prévoir un ascenseur à proximité de l'escalier roulant pour les fauteuils roulants et les personnes handicapées. Enfin, il convient de prêter attention à l’esthétique de l’escalier mécanique. Composants ; Plateformes d'atterrissage : Ces deux plates-formes abritent les sections courbes des voies, ainsi que les engrenages et moteurs qui entraînent les escaliers. La plate-forme supérieure contient l'ensemble moteur et le pignon d'entraînement principal, tandis que la plate-forme inférieure contient les pignons fous de retour pas à pas. Ces sections ancrent également les extrémités de la ferme de l’escalier roulant. De plus, les plates-formes contiennent une plaque de sol et une plaque de peigne. La plaque de plancher offre aux passagers un endroit où se tenir debout avant de monter dans les escaliers mobiles. Cette plaque affleure le sol fini et est soit articulée, soit amovible pour permettre un accès facile aux machines situées en dessous. La plaque peigne est la pièce située entre la plaque de sol fixe et la marche mobile. Il est ainsi nommé parce que son bord comporte une série de taquets qui ressemblent aux dents d'un peigne. Ces dents s'engrènent avec des taquets assortis sur les bords des marches. Cette conception est nécessaire pour minimiser l’espace entre l’escalier et le palier, ce qui permet d’éviter que des objets ne se coincent dans l’espace. ; Ferme : La ferme est une structure métallique creuse qui relie les paliers inférieur et supérieur. Il est composé de deux sections latérales reliées entre elles par des croisillons en bas et juste en dessous du haut. Les extrémités de la ferme sont fixées aux plates-formes d'atterrissage supérieure et inférieure via des supports en acier ou en béton. La ferme porte toutes les sections de rail droites reliant les sections supérieure et inférieure. ; Rails : Le système de rails est intégré à la ferme pour guider la chaîne de marche, qui tire continuellement les marches de la plate-forme inférieure vers le haut dans une boucle sans fin. Il y a en fait deux pistes : une pour les roues avant des marches (appelée piste de roue de marche) et une pour les roues arrière des marches (appelée piste de roue de remorque). Les positions relatives de ces rails font que les marches forment un escalier lorsqu'elles sortent du dessous du peigne. Le long de la section droite de la ferme, les voies sont à leur distance maximale les unes des autres. Cette configuration force l'arrière d'une marche à former un angle de 90 degrés par rapport à la marche située derrière elle. Cet angle droit plie les marches en une forme ressemblant à un escalier. En haut et en bas de l'escalier roulant, les deux voies convergent de sorte que les roues avant et arrière des marches sont presque en ligne droite. Cela amène les escaliers à être disposés en forme de feuille plate, l'un après l'autre, de sorte qu'ils puissent facilement contourner le virage de la section incurvée du rail. Les rails font descendre les marches le long de la face inférieure de la ferme jusqu'à ce qu'elles atteignent le palier inférieur, où elles traversent une autre section courbe de rail avant de quitter le palier inférieur. À ce stade, les rails se séparent et les marches reprennent une configuration en escalier. Ce cycle se répète continuellement à mesure que les marches sont tirées de bas en haut et de nouveau vers le bas. ; Marches : Les marches elles-mêmes sont solides, monobloc, en aluminium moulé sous pression ou en acier. Des lignes de démarcation jaunes peuvent être ajoutées pour indiquer clairement leurs limites. Dans la plupart des modèles d'escaliers mécaniques fabriqués après 1950, la contremarche et la bande de roulement de chaque marche sont à tasseaux (donnant un aspect nervuré) avec des saillies en forme de peigne qui s'engrènent avec les plaques de peigne sur les plates-formes supérieure et inférieure et les marches suivantes de la chaîne. Les escaliers mécaniques Seeberger ou « type marche » (voir ci-dessous) comportaient des bandes de roulement plates et des contremarches lisses ; d'autres modèles d'escaliers mécaniques ont des marches à crampons et des contremarches lisses. Les étapes sont reliées par une chaîne métallique continue qui forme une boucle fermée. Les bords avant et arrière des marches sont chacun reliés à deux roues. Les roues arrière sont plus espacées pour s'insérer dans la voie arrière et les roues avant ont des essieux plus courts pour s'insérer dans la voie avant plus étroite. Comme décrit ci-dessus, la position des pistes contrôle l'orientation des marches. ; Main courante : La main courante offre une poignée pratique aux passagers lorsqu'ils montent sur l'escalier roulant. Dans un escalier roulant, la main courante est tirée le long de son rail par une chaîne reliée au mécanisme d'entraînement principal par une série de poulies. Il est constitué de quatre sections distinctes. Au centre de la main courante se trouve un « curseur », également connu sous le nom de « couche de glisse », qui est une couche de coton ou de textile synthétique. Le but de la couche coulissante est de permettre à la main courante de se déplacer en douceur le long de son rail. La couche suivante, connue sous le nom de « élément de tension », est constituée soit d'un câble d'acier, soit d'un ruban d'acier plat, et confère à la main courante résistance à la traction et flexibilité. Au-dessus de l'élément de tension se trouvent les composants de construction internes, qui sont fabriqués en caoutchouc traité chimiquement et conçus pour empêcher les couches de se séparer. Enfin, la couche extérieure, la seule partie que les passagers voient réellement, est la housse, qui est un mélange de polymères synthétiques et de caoutchouc. Cette couverture est conçue pour résister à la dégradation due aux conditions environnementales, à l’usure mécanique et au vandalisme. Dans l'usine, les mains courantes sont construites en faisant passer du caoutchouc dans une machine d'extrusion contrôlée par ordinateur pour produire des couches de la taille et du type requis afin de répondre à des commandes spécifiques. Les couches de tissu, de caoutchouc et d'acier sont façonnées par des ouvriers qualifiés avant d'être introduites dans les presses, où elles sont fusionnées. Au milieu du XXe siècle, certains modèles de mains courantes étaient constitués d'un soufflet en caoutchouc, avec des anneaux de revêtement métallique lisse appelés « bracelets » placés entre chaque bobine. Cela donnait à la main courante une sensation à la fois rigide et flexible. De plus, chaque section de soufflet ne mesurait pas plus de quelques pieds de long, donc si une partie de la main courante était endommagée, seul le segment défectueux devait être remplacé. Ces formes de main courante ont été largement remplacées par des garde-corps conventionnels en tissu et en caoutchouc. Sécurité La sécurité est une préoccupation majeure dans la conception des escaliers mécaniques. En Inde, où les femmes portent des saris, il y a de fortes chances que le pallu s'emmêle dans l'escalier roulant. En conséquence, une protection spéciale sari est intégrée à la plupart des escaliers mécaniques. Il existe un risque de blessures aux pieds pour les enfants portant des chaussures telles que des Crocs et des tongs qui pourraient se coincer dans les mécanismes des escaliers mécaniques. Cela était dû à la douceur du matériau de la chaussure combinée à la petite taille des pieds des enfants. La protection incendie d'un escalier roulant peut être assurée en ajoutant des systèmes automatiques de détection et d'extinction d'incendie à l'intérieur de la fosse de dépoussiérage et de la fosse technique, en plus de tout système de gicleurs d'eau installé dans le plafond. Pour limiter le danger causé par la surchauffe, une ventilation des espaces contenant les moteurs et les engrenages doit être prévue, et de petits systèmes d'extinction automatique ciblés à agent propre peuvent être installés dans ces zones. La protection incendie d'une ouverture au sol d'un escalier mécanique peut être assurée en ajoutant des gicleurs automatiques ou des volets coupe-feu à l'ouverture, ou en installant l'escalier mécanique dans un hall fermé protégé contre le feu. Accidents et litiges Les leçons de l’incendie de King’s Cross L'incendie de King's Cross en 1987 a illustré la nature exigeante de l'entretien des escaliers mécaniques et la propension des appareils à collecter des « peluches » lorsqu'ils ne sont pas correctement entretenus. Dans l'enquête officielle qui a suivi, le rapport Fennell, il a été déterminé que l'incendie s'était déclaré lentement, avait couvé pratiquement inaperçu pendant un certain temps, puis avait explosé dans la billetterie au-dessus dans un phénomène jusqu'alors inconnu connu sous le nom d'« effet de tranchée ». Dans le train de roulement des escaliers mécaniques, environ 8 800 kg de détritus accumulés ont agi comme une mèche pour une accumulation négligée de lubrifiants intérieurs ; les placages de bois, les publicités en papier et en plastique, la peinture à base de solvants, le contreplaqué dans la billetterie et la combustion de mélamine ont ajouté à l'impact de la calamité. À la suite de ce rapport, les anciens escaliers mécaniques en bois ont été retirés du service dans le métro de Londres. De plus, les sections du métro de Londres qui se trouvaient réellement sous terre ont été rendues non-fumeurs ; Finalement, l'ensemble du système est devenu une zone sans fumée. Litige Dans les années 1930, au moins une plainte a été déposée contre un grand magasin, alléguant que ses escaliers mécaniques constituaient une nuisance attrayante, responsable de la blessure d’un enfant. Législation et escaliers mécaniques États-Unis Malgré leur portée considérable, deux lois du Congrès (le Rehabilitation Act de 1973 et l’Americans with Disabilities Act de 1990 (ADA)) n’ont pas directement affecté les escaliers mécaniques ni leurs installations publiques. Étant donné que l'article 504 de la loi sur la réhabilitation incluait les systèmes de transport public, pendant quelques années, le ministère des Transports des États-Unis a étudié la possibilité de moderniser les escaliers mécaniques existants pour permettre l'accès aux fauteuils roulants. Néanmoins, le plan de Foster-Miller Associates de 1980, Modification des escaliers mécaniques pour les handicapés, a finalement été ignoré au profit d'une augmentation des installations d'ascenseurs dans les systèmes de métro. De même, l'ADA prévoyait davantage d'options d'accessibilité, mais excluait expressément les escaliers mécaniques en tant que « moyens de sortie accessibles », ne préconisant ni leur suppression ni leur maintien dans les structures publiques. Codes et réglementation Aux États-Unis et au Canada, les nouveaux escaliers mécaniques doivent être conformes aux normes ASME A17.1, et les escaliers mécaniques anciens/historiques doivent être conformes aux directives de sécurité ASME A17.3. En Europe, le code de sécurité des escaliers mécaniques est EN115. Histoire Inventeurs et fabricants Nathan Ames Nathan Ames, un avocat en brevets de Saugus, dans le Massachusetts, est crédité du brevet du premier « escalier roulant » en 1859, malgré le fait qu'aucun modèle fonctionnel de sa conception n'a jamais été construit. Son invention, les « escaliers tournants », est en grande partie spéculative et les spécifications du brevet indiquent qu'il n'avait aucune préférence pour les matériaux ou l'utilisation potentielle (il a noté que les marches pouvaient être rembourrées ou en bois, et a suggéré que les unités pourraient bénéficier aux infirmes à l'intérieur.) un usage domestique), bien qu'il ait été suggéré que la mécanisation fonctionne soit par l'énergie manuelle, soit par l'énergie hydraulique. Citron Souder En 1889, Leamon Souder a breveté avec succès « l'escalier », un dispositif de type escalier mécanique comportant une « série de marches et de liaisons reliées les unes aux autres ». Aucun modèle n'a jamais été construit. Il s'agissait du premier d'au moins quatre brevets de type escalier mécanique délivrés à Souder, dont deux pour des conceptions en spirale (brevets américains n° 723 325 et 792 623). Jesse Wilford Reno, George A. Wheeler et Charles Seeberger Le 15 mars 1892, Jesse W. Reno a breveté le « convoyeur ou ascenseur sans fin ». Quelques mois après l'approbation du brevet de Reno, George A. Wheeler a breveté ses idées pour un escalier mobile plus reconnaissable, bien qu'il n'ait jamais été construit. Les brevets de Wheeler ont été achetés par Charles Seeberger ; certaines caractéristiques des conceptions de Wheeler ont été incorporées dans le prototype de Seeberger construit par la société Otis Elevator en 1899. Reno, diplômé de l'Université de Lehigh, a produit le premier escalier roulant fonctionnel (il l'appelait en fait « ascenseur incliné ») et l'a installé le long du Old Iron Pier à Coney Island, à New York, en 1896. Cet appareil particulier n'était guère plus qu'un courroie inclinée avec des lattes ou des taquets en fonte sur la surface pour la traction, et parcourue le long d'une inclinaison de 25°. Quelques mois plus tard, le même prototype a été utilisé pour une période d'essai d'un mois du côté Manhattan du pont de Brooklyn. Reno s'est finalement associé à Otis et a pris sa retraite une fois ses brevets achetés. Certains escaliers mécaniques de type Reno étaient encore utilisés dans le métro de Boston jusqu'à ce que la construction du Big Dig précipite leur retrait. La Smithsonian Institution a envisagé de réassembler l'une de ces unités historiques de 1914 dans sa collection d'Americana, mais « les coûts de logistique et de remontage l'ont emporté sur la nostalgie » et le projet a été abandonné. Vers mai 1895, Charles Seeberger commença à dessiner une forme d'escalier mécanique similaire à ceux brevetés par Wheeler en 1892. Ce dispositif consistait en fait en des escaliers plats et mobiles, un peu comme les escaliers mécaniques d'aujourd'hui, à un détail important près : la surface de la marche était lisse. , sans effet peigne pour guider en toute sécurité les pieds du cavalier aux extrémités. Au lieu de cela, le passager a dû descendre de côté. Pour faciliter cela, en haut ou en bas de l'escalier roulant, les marches continuaient à se déplacer horizontalement au-delà de l'extrémité de la main courante (comme un trottoir roulant miniature) jusqu'à disparaître sous un « séparateur » triangulaire qui guidait le passager de chaque côté. Seeberger s'est associé à Otis en 1899 et, ensemble, ils ont produit le premier escalier mécanique commercial qui a remporté le premier prix à l'Exposition Universelle de Paris en 1900 en France. L'ascenseur incliné de Reno, un modèle similaire de James M. Dodge et de Link Belt Machinery Co., ainsi que deux appareils différents des fabricants français Hallé et Piat étaient également exposés à l'exposition. Les premiers fabricants européens : Hallé, Hocquardt et Piat Piat a installé son escalier roulant « en continu » dans le magasin Harrods Knightsbridge le mercredi 16 novembre 1898, bien que l'entreprise ait renoncé à ses droits de brevet sur le grand magasin. Noté par Bill Lancaster dans The Department Store: a Social History, « les clients déconcertés par l'expérience ont été réanimés par des commerçants distribuant gratuitement des sels odorants et du cognac ». L'unité Harrods était une ceinture de cuir continue composée de « 224 pièces... fortement liées entre elles et se déplaçant vers le haut » et fut le premier « escalier mobile » en Angleterre. Hocquardt a obtenu les droits de brevet européen pour le Fahrtreppe en 1906. Après l'Exposition, Hallé a continué à vendre son appareil d'escalier mécanique en Europe, mais a finalement été éclipsé dans ses ventes par d'autres grands fabricants. Principaux concurrents et nomenclature des produits Dans la première moitié du XXe siècle, plusieurs fabricants ont développé leurs propres produits d’escaliers mécaniques, mais ils ont dû commercialiser leurs appareils sous des noms différents, en raison de la détention par Otis des droits de marque sur le mot « escalator ». La société Peelle, basée à New York, a appelé ses modèles Motorstair, et Westinghouse a appelé son modèle un escalier électrique. La société Haughton Elevator, basée à Tolède, a appelé son produit simplement Moving Stairs. Cette marque n'est plus en vigueur. Fusions et rachats dans le secteur manufacturier : les règles du jeu se rétrécissent Kone et Schindler ont présenté leurs premiers modèles d'escaliers mécaniques plusieurs décennies après Otis Elevator Co., mais sont devenus dominants dans le domaine au fil du temps. Aujourd'hui, Mitsubishi et ThyssenKrupp sont les principaux rivaux d'Otis. Schindler est désormais le plus grand fabricant d'escaliers mécaniques et le deuxième fabricant d'ascenseurs au monde, bien que sa première installation d'escaliers mécaniques n'ait eu lieu qu'en 1936. En 1979, l'entreprise est entrée sur le marché américain en achetant Haughton Elevator ; Une décennie plus tard, Schindler a pris le contrôle des opérations nord-américaines d'escaliers mécaniques et d'ascenseurs de Westinghouse, formant ainsi la division américaine de Schindler. Kone s'est développé à l'international par acquisition dans les années 1970, en rachetant le fabricant suédois d'ascenseurs Asea-Graham et en rachetant d'autres petits fabricants d'ascenseurs français, allemands et autrichiens avant de prendre le contrôle des activités européennes d'ascenseurs de Westinghouse. Tandis que les derniers « quatre grands » fabricants conservaient leur présence sur le marché des escaliers mécaniques, KONE a d'abord acquis la société Montgomery Elevator, puis a pris le contrôle de l'allemand Orenstein & Koppel Rolltreppen. Types de conception Spirale/hélicoïdale Jesse Reno, en plus d'être connu pour le premier escalier roulant pratique à usage public, a également conçu les premiers escaliers mécaniques installés dans n'importe quel système de métro souterrain sous la forme d'un escalier roulant en spirale (en fait un escalier hélicoïdal) à la station de métro Holloway Road à Londres en 1906. Le dispositif expérimental n’a jamais été utilisé par le public et a été oublié pendant plusieurs décennies. Les restes se trouvent maintenant dans le dépôt du London Transport Museum à Acton. Également premier escalier roulant en spirale entièrement opérationnel, la conception de Reno n’était néanmoins qu’un parmi plusieurs engins similaires proposés. Souder a breveté deux modèles d'escaliers hélicoïdaux (voir ci-dessus), Wheeler a rédigé des plans d'escaliers hélicoïdaux en 1905, Seeberger a conçu au moins deux unités hélicoïdales différentes entre 1906 et 1911 (y compris un arrangement non réalisé pour le métro de Londres) et Gilbert Luna a obtenu des escaliers ouest-allemands, japonais, et des brevets américains pour sa version d'un escalier mécanique en spirale en 1973. Lors d'une interview pour le Los Angeles Times cette année-là, Luna était en train de solliciter de grandes entreprises pour l'acquisition de ses brevets et de sa société, mais les statistiques ne sont pas claires sur le résultat de son projet. efforts à cet égard. La Mitsubishi Electric Corporation a connu le plus grand succès dans le développement d'escaliers mécaniques en spirale/hélicoïdaux et les vend exclusivement depuis le milieu des années 1980. Le premier escalier mécanique en spirale pratique au monde, un modèle Mitsubishi, a été installé à Osaka, au Japon, en 1985. Helixator, une conception expérimentale d'escalier mécanique en spirale/hélicoïdal qui existe actuellement sous forme de prototype à l'échelle, pourrait réduire davantage la surface au sol. La conception comporte plusieurs innovations qui offrent la possibilité d'une hélice continue. Entraîné par un moteur linéaire au lieu d'un système de chaîne, l'Helixator répartit la force uniformément le long du trajet de l'escalier roulant, évitant ainsi une force excessive sur les maillons supérieurs de la chaîne et supprimant les limites de géométrie, de longueur et de hauteur. Forme libre Levytator, une conception originaire de la City University de Londres, peut se déplacer en lignes droites ou en courbes avec ou sans montée ou descente. Les marches de retour ne se déplacent pas inutilement sous les marches en cours d'utilisation : elles fournissent plutôt des marches actives pour un déplacement dans la direction opposée. Étymologie Plusieurs auteurs et historiens ont apporté leurs propres interprétations différentes de la source du mot « escalator », et un certain degré de désinformation a jusqu'à présent proliféré sur Internet. À titre de référence, des citations contradictoires de sept personnes distinctes, dont la société Otis Elevator elle-même, sont fournies ci-dessous. Voir : Barrow, Dennis. « Seeberg.doc », document interne, Otis Elevator Co., Farmington, CT : United Technologies ; "escalier roulant, nom." OED en ligne. juin 2004. Oxford University Press, disponible : http://dictionary.oed.com/cgi/entry/50077810 ; « Otis Firsts : Les escaliers mécaniques à l'ère du Gaslight », Otis Elevator Co., disponible : <> ; "Objet : Histoire de l'Escalator" (lettre circulaire de vente non numérotée). Document interne, Otis Elevator Co., Farmington, CT : United Technologies, 16 octobre 1962 ; "Le mot 'Escalator'", Human Interest, en ligne. Le Musée pour la préservation de l'histoire élevée, disponible : http://www.theelevatormuseum.org/h/h-1.htm ; Worthington, Jr., William. "Early Risers", American Heritage of Invention & Technology, Vol. 4, n° 3 (hiver 1989) : 42 ; et Wosk, Julie. "Perspectives sur l'escalator dans la photographie et l'art", dans Up Down Across : ascenseurs, escaliers mécaniques et trottoirs roulants. (Alisa Goetz, éd.) Londres : Merrell, 2003. Développement du nom et intentions originales Charles Seeberger a créé le mot « escalator » en 1900, pour coïncider avec les débuts de son appareil à l'Exposition Universelle. Selon son propre récit, en 1895, son conseiller juridique lui a conseillé de donner un nom à sa nouvelle invention, et il a ensuite entrepris de concevoir lui-même un titre. Comme en témoignent les propres documents manuscrits de Seeberger, archivés au siège social d'Otis Elevator Company à Farmington, Connecticut, l'inventeur a consulté « un lexique latin » et « a adopté comme racine du nouveau mot « Scala » ; comme préfixe « E » et comme suffixe, « Tor ». » Sa propre traduction approximative du mot ainsi créé était « moyen de traverser depuis », et il avait l'intention que le mot soit prononcé, « es‧ʹkæl‧ə‧tər » (es-CAL -a-tor). "Escalator" n'est pas une combinaison d'autres mots français ou grecs, et n'a jamais été un dérivé de "ascenseur" dans le sens original, qui signifie "celui qui lève, un libérateur" en latin. De même, la racine du mot « scala » ne signifie pas « une volée de marches », mais est définie par Lewis et Short's A Latin Dictionary comme la forme singulière du nom pluriel « scalae », qui désigne l'un des éléments suivants : « une volée » des marches ou des escaliers, un escalier ; une échelle, [ou] une échelle." La prétendue capitalisation intentionnelle du mot « escalator » est également un sujet de débat. La demande de marque de Seeberger énumère le mot non seulement avec le « E » mais également avec toutes les lettres en majuscules (dans deux cas différents), et il précise que « toute autre forme et tout autre caractère de caractère peuvent être employés... sans altération de manière essentielle le caractère de [la] marque de commerce." Que ses spécifications initiales sont manifestement incohérentes et que les publicités d'Otis Elevator Co. mettaient si souvent en majuscule toutes les lettres du mot, les suppositions sur le « e » majuscule sont difficiles à formuler. Dérivés de « l'escalier mécanique » Le verbe « escalader » est né en 1922 et a deux usages, le primaire : « monter ou atteindre au moyen d'un escalator » ou « voyager sur un escalator », et le secondaire : « augmenter ou se développer par étapes successives ; spec. pour passer d'une guerre « conventionnelle » à une guerre nucléaire. « « escalader, verbe ». Le dictionnaire anglais d'Oxford. 2e éd. 1989. OED en ligne. Presse universitaire d'Oxford, février 2007. . Cette dernière définition a été imprimée pour la première fois dans le Manchester Guardian en 1959, mais est devenue largement utilisée à la fin des années 1960 et au début des années 1970. « escalader, verbe.² » The Oxford English Dictionary. 2e éd. 1989. OED en ligne. Presse de l'Université d'Oxford. Février 2007. . Perte des droits de marque En 1950, l'affaire historique Haughton Elevator Co. contre Seeberger a précipité la fin du règne d'Otis sur l'utilisation exclusive du mot « escalator » et a simultanément créé une étude de mise en garde pour les entreprises et les particuliers intéressés par la conservation de la marque. Confirmant l'affirmation de l'examinateur des interférences avec les marques de commerce, la décision du commissaire adjoint aux brevets Murphy a rejeté l'appel de la société Otis Elevator Company visant à conserver sa marque intacte et a noté que « le terme « escalier roulant » est reconnu par le grand public comme le nom d'un escalier mobile. et non sa source », observant que la société Otis Elevator Co. avait « utilisé le terme comme terme descriptif générique… dans un certain nombre de brevets qui [lui avaient] été délivrés et… dans leur matériel publicitaire ». Toutes les protections des marques ont été supprimées du mot « escalator », le terme a été officiellement générique et il est tombé dans le domaine public. Utilisations principales et application Grands magasins/shopping Comme indiqué ci-dessus, quelques types d'escaliers mécaniques ont été installés dans les grands magasins (dont Harrods) avant l'Expo. Les escaliers mécaniques ont joué un rôle déterminant dans l’aménagement et la conception des centres commerciaux au XXe siècle. En 1898, les premiers « ascenseurs inclinés » de Reno furent intégrés au magasin Bloomingdale Bros. situé sur la Troisième Avenue et la 59e Rue. Il s'agissait de la première application commerciale de ces appareils aux États-Unis, et ce n'est pas une mince coïncidence, étant donné que le principal financier de Reno était Lyman Bloomingdale, copropriétaire du grand magasin avec son frère Joseph Bloomingdale. Transport public Le premier escalier mécanique « standard » installé dans le métro de Londres était un modèle Seeberger à Earls Court. Noté ci-dessus, le métro de Londres a installé un rare escalier mécanique en spirale conçu par Reno, William Henry Aston et Scott Kietzman pour la station de métro Holloway Road en 1906 ; il a fonctionné pendant une courte période mais a été mis hors service le jour même de ses débuts. Les anciennes lignes du métro de Londres comportaient de nombreux escaliers mécaniques avec des marches en bois (vers les années 1930) jusqu'à ce qu'ils soient rapidement remplacés à la suite de l'incendie de King's Cross, mentionné ci-dessus. Autres applications Usines et autres environnements de production industrielle En 1905, l'usine à bois de l'American Woolen Company à Lawrence, dans le Massachusetts (alors « la plus grande usine de laine peignée au monde ») utilisait les escaliers mécaniques « réversibles » de type Seeberger d'Otis pour transporter ses travailleurs entre les étages quatre fois par jour. Les machines ne fonctionnaient pas toute la journée : les escaliers mécaniques fonctionnaient uniquement pour transporter les employés vers/depuis les repas de midi et vers/hors de l'usine. Dans sa publicité, Otis Elevator Company a salué cette utilisation non conventionnelle pour ses avantages uniques tant pour les travailleurs que pour les propriétaires : « La caractéristique rentable et pratique de l'escalator, du point de vue du propriétaire, est l'efficacité accrue de chaque opérateur grâce à l'élimination des monter les escaliers." Utilisation militaire À San Francisco, un escalier roulant du chantier naval de Hunters Point a été utilisé pour transporter le personnel entre le premier et le troisième étage. Au moment de sa construction en 1948, il était présenté ainsi : "[il possède] le plus haut ascenseur de tous les bâtiments industriels au monde. Il s'élève à 42 pieds." Des escaliers mécaniques étaient également utilisés sur les porte-avions tels que le , pour transporter les pilotes des « salles de préparation » au poste de pilotage. Modèles d'escaliers mécaniques historiques existants Voici quelques exemples notables d’escaliers mécaniques historiques toujours en activité : Australie * Gare de l'hôtel de ville, Sydney, Australie * Gare de Wynyard, Sydney, Australie L'Europe  * Tunnel piétonnier Sainte-Anne sous l'Escaut à Anvers, Belgique. Ce tunnel a été ouvert en 1933. * Tunnel pour cyclistes et piétons de Tyne, Tyne et Wear, Angleterre Ces escaliers mécaniques, fabriqués par Waygood Otis en 1951, étaient « considérés comme les escaliers mécaniques à ascenseur unique les plus longs au monde », au moment de leur installation. Vraisemblablement les premiers escaliers mécaniques conçus spécifiquement pour les cyclistes en Grande-Bretagne, ils étaient également les plus longs du Royaume-Uni. Tout au plus, il s’agit peut-être des escaliers mécaniques en bois les plus longs au monde, même s’ils ne sont plus en état de marche. * La station de métro Baumanskaya à Moscou, en Russie, contenait le plus ancien escalier mécanique de type tonnel (1944) encore utilisé, avec une longueur de 65 m et une élévation verticale de , cet escalier mécanique a été remplacé par un nouveau en 2015. Amérique du Nord * Grand magasin Macy's Herald Square, unités Otis de type L avec marches en bois et marches en métal de remplacement, New York, New York (uniquement dans les escaliers mécaniques montant du premier au septième étage) Exemples notables Systèmes les plus longs * Escalator Central-Mid-Levels : à Hong Kong, des dizaines de milliers de voyageurs se déplacent chaque jour ouvrable entre Central, le quartier central des affaires, et Mid-levels, un quartier résidentiel situé à des centaines de mètres en amont, en utilisant ce système d'escaliers mécaniques longue distance. et trottoirs roulants. Il s'agit du système d'escaliers mécaniques extérieurs le plus long au monde (pas une seule travée d'escaliers mécaniques), avec une longueur totale de 2 600 pieds. Il ne va que dans un seul sens à la fois ; le sens s'inverse en fonction du sens de circulation aux heures de pointe. * En décembre 2011, un réseau de six escaliers mécaniques d'une longueur de 1 260 pieds, équivalent à 28 étages de haut, a été ouvert à Medellin, en Colombie, offrant aux 12 000 habitants de la Comuna 13 un trajet de six minutes jusqu'au centre-ville par rapport aux 35 précédents. minute de montée à pied. * Cascade, Erevan : un système d'escaliers mécaniques de 774 pieds de longueur et 387 pieds de hauteur. * Ocean Park, Hong Kong : un long système d'escaliers mécaniques reliant deux parties du parc, d'une longueur totale de 730 pieds. Les escaliers mécaniques individuels les plus longs Monde * Les escaliers mécaniques les plus longs du monde sont installés dans les stations souterraines profondes du métro de Saint-Pétersbourg. Trois stations disposent d'escaliers mécaniques mesurant jusqu'à 137 m de long et de haut : Ploshchad Lenina, Chernyshevskaya et Admiralteyskaya. **Voir aussi Métro de Kiev dans la section Europe. * Le plus long escalier roulant autonome (supporté uniquement aux extrémités) au monde se trouve dans l'atrium du CNN Center à Atlanta, aux États-Unis d'Amérique. Il s'élève sur 8 étages et mesure 205 pieds de long. Construit à l'origine comme entrée du parc d'attractions The World of Sid et Marty Krofft, l'escalator est désormais utilisé pour les visites des studios de CNN. Asie * La station Rustaveli du métro de Tbilissi possède l'un des escaliers mécaniques les plus longs du monde. Il mesure 60 mètres de haut et 120 mètres de long. * L'un des escaliers mécaniques simples les plus longs d'Asie (par opposition à un système d'escaliers mécaniques comme celui de Hong Kong) se trouve à Chongqing, en Chine. Il rejoint la station de métro Lianglukou de Chongqing Rail Transit avec la gare ferroviaire aérienne de Caiyuanba. L'escalier roulant mesure 112 m de long et a un temps de transit d'environ 2 minutes 30 secondes.

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En quelle année a été diffusé le premier épisode de Doctor Who ? 1959, 1963 ou 1967 ?

1963

Doctor Who est un programme télévisé britannique de science-fiction produit par la BBC depuis 1963. Le programme dépeint les aventures du Docteur, un Seigneur du Temps, un extraterrestre humanoïde voyageant dans l'espace et dans le temps. Il explore l'univers dans son TARDIS, un vaisseau spatial sensible qui voyage dans le temps. Son extérieur ressemble à une cabine bleue de la police britannique, ce qui était courant en Grande-Bretagne en 1963, lors de la première diffusion de la série. Accompagné de compagnons, le Docteur combat divers ennemis, tout en œuvrant pour sauver les civilisations et aider les personnes dans le besoin. L’émission fait partie intégrante de la culture populaire britannique et est devenue ailleurs un favori de la télévision culte. L'émission a influencé des générations de professionnels de la télévision britannique, dont beaucoup ont grandi en regardant la série. Le programme s'est initialement déroulé de 1963 à 1989. Il y a eu une tentative infructueuse de relance de la production régulière en 1996 avec un pilote détourné, sous la forme d'un téléfilm. Le programme a été relancé en 2005 par Russell T Davies, qui a été showrunner et scénariste en chef pendant les cinq premières années de sa reprise, produite en interne par BBC Wales à Cardiff. La première série du 21e siècle mettait en vedette Christopher Eccleston dans le rôle titre et était produite par la BBC. Doctor Who a également donné naissance à des spin-offs dans plusieurs médias, notamment Torchwood (2006-2011) et The Sarah Jane Adventures (2007-2011), tous deux créés par Russell T Davies ; K-9 (2009-2010); et un seul épisode pilote de K-9 and Company (1981). Il y a également eu de nombreuses parodies et références culturelles au personnage dans d'autres médias. Douze acteurs ont été les vedettes de la série dans le rôle du Docteur. Le passage d'un acteur à l'autre est inscrit dans l'intrigue du spectacle, ainsi que l'approche différente du rôle que chacun apporte, sous le concept de régénération vers une nouvelle incarnation. La prémisse de la série est qu'il s'agit d'un processus de vie des Time Lords à travers lequel le personnage du Docteur acquiert un nouveau corps et, dans une certaine mesure, une nouvelle personnalité, qui survient après avoir subi une blessure qui serait mortelle pour la plupart des autres espèces. La représentation de chaque acteur diffère, mais ils sont tous censés être des aspects du même personnage et faire partie du même scénario. La nature de l'intrigue qui voyage dans le temps signifie que, à l'occasion, différents médecins se sont rencontrés. Peter Capaldi a assumé le rôle après le départ de Matt Smith dans le spécial de Noël 2013 "The Time of the Doctor". Prémisse Doctor Who suit les aventures du personnage principal, un Seigneur du Temps voyou de la planète Gallifrey, qui s'appelle simplement "Le Docteur". Il a fui Gallifrey dans une machine à voyager dans le temps volée Mark I Type 40 TARDIS – "Temps et dimension relative dans l'espace" – qui lui permet de voyager à travers le temps et l'espace. Le TARDIS dispose d'un "circuit caméléon" qui permet normalement à la machine de prendre l'apparence d'objets locaux comme déguisement. Cependant, le TARDIS du Docteur reste fixe comme une boîte bleue de la police britannique en raison d'un dysfonctionnement dans le circuit caméléon. Le Docteur voyage rarement seul et amène souvent un ou plusieurs compagnons pour partager ces aventures. Ses compagnons sont généralement des humains, car il est fasciné par la planète Terre. Il trouve souvent des événements qui piquent sa curiosité alors qu'il tente d'empêcher les forces du mal de nuire à des innocents ou de changer l'histoire, en utilisant uniquement son ingéniosité et ses ressources minimales, comme son tournevis sonique polyvalent. En tant que Seigneur du Temps, le Docteur a la capacité de se régénérer lorsque son corps est mortellement endommagé, prenant une nouvelle apparence et une nouvelle personnalité. Le Docteur a gagné de nombreux ennemis récurrents au cours de ses voyages, notamment les Daleks, les Cybermen et le Maître, un autre Seigneur du Temps renégat. Histoire Doctor Who est apparu pour la première fois sur BBC TV à 17 h 16 min 20 s GMT, quatre-vingts secondes après l'heure prévue du programme, 17 h 15, le samedi 23 novembre 1963. Il devait s'agir d'un programme hebdomadaire régulier, chaque épisode comportant 25 minutes de transmission. longueur. Les discussions et les plans pour le programme étaient en cours depuis un an. Le chef du drame, le Canadien Sydney Newman, était principalement responsable du développement du programme, le premier document de format de la série étant écrit par Newman avec le chef du département de scénario (plus tard chef des séries) Donald Wilson et le scénariste C. E. Webber. . L'écrivain Anthony Coburn, le rédacteur en chef David Whitaker et la productrice initiale Verity Lambert ont également fortement contribué au développement de la série. Newman se voit souvent attribuer le mérite du seul créateur de la série. Certains ouvrages de référence tels que The Complete Encyclopedia of Television Programs 1947–1979 de Vincent Terrace attribuent à tort à Terry Nation la création de Doctor Who, en raison de la façon dont son nom est crédité dans les deux films de Peter Cushing. Le rôle de Newman et Lambert dans la création de la série était reconnu dans l'épisode de 2007 « Human Nature », dans lequel le Docteur, déguisé en humain nommé John Smith, donne les noms de ses parents comme Sydney et Verity. Le programme était initialement destiné à un public familial, en tant que programme éducatif utilisant le voyage dans le temps comme moyen d'explorer des idées scientifiques et des moments célèbres de l'histoire. Le 31 juillet 1963, Whitaker chargea Terry Nation d'écrire une histoire sous le titre Les Mutants. Comme écrit à l'origine, les Daleks et les Thals ont été victimes d'une attaque extraterrestre à la bombe à neutrons, mais Nation a ensuite laissé tomber les extraterrestres et a fait des Daleks les agresseurs. Lorsque le scénario a été présenté à Newman et Wilson, il a été immédiatement rejeté car le programme n'était pas autorisé à contenir de « monstres aux yeux d'insectes ». La première série était terminée et la BBC pensait qu'il était crucial que la suivante soit un succès, mais The Mutants était le seul scénario prêt à être lancé, la série n'avait donc d'autre choix que de l'utiliser. Selon la productrice Verity Lambert ; "Nous n'avions pas beaucoup de choix - nous n'avions que la série Dalek à parcourir ... Nous avons eu une petite crise de confiance parce que Donald [Wilson] était si catégorique sur le fait que nous ne devrions pas y arriver. Si nous avions eu n'importe quoi d'autre était prêt, nous l'aurions fait." Le scénario de Nation est devenu la deuxième série de Doctor Who – Les Daleks (alias Les Mutants). La série présentait les extraterrestres éponymes qui allaient devenir les monstres les plus populaires de la série et était responsable du premier boom du merchandising de la BBC. La division des séries dramatiques de la BBC a produit le programme pendant 26 saisons, diffusé sur BBC 1. La baisse du nombre d'audience, une baisse de la perception du public de l'émission et un créneau de transmission moins important ont vu la production suspendue en 1989 par Jonathan Powell, contrôleur de la BBC. 1. Bien que (comme l'a rapporté Sophie Aldred, co-star de la série, dans le documentaire Doctor Who : More Than 30 Years in the TARDIS), la série a été effectivement, sinon formellement, annulée avec la décision de ne pas commander une 27e série prévue de la série pour la transmission. en 1990, la BBC a affirmé à plusieurs reprises que la série reviendrait. Alors que la production interne avait cessé, la BBC espérait trouver une société de production indépendante pour relancer l'émission. Philip Segal, un expatrié britannique qui travaillait pour la branche télévision de Columbia Pictures aux États-Unis, avait contacté la BBC à propos d'une telle entreprise dès juillet 1989, alors que la 26e série était encore en production. Les négociations de Segal ont finalement abouti à un téléfilm Doctor Who, diffusé sur le réseau Fox en 1996 en coproduction entre Fox, Universal Pictures, la BBC et BBC Worldwide. Si le film a connu un succès au Royaume-Uni (avec 9,1 millions de téléspectateurs), il l'a été moins aux États-Unis et n'a pas donné lieu à une série. Les médias sous licence tels que les romans et les pièces audio ont fourni de nouvelles histoires, mais en tant que programme télévisé Doctor Who est resté en sommeil jusqu'en 2003. En septembre de la même année, BBC Television a annoncé la production interne d'une nouvelle série après plusieurs années de tentatives de la part de BBC Worldwide. trouver un soutien pour une version long métrage. Les producteurs exécutifs de la nouvelle incarnation de la série étaient l'écrivain Russell T Davies et la responsable dramatique de BBC Cymru Wales, Julie Gardner. Doctor Who est finalement revenu avec l'épisode « Rose » sur BBC One le 26 mars 2005. Il y a depuis eu neuf autres séries en 2006-2008 et 2010-2015, et des émissions spéciales pour le jour de Noël chaque année depuis 2005. Aucune série complète n'a été tournée en 2009. , bien que quatre émissions spéciales supplémentaires mettant en vedette David Tennant aient été réalisées. En 2010, Steven Moffat a remplacé Davies en tant que scénariste en chef et producteur exécutif. En janvier 2016, Moffat a annoncé qu'il démissionnerait après la finale de 2017, pour être remplacé par Chris Chibnall en 2018. De plus, la série 10 fera ses débuts au printemps 2017, avec une diffusion spéciale de Noël en 2016. La version 2005 de Doctor Who est une continuation directe de l'intrigue de la série originale de 1963 à 1989. Ceci est souvent souligné dans les documentaires de making-of qui l'accompagnent dans la série Doctor Who Confidential, ainsi que dans des flashbacks occasionnels sur des images de versions antérieures du Docteur. et le téléfilm de 1996. Ceci est similaire à la suite de Mission Impossible de 1988, mais diffère de la plupart des autres relances de séries qui ont été soit des redémarrages (par exemple, Battlestar Galactica et Bionic Woman), soit se déroulant dans le même univers que l'original mais dans une période différente et avec différents personnages (par exemple, Star Trek : The Next Generation et spin-offs). Le programme a été vendu dans de nombreux autres pays à travers le monde (voir Audience). Conscience publique Il a été affirmé que la transmission du premier épisode avait été retardée de dix minutes en raison de la couverture médiatique étendue de l'assassinat du président américain John F. Kennedy la veille ; alors qu'en fait il s'est éteint après un délai de quatre-vingts secondes. La BBC pensait que de nombreux téléspectateurs avaient manqué cette introduction à une nouvelle série en raison de la couverture de l'assassinat, ainsi que d'une série de coupures de courant à travers le pays, et ils la rediffusèrent le 30 novembre 1963, juste avant le deuxième épisode. Le programme est rapidement devenu une institution nationale au Royaume-Uni, avec un large public parmi le grand public. De nombreux acteurs de renom ont demandé ou se sont vu proposer des rôles principaux dans diverses histoires. Avec la popularité est venue une controverse sur l'adéquation de l'émission aux enfants. Mary Whitehouse, militante pour la moralité, s'est plainte à plusieurs reprises auprès de la BBC dans les années 1970 de ce qu'elle considérait comme le contenu effrayant et sanglant de la série. John Nathan-Turner a produit la série dans les années 1980 et a été entendu dire qu'il attendait avec impatience les commentaires de Whitehouse, car les audiences de la série augmenteraient peu de temps après qu'elle les ait faites. L'expression « Se cacher derrière (ou « regarder derrière ») le canapé » est entrée dans la culture pop britannique, signifiant avec humour le comportement stéréotypé des premières séries d'enfants qui voulaient éviter de voir des parties effrayantes d'un programme télévisé tout en restant dans la pièce pour le regarder. le reste. L'expression conserve cette association avec Doctor Who, au point qu'en 1991 le Museum of the Moving Image de Londres a baptisé son exposition célébrant le programme « Behind the Sofa ». Le thème musical électronique était également perçu comme étrange, nouveau et effrayant à l'époque. Un article de 2012 a placé cette juxtaposition infantile de peur et de frisson « au centre de la relation de nombreuses personnes avec la série », et un vote en ligne de 2011 sur Digital Spy a considéré la série comme « l'émission télévisée la plus effrayante de tous les temps ». Au cours de la deuxième série de Jon Pertwee dans le rôle du Docteur, dans la série Terror of the Autons (1971), des images de poupées en plastique meurtrières, de jonquilles tuant des victimes sans méfiance et de policiers aux traits vides ont marqué le sommet de la capacité de la série à effrayer les enfants. D'autres moments notables de cette décennie incluent un cerveau désincarné tombant au sol dans Le Cerveau de Morbius et le Docteur apparemment noyé par le Chancelier Goth dans L'Assassin Mortel (tous deux en 1976). Une enquête d'audience de la BBC menée en 1972 a révélé que, selon leur propre définition de la violence (« tout acte susceptible de causer des blessures physiques et/ou psychologiques, des blessures ou la mort de personnes, d'animaux ou de biens, qu'ils soient intentionnels ou accidentels »). Doctor Who était le plus violent des programmes dramatiques produits par la société à l'époque. Le même rapport révèle que 3 % de l'audience interrogée considérait l'émission comme « très inadaptée » à un visionnage familial. Répondant aux résultats de l'enquête du journal The Times, le journaliste Philip Howard a affirmé que « pour comparer la violence de Dr Who, engendrée par un rire de cheval sorti d'un cauchemar, avec la violence plus réaliste d'autres séries télévisées, où les acteurs qui ressemblent à des êtres humains et qui saignent de la peinture qui ressemble à du sang, c'est comme comparer le Monopoly au marché immobilier de Londres : les deux sont des fantasmes, mais l'un d'eux est censé être pris au sérieux. » L'image du TARDIS est devenue fermement liée au spectacle dans la conscience du public ; Le scénariste de la BBC Anthony Coburn, qui vivait dans la station balnéaire de Herne Bay, dans le Kent, était l'un de ceux qui ont conçu l'idée d'un poste de police comme une machine à voyager dans le temps. En 1996, la BBC a déposé une demande de marque pour utiliser le design de la boîte de police bleue du TARDIS dans le merchandising associé à Doctor Who. En 1998, la Metropolitan Police Authority a déposé une objection à la revendication de marque ; mais en 2002, l'Office des brevets s'est prononcé en faveur de la BBC. Le large attrait du programme attire un public d'enfants et de familles ainsi que des fans de science-fiction. La renaissance du programme au 21e siècle est devenue la pièce maîtresse de la programmation du samedi de BBC One et a « défini la chaîne ». Depuis son retour, Doctor Who a toujours reçu des notes élevées, à la fois en nombre de téléspectateurs et en termes de mesure par l'indice d'appréciation. En 2007, Caitlin Moran, critique de télévision pour le Times, a écrit que Doctor Who est « la quintessence du fait d'être britannique ». Le réalisateur Steven Spielberg a déclaré que « le monde serait plus pauvre sans Doctor Who ». Le 4 août 2013, une émission en direct intitulée Doctor Who Live: The Next Doctor a été diffusée sur BBC One, au cours de laquelle l'acteur qui allait jouer le Douzième Docteur a été révélé. L'émission a été diffusée simultanément aux États-Unis et en Australie. Épisodes Doctor Who a initialement été diffusé pendant 26 saisons sur BBC One, du 23 novembre 1963 au 6 décembre 1989. Au cours de la diffusion originale, chaque épisode hebdomadaire faisait partie d'une histoire (ou "série") - généralement de quatre à six parties les années précédentes et trois à quatre au cours des années suivantes. Les exceptions notables étaient : le plan directeur des Daleks, diffusé en 12 épisodes (plus un teaser d'un épisode précédent, "Mission to the Unknown", ne mettant en vedette aucun des acteurs réguliers) ; presque une saison entière de séries de sept épisodes (saison 7) ; la série de 10 épisodes The War Games; The War Games. Les scénaristes Malcolm Hulke et Terrance Dicks, le réalisateur David Maloney et le producteur Derrick Sherwin. Docteur Who. BBC. BBC One, Londres. 19 avril 1969 - 21 juin 1969. et The Trial of a Time Lord, qui a duré 14 épisodes (bien que divisés en trois codes de production et quatre segments narratifs) au cours de la saison 23. The Trial of a Time Lord. Les scénaristes Robert Holmes, Philip Martin et Pip et Jane Baker, les réalisateurs Nicholas Mallett, Ron Jones et Chris Clough, le producteur John Nathan-Turner. Docteur Who. BBC. BBC One, Londres. 6 septembre 1986 - 6 décembre 1986. Parfois, les séries étaient vaguement liées par un scénario, comme la saison 8 consacrée au Docteur combattant un Seigneur du Temps voyou appelé Le Maître, la quête de la saison 16 pour La Clé du Temps, le voyage de la saison 18 à travers E- L'espace et le thème de l'entropie, et la trilogie Black Guardian de la saison 20. Le programme se voulait éducatif et destiné à être visionné en famille en début de soirée le samedi. Initialement, il alternait des histoires se déroulant dans le passé, destinées à enseigner l'histoire aux plus jeunes publics, avec des histoires se déroulant dans le futur ou dans l'espace pour leur enseigner la science. Cela se reflétait également dans les premiers compagnons du Docteur, dont l'un était professeur de sciences et un autre professeur d'histoire. Cependant, les histoires de science-fiction ont fini par dominer le programme et les « historiques », qui n'étaient pas populaires auprès de l'équipe de production, ont été abandonnés après The Highlanders (1967). Alors que la série continuait à utiliser des décors historiques, ils étaient généralement utilisés comme toile de fond pour les contes de science-fiction, à une exception près : Black Orchid se déroulant dans l'Angleterre des années 1920. Black Orchid. L'écrivain Terence Dudley, le réalisateur Ron Jones et le producteur John Nathan-Turner. Docteur Who. BBC. BBC One, Londres. 1 mars 1982 - 2 mars 1982. Les premières histoires étaient de nature sérielle, le récit d'une histoire se succédant dans la suivante et chaque épisode ayant son propre titre, bien que produit comme des histoires distinctes avec leurs propres codes de production. Cependant, après The Gunfighters (1966), chaque série reçut son propre titre, les parties individuelles se voyant simplement attribuer des numéros d'épisode. Parmi les nombreux auteurs du programme, Robert Holmes était le plus prolifique, tandis que Douglas Adams est devenu le plus connu en dehors de Doctor Who lui-même, en raison de la popularité de ses œuvres du Guide du voyageur galactique. Le format de la série a changé pour la reprise de 2005, chaque série étant généralement composée de 13 épisodes autonomes de 45 minutes (60 minutes avec publicités, sur les chaînes commerciales étrangères) et d'un épisode prolongé diffusé le jour de Noël. Chaque série comprend plusieurs histoires autonomes et en plusieurs parties, liées à un arc narratif lâche qui se résout dans la finale de la série. Comme au début de l'ère « classique », chaque épisode, qu'il soit autonome ou faisant partie d'une histoire plus vaste, a son propre titre. Parfois, les épisodes de séries régulières dépasseront la durée de 45 minutes ; notamment, les épisodes « Journey's End » de 2008 et « The Eleventh Hour » de 2010 ont duré plus d'une heure. Les épisodes de Doctor Who sont télévisés depuis 1963, allant d'épisodes de 25 minutes (le format le plus courant), d'épisodes de 45 minutes (pour La Résurrection des Daleks dans la série de 1984, une seule saison en 1985 et le revival), deux longs métrages -productions de longue durée (Les Cinq Médecins de 1983 et le téléfilm de 1996), onze émissions spéciales de Noël (la plupart d'une durée de 60 minutes, une de 72 minutes) et quatre émissions spéciales supplémentaires allant de 60 à 75 minutes en 2009, 2010 et 2013. Quatre des mini-épisodes, d'une durée d'environ huit minutes chacun, ont également été produits pour les appels caritatifs Children in Need de 1993, 2005 et 2007, tandis qu'un autre mini-épisode a été produit en 2008 pour une édition de The Proms sur le thème de Doctor Who. L'histoire en deux parties de 1993, intitulée Dimensions in Time, a été réalisée en collaboration avec les acteurs du feuilleton de la BBC EastEnders et a été filmée en partie sur le plateau d'EastEnders. Un mini-épisode en deux parties a également été produit pour l'édition 2011 de Comic Relief. À partir de l'émission spéciale "Planet of the Dead" de 2009, la série a été filmée en 1080i pour la TVHD et diffusée simultanément sur BBC One et BBC HD. Pour célébrer le 50e anniversaire de la série, un épisode spécial en 3D, "Le Jour du Docteur", a été diffusé en 2013. En mars 2013, il a été annoncé que Tennant et Piper reviendraient et que l'épisode aurait une durée limitée. sortie en salles dans le monde entier. En avril 2015, Steven Moffat a confirmé que Doctor Who durerait encore au moins cinq ans, prolongeant ainsi la série jusqu'en 2020. Épisodes manquants Entre 1964 et 1973 environ, de grandes quantités de documents plus anciens stockés dans les diverses bibliothèques de bandes vidéo et de films de la BBC ont été détruites. Les bandes, basées sur une norme de diffusion de 405 lignes, sont devenues obsolètes lorsque la télévision britannique est passée à un signal de 625 lignes. en préparation pour les transmissions de couleurs qui vont bientôt commencer. effacés ou ont souffert d'un mauvais stockage qui a entraîné une grave détérioration de la qualité de diffusion. Cela comprenait de nombreux anciens épisodes de Doctor Who, principalement des histoires mettant en vedette les deux premiers médecins : William Hartnell et Patrick Troughton. Au total, 97 des 253 épisodes produits au cours des six premières années du programme ne sont pas conservés dans les archives de la BBC (notamment les saisons 3, 4 et 5, dont 79 épisodes manquent). En 1972, presque tous les épisodes alors réalisés étaient connus pour exister à la BBC, tandis qu'en 1978, la pratique consistant à effacer les bandes et à détruire les copies de films « de rechange » avait cessé. Aucun épisode des années 1960 n'existe sur leurs bandes vidéo originales (toutes les copies survivantes étant des transferts de films), bien que certains aient été transférés sur film pour être montés avant la transmission et existent sous leur forme de diffusion. Certains épisodes ont été restitués à la BBC à partir des archives d'autres pays qui ont acheté des copies pour les diffuser, ou par des particuliers qui les ont acquis par divers moyens. Les premiers enregistrements vidéo couleur réalisés hors antenne par les fans ont également été récupérés, ainsi que des extraits filmés depuis l'écran de télévision sur un film cinématographique 8 mm et des extraits diffusés dans d'autres programmes. Des versions audio de tous les épisodes perdus existent auprès des téléspectateurs qui ont réalisé des enregistrements sur bande de l'émission. De courts extraits de chaque histoire, à l'exception de Marco Polo, "Mission vers l'inconnu" et Le massacre de la Saint-Barthélemy, existent également. En plus de cela, il y a des photographies hors écran réalisées par le photographe John Cura, qui a été embauché par divers membres du personnel de production pour documenter plusieurs de leurs programmes au cours des années 1950 et 1960, y compris Doctor Who. Ceux-ci ont été utilisés dans les reconstructions de fans des séries. Ces reconstitutions amateurs ont été tolérées par la BBC, à condition qu'elles ne soient pas vendues à des fins lucratives et distribuées sous forme de copies VHS de mauvaise qualité. L'un des épisodes perdus les plus recherchés est la quatrième partie de la dernière série de William Hartnell, La Dixième Planète (1966), qui se termine avec la transformation du Premier Docteur en Deuxième. La seule partie qui existe, à l'exception de quelques clips silencieux de 8 mm de mauvaise qualité, sont les quelques secondes de la scène de régénération, telle qu'elle a été montrée dans le magazine pour enfants Blue Peter. Avec l'approbation de la BBC, des efforts sont actuellement en cours pour restaurer autant d'épisodes que possible à partir du matériel existant. Des reconstructions « officielles » ont également été publiées par la BBC sur VHS, sur CD-ROM MP3 et sous forme d'articles spéciaux sur DVD. La BBC, en collaboration avec le studio d'animation Cosgrove Hall, a reconstitué les épisodes 1 et 4 manquants de The Invasion (1968), en utilisant des pistes audio remasterisées et les notes de scène complètes du tournage original, pour la sortie DVD de la série en novembre 2006. Les épisodes de The Reign of Terror ont été animés par la société d'animation Theta-Sigma, en collaboration avec Big Finish, et sont devenus disponibles à l'achat en mai 2013 via Amazon.com. Les animations ultérieures réalisées en 2013 incluent The Tenth Planet, The Ice Warriors et The Moonbase. En avril 2006, Blue Peter a lancé un défi pour retrouver les épisodes manquants de Doctor Who avec la promesse d'un modèle Dalek grandeur nature en récompense. En décembre 2011, il a été annoncé que la partie 3 de Galaxy 4 et la partie 2 de The Underwater Menace avaient été restituées à la BBC par un fan qui les avait achetées au milieu des années 1980 sans se rendre compte que la BBC n'en détenait pas de copies. Le 10 octobre 2013, la BBC a annoncé que des films de onze épisodes, dont neuf épisodes manquants, avaient été retrouvés dans une chaîne de télévision nigériane à Jos. Six des onze films découverts étaient la série en six parties L'Ennemi du monde, de dont tous les épisodes, sauf le troisième, manquaient. Les films restants provenaient d'une autre série en six parties, The Web of Fear, et comprenaient les épisodes 2, 4, 5 et 6 précédemment manquants. L'épisode 3 de The Web of Fear est toujours porté disparu. Personnages Le docteur Le personnage du Docteur était initialement entouré de mystère. Tout ce que l'on savait de lui au début du programme, c'est qu'il était un voyageur extraterrestre excentrique et d'une grande intelligence qui luttait contre l'injustice tout en explorant le temps et l'espace dans une machine à voyager dans le temps peu fiable, le "TARDIS" (un acronyme pour temps et dimension(s) relative(s). ) dans l'espace), qui apparaît notamment beaucoup plus grand à l'intérieur qu'à l'extérieur (une qualité appelée « transcendantalité dimensionnelle »). Lorsqu'il est devenu une entrée dans l'Oxford English Dictionary, le mot « TARDIS » a souvent été utilisé pour décrire tout ce qui semblait plus grand à l’intérieur que son extérieur ne le laissait entendre. Le Docteur initialement irascible et légèrement sinistre s'est rapidement adouci pour devenir une figure plus compatissante. Il a finalement été révélé qu'il avait fui son propre peuple, les Seigneurs du Temps de la planète Gallifrey. Changements d'apparence Les producteurs ont introduit le concept de régénération pour permettre la refonte du personnage principal. Cela a été motivé pour la première fois par la mauvaise santé de la star originale William Hartnell. Le terme réel « régénération » n'a cependant pas été initialement conçu avant la troisième régénération à l'écran du Docteur ; Le Docteur Hartnell avait simplement décrit avoir subi un « renouveau », et le Deuxième Docteur avait subi un « changement d'apparence ». L'appareil a permis la refonte de l'acteur à plusieurs reprises dans l'histoire de la série, ainsi que la représentation de médecins alternatifs issus du passé ou du futur relatif du Docteur. Les séries The Deadly Assassin et Mawdryn Undead et le téléfilm de 1996 établiront plus tard qu'un Time Lord ne peut se régénérer que 12 fois, pour un total de 13 incarnations. Cette phrase est restée coincée dans la conscience publique bien qu'elle n'ait pas été souvent répétée, et a été reconnue par les producteurs de la série comme un obstacle à l'intrigue lorsque la série a finalement dû régénérer le Docteur une treizième fois. L'épisode "Le Temps du Docteur" représentait le Docteur acquérant un nouveau cycle de régénérations, à partir du Douzième Docteur, car le Onzième Docteur était le produit de la douzième régénération du Docteur à partir de son ensemble d'origine. En plus des acteurs qui ont fait la une de la série, d'autres ont interprété des versions du Docteur dans des rôles invités. Notamment, en 2013, John Hurt a joué le rôle d'une incarnation jusqu'alors inconnue du Docteur connu sous le nom de Docteur de Guerre à l'approche du spécial 50e anniversaire de la série "Le Jour du Docteur". Il est montré dans le mini-épisode "La Nuit du Docteur" comme ayant été inséré rétroactivement dans la chronologie fictive de la série entre McGann et les Docteurs d'Eccleston, bien que son introduction ait été écrite de manière à ne pas perturber la dénomination numérique établie des Docteurs. Un autre exemple est tiré de la série de 1986 The Trial of a Time Lord, dans laquelle Michael Jayston dépeint Valeyard, qui est décrit comme un amalgame des côtés les plus sombres de la nature du Docteur, quelque part entre sa douzième et dernière incarnation. En de rares occasions, d’autres acteurs ont remplacé le rôle principal. Dans Les Cinq Docteurs, Richard Hurndall a joué le Premier Docteur en raison de la mort de William Hartnell en 1975. Dans Time and the Rani, Sylvester McCoy a brièvement joué le Sixième Docteur pendant la séquence de régénération, continuant en tant que Septième. Pour plus d'informations, consultez la liste des acteurs ayant incarné le Docteur. Dans d'autres médias, le Docteur a été joué par divers autres acteurs, dont Peter Cushing dans deux films. Le casting d'un nouveau Docteur a souvent inspiré débats et spéculations : en particulier, l'opportunité ou la possibilité qu'un nouveau Docteur soit joué par une femme. En octobre 2010, le Sunday Telegraph a révélé que le co-créateur de la série, Sydney Newman, avait exhorté la BBC à refondre le rôle du Docteur en tant que « Time Lady » féminine pendant la crise d'audience de la fin des années 1980. Rencontres de différentes incarnations Il y a eu des cas où des acteurs sont revenus plus tard pour reprendre le rôle de leur docteur spécifique. Dans Les Trois Docteurs en 1973, William Hartnell et Patrick Troughton reviennent aux côtés de Jon Pertwee. Pour The Five Doctors de 1983, Troughton et Pertwee sont revenus jouer avec Peter Davison, et Tom Baker est apparu dans des images inédites de l'épisode inachevé de Shada. Pour cet épisode, Richard Hurndall a remplacé William Hartnell. Patrick Troughton est de nouveau revenu dans The Two Doctors en 1985 avec Colin Baker. En 2007, Peter Davison est revenu dans le court métrage "Time Crash" de Children in Need aux côtés de David Tennant, et plus récemment dans l'épisode spécial du 50e anniversaire de 2013, "The Day of the Doctor", le dixième docteur de David Tennant est apparu aux côtés de Matt Smith dans le rôle du onzième docteur. et John Hurt dans le rôle du docteur de guerre, ainsi que de brèves images de tous les acteurs précédents. De plus, le Docteur s'est parfois rencontré sous la forme de sa propre incarnation, issue d'un futur proche ou passé. Le Premier Docteur se rencontre dans l'histoire Le Musée de l'Espace (bien que figé et sous forme d'exposition), le Troisième Docteur se rencontre et interagit avec lui-même dans l'histoire Le Jour des Daleks, le Quatrième Docteur rencontre et interagit avec sa future incarnation (le "Watcher") dans l'histoire Logopolis, le Neuvième Docteur observe une ancienne version de son incarnation actuelle dans "Father's Day", et le Onzième Docteur se retrouve brièvement face à lui-même dans "The Big Bang". Dans "The Almost People", le Docteur se retrouve face à lui-même, même s'il s'avère que cette incarnation n'est en fait qu'une réplique de chair. Dans "Le Nom du Docteur", le Onzième Docteur rencontre une incarnation inconnue de lui-même, qu'il appelle "son secret" et qui se révèle par la suite être le Docteur de Guerre. De plus, plusieurs médecins sont revenus ensemble dans de nouvelles aventures dans des drames audio basés sur la série. Peter Davison, Colin Baker et Sylvester McCoy sont apparus ensemble dans l'aventure audio de 1999 The Sirens of Time. Pour célébrer le 40e anniversaire en 2003, un drame audio intitulé Zagreus mettant en vedette Paul McGann, Colin Baker, Sylvester McCoy et Peter Davison a été publié avec des enregistrements d'archives supplémentaires de Jon Pertwee. Toujours en 2003, Colin Baker et Sylvester McCoy apparaissent ensemble dans l'aventure audio Project : Lazarus. En 2010, Peter Davison, Colin Baker, Sylvester McCoy et Paul McGann se sont à nouveau réunis pour jouer dans le drame audio The Four Doctors. Révélations sur le Docteur Tout au long de la longue histoire du programme, des révélations sur le Docteur ont soulevé des questions supplémentaires. Dans Le Cerveau de Morbius (1976), il a été laissé entendre que le Premier Docteur n'était peut-être pas la première incarnation (bien que les autres visages représentés puissent avoir été des incarnations du Seigneur du Temps Morbius). Dans les histoires ultérieures, le Premier Docteur a été décrit comme la première incarnation du Docteur. Dans Mawdryn Undead (1983), le Cinquième Docteur a explicitement confirmé qu'il était alors actuellement dans sa cinquième incarnation. Plus tard la même année, lors de l'émission spéciale du 20e anniversaire de 1983, Les Cinq Docteurs, le Premier Docteur s'enquiert de la régénération du Cinquième Docteur ; Lorsque le Cinquième Docteur confirme "Quatrième", le Premier Docteur répond avec enthousiasme "Mon Dieu. Donc je suis cinq maintenant." En 2010, le Onzième Docteur se fait également appeler « le Onzième » dans « The Lodger ». Dans l'épisode de 2013 « Le Temps du Docteur », le Onzième Docteur a précisé qu'il était le produit de la douzième régénération, en raison d'une incarnation précédente qu'il avait choisi de ne pas compter et d'une autre régénération avortée. Le nom Onzième est encore utilisé pour cette incarnation ; le même épisode dépeint la « Chute du Onzième » prophétisée qui a été suivie tout au long de la série. À l'époque du Septième Docteur, il a été laissé entendre que le Docteur était plus qu'un simple Seigneur du Temps. Dans le téléfilm de 1996, le Huitième Docteur se décrit comme étant « à moitié humain ». La FAQ de la BBC pour le programme note que « les puristes ont tendance à ignorer cela », se concentrant plutôt sur son héritage gallifreyen. La première série du programme, An Unearthly Child, montre que le Docteur a une petite-fille, Susan Foreman. Dans la série de 1967, Tomb of the Cybermen, lorsque Victoria Waterfield doute que le Docteur puisse se souvenir de sa famille à cause de son « âge si ancien », le Docteur dit qu'il le peut quand il le veut vraiment : « Le reste du temps, ils dorment dans mon esprit". La série de 2005 révèle que le Neuvième Docteur pensait qu'il était le dernier Seigneur du Temps survivant et que sa planète natale avait été détruite ; dans « L'enfant vide » (2005), le Dr Constantine déclare : « Avant même le début de la guerre, j'étais père et grand-père. Maintenant, je ne suis ni l'un ni l'autre. Le Docteur remarque en réponse : "Ouais, je connais ce sentiment." Dans "Smith and Jones" (2007), lorsqu'on lui a demandé s'il avait un frère, il a répondu : "Non, plus maintenant". Dans « Fear Her » (2006) et « The Doctor's Daughter » (2008), il déclare qu'il avait, dans le passé, été père. Dans « The Wedding of River Song » (2011), il est sous-entendu que le vrai nom du Docteur est un secret qui ne doit jamais être révélé ; ceci est exploré plus en détail dans "Le Nom du Docteur" (2013), lorsque River Song prononçant son nom permet à la Grande Intelligence d'entrer dans sa tombe, et dans "Le Temps du Docteur" (2013) où prononcer son vrai nom devient le signal par lequel les Time Lords sauraient qu'ils peuvent retourner en toute sécurité dans l'univers, un événement auquel de nombreuses espèces s'opposent. Compagnons La figure du compagnon – généralement un humain – a été une constante

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Nommez le magicien qui nous a présenté pour la première fois Basil Brush.

David Nixon

Basil Brush est un renard anthropomorphe fictif, surtout connu pour ses apparitions à la télévision pour enfants britannique de jour. Il est principalement représenté par une marionnette à gaine, mais a également été représenté dans des courts métrages de dessins animés et des bandes dessinées. Le personnage est apparu à la télévision pour enfants (et plus tard pour adultes) des années 1960 à nos jours. Personnage espiègle et conteur, Basil Brush est surtout connu pour son slogan "Ha Ha Ha! Boom! Boom!", utilisé après quelque chose qu'il trouve drôle, et aussi pour parler avec un accent et une manière "chic", se référant à lui-même comme un "gars". Le personnage prétend ne pas aimer les marionnettes et dit que son bien le plus précieux est son « pinceau », nom traditionnel de la queue d'un renard. Pinceau Basilic de 1968 à 1984 La marionnette à gants Basil Brush originale a été conçue par Peter Firmin, en 1962, pour une série télévisée ITV, et a été doublée et interprétée par Ivan Owen jusqu'à sa mort en octobre 2000. Ivan Owen a pris grand soin de s'assurer qu'il ne recevrait personnellement aucune publicité. Professionnellement, seul Basile avait une personnalité publique, Ivan lui-même restant totalement inconnu. Cela a contribué à donner de la crédibilité au personnage, donnant l'impression que Basil était réel, car - contrairement à Harry Corbett et Sooty, par exemple - le public n'a jamais vu le marionnettiste. Ivan a modelé la voix de Basil sur celle de la star de cinéma Terry-Thomas, donnant à la marionnette une touche de classe bien cultivée. Ceci, ajouté à un degré de sophistication dans l'humour (qui comprenait souvent des blagues politiques d'actualité), a contribué à donner à Basil un large attrait. Ainsi, même si Basil a débuté comme artiste pour enfants, il est devenu dans les années 1970 un artiste grand public, attirant un public familial. Basil est apparu pour la première fois à la télévision en 1962, dans une série intitulée Les Trois Scampis, un numéro de cirque au chômage. L'humain était Howard Williams, Ivan Owen animait et exprimait Basil et Wally Whyton animait et exprimait Spike McPike, un hérisson écossais très agressif également réalisé par Peter Firmin. Au milieu des années 1960, Basil est devenu un acteur de soutien pour le magicien David Nixon, éclipsant Nixon dans l'émission BBC1 de ce dernier, Now For Nixon en 1967 et The Nixon Line (1967-68), avec un tel effet que le renard s'est vu offrir son propre spectacle. . Basil acquiert ainsi sa propre série télévisée sur la BBC, The Basil Brush Show, qui dure 12 ans de 1968 à 1980, dans laquelle il est épaulé par divers comparses célèbres : d'abord, en 1968, par l'acteur Rodney Bewes, connu sur le montrer comme « M. Rodney » ; ensuite, de 1969 à 1973, par l'acteur Derek Fowlds (dit « Mr Derek ») ; puis jusqu'en 1976 par l'acteur et chanteur Roy North (« Mr Roy ») ; puis par « Mr Howard » (Howard Williams), qui figurait dans l'original « Three Scampies » ; et enfin par "Mr Billy" (Billy Boyle). Au milieu des années 1970, l'émission était destinée à un public familial et était donc généralement diffusée sur BBC1 en début de soirée le samedi (bien qu'au début, elle ait été diffusée pendant les programmes pour enfants le jeudi, avant le journal télévisé du soir à 17h45). pm), qui dure généralement 13 semaines dans chaque série. L'émission a été enregistrée en présence d'un public en studio et durait généralement environ 25 minutes. Le format de l'émission comportait généralement une introduction d'ouverture par Basil et sa co-star (M. Derek, ou M. Roy, etc.), dans laquelle ils faisaient quelques blagues ; cela a été suivi d'un sketch comique, comportant des blagues d'actualité sur un sujet alors d'actualité (par exemple, un sketch se déroulant à bord d'un avion les emmenant en vacances en Espagne, vaguement basé sur la chanson pop à succès Eviva España) ; puis un élément musical, mettant en vedette un chanteur ou un groupe invité (ceux-ci comprenaient certains des chanteurs les plus célèbres de l'époque, des stars telles que Demis Roussos en 1973, Petula Clark en 1979 et Cilla Black – de grandes stars rivalisaient pour participer à l'émission. , qui a eu une très grande audience) ; Parfois, le chanteur invité faisait une chanson, directement, mais aussi un duo comique avec Basil. Enfin, l'émission se terminait par une « heure du conte », au cours de laquelle M. Derek ou M. Roy, etc., lisaient à haute voix un feuilleton sur les aventures d'un parent historique fictif de Basil — par exemple « Bulldog » Basil, ou Blast- Off Basil et son voyage vers les étoiles (une parodie de Star Trek), ou Basil de Farmer, le chevalier en armure étincelante (une parodie de Robin des Bois) ; ou du moins il tentait de le faire, tout en étant continuellement interrompu par une série de blagues et de remarques humoristiques de Basil. Souvent à cette époque, au milieu des années 1970, Basil sortait Little Ticker, son chien mécanique à manivelle, et lui faisait faire des tours humoristiques à côté, presque hors champ, afin de distraire le public et ainsi prendre le dessus. surgir de M. Roy. L'histoire de chaque semaine se terminait sur un cliffhanger : elle se poursuivrait la semaine suivante. Basil et M. Roy terminaient ensuite une chanson, basée sur le feuilleton de cette semaine, pendant que le générique de clôture roulait. Un différend en 1980 a conduit à l'annulation du spectacle. Ivan Owen aspirait à un créneau horaire en milieu de soirée, ce que la BBC n'a pas voulu accepter. En 1982, la marionnette est réapparue à la télévision dans Lisons avec Basil Brush, une émission pour écoles maternelles sur ITV produite par Granada Television. Basil est finalement revenu à la BBC, en tant que co-animateur de la longue série télévisée pour enfants Crackerjack, diffusée à 16 h 55 le vendredi, au cours de la saison 1983-1984. Basil Brush s'est également produit au théâtre, apparaissant régulièrement en direct dans Pantomime à Noël ; partageant généralement la vedette en tête de l'affiche avec un chanteur ou un comédien bien connu. Ses co-stars de la pantomime dans les années 1960 comprenaient la chanteuse Cilla Black. Après l'annulation de l'émission télévisée en 1980, Basil a mis fin à son partenariat avec M. Billy et a fait équipe à nouveau avec Howard Williams ("M. Howard"); ils ont tourné dans un spectacle sur scène, capitalisant sur la célébrité de Basil et sa popularité continue grâce à treize années à la télévision. Au cours de cette période, Basil figurait également dans sa propre bande dessinée dans la publication pour enfants TV Comic, publiée chaque semaine en Grande-Bretagne par Polystyle Publications. Le Basil Brush Show de 2002 à 2007 En 2002, après la mort d'Ivan Owen, Basil a fait un retour - interprété par un nouveau marionnettiste - dans une sitcom pour enfants de la BBC, encore une fois intitulée The Basil Brush Show, dans laquelle son nouveau film comique, Stephen, est joué par Christopher Pizzey. Il a été produit par The Foundation, qui fait partie du RDF Media Group. Les enfants acteurs Georgina Leonidas et Michael Hayes sont également apparus dans la série. Basil Brush avait maintenant une famille, qui comprenait son neveu destructeur, hyperactif mais mignon, Bingo, et son cousin criminel Mortimer. D'autres amis ont également été présentés, comme Dave, l'enfant qui gagne de l'argent, et Molly, plus sensée, ainsi que Madison, qui vivait à l'étage, son acolyte irlandais Liam (joué par Michael Byers) et Anil, un propriétaire de café fou et un cuisinier incompétent. Plusieurs célébrités ont fait des apparitions dans l'émission. Ceux-ci comprenaient Eamonn Holmes et Ainsley Harriott. Les émissions originales ont été enregistrées devant un public en studio, composé principalement d'enfants, mais le nouveau programme utilisait une piste de rire en post-production au lieu d'un public. Entrecoupés du programme principal, il existe désormais divers courts métrages d'animation dans lesquels Basil et/ou un autre personnage est vu en train de faire des blagues. La marionnette la plus récente est différente de la marionnette originale des années 1960/1970 à plusieurs égards et, en plus d'être bien parlée, la voix de Basil est très différente de la version originale d'Ivan Owen. Basil Brush brise souvent le Quatrième Mur en prenant des photos du décor et en faisant des références sur la durée du spectacle, et en abusant de la manière évidente de passer à d'autres scènes. Pinceau au basilic sur YouTube Lancée le 16 février 2015, une chaîne YouTube Basil Brush, avec un nouveau sketch programmé chaque lundi pendant les 32 semaines suivantes. Autres apparitions Livre d'histoires de dessins animés de Basil Le livre d'histoires de dessins animés de Basil est une collection de 24 histoires animées pour enfants du monde entier. Ceci a été présenté par Basil Brush. Il a été diffusé sur VHS en 1994, puis vendu et distribué au Royaume-Uni par PolyGram Video Ltd. Il a été publié sous "The Pocket Money Video". Est-ce qu'on vous sert? M. Lucas prétend garder son pyjama dans sa peluche Basil Brush, dans l'épisode intitulé « Forward Mr. Grainger » de la saison 4, diffusé en avril 1976. Il y a également une mention de Basil dans l'épisode intitulé « A Bliss Girl » de Saison 6, diffusée en décembre 1978, dans laquelle Mme Slocombe essaie un manteau en fourrure de renard : M. Humphries lui dit : "Tu ressembles à un croisement entre Nelson et Basil Brush". La règle des goodies – D’accord ? Basil est apparu en tant que membre du « Gouvernement fantoche ». "Tenir le coup" Basil est apparu sur la chanson Comic Relief de 1993 "Stick It Out" avec Right Said Fred et d'autres amis célèbres. Ligue de football fantastique La même année 1993, Basil est apparu dans la série comique de la BBC Fantasy Football League avec Frank Skinner et David Baddiel – sa première apparition à la télévision en une décennie. Inévitablement, l'équipe de football fantastique de Basil pour la série comprenait le milieu de terrain de Norwich City, Ruel Fox. Le jeu de génération de Bruce Forsyth Basil a fait une apparition surprise à la fin d'un acte présenté dans le jeu télévisé de la BBC The Generation Game vers 1973, où le jeu entre les joueurs consistait à identifier six célébrités cachées derrière des déguisements qui chantaient une chanson sur un complot ignoble visant à faire exploser. les chambres du Parlement. Les deux équipes de concurrents ont identifié Basil comme l'une des célébrités masquées. Pierre Bleu Basil est brièvement apparu en tant que présentateur de plusieurs épisodes du vendredi de la populaire émission télévisée britannique pour enfants Blue Peter en 2003, dans laquelle il avait son propre segment de blague. Le 16 novembre 2010, Basil a fait une nouvelle apparition pour un épisode. Français et Saunders Basil a joué Dobby l'elfe de maison dans le sketch de French & Saunders "Harry Potter et le pot de chambre secret d'Azerbaïdjan" pour Comic Relief Red Nose Day 2003. 500 milles Basil apparaît en camée dans le groupe de célébrités qui regardent Brian Potter et Andy Pipkin pour le single de Comic Relief "I would roll 500 miles". Le maillon faible Le 10 décembre 2005, Basil est apparu sur The Weakest Link et a remporté l'émission, recevant 10 900 £ pour l'association caritative qu'il a choisie, l'appel caritatif Blue Peter 2005, "Treasure Trail" (au profit de Childline). Cela fait de lui la première marionnette à remporter le maillon faible (Roland Rat était déjà apparu comme un candidat aux marionnettes, mais n'a pas gagné). Basil est revenu à Weakest Link en tant que l'un des candidats à la 1000e édition britannique de l'émission, enregistrée le 1er novembre 2006. Il a été diffusé sur BBC Two le 18 décembre 2006. Bien qu'il ait atteint le tour final, cette fois il n'a pas réussi à gagner. Cependant, la gagnante (Miss Evans) a quand même décidé de partager la moitié de ses gains avec l'association caritative choisie par Basil. Cependant, bien que Basil soit une marionnette, il n'est pas apparu dans l'émission spéciale de marionnettes diffusée l'année suivante. Cendrillon Basil Brush a joué dans la pantomime de Noël Cendrillon en 2007, notamment à St Albans, où il apparaissait depuis une grande boîte sur roues pour divers moments hilarants hors de l'intrigue, et encourageait les enfants du public à crier « Boom Boom Basil ! après chaque utilisation de son slogan. En décembre 2010, Basil Brush est apparu dans la production pantomime de Croydon Fairfield Halls de Cendrillon. Boutique d'échange de Basil Le 20 décembre 2007, la BBC a annoncé que Basil co-présenterait une nouvelle version de Swap Shop avec Barney Harwood sur BBC Two. La nouvelle série s'intitule Basil's Swap Shop. Parler de votre génération En février 2010, Basil Brush est apparu dans le jeu télévisé australien Talkin' 'Bout Your Generation dans le premier épisode de la saison deux en tant que premier invité international de l'émission. Il est apparu dans l'équipe Baby Boomer. Les bâtards En juillet 2010, un renard théoricien du complot appelé « Basil » est apparu dans le « spectacle de marionnettes pour adultes » Mongrels dans une scène de gag jetable (Ne rencontrez jamais vos idoles). Rolf Harris au Royal Albert Hall Basil est apparu avec Rolf Harris lors de son concert du 50e anniversaire pour The Prince's Trust. Basil a critiqué Rolf pour avoir voulu attacher un kangourou, ce qui a conduit à un montage de clips de Animal Hospital, puis ils ont interprété ensemble un duo de la chanson « In The Court Of King Caractacus ». Jus de célébrité Basil était le titre du Newerer Magazine dans le spécial de Noël Celebrity Juice Series 6. Actualités ITV Le 21 décembre 2012, Basil est apparu dans l'émission ITV News dans le cadre de l'événement caritatif « Text Santa ». Dansons pour un soulagement comique Le 2 mars 2013, Basil est apparu dans le troisième épisode de la série 2013. N'ayez pas peur À l'été 2014, Basil Brush a fait une apparition dans le clip vidéo rétro pour enfants de Glass Onion, "Don't be warn" https://www.youtube.com/watch?v=hgPoIxIp3nk Bonjour la Grande-Bretagne Le 2 mars 2015, Basil est apparu dans Good Morning Britain pour parler de sa tournée au Royaume-Uni. Célébrités inutiles Le 29 mai 2016, Basil est apparu sur Pointless Celebrities dans un épisode mettant en vedette les présentateurs de télévision pour enfants bien connus de Grande-Bretagne.

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The Flying Pickets était un groupe vocal britannique qui a eu le hit de Noël n°1 en 1983. Quel était le titre de la chanson ?

Only You

The Flying Pickets est un groupe vocal britannique a cappella, qui a connu un succès numéro un à Noël en 1983 dans le UK Singles Chart avec sa reprise du morceau "Only You" de Yazoo. Histoire Le nom « Flying Pickets » fait référence aux grévistes mobiles qui se déplacent pour rejoindre un piquet de grève. Le groupe de six personnes a été fondé par Brian Hibbard en 1982 à partir d'un groupe d'acteurs qui avaient été actifs avec lui dans le « 7:84 Theatre Group » de John McGrath, une organisation de théâtre marginal qui avait chanté a cappella dans leur production de la pièce de 1981 One. Gros Coup. Le groupe a choisi le nom de The Flying Pickets car les membres du groupe avaient joué un rôle dans les grèves des mineurs britanniques de 1972 et 1974. Les Flying Pickets ont proposé le concept alors novateur de transférer l'art a cappella à la scène musicale pop. Rick Lloyd (qui a également écrit la musique de One Big Blow), Gareth Williams, David Brett, Ken Gregson (de son vrai nom Kenneth Gregory) et Red Stripe (de son vrai nom David Gittins) ont rejoint Hibbard dans le groupe. Les membres du groupe étaient mondialement connus pour leur apparence flamboyante : les énormes favoris de Hibbard, l'épais eye-liner de Stripe et quatre autres exhibant des costumes voyants et de grands chapeaux. Deux des autres membres originaux, Ron Donachie et Christopher Ryan, ont quitté le groupe avant "Only You". "Only You", leur premier single, a été le numéro un de Noël au Royaume-Uni en 1983, passant un total de cinq semaines au sommet, et s'est également bien comporté en Europe et au Canada, où il a atteint la 17e place au printemps 1984. Il a imité le succès de la version originale de Yazoo. Malgré les opinions politiques socialistes radicales de The Flying Pickets, la Première ministre conservatrice de l'époque, Margaret Thatcher, a proclamé avec beaucoup d'amusement qu'il s'agissait de son disque préféré. Un deuxième single, mettant en vedette When You're Young and in Love de Van McCoy, initialement écrit pour Ruby and the Romantics, a atteint la 7e place au Royaume-Uni, mais leur troisième, une reprise de "Who's That Girl" d'Eurythmics, a à peine été classé. L'apogée de la renommée du groupe a coïncidé avec la grève des mineurs de 1984, lorsque le Syndicat national des mineurs a appelé à la grève suite à la décision du National Coal Board de fermer 20 mines - une décision qui entraînerait la suppression de quelque 20 000 emplois. Les Flying Pickets ont exprimé très clairement leur soutien aux mineurs pendant le conflit et en sont venus aux mains avec le label Virgin après avoir organisé un piquet de grève à la centrale électrique de Drax dans le Yorkshire. Ils ont également donné des concerts-bénéfice pour les mineurs. Hibbard lui-même a affirmé que leurs convictions politiques avaient probablement un effet néfaste sur l'image dominante du groupe, mais que c'était un sacrifice qu'ils étaient prêts à faire ; un magasin de disques bien connu a refusé de vendre les albums du groupe en raison de son soutien à la grève. En 1986, Hibbard et Stripe quittent le groupe et sont remplacés par Gary Howard et Hereward Kaye. Hibbard et Stripe ont essayé de rester dans l'industrie musicale, en formant leur propre groupe appelé Brian and Stripe, mais leur premier et unique single contenant une reprise de Mr Blue de Yazoo n'a pas réussi à figurer dans les charts et ils sont retournés à leurs carrières d'acteur distinctes. Le line-up des Flying Pickets a constamment changé au fil des années, mais le groupe n'est jamais mort ; depuis le début des Pickets, il y a eu environ 27 membres différents du groupe. Le dernier membre du line-up original, David Brett, quitte le groupe en 1990. Cependant, en 1994, le line-up original (moins Lloyd) se reforme pour enregistrer un album supplémentaire. Bien que depuis 1990 aucun des membres fondateurs ne fasse plus partie du groupe, The Flying Pickets continuent d'enregistrer des albums et de tourner dans toute l'Europe et à l'étranger. Activités post-piquetage Brian Hibbard - Le fondateur et chanteur principal Hibbard a ensuite joué dans Doctor Who, puis brièvement dans Coronation Street dans le rôle de Dougie Murray. Depuis, il apparaît régulièrement à la télévision galloise. Il a également joué un bref rôle de "Bobby-John Downes" dans le feuilleton Emmerdale en 2003, puis est revenu pour un autre bref passage en 2006. Il est apparu dans le film culte de 1997 Twin Town dans le rôle du roi du karaoké, Dai Rhys. . En 2006, Brian a remporté le BAFTA Cymru Award du meilleur acteur pour son rôle de Tony dans le film Little White Lies. Il est également apparu dans Doctors en 2005. Il est décédé le 17 juin 2012. David Brett - A fait une tournée avec la English Shakespeare Company et est apparu dans le rôle de Mad Mike the Mechanic dans l'émission télévisée pour enfants de la BBC, Marlene Marlowe Investigates. En 2000, Brett a joué le rôle de Dedalus Diggle dans le film Harry Potter à l'école des sorciers. Gareth Williams - A tourné dans une production de South Pacific et également avec The English Shakespeare Company ; il a joué Nathan Detroit dans une production de Guys & Dolls. Il a également travaillé avec Jonathan Miller sur une adaptation télévisée du London Labour, London Poor de Henry Mayhew. En 2009, il a doublé et a continué pour Patrick Stewart dans la production du Theatre Royal Haymarket de Waiting for Godot. David Gittins (alias Red Stripe) - Il a livré du pain après avoir quitté le groupe, puis a décidé de déménager en Australie où il a obtenu un emploi de mécanicien de scène au Victorian State Theatre. Il a également co-développé le groupe techno Poets of the Machine. Ken Gregson - A émigré en Australie et a fait une apparition dans le feuilleton Neighbours. Rick Lloyd - a été co-lauréat d'un BAFTA TV Award pour son travail sur la série télévisée Porterhouse Blue de 1987, et a été directeur musical du film Julie and the Cadillacs de 1999. Membres Original *Brian Hibbard *Ken Gregson *David Brett *Bande rouge *Rick Lloyd *Gareth Williams Présent *Andy Laycock *Simon John Foster *Michael Henry *Christophe Brooker *Martin Georges Autres anciens membres *Andréa Figallo *Damion Scarcella *Dylan Foster *Hereward Kaye *Gary Howard *Nick Godfrey *Lex Lewis *Ricky Payne *Henrik Pari *Paul Kissaun *Fraser Collins *Gavin Muir Discographie

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Il existe des journaux de différentes tailles, le grand format étant le plus grand et le tabloïd le plus petit, mais quel nom est-il donné à la plus petite taille ?

compact

Un tabloïd est un journal dont la taille de page compacte est inférieure à celle du grand format, bien qu'il n'existe pas de norme pour les dimensions précises du format de journal tabloïd. Le terme journalisme tabloïd, ainsi que l'utilisation de grandes images, ont tendance à mettre l'accent sur des sujets tels que les histoires policières sensationnelles, l'astrologie, les potins sur les célébrités et la télévision. Cependant, certains journaux réputés, comme le Times, sont au format tabloïd, et ce format est utilisé au Royaume-Uni par presque tous les journaux locaux. Là, les dimensions de sa page sont d'environ 430 ×. Aux États-Unis, c'est généralement le format employé par les journaux alternatifs. Certains journaux de petit format qui revendiquent un niveau de journalisme plus élevé se présentent plutôt comme des journaux compacts. Les grands journaux, traditionnellement associés à un journalisme de meilleure qualité, sont souvent appelés journaux grand format, et cette désignation reste souvent d'usage courant même si le journal s'oriente vers l'impression sur des pages plus petites, comme beaucoup l'ont fait ces dernières années. Ainsi, les termes tabloïd et broadsheet sont aujourd'hui, dans un usage non technique, plus descriptifs de la position d'un journal sur le marché que de sa taille physique. Le format berlinois utilisé par de nombreux journaux européens de premier plan se situe entre le tabloïd et le grand format. Dans le contexte d'un journal, le terme Berliner est généralement utilisé uniquement pour décrire la taille, et non pour faire référence à d'autres qualités de la publication. Histoire Le mot « tabloïd » vient du nom donné par la société pharmaceutique londonienne Burroughs Wellcome & Co. aux comprimés qu'elle commercialisait sous le nom de pilules « tabloïd » à la fin des années 1880. La connotation de tabloïd fut bientôt appliquée à d'autres petits articles compressés. Un article de 1902 paru dans la Westminster Gazette de Londres notait : « Le propriétaire a l'intention de donner sous forme de tabloïd toutes les nouvelles imprimées par d'autres journaux. » Ainsi, en 1901, le « journalisme tabloïd » signifiait à l'origine un journal condensant des histoires dans un format simplifié et facile à assimiler. Le terme a précédé la référence de 1918 aux journaux en feuilles plus petites contenant des histoires condensées. Dimensions Un tabloïd est défini comme « environ 17 x » et généralement « la moitié de la taille d'un grand format ». Les types Les journaux tabloïd, notamment au Royaume-Uni, présentent un degré très élevé de variation en ce qui concerne le marché cible, l'alignement politique, le style éditorial et la diffusion. Ainsi, divers termes ont été inventés pour décrire les sous-types de ce format papier polyvalent. Il existe, en gros, deux principaux types de journaux tabloïd : les journaux à couverture rouge et les journaux compacts. La distinction réside en grande partie dans le style éditorial ; les tabloïds rouges et compacts couvrent tout le spectre politique, du socialisme au conservatisme capitaliste. Les tabloïds à top rouge sont ainsi nommés en raison de leur tendance, dans l'usage britannique et du Commonwealth, à avoir leurs en-têtes imprimés à l'encre rouge ; le terme compact a été inventé pour éviter la connotation du mot tabloïd, qui implique un tabloïd à sommet rouge, et a prêté son nom au journalisme tabloïd, qui est un journalisme à la manière des journalistes à sommet rouge. Top tabloïds rouges Le tabloïd à couverture rouge est, pour beaucoup, l'exemple type du format ; l'omniprésence de ce style éditorial parmi les journaux au format tabloïd l'a fait persister dans l'esprit du public. Les tabloïds rouges, nommés d'après leurs en-têtes rouges distinctifs, emploient une forme d'écriture connue sous le nom de journalisme tabloïd ; ce style met l'accent sur des fonctionnalités telles que des histoires de crime sensationnels, l'astrologie, des chroniques de potins sur la vie personnelle de célébrités et de stars du sport, ainsi que des actualités sur la malbouffe. Les chroniques de potins sur les célébrités qui paraissent dans les tabloïds rouges et se concentrent sur leurs pratiques sexuelles, l'abus de stupéfiants et les aspects privés de leur vie frisent souvent, et parfois franchissent la ligne de la diffamation. Les hauts rouges ont tendance à être écrits avec un vocabulaire et une grammaire simplistes et simples ; leur disposition, le plus souvent, donne plus d'importance à l'image qu'au mot. Le style d’écriture des tabloïds rouges est souvent accusé de sensationnalisme ; en d’autres termes, les hauts rouges ont été accusés de déclencher délibérément la controverse et de rendre compte de manière sélective d’histoires qui attirent l’attention ou qui ont une valeur de choc. Dans les cas extrêmes, les tabloïds rouges ont été accusés de mentir ou de déformer la vérité pour augmenter la diffusion. Indépendamment de ces critiques, il est indéniablement vrai que les dirigeants rouges ont des tendances politiques plus ouvertes ; les articles peuvent inclure, et incluent effectivement, des appels à la démission d'un politicien particulier, ou inclure des commentaires politiques dans un article. Les résultats des sondages sont souvent prédits par les grands journaux rouges. Des exemples de grands journaux britanniques incluent The Sun, le Daily Star, le Daily Mirror et le Daily Sport. Tabloïds compacts Contrairement aux tabloïds à top rouge, les compacts utilisent un style éditorial plus étroitement associé aux journaux grand format. En fait, la plupart des tabloïds compacts utilisaient autrefois le format de papier grand format, mais ont changé pour permettre la lecture dans des espaces restreints, comme dans un bus ou un train de banlieue bondé. Le terme compact a été inventé dans les années 1970 par le Daily Mail, l'un des premiers journaux à opérer ce changement, bien qu'il se qualifie désormais à nouveau de tabloïd. Le but était d'éviter l'association du mot tabloïd avec le style éditorial flamboyant et salace du journal à tête rouge. Les premiers adeptes du format grand format ont opéré ce changement dans les années 1970 ; Deux journaux britanniques notables qui ont pris cette mesure à l'époque étaient le Daily Mail et le Daily Express. En 2003, The Independent a également opéré le changement pour les mêmes raisons, rapidement suivi par The Scotsman et The Times. D'un autre côté, The Morning Star a toujours utilisé le format tabloïd, mais contraste à la fois avec les journaux à couverture rouge et les anciens journaux grand format ; bien que le Morning Star mette l’accent sur les nouvelles difficiles, il embrasse le socialisme et circule principalement parmi les cols bleus. Les tabloïds compacts, tout comme les journaux au format grand format et berlinois, couvrent tout le spectre politique, du progressiste au conservateur et du capitaliste au socialiste. Le lectorat diffère également grandement ; L'un des tabloïds britanniques les plus connus, le Daily Mail, peut se vanter d'avoir un lectorat majoritairement féminin, tandis que celui du Morning Star, conformément à ses tendances politiques, est composé de syndicalistes. Utilisation internationale États-Unis Aux États-Unis, les tabloïds quotidiens remontent à la création du New York Daily News en 1919, suivis par le New York Daily Mirror et le New York Evening Graphic dans les années 1920. La concurrence entre ces trois hommes pour l'actualité sur la criminalité, le sexe et les célébrités était considérée comme un scandale par la presse grand public de l'époque. En comparaison, les tabloïds quotidiens américains d'aujourd'hui sont généralement beaucoup moins surchauffés et moins orientés vers le scandale et le sensationnalisme que leurs prédécesseurs ou leurs homologues britanniques. Le format tabloïd est utilisé par un certain nombre de journaux américains respectés et même primés. Parmi les principaux tabloïds américains figurent le New York Post, le Daily News et Newsday à New York, le San Francisco Examiner, The Bakersfield Californian et La Opinión en Californie, The Jersey Journal et The Trentonian dans le New Jersey, le Philadelphia Daily News, le Delaware County Daily Times et The Citizens' Voice, The Burlington Free Press, Chicago Sun-Times et Boston Herald. Parmi les tabloïds américains qui ont cessé de paraître, citons le Rocky Mountain News de Denver. Canada Au Canada, de nombreux journaux de la marque Sun de Postmedia sont au format tabloïd, notamment The Province, un journal destiné au marché de la Colombie-Britannique. L'éditeur canadien Black Press publie des journaux à la fois au format tabloïd (largeur par profondeur) et dans ce qu'il appelle "à onglets hauts", ce dernier étant large par profondeur, plus grand que le tabloïd mais plus petit que les grands journaux qu'il publie également. L'Europe  Le plus grand tabloïd (et journal en général) d'Europe, en termes de tirage, est le journal allemand Bild, avec environ 4 millions d'exemplaires (contre plus de 5 millions dans les années 1980). Bien que son format de papier soit plus grand, son style a été copié sur celui des tabloïds britanniques. En Grande-Bretagne, trois quotidiens auparavant grand format – The Independent, The Times et The Scotsman – sont passés au format tabloïd ces dernières années, et deux – Daily Express et Daily Mail – au cours des années précédentes, bien que tous ceux ci-dessus appellent le format « » compact" pour éviter la connotation bas de gamme du mot tabloïd. De même, lorsqu'on fait référence aux journaux tabloïds bas de gamme, le terme alternatif « red-top » (faisant référence à leurs en-têtes traditionnellement de couleur rouge) est de plus en plus utilisé, pour les distinguer des journaux compacts haut et moyen de gamme. Le Morning Star est également disponible au format tabloïd ; cependant, il évite les histoires de célébrités et privilégie les questions liées aux syndicats. Aux Pays-Bas, plusieurs journaux ont commencé à publier des versions tabloïd de leurs journaux, notamment l'un des principaux journaux de « qualité », NRC Handelsblad, avec nrc•next en 2006. Deux journaux tabloïd gratuits ont également été lancés au début des années 2000, « Metro et Sp!ts, principalement destinés à la distribution dans les transports publics. En 2007, un troisième et un quatrième tabloïd gratuit sont apparus, « De Pers » et « DAG ». De Telegraaf, le journal néerlandais qui ressemble le plus au style des tabloïds britanniques, est publié en grand format mais a annoncé qu'il passerait au tabloïd en avril 2014. En Norvège, presque tous les journaux sont passés du format grand format au format tabloïd, qui mesure 280 x 400 mm. Les trois plus grands journaux sont VG, Dagbladet et Aftenposten, le premier étant le plus sensationnaliste et le second le plus sérieux. En France, le Nice Matin, un journal populaire du sud de la France, est passé du Broadsheet au Tabloïd le 8 avril 2006. Ils ont changé le format d'impression en un jour après que les résultats des tests ont montré que 74 % appréciaient le format Tabloïd par rapport au Broadsheet. Mais le tabloïd le plus célèbre traitant d'histoires policières est Le Nouveau Détective, créé au début du XXe siècle. Ce tabloïd hebdomadaire a une diffusion nationale. Au Danemark, les tabloïds au sens britannique du terme sont connus sous le nom de « formiddagsblade » (journaux publiés avant midi), les deux plus importants étant BT et Ekstra Bladet. L'ancien journal plus sérieux Berlingske Tidende est passé du format grand format au format tabloïd en 2006, tout en gardant intact son profil d'information. Le plus grand journal de Finlande et le plus grand quotidien par abonnement des pays nordiques, Helsingin Sanomat, a changé sa taille du grand format au tabloïd le 8 janvier 2013. En Pologne, le journal Fakt, parfois Super Express, est considéré comme un tabloïd. Asie du sud Inde Le journalisme tabloïd est encore un concept en évolution dans la presse écrite indienne. Le premier tabloïd, Blitz, a été lancé par Russi Karanjia le 1er février 1941 avec les mots « Notre Blitz, le Blitz de l'Inde contre Hitler ! ». Blitz a d'abord été publié en anglais, puis s'est diversifié avec des versions hindi, marathi et ourdou. En 1974, la fille de Russi, Rita, fonde le magazine Cine Blitz. Le premier numéro présentait Zeenat Aman sur la couverture et une Protima Bedi striée à l'intérieur. Le vénérable Times of India a également changé tout son contenu, son ton et son style éditorial en 2002. Il présente désormais des histoires plus sensationnalistes, des titres accrocheurs et des soirées Page3. En 2005, le Times of India a publié un tabloïd dédié à Mumbai, Mumbai Mirror, qui met en avant les histoires et les problèmes liés à Mumbai. Tehelka a débuté en tant que portail d'information en 2000 et a dévoilé l'histoire des matchs truqués dans le cricket indien et international, puis une opération d'infiltration sur des accords de défense dans l'armée indienne. En 2007, il ferme boutique et réapparaît sous forme de tabloïd et est apprécié pour son journalisme d'investigation. D'autres tabloïds populaires dans les médias anglais sont Mid-Day, un journal de l'après-midi publié et dédié à Mumbai et des journaux économiques comme MINT. Il existe de nombreux tabloïds dans la plupart des langues officielles de l'Inde. Il existe un tabloïd réservé aux jeunes appelé TILT – The ILIKE Times. Pakistan Au Pakistan, Khabrain est un journal tabloïd populaire auprès de la classe moyenne inférieure. Ce groupe de presse a présenté un nouveau journal, Naya Akhbar, qui est comparativement plus sensationnel. Au niveau local, de nombreux tabloïds à sensation sont visibles mais, contrairement à Khabrain ou à d'autres grands journaux nationaux, ils ne sont distribués qu'au niveau local, dans les districts. Bangladesh Au Bangladesh, en 1998, le Daily Manabzamin est devenu le premier tabloïd en langue bengali le plus diffusé au monde, et est aujourd'hui le plus grand. Publié au Bangladesh par le célèbre présentateur d'informations Mahbuba Chowdhury, le Daily Manab Zamin est classé parmi les 500 meilleurs sites Web de journaux et dans les 10 meilleures catégories de sites d'information bengali au monde et est le seul journal au Bangladesh à détenir des accréditations auprès de la FIFA, de l'UEFA, de la Football Association, de Warner Bros. et de Sony Pictures Entertainment. Le Daily Manabzamin est dirigé par le rédacteur en chef Matiur Rahman Chowdhury, qui est également correspondant régional de Voice of America et animateur d'émissions politiques sur les chaînes de télévision bengali Banglavision et Channel i. Le journal reçoit des visiteurs de 179 pays et héberge chaque mois 770 000 visiteurs IP uniques. Chine En République populaire de Chine, les tabloïds chinois ont explosé en popularité depuis le milieu des années 1990 et ont testé les limites de la censure de la presse en adoptant des positions éditoriales critiques à l'égard du gouvernement et en s'engageant dans des reportages d'investigation critiques. Autres pays Un tabloïd est défini comme « environ 17 x » et généralement « la moitié de la taille d'un grand format ». À Oman, TheWeek est un hebdomadaire indépendant, gratuit et en couleur de 48 pages, publié à Mascate, dans le sultanat d'Oman. Le premier journal gratuit d’Oman a été lancé en mars 2003 et rassemble désormais ce qui est considéré comme le plus grand lectorat de toutes les publications d’Oman. Mme Mohana Prabhakar est la rédactrice en chef de la publication. TheWeek est audité par BPA Worldwide, qui a certifié son tirage comme étant une moyenne hebdomadaire de 50 300 exemplaires. En Géorgie, l'hebdomadaire anglophone The FINANCIAL est passé à un format compact en 2005 et a doublé le nombre de pages de chaque numéro. D'autres journaux de langue géorgienne ont testé des formats compacts au début des années 1990. En Russie et en Ukraine, les principaux journaux de langue anglaise comme le Moscow Times et le Kyiv Post utilisent un format compact. En Argentine, l'un des deux principaux journaux du pays, Clarín, est un tabloïd et dans le sud des Philippines, un nouveau tabloïd hebdomadaire, The Mindanao Examiner, inclut désormais dans sa gamme des services médiatiques, tels que la production de photographie et de vidéo, en tant que source d'informations sur les médias. financer le coût élevé de l’impression et d’autres dépenses. Il s'intéresse également à la réalisation de films indépendants. En Australie, The Advertiser, Herald Sun, The Sun-Herald, Daily Telegraph, The Courier Mail (All News Ltd papers), The West Australian, The Mercury, The Hamilton Spectator, The Portland Observer, The Casterton News et The Melbourne Observer. En Afrique du Sud, le quotidien Volksblad, basé à Bloemfontein, est devenu le premier journal grand format sérieux à passer au tabloïd, mais uniquement le samedi. Bien que le format se révèle plébiscité par ses lecteurs, le journal reste grand format en semaine. C'est également le cas du quotidien de Pietermaritzburg, The Witness, dans la province du KwaZulu-Natal. Le Daily Sun publié par Naspers est depuis devenu le quotidien le plus vendu d'Afrique du Sud et s'adresse principalement à la classe ouvrière noire. Il se vend à plus de 500 000 exemplaires par jour, atteignant environ 3 000 000 000 de lecteurs. Les informations sont largement rassemblées et rapportent les histoires presque incroyables qui font la une des journaux que les journalistes/collecteurs d'informations du Daily Sun écrivent à partir de leurs rencontres avec de vraies personnes, ainsi que les récits stupéfiants de « témoins oculaires » d'événements bizarres qui sont littéralement stupéfiants. En plus d'offrir une vision parfois satirique du sérieux de l'actualité grand public, le Daily Sun confère du poids à des questions qui seraient probablement traitées avec un rejet riant dans les grands journaux sud-africains traditionnels. Ainsi, le Daily Sun présente des histoires sur les tokoloshes (gobelins), les visions ancestrales et tout ce qui est surnaturel et follement absurde, ainsi que des histoires localisées et des informations grand public. Il est également publié sous le titre Sunday Sun. Au Brésil, de nombreux journaux sont des tabloïds, notamment le quotidien sportif Lance! (qui circule dans des villes comme Rio de Janeiro et São Paulo), la plupart des publications du Grupo RBS (en particulier le quotidien de Porto Alegre Zero Hora) et, en mars 2009, O Dia, basé à Rio de Janeiro, est passé du journal grand format au tabloïd. Sa publication sœur, Meia Hora, a toujours été un tabloïd, mais dans un format légèrement plus petit que O Dia et Lance !. Au Maroc, Maroc Soir, lancé en novembre 2005, est publié sous format tabloïd. En tant que journal hebdomadaire alternatif L'usage le plus récent du terme « tabloïd » fait référence aux journaux hebdomadaires ou bihebdomadaires au format tabloïd. Beaucoup d’entre eux sont essentiellement des journaux simples, publiés au format tabloïd, car les usagers du métro et des bus préfèrent lire des journaux de plus petit format en raison du manque d’espace. Ces journaux se distinguent des grands quotidiens dans la mesure où ils prétendent offrir un point de vue « alternatif », soit dans le sens où les rédacteurs du journal sont plus orientés vers le local, soit dans le sens où le journal est éditorialement indépendant des grands conglomérats médiatiques. D'autres facteurs qui distinguent les tabloïds hebdomadaires « alternatifs » des grands quotidiens sont leur publication moins fréquente et le fait qu'ils sont généralement gratuits pour l'utilisateur, puisqu'ils dépendent des revenus publicitaires. De plus, les tabloïds hebdomadaires alternatifs ont tendance à se concentrer sur les problèmes locaux, voire de quartier, ainsi que sur les divertissements locaux dans les bars et les théâtres locaux. Les tabloïds alternatifs peuvent être positionnés comme des journaux haut de gamme (de qualité), pour attirer le secteur du marché le plus instruit et aux revenus les plus élevés ; comme marché intermédiaire (populaire); ou encore en tant que journaux bas de gamme (sensationnels), qui mettent l'accent sur les histoires de crime sensationnelles et les potins sur les célébrités. Dans chaque cas, les journaux tireront leurs revenus publicitaires de différents types d'entreprises ou de services. Les annonceurs d'un hebdomadaire haut de gamme sont souvent des épiceries bio, des boutiques et des compagnies de théâtre, tandis que ceux d'un hebdomadaire bas de gamme peuvent avoir ceux d'écoles de métiers, de supermarchés et de l'industrie du sexe. Les deux contiennent généralement des annonces provenant de bars locaux, de concessionnaires automobiles, de cinémas et d'une section de petites annonces.

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Qui a gagné le Giro d'Italia 2010 ?

Ivan Basso

Le Giro d'Italia 2010 était la 93e édition du Giro d'Italia, l'un des grands tours cyclistes. Le Giro a débuté à Amsterdam le 8 mai et est resté aux Pays-Bas pendant trois étapes, avant de quitter le pays. Le parcours comprenait des ascensions telles que le Monte Zoncolan, le Plan de Corones, le Passo del Mortirolo et le Passo di Gavia avant de se terminer à Vérone par un contre-la-montre individuel. Les principaux favoris pour le succès global du Giro étaient Ivan Basso de l'équipe, Cadel Evans pour , et Carlos Sastre de . Après trois semaines de course, c'est Basso qui a remporté son deuxième titre sur le Giro d'Italia, après avoir également gagné en 2006. David Arroyo et son coéquipier Vincenzo Nibali ont complété le podium. Les coureurs australiens ont remporté tous les petits prix de maillot, Evans prenant le classement par points, Matthew Lloyd de's, vainqueur du classement montagne, et Richie Porte, meilleur jeune coureur du Giro. Les étapes de course sur route aux Pays-Bas ont toutes deux été marquées par des chutes répétées, qui ont entraîné de gros écarts de temps inattendus avant le transfert en Italie. Le classement général a été très mouvementé dès la première semaine, avec quatre coureurs différents détenant le maillot rose de leader de la course. La 11e étape a profondément remodelé le classement général, lorsque plusieurs coureurs, dont Sastre, ont gagné près de 13 minutes sur le reste du peloton. Porte a pris le maillot rose à l'issue de cette étape. Deux jours plus tard, Arroyo a pris le maillot et l'a conservé pendant cinq jours. Il a finalement perdu contre Basso lors de la première des deux étapes de montagne très difficiles pour clôturer le Giro. Le succès a été assez répandu parmi les 22 équipes du Giro, puisque 17 d'entre elles sont reparties avec une victoire d'étape, une victoire de classement ou un passage sous le maillot rose. Équipes Les 22 équipes en lice ont été annoncées le 22 mars. Seize équipes se voyaient garantir une place dans la course en vertu d'un accord de septembre 2008 entre l'UCI et les organisateurs des trois Grands Tours de la saison. Sont assurés d'une place ceux qui étaient membres de l'UCI ProTour au moment de la convention. Deux de ce groupe, et , ont refusé de participer à la course, se concentrant plutôt sur le Tour de France et la Vuelta a España. Deux nouvelles équipes ont rejoint le ProTour pour 2010. L'une, , a participé à la course, mais l'autre, , n'a pas souhaité y participer, car elle prévoyait d'envoyer ses meilleurs coureurs au Tour de Californie partiellement concurrent. Sept équipes Continentales Professionnelles UCI, dont deux ( et ) faisaient partie de l'accord de septembre 2008 car elles étaient alors membres du ProTour, ont rejoint les 15 équipes ProTour pour compléter la liste des équipes. Chaque équipe a inscrit un peloton de neuf coureurs, donnant à l'événement un peloton de 198 coureurs au départ. Les 22 équipes de la course étaient : Non-invitation des équipes néerlandaises Le Giro, comme la Vuelta a España 2009 avant lui et le prochain Tour de France, a débuté aux Pays-Bas. Les deux équipes continentales professionnelles néerlandaises, et , avaient toutes deux participé à des Grands Tours en 2009. Tout au long de la saison, les deux équipes ont tenté de prouver leur combativité dans l'espoir d'obtenir des invitations au Grand Tour, en essayant surtout de se surpasser. Étant donné que les ouvertures du Giro et du Tour étaient en partie financées par l'argent des impôts néerlandais, le manager de l'équipe de Vacansoleil a appelé à l'aide politique pour obtenir des invitations pour son équipe, mais aucune des équipes néerlandaises n'a réussi à participer au Giro ou au Tour. Par conséquent, ni l’un ni l’autre n’ont fait de la Vuelta une sélection d’équipes d’Espagne. La déception des équipes face à leur non-invitation a conduit à des communications avec le président de l'UCI, Pat McQuaid, qui pourraient aboutir à des réformes dans la manière dont les équipes sont sélectionnées pour les Grands Tours. Favoris d'avant-course Le Giro a souvent été décrit comme étant grand ouvert quant à savoir qui avait les meilleures chances de le gagner. En effet, de nombreux coureurs notables, dont les trois derniers champions, ne se sont pas inscrits. Le champion du Giro d'Italia 2007, Danilo Di Luca, qui avait initialement terminé deuxième du Giro d'Italia 2009, a été suspendu par sa fédération nationale en février pour un incident de dopage lors du Giro 2009. Le champion du Giro d'Italia 2008, Alberto Contador, a sauté le Giro pour mieux se concentrer sur le Tour de France, comme il l'avait également fait la saison précédente. Après avoir d'abord indiqué qu'il pourrait défendre son championnat, le champion 2009 Denis Menchov a également annoncé qu'il ne participerait pas au Giro, se concentrant plutôt sur le Tour de France, afin de compléter sa carrière de grand tour. Lance Armstrong et Levi Leipheimer, leaders de l'équipe du Giro 2009, ont annoncé en octobre 2009 qu'ils participeraient au Tour de Californie partiellement concurrent au lieu du Giro, c'est pourquoi ils n'ont pas été sélectionnés pour le Giro. Cinq jours seulement avant le début de la course, l'UCI a annoncé que plusieurs coureurs étaient soupçonnés de dopage en raison de valeurs irrégulières dans leur passeport biologique. Parmi eux se trouvait Franco Pellizotti, qui devait être l'un des leaders de l'équipe et avait été décrit comme un favori d'avant-course. Alors que l'équipe soutenait fermement Pellizotti dans cette affaire et exprimait sa colère face au fait que l'UCI ait dévoilé ses conclusions si près du début du Giro, elle l'a obligeamment retiré de son équipe. Il a été remplacé par Vincenzo Nibali, qui envisageait de participer au Tour de Californie en tant que chef d'équipe. Bien qu'il ne soit pas favori au classement général, Alessandro Ballan avait l'intention de participer à la course, déclarant en octobre qu'il était certain qu'il prendrait le départ, après avoir raté le Giro en 2009 alors qu'il était champion du monde. C'était une indication bien à l'avance qu'il était en ligne pour une invitation à la course. Ballan a ensuite été suspendu par son équipe à la suite d'une enquête interne antidopage, ce qui signifie qu'il a dû rater le Giro. Il a ensuite été innocenté de tout acte répréhensible. La plupart des analyses d'avant-course ont identifié Ivan Basso, Cadel Evans et Carlos Sastre comme les principaux favoris pour remporter le classement général, Evans étant peut-être le choix consensuel. Basso et Sastre avaient tous deux participé au Giro en 2009 et étaient repartis parmi les cinq premiers. Sastre a également remporté deux étapes de montagne difficiles au cours de la dernière semaine de la course et a été noté comme un coureur qui devient plus fort au fil de la course, ce qui fait que la troisième semaine du Giro, très intensive en escalade, pourrait jouer en sa faveur. Evans avait terminé sur un podium du Grand Tour au cours de chacune des trois dernières saisons, y compris lors de l'événement de trois semaines le plus récent, la Vuelta a España 2009. Il a également participé à la course en tant que champion du monde de cyclisme en titre et a connu jusqu'à présent une saison 2010 réussie, avec une victoire à La Flèche Wallonne et un podium à Tirreno – Adriatico. Ni Basso ni Sastre n'avaient beaucoup couru lors de la saison 2010 précédant le Giro. Parmi les autres coureurs désignés comme prétendants figuraient Bradley Wiggins, les anciens vainqueurs du Giro Damiano Cunego et Stefano Garzelli, Alexander Vinokourov, Marzio Bruseghin, Christian Vande Velde, Domenico Pozzovivo, David Moncoutié et Michele Scarponi. Le directeur de course Angelo Zomegnan a également nommé Basso, Evans et Sastre comme ses trois favoris, et a inclus Wiggins et Linus Gerdemann comme chevaux noirs possibles. Mark Cavendish et Daniele Bennati, vainqueurs d'étapes lors des deux dernières éditions du Giro, étaient absents de cette course, mais plusieurs sprinteurs de haut niveau ont pris le départ d'Amsterdam. Il s'agissait notamment de Tyler Farrar, André Greipel et Alessandro Petacchi, qui avaient tous eux-mêmes remporté des étapes du Grand Tour en 2009 et figuraient parmi les grands favoris pour les étapes de plat du Giro. L'ancien vainqueur du classement par points du Tour de France, Óscar Freire, avait l'intention de faire ses débuts sur le Giro dans cette course, mais il s'est retiré en raison d'une sinusite peu avant le début de la course. Parmi les autres sprinteurs du peloton du Giro figuraient Robbie McEwen, le coéquipier de Freire Graeme Brown, Baden Cooke, Leonardo Duque, Sebastian Haedo, Wouter Weylandt et Greg Henderson. Parcours et étapes Les 21 étapes du Giro ont été réparties dans les classements suivants par les organisateurs de la course, la Gazzetta dello Sport : quatre contre-la-montre (trois individuels et une par équipe), sept étapes de plat, cinq étapes mixtes et six étapes de montagne. La course a débuté aux Pays-Bas, c'est la neuvième fois dans l'histoire du Giro que la course débute hors d'Italie, et la première depuis le départ en 2006 en Belgique. Un court contre-la-montre individuel et deux étapes de plat y ont été disputés. Commencer la course loin de l'Italie signifiait qu'une journée de repos anticipée, trois jours seulement après le début de la course de 23 jours, était nécessaire pour être transféré en Italie. La première étape à l'entrée en Italie était un contre-la-montre par équipe, la cinquième année consécutive que cette discipline figurait dans le Giro. L'étape 7 a visité la Toscane et s'est déroulée en partie sur des routes non pavées utilisées chaque année dans la semi-classique italienne Montepaschi Strade Bianche. Le parcours a rendu hommage aux légendes du cyclisme italien Gino Bartali, Fausto Coppi et Costante Girardengo en passant par leurs villes natales lors des premières étapes de course sur route en Italie. Cinq étapes se sont terminées par des montées, la plupart ayant eu lieu la dernière semaine de course. La première était l'étape 8 jusqu'au Monte Terminillo, une longue ascension de 1 672 m de dénivelé pour une pente moyenne de 7,3 pour cent, l'une des ascensions les plus difficiles des Apennins de la région des Abruzzes. Le suivant était le Monte Zoncolan dans les Alpes carniques, dont la longueur était plus courte que certaines des autres ascensions de la course, mais avec 1210 m de dénivelé positif pendant cette période, sa pente maximale de 20 pour cent en faisait l'une des plus difficiles. Le contre-la-montre individuel de l'étape 16 s'est déroulé à Plan de Corones, sur un parcours identique à celui utilisé lors du Giro d'Italia 2008. En , cette étape a gagné plus de 1 000 m et comportait une section avec 24 pour cent de pente dans le dernier kilomètre. Les deux dernières étapes du Giro sur route étaient particulièrement exigeantes en escalade, notamment le Passo del Mortirolo, culminant à 1 250 m pour une pente moyenne de 10 pour cent, et le Passo di Gavia, connu pour avoir été gravi lors du Giro d'Italia 1988 dans le au milieu d'un blizzard. La Gavia était également la Cima Coppi, le point culminant de la course, et l'étape 20, dans laquelle elle figurait, était considérée comme l'étape reine. Parmi les autres ascensions de la course figuraient le Passo del Bratello, le Monte Grappa, le Passo delle Palade, le Passo di Santa Cristina, la Forcola di Livigno et la dernière montée de la course, le Passo del Tonale. La plupart de ces ascensions comportaient également des descentes difficiles. Il a été noté que le parcours attirait de nombreux types de coureurs, qu'il s'agisse de grimpeurs, de sprinteurs ou de contre-la-montre. La course comportait sept étapes de plat qui se terminaient par des sprints de masse, et les étapes mixtes vallonnées invitaient aux échappées. Sastre, l'un des premiers coureurs à annoncer qu'il participerait au Giro, a déclaré que le parcours était beaucoup plus difficile que celui du Giro 2009 et qu'il exigerait un grimpeur très fort pour en être le champion. Zomegnan a reconnu que le parcours favorisait les grimpeurs, notant que la distance parcourue en contre-la-montre n'était pas grande et qu'il faudrait des erreurs de la part des spécialistes de l'escalade pour permettre à un coureur mieux adapté au contre-la-montre d'être champion du Giro. Aperçu de la course Le Giro a débuté à Amsterdam par un contre-la-montre individuel. Les favoris de l'étape comprenaient deux coureurs britanniques, le capitaine Bradley Wiggins et David Millar. Plusieurs coureurs du peloton du Giro considéraient Wiggins comme le favori prohibitif. Wiggins a remporté l'étape, remportant le premier maillot rose. Une surprise majeure sur scène a été la recrue du Grand Tour Brent Bookwalter qui est arrivée deuxième, à seulement 2 secondes du temps de victoire de Wiggins. Millar était septième, 6 secondes derrière. Cela a ouvert la voie à une ouverture mouvementée du Giro, car les deux étapes de course sur route aux Pays-Bas ont été marquées par plusieurs accidents. Il a été noté que les parcours des étapes routières aux Pays-Bas comportaient beaucoup de mobilier urbain, ce qui, combiné à la nervosité des coureurs le premier jour d'un Grand Tour de trois semaines ainsi qu'aux vents latéraux de la mer du Nord, a rendu le premières étapes de démarrage en masse très périlleuses. Tyler Farrar, Carlos Sastre, Christian Vande Velde, Greg Henderson, Wiggins, Alessandro Petacchi, Domenico Pozzovivo, Marzio Bruseghin, Filippo Pozzato et Gilberto Simoni sont tous tombés de leur vélo à un moment donné alors que le Giro se déroulait aux Pays-Bas. Il y a eu également de nombreux autres accidents qui ont entraîné tant de pertes de coureurs qu'il était difficile de savoir exactement qui a été touché. Chuter et, par conséquent, s'éloigner du groupe de tête sur la route signifiait différentes choses pour différents pilotes. Pour des sprinteurs comme Farrar et Petacchi, les chutes signifiaient qu'il était peu probable qu'ils soient en mesure de disputer les arrivées pour les victoires d'étape, tandis que les prétendants au général comme Wiggins et Sastre ont perdu du temps au classement général. Pour la deuxième année consécutive, Vandevelde a subi une fracture de la clavicule à la suite de sa chute, abandonnant ainsi la course. Malgré une chute lors de l'étape 2, Farrar s'est relevé et a réussi à remporter l'étape après un sprint épuisé. L'état des routes aux Pays-Bas et le grand nombre d'accidents qui s'y sont produits ont suscité de nombreuses critiques et des questions quant à savoir s'ils devaient être inclus dans un Grand Tour. Cadel Evans et Alexander Vinokourov ont tous deux pris le maillot rose alors que le Giro se déroulait aux Pays-Bas. Vinokourov le détenait avant le transfert en Italie, avec six coureurs de trois équipes à moins de 10 secondes de lui, ce qui signifie que le maillot rose restait toujours en pleine évolution. Après le transfert, la première étape en Italie était un contre-la-montre par équipe, une course où chaque membre de l'équipe court ensemble contre la montre, et le temps de l'équipe est pris pour que le cinquième coureur franchisse la ligne d'arrivée. était l'équipe gagnante et avait un écart de temps sur l'équipe de Vinokourov suffisamment grand pour que Vincenzo Nibali devienne le quatrième leader de la course en autant d'étapes. Enfin, la stabilité est revenue en tête de la course, puisque Nibali s'est confortablement maintenu au cours des deux étapes suivantes, qui ont toutes deux vu des échappés remporter les honneurs de la journée tandis que le peloton terminait ensemble. L'étape 7 était majeure, comprenant des tronçons de routes en gravier près de l'arrivée. Le jour où s'est déroulée cette étape, il s'est avéré également que de très fortes pluies ont eu lieu, rendant le parcours boueux et dangereux. Tout comme aux Pays-Bas, de nombreux coureurs ont chuté dans cette étape, peut-être au premier rang desquels Wiggins et Sastre, qui ont tous deux perdu plus de quatre minutes. Nibali s'est également écrasé et en voyant cela, Alexander Vinokourov, Damiano Cunego et Cadel Evans se sont libérés du groupe de tête. Evans a remporté l'étape, l'un des nombreux coureurs à franchir la ligne d'arrivée couverte de boue, et Vinokourov a repris la tête de la course. Au cours de la première étape de montagne et des deux étapes de plat qui ont suivi, le classement général n'a pas beaucoup changé et Vinokourov a conservé le maillot. La 11e étape vers L'Aquila a apporté des changements majeurs au classement général. Plus de 50 coureurs formaient le groupe d'évasion du jour, et ils ont rapidement pris 20 minutes d'avance. Parmi eux se trouvaient Sastre, Wiggins et Richie Porte, qui portait le maillot blanc du meilleur jeune et, sixième du classement général, était l'homme le mieux placé du groupe. Sastre, Wiggins et Porte avaient tous avec eux plusieurs coureurs de soutien dans l'échappée qui établissaient des rythmes intenses pour éloigner le groupe. Le peloton principal, composé des grands favoris du Giro, a reculé un peu mais était toujours à près de 13 minutes du vainqueur de l'étape Evgeni Petrov à l'arrivée. Le résultat du jour a bouleversé massivement le classement général. Porte était le seul coureur qui figurait dans le top dix avant l'étape à y rester après et à prendre le maillot rose. Sastre et Wiggins, qui s'étaient engagés sur le Giro en tant que prétendants mais qui étaient bien en retrait au classement général avant cette étape, sont tous deux revenus dans le top dix. Porte a conservé le maillot rose pendant deux jours, le concédant à David Arroyo, un autre membre de l'échappée de L'Aquila, lors de la 14e étape alors qu'il n'a pas pu gravir le Monte Grappa avec les leaders ce jour-là. Sur cette étape, les favoris de la course ont commencé à revenir en tête du classement général, alors que les précédents leaders de la course, Nibali, Vinokourov et Evans, se classaient de la 8e à la 10e place du classement. De grands changements ont encore eu lieu dans le classement général lors de l'étape 15, avec la montée du Monte Zoncolan. Ivan Basso remporte l'étape et réduit considérablement son retard sur Arroyo, même si l'Espagnol conserve le maillot rose à l'issue de cette étape. Evans, Scarponi, Vinokourov et Nibali ont également terminé bien placés et ont progressé. Wiggins est de nouveau tombé hors de combat, cette fois de manière concluante, en perdant 25 minutes dans la montée. Evans a réalisé la meilleure course des favoris d'avant-course dans le contre-la-montre de Plan de Corones, comblant son déficit avec Basso et dépassant Sastre au général. Après cette étape, les seuls coureurs restant dans le top dix de l'échappée de L'Aquila étaient Arroyo, Porte, Sastre et Robert Kišerlovski, qui ont tous terminé le Giro dans le top dix. Après une étape respectivement pour l'échappée et les sprinters, au cours de laquelle il n'y a pas eu de changements majeurs au classement général, les coureurs ont été confrontés aux deux dernières étapes sur route très intenses en montée. L'équipe a roulé à un rythme très soutenu lors de l'étape 19 sur le Passo del Mortirolo, ce qui a finalement réduit ce groupe à seulement Basso, Nibali et Scarponi. Ils ont traversé le Mortirolo avec plus de deux minutes d'avance sur Arroyo, ce qui était presque suffisant pour faire de Basso le leader virtuel de la course. Arroyo, considéré comme un bien meilleur descendeur que Basso, a emprunté des lignes très agressives en descendant le Mortirolo et a rattrapé Vinokourov, Sastre, Evans et John Gadret, qui se trouvaient entre lui et le trio de tête. Le groupe de Basso n'avait que 30 secondes d'avance sur celui d'Arroyo au départ de la montée d'Aprica de clôture de l'étape, mais ils ont mis de plus en plus de temps à mesure que la montée avançait et ont terminé avec trois minutes d'avance, donnant à Basso le maillot rose à deux jours de la fin de la course. Arroyo a choisi de ne tenter de descendre agressivement aucune des quatre grandes montées du parcours lors de la dernière étape de la course sur route, se contentant de la deuxième place en roulant avec Basso et les autres meilleurs coureurs du peloton la majeure partie de la journée. Il y a eu quelques changements dans les écarts, mais les mêmes coureurs sont restés dans le top dix de la veille, puisque Johan Tschopp a remporté l'étape face à une échappée. Le contre-la-montre individuel de Vérone qui a clôturé le Giro a également apporté de petits changements au classement général, mais la 15e place de Basso sur l'étape a suffi à faire de lui le champion du Giro. Arroyo et Nibali complètent le podium. Les coureurs australiens ont remporté chacun des petits prix de maillot. Evans a remporté le classement par points, représenté en 2010 avec un maillot rouge dans un retour aux couleurs originales des trois classements mineurs qui reflétaient les couleurs du drapeau italien. La victoire d'Evans s'est réalisée grâce à neuf classements parmi les dix premiers, dont une victoire d'étape, au cours de la course. Ce classement a été très disputé tout au long de la course ; six coureurs différents détenaient le maillot et celui-ci a changé de mains neuf fois. Matthew Lloyd a remporté le maillot vert du classement des montagnes, remportant le maximum de points en montagne lors de son échappée gagnante de l'étape 6. Il a fait des échappées matinales plus tard dans les étapes de montagne pour prendre des points dans d'autres ascensions et consolider son avance. Porte a remporté le maillot blanc du meilleur jeune coureur, le conservant pendant toutes les étapes sauf trois. Le succès a été généralisé parmi les 22 équipes participant à la course. Contrairement au Giro 2009, le seul coureur à avoir remporté plusieurs étapes dans la course de cette année était Farrar, qui a remporté les sprints aux étapes 2 et 10. , , , , , , , et chacun a remporté une étape. a remporté deux étapes, d'abord avec Wouter Weylandt dans un sprint épuisé jusqu'à l'étape 3 aux Pays-Bas, et deux étapes plus tard, Jérôme Pineau a mené une échappée gagnante jusqu'à la ligne d'arrivée. Chris Anker Sørensen de , a remporté l'étape 8 sur le Monte Terminillo après avoir fait partie d'une échappée matinale, et leur spécialiste du contre-la-montre Gustav Larsson a remporté la dernière course contre la montre à Vérone. a remporté plusieurs étapes de sprint, d'abord avec le leader Matthew Goss lorsque l'as sprinter André Greipel a raté l'occasion, et plus tard Greipel lui-même a remporté la victoire. a remporté deux victoires d'étape consécutives, d'abord avec Petrov à L'Aquila, puis avec Filippo Pozzato, qui a remporté un sprint à 10 après une échappée tardive dans la 12e étape. Après qu'il n'y ait eu aucun vainqueur d'étape italien pendant les 11 premiers jours de course, la victoire d'étape de Pozzato était la première de cinq consécutives et de six au total pour les pilotes italiens. Nibali et Basso faisaient partie de ces vainqueurs d'étape ; comme ils ont également remporté le contre-la-montre par équipe de l'étape 4, leur équipe était la seule à avoir remporté plus de deux victoires d'étape. Ils ont également remporté les classements des deux équipes, le Trofeo Fast Team basé sur le temps et le Trofeo Super Team basé sur les points. , , et n'a remporté aucune étape, mais les passages de Vinokourov et Arroyo sous le maillot rose et la victoire de Tom Stamsnijder au classement Traguardo Volante ont permis qu'ils ne soient pas repartis du Giro les mains vides. Seulement , , , , et sont repartis du Giro sans rien, même si Milram avait un de ses coureurs (Paul Voss) portant le maillot des Montagnes à un moment donné. Direction de la classification Lors du Giro d'Italia 2010, quatre maillots différents ont été attribués. Pour le classement général, calculé en additionnant les temps d'arrivée de chaque cycliste sur chaque étape, et en accordant des bonifications de temps aux trois premiers arrivés sur les étapes à départ groupé, le leader a reçu un maillot rose. Ce classement était considéré comme le plus important du Giro d'Italia, et le vainqueur était considéré comme le vainqueur du Giro. De plus, il y avait un classement par points, qui attribuait un maillot rouge. Au classement par points, les cyclistes obtenaient des points en terminant dans le top 15 d'une étape. Contrairement au classement par points plus connu du Tour de France, le type d'étape n'avait aucun effet sur les points offerts : chaque étape disposait des mêmes points disponibles sur la même échelle. La victoire a rapporté 25 points, la deuxième place a rapporté 20 points, la troisième 16, la quatrième 14, la cinquième 12, la sixième 10 et un point de moins par place jusqu'à un seul point pour la 15e place. De plus, des points pouvaient être gagnés lors des sprints intermédiaires. Il existait également un classement de montagne dont le leadership était marqué par un maillot vert. Dans les classements de montagne, les points étaient gagnés en atteignant le sommet d'une montée avant les autres cyclistes. Chaque ascension était classée en première, deuxième ou troisième catégorie, avec plus de points disponibles pour les ascensions de catégorie supérieure. La Cima Coppi, le point culminant de la course, a attribué encore plus de points que les autres ascensions de première catégorie. Le quatrième maillot représentait le classement des jeunes coureurs, marqué par un maillot blanc. Celui-ci était décidé de la même manière que le classement général, mais seuls les coureurs nés après le 1er janvier 1985 étaient éligibles. Il y avait également trois classements par équipes. Dans le classement Trofeo Fast Team, les temps des trois meilleurs cyclistes par équipe sur chaque étape ont été ajoutés ; l'équipe en tête était celle avec le temps total le plus bas ; le Trofeo Super Team était un classement par points par équipe, les 20 meilleurs coureurs de chaque étape gagnant des points (20 pour la première place, 19 pour la deuxième place et ainsi de suite, jusqu'à un seul point pour la 20e) pour leur équipe ; et le classement Fair Play a récompensé les équipes qui ont le mieux évité les points de pénalité pour des infractions techniques mineures. Les lignes du tableau suivant correspondent aux maillots attribués après le déroulement de cette étape. Classement final Classification générale Classement par points Classement des montagnes Classement des jeunes cavaliers Classement Trofeo Fast Team Classement du Trofeo Super Team Classements mineurs D'autres classements moins connus, dont les leaders n'ont pas reçu de maillot spécial, ont été attribués lors du Giro. Ces récompenses étaient basées sur les points gagnés au cours des trois semaines de la tournée. Chaque étape de départ en masse comportait un sprint intermédiaire, le Traguardo Volante, ou T.V. Le T.V. donnait des secondes bonus pour le classement général, des points pour le classement par points régulier et également des points pour le classement T.V. Ce prix était connu les années précédentes sous le nom de classement « Intergiro » et « Expo Milano 2015 ». Il a été remporté par Tom Stamsnijder de l'équipe. D'autres récompenses comprenaient le classement Combativité, qui était une compilation de points gagnés pour la position lors du franchissement de sprints intermédiaires, de cols de montagne et d'arrivées d'étapes. Le vainqueur du classement des montagnes, Matthew Lloyd, a remporté ce prix. Le classement Azzurri d'Italia était basé sur l'ordre d'arrivée, mais des points n'étaient attribués qu'aux trois premiers de chaque étape. Il a été remporté, comme le classement par points étroitement associé, par Cadel Evans. De plus, le Premio della Fuga a récompensé les coureurs qui ont pris part à une échappée en tête du peloton, chaque coureur dans une échappée de dix coureurs ou moins obtenant un point pour chaque kilomètre parcouru par le groupe sans faute. Jérôme Pineau de , a été premier de cette compétition. Les équipes ont reçu des points de pénalité pour des infractions techniques mineures. a mieux réussi à éviter les pénalités et a ainsi remporté le classement Fair Play. Points du classement mondial Le Giro était l'une des 26 épreuves de la saison qui ont contribué aux points du Classement mondial UCI 2010. Des points ont été attribués aux 20 premiers au classement général et aux cinq premiers de chaque étape. Notes de bas de page

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