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Les Aventures d'Alice au pays des merveilles,https://fr.wikipedia.org/wiki/Alice_au_Pays_des_Merveilles,"« Alice au pays des merveilles » redirige ici. Pour les autres significations, voir Alice au pays des merveilles (homonymie).
 
 Les Aventures d'Alice au pays des merveilles (titre original : Alice's Adventures in Wonderland), fréquemment abrégé en Alice au pays des merveilles, est un roman publié en 1865 par Lewis Carroll. Il a été traduit en français pour la première fois en 1869 par la même maison d'édition (Macmillan and Co)[1].
 Lors de sa première écriture, le livre n'était pas destiné aux enfants. L'écriture fut reprise une seconde fois pour les enfants en conservant les personnages merveilleux qui la rendaient si attrayante pour ce jeune public. Le roman foisonne d'allusions satiriques aux amis de l'écrivain et aux leçons que les écoliers britanniques devaient mémoriser à l'époque. Le pays des merveilles décrit dans le conte joue sans cesse avec la logique. L'ouvrage reste populaire au XXIe siècle, aussi bien auprès des enfants que des adultes.
 Le livre a connu une suite intitulée De l'autre côté du miroir. Les adaptations cinématographiques combinent souvent des éléments des deux livres. L'écrivain américain Martin Gardner a publié The Annotated Alice, qui regroupe Alice au pays des merveilles et De l'autre côté du miroir accompagnés des poèmes victoriens que Lewis Carroll parodia dans le corps du texte.
 Le livre a été publié le 4 juillet 1865, trois ans jour pour jour après une promenade en barque sur l'Isis (qui coule à Oxford) effectuée par les révérends Dodgson (Carroll) et Robinson Duckworth[2] en compagnie de trois jeunes filles[3] :
 L'excursion commença au pont Folly près d'Oxford et finit une dizaine de kilomètres plus loin dans le village de Godstow. Durant le trajet, Dodgson raconta aux sœurs Liddell une histoire qu'il venait d'inventer. Celle-ci fut suivie plus tard par Alice's Adventures Underground et finit par devenir Alice's Adventures in Wonderland.
 En 1998, un exemplaire de la première édition a été vendu 1,5 million de dollars, ce qui est une vente record pour un livre pour enfants. Seuls vingt-deux exemplaires de la première édition de 1865 auraient survécu. Dix-sept d'entre eux se trouvent dans des bibliothèques et cinq chez des particuliers.
 Alice s'ennuie auprès de sa sœur qui lit un livre (« sans images, ni dialogues ») tandis qu'elle ne fait rien. « À quoi bon un livre sans images, ni dialogues ? », se demande Alice. Mais voilà qu'un lapin blanc aux yeux roses vêtu d'une redingote avec une montre à gousset à y ranger passe près d'elle en courant. Cela ne l'étonne pas le moins du monde. Pourtant, lorsqu'elle le voit sortir une montre de sa poche et s'écrier : « Je suis en retard ! En retard ! En retard ! », elle se dit que décidément ce lapin a quelque chose de particulier. En entrant derrière lui dans son terrier, elle fait une chute presque interminable qui l'emmène dans un monde aux antipodes du sien. Elle va rencontrer une galerie de personnages retors et se trouver confrontée au paradoxe, à l'absurde et au bizarre…
 Alice suit un lapin dans son terrier. Puis elle trouve une clé qui mène à un joli jardin. Elle boit une boisson étiquetée ""bois-moi"" et mange un gâteau étiqueté ""mange-moi"" qui la fait rétrécir afin qu'elle puisse entrer dans le jardin.
 Alice rencontre une souris française et elle essaie de converser en français élémentaire. Elle offense alors la souris qui tente de lui échapper.
 Alice participe à une course avec les animaux du groupe mais elle les fait fuir en parlant de son féroce chat[N 1].
 Le lapin blanc réapparaît alors qu'il cherche les gants et l'éventail de la duchesse et demande à Alice de l'aider. Alice boit dans une petite bouteille et commence à devenir géante, mais trouve ensuite des petits gâteaux pour l'aider à se réduire à sa taille normale.
 Alice trouve un champignon et une chenille qui fume un narguilé. Elle parvient à manger les bonnes quantités de champignon pour qu'elle puisse retrouver sa taille normale parce qu'elle pense qu'elle a perdu son identité[5],[6].
 La duchesse donne à Alice un bébé qui se transforme en cochon, puis la petite fille rencontre le chat du Cheshire.
 Alice assiste à un goûter avec le Lièvre de mars, le Chapelier fou et un Loir très fatigué. Ils donnent à Alice de nombreuses énigmes à résoudre, alors Alice dit que c'est le goûter le plus stupide auquel elle ait jamais assisté.
 Alice quitte la fête et trouve trois cartes peignant les roses blanches, parce que la Reine de cœur déteste les roses blanches. Alice rencontre alors le roi et la reine et est invitée à jouer au croquet avec eux.
 Alice est présentée au Griffon qui l'emmène chez la fausse tortue, qui est très triste.
 Alice récite le quadrille du homard et la danse des fausses tortues et des griffons.
 Le valet de cœur est accusé d'avoir volé les tartes de la reine.
 Alice est appelée comme témoin, mais elle est accusée du crime. La reine ordonne « de lui couper la tête », mais avant qu'Alice ne soit tuée, sa sœur la réveille du rêve[7].
 Dans 'The Annotated Alice (en)', Martin Gardner fournit des informations générales sur les personnages. Gardner a suggéré que le Chapelier est une référence à Theophilus Carter (en), un marchand de meubles connu à Oxford, et que Tenniel a apparemment dessiné le Chapelier pour qu'il ressemble à Carter, sur une suggestion de Carroll[9].
 La fausse tortue est une référence au critique d'art John Ruskin, qui venait une fois par semaine à la maison Liddell pour enseigner aux enfants le dessin, le croquis et la peinture à l'huile[9].
 Lewis Carroll réalisa lui-même 37 dessins à la plume dans l'exemplaire manuscrit de l'histoire qu'il offrit à Alice Liddell, le 26 novembre 1864[10]. Une édition en fac similé (avec une traduction française) a d'ailleurs été réalisée par les éditions Frémok en 2006.
 Les sources divergent sur la question de savoir si c'est Dodgson ou son éditeur qui jugea bon de ne pas garder ses propres images. C'est en tout cas Lewis Carroll qui opta pour John Tenniel, dessinateur alors réputé pour sa participation à la revue satirique Punch.
 Bien que les illustrations de John Tenniel restent très associées à l'œuvre, le texte de Carroll a inspiré un grand nombre d'illustrateurs au fil du temps. Plusieurs centaines de versions ont ainsi vu le jour. Parmi les plus notables :
 Carroll a écrit beaucoup de chansons et poèmes pour 'Les Aventures d'Alice au pays des merveilles' notamment :
 Martin Gardner et d'autres spécialistes ont montré que le livre est rempli de nombreuses parodies de la culture populaire victorienne, suggérant qu'il appartient dans l'esprit à Topsyturveydom de W. S. Gilbert et Alfred Cellier.
 La plupart des aventures du livre peuvent avoir été basées sur ou influencées par des personnes, des situations et des bâtiments à Oxford et à Christ Church. Par exemple, le ""Rabbit Hole"" symbolisait les véritables escaliers situés à l'arrière de la salle principale de Christ Church. Une sculpture représentant un griffon et un lapin, telle qu'on peut la voir dans la cathédrale de Ripon, où le père de Carroll était chanoine, a peut-être inspiré le conte.
 Dans le huitième chapitre, trois cartes peignent en rouge les roses d'un rosier, parce qu'elles avaient accidentellement planté un rosier blanc que la reine de cœur déteste. Les roses rouges symbolisaient la maison anglaise des Lancaster, tandis que les roses blanches symbolisaient leur maison rivale des York, et les guerres qui les opposaient étaient donc les guerres des Roses.
 Si le livre est resté imprimé et inspire continuellement de nouvelles adaptations, le matériel culturel dont il s'inspire est devenu un savoir largement spécialisé. Le Dr Leon Coward affirme que le livre ""souffre"" de ""lectures qui reflètent la fascination d'aujourd'hui pour le postmodernisme et la psychologie, plutôt que de se plonger dans une interprétation historiquement informée"", et suppose que cela est dû en partie au fait que le public découvre le récit à travers une source ""de seconde main"", expliquant que ""nos impressions du texte original sont basées sur une multiplicité de réinterprétations. Nous ne réalisons pas nécessairement que nous manquons quelque chose dans la compréhension du produit original, parce que nous n'avons généralement jamais affaire au produit original"".
 Plusieurs personnes, dont Martin Gardner et Selwyn Goodacre, ont suggéré que Dodgson s'intéressait à la langue française, choisissant d'y faire des références et des jeux de mots dans l'histoire. Il est plus que probable qu'il s'agisse de références aux leçons de français - une caractéristique commune de l'éducation d'une fille de la classe moyenne victorienne. Par exemple, dans le deuxième chapitre, Alice suppose que la souris est peut-être française. Elle choisit donc de lui dire la première phrase de son livre de cours de français : ""Où est ma chatte ?"" (""Where is my cat?""). Dans la traduction française d'Henri Bué, Alice suppose que la souris est peut-être italienne et lui parle en italien.
 L'expression "" Digging for apples "" de Pat pourrait être un jeu de mots interlinguistique, puisque pomme de terre signifie pomme de terre et pomme signifie pomme.
 Dans le deuxième chapitre, Alice s'adresse d'abord à la souris en disant "" O Souris "", en se basant sur son souvenir des déclinaisons du nom "" dans la grammaire latine de son frère, 'Une souris - d'une souris - à une souris - une souris - O souris !' "". Ces mots correspondent aux cinq premiers des six cas du latin, dans un ordre traditionnel établi par les grammairiens médiévaux : mus (nominatif), muris (génitif), muri (datif), murem (accusatif), (O) mus (vocatif). Le sixième cas, mure (ablatif) est absent de la récitation d'Alice. Nilson a plausiblement suggéré que l'absence de l'ablatif d'Alice est un jeu de mots sur le travail de son père Henry Liddell sur le standard A Greek-English Lexicon puisque le grec ancien n'a pas de cas ablatif. De plus, Mousa (signifiant muse) était un nom modèle standard dans les livres grecs de l'époque dans les paradigmes de la première déclinaison, nom court-alpha. En outre, la phrase ""O Muse, sing..."" ou une variante proche de celle-ci figure dans de nombreuses traductions anglaises d'Homère, la prononciation par Alice de ""O Mouse"" formant un jeu de mots qui aurait été apparent pour les plus instruits parmi le lectorat victorien de Dodgson, étant donné la relative importance des lettres classiques dans les programmes d'enseignement des classes supérieures britanniques à cette époque.
 Comme Carroll était mathématicien à Christ Church, il a été suggéré qu'il y a beaucoup de références et de concepts mathématiques dans cette histoire et dans Through the Looking-Glass. La spécialiste de la littérature Melanie Bayley a affirmé dans le magazine New Scientist que Dodgson a écrit Alice au pays des merveilles dans sa forme finale comme une satire cinglante des nouvelles mathématiques modernes qui émergeaient au milieu du XIXe siècle[19],[20].
 Voici quelques exemples de références aux mathématiques dans Alice :
 Chapitre 1 ("" Down the Rabbit-Hole "") : alors qu'elle rétrécit, Alice s'interroge avec philosophie sur la taille finale qu'elle atteindra, peut-être "" en s'éteignant complètement, comme une bougie "" ; cette réflexion reflète le concept de limite.
 Chapitre 2 (""La piscine de larmes"") : Alice essaie d'effectuer une multiplication mais obtient des résultats étranges : ""Voyons voir : quatre fois cinq font douze, quatre fois six font treize, et quatre fois sept font... Oh là là ! Je n'arriverai jamais à vingt à ce rythme !"" On explore ainsi la représentation des nombres à l'aide de différentes bases et systèmes numéraux positionnels : 4 × 5 = 12 en notation de base 18, 4 × 6 = 13 en notation de base 21 et 4 × 7 = 14 en notation de base 24. En continuant cette séquence, en augmentant de trois bases à chaque fois, le résultat sera toujours inférieur à 20 dans la notation de la base correspondante. (Après 4 × 12 = 19 en base 39, le produit serait 4 × 13 = 1A en base 42, puis 1B, 1C, 1D, et ainsi de suite).
 Chapitre 7 (""Un Tea-Party fou"") : Le Lièvre de mars, le Chapelier et le Loir donnent plusieurs exemples dans lesquels la valeur sémantique d'une phrase A n'est pas la même que celle du contraire de A (par exemple, ""On pourrait tout aussi bien dire que ""Je vois ce que je mange"" est la même chose que ""Je mange ce que je vois"" !"") ; en logique et en mathématiques, on parle de relation inverse. Alice se demande également ce que signifie le fait que le changement de siège autour de la table circulaire les ramène au début. Il s'agit d'une observation de l'addition sur l'anneau des nombres entiers modulo N.
 Le chat du Cheshire s'estompe jusqu'à disparaître complètement, ne laissant que son large sourire suspendu dans l'air, ce qui amène Alice à s'émerveiller et à noter qu'elle a vu un chat sans sourire, mais jamais un sourire sans chat. L'abstraction profonde des concepts, comme la géométrie non euclidienne, l'algèbre abstraite et les débuts de la logique mathématique, s'emparait des mathématiques à l'époque où Dodgson écrivait. La délimitation par Dodgson de la relation entre le chat et le grin peut être considérée comme représentant le concept même des mathématiques et du nombre. Par exemple, au lieu de considérer deux ou trois pommes, on peut facilement considérer le concept de ""pomme"", dont les concepts de ""deux"" et ""trois"" semblent dépendre. Un saut beaucoup plus sophistiqué consiste à considérer les concepts de ""deux"" et ""trois"" par eux-mêmes, tout comme un sourire, qui semblait à l'origine dépendre du chat, séparé conceptuellement de son objet physique.
 Carina Garland note comment le monde est ""exprimé par des représentations de la nourriture et de l'appétit"", citant le désir fréquent d'Alice de consommer (à la fois de la nourriture et des mots), ses ""appétits curieux"". Souvent, l'idée de manger coïncide avec des images macabres. Après l'énigme ""Pourquoi un corbeau ressemble-t-il à un pupitre ?"", le Chapelier affirme qu'Alice pourrait tout aussi bien dire ""Je vois ce que je mange... je mange ce que je vois"" et la solution de l'énigme, proposée par Boe Birns, pourrait donc être la suivante : ""Un corbeau mange des vers ; un pupitre est mangé par des vers"" ; cette idée de nourriture résume l'idée de la vie qui se nourrit de la vie elle-même, car le ver est mangé et devient ensuite le mangeur - une image horrible de la mortalité.
 Nina Auerbach explique que le roman tourne autour du boire et du manger, ce qui ""motive une grande partie de son comportement [celui d'Alice]"", car l'histoire porte essentiellement sur les choses qui ""entrent et sortent de sa bouche"". Les animaux du pays des merveilles sont particulièrement intéressants, car la relation d'Alice avec eux change constamment. En effet, comme le dit Lovell-Smith, les changements de taille d'Alice la repositionnent continuellement dans la chaîne alimentaire, ce qui lui fait prendre conscience de l'attitude ""manger ou être mangé"" qui règne au pays des merveilles[21].
 Article principal : Œuvres basées sur Alice au pays des merveilles
 En 2015, Robert Douglas-Fairhurst a écrit dans The Guardian,
 Depuis la première publication des Aventures d'Alice au pays des merveilles il y a 150 ans, l'œuvre de Lewis Carroll a donné naissance à toute une industrie, des films aux manèges de parcs à thème en passant par des produits tels qu'un costume d'Alice ""mignonne et insolente"" (""jupon et bas non inclus""). La petite fille au visage vide rendue célèbre par les illustrations originales de John Tenniel est devenue une tache d'encre culturelle que nous pouvons interpréter comme bon nous semble.
 Alice et le reste du Pays des Merveilles continuent d'inspirer ou d'influencer de nombreuses autres œuvres d'art jusqu'à aujourd'hui, parfois indirectement via le film Disney de 1951, par exemple. On trouve des références, des hommages, des remaniements et des œuvres dérivées dans de nombreuses œuvres de littérature, de cinéma, de théâtre, d'art visuel, de musique et de jeux (comme les cartes à jouer). Qualifiée d'""héroïne intrépide et sans état d'âme"" par The Guardian, le personnage d'Alice, courageuse mais correcte, s'est avéré immensément populaire et a inspiré des héroïnes similaires dans la littérature et la culture populaire, dont beaucoup s'appellent également Alice en hommage.
 Alice a connu plusieurs adaptations dont voici les principales :
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https://login.wikimedia.org/wiki/Special:CentralAutoLogin/start?type=1x1; /static/images/footer/wikimedia-button.svg; /w/resources/assets/poweredby_mediawiki.svg,https://en.wikipedia.org/wiki/Alice%27s_Adventures_in_Wonderland,Alice's Adventures in Wonderland,https://en.wikipedia.org/wiki/Alice%27s_Adventures_in_Wonderland,"Alice's Adventures in Wonderland (also known as  Alice in Wonderland) is an 1865 English children's novel by Lewis Carroll, a mathematics don at the University of Oxford. It details the story of a girl named Alice who falls through a rabbit hole into a fantasy world of anthropomorphic creatures. It is seen as an example of the literary nonsense genre. The artist John Tenniel provided 42 wood-engraved illustrations for the book. 
 It received positive reviews upon release and is now one of the best-known works of Victorian literature; its narrative, structure, characters and imagery have had a widespread influence on popular culture and literature, especially in the fantasy genre.[1][2] It is credited as helping end an era of didacticism in children's literature, inaugurating an era in which writing for children aimed to ""delight or entertain"".[3] The tale plays with logic, giving the story lasting popularity with adults as well as with children.[4] The titular character Alice shares her name with Alice Liddell, a girl Carroll knew—scholars disagree about the extent to which the character was based upon her.[5][6]
 The book has never been out of print and has been translated into 174 languages. Its legacy includes adaptations to screen, radio, visual art, ballet, opera, and musical theatre, as well as theme parks, board games and video games.[7] Carroll published a sequel in 1871 entitled Through the Looking-Glass and a shortened version for young children, The Nursery ""Alice"", in 1890.
 Alice's Adventures in Wonderland was conceived on 4 July 1862, when Lewis Carroll and Reverend Robinson Duckworth rowed up the river Isis with the three young daughters of Carroll's friend Henry Liddell:[8][9] Lorina Charlotte (aged 13; ""Prima"" in the book's prefatory verse); Alice Pleasance (aged 10; ""Secunda"" in the verse); and Edith Mary (aged 8; ""Tertia"" in the verse).[10]
 The journey began at Folly Bridge, Oxford, and ended 5 miles (8 km) upstream at Godstow, Oxfordshire. During the trip, Carroll told the girls a story that he described in his diary as ""Alice's Adventures Under Ground"", which his journal says he ""undertook to write out for Alice"".[11] Alice Liddell recalled that she asked Carroll to write it down: unlike other stories he had told her, this one she wanted to preserve.[12] She finally received the manuscript more than two years later.[13]
 4 July was known as the ""golden afternoon"", prefaced in the novel as a poem.[14] In fact, the weather around Oxford on 4 July was ""cool and rather wet"", although at least one scholar has disputed this claim.[15] Scholars debate whether Carroll in fact came up with Alice during the ""golden afternoon"" or whether the story was developed over a longer period.[14]
 Carroll had known the Liddell children since around March 1856, when he befriended Harry Liddell.[16] He had met Lorina by early March as well.[17] In June 1856, he took the children out on the river.[18] Robert Douglas-Fairhurst, who wrote a literary biography of Carroll, suggests that Carroll favoured Alice Pleasance Liddell in particular because her name was ripe for allusion.[19] ""Pleasance"" means pleasure and the name ""Alice"" appeared in contemporary works, including the poem ""Alice Gray"" by William Mee, of which Carroll wrote a parody; Alice is a character in ""Dream-Children: A Reverie"", a prose piece by Charles Lamb.[19] Carroll, an amateur photographer by the late 1850s,[20] produced many photographic portraits of the Liddell children – and especially of Alice, of which 20 survive.[21]
 Carroll began writing the manuscript of the story the next day, although that earliest version is lost. The girls and Carroll took another boat trip a month later, when he elaborated the plot of the story to Alice, and in November, he began working on the manuscript in earnest.[22] To add the finishing touches, he researched natural history in connection with the animals presented in the book and then had the book examined by other children—particularly those of George MacDonald. Though Carroll did add his own illustrations to the original copy, on publication he was advised to find a professional illustrator so that the pictures were more appealing to his audience. He subsequently approached John Tenniel to reinterpret his visions through his own artistic eye, telling him that the story had been well-liked by the children.[22]
 Carroll began planning a print edition of the Alice story in 1863.[23] He wrote on 9 May 1863 that MacDonald's family had suggested he publish Alice.[13] A diary entry for 2 July says that he received a specimen page of the print edition around that date.[23] On 26 November 1864, Carroll gave Alice the manuscript of Alice's Adventures Under Ground, with illustrations by Carroll, dedicating it as ""A Christmas Gift to a Dear Child in Memory of a Summer's Day"".[24][25] The published version of Alice's Adventures in Wonderland is about twice the length of Alice's Adventures Under Ground and includes episodes, such as the Mad Hatter's Tea-Party (or Mad Tea Party), that do not appear in the manuscript.[26][23] The only known manuscript copy of Under Ground is held in the British Library.[23] Macmillan published a facsimile of the manuscript in 1886.[23]
 Alice, a young girl, sits bored by a riverbank and spots a White Rabbit with a pocket watch and waistcoat lamenting that he is late. Surprised, Alice follows him down a rabbit hole, which sends her into a lengthy plummet but to a safe landing. Inside a room with a table, she finds a key to a tiny door, beyond which is a garden. While pondering how to fit through the door, she discovers a bottle labelled ""Drink me"". Alice drinks some of the bottle's contents, and to her astonishment, she shrinks small enough to enter the door. However, she had left the key upon the table and cannot reach it. Alice then discovers and eats a cake labelled ""Eat me"", which causes her to grow to a tremendous size. Unhappy, Alice bursts into tears, and the passing White Rabbit flees in a panic, dropping a fan and two gloves. Alice uses the fan for herself, which causes her to shrink once more and leaves her swimming in a pool of her own tears. Within the pool, Alice meets various animals and birds, who convene on a bank and engage in a ""Caucus Race"" to dry themselves. Following the end of the race, Alice inadvertently frightens the animals away by discussing her cat.
 The White Rabbit appears looking for the gloves and fan. Mistaking Alice for his maidservant, he orders her to go to his house and retrieve them. Alice finds another bottle and drinks from it, which causes her to grow to such an extent that she gets stuck in the house. Attempting to extract her, the White Rabbit and his neighbours eventually take to hurling pebbles that turn into small cakes. Alice eats one and shrinks herself, allowing her to flee into the forest. She meets a Caterpillar seated on a mushroom and smoking a hookah. During the Caterpillar's questioning, Alice begins to admit to her current identity crisis, compounded by her inability to remember a poem. Before crawling away, the Caterpillar says that a bite of one side of the mushroom will make her larger, while a bite from the other side will make her smaller. During a period of trial and error, Alice's neck extends between the treetops, frightening a pigeon who mistakes her for a serpent. After shrinking to an appropriate height, Alice arrives at the home of a Duchess, who owns a perpetually grinning Cheshire Cat. The Duchess's baby, whom she hands to Alice, transforms into a piglet, which Alice releases into the woods. The Cheshire Cat appears to Alice and directs her toward the Hatter and March Hare before disappearing, leaving his grin behind. Alice finds the Hatter, March Hare, and a sleepy Dormouse in the midst of a tea party. The Hatter explains that it is always 6 p.m. (tea time), claiming that time is standing still as punishment for the Hatter trying to ""kill it"". A conversation ensues around the table, and the riddle ""Why is a raven like a writing desk?"" is brought up. Alice impatiently decides to leave, calling the party stupid.
 Noticing a door on a tree, Alice passes through and finds herself back in the room from the beginning of her journey. She takes the key and uses it to open the door to the garden, which turns out to be the croquet court of the Queen of Hearts, whose guard consists of living playing cards. Alice participates in a croquet game, in which hedgehogs are used as balls, flamingos are used as mallets, and soldiers act as hoops. The Queen is short-tempered and constantly orders beheadings. When the Cheshire Cat appears as only a head, the Queen orders his beheading, only to be told that such an act is impossible. Because the cat belongs to the Duchess, Alice prompts the Queen to release the Duchess from prison to resolve the matter. When the Duchess ruminates on finding morals in everything around her, the Queen dismisses her on the threat of execution.
 Alice then meets a Gryphon and a Mock Turtle, who dance to the Lobster Quadrille while Alice recites (rather incorrectly) a poem. The Mock Turtle sings them ""Beautiful Soup"", during which the Gryphon drags Alice away for a trial, in which the Knave of Hearts stands accused of stealing the Queen's tarts. The trial is conducted by the King of Hearts, and the jury is composed of animals that Alice previously met. Alice gradually grows in size and confidence, allowing herself increasingly frequent remarks on the irrationality of the proceedings. The Queen eventually commands Alice's beheading, but Alice scoffs that the Queen's guard is only a pack of cards. Although Alice holds her own for a time, the guards soon gang up and start to swarm all over her. Alice's sister wakes her up from a dream, brushing what turns out to be leaves from Alice's face. Alice leaves her sister on the bank to imagine all the curious happenings for herself.
 The main characters in Alice's Adventures in Wonderland are the following:
 In The Annotated Alice, Martin Gardner provides background information for the characters. The members of the boating party that first heard Carroll's tale show up in chapter 3 (""A Caucus-Race and a Long Tale""). Alice Liddell is there, while Carroll is caricatured as the Dodo (Lewis Carroll was a pen name for Charles Lutwidge Dodgson; because he stuttered when he spoke, he sometimes pronounced his last name as ""Dodo-Dodgson""). The Duck refers to Robinson Duckworth, and the Lory and Eaglet to Alice Liddell's sisters Lorina and Edith.[27]
 Bill the Lizard may be a play on the name of British Prime Minister Benjamin Disraeli.[28] One of Tenniel's illustrations in Through the Looking-Glass— the 1871 sequel to Alice— depicts the character referred to as the ""Man in White Paper"" (whom Alice meets on a train) as a caricature of Disraeli, wearing a paper hat.[29] The illustrations of the Lion and the Unicorn (also in Looking-Glass) look like Tenniel's Punch illustrations of William Ewart Gladstone and Disraeli, although Gardner says there is ""no proof"" that they were intended to represent these politicians.[30]
 Gardner has suggested that the Hatter is a reference to Theophilus Carter, an Oxford furniture dealer, and that Tenniel apparently drew the Hatter to resemble Carter, on a suggestion of Carroll's.[31] The Dormouse tells a story about three little sisters named Elsie, Lacie, and Tillie. These are the Liddell sisters: Elsie is L.C. (Lorina Charlotte); Tillie is Edith (her family nickname is Matilda); and Lacie is an anagram of Alice.[32]
 The Mock Turtle speaks of a drawling-master, ""an old conger eel"", who came once a week to teach ""Drawling, Stretching, and Fainting in Coils"". This is a reference to the art critic John Ruskin, who came once a week to the Liddell house to teach the children to draw, sketch, and paint in oils.[33][34] The Mock Turtle sings ""Turtle Soup"", which is a parody of a song called ""Star of the Evening, Beautiful Star"", which the Liddells sang for Carroll.[35][36]
 Carroll wrote multiple poems and songs for Alice's Adventures in Wonderland, including:
 Carroll's biographer Morton N. Cohen reads Alice as a roman à clef populated with real figures from Carroll's life. Alice is based on Alice Liddell; the Dodo is Carroll; Wonderland is Oxford; even the Mad Hatter's Tea Party, according to Cohen, is a send-up of Alice's own birthday party.[5] The critic Jan Susina rejects Cohen's account, arguing that Alice the character bears a tenuous relationship with Alice Liddell.[6]
 Beyond its refashioning of Carroll's everyday life, Cohen argues, Alice critiques Victorian ideals of childhood. It is an account of ""the child's plight in Victorian upper-class society"", in which Alice's mistreatment by the creatures of Wonderland reflects Carroll's own mistreatment by older people as a child.[43]
 In the eighth chapter, three cards are painting the roses on a rose tree red, because they had accidentally planted a white-rose tree that the Queen of Hearts hates. According to Wilfrid Scott-Giles, the rose motif in Alice alludes to the English Wars of the Roses: red roses symbolised the House of Lancaster, and white roses the rival House of York.[44]
 Alice is full of linguistic play, puns, and parodies.[45] According to Gillian Beer, Carroll's play with language evokes the feeling of words for new readers: they ""still have insecure edges and a nimbus of nonsense blurs the sharp focus of terms"".[46] The literary scholar Jessica Straley, in a work about the role of evolutionary theory in Victorian children's literature, argues that Carroll's focus on language prioritises humanism over scientism by emphasising language's role in human self-conception.[47]
 Pat's ""Digging for apples"" is a cross-language pun, as pomme de terre (literally; ""apple of the earth"") means potato and pomme means apple.[48] In the second chapter, Alice initially addresses the mouse as ""O Mouse"", based on her memory of the noun declensions ""in her brother's Latin Grammar, 'A mouse – of a mouse – to a mouse – a mouse – O mouse!'"" These words correspond to the first five of Latin's six cases, in a traditional order established by medieval grammarians: mus (nominative), muris (genitive), muri (dative), murem (accusative), (O) mus (vocative). The sixth case, mure (ablative) is absent from Alice's recitation. Nilson suggests that Alice's missing ablative is a pun on her father Henry Liddell's work on the standard A Greek-English Lexicon, since ancient Greek does not have an ablative case. Further, mousa (μούσα, meaning muse) was a standard model noun in Greek textbooks of the time in paradigms of the first declension, short-alpha noun.[49]
 Mathematics and logic are central to Alice.[50] As Carroll was a mathematician at Christ Church, it has been suggested that there are many references and mathematical concepts in both this story and Through the Looking-Glass.[51][52] Literary scholar Melanie Bayley asserts in the New Scientist magazine that Carroll wrote Alice in Wonderland in its final form as a satire on mid-19th century mathematics.[53]
 Carina Garland notes how the world is ""expressed via representations of food and appetite"", naming Alice's frequent desire for consumption (of both food and words), her 'Curious Appetites'.[54] Often, the idea of eating coincides to make gruesome images. After the riddle ""Why is a raven like a writing-desk?"", the Hatter claims that Alice might as well say, ""I see what I eat…I eat what I see"" and so the riddle's solution, put forward by Boe Birns, could be that ""A raven eats worms; a writing desk is worm-eaten""; this idea of food encapsulates idea of life feeding on life itself, for the worm is being eaten and then becomes the eater—a horrific image of mortality.[55]
 Nina Auerbach discusses how the novel revolves around eating and drinking which ""motivates much of her [Alice's] behaviour"", for the story is essentially about things ""entering and leaving her mouth.""[56] The animals of Wonderland are of particular interest, for Alice's relation to them shifts constantly because, as Lovell-Smith states, Alice's changes in size continually reposition her in the food chain, serving as a way to make her acutely aware of the 'eat or be eaten' attitude that permeates Wonderland.[57]
 Alice is an example of the literary nonsense genre.[58] According to Humphrey Carpenter, Alice's brand of nonsense embraces the nihilistic and existential. Characters in nonsensical episodes such as the Mad Hatter's Tea Party, in which it is always the same time, go on posing paradoxes that are never resolved.[59]
 Wonderland is a rule-bound world, but its rules are not those of our world. The literary scholar Daniel Bivona writes that Alice is characterised by ""gamelike social structures.""[60] She trusts in instructions from the beginning, drinking from the bottle labelled ""drink me"" after recalling, during her descent, that children who do not follow the rules often meet terrible fates.[61] Unlike the creatures of Wonderland, who approach their world's wonders uncritically, Alice continues to look for rules as the story progresses. Gillian Beer suggests that Alice looks for rules to soothe her anxiety, while Carroll may have hunted for rules because he struggled with the implications of the non-Euclidean geometry then in development.[62]
 The manuscript was illustrated by Carroll, who added 37 illustrations—printed in a facsimile edition in 1887.[24] John Tenniel provided 42 wood-engraved illustrations for the published version of the book.[63] The first print run was destroyed (or sold in the US)[64] at Carroll's request because Tenniel was dissatisfied with the printing quality. There are only 22 known first edition copies in existence.[63] The book was reprinted and published in 1866.[24] Tenniel's detailed black-and-white drawings remain the definitive depiction of the characters.[65]
 Tenniel's illustrations of Alice do not portray the real Alice Liddell,[6] who had dark hair and a short fringe. Alice has provided a challenge for other illustrators, including those of 1907 by Charles Pears and the full series of colour plates and line-drawings by Harry Rountree published in the (inter-War) Children's Press (Glasgow) edition. Other significant illustrators include: Arthur Rackham (1907), Willy Pogany (1929), Mervyn Peake (1946), Ralph Steadman (1967), Salvador Dalí (1969), Graham Overden (1969), Max Ernst (1970), Peter Blake (1970), Tove Jansson (1977), Anthony Browne (1988), Helen Oxenbury (1999),[66] and Lisbeth Zwerger (1999).
 Carroll first met Alexander Macmillan, a high-powered London publisher, on 19 October 1863.[13] His firm, Macmillan Publishers, agreed to publish Alice's Adventures in Wonderland by sometime in 1864.[67] Carroll financed the initial print run, possibly because it gave him more editorial authority than other financing methods.[67] He managed publication details such as typesetting and engaged illustrators and translators.[68]
 Macmillan had published The Water-Babies, also a children's fantasy, in 1863, and suggested its design as a basis for Alice's.[69] Carroll saw a specimen copy in May 1865.[70] 2,000 copies were printed by July, but Tenniel objected to their quality, and Carroll instructed Macmillan to halt publication so they could be reprinted.[24][71] In August, he engaged Richard Clay as an alternative printer for a new run of 2,000.[72] The reprint cost £600, paid entirely by Carroll.[73] He received the first copy of Clay's edition on 9 November 1865.[73]
 Macmillan finally published the new edition, printed by Richard Clay, in November 1865.[2][74] Carroll requested a red binding, deeming it appealing to young readers.[75][76]  A new edition, released in December 1865 for the Christmas market but carrying an 1866 date, was quickly printed.[77][78] The text blocks of the original edition were removed from the binding and sold with Carroll's permission to the New York publishing house of D. Appleton & Company.[79] The binding for the Appleton Alice was identical to the 1866 Macmillan Alice, except for the publisher's name at the foot of the spine. The title page of the Appleton Alice was an insert cancelling the original Macmillan title page of 1865 and bearing the New York publisher's imprint and the date 1866.[2]
 The entire print run sold out quickly. Alice was a publishing sensation, beloved by children and adults alike.[2] Oscar Wilde was a fan;[80] Queen Victoria was also an avid reader of the book.[81] She reportedly enjoyed Alice enough that she asked for Carroll's next book, which turned out to be a mathematical treatise; Carroll denied this.[82] The book has never been out of print.[2] Alice's Adventures in Wonderland has been translated into 174 languages.[83]
 The following list is a timeline of major publication events related to Alice's Adventures in Wonderland: 
 Alice was published to critical praise.[100] One magazine declared it ""exquisitely wild, fantastic, [and] impossible"".[101] In the late 19th century, Walter Besant wrote that Alice in Wonderland ""was a book of that extremely rare kind which will belong to all the generations to come until the language becomes obsolete"".[102]
 No story in English literature has intrigued me more than Lewis Carroll's Alice in Wonderland. It fascinated me the first time I read it as a schoolboy. F. J. Harvey Darton argued in a 1932 book that Alice ended an era of didacticism in children's literature, inaugurating a new era in which writing for children aimed to ""delight or entertain"".[3] In 2014, Robert McCrum named Alice ""one of the best loved in the English canon"" and called it ""perhaps the greatest, possibly most influential, and certainly the most world-famous Victorian English fiction"".[2] A 2020 review in Time states: ""The book changed young people's literature. It helped to replace stiff Victorian didacticism with a looser, sillier, nonsense style that reverberated through the works of language-loving 20th-century authors as different as James Joyce, Douglas Adams and Dr. Seuss.""[1] The protagonist of the story, Alice, has been recognised as a cultural icon.[104] In 2006, Alice in Wonderland was named among the icons of England in a public vote.[105]
 Books for children in the Alice mould emerged as early as 1869 and continued to appear throughout the late 19th century.[107] Released in 1903, the British silent film Alice in Wonderland was the first screen adaptation of the book.[108]
 In 2015, Robert Douglas-Fairhurst wrote in the Guardian,
 Since the first publication of Alice's Adventures in Wonderland 150 years ago, Lewis Carroll's work has spawned a whole industry, from films and theme park rides to products such as a ""cute and sassy"" Alice costume (""petticoat and stockings not included""). The blank-faced little girl made famous by John Tenniel's original illustrations has become a cultural inkblot we can interpret in any way we like.[7] Labelled ""a dauntless, no-nonsense heroine"" by the Guardian, the character of the plucky, yet proper, Alice has proven immensely popular and inspired similar heroines in literature and pop culture, many also named Alice in homage.[109] The book has inspired numerous film and television adaptations, which have multiplied, as the original work is now in the public domain in all jurisdictions. Musical works inspired by Alice include the Beatles's song ""Lucy in the Sky with Diamonds"", with songwriter John Lennon attributing the song's fantastical imagery to his reading of Carroll's books.[110] A popular figure in Japan since the country opened up to the West in the late 19th century, Alice has been a popular subject for writers of manga and a source of inspiration for Japanese fashion, in particular Lolita fashion.[111][112]
 The first full major production was Alice in Wonderland, a musical play in London's West End by Henry Savile Clarke and Walter Slaughter, which premiered at the Prince of Wales Theatre in 1886. Twelve-year-old actress Phoebe Carlo (the first to play Alice) was personally selected by Carroll for the role.[113] Carroll attended a performance on 30 December 1886, writing in his diary that he enjoyed it.[114] The musical was frequently revived during West End Christmas seasons during the four decades after its premiere, including a London production at the Globe Theatre in 1888, with Isa Bowman as Alice.[115][116]
 As the book and its sequel are Carroll's most widely recognised works, they have also inspired numerous live performances, including plays, operas, ballets, and traditional English pantomimes. These works range from fairly faithful adaptations to those that use the story as a basis for new works. Eva Le Gallienne's stage adaptation of the Alice books premiered on 12 December 1932 and ended its run in May 1933.[117] The production was revived in New York in 1947 and 1982. A community theatre production of Alice was Olivia de Havilland's first foray onto the stage.[118]
 Joseph Papp staged Alice in Concert at the Public Theater in New York City in 1980. Elizabeth Swados wrote the book, lyrics, and music based on both Alice's Adventures in Wonderland and Through the Looking-Glass. Papp and Swados had previously produced a version of it at the New York Shakespeare Festival. Meryl Streep played Alice, the White Queen, and Humpty Dumpty.[119] The cast also included Debbie Allen, Michael Jeter, and Mark Linn-Baker. Performed on a bare stage with the actors in modern dress, the play is a loose adaptation, with song styles ranging the globe. 
 The 1992 musical theatre production Alice used both books as its inspiration. It also employs scenes with Carroll, a young Alice Liddell, and an adult Alice Liddell, to frame the story. Paul Schmidt wrote the play, with Tom Waits and Kathleen Brennan writing the music.[120][121] Although the original production in Hamburg, Germany, received only a small audience, Tom Waits released the songs as the album Alice in 2002.[122]
 The English composer Joseph Horovitz composed an Alice in Wonderland ballet commissioned by the London Festival Ballet in 1953. It was performed frequently in England and the US.[123] A ballet by Christopher Wheeldon and Nicholas Wright commissioned for the Royal Ballet entitled Alice's Adventures in Wonderland premiered in February 2011 at the Royal Opera House in London.[124][125] The ballet was based on the novel Wheeldon grew up reading as a child and is generally faithful to the original story, although some critics claimed it may have been too faithful.[126]
 Unsuk Chin's opera Alice in Wonderland premiered in 2007 at the Bavarian State Opera[127] and was hailed as World Premiere of the Year by the German opera magazine Opernwelt.[128] Gerald Barry's 2016 one-act opera, Alice's Adventures Under Ground, first staged in 2020 at the Royal Opera House, is a conflation of the two Alice books.[129] In 2022, the Opéra national du Rhin performed the ballet Alice, with a score by Philip Glass, in Mulhouse, France.[130]
 Characters from the book are depicted in the stained glass windows of Carroll's hometown church, All Saints', in Daresbury, Cheshire.[131] Another commemoration of Carroll's work in his home county of Cheshire is the granite sculpture The Mad Hatter's Tea Party, located in Warrington.[132] International works based on the book include the Alice in Wonderland statue in Central Park, New York, and the Alice statue in Rymill Park, Adelaide, Australia.[133][134] In 2015, Alice characters were featured on a series of UK postage stamps issued by the Royal Mail to mark the 150th anniversary of the publication of the book.[135]",4455,"Main page; Contents; Current events; About Wikipedia; Help; Learn to edit; Community portal; Upload file; ; learn more; Article; Talk; Read; Read; Upload file; Alice in Wonderland (disambiguation); ; Lewis Carroll; John Tenniel; Portal fantasy; Literary nonsense; Macmillan; Through the Looking-Glass; Wikisource; children's novel; Lewis Carroll; don; University of Oxford; Alice; anthropomorphic; literary nonsense; John Tenniel; Victorian literature; fantasy; didacticism; children's literature; logic; Alice Liddell; has been translated; adaptations; Through the Looking-Glass; The Nursery ""Alice""; Lewis Carroll; Robinson Duckworth; Isis; Henry Liddell; Alice Pleasance; Folly Bridge; Godstow; golden afternoon; Charles Lamb; ; manuscript; natural history; George MacDonald; John Tenniel; British Library; Macmillan; ; White Rabbit; Alice; White Rabbit; pocket watch; waistcoat; ; Cheshire Cat; Caterpillar; hookah; her inability to remember a poem; Duchess; Cheshire Cat; Hatter; March Hare; Dormouse; tea party; tea time; ; croquet; Flamingo; croquet; Queen of Hearts; Gryphon; Mock Turtle; Lobster Quadrille; a poem; Knave of Hearts; King of Hearts; List of minor characters in the Alice series; Alice; The White Rabbit; The Mouse; The Dodo; The Lory; The Eaglet; The Duck; Pat; Bill the Lizard; Puppy; The Caterpillar; The Duchess; The Cheshire Cat; The Hatter; The March Hare; The Dormouse; The Queen of Hearts; The King of Hearts; The Knave of Hearts; The Gryphon; The Mock Turtle; ; Theophilus Carter; The Hatter; The Annotated Alice; Martin Gardner; pen name; Robinson Duckworth; Benjamin Disraeli; Through the Looking-Glass; Punch; William Ewart Gladstone; Theophilus Carter; anagram; conger; John Ruskin; How Doth the Little Crocodile; Isaac Watts; The Mouse's Tale; concrete poetry; You Are Old, Father William; Robert Southey; David Bates; Twinkle, Twinkle, Little Bat; Jane Taylor; Twinkle Twinkle Little Star; The Lobster Quadrille; Mary Botham Howitt; 'Tis the Voice of the Lobster; Isaac Watts; The Queen of Hearts; ; Morton N. 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Peter Pan,https://fr.wikipedia.org/wiki/Peter_Pan,"Pour les articles homonymes, voir Peter Pan (homonymie), Pan (homonymie) et Enfants perdus (homonymie).
 
 Peter Pan est un personnage de fiction britannique créé par l'auteur J. M. Barrie, apparu pour la première fois dans le roman Le Petit Oiseau blanc[1] en 1902, puis dans la pièce du même nom, et ensuite dans la pièce Peter et Wendy (1904), plus connue sous le titre Peter Pan, qui sera publiée en roman en 1911. Le personnage et l'œuvre ont ensuite été adaptés à de nombreuses reprises au théâtre, au cinéma, ou encore en bande dessinée.
 J. M. Barrie crée Peter Pan en racontant des histoires aux fils de sa grande amie Sylvia Llewelyn Davies, fille de George du Maurier, dessinateur satirique et compagnon de route de Henry James. « Peter » était le prénom de Peter Llewelyn Davies, le troisième fils de Sylvia Llewelyn Davies, et le nom « Pan » rappelait le dieu grec de la Nature.
 Pour certains commentateurs, le personnage a pu être inventé par Barrie en souvenir de la mort à 13 ans de son frère aîné David, dont sa mère, Margaret, ne s'est jamais remise, faisant porter le deuil à son fils cadet[2]. 
 Peter Pan fait sa première apparition imprimée en 1902 dans le livre The Little White Bird (Le Petit Oiseau blanc)[1]. Barrie développe le personnage de Peter dans sa pièce de théâtre Peter Pan; or, The Boy Who Wouldn't Grow Up (Peter Pan, ou le garçon qui ne voulait pas grandir) dont la première a lieu à Londres le 27 décembre 1904. En 1906, la partie de The Little White Bird concernant Peter Pan est publiée seule : Peter Pan in Kensington Gardens[3], illustrée par Arthur Rackham. Enfin, Barrie adapte sa pièce pour son roman Peter and Wendy, plus connu sous le titre Peter Pan, publié en 1911.
 Quatre ans après la création de la production originale de Peter Pan, en 1908, Barrie écrit une scène supplémentaire intitulée An Afterthought (Après Coup), qui sera plus tard incorporée au dernier chapitre de Peter et Wendy. Dans cette scène, Peter revient chercher Wendy des années plus tard, mais elle est maintenant une adulte mariée, avec un enfant, une fille appelée Jane. Lorsque Peter apprend que Wendy l'a « trahi » en grandissant, il a le cœur brisé jusqu'au moment où Jane accepte de partir au Pays imaginaire avec Peter. Dans le roman, Barrie raconte qu'une fois Jane devenue grande, c'est sa fille Margaret qui partira au Pays imaginaire. Selon Barrie, ce cycle durera toujours, tant que les enfants seront « innocents et sans cœur ».
 Au milieu du XXe siècle, le prénom Wendy devient très populaire en Angleterre grâce au personnage du roman.
 Une statue de bronze réalisée par George Frampton est érigée dans Kensington Gardens à Londres en 1912, Peter Pan y est représenté jouant de la flûte. Une copie de cette statue se trouve dans le Parc d'Egmont à Bruxelles depuis 1924 ; elle a été offerte à la ville par Sir George Frampton, en témoignage de l'amitié qui a lié les enfants anglais et belges pendant la Première Guerre mondiale.
 Ce vendredi soir, la voie est libre pour Peter Pan, le petit garçon qui refuse de grandir : M. et Mme Darling sont absents et la chienne Nana, qui tient lieu de nurse à leurs enfants Wendy, John et Michael, a été enchaînée dans le jardin.
 Venu récupérer son ombre abandonnée lors d’une précédente visite, Peter se trouve face à Wendy. Avide des histoires qu’elle pourra lui raconter et du rôle de mère, fantasmé, qu'elle pourrait accomplir, il la persuade de le suivre jusqu’au Pays imaginaire (Neverland).
 Wendy devra se défendre de la jalousie de la fée Clochette (Tinker Bell) et veiller sur la petite famille des Garçons perdus, jadis tombés de leur landau, dont elle devient la mère. Emmenés par Peter Pan, Wendy et ses frères vivront d’extraordinaires aventures auxquelles seront mêlés les Peaux-Rouges et Lily la Tigresse (Tiger Lily), mais surtout les Pirates et leur chef, le fameux Capitaine Crochet (Captain Hook), qui n’a jamais pardonné à Peter de lui avoir coupé la main avant de la jeter en pâture avec son réveil au crocodile qui le poursuit depuis sans trêve...
 Au cours d'une embuscade, Crochet enlève Lily la Tigresse, afin de capturer Peter, dont il pense qu'il viendra la sauver. Peter Pan se rend à la Lagune aux Sirènes avec Wendy. Au cours d'une bataille, Lily la Tigresse est libérée et retourne chez les Indiens.
 À cause de sa jalousie, Clochette révèle la cachette de Peter Pan, où Crochet le trouve endormi et décide de le tuer en empoisonnant la potion que Wendy avait donnée à Peter. Entre-temps, les Enfants perdus, Wendy et ses frères sont capturés. Quand Peter se réveille, Clochette est prise de remords et veut le prévenir que la potion qu'il est sur le point de boire est empoisonnée. Fâché contre elle, Peter Pan ne la croit pas et Clochette boit la potion elle-même. Pour la sauver de la mort, Peter fait appel à tous les enfants qui croient aux fées et Clochette revient à elle. Peter retourne au Jolly Roger et une bataille s'engage. Crochet est vaincu et, poussé par-dessus bord, disparaît dans la gueule du crocodile.
 Peter devient capitaine du Jolly Roger et ramène Wendy, John et Michael et les Enfants perdus à Londres. Les parents Darling retrouvent leurs enfants et adoptent tous les Enfants perdus. Peter Pan rentre au Pays imaginaire en jurant à Wendy qu'il ne l'oubliera pas, et qu'il reviendra tous les ans pour la ramener au Pays imaginaire.
 Mais on apprend dans un épilogue écrit quelques années après la pièce qu'il oublie sa promesse et ne revient que bien longtemps après quand il retrouve Wendy grandie et maman. Il emmène alors sa fille Jane, puis, une fois que celle-ci est devenue grande, sa fille à elle, Margaret. L'auteur mentionne que ce cycle continuera pour toujours.
 Le gouvernement du Royaume-Uni a donné un droit d'auteur perpétuel (with a compulsory licence provision) sur les œuvres du cycle Peter Pan. La déclaration figure dans la section 301 du Copyright, Designs and Patents Act de 1988.
Cette loi ordonne de reverser les droits de la pièce Peter Pan de Sir J. M. Barrie à l'hôpital pour enfants malades de Great Ormond Street, à Londres — à qui J. M. Barrie avait donné tous les droits d'auteur de Peter Pan en 1929 — lorsqu'elle est jouée en public, publiée à des fins commerciales, diffusée ou incluse dans des programmes câblés[5]. Cela concerne également toutes les adaptations. Ce droit d'auteur dans le Royaume-Uni et dans la plupart des pays européens avait expiré le 31 décembre 1987, 50 ans après la mort de l'auteur, mais a été rétabli en 1995, quand l'Union Européenne a augmenté la durée du droit d'auteur à 70 ans après la mort de l'auteur. Le Great Ormond Street Hospital a rétabli son droit d'auteur, qui a expiré dans le reste de l'Europe le 31 décembre 2007.
 Cette loi ne concerne pas The Little White Bird. Ce droit d'auteur cessera à la disparition du Great Ormond Street Hospital, ou à l'abolition de cette section.
 Peter Pan a été adapté plusieurs fois au théâtre et au cinéma. Depuis la pièce originale de James M. Barrie (Peter Pan; or, The Boy Who Wouldn't Grow Up) de 1904, avec Dorothea Baird dans le rôle de Mrs Darling, Peter était joué par une femme. Un film de 2003 est le premier à voir le personnage joué par un acteur masculin.
 En 1924, Herbert Brenon réalise le long-métrage Peter Pan pour la Famous Players-Lasky Corporation. Un an plus tard, Walter Lantz réalise Peter Pan Handled pour les J. R. Bray Studios, un court-métrage d'animation plus proche de l'adaptation libre et mettant en scène Dinky Doodle[6].
 En 1953, Disney sort un film d'animation (Peter Pan) avec des musiques de Sammy Cahn, Frank Churchill, Sammy Fain et Ted Sears. La même année, Walt Disney produit une émission de télévision pour promouvoir le film, The Peter Pan Story[7]. 
 En 1991, Steven Spielberg réalise Hook, un film où Peter a décidé de grandir et a oublié son passé. Interprété par Robin Williams, il est de nouveau confronté au capitaine Crochet qui a enlevé ses enfants.
 En 2000, un film de la comédie musicale de Jerome Kern a été déclaré « culturellement important » par la Bibliothèque du Congrès des États-Unis, et a été sélectionné pour être préservé par le National Film Registry.
 En 2003, P. J. Hogan réalise Peter Pan, dans lequel Peter Pan est joué par un jeune acteur, Jeremy Sumpter et Crochet par Jason Isaacs.
 En 2015, Joe Wright réalise Pan, un film expliquant comment Peter Pan (joué par Levi Miller) serait arrivé au Pays Imaginaire, faisant la rencontre de Barbe Noire (Hugh Jackman), de Crochet (Garrett Hedlund) et Lily la Tigresse (Rooney Mara).
 Parmi les comédies musicales, les plus connues ont été celles de Jerome Kern (1924), Leonard Bernstein (1950) ; et celle de 1954 monté par Jerome Robbins et dont les chansons ont été écrites par deux équipes d'auteurs : Mark Charlap et Carolyn Leigh, Jule Styne avec Betty Comden et Adolph Green.
 En 1994, pour les fêtes de fin d’année, Del Diffusion propose le spectacle Peter Pan mis en scène par Bruno Bulté. Fort du succès du spectacle (25 000 spectateurs en moins d’un mois[réf. nécessaire]), le groupe Walibi s’associe à Del Diffusion et propose un show Peter Pan pour l'été 1995 avec une nouvelle histoire et une mise en scène enlevée et visuelle, la création d’effets spéciaux inédits (laser, son, lumières et autres effets pyrotechniques, scènes de combat en live) ainsi que des comédiens-acrobates-jongleurs.
 En 2008, une adaptation contée, Le Secret de Peter Pan a été créée par la conteuse Paule Latorre[8].
 En 2012, Luc Petit met en scène Peter Pan dans le plus grand spectacle de mapping intérieur au monde, une production de Music Hall Group sous la direction artistique de Geert Allaert[9].
 En 1989, la série animée Peter Pan (Peter Pan no Bouken) voit le jour au Japon. Elle débarque en France en janvier 1990.
 Au cours des années 1990, une série américaine de dessins animés intitulée Peter Pan et les Pirates a été diffusée.
 En décembre 2011, une mini série intitulée Neverland (mini-série) a été créée par Nick Willing, racontant la genèse de Peter Pan, à savoir comment Peter a découvert le Pays Imaginaire, rencontré Clochette et apprit à voler. On y retrouve Mouche (Smee), Lily la Tigresse (Lis Tigrée), les indiens et les pirates. Crochet, surnommé Jimmy au début du film, apparaît aux côtés de Peter comme son mentor, puis il se laissera séduire par Bonnie, la capitaine du Jolly Roger. Peter et lui se disputeront, ce qui déclenchera leur rivalité telle que décrite dans le livre de J.M.Barrie. La série comporte deux épisodes, qui forment un film de 2h47.
 En 2012, DQ Entertainment et Method Animation produisent une série animée en image de synthèse Les Nouvelles Aventures de Peter Pan, qui se se passe au XXIe siècle. La série à destination des enfants de 6 à 10 ans.
 En 2013, la saison 3 de la série américaine Once Upon a Time met en scène le Pays imaginaire comme un lieu effrayant, avec pour chef un Peter Pan (Robbie Kay) dit « redoutable ». On y découvre que Peter Pan est le père de Rumplestiltskin et qu'il a rajeuni il y a des siècles grâce à un pacte avec une mystérieuse ombre. Dans la saison précédente, les enfants perdus, la famille Darling et le Capitaine Crochet ont été introduits. Rumplestiltskin jouant le rôle du Crocodile en lui coupant la main gauche après que le pirate lui ait volé sa femme.
 La série Le Monde des Winx fait référence et met également en scène ce personnage de Peter Pan et son univers avec la fée Clochette notamment.
 Publiée à partir de 1990, la série de bandes dessinées Peter Pan, créée par Régis Loisel, est une adaptation plus sombre et destinée à un public plus adulte[10]. La série en six volumes a été achevée en 2004.
 En 2012 sort la bande-dessinée Fairy Quest, transposition de tous les contes de fées dans le même monde. Peter Pan et les autres personnages apparaissent dans le premier tome.
 En 2013 sort University Ever After, une web-série créée par Julia Seales[11] reprenant les personnages de conte de fées à l'époque contemporaine et allant tous à la même fac. Dans la première saison, Clochette est la seule introduite. Ce n'est que dans la seconde saison que Crochet et Peter Pan sont présents.
 En 2014, une autre web-série, The new adventures of Peter and Wendy, créée et interprétée par Kyle Walters[12], reprend les personnages de l'histoire, plus âgés et vivant dans la ville de Neverland[13].
 En 2015, une autre web-série, So the story goes, sur les contes de fées replacés à l'ère moderne met en scène l'histoire de Peter Pan dans la 2de et 3e saison. La seconde saison est consacrée uniquement à l'Équipe d'Enquête Paranormale du Jolly Rogers, une compagnie qui se charge des événements paranormaux menés par Jane Crochet. Alors que cette saison a un ton comique et divertissant, la suivante est plutôt du genre dramatique, mystérieux et policier. C'est dans cette saison que Peter Pan et la famille Darling entrent en scène, ce qui va requérir l'intervention de Jolly Rogers.
 Plusieurs artistes ont tenté de créer des suites aux aventures de Peter Pan inspirées de l'histoire de Barrie.
 En 1987, Gilbert Adair imagine dans Peter Pan and the Only Children que Peter reforme un nouveau gang sous l'océan, à partir des enfants tombés des navires.
 En 1991, dans Hook ou la Revanche du Capitaine Crochet, Steven Spielberg met en scène un Peter Pan devenu adulte (Robin Williams) qui est ramené au Pays imaginaire par la fée Clochette (Julia Roberts) pour un ultime combat contre le Capitaine Crochet (joué par Dustin Hoffman).
 En 1993 : Les Ailes de Peter Pan, par François Rivière, Françoise Balibar, éd. Seuil Jeunesse, illustré par René Follet.
 En 2002, Disney sort le film d'animation Peter Pan 2 : Retour au Pays Imaginaire (Return to Neverland), suite de son précédent film de 1953. L'action se déroule pendant le Blitz allemand sur Londres pendant la Seconde Guerre mondiale et traite du problème des enfants forcés de grandir trop vite.
 Le 5 octobre 2006 une suite officielle, L'Habit Rouge de Peter Pan de Geraldine McCaughrean, sortie avec l'accord de l'hôpital de Great Ormond Street de Londres, paraît aux Éditions Pocket.
 En 2009, Sébastien Perez et Martin Maniez publient Le journal de Peter aux éditions Milan. Sous forme d'un journal intime illustré, les auteurs racontent le long cheminement psychologique d'un jeune orphelin qui fuit la réalité jusqu'à devenir Peter Pan, l'enfant qui veut rester à jamais dans son monde de fantaisie...
 En 2021, l'éditeur spécialisé Magic Mirror publie Tant que vole la poussière de Cameron Valciano. Dans une ambiance très sombre, le roman relate les aventures de James Hook et Wendy Darling, laquelle cherche à retrouver sa fille Jane. Cette quête les emmènera au Pays du Jamais où ils retrouveront le Jolly Roger, Peter Pan, Lily la Tigresse et les sirènes...
 La Fée Clochette (Tinker Bell) est un long-métrage d'animation des studios Disney sorti directement en vidéo à l'automne 2008 sauf dans certains pays (Argentine, Mexique, Russie, Japon) où il a été exploité dans les salles.
 Réalisé entièrement en images de synthèse, il est le premier film d'une grande saga Disney Fairies destinée aux enfants d'environ 6 à 10 ans, longue production qui contient de nombreux films, livres et autres produits dérivés, tous centrés sur le personnage de la fée Clochette accompagnée de nombreux nouveaux personnages dont la plupart sont des fées très diverses et de personnalités très différentes afin que tous les enfants se reconnaissent à coup sûr au moins dans l'une d'entre elles. Peter Pan n'apparaît pas comme personnage dans cette production.
Le film a eu plusieurs suites que sont Clochette et la Pierre de lune en 2009, Clochette et l'Expédition féerique en 2010, Clochette et le Secret des fées en 2012, Clochette et la Fée pirate en 2014 et Clochette et la Créature légendaire en 2014. Un dessin animé, La vallée des fées, a été diffusée sur Disney Channel.
 Le 14 février 2011, une série de dessins animés pour enfants du nom de Jake et les Pirates du Pays imaginaire est diffusée aux États-Unis. Elle suit les aventures des enfants de Peter Pan qui sont Jake, Izzy et LeFrisé (Cubby en version originale) qui sont accompagnés de leur perroquet Skully.
Ils doivent affronter au Pays Imaginaire (Neverland en version originale), Captain Crochet et ses acolytes Monsieur Mouche, Sharky et Bones qui tenteront par tous les moyens de voler leur trésor.
Peter Pan apparait de façon récurrente dans certains épisodes pour rendre visite à ses enfants, les sauver ou pour se faire sauver par ces derniers. 
 Wendy Darling, John et Michael apparaissent dans un épisode spécial de la quatrième saison et dans le dernier épisode de la série qui compte 116 (114 pour réduire le dernier épisode en deux parties) et non 104 épisodes ainsi que quatre et non trois saisons.
La Fée Clochette apparait également de façon récurrente pour aider ses amis ou pour se faire aider.
À part l'épisode spécial Capitaine Jake et les Pirates du Pays imaginaire, la quatrième saison semble ne pas avoir été diffusée en France, quatrième saison qui a pris le nom de Captain Jake et les Pirates du Pays imaginaire, nom qui est aussi  pour les produits commerciaux et les marchandises.
Dans le dernier épisode de la troisième saison, Jake commence par se faire appeler Capitaine Jake pour des raisons inconnues (surement pour son changement d'habit étant beaucoup plus capitaine d'équipage, parce qu'il doit sauver son bateau et que le dernier épisode de la troisième saison et la quatrième saison sont les épisodes d'actions de la série aimés autant des adolescents que des enfants, ceci jusqu'à la fin de la série.
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Barrie; Sylvia Llewelyn Davies; George du Maurier; Henry James; Peter Llewelyn Davies; Pan; dieu grec; ; Arthur Rackham; 1902; Le Petit Oiseau blanc; Peter Pan, ou le garçon qui ne voulait pas grandir; Londres; 1906; Arthur Rackham; Peter and Wendy, plus connu sous le titre Peter Pan; 1911; Wendy; Angleterre; George Frampton; Kensington Gardens; Londres; Parc d'Egmont; 1924; George Frampton; Première Guerre mondiale; Pays imaginaire; fée Clochette; Capitaine Crochet; Peter and Wendy; Royaume-Uni; droit d'auteur; Copyright, Designs and Patents Act; J. M. Barrie; hôpital pour enfants malades de Great Ormond Street; J. M. Barrie; Union Européenne; Peter Pan; or, The Boy Who Wouldn't Grow Up; Dorothea Baird; film de 2003; Herbert Brenon; Peter Pan; Famous Players-Lasky Corporation; Walter Lantz; J. R. Bray Studios; Dinky Doodle; Disney; Peter Pan; Steven Spielberg; Hook; Robin Williams; enlevé ses enfants; 2000; Bibliothèque du Congrès; National Film Registry; P. J. Hogan; Peter Pan; Jeremy Sumpter; Jason Isaacs; Joe Wright; Pan; Levi Miller; Hugh Jackman; Garrett Hedlund; Rooney Mara; comédies musicales; Jerome Kern; Leonard Bernstein; Jerome Robbins; Peter Pan; Bruno Bulté; [réf. nécessaire]; groupe Walibi; 1995; mapping; Peter Pan; 1990; Peter Pan et les Pirates; Neverland (mini-série); Nick Willing; Les Nouvelles Aventures de Peter Pan; XXIe siècle; saison 3; série; américaine; Once Upon a Time; Pays imaginaire; Robbie Kay; Rumplestiltskin; saison précédente; Capitaine Crochet; Rumplestiltskin; Le Monde des Winx; fée Clochette; 1990; Peter Pan; Régis Loisel; 2012; 2013; 2014; 2015; 1987; Gilbert Adair; 1991; Hook ou la Revanche du Capitaine Crochet; Steven Spielberg; Robin Williams; Julia Roberts; Dustin Hoffman; 1993; François Rivière; René Follet; 2002; Peter Pan 2 : Retour au Pays Imaginaire; Seconde Guerre mondiale; 2009; Sébastien Perez; 2021; Magic Mirror; La Fée Clochette; studios Disney; Argentine; Mexique; Russie; Japon; salles; Disney Fairies; Clochette et la Pierre de lune; Clochette et l'Expédition féerique; Clochette et le Secret des fées; Clochette et la Fée pirate; Clochette et la Créature légendaire; Disney Channel; Jake et les Pirates du Pays imaginaire; Yale University Press; ISBN; 978-0-300-09822-8; Internet Movie Database; L'Express; Capitaine Crochet; Syndrome de Peter Pan; Fripon; Le Petit Oiseau blanc; Second star to the right; Notices d'autorité; v; Wendy Darling; Capitaine Crochet; Fée Clochette; Monsieur Mouche; ; Peter Pan (1924); Peter Pan (1953); Hook ou la Revanche du capitaine Crochet; Peter Pan 2 : Retour au Pays imaginaire; Peter Pan (2003); Neverland; La Fée Clochette; Clochette et la Pierre de lune; Pan; Wendy; Peter Pan et Wendy; Once Upon a Time; Peter Pan; Peter Pan et les Pirates; Les Nouvelles Aventures de Peter Pan; Peter Pan; Peter Pan; Peter Pan; Bat Out of Hell: The Musical; J. M. 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M. Barrie. A free-spirited and mischievous young boy who can fly and never grows up, Peter Pan spends his never-ending childhood having adventures on the mythical island of Neverland as the leader of the Lost Boys, interacting with fairies, pirates, mermaids, Native Americans, and occasionally ordinary children from the world outside Neverland.
 Peter Pan has become a cultural icon symbolizing youthful innocence and escapism. In addition to two distinct works by Barrie, The Little White Bird (1902, with chapters 13–18 published in Peter Pan in Kensington Gardens in 1906), and the West End stage play Peter Pan; or, the Boy Who Wouldn't Grow Up (1904, which expanded into the 1911 novel Peter and Wendy), the character has been featured in a variety of media and merchandise, both adapting and expanding on Barrie's works. These include several films, television series and many other works.
 Barrie commissioned a statue of Peter Pan by the sculptor George Frampton, which was erected overnight in Kensington Gardens on 30 April 1912 as a surprise to the children of London.[1] Six other statues have been cast from the original mould and displayed around the world. In 2002, Peter Pan featured on a series of UK postage stamps issued by the Royal Mail on the centenary of Barrie's creation of the character.[2]
 Peter Pan first appeared as a character in Barrie's The Little White Bird (1902), a novel for adults. In chapters 13–18, titled ""Peter Pan in Kensington Gardens"", Peter is a seven-day-old baby and has flown from his nursery to Kensington Gardens in London, where the fairies and birds taught him to fly. He is described as ""betwixt-and-between"" a boy and a bird. Barrie returned to the character of Peter Pan, putting him at the centre of his stage play titled Peter Pan, or The Boy Who Wouldn't Grow Up, which premiered on 27 December 1904 at the Duke of York's Theatre in London.[3] Following the success of the 1904 play, Barrie's publishers, Hodder and Stoughton, extracted the Peter Pan chapters of The Little White Bird and published them in 1906 under the title Peter Pan in Kensington Gardens, with the addition of illustrations by Arthur Rackham.[4] Barrie later adapted and expanded the 1904 play's storyline as a novel, which was published in 1911 as Peter and Wendy.
 J. M. Barrie may have based the character of Peter Pan on his older brother, David, who died in an ice-skating accident the day before his 14th birthday. His mother and brother thought of him as forever a boy.[5]
 Barrie never described Peter's appearance in detail, even in his novel, leaving it to the imagination of the reader and the interpretation of anyone adapting the character. In the play, Peter's outfit is made of autumn leaves and cobwebs. In the book and the play, he also carries a dagger for cutting and a sword for fighting, although in some versions he only has one of the two. [6] His name and playing the flute or pan pipes suggest that he is based on the Greek god and mythological character Pan. Barrie mentions in Peter and Wendy that Peter Pan still had all his ""first teeth"".[7] He describes him as a ""lovely boy, clad in skeleton leaves and the juices that ooze out of trees"".[7] In The Little White Bird (1902) and Peter Pan in Kensington Gardens (1906), he is seven days old.[8]
 Traditionally, the character has been played on stage by a female, but can also be played by a male.[9] In the original productions in the UK, Peter Pan's costume was a reddish tunic and dark green tights, such as that worn by Nina Boucicault in 1904. This costume is exhibited at Barrie's Birthplace.[10] The similar costume worn by Pauline Chase (who played the role from 1906 to 1913) is displayed in the Museum of London. Early editions of adaptations of the story also depict a red costume [11][12] but a green costume (whether or not made of leaves) becomes more usual from the 1920s,[13] and more so later after the release of Disney's animated movie.
 In the Disney films, Peter wears an outfit that consists of a short-sleeved green tunic and tights apparently made of cloth, and a cap with a red feather in it. He has pointed elf-like ears, brown eyes, and reddish hair.
 In Hook (1991), the character is played as an adult by Robin Williams, with blue eyes and dark brown hair; in flashbacks to him in his youth, his hair is light brown. His ears appear pointed only when he is Peter Pan, not as Peter Banning. His Pan attire resembles the Disney outfit (minus the cap) and he wields a gold bladed sword.
 In the live-action 2003 Peter Pan film, he is portrayed by Jeremy Sumpter, with blond hair, green eyes, bare feet and a costume made of leaves and vines.
 In the prequel to the main story 2015 Pan film, he is portrayed by Levi Miller, a young boy who was left as a baby by the orphanage until he gets captured by Blackbeard's pirates and taken to Neverland. Here he wears just simple clothes.
 Peter is an exaggerated stereotype of a boastful and careless boy. He claims greatness, even when such claims are questionable (such as congratulating himself when Wendy re-attaches his shadow). In the play and book, Peter symbolises the selfishness of childhood, and is portrayed as being forgetful and self-centred.
 Peter has a nonchalant, devil-may-care attitude, and is fearlessly cocky when it comes to putting himself in danger. Barrie writes that when Peter thought he was going to die on Marooners' Rock, he felt scared, yet he felt only one shudder. With this blithe attitude, he says, ""To die will be an awfully big adventure."" In the play, the unseen and unnamed narrator ponders what might have been if Peter had stayed with Wendy, so that his cry might have become, ""To live would be an awfully big adventure!"", ""but he can never quite get the hang of it"".[14]
 Peter's archetypal quality is his unending youth. In Peter and Wendy, it is explained that Peter must forget his own adventures and what he learns about the world in order to stay childlike.
 Peter's ability to fly is explained, but inconsistently. In The Little White Bird, he is able to fly because he is said to be part bird, like all babies. In the play and novel, he teaches the Darling children to fly using a combination of ""lovely wonderful thoughts"" and fairy dust. In Barrie's Dedication to the play Peter Pan, The Boy Who Wouldn't Grow up,[15] the author attributes the idea of fairy dust being necessary for flight to practical needs:
 ...after the first production I had to add something to the play at the request of parents (who thus showed that they thought me the responsible person) about no one being able to fly until the fairy dust had been blown on him; so many children having gone home and tried it from their beds and needed surgical attention.  – J. M. Barrie
 Peter has an effect on the whole of Neverland and its inhabitants when he is there. Barrie states that although Neverland appears different to every child, the island ""wakes up"" when Peter returns from his trip to London. In the chapter ""The Mermaids' Lagoon"" in the book Peter and Wendy, Barrie writes that there is almost nothing that Peter cannot do. He is a skilled swordsman, rivalling even Captain Hook, whose hand he cut off in a duel. He has remarkably keen vision and hearing. He is skilled in mimicry, copying the voice of Hook and the ticking of the clock in the crocodile.
 Peter has the ability to imagine things into existence and he is able to sense danger when it is near.
 In Peter and Wendy, Barrie states that the Peter Pan legend Mrs. Darling heard as a child, was that when children died, he accompanied them part of the way to their destination so they would not be frightened.
 In the original play, Peter states that no one must ever touch him (though he does not know why). The stage directions specify that no one does so throughout the play. Wendy approaches Peter to give him a ""kiss"" (thimble), but is prevented by Tinker Bell. However, John Caird and Trevor Nunn's introduction to the script for the 1997 Royal National Theatre production, states that this was never Barrie's original intention, and was only added for a production in 1927, where Jean Forbes-Robertson took the title role, and played the part with a lighter, more fairy-like, physicality. Robertson was to play the part almost every year until 1939.
 Peter Pan is a free spirit, being too young to be burdened with the effects of education or to have an adult appreciation of moral responsibility. As a ""betwixt-and-between"", who can fly and speak the language of fairies and birds, Peter is part animal and part human. According to psychologist Rosalind Ridley, by comparing Peter's behaviour to adults and to other animals, Barrie raises many post-Darwinian questions about the origins of human nature and behaviour. As ""the boy who wouldn't grow up"", Peter exhibits many aspects of the stages of cognitive development seen in children and can be regarded as Barrie's memory of himself as a child, being both charmingly childlike and childishly solipsistic.[16]
 Peter Pan ran away from his parents when he was a baby as told in Peter Pan in Kensington Gardens and Peter and Wendy. Finding the window closed and seeing a new baby boy in the house when he returned some time later, he believed his parents no longer wanted him and never came back. This younger sibling is referred to in the chapter ""Lock-Out Time"" in Peter Pan in Kensington Gardens but is not mentioned again.
 While in Kensington Gardens, Peter meets a lost girl named Maimie Mannering and the two quickly become friends. Peter proposes marriage to Maimie. While Maimie wants to stay in the Gardens with Peter, she comes to realise that her mother is so worried that she must return to her. Maimie promises to always remember Peter and goes back to her mother. When Maimie grows up, she continues to think of Peter, dedicating presents and letters to him. To remember Maimie, Peter rides the imaginary goat that Maimie created for him. She is considered to be the literary predecessor of Wendy Darling.[17]
 It is hinted that Wendy may have romantic feelings for Peter, but unrequited because of his inability to love.
 In the original novel, Peter later befriends Wendy's daughter Jane (and her subsequent daughter Margaret), and it is implied that this pattern will go on forever. From time to time, Peter visits the real world, and befriends children. Wendy Darling, whom he recruited to be his ""mother"", is the most significant of them; he also brings her brothers John and Michael to Neverland at her request. It is mentioned that Wendy was the only girl who captured his attention.
 In the 1991 film Hook, an older Wendy implies that she used to (and perhaps, still does) have feelings for Peter, saying that she was shocked that he did not prevent her wedding day. In the 2002 sequel to the 1953 Disney film, Return to Neverland, Peter and a grown-up Wendy are briefly, but happily, reunited after many years and continue to show feelings for each other. In the 2003 film Peter Pan, the feeling is mutual. Captain Hook can only take away Peter's ability to fly by thoughts of Wendy leaving him, growing up, and replacing him with a husband. Wendy saves Peter by giving him her hidden kiss which gives him the will to live, signifying she is his true love. In some versions, he marries her or her grandaughter Moira.
 John is the middle child of the Darlings, and plays father and mother with Wendy. On the Neverland, he serves as the boldest of the Lost Boys and the only one who is not entirely convinced by Peter's games. ""'Do be more polite to him,' Wendy whispered to John...'Then tell him to stop showing off,' said John.""[18] Michael, the youngest of the Darlings, is the least prepared for the bloodthirsty life on the Neverland. When Michael kills a pirate in Act V, Wendy is mortified because he is so happy about it.[14] Peter Pan In Scarlet reveals that Michael died in World War I.
 The parents of Wendy, John and Michael. Mr. Darling works as a clerk in the City, and is named after George Llewelyn Davies. Mrs. Darling is named after Mary Ansell, Barrie's wife.
 Tiger Lily is the daughter of Great Big Little Panther, the chief of the Native American tribe that resides in Neverland. Barrie refers to her as ""a princess in her own right"", and she is often described as such. She is kidnapped by the pirates and left to die on Marooners' Rock but is rescued by Peter. It is hinted later that she may have romantic feelings for Peter but he does not return them, as he is completely oblivious to other people's feelings. In the Disney film, Tiger Lily shows her gratitude by performing a dance for Peter and kissing him. The kiss makes him turn bright red and makes Wendy jealous of Tiger Lily.
 Tinker Bell is a common fairy who is Peter Pan's best friend and is often jealously protective of him. He nicknames her ""Tink"".  She is the friend who helps him in his escapades. Tink's malicious actions are usually caused by her jealousy; these lead to the Lost Boys shooting arrows at Wendy, and eventually revealing Peter's hideout to Captain Hook, in the hope that Wendy will be captured rather than Peter. When Tink realises her serious mistake, she risks her own life by drinking the poison Hook has left for Peter. Her extreme loyalty and dedication to Peter are everlasting.
 Peter is the leader of the Lost Boys, which include Tootles, Nibs, Slightly, Curly, and The Twins. The Lost Boys is a band of boys who were lost by their parents after they ""fall out of their perambulators"" and came to live in Neverland. In Barrie's novel Peter and Wendy (but not the original play Peter Pan), it is stated that Peter ""thins them out"" when they start to grow up.
 In the song ""I Won't Grow Up"" from the 1954 musical, the boys sing ""I will stay a boy forever"", to which Peter replies ""And be banished if I don't"".
 In Peter Pan in Scarlet (2006), the official sequel to Barrie's Peter and Wendy, what happens to the Lost Boys when they begin to grow up is revealed when Slightly starts to grow older, as Peter banishes him to Nowhereland (which means that he and all his allies will ignore the banished person's existence), the home of all the Long Lost Boys whom Peter has banished in times past.
 The crocodile is Captain Hook's nemesis. After Peter Pan cut off Captain Hook's hand in a fight and threw it into the sea, the crocodile swallowed it and got a taste for Hook, so it now seeks to consume him whole. It also swallowed a ticking clock, which alerts Hook of its presence.
 Captain Hook, whose right hand was cut off in a duel, is Peter Pan's arch-enemy who leads a large group of pirates. Captain Hook's two principal fears are the sight of his own blood (which is supposedly an unnatural colour) and one saltwater crocodile. His name plays on the iron hook that replaced his hand cut off by Peter Pan and eaten by the aforementioned crocodile, which continues to pursue Hook. In the 1991 film Hook Captain Hook kidnaps the children of Peter Banning (the adoptive identity of  Peter Pan) when he left Neverland to grow up and married Moira Darling (the Granddaughter of Wendy Darling) with whom he would have the two children whom Hook would kidnap: Maggie and Jack. Hook in this film is also shown to questioning his existence due to the fact Banning/Pan has been away from Neverland  so long does not remember anything when he first returns to Neverland . At Smee's suggestion Hook conjures up plan to defeat plan Pan by having his own children turn against him. Although Maggie is never swayed by this plan Jack initially sides with the pirates due to the prior broken promises of his father . However upon realising that his dad is Peter Pan Jack has a change of heart and betrays Hook .  Hook is eventually defeated by Pan eaten by the crocodile which the pirate himself had killed in Pan's prior absence and had converted into clock.
 Mr. Smee is Captain Hook's boatswain (""bo'sun"") and right-hand man in J. M. Barrie's play Peter Pan and the novel Peter and Wendy. Mr. Smee is Captain Hook's direct confidant. Unlike the other pirates, Smee is often clumsy and incapable of capturing any of the Lost Boys. Rather than engaging in Hook's evil schemes, Smee finds excitement in bagging loot and treasures.
 The name Peter Pan has been adopted for various purposes over the years:
 Barrie commissioned a statue of Peter Pan by the sculptor George Frampton, which was erected overnight in Kensington Gardens on 30 April 1912 as a May Day surprise to the children of London. Seven statues have been cast from the original mould.[35] The other six are located in:
 Other statues are:",2927,"Main page; Contents; Current events; About Wikipedia; Help; Learn to edit; Community portal; Upload file; ; learn more; Article; Talk; Read; Read; Upload file; Peter and Wendy; Peter Pan (disambiguation); Peter Pan; ; F. D. Bedford; Peter and Wendy; The Little White Bird; J. M. Barrie; Nina Boucicault; 1904 play; Maude Adams; Mary Martin; 1954 musical; Betty Bronson; 1924 film; Robin Williams; Hook; Jeremy Sumpter; 2003 film; Levi Miller; Pan; Robbie Kay; Once Upon a Time; Alexander Molony; Peter Pan & Wendy; Bobby Driscoll; 1953 film; Jason Marsden; Peter Pan and the Pirates; Blayne Weaver; Kingdom Hearts; Adam Wylie; Jake and the Never Land Pirates; Will Arnett; Chip 'n Dale: Rescue Rangers; Once Upon a Studio; Scottish novelist; J. M. 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M. Barrie; Peter and Wendy; Works based on Peter Pan; ; J. M. Barrie; F. D. Bedford; Peter Pan, or The Boy Who Wouldn't Grow Up; nemesis; Captain Hook; Peter Pan in Kensington Gardens; Kensington Gardens; The Little White Bird; Peter and Wendy; ; verification; adding citations to reliable sources; Learn how and when to remove this message; ; 1924; American; silent; adventure film; Peter Pan; Paramount Pictures; 1953 animated film; Disney; Return to Never Land; Blayne Weaver; Disney Parks; meetable character; Fantasyland; dark ride; Peter Pan's Flight; House of Mouse; Mickey's Magical Christmas; Kingdom Hearts; Mitsuo Iwata; Yū Hayashi; Jake and the Never Land Pirates; Adam Wylie; Chip 'n Dale: Rescue Rangers; Will Arnett; Once Upon a Studio; ; Edward Mason Eggleston; Fox's Peter Pan & the Pirates; Jason Marsden; Robin Williams; Hook; Steven Spielberg; Dustin Hoffman; Julia Roberts; Jeremy Sumpter; live-action film; P. J. 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Robin des Bois,https://fr.wikipedia.org/wiki/Robin_des_Bois,"Pour les articles homonymes, voir Robin des Bois (homonymie).
 
 Robin des Bois (en anglais : Robin Hood)[1] est un personnage de fiction britannique, héros légendaire[1],[2] et archétypal du Moyen Âge anglais. D'abord sujet d'une tradition orale, il devient un personnage littéraire au XIVe siècle, avec des œuvres telles que Piers plowman (« Pierre le Laboureur ») de William Langland, puis le héros de diverses gestes du XVe siècle telles que The Lytell Geste of Robin Hood.
 Selon la légende telle qu'elle est répandue aujourd’hui, Robin des Bois était un brigand au grand cœur qui vivait caché dans la forêt de Sherwood et de Barnsdale. Habile braconnier, mais aussi défenseur avec ses nombreux compagnons des pauvres et des opprimés, il détroussait les riches au profit des pauvres ou rendait au peuple l'argent des impôts prélevés, selon les idéaux des auteurs.
 Hood signifie en anglais « capuche, capuchon », mais peut aussi signifier « truand », Robin Hood étant peut-être originellement « Robin le Truand »[3]. Ainsi, la capuche pourrait être un élément ajouté a posteriori par la légende anglo-saxonne pour expliquer son nom anglais par cette coiffe, et ne plus l'associer à son côté criminel[4].
 L'anglais Robin Hood signifie donc littéralement « Robin à la capuche »[5], ou « Robin au capuchon »[3]. Le français « Robin des Bois » provient d'une erreur de traduction issue d'une confusion entre hood (« capuche, capuchon») et son paronyme wood (« bois »)[5],[6].
 La première mention de Robehod ou Hobbehod date de 1228 dans un document judiciaire : un parchemin recense un Robinhood mis en prison pour non-paiement d'une dette ou d'une amende. La majorité des références datent de la fin du XIIIe siècle : entre 1261 et 1300 en Angleterre, on retrouve pas moins de huit références à un certain Rabunhod[7].
 Au début du XIVe siècle, des ballades populaires célèbrent les aventures de Robin des Bois, notamment d'un Robin, chef d'une équipe de lutteurs qui apparaît lors des fêtes paroissiales[8]. Il est dès lors suffisamment connu dans la tradition orale[2] pour apparaître dans la littérature : la première mention manuscrite d'une œuvre littéraire de Robin des Bois se trouve dans Pierre le laboureur (Piers Plowman) de William Langland (1377)[2], où Sloth, un prêtre paresseux, déclare : « Je connais des rimes de Robin des Bois. » Trois ans plus tard, le chroniqueur écossais Jean de Fordun écrit que le personnage de Robin des Bois dans les ballades « plaît mieux que tous les autres. »
 Au cours du XVe siècle se forge la légende de Robin des Bois dans plusieurs ballades qui s'étoffent : A Gest of Robyn Hode (La geste de Robin des Bois) est un conte enfantin, compilation de plusieurs poèmes du XIVe siècle, qui le présente comme un hors-la-loi au grand cœur, affrontant un système corrompu avec son arc long (arme ignoble au sens étymologique du terme) ; Robin et le moine, histoire sanglante dans laquelle il détrousse les riches pour son propre compte et tue des gens avec flegme ; Robin et le potier, conte comique dans lequel il berne le shérif de Nottingham grâce à la femme de ce dernier ; Gest (ou The Little Geste)[2],[9] présente une version complète de l’histoire de Robin des Bois (avec les personnages du bûcheron Petit Jean et de Stuteley, chef du groupe de paysans que Robin a sauvé de la potence).
 De nombreuses versions imprimées de ces ballades apparaissent au début du XVIe siècle au moment où l'imprimerie connaît ses premiers essors en Angleterre. Son image a cependant changé : il n'y est plus question d'un personnage aussi cruel qu'au siècle précédent, et Robin est désormais qualifié de gentleman, ce qui à cette époque signifie un commerçant ou un fermier indépendant. Ce n'est qu'à la fin du siècle qu'il acquiert dans les pièces élisabéthaines (par exemple en 1601 The Downfall and Death of Robert, Earl of Huntingdon, La chute et la mort de Robert, comte de Huntingdon) un titre de noblesse et prend le nom de « Robin de Loxley », ou encore de « Robert Fitz Ooth, comte de Huntingdon » : de hors-la-loi, les auteurs des pièces de théâtre le transforment (phénomène de gentrification) en noble dépossédé volant les riches pour donner aux pauvres.
 Son association romantique avec Marianne (ou « Marion », parfois appelée « Mathilde ») date de cette dernière période. L'association de ces deux personnages provient d'une pastourelle lyrique du poète français Adam de la Halle, Le Jeu de Robin et Marion (vers 1283). À part les noms, rien cependant ne permet d'établir une correspondance entre cette œuvre et les ballades sur Robin des Bois. Le couple se rencontre soit dans les fêtes paroissiales (ballades dans lesquelles ils font partie tous deux du petit peuple, elle étant présentée comme une danseuse), soit dans la demeure seigneuriale du père de Lady Marianne (pièces de théâtre les présentant comme des nobles). Marianne devient même le double féminin de Robin au XIXe siècle (combattant à cheval). Apparaît à la même période le frère Tuck, confesseur de Marianne[10]. En 1521, John Major situe l'histoire du Roi des voleur vers les années 1190 au moment où le roi Richard Cœur de Lion part pour la troisième croisade ainsi que dans le contexte de la captivité du Roi Richard à son retour[11].
 Au XVIIe siècle, Robin des Bois figure dans The Sad Shepherd (Le Triste Berger, 1641) de Ben Jonson. Puis, au XIXe siècle, Robin des Bois devient un des héros du roman Ivanhoé (1819) de Walter Scott, ce qui en fait un personnage mondialement popularisé. L'idée que Robin est un rebelle saxon combattant les seigneurs normands et vole aux riches pour donner aux pauvres[12] date de cette époque. Thomas Love Peacock, qui fait paraître le célèbre Maid Marian trois ans après Ivanhoé, est accusé de plagiat - soutenant toutefois que son livre avait été écrit en 1818, un an avant la parution de celui de Scott. L’influence de Rabelais y est sensible, notamment à travers le personnage de frère Tuck. Ce dernier ouvrage servira de base pour une grande partie des adaptations cinématographiques.
 Les ballades font évoluer Robin des Bois à Barnsdale, dans une zone se situant entre Pontefract et Doncaster, dans le comté de York, ou dans la forêt de Sherwood, au sein du comté du Nottinghamshire (Sherwood est spécifiquement mentionné dans la ballade Robin Hood et le moine). Les versions modernes ont retenu la seconde localisation, et pour cette raison, le comté revendique le personnage : depuis 2011 une silhouette de Robin des Bois est représentée sur le drapeau du comté tout comme les grands panneaux routiers entrant dans le comté représentent Robin des Bois avec son arc et une flèche, l'accueil des personnes à « Robin Hood County ». La BBC de Nottingham utilise aussi l'expression « Robin Hood County » sur ses programmes réguliers.
 Un des plus fameux sites liés à Robin des Bois est le « Major Oak », un chêne pubescent de très grande taille dont les botanistes estiment l'âge entre 800 et 1000 ans, considéré comme le repaire du héros et de ses comparses, bien qu'au temps légendaire de Robin des Bois, il était au mieux un jeune et frêle chêneau. En revanche, l'université de Nottingham réalise en 2010 une étude des grottes des environs de Nottingham, dans le but « d'accroître le potentiel touristique de ces sites ». Le projet utilise un scanner laser 3D pour produire des fac-similé en trois dimensions permettant d'analyser et de localiser plus de 450 grottes de grès autour de Nottingham, où l'on pourrait trouver des traces de campements humains de l'époque de Robin des Bois.
 Les environs de Tideswell se disputent aussi le lieu de l'action, les registres du tribunal local font état d'un grand nombre d'apparitions du nom « Robert de Lockesly » en 1245.
 On peut mentionner aussi le petit village de Robin Hood's Bay sur la baie homonyme de la côte du Yorkshire, où une ballade anglaise et une légende racontent l'histoire de Robin des bois à l'assaut de pirates français, venus piller les bateaux et la côte nord-ouest. Les pirates se rendirent et Robin des bois rendit le butin aux pauvres du village, appelé désormais « Baie de Robin Hood ».
 Plusieurs localités affirment posséder la tombe de Robin des Bois.
 Lorsque Robin est identifié comme le seigneur de Locksley (chef-lieu du comté de Hallamshire), il est déclaré dépossédé de ses terres par le Shérif de Nottingham et déclaré hors-la-loi. Le shérif apparaît dans les premières ballades, où Robin finit par le décapiter. Ses autres ennemis sont un chasseur de primes du nom de Guy de Gisbourne, ainsi que de riches abbés, lesquels sont également tués par Robin. Robin des Bois est souvent représenté avec un chapeau à bec, vêtu de vert.
 Les hommes de main de Robin des bois, en français les « Joyeux Compagnons », sont :
 Dans les pays du bloc communiste, des ouvrages comme Robin Hood and Little John, or the merry men of Sherwood forest de Pierce Egan fils (en) (publié en français par Alexandre Dumas en deux parties : Le Prince des voleurs et Robin Hood le proscrit) ont été traduits et « adaptés » de manière à en faire un héros du peuple rebelle, rôle exemplaire et éducatif marxiste également dévolu à Spartacus, à Thierry la Fronde, à Gaspard de Besse et aux betyárs, haïdouks et bogatyrs locaux[13] qui, comme l'analyse Rodney Hilton, sont autant de symboles de la révolte des paysans asservis[14]. 
 D'après Laurence Belingard, maître de conférences en histoire anglaise à l'université d'Avignon[15], le personnage décrit dans certaines ballades populaires n'a rien à voir avec l'image du noble justicier mais plutôt comme un brigand parfois cruel et violent. Elle note par exemple des passages où il décapite un moine, ou d'autres où il décapite un enfant. Dans les textes anciens, Robin des Bois apparaît comme un koulak, en anglais yeoman : fermier aisé qui ne met jamais en cause l'ordre établi, ne propose aucun idéal social et se prosterne devant le roi Richard Ier[10]. « Illusion bien médiévale que celle qui met le roi du côté des paysans, du fait des nombreux conflits qui l'ont opposé, uniquement pour l'intérêt de la couronne, aux propriétaires, oppresseurs des serfs », écrit Rodney Hilton. « Cette erreur aboutit au désastre populaire de 1381 »[16].
 En 1953, dans le cadre du maccarthysme et de la chasse aux « communistes » ou supposés tels aux États-Unis[17], Robin des Bois est assimilé à de la « propagande communiste » par l'État de l'Indiana et retiré des bibliothèques[18].
 Le mythe de Robin des Bois a connu énormément d'adaptations à l'écran[19].
 Depuis la Seconde Guerre mondiale (1939-1945), le rôle de Robin des Bois est joué par l'État et les organismes sociaux, dans le cadre de l'État providence, qui prélèvent, à titre obligatoire, des impôts et des cotisations sociales et les versent aux  méritants sous forme de prestations diverses (allocations familiales, de chômage ou de revenus minimums)[22].
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/static/images/mobile/copyright/wikipedia-wordmark-fr.svg; /static/images/mobile/copyright/wikipedia-tagline-fr.svg; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/a9/Logo_disambig.svg/20px-Logo_disambig.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/a9/Robin_Hood_Memorial.jpg/250px-Robin_Hood_Memorial.jpg; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/8/83/Flag_of_the_United_Kingdom_%283-5%29.svg/20px-Flag_of_the_United_Kingdom_%283-5%29.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/3/38/Info_Simple.svg/12px-Info_Simple.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/7/76/Robin_Hood_and_Little_John%2C_by_Louis_Rhead_1912.png/220px-Robin_Hood_and_Little_John%2C_by_Louis_Rhead_1912.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/0/0c/County_Flag_of_Nottinghamshire.svg/220px-County_Flag_of_Nottinghamshire.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/f/f5/Major_Oak_03.jpg/220px-Major_Oak_03.jpg; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/d/dd/Anglicko-Zaliv_Robina_Hooda-Z%C3%A1liv.JPG/220px-Anglicko-Zaliv_Robina_Hooda-Z%C3%A1liv.JPG; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/4/44/Douglas_Fairbanks_Robin_Hood_1922_film_poster.jpg/200px-Douglas_Fairbanks_Robin_Hood_1922_film_poster.jpg; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/aa/Lock-red-alt-2.svg/9px-Lock-red-alt-2.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/7/73/Blue_pencil.svg/10px-Blue_pencil.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/7/73/Blue_pencil.svg/10px-Blue_pencil.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/7/73/Blue_pencil.svg/10px-Blue_pencil.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/7/73/Blue_pencil.svg/10px-Blue_pencil.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/7/73/Blue_pencil.svg/10px-Blue_pencil.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/e/e5/Holy_Roman_Empire_crown_dsc02909.jpg/21px-Holy_Roman_Empire_crown_dsc02909.jpg; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/0/0c/County_Flag_of_Nottinghamshire.svg/44px-County_Flag_of_Nottinghamshire.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/8/8e/Archery_pictogram.svg/24px-Archery_pictogram.svg.png; https://login.wikimedia.org/wiki/Special:CentralAutoLogin/start?type=1x1; /static/images/footer/wikimedia-button.svg; /w/resources/assets/poweredby_mediawiki.svg,https://en.wikipedia.org/wiki/Robin_Hood,Robin Hood,https://en.wikipedia.org/wiki/Robin_Hood,"Robin Hood is a legendary heroic outlaw originally depicted in English folklore and subsequently featured in literature, theatre, and cinema. He stole from the rich and gave to the poor. According to legend, he was a highly skilled archer and swordsman.[1] In some versions of the legend, he is depicted as being of noble birth, and in modern retellings he is sometimes depicted as having fought in the Crusades before returning to England to find his lands taken by the Sheriff. In the oldest known versions, he is instead a member of the yeoman class. He is traditionally depicted dressed in Lincoln green.
 Through retellings, additions, and variations, a body of familiar characters associated with Robin Hood has been created. These include his lover, Maid Marian; his band of outlaws, the Merry Men; and his chief opponent, the Sheriff of Nottingham. The Sheriff is often depicted as assisting Prince John in usurping the rightful but absent King Richard, to whom Robin Hood remains loyal. He became a popular folk figure in the Late Middle Ages, and his partisanship of the common people and opposition to the Sheriff are some of the earliest-recorded features of the legend, whereas his political interests and setting during the Angevin era developed in later centuries. The earliest known ballads featuring him are from the 15th century.
 There have been numerous variations and adaptations of the story over the subsequent years, and the story continues to be widely represented in literature, film, and television media today. Robin Hood is considered one of the best-known tales of English folklore. In popular culture, the term ""Robin Hood"" is often used to describe a heroic outlaw or rebel against tyranny.
 The origins of the legend as well as the historical context have been debated for centuries. There are numerous references to historical figures with similar names that have been proposed as possible evidence of his existence, some dating back to the late 13th century. At least eight plausible origins to the story have been mooted by historians and folklorists, including suggestions that ""Robin Hood"" was a stock alias used by or in reference to bandits.
 The first clear reference to ""rhymes of Robin Hood"" is from the alliterative poem Piers Plowman, thought to have been composed in the 1370s, followed shortly afterwards by a quotation of a later common proverb,[2] ""many men speak of Robin Hood and never shot his bow"",[3] in Friar Daw's Reply (c. 1402)[4] and a complaint in Dives and Pauper (1405–1410) that people would rather listen to ""tales and songs of Robin Hood"" than attend Mass.[5] Robin Hood is also mentioned in a famous Lollard tract[6] dated to the first half of the fifteenth century[7] (thus also possibly predating his other earliest historical mentions)[8] alongside several other folk heroes such as Guy of Warwick, Bevis of Hampton, and Sir Lybeaus.[9]
 However, the earliest surviving copies of the narrative ballads that tell his story date to the second half of the 15th century, or the first decade of the 16th century. In these early accounts, Robin Hood's partisanship of the lower classes, his devotion to the Virgin Mary and associated special regard for women, his outstanding skill as an archer, his anti-clericalism, and his particular animosity towards the Sheriff of Nottingham are already clear.[10] Little John, Much the Miller's Son, and Will Scarlet (as Will ""Scarlok"" or ""Scathelocke"") all appear, although not yet Maid Marian or Friar Tuck. The friar has been part of the legend since at least the later 15th century, when he is mentioned in a Robin Hood play script.[11]
 In modern popular culture, Robin Hood is typically seen as a contemporary and supporter of the late-12th-century king Richard the Lionheart, Robin being driven to outlawry during the misrule of Richard's brother John while Richard was away at the Third Crusade. This view first gained currency in the 16th century.[12] It is not supported by the earliest ballads. The early compilation, A Gest of Robyn Hode, names the king as 'Edward'; and while it does show Robin Hood accepting the King's pardon, he later repudiates it and returns to the greenwood.[13][14] The oldest surviving ballad, Robin Hood and the Monk, gives even less support to the picture of Robin Hood as a partisan of the true king. The setting of the early ballads is usually attributed by scholars to either the 13th century or the 14th, although it is recognised they are not necessarily historically consistent.[15]
 The early ballads are also quite clear on Robin Hood's social status: he is a yeoman. While the precise meaning of this term changed over time, including free retainers of an aristocrat and small landholders, it always referred to commoners. The essence of it in the present context was ""neither a knight nor a peasant or 'husbonde' but something in between"".[16] Artisans (such as millers) were among those regarded as 'yeomen' in the 14th century.[17] From the 16th century on, there were attempts to elevate Robin Hood to the nobility, such as in Richard Grafton's Chronicle at Large;[18] Anthony Munday presented him at the very end of the century as the Earl of Huntingdon in two extremely influential plays, as he is still commonly presented in modern times.[19]
 As well as ballads, the legend was also transmitted by 'Robin Hood games' or plays that were an important part of the late medieval and early modern May Day festivities. The first record of a Robin Hood game was in 1426 in Exeter, but the reference does not indicate how old or widespread this custom was at the time. The Robin Hood games are known to have flourished in the later 15th and 16th centuries.[20] It is commonly stated as fact that Maid Marian and a jolly friar (at least partly identifiable with Friar Tuck) entered the legend through the May Games.[21]
 The earliest surviving text of a Robin Hood ballad is the 15th-century ""Robin Hood and the Monk"".[22] This is preserved in Cambridge University manuscript Ff.5.48. Written after 1450,[23] it contains many of the elements still associated with the legend, from the Nottingham setting to the bitter enmity between Robin and the local sheriff.
 The first printed version is A Gest of Robyn Hode (c. 1500), a collection of separate stories that attempts to unite the episodes into a single continuous narrative.[24] After this comes ""Robin Hood and the Potter"",[25] contained in a manuscript of c. 1503. ""The Potter"" is markedly different in tone from ""The Monk"": whereas the earlier tale is ""a thriller""[26] the latter is more comic, its plot involving trickery and cunning rather than straightforward force.
 Other early texts are dramatic pieces, the earliest being the fragmentary Robyn Hod and the Shryff off Notyngham[27] (c. 1475). These are particularly noteworthy as they show Robin's integration into May Day rituals towards the end of the Middle Ages; Robyn Hod and the Shryff off Notyngham, among other points of interest, contains the earliest reference to Friar Tuck.
 The plots of neither ""the Monk"" nor ""the Potter"" are included in the Gest; and neither is the plot of ""Robin Hood and Guy of Gisborne"", which is probably at least as old as those two ballads although preserved in a more recent copy. Each of these three ballads survived in a single copy, so it is unclear how much of the medieval legend has survived, and what has survived may not be typical of the medieval legend. It has been argued that the fact that the surviving ballads were preserved in written form in itself makes it unlikely they were typical; in particular, stories with an interest for the gentry were by this view more likely to be preserved.[28] The story of Robin's aid to the 'poor knight' that takes up much of the Gest may be an example.
 The character of Robin in these first texts is rougher edged than in his later incarnations. In ""Robin Hood and the Monk"", for example, he is shown as quick tempered and violent, assaulting Little John for defeating him in an archery contest; in the same ballad, Much the Miller's Son casually kills a ""little page"" in the course of rescuing Robin Hood from prison.[29] No extant early ballad actually shows Robin Hood ""giving to the poor"", although in ""A Gest of Robyn Hode"" Robin does make a large loan to an unfortunate knight, which he does not in the end require to be repaid;[30] and later in the same ballad Robin Hood states his intention of giving money to the next traveller to come down the road if he happens to be poor.
 Of my good he shall haue some,
Yf he be a por man.[31]
 As it happens the next traveller is not poor, but it seems in context that Robin Hood is stating a general policy. The first explicit statement to the effect that Robin Hood habitually robbed from the rich to give the poor can be found in John Stow's Annales of England (1592), about a century after the publication of the Gest.[32][33] But from the beginning Robin Hood is on the side of the poor; the Gest quotes Robin Hood as instructing his men that when they rob:
 loke ye do no husbonde harme
That tilleth with his ploughe.
No more ye shall no gode yeman
That walketh by gren-wode shawe;
Ne no knyght ne no squyer
That wol be a gode felawe.[13][14]
 And in its final lines the Gest sums up:
 he was a good outlawe,
And dyde pore men moch god.
 Within Robin Hood's band, medieval forms of courtesy rather than modern ideals of equality are generally in evidence. In the early ballad, Robin's men usually kneel before him in strict obedience: in A Gest of Robyn Hode the king even observes that ""His men are more at his byddynge/Then my men be at myn."" Their social status, as yeomen, is shown by their weapons: they use swords rather than quarterstaffs.[further explanation needed] The only character to use a quarterstaff in the early ballads is the potter, and Robin Hood does not take to a staff until the 17th-century Robin Hood and Little John.[34]
 The political and social assumptions underlying the early Robin Hood ballads have long been controversial. J. C. Holt  influentially argued that the Robin Hood legend was cultivated in the households of the gentry, and that it would be mistaken to see in him a figure of peasant revolt. He is not a peasant but a yeoman, and his tales make no mention of the complaints of the peasants, such as oppressive taxes.[35] He appears not so much as a revolt against societal standards as an embodiment of them, being generous, pious, and courteous, opposed to stingy, worldly, and churlish foes.[36] Other scholars have by contrast stressed the subversive aspects of the legend, and see in the medieval Robin Hood ballads a plebeian literature hostile to the feudal order.[37]
 By the early 15th century at the latest, Robin Hood had become associated with May Day celebrations, with revellers dressing as Robin or as members of his band for the festivities. This was not common throughout England, but in some regions the custom lasted until Elizabethan times, and during the reign of Henry VIII, was briefly popular at court.[38] Robin was often allocated the role of a May King, presiding over games and processions, but plays were also performed with the characters in the roles,[39] sometimes performed at church ales, a means by which churches raised funds.[40]
 A complaint of 1492, brought to the Star Chamber, accuses men of acting riotously by coming to a fair as Robin Hood and his men; the accused defended themselves on the grounds that the practice was a long-standing custom to raise money for churches, and they had not acted riotously but peaceably.[41]
 It is from the association with the May Games that Robin's romantic attachment to Maid Marian (or Marion) apparently stems. A ""Robin and Marion"" figured in 13th-century French 'pastourelles' (of which Jeu de Robin et Marion c. 1280 is a literary version) and presided over the French May festivities; ""This Robin and Marion tended to preside, in the intervals of the attempted seduction of the latter by a series of knights, over a variety of rustic pastimes.""[42] In the Jeu de Robin and Marion, Robin and his companions have to rescue Marion from the clutches of a ""lustful knight"".[43] This play is distinct from the English legends,[38] although Dobson and Taylor regard it as 'highly probable' that this French Robin's name and functions travelled to the English May Games, where they fused with the Robin Hood legend.[44] Both Robin and Marian were certainly associated with May Day festivities in England (as was Friar Tuck), but these may have been originally two distinct types of performance. Alexander Barclay in his Ship of Fools, writing in c. 1500, refers to 'some merry fytte of Maid Marian or else of Robin Hood' – but the characters were brought together.[45] Marian did not immediately gain the unquestioned role; in Robin Hood's Birth, Breeding, Valor, and Marriage, his sweetheart is ""Clorinda the Queen of the Shepherdesses"".[46] Clorinda survives in some later stories as an alias of Marian.[47]
 The earliest preserved script of a Robin Hood play is the fragmentary Robyn Hod and the Shryff off Notyngham[27] This apparently dates to the 1470s and circumstantial evidence suggests it was probably performed at the household of Sir John Paston. This fragment appears to tell the story of Robin Hood and Guy of Gisborne.[48] There is also an early playtext appended to a 1560 printed edition of the Gest. This includes a dramatic version of the story of Robin Hood and the Curtal Friar and a version of the first part of the story of Robin Hood and the Potter. (Neither of these ballads is known to have existed in print at the time, and there is no earlier record known of the ""Curtal Friar"" story.) The publisher describes the text as a 'playe of Robyn Hood, verye proper to be played in Maye games', but does not seem to be aware that the text actually contains two separate plays.[49] An especial point of interest in the ""Friar"" play is the appearance of a ribald woman who is unnamed but apparently to be identified with the bawdy Maid Marian of the May Games.[50] She does not appear in extant versions of the ballad.
 James VI of Scotland was entertained by a Robin Hood play at Dirleton Castle produced by his favourite the Earl of Arran in May 1585, while there was plague in Edinburgh.[51]
 In 1598, Anthony Munday wrote a pair of plays on the Robin Hood legend, The Downfall and The Death of Robert Earl of Huntington (published 1601). These plays drew on a variety of sources, including apparently ""A Gest of Robin Hood"", and were influential in fixing the story of Robin Hood to the period of Richard I. Stephen Thomas Knight has suggested that Munday drew heavily on Fulk Fitz Warin, a historical 12th century outlawed nobleman and enemy of King John, in creating his Robin Hood.[52] The play identifies Robin Hood as Robert, Earl of Huntingdon, following in Richard Grafton's association of Robin Hood with the gentry,[18] and identifies Maid Marian with ""one of the semi-mythical Matildas persecuted by King John"".[53] The plays are complex in plot and form, the story of Robin Hood appearing as a play-within-a-play presented at the court of Henry VIII and written by the poet, priest and courtier John Skelton. Skelton himself is presented in the play as acting the part of Friar Tuck. Some scholars have conjectured that Skelton may have indeed written a lost Robin Hood play for Henry VIII's court, and that this play may have been one of Munday's sources.[54] Henry VIII himself with eleven of his nobles had impersonated ""Robyn Hodes men"" as part of his ""Maying"" in 1510. Robin Hood is known to have appeared in a number of other lost and extant Elizabethan plays. In 1599, the play George a Green, the Pinner of Wakefield places Robin Hood in the reign of Edward IV.[55] Edward I, a play by George Peele first performed in 1590–91, incorporates a Robin Hood game played by the characters. Llywelyn the Great, the last independent Prince of Wales, is presented playing Robin Hood.[56]
 Fixing the Robin Hood story to the 1190s had been first proposed by John Major in his Historia Majoris Britanniæ (1521), (and he also may have been influenced in so doing by the story of Warin);[52] this was the period in which King Richard was absent from the country, fighting in the Third Crusade.[57]
 William Shakespeare makes reference to Robin Hood in his late-16th-century play The Two Gentlemen of Verona. In it, the character Valentine is banished from Milan and driven out through the forest where he is approached by outlaws who, upon meeting him, desire him as their leader. They comment, ""By the bare scalp of Robin Hood's fat friar, This fellow were a king for our wild faction!""[58] Robin Hood is also mentioned in As You Like It. When asked about the exiled Duke Senior, the character of Charles says that he is ""already in the forest of Arden, and a many merry men with him; and there they live like the old Robin Hood of England"". Justice Silence sings a line from an unnamed Robin Hood ballad, the line is ""Robin Hood, Scarlet, and John"" in Act 5 scene 3 of Henry IV, part 2. In Henry IV part 1 Act 3 scene 3, Falstaff refers to Maid Marian, implying she is a by-word for unwomanly or unchaste behaviour.
 Ben Jonson produced the incomplete masque The Sad Shepherd, or a Tale of Robin Hood[59] in part as a satire on Puritanism. It is about half finished and his death in 1637 may have interrupted writing. Jonson's only pastoral drama, it was written in sophisticated verse and included supernatural action and characters.[60] It has had little impact on the Robin Hood tradition but earns mention as the work of a major dramatist.
 The 1642 London theatre closure by the Puritans interrupted the portrayal of Robin Hood on the stage. The theatres would reopen with the Restoration in 1660. Robin Hood did not appear on the Restoration stage, except for ""Robin Hood and his Crew of Souldiers"" acted in Nottingham on the day of the coronation of Charles II in 1661. This short play adapts the story of the king's pardon of Robin Hood to refer to the Restoration.[61]
 However, Robin Hood appeared on the 18th-century stage in various farces and comic operas.[62] Alfred, Lord Tennyson would write a four-act Robin Hood play at the end of the 19th century, ""The Forrestors"". It is fundamentally based on the Gest but follows the traditions of placing Robin Hood as the Earl of Huntingdon in the time of Richard I and making the Sheriff of Nottingham and Prince John rivals with Robin Hood for Maid Marian's hand.[63] The return of King Richard brings a happy ending.
 With the advent of printing came the Robin Hood broadside ballads. Exactly when they displaced the oral tradition of Robin Hood ballads is unknown but the process seems to have been completed by the end of the 16th century. Near the end of the 16th century an unpublished prose life of Robin Hood was written, and included in the Sloane Manuscript. Largely a paraphrase of the Gest, it also contains material revealing that the author was familiar with early versions of a number of the Robin Hood broadside ballads.[64] Not all of the medieval legend was preserved in the broadside ballads, there is no broadside version of Robin Hood and Guy of Gisborne or of Robin Hood and the Monk, which did not appear in print until the 18th and 19th centuries respectively. However, the Gest was reprinted from time to time throughout the 16th and 17th centuries.
 No surviving broadside ballad can be dated with certainty before the 17th century, but during that century, the commercial broadside ballad became the main vehicle for the popular Robin Hood legend.[65] These broadside ballads were in some cases newly fabricated but were mostly adaptations of the older verse narratives. The broadside ballads were fitted to a small repertoire of pre-existing tunes resulting in an increase of ""stock formulaic phrases"" making them ""repetitive and verbose"",[66] they commonly feature Robin Hood's contests with artisans: tinkers, tanners, and butchers. Among these ballads is Robin Hood and Little John telling the famous story of the quarter-staff fight between the two outlaws.
 Dobson and Taylor wrote, 'More generally the Robin of the broadsides is a much less tragic, less heroic and in the last resort less mature figure than his medieval predecessor'.[67] In most of the broadside ballads Robin Hood remains a plebeian figure, a notable exception being Martin Parker's attempt at an overall life of Robin Hood, A True Tale of Robin Hood, which also emphasises the theme of Robin Hood's generosity to the poor more than the broadsheet ballads do in general.
 The 17th century introduced the minstrel Alan-a-Dale. He first appeared in a 17th-century broadside ballad, and unlike many of the characters thus associated, managed to adhere to the legend.[46] The prose life of Robin Hood in Sloane Manuscript contains the substance of the Alan-a-Dale ballad but tells the story about Will Scarlet.
 In the 18th century, the stories began to develop a slightly more farcical vein. From this period there are a number of ballads in which Robin is severely 'drubbed' by a succession of tradesmen including a tanner, a tinker, and a ranger.[57] In fact, the only character who does not get the better of Hood is the luckless Sheriff. Yet even in these ballads Robin is more than a mere simpleton: on the contrary, he often acts with great shrewdness. The tinker, setting out to capture Robin, only manages to fight with him after he has been cheated out of his money and the arrest warrant he is carrying. In Robin Hood's Golden Prize, Robin disguises himself as a friar and cheats two priests out of their cash. Even when Robin is defeated, he usually tricks his foe into letting him sound his horn, summoning the Merry Men to his aid. When his enemies do not fall for this ruse, he persuades them to drink with him instead (see Robin Hood's Delight).
 In the 18th and 19th centuries, the Robin Hood ballads were mostly sold in ""Garlands"" of 16 to 24 Robin Hood ballads; these were crudely printed chap books aimed at the poor. The garlands added nothing to the substance of the legend but ensured that it continued after the decline of the single broadside ballad.[68] In the 18th century also, Robin Hood frequently appeared in criminal biographies and histories of highwaymen compendia.[69]
 In 1765, Thomas Percy (bishop of Dromore) published Reliques of Ancient English Poetry, including ballads from the 17th-century Percy Folio manuscript which had not previously been printed, most notably Robin Hood and Guy of Gisborne which is generally regarded as in substance a genuine late medieval ballad.
 In 1795, Joseph Ritson published an enormously influential edition of the Robin Hood ballads Robin Hood: A collection of all the Ancient Poems Songs and Ballads now extant, relative to that celebrated Outlaw.[70][71] 'By providing English poets and novelists with a convenient source book, Ritson gave them the opportunity to recreate Robin Hood in their own imagination,'[72] Ritson's collection included the Gest and put the Robin Hood and the Potter ballad in print for the first time. The only significant omission was Robin Hood and the Monk which would eventually be printed in 1806. In all, Ritson printed 33 Robin Hood ballads [73] (and a 34th, now commonly known as Robin Hood and the Prince of Aragon that he included as the second part of Robin Hood Newly Revived which he had retitled ""Robin Hood and the Stranger"").[74] Ritson's interpretation of Robin Hood was also influential, having influenced the modern concept of stealing from the rich and giving to the poor as it exists today.[75][76][77][78] Himself a supporter of the principles of the French Revolution and admirer of Thomas Paine, Ritson held that Robin Hood was a genuinely historical, and genuinely heroic, character who had stood up against tyranny in the interests of the common people.[72] J. C. Holt has been quick to point out, however, that Ritson ""began as a Jacobite and ended as a Jacobin,"" and ""certainly reconstructed him [Robin] in the image of a radical.""[79]
 In his preface to the collection, Ritson assembled an account of Robin Hood's life from the various sources available to him, and concluded that Robin Hood was born in around 1160, and thus had been active in the reign of Richard I. He thought that Robin was of aristocratic extraction, with at least 'some pretension' to the title of Earl of Huntingdon, that he was born in an unlocated Nottinghamshire village of Locksley and that his original name was Robert Fitzooth. Ritson gave the date of Robin Hood's death as 18 November 1247, when he would have been around 87 years old. In copious and informative notes Ritson defends every point of his version of Robin Hood's life.[80] In reaching his conclusion Ritson relied or gave weight to a number of unreliable sources, such as the Robin Hood plays of Anthony Munday and the Sloane Manuscript. Nevertheless, Dobson and Taylor credit Ritson with having 'an incalculable effect in promoting the still continuing quest for the man behind the myth', and note that his work remains an 'indispensable handbook to the outlaw legend even now'.[81]
 Ritson's friend Walter Scott used Ritson's anthology collection as a source for his picture of Robin Hood in Ivanhoe, written in 1818, which did much to shape the modern legend.[82]
 In the decades following the publication of Ritson's book, other ballad collections would occasionally publish stray Robin Hood ballads Ritson had missed. In 1806, Robert Jamieson published the earliest known Robin Hood ballad, Robin Hood and the Monk in Volume II of his Popular Ballads and Songs From Tradition. In 1846, the Percy Society included The Bold Pedlar and Robin Hood in its collection, Ancient Poems, Ballads, and Songs of the Peasantry of England. In 1850, John Mathew Gutch published his own collection of Robin Hood ballads, Robin Hood Garlands and Ballads, with the tale of the lytell Geste, that in addition to all of Ritson's collection, also included Robin Hood and the Pedlars and Robin Hood and the Scotchman.
 In 1858, Francis James Child published his English and Scottish Ballads which included a volume grouping all the Robin Hood ballads in one volume, including all the ballads published by Ritson, the four stray ballads published since then, as well as some ballads that either mentioned Robin Hood by name or featured characters named Robin Hood but weren't traditional Robin Hood stories. For his more scholarly work, The English and Scottish Popular Ballads, in his volume dedicated to the Robin Hood ballads, published in 1888, Child removed the ballads from his earlier work that weren't traditional Robin Hood stories, gave the ballad Ritson titled Robin Hood and the Stranger back its original published title Robin Hood Newly Revived, and separated what Ritson had printed as the second part of Robin Hood and the Stranger as its own separate ballad, Robin Hood and the Prince of Aragon. He also included alternate versions of ballads that had distinct, alternate versions. He numbered these 38 Robin Hood ballads among the 305 ballads in his collection as Child Ballads Nos 117–154, which is how they're often referenced in scholarly works.
 In the 19th century, the Robin Hood legend was first specifically adapted for children. Children's editions of the garlands were produced and in 1820, a children's edition of Ritson's Robin Hood collection was published. Children's novels began to appear shortly thereafter. It is not that children did not read Robin Hood stories before, but this is the first appearance of a Robin Hood literature specifically aimed at them.[83] A very influential example of these children's novels was Pierce Egan the Younger's Robin Hood and Little John (1840).[84][85] This was adapted into French by Alexandre Dumas in Le Prince des Voleurs (1872) and Robin Hood Le Proscrit (1873). Egan made Robin Hood of noble birth but raised by the forestor Gilbert Hood.
 Another very popular version for children was Howard Pyle's The Merry Adventures of Robin Hood, which influenced accounts of Robin Hood through the 20th century.[86] Pyle's version firmly stamp Robin as a staunch philanthropist, a man who takes from the rich to give to the poor. Nevertheless, the adventures are still more local than national in scope: while King Richard's participation in the Crusades is mentioned in passing, Robin takes no stand against Prince John, and plays no part in raising the ransom to free Richard. These developments are part of the 20th-century Robin Hood myth. Pyle's Robin Hood is a yeoman and not an aristocrat.
 The idea of Robin Hood as a high-minded Saxon fighting Norman lords also originates in the 19th century. The most notable contributions to this idea of Robin are Jacques Nicolas Augustin Thierry's Histoire de la Conquête de l'Angleterre par les Normands (1825) and Sir Walter Scott's Ivanhoe (1819). In this last work in particular, the modern Robin Hood—'King of Outlaws and prince of good fellows!' as Richard the Lionheart calls him—makes his debut.[87]
 In 1993, a previously unknown manuscript of 21 Robin Hood ballads (including two versions of ""The Jolly Pinder of Wakefield"") turned up in an auction house and eventually wound up in the British Library. Called The Forresters Manuscript, after the first and last ballads, which are both titled Robin Hood and the Forresters, it was published in 1998 as Robin Hood: The Forresters Manuscript. It appears to have been written in the 1670s.[88] While all the ballads in the Manuscript had already been known and published during the 17th and 18th centuries (although most of the ballads in the Manuscript have different titles then ones they have listed under the Child Ballads), 13 of the ballads in Forresters are noticeably different from how they appeared in the broadsides and garlands. 9 of these ballads are significantly longer and more elaborate than the versions of the same ballads found in the broadsides and garlands. For four of these ballads, the Forresters Manuscript versions are the earliest known versions.
 The 20th century grafted still further details on to the original legends. The 1938 film The Adventures of Robin Hood, starring Errol Flynn and Olivia de Havilland, portrayed Robin as a hero on a national scale, leading the oppressed Saxons in revolt against their Norman overlords while Richard the Lionheart fought in the Crusades; this movie established itself so definitively that many studios resorted to movies about his son (invented for that purpose) rather than compete with the image of this one.[89]
 In 1953, during the McCarthy era, a Republican member of the Indiana Textbook Commission called for a ban of Robin Hood from all Indiana school books for its alleged communist connotations.[90] This proposal prompted a short-lived college protest against McCarthyism and book censorship in the United States that was launched on the Indiana University Bloomington campus and within a course of weeks had grown into a nationwide campus movement, known as the Green Feather Movement.[91]
 In the 1973 animated Disney film Robin Hood, the title character is portrayed as an anthropomorphic fox voiced by Brian Bedford. Years before Robin Hood had even entered production, Disney had considered doing a project on Reynard the Fox; however, due to concerns that Reynard was unsuitable as a hero, animator Ken Anderson adapted some elements from Reynard into Robin Hood, making the title character a fox.[92]
 The 1976 British-American film Robin and Marian, starring Sean Connery as Robin Hood and Audrey Hepburn as Maid Marian, portrays the figures in later years after Robin has returned from service with Richard the Lionheart in a foreign crusade and Marian has gone into seclusion in a nunnery. This is the first in popular culture to portray King Richard as less than perfect.
 Since the 1980s, it has become commonplace to include a Saracen (Arab/Muslim) among the Merry Men, a trend that began with the character Nasir in the 1984 ITV Robin of Sherwood television series. Later versions of the story have followed suit: a version of Nasir appears in the 1991 movie Robin Hood: Prince of Thieves (Azeem) and the 2006 BBC TV series Robin Hood (Djaq).[89] Spoofs have also followed this trend, with the 1990s BBC sitcom Maid Marian and her Merry Men parodying the Moorish character with Barrington, a Rastafarian rapper played by Danny John-Jules,[93] and Mel Brooks comedy Robin Hood: Men in Tights featuring Isaac Hayes as Asneeze and Dave Chappelle as his son Ahchoo. The 2010 movie version Robin Hood, did not include a Saracen character. The 2018 adaptation Robin Hood portrays the character of Little John as a Muslim named Yahya, played by Jamie Foxx.
 Between 1963 and 1966, French television broadcast a medievalist series entitled Thierry La Fronde (Thierry the Sling). This successful series, which was also shown in Canada, Poland (Thierry Śmiałek), Australia (The King's Outlaw), and the Netherlands (Thierry de Slingeraar), transposes the English Robin Hood narrative into late medieval France during the Hundred Years' War.[94]
 The original ballads and plays, including the early medieval poems and the latter broadside ballads and garlands have been edited and translated for the very first time in French in 2017[95] by Jonathan Fruoco. Until then, the texts had been unavailable in France.
 The historicity of Robin Hood has been debated for centuries. A difficulty with any such historical research is that Robert was a very common given name in medieval England, and 'Robin' (or Robyn) was its very common diminutive, especially in the 13th century;[96] it is a French hypocorism,[97] already mentioned in the Roman de Renart in the 12th century. The surname Hood (by any spelling) was also fairly common because it referred either to a hooder, who was a maker of hoods, or alternatively to somebody who wore a hood as a head-covering. It is therefore unsurprising that medieval records mention a number of people called ""Robert Hood"" or ""Robin Hood"", some of whom are known criminals.
 Another view on the origin of the name is expressed in the 1911 Encyclopædia Britannica which remarks that ""hood"" was a common dialectical form of ""wood"" (compare Dutch hout, hʌut, also meaning ""wood""), and that the outlaw's name has been given as ""Robin Wood"".[98] There are a number of references to Robin Hood as Robin Wood, or Whood, or Whod, from the 16th and 17th centuries. The earliest recorded example, in connection with May games in Somerset, dates from 1518.[99]
 The oldest references to Robin Hood are not historical records, or even ballads recounting his exploits, but hints and allusions found in various works. From 1261 onward, the names ""Robinhood"", ""Robehod"", or ""Robbehod"" occur in the rolls of several English Justices as nicknames or descriptions of malefactors. The majority of these references date from the late 13th century. Between 1261 and 1300, there are at least eight references to ""Rabunhod"" in various regions across England, from Berkshire in the south to York in the north.[26]
 Leaving aside the reference to the ""rhymes"" of Robin Hood in Piers Plowman in the 1370s,[100][101] and the scattered mentions of his ""tales and songs"" in various religious tracts dating to the early 15th century,[3][5][7] the first mention of a quasi-historical Robin Hood is given in Andrew of Wyntoun's Orygynale Chronicle, written in about 1420. The following lines occur with little contextualisation under the year 1283:
 Lytil Jhon and Robyne Hude
Wayth-men ware commendyd gude
In Yngil-wode and Barnysdale
Thai oysyd all this tyme thare trawale.[102]
 In a petition presented to Parliament in 1439, the name is used to describe an itinerant felon. The petition cites one Piers Venables of Aston, Derbyshire,[a] ""who having no liflode, ne sufficeante of goodes, gadered and assembled unto him many misdoers, beynge of his clothynge, and, in manere of insurrection, wente into the wodes in that countrie, like as it hadde be Robyn Hude and his meyne.""[103]
 The next historical description of Robin Hood is a statement in the Scotichronicon, composed by John of Fordun between 1377 and 1384, and revised by Walter Bower in about 1440. Among Bower's many interpolations is a passage that directly refers to Robin. It is inserted after Fordun's account of the defeat of Simon de Montfort and the punishment of his adherents, and is entered under the year 1266 in Bower's account. Robin is represented as a fighter for de Montfort's cause.[104] This was in fact true of the historical outlaw of Sherwood Forest Roger Godberd, whose points of similarity to the Robin Hood of the ballads have often been noted.[105][106]
 Then arose the famous murderer, Robert Hood, as well as Little John, together with their accomplices from among the disinherited, whom the foolish populace are so inordinately fond of celebrating both in tragedies and comedies, and about whom they are delighted to hear the jesters and minstrels sing above all other ballads.[107] The word translated here as 'murderer' is the Latin sicarius (literally 'dagger-man' but actually meaning, in classical Latin, 'assassin' or 'murderer'), from the Latin sica for 'dagger', and descends from its use to describe the Sicarii, assassins operating in Roman Judea. Bower goes on to relate an anecdote about Robin Hood in which he refuses to flee from his enemies while hearing Mass in the greenwood, and then gains a surprise victory over them, apparently as a reward for his piety; the mention of ""tragedies"" suggests that some form of the tale relating his death, as per A Gest of Robyn Hode, might have been in currency already.[108]
 Another reference, discovered by Julian Luxford in 2009, appears in the margin of the ""Polychronicon"" in the Eton College library. Written around the year 1460 by a monk in Latin, it says:
 Around this time [i.e., reign of Edward I], according to popular opinion, a certain outlaw named Robin Hood, with his accomplices, infested Sherwood and other law-abiding areas of England with continuous robberies.[109] Following this, John Major mentions Robin Hood within his Historia Majoris Britanniæ (1521), casting him in a positive light by mentioning his and his followers' aversion to bloodshed and ethos of only robbing the wealthy; Major also fixed his floruit not to the mid-13th century but the reigns of Richard I of England and his brother, King John.[52] Richard Grafton, in his Chronicle at Large (1569) went further when discussing Major's description of ""Robert Hood"", identifying him for the first time as a member of the gentry, albeit possibly ""being of a base stock and linaege, was for his manhood and chivalry advanced to the noble dignity of an Earl"" and not the yeomanry, foreshadowing Anthony Munday's casting of him as the dispossessed Earl of Huntingdon.[18] The name nevertheless still had a reputation of sedition and treachery in 1605, when Guy Fawkes and his associates were branded ""Robin Hoods"" by Robert Cecil. In 1644, jurist Edward Coke described Robin Hood as a historical figure who had operated in the reign of King Richard I around Yorkshire; he interpreted the contemporary term ""roberdsmen"" (outlaws) as meaning followers of Robin Hood.[110]
 The earliest known legal records mentioning a person called Robin Hood (Robert Hod) are from 1226, found in the York Assizes, when that person's goods, worth 32 shillings and 6 pence, were confiscated and he became an outlaw. Robert Hod owed the money to St Peter's in York. The following year, he was called ""Hobbehod"", and also came to known as ""Robert Hood"". Robert Hod of York is the only early Robin Hood known to have been an outlaw. In 1936, L.V.D. Owen floated the idea that Robin Hood might be identified with an outlawed Robert Hood, or Hod, or Hobbehod, all apparently the same man, referred to in nine successive Yorkshire Pipe Rolls between 1226 and 1234.[111][112] There is no evidence however that this Robert Hood, although an outlaw, was also a bandit.[113]
 Historian Oscar de Ville discusses the career of John Deyville and his brother Robert, along with their kinsmen Jocelin and Adam, during the Second Barons' War, specifically their activities after the Battle of Evesham. John Deyville was granted authority by the faction led by Simon de Montfort, 6th Earl of Leicester over York Castle and the Northern Forests during the war in which they sought refuge after Evesham. John, along with his relatives, led the remaining rebel faction on the Isle of Ely following the Dictum of Kenilworth.[114] De Ville connects their presence there with Bower's mention of ""Robert Hood"" during the aftermath of Evesham in his annotations to the Scotichronicon.
 While John was eventually pardoned and continued his career until 1290, his kinsmen are no longer mentioned by historical records after the events surrounding their resistance at Ely, and de Ville speculates that Robert remained an outlaw. Other points de Ville raises in support of John and his brothers' exploits forming the inspiration for Robin Hood include their properties in Barnsdale, John's settlement of a mortgage worth £400 paralleling Robin Hood's charity of identical value to Sir Richard at the Lee, relationship with Sir Richard Foliot, a possible inspiration for the former figure, and ownership of a fortified home at Hood Hill, near Kilburn, North Yorkshire. The last of these is suggested to be the inspiration for Robin Hood's second name as opposed to the more common theory of a head covering.[115] Perhaps not coincidentally, a ""Robertus Hod"" is mentioned in records among the holdouts at Ely.[116]
 Although de Ville does not explicitly connect John and Robert Deyville to Robin Hood, he discusses these parallels in detail and suggests that they formed prototypes for this ideal of heroic outlawry during the tumultuous reign of Henry III's grandson and Edward I's son, Edward II of England.[117]
 David Baldwin identifies Robin Hood with the historical outlaw Roger Godberd, who was a die-hard supporter of Simon de Montfort, which would place Robin Hood around the 1260s.[118][119] There are certainly parallels between Godberd's career and that of Robin Hood as he appears in the Gest. John Maddicott has called Godberd ""that prototype Robin Hood"".[120] Some problems with this theory are that there is no evidence that Godberd was ever known as Robin Hood and no sign in the early Robin Hood ballads of the specific concerns of de Montfort's revolt.[121]
 The antiquarian Joseph Hunter (1783–1861) believed that Robin Hood had inhabited the forests of Yorkshire during the early decades of the fourteenth century. Hunter pointed to two men whom, believing them to be the same person, he identified with the legendary outlaw:
 Hunter developed a fairly detailed theory implying that Robert Hood had been an adherent of the rebel Earl of Lancaster, who was defeated by Edward II at the Battle of Boroughbridge in 1322. According to this theory, Robert Hood was thereafter pardoned and employed as a bodyguard by King Edward, and in consequence he appears in the 1323 court roll under the name of ""Robyn Hode"". Hunter's theory has long been recognised to have serious problems, one of the most serious being that recent research has shown that Hunter's Robyn Hood had been employed by the king before he appeared in the 1323 court roll, thus casting doubt on this Robyn Hood's supposed earlier career as outlaw and rebel.[122]
 It has long been suggested, notably by John Maddicott, that ""Robin Hood"" was a stock alias used by thieves.[123] What appears to be the first known example of ""Robin Hood"" as a stock name for an outlaw dates to 1262 in Berkshire, where the surname ""Robehod"" was applied to a man apparently because he had been outlawed.[124] This could suggest two main possibilities: either that an early form of the Robin Hood legend was already well established in the mid-13th century; or alternatively that the name ""Robin Hood"" preceded the outlaw hero that we know; so that the ""Robin Hood"" of legend was so called because that was seen as an appropriate name for an outlaw.
 There is at present little or no scholarly support for the view that tales of Robin Hood have stemmed from mythology or folklore, from fairies or other mythological origins, any such associations being regarded as later development.[125][126] It was once a popular view, however.[98] The ""mythological theory"" dates back at least to 1584, when Reginald Scot identified Robin Hood with the Germanic goblin ""Hudgin"" or Hodekin and associated him with Robin Goodfellow.[127] Maurice Keen[128] provides a brief summary and useful critique of the evidence for the view Robin Hood had mythological origins. While the outlaw often shows great skill in archery, swordplay and disguise, his feats are no more exaggerated than those of characters in other ballads, such as Kinmont Willie, which were based on historical events.[129]
 Robin Hood has also been claimed for the pagan witch-cult supposed by Margaret Murray to have existed in medieval Europe, and his anti-clericalism and Marianism interpreted in this light.[130] The existence of the witch cult as proposed by Murray is now generally discredited.
 
The early ballads link Robin Hood to identifiable real places. In popular culture, Robin Hood and his band of ""merry men"" are portrayed as living in Sherwood Forest, in Nottinghamshire.[131] Notably, the Lincoln Cathedral Manuscript, which is the first officially recorded Robin Hood song (dating from approximately 1420), makes an explicit reference to the outlaw that states that ""Robyn hode in scherewode stod"".[132] In a similar fashion, a monk of Witham Priory (1460) suggested that the archer had 'infested shirwode'. His chronicle entry reads:  Around this time, according to popular opinion, a certain outlaw named Robin Hood, with his accomplices, infested Sherwood and other law-abiding areas of England with continuous robberies'.[133] Specific sites in the county of Nottinghamshire directly linked to the Robin Hood legend include Robin Hood's Well, near Newstead Abbey (within the boundaries of Sherwood Forest), the Church of St. Mary in the village of Edwinstowe and most famously of all, the Major Oak also in the village of Edwinstowe.[135] The Major Oak, which resides in the heart of Sherwood Forest, is popularly believed to have been used by the Merry Men as a hide-out. Dendrologists have contradicted this claim by estimating the tree's true age at around eight hundred years; it would have been relatively a sapling in Robin's time, at best.[136]
 Nottinghamshire's claim to Robin Hood's heritage is disputed, with Yorkists staking a claim to the outlaw. In demonstrating Yorkshire's Robin Hood heritage, the historian J. C. Holt drew attention to the fact that although Sherwood Forest is mentioned in Robin Hood and the Monk, there is little information about the topography of the region, and thus suggested that Robin Hood was drawn to Nottinghamshire through his interactions with the city's sheriff.[137] Moreover, the linguist Lister Matheson has observed that the language of the Gest of Robyn Hode is written in a definite northern dialect, probably that of Yorkshire.[138] In consequence, it seems probable that the Robin Hood legend actually originates from the county of Yorkshire. Robin Hood's Yorkshire origins are generally accepted by professional historians.[139]
 A tradition dating back at least to the end of the 16th century gives Robin Hood's birthplace as Loxley, Sheffield, in South Yorkshire. The original Robin Hood ballads, which originate from the fifteenth century, set events in the medieval forest of Barnsdale. Barnsdale was a wooded area covering an expanse of no more than thirty square miles, ranging six miles from north to south, with the River Went at Wentbridge near Pontefract forming its northern boundary and the villages of Skelbrooke and Hampole forming the southernmost region. From east to west the forest extended about five miles, from Askern on the east to Badsworth in the west.[140] At the northernmost edge of the forest of Barnsdale, in the heart of the Went Valley, resides the village of Wentbridge. Wentbridge is a village in the City of Wakefield district of West Yorkshire, England. It lies around 3 miles (5 km) southeast of its nearest township of size, Pontefract, close to the A1 road. During the medieval age Wentbridge was sometimes locally referred to by the name of Barnsdale because it was the predominant settlement in the forest.[141] Wentbridge is mentioned in an early Robin Hood ballad, entitled, Robin Hood and the Potter, which reads, ""Y mete hem bot at Went breg,' syde Lyttyl John"". And, while Wentbridge is not directly named in A Gest of Robyn Hode, the poem does appear to make a cryptic reference to the locality by depicting a poor knight explaining to Robin Hood that he 'went at a bridge' where there was wrestling'.[142] A commemorative Blue Plaque has been placed on the bridge that crosses the River Went by Wakefield City Council.
 The Gest makes a specific reference to the Saylis at Wentbridge. Credit is due to the nineteenth-century antiquarian Joseph Hunter, who correctly identified the site of the Saylis.[143] From this location it was once possible to look out over the Went Valley and observe the traffic that passed along the Great North Road. The Saylis is recorded as having contributed towards the aid that was granted to Edward III in 1346–47 for the knighting of the Black Prince. An acre of landholding is listed within a glebe terrier of 1688 relating to Kirk Smeaton, which later came to be called ""Sailes Close"".[144] Professor Dobson and Mr. Taylor indicate that such evidence of continuity makes it virtually certain that the Saylis that was so well known to Robin Hood is preserved today as ""Sayles Plantation"".[145] It is this location that provides a vital clue to Robin Hood's Yorkshire heritage. One final locality in the forest of Barnsdale that is associated with Robin Hood is the village of Campsall.
 The historian John Paul Davis wrote of Robin's connection to the Church of Saint Mary Magdalene at Campsall in South Yorkshire.[146] A Gest of Robyn Hode states that the outlaw built a chapel in Barnsdale that he dedicated to Mary Magdalene:
 I made a chapel in Bernysdale,
That seemly is to se,
It is of Mary Magdaleyne,
And thereto wolde I be.[147]
 Davis indicates that there is only one church dedicated to Mary Magdalene within what one might reasonably consider to have been the medieval forest of Barnsdale, and that is the church at Campsall. The church was built in the early twelfth century by Robert de Lacy, the 2nd Baron of Pontefract.[148][149] Local legend suggests that Robin Hood and Maid Marion were married at the church.
 The backdrop of St Mary's Abbey, York plays a central role in the Gest as the poor knight whom Robin aids owes money to the abbot.
 At Kirklees Priory in West Yorkshire stands an alleged grave with a spurious inscription, which relates to Robin Hood. The fifteenth-century ballads relate that before he died, Robin told Little John where to bury him. He shot an arrow from the Priory window, and where the arrow landed was to be the site of his grave. The Gest states that the Prioress was a relative of Robin's. Robin was ill and staying at the Priory where the Prioress was supposedly caring for him. However, she betrayed him, his health worsened, and he eventually died there. The inscription on the grave reads,
 Hear underneath dis laitl stean
Laz robert earl of Huntingtun
Ne'er arcir ver as hie sa geud
An pipl kauld im robin heud
Sick [such] utlawz as he an iz men
Vil england nivr si agen
Obiit 24 kal: Dekembris, 1247
 Despite the unconventional spelling, the verse is in Modern English, not the Middle English of the 13th century.  The date is also incorrectly formatted – using the Roman calendar, ""24 kal Decembris"" would be the twenty-third day before the beginning of December, that is, 8 November.  The tomb probably dates from the late eighteenth century.[150]
 The grave with the inscription is within sight of the ruins of the Kirklees Priory, behind the Three Nuns pub in Mirfield, West Yorkshire. Though local folklore suggests that Robin is buried in the grounds of Kirklees Priory, this theory has now largely been abandoned by professional historians.
 Another theory is that Robin Hood died at Kirkby, Pontefract. Michael Drayton's Poly-Olbion Song 28 (67–70), published in 1622, speaks of Robin Hood's death and clearly states that the outlaw died at 'Kirkby'.[151] This is consistent with the view that Robin Hood operated in the Went Valley, located three miles to the southeast of the town of Pontefract. The location is approximately three miles from the site of Robin's robberies at the now famous Saylis. In the Anglo-Saxon period, Kirkby was home to All Saints' Church, Pontefract. All Saints' Church had a priory hospital attached to it. The Tudor historian Richard Grafton stated that the prioress who murdered Robin Hood buried the outlaw beside the road,
 Where he had used to rob and spoyle those that passed that way ... and the cause why she buryed him there was, for that common strangers and travailers, knowing and seeing him there buryed, might more safely and without feare take their journeys that way, which they durst not do in the life of the sayd outlaes.[152] All Saints' Church at Kirkby, modern Pontefract, which was located approximately three miles from the site of Robin Hood's robberies at the Saylis, is consistent with Richard Grafton's description because a road ran directly from Wentbridge to the hospital at Kirkby.[153]
 Within close proximity of Wentbridge reside several notable landmarks relating to Robin Hood. One such place-name location occurred in a cartulary deed of 1422 from Monkbretton Priory, which makes direct reference to a landmark named Robin Hood's Stone, which resided upon the eastern side of the Great North Road, a mile south of Barnsdale Bar.[154] The historians Barry Dobson and John Taylor suggested that on the opposite side of the road once stood Robin Hood's Well, which has since been relocated six miles north-west of Doncaster, on the south-bound side of the Great North Road. Over the next three centuries, the name popped-up all over the place, such as at Robin Hood's Bay, near Whitby in Yorkshire, Robin Hood's Butts in Cumbria, and Robin Hood's Walk at Richmond, Surrey.
 Robin Hood type place-names occurred particularly everywhere except Sherwood. The first place-name in Sherwood does not appear until the year 1700.[155] The fact that the earliest Robin Hood type place-names originated in West Yorkshire is deemed to be historically significant because, generally, place-name evidence originates from the locality where legends begin.[156] The overall picture from the surviving early ballads and other early references[157] indicate that Robin Hood was based in the Barnsdale area of what is now South Yorkshire, which borders Nottinghamshire.
 The Sheriff of Nottingham also had jurisdiction in Derbyshire that was known as the ""Shire of the Deer"", and this is where the Royal Forest of the Peak is found, which roughly corresponds to today's Peak District National Park. The Royal Forest included Bakewell, Tideswell, Castleton, Ladybower and the Derwent Valley near Loxley. The Sheriff of Nottingham possessed property near Loxley, among other places both far and wide including Hazlebadge Hall, Peveril Castle and Haddon Hall. Mercia, to which Nottingham belonged, came to within three miles of Sheffield City Centre. But before the Law of the Normans was the Law of the Danes, The Danelaw had a similar boundary to that of Mercia but had a population of Free Peasantry that were known to have resisted the Norman occupation. Many outlaws could have been created by the refusal to recognise Norman Forest Law.[158] The supposed grave of Little John can be found in Hathersage, also in the Peak District.
 Further indications of the legend's connection with West Yorkshire (and particularly Calderdale) are noted in the fact that there are pubs called the Robin Hood in both nearby Brighouse and at Cragg Vale; higher up in the Pennines beyond Halifax, where Robin Hood Rocks can also be found. Robin Hood Hill is near Outwood, West Yorkshire, not far from Lofthouse. There is a village in West Yorkshire called Robin Hood, on the A61 between Leeds and Wakefield and close to Rothwell and Lofthouse. Considering these references to Robin Hood, it is not surprising that the people of both South and West Yorkshire lay some claim to Robin Hood, who, if he existed, could easily have roamed between Nottingham, Lincoln, Doncaster and right into West Yorkshire.
 A British Army Territorial (reserves) battalion formed in Nottingham in 1859 was known as The Robin Hood Battalion through various reorganisations until the ""Robin Hood"" name finally disappeared in 1992. With the 1881 Childers Reforms that linked regular and reserve units into regimental families, the Robin Hood Battalion became part of The Sherwood Foresters (Nottinghamshire and Derbyshire Regiment).
 A Neolithic causewayed enclosure on Salisbury Plain has acquired the name Robin Hood's Ball, although had Robin Hood existed it is doubtful that he would have travelled so far south.
 Ballads dating back to the 15th century are the oldest existing form of the Robin Hood legends, although none of them were recorded at the time of the first allusions to him, and many are from much later. They share many common features, often opening with praise of the greenwood and relying heavily on disguise as a plot device, but include a wide variation in tone and plot.[159] The ballads are sorted into four groups, very roughly according to date of first known free-standing copy. Ballads whose first recorded version appears (usually incomplete) in the Percy Folio may appear in later versions[160] and may be much older than the mid-17th century when the Folio was compiled. Any ballad may be older than the oldest copy that happens to survive, or descended from a lost older ballad. For example, the plot of Robin Hood's Death, found in the Percy Folio, is summarised in the 15th-century A Gest of Robyn Hode, and it also appears in an 18th-century version.[161]
 NB. The first two ballads listed here (the ""Death"" and ""Gisborne""), although preserved in 17th-century copies, are generally agreed to preserve the substance of late medieval ballads. The third (the ""Curtal Friar"") and the fourth (the ""Butcher""), also probably have late medieval origins.[162] An * before a ballad's title indicates there's also a version of this ballad in the Forresters Manuscript.
 NB: An * before a ballad's title indicates that the Forresters version of this ballad is the earliest known version.
 Some ballads, such as Erlinton, feature Robin Hood in some variants, where the folk hero appears to be added to a ballad pre-existing him and in which he does not fit very well.[163] He was added to one variant of Rose Red and the White Lily, apparently on no more connection than that one hero of the other variants is named ""Brown Robin"".[164] Francis James Child indeed retitled Child ballad 102; though it was titled The Birth of Robin Hood, its clear lack of connection with the Robin Hood cycle (and connection with other, unrelated ballads) led him to title it Willie and Earl Richard's Daughter in his collection.[165]
 Then Robyn goes to Notyngham,
Hym selfe mornyng allone,
And Litull John to mery Scherwode,
The pathes he knew ilkone.",9907,"Main page; Contents; Current events; About Wikipedia; Help; Learn to edit; Community portal; Upload file; ; learn more; Article; Talk; Read; Read; Upload file; ; Robin Hood (disambiguation); Robin of Locksley (film); Robin Hood and His Merry Men (disambiguation); Merry Men; ; Robert Frazer; Douglas Fairbanks; Errol Flynn; Cornel Wilde; Jon Hall; John Derek; Richard Todd; Don Taylor; Richard Greene; Giuliano Gemma; Sean Connery; Patrick Bergin; Kevin Costner; Russell Crowe; Taron Egerton; Cary Elwes; John Cleese; Lex Barker; Patrick Troughton; David Watson; Martin Potter; Michael Praed; Matthew Porretta; David Robb; Jonas Armstrong; John Drew Jr.; Arthur Bourchier; James Booth; M. 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C. 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Mulan,https://fr.wikipedia.org/wiki/Mulan,"Série Classiques d'animation Disney Hercule(1997) Tarzan(1999) Série Mulan Mulan 2(2004) Pour plus de détails, voir Fiche technique et Distribution. modifier  Mulan est le 54e long-métrage d'animation et le 36e « Classique d'animation » des studios Disney. Sorti en 1998 et réalisé par Barry Cook et Tony Bancroft, il s'inspire de la légende de Hua Mulan.
 Le film est classé en 5e position du palmarès en France en 1998. Une suite, sortie directement en vidéo, a été donnée au film en 2004 : Mulan 2 : La Mission de l'Empereur. Une adaptation en prises de vues réelles, réalisée par Niki Caro, est sortie en 2020, perturbée par des enjeux sanitaires et politiques.
 Dans les paysages montagneux de Chine, surplombés par la Grande Muraille, les Huns, menés par leur chef Shan-Yu, envahissent en pleine nuit le pays. L’empereur prévenu, décrète la mobilisation d’un homme par famille. Fa Mulan, fille unique, part en ville se préparer avec sa mère et sa grand-mère pour rencontrer la marieuse et faire ainsi honneur à sa famille. Elle arrive en retard les cheveux couverts de paille au grand mécontentement de sa mère. Mulan est immédiatement déshabillée et plongée dans une baignoire, puis elle se fait rapidement vêtir en mariée. Sa grand-mère lui donne pour l’occasion Cri-Kee, un criquet porte-bonheur. Cependant, après avoir commis maladresse sur maladresse, Mulan est honnie par la marieuse. De retour chez elle, seule, elle retire son maquillage et s’interroge sur la place qu’elle doit tenir.
 Son père Fa Zhou la console en faisant allusion à la fleur de magnolia qui fleurit en retard — car Mulan ((wikt:木兰 mais ils sont interrompus par le roulement d'un tambour annonçant la conscription des hommes. Mulan s’oppose au départ de son père à la guerre, invoquant sa maladie et sa vieillesse ; celui-ci invoque la place qu'il doit tenir, et lui rappelle qu'elle doit trouver la sienne. Dans la nuit orageuse qui suit, elle se coupe les cheveux avec une épée et prend l’armure de son père puis part en direction du camp militaire où celui-ci  devait être affecté. Sa famille, qui s'est rendu compte de son absence, renonce à la rattraper, sachant qu'elle serait exécutée si la supercherie était découverte. Les ancêtres de la famille Fa sortent alors de leur sommeil et confient à Mushu, un ancien gardien de la famille aujourd’hui dégradé, le soin de réveiller le grand dragon de pierre destiné à protéger Mulan. Mushu le pulvérise par inadvertance, et fait croire aux ancêtres que le dragon est bien parti aider Mulan ; lui et Cri-Kee décident alors de partir la protéger par eux-mêmes. C'est également, ici, l'occasion pour Mushu de prouver sa valeur aux ancêtres.
 Arrivée au camp avec Mushu, Mulan sème le désordre et ne comprend pas les agissements typiquement masculins notamment ceux de Yao, Ling et Chien-Po. Pendant ce temps-là, le général Li, son fils Li Shang et le conseiller impérial Chi Fu débattent de la stratégie militaire à adopter contre les Huns. Ils décident que le général Li partira en premier afin de défendre un village et que Shang le rejoindra plus tard à ce même village pour ensuite terminer sur un col. Le général Li promeut Shang capitaine impérial, malgré l'opposition de Chi Fu, lui confie la formation des nouvelles recrues et repart rejoindre ses troupes. Shang, constatant le désordre créé par l'arrivée de Mulan, demande le nom du fauteur de trouble et tous les hommes du campement la désignent ; elle se présente sous le nom de Fa Ping. Le lendemain, Shang lance une flèche au haut d’un mât et donne pour but de la décrocher, en portant deux poids symbolisant la discipline et la force ; aucun des hommes n'y parvient. Il commence aussi à leur enseigner le combat et le tir à l'arc. Mulan, sur le point d'être chassée car trop frêle, réussit finalement à escalader le mât.
 Les troupes fin prêtes s'en vont vers le front ; pendant les laborieuses heures de marche, pour retrouver de la joie, les soldats chantent et pensent à une fille à aimer, ce qui met Mulan quelque peu mal à l'aise. Mais cette joie est vite interrompue lorsqu'ils découvrent le village dévasté par l'armée des Huns. Le casque du général Li est retrouvé sur place, et Shang comprend que son père est mort. Shang enfonce son épée dans la terre, la surmonte du casque et se recueille un instant avec Mulan, qui comprend sa douleur. Shang décide ensuite de suivre les ordres malgré ce revers, et de rejoindre la capitale par le chemin le plus court, le col. Alors qu'ils avancent vers leur but, Mushu déclenche une des fusées par inadvertance, avertissant ainsi les Huns de leur présence. S'ensuit immédiatement une pluie de flèches contrée par les tirs de canon. Après une courte accalmie, au-delà des nuages de fumée apparaît Shan-Yu ainsi qu’une nuée de cavaliers huns chargeant derrière lui. Yao, sur l'ordre de Shang, se prépare à tirer sur Shan-Yu mais Mulan s'élance et prend le canon puis tire sur un pan de la montagne provoquant une avalanche emportant tout le monde. Dans la coulée, Mushu sauve Cri-Kee et Mulan sauve Shang, puis eux-mêmes sont sauvés par la flèche attachée à une corde lancée par Yao.
 Mulan a été blessée par Shan-Yu au moment de l'attaque, elle se fait donc soigner, mais le médecin découvre qu'elle est une femme et la dénonce à Shang. La punition prévue pour Mulan est la mort mais Shang décide de l'épargner en raison du principe d’une vie pour une vie, et ce malgré les contestations de Chi Fu. Plus tard, Shan-Yu et quelques-uns de ses hommes s'extirpent de la neige. De retour à la capitale, la victoire est célébrée par la population dans l'artère principale qui conduit au palais impérial. Mulan essaie en vain de prévenir Shang que les Huns ont infiltré le palais : celui-ci ne la croit pas. Alors que Shang arrive devant l'empereur, les hommes de Shan-Yu enlèvent ce dernier et s'enferment dans le palais. Yao, Ling et Chien-Po se travestissent en femmes, et accompagnent Mulan et Shang à l'assaut des murs du palais. Ils se débarrassent des quelques Huns de garde, tandis que Mushu déplume l'épervier de  Shan-Yu, pour éviter qu'il ne donne l'alerte. Shang sauve l'empereur, et commence un combat contre Shan Yu tandis que ses hommes exfiltrent le souverain. Mais il est moins fort que Shan-Yu, et après avoir été vaincu, est secouru par Mulan, qui attire Shan-Yu sur les toits du palais. Mushu envoie une fusée de feu d'artifice qui explose contre Shan-Yu. L’empereur, pour la remercier, s’abaisse devant Mulan ainsi que tout le peuple. Il lui propose de devenir sa conseillère à la place de Chi Fu, mais Mulan souhaite retrouver sa famille. Le souverain lui remet l'épée de Shan-Yu ainsi qu’un médaillon  prouvant sa gratitude, et conseille ensuite à Shang de ne pas hésiter à s'intéresser à elle. Après les retrouvailles avec son père, Mulan voit arriver Shang, venu lui déclarer sa flamme. Après avoir prouvé sa valeur, grâce à son aventure avec Mulan, Mushu redevient l'un des gardiens de la famille Fa.
 Sauf mention contraire, cette fiche technique est établie à partir d'IMDb[1].
 Note: La liste des « crédités » au générique étant trop longue pour être citée in extenso ici, nous n'avons repris que les principaux contributeurs.
 La musique du film est composée par Jerry Goldsmith et David Zippel
 La version japonaise a ""Breathe"" de Luna Sea comme chanson thème[4]. La version coréenne utilise ""Eternal Memory"" de Lena Park[5].
 Le démarrage sur la réalisation du film Mulan commença en 1994, après qu'une partie des artistes de Disney furent allés en Chine pendant trois semaines pour découvrir la culture locale, et s'en imprégner en esquissant et photographiant les éléments nécessaires au film comme l'architecture, statue, bâtiments, vêtements, etc.
 Inédit dans l'histoire du Studio Disney, le film fut entièrement réalisé dans les locaux du Walt Disney Feature Animation Florida, inauguré en 1989, et conçu à l'origine pour la production de court-métrages. Le choix de lieu pour la production était dû aux derniers films d'animations qui occupèrent le studio Disney de Burbank, La Belle et la Bête, Aladdin et Le Roi Lion, et de ce fait, les dirigeants studio décidèrent d'accorder au Studio de Floride le droit de réaliser leur premier long-métrage indépendant. En outre vers la fin de l'année 1993, les artistes commencèrent à s'intéresser aux légendes et mythes de l'Asie et cherchèrent des moyens d'adaptation à partir des œuvres de l'auteur Robert D. San Souci. Ce dernier eut une conversation avec Thomas Schumacher, vice-président exécutif du studio de l'époque, et il parla de son œuvre basée sur le poème chinois de la légende de Hua Mulan ""Fa Mulan"". L'idée d'adapter le livre pour enfant de Souci, avec également vu l'intérêt de combiner avec un autre projet celui d'un court-métrage en cours de développement appelé China Doll, l'histoire d'une jeune fille chinoise opprimée et malheureuse qui est emmenée par un prince charmant britannique vers le bonheur en Occident. De ces deux projets distincts et ensemble combiné, le projet Mulan put enfin commencer.
 Le Boston Globe voit dans Mulan « le film d'animation le meilleur et le plus novateur » depuis Le Roi lion et espère y trouver le signe d'une « renaissance vigoureuse et passionnante » des studios après les demi-échecs du Bossu de Notre-Dame et d’Hercule[6].
 Dans Libération, Michel Roudevitch donne une critique favorable du film, où il trouve « un grand bonheur d'expression » malgré les similarités qu'il relève entre les personnages secondaires et d'autres de précédents films Disney. Il salue les choix graphiques du film (un « parti pris minimaliste en harmonie avec la stylisation orientale » et une mise en avant de la gestuelle plutôt que des paroles ou des chansons) ainsi que la fusion réussie entre les séquences réalisées par ordinateur et le reste du film, permettant une scène d'attaque des Huns réussie et un bon traitement des ombres et des lumières[7].
 Dans Le Monde[7], Jean-Michel Frodon signe une critique très favorable de Mulan, estimant que le film « conserve les qualités habituelles (sens du rythme et du récit) et recycle les poncifs de la Major avec une adresse certaine », ce qu'il attribue à un enjeu commercial renouvelé par la concurrence de Dreamworks (avec Le Prince d'Égypte qui sort peu après le Mulan de Disney). Il explique la qualité du film par une héroïne moins convenue que d'habitude, par la plus grande cohérence entre ses composants (chansons, personnages, scènes attendues, effets spéciaux numériques), par le « lyrisme épique » des scènes d'action (notamment l'attaque des Huns dans la montagne) et par des réussites graphiques d'une « audacieuse abstraction ». Il remarque que le film atteint ses différents objectifs : son scénario véhicule les divers messages politiquement corrects habituels, destinés à viser un public large, mais sans que cela ne parasite le récit cette fois-ci ; et le choix du sujet constitue une manœuvre de séduction à l'égard du marché chinois, « visée on ne peut plus intéressée, mais dont la contrepartie est l'incontestable respect pour les signes culturels chinois (alors que Aladdin était loin de s'embarrasser de semblables précautions) ».
 Dans l'hebdomadaire Télérama, Aurélien Ferenczi donne une critique favorable du film[8], dont il estime qu'il « redresse la barre après un très décevant Hercule », en particulier grâce à l'héroïne « carrément charmante, et surtout exempte de toute niaiserie » qu'il compare avantageusement à l'héroïne éponyme de Pocahontas. Parmi les qualités du film, il compte les chansons impliquant des chœurs, les trouvailles comiques autour de Mushu et des compagnons de Mulan, la séquence de la bataille dans la montagne qui « frise l'épique », l'épaisseur donnée aux personnages et le propos du film « [conseillant] aux filles de ne pas se laisser marcher sur les pieds par les garçons ». Il juge plus faibles en revanche les chansons en solo « tristement guimauve » et le finale « pagailleux ».
 Une suite, Mulan 2 : La Mission de l'Empereur, sort directement en vidéo en 2004.
 Le 30 mars 2015, Walt Disney Pictures annonce la production d'un remake en prises de vues réelles du film d'animation Mulan, dans la lignée d'autres films du studio : Le Livre de la jungle (2016), Aladdin (2019) ou encore Dumbo (2019)[12],[13],[14]. Le 4 octobre 2016, la sortie en salle de l'adaptation en prise de vue réelle de Mulan est annoncé pour l'hiver 2018[15]. Le 15 juillet 2017, Walt Disney Studios annonce la sortie du film Casse-Noisette et les Quatre Royaumes pour le 2 novembre 2018 en 2D, 3D et IMAX 3D, à la place du remake de Mulan[16],[17]. Le 24 août 2017, les lieux et dates du tournage du remake de Mulan sont annoncées pour janvier 2018 en Nouvelle-Zélande, Chine et Australie mais pas encore la date de sortie[18]. Le 3 janvier 2018, la production et la distribution du film Mulan est confirmée pour un tournage courant janvier[19]. Le 1er mars 2018, Disney Pictures annonce que le film Mulan est repoussé au 27 mars 2020[20]. Le 5 décembre 2019, la toute première bande-annonce du live action est publiée sur les réseaux sociaux et les chaînes YouTube de la Walt Disney Company, annonçant que le film sortira le 25 mars 2020 dans les salles françaises. En pleine crise de la pandémie de COVID-19, le film est cependant à nouveau repoussé, avant d'être finalement diffusé sur Disney+ en août 2020 là où le service est disponible.
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Scholars generally consider Mulan to be a fictional character. Hua Mulan is depicted in the Wu Shuang Pu (無雙譜, Table of Peerless Heroes) by Jin Guliang.[citation needed]
 According to legend, Mulan took her aged father's place in the conscription for the army by disguising herself as a man. In the story, after prolonged and distinguished military service against nomadic hordes beyond the northern frontier, Mulan is honored by the emperor but declines a position of high office. She retires to her hometown, where she is reunited with her family and, much to the astonishment of her comrades, reveals herself as a woman.
 The first written record of Mulan is the Ballad of Mulan,[note 1] a folk song believed to have been composed during the Northern Wei dynasty (386–535 CE) and included in an anthology of books and songs during the Southern Chen dynasty (557–589 CE). While this anthology is itself lost, significant excerpts, including the Ballad of Mulan, survive in the Song dynasty anthology Yuefu Shiji  [zh; ko; ja] (Chinese: 乐府诗集).[note 2]
 The historical setting of the Ballad of Mulan is usually the Northern Wei's military campaigns against the nomadic Rouran. A later adaptation has Mulan active around the founding of the Tang dynasty (c. 620 CE).[1]
 The story of Mulan was taken up in a number of later works, including the 17th-century work of historical fiction Romance of Sui and Tang [zh],[note 3] and many screen and stage adaptations.
 The Ballad of Mulan was first transcribed in the Musical Records of Old and New,[note 4] a compilation of books and songs by the monk Zhijiang in the Southern Chen dynasty in the 6th century. The earliest extant text of the poem comes from an 11th- or 12th-century anthology known as the Music Bureau Collection,[note 5] whose author, Guo Maoqian, explicitly mentions the Musical Records of Old and New as his source for the poem. As a ballad, the lines do not necessarily have equal numbers of syllables. The poem consists of 31 couplets and is mostly composed of five-character phrases, with a few extending to seven or nine.[citation needed]
 An adaptation by playwright Xu Wei (d. 1593) dramatized the tale as ""The Female Mulan"" [note 6] or, more fully, ""The Heroine Mulan Goes to War in Her Father's Place"",[note 7] in two acts.[2][3] Later, the character of Mulan was incorporated into the Romance of Sui and Tang, a novel written by Chu Renhuo (褚人獲).[4][5]
 Over time, the story of Mulan rose in popularity as a folk tale among the Chinese people.[citation needed]
 The heroine of the poem is given different family names in different versions of her story. The Musical Records of Old and New states Mulan's given name is not known and therefore implies Mulan is her surname.[6] As the Ballad of Mulan is set in the Northern Wei dynasty when northern China was ruled by ethnic Xianbei, a proto-Mongolic people, there is some evidence that Mulan was not ethnic Han Chinese but Xianbei, who had exclusively compound surnames.[6] Mulan may have been the sinified version of the Xianbei word ""umran"" which means prosperous.[6]
 According to later books such as Female Mulan, her family name is Zhu (朱), while the Romance of Sui and Tang says it is Wei (魏). The family name Hua (花; Huā; 'flower'), which was introduced by Xu Wei,[2] has become the most popular in recent years, in part because of its more poetic meaning and association with the given name ""Mulan"" (木蘭), which literally means ""magnolia"".[citation needed]
 Mulan's name is included in Yan Xiyuan's One Hundred Beauties, which describes a number of women from Chinese folklore. It is still unclear whether Mulan was a historical person or just a legend, as her name does not appear in Exemplary Women, a collection of biographies of women who lived during  Northern Wei dynasty.[7]
 Although The Ballad of Mulan itself does not expressly indicate the historical setting, the story is commonly attributed to the Northern Wei dynasty due to geographic and cultural references in the ballad.[6] The Northern Wei dynasty was founded by the Tuoba clan of ethnic Xianbei who united northern China in the 4th century CE (Conquest dynasty). The Tuoba Xianbei rulers were themselves nomads from the northern steppes and became sinified as they ruled and settled in northern China.[6] The Tuoba Xianbei took on the Chinese dynasty name ""Wei"", changed their own surname from ""Tuoba"" to ""Yuan"", and moved the capital from Pingcheng, modern-day Datong, Shanxi in the northern periphery of Imperial China, to Luoyang, south of the Yellow River, in the Central Plain, the traditional heartland of China.[6] The emperors of the Northern Wei were known both by the sacred Chinese title, ""Son of Heaven"", and by ""Khagan"", the title of the leader of nomadic kingdoms. The Ballad of Mulan refers to the sovereign by both titles. The Northern Wei also adopted the governing institutions of Imperial China, and the office of shangshulang (尚書郎) the Khagan offered Mulan is a ministerial position within the shangshusheng (尚書省), the highest organ of executive power under the emperor.[8] This offering indicates Mulan was trained in the martial arts and literary arts as she was capable of serving as a civilian official charged with issuing and interpreting written government orders.[citation needed]
 The Xianbei in China also retained certain nomadic traditions, and Xianbei women were typically skilled horseback riders.[6] Another popular Northern Wei folk poem called ""Li Bo's Younger Sister"" praises Yong Rong, Li Bo's younger sister, for her riding and archery skills.[6] The Ballad of Mulan may have reflected the gender roles and status of women in nomadic societies.[9]
 The Northern Wei was engaged in protracted military conflict with the nomadic Rouran, who frequently raided the northern Chinese frontier to loot and pillage.[6] Northern Wei emperors considered the Rouran to be uncivilized ""barbarians"" and called them Ruanruan (Chinese: 蠕蠕) or ""wriggling worms"".[10] According to the Book of Wei, the dynasty's official history, Emperor Taiwu of Northern Wei launched a military expedition in 429 against the Rouran by advancing on the Black Mountain and then extending northward to the Yanran Mountain.[6] Both locations are cited in The Ballad. The Black Mountain corresponds to Shahu Mountain (殺虎山), located southeast of modern-day Hohhot in Inner Mongolia. Yan Mountain, the shorthand for Yanran Mountain (燕然山), is now known as the Khangai Mountains of central Mongolia.[10]
 The Northern Wei sought to protect the frontier by establishing a string of frontier garrison commands across what is today Inner Mongolia.[citation needed]
 Mulan sighs at her loom.[11][12] The Khagan is mobilizing the military, and her father is named in each of the conscription notices from the emperor. As the eldest child, she decides to take her father's place. She buys a fine horse from the eastern market, saddle and stirrup from the western market, bridle and reins from the southern market and a long whip from the northern market.
 She bids farewell to her parents in the morning and leaves for the Black Mountain, encamping by the Yellow River in the evening, where she cannot hear the calls of her parents due to the rushing waters; only the sounds of the barbarians' cavalry in the Yan Mountains. She advances ten thousand li to battle as if flying past the mountains. The sound of the sentry gong cuts through the cold night air, and the moonlight reflects off her metal armor. A hundred battles take place, and generals die.
 After the ten-year campaign, the veterans return to meet the Son of Heaven (Mandate of Heaven), enthroned in the splendid palace, who confers promotions in rank and prizes of hundreds of thousands. He asks Mulan what she would like. Mulan turns down the high-ranking position of shangshulang in the central government, and asks only for a speedy steed to take her home.
 Her parents, upon hearing her return, welcome her outside their hometown. Her elder sister puts on her fine dress. Her younger brother sharpens the knife for the swine and sheep. Mulan returns to her room, changes from her tabard into her old clothes. She combs her hair by the window and, before the mirror, fastens golden yellow flowers. Her comrades are shocked to see her. For twelve years of their enlistment together, they hadn't realized that she was a woman.
 In response, Mulan explains. ""The male hare has heavy front paws. The female hare tends to squint. But when they are running side-by-side close to the ground, who can tell me which is male or female?""[13][14]
 Chu Renhuo's Romance of the Sui and Tang [zh] (c. 1675) provides additional backdrops and plot-twists.[4] Here, Mulan lives under the rule of Heshana Khan of the Western Turkic Khaganate. When the Khan agrees to wage war in alliance with the emergent Tang dynasty, which was poised to conquer all of China, Mulan's father Hua Hu (Chinese: 花弧) fears he will be conscripted into military service since he only has two daughters and an infant son. Mulan crossdresses as a man and enlists in her father's stead. She is intercepted by the forces of the Xia king Dou Jiande and is brought under questioning by the king's warrior daughter Xianniang (Chinese: 線娘), who tries to recruit Mulan as a man. Discovering Mulan to be a fellow female warrior, she is so delighted that they become sworn sisters.[5][15]
 In the Sui Tang Romance, Mulan comes to a tragic end, a ""detail that cannot be found in any previous legends or stories associated Hua Mulan"", and believed to have been interpolated by the author Chu Renho.[5] Xianniang's father is vanquished after siding with the enemy of the Tang dynasty, and the two sworn sisters, with knives in their mouths, surrender themselves to be executed in the place of the condemned man. This act of filial piety wins a reprieve from Emperor Taizong of Tang, and the imperial consort, who was birth-mother to the Emperor, bestows money to Mulan to provide for her parents, as well as wedding funds for the princess, who had confessed to having promised herself to general Luó Chéng [zh] (Chinese: 羅成).[16] In reality, Dou Jiande was executed, but in the novel he lives on as a monk.[citation needed]
 Mulan is given leave to journey back to her homeland, and once arrangements were made for Mulan's parents to relocate, it is expected that they will all be living in the princess's old capital of Leshou (Chinese: 樂壽, modern Xian County, Hebei). Mulan is devastated to discover her father has long died and her mother has remarried. According to the novel, Mulan's mother was surnamed Yuan (袁) and remarried a man named Wei (魏). Even worse, the Khan has summoned her to the palace to become his concubine.[17]
 Rather than to suffer this fate, she dies by suicide. But before she dies, she entrusts an errand to her younger sister, Youlan (Chinese: 又蘭), which was to deliver Xianniang's letter to her fiancé, Luó Chéng. This younger sister dresses as a man to make her delivery, but her disguise is discovered, and it arouses her recipient's amorous attention.[18]
 The Mulan character's suicide has been described as ""baffling"", since she is not in love or engaged to anyone.  Some commentators have explained this as an anti-Qing message: the author supposedly wanted to suggest that ""even a half-Chinese woman would prefer death by her own hand to serving a foreign ruler"".[17] In the novel, Mulan's mother was from the Central Plain of China, but her father was from Hebei during the Northern Wei dynasty[19] and presumably of Turkic (Xianbei) origin, which would make her only half-Chinese.[17]
 The story of Hua Mulan has inspired a number of screen and stage adaptations.
 The Hua Mulan crater on Venus is named for her.[28][29]",1974,"Main page; Contents; Current events; About Wikipedia; Help; Learn to edit; Community portal; Upload file; ; learn more; Article; Talk; Read; Read; Upload file; Mulan (franchise); Mulan (disambiguation); Chinese name; family name; Hua; Milan; ; Qing dynasty; Northern Wei; Traditional Chinese; Simplified Chinese; Standard Mandarin; Hanyu Pinyin; Wade–Giles; IPA; [xwá mû.lǎn]; Gan; Hakka; Romanization; Yue: Cantonese; Yale Romanization; Jyutping; IPA; [fa˥ mʊk̚˨lan˩]; Southern Min; Hokkien; POJ; Middle Chinese; Middle Chinese; Old Chinese; Baxter–Sagart (2014); Chinese; folk heroine; Northern and Southern dynasties; CE; Wu Shuang Pu; Jin Guliang; citation needed; nomadic hordes; folk song; Northern Wei dynasty; Southern Chen dynasty; Chinese; Rouran; Tang dynasty; ; Southern Chen; Music Bureau; Guo Maoqian; ballad; couplets; citation needed; Xu Wei; citation needed; Xianbei; proto-Mongolic; Han Chinese; compound surnames; sinified; Zhu; Wei; Xu Wei; magnolia; citation needed; Northern Wei dynasty; historical setting; Tuoba; Xianbei; Conquest dynasty; northern steppes; sinified; changed their own surname from ""Tuoba"" to ""Yuan""; Datong; Imperial China; Luoyang; Yellow River; Central Plain; Son of Heaven; Khagan; shangshusheng; citation needed; Rouran; barbarians; Chinese; Book of Wei; official history; Emperor Taiwu of Northern Wei; Hohhot; Khangai Mountains; Mongolia; citation needed; ; Dalongdong Baoan Temple; Taipei; Khagan; emperor; saddle; stirrup; bridle; reins; whip; Yellow River; li; Son of Heaven; Mandate of Heaven; shangshulang; Heshana Khan; Western Turkic Khaganate; Dou Jiande; sworn sisters; interpolated; Emperor Taizong of Tang; citation needed; Xian County; Wei; Qing; Central Plain; Hebei; Northern Wei; ; Xinxiang; Mulan Joins the Army; Mei Lanfang; Mulan Jr.; ; Tianyi Film Company; Li Pingqian; Mulan Joins the Army; Mingxing Film Company; Hou Yao; Mulan Joins the Army; Second Sino-Japanese War; Bu Wancang; Ouyang Yuqian; Lady General Hua Mu-lan; Mulan; Mulan character; Disney Princess; Mulan II; Mulan; Mulan; A Tough Side of a Lady; TVB drama series; Mariane Chan; Anita Yuen; Jamie Chung; Once Upon a Time; Elanne Kong; CCTV; Dylan Kuo; Ray Lui; Dai Chunrong; Angel Wang; Hunan TV; Maxine Hong Kingston; The Woman Warrior; Throne of Jade; Cameron Dokey; Once Upon A Time; Simon Pulse; Simon & Schuster; Deadpool Killustrated; Natty Bumppo; Beowulf; Sherlock Holmes; Dr. Watson; H. 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Pocahontas,https://fr.wikipedia.org/wiki/Pocahontas,"Pour les articles homonymes, voir Pocahontas (homonymie), Rebecca et Rolfe.
 modifier - modifier le code - modifier Wikidata Pocahontas, née vers 1595 et morte le 21 mars 1617 à Gravesend, est une Autochtone de la confédération de tribus Powhatans, fille de Nonoma Winanuske Matatiske et Wahunsunacock (aussi appelé chef Powhatan et qui régnait alors sur presque toutes les tribus de la région Tsenacommacah).
 Ses noms véritables sont Matoaka (« Fleur entre deux ruisseaux[1] », ce nom lui a été donné parce qu'elle est née entre les deux rivières de Mattaponi et Pamunkey) et Amonute (nom qui dénoterait un statut d'initiée et de praticienne de la Dream Vision (en)[2]). « Pocahontas » est un surnom d'enfance se rapportant à sa nature espiègle (dans la langue powhatan, un dialecte algonquin, Pocahontas signifie jeune impertinente, indomptée mais aussi hardie[3]). En anglais, lors de son baptême chrétien lui fut attribué le prénom de Rebecca devenu Rebecca Rolfe de par son mariage avec le colon anglais John Rolfe.
 Sa brève existence, qui constitue un des mythes fondateurs des États-Unis, est à l'origine de beaucoup de légendes et d'adaptations littéraires et cinématographiques[4].
 On connaît peu de choses de l'enfance de Pocahontas. Elle est fille du sachem powhatan Wahunsunacock. Du fait de la tradition polygame de la tribu, elle a de nombreux frères et sœurs avec lesquels elle grandit[5]. Selon la tradition powhatan, très jeune elle a été éloignée de sa mère, laquelle est par ailleurs décédée peu de temps après lui avoir donné le jour[6]. C'est ainsi qu'elle est élevée par ses tantes et d'autres femmes de la tribu Mattaponi à Werowocomoco (en)[7] en Virginie. Selon la tradition, les enfants étaient très accompagnés  et tous les membres de la tribu contribuaient à leur éducation selon leurs rangs et compétences.
 Son père développe une certaine préférence à son égard, du fait de sa ressemblance avec sa mère, qu'il aurait particulièrement aimée. C'est lui qui lui aurait donné le surnom de Pocahontas.
 Les registres des colons de Jamestown indiquent que Pocahontas a entretenu une amitié avec le capitaine John Smith, qu'elle aurait sauvé de la mort plusieurs fois. Néanmoins, du fait de la rareté des archives et de leur mauvaise qualité, la nature exacte de leur relation est controversée.
 Pocahontas est âgée d'environ 12 ans lorsque les colons anglais de la Virginia Company débarquent  en 1607 et s'y implantent.
 L'un d'entre eux, John Smith, fut capturé par un groupe de chasseurs et emmené à Werowocomoco, un des principaux sites powhatan, dont le père de Pocahontas était le sachem. Selon Smith, il était sur le point d'être exécuté quand Pocahontas demanda sa grâce[8].
 La véracité de cet épisode est cependant mise en doute à partir des années 1860 car, en dépit de l'édition de deux livres relatifs à la Virginie, le récit de la délivrance de Smith n'a été écrit qu'en 1616, soit presque dix ans après les faits et il les aurait peut-être exagérés, voire inventés pour « civiliser » l'image de Pocahontas.
 Certains experts ont également suggéré que Smith avait pu prendre pour une délivrance un rituel typique symbolisant sa mort et sa renaissance en tant que membre de la tribu[9],[10]. En effet, selon les récits oraux et les écrits contemporains des Mattaponi, le chef Wahunsunacock appréciait John Smith, lui offrant l'honneur d'être « Weroance (en)»  ou chef colon reconnu par Powhatan. Ce titre permit de lui octroyer une zone plus propice à la construction des bâtiments des Anglais avec un excellent accès aux gibiers et aux fruits de mer — la future cité de Jamestown.
 Or, les enfants n'étaient pas autorisés à assister à tous les rituels. Pocahontas n'était pas encore en âge d'assister à ce type de cérémonie. De surcroît, quand bien même elle eût été présente, puisque Smith était honoré, tous les adultes présents l'auraient très probablement empêchée d'interférer de quelque manière que ce soit[11].
 Quoi qu'il en soit, pour le moins, une relation amicale s'est établie entre Smith et Pocahontas à Jamestown, où celle-ci venait souvent jouer[12]. Les documents d'époque montrent que John Smith a passé du temps avec la jeune Powhatan. Ils s'enseignaient mutuellement leur langue. Des notes écrites subsistent ; et elles mentionnent, parmi tant d'autres, « Dis à Pocahontas de m'apporter trois paniers » ou « Pocahontas a de nombreuses perles blanches »[13].
 Toutefois, lorsque la colonie anglaise grandit, les autochtones durent constater que leur mode de vie était incompatible avec celui des Anglais. Leurs plantations ne rapportaient pas les récoltes espérées, et John Smith exigea plus d'approvisionnements de la part des autochtones. L'amitié entre le père de Pocahontas et Smith commença ainsi à se détériorer et leurs différends débouchèrent sur des conflits armés.
 John Smith aurait affirmé à cette époque que Wahunsunacock voulait le tuer, mais qu'il aurait été prévenu par Pocahontas en 1608. Elle serait en effet venue prévenir les Anglais que son père, qui avait invité Smith et quelques autres colons à lui rendre visite à Werowocomoco, projetait en fait de les tuer puisque les Anglais devenaient envahissants. Grâce à cet avertissement, ils restèrent sur leurs gardes et le funeste dessein ne put s’accomplir[14],[15].
 Mais là encore, la véracité de cet épisode est mise en doute par la tribu Mattaponi elle-même. Jamestown était à 19 km de Werowocomoco, et la probabilité qu'une adolescente d'une douzaine d'années puisse partir seule aussi loin est incompatible avec la culture Powhatan. Si elle s'est rendue à Jamestown, elle aurait été accompagnée de quelques autres membres de la tribu et en signe de paix. De surcroît, pour se rendre à Jamestown, il lui aurait fallu traverser de grandes étendues d'eau en utilisant des pirogues, lesquelles pesaient environ 400 livres (soit un peu moins de 200 kg). Il aurait donc fallu qu'elle soit accompagnée de personnes assez fortes pour les mettre à l'eau. Par ailleurs, des historiens autochtones ont publié une lettre relative à ces tensions que Smith a écrite en 1608, mais qui ne mentionne pas que Pocahontas ait tenté de sauver sa vie à deux reprises[7].
 En octobre 1609, John Smith  est victime d'une explosion de poudre qui aurait été accidentelle. Il est rapatrié en Angleterre[16] mais les Anglais annoncèrent aux Indiens que Smith était mort. Pocahontas y crut jusqu’à ce qu'elle aille elle-même en Angleterre en 1616[17].
 Il n'y a aucune indication dans les archives prouvant que Smith et Pocahontas aient été amants ; cette version romancée de l'histoire apparaît seulement dans les récits mettant en scène une Pocahontas plus âgée que dans les faits. Selon Smith, quand ils se revirent à Londres, Pocahontas l'appelait « Père »[17].
 En mars 1613, Pocahontas résidait à Passapatanzy (en), un village amérindien situé sur le fleuve Potomac.
 Le capitaine Samuel Argall, aventurier et officier naval anglais, enlève Pocahontas comme gage contre le retour des captifs et propriétés tenues par les Powhatans. Le chef Powhatan renvoya les prisonniers, mais ne rendit pas les armes et les outils. L'échange ne se fit donc pas et pendant une année, Pocahontas fut retenue à Henricus (en), une autre colonie anglaise. On sait peu de choses sur sa vie là-bas malgré un écrit du colon Ralph Hamor (en) affirmant qu'elle y aurait appris les bons usages et la courtoisie[18].
 Cependant, lors de sa captivité, on rapporte que Pocahontas souffrait de dépression et devenait de plus en plus craintive et renfermée. Son extrême anxiété était si grave que ses ravisseurs anglais ont permis à la sœur aînée de Pocahontas, Mattachanna, et à son mari Uttamattamakin de lui venir en aide[1].
 « Lorsque Mattachanna et Uttamattamakin sont arrivés à Jamestown, Pocahontas a confié qu'elle avait été violée. L'histoire orale sacrée de Mattaponi est très claire à ce sujet : Pocahontas a été violée. Il est possible que cela lui ait été fait par plus d'une personne et à plusieurs reprises. Mon grand-père et d'autres professeurs d'histoire orale de Mattaponi ont dit que Pocahontas avait été violée.La possibilité d'être captif était un danger dont il fallait être conscient dans la société powhatan, mais le viol n'était pas toléré. Le viol dans la société powhatan était pratiquement inconnu parce que la punition pour de tels actes était si sévère. La société powhatan n'avait pas de prisons. La punition pour les actes fautifs consistait souvent en un bannissement de la tribu[1]. »
 Un prêtre anglais, Alexander Whitaker, lui enseigna le christianisme et l'aida à améliorer son anglais. Elle fut baptisée et son prénom devint alors Rebecca.
 En mars 1614, un violent conflit eut lieu près de la rivière Pamunkey entre des centaines d'Anglais et les Powhatans. À Matchcot, la nouvelle capitale powhatan, les Anglais rencontrèrent un groupe dont faisaient partie des chefs aînés de Powhatan et autorisèrent Pocahontas à s'entretenir avec eux. Selon le sous-gouverneur La Vallée de Thomas, Pocahontas en voulut à son père pour l'avoir estimée moins importante que des armes ou des outils, et elle préféra vivre avec les Anglais[19]. Selon la tribu de Mattaponi, les colons anglais lui auraient souvent dit que son père ne l'aimait pas car il n'était jamais venu la sauver[7].
 Dans la tradition mattaponi, Pocahontas devait prendre pour époux Kocoum, issu de Patawomeck, une tribu powhatan, mais il fut tué par les colons en 1613 après la capture de celle-ci[7]. Selon les croyances patawomeck, le couple aurait eu une fille, appelée Ka-Okee, qu'ils ont élevée à la mort du père et à l'enlèvement de sa mère[7].
 Pendant son séjour à Henricus (en), Pocahontas rencontra John Rolfe, qui s'éprit follement d'elle. Ce dernier, dont l'épouse et la fille étaient décédées, avait cultivé avec succès une parcelle de tabac en Virginie (en apprenant des techniques sacrées de séchage de tabac des Powhatans[7]). C'était un homme pieux qui souffrait énormément des possibles conséquences morales de son mariage avec une païenne. Dans une longue lettre au gouverneur, il demanda la permission de se marier avec elle parce qu'il l'aimait et qu'il voulait sauver son âme. En revanche, les sentiments de Pocahontas au sujet de Rolfe et du mariage demeurent inconnus.
 Bien que certains historiens affirment que Pocahontas et John Rolfe se sont mariés par amour, ce n'est pas une certitude, car Pocahontas n'a jamais été autorisée à voir sa famille, son enfant ou son père après avoir été kidnappée. Et, bien qu'il soit d'usage pour un père Powhatan de donner sa fille lors d'un mariage, Wahunsunacock n'a pas assisté au mariage de sa fille avec Rolfe de peur d'être capturé ou tué. Il a envoyé un brin de perles en cadeau[7].
 Ils se marièrent en avril 1614[20]. C'est à cette occasion qu'elle prit le nom de Rebecca Rolfe et se convertit au christianisme. Pendant plusieurs années, le couple vécut dans la plantation de Rolfe, Varina Farms (en), située en Virginie, à proximité de la rivière James et de la communauté d'Henricus. Ils eurent un enfant, Thomas Rolfe, né en 1615.
 Le mariage et la conversion au christianisme de Pocahontas pacifièrent pendant un temps les relations entre les Powhatans et les colons, mais les hostilités reprirent dès 1622.
 Afin d'attirer de nouveaux colons et investisseurs en Virginie, Pocahontas fut envoyée promouvoir la région auprès des Européens. Sa mission était de leur garantir que les populations autochtones ne représentaient aucune menace et que la sécurité des colonies était assurée[21]. En 1616, les Rolfe voguèrent jusqu'en Angleterre. Ils arrivèrent au port de Plymouth, puis, en juin, voyagèrent en diligence jusqu’à Londres. Ils étaient accompagnés d'un groupe de onze autres Powhatans, dont le chaman Tomocomo[22].
 Pocahontas apprit alors que John Smith était encore en vie et qu’il résidait à Londres[17]. Il écrivit à la reine Anne une lettre lui demandant de veiller à ce que Pocahontas soit traitée avec le même respect qu'un visiteur royal, et non comme un phénomène de foire (ce qui aurait mis en péril l'amour qu'elle portait aux Anglais et au christianisme[23]).
 Il n'existe aucune preuve que Pocahontas ait été formellement présentée à la cour de Jacques Ier d'Angleterre mais, le 5 janvier 1617, elle et Tomocomo faisaient partie des invités du roi lors d'une représentation du poète Ben Jonson à la Maison des banquets, dans le Palais de Whitehall. Selon Smith, le roi impressionna fort peu les ambassadeurs, qui ne comprirent qui ils avaient rencontré qu'après qu'on le leur eut expliqué[17]. Pocahontas et Rolfe vécurent à Brentford pendant quelques mois. Smith leur rendit visite au début de 1617. En mars, le couple décida de retourner en Virginie, mais leur bateau n'avait pas dépassé Gravesend (Kent) que Pocahontas tomba malade. La nature de la maladie est inconnue, mais Pocahontas a été décrite comme sensible à l'air pollué de Londres ; il semble donc qu'elle ait succombé à une pneumonie ou à la tuberculose[24]. Débarquée à terre, elle mourut peu après, âgée de 22 ans. Son enterrement eut lieu le 21 mars 1617 dans la paroisse de Saint Lucas à Gravesend. Rolfe retourna seul en Virginie, laissant leur fils Thomas en Angleterre, et s'y remaria. Thomas retourna en Virginie après la mort de son père.
 Rebecca et John Rolfe ont eu un enfant, Thomas, né dans la ferme de Varina en 1615 avant que ses parents ne partent pour l'Angleterre[25]. Beaucoup de vieilles familles de Virginie font remonter leur lignée à Pocahontas et Wahunsunacock via Thomas Rolfe. C'est par exemple le cas d'Edith Wilson, épouse du président américain Woodrow Wilson ; Nancy Reagan, épouse du président Ronald Reagan ; George Wythe Randolph, général et homme politique sudiste ; Richard Byrd, explorateur et aviateur ; Harry F. Byrd ; Pauline de Rothschild (en) ; Percival Lowell[25], astronome ; Edward Norton, acteur
 Sa vie, devenue légendaire, a fait l'objet de nombreuses adaptations littéraires et cinématographiques.
 À la suite des films de la Walt Disney Company, Pocahontas est devenue une princesse Disney (Disney Princess) au même titre que Cendrillon et Blanche-Neige.
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Knopf; ISBN; 978-0-375-41541-8; OCLC; ISBN; 978-0-8061-2280-9; OCLC; ISBN; 978-1-4294-8906-5; OCLC; John Smith; ISBN; 978-0-8061-1642-6; OCLC; Powhatans; John Smith de Jamestown; Tomocomo; Notices d'autorité; ; Portail du XVIIe siècle; ; Portail de la Virginie; ; Portail des Nord-Amérindiens; Catégories; Dirigeant politique du XVIIe siècle en Amérique du Nord; Personnalité amérindienne; Personnalité liée à la Virginie; Personnalité de l'histoire coloniale des États-Unis; Exploratrice et grande voyageuse; Histoire de la Virginie; Folklore américain; Décès en mars 1617; Décès à Gravesend (Kent); Éponyme d'un objet céleste; Page utilisant des données de Wikidata à traduire de l'anglais; Page utilisant P119; Page utilisant P106; Page utilisant P22; Page utilisant P25; Page utilisant P3373; Page utilisant P40; Page utilisant P3342; Article utilisant l'infobox Biographie2 avec la charte écrivain; Article utilisant l'infobox Biographie2; Article utilisant une Infobox; Article contenant un appel à traduction en anglais; 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She was the daughter of Powhatan, the paramount chief[2] of a network of tributary tribes in the Tsenacommacah, encompassing the Tidewater region of what is today the U.S. state of Virginia.
 Pocahontas was captured and held for ransom by English colonists during hostilities in 1613. During her captivity, she was encouraged to convert to Christianity and was baptized under the name Rebecca. She married the tobacco planter John Rolfe in April 1614 at the age of about 17 or 18, and she bore their son, Thomas Rolfe, in January 1615.[1]
 In 1616, the Rolfes travelled to London, where Pocahontas was presented to English society as an example of the ""civilized savage"" in hopes of stimulating investment in Jamestown. On this trip she may have met Squanto, a Patuxet man from New England.[3] Pocahontas became a celebrity, was elegantly fêted, and attended a masque at Whitehall Palace. In 1617, the Rolfes intended to sail for Virginia, but Pocahontas died at Gravesend, Kent, England, of unknown causes, aged 20 or 21. She was buried in St George's Church, Gravesend; her grave's exact location is unknown because the church was rebuilt after being destroyed by a fire.[1]
 Numerous places, landmarks, and products in the United States have been named after Pocahontas. Her story has been romanticized over the years, many aspects of which are fictional. Many of the stories told about her by the English explorer John Smith have been contested by her documented descendants.[4] She is a subject of art, literature, and film. Many famous people have claimed to be among her descendants, including members of the First Families of Virginia, First Lady Edith Wilson, American actor Glenn Strange, and astronomer Percival Lowell.[5]
 Pocahontas's birth year is unknown, but some historians estimate it to have been around 1596.[1] In A True Relation of Virginia (1608), the English explorer John Smith described meeting Pocahontas in the spring of 1608 when she was ""a child of ten years old"".[6] In a 1616 letter, Smith again described her as she was in 1608, but this time as ""a child of twelve or thirteen years of age"".[7]
 Pocahontas was the daughter of Chief Powhatan, paramount chief of Tsenacommacah, an alliance of about thirty Algonquian-speaking groups and petty chiefdoms in the Tidewater region of the present-day U.S. state of Virginia.[8] Her mother's name and origin are unknown, but she was probably of lowly status. English adventurer Henry Spelman had lived among the Powhatan people as an interpreter, and he noted that, when one of the paramount chief's many wives gave birth, she was returned to her place of origin and supported there by the paramount chief until she found another husband.[9] However, little is known about Pocahontas's mother, and it has been theorized that she died in childbirth.[10] The Mattaponi Reservation people are descendants of the Powhatans, and their oral tradition claims that Pocahontas's mother was the first wife of Powhatan and that Pocahontas was named after her.[11]
 According to colonist William Strachey, ""Pocahontas"" was a childhood nickname meaning ""little wanton"".[12] Some interpret the meaning as ""playful one"".[13] In his account, Strachey describes Pocahontas as a child visiting the fort at Jamestown and playing with the young boys; she would ""get the boys forth with her into the marketplace and make them wheel, falling on their hands, turning up their heels upwards, whom she would follow and wheel so herself, naked as she was, all the fort over"".[14]
 Historian William Stith claimed that ""her real name, it seems, was originally Matoax, which the Native Americans carefully concealed from the English and changed it to Pocahontas, out of a superstitious fear, lest they, by the knowledge of her true name, should be enabled to do her some hurt.""[15] According to anthropologist Helen C. Rountree, Pocahontas revealed her secret name to the colonists ""only after she had taken another religious – baptismal – name"" of Rebecca.[16]
 Pocahontas is frequently viewed as a princess in popular culture. In 1841, William Watson Waldron of Trinity College, Dublin, published Pocahontas, American Princess: and Other Poems, calling her ""the beloved and only surviving daughter of the king"".[17] She was her father's ""delight and darling"", according to colonist Captain Ralph Hamor,[18] but she was not in line to inherit a position as a weroance, sub-chief, or mamanatowick (paramount chief). Instead, Powhatan's brothers and sisters and his sisters' children all stood in line to succeed him.[19] In his A Map of Virginia, John Smith explained how matrilineal inheritance worked among the Powhatans:
 His kingdom descendeth not to his sonnes nor children: but first to his brethren, whereof he hath three namely Opitchapan, Opechanncanough, and Catataugh; and after their decease to his sisters. First to the eldest sister, then to the rest: and after them to the heires male and female of the eldest sister; but never to the heires of the males. Pocahontas is most famously linked to colonist John Smith, who arrived in Virginia with 100 other settlers in April 1607. The colonists built a fort on a marshy peninsula on the James River, and had numerous encounters over the next several months with the people of Tsenacommacah – some of them friendly, some hostile.
 A hunting party led by Powhatan's close relative Opechancanough captured Smith in December 1607 while he was exploring on the Chickahominy River and brought him to Powhatan's capital at Werowocomoco. In his 1608 account, Smith describes a great feast followed by a long talk with Powhatan. He does not mention Pocahontas in relation to his capture, and claims that they first met some months later.[20][21] Margaret Huber suggests that Powhatan was attempting to bring Smith and the other colonists under his own authority. He offered Smith rule of the town of Capahosic, which was close to his capital at Werowocomoco, as he hoped to keep Smith and his men ""nearby and better under control"".[22]
 In 1616, Smith wrote a letter to Queen Anne of Denmark, the wife of King James, in anticipation of Pocahontas' visit to England. In this new account, his capture included the threat of his own death: ""at the minute of my execution, she hazarded the beating out of her own brains to save mine; and not only that but so prevailed with her father, that I was safely conducted to Jamestown.""[7] He expanded on this in his 1624 Generall Historie, published seven years after the death of Pocahontas. He explained that he was captured and taken to the paramount chief where ""two great stones were brought before Powhatan: then as many as could layd hands on him [Smith], dragged him to them, and thereon laid his head, and being ready with their clubs, to beate out his braines, Pocahontas the Kings dearest daughter, when no intreaty could prevaile, got his head in her armes, and laid her owne upon his to save him from death.""[23]
 Karen Ordahl Kupperman suggests that Smith used such details to embroider his first account, thus producing a more dramatic second account of his encounter with Pocahontas as a heroine worthy of Queen Anne's audience. She argues that its later revision and publication was Smith's attempt to raise his own stock and reputation, as he had fallen from favor with the London Company which had funded the Jamestown enterprise.[24] Anthropologist Frederic W. Gleach suggests that Smith's second account was substantially accurate but represents his misunderstanding of a three-stage ritual intended to adopt him into the confederacy,[25][26] but not all writers are convinced, some suggesting the absence of certain corroborating evidence.[4]
 Early histories did establish that Pocahontas befriended Smith and the colonists. She often went to the settlement and played games with the boys there.[14] When the colonists were starving, ""every once in four or five days, Pocahontas with her attendants brought [Smith] so much provision that saved many of their lives that else for all this had starved with hunger.""[27] As the colonists expanded their settlement, the Powhatans felt that their lands were threatened, and conflicts arose again. In late 1609, an injury from a gunpowder explosion forced Smith to return to England for medical care and the colonists told the Powhatans that he was dead. Pocahontas believed that account and stopped visiting Jamestown but learned that Smith was living in England when she traveled there with her husband John Rolfe.[28]
 Pocahontas' capture occurred in the context of the First Anglo-Powhatan War, a conflict between the Jamestown settlers and the Natives which began late in the summer of 1609.[30] In the first years of war, the colonists took control of the James River, both at its mouth and at the falls. In the meantime, Captain Samuel Argall pursued contacts with Native tribes in the northern portion of Powhatan's paramount chiefdom. The Patawomecks lived on the Potomac River and were not always loyal to Powhatan, and living with them was Henry Spelman, a young English interpreter. In March 1613, Argall learned that Pocahontas was visiting the Patawomeck village of Passapatanzy and living under the protection of the weroance Iopassus (also known as Japazaws).[31]
 With Spelman's help translating, Argall pressured Iopassus to assist in Pocahontas' capture by promising an alliance with the colonists against the Powhatans.[31] Iopassus, with the help of his wives, tricked Pocahontas into boarding Argall's ship and held her for ransom, demanding the release of colonial prisoners held by her father and the return of various stolen weapons and tools.[32] Powhatan returned the prisoners but failed to satisfy the colonists with the number of weapons and tools that he returned. A long standoff ensued, during which the colonists kept Pocahontas captive.[citation needed]
 During the year-long wait, Pocahontas was held at the English settlement of Henricus in present-day Chesterfield County, Virginia. Little is known about her life there, although colonist Ralph Hamor wrote that she received ""extraordinary courteous usage"".[33] Linwood ""Little Bear"" Custalow refers to an oral tradition which claims that Pocahontas was raped; Helen Rountree counters that ""other historians have disputed that such oral tradition survived and instead argue that any mistreatment of Pocahontas would have gone against the interests of the English in their negotiations with Powhatan. A truce had been called, the Indians still far outnumbered the English, and the colonists feared retaliation.""[34] At this time, Henricus minister Alexander Whitaker taught Pocahontas about Christianity and helped her improve her English. Upon her baptism, she took the Christian name ""Rebecca.""[35]
 In March 1614, the stand-off escalated to a violent confrontation between hundreds of colonists and Powhatan men on the Pamunkey River, and the colonists encountered a group of senior Native leaders at Powhatan's capital of Matchcot. The colonists allowed Pocahontas to talk to her tribe when Powhatan arrived, and she reportedly rebuked him for valuing her ""less than old swords, pieces, or axes"". She said that she preferred to live with the colonists ""who loved her"".[36]
 Mattaponi tradition holds that Pocahontas' first husband was Kocoum, brother of the Patawomeck weroance Japazaws, and that Kocoum was killed by the colonists after his wife's capture in 1613.[37] Today's Patawomecks believe that Pocahontas and Kocoum had a daughter named Ka-Okee who was raised by the Patawomecks after her father's death and her mother's abduction.[38]
 Kocoum's identity, location, and very existence have been widely debated among scholars for centuries; the only mention of a ""Kocoum"" in any English document is a brief statement written about 1616 by William Strachey that Pocahontas had been living married to a ""private captaine called Kocoum"" for two years.[39] Pocahontas married John Rolfe in 1614, and no other records even hint at any previous husband, so some have suggested that Strachey was mistakenly referring to Rolfe himself, with the reference being later misunderstood as one of Powhatan's officers.[40]
 During her stay at Henricus, Pocahontas met John Rolfe. Rolfe's English-born wife Sarah Hacker and child Bermuda had died on the way to Virginia after the wreck of the ship Sea Venture on the Summer Isles, now known as Bermuda. He established the Virginia plantation Varina Farms, where he cultivated a new strain of tobacco. Rolfe was a pious man and agonized over the potential moral repercussions of marrying a heathen, though in fact Pocahontas had accepted the Christian faith and taken the baptismal name Rebecca. In a long letter to the governor requesting permission to wed her, he expressed his love for Pocahontas and his belief that he would be saving her soul. He wrote that he was:
 motivated not by the unbridled desire of carnal affection, but for the good of this plantation, for the honor of our country, for the Glory of God, for my own salvation... namely Pocahontas, to whom my hearty and best thoughts are, and have been a long time so entangled, and enthralled in so intricate a labyrinth that I was even a-wearied to unwind myself thereout.[41] The couple were married on April 5, 1614, by chaplain Richard Buck, probably at Jamestown. For two years they lived at Varina Farms, across the James River from Henricus. Their son, Thomas, was born in January 1615.[42]
 The marriage created a climate of peace between the Jamestown colonists and Powhatan's tribes; it endured for eight years as the ""Peace of Pocahontas"".[43] In 1615, Ralph Hamor wrote, ""Since the wedding we have had friendly commerce and trade not only with Powhatan but also with his subjects round about us.""[44] The marriage was controversial in the British court at the time because ""a commoner"" had ""the audacity"" to marry a ""princess"".[45][46]
 One goal of the London Company was to convert Native Americans to Christianity, and they saw an opportunity to promote further investment with the conversion of Pocahontas and her marriage to Rolfe, all of which also helped end the First Anglo-Powhatan War. The company decided to bring Pocahontas to England as a symbol of the tamed New World ""savage"" and the success of the Virginia colony,[47] and the Rolfes arrived at the port of Plymouth on June 12, 1616.[48] The family journeyed to London by coach, accompanied by eleven other Powhatans including a holy man named Tomocomo.[49] John Smith was living in London at the time while Pocahontas was in Plymouth, and she learned that he was still alive.[50] Smith did not meet Pocahontas, but he wrote to Queen Anne urging that Pocahontas be treated with respect as a royal visitor. He suggested that, if she were treated badly, her ""present love to us and Christianity might turn to... scorn and fury"", and England might lose the chance to ""rightly have a Kingdom by her means"".[7]
 Pocahontas was entertained at various social gatherings. On January 5, 1617, she and Tomocomo were brought before King James at the old Banqueting House in the Palace of Whitehall at a performance of Ben Jonson's masque The Vision of Delight. According to Smith, the king was so unprepossessing that neither Pocahontas nor Tomocomo realized whom they had met until it was explained to them afterward.[50]
 Pocahontas was not a princess in Powhatan culture, but the London Company presented her as one to the English public because she was the daughter of an important chief. The inscription on a 1616 engraving of Pocahontas reads ""MATOAKA ALS REBECCA FILIA POTENTISS : PRINC : POWHATANI IMP:VIRGINIÆ"", meaning ""Matoaka, alias Rebecca, daughter of the most powerful prince of the Powhatan Empire of Virginia"". Many English at this time recognized Powhatan as the ruler of an empire, and presumably accorded to his daughter what they considered appropriate status. Smith's letter to Queen Anne refers to ""Powhatan their chief King"".[7] Cleric and travel writer Samuel Purchas recalled meeting Pocahontas in London, noting that she impressed those whom she met because she ""carried her selfe as the daughter of a king"".[51] When he met her again in London, Smith referred to her deferentially as a ""King's daughter"".[52]
 Pocahontas was apparently treated well in London. At the masque, her seats were described as ""well placed""[53] and, according to Purchas, London's Bishop John King ""entertained her with festival state and pomp beyond what I have seen in his greate hospitalitie afforded to other ladies"".[54]
 Not all the English were so impressed, however. Helen C. Rountree claims that there is no contemporaneous evidence to suggest that Pocahontas was regarded in England ""as anything like royalty,"" despite the writings of John Smith. Rather, she was considered to be something of a curiosity, according to Rountree, who suggests that she was merely ""the Virginian woman"" to most Englishmen.[19]
 Pocahontas and Rolfe lived in the suburb of Brentford, Middlesex, for some time, as well as at Rolfe's family home at Heacham, Norfolk. In early 1617, Smith met the couple at a social gathering and wrote that, when Pocahontas saw him, ""without any words, she turned about, obscured her face, as not seeming well contented,"" and was left alone for two or three hours. Later, they spoke more; Smith's record of what she said to him is fragmentary and enigmatic. She reminded him of the ""courtesies she had done,"" saying, ""you did promise Powhatan what was yours would be his, and he the like to you."" She then discomfited him by calling him ""father,"" explaining that Smith had called Powhatan ""father"" when he was a stranger in Virginia, ""and by the same reason so must I do you"". Smith did not accept this form of address because, he wrote, Pocahontas outranked him as ""a King's daughter"". Pocahontas then said, ""with a well-set countenance"":
 Were you not afraid to come into my father's country and caused fear in him and all his people (but me) and fear you here I should call you ""father""? I tell you then I will, and you shall call me child, and so I will be for ever and ever your countryman.[50] Finally, Pocahontas told Smith that she and her tribe had thought him dead, but her father had told Tomocomo to seek him ""because your countrymen will lie much"".[50]
 In March 1617, Rolfe and Pocahontas boarded a ship to return to Virginia, but they had sailed only as far as Gravesend on the River Thames when Pocahontas became gravely ill.[55] She was taken ashore, where she died from unknown causes, aged approximately 21 and ""much lamented"". According to Rolfe, she declared that ""all must die""; for her, it was enough that her child lived.[56] Speculated causes of her death include pneumonia, smallpox, tuberculosis, hemorrhagic dysentery (""the Bloody flux"") and poisoning.[57][58]
 Pocahontas's funeral took place on March 21, 1617, in the parish of St George's Church, Gravesend.[59] Her grave is thought to be underneath the church's chancel, though that church was destroyed in a fire in 1727 and its exact site is unknown.[60] Since 1958 she has been commemorated by a life-sized bronze statue in St. George's churchyard, a replica of the 1907 Jamestown sculpture by the American sculptor William Ordway Partridge.[61]
 Pocahontas and John Rolfe had a son, Thomas Rolfe, born in January 1615.[62] Thomas and his wife, Jane Poythress, had a daughter, Jane Rolfe,[63] who was born in Varina, in present-day Henrico County, Virginia, on October 10, 1650.[64] Jane married Robert Bolling of present-day Prince George County, Virginia. Their son, John Bolling, was born in 1676.[64] John Bolling married Mary Kennon[64] and had six surviving children, each of whom married and had surviving children.[65]
 In 1907, Pocahontas was the first Native American to be honored on a U.S. stamp.[66] She was a member of the inaugural class of Virginia Women in History in 2000.[67] In July 2015, the Pamunkey Native tribe became the first federally recognized tribe in the state of Virginia; they are descendants of the Powhatan chiefdom, of which Pocahontas was a member.[68] Pocahontas is the twelfth great-grandmother of the American actor Edward Norton.[69]
 After her death, increasingly fanciful and romanticized representations were produced about Pocahontas, in which she and Smith are frequently portrayed as romantically involved. Contemporaneous sources substantiate claims of their friendship but not romance.[43] The first claim of their romantic involvement was in John Davis' Travels in the United States of America (1803).[71]
 Rayna Green has discussed the similar fetishization that Native and Asian women experience. Both groups are viewed as ""exotic"" and ""submissive,"" which aids their dehumanization.[72] Also, Green touches on how Native women had to either ""keep their exotic distance or die,"" which is associated with the widespread image of Pocahontas trying to sacrifice her life for John Smith.[72]
 Cornel Pewewardy writes, ""In Pocahontas, Indian characters such as Grandmother Willow, Meeko, and Flit belong to the Disney tradition of familiar animals. In so doing, they are rendered as cartoons, certainly less realistic than Pocahontas and John Smith; In this way, Indians remain marginal and invisible, thereby ironically being 'strangers in their own lands' – the shadow Indians. They fight desperately on the silver screen in defense of their asserted rights, but die trying to kill the white hero or save the Indian woman.’""[73]
 Films about Pocahontas include:",3506,"Main page; Contents; Current events; About Wikipedia; Help; Learn to edit; Community portal; Upload file; ; learn more; Article; Talk; Read; Read; Upload file; ; Pocahontas (1995 film); Pocahontas (character); Pocahontas (disambiguation); Matoaca, Virginia; Matoaka, West Virginia; USS Princess Matoika; Rebecca Rolfe (cricketer); ; Simon de Passe; Werowocomoco; Tsenacommacah; Gloucester Courthouse, Virginia; Gravesend; St George's Church, Gravesend; Gravesham; Jamestown colony; John Smith; Powhatan; John Rolfe; Thomas Rolfe; Wahunsenacawh/Chief Powhatan; US; /ˌpoʊkəˈhɒntəs/; ⓘ; UK; /ˌpɒk-/; Native American; Powhatan people; Jamestown; Virginia; Powhatan; Tsenacommacah; Tidewater region; Virginia; English; convert to Christianity; baptized; John Rolfe; Thomas Rolfe; London; civilized savage; Squanto; Patuxet; New England; masque; Whitehall Palace; Gravesend; Kent; St George's Church; John Smith; First Families of Virginia; First Lady; Edith Wilson; Glenn Strange; Percival Lowell; John Smith; Chief Powhatan; Tsenacommacah; Algonquian-speaking; Tidewater region; Virginia; Henry Spelman; Powhatan people; William Strachey; Jamestown; William Stith; anthropologist; Trinity College, Dublin; Ralph Hamor; weroance; ; John Smith; Tidewater, Virginia; tipis; James River; Opechancanough; Chickahominy River; Werowocomoco; Anne of Denmark; King James; Generall Historie; Karen Ordahl Kupperman; London Company; Frederic W. 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"Le Livre de la jungle (film, 1967)","https://fr.wikipedia.org/wiki/Le_Livre_de_la_jungle_(film,_1967)","Pour les articles homonymes, voir Le Livre de la jungle (homonymie).
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 Série Classiques d'animation Disney Merlin l'Enchanteur(1963) Les Aristochats(1970) Série Le Livre de la jungle Le Livre de la jungle 2(2003) Pour plus de détails, voir Fiche technique et Distribution. modifier  Le Livre de la jungle (The Jungle Book) est le 24e long-métrage d'animation et le 19e « classique d'animation » des studios Disney. Sorti en 1967, il est inspiré du livre du même nom écrit par Rudyard Kipling (1894).
 Le film présente le jeune Mowgli élevé par des loups dans une forêt indienne et qui, accompagné de la panthère noire Bagheera, doit retourner dans un village auprès des hommes pour échapper au tigre mangeur d'hommes et terreur de la jungle Shere Khan. Durant son voyage initiatique, Mowgli rencontre à tour de rôle l'ours bon vivant Baloo qui contraste avec Bagheera par son tempérament, une troupe militaire d'éléphants, un groupe de singes mené par son roi Louie qui voudrait devenir un homme ou encore le serpent hypnotiseur Kaa.
 Le film est marqué par une qualité graphique élevée, mais surtout par l'utilisation d'acteurs vocaux célèbres ayant fortement influencé voire inspiré les personnages comme Phil Harris (Baloo), Louis Prima (Roi Louie) et George Sanders (Shere Khan). Pour plusieurs auteurs, la présence de fortes personnalités vocales et un scénario assez simple sans vrais méchants font du Livre de la jungle une succession de scènes musicales divertissantes, mais où il manque un petit quelque chose. Le film est aussi marqué par la mort de Walt Disney quelques mois avant sa sortie. Pour le studio Disney, l'ensemble marque le début d'une période désignée à la fois comme une forme de déclin, de léthargie, mais aussi de perpétuelle réutilisation d'une même formule, justement utilisée pour Le Livre de la jungle. Ce n'est que grâce à un programme de formation de nouveaux talents et une nouvelle direction au milieu des années 1980 que le studio Disney retrouve des productions égalant le « Premier Âge d'or ».
 Malgré les critiques, Le Livre de la jungle est un succès commercial et sert de base à de nombreux produits dérivés. Deux séries d'animation dérivées ont suivi : Le Livre de la jungle, souvenirs d'enfance (1996-1998), qui raconte l'enfance des personnages, et Super Baloo (1990-1994), où Baloo travaille comme pilote d'avion. Une suite lui est également donnée en 2003 : Le Livre de la jungle 2. Un remake en prise de vues réelles, premier d'une série de films produits par Walt Disney Pictures à partir de ses propres « Classiques », sort en 1994 sous le même titre Le Livre de la jungle, ainsi qu'une préquelle intitulée The Jungle Book: Mowgli's Story en 1998.
 Un jour, la panthère noire Bagheera trouve un bébé abandonné dans un panier au fin fond de la jungle indienne. Bagheera s'empresse d'apporter le bébé à une louve qui vient d'avoir des petits et qui accepte de l'élever. Pendant dix ans, le « petit d'homme » baptisé Mowgli grandit paisiblement parmi ses frères louveteaux. Mais une nuit, la meute de loups apprend le retour dans la jungle du tigre mangeur d'hommes Shere Khan. Pour protéger Mowgli, le conseil de la meute décide de le renvoyer au village humain le plus proche, Bagheera acceptant de l'escorter. La panthère et l'enfant quittent les loups le soir même, mais l'enfant refuse de partir de la jungle. Le chemin restant à parcourir étant long, ils s'endorment dans un arbre pour le reste de la nuit. Durant leur sommeil, un python affamé, nommé Kaa surgit, hypnotise Mowgli et l'enserre dans ses anneaux. Le serpent tente de dévorer l'enfant mais Bagheera intervient et le sauve.
 Le lendemain, les deux amis sont réveillés par un troupeau d'éléphants mené par le colonel Hathi. Mowgli s'insère dans la patrouille des éléphants à la suite de Winifred, la femme de Hathi, et de Junior, leur fils. Bagheera retrouve le petit d'homme et ils en viennent aux mots, au point qu'ils partent chacun de leur côté.
 Mowgli rencontre alors un ours, Baloo, qui prend la vie comme elle vient. Cet épicurien promet de prendre soin de Mowgli et de ne pas l'emmener dans un village humain, ce qui réjouit l'enfant. Baloo est cependant trompé par une bande de singes rusés qui kidnappent Mowgli. Il est emmené auprès de leur chef, un orang-outan appelé le Roi Louie. Ce dernier, tout en dansant et chantant, propose un marché à l'enfant : si ce dernier consent à lui apprendre le secret du feu détenu par les hommes, il promet à Mowgli de le laisser rester dans la jungle. Mais comme le petit d'homme a été élevé par des loups et non des humains, il ne connait pas ce secret. Bagheera et Baloo se mêlent à la danse pour sauver Mowgli et s'ensuit un chaos qui s'achève avec la destruction du palais des singes.
 La nuit venue, Bagheera explique à Baloo que la jungle ne sera jamais sûre pour Mowgli tant que Shere Khan sera présent. Au matin, Baloo tente à contrecœur de convaincre l'enfant que le village des hommes est le meilleur endroit pour lui, mais Mowgli l'accuse d'avoir rompu sa promesse et s'enfuit en courant. Baloo part à la recherche du petit d'homme tandis que la panthère se met en quête du colonel Hathi et de sa patrouille d'éléphants pour les aider dans leur recherche. Mais Shere Khan, qui a entendu la conversation entre Bagheera et Hathi, est décidé à chercher et tuer Mowgli. Entre-temps, l'enfant rencontre à nouveau le python Kaa qui l'hypnotise de nouveau, mais est interrompu par Shere Khan. Mowgli en profite pour nouer la queue du serpent et pour s'enfuir.
 Une tempête approche tandis que Mowgli rencontre un groupe de vautours malicieux qui s’efforcent de lier amitié avec l'enfant, arguant qu'ils sont tous des bannis et que tout le monde doit avoir des amis. Shere Khan surgit, disperse les vautours et fait face à Mowgli. Baloo arrive alors, tente d'éloigner le tigre de l'enfant mais est blessé dans l'affrontement. Un éclair frappe un arbre proche qui s'enflamme. Les vautours essayent de distraire Shere Khan pendant que Mowgli ramasse une branche enflammée et l'attache à la queue du tigre. Terrifié par le feu, Shere Khan panique et s'enfuit.
 Mowgli tente en vain de réveiller Baloo. Bagheera, arrivé sur les lieux, craint le pire, et prononce une épitaphe émouvante, au moment même où l'ours revient à lui, à la grande joie du petit d'homme.
 Les trois amis finissent par arriver aux abords du village des hommes. L'attention de Mowgli se porte sur une jeune fille du village, venue prendre de l'eau dans la rivière. Elle aperçoit Mowgli, et fait tomber sa jarre pour attirer son attention. Il la ramasse, la rapporte à la jeune fille, et suit cette dernière dans le village. Bagheera et Baloo se félicitent que l'enfant ait choisi de rester en sécurité avec les hommes. Ils décident de repartir dans la jungle, contents que Mowgli ait la possibilité d'être heureux parmi les siens, tel un enfant sauvage néanmoins.
 Sauf mention contraire, les informations proviennent des sources suivantes : Leonard Maltin[1], John Grant[2], Pierre Lambert[3] et IMDb[4].
 Sauf mention contraire, les informations proviennent des sources suivantes : Leonard Maltin[1] et John Grant[2].
 Sources : Carton DVD et Pierre Lambert[3].
 Sauf mention contraire, les informations suivantes sont issues de l'Internet Movie Database[6].
 Après la sortie de Merlin l'Enchanteur (1963), le scénariste Bill Peet demande à Walt Disney que le département animation fasse des personnages animaliers plus intéressants et propose d'adapter Le Livre de la jungle (1894) de Rudyard Kipling[7],[8]. Disney avait déjà envisagé d'utiliser les histoires de Kipling à la fin des années 1930[9]. Le mauvais résultat de Merlin l'Enchanteur le pousse à offrir à ses animateurs une seconde chance[10]. Disney accepte la proposition et, pour la seconde fois consécutive, d'adapter un succès de la littérature enfantine[1],[7].
 Walt Disney confie à Peet le soin d'adapter le scénario et d'entamer la supervision du film comme il l'a fait pour les précédentes productions (Les 101 Dalmatiens et Merlin l'Enchanteur)[8]. Selon Bob Thomas, ce dernier film étant simplement décevant, Walt Disney s'investit donc un peu plus[10] au regard des comptes rendus de réunions de développement[11]. Roy Edward Disney, neveu de Walt, explique que son oncle a certainement été pris par la jungle et les personnages qui y vivent[12].
 Peet prend comme base les deux tomes des histoires écrites par Kipling[13]. Le studio fait toutefois l'acquisition en 1962 des droits d’adaptation des treize histoires contenues dans ces deux tomes mais se concentre uniquement sur celles avec Mowgli[14],[15]. Peet décide de suivre au plus près le ton sinistre, sombre et dramatique du livre de Kipling qui a pour sujet les luttes entre humains et animaux[16]. Toutefois, il décide d'avoir une ligne directrice plus simple et plus forte car le roman est très épisodique, Mowgli faisant des allers et retours entre la jungle et le village[16]. Peet pense que le retour au village doit être à la fin du film et, à la suite de suggestions qui lui sont faites, il crée deux nouveaux personnages : la jeune fille nommée Shanti dont Mowgli tombe amoureux, seule raison valable selon les animateurs pour qu'il quitte la jungle, et l'orang-outan, le roi des singes, le Roi Louie[16]. Louie est, dans cette version, un personnage peu comique car il emprisonne Mowgli pour accaparer la connaissance du feu[16]. Louie rappelle aussi un point de scénario repris du Second livre de la jungle dans lequel des bijoux et de l'or seraient cachés sous les ruines et où un villageois braconnier demande à Mowgli de le conduire pour y dérober les trésors[10],[16]. Dans le premier scénario, le braconnier Buldeo ordonne à Mowgli de le conduire au palais du Roi Louie pour y dérober le trésor mais celui-ci se fait tuer par Shere Khan, Mowgli finit par tuer le tigre avec le fusil du braconnier. Peet intègre aussi les personnages du chasseur Buldeo et du busard Ishtar[17]. Il travaille huit mois sur le scénario et illustre une douzaine de storyboards[7].
 Disney n'est pas convaincu par cette adaptation, la trouvant trop sombre pour un public familial et demande plusieurs changements[8]. Elle est « trop proche de l'œuvre de Kipling, morose, déprimante, effrayante, mystérieuse avec plein de vilaines choses arrivant à un enfant[18] ». De plus, Peet et Disney ne sont pas d'accord sur la voix de Bagheera[18]. Peet refuse de changer son scénario et, après un long entretien avec Disney, il quitte le studio en janvier 1964 durant la production du film[7],[8],[19]. Son départ est aussi motivé par le succès de ses publications jeunesse en dehors du studio Disney[18], information connue par Walt[7].
 En parallèle des travaux de Peet, Walt Disney confie la composition de la musique à Terry Gilkyson[8],[14]. À la demande de Walt Disney, Gilkyson reprend le style musical de Bambi (1942) qui soutient un style graphique proche, réaliste[14]. La première chanson, prévue pour le générique, s'intitulait Brothers All et comprenait Mowgli et des loups[14]. La seconde, The Song of the Seeonee, proposait un quartet de barbiers avec des loups ponctué de ululements[14]. Une troisième chanson devait soutenir la scène après la capture de Mowgli par les singes, intitulée Monkey See, Monkey Do dans un style d'opérette proche de Gilbert et Sullivan[18]. Elle devait être suivie par une musique plus solennelle, Hate Song, durant laquelle Shere Khan et le personnage supprimé de Buldeo évoquaient leurs plans maléfiques[18]. Une chanson plus douce interprétée par Bagheera et Baloo, In a Day's Work, servait à expliquer à Mowgli que même le petit oisillon doit attraper des vers pour son repas[18]. Le film s'achevait par une chanson sentimentale, I Knew I Belonged to Her, durant laquelle Mowgli chantait à Bagheera le souvenir du village de sa mère[18].
 Après le départ de Peet, Walt Disney assigne alors Larry Clemmons au scénario en lui tendant un exemplaire du Livre de la jungle de Kipling mais en lui demandant de ne pas le lire[2],[20], et confie la partie graphique à Ken Anderson[7]. Clemmons consulte quand même le livre et le trouve trop haché, sans jointure, demandant une adaptation pour en faire un film[21]. Il préconise d'utiliser la technique narrative in medias res avec des retours en arrière, mais Walt lui demande de se recentrer sur une histoire plus directe en présentant les personnages[21] : « Faisons vivre le film. Construisons les personnages. Amusons-nous avec eux. » La majeure partie du travail de Peet est perdue, mais les personnalités des personnages sont restées dans le film final. Walt Disney est persuadé que l'histoire se doit d'être simple et que les personnages conduisent l'histoire. Disney participe alors activement aux réunions de scénario, jouant chaque rôle, aidant à explorer les émotions de chaque personnage, aidant à la création d'effets comiques et au développement des séquences à émotion[10]. Clemmons écrit un scénario brut avec simplement quelques scènes plus détaillées.
 Finalement, quatre scénaristes ont été assignés au développement du film[10]. Trois rejoignent Clemmons et entament le travail de compléter les scènes, ajoutant les gags[22],[23]. Ils ajoutent aussi des indications pour aider les acteurs à modeler la voix de leur personnage et comment ils interagissent[24]. La conception du scénario s'étale du 29 avril 1963 au 22 septembre 1966, d'après les comptes-rendus de réunions stockés aux Walt Disney Archives[25]. L'histoire finale est centrée sur les personnages de Kipling mais élimine la plupart des situations et faits présents dans l'adaptation Le Livre de la jungle de 1942 avec Sabu en Mowgli[20]. Toutefois durant l'été 1966, Walt Disney n'est pas satisfait de la production, il trouve que l'histoire est trop épisodique et n'a pas d'échine, 
que le public ne parviendra pas à s'identifier à Mowgli, que le méchant fait trop cliché mais que les acteurs peuvent sauver le film[26].
 Walt Disney participe à ce film bien plus qu'aux précédentes productions, choisissant les acteurs donnant leur voix aux personnages ou incarnant les personnages lors des réunions de travail[20], comme il le faisait quelques années auparavant. Pour rappel, la production de La Belle au bois dormant (1959) entamée en 1952 est émaillée d'absences de Walt Disney accaparé par plusieurs projets dont le parc Disneyland[27],[28] et de la production de plusieurs émissions télévisuelles[29] comme Disneyland, The Mickey Mouse Club et la série Zorro[28] (Cf. le paragraphe dédié). De même Rebecca et Samuel Umland constatent que Bob Thomas passe sous silence la participation de Walt à Merlin l'Enchanteur[30] et David Koenig écrit qu'il n'était guère enthousiaste vis-à-vis de ce projet[31]. Walt Disney déclare ainsi lors d'une de ces réunions qu'il est l'inventeur de gags le moins bien payé du studio[20]. En septembre 1966, il regarde les derniers rushs du Livre de la jungle et se demande si un tigre peut grimper aux arbres[32]. Il demande aussi à Harry Tytle de réduire les dépenses du département animation[32]. La dernière réunion pour le film a lieu mi-octobre 1966 et concerne la scène finale avec la jeune fille[33]. À la fin de l'année 1966, l'animation est en cours d'achèvement[33] mais Walt Disney ne verra jamais le film terminé[34].
 À l'automne 1966, un bilan médical établit que Walt Disney souffre d'un cancer du poumon à un stade avancé[35]. Il subit l'ablation d'un de ses poumons mais meurt six semaines plus tard au Saint Joseph's Hospital situé juste de l'autre côté de la Buena Vista Street, la rue séparant l'hôpital des Studios Disney[35].
 L'équipe du studio responsable du Livre de la jungle doit achever le film. Malgré la douleur de la perte de Walt Disney, l'équipe est fière de cette production[35]. Le scénario prend des libertés avec l'histoire originale de Kipling mais le résultat justifie, selon Christopher Finch, ces libertés[35].
 La conception des personnages est principalement confiée à Ken Anderson qui développe un style plus brisé que les animaux plus ronds de Dumbo (1941)[21]. Il fut envoyé en Afrique avec quelques collègues pour esquisser des éléphants[36]. Le Livre de la jungle est le premier long métrage de Disney qui utilise fortement des animaux non domestiqués[37]. Il fait suite à Bambi (1942), situé dans l'Amérique sauvage et dont le succès avait inspiré une série de documentaires animaliers, les True-Life Adventures, ainsi que de nombreuses productions de fiction sur des animaux[37]. L'animateur Milt Kahl se base sur des productions Disney pour reproduire au mieux les mouvements des félins Bagheera et Shere Khan, comme Les Pas du tigre (1964) ou le documentaire Le Jaguar, seigneur de l'Amazone (1959) de la série True-Life Adventures[21]. Pour le Roi Louie, le studio utilise des graphiques de comparaison anatomiques et des documentaires sur les orang-outans[38]. C'est Frank Thomas et Ollie Johnston qui se chargent du duo Baloo-Mowgli, réalisant ainsi l'exploit d'animer près de la moitié du film[33]. Johnston anime aussi les scènes avec Bagheera[33]. Pour Baloo, le studio utilise de plus des extraits de films avec des ours d'où sa propension à se gratter[39]. Pour Kaa en raison de son absence de lèvres et de mains, l'effort d'animation est recentré sur ses yeux, très expressifs mais aussi sur le reste du corps[39].
 Le Livre de la jungle est le premier long métrage de Disney ayant pour décor un environnement tropical[40]. Supervisé par Albert Dempster[33], le studio utilise l'ensemble de ses techniques pour les décors, que ce soit des nuances de couleurs renforçant la désolation lorsque Mowgli rencontre les vautours, des fonds simples et apaisant sans conflit avec les personnages ou l’atmosphère quand Bagheera discute avec Mowgli la nuit[41], ou la caméra multiplane pour la profondeur des décors[33]. Graphiquement, le style de Dempster est classique et convient à l'esprit du Livre de la Jungle et à l'instar d'Eyvind Earle sur La Belle au Bois dormant[33]. Dempster a réalisé la plus grande partie des 700 décors du film[33]. Certains décors comme la jungle éclairée par la lune rappellent la palette de couleurs de Paul Gauguin, le style de Gustave Doré[42] ou du Douanier Rousseau[43],[44].
 La production du film est confrontée, comme souvent au cinéma, à des problèmes de mise en scène. L'un des premiers problèmes étant que le spectateur doit éprouver de la sympathie envers Mowgli et cela en passant au travers de scènes avec d'autres personnages[45]. Baloo est choisi comme premier partenaire pour tester leur relation, mais cette première version comportant déjà la voix d'un acteur était trop « vieille école », semblable aux précédents ours de Disney[45]. La production décide de revoir sa copie et d'en faire un Ed Wynn, mêlant autorité et comique[45]. C'est ensuite que Walt propose Phil Harris pour Baloo[45].
 Mowgli doit exprimer son désespoir après avoir cru être trompé par Baloo, puis courir dans la jungle mais pas trop vite[46]. Malheureusement, il n'est pas facile de rendre compte de ce sentiment[46]. La solution est trouvée par un des animateurs chargés de la scène qui s'est remémoré un film d'action où un jeune enfant court vers un fourré et écarte une branche[46]. Ce geste permet de s'attarder sur les expressions faciales de Mowgli et permet de bien montrer ses sentiments[46]. Cette scène est devenue un mystère qui explique bien le long chemin avant le film final[46]. Lors des esquisses, l'animation est simple, les animateurs d'effets spéciaux, dans ce cas précis des intervallistes, conservent le même niveau de détail mais ils agrandissent les feuilles et ajoutent quelques branches pour respecter un nouveau schéma graphique, puis l'artiste de cadrage réagit en pensant à une jungle dense, ajoutant et grossissant les branches et feuilles, enfin le décorateur voyant les dessins de ses confrères pour la scène a ajouté des broussailles pour densifier la forêt[47]. Finalement, le jeune Mowgli traverse une jungle dense sans encombre et l'action est totalement transformée[47].
 Pour la marche des éléphants, l'animation en partie réalisée par Eric Cleworth est conçue comme un cycle répétitif de sorte qu'au début du cycle suivant, l'image est diminuée pour créer la perspective et l'éloignement[48]. Bill Peet crée le personnage d'Ishtar le busard, un vautour fauve, afin de résoudre le problème de la collecte d'information dans la jungle sur les carnassiers, tigres, panthères et loups[49]. Les vautours étant des charognards, ces personnages peuvent servir de lien entre prédateur et proie à la fois pour communiquer et les localiser[49]. Mais il préfère stopper cette piste pour développer la relation entre Bagheera et Mowgli[50]. Pour exprimer les relations entre les différentes personnes, Johnston et Thomas expliquent dans leur bible de l'animation qu'elles n'apparaissent qu'après les avoir construites sur une scène clef ou souvent sur plusieurs scènes grâce à des actions, des expressions et des émotions[51].
 Au début du projet, Walt Disney confie la composition de la musique à Terry Gilkyson, mais elle est jugée trop sinistre pour le film[8],[14]. La seule chanson de Gilkyson conservée dans la version finale est Il en faut peu pour être heureux tandis que Disney demande aux frères Sherman d'écrire de nouvelles chansons[8],[33]. Les Sherman connaissent le livre original et l'adaptation Le Livre de la jungle de 1942, mais Walt Disney leur conseille d'oublier ces versions assez sombres pour des choses plus joyeuses, plus légères, avec la touche Disney[52],[53]. Il les convie aussi aux sessions de développement du scénario afin que les chansons participent à l'action sans l'interrompre[8].
 La première des cinq chansons écrites par les frères Sherman doit soutenir la scène du kidnapping de Mowgli par les singes et, à la demande de Walt Disney, de « Disneyifier » la musique ; les deux compositeurs la transforment en une version swing avec un roi du Swing et une bande de singes digne d'un Dixieland[53]. George Bruns se voit confier la musique instrumentale[33] et réutilise deux chansons de productions précédentes[21] : un thème de La Belle au bois dormant (1959) composé par Bruns pour le réveil de Mowgli après avoir échappé aux singes et un extrait à l'orgue de Blanche-Neige et les Sept Nains composé par Paul J. Smith pour l'eulogie de Bagheera pensant que Baloo a été tué par Shere Khan[21].
 Pour la scène de Baloo expliquant sa philosophie, l'ours ressent à un moment le besoin de se gratter et atteint une forme d'extase en se frottant à un palmier[54]. Wolfgang Reitherman souhaite ajouter de la musique pour soutenir la scène et engage quatre musiciens dont le trompettiste Cappy Lewis[54]. Reitherman lui demande de reproduire la frénésie de Baloo en musique, ce qu'il parvient avec une improvisation qui plaît tellement à la production qu'elle décide de l'ajouter à la fin du film dans le générique « pour que le public parte de bonne humeur[54] ». L'assistant réalisateur Danny Alguire fait retranscrire la prestation note par note et Bruns l’intègre à la partition[54]. Lors de l'enregistrement final, Cappy Lewis en lisant la partition de sa propre improvisation déclare que « personne ne peut jouer cela », mais y parvient finalement[54].
 
 modifier  En dehors de la chanson Il en faut peu pour être heureux, écrite par Terry Gilkyson, toutes les autres chansons ont été composées par les frères Sherman[55].
 En raison des multiples éditions, les autres bandes originales sont présentées dans la section sur les produits dérivés.
 Dans la tradition Disney, les animaux présentés du point de vue humain doivent être réalistes, c'est le cas de La Belle et le Clochard (1955), Les 101 Dalmatiens (1961) et du Livre de la jungle[56]. Toutefois, les personnages du Livre de la jungle doivent beaucoup aux acteurs qui leur prêtent leurs voix[35]. Le studio tente de recruter des étudiants indiens pour avoir un accent plus local mais sans résultat[45]. C'est principalement à partir des voix originales que les personnalités des personnages sont façonnées[35]. Leonard Maltin, ainsi que Thomas et Johnston évoquent une difficulté pour le public adulte de faire abstraction des acteurs[57],[58]. Avant Le Livre de la jungle, il est rare qu'un acteur donne sa personnalité à un personnage, c'est le cas ici avec Phil Harris (Baloo), Louis Prima (Roi Louie) et George Sanders (Shere Khan)[57].
 Harris est choisi par Walt Disney pour donner sa voix à l'ours Baloo après l'avoir entendu lors d'un gala caritatif à Palm Springs[20]. Les animateurs sont surpris par ce choix, Harris étant plus connu dans le monde des clubs de nuit que pour la jungle[45]. Harris enregistre un dialogue, en grande partie improvisé car il considère le script comme peu naturel[8]. À la fin de la session, il demande une copie de l'enregistrement pour que sa femme Alice Faye et ses amis puissent le croire[58]. Les animateurs réalisent alors 35 ou 40 pieds de film avec Mowgli et Baloo puis ce test est visualisé par Walt Disney[59]. Ce dernier accepte et valide l'utilisation de cet ours Baloo dans le film tandis que Phil Harris est convié à une seconde session d'enregistrement[59]. Le développement du personnage de Baloo avec Phil Harris permet de résoudre les problèmes rencontrés avec Bagheera[59], comme le manque d'émotion avec Mowgli[45], et de poursuivre la production.
 Confiant avec la bonne prestation de Harris, Jimmy Johnson, président de Disneyland Records, propose que Louis Prima donne sa voix au Roi Louie[60]. Harris contacte Prima pour une audition. Enthousiaste, ce dernier se fait accompagner à ses frais par son orchestre[60]. Walt accepte Prima et choisit d'autres acteurs célèbres pour les personnages comme George Sanders pour Shere Khan et Sebastian Cabot pour Bagheera[21].
 Sterling Holloway, un habitué des studios Disney donne sa voix au serpent Kaa et, grâce à une chanson ingénieuse des frères Sherman, le cheveu sur la langue de Kaa est mis en valeur[57]. La chanson Aie confiance est basée sur Land of Sand, une mélodie non utilisée de Mary Poppins (1964)[17],[61],[62].
 Pour Mowgli, le premier acteur choisi est David Bailey mais sa voix mue durant la production et perd ainsi l'innocence recherchée par les producteurs[21]. Wolfgang Reitherman propose alors l'un de ses fils, Bruce, qui vient d'enregistrer la voix de Christopher Robin pour Winnie l'ourson et l'Arbre à miel (1966)[21]. Il obtient le rôle et est utilisé pour le film en prise de vue réelle servant de guide aux animateurs[8],[21]. La jeune actrice Darlene Carr, qui chantonne dans le studio durant la production de Rentrez chez vous, les singes ! (1967), est remarquée par les frères Sherman qui lui proposent d'enregistrer une version de démonstration de la chanson My Own Home de Shanti[63]. Sa prestation impressionne Walt Disney qui la prend pour le rôle de la jeune fille[63].
 Le personnage de Mowgli est un enfant différent de ceux des précédentes productions de Disney, il est acteur et non suiveur ou adjuvant[64]. Il est conçu par le studio comme un jeune enfant déterminé, au point de réussir à survivre dans la jungle, mais qui se lie d'amitié trop facilement et n'arrive pas à savoir à quelle espèce il appartient[64]. C'est un jeune garçon tenace âgé de 7 à 12 ans, un jeune Tarzan s'il parvient à survivre[45]. Durant le film, il est successivement un loup, une panthère, un éléphant, un ours, un singe et un vautour, liste à laquelle on doit ajouter le serpent de par l'action hypnotique de Kaa, chacune des espèces étant honorablement crédible selon Grant[64]. Mowgli est principalement animé par Ollie Johnston qui en a fait l'épitomé du jeune garçon de cet âge sauf à la fin du film où il semble entamer le passage vers l'adolescence, subjugué par une jeune fille[64]. Cette jeune fille est présente uniquement à la fin du film et porte une marque rouge sur le front[65], un bindi ce qui l'apparente aux hindou[66]. Elle possède de larges pupilles entourées d'un iris mat et sombre afin de lui donner l'aspect des yeux de l'Inde et un trait de séduction[67].
 Bagheera est, selon Grant, le personnage central du film, servant de narrateur, présentateur et apparaissant le plus souvent au long du film[68]. C'est une panthère noir-mauve sophistiquée, « vieille école » ou « très British » malgré un accent américain en version originale[68]. Pour Thomas et Johnston, le personnage de Bagheera est sage, méthodique, pointilleux au point d'en être ennuyeux, insipide[45]. Grant considère l'animation de Bagheera comme brillante. Il cite cependant Mickael Barrier qui trouve lui aussi les mouvements de la panthère très réalistes mais ajoute que, comme aucune scène ne requiert ce type de mouvements, ils donnent l'impression d'être des exercices académiques[68]. Grant répond à Barrier qu'il est étrange de critiquer Disney sur le fait de dessiner une panthère comme une vraie panthère[68]. La principale relation qu'entretient l'animal est avec Mowgli[45]. Bagheera présente un bon fond, sauvant Mowgli à plusieurs reprises mais se plaint de devoir le faire celui-ci d'ailleurs peut se montrer irresponsable comme quand il abandonne Mowgli dans la jungle après une dispute, et le pousse à grandir, à vivre sa propre vie, comme dans la scène finale[68]. Patrick Murphy va plus loin et fait de Bagheera la force sauvant la vie de Mowgli[69].
 Baloo ne doit à l'origine faire qu'une brève apparition dans le film mais l'animateur Ollie Johnston responsable du personnage considère le travail de doublage de Phil Harris si fascinant qu'il développe le personnage[68]. D'après Wolfgang Reitherman, il est initialement conçu en prenant pour modèle l'acteur Wallace Beery[70]. Le résultat est que Baloo est devenu la vedette du film dépassant Bagheera dont le rôle est plus essentiel à l'histoire[68]. Baloo est un ours gris-bleu bien en chair ayant adopté la vie facile comme credo[71]. Malgré ce caractère critiqué par la panthère, Baloo prouve qu'il est un vrai ami de Mowgli en prenant la défense de l'enfant face au tigre Shere Khan[71]. La scène principale de Baloo est sa première apparition, sur la chanson Il en faut peu pour être heureux, dans laquelle son credo est à la fois expliqué mais aussi mis en œuvre[71]. La gaîté et la spontanéité de la séquence en font, selon Grant, un moment de joie à regarder[71]. La séquence Être un homme comme vous, avec le Roi Louie, Mowgli et de la musique jazzy, s'en approche mais démontre, pour Grant, qu'il n'est pas possible de reproduire une alchimie deux fois dans le même film[71].
 Les noms de Baloo, Bagheera et Hathi signifient respectivement ours, panthère et éléphant en hindi[15],[72]. Pour Robert Tienman, le trio Mowgli, Baloo et Bagheera est l'utilisation d'un schéma classique du genre cinématographique, la relation entre trois amis, à l'instar de Mickey Mouse, Donald Duck et Dingo ou Bambi, Panpan et Fleur dans Bambi (1942)[73]. La scène où Baloo inculque à Mowgli ses préceptes dans la vie en chanson est une technique régulièrement utilisée par le studio Disney pour raconter de manière non visuelle, graphique, des histoires parfois complexes[74]. On la retrouve par exemple dans Mélodie du Sud (1946)[74].
 Les loups apparaissent au début de l'histoire pour expliquer l'enfance de Mowgli mais ne participent pas vraiment à la suite[75]. Grant rattache leur présence au mythe romain de Romulus et Rémus[75]. Seulement deux loups sont nommés, Rama père adoptif de Mowgli et Akela, le chef de meute[75].
 Les éléphants, animés par John Lounsbery[33] sont eux plus développés, à l'image de leur chef[75]. Hathi est crédité du grade de « colonel » de la « 5e brigade de pachyderme de sa majesté[75] ». Les éléphants sont une satire de l'Empire britannique[75]. Hathi est accompagné de sa femme Winifred et de leur fils Junior[75]. Hathi, un bavard prétentieux selon une idée de Ken Anderson[36], se targue d'être un éléphant qui n'oublie jamais rien, mais il démontre avoir des pertes de mémoire régulières[75]. Pour Thomas et Johnston, c'est un oublié de l'empire colonial[76]. Verna Felton qui donne sa voix à Winifred fait aussi celle de la plus vieille éléphante dans Dumbo[75]. Pour Junior, l'équipe de Disney évite le piège de reproduire Dumbo et, à la place, crée un personnage à part, joyeux, adulé par son père et qui souhaite devenir comme lui, un colonel[75]. Les autres éléphants sont presque tous anonymes à part le lieutenant à la chevelure non conforme, Bugler le clairon, Slob le plus gourmand et le plus débraillé[65]. Graphiquement les éléphants reprennent les travaux d'Heinrich Kley déjà utilisés comme support pour Dumbo (1941) et la séquence Danse des heures de Fantasia (1940)[77]. Koenig note que, durant l'inspection des troupes, un éléphant gris encore jamais vu apparaît plusieurs fois, en début de rangée, puis au milieu et vers la fin sans qu'on le voie bouger[17]. On note également que sur les premiers plans de la patrouille, les éléphants marchent l'amble, qui est leur façon naturelle de marcher, mais que dans les plans suivants, ce n'est plus le cas.
 Le Roi Louie n'existe pas dans l'œuvre originale de Rudyard Kipling (les singes, les Bandar-Log, n'ont pas de chef, et lorsqu'ils enlèvent Mowgli, ils le nomment roi). Dans les premières versions, le chef des singes est bourru, morose, grossier et incapable de discuter[76]. Durant le développement, il s'avère qu'une séquence musicale serait mieux pour présenter les singes et leur chef[76]. La décision de choisir Louis Prima comme voix du Roi Louie étant prise, l'ensemble de la scène musicale s'inspire alors directement de Prima et de son orchestre qui « bougent sur scène comme les singes de la scène du film[78] ». Le groupe enregistre ainsi un morceau pour convaincre Walt Disney : on peut parler, selon Grant, d'une audition, et c'est à partir de cela que les animateurs dessinent la scène avec les singes[8]. Hollis et Ehrbar évoquent qu'un extrait du spectacle de Prima à Vegas se jouait dans un des studios de tournages[60].
 Durant cette période de développement, Prima appelle régulièrement depuis le lac Tahoe où il joue avec son orchestre pour s'enquérir de l'évolution du personnage[76]. Prima propose aussi une scène où le Roi Louie meurt persuadé de pouvoir la jouer de façon exceptionnelle[79]. L'animation de la séquence musicale avec les singes est supervisée par Kahl et Thomas tandis que la scène de danse avec Baloo est confiée à John Lounsbery[33]. Le personnage conçu par Disney est un orang-outan au ventre rebondi et un chef motivé par l'ambition de devenir un homme, ce qui passe, selon lui, par la maîtrise du feu, dont il est persuadé que Mowgli connaît le secret[68]. Un autre trait de son personnage est le scat, forme vocale du jazz, fournie par Louis Prima en version originale[68]. Pour Grant, le Roi Louie serait un humain distribuant des cigares comme signe d'amitié, ce qu'il fait en tant que singe avec des bananes mais son caractère et ses motivations n'en font pas un réel méchant[68]. Les autres singes ne sont pas nommés bien que quelques-uns aient des personnalités distinctes[68].
 Le studio Disney fait rarement usage de serpents hormis dans le documentaire Le Désert vivant (1953)[80]. Thomas et Johnston recensent aussi L'Arche de Noé (1959) et Birds in the Spring (1933)[80]. Durant la conception du scénario du Livre de la jungle, il apparaît que c'est la relation entre Mowgli et les animaux qui peut être le moteur de l'animation[81]. Le scénario de Bill Peet évoque Kaa comme un serpent profitant de sa discussion avec Mowgli pour l'enserrer dans ses anneaux[81]. Ce n'est qu'après plusieurs réunions de développement de l'histoire que le concept d'une attaque de Kaa sur Mowgli pendant la discussion entre Bagheera et Mowgli émerge[82]. En raison de la longueur du serpent, définie par Peet, Kaa est un python réticulé[71]. Le personnage, qui ne devait apparaître que dans une seule scène, a été repris pour une seconde[33]. L'animation du reptile est supervisée par Thomas et Kahl[33].
 Le choix de cette scène effectué, une partie des animateurs s'attèle à dessiner le serpent plus précisément et se confronte à plusieurs points difficiles[83]. Thomas et Johnston énumèrent les points suivants : la tête du serpent est le prolongement du corps, les yeux ne clignent pas, les mouvements sont glissants et la langue est fourchue[83]. Les animateurs craignent alors que le personnage soit trop fou, pas assez menaçant tout en étant moins repoussant[84]. Ils prennent la décision de chercher une voix pour orienter et peut-être corriger le personnage[84]. Huit acteurs s'essayent au rôle sans succès et c'est la tentative suivante qui est la bonne[84].
 La voix originale est celle de Sterling Holloway[71],[84], acteur plus habitué à des personnages de souris[79]. Grant considère le choix d'Holloway comme un coup de génie et l'acteur, dont c'est l'un des premiers rôles de méchant, se surpasse dans le doublage[71]. Pour Thomas et Johnston, Holloway permet de donner vie au personnage conçu par le studio[85]. Le personnage est sinistre, hypnotique et hypocondriaque, se plaignant de ses sinus, mais sa voix est l'élément le plus effrayant de sa personnalité[71]. L'hypnose est sa principale arme et, d'après l'histoire originale, il est âgé de plus de 100 ans et encore jeune[86]. Il est aussi sinistre que divertissant avec une incapacité à garder la bouche close[79]. L'aspect physique du serpent est même l'objet de plusieurs gags avec, par exemple, le nœud à sa queue ou sa tête percutant chaque branche lors d'une chute[71]. Cette idée de serpent bloqué par un nœud avait déjà été utilisée dans le court métrage Birds in the Spring (1933) des Silly Symphonies[81], de même que l'hypnose. D'après Thomas et Johnston, l'utilisation de Sterling Holloway a permis de transformer une scène de rencontre avec un personnage mineur en une scène de plus en plus drôle[87]. La scène aurait pu être plus longue car les frères Sherman avaient composé un chorus avec des paroles de menace plus explicites[88]. Reitherman préfère ne pas l'inclure pour ne pas ralentir le film[88].
 Un autre point difficile est le choix de la peau de Kaa, rayures ou larges taches[89] et comment gérer les anneaux se serrant à des vitesses différentes sans trop dépasser le budget[90]. Thomas et Johnston notent que les animateurs dont ils font partie ont raté la bouche du serpent car aucun n'a un intérieur de bouche rose, une erreur dans le choix des couleurs due à l'habitude d'utiliser cette couleur pour les autres personnages[83].
 Thomas et Johnston évoquent une anecdote durant la production du film[87]. L'assistante chargée de leur donner leur salaire hebdomadaire avait peur des serpents et refusait de venir les payer tant que des esquisses de Kaa étaient affichées aux murs[87]. Elle restait dans le couloir le plus loin possible de la porte et, bien que les animateurs aient envisagé de l'utiliser pour vérifier les effets de leurs dessins sur les personnes souffrant de phobie des reptiles, elle refusa même d'aller voir le film une fois achevé[89]. L'assistant réalisateur Danny Alguire propose à la place une de ses amies du Texas qui a peur des serpents pour passer le test[90]. Sans être informée, elle regarde un extrait du film avec Kaa et n'a pas peur, permettant aux animateurs de poursuivre leur travail[90].
 John Grant indique qu'il y a une pénurie de tigres chez Disney, dans les plus anciennes productions, en raison de la difficulté à animer leurs rayures[91]. Mais, après la réalisation des 101 Dalmatiens (1961) et des 6 469 952 taches de dalmatiens qu'il compte, grâce à la xérographie[91], l'animation d'un tigre est devenue une tâche moins insurmontable. Milt Kahl est l'animateur qui se charge de Shere Khan[34],[92],[93] tandis que Bill Peet conçoit le personnage comme physiquement fort, agile et doué mais sans être mauvais garçon[34]. Milt Kahl, fort de son expérience dans l'animation d'animaux, réussit à utiliser les rayures du tigre comme base de son mouvement et non comme simple décoration[94].
 Le nom original de l'animal est celui d'un prince pachtoune rencontré par Kipling en Afghanistan, Shere Khan Nasher[95]. La personnalité du tigre est essentiellement basée sur la suavité de George Sanders qui lui prête sa voix[92], selon une décision de Ken Anderson[8]. Pour John Grant, Shere Khan n'est pas un méchant absolu, c'est un Lord Peter Wimsey suspecté de meurtre par la population locale mais que l'on sait innocent et il s'étonne que la méchanceté du personnage n'ait pas été plus développée par Disney[92]. Pour Thomas et Johnston, il possède une intelligence rappelant Basil Rathbone et une forme d'arrogance ajoutées par Ken Anderson[7],[34],[96]. À la demande de Walt Disney, les animateurs évitent de créer un nouveau tigre menaçant[76],[96], un méchant comme le studio avait toujours fait auparavant, grognant et bavant[96]. C'est en regardant l'adaptation d'une œuvre d'Ernest Hemingway, À bout portant (1964), qu'ils trouvent la solution[76]. Ils créent un tigre avec une confiance en lui, une assurance terrifiante[76], un personnage fort et puissant craint dans toute la jungle[96]. Il ressemble à un empereur romain ou un roi médiéval qui reçoit comme un dû son autorité mais, dans le cas de Shere Khan, il n'a pas peur des assassins ou des complots[34].
 Thomas et Johnston notent qu'il est rare que des méchants se rencontrent, comme c'est le cas ici entre Shere Khan et Kaa et leur affrontement se termine par un statu quo[34].
 Pierre Lambert considère que les quatre vautours animés par Eric Larson[33] sont les proches cousins des corbeaux créés par Ward Kimball pour Dumbo (1941)[97]. Pinsky les trouve semblables, exception faite de l'accent anglais[98]. Mais Grant trouve leur comparaison difficile, même si ce sont tous des charognards, qu'ils apparaissent vers la fin du film pour se moquer du héros et qu'ils sont caractérisés par leur accent, américain pour les corbeaux et anglais pour les vautours[92].
 Le groupe britannique The Beatles a été approché pour prêter leurs voix aux vautours[99]. John Lennon aurait refusé en mettant en avant un conflit d'agenda pour expliquer ce refus[99]. D'après une interview du réalisateur, les Beatles auraient donné leurs voix aux quatre oiseaux nécrophages et possiblement chantés la chanson That's What Friends Are For dans un style Rock 'n' roll au lieu du Barbershop finalement retenu[99]. Dans la version finale, deux des oiseaux ont conservés l'accent anglais et la coiffure des musiciens[99]. Grant ne parvient pas à identifier précisément les accents anglais des vautours inspirés par les Beatles[17],[92],[98],[100]. Buzzie est londonien tandis que Dizzy possède un accent plus international fourni par Lord Tim Hudson et non Ringo Starr[92]. Ziggy et Flaps sont moins caractérisés que les deux autres vautours mais ils contribuent tous à la définition d'un groupe qui, comme les corbeaux de Dumbo, ne peut être dissocié[92]. La ressemblance avec les Beatles est à la fois vocale et physique mais réside aussi dans le texte qui rappelle un dialogue de leurs films où l'on assiste, selon Grant, à une conversation d'étudiants non mariés[92], possiblement A Hard Day's Night (1964). Grant ajoute que ce type de jeunes est souvent considéré comme indésirable et qu'on ne s'arrête pas pour leur parler[75]. La voix originale de Flaps est celle de Chad Stuart du duo Chad & Jeremy[8], l'un des nombreux groupes de la British Invasion.
 Un rhinocéros nommé Rocky devait accompagner les vautours et sa voix devait être celle de Frank Fontaine mais le personnage est supprimé à la demande de Walt Disney en raison de l'action très chargée entre les singes et les vautours[101].
 Le film Le Livre de la jungle sort en octobre 1967[10], presque exactement 30 ans après le premier long métrage de Disney, Blanche-Neige et les Sept Nains (1937) et 10 mois après la mort de Walt Disney[102]. La première a lieu au Grauman's Chinese Theatre le 18 octobre 1967[103]. Il est diffusé dans certaines salles conjointement avec le documentaire animalier Charlie, le couguar[104],[105]. Il récolte 13 millions d'USD à sa sortie aux États-Unis[102] et, à la fin de l'année 1967, il atteint la quatrième position des films les plus rentables de l'année[106].
 Les critiques à la sortie du film sont frappantes et souvent hautes en couleur, car comme le rappelle Leonard Maltin, le film est sorti 10 mois après le décès de Walt Disney[57]. Le magazine Time, à l'enthousiasme souvent réservé vis-à-vis des projets de Disney, écrit que le film n'a que peu à voir avec le livre de Kipling mais que le résultat est très agréable en raison des animaux présentés sans entrave et l'habilité de Disney à être enfantin sans être puéril[57]. Pour le magazine, ce film est la plus plaisante façon de se remémorer Walt Disney[57]. Howard Thompson du New York Times conseille le film aux dandies car c'est un plaisir pour tous les âges[102],[105]. Pour Richard Schickel du magazine Life, c'est le meilleur film depuis Dumbo (1941)[102].
 Variety, souvent favorable à Disney, indique que le développement du scénario est modéré, les dangers potentiels ne sont que suggérés et qu'il y a un optimiste prédominant dès le début au point que le public suivra comme une marionnette au moment voulu[102]. Les résultats du film le classent sixième dans le classement de Variety[102]. Judith Crist du New York Herald Tribune écrit que le film  est complètement dénué d'atmosphère et le classe parmi les dessins animés médiocres et de qualité moyenne[102].
 Le succès du film et la mort de Walt Disney font envisager aux responsables du studio un projet de suite, idée toujours rejetée par Walt[107]. Plusieurs chansons sont composées par, entre autres Terry Gilkyson, Floyd Huddleston et les frères Sherman, et enregistrées par Phil Harris et Louis Prima[107]. Elles ont été éditées sur un disque intitulé More Jungle Book[107],[108] publié en 1968[109]. Ce succès a aussi permis de relancer d'autres productions comme Les Aristochats (1970) en utilisant le même principe de personnages inspirés des acteurs vocaux[110].
 Eric Smoodin indique que Le Livre de la jungle, au même titre que Fantasia (1940), fait partie des films Disney ayant une programmation régulière de ressorties au cinéma[111]. Dans les années 1980, avec l'émergence du support vidéo, le planning Disney évolue vers un système de ressorties régulières programmées sur de courtes fenêtres espacées de périodes de pénurie artificielle, la ressortie permettant de combler le manque[111]. Le film ressort au cinéma aux États-Unis en 1979, 1984 et 1990 ainsi qu'en Europe durant les années 1980[112].
 Les sommes récoltées par ces sorties, ajustées selon l'inflation seraient de 141 millions d'USD aux États-Unis et 205 millions d'USD à l'international, plaçant le film en 2011 à la 29e position des films américains les plus rentables[113]. La ressortie en Allemagne en 1979 établit un record récoltant plus que Star Wars[114].
 En 1991, Le Livre de la jungle est édité sur support VHS aux États-Unis dans la collection Walt Disney Classics et, à nouveau en 1997, pour le 30e anniversaire du film dans la collection Walt Disney Masterpiece[112]. En 1999, Buena Vista Home Entertainment édite une version sur support DVD[115]. En octobre 2007, pour le 40e anniversaire, une édition collector sur 2 DVD est publiée par Disney[116]. Cette sortie est accompagnée d'une exposition de 18 jours au El Capitan Theatre à Los Angeles du 7 au 23 septembre 2007, une salle détenue par Disney[117]. La veille, une soirée de gala avait lieu avec, entre autres, les frères Sherman ou les acteurs Bruce Reitherman, Darlene Carr et Chad Stuart[117].
 Les productions cinématographiques Disney des années 1960 sont un commerce rentable avec de nombreux films en prise de vue réelle[118] et occasionnellement des films d'animation impressionnants et agréables[119]. À l'image des 101 Dalmatiens (1961), le film semble proposer un point de vue narratif à partir des animaux mais est en réalité centré sur les humains, du moins l'humain Mowgli[69]. J. P. Telotte classe le film parmi les succès en animation des années 1960 pour le studio Disney qui devient l'une des majors grâce à ses productions en prise de vue réelle et télévisuelles[120]. John Grant écrit que le film de Disney n'est certainement pas pour les fans de Kipling n'ayant que peu à voir avec les livres originaux hormis les noms des personnages[2]. Les critiques britanniques se sont plaints du traitement de l'œuvre de Kipling, comme ils le font plus tard pour Winnie l'ourson[121]. L'œuvre de Disney est en résumé « le Jazz qui rencontre la jungle[2] ».
 Pour David Whitley, le film Le Livre de la jungle est différent des précédentes productions de Disney mais reprend des traits communs[122], ce que d'autres auteurs nomment la recette des Classiques Disney[123],[124]. Whitley donne, comme exemple, le fait de prendre pour base un classique de la littérature enfantine, d'utiliser la tradition réaliste européenne du XIXe siècle ou l'image d'un livre qui s'ouvre au générique[122]. L'avis de Leonard Maltin est que le film est « bien avec des chansons mémorables » mais « qu'il manque un petit quelque chose qui le rendrait spécial[57] ». Maltin ajoute que le film est « sympathique, tranquille même trop décontracté[57] ». Richard Schickel semble apprécier le grand nombre de gags, la gaieté et la simplicité du film ainsi que la présence d'animaux indiens bien que transformés pour avoir un aspect et un comportement compréhensible, voire familier pour les Américains[125]. Patrick Murphy va jusqu'à écrire que les loups et les ours sont américains car ils ne sont pas présents en Inde[126] mais Whitley rappelle qu'ils ont été exterminés durant la colonisation britannique[127], période durant laquelle se déroule l'histoire.
 Jeff Kurtti considère que le succès du film est dû à la combinaison gagnante de personnages captivants, d'humour, de sentiments et de musique qui en font l'un des films d'animation de Disney les plus appréciés[128]. Watts donne le film en exemple du « style Disney[129] ». Pour Robin Allan, le film possède des personnages animaliers fortement anthropomorphes[130] ; c'est un divertissement familial qui évoque le glorieux passé des studios Disney mais traduit aussi les qualités d'anthropomorphistes des artistes[131]. L'énergie du film doit peu à l'œuvre originale et le spectateur retrouve en partie l'ancienne exubérance et le sens comique de Disney[131],[132]. Grant pense que le problème vient de l'absence de vrais méchants dans le film : Kaa et le Roi Louie sont mauvais mais des bouffons, tandis que Shere Khan n'est pas assez présent pour devenir méchant[68]. Allan décrit l'adaptation du film comme une saucisse dont on aurait conservé la peau et remplacé le contenu[43],[122]. Brode écrit que le générique révèle l'équilibre précaire entre fidélité à l'œuvre originale et enthousiasme pour divertir le public[133]. Pour Whitley, l'adaptation de Disney, motivée par un sentimentalisme populiste, est une réaction au style de Kipling, dont les histoires expriment les nombreuses vertus d'une supériorité assumée et déterminée de l'Empire britannique mais aussi une profonde anxiété face à la nature et à sa loi sous-jacente[122]. Par rapport à l'œuvre originale, le film se situe dans un monde plus imaginaire, sans racine ni référence à un passé réel et aucun lieu n'a de nom[127].
 Pierre Lambert écrit que le film manque d'unité au niveau du scénario[7] et Schickel que c'est une collection de scènes tirées de l'histoire originale[134]. Whitley écrit que le moteur du film est le problème de la survie de Mowgli et que ce thème dirige le scénario sous la forme d'une succession épisodique presque picaresque de problèmes de survie[135]. Franklin Thomas et Ollie Johnston considèrent Le Livre de la jungle comme un nouveau film basé sur une série d'événements avec des anecdotes et des personnages mais sans trame complète[76]. Thomas et Johnston ajoutent que c'est essentiellement l'histoire de la panthère Bagheera et de déboires avec le jeune Mowgli sur le chemin de retour au village des hommes[45]. Les deux auteurs utilisent le film comme base pour expliquer dans leur bible de l'animation les concepts liés à l'expression des personnages comme la frénésie de Baloo pour se gratter[54] ou sa nervosité quand Bagheera lui demande de conduire Mowgli au village des humains[136].
 Pour Maltin, le film se rattrape grâce à l'animation avec des effets impressionnants dans la jungle comme les reflets sur l'eau ou le scintillement de la lune[57]. Grant indique que l'animation dans Le Livre de la jungle est tout bonnement époustouflante mais que le point faible du film, ce qu'il trouve étrange quand on sait que Walt a participé à sa conception, est le scénario[2]. Maltin considère que le film se rattrape aussi avec un excellent travail de conception des personnages démontrant l'essence de l'animation[57]. Sur le plan graphique, le film possède, pour Allan, la vitalité présente dans les premiers courts métrages de Disney[131]. Pour Grant, le spectateur est toujours en attente d'un élément devant survenir, et de nombreuses scènes semblent n'avoir pour but que de faire danser et chanter les personnages[2]. Barrier compare les effets pyrotechniques et l'impact émotionnel de plusieurs productions Disney. Pour lui, la qualité technique est présente dans le film, mais l'émotion semble absente, tout le contraire de La Belle au bois dormant (1959)[92]. Pour Allan, le film, par sa succession de gags et aussi sa réutilisation du fond littéraire européen, est un retour aux sources pour le studio, le dernier élément qui ferme la boucle[137]. Pour Koenig, la version finale du film a transformé le vieil ours sérieux de Kipling en un tuteur ni vieux ni sérieux et les rois de la jungle Hathi et Kaa en bouffons[18]. Maltin remarque que la combinaison de l'œuvre de Kipling et du travail de Disney a fait venir les parents et les enfants au cinéma[102].
 Pour Thomas et Johnston, Le Livre de la jungle est « le second film de Disney, après Blanche-Neige, à avoir des personnalités et des sentiments si dominants[138]. » Sebastian Cabot et Phil Harris ont ainsi offert une grande épaisseur aux personnages[139]. Allan ajoute que les personnages sont bien campés et très habilement animés, ils évoluent et interagissent de manière à la fois dramatique et comique[131]. Eric Larson, animateur des vautours, explique « qu'une bonne voix est souvent un point de départ idéal pour créer un personnage[33]. » Maltin, qui trouve que le film manque de quelque chose, écrit qu'il se rattrape par un beau travail sur la voix des personnages (Maltin évoque la version originale) qui grâce aux chanteurs et aux acteurs donne vie aux personnages[57]. Pour Johnston et Thomas, la prestation d'Harris a ajouté de la sincérité à un personnage haut en couleur, de la chaleur, quelque chose dont le film avait besoin[58]. Allan détaille les accents rencontrés qui vont de l'anglais parfait de George Sanders en Shere Khan, à celui de Liverpool des vautours ou l'américain de Phil Harris[43]. Le film fait montre d'une internationalisation  avec une préférence pour l'orient[43].
 Maltin évoque certains critiques qui ont argué que le studio n'avait pas cherché des acteurs proches du caractère des personnages mais avait utilisé la personnalité des acteurs pour modeler les personnages[57]. D'après John Grant, les personnages ont été conçus avec comme base la personnalité des acteurs, premier film Disney dans ce cas mais « courant dans les autres studios où l'animation est moins sophistiquée[2] ». Grant cite le réalisateur Wolfgang Reitherman : « Dans Le Livre de la jungle, nous avons essayé d'intégrer la personnalité des acteurs aux personnages, et nous sommes parvenus à quelque chose de totalement différent [du travail de personnalisation des précédentes productions Disney][2]. » Grant évoque ces mêmes critiques indéterminées qui ont critiqué le studio pour la fainéantise des animateurs en usant d'un procédé créatif plus « reposant[2] ». Thomas et Johnston rappellent que dès Pinocchio en 1940, l'acteur donnant sa voix à Jiminy Crickett est Cliff Edwards, une vedette des années 1930, pour Grand Coquin c'est Walter Catlett et pour le Cocher c'est Charles Judels, deux importants acteurs de l'époque[58].
 Selon Maltin, le problème concerne surtout Phil Harris interprétant Baloo et qui reprend plus ou moins le même jeu d'acteur avec Thomas O'Malley dans Les Aristochats (1970) puis Petit Jean dans Robin des Bois (1973)[57]. Pour Charles Salomon, ce point démontre que l'équipe Disney sans la présence de Walt réutilise les formules qui ont fonctionné[140]. Salomon écrit aussi que Harris répète le même type de personnage[141]. Michael Barrier remarque que « l'usage d'acteurs célèbres pour la voix des personnages a parfois abouti à des résultats riches et satisfaisants (par exemple Sanders en Shere Khan) mais souvent cela apporte une ressemblance involontaire entre le long métrage de Disney et les séries télévisées dont sont issues les acteurs la plupart du temps[2]. » John Grant évoque aussi la levée de critiques à l'égard de Baloo-Phil Harris née principalement après la sortie de Robin des Bois et la considère sans intérêt car le personnage est une importante création cinématographique agréable à regarder[71]. Grant ajoute en 1993 que le studio a fait machine arrière dans ces dernières productions (à l'époque) hormis quelques exceptions comme Ratigan dans Basil, détective privé (1989) basé sur Vincent Price[2]. Toutefois, les propos de Grant sont nuancés par l'utilisation de vedettes chez Disney pour le graphisme ou la personnalité des rôles-titres d’Aladdin (1992) ou de Pocahontas (1995) ainsi que les productions de Pixar comme Toy Story (1995). Robin Williams a ainsi interprété le Génie d'Aladdin et influencé son caractère[142], Mel Gibson a servi de modèle physique et donné sa voix à Jon Smith dans Pocahontas[143] tandis que Tom Hanks et Tim Allen donnent respectivement leurs voix et leurs personnalités à Woody et Buzz l'éclair dans Toy Story[144].
 Douglas Brode énumère de nombreux thèmes et références utilisés par Disney dans cette adaptation de l'histoire de Kipling, beaucoup ajoutés par le studio[133]. Whitley note que le film est beaucoup plus ludique que le livre plus philosophique de Kipling[135]. Brode liste ces éléments mais ne développe pas de critique spécifique envers le studio. Le premier thème évoqué est celui du jeune enfant élevé par des loups, récurrent chez Disney qui l'avait déjà traité dans sa version américaine avec Pecos Bill (1948)[133]. Brode voit ainsi une référence à Moïse et donc à la religion dans la découverte de Mowgli dans les buissons[133]. Un autre thème est le fait que ce soit une louve qui accepte en premier le jeune enfant, une preuve de l'adoration de Disney pour les mères[133]. Brode considère aussi que Disney développe un refus de simplification des espèces dans le fait que le mentor Bagheera et le méchant Shere Khan soient des félins[133]. Pinsky trouve une autre référence à la Bible quand Bagheera console Mowgli, citant Jésus parlant à Jean (Évangile selon Jean 15:13)[98] : « Il n’y a pas de plus grand amour que de donner sa vie pour ses amis. »
 Brode ajoute que la représentation des loups est plus positive chez Disney que dans l'acceptation populaire, comme souvent dans les documentaires du studio[145]. Les loups fonctionnent presque démocratiquement, un aspect de la communauté apprécié par Disney[145]. Un autre thème souvent abordé par Disney est l'acceptation identitaire aussi présent dans Le Vilain Petit Canard (1931) ou Lueur dans la forêt (1958)[145]. De même que le retour dans la forêt ou la nature pour accepter son rôle dans la société comme dans Blanche-Neige et les Sept Nains (1937) ou Rox et Rouky (1981)[145]. Whitley indique que le scénario avec un enfant seul dans la nature est très prisé par les Occidentaux, par exemple Tarzan ou Le Jardin secret de Frances Hodgson Burnett[135].
 Le film fait même un clin d'œil au darwinisme quand Louie appelle Mowgli son cousin[146]. Darwin avait aussi été utilisé dans Fantasia (1940)[147]. Pour Whitley le film est proche d'une fable[148] car il ne montre aucun des éléments de la survie comme la chasse avec les loups[149] et se concentre au contraire sur la recherche identitaire du jeune garçon[148]. Whitley poursuit en écrivant que le film répond à la demande du public de pouvoir s'identifier aux animaux, un effet miroir du désir de l'homme d'être à l'unisson avec la nature[150]. Mowgli se comporte avec les animaux comme avec d'énormes peluches[149].
 Brode évoque aussi les thèmes du féminisme avec la femme du Colonel Hathi, l'écart de génération avec le fils du même colonel[100]. Marc Pinsky rappelle que Kipling est le chantre de l'impérialisme britannique et héraut du colonialisme[151], mais note que cette facette de l'œuvre a été excisée par Disney[151].
 Miller et Rode écrivent que Le Livre de la Jungle, principalement en raison du texte original de Kipling, est un conte initiatique occidental, une histoire de rite de passage, rappelant Romulus et Rémus avec les loups[152],[153] ou la relation Prince Hal - Falstaff dans Henri IV de Shakespeare pour la relation entre Mowgli et Shere Khan[100],[152]. Pinsky évoque Shickel qui déclare qu'à la fin des années 1960, les valeurs traditionnelles sont chamboulées et que les Américains cherchent chez Disney une forme de réconfort[146]. Le film fait aussi une critique de l'Empire britannique avec la patrouille des éléphants ou de la classe moyenne britannique des années 1960 avec les vautours[154].
 Mais à l'inverse de Brode, de nombreux auteurs associent ces thèmes ou éléments à des stéréotypes. Brode cite Jacqueline Maloney qui place Mowgli, pour elle un jeune anglo-américain, dans une foule d'orangs-outans qui ressemblent à des Afro-Américains[155]. Brode conteste en rappelant que Mowgli est indien mais qu'il est assez anglicisé pour que les jeunes Américains puissent voir en lui le premier héros de couleur[155].
 Patrick Murphy indique que la conceptualisation du film est dominée par la dichotomie Homme/Nature[126]. Elle est soulignée dans le film par plusieurs personnages comme Bagheera, le conseil des Loups, les éléphants ou les singes[126]. Pour David Whitley, Mowgli est un animal d'une espèce indéterminée[156]. Murphy écrit aussi que les singes expriment une forme de racisme envers les hommes et Mowgli en particulier, ce qui les mène à le kidnapper[126]. Les éléphants ne sont pas en reste et la plupart refusent de charger l'enfant[126]. Dans la version originale Baloo est qualifié de « jungle Bum », un « clochard de la jungle », un terme qui évoque selon Miller et Rode les préjugés racistes et de lutte des classes[154]. Pinsky précise que si Disney avait utilisé un acteur noir pour Baloo et non Phil Harris, un Américain du sud des États-Unis, les propos de Bagheera à son encontre auraient été censurés[157].
 La majorité des critiques sur les stéréotypes raciaux est présente dans la biographie de Walt Disney par Marc Eliot publiée en 1993 et de nombreux auteurs reprennent ces propos dont Susan Miller et Greg Rode. Eliot associe les films Mélodie du Sud (1946) et Le Livre de la jungle pour dénoncer « les notions de genre, race et classe propagées au-delà des stéréotypes » par Walt Disney[146],[158]. Whitley indique que Le Livre de la jungle, et plus tard Le Roi lion (1994) et Tarzan (1999), utilisent des lieux exotiques et des timbres vocaux pour avoir des accents culturels et raciaux fortement différentiés[159]. Eliott liste aussi plusieurs films dont Le Livre de la jungle et Les 101 Dalmatiens pour leur présentation stéréotypée de la femme[160]. Miller et Rode rebondissent sur les propos d'Eliot pour analyser l'impact de ces films[161]. Cette analyse rhétorique est culturellement orientée et offre plusieurs résultats plausibles dont l'un est que le public est multiple et partagé avec souvent, non pas des adultes ou des enfants, mais la notion « d'enfant en soi[161] ». Miller et Rode constatent que l'interprétation stéréotypée de Mélodie du Sud et du Livre de la jungle est avant tout une question de culture, centrée autour des formations culturelles, d'organisations sociales partageant des valeurs, une compréhension et un développement communs du langage[161].
 Le stéréotype racial est essentiellement présent dans la scène du royaume des singes bâti sur les ruines d'une société primitive désormais disparue[152]. Miller et Rode font un parallèle entre le Roi Louie « voulant être comme vous » chanté par un chanteur de jazz et la condition des Afro-Américains[152]. Dans cette optique, la phrase « un singe peut aussi apprendre à être humain » prend donc un autre sens[152]. Jay Bogar du Orlando Sentinel confirme que les singes peuvent être des Afro-Américains dans une période troublée mais ne voit aucun racisme dans cette représentation[146]. Brode rappelle que, malgré cette association entre Jazz et personnes de couleur, Louis Prima est un chanteur italo-américain[155] de la Nouvelle-Orléans[146]. Pinsky ajoute qu'aucun enfant ne songera à une dimension raciale en voyant le personnage du Roi Louie[146]. Elizabeth Bell associe quant à elle l'image du Roi Louie au standard Disney pour les rois ; petits, gros, chauves et comiques ; comme le roi Hubert de La Belle au bois dormant (1959)[162].
 Depuis 2020, sur Disney+, le film est précédé d'un avertissement : Ce programme comprend des représentations datées et/ou un traitement négatif des personnes ou des cultures. Ces stéréotypes étaient déplacés à l'époque et le sont encore aujourd'hui[163].
 Pour certains critiques, la femme est aussi présentée selon des stéréotypes misogynes comme l'instinct maternel de la louve qui prend soin de Mowgli ou le charme de la jeune fille dans la scène finale, Miller et Rode mettant en cause le côté accidentel de la chute de la jarre[154]. La figure de la femme est résumée à celle de la civilisation, par opposition au monde sauvage, à l'aspect maternel de la femme[126]. Toutefois à l'inverse de Mélodie du Sud critiqué pour son racisme, Le Livre de la jungle avec ses nombreuses rencontres d'animaux est perçu comme une acceptation de la diversité et une succession de découvertes des compétences requises par un jeune garçon[164]. Pour Lynda Haas, Elizabeth Bell et Laura Sells dans From Mouse to Mermaid, le film Le Livre de la jungle fait partie des six films de Disney dans lesquels la domination des femmes par l'homme et des humains sur la nature sont apparents, en lien avec les propos sur l'écoféminisme développés par Karen J. Warren[160]. Les autres films sont Les 101 Dalmatiens (1961), Les Aventures de Bernard et Bianca (1977) et sa suite Bernard et Bianca au pays des kangourous (1990), La Petite Sirène (1989) et La Belle et la Bête (1991)[160].
 Sean Griffin va plus loin et, dans son étude de l'homosexualité chez Disney, évoque Shere Khan comme un être trop civilisé s'attaquant à un jeune enfant, après avoir évoqué le dandysme du Capitaine Crochet dans Peter Pan (1953) et du Prince Jean dans Robin des Bois (1973) et leur possible homosexualité[165]. Griffin considère normal d'avoir un prédateur mâle avec un accent britannique saccadé dans le film car, pour lui, l'ensemble du film est une présentation de l'effondrement des conventions sociales à la fin des années 1960[166], l'homosexualité étant une façon de vivre différente de celle des années 1930[167]. Whitley évoque aussi la prédation, mais celle par instinct des animaux sauvages les uns envers les autres[168].
 Le Livre de la jungle et Mélodie du Sud ont tous deux été ressortis plusieurs fois au cinéma durant ce que Miller et Rode nomment l'ère post-Seconde Guerre mondiale et pré-vidéo[169]. Pour eux, cette période aux États-Unis a permis à de nombreux parents d'aller voir des films au cinéma avec leurs enfants ou de les abandonner sans supervision dans le cinéma[169]. Pinsky relativise l'impact des messages distillés par le film et écrit qu'avec l'histoire originale comme source et les années 1960, le film aurait pu être bien plus offensant et que grâce à la musique et aux acteurs il devient un divertissement mais aussi une réflexion sur la place de l'homme dans la nature[66].
 Le Livre de la jungle a, par la suite, été édité sur support vidéo au contraire de Mélodie du Sud, ce qui permet de le voir à la maison[169]. Les deux auteurs s'inquiètent du message contenu dans ces films que les enfants regardent sans surveillance et surtout sans explication[170]. Pour eux, Le Livre de la jungle disperse des leçons non sollicitées et au jugement biaisé favorisant la division entre direction et employés, entre experts et ignorants des codes de classes[74]. Ils associent la chanson Il en faut peu pour être heureux à un éloge de la « culture intermédiaire[74] ».
 Au début des années 1990, la sortie en vidéo cassette du film donne lieu à une campagne de publicité dans laquelle Disney annonce la sortie du film sur ce support et des extraits du film La Belle et la Bête (1991) alors en production[171]. Pour Patrick Murphy, la politique menée par Jeffrey Katzenberg intervient alors que les films d'animation Disney doivent répondre au credo « plus le monde change, plus Disney reste le même[171] ».
 De nombreux auteurs rappellent que Le Livre de la jungle est le dernier long métrage d'animation auquel participe Walt Disney, chacun avec ses mots. Pour Bob Thomas c'est le dernier auquel il prend part[10], pour Douglas Brode et Pierre Lambert, le dernier supervisé avant sa mort[133],[7], pour John Grant et Jeff Kurtti, c'est le dernier supervisé en personne[2],[128], pour Leonard Maltin, il est le dernier marqué par l'empreinte personnelle de Walt[1] et pour Richard Schickel, le dernier dans lequel Disney prend part personnellement à la supervision[134]. Marc Pinsky cite Roy Edward Disney, neveu de Walt, dans une interview sur le DVD du film Le Livre de la jungle 2 (2003) : « Parce qu'il était présent presque jusqu'à la fin. Il a certainement influencé la majeure partie du film[151]. »
 Le Livre de la jungle est donc le dernier film supervisé par Walt Disney avant sa mort, le 15 décembre 1966[172],[131]. Pour Pierre Lambert, avec la sortie du film et la mort de Walt Disney, « l'Âge d'or de l'animation Disney » prend fin[33]. C'est également la dernière prestation de Verna Felton, qui avait prêté sa voix à de nombreux personnages depuis Cendrillon (1950). Schickel écrit que, durant la production du Livre de la jungle, Walt aurait déclaré en septembre 1966 ne pas être satisfait et se sentir trop vieux pour l'animation[NB 1],[32],[173]. Patrick Murphy considère le film comme un hommage approprié à l'homme Walt Disney et une preuve de la poursuite des valeurs et techniques qui ont défini sa grandeur[69]. En raison des animateurs et autres artistes, pour la plupart des vétérans du studio, Allan écrit que c'est un film familial dans tous les sens du terme[43].
 Pour Maltin, sans Walt Disney et une fois le champ de l'animation conquis, le studio ne savait plus vers où aller[102]. Charles Salomon évoque une production inachevée de la fin des années 1970, intitulée Scruffy et dirigée pendant deux ans par Ken Anderson basée sur un macaque berbère de Gibraltar durant la Seconde Guerre mondiale[174]. Mais le scénario était trop proche des précédentes productions avec un chef de macaque chantant parfait pour Phil Harris, une femelle macaque apprivoisée et choyée par ses maîtres prénommée Amélia qui se joint à la bande de Scruffy et menace de dissoudre le groupe, ressort de scénario déjà présent dans La Belle et le Clochard (1955) et Les Aristochats (1970)[174]. Le couple Scruffy et Amélia devait, après maintes péripéties avec un espion allemand et un général et son chien, devenir les parents adoptifs de jumeaux, ressort émotionnel présent dans Les 101 Dalmatiens (1961)[174].
 Pour Lambert, le studio entre dans une phase où les anciens films ressortent régulièrement jusqu'à l'émergence du support vidéo dans les années 1980 et de nouvelles productions[33]. À l'inverse, pour Thomas et Johnston, la mort de Walt Disney et la sortie du Livre de jungle ont renouvelé l'intérêt pour l'animation chez de jeunes artistes et avec la création d'un programme de formation en raison de leurs nombreuses candidatures, l'avenir du studio et des personnages, héros et méchants, fut assuré[34]. Comme l'écrit Salomon, le projet de Scruffy ne vit pas le jour mais la nouvelle génération d'artistes commençait à influencer le studio[174].
 La musique du film a été éditée aux États-Unis sous plusieurs versions.
 D'autres chanteurs reprendront par la suite les chansons du film, dont Louis Armstrong qui enregistre The Bare Necessities à plusieurs reprises à partir de février 1968[180].
 En 1990, après le succès de l'édition sur CD de la bande originale du film La Petite Sirène (1989), Walt Disney Records a entamé plusieurs ressorties de bandes originales en commençant par celle du Livre de la jungle[181].
 En 1997, pour les trente ans du film en parallèle à une édition collector en DVD, la musique du film a fait l'objet d'une édition spéciale sortie le 17 octobre[182]. Cette version reprend l'édition originale Walt Disney Presents the Story and Songs of The Jungle Book avec les chansons des frères Sherman, ajoute les compositions instrumentales de George Bruns, deux des chansons non utilisées de Gilkyson et un commentaire audio des frères Sherman[182].
 Les studios Disney produisent un court métrage éducatif intitulé The Jungle Book : A Lesson in Accepting Change, édité en septembre 1981, et expliquant les façons de faire face aux changements d'amis ou d'environnements[183].
 Un remake du film en prise de vue réelle a été réalisé par Stephen Sommers en 1994 et produit par Walt Disney Pictures Le Livre de la jungle[55]. Il a été suivi en 1998 par une préquelle intitulée The Jungle Book: Mowgli's Story sortie directement en vidéo et réalisée par Nick Marck[184].
 En animation télévisée, une série intitulée Super Baloo (TaleSpin) a été produite par le studio Disney et diffusée aux États-Unis sur Disney Channel entre le 5 mai 1990 et le 8 août 1991[185]. Cette série ne fait que reprendre le personnage de Baloo et quelques personnages comme le Roi Louie et Shere Khan en les transposant dans un univers anthropomorphe. Baloo y est selon Grant une version plus urbanisée par rapport au film[71] tandis que Shere Khan navigue dans la jungle du crime organisé[92].
 Une seconde série d'animation Le Livre de la jungle, souvenirs d'enfance (Jungle Cubs, 1996-1998)[186] est beaucoup plus proche du film mais se concentre sur la jeunesse des personnages animaliers du film.
 Une suite au film d'animation, intitulée Le Livre de la jungle 2, a été produite par DisneyToon Studios en Australie et sortie en 2003[187].
 Le 9 juillet 2013, Walt Disney Pictures annonce une adaptation en prise de vue réelle du film Le Livre de la jungle  (1967) en plus d'une comédie musicale présentée au Goodman Theatre de Chicago depuis juin 2013[188].
 En 1968, Gold Key Comics publie des one-shots inspiré du Livre de la Jungle, Baloo and the Little Britches et King Louie and Mowgli[109]. Une adaptation en bande dessinée a été publié en juillet 1978 dans le magazine Walt Disney Showcase[189].
 Une scène du spectacle Fantasmic!, dans la version de Disneyland en Californie débuté en 1992[190], comporte les animaux du film Le Livre de la jungle dont le serpent Kaa. La version des Disney's Hollywood Studios en Floride ne comporte pas cette scène remplacée par des personnages du film Le Roi lion (1994).
 En 1994, Virgin Interactive édite un jeu vidéo inspiré du film sous la forme d'un jeu de plateforme 2D classique, Le Livre de la jungle pour Super Nintendo[191].
 Le 24 avril 2013, la première d'une adaptation en comédie musicale du Livre de la jungle (1967) est annoncée pour le 21 juin 2013 par le Goodman Theatre de Chicago[192]. Cette adaptation dirigée par Mary Zimmerman et autorisée par Walt Disney Theatrical Productions doit se jouer à Chicago jusqu'au 4 août puis du 7 septembre au 6 octobre 2013 à Boston[192].
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//upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/1/11/Bon_article.svg/14px-Bon_article.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/1/11/Bon_article.svg/14px-Bon_article.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/1/11/Bon_article.svg/14px-Bon_article.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/1/11/Bon_article.svg/14px-Bon_article.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/1/11/Bon_article.svg/14px-Bon_article.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/1/11/Bon_article.svg/14px-Bon_article.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/1/11/Bon_article.svg/14px-Bon_article.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/8/83/Article_de_qualit%C3%A9.svg/14px-Article_de_qualit%C3%A9.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/e/ef/Theme_de_qualite.svg/17px-Theme_de_qualite.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/8/83/Article_de_qualit%C3%A9.svg/14px-Article_de_qualit%C3%A9.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/8/83/Article_de_qualit%C3%A9.svg/14px-Article_de_qualit%C3%A9.svg.png; 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//upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/8/83/Article_de_qualit%C3%A9.svg/14px-Article_de_qualit%C3%A9.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/8/83/Article_de_qualit%C3%A9.svg/14px-Article_de_qualit%C3%A9.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/8/83/Article_de_qualit%C3%A9.svg/14px-Article_de_qualit%C3%A9.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/8/83/Article_de_qualit%C3%A9.svg/14px-Article_de_qualit%C3%A9.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/8/83/Article_de_qualit%C3%A9.svg/14px-Article_de_qualit%C3%A9.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/8/83/Article_de_qualit%C3%A9.svg/14px-Article_de_qualit%C3%A9.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/1/11/Bon_article.svg/14px-Bon_article.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/8/83/Article_de_qualit%C3%A9.svg/14px-Article_de_qualit%C3%A9.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/1/11/Bon_article.svg/14px-Bon_article.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/1/11/Bon_article.svg/14px-Bon_article.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/1/11/Bon_article.svg/14px-Bon_article.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/1/11/Bon_article.svg/14px-Bon_article.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/1/11/Bon_article.svg/14px-Bon_article.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/1/11/Bon_article.svg/14px-Bon_article.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/1/11/Bon_article.svg/14px-Bon_article.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/1/11/Bon_article.svg/14px-Bon_article.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/8/83/Article_de_qualit%C3%A9.svg/14px-Article_de_qualit%C3%A9.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/1/11/Bon_article.svg/14px-Bon_article.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/8/83/Article_de_qualit%C3%A9.svg/14px-Article_de_qualit%C3%A9.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/1/11/Bon_article.svg/14px-Bon_article.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/8/83/Article_de_qualit%C3%A9.svg/14px-Article_de_qualit%C3%A9.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/1/11/Bon_article.svg/14px-Bon_article.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/7/77/United_States_film_clapperboard.svg/27px-United_States_film_clapperboard.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/d/da/Animation_disc.svg/26px-Animation_disc.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/3/3d/Apollo_11_Crew.jpg/31px-Apollo_11_Crew.jpg; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/4/41/Flag_of_India.svg/33px-Flag_of_India.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/2/20/D_letter_upon_three_circles.svg/31px-D_letter_upon_three_circles.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/1/1c/Cscr-featuredtopic_gold.svg/24px-Cscr-featuredtopic_gold.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/8/83/Article_de_qualit%C3%A9.svg/14px-Article_de_qualit%C3%A9.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/8/8d/Mary_Poppins6.jpg/75px-Mary_Poppins6.jpg; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/8/83/Article_de_qualit%C3%A9.svg/14px-Article_de_qualit%C3%A9.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/8/83/Article_de_qualit%C3%A9.svg/14px-Article_de_qualit%C3%A9.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/8/83/Article_de_qualit%C3%A9.svg/14px-Article_de_qualit%C3%A9.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/8/83/Article_de_qualit%C3%A9.svg/14px-Article_de_qualit%C3%A9.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/8/83/Article_de_qualit%C3%A9.svg/14px-Article_de_qualit%C3%A9.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/8/83/Article_de_qualit%C3%A9.svg/14px-Article_de_qualit%C3%A9.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/8/83/Article_de_qualit%C3%A9.svg/14px-Article_de_qualit%C3%A9.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/8/83/Article_de_qualit%C3%A9.svg/14px-Article_de_qualit%C3%A9.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/8/83/Article_de_qualit%C3%A9.svg/14px-Article_de_qualit%C3%A9.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/8/83/Article_de_qualit%C3%A9.svg/14px-Article_de_qualit%C3%A9.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/1/11/Bon_article.svg/14px-Bon_article.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/8/83/Article_de_qualit%C3%A9.svg/14px-Article_de_qualit%C3%A9.svg.png; https://login.wikimedia.org/wiki/Special:CentralAutoLogin/start?type=1x1; /static/images/footer/wikimedia-button.svg; /w/resources/assets/poweredby_mediawiki.svg,https://en.wikipedia.org/wiki/The_Jungle_Book,The Jungle Book,https://en.wikipedia.org/wiki/The_Jungle_Book,"The Jungle Book is an 1894 collection of stories by the English author Rudyard Kipling. Most of the characters are animals such as Shere Khan the tiger and Baloo the bear, though a principal character is the boy or ""man-cub"" Mowgli, who is raised in the jungle by wolves. Most stories are set in a forest in India; one place mentioned repeatedly is ""Seeonee"" (Seoni), in the central
state of Madhya Pradesh.
 A major theme in the book is abandonment followed by fostering, as in the life of Mowgli, echoing Kipling's own childhood. The theme is echoed in the triumph of protagonists including Rikki-Tikki-Tavi and The White Seal over their enemies, as well as Mowgli's. Another important theme is of law and freedom; the stories are not about animal behaviour, still less about the Darwinian struggle for survival, but about human archetypes in animal form. They teach respect for authority, obedience, and knowing one's place in society with ""the law of the jungle"", but the stories also illustrate the freedom to move between different worlds, such as when Mowgli moves between the jungle and the village. Critics have also noted the essential wildness and lawless energies in the stories, reflecting the irresponsible side of human nature.
 The Jungle Book has remained popular, partly through its many adaptations for film and other media. Critics such as Swati Singh have noted that even critics wary of Kipling for his supposed imperialism have admired the power of his storytelling.[1] The book has been influential in the scout movement, whose founder, Robert Baden-Powell, was a friend of Kipling.[2] Percy Grainger composed his Jungle Book Cycle around quotations from the book.
 Rudyard Kipling's stories were first printed in magazines in 1893 and 1894; the original publications also contained hand-sketched illustrations, with some from John Lockwood Kipling, his father. Rudyard himself was born in Mumbai—then referred to as Bombay—in the western coastal Indian state of Maharashtra, where he spent his first six years of life. After around 10 years back in England, and having completed his schooling, Kipling went back to India to work for nearly 6½ years. Later on, his original stories would be written when he lived at Naulakha, the property and home he owned in Dummerston, Vermont, US.[3] There is evidence that Kipling wrote the collection of stories for his daughter, Josephine (who died from pneumonia in 1899, aged 6); a first-edition copy of the book—including a handwritten note by the author to his young daughter—was discovered at the National Trust's Wimpole Hall, Cambridgeshire, in 2010.[4]
 The tales in the book (as well as those in The Second Jungle Book, which followed in 1895 and includes eight further stories, including five about Mowgli) are fables, using animals in an anthropomorphic manner to teach moral lessons. The verses of ""The Law of the Jungle"", for example, lay down rules for the safety of individuals, families, and communities. Kipling put in them nearly everything he knew or ""heard or dreamed about the Indian jungle"".[5] Other readers have interpreted the work as allegories of the politics and society of the time.[6]
 The stories in The Jungle Book were inspired in part by the ancient Indian fable texts such as the Panchatantra and the Jataka tales.[7] For example, an older moral-filled mongoose and snake version of the ""Rikki-Tikki-Tavi"" story by Kipling is found in Book 5 of Panchatantra.[8] In a letter to the American author Edward Everett Hale, Kipling wrote:[7]
 The idea of beast-tales seems to me new in that it is a most ancient and long forgotten idea. The really fascinating tales are those that the Bodhisat tells of his previous incarnations ending always with the beautiful moral. Most of the native hunters in India today think pretty much along the lines of an animal's brain and I have ""cribbed"" freely from their tales.
 In a letter written and signed by Kipling in or around 1895, states Alison Flood in The Guardian, Kipling confesses to borrowing ideas and stories in the Jungle Book: ""I am afraid that all that code in its outlines has been manufactured to meet 'the necessities of the case': though a little of it is bodily taken from (Southern) Esquimaux rules for the division of spoils. In fact, it is extremely possible that I have helped myself promiscuously but at present cannot remember from whose stories I have stolen"".[10]
 Shere Khan, the main antagonist of the story, is named after the historical Afghan Emperor Sher Shah Suri.[11]
 Kipling lived in India as a child, and most of the stories[a] are evidently set there, though it is not entirely clear where. The Kipling Society notes that ""Seeonee"" (Seoni, in the central Indian state of Madhya Pradesh) is mentioned several times; that the ""cold lairs"" must be in the jungled hills of Chittorgarh; and that the first Mowgli story, ""In the Rukh"", is set in a forest reserve somewhere in North India, south of Simla. ""Mowgli's Brothers"" was positioned in the Aravalli hills of Rajasthan (northwestern India) in an early manuscript, later changed to Seonee, and Bagheera treks from ""Oodeypore"" (Udaipur), a journey of reasonable length to Aravalli but a long way from Seoni.[12][13] Seoni has a tropical savanna climate, with a dry and a rainy season. This is drier than a monsoon climate and does not support tropical rainforest.[14] Forested parks and reserves that claim to be associated with the stories include Kanha Tiger Reserve, Madhya Pradesh,[15] and Pench National Park, near Seoni,[16] but Kipling never visited the area.[12]
 The book is arranged with a story in each chapter. Each story is followed by a poem that serves as an epigram.
 Many of the characters (marked *) are named simply after the Hindustani names of their species: for example, Baloo is a transliteration of Hindustani भालू/بھالو Bhālū, ""bear"". The characters (marked ^) from ""The White Seal"" are transliterations from the Russian of the Pribilof Islands.
 The early editions were illustrated with drawings in the text by John Lockwood Kipling (Rudyard's father), and the American artists W. H. Drake and Paul Frenzeny.[20]
 The book has appeared in over 500 print editions,[21] and over 100 audiobooks.[22] It has been translated into at least 36 languages.[23] In 2024, page proofs of the book were donated to Cambridge University Library.[24]
 Critics such as Harry Ricketts have observed that Kipling returns repeatedly to the theme of the abandoned and fostered child, recalling his own childhood feelings of abandonment. In his view, the enemy, Shere Khan, represents the ""malevolent would-be foster-parent"" who Mowgli in the end outwits and destroys, just as Kipling as a boy had to face Mrs Holloway in place of his parents. Ricketts writes that in ""Mowgli's Brothers"", the hero loses his human parents at the outset, and his wolf fosterers at the conclusion; and Mowgli is again rejected at the end of ""Tiger! Tiger!"", but each time is compensated by ""a queue of would-be foster-parents"" including the wolves, Baloo, Bagheera and Kaa. In Ricketts's view, the power that Mowgli has over all these characters who compete for his affection is part of the book's appeal to children.[25] The historian of India Philip Mason similarly emphasises the Mowgli myth, where the fostered hero, ""the odd man out among wolves and men alike"", eventually triumphs over his enemies. Mason notes that both Rikki-Tikki-Tavi and The White Seal do much the same.[26]
 The novelist Marghanita Laski argued that the purpose of the stories was not to teach about animals but to create human archetypes through the animal characters, with lessons of respect for authority. She noted that Kipling was a friend of the founder of the Scout Movement, Robert Baden-Powell, who based the junior scout ""Wolf Cubs"" on the stories, and that Kipling admired the movement.[25][27] Ricketts wrote that Kipling was obsessed by rules, a theme running throughout the stories and named explicitly as ""the law of the jungle"". Part of this, Ricketts supposed, was Mrs Holloway's evangelicalism, suitably transformed. The rules required obedience and ""knowing your place"", but also provided social relationships and ""freedom to move between different worlds"".[25] Sandra Kemp observed that the law may be highly codified, but that the energies are also lawless, embodying the part of human nature which is ""floating, irresponsible and self-absorbed"".[25][28] There is a duality between the two worlds of the village and the jungle, but Mowgli, like Mang the bat, can travel between the two.[25]
 The novelist and critic Angus Wilson noted that Kipling's law of the jungle was ""far from Darwinian"", since no attacks were allowed at the water-hole when in drought.[h] In Wilson's view, the popularity of the Mowgli stories is thus not literary but moral: the animals can follow the law easily, but Mowgli has human joys and sorrows, and the burden of making decisions.[25][29] Kipling's biographer, Charles Carrington, argued that the ""fables"" about Mowgli illustrate truths directly, as successful fables do, through the character of Mowgli himself; through his ""kindly mentors"", Bagheera and Baloo; through the repeated failure of the ""bully"" Shere Khan; through the endless but useless talk of the Bandar-log; and through the law, which makes the jungle ""an integrated whole"" while enabling Mowgli's brothers to live as the ""Free People"".[30]
 The academic Jan Montefiore commented on the book's balance of law and freedom that ""you don't need to invoke Jacqueline Rose on the adult's dream of the child's innocence or Perry Nodelman's theory of children's literature colonising its readers' minds with a double fantasy of the child as both noble savage and embryo good citizen, to see that the Jungle Books .. give their readers a vicarious experience of adventure both as freedom and as service to a just State"".[31]
 Sayan Mukherjee, writing for the Book Review Circle, calls The Jungle Book ""one of the most enjoyable books of my childhood and even in adulthood, highly informative as to the outlook of the British on their 'native population'"".[32]
 The academic Jopi Nyman argued in 2001 that the book formed part of the construction of ""colonial English national identity""[33] within Kipling's ""imperial project"".[33] In Nyman's view, nation, race and class are mapped out in the stories, contributing to ""an imagining of Englishness"" as a site of power and racial superiority.[33] Nyman suggested that The Jungle Book's monkeys and snakes represent ""colonial animals""[33] and ""racialized Others""[33] within the Indian jungle, whereas the White Seal promotes ""'truly English' identities in the nationalist allegory""[33] of that story.[33]
 Swati Singh, in his Secret History of the Jungle Book, notes that the tone is like that of Indian folklore, fable-like, and that critics have speculated that the Kipling may have heard similar stories from his Hindu bearer and his Portuguese ayah (nanny) during his childhood in India. Singh observes, too, that Kipling wove ""magic and fantasy"" into the stories for his daughter Josephine, and that even critics reading Kipling for signs of imperialism could not help admiring the power of his storytelling.[1]
 The Jungle Book came to be used as a motivational book by the Cub Scouts, a junior element of the Scouting movement. This use of the book's universe was approved by Kipling at the request of Robert Baden-Powell, founder of the Scouting movement, who had originally asked for the author's permission for the use of the Memory Game from Kim in his scheme to develop the morale and fitness of working-class youths in cities. Akela, the head wolf in The Jungle Book, has become a senior figure in the movement; the name is traditionally adopted by the leader of each Cub Scout pack.[2]
 The Jungle Book has been adapted many times in a wide variety of media. In literature, Robert Heinlein wrote the Hugo Award-winning science fiction novel, Stranger in a Strange Land (1961), when his wife, Virginia, suggested a new version of The Jungle Book, but with a child raised by Martians instead of wolves.[34][35] Neil Gaiman's The Graveyard Book (2008) is inspired by The Jungle Book. It follows a baby boy who is found and brought up by the dead in a cemetery. It has many scenes that can be traced to Kipling, but with Gaiman's dark twist.[36]
 In music, the Jungle Book cycle (1958) was written by the Australian composer Percy Grainger, an avid Kipling reader. It consists of quotations from the book, set as choral pieces and solos for soprano, tenor or baritone.[37] The French composer Charles Koechlin wrote several symphonic works inspired by the book.
 BBC Radio broadcast an adaptation on 14 February 1994 and released it as a BBC audiobook in 2008.[38] It was directed by Chris Wallis with Nisha K. Nayar as Mowgli, Eartha Kitt as Kaa, Freddie Jones as Baloo, and Jonathan Hyde as Bagheera. The music was by John Mayer.[39]
 The book's text has been adapted for younger readers with comic book adaptations such as DC Comics Elseworlds' story, ""Superman: The Feral Man of Steel"", in which an infant Superman is raised by wolves, while Bagheera, Akela, and Shere Khan make appearances.[40] Marvel Comics published several adaptations by Mary Jo Duffy and Gil Kane in the pages of Marvel Fanfare (vol. 1). These were collected in the one-shot Marvel Illustrated: The Jungle Book (2007).[41] Bill Willingham's comic book series, Fables, features The Jungle Book's Mowgli, Bagheera, and Shere Khan.[42]
 Manga Classics: The Jungle Book was published by UDON Entertainment's Manga Classics imprint in June 2017.[43]
 Many films have been based on one or another of Kipling's stories, including Elephant Boy (1937),[44] Chuck Jones's made for-TV cartoons Rikki-Tikki-Tavi (1975),[45] The White Seal (1975),[46] and Mowgli's Brothers (1976).[47] Many films, too, have been made of the book as a whole, such as Zoltán Korda's 1942 film,[48] Disney's 1967 animated film[49] and its 2016 remake.[50] Other adaptations include the Russian adaptation named Mowgli, published as Adventures of Mowgli in the US, an animation released between 1967 and 1971, and combined into a single 96-minute feature film in 1973,[51] and the 1989 Italian-Japanese anime The Jungle Book: Adventures of Mogwli.[52]
 Stuart Paterson wrote a stage adaptation in 2004, first produced by the Birmingham Old Rep in 2004 and published in 2007 by Nick Hern Books.[53]
 In 2021 BBC Radio 4 broadcast an adaptation by Ayeesha Menon which resets the story as a ""gangland coming-of-age fable"" in modern India.[54]",2367,"Main page; Contents; Current events; About Wikipedia; Help; Learn to edit; Community portal; Upload file; ; learn more; Article; Talk; Read; Read; Upload file; ; ; The Jungle Book (disambiguation); ; John Lockwood Kipling; Rudyard Kipling; John Lockwood Kipling; Children's book; Macmillan; The Second Jungle Book; Wikisource; Rudyard Kipling; Shere Khan; Baloo; Mowgli; India; Seoni; central; Madhya Pradesh; Rikki-Tikki-Tavi; animal behaviour; Darwinian; archetypes; its many adaptations for film and other media; imperialism; scout movement; Robert Baden-Powell; Percy Grainger; John Lockwood Kipling; Mumbai; Bombay; Indian state; Maharashtra; England; Naulakha; Dummerston; Vermont; US; National Trust; Wimpole Hall; Cambridgeshire; The Second Jungle Book; fables; anthropomorphic; allegories; ; India; Panchatantra; Jataka tales; Rikki-Tikki-Tavi; Edward Everett Hale; the Bodhisat; India; Shere Khan; Afghan; Emperor; Sher Shah Suri; India; Seoni; Madhya Pradesh; Chittorgarh; North India; Simla; Aravalli hills; Rajasthan; Udaipur; tropical savanna climate; Kanha Tiger Reserve; Pench National Park; epigram; Mowgli's Brothers; wolves; Baloo; Bagheera; black panther; Shere Khan; ; Kaa's Hunting; Bandar-log; Kaa; python; ; Bandar-log; John Charles Dollman; Tiger! 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"Bambi (film, 1942)","https://fr.wikipedia.org/wiki/Bambi_(film,_1942)","Pour l’article homonyme, voir Bambi.
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 Série Classiques d'animation Disney Dumbo(1941) Saludos Amigos(1942) Série Bambi Bambi 2(2006) Pour plus de détails, voir Fiche technique et Distribution. modifier  Bambi est le 6e long-métrage d'animation et le 5e « Classique d'animation » des studios Disney. Sorti en 1942, il est adapté du roman de Felix Salten : Bambi, l'histoire d'une vie dans les bois (Bambi, Eine Lebensgeschichte aus dem Walde, 1923).
 Bambi, un faon nouveau-né, apprend, au hasard de ses promenades, mille et une choses qui sont pour lui autant de sources d'émerveillement. De l'été à l'automne, il découvre ainsi les saisons une à une et affronte, pour la toute première fois, l'hiver.
 C'est dès 1935 que Walt Disney entame le projet d'adapter cette œuvre, juste après le début de la production de son premier long métrage, Blanche-Neige et les Sept Nains. Cependant, en raison de différents contretemps, le film est plusieurs fois retardé. Pinocchio, Fantasia et Dumbo sont ainsi sortis avant Bambi. Malgré ou grâce à cela, Bambi propose une qualité graphique incontestable, présentant des décors et des personnages très réalistes.
 En 2008, l'American Film Institute sélectionne Bambi à la troisième place des dix meilleurs films d'animation du cinéma américain dans son classement de AFI's 10 Top 10. En décembre 2011, il est sélectionné pour Le National Film Registry par le National Film Preservation Board pour la conservation à la Bibliothèque du Congrès aux États-Unis pour son « importance culturelle, historique ou esthétique ».
 Une suite intitulée Bambi 2 est sortie en 2006.
 Dans la forêt, alors que le jour se lève, un oiseau bleu annonce à toute la forêt la naissance d'un petit prince. Dans un bosquet d'arbustes, une biche de l'espèce des cerfs de Virginie vient de donner naissance à un faon. Réveillé par sa mère, ce dernier dit bonjour à tous les animaux regroupés en cercle autour de lui. Un jeune lapin, Panpan, remarque que le faon cherche à se mettre sur ses pattes mais qu'il trébuche et tombe contre sa mère. Comme le fait remarquer le hibou, il manque de sommeil et les animaux laissent la mère et son petit. Panpan demande le nom du faon à sa mère, elle lui répond : « Bambi ». Au loin un cerf couronné de grands bois observe la scène.
 Le lendemain, Bambi en marchant derrière sa mère, redécouvre un à un les animaux de la forêt : les perdrix, les opossums pendus par la queue à une branche, une taupe creusant son tunnel et les lapins dont Panpan. Bambi ayant trébuché, les lapins l'aident à se relever puis gambadent dans la forêt. Arrivé à un tronc creux, Panpan explique l'origine de son nom : il tambourine souvent du pied. Tout est prétexte à apprentissage pour le jeune faon : un arbre tombé en travers du chemin à sauter les obstacles, une bande d'oiseaux mangeant des baies à prononcer les mots « moineau », « papillon » et « fleur ». Une jeune mouffette cachée au milieu d'un parterre de marguerites se retrouve nez à nez avec Bambi qui la baptise alors tout naturellement « Fleur ».
 Alors que le ciel gronde, Panpan et Bambi rentrent se mettre à l'abri. Tandis que chaque animal cherche à se protéger des gouttes, sous les ailes de leurs mères, sous les arbres ou les champignons, dans leurs terriers selon leurs tailles, Bambi blotti contre sa mère écoute la chanson de la pluie d'avril tombant sur les feuilles.
 Un matin, la mère de Bambi décide de lui faire découvrir la prairie. Il y rencontre d'autres cerfs. Alors que Bambi s'élance, insouciant, sa mère l'avertit de ne pas courir dans les herbes sans avoir vérifié auparavant l'absence de danger car la prairie n'offre aucune protection par rapport aux buissons ou les arbustes de la forêt. Longeant un ruisseau, Bambi éclabousse un caneton qui rechigne à se mouiller. Puis, poursuivant un crapaud, Bambi découvre le reflet d'un autre faon dans l'eau d'une mare. Apeuré, il court se réfugier auprès de sa mère. L'autre faon est en fait une jeune biche prénommée Féline. Plus délurée que Bambi, qui se montre timide, elle entame une partie de cache-cache jusqu'à ce que Bambi se retrouve avec l'arrière-train dans l'eau. La situation déplait à Bambi qui décide de poursuivre Féline. Au loin dans la prairie, deux jeunes mâles s'affrontent. Bambi les imite, courant et sautant de rocher en rocher, évitant la harde en se cachant dans un tronc creux. Un cerf majestueux sort de la forêt et s'approche du jeune faon, le regarde et repart sans un mot dans la forêt. Intrigué, Bambi se demande qui il est. Sa mère le présente comme le Grand Prince de la forêt, courageux et sage.
 Semblant à l'affût, le Grand Prince détecte un danger et fait partir les animaux de la prairie. Bambi, tout à sa liberté, reste au milieu des hautes herbes et, alors que sa mère le cherche, le Grand Prince l'entraîne dans la forêt juste au moment où un coup de feu retentit. Revenu au buisson de sa naissance, Bambi s'interroge sur cette menace et sa mère le met en garde contre l'homme.
 L'automne s'installe et les feuilles tombent. Un matin, Bambi s'éveille et la forêt est recouverte d'un manteau blanc. Le faon découvre alors la neige car l'hiver est arrivé. Il sort de son abri et s'amuse à éviter les blocs de neige tombant des arbres. Il rencontre Panpan qui joue à glisser sur un lac gelé et lui apprend à patiner. Bientôt en confiance, Bambi tombe, glisse et entraîne Panpan dans une course qui finit dans la neige poudreuse qui entoure le lac. La nourriture se faisant rare, les cerfs doivent s'aventurer de plus en plus loin pour manger des écorces de plus en plus haut sur les troncs d'arbres. Bambi se plaint auprès de sa mère de la faim et de la longueur de l'hiver.
 Un matin, sa mère lui fait découvrir quelques brins d'herbe nouvelle dans une clairière ; le printemps est proche. Pendant leur quête de nourriture, un danger approche et les deux animaux courent vers un bosquet à la recherche d'un couvert. Un coup de feu retentit, sa mère, juste derrière Bambi, l'encourage à courir sans se retourner, puis un autre coup de feu éclate. Bambi regagne son abri, content d'arriver le premier. Inquiet que sa mère ne le suive pas, il ressort malgré la neige qui tombe à gros flocons. Il rencontre alors le Grand Prince qui, en l'appelant « mon fils », l'informe que sa mère ne « sera plus jamais auprès de lui[n 1] ».
 Le printemps revenu, les oiseaux batifolent, forment des couples, chantent et mettent en colère le hibou qui s'envole vers les branches d'un arbre. Bambi a grandi et il teste ses jeunes bois sur un tronc. Alors qu'il retrouve Panpan et Fleur, il se demande ce qui rend les oiseaux aussi gais. Le vieux hibou apprend aux trois jeunes ce qu'est un « coup de foudre ». Il les prévient que cela peut leur arriver à tous les trois mais le trio n'y croit pas. Alors qu'ils avancent dans la forêt, Fleur découvre une femelle moufette cachée dans un bouquet de fleurs et tombe instantanément amoureux après un baiser imprévu. Peu après, c'est au tour de Panpan de succomber aux charmes d'une jeune lapine beige. Abandonné par ses amis amoureux, Bambi poursuit seul son chemin jusqu'à une petite mare sous un saule pleureur. Il se désaltère quand arrive Féline. Bambi tombe à nouveau à la renverse dans la mare en se prenant les bois dans une branche fleurie. Féline en profite pour lui donner un baiser. Émoustillé, le jeune cerf s'imagine alors dans un monde de rêve courant derrière Féline. Il retombe dans la réalité quand Ronno, un autre jeune mâle apparaît, qui défie Bambi. Le combat s'engage sous les frondaisons. Bambi parvient à jeter son adversaire dans une mare et, vainqueur, rejoint Féline en haut d'un promontoire. Le couple court alors sous une obscurité crépusculaire profitant de son histoire d'amour au milieu des pétales de fleurs emportées par le vent.
 C'est à nouveau l'automne. Le jeune couple dort mais Bambi est réveillé par son instinct de l'approche d'un danger. Il retrouve son père, le Grand Prince, et, du haut d'une falaise, ils aperçoivent un feu de camp. Féline, qui s'est entre-temps réveillée, part à la recherche de Bambi. Un coup de feu éclate et une perdrix se fait tuer. De nombreux autres coups de feu retentissent et Féline est soudain poursuivie par une meute de chiens de chasse. Elle grimpe sur une colline rocailleuse pour leur échapper quand Bambi se lance dans la meute pour la défendre et faire fuir les chiens. Sautant par-dessus un précipice, Bambi est blessé par une balle et ne parvient pas à se relever.
 Au camp des chasseurs, le feu de camp se propage aux herbes puis aux arbres : la forêt brûle et les animaux fuient. Le Grand Prince, qui a rejoint son fils, lui intime l'ordre de se relever, ce qu'il finit par faire. Ensemble, ils longent une rivière puis sautent du haut d'une cascade tandis que le feu les poursuit. Les animaux de la forêt, dont Féline, se réfugient sur les îles d'un lac, où les retrouvent Bambi et son père, tandis qu'au loin les collines se sont transformées en brasiers.
 Un nouveau printemps renaît de la forêt calcinée. Panpan et ses quatre enfants, Fleur et son fils appelé Bambi, réveillent le hibou pour le prévenir d'une grande nouvelle. Tous les animaux sont assemblés pour accueillir les deux faons nouveau-nés de Féline. Bambi et son père observent la scène du haut d'un promontoire puis le Grand Prince de la forêt se retire, laissant son fils prendre seul sa place.
 Le film est dédié à Sidney A. Franklin avec la mention « À Sidney A. Franklin, notre sincère appréciation pour sa collaboration inspiratrice[2] ».
 Sauf mention contraire, les informations proviennent de Frank Thomas et Ollie Johnston[3], Leonard Maltin[4], Pierre Lambert[5],[6] et John Grant[7]
 Source : DVD Collector Bambi (2005)
 Sauf mention contraire, les informations proviennent de John Grant[7]
 Sources : Pierre Lambert[5], Les Grands Classiques[11] et Dans l'ombre des studios[12].
 Sources : Pierre Lambert[6], Les Grands Classiques[11], Dans l'ombre des studios[12] et Planète Jeunesse[13].
 Sources : Carton du DVD Collector Bambi (2005); Les Grands Classiques[11] et Dans l'ombre des studios[12].
 Sauf mention contraire, les informations suivantes sont issues de l'Internet Movie Database[14].
 Le film Bambi est une adaptation d'un livre à succès de Felix Salten.
 De son vrai nom Siegmund Salzmann, Felix Salten est un journaliste austro-hongrois qui connaît la célébrité en 1923 avec son premier roman animalier, Bambi, l'histoire d'une vie dans les bois (Bambi, Eine Lebensgeschichte aus dem Walde)[17],[7]. C'est lors d'un voyage dans les Alpes que, charmé par la nature environnante, Felix Salten imagine l'histoire d'un chevreuil baptisé « Bambi », nom formé d'après le mot italien bambino, qui signifie à la fois « bébé » et « enfant ».
 Avec le succès de Bambi, traduit en anglais dès 1928[17],[18],[19], l'éditeur de Salten demande à l'auteur de se spécialiser dans ce genre littéraire. Ainsi, en 1923, la même année, Salten publie deux autres romans animaliers : Die Jugend des Eichhörnchens Perri (La jeunesse de l'écureuil Perri) et enfin Der Hund von Florenz (Le chien de Florence).
 Ses deux autres romans animaliers seront aussi adaptés par les studios Disney : Die Jugend des Eichhörnchens Perri sous le titre de Les Aventures de Perri (The Story of Perri) en 1957, et Der Hund von Florenz sous le titre Quelle vie de chien ! (The Shaggy Dog) en 1959[17].
 En 1940, Felix Salten écrit et publie une suite à son premier roman animalier : Les Enfants de Bambi, une famille dans la forêt (Bambis Kinder, Eine Familie im Walde) mais le studio Disney ne s'en servira pas pour faire la suite de Bambi sous le titre Bambi 2.
 Les initiateurs du projet traditionnellement cités, les dates de début du projet ou les étapes de son développement, varient selon les auteurs. Pour les premiers, les noms les plus fréquents sont Thomas Mann et Sidney Franklin tandis que la date de début du projet varie entre 1933 et 1937.
 Selon Donald Prater, biographe du prix Nobel de littérature allemand Thomas Mann, Mann était un grand admirateur de l'œuvre de Salten[20]. Ils se retrouvent tous les deux volontairement exilés en Suisse pour leur opposition à la montée du nazisme dès 1933 pour Mann, à partir de 1934 puis définitivement en 1938 pour Salten. C'est pendant cette période que les deux auteurs se rencontrent. Par ailleurs, Thomas Mann fait la connaissance de Walt Disney lors de son premier voyage aux États-Unis en juin et juillet 1935. Ils sont tous les deux faits docteur honoris causa de l'Université Harvard en même temps, le même jour[21]. C'est cette concordance des dates qui fait dire et écrire dans les milieux du cinéma, comme dans le livre d'Allan Lazar sur les 101 personnages de fiction les plus célèbres, que Thomas Mann initie Walt Disney à l'œuvre de Salten et au roman Bambi, donnant ainsi l'idée du film[22].
 Thomas Mann quitte son exil suisse pour venir s'installer à Princeton à l'automne 1938[23]. La seule chose véritablement établie permettant de relier Mann, Disney et Salten, est une rencontre à Hollywood entre Disney et Mann. Ce dernier rentre en contact avec Disney pour le solliciter à soutenir l'institut que Salten a créé en Suisse, demande qui n'aura d'ailleurs aucune suite[24]. Ce qui confirme les propos de Dagmar Lorenz qui indique que cette approche, datée de 1939, aurait eu lieu dans le cadre d'une demande d'assistance pour son ami d'exil, plus prosaïquement afin de recevoir l'argent des droits d'adaptations[25].
 La plupart des auteurs liés à l'univers Disney n'évoquent pas Thomas Mann et situent les débuts du projet quelques années plus tôt. Pour Pierre Lambert, Sidney A. Franklin propose à Disney dès 1933 d'adapter l'histoire de Salten mais Disney n'accepte que trois ans plus tard en 1936[26]. Pour John Grant, le projet débute en 1935 lorsque Walt Disney, après avoir lu l'œuvre de Salten, décide de l'adapter mais découvre que Sidney Franklin détient les droits d'adaptation, droits obtenus par Disney durant l'été 1937[7]. Pour David Koenig, Disney envisage le film en 1935, sans préciser de raison, et découvre alors que Franklin en détient les droits depuis 1933[27]. Disney parvient à persuader Franklin de lui céder les droits en contrepartie de la participation de Franklin au film. Maltin reprend la même genèse que Grant et Koenig mais la situe durant l'année 1937[4] et insiste sur la découverte, nécessitant une négociation avec Franklin, de l'acquisition des droits par ce dernier[2]. Steven Watts mentionne un début de projet par un petit groupe d'animateurs alors que les autres longs métrages s'achèvent[28], sans plus de précision. Robin Allan évoque une note interne confirmant le travail sur Bambi en février 1938[29].
 La genèse qui transpire dans ces versions « Disney » est celle de Franklin Thomas et Ollie Johnston (superviseurs de l'animation du film) parue en 1990 dans Walt Disney's Bambi[30] et développée par Robin Allan dans Walt Disney and Europe (1999)[31]. Cette genèse est la suivante :
 Début 1937, Walt Disney nomme Perce Pearce et Larry Morey à la tête d'une équipe de travail pour le scénario[26],[37]. Pearce avait travaillé comme scénariste sur Blanche-Neige et Morey comme lyriste, sur les compositions de Frank Churchill, sur le même film[37]. Cette équipe réduite s'installe dans des locaux temporaires en attendant l'ouverture des studios de Burbank[26], en 1942. Ce studio temporaire baptisé l'« annexe » est situé de l'autre côté de l'Avenue Hyperion[38], alors siège de Disney. Le projet d'adaptation confié à Pearce et Morey est de définir une solide base de personnages puis d'écrire l'histoire[27]. David D. Hand qui avait alors la charge de superviser toutes les productions du studio, avait ce rôle sur Blanche-Neige et le poursuit sur Bambi[37]. Peu après le lancement de Bambi, Disney optimiste lance un autre projet, basé sur Le avventure di Pinocchio[39], un roman à succès de Carlo Collodi publié à la fin du XIXe siècle et dont l'adaptation Pinocchio, produit plus rapidement que Bambi, sortira au début de l'année 1940.
 L'histoire de Bambi présente plusieurs défis[40]. Elle « est beaucoup plus sérieuse, tragique, que n'importe quelle production d'animation alors réalisée », et « la totalité (ou presque) des personnages sont des animaux[40]. » Pearce et Morey découvrent durant leur travail que, dans l'œuvre de Felix Salten, bien que les animaux parlent les uns aux autres, l'anthropomorphisme est restreint au minimum, rendant les animaux réalistes dans leurs attitudes et leurs comportements[27]. Parmi ces animaux parlant, deux sortent du lot pour l'équipe de scénaristes : le sconse et le lièvre[35], qui deviendront respectivement Fleur et Panpan.
 La même année, Disney confie la supervision de l'animation à Frank Thomas, Milton Kahl, Eric Larson et Olliver M. Johnston Jr, tâche qu'ils occupent jusqu'à la sortie du film à de rares exceptions près[8]. Barrier donne pour date de début du travail d'expérimentation de Thomas et Kahl sur l'animation des faons, la fin de l'année 1939[41].
 Dans la continuité du programme de formation des animateurs, Disney embauche le peintre animalier italien Rico Lebrun pour enseigner à ses animateurs la morphologie animalière[26],[40],[42]. Ce professeur au Chouinard Art Institute dirige des classes de dessin durant près d'une année et demie[38], principalement pour les jeunes animateurs[43]. La ressemblance avec la nature devient une obsession pour le studio qui commissionne des photographes dans la forêt et la venue d'animaux vivants aux studios[28]. Durant la production, Lebrun reçoit un appel des services forestiers pour l'informer de la découverte d'un faon mort depuis deux jours[44]. Par la suite envoyé au studio, il est étudié sous toutes les coutures et même dépecé, pour dessiner les mouvements de chaque muscle, de chaque os[44]. La dissection minutieuse aurait duré une semaine avec une odeur de jour en jour un peu plus insupportable pour finir par l'étude des os[45]. Ces études permettent à Lebrun de fournir une riche collection de dessins morphologiques du faon[46] et aussi de concevoir un modèle miniature pouvant reproduire n'importe quel mouvement d'un vrai faon[47].
 L'animateur Bernard Garbutt donne aussi des leçons de dessin, organise des visites au Zoo de Los Angeles et des séances de lecture pour mieux appréhender le monde animal[48]. Ces séances sont par la suite reprises par l'animateur Fraser Davis qui possède plus d'expérience animalière que Garbutt[48]. Durant ses études d'art à San Francisco, Davis n'assistait aux cours que le matin, se réservant l'après-midi pour étudier les animaux du zoo Fleischhacker et la soirée à la bibliothèque d'anatomie[48].
 Dans un souci identique de réalisme, Maurice Day a été envoyé dans le Maine pour photographier la forêt[2]. Parmi les sujets demandés par le studio, on recense des sous-bois sous différents éclairages à différents moments de la journée et des saisons, la forêt sous la pluie d'un été indien[49], des arbres après une tempête de neige, des toiles d'araignées couvertes de rosée, etc.[2].
 La même année, le studio engage des acteurs, dont les actrices Jane Randolph et Donna Atwood (qui épousa l'animateur Frank Thomas)[8], une vedette du spectacle Ice Capades, comme modèles humains pour certaines scènes[40]. Leurs prestations servent pour la scène culte de Panpan apprenant à patiner à Bambi[50].
 Dès l'annonce par Disney de la production de Bambi, l'État du Maine, par l'intermédiaire de la commission du développement, envoie deux faons aux studios Disney afin que les animateurs puissent les prendre comme modèles, un mâle et une femelle, l'un pour Bambi et l'autre pour Féline[2]. Pierre Lambert situe cet événement juste après l'arrivée de Maurice Day dans le Maine[26]. Les animaux sont réceptionnés en Californie durant l'été 1938[51]. Day aurait obtenu l'envoi des deux faons en juin 1938[49]. Cet élément imprévu répond à l'un des souhaits de Walt Disney, la recherche, pour ce film, d'un haut niveau de réalisme. Les animaux restent près d'un an dans les locaux de Disney[51].
 Destiné à être le deuxième long-métrage d'animation des Studios Disney, Bambi ne sort que plusieurs années après la date initialement prévue. Trois autres longs-métrages d'animation sortent avant lui : Pinocchio (1940), Fantasia (1940) et Dumbo (1941).
 Comme évoqué, Sidney Franklin possède depuis 1933 les droits d'adaptation de l'œuvre pour un film en prise de vue réelle. Le transfert de droit entre Franklin et le studio Disney nécessite un accord. Ce n'est qu'après sa signature que la production de Bambi démarre réellement, soit au printemps 1937[19], en avril 1937 selon Thomas, Johnston[36] et John Grant[7] malgré des nominations sur le projet quelques mois plus tôt.
 Toutefois l'accord de Franklin ne suffit pas. Durant l'été 1937, Roy Disney, le frère de Walt, négocie avec Felix Salten et parvient à obtenir son accord pour une adaptation cinématographique en animation. Franklin, qui en contrepartie est devenu consultant sur le projet de Disney, est gratifié d'une dédicace au générique[2],[19]. Malgré le travail entamé, les problèmes liés aux droits d'adaptation ont retardé la production. Et ce n'est pas le premier retard que subira le film.
 Les scénaristes n'étant pas guidés par Walt Disney comme il l'avait fait sur Blanche-Neige, ils hésitent sur les pistes à suivre pour l'histoire[35]. La production de Blanche-Neige, dont la sortie est prévue pour la fin de l'année 1937, accapare Walt[35]. En septembre 1937, il décide de sortir Pinocchio avant Bambi mais confirme à Pearce que Bambi sortira pour Noël 1938[35]. Cette sortie plus rapide de Pinocchio est expliquée ainsi par Thomas et Johnston : Pinocchio est en quelque sorte « une Silly Symphony plus longue, ce que les studios Disney savent faire, alors que Bambi déconcerte Walt[35]. »
 La révision du scénario débute en octobre 1937 comme l'atteste un mémo de Walt Disney prévenant aussi du début du projet d'adaptation de L'Apprenti sorcier de Paul Dukas, qui débouchera sur la production du film Fantasia[52]. Cet autre projet motive encore plus Walt Disney et, après une production assez rapide, ce film musical sort fin 1940[52],[53],[54].
 Le 20 octobre 1937, Walt présente à Sidney Franklin l'avancement du scénario ; ce dernier rejette l'idée d'une abeille s'introduisant au creux de l'oreille de Bambi mais souhaite le développement du personnage du lièvre[55]. Le 15 décembre, lors d'une réunion similaire, Franklin pense que l'équipe a bien perçu l'état d'esprit de Bambi, « pas de gag, [...] les mots passent par des actions, [...] par des sentiments[56]. »
 En juin 1938, Walt Disney montre encore des signes d'optimisme et évoque le film Bambi comme pouvant sortir dès l'année suivante[38]. Il propose aussi, en 1939, la conservation de nombreux éléments de production — notes des réunions de travail, esquisses, décors, etc. — pour éditer un livre[57].
 En octobre 1938, l'équipe chargée de Bambi déménage dans un autre studio temporaire, au 861 Seward Street, les anciens locaux du Harman-Ising Studio[38]. Cette nouvelle annexe est distante de près de 4,7 milles (7,6 km) des studios de Disney et, selon Michael Barrier, Disney n'y aurait jamais mis les pieds[38]. Commence alors pour les scénaristes une longue période d'exploration du scénario qui ne s'achève que l'année suivante[58].
 Avec ces nombreux retards, la production du film semble au point mort. Ce n'est qu'après le choix définitif des séquences de Fantasia que Walt s'intéresse de nouveau au projet Bambi[59], après le 5 janvier 1939, date du choix de la Symphonie Pastorale de Ludwig van Beethoven[60],[61]. Le 5 avril 1939 se tient une réunion entre Perce Pearce, Don Graham et Rico Lebrun dont le compte-rendu permet comprendre la collaboration et la déontologie participative au sein de l'équipe de production[62]. La réunion s'est déroulé en plusieurs parties, une première de visionnage des scènes suivi d'une critique puis un débat sur le style artistique à utiliser en comparant la caricature et le réalisme[62].
 En août 1939, Walt Disney nomme David D. Hand réalisateur du film, avec comme tâche d'accélérer la production[51]. À la fin du mois d'août, Disney participe à nouveau aux sessions de travail du scénario, qu'il a abandonnées depuis près d'un an[51]. Toutefois, Walt ne se rend toujours pas dans le studio annexe[58]. Ces éléments amènent quelques changements.
 Le 1er septembre 1939, Perce Pearce demande l'autorisation à Disney « de retirer tous les méchants du film en dehors de l'Homo sapiens, afin de simplifier le conflit, les animaux ne se mangent donc plus les uns les autres[63]. » Le 9 septembre 1939, Milton Kahl propose une réorganisation des équipes d'animation, par séquence et non plus par personnage[41].
 À la fin de l'année, la production marque un certain avancement, plusieurs voix ont été choisies pour les personnages et enregistrées. Des esquisses illustrant les scripts, de nombreux décors de forêts ou des représentations d'animaux recouvrent les murs du studio[58]. À peu près à la même période, Franklin Thomas et Kahl deviennent responsables de l'animation sur plusieurs séquences[41]. Mais le film n'est pas achevé pour autant, Walt décide alors que Fantasia sera le troisième long métrage du studio, repoussant de nouveau la sortie de Bambi[59].
 D'autres motifs de retard se succèdent aux précédents. Le 3 février 1940, Disney souhaite « une couleur moins réaliste, plus subjective, une couleur qui provoque un sentiment et qui ne copie pas simplement la nature[64]. » Lors de tests de projection, alors qu'ils sont entraînés par Bernard Garbutt depuis près d'un an grâce à des sessions de cours du soir à faire de Bambi un film très réaliste, les animateurs sont surpris et découragés de voir que leurs personnages manquent d'humanité en partie à cause de l'absence naturelle d'éléments (joues, lèvres...) permettant aux cerfs de parler[65].
 Selon Johnston et Thomas, la date du 1er mars 1940 est la plus importante de la production du film[65]. Ce jour-là, deux scènes sont présentées à Walt Disney : celle des premiers pas de Bambi animée par Thomas et celle de la rencontre avec Féline animée par Kahl. Disney s'exclame alors « C'est du bon boulot, sans rire... Ces personnages sont de l'or pur[66],[67] ». La première scène comprend une séquence d'un peu plus de deux minutes montrant la rencontre de Bambi et Panpan, dessinée par Thomas et Kahl avec, entre autres[65] :
 Après quatre années de doutes le film semble avoir enfin trouvé sa voie[65].
 À la fin du printemps 1940, plusieurs animateurs ayant travaillé temporairement à la pré-production de Bambi sont libérés de leurs tâches précédentes pour animer Bambi. Eric Larson et Olliver M. Johnston Jr sont transférés en avril 1940 de l'animation de Fantasia à celle de Bambi, suivis par Davis (qui avait déjà prêté la main au film) et Garbutt (qui formait le soir les jeunes animateurs du film)[68]. Rapidement, près de 20 minutes de films sont réalisées[43]. À la fin du printemps 1940, l'ambiance au studio change : la dépression due aux mauvais résultats de Pinocchio est passée, et le film Bambi, d'abord perçu comme une œuvre d'art à l'instar de Fantasia, est aussi accepté comme un film de divertissement[69]. Le 19 avril, Disney évoque la possibilité de faire de Bambi un film itinérant, à l'instar de Fantasia[64] (cf. Fantasia - Un spectacle itinérant) mais cette exploitation entamée en novembre 1940 s'arrêta en raison de son coût[60]. À la même période, l'étape d'écriture du scénario, l'adaptation du texte de Salten qui semble avoir pris pas mal de temps, prend fin. Selon Barrier, elle s'achève entre la sortie de Pinocchio et Fantasia, soit en juillet 1940[70].
 Le scénario final est découpé par Thomas et Johnston en huit parties :
 Tout au long de l'année 1940, le projet Bambi progresse. Mais depuis le début de l'année, le studio est confronté, cette fois, à plusieurs problèmes pécuniaires. Selon Christopher Finch, « la production de Fantasia absorbait les ressources de l'entreprise [Disney] » et « la production de Bambi avait été confiée à une équipe squelettique[71]. » Les deux films sortis en 1940, Pinocchio (environ 2 600 000 USD) et Fantasia (environ 2 300 000 USD), nécessitent des budgets de plusieurs millions de dollars au total mais ne réalisent pas les résultats escomptés. Leurs revenus ne dépassent pas le million de dollars pour leur première exploitation.
 Le studio tente de réduire les dépenses mais le budget alloué à Bambi atteint dès septembre 1940, les 858 000 USD[70]. Dans le but d'obtenir quelques revenus, le studio Disney lance dans l'année 1940 deux films à petit budget avec l'espoir que les revenus récoltés permettent la production d'autres projets[72],[73].
 Le premier nouveau projet est Le Dragon récalcitrant, mêlant documentaire en prise de vue réelle et animation, pour un budget réduit à 600 000 USD[72] et le second est Dumbo produit pour environ 800 000 USD[74],[75],[76]. Ces deux films permettent principalement en raison de leurs coûts réduits, d'avoir quelques revenus et d'achever la production de Bambi.
 Malgré ces problèmes financiers, la production de Bambi progresse durant l'année 1940. Le scénario achevé depuis juillet 1940, l'animation peut se faire à un rythme plus rapide. Dès l'automne une grande part de l'animation est déjà réalisée[70]. Comme certaines scènes ont été refaites depuis les premiers enregistrements vocaux, des dialogues sont réenregistrés par les acteurs, soit trois ans plus tard[8].
 Le 24 octobre 1940, Disney visionne ce qui semble être une version préliminaire complète avec la musique. Cette version est composée de toutes les scènes, certaines encore à l'état d'esquisses, et avec des enregistrements parfois incomplets[77]. À l'issue de la projection, Disney est mécontent de la musique car elle fait « prendre le risque au film d'être trop subtil[77] » ; comme le note Barrier, la sortie concomitante de Fantasia justifie peut-être cet avis[77]. Thomas et Johnston précisent que Walt venait de visionner la séquence de la Symphonie pastorale de Fantasia et, à la moitié de la projection de la séquence de l'incendie de Bambi, mise en musique par Edward H. Plumb, il stoppe la projection[78]. Walt demande au projectionniste de projeter la scène de Bambi avec la musique de Fantasia, afin de souligner l'importance de la force de la musique et son souhait d'avoir la même chose pour Bambi[78]. Il déclare[79] : « La musique doit donner une emphase dramatique et je ressens une monotonie au travers [...] La façon dont le film est dessiné vous permet de ne pas le dire avec des dialogues, vous avez la musique qui le fait [...] [Fantasia] a prouvé qu'on peut le faire. »
 Début 1941, il ne reste que l'animation de la scène de l'incendie, scène ajoutée par Disney au roman de Salten[80]. Cette scène est toutefois longue et nécessite beaucoup de travail. Pour Walt, c'est la scène finale du film dans laquelle Bambi découvre qu'il existe quelque chose de plus puissant que l'homme dans la Nature, le feu[80]. Disney souhaite avoir, au sein de cette longue séquence, une scène montrant, après l'incendie, un chasseur mort au pied d'un arbre calciné[81]. La scène, située après l'incendie dans une atmosphère redevenue calme, est réalisée mais la visibilité du corps du chasseur, vague silhouette ou cadavre détaillé, soulève une hésitation persistante[81]. Dans le doute, Walt laisse David D. Hand, responsable du film, choisir l'option, Hand prenant celle du réalisme détaillé. La scène est projetée lors d'une séance test devant 400 personnes mais, à la vue du corps, le public sursaute[81]. Walt décide alors de supprimer la scène[81], motivé aussi par la réduction des coûts[82].
 Durant les derniers mois de production, les équipes cherchent une fin pour le film, une morale ou un dernier conseil. Au fur et à mesure des réunions, une idée s'impose : un tel final n'est pas nécessaire[83]. Après les destructions de l'incendie, une scène de renaissance brillante semble fournir un bon contraste[83]. Pour Felix Salten dans son roman, Bambi doit apprendre assez pour devenir le nouveau Prince de la forêt. De son côté, Sidney Franklin a indiqué, au début du projet, que le public apprécie les films basés sur un cycle complet[83]. Ainsi Bambi présente un cycle, depuis la naissance d'un faon à la naissance de ses enfants[84].
 Tandis que la production de Bambi s'achève, les problèmes de budget ressurgissent. Au printemps 1941, Walt réunit ses animateurs et leurs signifie que les dépenses doivent être réduites de moitié[82]. De nombreuses coupes sont alors réalisées. Thomas et Johnston donnent les détails suivants : la scène de la forêt calcinée, raccourcie de 300 pieds, d'autres petites scènes supprimées, encore 200 pieds de moins, il reste alors 8 500 pieds mais plusieurs scènes sont inachevées[85] et donc potentiellement dispendieuses. Des scènes avec un grand nombre d'animaux sont alors supprimées, le film est ramené à 8 000 pieds[85]. Les huit séquences de Bambi et son père échappant de la forêt enflammée sont résumées à cinq, encore 500 pieds de moins[85]. Les scènes restantes, nécessitant beaucoup de travail ou d'attention, sont, elles aussi, coupées, celles au rythme lent aussi, ainsi que celles comportant des ombres mouvantes ou des couleurs changeantes, il reste alors 6 500 pieds[85]. Les dernières coupes amènent le film à une longueur finale de 6 259 pieds dont la plupart des scènes sont déjà animées, les dernières séquences sont payées grâce aux recettes du film Le Dragon récalcitrant[85].
 Le studio Disney est engagé, fin mai 1941, dans une grève. Malgré cela, Walt Disney s'envole pour l'Amérique du Sud à la mi-août[86] pour une mission à caractère diplomatique dans le cadre de la Good Neighbor Policy. Tandis que les syndicalistes quittent le studio[87], celui-ci est fermé. Il rouvre le 12 septembre, avec un syndicat mais deux cents salariés de moins, deux cents des trois cents grévistes ont été réembauchés[88]. La production du film Bambi en aurait été retardée de trois mois.
 De retour, quelques semaines plus tard, Disney achève la production de Dumbo. La première a lieu le 23 octobre 1941 à New York[89]. En novembre 1941, le studio réduit encore le nombre de ses employés en en licenciant près de 200. Il reste alors 530 personnes, soit moins de la moitié des employés présents début mai 1941[88].
 L'année 1941 s'achève avec l'attaque de Pearl Harbor, le 7 décembre[88] : les États-Unis entrent dans la Seconde Guerre mondiale[29]. Dans les premiers mois de 1942, l'armée américaine réquisitionne une partie du studio pour s'y installer, tandis que près de la moitié des employés est enrôlée dans l'armée ou mobilisée dans l'industrie militaire[90]. La production du film Bambi est presque abandonnée et l'équipe responsable du film est constituée d'une petite quarantaine d'hommes et femmes[90]. Ces graves événements éclipsent les détails de la fin de la production du film.
 Une prévisualisation de Bambi est organisée le 28 février 1942 dans un cinéma de Pomona avec du public en présence de quelques membres du studio[90]. Malgré les réactions diverses des spectateurs, Walt décide de conserver le film tel quel, sans coupure ni ajout et, après la correction de quelques détails mineurs, le film sort le 13 août 1942[91] à New York et, le 21 août, sur l'ensemble du territoire américain.
 Pour les personnages, Lambert note que Walt Disney avait des idées très précises à leur sujet, comme en témoignent les comptes rendus de réunions, il les voulait avant tout « authentiques[26] ». Toutefois, Koenig note que les personnages de Disney sont beaucoup plus anthropomorphiques que ceux de Felix Salten[27]. Ainsi les barrières naturelles entre les espèces et entre les sexes ont été estompées par Disney[27]. Le cas le plus flagrant est celui du lapin Panpan qui se fait mentor de Bambi.
 L'enregistrement des voix des personnages a eu lieu très tôt, vers 1937-1938[8].
Pour les voix enfantines, le studio a choisi d'avoir recours à des enfants non professionnels[8]. Il est probable que ce soit une mesure budgétaire. La plupart des jeunes acteurs n'ont pas poursuivi de carrière après le film Bambi, à l'exception de Marion Darlington, actrice spécialisée dans les bruitages d'oiseaux, qui avait déjà participé à Blanche-Neige et, après Bambi, continua dans cette voie[8].
 Le personnage-titre du film est un jeune faon malhabile sur ses pattes mais avec un avenir prometteur de « Grand Prince de la forêt »[92]. Il apprend la vie auprès de sa mère et de deux compagnons de jeux, un lapin appelé Panpan et une mouffette nommé Fleur[92].
 Le héros Bambi est dessiné conjointement par Milt Kahl et Frank Thomas[26],[51]. Pour Bambi, Kahl reproduit les caractéristiques du faon naturel mais sans les exagérer. De cette façon, il rend l'animal plus « adorable » et, en même temps, plus proche des enfants humains en agrandissant proportionnellement la taille du visage et des yeux[93]. Cette initiative est présentée aux autres animateurs le 9 septembre 1939 et est reproduite pour les animaux proches de Bambi, certains aussi esquissés par Kahl[93]. Lors de ses premiers pas, Bambi est représenté avec de longues jambes chancelantes et des grands yeux pleins d'innocence[94]. Mais pour Grant, la personnalité du personnage, comme celles de la plupart des autres personnages dans le film, manque de profondeur[94]. Tout au long du film il grandit, perdant ses taches de faon et gagnant des bois, sa voix étant aussi fournie par différents acteurs[94].
 Le personnage de Féline est, selon Thomas et Johnston, celui dont les yeux sont les plus réalistes jamais faits et comprennent des cils, des pupilles bicolores et même des canaux lacrymaux[95]. Pour le caractère de Féline, Walt souhaite reprendre certains éléments du livre comme son intelligence et sa compréhension ou encore la simplicité des réponses qu'elle donne aux nombreuses questions de Bambi[26]. Mais selon Grant, le personnage offre, par opposition à la mère de Bambi, « le plus grand contraste entre deux personnages d'aspect aussi similaire qu'il soit possible[96]. » Lorsqu'elle est jeune elle ressemble beaucoup à Bambi et est très peu féminine[96], en dehors de ses yeux. À l'âge de l'adolescence elle est un peu plus mûre que Bambi par ses manières et sa voix[96]. À l'âge adulte toutefois elle n'a rien de la mère de Bambi, pour Grant elle garde son caractère intelligent mais elle est avant tout sexy, Féline n'a pas les yeux maternels de l'instructeur-protecteur mais au contraire des yeux plus brillants, plus durs et plus noirs[96]. La mère de Féline, nommée Tante Ena, a, comme celle de Bambi, un caractère placide[96]. Grant indique toutefois qu'à la fin du film, en donnant naissance à ses faons, Féline possède alors les mêmes caractéristiques que la mère de Bambi, perdant un peu sa coquetterie mais gagnant en stoïcisme, en pragmatisme et en tranquillité[97].
 Selon Thomas et Johnston, Le Prince de la Forêt pose un problème de transmission d'informations aux spectateurs : comment faire passer ses hautes idées de courage et de sagesse[98] ? Pour résoudre cela, Bernard Garbutt et Milt Kahl développent un personnage fort mais silencieux dans l'action et empreint de majesté[98]. Il doit aussi avoir un mode d'expression direct et empreint d'autorité ne permettant pas à Bambi de répondre[26]. C'est pour cela que sa voix est peu empreinte d'émotion[97]. Il est principalement dessiné par Don Lusk et Bernard Garbutt[99]. Pour Grant, il possède deux rôles, l'un d'être un symbole de maturité et l'autre de fournir des commentaires et des conseils à l'instar d'un chœur dans la tragédie grecque[97].
 D'autres cerfs apparaissent dans le film, comme la mère de Bambi que l'on voit plus à travers les yeux de Bambi. Selon Grant, cela la transforme « plus en une perception du personnage qu'en un personnage réel[96]. » Elle possède une « voix invariablement maternelle et aimante » tandis que « chacune de ses apparitions évoque la gentillesse et l'amour de l'instinct maternel[96]. »
 Ronno, le jeune cerf qui combat Bambi pour séduire Féline, ne peut être considéré, selon Thomas et Johnson, comme un méchant même s'il est adversaire du héros[100]. La séquence dans laquelle il apparaît est avant tout une scène de combat dans laquelle il est plus solide, probablement plus âgé que son adversaire mais qu'il ne gagne pas[97].
 Le personnage du lapin Panpan, orthographié Pan-Pan dans les bandes dessinées[101], est dessiné par Frank Thomas assisté d'Eric Larson[102]. Thomas décrit Panpan ainsi[102] : « Âgé de quatre ans, il est téméraire et sûr de lui, une sorte de meneur qui s'est imposé de lui-même comme guide du faon, pourtant plus grand que lui, mais plus jeune et complètement ignorant. » Le personnage, d'abord peu présent, est développé pour ajouter du comique au film, c'est un souhait de Disney, après la découverte de l'acteur devant lui donner sa voix[103]. Cette voix est trouvée par deux animateurs rendant visite à un ami professeur dont le fils, Peter Behn, correspond à ce que le studio recherche[8]. Les premiers tests d'enregistrement avec Peter ont lieu en novembre 1938[104]. La voix de Peter est selon Grant mignonne mais pas de manière désagréable, ingénieuse et clairement celle d'un jeune enfant[105]. Peu avant la sortie du film, des scènes ont dû être réenregistrées par Peter, ce qui, trois ans après l'enregistrement initial, aurait pu être compromis par l'évolution de la voix du garçon, mais ce ne fut pas le cas[8].
 Courant 1940, Panpan est seulement l'un des enfants de M. et Mme Lièvre[106]. Le personnage de Panpan utilise un principe d'animation découvert par Hamilton Luske avec les lapins du film Blanche-Neige[107]. Ce principe veut que, plus on cherche à rendre l'animal ressemblant à son anatomie réelle, plus son aspect devient dur et moins sa fourrure semble douce[107].
 Lors d'une réunion de travail à propos de la scène de chasse, Perce Pearce, soutenu par David Hand, propose de faire mourir non pas M. Lièvre, comme le suggère Sidney Franklin, mais Panpan, ce qui aurait eu un impact émotionnel plus important. Toutefois le reste de l'équipe préfère que Bambi soit blessé[108].
 Le personnage de Fleur, une mouffette mâle, est à l'origine issu d'un gag imaginé pour la scène de la découverte de la forêt par Bambi[109]. Alors que Panpan apprend au jeune faon le nom des plantes et des animaux de la forêt, Bambi découvre dans un parterre de fleurs une mouffette qu'il baptise par erreur « Fleur[110] ». Ce personnage permet une morale sur l'acceptation d'autrui, « malgré son odeur naturelle il reste une fleur et un ami fidèle et loyal de Bambi et Panpan[50]. » Fleur, de caractère timide, et sa compagne à la fin du film, ont été animés par Marc Davis[102],[111]. Pour Grant, le personnage de Fleur, qui n'apparait que dans quatre scènes, souffre du fait que Panpan lui vole la vedette[105].
 Panpan et Fleur sont, pour Christopher Finch, les deux personnages les plus sympathiques. Ils semblent « faire partie du courant principal Disney » car utilisés principalement dans un but humoristique, cet usage fonctionnant assez bien[112].
 Pour Disney, le personnage de Hibou doit « être une créature naïve, absurde » passant « le plus clair de son temps à effrayer les autres[26] ». Il est dessiné par Eric Larson[102],[113]. Pour Lambert, ce hibou est le plus bavard du film dans un long métrage qui ne comprend qu'un peu moins de neuf cents mots[102]. Pour Grant, c'est une caricature glorieuse, dépeignant un mélange entre une sorte de misanthrope et une fausse figure paternelle ayant avant tout un rôle humoristique[97]. Il possède toutefois une seconde fonction, celle de lier l'histoire, servant de pseudo-narrateur[105]. Sa figure paternelle est faussée car les conseils qu'il donne, à propos de l'amour, ne sont pas allègrement et rapidement suivis[97]. Il possède un comportement non naturel, ne mangeant pas les petits animaux, qui est aussi donné au hibou femelle Big Mama dans Rox et Rouky (1981)[114].
 Le film comporte d'autres animaux comme les mères et les petites amies de Panpan et Fleur, les frères et sœurs de Panpan, la mère caille et la mère taupe et leurs petits respectifs sans compter les innombrables cerfs, oiseaux et autre animaux[115].
 L'homme n'est jamais vu dans le film[8],[109], il est même moins « visible » que dans le livre. Salten y décrit une scène de chasse avec des chiens poursuivant un renard, action non gardée dans le film[109]. Les artistes de Disney essayent de « nombreuses possibilités pour dépeindre le chasseur meurtrier » allant du tir explicite en plein corps à la balle perdue[109]. La version la plus subtile risquant de n'avoir aucun impact, la version trop détaillée risquant pour sa part d'ébranler le public, le studio décide de faire une projection-test[109]. La version montée par Dave Hand inclut une présentation brutale qui choque les 400 spectateurs, et qui décide Disney à retirer la scène du film[109].
 Le film Bambi comporte des différences par rapport à l'œuvre de Salten. L'un de ses personnages n'est pas présent dans le film : Gobo, le frère de Féline[8],[27]. À l'inverse, le personnage de Fleur et la scène du feu de forêt sont ajoutés[8]. Le lièvre, tué à la fin du livre, est remplacé par un lièvre père de famille, respecté dans la forêt[27].
 Le film Bambi possède un style graphique « merveilleusement stylisé » ainsi qu'une utilisation de la couleur très particulière[8]. Par exemple, la lutte de Bambi dans la forêt se joue dans des couleurs sombres et crues, avec des silhouettes cramoisies composant la scène tandis qu'une musique dissonante la dramatise[8]. L'arrivée de l'automne donne lieu à une envolée de feuilles dansantes très colorées[8]. Pour créer ou renforcer la profondeur des plans, de nombreuses scènes utilisent la caméra multiplane comme le long traveling d'ouverture du film. L'usage de cette technique sera moindre après la fin de la production de Bambi[116]. Le département des couleurs a, de son côté, développé des centaines de nouvelles couleurs spécifiquement pour le film[112], utilisées ensuite avec profit.
 Le film, du moins son scénario, est fortement basé sur les esquisses animalières de Bernard Garbutt[51]. Techniquement, la texture du film varie selon les scènes. Ainsi, celle du jeu des jeunes animaux, Bambi, Panpan et Fleur, se situe « non pas dans une vraie forêt mais dans une tapisserie peinte de couleurs[117]. »
 Lambert indique que l'un des aspects les plus importants du film est le « sujet naturaliste[102] ». Allan écrit que les animaux sont dessinés avec une « attention méticuleuse du détail » au point « d'oublier que c'est un film d'animation[19] ». Thomas et Johnston évoquent les propos de Dave Hand qui considère Bambi comme « le film le plus difficile à animer en raison de la construction anatomique du faon[65] ». Ils indiquent que les esquisses préparatoires des cerfs contiennent même des suggestions d'ombre tombant sur les corps[118]. Koenig ajoute que Disney souhaite que « la beauté de la nature soit distillée dans le film, intensifiée par un sentiment de réalisme, mais sans signe de laideur, de cruauté ou d'animaux mourants[27]. »
 Mais Thomas et Johnston précisent que le film n'est pas réaliste, « il ne fournit au public que ce qu'il accepte comme étant réel » car un dessin réaliste ne permet pas une animation. « Plus le personnage capture l'essence de l'animal, plus il offre de possibilités pour lui faire jouer le rôle de l'animal[119]. »
 Thomas et Johnston révèlent d'autres détails de l'animation du film. La scène des chiens de chasse est dessinée principalement par la jeune animatrice Retta Scott, qui, si elle maîtrise parfaitement le dessin des chiens et autres animaux « virils » dans toutes les positions, est moins à l'aise avec l'animation ; sous la supervision d'Eric Larson, elle apprend à faire se succéder les poses pour faire naître l'animation[120].
 Les dessins des bois du cerf sont beaucoup plus difficiles à animer que les balles des fusils des chasseurs, au point qu'un système est mis au point par Bob Jones afin de pouvoir dessiner les bois sous n'importe quel angle, travail long et ennuyeux mais au résultat réaliste[99],[121]. Le système développé par Jones consiste, pour l'animateur, à d'abord esquisser la tête sans les bois, puis à placer une miniature en plastique et en trois dimensions d'une tête de cerf avec ses bois dans la même position sous la vitre d'un rotoscope, enfin à tracer les contours des bois au-dessus du dessin de la tête[121],[122]. Avant ce système, plusieurs animateurs ont dessiné le cerf parfaitement mais, lors des projections, les bois semblaient être en caoutchouc[122] et pas très solides. Autre point concernant les cervidés, ils ne possèdent pas en réalité de joue et pas vraiment de menton, rendant difficile l'animation des scènes de dialogues[123].
 Les études des mouvements de lapins vivants permettent, grâce à un lapin blanc semble-t-il « inspiré », de réduire une séquence de saut en seulement cinq étapes[124] : contraction, extension-propulsion, apogée, approche, réception. Une approche similaire, se démarquant des sauts ou des galops des courts métrages, est utilisée pour rendre les souris plus réalistes dans la scène de la pluie d'avril[125].
 Les décors réalisés lors de la production de Bambi sont, pour Thomas et Johnston, tellement détaillés qu'ils semblent être des photographies ou issus de livres d'illustration[118]. Les scènes représentées grâce à des taches d'ombre, donnent une illusion de solidité, définissant les formes et aidant à visualiser les expressions[118].
 Lambert raconte, pour souligner le thème du naturalisme, l'arrivée sur le film du jeune animateur chinois Tyrus Wong engagé début 1938 comme intervalliste[102], passage obligé pour tous les animateurs nouveaux venus[118]. Ayant appris la production de Bambi, Wong réalise durant ses week-ends des aquarelles du jeune faon dans de nombreux paysages[102] empruntés de la tradition chinoise[126]. Dans son approche, il ne représente pas tous les détails, les contours des branches ou des fleurs, il simplifie pour créer une atmosphère[118]. Il présente ses dessins à Thomas H. Codrick, directeur artistique sur le film, qui, impressionné, les soumet immédiatement à Walt Disney ; ce dernier promeut Wong dans le département artistique à la conception des décors[102]. Wong réalise par la suite de nouvelles études préliminaires, non plus à aquarelle, peinture traditionnelle chinoise, mais au pastel, à la gouache et à la peinture à l'huile[102].
 Techniquement, les décors sont réalisés avec un fond à la peinture à l'huile associé à de la gouache acrylique, ce qui permet de donner un meilleur effet de profondeur[102]. En raison de la profusion de détails de la forêt et pour ne pas entrer en conflit avec les personnages, les peintres des décors doivent suivre trois règles[127] :
 Finalement, une grande partie des décors de forêts est l'œuvre Tyrus Wong[103]. Lambert déclare que la scène la plus difficile à mettre au point est la scène d'introduction avec son long travelling au cœur de la forêt[102] et conçue par Dick Anthony[40]. Elle a nécessité plusieurs semaines de tournage avec neuf plans de peinture sur plaques de verre[102]. Allan considère cette scène très élaborée comme une démonstration des possibilités de la caméra multiplane[19].
 Une autre scène, décrite par Allan, démontre l'attention portée aux détails et le soin à construire des effets, celle illustrant La Chanson de la pluie (Little April Shower)[19]. Basée sur les esquisses inspirées de Sylvia Holland, cette scène est un « chef-d'œuvre d'observation et de délicatesse combinant le naturel et l'anthropomorphisme » et possède une « qualité réminiscence de l'école aquarelliste anglaise et du génie de Beatrix Potter[19] ». Selon Thomas et Johnston, la scène de pluie permet de quantifier l'amélioration technique du studio en la comparant simplement avec celle à la fin du film Blanche-Neige, réalisée quelques années auparavant[128]. Dan MacManus a, par exemple, réalisé pour Bambi des études sur les éclaboussures des gouttes de pluie tombant sur une feuille[129].
 Barrier cite un souvenir de l'animateur d'effets spéciaux Cornett Wood : la scène où Bambi effrayé se retrouve sous la pluie, avec des éclairs déchirant le ciel et le tonnerre grondant, a nécessité 14 prises de vue de tests[64] avant d'arriver à ce que souhaitaient les animateurs. Pour Bob Thomas, « cette scène emploie la couleur avec un grand bénéfice[130] ». La séquence de la pluie d'avril possède aussi un élément assez étonnant, lorsque les lapins se sont réfugiés dans leur terrier, un éclair illumine le ciel et provoque un effet de transparence comparable aux rayons X[131].
 Michael Barrier évoque la scène de patinage de Bambi, d'après un compte-rendu d'une réunion de travail de 1939, Walt Disney la compare à une situation identique de Pluto tentant de patiner dans Mickey patine, un court métrage de 1935[93]. Toutefois la scène avec Pluto, dessinée par Norman Ferguson, ne comprend qu'un personnage, alors qu'une relation se développe entre Bambi et Panpan[93]. Thomas et Johnston indiquent que la scène complète, aujourd'hui culte, a failli être supprimée sans la persévérance des animateurs et trois jours et trois nuits de tests d'exposition[132]. La scène pose des problèmes pour son passage du storyboard à une animation complète mais, grâce à de nombreux tests, les animateurs ont pu tester le timing et les réactions des personnages. Étant parvenu à un rendu acceptable, ils sauvent la scène, qui fut améliorée par la suite[132].
 Pour Maltin, le seul effet « trop stylisé » est celui du feu de forêt, qui est obtenu en peignant directement sur les cellulos sans ligne de séparation[8]. Les animateurs essayent de « donner aux flammes un semblant de vie qui va à l'encontre du grain du film et entre en conflit avec la forêt et les animaux méticuleusement dessinés que les flammes poursuivent[8] ». Pour rappel, dans des courts métrages de Silly Symphonies, comme Elmer l'éléphant (1936), les flammes sont même dotées de bras, de jambes et d'une volonté maligne. Mais, comme le font remarquer Thomas et Johnston, cette scène d'incendie nécessite un haut niveau technique. Ainsi, pour renforcer la force du feu sans saturer le film de couleurs, l'équipe des effets spéciaux a utilisé une plaque de verre de distorsion entre la scène et le décor peint et une plaque supplémentaire pour accentuer les effets de réflexions des flammes sur l'eau[133].
 Pour Allan, le film possède « une histoire claire avec des épisodes dramatiques et des personnages simples et magnifiques[19] ». Il critique toutefois la course des cerfs (supervisée par Eric Larson[113]) qu'il considère comme diffuse, stylisée et expressionniste[19]. Selon Maltin, au niveau scénaristique, « le drame dans Bambi est une litote d'une grande efficacité », obtenue par un « dialogue resté au minimum », un silence « contrastant avec la forêt vocifératrice[8] ». Par exemple « l'affirmation de la mère de Bambi comme quoi l'homme [pause] est dans la forêt » crée un effet qu'aucun développement littéral ne permet d'exprimer[8]. Lors de cette longue gestation, des dix mille mots du livre de 223 pages dont il est tiré, le premier scénario du film n'en compte que 5 000 pour ne représenter dans le film final que 950 mots de dialogue[109]. Pour Grant, la scène du combat entre Bambi et Ronno a été traitée comme une semi-abstraction[97].
 Grâce à l'expérience acquise sur Fantasia, l'équipe des effets spéciaux dirigée par Joshua Meador réalise, selon Lambert, un « travail considérable[102] ».
 Bambi est un des rares film de Disney où les chansons ne sont pas interprétées par les personnages mais en voix off. Toujours d'après Lambert, la musique composée par Edward H. Plumb et Frank Churchill est un autre élément à rapprocher de Fantasia, « l'une des grandes réussites de Bambi » et se fait « mi-impressionniste, mi-illustrative[102] ».
 Deux chansons présentes dans le film à sa sortie ont ensuite été supprimées de la bande son :
 Le budget initial de Bambi est rapidement dépassé et atteint, dès septembre 1940, les 858 000 USD[70]. Pinocchio et Fantasia, tous les deux à plus de 2 000 000 USD, ne font pas, en 1940, les rentrées prévues, alors Walt Disney lance, toujours la même année, deux films à petit budget, Le Dragon récalcitrant à 600 000 USD[72] et Dumbo à 800 000 USD[74],[75],[76] et demande des crédits à la Bank of America. Le coût total de Bambi n'est pas connu avec exactitude, le film étant terminé alors que le studio est réquisitionné par l'armée américaine en 1942, mais il dépasse, comme Pinocchio et Fantasia, les 2 000 000 USD. Peu avant sa sortie et comme à l'accoutumée dans les années 1930, le film a été présenté à un public test dont les réactions ont été observées, enregistrées et étudiées en détail[62]. L'une de ses études réalisée en octobre 1940 auprès de 70 employés comprenait un questionnaire comportant des espaces pour des suggestions dont le résultat est conservé aux archives Disney[134].
 La première mondiale est d'abord prévue au Lincoln Theater à Damariscotta dans le Maine, mais, devant l'opposition des chasseurs, le gouverneur de l'état demande son annulation. Elle est donc prévue à New York pour le 30 juillet 1942 au Radio City Music Hall, mais la sortie est retardée du fait de la prolongation de la présentation du film Madame Miniver de William Wyler[135]. La première mondiale de Bambi se fait donc à Londres le 8 août 1942[91] un dimanche au New Gallery Cinema[136], à New York le 13 août] et le 21 août] sur l'ensemble du territoire. À New York, le film reste deux semaines à l'affiche du Radio City Music Hall et selon Jimmy Johnson à peu près autant dans les autres villes américaines[137]. Du 19 juillet au 4 octobre 1942 , le film est adapté en bande dessinée sous la forme d'un comic strip de mois dans la série dominicale Silly Symphony[138]. En 1942, le film sort aussi au Brésil et en Argentine et rapporte environ 3 000 000 USD, la guerre privant le studio des rentrées du marché européen. À sa sortie, le film a été sous-titré a Great Love Story[8] (une grande histoire d'amour), ce qui n'est pas le propos premier de l'œuvre de Salten, qui n'hésite pas à décrire la cruauté de la forêt. Bambi tout comme Fantasia est un gouffre financier qui récolte peu d'argent en salle[139]. Devant ce piètre résultat, Disney ressort Blanche-Neige au cours de l'année 1944.
 Selon Maltin et Allan, Bambi est devenu la base, en thème et en format, de plusieurs longs métrages documentaires intitulés True-Life Adventures[4], à commencer par L'Île aux phoques en 1948[42]. Un certain nombre de film de Walt Disney reprennent des passages de Bambi ou y font allusion comme dans Le livre de la jungle où le tigre Shere Khan chasse sans succès la mère de Bambi. Dans Les Aventures de Bernard et Bianca, alors que Penny pleure à l'arrière du bateau, lors de la chanson Someone's Waiting For You, celle-ci voit Bambi et sa mère manger de l'herbe sur le bord du bayou. La séquence de l'orage de Rox et Rouky réutilise une scène de Bambi quand les cailles et les canards cherchent un abri pendant la pluie d'orage. Pour la télévision, des films d'animation produits par le département télévision de Disney font souvent appel aux personnages ou à des séquences de Bambi comme dans la série Disney's tous en boîte où l'on voit Bambi et Féline invités dans le club de Mickey Mouse dans l'épisode no 5 de la troisième saison La Maison de Picsou.
 En 1944, Walt Disney autorise l'utilisation de scènes du film Bambi pour des campagnes de prévention contre les incendies de forêts. Mais cette autorisation n'est valable que pour un an et Bambi ne sera pas l'animal symbole du Service des forêts des États-Unis. Pour les campagnes suivantes, un personnage spécial est créé, l'ours ranger Smokey Bear[140]. À l'instar de plusieurs autres longs métrages, des extraits du film servent à réaliser un court métrage éducatif : Bambi: A Lesson in Perseverance (septembre 1978) expliquant la notion de persévérance au travers d'une jeune fille faisant ses premières tentatives à vélo[141].
 Bambi ressort aux États-Unis en 1947 faisant 2 200 000 USD de rentrées. En 1948, le film sort en Inde avec un doublage en hindi, devenant le premier long métrage étranger à avoir ce traitement mais, en raison de la culture indienne, les musiques du film ont été recomposées et interprétées par des chanteurs locaux[142]. Pour encourager les jeunes indiens Arapahos à continuer à utiliser leur langue et à la préserver, The Wyoming Council for the Humanities confie en 1994 à l'anthropologue Stephen Greymorning le doublage du film Bambi dans la langue d'origine algonquine, l'arapaho, pour les communautés cheyennes et sioux[143].
 Avec un bon accueil par les critiques et un succès financier après plusieurs ressorties, le film devient un classique du studio[28]. Steven Watts cite Franklin Thomas qui se souvient de Walt Disney émus jusqu'aux larmes à la vue des premières scènes du film, et donc l'un de ses préférés que Watts considère comme le plus touchant des premiers longs métrages[144]. Pierre Lambert mentionne une interview plus tardive dans laquelle Walt Disney a déclaré que ce film était son préféré : « De tous les films que j'ai pu faire, Bambi a été le choix le plus heureux. Je ne vois pas d'histoire ou de sujet qui puisse toucher les gens davantage[102]. »
 La seconde version française du film est sortie en VHS au Québec en 1989 ; dans celle-ci, Fleur s'appelle « Belle Fleur » et M. Hibou « Père Hibou ». En 1990, Frank Thomas et Ollie Johnston publient le livre souhaité par Walt Disney en 1939, projet redécouvert après 1979 lors de l'élaboration de leur « Bible sur l'animation », The Illusion of Life: Disney Animation[30].
 Au début des années 2000, dans le cadre de ses nombreuses suites de longs métrages d'animation, le studio Disney lance la production d'une « suite » au film Bambi. Ce sont les DisneyToon Studios, spécialisés dans ce type de production, qui réalisent ce qui est appelé une « midquel », c'est-à-dire une histoire qui se déroule après le début d'une œuvre mais avant la fin de celle-ci. Dans Bambi, cette suite prend place entre la mort de la mère et l'adolescence du faon. Elle permet d'évoquer l'enfance du héros sous la protection du Prince de la forêt, son père.
 Bambi est le premier film Disney à avoir été remasterisé en THX. Il est restauré pour une sortie du film sur un support DVD en 2005 grâce à un négatif conservé à la Bibliothèque du Congrès des États-Unis. Les négatifs des films des années 1930/40 sont enregistrés sur des pellicules au nitrate. L'inconvénient de ce type de support, en plus d'être très inflammable, est d'être particulièrement instable, le film se transforme lentement mais inexorablement en poudre.
 Heureusement, le négatif « noir et blanc » de Bambi est bien conservé ; chaque image du film de 1942 était reportée sur la pellicule sous forme de trois images en « nuance de gris » photographiées avec un filtre rouge, vert et bleu permettant de conserver ainsi la dynamique des couleurs. Chaque image est numérisée, recomposée pour obtenir une image couleur et traitée pour supprimer tous les défauts (rayures, poussières, etc.). Les images en couleur sont ensuite assemblées pour reconstituer les séquences, elles-mêmes remontées pour redonner le film. Il est ensuite comparé à un « dye transfert Technicolor » des années 1950 pour équilibrer les couleurs.
 Nombre de bandes mono magnétiques et optiques sont écoutées pour sélectionner une bande maître. Le son est traité pour supprimer tous les artefacts des précédents traitements comme la réduction de bruit Dolby des années 1980. Enfin le son mono a été travaillé pour créer un son 5.1[145].
 Quelques anomalies du film original sont corrigées lors de cette restauration comme le déplacement fortuit du bébé raton laveur que sa mère lèche une fois à l'abri de l'incendie. Les anomalies de couleur, elles, ne sont pas corrigées.
 En 2009, le film Bambi a réalisé 268 000 000 USD dont 102 800 000 USD aux États-Unis auxquelles il faut ajouter 47 265 000 USD de recettes de location aux États-Unis[146].
 La sortie du film en 1942, alors que les États-Unis sont en guerre, prive les studios d'une importante part des profits envisagés[15], sans compter l'absence de revenus en Europe. Mais ce film reste « universellement reconnu comme l'un des plus charmants de Walt Disney[15] », le « long-métrage d'animation le plus gentil de Disney, une adaptation délicate de l'histoire de Salten[4] ». Pour Christopher Finch, la production du film prend du temps mais, par sa nature, ce n'est pas un projet que l'on peut précipiter[71]. Finch poursuit en écrivant que « le résultat final du film est insatisfaisant surtout par rapport aux standards que Disney a établi dans les précédents longs métrages d'animation[147]. » Mais, pour lui, les artistes ne sont pas fautifs et le problème réside dans l'interprétation, peut-être dans le script lui-même[147]. Robin Allan écrit que le film a été « vraiment très difficile à développer[148] ». Pierre Lambert déclare, quant à lui, que Bambi, malgré ses cinq années de production, est l'un des plus beaux films de Disney, inspiré assez fidèlement du livre de Salten[26]. Steven Watts écrit que Bambi clôture remarquablement une décennie de productions pour le studio[28]. John Grant considère le scénario du film comme « peu épais » et le travail de personnification manque de profondeur, à l'instar de Dumbo[94]. Pour les personnages, selon Grant, seuls Panpan et le hibou ont été fortement développés mais le manque de profondeur n'est malgré tout pas important car cela renforce le réalisme des animaux[94].
 Pour Robin Allan, « le succès de Bambi à sa sortie n'était pas celui espéré par Disney » mais gagnant « en popularité, il était aimé par les enfants malgré l'horreur de la mort de la mère de Bambi[19] ». Pour lui, le film est « très américain et la stylisation réduite du dessin est due à l'artiste chinois Tyrus Wong[149]. » Il développe dans un autre ouvrage son point de vue : ainsi, « après un examen rapproché, le film révèle des anomalies, peut-être liées à sa longue gestation », donnant une sensation de « diffus[19] ». Il oppose et regrette la juxtaposition de scènes très élaborées, comme celle d'introduction, à d'autres presque incomplètes, celles très fortes émotionnellement, celles comiques et celles stylisées[19]. Il évoque les explications de Thomas et Johnston : un Walt Disney expansionniste débute la production mais qui doit faire des coupes en raison de problèmes économiques, considérant même à un moment l'arrêt de la production, ce qui donne au film d'extraordinaires contrastes, combinant la timidité et les émotions fortes[117]. Steven Watts écrit que Blanche-Neige et les Sept Nains, Pinocchio, Fantasia, Dumbo et Bambi sont devenus un élément central et parfois adoré de l'héritage du studio en définissant un jalon créatif et en présentant une imbrication complexe d'éléments artistiques et de divertissements[150]. Schickel écrit que Bambi marque pour le studio la fin d'une période dédiée exclusivement à l'animation[151].
 Le journaliste Peter Stack du San Francisco Chronicle s'interrogeait sur la manière dont « une poignée de jeunes artistes de cartoon dans une ville nommée Hollywood avait réussi à capturer si parfaitement dans les grandes lignes et les détails le rythme et la grâce d'un faon[68]? » Pour Johnston et Thomas, la meilleure réponse est celle de Marc Davis : « Nous avions juste un petit groupe [...] qui pouvait le faire[68]. »
 D'après David Smith[15], ce film est abordé par les animateurs Disney de manière beaucoup plus sérieuse que les précédents films et courts métrages mettant en scène des animaux[152]. Afin d'augmenter le réalisme, ils doivent assister à des conférences d'experts animaliers et effectuer de nombreux repérages au zoo de Los Angeles, situé dans le Griffith Park, voisin des studios Disney[15],[42]. À cela s'ajoutent les deux faons vivants prêtés par l'État du Maine[2]. Pour permettre aux dessinateurs de saisir au mieux les mouvements et déplacements des animaux durant la réalisation du film, les studios eux-mêmes prirent des allures de mini-zoo.
 Pour les décors, des films furent réalisés dans les décors naturels des forêts du Maine aux États-Unis[15]. La méticulosité des animateurs prolonge la durée de production du film mais avec le consentement de Walt Disney émerveillé par le résultat[15]. Ainsi, les animateurs prennent beaucoup de temps à s'assurer que le nombre de taches sur le pelage de Bambi est constant. Le nombre de dessins réalisés chaque jour était réduit par cette étape de comptage effectuée entre chacun d'eux[15]. C'est à la diminution des dépenses que l'on doit très certainement le manque de tâches dans certaines scènes.
 Michael Barrier qualifie le film de « bucolique[153] » à l'instar des courts métrages d'animation fermiers de Mickey Mouse. Finch crédite Tyrus Wong de l'idée de donner une vie à « la forêt devenant même un personnage à part entière[71] ». David Whitley classe ce film comme l'unique représentant en animation parmi les films Disney de la « nature sauvage américaine[154] », dont font aussi partie certains films documentaires des True-Life Adventures. Steven Watts écrit que le film offre des paysages impressionnistes de la campagne[155] et que le studio a régulièrement fait appel à la Nature et au royaume animal dans ses courts métrages mais jamais autant et de façon aussi complexe[28]. Pour Watts, Bambi est le film de Disney le moins concerné par les humains[28]. Le film avec son dialogue minimal mets en avant un style naturaliste fort qui capture dans le moindre détail la vie animale[28].
 D'après Archer Winsten du New York Post, le film est « une présentation beaucoup plus élémentaire et sérieuse de la nature[8] », que les autres films d'animation. Allan note toutefois quelques incohérences à propos du réalisme naturel. La vieille forêt européenne de Salten avec « ses arbres, ses racines et ses fleurs assagis » est remplacée chez Disney par une forêt américaine sauvage, plutôt de la côte Ouest car composée essentiellement de sapins[103]. En fait, la forêt est ici composite, elle comporte à la fois des feuillus et des conifères, grâce aux photographies de Maurice Day prises dans le Maine, ce que confirment les feuilles qui tombent à l'automne[103]. Les fleurs, qu'Allan considère comme empreintes « de généralisation et de flou », sont aussi « à la Disney », avec une attention du détail moindre que dans la séquence Casse-noisette de Fantasia[103]. Sean Griffin prolonge l'idée d'Allan et écrit que Bambi « est trop réaliste » et « crée une illusion du réalisme » en dessinant des personnages vaguement réels et modifiés pour les besoins de l'animation[156]. Thomas et Johnston citent John Culhane : « le film est divertissant car il est réaliste dans l'esprit du public[157] ». Dès que les spectateurs sont convaincus de cette « réalité », ils parviennent à vivre avec ces animaux et il devient dès lors possible de leur développer une riche personnalité[157]. Pour Steven Watts, Bambi avec sa gentille histoire d'un jeune faon grandissant dans la forêt utilise la majorité de son énergie émotionnelle à explorer les cycles de la nature[158]. Watts fait un parallèle entre Bambi et le thème idéologique de Pinocchio évoquant tous deux une quête individuelle pour la sécurité, l'autodétermination et la cohérence de la famille de la Nature pour Bambi[158].
 Mark Pinsky considère qu'avec Bambi, Disney inaugure un nouveau thème qui perdure dans les futures productions du studio, celui qui veut que « la nature immaculée c'est bien (peut-être idéal) » et que « l'homme perturbe et détruit » celle-ci[159]. Johnston et Thomas considèrent le feu de forêt comme la représentation de la Nature brutale à l'image du déchaînement des éléments dans le segment L'Apprenti sorcier de Fantasia (1940) ou la scène de la marée montante dans la caverne des pirates des Aventures de Bernard et Bianca (1977)[160].
 L'écrivaine Olivia Rosenthal qui a travaillé autour du cinéma fait une analyse du film à la fois décalée, sérieuse et drolatique dans Bambi & co, un des chapitres de son livre Toutes les femmes sont des Aliens (2016).
 Selon Finch, le film est doté d'une atmosphère à dominante lyrique malgré quelques intermèdes comiques[71]. Steven Watts considère Bambi comme une évocation douce-amère de l'enfance, de la famille et de la protection de la nature face à l'intrusion de l'homme[28]. Withley précise que, malgré le monde troublé par le conflit mondial, le film ne possède aucun élément de guerre, seulement un sentiment de monde naturel pur, une retraite contre les instincts agressifs et prédateurs humains[161]. Walt veut que, avec la scène de l'hiver, le public ressente la même émotion qu'un jeune enfant découvrant la neige à son réveil un matin d'hiver[162].
 D'après Robert Tieman, le succès du film est en partie dû à l'utilisation d'un schéma classique du genre cinématographique, la relation entre trois amis, ici Bambi, Panpan et Fleur, à l'instar de Mickey Mouse, Donald Duck et Dingo ou plus tard Mowgli, Baloo et Bagherra dans Le Livre de la jungle[152]. Les trois amis « grandissent ensemble partageant les émotions de la vie : amour, jalousie, romance, tragédie, peur et joies[152] ». Le film est le dernier du premier âge d'or de l'animation mais est le premier à utiliser ce motif des trois amis[152].
 À l'instar de Dumbo, mais à l'opposé de nombreuses productions Disney, Bambi ne possède pas de trame romantique[163], mêlant prince et princesse ou autre variante romantique même si plusieurs scènes évoquent l'amour, comme celle esquissée entre Bambi et Féline. Malgré cela, Bosley Crowther du Times trouve dans Bambi « une ombre de charme trop câline[8]. » Pour Archer Winsten du New York Post, le film est le « moins accaparé par l'humour et les mimiques des œuvres ordinaires de Disney[8]. »
 Pour Mark Pinsky, le noyau du film est consacré à « l'amour, la famille et l'acceptation » et non à l'idéalisation des animaux et de la nature (cf. Réalisme naturel) ou à la dénonciation de la chasse (cf. Impact psychologique)[110]. Pinsky compare la naissance de Bambi à une « Nativité lustrée[110] ». D'après le journal The New Republic du 29 juin 1942, le film Bambi est trop moraliste[164]. Sean Griffin considère ces éléments sentimentaux (amour avec Féline, combat pour sa bien-aimée) comme surréalistes et qui s'associent bien avec les décors impressionnistes[156].
 Le personnage de Fleur est aussi une morale sur l'acceptation d'autrui, « malgré son odeur naturelle, il reste une fleur et un ami fidèle et loyal de Bambi et Panpan[50]. » Bambi émet un jugement d'acceptation innocent sans notion préconçue, faisant écho aux propos de Jésus dans l'Évangile selon Matthieu 25[165]. Selon Pinsky, le Prince de la forêt n'est pas formellement déclaré, par la mère de Bambi, comme son géniteur pour de « bonnes raisons Disney[166] ». Les normes familiales américaines à l'époque sont assez strictes et la notion de harde composée d'un mâle dominant et de nombreuses femelles, comparable à un harem, ne fait pas partie des bonnes mœurs[166]. Le film véhicule, selon Pinsky, l'idée que le patriarcat est dans la nature des choses[159]. Watts ajoute que la création du film contemporaine de la Dépression ajoute à nouveau une histoire d'un protagoniste vulnérable dont la vertu et la bravoure vont l'aider à surmonter les difficultés qui l'entourent [au catalogue des films Disney][158].
 Plus tard, Bambi est un jeune adulte, il découvre le « batifolage » (approximation pour traduire le mot twitterpated inventé par Disney) avec une rapide explication du hibou, d'abord par l'intermédiaire des autres animaux, mais aussi, grâce à Féline, une jeune biche un peu plus âgée que lui. Pour Pinsky, le premier combat de Bambi pour Féline va à l'encontre des règles darwiniennes, le vainqueur n'est pas le plus fort, comme dans la nature (son adversaire est plus mûr que lui), mais celui au cœur le plus pur, l'amour et la détermination surpassant la force brute[167].
 Dans le film, Disney « force le spectateur à avoir des émotions en faisant appel à de larges gros plans sur les bébés animaux[103]. » Selon Robin Allan, ces scènes provoquent des réflexes pavloviens amenant à avoir la larme à l'œil.
 Le film parvient aussi « à exprimer visuellement la violence de la mort et de la privation présente dans le livre de Salten », tout en réduisant la violence explicite grâce à de nombreuses coupes décidées lors des sessions scénaristiques et des projections test (cadavre ensanglanté de la mère de Bambi et cadavre calciné du chasseur), amenant à une austérité et une sous-estimation visuelle proche de la tragédie grecque[117]. L'un des sujets les plus débattus est la mort de la mère de Bambi et sur l'effet de la présence ou non d'une scène où l'on verrait la mère morte[168]. Selon James Morrow dans un article de 1978, le film parvient à « représenter le traumatisme ultime de l'enfance de la perte d'un parent avec honnêteté et force[96]. » Un autre point souvent abordé est l'impact sur l'acceptation de la chasse comme un sport.
 Le film est à l'origine de deux notions de psychologie assez proches :
 Steven Watts rappelle que l'un des thèmes récurrents des longs métrages des années 1940, Pinocchio, Dumbo et Bambi est l'enfant orphelin ou isolé qui cherche la stabilité dans un milieu dangereux[173]. Pour Allan, la scène centrale de la mort de la mère de Bambi a « provoqué un puissant effet sur les spectateurs aussi fort que la scène d'horreur de la Reine-Sorcière dans Blanche-Neige et les sept nains[117] ». Mais comme l'indique Thomas et Johnston, la scène est l'objet de discussions récurrentes, constantes et de propositions presque évidentes[168].
 Initialement, une scène montrant la mère de Bambi touchée à la tête par une balle et s'effondrant sur le flanc était prévue mais elle a été retirée pour laisser place à l'imagination du spectateur[174]. Une autre scène possible, refusée par un Walt soucieux, était le retour de Bambi sur les lieux de la disparition de sa mère et la découverte d'empreintes et de traces de sang prouvant qu'elle aurait été traînée sur le sol par les chasseurs[168].
 Les paroles du Prince de la forêt, « ta mère ne sera plus jamais à tes côtés » suivies d'un silence puis « viens », nouveau silence et « mon fils, viens » sont pour Pinsky beaucoup plus expressives qu'un simple « ta mère est morte[175]. »
 David Koenig s'amuse dans son livre Mouse Under Glass avec un classement du « niveau d'orphelinage »[n 3] mesuré sur une échelle de 1 à 100, du plus antipathique ou plus pathétique-sympathique et y classe Bambi en troisième place derrière Penny dans Les Aventures de Bernard et Bianca (1977) et Quasimodo dans Le Bossu de Notre-Dame'et juste devant Dumbo[176].
 Thomas et Johnston, dans leurs ouvrages sur les méchants de Disney, déclarent que le plus grand danger vient de l'homme prédateur et de son fusil. Il est difficile de le cerner car « il n'y a aucune méchanceté dans son cœur lorsqu'il tue la mère de Bambi » et n'a « aucune pensée pour la peine qu'il peut engendrer aux animaux sauvages[100] », même si ce dernier point humanise des animaux. Un autre méchant pourrait être les chiens de chasse qui poursuivent Féline, mais ils sont à la fois une extension de l'homme et guidés par leurs instincts naturels[177]. Ils sont peut-être dangereux du point de vue des cerfs[177] mais innocents dans l'esprit du spectateur. Le public, s'identifiant aux animaux, s'approprie une peine peut-être inexistante. Il garde en mémoire les conséquences d'un acte de chasse, ce qui engendre souvent une forte incompréhension des motivations des chasseurs[100].
 Thomas et Johnston ajoutent un autre « méchant », le feu de forêt. Il génère dans le film une atmosphère terrifiante qui évoque toutes les catastrophes naturelles souvent plus violentes et destructrices que l'homme[100]. Toutefois, ils écrivent que le film comporte à la fois la Nature et l'Homme comme antagonistes des animaux, et s'interrogent pour savoir qui pourrait résister à cette combinaison[100].
 Le « syndrome Bambi » est longuement développé par Matt Cartmill dans A View to a Death in the Morning[178]. Il écrit que de nombreux chasseurs considèrent Bambi comme la plus puissante œuvre de propagande anti-chasse jamais réalisée[179]. Mark Pinsky écrit que Bambi a fait plus que de planter les graines de la lutte contre les armes à feu et de l'écologie parmi la génération du baby-boom que n'importe quelle œuvre populaire américaine[110]. Pinsky associe le « syndrome Bambi » au mouvement anti-chasseurs américain[110], comme le fait David Payne cité dans From Mouse to Mermaid: The Politics of Film, Gender, and Culture[180]. Le film provoque un sentiment d'opposition libérale parmi une génération d'environnementalistes ayant vu le film dans les années 1950, Douglas Brode et Whitley associent même cette notion psychologique, le « facteur Bambi » au « syndrome Bambi[161],[181] ». En 2018, un braconnier multirécidiviste, coupable d'avoir tué, avec d'autres membres de sa famille, des centaines de cervidés sur une période de trois ans, est condammé par un juge de l'État américain du Missouri à une peine d'un an de prison, au cours de laquelle il devra regarder le long-métrage d'animation au moins une fois par mois[182],[183].
 Les principales différences entre le livre de Felix Salten et le film sont principalement l'absence de Gobo, le frère de Féline[8] et la présence d'un feu de forêt[80], mais d'autres points de divergence existent.
 Robin Allan écrit que le film est une adaptation Disney du livre sur plusieurs points. Selon Allan, dans l'œuvre de Salten, « le monde dans lequel vivent les animaux est dangereux et violent ; ils doivent apprendre à s'y adapter et à survivre[103] ». Le monde, dans le film de Disney est attendrissant et les animaux y sont « câlins[117] ». Pour Allan, le livre de Salten possède « une clarté et une dignité » tandis que le film de Disney est « plein de caricatures et de comiques de cartoon[103] ». Allan, comme déjà évoqué, explique que la forêt n'est pas réaliste ou du moins diffère de la version de Salten : c'est, chez Disney, une forêt de conifères dans l'Ouest américain et non une vieille forêt européenne composée de feuillus[103]. Les fleurs rappellent leurs semblables anthropomorphiques de Fantasia avec leurs « deux yeux bleus battant des cils dans un duo amoureux[103] ».
 Cartmill écrit que les premières esquisses du film sont assez proches de l'œuvre de Salten, mais, au fur et à mesure, l'histoire se concentre sur les leçons données à Bambi par les autres animaux de la forêt, ce qui donne au film un goût de darwinisme, réminiscence du Livre de la jungle de Rudyard Kipling et au personnage de Bambi des airs de Mowgli sur quatre pattes[184].
 Finch pousse ce commentaire plus loin[185]. Il considère que dans les précédentes productions de Disney l'anthropomorphisme est acceptable. Les voix et les comportements humains des animaux ne dérangent pas, ni le fait que les comparses d'aventures de Pinocchio soient un cricket, un renard ou un chat, ni l'intelligence des oiseaux dans Blanche-Neige. Cette humanisation est toujours dans les « limites des expressions établies[185]. » Mais Bambi est différent et oppose des animaux humanisés, auxquels il est possible de s'identifier, à son principal ennemi : l'Homme[185]. La morale du film est une contradiction difficile à concilier[185] et pourrait être Homo homini lupus est.
 On peut aussi ajouter que les cervidés de Salten sont des chevreuils tandis que ceux de Disney sont des cerfs de Virginie, les chevreuils étant inconnus aux États-Unis. Une génération d'enfants germanophones a cru pendant longtemps que les chevreuils adultes portaient une ramure ramifiée à l'image du Prince de la forêt. Salten termine son histoire par un Bambi adulte qui s'impose en écartant deux jeunes faons. Franklin propose à Disney une autre chute[186] : faire de cette fin un nouveau commencement, reprendre la scène du début avec Bambi comme nouveau Prince de la forêt. Disney reprendra ce schéma dans Le Roi lion, d'ailleurs inspiré du Roi Leo d'Osamu Tezuka, lui-même fervent admirateur de Bambi.
 Comme à son habitude, David Koenig détaille les erreurs et incohérences persistantes, malgré la qualité du film[187], parmi d'autres :
 En 1963, Disneyland Records lance une gamme de disques avec un livret racontant l'histoire d'un film : celui de Bambi est publié lors de la seconde série en 1966[188].
 Une adaptation en bande dessinée a été publiée en août 1975 dans le magazine Walt Disney Showcase[189]. Le studio Disney produit en septembre 1978 un court métrage éducatif sur la notion de persévérance Bambi: A Lesson in Perseverance[141]. Mark Arnold mentionne un one-shot en 1984[190].
 Pour les attractions des parcs à thème, David Koenig considère que la seule qui eut été « logique » avec Bambi pour sujet aurait été « une salle de tir au fusil », « ce qui par chance n'a jamais été fait[187] ».
 En 1988, Bambi apparaît dans la scène finale du film Qui veut la peau de Roger Rabbit. Le lapin fait par ailleurs référence à son oncle Panpan dans la scène qui se déroule dans la cachette clandestine du bar, quand Eddie Valiant scie les menottes qui l'attachent à Roger et que celui-ci se lime les oreilles : « Mon oncle Panpan a eu une homologation musculaire et a dû prendre des tas de pilules et se faire faire des massages. »
 Dans le jeu vidéo Kingdom Hearts, Bambi est un compagnon qui peut courir et attraper des items pour les quêtes.
 Depuis fin 2004, les personnages de Bambi font partie de deux gammes de produits de Disney Consumer Products :
 En 2006, un film intitulé Bambi 2 est édité directement en vidéo aux États-Unis mais sort au cinéma dans plusieurs autres pays. Il propose une histoire s'insérant dans celle du film réalisé 60 ans auparavant.
 En 1971, dans Les diamants sont éternels (Diamonds Are Forever), un film de la série James Bond, deux des « méchantes » sont surnommées « Bambi » et « Thumper » (nom définitif de Panpan dans la version originale de Bambi).
 L'idée de Disney de ne pas montrer les méchants (les chasseurs) mais de faire deviner leur présence par la musique a été reprise en 1975 par Steven Spielberg dans son troisième film, Les Dents de la mer : la musique permet de savoir que le requin est là, mais on ne le voit pas avant la moitié du film. Dans une interview, Spielberg déclare que Bambi était le film le plus émouvant qu'il ait vu[191].
 Un épisode de la série télévisuelle d'animation les Animaniacs fait intervenir une parodie du film intitulée Bumbie the Dearest Deer.
 Fin janvier 2020, Hollywood Reporter annonce que Disney prépare un remake live du film, Geneva Robertson-Dworet et Lindsey Beer s'occuperont du scénario[192].
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Catégorie Commons avec lien local identique sur Wikidata; Page utilisant P856; Page utilisant P1562; Page utilisant P1265; Page utilisant P2755; Page utilisant P4276; Page utilisant P6181; Page utilisant P345; Page utilisant P4282; Page utilisant P8033; Page utilisant P3138; Page utilisant P7118; Page utilisant P1258; Page utilisant P4947; Page pointant vers des bases externes; Page pointant vers des bases relatives à l'audiovisuel; Page utilisant P5905; Page utilisant P4483; Page pointant vers des bases relatives à la bande dessinée; Page utilisant P1712; Page pointant vers des bases relatives à plusieurs domaines; Page utilisant P1417; Page pointant vers des dictionnaires ou encyclopédies généralistes; Article de Wikipédia avec notice d'autorité; Portail:Cinéma américain/Articles liés; Portail:Cinéma/Articles liés; Portail:États-Unis/Articles liés; Portail:Amérique/Articles liés; Portail:Culture américaine/Articles liés; Portail:Amérique du Nord/Articles liés; Portail:Animation/Articles liés; 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https://login.wikimedia.org/wiki/Special:CentralAutoLogin/start?type=1x1; /static/images/footer/wikimedia-button.svg; /w/resources/assets/poweredby_mediawiki.svg,https://en.wikipedia.org/wiki/Bambi,Bambi,https://en.wikipedia.org/wiki/Bambi,"Bambi is a 1942 American animated drama film produced by Walt Disney Productions and released by RKO Radio Pictures. Loosely based on Felix Salten's 1923 novel Bambi, a Life in the Woods, the production was supervised by David D. Hand, and was directed by a team of sequence directors, including James Algar, Bill Roberts, Norman Wright, Sam Armstrong, Paul Satterfield, and Graham Heid.
 The main characters are Bambi, a white-tailed deer; his parents (the Great Prince of the forest and his unnamed mother); his friends Thumper (a pink-nosed rabbit); and Flower (a skunk); and his childhood friend and future mate, Faline. In the original book, Bambi was a roe deer, a species native to Europe; but Disney decided to base the character on a mule deer from Arrowhead, California.[4][5][6] Illustrator Maurice ""Jake"" Day convinced Disney that the mule deer had large ""mule-like"" ears and were more common to western North America; but that the white-tail deer was more recognized throughout the United States.[7]
 The film received three Academy Award nominations: Best Sound (Sam Slyfield), Best Song (for ""Love Is a Song"" sung by Donald Novis) and Original Music Score.[8]
 In June 2008, the American Film Institute presented a list of its ""10 Top 10""—the best ten films in each of ten classic American film genres—after polling over 1,500 people from the creative community. Bambi placed third in animation.[9] In December 2011, the film was added to the National Film Registry of the Library of Congress as being ""culturally, historically and aesthetically significant"".[10][11][12]
 In January 2020, it was announced that a photorealistic computer-animated remake was in development.[13]
 In a Maine forest, a doe gives birth to a male fawn named Bambi, who will one day take over the position of Great Prince of the Forest, who guards the woodland creatures and (unbeknownst to Bambi himself) is his father. Bambi grows up very attached to his mother, with whom he spends most of his time.  The fawn is befriended by an eager, energetic male rabbit named Thumper, who helps to teach him to walk and speak, a young male skunk he mistakenly calls ""Flower"" (who is so flattered, he keeps the name) and a female fawn named Faline. Curious and inquisitive, Bambi frequently asks about the world around him and is cautioned about the dangers of life as a forest creature by his loving mother. One day out in a meadow, Bambi briefly sees the Great Prince but does not know that he is his father. As the Great Prince wanders uphill, he discovers the human hunter, named ""Man"" by all the animals, is coming and rushes down to the meadow to get everyone to safety. Bambi is briefly separated from his mother during that time but is escorted to her by the Great Prince as the three of them make it back in the forest just as Man fires his gun.
 During Bambi's first winter, he and Thumper play in the snow while Flower hibernates. One day his mother takes him to find food when Man shows up again. As they run off, his mother is shot and killed by the hunter, leaving the little fawn mournful and alone. Taking pity on his abandoned son, the Great Prince leads Bambi home as he reveals to him that he is his father. Next year, Bambi has matured into a young stag, and his childhood friends have also entered young adulthood. They are warned about becoming ""twitterpated"" by Friend Owl and that they will eventually fall in love, but the trio views the concept of romance with scorn. Thumper and Flower soon encounter their beautiful romantic counterparts and abandon their former thoughts on love. Bambi himself encounters Faline as a beautiful doe. Their courtship is quickly interrupted by a belligerent older stag named Ronno, who attempts to force Faline away from Bambi. Bambi successfully manages to defeat Ronno in battle and earn the rights to the doe's affections.
 Bambi is awakened afterward by the smell of smoke; he follows it and discovers it leads to a hunter camp. His father warns Bambi that Man has returned with more hunters. Bambi is separated from Faline in the turmoil, but finds her cornered by Man's vicious hunting dogs, which he manages to ward off. Bambi escapes them and is shot by Man, but survives. Meanwhile, at the ""Man's"" camp, their campfire suddenly spreads into the forest, resulting in a wildfire from which the forest residents flee in fear. Bambi, his father, Faline, and the forest animals manage to reach shelter on a riverbank. The following spring, Faline gives birth to twins under Bambi's watchful eye as the new Great Prince of the Forest.
 The voice cast was all uncredited, as was the practice at the time for many animated films.
 In 1933, Sidney Franklin purchased the rights to Felix Salten's novel Bambi, a Life in the Woods (1923) to produce a live-action film for Metro-Goldwyn-Mayer, but soon realized that it would be too difficult to achieve.[14][22] Joseph M. Schenck of United Artists suggested he make an animated version in alliance with Walt Disney, who was contemplating the idea of his first full-length feature at the time, with Bambi as one of the possible choices.[23] Later that year, Franklin approached him with the idea, but Disney eventually refused, feeling that his animation studio was unprepared for the technical difficulties that Bambi would have presented.[23][24] Franklin sold the film rights to Walt Disney in April 1937.[25] Disney began work on crafting an animated adaptation immediately, intending it to be the company's second feature-length animated film and their first to be based on a specific, recent work.[25] However, the original novel was written for an adult audience, and was considered too ""grim"" and ""somber"" for a regular light-hearted Disney film.[25] The artists also discovered that it would be challenging to animate deer realistically.[26] These difficulties resulted in Disney putting production on hold while the studio worked on several other projects, and eventually Pinocchio became the studio's second film.[25] In 1938, Disney assigned Perce Pearce and Carl Fallberg to work on the film's storyboards, but attention was soon drawn away as the studio began working on Fantasia.[25] Finally, on August 17, 1939, production on Bambi began in earnest, but progressed slowly owing to changes in the studio personnel, location, and methodology of handling animation at the time.[25]
 
There were many interpretations of the story. As writer and animator Mel Shaw recalled:  The story of Bambi had a so many possibilities, you could go off on a million tangents. I remember one situation when Walt became involved with himself. He said 'Suppose we have Bambi step on an ant hill and we cut inside and see all the damage he's done to the ant civilization'. We spent weeks and weeks developing the ants, and then all of a sudden we decided, you know, we're way off the story, this has got nothing to do with the story of Bambi. We also had a family of grasshoppers, and they get into a family squabble of this or that, and Bambi is watching all of this, and here's the big head of Bambi in the grasshoppers. And what's that got to do with the story, and this would go on many times.[26] Originally the film was intended to have six individual bunny characters, similar to the dwarfs in Snow White. However Perce Pearce suggested that they could instead have five generic rabbits and one rabbit with a different color than the rest, with one tooth, would have a very distinct personality.[27] This character later became known as Thumper.
 There originally was a brief shot in the scene where Bambi's mother dies after jumping over a log and getting shot by a man. Larry Morey, however, felt the scene was too dramatic, and that it was emotional enough to justify having her death occur off screen.[26][27] Walt Disney was also eager to show the man burned to death by his fire that he inadvertently started, but this was discarded when it was decided not to show the man at all.[26] There was also a scene involving two autumn leaves conversing like an old married couple before parting ways and falling to the ground, but Disney found that talking flora did not work in the context of the film, and instead a visual metaphor of two realistic leaves falling to the ground was used instead.[27] Disney and his story team also developed the characters consisting of a squirrel and a chipmunk that were to be a comic duo reminiscent of Laurel and Hardy. However, after years of experimentation, Walt felt that the story should focus on the three principal characters: Bambi, Thumper and Flower.[27] The squirrel and chipmunk make only brief appearances in the final film.
 The writing was completed in July 1940, by which time the film's budget had increased to $858,000.[25]
 Although the animators had animated deer in Snow White, they were animated, in the words of Eric Larson, ""like big flour sacks"".[26] Disney wanted the animals in Bambi to be more realistic and expressive than those in Snow White. He had Rico LeBrun, a painter of animals, come and lecture to the animators on the structure and movement of animals.[28] The animators visited the Los Angeles Zoo and Disney set up a small zoo at the studio with animals such as rabbits, ducks, owls, and skunks, and a pair of fawns named Bambi and Faline so that the artists could see first-hand the movement of these animals.[27][28][29] LeBrun's sketches depicted realistic animals, but as characters they lacked personality. Marc Davis created the final design of Bambi by incorporating LeBrun's realistic study of deer anatomy but exaggerating the character's face by making his proportions baby-like (short snout, big eyes, etc.).[26] Although there were no humans in Bambi, live-action footage of humans was used for one scene: actress Jane Randolph and Ice Capades star Donna Atwood acted as live-action references for the scene where Bambi and Thumper are on the icy pond.[30] The animators learned a lot about animals during the film's production, giving them a broader spectrum of animation styles to use in future projects.[31]
 The backgrounds for the film were inspired by the Eastern American woodlands. One of the earliest and best-known artists for the Disney studio, Maurice ""Jake"" Day, spent several weeks in the Vermont and Maine forests, sketching and photographing deer, fawns, and the surrounding wilderness areas.[32] However his first sketches were too ""busy"" as the eye did not know where to focus.[26] Tyrus Wong, a Chinese animator, showed Day some of his impressionistic paintings of a forest. Day liked the paintings and appointed him art director of the film.[26] Wong's backgrounds were revolutionary since they had more detail around the center and less around the edges, thus leading a viewer's eye to the characters.[27]
 Due to World War II, which began in Europe in 1939, Pinocchio and Fantasia failed at the box office. Facing financial difficulty, Disney was forced to cut 12 minutes from the film before final animation to save production costs.[25]
 All lyrics are written by Larry Morey; all music is composed by Frank Churchill Bambi premiered in London on August 8, 1942, as the first Disney film to premiere abroad.[33][34] It was released in theaters in United States five days later, on August 13.[35] The film was released during World War II and did not perform as well as hoped.[36] Roy O. Disney sent a telegram to his brother Walt after the New York opening of the film that read: ""Fell short of our holdover figure by $4,000. Just came from Music Hall. Unable to make any deal to stay third week ... Night business is our problem.""[37] The film earned RKO theatrical rentals of $1,270,000 in the United States and Canada in its initial release.[38][39]
 Disney lacked access to much of the European market during the war,[37] however, the film earned rentals of $1,685,000 internationally for an initial worldwide total of $2,955,000, Disney's third highest, behind Snow White and the Seven Dwarfs (1937) with $7.8 million and Pinocchio (1940) with $3.2 million.[38]
 The film was re-released to theatres in the United States in 1947, 1957, 1966, 1975, 1982 and 1988. In its first reissue in the United States in 1947, the film earned additional domestic rentals of $900,000 but did much better 10 years later, more than doubling the domestic rental total with a further $2.5 million[40] taking its total domestic rental earnings to $4.7 million.
 The film earned $14 million in domestic rentals from its reissues in 1966 and 1975 giving it a total domestic rental of $18,735,000,[41] which equates to a gross of around $40 million.[3] In 1982, it grossed another $23 million in the United States and Canada and in 1988, a further $39 million, taking its total in the United States and Canada to $102 million,[3] making it (at the time) the second highest-grossing animated movie of all-time after Snow White and the Seven Dwarfs.[42] With grosses from international reissues, the film has a worldwide gross of $267 million.[3]
 Prior to Bambi's initial release on home video on September 28, 1989, initial orders placed in the United States and Canada up to the end of August totaled 9.8 million units, the second largest number of orders for a video at the time, behind E.T. the Extra-Terrestrial, with a wholesale value of $167 million.[43] Even in home video, it has seen multiple releases, including three VHS releases — in 1989 (Classics Version), 1997 (Masterpiece Collection Version), and 2005 (Platinum Edition version), one Betamax release in 1989 (Classics version), two Laserdisc releases in 1989 (Classics version) and 1997 (Masterpiece Collection version).  In 2005, a digitally remastered and restored Platinum Edition DVD was released;[44] it went on moratorium on January 31, 2007.[45]
 Bambi was released as a Diamond Edition on March 1, 2011,[46] consisting of a Blu-ray and DVD combo pack. This release included multiple bonus features not previously included in Bambi home releases: a documentary entitled Inside Walt's Story Meetings – Enhanced Edition, two deleted scenes, a deleted song, an image gallery, and a game entitled Disney's Big Book of Knowledge: Bambi Edition.[47] This release also marked the first use of ""Disney Second Screen"",[48] a feature which is accessed via a computer or iPad app download that syncs with the Blu-ray disc,[49] allowing the viewer to follow along by interacting with animated flip-books, galleries and trivia while watching the movie.[46] A UK version of Diamond Edition was released on February 7, 2011.[50]
 In honor of the film's 75th anniversary, Bambi was released as part of the Walt Disney Signature Collection on May 23, 2017 (digital) and June 6, 2017 (Blu-ray/DVD/digital combo pack).
 On August 18, 2023, Bambi was re-released in cinemas across the UK only for one week as part of Disney's 100th anniversary.[51]
 On the initiative of Stephen Greymoming, professor of Native American studies and anthropology at the University of Montana,[52] an Arapaho-language dubbing of the movie was produced in 1994, in collaboration with the Northern Plains Educational Foundation.[53] The final product was, however, only a partial dubbing, as the spoken parts were dubbed in Arapaho, but all the songs were left in English.[54][55] The dubbed version of the movie premiered on November 3 the same year, and Disney later provided the Arapaho Nation with 2000 VHS tapes of the movie.[56] The dubbing was never issued again in any other forms, until it was uploaded on the streaming platform Disney+ in October 2022.[57] Bambi was the first of three Disney movies to receive a dubbing in a Native American language.[57] The next such instance had to wait until 2016, when Pixar's Finding Nemo received a dubbing in Navajo,[58] and then Disney's Moana in Hawaiian two years later.[59] While the first was also made available on Disney+,[57] the latter was only distributed for free in schools in Hawaii, and never received any home media release form.[60]
 At the time of the film's release, Bambi received mixed reviews from the critics, mainly because of the lack of fantasy elements in the film and objection towards a dramatic story of animals and their struggle to survive in the woods and avoid the threat of humans.[61] The New York Times claimed that ""In the search for perfection, Mr. Disney has come perilously close to tossing away his whole world of cartoon fantasy.""[62] Manny Farber of The New Republic wrote that ""Bambi is interesting because it's the first one that's been entirely unpleasant…Mickey wouldn't be caught dead in this.""
 Farber added that ""In an attempt to ape the trumped-up realism of flesh and blood movies, he has given up fantasy, which was pretty much the magic element.""[63] Even Disney's daughter Diane complained, saying that Bambi's mother did not need to die. When Walt claimed that he was only following the book, Diane protested, saying that he had taken other liberties before and that Walt Disney could do whatever he wanted.[61]
 Today, however, Bambi is viewed much more favorably. On the review aggregator website Rotten Tomatoes, the film has an approval rating of 91% based on 53 reviews with an average rating of 8.3/10. The website consensus reads: ""Elegantly animated and deeply touching, Bambi is an enduring, endearing, and moving Disney classic.""[64] Metacritic, which uses a weighted average, assigned the film a score of 91 out of 100, based on 16 critics, indicating ""universal acclaim"".[65] Critics Mick Martin and Marsha Porter call the film ""the crowning achievement of Walt Disney's animation studio"".[66] English film historian Leslie Halliwell wrote that Bambi was ""one of Disney's most memorable and brilliant achievements with a great comic character in Thumper and a climactic forest fire sequence that is genuinely thrilling."" He concluded that it was  ""a triumph of the animator's arts"".[67]
 In June 2008, the American Film Institute revealed its ""10 Top 10"" – the best ten films in ten classic American film genres – after polling over 1,500 people from the creative community. Bambi was acknowledged as the third best film in the animation genre.[76] It is also listed in the Top 25 Horror Movies of All Time by Time magazine. Bambi, Time states, ""has a primal shock that still haunts oldsters who saw it 40, 50, 65 years ago.""[77]
 American Film Institute
 The off-screen villain ""Man"" has been placed No. 20 on AFI's List of Heroes and Villains.[78]
 Some critics have cited parallels between Frank Churchill's theme music for ""Man"" (which consisted of three simple notes) and John Williams's theme music in Jaws (which consists of two notes).[79]
 Paul McCartney has credited the shooting death of Bambi's mother for his initial interest in animal rights.[80]
 Soon after the film's release, Walt Disney allowed his characters to appear in fire prevention public service campaigns. However, Bambi was only loaned to the government for a year, so a new symbol was needed, leading to the creation of Smokey Bear.[81] Bambi and his mother also make a cameo appearance in the satirical 1955 Donald Duck short No Hunting: drinking from a forest stream, the deer are startled by a sudden trickle of beer cans and other debris, and Bambi's mother tells him, ""Man is in the forest. Let's dig out.""
 In 2006, the Ad Council, in partnership with the United States Forest Service, started a series of Public Service Announcements that feature footage from Bambi and Bambi II for wildfire prevention. During the ads, as the Bambi footage is shown, the screen will momentarily fade into black with the text ""Don't let our forests...become once upon a time"", and usually (but not always) ending the ads with Bambi's line ""Mother, what we gonna do today?"" followed by Smokey Bear saying ""Only you can prevent wildfires"" as the Smokey logo is shown on the screen.[citation needed] Bambi had previously been the Forest Service's advertising icon beginning in 1942, but was only allowed by Disney to use the character for a year.[81][82]
 In December 2011, Bambi was among the films selected for preservation in the Library of Congress' National Film Registry.[83] In its induction, the Registry said that the film was one of Walt Disney's favorites and that it has been ""recognized for its eloquent message of nature conservation.""[84]
 Characters of the film appear in several other Disney media, such as guest appearances in the animated television series House of Mouse, Bambi being a character to summon in the video game Kingdom Hearts and its sequel Kingdom Hearts: Chain of Memories,[85] and Bambi, Thumper, Flower, Faline and Great Prince of the Forest being playable characters in Disney Magic Kingdoms.[86][87]
 On December 17, 2018, a prison sentence passed against a man, in what is considered the biggest deer poaching case in Missouri history, contained the stipulation that the prisoner must view the film at least once each month during his one-year prison sentence.[88]
 The Silly Symphony Sunday comic strip ran a three-month-long adaptation of Bambi from July 19 to October 4, 1942.[89]
 Set in the middle of Bambi, Bambi II shows the Great Prince of the Forest struggling to raise the motherless Bambi, and Bambi's doubts about his father's love. The film was released direct-to-video on February 7, 2006. While the film was a direct-to-video release in the United States and other countries, including Canada, China, Hong Kong, Japan and Taiwan, it was a theatrical release in some countries, including Australia, Austria, Brazil, Dominican Republic, France, Mexico, the United Kingdom and some other European countries.[citation needed]
 On January 28, 2020, it was announced that a photorealistic CGI feature-length remake is in development with a script co-written by Geneva Robertson-Dworet and Lindsey Beer. Paul Weitz, Chris Weitz, and Andrew Miano will produce the film; a joint-venture production between Walt Disney Pictures, Depth of Field Studios, and Known Universe Productions.[13] Disney described the film as a ""companion piece"" to The Jungle Book (2016) and The Lion King (2019), as the three films feature wildlife that requires extensive CGI and special effects.[13] On June 13, 2023, it was revealed that Sarah Polley is in talks to direct the film, which is said to be a musical that will feature music from six-time Grammy-winning country star Kacey Musgraves. Micah Fitzerman-Blue and Noah Harpster wrote the most recent draft of the script.[90] As of March 2024, Polley was reportedly no longer attached as director.[91]
 The copyrights for Bambi, a Life in the Woods were inherited by Anna Wyler, Salten's daughter, who renewed them in 1954. After her death, Wyler's husband sold the rights to Twin Books, a publishing company which subsequently filed a lawsuit against Disney, claiming Disney owed it money for the continued licensing for the use of the book. Disney countered by claiming that Salten had published the story in 1923 without a copyright notice, thus it immediately entered into the public domain. Disney also argued that if the claimed 1923 publication date was accurate, then the copyright renewal filed in 1954 had been registered after the deadline and was thus invalid. The courts initially upheld Disney's view; however, in 1996, the Ninth Circuit Court reversed the decision on appeal in Twin Books Corp. v. Walt Disney Co., 83 F.3d 1162 (1996).[92][93]
 The American copyright of the novel expired on January 1, 2022.[94]",3865,"Main page; Contents; Current events; About Wikipedia; Help; Learn to edit; Community portal; Upload file; ; learn more; Article; Talk; Read; Read; Upload file; ; Bambi, a Life in the Woods; Bambi (disambiguation); ; David D. Hand; James Algar; Perce Pearce; Larry Morey; George Stallings; Melvin Shaw; Carl Fallberg; Ralph Wright; Bambi, a Life in the Woods; Felix Salten; Walt Disney; Frank Churchill; Edward Plumb; Walt Disney Productions; RKO Radio Pictures; London; animated; drama film; Walt Disney Productions; RKO Radio Pictures; Felix Salten; Bambi, a Life in the Woods; David D. 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"Le Roi lion (film, 1994)",https://fr.wikipedia.org/wiki/Le_Roi_Lion,"Pour les articles homonymes, voir Le Roi lion (homonymie).
 Série Liste des Classiques d'animation Disney Aladdin(1992) Pocahontas(1995) Série Le Roi lion Le Roi lion 2(1998) Pour plus de détails, voir Fiche technique et Distribution. modifier  Le Roi lion (The Lion King) est le 43e long-métrage d'animation et le 32e « Classique d'animation » des studios Disney. Sorti en 1994 et réalisé par Roger Allers et Rob Minkoff, il est inspiré en grande partie du Hamlet de William Shakespeare.
 Faisant partie des films d'animations à succès du second âge d'or de Disney, comme pour ces prédécesseurs La Petite Sirène, La Belle et la Bête et Aladdin, Le Roi lion rencontre un énorme succès critique et commercial, devenant numéro un du box-office mondial de l'année 1994. Il est également considéré comme le film d'animation le plus rentable de tous les temps, avant de se faire détrôner par Le Monde de Nemo (2003) et La Reine des neiges (2013), mais resta néanmoins le film d'animation en 2D le plus rentable de tous les temps. En France et en Allemagne, il a été le premier film d'animation Disney à se hisser en tête du box-office depuis Les Aventures de Bernard et Bianca (1977).
 Les chansons du film ont été écrites par Tim Rice et composées par Elton John, qui remporte l'oscar de la meilleure chanson originale pour Can You Feel the Love Tonight. Le film reçoit également l'oscar de la meilleure musique de film, grâce aux arrangements de Hans Zimmer. Parmi les acteurs et actrices ayant prêté leur voix aux personnages, on compte James Earl Jones, Jeremy Irons, Whoopi Goldberg, Rowan Atkinson ou encore Jim Cummings.
 Deux suites lui seront données : Le Roi lion 2 : L'Honneur de la tribu (1998) et Le Roi lion 3 : Hakuna Matata (2004), sorties directement en vidéo, ainsi que deux séries télévisées dérivées, Timon et Pumbaa (1995-1998) et La Garde du Roi lion (2016-2019), et une comédie musicale Le Roi lion, créée à Broadway en 1997.
 25 ans après sa sortie dans les salles, le film est diffusé pour la première fois en clair à la télévision française sur M6 le 15 juillet 2019, alors qu'un remake en animation 3D fait l'objet d'une sortie en salles.
 En Afrique, dans une contrée nommée la Terre des Lions, les lions dirigent le monde animal du haut du Rocher des Lions. Le roi Mufasa et la reine Sarabi, aidés du mandrill Rafiki, chaman et conseiller du roi, présentent leur nouveau-né Simba aux animaux du royaume.
 Simba grandit mais reste jeune et turbulent. Son père lui montre la Terre des Lions et les responsabilités qu'impliquent la royauté et « l'histoire de la vie », qui connecte tous les êtres vivants. Scar, le frère de Mufasa, convoite le trône et piège Simba insoucieux et sa meilleure amie Nala en leur indiquant un cimetière des éléphants, terre des hyènes tachetées bannis du royaume. Les deux lionceaux échappent dans un premier temps à la surveillance de Zazu, un calao à bec rouge, majordome du roi, mais sont très vite attaqués par trois hyènes, Shenzi, Banzai et Ed, qui sont de mèche avec Scar. Alerté, Mufasa parvient à intervenir à temps, mais réprimande son fils pour lui avoir désobéi. Toutefois, il lui explique que les grands rois du passé les surveillent dans le ciel étoilé, et qu'un jour, il les rejoindra pour veiller sur son fils. Entre-temps, Scar qui a vu son plan échouer, en prépare un autre avec les hyènes pour piéger à la fois son frère et son neveu.
 Un jour, Scar emmène Simba dans une gorge puis ordonne aux hyènes d'y faire débouler en trombe tout un troupeau de gnous. Il informe ensuite Mufasa du danger que court son fils, sachant pertinemment que le roi se dépêchera de le sauver. Mufasa sauve Simba mais manque de tomber périlleusement dans la gorge. Il est alors retenu par Scar qui finit par le trahir en le rejetant dans le vide. Il persuade ensuite Simba que la mort de son père est de sa faute et qu'il doit quitter le royaume et ne jamais revenir. Scar ordonne ensuite aux hyènes de tuer le lionceau, mais Simba parvient à s'enfuir. Scar annonce ensuite à la troupe de lionnes la mort de Mufasa et de Simba et s'autoproclame roi, autorisant la meute de hyènes à pénétrer dans la Terre des Lions.
 Perdu et évanoui en plein désert, Simba est secouru par Timon, un suricate, et Pumbaa, un phacochère, d'anciens exilés qui voient en lui un futur allié. Les années passent et Simba grandit ainsi dans la jungle avec ses deux nouveaux amis, menant une vie insouciante guidée par la philosophie Hakuna Matata (« sans aucun souci » en swahili). Au fil du temps, Simba est devenu un lion adulte et fort, mais a toujours en tête la mort tragique de son père. Rafiki, qui sent la présence de Simba par-delà le désert, part à sa recherche. Un jour, Simba sauve Timon et Pumbaa d'une lionne en chasse, qui se révèle être Nala devenue, elle aussi, adulte. Nala et Simba se retrouvent alors et tombent amoureux. Elle le supplie de retourner sur la Terre des Lions, lui annonçant que Scar a laissé entrer les hyènes dans le royaume désormais pillé et détruit. Se sentant toujours coupable de la mort de son père, Simba refuse et s'enfuit. Il rencontre alors Rafiki qui lui révèle que l'esprit de son père est toujours en lui. Simba voit alors le fantôme de Mufasa dans le ciel lui demandant de reprendre le titre qui lui revient de droit. Encouragé par Rafiki, Simba réalise qu'il ne peut plus fuir son passé et décide de retourner sur la Terre des Lions.
 Simba retraverse le désert et revient sur ses terres, hélas dévastées. Il est rejoint par Nala, Timon et Pumbaa. Aidé par ses amis qui font diversion, Simba arrive à contourner les hyènes et parvient au Rocher des Lions. Scar y règne en despote, frappant même Sarabi. Simba fait alors face à son oncle et le défie, mais ce dernier rappelle à son neveu son rôle dans la mort de Mufasa. Simba avoue, mais Scar le pousse au bord du rocher, avant de lui révéler que c'est lui qui a assassiné Mufasa. Enragé, Simba arrive à repousser Scar et le force à avouer la vérité à toute la troupe de lionnes, alors qu'un incendie fait rage, déclenché par la foudre. Les hyènes et les lionnes combattent alors, aidées de Rafiki, Timon et Pumbaa, qui délivrent Zazu retenu captif. Alors que Scar tente de s'échapper, il se retrouve acculé et une nouvelle fois face à Simba. Le roi déchu demande pardon et essaye de blâmer les hyènes pour ce qu'il a fait. Simba ne croit pas son oncle, mais épargne sa vie en lui ordonnant toutefois de quitter la Terre des Lions pour toujours. Scar fait alors semblant de se soumettre, puis attaque son neveu, mais Simba parvient à le jeter en contrebas. Scar est finalement attaqué et dévoré par les hyènes qui ont entendu sa trahison.
 Quand la pluie finit par tomber et éteint l'incendie, Rafiki demande à Simba de monter sur le rocher et de prendre la place qui est la sienne. Simba s'exécute, monte sur le rocher et rugit, devenant enfin roi de la terre des lions. Les mois passent et la terre est redevenue prospère et fertile. Tous les animaux du royaume sont de retour et réunis pour célébrer la naissance de la princesse Kiara, fille de Simba et de Nala[NB 1].
 Note : La liste des « crédités » au générique étant trop longue pour être citée in extenso ici, nous n'avons repris que les principaux contributeurs.
 Cette version est sortie directement en DVD en 2003. La modification la plus notable est la scène du Rapport matinal de Zazu, qui se fait désormais en chanson.
 L’origine du concept du Roi lion est largement contestée. Selon Charlie Fink (alors vice-président des affaires créatives de Walt Disney Feature Animation), il a approché Jeffrey Katzenberg, Roy E. Disney et Peter Schneider avec une idée de « Bambi en Afrique » avec des lions. Katzenberg a d’abord hésité à l’idée, mais a néanmoins encouragé Fink et ses écrivains à développer un mythe pour expliquer comment les lions ont servi d’autres animaux en les mangeant. Une autre anecdote indique que l’idée a été conçue lors d’une conversation entre Katzenberg, Roy E. Disney et Schneider sur un vol pour l’Europe lors d’une tournée promotionnelle. Pendant la conversation, le sujet d’une histoire se déroulant en Afrique est apparu, et Katzenberg a immédiatement sauté sur l’idée. Katzenberg a décidé d’ajouter des éléments impliquant le passage à l’âge adulte et la mort, et des idées d’expériences de vie personnelle, telles que certaines de ses épreuves dans sa carrière en politique, en disant à propos du film : « C’est un peu moi-même »[9],[10].
 Le 11 octobre 1988, Thomas Disch (l’auteur de Le Petit Grille-pain courageux) avait rencontré Fink et Roy E. Disney pour discuter de l’idée, et dans le mois suivant, il avait écrit un traitement de neuf pages intitulé Roi du Kalahari. Tout au long de 1989, plusieurs rédacteurs de Disney avaient écrit des traitements pour le projet. Le traitement de Tripp, daté du 2 mars 1989, a introduit le nom « Simba » pour le personnage principal, qui se sépare de sa fierté et est adopté par Kwashi, un babouin, et Mabu, une mangouste. Il a ensuite été élevé dans une communauté de babouins. Simba combat un chacal maléfique nommé Ndogo et retrouve sa fierté. Plus tard cette même année, Fink a recruté son ami J. T. Allen, un écrivain, pour développer de nouveaux traitements d’histoire. Fink et Allen avaient déjà fait plusieurs voyages dans un zoo de Los Angeles pour observer le comportement animal qui devait être présenté dans le scénario. Allen a terminé son scénario, intitulé Le Roi Lion, le 19 janvier 1990. Cependant, Fink, Katzenberg et Roy E. Disney a estimé que le scénario d’Allen pourrait bénéficier d’un scénariste plus expérimenté et s’est tourné vers Ronald Bass, qui avait récemment remporté un Oscar du meilleur scénario original pour Rain Man. À l’époque, Bass était préoccupé par la réécriture du scénario lui-même, mais a accepté de superviser les révisions. Le nouveau scénario, crédité à Allen et Bass, a été renommé Roi des Bêtes et achevé le 23 mai 1990.
 Quelque temps plus tard, Linda Woolverton, qui écrivait également La Belle et la Bête, a passé un an à écrire plusieurs brouillons du scénario, intitulé Roi des Bêtes, puis Roi de la Jungle. La version originale du film était très différente du produit final. L’intrigue était centrée sur une bataille entre des lions et des babouins, Scar étant le chef des babouins, Rafiki étant un guépard et Timon et Pumbaa étant les amis d’enfance de Simba. Simba non seulement quitterait le royaume, mais deviendrait un « personnage paresseux, bâclé et horrible » en raison des manipulations de Scar, de sorte que Simba pourrait être renversé après l’âge adulte. En 1990, le producteur Thomas Schumacher, qui venait de terminer Bernard et Bianca au pays des kangourous, a décidé de s’attacher au projet « parce que les lions sont cool ». Schumacher a comparé le scénario du roi de la jungle à un spécial animé de National Geographic.
 George Scribner, qui avait réalisé Oliver et Compagnie, était le réalisateur initial du film, rejoint plus tard par Roger Allers, qui était le superviseur du scénario et du storyboard de La Belle et la Bête. Allers a travaillé avec Scribner et Woolverton sur le projet, mais a temporairement quitté le projet pour aider à réécrire Aladdin. Huit mois plus tard, Allers est revenu au projet et a amené Brenda Chapman et Chris Sanders avec lui. En octobre 1991, plusieurs membres de l'équipe principale, dont Allers, Scribner, Chapman, Sanders et Lisa Keene, ont visité le parc national de Hell's Gate au Kenya, afin d'étudier et d'apprécier l'environnement pour le film. Après six mois de travail de développement de l'histoire, Scribner a décidé de quitter le projet en se heurtant à Allers et aux producteurs au sujet de leur décision de transformer le film en comédie musicale, puisque l'intention de Scribner était de faire un film de type documentaire plus axé sur les aspects naturels. En avril 1992, Rob Minkoff remplace Scribner en tant que co-réalisateur, Allers lui reste en tant que réalisateur principal.
 Don Hahn a rejoint la production en tant que producteur du film parce que Schumacher a été promu vice-président du développement pour Walt Disney Feature Animation. Hahn a trouvé le scénario non concentré et dépourvu de thème clair, et après avoir établi le thème principal comme ""quitter l'enfance et faire face aux réalités du monde"", a demandé un dernier rééquipement. Allers, Minkoff, Chapman et Hahn ont ensuite réécrit l'histoire au cours de deux semaines de rencontres avec les réalisateurs Kirk Wise et Gary Trousdale, qui avaient fini de réaliser La Belle et la Bête. L'une des idées définitives issues des réunions était de faire revenir Mufasa en tant que fantôme. Allers a également changé le personnage de Rafiki d'un conseiller judiciaire plus sérieux à un chaman farfelu. Le titre a également été changé de Roi de la Jungle à Le Roi Lion, car le cadre n'était pas la jungle mais la savane. Il a également été décidé de faire de Mufasa et Scar des frères, car les écrivains ont estimé que c'était beaucoup plus intéressant si la menace venait de quelqu'un au sein de la famille. Allers et Minkoff ont présenté l'histoire révisée à Katzenberg et Michael Eisner, à qui Eisner a estimé que l'histoire pourrait être plus shakespearienne ; il a suggéré de modéliser l'histoire sur le roi Lear. Maureen Donley, productrice associée, a rétorqué, affirmant que l'histoire ressemblait à Hamlet. Poursuivant l'idée, Allers s'est souvenu que Katzenberg leur a demandé de mettre autant de Hamlet que vous le pouvez. Cependant, ils ont estimé que c'était trop forcé et se sont tournés vers d'autres archétypes héroïques tels que les histoires de Joseph et de Moïse de la Bible.
 Sans compter la plupart des segments de Fantasia, Saludos Amigos, Les Trois Caballeros, La Boîte à musique et Mélodie Cocktail ; et Bernard et Bianca au pays des kangourous, Le Roi Lion a été le premier long métrage d’animation de Disney à être une histoire originale, plutôt que d’être basé sur des œuvres et des personnages préexistants. Les réalisateurs ont déclaré que l’histoire du Roi Lion a été inspirée par la vie de Joseph et Moïse de la Bible, et d’Hamlet de Shakespeare, bien que l’histoire ait également établi quelques comparaisons avec les pièces moins connues de Shakespeare, Henry IV partie 1 et 2.
 À ce stade, Woolverton avait quitté la production pour travailler sur l’adaptation de Broadway de La Belle et la Bête. Pour la remplacer, Allers et Minkoff ont rencontré de nombreux scénaristes, dont Billy Bob Thornton et Joss Whedon, pour discuter de l’écriture du nouveau scénario. Au cours de l’été 1992, Irene Mecchi a été embauchée comme nouvelle scénariste, et des mois plus tard, elle a été rejointe par Jonathan Roberts. Mecchi et Roberts ont pris en charge le processus de révision, corrigeant les problèmes émotionnels non résolus dans le scénario et ajoutant des situations comiques pour Pumbaa, Timon et les hyènes.
 Le parolier Tim Rice a travaillé en étroite collaboration avec l’équipe d’écriture du scénario, s’envolant pour la Californie au moins une fois par mois, car ses chansons pour le film devaient travailler dans la continuité narrative. Les paroles de Rice - qui ont été retravaillées jusqu’à la fin de la production - ont été épinglées aux storyboards pendant le développement. Les réécritures étaient fréquentes, l’animateur Andreas Deja disant que les scènes terminées seraient livrées, seulement pour que la réponse soit que les parties devaient être réanimées en raison des changements de dialogue. En raison des réécritures, Le Roi Lion a manqué sa fenêtre de sortie initiale pour Thanksgiving 1993, L'Étrange Noël de monsieur Jack assumant son créneau de sortie. Hahn a déclaré que le film a été retardé jusqu’à une sortie de l’été 1994, « avec beaucoup de consternation, parce que les gens ont dit que vous ne pouvez pas sortir d’animation en été ».
 Les acteurs vocaux ont été choisis pour la façon dont ils s’intègrent et pouvaient ajouter aux personnages ; par exemple, James Earl Jones a été choisi parce que les réalisateurs ont trouvé sa voix « puissante » et semblable au rugissement d’un lion. Jones a fait remarquer qu’au cours des années de production, Mufasa « est devenu de plus en plus un père stupide au lieu d’un grand roi ».
 Nathan Lane a auditionné pour Zazu, et Ernie Sabella pour l'une des hyènes. Lors de leur rencontre au studio d'enregistrement, Lane et Sabella - qui jouaient ensemble dans une production de Broadway de Guys and Dolls à l'époque - ont été invités à enregistrer ensemble en tant que hyènes. Les réalisateurs se sont moqués de leur performance et ont décidé de les choisir comme Timon et Pumbaa. Pour les hyènes, l'intention initiale était de réunir Cheech & Chong, mais alors que Cheech Marin a accepté de exprimer Banzai, Tommy Chong n'était pas disponible. Son rôle a été changé en hyène féminine, Shenzi, exprimée par Whoopi Goldberg, qui a insisté pour être dans le film. Le double acte anglais Vic Reeves et Bob Mortimer ont auditionné pour des rôles de paire de tamias ; selon Mortimer, les producteurs étaient enthousiastes, mais lui et Reeves étaient mal à l'aise avec leur attitude corporative et ont abandonné le film. Rowan Atkinson n'était initialement pas intéressé par l'offre du studio de exprimer Zazu, expliquant plus tard que ""le travail vocal est quelque chose que je n'avais généralement jamais fait et que je n'ai jamais aimé. Je suis un artiste visuel, si je suis quelque chose, et cela semblait être une chose inutile à faire"". Son ami et collègue écrivain/acteur de Mr. Bean, Robin Driscoll, l'a convaincu d'accepter le rôle, et Atkinson a exprimé rétrospectivement que Le Roi Lion est devenu ""un film vraiment, très spécial"".
 Matthew Broderick a été choisi pour le rôle de Simba adulte au début de la production. Broderick n'a enregistré avec un autre acteur qu'une seule fois au cours des trois années où il a travaillé sur le film, et n'a appris que Moira Kelly a exprimé Nala lors de la première du film. Les acteurs anglais Tim Curry, Malcolm McDowell, Alan Rickman, Patrick Stewart et Ian McKellen ont été considérés pour le rôle de Scar, qui est finalement allé à son compatriote l’acteur Anglais Jeremy Irons. L’acteur a d'abord refusé le rôle, car Irons se sentait mal à l'aise d'aller à un rôle comique après son interprétation dramatique de Claus von Bülow dans Le Mystère von Bülow. Sa performance dans ce film a inspiré les scénaristes à intégrer davantage de son jeu d'acteur en tant que von Bülow dans le scénario - ajoutant l'une des lignes de ce personnage, ""Vous n'avez aucune idée"" - et a incité l'animateur Andreas Deja à regarder Le Mystère von Bülow afin d'incorporer les traits du visage et les tics d'Irons.
 Le développement du Roi Lion a coïncidé avec celui de Pocahontas, sur lequel la plupart des animateurs de Walt Disney Feature Animation ont décidé de travailler à la place, croyant que ce serait le plus prestigieux et le plus réussi des deux. Les artistes de l’histoire n’ont pas non plus beaucoup confiance dans le projet, Chapman déclarant qu’elle était réticente à accepter le travail « parce que l’histoire n’était pas très bonne », et Burny Mattinson a dit à son collègue Joe Ranft : « Je ne sais pas qui va vouloir regarder celui-là. » La plupart des animateurs du premier plan faisaient soit leur premier travail majeur en supervisant un personnage, soit avaient beaucoup d’intérêt pour l’animation d’un animal. Treize de ces animateurs superviseurs, tant en Californie qu’en Floride, étaient responsables de l’établissement des personnalités et de donner le ton aux personnages principaux du film. Près de vingt minutes du film, y compris la séquence « Je voudrais déjà être roi ! », ont été animées aux studios Disney-MGM. Plus de 600 artistes, animateurs et techniciens ont contribué au Roi Lion. Quelques semaines avant la sortie du film, le tremblement de terre de Northridge de 1994 a fermé le studio et a obligé les animateurs à terminer via le travail à distance.
 Les animateurs de personnages ont étudié les animaux de la vie réelle pour référence, comme cela a été fait pour Bambi. Jim Fowler, expert renommé en faune, a visité les studios à plusieurs reprises avec un assortiment de lions et d’autres habitants de la savane pour discuter du comportement et aider les animateurs à donner de l’authenticité à leurs dessins. Les animateurs ont également étudié les mouvements d’animaux au Miami MetroZoo sous la direction de l’expert en faune Ron Magill. Les Pride Lands sont calyés sur le parc national kenyan visité par l’équipage. Des longueurs focales et des lentilles variées ont été utilisées pour différer de la représentation habituelle de l’Afrique dans les documentaires - qui utilisent des téléobjectifs pour photographier la faune à distance. La sensation épique s’est inspirée des études conceptuelles de l’artiste Hans Bacher - qui, suite à la demande de réalisme de Scribner, a essayé de représenter des effets tels que l’éruption de l’objectif - et des œuvres des peintres Charles Marion Russell, Frederic Remington et Maxfield Parrish. Le directeur artistique Andy Gaskill et les cinéastes ont cherché à donner au film un sentiment de grand balayage et d’échelle épique similaire à Lawrence d’Arabie. Gaskill a expliqué : « Nous voulions que le public sente l’immensité de la savane et sente la poussière et la brise se balancer dans l’herbe. En d’autres termes, pour avoir un sens réel de la nature et se sentir comme s’ils étaient là. Il est très difficile de capturer quelque chose d’aussi subtil qu’un lever de soleil ou une pluie tombant sur un étang, mais ce sont les genres d’images que nous avons essayé d’obtenir. » Les réalisateurs ont également regardé les films de John Ford et d’autres cinéastes, ce qui a également influencé la conception du film[11].
 Les personnages n’étaient pas anthropomorphismes, tous les animateurs ont dû apprendre à dessiner des animaux à quatre pattes, et le développement de l’histoire et du personnage s’est fait par l’utilisation de plans plus longs suivant les personnages.
 Les ordinateurs ont aidé les cinéastes à présenter leur vision de nouvelles façons. Pour la séquence « du troupeau », plusieurs personnages distincts de gnous ont été créés dans un programme informatique 3D, multipliés par centaines, ombragés pour ressembler à une animation dessinée, et des chemins aléatoires ont été donnés sur le flanc d’une montagne pour simuler le mouvement réel et imprévisible d’un teuveau. Cinq animateurs et techniciens spécialement formés ont passé plus de deux ans à créer la bousculade de deux minutes et demie. Le système de production d’animation par ordinateur (CAPS) a aidé à simuler les mouvements de la caméra tels que le suivi des plans, et a été utilisé dans la coloration, l’éclairage et les effets de particules.
 Le parolier Tim Rice, qui travaillait avec le compositeur Alan Menken sur des chansons pour Aladdin, a été invité à écrire des chansons pour Le Roi Lion, et accepté à condition de faire venir un partenaire de composition. Comme Menken n’était pas disponible, les producteurs ont accepté la suggestion de Rice d’invité Elton John, après l’invitation de Rice à ABBA échouée en raison des engagements de Benny Andersson envers la comédie musicale Kristina från Duvemåla. John a exprimé son intérêt pour l’écriture de « chansons ultra-pop que les enfants aimeraient ; alors les adultes peuvent aller voir ces films et en profiter autant », mentionnant une influence possible du Livre de la Jungle, où il a estimé que la « musique était si drôle et plaisait aux enfants et aux adultes ».
 Rice et John ont écrit cinq chansons originales pour Le Roi Lion (L'Histoire de la vie, Je voudrais déjà être roi, Soyez prêtes, Hakuna Matata et L'amour brille sous les étoiles), avec la performance de John de L'amour brille sous les étoiles jouant au générique de fin. La partition a été composée par Hans Zimmer, qui a été embauché sur la base de son travail antérieur sur deux films dans des décors africains, Un monde à part et La Puissance de l'ange, et a complété la partition avec de la musique africaine traditionnelle et des éléments de chorale arrangés par Lebo M. Les partenaires de Zimmer, Mark Mancina et Jay Rifkin, ont aidé aux arrangements et à la production de chansons.
 Jeremy Irons est remplacé par Jim Cummings après le vers « You won't get a sniff without me! » (« Vous mourrez de faim pour la vie ! » en VF), Irons ayant eu des soucis avec sa voix durant l'enregistrement[12].
 Sauf mention contraire, les informations suivantes sont issues de l'Internet Movie Database[2].
 Le film a été diffusé aux États-Unis dans les salles de cinéma tous les jours du 15 juin 1994 au 18 novembre 1994 sauf trois jours en septembre, période de la rentrée des classes[14].
 Lors de la sortie de la cassette vidéo, ce sont 1 million d'exemplaires qui sont vendus en 5 jours en France, et 31 millions aux États-Unis[17]. Ce nombre de vente a fait de ce film le plus vendu de l'histoire en format VHS, avec un total de 32 000 000 de ventes aux États-Unis, et de 3,4 millions de VHS vendus en France, d'après le CNC[18].
 Sur Rotten Tomatoes, le film a un taux d'approbation de 93 % avec un score moyen de 8,4/10, basé sur 137 critiques. Le consensus critique du site Web se lit comme suit : ""Émotionnellement émouvant, richement dessiné et magnifiquement animé, Le Roi Lion se tient bien dans le panthéon des films familiaux classiques de Disney."" Il s'est également classé 56e dans le ""Top 100 des films d'animation"" de Rotten Tomatoes. Chez Metacritic, qui utilise une moyenne pondérée, le film a reçu une note de 88 sur 100 sur la base de 30 critiques, ce qui indique une ""acclamation universelle"". Le public interrogé par CinemaScore a donné au film une note ""A+"" rare sur une échelle de A+ à F.
 En France, le film a été favorablement accueilli, selon les critiques de la presse sur le site Allociné[19], la note du film pour les 8 critiques de presse française recensées est de 3,4 sur 5, et la note des critiques du public est de 4,5 sur 5. Avec aussi une bonne appréciation du public qu'il a toujours dans les années 2020. quand il est toujours dans les dix premiers du classement des 300 meilleurs films de tous les temps selon les avis des téléspectateurs sur la base cette fois de 122812 avis collectés, derrière Forrest Gump, La Ligne verte, 12 hommes en colère, Le Parrain, Les évadés, Le Seigneur des anneaux : Le Retour du roi, et devant Vol au-dessus d'un nid de coucou et The Dark Knight, Le Chevalier Noir[20].
 Le Roi Lion a rapporté 425 millions de dollars en Amérique du Nord et 553,8 millions de dollars dans d'autres territoires, pour un total mondial de 979 millions de dollars. Après sa première course, ayant gagné 763,5 millions de dollars, il s'est classé comme le film d'animation le plus rentable de tous les temps, le film le plus rentable de Walt Disney Pictures, et le film le plus rentable de 1994. C’est le deuxième film le plus rentable de tous les temps, derrière Jurassic Park. Le film est resté le deuxième film le plus rentable jusqu'à ce que la place soit prise par Independence Day, deux ans plus tard. Il a terminé comme le 5e film le plus rentable des années 1990 au niveau national.
 Le Roi lion est le second plus gros succès d'animation de l'histoire cinématographique[21], juste derrière Le Monde de Nemo, film coproduit par Disney et réaliser par Pixar, avec 336,4 millions de dollars de gains[22]. Mais il fut détrôné par Le Roi lion qui à travers le monde, a récolté 987 483 777 $[21] de dollars à comparer avec son budget de 79,3 millions de dollars, qui fut positionné et resta pendant 19 ans comme « le plus gros succès d'animation de tous les temps.»[22], jusqu'au 26 janvier 2014, quand le film La Reine des neiges a dépassé le milliard de dollars au box-office.
 Lors de sa sortie en France le 23 novembre 1994[23]
, le film attire 70 135 spectateurs en troisième position du box-office avant de dépasser The Mask en deuxième position avec 135 711 entrées la deuxième semaine avant de finir premier rang du box-office la troisième semaine cumulant 1 448 653 entrées. Le film reste huit semaines au sommet du box-office cumulant un total de 7 895 984 entrées depuis sa sortie, avant d'être dépassé par Un Indien dans la ville[23],[24]. Finalement, à la fin de sa course, Le Roi Lion obtient 10 135 871 entrées, ce qui fait le plus grand succès au box-office en France dans l’année 1994, où il est classé numéro un. Ce fut le premier film des studios Disney à se hisser en tête du box-office en France depuis Les Aventures de Bernard et Bianca.
 L'héritier au trône présenté aux animaux par Rafiki dans la dernière scène du film n'est pas clairement identifié. Il faut attendre la séquence d'ouverture du film suivant, Le Roi lion 2 : L'Honneur de la tribu, pour apprendre qu'il s'agit d'une fille (à la grande déception de Timon et Pumbaa). Toutefois dans Le Roi lion : Six nouvelles histoires[25], un coffret de livres illustrés paru en 2001, Kiara disparaît au profit d'un garçon, Kopa (qui signifie en swahili « cœur »)[NB 6].
 Plusieurs médias ont relaté de nombreuses similitudes entre le film de Disney et Le Roi Léo d'Osamu Tezuka dont un article du Los Angeles Times en 2007[26]. Une comparaison entre des scènes du film et les séries Le Roi Léo (une de 1966 et une de 1989) semble aller en faveur des propos de la presse. La première position du studio Disney est que « toute ressemblance n'est que pure coïncidence[27]. ».
 La ressemblance entre les deux œuvres débute avec le prénom du héros, Simba pour le Roi Lion et Kimba, nom américain de Léo lors de son introduction aux États-Unis[28], le mot « simba » étant le terme en swahili pour « lion »[29]. De plus, des comparaisons entre des personnages secondaires du Roi Lion  et du Roi Léo montrent au premier abord des similarités (comme Mandy et Rafiki, tous deux des singes mandrills).
 L'acteur Matthew Broderick, voix anglaise de Simba, a déclaré qu'il pensait avoir été sélectionné par Disney pour un remake du Roi Léo, série qu'il connaissait[30],[31],[32],[33]. Au point qu'il l'annonça à son entourage[34]. Des esquisses préliminaires, souvent présentées aux acteurs quand ils enregistrent les voix très tôt durant la production, représentent un lionceau blanc[35]. Plusieurs personnages ou scènes semblent montrer des similarités [36] : Simba/Léo, des rochers de forme similaire, des ronces et une végétation africaine, des chutes depuis des falaises, des scènes entre lionceaux...
 Il a même été évoqué que Disney aurait payé le studio Tezuka Productions pour éviter des poursuites, rumeurs réfutées par Yoshihiro Shimizu, expliquant que sa société était trop petite pour se lancer dans une bataille juridique[37].
 À noter cependant que l'animateur Tom Sito a reconnu dans une interview de 2015, accordée au HuffPost, qu'un animateur travaillant sur le Roi Lion s'est présenté un jour avec un exemplaire du manga du Roi Leo à la main, alors que le film était encore en cours de production. Les personnes présentes ont parcouru le manga et l'ont comparé au film sur lequel elles étaient en train de travailler. Si Tom Sito admet volontiers que certaines similitudes sont effectivement troublantes, il maintient qu'il s'agit là de pures coïncidences et que si l'œuvre de Tezuka a pu les influencer, directement ou indirectement, cela s'est fait de manière totalement inconsciente[38].
 Le scénario du Roi Lion peut aussi être rapproché de l'histoire légendaire de Soundiata Keïta, décrivant l'origine de l'empire du Mali[39].
 Le scénario de base serait inspiré des histoires de Joseph et Moïse dans la Bible et d'Hamlet de William Shakespeare[40]. Christopher Vogler, dans The Writer's Journey: Mythic Structure for Writers, retranscrit les conseils qu'il a donné aux studios Disney à leur demande comme celui d'ajouter des éléments d'Hamlet dans le scénario du Roi lion[41].
 Plusieurs analystes ont cru déceler dans Le Roi lion un  contenu idéologique. En effet, ce film met en scène un pays riche dirigé par une caste dominante (les lions) dont la légitimité en tant que monarques de droit divin[42] n'est jamais questionnée, et fondée principalement sur la loi du plus fort[réf. nécessaire]. Aux frontières de ce royaume les hyènes sont exilées dans une région inhospitalière, le cimetière des éléphants. Le but du gouvernement est clairement indiqué par Mufasa à son héritier : ne pas laisser pénétrer les hyènes sur le territoire.
 Pierre Barrette dans une analyse sémio-pragmatique du film constate que les analyses précédentes mettent en évidence une idéologie conservatrice et les stéréotypes associés que l'on peut résumer en trois thèmes[43] : un sexisme par genre, une hiérarchisation selon la race tout au moins les races animales (voir Race humaine pour les controverses) soutenu par des propos « pseudo-écologiques » et les modèles politiques opposant le modèle monarchique et des modèles démocratiques de type révolutionnaire ou communisme autocratique. Pierre Barrette s'associe aux analyses d'Henry A. Giroux[44], Lee Artz[45] et Keisha L. H Hoerner[46] pour les faire siennes afin de les développer[43].
 Selon Barrette, le film est avant tout une quête initiatique pour Simba de type canonique avec un axe spatial (exil et retour) et un axe temporel (âges de la vie)[43]. Nala est assimilée selon Barrette dans ce schéma à la récompense du héros et un objet d'accès à la sexualité[43]. Le père de Simba, Mufasa est un roi et un père mais il est aussi associé à des forces plus abstraites avec les ancêtres et une forme de divinité (Révélation)[43]. Le duo Timon et Pumbaa sont eux les représentants du Surmoi avec l'intelligence pour Timon et le ça freudien avec le corps et les désirs incontrôlés pour Pumbaa[43]. Les hyènes sont elles à la fois les adjuvants nécessaires avec leurs systèmes d'anti-valeurs définissant le sujet, mais aussi un royaume dissocié[43]. Thierry Petit va plus loin dans l'analyse et ajoute que leur système social semble fondé sur le matriarcat (ce qui est une réalité biologique de cette espèce), sous le commandement de la femelle Shenzi : elles sont ainsi perçues comme un monde inversé, un ensemble d'anti-valeurs qui menacent l'équilibre conservateur de la Terre des Lions[42]. Cette opposition des sexes a pu être considérée comme sexiste du fait de la « légitimité » ainsi accordée à un patriarcat machiste, qui plus est placé en analogie avec la monarchie absolue[42].
 Barette découpe les éléments de l'histoire en quatre sphères, le carré sémiotique :
 Barrette indique que le film positionne le spectateur-enfant en héros qui lors de son parc initiatique découvre des valeurs profitables voir nécessaires comme le réalisme pragmatique, l'individualisme, la religion, le sens des responsabilités et le libre arbitre[43]. Barrette compare la structure du film à l'analyse idéologique de l’espace de Disneyland faite par Louis Marin dans Utopiques : jeux d'espaces (1973)[47], parvenant dans son analyse à des conclusions similaires[43]. Comme dans le film où le spectateur résout symboliquement l’ensemble des contradictions qui l'entoure pour trouver sa place, « le trajet effectué par le visiteur de Disneyland entre les différentes parties du parc à thèmes doit être interprété fonctionnellement comme le geste qui tend à résoudre symboliquement les contradictions de la société américaine[43]. » Barette mets donc en parallèle la diégèse du film et la géographie du parc qui juxtaposent des sous-espaces en contiguïté et révèlent leur nature à la fois complémentaire et contradictoire, ce qui Marin nomme la « l’harmonisation leurrante des contraires[43]. » Barette voit dans le moto « grand cercle de la vie », non pas un antagonisme ou une confrontation mais  le triomphe de l’harmonie, une victoire de l’idéologie sur l’histoire[43].
 Il existe une controverse récurrente sur l'apparition du mot « SEX » dans le film. Lorsque Timon, Pumbaa et Simba sont allongés dans l'herbe et regardent les étoiles, Simba décide de partir à l'écart et se laisse tomber avec tristesse sur un rocher, provoquant un nuage de graines et de poussière. Pour certains, elles forment distinctement le mot « SEX ». Cependant, les réalisateurs de la scène affirment qu'il s'agit des lettres « SFX », abréviation de special effects (« effets spéciaux »)[48].
 Outre les deux « suites » produites par les studios Disney et sorties directement en vidéo, une série télévisée spin-off intitulée Timon et Pumbaa a été diffusée entre 1995 et 1998.
 Le 10 juin 2014, Walt Disney Television Animation annonce une série télévisée intitulée La Garde du Roi lion diffusée à partir de 2016 et étendant le monde du Roi lion[56],[57],[58]. Elle s'attardera sur le destin de Kion, le deuxième petit de Simba et Nala. Kion sera le chef de la garde des Lions, dont la mission est de protéger la Terre Des Lions.
 Le Roi lion a fait l'objet de plusieurs adaptations en jeu vidéo :
 L'univers du film est également repris dans un monde du jeu Kingdom Hearts 2, jeu mêlant personnages de Disney et de Square Enix.
 À partir de 1996, une revue hebdomadaire, Le Roi lion, une série pour découvrir et aimer la nature, a été publiée pendant 104 numéros.
 Une parade nommée The Lion King Celebration a défilé dans le parc Disneyland du 1er juillet 1994 au 1er juin 1997 et est la première parade à utiliser des audio-animatronics[14].
 Deux spectacles musicaux ont été créés pour les parcs à thèmes Disney :
 Une attraction présentant un film écologique Circle of Life: une fable environnementale à Epcot.
 Une comédie musicale basée sur le film a été créée pour Broadway et présentée pour la première fois au Orpheum Theater de Minneapolis le 8 juillet 1997 pour une période d'essai[14]. Le spectacle a ensuite déménagé à New York au New Amsterdam Theatre à partir du 10 octobre mais la grande première a eu lieu officiellement le 13 novembre[14]. Cette pièce a été adaptée en 2007 à Paris au théâtre Mogador. Le 19 janvier 2014, Walt Disney Theatrical Productions annonce l'ajout du Roi lion à la liste des spectacles en version pour enfants disponibles au travers de Music Theatre International[60].
 Un land sur le thème du film est prévu au sein du parc Disney Adventure World de Disneyland Paris, qui comprendra une attraction de type bûches, ainsi qu'un restaurant et une boutique thématiques[61]. La construction doit débuter en 2025 pour une ouverture prévue à l'horizon 2027-2028.
 « Le Roi Lion, dessin animé des studios Disney (sorti le 23 novembre) : 7,5 millions d'entrées. » « C'est la course en tête pour le Roi lion . Il ne lui aura fallu que 8 semaines pour flirter avec les 8 millions d'entrées ( 7,9 ). » Sur les autres projets Wikimedia :",6519,"Accueil; Portails thématiques; Article au hasard; Contact; Débuter sur Wikipédia; Aide; Communauté; Modifications récentes; ; Rechercher; en savoir plus; Contributions; Discussion; Article; Discussion; Lire; Lire; Pages liées; Suivi des pages liées; Téléverser un fichier; Pages spéciales; ; Le Roi lion (homonymie); ; Roger Allers; Rob Minkoff; Irene Mecchi; Jonathan Roberts; Linda Woolverton; Brenda Chapman; Chris Sanders; Joseph Ranft; Jim Capobianco; Andrew Gaskill; Tom Sito; Burny Mattinson; Hans Zimmer; Walt Disney Pictures; ; États-Unis; Animation; aventure; drame; 1994; Liste des Classiques d'animation Disney; Aladdin; Pocahontas; Le Roi lion 2; ; long-métrage d'animation; « Classique d'animation »; studios Disney; 1994; Roger Allers; Rob Minkoff; Hamlet; William Shakespeare; second âge d'or de Disney; La Petite Sirène; La Belle et la Bête; Aladdin; numéro un du box-office mondial; Le Monde de Nemo; La Reine des neiges; Les Aventures de Bernard et Bianca; Tim Rice; Elton John; Can You Feel the Love Tonight; Hans Zimmer; James Earl Jones; Jeremy Irons; Whoopi Goldberg; Rowan Atkinson; Jim Cummings; Le Roi lion 2 : L'Honneur de la tribu; Le Roi lion 3 : Hakuna Matata; séries télévisées dérivées; Timon et Pumbaa; La Garde du Roi lion; comédie musicale; Le Roi lion; Broadway; 1997; française; M6; 15; juillet; 2019; remake en animation 3D; Afrique; lions; Mufasa; Sarabi; mandrill; Rafiki; chaman; Simba; Scar; cimetière des éléphants; hyènes tachetées; Zazu; calao à bec rouge; majordome; gorge; gnous; désert; Timon; suricate; Pumbaa; phacochère; Hakuna Matata; fantôme; Simba; swahili; Mufasa; Kenya; Sarabi; swahili; Scar; méchant; tyran; Timon; suricate; bien-être; Hakuna Matata; swahili; Pumbaa; swahili; phacochère; Rafiki; mandrill; Nala; swahili; Zazu; calao à bec rouge; hyènes tachetées; Sarafina; Roger Allers; Rob Minkoff; Irene Mecchi; Jonathan Roberts; Linda Woolverton; Brenda Chapman; Burny Mattinson; Andrew Gaskill; Gary Trousdale; Jim Capobianco; Jorgen Klubien; Chris Sanders; Tom Sito; Joe Ranft; Andy Gaskill; Chris Sanders; Doug Ball; Mark Henn; Tony Fucile; Andreas Deja; Tony Bancroft; Dale Baer; Ron Husband; Randy Cartwright; Ken Boyer; Joe Grant; Lisa Keene; Melvin Shaw; Pixar; Christopher Jenkins; Hans Zimmer; Tim Rice; Elton John; Mark Mancina; Thomas Schumacher; Don Hahn; Walt Disney Pictures; Buena Vista Pictures Distribution; anglais; 1,78:1; Animation; aventure; drame; ; États-Unis; 15; juin; 1994; ; France; 23; novembre; 1994; Jonathan Taylor Thomas; Jason Weaver; Matthew Broderick; Joseph Williams; James Earl Jones; Jeremy Irons; Rowan Atkinson; Moira Kelly; Nathan Lane; Ernie Sabella; Robert Guillaume; Whoopi Goldberg; Cheech Marin; Madge Sinclair; Jim Cummings; Dimitri Rougeul; Emmanuel Curtil; Jean Reno; Jean Piat; Bernard Tiphaine; Maïdi Roth; Michel Elias; Jean-Philippe Puymartin; Med Hondo; Michel Prud'homme; Marie-Christine Darah; Michel Mella; Jim Cummings; Perrette Pradier; Walt Disney Feature Animation; Jeffrey Katzenberg; Roy E. 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//upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/8/83/Article_de_qualit%C3%A9.svg/10px-Article_de_qualit%C3%A9.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/8/83/Article_de_qualit%C3%A9.svg/10px-Article_de_qualit%C3%A9.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/7/77/United_States_film_clapperboard.svg/27px-United_States_film_clapperboard.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/b/b8/Nokia-9110-1.png/36px-Nokia-9110-1.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/d/da/Animation_disc.svg/26px-Animation_disc.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/2/20/D_letter_upon_three_circles.svg/31px-D_letter_upon_three_circles.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/1/12/Black_Paw.svg/26px-Black_Paw.svg.png; https://login.wikimedia.org/wiki/Special:CentralAutoLogin/start?type=1x1; /static/images/footer/wikimedia-button.svg; /w/resources/assets/poweredby_mediawiki.svg,https://en.wikipedia.org/wiki/The_Lion_King,The Lion King,https://en.wikipedia.org/wiki/The_Lion_King,"The Lion King is a 1994 American animated musical coming-of-age drama film[3][4] produced by Walt Disney Feature Animation and released by Buena Vista Pictures Distribution under the Walt Disney Pictures banner. The film was directed by Roger Allers and Rob Minkoff (in their feature directorial debuts) and produced by Don Hahn, from a screenplay written by Irene Mecchi, Jonathan Roberts, and Linda Woolverton. The film features an ensemble voice cast that includes Matthew Broderick, Moira Kelly, James Earl Jones, Jeremy Irons, Jonathan Taylor Thomas, Niketa Calame, Nathan Lane, Ernie Sabella, Whoopi Goldberg, Cheech Marin, Rowan Atkinson, and Robert Guillaume. Its original songs were written by composer Elton John and lyricist Tim Rice, with a score by Hans Zimmer. Inspired by African wildlife, the story is modelled primarily on William Shakespeare's stage play Hamlet with some influence from the Biblical stories of Joseph and Moses, and follows a young heir apparent who is forced to flee after his uncle kills his father and usurps the throne. After growing up in exile, the rightful king returns to challenge the usurper and end his tyrannical rule over the kingdom.
 Initially, The Lion King was supposed to be a non-musical, leaning towards a style similar to that of a documentary. George Scribner, who had made his feature directorial debut with Oliver & Company (1988), was hired to direct, with Allers joining him soon after following his work as a story artist or head of story on Oliver & Company, The Little Mermaid (1989), Beauty and the Beast (1991), and Aladdin (1992). Allers brought in Brenda Chapman and Chris Sanders, whom he had worked with on Beauty and the Beast and Aladdin, to serve as head of story and production designer, respectively.
 Woolverton, who had just wrapped up work as screenwriter for Beauty and the Beast, wrote the initial draft of the screenplay for this film, but following her departure from the project to write the libretto for the Broadway adaptation of Beauty and the Beast, Mecchi and Roberts were brought on board to finish and revise the script. Six months into production, Scribner left the project due to creative differences with Allers, producer Hahn, and Chapman about changing it into a musical, and Minkoff was hired to replace him in April 1992. Additionally, Beauty and the Beast directors Gary Trousdale and Kirk Wise were hired to perform some additional rewrites to the script and story. Throughout production, Allers, Scribner, Minkoff, Hahn, Chapman, Sanders, and several other animators visited Kenya to observe wildlife and get inspiration for the characters and setting.
 The Lion King was released on June 15, 1994, receiving critical acclaim for its music, story, themes, and animation. With an initial worldwide gross of $763 million, it finished its theatrical run as the highest-grossing film of 1994 and the second-highest-grossing film of all time, behind Jurassic Park (1993).[5] It also held the title of being the highest-grossing animated film, until it was overtaken by Finding Nemo (2003). The film remains the highest-grossing traditionally animated film of all time, as well as the best-selling film on home video, having sold over 55 million copies worldwide. It received two Academy Awards, as well as the Golden Globe Award for Best Motion Picture – Musical or Comedy. It is considered by many to be among the greatest animated films ever made.
 The film has led to many derived works, such as a Broadway adaptation in 1997; two direct-to-video follow-ups—the sequel, The Lion King II: Simba's Pride (1998), and the prequel/parallel, The Lion King 1½ (2004); two television series, The Lion King's Timon & Pumbaa (1995–1999) and The Lion Guard (2016–2019), the latter which premiered as a television film titled The Lion Guard: Return of the Roar in 2015; and a photorealistic remake in 2019, which also became the highest-grossing animated film at the time of its release. In 2016, the film was selected for preservation in the United States National Film Registry by the Library of Congress as being ""culturally, historically, or aesthetically significant"".[6] The Lion King is the first Disney film to have been dubbed in Zulu,[7] the only African language aside from Egyptian Arabic to have been used for a feature-length Disney dub.[8]
 In the Pride Lands of Tanzania, a pride of lions rule over the kingdom from Pride Rock. King Mufasa and Queen Sarabi's newborn son, Simba, is presented to the gathering animals by Rafiki the mandrill, the kingdom's shaman and advisor. Mufasa's younger brother, Scar, covets the throne.
 Mufasa shows Simba the Pride Lands and forbids him from exploring beyond its borders. He explains to Simba the responsibilities of kingship and the ""circle of life"", which connects all living things. Scar manipulates Simba into exploring an elephant graveyard beyond the Pride Lands. There, Simba and his best friend, Nala, are chased by three spotted hyenas named Shenzi, Banzai, and Ed. Mufasa is alerted by his majordomo, the hornbill Zazu, and rescues the cubs. Though disappointed with Simba for disobeying him and endangering himself and Nala, Mufasa forgives him. He explains that the great kings of the past watch over them from the night sky, from which he will one day watch over Simba. Scar visits the hyenas and convinces them to help him kill Mufasa and Simba in exchange for hunting rights in the Pride Lands.
 Scar sets a trap for Simba and Mufasa. He lures Simba into a gorge and signals the hyenas to drive a large herd of wildebeest into a stampede to trample him. Scar alerts Mufasa, who saves Simba and tries to escape the gorge; he begs for Scar's help, but he throws Mufasa into the stampede to his death. Scar tricks Simba into believing that Mufasa's death was his fault and tells him to leave the kingdom and never return. He then orders the hyenas to kill Simba, who escapes. Unaware of Simba's survival, Scar tells the pride that the stampede killed both Mufasa and Simba, and steps forward as the new king, allowing the hyenas into the Pride Lands.
 Simba collapses in a desert but is rescued by two outcasts, a meerkat and a warthog named Timon and Pumbaa. Simba grows up with his two new friends in their oasis, living a carefree life under their motto ""hakuna matata"" (""no worries"" in Swahili). Years later, an adult Simba rescues Timon and Pumbaa from a hungry lioness, who is revealed to be Nala. Simba and Nala fall in love, and she urges him to return home, telling him that the Pride Lands have become drought-stricken under Scar's reign. Still feeling guilty over Mufasa's death, Simba refuses and leaves angrily. He encounters Rafiki, who tells Simba that Mufasa's spirit lives on in him. Simba is visited by the spirit of Mufasa in the night sky, who tells him that he must take his place as king. After Rafiki advises him to learn from the past instead of running from it, Simba decides to return to the Pride Lands.
 Aided by his friends, Simba sneaks past the hyenas at Pride Rock and confronts Scar, who taunts Simba over his supposed role in Mufasa's death. Scar then whispers to Simba, admitting for having killed Mufasa. Enraged, Simba retaliates and forces Scar to confess the truth to the pride. A battle ensues between Simba and his allies and the hyenas. Scar attempts to escape, but is cornered by Simba at a ledge near the top of Pride Rock. Scar begs for mercy and blames his actions on the hyenas. Simba spares Scar's life but orders him to leave the Pride Lands forever; Scar refuses and attacks Simba. Following a brief battle, Simba throws Scar off the ledge. Scar survives the fall, but the hyenas, who overheard him betraying them, attack and maul him to death.
 With Scar and the hyenas gone, Simba takes his place as king, and Nala becomes his queen. With the Pride Lands restored, Rafiki presents Simba and Nala's newborn cub to the assembled animals, thus continuing the circle of life.
 The origin of the concept for The Lion King is widely disputed.[11][12][13] According to Charlie Fink (then-Walt Disney Feature Animation's vice president for creative affairs), he approached Jeffrey Katzenberg, Roy E. Disney, and Peter Schneider with a ""Bambi in Africa"" idea with lions. Katzenberg balked at the idea at first, but nevertheless encouraged Fink and his writers to develop a mythos to explain how lions serviced other animals by eating them.[14] Another anecdote states that the idea was conceived during a conversation between Katzenberg, Roy E. Disney, and Schneider on a flight to Europe during a promotional tour.[l] During the conversation, the topic of a story set in Africa came up, and Katzenberg immediately jumped at the idea.[16] Katzenberg decided to add elements involving coming of age and death, and ideas from personal life experiences, such as some of his trials in his career in politics, saying about the film, ""It is a little bit about myself.""[17]
 On October 11, 1988, Thomas Disch (the author of The Brave Little Toaster) had met with Fink and Roy E. Disney to discuss the idea, and within the next month, he had written a nine-paged treatment entitled King of the Kalahari.[18][19] Throughout 1989, several Disney staff writers, including Jenny Tripp, Tim Disney, Valerie West and Miguel Tejada-Flores, had written treatments for the project. Tripp's treatment, dated on March 2, 1989, introduced the name ""Simba"" for the main character, who gets separated from his pride and is adopted by Kwashi, a baboon, and Mabu, a mongoose. He is later raised in a community of baboons. Simba battles an evil jackal named Ndogo, and reunites with his pride.[20] Later that same year, Fink recruited his friend J. T. Allen, a writer, to develop new story treatments. Fink and Allen had earlier made several trips to a Los Angeles zoo to observe the animal behavior that was to be featured in the script. Allen completed his script, which was titled The Lion King, on January 19, 1990. However, Fink, Katzenberg, and Roy E. Disney felt Allen's script could benefit from a more experienced screenwriter, and turned to Ronald Bass, who had recently won an Academy Award for Best Original Screenplay for Rain Man (1988). At the time, Bass was preoccupied to rewrite the script himself, but agreed to supervise the revisions. The new script, credited to both Allen and Bass, was retitled King of the Beasts and completed on May 23, 1990.[20]
 Sometime later, Linda Woolverton, who was also writing Beauty and the Beast (1991), spent a year writing several drafts of the script, which was titled King of the Beasts and then King of the Jungle.[21] The original version of the film was vastly different from the final product. The plot centered on a battle between lions and baboons, with Scar being the leader of the baboons, Rafiki being a cheetah,[17] and Timon and Pumbaa being Simba's childhood friends.[22] Simba would not only leave the kingdom but become a ""lazy, slovenly, horrible character"" due to manipulations from Scar, so Simba could be overthrown after coming of age.[23] By 1990, producer Thomas Schumacher, who had just completed The Rescuers Down Under (1990), decided to attach himself to the project ""because lions are cool"".[21] Schumacher likened the King of the Jungle script to ""an animated National Geographic special"".[24]
 George Scribner, who had directed Oliver & Company (1988), was the initial director of the film,[25] being later joined by Roger Allers, who was the lead story man on Beauty and the Beast (1991).[11][16] Allers worked with Scribner and Woolverton on the project, but temporarily left the project to help rewrite Aladdin (1992). Eight months later, Allers returned to the project,[26][27] and brought Brenda Chapman and Chris Sanders with him.[28] In October 1991, several of the lead crew members, including Allers, Scribner, Chapman, Sanders, and Lisa Keene visited Hell's Gate National Park in Kenya, in order to study and gain an appreciation of the environment for the film.[29][30] After six months of story development work, Scribner decided to leave the project upon clashing with Allers and the producers over their decision to turn the film into a musical, since Scribner's intention was of making a documentary-like film more focused on natural aspects.[16][25] By April 1992, Rob Minkoff had replaced Scribner as the new co-director.[9][28]
 Don Hahn joined the production as the film's producer because Schumacher was promoted to Vice President of Development for Walt Disney Feature Animation.[24][31] Hahn found the script unfocused and lacking a clear theme, and after establishing the main theme as ""leaving childhood and facing up to the realities of the world"", asked for a final retool. Allers, Minkoff, Chapman, and Hahn then rewrote the story across two weeks of meetings with directors Kirk Wise and Gary Trousdale, who had finished directing Beauty and the Beast (1991).[32] One of the definite ideas that stemmed from the meetings was to have Mufasa return as a ghost. Allers also changed the character Rafiki from a more serious court advisor into a wacky shaman.[33] The title was also changed from King of the Jungle to The Lion King, as the setting was not the jungle but the savannah.[16] It was also decided to make Mufasa and Scar brothers, as the writers felt it was much more interesting if the threat came from someone within the family.[34] Allers and Minkoff pitched the revised story to Katzenberg and Michael Eisner, to which Eisner felt the story ""could be more Shakespearean""; he suggested modeling the story on King Lear. Maureen Donley, an associate producer, countered, stating that the story resembled Hamlet.[35] Continuing on the idea, Allers recalled Katzenberg asking them to ""put in as much Hamlet as you can"". However, they felt it was too forced, and looked to other heroic archetypes such as the stories of Joseph and Moses from the Bible.[36]
 Not counting most of the segments from Fantasia (1940), Saludos Amigos (1942), The Three Caballeros (1944), Make Mine Music (1946), and Melody Time (1948); and The Rescuers Down Under (1990) (a sequel to The Rescuers (1977)), The Lion King was the first Disney animated feature to be an original story, rather than be based on pre-existing works and characters. The filmmakers have stated that the story of The Lion King was inspired by the lives of Joseph and Moses from the Bible, and Shakespeare's Hamlet,[34] though the story has also drawn some comparisons to Shakespeare's lesser known plays Henry IV, Part 1 and Part 2.[37]
 By this point, Woolverton had left the production to work on the Broadway adaptation of Beauty and the Beast.[9] To replace her, Allers and Minkoff met with numerous screenwriters, including Billy Bob Thornton and Joss Whedon, to discuss writing the new screenplay.[35] During the summer of 1992, Irene Mecchi was hired as the new screenwriter, and months later, she was joined by Jonathan Roberts. Mecchi and Roberts took charge of the revision process, fixing unresolved emotional issues in the script and adding comedic situations for Pumbaa, Timon, and the hyenas.[38][9]
 Lyricist Tim Rice worked closely with the screenwriting team, flying to California at least once a month, as his songs for the film needed to work in the narrative continuity. Rice's lyrics—which were reworked up to the production's end—were pinned to the storyboards during development.[39] Rewrites were frequent, with animator Andreas Deja saying that completed scenes would be delivered, only for the response to be that parts needed to be reanimated because of dialogue changes.[40] Due to the rewrites, The Lion King missed its initial release window for Thanksgiving 1993, with The Nightmare Before Christmas (1993) assuming its release slot.[41] Hahn stated the film was delayed to a summer 1994 release, ""with much consternation, because people said you can't release animation in the summertime.""[42]
 The voice actors were chosen for how they fit and could add to the characters; for instance, James Earl Jones was cast because the directors found his voice ""powerful"" and similar to a lion's roar.[43] Jones remarked that during the years of production, Mufasa ""became more and more of a dopey dad instead of [a] grand king"".[44]
 Nathan Lane auditioned for Zazu, and Ernie Sabella for one of the hyenas. Upon meeting at the recording studio, Lane and Sabella – who were starring together in a Broadway production of Guys and Dolls at the time – were asked to record together as hyenas. The directors laughed at their performance and decided to instead cast them as Timon and Pumbaa.[43][45] For the hyenas, the original intention was to reunite Cheech & Chong, but while Cheech Marin agreed to voice Banzai, Tommy Chong was unavailable. His role was changed into a female hyena, Shenzi, voiced by Whoopi Goldberg, who insisted on being in the film.[22] The English double act Vic Reeves and Bob Mortimer auditioned for roles as a pair of chipmunks; according to Mortimer, the producers were enthusiastic, but he and Reeves were uncomfortable with their corporate attitude and abandoned the film.[46] Rowan Atkinson was initially uninterested in the studio's offer to voice Zazu, later explaining that ""voice work is something I generally had never done and never liked [...] I'm a visual artist, if I'm anything, and it seemed to be a pointless thing to do"". His friend and fellow Mr. Bean writer/actor Robin Driscoll convinced him to accept the role, and Atkinson retrospectively expressed that The Lion King became ""a really, very special film"".[47]
 Matthew Broderick was cast as adult Simba early during production. Broderick only recorded with another actor once over the three years he worked on the film, and only learned that Moira Kelly voiced Nala at the film's premiere.[48] English actors Tim Curry, Malcolm McDowell, Alan Rickman, Patrick Stewart, and Ian McKellen were considered for the role of Scar,[49] which eventually went to fellow Englishman Jeremy Irons.[50] Irons initially turned down the part, as he felt uncomfortable going to a comedic role after his dramatic portrayal of Claus von Bülow in Reversal of Fortune (1990). His performance in that film inspired the writers to incorporate more of his acting as von Bülow in the script – adding one of that character's lines, ""You have no idea"" – and prompted animator Andreas Deja to watch Reversal of Fortune and Damage (1992) in order to incorporate Irons' facial traits and tics.[44][51]
 ""The Lion King was considered a little movie because we were going to take some risks. The pitch for the story was a lion cub gets framed for murder by his uncle set to the music of Elton John. People said, 'What? Good luck with that.' But for some reason, the people who ended up on the movie were highly passionate about it and motivated.""
 Don Hahn[45] The development of The Lion King coincided with that of Pocahontas (1995), which most of the animators of Walt Disney Feature Animation decided to work on instead, believing it would be the more prestigious and successful of the two.[34] The story artists also did not have much faith in the project, with Chapman declaring she was reluctant to accept the job ""because the story wasn't very good"",[52] and Burny Mattinson telling his colleague Joe Ranft: ""I don't know who is going to want to watch that one.""[53] Most of the leading animators either were doing their first major work supervising a character, or had much interest in animating an animal.[17] Thirteen of these supervising animators, both in California and in Florida, were responsible for establishing the personalities and setting the tone for the film's main characters. The animation leads for the main characters included Mark Henn on young Simba, Ruben A. Aquino on adult Simba, Andreas Deja on Scar, Aaron Blaise on young Nala, Anthony DeRosa on adult Nala, and Tony Fucile on Mufasa.[9] Nearly twenty minutes of the film, including the ""I Just Can't Wait to Be King"" sequence,[22] was animated at the Disney-MGM Studios facility. More than 600 artists, animators, and technicians contributed to The Lion King.[25] Weeks before the film's release, the 1994 Northridge earthquake shut down the studio and required the animators to complete via remote work.[54]
 The character animators studied real-life animals for reference, as was done for Bambi (1942). Jim Fowler, renowned wildlife expert, visited the studios on several occasions with an assortment of lions and other savannah inhabitants to discuss behavior and help the animators give their drawings authenticity.[55] The animators also studied animal movements at the Miami MetroZoo under guidance from wildlife expert Ron Magill.[56] The Pride Lands are modeled on the Kenyan national park visited by the crew. Varied focal lengths and lenses were employed to differ from the habitual portrayal of Africa in documentaries—which employ telephoto lenses to shoot the wildlife from a distance. The epic feel drew inspiration from concept studies by artist Hans Bacher—who, following Scribner's request for realism, tried to depict effects such as lens flare—and the works of painters Charles Marion Russell, Frederic Remington, and Maxfield Parrish.[57][58] Art director Andy Gaskill and the filmmakers sought to give the film a sense of grand sweep and epic scale similar to Lawrence of Arabia (1962). Gaskill explained: ""We wanted audiences to sense the vastness of the savannah and to feel the dust and the breeze swaying through the grass. In other words, to get a real sense of nature and to feel as if they were there. It's very difficult to capture something as subtle as a sunrise or rain falling on a pond, but those are the kinds of images that we tried to get."" The filmmakers also watched the films of John Ford and other filmmakers, which also influenced the design of the film.[9]
 Because the characters were not anthropomorphized, all the animators had to learn to draw four-legged animals, and the story and character development was done through the use of longer shots following the characters.[22]
 Computers helped the filmmakers present their vision in new ways. For the wildebeest stampede sequence, several distinct wildebeest characters were created in a 3D computer program, multiplied into hundreds, cel shaded to look like drawn animation, and given randomized paths down a mountainside to simulate the real, unpredictable movement of a herd.[59] Five specially trained animators and technicians spent more than two years creating the two-and-a-half-minute stampede.[9] The Computer Animation Production System (CAPS) helped simulate camera movements such as tracking shots, and was employed in coloring, lighting, and particle effects.[22]
 Lyricist Tim Rice, who was working with composer Alan Menken on songs for Aladdin (1992), was invited to write songs for The Lion King, and accepted on the condition of bringing in a composing partner. As Menken was unavailable, the producers accepted Rice's suggestion of Elton John,[43] after Rice's invitation of ABBA fell through due to Benny Andersson's commitments to the stage musical Kristina från Duvemåla.[17] John expressed an interest in writing ""ultra-pop songs that kids would like; then adults can go and see those movies and get just as much pleasure out of them"", mentioning a possible influence of The Jungle Book (1967), where he felt the ""music was so funny and appealed to kids and adults"".[60]
 Rice and John wrote five original songs for The Lion King (""Circle of Life"", ""I Just Can't Wait to Be King"", ""Be Prepared"", ""Hakuna Matata"", and ""Can You Feel the Love Tonight""), with John's performance of ""Can You Feel the Love Tonight"" playing over the end credits.[61] The IMAX and DVD releases added another song, ""The Morning Report"", based on a song discarded during development that eventually featured in the live musical version of The Lion King.[62] The score was composed by Hans Zimmer, who was hired based on his earlier work on two films in African settings, A World Apart (1988) and The Power of One (1992),[63] and supplemented the score with traditional native African music and choir elements arranged by Lebo M.[61] Zimmer's partners Mark Mancina and Jay Rifkin helped with arrangements and song production.[64]
 The Lion King original motion picture soundtrack was released by Walt Disney Records on April 27, 1994. It was the fourth-best-selling album of the year on the Billboard 200 and the top-selling soundtrack.[65] It is the only soundtrack to an animated film to be certified Diamond (10× platinum) by the Recording Industry Association of America. Zimmer's complete instrumental score for the film was never originally given a full release, until the soundtrack's commemorative twentieth anniversary re-release in 2014.[66] The Lion King also inspired the 1995 release Rhythm of the Pride Lands, with eight songs by Zimmer, Mancina, and Lebo M.[67]
 The use of the song ""The Lion Sleeps Tonight"" in a scene with Timon and Pumbaa led to disputes between Disney and the family of South African Solomon Linda, who composed the song (originally titled ""Mbube"") in 1939. In July 2004, Linda's family filed a lawsuit, seeking $1.6 million in royalties from Disney. In February 2006, Linda's heirs reached a settlement with Abilene Music, who held the worldwide rights and had licensed the song to Disney for an undisclosed amount of money.[68]
 For The Lion King's first film trailer, Disney opted to feature a single scene, the entire opening sequence with the song ""Circle of Life"". Buena Vista Pictures Distribution president Dick Cook said the decision was made for such an approach because ""we were all so taken by the beauty and majesty of this piece that we felt like it was probably one of the best four minutes of film that we've seen"", and Don Hahn added that ""Circle of Life"" worked as a trailer as it ""came off so strong, and so good, and ended with such a bang"". The trailer was released in November 1993, accompanying The Three Musketeers (1993) and Sister Act 2: Back in the Habit (1993) in theaters; by then, only a third of The Lion King had been completed.[42][69] Audience reaction was enthusiastic, causing Hahn to have some initial concerns as he became afraid of not living up to the expectations raised by the preview.[42] Prior to the film's release, Disney did 11 test screenings.[70]
 Upon release, The Lion King was accompanied by an extensive marketing campaign which included tie-ins with Burger King, Mattel, Kodak, Nestlé, and Payless ShoeSource, and various merchandise,[71] accounting 186 licensed products.[72][73] In 1994, Disney earned approximately $1 billion with products based on the film,[74] with $214 million for Lion King toys during Christmas 1994 alone.[75]
 The Lion King had a limited release in the United States on June 15, 1994, playing in only two theaters, El Capitan Theatre in Los Angeles and Radio City Music Hall in New York City,[76] and featuring live shows with ticket prices up to $30.[77]
 The wide release followed on June 24, 1994, in 2,550 screens. The digital surround sound of the film led many of those theaters to implement Dolby Laboratories' newest sound systems.[78]
 When first released in 1994, The Lion King numbered 28 versions overall in as many languages and dialects worldwide, including a special Zulu version made specifically for the film in South Africa, where a Disney USA team went to find the Zulu voice-actors. This is not just the only Zulu dubbing ever made by Disney, but also the only one made in any African language, other than Arabic.[79][80]  The Zulu language version was released in South Africa on November 23, 1994.[81][82]
 The Lion King marks also the first time a special dubbing is released in honor of a Disney movie background, but not the last: in 2016 the film Moana (2016) received a special Tahitian language version,[83] followed in 2017 by a Māori version,[84] in 2018 by a Hawaiian version;[85] and in 2019 the film Frozen II (2019) was dubbed into Northern Sami, even though Frozen (2013) was not.[86][87] By 2022, 45 language adaptations of the film had been produced.[88] The special Zulu dubbing was made available on the streaming platform Disney+ in October 2022, together with the Māori dubbing of Moana, and the special Arapaho dubbing of Bambi.[89]
 Following the success of the Māori dub of Moana, a Māori version of The Lion King was announced in 2021, and released theatrically on June 23, 2022, to align with the Māori holiday of Matariki.[90][91] Much of the Matewa Media production team, including producer Chelsea Winstanley, director Tweedie Waititi, and co-musical director Rob Ruha had previously worked on the Māori language version of Moana.[92] The Lion King Reo Māori is the first time a language adaptation has translated Elton John's ""Can You Feel the Love Tonight"" for the ending credits.[88]
 The film was re-issued on December 25, 2002, for IMAX and large-format theaters. Don Hahn explained that eight years after The Lion King had its original release, ""there was a whole new generation of kids who haven't really seen it, particularly on the big screen."" Given the film had already been digitally archived during production, the restoration process was easier, while also providing many scenes with enhancements that covered up original deficiencies.[70][93] An enhanced sound mix was also provided to, as Hahn explained, ""make the audience feel like they're in the middle of the movie.""[70] On its first weekend, The Lion King made $2.7 million from 66 locations, a $27,664 per theater average. This run ended with $15.7 million on May 30, 2003.[94]
 In 2011, The Lion King was converted to 3D for a two-week limited theatrical re-issue and subsequent 3D Blu-ray release.[95][96] The film opened at the number one spot on Friday, September 16, 2011, with $8.9 million[97] and finished the weekend with $30.2 million, ranking number one at the box office. This made The Lion King the first re-issue release to earn the number-one slot at the American weekend box office since the re-issue of Return of the Jedi (1983) in March 1997.[98] The film also achieved the fourth-highest September opening weekend of all time.[99] It held off very well on its second weekend, again earning first place at the box office with a 27 percent decline to $21.9 million.[100] Most box-office observers had expected the film to fall about 50 percent in its second weekend and were also expecting Moneyball (2011) to be at first place.[101]
 After its initial box-office success, many theaters decided to continue to show the film for more than two weeks, even though its 3D Blu-ray release was scheduled for two and a half weeks after its theatrical release.[100] In North America, the 3D re-release ended its run in theaters on January 12, 2012, with a gross of $94.2 million. Outside North America, it earned $83.4 million.[102] The successful 3D re-release of The Lion King made Disney and Pixar plan 3D theatrical re-releases of Beauty and the Beast, Finding Nemo (2003), Monsters, Inc. (2001), and The Little Mermaid (1989) during 2012 and 2013.[103] However, none of the re-releases of the first three films achieved the enormous success of The Lion King 3D and the theatrical re-release of The Little Mermaid was ultimately cancelled.[104] In 2012, Ray Subers of Box Office Mojo wrote that the reason why the 3D version of The Lion King succeeded was because, ""the notion of a 3D re-release was still fresh and exciting, and The Lion King (3D) felt timely given the movie's imminent Blu-ray release. Audiences have been hit with three 3D re-releases in the year since, meaning the novelty value has definitely worn off.""[105]
 As part of Disney's 100th anniversary, The Lion King was re-released between September 29 to October 12, 2023, in selected Cinemark theaters across the United States as well as Helios theaters across Poland on October 8.[106][107]
 In conjunction with the film's 30th anniversary, The Lion King was re-released on July 12, 2024.[108] During its opening weekend, the film earned an estimated $1.08 million in the United States from 1,330 theaters.[109]
 The Lion King was first released on VHS and LaserDisc in the United States on March 3, 1995, under Disney's ""Masterpiece Collection"" video series. The VHS edition of this release contained a special preview for Walt Disney Pictures' then-upcoming animated feature film Pocahontas (1995), in which the title character (voiced by Judy Kuhn) sings the musical number ""Colors of the Wind"".[110] In addition, Deluxe Editions of both formats were released. The VHS Deluxe Edition included the film, an exclusive lithograph of Rafiki and Simba (in some editions), a commemorative ""Circle of Life"" epigraph, six concept art lithographs, another tape with the half-hour TV special The Making of The Lion King, and a certificate of authenticity. The CAV laserdisc Deluxe Edition also contained the film, six concept art lithographs and The Making of The Lion King, and added storyboards, character design artwork, concept art, rough animation, and a directors' commentary that the VHS edition did not have, on a total of four double sided discs. The VHS tape quickly became the best-selling videotape of all time: 4.5 million tapes were sold on the first day[111] and ultimately sales totaled more than 30 million[112] before these home video versions went into moratorium in 1997.[113] The VHS releases have sold a total of 32 million units in North America,[114] and grossed $520 million in sales revenue.[115] In addition, 23 million units were shipped overseas to international markets.[116] In the Philippines, the film was released on VHS in March 1995 by Magnavision.[117] The film sold more than 55 million video copies worldwide by August 1997, making it the best-selling home video title of all time.[118]
 On October 7, 2003, the film was re-released on VHS and released on DVD for the first time, titled The Lion King: Platinum Edition, as part of Disney's Platinum Edition line of DVDs. The DVD release featured two versions of the film on the first disc, a remastered version created for the 2002 IMAX release and an edited version of the IMAX release purporting to be the original 1994 theatrical version.[119] A second disc, with bonus features, was also included in the DVD release. The film's soundtrack was provided both in its original Dolby 5.1 track and in a new Disney Enhanced Home Theater Mix, making this one of the first Disney DVDs so equipped.[120] This THX certified two-disc DVD release also contains several games, Timon and Pumbaa's Virtual Safari, deleted scenes, music videos and other bonus features.[121] By means of seamless branching, the film could be viewed either with or without a newly created scene – a short conversation in the film replaced with a complete song (""The Morning Report""). A Special Collector's Gift Set was also released, containing the DVD set, five exclusive lithographed character portraits (new sketches created and signed by the original character animators), and an introductory book entitled The Journey.[113] The Platinum Edition of The Lion King featured changes made to the film during its IMAX re-release, including re-drawn crocodiles in the ""I Just Can't Wait to Be King"" sequence as well as other alterations.[119] More than two million copies of the Platinum Edition DVD and VHS units were sold on the first day of release.[111] A DVD box set of the three The Lion King films (in two-disc Special Edition formats) was released on December 6, 2004. In January 2005, the film, along with the sequels, went back into moratorium.[122] The DVD releases have sold a total of 11.9 million units and grossed $220 million.[123]
 Walt Disney Studios Home Entertainment released the Diamond Edition of The Lion King on October 4, 2011.[95] This marks the first time that the film has been released in high-definition Blu-ray and on Blu-ray 3D.[95][124] The initial release was produced in three different packages: a two-disc version with Blu-ray and DVD; a four-disc version with Blu-ray, DVD, Blu-ray 3D, and digital copy; and an eight-disc box set that also includes the sequels The Lion King II: Simba's Pride and The Lion King 1½.[95][124] A standalone single-disc DVD release also followed on November 15, 2011.[95] The Diamond Edition topped the Blu-ray charts with over 1.5 million copies sold.[125] The film sold 3.83 million Blu-ray units in total, leading to a $101.14 million income.[126]
 The Lion King was once again released to home media as part of the Walt Disney Signature Collection first released on Digital HD on August 15, 2017, and on Blu-ray and DVD on August 29, 2017.[127]
 The Lion King was released on Ultra HD Blu-ray and 4K digital download on December 3, 2018.[128]
 As of July 23, 2024[update], The Lion King grossed $425 million in North America and $553.8 million in other territories, for a worldwide total of $979 million.[2] After its initial run, having earned $763.5 million,[129] it ranked as the highest-grossing animated film of all time, the highest-grossing film of Walt Disney Animation Studios,[130] and the highest-grossing film of 1994.[131] It was the second-highest-grossing film of all time, behind Jurassic Park (1993).[5] The film remained as the second-highest-grossing film until the spot was taken by Independence Day (1996) two years later.[132] It finished as the 5th highest grossing film of the 1990s domestically.[133]
 It held the record for the highest-grossing animated feature film (in North America, outside North America, and worldwide) until it was surpassed by Finding Nemo (2003). With the earnings of the 3D run, The Lion King surpassed all the aforementioned films but Toy Story 3 (2010) to rank as the second-highest-grossing animated film worldwide—later dropping to ninth, and then tenth, surpassed by its photorealistic CGI remake counterpart—and it remains the highest-grossing hand-drawn animated film.[98] It is also the biggest animated movie of the last 50 years in terms of estimated attendance.[134] The Lion King was also the highest-grossing G-rated film in the United States from 1994 to 2003 and again from 2011 to 2019 until its total was surpassed by Toy Story 4 (2019) (unadjusted for inflation).[135]
 During the first two days of limited release in two theaters, The Lion King grossed $622,277, and for the weekend it earned nearly $1.6 million, placing the film in tenth place at the box office.[136] The average of $793,377 per theater stands as the largest ever achieved during a weekend,[137] and it was the highest-grossing opening weekend on under 50 screens, beating the record set by Star Wars (1977) from 43 screens.[138] The film grossed nearly $3.8 million from the two theaters in just 10 days.[139]
 When it opened wide, The Lion King grossed $40.9 million—which at the time was the fourth biggest opening weekend ever and the highest sum for a Disney film—to top the weekend box office. It displaced the previous box office champion Wolf, while also topping Speed and Wyatt Earp.[25][140] At that time, it easily outgrossed the previous biggest 1994 opening, which was the $37.2 million earned by The Flintstones during the four-day Memorial Day weekend. The film also produced the third-highest opening weekend gross of any film, trailing only behind Jurassic Park (1993) and Batman Returns (1992).[141] For five years, the film held the record for having the highest opening weekend for an animated film until it was surpassed by Toy Story 2 (1999).[142] For its second weekend, The Lion King collected a total of $34.2 million, outgrossing the openings of The Shadow, Blown Away and I Love Trouble.[143] It remained the number-one box office film for a total of two weeks until it was displaced by Forrest Gump,[144] followed by True Lies the week after.[145]
 In September 1994, Disney pulled the film from movie theaters and announced that it would be re-released during Thanksgiving in order to take advantage of the holiday season.[146] At the time, the film had earned $267 million in the United States.[2][147] Upon its re-release in November 1994, it earned $5.5 million during its first weekend, ranking in fourth place behind Star Trek Generations, Interview with the Vampire and The Santa Clause.[148] Following its re-release, by March 1995, it had grossed $312.9 million,[2] being the highest-grossing 1994 film in the United States and Canada, but was soon surpassed by Forrest Gump.[149] Box Office Mojo estimates that the film sold over 74 million tickets in the US in its initial theatrical run,[150] equivalent to $812.1 million adjusted for inflation in 2018.[151]
 Internationally, the film grossed $455.8 million during its initial run, for a worldwide total of $763.5 million.[129] It had record openings in Sweden and Denmark.[152]
 On Rotten Tomatoes, The Lion King has an approval rating of 93% with an average score of 8.4/10, based on 137 reviews. The website's critical consensus reads, ""Emotionally stirring, richly drawn, and beautifully animated, The Lion King stands tall within Disney's pantheon of classic family films.""[153] It also ranked 56th on Rotten Tomatoes' ""Top 100 Animation Movies"".[154] At Metacritic, which uses a weighted average, the film received a score of 88 out of 100 based on 30 critics, indicating ""universal acclaim"".[155] Audiences polled by CinemaScore gave the film a rare ""A+"" grade on an A+ to F scale.[156]
 Roger Ebert of the Chicago Sun-Times gave the film three and a half stars out of a possible four and called it ""a superbly drawn animated feature"". He further wrote in his print review, ""The saga of Simba, which in its deeply buried origins owes something to Greek tragedy and certainly to Hamlet, is a learning experience as well as an entertainment.""[4] On the television program Siskel & Ebert, the film was praised but received a mixed reaction when compared to the previous Disney films. Ebert and his partner Gene Siskel both gave the film a ""Thumbs Up"", but Siskel said that it was not as good as Beauty and the Beast and that it was ""a good film, not a great one"".[157] Hal Hinson of The Washington Post called it ""an impressive, almost daunting achievement"" and felt that the film was ""spectacular in a manner that has nearly become commonplace with Disney's feature-length animations"". However, he was less enthusiastic toward the end of his review saying, ""Shakespearean in tone, epic in scope, it seems more appropriate for grown-ups than for kids. If truth be told, even for adults it is downright strange.""[158]
 Owen Gleiberman of Entertainment Weekly praised the film, writing that it ""has the resonance to stand not just as a terrific cartoon but as an emotionally pungent movie"".[159]
Rolling Stone film critic Peter Travers praised the film and felt that it was ""a hugely entertaining blend of music, fun, and eye-popping thrills, though it doesn't lack for heart"".[160] James Berardinelli from Reelviews.net praised the film saying, ""With each new animated release, Disney seems to be expanding its already-broad horizons a little more. The Lion King is the most mature (in more than one sense) of these films, and there clearly has been a conscious effort to please adults as much as children. Happily, for those of us who generally stay far away from 'cartoons', they have succeeded.""[161]
 Some reviewers still had problems with the film's narrative. Kenneth Turan of the Los Angeles Times felt the film ""is less of a piece than its revered predecessors and the first to have a core story noticeably less involving than its scintillating peripheral characters.""[162] TV Guide wrote that while The Lion King was technically proficient and entertaining, it ""offers a less memorable song score than did the previous hits, and a hasty, unsatisfying dramatic resolution.""[163] The New Yorker's Terrence Rafferty considered that despite the good animation, the story felt like ""manipulat[ing] our responses at will"", as ""Between traumas, the movie serves up soothingly banal musical numbers and silly, rambunctious comedy"".[164]
 In 2008, The Lion King was ranked as the 319th greatest film ever made by Empire magazine,[186] and in June 2011, TIME named it one of ""The 25 All-TIME Best Animated Films"".[187] In June 2008, the American Film Institute listed The Lion King as the fourth best film in the animation genre in its AFI's 10 Top 10 list,[188] having previously put ""Hakuna Matata"" as 99th on its AFI's 100 Years...100 Songs ranking.[189]
 In 2016, the film was selected for preservation in the United States National Film Registry by the Library of Congress as being ""culturally, historically, or aesthetically significant"".
 Protests were raised against one scene where it appears as if the word ""SEX"" might have been embedded into the dust flying in the sky when Simba flops down,[213] which conservative activist Donald Wildmon asserted was a subliminal message intended to promote sexual promiscuity. Animator Tom Sito has stated that the letters spell ""SFX"" (a common abbreviation for ""special effects""), not with an ""E"" instead of the ""F"", and were intended as an innocent ""signature"" created by the effects animation team.[214]
 Hyena biologists protested against the animal's portrayal, though the complaints may have been somewhat tongue-in-cheek. One hyena researcher, who had organized the animators' visit to the University of California, Berkeley, Field Station for the Study of Behavior, Ecology, and Reproduction, where they would observe and sketch captive hyenas,[215] listed ""boycott The Lion King"" in an article listing ways to help preserve hyenas in the wild, and later ""joke[d] that The Lion King set back hyena conservation efforts.""[216][217] Even so, the film was also credited with ""spark[ing] an interest"" in hyenas at the Berkeley center.[217]
 The film has been criticized for race and class issues, with the hyenas seen as reflecting negative stereotypes of black and Latino ethnic communities.[218][219][220]
 Certain elements of the film were thought to bear a resemblance to Osamu Tezuka's 1960s Japanese anime television series Jungle Emperor (known as Kimba the White Lion in the United States), with some similarities between a number of characters and various individual scenes. The 1994 release of The Lion King drew a protest in Japan, where Kimba and its creator Osamu Tezuka are cultural icons. 488 Japanese cartoonists and animators, led by manga author Machiko Satonaka, signed a petition accusing Disney of plagiarism and demanding that they give due credit to Tezuka.[221][222] Matthew Broderick believed initially that he was, in fact, working on an American version of Kimba since he was familiar with the Japanese original.[223]
 The Lion King director Roger Allers claimed complete unfamiliarity with the series until the movie was nearly completed, and did not remember it being ever mentioned during development.[26] Madhavi Sunder has suggested that Allers might have seen the 1989 remake of Kimba on prime time television while living in Tokyo. However, while Allers did indeed move to Tokyo in 1983 in order to work on Little Nemo: Adventures in Slumberland (1989), he moved back to the United States in 1985, four years before the 1989 remake of Kimba began airing.[9][224] Co-director Rob Minkoff also stated that he was unfamiliar with it.[225][226] Minkoff also observed that whenever a story is based in Africa, it is ""not unusual to have characters like a baboon, a bird, or hyenas.""[225]
 Takayuki Matsutani, the president of Tezuka Productions which created Kimba the White Lion, said in 1994 that ""quite a few staff of our company saw a preview of The Lion King, discussed this subject and came to the conclusion that you cannot avoid having these similarities as long as you use animals as characters and try to draw images out of them"".[227] Yoshihiro Shimizu of Tezuka Productions has refuted rumors that the studio was paid hush money by Disney and stated that they have no interest in suing Disney, explaining that ""we think it's a totally different story"". Shimizu further explained that they rejected urges from some American lawyers to sue because ""we're a small, weak company... Disney's lawyers are among the top twenty in the world!""[228] Tezuka's family and Tezuka Productions never pursued litigation.[229]
 Fred Ladd, who was involved early on with importing Kimba and other Japanese anime into America for NBC, expressed incredulity that Disney's people could remain ignorant.[230][226] Ladd stated there was at least one animator remembered by his colleagues as being an avid Kimba fan and being quite vociferous about Disney's conduct during production.[230] Animators Tom Sito and Mark Kausler have both stated that they had watched Kimba as children in the 1960s. However, Sito maintains there was ""absolutely no inspiration"" from Kimba during the production of The Lion King, and Kausler emphasized Disney's own Bambi as being their model during development.[231][227]
 The controversy surrounding Kimba and The Lion King was parodied in The Simpsons episode ""'Round Springfield"", where Mufasa appears through the clouds and says, ""You must avenge my death, Kimba... I mean, Simba.""[232]
 The first Lion King–related animated project was the spin-off television series, The Lion King's Timon & Pumbaa, which centers on the characters of Timon and Pumbaa, as they have their own (mis)adventures both within' and outside of the Serengeti. The show ran for three seasons and 85 episodes between 1995 and 1999. Ernie Sabella continued to voice Pumbaa, while Timon was voiced by Quinton Flynn and Kevin Schon in addition to Nathan Lane.[233] One of the show's music video segments ""Stand By Me"", featuring Timon singing the eponymous song, was later edited into an animated short which was released in 1995, accompanying the theatrical release of Tom and Huck (1995).
 Disney released two direct-to-video films related to The Lion King. The first was sequel The Lion King II: Simba's Pride, released in 1998 on VHS. The film centers around Simba and Nala's daughter, Kiara, who falls in love with Kovu, a male lion who was raised in a pride of Scar's followers, the Outsiders.[234] The Lion King 1½, another direct-to-video Lion King film, saw its release in 2004. It is a prequel in showing how Timon and Pumbaa met each other, and also a parallel in that it also depicts what the characters were retconned to have done during the events of the original movie.[235]
 In June 2014, it was announced that a new TV series based on the film would be released called The Lion Guard, featuring Kion, the second-born cub of Simba and Nala. The Lion Guard is a sequel to The Lion King and takes place during the time-gap within The Lion King II: Simba's Pride,[236] with the last 2 episodes of Season 3 taking place after the events of that film. It was first broadcast on Disney Channel as a television film titled The Lion Guard: Return of the Roar in November 2015 before airing as a series on Disney Junior in January 2016.[237][238]
 In September 2016, following the critical and financial success of The Jungle Book, Walt Disney Pictures announced that they were developing a CGI remake of The Lion King by the same name, with Jon Favreau directing.[239] The following month, Jeff Nathanson was hired to write the script for the film.[240] Favreau originally planned to shoot it back-to-back with the sequel to The Jungle Book.[239][241] However, it was reported in early 2017 that the latter film was put on hold in order for Favreau to instead focus mainly on The Lion King.[242] In February 2017, Favreau announced that Donald Glover had been cast as Simba and that James Earl Jones would be reprising the role of Mufasa.[243] The following month, it was reported that Beyoncé was Favreau's top choice to voice Nala, but she had not accepted the role yet due to a pregnancy.[244] In April 2017, Billy Eichner and Seth Rogen joined the film as Timon and Pumbaa, respectively.[245] Two months later, John Oliver was cast as Zazu.[246] At the end of July 2017, Beyoncé had reportedly entered final negotiations to play Nala and contribute a new soundtrack.[247] The following month, Chiwetel Ejiofor entered talks to play Scar.[248] Later on, Alfre Woodard and John Kani joined the film as Sarabi and Rafiki, respectively.[249][250] On November 1, 2017, Beyoncé and Chiwetel Ejiofor were officially confirmed to voice Nala and Scar, with Eric André, Florence Kasumba, Keegan-Michael Key, JD McCrary, and Shahadi Wright Joseph joining the cast as the voices of Azizi, Shenzi, and Kamari, young Simba, and young Nala, respectively, while Hans Zimmer would return to score the film's music.[251][252][253][254][255] On November 28, 2017, it was reported that Elton John had signed onto the project to rework his musical compositions from the original film.[256]
 Production for the film began in May 2017.[257] It was released on July 19, 2019.[258]
 In June 2020, Parkwood Entertainment and Disney announced that a film titled Black Is King would be released on July 31, 2020, on Disney+. The live-action film is inspired by The Lion King (2019) and serves as a visual album for the tie-in album The Lion King: The Gift, which was curated by Beyoncé for the film.[259] Directed, written and executive produced by Beyoncé, Black Is King is described as reimagining ""the lessons of The Lion King for today's young kings and queens in search of their own crowns"".[260] The film chronicles the story of a young African king who undergoes a ""transcendent journey through betrayal, love and self-identity"" to reclaim his throne, utilizing the guidance of his ancestors and childhood love, with the story being told through the voices of present-day Black people.[261] The cast includes Lupita Nyong'o, Naomi Campbell, Jay-Z, Kelly Rowland, Pharrell Williams, Tina Knowles-Lawson, Aweng Ade-Chuol, and Adut Akech.[260]
 On September 29, 2020, Deadline Hollywood reported that a follow-up film was in development with Barry Jenkins attached to direct.[262] While The Hollywood Reporter said the film would be a prequel about Mufasa during his formative years, Deadline said it would be a sequel centering on both Mufasa's origins and the events after the first film, similar to The Godfather Part II. Jeff Nathanson, the screenwriter for the remake, has reportedly finished a draft.[263][264] In August 2021, it was reported that Aaron Pierre and Kelvin Harrison Jr. had been cast as Mufasa and Scar respectively.[265] The film will not be a remake of The Lion King II: Simba's Pride, the 1998 direct-to-video sequel to the original animated film.[266] In September 2022 at the D23 Expo, it was announced that the film will be titled Mufasa: The Lion King and it will follow the titular character's origin story. Seth Rogen, Billy Eichner, and John Kani will reprise their roles as Pumbaa, Timon, and Rafiki, respectively. The film is scheduled for release on December 20, 2024.[267]
 Along with the film release, three different video games based on The Lion King were released by Virgin Interactive in December 1994. The main title was developed by Westwood Studios, and published for PC and Amiga computers and the consoles SNES and Sega Mega Drive/Genesis. Dark Technologies created the Game Boy version, while Syrox Developments handled the Master System and Game Gear version.[268] The film and sequel Simba's Pride later inspired another game, Torus Games' The Lion King: Simba's Mighty Adventure (2000) for the Game Boy Color and PlayStation.[269] Timon and Pumbaa also appeared in Timon & Pumbaa's Jungle Games, a 1995 PC game collection of puzzle games by 7th Level, later ported to the SNES by Tiertex.[270]
 The Square Enix series Kingdom Hearts features Simba as a recurring summon,[271][272] as well as a playable in the Lion King world, known as Pride Lands, in Kingdom Hearts II. There the plotline is loosely related to the later part of the original film, with all of the main characters except Zazu and Sarabi.[273] The Lion King also provides one of the worlds featured in the 2011 action-adventure game Disney Universe,[274] and Simba was featured in the Nintendo DS title Disney Friends (2008).[275] The video game Disney Magic Kingdoms includes some characters of the film and some attractions based on locations of the film as content to unlock for a limited time.[276][277]
 Walt Disney Theatrical produced a musical stage adaptation of the same name, which premiered in Minneapolis, Minnesota in July 1997, and later opened on Broadway in October 1997 at the New Amsterdam Theatre. The Lion King musical was directed by Julie Taymor[278] and featured songs from both the movie and Rhythm of the Pride Lands, along with three new compositions by Elton John and Tim Rice. Mark Mancina did the musical arrangements and new orchestral tracks.[279] To celebrate the African culture background the story is based on, there are six indigenous African languages sung and spoken throughout the show: Swahili, Zulu, Xhosa, Sotho, Tswana, Congolese.[280] The musical became one of the most successful in Broadway history, winning six Tony Awards including Best Musical, and despite moving to the Minskoff Theatre in 2006, is still running to this day in New York, becoming the third longest-running show and highest grossing Broadway production in history. The show's financial success led to adaptations all over the world.[24][281][282]
 The Lion King inspired two attractions retelling the story of the film at Walt Disney Parks and Resorts. The first, ""The Legend of the Lion King"", featured a recreation of the film through life-size puppets of its characters, and ran from 1994 to 2002 at Magic Kingdom in Walt Disney World.[283] Another that is still running is the live-action 30-minute musical revue of the movie, ""Festival of the Lion King"", which incorporates the musical numbers into gymnastic routines with live actors, along with animatronic puppets of Simba and Pumbaa and a costumed actor as Timon. The attraction opened in April 1998 at Disney World's Animal Kingdom,[284] and in September 2005 in Hong Kong Disneyland's Adventureland.[285] A similar version under the name ""The Legend of the Lion King"" was featured in Disneyland Paris from 2004 to 2009.[286][287]",9499,"Main page; Contents; Current events; About Wikipedia; Help; Learn to edit; Community portal; Upload file; ; learn more; Article; Talk; Read; Read; Upload file; ; ; The Lion King (2019 film); The Lion King (franchise); The Lion King (disambiguation); ; John Alvin; Roger Allers; Rob Minkoff; Irene Mecchi; Jonathan Roberts; Linda Woolverton; Andy Gaskill; Tom Sito; Burny Mattinson; Gary Trousdale; Jorgen Klubien; Jim Capobianco; Chris Sanders; Joe Ranft; Francis Glebas; Don Hahn; Jonathan Taylor Thomas; Matthew Broderick; James Earl Jones; Jeremy Irons; Moira Kelly; Ernie Sabella; Nathan Lane; Robert Guillaume; Rowan Atkinson; Whoopi Goldberg; Cheech Marin; Jim Cummings; Madge Sinclair; Hans Zimmer; Walt Disney Feature Animation; Buena Vista Pictures Distribution; musical; coming-of-age; drama film; Walt Disney Feature Animation; Buena Vista Pictures Distribution; Walt Disney Pictures; Roger Allers; Rob Minkoff; Don Hahn; Irene Mecchi; Jonathan Roberts; Linda Woolverton; ensemble voice cast; Matthew Broderick; Moira Kelly; James Earl Jones; Jeremy Irons; Jonathan Taylor Thomas; Nathan Lane; Ernie Sabella; Whoopi Goldberg; Cheech Marin; Rowan Atkinson; Robert Guillaume; Elton John; Tim Rice; Hans Zimmer; African wildlife; William Shakespeare; Hamlet; Biblical; Joseph; Moses; George Scribner; Oliver & Company; The Little Mermaid; Beauty and the Beast; Aladdin; Brenda Chapman; Chris Sanders; Gary Trousdale; Kirk Wise; highest-grossing film of 1994; second-highest-grossing film of all time; Jurassic Park; highest-grossing animated film; Finding Nemo; highest-grossing traditionally animated film of all time; best-selling film; home video; Academy Awards; Golden Globe Award; Best Motion Picture – Musical or Comedy; greatest animated films ever made; many derived works; Broadway adaptation; direct-to-video; The Lion King II: Simba's Pride; parallel; The Lion King 1½; The Lion King's Timon & Pumbaa; The Lion Guard; photorealistic remake; National Film Registry; Library of Congress; dubbed; Zulu; Egyptian Arabic; Tanzania; lions; Simba; mandrill; shaman; Scar; elephant graveyard; Nala; spotted hyenas; Shenzi, Banzai, and Ed; majordomo; hornbill; convinces; wildebeest; meerkat; warthog; Timon and Pumbaa; oasis; hakuna matata; Swahili; fall in love; drought; List of The Lion King characters; ; Matthew Broderick; Simba; Joseph Williams; Jonathan Taylor Thomas; Jason Weaver; Jeremy Irons; Scar; James Earl Jones; Mufasa; Moira Kelly; Nala; Sally Dworsky; Nathan Lane; Timon; bipedal; meerkat; Ernie Sabella; Pumbaa; warthog; Robert Guillaume; Rafiki; mandrill; Rowan Atkinson; Zazu; hornbill; majordomo; Madge Sinclair; Queen Sarabi; Whoopi Goldberg; Cheech Marin; Jim Cummings; spotted hyenas; Shenzi; Banzai; Ed; laughter; mole; Be Prepared; Walt Disney Feature Animation; Jeffrey Katzenberg; Roy E. 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Stewart; The Little Mermaid; Oliver & Company; doi; S2CID; Hyperion; ISBN; ISBN; Irvine, California; ISBN; CRC Press; ISBN; ISBN; Stewart, James B.; ISBN; AllMovie; AFI Catalog of Feature Films; IMDb; TCM Movie Database; Disney A to Z; v; t; The Lion King; The Lion King II: Simba's Pride; The Lion King 1½; The Lion King; Mufasa: The Lion King; The Lion King (musical); Timon & Pumbaa; episodes; The Lion Guard; episodes; Characters; Simba; Nala; Scar; Timon and Pumbaa; Mufasa; 1994 soundtrack; Circle of Life; I Just Can't Wait to Be King; Be Prepared; Hakuna Matata; Can You Feel the Love Tonight; Endless Night; The Madness of King Scar; Shadowland; 2019 soundtrack; Spirit; The Lion King: The Gift; Bigger; Brown Skin Girl; Already; Find Your Way Back; Black Parade; Mood 4 Eva; Rhythm of the Pride Lands; He Lives in You; Return to Pride Rock; We Are One; Love Will Find a Way; The Lion King; Timon & Pumbaa's Jungle Games; Simba's Mighty Adventure; The Lion King 1½; Timon and Pumbaa's Virtual Safari; 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Les Aventures d'Alice au pays des merveilles,https://fr.wikipedia.org/wiki/Les_Aventures_d%27Alice_au_pays_des_merveilles,"« Alice au pays des merveilles » redirige ici. Pour les autres significations, voir Alice au pays des merveilles (homonymie).
 
 Les Aventures d'Alice au pays des merveilles (titre original : Alice's Adventures in Wonderland), fréquemment abrégé en Alice au pays des merveilles, est un roman publié en 1865 par Lewis Carroll. Il a été traduit en français pour la première fois en 1869 par la même maison d'édition (Macmillan and Co)[1].
 Lors de sa première écriture, le livre n'était pas destiné aux enfants. L'écriture fut reprise une seconde fois pour les enfants en conservant les personnages merveilleux qui la rendaient si attrayante pour ce jeune public. Le roman foisonne d'allusions satiriques aux amis de l'écrivain et aux leçons que les écoliers britanniques devaient mémoriser à l'époque. Le pays des merveilles décrit dans le conte joue sans cesse avec la logique. L'ouvrage reste populaire au XXIe siècle, aussi bien auprès des enfants que des adultes.
 Le livre a connu une suite intitulée De l'autre côté du miroir. Les adaptations cinématographiques combinent souvent des éléments des deux livres. L'écrivain américain Martin Gardner a publié The Annotated Alice, qui regroupe Alice au pays des merveilles et De l'autre côté du miroir accompagnés des poèmes victoriens que Lewis Carroll parodia dans le corps du texte.
 Le livre a été publié le 4 juillet 1865, trois ans jour pour jour après une promenade en barque sur l'Isis (qui coule à Oxford) effectuée par les révérends Dodgson (Carroll) et Robinson Duckworth[2] en compagnie de trois jeunes filles[3] :
 L'excursion commença au pont Folly près d'Oxford et finit une dizaine de kilomètres plus loin dans le village de Godstow. Durant le trajet, Dodgson raconta aux sœurs Liddell une histoire qu'il venait d'inventer. Celle-ci fut suivie plus tard par Alice's Adventures Underground et finit par devenir Alice's Adventures in Wonderland.
 En 1998, un exemplaire de la première édition a été vendu 1,5 million de dollars, ce qui est une vente record pour un livre pour enfants. Seuls vingt-deux exemplaires de la première édition de 1865 auraient survécu. Dix-sept d'entre eux se trouvent dans des bibliothèques et cinq chez des particuliers.
 Alice s'ennuie auprès de sa sœur qui lit un livre (« sans images, ni dialogues ») tandis qu'elle ne fait rien. « À quoi bon un livre sans images, ni dialogues ? », se demande Alice. Mais voilà qu'un lapin blanc aux yeux roses vêtu d'une redingote avec une montre à gousset à y ranger passe près d'elle en courant. Cela ne l'étonne pas le moins du monde. Pourtant, lorsqu'elle le voit sortir une montre de sa poche et s'écrier : « Je suis en retard ! En retard ! En retard ! », elle se dit que décidément ce lapin a quelque chose de particulier. En entrant derrière lui dans son terrier, elle fait une chute presque interminable qui l'emmène dans un monde aux antipodes du sien. Elle va rencontrer une galerie de personnages retors et se trouver confrontée au paradoxe, à l'absurde et au bizarre…
 Alice suit un lapin dans son terrier. Puis elle trouve une clé qui mène à un joli jardin. Elle boit une boisson étiquetée ""bois-moi"" et mange un gâteau étiqueté ""mange-moi"" qui la fait rétrécir afin qu'elle puisse entrer dans le jardin.
 Alice rencontre une souris française et elle essaie de converser en français élémentaire. Elle offense alors la souris qui tente de lui échapper.
 Alice participe à une course avec les animaux du groupe mais elle les fait fuir en parlant de son féroce chat[N 1].
 Le lapin blanc réapparaît alors qu'il cherche les gants et l'éventail de la duchesse et demande à Alice de l'aider. Alice boit dans une petite bouteille et commence à devenir géante, mais trouve ensuite des petits gâteaux pour l'aider à se réduire à sa taille normale.
 Alice trouve un champignon et une chenille qui fume un narguilé. Elle parvient à manger les bonnes quantités de champignon pour qu'elle puisse retrouver sa taille normale parce qu'elle pense qu'elle a perdu son identité[5],[6].
 La duchesse donne à Alice un bébé qui se transforme en cochon, puis la petite fille rencontre le chat du Cheshire.
 Alice assiste à un goûter avec le Lièvre de mars, le Chapelier fou et un Loir très fatigué. Ils donnent à Alice de nombreuses énigmes à résoudre, alors Alice dit que c'est le goûter le plus stupide auquel elle ait jamais assisté.
 Alice quitte la fête et trouve trois cartes peignant les roses blanches, parce que la Reine de cœur déteste les roses blanches. Alice rencontre alors le roi et la reine et est invitée à jouer au croquet avec eux.
 Alice est présentée au Griffon qui l'emmène chez la fausse tortue, qui est très triste.
 Alice récite le quadrille du homard et la danse des fausses tortues et des griffons.
 Le valet de cœur est accusé d'avoir volé les tartes de la reine.
 Alice est appelée comme témoin, mais elle est accusée du crime. La reine ordonne « de lui couper la tête », mais avant qu'Alice ne soit tuée, sa sœur la réveille du rêve[7].
 Dans 'The Annotated Alice (en)', Martin Gardner fournit des informations générales sur les personnages. Gardner a suggéré que le Chapelier est une référence à Theophilus Carter (en), un marchand de meubles connu à Oxford, et que Tenniel a apparemment dessiné le Chapelier pour qu'il ressemble à Carter, sur une suggestion de Carroll[9].
 La fausse tortue est une référence au critique d'art John Ruskin, qui venait une fois par semaine à la maison Liddell pour enseigner aux enfants le dessin, le croquis et la peinture à l'huile[9].
 Lewis Carroll réalisa lui-même 37 dessins à la plume dans l'exemplaire manuscrit de l'histoire qu'il offrit à Alice Liddell, le 26 novembre 1864[10]. Une édition en fac similé (avec une traduction française) a d'ailleurs été réalisée par les éditions Frémok en 2006.
 Les sources divergent sur la question de savoir si c'est Dodgson ou son éditeur qui jugea bon de ne pas garder ses propres images. C'est en tout cas Lewis Carroll qui opta pour John Tenniel, dessinateur alors réputé pour sa participation à la revue satirique Punch.
 Bien que les illustrations de John Tenniel restent très associées à l'œuvre, le texte de Carroll a inspiré un grand nombre d'illustrateurs au fil du temps. Plusieurs centaines de versions ont ainsi vu le jour. Parmi les plus notables :
 Carroll a écrit beaucoup de chansons et poèmes pour 'Les Aventures d'Alice au pays des merveilles' notamment :
 Martin Gardner et d'autres spécialistes ont montré que le livre est rempli de nombreuses parodies de la culture populaire victorienne, suggérant qu'il appartient dans l'esprit à Topsyturveydom de W. S. Gilbert et Alfred Cellier.
 La plupart des aventures du livre peuvent avoir été basées sur ou influencées par des personnes, des situations et des bâtiments à Oxford et à Christ Church. Par exemple, le ""Rabbit Hole"" symbolisait les véritables escaliers situés à l'arrière de la salle principale de Christ Church. Une sculpture représentant un griffon et un lapin, telle qu'on peut la voir dans la cathédrale de Ripon, où le père de Carroll était chanoine, a peut-être inspiré le conte.
 Dans le huitième chapitre, trois cartes peignent en rouge les roses d'un rosier, parce qu'elles avaient accidentellement planté un rosier blanc que la reine de cœur déteste. Les roses rouges symbolisaient la maison anglaise des Lancaster, tandis que les roses blanches symbolisaient leur maison rivale des York, et les guerres qui les opposaient étaient donc les guerres des Roses.
 Si le livre est resté imprimé et inspire continuellement de nouvelles adaptations, le matériel culturel dont il s'inspire est devenu un savoir largement spécialisé. Le Dr Leon Coward affirme que le livre ""souffre"" de ""lectures qui reflètent la fascination d'aujourd'hui pour le postmodernisme et la psychologie, plutôt que de se plonger dans une interprétation historiquement informée"", et suppose que cela est dû en partie au fait que le public découvre le récit à travers une source ""de seconde main"", expliquant que ""nos impressions du texte original sont basées sur une multiplicité de réinterprétations. Nous ne réalisons pas nécessairement que nous manquons quelque chose dans la compréhension du produit original, parce que nous n'avons généralement jamais affaire au produit original"".
 Plusieurs personnes, dont Martin Gardner et Selwyn Goodacre, ont suggéré que Dodgson s'intéressait à la langue française, choisissant d'y faire des références et des jeux de mots dans l'histoire. Il est plus que probable qu'il s'agisse de références aux leçons de français - une caractéristique commune de l'éducation d'une fille de la classe moyenne victorienne. Par exemple, dans le deuxième chapitre, Alice suppose que la souris est peut-être française. Elle choisit donc de lui dire la première phrase de son livre de cours de français : ""Où est ma chatte ?"" (""Where is my cat?""). Dans la traduction française d'Henri Bué, Alice suppose que la souris est peut-être italienne et lui parle en italien.
 L'expression "" Digging for apples "" de Pat pourrait être un jeu de mots interlinguistique, puisque pomme de terre signifie pomme de terre et pomme signifie pomme.
 Dans le deuxième chapitre, Alice s'adresse d'abord à la souris en disant "" O Souris "", en se basant sur son souvenir des déclinaisons du nom "" dans la grammaire latine de son frère, 'Une souris - d'une souris - à une souris - une souris - O souris !' "". Ces mots correspondent aux cinq premiers des six cas du latin, dans un ordre traditionnel établi par les grammairiens médiévaux : mus (nominatif), muris (génitif), muri (datif), murem (accusatif), (O) mus (vocatif). Le sixième cas, mure (ablatif) est absent de la récitation d'Alice. Nilson a plausiblement suggéré que l'absence de l'ablatif d'Alice est un jeu de mots sur le travail de son père Henry Liddell sur le standard A Greek-English Lexicon puisque le grec ancien n'a pas de cas ablatif. De plus, Mousa (signifiant muse) était un nom modèle standard dans les livres grecs de l'époque dans les paradigmes de la première déclinaison, nom court-alpha. En outre, la phrase ""O Muse, sing..."" ou une variante proche de celle-ci figure dans de nombreuses traductions anglaises d'Homère, la prononciation par Alice de ""O Mouse"" formant un jeu de mots qui aurait été apparent pour les plus instruits parmi le lectorat victorien de Dodgson, étant donné la relative importance des lettres classiques dans les programmes d'enseignement des classes supérieures britanniques à cette époque.
 Comme Carroll était mathématicien à Christ Church, il a été suggéré qu'il y a beaucoup de références et de concepts mathématiques dans cette histoire et dans Through the Looking-Glass. La spécialiste de la littérature Melanie Bayley a affirmé dans le magazine New Scientist que Dodgson a écrit Alice au pays des merveilles dans sa forme finale comme une satire cinglante des nouvelles mathématiques modernes qui émergeaient au milieu du XIXe siècle[19],[20].
 Voici quelques exemples de références aux mathématiques dans Alice :
 Chapitre 1 ("" Down the Rabbit-Hole "") : alors qu'elle rétrécit, Alice s'interroge avec philosophie sur la taille finale qu'elle atteindra, peut-être "" en s'éteignant complètement, comme une bougie "" ; cette réflexion reflète le concept de limite.
 Chapitre 2 (""La piscine de larmes"") : Alice essaie d'effectuer une multiplication mais obtient des résultats étranges : ""Voyons voir : quatre fois cinq font douze, quatre fois six font treize, et quatre fois sept font... Oh là là ! Je n'arriverai jamais à vingt à ce rythme !"" On explore ainsi la représentation des nombres à l'aide de différentes bases et systèmes numéraux positionnels : 4 × 5 = 12 en notation de base 18, 4 × 6 = 13 en notation de base 21 et 4 × 7 = 14 en notation de base 24. En continuant cette séquence, en augmentant de trois bases à chaque fois, le résultat sera toujours inférieur à 20 dans la notation de la base correspondante. (Après 4 × 12 = 19 en base 39, le produit serait 4 × 13 = 1A en base 42, puis 1B, 1C, 1D, et ainsi de suite).
 Chapitre 7 (""Un Tea-Party fou"") : Le Lièvre de mars, le Chapelier et le Loir donnent plusieurs exemples dans lesquels la valeur sémantique d'une phrase A n'est pas la même que celle du contraire de A (par exemple, ""On pourrait tout aussi bien dire que ""Je vois ce que je mange"" est la même chose que ""Je mange ce que je vois"" !"") ; en logique et en mathématiques, on parle de relation inverse. Alice se demande également ce que signifie le fait que le changement de siège autour de la table circulaire les ramène au début. Il s'agit d'une observation de l'addition sur l'anneau des nombres entiers modulo N.
 Le chat du Cheshire s'estompe jusqu'à disparaître complètement, ne laissant que son large sourire suspendu dans l'air, ce qui amène Alice à s'émerveiller et à noter qu'elle a vu un chat sans sourire, mais jamais un sourire sans chat. L'abstraction profonde des concepts, comme la géométrie non euclidienne, l'algèbre abstraite et les débuts de la logique mathématique, s'emparait des mathématiques à l'époque où Dodgson écrivait. La délimitation par Dodgson de la relation entre le chat et le grin peut être considérée comme représentant le concept même des mathématiques et du nombre. Par exemple, au lieu de considérer deux ou trois pommes, on peut facilement considérer le concept de ""pomme"", dont les concepts de ""deux"" et ""trois"" semblent dépendre. Un saut beaucoup plus sophistiqué consiste à considérer les concepts de ""deux"" et ""trois"" par eux-mêmes, tout comme un sourire, qui semblait à l'origine dépendre du chat, séparé conceptuellement de son objet physique.
 Carina Garland note comment le monde est ""exprimé par des représentations de la nourriture et de l'appétit"", citant le désir fréquent d'Alice de consommer (à la fois de la nourriture et des mots), ses ""appétits curieux"". Souvent, l'idée de manger coïncide avec des images macabres. Après l'énigme ""Pourquoi un corbeau ressemble-t-il à un pupitre ?"", le Chapelier affirme qu'Alice pourrait tout aussi bien dire ""Je vois ce que je mange... je mange ce que je vois"" et la solution de l'énigme, proposée par Boe Birns, pourrait donc être la suivante : ""Un corbeau mange des vers ; un pupitre est mangé par des vers"" ; cette idée de nourriture résume l'idée de la vie qui se nourrit de la vie elle-même, car le ver est mangé et devient ensuite le mangeur - une image horrible de la mortalité.
 Nina Auerbach explique que le roman tourne autour du boire et du manger, ce qui ""motive une grande partie de son comportement [celui d'Alice]"", car l'histoire porte essentiellement sur les choses qui ""entrent et sortent de sa bouche"". Les animaux du pays des merveilles sont particulièrement intéressants, car la relation d'Alice avec eux change constamment. En effet, comme le dit Lovell-Smith, les changements de taille d'Alice la repositionnent continuellement dans la chaîne alimentaire, ce qui lui fait prendre conscience de l'attitude ""manger ou être mangé"" qui règne au pays des merveilles[21].
 Article principal : Œuvres basées sur Alice au pays des merveilles
 En 2015, Robert Douglas-Fairhurst a écrit dans The Guardian,
 Depuis la première publication des Aventures d'Alice au pays des merveilles il y a 150 ans, l'œuvre de Lewis Carroll a donné naissance à toute une industrie, des films aux manèges de parcs à thème en passant par des produits tels qu'un costume d'Alice ""mignonne et insolente"" (""jupon et bas non inclus""). La petite fille au visage vide rendue célèbre par les illustrations originales de John Tenniel est devenue une tache d'encre culturelle que nous pouvons interpréter comme bon nous semble.
 Alice et le reste du Pays des Merveilles continuent d'inspirer ou d'influencer de nombreuses autres œuvres d'art jusqu'à aujourd'hui, parfois indirectement via le film Disney de 1951, par exemple. On trouve des références, des hommages, des remaniements et des œuvres dérivées dans de nombreuses œuvres de littérature, de cinéma, de théâtre, d'art visuel, de musique et de jeux (comme les cartes à jouer). Qualifiée d'""héroïne intrépide et sans état d'âme"" par The Guardian, le personnage d'Alice, courageuse mais correcte, s'est avéré immensément populaire et a inspiré des héroïnes similaires dans la littérature et la culture populaire, dont beaucoup s'appellent également Alice en hommage.
 Alice a connu plusieurs adaptations dont voici les principales :
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McLeod; 1933; Alice au pays des merveilles; 1972; Alice in Wonderland: A Musical Porno; Bud Townsend; 1976; Alice; American McGee; 2000; Alice au pays des merveilles; Tim Burton; 2010; Alice de l'autre côté du miroir; James Bobin; 2016; Alice au pays des merveilles; Dallas Bower; 1949; Alice au pays des merveilles; Clyde Geronimi; Wilfred Jackson; Hamilton Luske; studio Walt Disney; 1951; Alice; Jan Švankmajer; 1988; Alice au pays des merveilles; 1995; Stéphane Michaka; Orchestre National de France; Juliette Roudet; Philippe Laudenbach; Jean-Paul Farré; 1966; Jean-Christophe Averty; 1970; Kirk Browning; 1983; Alice au pays des merveilles; Natalie Gregory; 1985; Alice au pays des merveilles; Nick Willing; Tina Majorino; 1999; Alice; mini-série; canado; britannique; Nick Willing; 2009; Showcase; Once Upon a Time in Wonderland; Edward Kitsis; Adam Horowitz; États-Unis; ABC Studios; Alice Comedies; studio Walt Disney; Alice au pays des merveilles; Alice et la pâtisserie des merveilles; Eugène Gire; Dany; Dupa; Turk; Greg; De Groot; David Chauvel; Xavier Collette; La Boîte à bulles; ZX Spectrum; Commodore 64; CD-i; Alice au pays des merveilles; Digital Eclipse Software; Nintendo; Emme Interactive; Alice au pays des merveilles; Étranges Libellules; Disney Interactive Studios; American McGee's Alice; Rogue Entertainment; Electronic Arts; Alice : Retour au pays de la folie; American McGee's Alice; Spicy Horse; Electronic Arts; ; Llandudno; Alice Liddell; Alice au pays des merveilles; Lewis Carroll; Théâtre musical; Federico Ibarra Groth; Palacio de Bellas Artes; Bayerische Staatsoper; Reine de cœur; I Am the Walrus; Magical Mystery Tour; Beatles; De l'autre côté du miroir; White Rabbit; Surrealistic Pillow; Jefferson Airplane; LSD; hippies; acid rock; Aural Sculpture; Stranglers; Dusk... and Her Embrace; Cradle of Filth; Twilight in Olympus; metal progressif; Symphony X; Love and Theft; Bob Dylan; Just Push Play; Aerosmith; What You Waiting For?; Love. 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https://login.wikimedia.org/wiki/Special:CentralAutoLogin/start?type=1x1; /static/images/footer/wikimedia-button.svg; /w/resources/assets/poweredby_mediawiki.svg,https://en.wikipedia.org/wiki/Winnie-the-Pooh,Winnie-the-Pooh,https://en.wikipedia.org/wiki/Winnie-the-Pooh,"Winnie-the-Pooh (also known as Edward Bear, Pooh Bear or simply Pooh) is a fictional anthropomorphic teddy bear created by English author A. A. Milne and English illustrator E. H. Shepard. Winnie-the-Pooh first appeared by name in a children's story commissioned by London's Evening News for Christmas Eve 1925. The character is inspired by a stuffed toy that Milne had bought for his son Christopher Robin in Harrods department store, and a bear they had viewed at London Zoo.
 The first collection of stories about the character was the book Winnie-the-Pooh (1926), and this was followed by The House at Pooh Corner (1928). Milne also included a poem about the bear in the children's verse book When We Were Very Young (1924) and many more in Now We Are Six (1927). All four volumes were illustrated by E. H. Shepard. The stories are set in Hundred Acre Wood, which was inspired by Five Hundred Acre Wood in Ashdown Forest in East Sussex—situated 30 miles (48 km) south of London—where the Londoner Milne's country home was located.
 The Pooh stories have been translated into many languages, including Alexander Lenard's Latin translation, Winnie ille Pu, which was first published in 1958, and, in 1960, became the only Latin book ever to have been featured on The New York Times Best Seller list.[1] The original English manuscripts are held at Wren Library, Trinity College, Cambridge, Milne's alma mater to whom he had bequeathed the works.[2] The first Pooh story was ranked number 7 on the BBC's The Big Read poll.[3]
 In 1961, The Walt Disney Company licensed certain film and other rights of the Winnie-the-Pooh stories from the estate of A. A. Milne and the licensing agent Stephen Slesinger, Inc., and adapted the Pooh stories, using the unhyphenated name ""Winnie the Pooh"", into a series of features that would eventually become one of its most successful franchises. In popular film adaptations, Pooh has been voiced by actors Sterling Holloway, Hal Smith, and Jim Cummings in English, and Yevgeny Leonov in Russian.
 A. A. Milne named the character Winnie-the-Pooh after a teddy bear owned by his son, Christopher Robin Milne, on whom the character Christopher Robin was based. Shepard in turn based his illustrations of Pooh on his own son's teddy bear named Growler, instead of Christopher Robin's bear.[4] The rest of Christopher Milne's toys – Piglet, Eeyore, Kanga, Roo, and Tigger – were incorporated into Milne's stories.[5][6] Two more characters, Owl and Rabbit, were created by Milne's imagination, while Gopher was added to the Disney version. Christopher Robin's toy bear is on display at the Main Branch of the New York Public Library in New York City.[7]
 In 1921, Milne bought his son Christopher Robin the toy bear from Harrods department store.[8][9] Christopher Robin had named his toy bear Edward, then Winnie, after a Canadian black bear Winnie that he often saw at London Zoo, and Pooh, a friend's pet swan they had encountered while on holiday.[10][11] The bear cub was purchased from a hunter for C$20 by Canadian Lieutenant Harry Colebourn in White River, Ontario, while en route to England during the First World War.[12] Colebourn, a veterinary officer with the Fort Garry Horse cavalry regiment, named the bear Winnie after his adopted hometown in Winnipeg, Manitoba.[13][14] Winnie was surreptitiously brought to England with her owner, and gained unofficial recognition as The Fort Garry Horse regimental mascot. Colebourn left Winnie at the London Zoo while he and his unit were in France; after the war she was officially donated to the zoo, as she had become a much-loved attraction there.[15] Pooh the swan appears as a character in its own right in When We Were Very Young.
 In the first chapter of Winnie-the-Pooh, Milne offers this explanation of why Winnie-the-Pooh is often simply known as ""Pooh"":
 But his arms were so stiff … they stayed up straight in the air for more than a week, and whenever a fly came and settled on his nose he had to blow it off. And I think – but I am not sure – that that is why he is always called Pooh. American writer William Safire surmised that the Milnes' invention of the name ""Winnie the Pooh"" may have also been influenced by the haughty character Pooh-Bah in Gilbert and Sullivan's The Mikado (1885).[17]
 The Winnie-the-Pooh stories are set in Ashdown Forest, East Sussex, England. The forest is an area of tranquil open heathland on the highest sandy ridges of the High Weald Area of Outstanding Natural Beauty situated 30 miles (50 km) south-east of London. In 1925 Milne, a Londoner, bought a country home a mile to the north of the forest at Cotchford Farm, near Hartfield. According to Christopher Robin Milne, while his father continued to live in London ""...the four of us – he, his wife, his son and his son's nanny – would pile into a large blue, chauffeur-driven Fiat and travel down every Saturday morning and back again every Monday afternoon. And we would spend a whole glorious month there in the spring and two months in the summer.""[18] From the front lawn the family had a view across a meadow to a line of alders that fringed the River Medway, beyond which the ground rose through more trees until finally ""above them, in the faraway distance, crowning the view, was a bare hilltop. In the centre of this hilltop was a clump of pines."" Most of his father's visits to the forest at that time were, he noted, family expeditions on foot ""to make yet another attempt to count the pine trees on Gill's Lap or to search for the marsh gentian"". Christopher added that, inspired by Ashdown Forest, his father had made it ""the setting for two of his books, finishing the second little over three years after his arrival"".[19]
 Many locations in the stories can be associated with real places in and around the forest. As Christopher Milne wrote in his autobiography: ""Pooh's forest and Ashdown Forest are identical."" For example, the fictional ""Hundred Acre Wood"" was in reality Five Hundred Acre Wood; Galleon's Leap was inspired by the prominent hilltop of Gill's Lap, while a clump of trees just north of Gill's Lap became Christopher Robin's The Enchanted Place, because no-one had ever been able to count whether there were 63 or 64 trees in the circle.[20]
 The landscapes depicted in E. H. Shepard's illustrations for the Winnie-the-Pooh books were directly inspired by the distinctive landscape of Ashdown Forest, with its high, open heathlands of heather, gorse, bracken and silver birch, punctuated by hilltop clumps of pine trees. Many of Shepard's illustrations can be matched to actual views, allowing for a degree of artistic licence. Shepard's sketches of pine trees and other forest scenes are held at the Victoria and Albert Museum in London.[21]
 The game of Poohsticks was originally played by Christopher Robin Milne and his father on the wooden footbridge,[22] across the Millbrook,[23] Posingford Wood, close to Cotchford Farm. In the stories Pooh plays the game with the other characters, Christopher Robin, Tigger, and Eeyore.[24] The location is now a tourist attraction, and it has become traditional to play the game there using sticks gathered in the nearby woodland.[22][25] When the footbridge had to be replaced in 1999, the architect used as a main source drawings by Shepard in the books, and retained its precursor's original style.[26]
  Christopher Robin's teddy bear made his character début, under the name Edward, in A. A. Milne's poem, ""Teddy Bear"", in the edition of 13 February 1924 of Punch (E. H. Shepard had also included a similar bear in a cartoon published in Punch the previous week[27]), and the same poem was published in Milne's book of children's verse When We Were Very Young (6 November 1924).[28] Winnie-the-Pooh first appeared by name on 24 December 1925, in a Christmas story commissioned and published by the London newspaper Evening News. It was illustrated by J. H. Dowd.[29]
 The first collection of Pooh stories appeared in the book Winnie-the-Pooh. The Evening News Christmas story reappeared as the first chapter of the book. At the beginning, it explained that Pooh was in fact Christopher Robin's Edward Bear, who had been renamed by the boy. He was renamed after an American black bear at London Zoo called Winnie who got her name from the fact that her owner had come from Winnipeg, Canada. The book was published in October 1926 by the publisher of Milne's earlier children's work, Methuen, in England, E. P. Dutton in the United States, and McClelland & Stewart in Canada.[30] The book was an immediate critical and commercial success.[31] The children's author and literary critic John Rowe Townsend described Winnie-the-Pooh and its sequel The House at Pooh Corner as ""the spectacular British success of the 1920s"" and praised its light, readable prose.[32]
 The original drawing of Pooh was based not on Christopher Robin's bear, but on Growler, the teddy bear belonging to Shepard's son Graham, according to James Campbell, husband of Shepard's great-granddaughter. When Campbell took over Shepard's estate in 2010, he discovered many drawings and unpublished writings, including early drawings of Pooh, that had not been seen in decades. Campbell said, ""Both he and A. A. Milne realised that Christopher Robin's bear was too gruff-looking, not very cuddly, so they decided they would have to have a different bear for the illustrations.""[33] Campbell said Shepard sent Milne a drawing of his son's bear and that Milne ""said it was perfect"". Campbell also said Shepard's drawings of Christopher Robin were based partly on his own son.[33]
 In the Milne books, Pooh is naive and slow-witted, but he is also friendly, thoughtful, and steadfast. Although he and his friends agree that he is ""a bear of very little brain"", Pooh is occasionally acknowledged to have a clever idea, usually driven by common sense. These include riding in Christopher Robin's umbrella to rescue Piglet from a flood, discovering ""the North Pole"" by picking it up to help fish Roo out of the river, inventing the game of Poohsticks, and getting Eeyore out of the river by dropping a large rock on one side of him to wash him towards the bank.
 Pooh is also a talented poet and the stories are frequently punctuated by his poems and ""hums"". Although he is humble about his slow-wittedness, he is comfortable with his creative gifts. When Owl's house blows down in a windstorm, trapping Pooh, Piglet and Owl inside, Pooh encourages Piglet (the only one small enough to do so) to escape and rescue them all by promising that ""a respectful Pooh song"" will be written about Piglet's feat. Later, Pooh muses about the creative process as he composes the song.
 Pooh is very fond of food, particularly honey (which he spells ""hunny""), but also condensed milk and other items. When he visits friends, his desire to be offered a snack is in conflict with the impoliteness of asking too directly. Though intent on giving Eeyore a pot of honey for his birthday, Pooh could not resist eating it on his way to deliver the present and so instead gives Eeyore ""a useful pot to put things in"". When he and Piglet are lost in the forest during Rabbit's attempt to ""unbounce"" Tigger, Pooh finds his way home by following the ""call"" of the honeypots from his house. Pooh makes it a habit to have ""a little something"" around 11:00 in the morning. As the clock in his house ""stopped at five minutes to eleven some weeks ago"", any time can be Pooh's snack time.
 Pooh is very social. After Christopher Robin, his closest friend is Piglet, and he most often chooses to spend his time with one or both of them. But he also habitually visits the other animals, often looking for a snack or an audience for his poetry as much as for companionship. His kind-heartedness means he goes out of his way to be friendly to Eeyore, visiting him and bringing him a birthday present and building him a house, despite receiving mostly disdain from Eeyore in return. Devan Coggan of Entertainment Weekly saw a similarity between Pooh and Paddington Bear, two ""extremely polite British bears without pants"", adding that ""both bears share a philosophy of kindness and integrity"".[34]
 An authorised sequel Return to the Hundred Acre Wood was published on 5 October 2009. The author, David Benedictus, has developed, but not changed, Milne's characterisations. The illustrations, by Mark Burgess, are in the style of Shepard.[35]
 Another authorised sequel, Winnie-the-Pooh: The Best Bear in All the World, was published by Egmont in 2016. The sequel consists of four short stories by four leading children's authors, Kate Saunders, Brian Sibley, Paul Bright, and Jeanne Willis. Illustrations are by Mark Burgess.[36] The Best Bear in All The World sees the introduction of a new character, Penguin, which was inspired by a long-lost photograph of Milne and his son Christopher with a toy penguin.[37][38]
 In 2016, Winnie-the-Pooh Meets the Queen was published to mark the 90th anniversary of Milne's creation and the 90th birthday of Queen Elizabeth II. It sees Pooh meet the Queen at Buckingham Palace.[39]
 In 2021, marking a century since Milne bought the stuffed toy from Harrods department store for his son Christopher Robin that would inspire Milne to create the character, Winnie-the-Pooh: Once There Was a Bear, the first prequel to Milne's books and poetry about the bear, was authorised by the estates of Milne and Shepard.[8] Inspired by the real life of Christopher Robin, it is written by children's writer Jane Riordan in the style of Milne, with illustrations by Mark Burgess emulating the drawings of Shepard.[8] It sees Winnie-the-Pooh exploring Harrods as well as visit London's Natural History Museum and London Zoo, before leaving London and going back to the Hundred Acre Wood.[8]
 On 6 January 1930, Stephen Slesinger purchased US and Canadian merchandising, television, recording, and other trade rights to the Winnie-the-Pooh works from Milne for a $1,000 advance and 66% of Slesinger's income.[40] By November 1931, Pooh was a $50 million-a-year business.[41] Slesinger marketed Pooh and his friends for more than 30 years, creating the first Pooh doll, record, board game, puzzle, US radio broadcast (on NBC), animation, and motion picture.[42]
 The first time Pooh and his friends appeared in colour was 1932, when he was drawn by Slesinger in his now-familiar red shirt and featured on an RCA Victor picture record. Parker Brothers introduced A. A. Milne's Winnie-the-Pooh Game in 1933, again with Pooh in his red shirt. In the 1940s, Agnes Brush created the first plush dolls with Pooh in a shirt.[43][44]
 After Slesinger's death in 1953, his wife, Shirley Slesinger Lasswell, continued developing the character herself. In 1961, she licensed rights to Walt Disney Productions in exchange for royalties in the first of two agreements between Stephen Slesinger, Inc., and Disney.[45] The same year, A. A. Milne's widow, Daphne Milne, also licensed certain rights, including motion picture rights, to Disney.
 Since 1966, Disney has released numerous animated productions starring its version of Winnie the Pooh and related characters, starting with the theatrical featurette Winnie the Pooh and the Honey Tree. This was followed by Winnie the Pooh and the Blustery Day (1968), and Winnie the Pooh and Tigger Too (1974). These three featurettes were combined into a feature-length film, The Many Adventures of Winnie the Pooh, in 1977. A fourth featurette, Winnie the Pooh and a Day for Eeyore, was released in 1983.
 A new series of Winnie the Pooh theatrical feature-length films launched in the 2000s, with The Tigger Movie (2000), Piglet's Big Movie (2003), Pooh's Heffalump Movie (2005), and Winnie the Pooh (2011).
 Disney has also produced television series based on the franchise, including Welcome to Pooh Corner (Disney Channel, 1983–1986), The New Adventures of Winnie the Pooh (ABC, 1988–1991), The Book of Pooh (Playhouse Disney, 2001–2003), and My Friends Tigger & Pooh (Playhouse Disney, 2007–2010).
 A. A. Milne's U.S. copyright on the Winnie-the-Pooh character expired on 1 January 2022, as it had been 95 years since publication of the first story. The character has thus entered the public domain in the United States and Disney no longer holds exclusive rights there. Independent filmmaker Rhys Frake-Waterfield capitalized on this shortly thereafter by producing a horror film titled Winnie-the-Pooh: Blood and Honey.[46] The UK copyright will expire on 1 January 2027, the 70th year since Milne's death.[47]
 Playdate with Winnie the Pooh, an animated series of musical shorts by OddBot Inc. for Disney Junior, became the first project from Disney to be released after the original book and characters became public domain.[48][49][50][51]
 Pooh videos, soft toys, and other merchandise generate substantial annual revenues for Disney. The size of Pooh stuffed toys ranges from Beanie and miniature to human-sized. In addition to the stylised Disney Pooh, Disney markets Classic Pooh merchandise which more closely resembles E. H. Shepard's illustrations.
 In 1991, Stephen Slesinger, Inc., filed a lawsuit against Disney which alleged that Disney had breached their 1983 agreement by again failing to accurately report revenue from Winnie the Pooh sales. Under this agreement, Disney was to retain approximately 98% of gross worldwide revenues while the remaining 2% was to be paid to Slesinger. In addition, the suit alleged that Disney had failed to pay required royalties on all commercial exploitation of the product name.[52] Though the Disney corporation was sanctioned by a judge for destroying forty boxes of evidentiary documents,[53] the suit was later terminated by another judge when it was discovered that Slesinger's investigator had rummaged through Disney's garbage to retrieve the discarded evidence.[54] Slesinger appealed the termination and, on 26 September 2007, a three-judge panel upheld the lawsuit dismissal.[55]
 After the Copyright Term Extension Act of 1998, Clare Milne, Christopher Robin Milne's daughter, attempted to terminate any future US copyrights for Stephen Slesinger, Inc.[56] After a series of legal hearings, Judge Florence-Marie Cooper of the US District Court in California found in favour of Stephen Slesinger, Inc., as did the United States Court of Appeals for the Ninth Circuit. On 26 June 2006, the US Supreme Court refused to hear the case, sustaining the ruling and ensuring the defeat of the suit.[57]
 On 19 February 2007, Disney lost a court case in Los Angeles which ruled their ""misguided claims"" to dispute the licensing agreements with Slesinger, Inc., were unjustified,[58] but a federal ruling of 28 September 2009, again from Judge Florence-Marie Cooper, determined that the Slesinger family had granted all trademarks and copyrights to Disney, although Disney must pay royalties for all future use of the characters. Both parties expressed satisfaction with the outcome.[59][60]
 Selected Pooh stories read by Maurice Evans released on vinyl LP:
 In 1951, RCA Records released four stories of Winnie-the-Pooh, narrated by Jimmy Stewart and featuring the voices of Cecil Roy as Pooh, Madeleine Pierce as Piglet, Betty Jane Tyler as Kanga, Merrill Joels as Eeyore, Arnold Stang as Rabbit, Frank Milano as Owl, and Sandy Fussell as Christopher Robin.[65]
 In 1960, HMV recorded a dramatised version with songs (music by Harold Fraser-Simson) of two episodes from The House at Pooh Corner (Chapters 2 and 8), starring Ian Carmichael as Pooh, Denise Bryer as Christopher Robin (who also narrated), Hugh Lloyd as Tigger, Penny Morrell as Piglet, and Terry Norris as Eeyore. This was released on a 45 rpm EP.[66]
 In the 1970s and 1980s, Carol Channing recorded Winnie the Pooh, The House at Pooh Corner and The Winnie the Pooh Songbook, with music by Don Heckman. These were released on vinyl LP and audio cassette by Caedmon Records.
 Unabridged recordings read by Peter Dennis of the four Pooh books:
 In 1979, a double audio cassette set of Winnie the Pooh was produced featuring British actor Lionel Jeffries reading all of the characters in the stories. This was followed in 1981 by an audio cassette set of stories from The House at Pooh Corner also read by Lionel Jeffries.[67]
 In the 1990s, the stories were dramatised for audio by David Benedictus, with music composed, directed and played by John Gould. They were performed by a cast that included Stephen Fry as Winnie-the-Pooh, Jane Horrocks as Piglet, Geoffrey Palmer as Eeyore, Judi Dench as Kanga, Finty Williams as Roo, Robert Daws as Rabbit, Michael Williams as Owl, Steven Webb as Christopher Robin and Sandi Toksvig as Tigger.[68]
 In the Soviet Union, three Winnie-the-Pooh, (transcribed in Russian as Винни-Пух, Vinni Pukh) stories were made into a celebrated trilogy.[77][78]
 The films used Boris Zakhoder's translation of the book. Pooh was voiced by Yevgeny Leonov. Unlike in the Disney adaptations, the animators did not base their depictions of the characters on Shepard's illustrations, instead creating a different look. The Soviet adaptations made extensive use of Milne's original text and often brought out aspects of Milne's characters' personalities not used in the Disney adaptations.
 Maev Kennedy of The Guardian called Winnie-the-Pooh ""the most famous bear in literary history"".[85] One of the best-known characters in British children's literature, a 2011 poll saw the bear voted onto the list of top 100 ""icons of England"".[86] In 2003 the first Pooh story was ranked number 7 on the BBC's The Big Read poll.[3] Forbes magazine ranked Pooh the most valuable fictional character in 2002, with merchandising products alone generating more than $5.9 billion that year.[87] In 2005, Pooh generated $6 billion, a figure surpassed by only Mickey Mouse.[88] In 2006, Pooh received a star on the Hollywood Walk of Fame, marking the 80th birthday of Milne's creation.[88] In 2010, E. H. Shepard's original illustrations of Winnie the Pooh (and other Pooh characters) featured on a series of UK postage stamps issued by the Royal Mail.[89]
 Winnie the Pooh has inspired multiple texts to explain complex philosophical ideas. Benjamin Hoff uses Milne's characters in The Tao of Pooh and The Te of Piglet to explain Taoism. Similarly, Frederick Crews wrote essays about the Pooh books in abstruse academic jargon in The Pooh Perplex and Postmodern Pooh to satirise a range of philosophical approaches.[90] Pooh and the Philosophers by John T. Williams uses Winnie the Pooh as a backdrop to illustrate the works of philosophers, including Descartes, Kant, Plato and Nietzsche.[91] ""Epic Pooh"" is a 1978 essay by Michael Moorcock that compares much fantasy writing to A. A. Milne's, as work intended to comfort, not challenge.
 In music, Kenny Loggins wrote the song ""House at Pooh Corner"", which was originally recorded by the Nitty Gritty Dirt Band.[92] Loggins later rewrote the song as ""Return to Pooh Corner"", featuring on the album of the same name in 1991. In Italy, a pop band took their name from Winnie, and were titled Pooh. In Estonia, there is a punk/metal band called Winny Puhh. There is a street in Warsaw, Poland, named after the character, the Kubusia Puchatka Street, as he is known in Polish translations as Kubuś Puchatek.[93] There is also a street named after him in Budapest, Hungary, the Micimackó Street.[94]
 In the ""sport"" of Poohsticks, competitors drop sticks into a stream from a bridge and then wait to see whose stick will cross the finish line first. Competitors hold their sticks at arms length at the same height, then drop their sticks into the water at the same time.[95] Though it began as a game played by Pooh and his friends in the book The House at Pooh Corner and later in the films, it has crossed over into the real world: a World Championship Poohsticks race takes place in Oxfordshire each year. Ashdown Forest in south-east England, where the Pooh stories are set, is a popular tourist attraction, and includes the wooden Pooh Bridge where Pooh and Piglet invented Poohsticks.[96] The Oxford University Winnie the Pooh Society was founded by undergraduates in 1982.[97]
 From December 2017 to April 2018, the Victoria and Albert Museum in London hosted the exhibition Winnie-the-Pooh: Exploring a Classic.[98] On exhibit were A. A. Milne's manuscript of Winnie-the-Pooh and The House at Pooh Corner (on loan from the Wren Library at Trinity College, Cambridge, Milne's alma mater to whom he had bequeathed the works), and teddy bears that had not been on display for some 40 years because they were so fragile.[85][99]
 In 2018, E. H. Shepard's original 1926 illustrated map of the Hundred Acre Wood, which features in the opening pages of Milne's books and also appears in the opening animation in the first Disney adaptation in 1966, sold for £430,000 ($600,000) at Sotheby's in London, setting a world record for book illustrations.[100][101]
 The Japanese figure skater and two-time Olympic champion Yuzuru Hanyu regards Pooh as his lucky charm.[102] He is usually seen with a stuffed Winnie-the-Pooh during his figure skating competitions. Because of this, Hanyu's fans will throw stuffed Winnie-the-Poohs onto the ice after his performance.[103] After one of Hanyu's performances at the 2018 Winter Olympics in Pyeongchang, one spectator remarked that ""the ice turned yellow"" because of all the Poohs thrown onto the ice.[104]
 In China, images of Pooh were censored from social media websites in mid-2017, when Internet memes comparing Chinese Paramount Leader and General Secretary of the Communist Party Xi Jinping to (Disney's version of) Pooh became popular.[105] The 2018 film Christopher Robin was also denied a Chinese release.[106]
 When Xi visited the Philippines, protestors posted images of Pooh on social media.[107] Other politicians have been compared to Winnie-the-Pooh characters alongside Xi, including Barack Obama as Tigger, Carrie Lam, Rodrigo Duterte,[108] and Peng Liyuan as Piglet,[109] and Fernando Chui and Shinzo Abe as Eeyore.[110]
 Pooh's Chinese name (Chinese: 小熊维尼; lit. 'little bear Winnie') has been censored from video games such as World of Warcraft, PlayerUnknown's Battlegrounds, Arena of Valor,[111] and Devotion.[112] Images of Pooh in Kingdom Hearts III were also blurred out on the gaming site A9VG.[113]
 Despite the ban, two Pooh-themed rides still operate in Disneyland Shanghai, and it is also legal to purchase Pooh-bear merchandise and books about Winnie the Pooh in China.[114][115] In May 2021, a performer dressed up as Winnie-the-Pooh in Shanghai Disneyland was beaten by a child tourist. Mass media in China used the term ""Pooh Pooh Bear"" (Chinese: 噗噗熊) in reports about this incident because the word ""Winnie"" has been censored. However, search results of ""Pooh Pooh Bear hurt in Shanghai Disneyland"" were censored on Weibo after this incident happened.[116][117]
 In October 2019, Pooh was featured in the South Park episode ""Band in China"" as a prisoner in China because of his alleged resemblance with Xi. In the episode, Pooh is brutally killed by Randy Marsh. South Park was banned in China as a result of the episode.[118][119]
 Taiwanese pilots have worn morale patches which feature a Formosan black bear punching Winnie-the-Pooh in the face.[120] The patches are produced by a private company and demand for them surged greatly after pictures of active duty personal wearing them began circulating.[121][122]",4469,"Main page; Contents; Current events; About Wikipedia; Help; Learn to edit; Community portal; Upload file; ; learn more; Article; Talk; Read; Read; Upload file; ; Winnie-the-Pooh (disambiguation); Poo Bear; Pooh (disambiguation); Winnie the Pooh (Disney character); ; E. H. Shepard; When We Were Very Young; Winnie-the-Pooh; A. A. Milne; E. H. Shepard; Winnie the bear; Hundred Acre Wood; anthropomorphic; teddy bear; A. A. Milne; E. H. 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La Princesse et la Grenouille,https://fr.wikipedia.org/wiki/La_Princesse_et_la_Grenouille,"Pour les articles homonymes, voir La Princesse-Grenouille et La Princesse grenouille.
 Anika Noni RoseBruno CamposKeith DavidOprah WinfreyJenifer LewisMichael-Leon WooleyJohn GoodmanJim CummingsTerrence HowardChina Moses
 Série Classiques d'animation Disney Volt, star malgré lui(2008) Raiponce(2010) 
 Pour plus de détails, voir Fiche technique et Distribution. modifier  La Princesse et la Grenouille (The Princess and the Frog), est le 115e long-métrage d'animation et le 49e « Classique d'animation » des studios Disney, réalisé par Ron Clements et John Musker. 
 Sorti en 2009, il est très librement inspiré du livre The Frog Princess de E. D. Baker (en), lui-même une variante du conte Le Roi Grenouille ou Henri de Fer, recueilli par les frères Grimm[1],[2] mais qui ne doit pas être confondu avec le conte russe La Princesse-Grenouille.
 À La Nouvelle-Orléans, dans les années 1920, Eudora termine son travail au près de la riche famille Lebœuf et s’apprête à rentrer avec sa fille Tiana chez eux pour retrouver son père. Elle et son père aimaient cuisiner ensemble. Ils préparaient le meilleur gombo de la ville. Ils rêvaient un jour d'ouvrir leur propre restaurant. Une nuit, Tiana demanda à l'étoile du berger de réaliser leur rêve mais son père lui informe que son désir ne peut marcher qu’à moitié et que le reste dépend des durs labeurs qu’elle devra faire en travaillant. 
 Plusieurs années plus tard, Tiana a 19 ans et travaille dans deux postes de serveuse pour économiser tous ses pourboires dans l’espoir de réaliser son rêve, au point de ne plus avoir le temps pour profiter de la vie.  Un jour, Charlotte Leboeuf, l'amie de Tiana, lui demande de préparer ses célèbres beignets pour impressionner le prince Naveen qui est en ville, pour le bal costumé qui est organisé par Big Daddy Lebœuf. Avec l'argent des beignets, Tiana allait bientôt pouvoir acheter son propre restaurant.
 Alors que Naveen erre dans les rues la Nouvelle-Orléans en ignorant les conseils de son valet, Lawrence, ils rencontrent le Dr. Facilier, un sorcier vaudou, qui les trompe en les invitant dans son repaire vaudou, où il profite de la crédulité du Prince et du ressentiment de Lawrence envers son maître pour les manipuler afin qu'ils participent, malgré eux, à son projet de domination de la Nouvelle-Orléans. Il transforme Naveen en grenouille et, à l'aide d'un talisman magique, transforme Lawrence en une copie exacte du prince Naveen. Le plan est que Lawrence (en tant que Naveen) épouse Charlotte, obtienne son argent et le partage avec le maître des ombres (qui prévoit de tuer le père de Charlotte et d'utiliser sa fortune pour contrôler la ville).
 Le soir du bal, Charlotte passe un merveilleux moment avec le faux Naveen alors que Tiana découvre que quelqu'un a racheté l'ancien bâtiment qui devait être son restaurant. Si elle ne peut pas obtenir l'argent en trois jours, elle perdra tout espoir de réaliser son rêve et celui de son père. Se sentant désespérée, Tiana sort sur le balcon et fait un autre vœu à l'étoile du soir. C'est ici, sous les étoiles, qu'une grenouille parlante vient à elle, qui s'avère être le vrai prince qui insiste pour que Tiana l’embrasse (parce qu’il croit qu’elle est une princesse à cause du costume) pour qu'il redevienne humain tout en promettant de lui offrir son aide en retour.
 Alors que Tiana embrasse Naveen, celui-ci ne redevient pas humain : c'est Tiana qui se retrouve transformée en grenouille elle aussi. Dans une grande panique et colère, elle s’attaque à  Naveen et sabote involontairement la fête et se retrouve à fuir la ville. S'envolant accrochés à des ballons, ils atterrissent dans les bayous. Tiana révèle qu'elle est serveuse et non princesse tandis que Naveen avoue qu’il n’a plus accès à la fortune de sa famille par ses parents et qu’il avait l'intention d'épouser Charlotte pour cette raison.
 Le lendemain, les deux grenouilles s'apprêtent à retourner en ville, jusqu’à ce qu’elles tombent sur un alligator nommé Louis qui joue de la trompette et qui rêve de jouer du jazz; mais celui-ci a des difficultés à cause de son apparence. Louis leur révèle l’existence de Mama Odie,  qui est elle aussi est une magicienne vaudou. Louis accepte d’aller avec eux chez Mama Odie pour qu’il soit aussi transformé en humain avec Tiana et Naveen. 
 Pendant ce temps, alors que Lawrence fait sa déclaration à Charlotte, son talisman lui fait perdre l’apparence de Naveen car il a besoin de plus de sang de Naveen. Ce qui pousse le Dr Facilier à faire un accord avec ses ""amis de l’au-delà"" : il leur demande de l'aider à récupérer Naveen, en échange des âmes du peuple de la Nouvelle-Orléans : les puissances de l'au-delà lui accordent une armée d'ombres pour exécuter ses ordres.
 Sur le chemin, le trio tombe sur une luciole appelée Ray qui sait exactement où se trouve Mama Odie. En chemin, Ray leur révèle qu’il est amoureux de l'étoile du berger qu’il a nommé ""Evangéline"". Tiana apprend à Naveen comment émincer,  tandis que Naveen montre à Tiana comment danser. Ils tombent amoureux.
 Après avoir échappé aux chasseurs et aux ombres du Dr Facilier, ils trouvent enfin Mama Odie; mais celle-ci prétend qu'être humain n’est pas leur vrai désir et essaie de leur montrer ce qui compte vraiment pour eux. Alors que Naveen commence à éprouver des sentiments envers Tiana, celle-ci poursuit toujours son objectif de départ. Malgré cela, Mama Odie les aide et les informe que, pour redevenir humains, il faudra que Naveen embrasse une princesse, et que le choix idéal est Charlotte, car elle est la princesse de Mardi Gras le temps d'une journée seulement.
 Le groupe embarque sur un bateau à aubes pour retourner à la Nouvelle-Orléans. Louis parvient à jouer sur scène : les autres musiciens pensent qu'il s'agit d'un costume pour Mardi Gras. Naveen organise un rendez-vous romantique avec Tiana où elle lui parle une fois de plus de son rêve et qu’elle a vraiment besoin de plus d’argent pour l’obtenir, ce qui pousse Naveen à renoncer à lui faire sa déclaration pour l’aider mais il se fait capturer par une ombre qui l’amène au Dr Facilier et à Lawrence afin de réactiver le talisman à temps pour le mariage.
 Une fois arrivés à la parade, Ray révèle accidentellement à Tiana la déclaration d'amour de Naveen envers elle. Alors qu’elle se précipite pour retrouver Naveen, Tiana est bouleversée de le voir épouser Charlotte (il s'agit en réalité de Lawrence sous les traits de Naveen), au point de ne plus croire en rien, mais Ray refuse d’abandonner et retourne au défilé où il libère le véritable Naveen. Il interrompt le mariage en sautant sur l'imposteur; et en le faisant tomber du char, il empêche le Dr Facilier de tuer Big Daddy Lebœuf avec une poupée vaudou. 
 Naveen parvient à lui voler le talisman et à le confier à Ray, qui le confie à Tiana en lui révélant la mascarade. Au cours de son affrontement, Ray est mortellement blessé par le Dr Facilier. Alors que Tiana cherche à fuir les serviteurs de Facilier, celle-ci menace de casser le talisman mais le Dr Facilier utilise sa magie pour lui montrer son avenir si elle collabore avec lui : lui redonner son apparence humaine et lui offrir son restaurant. Mais Tiana refuse de se faire prendre au piège et récupère le talisman avant de le casser, ce qui a pour effet d’invoquer les ""amis de l’au-delà"" de Dr Facilier,  qui s'en prennent à lui pour ne pas avoir remboursé les dettes contractées envers eux lors de pactes précédents. Il est envoyé dans le monde des ténèbres. 
 Pendant ce temps, Naveen se montre sous son apparence de grenouille à Charlotte et lui révèle le complot dont Lawrence était l'instrument : il est arrêté par la police. Alors que Naveen s’apprête à embrasser Charlotte pour le bien de Tiana, elle débarque et lui révèle elle aussi ses sentiments envers lui. Charlotte accepte d'embrasser Naveen afin qu’ils puissent redevenir humains, mais l'horloge sonne minuit et le baiser échoue. C’est alors que Louis se précipite, tenant un Ray mourant dans sa main. 
 Les trois amis le ramènent en larmes au bayou, pour les funérailles de Ray avec le reste de sa famille. Alors que tout le monde pleure sur sa disparition, une autre étoile est apparue à côté d'Evangéline. Plus tard, Naveen et Tiana se marient dans le bayou par Mama Odie : leur baiser les fait redevenir des humains; car en épousant Naveen, Tiana est devenue une princesse. La prophétie se réalise ainsi : le sortilège est rompu puisque le prince Naveen a embrassé une princesse. Après avoir officialisé leur union en tant qu’humains, le jeune couple royal réussit à acheter le bâtiment pour le restaurant. Le restaurant a pu voir le jour avec Tiana comme gérante, Naveen comme chef éminceur et Louis qui divertit les invités sur scène aux côtés d'un groupe de jazz, sans provoquer la peur.
 Le film sort en DVD en édition simple et en Blu-Ray en éditions simple et « prestige » le 27 mai 2010. L'édition Blu-Ray prestige comprend un Blu-Ray Disc, un disque DVD et un disque copie digitale.
 Avec ce film, Disney revient sur sa décision de ne plus réaliser des films en deux dimensions, alors que ceux-ci lui avaient pourtant valu son succès. Il renoue également avec la « tradition » des chansons chantées par les personnages du film. Le film est réalisé par John Musker et Ron Clements, réalisateurs des films La Petite Sirène en 1989 et Aladdin en 1992.
 Ce film met en scène pour la première fois une Disney Princess afro-américaine. Le prénom de la princesse cause quelques problèmes lorsque les studios s'aperçoivent que Maddy, le premier nom de la princesse, était proche de Mammy, considéré comme offensant pour les Afro-Américains. Le nom est ensuite modifié en Tiana. Par ailleurs, Tiana n'est plus dépeinte comme une femme de chambre travaillant pour une jeune et riche aristocrate gâtée du Sud des États-Unis[7].
 Une autre controverse porte sur le titre du film, The Frog Princess, qui devait être le nom original du film. Comme il pouvait être mal interprété[8], le titre a été changé en The Princess and The Frog[7].
 La musique a été composée par Randy Newman. Si c'est sa première composition pour un film d'animation Disney, il a en revanche signé les musiques de nombreux films Pixar : Toy Story, 1001 pattes, Monstres et Cie et Cars. Il a été nommé aux Oscars pour la musique de Toy Story et Monstres et Cie ainsi que pour les chansons You've Got a Friend in Me dans Toy Story et If I Didn't Have You de Monstres et Cie (cette dernière remportant l'Oscar en 2002). Deux des chansons de La Princesse et la Grenouille, Down in New Orleans et Almost There, ont été nommées à l'Oscar de la meilleure chanson en 2010[9].
 Anthony Kavanagh et Richard Darbois, tous deux originaires du Québec, doublent leurs personnages dans les deux versions francophones[10]. 
 La critique anglo-saxonne réserve au film un accueil dans l'ensemble favorable. Le site agrégateur de critiques britannique Rotten Tomatoes donne au film une moyenne de 84 sur 100 fondée sur 158 critiques[11].
 Lors de sa sortie en France, le film reçoit dans l'ensemble un accueil favorable de la part des critiques de presse. Le site AlloCiné recense 15 critiques conférant au film une moyenne de 3,5 sur une échelle de 5[12].
 L'exploitation du film aux États-Unis rapporte 104 400 899 $ (environ 13 900 000 entrées)[13]. Son exploitation en France rapporte quant à elle 3 840 221 entrées[14]. Au total, La Princesse et la Grenouille rapporte 267 485 336 $[15] dans le monde. Le film, qui avait coûté 105 millions de dollars, est donc un franc succès financier[3].
 Le personnage de la princesse Tiana a rejoint les autres personnages Disney dans les parcs de Walt Disney World Resort, du Disneyland Resort[16] et du Disneyland Paris.
 En octobre 2009, Disney Consumer Products et Kirstie Kelly ont dévoilé une robe de mariée inspirée de Tiana, l'héroïne de La Princesse et la Grenouille dans le cadre du programme Disney's Fairy Tale Weddings[17].
 Le 23 septembre 2018, à la suite d'une campagne antiraciste pour blanchiment, Disney Animation confirme avoir redessiné dans Ralph 2.0 la princesse Tiana avec une peau plus foncée[18],[19].
 Le film présente de nombreux clins d'œil aux différentes productions de Walt Disney Pictures :
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It is inspired in part by the 2002 novel The Frog Princess by E. D. Baker, which in turn is based on the German folk tale ""The Frog Prince"" as collected by the Brothers Grimm. The film was directed by John Musker and Ron Clements and produced by Peter Del Vecho, from a screenplay that Clements and Musker co-wrote with Rob Edwards. The directors also co-wrote the story with the writing team of Greg Erb and Jason Oremland. The film stars the voices of Anika Noni Rose, Bruno Campos, Michael-Leon Wooley, Jim Cummings, Jennifer Cody, John Goodman, Keith David, Peter Bartlett, Jenifer Lewis, Oprah Winfrey, and Terrence Howard. Set in New Orleans during the 1920s, the film tells the story of a hardworking waitress named Tiana who dreams of opening her own restaurant. After kissing prince Naveen, who has been turned into a frog by the evil voodoo witch doctor Facilier, Tiana becomes a frog as well and the two must find a way to turn human again before it is too late.
 The Princess and the Frog began production in July 2006, under the working title The Frog Princess. It marked Disney's brief return to traditional animation, as it was the mainstream animation studio's first traditionally animated film since Home on the Range (2004). Musker and Clements, directors of Disney's The Great Mouse Detective (1986), The Little Mermaid (1989), Aladdin (1992), Hercules (1997), and Treasure Planet (2002) returned to Disney to direct The Princess and the Frog. The studio returned to a Broadway musical-style format frequently used during the Disney Renaissance, and the film features a score and songs composed and conducted by Randy Newman, well known for his musical involvement in Pixar films such as the Toy Story franchise.
 The Princess and the Frog premiered at the Roy E. Disney Animation Building on the Walt Disney Studios lot in Burbank on November 15, 2009, and first opened in a limited release in New York City and Los Angeles on November 25, followed by its wide release on December 11. The film received largely positive reviews from critics, who praised the animation (particularly the revival of the hand-drawn form), characters, music, voice acting (particularly David's), and themes; however, it was criticized for its depiction of Louisiana Voodoo and alleged historical negationism of its depiction of the Southern United States during the Jim Crow era. It was a qualified success at the box office: it somewhat underperformed Disney's targets yet finished in first place in North America on its opening weekend and grossed around $271 million worldwide (becoming, in the process, Disney’s most successful traditionally animated film since Lilo & Stitch in 2002). It received three Oscar nominations at the 82nd Academy Awards: one for Best Animated Feature and two for Best Original Song.[4]
 In New Orleans during the Roaring Twenties, a young woman named Tiana dreams of opening a restaurant. She works two waitress jobs to earn the money she needs, leaving no time for a social life. Naveen, the arrogant prince of Maldonia, arrives in New Orleans. His parents have cut him off from the family fortune, so he intends to marry Charlotte La Bouff, Tiana's best friend. Charlotte's wealthy father hosts a masquerade ball in Naveen's honor. Charlotte hires Tiana to make beignets for the party and pays her enough money to buy a dilapidated mill to convert into her restaurant. Naveen and his valet, Lawrence, encounter Dr. Facilier, an evil voodoo witch doctor who plans to rule New Orleans. Facilier transforms Naveen into a frog and Lawrence into a doppelganger of Naveen, using a voodoo talisman containing Naveen's blood. Facilier intends for the disguised Lawrence to marry Charlotte, then to kill her father with a voodoo doll so he can gain the La Bouff fortune.
 At the ball, Tiana learns she has been outbid for the mill and accidentally spills food on her outfit, so Charlotte lends her a princess costume. Feeling disheartened, she begins wishing on a star when Naveen appears in frog form. Assuming Tiana is a princess, he asks her to kiss him, believing her kiss will break the spell. Tiana reluctantly agrees, but Naveen remains a frog, and Tiana is transformed into a frog herself. The two are chased into a nearby bayou, where they meet a jazz-loving alligator named Louis. When they explain their predicament, he tells them about Mama Odie, another voodoo practitioner who lives in the bayou. Naveen convinces Louis to take him and Tiana to see Mama Odie and ask her how the spell can be broken.
 Since Louis does not know how to travel to Mama Odie, a Cajun firefly named Ray helps the trio. During the journey, Tiana and Naveen begin developing romantic feelings for each other, especially after Naveen learns to be more responsible. Meanwhile, the talisman containing Naveen's blood runs out. Facilier asks his ""friends on the other side"" (a legion of voodoo spirits) to help retrieve Naveen, offering them the souls of the city's population once he succeeds in taking over, and they grant him an army of shadow demons to do his bidding. The demons discover Tiana and her group in the bayou; Mama Odie rescues the group.
 Mama Odie discovers the spell can only be broken if a princess kisses Naveen. Tiana realizes that since Charlotte's father has been crowned Mardi Gras king, Charlotte will be a princess until midnight. The group hitches a ride on a steamboat back to New Orleans, during which Naveen tells Ray about his love for Tiana and plans to propose marriage to her. After talking to Tiana, Naveen selflessly decides against proposing, since transforming him and Tiana into humans and financing Tiana's restaurant is contingent on him kissing and marrying Charlotte. The shadow demons capture Naveen and bring him to Facilier to replenish the talisman with Naveen's blood. After Ray tells Tiana of Naveen's love for her, Tiana heads to the Mardi Gras parade to find Naveen, only to see the disguised Lawrence marrying Charlotte.
 Ray rescues the real Naveen, steals the talisman, and gives it to Tiana, just before Facilier swats him to the ground and crushes him beneath his foot, mortally wounding him. Facilier offers to make Tiana's dream come true in exchange for the talisman. Realizing that she would be dishonoring her father by accepting, Tiana destroys the talisman. With Facilier's plan foiled, the voodoo spirits drag him into their world for failing to pay back his debt. After Lawrence is arrested, Tiana reveals her love to Naveen. Charlotte is moved by this and agrees to kiss Naveen so he and Tiana can be human together, but as the clock strikes midnight, Charlotte is no longer a princess, so Tiana and Naveen remain frogs. Ray dies, but during the funeral Tiana and Naveen arrange for him, he is reincarnated as a star. Tiana and Naveen are married by Mama Odie, making Tiana a princess, restoring both to human form. They later return to New Orleans to legally marry and open Tiana's restaurant.
 The film's composer Randy Newman makes a brief cameo as Ray's ""Cousin Randy""; the character is also designed to resemble Newman physically.
 Disney had once announced that 2004's Home on the Range would be their last traditionally animated film. After the company's acquisition of Pixar in 2006, Ed Catmull and John Lasseter, the new president and chief creative officer of Disney Animation Studios, reversed this decision and reinstated hand-drawn animation at the studio.[13][14] Many animators who had either been laid off or had left the studio when the traditional animation units were dissolved in 2003 were located and re-hired for the project.[15] Lasseter also brought back directors Ron Clements and John Musker, whose earlier works include The Great Mouse Detective (1986), The Little Mermaid (1989), Aladdin (1992), Hercules (1997), and Treasure Planet (2002).[16][17] The duo had left the company in 2005, but Lasseter requested their return to Disney to direct and write the film and had let them choose the style of animation (traditional or CGI) they wanted to use.[9]
 The film's story began development by merging two projects in development at Disney and Pixar at the time, both based around ""The Frog Prince"" fairy tale.[9][15] One of the projects was based on E. D. Baker's The Frog Princess, in which the story's heroine (Princess Emma) kisses a prince turned frog (Prince Eadric), only to become a frog herself.[15] The other was based on Ralph Eggleston's pitch of The Frog Prince set in gangster-era Chicago.[18] Jorgen Klubien separately claimed that a story he was developing at Pixar tentatively titled The Spirit of New Orleans served as inspiration for the film.[19] The Princess and the Frog returns to the musical film format used in many of the previously successful Disney animated films, with a style Musker and Clements declared, like with Aladdin and The Little Mermaid, had inspiration from Golden Age Disney features such as Cinderella (1950).[20]
 Musker and Clements thought that given so many fairy tales were set in Europe, they could do an American fairy tale.[20] They stated that they chose New Orleans as a tribute to the history of the city, for its ""magical"" qualities, and because it was Lasseter's favorite city.[9][21] The directors spent ten days in Louisiana before starting to write the film.[20]
 The Princess and the Frog was originally announced as The Frog Princess in July 2006,[13] and early concepts and songs were presented to the public at Anchor Bay Entertainment's annual shareholders' meeting in March 2007.[22] These announcements drew criticism from African-American media outlets, due to elements of the Frog Princess story, characters, and settings considered distasteful.[23][24] African-American critics disapproved of the original name for the heroine, ""Maddy"", due to its similarity to the derogatory word term ""mammy"".[23] Also protested were Maddy's original career as a chambermaid,[24] the choice to have the Black heroine's love interest be a non-Black prince,[23] and the use of a Black male voodoo witchdoctor as the film's villain.[23] The Frog Princess title was also thought by critics to be a slur on French people.[25] Also questioned was the film's setting of New Orleans, which had been heavily damaged by Hurricane Katrina in 2005, resulting in the expulsion of a large number of mostly Black residents.[26] Critics claimed the choice of New Orleans as the setting for a Disney film with a Black heroine was an affront to the Katrina victims' plight.[23][26]
 In response to these early criticisms, the film's title was changed in May 2007 from The Frog Princess to The Princess and the Frog. The name ""Maddy"" was changed to ""Tiana"",[25][27] and the character's occupation was altered from chambermaid to waitress.[23] Talk show host Oprah Winfrey was hired as a technical consultant for the film, leading to her taking a voice-acting role in the film as Tiana's mother, Eudora.[9]
 The head of story, Don Hall, described the plot as a fairy tale ""twisted enough that it seems new and fresh"", with a kingdom that is a modern city, a handsome prince that is a ""knuckleheaded playboy"" and a variation on the fairy godmother with Mama Odie. Co-writer Rob Edwards also said The Princess and the Frog was ""a princess movie for people who don't like princess movies"". As the writers thought Tiana's character motivation of simply dreaming of having her own restaurant was not appealing enough, they expanded so it was her father's as well, with the extra philosophy of ""food bringing people together from all walks of life"". Musker and Clements stated that while Tiana already starts as a sympathetic character, the events of the plot make her ""understand things in a deeper level"" and change people around her. Both protagonists would learn from each other—Naveen to take responsibilities, Tiana to enjoy life—as well as figuring from Ray's passion for Evangeline that the perfect balance is brought by having someone you love to share the experience.[20] Tiana became the first African-American Disney Princess.[28][29]
 Tiana was inspired in part by famed restaurateur Leah Chase, whom Clements and Musker met on their research trip to New Orleans.[30] Clements elaborated, ""There's a woman in New Orleans named Lee (sic) Chase who was a waitress and ultimately opened a restaurant with her husband … we met with her and we talked with her and she went to kind of into her story, her philosophy about food, which is a big element of the movie.""[31]
 On December 1, 2006, a detailed casting call was announced for the film at the Manhattan Theatre Source forum.[32] The casting call states the film as being an American fairy tale musical set in New Orleans during the 1926 Jazz Age and provides a detailed list of the film's major characters.[14]
 In February 2007, it was reported that Dreamgirls actresses Jennifer Hudson and Anika Noni Rose were top contenders for the voice of Tiana and that Alicia Keys directly contacted then-Walt Disney Studios chairman Dick Cook about voicing the role.[33] It was later reported that Tyra Banks was being considered for the role.[34] By April 2007, it was confirmed that Rose would be voicing Tiana.[35] Three months later, it was reported that Keith David was cast as Doctor Facilier, the villain of the film.[36]
 Clements and Musker had agreed early on that the style they were aiming for was primarily that of Lady and the Tramp (1955), a film which they and John Lasseter feel represents ""the pinnacle of Disney's style"".[37] ""After that, everything started becoming more stylized, like Sleeping Beauty, 101 Dalmatians—which are fantastic films as well, but there's a particular style (to Lady and the Tramp) that's so classically Disney.""[38] Lady and the Tramp also heavily informed the style of the New Orleans scenes, while Disney's Bambi (1942) served as the template for the bayou scenes.[37] Bambi was described as a stylistic reference for the painted backgrounds, as according to art director Ian Gooding ""Bambi painted what it feels like to be in the forest instead of the forest"" so The Princess and the Frog would in turn try capturing the essence of roaming through New Orleans.[20]
 The former trend in Disney's hand-drawn features where the characters and cinematography were influenced by a CGI-look had been abandoned. Andreas Deja, a veteran Disney animator who supervised the character of Mama Odie, says ""I always thought that maybe we should distinguish ourselves to go back to what 2D is good at, which is focusing on what the line can do rather than volume, which is a CG kind of thing. So we are doing less extravagant Treasure Planet kind of treatments. You have to create a world but [we're doing it more simply]. What we're trying to do with Princess and the Frog is hook up with things that the old guys did earlier. It's not going to be graphic..."".[39] Deja also mentioned that Lasseter was aiming for the Disney sculptural and dimensional look of the 1950s: ""All those things that were non-graphic, which means go easy on the straight lines and have one volume flow into the other—an organic feel to the drawing.""[39] Lasseter also felt that traditional animation created more character believability.[40] For example, with Louis the alligator, created by Eric Goldberg, Lasseter said: ""It's the believability of this large character being able to move around quite like that.""[40] Choreographer Betsy Baytos was brought by the directors to lead a team of eccentric dancers that gave reference to make each character a different style of movement. The character design tried to create beautiful drawings through subtle shapes, particularly for most characters being human. For the frog versions of Tiana and Naveen, while the animators started with realistic designs, they eventually went for stylized designs ""removing all that is unappealing in frogs"", similar to Jiminy Cricket in Pinocchio (1940).[20]
 Toon Boom Animation's Toon Boom Harmony computer software was used as the main software package for the production of the film, as the Computer Animation Production System (CAPS) system that Disney developed with Pixar in the 1980s for use on their previous traditionally animated films had become now outdated by 2004.[41] The Harmony software was augmented with a number of plug-ins to provide CAPS-like effects such as shading on cheeks and smoke effects.[10][39] The reinstated traditional unit's first production, a 2007 Goofy cartoon short entitled How to Hook Up Your Home Theater, was partly animated without paper by using Harmony and Wacom Cintiq pressure-sensitive tablets. The character animators found some difficulty with this approach, and decided to use traditional paper and pencil drawings, which were then scanned into the computer systems, for The Princess and the Frog.[10]
 The one exception to the new Toon Boom Harmony pipeline was the ""Almost There"" dream sequence, which utilized an Art Deco graphic style based on the art of Harlem Renaissance painter Aaron Douglas.[42] Supervised by Eric Goldberg and designed by Sue Nichols,[43] the ""Almost There"" sequence's character animation was done on paper without going through the clean-up animation department,[9] and scanned directly into Photoshop. The artwork was then enhanced to effect the appearance of painted strokes and fills, and combined with backgrounds, using Adobe After Effects.[7][10]
 The visual effects and backgrounds for the film were created digitally using Cintiq tablet displays.[10][44] Marlon West, one of Disney's veteran animation visual effects supervisors, says about the production; ""Those guys had this bright idea to bring back hand-drawn animation, but everything had to be started again from the ground up. One of the first things we did was focus on producing shorts, to help us re-introduce the 2D pipeline. I worked as vfx supervisor on the Goofy short, How to Hook Up Your Home Theater. It was a real plus for the effects department, so we went paperless for The Princess and the Frog."" The backgrounds were painted digitally using Adobe Photoshop, and many of the architectural elements were based upon 3D models built in Autodesk Maya.[10] Much of the clean-up animation, digital ink-and-paint, and compositing were outsourced to third-party companies in Orlando, Florida (Premise Entertainment), Toronto, Ontario, Canada (Yowza! Animation), and Brooklin, São Paulo, Brazil (HGN Produções).[6]
 In February 2006, Alan Menken was initially reported to be composing the soundtrack.[45] However, Lasseter thought that since Menken was scoring the Disney film Enchanted (2007) at the time, the music might be too repetitive. Lasseter felt that Randy Newman, whom he had previously worked with, was the perfect choice for the film and replaced Menken with him, due to the fact that Newman was a jazz composer and grew up in New Orleans, making him compatible with the project's musical setting, not to mention that he had previous experience in adding Broadway musical style to another 2D animated film which was Cats Don't Dance.[46] In February 2007, Newman was announced as the film's new composer.[47]
 During Disney's 2007 shareholder meeting, Newman and the Dirty Dozen Brass Band performed the film's opening number, ""Down in New Orleans"", with famous New Orleans singer Dr. John singing, while slides of pre-production art from the film played on a screen.[22] Other songs in the film include ""Almost There"" (a solo for Tiana), ""Dig a Little Deeper"" (a song for Mama Odie), ""When We're Human"" (a song for Louis, Tiana and Naveen [as frogs]), ""Friends on the Other Side"" (a solo for Doctor Facilier), and ""Gonna Take You There"" and ""Ma Belle Evangeline"" (two solos for Ray).[22] Newman composed, arranged, and conducted the music for the film, a mixture of jazz, zydeco, blues, and gospel styles performed by the voice cast members for the respective characters, while R&B singer-songwriter Ne-Yo wrote and performed the end title song, ""Never Knew I Needed"", an R&B love song referring to the romance between the film's two main characters, Tiana and Naveen. Supported by a music video by Melina, ""Never Knew I Needed"" was issued to radio outlets as a commercial single from the Princess and the Frog soundtrack.[48]
 The film's soundtrack album, The Princess and the Frog: Original Songs and Score, contains the ten original songs from the film and seven instrumental pieces. The soundtrack was released on November 23, 2009, the day before the limited release of the film in New York and Los Angeles.[49]
 The film premiered in theaters with a limited run in New York and Los Angeles beginning on November 25, 2009, followed by wide release on December 11, 2009.[50] The film was originally set for release on Christmas Day 2009, but its release date was changed due to a competing family film, Alvin and the Chipmunks: The Squeakquel, scheduled for release the same day.[51] The Princess and the Frog received a limited re-release in AMC Theatres, lasting for one week from October 6 to October 12, 2017, as part of the Dream Big, Princess campaign.[52][53] As part of Disney's 100th anniversary the film was re-released in cinemas across the UK on October 6, 2023 for one week.[54]
 The Princess and the Frog was supported by a wide array of merchandise leading up to and following the film's release. Although Disney's main marketing push was not set to begin until November 2009, positive word-of-mouth promotion created demand for merchandise well in advance of the film.[55] Princess Tiana costumes were selling out prior to Halloween 2009, and a gift set of Tiana-themed hair-care products from Carol's Daughter sold out in seven hours on the company's website.[55] Other planned merchandise includes a cookbook for children and even a wedding gown.[55] Princess Tiana was also featured a few months before the release in the Disney on Ice: Let's Celebrate! show.[56] The film itself was promoted through advertisements, including one from GEICO where Naveen, as a frog, converses with the company's gecko mascot.[57]
 A live parade and show called Tiana's Showboat Jubilee! premiered on October 25, 2009, at the Magic Kingdom theme park at Walt Disney World Resort in Florida[58] and on November 5 at Disneyland in California.[59] In Disneyland, actors in New Orleans Square paraded to the Rivers of America and boarded the park's steamboat.[59] From there, the cast, starring Princess Tiana, Prince Naveen, Louis the alligator, and Doctor Facilier, would sing songs from the movie, following a short story line taking place after the events of the film. The Disneyland version's actors actually partook in singing, while the Walt Disney World rendition incorporated lip-syncing.[59]
 Tiana's Showboat Jubilee! ran at both parks until January 3, 2010.[58][59] At Disneyland Park, the show was replaced by a land-based event called Princess Tiana's Mardi Gras Celebration, which features Princess Tiana along with five of the original presentation's ""Mardi Gras dancers"" and the park's ""Jambalaya Jazz Band"" as they perform songs from the movie.[60] ""Tiana's Mardi Gras Celebration"" officially ended on October 3, 2010. However, it returned to Disneyland from 2011–2013 as part of the ""Limited Time Magic"" family-fun weekends.[61][62][63]
 Tiana also appears in Disneyland Paris's New Generation Festival.[64] Some of the characters appear frequently during World of Color, the nightly fountain and projection show presented at Disney California Adventure. 
 The Princess and the Frog was released in North America on DVD and Blu-ray on March 16, 2010.[65]
 The film is available on DVD, Blu-ray, and Blu-ray combo pack editions. The combo pack includes the DVD, Digital Copy, and Blu-ray of the film.[65] The DVD edition has sold over 4.5 million copies and has made $71.8 million in DVD sales,[66] making it the ninth-best-selling DVD of 2010.[67] As of 2019, the film had earned $117 million from its domestic home media releases.[68] The Princess and the Frog was released on 4K Blu-ray on November 5, 2019.[69]
 The movie was made available to stream on Disney+.[70]
 On its limited day release, the film grossed $263,890 at two theaters and grossed $786,190 its opening weekend.[71][72] On its opening day in wide release, the film grossed $7 million at 3,434 theaters.[73] It went on to gross $24.2 million over the opening weekend averaging $7,050 per theater,[74] ranking at #1 for the weekend, and making it the highest-grossing opening to date for an animated movie in December (a record previously held by Beavis and Butt-Head Do America from 1996).[75] The film went on to gross $104.4 million in the United States and Canada, and $271 million worldwide. It was the fifth-highest-grossing animated film of 2009, which was deemed an underachievement by Disney's standards. Overall, the film was considered a qualified commercial success against greater production and pre-release hopes.[1]
 While the film outgrossed Disney's contemporaneous hand-drawn films of the 2000s – including The Emperor's New Groove (2000), Atlantis: The Lost Empire (2001), Treasure Planet (2002), Brother Bear (2003), and Home on the Range (2004) – it had a considerably less auspicious time than the animated films from Disney's second heyday of the latter 1980s and 1990s. Disney animator Tom Sito compared the film's performance to that of The Great Mouse Detective (1986), which had been a step up from the theatrical run of the 1985 box office failure The Black Cauldron (both films presaged upcoming commercial returns to form for Disney, with The Great Mouse Detective, in particular, cited as a self-successful inflection point towards the Renaissance, including by Disney internally).[76] It has been opined that part of the film's modest return could be ascribed to being overshadowed by the release of James Cameron’s Avatar a week after its release.[77] The film's fiscal shortcoming was a major reason for the changing of title of the next year's Tangled from ""Rapunzel"" in order to dissociate from The Princess and the Frog and the entire vacillating Disney Princess concept (Tangled would almost double its predecessor's box office take).[78]
 Review aggregator Rotten Tomatoes reported the film has an 85% approval rating based on 201 reviews, with an average rating of 7.4/10. The site's general consensus is that ""The warmth of traditional Disney animation makes this occasionally lightweight fairy-tale update a lively and captivating confection for the holidays.""[79] On Metacritic, the film has a weighted average score of 73 out of 100 based on 29 critics, indicating ""generally favorable reviews"".[80] Audiences polled by CinemaScore gave the film an average grade of ""A"" on an A+ to F scale.[81]
 Lisa Schwarzbaum of Entertainment Weekly gave the film an ""A"" grade and applauded the film's creative team for ""uphold[ing] the great tradition of classic Disney animation"".[82] Kirk Honeycutt of The Hollywood Reporter praised Walt Disney Animation for ""rediscovering its traditional hand-drawn animation"" and for ""a thing called story"".[83] David Germain of the Associated Press wrote that ""The Princess and the Frog is not the second coming of Beauty and the Beast or The Lion King. It's just plain pleasant, an old-fashioned little charmer that's not straining to be the next glib animated compendium of pop-culture flotsam.""[84]
 Justin Chang of Variety was less receptive, stating ""this long-anticipated throwback to a venerable house style never comes within kissing distance of the studio's former glory"".[85] Joe Neumaier of the New York Daily News gave the film three stars out of five stars while saying ""The Princess and the Frog breaks the color barrier for Disney princesses, but is a throwback to traditional animation and her story is a retread"".[86] Village Voice's Scott Foundas found that ""the movie as a whole never approaches the wit, cleverness, and storytelling brio of the studio's early-1990s animation renaissance (Beauty and the Beast, The Lion King) or pretty much anything by Pixar"".[87] Betsy Sharkey, formerly of the Los Angeles Times, gave the film a positive review claiming: ""With The Princess and the Frog they've gotten just about everything right. The dialogue is fresh-prince clever, the themes are ageless, the rhythms are riotous and the return to a primal animation style is beautifully executed.""[88]
 Chicago Sun-Times film critic Roger Ebert gave the film three out of four stars and admired Disney's step back to traditional animation, writing, ""No 3-D! No glasses! No extra ticket charge! No frantic frenzies of meaningless action! And ... good gravy! A story! Characters! A plot! This is what classic animation once was like!"", but stated that the film ""inspires memories of Disney's Golden Age it doesn't quite live up to, as I've said, but it's spritely and high-spirited, and will allow kids to enjoy it without visually assaulting them.""[89] S. Jhoanna Robledo of Common Sense Media gave the film three out of five stars, writing, ""First African-American Disney princess is a good role model"".[90] Saint Bryan of KING 5 Seattle praised the film and called it ""The Best Disney Movie Since The Lion King"".[91]
 Upon its release, the film created controversy among some Christians over its use of Louisiana Voodoo as a plot device.[92] Christianity Today's review of the film cited its sexual undertones and use of voodoo, arguing that the scenes with Dr. Facilier and his ""friends on the other side"" contain many horror elements and that young children might be frightened by the film.[93] The film's negative portrayal of Voodoo also drew criticism from non-Christian factions.[94] The film also received criticism for historical negationism of the Jim Crow era in the Southern USA.[95][96][97]
 The film was nominated for the Academy Award for Best Animated Feature and twice for the Academy Award for Best Original Song, but lost to Up and Crazy Heart, respectively.[4][98] It was also nominated for eight Annie Awards and at the 37th Annie Awards Ceremony on February 6, 2010, won three.[8]
 Following The Princess and the Frog, Disney considered releasing at least one hand-drawn animated film every two years,[110] starting with Winnie the Pooh (2011), and continuing with a film inspired by ""The Snow Queen"". The medium of the latter was later switched to CGI (although it features a similar visual style to the 2010 film Tangled by blending elements of the two media) due to complex visual elements in the story. The film was ultimately titled Frozen, and was released in 2013.
 The blog website /Film noted in July 2014 with the release of hand-drawn concept art for Frozen (which grossed over US$1 billion worldwide), that any future hand-drawn animated films have been ""killed"" for the time being due to The Princess and the Frog failing ""to ignite the box office"".[111] Two months later, however, many Disney artists announced they were working on a new independent hand-drawn animated film, Hullabaloo, as part of an attempt to bring back hand-drawn animation,[112] consisting in three short films, while others got later involved on making the Netflix animated film Klaus, released in 2019.
 Looking back on the experience four years later, Catmull stated that Disney had made a ""serious mistake"" in the process of marketing and releasing the film.[113] Walt Disney Studios' marketing department had warned Disney Animation that the word ""princess"" in the title ""would lead moviegoers to think that the film was for girls only,"" but the animation studio's management insisted on keeping the ""princess"" title because they believed that the film's quality and hand-drawn animation would bring in all quadrants anyway.[113] In Catmull's words, this belief ""was our own version of a stupid pill.""[113] The marketing department turned out to be correct in their prediction that many moviegoers would and did avoid the film because they thought it was ""for little girls only.""[113] This was further compounded by the fact that the film opened a week before Avatar.[113]
 Looking back on the experience seven years later, Lasseter told Variety: ""I was determined to bring back [hand-drawn animation] because I felt it was such a heritage of the Disney studio, and I love the art form … I was stunned that Princess didn't do better. We dug into it and did a lot of research and focus groups. It was viewed as old-fashioned by the audience.""[114]
 Despite the absence of traditional animated feature films after the release of Winnie the Pooh, Disney Animation has been using both media for the sake of experimenting with new techniques and styles. In 2019, after Lasseter left Disney, Jennifer Lee (the succeeding CCO of Walt Disney Animation Studios), producer Peter Del Vecho and director Chris Buck confirmed that making another 2D animated film is still possible, and that the different styles are driven by the filmmakers who chose what method to use to tell their stories.[115]
 Since the film's original release, it has had success on streaming platforms and with merchandise sales.[116][117]
 
A manga adaptation of the film was released to tie in to the film's Japanese release.[118][119][120][121][122] Tiana, Naveen, and Dr. Facilier appear as meet-and-greet characters on Main Street, U.S.A, Liberty Square and in Frontierland at the Disney Parks, while Louis appears during parades or live shows.[123]
 In June 2020, Disney announced that the Splash Mountain theme park attraction, which is themed to Disney's 1946 film Song of the South, would be rethemed based on The Princess and the Frog in Disneyland and Magic Kingdom, which was stated to have had been in development since 2019. The announcement came amid the ongoing George Floyd protests and online petitions to change the theme of Splash Mountain.[124][125] The New York Times reported that Disney executives had privately discussed removing the attraction's Song of the South theme for at least five years, before putting into development the Princess and the Frog theme.[126]
 The attraction's story line takes place after the events of the film, with Tiana hosting a party for the people of New Orleans during Carnival season. Tiana discovers that due to a mix-up, the celebration is missing a band and needs the guests' help to find one, as they join her and Louis on a trip to the bayou to search for critter musicians.[127][128][129] In June 2022, Anika Noni Rose mentioned during an interview on Live with Kelly and Ryan that she has been involved with discussions with Disney on what they want the attraction to be like.[130] In July 2022 during the Essence Music Festival in New Orleans, Disney announced that the attraction would be called Tiana's Bayou Adventure, setting an opening date of ""late 2024"" at both parks.[131][132] At the D23 Expo in September 2022, it was confirmed that Rose, Bruno Campos, Michael-Leon Wooley, and Jenifer Lewis would be reprising their roles for the ride.[133] The Magic Kingdom version of Splash Mountain closed in January 2023,[134] while the Disneyland version closed in May 2023.[135] Tiana's Bayou Adventure opened at Magic Kingdom on June 28, 2024 and on November 15, 2024 at Disneyland.[136][137][138]
 In December 2020, Disney announced a television spin-off titled Tiana is in development for Disney+.[139] It was also announced that Anika Noni Rose, who voiced Tiana in the film would be reprising her role in the series.[140] On November 12, 2021, Stella Meghie was announced as writer and director, making her the first African-American director to helm a Walt Disney Animation Studios project,[141] but was replaced in those capacities by Joyce Sherri by October 2023.[142] Then-Walt Disney Animation Studios chief creative officer Jennifer Lee contacted Meghie for the project following the latter's attempt to pitch a live-action remake of The Princess and the Frog.[143] The series will center on Tiana as she explores her city of New Orleans.[144]
 A first look of Tiana was revealed in 2021,[141] with the series originally scheduled to release in 2022.[145][146] The release date was later changed to 2023[147] and eventually 2024.[148] In March 2023, the show's page changed to ""coming soon to Disney+"" with mention of a date removed.[149]
 The series will be among the first spin-offs of a Walt Disney Animation Studios film to be produced by the studio itself rather than Disney Television Animation. Animation services will be provided by Walt Disney Animation Studios' Burbank and Vancouver studios, with storyboarding and pre-production also handled at the Burbank studio.[150]
 In January 2022, Jennifer Lee revealed that Stella Meghie, originally the writer and director of Tiana, wanted to develop a live-action adaptation of the film.[151]",5963,"Main page; Contents; Current events; About Wikipedia; Help; Learn to edit; Community portal; Upload file; ; learn more; Article; Talk; Read; Read; Upload file; The Princess and the Frog (disambiguation); ; John Musker; Ron Clements; Rob Edwards; The Frog Princess; E. D. Baker; The Frog Prince; Brothers Grimm; Peter Del Vecho; Anika Noni Rose; Bruno Campos; Keith David; Michael-Leon Wooley; Jim Cummings; Jennifer Cody; Peter Bartlett; Jenifer Lewis; Oprah Winfrey; Terrence Howard; John Goodman; Jeff Draheim; Randy Newman; Walt Disney Animation Studios; Walt Disney Studios Motion Pictures; Los Angeles; New York City; animated; musical; romantic; fantasy comedy; Walt Disney Animation Studios; Walt Disney Pictures; The Frog Princess; E. D. Baker; The Frog Prince; Brothers Grimm; John Musker; Ron Clements; Peter Del Vecho; Rob Edwards; Anika Noni Rose; Bruno Campos; Michael-Leon Wooley; Jim Cummings; Jennifer Cody; John Goodman; Keith David; Peter Bartlett; Jenifer Lewis; Oprah Winfrey; Terrence Howard; New Orleans; Tiana; traditional animation; Home on the Range; The Great Mouse Detective; The Little Mermaid; Aladdin; Hercules; Treasure Planet; Broadway musical; Disney Renaissance; Randy Newman; Pixar; Toy Story; Roy E. 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"Le Livre de la jungle (film, 1967)","https://fr.wikipedia.org/wiki/Le_Livre_de_la_jungle_(film,_1967)","Pour les articles homonymes, voir Le Livre de la jungle (homonymie).
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 Série Classiques d'animation Disney Merlin l'Enchanteur(1963) Les Aristochats(1970) Série Le Livre de la jungle Le Livre de la jungle 2(2003) Pour plus de détails, voir Fiche technique et Distribution. modifier  Le Livre de la jungle (The Jungle Book) est le 24e long-métrage d'animation et le 19e « classique d'animation » des studios Disney. Sorti en 1967, il est inspiré du livre du même nom écrit par Rudyard Kipling (1894).
 Le film présente le jeune Mowgli élevé par des loups dans une forêt indienne et qui, accompagné de la panthère noire Bagheera, doit retourner dans un village auprès des hommes pour échapper au tigre mangeur d'hommes et terreur de la jungle Shere Khan. Durant son voyage initiatique, Mowgli rencontre à tour de rôle l'ours bon vivant Baloo qui contraste avec Bagheera par son tempérament, une troupe militaire d'éléphants, un groupe de singes mené par son roi Louie qui voudrait devenir un homme ou encore le serpent hypnotiseur Kaa.
 Le film est marqué par une qualité graphique élevée, mais surtout par l'utilisation d'acteurs vocaux célèbres ayant fortement influencé voire inspiré les personnages comme Phil Harris (Baloo), Louis Prima (Roi Louie) et George Sanders (Shere Khan). Pour plusieurs auteurs, la présence de fortes personnalités vocales et un scénario assez simple sans vrais méchants font du Livre de la jungle une succession de scènes musicales divertissantes, mais où il manque un petit quelque chose. Le film est aussi marqué par la mort de Walt Disney quelques mois avant sa sortie. Pour le studio Disney, l'ensemble marque le début d'une période désignée à la fois comme une forme de déclin, de léthargie, mais aussi de perpétuelle réutilisation d'une même formule, justement utilisée pour Le Livre de la jungle. Ce n'est que grâce à un programme de formation de nouveaux talents et une nouvelle direction au milieu des années 1980 que le studio Disney retrouve des productions égalant le « Premier Âge d'or ».
 Malgré les critiques, Le Livre de la jungle est un succès commercial et sert de base à de nombreux produits dérivés. Deux séries d'animation dérivées ont suivi : Le Livre de la jungle, souvenirs d'enfance (1996-1998), qui raconte l'enfance des personnages, et Super Baloo (1990-1994), où Baloo travaille comme pilote d'avion. Une suite lui est également donnée en 2003 : Le Livre de la jungle 2. Un remake en prise de vues réelles, premier d'une série de films produits par Walt Disney Pictures à partir de ses propres « Classiques », sort en 1994 sous le même titre Le Livre de la jungle, ainsi qu'une préquelle intitulée The Jungle Book: Mowgli's Story en 1998.
 Un jour, la panthère noire Bagheera trouve un bébé abandonné dans un panier au fin fond de la jungle indienne. Bagheera s'empresse d'apporter le bébé à une louve qui vient d'avoir des petits et qui accepte de l'élever. Pendant dix ans, le « petit d'homme » baptisé Mowgli grandit paisiblement parmi ses frères louveteaux. Mais une nuit, la meute de loups apprend le retour dans la jungle du tigre mangeur d'hommes Shere Khan. Pour protéger Mowgli, le conseil de la meute décide de le renvoyer au village humain le plus proche, Bagheera acceptant de l'escorter. La panthère et l'enfant quittent les loups le soir même, mais l'enfant refuse de partir de la jungle. Le chemin restant à parcourir étant long, ils s'endorment dans un arbre pour le reste de la nuit. Durant leur sommeil, un python affamé, nommé Kaa surgit, hypnotise Mowgli et l'enserre dans ses anneaux. Le serpent tente de dévorer l'enfant mais Bagheera intervient et le sauve.
 Le lendemain, les deux amis sont réveillés par un troupeau d'éléphants mené par le colonel Hathi. Mowgli s'insère dans la patrouille des éléphants à la suite de Winifred, la femme de Hathi, et de Junior, leur fils. Bagheera retrouve le petit d'homme et ils en viennent aux mots, au point qu'ils partent chacun de leur côté.
 Mowgli rencontre alors un ours, Baloo, qui prend la vie comme elle vient. Cet épicurien promet de prendre soin de Mowgli et de ne pas l'emmener dans un village humain, ce qui réjouit l'enfant. Baloo est cependant trompé par une bande de singes rusés qui kidnappent Mowgli. Il est emmené auprès de leur chef, un orang-outan appelé le Roi Louie. Ce dernier, tout en dansant et chantant, propose un marché à l'enfant : si ce dernier consent à lui apprendre le secret du feu détenu par les hommes, il promet à Mowgli de le laisser rester dans la jungle. Mais comme le petit d'homme a été élevé par des loups et non des humains, il ne connait pas ce secret. Bagheera et Baloo se mêlent à la danse pour sauver Mowgli et s'ensuit un chaos qui s'achève avec la destruction du palais des singes.
 La nuit venue, Bagheera explique à Baloo que la jungle ne sera jamais sûre pour Mowgli tant que Shere Khan sera présent. Au matin, Baloo tente à contrecœur de convaincre l'enfant que le village des hommes est le meilleur endroit pour lui, mais Mowgli l'accuse d'avoir rompu sa promesse et s'enfuit en courant. Baloo part à la recherche du petit d'homme tandis que la panthère se met en quête du colonel Hathi et de sa patrouille d'éléphants pour les aider dans leur recherche. Mais Shere Khan, qui a entendu la conversation entre Bagheera et Hathi, est décidé à chercher et tuer Mowgli. Entre-temps, l'enfant rencontre à nouveau le python Kaa qui l'hypnotise de nouveau, mais est interrompu par Shere Khan. Mowgli en profite pour nouer la queue du serpent et pour s'enfuir.
 Une tempête approche tandis que Mowgli rencontre un groupe de vautours malicieux qui s’efforcent de lier amitié avec l'enfant, arguant qu'ils sont tous des bannis et que tout le monde doit avoir des amis. Shere Khan surgit, disperse les vautours et fait face à Mowgli. Baloo arrive alors, tente d'éloigner le tigre de l'enfant mais est blessé dans l'affrontement. Un éclair frappe un arbre proche qui s'enflamme. Les vautours essayent de distraire Shere Khan pendant que Mowgli ramasse une branche enflammée et l'attache à la queue du tigre. Terrifié par le feu, Shere Khan panique et s'enfuit.
 Mowgli tente en vain de réveiller Baloo. Bagheera, arrivé sur les lieux, craint le pire, et prononce une épitaphe émouvante, au moment même où l'ours revient à lui, à la grande joie du petit d'homme.
 Les trois amis finissent par arriver aux abords du village des hommes. L'attention de Mowgli se porte sur une jeune fille du village, venue prendre de l'eau dans la rivière. Elle aperçoit Mowgli, et fait tomber sa jarre pour attirer son attention. Il la ramasse, la rapporte à la jeune fille, et suit cette dernière dans le village. Bagheera et Baloo se félicitent que l'enfant ait choisi de rester en sécurité avec les hommes. Ils décident de repartir dans la jungle, contents que Mowgli ait la possibilité d'être heureux parmi les siens, tel un enfant sauvage néanmoins.
 Sauf mention contraire, les informations proviennent des sources suivantes : Leonard Maltin[1], John Grant[2], Pierre Lambert[3] et IMDb[4].
 Sauf mention contraire, les informations proviennent des sources suivantes : Leonard Maltin[1] et John Grant[2].
 Sources : Carton DVD et Pierre Lambert[3].
 Sauf mention contraire, les informations suivantes sont issues de l'Internet Movie Database[6].
 Après la sortie de Merlin l'Enchanteur (1963), le scénariste Bill Peet demande à Walt Disney que le département animation fasse des personnages animaliers plus intéressants et propose d'adapter Le Livre de la jungle (1894) de Rudyard Kipling[7],[8]. Disney avait déjà envisagé d'utiliser les histoires de Kipling à la fin des années 1930[9]. Le mauvais résultat de Merlin l'Enchanteur le pousse à offrir à ses animateurs une seconde chance[10]. Disney accepte la proposition et, pour la seconde fois consécutive, d'adapter un succès de la littérature enfantine[1],[7].
 Walt Disney confie à Peet le soin d'adapter le scénario et d'entamer la supervision du film comme il l'a fait pour les précédentes productions (Les 101 Dalmatiens et Merlin l'Enchanteur)[8]. Selon Bob Thomas, ce dernier film étant simplement décevant, Walt Disney s'investit donc un peu plus[10] au regard des comptes rendus de réunions de développement[11]. Roy Edward Disney, neveu de Walt, explique que son oncle a certainement été pris par la jungle et les personnages qui y vivent[12].
 Peet prend comme base les deux tomes des histoires écrites par Kipling[13]. Le studio fait toutefois l'acquisition en 1962 des droits d’adaptation des treize histoires contenues dans ces deux tomes mais se concentre uniquement sur celles avec Mowgli[14],[15]. Peet décide de suivre au plus près le ton sinistre, sombre et dramatique du livre de Kipling qui a pour sujet les luttes entre humains et animaux[16]. Toutefois, il décide d'avoir une ligne directrice plus simple et plus forte car le roman est très épisodique, Mowgli faisant des allers et retours entre la jungle et le village[16]. Peet pense que le retour au village doit être à la fin du film et, à la suite de suggestions qui lui sont faites, il crée deux nouveaux personnages : la jeune fille nommée Shanti dont Mowgli tombe amoureux, seule raison valable selon les animateurs pour qu'il quitte la jungle, et l'orang-outan, le roi des singes, le Roi Louie[16]. Louie est, dans cette version, un personnage peu comique car il emprisonne Mowgli pour accaparer la connaissance du feu[16]. Louie rappelle aussi un point de scénario repris du Second livre de la jungle dans lequel des bijoux et de l'or seraient cachés sous les ruines et où un villageois braconnier demande à Mowgli de le conduire pour y dérober les trésors[10],[16]. Dans le premier scénario, le braconnier Buldeo ordonne à Mowgli de le conduire au palais du Roi Louie pour y dérober le trésor mais celui-ci se fait tuer par Shere Khan, Mowgli finit par tuer le tigre avec le fusil du braconnier. Peet intègre aussi les personnages du chasseur Buldeo et du busard Ishtar[17]. Il travaille huit mois sur le scénario et illustre une douzaine de storyboards[7].
 Disney n'est pas convaincu par cette adaptation, la trouvant trop sombre pour un public familial et demande plusieurs changements[8]. Elle est « trop proche de l'œuvre de Kipling, morose, déprimante, effrayante, mystérieuse avec plein de vilaines choses arrivant à un enfant[18] ». De plus, Peet et Disney ne sont pas d'accord sur la voix de Bagheera[18]. Peet refuse de changer son scénario et, après un long entretien avec Disney, il quitte le studio en janvier 1964 durant la production du film[7],[8],[19]. Son départ est aussi motivé par le succès de ses publications jeunesse en dehors du studio Disney[18], information connue par Walt[7].
 En parallèle des travaux de Peet, Walt Disney confie la composition de la musique à Terry Gilkyson[8],[14]. À la demande de Walt Disney, Gilkyson reprend le style musical de Bambi (1942) qui soutient un style graphique proche, réaliste[14]. La première chanson, prévue pour le générique, s'intitulait Brothers All et comprenait Mowgli et des loups[14]. La seconde, The Song of the Seeonee, proposait un quartet de barbiers avec des loups ponctué de ululements[14]. Une troisième chanson devait soutenir la scène après la capture de Mowgli par les singes, intitulée Monkey See, Monkey Do dans un style d'opérette proche de Gilbert et Sullivan[18]. Elle devait être suivie par une musique plus solennelle, Hate Song, durant laquelle Shere Khan et le personnage supprimé de Buldeo évoquaient leurs plans maléfiques[18]. Une chanson plus douce interprétée par Bagheera et Baloo, In a Day's Work, servait à expliquer à Mowgli que même le petit oisillon doit attraper des vers pour son repas[18]. Le film s'achevait par une chanson sentimentale, I Knew I Belonged to Her, durant laquelle Mowgli chantait à Bagheera le souvenir du village de sa mère[18].
 Après le départ de Peet, Walt Disney assigne alors Larry Clemmons au scénario en lui tendant un exemplaire du Livre de la jungle de Kipling mais en lui demandant de ne pas le lire[2],[20], et confie la partie graphique à Ken Anderson[7]. Clemmons consulte quand même le livre et le trouve trop haché, sans jointure, demandant une adaptation pour en faire un film[21]. Il préconise d'utiliser la technique narrative in medias res avec des retours en arrière, mais Walt lui demande de se recentrer sur une histoire plus directe en présentant les personnages[21] : « Faisons vivre le film. Construisons les personnages. Amusons-nous avec eux. » La majeure partie du travail de Peet est perdue, mais les personnalités des personnages sont restées dans le film final. Walt Disney est persuadé que l'histoire se doit d'être simple et que les personnages conduisent l'histoire. Disney participe alors activement aux réunions de scénario, jouant chaque rôle, aidant à explorer les émotions de chaque personnage, aidant à la création d'effets comiques et au développement des séquences à émotion[10]. Clemmons écrit un scénario brut avec simplement quelques scènes plus détaillées.
 Finalement, quatre scénaristes ont été assignés au développement du film[10]. Trois rejoignent Clemmons et entament le travail de compléter les scènes, ajoutant les gags[22],[23]. Ils ajoutent aussi des indications pour aider les acteurs à modeler la voix de leur personnage et comment ils interagissent[24]. La conception du scénario s'étale du 29 avril 1963 au 22 septembre 1966, d'après les comptes-rendus de réunions stockés aux Walt Disney Archives[25]. L'histoire finale est centrée sur les personnages de Kipling mais élimine la plupart des situations et faits présents dans l'adaptation Le Livre de la jungle de 1942 avec Sabu en Mowgli[20]. Toutefois durant l'été 1966, Walt Disney n'est pas satisfait de la production, il trouve que l'histoire est trop épisodique et n'a pas d'échine, 
que le public ne parviendra pas à s'identifier à Mowgli, que le méchant fait trop cliché mais que les acteurs peuvent sauver le film[26].
 Walt Disney participe à ce film bien plus qu'aux précédentes productions, choisissant les acteurs donnant leur voix aux personnages ou incarnant les personnages lors des réunions de travail[20], comme il le faisait quelques années auparavant. Pour rappel, la production de La Belle au bois dormant (1959) entamée en 1952 est émaillée d'absences de Walt Disney accaparé par plusieurs projets dont le parc Disneyland[27],[28] et de la production de plusieurs émissions télévisuelles[29] comme Disneyland, The Mickey Mouse Club et la série Zorro[28] (Cf. le paragraphe dédié). De même Rebecca et Samuel Umland constatent que Bob Thomas passe sous silence la participation de Walt à Merlin l'Enchanteur[30] et David Koenig écrit qu'il n'était guère enthousiaste vis-à-vis de ce projet[31]. Walt Disney déclare ainsi lors d'une de ces réunions qu'il est l'inventeur de gags le moins bien payé du studio[20]. En septembre 1966, il regarde les derniers rushs du Livre de la jungle et se demande si un tigre peut grimper aux arbres[32]. Il demande aussi à Harry Tytle de réduire les dépenses du département animation[32]. La dernière réunion pour le film a lieu mi-octobre 1966 et concerne la scène finale avec la jeune fille[33]. À la fin de l'année 1966, l'animation est en cours d'achèvement[33] mais Walt Disney ne verra jamais le film terminé[34].
 À l'automne 1966, un bilan médical établit que Walt Disney souffre d'un cancer du poumon à un stade avancé[35]. Il subit l'ablation d'un de ses poumons mais meurt six semaines plus tard au Saint Joseph's Hospital situé juste de l'autre côté de la Buena Vista Street, la rue séparant l'hôpital des Studios Disney[35].
 L'équipe du studio responsable du Livre de la jungle doit achever le film. Malgré la douleur de la perte de Walt Disney, l'équipe est fière de cette production[35]. Le scénario prend des libertés avec l'histoire originale de Kipling mais le résultat justifie, selon Christopher Finch, ces libertés[35].
 La conception des personnages est principalement confiée à Ken Anderson qui développe un style plus brisé que les animaux plus ronds de Dumbo (1941)[21]. Il fut envoyé en Afrique avec quelques collègues pour esquisser des éléphants[36]. Le Livre de la jungle est le premier long métrage de Disney qui utilise fortement des animaux non domestiqués[37]. Il fait suite à Bambi (1942), situé dans l'Amérique sauvage et dont le succès avait inspiré une série de documentaires animaliers, les True-Life Adventures, ainsi que de nombreuses productions de fiction sur des animaux[37]. L'animateur Milt Kahl se base sur des productions Disney pour reproduire au mieux les mouvements des félins Bagheera et Shere Khan, comme Les Pas du tigre (1964) ou le documentaire Le Jaguar, seigneur de l'Amazone (1959) de la série True-Life Adventures[21]. Pour le Roi Louie, le studio utilise des graphiques de comparaison anatomiques et des documentaires sur les orang-outans[38]. C'est Frank Thomas et Ollie Johnston qui se chargent du duo Baloo-Mowgli, réalisant ainsi l'exploit d'animer près de la moitié du film[33]. Johnston anime aussi les scènes avec Bagheera[33]. Pour Baloo, le studio utilise de plus des extraits de films avec des ours d'où sa propension à se gratter[39]. Pour Kaa en raison de son absence de lèvres et de mains, l'effort d'animation est recentré sur ses yeux, très expressifs mais aussi sur le reste du corps[39].
 Le Livre de la jungle est le premier long métrage de Disney ayant pour décor un environnement tropical[40]. Supervisé par Albert Dempster[33], le studio utilise l'ensemble de ses techniques pour les décors, que ce soit des nuances de couleurs renforçant la désolation lorsque Mowgli rencontre les vautours, des fonds simples et apaisant sans conflit avec les personnages ou l’atmosphère quand Bagheera discute avec Mowgli la nuit[41], ou la caméra multiplane pour la profondeur des décors[33]. Graphiquement, le style de Dempster est classique et convient à l'esprit du Livre de la Jungle et à l'instar d'Eyvind Earle sur La Belle au Bois dormant[33]. Dempster a réalisé la plus grande partie des 700 décors du film[33]. Certains décors comme la jungle éclairée par la lune rappellent la palette de couleurs de Paul Gauguin, le style de Gustave Doré[42] ou du Douanier Rousseau[43],[44].
 La production du film est confrontée, comme souvent au cinéma, à des problèmes de mise en scène. L'un des premiers problèmes étant que le spectateur doit éprouver de la sympathie envers Mowgli et cela en passant au travers de scènes avec d'autres personnages[45]. Baloo est choisi comme premier partenaire pour tester leur relation, mais cette première version comportant déjà la voix d'un acteur était trop « vieille école », semblable aux précédents ours de Disney[45]. La production décide de revoir sa copie et d'en faire un Ed Wynn, mêlant autorité et comique[45]. C'est ensuite que Walt propose Phil Harris pour Baloo[45].
 Mowgli doit exprimer son désespoir après avoir cru être trompé par Baloo, puis courir dans la jungle mais pas trop vite[46]. Malheureusement, il n'est pas facile de rendre compte de ce sentiment[46]. La solution est trouvée par un des animateurs chargés de la scène qui s'est remémoré un film d'action où un jeune enfant court vers un fourré et écarte une branche[46]. Ce geste permet de s'attarder sur les expressions faciales de Mowgli et permet de bien montrer ses sentiments[46]. Cette scène est devenue un mystère qui explique bien le long chemin avant le film final[46]. Lors des esquisses, l'animation est simple, les animateurs d'effets spéciaux, dans ce cas précis des intervallistes, conservent le même niveau de détail mais ils agrandissent les feuilles et ajoutent quelques branches pour respecter un nouveau schéma graphique, puis l'artiste de cadrage réagit en pensant à une jungle dense, ajoutant et grossissant les branches et feuilles, enfin le décorateur voyant les dessins de ses confrères pour la scène a ajouté des broussailles pour densifier la forêt[47]. Finalement, le jeune Mowgli traverse une jungle dense sans encombre et l'action est totalement transformée[47].
 Pour la marche des éléphants, l'animation en partie réalisée par Eric Cleworth est conçue comme un cycle répétitif de sorte qu'au début du cycle suivant, l'image est diminuée pour créer la perspective et l'éloignement[48]. Bill Peet crée le personnage d'Ishtar le busard, un vautour fauve, afin de résoudre le problème de la collecte d'information dans la jungle sur les carnassiers, tigres, panthères et loups[49]. Les vautours étant des charognards, ces personnages peuvent servir de lien entre prédateur et proie à la fois pour communiquer et les localiser[49]. Mais il préfère stopper cette piste pour développer la relation entre Bagheera et Mowgli[50]. Pour exprimer les relations entre les différentes personnes, Johnston et Thomas expliquent dans leur bible de l'animation qu'elles n'apparaissent qu'après les avoir construites sur une scène clef ou souvent sur plusieurs scènes grâce à des actions, des expressions et des émotions[51].
 Au début du projet, Walt Disney confie la composition de la musique à Terry Gilkyson, mais elle est jugée trop sinistre pour le film[8],[14]. La seule chanson de Gilkyson conservée dans la version finale est Il en faut peu pour être heureux tandis que Disney demande aux frères Sherman d'écrire de nouvelles chansons[8],[33]. Les Sherman connaissent le livre original et l'adaptation Le Livre de la jungle de 1942, mais Walt Disney leur conseille d'oublier ces versions assez sombres pour des choses plus joyeuses, plus légères, avec la touche Disney[52],[53]. Il les convie aussi aux sessions de développement du scénario afin que les chansons participent à l'action sans l'interrompre[8].
 La première des cinq chansons écrites par les frères Sherman doit soutenir la scène du kidnapping de Mowgli par les singes et, à la demande de Walt Disney, de « Disneyifier » la musique ; les deux compositeurs la transforment en une version swing avec un roi du Swing et une bande de singes digne d'un Dixieland[53]. George Bruns se voit confier la musique instrumentale[33] et réutilise deux chansons de productions précédentes[21] : un thème de La Belle au bois dormant (1959) composé par Bruns pour le réveil de Mowgli après avoir échappé aux singes et un extrait à l'orgue de Blanche-Neige et les Sept Nains composé par Paul J. Smith pour l'eulogie de Bagheera pensant que Baloo a été tué par Shere Khan[21].
 Pour la scène de Baloo expliquant sa philosophie, l'ours ressent à un moment le besoin de se gratter et atteint une forme d'extase en se frottant à un palmier[54]. Wolfgang Reitherman souhaite ajouter de la musique pour soutenir la scène et engage quatre musiciens dont le trompettiste Cappy Lewis[54]. Reitherman lui demande de reproduire la frénésie de Baloo en musique, ce qu'il parvient avec une improvisation qui plaît tellement à la production qu'elle décide de l'ajouter à la fin du film dans le générique « pour que le public parte de bonne humeur[54] ». L'assistant réalisateur Danny Alguire fait retranscrire la prestation note par note et Bruns l’intègre à la partition[54]. Lors de l'enregistrement final, Cappy Lewis en lisant la partition de sa propre improvisation déclare que « personne ne peut jouer cela », mais y parvient finalement[54].
 
 modifier  En dehors de la chanson Il en faut peu pour être heureux, écrite par Terry Gilkyson, toutes les autres chansons ont été composées par les frères Sherman[55].
 En raison des multiples éditions, les autres bandes originales sont présentées dans la section sur les produits dérivés.
 Dans la tradition Disney, les animaux présentés du point de vue humain doivent être réalistes, c'est le cas de La Belle et le Clochard (1955), Les 101 Dalmatiens (1961) et du Livre de la jungle[56]. Toutefois, les personnages du Livre de la jungle doivent beaucoup aux acteurs qui leur prêtent leurs voix[35]. Le studio tente de recruter des étudiants indiens pour avoir un accent plus local mais sans résultat[45]. C'est principalement à partir des voix originales que les personnalités des personnages sont façonnées[35]. Leonard Maltin, ainsi que Thomas et Johnston évoquent une difficulté pour le public adulte de faire abstraction des acteurs[57],[58]. Avant Le Livre de la jungle, il est rare qu'un acteur donne sa personnalité à un personnage, c'est le cas ici avec Phil Harris (Baloo), Louis Prima (Roi Louie) et George Sanders (Shere Khan)[57].
 Harris est choisi par Walt Disney pour donner sa voix à l'ours Baloo après l'avoir entendu lors d'un gala caritatif à Palm Springs[20]. Les animateurs sont surpris par ce choix, Harris étant plus connu dans le monde des clubs de nuit que pour la jungle[45]. Harris enregistre un dialogue, en grande partie improvisé car il considère le script comme peu naturel[8]. À la fin de la session, il demande une copie de l'enregistrement pour que sa femme Alice Faye et ses amis puissent le croire[58]. Les animateurs réalisent alors 35 ou 40 pieds de film avec Mowgli et Baloo puis ce test est visualisé par Walt Disney[59]. Ce dernier accepte et valide l'utilisation de cet ours Baloo dans le film tandis que Phil Harris est convié à une seconde session d'enregistrement[59]. Le développement du personnage de Baloo avec Phil Harris permet de résoudre les problèmes rencontrés avec Bagheera[59], comme le manque d'émotion avec Mowgli[45], et de poursuivre la production.
 Confiant avec la bonne prestation de Harris, Jimmy Johnson, président de Disneyland Records, propose que Louis Prima donne sa voix au Roi Louie[60]. Harris contacte Prima pour une audition. Enthousiaste, ce dernier se fait accompagner à ses frais par son orchestre[60]. Walt accepte Prima et choisit d'autres acteurs célèbres pour les personnages comme George Sanders pour Shere Khan et Sebastian Cabot pour Bagheera[21].
 Sterling Holloway, un habitué des studios Disney donne sa voix au serpent Kaa et, grâce à une chanson ingénieuse des frères Sherman, le cheveu sur la langue de Kaa est mis en valeur[57]. La chanson Aie confiance est basée sur Land of Sand, une mélodie non utilisée de Mary Poppins (1964)[17],[61],[62].
 Pour Mowgli, le premier acteur choisi est David Bailey mais sa voix mue durant la production et perd ainsi l'innocence recherchée par les producteurs[21]. Wolfgang Reitherman propose alors l'un de ses fils, Bruce, qui vient d'enregistrer la voix de Christopher Robin pour Winnie l'ourson et l'Arbre à miel (1966)[21]. Il obtient le rôle et est utilisé pour le film en prise de vue réelle servant de guide aux animateurs[8],[21]. La jeune actrice Darlene Carr, qui chantonne dans le studio durant la production de Rentrez chez vous, les singes ! (1967), est remarquée par les frères Sherman qui lui proposent d'enregistrer une version de démonstration de la chanson My Own Home de Shanti[63]. Sa prestation impressionne Walt Disney qui la prend pour le rôle de la jeune fille[63].
 Le personnage de Mowgli est un enfant différent de ceux des précédentes productions de Disney, il est acteur et non suiveur ou adjuvant[64]. Il est conçu par le studio comme un jeune enfant déterminé, au point de réussir à survivre dans la jungle, mais qui se lie d'amitié trop facilement et n'arrive pas à savoir à quelle espèce il appartient[64]. C'est un jeune garçon tenace âgé de 7 à 12 ans, un jeune Tarzan s'il parvient à survivre[45]. Durant le film, il est successivement un loup, une panthère, un éléphant, un ours, un singe et un vautour, liste à laquelle on doit ajouter le serpent de par l'action hypnotique de Kaa, chacune des espèces étant honorablement crédible selon Grant[64]. Mowgli est principalement animé par Ollie Johnston qui en a fait l'épitomé du jeune garçon de cet âge sauf à la fin du film où il semble entamer le passage vers l'adolescence, subjugué par une jeune fille[64]. Cette jeune fille est présente uniquement à la fin du film et porte une marque rouge sur le front[65], un bindi ce qui l'apparente aux hindou[66]. Elle possède de larges pupilles entourées d'un iris mat et sombre afin de lui donner l'aspect des yeux de l'Inde et un trait de séduction[67].
 Bagheera est, selon Grant, le personnage central du film, servant de narrateur, présentateur et apparaissant le plus souvent au long du film[68]. C'est une panthère noir-mauve sophistiquée, « vieille école » ou « très British » malgré un accent américain en version originale[68]. Pour Thomas et Johnston, le personnage de Bagheera est sage, méthodique, pointilleux au point d'en être ennuyeux, insipide[45]. Grant considère l'animation de Bagheera comme brillante. Il cite cependant Mickael Barrier qui trouve lui aussi les mouvements de la panthère très réalistes mais ajoute que, comme aucune scène ne requiert ce type de mouvements, ils donnent l'impression d'être des exercices académiques[68]. Grant répond à Barrier qu'il est étrange de critiquer Disney sur le fait de dessiner une panthère comme une vraie panthère[68]. La principale relation qu'entretient l'animal est avec Mowgli[45]. Bagheera présente un bon fond, sauvant Mowgli à plusieurs reprises mais se plaint de devoir le faire celui-ci d'ailleurs peut se montrer irresponsable comme quand il abandonne Mowgli dans la jungle après une dispute, et le pousse à grandir, à vivre sa propre vie, comme dans la scène finale[68]. Patrick Murphy va plus loin et fait de Bagheera la force sauvant la vie de Mowgli[69].
 Baloo ne doit à l'origine faire qu'une brève apparition dans le film mais l'animateur Ollie Johnston responsable du personnage considère le travail de doublage de Phil Harris si fascinant qu'il développe le personnage[68]. D'après Wolfgang Reitherman, il est initialement conçu en prenant pour modèle l'acteur Wallace Beery[70]. Le résultat est que Baloo est devenu la vedette du film dépassant Bagheera dont le rôle est plus essentiel à l'histoire[68]. Baloo est un ours gris-bleu bien en chair ayant adopté la vie facile comme credo[71]. Malgré ce caractère critiqué par la panthère, Baloo prouve qu'il est un vrai ami de Mowgli en prenant la défense de l'enfant face au tigre Shere Khan[71]. La scène principale de Baloo est sa première apparition, sur la chanson Il en faut peu pour être heureux, dans laquelle son credo est à la fois expliqué mais aussi mis en œuvre[71]. La gaîté et la spontanéité de la séquence en font, selon Grant, un moment de joie à regarder[71]. La séquence Être un homme comme vous, avec le Roi Louie, Mowgli et de la musique jazzy, s'en approche mais démontre, pour Grant, qu'il n'est pas possible de reproduire une alchimie deux fois dans le même film[71].
 Les noms de Baloo, Bagheera et Hathi signifient respectivement ours, panthère et éléphant en hindi[15],[72]. Pour Robert Tienman, le trio Mowgli, Baloo et Bagheera est l'utilisation d'un schéma classique du genre cinématographique, la relation entre trois amis, à l'instar de Mickey Mouse, Donald Duck et Dingo ou Bambi, Panpan et Fleur dans Bambi (1942)[73]. La scène où Baloo inculque à Mowgli ses préceptes dans la vie en chanson est une technique régulièrement utilisée par le studio Disney pour raconter de manière non visuelle, graphique, des histoires parfois complexes[74]. On la retrouve par exemple dans Mélodie du Sud (1946)[74].
 Les loups apparaissent au début de l'histoire pour expliquer l'enfance de Mowgli mais ne participent pas vraiment à la suite[75]. Grant rattache leur présence au mythe romain de Romulus et Rémus[75]. Seulement deux loups sont nommés, Rama père adoptif de Mowgli et Akela, le chef de meute[75].
 Les éléphants, animés par John Lounsbery[33] sont eux plus développés, à l'image de leur chef[75]. Hathi est crédité du grade de « colonel » de la « 5e brigade de pachyderme de sa majesté[75] ». Les éléphants sont une satire de l'Empire britannique[75]. Hathi est accompagné de sa femme Winifred et de leur fils Junior[75]. Hathi, un bavard prétentieux selon une idée de Ken Anderson[36], se targue d'être un éléphant qui n'oublie jamais rien, mais il démontre avoir des pertes de mémoire régulières[75]. Pour Thomas et Johnston, c'est un oublié de l'empire colonial[76]. Verna Felton qui donne sa voix à Winifred fait aussi celle de la plus vieille éléphante dans Dumbo[75]. Pour Junior, l'équipe de Disney évite le piège de reproduire Dumbo et, à la place, crée un personnage à part, joyeux, adulé par son père et qui souhaite devenir comme lui, un colonel[75]. Les autres éléphants sont presque tous anonymes à part le lieutenant à la chevelure non conforme, Bugler le clairon, Slob le plus gourmand et le plus débraillé[65]. Graphiquement les éléphants reprennent les travaux d'Heinrich Kley déjà utilisés comme support pour Dumbo (1941) et la séquence Danse des heures de Fantasia (1940)[77]. Koenig note que, durant l'inspection des troupes, un éléphant gris encore jamais vu apparaît plusieurs fois, en début de rangée, puis au milieu et vers la fin sans qu'on le voie bouger[17]. On note également que sur les premiers plans de la patrouille, les éléphants marchent l'amble, qui est leur façon naturelle de marcher, mais que dans les plans suivants, ce n'est plus le cas.
 Le Roi Louie n'existe pas dans l'œuvre originale de Rudyard Kipling (les singes, les Bandar-Log, n'ont pas de chef, et lorsqu'ils enlèvent Mowgli, ils le nomment roi). Dans les premières versions, le chef des singes est bourru, morose, grossier et incapable de discuter[76]. Durant le développement, il s'avère qu'une séquence musicale serait mieux pour présenter les singes et leur chef[76]. La décision de choisir Louis Prima comme voix du Roi Louie étant prise, l'ensemble de la scène musicale s'inspire alors directement de Prima et de son orchestre qui « bougent sur scène comme les singes de la scène du film[78] ». Le groupe enregistre ainsi un morceau pour convaincre Walt Disney : on peut parler, selon Grant, d'une audition, et c'est à partir de cela que les animateurs dessinent la scène avec les singes[8]. Hollis et Ehrbar évoquent qu'un extrait du spectacle de Prima à Vegas se jouait dans un des studios de tournages[60].
 Durant cette période de développement, Prima appelle régulièrement depuis le lac Tahoe où il joue avec son orchestre pour s'enquérir de l'évolution du personnage[76]. Prima propose aussi une scène où le Roi Louie meurt persuadé de pouvoir la jouer de façon exceptionnelle[79]. L'animation de la séquence musicale avec les singes est supervisée par Kahl et Thomas tandis que la scène de danse avec Baloo est confiée à John Lounsbery[33]. Le personnage conçu par Disney est un orang-outan au ventre rebondi et un chef motivé par l'ambition de devenir un homme, ce qui passe, selon lui, par la maîtrise du feu, dont il est persuadé que Mowgli connaît le secret[68]. Un autre trait de son personnage est le scat, forme vocale du jazz, fournie par Louis Prima en version originale[68]. Pour Grant, le Roi Louie serait un humain distribuant des cigares comme signe d'amitié, ce qu'il fait en tant que singe avec des bananes mais son caractère et ses motivations n'en font pas un réel méchant[68]. Les autres singes ne sont pas nommés bien que quelques-uns aient des personnalités distinctes[68].
 Le studio Disney fait rarement usage de serpents hormis dans le documentaire Le Désert vivant (1953)[80]. Thomas et Johnston recensent aussi L'Arche de Noé (1959) et Birds in the Spring (1933)[80]. Durant la conception du scénario du Livre de la jungle, il apparaît que c'est la relation entre Mowgli et les animaux qui peut être le moteur de l'animation[81]. Le scénario de Bill Peet évoque Kaa comme un serpent profitant de sa discussion avec Mowgli pour l'enserrer dans ses anneaux[81]. Ce n'est qu'après plusieurs réunions de développement de l'histoire que le concept d'une attaque de Kaa sur Mowgli pendant la discussion entre Bagheera et Mowgli émerge[82]. En raison de la longueur du serpent, définie par Peet, Kaa est un python réticulé[71]. Le personnage, qui ne devait apparaître que dans une seule scène, a été repris pour une seconde[33]. L'animation du reptile est supervisée par Thomas et Kahl[33].
 Le choix de cette scène effectué, une partie des animateurs s'attèle à dessiner le serpent plus précisément et se confronte à plusieurs points difficiles[83]. Thomas et Johnston énumèrent les points suivants : la tête du serpent est le prolongement du corps, les yeux ne clignent pas, les mouvements sont glissants et la langue est fourchue[83]. Les animateurs craignent alors que le personnage soit trop fou, pas assez menaçant tout en étant moins repoussant[84]. Ils prennent la décision de chercher une voix pour orienter et peut-être corriger le personnage[84]. Huit acteurs s'essayent au rôle sans succès et c'est la tentative suivante qui est la bonne[84].
 La voix originale est celle de Sterling Holloway[71],[84], acteur plus habitué à des personnages de souris[79]. Grant considère le choix d'Holloway comme un coup de génie et l'acteur, dont c'est l'un des premiers rôles de méchant, se surpasse dans le doublage[71]. Pour Thomas et Johnston, Holloway permet de donner vie au personnage conçu par le studio[85]. Le personnage est sinistre, hypnotique et hypocondriaque, se plaignant de ses sinus, mais sa voix est l'élément le plus effrayant de sa personnalité[71]. L'hypnose est sa principale arme et, d'après l'histoire originale, il est âgé de plus de 100 ans et encore jeune[86]. Il est aussi sinistre que divertissant avec une incapacité à garder la bouche close[79]. L'aspect physique du serpent est même l'objet de plusieurs gags avec, par exemple, le nœud à sa queue ou sa tête percutant chaque branche lors d'une chute[71]. Cette idée de serpent bloqué par un nœud avait déjà été utilisée dans le court métrage Birds in the Spring (1933) des Silly Symphonies[81], de même que l'hypnose. D'après Thomas et Johnston, l'utilisation de Sterling Holloway a permis de transformer une scène de rencontre avec un personnage mineur en une scène de plus en plus drôle[87]. La scène aurait pu être plus longue car les frères Sherman avaient composé un chorus avec des paroles de menace plus explicites[88]. Reitherman préfère ne pas l'inclure pour ne pas ralentir le film[88].
 Un autre point difficile est le choix de la peau de Kaa, rayures ou larges taches[89] et comment gérer les anneaux se serrant à des vitesses différentes sans trop dépasser le budget[90]. Thomas et Johnston notent que les animateurs dont ils font partie ont raté la bouche du serpent car aucun n'a un intérieur de bouche rose, une erreur dans le choix des couleurs due à l'habitude d'utiliser cette couleur pour les autres personnages[83].
 Thomas et Johnston évoquent une anecdote durant la production du film[87]. L'assistante chargée de leur donner leur salaire hebdomadaire avait peur des serpents et refusait de venir les payer tant que des esquisses de Kaa étaient affichées aux murs[87]. Elle restait dans le couloir le plus loin possible de la porte et, bien que les animateurs aient envisagé de l'utiliser pour vérifier les effets de leurs dessins sur les personnes souffrant de phobie des reptiles, elle refusa même d'aller voir le film une fois achevé[89]. L'assistant réalisateur Danny Alguire propose à la place une de ses amies du Texas qui a peur des serpents pour passer le test[90]. Sans être informée, elle regarde un extrait du film avec Kaa et n'a pas peur, permettant aux animateurs de poursuivre leur travail[90].
 John Grant indique qu'il y a une pénurie de tigres chez Disney, dans les plus anciennes productions, en raison de la difficulté à animer leurs rayures[91]. Mais, après la réalisation des 101 Dalmatiens (1961) et des 6 469 952 taches de dalmatiens qu'il compte, grâce à la xérographie[91], l'animation d'un tigre est devenue une tâche moins insurmontable. Milt Kahl est l'animateur qui se charge de Shere Khan[34],[92],[93] tandis que Bill Peet conçoit le personnage comme physiquement fort, agile et doué mais sans être mauvais garçon[34]. Milt Kahl, fort de son expérience dans l'animation d'animaux, réussit à utiliser les rayures du tigre comme base de son mouvement et non comme simple décoration[94].
 Le nom original de l'animal est celui d'un prince pachtoune rencontré par Kipling en Afghanistan, Shere Khan Nasher[95]. La personnalité du tigre est essentiellement basée sur la suavité de George Sanders qui lui prête sa voix[92], selon une décision de Ken Anderson[8]. Pour John Grant, Shere Khan n'est pas un méchant absolu, c'est un Lord Peter Wimsey suspecté de meurtre par la population locale mais que l'on sait innocent et il s'étonne que la méchanceté du personnage n'ait pas été plus développée par Disney[92]. Pour Thomas et Johnston, il possède une intelligence rappelant Basil Rathbone et une forme d'arrogance ajoutées par Ken Anderson[7],[34],[96]. À la demande de Walt Disney, les animateurs évitent de créer un nouveau tigre menaçant[76],[96], un méchant comme le studio avait toujours fait auparavant, grognant et bavant[96]. C'est en regardant l'adaptation d'une œuvre d'Ernest Hemingway, À bout portant (1964), qu'ils trouvent la solution[76]. Ils créent un tigre avec une confiance en lui, une assurance terrifiante[76], un personnage fort et puissant craint dans toute la jungle[96]. Il ressemble à un empereur romain ou un roi médiéval qui reçoit comme un dû son autorité mais, dans le cas de Shere Khan, il n'a pas peur des assassins ou des complots[34].
 Thomas et Johnston notent qu'il est rare que des méchants se rencontrent, comme c'est le cas ici entre Shere Khan et Kaa et leur affrontement se termine par un statu quo[34].
 Pierre Lambert considère que les quatre vautours animés par Eric Larson[33] sont les proches cousins des corbeaux créés par Ward Kimball pour Dumbo (1941)[97]. Pinsky les trouve semblables, exception faite de l'accent anglais[98]. Mais Grant trouve leur comparaison difficile, même si ce sont tous des charognards, qu'ils apparaissent vers la fin du film pour se moquer du héros et qu'ils sont caractérisés par leur accent, américain pour les corbeaux et anglais pour les vautours[92].
 Le groupe britannique The Beatles a été approché pour prêter leurs voix aux vautours[99]. John Lennon aurait refusé en mettant en avant un conflit d'agenda pour expliquer ce refus[99]. D'après une interview du réalisateur, les Beatles auraient donné leurs voix aux quatre oiseaux nécrophages et possiblement chantés la chanson That's What Friends Are For dans un style Rock 'n' roll au lieu du Barbershop finalement retenu[99]. Dans la version finale, deux des oiseaux ont conservés l'accent anglais et la coiffure des musiciens[99]. Grant ne parvient pas à identifier précisément les accents anglais des vautours inspirés par les Beatles[17],[92],[98],[100]. Buzzie est londonien tandis que Dizzy possède un accent plus international fourni par Lord Tim Hudson et non Ringo Starr[92]. Ziggy et Flaps sont moins caractérisés que les deux autres vautours mais ils contribuent tous à la définition d'un groupe qui, comme les corbeaux de Dumbo, ne peut être dissocié[92]. La ressemblance avec les Beatles est à la fois vocale et physique mais réside aussi dans le texte qui rappelle un dialogue de leurs films où l'on assiste, selon Grant, à une conversation d'étudiants non mariés[92], possiblement A Hard Day's Night (1964). Grant ajoute que ce type de jeunes est souvent considéré comme indésirable et qu'on ne s'arrête pas pour leur parler[75]. La voix originale de Flaps est celle de Chad Stuart du duo Chad & Jeremy[8], l'un des nombreux groupes de la British Invasion.
 Un rhinocéros nommé Rocky devait accompagner les vautours et sa voix devait être celle de Frank Fontaine mais le personnage est supprimé à la demande de Walt Disney en raison de l'action très chargée entre les singes et les vautours[101].
 Le film Le Livre de la jungle sort en octobre 1967[10], presque exactement 30 ans après le premier long métrage de Disney, Blanche-Neige et les Sept Nains (1937) et 10 mois après la mort de Walt Disney[102]. La première a lieu au Grauman's Chinese Theatre le 18 octobre 1967[103]. Il est diffusé dans certaines salles conjointement avec le documentaire animalier Charlie, le couguar[104],[105]. Il récolte 13 millions d'USD à sa sortie aux États-Unis[102] et, à la fin de l'année 1967, il atteint la quatrième position des films les plus rentables de l'année[106].
 Les critiques à la sortie du film sont frappantes et souvent hautes en couleur, car comme le rappelle Leonard Maltin, le film est sorti 10 mois après le décès de Walt Disney[57]. Le magazine Time, à l'enthousiasme souvent réservé vis-à-vis des projets de Disney, écrit que le film n'a que peu à voir avec le livre de Kipling mais que le résultat est très agréable en raison des animaux présentés sans entrave et l'habilité de Disney à être enfantin sans être puéril[57]. Pour le magazine, ce film est la plus plaisante façon de se remémorer Walt Disney[57]. Howard Thompson du New York Times conseille le film aux dandies car c'est un plaisir pour tous les âges[102],[105]. Pour Richard Schickel du magazine Life, c'est le meilleur film depuis Dumbo (1941)[102].
 Variety, souvent favorable à Disney, indique que le développement du scénario est modéré, les dangers potentiels ne sont que suggérés et qu'il y a un optimiste prédominant dès le début au point que le public suivra comme une marionnette au moment voulu[102]. Les résultats du film le classent sixième dans le classement de Variety[102]. Judith Crist du New York Herald Tribune écrit que le film  est complètement dénué d'atmosphère et le classe parmi les dessins animés médiocres et de qualité moyenne[102].
 Le succès du film et la mort de Walt Disney font envisager aux responsables du studio un projet de suite, idée toujours rejetée par Walt[107]. Plusieurs chansons sont composées par, entre autres Terry Gilkyson, Floyd Huddleston et les frères Sherman, et enregistrées par Phil Harris et Louis Prima[107]. Elles ont été éditées sur un disque intitulé More Jungle Book[107],[108] publié en 1968[109]. Ce succès a aussi permis de relancer d'autres productions comme Les Aristochats (1970) en utilisant le même principe de personnages inspirés des acteurs vocaux[110].
 Eric Smoodin indique que Le Livre de la jungle, au même titre que Fantasia (1940), fait partie des films Disney ayant une programmation régulière de ressorties au cinéma[111]. Dans les années 1980, avec l'émergence du support vidéo, le planning Disney évolue vers un système de ressorties régulières programmées sur de courtes fenêtres espacées de périodes de pénurie artificielle, la ressortie permettant de combler le manque[111]. Le film ressort au cinéma aux États-Unis en 1979, 1984 et 1990 ainsi qu'en Europe durant les années 1980[112].
 Les sommes récoltées par ces sorties, ajustées selon l'inflation seraient de 141 millions d'USD aux États-Unis et 205 millions d'USD à l'international, plaçant le film en 2011 à la 29e position des films américains les plus rentables[113]. La ressortie en Allemagne en 1979 établit un record récoltant plus que Star Wars[114].
 En 1991, Le Livre de la jungle est édité sur support VHS aux États-Unis dans la collection Walt Disney Classics et, à nouveau en 1997, pour le 30e anniversaire du film dans la collection Walt Disney Masterpiece[112]. En 1999, Buena Vista Home Entertainment édite une version sur support DVD[115]. En octobre 2007, pour le 40e anniversaire, une édition collector sur 2 DVD est publiée par Disney[116]. Cette sortie est accompagnée d'une exposition de 18 jours au El Capitan Theatre à Los Angeles du 7 au 23 septembre 2007, une salle détenue par Disney[117]. La veille, une soirée de gala avait lieu avec, entre autres, les frères Sherman ou les acteurs Bruce Reitherman, Darlene Carr et Chad Stuart[117].
 Les productions cinématographiques Disney des années 1960 sont un commerce rentable avec de nombreux films en prise de vue réelle[118] et occasionnellement des films d'animation impressionnants et agréables[119]. À l'image des 101 Dalmatiens (1961), le film semble proposer un point de vue narratif à partir des animaux mais est en réalité centré sur les humains, du moins l'humain Mowgli[69]. J. P. Telotte classe le film parmi les succès en animation des années 1960 pour le studio Disney qui devient l'une des majors grâce à ses productions en prise de vue réelle et télévisuelles[120]. John Grant écrit que le film de Disney n'est certainement pas pour les fans de Kipling n'ayant que peu à voir avec les livres originaux hormis les noms des personnages[2]. Les critiques britanniques se sont plaints du traitement de l'œuvre de Kipling, comme ils le font plus tard pour Winnie l'ourson[121]. L'œuvre de Disney est en résumé « le Jazz qui rencontre la jungle[2] ».
 Pour David Whitley, le film Le Livre de la jungle est différent des précédentes productions de Disney mais reprend des traits communs[122], ce que d'autres auteurs nomment la recette des Classiques Disney[123],[124]. Whitley donne, comme exemple, le fait de prendre pour base un classique de la littérature enfantine, d'utiliser la tradition réaliste européenne du XIXe siècle ou l'image d'un livre qui s'ouvre au générique[122]. L'avis de Leonard Maltin est que le film est « bien avec des chansons mémorables » mais « qu'il manque un petit quelque chose qui le rendrait spécial[57] ». Maltin ajoute que le film est « sympathique, tranquille même trop décontracté[57] ». Richard Schickel semble apprécier le grand nombre de gags, la gaieté et la simplicité du film ainsi que la présence d'animaux indiens bien que transformés pour avoir un aspect et un comportement compréhensible, voire familier pour les Américains[125]. Patrick Murphy va jusqu'à écrire que les loups et les ours sont américains car ils ne sont pas présents en Inde[126] mais Whitley rappelle qu'ils ont été exterminés durant la colonisation britannique[127], période durant laquelle se déroule l'histoire.
 Jeff Kurtti considère que le succès du film est dû à la combinaison gagnante de personnages captivants, d'humour, de sentiments et de musique qui en font l'un des films d'animation de Disney les plus appréciés[128]. Watts donne le film en exemple du « style Disney[129] ». Pour Robin Allan, le film possède des personnages animaliers fortement anthropomorphes[130] ; c'est un divertissement familial qui évoque le glorieux passé des studios Disney mais traduit aussi les qualités d'anthropomorphistes des artistes[131]. L'énergie du film doit peu à l'œuvre originale et le spectateur retrouve en partie l'ancienne exubérance et le sens comique de Disney[131],[132]. Grant pense que le problème vient de l'absence de vrais méchants dans le film : Kaa et le Roi Louie sont mauvais mais des bouffons, tandis que Shere Khan n'est pas assez présent pour devenir méchant[68]. Allan décrit l'adaptation du film comme une saucisse dont on aurait conservé la peau et remplacé le contenu[43],[122]. Brode écrit que le générique révèle l'équilibre précaire entre fidélité à l'œuvre originale et enthousiasme pour divertir le public[133]. Pour Whitley, l'adaptation de Disney, motivée par un sentimentalisme populiste, est une réaction au style de Kipling, dont les histoires expriment les nombreuses vertus d'une supériorité assumée et déterminée de l'Empire britannique mais aussi une profonde anxiété face à la nature et à sa loi sous-jacente[122]. Par rapport à l'œuvre originale, le film se situe dans un monde plus imaginaire, sans racine ni référence à un passé réel et aucun lieu n'a de nom[127].
 Pierre Lambert écrit que le film manque d'unité au niveau du scénario[7] et Schickel que c'est une collection de scènes tirées de l'histoire originale[134]. Whitley écrit que le moteur du film est le problème de la survie de Mowgli et que ce thème dirige le scénario sous la forme d'une succession épisodique presque picaresque de problèmes de survie[135]. Franklin Thomas et Ollie Johnston considèrent Le Livre de la jungle comme un nouveau film basé sur une série d'événements avec des anecdotes et des personnages mais sans trame complète[76]. Thomas et Johnston ajoutent que c'est essentiellement l'histoire de la panthère Bagheera et de déboires avec le jeune Mowgli sur le chemin de retour au village des hommes[45]. Les deux auteurs utilisent le film comme base pour expliquer dans leur bible de l'animation les concepts liés à l'expression des personnages comme la frénésie de Baloo pour se gratter[54] ou sa nervosité quand Bagheera lui demande de conduire Mowgli au village des humains[136].
 Pour Maltin, le film se rattrape grâce à l'animation avec des effets impressionnants dans la jungle comme les reflets sur l'eau ou le scintillement de la lune[57]. Grant indique que l'animation dans Le Livre de la jungle est tout bonnement époustouflante mais que le point faible du film, ce qu'il trouve étrange quand on sait que Walt a participé à sa conception, est le scénario[2]. Maltin considère que le film se rattrape aussi avec un excellent travail de conception des personnages démontrant l'essence de l'animation[57]. Sur le plan graphique, le film possède, pour Allan, la vitalité présente dans les premiers courts métrages de Disney[131]. Pour Grant, le spectateur est toujours en attente d'un élément devant survenir, et de nombreuses scènes semblent n'avoir pour but que de faire danser et chanter les personnages[2]. Barrier compare les effets pyrotechniques et l'impact émotionnel de plusieurs productions Disney. Pour lui, la qualité technique est présente dans le film, mais l'émotion semble absente, tout le contraire de La Belle au bois dormant (1959)[92]. Pour Allan, le film, par sa succession de gags et aussi sa réutilisation du fond littéraire européen, est un retour aux sources pour le studio, le dernier élément qui ferme la boucle[137]. Pour Koenig, la version finale du film a transformé le vieil ours sérieux de Kipling en un tuteur ni vieux ni sérieux et les rois de la jungle Hathi et Kaa en bouffons[18]. Maltin remarque que la combinaison de l'œuvre de Kipling et du travail de Disney a fait venir les parents et les enfants au cinéma[102].
 Pour Thomas et Johnston, Le Livre de la jungle est « le second film de Disney, après Blanche-Neige, à avoir des personnalités et des sentiments si dominants[138]. » Sebastian Cabot et Phil Harris ont ainsi offert une grande épaisseur aux personnages[139]. Allan ajoute que les personnages sont bien campés et très habilement animés, ils évoluent et interagissent de manière à la fois dramatique et comique[131]. Eric Larson, animateur des vautours, explique « qu'une bonne voix est souvent un point de départ idéal pour créer un personnage[33]. » Maltin, qui trouve que le film manque de quelque chose, écrit qu'il se rattrape par un beau travail sur la voix des personnages (Maltin évoque la version originale) qui grâce aux chanteurs et aux acteurs donne vie aux personnages[57]. Pour Johnston et Thomas, la prestation d'Harris a ajouté de la sincérité à un personnage haut en couleur, de la chaleur, quelque chose dont le film avait besoin[58]. Allan détaille les accents rencontrés qui vont de l'anglais parfait de George Sanders en Shere Khan, à celui de Liverpool des vautours ou l'américain de Phil Harris[43]. Le film fait montre d'une internationalisation  avec une préférence pour l'orient[43].
 Maltin évoque certains critiques qui ont argué que le studio n'avait pas cherché des acteurs proches du caractère des personnages mais avait utilisé la personnalité des acteurs pour modeler les personnages[57]. D'après John Grant, les personnages ont été conçus avec comme base la personnalité des acteurs, premier film Disney dans ce cas mais « courant dans les autres studios où l'animation est moins sophistiquée[2] ». Grant cite le réalisateur Wolfgang Reitherman : « Dans Le Livre de la jungle, nous avons essayé d'intégrer la personnalité des acteurs aux personnages, et nous sommes parvenus à quelque chose de totalement différent [du travail de personnalisation des précédentes productions Disney][2]. » Grant évoque ces mêmes critiques indéterminées qui ont critiqué le studio pour la fainéantise des animateurs en usant d'un procédé créatif plus « reposant[2] ». Thomas et Johnston rappellent que dès Pinocchio en 1940, l'acteur donnant sa voix à Jiminy Crickett est Cliff Edwards, une vedette des années 1930, pour Grand Coquin c'est Walter Catlett et pour le Cocher c'est Charles Judels, deux importants acteurs de l'époque[58].
 Selon Maltin, le problème concerne surtout Phil Harris interprétant Baloo et qui reprend plus ou moins le même jeu d'acteur avec Thomas O'Malley dans Les Aristochats (1970) puis Petit Jean dans Robin des Bois (1973)[57]. Pour Charles Salomon, ce point démontre que l'équipe Disney sans la présence de Walt réutilise les formules qui ont fonctionné[140]. Salomon écrit aussi que Harris répète le même type de personnage[141]. Michael Barrier remarque que « l'usage d'acteurs célèbres pour la voix des personnages a parfois abouti à des résultats riches et satisfaisants (par exemple Sanders en Shere Khan) mais souvent cela apporte une ressemblance involontaire entre le long métrage de Disney et les séries télévisées dont sont issues les acteurs la plupart du temps[2]. » John Grant évoque aussi la levée de critiques à l'égard de Baloo-Phil Harris née principalement après la sortie de Robin des Bois et la considère sans intérêt car le personnage est une importante création cinématographique agréable à regarder[71]. Grant ajoute en 1993 que le studio a fait machine arrière dans ces dernières productions (à l'époque) hormis quelques exceptions comme Ratigan dans Basil, détective privé (1989) basé sur Vincent Price[2]. Toutefois, les propos de Grant sont nuancés par l'utilisation de vedettes chez Disney pour le graphisme ou la personnalité des rôles-titres d’Aladdin (1992) ou de Pocahontas (1995) ainsi que les productions de Pixar comme Toy Story (1995). Robin Williams a ainsi interprété le Génie d'Aladdin et influencé son caractère[142], Mel Gibson a servi de modèle physique et donné sa voix à Jon Smith dans Pocahontas[143] tandis que Tom Hanks et Tim Allen donnent respectivement leurs voix et leurs personnalités à Woody et Buzz l'éclair dans Toy Story[144].
 Douglas Brode énumère de nombreux thèmes et références utilisés par Disney dans cette adaptation de l'histoire de Kipling, beaucoup ajoutés par le studio[133]. Whitley note que le film est beaucoup plus ludique que le livre plus philosophique de Kipling[135]. Brode liste ces éléments mais ne développe pas de critique spécifique envers le studio. Le premier thème évoqué est celui du jeune enfant élevé par des loups, récurrent chez Disney qui l'avait déjà traité dans sa version américaine avec Pecos Bill (1948)[133]. Brode voit ainsi une référence à Moïse et donc à la religion dans la découverte de Mowgli dans les buissons[133]. Un autre thème est le fait que ce soit une louve qui accepte en premier le jeune enfant, une preuve de l'adoration de Disney pour les mères[133]. Brode considère aussi que Disney développe un refus de simplification des espèces dans le fait que le mentor Bagheera et le méchant Shere Khan soient des félins[133]. Pinsky trouve une autre référence à la Bible quand Bagheera console Mowgli, citant Jésus parlant à Jean (Évangile selon Jean 15:13)[98] : « Il n’y a pas de plus grand amour que de donner sa vie pour ses amis. »
 Brode ajoute que la représentation des loups est plus positive chez Disney que dans l'acceptation populaire, comme souvent dans les documentaires du studio[145]. Les loups fonctionnent presque démocratiquement, un aspect de la communauté apprécié par Disney[145]. Un autre thème souvent abordé par Disney est l'acceptation identitaire aussi présent dans Le Vilain Petit Canard (1931) ou Lueur dans la forêt (1958)[145]. De même que le retour dans la forêt ou la nature pour accepter son rôle dans la société comme dans Blanche-Neige et les Sept Nains (1937) ou Rox et Rouky (1981)[145]. Whitley indique que le scénario avec un enfant seul dans la nature est très prisé par les Occidentaux, par exemple Tarzan ou Le Jardin secret de Frances Hodgson Burnett[135].
 Le film fait même un clin d'œil au darwinisme quand Louie appelle Mowgli son cousin[146]. Darwin avait aussi été utilisé dans Fantasia (1940)[147]. Pour Whitley le film est proche d'une fable[148] car il ne montre aucun des éléments de la survie comme la chasse avec les loups[149] et se concentre au contraire sur la recherche identitaire du jeune garçon[148]. Whitley poursuit en écrivant que le film répond à la demande du public de pouvoir s'identifier aux animaux, un effet miroir du désir de l'homme d'être à l'unisson avec la nature[150]. Mowgli se comporte avec les animaux comme avec d'énormes peluches[149].
 Brode évoque aussi les thèmes du féminisme avec la femme du Colonel Hathi, l'écart de génération avec le fils du même colonel[100]. Marc Pinsky rappelle que Kipling est le chantre de l'impérialisme britannique et héraut du colonialisme[151], mais note que cette facette de l'œuvre a été excisée par Disney[151].
 Miller et Rode écrivent que Le Livre de la Jungle, principalement en raison du texte original de Kipling, est un conte initiatique occidental, une histoire de rite de passage, rappelant Romulus et Rémus avec les loups[152],[153] ou la relation Prince Hal - Falstaff dans Henri IV de Shakespeare pour la relation entre Mowgli et Shere Khan[100],[152]. Pinsky évoque Shickel qui déclare qu'à la fin des années 1960, les valeurs traditionnelles sont chamboulées et que les Américains cherchent chez Disney une forme de réconfort[146]. Le film fait aussi une critique de l'Empire britannique avec la patrouille des éléphants ou de la classe moyenne britannique des années 1960 avec les vautours[154].
 Mais à l'inverse de Brode, de nombreux auteurs associent ces thèmes ou éléments à des stéréotypes. Brode cite Jacqueline Maloney qui place Mowgli, pour elle un jeune anglo-américain, dans une foule d'orangs-outans qui ressemblent à des Afro-Américains[155]. Brode conteste en rappelant que Mowgli est indien mais qu'il est assez anglicisé pour que les jeunes Américains puissent voir en lui le premier héros de couleur[155].
 Patrick Murphy indique que la conceptualisation du film est dominée par la dichotomie Homme/Nature[126]. Elle est soulignée dans le film par plusieurs personnages comme Bagheera, le conseil des Loups, les éléphants ou les singes[126]. Pour David Whitley, Mowgli est un animal d'une espèce indéterminée[156]. Murphy écrit aussi que les singes expriment une forme de racisme envers les hommes et Mowgli en particulier, ce qui les mène à le kidnapper[126]. Les éléphants ne sont pas en reste et la plupart refusent de charger l'enfant[126]. Dans la version originale Baloo est qualifié de « jungle Bum », un « clochard de la jungle », un terme qui évoque selon Miller et Rode les préjugés racistes et de lutte des classes[154]. Pinsky précise que si Disney avait utilisé un acteur noir pour Baloo et non Phil Harris, un Américain du sud des États-Unis, les propos de Bagheera à son encontre auraient été censurés[157].
 La majorité des critiques sur les stéréotypes raciaux est présente dans la biographie de Walt Disney par Marc Eliot publiée en 1993 et de nombreux auteurs reprennent ces propos dont Susan Miller et Greg Rode. Eliot associe les films Mélodie du Sud (1946) et Le Livre de la jungle pour dénoncer « les notions de genre, race et classe propagées au-delà des stéréotypes » par Walt Disney[146],[158]. Whitley indique que Le Livre de la jungle, et plus tard Le Roi lion (1994) et Tarzan (1999), utilisent des lieux exotiques et des timbres vocaux pour avoir des accents culturels et raciaux fortement différentiés[159]. Eliott liste aussi plusieurs films dont Le Livre de la jungle et Les 101 Dalmatiens pour leur présentation stéréotypée de la femme[160]. Miller et Rode rebondissent sur les propos d'Eliot pour analyser l'impact de ces films[161]. Cette analyse rhétorique est culturellement orientée et offre plusieurs résultats plausibles dont l'un est que le public est multiple et partagé avec souvent, non pas des adultes ou des enfants, mais la notion « d'enfant en soi[161] ». Miller et Rode constatent que l'interprétation stéréotypée de Mélodie du Sud et du Livre de la jungle est avant tout une question de culture, centrée autour des formations culturelles, d'organisations sociales partageant des valeurs, une compréhension et un développement communs du langage[161].
 Le stéréotype racial est essentiellement présent dans la scène du royaume des singes bâti sur les ruines d'une société primitive désormais disparue[152]. Miller et Rode font un parallèle entre le Roi Louie « voulant être comme vous » chanté par un chanteur de jazz et la condition des Afro-Américains[152]. Dans cette optique, la phrase « un singe peut aussi apprendre à être humain » prend donc un autre sens[152]. Jay Bogar du Orlando Sentinel confirme que les singes peuvent être des Afro-Américains dans une période troublée mais ne voit aucun racisme dans cette représentation[146]. Brode rappelle que, malgré cette association entre Jazz et personnes de couleur, Louis Prima est un chanteur italo-américain[155] de la Nouvelle-Orléans[146]. Pinsky ajoute qu'aucun enfant ne songera à une dimension raciale en voyant le personnage du Roi Louie[146]. Elizabeth Bell associe quant à elle l'image du Roi Louie au standard Disney pour les rois ; petits, gros, chauves et comiques ; comme le roi Hubert de La Belle au bois dormant (1959)[162].
 Depuis 2020, sur Disney+, le film est précédé d'un avertissement : Ce programme comprend des représentations datées et/ou un traitement négatif des personnes ou des cultures. Ces stéréotypes étaient déplacés à l'époque et le sont encore aujourd'hui[163].
 Pour certains critiques, la femme est aussi présentée selon des stéréotypes misogynes comme l'instinct maternel de la louve qui prend soin de Mowgli ou le charme de la jeune fille dans la scène finale, Miller et Rode mettant en cause le côté accidentel de la chute de la jarre[154]. La figure de la femme est résumée à celle de la civilisation, par opposition au monde sauvage, à l'aspect maternel de la femme[126]. Toutefois à l'inverse de Mélodie du Sud critiqué pour son racisme, Le Livre de la jungle avec ses nombreuses rencontres d'animaux est perçu comme une acceptation de la diversité et une succession de découvertes des compétences requises par un jeune garçon[164]. Pour Lynda Haas, Elizabeth Bell et Laura Sells dans From Mouse to Mermaid, le film Le Livre de la jungle fait partie des six films de Disney dans lesquels la domination des femmes par l'homme et des humains sur la nature sont apparents, en lien avec les propos sur l'écoféminisme développés par Karen J. Warren[160]. Les autres films sont Les 101 Dalmatiens (1961), Les Aventures de Bernard et Bianca (1977) et sa suite Bernard et Bianca au pays des kangourous (1990), La Petite Sirène (1989) et La Belle et la Bête (1991)[160].
 Sean Griffin va plus loin et, dans son étude de l'homosexualité chez Disney, évoque Shere Khan comme un être trop civilisé s'attaquant à un jeune enfant, après avoir évoqué le dandysme du Capitaine Crochet dans Peter Pan (1953) et du Prince Jean dans Robin des Bois (1973) et leur possible homosexualité[165]. Griffin considère normal d'avoir un prédateur mâle avec un accent britannique saccadé dans le film car, pour lui, l'ensemble du film est une présentation de l'effondrement des conventions sociales à la fin des années 1960[166], l'homosexualité étant une façon de vivre différente de celle des années 1930[167]. Whitley évoque aussi la prédation, mais celle par instinct des animaux sauvages les uns envers les autres[168].
 Le Livre de la jungle et Mélodie du Sud ont tous deux été ressortis plusieurs fois au cinéma durant ce que Miller et Rode nomment l'ère post-Seconde Guerre mondiale et pré-vidéo[169]. Pour eux, cette période aux États-Unis a permis à de nombreux parents d'aller voir des films au cinéma avec leurs enfants ou de les abandonner sans supervision dans le cinéma[169]. Pinsky relativise l'impact des messages distillés par le film et écrit qu'avec l'histoire originale comme source et les années 1960, le film aurait pu être bien plus offensant et que grâce à la musique et aux acteurs il devient un divertissement mais aussi une réflexion sur la place de l'homme dans la nature[66].
 Le Livre de la jungle a, par la suite, été édité sur support vidéo au contraire de Mélodie du Sud, ce qui permet de le voir à la maison[169]. Les deux auteurs s'inquiètent du message contenu dans ces films que les enfants regardent sans surveillance et surtout sans explication[170]. Pour eux, Le Livre de la jungle disperse des leçons non sollicitées et au jugement biaisé favorisant la division entre direction et employés, entre experts et ignorants des codes de classes[74]. Ils associent la chanson Il en faut peu pour être heureux à un éloge de la « culture intermédiaire[74] ».
 Au début des années 1990, la sortie en vidéo cassette du film donne lieu à une campagne de publicité dans laquelle Disney annonce la sortie du film sur ce support et des extraits du film La Belle et la Bête (1991) alors en production[171]. Pour Patrick Murphy, la politique menée par Jeffrey Katzenberg intervient alors que les films d'animation Disney doivent répondre au credo « plus le monde change, plus Disney reste le même[171] ».
 De nombreux auteurs rappellent que Le Livre de la jungle est le dernier long métrage d'animation auquel participe Walt Disney, chacun avec ses mots. Pour Bob Thomas c'est le dernier auquel il prend part[10], pour Douglas Brode et Pierre Lambert, le dernier supervisé avant sa mort[133],[7], pour John Grant et Jeff Kurtti, c'est le dernier supervisé en personne[2],[128], pour Leonard Maltin, il est le dernier marqué par l'empreinte personnelle de Walt[1] et pour Richard Schickel, le dernier dans lequel Disney prend part personnellement à la supervision[134]. Marc Pinsky cite Roy Edward Disney, neveu de Walt, dans une interview sur le DVD du film Le Livre de la jungle 2 (2003) : « Parce qu'il était présent presque jusqu'à la fin. Il a certainement influencé la majeure partie du film[151]. »
 Le Livre de la jungle est donc le dernier film supervisé par Walt Disney avant sa mort, le 15 décembre 1966[172],[131]. Pour Pierre Lambert, avec la sortie du film et la mort de Walt Disney, « l'Âge d'or de l'animation Disney » prend fin[33]. C'est également la dernière prestation de Verna Felton, qui avait prêté sa voix à de nombreux personnages depuis Cendrillon (1950). Schickel écrit que, durant la production du Livre de la jungle, Walt aurait déclaré en septembre 1966 ne pas être satisfait et se sentir trop vieux pour l'animation[NB 1],[32],[173]. Patrick Murphy considère le film comme un hommage approprié à l'homme Walt Disney et une preuve de la poursuite des valeurs et techniques qui ont défini sa grandeur[69]. En raison des animateurs et autres artistes, pour la plupart des vétérans du studio, Allan écrit que c'est un film familial dans tous les sens du terme[43].
 Pour Maltin, sans Walt Disney et une fois le champ de l'animation conquis, le studio ne savait plus vers où aller[102]. Charles Salomon évoque une production inachevée de la fin des années 1970, intitulée Scruffy et dirigée pendant deux ans par Ken Anderson basée sur un macaque berbère de Gibraltar durant la Seconde Guerre mondiale[174]. Mais le scénario était trop proche des précédentes productions avec un chef de macaque chantant parfait pour Phil Harris, une femelle macaque apprivoisée et choyée par ses maîtres prénommée Amélia qui se joint à la bande de Scruffy et menace de dissoudre le groupe, ressort de scénario déjà présent dans La Belle et le Clochard (1955) et Les Aristochats (1970)[174]. Le couple Scruffy et Amélia devait, après maintes péripéties avec un espion allemand et un général et son chien, devenir les parents adoptifs de jumeaux, ressort émotionnel présent dans Les 101 Dalmatiens (1961)[174].
 Pour Lambert, le studio entre dans une phase où les anciens films ressortent régulièrement jusqu'à l'émergence du support vidéo dans les années 1980 et de nouvelles productions[33]. À l'inverse, pour Thomas et Johnston, la mort de Walt Disney et la sortie du Livre de jungle ont renouvelé l'intérêt pour l'animation chez de jeunes artistes et avec la création d'un programme de formation en raison de leurs nombreuses candidatures, l'avenir du studio et des personnages, héros et méchants, fut assuré[34]. Comme l'écrit Salomon, le projet de Scruffy ne vit pas le jour mais la nouvelle génération d'artistes commençait à influencer le studio[174].
 La musique du film a été éditée aux États-Unis sous plusieurs versions.
 D'autres chanteurs reprendront par la suite les chansons du film, dont Louis Armstrong qui enregistre The Bare Necessities à plusieurs reprises à partir de février 1968[180].
 En 1990, après le succès de l'édition sur CD de la bande originale du film La Petite Sirène (1989), Walt Disney Records a entamé plusieurs ressorties de bandes originales en commençant par celle du Livre de la jungle[181].
 En 1997, pour les trente ans du film en parallèle à une édition collector en DVD, la musique du film a fait l'objet d'une édition spéciale sortie le 17 octobre[182]. Cette version reprend l'édition originale Walt Disney Presents the Story and Songs of The Jungle Book avec les chansons des frères Sherman, ajoute les compositions instrumentales de George Bruns, deux des chansons non utilisées de Gilkyson et un commentaire audio des frères Sherman[182].
 Les studios Disney produisent un court métrage éducatif intitulé The Jungle Book : A Lesson in Accepting Change, édité en septembre 1981, et expliquant les façons de faire face aux changements d'amis ou d'environnements[183].
 Un remake du film en prise de vue réelle a été réalisé par Stephen Sommers en 1994 et produit par Walt Disney Pictures Le Livre de la jungle[55]. Il a été suivi en 1998 par une préquelle intitulée The Jungle Book: Mowgli's Story sortie directement en vidéo et réalisée par Nick Marck[184].
 En animation télévisée, une série intitulée Super Baloo (TaleSpin) a été produite par le studio Disney et diffusée aux États-Unis sur Disney Channel entre le 5 mai 1990 et le 8 août 1991[185]. Cette série ne fait que reprendre le personnage de Baloo et quelques personnages comme le Roi Louie et Shere Khan en les transposant dans un univers anthropomorphe. Baloo y est selon Grant une version plus urbanisée par rapport au film[71] tandis que Shere Khan navigue dans la jungle du crime organisé[92].
 Une seconde série d'animation Le Livre de la jungle, souvenirs d'enfance (Jungle Cubs, 1996-1998)[186] est beaucoup plus proche du film mais se concentre sur la jeunesse des personnages animaliers du film.
 Une suite au film d'animation, intitulée Le Livre de la jungle 2, a été produite par DisneyToon Studios en Australie et sortie en 2003[187].
 Le 9 juillet 2013, Walt Disney Pictures annonce une adaptation en prise de vue réelle du film Le Livre de la jungle  (1967) en plus d'une comédie musicale présentée au Goodman Theatre de Chicago depuis juin 2013[188].
 En 1968, Gold Key Comics publie des one-shots inspiré du Livre de la Jungle, Baloo and the Little Britches et King Louie and Mowgli[109]. Une adaptation en bande dessinée a été publié en juillet 1978 dans le magazine Walt Disney Showcase[189].
 Une scène du spectacle Fantasmic!, dans la version de Disneyland en Californie débuté en 1992[190], comporte les animaux du film Le Livre de la jungle dont le serpent Kaa. La version des Disney's Hollywood Studios en Floride ne comporte pas cette scène remplacée par des personnages du film Le Roi lion (1994).
 En 1994, Virgin Interactive édite un jeu vidéo inspiré du film sous la forme d'un jeu de plateforme 2D classique, Le Livre de la jungle pour Super Nintendo[191].
 Le 24 avril 2013, la première d'une adaptation en comédie musicale du Livre de la jungle (1967) est annoncée pour le 21 juin 2013 par le Goodman Theatre de Chicago[192]. Cette adaptation dirigée par Mary Zimmerman et autorisée par Walt Disney Theatrical Productions doit se jouer à Chicago jusqu'au 4 août puis du 7 septembre au 6 octobre 2013 à Boston[192].
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"Le Roi lion (film, 1994)","https://fr.wikipedia.org/wiki/Le_Roi_lion_(film,_1994)","Pour les articles homonymes, voir Le Roi lion (homonymie).
 Série Liste des Classiques d'animation Disney Aladdin(1992) Pocahontas(1995) Série Le Roi lion Le Roi lion 2(1998) Pour plus de détails, voir Fiche technique et Distribution. modifier  Le Roi lion (The Lion King) est le 43e long-métrage d'animation et le 32e « Classique d'animation » des studios Disney. Sorti en 1994 et réalisé par Roger Allers et Rob Minkoff, il est inspiré en grande partie du Hamlet de William Shakespeare.
 Faisant partie des films d'animations à succès du second âge d'or de Disney, comme pour ces prédécesseurs La Petite Sirène, La Belle et la Bête et Aladdin, Le Roi lion rencontre un énorme succès critique et commercial, devenant numéro un du box-office mondial de l'année 1994. Il est également considéré comme le film d'animation le plus rentable de tous les temps, avant de se faire détrôner par Le Monde de Nemo (2003) et La Reine des neiges (2013), mais resta néanmoins le film d'animation en 2D le plus rentable de tous les temps. En France et en Allemagne, il a été le premier film d'animation Disney à se hisser en tête du box-office depuis Les Aventures de Bernard et Bianca (1977).
 Les chansons du film ont été écrites par Tim Rice et composées par Elton John, qui remporte l'oscar de la meilleure chanson originale pour Can You Feel the Love Tonight. Le film reçoit également l'oscar de la meilleure musique de film, grâce aux arrangements de Hans Zimmer. Parmi les acteurs et actrices ayant prêté leur voix aux personnages, on compte James Earl Jones, Jeremy Irons, Whoopi Goldberg, Rowan Atkinson ou encore Jim Cummings.
 Deux suites lui seront données : Le Roi lion 2 : L'Honneur de la tribu (1998) et Le Roi lion 3 : Hakuna Matata (2004), sorties directement en vidéo, ainsi que deux séries télévisées dérivées, Timon et Pumbaa (1995-1998) et La Garde du Roi lion (2016-2019), et une comédie musicale Le Roi lion, créée à Broadway en 1997.
 25 ans après sa sortie dans les salles, le film est diffusé pour la première fois en clair à la télévision française sur M6 le 15 juillet 2019, alors qu'un remake en animation 3D fait l'objet d'une sortie en salles.
 En Afrique, dans une contrée nommée la Terre des Lions, les lions dirigent le monde animal du haut du Rocher des Lions. Le roi Mufasa et la reine Sarabi, aidés du mandrill Rafiki, chaman et conseiller du roi, présentent leur nouveau-né Simba aux animaux du royaume.
 Simba grandit mais reste jeune et turbulent. Son père lui montre la Terre des Lions et les responsabilités qu'impliquent la royauté et « l'histoire de la vie », qui connecte tous les êtres vivants. Scar, le frère de Mufasa, convoite le trône et piège Simba insoucieux et sa meilleure amie Nala en leur indiquant un cimetière des éléphants, terre des hyènes tachetées bannis du royaume. Les deux lionceaux échappent dans un premier temps à la surveillance de Zazu, un calao à bec rouge, majordome du roi, mais sont très vite attaqués par trois hyènes, Shenzi, Banzai et Ed, qui sont de mèche avec Scar. Alerté, Mufasa parvient à intervenir à temps, mais réprimande son fils pour lui avoir désobéi. Toutefois, il lui explique que les grands rois du passé les surveillent dans le ciel étoilé, et qu'un jour, il les rejoindra pour veiller sur son fils. Entre-temps, Scar qui a vu son plan échouer, en prépare un autre avec les hyènes pour piéger à la fois son frère et son neveu.
 Un jour, Scar emmène Simba dans une gorge puis ordonne aux hyènes d'y faire débouler en trombe tout un troupeau de gnous. Il informe ensuite Mufasa du danger que court son fils, sachant pertinemment que le roi se dépêchera de le sauver. Mufasa sauve Simba mais manque de tomber périlleusement dans la gorge. Il est alors retenu par Scar qui finit par le trahir en le rejetant dans le vide. Il persuade ensuite Simba que la mort de son père est de sa faute et qu'il doit quitter le royaume et ne jamais revenir. Scar ordonne ensuite aux hyènes de tuer le lionceau, mais Simba parvient à s'enfuir. Scar annonce ensuite à la troupe de lionnes la mort de Mufasa et de Simba et s'autoproclame roi, autorisant la meute de hyènes à pénétrer dans la Terre des Lions.
 Perdu et évanoui en plein désert, Simba est secouru par Timon, un suricate, et Pumbaa, un phacochère, d'anciens exilés qui voient en lui un futur allié. Les années passent et Simba grandit ainsi dans la jungle avec ses deux nouveaux amis, menant une vie insouciante guidée par la philosophie Hakuna Matata (« sans aucun souci » en swahili). Au fil du temps, Simba est devenu un lion adulte et fort, mais a toujours en tête la mort tragique de son père. Rafiki, qui sent la présence de Simba par-delà le désert, part à sa recherche. Un jour, Simba sauve Timon et Pumbaa d'une lionne en chasse, qui se révèle être Nala devenue, elle aussi, adulte. Nala et Simba se retrouvent alors et tombent amoureux. Elle le supplie de retourner sur la Terre des Lions, lui annonçant que Scar a laissé entrer les hyènes dans le royaume désormais pillé et détruit. Se sentant toujours coupable de la mort de son père, Simba refuse et s'enfuit. Il rencontre alors Rafiki qui lui révèle que l'esprit de son père est toujours en lui. Simba voit alors le fantôme de Mufasa dans le ciel lui demandant de reprendre le titre qui lui revient de droit. Encouragé par Rafiki, Simba réalise qu'il ne peut plus fuir son passé et décide de retourner sur la Terre des Lions.
 Simba retraverse le désert et revient sur ses terres, hélas dévastées. Il est rejoint par Nala, Timon et Pumbaa. Aidé par ses amis qui font diversion, Simba arrive à contourner les hyènes et parvient au Rocher des Lions. Scar y règne en despote, frappant même Sarabi. Simba fait alors face à son oncle et le défie, mais ce dernier rappelle à son neveu son rôle dans la mort de Mufasa. Simba avoue, mais Scar le pousse au bord du rocher, avant de lui révéler que c'est lui qui a assassiné Mufasa. Enragé, Simba arrive à repousser Scar et le force à avouer la vérité à toute la troupe de lionnes, alors qu'un incendie fait rage, déclenché par la foudre. Les hyènes et les lionnes combattent alors, aidées de Rafiki, Timon et Pumbaa, qui délivrent Zazu retenu captif. Alors que Scar tente de s'échapper, il se retrouve acculé et une nouvelle fois face à Simba. Le roi déchu demande pardon et essaye de blâmer les hyènes pour ce qu'il a fait. Simba ne croit pas son oncle, mais épargne sa vie en lui ordonnant toutefois de quitter la Terre des Lions pour toujours. Scar fait alors semblant de se soumettre, puis attaque son neveu, mais Simba parvient à le jeter en contrebas. Scar est finalement attaqué et dévoré par les hyènes qui ont entendu sa trahison.
 Quand la pluie finit par tomber et éteint l'incendie, Rafiki demande à Simba de monter sur le rocher et de prendre la place qui est la sienne. Simba s'exécute, monte sur le rocher et rugit, devenant enfin roi de la terre des lions. Les mois passent et la terre est redevenue prospère et fertile. Tous les animaux du royaume sont de retour et réunis pour célébrer la naissance de la princesse Kiara, fille de Simba et de Nala[NB 1].
 Note : La liste des « crédités » au générique étant trop longue pour être citée in extenso ici, nous n'avons repris que les principaux contributeurs.
 Cette version est sortie directement en DVD en 2003. La modification la plus notable est la scène du Rapport matinal de Zazu, qui se fait désormais en chanson.
 L’origine du concept du Roi lion est largement contestée. Selon Charlie Fink (alors vice-président des affaires créatives de Walt Disney Feature Animation), il a approché Jeffrey Katzenberg, Roy E. Disney et Peter Schneider avec une idée de « Bambi en Afrique » avec des lions. Katzenberg a d’abord hésité à l’idée, mais a néanmoins encouragé Fink et ses écrivains à développer un mythe pour expliquer comment les lions ont servi d’autres animaux en les mangeant. Une autre anecdote indique que l’idée a été conçue lors d’une conversation entre Katzenberg, Roy E. Disney et Schneider sur un vol pour l’Europe lors d’une tournée promotionnelle. Pendant la conversation, le sujet d’une histoire se déroulant en Afrique est apparu, et Katzenberg a immédiatement sauté sur l’idée. Katzenberg a décidé d’ajouter des éléments impliquant le passage à l’âge adulte et la mort, et des idées d’expériences de vie personnelle, telles que certaines de ses épreuves dans sa carrière en politique, en disant à propos du film : « C’est un peu moi-même »[9],[10].
 Le 11 octobre 1988, Thomas Disch (l’auteur de Le Petit Grille-pain courageux) avait rencontré Fink et Roy E. Disney pour discuter de l’idée, et dans le mois suivant, il avait écrit un traitement de neuf pages intitulé Roi du Kalahari. Tout au long de 1989, plusieurs rédacteurs de Disney avaient écrit des traitements pour le projet. Le traitement de Tripp, daté du 2 mars 1989, a introduit le nom « Simba » pour le personnage principal, qui se sépare de sa fierté et est adopté par Kwashi, un babouin, et Mabu, une mangouste. Il a ensuite été élevé dans une communauté de babouins. Simba combat un chacal maléfique nommé Ndogo et retrouve sa fierté. Plus tard cette même année, Fink a recruté son ami J. T. Allen, un écrivain, pour développer de nouveaux traitements d’histoire. Fink et Allen avaient déjà fait plusieurs voyages dans un zoo de Los Angeles pour observer le comportement animal qui devait être présenté dans le scénario. Allen a terminé son scénario, intitulé Le Roi Lion, le 19 janvier 1990. Cependant, Fink, Katzenberg et Roy E. Disney a estimé que le scénario d’Allen pourrait bénéficier d’un scénariste plus expérimenté et s’est tourné vers Ronald Bass, qui avait récemment remporté un Oscar du meilleur scénario original pour Rain Man. À l’époque, Bass était préoccupé par la réécriture du scénario lui-même, mais a accepté de superviser les révisions. Le nouveau scénario, crédité à Allen et Bass, a été renommé Roi des Bêtes et achevé le 23 mai 1990.
 Quelque temps plus tard, Linda Woolverton, qui écrivait également La Belle et la Bête, a passé un an à écrire plusieurs brouillons du scénario, intitulé Roi des Bêtes, puis Roi de la Jungle. La version originale du film était très différente du produit final. L’intrigue était centrée sur une bataille entre des lions et des babouins, Scar étant le chef des babouins, Rafiki étant un guépard et Timon et Pumbaa étant les amis d’enfance de Simba. Simba non seulement quitterait le royaume, mais deviendrait un « personnage paresseux, bâclé et horrible » en raison des manipulations de Scar, de sorte que Simba pourrait être renversé après l’âge adulte. En 1990, le producteur Thomas Schumacher, qui venait de terminer Bernard et Bianca au pays des kangourous, a décidé de s’attacher au projet « parce que les lions sont cool ». Schumacher a comparé le scénario du roi de la jungle à un spécial animé de National Geographic.
 George Scribner, qui avait réalisé Oliver et Compagnie, était le réalisateur initial du film, rejoint plus tard par Roger Allers, qui était le superviseur du scénario et du storyboard de La Belle et la Bête. Allers a travaillé avec Scribner et Woolverton sur le projet, mais a temporairement quitté le projet pour aider à réécrire Aladdin. Huit mois plus tard, Allers est revenu au projet et a amené Brenda Chapman et Chris Sanders avec lui. En octobre 1991, plusieurs membres de l'équipe principale, dont Allers, Scribner, Chapman, Sanders et Lisa Keene, ont visité le parc national de Hell's Gate au Kenya, afin d'étudier et d'apprécier l'environnement pour le film. Après six mois de travail de développement de l'histoire, Scribner a décidé de quitter le projet en se heurtant à Allers et aux producteurs au sujet de leur décision de transformer le film en comédie musicale, puisque l'intention de Scribner était de faire un film de type documentaire plus axé sur les aspects naturels. En avril 1992, Rob Minkoff remplace Scribner en tant que co-réalisateur, Allers lui reste en tant que réalisateur principal.
 Don Hahn a rejoint la production en tant que producteur du film parce que Schumacher a été promu vice-président du développement pour Walt Disney Feature Animation. Hahn a trouvé le scénario non concentré et dépourvu de thème clair, et après avoir établi le thème principal comme ""quitter l'enfance et faire face aux réalités du monde"", a demandé un dernier rééquipement. Allers, Minkoff, Chapman et Hahn ont ensuite réécrit l'histoire au cours de deux semaines de rencontres avec les réalisateurs Kirk Wise et Gary Trousdale, qui avaient fini de réaliser La Belle et la Bête. L'une des idées définitives issues des réunions était de faire revenir Mufasa en tant que fantôme. Allers a également changé le personnage de Rafiki d'un conseiller judiciaire plus sérieux à un chaman farfelu. Le titre a également été changé de Roi de la Jungle à Le Roi Lion, car le cadre n'était pas la jungle mais la savane. Il a également été décidé de faire de Mufasa et Scar des frères, car les écrivains ont estimé que c'était beaucoup plus intéressant si la menace venait de quelqu'un au sein de la famille. Allers et Minkoff ont présenté l'histoire révisée à Katzenberg et Michael Eisner, à qui Eisner a estimé que l'histoire pourrait être plus shakespearienne ; il a suggéré de modéliser l'histoire sur le roi Lear. Maureen Donley, productrice associée, a rétorqué, affirmant que l'histoire ressemblait à Hamlet. Poursuivant l'idée, Allers s'est souvenu que Katzenberg leur a demandé de mettre autant de Hamlet que vous le pouvez. Cependant, ils ont estimé que c'était trop forcé et se sont tournés vers d'autres archétypes héroïques tels que les histoires de Joseph et de Moïse de la Bible.
 Sans compter la plupart des segments de Fantasia, Saludos Amigos, Les Trois Caballeros, La Boîte à musique et Mélodie Cocktail ; et Bernard et Bianca au pays des kangourous, Le Roi Lion a été le premier long métrage d’animation de Disney à être une histoire originale, plutôt que d’être basé sur des œuvres et des personnages préexistants. Les réalisateurs ont déclaré que l’histoire du Roi Lion a été inspirée par la vie de Joseph et Moïse de la Bible, et d’Hamlet de Shakespeare, bien que l’histoire ait également établi quelques comparaisons avec les pièces moins connues de Shakespeare, Henry IV partie 1 et 2.
 À ce stade, Woolverton avait quitté la production pour travailler sur l’adaptation de Broadway de La Belle et la Bête. Pour la remplacer, Allers et Minkoff ont rencontré de nombreux scénaristes, dont Billy Bob Thornton et Joss Whedon, pour discuter de l’écriture du nouveau scénario. Au cours de l’été 1992, Irene Mecchi a été embauchée comme nouvelle scénariste, et des mois plus tard, elle a été rejointe par Jonathan Roberts. Mecchi et Roberts ont pris en charge le processus de révision, corrigeant les problèmes émotionnels non résolus dans le scénario et ajoutant des situations comiques pour Pumbaa, Timon et les hyènes.
 Le parolier Tim Rice a travaillé en étroite collaboration avec l’équipe d’écriture du scénario, s’envolant pour la Californie au moins une fois par mois, car ses chansons pour le film devaient travailler dans la continuité narrative. Les paroles de Rice - qui ont été retravaillées jusqu’à la fin de la production - ont été épinglées aux storyboards pendant le développement. Les réécritures étaient fréquentes, l’animateur Andreas Deja disant que les scènes terminées seraient livrées, seulement pour que la réponse soit que les parties devaient être réanimées en raison des changements de dialogue. En raison des réécritures, Le Roi Lion a manqué sa fenêtre de sortie initiale pour Thanksgiving 1993, L'Étrange Noël de monsieur Jack assumant son créneau de sortie. Hahn a déclaré que le film a été retardé jusqu’à une sortie de l’été 1994, « avec beaucoup de consternation, parce que les gens ont dit que vous ne pouvez pas sortir d’animation en été ».
 Les acteurs vocaux ont été choisis pour la façon dont ils s’intègrent et pouvaient ajouter aux personnages ; par exemple, James Earl Jones a été choisi parce que les réalisateurs ont trouvé sa voix « puissante » et semblable au rugissement d’un lion. Jones a fait remarquer qu’au cours des années de production, Mufasa « est devenu de plus en plus un père stupide au lieu d’un grand roi ».
 Nathan Lane a auditionné pour Zazu, et Ernie Sabella pour l'une des hyènes. Lors de leur rencontre au studio d'enregistrement, Lane et Sabella - qui jouaient ensemble dans une production de Broadway de Guys and Dolls à l'époque - ont été invités à enregistrer ensemble en tant que hyènes. Les réalisateurs se sont moqués de leur performance et ont décidé de les choisir comme Timon et Pumbaa. Pour les hyènes, l'intention initiale était de réunir Cheech & Chong, mais alors que Cheech Marin a accepté de exprimer Banzai, Tommy Chong n'était pas disponible. Son rôle a été changé en hyène féminine, Shenzi, exprimée par Whoopi Goldberg, qui a insisté pour être dans le film. Le double acte anglais Vic Reeves et Bob Mortimer ont auditionné pour des rôles de paire de tamias ; selon Mortimer, les producteurs étaient enthousiastes, mais lui et Reeves étaient mal à l'aise avec leur attitude corporative et ont abandonné le film. Rowan Atkinson n'était initialement pas intéressé par l'offre du studio de exprimer Zazu, expliquant plus tard que ""le travail vocal est quelque chose que je n'avais généralement jamais fait et que je n'ai jamais aimé. Je suis un artiste visuel, si je suis quelque chose, et cela semblait être une chose inutile à faire"". Son ami et collègue écrivain/acteur de Mr. Bean, Robin Driscoll, l'a convaincu d'accepter le rôle, et Atkinson a exprimé rétrospectivement que Le Roi Lion est devenu ""un film vraiment, très spécial"".
 Matthew Broderick a été choisi pour le rôle de Simba adulte au début de la production. Broderick n'a enregistré avec un autre acteur qu'une seule fois au cours des trois années où il a travaillé sur le film, et n'a appris que Moira Kelly a exprimé Nala lors de la première du film. Les acteurs anglais Tim Curry, Malcolm McDowell, Alan Rickman, Patrick Stewart et Ian McKellen ont été considérés pour le rôle de Scar, qui est finalement allé à son compatriote l’acteur Anglais Jeremy Irons. L’acteur a d'abord refusé le rôle, car Irons se sentait mal à l'aise d'aller à un rôle comique après son interprétation dramatique de Claus von Bülow dans Le Mystère von Bülow. Sa performance dans ce film a inspiré les scénaristes à intégrer davantage de son jeu d'acteur en tant que von Bülow dans le scénario - ajoutant l'une des lignes de ce personnage, ""Vous n'avez aucune idée"" - et a incité l'animateur Andreas Deja à regarder Le Mystère von Bülow afin d'incorporer les traits du visage et les tics d'Irons.
 Le développement du Roi Lion a coïncidé avec celui de Pocahontas, sur lequel la plupart des animateurs de Walt Disney Feature Animation ont décidé de travailler à la place, croyant que ce serait le plus prestigieux et le plus réussi des deux. Les artistes de l’histoire n’ont pas non plus beaucoup confiance dans le projet, Chapman déclarant qu’elle était réticente à accepter le travail « parce que l’histoire n’était pas très bonne », et Burny Mattinson a dit à son collègue Joe Ranft : « Je ne sais pas qui va vouloir regarder celui-là. » La plupart des animateurs du premier plan faisaient soit leur premier travail majeur en supervisant un personnage, soit avaient beaucoup d’intérêt pour l’animation d’un animal. Treize de ces animateurs superviseurs, tant en Californie qu’en Floride, étaient responsables de l’établissement des personnalités et de donner le ton aux personnages principaux du film. Près de vingt minutes du film, y compris la séquence « Je voudrais déjà être roi ! », ont été animées aux studios Disney-MGM. Plus de 600 artistes, animateurs et techniciens ont contribué au Roi Lion. Quelques semaines avant la sortie du film, le tremblement de terre de Northridge de 1994 a fermé le studio et a obligé les animateurs à terminer via le travail à distance.
 Les animateurs de personnages ont étudié les animaux de la vie réelle pour référence, comme cela a été fait pour Bambi. Jim Fowler, expert renommé en faune, a visité les studios à plusieurs reprises avec un assortiment de lions et d’autres habitants de la savane pour discuter du comportement et aider les animateurs à donner de l’authenticité à leurs dessins. Les animateurs ont également étudié les mouvements d’animaux au Miami MetroZoo sous la direction de l’expert en faune Ron Magill. Les Pride Lands sont calyés sur le parc national kenyan visité par l’équipage. Des longueurs focales et des lentilles variées ont été utilisées pour différer de la représentation habituelle de l’Afrique dans les documentaires - qui utilisent des téléobjectifs pour photographier la faune à distance. La sensation épique s’est inspirée des études conceptuelles de l’artiste Hans Bacher - qui, suite à la demande de réalisme de Scribner, a essayé de représenter des effets tels que l’éruption de l’objectif - et des œuvres des peintres Charles Marion Russell, Frederic Remington et Maxfield Parrish. Le directeur artistique Andy Gaskill et les cinéastes ont cherché à donner au film un sentiment de grand balayage et d’échelle épique similaire à Lawrence d’Arabie. Gaskill a expliqué : « Nous voulions que le public sente l’immensité de la savane et sente la poussière et la brise se balancer dans l’herbe. En d’autres termes, pour avoir un sens réel de la nature et se sentir comme s’ils étaient là. Il est très difficile de capturer quelque chose d’aussi subtil qu’un lever de soleil ou une pluie tombant sur un étang, mais ce sont les genres d’images que nous avons essayé d’obtenir. » Les réalisateurs ont également regardé les films de John Ford et d’autres cinéastes, ce qui a également influencé la conception du film[11].
 Les personnages n’étaient pas anthropomorphismes, tous les animateurs ont dû apprendre à dessiner des animaux à quatre pattes, et le développement de l’histoire et du personnage s’est fait par l’utilisation de plans plus longs suivant les personnages.
 Les ordinateurs ont aidé les cinéastes à présenter leur vision de nouvelles façons. Pour la séquence « du troupeau », plusieurs personnages distincts de gnous ont été créés dans un programme informatique 3D, multipliés par centaines, ombragés pour ressembler à une animation dessinée, et des chemins aléatoires ont été donnés sur le flanc d’une montagne pour simuler le mouvement réel et imprévisible d’un teuveau. Cinq animateurs et techniciens spécialement formés ont passé plus de deux ans à créer la bousculade de deux minutes et demie. Le système de production d’animation par ordinateur (CAPS) a aidé à simuler les mouvements de la caméra tels que le suivi des plans, et a été utilisé dans la coloration, l’éclairage et les effets de particules.
 Le parolier Tim Rice, qui travaillait avec le compositeur Alan Menken sur des chansons pour Aladdin, a été invité à écrire des chansons pour Le Roi Lion, et accepté à condition de faire venir un partenaire de composition. Comme Menken n’était pas disponible, les producteurs ont accepté la suggestion de Rice d’invité Elton John, après l’invitation de Rice à ABBA échouée en raison des engagements de Benny Andersson envers la comédie musicale Kristina från Duvemåla. John a exprimé son intérêt pour l’écriture de « chansons ultra-pop que les enfants aimeraient ; alors les adultes peuvent aller voir ces films et en profiter autant », mentionnant une influence possible du Livre de la Jungle, où il a estimé que la « musique était si drôle et plaisait aux enfants et aux adultes ».
 Rice et John ont écrit cinq chansons originales pour Le Roi Lion (L'Histoire de la vie, Je voudrais déjà être roi, Soyez prêtes, Hakuna Matata et L'amour brille sous les étoiles), avec la performance de John de L'amour brille sous les étoiles jouant au générique de fin. La partition a été composée par Hans Zimmer, qui a été embauché sur la base de son travail antérieur sur deux films dans des décors africains, Un monde à part et La Puissance de l'ange, et a complété la partition avec de la musique africaine traditionnelle et des éléments de chorale arrangés par Lebo M. Les partenaires de Zimmer, Mark Mancina et Jay Rifkin, ont aidé aux arrangements et à la production de chansons.
 Jeremy Irons est remplacé par Jim Cummings après le vers « You won't get a sniff without me! » (« Vous mourrez de faim pour la vie ! » en VF), Irons ayant eu des soucis avec sa voix durant l'enregistrement[12].
 Sauf mention contraire, les informations suivantes sont issues de l'Internet Movie Database[2].
 Le film a été diffusé aux États-Unis dans les salles de cinéma tous les jours du 15 juin 1994 au 18 novembre 1994 sauf trois jours en septembre, période de la rentrée des classes[14].
 Lors de la sortie de la cassette vidéo, ce sont 1 million d'exemplaires qui sont vendus en 5 jours en France, et 31 millions aux États-Unis[17]. Ce nombre de vente a fait de ce film le plus vendu de l'histoire en format VHS, avec un total de 32 000 000 de ventes aux États-Unis, et de 3,4 millions de VHS vendus en France, d'après le CNC[18].
 Sur Rotten Tomatoes, le film a un taux d'approbation de 93 % avec un score moyen de 8,4/10, basé sur 137 critiques. Le consensus critique du site Web se lit comme suit : ""Émotionnellement émouvant, richement dessiné et magnifiquement animé, Le Roi Lion se tient bien dans le panthéon des films familiaux classiques de Disney."" Il s'est également classé 56e dans le ""Top 100 des films d'animation"" de Rotten Tomatoes. Chez Metacritic, qui utilise une moyenne pondérée, le film a reçu une note de 88 sur 100 sur la base de 30 critiques, ce qui indique une ""acclamation universelle"". Le public interrogé par CinemaScore a donné au film une note ""A+"" rare sur une échelle de A+ à F.
 En France, le film a été favorablement accueilli, selon les critiques de la presse sur le site Allociné[19], la note du film pour les 8 critiques de presse française recensées est de 3,4 sur 5, et la note des critiques du public est de 4,5 sur 5. Avec aussi une bonne appréciation du public qu'il a toujours dans les années 2020. quand il est toujours dans les dix premiers du classement des 300 meilleurs films de tous les temps selon les avis des téléspectateurs sur la base cette fois de 122812 avis collectés, derrière Forrest Gump, La Ligne verte, 12 hommes en colère, Le Parrain, Les évadés, Le Seigneur des anneaux : Le Retour du roi, et devant Vol au-dessus d'un nid de coucou et The Dark Knight, Le Chevalier Noir[20].
 Le Roi Lion a rapporté 425 millions de dollars en Amérique du Nord et 553,8 millions de dollars dans d'autres territoires, pour un total mondial de 979 millions de dollars. Après sa première course, ayant gagné 763,5 millions de dollars, il s'est classé comme le film d'animation le plus rentable de tous les temps, le film le plus rentable de Walt Disney Pictures, et le film le plus rentable de 1994. C’est le deuxième film le plus rentable de tous les temps, derrière Jurassic Park. Le film est resté le deuxième film le plus rentable jusqu'à ce que la place soit prise par Independence Day, deux ans plus tard. Il a terminé comme le 5e film le plus rentable des années 1990 au niveau national.
 Le Roi lion est le second plus gros succès d'animation de l'histoire cinématographique[21], juste derrière Le Monde de Nemo, film coproduit par Disney et réaliser par Pixar, avec 336,4 millions de dollars de gains[22]. Mais il fut détrôné par Le Roi lion qui à travers le monde, a récolté 987 483 777 $[21] de dollars à comparer avec son budget de 79,3 millions de dollars, qui fut positionné et resta pendant 19 ans comme « le plus gros succès d'animation de tous les temps.»[22], jusqu'au 26 janvier 2014, quand le film La Reine des neiges a dépassé le milliard de dollars au box-office.
 Lors de sa sortie en France le 23 novembre 1994[23]
, le film attire 70 135 spectateurs en troisième position du box-office avant de dépasser The Mask en deuxième position avec 135 711 entrées la deuxième semaine avant de finir premier rang du box-office la troisième semaine cumulant 1 448 653 entrées. Le film reste huit semaines au sommet du box-office cumulant un total de 7 895 984 entrées depuis sa sortie, avant d'être dépassé par Un Indien dans la ville[23],[24]. Finalement, à la fin de sa course, Le Roi Lion obtient 10 135 871 entrées, ce qui fait le plus grand succès au box-office en France dans l’année 1994, où il est classé numéro un. Ce fut le premier film des studios Disney à se hisser en tête du box-office en France depuis Les Aventures de Bernard et Bianca.
 L'héritier au trône présenté aux animaux par Rafiki dans la dernière scène du film n'est pas clairement identifié. Il faut attendre la séquence d'ouverture du film suivant, Le Roi lion 2 : L'Honneur de la tribu, pour apprendre qu'il s'agit d'une fille (à la grande déception de Timon et Pumbaa). Toutefois dans Le Roi lion : Six nouvelles histoires[25], un coffret de livres illustrés paru en 2001, Kiara disparaît au profit d'un garçon, Kopa (qui signifie en swahili « cœur »)[NB 6].
 Plusieurs médias ont relaté de nombreuses similitudes entre le film de Disney et Le Roi Léo d'Osamu Tezuka dont un article du Los Angeles Times en 2007[26]. Une comparaison entre des scènes du film et les séries Le Roi Léo (une de 1966 et une de 1989) semble aller en faveur des propos de la presse. La première position du studio Disney est que « toute ressemblance n'est que pure coïncidence[27]. ».
 La ressemblance entre les deux œuvres débute avec le prénom du héros, Simba pour le Roi Lion et Kimba, nom américain de Léo lors de son introduction aux États-Unis[28], le mot « simba » étant le terme en swahili pour « lion »[29]. De plus, des comparaisons entre des personnages secondaires du Roi Lion  et du Roi Léo montrent au premier abord des similarités (comme Mandy et Rafiki, tous deux des singes mandrills).
 L'acteur Matthew Broderick, voix anglaise de Simba, a déclaré qu'il pensait avoir été sélectionné par Disney pour un remake du Roi Léo, série qu'il connaissait[30],[31],[32],[33]. Au point qu'il l'annonça à son entourage[34]. Des esquisses préliminaires, souvent présentées aux acteurs quand ils enregistrent les voix très tôt durant la production, représentent un lionceau blanc[35]. Plusieurs personnages ou scènes semblent montrer des similarités [36] : Simba/Léo, des rochers de forme similaire, des ronces et une végétation africaine, des chutes depuis des falaises, des scènes entre lionceaux...
 Il a même été évoqué que Disney aurait payé le studio Tezuka Productions pour éviter des poursuites, rumeurs réfutées par Yoshihiro Shimizu, expliquant que sa société était trop petite pour se lancer dans une bataille juridique[37].
 À noter cependant que l'animateur Tom Sito a reconnu dans une interview de 2015, accordée au HuffPost, qu'un animateur travaillant sur le Roi Lion s'est présenté un jour avec un exemplaire du manga du Roi Leo à la main, alors que le film était encore en cours de production. Les personnes présentes ont parcouru le manga et l'ont comparé au film sur lequel elles étaient en train de travailler. Si Tom Sito admet volontiers que certaines similitudes sont effectivement troublantes, il maintient qu'il s'agit là de pures coïncidences et que si l'œuvre de Tezuka a pu les influencer, directement ou indirectement, cela s'est fait de manière totalement inconsciente[38].
 Le scénario du Roi Lion peut aussi être rapproché de l'histoire légendaire de Soundiata Keïta, décrivant l'origine de l'empire du Mali[39].
 Le scénario de base serait inspiré des histoires de Joseph et Moïse dans la Bible et d'Hamlet de William Shakespeare[40]. Christopher Vogler, dans The Writer's Journey: Mythic Structure for Writers, retranscrit les conseils qu'il a donné aux studios Disney à leur demande comme celui d'ajouter des éléments d'Hamlet dans le scénario du Roi lion[41].
 Plusieurs analystes ont cru déceler dans Le Roi lion un  contenu idéologique. En effet, ce film met en scène un pays riche dirigé par une caste dominante (les lions) dont la légitimité en tant que monarques de droit divin[42] n'est jamais questionnée, et fondée principalement sur la loi du plus fort[réf. nécessaire]. Aux frontières de ce royaume les hyènes sont exilées dans une région inhospitalière, le cimetière des éléphants. Le but du gouvernement est clairement indiqué par Mufasa à son héritier : ne pas laisser pénétrer les hyènes sur le territoire.
 Pierre Barrette dans une analyse sémio-pragmatique du film constate que les analyses précédentes mettent en évidence une idéologie conservatrice et les stéréotypes associés que l'on peut résumer en trois thèmes[43] : un sexisme par genre, une hiérarchisation selon la race tout au moins les races animales (voir Race humaine pour les controverses) soutenu par des propos « pseudo-écologiques » et les modèles politiques opposant le modèle monarchique et des modèles démocratiques de type révolutionnaire ou communisme autocratique. Pierre Barrette s'associe aux analyses d'Henry A. Giroux[44], Lee Artz[45] et Keisha L. H Hoerner[46] pour les faire siennes afin de les développer[43].
 Selon Barrette, le film est avant tout une quête initiatique pour Simba de type canonique avec un axe spatial (exil et retour) et un axe temporel (âges de la vie)[43]. Nala est assimilée selon Barrette dans ce schéma à la récompense du héros et un objet d'accès à la sexualité[43]. Le père de Simba, Mufasa est un roi et un père mais il est aussi associé à des forces plus abstraites avec les ancêtres et une forme de divinité (Révélation)[43]. Le duo Timon et Pumbaa sont eux les représentants du Surmoi avec l'intelligence pour Timon et le ça freudien avec le corps et les désirs incontrôlés pour Pumbaa[43]. Les hyènes sont elles à la fois les adjuvants nécessaires avec leurs systèmes d'anti-valeurs définissant le sujet, mais aussi un royaume dissocié[43]. Thierry Petit va plus loin dans l'analyse et ajoute que leur système social semble fondé sur le matriarcat (ce qui est une réalité biologique de cette espèce), sous le commandement de la femelle Shenzi : elles sont ainsi perçues comme un monde inversé, un ensemble d'anti-valeurs qui menacent l'équilibre conservateur de la Terre des Lions[42]. Cette opposition des sexes a pu être considérée comme sexiste du fait de la « légitimité » ainsi accordée à un patriarcat machiste, qui plus est placé en analogie avec la monarchie absolue[42].
 Barette découpe les éléments de l'histoire en quatre sphères, le carré sémiotique :
 Barrette indique que le film positionne le spectateur-enfant en héros qui lors de son parc initiatique découvre des valeurs profitables voir nécessaires comme le réalisme pragmatique, l'individualisme, la religion, le sens des responsabilités et le libre arbitre[43]. Barrette compare la structure du film à l'analyse idéologique de l’espace de Disneyland faite par Louis Marin dans Utopiques : jeux d'espaces (1973)[47], parvenant dans son analyse à des conclusions similaires[43]. Comme dans le film où le spectateur résout symboliquement l’ensemble des contradictions qui l'entoure pour trouver sa place, « le trajet effectué par le visiteur de Disneyland entre les différentes parties du parc à thèmes doit être interprété fonctionnellement comme le geste qui tend à résoudre symboliquement les contradictions de la société américaine[43]. » Barette mets donc en parallèle la diégèse du film et la géographie du parc qui juxtaposent des sous-espaces en contiguïté et révèlent leur nature à la fois complémentaire et contradictoire, ce qui Marin nomme la « l’harmonisation leurrante des contraires[43]. » Barette voit dans le moto « grand cercle de la vie », non pas un antagonisme ou une confrontation mais  le triomphe de l’harmonie, une victoire de l’idéologie sur l’histoire[43].
 Il existe une controverse récurrente sur l'apparition du mot « SEX » dans le film. Lorsque Timon, Pumbaa et Simba sont allongés dans l'herbe et regardent les étoiles, Simba décide de partir à l'écart et se laisse tomber avec tristesse sur un rocher, provoquant un nuage de graines et de poussière. Pour certains, elles forment distinctement le mot « SEX ». Cependant, les réalisateurs de la scène affirment qu'il s'agit des lettres « SFX », abréviation de special effects (« effets spéciaux »)[48].
 Outre les deux « suites » produites par les studios Disney et sorties directement en vidéo, une série télévisée spin-off intitulée Timon et Pumbaa a été diffusée entre 1995 et 1998.
 Le 10 juin 2014, Walt Disney Television Animation annonce une série télévisée intitulée La Garde du Roi lion diffusée à partir de 2016 et étendant le monde du Roi lion[56],[57],[58]. Elle s'attardera sur le destin de Kion, le deuxième petit de Simba et Nala. Kion sera le chef de la garde des Lions, dont la mission est de protéger la Terre Des Lions.
 Le Roi lion a fait l'objet de plusieurs adaptations en jeu vidéo :
 L'univers du film est également repris dans un monde du jeu Kingdom Hearts 2, jeu mêlant personnages de Disney et de Square Enix.
 À partir de 1996, une revue hebdomadaire, Le Roi lion, une série pour découvrir et aimer la nature, a été publiée pendant 104 numéros.
 Une parade nommée The Lion King Celebration a défilé dans le parc Disneyland du 1er juillet 1994 au 1er juin 1997 et est la première parade à utiliser des audio-animatronics[14].
 Deux spectacles musicaux ont été créés pour les parcs à thèmes Disney :
 Une attraction présentant un film écologique Circle of Life: une fable environnementale à Epcot.
 Une comédie musicale basée sur le film a été créée pour Broadway et présentée pour la première fois au Orpheum Theater de Minneapolis le 8 juillet 1997 pour une période d'essai[14]. Le spectacle a ensuite déménagé à New York au New Amsterdam Theatre à partir du 10 octobre mais la grande première a eu lieu officiellement le 13 novembre[14]. Cette pièce a été adaptée en 2007 à Paris au théâtre Mogador. Le 19 janvier 2014, Walt Disney Theatrical Productions annonce l'ajout du Roi lion à la liste des spectacles en version pour enfants disponibles au travers de Music Theatre International[60].
 Un land sur le thème du film est prévu au sein du parc Disney Adventure World de Disneyland Paris, qui comprendra une attraction de type bûches, ainsi qu'un restaurant et une boutique thématiques[61]. La construction doit débuter en 2025 pour une ouverture prévue à l'horizon 2027-2028.
 « Le Roi Lion, dessin animé des studios Disney (sorti le 23 novembre) : 7,5 millions d'entrées. » « C'est la course en tête pour le Roi lion . Il ne lui aura fallu que 8 semaines pour flirter avec les 8 millions d'entrées ( 7,9 ). » Sur les autres projets Wikimedia :",6519,"Accueil; Portails thématiques; Article au hasard; Contact; Débuter sur Wikipédia; Aide; Communauté; Modifications récentes; ; Rechercher; en savoir plus; Contributions; Discussion; Article; Discussion; Lire; Lire; Pages liées; Suivi des pages liées; Téléverser un fichier; Pages spéciales; ; Le Roi lion (homonymie); ; Roger Allers; Rob Minkoff; Irene Mecchi; Jonathan Roberts; Linda Woolverton; Brenda Chapman; Chris Sanders; Joseph Ranft; Jim Capobianco; Andrew Gaskill; Tom Sito; Burny Mattinson; Hans Zimmer; Walt Disney Pictures; ; États-Unis; Animation; aventure; drame; 1994; Liste des Classiques d'animation Disney; Aladdin; Pocahontas; Le Roi lion 2; ; long-métrage d'animation; « Classique d'animation »; studios Disney; 1994; Roger Allers; Rob Minkoff; Hamlet; William Shakespeare; second âge d'or de Disney; La Petite Sirène; La Belle et la Bête; Aladdin; numéro un du box-office mondial; Le Monde de Nemo; La Reine des neiges; Les Aventures de Bernard et Bianca; Tim Rice; Elton John; Can You Feel the Love Tonight; Hans Zimmer; James Earl Jones; Jeremy Irons; Whoopi Goldberg; Rowan Atkinson; Jim Cummings; Le Roi lion 2 : L'Honneur de la tribu; Le Roi lion 3 : Hakuna Matata; séries télévisées dérivées; Timon et Pumbaa; La Garde du Roi lion; comédie musicale; Le Roi lion; Broadway; 1997; française; M6; 15; juillet; 2019; remake en animation 3D; Afrique; lions; Mufasa; Sarabi; mandrill; Rafiki; chaman; Simba; Scar; cimetière des éléphants; hyènes tachetées; Zazu; calao à bec rouge; majordome; gorge; gnous; désert; Timon; suricate; Pumbaa; phacochère; Hakuna Matata; fantôme; Simba; swahili; Mufasa; Kenya; Sarabi; swahili; Scar; méchant; tyran; Timon; suricate; bien-être; Hakuna Matata; swahili; Pumbaa; swahili; phacochère; Rafiki; mandrill; Nala; swahili; Zazu; calao à bec rouge; hyènes tachetées; Sarafina; Roger Allers; Rob Minkoff; Irene Mecchi; Jonathan Roberts; Linda Woolverton; Brenda Chapman; Burny Mattinson; Andrew Gaskill; Gary Trousdale; Jim Capobianco; Jorgen Klubien; Chris Sanders; Tom Sito; Joe Ranft; Andy Gaskill; Chris Sanders; Doug Ball; Mark Henn; Tony Fucile; Andreas Deja; Tony Bancroft; Dale Baer; Ron Husband; Randy Cartwright; Ken Boyer; Joe Grant; Lisa Keene; Melvin Shaw; Pixar; Christopher Jenkins; Hans Zimmer; Tim Rice; Elton John; Mark Mancina; Thomas Schumacher; Don Hahn; Walt Disney Pictures; Buena Vista Pictures Distribution; anglais; 1,78:1; Animation; aventure; drame; ; États-Unis; 15; juin; 1994; ; France; 23; novembre; 1994; Jonathan Taylor Thomas; Jason Weaver; Matthew Broderick; Joseph Williams; James Earl Jones; Jeremy Irons; Rowan Atkinson; Moira Kelly; Nathan Lane; Ernie Sabella; Robert Guillaume; Whoopi Goldberg; Cheech Marin; Madge Sinclair; Jim Cummings; Dimitri Rougeul; Emmanuel Curtil; Jean Reno; Jean Piat; Bernard Tiphaine; Maïdi Roth; Michel Elias; Jean-Philippe Puymartin; Med Hondo; Michel Prud'homme; Marie-Christine Darah; Michel Mella; Jim Cummings; Perrette Pradier; Walt Disney Feature Animation; Jeffrey Katzenberg; Roy E. 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Blanche-Neige et Rose-Rouge,https://fr.wikipedia.org/wiki/Blanche-Neige_et_Rose-Rouge,"Pour les articles homonymes, voir Blanche-Neige (homonymie).
 
 
Blanche-Neige et Rose-Rouge (en allemand : Schneeweißchen und Rosenrot) est un conte de fées allemand. Sa version la plus connue fait partie des contes de Grimm, où elle porte le numéro 161[1].
 Une ancienne version, un peu plus courte, nommée « Le nain ingrat », a été écrite par Caroline Stahl et semble être la plus ancienne variante du récit[2]. On n'en connaît aucune précédente version orale, bien que plusieurs aient été recueillies depuis sa publication. Stith Thompson indique[3] qu'il s'agit là d'une élaboration littéraire, retravaillée par (Wilhelm) Grimm, et que le thème n'apparaît que dans une zone limitée d'Europe centrale.
 Il ne doit pas être confondu avec le conte des frères Grimm Blanche-Neige (où le nom de l'héroïne s'écrit Schneewittchen en allemand), et qui est à l'origine du célèbre film de Walt Disney, Blanche-Neige et les Sept Nains. Le personnage est complètement différent et n'a rien en commun avec l'autre, si ce n'est de partager son nom.
 Blanche-Neige et Rose-Rouge raconte l'histoire de deux jeunes filles vivant dans une petite maison avec leur mère, veuve et pauvre. Les deux sœurs sont de très bonnes petites filles et elles s'aiment tendrement. Leur mère les adore ; quant à leur personnalité, Rose-Rouge est très franche et joviale, aimant jouer dehors, tandis que sa sœur, Blanche-Neige, est plus calme et timide et préfère effectuer des travaux ménagers ou la lecture.
 Une nuit d'hiver, on frappe à leur porte. Rose-Rouge ouvre la porte et voit un ours. Au début, elle est terrifiée, mais l'ours lui dit de ne pas avoir peur : « Je suis à moitié gelé et je tiens simplement à me réchauffer un peu chez vous », dit-il. Elles laissent l'ours entrer et il se couche devant le feu. Blanche-Neige et Rose-Rouge ôtent la neige qui recouvre l'ours, et deviennent rapidement très amicales avec lui. Elles jouent avec l'ours jusqu'à ce qu'il les avertisse de le laisser tranquille.
 Elles laissent l'ours passer la nuit devant le feu et au matin, il part au trot dans la forêt. L'ours revient tous les soirs pendant le reste de l'hiver et la famille s'habitue à lui. Quand vient l'été, l'ours leur dit qu'il doit partir toute la saison afin de garder ses trésors d'un nain méchant.
 Au cours de l'été, les filles se promènent dans la forêt lorsqu'elles trouvent un nain, dont la barbe est coincée dans un arbre. Elles lui portent secours en coupant sa barbe, mais le nain est ingrat, et hurle contre les filles parce qu'elles ont coupé sa belle barbe. Les filles rencontrent le nain à plusieurs reprises durant l'été, l'arrachent à plusieurs périls, et chaque fois, le nain se montre très ingrat.
 Un jour, elles rencontrent le nain une fois de plus et cette fois, il est terrifié parce que l'ours est sur le point de le tuer. Le nain discute avec l'ours, le supplie de manger les filles plutôt que lui, mais l'ours ne s'en soucie pas et tue le nain d'un simple coup de patte. Puis l'ours se transforme en prince : le nain l'avait ensorcelé en lui volant son or et en le transformant en ours, mais la malédiction a été brisée par la mort du nain. Blanche-Neige se marie avec le prince et Rose-Rouge se marie avec son cousin.
 Paul Sébillot a publié une version analogue (Blanche-Neige) dans ses Contes de Haute-Bretagne. Delarue et Tenèze notent que les deux versions françaises qu'ils mentionnent dérivent probablement de la version de Grimm[4].
 Un des Contes du chat perché de Marcel Aymé, Le Loup, décrit aussi comment un animal sauvage est accueilli par deux petites filles qui s'enhardissent bientôt à jouer avec lui.",613,Accueil; Portails thématiques; Article au hasard; Contact; Débuter sur Wikipédia; Aide; Communauté; Modifications récentes; ; Rechercher; en savoir plus; Contributions; Discussion; Article; Discussion; Lire; Lire; Pages liées; Suivi des pages liées; Téléverser un fichier; Pages spéciales; ; Blanche-Neige (homonymie); ; Alexander Zick; Aarne-Thompson; KHM; Allemagne; XIXe siècle; Frères Grimm; Kinder- und Hausmärchen; ; allemand; conte de fées; allemand; contes de Grimm; Stith Thompson; Europe centrale; Blanche-Neige; Blanche-Neige et les Sept Nains; ours; nain; ; Alexander Zick; Paul Sébillot; Delarue et Tenèze; Contes du chat perché; Marcel Aymé; Simsala Grimm; Laetitia Arnould; Magic Mirror Editions; Magic Mirror Editions; Bill Willingham; Jack Zipes; ISBN; 0-393-97636-X; YouTube; Conte; Jacob et Wilhelm Grimm; Ours dans la culture; ; Portail des contes et fables; ; Portail de la littérature; ; Portail de l’Allemagne; Catégories; Conte de Grimm; Conte de tradition orale; Métamorphose dans la fiction; Ours dans la fiction; Blanche-Neige; Article utilisant une Infobox; Portail:Contes/Articles liés; Portail:Fantasy et fantastique/Articles liés; Portail:Littérature/Articles liés; Portail:Littérature d'enfance et de jeunesse/Articles liés; Portail:Légendaire/Articles liés; Portail:Culture/Articles liés; Portail:Allemagne/Articles liés; Portail:Europe/Articles liés; Droit d'auteur; crédits graphiques; comment citer les auteurs et mentionner la licence; 501(c)(3); À propos de Wikipédia; Avertissements,Catégories; Conte de Grimm; Conte de tradition orale; Métamorphose dans la fiction; Ours dans la fiction; Blanche-Neige,/static/images/icons/wikipedia.png; /static/images/mobile/copyright/wikipedia-wordmark-fr.svg; /static/images/mobile/copyright/wikipedia-tagline-fr.svg; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/a9/Logo_disambig.svg/20px-Logo_disambig.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/e/e9/Schneeweisschen_und_Rosenrot3.jpg/220px-Schneeweisschen_und_Rosenrot3.jpg; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/3/38/Info_Simple.svg/12px-Info_Simple.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/4/4f/Schneeweisschen_und_Rosenrot.jpg/220px-Schneeweisschen_und_Rosenrot.jpg; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/5/5b/Circle-icons-magicwand.svg/24px-Circle-icons-magicwand.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/ac/VictorHugosmallColor.png/24px-VictorHugosmallColor.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/b/ba/Flag_of_Germany.svg/37px-Flag_of_Germany.svg.png; https://login.wikimedia.org/wiki/Special:CentralAutoLogin/start?type=1x1; /static/images/footer/wikimedia-button.svg; /w/resources/assets/poweredby_mediawiki.svg,https://en.wikipedia.org/wiki/Snow-White_and_Rose-Red,Snow-White and Rose-Red,https://en.wikipedia.org/wiki/Snow-White_and_Rose-Red,"""Snow-White and Rose-Red"" (German: Schneeweißchen und Rosenrot) is a German fairy tale. The best-known version is the one collected by the Brothers Grimm in 1837 in the third edition of their collection Grimm's Fairy Tales (KHM 161).[1] It was first published by Wilhelm Grimm in 1827 in Wilhelm Hauff's Märchen-Almanach.[2] An older, somewhat shorter version, ""The Ungrateful Dwarf"", was written by Caroline Stahl (1776–1837). Indeed, that appears to be the oldest variant; no previous oral version is known, although several have been collected since its publication in 1818.[3] Oral versions are very limited regionally.[4] The tale is of Aarne-Thompson type 426 (""The Two Girls, the Bear, and the Dwarf"").[1]
 Despite the presence of one dwarf, this story is not related to the Brothers Grimm fairy tale ""Snow White"" that provided the basis for the 1937 Walt Disney animated film Snow White and the Seven Dwarfs. The modern German name of that heroine is Schneewittchen rather than Schneeweißchen. This story has little in common but the similar name of its fair-skinned girl.
 Snow-White and Rose-Red are two little girls living with their mother, a poor widow, in a small cottage by the woods. Snow-White is quiet and shy and prefers to spend her time indoors, doing housework and reading. Rose-Red is outspoken, lively and cheerful, and prefers to be outside. They are both very good girls who love each other and their mother dearly, and their mother is very fond of them as well.
 One winter night, there is a knock at the door. Rose-Red opens the door to find a bear. At first, she is terrified, but the bear tells her not to be afraid. ""I'm half frozen and I merely want to warm up a little at your place,"" he says. They let the bear in, and he lies down in front of the fire. Snow-White and Rose-Red beat the snow off the bear, and they quickly become quite friendly with him. They play with the bear and roll him around playfully. They let the bear spend the night in front of the fire. In the morning, he leaves trotting out into the woods. The bear comes back every night for the rest of that winter and the family grows used to him.
 When summer comes, the bear tells them that he must go away for a while to guard his treasure from a wicked dwarf. During the summer, when the girls are walking through the forest, they find a dwarf whose beard is stuck in a tree. The girls rescue him by cutting his beard free, but the dwarf is ungrateful and yells at them for cutting his beautiful beard. The girls encounter the dwarf several times that summer and rescue him from some peril each time, for which he is ungrateful.
 Then one day, they meet the dwarf once again. This time, he is terrified because the bear is about to kill him. The dwarf pleads with the bear and begs it to eat the girls. Instead, the bear pays no heed to his plea and kills the dwarf with one swipe of his paw. Instantly, the bear turns into a prince. The dwarf had previously put a spell on the prince by stealing his precious stones and turning him into a bear. The curse is broken with the death of the dwarf. Snow-White marries the prince and Rose-Red marries the prince's brother.
 The tale is classified in the international Aarne-Thompson-Uther Index as tale type ATU 426, ""The Two Girls, the Bear, and the Dwarf"": a pair of sisters welcome a bear into their house; the next summer, the girls rescue an ungrateful dwarf three times; at the end of the tale, the bear defeats the dwarf (who cursed him in the first place) and becomes a human prince.[5][6][7]
 According to scholars Johannes Bolte, Jiri Polívka, Stith Thompson, and Hans-Jörg Uther, the tale, in the Grimm's compilation, originated from a story written by author Karoline Stahl and published in 1818.[8][9][7]
 In an early analysis, German scholar Kurt Ranke noted that the existing variants originated from ""Central Europe"": Flanders, France, Germany and Switzerland.[10]
 German folklorist Hans-Jörg Uther, in the Folktale Catalogue of the German-speaking Area, classifies the tale as type ATU 426, Schneeweißchen und Rosenrot (""Snow-White and Rose-Red""), which is sparsely attested in Germanophone areas.[11][12] In addition, Kurt Ranke argued that the Grimm's tale influenced variants collected later, such as Wittrösken und Rautrösken.[13]
 According to Frisian scholar Jurjen van der Kooi, in the Catalogue of Frisian Folktales, the tale type is also attested in Friesland, but the heroines are named Blauwoogje (""Blue-Eyes"") and Bruin-oogje (""Brown-Eyes"").[14] In addition, Dutch scholar Theo Meder published a Dutch tale titled Rozerood en Lelieblank (""Rose-Red and Lily-White""), from a storyteller from Driebergen, Utrecht, who sent it in 1892 to linguist Gerrit Jacob Boekenoogen [nl].[15][16]
 Johannes Bolte and Jiří Polívka cited a tale titled Rozenroodje, collected by J. F. Vincx from Hageland (Flanders).[8]
 The tale type is also attested in the East Slavic Folktale Classification (Russian: СУС, romanized: SUS), indexed as type SUS 426, ""Две девушки, медведь (волк) и карлик"" (""Two Girls, the Bear/Wolf and the Dwarf""), but only in Russia and Ukraine.[17]
 Philologist and folklorist Julian Krzyżanowski, establisher of the Polish Folktale Catalogue according to the international index, located a single Polish variant of type 426, Narzeczony niedźwiedź (""The Bear Groom""). However, Krzyżanowski indicated that the tale was a literary reworking that excised the dwarf and introduced other characters.[18]
 According to the Latvian Folktale Catalogue, a similar story is found in Latvia, indexed as tale type 426, Lācis — princis (""Bear Prince""): two girls shelter a bear and rescue a dwarf; the bear defeats the dwarf and regains human form.[19]
 French scholars Paul Delarue and Marie-Louise Thèneze, establishers of the French folktale catalogue, reported only two variants in France of tale type ATU 426, Les deux fillettes, l'ours et le nain (""The Two Little Girls, the Bear and the Dwarf""), which they considered to be retellings of the Grimm's story.[20]
 RashDash.  ‘Snow White & Rose Red.’ https://www.rashdash.co.uk/snowwhiterosered
 Willingham, Bill.  Fables. Vertigo (DC Comics). American comic book series.",1014,"Main page; Contents; Current events; About Wikipedia; Help; Learn to edit; Community portal; Upload file; ; learn more; Article; Talk; Read; Read; Upload file; ; Jessie Willcox Smith; Aarne–Thompson; Germany; Brothers Grimm; German; fairy tale; Brothers Grimm; Grimm's Fairy Tales; Wilhelm Grimm; Wilhelm Hauff; Aarne-Thompson; dwarf; Snow White; Walt Disney; Snow White and the Seven Dwarfs; bear; ; Josephine Pollard; dwarf; prince; Aarne-Thompson-Uther Index; Johannes Bolte; Jiri Polívka; Stith Thompson; Hans-Jörg Uther; Kurt Ranke; Germanophone; Jurjen van der Kooi; Friesland; Driebergen; Utrecht; Hageland; Flanders; East Slavic; Russian; romanized; Julian Krzyżanowski; Latvia; Paul Delarue; France; Patricia C. Wrede; Terri Windling; medieval England; Regina Doman; Tender Morsels; Margo Lanagan; Emily Winfield Martin; doi; S2CID; Project MUSE; ProQuest; Erich Kobler; Rita-Maria Nowotny; Grimm's Fairy Tale Classics; Simsala Grimm; ; Alexander Zick; ; ; Cupid and Psyche; Beauty and the Beast; Graciosa and Percinet; East of the Sun and West of the Moon; Ashliman, D. L.; ISBN; ISBN; Uther, Hans-Jörg; ISBN; ISBN; ISBN; Uther, Hans-Jörg; ISBN; doi; ISBN; ISBN; Libraries Unlimited; ISBN; ISBN; ISBN; ISBN; ISBN; Fabula; doi; S2CID; ISBN; sister projects; Standard Ebooks; v; t; The Brothers Grimm; Jacob Grimm; Wilhelm Grimm; Grimms' Fairy Tales; Deutsche Sagen; Deutsche Mythologie; Deutsches Wörterbuch; Bearskin; The Brave Little Tailor; Brother and Sister; Cat and Mouse in Partnership; Cinderella; The Devil with the Three Golden Hairs; Doctor Know-all; The Dog and the Sparrow; The Elves and the Shoemaker; The Fisherman and His Wife; The Four Skillful Brothers; The Frog Prince; The Gnome; Godfather Death; The Golden Bird; The Golden Goose; The Goose Girl; The Goose-Girl at the Well; The Grave Mound; Hans My Hedgehog; Hansel and Gretel; The Hut in the Forest; The Jew Among Thorns; Jorinde and Joringel; The Juniper Tree; The King of the Golden Mountain; King Thrushbeard; Little Red Riding Hood; Mary's Child; Mother Holle; Old Hildebrand; Old Sultan; Pied Piper of Hamelin; 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Ali Baba et les Quarante Voleurs,https://fr.wikipedia.org/wiki/Ali_Baba_et_les_Quarante_Voleurs,"Pour les articles homonymes, voir Ali Baba.
 
 Ali Baba et les Quarante Voleurs (arabe : علي بابا واللُّصوص الأَرْبَعِين) (titre complet : Histoire d’Ali Baba, et de quarante voleurs exterminés par une esclave) est un récit que l'on présente souvent comme faisant partie des contes Mille et Une Nuits traduits par Antoine Galland en 1701, bien qu'il n'ait jamais été présent dans les manuscrits initiaux mais à leurs côtés[1].
 Souvent associé au recueil des contes des Mille et Une Nuits, Ali Baba et les Quarante Voleurs ne fait pas partie des manuscrits originaux, mais a été rajouté tardivement à l'ouvrage comme Sinbad le marin et Aladin ou la Lampe merveilleuse. Malgré d'intenses recherches menées depuis le XVIIIe siècle, on n'a jamais pu trouver de sources arabes et orientales à ces histoires « orphelines ». On sait, par le Journal tenu par Antoine Galland, que Hanna Dyâb lui raconta seize contes sur lesquels il en publia douze. Parmi ceux-ci, on trouve celui d’Ali Baba[2].
 Ali Baba est un pauvre bûcheron. Un jour, il part dans la forêt pour couper du bois. Soudain il entend des voix : il se cache dans un arbre où il entend le chef d'une bande de quarante voleurs dire « Sésame, ouvre-toi » qui permet d'ouvrir la grotte, et « Sésame, ferme-toi » la formule magique pour la fermer. Une fois le crépuscule venu, il prononce la formule et entre dans la grotte, découvre des trésors accumulés et emporte une partie de l'or.
 Son frère Cassim, qui est un riche marchand, est surpris par la fortune soudaine d'Ali Baba. Cassim va à la caverne, mais ne retrouve plus la formule qui lui permettrait de sortir de la grotte. Les bandits le surprennent dans la grotte, le tuent et découpent son corps en morceaux.
 Ali Baba, inquiet de l'absence de son frère, va à la grotte et découvre les restes de son frère. Avec l'aide de Morgiane, sa très habile esclave, il réussit à enterrer son frère, après l'avoir recousu, sans attirer l'attention de ses connaissances.
 Les bandits, ne retrouvant plus le cadavre, comprennent qu'une autre personne connaît leur secret. Ils finissent par repérer la maison d'Ali Baba. Leur chef se fait passer pour un marchand d'huile et demande l'hospitalité à Ali Baba, portant trente-huit jarres. L'une d'elles est remplie d'huile et chacune des trente-sept autres cache un des bandits. Ils projettent de tuer Ali Baba pendant son sommeil. Morgiane découvre leur plan et tue les bandits cachés dans les jarres en versant de l'huile bouillante dans chacune d'elles.
 Pour se venger, quelque temps après, le chef des bandits s'établit comme commerçant et se lie d'amitié avec le fils d'Ali Baba, désormais chargé des affaires commerçantes de Cassim. Le chef des bandits est invité à dîner chez Ali Baba, où Morgiane le reconnaît. Celle-ci effectue alors une danse munie d'une dague qu'elle plonge dans le cœur du bandit.
 Dans un premier temps, Ali Baba est furieux de voir son hôte exécuté, mais il finit par rendre sa liberté à Morgiane et la donne en mariage à son fils. 
 Ce conte faisait l'objet du conte-type AT 676, Sésame, ouvre-toi ! Dans la classification Aarne-Thompson-Uther, il a été regroupé sous l'entrée ATU 954, Les Quarante Voleurs (Ali Baba).
 Une version, intitulée Mont Simeli (en allemand : Simeliberg) figure dans les Contes de l'enfance et du foyer des frères Grimm (KHM 142).
 Archibald Sayce, grammairien britannique, publia en 1920 un article dans Folk-Lore: A Quarterly Review, où il consigne plusieurs histoires issues du folklore du Caire et de Haute-Égypte. L'histoire numéro XIV ressemble au conte Ali Baba et les Quarante Voleurs[3].
 L'histoire a été adaptée au cinéma, notamment en 1954 par Jacques Becker avec Fernandel (Ali Baba et les Quarante voleurs), et à la télévision en 2007 par Pierre Aknine avec Gérard Jugnot (Ali Baba et les Quarante Voleurs).
 Enfin, le long métrage d'animation de 1996, sorti directement en vidéo, de Walt Disney Pictures, Aladdin et le Roi des voleurs contient deux références au conte[réf. souhaitée] : les 40 voleurs et la formule magique.
 L'histoire a fait l'objet d'une opérette de Charles Lecocq, Ali-Baba, créée en 1887 à Bruxelles, puis à Paris en 1889 (livret de Albert Vanloo et William Busnach).
 Une comédie musicale, Les Mille et Une Vies d'Ali Baba, a été produite par le producteur Jean-Claude Camus au Zénith à Paris tout l'été à la fin octobre 2000 et un album Ali Baba de la tournée est sorti sous 23 titres où figurent les chanteurs Sonia Lacen et Sébastien Lorca. Ali Baba est en outre devenu un des six ou sept thèmes standards de la comédie musicale de Noël en Angleterre, le pantomime anglais. Tous les ans des dizaines de versions sont présentées.[réf. souhaitée]
 Danse de Morgiane (2012) est une œuvre pour piano du compositeur Damien Top inspirée du dernier projet inabouti de Maurice Ravel.
 - Le personnage d'Ali Baba apparaît également, dans un DLC du jeu vidéo Assassin's Creed Mirage. Il est découvert mort, et le héros du jeu aide sa fille Murjana à le venger[4].
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 In the original version, Ali Baba (Arabic: علي بابا ʿAlī Bābā) is a poor woodcutter and an honest person who discovers the secret treasure of a thieves' den, and enters with the magic phrase ""open sesame"". The thieves try to kill Ali Baba, and his rich and greedy brother Cassim tries to steal the treasure for himself, but Ali Baba’s faithful slave-girl foils their plots. His son marries her, and Ali Baba keeps the secret of the treasure.
 The tale was added to the story collection One Thousand and One Nights by one of its European translators, Antoine Galland, who called his volumes Les Mille et Une Nuits (1704–1717). Galland was an 18th-century French Orientalist who heard it in oral form from a Syrian Maronite story-teller called Hanna Diyab, who came from Aleppo in modern-day Syria and told the story in Paris.[1] In any case, the earliest known text of the story is Galland's French version. Richard F. Burton included it in the supplemental volumes (rather than the main collection of stories) of his translation (published as The Book of the Thousand Nights and a Night).[2]
 The American Orientalist Duncan Black MacDonald discovered an Arabic-language manuscript of the story at the Bodleian Library;[3] however, this was later found to be a counterfeit.[4]
 Ali Baba and his older brother, Cassim (Arabic: قاسم Qāsim, sometimes spelled Kasim), are the sons of a merchant. After their father's death, the greedy Cassim marries a wealthy woman and becomes well-to-do, living lazily on their father's business and his wife’s wealth. Ali Baba marries a poor woman and settles into the trade of a woodcutter. Cassim and his wife resent Ali Baba and his side of the family and do not share their wealth with them.
 One day, Ali Baba is at work collecting and cutting firewood in the forest, when he happens to overhear a group of 40 thieves visiting their stored treasure. Their treasure is in a cave, the mouth of which is sealed by a huge rock. It opens on the magic words ""open sesame"" and seals itself on the words ""close sesame"". When the thieves are gone, Ali Baba enters the cave himself and although there is a vast amount of riches stashed inside, he modestly takes only a single bag of gold coins home.
 Ali Baba and his wife borrow his sister-in-law's scales to weigh their new wealth. Unbeknownst to them, Cassim's wife puts a blob of wax in the scales to find out what Ali Baba is using them for, as she is curious to know what kind of grain her impoverished brother-in-law needs to measure. 
 To her shock, she finds a gold coin sticking to the scales and tells her husband. Under pressure from his brother, Ali Baba is forced to reveal the secret of the cave. Cassim goes to the cave, taking a donkey with him to take as much treasure as possible. He enters the cave with the magic words. However, in his excited greed over the treasure, he forgets the words to get out again and ends up trapped. The thieves find him there and kill him. When his brother does not come back, Ali Baba goes to the cave to look for him, and finds the body quartered and with each piece displayed just inside the cave's entrance, as a warning to anyone else who might try to enter.
 Ali Baba brings the corpse home where he entrusts Morgiana (Arabic: مرجانة Murjāna), a clever slave-girl from Cassim's household, with the task of making others believe that Cassim has died a natural death. First, Morgiana purchases medicines from an apothecary, telling him that Cassim is gravely ill. Then, she finds an old tailor known as Baba Mustafa whom she pays, blindfolds, and leads to Cassim's house. There, overnight, the tailor stitches the pieces of Cassim's body back together. Ali Baba and his family are able to give Cassim a proper burial without anyone suspecting anything. Cassim’s wife does not find out about the cave or treasure.
 The thieves, finding the body gone, realize that another person must have known their secret, so they set out to track him down. One of the thieves goes down to the town and comes across Baba Mustafa, who mentions that he has just sewn the pieces of a corpse back together. Realizing the dead man must have been the thieves' victim, the thief asks Baba Mustafa to lead the way to the house where the deed was performed. The tailor is blindfolded again, and in this state he is able to retrace his steps and find the house. 
 The thief marks the door with a symbol so the other thieves can come back that night and kill everyone in the house. However, the thief has been seen by Morgiana who, loyal to her master, foils the thief's plan by marking all the houses in the neighborhood similarly. When the 40 thieves return that night, they cannot identify the correct house, and their leader kills the unsuccessful thief in a furious rage. The next day, another thief revisits Baba Mustafa and tries again. Only this time, a chunk is chipped out of the stone step at Ali Baba's front door. Again, Morgiana foils the plan by making similar chips in all the other doorsteps, and the second thief is killed for his failure as well. At last, the leader of the thieves goes and looks himself. This time, he memorizes every detail he can of the exterior of Ali Baba's house.
 The leader of the thieves pretends to be an oil merchant in need of Ali Baba's hospitality, bringing with him mules loaded with 38 oil jars, one filled with oil, the other 37 hiding the other remaining thieves. Once Ali Baba is asleep, the thieves plan to kill him. Again, Morgiana discovers and foils the plan when her lamp runs out of oil and she has to get it from the merchant's jars; the thieves give themselves away one by one hearing her approach and mistaking her for their boss. After refilling her lamp, Morgiana kills the 37 thieves in their jars by pouring boiling oil on them one by one. When their leader comes to rouse his men, he discovers they are all dead and escapes. The next morning, Morgiana tells Ali Baba about the thieves in the jars. They bury them, and Ali Baba shows his gratitude by giving Morgiana her freedom. However, she continues living with Ali Baba and his family anyway.
 To exact revenge, the leader of the thieves establishes himself as a merchant, befriends Ali Baba's son (who is now in charge of his late uncle Cassim's business), and is invited to dinner at Ali Baba's house. However, the thief is recognized by Morgiana, who performs a sword dance with a dagger for the diners and plunges it into the thief's heart, when he is off his guard. Ali Baba is at first angry with Morgiana, but when he finds out the thief wanted to kill him, he is extremely grateful and rewards Morgiana by marrying her to his son. Ali Baba is then left as the only one knowing the secret of the treasure in the cave and how to access it.
 The story has been classified in the Aarne–Thompson-Uther classification system as ATU 954, ""The Forty Thieves"".[5] The tale type enjoys ""almost universal ... diffusion"".[6]
 A West African version, named The Password: Outwitting Thieves has been found.[7]
 Percy Amaury Talbot located a Nigerian variant, called The Treasure House in the Bush, from Ojong Akpan of Mfamosing.[8]
 An American variant was collected by Elsie Clews Parsons from Cape Verde.[9]
 Audio readings/dramatizations include:
 •	Adventures of Ali Baba (2018–2019) is an Indian animated television series, produced by Shilpa Shetty Kundra, which aired on Colors Rishtey. A modern-day retelling of the folktale, it follows brothers Ali and Baba, who protect dungeons and fight evil forces with their supernatural powers.
 •	Ali Baba Bunny (1957) is a Warner Bros. Merrie Melodies short directed by Chuck Jones. Released on February 9, 1957, it features Bugs Bunny and Daffy Duck stumbling upon a cave filled with treasure, guarded by a ruthless character named Hassan.
 At the United States Air Force Academy, Cadet Squadron 40 was originally nicknamed ""Ali Baba and the Forty Thieves"" before eventually changing its name to the ""P-40 Warhawks"".[35]
 The name ""Ali Baba"" was often used as derogatory slang by American and Iraqi soldiers and their allies in the Iraq War, to describe individuals suspected of a variety of offenses related to theft and looting.[36] Additionally, British soldiers routinely used the term to refer to Iraqi civilians.[37] In the subsequent occupation, it is used as a general term for the insurgents.[38]
 The Iraqis adopted the term ""Ali Baba"" to describe foreign troops suspected of looting.[39]
 Malays adopted the term ""Ali Baba"" to describe anyone wearing a fez.",1561,"Main page; Contents; Current events; About Wikipedia; Help; Learn to edit; Community portal; Upload file; ; learn more; Article; Talk; Read; Read; Upload file; Alibaba Group; Ali Baba (disambiguation); Ali Baba and the Forty Thieves (disambiguation); ; Maxfield Parrish; Middle East; The One Thousand and One Nights; Antoine Galland; Arabic; One Thousand and One Nights; Antoine Galland; Hanna Diyab; Arabic; open sesame; One Thousand and One Nights; Antoine Galland; Les Mille et Une Nuits; French; Orientalist; Maronite; Hanna Diyab; Aleppo; Syria; Paris; Richard F. 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Sinbad le marin,https://fr.wikipedia.org/wiki/Sinbad_le_Marin,"Pour les articles homonymes, voir Sinbad.
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 Sinbad le marin, en persan Sindibad (aussi épelé « Sindbad » du persan : سندباد (Sandbād)), est un conte d'origine irakienne qui conte les aventures de son personnage éponyme, un marin de la ville de Bagdad du temps de la dynastie des Abbassides (aux environs de 781-835 d'après René R. Khawam[1]). Durant ses voyages dans les mers de l'est de l'Afrique et du sud de l'Asie, Sinbad vit de nombreuses aventures fantastiques.
 Les Sept Voyages de Sinbad le marin se retrouvent, à l'initiative d'Antoine Galland, à partir de la 69e nuit (tome 3) des contes des Mille et Une Nuits. Les sept voyages occupent précisément les nuits 69 à 90, toutes contenues dans le tome 3. Les aventures sont basées, d'une part, sur de véritables expériences de marins de l'océan Indien et, d'autre part, sur d'anciens textes de sources diverses (dont l’Odyssée d'Homère) ainsi que de nombreuses légendes perses et indiennes.
 René R. Khawam propose une nouvelle traduction de Sindbad le marin[1] légèrement différente de celle d'Antoine Galland et de ses successeurs, à partir de manuscrits utilisés par Galland. D'après lui, Sindbad le marin ne ferait pas partie des Mille et Une Nuits. Il s'agirait d'un récit inspiré d'un navigateur de l'époque d'Hâroun ar-Rachîd, calife de Bagdad. Il permettrait, pour l'époque, de donner des indications quant aux possibilités de commerce. Le récit aurait été écrit quelques années après, vers 837, et aurait notamment été lu par le géographe Ibn-Khourradâdhbîh (qui aurait peut-être rencontré le personnage réel inspirant Sindbad). De plus, le récit complet comprendrait également les aventures de Sindbad le terrien[2], présenté comme Sindbad le portefaix, l'interlocuteur de Sindbad le marin.
 Le nom du héros a différentes orthographes selon les traducteurs. Il est nommé Sindbad chez Antoine Galland[3], Joseph-Charles Mardrus[4], René R. Khawam, ainsi que Jamel Eddine Bencheikh et André Miquel, par exemple. Il est appelé Sind-Bâd chez Louis-Mathieu Langlès[5], ainsi que Sind-Bad chez Édouard Gauttier d'Arc[6].
 On[Qui ?] attribue plusieurs étymologies au nom « Sindbad » :
 Les Mille et Une Nuits est un recueil qui narre les nuits où la jeune Shéhérazade, fille de vizir, invente une multitude de contes pour distraire son mari et échapper à la mort. On y trouve en particulier, depuis la traduction d'Antoine Galland[1], les aventures de Sinbad le marin.
 Vers la fin de la 536e nuit, Shéhérazade débute l'histoire de Sinbad : à l'époque de Hâroun ar-Rachîd, calife de Bagdad, un pauvre livreur du nom de Hindbad, ou Sindbad, homonyme de Sindbad le marin[1], fait une pause sur un banc près de la grille de la maison d'un riche marchand. Alors qu'il se plaint à Allah des injustices d'un monde qui permet aux riches de vivre pleinement, tandis que lui doit travailler d'arrache-pied et demeurer pauvre, le propriétaire des lieux l'entend et l'envoie chercher. Le riche Sinbad dit au pauvre Hindbad qu'il est devenu riche par la chance, au cours de ses sept voyages fantastiques qu'il va maintenant lui raconter. Il rencontre des rats, des chevaux et des hippopotames. 
 Sindbad et ses compagnons accostent sur une petite île à fleur d'eau : c'est en fait le dos d'une baleine. Quand la baleine se réveille, Sindbad n'a pas le temps de rejoindre le bateau, qui repart en catastrophe. Accroché à une pièce de bois, il accoste sur une autre île, où des cavales sont couvertes par un cheval marin, pour le compte du roi Mihrage. Les palefreniers du roi conduisent Sindbad à la ville. De là, Sindbad visite l'île de Cassel, aux poissons longs de plus de 100 coudées. Quelque temps plus tard, le bateau qui l'avait abandonné accoste chez le roi Mihrage : Sindbad retrouve sa cargaison de marchandises et peut rentrer chez lui.
 Durant le deuxième jour de l'histoire de Sinbad, la 549e nuit de Shéhérazade, il raconte comment il s'est lassé de sa vie de plaisirs puis a repris la mer, possédé par l'idée de voyager dans le monde des hommes et de visiter leurs villes et leurs îles.
 Accidentellement abandonné par son équipage, il se retrouve seul dans une inaccessible vallée de serpents géants et d'oiseaux encore plus gigantesques, des rokhs. Piégé dans le nid d'une de ces créatures, il se rend compte que le sol du nid est tapissé de diamants.
 On y apprend que des marchands récoltent les diamants en lançant de gros blocs de viandes dans la vallée, blocs que les oiseaux ramènent dans leurs nids : les diamants se collent à la viande et les marchands les récoltent en ramenant la viande à l'aide d'une corde. Afin de sortir du nid, Sinbad s'attache à une pièce de viande, emportant avec lui un gros sac de diamants.
 Sans cesse en quête d'aventures, Sinbad repart de Bassorah.
 Par malchance, lui et ses compagnons sont emprisonnés sur une île par une créature gigantesque, noire de peau, un œil unique étincelant, avec des lèvres longues et pendantes comme celles des chameaux, les oreilles lui couvrant les épaules et les ongles des mains pareilles aux griffes d'un lion.
 Le monstre dévore un à un les membres de l'équipage, en commençant par le plus gros. Sinbad élabore un plan pour aveugler le géant avec des broches métalliques[7]. Ainsi, l'équipage s'enfuit sur des radeaux qu'ils avaient construits. Le cyclope se précipite sur la plage pour jeter des pierres sur les radeaux des fugitifs. Malheureusement seuls trois marchands (dont Sinbad) survivent..
 Arrivés sur une autre île, ils rencontrent un serpent qui dévore chaque nuit un des marchands. Quand Sinbad se retrouve seul, il décide de construire un barrage autour de lui. Ce stratagème fonctionne, et lorsque le jour arrive le serpent s'éclipse ; Sinbad peut quitter l'île grâce à un navire qui passait par là.
 Il retourne alors à Bagdad, plus en forme que jamais, et les festivités de son retour lui font oublier les horreurs de son troisième voyage.
 Comme dans chaque voyage de Sinbad, son navire s'échoue. Les sauvages nus avec lesquels son équipage et lui se retrouvent leur donnent à manger une plante qui leur enlève toutes leurs volontés. Sinbad refuse de manger de cette plante et, lorsque les cannibales se lassent de lui, il s'échappe. Un groupe de marchands itinérants le ramène sur leur propre île, où leur roi se lie d'amitié pour Sinbad et lui donne une riche et belle vie. Il finit aussi par épouser une des habitantes de l'île.
 Un peu trop tard, Sinbad apprend une coutume particulière de l'île : à la mort d'un des deux époux, son partenaire est enterré vivant avec lui, tous deux dans leurs plus beaux atours. Malgré toute son attention, la femme de Sinbad tombe malade et meurt peu après, laissant Sinbad emprisonné dans une caverne souterraine, une tombe commune, avec un pot d'eau et quelques morceaux de pain. Au moment où ses maigres provisions sont écoulées, un autre couple, le mari étant mort et la femme vivante, sont jetés dans la caverne ; Sinbad tue la femme et prend ses rations.
 Il a bientôt une bonne quantité de pain et d'eau et beaucoup d'or et de joyaux, mais est toujours incapable de s'échapper, jusqu'au jour où un animal sauvage lui montre un passage vers l'extérieur, au-dessus de l'océan. De là, un navire le recueille et le ramène à Bagdad, où il donne ses richesses aux pauvres et recommence à vivre une vie de plaisirs.
 Les plaisirs de la vie à Bagdad, dit-il, purent encore effacer de sa mémoire toutes ses souffrances, mais sans lui ôter l'envie d'entreprendre de nouveaux voyages.
 C'est pourquoi il achète des marchandises, qu'il fait emballer et charger sur des voitures. Pour avoir un navire à son commandement, il en fait construire et équiper un à ses frais. Dès qu'il fut achevé, il le fait charger. Il prend à bord plusieurs marchands de différentes nations, avec leurs marchandises.
 Après une longue navigation, ils abordent sur une île déserte où ils trouvent un œuf de Roc sur le point d'éclore : le bec commence à paraître...
 Les compagnons de Sindbad s'emparent alors du petit Roc pour le rôtir ce qui provoque la colère de ses parents.
 Plus tard, Sindbad, après avoir échappé aux Rocs, affronte le vieillard de la mer (en), un étrange vieillard qui tente de l'étouffer en mettant ses jambes autour de son cou. Sinbad fait du vin et le vieillard en boit et adore. Il termine la bouteille et de devient soûl et lâche Sinbad. Sinbad prend une grosse pierre et lui écrase la tête.
 Puis un navire le recueille et Sinbad est reparti en mer et s'échoue cette fois sur une île dont les rivières sont remplies de pierres précieuses dont les flots brillent d'ambre gris.
 Cependant, il n'y a aucune nourriture et ses compagnons meurent les uns après les autres, jusqu'à ce qu'il se retrouve seul. Il creuse sa tombe lui-même mais au moment où il croit mourir, il aperçoit un cours d'eau. Il fabrique une barque et étant fatigué, s'endort. Il trouve en se réveillant la ville du roi de Serendib (Sri Lanka). Le roi est curieux de ce que Sindbad lui raconte à propos de Haroun al-Rashid et lui demande d'apporter des présents de sa part à Bagdad : une coupe taillée dans un unique rubis, un lit fait de la peau du serpent qui avala un éléphant, cent mille pots d'aloès indienne, une jeune et belle esclave, et d'autres présents.
 Lorsque Sinbad retourne à Bagdad, le calife est très intéressé par ce qu'il lui dit de la terre du Serendib.
 Sinbad reprend la mer avec le résultat habituel.
 Perdu sur une île désolée, il se fabrique un radeau et flotte jusqu'à une grande ville. Là-bas, le chef des marchands marie Sinbad à sa fille, le nomme comme héritier et meurt.
 Les habitants de cette ville se transforment une fois par mois en oiseaux et Sinbad se fait porter par l'un d'eux jusqu'au plus haut du ciel, où il entend les anges glorifier Boodi. Cependant, l'entendant, les anges lui lancent du feu qui consume l'homme-oiseau. Les hommes-oiseaux sont fâchés contre Sinbad et l'isolent sur le sommet d'une montagne où deux jeunes, les servants d'Allah, lui donnent un bât.
 De retour en ville, Sinbad apprend par sa femme que les hommes-oiseaux sont maléfiques, mais qu'elle-même et son père ne sont pas comme eux. Suivant les suggestions de sa femme, Sinbad vend tous ses avoirs et retourne avec elle à Bagdad, où, finalement, il finit par vivre tranquille, ne recherchant plus d'aventures.
 Dans une seconde version du septième voyage (ou bien la deuxième partie du sixième voyage[1]), on ajoute que Sinbad se voit demander par le calife Haroun al-Rachid de retourner un cadeau au roi de Serendib. Bien que réticent à reprendre la mer, ses aventures ayant été assez malheureuses, Sinbad entreprend son seul voyage diplomatique. Le roi de Serendip est très heureux des cadeaux du calife et enrichit Sinbad de présents. Au retour, la catastrophe habituelle se produit : Sinbad est capturé et vendu comme esclave. Son maître lui demande de tuer des éléphants avec un arc et des flèches, ce qu'il fait jusqu'à ce que le roi des éléphants le transporte au cimetière des éléphants. Le maître de Sinbad est tellement heureux par la quantité d'ivoire qu'il y trouve qu'il libère Sinbad, lequel retourne à Bagdad riche en ivoire et en or.
 Les voyages de Sindbad relevant du merveilleux, déterminer leur cadre géographique exact est hasardeux. Toutefois, plusieurs spécialistes ont tenté d'en déterminer les destinations :
 René R. Khawam affirme qu'il est possible, sans grand risque d'erreur, de reconstituer les itinéraires de Sindbad[1],[8] :
 André Miquel, de son côté, propose une liste très différente[9] :",2000,Accueil; Portails thématiques; Article au hasard; Contact; Débuter sur Wikipédia; Aide; Communauté; Modifications récentes; ; Rechercher; en savoir plus; Contributions; Discussion; Article; Lire; Lire; Pages liées; Suivi des pages liées; Téléverser un fichier; Pages spéciales; ; Sinbad; ; ; ne cite pas suffisamment ses sources; vérifiabilité; Notes et références; Quelles sources sont attendues ?; Comment ajouter mes sources ?; ; persan; persan; éponyme; Bagdad; Abbassides; René R. Khawam; Afrique; Asie; Antoine Galland; Mille et Une Nuits; marins; océan Indien; Odyssée; Homère; indiennes; Hâroun ar-Rachîd; Ibn-Khourradâdhbîh; Antoine Galland; Joseph-Charles Mardrus; René R. 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Khawam; îles Cocos; Sumatra; malais; Célèbes; Madagascar; Bornéo; Rajang; Java; mer de Java; Belitung; orientale de l'Afrique; Somalie; Anjouan; archipel des Comores; archipel des Chagos; Bahreïn; cap Comorin; Madurai; Inde; Sri Lanka; détroit d'Ormuz; Chine; Tianjin; Japon; Kyūshū; André Miquel; Malaisie; îles de la Sonde; 1947; Sinbad le marin; film américain; Richard Wallace; 1958; Le Septième Voyage de Sinbad; Nathan Juran; 1963; Capitaine Sinbad; film germano; Byron Haskin; 1973; Le Voyage fantastique de Sinbad; Gordon Hessler; 1974; Sept Courts Métrages inspirés des Mille et une nuits; Karel Zeman; 1977; Sinbad et l'Œil du tigre; Sam Wanamaker; 1989; Sinbad; film italo; Enzo G. Castellari; Luigi Cozzi; 1996; 1998; Les Aventures de Sinbad; Ed Naha; 2003; Sinbad : La Légende des sept mers; film d'animation; Tim Johnson; 2010; Adam Silver; 2010; 2012; Sinbad; britannique; 2013; comédie musicale; 2014; Alex Mucchielli; 2014; Sinbad no bouken; 2016; Sinbad no bouken; pseudonymes; Edmond Dantès; Le Comte de Monte-Cristo; Alexandre Dumas; Le Voleur de Bagdad; 1940; [sɛ̃bad]; nasalisé; Magi; musée national de la Marine; astéroïde; (41488) Sindbad; nommé en l'honneur; Institut du monde arabe; 3 Souhaits; Mille et Une Nuits; Sonic and the Secret Rings; Knuckles; ISBN; 978-2-85940-767-4; OCLC; ISBN; 978-2-7529-0805-6; OCLC; Louis-Mathieu Langlès; Polyphème; Centre des planètes mineures; maharaja; persan; Notices d'autorité; ; Portail des contes et fables; ; Portail du monde arabe; ; Portail de l’Iran et du monde iranien; ; Portail de l’Irak; ; Portail du monde maritime; ; Portail de la littérature d’enfance et de jeunesse; Catégories; Conte des Mille et Une Nuits; Personnage des Mille et Une Nuits; Littérature de langue arabe; Littérature de langue persane; Littérature maritime; Conte adapté au cinéma; Conte adapté à la télévision; Bassorah; Éponyme d'un objet céleste; Article manquant de références depuis août 2013; Article manquant de références/Liste complète; Article manquant de références depuis septembre 2016; Article contenant un appel à traduction en anglais; Page utilisant P435; Page pointant vers des bases externes; Page pointant vers des bases relatives à la musique; Page utilisant P5905; Page pointant vers des bases relatives à la bande dessinée; Page utilisant P1417; Page utilisant P4342; Page pointant vers des dictionnaires ou encyclopédies généralistes; Article de Wikipédia avec notice d'autorité; Portail:Contes/Articles liés; Portail:Fantasy et fantastique/Articles liés; Portail:Littérature/Articles liés; Portail:Littérature d'enfance et de jeunesse/Articles liés; Portail:Légendaire/Articles liés; Portail:Culture/Articles liés; Portail:Monde arabe/Articles liés; Portail:Iran et monde iranien/Articles liés; Portail:Asie/Articles liés; Portail:Moyen-Orient/Articles liés; Portail:Irak/Articles liés; Portail:Maritime/Articles liés; Portail:Enfance/Articles liés; Droit d'auteur; crédits graphiques; comment citer les auteurs et mentionner la licence; 501(c)(3); À propos de Wikipédia; Avertissements,Catégories; Conte des Mille et Une Nuits; Personnage des Mille et Une Nuits; Littérature de langue arabe; Littérature de langue persane; Littérature maritime; Conte adapté au cinéma; Conte adapté à la télévision; Bassorah; Éponyme d'un objet céleste,/static/images/icons/wikipedia.png; /static/images/mobile/copyright/wikipedia-wordmark-fr.svg; /static/images/mobile/copyright/wikipedia-tagline-fr.svg; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/a9/Logo_disambig.svg/20px-Logo_disambig.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/3/38/Info_Simple.svg/12px-Info_Simple.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/a1/2017-fr.wp-orange-source.svg/45px-2017-fr.wp-orange-source.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/9/90/Sinbad_1.jpg/220px-Sinbad_1.jpg; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/a1/2017-fr.wp-orange-source.svg/25px-2017-fr.wp-orange-source.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/5/52/The_Valley_of_Diamonds_by_Maxfield_Parrish.jpg/220px-The_Valley_of_Diamonds_by_Maxfield_Parrish.jpg; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/7/73/Blue_pencil.svg/10px-Blue_pencil.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/7/73/Blue_pencil.svg/10px-Blue_pencil.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/7/73/Blue_pencil.svg/10px-Blue_pencil.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/7/73/Blue_pencil.svg/10px-Blue_pencil.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/5/5b/Circle-icons-magicwand.svg/24px-Circle-icons-magicwand.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/2/2b/Flag_of_the_Arab_League.svg/33px-Flag_of_the_Arab_League.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/d/d6/Flag-map_of_Iran_%28tricolour%29.svg/26px-Flag-map_of_Iran_%28tricolour%29.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/f/f6/Flag_of_Iraq.svg/33px-Flag_of_Iraq.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/d/d5/Circle-icons-anchor.svg/24px-Circle-icons-anchor.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/c/c5/Peter_Pan_by_nk.svg/13px-Peter_Pan_by_nk.svg.png; https://login.wikimedia.org/wiki/Special:CentralAutoLogin/start?type=1x1; /static/images/footer/wikimedia-button.svg; /w/resources/assets/poweredby_mediawiki.svg,https://en.wikipedia.org/wiki/Sinbad_the_Sailor,Sinbad the Sailor,https://en.wikipedia.org/wiki/Sinbad_the_Sailor,"Sinbad the Sailor (/ˈsɪnbæd/; Arabic: سندباد البحري, romanized: Sindibādu l-Bahriyy  or Sindbad) is a fictional mariner and the hero of a story-cycle. He is described as hailing from Baghdad during the early Abbasid Caliphate (8th and 9th centuries A.D.). In the course of seven voyages throughout the seas east of Africa and south of Asia, he has fantastic adventures in magical realms, encountering monsters and witnessing supernatural phenomena.
 The tales of Sinbad are a relatively late addition to the One Thousand and One Nights. They do not feature in the earliest 14th-century manuscript, and they appear as an independent cycle in 18th- and 19th-century collections. The tale reflects the trend within the Abbasid realm of Arab and Muslim sailors exploring the world. The stories display the folk and themes present in works of that time. The Abbasid reign was known as a period of great economic and social growth. Arab and Muslim traders would seek new trading routes and people to trade with. This process of growth is reflected in the Sinbad tales. The Sinbad stories take on a variety of different themes. Later sources include Abbasid works such as the ""Wonders of the Created World"", reflecting the experiences of 13th century Arab mariners who braved the Indian Ocean.[1]
 The Sinbad cycle is set in the reign of the Abbasid Caliph Harun al-Rashid (786–809). The Sinbad tales are included in the first European translation of the Nights, Antoine Galland's Les mille et une nuits, contes arabes traduits en français, an English edition of which appeared in 1711 as The new Arabian winter nights entertainments[2] and went through numerous editions throughout the 18th century.
 The earliest separate publication of the Sinbad tales in English found in the British Library is an adaptation as The Adventures of Houran Banow, etc. (Taken from the Arabian Nights, being the third and fourth voyages of Sinbad the Sailor.),[3] around 1770. An early US edition, The seven voyages of Sinbad the sailor. And The story of Aladdin; or, The wonderful lamp, was published in Philadelphia in 1794.[4] Numerous popular editions followed in the early 19th century, including a chapbook edition by Thomas Tegg. Its best known full translation was perhaps as tale 120 in Volume 6 of Sir Richard Burton's 1885 translation of The Book of the Thousand Nights and a Night.[5][6][7]
 Like the 1001 Nights, the Sinbad story-cycle has a frame story which goes as follows: in the days of Harun al-Rashid, Caliph of Baghdad, a poor porter (one who carries goods for others in the market and throughout the city) pauses to rest on a bench outside the gate of a rich merchant's house, where he complains to God about the injustice of a world which allows the rich to live in ease while he must toil and yet remain poor. The owner of the house hears and sends for the porter, finding that they are both named Sinbad. The rich Sinbad tells the poor Sinbad that he became wealthy ""by Fortune and Fate"" in the course of seven wondrous voyages, which he then proceeds to relate.
 After dissipating the wealth left to him by his father, Sinbad goes to sea to repair his fortune. He sets ashore on what appears to be an island, but this island proves to be a gigantic sleeping whale on which trees have taken root ever since the whale was young. Awakened by a fire kindled by the sailors, the whale dives into the depths, the ship departs without Sinbad, and Sinbad is only saved by a passing wooden trough sent by the grace of God. He is washed ashore on a densely wooded island. While exploring the deserted island, he comes across one of the king's grooms. When Sinbad helps save the king's mare from being drowned by a sea horse (not a seahorse, but a supernatural horse that lives underwater), the groom brings Sinbad to the king. The king befriends Sinbad, and he rises in the king's favor and becomes a trusted courtier. One day, the very ship on which Sinbad set sail docks at the island, and he reclaims his goods (still in the ship's hold). Sinbad gives the king his goods and in return the king gives him rich presents. Sinbad sells these presents for a great profit. Sinbad returns to Baghdad, where he resumes a life of ease and pleasure. With the ending of the tale, Sinbad the sailor makes Sinbad the porter a gift of a hundred gold pieces and bids him return the next day to hear more about his adventures.
 On the second day of Sinbad's tale-telling (but the 549th night of Scheherazade's), Sinbad the sailor tells how he grew restless of his life of leisure, and set to sea again, ""possessed with the thought of traveling about the world of men and seeing their cities and islands."" Accidentally abandoned by his shipmates again, he finds himself stranded in an island which contains roc eggs. He attaches himself with the help of his turban to a roc and is transported to a valley of giant snakes which can swallow elephants; these serve as the rocs' natural prey. The floor of the valley is carpeted with diamonds, and merchants harvest these by throwing huge chunks of meat into the valley: the birds carry the meat back to their nests, and the men drive the birds away and collect the diamonds stuck to the meat. The wily Sinbad straps one of the pieces of meat to his back and is carried back to the nest along with a large sack full of precious gems. Rescued from the nest by the merchants, he returns to Baghdad with a fortune in diamonds, seeing many marvels along the way.
 Sinbad sets sail again from Basra. But by ill chance, he and his companions are cast up on an island where they are captured by a ""huge creature in the likeness of a man, black of colour, ... with eyes like coals of fire and large canine teeth like boar's tusks and a vast big gape like the mouth of a well. Moreover, he had long loose lips like camel's, hanging down upon his breast, and ears like two Jarms falling over his shoulder-blades, and the nails of his hands were like the claws of a lion."" This monster begins eating the crew, beginning with the Reis (captain), who is the fattest. (Burton notes that the giant ""is distinctly Polyphemus"".)
 Sinbad hatches a plan to blind the beast with the two red-hot iron spits with which the monster has been kebabbing and roasting the ship's company. He and the remaining men escape on a raft they constructed the day before. However, the giant's mate hits most of the escaping men with rocks and they are killed. After further adventures (including a gigantic python from which Sinbad escapes using his quick wits), he returns to Baghdad, wealthier than ever.
 Impelled by restlessness, Sinbad takes to the seas again and, as usual, is shipwrecked. The naked savages amongst whom he finds himself feed his companions a herb which robs them of their reason (Burton theorises that this might be bhang), prior to fattening them for the table. Sinbad realises what is happening and refuses to eat the madness-inducing plant. When the cannibals lose interest in him, he escapes. A party of itinerant pepper-gatherers transports him to their own island, where their king befriends him and gives him a beautiful and wealthy wife.
 Too late Sinbad learns of a peculiar custom of the land: on the death of one marriage partner, the other is buried alive with his or her spouse, both in their finest clothes and most costly jewels. Sinbad's wife falls ill and dies soon after, leaving Sinbad trapped in a cavern, a communal tomb, with a jug of water and seven pieces of bread. Just as these meagre supplies are almost exhausted, another couple—the husband dead, the wife alive—are dropped into the cavern. Sinbad bludgeons the wife to death and takes her rations.
 Such episodes continue; soon he has a sizable store of bread and water, as well as the gold and gems from the corpses, but is still unable to escape, until one day a wild animal shows him a passage to the outside, high above the sea. From here, a passing ship rescues him and carries him back to Baghdad, where he gives alms to the poor and resumes his life of pleasure.
 Burton's footnote comments: ""This tale is evidently taken from the escape of Aristomenes the Messenian from the pit into which he had been thrown, a fox being his guide. The Arabs in an early day were eager students of Greek literature."" Similarly, the first half of the voyage resembles the Circe episode in The Odyssey, with certain differences: while a plant robs Sinbad's men of their reason in the Arab tales, it is Circe's magic which ""fattened"" Odysseus' men in The Odyssey. It is in an earlier episode, featuring the 'Lotus Eaters', that Odysseus' men are fed a similar magical fruit which robs them of their senses.
 ""When I had been a while on shore after my fourth voyage; and when, in my comfort and pleasures and merry-makings and in my rejoicing over my large gains and profits, I had forgotten all I had endured of perils and sufferings, the carnal man was again seized with the longing to travel and to see foreign countries and islands."" Soon at sea once more, while passing a desert island Sinbad's crew spots a gigantic egg that Sinbad recognizes as belonging to a roc. Out of curiosity, the ship's passengers disembark to view the egg. They end up breaking it and have the chick inside as a meal. Sinbad immediately recognizes the folly of their behaviour and orders all back aboard ship. However, the infuriated parent rocs soon catch up with the vessel and destroy it by dropping giant boulders they have carried in their talons.[8]
 Shipwrecked yet again, Sinbad is enslaved by the Old Man of the Sea, who rides on his shoulders with his legs twisted round Sinbad's neck and will not let go, riding him both day and night until Sinbad would welcome death. (Burton's footnote discusses possible origins for the old man—the orang-utan, the Greek god Triton—and favours the African custom of riding on slaves in this way).[9]
 Eventually, Sinbad makes wine and tricks the Old Man into drinking some. Sinbad kills him after he drunkenly falls off. A ship carries him to the City of the Apes, a place whose inhabitants spend each night in boats off-shore, while their town is abandoned to man-eating apes. Yet through the apes, Sinbad recoups his fortune and eventually finds a ship which takes him home once more to Baghdad.
 ""My soul yearned for travel and traffic"". Sinbad is shipwrecked yet again, this time quite violently as his ship is dashed to pieces on tall cliffs. There is no food to be had anywhere, and Sinbad's companions die of starvation until only he is left. He builds a raft and discovers a river running out of a cavern beneath the cliffs. The stream proves to be filled with precious stones and it becomes apparent that the island's streams flow with ambergris. He falls asleep as he journeys through the darkness and awakens in the city of the king of Serendib (Sri Lanka/Ceylon), ""diamonds are in its rivers and pearls are in its valleys"". The king marvels at what Sinbad tells him of the great Haroun al-Rashid, and asks that he take a present back to Baghdad on his behalf, a cup carved from a single ruby, with other gifts including a bed made from the skin of the serpent that swallowed an elephant[a] (""And whoso sitteth upon it never sickeneth""), and ""A hundred thousand miskals of Sindh lign-aloesa."", and a slave-girl ""like a shining moon"". Sinbad returns to Baghdad, where the Caliph wonders greatly at the reports Sinbad gives of Serendib.
 The ever-restless Sinbad sets sail once more, with the usual result. Cast up on a desolate shore, he constructs a raft and floats down a nearby river to a great city. Here the chief of the merchants gives Sinbad his daughter in marriage, names him his heir, and conveniently dies. The inhabitants of this city are transformed once a month into birds, and Sinbad has one of the bird-people carry him to the uppermost reaches of the sky, where he hears the angels glorifying God, ""whereat I wondered and exclaimed, 'Praised be God! Extolled be the perfection of God!'"". But no sooner are the words out than there comes fire from heaven which all but consumes the bird-men. The bird-people are angry with Sinbad and set him down on a mountain-top, where he meets two youths, servants of God who give him a golden staff; returning to the city, Sinbad learns from his wife that the bird-men are devils, although she and her father were not of their number. And so, at his wife's suggestion, Sinbad sells all his possessions and returns with her to Baghdad, where at last he resolves to live quietly in the enjoyment of his wealth, and to seek no more adventures.
 Burton includes a variant of the seventh tale, in which Haroun al-Rashid asks Sinbad to carry a return gift to the king of Serendib. Sinbad replies, ""By Allah the Omnipotent, Oh my lord, I have taken a loathing to wayfare, and when I hear the words 'Voyage' or 'Travel,' my limbs tremble"". He then tells the Caliph of his misfortune-filled voyages; Haroun agrees that with such a history ""thou dost only right never even to talk of travel"". Nevertheless, at the Caliph's command, Sinbad sets forth on this, his uniquely diplomatic voyage. The king of Serendib is well pleased with the Caliph's gifts (which include, among other things, the food tray of King Solomon) and showers Sinbad with his favour. On the return voyage, the usual catastrophe strikes: Sinbad is captured and sold into slavery. His master sets him to shooting elephants with a bow and arrow, which he does until the king of the elephants carries him off to the elephants' graveyard. Sinbad's master is so pleased with the huge quantities of ivory in the graveyard that he sets Sinbad free, and Sinbad returns to Baghdad, rich with ivory and gold. ""Here I went in to the Caliph and, after saluting him and kissing hands, informed him of all that had befallen me; whereupon he rejoiced in my safety and thanked Almighty Allah; and he made my story be written in letters of gold. I then entered my house and met my family and brethren: and such is the end of the history that happened to me during my seven voyages. Praise be to Allah, the One, the Creator, the Maker of all things in Heaven and Earth!"".
 Some versions return to the frame story, in which Sinbad the Porter may receive a final generous gift from Sinbad the Sailor. In other versions the story cycle ends here, and there is no further mention of Sinbad the Porter.
 Sinbad's quasi-iconic status in Western culture has led to his name being recycled for a wide range of uses in both serious and not-so-serious contexts, frequently with only a tenuous connection to the original tales. Many films, television series, animated cartoons, novels, and video games have been made, most of them featuring Sinbad not as a merchant who stumbles into adventure, but as a dashing dare-devil adventure-seeker.
 Note: Sinbad was mentioned, but did not actually appear, in the Season 3 episode Been There, Done That of Xena Warrior Princess when one of the story's lovers tells Xena that he was hoping that Hercules would have appeared to save his village from its curse.
 Note: A pair of foreign films that had nothing to do with the Sinbad character were released in North America, with the hero being referred to as ""Sinbad"" in the dubbed soundtrack. The 1952 Russian film Sadko (based on Rimsky-Korsakov's opera Sadko) was overdubbed and released in English in 1962 as The Magic Voyage of Sinbad, while the 1963 Japanese film Dai tozoku (whose main character was a heroic pirate named Sukezaemon) was overdubbed and released in English in 1965 as The Lost World of Sinbad.[citation needed]",2723,"Main page; Contents; Current events; About Wikipedia; Help; Learn to edit; Community portal; Upload file; ; learn more; Article; Talk; Read; Read; Upload file; Sinbad (disambiguation); ; Milo Winter; /ˈsɪnbæd/; Arabic; romanized; story-cycle; Baghdad; Abbasid Caliphate; supernatural phenomena; One Thousand and One Nights; Abbasid; Indian Ocean; ; Abbasid Caliph; Harun al-Rashid; Antoine Galland; Les mille et une nuits; British Library; chapbook; Thomas Tegg; Richard Burton; The Book of the Thousand Nights and a Night; frame story; Harun al-Rashid; Caliph; Baghdad; sleeping whale on which trees have taken root; seahorse; ; Maxfield Parrish; Scheherazade; roc; Baghdad; ; Henry Justice Ford; Reis; Polyphemus; bhang; for the table; Aristomenes; Messenian; Arabs; Greek literature; Circe; Odysseus; ; roc; Old Man of the Sea; orang-utan; Greek; god Triton; ; ambergris; Serendib; Sri Lanka; Haroun al-Rashid; Baghdad; Sindh; ; Sinbad the Sailor; Ub Iwerks; Popeye the Sailor Meets Sindbad the Sailor; animated cartoon; short subject; Popeye Color Feature; Technicolor; Paramount Pictures; Max Fleischer; Fleischer Studios; Dave Fleischer; Sinbad; animated film; Arabian Nights; Golden Films; Sinbad: Beyond the Veil of Mists; computer animation; motion capture; Sinbad: Legend of the Seven Seas; animated; adventure film; DreamWorks Animation; DreamWorks Pictures; traditional animation; computer animation; Tim Johnson; A Thousand and One Nights; Osamu Tezuka; One Thousand and One Nights; Pohádky Tisíce a Jedné Noci; Karel Zeman; Doraemon: Nobita's Dorabian Nights; Sinbad (film trilogy); Nippon Animation; The Adventures of Sinbad; 2D animated; Arabian Nights; adventure film; John Rawlins; Sabu; Maria Montez; Jon Hall; Leif Erickson; The Book of One Thousand and One Nights; Universal Pictures; The Thief of Bagdad; Sinbad the Sailor; Technicolor; fantasy film; Richard Wallace; Douglas Fairbanks Jr.; Maureen O'Hara; Walter Slezak; Anthony Quinn; Alexander the Great; Son of Sinbad; adventure film; Ted Tetzlaff; Middle East; The 7th Voyage of Sinbad; Technicolor; heroic fantasy; adventure film; Nathan H. 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in Arabian Nights; Arabian Nights; Thief of Baghdad; 1001 Nights; Le calife de Bagdad; Abu Hassan; Ali Baba (Cherubini); Der Barbier von Bagdad; La statue; Ali-Baba (Lecocq); Mârouf, savetier du Caire; Scheherazade; Aladdin; Recollections of the Arabian Nights; The Thousand-and-Second Tale of Scheherazade; New Arabian Nights; Slaves of Sleep; The Eighth Voyage of Sindbad; Dunyazadiad; Arabian Nights and Days; The Last Voyage of Somebody the Sailor; Two Years Eight Months and Twenty-Eight Nights; Stories (Burton translation); Works influenced by; Ghoul; Ifrit; Jinn; Magic carpet; Open sesame; Roc (rukh); Shahrokh; Aladdin (franchise); The Thief and the Cobbler; One Hundred and One Nights; Authority control databases; Categories; Adventure film characters; Basra; Fictional Muslims; Fictional businesspeople; Fictional Iraqi people; Fictional people from Baghdad; Fictional sailors; Fiction set in the 8th century; Fiction set in the 9th century; Iraqi folklore; Male characters in fairy tales; Male characters in literature; Maritime folklore; Medieval Arabic literature; Medieval legends; One Thousand and One Nights characters; People whose existence is disputed; Roc (mythology); Sinbad the Sailor; Adventure characters; Frame stories; Heroes in mythology and legend; Articles with short description; Short description matches Wikidata; Use dmy dates from March 2015; Articles containing Arabic-language text; Articles containing Italian-language text; All articles with unsourced statements; Articles with unsourced statements from November 2022; Wikipedia articles incorporating a citation from the 1911 Encyclopaedia Britannica with Wikisource reference; Commons category link is on Wikidata; Articles containing video clips; Creative Commons Attribution-ShareAlike 4.0 License; About Wikipedia; Disclaimers",Categories; Adventure film characters; Basra; Fictional Muslims; Fictional businesspeople; Fictional Iraqi people; Fictional people from Baghdad; Fictional sailors; Fiction set in the 8th century; Fiction set in the 9th century; Iraqi folklore; Male characters in fairy tales; Male characters in literature; Maritime folklore; Medieval Arabic literature; Medieval legends; One Thousand and One Nights characters; People whose existence is disputed; Roc (mythology); Sinbad the Sailor; Adventure characters; Frame stories; Heroes in mythology and legend,/static/images/icons/wikipedia.png; /static/images/mobile/copyright/wikipedia-wordmark-en.svg; /static/images/mobile/copyright/wikipedia-tagline-en.svg; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/8/8c/Having_balanced_my_cargo_exactly.jpg/220px-Having_balanced_my_cargo_exactly.jpg; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/e/ea/South_Indian_Tales_of_Sindbad_16th_Century.jpg/220px-South_Indian_Tales_of_Sindbad_16th_Century.jpg; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/5/52/The_Valley_of_Diamonds_by_Maxfield_Parrish.jpg/220px-The_Valley_of_Diamonds_by_Maxfield_Parrish.jpg; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/9/94/HJFord-giant-enters.JPG/220px-HJFord-giant-enters.JPG; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/b/b0/Sinbad_the_Sailor_%285th_Voyage%29.jpg/220px-Sinbad_the_Sailor_%285th_Voyage%29.jpg; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/9/90/Sinbad_1.jpg/220px-Sinbad_1.jpg; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/5/58/This_is_titled_%22The_Caravan%22_from_%22Sinbad%27s_Seventh_and_Last_Voyage.%22_I_like_the_camel..jpg/220px-This_is_titled_%22The_Caravan%22_from_%22Sinbad%27s_Seventh_and_Last_Voyage.%22_I_like_the_camel..jpg; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/2/25/William-Strang-Sindbad-AliBaba-titlepage.JPG/220px-William-Strang-Sindbad-AliBaba-titlepage.JPG; //upload.wikimedia.org/wikipedia/en/thumb/4/4a/Commons-logo.svg/30px-Commons-logo.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/en/thumb/8/8a/OOjs_UI_icon_edit-ltr-progressive.svg/10px-OOjs_UI_icon_edit-ltr-progressive.svg.png; https://login.wikimedia.org/wiki/Special:CentralAutoLogin/start?type=1x1; /static/images/footer/wikimedia-button.svg; /w/resources/assets/poweredby_mediawiki.svg
Le Petit Poucet,https://fr.wikipedia.org/wiki/Le_Petit_Poucet,"Pour les articles homonymes, voir Le Petit Poucet (homonymie).
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 Le Petit Poucet est un conte appartenant à la tradition orale, retranscrit et transformé par Charles Perrault en France et paru dans Les Contes de ma mère l'Oye, en 1697. C'est également le nom du personnage principal de ce conte.
 Un bûcheron et sa femme n'ont plus de quoi nourrir leurs sept garçons. Un soir, alors que les enfants dorment, les parents se résignent, la mort dans l'âme, à les perdre dans la forêt. Heureusement, le plus petit de la fratrie, âgé de sept ans, surnommé Petit Poucet en raison de sa petite taille (et le moins aimé et considéré de la famille), espionne la conversation. Prévoyant, il se munit de petits cailloux blancs qu'il laissera tomber un à un derrière afin que lui et ses frères puissent retrouver leur chemin. Le lendemain, le père met son sinistre plan à exécution. Mais le Petit Poucet et ses frères regagnent vite leur logis grâce aux cailloux semés en chemin. Les parents sont heureux de les revoir car, entre-temps, le seigneur du village avait enfin remboursé aux bûcherons l'argent qu'il leur devait.
 Mais ce bonheur ne dure que le temps de cette prospérité éphémère. Lorsqu'ils se retrouvent dans la pauvreté première, les parents décident à nouveau d'abandonner leurs sept enfants dans la forêt. Ils s'assurent de fermer la porte de la maison à clef afin que le Petit Poucet ne puisse pas aller ramasser des cailloux. Il tente donc à la place, au moment du trajet, de laisser tomber des petits morceaux du pain que leur mère leur a donné à lui et à ses frères, mais le pain est mangé par des oiseaux. C'est ainsi que lui et ses frères se retrouvent perdus dans la forêt. Ils arrivent alors devant une chaumière et demandent à y loger. La femme habitant en cette maison essaie de les persuader de ne pas entrer puisque son mari est un ogre qui mange les petits enfants. Mais le Petit Poucet, préférant l'ogre aux loups de la forêt, insiste pour y entrer avec ses frères. Le soir venu, la femme les cache sous un lit, mais son ogre de mari attiré par une « odeur de chair fraîche » a vite fait de découvrir la cachette des jeunes enfants. Elle réussit toutefois à le convaincre de remettre au lendemain son festin.
 Les petits sont ensuite couchés dans la chambre des sept filles de l'ogre. Durant la nuit, Poucet échange son bonnet et celui de ses frères contre les couronnes d'or des filles de l'ogre, dans l'éventualité où l'ogre exécuterait son forfait pendant leur sommeil. En effet, l'ogre entre dans la chambre pendant la nuit, et, croyant que ce sont les sept garçons, tue ses sept filles. L'ogre retourne se coucher, les petits s'enfuient et l'ogre fou de rage part à leur recherche en enfilant ses bottes de sept lieues. Fatigué, il s'assied sur la pierre sous laquelle les enfants se sont cachés et s'endort. Le Petit Poucet convainc ses frères de rentrer à leur maison tandis qu'il enfile les bottes de sept lieues et court jusqu'à la chaumière de l'ogre pour récupérer son trésor. Ses parents ne sont alors plus obligés d'abandonner leurs enfants et la famille est heureuse.
 Charles Perrault propose une seconde fin, en se référant à des « témoignages ». Dans la seconde fin, le Petit Poucet se contente de voler les bottes de sept lieues car elles permettent à l'ogre de courir derrière les enfants. Sur son chemin, il croise l'armée du roi et transmet un message à ce dernier. Il devient alors messager du roi. Il revient à sa demeure où il est accueilli avec joie des années plus tard. Il établit son père, ses frères et lui-même en achetant des offices à chacun.
 « On ne s'afflige point d'avoir beaucoup d'enfants,
 Paul Delarue, puis Marie-Louise Tenèze, entre autres, ont signalé que le nom de Poucet renvoie en fait à deux contes-types différents[1] :
 C'est dans la version AT 700 que la petite taille du Poucet est réellement justifiée, et non dans la version de Perrault, où elle n'intervient que très accessoirement. Ce conte est souvent intitulé en France Grain-de-Mil, Grain-de-Millet, etc., et comporte le motif du Poucet laboureur qui serait selon Gaston Paris l'épisode central et peut-être le plus ancien du conte[1].
 Les contes traditionnels, transmis par la tradition orale, ont une origine très ancienne, et Le Petit Poucet ne fait pas exception à la règle : la misère chez le petit peuple est un fait qui traverse les siècles. La version de Charles Perrault paraît dans le contexte des grandes famines du règne de Louis XIV. Elle met plus particulièrement l'accent sur la précarité de la vie paysanne et sur la condition de l'enfant, qui était généralement le premier sacrifié en cas de malheur.
 Entre la seconde moitié du XVIIe et le début du XVIIIe siècle, période au cours de laquelle Charles Perrault publie la première édition de son conte (1697), l'Europe et la France en particulier, sont au plus fort du petit âge glaciaire, avec un premier minimum climatique en 1650. Les étés sont pluvieux, les hivers extrêmement rigoureux et les famines endémiques : les historiens en recensent en 1660, 1661, 1662, 1675[2]. En 1693, l'hiver est marqué par une famine générale. En 1715, l'hiver est sibérien, la Seine est complètement gelée. Et ce n'est que la répétition de l'hiver 1705, au cours duquel la mer s'est transformée en banquise le long des côtes. Le sol gèle sur 70 cm de profondeur. Tout est perdu : récoltes, fruits, vin. Le gibier est mort et les loups, fait rare, s'attaquent aux hommes. Il serait nécessaire d'acheter du blé à l'étranger, mais les guerres ruineuses de Louis XIV ont épuisé le Trésor.
 Le personnage du Petit Poucet s'inspirerait de Pons Gontaut de Biron, surnommé Pouce Poncet en raison de sa petite taille[3]. Aîné de dix enfants d'une famille ruinée issue de la lignée de Gontaut, il passe son enfance dans la famine et l'isolement au château de Biron, situé au milieu d'une forêt du Périgord noir et alors délabré.
 Mais le jeune homme, ambitieux, épouse la nièce du cardinal d’Amboise et devient gentilhomme de la chambre du roi Charles VIII, qu’il accompagne en Italie, lors de la conquête de Naples en 1495. Enrichi par ces batailles, Pons Gontaud revient en Périgord, où il importe la Renaissance italienne. Au XVIIe siècle, son descendant Charles-Armand de Gontaut-Biron raconte à Versailles l'histoire de son ancêtre à son ami Charles Perrault qui s'en serait inspiré pour créer son personnage[4],[5].
 Tout comme dans Hansel et Gretel, le conte du Petit Poucet est un conte sur le refus de son sort, les enfants cherchant à éviter la mort qu'un adulte accepterait avec résignation. C'est aussi la victoire de la civilisation sur l'animalité, le Petit Poucet étant un personnage particulièrement cérébral préférant se faire manger par « monsieur » que par le loup.
 C'est une grande chance pour le Petit Poucet de finalement n'être mangé par personne. Comme pour le Petit Chaperon rouge, le conte porte avant tout sur les capacités de ruse et de dissimulation, l'ogre confondant le Petit Poucet et ses frères avec ses propres filles.
 La trame de ce conte répond parfaitement aux lois du genre : Poucet est le dernier d'une famille de sept enfants, il est malingre et considéré comme un niais car il ne parle presque pas, mais il écoute.
 Le thème du Petit Poucet tourne autour de l'idée de manger ou d'être mangé :
 Le détail obscène de la triple portion de viande fait des parents une anticipation de l'Ogre ; Poucet et ses frères échappent aux loups pour tomber dans un péril plus grand encore : la maison de l'Ogre, où ils se font engraisser pour être meilleurs à manger…
 Psychologiquement, cette faim insatiable représente la pulsion bête, mais pleine de force et de vitalité. Seul le petit Poucet parvient à se dégager de ce besoin primaire. Pour cela, il va utiliser ses sens supérieurs reliés à l'intelligence, c'est-à-dire ses yeux et ses oreilles :
 Il est aussi malin et exploite tous les ressorts de la ruse :
 Que font les imbéciles du conte ? Ils mangent et ils dorment. Les parents rêvent de manger, les frères dorment quand il y a péril, et l'Ogre tue ses propres filles et s'assoupit.
 Au-delà du thème oral proprement dit, l'histoire du petit Poucet exalte la victoire du « marmot », dernier des fils d'un pauvre bûcheron, d'abord méprisé et qui, pourtant, triomphe de l'Ogre.
 Certaines thématiques du Petit Poucet sont à rapprocher du mythe grec du labyrinthe :
 La victoire du faible sur le fort grâce au courage et à l'intelligence est à rapprocher de l'épisode de David, simple berger, contre Goliath dans l'Ancien Testament. À la suite de sa victoire, David deviendra roi.
 Le Petit Poucet est une scène animée et un livre animé géant d'Armand Langlois
 Dans le langage courant du sport, l'image du Petit Poucet est reprise pour désigner un outsider ou le club qui évolue dans la plus basse division encore en lice dans une coupe.
 Alphonse Allais a fait malicieusement référence au Petit Poucet dans cette fable-express gentiment scatologique :
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château de Biron; Périgord noir; cardinal d’Amboise; gentilhomme de la chambre; Charles VIII; Italie; Naples; Renaissance italienne; Charles-Armand de Gontaut-Biron; Versailles; ; travail inédit; non vérifiées; Hansel et Gretel; Petit Chaperon rouge; loups; Ogre; pulsion; bottes de sept lieues; ; travail inédit; non vérifiées; mythe grec; labyrinthe; Thésée; Ariane; Dédale; David; Goliath; Ancien Testament; Baba Yaga; Hansel et Gretel; Jean-Claude Mourlevat; 1901; Pathé Frères; 1909; Segundo de Chomón; 1912; Le Petit Poucet; Louis Feuillade; 1972; Le Petit Poucet; Michel Boisrond; 1996; 2001; Le Petit Poucet; Olivier Dahan; 2012; Le Petit Poucet; Marina de Van; 1930; Thérèse Lenôtre; Maurice Ravel; Ma mère l'Oye; Émilie Jolie; Philippe Chatel; Henri Salvador; Yves Simon; Séverine Vincent; livre animé; Armand Langlois; L'Enfant Océan; Jean-Claude Mourlevat; Editions Syros; Richard Di Martino; Bamboo Édition; Tarek; Aurélien Morinière; Calvo; éditions du Castor; Efteling; bois des Contes; 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/static/images/footer/wikimedia-button.svg; /w/resources/assets/poweredby_mediawiki.svg,https://en.wikipedia.org/wiki/Hop-o%27-My-Thumb,Hop-o'-My-Thumb,https://en.wikipedia.org/wiki/Hop-o%27-My-Thumb,"Hop-o'-My-Thumb (Hop-on-My-Thumb), or Hop o' My Thumb, also known as Little Thumbling, Little Thumb, or Little Poucet (French: Le Petit Poucet), is one of the eight fairytales published by Charles Perrault in Histoires ou Contes du temps passé (1697), now world-renowned.[1][2] It is Aarne-Thompson type 327B, the small boy defeats the ogre.[3] This type of fairytale, in the French oral tradition, is often combined with motifs from the type 327A, similar to Hansel and Gretel; one such tale is The Lost Children.[4]
 The story was first published in English as Little Poucet in Robert Samber's 1729 translation of Perrault's book, ""Histories, or Tales of Past Times"". In 1764, the name of the hero was changed to Little Thumb. In 1804, William Godwin, in ""Tabart's Collection of Popular Stories for the Nursery"", retitled it Hop o' my Thumb, a term that was common in the 16th century, referring to a tiny person.[5]
 Hop-o'-My-Thumb (le petit Poucet) is the youngest of seven children in a poor woodcutter's family. His greater wisdom compensates for his smallness of size. When the children are abandoned by their parents, he finds a variety of means to save his life and the lives of his brothers. After being threatened and pursued by an ogre, Poucet steals his magic seven-league boots while the monster is sleeping.
 A poor woodcutter and his wife are no longer able to support their children and intend to abandon them in a forest. Hop-o'-My-Thumb, overhearing his parents, plans ahead and collects small white pebbles from a river. He uses the stones to mark a trail that enables him to successfully lead his brothers back home. However, the second time round, he uses breadcrumbs instead, which the birds eat up.
 The brothers are lost in the woods. Hop-o'-My-Thumb climbs up a tree and spots a distant light. The boys walk towards it. They come at last to a house, and learn that it belongs to an ogre. Hop-o'-My-Thumb, fearing the wolves, decides to take the risk of staying in the monster's residence.
 The ogre allows the boys to sleep for the night, and provides a bed for them in his daughters' room. But the ogre wakes up not too long after, and prepares to kill them in their slumber. Hop-o'-My-Thumb, who anticipated the possibility, already planned ahead and replaced the daughters' gold crowns with the bonnets worn by him and his brothers. As a result, the ogre kills his daughters instead, and goes back to bed. Once he is snoring, Hop-o'-My-Thumb directs his siblings out of the house.
 The ogre wakes up in the morning to discover his grave mistake, puts on his seven-league boots, and races after the boys. They spot the ogre while walking. Hop-o'-My-Thumb once again thinks fast and hides in a small nearby cave. The ogre, who is tired, happens to rest close to their hiding spot. Hop-o'-My-Thumb instructs his brothers to make their way home, and meanwhile, removes the boots from the sleeping ogre. He puts them on, and the boots, being magical, resize to fit him.
 Hop-o'-My-Thumb uses the boots to make a fortune, and returns to his family's home, where they live happily ever after.
 The French folktale was first published by Charles Perrault as Le petit Poucet in Histoires ou contes du temps passé in 1697. The French name for the hero, ""Poucet"" /pusɛ/, derives from the French word ""pouce"" /pus/, which means ""thumb"", ""big toe"", or ""inch"". The suffix ""-t"" gives it an affectionate touch, given the morphemes of the language.
 The beginning mentions that ""le petit Poucet"" was no bigger than a man's thumb when he was born. However, it seems that for the remainder of the story, the protagonist is just a small child, and the tale bears no resemblance to Tom Thumb. As is the nature of traditional stories, passed on orally, the beginning passage might be a remnant from an older tale, ancestral to both Hop-o'-My-Thumb and Tom Thumb.
 The first half of Hop-o'-My-Thumb is very similar to Hansel and Gretel. The woodcutter parents are no longer able to support their children and abandon them. The hero lays a trail of breadcrumbs, which thanks to the birds, does not help him get back home. Such laying of trail is found in many stories, one of the oldest being Theseus and the Minotaur.
 The second half of the story involves an ogre, which the hero outsmarts. It bears resemblance to Sweetheart Roland and Themisto.[6]
 Gustave Doré contributed 11 illustrations to an 1862 edition of Perrault's book, Les Contes de Perrault.[9]
 Heinrich Leutemann and Carl Offterdinger illustrated a German fairytale collection, Mein erstes Märchenbuch (My first Fairytale Book), published at the end of the 19th century. Another German illustrator was Alexander Zick.",789,"Main page; Contents; Current events; About Wikipedia; Help; Learn to edit; Community portal; Upload file; ; learn more; Article; Talk; Read; Read; Upload file; ; Gustave Doré; Aarne–Thompson; France; Histoires ou contes du temps passé; The Lost Children; Hansel and Gretel; French; fairytales; Charles Perrault; Histoires ou Contes du temps passé; Aarne-Thompson; ogre; Hansel and Gretel; The Lost Children; Robert Samber; William Godwin; ogre; seven-league boots; ; Gustave Doré; ; Charles Perrault; Histoires ou contes du temps passé; Tom Thumb; Theseus and the Minotaur; Sweetheart Roland; Themisto; ; Efteling; ; Marina de Van; a film with the same title; The Sleeping Beauty; Ma mère l'oye; Laura E. Richards; Steve Rasnic Tem; Gustave Doré; ; ; ; ; ; ; ; ; ; ; ; Heinrich Leutemann; Carl Offterdinger; Alexander Zick; ; ; ; France portal; Children's literature portal; Thumbling; Tom Thumb; Molly Whuppie; Momotarō; Hansel and Gretel; Buttercup; The Flea; Patufet; Ivasyk-Telesyk; Issun-bōshi; Opie, Iona and Peter; Oxford University Press; Wayback Machine; Opie, Iona and Peter; Oxford University Press; Opie, Iona and Peter; Oxford University Press; Variety; Opie, Iona and Peter; Oxford University Press; ; ; Wayback Machine; v; t; Charles Perrault; Histoires ou contes du temps passé; The Ridiculous Wishes; Donkeyskin; Cinderella; Little Red Riding Hood; Sleeping Beauty; Puss in Boots; Bluebeard; Diamonds and Toads; Riquet with the Tuft; ; Marie-Jeanne L'Héritier; Brothers Grimm; Authority control databases; Categories; French fairy tales; Works by Charles Perrault; Fictional ogres; Child characters in fairy tales; Male characters in fairy tales; Fiction about filicide; ATU 300-399; Webarchive template wayback links; Articles with short description; Short description is different from Wikidata; Articles containing French-language text; Commons category link is on Wikidata; Creative Commons Attribution-ShareAlike 4.0 License; About Wikipedia; Disclaimers",Categories; French fairy tales; Works by Charles Perrault; Fictional ogres; Child characters in fairy tales; Male characters in fairy tales; Fiction about filicide; ATU 300-399,/static/images/icons/wikipedia.png; /static/images/mobile/copyright/wikipedia-wordmark-en.svg; /static/images/mobile/copyright/wikipedia-tagline-en.svg; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/2/26/Poucet9.jpg/220px-Poucet9.jpg; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/d/d0/Poucet1.JPG/220px-Poucet1.JPG; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/0/02/Clouzier_-_1697_-_Le_Petit_Poucet.png/220px-Clouzier_-_1697_-_Le_Petit_Poucet.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/0/01/Kleinduimpje_Efteling.jpg/220px-Kleinduimpje_Efteling.jpg; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/3/3d/Klein_Duimpje_Efteling.jpg/220px-Klein_Duimpje_Efteling.jpg; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/d/d0/Poucet1.JPG/141px-Poucet1.JPG; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/8/88/Poucet2.JPG/140px-Poucet2.JPG; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/9/9d/Poucet3.JPG/141px-Poucet3.JPG; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/4/40/Poucet4.JPG/150px-Poucet4.JPG; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/2/2b/Poucet5.JPG/144px-Poucet5.JPG; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/7/7f/Poucet6.JPG/146px-Poucet6.JPG; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/4/47/Poucet7.JPG/143px-Poucet7.JPG; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/c/c3/Poucet8.JPG/143px-Poucet8.JPG; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/2/26/Poucet9.jpg/144px-Poucet9.jpg; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/f/fa/Poucet10.jpg/150px-Poucet10.jpg; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/c/c8/Poucet11.jpg/150px-Poucet11.jpg; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/d/dd/Der_kleine_Daumling_%281%29.jpg/126px-Der_kleine_Daumling_%281%29.jpg; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/f/ff/Der_kleine_Daumling_%282%29.jpg/127px-Der_kleine_Daumling_%282%29.jpg; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/1/13/D%C3%A4umling.jpg/127px-D%C3%A4umling.jpg; //upload.wikimedia.org/wikipedia/en/thumb/c/c3/Flag_of_France.svg/32px-Flag_of_France.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/1/1d/Tom_Sawyer_1876_frontispiece.jpg/20px-Tom_Sawyer_1876_frontispiece.jpg; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/4/4c/Wikisource-logo.svg/15px-Wikisource-logo.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/en/thumb/4/4a/Commons-logo.svg/12px-Commons-logo.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/d/d4/ChPerrault.jpg/40px-ChPerrault.jpg; //upload.wikimedia.org/wikipedia/en/thumb/8/8a/OOjs_UI_icon_edit-ltr-progressive.svg/10px-OOjs_UI_icon_edit-ltr-progressive.svg.png; https://login.wikimedia.org/wiki/Special:CentralAutoLogin/start?type=1x1; /static/images/footer/wikimedia-button.svg; /w/resources/assets/poweredby_mediawiki.svg
Peau d'Âne,https://fr.wikipedia.org/wiki/Peau_d’Âne,"Pour les articles homonymes, voir Peau d'âne (homonymie).
 
 Peau d’Âne est un conte populaire. La version la plus célèbre est celle de Charles Perrault, parue en 1694, puis rattachée aux Contes de ma mère l'Oye à partir de l'édition de 1781, « première édition complète ». Selon la nouvelle classification des contes de Ruth B. Bottigheimer[1], il s'agirait du premier[N 1] conte de fées français écrit.  
 Louis XIV enfant se plaignait à sept ans de ne plus pouvoir s'endormir en écoutant sa nourrice lui raconter Peau d'Âne, et dans Le Malade imaginaire de Molière (édition originale de 1682), la petite Louison en parle. De même La Fontaine en 1678 dans le Pouvoir des fables[3].
 Mourante, une reine se fait promettre par le roi de ne prendre pour nouvelle épouse qu'une femme plus belle et mieux faite qu'elle. Après la mort de celle-ci, le roi accablé de tristesse dit à sa fille qu'il ne veut plus jamais la revoir. Le temps passe et le roi se voit dans l'obligation de se remarier pour faire un héritier. Ne manquant pas à sa promesse, il se met à chercher sa future reine, seulement aucune des femmes du royaume n'est assez belle pour qu'il puisse l'épouser. La seule personne capable de rivaliser avec la beauté de sa défunte femme n'est autre que sa propre fille, et le roi la demande en mariage.
 Pour échapper à cette union incestueuse et sur les conseils de sa marraine, la princesse demande à son père par trois fois, pour sa dot, des robes irréalisables : elle demande d'abord une robe couleur de temps, puis une robe couleur de lune et enfin une robe couleur de soleil. Mais contre toute attente, il parvient toujours à les lui offrir. Elle lui demande alors de sacrifier son âne qui produit des écus d'or en guise de crottin, son plus précieux trésor, et le roi s'exécute. La princesse s'enfuit alors du château, revêtue de la peau de l'âne. Elle emporte avec elle sa toilette et ses plus belles robes.
 Peau d'âne s'installe dans un petit village d'un royaume voisin et travaille comme souillon, vivant dans une simple cabane. Le prince d’un autre royaume, vient en visite au village, en se promenant arrive à sa maison et la voit, parée de sa robe couleur soleil. Ébloui par sa beauté, il en tombe amoureux et rentrant au palais se meurt d'amour. Il demande alors que Peau d'âne lui fasse un gâteau. En faisant la pâte du gâteau, elle laisse échapper sa bague dedans sans s'en rendre compte. Le prince, manquant de s'étouffer avec celle-ci, demande immédiatement que toutes les femmes et demoiselles du pays, de la plus noble à la plus humble, viennent essayer la bague au château. Aucune ne peut passer cette dernière. On fait alors venir Peau d'âne au château. Son doigt entre dans la bague, sa peau d'âne tombe et laisse apparaître sa plus belle robe. Le prince peut alors l'épouser, les fêtes pour leurs noces durent trois mois et laissent tous les plus grands princes du monde entier défiler.
 Son père invité également, se rend compte de son erreur et demande pardon à sa fille, lui donnant sa bénédiction pour son mariage et sa nouvelle vie de reine.
 Une interprétation fait dériver le conte de Peau d'âne d'un mythe préhistorique semblable à celui de la femme-cygne, où l'animal central serait un mammifère quadrupède[4] et que l'on pourrait mettre en rapport de transformation structural avec le motif mythique de la ménagère mystérieuse[5].
 L'existence du conte est attestée pour la première fois, au XVIe siècle, dans les Propos rustiques (1547) de Noël du Fail (c. 1520–1591)[6],[7]. L'existence d'un conte oral est attestée au XVIIe siècle par le Page disgracié (1643) de Tristan L'Hermite, plus tard par les Mémoires (1624–1666) de Pierre de La Porte (1603–1680), premier valet de chambre (1643–1653) de Louis XIV enfant[6] (le mémorialiste s'y souvient, à plusieurs décennies de distance, du goût du petit prince pour « les contes de Peau d'Âne » en 1645), par le Virgile travesti (1648) et le Roman comique (1651) de Paul Scarron (1610–1660)[7], les Mémoires (1651) du cardinal de Retz (1613–1679)[6], l'Ovide Bouffon (1662) de Louis Richer[6], la Dissertation sur Joconde (1669) de Nicolas Boileau (1636–1711)[6], le Malade imaginaire (1673, acte II, sc. 8) de Molière (1622–1673)[6],[7],[8] et le Pouvoir des fables (1678) de Jean de La Fontaine (1621–1695)[6],[7],[8].
 Un certain nombre de textes du Moyen Âge présentent des éléments caractéristiques du conte[9].
 Les frères Grimm ont publié une version de ce conte en allemand sous le titre Allerleirauh, traduit parfois en Peau de mille-bêtes ou Toutes-Fourrures (1812). Dans cette version, le personnage de la marraine est absent et l'héroïne porte un manteau de mille fourrures.
 Il existe également plusieurs versions africaines[4].
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Charles Perrault; 1697; La Belle au bois dormant; Le Petit Chaperon rouge; La Barbe bleue; Le Maître chat ou le Chat botté; Les Fées; Cendrillon ou la Petite Pantoufle de verre; Riquet à la houppe; Le Petit Poucet; ; La Marquise de Salusses ou la Patience de Griselidis; 1691; Les Souhaits ridicules; 1694; Loup; Marquis de Carabas; Fée marraine; Ogre; Prince; Sœur Anne; Vieille fée; Baguette; Bottes de sept lieues; Clef fée; Pantoufles de Cendrillon; Il était une fois; Tire la chevillette, la bobinette cherra; Anne, ma sœur Anne, ne vois-tu rien venir ?; Perceforest; Pentamerone; ; Portail des contes et fables; ; Portail de la France du Grand Siècle; Catégories; Conte de Perrault; Princesse de fiction; Conte de tradition orale; Inceste dans l'art et la culture; Conte adapté à l'opéra; Conte adapté au cinéma; Âne dans la fiction; Art textile dans la littérature; Article utilisant une Infobox; Catégorie Commons avec lien local identique sur Wikidata; Recension temporaire pour le modèle Ouvrage; 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It was first published in 1695 in a small volume and republished in 1697 in Perrault's Histoires ou contes du temps passé.[1] Andrew Lang included it, somewhat euphemized, in The Grey Fairy Book.[2][3] It is classed among folktales of Aarne-Thompson type 510B, unnatural love.
 An extremely fortunate and wealthy king lives with his beautiful wife and daughter. The source of the king's riches is his prized, marvelous donkey whose droppings are gold. Suddenly the king's wife is struck by an illness and dies, but not before making her husband promise not to remarry except to a woman whose beauty and attributes equal hers. The king grieves for a lengthy period, but is finally persuaded to seek another wife. It becomes clear that the only woman who fits the promise is his daughter.
 The princess goes to her godmother, the lilac fairy, for guidance. The fairy advises her goddaughter to make impossible demands to the king as a condition of her consent: a dress all the colors of the sky, a dress the color of the moon, a dress as bright as the sun, and finally, the hide of his precious donkey. Despite the difficulty of the princess's requirements, such is the king's determination to marry her that he grants all of them. The lilac fairy gives her goddaughter a magic chest to contain the dresses, and tells her to leave home, wearing the donkey's skin as a disguise.
 The princess flees to another kingdom and eventually finds work and lodging at a farm. The princess's appearance is so unsightly that she is nicknamed ""Donkeyskin."" On holidays, Donkeyskin locks herself in her room, primping and dressing herself in the fine gowns her father had given her. On one such day, the prince of the kingdom comes by her room and glimpses her through the keyhole. The prince falls madly in love and becomes ill with longing; he declares that only a cake baked by Donkeyskin will cure him.
 While Donkeyskin bakes the cake, her ring somehow falls into the mixture. The prince finds it and declares that he will marry only the woman whose finger it fits. When every other woman in the kingdom fails to fit it, Donkeyskin is summoned to try it on. The ring, to everyone's shock, fits perfectly; and the princess removes the donkey's skin to reveal her rich dress underneath. The lilac fairy appears and explains the whole story to the prince's parents; who, upon learning Donkeyskin's true identity, are elated with the match. Donkeyskin and the prince celebrate their wedding. There, Donkeyskin is reunited with her father, who has remarried to a beautiful widow.
 The tale is classified in the international Aarne-Thompson-Uther Index as ATU 510B, ""The Dress of Gold, of Silver, and of Stars (Cap O'Rushes)"".[4] However, the tale type was renamed ""Peau d’Asne"" by German folklorist Hans-Jörg Uther in his 2004 revision of the folktale index, while still retaining its numbering.[5]
 According to scholarship, the tale type features the death of the heroine's mother, her father's incestuous desire, and her fleeing to another kingdom, where she finds work in a menial position.[6][7]
 In a study, scholar Ruth Bottigheimer notes that, before Perrault's tale, French author Bonaventure des Périers had a heroine (named Pernette) dressed in a donkey's hide (albeit to repel a lover's advances), and, in a later tale, a heroine is called ""Peau d’Asne"", but she is helped by ants. Bottigheimer also suggests that Perrault did not introduce the incest motif, but must have reworked it from an earlier source, namely, Giambattista Basile's The She-Bear (from Pentamerone) and Straparola's Teobaldo (from The Facetious Nights).[8]
 According to Ton Deker and Stith Thompson, after the heroine flees home and finds work elsewhere, the second part of the tale type (the three balls and three dresses) connects tale type 510B to type 510A, that is, Cinderella.[9][10]
 In a Greek variant from Epeirus collected by Austrian consul Johann Georg von Hahn with the title Allerleirauh, a widowed king declares he wants to marry his own daughter, despite her protests. To delay him, the princess asks him to fashion her two dresses of gold and a bed that can furrow through the ground to reach any other place. The king gives her the requested items; she takes the dresses, some ducats for money, jumps on the bed and goes to another city. The city's prince, during a hunt, finds the princess, wrapped in furs, in the forest and takes her in as a goose herder. Some time later, this prince holds a grand ball, and the princess attends it with her dress of gold. She dazzles the prince, but escapes the ball back to her low station, and throws some ducats to delay the prince. He becomes interested in finding her, so he holds two more balls. After the third ball, the princess loses one of her shoes and the prince tries it on every maiden, but cannot find its owner. At last, the princess, still wearing her golden dress underneath the animal furs, goes to bring some water to the prince, and he recognizes her.[11]
 Von Hahn summarized a Greek tale from Smyrna: after his wife dies, a king promises to marry one that can fit the dead queen's ring on her finger. The ring fits on his daughter, and he tries to marry her. To stop her father, she is advised by a being named Miren to ask for three seamless dresses: one of silver, another of gold and a third of pearl. The devil, disguised as an old man, gives the king the dresses, to the princess's horror. Miren guides the princess to a cave in the outskirts of another town, and she gives food and water for the princess for six months. One day, a prince, during a hunt, stops to rest in front of the cave and prepares some food. Drawn by the smell, the princess comes out of the cave; the prince finds her and takes her in to his castle. The princess, called Μαλλιαρή (Malliarí;meaning""Shaggy"") due to her hairy appearance, she only nods in agreement as she does her chores. The prince then holds three balls, one on each night, and the princess, doffing her shaggy appearance, wears each of the dresses for each night. The prince becomes ill with longing, and his mother asks for some food to be prepared for him. The princess bakes a bread for him and hides her ring, then a clock, and lastly a string of pearls.[12]
 Tale type ATU 510B also exists in the repertoire of the East Slavs. According to the East Slavic Folktale Catalogue (Russian: СУС, romanized: SUS), last updated by scholar Lev Barag [ru] in 1979, the type is known as SUS 510B, ""Russian: Свиной чехол, romanized: Svinoy chekhol, lit. 'Pigskin'"": on threat of an incestuous marriage with her own father, the heroine asks for three dresses to be made (one of stars, one of the moon and one of the sun); she wears a pigskin and finds work elsewhere; a prince holds three balls that she attends, and he goes after her.[13]
 In a Slovak tale collected by authors August Horislav Škultéty and Pavol Dobšinský with the title Myšacia bundička (""Mouse Coat""), a rich man has a lovely wife, but she falls ill and, on her deathbed, makes her husband promise to marry only one as lovely as her. After she dies, the man sends messengers all over the world to try to find another wife that fulfills his requirements, but, failing that, turns to his daughter and tells her he intends to marry her. Aghast at the idea, the man's daughter asks him for three dresses (one studded with stars, one like the moon and one like the sun), then a coat made of mousekin as wedding gifts. The man produces her the dresses; the girl takes them, wears the mouse-skin coat and leaves for parts unknown. She stops by a tree to rest for the night and, the next morning, a king, during his hunt, is alerted of her presence by the barking of his hounds. The king takes the mouse-skin clad girl with him to his castle, where she works as his servant, chopping firewood and helping in the kitchen. Some time later, the king holds three dances, which the mouse-skin clad girl attends, each time wearing one of the dresses her father gave her. She introduces herself to the king, who becomes fascinated with her. After the three dances, the king falls ill with longing, and the mouse-skin clad girl prepares him some food. While the cook is away, she drops the ring on a bowl, and takes it to the king. He finds the ring in his food and sends for the mouse-skin clad girl. He notices her sun dress underneath the mouseskin coat, and takes off the animal coat. He recognizes her as the woman from the dances and marries her.[14]
 In a South Slavic tale collected by Friedrich Salomon Krauss with the title Vom Kaiser, der seine eigne Tochter heirathen wollte (""About the Emperor who wanted to marry his own daughter""), an emperor marries a woman with a star on her forehead, and she gives birth to a girl with the same birthmark. On her deathbed, years later, the empress makes her husband promise to only marry one with a similar mark. After she dies, the emperor tries to find a similar looking woman, to no avail, and, convinced by one of his ministers, decides to marry his own daughter, who does fulfill his dead wife's requirements. Abhorring the idea, the princess runs and cries, until an old woman appears to her with some advice: she is to ask him for three dresses (a silk dress, a silver dress, and a golden dress) that can fit into a nutshell, and a coat made of mouseskin. The princess gets the dresses and the mouseskin coat, places two ducks in a bathtub to trick her father she is taking a bath, and escapes from the palace. She reaches another kingdom and rests by the woods. Some time later, the king's son finds her during a hunt, alerted by the bark of his hounds. The king's son takes her in as a servant, and she works as a goose-herd. The king's other servants mockingly call her ""Aschenbrödel"". Eventually, the king organizes a grand ball, to which noblemen and noblewoman are invited. The princess, secretly, takes off the mouseskin coat and goes to the first ball with the silken dress. Later, the king organizes a second ball, which the princess attends in her silver dress. Lastly, in a third ball, she wears the golden dress, but, before the princess leaves, the prince slips his ring on her finger. Some time later, the prince falls ill, and the cook prepares some food for him, and drops the ring on a cup of milk. The prince drinks the milk and finds the ring inside it, then sends for the mouseskin clad princess. She comes to his chambers and tells him her life story. The prince marries her, and she gives birth to twins, a girl with a star on the forehead and a boy. The princess pays a visit to her father and brings her children with her. Father and daughter reconcile, and the emperor punishes the ministers.[15]
 Type 510B in the Bulgarian Folktale Catalogue is indexed as ""Дървената мома (Патарана)"" (""The Wooden Maiden (Patarana)""): the heroine's father either vows to marry his daughter because an item of apparel fits her (e.g., a ring or a shoe), or because she has a unique birthmark; the heroine delays the wedding by asking him to provide her with wonderful dresses (of star, sun and the sky; or of gold and silver; or decorated with flowers, animals and birds), and flees home either wearing a skin of an animal or a wooden garment; she later finds work in a lowly position for another prince, and attends a festival with her splendid garments; at the end of the tale, the princess drops the prince's ring in a dish that she prepares to the prince.[16]
 According to Portuguese scholars Isabel Cárdigos and Paulo Jorge Correia, tale type ATU 510B also exists in the Portuguese Folktale Catalogue with the title Peau d’Âne or Portuguese: A princesa na Pele de Burro, lit. 'The princess in the Donkeyskin'.[17][18]
 Professor James Taggart collected a Spanish tale from informant Maximina Castaño. In her tale, a man and a woman have a daughter. Before she dies, the woman makes the man promise to marry one that looks like her. The man decides to marry his own daughter, since it is her that looks like her own mother. The girl cries over the fact, and a neighbouring old woman advises her to ask him for three dresses (the dress of the stars, the dress of the sun, and the dress of the moon). The man produces the dresses. Seeing that the plan failed, the old woman advises the girl to wear a pelican suit she owned and to go out in the world to escape from her own father. She finds work in the king's house as a turkey keeper, but she lets three turkeys die and moves back to the house. Later, the king arranges three dances for his son to find a wife and get married. The girl in the pelican suit takes off the pelican hide, wears her three dresses for the three dances and fascinates the prince, who becomes interested in having her as his wife. On the last night, the prince gives her a ring before she goes back to the kitchen. Later, the prince falls ill with longing, and asks for a custard. His mother orders the girl in the pelican suit to prepare him a custard. The girl cooks a custard and drops his ring inside it. The prince eats the custard and finds the ring, then asks for another custard, then for a third one. The girl in the pelican suit wears the dress of the moon, and goes to meet him. The prince sees her and asks his mother to prepare chocolate drinks for them, for they will marry.[19]
 In a Sicilian tale collected by folklorist Giuseppe Pitrè with the title Pilusedda, a king and a queen have a beautiful daughter. One day, the queen falls ill and bids her husband marry any other woman that can fit her own ring. After she dies, the princess unsuspectedly tries on her mother's ring, and is found out by the king, who wishes to marry her. Horrified at the idea, the princess consults with a wise man, who advises her to ask her father for three dresses: one the colour of the sky, embroidered in gold and bedecked with stones like the sun, the moon and the planets; one of a sea-green colour and decorated with the houses of the countryside; and one rose-coloured dress with four rows of bangles and tiny golden bells. The king summons his cousin, who is a devil, and arranges the three dresses for his daughter. As a last resort, the wise man gives the princess three hazelnuts and advises her to wear a horse-skin as disguise. The princess does so and flees to another kingdom, where she is found by a prince's gamekeeper and brought to the castle as a kitchen maid. She prepares the prince three pieces of bread on different occasions, and places her father's watch, her father's tiepin and a golden ring inside. The prince finds the objects inside the food and suspects Pilusedda is more than what she appears. Later, the prince invites Pilusedda to accompany him to the Royal Chapel, but she declines. After he leaves, she takes off the horse-skin, cracks open a hazelnut and wears one of the dresses her father gave her to the chapel, where she dazzles the prince. After her third visit to the Royal Chapel, the prince follows her carriage and discovers the mysterious maiden at the chapel was Pilusedda. They marry.[20]
 Tale type ATU 510B is known in Estonia as Kuninga köögitüdruk  (""The King's Kitchen Maid""): a father (sometime a king) wishes to marry his daughter, but she tries to buy time by asking for dresses of stars, sun and moon. The girl flees with the dresses to another kingdom where she finds work as a kitchen maid. She attends the prince's balls with the dresses; he recognizes her when she goes to his chambers and marries her.[21]
 Lithuanian ethnologist Jonas Balys [lt], in his analysis of Lithuanian folktales (published in 1936), named type 510B as Mēnesio, saulės ir žvaigždžių rūbai (""The Clothes of the Moon, the Sun and the Stars""), with 39 variants reported until then. In the Lithuanian tale type, a man decides to marry his daughter because she looks like her dead mother, the man's wife. The daughter tricks her father into giving her the titular clothes of the moon, the sun and the stars, flees to another kingdom and finds work there. The girl goes to church three times with the dresses, and loses her shoe on the third time. The king then finds her with the shoe and marries her.[22]
 In a Lithuanian tale collected by August Schleicher with the title Vom der schönen Königstochter (""About the king's beautiful daughter""), a king has a beautiful queen with stars around the forehead, sun on the head and the moon on the neck, and a daughter as beautiful as her mother. One day, the queen dies, and the king decides to marry his own daughter. To delay her father's plans, the princess asks him to give her a coat made of louseskin, a silver dress, a diamond ring and golden slippers. The king gives her the requested items, and she escapes to another kingdom wearing the lousekin coat. She finds work as a kitchen servant (where her brother also works), and hides her splendid dresses inside a stone. With the lady of the house's permission, she leaves work, goes to the stone to wear her dresses, and goes to church.[23]
 According to the Latvian Folktale Catalogue, tale type 510B is known in Latvia as Ķēniņš grib precēt savu meitu (""A King wants to marry his daughter""). In this type, either a king wants to marry his daughter, or a brother his sister, and she goes to her mother's grave in search of comfort. The mother's spirit advises her to ask for wonderful dresses, a coat made of animal skin (mouse, dog, wolf, bear) and a self-moving boat or carriage. She escapes with the presents to another kingdom, where she finds work in the kitchen, attends three balls and loses a shoe, which will be the proof of her identity.[24]
 American folklorist Leonard W. Roberts collected a tale from a Kentucky teller of French descent, in Beattyville, Kentucky. In this tale, titled The Princess in the Donkey Skin, a king plans to marry his daughter to the ugly king of Faraway Land, but the princess refuses and declares she would rather live in a donkey's skin than marry him. Considering it a provocation, the king gives her the donkey's skin and banishes her from the palace. The princess wanders off and finds work with an old woman in her hut. Later, the king of Faraway Land and his son, after a hunt, go to the old woman's hut to eat, and the old woman orders the princess to prepare them dinner. The princess cooks some soup for the royal guests and lets a diamond ring slip inside. The prince eats the soup, finds the ring and pockets it. Meanwhile, the princess is crying in her room, when a fairy godmother appears and turns her into a ""purty"" girl, with diamonds in her hair and with a beautiful dress. The princess, in new clothes, goes to the balcony under the moonlight. The prince sees her and, falling in love, comes to court her. The princess then leaves. The prince returns later for a second visit and meets the princess again. With the ring in hand, he decides to look for its owner all over the world. Failing that, he then goes back to the girl in the donkey's skin and places her ring on her finger. Finding the ring's owner, the prince and princess marry.[25]",3406,"Main page; Contents; Current events; About Wikipedia; Help; Learn to edit; Community portal; Upload file; ; learn more; Article; Talk; Read; Read; Upload file; Ejiao; Donkey Skin (film); Short story; Charles Perrault; ; Harry Clarke; fairy tale; French; literary fairytale; Charles Perrault; Histoires ou contes du temps passé; Andrew Lang; The Grey Fairy Book; Aarne-Thompson; ; Gustave Doré; droppings; godmother; lilac; sky; moon; sun; ; Gustave Doré; ; Aarne-Thompson-Uther Index; Hans-Jörg Uther; Ruth Bottigheimer; Bonaventure des Périers; Giambattista Basile; The She-Bear; Pentamerone; Straparola; The Facetious Nights; Epeirus; Johann Georg von Hahn; Smyrna; East Slavs; East Slavic; Russian; romanized; Russian; romanized; lit.; Slovak; August Horislav Škultéty; Pavol Dobšinský; South Slavic; Friedrich Salomon Krauss; Bulgarian; Portuguese; lit.; Giuseppe Pitrè; August Schleicher; Latvia; Leonard W. 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Les Aventures de Tintin,https://fr.wikipedia.org/wiki/Les_Aventures_de_Tintin,"Pour les articles homonymes, voir Tintin (homonymie).
 
 Les Aventures de Tintin constituent une série de bandes dessinées créée par le dessinateur et scénariste belge Georges Remi, dit Hergé.
 Avec 250 millions d'exemplaires vendus, Les Aventures de Tintin font partie des bandes dessinées européennes les plus célèbres et plus populaires du XXe siècle. Elles ont été traduites dans une centaine de langues et dialectes et adaptées à de nombreuses reprises au cinéma, à la télévision et au théâtre. Elles se déroulent dans un univers réaliste et parfois fantastique, fourmillant de personnages aux traits de caractère bien définis. Le héros de la série est Tintin, un jeune reporter et globe-trotter belge ; il est accompagné dans ses aventures par son fox-terrier Milou. Au fil des albums, plusieurs figures récurrentes apparaissent, comme les détectives accumulant les maladresses loufoques Dupond et Dupont, le capitaine Haddock qui ne tarde pas à devenir un personnage principal, ou encore le professeur Tournesol.
 La série est appréciée pour ses dessins qui mélangent personnages aux proportions exagérées et décors réalistes. L'utilisation de traits d'une égale épaisseur, l'absence de hachures et le recours aux aplats de couleur sont les marques du style de l'auteur, connu sous l'appellation de « ligne claire ». Les intrigues des albums mélangent les genres : des aventures à l'autre bout du monde, des enquêtes policières, des histoires d'espionnage, de la science-fiction, du fantastique. Les histoires racontées dans Les Aventures de Tintin font toujours la part belle à l'humour « peau de banane », contrebalancé dans les albums les plus tardifs par une certaine ironie[1] et une réflexion sur la société.
 En septembre 1925, Hergé entre au service des abonnements du Vingtième Siècle[a 1],[p 1], un quotidien catholique et conservateur dirigé par l'abbé Norbert Wallez[p 2]. En parallèle, il continue de publier ses propres dessins dans des revues comme Le Blé qui lève[k 1] ou Le Boy-Scout[s 1], qui devient Le Boy-Scout belge à la suite d'une fusion en 1927[k 2]. C'est dans ce périodique qu'il publie notamment sa première bande dessinée, Les Aventures de Totor, C. P. des Hannetons[Note 1], à partir du mois de juillet 1926[p 3].
 En août 1927, à l'issue de son service militaire, il bénéficie d'une promotion, engagé au sein de la rédaction comme reporter-photographe et dessinateur[a 1]. Hergé multiplie les contributions pour le quotidien et illustre notamment des récits publiés en feuilleton dans le supplément littéraire du journal. Il collabore également avec René Verhaegen pour illustrer trois de ses récits, Une petite araignée voyage, Popokabaka, puis La Rainette[k 3]. L'année suivante, Norbert Wallez lui confie la responsabilité d'un supplément hebdomadaire destiné à la jeunesse Le Petit Vingtième, dont le premier numéro paraît le 1er novembre 1928[a 2],[Note 2].
 Dans un premier temps, Hergé doit illustrer L'extraordinaire aventure de Flup, Nénesse, Poussette et Cochonnet, une histoire écrite par un chroniqueur judiciaire et sportif du Vingtième Siècle, Armand De Smet[k 4],[p 4],[a 2]. Peu satisfait de cette production qu'il juge « ennuyeuse », il multiplie les contributions dans d'autres périodiques, dont deux planches intitulées Réveillon et La Noël du petit enfant sage qu'il publie dans Le Sifflet[k 5]. Cette dernière met en scène un jeune garçon accompagné de son chien blanc[p 5], deux personnages qui séduisent Norbert Wallez au point que l'abbé propose à Hergé de les intégrer au Petit Vingtième. C'est la naissance de Tintin et Milou, le 10 janvier 1929[k 5], pour une première aventure intitulée Tintin au pays des Soviets[s 1].
 À la demande de Wallez, le récit est ouvertement anticommuniste et suit ainsi la ligne éditoriale du Vingtième Siècle et de son directeur[p 6],[a 3]. Hergé livre chaque semaine deux planches qui « enchaînent gags et catastrophes sans bien savoir où son récit l'entraîne »[2], tandis que les décors et les paysages « sont réduits à leur plus simple expression »[a 3]. Le succès est pourtant immédiat : l'aventure achevée, le 8 mai 1930, une foule de lecteurs se presse sur les quais de la gare de Bruxelles-Nord pour accueillir un Tintin en chair et en os à son retour du pays des Soviets[k 6], à l'occasion d'une mise en scène de la rédaction du Vingtième Siècle qui recrute un jeune scout pour donner corps à son héros[a 4],[s 2].
 Conformément au souhait de Norbert Wallez, qui veut faire naître une vocation coloniale chez les jeunes lecteurs, le deuxième volet de la série envoie le reporter en Afrique, dans un volume intitulé Tintin au Congo[a 5]. Hergé souhaitait pourtant évoquer la culture des Amérindiens, qui le fascine[3], ce qui est fait dans la troisième aventure avec Tintin en Amérique[s 3]. À la fin de l'année 1933, Les Aventures de Tintin prennent un tournant décisif : Hergé signe un contrat avec la maison Casterman, située à Tournai, qui obtient le privilège d'éditer tous les albums de l'auteur en langue française. Cet accord est déterminant pour la conquête du marché français[a 6],[4], alors que Tintin est diffusé dans l'hebdomadaire catholique Cœurs vaillants depuis 1930[k 7]. Deux ans plus tard, ses aventures sont également publiées en Suisse dans les colonnes de L'Écho illustré[k 8].
 La quatrième aventure, Les Cigares du pharaon, marque une nouvelle étape. Hergé cesse de se faire l'écho des clichés de l'actualité politique pour s'engager dans l'art du roman[s 4]. Si l'histoire, conçue sans le moindre scénario préalable, demeure très improvisée, voire « abracadabrante »[a 7], elle représente la « quintessence du feuilleton »[p 7] et témoigne de la nouvelle ambition littéraire de l'auteur. Cela se traduit notamment dans le choix du titre de l'album qui, pour la première fois, ne contient pas le nom du héros[5]. Sur les chemins de l'Orient, à travers l'Égypte, l'Arabie et l'Inde, l'aventure est encore teintée de stéréotypes. Pour autant, le décor n'est plus au cœur du récit, supplanté par l'affrontement entre Tintin et une bande de trafiquants d'opium[6],[s 4].
 Mais c'est surtout Le Lotus bleu qui fait entrer Hergé et son héros dans une nouvelle dimension. Cette cinquième aventure marque un pas décisif vers le réalisme, comme le souligne Benoît Peeters : « Tintin, qui jusque-là se nourrissait allègrement de mythes et de poncifs, entreprend désormais de les combattre ; il sera celui qui démonte les apparences et non plus celui qui s'en satisfait »[7]. La rencontre d'un jeune étudiant chinois, Tchang Tchong-Jen, est déterminante : ce dernier fait évoluer les représentations du dessinateur sur son pays et pousse Hergé à documenter son travail, tout en lui prodiguant des conseils en matière de dessin[s 4].
 Dès lors, le souci du réalisme ne quitte plus Hergé qui cherche également à inscrire son récit dans l'actualité de son époque. Après avoir évoqué l'incident de Mukden et l'invasion japonaise de la Mandchourie dans Le Lotus Bleu[8], il transpose la guerre du Chaco qui oppose la Bolivie et le Paraguay dans L'Oreille cassée[9], tandis que Le Sceptre d'Ottokar peut être lu comme le récit d'un « Anschluss raté »[10],[a 8].
 L'Oreille cassée marque plusieurs évolutions. Pour la première fois, le récit s'attarde dans la ville d'origine de Tintin et inscrit le héros dans une certaine forme de quotidienneté en faisant découvrir au lecteur son appartement du 26, rue du Labrador. Par ailleurs, Hergé crée deux États fictifs, le San Theodoros et le Nuevo Rico[9], puis fait de même avec la Syldavie et la Bordurie dans Le Sceptre d'Ottokar[p 8]. L'auteur reprend ainsi les ingrédients de la romance ruritanienne, un sous-genre de la littérature de jeunesse né au tournant du XXe siècle[11].
 Le déclenchement de la Seconde Guerre mondiale et l'invasion de la Belgique par l'armée allemande en mai 1940 entraînent l'arrêt du Petit Vingtième et l'interruption de son nouveau récit, Tintin au pays de l'or noir[a 9]. À partir du 28 mai 1940, la Belgique subit l'occupation de son territoire, mais ce contexte de guerre constitue paradoxalement un certain « âge d'or » de la création[a 10]. Hergé, comme d'autres artistes, veut s'assurer des revenus réguliers et ne pas se faire oublier des lecteurs[a 11]. Au mois d'octobre suivant, il rejoint le quotidien Le Soir dont la publication se poursuit sous l'impulsion de journalistes collaborateurs et avec l'accord de la propagande nazie qui en fait « un instrument privilégié de pénétration de l'opinion publique »[a 11].
 Le nouveau rédacteur en chef du journal, Raymond de Becker, lui confie la responsabilité d'un supplément pour la jeunesse, Le Soir-Jeunesse, pour lequel Hergé est assisté de Paul Jamin et Jacques Van Melkebeke[p 9]. C'est dans ce nouveau périodique que commence la parution du Crabe aux pinces d'or, l'aventure qui fait entrer le capitaine Haddock dans l'univers de Tintin[a 12]. Dans le même temps, Hergé touche pour la première fois le lectorat flamand en signant un contrat avec le quotidien Het Laatste Nieuws, dans lequel paraissent ses aventures à partir de septembre 1940[k 9].
 L'attitude d'Hergé pendant l'occupation est considérée comme ambiguë et lui vaut de nombreuses critiques. En acceptant de travailler pour un journal considéré comme « volé » par une partie de l'opinion[Note 3], l'auteur fait probablement « le plus regrettable choix politique de son existence »[s 5], mais il cherche avant tout à développer ses créations artistiques en profitant de l'absence de concurrence française à cette période pour s'imposer[a 11]. Pour Hergé, le rayonnement de son œuvre compte plus qu'une certaine éthique et, de fait, il semble indifférent aux événements de son époque[p 10]. Pourtant, certains actes renforcent l'ambiguïté de sa situation. Il intervient notamment auprès des autorités allemandes afin d'obtenir un supplément de papier et maintenir la production de ses albums chez Casterman[a 13], mais surtout, les caricatures de commerçants juifs qu'il présente dans L'Étoile mystérieuse sont considérées comme antisémites[a 14],[s 6].
 Avec Le Secret de La Licorne et Le Trésor de Rackham le Rouge, Tintin s'affranchit de l'actualité oppressante de son époque pour investir le thème traditionnel de l'épopée flibustière et de la recherche d'un trésor[p 11]. Ce diptyque complète également la « famille » de Tintin, avec la première apparition du Professeur Tournesol et l'installation du capitaine Haddock au château de Moulinsart[p 12]. L'auteur poursuit son « évasion littéraire » dans l'aventure suivante : si l'action des Sept Boules de cristal se situe en Belgique, rien n'indique la présence de l'occupant. En parallèle, Hergé entame une collaboration avec le dessinateur Edgar P. Jacobs. Le souci du détail, la perfection et la minutie de ce dernier sont d'une aide précieuse pour l'auteur qui s'attaque alors à la colorisation des premiers albums de Tintin, à la demande de Casterman[a 15].
 La libération du pays le 3 septembre 1944 entraîne l'interruption du Soir et, partant, celle des Sept boules de cristal. Arrêté pour faits de collaboration, Hergé est alors empêché de toute publication[a 16].
 C'est durant cette période que se manifestent chez l'auteur les premiers signes d'un syndrome dépressif[p 13]. Le 22 décembre 1945, la justice décide de n'entamer aucune poursuite à son encontre alors que d'autres journalistes du Soir ne bénéficient pas d'autant d'indulgence[a 17]. Lavé de tous soupçons, Hergé obtient le certificat de civisme nécessaire à sa reprise du travail et s'associe à l'éditeur de presse et résistant Raymond Leblanc pour lancer le journal Tintin. La publication de ses aventures reprend, à commencer par Le Temple du Soleil, qui constitue la suite des Sept Boules de Cristal[s 7].
 Hergé continue pourtant de subir des attaques quant à son attitude équivoque sous l'Occupation. Sensible à ces accusations, il s'enfonce dans la dépression[p 14] tandis qu'au même moment, la collaboration cesse avec Edgar P. Jacobs, qui souhaite développer sa propre série[p 15]. Guy Dessicy et Franz Jaguenau le remplacent et travaillent aux décors[a 18].
 L'état dépressif d'Hergé l'amène à prendre du recul. Incapable de tenir le rythme de production qui était auparavant le sien[p 16], il doit interrompre pendant plusieurs semaines la publication du Temple du Soleil, et l'achèvement de l'histoire se fait « dans la douleur » pour son auteur[a 19] et « tient du cauchemar »[p 17]. La crise que traverse le dessinateur se double d'un certain désamour pour son pays, qui se traduit par un projet d'installation en Argentine au début de l'année 1948[a 20],[p 18].
 Ce projet avorté, Hergé parvient tant bien que mal à reprendre et terminer l'histoire de Tintin au pays de l'or noir, interrompue par la guerre, tout en y glissant le personnage du capitaine Haddock qui n'aurait pas dû figurer dans ce récit débuté avant sa première apparition[12],[p 19]. La charge de travail auquel il s'astreint est bien trop importante : la réalisation des nouvelles planches et la refonte de ses précédents albums le conduisent au surmenage et ne font qu'aggraver sa santé mentale. Dès lors, Hergé est convaincu qu'il doit s'entourer d'une équipe. Plusieurs dessinateurs et scénaristes sont recrutés, parmi lesquels Bob de Moor et Jacques Martin, ce qui aboutit à la création des Studios Hergé au début de l'année 1950[a 21]. Dès lors, la conception d'un nouvel album répond à une organisation très précise. Si le dessinateur se réserve les premières étapes de la création, à savoir la rédaction du scénario puis du storyboard et le crayonné, il confie ensuite le travail à son équipe. Bien qu'il assure l'encrage de tous les personnages, il délaisse les décors à ses assistants[13].
 Hergé s'appuie également sur les conseils de certains de ses amis qui ne rejoignent pas les Studios mais l'aident dans son travail de recherche, comme l'écrivain Bernard Heuvelmans qui contribue à l'écriture du scénario du diptyque Objectif Lune et On a marché sur la Lune[a 22].
 Au cours des années 1950 et au début des années 1960, Tintin devient une véritable icône internationale. Les ventes d'albums de la série s'accroissent et Tintin conquiert de nouveaux marchés[14],[s 8]. Au milieu des années 1960, 1,5 million d'albums s'écoulent chaque année, tandis que Tintin en Amérique, On a marché sur la Lune et Le Trésor de Rackham le Rouge dépassent tous les trois le million d'exemplaires vendus depuis leur sortie[a 23]. En parallèle, les Studios Hergé s'installent dans des locaux plus vastes et Raymond Leblanc travaille à l'implantation du premier magasin Tintin à Bruxelles[15].
 L'Affaire Tournesol, dont la parution commence le 23 décembre 1954, est l'un des sommets de l'œuvre d'Hergé[a 24]. Avec cette aventure, l'auteur poursuit le rapprochement du monde de Tintin avec les sciences et les technologies de pointe, inauguré par l'aventure lunaire[s 9], et livre un véritable « thriller de la guerre froide »[16], notamment salué pour « la richesse du thème, la rapidité des enchaînements, la science du cadrage et l'art du dialogue »[17]. Cet album, éminemment politique, offre en quelque sorte une synthèse critique du totalitarisme en bande dessinée[18].
 Dans la foulée, Coke en stock, un récit « complexe, ambigu, quasi labyrinthique » selon l'expression de Benoît Peeters[p 20], propose une dénonciation de l'esclavagisme[a 25]. Tintin renoue ainsi avec sa quête de justice et de défense des opprimés[s 9]. Surtout, il est sans doute l'album où Hergé va le plus loin dans la mise en scène de son univers, par le rappel de nombreux personnages secondaires[p 20],[s 9]. Il précède Tintin au Tibet, l'album le plus personnel de l'auteur[19] qui le qualifie lui-même de « chant dédié à l'Amitié »[20], et qui apparaît comme un « instantané biographique du créateur au tournant de son existence »[a 26].
 Sa dépression étant de plus en plus marquée, Hergé est soumis à des « rêves blancs » qui le hantent la nuit. Il prend l'initiative de consulter un psychanalyste zurichois qui lui conseille de cesser le travail pour vaincre ses démons intérieurs, mais il s'y refuse, et l'achèvement de Tintin au Tibet agit finalement comme une sorte de thérapie. Le blanc est d'ailleurs omniprésent dans l'album, à mesure que Tintin gagne en altitude pour sauver son ami Tchang[a 27]. L'album marque une rupture dans la série car pour la première fois le héros n'est confronté à aucun méchant : il ne s'agit plus pour lui de conduire une enquête policière mais bien une quête spirituelle. Sans renoncer au registre comique, porté par le capitaine Haddock, Hergé confère à son héros un visage plus humain et plus émouvant[a 27]. Avec Tintin au Tibet, Hergé atteint une « dimension philosophique et spirituelle inégalée dans les autres albums de la série »[21].
 Avec l'album Les Bijoux de la Castafiore, Hergé bouscule les codes de la série et entame un processus de déconstruction de l'univers de Tintin[22]. L'auteur renonce à l'exotisme et développe une histoire qui possède une unité de lieu. Le château de Moulinsart est le théâtre de cette « anti-aventure », où « l'histoire elle-même n'est qu'un trompe-l'œil »[p 21] mais qui rencontre pourtant un grand succès populaire. Plus encore, grâce au génie de l'auteur qui parvient à mélanger « le comique et l'absurde avec un sens aigu du dosage le plus subtil », l'album est salué par de nombreux intellectuels[a 28], dont le philosophe Michel Serres, qui en fait une analyse dans la revue Critique[23], ou l'écrivain Benoît Peeters, qui lui consacre entièrement un essai[24].
 Si les ventes d'albums de Tintin ne cessent de croître, leur rythme de production s'essouffle, Hergé ne pouvant cacher une certaine lassitude à l'égard de son héros[a 29]. Poussé par la concurrence grandissante d'un autre personnage phare de la bande dessinée francophone, Astérix[a 30], il se lance dans l'écriture d'une nouvelle aventure, Vol 714 pour Sydney, dont la construction est laborieuse. Si l'auteur assouvit dans cette histoire son goût pour l'ésotérisme et les phénomènes paranormaux[s 10], l'album est plutôt jugé négativement par la critique[a 31].
 À cette époque, les Studios Hergé s'occupent principalement de la refonte des anciens albums, le plus souvent à la demande de l'éditeur. Des corrections sont apportées à L'Île Noire pour gagner en réalisme, tandis que Coke en stock subit des modifications pour contrer les accusations de racisme[p 22]. C'est surtout Tintin au pays de l'or noir qui est modifié en profondeur. Le récit, écrit à l'aube de la Seconde Guerre mondiale, évoquait la lutte entre des groupes terroristes juifs et des soldats britanniques présents en Palestine, ce qui n'est plus d'aucune actualité trente ans plus tard. Hergé souhaite donc apporter un caractère intemporel et universel à son album et remplace ce conflit par un affrontement entre les partisans de l'émir Ben Kalish Ezab et ceux de son rival, le cheikh Bab el Ehr, au sujet de l'exploitation des champs pétroliers du Khemed[a 32].
 La parution de Tintin et les Picaros commence en 1975, soit huit ans après l'aventure précédente. Pour de nombreux spécialistes, cet album est un échec : Benoît Peeters estime qu'il n'ajoute rien à la gloire ni au génie de l'auteur[p 23], quand Pierre Assouline considère qu'il s'agit d'un « album de trop »[a 33]. Les critiques portent autant sur l'intrigue, qualifiée de relâchée et sans relief, que sur le graphisme parfois jugé maladroit[a 33]. Du moins nous apprend-il, après quatorze histoires et trente-cinq ans après sa naissance, en 1940, le prénom du capitaine Haddock : Archibald. Hergé dessine également le personnage du général Tapioca, jusque-là simplement mentionné dans L'Oreille cassée, Les Sept Boules de cristal et Coke en stock[25].
 Mais l'œuvre d'Hergé demeure pour toujours inachevée : diminué par la maladie quand il commence la rédaction de Tintin et l'Alph-Art, le dessinateur meurt le 3 mars 1983 sans avoir pu la terminer[a 34]. Fanny Rodwell, sa seconde épouse et légataire universelle de son œuvre, accepte que l'album soit publié, à la seule condition qu'il le soit dans l'état laissé à la mort de son créateur[26]. En cela, le souhait d'Hergé, qui ne voulait pas que son héros lui survive, est respecté[27].
 La série comprend aujourd'hui 24 albums, dont 22 contiennent 62 pages. Tintin au pays des Soviets comporte 108 planches, tandis que Tintin et l'Alph-Art, inachevé à la mort d'Hergé en 1983, ne contient que 42 planches dans les deux versions proposées en 1986 et 2004 à partir des esquisses préparatoires du dessinateur[28].
 La série comporte quatre diptyques : Les Cigares du pharaon et Le Lotus bleu, Le Secret de La Licorne et Le Trésor de Rackham le Rouge, Les Sept Boules de cristal et Le Temple du Soleil, Objectif Lune et On a marché sur la Lune. Le degré d'autonomie de chaque épisode est cependant variable : si le mystère posé dans Les Cigares du pharaon n'est résolu qu'après la mise hors d'état de nuire d'une bande de trafiquants à la fin du Lotus bleu, la diversité des lieux visités et la richesse documentaire plus importante du deuxième album séparent ces deux aventures[28]. À l'inverse, les autres diptyques sont conçus dès le départ comme une seule et même histoire[29].
 Les dates mentionnées ci-dessous sont celles de la première édition en album. Les trois premiers albums ont été publiés aux éditions du Petit Vingtième, à Bruxelles, et les autres, chez Casterman, à Tournai. Les scénarios et dessins sont de Hergé. Pour les premiers 14e albums, la couleur est d’Edgar P. Jacobs.
 puis 9 avril 1952 - 30 décembre 1953
 Les 22 albums canoniques (de Tintin au Congo à Tintin et les Picaros) représentent au total 15 000 cases et 1 364 planches[30].
 T1- à Moulinsart
T2- en Syldavie
 Les Aventures de Tintin ont toutes connu une prépublication dans la presse avant d'être éditées en albums, à l'exception du dernier récit, inachevé à la mort d'Hergé, Tintin et l'Alph-Art. La série est créée en 1929 dans Le Petit Vingtième, le supplément hebdomadaire pour la jeunesse du quotidien catholique, nationaliste et conservateur belge Le Vingtième Siècle[39],[40], et c'est dans cette revue que l'ensemble des histoires écrites avant la Seconde Guerre mondiale sont publiées. L'invasion de la Belgique par les troupes allemandes en mai 1940 interrompt la parution du journal et, de fait, celle du récit en cours, Tintin au pays de l'or noir[41],[28].
 En octobre 1940, Hergé reprend ses activités dans Le Soir, un quotidien dont le tirage est près de vingt fois supérieur à celui du Petit Vingtième[k 10], avec Le Crabe aux pinces d'or. L'histoire paraît d'abord de façon hebdomadaire dans un supplément, Le Soir-Jeunesse, puis quotidiennement dans Le Soir à partir de septembre 1941[p 24]. Le journal publie les aventures suivantes jusqu'à sa suspension en septembre 1944 après l'entrée des armées alliées dans Bruxelles. La publication du récit en cours, Les Sept Boules de cristal ne peut continuer durant les deux années qui suivent car Hergé, comme d'autres journalistes ayant exercé sous l'occupation, est empêché de poursuivre son activité professionnelle[42]. Elle ne reprend qu'en septembre 1946 dans le premier numéro du magazine Tintin, un nouvel hebdomadaire créé par Raymond Leblanc[k 11].
 C'est dans ce même journal que paraissent les aventures jusqu'à la mort du dessinateur[28].
 Les différentes aventures connaissent également des publications dans des journaux et des revues du monde entier. Avant la Seconde Guerre mondiale, c'est d'abord en France, dans l'hebdomadaire Cœurs vaillants, que la série est reprise dès 1930[k 7], puis en Suisse à partir de 1932 dans L'Écho illustré[k 8],[43]. En 1936, le journal portugais O Papagaio offre à Tintin sa première traduction et sa première mise en couleur[k 12].
 En 1940, le héros d'Hergé fait son entrée dans la presse néerlandophone de Belgique avec une parution régulière dans le quotidien flamand Het Laatste Nieuws[k 13], avant de connaître une large diffusion et un succès international à partir des années 1950. Les Aventures de Tintin sont diffusées dans les pays nordiques dès 1948[k 14], et c'est à cette période que se développent également les premiers albums en langues étrangères, pour atteindre plus de 100 traductions dans les années 2010, dont de nombreux dialectes ou langues régionales.
 Après leur parution en feuilleton, Les Aventures de Tintin sont publiées en albums par l'éditeur belge Casterman, à l'exception des trois premiers édités par Le Petit Vingtième[a 35],[p 25]. Les neuf premières aventures sont d'abord commercialisées en noir et blanc. En 1942, L'Étoile mystérieuse est la première histoire publiée directement en couleurs, avant qu'Hergé n'entame un long travail de colorisation de ses premiers récits, à la demande de son éditeur[28]. Seul Tintin au pays des Soviets, dont une version colorisée est publiée seulement en 2017, échappe à ce travail de refonte[44].
 La mise en couleurs offre à l'auteur la possibilité d'opérer des retouches qui ont pour but, le plus souvent, de gommer certaines erreurs ou approximations, comme dans L'Île Noire qui connaît trois versions, mais il s'agit aussi pour Hergé de proposer un récit plus neutre politiquement : c'est le cas de L'Étoile mystérieuse, qui a pu être interprétée comme une œuvre antisémite, et de Tintin au pays de l'or noir, dont le scénario est profondément remanié[45].
 Jusqu'à la Seconde Guerre mondiale, les albums de Tintin paraissent uniquement en français, mais en 1946, une première traduction en néerlandais est proposée par Casterman, à destination du lectorat flamand de Belgique mais aussi des Pays-Bas[46]. L'Oreille cassée, L'Île Noire et Le Secret de La Licorne sont les premières aventures concernées. Entre 1946 et 1947, tous les albums en couleurs déjà parus en français sont édités et, à partir de cette date, tous les nouveaux albums paraissent simultanément en français et en néerlandais[14]. En 1952, les albums sont traduits en allemand, en anglais et en espagnol, à commencer par le diptyque formé par Le Secret de La Licorne et Le Trésor de Rackham le Rouge[46]. Ces éditions rencontrent un faible succès et seules les traductions en allemand se poursuivent, pour un total de douze titres en 1963[14].
 Dès la fin des années 1950, Casterman signe des accords avec plusieurs partenaires étrangers : en 1958, les éditions Methuen publient plusieurs albums au Royaume-Uni, de même que les éditions Juventud en Espagne. L'année suivante, Golden Press sort plusieurs titres aux États-Unis, puis à partir de 1960, les Aventures de Tintin sont diffusées en Suède par Bonniers förlag et au Danemark par Illustrations Forlaget. En 1961, la société WSOY prend en charge la diffusion en Finlande, de même que les éditions Flamboyant au Brésil[14]. Le succès de ces traductions est encore relatif, si bien que certains éditeurs abandonnent rapidement leur production[14].
 C'est à partir de la fin des années 1960 que la diffusion internationale des Aventures de Tintin prend son envol : de nouvelles traductions paraissent en italien, en grec et en norvégien, mais également en arabe (Égypte et Liban), en afrikaans, en malais, en indonésien, en iranien ou encore en hébreu[14]. Dès lors, les traductions se multiplient, y compris en langues régionales, avec des traductions en basque[47] et en breton[48] dans les années 1970, puis celle des Bijoux de la Castafiore en picard tournaisien en 1980[14]. La plupart de ces traductions sont réalisées par des associations culturelles qui se chargent du financement et de la promotion de l'album avec l'aval de Casterman[49].
 De même, les noms des personnages sont traduits ou adaptés selon les langues, tout autant que les jurons du capitaine Haddock, à la fois pour des raisons de prononciation et pour préserver l'aspect humoristique de certains noms[50]. En 2001, la traduction en mandarin de Tintin au Tibet fait naître une polémique : le titre choisi par l'éditeur, « Tintin au Tibet chinois », provoque les vives protestations de Fanny Rodwell, qui menace de cesser toute collaboration avec l'éditeur chinois[51]. 10 000 exemplaires sont imprimés, avant que l'album ne soit finalement retiré de la circulation[52] et réédité sous son titre original[53].
 En 2014, la barre des 100 traductions est franchie[49], un chiffre en constante augmentation avec plus de 120 langues et dialectes en 2019[54]. Le nombre de traductions doit cependant être relativisé : d'une part, qu'un album ait été traduit à un moment donné n'implique pas que cette édition soit encore disponible des années plus tard, d'autre part, tous les albums ne sont pas traduits dans toutes langues[55]. Au reste, en 2020, Hergé figure au huitième rang parmi les écrivains d'expression française les plus traduits au monde[55].
 Au fil des aventures, Hergé introduit des éléments de cohérence entre ses albums afin de donner à son œuvre une « apparence massive, compacte et cohérente »[56]. En premier lieu, il reprend un procédé mis au point par de grands auteurs du XIXe siècle comme Honoré de Balzac, en faisant revenir dans chaque aventure des personnages, parfois très secondaires, pour constituer un univers riche, cohérent et vivant, doté d'une continuité[57],[56]. Le dessinateur crée donc une foule de personnages reconnaissables au premier coup d'œil et, selon Pierre Sterckx, « sa galerie de portraits vivants s'ajoute à celle de Rabelais, des Lewis Carroll, Molière et Balzac »[58].
 De plus, le retour de mêmes personnages « offre au dessinateur à la fois le moyen de ne pas sombrer dans la redondance en créant de nouveaux personnages trop proches des anciens et celui d'affiner la psychologie des figures déjà existantes »[57]. Inauguré dans Les Cigares du pharaon, le procédé culmine dans Coke en stock[57], l'aventure dans laquelle Hergé « va le plus dans la mise en scène de son propre univers »[59].
 Héros éponyme de la série, Tintin est un jeune reporter dont l'âge est encore inconnu. Sa silhouette est dessinée simplement et son visage, neutre et impersonnel, permet à tous les lecteurs de s'identifier à lui[a 36],[60]. Hergé confie avoir créé son personnage en quelques minutes : une tête ronde, quelques points noirs signalant les yeux et la bouche[61], le tout surmonté d'une houppette qui est l'un de ses seuls signes caractéristiques avec ses culottes de golf[60],[a 36].
 Le jeune reporter se trouve mêlé à des affaires dangereuses dans lesquelles il passe héroïquement à l'action pour sauver la mise. Pratiquement toutes les aventures montrent Tintin accomplissant avec enthousiasme ses tâches de journaliste d'investigation, mais, à l'exception du premier album, on ne le voit jamais en train d'écrire des articles[61]. C'est un jeune homme adoptant une attitude plus ou moins neutre ; il est moins pittoresque que les seconds rôles de la série. À cet égard, il est à l'image de Monsieur Tout-le-monde (Tintin signifie d'ailleurs littéralement en français « rien du tout »).
 Le psychanalyste Serge Tisseron émet l'hypothèse qu'enfant, George Remi avait apprécié le roman Sans famille d'Hector Malot, dont le héros est un jeune garçon appelé Rémi et qui possède un petit chien appelé Capi (allusion au capitaine Haddock).
 Fidèle compagnon de Tintin, Milou est un chien de type fox-terrier à poil dur de couleur blanche[a 37]. Il est doué de la parole, même si son maître est le seul à pouvoir le comprendre[62]. Milou le flatte à chacun de ses succès[62] mais il se permet parfois des commentaires moqueurs envers lui, comme pour mettre en perspective ses exploits répétés[63]. Au fil des albums, il perd de sa faconde et devient moins le complice de Tintin que son compagnon[64].
 Milou fait preuve d'un véritable sens du devoir[s 11] et bataille volontiers aux côtés de son maître quand le besoin s'en fait sentir[a 37]. Il est en quelque sorte le jeune frère de Tintin et cherche à suivre son exemple. Leurs attitudes sont parfois opposées : il est aussi peureux que son maître est brave et, tandis que Tintin est un personnage pacifique, Milou cherche le conflit avec les animaux qu'il n'aime pas et à qui il s'adresse de manière hautaine[63]. Malgré son apparence canine, les plus jeunes lecteurs peuvent facilement s'identifier à lui tant il reproduit de gestes humains, par exemple quand il se met debout sur ses pattes arrière, quand il rit ou qu'il pleure de douleur[65].
 La queue de Milou est l'un des ressorts comiques des Aventures : elle est tour à tour transpercée, écrasée par un talon, coincée dans une porte ou mordue par un perroquet[63]. S'il lui arrive de fouiller les poubelles, comme au début du Crabe aux pinces d'or, Milou est avant tout un chien élégant, soucieux de son apparence et de sa propreté[63]. C'est un chien gourmand, capable de mettre à sac un restaurant syldave puis de dérober un os de diplodocus au musée dans Le Sceptre d'Ottokar[s 11], ou de voler une casserole de pâtes dans L'Étoile mystérieuse[64]. C'est également un grand amateur de whisky[s 11].
 L'origine de son nom fait référence à un amour de jeunesse de l'auteur, Marie-Louise Van Cutsem, surnommée « Milou »[p 26],[61]. Pour le dessiner, Hergé a probablement pris pour modèle le chien d'un cafetier installé à côté du siège du Vingtième Siècle[61].
 Le capitaine Haddock n'apparaît que tardivement dans la série, dans la huitième aventure, Le Crabe aux pinces d'or, mais il devient vite un personnage incontournable et l'ami inséparable de Tintin. Vêtu d'un pull à col roulé bleu orné d'une ancre au milieu de la poitrine, Haddock est l'archétype du marin[a 38]. Quand Tintin le rencontre, il n'a de capitaine que le nom. Abruti par l'alcool, il ne peut contrôler ses pulsions, mais, guidé par le jeune reporter, il retrouve peu à peu sa dignité[66]. Dans Le Secret de La Licorne et Le Trésor de Rackham le Rouge, il suit les traces de son ancêtre, le chevalier François de Hadoque, et la découverte du trésor le conduit à s'installer au château de Moulinsart[p 27].
 Pour un temps, le capitaine troque ses vieux habits de marin, ses épais cheveux noirs et sa barbe hirsute[a 38] pour une tenue chic, veste de tweed ou smoking, monocle et cigare[67]. Peu à l'aise dans ce rôle de bourgeois, le capitaine retrouve vite son apparence initiale, non sans conserver une certaine élégance[68] qui tranche avec son caractère colérique et impulsif[67]. Les jurons du capitaine, comme le « tonnerre de Brest » ou le « mille sabords » qu'il affectionne, sont aussi célèbres que son personnage[69].
 Prisonnier de son caractère, qui lui colle autant à la peau que le sparadrap de L'Affaire Tournesol[70], Haddock est un héros plus humain que Tintin[66],[a 38]. Son irascibilité cache en fait un homme au cœur tendre qui refuse l'injustice[67]. Ses nombreux emportements, comme ses revirements, sa maladresse légendaire ou sa dépendance à l'alcool, en font l'un des personnages les plus drôles de la série. Il n'est pourtant pas un comique volontaire[g 1] et fait le plus souvent rire à ses dépens, déclenchant des catastrophes dont il est le plus souvent la seule victime[g 2]. Du reste, les relations qu'il noue au fil des albums avec ce que Thierry Groensteen appelle le « clan des fâcheux », de Séraphin Lampion à la Castafiore en passant par les Dupondt et Abdallah, constituent autant de duos comiques[g 3].
 Hergé et sa première femme, Germaine Kieckens, ont expliqué que le nom de « Haddock » avait été inspiré par un plat de poisson apprécié par le dessinateur[71]. Ce n'est que dans le dernier album achevé de la série, Tintin et les Picaros, que le prénom du capitaine, Archibald, est révélé[72].
 « Du grenier où les lits à bascule et les machines à brosser pullulaient, il était passé au laboratoire atomique »
 — Michel Serres, Tintin ou le picaresque d'aujourd'hui, 1977[73] Inventeur de génie, personnage tête-en-l'air et dur d'oreille, le professeur Tournesol apparaît dans la douzième aventure, Le Trésor de Rackham le Rouge[74]. Il s'inscrit dans la longue lignée de savants qui peuplent l'univers de Tintin, de l'égyptologue Philémon Siclone dans Les Cigares du pharaon à l'astronome Hippolyte Calys dans L'Étoile mystérieuse en passant par le sigillographe Nestor Halambique dans Le Sceptre d'Ottokar, avec qui il partage une tenue vestimentaire désuète et négligée ainsi qu'une relative indifférence aux événements du quotidien, comme pour souligner que le savant « n'appartient pas à son époque, qu'il est en quelque sorte détaché du contexte historique et social immédiat dans lequel il évolue »[75]. Mais alors que ses prédécesseurs disparaissent au terme d'un seul album, Tournesol devient un personnage récurrent et s'installe durablement dans la série[s 12].
 Apparu comme un bricoleur maladroit, il devient très vite un scientifique de pointe, capable de mettre au point un moteur atomique qui permet à une fusée de s'envoler vers la Lune ou d'élaborer un appareil à ultrasons capable de détruire des villes entières[s 12]. Ses inventions fournissent à l'auteur une matière narrative importante qui sert de déclencheur au récit[75], de même que ses deux enlèvements, dans Le Temple du Soleil puis L'Affaire Tournesol, qui ne semblent pas pour autant le perturber[s 12]. Pratiquant la radiesthésie[76], Tournesol est également amateur d'horticulture[s 12]. La surdité de cet éternel distrait est une source inépuisable de quiproquos, si bien que ce personnage porte une large part de la puissance comique de la série[74].
 Invariablement vêtu d'une longue redingote verte, comme son chapeau, et d'une chemise blanche à haut col, Tournesol ne quitte jamais ses petites lunettes rondes et très rarement son parapluie. Son abondante chevelure bouclée au-dessus des oreilles contraste avec son crâne dégarni[76]. Il est inspiré physiquement du physicien suisse Auguste Piccard, professeur à l'Université libre de Bruxelles, qu'Hergé apercevait parfois dans les rues de la capitale belge dans les années 1930[74]. Si la ressemblance physique est frappante, entre ces deux hommes au même style « lunaire et décalé »[a 39], la petite taille et la surdité sont les caractères du seul Tournesol[p 28]. Certains spécialistes, comme Frédéric Soumois et François Rivière, évoquent une autre inspiration possible à travers l'ingénieur irlandais John Philip Holland, qui participe au développement des premiers sous-marins[74],[76].
 Les policiers Dupond et Dupont apparaissent sous le nom de X33 et X33bis dans la quatrième aventure, Les Cigares du pharaon[Note 5], et ce n'est qu'à partir du Sceptre d'Ottokar qu'ils reçoivent leur nom définitif[77]. Sans être frères biologiquement, puisque leur nom diffère, les Dupondt sont parfaitement identiques[78]. Ils ne se déplacent jamais sans leur canne et portent les mêmes vêtements, à savoir un costume-cravate noir et un chapeau melon de la même couleur. Seule la forme de leur moustache permet de les distinguer[79] : celle de Dupond est taillée droite tandis que celle de Dupont est recourbée vers l'extérieur[80]. Les Dupondt sont inséparables jusque dans leur malheur : l'accident qui advient à l'un s'applique aussitôt à l'autre[s 13].
 Les deux policiers incarnent la bêtise et l'ordre dans ce qu'il a de plus rigide. Chez les Dupondt, le soupçon est permanent et ne dépasse pas le stade des apparences. Ils multiplient les fausses pistes et accusent des innocents, comme Tintin qu'ils ne cessent de poursuivre dans les premières aventures, le prenant pour un bandit[79],[78]. Quand ils enquêtent sur un trafic de fausse monnaie, ils se font refiler de fausses pièces. Quand ils sont à la recherche d'un pickpocket, ils se font voler toute une série de portefeuilles[79]. En raison de leur maladresse, les Dupondt font souvent rire à leurs dépens, multipliant les chutes et les collisions[78]. Ils se ridiculisent en arborant des costumes folkloriques, se faisant finalement remarquer en voulant passer inaperçus[77]. Ils élèvent le lapsus et la déformation du langage au rang de l'art, une caractéristique qui tend à s'amplifier au fil de la série[81],[82].
 Les deux détectives sont la caricature du père et de l'oncle d'Hergé, Alexis et Léon Remi, tous deux jumeaux inséparables. Leur tenue vestimentaire imite celle des agents de la Sûreté tels qu'ils sont photographiés en 1919 lors de l'arrestation de l'anarchiste Émile Cottin et diffusés en une de l'hebdomadaire Le Miroir[77].
 La célèbre cantatrice Bianca Castafiore est le seul personnage féminin récurrent de la série[83]. Le « Rossignol milanais » fait une entrée remarquée dans le huitième album, Le Sceptre d'Ottokar, à la manière d'un « typhon dévastateur », selon l'expression de François Rivière. Dès sa rencontre avec Tintin, elle interprète son air favori, celui des bijoux, extrait de l'opéra Faust de Charles Gounod[84]. Tour à tour égocentrique et narcissique, lyrique et intempestive[s 14], la Castafiore incarne la diva par excellence. Blonde et opulente, infiniment exubérante, Hergé l'affuble systématiquement de tenues extravagantes comme pour accentuer son aspect ridicule[84],[85]. La cantatrice ne se déplace jamais sans sa camériste, Irma, son pianiste, monsieur Wagner, ni ses fameux bijoux qui font l'objet d'une intrigue à part entière dans Les Bijoux de la Castafiore[83].
 La relation qu'elle entretient avec le capitaine Haddock, dont elle ne peut prononcer correctement le nom[81], est pour le moins ambiguë. Si rien ne permet apparemment de les unir, ils incarnent tous deux la puissance vocale[s 14]. Comme Tintin, Haddock reste insensible aux qualités vocales de la cantatrice, mais il est parfois troublé en sa présence[86],[85].
 Le premier véritable ami de Tintin est Tchang. Il fait sa connaissance dans Le Lotus bleu quand il le sauve des eaux du fleuve Yang-Tsé-Kiang en crue. Une amitié sincère naît immédiatement entre les deux personnages qui acceptent d'aller au-delà de leurs préjugés ethniques[87]. Ensemble, ils bravent tous les dangers et démantèlent la bande des trafiquants d'opium[88]. Des années plus tard, dans Tintin au Tibet, c'est une nouvelle fois pour le sauver que le jeune reporter se lance à l'assaut du yéti et des neiges de l'Himalaya[89]. Tintin rencontre d'autres enfants dans la série, comme Zorrino, un jeune indien quechua, vendeur d'oranges ambulant, qui le guide jusqu'au Temple du Soleil où le professeur Tournesol est retenu. C'est parce que Tintin l'a sauvé d'une agression perpétrée par deux hommes brutaux, descendants de colons espagnols, que Zorrino accepte de l'aider et de le conduire jusqu'au lieu sacré des Incas, bien qu'il s'agisse là d'un acte de trahison envers son peuple[90],[91]. Dans Tintin au pays de l'or noir, le héros se porte au secours du jeune prince Abdallah, fils de l'émir du Khemed, Mohammed Ben Kalish Ezab. Adulé par son père, qui le couvre d'éloges et de cadeaux, Abdallah est un garnement insupportable qui multiplie les farces au détriment des autres personnages, en premier lieu du capitaine Haddock, prêt à courir les dangers pour fuir sa présence[92],[93].
 Le comportement d'Abdallah révèle avant tout l'impuissance et la faiblesse de son père qui, sans l'intervention de Tintin, ne pourrait se maintenir au pouvoir[94],[18]. Défenseur d'une cause juste, le jeune reporter rencontre d'autres souverains mis en danger par des ennemis cupides et sans scrupules : le maharadjah de Rawhajpoutalah, dans Les Cigares du pharaon, et Muskar XII, roi de Syldavie, dans Le Sceptre d'Ottokar. Comme l'émir, ces deux monarques font immédiatement confiance à Tintin, qui devient le garant de la stabilité de leur pays[18]. Un autre chef d'État entretient une longue amitié avec le héros : le général Alcazar, qui en fait son aide de camp dans L'Oreille cassée avant de le condamner à mort à la suite d'une dénonciation calomnieuse. Il apparaît colérique et dangereux dans cette première aventure[s 15], pour autant, Tintin ne semble pas lui en tenir rigueur. Quand il revient dans Les Sept Boules de cristal, en qualité de lanceur de couteaux au music-hall de Bruxelles et sous le pseudonyme de Ramon Zarate, Tintin se précipite dans sa loge pour le saluer. Il en fait de même dans Coke en stock, quand Alcazar est en Europe pour acheter des avions militaires et tenter une énième révolution dans son pays, une révolution qui sera effective dans Tintin et les Picaros grâce à l'intervention de Tintin et ses compagnons[95].
 L'entrée dans la série de Séraphin Lampion, bien que tardive, n'en est pas moins essentielle. Dès son arrivée au château de Moulinsart, dans L'Affaire Tournesol, l'assureur de la compagnie « Mondass » s'impose directement comme le « fâcheux par excellence »[96]. Cet antihéros, individu bavard et sans gêne, symbolise l'intrusion de la société de masse dans l'univers de Tintin[97], et incarne à lui seul le monde dégradé qui caractérise les derniers albums, selon l'analyse de l'essayiste Jean-Marie Apostolidès[98]. Son humour pesant, ses costumes aux tons criards et son aplomb imperturbable font de lui l'archétype de l'éternel casse-pieds[99],[96], un personnage moins « lumineux » que ne le laisse entendre son nom[100].
 D'autres personnages de l'entourage de Tintin interviennent de façon régulière dans la série, comme le marchand portugais Oliviera da Figueira, d'abord marchand ambulant dans Les Cigares du pharaon avant de se fixer au Khemed[101], ou le domestique Nestor, gardien du château de Moulinsart et fidèle serviteur du capitaine[102].
 Roberto Rastapopoulos incarne « le génie du mal » et l'ennemi le plus acharné de Tintin[103],[104]. Mais son caractère diabolique n'apparaît pas immédiatement : dans Les Cigares du pharaon, Tintin lui-même est séduit par l'image respectable de ce milliardaire directeur d'une firme de cinéma, la Cosmos Pictures, et ce n'est qu'à la fin du Lotus bleu qu'il découvre que sous les traits de Rastapopoulos se cache le Grand Maître des trafiquants d'opium, société secrète placée sous le signe du pharaon Kih-Oskh[105],[103]. Les membres de celle-ci constituent une véritable internationale du crime s'appuyant sur des figures qui n'ont de cesse de faire disparaître Tintin, comme le Japonais Mitsuhirato à Shanghai ou le marin véreux Allan Thompson[103]. Quand tout le monde le croit mort, Rastapopoulos reparaît sous les traits du marquis di Gorgonzola dans Coke en stock, un trafiquant d'esclaves qui reçoit les plus grands noms de la jet set sur son yacht. Une nouvelle fois démasqué par Tintin, il revient sous sa véritable identité dans Vol 714 pour Sydney, pour tenter de s'emparer de la fortune du milliardaire Laszlo Carreidas[105].
 Le docteur Müller est l'autre méchant récurrent de la série. Membre d'une bande de faux-monnayeurs dans L'Île Noire, lui aussi revient sous de fausses identités, d'abord sous les traits du professeur Smith dans Tintin au pays de l'or noir puis de Mull Pacha dans Coke en stock. Dans ces deux aventures, il se trouve à la solde du cheik Bab El Ehr qui cherche à renverser l'émir Ben Kalish Ezab[106].
 Tintin affronte d'autres ennemis qui jurent de laver l'affront qu'il leur a fait subir. Le colonel Boris, aide de camp du roi syldave Muskar XII et qui le trahit pour le compte de la Bordurie dans Le Sceptre d'Ottokar, revient dans On a marché sur la Lune pour tenter de détourner la fusée au profit d'une puissance totalitaire[107]. Le colonel Sponsz, chef de la police secrète bordure dans L'Affaire Tournesol, est aussi l'instigateur du complot qui vise à attirer Tintin et ses amis au San Theodoros dans Tintin et les Picaros[108].
 Hergé a pris l'habitude de se représenter lui-même parmi les personnages qui peuplent ses albums. Il figure ainsi dans Tintin au Congo, parmi le groupe de journalistes qui accompagnent Tintin à son départ, dans Le Sceptre d'Ottokar, parmi les invités du concert au palais royal, puis parmi les invités à la cérémonie de décoration de Tintin, dans Les Sept Boules de cristal, parmi les spectateurs du music-hall, enfin dans L'Affaire Tournesol, parmi les badauds installés devant la grille du château[22],[109].
 La scène de la décoration de Tintin à la cour royale de Syldavie dans Le Sceptre d'Ottokar recèle d'ailleurs de nombreux clins d'œil de la part du dessinateur à ses proches. Parmi les dignitaires qui assistent à la cérémonie, outre Hergé lui-même et son épouse Germaine Kieckens, il est possible de reconnaître son frère Paul Remi, le dessinateur Edgar P. Jacobs, l'ami et collaborateur d'Hergé Jacques Van Melkebeke et sa femme Ginette, le peintre Marcel Stobbaerts ou encore l'industriel Édouard Cnaepelinckx[110].
 Le gangster Al Capone, qui apparaît dans Tintin en Amérique, est le seul personnage réel de la série[111], mais de nombreux autres sont caricaturés, comme l'écrivain et trafiquant d'armes Henry de Monfreid, parodié sous les traits d'un capitaine de boutre dans Les Cigares du pharaon[112] ou le marchand d'armes Basil Zaharoff, transformé en Basil Bazaroff dans L'Oreille cassée[11]. Le diplomate belge Paul Hymans est représenté parmi les membres de la Société des Nations dans Le Lotus bleu[113]. Le physicien Auguste Piccard, qui a inspiré le professeur Tournesol, apparaît également sous les traits du savant suédois Erik Björgenskjöld dans L'Étoile mystérieuse[114]. Dans ce même album, les personnages de Quick et Flupke sont reconnaissables dans la foule qui se presse au départ de l'expédition dans L'Étoile mystérieuse, Hergé mêlant ainsi les univers de ses deux séries[115]. Apparu dans Tintin au pays de l'or noir, le prince Abdallah est une caricature du jeune roi d'Irak Fayçal II[116],[117]. Enfin, dans Les Bijoux de la Castafiore, les journalistes Jean-Loup de la Batellerie et Walter Rizotto sont directement inspirés du duo de grands reporters travaillant alors pour Paris Match, Philippe de Baleine et Willy Rizzo, le nom du magazine étant lui-même transformé en Paris Flash[a 40], tandis que l'initié Mik Ezdanitoff, dans Vol 714 pour Sydney, est une caricature de l'écrivain Jacques Bergier[118].
 Dans les premiers albums de la série, Tintin est l'acteur d'une intrigue simple, de sorte que ces récits ne sont qu'une « suite de vignettes indépendantes, sans rien qui les relie d'autre que le décor exotique »[119]. Le héros vit une succession d'aventures rocambolesques et se voit chargé d'une mission : dénoncer les bolcheviks dans Tintin au pays des Soviets, éduquer les Congolais dans Tintin au Congo, combattre Al Capone et les gangsters dans Tintin en Amérique[s 16]. Ces premiers récits répondent, selon Benoît Peeters, « à un rêve naïf de prise de possession du monde »[p 29]. Avec Les Cigares du pharaon, Hergé acquiert une nouvelle ambition littéraire, plus romanesque[p 29], où « les doubles intrigues foisonnent »[s 16]. L'aventure, construite à la manière d'un feuilleton, demeure cependant très improvisée[p 29]. Avec Le Lotus bleu, qui peut-être considéré comme le premier « récit linéaire » selon le philosophe Rémi Brague[119], l'auteur s'engage sur la voie du réalisme[120], et L'Oreille cassée est la première histoire qui repose sur une véritable idée de scénario, construit préalablement[p 30].
 Dans cet album, Hergé achève de mettre en place la structure narrative qui sert de trame à la quasi-totalité des albums suivants, jusqu'aux Bijoux de la Castafiore, et qui se compose, selon l'écrivain Renaud Nattiez, de six éléments[121] : le récit débute par une situation banale de la vie quotidienne qu'un fait anodin vient perturber, précipitant l'engagement de Tintin ; ce dernier énonce alors une phrase qui marque le commencement de l'aventure et qui précède son départ ; de nombreuses péripéties accompagnent la longue ascension vers l'objectif, avant le succès final qui se caractérise par la joie de Tintin et symbolise le retour à la vie quotidienne[121]. Dès lors, les aventures de Tintin s'apparentent à une quête[119].
 À partir du Secret de La Licorne, « les intrigues prennent une telle ampleur qu'un seul volume n'y suffit pas »[119]. Cette aventure se poursuit dans Le Trésor de Rackham le Rouge et forme le premier diptyque de l'œuvre d'Hergé, un procédé immédiatement répété avec Les Sept Boules de cristal et Le Temple du Soleil. C'est un moyen pour l'auteur, d'une part, de « laisser libre cours à ses talents de conteur[p 11] », d'autre part de contourner les exigences de son éditeur qui lui impose un format en album de 62 pages l'obligeant à supprimer certains passages lors de la refonte de ses premières aventures[a 41]. À cette période, la narration d'Hergé est également contrainte de ce que ses aventures paraissent sous la forme de feuilleton quotidien dans Le Soir[122]. Dans ces deux diptyques, « le premier volume se passe sous nos climats, le second lance les héros dans un voyage qui les dépayse ; le premier propose une énigme dont le second donne la clef, qu'il faut aller chercher loin »[119].
 L'aventure lunaire s'étale elle aussi sur deux albums, avant qu'Hergé atteigne son « classicisme » selon Rémi Brague : « L'Affaire Tournesol, Coke en stock, Tintin au Tibet, Les Bijoux de la Castafiore, entre 1956 et 1963, sont à Hergé ce que Le Cid, Horace, Cinna, Polyeucte, entre 1637 et 1642, furent à Corneille[119] ». L'intrigue est de nouveau concentrée sur un album dont la temporalité est raccourcie[119] et la résistance à l'aventure du capitaine Haddock est de plus en plus marquée[86].
 Dans les premières aventures, la création d'un épisode se révèle hasardeuse, comme le confie Hergé lui-même : « Le Petit Vingtième paraissait le mercredi soir, et il m'arrivait parfois de ne pas savoir encore le mercredi matin comment j'allais tirer Tintin du mauvais pas où je l'avais méchamment fourré la semaine précédente ![13] ». Au fil des ans, la charge de travail qu'il s'impose s'accroît rapidement : outre les albums de Tintin, pour lesquels il effectue un travail de documentation de plus en plus fourni, Hergé développe deux autres séries, Quick et Flupke et Les Aventures de Jo, Zette et Jocko, tout en réalisant de nombreux travaux publicitaires. L'aide ponctuelle qu'il reçoit de ses amis Paul Jamin et Eugène van Nijverseel, pour des tâches simples et répétitives, ne suffit pas. Dès 1939, il réfléchit à la création d'un studio regroupant des collaborateurs qui pourraient le seconder dans chaque étape de la réalisation. En 1942, il recrute Alice Devos pour la colorisation de L'Étoile mystérieuse, premier album de la série à paraître en quadrichromie[13].
 L'engagement d'Edgar P. Jacobs comme collaborateur au début de l'année 1944 entraîne des changements plus profonds. En plus de l'assister dans le travail de refonte des premiers albums de la série pour leur réédition en couleurs, Jacobs fournit de précieuses idées pour le développement de ses scénarios, ce que leur ami commun Jacques Van Melkebeke effectuait déjà à partir du Secret de La Licorne[13]. Peu après le lancement du Journal de Tintin, Hergé et Jacobs cessent leur collaboration, mais une nouvelle étape est franchie avec la création des Studios Hergé en 1950. Bob de Moor, qui seconde Hergé depuis le départ de Jacobs, est rejoint par d'autres dessinateurs comme Jacques Martin et Roger Leloup, tandis que Monique Laurent et Josette Baujot assurent la colorisation[13]. Le secrétaire d'Hergé, Baudouin van den Branden, l'assiste ponctuellement pour la rédaction des dialogues[13], mais l'auteur fait parfois appel à des personnes extérieures comme son ami Bernard Heuvelmans, qui contribue à l'écriture du diptyque lunaire et fournit des informations sur le yéti pour Tintin au Tibet[a 22].
 Au fil des ans, d'autres membres intègrent progressivement les Studios Hergé, comme les dessinateurs Michel Demarets et Jo-El Azara, ou les coloristes France Ferrari et Fanny Vlamynck[13]. À cette époque, la création d'une nouvelle aventure s'apparente à une mécanique de précision. Pendant la rédaction du scénario, qui déroule l'idée de départ en deux ou trois pages, Hergé reçoit les suggestions de ses collaborateurs, mais c'est toujours lui qui a le dernier mot. De même, il prend en charge le découpage des planches, pendant lequel l'emplacement des vignettes est déterminé et les premiers dialogues sont ébauchés, puis le crayonné sur lequel il fixe plusieurs traits pour rechercher l'attitude la plus expressive. Hergé reporte ensuite la meilleure version de chaque vignette sur sa planche finale et confie alors la création des décors à ses assistants, pendant qu'il retravaille les dialogues avec son secrétaire. L'encrage s'effectue en deux temps : les personnages pour Hergé, l'ensemble des décors pour son équipe[13].
 Hergé mène ses premières recherches documentaires approfondies pour l'album Le Lotus bleu, ce qu'il confirme lui-même : « C'est à cette époque que je me suis mis à me documenter et que j'ai éprouvé un réel intérêt pour les gens et les pays dans lesquels j'envoyais Tintin, accomplissant une sorte de devoir de crédibilité auprès de mes lecteurs ». La documentation d'Hergé et son fonds photographique l'ont aidé à construire un univers réaliste pour son héros. Il est allé jusqu'à créer des pays imaginaires et à les doter d'une culture politique qui leur était propre. Ces contrées fictives sont largement inspirées par les pays et les cultures de l'époque d'Hergé. Pierre Skilling affirme qu'Hergé voyait la monarchie comme « une forme légitime de gouvernement », remarquant au passage que « les valeurs démocratiques semblent absentes dans ce type de bande dessinée classique franco-belge »[123]. La Syldavie, en particulier, est décrite avec beaucoup de détails, Hergé l'ayant dotée d'une histoire, de coutumes et d'une langue qui est en fait du dialecte flamand bruxellois. Il situe ce pays quelque part dans les Balkans et il s'inspire, de son propre aveu, de l'Albanie. Le pays se retrouve agressé par sa voisine, la Bordurie, qui tente de l'annexer dans Le Sceptre d'Ottokar. Cette situation rappelle évidemment celle de la Tchécoslovaquie ou de l'Autriche face à l'Allemagne nazie juste avant la Seconde Guerre mondiale.
 On peut citer à titre d'exemple les mois de préparation nécessaires à Hergé pour imaginer l'expédition lunaire de Tintin, décrite en deux parties dans Objectif Lune et On a marché sur la Lune. Ces travaux ont conduit à la réalisation d'une maquette détaillée de la fusée lunaire, permettant de placer sans erreur les personnages dans le décor. Les recherches préalables à l'élaboration de son scénario ont été commentées dans le New Scientist : « Les recherches considérables entreprises par Hergé lui ont permis de créer une tenue spatiale très proche de celle qui serait utilisée pour les futurs voyages lunaires, même si sa fusée était bien différente de ce qui a existé par la suite. »[124] Pour cette dernière, Hergé s'est effectivement inspiré des V2 allemands.
 Le style et la technique d'Hergé évoluent considérablement au fil de la série pour faire de lui l'un des précurseurs de la ligne claire, que l'historien de la bande dessinée Pierre Skilling définit comme « un idéal de lisibilité maximale, qui se traduit par un trait de contour linéaire, sans hachures ni dégradés »[125]. Au début de sa carrière, le jeune dessinateur n'a pas encore son propre style et, comme beaucoup de débutants, il imite en premier lieu d'autres artistes, à l'image de Benjamin Rabier[126] ou de l'auteur de bande dessinée américain George McManus[127]. Il subit également l'influence d'Alain Saint-Ogan, à qui il rend visite en 1931 et dont il emprunte la capacité à rendre le mouvement au travers d'un trait d'une épaisseur toujours égale et d'une remarquable économie de moyens[128]. Comme le souligne l'historien de l'art Thomas Schlesser, le dessin d'Hergé se distingue très vite par un « extraordinaire pouvoir évocateur ». Les traits de ses personnages traduisent immédiatement leur caractère ou leurs sentiments[126].
 Son graphisme s'affirme au contact de l'art égyptien qu'il met en scène dans Les Cigares du pharaon, puis gagne en souplesse dans Le Lotus bleu, sous l'influence de son ami chinois Tchang Tchong-Jen qui l'initie à l'art de la calligraphie chinoise et lui apprend à observer attentivement la nature[127]. La maîtrise d'Hergé se renforce également dans la composition et le rythme des dessins, faisant du Lotus bleu un album charnière sur le plan graphique : l'écrivain et critique d'art Pierre Sterckx considère les albums en noir et blanc qui suivent comme des chefs-d'œuvre[127]. Le style d'Hergé continue d'évoluer à mesure qu'il s'intéresse à l'histoire de l'art, lui qui n'a pas baigné dans un milieu artistique pendant son enfance. Il emprunte notamment la rigueur du dessin aux portraits d'Hans Holbein le Jeune, dont une copie est accrochée dans son bureau, et le goût pour les compositions colorées et tumultueuses de Joan Miró, qui transparaissent dans les rêves et cauchemars de Tintin[128].
 Il bénéficie aussi de l'apport de ses collaborateurs. Sous l'impulsion d'Edgar P. Jacobs, qui travaille aux côtés d'Hergé à partir des Sept Boules de cristal et contribue à la mise en couleurs des premiers albums, les décors s'enrichissent de détails, fruits de nombreuses recherches et de croquis pris sur le vif[129]. Pour autant, des tintinologues comme Benoît Peeters et Philippe Goddin constatent une faiblesse graphique dans les derniers albums, en particulier dans Tintin et les Picaros, qu'ils attribuent au fait que l'auteur délègue une part de plus en plus importante de ses dessins à ses collaborateurs, comme Bob de Moor. Selon Benoît Peeters, pour qui la ligne claire « se durcit », il s'agit là d'une preuve que le style d'Hergé, longtemps considéré comme neutre et facilement exportable, souffre d'une certaine fragilité[130].
 « Hergé est un formidable dessinateur du mouvement ; chez lui, plus le dessin est net, plus ça bouge. »
 — Philippe Geluck[131] Le dessin d'Hergé, rapidement identifiable, tient dans l'intensité des expressions, la précision des mouvements et la justesse des attitudes[132]. Le philosophe Rémi Brague insiste sur l'extrême précision du dessin : « Il suffirait d'ajouter ou retrancher un quart de millimètre à la ligne pour que tout soit gâché ». Cette rigueur permet également au dessinateur de suggérer une infinité de nuances par quelques détails insignifiants[119].
 Lors de la mise en place du crayonné, après le découpage du scénario, Hergé attache une grande importance au dessin des personnages tout en n'indiquant que sommairement les arrière-plans et les éléments du décor. De manière à saisir au mieux l'attitude des personnages, il travaille le plus souvent ses esquisses d'après modèles, en réalisant de nombreux croquis avec l'aide de ses collaborateurs, prenant la pose devant eux ou devant un miroir. Sa recherche de justesse et de précision le pousse à reprendre ses dessins et à en multiplier les traits, au point parfois de percer la feuille de papier sur laquelle il travaille[132],[133].
 Hergé prend ensuite un calque des différents crayonnés afin de choisir le trait qui lui semble le meilleur et le plus expressif, la ligne claire étant avant tout pour lui un art de l'épure, tout en retravaillant le cadrage et la position des personnages sur le dessin, avant de procéder à l'encrage de la planche[132],[133].
 Hergé construit ses séquences à la manière d'un réalisateur de cinéma et emprunte au septième art un grand nombre de procédés pour donner à ses aventures le sens de l'action et du suspense[134]. Il joue notamment sur la profondeur de champ pour donner du relief à son dessin, en organisant le décor et les personnages de manière à guider le regard du lecteur vers le point de mire de l'image, qu'il s'agisse d'un obstacle à franchir pour le héros ou du but qu'il doit atteindre[134]. L'écrivain Pierre Sterckx insiste sur le fait que Hergé « a pris soin d'orchestrer des scénographies perspectivistes » à travers de larges cases, comme quand Tintin est reçu à la cour de Syldavie dans Le Sceptre d'Ottokar ou bien quand il pénètre à Moulinsart avec le capitaine[135]. Le cadrage et le point de vue sont d'autant plus déterminants que selon l'angle et la composition choisis par Hergé, le dessinateur peut faire naître la peur ou l'impression de vitesse chez son lecteur. Tintin en Amérique contient par exemple plusieurs images en plongée ou en contre-plongée qui accentuent ces effets, comme le dessin montrant Tintin suspendu dans le vide, passant d'une fenêtre à l'autre au 37e étage d'un immeuble de Chicago. L'angle choisi donne l'impression d'une façade sans fin, notamment par le quasi-parallélisme des lignes de fuite ne convergeant qu'hors-champ, qui conduit le lecteur auprès du héros, face au vertige et au danger[134].
 Pour faire naître l'impression de mouvement et de vitesse, Hergé utilise notamment la technique du travelling. Dans ce même album, une série de quatre images successives montre Tintin qui grimpe un escalier. Ce fractionnement de l'action en quatre images répétées apporte une certaine continuité au mouvement, tout en en accentuant la vitesse. Plus loin, un montage de trois dessins d'une même locomotive, vue sous trois angles différents, permet au lecteur de suivre le mouvement tout en suggérant le danger imminent pour le héros[134]. Comme de nombreux réalisateurs, Hergé pratique également l'ellipse, de sorte qu'un seul dessin raconte non seulement ce qui se passe mais également ce qui vient de se dérouler, en le suggérant au lecteur sans lui montrer. L'ellipse narrative, tout en entretenant le rythme de l'action, en renforce le caractère dramatique[134].
 Enfin, certaines images sont construites à la manière d'un plan-séquence instantané, comme une image du Crabe aux pinces d'or montrant des pillards fuyant sous les injures du capitaine Haddock en plein désert, un dessin qu'Hergé considérait comme l'un des mieux réussis de sa carrière[134],[136]. L'image est composée de telle façon que chaque pillard est saisi individuellement dans une phase différente de la fuite, pour être un seul et même homme dont le mouvement serait décomposé[134].
 Hergé agrémente peu à peu son dessin d'une série de conventions graphiques « qui dessinent une véritable grammaire de la bande dessinée moderne » selon l'expression du journaliste Jérôme Dupuis, qui précise que si Hergé n'est pas l'inventeur de ces différents signes, il a contribué à les codifier. Ces éléments visent à accentuer certains effets, à donner du mouvement et de l'intensité à l'image mais aussi à souligner le comique d'une situation[137].
 Les gouttelettes de sueur sont les signes les plus employés par le dessinateur et se présentent quasiment à chaque page : elles entourent le visage des personnages comme pour souligner leur stupéfaction, leur angoisse ou leur énervement[137]. Pour signifier la violence d'un choc, Hergé utilise des étoiles, mais leur caractère multicolore ajoute de la gaieté et souligne l'effet comique de ce choc, faisant de ces signes le « symbole d'une violence tempérée par l'humour »[137]. Aux étoiles s'ajoute parfois une spirale qui peut signifier l'étourdissement du personnage, mais ce signe représente également la folie, comme sur la tête de Didi dans Le Lotus bleu, ou l'ivresse, comme sur celle de Milou dans Tintin au Tibet. Ces spirales introduisent une sensation de vacillement dans l'univers par ailleurs bien ordonné d'Hergé[137]. Enfin, le dessinateur pousse l'onomatopée à son paroxysme au point de proposer des cases composées d'une seule onomatopée en gros caractère. Si ce procédé demeure assez rare dans la série, il témoigne d'une autre inspiration d'Hergé, lequel appréciait le travail de Roy Lichtenstein, l'un des artistes majeurs du pop art américain[137].
 Par ailleurs, la case noire apparaît comme une utilisation poussée à l'extrême de l'économie de moyens, au service de la narration. Dans ces cases qui ne montrent rien, l'action est en quelque sorte suspendue, suscitant l'inquiétude du lecteur quant au sort de son héros[132].
 Le motif de l'escalier est régulièrement repris par Hergé, dans la mesure où ce type de transition permet, selon Ludwig Schuurman, de « verticaliser » le récit et d'en bouleverser « l'horizontalité traditionnelle et sécurisante du sens de lecture du texte »[138]. Selon Jean Chevalier et Alain Gheerbrant, « l'escalier est le symbole de la progression vers le savoir, de l'ascension vers la connaissance et la transfiguration »[139], il accroît donc la tension du récit puisque chaque degré rapproche le héros du danger ou de la délivrance, ce pourquoi ce motif est omniprésent dans les différents albums. Plus encore, Hergé introduit souvent l'escalier en colimaçon, à l'image de celui du donjon du château de Ben More dans L'Île Noire, « véritable impasse qui débouche sur un vide prévisible, et sur une mort probable »[138]. Sa forme hélicoïdale concrétise « l'idéogramme favori d'Hergé, c'est-à-dire la volute spiralée placée au-dessus de la tête des personnages quand ils sont évanouis, pris de vertige ou fous », qui trouve son expression la plus fantastique dans la spirale de feu qui soulève le professeur Tournesol sur la couverture des Sept Boules de cristal. De fait, l'escalier en colimaçon associe les qualités formelles et esthétiques de la bande dessinée, à savoir la régularité rectangulaire des vignettes, la taille invariable des marges et des caractères, l'alignement des bâtiments, et la rondeur des personnages et des principaux éléments de décors comme des onomatopées[138].
 Hergé habille son héros d'une culotte de golf, type de pantalon court inventé par les Britanniques, porté en Europe dans les années 1930[140]. Pendant quarante ans, malgré les changements de mode, Tintin porte ce pantalon devenu incontournable de son image[140]. Il ne l'enlève que temporairement, le troquant par exemple pour des accoutrements locaux dans ses voyages[140].
 En 1964, le dessinateur demande aux lecteurs du magazine Marie Claire leur avis sur le pantalon de Tintin[140]. Les sondés se prononcent en majorité en faveur du maintien des fameuses culottes de golf[140]. À l'occasion de ce sondage, l'écrivain et tintinophile Gabriel Matzneff s'insurge contre une éventuelle modernisation, craignant qu'Hergé sollicite son public en vue de modifier son personnage[140]. Matzneff publie une lettre ouverte au dessinateur dans Combat, intitulée « Ne déculottez pas Tintin ! »[140]. Matzneff considère qu'une telle modernisation nuirait au « caractère d'éternité » des albums, qui « échappent aux modes et au temps », les vêtements de Tintin lui constituant un « uniforme » qui « porte le sceau de cette intemporalité » ; de plus, il place Hergé au-dessus de ceux qui ont besoin de coller à la mode pour avoir du succès, arguant par ailleurs de l'instabilité de celle-ci — voire d'un possible retour des culottes de golf au goût du jour[140].
 Hergé cède finalement à son temps et habille son héros de jeans marron pour le film d'animation Tintin et le Temple du Soleil en 1969[140]. Ce nouveau pantalon est à la fois plus aisé à animer et plus compréhensible à l'international[140]. Hergé le justifie par la volonté de rendre son personnage plus accessible à l'exportation, dans des pays où il n'est pas connu, en le débarrassant de ce vêtement désuet[141]. Ce changement provoque une manifestation enfantine aux cris de « Rendez à Tintin sa culotte de golf »[142], devant le cinéma Paramount-Élysées à Paris, avec en tête de cortège Alain Delon, son épouse Nathalie et leur fils Anthony[143]. En dépit des critiques, la transformation est conservée dans les apparitions suivantes, dont l'autre long-métrage Tintin et le Lac aux requins en 1972[140],[141].
 Lors d'une interview en 1971, Hergé révèle que Tintin ne portera plus ses culottes de golf dans l'album à venir[141]. Sur cet aspect déjà fortement décrié, il juge lui-même que ce n'est pas une « grande révolution », et souligne que le pantalon est de la même couleur et ne se remarque pas[141]. Le dernier album, Tintin et les Picaros, en 1976, montre Tintin portant une paire de jeans marron aux jambes légèrement évasées[140]. Le changement marque les lecteurs et les critiques, pour un album déjà très mal jugé[140]. La plupart le désapprouvent[140]. Philippe Goddin considère que, sur le plan visuel, « avec des jeans plus conventionnels, Tintin s'est physiquement éteint »[144]. Ludwig Schuurman adhère aux arguments énoncés par Matzneff dès 1964[140]. Pierre Assouline rejette cette concession du dessinateur à l'air du temps, doublée d'une volonté de rendre l'allure de Tintin plus acceptable au grand public américain, car, de son point de vue, ce changement est du « pire effet »[a 42]. Les adaptations ultérieures, après la mort d'Hergé, gomment ce changement, rendant à Tintin son pantalon emblématique et immuable[140].
 Hergé admirait, dans sa jeunesse, l'illustrateur Benjamin Rabier. Il a avoué que de nombreux dessins de Tintin au pays des Soviets reflétaient cette influence, en particulier ceux représentant des animaux. Le travail de René Vincent, le dessinateur de mode de la période Art déco, a également eu un impact sur les premières aventures de Tintin : « On retrouve son influence au début des Soviets, quand mes dessins partent d'une décorative, une ligne en S, par exemple (et le personnage n'a qu'à se débrouiller pour s'articuler autour de ce S !) »[145]. Hergé reconnaîtra aussi sans honte avoir volé l'idée des « gros nez » à l'auteur de bandes dessinées américain George McManus : « Ils étaient si drôles que je les ai utilisés sans scrupules ! »[145].
 Au cours des nombreuses recherches qu'il a menées pour Le Lotus bleu, Hergé a également été influencé par le dessin chinois et japonais, et par les estampes. Cette influence est particulièrement visible dans les paysages marins d'Hergé, qui rappellent les œuvres de Hokusai et Hiroshige[146].
 Hergé a aussi reconnu que Mark Twain l'avait influencé, même si son admiration l'a conduit à se tromper en montrant des Incas ne sachant pas ce qu'était une éclipse solaire, lorsque ce phénomène a lieu dans Le Temple du Soleil. T. F. Mills a rapproché cette erreur de celle de Mark Twain décrivant des « Incas craignant la fin du monde dans Un Yankee à la cour du roi Arthur »[147].
 Les paysages représentés dans Tintin ajoutent de la profondeur aux vignettes dessinées par Hergé. Il y mélange des lieux réels et imaginaires. Le point de départ de ses héros est la Belgique, avec dans un premier temps le 26, rue du Labrador, puis le château de Moulinsart.
 Le meilleur exemple de la créativité d'Hergé en la matière est visible dans Le Sceptre d'Ottokar où Hergé invente deux pays imaginaires (la Syldavie et la Bordurie) et invite le lecteur à les visiter en insérant une brochure touristique au cours de l'histoire.
 Hergé a donc dessiné plusieurs milieux différents (des villes, des déserts, des forêts et même la Lune), mais, pour amplement démontrer le talent d'Hergé, on notera trois grands espaces : la campagne, la mer et la montagne[146].
 Dès son plus jeune âge, Hergé découvre le cinéma dans les salles bruxelloises où sa mère le conduit fréquemment. Le futur dessinateur se passionne alors pour le cinéma muet et les génies du burlesque américain, dont l'influence est grande dans Les Aventures de Tintin. Hergé puise dans les grands classiques du septième art pour enrichir sa galerie de personnages, notamment les méchants comme le Docteur Müller, inspiré du personnage principal de L'Île du docteur Moreau, et le colonel Sponsz qui copie le personnage joué par Erich von Stroheim dans Folies de femmes, mais aussi le yéti de Tintin au Tibet et le gorille Ranko de L'Île Noire qui apparaissent comme les dignes héritiers de King Kong[148]. Il reprend également de nombreux gags inspirés des films de Buster Keaton, des Marx Brothers ou de Laurel et Hardy. Ces derniers, experts en catastrophes, ont notamment servi de modèles aux Dupondt[148].
 Hergé, qui se décrit lui-même comme « un type du siècle de l'auto, du béton armé et de la TSF », attache une grande importance au réalisme des décors, en particulier les intérieurs. De nombreux éléments issus des arts industriels et du design, dessinés à partir de photographies conservées dans ses archives, sont parfaitement identifiables dans les différents albums de la série. Ainsi, les décors des Aventures de Tintin sont parfois à l'avant-garde de la modernité[149]. À titre d'exemple, des fauteuils tubulaires dessinés par l'architecte allemand Ludwig Mies van der Rohe sont représentés dans Le Lotus bleu, les fauteuils kangourous de Jean Prouvé figurent dans Tintin au Tibet, et un banc conçu par Harry Bertoia apparaît dans Tintin et les Picaros[149]. Des téléphones noirs en Bakélite, matériau largement utilisé dans la première moitié du XXe siècle, sont présents dans les albums, tandis que les patins à moteur mis au point par le professeur Tournesol dans Coke en stock reprennent le design des robots ménagers des années 1950[149].
 Les arts premiers font leur entrée dans la série avec Tintin au Congo, album dans lequel figurent de nombreux objets d'art africain traditionnel, en particulier la tenue du sorcier inspirée d'une statue d'homme-léopard visible au musée royal de Tervueren[150].
 Mais c'est dans L'Oreille cassée que l'art primitif trouve sa plus grande place : l'album s'ouvre dans un musée ethnographique où les visiteurs admirent une collection que l'auteur a rassemblée à partir d'œuvres provenant du monde entier, en particulier des poteaux polychromes yoruba, un mât totémique provenant de l'ouest canadien, un masque bapende ou encore un masque sénoufo rappelant le Bénin et le Congo[150],[151]. Les Arumbayas qui peuplent la jungle santhéodorienne, de même que les Bibaros, leurs rivaux, sont inspirés des Jivaros, un peuple de réducteurs de têtes qui vit dans les forêts de la haute Amazonie[152].
 Dans Vol 714 pour Sydney, c'est à partir d'un tiki découvert sur l'île de Hiva Oa qu'Hergé dessine les têtes sculptées colossales que Tintin et ses compagnons découvrent dans une galerie souterraine[150].
 Bien que les décors égyptiens n'occupent que cinq des soixante-deux planches des Cigares du pharaon, Hergé les documente minutieusement pour s'approcher d'un plus grand réalisme. Il représente plusieurs lieux connus, des rues de Port-Saïd à l'architecture islamique soignée[153] aux pyramides de Gizeh[154], et puise dans le décor des sépultures des pharaons de la vallée des Rois pour composer le tombeau de Kih-Oskh[155].
 Par ailleurs, Hergé dresse dans ses Aventures la représentation d'un Orient fantasmé et merveilleux : « Des immensités sans repères, ponctuées de campements de Bédouins : l'Arabie de Tintin est une illusion »[156],[157]. Si le Moyen-Orient est l'un des décors les plus représentés de la série, à travers trois albums que sont Les Cigares du pharaon, Tintin au pays de l'or noir et Coke en stock, il est aussi l'un des moins bien définis[156]. Cette représentation s'inscrit dans l'image d'un Orient rêvé qui prédomine en Europe depuis la vague de l'orientalisme au XIXe siècle et est largement véhiculée au début du siècle suivant notamment par les écrits des Britanniques Thomas Edward Lawrence, auteur des Sept Piliers de la sagesse, et Charles Montagu Doughty[157], ou des films à succès comme Le Fils du cheik, sorti en 1926[156].
 Les décors du Crabe aux pinces d'or, dont l'action se déroule pourtant au Maroc, se rapprochent néanmoins de ceux du Moyen-Orient, sans variation. Le dessinateur montre ainsi le monde arabe comme un seul et même territoire, où le décor est à peu près le même partout : des oasis de vies humaines au milieu d'un désert immense, vide et hostile. Selon la géographe Anna Madœuf, « l'Orient d'Hergé n'est jamais absolument réel, ni tout à fait improbable, au point d'être son propre pastiche. Tout est plausible, mais presque tout peut se révéler factice »[156].
 Pour dessiner les décors et les paysages du Lotus bleu, Hergé assemble des éléments issus de son abondante documentation iconographique. Si les décors de la ville de Shanghai sont imaginaires, ils empruntent toutefois des éléments d'architecture présents dans d'autres villes chinoises[158]. Dans le Shanghai inventé par Hergé, les maisons sont recouvertes de toits en tuiles vernissées aux extrémités recourbées vers le ciel, tandis que la ville est entourée de hautes murailles que les habitants franchissent par des « portes lunes » qui symbolisent dans les jardins chinois le passage vers un autre monde. Il procède à l'identique pour composer les décors de la ville fictive de Hou-Kou, et l'ensemble de ces décors traditionnels transmettent au lecteur une image de la « Chine immémoriale »[159].
 De même, le réalisme des décors intérieurs tient en grande partie à la présence d'objets d'art chinois comme les laques, les bonsaïs, les rouleaux suspendus, un paysage shanshui typique de la peinture traditionnelle Song, la céramique dont les motifs reprennent ceux de la peinture de genre « hua-niao » — autrement dit « fleurs et oiseaux », ou encore vases à motif floral bleu et blanc qui rappellent ceux de l'époque de la dynastie Qing[160].
 Pour Tintin au Tibet, Hergé s'inspire d'éléments réels en copiant notamment le Qûtb Minâr et le fort Rouge de Delhi, de même que les monuments de la place du Darbâr de Katmandou[21],[161]. Il représente les paysages himalayens et tibétains, ainsi que le monastère fictif de Khor-Biyong et les costumes traditionnels des moines tibétains, en s'appuyant sur les livres de l'exploratrice Alexandra David-Néel, première femme occidentale à atteindre Lhassa, la capitale tibétaine[162], mais également les photographies de Marcel Ichac qui illustrent le roman autobiographique de Maurice Herzog, Annapurna, premier 8000, ainsi que des reportages photographiques du National Geographic ou de Paris Match[163].
 Hergé s'aventure une première fois en Amérique latine pour L'Oreille cassée. Le fétiche arumbaya qu'il dessine et dont il fait le cœur de l'intrigue est la copie d'une statuette chimú exposée au musée du Cinquantenaire de Bruxelles[150]. En attribuant cette statuette précolombienne à un peuple primitif de la forêt amazonienne, le dessinateur mêle les époques et les civilisations, ce qu'il fait de nouveau avec le diptyque formé par Les Sept Boules de cristal et Le Temple du Soleil[164]. En faisant voyager son héros à la rencontre des Incas, Hergé multiplie les approximations en regroupant des éléments culturels distants à la fois dans l'espace et dans le temps[164]. Cet assemblage donne néanmoins une image plutôt fidèle, comme le reconnaît l'archéologue Patrice Lecoq qui considère ce périple péruvien comme « un voyage au fond assez proche de la réalité »[164].
 Dans le dernier album achevé de la série, Tintin et les Picaros, les héros voyagent une dernière fois en Amérique latine. Tout en présentant la capitale Tapiocapolis comme une ville moderne très fortement inspirée de Brasilia et de son palais du Planalto, Hergé propose également la visite d'une pyramide « paztèque » qui n'est autre qu'une copie de la pyramide maya de Chichén Itzá[164]. Que ce soit dans L'Oreille cassée ou Tintin et les Picaros, le San Theodoros rassemble les situations politiques de tout le sous-continent.
 Les automobiles sont nombreuses dans Les Aventures de Tintin et leur représentation témoigne du souci de réalisme dont Hergé fait preuve : 79 modèles de voitures sont identifiables dans la série[165]. Grand amateurs de voitures, le dessinateur a d'ailleurs représenté trois de ses propres véhicules : une Opel Olympia dans Le Sceptre d'Ottokar, une Lancia Aprilia dans Tintin au pays de l'or noir et une Porsche 356 bleue dans Coke en stock[165]. Dans le premier cycle de la série, que Frédéric Soumois définit comme un cycle d'aventures et qui court jusqu'à L'Affaire Tournesol, l'automobile est un élément narratif essentiel. Leur usage répond à un besoin vital et urgent du héros dans la poursuite de ses ennemis. Disponibles à profusion, les voitures sont le plus souvent des alliées de Tintin et jouent pour lui les « divinités salvatrices »[166]. Mais ce rôle est paradoxal : tout en permettant au héros de progresser vers son but, l'automobile représente un danger. L'accident automobile est particulièrement présent dans la série : vingt-deux accidents sont recensés dans le premier cycle, dont Tintin est la victime principale à seize reprises[167]. Le plus souvent, il s'en sort indemne, et l'accident est avant tout un procédé narratif permettant de relancer le récit par un épisode spectaculaire[168]. Dans les derniers albums, à mesure que le héros se détache de ses propres aventures, la fonction positive des automobiles s'inverse : elles sont avant tout des accessoires, « reflet de la goujaterie de l'homme et symbole de sa malfaisance »[169].
 Sur un autre plan, les voitures illustrent la personnalité de leur propriétaire, comme le souligne Charles-Henri de Choiseul Praslin : « Quelle autre voiture que la 2 CV pouvait incarner, ne serait-ce que par le chiffre 2, les Dupond et Dupont, personnages chaotiques, mais infatigables arpenteurs des chemins de traverse et impossibles à déstabiliser ? La 403 de la Castafiore révèle le caractère finalement un peu bobonne de la diva. L'Ami 6 Citroën […] va parfaitement au docteur du village de Moulinsart, ce brave médecin de campagne qui arbore son nœud papillon »[170].
 Dans un ouvrage paru en 1998, Jean-Paul Tomasi et Michel Deligne étudient les liens entre les romans de Jules Verne et les œuvres d'Hergé, soutenant que ce dernier s'est abondamment inspiré du précédent. Pour autant, le dessinateur a toujours affirmé n'avoir jamais lu les romans verniens, à l'exception de Vingt Mille Lieues sous les mers qu'il n'avait pas apprécié[171]. Selon Benoît Peeters, Robert Pourvoyeur ou encore Benoît Mouchart, ce n'est qu'à partir de L'Étoile mystérieuse en 1942, lorsque le dessinateur entame une collaboration avec Jacques Van Melkebeke, infatigable lecteur et riche d'une culture littéraire dont Hergé est dépourvu[171],[172]. Ainsi, Jean Rime prétend que si des ingrédients narratifs issus des romans de Jules Verne se retrouvent dans les premières Aventures de Tintin, c'est le fruit d'une influence indirecte. Selon lui, ces éléments « ressortissent soit à des archétypes universels, soit à un fonds de situations verniennes recyclées à l'envi par la littérature et l'imagerie populaire »[173].
 « J'ai toujours été en prise directe avec l'actualité. J'avais l'impression d'être imbibé d'actualité, de la restituer dans Tintin et Milou. »
 — Hergé, entretien avec Philippe Bouvard dans l'émission Samedi soir le 9 décembre 1972[174],[175]. Du premier récit, Tintin au pays des Soviets, qui apparaît comme une critique sévère du communisme soviétique, à la dernière histoire achevée, Tintin et les Picaros, qui met en lumière les guérillas sud-américaines, les aventures de Tintin s'inscrivent dans l'actualité de leur époque[174]. La fiction d'Hergé se nourrit des grands évènements historiques du XXe siècle, principalement dans les premiers épisodes de la série : Tintin au Congo repose sur la domination européenne de l'Afrique coloniale, Les Cigares du pharaon évoque la découverte du tombeau de Toutânkhamon et la malédiction qui s'ensuit, Le Lotus bleu dénonce l'expansionnisme japonais en mentionnant l'incident de Mukden et L'Oreille cassée transpose la guerre du Chaco quand Le Sceptre d'Ottokar figure comme « le récit d'un Anschluss raté »[174]. Après guerre, les bouleversements historiques et les mutations sociétales sont toujours présents dans l'œuvre d'Hergé, par exemple dans L'Affaire Tournesol qui présente une dictature totalitaire dans le contexte de la Guerre froide[18] ou dans Les Bijoux de la Castafiore qui recèle une critique de la culture de masse et de la société des médias[174].
 De fait, Tintin est souvent représenté comme un « reporter du siècle », mais pour le tintinophile Jean Rime, une telle vision « procède ainsi d'un regard rétrospectif embrassant toute la carrière d'Hergé », alors que « l'inspiration du quotidien n'est pas ici aussi immédiate que la réduction temporelle opérée par un éloignement de près d'un siècle peut le faire croire ». À titre d'exemple, il s'écoule trois ans entre l'incident de Mukden qui entraîne l'invasion japonaise de la Mandchourie et sa reprise fictionnelle dans Le Lotus bleu, ce qui va à l'encontre d'un « reporter globe-trotter censé courir le scoop »[174]. Les aventures de Tintin entretiennent donc un « rapport ambigu à l'actualité » qui, selon Jean Rime, doit d'abord être interrogé à travers « la perception de cette dernière telle qu'elle était alors filtrée par la culture médiatique » avant d'observer « les modalités et les motivations de sa reconfiguration dans [la série] »[174].
 Le personnage du savant est récurrent dans les Aventures de Tintin, mais seul le professeur Tournesol s'installe durablement dans la série. Chez Hergé comme chez les autres auteurs de bande dessinée au XXe siècle, la figure du savant répond à un certain nombre de stéréotypes. D'une part, sa tenue vestimentaire est le plus souvent désuète et négligée. D'autre part, il est fréquemment présenté comme un éternel distrait, ce qui renforce sa relative indifférence aux évènements du quotidien, et comme un génie travaillant seul, « qui progresse dans son entreprise sous le coup d'inspirations subites »[75]. Tryphon Tournesol partage donc ces caractéristiques avec les autres savants de l'univers de Tintin, l'égyptologue Philémon Siclone dans Les Cigares du pharaon, le sigillographe Nestor Halambique dans Le Sceptre d'Ottokar et l'astronome Hippolyte Calys dans L'Étoile mystérieuse[75]. Le savant d'Hergé s'inscrit donc en premier lieu dans la lignée du savant Cosinus, archétype du savant distrait créé à la fin du XIXe siècle[176]. Mais alors que les premiers savants de la série disparaissent au terme d'un seul album, Tournesol devient un personnage récurrent et symbolise la période scientifique des aventures, des années 1940 à 1960, lors de laquelle Hergé « propage une vision optimiste du progrès des sciences »[176]. Apparu comme un bricoleur de talent, Tournesol devient rapidement une sommité, au point qu'on lui confie la direction de la « section astronautique » du Centre de recherches atomiques de Sbrodj, en Syldavie, et la conception d'une fusée lunaire[177]. Comme le souligne le journaliste Nicolas Witkowski, « professeur d'aucune université, à mi-chemin entre le concours Lépine et le prix Nobel, Tournesol incarne ce virage qui a vu le savant du XIXe siècle se muer en chercheur au XXe »[176].
 Les albums de Tintin abordent de nombreuses disciplines scientifiques : l'égyptologie dans Les Cigares du pharaon, l'ethnographie dans L'Oreille cassée et l'archéologie, à travers les recherches sous-marine de l'épave de La Licorne dans Le Trésor de Rackham le Rouge ou la quête d'un tombeau mérovingien menée par Tournesol dans Les Sept Boules de cristal et qui le conduit à la découverte du bracelet de Rascar Capac, l'astronomie, à travers l'éclipse du Temple du Soleil, l'aérolithe de L'Étoile mystérieuse, l'astronautique et la physique nucléaire dans l'aventure lunaire et L'Affaire Tournesol, mais également la chimie, sous forme de poisons, de sérums ou d'additifs utilisés dans plusieurs récits[Note 6],[176].
 À travers ses récits, Hergé démontre sa fascination pour les phénomènes naturels. Ainsi, l'éclipse solaire joue un rôle salvateur lorsque les héros sont prisonniers des Incas, tandis que Vol 714 pour Sydney se conclut par une éruption volcanique. Les mirages interviennent fréquemment, de même que le phénomène de foudre en boule, pourtant rarissime. Dans Tintin et les Picaros, il confronte le capitaine Haddock à une gymnote, un poisson capable de produire un champ électrique[176]. L'évocation de certains phénomènes offre au dessinateur de faire œuvre de vulgarisation scientifique, mais les Aventures de Tintin sont loin de suivre l'actualité scientifique de leur époque. Ainsi, la spectroscopie évoquée dans L'Étoile mystérieuse est apparue dès la fin du XIXe siècle, tandis que le télescope utilisé dans Objectif Lune est celui que l'astronome américain Edwin Hubble utilisait déjà dans les années 1920[176].
 Dans l'imaginaire collectif occidental, la mer a longtemps constitué un espace aussi fascinant que redouté, inspirant de nombreuses œuvres littéraires ou cinématographiques de la seconde moitié du XIXe siècle à l'entre-deux-guerres. Hergé s'inscrit pleinement dans cette tradition et puise abondamment dans l'univers maritime pour nourrir ses récits[178]. La mer est omniprésente dans Les Aventures de Tintin, au point de figurer sur la couverture de cinq albums[179]. L'auteur en représente les différentes facettes : s'il fait voyager son héros sur de luxueux paquebots dans ses premières aventures, il dépeint également l'atmosphère sinistre et empreinte de trafics de la marine marchande, dans des scènes mystérieuses sur les quais ou à bord de cargos dont Le Crabe aux pinces d'or offre de beaux exemples[178].
 Ce dernier album, dans lequel Tintin rencontre le capitaine Haddock, ouvre ce que Philippe Goddin considère comme le « cycle maritime » de la série, et qui se poursuit jusqu'au Trésor de Rackham le Rouge, faisant alors de la mer le décor principal de l'aventure, comme si, pour Hergé, l'évasion de son héros semblait nécessaire dans le contexte d'occupation allemande de la Belgique pendant la Seconde Guerre mondiale[180]. C'est à cette période qu'Hergé fait apparaître des navires qui peuvent être considérés comme des personnages à part entière plutôt que de simples bateaux, à l'image de La Licorne ou du Sirius[180].
 Hergé évoque également les récits d'aventures et de piraterie dans Le Secret de La Licorne et Le Trésor de Rackham le Rouge, mais aussi l'exploration scientifique en décrivant une expédition européenne vers l'océan Arctique dans L'Étoile mystérieuse. De même, l'imaginaire marin étant étroitement lié aux catastrophes, la mer fait souvent figure de danger pour les personnages de la série qui ont alors recours à des canots de sauvetage, comme lors de l'incendie du Ramona dans Coke en stock ou après l'explosion de La Licorne[178]. Étroitement liées à l'univers maritime, les îles servent de décor à de nombreux épisodes de la série que l'auteur rattache à de grands mythes culturels et littéraires, comme celui de l'île hantée dans L'Île noire, de l'île éphémère dans L'Étoile mystérieuse, de l'île au trésor dans Le Trésor de Rackham le Rouge ou de l'île engloutie dans Vol 714 pour Sydney[181].
 Le motif littéraire de l'île est largement répandu dans la série[182] car, selon Ludwig Schuurman, « le jeune Hergé subit de fait l'influence plus ou moins consciente d'une littérature foisonnante ancestrale et inscrit ainsi son œuvre dans une tradition littéraire mythique »[183]. Par sa nature-même, l'île est un lieu d'aventure et celles visitées par Tintin sont, pour la plupart, « quasi inconnues et presque vierges » jusqu'à son passage[184]. Le motif de l'île, par sa relative inviolabilité, son inaccessibilité naturelle et sa dimension réduite, offre au dessinateur des possibilités narratives et graphiques attrayantes. C'est pour cette raison qu'à l'exception de l'île du Le Trésor de Rackham le Rouge, toutes les iles représentées par Hergé peuvent être contenues dans l'espace d'une vignette[184].
 L'Île Noire marque la première intrusion de Tintin dans « l'espace insulaire ». Le thème est ensuite repris avec l'aérolithe fantastique de L'Étoile mystérieuse, l'île au trésor fantasmée, exotique et déserte du Trésor de Rackham le Rouge, l'île volcanique de Pulau-Pulau Bompa dans Vol 714 pour Sydney et enfin l'île d'Ischia, seule île authentique de la série où Hergé prévoyait d'envoyer son héros dans Tintin et l'Alph-Art[185]. Par ailleurs, Pierre Sterckx et Cyrille Mozgovine affirment qu'« une sorte de structure insulaire marque certains hauts lieux de la saga tintinesque », ce pourquoi ils considèrent le Temple du Soleil, le centre de recherche atomiques de Sbrodj (Objectif Lune), le monastère de Khor-Biyong et le château de Moulinsart comme des îles à part entière et autant de lieux menacés par l'invasion « étrangère »[186]. À ce titre, Ludwig Schuurman croit bon d'ajouter à cette liste la fusée lunaire et la Lune elle-même[184].
 Tintin et l'Alph-Art, l'album inachevé, est le seul de la série dont l'art — et ses contrefaçons — est au cœur du récit. Pour autant, l'œuvre d'Hergé est ponctuée de références à ce domaine[187]. Bien qu'amateur d'art lui-même, Hergé en offre une représentation peu flatteuse[188].
 Dans L'Oreille cassée, les copies du fétiche arumbaya se multiplient, ce qui pose indirectement la question de la mutation radicale du statut d'une œuvre d'art engendrée par sa reproduction mécanique[p 31]. Plus tard, Le Secret de La Licorne met en scène des collectionneurs de bateaux, d'une part Ivan Sakharine, amateur obsessionnel, d'autre part les frères Loiseau, des antiquaires-malfrats, qui convoitent ces maquettes pour le profit qu'ils peuvent en tirer et qui entassent une collection d'objets en tout genre dans la crypte du château de Moulinsart[187]. Dans Vol 714 pour Sydney, un autre collectionneur, Laszlo Carreidas, ne s'intéresse qu'à sa valeur financière[188] et refuse dans un premier temps d'acheter de nouveaux tableaux de grands maîtres dont il déborde, avant de se raviser en apprenant qu'Aristote Onassis est acheteur[187].
 Sur un autre plan, les rêves qui parsèment les aventures, comme celui de Tintin dans Les Cigares du pharaon ou celui de Haddock dans Tintin au Tibet, mêlent diverses influences artistiques, de l'art égyptien au surréalisme[187].
 Le critique littéraire François Rivière met en avant le « réalisme fantastique » qui serait propre à l'œuvre d'Hergé[189]. Les phénomènes étranges et paranormaux abondent dans la série[190] et culminent dans Les Sept Boules de cristal, un album dont le fantastique constitue le cœur du récit[191]. La présence de ces phénomènes dans l'univers pourtant très réaliste de la série témoigne de l'intérêt profond de la part d'Hergé pour ce domaine[189].
 Quant à celui de la science-fiction, les deux récits de l'aventure lunaire Objectif Lune et On a marché sur la Lune, de même que L'Affaire Tournesol et Vol 714 pour Sydney ont en commun de poser comme acquis l'existence d'autres univers technologiques, des découvertes ou des réalisations scientifiques anticipées, voire un monde extra-terrestre[192]. L'Étoile mystérieuse, dont l'étrange métal contenu dans l'aérolithe a la capacité de faire grossir tout qui s'y frotte, mêle aussi bien la science-fiction que des éléments propres à « l'épaisseur hésitationnelle » caractéristique du fantastique[192].
 La mort est omniprésente dans les Aventures de Tintin. Elle y revêt de multiples dimensions. Dès la première aventure, Tintin au pays des Soviets, où le héros rêve qu'il meurt dans l'explosion d'une bombe, à l'album inachevé Tintin et l'Alph-Art, où il est menacé de disparaître dans une sculpture en polyester, Tintin évolue sous la menace permanente, de sorte que la mort constitue le ressort de l'aventure : « Elle rythme l'action, elle donne vie à l'intrigue ». Tout au long des aventures, les accidents, les chutes, les explosions et les fusillades se multiplient : l'historien René Nouailhat précise d'ailleurs que le mot « mort » apparaît 24 fois dans Tintin au pays des Soviets. Mais bien que le héros risque sans cesse de disparaître, il finit toujours par s'en sortir, « son immortalité étant la marque de son héroïsme »[193].
 La mort n'apparaît pas seulement sous la forme d'un danger pour la vie du héros : elle est également évoquée à travers les momies de la tombe du pharaon Kih-Oskh dans Les Cigares du pharaon, la malédiction de Rascar Capac dans Les Sept Boules de cristal ou encore la menace de fin du monde dans L'Étoile mystérieuse. Dans Tintin au Tibet, le héros veut croire à la survie de son ami Tchang, contre toutes les apparences, et son sauvetage apparaît comme une véritable « victoire sur la mort »[193].
 La mort d'un personnage est représentée pour la première fois dans L'Oreille cassée, avec la noyade des bandits Alonzo Perez et Ramon Bada. La présence de démons qui les conduisent en enfer est conforme à l'illustration religieuse des catéchismes de l'époque. Dans On a marché sur la Lune, la mort de Jorgen, le bandit qui voyageait clandestinement à bord de la fusée qu'il voulait détourner, semble acceptable pour les héros, dans la mesure où elle survient accidentellement, au cours d'une bagarre avec son complice Wolff. Ce dernier se repent de sa trahison en se jetant dans le vide, un sacrifice qui sauve Tintin et ses amis pour qui l'oxygène aurait fini par manquer avant le retour sur Terre. Pour autant, la représentation d'un suicide risquant de heurter son lectorat, Hergé choisit d'atténuer le destin tragique de Wolff en ajoutant une lettre écrite par le personnage avant de disparaître, dans laquelle il évoque un « miracle » qui lui permettra d'en réchapper[193]. Dans ces différents cas, la représentation de la mort est atténuée, ce qui peut s'expliquer, selon René Nouailhat, par l'influence du milieu catholique dans lequel sont diffusées les aventures de Tintin : « Chez Hergé et Jacobs, le référentiel de la mort est principalement biblique et chrétien. Ces deux artistes, comme la majorité des auteurs de bandes dessinées belges de cette époque, avaient appris leur métier dans un milieu professionnel catholique et fier de l'être. La première imprégnation des histoires dessinées imprimées au milieu du siècle dernier relevait largement d'une pastorale de l'Église catholique alors audacieuse pour diffuser de la sorte, en Belgique comme en France, l'exemplarité de la morale chrétienne. Les premiers héros dessinés étaient des saints et leur engagement pour le Bien était celui des valeurs de l'Évangile »[193].
 Les Aventures de Tintin conduisent souvent leur héros sur la piste de dangereux trafiquants ou de complots en tous genres. Le journaliste Hervé Gattegno relève la présence de sociétés secrètes dans 14 des 24 albums de la série : « Son créateur n'aura cessé de placer sur la route de Tintin des ligues de tueurs, bandes de faussaires et autres associations de malfaiteurs. Des internationales clandestines conçues comme autant d'hydres à têtes multiples dont le héros devra triompher plus d'une fois avant d'en venir à bout. »[194] Dans Tintin au Congo, le jeune reporter affronte le sorcier de la tribu des Babaoro'm, membre de la secte des Aniotas, et déjoue les plans de l'émissaire d'Al Capone qui cherche à l'éliminer. C'est la mafia dirigée par le célèbre bandit que Tintin combat ensuite en Amérique. Les groupes que le héros doit affronter dans les aventures suivantes sont moins authentiques mais tout aussi nombreux, de la véritable « internationale du crime » constituée par Rastapopoulos et son réseau de trafiquants d'opium dans Les Cigares du pharaon puis Le Lotus bleu[195] aux putschistes du Sceptre d'Ottokar en passant par les faux-monnayeurs de L'Île noire[194].
 Si Tintin consent parfois à intégrer ces organisations, c'est toujours pour la bonne cause, à l'image de sa lutte aux côtés des Fils du dragon dans Le Lotus bleu ou avec les Picaros du général Alcazar dans l'album éponyme[194].
 Le thème du faux est un sujet essentiel et continu dans la série, dont le mystère autour des origines familiales d'Hergé pourrait expliquer le caractère obsessionnel[196]. Benoît Peeters montre l'importance de cette problématique : « [Hergé] est un des artistes du XXe siècle qui a le mieux et le plus constamment posé le rapport au faux : il ne l'a pas posé dans la nostalgie classique du « Vrai », il l'a posé comme une espèce d'évidence de la prolifération du « Faux ». Cela pourrait se marquer à travers de nombreux récits, vous pouvez penser à la fausse monnaie telle qu'elle est traitée dans L'Île Noire, à ces cigares du pharaon qui sont faux car ils sont réceptacles d'autre chose, à ces boîtes de crabe qui ne sont pas des boîtes de crabe, vous pouvez penser à tout ce qui est dit de la collection dans Le Secret de La Licorne, à tout ce bric-à-brac des objets entreposés dans les caves de Moulinsart. C'est un thème qui continuera très, très loin, jusqu'à l'Alph-Art »[197]. Ludwig Schuurman complète cette liste en évoquant les faux policiers de Tintin en Amérique, la fausse disparition de l'explorateur Ridgewell et les nombreuses copies du fétiche arumbaya dans L'Oreille cassée, le jumeau du professeur Halambique qui usurpe son identité dans Le Sceptre d'Ottokar, les fausses pièces du Crabe aux pinces d'or, le vol factice de l'émeraude dans Les Bijoux de la Castafiore ou encore le guet-apens manigancé par le colonel Sponsz puis le coup d'État déguisé dans Tintin et les Picaros[196].
 Hergé utilise régulièrement le cryptogramme comme ressort dramatique de ses aventures car il permet non seulement de lancer (ou relancer) l'action mais également de solliciter le lecteur qui est amené à réfléchir à l'instar du héros pour le décrypter. De cette manière, l'auteur réactive « le phénomène identificatoire qui sous-tend la relation entre le lecteur et le personnage »[198]. Le cryptogramme intervient pour la première fois au début du Lotus bleu, avec le message radio capté par Tintin, puis revient dans L'Île Noire avec la feuille déchirée retrouvée dans la poche d'un aviateur, dont le message crypté indique le lieu et l'heure de livraison des faux billets. Dans Le Secret de La Licorne, c'est l'assemblage des trois parchemins qui doit déterminer l'emplacement de l'épave du navire et du trésor de Rackham le Rouge[198].
 Les Aventures de Tintin se distinguent également par une abondance de grottes, de galeries souterraines et de cryptes, un élément incontournable du récit d'aventures qui se retrouvent aussi abondamment dans l'œuvre d'Edgar P. Jacobs. Pour Pierre Masson, le héros atteint, par l'humilité de la reptation et le déplacement contraint dans cet espace exigu, « une sorte de pays de l'autre côté, zone supposée interdite ». Ludwig Schuurman constate que ces galeries souterrains sont présentes dans la moitié des albums. À titre d'exemple, c'est par ce biais que Tintin pénètre dans le repaire des faux-monnayeurs de L'Île Noire ou dans l'enceinte du Temple du Soleil[198].
 Autre procédé narratif fréquemment utilisé par Hergé, le recours à la mise en garde : les épisodes de Tintin regorgent de prédicateurs, de sermonneurs et de personnages superstitieux, véritables incarnations de la morale et de la bonne conscience, qui avertissent les héros des dangers auxquels ils s'exposent[199]. Ainsi le vieillard de Kiltoch qui révèle à Tintin que L'Île Noire est hantée, le fakir Cipaçalouvishni dans Le Lotus bleu, le prophète Philippulus dans L'Étoile mystérieuse, le camelot du Trésor de Rackham le Rouge, le voyageur du train et la voyante Yamilah dans Les Sept Boules de cristal, le prêtre inca Huascar dans Le Temple du Soleil, le sherpa Tharkey et le moine Foudre Bénie dans Tintin au Tibet, ou encore la bohémienne dans Les Bijoux de la Castafiore. L'interdit verbalisé par ces différents personnages place le héros dans une situation de dilemme « propre à favoriser la tension », ce dernier choisissant systématiquement de passer outre ces recommandations et de braver l'interdit, à la fois « effrayant et fascinant »[199].
 Le thème des enfants brusquement séparés de leurs parents est récurrent dans la série. Le fils du maharadjah de Rawhajpoutalah est kidnappé dans Les Cigares du pharaon, et c'est aussi le cas d'Abdallah, le fils de l'émir Ben Kalish Ezab dans Tintin au pays de l'or noir. Dans Les Bijoux de la Castafiore, la petite Miarka est égarée dans la forêt de Moulinsart, loin de ses parents, tandis que la série comprend également deux orphelins, à savoir Tchang dans Le Lotus bleu et Zorrino dans Le Temple du Soleil[91]. Selon l'universitaire Cristina Álvares, ces enfants disparus « enclavent un petit drame familial dans l'aventure tintinesque » et l'action du héros consiste à « recomposer des familles, lui qui n'en a pas »[91]. Le psychanalyste Serge Tisseron explique la présence de nombreux personnages d'enfants dans les albums par le besoin d'identification des jeunes lecteurs : pour lui, ces personnages constituent « le maillon indispensable de toutes les générations présentes dans Tintin »[200]. À ses yeux, Abdallah incarne le « sale gosse » quand Zorrino représente l'enfant prêt à se sacrifier. Il considère par ailleurs que ces figures d'enfants se retrouvent chez certains personnages adultes d'Hergé, et établit ainsi un parallèle entre l'insupportable Abdallah et le milliardaire antipathique Laszlo Carreidas dans Vol 714 pour Sydney[200]. Selon l'hypothèse de Pierre Assouline, l'un des biographes d'Hergé, la présence de nombreux enfants dans la série peut aussi s'expliquer par l'impossibilité pour le dessinateur d'en avoir un lui-même[201].
 « Le rire est […] le moteur d'une action dont le suspense est le carburant. C'est parce qu'il y a mystère que l'intrigue nous captive, c'est parce qu'il y a gag qu'elle rebondit. »
 — Christophe Barbier, Le rire de Tintin, 2014[202] L'humour est omniprésent dans les Aventures de Tintin. D'une part, c'est un moyen pour Hergé de maintenir l'attention de son lecteur alors que l'histoire paraît en feuilleton dans la presse, de façon hebdomadaire. D'autre part, en multipliant les gags dans ses albums, l'auteur fait avancer le récit tout en faisant retomber la tension dramatique. Le gag agit ainsi comme « [une] respiration, [une] ponctuation dans une histoire bourrée d'action »[203]. Le critique littéraire François Rivière note que « la saga de Tintin affirme son originalité comique par l'équilibre permanent entre l'anecdote du conteur et les digressions de l'humoriste »[204].
 L'humour dans Tintin tient avant tout à la personnalité de son dessinateur, que Daniel Couvreur qualifie « d'amuseur qui ne s'est jamais pris au sérieux ». Hergé appréciait l'humour potache et cultivait l'autodérision. Il partageait avec ses amis le goût de la fantaisie et du canular, au point d'utiliser dans ses albums les blagues que lui faisaient parfois ses assistants[205]. Il puise notamment son inspiration chez les grands maîtres du cinéma muet et burlesque comme Charlie Chaplin, Buster Keaton, Harold Lloyd, mais aussi les frères Lumière, à l'image de la scène mythique de L'Arroseur arrosé reprise dans Coke en stock aux dépens du capitaine Haddock[206]. Comme le souligne le critique littéraire Tristan Savin, les gags d'Hergé sont « cinématographiques, c'est-à-dire imagés, rythmés, efficaces »[203].
 Le dessinateur multiplie les procédés pour faire rire le lecteur. Ainsi, les chutes, les collisions ou les quiproquos s'enchainent, tandis que les accessoires et les animaux sont tournés en dérision[203]. Entre autres procédés, le comique de répétition est l'un des plus fréquemment utilisé par Hergé. Il apparaît dès Tintin au Congo avec la queue de Milou devenue la proie de plusieurs animaux et se perfectionne au fil des albums, avant de devenir l'une des marques de fabrique du capitaine Haddock, aux prises avec un lama cracheur dans Le Temple du Soleil ou un sparadrap parasite dans L'Affaire Tournesol[207]. La puissance comique des Aventures de Tintin tient notamment dans la personnalité et le caractère des personnages créés par Hergé, qui font le plus souvent rire à leurs dépens[204]. C'est le cas du capitaine qui devient au fil des albums un faire-valoir idéal, auteur de nombreux accès de colère, maladresses ou revirements[208], mais aussi de la surdité du professeur Tournesol[203] ou des nombreuses collisions dont sont victimes les Dupondt[209].
 Autre ressort comique de la série, le langage propre à chacun de ses personnages. Ainsi, quand les Dupondt multiplient les lapsus[82], la Castafiore se distingue par sa propension à écorcher le nom de ses interlocuteurs[210] et le capitaine invente des dizaines de jurons[211]. De même, Hergé cherche à faire rire le lecteur à travers les noms propres qu'il invente, dans lesquels il glisse un certain nombre de calembours ou dissimule des mots en brusseleer, le patois du quartier des Marolles dont il est originaire[210]. Enfin, en lecteur passionné des œuvres d'écrivains anglo-saxons comme Jerome K. Jerome et Mark Twain, Hergé utilise l'ironie et l'art du décalage, prêtant à ses personnages un certain nombre de répliques absurdes et d'allusions pince-sans-rire[212].
 Certains[Qui ?] critiquent les premières Aventures de Tintin, considérant que celles-ci contiennent de la violence, de la cruauté envers les animaux, des préjugés colonialistes et même racistes, présents entre autres dans la description qui y est faite des non-Européens. Néanmoins, beaucoup considèrent ces critiques comme étant totalement anachroniques.
 Tintin paraît à l'origine dans le journal Le Petit Vingtième. Même si la Fondation Hergé met ces éléments sur le compte de la naïveté de l'auteur et que certains chercheurs comme Harry Thompson prétendent que « Hergé faisait ce que lui disait l'abbé Wallez (le directeur du journal) »[213], Hergé lui-même sent bien que, vu ses origines sociales, il ne peut échapper aux préjugés : « Pour Tintin au Congo, tout comme pour Tintin au pays des Soviets, j'étais nourri des préjugés du milieu bourgeois dans lequel je vivais. […] Si j'avais à les refaire, je les referais tout autrement, c'est sûr »[214].
 Dans Tintin au pays des Soviets, les bolcheviques sont dépeints comme des personnages maléfiques. Hergé s'inspire du livre de Joseph Douillet, ancien consul de Belgique en Russie, Moscou sans voile, qui est extrêmement critique envers le régime soviétique. Il remet cela dans le contexte en affirmant que, pour la Belgique de l'époque, nation pieuse et catholique, « tout ce qui était bolchevique était athée »[145]. Dans l'album, les chefs bolcheviques ne sont motivés que par leurs désirs personnels, et Tintin découvre, enterré, le « trésor caché de Lénine et Trotsky ». Hergé a plus tard attribué les défauts de ce premier album à « une erreur de jeunesse »[145]. Mais aujourd'hui, avec la découverte des archives soviétiques, sa représentation de l'URSS, bien que caricaturale, possède quelques éléments de vérité. En 1999, le journal The Economist, de tendance libérale, écrira que « rétrospectivement, la terre accablée par la faim et la tyrannie dépeinte par Hergé était malgré tout étrangement exacte »[215].
 On reproche à Tintin au Congo de représenter les Africains comme des êtres naïfs et primitifs. Dans la première édition de l'album, on voit Tintin devant un tableau noir, donnant la leçon à des enfants africains. « Mes chers amis, dit-il, je vais vous parler aujourd'hui de votre Patrie : la Belgique ». En 1946, Hergé redessine l'album et transforme cette leçon en un cours de mathématiques. Il s'est par la suite expliqué sur les maladresses du scénario original : « Je ne connaissais de ce pays que ce que les gens en racontaient à l'époque : ""Les Nègres sont de grands enfants… Heureusement pour eux que nous sommes là !"", etc. Et je les ai dessinés, ces Africains, d'après ces critères-là, dans le plus pur esprit paternaliste qui était celui de l'époque en Belgique »[216]
 L'auteur Sue Buswell résume en 1988, dans le journal britannique Mail on Sunday, les problèmes posés par cet album, en soulignant deux éléments : « Les lèvres molles et les tas d'animaux morts en référence à la manière dont sont dessinés les Africains dans l'album, et aux animaux qui y sont tués par Tintin. »[217] Néanmoins, Thompson pense que cette citation est mise « hors de son contexte »[218]. L'expression « animaux morts » est une allusion à la chasse au gros gibier, très en vogue à l'époque de la première édition de Tintin au Congo. En transposant une scène de chasse du livre d'André Maurois Les Silences du colonel Bramble (1918), Hergé présente Tintin comme un chasseur de gros gibier, abattant quinze antilopes, alors qu'une seule serait nécessaire pour le dîner. Ce nombre important d'animaux tués conduit l'éditeur danois des Aventures de Tintin à demander quelques modifications à Hergé. Ainsi, une planche où Tintin tue un rhinocéros en perçant un trou dans le dos de l'animal et en y insérant un bâton de dynamite est jugée excessive. Hergé la remplace par une autre planche montrant le rhinocéros accidentellement touché par une balle du fusil de Tintin, alors que ce chasseur d'une autre époque est embusqué derrière un arbre.
 En 2007, un organisme britannique, la Commission pour l'égalité raciale, demande, à la suite d'une plainte, que l'album soit retiré des rayonnages des librairies, en affirmant : « Cela dépasse l'entendement qu'à notre époque, un vendeur de livres puisse trouver acceptable de vendre ou faire la promotion de Tintin au Congo. »[219] Le 23 juillet 2007, une plainte est déposée par un étudiant de République Démocratique du Congo à Bruxelles, celui-ci estimant que l'ouvrage constitue une insulte envers son peuple[220]. En réaction, une institution belge, le Centre pour l'égalité des chances et la lutte contre le racisme, met en garde contre « une attitude hyper-politiquement correcte »[221] dans ce dossier. Le 5 décembre 2012, la cour d'appel de Bruxelles rend son jugement : elle considère que l'album ne contient pas de propos racistes et que « Hergé s'est borné à réaliser une œuvre de fiction dans le seul but de divertir ses lecteurs. Il y pratique un humour candide et gentil », confirmant ainsi le jugement de première instance de 2011[222]. Loin de promouvoir la haine ou la peur à l'égard des autres peuples, Hergé a cependant recours, comme le souligne Marc Angenot, à une « imagologie xénophobe comme source élémentaire inépuisable de comique »[11].
 Plusieurs des premiers albums de Tintin ont été remaniés pour être réédités, le plus souvent à la demande des maisons d'édition. Par exemple, à la demande des éditeurs américains des Aventures de Tintin, la plupart des personnages noirs de Tintin en Amérique ont été recolorés pour devenir blancs ou d'origine indéterminée[223]. Dans L'Étoile mystérieuse, on trouvait à l'origine un « méchant » américain nommé Monsieur Blumenstein (un patronyme juif), ce qui était tendancieux, d'autant plus que le personnage avait un faciès correspondant exactement aux caricatures de Juifs. Hergé attribue par la suite à son personnage un nom jugé moins connoté – Bohlwinkel – et le fait habiter dans un pays sud-américain imaginaire, le São Rico. Hergé a découvert bien plus tard que Bohlwinkel était également un nom juif[145],[224].
 En 1956, quand paraît L'Affaire Tournesol, les ventes cumulées des albums de Tintin depuis la création de la série atteignent un million d'exemplaires[55]. Ce nombre augmente fortement et de manière accélérée, notamment en raison du nombre croissant de traductions disponibles. Ainsi, en 1962, la revue Le Figaro littéraire évoque un chiffre total de 11 900 000 albums vendus[55]. Le succès de Tintin est tel qu'au début du XXIe siècle, il s'écoule chaque année autant d'albums que sur la période s'étalant de 1931 à 1956[55].
 En 2019, l'éditeur Casterman annonce que plus de 250 millions d'albums ont été vendus à travers le monde depuis la création des Aventures de Tintin 90 ans plus tôt, ce qui en fait l'une des séries de bandes dessinées les plus vendues, devancée seulement par Astérix[54]. À cette date, selon les chiffres fournis par l'éditeur, quatre millions d'exemplaires sont vendus chaque année, principalement en Chine, tandis que les ventes se maintiennent à près de 500 000 albums en France[54]. Tintin en Amérique, Tintin au Congo et Le Lotus bleu sont les albums les plus vendus depuis la création de la série[54].
 Dès la première aventure, Tintin au pays des Soviets, Hergé et son équipe intègrent dans les pages du Petit Vingtième des interviews fictives du héros et jouent avec la réalité en publiant une fausse lettre de menaces adressée par la Guépéou, une pratique innovante et non dénuée d'intérêt sur le plan commercial, comme le souligne le tintinologue Geoffroy Kursner : « Dialoguer, voire jouer avec les lecteurs, afin de les fidéliser et d'en accroître le cercle, et, surtout, mêler fiction et réalité, constitue indéniablement une méthode ingénieuse[k 6]. » Aussi, l'un des collaborateurs du Vingtième Siècle, Charles Lesne, propose à l'abbé Norbert Wallez de mettre en scène le retour de Tintin en Belgique comme si ses aventures avaient réellement eu lieu[225],[k 6]. L'évènement est prévu le 8 mai 1930 à la Gare du Nord de Bruxelles et le quotidien en fait une grande publicité dans les jours qui précèdent. Le jeune Lucien Pepermans, un scout âgé de 15 ans, est choisi pour interpréter le rôle de Tintin. Un discours de bienvenue est prononcé, suivi de la remise d'une gerbe de fleurs et de la distribution de friandises, tandis que le faux Tintin signe des autographes[k 6].
 Le retour de Tintin et Milou du Congo est également mis en scène. Le rendez-vous est fixé le 9 juillet 1931, toujours en gare de Bruxelles-Nord, et c'est Henri Dendoncker qui joue le rôle de Tintin, le précédent interprète étant désormais trop âgé. L'évènement attire une foule nombreuse et fait la une du Petit Vingtième la semaine suivante[k 15]. Après Tintin en Amérique, une nouvelle réception est organisée, mais cette fois dans la grande salle de l'Institut Saint-Boniface, avec René Boey dans le rôle de Tintin[k 16]. À partir des Cigares du pharaon, la parution des planches est agrémentée d'une rubrique « Le mystère Tintin », animée par Paul Jamin et qui permet aux lecteurs de donner leur point de vue sur l'affaire qui se déroule au fil des semaines, une autre manière de fidéliser le public[k 17]. À la fin du Lotus bleu, pour la quatrième fois, Tintin est accueilli en chair et en os. La mise en scène est orchestrée le 1er décembre 1935 au Cirque Royal de Bruxelles et fait intervenir une fanfare, des clowns et des acrobates. Charles Stie endosse le costume de Tintin[k 17].
 L'évènement se répète le 18 décembre 1938, pour célébrer les dix ans de la naissance du Petit Vingtième, toujours au Cirque Royal. Entre autres nouveautés, le chanteur Henri Colas interprète la Chanson de Tintin et Milou, tandis que des sketchs de Quick et Flupke sont proposés[k 18].
 Les trois premiers albums ont été publiés aux éditions du Petit Vingtième, à Bruxelles, et les autres, chez Casterman, à Tournai.
 ll existe souvent une confusion entre la date du dépôt légal ou du copyright et la date d'édition. Il faut alors se référer aux modifications successives du texte du quatrième plat ou quatrième de couverture pour identifier l'année d'édition, selon une nomenclature établie par le catalogue BDM : Série A (1937-1945) allant de A1 à A24 ; Série B (1945-1975), numérotée de B1 à B42bis ; Série C (1975-) numérotée de C1 à C8[226]. La datation exacte d'un album permet d'en déterminer la cote.
 Les dessins originaux d'Hergé, très recherchés par les collectionneurs, acquièrent une très grande valeur et battent des records dans les premières années du XXIe siècle. En 2014, les pages de garde des albums de 1937 sont adjugées pour un montant de 2 654 000 euros, tandis que l'année suivante, le dessin original de la couverture de L'Étoile mystérieuse est vendu au prix de 2 500 000 euros lors de la Brafa de Bruxelles[227].
 La société Moulinsart SA est chargée de la gestion et de la perception des droits des œuvres d'Hergé depuis 1987. Fondée par sa femme en qualité de légataire universelle, cette société est actuellement dirigée par Nick Rodwell, qui en est le gestionnaire délégué. Très regardante sur la gestion des droits moraux et sur leur perception financière, la société provoque régulièrement la controverse en interdisant toute utilisation d'une image de Tintin sans son autorisation formelle.
 Ainsi, à l'heure d'internet, toute forme de parodie, détournement ou réutilisation est fortement combattue par la société Moulinsart SA. De même, le fait de poster une simple bulle d'une BD de Tintin est réprimandé selon les lois des différents pays[228].
 Cette attitude inquiète certains passionnés de culture et de BD franco-belges qui se demandent comment ils vont pouvoir faire en sorte que Tintin reste dans le patrimoine culturel francophone si la diffusion de son image est aussi fortement restreinte dans les médias modernes.
 Cependant, une décision rendue par la Cour de La Haye au début de l'année 2015 a esquissé un changement. La justice néerlandaise a donné raison à l'association Hergé Genootschap, qui s'était vu réclamer plusieurs dizaines de milliers d'euros par Moulinsart SA pour l'utilisation de vignettes originales dans ses publications, après y avoir longtemps été autorisée. En effet, la Cour a retenu que la légataire universelle d'Hergé, Fanny Rodwell, n'avait jamais remis en cause un contrat de 1942 stipulant explicitement la cession de l'intégralité des droits sur les textes et vignettes des albums d'Hergé à Casterman. Ce verdict a été perçu comme pouvant instaurer un précédent dans la jurisprudence, ouvrant ainsi la porte à des réparations éventuelles de Moulinsart SA envers les associations ayant dû verser des sommes d'argent pour l'utilisation d'une ou plusieurs vignettes de Tintin. Moulinsart SA a contesté ce jugement[229],[230].
 L'œuvre d'Hergé entrera dans le domaine public le 1er janvier 2054. Mais Moulinsart SA, qui perdrait ainsi de substantielles sources de revenus, envisage d'en empêcher l'utilisation et la publication par tous en publiant une nouveauté Tintin en 2052. Cette opération ferait face à des limites juridiques et à un certain problème moral[231].
 Les Aventures de Tintin ont été diffusées dans de nombreux médias venus s'ajouter à la bande dessinée originale. Certaines sont des œuvres originales, d'autres des adaptations. Hergé était favorable aux adaptations de Tintin, et il encourageait ses équipes à participer à des projets d'animation de la série. Après sa mort, les studios Hergé sont devenus la seule institution habilitée à donner son accord pour des adaptations de Tintin.
 En 1947, deux pionniers du cinéma d'animation belge, Claude Misonne et son mari João Michiels, réalisent Le Crabe aux pinces d'or, une adaptation de l'album paru en 1941, en un long-métrage où les personnages sont mis en scène par le biais de poupées de chiffon[p 32]. La faillite du producteur empêche la distribution, après une unique projection à Bruxelles devant près de deux mille enfants. Le film est finalement édité en vidéo en 2007[232].
 En 1957, Raymond Leblanc, qui a fondé les studios Belvision trois ans plus tôt, signe un contrat avec la RTF portant sur la coproduction de deux mini-séries, intitulées Les Aventures de Tintin et adaptées des albums Le Sceptre d'Ottokar et L'Oreille cassée. Comprenant respectivement huit et sept épisodes de 13 à 14 minutes, en noir et blanc, ces deux séries sont réalisées par Anne-Marie Ullmann, sous la supervision de Bob de Moor, l'assistant d'Hergé. L'animateur Jean Nohain double l'intégralité des personnages[k 19],[233]. Ces deux adaptations, peu convaincantes, déçoivent Hergé[k 19].
 Deux ans plus tard, Raymond Leblanc signe un contrat avec le producteur américain Larry Harmon, qui prévoit l'adaptation de plusieurs aventures sous la direction du scénariste Charlie Shows[233]. Un pilote de cinq minutes, tourné à partir de l'album Objectif Lune, est jugé peu concluant, et Leblanc s'associe finalement avec la société française Télé-Hachette, ce qui aboutit à la création d'une nouvelle série, Les Aventures de Tintin, d'après Hergé, réalisée par Ray Goossens avec la collaboration de Charlie Shows. Sept albums sont d'abord adaptés entre 1961 et 1963, mais les scénaristes, au grand dam d'Hergé, s'éloignent des scénarios originaux[k 19]. Après le désistement de Télé-Hachette, la société Belvision produit seule une huitième et dernière aventure, L'Affaire Tournesol, en 1964, sur un scénario de Michel Greg et Bernard Fredisch[k 19].
 Pendant que Tintin effectue ses premiers pas à la télévision, le producteur français André Barret envisage de le porter sur grand écran. En 1961, Tintin et le Mystère de la Toison d'or est le premier film en prise de vues réelles consacré au héros[234],[235]. Réalisé par Jean-Jacques Vierne sur un scénario d'André Barret et Remo Forlani, il met en scène Jean-Pierre Talbot dans le rôle de Tintin et Georges Wilson dans celui du capitaine Haddock[k 20]. Dans ce long-métrage, les deux héros se rendent à Istanbul et sont menacés par une organisation turque voulant s'emparer du bateau La Toison d'or que l'ami du capitaine Haddock, Thémistocle Paparanic, lui a légué[k 20]. Un second film sort en 1964 : Jean-Pierre Talbot endosse de nouveau le costume du jeune reporter dans Tintin et les Oranges bleues, cette fois aux côtés de Jean Bouise dans le rôle du capitaine[k 21]. Dans ce film réalisé par Philippe Condroyer, les deux amis sont à la recherche du professeur Tournesol, victime d'un enlèvement à la suite de sa découverte sur de mystérieuses oranges bleues mises au point par le savant espagnol Anténor Zallaméa[k 21].
 En 1969, Tintin et le Temple du Soleil, un film d'animation réalisé par les studios Belvision à partir des albums Les Sept Boules de cristal et Le Temple du Soleil, sort sur les écrans[k 22]. L'adaptation est signée par Hergé lui-même, Eddie Lateste, Jos Marissen et László Molnár, avec des dialogues écrits par Greg[233]. La même année, les studios Belvision réalisent un court-métrage d'animation publicitaire d'une durée de huit minutes pour la Société Générale des Minerais[236],[237]. Le comédien Philippe Ogouz y prête sa voix à Tintin[238].
 En 1972, un nouveau long-métrage d'animation, Tintin et le Lac aux requins, est produit par Belvision, d'après un scénario original de Greg. Adapté par Rainer Gocksch, Eddie Lateste, Jos Marissen et Jean-Michel Charlier, le film envoie les héros en Syldavie, sur les rives d'un lac où le professeur Tournesol a mis au point une machine capable de reproduire toutes sortes d'objets en trois dimensions, attirant la convoitise de Rastapopoulos[k 23].
 En 1992, une nouvelle série d'animation naît sous l'impulsion du studio français Ellipse, de son directeur général Philippe Gildas et du producteur Robert Réa[239],[240]. L'entreprise nécessite d'importants moyens financiers : sous la houlette du réalisateur Stéphane Bernasconi, une équipe de soixante dessinateurs travaille à l'adaptation des albums de la série, à l'exception de Tintin au pays des Soviets et de Tintin au Congo, pour un budget de 400 000 dollars par épisode de 26 minutes[239]. En France, les 39 épisodes de la série sont diffusés en première partie de soirée sur France 3 à partir du 5 mai 1992 et rencontrent un grand succès d'audience[241],[240]. Coproduite avec la société canadienne Nelvana, la série bénéficie également d'une diffusion en Amérique du Nord, notamment sur la chaîne HBO[240].
 Dans les années 1990, l'idée d'adapter Tintin au cinéma refait surface et les projets se multiplient, sans se concrétiser. Tour à tour, le producteur Claude Berri et le réalisateur Alain Berberian[242], Jaco Van Dormael[p 33],[243] et Jean-Pierre Jeunet finissent par renoncer[244]. En 2011, la sortie du film Les Aventures de Tintin : Le Secret de La Licorne, réalisé par Steven Spielberg, crée l'évènement. Ce film d'aventures en capture de mouvement 3D est présenté en avant-première mondiale à Bruxelles le 22 octobre 2011, au cinéma UGC-De Brouckère[245]. Le film ne retrace pas l'intégralité du récit de l'album éponyme mais s'inspire en fait de trois albums distincts : Le Secret de La Licorne, Le Trésor de Rackham le Rouge et Le Crabe aux pinces d'or, pour aboutir à un scénario original. Certains personnages ne jouent pas le même rôle dans le film que dans l'album, comme le collectionneur Ivan Sakharine qui, au cinéma, vit au château de Moulinsart et revêt le rôle du méchant[246]. C'est l'acteur britannique Jamie Bell qui interprète Tintin, doublé en français par Benjamin Bollen[247].
 Dès l'entame du projet, Steven Spielberg entend inscrire ce film dans une trilogie. En 2019, Benoît Mouchart, directeur éditorial aux Éditions Casterman, confirme qu'un deuxième long métrage, réalisé par Spielberg et Peter Jackson, est en projet, sans toutefois annoncer une date de sortie[248].
 Entre 1956 et 1961, Radio Luxembourg diffuse les Aventures de Tintin, émissions réalisées par Jean Maurel.
 Entre 1959 et 1963, la radiodiffusion-télévision française présente un feuilleton radiophonique des Aventures de Tintin de près de 500 épisodes, produit par Nicole Strauss et Jacques Langeais. Adaptés sous la forme de disques 33 tours, ces épisodes rencontrent un grand succès[249].
 La radio de Radio-Canada a aussi adapté les Aventures de Tintin en format radio dans un format quotidien de quinze minutes à partir du 15 octobre 1962[250].
 En 2015, une nouvelle adaptation radiophonique des Cigares du pharaon est enregistrée et diffusée par France Culture, en partenariat avec la société Moulinsart et la Comédie-Française dont les artistes prêtent leurs voix aux personnages de l'aventure. Cette adaptation de Katell Guillou est réalisée par Benjamin Abitan, sur une musique originale d'Olivier Daviaud interprétée par l'Orchestre national de France. Le comédien Noam Morgensztern joue le rôle de Tintin[251],[252],[253]. Dans les années qui suivent, d'autres titres enrichissent la collection : Le Lotus bleu en 2016[254], Les Sept Boules de cristal en 2017[255], Le Temple du Soleil en 2019[256], Les Bijoux de la Castafiore[257], Le Secret de La Licorne[258] et Tintin au Tibet en 2023[259]. Pour cette dernière adaptation, la production innove en proposant un concert-fiction, enregistré en public le 17 novembre 2023 au studio 104 de Radio France[260].
 Il existe des magasins consacrés à Tintin. Le premier « The Tintin Shop » a ouvert en 1984 à Londres (Covent Garden), puis d'autres magasins ont ouvert dans plusieurs villes, comme Bruxelles, Cheverny, Singapour ou encore Barcelone[264]. On peut y acheter tous les livres dans une variété de langues, des tee-shirts, des tasses et beaucoup d'autres objets à thème.
 Dès la première aventure, Tintin rencontre un succès considérable à l'échelle de la Belgique : l'album de Tintin au pays des soviets est vendu à 10 000 exemplaires[p 34]. La parution des aventures dans Le Soir à partir d'octobre 1940 contribue à augmenter fortement le nombre de ses lecteurs[a 43]. Des années 1950 aux années 1960, Tintin accède au rang d'icône internationale : les traductions se multiplient, accroissant d'autant plus rapidement les ventes d'albums de la série[s 8]. En 1957, la femme de lettres Marguerite Duras est l'une des premières à évoquer ce phénomène : « Les albums de Tintin des éditions Casterman tournent autour du monde. On peut dire qu'il y a une internationale Tintin. Que tous les enfants du monde civilisé ont une culture Tintin avant d'avoir la leur propre, qu'ils boivent le lait Tintin, tous uniformément, comme eau de fontaine[265] ». L'année suivante, l'hebdomadaire Paris Match consacre un article à Hergé, puis en 1959, l'écrivain belge Pol Vandromme est le premier à lui consacrer une biographie, intitulée Le Monde de Tintin et parue chez Gallimard[266].
 Les Bijoux de la Castafiore, qui paraît en 1963, accède au « statut d'album pour intellectuels »[266], célébré par le philosophe Michel Serres qui lui consacre une étude de treize pages dans la revue Critique en 1970 sous le titre Les Bijoux distraits ou la cantatrice sauve, puis par Benoît Peeters dans l'essai Les Bijoux ravis en 1984[266]. Hergé reçoit non seulement les hommages de la profession, comme au premier congrès international de la bande dessinée à New York en 1972, il est désormais considéré comme un « créateur littéraire majeur »[267], comme en témoigne son invitation sur le plateau d'Apostrophes en janvier 1979, à l'occasion du cinquantième anniversaire de la série[266]. Dès lors, les Aventures de Tintin soulèvent de nombreuses exégèses et de mutliples thèses universitaires. L'ouverture du musée Hergé à Louvain-la-Neuve en 2009 consacre autant la carrière du dessinateur que l'ensemble de son œuvre, tandis que des expositions dédiées à Tintin sont régulièrement organisées dans les musées du monde entier[266].
 En 2008, la douzième planche de L'Affaire Tournesol intègre les collections permanentes du centre Georges-Pompidou et devient ainsi la première planche de bande dessinée à rejoindre l'inventaire de ce musée. Deux ans plus tard, elle représente le 9e Art lors de l'exposition Chefs-d'œuvre ? au centre Pompidou-Metz qui rassemble les grandes figures de l'histoire de l'art du XXe siècle[268].
 En 2006, la Fondation Hergé reçoit le prix Lumière de la vérité, décerné par le dalaï-lama, chef temporel et spirituel du gouvernement tibétain en exil, en récompense de sa contribution significative à la reconnaissance internationale de ce territoire, à travers l'album Tintin au Tibet, paru en 1960[269],[270].
 En 2012, ce même album est classé au premier rang du classement des cinquante BD essentielles établi par le magazine Lire[271]. Le Lotus bleu figure pour sa part à la dix-huitième place du classement des Cent livres du siècle établi en 1999 par une consultation populaire, à partir d'une liste proposée par des journalistes du Monde et des libraires de la Fnac[272].
 Le parcours BD de Bruxelles comprend une fresque dédiée à Tintin. Située dans la rue de l'Étuve, elle reproduit une case de L'Affaire Tournesol, montrant le capitaine et Tintin s'échappant par l'escalier de service de l'hôtel où ils sont surveillés par les agents bordures[273]. Une autre fresque, qui reproduit une case de Tintin en Amérique montrant le héros accroché à une locomotive, figure aux abords de la gare de Bruxelles-Midi. Elle est réalisée à l'occasion du centième anniversaire de la naissance d'Hergé, en 2007[273]. Deux fresques présentant de nombreux personnages de la série ornent les murs de la station de métro Stockel à Bruxelles, tandis que le Centre culturel d'Uccle abrite une statue de Tintin réalisée par le sculpteur belge Nat Neujean[273].
 La ville de Saint-Nazaire, en collaboration avec l'association « Les 7 soleils », installe en 1992 un circuit en sept étapes[274] qui rend hommage aux Sept Boules de cristal, dont une partie de l'action se déroule dans cette ville[275].
 Il existe plusieurs parodies de Tintin, dont Tintin en Suisse, publiée aux éditions Sombrero, qui utilise des mots obscènes et de la pornographie[276]. La série Les Aventures de Saint-Tin et son ami Lou, initiée par Gordon Zola et complétée par Bob Garcia et Pauline Bonnefoi, est également un pastiche de la bande dessinée.
 En 2007, Antonio Altarriba publie un album parodique intitulé Le Lotus rose, dans lequel il imagine Tintin comme un trentenaire à la vie dissolue, tandis que les autres personnages des Aventures de Tintin ont tous évolué négativement. L'album est finalement retiré de la vente à la demande de la société Moulinsart[277]
 Tintin est aussi parodié dans le film d'animation Le Chat du rabbin, lors de son voyage au Congo.
 Le succès de la série en fait une référence pour plusieurs générations d'auteurs et de dessinateurs. Parmi les références à la culture belge glissées par René Goscinny et Albert Uderzo dans Astérix chez les Belges, publié en 1979, les Dupondt font une brève apparition dans la dernière case de la 27e planche. Ils y annoncent l'arrivée de Jules César selon leur mode d'expression caractéristique : « Jules César est arrivé en Belgique. ― Je dirais même plus : Cules Jésar est arrivé en Gelbique. » La forme et le lettrage de la bulle reprennent ceux adoptés par Hergé[278],[279]. Les deux détectives sont également parodiés dans l'album Jesse James, 52e histoire de la série Lucky Luke, sous les traits de deux policiers-détectives de l'agence Pinkerton, nommés Cosmo Smith et Fletcher Jones[280]. Ces deux personnages réapparaissent aux côtés de leur patron Allan Pinkerton dans l'album Lucky Luke contre Pinkerton[280].
 En 2010, l'auteur américain Charles Burns publie Toxic, un roman graphique qui multiplie les références à L'Étoile mystérieuse. Le héros de ce récit découvre des œufs blancs avec des taches rouges semblables aux champignons dessinés par Hergé. Ces œufs sont d'ailleurs repris sur la couverture du livre[281],[282].
 Riad Sattouf explique que le personnage principal de sa série Pascal Brutal, publiée entre 2006 et 2014, est inspiré d'un mélange entre le capitaine Haddock et des héros de films américains des années 1980 comme Sylvester Stallone et Arnold Schwarzenegger[283]. Il en est de même pour l'un des personnages de Groenland Vertigo, un album réalisé par Hervé Tanquerelle en 2017 et qui rend hommage à l'univers de Tintin, en particulier l'aventure de L'Étoile mystérieuse[284]. Haddock apparaît également accoudé à une table de bar, à l'arrière-plan d'une case du premier tome de La Vallée des Immortels, la dix-neuvième aventure de Blake et Mortimer, parue en 2018[285],[286].
 Les différents auteurs de cette série multiplient d'ailleurs les hommages à l'univers de Tintin. La couverture de ce même album est un hommage appuyé à la scène du pousse-pousse dans Le Lotus bleu[287], tandis que le personnage de Tchang[288]. Dans L'Onde Septimus, Tintin apparaît à l'arrière-plan d'une case, vraisemblablement bloqué à la douane[289]. Le restaurant syldave Klow, situé à Bruxelles dans Le Sceptre d'Ottokar, de même que son patron Kroïszvitch[290], font une apparation dans la dix-neuvième planche de La Machination Voronov[291],[292],[293]. Le restaurateur syldave bénéficie d'un autre clin d'œil dans la bande dessinée : dans le cinquième tome de la série Lou !, Laser Ninja, le professeur de syldave de la mère de l'héroïne est son sosie[294].
 En 2022, dans l'album Spirou chez les fous, réalisé par Jul et Libon pour les éditions Dupuis, Spirou retrouve Fantasio à l'hôpital psychiatrique d'Angoulême, quand celui-ci, manifestement atteint de folie, se prend pour le capitaine Haddock[295].
 Le film L'Homme de Rio, sorti en 1964 et réalisé par Philippe de Broca, avec Jean-Paul Belmondo dans le rôle-titre, est reconnu comme étant largement inspiré de la série des Aventures de Tintin, et plus particulièrement de L'Oreille cassée[p 35],[296].
 La série télévisée française Le Bureau des légendes, diffusée entre 2015 et 2020 sur Canal+, rend hommage à la série, et plus particulièrement au capitaine Haddock : les noms de code des membres de l'équipe sont tous extraits de la liste des jurons du capitaine[297]. De même, l'acteur et réalisateur Bruno Podalydès, grand admirateur des Aventures de Tintin, y fait référence dans son film Dieu seul me voit (Versailles-Chantiers), en 1998 : le héros emmène une amie dans un restaurant syldave qui est la parfaite reconstitution du Klow du Sceptre d'Ottokar, avec le même serveur moustachu au gilet à carreaux[298].
 Par ailleurs, le chanteur Leeroy écrit une chanson intitulée Capitaine Haddock pour son album Noir fluo, sorti en 2016, qu'il interprète avec Tété[299]. Le musicien allemand Klaus Schulze, pionnier de la musique électronique, rend hommage à la série dans une composition de près de vingt minutes, intitulée L'Affaire Tournesol[300].
 En 1997, à l'initiative de Dominique Bussereau, un groupe de députés français crée le « Club des parlementaires tintinophiles »[301],[302]. Le 25 octobre 2011, dans la salle Victor-Hugo de l'Assemblée nationale à Paris, le club alors présidé par Serge Grouard organise un colloque intitulé « Tintin et la poudrière borduro-syldave ». À cette occasion, plusieurs orateurs comme les anciens ministres André Santini et Hubert Védrine, l'ambassadeur d'Allemagne Reinhard Schäfers, ou encore le député Louis Giscard d'Estaing expriment leurs vues de manière humoristique et parodique sur cette crise internationale[303],[304].
 Les références à Tintin ne manquent pas dans le monde politique. En décembre 2007, à l'occasion de la visite à Paris du dirigeant libyen Mouammar Kadhafi, le journaliste du Monde Dominique Dhombres fait référence au personnage d'Abdallah en établissant un parallèle avec le campement de la suite du jeune prince dans le grand salon du château de Moulinsart, dans Coke en Stock, et l'installation d'une tente bédouine sur la pelouse de l'hôtel de Marigny à la demande du chef d'État libyen[305].
 Le sparadrap qui colle aux doigts du capitaine dans L'Affaire Tournesol, et symbolise la figure de l'« l'homme rattrapé par ses actes », a donné naissance à l'expression « le sparadrap du capitaine Haddock », passée dans le langage courant et parfois utilisée par des journalistes politiques[306]. Ainsi, la journaliste Jannick Alimi compare la campagne de l'élection présidentielle française de 2017 à L'Affaire Tournesol[307].
 En 2015, la compagnie belge Brussels Airlines met en service un avion Airbus A320 baptisé « Rackham », sur le fuselage duquel est peint un requin noir long de 37 mètres inspiré du sous-marin mis au point par le professeur Tournesol dans Le Trésor de Rackham le Rouge, accompagné du visage de Tintin. Conçu par l'artiste André Eisele, ce décor réalisé dans un chantier à Ostrava, en Tchéquie, nécessite environ 1 500 heures de travail. Destiné à promouvoir la culture belge à l'international, cet avion réalise son vol d'essai le 16 mars 2015 entre Bruxelles et Toulouse[308]. À bord, l'album est mis à la disposition des passagers en français, néerlandais et anglais[309].
 En 2009, dans le cadre de l'« année de la bande-dessinée à Bruxelles », une reproduction agrandie d'une planche d'Objectif Lune est installée temporairement sur la Grand-Place. D'une dimension de 32 m de haut et 21 m de large, elle établit alors le record de la « plus grande planche de BD du monde »[310].
 En 1991, une réplique miniature de la fusée lunaire du professeur Tournesol, baptisée pour l'occasion RG1, est lancée depuis le village belge de Henri-Chapelle[311]. En 1998, des étudiants en deuxième année de BTS construction navale du lycée Aristide-Briand de Saint-Nazaire conçoivent une réplique du sous-marin inventé par le professeur pour explorer l'épave de La Licorne dans Le Trésor de Rackham le Rouge. Des étudiants de l'Institut de créativité industrielle, de l'Agence nationale pour la formation professionnelle des adultes (AFPA) ainsi que des peintres des Chantiers de l'Atlantique sont associés au projet. L'objet est d'abord exposé à Saint-Nazaire l'année suivante, avant de figurer dans plusieurs expositions consacrées à l'univers de Tintin à travers l'Europe, puis de rejoindre définitivement les collections du Musée Hergé à Louvain-la-Neuve[312].
 En fonction de 1975 à 1980, une attraction dénommée Le Temple du Soleil dans le parc belge Walibi reconstitue le récit par le moyen d'une barque scénique pour les visiteurs[313]. Une autre attraction, en fonction de 1980 à 1995, reconstitue l'aventure du Le Secret de La Licorne[313].
 Les personnages de Tintin sont parfois mis en scène pour des événements publics ou culturels, à l'image du roi de Syldavie, Muskar XII, qui, en 2000, préside le gala Castafiore organisé par l'association des Pélicans noirs au Grand-Théâtre de Bordeaux[314]. En 2010, dans la même ville, un Muskar XII de composition prononce un discours lors de l'inauguration de l'Esplanade du professeur Tournesol, aux côtés du maire Alain Juppé[315],[314]. En 2012, le faux roi assiste à la première interprétation de l'hymne national syldave créé par l'Opéra de Bordeaux[316].
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ISBN; 2-914474-26-1; Institut néerlandais de l'image et du son; ISBN; 2889300447; Philippe Goddin; Casterman; ISBN; 2-203-01709-0; Musée en Herbe; Ouest-France; ISBN; 978-2-271-11898-1; Geo; Pierre Fresnault-Deruelle; Éditions Moulinsart; ISBN; 2-87424-121-0; Numa Sadoul; Schtroumpf, les Cahiers de la bande dessinée; Benoît Mouchart; Les Impressions Nouvelles; ISBN; 978-2-87449-228-0; Presses de l'Université Laval; Contextes; Institut national de l'audiovisuel; Michel Pierre; ISSN; Philippe Goddin; Éditions Moulinsart; ISBN; 978-2-87424-516-9; Michel Pierre; Michel Pierre; Historia; Ouest-France; Pierre Sterckx; Les Impressions Nouvelles; François Rivière; Jean-Luc Marion; René Nouailhat; Socio-anthropologie; ISBN; 978-2-85944-913-1; Hervé Gattegno; Benoît Peeters; Philippe Goddin; Benoît Peeters; Éditions Economica; Serge Tisseron; Tristan Savin; François Rivière; Tristan Savin; Alain Rey; Jean-Louis Beaucarnot; Pierre Sterckx; Que faire ?; Que faire ?; La Libre Belgique; Le Lombard; 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501(c)(3); À propos de Wikipédia; Avertissements",Catégories; Tintin; Bande dessinée adaptée au cinéma; Chien dans la bande dessinée; Journaliste dans la bande dessinée; Bande dessinée policière; Bande dessinée se déroulant en Belgique; Bande dessinée se déroulant à Bruxelles; Bande dessinée jeunesse,/static/images/icons/wikipedia.png; /static/images/mobile/copyright/wikipedia-wordmark-fr.svg; /static/images/mobile/copyright/wikipedia-tagline-fr.svg; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/a9/Logo_disambig.svg/20px-Logo_disambig.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/fr/thumb/4/4a/Tintin_et_Milou_Logo_headshot.png/280px-Tintin_et_Milou_Logo_headshot.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/9/92/Flag_of_Belgium_%28civil%29.svg/20px-Flag_of_Belgium_%28civil%29.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/3/38/Info_Simple.svg/12px-Info_Simple.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/b/b5/Belgique_-_Louvain-la-Neuve_-_Centre_sportif_de_Blocry_-_52.jpg/220px-Belgique_-_Louvain-la-Neuve_-_Centre_sportif_de_Blocry_-_52.jpg; 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//upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/6/6d/Kuifje_en_Bobby_Le_Lombard.jpg/220px-Kuifje_en_Bobby_Le_Lombard.jpg; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/4/46/Herg%C3%A9%2C_Premier_plan%2C_1962%2C_Radio-Canada%2C_1.jpg/220px-Herg%C3%A9%2C_Premier_plan%2C_1962%2C_Radio-Canada%2C_1.jpg; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/e/ee/Quick_et_Flupke_%281%29_et_Tintin_et_Milou_%2811%29_en_noir_et_blanc.jpg/167px-Quick_et_Flupke_%281%29_et_Tintin_et_Milou_%2811%29_en_noir_et_blanc.jpg; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/2/28/Tintin_fac-simil%C3%A9s_couleurs.jpg/292px-Tintin_fac-simil%C3%A9s_couleurs.jpg; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/6/6d/Les_Aventures_de_Tintin_%28ann%C3%A9es_1970_%C3%A0_2000%29.jpg/221px-Les_Aventures_de_Tintin_%28ann%C3%A9es_1970_%C3%A0_2000%29.jpg; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/8/87/Albums_Tintin.jpg/210px-Albums_Tintin.jpg; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/6/62/Chromos_Herg%C3%A9.jpg/170px-Chromos_Herg%C3%A9.jpg; 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The series was one of the most popular European comics of the 20th century. By 2007, a century after Hergé's birth in 1907,[1] Tintin had been published in more than 70 languages with sales of more than 200 million copies,[2] and had been adapted for radio, television, theatre, and film.
 The series first appeared in French on 10 January 1929 in Le Petit Vingtième (The Little Twentieth), a youth supplement to the Belgian newspaper Le Vingtième Siècle (The Twentieth Century). The success of the series led to serialised strips published in Belgium's leading newspaper Le Soir (The Evening) and spun into a successful Tintin magazine. In 1950, Hergé created Studios Hergé, which produced the canonical versions of ten Tintin albums. Following Hergé's death in 1983, the final instalment of the series, Tintin and Alph-Art, was released posthumously.
 The series is set during a largely realistic[3] 20th century. Its protagonist is Tintin, a courageous young Belgian reporter and adventurer aided by his faithful dog Snowy (Milou in the original French edition). Other allies include the brash and cynical Captain Haddock, the intelligent but hearing-impaired Professor Calculus (French: Professeur Tournesol), incompetent detectives Thomson and Thompson (French: Dupont et Dupond), and the opera diva Bianca Castafiore.
 The series has been admired for its clean, expressive drawings in Hergé's signature ligne claire (""clear line"") style.[4] Its well-researched[5] plots straddle a variety of genres: swashbuckling adventures with elements of fantasy, mysteries, political thrillers, and science fiction. The stories feature slapstick humour, offset by dashes of sophisticated satire with political or cultural commentary.
 ""The idea for the character of Tintin and the sort of adventures that would befall him came to me, I believe, in five minutes, the moment I first made a sketch of the figure of this hero: that is to say, he had not haunted my youth nor even my dreams. Although it's possible that as a child I imagined myself in the role of a sort of Tintin"".
 —Hergé, 15 November 1966.[6] Georges Prosper Remi, best known under the pen name Hergé, was employed as an illustrator at Le Vingtième Siècle (The Twentieth Century), a staunchly Roman Catholic, conservative Belgian newspaper based in Hergé's native Brussels. Run by the Abbé Norbert Wallez, the paper described itself as a ""Catholic Newspaper for Doctrine and Information"" and disseminated a fascist viewpoint.[7] Wallez appointed Hergé editor of a new Thursday youth supplement, titled Le Petit Vingtième (""The Little Twentieth"").[8] Propagating Wallez's sociopolitical views to its young readership, it contained explicitly pro-fascist and antisemitic sentiment.[9] In addition to editing the supplement, Hergé illustrated L'extraordinaire aventure de Flup, Nénesse, Poussette et Cochonnet (The Extraordinary Adventure of Flup, Nénesse, Poussette and Cochonnet),[10] a comic strip authored by a member of the newspaper's sport staff. Dissatisfied with this, Hergé wanted to write and draw his own cartoon strip.[11]
 He already had experience creating comic strips. From July 1926, he had written a strip about a Boy Scout patrol leader titled Les Aventures de Totor C.P. des Hannetons (The Adventures of Totor, Scout Leader of the Cockchafers) for the Scouting newspaper Le Boy Scout Belge (The Belgian Boy Scout).[11] Totor was a strong influence on Tintin,[12] with Hergé describing the latter as being like Totor's younger brother.[6] Jean-Marc and Randy Lofficier stated that graphically, Totor and Tintin were ""virtually identical"" except for the Scout uniform,[13] also noting many similarities between their respective adventures, particularly in the illustration style, the fast pace of the story, and the use of humour.[14] He was fascinated by new techniques in the medium such as the systematic use of speech bubbles—found in such American comics as George McManus' Bringing up Father, George Herriman's Krazy Kat, and Rudolph Dirks's Katzenjammer Kids, copies of which had been sent to him from Mexico by the paper's reporter Léon Degrelle.[15]
 Although Hergé wanted to send Tintin to the United States, Wallez ordered him to set his adventure in the Soviet Union, acting as antisocialist propaganda for children. The result, Tintin in the Land of the Soviets, was serialised in Le Petit Vingtième from January 1929 to May 1930.[17] Popular in Francophone Belgium, Wallez organised a publicity stunt at the Paris Gare du Nord railway station, following which he organised the publication of the story in book form.[18] The story's popularity led to an increase in sales, so Wallez granted Hergé two assistants.[19] At Wallez's direction, in June he began serialisation of the second story, Tintin in the Congo, designed to encourage colonial sentiment towards the Belgian Congo. Authored in a paternalistic style that depicted the Congolese as childlike idiots, in later decades it was accused of racism, but at the time was uncontroversial and popular, and further publicity stunts were held to increase sales.[20]
 For the third adventure, Tintin in America, serialised from September 1931 to October 1932, Hergé finally got to deal with a scenario of his own choice, and used the work to push an anti-capitalist, anti-consumerist agenda in keeping with the paper's ultraconservative ideology.[21] The Adventures of Tintin had been syndicated to a Catholic magazine named Cœurs Vaillants (Brave Hearts) since 1930, and Hergé was soon receiving syndication requests from Swiss and Portuguese newspapers, too.[22]
 Hergé wrote a string of Adventures of Tintin, sending his character to real locations such as the Belgian Congo, United States, Egypt, India, Tibet, China, and the United Kingdom. He also sent Tintin to fictional countries of his own devising, such as the Latin American republic of San Theodoros, the East European kingdom of Syldavia, or the fascist state of Borduria—whose leader's name, Müsstler, was a portmanteau of the names of the Nazi German Führer Adolf Hitler and the Italian Fascist Prime Minister Benito Mussolini.[23]
 In May 1940, Nazi Germany invaded Belgium as World War II spread further across Europe. Although Hergé briefly fled to France and was considered a self-imposed exile, he ultimately decided to return to his occupied homeland.[24] For political reasons, the Nazi authorities closed down Le Vingtième Siècle, leaving Hergé unemployed.[25] In search of employment, he got a job as an illustrator at Belgium's leading newspaper, Le Soir (The Evening), which was allowed to continue publication under German management.[26] On 17 October 1940, he was made editor of the children's supplement, Le Soir Jeunesse, in which he set about producing new Tintin adventures.[27] In this new, more repressive political climate of German-occupied Belgium, Hergé could no longer politicize The Adventures of Tintin lest he be arrested by the Gestapo. As Harry Thompson noted, Tintin's role as a reporter came to an end, to be replaced by his new role as an explorer.[28]
 In September 1944, the Allies entered Brussels and Hergé's German employers fled. Le Soir was shut down and The Adventures of Tintin was put on hold.[29]
Then in 1946, Hergé accepted an invitation from Belgian comic publisher Raymond Leblanc and his new publishing company Le Lombard to continue The Adventures of Tintin in the new Le journal de Tintin (Tintin magazine).[30]
Hergé quickly learned that he no longer had the independence he preferred; he was required to produce two coloured pages a week for Leblanc's magazine, a tall order.[31]
 In 1950, Hergé began to poach the better members of the Tintin magazine staff to work in the large house on Avenue Louise that contained the fledgling Studios Hergé.[32] Bob De Moor (who imitated Hergé's style and did half the work),[32] Guy Dessicy (colourist), and Marcel DeHaye (secretary) were the nucleus. To this, Hergé added Jacques Martin (imitated Hergé's style), Roger Leloup (detailed, realistic drawings), Eugène Evany (later chief of the Studios),[30] Michel Demaret (letterer), and Baudouin Van Den Branden (secretary).[33]
As Harry Thompson observed, the idea was to turn the process of creating The Adventures of Tintin into a ""veritable production line, the artwork passing from person to person, everyone knowing their part, like an artistic orchestra with Hergé conducting"".[34]
The studios produced eight new Tintin albums for Tintin magazine, and coloured and reformatted two old Tintin albums.
Studios Hergé continued to release additional publications until Hergé's death in 1983. In 1986, a 24th unfinished album was released, the studios were disbanded, and the assets were transferred to the Hergé Foundation.[35]
 Tintin is a young Belgian reporter and adventurer who becomes involved in dangerous cases in which he takes heroic action to save the day. The Adventures may feature Tintin hard at work in his investigative journalism, but seldom is he seen actually turning in a story.
Readers and critics have described Tintin as a well-rounded yet open-ended, intelligent, and creative character, noting that his lack of backstory and neutral personality permits a reflection of the evil, folly, and foolhardiness which surrounds him. The character never compromises his Boy Scout ideals, which represent Hergé's own, and his status allows the reader to assume his position within the story, rather than merely following the adventures of a strong protagonist.[36] Tintin's iconic representation enhances this aspect, with Scott McCloud noting that it ""allows readers to mask themselves in a character and safely enter a sensually stimulating world"".[37]
 Snowy (Milou in Hergé's original version), a white Wire Fox Terrier dog, is Tintin's loyal companion. Like Captain Haddock, Snowy is fond of Loch Lomond brand Scotch whisky, and his occasional bouts of drinking tend to get him into unintentional trouble, as does his only fear: arachnids.
 Captain Archibald Haddock (Capitaine Haddock in Hergé's original version) is a Merchant Marine sea captain and Tintin's best friend. Introduced in The Crab with the Golden Claws, Haddock is initially depicted as a weak and alcoholic character, but later evolves to become genuinely heroic and even a socialite after he finds a treasure from his ancestor, Sir Francis Haddock (Chevalier François de Hadoque). The Captain's coarse humanity and sarcasm act as a counterpoint to Tintin's often-implausible heroism; he is always quick with a dry comment whenever the boy reporter seems too idealistic. The hot-tempered Haddock uses a range of colourful insults and curses to express his feelings, such as ""billions of bilious blue blistering barnacles!"" (Mille milliards de mille sabords!) or ""ten thousand thundering typhoons!""
 Professor Cuthbert Calculus (Professeur Tryphon Tournesol in Hergé's original version; tournesol is the French word for 'sunflower') is an absent-minded and partially deaf physicist and a regular character alongside Tintin, Snowy, and Captain Haddock. He was introduced in Red Rackham's Treasure, and based partially on Auguste Piccard, a Swiss physicist.[38]
 ""Everybody wants to be Tintin: generation after generation. In a world of Rastapopouloses, Tricklers and Carreidases—or, more prosaically, Jolyon Waggs and Bolt-the-builders—Tintin represents an unattainable ideal of goodness, cleanness, authenticity"".
 —Literary critic Tom McCarthy, 2006[39] Hergé's supporting characters have been cited as far more developed than the central character, each imbued with strength of character and depth of personality, which has been compared with that of the characters of Charles Dickens.[40] Hergé used the supporting characters to create a realistic world[3] in which to set his protagonists' adventures. To further the realism and continuity, characters would recur throughout the series. The occupation of Belgium and the restrictions imposed upon Hergé forced him to focus on characterisation to avoid depicting troublesome political situations. As a result, the colourful supporting cast was developed during this period.[41]
 Thomson and Thompson (Dupont et Dupond in Hergé's original version) are two incompetent detectives who look like identical twins, their only discernible difference being the shape of their moustaches.[42] First introduced in Cigars of the Pharaoh, they provide much of the comic relief throughout the series, being afflicted with chronic spoonerisms. They are extremely clumsy, thoroughly incompetent, and usually bent on arresting the wrong character. The detectives usually wear bowler hats and carry walking sticks except when sent abroad; during those missions they attempt the national costume of the locality they are visiting, but instead dress in conspicuously stereotypical folkloric attire which makes them stand apart. The detectives were based partly on Hergé's father Alexis and uncle Léon, identical twins who often took walks together, wearing matching bowler hats while carrying matching walking sticks.
 Bianca Castafiore is an opera singer of whom Haddock is terrified. She was first introduced in King Ottokar's Sceptre and seems to appear wherever the protagonists travel, along with her maid Irma and pianist Igor Wagner. Although amiable and strong-willed, she is also comically foolish, whimsical, absent-minded, talkative, and seemingly unaware that her voice is shrill and appallingly loud. Her speciality is the Jewel Song (Ah! Je ris de me voir si belle en ce miroir / Ah! My beauty past compare, these jewels bright I wear) from Gounod's opera Faust, which she sings at the least provocation. She is often maternal toward Haddock, of whose dislike she remains ignorant. She often confuses words, especially names, with other words that rhyme with them or of which they remind her; ""Haddock"" is frequently replaced by malapropisms such as ""Paddock"", ""Stopcock"", or ""Hopscotch"", while Nestor, Haddock's butler, is confused with ""Chestor"" and ""Hector"". Her own name means ""white and chaste flower"": a meaning to which Professor Calculus once refers when he breeds a white rose and names it for the singer. She was based upon opera divas in general (according to Hergé's perception), Hergé's Aunt Ninie (who was known for her ""shrill"" singing of opera), and, in the post-war comics, on Maria Callas.[43]
 Other recurring characters include Nestor the butler, Chang (or Chang-Chong-Chen) the loyal Chinese boy, Rastapopoulos the criminal mastermind, Jolyon Wagg the infuriating (to Haddock) insurance salesman, General Alcazar the South American freedom fighter and (on and off) President of San Theodoros, Mohammed Ben Kalish Ezab the Arab emir, and Abdullah his mischievous son, Dr. Müller the evil German psychiatrist, Oliveira da Figueira the friendly Portuguese salesman, Cutts the butcher whose phone number is repeatedly confused with Haddock's, and Allan the henchman of Rastapopoulos and formerly Haddock's first mate.
 The settings within Tintin have also added depth to the strips. Hergé mixes real and fictional lands into his stories. In King Ottokar's Sceptre (revisited once more in The Calculus Affair) Hergé creates two fictional countries, Syldavia and Borduria, and invites the reader to tour them in text through the insertion of a travel brochure into the storyline.[44] Other fictional lands include Khemed on the Arabian Peninsula and San Theodoros, São Rico, and Nuevo Rico in South America, as well as the kingdom of Gaipajama in India.[45] Apart from these fictitious locations, Tintin also visits real places such as Switzerland, the United Kingdom, the United States, the Soviet Union, Belgian Congo, Peru, India, Egypt, Morocco, Indonesia, Iceland, Nepal, Tibet, and China. Other actual locales used were the Sahara Desert, the Atlantic Ocean, and the Moon.
 Hergé's extensive research began with The Blue Lotus; Hergé said that ""it was from that time that I undertook research and really interested myself in the people and countries to which I sent Tintin, out of a sense of responsibility to my readers"".[46]
 Hergé's use of research and photographic reference allowed him to build a realised universe for Tintin, going so far as to create fictionalised countries, dressing them with specific political cultures. These were heavily informed by the cultures evident in Hergé's lifetime. Pierre Skilling has asserted that Hergé saw monarchy as ""the legitimate form of government"", noting that democratic ""values seem underrepresented in [such] a classic Franco-Belgian strip"".[47] Syldavia in particular is described in considerable detail, Hergé creating a history, customs, and a language, which is actually a Slavic-looking transcript of Marols, a working-class Brussels dialect. He set the country in the Balkans, and it is, by his own admission, modelled after Albania.[48] The country finds itself threatened by neighbouring Borduria, with an attempted annexation appearing in King Ottokar's Sceptre. This situation parallels the Italian conquest of Albania, and that of Czechoslovakia and Austria by expansionist Nazi Germany prior to World War II.[49]
 Hergé's use of research would include months of preparation for Tintin's voyage to the Moon in the two-part storyline spread across Destination Moon and Explorers on the Moon. His research for the storyline was noted in New Scientist: ""The considerable research undertaken by Hergé enabled him to come very close to the type of space suit that would be used in future Moon exploration, although his portrayal of the type of rocket that was actually used was a long way off the mark"". The Moon rocket is based on the German V-2 rockets.[50]
 In his youth, Hergé admired Benjamin Rabier and suggested that a number of images within Tintin in the Land of the Soviets reflected his influence, particularly the pictures of animals. René Vincent, the Art Deco designer, also affected early Tintin adventures: ""His influence can be detected at the beginning of the Soviets, where my drawings are designed along a decorative line, like an 'S'"".[51] Hergé also readily adopted the image of round noses from George McManus, feeling they were ""so much fun that I used them, without scruples!""[52]
 During the extensive research Hergé carried out for The Blue Lotus, he became influenced by Chinese and Japanese illustrative styles and woodcuts. This is especially noticeable in the seascapes, which are reminiscent of works by Hokusai and Hiroshige.[53]
 Hergé also declared Mark Twain an influence, although this admiration may have led him astray when depicting Incas as having no knowledge of an upcoming solar eclipse in Prisoners of the Sun, an error T. F. Mills attributed to an attempt to portray ""Incas in awe of a latter-day 'Connecticut Yankee'"".[54]
 Tintin first appeared in English in the weekly British children's comic Eagle in 1951 with the story King Ottokar's Sceptre.[a][55] It was translated in conjunction with Casterman, Tintin's publishers, and starts by describing Tintin as ""a French boy"". Snowy was called by his French name Milou.[56]
 The process of translating Tintin into British English was then commissioned in 1958 by Methuen, Hergé's British publishers. It was a joint operation, headed by Leslie Lonsdale-Cooper and Michael Turner,[57] who worked closely with Hergé to attain a translation as true as possible to the original work.[58] Due in part to the large amount of language-specific word play (such as punning) in the series, especially the jokes which played on Professor Calculus' partial deafness, it was never the intention to translate literally; instead they strove to fashion a work whose idioms and jokes would be meritorious in their own right. Despite the free hand Hergé afforded the two, they worked closely with the original text, asking for regular assistance to understand Hergé's intentions.[58]
 The British translations were also Anglicised to appeal to British customs and values. Milou, for example, was renamed Snowy at the translators' discretion. Captain Haddock's Le château de Moulinsart was renamed Marlinspike Hall.[59]
 When it came time to translate The Black Island, which is set in Great Britain, the opportunity was taken to redraw the entire book. Methuen had decided that the book did not portray Great Britain accurately enough and had compiled a list of 131 errors of detail which needed to be put right, such as ensuring that the British police were unarmed and ensuring that scenes of the British countryside would be acceptable to British readers.[58] The resulting 1966 album is the dramatically updated and redrawn version most commonly available today.[60] As of the early 21st century,[update] Egmont publishes Tintin books in the United Kingdom and elsewhere.[61]
 The Tintin books have had relatively limited popularity in the United States.[62]
 The works were first adapted for the American English market by Golden Books, a branch of the Western Publishing Company in the 1950s. The albums were translated from French into American English with some artwork panels blanked except for the speech balloons. This was done to remove content considered to be inappropriate for children, such as drunkenness and free mixing of races.[63] The albums were not popular and only six were published in mixed order.[64] The edited albums later had their blanked areas redrawn by Hergé to be more acceptable, and they currently appear this way in published editions around the world.[64]
 From 1966 to 1979, Children's Digest included monthly instalments of The Adventures of Tintin. These serialisations served to increase Tintin's popularity, introducing him to many thousands of new readers in the United States.[b][64]
 Atlantic Monthly Press, in cooperation with Little, Brown and Company beginning in the 1970s, republished the albums based on the British translations. Alterations were made to vocabulary not well known to an American audience (such as gaol, tyre, saloon, and spanner). As of the early 21st century,[update] Little, Brown and Company (owned by the Hachette Book Group USA) continues to publish Tintin books in the United States.[65]
 Moulinsart's official Tintin app in Apple's App Store, launched with the release of the digital version of Tintin in the Congo on 5 June 2015, features brand new English language translations by journalist, writer and Tintin expert Michael Farr.[66]
 The English-language Adventures of Tintin books were originally published with handwritten lettering created by cartographer Neil Hyslop.[67] 1958's The Crab with the Golden Claws was the first to be published with Hyslop's lettering. Hyslop was given versions of Hergé's artwork with blank panels.[67] Hyslop would write his English script on a clear cellophane-like material, aiming to fit within the original speech bubble.[67] Occasionally the size of the bubbles would need to be adjusted if the translated text would not fit.[67] In the early 2000s, Tintin's English publishers Egmont discontinued publishing books featuring Hyslop's handwritten lettering, instead publishing books with text created with digital fonts. This change was instigated by publisher Casterman and Hergé's estate managers Moulinsart, who decided to replace localised hand-lettering with a single computerised font for all Tintin titles worldwide.[68]
 On 1 June 2006, the Dalai Lama bestowed the International Campaign for Tibet's Light of Truth Award upon the Hergé Foundation, along with South African Archbishop Desmond Tutu.[69] The award was in recognition of Hergé's book Tintin in Tibet, Hergé's most personal adventure,[70] which the executive director of ICT Europe Tsering Jampa noted was ""for many ... their introduction to the awe-inspiring landscape and culture of Tibet"".[71] In 2001, the Hergé Foundation demanded the recall of the Chinese translation of the work, which had been released with the title Tintin in Chinese Tibet. The work was subsequently published with the correct translation of the title.[72] Accepting on behalf of the Hergé Foundation, Hergé's widow Fanny Rodwell said: ""We never thought that this story of friendship would have a resonance more than 40 years later"".[69]
 The study of Tintin, sometimes referred to as ""Tintinology"", has become the life work of some literary critics in Belgium, France and the United Kingdom.[73] Belgian author Philippe Goddin has written Hergé et Tintin reporters: Du Petit Vingtième au Journal Tintin (1986, later republished in English as Hergé and Tintin Reporters: From ""Le Petit Vingtième"" to ""Tintin"" Magazine in 1987) and Hergé et les Bigotudos (1993) amongst other books on the series. In 1983, French author Benoît Peeters released Le Monde d'Hergé, subsequently published in English as Tintin and the World of Hergé in 1988.[74] English reporter Michael Farr has written works such as Tintin, 60 Years of Adventure (1989), Tintin: The Complete Companion (2001),[75] Tintin & Co. (2007)[76] and The Adventures of Hergé (2007),[77] while English television producer Harry Thompson authored Tintin: Hergé and his Creation (1991).[78]
 Literary critics, primarily in French-speaking Europe, have also examined The Adventures of Tintin. In 1984, Jean-Marie Apostolidès published his study of the Adventures of Tintin from a more ""adult"" perspective as Les Métamorphoses de Tintin, published in English as The Metamorphoses of Tintin, or Tintin for Adults in 2010.[79] In reviewing Apostolidès' book, Nathan Perl-Rosenthal of The New Republic thought that it was ""not for the faint of heart: it is densely-packed with close textual analysis and laden with psychological jargon"".[80] Following Apostolidès's work, French psychoanalyst Serge Tisseron examined the series in his books Tintin et les Secrets de Famille (""Tintin and the Family Secrets""), which was published in 1990,[81] and Tintin et le Secret d'Hergé (""Tintin and Hergé's Secret""), published in 1993.[82]
 The first English-language work of literary criticism devoted to the series was Tintin and the Secret of Literature, written by the novelist Tom McCarthy and published in 2006. McCarthy compares Hergé's work with that of Aeschylus, Honoré de Balzac, Joseph Conrad, and Henry James and argues that the series contains the key to understanding literature itself.[83] McCarthy considered the Adventures of Tintin to be ""stupendously rich"",[40] containing ""a mastery of plot and symbol, theme and sub-text""[84] which, influenced by Tisseron's psychoanalytical readings of the work, he believed could be deciphered to reveal a series of recurring themes, ranging from bartering[85] to implicit sexual intercourse[86] that Hergé had featured throughout the series. Reviewing the book in The Telegraph, Toby Clements argued that McCarthy's work, and literary criticism of Hergé's comic strips in general, cut ""perilously close"" to simply feeding ""the appetite of those willing to cross the line between enthusiast and obsessive"" in the Tintinological community.[87]
 The earliest stories in The Adventures of Tintin have been criticised[89] for animal cruelty; colonialism; violence; and ethnocentric, caricatured portrayals of non-Europeans.[90] While the Hergé Foundation has presented such criticism as naïveté and scholars of Hergé such as Harry Thompson have said that ""Hergé did what he was told by the Abbé Wallez"",[91] Hergé himself felt that his background made it impossible to avoid prejudice, stating: ""I was fed the prejudices of the bourgeois society that surrounded me"".[52]
 In Tintin in the Land of the Soviets, the Bolsheviks were presented as villains. Hergé drew on Moscow Unveiled, a work given to him by Wallez and authored by Joseph Douillet, the former Belgian consul in Russia, that is highly critical of the Soviet regime, although Hergé contextualised this by noting that in Belgium, at the time a devout Catholic nation, ""anything Bolshevik was atheist"".[52] In the story, Bolshevik leaders are motivated by personal greed and a desire to deceive the world. Tintin discovers, buried, ""the hideout where Lenin, Trotsky, and Stalin have collected together wealth stolen from the people"". In 1999, the issue of Tintin's politics was the subject of a debate in the French parliament;[92] this event prompted the British weekly newspaper The Economist to publish an editorial on the matter.[93]
 Tintin in the Congo has been criticised as presenting the Africans as naïve and primitive.[94] In the original work, Tintin is shown at a blackboard addressing a class of African children: ""My dear friends. I am going to talk to you today about your fatherland: Belgium"".[c] Hergé redrew this in 1946 to show a lesson in mathematics.[95] Hergé later admitted the flaws in the original story, excusing it saying: ""I portrayed these Africans according to ... this purely paternalistic spirit of the time"".[52] Sue Buswell, who was the editor of Tintin at Methuen, summarised the perceived problems with the book in 1988 as ""all to do with rubbery lips and heaps of dead animals"",[d] although Thompson noted her quote may have been ""taken out of context"".[96]
 Drawing on André Maurois' Les Silences du colonel Bramble, Hergé presents Tintin as a big-game hunter, accidentally killing fifteen antelope as opposed to the one needed for the evening meal. However, concerns over the number of dead animals led Tintin's Scandinavian publishers to request changes. A page of Tintin killing a rhinoceros by drilling a hole in its back and inserting a stick of dynamite was deemed excessive; Hergé replaced the page with one in which the rhino accidentally discharges Tintin's rifle while he sleeps under a tree.[88] In 2007, the UK's Commission for Racial Equality called for the book to be pulled from shelves after a complaint, stating: ""It beggars belief that in this day and age Borders would think it acceptable to sell and display Tintin in the Congo.""[97] In August 2007, a Congolese student filed a complaint in Brussels that the book was an insult to the Congolese people. Public prosecutors investigated, and a criminal case was initiated, although the matter was transferred to a civil court.[98] Belgium's Centre for Equal Opportunities warned against ""over-reaction and hyper political correctness"".[99]
 Hergé altered some of the early albums in subsequent editions, usually at the demand of publishers. For example, at the instigation of his American publishers, many of the African characters in Tintin in America were re-coloured to make their race Caucasian or ambiguous.[100] The Shooting Star originally had an American villain with the Jewish surname of ""Blumenstein"".[101] This proved controversial, as the character exhibited exaggerated, stereotypically Jewish characteristics. ""Blumenstein"" was changed to an American with a less ethnically specific name, Mr. Bohlwinkel, in later editions and subsequently to a South American of a fictional country São Rico. Hergé later discovered that 'Bohlwinkel' was also a Jewish name.[49] In recent years, even Tintin's politics of peace have been investigated.[102]
 The Adventures of Tintin has been adapted in a variety of media besides the original comic strip and its collections. Hergé encouraged adaptations and members of his studio working on the animated films. After Hergé's death in 1983, the Hergé Foundation and Moulinsart, the foundation's commercial and copyright wing, became responsible for authorising adaptations and exhibitions.[103]
 Two animated television adaptations and one radio adaptation have been made.
 Hergé's Adventures of Tintin (Les aventures de Tintin d'après Hergé) (1957) was the first production of Belvision Studios.[104] Ten of Hergé's books were adapted, each serialised into a set of five-minute episodes, with 103 episodes produced.[e] The series was directed by Ray Goossens and written by Belgian comic artist Greg, later editor-in-chief of Tintin magazine, and produced by Raymond Leblanc.[f] Most stories in the series varied widely from the original books, often changing whole plots.[104]
 The Adventures of Tintin (Les aventures de Tintin) (1991–92) was the more successful Tintin television series. An adaptation of twenty-one Tintin books,[g][105] it was directed by Stéphane Bernasconi and was produced by Ellipse (France) and Canadian Nelvana on behalf of the Hergé Foundation. The series adhered closely to the albums to such an extent that panels from the original were often transposed directly to the screen.[105] The series aired in over fifty countries and was released on DVD. It aired in the US on HBO.[106]
 The Adventures of Tintin (1992–93) radio series was produced by BBC Radio 5. The dramas starred Richard Pearce as Tintin and Andrew Sachs as Snowy. Captain Haddock was played by Leo McKern in Series One and Lionel Jeffries in Series Two, Professor Calculus was played by Stephen Moore and Thomson and Thompson were played by Charles Kay.[107]
 The Adventures of Tintin were also released as radio dramas on LP and compact cassette recordings in French language versions in Belgium, France and Canada, German language versions in Germany, Swedish language versions in Sweden, Danish language versions in Denmark and Norwegian language versions in Norway.[107]
 Five feature-length Tintin films were made before Hergé's death in 1983 and one more in 2011.
 The Crab with the Golden Claws (Le crabe aux pinces d'or) (1947) was the first successful attempt to adapt one of the comics into a feature film. Written and directed by Claude Misonne and João B Michiels, the film was a stop-motion puppet production created by a small Belgian studio.[108]
 Tintin and the Golden Fleece (Tintin et le mystère de la Toison d'Or) (1961), the first live-action Tintin film, was adapted not from one of Hergé's Adventures of Tintin but instead from an original script written by André Barret and Rémo Forlani.[109] Directed by Jean-Jacques Vierne and starring Jean-Pierre Talbot as Tintin and Georges Wilson as Haddock, the plot involves Tintin travelling to Istanbul to collect the Golden Fleece, a ship left to Haddock in the will of his friend, Themistocle Paparanic. Whilst in the city however, Tintin and Haddock discover that a group of villains also want possession of the ship, believing that it would lead them to a hidden treasure.[109]
 Tintin and the Blue Oranges (Tintin et les oranges bleues) (1964), the second live action Tintin film, was released due to the success of the first. Again based upon an original script, once more by André Barret, it was directed by Philippe Condroyer and starred Talbot as Tintin and Jean Bouise as Haddock.[110] The plot reveals a new invention, the blue orange, that can grow in the desert and solve world famines, devised by Calculus' friend, the Spanish Professor Zalamea. An emir whose interests are threatened by the invention of the blue orange proceeds to kidnap both Zalamea and Calculus, and Tintin and Haddock travel to Spain in order to rescue them.[110]
 Tintin and the Temple of the Sun (Tintin et le temple du soleil) (1969), the first traditional animation Tintin film, was adapted from two of Hergé's Adventures of Tintin: The Seven Crystal Balls and Prisoners of the Sun. The first full-length, animated film from Raymond Leblanc's Belvision, which had recently completed its television series based upon the Tintin stories; it was directed by Eddie Lateste and featured a musical score by the critically acclaimed composer François Rauber. The adaptation is mostly faithful, although the Seven Crystal Balls portion of the story was heavily condensed.[110]
 Tintin and the Lake of Sharks (Tintin et le lac aux requins) (1972), the second traditional animation Tintin film and the last Tintin release for nearly 40 years, it was based on an original script by Greg and directed by Raymond Leblanc.[111] Belvision's second feature takes Tintin to Syldavia to outwit his old foe Rastapopoulos. While the look of the film is richer, the story is less convincing.[112] The movie was subsequently adapted into a comic album made up of stills from the film.[113]
 The Adventures of Tintin: The Secret of the Unicorn (2011) was Steven Spielberg's motion capture 3D film based on three Hergé albums: The Crab with the Golden Claws (1941), The Secret of the Unicorn (1943), and Red Rackham's Treasure (1944).[114] Peter Jackson's company Weta Digital provided the animation and special effects. The movie received positive reviews and was a box office success.
 I, Tintin (Moi, Tintin, 1976) was produced by Belvision Studios and Pierre Film.[115]
 Tintin and I (Tintin et moi, 2003), a documentary film directed by Anders Høgsbro Østergaard and co-produced by companies from Denmark, Belgium, France, and Switzerland, was based on a taped interview with Hergé by Numa Sadoul from 1971. Although the interview was published as a book, Hergé was allowed to edit the work prior to publishing and much of the interview was excised.[116] Years after Hergé's death, the filmmaker returned to the original tapes and restored Hergé's often personal, insightful thoughts—and in the process brought viewers closer to the world of Tintin and Hergé.[115] It was broadcast in the US on the PBS network on 11 July 2006.[117]
 Sur les traces de Tintin (On the trail of Tintin, 2010) was a five-part documentary television series which recaps several albums of the book series by combining comic panels (motionless or otherwise) with live-action imagery, with commentary provided.
 Hergé himself helped to create two stage plays, collaborating with humourist Jacques Van Melkebeke. Tintin in the Indies: The Mystery of the Blue Diamond (1941) covers much of the second half of Cigars of the Pharaoh as Tintin attempts to rescue a stolen blue diamond. Mr. Boullock's Disappearance (1941–1942) has Tintin, Snowy, and Thomson and Thompson travel around the world and back to Brussels again to unmask an impostor trying to lay claim to a missing millionaire's fortune. The plays were performed at the Théâtre Royal des Galeries in Brussels. The scripts of the plays are lost.[119]
 In the late 1970s and early 1980s, two Tintin plays were produced at the Arts Theatre in the West End of London, adapted by Geoffrey Case for the Unicorn Theatre Company. These were Tintin's Great American Adventure, based on the comic Tintin in America (1976–1977) and Tintin and the Black Island, based on The Black Island (1980–81); this second play later toured.[h][118]
 A musical based on The Seven Crystal Balls and Prisoners of the Sun premièred on 15 September 2001 at the Stadsschouwburg (City Theatre) in Antwerp, Belgium. It was entitled Kuifje – De Zonnetempel (De Musical) (""Tintin – Temple of the Sun (The Musical)"") and was broadcast on Canal Plus, before moving on to Charleroi in 2002 as Tintin – Le Temple du Soleil – Le Spectacle Musical.[120]
 The Young Vic theatre company in London ran Hergé's Adventures of Tintin, a musical version of Tintin in Tibet, at the Barbican Arts Centre (2005–2006); the production was directed by Rufus Norris and was adapted by Norris and David Greig.[121] The show was successfully revived at the Playhouse Theatre in the West End of London before touring (2006–2007)[122] to celebrate the centenary of Hergé's birth in 2007.[1]
 Tintin began appearing in video games when Infogrames Entertainment, SA, a French game company, released the side scroller Tintin on the Moon in 1989.[123] The same company released a platform game titled Tintin in Tibet in 1995 for the Super NES and Mega Drive/Genesis.[124] Another platform game from Infogrames titled Prisoners of the Sun was released the following year for the Super NES, Microsoft Windows, and Game Boy Color.[125]
 In 2001, Tintin became 3D in Tintin: Destination Adventure, released by Infogrames for Windows and PlayStation.[126] Then in 2011, an action-adventure game called The Adventures of Tintin: The Secret of the Unicorn, a tie-in to the 2011 movie, was released by Ubisoft in October.[127] In 2020, a match-3 mobile game called Tintin Match was released by 5th Planet games.[128] An adventure game, titled Tintin Reporter: Cigars of the Pharaoh, was released by Microids in 2023.[129]
 Images from the series have long been licensed for use on merchandise, the success of Tintin magazine helping to create a market for such items. Tintin's image has been used to sell a wide variety of products, from alarm clocks to underpants. Countless separate items related to the character have been available, with some becoming collectors' items in their own right.[131]
 The Hergé Foundation has maintained control of the licenses, through Moulinsart (now Tintin Imaginatio),[132] the commercial wing of the foundation. Speaking in 2002, Peter Horemans, the then director general at Moulinsart, noted this control: ""We have to be very protective of the property. We don't take lightly any potential partners and we have to be very selective ... for him to continue to be as popular as he is, great care needs to be taken of his use"".[133] However, the Foundation has been criticised by scholars as ""trivialising the work of Hergé by concentrating on the more lucrative merchandising"" in the wake of a move in the late 1990s to charge them for using relevant images to illustrate their papers on the series.[134]
 Tintin memorabilia and merchandise has allowed a chain of stores based solely on the character to become viable. The first shop was launched in 1984 in Covent Garden, London.[130] Tintin shops have also opened in both Bruges and Brussels in Belgium, and in Montpellier, France. In 2014, a Tintin shop opened in Taguig, the Philippines, only the second of its kind in Southeast Asia. The first Tintin shop in Southeast Asia opened in Singapore in 2010.[135]
The British bookstore chain, Ottakar's, founded in 1987, was named after the character of King Ottokar from the Tintin book King Ottokar's Sceptre, and their shops stocked a large amount of Tintin merchandise until their takeover by Waterstone's in 2006.[136]
 Tintin's image has been used on postage stamps on numerous occasions.
The first Tintin postage stamp was an eight-franc stamp issued by Belgian Post for the 50th anniversary of the publication of Tintin's first adventure on 29 September 1979, featuring Tintin and Snowy looking through a magnifying glass at several stamps.[138]
In 1999, a nine-stamp block celebrating ten years of the Belgian Comic Strip Center was issued, with the center stamp a photo of Tintin's famous Moon rocket that dominates the Comic Strip Center's entry hall.[137]
To mark the end of the Belgian Franc and to celebrate the seventieth anniversary of the publication of Tintin in the Congo, two more stamps were issued by Belgian Post on 31 December 2001: Tintin in a pith helmet and a souvenir sheet with a single stamp in the center. The stamps were jointly issued in the Democratic Republic of the Congo.[137]
In 2004, Belgian Post celebrated its own seventy-fifth anniversary, as well as the fiftieth anniversary of the publication of Explorers on the Moon, and the thirty-fifth anniversary of the Moon landings with a souvenir sheet of five stamps based upon the Explorers on the Moon adventure.[139]
To celebrate the centenary of Hergé's birth in 2007,[1] Belgian Post issued a sheet of 25 stamps depicting the album covers of all 24 Adventures of Tintin (in 24 languages) plus Hergé's portrait in the center.[137]
A souvenir sheet of ten stamps called ""Tintin on screen"", issued 30 August 2011, depicts the Tintin film and television adaptations.[i][137]
 Tintin has also been commemorated by coin several times.
In 1995, the Monnaie de Paris (Paris Mint) issued a set of twelve gold medallions, available in a limited edition of 5000.[140]
A silver medallion was minted in 2004 to commemorate the 50th anniversary of the Tintin book Explorers on the Moon, again in a limited run, this time of 10,000. It quickly sold out.[141]
In 2004, Belgium minted a limited edition commemorative euro coin featuring Tintin and Snowy celebrating the 75th anniversary of Tintin's first adventure in January 2004.[142] Although it has a face value of €10, it is, as with other commemorative euro coins, legal tender only in the country in which it was issued—in this case, Belgium.[142]
In 2006–2012 France issued the Comic Strip Heroes commemorative coin series featuring famous Franco-Belgian comics, beginning in 2006 with Tintin.[143]
It was a set of six different euro coins honouring Hergé: three 1½-euro silver coins featuring Tintin and the Professor, Tintin and Captain Haddock, and Tintin and Chang; a €10 (gold) featuring Tintin; and a €20 (silver) and a €50 (gold) featuring Tintin and Snowy.[143] In 2007, on Hergé's centenary, Belgium issued its €20 (silver) Hergé/Tintin coin.[144]
 During Hergé's lifetime, parodies were produced of the Adventures of Tintin, with one of the earliest appearing in Belgian newspaper La Patrie after the liberation of the country from Nazi German occupation in September 1944. Entitled Tintin au pays de nazis (""Tintin in the Land of the Nazis""), the short and crudely drawn strip lampoons Hergé for working for a Nazi-run newspaper during the occupation.[146]
 Following Hergé's death, hundreds more unofficial parodies and pastiches of the Adventures of Tintin were produced, covering a wide variety of different genres.[145] Tom McCarthy divided such works into three specific groupings: pornographic, political, and artistic.[147] In a number of cases, the actual name ""Tintin"" is replaced by something similar, like Nitnit, Timtim, or Quinquin, within these books.[145]
 McCarthy's first group, pornographic parodies, includes 1976's Tintin en Suisse (""Tintin in Switzerland"") and Jan Bucquoy's 1992 work La Vie Sexuelle de Tintin (""Tintin's Sex Life""), featuring Tintin and the other characters engaged in sexual acts.[148] Another such example was Tintin in Thailand, in which Tintin, Haddock, and Calculus travel to the East Asian country for a sex holiday. The book began circulating in December 1999, but in 2001, Belgian police arrested those responsible and confiscated 650 copies for copyright violation.[149]
 Other parodies have been produced for political reasons: for instance, Tintin in Iraq lampoons the world politics of the early 21st century, with Hergé's character General Alcazar representing President of the United States George W. Bush.[145] Written by the pseudonymous Jack Daniels, Breaking Free (1989) is a revolutionary socialist comic set in Britain during the 1980s, with Tintin and his uncle (modelled after Captain Haddock) being working class Englishmen who turn to socialism in order to oppose the capitalist policies of the Conservative Party government of Margaret Thatcher. When first published in Britain, it caused an outrage in the mainstream press, with one paper issuing the headline that ""Commie nutters turn Tintin into picket yob!""[145]
 Other comic creators have chosen to create artistic stories that are more like fan fiction than parody. The Swiss artist Exem created the irreverent comic adventures of Zinzin, what The Guardian calls ""the most beautifully produced of the pastiches.""[145] Similarly, Canadian cartoonist Yves Rodier has produced a number of Tintin works, none of which have been authorised by the Hergé Foundation, including a 1986 ""completion"" of the unfinished Tintin and Alph-art, which he drew in Hergé's ligne claire style.[145]
 The response to these parodies has been mixed in the Tintinological community. Many despise them, seeing them as an affront to Hergé's work.[145] Nick Rodwell of the Hergé Foundation took this view, declaring that ""none of these copyists count as true fans of Hergé. If they were, they would respect his wishes that no one but him draw Tintin's adventures"".[145] Where possible, the foundation has taken legal action against those known to be producing such items. Others have taken a different attitude, considering such parodies and pastiches to be tributes to Hergé, and collecting them has become a ""niche specialty"".[145]
 After Hergé's death in 1983, his art began to be honoured at exhibitions around the world, keeping Tintin awareness at a high level.
The first major Tintin exhibition in London was Tintin: 60 years of Adventure, held in 1989 at the Town Hall in Chelsea. This early exhibition displayed many of Hergé's original sketches and inks, as well as some original gouaches.[151]
In 2001, an exhibition entitled Mille Sabords! (""Billions of Blistering Barnacles!"") was shown at the Musée national de la Marine in Paris.[152]
In 2002, the Bunkamura Museum of Art in Tokyo staged an exhibition of original Hergé drawings as well as of the submarine and rocket ship invented in the strips by Professor Calculus.[153]
The National Maritime Museum in Greenwich, London, hosted the exhibition The Adventures of Tintin at Sea in 2004, focusing on Tintin's sea exploits, and in commemoration of the 75th anniversary of the publication of Tintin's first adventure.[154]
2004 also saw an exhibition in Halles Saint Géry in Brussels titled Tintin et la ville (""Tintin and the City"") showcasing all cities in the world Tintin had travelled.[155]
 The Belgian Comic Strip Center in the Brussels business district added exhibits dedicated to Hergé in 2004.[156]
The Brussels' Comic Book Route in the center of Brussels added its first Tintin mural in July 2005.[157]
 The centenary of Hergé's birth in 2007[1] was commemorated at the largest museum for modern art in Europe, the Centre Georges Pompidou in Paris, with Hergé, an art exhibition honouring his work. The exhibition, which ran from 20 December 2006 until 19 February 2007, featured some 300 of Hergé's boards and original drawings, including all 124 original plates of The Blue Lotus.[150]
Laurent le Bon, organiser of the exhibit said: ""It was important for the Centre to show the work of Hergé next to that of Matisse or Picasso"".[158] Michael Farr claimed: ""Hergé has long been seen as a father figure in the comics world. If he's now recognised as a modern artist, that's very important"".[159]
 2009 saw the opening of the Hergé Museum (Musée Hergé), designed in contemporary style, in the town of Louvain-la-Neuve, south of Brussels.[160] Visitors follow a sequence of eight permanent exhibit rooms covering the entire range of Hergé's work, showcasing the world of Tintin and his other creations.[161] In addition, the new museum has already seen many temporary exhibits, including Into Tibet With Tintin.[162]
 Hergé is recognised as one of the leading cartoonists of the twentieth century.[164] Most notably, Hergé's ligne claire style has been influential to creators of other Franco-Belgian comics. Contributors to Tintin magazine have employed ligne claire, and later artists Jacques Tardi, Yves Chaland, Jason Little, Phil Elliott, Martin Handford, Geof Darrow, Eric Heuvel, Garen Ewing, Joost Swarte, and others have produced works using it.[165]
 In the wider art world, both Andy Warhol and Roy Lichtenstein have claimed Hergé as one of their most important influences.[166] Lichtenstein made paintings based on fragments from Tintin comics, whilst Warhol used ligne claire and even made a series of paintings with Hergé as the subject. Warhol, who admired Tintin's ""great political and satirical dimensions"",[166] said, ""Hergé has influenced my work in the same way as Walt Disney. For me, Hergé was more than a comic strip artist"".[167]
 Hergé has been lauded as ""creating in art a powerful graphic record of the 20th century's tortured history"" through his work on Tintin,[117] whilst Maurice Horn's World Encyclopedia of Comics declares him to have ""spear-headed the post-World War II renaissance of European comic art"".[168] French philosopher Michel Serres noted that the twenty-three completed Tintin albums constituted a ""chef-d'oeuvre"" (""masterpiece"") to which ""the work of no French novelist is comparable in importance or greatness"".[169]
 In 1966, Charles de Gaulle said: ""Basically, you know, my only international rival is Tintin! We are the little ones who don't let themselves be fooled by the big ones"".[170][j]
 In March 2015, Brussels Airlines painted an Airbus A320-200 with registration OO-SNB in a special Tintin livery.[171]
 Tintin has become a symbol of Belgium and so was used in a variety of visual responses to the 2016 Brussels bombings.[172]
 In 2024, the Royal Belgian Football Association unveiled a Tintin-inspired kit for the Belgian national football team. The light blue and brown kit was used for the team's away fixtures in the UEFA Euro 2024.[173]
 The following are the twenty-four canonical Tintin comic albums, with their English titles. Publication dates are for the original French-language versions.
 The following are double albums with a continuing story arc:
 Hergé attempted and then abandoned Le Thermozéro (1958). Outside the Tintin series, a 48-page comic album supervised (but not written) by Hergé, Tintin and the Lake of Sharks, was released in 1972; it was based on the film Tintin et le lac aux requins.
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Astérix,https://fr.wikipedia.org/wiki/Astérix_et_Obélix,"« Astérix le Gaulois » redirige ici.  Pour l'album de bande dessinée, voir Astérix le Gaulois (album). Pour le film, voir Astérix le Gaulois (film).
 Pour les articles homonymes, voir Astérix (personnage) et Astérix (homonymie).
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 Astérix, anciennement Astérix le Gaulois, est une série de bande dessinée française créée le 29 octobre 1959 par le scénariste français René Goscinny et le dessinateur français Albert Uderzo dans le no 1 du journal français Pilote. Après la mort de René Goscinny en 1977, Albert Uderzo poursuit seul la série, puis passe la main en 2013 au duo formé de Jean-Yves Ferri (scénario) et de Didier Conrad (dessin). En 2023, la série conserve Didier Conrad comme dessinateur mais c'est Fabcaro qui en assure désormais le scénario. La série compte 40 tomes en octobre 2023.
 La série met en scène les habitants d'un petit village gaulois d'Armorique qui, en 50 av. J.-C. (peu après la conquête romaine), poursuivent seuls la lutte contre l'envahisseur grâce à une potion magique inventée par leur druide, boisson qui donne une force surhumaine à quiconque en boit. Les personnages principaux de la série sont le guerrier Astérix et le livreur de menhirs Obélix, chargés par le village de déjouer les plans des Romains ou d'aller soutenir tout peuple qui a besoin d'aide contre les Romains.
 Publiée dans Pilote de 1959 à 1973, la série est éditée parallèlement en album cartonné, pour les vingt-quatre premiers albums, d'abord aux éditions Dargaud, puis à partir de 1998 aux éditions Hachette, et enfin aux éditions Albert René pour les dix albums suivants. Les ventes cumulées des albums, traduits dans cent dix-sept langues et dialectes, représentent 393 millions d'exemplaires[2], ce qui en fait la deuxième bande dessinée la plus vendue dans le monde après le manga One Piece[3],[4].
 
La série est avant tout humoristique et parodie principalement la société française contemporaine à travers ses stéréotypes et ses régionalismes, ainsi que des traditions et coutumes emblématiques de pays étrangers. Le comique de répétition est très présent avec notamment le naufrage des pirates. Le dessin est lui semi-réaliste, fortement inspiré de l'école de Marcinelle. « Nous sommes en 50 avant Jésus-Christ. Toute la Gaule est occupée par les Romains... Toute ? Non ! Car un village peuplé d'irréductibles Gaulois résiste encore et toujours à l'envahisseur. Et la vie n'est pas facile pour les garnisons de légionnaires romains des camps retranchés de Babaorum, Aquarium, Laudanum et Petibonum… »
 — Légende de la carte de la Gaule ouvrant les albums d'Astérix[5] La légende ainsi que la carte de la Gaule mentionnées ci-dessus ont été supprimées de l'album Astérix et la Transitalique paru en 2017 sans que l'éditeur, Hachette, ne donne d'explication. Ces dernières sont réapparues dans l'album La Fille de Vercingétorix paru en 2019.
 Ce village gaulois d'Armorique résiste à l'envahisseur grâce à la potion magique préparée par le druide Panoramix, qui procure momentanément une force surhumaine à qui en boit.
 La bande dessinée se focalise principalement sur l'un des habitants de ce village, Astérix, courageux guerrier, qui se sert non seulement de la potion magique, mais aussi de son intelligence pour déjouer les plans de Jules César et défendre son village de l'envahisseur.
 
Le premier album mis à part, Astérix est accompagné dans toutes ses aventures par son ami Obélix, le seul Gaulois chez qui les effets de la potion magique sont permanents depuis qu’il est tombé dans une marmite de potion lorsqu'il était petit. À partir du cinquième album (Le Tour de Gaule d'Astérix), les deux héros sont accompagnés par Idéfix, un petit chien qu'adopte ensuite Obélix. La série a pour tradition d'alterner les aventures en Gaule et à l'étranger[6],[7].  « Le personnage a été inventé en deux heures par Uderzo et moi, dans un éclat de rire ! »
 — René Goscinny[8] Le duo René Goscinny-Albert Uderzo se forme dès le début des années 1950 et mène rapidement de nombreux projets en commun au sein de l'agence World Press, fondée par Georges Troisfontaines. Leur première collaboration aboutit à la création d'une série humoristique, Oumpah-Pah le Peau-Rouge, qu'ils ne parviennent pas à faire publier. Georges Troisfontaines leur commande alors une rubrique sur la manière de bien se tenir dans le monde, intitulée Qui a raison ?, qu'il place dans l'hebdomadaire féminin Les Bonnes Soirées édité par Dupuis. Uderzo l'illustre de 1951 à 1953 mais Goscinny, lassé du sujet, cesse de fournir des textes en 1952. Le duo crée également les séries Jehan Pistolet, publiée dans le supplément jeunesse de La Libre Belgique à partir de 1952, puis Luc Junior, publiée dans le même journal à partir de 1954[c 1].
 En 1956, Goscinny et Uderzo, accompagnés du scénariste Jean-Michel Charlier et de Jean Hébrard, quittent World Press pour fonder leurs propres agences de presse et de publicité, Édifrance et Édipresse[c 2]. En 1959, le publicitaire François Clauteaux lance Pilote, un journal pour les enfants financé par Radio Luxembourg[b 1], et charge les quatre associés d'assurer la partie bande dessinée du nouveau périodique. Uderzo et Goscinny se proposent d'abord d'adapter le Roman de Renart et quelques planches sont réalisées pour la maquette du journal. Mais le dessinateur Raymond Poïvet leur apprend que le dessinateur Jean Trubert a déjà réalisé une bande dessinée sur le même thème pour le journal Vaillant. Déçu, le duo cherche une nouvelle idée[b 2].
 À deux mois de la sortie du journal, ils sont réunis dans l'appartement d'Uderzo à Bobigny, en face du cimetière de Pantin[9],[d 1]. Goscinny songe à une bande relevant du « folklore français » et demande à Uderzo de lui énumérer les grandes périodes de l'histoire de France. Ce dernier commence par le paléolithique puis enchaîne sur les Gaulois, une période qui s'impose comme une évidence car inédite en bande dessinée[d 2]. En quelques heures, les deux compères créent le village gaulois et ses habitants. Goscinny imagine un personnage malin, au petit gabarit, prenant le contre-pied des héros habituels des bandes dessinées de l'époque[c 2]. Pour satisfaire ses préférences de dessinateur, Uderzo lui adjoint un second rôle au gabarit imposant qui devient, d'un commun accord entre les auteurs, livreur de menhirs. Astérix et Obélix sont nés[d 3],[c 2].
 La série intègre à temps le journal Pilote pour son lancement le 29 octobre 1959. Le premier numéro s'écoule à 300 000 exemplaires[c 3] et l'histoire intitulée Astérix le Gaulois fait de la série l'une des plus plébiscitées par les lecteurs[b 3]. Malgré ce succès, le journal manque rapidement d'argent[d 4] et, pour survivre, il est racheté pour un franc symbolique par Georges Dargaud, ainsi que les séries qui le composent[d 5].
 Forts du succès d'Astérix le Gaulois, les auteurs enchaînent avec une deuxième histoire intitulée La Serpe d'or, publiée à partir du 11 août 1960 dans Pilote[j 1]. C'est la première fois que les deux héros s'éloignent des environs du village, pour se rendre à Lutèce afin d'y acheter une nouvelle serpe pour le druide Panoramix. C'est également dans cet épisode que le barde est mis à l'écart pour le banquet final, bâillonné et attaché à un arbre par ses compères qui ne supportent pas son chant, une scène qui deviendra récurrente dans les différents albums d'Astérix[e 1]. En 1961, un premier album de la série est édité par Hachette dans la « Collection Pilote », reprenant l'intégralité de l'histoire Astérix le Gaulois[j 2]. Le livre se vend alors à 6 000 exemplaires[e 2]. La même année, la parution de la troisième histoire, Astérix et les Goths, démarre dans Pilote[j 3]. C'est la première fois qu'Astérix et Obélix s'aventurent hors de la Gaule[e 3].
 Devenues la série phare du journal, les aventures des Gaulois occupent presque en continu la place privilégiée de la dernière page pendant quatre années, de 1961 à 1965[c 4]. Astérix gladiateur, quatrième volet de la série, paraît à partir de mars 1962 et marque l'apparition d'un nouveau gag récurrent. Uderzo et Goscinny y font un clin d’œil à Victor Hubinon et Jean-Michel Charlier et leur série Barbe-Rouge, publiée elle aussi dans Pilote, en faisant croiser la route d'Astérix et Obélix à un équipage de pirates, dont le bateau fait naufrage[j 4]. Les ventes d'albums explosent : ce quatrième opus atteint la première année 150 000 exemplaires vendus, tandis que les premiers retirages font s'accroître le nombre d'albums mis sur le marché. Le succès d'Astérix dépasse largement le cadre de la bande dessinée : plusieurs journaux réputés sérieux commencent à s'intéresser à la série pendant l'été 1965, tandis que la même année, le premier satellite français lancé dans l'espace est officieusement baptisé Astérix par ses concepteurs[c 5].
 L'histoire suivante, intitulée Le Tour de Gaule d'Astérix, dont la parution a débuté février 1963, est une caricature des régionalismes français[j 5]. C'est aussi l'entrée d'un personnage important de la série, le chien Idéfix, qui suit Astérix et Obélix durant toute l'aventure sans que ceux-ci ne le remarquent avant la dernière planche[a 1]. Un concours est lancé dans les pages de Pilote pour le baptiser[e 4].
 La sortie du film Cléopâtre, en 1963, l'une des réalisations les plus chères de l'histoire du cinéma, avec la présence d'Elizabeth Taylor dans le rôle-titre, inspire aux deux auteurs le thème de la sixième aventure de la série, Astérix et Cléopâtre, dans laquelle les deux héros se rendent en Égypte en compagnie du druide Panoramix[c 6]. L'annonce dans Pilote de la parution de cette nouvelle aventure, de même que la couverture originale de l'album, parodient l'affiche du film de Mankiewicz[e 5].
 L'année suivante, Le Combat des chefs est selon Le Figaro une raillerie de la campagne de l'élection présidentielle en cours, mais évoque aussi, toujours selon le journal, un sujet plus grave : la collaboration pendant la seconde guerre mondiale, en assimilant les Gallo-Romains aux Français qui pactisaient avec l'occupant allemand[e 6].
 L'histoire Astérix chez les Bretons, parue dans Pilote à partir de septembre 1965[j 6], confirme le succès grandissant de la série : le tirage initial de l'album s'élève à 400 000 exemplaires, soit le double de l'album précédent. Parallèlement, la direction de Pilote adopte le sous-titre « le journal d'Astérix et d'Obélix » pour son hebdomadaire, signalant ainsi la place prééminente de la série auprès des lecteurs[c 5]. L'année suivante, dans la neuvième aventure, Astérix et les Normands, ces derniers débarquent en Gaule avec neuf siècles d'avance sur la réalité historique. Les ventes d'album décollent littéralement et 1,2 million d'exemplaires sont vendus en deux jours[e 7].
 Le premier personnage féminin d'importance majeure, Falbala, fait son apparition la même année alors que commence la parution de la dixième aventure, Astérix légionnaire[e 8]. L'histoire suivante, Le Bouclier arverne, publiée dès le mois de juin 1967[j 7], aborde une nouvelle fois le thème de la collaboration sous l'occupation[h 1].
 À la fin de l'année 1967, la première adaptation des aventures d'Astérix en dessin animé sort sur les écrans. Astérix le Gaulois, produit par les studios Belvision à l'insu des deux auteurs de la série et avec la complicité de Georges Dargaud, réunit 2 415 920 spectateurs, contribuant ainsi à faire connaître les aventures du Gaulois à un public encore plus élargi[c 7],[10]. Alors qu'une deuxième adaptation est en cours de production chez Belvision, à partir de l'album La Serpe d'or, Uderzo et Goscinny opposent cette fois-ci leur veto et parviennent à convaincre Dargaud de financer un projet plus ambitieux, l'adaptation d'Astérix et Cléopâtre, un long métrage dont ils superviseront l'intégralité de la direction artistique[c 7]. À sa sortie en 1968, le film est un nouveau succès, avec près de deux millions d'entrées en salle[10].
 Parallèlement, le duo Goscinny-Uderzo poursuit l'écriture de nouvelles aventures : les auteurs s'inspirent de l'actualité pour rédiger le scénario de Astérix aux Jeux olympiques, en l'occurrence les Jeux olympiques d'été de 1968 à Mexico. Cette histoire permet à Albert Uderzo de démontrer ses talents de dessinateur réaliste à travers la représentation des villes d'Athènes et d'Olympie[c 8]. L'album aborde également un sujet qui fait polémique à l'époque de la création de la série, la question du dopage, soulevée par l'utilisation de la potion magique[e 9]. Le montant élevé de leurs impôts, dû au succès de la série, leur aurait inspiré le scénario d'Astérix et le Chaudron, treizième épisode d'Astérix[e 10].
 Suit Astérix en Hispanie, une parodie de l'Espagne des années 1960, envahie par les touristes en été[e 11], puis La Zizanie, qui s'inspire des événements survenus au sein de la rédaction de Pilote en mai 1968. Violemment contesté, René Goscinny, alors rédacteur en chef du journal, est victime d'une fronde de jeunes auteurs, menée par Jean Giraud, pour prendre le pouvoir au sein de la rédaction[e 12]. C'est également dans cet épisode qu'il est donné pour la première fois une réelle importance aux personnages féminins, dont l'épouse du chef, Bonemine. Toutes s'apparentent à des mégères avides de ragots, au physique peu flatteur, à l'exception de la jeune et coquette compagne du doyen du village, Agecanonix, ce qui vaut aux auteurs un certain nombre d'accusations de misogynie[e 13]. L'histoire suivante, Astérix chez les Helvètes leur est directement suggérée par Georges Pompidou, alors premier ministre[c 9]. Albert Uderzo précise : « Nous n’avons pas réalisé cet album tout de suite, pour ne pas lui faire croire que c’était son idée qui avait fait du chemin. On a sa dignité, dans la BD[j 8] ! » Dans cette aventure, les Gaulois font cause commune avec les Romains : sur fond de corruption, ils viennent en aide à un questeur romain contre un gouverneur qui détourne les impôts à son profit[e 14].
 Les deux auteurs poursuivent la critique de la société française au fil des aventures. En 1971, c'est à partir de la polémique qui s'ouvre avec le bétonnage des bords de plage français que naît l'histoire Le Domaine des dieux, dans laquelle César a l'idée de faire disparaître la forêt autour du village en construisant un complexe immobilier, afin d'isoler les Gaulois[e 15]. Dans Les Lauriers de César, ce sont les nouveaux riches qui sont brocardés, en la personne d'Homéopatix, le beau-frère du chef Abraracourcix[e 16]. Le Devin, dix-neuvième volet des aventures d'Astérix, pointe la crédulité de la plupart des habitants du village, victime d'un charlatan ayant fait alliance avec les Romains, le devin Prolix[j 9].
 
Le 31 mai 1973 commence la parution d'une nouvelle histoire, Astérix en Corse, qui est d'ailleurs la dernière aventure d'Astérix à paraître dans les colonnes de l'hebdomadaire Pilote. En 14 ans, 880 pages du journal auront été consacrées à la série[j 10]. Pour l'occasion, les auteurs effectuent leur premier voyage d'étude sur place. L'album offre un concentré de stéréotypes nourris sur les Corses, de la pratique de l'omertà à la prétendue paresse des insulaires en passant par leur susceptibilité[e 17].  L'année 1974 marque la fondation des Studios Idéfix, qui aboutissent à la sortie du troisième dessin animé de la série, Les Douze Travaux d'Astérix, deux années plus tard. Contrairement aux deux précédents films, celui-ci n'est pas issu de l'adaptation d'un album, mais de l'écriture d'un scénario original par René Goscinny, épaulé par Pierre Tchernia[c 10]. En 1974 sort également le vingt et unième album d'Astérix, intitulé Le Cadeau de César, dont le quotidien Le Monde fait son feuilleton d'été[11],[e 18] Cet épisode raconte les rivalités qui peuvent apparaître au cours d'une élection locale. Le duel politique qui oppose le chef Abraracourcix à un nouveau venu dans le village, nommé Orthopédix, est un clin d’œil à la campagne électorale qui oppose Valéry Giscard d'Estaing à François Mitterrand lors de l'élection présidentielle de 1974[j 11]. Astérix et Obélix partent ensuite à la découverte de l'Amérique, dans La Grande Traversée, parue en 1975[e 19]. La vingt-troisième aventure d'Astérix, dont la prépublication est assurée par Le Nouvel Observateur[c 5], tourne en dérision l'économie libérale. Dans cet épisode, intitulé Obélix et Compagnie, un jeune technocrate romain tente d'introduire la loi de l'offre et de la demande dans le village gaulois, ce qui crée une rivalité entre les habitants, chacun voulant devenir le plus riche et le plus puissant du village[e 20].
 En 1977, un contentieux oppose René Goscinny à son ami et éditeur Georges Dargaud, concernant notamment la gestion des droits étrangers d'Astérix, dans laquelle l'auteur s'estime lésé. Goscinny envisage alors la création d'une maison d'autoédition et demande à Albert Uderzo de suspendre la réalisation des planches de l'épisode suivant de la série, Astérix chez les Belges[12]. Le 5 novembre 1977, René Goscinny meurt brutalement d'une crise cardiaque alors qu'il effectue un test d'effort dans une clinique[13],[c 11]. Albert Uderzo mène seul le projet de Goscinny : en 1979, il achève l'album Astérix chez les Belges[e 21], puis il crée les Éditions Albert René, financées à hauteur de 20 % par Gilberte Goscinny, la veuve du défunt[c 12].
 Contre Georges Dargaud qui considère après la tragique disparition de Goscinny qu'Astérix est mort avec son auteur, Albert Uderzo s'efforce de poursuivre le travail accompli depuis la fin des années 1950 et assure lui-même l'écriture du scénario des albums suivants. Sa première histoire est Le Grand Fossé, qui paraît en 1980 et qui est une référence indirecte au Mur de Berlin qui sépare alors la ville en deux, à l'image du village gaulois traversé par un fossé dans l'album en question[j 12]. L'année suivante, L'Odyssée d'Astérix est l'occasion pour l'auteur de dénoncer les marées noires qui font l'actualité avec le naufrage du Tanio qui souille les plages de l'Île de Batz[e 22]. Suivent Le Fils d'Astérix en 1983[j 13], puis Astérix chez Rahàzade en 1987, une histoire inspirée des Mille et Une Nuits et qui se déroule pour une grande partie en Inde[e 23]. Avec La Rose et le Glaive qui sort en 1991, Albert Uderzo répond une nouvelle fois aux accusations de misogynie envers la série[c 13] : une barde remplace Assurancetourix et entraîne une révolution féministe au sein du village[e 24]. C'est également la première fois que le tirage initial de l'album atteint deux millions d'exemplaires[c 14].
 Alors que la série, véritable succès éditorial, ne cesse de battre des records de vente, Albert Uderzo s'attire peu à peu les critiques de la presse quant aux scénarios de ses aventures, jugés peu aboutis[14]. En 1996, dans La Galère d'Obélix, un album qui mène les héros jusqu'à l'Atlantide, Obélix boit une pleine marmite de potion magique, ce qui le transforme en statue de pierre avant de physiquement redevenir un enfant[e 25]. Dans Astérix et Latraviata, paru en 2001, ce sont les parents des deux héros qui apparaissent[e 26] et dans Le ciel lui tombe sur la tête, Uderzo introduit une dose de science-fiction dans l'histoire avec la venue d'extra-terrestres au village[e 27]. Ce dernier album sort en 2005, mais entretemps paraît Astérix et la Rentrée gauloise, un album regroupant quatorze histoires courtes parues à diverses époques dont une inédite[e 26].
 Parallèlement, Astérix devient un héros de cinéma : le film Astérix et Obélix contre César réalisé par Claude Zidi sort en salle en 1999. Avec un budget annoncé à 275 millions de francs, il devient à l'époque la plus grosse production de langue française de tous les temps[15]. Porté par des comédiens renommés comme Christian Clavier dans le rôle d'Astérix, Gérard Depardieu dans le rôle d'Obélix ou encore Roberto Benigni, le film réalise 9 millions d'entrées en France et 24 millions dans le monde entier[16], mais l'accueil de la presse est plus mitigé[17],[c 6].
 En 2006, les albums sont réédités : les couleurs sont refaites et les dessins de couverture modernisés[18].
 
En 2008, alors qu'il a hissé sa maison d'édition au 63e rang des éditeurs français, Albert Uderzo cède 60 % des parts de sa société au groupe Hachette, qui récupère ainsi les droits sur l'intégralité de la série. Uderzo retourne à sa table de dessin pour signer un nouvel album, L'Anniversaire d'Astérix et Obélix - Le Livre d'or, qui paraît en 2009 pour célébrer le cinquantenaire de la série[19]. Dans cet album d'histoires courtes, le lecteur découvre Astérix et ses amis villageois vieillis de 50 ans, ainsi que de nombreuses parodies et détournements d’œuvres d'art[j 14].  Alors que sa main ne lui permet plus de dessiner, Albert Uderzo envisage un temps que la série s'éteigne avec lui[20], mais il se ravise finalement : en septembre 2011, alors que les éditions Hachette célèbrent les 350 millions d'exemplaires d'Astérix vendus dans le monde, le groupe annonce que l'auteur Jean-Yves Ferri est choisi par Uderzo pour écrire le scénario du prochain album[21]. Cependant, Uderzo déclare en 2018 qu'il supervise fortement le travail de Ferri et Conrad, mais souhaite que la série s'arrête à sa mort[22].
 Astérix chez les Pictes, 35e épisode de la série, est publié le 24 octobre 2013[23]. Le scénario, écrit en six mois par Jean-Yves Ferri[24], envoie Astérix et Obélix en Écosse, alors appelée Calédonie, pour y démêler une affaire de trahison entre deux clans. Le dessin réalisé par Didier Conrad, alors que Frédéric Mébarki, auteur de tous les visuels sur les produits dérivés d'Astérix, était initialement pressenti[25], suit fidèlement le style d'Albert Uderzo[23]. Accueilli plutôt favorablement par la critique[26], ce nouvel album est un succès éditorial : alors que 5 millions d'exemplaires sont imprimés pour le premier tirage, dont 2 millions dédiés à la France, de nouvelles impressions sont commandées en urgence pour répondre à la demande[27]. Quelques semaines plus tard, Albert Uderzo confie dans un entretien accordé à M le magazine du Monde qu'il songe à écrire le scénario d'une nouvelle histoire d'Astérix, sans pour autant en réaliser les dessins[28].
 En 2014, une première adaptation animée en 3D des aventures d'Astérix est réalisée par Alexandre Astier et Louis Clichy. Astérix : Le Domaine des dieux sort en salle le 26 novembre 2014[29]. Le succès est immédiat, tandis que les critiques soulignent la qualité de la réalisation[30], et qu'Uderzo déclare qu'il s'agit du « meilleur film d'Astérix qui soit sorti[29]. »
 Le 31 mars 2015, le scénariste Jean-Yves Ferri dévoile le nom du prochain album d'Astérix : Le Papyrus de César, qui sort le 22 octobre de la même année[31] et est tiré à 4,5 millions d'exemplaires, pour la France.
 Le 18 octobre 2017, un nouvel album, intitulé Astérix et la Transitalique sort dans les librairies françaises et est tiré à environ 5 millions d'exemplaires dont 2 millions pour le marché français. C'est donc le troisième album réalisé par le duo Jean-Yves Ferri-Didier Conrad[32].
 Le 38e album, réalisé par Jean-Yves Ferri et Didier Conrad, sort le 24 octobre 2019. Intitulé La Fille de Vercingétorix, il est tiré à 5 millions d'exemplaires et traduit en vingt langues[33],[34],[35].
 Un album hors série, Le Menhir d'or, est sorti le 21 octobre 2020[36], il s'agit d'une réédition du livre-disque éponyme sorti en 1967, écrit par René Goscinny avec des dessins de Albert Uderzo.
 Astérix et le Griffon, le 39e album d’Astérix, le cinquième du duo Jean-Yves Ferri et Didier Conrad, est sorti le 21 octobre 2021[37].
 L'ébauche d'un scénario non achevée d'une autre aventure d'Astérix, écrite par René Goscinny peu avant sa mort et portant le titre Astérix au cirque, a été découverte dans ses archives. Devant paraître après Astérix chez les Belges, la fille de l'auteur a laissé entendre qu'une tentative de finaliser l'album sera peut-être entreprise dans les prochaines années[38].
 Le 20 décembre 2022, il est annoncé que le scénariste Jean-Yves Ferri laisse sa place, remplacé par Fabcaro. L'Iris blanc, le 40e album, paraît le 26 octobre 2023 et met en avant « nos obsessions contemporaines tout en gardant le charme d'Astérix »[39].
 Outre des personnages historiques comme Jules César ou Cléopâtre, de nombreux personnages existants ou ayant existé sont apparus au fil des albums successifs, sous forme de clins d’œil humoristiques. Par exemple, La Zizanie met en scène un centurion romain qui a les traits de l'acteur Lino Ventura, très populaire à l'époque où l'album a été publié. Cette pratique contribue à donner différents niveaux de lecture à l'œuvre (les enfants, et même les adultes, ne vont pas nécessairement reconnaître toutes les personnalités caricaturées) et empêche de la réduire au rang de « bande dessinée pour enfants ». Dans Le Papyrus de César, Bonus Promoplus, conseiller de Jules César, est une caricature de Jacques Séguéla.
 Les jeux de mots sont très nombreux, Goscinny en a disséminé pour différents âges. Notamment, les noms de la plupart des personnages apparaissant dans les quelque trente albums d'Astérix le Gaulois sont basés sur des jeux de mots, à commencer par le nom d'Astérix, qui évoque le signe typographique appelé « astérisque », et le nom d'Obélix, qui évoque le signe typographique appelé « obélisque » qui peut servir comme appel de note en complément de l’astérisque. On peut également citer le personnage d'Idéfix, dont le nom fait penser à l'expression « idée fixe », mais aussi la Gauloise Iélosubmarine, dont le nom rappelle la chanson des Beatles Yellow Submarine, ou encore le doyen du village, qui s'appelle logiquement Agecanonix (nom évoquant l'expression « âge canonique »), et bien d'autres. Par ailleurs, tous les noms des Gaulois se terminent en -ix, ce qui est en fait une interprétation personnelle des auteurs à partir des noms de chefs gaulois en -rix (roi), par exemple Vercingétorix, alors qu'en réalité les noms masculins se terminaient le plus souvent en -os, ce qui correspond au nominatif masculin singulier latin -us. Les auteurs font également terminer ceux des Gauloises en -ine généralement (Bonemine, Iélosubmarine, etc., Falbala faisant partie des exceptions), ce qui par contre correspond à une certaine réalité. Tous ceux des Normands terminent en -af (Grossebaf, Autograf, Batdaf…), sur le modèle du saint roi Olaf II de Norvège. Tous ceux des Ibères en -on (Soupalognon y Crouton…), des Bretons en -ax (Jolitorax, Antrax…) ou en -os (Zebigbos), des Goths en -ic (Téléféric, Périféric…), conformément aux noms germaniques en -ric, ceux des Romains en -us (Garovirus, Roméomontaigus, Infarctus…), des Grecs en -os ou -as (Plexigas, Invinoveritas…), des Égyptiens en -is (Numérobis, Tournevis, Amonbofis…), des Indiens en -ah ou -ane (Kiçah, Seurhane) et ceux des Pictes et des Calédoniens commencent par mac- (Mac Oloch, Mac Abbeh…). Dans Astérix et la Transitalique, de nouveaux peuples font leur apparition tels que les Koushites (peuple au sud de l'Égypte) dont les noms terminent en -afer (Toutunafer et Niphéniafer), les Sarmates (peuple du nord de la mer noire entre autres) qui terminent en -ov (Ogouguimov, Olyunidislov), les Lusitaniens (Portugal) en -ès (Solilès, Pataquès), les Cimbres (Danemark) comme leurs compatriotes vikings en -en (Neuillisursen, Betåkårøten).
 D'autres jeux de mots sont plus contextuels. Les exemples sont nombreux. Parlant d'Astérix et Obélix se trouvant aux thermes, dans une piscine remplie (par opposition aux autres piscines de l'endroit, précédemment vidées par Obélix), le chef Abraracourcix indique au patron des lieux « Mes Gaulois sont dans la pleine » (allusions aux « Gaulois sont dans la plaine »[40])[41]. Un Gallo-romain (le chef de tribu Aplusbégalix), affiche chez lui un panneau « Rome Sweet Rome » (parodie de la formule anglaise Home sweet home)[42], ou Astérix, s'adressant à un couple de Romains dont la femme se montre généreuse, au contraire de son époux, lui lance « Allez, Romain, sois bon comme la Romaine »[43].
 Le comique de répétition est très présent tout au long de la série. Il se présente sous forme de malentendus entre les personnages ou des problèmes de langages. Certaines scènes reviennent fréquemment, comme le naufrage des pirates qui débute toujours par un cri de peur du personnage Baba la vigie : « Les Gau… les GauGau… » et qui se finit par une citation en latin de Triple-patte, le vieux pirate estropié. Les chants du barde sont aussi très réguliers, et provoquent toujours la fuite des auditeurs ou la neutralisation du barde par les coups[44]. Obélix ponctue ses constats par un « ils sont fous ces… ». Les bagarres dues aux poissons pas frais d'Ordralfabétix et les chutes à répétition du chef du haut de son pavois, qui commencent à partir du quatorzième album Astérix en Hispanie, sont aussi très fréquentes dans la série[45].
 Par ailleurs, en plus d'être ainsi inter-albums (gags se répétant d'un album à l'autre), le comique de répétition est également très présent à l'intérieur même des albums, avec des gags s'y répétant régulièrement. L'album L'Odyssée d'Astérix en est un bon exemple : dans le bateau phénicien, Astérix et Obélix affrontent trois fois d'affilée des navires, avec une même mise en scène (« À chaque fois que je revois cette scène, j'y découvre quelque chose de nouveau ! » commente un membre de l'équipage)[46] ; leur navire reçoit ensuite un « même accueil » (flèches enflammées et boulets) à quatre ports de suite[47] ; et dans le désert, les Gaulois sont attaqués à de multiples reprises par des guerriers de diverses tribus qui les confondent toujours avec leurs ennemis qui arrivent après, le tout accompagné de répliques répétitives et de tout un ensemble construisant un riche comique de répétition[48].
 L'image que la bande dessinée donne de la vie quotidienne en Gaule ne doit pas être prise au pied de la lettre :
 Les personnages ne vieillissent pas d'un album à l'autre dont l'action est censée se dérouler chaque fois en -50, mais il est évident que ces aventures ne peuvent être concomitantes. On peut retracer approximativement la ligne chronologique comme suit :
 Les auteurs prennent donc beaucoup de libertés avec la réalité historique. Leurs héros participent par exemple à des événements antérieurs à -50, telle que l'invasion partielle de la Bretagne insulaire (-55) et celle de la Belgique, qui font partie intégrante de la campagne de la guerre des Gaules, dans les années -50. À l'inverse, les références aux pillages vikings dans Astérix et les Normands, et à l'expédition vers le Vinland dans La Grande Traversée, correspondent à des faits se déroulant bien plus tard, entre le VIIIe siècle et le XIe siècle ; ces anachronismes sont toutefois justifiés, le premier de façon comique par le chef des vikings d'Astérix et les Normands qui précise, page 31, « [qu'ils] ne [sont] pas venus faire la guerre. Pour ça, [leurs] descendants s'en chargeront dans quelques siècles. », et le second par le fait que l'explorateur viking de La Grande Traversée se perçoit comme un visionnaire, et qu'il n'est pas pris au sérieux par sa tribu.
 En règle générale, il convient de rappeler qu'en dépit des efforts de documentation, l'univers d'Astérix est très loin de la réalité historique puisque souvent, il montre plus ou moins la caricature d'un pays moderne dans une forme antique. Il ne s'agit pas d'approximation involontaire, mais d'un esprit de décalage explicite. Par exemple, dans la Lutèce astérixienne (qui tient pour cette Gaule fictive le rôle d'avant-garde de l'art, de la fête et de la mode que tient par la suite le Paris contemporain pour la « province », ce qui en soi, est déjà éloigné de la réalité historique pour la Lutèce de la Gaule romaine), un pigeonnier géant singe trait pour trait la tour Eiffel, tandis que la ville accueille une délégation du comité olympique grec, pour obtenir l'organisation des jeux. Assimiler le fonctionnement des Jeux modernes, se passant dans des lieux à chaque fois différents, à celui des Jeux antiques originaux est absurde sur le plan historique (ils avaient toujours lieu en Grèce à Olympie), mais l'esprit d'Astérix n'est justement pas dans la retranscription fidèle de l'histoire. Autre exemple : la Germanie contemporaine de Jules César (assimilée dans l'album aux seuls peuples Goths, Wisigoths, Ostrogoths, qui n'y apparaissent que plusieurs siècles plus tard) est en partie un amalgame de références au militarisme prussien, au Reich hitlérien, et au célèbre morcellement politique interne du Saint-Empire romain germanique. Dans les îles britanniques, les Bretons jouent au rugby dans des stades, on y croise des roulottes à deux étages rappelant les célèbres bus à impériale londoniens, on montre quatre bardes célèbres qui sont les caricatures des Beatles, etc. La plupart des albums se focalisant sur un peuple en particulier (Gaulois inclus) ont recours à ce schéma de mélange du passé, du présent et des clichés. Un dernier exemple plus fantaisiste encore est celui des « montagnes slaves » installées à l'occasion du Combat des chefs, grands manèges mécaniques présentant une version « barbare » des montagnes russes.
 Cependant, de nombreux éléments historiques véridiques sont habilement intégrés aux aventures d'Astérix : conquête de la Bretagne (même si elle n'est pas le fait de Jules César, qui n'y fait que des incursions), révoltes ibériques, combats de César en Afrique contre les anciens partisans de Pompée, liaison avec Cléopâtre, fonctionnement de l'administration et l'armée romaines : questeurs, vingt ans de service militaire, formation militaire dite en « tortue », etc.
 Le dessin d'Albert Uderzo et de la série est proche de l'école de Marcinelle du journal Spirou, où les dessins sont réalisés de manière semi-réaliste : les personnages sont en partie caricaturés au niveau des expressions et possèdent tous des gros nez[f 1].
 Les expressions sont caricaturées à l’extrême afin de faire rire immédiatement le lecteur. Les nez des personnages sont énormes, chaque détail physique est exagéré. Un personnage ivre a le nez rouge, un gros mangeur a un ventre énorme, un maître autoritaire a un cou démesuré[f 1]. La couleur du visage fait aussi partie de la caricature avec le rouge pour la colère et le vert pour la peur. Dans l'histoire La Grande Traversée, une planche sans parole est consacrée à détailler l'expression des caractères gaulois par Astérix et Obélix, avec la gourmandise représentée par des mains se frottant le ventre et une bouche qui salive, la mauvaise humeur par des sourcils froncés, des mains dans les poches et des épaules remontées, ou encore la bagarre représentée par une posture de boxeur[f 2].
 Les décors que dessine Albert Uderzo naissent la plupart du temps de son imagination et il ne s'aide jamais de photographie ou de documentation. Seule exception pour l'histoire Astérix en Corse où il est allé lui-même en Corse pour se documenter et prendre des photographies de la faune et la flore. Les paysages d'Albert Uderzo sont toujours très détaillés et bien réalisés[f 3].
 Pour dessiner les architectures représentées dans la série, Albert Uderzo n'utilise pas toujours des documents. Ainsi dans l'histoire Le Tour de Gaule d'Astérix, il dessine le port de Gesocribate de l'époque selon son imagination. Par la suite il reçoit un courrier d'un agrégé d'histoire pour le féliciter du tracé du port fidèle à la représentation antique[f 3]. La ville de Lutèce est, elle, représentée selon le tracé de l'actuelle île de la Cité, avec un temple romain à la place de l'Église Notre-Dame de Paris et l'axe de la rue Saint-Jacques[f 4]. Pour la ville de Rome présente dans l'histoire Les Lauriers de César, il s'inspire de la grande maquette de l'architecte Italo Gismondi qui représente Rome sous l'Empereur Constantin Ier[f 5]. Pour l'histoire L'Odyssée d'Astérix, Albert Uderzo fait son second voyage d'étude sur place, après la Corse, pour dessiner un décor. En l’occurrence il part à Jérusalem, il s'inspire notamment de la maquette présente au musée d’Israël pour dessiner le Second Temple de Jérusalem[f 6].
 Le Sénat romain représenté dans la série est entièrement contrôlé par Jules César, qui a acheté la soumission des sénateurs y siégeant ou réduit leur influence. Il semble avoir perdu son rôle de chef de l'État romain au bénéfice de César et ne contrôle même plus la politique extérieure de la République. Quand le Sénat est représenté, il est montré comme une assemblée endormie composée d'anciens militaires ou d'anciens partisans de Pompée, amollis par le luxe et les fortunes acquises, qui créent des commissions et sous-commissions pour enterrer les dossiers ou prévoient de l'examiner lors d'un prochain déjeuner. Ils cherchent avant tout à servir leurs propres intérêts en conservant le pouvoir en place, permettant à César de régner seul sur la République romaine[h 2].
 Comme dans la réalité historique, l'armée romaine est loyale envers Jules César, et non plus envers le Sénat romain. Elle est composée en majorité d'engagés volontaires qui recherchent gloire et fortune (ils regrettent très vite leur choix), mais aussi de troufions envoyés principalement en Corse. Si les légionnaires sont fidèles à César, beaucoup de ses gradés, principalement des centurions, rêvent de le renverser et le remplacer. C'est le cas notamment dans Le Devin où Caius Faipalgugus, le centurion du camp de Petibonum est contrarié dans ses plans par son optione qui reste jusqu'au bout fidèle à la légalité du pouvoir en place. Malgré quelques trahisons, César tient son armée d'une main de maître et n'hésite pas à la commander lui-même comme dans Astérix chez les Belges. De plus, il punit lui-même les gradés qui lui désobéissent, comme dans la première aventure de la série, où il envoie un centurion en Mongolie inférieure[h 3].
 Les jeux du cirque sont représentés dans la série comme un moyen d'abrutir le peuple et de l'éloigner de la politique. Pendant les jeux, César suit les avis du public car il sait que plus le peuple est content, plus son pouvoir est renforcé. Ainsi, dans Astérix gladiateur, il accorde sa grâce à Assurancetourix, très applaudi par le public avec Astérix et Obélix[h 4].
 Les barbares et les brigands : le lecteur les voit entre autres dans La Serpe d'or et Le tour de Gaule d'Astérix où ils essaient de détrousser les deux héros, mais se retrouvent punis à coups de poing.
 Paris est dans la série représentée par Lutèce. Blottie dans l'Île de la Cité, Lutèce est alors présentée comme le Paris contemporain, ville lumière, des arts, de l'amour, de la mode et réputée pour sa vie nocturne. Les touristes viennent en masse des autres pays antiques pour y voir un moulin rouge qui propose la visite de la ville pour trois sesterces. C'est la capitale de la mode : dans La Rose et le Glaive, les villageoises sont curieuses de savoir ce qui est à la mode dans la ville (d'où le jeu de mots de Maestria : « Oh vous savez, Lutèce n'est qu'un pari sur l'avenir. »). C'est la ville où il faut monter pour connaître une carrière artistique ou faire fortune : dans Astérix et les Normands, Assurancetourix espère bien pouvoir chanter à « l'Olympix » (la salle de l'Olympia). Les Arvernes y ouvrent des établissements qui vendent du vin et du charbon et les Méridionaux des auberges comme dans l'album La Serpe d'or où un personnage ressemblant au César de Marcel Pagnol tient un bar nommé Au soleil de Massilia. Les Gaulois sont attachés à leur capitale (dans la réalité Lutèce n'a pas ce statut) et n'hésitent pas à le faire savoir en chanson : ainsi, prisonnier des Goths, le druide Panoramix chante « Revoir Lutèce » et Assurancetourix, dans les prisons de Rome, chante « Menhir montant », parodies de Revoir Paris et Ménilmontant de Charles Trenet (composés pendant l'occupation allemande) ; Maestria, dans La Rose et le Glaive, chante « Lutèce est une blonde », parodie de Ça, c'est Paris de Mistinguett ; pour fêter l'arrivée au Pirée dans Astérix aux Jeux Olympiques le village chante « À Lutèce on l'aime bien Nini peau d'sanglier ! » parodie de Nini peau d'chien d'Aristide Bruant[i 1].
 Dans la série, l'Auvergne et ses habitants sont représentés par les Arvernes. On vient principalement y faire des cures thermales, dans les villes d'Aquae calidae (""Eaux chaudes"", en latin = Vichy) ou Borvo (dieu guérisseur gaulois qui donne son nom à La Bourboule). Les voyageurs, comme Astérix et Obélix, n'hésitent pas à grimper sur le Puy de Dôme, où l'air est délicieux. La capitale Nemessos (Clermont-Ferrand) possède une grosse entreprise de fabrication de roues évoquant l'usine Michelin. C'est aussi une région avec une forte diversité de spécialités culinaires comme le « bleu d'Arverne », la potée au chou ou encore la saucisse sèche, et à la fin du repas on danse la bourrée. Les habitants ont un accent qui chuinte bien que les nouvelles générations le perdent selon les vieux Arvernes[i 2]. Les Arvernes n'hésitent pas à quitter leur région pour faire fortune dans la capitale en ouvrant des boutiques de vin et de charbon, comme les bougnats au XIXe siècle[i 1].
 La Provence représentée dans la série est principalement celle de Marcel Pagnol. Dans Le Tour de Gaule d'Astérix, les deux irréductibles Gaulois vont à Massilia (Marseille) et entrent dans un établissement nommé « Taverne des Nautes » où se joue une partie de cartes avec quatre caricatures tirées du film Marius, adapté de Pagnol. Le tenancier, César Labeldecadix, est la caricature de Raimu jouant le personnage de César. Il râle contre « l'estranger » de Lugdunum qui refuse de boire le « pastix » (le pastis). À côté se trouve une poissonnerie où la marchande ressemble à Honorine Cabanis, autre personnage de Pagnol. Massilia est la ville de l'exagération, de la bouillabaisse et de la pétanque. L'accent marseillais est caricaturé et les auteurs déforment les sons et le parler provençal[i 3].
 La Corse et ses habitants sont représentés principalement dans Astérix en Corse, qui voit Astérix et Obélix voyager sur l'île de beauté. Graphiquement, la Corse dessinée par Uderzo est stéréotypée : l'île est montagneuse, couverte de bois de chênes, châtaigniers et de maquis. Les villages sont faits de maisons en pierres sèches, des vieillards passent leur temps assis sur des bancs, les femmes portent le foulard traditionnel dit mezzaro, et des cochons sauvages vivent en liberté devant les habitations. Les références à la culture corse sont nombreuses, notamment au chanteur Tino Rossi : Ocatarinetabellatchitchix, nom du héros principal Corse de l'histoire, renvoie au refrain de la chanson Tchi tchi, et le mot de passe qu'utilisent les pirates et les Gaulois renvoie à la chanson Vieni vieni. Les évocations de Napoléon Ier sont aussi très nombreuses : Ocatarinetabellatchitchix est montré plusieurs fois dans la posture de Napoléon, la main dans le pli de sa pelisse[i 4] ; il annonce après la victoire face aux légionnaires romains que, pour que les Corses acceptent un empereur, il faudra qu'il soit Corse lui-même[i 5].
 Les stéréotypes corses sont grossis avec un second degré. Les querelles ancestrales et la vendetta sont caricaturées par l'opposition entre le clan Ocatarinetabellatchitchix et Figatellix, dont les origines sont si anciennes qu'on n'en connaît plus la raison exacte, les motifs donnés étant dérisoires et ne concernant même pas un des membres directs du clan[i 6]. La fierté des Corses est caricaturée par des personnages raides et stoïques, ne souriant jamais et montrant rarement leurs émotions[i 7]. Les femmes corses sont représentées comme soumises aux hommes du clan, cloîtrées à la maison, ne pouvant parler en la présence d'hommes n'appartenant pas au clan[i 8]. Dernier stéréotype parodié, la paresse des Corses : Ocatarinetabellatchitchix, relâché par les Romains avant l'attaque des irréductibles Gaulois, refuse d'interrompre sa sieste pour sortir de la cellule ; les druides corses ne cueillent pas le gui dans les arbres, mais attendent qu'il tombe, et le chantier de la voie romaine avance au ralenti (ouvert trois ans auparavant, il ne compte que quelques dalles)[i 9]. En réalité, si les noms des Corses se terminent en -ix et si la Corse a des Druides, c'est pour montrer de manière moderne son appartenance à la Gaule, donc à la France, alors qu'en réalité, les Corses ne descendent pas des Gaulois (qui n'ont jamais colonisé l'île), et n'ont par conséquent pas de druides, au sens celtique du terme.
 Dans la préface de l'album, les auteurs prennent, avec un second degré assumé, le soin de vanter les mérites de la Corse et de certains de ses grands hommes, en rappelant avec humour que les Corses sont plus encore que des gens emplis de qualités : ils sont susceptibles.
 Les albums de la série mettent en scène un grand nombre d'habitants des différentes régions de France et leurs différences. Ainsi l'Armorique, où se situe le village des irréductibles, est une représentation de la Bretagne moderne. Dans l'histoire Le Fils d'Astérix un des habitants du village plante des menhirs dans un champ, allusion aux menhirs de Carnac ; la région possède déjà un fort patrimoine de chansons et de danses (« Ils ont des casques ailés, vive les Celtes » chante Assurancetourix parodie de la chanson Ils ont des chapeaux ronds)[i 10]. La Normandie est parodiée par deux représentations, celle des Normands dans l'album Astérix et les Normands et par les habitants de Rotomagus (Rouen) dans l'album Le Tour de Gaule d'Astérix. Le débarquement des Normands sur les plages gauloises est une double allusion aux invasions vikings du Moyen Âge, qui fondent la province en 911, et au débarquement allié sur les plages normandes, lors de la Seconde Guerre mondiale. Ils creusent « de beaux trous normands », en référence à la pratique de boire un verre d'alcool entre deux plats d'un repas, appelée le trou normand. Ils accompagnent tous leurs plats de crème et leur spécialité culinaire est la « crème à la crème »[Cit. 1]. En arrivant en Gaule, ils chantent qu'ils veulent revoir leur Normandie, référence à l'hymne normand Ma Normandie écrit par Frédéric Bérat. Quant aux habitants de Rotomagus, ils fournissent des ""réponses de Normand"" aux légionnaires qui poursuivent Astérix et Obélix qui répètent « P'têt ben qu'oui, p'têt ben qu'non ». La ville de Suindinum (Le Mans) est connue pour sa célèbre course de char à bœufs qui parodie la course automobile des vingt-quatre heures du Mans[i 11].
 À Nicae (Nice) se trouve « la promenade des Bretons », bordée de palmiers, parodiant la Promenade des Anglais, et les plages de la ville sont remplies de touristes. La spécialité culinaire est la « salade nicaesoise » (salade niçoise)[i 12]. Burdigala (Bordeaux) a pour spécialités le vin et les huîtres comme encore aujourd'hui, et la célèbre Place des Quinconces est nommée ainsi à la suite des ordres du centurion romain qui exige que ses légionnaires se mettent en quinconce, lors de la bataille contre les habitants de la ville qui protègent la fuite d'Astérix et Obélix[i 11]. Le Pays basque est représenté par le peuple des Vaccéens, excellents montagnards et guides, qui aident à passer en Hispanie. Leur spécialité culinaire est le « poulet vasconne », parodie du poulet basquaise[i 13]. Lugdunum est un important foyer de résistance à l'occupation romaine, en référence au Lyon moderne, ville de résistance pendant la Seconde Guerre mondiale et surtout ville de Jean Moulin. Les légionnaires romains se perdent dans ses ruelles qui rappellent les traboules[i 14]. D'autres villes sont représentées par leurs spécialités culinaires dans Le Tour de Gaule d'Astérix : Tolosa (Toulouse) pour la saucisse, Aginnum (Agen) pour ses pruneaux, Camaracum (Cambrai) pour ses bêtises et Durocortorum (Reims) pour son vin pétillant en amphore, dont les bouchons sautent facilement[i 13].
 Les classes sociales supérieures, ou aisées, sont représentées principalement à travers le personnage du beau-frère de Bonemine, Homéopatix, qui apparaît entre autres dans Les Lauriers de César. Celui-ci représente le grand bourgeois parisien - lutécien dans la bande dessinée - qui jette sur le reste de la Gaule un regard condescendant assimilé à celui des Parisiens sur la Province. Les signes extérieurs de sa fortune sont sa maison, copiée sur un modèle romain, ses habits (fourrures et bijoux) et les mets coûteux qu'il sert à Abraracourcix, Bonemine, Astérix et Obélix dans Les Lauriers de César (sabots de bœuf en gelée, par exemple). Il pourrait être une caricature de nouveau riche (à la Bouvard et Pécuchet).
 La fièvre de dépenses et de distinction sociale qui saisit les Gaulois dans Obélix et Compagnie peut également être une critique des parvenus.
 La classe moyenne est la représentation sociale la plus présente dans la série. Elle est composée d'artisans, de commerçants, d'employés, d'agriculteurs et de fonctionnaires[i 15]. Les fonctionnaires romains sont représentés à plusieurs reprises dans la série, et parodient l'administration française, comme dans Astérix et le Chaudron qui met en scène un collecteur d'impôts dont les phylactères parodient les formulaires administratifs ; les douaniers sont parodiés par des légionnaires romains gardant les frontières et accusant Astérix et Obélix d'importations frauduleuses. Des entreprises nationales comme La Poste ou la banque du Crédit lyonnais (parodié en Crédit Latin) sont aussi mises en scène[i 16].
 Les classes populaires apparaissent rarement dans la série. La classe ouvrière est toutefois représentée dans Le Domaine des dieux, par l'intermédiaire des esclaves de toutes nationalités qui coupent les arbres dans la forêt, parodiant le travail de force à la chaîne. Le chef des esclaves, Duplicatha, représente le travailleur immigré et le meneur syndical qui négocie les conditions de travail avec le patronat. Évocation aussi à travers le Phénicien Epidemaïs, qui à plusieurs reprises au cours de la série trouve des moyens pour exploiter des travailleurs : ainsi dans Astérix gladiateur, ses rameurs sont des employés qui n'ont pas bien lu le contrat qu'ils ont signé. De même, dans L'Odyssée d'Astérix, il est devenu organisateur de croisières, et ses rameurs des clients partant en croisière. Dernière référence dans Le Bouclier arverne, avec l'entreprise de roues présente dans la ville de Nemessos, où des femmes travaillent à graver des catalogues de vente, en parodiant la division et la spécialisation des tâches, avec un rythme éprouvant de travail[i 17].
 Dans la série, l'histoire est renversée par les auteurs dès la carte de la Gaule, présente sur chaque couverture d'album. Tout est fait pour que le lecteur pense à la France moderne, bien que les frontières ne soient pas représentées. Ainsi, la carte centrée sur la France évacue hors cadre la partie allemande et suisse de la Gaule, la Belgique mentionnée au Nord fait une confusion volontaire avec l'État moderne de Belgique. Lutèce est mentionnée sur la carte, représentée comme l'égal de Paris et capitale de la Gaule. Le texte introductif, présent sur la carte, conduit le lecteur dans le sens de l'identification : il commence par « Nous » pour faire participer le lecteur, et l'utilisation du présent de l'indicatif abolit la distance historique. L'Histoire est prise à contrepied, renversant les forces et faisant la vie dure aux Romains. De plus, les Gaulois sont qualifiés d'« irréductibles », ce qui est pour le lecteur un gage qu'ils ne seront jamais vaincus[pas clair].
 Dès la première planche de la série, dans Astérix le Gaulois, l'histoire est parodiée avec la capitulation de Vercingétorix, qui jette ses armes non pas aux pieds de César, mais sur les pieds de César, ce qui le fait bondir de son siège. Le chef gaulois, avec sa forte musculature, domine la scène par rapport au chétif chef romain au crâne dégarni et poussant un grand cri de douleur en recevant les armes sur ses pieds. La scène historique est renversée au profit des Gaulois dont l'honneur sort vainqueur de cette scène. C'est aussi une parodie poussée à l'extrême des livres d'Histoire de la Troisième République, qui glorifiaient Vercingétorix par rapport à Jules César. Dans Le Bouclier arverne, l'histoire est de nouveau renversée avec un nouveau Gergovie pour les Romains : Abraracourcix triomphe dans la ville sur le bouclier de Vercingétorix, devant un César qui ne peut que constater son échec. La revanche gauloise est totale et renverse l'histoire en annulant symboliquement Alésia.
 Autre symbole de l'Histoire renversée, la paix romaine. Commencée selon les auteurs de la Troisième République après la défaite gauloise d'Alésia, pour pacifier les territoires conquis dont les clans étaient en lutte perpétuelle, elle apparaît dans la série comme de la simple propagande. Au lieu de pacifier, le César de la série ne pense qu'à faire la guerre au minuscule village des irréductibles, qui pourtant ne menacent pas sa puissance. Dans le récit Le Combat des chefs, c'est même le contraire de la paix romaine puisqu'au lieu de pacifier les tribus, il n'hésite pas à les monter les unes contre les autres en poussant le chef Aplusbégalix à se battre contre Abraracourcix pour s'emparer du village des irréductibles. Poussée plus loin dans la parodie, la paix romaine devient la paix gauloise, le mode de vie simple du village à base de rigolade, de loisir et de bonne humeur qui contamine les camps retranchés aux alentours, préférant vivre une existence simple enfermés dans leur camp plutôt que de prendre des ""baffes"" en exerçant leur mission de soldats censés diffuser la culture romaine. L'exemple le plus probant se trouve dans Obélix et Compagnie, qui montre les camps romains entièrement dominés par la culture du petit village, où les légionnaires s'occupent des tâches ménagères, du jardinage ou s'adonnent aux loisirs plutôt que de faire leur devoir de soldat. De plus, la discipline romaine censée être diffusée par la pax romana est tournée en ridicule par les déroutes que subissent continuellement les légions de Rome face aux Gaulois, qui se lancent dans la bagarre dans un désordre général.
 Depuis le début des années 1960 et le succès de la série, ses deux auteurs ont toujours refusé toute récupération politique de droite comme de gauche. Ainsi, Uderzo s'opposa à une affiche du RPR en 1998 ; « Astérix ne doit pas être mêlé à ça » déclara-t-il et finalement l'affiche fut modifiée[55],[56]. L'unique entrave à cette règle de ne pas s'occuper de politique fut pour confirmer la neutralité du « petit Gaulois » dans le premier album de l'ère Uderzo, Le Grand Fossé, qui caricature les affrontements partisans en montrant un village gaulois coupé en deux avec deux chefs, élus, l'un, par la partie droite, et l'autre, par la partie gauche, qui revendiquent chacun la pleine gouvernance du village. La droite et la gauche du village étant traitées sur un pied d'égalité, cet album ne permet pas d'attribuer un bord politique à la série, puisque finalement, c'est Comix, le fils d'un des deux chefs, qui prend la tête du village réuni en se mariant avec Fanzine la fille de l'autre chef[e 28].
 Malgré cela, certains médias et auteurs tentent d'analyser la série sous un angle politique, voire de définir son orientation. Ainsi, pour Le Figaro, le druide Panoramix serait de droite car s'occupant, selon ce journal, de fonctions qui sont généralement des priorités d'homme de droite, comme la défense et la santé. Toujours selon ce journal, le barde Assurancetourix, homme de culture et enseignant à ses heures, serait, lui, de gauche[e 29]. A contrario, pour Libération, Astérix et les habitants du village gaulois seraient de gauche, en tant qu'« opprimés » luttant contre des « envahisseurs », à quelques nuances près, comme le chauvinisme[57], qui fait dire à l'un d'eux : « Moi, les étrangers ne me dérangent pas tant qu'ils restent chez eux », (Agecanonix dans Le Cadeau de César).
 Selon Nicolas Rouvière — auteur de Astérix ou la parodie des identités et Astérix ou les lumières de la civilisation — les auteurs ont toujours pris soin de ne pas faire de satire partisane, et de brouiller les pistes sur la portée politique de la série, même si, selon lui, elle reste porteuse de certaines valeurs (l'idéal universaliste par exemple), par le biais de la satire sociétale qu'elle propose[58]. Alors que les auteurs du livre Tintin est-il de gauche ? Astérix est-il de droite ?, concluent à l'instar d'Alain Duhamel — auteur de l'ouvrage Le complexe d'Astérix — que le « petit Gaulois » et ses copains sont inclassables[59].
 Les historiens sont partagés, surtout pendant la Troisième République, sur l'interprétation à donner de la défaite gauloise face aux légions romaines. Certains comme Camille Jullian pensent qu'elle a détruit une civilisation gauloise viable alors que d'autres comme Ernest Lavisse pensent que la défaite était inéluctable pour faire entrer la Gaule dans la modernité en créant une civilisation gallo-romaine[60]. Les auteurs de la série semblent être de l'avis de ces derniers en faisant jouer à Astérix et au village des irréductibles le rôle de résistant pour l'honneur, et non de libérateur de la Gaule. Le but des irréductibles Gaulois est de faire enrager César en l'empêchant d'être maître de l'intégralité du territoire de la Gaule, ainsi que de l'empêcher de s'approprier les symboles de l'indépendance et de la résistance gauloise. Les irréductibles Gaulois savent qu'ils vont être balayés par l'Histoire en même temps que la culture gauloise par rapport à la modernité que représente la République romaine, et ils ne cherchent jamais à empêcher ce processus[61]. Le druide Panoramix en est le premier conscient et dans l'histoire Le Domaine des dieux il dit à Astérix qu'ils n'arriveront jamais à empêcher le cours des choses, mais qu'ils ont encore le temps[62].
 Entre le village des irréductibles Gaulois et la République romaine, les relations sont parfois ambiguës. S'ils n'hésitent pas à flanquer une bonne rouste aux légionnaires romains et à empêcher toute annexion de leur village, ils font échouer à plusieurs reprises des complots de centurions romains pour renverser Jules César, comme dans Astérix le Gaulois ou Le Devin. Ils luttent en plus contre les fonctionnaires corrompus ou mafieux de la République : ainsi dans l'histoire La Serpe d'or, ils font tomber le préfet romain de Lutèce, chef d'un réseau de trafiquants de serpes d'or. Dans Astérix chez les Helvètes, ils combattent l'administration corrompue de Genava et de Condate, et sauvent même le questeur romain, empoisonné par un gouverneur de Condate alors qu'il essayait de récolter les impôts de la province détournés par ce même gouverneur. Dans Astérix aux Jeux olympiques, il offre même sa palme olympique à un athlète romain, ce qui sauve l'honneur de la République aux yeux de Jules César.[Passage contradictoire][63]. Lui-même et Obélix se sont d'ailleurs inscrits aux Jeux. Comme les Grecs et les Romains sont seuls à pouvoir y participer, Astérix déclare (au début de l'aventure) que lui-même et les habitants de son village sont des Romains « depuis la conquête de la Gaule par Jules ». En fait, pour les irréductibles Gaulois, la véritable menace est celle des barbares, représentés par les Goths et par les Normands. Ils combattent toute intrusion en Gaule et par conséquent dans la République romaine, là où les légionnaires romains se trouvent complètement incompétents. Par là même, ils renforcent le pouvoir romain[61].
 En dehors d'Astérix et Obélix, le tandem sur qui repose l'ensemble de la série, sont qualifiés de personnages principaux ceux jouant un rôle majeur dans au moins une aventure (le chef Abraracourcix dans Le Bouclier arverne et Astérix chez les Belges, le barde Assurancetourix dans Astérix gladiateur), mais aussi ceux apparaissant régulièrement en bonne place dans les albums, à l'image du druide Panoramix, du chien Idéfix ou de Jules César. Le poissonnier du village Ordralfabétix, le forgeron Cétautomatix ou encore l'ancien du village Agecanonix, ont également leur part de célébrité. Du côté des femmes, on note Iélosubmarine, épouse du poissonnier, Bonemine, épouse du chef Abraracourcix, la belle Falbala, qui rend fou d'amour le naïf Obélix, ou encore l'épouse d'Agecanonix, très belle femme récurrente dans les albums, dont on ne connait pourtant pas le patronyme. D'autres personnages secondaires ont aussi marqué les mémoires, tels Jolitorax (Astérix chez les Bretons) ou Ocatarinetabellatchitchix (Astérix en Corse). Dans Le Cadeau de César, la jeune Coriza, dite Zaza, prend les traits d'Isabelle Uderzo, fille du dessinateur de la série.
 Astérix est un guerrier gaulois et le héros de la série. Lors de ses diverses aventures, Astérix est presque toujours accompagné de son meilleur ami Obélix et de son chien Idéfix. Il apparaît dès la première planche de la première histoire[a 2], où il porte déjà son habit caractéristique composé d'un haut noir, d'un pantalon rouge, d'une épée portée sur le côté et d'un casque agrémenté de deux plumes qui, selon leurs orientations, révèlent son humeur[g 1]. Petit et mince, voire chétif, Astérix est physiquement loin des stéréotypes des héros de bande dessinée de l'époque[c 15]. Au début, Albert Uderzo voulait le dessiner grand et fort, mais le scénariste René Goscinny souhaitait absolument un anti-héros qui ait « un physique marrant[a 3] ». Les auteurs souhaitaient qu'il soit teigneux[c 15], malin plutôt qu'intelligent et débrouillard afin de coller à la caricature du Français moyen[a 1]. Son nom commence par la lettre « A » afin, selon les auteurs, d'être référencé au début des futures encyclopédies de bande dessinée. Il vient d'un signe typographique, l'astérisque. Un pseudo-suffixe -ix est ajouté en référence au chef gaulois Vercingétorix[a 2].
 Astérix est né en 85 av. J.-C., le même jour que son meilleur ami Obélix. Cette révélation est tardive et contradictoire. C'est en effet en 2001 avec l'album Astérix et Latraviata qu'est célébré l'anniversaire commun des deux amis ; alors que précédemment dans l'album Obélix et compagnie, en 1976, l'anniversaire du seul Obélix est fêté. Le père d'Astérix s'appelle Astronomix et sa mère Praline. Tous deux tiennent une boutique de souvenirs à Condate avec les parents d'Obélix, (eux aussi apparaissent tardivement, dans l'album Astérix et Latraviata). Astérix a un cousin germain breton, Jolitorax[a 3] et il est généralement admis qu'il est célibataire et sans enfant. Cependant, dans l'album 34 L'anniversaire, la quatrième case (planche 3A) de la page 7 le montre saluant son fils et sa belle-fille. Il est vrai que cette courte histoire est présentée comme une vision d'Uderzo (planche 4A, page 8), finalement ramenée à un rêve (planche 4B, page 8).
 Obélix, le livreur de menhirs, est le meilleur ami d'Astérix qu'il accompagne toujours dans ses aventures. Il a un chien nommé Idéfix. Contrairement à Astérix, qui doit boire de la potion magique, Obélix est lui tombé dans la marmite de potion magique quand il était petit, ses effets sont donc permanents chez lui[a 4]. Son nom vient sans doute, comme celui d'Astérix, d'un signe typographique, l'obèle[a 4] ou bien de l'obélisque égyptien[64].
 La présence d'Obélix dans la série est un vœu d'Albert Uderzo : alors que René Goscinny souhaite que le personnage principal, Astérix, ait un petit gabarit, Uderzo insiste pour lui adjoindre un partenaire au physique hors normes, qui correspond plus à ses préférences en matière de dessin[c 16]. Il apparaît dès la première planche de la première histoire[a 5], dans laquelle il porte une hache à la ceinture, instrument qui disparaît dès la planche suivante. En revanche, sa tenue demeure la même tout au long de la série : des braies à raies verticales blanches et bleues et le torse nu[g 2]. Dans cette première histoire, sa présence n'est qu'anecdotique, mais il prend de l'importance dès le deuxième album, La Serpe d'or, au point d'être considéré comme le co-héros de la série.
 Doté d'un appétit jamais satisfait, Obélix apprécie la chasse aux sangliers et les festins copieux et interminables. « Cauchemar des Romains[65] », il est aussi susceptible et sa colère fuse lorsqu'on le traite de « gros ». Il voue un amour déçu et secret à la belle gauloise Falbala[a 6].
 
Obélix est né en 85 av. J.-C., le même jour que son meilleur ami Astérix. Son père s'appelle Obélodalix et sa mère Gélatine. Tous deux tiennent une boutique de souvenirs à Condate avec les parents d'Astérix. Il a un cousin germain à Lutèce, Amérix, qui fabrique des serpes d'or. Il n'a apparemment pas d'enfant mais Goscinny et Uderzo lui ont tout de même imaginé un descendant, nommé Obélisc'h, qui vit au XXe siècle[a 7].  Idéfix est le chien d'Obélix. Il fait sa première apparition dans la neuvième planche de l'histoire Le Tour de Gaule d'Astérix, dans laquelle il suit Astérix et Obélix tout au long de leur périple à travers la Gaule, sans que ceux-ci y prêtent attention, jusqu'à la dernière planche où Obélix le remarque et lui donne un os[a 1]. Un concours est lancé dans le journal Pilote pour lui trouver un nom : Idéfix est choisi par les lecteurs, préféré à Patracourcix, Trépetix et Paindépix[c 17].
 Idéfix est un petit chien blanc dont la race est indéterminée. Court sur pattes dans ses premières apparitions, il prend de la hauteur et s'affine au fil des albums. Il accompagne les deux héros de la série dans toutes leurs aventures, à l'exception de quatre albums, Astérix chez les Bretons, Astérix légionnaire, Astérix chez les Helvètes et Les Lauriers de César, dans lesquels il reste au village[c 18].
 Idéfix ne parle pas : il s'exprime par des aboiements et ses pensées sont presque exclusivement imagées[a 1]. Il est en revanche doué de sentiments, ne supportant pas que l'on fasse du mal aux arbres. Il noue une relation privilégiée avec Obélix, qui le prend souvent au creux de sa main[c 18]. En 1974, il devient l'emblème des studios d'animations qui portent son nom. Les auteurs pastichent alors le logo de la Metro-Goldwyn-Mayer, en mettant Idéfix à la place du lion, surmontant la devise « Delirant isti Romani[c 18] ! » (""Ils sont fous, ces Romains"").
 À partir de 2021, la série Idéfix et les Irréductibles sort en dessin animés et en BD, elle raconte les aventures d'Idéfix à Lutèce, deux ans avant sa rencontre avec Astérix et Obélix.
 Panoramix est le druide du village. Figure de vieux sage, c'est de lui que dépend la survie du village car il est le seul à posséder le secret de la potion magique, qui ne se transmet que « de bouche de druide à oreille de druide »[c 19]. Il apparaît dès le premier album, Astérix le Gaulois, dans la troisième planche. Comme tous les habitants du village, il a sa propre tenue, composée d'un habit blanc et d'une cape rouge. Facilement reconnaissable à sa longue barbe blanche, il porte toujours une serpe en or qui lui permet de cueillir le gui, ingrédient essentiel de la potion magique. Son nom vient de « Panoramique », un vaste paysage[a 8].
 Il est le chef du « village des fous » et se déplace presque exclusivement sur un bouclier porté par deux guerriers[c 20]. Il apparaît pour la première fois dès la sixième planche de la première histoire de la série. Son nom provient de l'expression « tomber sur quelqu'un à bras raccourcis » qui signifie attaquer violemment en pliant ses bras. Bien qu'il soit le chef et un ancien guerrier qui a notamment participé à la bataille d'Alésia, il ne semble toutefois pas à la hauteur de son rôle et la plupart des décisions importantes sont prises par Astérix ou Panoramix[a 9]. Néanmoins, il possède certaines compétences de chef, se tenant parfaitement au courant de la situation politique extérieure : il connaît les derniers événements du conflit qui oppose, dans l'album Astérix légionnaire, César aux partisans de Pompée en Afrique[i 18].
 Ventripotent, amateur de bonne chère[c 20], une santé solide si ce n'est une grosse crise de foie. Il est marié avec Bonemine. Cette dernière prend l'ascendant sur lui régulièrement en particulier dans leur hutte. Abraracourcix est le fils de l'ancien chef du village, ce qui laisse supposer que la transmission du titre de chef se fait héréditairement, mais le fait qu'il n'ait pas d'enfant ne semble pas poser de problème de succession aux habitants du village[66]. Il a aussi un frère, Océanix, et un neveu, Goudurix, qui vivent à Lutèce, tout comme son beau-frère Homéopatix, qu'il déteste pour son côté nouveau riche. L'épouse de ce dernier se nomme Galantine[a 10].
 Assurancetourix est le barde du village. Sa voix insupportable lui vaut d'être régulièrement assommé, notamment par Cétautomatix, le forgeron du village. Ce dernier l'empêche également de chanter des chants d'encouragement lors des départs d'Astérix et Obélix en aventure. Capable par son chant de faire fuir les animaux de la forêt, les Normands ou les lions du cirque, voire de déclencher des pluies torrentielles ou de faire tourner le lait, il est mis à l'écart, ligoté et bâillonné lors des banquets qui clôturent chacune des aventures. Il se considère toutefois comme un génie artistique incompris, mais il n'est pas pour autant rejeté par les autres habitants du village, qui savent lui reconnaître certaines qualités : « il chante aussi mal qu'il est bon camarade » dit de lui le chef Abraracourcix dans l'album Astérix gladiateur, à quoi le druide Panoramix ajoute : « c'est un Excellent camarade[c 21] ! » Les habitants du village vont même l'utiliser pour faire fuir les Normands dans Astérix et les Normands et les locataires romains dans Le Domaine des Dieux.
 Vivant en haut d'un arbre, il joue aussi le rôle de guetteur, avertissant régulièrement le village en cas d'attaque des Romains. Dans Le Papyrus de César, il possède un instrument, le Beuglophon, permettant, via une réaction en chaîne, d'avertir Astérix, Obélix et Panoramix lorsque le village est en danger.
 Présenté dans l'album Astérix gladiateur comme un dictateur, le personnage de Jules César dans la bande dessinée est une représentation du personnage historique éponyme, ancien consul romain, conquérant de la Gaule[c 22]. Il apparaît dès la première planche de la première histoire[a 11]. Toutefois, et contrairement à ce que prétend la série (et la croyance populaire) César n'eut jamais le titre d'empereur, il fut seulement imperator, ""général en chef"" en latin.
 La présence du village de fous, « qui résiste encore et toujours à l'envahisseur », l'irrite au plus haut point. Malmené par ces derniers, la figure du personnage historique est néanmoins respectée puisqu'il n'est jamais atteint physiquement par les coups, ni menacé dans sa fonction par les irréductibles Gaulois[i 19]. Le personnage de Jules César est souvent moqué par les auteurs : sa façon de parler de lui-même à la troisième personne et ses célèbres citations latines sont fréquemment détournées et parodiées[a 12]. Son évolution dans la série montre sa préoccupation à vouloir tenir une grande place dans l'Histoire en étant jugé comme un homme digne, alors qu'il perd souvent son sang-froid dans les situations où il n'arrive pas à se faire craindre et respecter[i 20]. Sa stature de personnage historique est néanmoins toujours rétablie en mettant en avant sa clémence[i 21].
 La série Astérix met en scène un personnage qui règne en maître absolu sur une république décadente : ses conseillers, corrompus, ne pensent qu'à boire et à manger, ce qui leur vaut d'être représentés sous les traits de personnages lourds et somnolents. César est également malmené par Cléopâtre, la « reine des reines », avec qui il a un fils nommé Césarion. Il possède également un fils adoptif, Brutus[a 12]. Celui-ci apparaît, le plus souvent brièvement, dans quatre des albums de la série.
 La représentation physique du personnage est fidèle aux effigies antiques et aux gravures sur les monnaies. De même, le dessinateur se conforme à la description qu'en a fait l'écrivain latin Suétone : la poitrine large, la taille élancée, les yeux vifs, César porte sur sa tête la couronne de laurier de l'Imperator[c 22]. Son physique évolue cependant considérablement au sein même de l'album Astérix le Gaulois, entre sa première apparition à la planche 1 et son retour à la fin de l'histoire : le nez long et droit pointant au milieu d'un visage rond laisse la place à un nez toujours long, mais cassé[g 3], dans un visage taillé à la serpe[c 22].
 Les membres importants du village incarnent un corps de métier. Cétautomatix est le forgeron, il apparaît pour la première fois dans la planche onze de la première histoire, avec un physique différent des albums suivants. Sa forme graphique définitive se voit dans Astérix et les Normands[a 13] après plusieurs transformations (auparavant, il apparaît avec un physique différent dans chaque album)[g 4]. C'est aussi un critique musical et culinaire brutal qui frappe Assurancetourix pour l'empêcher de chanter ou Ordralfabétix quand il juge à l'odeur ses poissons pas assez frais[a 13]. Ce dernier est le poissonnier du village, apparu pour la première fois dans la première planche de l'histoire Astérix en Hispanie[a 14]. Il est créé par les auteurs afin de donner un prétexte aux Gaulois de se bagarrer entre eux : la qualité de ses poissons, importés de Lutèce (alors que le village est au bord de la mer), est source de beaucoup de conflits dans le village. Son nom vient de « ordre alphabétique »[a 15].
 Le village comporte aussi des femmes, dont Bonemine, l'épouse du chef qui apparaît pour la première fois dans l'histoire Le Bouclier arverne. Elle se considère comme « la première dame du village » et elle n'hésite pas à abuser de sa position auprès des autres dames du village ; elle est aussi très dirigiste avec son mari, Abraracourcix[a 16]. Agecanonix, le doyen du village, est marié à une jeune femme belle et élancée seulement connue sous le nom de madame Agecanonix. Enfin, Iélosubmarine est poissonnière et l'épouse d'Ordralfabétix ; son nom fait référence à la chanson des Beatles Yellow Submarine.
 Falbala est la fille de Plantaquatix, un villageois ; elle étudie à Condate[a 17]. Elle apparaît pour la première fois dans la première planche de l'histoire Astérix légionnaire[a 18]. Très belle, elle fait tomber sous son charme Obélix. Puis c'est Astérix qui succombera à un de ses baisers. Elle est fiancée à Tragicomix[a 17], jeune homme qui apparaît lui aussi pour la première fois dans l'histoire Astérix légionnaire. Il tient un commerce de location de chars et de chevaux à Condate, mais est enrôlé de force dans les légions romaines[a 19]. Le cousin d'Obélix Amérix apparaît dans l'histoire La Serpe d'or : il fabrique des serpes à Lutèce, mais il est enlevé par Avoranfix. Ce dernier dirige un réseau de trafic de serpes qu'il vend à prix d'or[a 20] avec son homme de main, Lentix[a 21]. Dans Le Tour de Gaule d'Astérix, plusieurs Gaulois apparaissent pour aider Astérix et Obélix, Beaufix de Lugdunum, Changéledix capitaine de navire à Burdigala[a 22], Labeldecadix surnommé « César » tenancier à Massilia[a 23]. Goudurix est le neveu d'Abraracourcix qui apparaît notamment dans Astérix et les Normands : très peureux, il est enlevé par les Normands qui veulent le lancer du haut d'une falaise car, paraît-il, « la peur donne des ailes » - ils ignorent en effet la peur et veulent en percer le secret. Il est une caricature des jeunes yéyés à la mode dans les années 1960[a 24]. Pneumatix est le livreur de courrier du village. Il apparaît occasionnellement, la plupart du temps au début de l'histoire, où les nouvelles qu'il apporte sont les points de départ des aventures.
 Quelques rares Gaulois assument également les rôles d'antagonistes. Ils ne sont pas foncièrement mauvais, mais sont appâtés par la richesse ou la gloire, ce qui les conduit à s'allier avec les Romains. Ils finissent bien souvent par le regretter. Dans Le Tour de Gaule d'Astérix, Quatrédeusix de Divodurum[a 25] et Odalix d'Aginum tentent de trahir leurs compatriotes en essayant de vendre Astérix et Obélix aux Romains[a 26]. Dans La Serpe d'Or, Avoranfix et Lentix font du trafic de serpes pour le compte du gouverneur romain. Des brigands croisent également la route d'Astérix et Obélix (dans les premières aventures principalement). Dans Le Combat des chefs, Aplusbégalix, chef du village de Serum, tente de devenir Gallo-romain. C'est en revanche la cupidité du chef Moralélastix dans Astérix et le Chaudron qui le pousse à traiter avec les Romains. Le faux devin Prolix, dans Le Devin, tente de s'enrichir sur le dos des naïfs habitants du village. Seul Acidenitrix dans Le Grand Fossé semble déroger à cette règle.
 Physiquement, les Gaulois possèdent la caractéristique d'être blonds ou roux, sauf pour les plus anciens (Agecanonix, Panoramix) qui ont naturellement les cheveux blancs. Mais les personnages du sud-est de la Gaule (de Massilia, Corses ou Arvernes) sont presque tous bruns. Les Gaulois se reconnaissent aussi par la terminaison de leur nom en -ix pour les hommes. Les Celtes en général, ainsi que les Belges, les Bretons et les Helvètes possèdent également une moustache ou une barbe. Les Corses ont essentiellement un visage glabre, à l'instar des Romains, ce qui suggère qu'ils ont une particularité propre (historiquement et ethniquement, les Corses ne sont pas Celtes mais se rapprochent des peuples Italiques).
 Le premier Romain à avoir un rôle important dans les aventures d'Astérix est Caius Bonus, dans la première histoire de la série. Il est le centurion du camp de Petibonum. Il rêve de prendre la place de César ; pour réaliser son ambition il fait enlever Panoramix afin de s'emparer de la potion magique. Accompagné de son aide de camp, Marcus Sacapus[a 27], il envoie le légionnaire Caligula Minus espionner dans le village d'Astérix déguisé en Gaulois[a 28]. Gracchus Pleindastus est le préfet de Lutèce dans l'histoire La Serpe d'or, mais aussi le chef du trafic de serpes qui sévit dans la ville[a 29]. Caligula Alavacomgetepus est le préfet des Gaules dans Astérix gladiateur. Il a l'idée d'amener un irréductible Gaulois en cadeau à Jules César[a 30]. Il confie cette mission à Gracchus Nenjetépus, alors centurion de Petibonum. D'abord perplexe, celui-ci décide de s'acquitter de sa tâche en faisant capturer le barde Assurancetourix. Ce personnage est également présent dans Le Tour de Gaule d'Astérix[a 31]. Caius Obtus est un organisateur des jeux du cirque, peu apprécié par Jules César[a 32]. Son second, Briseradius, est un entraîneur de gladiateurs. Chargé de former Astérix et Obélix, il démissionne rapidement[a 33]. Parmi les personnages de l'album Le Tour de Gaule d'Astérix apparaissent plusieurs Romains chargés d'arrêter Astérix et Obélix à la suite du pari conclu avec Lucius Fleurdelotus, l'envoyé spécial de Jules César[a 23] : Encorutilfaluquejelesus le préfet de Lugdunum[a 34], Quintilius légionnaire romain de Camarucum, Plexus et Radius, deux brigands qui détroussent Astérix et Obélix et se font capturer par erreur par une patrouille romaine[a 26], Yenapus préfet de Tolosa[a 35]. Dans Astérix et Cléopâtre, Jules César confie la mission de détruire le palais d'Alexandrie au général Chorus[a 36].
 Marcus Junius Brutus est un personnage historique souvent présent dans la série. Dans les premières histoires, il est représenté comme un peu bête, dans l'ombre de Jules César. Il sert aux auteurs pour faire des clins d'œil à la grande histoire. Dans la suite, le personnage évolue. Ainsi, dans Le Fils d'Astérix, il devient un « dévoyé sans scrupules »[a 37].
 Dans bon nombre d'albums de la série, les haut gradés romains sont corrompus et cherchent à renverser César.
 Les pirates sont une bande de flibustiers, qui parcourt les mers pour attaquer des navires. Elle est composée du chef Barbe Rouge[a 38], de la vigie noire Baba, qui ne prononce pas les « r »[a 30], et de Triple-Patte qui doit son surnom à sa jambe de bois et qui a la particularité de formuler des citations latines avant et après les naufrages[a 39]. D'autres membres d'équipage dont les noms sont inconnus apparaissent ; le fils de Barbe-rouge, Erix, fait une apparition dans Le Tour de Gaule d'Astérix avant de disparaître complètement, laissé en caution par son père pour acheter un nouveau bateau[a 40]. La présence des pirates parodie la série Barbe-Rouge de Jean-Michel Charlier et Victor Hubinon qui paraît en même temps dans Pilote. Il s'agit d'un comique de répétition dans la série, puisque dans presque chaque grande histoire, leur bateau est coulé par les Gaulois. Ils apparaissent pour la première fois à la planche onze de Astérix gladiateur[a 38].
 Les Goths apparaissent dans Astérix et les Goths. Le chef des Wisigoths, Téléféric, souhaite s'emparer de la potion magique pour conquérir les territoires des Ostrogoths, puis la Gaule et la République romaine. Sa seconde préoccupation est d'offrir des divertissements à son peuple[a 41]. Il communique avec les Gaulois par l'intermédiaire du traducteur Cloridric, un lâche et un fourbe qui lui ment en lui faisant croire que Panoramix va lui livrer très bientôt le secret de la potion magique. Il va ensuite devenir le chef suprême des Goths lors des « guerres astérixiennes »[a 42], qui sont la conséquence d'une stratégie d'Astérix consistant à donner de la potion magique aux Goths afin qu'ils se battent entre eux et oublient leur plan d'envahissement de la Gaule. Elle va mettre en scène notamment, Casseurdebric[a 43], Electric[a 44], Liric[a 45], Passmoilcric[a 46] ou encore Satiric[a 47]. Coudetric est le chef Goths qui capture Panoramix lors du concours annuel des druides[a 48].
 Les Goths apparaissent également dans Astérix légionnaire en la personne de deux candidats à l'engagement dans la légion romaine à Condate, Chimeric et Figuralegoric. Mais ce dernier, trop maigre, est refusé et seul l'autre participe au reste de l'aventure.
 Le Phénicien le plus emblématique de la série est le marchand Épidemaïs. Il apparaît pour la première fois dans Astérix Gladiateur où il embarque Astérix et Obélix sur son bateau pour Rome. Il a une étrange conception de l'entreprise puisqu'il exploite ses associés, qui sont chargés de ramer, car ils ont mal lu le contrat d'association avant de le signer. Il apparaît aussi dans L'Odyssée d'Astérix où il conduit les héros vers la Mésopotamie ; cette fois, les rameurs sont les participants d'un club de vacances-croisière, dont on se doute qu'ils ont été également dupés[67],[a 37].
 Les Égyptiens apparaissent essentiellement dans Astérix et Cléopâtre ; la reine Cléopâtre VII est un personnage historique, mais les auteurs caricaturent son caractère : elle est très colérique, moqueuse, excentrique, mais aussi juste et reconnaissante ; son nez est source de gag et de bons mots inspirés par la phrase de Blaise Pascal. : "" Le nez de Cléopâtre s'il eut été plus court, toute la face de la Terre aurait change. ""Elle réapparaît dans Le Fils d'Astérix[a 49]. À la suite d'un pari avec César, elle confie la construction d'un palais à l'architecte Numérobis qui fait appel à son ami Panoramix pour le finir dans les temps impartis. Son scribe s'appelle Misenplis[a 50]. Son rival Amonbofis va tout faire pour l'en empêcher avec son complice Tournevis[a 51]. César possède un espion égyptien nommé Ginfis qui lui fait des rapports réguliers[a 52].
 Les Bretons apparaissent dans l'histoire Astérix chez les Bretons. Le personnage principal est Jolitorax, cousin germain d'Astérix venu en Gaule pour demander l'aide des irréductibles Gaulois[a 53]. Les autres personnages de son village sont le Calédonien (écossais) Mac Anotérapix, l'Hibernian (irlandais) O'Torinolaringologix[a 54] et le chef Zebigbos[a 55]. Cassivellaunos est un personnage historique, chef breton lors de l'invasion par Rome[a 56]. Ipipourax est un joueur de rugby de Camulodunum soigné avec de la potion magique au cours du match[a 56]. Relax est un aubergiste qui cache le trio recherché par les Romains[a 57], son cousin est Surtax[a 55].
 Les Normands sont présents dans Astérix et les Normands. Ils sont les ancêtres imagés des Vikings. Leur chef, Olaf Grossebaf, souhaite envahir la Gaule pour connaître la peur dont on dit qu'elle donne des ailes[a 58]. Mataf est la vigie du drakkar normand[a 59]. Dactilograf et Sténograf sont chargés de lancer Goudurix du haut de la falaise pour le faire voler[a 24].
 Dans Astérix chez les Belges on trouve brièvement les Dupond et Dupont empruntés aux Aventures de Tintin.
 La série naît en même temps que le journal Pilote puisqu'elle fait sa première apparition dans le premier numéro du journal du 29 octobre 1959 avec l'histoire Astérix le Gaulois. La série paraît dans le journal au rythme d'une à deux pages par semaine jusqu'au no 38 du 14 juillet 1960[68]. L'année suivante, cette histoire est publiée en album, le premier de la série[69]. La série fait rapidement son retour dans l'hebdomadaire avec la publication de la seconde histoire La Serpe d'or à partir du no 42 du 11 août 1960 jusqu'au no 74 du 23 mars 1961[68] (en album en 1962[69]). Au rythme d'une histoire par an, Astérix et les Goths commence sa publication dans le no 82 jusqu'au no 122[68].
 Aux éditions Hachette
 Aux éditions Albert René
 Sur les 393 millions d'albums vendus (en 2023)[70], on estime à 130 millions ceux vendus dans les pays francophones, à 120 millions en Allemagne, à 23 millions au Royaume-Uni ainsi qu'aux Pays-Bas, à 24 millions en Espagne et les autres pays hispanophones, à 5 millions en Suède, à 5,5 millions en Italie et au Portugal, à 4 millions pour la Finlande, la Norvège et le Danemark, à 7 millions en Grèce, à 3 millions au Brésil et à 1,5 million en Pologne. On remarque l'absence des États-Unis où le héros n'a jamais percé malgré une tentative de traduction[71],[72]. Le succès de ces albums en Italie est remarquable, bien que les Romains y soient généralement tournés en dérision et y subissent la plupart du temps des défaites infligées par les « irréductibles » Gaulois.
 Astérix a ainsi été traduit en 117 langues selon les éditions Albert-René. Les albums sont d'abord traduits dans la langue de destination, puis retraduits en français et relus par Albert Uderzo et René Goscinny pour s'assurer du bon niveau de la traduction[réf. nécessaire].
 Plusieurs albums ont été traduits dans des langues régionales ou minoritaires. En France, l'album La Rentrée gauloise a été traduit dans 6 langues régionales, mais c'est en Allemagne qu'on trouve le plus grand nombre de traductions dans des parlers régionaux (65 albums et 29 dialectes)[73].
 Astérix a également été traduit en latin pour l'album Le Ciel lui tombe sur la tête (Caelum in caput ejus cadit)[74] et en espéranto[75] à partir de 1979.
 Astérix le Gaulois est classé à la 23e place des 100 meilleurs livres du XXe siècle.
 En 1965, le premier satellite artificiel français mis en orbite prend le nom d'Astérix.
 Dans les années 1990, quatre astéroïdes de la ceinture principale sont baptisés Astérix, Obélix, Panoramix et Idéfix. En 2008, un autre de ces astéroïdes orbitant entre les planètes Mars et Jupiter a été nommé Uderzo[76].
 Un insecte hémiptère fossile, découvert en 2011 dans l'ambre de l'Oise et daté de l'Éocène inférieur (-55 millions d'années environ), a été baptisé Ordralfabetix sirophatanis en hommage à Ordralfabétix, le poissonnier du village[77].
 La Monnaie de Paris a frappé en octobre 2013 trois pièces « Astérix »[78] :
 En 2015, la Monnaie de Paris a frappé vingt-sept pièces pour la collection « Valeurs de la République »[79]:
 En 2009, pour commémorer les cinquante ans de la série, la société de la poste française émet une collection de 6 timbres, chacun d'une valeur de 0,56 €. Placés dans une page pleine, il comprend « Idéfix », le timbre le plus petit jamais émis, et « Obélix » portant un menhir recouvert de poudre de pierre, devenant ainsi le timbre le plus gros et le plus lourd[80].
 Dix ans plus tard, afin de commémorer les 60 ans d'Astérix et les 30 ans du Parc Astérix[81], la Poste émet une bande-carnet de 12 timbres autoadhésifs baptisé « Tous timbrés! Tous irréductibles! »[82].
 Astérix a fait l'objet d'une exposition à Bruxelles en 2005, intitulée « Le monde-miroir d’Astérix »[83],[84].
 Du 16 octobre 2013 au 19 janvier 2014 s'est tenue à la Bibliothèque nationale de France une exposition[85], qui faisait notamment suite au don de planches originales de trois albums d'Astérix par Albert Uderzo à la BNF[86]. Cette rétrospective coordonnée par Carine Picaud, conservatrice à la réserve des livres rares, a été accompagnée d'un ouvrage coédité par la BNF et Hazan : Astérix de A à Z[87]. Le bruit court que la BNF pourrait recevoir un don de toutes les planches toujours en possession d'Albert Uderzo (il y en aurait environ 1200)[88].
 En parallèle, une autre exposition, intitulée Astérix s'affiche à Bercy Village !, s'est tenue à Bercy Village du 4 octobre 2013 à mi-janvier 2014[89].
 « Les planches originales de la bande dessinée Astérix sont très rares sur le marché et sont saluées par des enchères de très haut niveau », explique Kapandji Morhange aux Echos. Quelques exemples[90],[91] :
 Le téléfilm Deux Romains en Gaule, librement inspiré de l'univers d'Astérix et réalisé par Pierre Tchernia, est diffusé le 25 février 1967[99]. Astérix et Obélix y apparaissent brièvement en tant que personnages animés. Goscinny et Uderzo y font aussi une apparition.
 La série d’animation Idéfix et les Irréductibles, réalisée par Charles Vaucelle, est diffusée à partir du 2 juillet 2021.
 La série d’animation Astérix, adaptée de l’album Le Combat des chefs et réalisée par Alain Chabat, sera diffusée sur Netflix dès 2025[100],[101],[102].
 
Au cours des années 1960, Jean Dejoux un chercheur à la RTF, met au point le procédé de l'animographe et le présente aux deux auteurs, Goscinny et Uderzo. Séduit, Georges Dargaud, le directeur du journal Pilote, entreprend en 1967 l'adaptation de l'album Astérix le Gaulois, produit par les studios Belvision, sans en informer les deux auteurs de la série. Ces derniers ne découvrent le film que lors d'une projection privée, mais ne s'opposent pas à sa sortie en salle[c 7].
 Le succès est au rendez-vous avec 2 415 920 entrées[10], mais Goscinny et Uderzo ne sont pas convaincus par la qualité artistique du film. Ils apprennent alors qu'un second film est en cours de production chez Belvision, adapté du deuxième album de la série, La Serpe d'or. Ils s'opposent à la réalisation de ce projet et proposent à Georges Dargaud d'investir dans un long métrage dont ils superviseraient eux-mêmes la direction artistique. C'est ainsi que naît Astérix et Cléopâtre, tiré du sixième album des aventures d'Astérix. Albert Uderzo dessine le storyboard tandis que René Goscinny est épaulé par Pierre Tchernia dans l'adaptation du scénario. Ce dernier écrit pour le film trois chansons sur une musique composée par Gérard Calvi[c 7].
 En 1974, Dargaud, Goscinny et Uderzo fondent les Studios Idéfix pour réaliser un troisième dessin animé, Les Douze Travaux d'Astérix. Contrairement aux deux précédents films, celui-ci n'est pas le fruit de l'adaptation d'un album, mais de l'écriture d'un scénario original par René Goscinny, avec la collaboration de Pierre Tchernia. Uderzo réalise de nombreuses planches de modèles des nouveaux personnages et la direction de l'animation est confiée à Pierre Watrin et Henri Gruel. La production débute à l'automne 1974 et le film sort en salle le 20 octobre 1976[c 10]. La mort de René Goscinny en 1977 entraîne la fermeture des Studios Idéfix, mais les adaptations d'Astérix en dessins animés reprennent en 1985 avec Astérix et la Surprise de César.
 Les aventures d'Astérix ont inspiré de nombreux jeux de société de plusieurs sortes (parcours, quiz…). Le premier en date, Astérix et la potion magique, de type jeu de hasard raisonné, a été édité par la société Noël en 1967.
 La bande dessinée a inspiré deux parcs de loisirs. Le premier, créé en 1967, a vu le jour près de Nice, mais celui-ci a rapidement fermé ses portes, le succès n'ayant pas été au rendez-vous[105]. C'est en 1989 que le Parc Astérix actuel a ouvert dans l'Oise.
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Bande dessinée se déroulant en Bretagne; René Goscinny,/static/images/icons/wikipedia.png; /static/images/mobile/copyright/wikipedia-wordmark-fr.svg; /static/images/mobile/copyright/wikipedia-tagline-fr.svg; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/5/59/Arrows-move.svg/20px-Arrows-move.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/a9/Logo_disambig.svg/20px-Logo_disambig.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/4/44/Logo_disambig-homophone.svg/20px-Logo_disambig-homophone.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/d/d1/Asterix.svg/langfr-220px-Asterix.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/c/c3/Flag_of_France.svg/20px-Flag_of_France.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/3/38/Info_Simple.svg/12px-Info_Simple.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/e/e2/Ast%C3%A9rix_%26_Ob%C3%A9lix_Bruxelles_rue_de_la_Buanderie_%28cropped%29.jpg/310px-Ast%C3%A9rix_%26_Ob%C3%A9lix_Bruxelles_rue_de_la_Buanderie_%28cropped%29.jpg; 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Many adventures take the titular hero Asterix and his friend Obelix to Rome and beyond.
 The series first appeared in the Franco-Belgian comic magazine Pilote on 29 October 1959. It was written by René Goscinny and illustrated by Albert Uderzo until Goscinny's death in 1977. Uderzo then took over the writing until 2009, when he sold the rights to publishing company Hachette; he died in 2020. In 2013, a new team consisting of Jean-Yves Ferri (script) and Didier Conrad (artwork) took over. As of 2023[update], 40 volumes have been released; the most recent was penned by new writer Fabcaro and released on 26 October 2023.
 By that year, the volumes in total had sold 393 million copies,[1] making them the best-selling European comic book series, and the second best-selling comic book series in history after One Piece.
 
Asterix comics usually start with the following introduction:   The year is 50 BC. Gaul is entirely occupied by the Romans. Well, not entirely... One small village of indomitable Gauls still holds out against the invaders. And life is not easy for the Roman legionaries who garrison the fortified camps of Totorum, Aquarium, Laudanum and Compendium...[2][3] The series follows the adventures of a village of Gauls as they resist Roman occupation in 50 BC. They do so using a magic potion, brewed by their druid Getafix (Panoramix in the French version), which temporarily gives the recipient superhuman strength. The protagonists, the title character Asterix and his friend Obelix, have various adventures. The ""-ix"" ending of both names (as well as all the other pseudo-Gaulish ""-ix"" names in the series) alludes to the ""-rix"" suffix (meaning ""king"", like ""-rex"" in Latin) present in the names of many real Gaulish chieftains such as Vercingetorix, Orgetorix, and Dumnorix.
 In some of the stories, they travel to foreign countries, whilst other tales are set in and around their village. For much of the history of the series (volumes 4 through 29), settings in Gaul and abroad alternate, with even-numbered volumes set abroad and odd-numbered volumes set in Gaul, mostly in the village.
 The Asterix series is one of the most popular Franco-Belgian comics in the world, with the series being translated into 111 languages and dialects as of 2009[update].[4]
 The success of the series has led to the adaptation of its books into 15 films: ten animated, and five live action (two of which, Asterix & Obelix: Mission Cleopatra and Asterix and Obelix vs. Caesar, were major box office successes in France). There have also been a number of games based on the characters, and a theme park near Paris, Parc Astérix. The very first French satellite, Astérix, launched in 1965, was named after the character, whose name is close to Greek ἀστήρ and Latin astrum, meaning a ""star"". As of 20 April 2022, 385 million copies of Asterix books had been sold worldwide and translated in 111 languages making it the world's most widely translated comic book series,[5] with co-creators René Goscinny and Albert Uderzo being France's best-selling authors abroad.[6][7]
 In April 2022, Albert and René's general director, Céleste Surugue, hosted a 45-minute talk entitled 'The Next Incarnation of a Heritage Franchise: Asterix' and spoke about the success of the Asterix franchise, of which he noted ""The idea was to find a subject with a strong connection with French culture and, while looking at the country's history, they ended up choosing its first defeat, namely the Gaul's Roman colonisation"". He also went on to say how, since 1989, Parc Asterix has attracted an average of 2.3 million visitors per year. Other notable mentions were how the franchise includes 10 animated movies, which recorded over 53 million viewers worldwide. The inception of Studios Idéfix in 1974 and the opening of Studio 58 in 2016 were among the necessary steps to make Asterix a ""100% Gaulish production"", considered the best solution to keep the creative process under control from start to finish and to employ French manpower. He also noted how a new album is now published every two years, with print figures of 5 million and an estimated readership of 20 million.[5]
 Prior to creating the Asterix series, Goscinny and Uderzo had had success with their series Oumpah-pah, which was published in Tintin magazine.[9]
Astérix was originally serialised in Pilote magazine, debuting in the first issue on 29 October 1959.[10] In 1961, the first book was put together, titled Asterix the Gaul. From then on, books were released generally on a yearly basis. Their success was exponential; the first book sold 6,000 copies in its year of publication; a year later, the second sold 20,000. In 1963, the third sold 40,000; the fourth, released in 1964, sold 150,000. A year later, the fifth sold 300,000; 1966's Asterix and the Big Fight sold 400,000 upon initial publication. The ninth Asterix volume, when first released in 1967, sold 1.2 million copies in two days.
 Uderzo's first preliminary sketches portrayed Asterix as a huge and strong traditional Gaulish warrior. But Goscinny had a different picture in his mind, visualizing Asterix as a shrewd, compact warrior who would possess intelligence and wit more than raw strength. However, Uderzo felt that the downsized hero needed a strong but dim companion, to which Goscinny agreed. Hence, Obelix was born.[11] Despite the growing popularity of Asterix with the readers, the financial backing for the publication Pilote ceased. Pilote was taken over by Georges Dargaud.[11]
 When Goscinny died in 1977, Uderzo continued the series by popular demand of the readers, who implored him to continue. He continued to issue new volumes of the series, but on a less frequent basis. Many critics and fans of the series prefer the earlier collaborations with Goscinny.[12] Uderzo created his own publishing company, Éditions Albert René, which published every album drawn and written by Uderzo alone since then.[11] However, Dargaud, the initial publisher of the series, kept the publishing rights on the 24 first albums made by both Uderzo and Goscinny. In 1990, the Uderzo and Goscinny families decided to sue Dargaud to take over the rights. In 1998, after a long trial, Dargaud lost the rights to publish and sell the albums. Uderzo decided to sell these rights to Hachette instead of Albert-René, but the publishing rights on new albums were still owned by Albert Uderzo (40%), Sylvie Uderzo (20%) and Anne Goscinny (40%).[citation needed]
 In December 2008, Uderzo sold his stake to Hachette, which took over the company.[13] In a letter published in the French newspaper Le Monde in 2009, Uderzo's daughter, Sylvie, attacked her father's decision to sell the family publishing firm and the rights to produce new Astérix adventures after his death. She said:
 ... the co-creator of Astérix, France's comic strip hero, has betrayed the Gaulish warrior to the modern-day Romans – the men of industry and finance.[14][15] However, René Goscinny's daughter, Anne, also gave her agreement to the continuation of the series and sold her rights at the same time. She is reported to have said that ""Asterix has already had two lives: one during my father's lifetime and one after it. Why not a third?"".[16] A few months later, Uderzo appointed three illustrators, who had been his assistants for many years, to continue the series.[12] In 2011, Uderzo announced that a new Asterix album was due out in 2013, with Jean-Yves Ferri writing the story and Frédéric Mébarki drawing it.[17] A year later, in 2012, the publisher Albert-René announced that Frédéric Mébarki had withdrawn from drawing the new album, due to the pressure he felt in following in the steps of Uderzo. Comic artist Didier Conrad was officially announced to take over drawing duties from Mébarki, with the due date of the new album in 2013 unchanged.[18][19]
 In January 2015, after the murders of seven cartoonists at the satirical Paris weekly Charlie Hebdo, Astérix creator Albert Uderzo came out of retirement to draw two Astérix pictures honouring the memories of the victims.[20]
 Numbers 1–24, 32 and 34 are by Goscinny and Uderzo. Numbers 25–31 and 33 are by Uderzo alone. Numbers 35–39 are by Jean-Yves Ferri and Didier Conrad. Years stated are for their initial album release.[21]
 Asterix Conquers Rome is a comics adaptation of the animated film The Twelve Tasks of Asterix. It was released in 1976 and was the 23rd volume to be published, but it has been rarely reprinted and is not considered to be canonical to the series. The only English translations ever to be published were in the Asterix Annual 1980 and never an English standalone volume. A picture-book version of the same story was published in English translation as The Twelve Tasks of Asterix by Hodder & Stoughton in 1978.
 In 1996, a tribute album in honour of Albert Uderzo was released titled Uderzo Croqué par ses Amis, a volume containing 21 short stories with Uderzo in Ancient Gaul. This volume was published by Soleil Productions and has not been translated into English.
 In 2007, Éditions Albert René released a tribute volume titled Astérix et ses Amis, a 60-page volume of one-to-four-page short stories. It was a tribute to Albert Uderzo on his 80th birthday by 34 European cartoonists. The volume was translated into nine languages. As of 2016[update], it has not been translated into English.[65]
 In 2016, the French publisher Hachette, along with Anne Goscinny and Albert Uderzo decided to make the special issue album The XII Tasks of Asterix for the 40th anniversary of the film The Twelve Tasks of Asterix. There was no English edition.
 
The main setting for the series is an unnamed coastal village, rumoured to be inspired by Erquy[66] in Armorica (present-day Brittany), a province of Gaul (modern France), in the year 50 BC. Julius Caesar has conquered nearly all of Gaul for the Roman Empire during the Gallic Wars. The little Armorican village, however, has held out because the villagers can gain temporary superhuman strength by drinking a magic potion brewed by the local village druid, Getafix. His chief is Vitalstatistix.
 The main protagonist and hero of the village is Asterix, who, because of his shrewdness, is usually entrusted with the most important affairs of the village. He is aided in his adventures by his rather corpulent and slower thinking friend, Obelix, who, because he fell into the druid's cauldron of the potion as a baby, has permanent superhuman strength (because of this, Getafix steadfastly refuses to allow Obelix to drink the potion, as doing so would have a dangerous and unpredictable result, as shown in Asterix and Obelix All at Sea). Obelix is usually accompanied by Dogmatix, his little dog. (Except for Asterix and Obelix, the names of the characters change with the language. For example, Obelix's dog's name is ""Idéfix"" in the original French edition.)
 Asterix and Obelix (and sometimes other members of the village) go on various adventures both within the village and in far away lands. Places visited in the series include parts of Gaul (Lutetia, Corsica etc.), neighbouring nations (Belgium, Spain, Britain, Germany etc.), and far away lands (North America, Middle East, India etc.).
 The series employs science-fiction and fantasy elements in the more recent books; for instance, the use of extraterrestrials in Asterix and the Falling Sky and the city of Atlantis in Asterix and Obelix All at Sea.
 With rare exceptions, the ending of the albums usually shows a big banquet with the village's inhabitants gathering – the sole exception is the bard Cacofonix restrained and gagged to prevent him from singing (but in Asterix and the Normans the blacksmith Fulliautomatix was tied up). Mostly the banquets are held under the starry nights in the village, where roast boar is devoured and all (but one) are set about in merrymaking. However, there are a few exceptions, such as in Asterix and Cleopatra.
 The humour encountered in the Asterix comics often centers around puns, caricatures, and tongue-in-cheek stereotypes of contemporary European nations and French regions. Much of the multi-layered humour in the initial Asterix books was French-specific, which delayed the translation of the books into other languages for fear of losing the jokes and the spirit of the story. Some translations have actually added local humour: In the Italian translation, the Roman legionaries are made to speak in 20th-century Roman dialect, and Obelix's famous Ils sont fous, ces Romains (""These Romans are crazy"") is translated properly as Sono pazzi questi romani, humorously alluding to the Roman abbreviation SPQR. In another example: Hiccups are written onomatopoeically in French as hips, but in English as ""hic"", allowing Roman legionaries in more than one of the English translations to decline their hiccups absurdly in Latin (hic, haec, hoc). The newer albums share a more universal humour, both written and visual.[67]
 All the fictional characters in Asterix have names which are puns on their roles or personalities, and which follow certain patterns specific to nationality. Certain rules are followed (most of the time) such as Gauls (and their neighbours) having an ""-ix"" suffix for the men and ending in ""-a"" for the women; for example, Chief Vitalstatistix (so called due to his portly stature) and his wife Impedimenta (often at odds with the chief). The male Roman names end in ""-us"", echoing Latin nominative male singular form, as in Gluteus Maximus, a muscle-bound athlete whose name is literally the butt of the joke. Gothic names (present-day Germany) end in ""-ic"", after Gothic chiefs such as Alaric and Theoderic; for example Rhetoric the interpreter. Greek names end in ""-os"" or ""-es""; for example, Thermos the restaurateur. British names usually end in ""-ax"" or ""-os"" and are often puns on the taxation associated with the later United Kingdom; examples include Mykingdomforanos, a British tribal chieftain, Valuaddedtax the druid, and Selectivemploymentax the mercenary. Names of Normans end with ""-af"", for example Nescaf or Cenotaf. Egyptian characters often end in -is, such as the architects Edifis and Artifis, and the scribe Exlibris. Indic names, apart from the only Indic female characters Orinjade and Lemuhnade, exhibit considerable variation; examples include Watziznehm, Watzit, Owzat, and Howdoo. Other nationalities are treated to pidgin translations from their language, like Huevos y Bacon, a Spanish chieftain (whose name, meaning eggs and bacon, is often guidebook Spanish for tourists), or literary and other popular media references, like Dubbelosix (a sly reference to James Bond's codename ""007"").[68]
 Most of these jokes, and hence the names of the characters, are specific to the translation; for example, the druid named Getafix in English translation – ""get a fix"", referring to the character's role in dispensing the magic potion – is Panoramix in the original French and Miraculix in German.[69] Even so, occasionally the wordplay has been preserved: Obelix's dog, known in the original French as Idéfix (from idée fixe, a ""fixed idea"" or obsession), is called Dogmatix in English, which not only renders the original meaning strikingly closely (""dogmatic"") but in fact adds another layer of wordplay with the syllable ""Dog-"" at the beginning of the name.
 The name Asterix, French Astérix, comes from astérisque, meaning ""asterisk"", which is the typographical symbol * indicating a footnote, from the Greek word ἀστήρ (aster), meaning a ""star"". His name is usually left unchanged in translations, aside from accents and the use of local alphabets. For example, in Esperanto, Polish, Slovene, Latvian, and Turkish it is Asteriks (in Turkish he was first named Bücür meaning ""shorty"", but the name was then standardised). Two exceptions include Icelandic, in which he is known as Ástríkur (""Rich of love""), and Sinhala, where he is known as සූර පප්පා (Soora Pappa), which can be interpreted as ""Hero"". The name Obelix (Obélix) may refer to ""obelisk"", a stone column from ancient Egypt (and hence his large size and strength and his task of carrying around menhirs), but also to another typographical symbol, the obelisk or obelus (†).
 For explanations of some of the other names, see List of Asterix characters.
 Many of the Asterix adventures take place in other countries away from their homeland in Gaul. In every album that takes place abroad, the characters meet (usually modern-day) stereotypes for each country, as seen by the French.[70]
 When the Gauls see foreigners speaking their foreign languages, these have different representations in the cartoon speech bubbles:
 The various volumes have been translated into more than 120 languages and dialects. Besides the original French language, most albums are available in Arabic, Basque, Bulgarian, Catalan, Chinese, Croatian, Czech, Danish, Dutch, English, Finnish, Galician, German, Greek, Hebrew, Hindi, Icelandic, Irish, Italian, Japanese, Korean, Latin, Latvian, Norwegian, Polish, Portuguese, Romanian, Russian, Serbian, Slovene, Spanish, Swedish, Turkish, and Ukrainian.[71][72]
 Some books have also been translated into languages including Esperanto, Scottish Gaelic, Irish, Scots, Indonesian, Hindi, Persian, Bengali, Afrikaans, Arabic, Frisian, Romansch, Thai, Vietnamese, Welsh, Sinhala, Ancient Greek, and Luxembourgish.[71]
 In Europe, several volumes were translated into a variety of regional languages and dialects, such as Alsatian, Breton, Chtimi (Picard), and Corsican in France; Bavarian, Swabian, and Low German in Germany; and Savo, Karelia, Rauma, and Helsinki slang dialects in Finland. In Portugal a special edition of the first volume, Asterix the Gaul, was translated into local language Mirandese.[73] In Greece, a number of volumes have appeared in the Cretan Greek, Cypriot Greek, and Pontic Greek dialects.[74] In the Italian version, while the Gauls speak standard Italian, the legionaries speak in the Romanesque dialect. In the former Yugoslavia, the ""Forum"" publishing house translated Corsican text in Asterix in Corsica into the Montenegrin dialect of Serbo-Croatian (today called Montenegrin).
 In the Netherlands, several volumes were translated into West Frisian, a Germanic language spoken in the province of Friesland; into Limburgish, a regional language spoken not only in Dutch Limburg but also in Belgian Limburg and North Rhine-Westphalia, Germany; and into Tweants, a dialect in the region of Twente in the eastern province of Overijssel. Hungarian-language books were published in the former Yugoslavia for the Hungarian minority living in Serbia. Although not translated into a fully autonomous dialect, the books differ slightly from the language of the books issued in Hungary. In Sri Lanka, the cartoon series was adapted into Sinhala as Sura Pappa.[73]
 Most volumes have been translated into Latin and Ancient Greek, with accompanying teachers' guides, as a way of teaching these ancient languages.
 Before Asterix became famous, translations of some strips were published in British comics including Valiant, Ranger, and Look & Learn, under names Little Fred and Big Ed[75] and Beric the Bold, set in Roman-occupied Britain. These were included in an exhibition on Goscinny's life and career, and Asterix, in London's Jewish Museum in 2018.[76][77]
 In 1970, William Morrow and Company published English translations in hardback of three Asterix albums for the American market. These were Asterix the Gaul, Asterix and Cleopatra and Asterix the Legionary. Lawrence Hughes in a letter to The New York Times  stated, ""Sales were modest, with the third title selling half the number of the first. I was publisher at the time, and Bill Cosby tried to buy film and television rights. When that fell through, we gave up the series.""[78]
 The first 33 Asterix albums were translated into English by Anthea Bell and Derek Hockridge (including the three volumes reprinted by William Morrow),[79] who were widely praised for maintaining the spirit and humour of the original French versions. Hockridge died in 2013, so Bell translated books 34 to 36 by herself, before retiring in 2016 for health reasons. She died in 2018.[80] Adriana Hunter became translator.
 US publisher Papercutz in December 2019 announced it would begin publishing ""all-new more American translations"" of the Asterix books, starting on 19 May 2020.[81] The launch was postponed to 15 July 2020 as a result of the COVID-19 pandemic.[82] The new translator is Joe Johnson, a professor of French and Spanish at Clayton State University.[83]
 The series has been adapted into various media. There are 18 films, 15 board games, 40 video games, and 1 theme park.
 On 17 November 2018, a 52 eleven-minute episode animated series featuring Dogmatix (Idéfix in the French version) was announced to be in production by Studio 58 and Futurikon for broadcast on France Télévisions in 2020.[86] On 21 December 2020, it was confirmed that Dogmatix and the Indomitables had been pushed back to fall 2021, with o2o Studio producing the animation.[87][88] The show is distributed globally by LS Distribution.[89] The series premiered on the Okoo streaming service on 2 July before beginning its linear broadcast on France 4 on 28 August 2021.[90]
 On 3 March 2021, it was announced that Asterix the Gaul is to star in a new Netflix animated series directed by Alain Chabat. The series will be adapted from one of the classic volumes, Asterix and the Big Fight, where the Romans, after being constantly embarrassed by Asterix and his village cohorts, organize a brawl between rival Gaulish chiefs and try to fix the result by kidnapping a druid along with his much-needed magic potion.[91] The series, originally scheduled for 2023,[92][93] will debut in 2025, and will be CG-animated.[94]
 Many gamebooks, board games and video games are based upon the Asterix series. In particular, many video games were released by various computer game publishers.
 Parc Astérix, a theme park 22 miles north of Paris, based upon the series, was opened in 1989. It is one of the most visited sites in France, with around 2.3 million visitors per year.",3609,"Main page; Contents; Current events; About Wikipedia; Help; Learn to edit; Community portal; Upload file; ; learn more; Article; Talk; Read; Read; Upload file; Asterix (character); asterisk; Asterix (disambiguation); ; Publisher; Dargaud; Éditions Albert René; Hachette; Hodder; Full list; comics anthology; Pilote; Comedy; Satire; René Goscinny; Albert Uderzo; Jean-Yves Ferri; Fabcaro; Albert Uderzo; Didier Conrad; Anthea Bell; Derek Hockridge; Anthea Bell; Adriana Hunter; [asteʁiks lə ɡolwa]; Gaul; French; comic album; series; Gaulish; Julius Caesar; Gallic Wars; Asterix; Obelix; Pilote; René Goscinny; Albert Uderzo; Hachette; Jean-Yves Ferri; Didier Conrad; Fabcaro; One Piece; ; Asterix; Gauls; Roman; magic potion; druid; Asterix; Obelix; Vercingetorix; Orgetorix; Dumnorix; 15 films; Asterix & Obelix: Mission Cleopatra; Asterix and Obelix vs. Caesar; major box office successes in France; games; Parc Astérix; Astérix; Parc Asterix; ; Évariste Vital Luminais; Oumpah-pah; Tintin; Pilote; Asterix the Gaul; Georges Dargaud; Éditions Albert René; Dargaud; citation needed; Le Monde; Jean-Yves Ferri; Didier Conrad; murders; Charlie Hebdo; List of Asterix volumes; Jean-Yves Ferri; Didier Conrad; album; Asterix the Gaul; Asterix and the Golden Sickle; Asterix and the Goths; Asterix the Gladiator; Asterix and the Banquet; Asterix and Cleopatra; Asterix and the Big Fight; Asterix in Britain; Asterix and the Normans; Asterix the Legionary; Asterix and the Chieftain's Shield; Asterix at the Olympic Games; Asterix and the Cauldron; Asterix in Spain; Asterix and the Roman Agent; Asterix in Switzerland; The Mansions of the Gods; Asterix and the Laurel Wreath; Asterix and the Soothsayer; Asterix in Corsica; Asterix and Caesar's Gift; Asterix and the Great Crossing; Obelix and Co.; Asterix in Belgium; Asterix and the Great Divide; Asterix and the Black Gold; Asterix and Son; Asterix and the Magic Carpet; 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Le Magicien d'Oz,https://fr.wikipedia.org/wiki/Le_Magicien_d’Oz,"Pour les articles homonymes, voir Le Magicien d'Oz (homonymie).
 
 Le Magicien d'Oz (titre original : The Wonderful Wizard of Oz) est un roman pour enfants écrit par Lyman Frank Baum et publié aux États-Unis en 1900 aux éditions George M. Hill Company, avec des illustrations de William Wallace Denslow. En France, il a été édité pour la première fois en 1931[1].
 Grand classique de la littérature enfantine dans le monde anglophone - en première place[réf. nécessaire] avec Le Vent dans les saules écrit par Kenneth Grahame en 1908 - il en a été tiré plusieurs adaptations cinématographiques.
 L'auteur a écrit une suite à ce roman : Le Merveilleux Pays d'Oz (The Marvelous Land of Oz, 1904), traduit en français tardivement en 1981[2] et Ozma, la princesse d'Oz (Ozma of Oz, 1907) traduit en français en 1982.
 Une petite fille prénommée Dorothée (ou Dorothy selon les versions) et son petit chien Toto, qui habitent au Kansas, sont enlevés avec leur maison par une tornade et transportés dans un pays merveilleux du nom d'Oz. La maison tombe sur la méchante sorcière de l'Est et la tue sur le coup ; Dorothée récupère les souliers d'argent (de rubis dans le film de 1939) de la sorcière. Pour trouver un moyen de rentrer au Kansas, la gentille sorcière du Nord lui conseille de s'adresser au grand et puissant magicien d'Oz, qui réside dans la Cité d'Émeraude.
 Pour s'y rendre il faut suivre une route de brique jaune. En chemin, Dorothée rencontre un épouvantail qui se plaint de ne pas avoir de cerveau, un bûcheron en fer blanc qui regrette de ne pas avoir de cœur, et un lion qui déplore son manque de courage. Suivant Dorothée, tous les trois se rendent auprès du magicien pour qu'il leur accorde ce qui leur manque. Le magicien accepte, à condition qu'ils éliminent la méchante sorcière de l'Ouest. Dorothée y parvient, en jetant un seau d'eau sur la sorcière, ce qui la fait fondre.
 Mais le magicien se trouve être un imposteur. Il réussit tout de même à donner à l'épouvantail, au bûcheron et au lion ce qu'ils désirent, mais il lui est plus difficile de ramener Dorothée au Kansas. Il fabrique pour cela un ballon, mais celui-ci s'envole avec le magicien et sans Dorothée. En fin de compte, Dorothée peut rentrer chez elle grâce à l'aide de la gentille fée du Sud, qui lui apprend que les souliers d'argent pouvaient l'aider : il lui suffit de claquer trois fois des talons et d'exprimer un souhait.
 L'historien Henry Littlefield a proposé en 1964 dans un article du American Quarterly une interprétation économique, toutefois très controversée. Entre 1883 et 1897, à la fin du Gilded Age, une dépression eut lieu aux États-Unis. Les agriculteurs de l'Ouest s'endettèrent lourdement. L'étalon-or avait alors cours et certains économistes préconisaient d'utiliser également l'argent[3]. Cela aurait permis d'augmenter la quantité de monnaie, aurait entraîné l'inflation et réduit le poids réel de l'endettement des agriculteurs. Cette question fut cruciale lors de l'élection présidentielle de 1896. William Jennings Bryan attaqua alors l'étalon-or. Mais ce fut William McKinley, républicain et défenseur de l'étalon-or qui devint président. Les personnages du livre symbolisent diverses figures et des événements de l'époque [4]:
 Luca Gallesi publie en 2012 l'essai C'era une volta l'economia (Il était une fois l'économie en 2015 en France) dans lequel il analyse cette approche historico-économique du Magicien d'Oz comme étant liée à la querelle du bimétallisme, reprenant ainsi la thèse de Hugh Rockoff[5] et d'Henry Littlefield[6]. Gregory Mankiw cite également le conte comme illustration de cet épisode économique dans son ouvrage Macroéconomie (1992).
 Lors d'une interview, en 1903, au magazine Publishers Weekly[7], Baum annonça qu'il a tiré le nom Oz de son classeurs à tiroirs, labellisé ""O–Z""[8].
 Lors de sa publication en 1900, Le Magicien d'Oz a reçu un accueil critique positif. The New York Times en fait l'éloge, le considérant comme un exemple du renouveau de la littérature de jeunesse. L'article suppose qu'il devrait plaire grandement aux jeunes lecteurs et salue la qualité des illustrations qui constituent un agréable complément du texte[9]. 
 Toutefois, le roman sera plus tard accusé de véhiculer des idéaux malsains et impies et en 1928, les bibliothèques publiques américaines censurent le livre sous prétexte qu'il « dépeint des personnages de femmes fortes dans des rôles de leader »[10].
 En 1957, c'est en arguant que les romans de Baum n'ont « aucune valeur pour les enfants d'aujourd'hui » que le directeur des bibliothèques publiques de Détroit censure à nouveau ses livres. Il ajoute que les histoires et les personnages encouragent « la négativité et un esprit de lâcheté chez les enfants »[10].
 (liste non exhaustive)
 Plusieurs adaptations cinématographiques ont été tirées de ce livre. La plus célèbre est le film musical de Victor Fleming (1939), avec Judy Garland dans le rôle de Dorothy Gale et Frank Morgan dans le rôle du magicien. Les chansons du film (Over the Rainbow, Follow the Yellow Brick Road et We're off to see the wizard) sont particulièrement célèbres.  
 Plusieurs séries télévisées ont été adaptées de l'œuvre, comme Emerald City, réalisée en 2016 et diffusée en 2017.
 L. Frank Baum écrivit de nombreuses suites au roman. Il y approfondit sa description du pays d'Oz et invente plusieurs pays voisins. Après la mort de L. F. Baum, d'autres romans furent écrits par d'autres auteurs, les premiers étant Ruth Plumly Thompson, John R. Neill et Jack Snow.
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An adaptation of L. Frank Baum's 1900 children's fantasy novel The Wonderful Wizard of Oz, it was primarily directed by Victor Fleming, who left production to take over the troubled Gone with the Wind. It  stars Judy Garland, Frank Morgan, Ray Bolger, Bert Lahr, Jack Haley, Billie Burke and Margaret Hamilton. Noel Langley, Florence Ryerson and Edgar Allan Woolf received credit for the screenplay, while others made uncredited contributions. The music was composed by Harold Arlen and adapted by Herbert Stothart, with lyrics by Edgar ""Yip"" Harburg.
 The Wizard of Oz is celebrated for its use of Technicolor, fantasy storytelling, musical score, and memorable characters.[5] It was a critical success and was nominated for five Academy Awards, including Best Picture, winning Best Original Song for ""Over the Rainbow"" and Best Original Score for Stothart; an Academy Juvenile Award was presented to Judy Garland.[6] While the film was sufficiently popular at the box office, it failed to make a profit for MGM until its 1949 re-release, earning only $3 million on a $2.7 million budget, making it MGM's most expensive production at the time.[3][7][8]
 The 1956 television broadcast premiere of the film on CBS reintroduced the film to the public. According to the U.S. Library of Congress, it is the most seen film in movie history.[9][10] In 1989, it was selected by the Library of Congress as one of the first 25 films for preservation in the United States National Film Registry for being ""culturally, historically, or aesthetically significant"";[11][12] it is also one of the few films on UNESCO's Memory of the World Register.[13] The film was ranked second in Variety's inaugural 100 Greatest Movies of All Time list published in 2022.[14] It was among the top ten in the 2005 BFI (British Film Institute) list of ""50 films to be seen by the age of 14"" and is on the BFI's updated list of ""50 films to be seen by the age of 15"" released in May 2020.[15] The Wizard of Oz has become the source of many quotes referenced in contemporary popular culture. The film frequently ranks on critics' lists of the greatest films of all time and is the most commercially successful adaptation of Baum's work.[9][16]
 In rural Kansas, Dorothy Gale lives on a farm owned by her Uncle Henry and Aunt Em. Dorothy's neighbor, Almira Gulch, who had been bitten by Dorothy's dog, Toto, obtains a sheriff's order authorizing her to seize Toto. Toto escapes and returns to Dorothy, who runs away to protect him. Professor Marvel, a charlatan fortune-teller, persuades Dorothy to go home because Aunt Em is heartbroken. She returns just as a tornado approaches the farm. Unable to get into the locked storm cellar, Dorothy takes cover in the farmhouse and is knocked unconscious as the tornado lifts the house and drops it intact onto an unknown land.
 Dorothy awakens and is greeted by a good witch named Glinda, who floats down in a bubble and explains that Dorothy has landed in Munchkinland in the Land of Oz, and that the Munchkins are celebrating because the house landed on the Wicked Witch of the East. Her sister, the Wicked Witch of the West, suddenly appears. Before she can seize her deceased sister's ruby slippers, Glinda magically transports them onto Dorothy's feet and tells her to keep them on. Because the Wicked Witch has no power in Munchkinland, she leaves, but swears vengeance upon Dorothy and Toto. Glinda tells Dorothy to follow the yellow brick road to the Emerald City, the home of the Wizard of Oz, as he might know how to help her return home as the bubble makes her vanish and float away.
 Along the way, Dorothy meets the Scarecrow, who wants a brain; the Tin Man, who wants a heart; and the Cowardly Lion, who wants courage. The group reaches the Emerald City, despite the efforts of the Wicked Witch. Dorothy is initially denied an audience with the Wizard by his guard, but the guard relents due to Dorothy's grief, and the four are led into the Wizard's chambers. The Wizard appears as a giant ghostly head and tells them he will grant their wishes if they bring him the Wicked Witch's broomstick.
 During their quest, Dorothy and Toto are captured by flying monkeys and taken to the Wicked Witch, but the ruby slippers protect her and Toto manages to escape, leading the Scarecrow, Tin Man, and Cowardly Lion to the castle. They free Dorothy, but are pursued and finally cornered by the Witch and her guards. The Witch taunts them and sets fire to the Scarecrow's arm. When Dorothy throws a bucket of water onto the Scarecrow, she inadvertently splashes the Witch, causing her to melt away.
 The Witch's guards gratefully give Dorothy her broomstick, and the four return to the Wizard, but he tells them to return tomorrow. When Toto pulls back a curtain, the ""Wizard"" is revealed to be an ordinary man operating machinery that projects a ghostly image of his face. The four travelers confront the Wizard, who insists he is a good man at heart, but confesses to being a humbug. He then ""grants"" the wishes of Dorothy's three friends by giving them tokens to confirm that they have the qualities they sought.
 The Wizard reveals that he, like Dorothy, is from Kansas and accidentally arrived in Oz in a hot air balloon. When he offers to take Dorothy back to Kansas with him aboard his balloon, she accepts, but Toto jumps off and Dorothy goes after him, and the balloon accidentally lifts off with just the Wizard aboard. Glinda reappears and tells Dorothy she always had the power to return to Kansas using the ruby slippers, but had to find that out for herself. After sharing a tearful farewell with her friends, Dorothy heeds Glinda's instructions by tapping her heels three times and repeating, ""There's no place like home.""
 Dorothy is transported back to Kansas, where she awakens in her own bed. Aunt Em attends to her while Uncle Henry and the farm hands stand by. Professor Marvel stops in as Dorothy describes Oz, telling the farm hands and the Professor they were there too, and they smile, humoring her. As Dorothy hugs Toto, she gratefully exclaims, ""Oh, Auntie Em, there's no place like home!""
 In the film's end credits, whenever a Kansas character has a counterpart in Oz, only the Kansas character is listed. For example, Frank Morgan is listed as playing Professor Marvel, but not the Wizard of Oz. The only Oz characters listed in the credits are Glinda and the Munchkins.
 Uncredited
 Production on the film began when Walt Disney's Snow White and the Seven Dwarfs (1937) showed that films adapted from popular children's stories and fairytales could be successful.[21][22] In January 1938, Metro-Goldwyn-Mayer bought the rights to L. Frank Baum's popular novel The Wonderful Wizard of Oz from Samuel Goldwyn. Goldwyn had considered making the film as a vehicle for Eddie Cantor, who was under contract to Samuel Goldwyn Productions and whom Goldwyn wanted to cast as the Scarecrow.[22]
 The script went through several writers and revisions.[23] Mervyn LeRoy's assistant, William H. Cannon, had submitted a brief four-page outline.[23] Because recent fantasy films had not fared well, he recommended toning down or removing the magical elements. In his outline, the Scarecrow was a man so stupid that the only employment open to him was scaring crows from cornfields, and the Tin Woodman was a criminal so heartless that he was sentenced to be placed in a tin suit for eternity. This torture softened him into somebody gentler and kinder.[23] Cannon's vision was similar to Larry Semon's 1925 film adaptation, in which the magical elements are absent.
 Afterward, LeRoy hired screenwriter Herman J. Mankiewicz, who delivered a 17-page draft of the Kansas scenes. A few weeks later, Mankiewicz delivered a further 56 pages. LeRoy also hired Noel Langley and poet Ogden Nash to write separate versions of the story. None of these three knew about the others, and this was not an uncommon procedure. Nash delivered a four-page outline; Langley turned in a 43-page treatment and a full film script. Langley then turned in three more scripts, this time incorporating the songs written by Harold Arlen and Yip Harburg. Florence Ryerson and Edgar Allan Woolf submitted a script and were brought on board to touch up the writing. They were asked to ensure that the story stayed true to Baum's book. However, producer Arthur Freed was unhappy with their work and reassigned it to Langley.[24] During filming, Victor Fleming and John Lee Mahin revised the script further, adding and cutting some scenes. Haley and Lahr are also known to have written some of their dialogue for the Kansas sequence.
 They completed the final draft of the script on October 8, 1938, following numerous rewrites.[25] Others who contributed to the adaptation without credit include Irving Brecher, Herbert Fields, Arthur Freed, Yip Harburg, Samuel Hoffenstein, Jack Mintz, Sid Silvers, Richard Thorpe, George Cukor and King Vidor. Only Langley, Ryerson, and Woolf were credited for the script.[22]
 In addition, songwriter Harburg's son (and biographer) Ernie Harburg reported:
 So anyhow, Yip also wrote all the dialogue in that time and the setup to the songs and he also wrote the part where they give out the heart, the brains, and the nerve, because he was the final script editor. And he – there was eleven screenwriters on that – and he pulled the whole thing together, wrote his own lines and gave the thing a coherence and unity which made it a work of art. But he doesn't get credit for that. He gets lyrics by E. Y. Harburg, you see. But nevertheless, he put his influence on the thing.[26]
 The original producers thought that a 1939 audience was too sophisticated to accept Oz as a straight-ahead fantasy; therefore, it was reconceived as a lengthy, elaborate dream sequence. Because they perceived a need to attract a youthful audience by appealing to modern fads and styles, the score had featured a song called ""The Jitterbug"", and the script had featured a scene with a series of musical contests. A spoiled, selfish princess in Oz had outlawed all forms of music except classical music and operetta. The princess challenged Dorothy to a singing contest, in which Dorothy's swing style enchanted listeners and won the grand prize. This part was initially written for Betty Jaynes,[27] but was later dropped.
 Another scene, which was removed before final script approval and never filmed, was an epilogue scene in Kansas after Dorothy's return. Hunk (the Kansan counterpart to the Scarecrow) is leaving for an agricultural college, and extracts a promise from Dorothy to write to him. The scene implies that romance will eventually develop between the two, which also may have been intended as an explanation for Dorothy's partiality for the Scarecrow over her other two companions. This plot idea was never totally dropped, and is especially noticeable in the final script when Dorothy, just before she is to leave Oz, tells the Scarecrow, ""I think I'll miss you most of all.""[28]
 Much attention was given to the use of color in the production, with the MGM production crew favoring some hues over others. It took the studio's art department almost a week to settle on the shade of yellow used for the Yellow Brick Road.[29]
 Several actresses were reportedly considered for the part of Dorothy, including Shirley Temple from 20th Century Fox, at the time, the most prominent child star; Deanna Durbin, a relative newcomer, with a recognized operatic voice; and Judy Garland, the most experienced of the three. Officially, the decision to cast Garland was attributed to contractual issues.
 Ray Bolger was originally cast as the Tin Man and Buddy Ebsen was to play the Scarecrow.[25] Bolger, however, longed to play the Scarecrow, as his childhood idol Fred Stone had done on stage in 1902; with that very performance, Stone had inspired him to become a vaudevillian in the first place. Now unhappy with his role as the Tin Man (reportedly claiming, ""I'm not a tin performer; I'm fluid""), Bolger convinced producer Mervyn LeRoy to recast him in the part he so desired.[30] Ebsen did not object; after going over the basics of the Scarecrow's distinctive gait with Bolger (as a professional dancer, Ebsen had been cast because the studio was confident he would be up to the task of replicating the famous ""wobbly-walk"" of Stone's Scarecrow), he recorded all of his songs, went through all the rehearsals as the Tin Man and began filming with the rest of the cast.[31]
 W. C. Fields was originally chosen for the title role of the Wizard (after Ed Wynn turned it down, considering the part ""too small""), but the studio could not meet Fields' fee.[32] Wallace Beery lobbied for the role, but the studio refused to spare him during the long shooting schedule. Instead, another contract player, Frank Morgan, was cast on September 22.
 Veteran vaudeville performer Pat Walshe was best known for his performance as various monkeys in many theater productions and circus shows. He was cast as Nikko, the head Winged Monkey, on September 28, traveling to MGM studios on October 3.
 An extensive talent search produced over a hundred little people to play Munchkins; this meant that most of the film's Oz sequences would have to be shot before work on the Munchkinland sequence could begin. According to Munchkin actor Jerry Maren, the little people were each paid over $125 a week (equivalent to $2,700 today). Meinhardt Raabe, who played the coroner, revealed in the 1990 documentary The Making of the Wizard of Oz that the MGM costume and wardrobe department, under the direction of designer Adrian, had to design over 100 costumes for the Munchkin sequences. They photographed and cataloged each Munchkin in their costume so they could consistently apply the same costume and makeup each day of production.
 Gale Sondergaard was originally cast as the Wicked Witch of the West, but withdrew from the role when the witch's persona shifted from sly and glamorous (thought to emulate the Evil Queen in Disney's Snow White and the Seven Dwarfs) to the familiar ""ugly hag"".[33] She was replaced on October 10, 1938, just three days before filming started, by MGM contract player Margaret Hamilton. Sondergaard said in an interview for a bonus feature on the DVD that she had no regrets about turning down the part. Sondergaard would go on to play a glamorous feline villainess in Fox's version of Maurice Maeterlinck's The Blue Bird in 1940.[34] Hamilton played a role remarkably similar to the Wicked Witch in the Judy Garland film Babes in Arms (1939).
 According to Aljean Harmetz, the ""gone-to-seed"" coat worn by Morgan as the Wizard was selected from a rack of coats purchased from a second-hand shop. According to legend, Morgan later discovered a label in the coat indicating it had once belonged to Baum, that Baum's widow confirmed this, and that the coat was eventually presented to her. But Baum biographer Michael Patrick Hearn says the Baum family denies ever seeing the coat or knowing of the story; Hamilton considered it a rumor concocted by the studio.[35]
 The production faced the challenge of creating the Tin Man's costume. Several tests were done to find the right makeup and clothes for Ebsen.[36] Ten days into the shoot, Ebsen suffered a toxic reaction after repeatedly inhaling the aluminum dust (which his daughter, Kiki Ebsen, has said the studio misrepresented as an ""allergic reaction"") in the aluminum powder makeup he wore, though he did recall taking a breath one night without suffering any immediate effects. He was hospitalized in critical condition and was subsequently forced to leave the project. In a later interview (included on the 2005 DVD release of The Wizard of Oz), he recalled that the studio heads appreciated the seriousness of his illness only after he was hospitalized. Filming halted while a replacement for him was sought.
 No footage of Ebsen as the Tin Man has ever been released – only photos taken during filming and makeup tests. His replacement, Jack Haley, assumed Ebsen had been fired.[37] The makeup used for Haley was quietly changed to an aluminum paste, with a layer of clown white greasepaint underneath, in order to protect his skin. Although it did not have the same dire effect on Haley, he did at one point suffer an eye infection from it. To keep down on production costs, Haley only rerecorded ""If I Only Had a Heart"" and solo lines during ""If I Only Had the Nerve"" and the scrapped song ""The Jitterbug""; as such, Ebsen's voice can still be heard in the remaining songs featuring the Tin Man in group vocals.
 LeRoy, after reviewing the footage and feeling Thorpe was rushing the production, adversely affecting the actors' performances, had Thorpe replaced. During reorganization on the production, George Cukor temporarily took over under LeRoy's guidance. Initially, the studio had made Garland wear a blonde wig and heavy ""baby-doll"" makeup, and she played Dorothy in an exaggerated fashion. Cukor changed Garland's and Hamilton's makeup and costumes, and told Garland to ""be herself"". This meant that all the scenes Garland and Hamilton had already completed had to be reshot. Cukor also suggested the studio cast Jack Haley, on loan from Fox, as the Tin Man.[38]
 Cukor did not shoot any scenes for the film, but acted merely as a creative advisor to the troubled production. His prior commitment to direct Gone with the Wind required him to leave on November 3, 1938, when Victor Fleming assumed directorial responsibility. As director, Fleming chose not to shift the film from Cukor's creative realignment, as producer LeRoy had already expressed his satisfaction with the film's new course.
 Production on the bulk of the Technicolor sequences was a long and exhausting process that ran for over six months, from October 1938 to March 1939. Most of the cast worked six days a week and had to arrive as early as 4 a.m. to be fitted with makeup and costumes, and often did not leave until 7 pm or later. Cumbersome makeup and costumes were made even more uncomfortable by the daylight-bright lighting the early Technicolor process required, which could heat the set to over 100 °F (38 °C), which also had the side effect of bringing the production's electricity bill to a staggering estimate of $225,000 (equivalent to $4,928,469 in 2023).[39] Bolger later said that the frightening nature of the costumes prevented most of the Oz principals from eating in the studio commissary;[40] and the toxicity of Hamilton's copper-based makeup forced her to eat a liquid diet on shoot days.[41] It took as many as twelve takes to have Toto run alongside the actors as they skipped down the Yellow Brick Road.
 All the Oz sequences were filmed in three-strip Technicolor,[22][23] while the opening and closing credits, and the Kansas sequences, were filmed in black and white and colored in a sepia-tone process.[22] Sepia-tone film was also used in the scene where Aunt Em appears in the Wicked Witch's crystal ball. The film was not the first to use Technicolor, which was introduced in The Gulf Between (1917) as a two-color additive process, nor the first to use the three-color subtractive Technicolor Process 4, which made its live-action debut during a sequence in The Cat and the Fiddle (1934).[42]
 In Hamilton's exit from Munchkinland, a concealed elevator was installed to lower her below stage level, as fire and smoke erupted to dramatize and conceal her exit. The first take ran well, but on the second take, the burst of fire came too soon. The flames set fire to her green, copper-based face paint, causing third-degree burns to her hands and face. She spent three months recuperating before returning to work.[43] Her green makeup had usually been removed with acetone due to its toxic copper content. Because of Hamilton's burns, makeup artist Jack Young removed the makeup with alcohol to prevent infection.[44]
 Since the film has been released, credible stories have come out indicating that Judy Garland endured extensive abuse during and before filming from various parties involved.[45][46][47][48] The studio went to extreme lengths to change her appearance, including binding her chest and giving her Benzedrine tablets to keep her weight down, along with uppers and downers that caused giggling fits. There were claims that various members of the cast pointed out her breasts and made other lewd comments. Victor Fleming slapped her during the Cowardly Lion's introduction scene when Garland could not stop laughing at Lahr's performance. Once the scene was done, Fleming, reportedly ashamed of himself, ordered the crew to punch him in the face. Garland, however, kissed him instead.[49][50] She was also forced to wear a cap on her teeth due to the fact some of her teeth were misaligned and also had to wear rubber discs on her nose to change its shape during filming.[51] Claims have been made in memoirs that the frequently drunk actors portraying the Munchkins propositioned and pinched her.[52][53][47][54] Garland said that she was groped by Louis B. Mayer.[45][55]
 Arnold Gillespie, the film's special effects director, employed several techniques.[36] Developing the tornado scene was especially costly. Gillespie used muslin cloth to make the tornado flexible, after a previous attempt with rubber failed. He hung the 35 ft (11 m) of muslin from a steel gantry and connected the bottom to a rod. By moving the gantry and rod, he was able to create the illusion of a tornado moving across the stage. Fuller's earth was sprayed from both the top and bottom using compressed air hoses to complete the effect. Dorothy's house was recreated using a model.[56] Stock footage of this tornado was later recycled for a climactic scene in the 1943 musical film Cabin in the Sky, directed by Judy Garland's eventual second husband Vincente Minnelli.[57]
 The Cowardly Lion and Scarecrow masks were made of foam latex makeup created by makeup artist Jack Dawn. Dawn was one of the first to use this technique.[58][59] It took an hour each day to slowly peel Bolger's glued-on mask from his face, a process that eventually left permanent lines around his mouth and chin.[44][60]
 The Tin Man's costume was made of leather-covered buckram, and the oil used to grease his joints was made from chocolate syrup.[61] The Cowardly Lion's costume was made from real lion skin and fur.[62] Due to the heavy makeup, Bert Lahr could only consume soup and milkshakes on break, which eventually made him sick. After a few months, Lahr put his foot down and requested normal meals along with makeup redos after lunch.[63][64] For the ""horse of a different color"" scene, Jell-O powder was used to color the white horses.[65] Asbestos was used to achieve some of the special effects, such as the witch's burning broomstick and the fake snow that covers Dorothy as she sleeps in the field of poppies.[66][67]
 The Wizard of Oz is famous for its musical selections and soundtrack. Its songs were composed by Harold Arlen, with lyrics by E. Y. ""Yip"" Harburg. They won the Academy Award for Best Original Song for ""Over the Rainbow"". The song ranks first in the AFI's 100 Years...100 Songs and the Recording Industry Association of America's ""365 Songs of the Century"".
 MGM composer Herbert Stothart, a well-known Hollywood composer and songwriter, won the Academy Award for Best Original Score.
 Georgie Stoll was associate conductor, and screen credit was given to George Bassman, Murray Cutter, Ken Darby and Paul Marquardt for orchestral and vocal arrangements. (As usual, Roger Edens was also heavily involved as an unbilled musical associate to Freed.)[citation needed]
 The songs were recorded in the studio's scoring stage before filming. Several of the recordings were completed while Ebsen was still with the cast. Although he had to be dropped from the cast because of a dangerous reaction to his aluminum powder makeup, his singing voice remained on the soundtrack (as mentioned in the notes for the CD Deluxe Edition). He can be heard in the group vocals of ""We're Off to See the Wizard"".
 Bolger's original recording of ""If I Only Had a Brain"" was far more sedate than the version in the film. During filming, Cukor and LeRoy decided a more energetic rendition better suited Dorothy's initial meeting with the Scarecrow, and it was rerecorded. The original version was considered lost until a copy was discovered in 2009.[68]
 All lyrics are written by E. Y. Yip Harburg; all music is composed by Harold Arlen Some musical pieces were filmed and deleted later, in the editing process.
 The song ""The Jitterbug"", written in a swing style, was intended for a sequence where the group journeys to the Witch's castle. Owing to time constraints, it was cut from the final theatrical version. The film footage of the song has been lost, although silent home-film footage of rehearsals has survived. The audio recording of the song was preserved, and was included in the two-CD Rhino Records deluxe edition of the soundtrack, as well as on the film's VHS and DVD editions. A reference to ""The Jitterbug"" remains in the film: The Witch tells her flying monkeys that they should have no trouble apprehending Dorothy and her friends because ""I've sent a little insect on ahead to take the fight out of them.""[69]
 Another musical number cut before release came right after the Wicked Witch of the West was melted and before Dorothy and her friends returned to the Wizard. This was a reprise of ""Ding-Dong! The Witch Is Dead"" (blended with ""We're Off to See the Wizard"" and ""The Merry Old Land of Oz"") with the lyrics altered to ""Hail! Hail! The witch is dead!"" This started with the Witch's guard saying ""Hail to Dorothy! The Wicked Witch is dead!"" and dissolved to a huge celebration by the citizens of the Emerald City, who sang the song as they accompanied Dorothy and her friends to the Wizard. Today, the film of this scene is also lost, and only a few stills survive, along with a few seconds of footage used on several reissue trailers. The entire audio track was preserved and is included on the two-CD Rhino Record ""deluxe"" soundtrack edition.[70]
 Garland was to sing a brief reprise of ""Over the Rainbow"" while Dorothy was trapped in the Witch's castle, but it was cut because it was considered too emotionally intense. Because Garland sung the reprise live on set, only the underscoring from the final edit survives. However, the on-set audio of the scene when it was originally filmed under Richard Thorpe still exists and was included as an extra in all home media releases from 1993 onward. The Deluxe Edition soundtrack marries the singing from the Thorpe take to the underscoring from the Fleming version to approximate what this would have sounded like.[71]
 Extensive edits in the film's final cut removed vocals from the last portion of the film. However, the film was fully underscored, with instrumental snippets from the film's various leitmotifs throughout. There was also some recognizable classical and popular music, including:
 (This list is excerpted from the liner notes of the Rhino Records collection.)
 Principal photography concluded with the monochromatic Kansas sequences on March 16, 1939. When Victor Fleming was called away to replace George Cukor as director of Gone with the Wind, veteran director King Vidor agreed to direct Oz during its final ten days of principal production. This included the bulk of the Kansas scenes, including Garland's performance of ""Over the Rainbow.""[72]
 Reshoots and pickup shots were done through April and May and into June, under the direction of producer LeRoy. When the ""Over the Rainbow"" reprise was removed after subsequent test screenings in early June, Garland had to be brought back to reshoot the ""Auntie Em, I'm frightened!"" scene without the song. The footage of Blandick's Aunt Em, as shot by Vidor, had already been set aside for rear-projection work, and was reused.
 After Hamilton's severe injuries with the Munchkinland elevator, she refused to do the pickups for the scene where she flies on a broomstick that billows smoke, so LeRoy had stunt double Betty Danko perform instead. Danko was severely injured when the smoke mechanism malfunctioned.[73]
 At this point, the film began a long, arduous post-production. Herbert Stothart composed the film's background score, while A. Arnold Gillespie perfected the special effects, including many of the rear-projection shots. The MGM art department created matte paintings for many scene backgrounds.
 A significant innovation planned for the film was the use of stencil printing for the transition to Technicolor. Each frame was to be hand-tinted to maintain the sepia tone. However, it was abandoned because it was too expensive and labor-intensive, and MGM used a simpler, less expensive technique: During the May reshoots, the inside of the farmhouse was painted sepia, and when Dorothy opens the door, it is not Garland, but her stand-in, Bobbie Koshay, wearing a sepia gingham dress, who then backs out of frame. Once the camera moves through the door, Garland steps back into frame in her bright blue gingham dress (as noted in DVD extras), and the sepia-painted door briefly tints her with the same color before she emerges from the house's shadow, into the bright glare of the Technicolor lighting. This also meant that the reshoots provided the first proper shot of Munchkinland. If one looks carefully, the brief cut to Dorothy looking around outside the house bisects a single long shot, from the inside of the doorway to the pan-around that finally ends in a reverse-angle as the ruins of the house are seen behind Dorothy and she comes to a stop at the foot of the small bridge.
 Test screenings of the film began on June 5, 1939.[74] Oz initially ran nearly two hours long. In 1939, the average film ran for about 90 minutes. LeRoy and Fleming knew they needed to cut at least 15 minutes to get the film down to a manageable running time. Three sneak previews in San Bernardino, Pomona and San Luis Obispo, California, guided LeRoy and Fleming in the cutting. Among the many cuts were ""The Jitterbug"" number, the Scarecrow's elaborate dance sequence following ""If I Only Had a Brain"", reprises of ""Over the Rainbow"" and ""Ding-Dong! The Witch Is Dead"", and a number of smaller dialogue sequences. This left the final, mostly serious portion of the film with no songs, only the dramatic underscoring.
 ""Over the Rainbow"" was almost deleted. MGM felt that it made the Kansas sequence too long, as well as being far over the heads of the target audience of children. The studio also thought that it was degrading for Garland to sing in a barnyard. LeRoy, uncredited associate producer Arthur Freed and director Fleming fought to keep it in, and they eventually won. The song went on to win the Academy Award for Best Original Song, and came to be identified so strongly with Garland herself that she made it her signature song.
 After the preview in San Luis Obispo in early July, the film was officially released in August 1939 at its current 101-minute running time.
 The film premiered at the Orpheum Theatre in Green Bay, Wisconsin, on August 10, 1939.[75] The first sneak preview was held in San Bernardino, California.[76] The film was previewed in three test markets: Kenosha, Wisconsin, on August 11, 1939; Dennis, Massachusetts, also on August 11;[77][78] and the Strand Theatre in Oconomowoc, Wisconsin, on August 12.[79]
 The Hollywood premiere was on August 16, 1939,[78] following a preview the night before at Grauman's Chinese Theatre.[80] The New York City premiere, held at Loew's Capitol Theatre on August 17, 1939, was followed by a live performance with Garland and her frequent film co-star Mickey Rooney. They continued to perform there after each screening for a week. Garland extended her appearance for two more weeks, partnered with Rooney for a second week and with Oz co-stars Ray Bolger and Bert Lahr for the third and final week. The film opened nationwide on August 25, 1939.
 MGM sold CBS the rights to televise the film for $225,000 (equivalent to $1.93 million in 2023) per broadcast.[81] It was first shown on television on November 3, 1956, as the last installment of the Ford Star Jubilee.[82] It was a ratings success, with a Nielsen rating of 33.9 and an audience share of 53%.[83]
 It was repeated on December 13, 1959, and gained an even larger television audience, with a Nielsen rating of 36.5 and an audience share of 58%.[83] It became an annual television tradition.
 The UK television premiere was on December 25, 1975, on BBC-1.  The estimated UK television audience was 20 million.[84]
 On October 25, 1980, the film was released on videocassette (in both VHS and Betamax format) by MGM/CBS Home Video.[85] All current home video releases are by Warner Home Video (via current rights holder Turner Entertainment).
 The film's first LaserDisc release was in 1983. In 1989, there were two releases for the 50th anniversary, one from Turner and one from The Criterion Collection, with a commentary track. LaserDiscs came out in 1991 and 1993, and the final LaserDisc was released September 11, 1996.[86]
 The film was released on the CED format once, in 1982, by MGM/UA Home Video.[87] It has also been released multiple times outside of the North American and European markets, in Asia, in the Video CD format.
 The first DVD release was on March 26, 1997, by MGM/Turner. It contained no special features or supplements. On October 19, 1999, The Wizard of Oz was re-released by Warner Bros. to celebrate the film's 60th anniversary, with its soundtrack presented in a new 5.1 surround sound mix. The DVD also contained a behind-the-scenes documentary, The Wonderful Wizard of Oz: The Making of a Movie Classic, produced in 1990 and hosted by Angela Lansbury, which was originally shown on television immediately following the 1990 telecast of the film. It had been featured in the 1993 ""Ultimate Oz"" LaserDisc release. Outtakes, the deleted ""Jitterbug"" musical number, clips of pre-1939 Oz adaptations, trailers, newsreels, and a portrait gallery were also included, as well as two radio programs of the era publicizing the film.
 In 2005, two DVD editions were released, both featuring a newly restored version of the film with an audio commentary and an isolated music and effects track. One of the two DVD releases was a ""Two-Disc Special Edition"", featuring production documentaries, trailers, outtakes, newsreels, radio shows and still galleries. The other set, a ""Three-Disc Collector's Edition"", included these features, as well as the digitally restored 80th-anniversary edition of the 1925 feature-length silent film version of The Wizard of Oz, other silent Oz adaptations and a 1933 animated short version.
 The film was released on Blu-ray on September 29, 2009, for its 70th anniversary, in a four-disc ""Ultimate Collector's Edition"", including all the bonus features from the 2005 Collector's Edition DVD, new bonus features about Victor Fleming and the surviving Munchkins, the telefilm The Dreamer of Oz: The L. Frank Baum Story, and the miniseries MGM: When the Lion Roars. For this edition, Warner Bros. commissioned a new transfer from the original negatives at 8K resolution. The restoration job was given to Prime Focus World.[88] This restored version also features a lossless 5.1 Dolby TrueHD audio track.[89]
 On December 1, 2009,[90] three Blu-ray discs of the Ultimate Collector's Edition were repackaged as a less expensive ""Emerald Edition"". An Emerald Edition four-disc DVD arrived the following week. A single-disc Blu-ray, containing the restored movie and all the extra features of the two-disc Special Edition DVD, became available on March 16, 2010.[91]
 In 2013, the film was re-released on DVD, Blu-ray, Blu-ray 3D and UltraViolet for the 90th anniversary of Warner Bros. and the 75th anniversary of the film.[92][93]
 Many special editions were released in 2013 in celebration of the film's 75th anniversary, including one exclusively by Best Buy (a SteelBook of the 3D Blu-ray) and another by Target stores that came with a keepsake lunch bag.[94][95]
 The film was issued on 4K Ultra HD Blu-ray on October 29, 2019, featuring both a Dolby Vision and an HDR10+ grading from an 8K transfer.[96] Another 4K Ultra HD Blu-ray release, including collective replica items from the film's Hollywood premiere was released on November 5, 2024, to celebrate the film's 85th anniversary.[97]
 Although the 1949 re-issue used sepia tone, the 1955 re-issue showed the Kansas sequences in black and white instead, a practice that continued on television broadcasts and home releases until the 50th anniversary VHS release in 1989.[98]
 The MGM ""Children's Matinees"" series re-released the film twice, in both 1970 and 1971.[99] It was for this release that the film received a G rating from the MPAA.
 For the film's 60th anniversary, Warner Bros. released a ""Special Edition"" on November 6, 1998, digitally restored with remastered audio.
 In 2002, the film had a very limited re-release in U.S. theaters, earning only $139,905.[100]
 On September 23, 2009, the film was re-released in select theaters for a one-night-only event in honor of its 70th anniversary and as a promotion for various new disc releases later in the month. An encore of this event took place in theaters on November 17, 2009.[101]
 An IMAX 3D theatrical re-release played at 300 theaters in North America for one week only beginning September 20, 2013, as part of the film's 75th anniversary.[92] Warner Bros. spent $25 million on advertising. The studio hosted a premiere of the film's first IMAX 3D release on September 15, 2013, in Hollywood at the newly remodeled TCL Chinese Theatre (formerly Grauman's Chinese Theatre, the site of the film's Hollywood premiere). It was the first motion picture to play at the new theater and served as the grand opening of Hollywood's first 3D IMAX screen. It was also shown as a special presentation at the 2013 Toronto International Film Festival.[102] This re-release grossed $5.6 million at the North American box office.[103]
 In 2013, in preparation for its IMAX 3D release, the film was submitted to the MPAA for re-classification. According to MPAA rules, a film that has been altered in any way from its original version must be submitted for re-classification, and the 3-D conversion fell within that guideline. The 3D version received a PG rating for ""Some scary moments"", although no change was made to the film's original story content. The 2D version still retains its G rating.[104]
 The film was re-released on January 11 and 14, 2015, as part of the ""TCM Presents"" series by Turner Classic Movies.[105]
 The film was re-released by Fathom Events through ""TCM Big Screen Classics"" on January 27, 29, 30, 2019, and February 3 and 5, 2019, as part of its 80th anniversary. It also had a one-week theatrical engagement in Dolby Cinema on October 25, 2019, to commemorate the anniversary.[106]
 The film returned to theaters on June 5 and 6, 2022, to celebrate Judy Garland's 100th birthday.[107]
 To celebrate the 85th anniversary, ""Fathom Big Screen Classics"" (now taken over from TCM) released the film January 28, 29 and 31, 2024, with a special introduction by Leonard Maltin and a preshow trivia game hosted by ""Oz Vlog"" host Victoria Calamito.[108]
 The Wizard of Oz received universal acclaim upon its release.[109][110] Writing for The New York Times, Frank Nugent considered the film a ""delightful piece of wonder-working which had the youngsters' eyes shining and brought a quietly amused gleam to the wiser ones of the oldsters. Not since Disney's Snow White and the Seven Dwarfs has anything quite so fantastic succeeded half so well.""[111] Nugent had issues with some of the film's special effects:
 with the best of will and ingenuity, they cannot make a Munchkin or a Flying Monkey that will not still suggest, however vaguely, a Singer's Midget in a Jack Dawn masquerade. Nor can they, without a few betraying jolts and split-screen overlappings, bring down from the sky the great soap bubble in which Glinda rides and roll it smoothly into place.[111]
 According to Nugent, ""Judy Garland's Dorothy is a pert and fresh-faced miss with the wonder-lit eyes of a believer in fairy tales, but the Baum fantasy is at its best when the Scarecrow, the Tin Man, and the Lion are on the move.""[111]
 Writing in Variety, John C. Flinn predicted that the film was ""likely to perform some record-breaking feats of box-office magic,"" noting, ""Some of the scenic passages are so beautiful in design and composition as to stir audiences by their sheer unfoldment."" He also called Garland ""an appealing figure"" and the musical numbers ""gay and bright"".[112]
 Harrison's Reports wrote, ""Even though some persons are not interested in pictures of this type, it is possible that they will be eager to see this picture just for its technical treatment. The performances are good, and the incidental music is of considerable aid. Pictures of this caliber bring credit to the industry.""[113]
 Film Daily wrote:  Leo the Lion is privileged to herald this one with his deepest roar—the one that comes from way down—for seldom if indeed ever has the screen been so successful in its approach to fantasy and extravaganza through flesh-and-blood... handsomely mounted fairy story in Technicolor, with its wealth of humor and homespun philosophy, its stimulus to the imagination, its procession of unforgettable settings, its studding of merry tunes should click solidly at the box-office.[114] Some reviews were less positive. Some moviegoers felt that the 16-year-old Garland was slightly too old to play the little girl who Baum intended his Dorothy to be. Russell Maloney of The New Yorker wrote that the film displayed ""no trace of imagination, good taste, or ingenuity"" and declared it ""a stinkeroo"",[115] while Otis Ferguson of The New Republic wrote: ""It has dwarfs, music, Technicolor, freak characters, and Judy Garland. It can't be expected to have a sense of humor, as well – and as for the light touch of fantasy, it weighs like a pound of fruitcake soaking wet.""[116] Still, the film placed seventh on Film Daily's year-end nationwide poll of 542 critics naming the best films of 1939.[117]
 According to MGM records, during the film's initial release, it earned $2,048,000 in the U.S. and $969,000 in other countries throughout the world, for total earnings of $3,017,000. However, its high production cost, plus the costs of marketing, distribution, and other services, resulted in a loss of $1,145,000 for the studio.[3] It did not show what MGM considered a profit until a 1949 re-release earned an additional $1.5 million (about $15 million in 2023). Christopher Finch, author of the Judy Garland biography Rainbow: The Stormy Life of Judy Garland, wrote: ""Fantasy is always a risk at the box office. The film had been enormously successful as a book, and it had also been a major stage hit, but previous attempts to bring it to the screen had been dismal failures."" He also wrote that after the film's success, Garland signed a new contract with MGM giving her a substantial increase in salary, making her one of the top ten box-office stars in the United States.[118]
 The film was also re-released domestically in 1955. Subsequent re-releases between 1989 and 2019 have grossed $25,173,032 worldwide,[4] for a total worldwide gross of $29,690,032.
 The film was not the first to utilize color, but the way in which the film was richly saturated with Technicolor proved that color can provide a magical element to fantasy films. The film is iconic for its symbols such as the Yellow Brick Road, ruby slippers, Emerald City, Munchkins, and the phrase ""There's no place like home"".[119]The film became a global phenomenon and is still well known today.[120]
 Roger Ebert chose it as one of his Great Films, writing that ""The Wizard of Oz has a wonderful surface of comedy and music, special effects and excitement, but we still watch it six decades later because its underlying story penetrates straight to the deepest insecurities of childhood, stirs them and then reassures them.""[121]
 In his 1992 critique of the film for the British Film Institute, author Salman Rushdie acknowledged its effect on him, noting ""The Wizard of Oz was my very first literary influence"".[122] In ""Step Across This Line"", he wrote: ""When I first saw The Wizard of Oz, it made a writer of me.""[123] His first short story, written at the age of 10, was titled ""Over the Rainbow"".[123]
 In a 2009 retrospective article about the film, San Francisco Chronicle film critic and author Mick LaSalle declared:
 ...the entire Munchkinland sequence, from Dorothy's arrival in Oz to her departure on the yellow brick road, has to be one of the greatest in cinema history – a masterpiece of set design, costuming, choreography, music, lyrics, storytelling, and sheer imagination.[124]
 In 2018, it was named the ""most influential film of all time"" as the result of a study conducted by the University of Turin to measure the success and significance of 47,000 films from around the world using data from readers and audience polls, as well as internet sources such as IMDb. It would top the list in their study, followed by the Star Wars franchise, Psycho (1960), King Kong (1933) and 2001: A Space Odyssey (1968) rounding out the top 5.[125]
 On the film review aggregator site Rotten Tomatoes, The Wizard of Oz has a 98% rating based on 169 reviews, with an average score of 9.4/10. Its critical consensus reads, ""An absolute masterpiece whose groundbreaking visuals and deft storytelling are still every bit as resonant, The Wizard of Oz is a must-see film for young and old.""[126] At Metacritic, which assigns a normalized rating to reviews, the film received a score of 92 out of 100, based on 30 reviews, indicating ""universal acclaim"".[127]
 The film was included by the Vatican in a list of important films compiled in 1995, under the category of ""Art"".[128]
 The American Film Institute (AFI) has compiled various lists which include this film or its elements.
 An official 1972 sequel, the animated Journey Back to Oz, featuring the voice of Judy Garland's daughter Liza Minnelli was produced to commemorate the original film's 35th anniversary.[145]
 The Wiz, a musical based on the novel, opened in 1974 in Baltimore and in 1975 with a new cast on Broadway. It went on to win seven Tony Awards, including Best Musical.
 In 1975, a comic book adaptation of the film titled MGM's Marvelous Wizard of Oz was released. It was the first co-production between DC Comics and Marvel Comics. Marvel planned a series of sequels based on the subsequent novels. The first, The Marvelous Land of Oz, was published later that year. The next, The Marvelous Ozma of Oz was expected to be released the following year but never came to be.[146]
 In 1985, Walt Disney Productions released the live-action fantasy film Return to Oz, starring Fairuza Balk in her film debut as a young Dorothy Gale[147] and based on The Marvelous Land of Oz (1904) and Ozma of Oz (1907). With a darker story, it fared poorly with critics unfamiliar with the Oz books and was not successful at the box office, although it has since become a popular cult film, with many considering it a more loyal and faithful adaptation of what L. Frank Baum envisioned.[148][149]
 The Broadway musical Wicked premiered in 2003, and is based on the film and original novel. It has since gone on to become the second-highest grossing Broadway musical of all time, and won three Tony Awards, seven Drama Desk Awards, and a Grammy Award. A two-part film adaptation of the musical, directed by Jon M. Chu, has been in development at Universal Pictures since 2004, with Part One and Part Two scheduled to be released in 2024 and 2025 respectively.
 Andrew Lloyd Webber and Tim Rice produced a stage musical of the same name, which opened in 2011 at the West End's London Palladium.
 An animated film called Tom and Jerry and the Wizard of Oz was released in 2011 by Warner Home Video, incorporating Tom and Jerry into the story as Dorothy's ""protectors"".[150] A sequel titled Tom and Jerry: Back to Oz was released on DVD on June 21, 2016.[151]
 In 2013, Walt Disney Pictures released a ""spiritual prequel"" titled Oz the Great and Powerful. It was directed by Sam Raimi and starred James Franco, Mila Kunis, Rachel Weisz and Michelle Williams. It was the second film based on Baum's Oz series to be produced by Disney, after Return to Oz. It was a commercial success but received a mixed reception from critics.[152][153]
 In 2014, independent film company Clarius Entertainment released a big-budget animated musical film, Legends of Oz: Dorothy's Return,[154] which follows Dorothy's second trip to Oz. The film fared poorly at the box office and was received negatively by critics, largely for its plot and unmemorable musical numbers.
 In February 2021, New Line Cinema, Temple Hill Entertainment and Wicked producer Marc Platt announced that a new film version of the original book is in the works with Watchmen's Nicole Kassell slated to direct the reimagining, which will have the option to include elements from the 1939 film.[155]
 In August 2022, it was announced that Kenya Barris would write and direct a modern remake.[156][157] In January 2024, Barris confirmed that he finished penning the script and remarked ""The original Wizard of Oz took place during the Great Depression and it was about self-reliance and what people were going through, I think this is the perfect time to switch the characters and talk about what someone imagines their life could be. It's ultimately a hero's journey, someone thinks something's better than where they're at, and they go and realize that where they're at is where they should be. I want people to be proud and happy about where they're from. But I want the world to take a look at it and I hope that will come through."" This involved changing the time period to the present day and changing Dorothy's home from Kansas to the Bottoms of Inglewood, California.[158]
 The 2024 marketing campaign for season 22 of American Idol is directly themed after this film, complete with a commercial featuring Ryan Seacrest and the judges Katy Perry, Lionel Richie and Luke Bryan dressed as Tin Man, Dorothy, Cowardly Lion and Scarecrow following the ""Golden Ticket Road"" to Hollywood. This was to reflect the show's plans to visit the judges' hometowns throughout the season.[159][160]
 According to the US Library of Congress exhibition The Wizard of Oz: an American Fairy Tale (2010):[161]
 The Wonderful Wizard of Oz is America's greatest and best-loved home-grown fairytale. The first totally American fantasy for children, it is one of the most-read children's books ... Despite its many particularly American attributes, including a wizard from Omaha, [the 1939 film adaptation] has universal appeal...[162] Because of its many television showings between 1956 and 1974, it has been seen by more viewers than any other movie"".[10] In 1977, Aljean Harmetz wrote The Making of The Wizard of Oz, a detailed description of the creation of the film based on interviews and research; it was updated in 1989.[163]
 Because of their iconic stature,[164] the ruby slippers worn by Judy Garland in the film are now among the most treasured and valuable film memorabilia in movie history.[165] Dorothy actually wore Silver Shoes in the book series, but the color was changed to ruby to take advantage of the new Technicolor process. Adrian, MGM's chief costume designer, was responsible for the final design. Five known pairs of the slippers exist.[166] Another, differently styled pair, not used in the film, was sold at auction by actress Debbie Reynolds for $510,000 (not including the buyer's premium) in June 2011.[167] One pair of Judy Garland's ruby slippers are located in Washington D.C. at the Smithsonian National Museum of American History.[168]
 In 2005, one of the pairs of the ruby slippers was stolen while on loan to the Judy Garland Museum in Garland's hometown.  They were recovered in an FBI sting operation in 2018. At the time they were stolen, the slippers were insured for $1 million. As of 2023, the market value for them is about $3.5 million.[169] In 2023, the slipper thief was indicted with one count of a major artwork theft. The shoes are one of four authentic pairs that are still intact.[170]
 In July 2021, Catholic University of America reported that a dress worn by Dorothy, believed to have been given to Rev. Gilbert Hartke by Mercedes McCambridge as a gift in 1973, was found in the university's Hartke Building after being missing for many years. The university said an expert on the movie's memorabilia at the Smithsonian's National Museum of American History said five other dresses apparently worn by Judy Garland were ""probably authentic"". The dress found at the university had characteristics shared by the other five, including a ""secret pocket"" for Dorothy's handkerchief, and Garland's name written in a specific style. The university said the dress would be stored in Special Collections.
 Another of the dresses sold at auction in 2015 for nearly $1.6 million.[171] Many other costumes have fetched six-figure prices as memorabilia. See List of film memorabilia.
 The Wizard of Oz has a presence at the Disney Parks and Resorts. The film had its own scene at The Great Movie Ride at Disney Hollywood Studios at Walt Disney World Resort, and is also represented in miniature at Disneyland and at Disneyland Paris as part of the Storybook Land Canal Boats attraction in Fantasyland.[172][173] The Great Movie Ride was shut down in 2017.[174]
 On July 20, 2022, it was announced that Warner Bros. Movie World would be adding a new precinct based on the 1939 film The Wizard Of Oz. It is to feature 2 coasters manufactured by Vekoma and will open in 2024.[175]
 Bibliography
 Further reading",8977,"Main page; Contents; Current events; About Wikipedia; Help; Learn to edit; Community portal; Upload file; ; learn more; Article; Talk; Read; Read; Upload file; The Wonderful Wizard of Oz; The Wizard of Oz (disambiguation); ; Victor Fleming; Noel Langley; Florence Ryerson; Edgar Allan Woolf; The Wonderful Wizard of Oz; L. Frank Baum; Mervyn LeRoy; Judy Garland; Frank Morgan; Ray Bolger; Bert Lahr; Jack Haley; Billie Burke; Margaret Hamilton; Charley Grapewin; The Munchkins; Harold Rosson; Blanche Sewell; Herbert Stothart; Metro-Goldwyn-Mayer; Loew's, Inc.; Green Bay; musical; fantasy film; Metro-Goldwyn-Mayer; L. Frank Baum; The Wonderful Wizard of Oz; Victor Fleming; Gone with the Wind; Judy Garland; Frank Morgan; Ray Bolger; Bert Lahr; Jack Haley; Billie Burke; Margaret Hamilton; Noel Langley; Florence Ryerson; Edgar Allan Woolf; Harold Arlen; Herbert Stothart; Edgar ""Yip"" Harburg; Technicolor; Academy Awards; Best Picture; Best Original Song; Over the Rainbow; Best Original Score; Academy Juvenile Award; 1956 television broadcast premiere of the film; CBS; Library of Congress; National Film Registry; UNESCO; Memory of the World Register; Variety; British Film Institute; greatest films of all time; ; Judy Garland; Terry; Toto; Kansas; Dorothy Gale; Glinda; Land of Oz; Wicked Witch of the East; Wicked Witch of the West; ruby slippers; yellow brick road; Wizard of Oz; Scarecrow; Tin Man; Cowardly Lion; flying monkeys; ; Judy Garland; Dorothy Gale; Frank Morgan; the Wizard of Oz; Ray Bolger; Scarecrow; Bert Lahr; Cowardly Lion; Jack Haley; Tin Man; Billie Burke; Glinda; Margaret Hamilton; Wicked Witch of the West; Charley Grapewin; Uncle Henry; Pat Walshe; Clara Blandick; Aunt Em; Terry; Toto; Singer; Munchkin § Actors and actresses; Mitchell Lewis; Adriana Caselotti; Juliet; If I Only Had a Heart; Candy Candido; Walt Disney; Snow White and the Seven Dwarfs; Metro-Goldwyn-Mayer; The Wonderful Wizard of Oz; Samuel Goldwyn; Eddie Cantor; Samuel Goldwyn Productions; Mervyn LeRoy; William H. Cannon; Larry Semon; 1925 film adaptation; Herman J. Mankiewicz; Noel Langley; Ogden Nash; Harold Arlen; Yip Harburg; Florence Ryerson; Edgar Allan Woolf; Arthur Freed; Victor Fleming; John Lee Mahin; Irving Brecher; Herbert Fields; Samuel Hoffenstein; Richard Thorpe; George Cukor; King Vidor; dream sequence; operetta; swing; Betty Jaynes; Yellow Brick Road; Munchkin § 1939 film; ; Shirley Temple; 20th Century Fox; Deanna Durbin; Judy Garland; ; Ray Bolger; Buddy Ebsen; Fred Stone; on stage in 1902; W. C. 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Oliver Twist,https://fr.wikipedia.org/wiki/Oliver_Twist,"Pour les articles homonymes, voir Oliver Twist (homonymie) et Twist (homonymie).
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 Oliver Twist, de son titre complet en anglais : Oliver Twist, or The Parish Boy's Progress (Oliver Twist ou Le Voyage de l'enfant de la paroisse), l'un des romans les plus universellement connus de Charles Dickens, a été publié en trente-deux feuilletons mensuels dans la revue Bentley's Miscellany, entre février 1837 et avril 1839, juin et octobre 1837 exceptés.
 L'histoire concerne un orphelin, Oliver Twist, soumis à des privations et des vexations dans l'hospice paroissial (workhouse) où il fut laissé à la suite de la mort de sa mère. Choisi par tirage au sort par ses camarades affamés, il ose demander une portion supplémentaire de gruau et il est alors placé chez un croque-mort, d'où il s'échappe pour prendre la route de Londres ; dès son arrivée, il rencontre l'un des personnages les plus célèbres de Dickens, The Artful Dodger — nom traduit par Rusé matois pour Alfred Gérardin en 1893 et Le Renard dans la collection Pléiade[N 1] —, chef d'une bande de jeunes pickpockets. Naïvement confiant en son nouveau compagnon, il se laisse entraîner dans l'antre de son maître, le criminel Fagin.
 Oliver Twist s'inspire au moins en partie de l'histoire autobiographique de Robert Blincoe, publiée dans les années 1830 et très appréciée du public — même si subsiste un doute quant à son authenticité —, où l'auteur, orphelin élevé à la dure dans un hospice paroissial, est soumis à un labeur forcé et aux pires souffrances dans une manufacture de coton.
 Dickens s'est trouvé ulcéré par quelques commentaires l'accusant d'avoir glorifié le crime et, dans sa préface de la troisième édition parue en 1841, il se dissocie avec tact de la manière romanesque avec laquelle certains de ses confrères traitaient ce thème, en particulier Ainsworth, Bulwer-Lytton ou encore Charles Lever. De fait, il présente un tableau réaliste des sordides bas-fonds de la capitale anglaise et expose sans concession la cruauté à laquelle sont soumis les orphelins à l'époque victorienne. Oliver Twist est en effet l'un des premiers ouvrages à vocation sociale du XIXe siècle, attirant l'attention du public sur nombre de maux contemporains, raillant l'hypocrisie des bien-pensants par le procédé d'une ironie sarcastique très sombre, mais faisant également appel à un pathétique appuyé pour décrire la misère ambiante et, comme le roman se termine bien, un sentimentalisme parfois jugé exagéré à l'égard, surtout, du héros de l'histoire.
 Le roman a fait l'objet de nombreuses adaptations, tant pour la scène qu'à l'écran, et de plusieurs comédies musicales, dont la plus appréciée reste Oliver!, de Lionel Bart, qui a connu un immense et durable succès dès sa première en 1960.
 De tous les romans de Dickens, Oliver Twist est sans doute celui dont la naissance a été la plus laborieuse, avec de violentes controverses opposant auteur et éditeur lors de sa rédaction et pendant sa publication en feuilleton, si bien que, même aujourd'hui, ses origines restent débattues[1].
 Sa publication n'a pas succédé à celle de Pickwick, ni précédé celle de Nickleby, mais est contemporaine de la fin du premier (de janvier à octobre 1837) et du début du second (à partir de mars 1838)[2]. De plus, il n'a pas été publié comme les deux autres sous la forme de livraisons mensuelles de trente-deux pages. Si la périodicité était la même, le nombre de pages différait de moitié et chaque parution ne constituait pas une brochure indépendante, puisque le Bentley's Miscellany qui le recevait comprenait environ cent dix pages, encore que le roman, dont la qualité faisait grimper les ventes, en fût longtemps le principal extrait et le seul récit continu[2].
 Autre différence : alors que les principales œuvres de Dickens s'étalent sur dix-neuf mois avec un total d'environ mille pages, Oliver Twist n'en compte que cinq cents et couvre vingt-huit mois. Plusieurs turbulences en ont gêné le cours : la mort de Mary Scott Hogarth en mai 1837, des démêlés avec l'éditeur ayant culminé en septembre, le dernier tiers rédigé d'un trait de juin à septembre 1838 pour que le volume d'octobre 1838 soit prêt, alors que six fragments restent à paraître dans le Bentley's Miscellany[3]. « Il est nécessaire et indispensable, écrit Dickens, qu'Oliver Twist soit publié en trois volumes en septembre prochain. Je viens seulement de commencer le dernier[4]. » Monod s'explique mal cette précipitation : raisons financières, risque de parution d'éditions piratées, sans doute, mais surtout concurrence du Jack Sheppard d'Ainsworth[N 2], désormais hôte à succès du Bentley's Miscellany[3].
 Le 2 novembre 1839, Dickens donne donc son accord à Richard Bentley pour la publication mensuelle d'« un article original d'environ seize pages », sans qu'aucune clause spécifie qu'il s'agira d'un nouveau roman ; le contrat est signé le 4, mais douze numéros de Pickwick restent à rédiger, Esquisses de Boz à terminer, Les Coquettes du village, opéra comique en deux actes, à finaliser pour décembre, et Dickens s'est engagé en même temps auprès de John Macrone pour un roman en trois volumes et en a promis deux autres à Bentley[1].
 L'idée lui en est venue dès janvier 1837, comme il l'a annoncé à Bentley en évoquant « une idée d'importance », puis « [un héros] dont je me suis entiché. J'espère qu'il le mérite »[1]. Après quoi, il consacre les deux premières semaines de chaque mois à Bentley, et les deux autres à Pickwick, mais à partir de mai, le processus s'inverse, Nickleby, qui a pris la relève de Pickwick chez Chapman and Hall, occupant désormais le début du mois et Oliver Twist la seconde quinzaine[1]. En réalité, Dickens écrit parfois moins de pages que le nombre requis et remplit les vides avec de petites nouvelles, La Pantomime de la vie[5] en février et Quelques particularités propres à un lion[6] en mai, les deux tirées des Mudfrog Papers que publie Bentley. Il y a là une affinité avec Oliver Twist car, même si l'allusion a été supprimée dans l'édition en volumes, le héros est censé avoir vu le jour et passé ses premières années dans la ville de ce nom[7]. Cependant, lorsque Dickens s'aperçoit que Bentley retient une part de ses émoluments pour chaque page manquante, il porte les numéros à la longueur attendue, mais fait bientôt savoir que, sa notoriété grandissant chaque mois, il « vaut » bien plus que ne le stipulent les premiers accords, et Bentley, en butte à ses menaces de démission, se résigne à lui présenter un nouveau contrat le 28 septembre 1838[8].
 Dickens se remet donc au travail, mais, avant d'écrire le chapitre 17, au cours duquel le récit retourne sur le lieu de naissance du jeune héros, il relit les pages précédentes et la variété des scènes contrastées lui paraît appétissante « comme des couches de bacon bien strié »[1]. Il peut souffler entre novembre, qui clôt Pickwick, et février, où commence Nickleby, mais d'autres projets sont venus s'insérer dans cette frénétique production littéraire, les Esquisses de jeunes gentlemen[9] que Chapman and Hall publie le 10 février, et aussi Les Mémoires de Grimaldi[10] que Bentley fait paraître le 20. Mais Dickens n'en a pas fini et, dès mars, il négocie avec Frederick Yates pour une dramatisation du roman, encore qu'il reste dans le flou quant à « ce que je dois faire des personnages », ce qui, d'ailleurs, lui paraît une bénédiction, car deux adaptations rivales, l'une de Gilbert Abbott à Beckett[11] et l'autre de C. Z. Barnett, l'ont devancé — du coup, il ne réalisera pas la sienne — sans que, faute d'éléments, elles aient pu le piller[12].
 Le contrat lie Dickens à Bentley jusqu'en juillet, puis il est prolongé pour septembre, mais la carrière mensuelle d'Oliver Twist se termine le 20 octobre, et des changements de dernière minute sont apportés pour la parution en trois volumes dont s'occupe John Forster et qui voit le jour le 8 novembre. Dickens déclare avoir « fait sauter les liens bentleiens » et, de fait, démissionne du Bentley's Miscellany[13].
 Kathleen Tillotson avance l'idée qu'Oliver Twist aurait été conçu dès 1833[14],[15] et que Dickens l'a constamment révisé jusqu'en 1846[16] ; Burton M. Wheeler réfute cette thèse en expliquant que Dickens n'a pensé en faire un roman qu'au bout de quatre numéros et que l'intrigue n'a vraiment pris forme qu'après le septième[17].
 Nouvelle complication : une année après la mort de Dickens, George Cruikshank, l'illustrateur, publie un article dans le Times, dans lequel il affirme avoir été « le géniteur d'Oliver Twist[18] ». C'est lui, prétend-il, qui a eu l'idée d'une intrigue retraçant le parcours d'un jeune garçon de basse extraction jusqu'à « une situation sociale élevée et respectable », son passage chez les voleurs, dont un receleur juif. Alors que, pour John Forster, c'est là « une monstrueuse absurdité »[19], Robert L. Patten n'est pas hostile à l'idée, tant, explique-t-il, était proche la collaboration entre les deux hommes[20]. Pourtant, un examen minutieux des instructions qu'adressait Dickens à son collaborateur tendrait à montrer que l'intention première émane presque toujours de l'auteur : par exemple, pour la planche « Mr Bumble et Mrs Corney prennent le thé », il rappelle avec insistance qu'il a décrit une « petite » bouilloire, un « petit » plateau et une boîte à thé ne contenant « pas plus de deux onces »[21] ; en d'autres termes, écrit Richard L. Stein : « J'ai écrit le modèle verbal ; votre travail est d'en réaliser l'équivalent visuel[22] ».
 La publication en trois volumes par Richard Bentley suit des méandres peu ordinaires : la première édition date du 9 novembre 1838, mais sans que le nom de l'auteur soit mentionné en couverture ; quelques jours plus tard, en paraît une autre avec, cette fois, le nom Charles Dickens en bonne place ; puis une troisième est publiée le 17 décembre 1838, mais elle est baptisée second edition et datée de 1839 ; d'autres suivront, parfois avec le nom d'auteur « Boz »[23].
 D'abord courtoises, les relations entre Dickens et son éditeur sont devenues exécrables : Dickens fulmine contre « le brigand de Burlington Street avec qui c'est la guerre au couteau »[24] ; leur collaboration se termine officiellement le 2 juillet 1840 et Chapman and Hall prend le relais, avec 2 500 livres sterling à l'appui, pour les droits concernant le stock encore disponible, estampes comprises[25]. Dickens rédige une nouvelle préface en mars 1841, mais datée d'avril 1841, que Kathleen Tillotson appelle « la plus longue et la plus ambitieuse préface de Dickens, un important manifeste critique avec une défense argumentée du roman »[26].
 Dickens continue à réviser son texte pour l'édition suivante, confiée à Bradbury and Evans[27], parue en dix mensualités de janvier à octobre 1846, puis en un volume le 26 septembre. Il s'attache particulièrement à en clarifier la ponctuation et y répartir les chapitres plus logiquement. Non sans controverses, telle celle qu'a retenue l'édition Clarendon de 1960. Celle dite « bon marché » (cheap edition) paraît sans la préface en 1865, et l'« édition populaire » (people edition) en 1868. Enfin, l'édition dite « Charles Dickens » est publiée en 1867 avec une préface amendée ; c'est à cette occasion que la plupart des références au « Juif » concernant Fagin sont supprimées et remplacées par le nom propre ou tout simplement « lui/il » (he)[28].
 Oliver Twist a été publié à Philadelphie par Lea and Blanchard dès 1838, mais l'édition est datée de 1839, à Paris par Baudry en 1838, elle aussi datée de l'année suivante, et à Leipzig chez Tauchnitz en 1845. Pas une seule de ces éditions ne porte la mention « Dédié à », mais les premières parutions le furent à Thomas Talfourd[28], juge, politicien et auteur, ami de Dickens[29].
 Les publications en série s'étendent de février 1837 à avril 1839[30] :
 George Cruikshank, illustrateur recruté pour le Bentley's Miscellany et, à ce titre, ayant déjà collaboré avec Dickens pour Esquisses de Boz, se trouva d'autant plus sollicité lors de la conception d'Oliver Twist, que son auteur avait l'intuition que le sujet « lui apportera[it] l'épanouissement », ce qu'il fit, ajoute Paul Schlicke, pensant d'abord à l'estampe « Oliver demande une autre portion » du 18 janvier 1837, « tant est remarquable le résultat ». Sont aussi particulièrement admirées celle de Sykes posté sur le toit et celle qui montre Fagin dans sa cellule de condamné[28].
 Dickens voulait le dessin avant le cinq de chaque mois, de façon que l'artiste ait toute latitude pour graver son estampe, mais comme il était constamment en retard, les planches se trouvaient souvent prêtes avant même que le texte ne fût écrit[31]. Parfois, Cruikshank insiste sur certains détails présents dans le texte ou, au contraire, en ajoute de son cru. Quoi qu'il en soit, comme le fait observer Robert L. Patten, la collaboration est telle qu'elle en dit long non seulement sur le texte, mais aussi sur les deux hommes au travail[32]. Lors des turbulences, surtout à l'automne 1838, opposant Dickens et Bentley, Cruikshank servant souvent d'intermédiaire, leur publication se fait plus désordonnée, et il arrive qu'une planche manque à l'appel ou illustre un passage plus ancien : par exemple, celle du numéro de décembre se rapporte à des événements relatés au mois d'août[28].
 Il est très rare que Dickens n'ait pas apprécié le travail de son illustrateur, mais la dernière planche, représentant Rose Maylie et Oliver, intitulée « Au coin du feu », lui a déplu et Cruikshank a dû la remplacer pour les éditions suivantes avec, cette fois, Rose et Oliver à l'église. Enfin, dernier avatar, la couverture a été modifiée pour l'édition de 1846 et un nouveau frontispice réalisé pour celle dite « bon marché »[28].
 D'autres illustrateurs s'intéresseront à Oliver Twist après Cruikshank. Parmi eux figurent James Mahoney (1810-1879), Fred Barnard (1846-1896), Joseph Clayton Clarke (Kyd) (1856-1937), Harold Copping (1863-1932) et Charles Edmund Brock (1870-1938)[33].
 Emma Westland écrit : « L'histoire d'Oliver Twist est légendaire dans la culture britannique. Tout le monde a entendu parler du petit garçon de l'hospice qui en a demandé encore aux autorités[34]. » De fait, dès le début, la toute jeune renommée que Dickens a engrangée avec Les Papiers posthumes du Pickwick Club et ses publications mensuelles dans le Bentley's Miscellany assure à son nouveau roman une critique aussi abondante qu'admirative[35]. Il est lu autant comme document social qu'œuvre d'art, et même la jeune reine Victoria le juge « extrêmement intéressant », mais reste impuissante à convaincre son Premier ministre, Lord Melbourne, qui déclare n'aimer les hospices, les fabricants de cercueils, les pickpockets, les criminels, ni en réel ni représentés[36]. Thackeray attaque Dickens pour avoir, comme Ainsworth avec Jack Sheppard (1839) et Bulwer-Lytton dans Eugene Aram (1832), fait du crime un sujet romanesque, autrement dit un  Newgate novel[37]. Pourtant, Dickens a résolument pris le contre-pied de la tradition issue du Beggar's Opera de John Gay et s'étendant précisément à la Newgate School of Fiction, qui idéalise la délinquance et poétise le crime[38].
 Les plagiaires s'emparent vite du sujet et les dramatisations font florès en dépit de la censure exercée par le Lord Chambellan depuis plus de vingt ans[39]. Paul Schlicke passe en revue certaines adaptations modernes, comme celle de David Lean ou la comédie musicale de Lionel Bart, mais conclut que la plus importante adaptation jamais réalisée est due à Dickens lui-même dans la version qu'il en fait pour ses lectures publiques, en particulier son Sikes and Nancy, présenté pour la première fois le 14 novembre 1868, qui électrise la salle[35] et, selon Macready, vaut « deux Macbeth » (Two Macbeths)[40].
 Grands écrivains aussi bien que critiques célèbres se sont penchés sur le roman : Graham Greene le trouve manichéen, « une guerre de forces spirituelles », tandis qu'Arnold Kettle et Hillis-Miller y relèvent une certaine tension entre schéma et intrigue, et que Paul Bailey y voit une association entre « la dénonciation sociale et le cauchemar gothique[35] ».
 L'intrigue d'Oliver Twist est pratiquement contemporaine de l'époque où le roman a été écrit, puisque le jeune héros est censé être né dans les années 1830 et que la « Nouvelle loi sur les pauvres » (Poor Law Amendment Act), qui oblige indigents et orphelins à résider, comme Oliver, dans un hospice (workhouse), date de 1834.
 Oliver Twist, promis à une vie de pauvreté et de malheur, est né dans l'hospice[N 3] d'une ville sans nom, encore que, dans les premières parutions, elle apparaisse comme étant Mudfrog, située à quelque soixante-dix milles au nord de Londres, sans doute Northampton. Il est orphelin dès son premier souffle, sa mère, inconnue et trouvée dans la rue sans alliance, décédant en couches et son père n'étant même pas mentionné. Faute d'antécédents, il reçoit son nom de Mr Bumble, le pompeux bedeau de la paroisse et gérant de l'hospice. Oliver tombe sous la « protection » de la « Loi sur les pauvres » (Poor Law) selon laquelle il a droit à une maigre pitance.
 Ses neuf premières années se passent dans une « ferme à bébés » (baby farm)[N 4] où il est censé recevoir les soins d'une certaine Mrs Mann qui affame et rudoie ses petits pensionnaires. Aux alentours de son anniversaire, Mr Bumble le retire de cette maison pour le mettre au travail dans l'atelier de fabrication de filasse attenant à l'hospice. C'est une tâche d'autant plus épuisante que les gamins reçoivent très peu de nourriture, si bien qu'au bout de six mois, désespérés, ils tirent au sort celui d'entre eux qui devra demander une portion supplémentaire du gruau servi chaque jour. C'est Oliver qui est désigné et donc lui qui, après le repas, son bol vide à la main, s'avance en tremblant vers Mr Bumble et formule humblement sa célèbre requête : « S'il vous plaît, Monsieur, j'en veux encore. »
 S'ensuit un grand émoi. Le conseil d'administration, gras à souhait, offre 5 £ à qui voudra bien prendre le jeune rebelle comme apprenti. Un ramoneur connu pour sa brutalité est sur le point de le recruter, mais l'enfant plaide désespérément qu'on ne l'envoie pas chez « cet horrible bonhomme ». L'un des magistrats, plus âgé et plus compatissant que ses collègues, refuse de signer le contrat (indentures), et peu après, c'est Mr Sowerberry, le croque-mort de la paroisse, qui embauche Oliver.
 L'enfant est moins maltraité qu'à l'hospice. Mr Sowerberry, cependant, n'est pas heureux en ménage, et sa femme prend aussitôt l'enfant en grippe, surtout parce qu'il semble ne pas déplaire à son mari, et aucune occasion n'est perdue pour lui réduire sa portion et le rudoyer. Il devient également le souffre-douleur de l'autre pauvre en apprentissage, le balourd Noah Claypole qui jalouse sa promotion, due à son visage souffreteux et chagriné, à la fonction de « pleureur professionnel » (mute) lors des obsèques d'enfants. À cela s'ajoute la vindicte de Charlotte, la bonne des Sowerberry, qui, entichée de Noah, n'a de cesse de s'acharner sur lui.
 Noah se plaît à provoquer le jeune garçon et, un jour, sous un air de fausse compassion, se prend à insulter sa mère : « Une vraie coureuse […] ; et au fait, il vaut mieux qu’elle soit morte, car elle se serait fait enfermer, ou transporter[N 5], ou pendre, ce qui est encore plus probable. »[41] Oliver, en rage, se jette sur lui, pourtant bien plus grand et fort, le saisit à la gorge et l'étale par terre d'un coup de poing. Mrs Sowerberry intervient, prend le parti de Noah, l'aide à maîtriser le garçon et, plus tard, oblige son mari, qui n'en peut mais, à le fouetter avec l'aide de Mr Bumble, appelé à la rescousse. Ce soir-là, dans sa chambre où il a été renvoyé, Oliver, pour la première fois depuis son premier âge, ne peut contenir ses larmes et, au cours de la nuit, décide de s'enfuir en suivant la route des wagons de chemin de fer qu'il a vus gravir la colline. Une borne opportunément placée sur son chemin lui indique la direction de Londres et c'est ainsi que ses pas le mènent vers la capitale du Royaume.
 En chemin, Oliver rencontre Jack Dawkins, pickpocket de son état, connu sous le nom de The Artful Dodger (« Rusé matois »), qu'accompagne son acolyte Charley Bates. Oliver, trop naïf pour soupçonner la malhonnêteté de son compagnon, se laisse entraîner à partager son repas et le croit sur parole lorsqu'il lui est assuré qu'à Londres, il est au mieux avec « un respectable vieillard qui te logera pour rien »[42] et « ne te réclamera jamais la monnaie »[43].
 Très reconnaissant pour cette aide inattendue, Oliver suit Dodger jusque dans la « résidence » du « vieux monsieur ». C'est le début, sans qu'il en ait conscience, d'une descente aux enfers dans un monde de délinquants et de criminels que patronne Fagin, un juif sans scrupule, chef de la bande des petits voleurs dont Dodger est le champion. Le voici pris au piège dans l'antre qui leur sert de logis dans Field Lane, l'extension sud de Saffron Hill où, encore ignorant de leurs occupations, il reste convaincu qu'ils confectionnent des mouchoirs et des portefeuilles. Mais voici que son tour est venu de « fabriquer des mouchoirs »[N 7] ; de sortie avec Dodger et Charley Bates, il découvre avec horreur quelle est sa véritable mission : Dodger et Charley s'emparent du mouchoir d'un vieux monsieur, un certain Mr Brownlow, et prennent aussitôt la poudre d'escampette. Lorsque Mr Brownlow s'aperçoit du larcin, il se retourne et voit Oliver qui, apeuré, tente lui aussi de s'éloigner à la course. Vite rattrapé par la victime avec l'aide de quelques passants, il est conduit devant Mr Fang, officier de police judiciaire, mais au tribunal, Mr Brownlow plaide fermement en sa faveur, se refusant à croire qu'il s'agit vraiment d'un pickpocket. Le propriétaire d'un étal de livres déclare avoir été témoin de la scène et vu Dodger commettre le forfait. À son corps défendant, semble-t-il, le juge est contraint de relâcher l'enfant qui, terrassé par l'angoisse, s'écroule sans connaissance dans la salle d'audience, « étendu sur le pavé, la chemise ouverte, les tempes baignées d’eau fraîche ; il était pâle comme la mort, et un tremblement convulsif agitait tous ses membres[44] ». Mr Brownlow décide de le faire transporter chez lui et, avec l'aide de sa gouvernante Mrs Bedwin, lui apporte les soins appropriés à son état : « La voiture descendit Mount Pleasant et monta Exmouth Street, prenant ainsi à peu près le même chemin qu’Olivier avait suivi le jour de son arrivée à Londres en compagnie du Matois. Arrivée à Islington devant l’hôtel de l’Ange, elle prit une autre direction, et s’arrêta enfin devant une jolie maison près de Pentonville, dans une rue tranquille et retirée. On prépara sur-le-champ un lit, où M. Brownlow fit coucher son jeune protégé ; on y installa Olivier avec une sollicitude et une bonté parfaites[44] ».
 Oliver, retrouvant rapidement la santé chez Mr Brownlow, s'épanouit à tant d'inhabituelle bonté. Pourtant, son bonheur est brutalement interrompu par Fagin qui, de crainte d'être dénoncé, décide que le jeune garçon doit revenir dans sa sordide cachette. Un jour que Mr Brownlow envoie Oliver régler une note chez le libraire, une jeune fille répondant du nom de Nancy, déjà rencontrée chez Fagin, s'approche de lui en compagnie de son brutal amant, un truand appelé Bill Sikes, et Oliver se voit en un rien de temps ficelé et ramené dans l'antre du receleur, où aussitôt on le dépouille du billet de 5 £ confié par son bienfaiteur, tout comme de ses vêtements neufs. Au désespoir, il réussit à s'échapper et à rechercher l'aide de la police, mais il est vite rattrapé et ramené sans ménagement par le Matois, Charley et Fagin. Nancy, cependant, le prend en pitié et lui épargne la correction que Fagin et Sikes s'apprêtent à lui administrer.
 Pendant ce temps, chez Mr Brownlow, « Les becs de gaz étaient partout allumés ; Mme Bedwin attendait avec anxiété à la porte de la maison ; vingt fois la servante avait couru au bout de la rue pour tâcher d’apercevoir Olivier, et les deux vieux messieurs restaient obstinément assis dans le cabinet, au milieu de l’obscurité, et les yeux fixés sur la montre[45],[N 8],[46]. »
 Fagin le garde emprisonné pendant une semaine dans une maison en ruine et infestée de rats, mais compte bien l'amener sur la voie de la délinquance. Pour son premier essai, parce que Sikes et Toby Crackit lui réclament un gamin de petite taille, il le contraint à participer à un cambriolage. Contre son gré et tout en lui promettant de l'aider si faire se peut, Nancy le pousse elle aussi à cet acte, mais Sikes menace de le tuer s'il fait la forte tête, puis l'oblige à passer à travers une étroite fenêtre pour que, de l'intérieur, il ouvre la porte d'entrée. Les choses se passent mal, des coups de feu sont tirés et Oliver est touché au bras ; Sikes le tire hors de la pièce tant bien que mal et l'entraîne avec lui : « Le bruit d’une cloche agitée vivement vint se mêler au fracas des armes à feu et aux cris des gens de la maison. Olivier sentit qu’on l’emportait d’un pas rapide par un chemin raboteux. Peu à peu le bruit se perdit dans le lointain ; un froid mortel le saisit, et il s’évanouit[47]. »
 Lorsqu'il reprend conscience, il est tout surpris de se trouver entouré de bons soins par deux adorables dames ainsi que par leur maisonnée : il s'agit des victimes qu'il a, malgré lui, tenté de cambrioler et qu'en réalité, il entendait prévenir de ce qui se préparait, Mrs Maylie et Rose, la splendide nièce orpheline qu'elle a adoptée. Oliver passe un été idyllique à la campagne en compagnie de ces nouveaux anges gardiens qui se sont pris d'affection pour lui.
 Un certain Monks, dont on ne sait rien, s'est accoquiné avec Fagin, auquel il reproche pourtant de ne pas avoir réussi à faire d'Oliver un criminel, pour salir sa réputation, et les deux hommes se mettent d'accord sur un point : Oliver ne doit jamais rien connaître de son passé. Monks, en effet, serait apparenté au jeune garçon, mais la nature de cette relation reste pour le moment secrète.
 Dans la ville natale d'Oliver, Mr Bumble a maintenant épousé Mrs Corney, la riche gouvernante de l'hospice paroissial, mais cette union s'avère désastreuse, avec d'incessantes disputes, et un jour, excédé d'une nouvelle tourmente, Mr Bumble se rend au pub où il tombe sur Monks qui, aussitôt, le questionne sur Oliver. Mr Bumble l'informe qu'en effet, il connaît quelqu'un susceptible, moyennant finances, de lui fournir des renseignements. Une nouvelle rencontre est donc prévue dans le plus grand secret, mais cette fois, avec le couple Bumble, car la source n'est autre que la femme du bedeau. De fait, Mrs Bumble raconte tout ce qu'elle sait, et les trois complices décident de jeter dans la rivière un anneau et un médaillon ayant naguère appartenu à la mère du jeune garçon. De retour chez Fagin, Monks lui rend compte de ce qui s'est passé, mais Nancy, rongée de culpabilité pour avoir contribué au kidnapping d'Oliver et qui a subrepticement surpris la conversation, s'en va aussitôt en avertir ses bienfaiteurs, Mr Brownlow et Mrs Maylie. Elle est au courant des manigances de Monks et Fagin pour s'emparer de l'enfant et en rend compte secrètement à ses amis. Mais un soir, alors qu'elle tente de se rendre chez eux, Bill Sikes la questionne et, n'obtenant pas de réponse précise, lui interdit de sortir. Fagin soupçonne le double jeu de la jeune femme et s'emploie à percer son secret.
 Entre-temps, Noah Claypole s'est brouillé avec son patron, Mr Sowerberry le croque-mort, lui a dérobé une somme d'argent et a pris la fuite pour Londres, accompagné de Charlotte, devenue sa fiancée. Sous le pseudonyme de Morris Bolter, il a rejoint le gang de Fagin, dont il espère la protection, et s'est spécialisé dans the kinchin lay, c'est-à-dire le vol sur enfants ; Charlotte, quant à elle, du moins le texte le laisse entendre, s'adonne désormais à la prostitution.
 Lors du séjour de Noah chez Fagin, le Matois se fait arrêter en possession d'une tabatière d'argent volée ; traduit en justice, ce qui donne à Dickens l'occasion d'une scène particulièrement humoristique, il est condamné à la déportation en Australie. Fagin, toujours de mèche avec Monks, charge Noah d'espionner (dodge) Nancy pour découvrir son secret. Lorsqu'il apprend qu'elle voit régulièrement Mr Bownlow et les Maylie pour protéger Oliver, la rage le pousse à tout raconter à Sikes, mais de telle façon que ce dernier est persuadé qu'elle le trahit lui aussi. Il entre aussitôt dans une colère noire et la bat à mort, puis prend la fuite. Hanté par le fantôme de sa victime et de plus en plus rongé de peur alors que se répand la nouvelle du meurtre dans les campagnes, il regagne Londres dans l'espoir de se trouver une cachette. Peu après son retour, il est reconnu par une foule déchaînée et se pend accidentellement en tentant de lui échapper par un toit.
 Mr Brownlow force Monks à divulguer ses secrets : en réalité, il s'appelle Edward Leeford et est le demi-frère d'Oliver du côté paternel. Quoique légitime, il est le fruit d'un mariage sans amour, car celle qu'a vraiment aimée son père, c'est Agnes, la mère d'Oliver. Mr Brownlow, qui en possède un portrait, avait commencé des recherches à son sujet et remarqué une ressemblance frappante avec le jeune Oliver. Quant à Monks, il a passé des années à essayer de retrouver l'enfant de son père, non par affection mais pour s'en débarrasser. Mr Brownlow prie Oliver de lui céder la moitié de son maigre héritage, de façon à lui offrir une nouvelle chance, ce à quoi le jeune homme n'est que trop heureux d'acquiescer.
 Monks émigre ensuite en Amérique mais y gaspille son argent, retombe dans la délinquance et finit par mourir en prison. Fagin, lui, est arrêté et condamné à la potence. La veille de son exécution, Oliver et Mr Brownlow vont le voir dans sa cellule à Newgate. Terrorisé par la perspective de ce qui l'attend, il reste prostré, perdu dans des rêveries sans fin et en proie à une forte fièvre. Lorsque ses visiteurs s'apprêtent à partir, il s'accroche à Oliver et « les deux gardiens se saisirent de lui, lui firent lâcher Olivier et le repoussèrent vers le fond de la cellule. Il se mit à se débattre et à lutter avec l’énergie du désespoir, en poussant des cris si perçants que, malgré l’épaisseur des murs, M. Brownlow et Olivier les entendirent jusque dans la rue.
Ils ne purent quitter la prison sur-le-champ, car Olivier était presque sans connaissance après cette horrible scène, et si faible que, pendant plus d’une heure, il ne put se soutenir.
Il commençait à faire jour quand ils sortirent ; il y avait déjà foule sur la place ; les fenêtres étaient encombrées de gens occupés à fumer ou à jouer aux cartes pour tuer le temps ; on se bousculait dans la foule, on se querellait, on plaisantait : tout était vie et mouvement, sauf un amas d’objets sinistres qu’on apercevait au centre de la place : la potence, la trappe fatale, la corde, enfin tous les hideux apprêts de la mort[48]. »
 Rose Maylie, qui s'avère être la sœur d'Agnes, donc la tante d'Oliver, épouse Harry qu'elle aime depuis longtemps. Oliver, lui, coule une existence heureuse auprès de son bienfaiteur, Mr Brownlow. Noah devient un informateur semi-professionnel rétribué de la police. Les Bumble perdent leur emploi et finissent à la charge de la paroisse dans l'hospice même où ils régnaient naguère en maîtres. Enfin, Charley Bates, que le meurtre de Nancy par Sikes a révulsé, se convertit à l'honnêteté, part travailler à la campagne et devient un prospère sujet du Royaume.
 Oliver Twist peut être considéré comme le premier roman victorien, puisque sa parution en feuilleton avait atteint le huitième chapitre lorsque la reine accéda au trône le 20 juin 1837[49].
 Le coup de génie de Dickens aura été de placer un enfant au centre de l'histoire[49], adaptant ainsi au monde contemporain la conception wordsworthienne[N 9] de l'enfance comme « état particulier »[50]. De plus, comme l'écrit Brian Cheadle, en se servant d'emblée de cet enfant, persécuté dans un hospice pour pauvres, comme vecteur d'une attaque contre les institutions, les usages et les abus, il inaugure solennellement la veine de la fiction à vocation sociale ; il donne une voix aux sans-voix et fait d'Oliver une icône d'injustice, victime de la charité officielle, de l'église et de la loi, ce qu'il appelle au chapitre 2, « un système continuel d'inhumanité »[51].
 L'association artistique entre Dickens et Cruikshank apparaît comme inscrite dans la veine de William Hogarth, d'autant que le sous-titre comprend le mot « Voyage » (Progress)[52]. Cruikshank, quant à lui, voit en cette histoire une sorte de nouveau « Voyage de Francis Goodchild », partie de la série parue en 1747, Industry and Idleness[53]. De plus, la description des bas-fonds londoniens dans Esquisses de Boz, déjà fruit de la même collaboration, annonce Nancy dans « Le Patient de l'hôpital », Le Matois dans « La Cour d'assises » et Fagin dans « Visite à Newgate ». Enfin, la tendance allégorique du récit évoque Le Voyage du pèlerin de Bunyan[52].
 Le portrait de Rose Maylie doit beaucoup au souvenir idéalisé de Mary Hogarth[49], et Dickens puise dans ses cauchemars de la manufacture de cirage pour concevoir l'antre de Fagin, nom emprunté à un petit compagnon alors côtoyé, Bob Fagin[52]. Son expérience de reporter au Morning Chronicle a inspiré la scène du « procès » d'Oliver devant Mr Fang, personnage copié sur le « notoirement sévère » magistrat Allan Stewart Laing[54]. Quant à la Nouvelle loi sur les pauvres de 1834, il en avait rendu compte lors des débats au Parlement et avait participé aux multiples protestations qu'elle avait suscitées pendant le rude hiver de 1836-1837[55]. La violente satire assénée dans les premiers chapitres vise l'idéologie qui la sous-tend, l'utilitarisme de Jeremy Bentham (1748-1832) et le malthusianisme de Thomas Malthus (1766-1834). Enfin, la raillerie des signes de pouvoir représentés par l'habillement témoigne de l'influence du Sartor Resartus (1836) de Thomas Carlyle (1795-1881)[52].
 La familiarité de Dickens avec le théâtre trouve son écho dans Oliver Twist, sans doute le plus mélodramatique de ses romans, chargé d'une rhétorique souvent ronflante, d'une gestuelle exacerbée, avec une intrigue au dénouement invraisemblable et des personnages dont la polarisation morale est issue des planches. De plus, le bedeau Bumble a son ancêtre dans « Notre paroisse », l'une des vignettes d'Esquisses de Boz[52] : « Le bedeau de la paroisse est l'un des plus importants, peut-être le plus important des membres de l'administration locale […] Son pouvoir est immense […] et la dignité de sa fonction n'est jamais entamée par une absence d'effort de sa part pour la confirmer[56]. »
 Oliver Twist est loin d'être l'un des romans les plus peuplés de Dickens, avec des personnages principaux ne dépassant pas la dizaine et, de plus, certaines identités et relations restant mystérieuses pratiquement jusqu'à la fin. Beaucoup ne font qu'apparaître sans laisser leur marque sur l'intrigue ou le schéma, s'en allant comme ils sont venus. Les acteurs du drame gravitent tous, directement ou non, autour du héros central, Oliver Twist[N 10], figure plutôt passive, ne serait-ce, au début, qu'en raison de son âge, mais, semble-t-il, à jamais caractérisé par l'innocence attribuée aux enfants, et ce sont donc ces personnages qui nouent et dénouent les fils de l'histoire[57].
 Chaque épisode correspond à un lieu différent : d'abord une ville de province au nord de Londres, sans doute Northampton, puis les bas-fonds de Londres, enfin le quartier calme et huppé de la capitale où réside Mr Brownlow et la campagne avoisinante chez Mrs et Rose Maylie.
 Chaque groupe est dominé par une figure centrale, Mr Bumble pour l'hospice, Fagin pour le gang et Rose Maylie à la fin.
 Beaucoup des noms choisis par Dickens sont, à eux seuls, des portraits, sauf celui de Fagin, plutôt passe-partout. Pour ne donner que quelques exemples, Mr Bumble tient de la bulle (bubble) qui finira par crever, de l'abeille (bumble bee) qui s'agite en tous sens ; Mr et Mrs Sowerberry évoquent une baie sauvage et acide (sour) ; Mr Grimwig se traduit littéralement par « Perruque grincheuse » et Mr Brittle par « Friable ». Quant à Mrs Thingummy qui, il est vrai, joue un rôle très mineur, elle s'appelle tout simplement madame Machin (thingummybob)[60].
 Les personnages se sont imposés en réponse à certaines données du schéma retenu par Dickens, en particulier l'opposition totale entre deux mondes, celui des pauvres et celui des riches.
 Cependant, à la différence de presque tous les romans qui vont suivre, les riches n'y persécutent pas les pauvres, bien au contraire, il leur arrive même de leur porter secours ; la persécution s'exerce à l'intérieur du monde des pauvres qui, comme l'a montré Hillis-Miller, comprend le groupe des opprimés et celui des oppresseurs[61]. Les riches, eux, semblent épargnés par les conflits et même, dans une certaine mesure, immunisés contre la réalité ambiante qui ne les rattrape, d'ailleurs sans les altérer, que lorsque l'action les force à agir pour défendre Oliver, devenu leur protégé[57].
 Semblable configuration appelle en fait trois types d'individus : les mauvais et les bons, mais aussi les intermédiaires, c'est-à-dire ceux qui, par leur naissance ou leurs sentiments, relèvent du monde des bons, mais se sont trouvés, tel Oliver, comme prêtés à celui des méchants ; il en existe d'autres qui appartiennent aux méchants mais se voient, vers ou à la fin du roman, plus ou moins récupérés par le monde des bons : tel est le cas de Nancy, et même, d'un certain point de vue, du Matois et de Noah Claypole. Au monde des irréductibles méchants appartiennent donc Fagin, Sikes, Monks et quelques comparses du crime ; dans celui des immuables bons figurent Mr Brownlow et ses satellites, les Maylie[57].
 Ces classifications demeurent rigides, car, mis à part Oliver qui sert de dénominateur commun, il existe bien peu de communication entre les deux mondes. Certes, il arrive que certains personnages « blancs » s'abaissent à de viles actions, comme Mr Brownlow qui excite la foule ; il est également certain que tous les méchants rencontrent la souffrance, ce qui leur confère l'auréole du martyre, et, in fine, permet un certain nivellement des êtres. Mais il s'agit là d'une réaction sentimentale sciemment suscitée chez le lecteur et non directement issue de leur psychologie, comme plaquée en vernis[62]. En fait, à chaque catégorie de personnages correspond une psychologie, sinon profonde, du moins bien déterminée[63].
 Le groupe des mauvais se caractérise par une noirceur aussi totale que définitive, tous « gens caractérisés par un satanisme de mélodrame, à fleur de peau et de lèvres, ténébreux et sanglant à souhait[62] ». Être en compagnie de Fagin, de Sikes, de Monks, c'est entrer dans un univers de rictus, de grimaces et d'imprécations. Le personnage de Monks semble imprégné d'une diabolisation bon teint, mais Dickens a forcé la dose : son diable est un démon de littérature, emprunté à Matthew Gregory Lewis (1775-1818), connu sous le surnom de « Monk Lewis » depuis la publication en 1796 du fantastique et scandaleux The Monk. Fagin, lui, semble sortir en droite ligne de l'Histoire politique du Diable (1726) de Daniel Defoe, d'où il tire même son appellation, The Merry Old Gentleman (« Le joyeux vieux monsieur ») ; et il n'est jusqu'à Charley Bates qui n'appartienne à la même famille, puisque Sikes, pourtant peu imaginatif, forge pour lui la remarquable désignation Hell-Babe (« Bébé d'enfer »).
 Avec le groupe des bons, l'image change de couleur, mais les contours en restent tout aussi accusés, comme en négatif, si bien que les critiques ont parlé d'insignifiance, de fadeur à propos de Mr Brownlow et de Harry Maylie, jugés sans caractère véritable, sans mystère ni nuance[64]. Monod va jusqu'à dire qu'un seul trait peut « sauver » ce groupe de personnages, c'est que certains ont une résonance autobiographique. Par exemple, la maladie et la mort prématurée, survenue le 7 mai 1837, de Mary Hogarth, belle-sœur de Dickens, trouvent leur écho dans la création de Rose Maylie, figure angélique destinée à représenter la pureté, l'innocence et la beauté, mais que Dickens associe sans cesse au thème de la mort[64]. Comme son prototype, quoique moins tragiquement puisqu'elle survit, elle subit l'épreuve d'une grave maladie, épisode totalement inutile à l'action. Si bien que Monod peut ajouter : « [E]lle est parfaite, et parfaitement vague, comme peut l'être le souvenir idéalisé d'un être aimé et disparu[65]. » Dans ce sillage, la longue digression de Harry Maylie, au chapitre 35, sur les affres d'angoisse ressenties apparaît, elle aussi, comme une parenthèse sans incidence sur le déroulement des faits, mais, « revanche fictive sur un destin qu'il n'a jamais accepté[66] », surimposée par l'auteur pour revivre sa propre souffrance par procuration[65].
 Les personnages intermédiaires ne bénéficient pas d'une richesse psychologique plus accusée. En témoigne le cas du héros, Oliver. Nul ne s'est soucié de son éducation morale, religieuse ou intellectuelle, et pourtant il parle avec raffinement, sans faute de grammaire, ni tournures familières, ni argot ; il sait d'instinct où est le bien et ne s'en éloigne jamais ; il est capable de prier et même de prêcher ; bref, il semble tout savoir et tout comprendre alors qu'il n'a jamais étudié ni fréquenté des personnes à son image jusqu'à sa rencontre avec Mr Brownlow et, plus tard, celle des Maylie[67]. Les exceptions sont rares et il y faut l'exigence de l'action : alors, Dickens en fait, pour quelques instants, un garçon stupide et borné, comme lorsque Sikes l'entraîne à Chertsey ; ce n'est qu'au dernier moment, la main dans le sac, qu'il s'aperçoit que le cambriolage n'est pas un pique-nique vertueux, et ouvre des yeux horrifiés[67].
 Le cas de Nancy est plus complexe, car elle n'est pas d'une seule pièce et évolue au cours du roman[68]. Voleuse et prostituée, encore que cela ne soit jamais dit mais suggéré par des périphrases, elle appartient au monde des méchants tout en ressentant douloureusement que celui des gens de bien lui est fermé, mais elle essaie tout de même, vaguement et confusément, de s'en rapprocher. Cependant, son cas se trouve vicié par l'intervention d'un ange venu sur terre en la personne de Rose Maylie[68] : ce n'est pas la société, en effet, qui lui tend une main secourable, mais une sorte d'aide surnaturelle, surgie comme par miracle. Il n'en demeure pas moins que cette pécheresse meurt à genoux, spirituellement sauvée in extremis par un bout de prière à fleur de lèvres lors d'un spasme d'agonie. Le langage qu'elle emploie après sa rédemption reste, juge Monod, « artificiel et faux[68] ». Comme l'écrivait Thackeray à ce propos : « Puisqu'aucun écrivain ne peut ou n'ose dire toute la vérité à leur sujet, et expliquer loyalement leurs vices, il n'est nullement nécessaire de faire des déclarations ex parte sur leur vertu[N 11],[69],[70]. »
 La méthode employée par Dickens est traditionnelle au début du XIXe siècle ; héritée de Fielding plutôt que de Jane Austen, c'est la vision des personnages de l'extérieur, correspondant à une conception « autocratique » du roman, selon laquelle l'auteur, camouflé ou non derrière son narrateur, est constamment aux commandes et réduit son arsenal essentiellement au portrait et au dialogue[71]. Dickens a l'habitude, depuis ses premiers écrits, de plier les êtres à sa volonté et de les réduire en choses, les morcelant jusqu'à les priver de leur réalité vivante, puis de les reconstruire en accusant un trait, geste, tic de langage ou habitude insolite : ainsi, Mr Bumble, le bedeau-appariteur, caresse son tricorne, Mr Grimwig offre de « manger sa tête » et donne un coup de canne par terre, Fagin rit d'un rire « démoniaque »[71] et Brittle, valet de trente ans, se fait, quoi qu'il arrive, traiter de « petit garçon » (boy), cela jusqu'au dernier chapitre[72]. Sylvère Monod trouve le procédé peu naturel : « Parce que ce trait lui paraît d'une irrésistible cocasserie, écrit-il, Dickens s'imagine, non seulement que le lecteur ne pourra manquer de partager son amusement, mais encore qu'il ne se lassera d'aucune répétition[72]. »
 Il porte là un jugement de valeur que la critique plus moderne tend à éviter, préférant considérer que l'aspect comique de ces êtres caricaturaux jusqu'à la difformité peut avoir valeur de révélation[71]. D'ailleurs, Monod lui-même atténue sa sévérité dès lors qu'il considère le personnage de Mr Bumble, dont il qualifie le comique de « beaucoup plus riche »[72] : Bumble, écrit-il, « ne pense qu'à la paroisse, ne vit que par elle et pour elle, ne parle que d'elle. Il croit sincèrement à son importance suprême et à sa dignité. Il en représente tous les travers : la cruelle dureté et la fausse bonhomie, l'affectation de bonté paternelle et l'indifférence à la souffrance des humbles[72] ». Paul Davis, lui, trouve une certaine complexité dans les personnages de Fagin, du Matois et, mais la trame du roman le veut ainsi, de Nancy. Fagin a parfois été considéré comme un simple stéréotype antisémite : certes, il est issu de cette tradition, mais si Dickens semble l'avoir d'abord acceptée sans broncher, il s'est montré sensible aux critiques et non seulement a révisé son texte dans les éditions successives, mais inclut dans L'Ami commun Riah, « si gentil qu'il en est à peine crédible[73] », signe en tous les cas qu'il a désiré redresser le tort commis[74]. Pour autant, juge Davis, le personnage transcende le stéréotype en ajoutant une dose d'empathie à son satanisme : sa relative gentillesse envers Oliver s'oppose à l'inhumanité tatillonne des officiels, les administrateurs de la loi sur les pauvres. Quant au Matois, si sa délinquance appelle à coup sûr la punition, ses vêtements démesurément grands montrent assez qu'il n'est qu'un enfant forcé à des responsabilités d'adulte par une société négligente et abusive. Nancy, elle, est un cas à part, à la fois attachée à Oliver et loyale envers Sikes[74], contradiction que Dickens lui-même souligne dans sa préface de 1841, « une anomalie, voire une impossibilité, mais une vérité[75] ».
 En définitive, le comportement machinal des personnages finit par devenir psychologiquement valable, l'inconscience d'une attitude stéréotypée s'avérant comme la marque d'une conscience malade ou déformée par un travers[76]. Ainsi Mr Bumble est-il individualisé de façon presque agressive par le mal qu'il porte en lui, non pas, explique Paul Davis, d'ordre métaphysique comme chez Sikes ou Fagin, mais « terrestre » à souhait (earthly), ce qui le pousse, en toute occasion, « à se servir en servant les puissants, et à brimer les pauvres en prétendant les sauver[74] » ; il faudra attendre la dernière partie du roman pour assister à sa chute, déboires conjugaux et retour au bercail, mais cette fois dans le rôle inverse du précédent[76], encore que le lecteur peut ressentir, ajoute Ella Westland, comme une gêne compatissante à sa chute, tant son tricorne était devenu familier et sa superbe envoûtante, « à quoi s'ajoute une dose de regret pour sa tonitruante rhétorique aujourd'hui dégonflée[77] ».
 John Hillis-Miller a montré que, chez Dickens, existent conjointement un schéma de valeurs (pattern) et une intrigue ou récit (terme employé par N. Elmahil)[N 12] (plot) dont la correspondance n'est pas toujours totale [78]. Tel est le cas dans Oliver Twist qui, à bien des égards, révèle des tensions entre l'un et l'autre.
 Dans sa préface à la troisième édition (1841), Dickens écrit que son propos est de « montrer dans le petit Oliver, le principe du Bien survivant à de multiples formes d'adversité et finissant par triompher[79]. ». Le « Bien » , ici, relève du postulat de l'innocence enfantine, central dans le corpus dickensien et victorien, mais il commence par se définir en fonction du Mal qui l'assaille, c'est-à-dire négativement[80].
 Le Mal s'impose d'abord sous la forme de la paupérisation, résultat d'un système de valeurs qu'évoque Dickens au chapitre 4 sous le nom de « philosophie expérimentale », en fait le radicalisme philosophique ayant inspiré les nouvelles lois sur les pauvres[80],[81] : en décrivant l'univers des hospices pour pauvres, Dickens ne fait pas œuvre d'historien, mais réduit à ses valeurs essentielles un système philosophico-politique qu'il incarne en Mr Bumble, caricature de la mauvaise autorité affirmant sa volonté de puissance par la brutalité[82] et dont la philosophie se borne à l'équation « pauvre=objet » ou « pauvre=animal ».
 Sa deuxième manifestation réside dans le vol et le crime[80], régis par un égoïsme absolu. La société dont Fagin est le chef se compose d'individus sans autres visées que leur intérêt personnel. D'ailleurs, Fagin se définit ainsi au chapitre 43 : « Quelques sorciers prétendent que trois est le nombre cabalistique, d’autres opinent pour le nombre sept. Ce n’est ni l’un, ni l’autre, mon cher, c’est le nombre un. […] Dans une petite république comme la nôtre, […] nous avons un numéro un qui s’applique à tout le monde, c’est-à-dire que vous ne pouvez vous regarder comme numéro un, sans me regarder de même et sans en faire autant pour le reste de notre jeunesse […] nous sommes tellement liés, tellement unis par nos intérêts, qu’il n’en peut être autrement[83]. », ce qui apparaît comme une parodie du principe utilitariste de la coïncidence entre l'intérêt particulier et l'intérêt général[84].
 Face à ce mal partout actif, Oliver reste passif, comme privé d'un « moi » autonome[85], naïve exacerbation du self-denial (l'abnégation personnelle) qui en fait une victime sur laquelle on s'acharne mais qui n'a, pour toute réponse, que le silence ou la prière[86]. Soumis aux aléas du hasard[87], il ne peut influer à aucun moment sur le cours de son destin. Il ne fait que subir et laisser les événements le prendre en charge[88]. Certes, il se révolte deux fois, mais sa demande de gruau lui a été imposée par ses camarades et sa fuite après les propos injurieux de Noah Claypole à la mémoire de sa mère le conduit de Charybde en Scylla[86].
 Sa passivité est également liée à une certaine conception platonicienne retrouvée à maints endroits du roman, notoirement au chapitre 32 où le narrateur explique que la femme et l'enfant sont des êtres purs ayant souvenir d'une vie antérieure, des idées, des essences plutôt que des êtres de chair, donc hors d'atteinte de l'expérience[89]. Leur pureté prénatale[90], comme dans l'Ode à l'immortalité de Wordsworth, est associée à la nature[89], ainsi que le rappelle explicitement le narrateur dans le même chapitre : « Les souvenirs que les paisibles scènes champêtres éveillent dans l’esprit ne sont pas de ce monde, et n’ont rien de commun avec les pensées ou les espérances terrestres. Leur douce influence peut nous porter à tresser de fraîches guirlandes pour orner la tombe de ceux que nous avons aimés ; elle peut purifier nos sentiments et éteindre en nous toute inimitié et toute haine ; mais surtout elle ravive, dans l’âme même la moins méditative, la vague souvenance qu’on a déjà éprouvé de telles sensations bien loin dans le passé, et en même temps elle nous donne l’idée solennelle d’un lointain avenir, d’où l’orgueil et les passions du monde sont à jamais exilés[91] ». Ainsi l'opposition entre ville et campagne s'impose-t-elle avec force dans le schéma du roman : la campagne, idéalisée à l'extrême[92], devient équivalente de l'Éternité, et la ville, noircie d'une fin infâme, celle des résidents de l'hospice, des assassinés et des pendus de Londres, monde de désagrégation et de pourrissement, tel le fétide taudis de Jacob's Island[N 13], où meurt Bill Sikes[93].
 Le récit, né initialement du désordre instauré par Agnes, la mère d'Oliver, dont la mort dans l'hospice est d'emblée teintée d'infamie, ce que rappelle l'ultime phrase du roman, « la pauvre femme n'aura été qu'une brebis égarée[94] », vise à en résoudre l'énigme, car cette femme sans alliance au doigt n'en est pas moins, par son langage, sa beauté, un certain pathétique élégant, à l'opposé du milieu où elle a échoué. À cette fin, il ressort à la technique traditionnelle des péripéties, suspense, reconnaissances, ingéniosité, etc., mais, replacé dans la totalité de l'œuvre, il apparaît comme une série d'épreuves permettant au héros de sauvegarder le bien au sein du mal, de reconstituer l'ordre idéal, de définir et de faire disparaître les valeurs négatives, structure ternaire coïncidant pour l'essentiel avec la division initiale en trois livres dans le Bentley's Miscellany et en trois volumes dans les éditions parues entre 1838 et 1841[93].
 Dans cette perspective, des scènes réputées inutiles et digressives, comme la tentative manquée de placer Oliver chez Garfield le ramoneur ou la vie champêtre chez les Maylie, voire les amours de Bumble, s'avèrent indispensables quand on les rapporte à l'infrastructure axiologique du roman[93]. Le ramoneur est de ceux qui font l'équation « pauvre=objet ou pauvre=animal » et traite avec la même cruauté son âne et ses employés. Le chapitre 32, « Heureuse existence que mène Olivier chez ses nouveaux amis[95] », quelque pâle et sentimental qu'il puisse être jugé, met l'accent sur l'opposition ville/campagne et, par son évocation d'un au-delà atemporel, d'un jardin céleste entrevu dans le jardin terrestre, réintégre définitivement Oliver dans la sphère du Bien[96]. En revanche, les amours grotesques de Mr Bumble et Mrs Corney s'affirment comme une souillure d'égoïsme et d'intérêt, ce qui les situe à l'opposé du sentiment, fondé sur l'oubli de soi, de Rose et Harry. De même, la conversion de Nancy, si elle peut sembler irréaliste, au point que Dickens en a fait le plaidoyer dans la préface de 1841, apparaît comme symétrique de la faute d'Agnes, conduisant non plus de l'ordre au désordre, mais du désordre à l'ordre[96].
 La critique de Henry Crabb Robinson (1775-1867), « [Dickens] ne peut qu'esquisser des scènes, il ne sait pas construire une histoire[97] », implique que l'on ne voit pas d'autre valeur au récit que l'unité dans la succession et que la fin de l'art est de donner l'illusion du réel. Or, Oliver Twist est une fiction qui se veut telle, se mouvant dans un monde trop près des asymptotes du bien et du mal pour créer cette illusion du réel, apanage du réalisme. D'autre part, l'univers dickensien étant régi par un système de valeurs, la causalité n'y a aucune place et la solution des tensions passe par le rêve, l'imprévisible, voire le miraculeux[96]. Ainsi, l'apparition de Fagin et Monks à Oliver ensommeillé[98] reste négligeable sur le plan du récit, mais indispensable sur celui des valeurs terreur-désordre, de même que le bedeau que Mr Losberne trouve dans la maison abandonnée ne contribue en rien à l'intrigue, mais rappelle que dans un monde où règne une économie du rêve, il est impossible de savoir quelle suite auront les événements et même s'ils en auront une[96].
 Au mépris de toute vraisemblance, cependant, la narration s'achemine inexorablement vers le regroupement de tout ce qui est marqué du même signe[99] : Sikes trouve une mort infâme au milieu de Jacob's Island qui ne l'est pas moins, et Bumble devient victime de son propre système, tout comme Fagin est châtié par l'instrument même de sa puissance[99]. En revanche, « Oliver peut connaître un bonheur si complet à la fin uniquement parce qu'il l'a complètement perdu au commencement »[100].
 Avant cette conclusion, l'intrigue et le schéma se livrent une véritable bataille[101]. L'intrigue gagne le premier round en extrayant Nancy des griffes du schéma : la jeune fille qui, plus tôt dans le roman, avait révélé sa sincère humanité envers la souffrance de prisonniers, se retrouve abaissée à de simples clichés de mélodrame[101]. Mais presque aussitôt, ce rapt est contrebalancé par l'un des plus grands épisodes du roman, le procès du Matois, scène inutile sinon pour se débarrasser de lui avant de distribuer récompenses et châtiments[102]. Dickens semble alors avoir pris conscience que l'envergure du personnage qu'il avait créé rendait l'intrigue impuissante à l'absorber ou l'oblitérer ; il lui a donc offert une dernière occasion de se manifester non seulement en beauté, mais de réintégrer le schéma général du roman en en réaffirmant avec force son thème central : que peuvent les pauvres contre l'oppression de l'État[102] ? Avoir peur comme Oliver ? Lui, le Matois, se dresse devant l'appareil et le défie : alors qu'on l'attend soumis et docile, il arrive tous canons chargés et tire bordée sur bordée. Le voici frappant au cœur, alors qu'il en est la victime, un système judiciaire dont la justice est le dernier souci[103] : où sont ici les droits du citoyen ? dans quel marbre est gravée la loi autorisant la morgue du geôlier ?, etc. Ainsi, pratiquement seul des personnages du milieu, le Matois aura-t-il su se lever, pour lui-même et au-delà, pour tous les damnés de la société, perpétuant de ce fait le conflit qu'avait instauré Oliver en en demandant « encore »[103].
 Le symbolisme d'Oliver Twist[N 14] est étroitement associé à sa thématique. Si, au début, Oliver n'est qu'un objet animé sans conscience de lui-même et de sa situation, lorsque s'effectue peu à peu l'éveil de soi, domine en lui le sentiment d'une solitude absolue : « je suis si jeune, Monsieur, et je suis si… si…
— Si quoi ? demanda M. Bumble étonné.
— Si abandonné, Monsieur, si complètement abandonné[104]. ».
 Bien plus tard, il découvrira par hasard la douceur du confort et le bonheur de la bienveillance, si bien que les deux symboles majeurs sont l'enfer et le paradis, chacun prenant tour à tour plusieurs aspects[105].
 L'histoire d'Oliver commence alors qu'il se tourne vers le monde à la recherche du peu d'amour que, confusément, il devine être dû à chacun. La réponse est brutale : le monde le traite en paria (outcast) et s'emploie agressivement à le détruire, comme il le fait de tous les faibles auxquels il ne concède aucune place. Dès lors, Oliver va vivre dans l'angoisse de la mort ; déjà, il se trouve en péril ne serait-ce que par accident : petits orphelins oubliés lors du retournement des paillasses, brûlures fatales pendant le très occasionnel bain ; qui plus est, le conseil d'administration de l'hospice prévoit de l'envoyer en mer avec l'espoir que le commandant lui fracassera le crâne à coups de barre de fer, et après sa demande d'« encore », l'enferme dans une pièce en sous-sol, privée de toute ouverture et à l'air raréfié[106].
 Apparaît donc très vite la terreur de la suffocation[107] par l'enfermement, à laquelle se superpose bientôt celle de la strangulation, car la pendaison, prédite à l'hospice, le menace directement maintenant qu'il est prisonnier de Fagin. La suffocation s'accompagne d'un faisceau de phobies : chute, écrasement, façades s'écroulant sur les trottoirs, cheminées s'effondrant sur elles-mêmes, habitations s'acharnant à éclater en morceaux. Peur aussi, universelle et incoercible, de la noyade dans les eaux fangeuses de la Tamise, dont la boue monte à l'assaut des maisons branlantes pour mieux les avaler dans ses profondeurs. C'est dans le trou sinistre et noir formé par l'escalier menant au fleuve depuis London Bridge que Nancy rencontre secrètement ses interlocuteurs[108] : le sol couvert d'eau fétide, elle en est persuadée, sera son lit de mort : « regardez devant vous, Mademoiselle ; regardez ces flots sombres : n’avez-vous pas souvent entendu dire que des malheureuses comme nous se jettent à l’eau sans que âme qui vive s’en inquiète ou les regrette ? Ce sera peut-être dans des années, peut-être dans quelques mois, mais c’est comme cela que je finirai[109]. » Et Oliver, que Sikes entraîne dans le glauque brouillard de la nuit, s'en convainc aussi : « La rivière ! pensa Olivier, à demi-mort de frayeur. Il m’a amené dans ce lieu désert pour se défaire de moi[110] ! »
 Terreur née aussi de la claustrophobie[111], avec des images de pièces apparemment sans issue, cave à charbon à l'hospice où on le garde une éternité, cheminées avides d'enfants auxquelles il échappe de justesse, escalier de pierre où le croque-mort le pousse jusqu'à un trou humide et sombre, avant de lui installer une paillasse coincée derrière le comptoir, une tombe au milieu des cercueils gisant dans un local sans air. À Londres, ce n'est qu'amas de maisons noires, auxquelles on accède en contrebas par des ruelles tortueuses et mal éclairées, débouchant sur une ruine hermétique : « Ils visitèrent toutes les chambres ; elles étaient toutes froides, nues et vides ; ils descendirent dans l’allée, puis dans la cave ; l’humidité suintait le long des murs verdâtres ; les traces de limaces et de colimaçons brillaient à la lumière ; mais partout un silence de mort[112]. », univers inintelligible où sa conscience abasourdie ne peut que se mettre en sommeil[113].
 Mais persiste une menace permanente, la chaîne d'espionnage par laquelle, dans cette communauté de l'ombre, Fagin surveille tout le monde et chacun observe l'autre avec suspicion. Les voleurs redoutent d'être identifiés par le monde extérieur, mais craignent bien davantage la trahison de leurs acolytes[38]. Aussi Nancy a-t-elle l'œil sur Fagin et Monks, elle-même est suivie par l'envoyé de Fagin, et Oliver est secrètement sous le regard de Fagin et de Monks alors qu'il se croit en sécurité chez Mrs Maylie[114]. Rien d'étonnant, donc, à ce que les relations entre les individus des bas-fonds, forcément illicites, se soldent par des échecs, la liaison entre Nancy et Sikes, par exemple, n'y survivant pas.
 Oliver, cependant, a connu autre chose, son bref aperçu, chez Mr Brownlow, du monde des honnêtes gens, mais cette découverte le remplit de confusion. Enfermé, après son retour forcé, dans la haute maison bardée de barreaux, aux couloirs tortueux et apparemment sans issue, s'échapper lui paraît impossible et « souvent, quand la nuit tombait […] il allait se blottir dans un coin de l’allée qui donnait sur la rue, pour être aussi près que possible de la société des vivants […]. Il y avait, il est vrai, dans un grenier du fond, une fenêtre sans volets, et garnie de barreaux rouillés ; souvent Olivier venait s’y installer pendant des heures entières, et regardait au loin d’un air pensif ; mais il ne pouvait voir qu’une masse confuse de toits et de cheminées noires[115] ».
 Cette vision d'un petit garçon sans repères, emprisonné dans une maison en ruine peuplée d'ombres et de rats, scrutant un bout de monde inconnu, est, écrit John Hillis-Miller, « l'une des plus fortes du roman[116] ».
 Ce bout de monde apparaît comme une masse d'empilements, un bric-à-brac vertical, opaque et impénétrable, qu'il ne comprend pas, confusion portée à son comble lorsque, enfin, il peut sortir, accompagné du Matois ou, plus tard, de Sikes qui essaie de faire de lui un voleur. Des noms de rue surgissent, mais c'est le narrateur qui les nomme, car Oliver, lui, se sent pris au piège d'une nouvelle prison[116]. L'étroit, le sale, le tordu, le mêlé, se resserrant et s'amplifiant au fil de la progression, ce n'est plus le Londres des années 1830, mais un entrelacs monstrueux, centuple du dédale intérieur qu'Oliver a quitté, le « symbole poétique d'un labyrinthe infernal[117] ». Peu à peu, de ce désert obscur, émerge une foule de riverains, s'affairant en tous sens entre des étals couverts de grossières victuailles et d'immondes boutiques offrant des guenilles flottant au vent : au silence a succédé le fracas, au vide s'est opposé l'amoncellement, les perceptions se brouillent, les sens se saturent, le labyrinthe a débouché sur le chaos[118]. Lors de l'équipée forcée avec Sikes au chapitre 24, à l'approche de Smithfield, le tohu-bohu se double d'une cacophonie étourdissante, vociférations, sifflements, aboiements, grognements, bêlements, hurlements de cloches ; balloté, poussé, cogné, saisi par la puanteur des choses et des gens, abasourdi (stunned), ahuri (bewildered), stupéfait (amazed), Oliver s'enfonce hors de l'espace et du temps, comme englouti dans un océan de difformité[119].
 À mi-chemin, au chapitre 22, le roman vire de bord, laissant pratiquement la critique sociale de côté[120]. C'est que, d'un coup, Oliver est arraché à l'enfer : du bureau de l'horrible Mr Fang, il est passé inconscient dans une chambre douillette avec, à son chevet, une vieille dame bien mise qui le veille, occupée à sa couture. La vie d'hier n'est plus, muée en un cauchemar dont il s'est échappé pour rejoindre un état antérieur à tout ce qu'il a connu[121] ; désormais, il est dans un autre monde, celui auquel, sans le savoir, il appartient, le monde bourgeois et protecteur d'une famille aimante et attentionnée[122].
 Le monde de la campagne apparaît d'abord à Oliver comme un paradis terrestre à l'opposé de la ville. Dès six heures du matin, il sillonne les champs, pillant les haies pour rassembler des bouquets de fleurs sauvages. Le chapitre 33 contient un paragraphe où sa folle galopade se présente comme l'envers de sa marche forcée par les rues de Londres : « Il courut à travers champs, ou le long des petits sentiers qui les séparaient, tantôt cachés par les blés murs qui les bordaient de chaque côté, et tantôt débouchant dans la plaine, où faucheurs et moissonneurs étaient à l’œuvre[123]. » Ici, plus de labyrinthe suffoquant, l'étroitesse a cédé à l'ouverture et la menace à la liberté[121].
 John Hillis-Miller relève cependant une restriction qu'il juge symboliquement significative : la douce maison est enserrée de rosiers grimpants, de chèvrefeuille et de jasmin, et le tronc des arbres enlacé par le lierre : « De telles images, demande-t-il, n'évoquent-t-elles point un enclos protecteur plutôt qu'une ouverture sans limite[121] ? » Au vrai, il devient vite évident que la campagne est le revers plutôt que l'opposé de la ville, un paradis de sécurité douillette, un intérieur qui regarde le grand espace de sa fenêtre : « La petite chambre où il avait l’habitude de se tenir pour étudier donnait sur le parterre, derrière la maison. C’était bien une chambre de cottage, avec une fenêtre à volets, autour de laquelle grimpaient des touffes de jasmin et de chèvrefeuille d’où s’exhalaient les plus suaves parfums ; elle donnait sur un jardin qui communiquait lui-même par un échalier avec un petit clos. Au-delà on apercevait une belle prairie, puis un bois ; il n’y avait pas d’autre habitation de ce côté, et la vue s’étendait au loin[124]. »
 À l'hospice, chez Sowerberry, avec Fagin, ou encore sous la menace de la foule urbaine, Oliver n'avait pas le temps d'analyser le monde alentour ; désormais, s'il a tout loisir de réfléchir à sa configuration, il ne se sent pas, pour autant, le droit d'en déchiffrer le sens et le paradis lui reste insondable[125]. D'autant que, bientôt, Fagin et Monks se présentent pour le réclamer, sans qu'on sache s'il s'agit d'un rêve ou de la réalité – aucune trace de pas n'a été trouvée –, si bien qu'à l'étonnement s'ajoute un sentiment d'insécurité, incursion du passé dans son présent qui le lui rend à nouveau intolérable, vide, traînant les pas ou, telle une horloge détraquée, accélérant soudain comme pris de folie. Reste l'espoir de capturer le bonheur d'un autre paradis, celui d'avant sa naissance, et de le vivre ici et maintenant[126].
 Oliver Twist abonde en « sentiments d'immortalité » (intimations of immortality[126]), avec Mr Brownlow dont la rêverie convoque des « souvenirs qui nous font rêver à cette beauté qui survit à la mort, plus éclatante que la beauté terrestre ; visages charmants qui nous sont ravis pour aller éclairer d’une douce lumière la route qui mène au ciel[127] », chez Rose Maylie où les paisibles scènes champêtres en sollicitent qui « ne sont pas de ce monde, et n’ont rien de commun avec les pensées ou les espérances terrestres. Leur douce influence […] peut purifier nos sentiments et éteindre en nous toute inimitié et toute haine ; mais surtout elle ravive, dans l’âme même la moins méditative, la vague souvenance qu’on a déjà éprouvé de telles sensations bien loin dans le passé, et en même temps elle nous donne l’idée solennelle d’un lointain avenir, d’où l’orgueil et les passions de ce monde sont à jamais exilés[91] ».
 S'impose alors la répétition mémorielle de ce passé lointain qui se livre par quelques signes. Une fois déchiffrés, un sens cohérent des événements finit par se dégager de sa gangue opaque. Lorsque le mystère de sa naissance sera résolu, Oliver découvrira son essence intrinsèque et accédera à son paradis retrouvé[128], mais un paradis de liberté conditionnelle, car, comme l'écrit Robert Newsom, « Il est difficile d'imaginer Oliver Twist en adulte[129] » ; adopté, en effet, par Mr Brownlow, soumis et guidé, son bonheur sera celui de l'enfance innocente qui l'a toujours habité[130].
 Oliver Twist a toujours été l'un des favoris des metteurs en scène, que ce soit pour le théâtre, le cinéma ou la télévision, des auteurs de bandes dessinées et des compositeurs de comédies musicales.
 En 1909, J. Stuart Blackton tourne Oliver Twist avec Edith Storey dans le rôle principal. En 1912, Thomas Bentley réalise un autre film avec Ivy Millais et, en 1916, James Young et W. S. Van Dyke prennent le relais avec leur film où joue Marie Doro. En 1919, le Hongrois Márton Garas adapte à son tour le roman de Dickens avec Tibor Lubinszky. En 1921, Millard Webb met en scène l'oeuvre de Dickens dans Oliver Twist, Jr. avec Harold Goodwin.
 En 1922, Frank Lloyd sort Oliver Twist, film muet d'environ quatre-vingt-dix minutes, très fidèle au roman, avec deux grandes stars du cinéma muet : Lon Chaney en Fagin et Jackie Coogan en Oliver. La copie en fut perdue, puis retrouvée sans intertitres dans les années 1970. Restauré avec des intertitres dus à Blackhawk, assisté de Jackie Coogan et du producteur Sol Lesser, le film insiste sur l'aspect mélodramatique de l'action et s'attache à reproduire avec réalisme l'atmosphère des bas-fonds londoniens à l'époque victorienne.
 En 1933, William J. Cowen adapte le roman dans un film Pré-Code mettant en scène Dickie Moore.
 David Lean prend le relais en 1948 avec un Oliver Twist qui présente en certaines scènes une photographie proche du cinéma expressionniste et des décors particulièrement fouillés. L'interprétation est de grande qualité, mais le maquillage d'Alec Guinness en Fagin a pu paraître antisémite lors de la sortie, si bien qu'aux États-Unis, le film n'a été autorisé qu'en 1951 après onze minutes de coupe visant à aseptiser le rôle controversé[131].
 La comédie musicale de 1960 (voir Comédie musicale) a inspiré, en 1968, le film, lui aussi musical, de Carol Reed, Oliver!, avec Jack Wild en Artful Dodger et Ron Moody en Fagin, dont le rôle est inversé, puisqu'il sauve de jeunes garçons londoniens de leur détresse. La musique est due à Lionel Bart et Johnny Green, et le scénario, inspiré de Lionel Bart et bien sûr de Dickens, a été mis au point à Vernon Harris.
 En 1974, Hal Sutherland, alors en semi-retraite, réalise Oliver Twist, un dessin animé américain. En 1982, l'Australien et Polonais Richard Slapczynski réalise Oliver Twist, un film d'animation. La même année, un téléfilm est tourné par Clive Donner avec Richard Charles.
 Un long-métrage d'animation mexicain de Fernando Ruiz, Les Aventures d'Oliver Twist, sort en 1987 sur une musique de Plácido Domingo Jr[N 15].
 Autre long-métrage d'animation en 1988, Oliver et Compagnie, produit par Walt Disney Pictures et mis en scène par George Scribner, présente l'histoire de Dickens transposée partiellement dans le monde des animaux. Les faits se déroulent à New York : Oliver, petit chaton abandonné, est pris en charge par un chien errant nommé Roublard, à la fois débrouillard et chapardeur, qui le conduit jusqu'à sa demeure, une péniche délabrée, amarrée sur les docks ; Oliver y fait la connaissance du maître humain de Roublard, le ferrailleur Fagin, ainsi que toute la bande de chiens « laissés pour compte » : le chihuahua Tito, le dogue allemand Einstein, le bouledogue intellectuel Francis et Rita, une levrette persane affectueuse et pleine de bon sens[132].
 En 2003, Jacob Tierney tourne une version moderne du roman, intitulée Twist, avec Joshua Close. Oliver Twist, un film franco-tchéco-italo-britannique réalisé par Roman Polanski, sort en 2005 sur un scénario de Ronald Harwood. En 2021, Martin Owen adapte l'oeuvre de Dickens dans son film Twist avec Rafferty Law.
 En 1962, Jean-Paul Carrère met en scène un téléfilm en deux parties, inspiré par le roman de Dickens, dans le cadre de la collection Le Théâtre de la jeunesse, avec Marcel Dalio (Fagin), Maurice Garrel (Monks), Anne Doat (Nancy), André Oumansky (Bill Sikes) et Jacques Seiler (le directeur)[133]. Première diffusion télévisuelle 6 mai 1962. Un DVD de ce spectacle est édité par Koba Films Video en 2005.
 Au Royaume-Uni, les adaptations sont régulières à partir de 1962, date d'un Oliver Twist en 13 épisodes (en noir et blanc) de la BBC. Ainsi paraissent The Further Adventures of Oliver Twist (Les Autres Aventures d'Oliver Twist, 13 épisodes en couleurs) sur ATV Network en 1980, puis, en 1985, la série en 12 épisodes écrite par Alexander Baron pour la BBC, avec Eric Porter dans le rôle de Fagin.
 En 1997, les studios Disney proposent leur version télévisée des Aventures d'Oliver Twist, réalisée par Tony Bill, avec Richard Dreyfuss dans le rôle de Fagin, David O'Hara dans celui de Bill Sikes et Elijah Wood dans celui de The Artful Dodger. Nouvelle adaptation deux années plus tard, en 1999, par Meridian Broadcasting : Oliver Twist, série en quatre épisodes écrite par Alan Bleasdale avec Robert Lindsay (Fagin), Marc Warren (Monks), Sam Smith (Oliver), Andy Serkis (Bill Sikes) et Keira Knightley (Rose Fleming). Enfin, 2007 voit l'histoire revisitée par Coky Giedroyc avec Tom Hardy et Timothy Spall en une mini-série intitulée Oliver Twist. Présentée au public britannique en 2007 sous la forme d'une mini-série en cinq épisodes diffusés sur BBC One entre le 18 et 22 décembre 2007, elle a été diffusée en France sur Arte, en deux parties, les 13 et 20 février 2014[N 16].
 Le numéro 1140 du 3 septembre 1970 du journal Tintin, consacré à Dickens, présente Oliver Twist en un récit en six pages par Yves Duval et Uralde[134].
 Fagin le juif, par Will Eisner, l'un des pères fondateurs du roman graphique en Amérique du Nord, revisite en 2004 l'Oliver Twist de Dickens. Selon Eisner, certains personnages de fiction ont, par leur popularité, acquis au fil du temps l'illusion de la réalité, prenant valeur de stéréotypes qui influencent le regard de la société. Juif lui-même, il explique avoir toujours été gêné par le Fagin de Dickens et entreprend de raconter Oliver Twist de son point de vue. Le lecteur est alors plongé dans le contexte de l'époque et se rend compte de ce qu'a pu être la vie d'un juif pauvre à Londres au XIXe siècle, ce qui éclaire le comportement du futur criminel qui finit sur l'échafaud.
 Oliver Twist, par Loïc Dauvillier et Olivier Deloye, est publié par Delcourt dans la collection Ex-Libris ; les tomes 1 et 2 datent de 2007 et le tome 3 de 2008.
 Oliver Twist, scénario de Philippe Chanoinat et dessins de David Cerqueira est paru chez Glénat en 2011 et ressort en juillet 2017 dans la collection Les Grands Classiques de la littérature en bande dessinée.
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It was originally published as a serial from 1837 to 1839 and as a three-volume book in 1838.[1] The story follows the titular orphan, who, after being raised in a workhouse, escapes to London, where he meets a gang of juvenile pickpockets led by the elderly criminal Fagin, discovers the secrets of his parentage, and reconnects with his remaining family.
 Oliver Twist unromantically portrays the sordid lives of criminals and exposes the cruel treatment of the many orphans in London in the mid-19th century.[2] The alternative title, The Parish Boy's Progress, alludes to Bunyan's The Pilgrim's Progress as well as the 18th-century caricature series by painter William Hogarth, A Rake's Progress and A Harlot's Progress.[3]
 In an early example of the social novel, Dickens satirises child labour, domestic violence, the recruitment of children as criminals, and the presence of street children. The novel may have been inspired by the story of Robert Blincoe, an orphan whose account of working as a child labourer in a cotton mill was widely read in the 1830s. It is likely that Dickens's own experiences as a youth contributed as well, considering he spent two years of his life in the workhouse at the age of 12 and subsequently missed out on some of his education.[4]
 Oliver Twist has been the subject of numerous adaptations, including the 1948 film of the same name, starring Alec Guinness as Fagin; a highly successful musical, Oliver! (itself adapted into the Oscar-winning 1968 film), and Disney's 1988 animated feature film Oliver & Company.[5]
 The novel was first published in monthly instalments, from February 1837 to April 1839, in the magazine Bentley's Miscellany. It was originally intended to form part of Dickens's serial, The Mudfog Papers.[6][7][8] George Cruikshank provided one steel etching per month to illustrate each instalment.[9] The novel first appeared in book form six months before the initial serialisation was completed, in three volumes published by Richard Bentley, the owner of Bentley's Miscellany, under the author's pseudonym, ""Boz"". It included 24 steel-engraved plates by Cruikshank.
 The first edition was titled: Oliver Twist, or, The Parish Boy's Progress.
 Serial publication dates:[10]
 Oliver Twist is born into a life of poverty and misfortune, raised in a workhouse in the fictional town of Mudfog. The children working there receive very little food; after six months, they draw lots, with the loser asking for another portion of gruel. Oliver is designated, and so he approaches workhouse manager Mr Bumble and humbly requests another serving. A great uproar ensues at this perceived act of rebellion. 
 Oliver is removed from the workhouse and sent into the service of the undertaker Mr Sowerberry. One day, his jealous co-apprentice, Noah Claypole, insults Oliver's mother and an enraged Oliver attacks him. When he is punished by Mr Sowerberry, Oliver runs away to London to seek a better life.
 
Oliver meets a young man named Jack Dawkins who calls himself ""the Artful Dodger"", offers him food and lodging and takes him to meet an infamous criminal known as Fagin, who trains orphan boys as pickpockets. Oliver innocently begins Fagin's training, but when he goes out with the Dodger and another boy and sees them stealing a handkerchief from an old gentleman named Mr Brownlow, he realizes the truth. While the Dodger and the other boy escape, Oliver is pursued, apprehended, formally arrested and tried before Magistrate Fang. Interceding for Oliver, Brownlow takes him home and cares for him. As Oliver recovers, Brownlow and his housekeeper notice that Oliver resembles a woman depicted in a portrait hanging in Brownlow's home. Worried that Oliver might incriminate him and his gang, Fagin sends a young woman named Nancy and her abusive lover, the robber Bill Sikes, to abduct Oliver and bring him back to Fagin's lair. Fagin forces him to participate in a burglary planned by Sikes. The robbery goes wrong; while Sikes escapes, Oliver, after having been wounded, ends up in the care of the people he was supposed to rob: Miss Rose and her guardian Mrs Maylie.
 A mysterious man, known only as ""Monks,"" teams up with Fagin, to prevent Oliver from learning of his past. Monks bribes Mr Bumble and his new wife, the former Widow Corney, for information on Oliver. Together, they dispose of a ring and medallion that had once belonged to Oliver's mother and had been stolen from her after she died. Nancy, racked with guilt for her role in Oliver's kidnapping, secretly spies on them and passes the information on to Rose Maylie, who tells Mr Brownlow. Meanwhile, the Artful Dodger is arrested for pickpocketing, tried and sentenced to transportation to Australia.
 Noah Claypole, who had fled to London with the Sowerberrys' maid Charlotte after robbing Mr Sowerberry, joins Fagin's gang. Following Fagin's orders, he follows Nancy and discovers that she regularly meets with the Brownlows and Maylies for the sake of Oliver's welfare. Fearing that Nancy has betrayed him and Sikes (which, unknown to him, she has refused to do), Fagin passes the information on to Sikes, who beats Nancy to death in a fit of rage and goes into hiding. He is recognised by an angry mob and attempts to flee. Going to Toby Crackit's hideout, he learns that Fagin has been arrested. When the mob catches up to him, he tries to escape over the rooftops by swinging on a rope, but while he is about to loop the rope about himself a vision of the dead Nancy's staring eyes terrorises him into losing his balance; in the fall, the looped rope catches him around the neck and hangs him.
 Mr Brownlow has Monks arrested and forces him to divulge his secrets: he is actually Oliver's half-brother and had hoped to steal Oliver's half of their rightful inheritance. Brownlow begs Oliver to give half his inheritance to Monks and grant him a second chance, to which Oliver happily agrees. Monks emigrates to America, but squanders his money, relapses into crime and dies in prison. Fagin is arrested and sentenced to the gallows. The day before his execution, Oliver and Mr Brownlow visit him in Newgate Prison and learn the location of the documents proving Oliver's identity. Bumble and his wife lose their jobs and are forced to become inmates of the workhouse.  Rose Maylie, who turns out to be Oliver's maternal aunt, marries and enjoys a long life. Oliver lives happily as Mr Brownlow's adopted son.
 In Oliver Twist, Dickens mixes grim realism with merciless satire to describe the effects of industrialism on 19th-century England and to criticise the harsh new Poor Laws. Oliver, an innocent child, is trapped in a world where his only options seem to be the workhouse, a life of crime symbolised by Fagin's gang, a prison, or an early grave. From this unpromising industrial/institutional setting, however, a fairy tale also emerges. In the midst of corruption and degradation, the essentially passive Oliver remains pure-hearted; he steers away from evil when those around him give in to it, and in proper fairy-tale fashion, he eventually receives his reward – leaving for a peaceful life in the country, surrounded by kind friends. On the way to this happy ending, Dickens explores the kind of life an outcast, orphan boy could expect to lead in 1830s London.[11]
 Poverty is a prominent concern in Oliver Twist. Throughout the novel, Dickens enlarged on this theme, describing slums so decrepit that whole rows of houses are on the point of ruin. In an early chapter, Oliver attends a pauper's funeral with Mr Sowerberry and sees a whole family crowded together in one miserable room. This prevalent misery makes Oliver's encounters with charity and love more poignant. Oliver owes his life several times over to kindness both large and small.[12]
 Dickens makes considerable use of symbolism. The ""merry old gentleman"" Fagin, for example, has satanic characteristics: he is a veteran corrupter of young boys who presides over his own corner of the criminal world; he makes his first appearance standing over a fire holding a toasting fork, and he refuses to pray on the night before his execution.[13]
 In the tradition of Restoration Comedy and Henry Fielding, Dickens fits his characters with appropriate names. Oliver himself, though ""badged and ticketed"" as a lowly orphan and named according to an alphabetical system, is, in fact, ""all of a twist.""[14] However, Oliver and his name may have been based on a young workhouse boy named Peter Tolliver whom Dickens knew while growing up.[15]
 Bill Sikes's dog, Bull's-eye, has ""faults of temper in common with his owner"" and is an emblem of his owner's character. The dog's viciousness represents Sikes's animal-like brutality while Sikes's self-destructiveness is evident in the dog's many scars. The dog, with its willingness to harm anyone on Sikes's whim, shows the mindless brutality of the master. This is also illustrated when Bull's-eye dies immediately after his master.[16]
 Nancy, by contrast, redeems herself at the cost of her own life and dies in a prayerful pose. She is one of the few characters in Oliver Twist to display much ambivalence. Her storyline in the novel strongly reflects themes of domestic violence and psychological abuse at the hands of Bill. Although Nancy is a full-fledged criminal, indoctrinated and trained by Fagin since childhood, she retains enough empathy to repent her role in Oliver's kidnapping, and to take steps to try to atone. As one of Fagin's victims, corrupted but not yet morally dead, she gives eloquent voice to the horrors of the old man's little criminal empire. She wants to save Oliver from a similar fate; at the same time, she recoils from the idea of turning traitor, especially to Bill Sikes, whom she loves. When Dickens was later criticised for giving to a ""thieving, whoring slut of the streets"" such an unaccountable reversal of character, he ascribed her change of heart to ""the last fair drop of water at the bottom of a dried-up, weed-choked well"".[17]
 Dickens has been accused of portraying antisemitic stereotypes because of his portrayal of the Jewish character Fagin in Oliver Twist. Paul Vallely writes that Fagin is widely seen as one of the most grotesque Jews in English literature, and one of the most vivid of Dickens's 989 characters.[18] Nadia Valman, in Antisemitism: A Historical Encyclopedia of Prejudice and Persecution, argues that Fagin's representation was drawn from the image of the Jew as inherently evil, that the imagery associated him with the Devil, and with beasts.[19]
 The novel refers to Fagin 274 times[20] in the first 38 chapters as ""the Jew"", while the ethnicity or religion of the other characters is rarely mentioned.[18] In 1854, The Jewish Chronicle asked why ""Jews alone should be excluded from the 'sympathizing heart' of this great author and powerful friend of the oppressed."" Dickens (who had extensive knowledge of London street life and child exploitation) explained that he had made Fagin Jewish because ""it unfortunately was true, of the time to which the story refers, that that class of criminal almost invariably was a Jew.""[21] It is widely believed that Fagin was based on a specific Jewish criminal of the era, Ikey Solomon.[22] Dickens commented that by calling Fagin a Jew he had meant no imputation against the Jewish people, saying in a letter, ""I have no feeling towards the Jews but a friendly one. I always speak well of them, whether in public or private, and bear my testimony (as I ought to do) to their perfect good faith in such transactions as I have ever had with them.""[23] Eliza Davis, whose husband had purchased Dickens's home in 1860 when he had put it up for sale, wrote to Dickens in protest at his portrayal of Fagin, arguing that he had ""encouraged a vile prejudice against the despised Hebrew"", and that he had done a great wrong to the Jewish people. While Dickens first reacted defensively upon receiving Davis's letter, he then halted the printing of Oliver Twist, and changed the text for the parts of the book that had not been set, which explains why after the first 38 chapters Fagin is barely called ""the Jew"" at all in the next 179 references to him. A shift in his perspective is seen in his later novel Our Mutual Friend, as he redeems the image of Jews.[18]
 Contemporary reviewers including John Forster and the Literary Gazette praised the book for its realistic depiction of social conditions. However others such as Richard Ford considered it an exaggeration of poverty.[24]
 Dickens's novel has been recorded many times as an audiobook. Notable recordings include:",2106,"Main page; Contents; Current events; About Wikipedia; Help; Learn to edit; Community portal; Upload file; ; learn more; Article; Talk; Read; Read; Upload file; Oliver Twist (character); Oliver Twist (disambiguation); ; George Cruikshank; Charles Dickens; George Cruikshank; novel; Bentley's Miscellany; Richard Bentley; OCLC; The Pickwick Papers; Nicholas Nickleby; Wikisource; Charles Dickens; serial; three-volume book; titular orphan; workhouse; Fagin; Bunyan; The Pilgrim's Progress; William Hogarth; A Rake's Progress; A Harlot's Progress; social novel; child labour; domestic violence; street children; Robert Blincoe; 1948 film of the same name; Alec Guinness; Oliver!; Oscar; 1968 film; Oliver & Company; ; Bentley's Miscellany; The Mudfog Papers; George Cruikshank; ; Mr Bumble; Kyd (Joseph Clayton Clarke); Oliver Twist; workhouse; Mudfog; gruel; Mr Sowerberry; ; George Cruikshank; Artful Dodger; Oliver; Fagin; Fagin; ; Bill Sikes; Fred Barnard; Nancy; Bill Sikes; ; 'Kyd'; transportation to Australia; ; Fagin; George Cruikshank; Newgate Prison; Oliver Twist; Mr Bumble; beadle; Mr Sowerberry; undertaker; chimney sweep; Mr Brownlow; Rose Maylie; butler; handyman; Fagin; Bill Sikes; burglar; Artful Dodger; Charley Bates; Nancy; Monks; ; Kyd (Joseph Clayton Clarke); ; Kyd (Joseph Clayton Clarke); Poor Laws; fairy tale; happy ending; ; Oliver; George Cruikshank; toasting fork; ; Restoration Comedy; Henry Fielding; domestic violence; psychological abuse; Fagin § Allegations of antisemitism; antisemitic; Paul Vallely; The Jewish Chronicle; Ikey Solomon; Our Mutual Friend; John Forster; Literary Gazette; Richard Ford; Basil Rathbone; Columbia Masterworks Records; Columbia Records; Decca Records; James Mason; Anthony Quayle; Caedmon Records; Paul Scofield; Martin Jarvis; Alex Jennings; Penguin Audiobooks; Miriam Margolyes; Blackstone Audio; Jonathan Pryce; ; Marylebone Theatre; Oliver Twist; Edith Storey; Elita Proctor Otis; Oliver Twist; Thomas Bentley; Oliver Twist; Nat C. 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Peau d'Âne,https://fr.wikipedia.org/wiki/Peau_d%27Âne,"Pour les articles homonymes, voir Peau d'âne (homonymie).
 
 Peau d’Âne est un conte populaire. La version la plus célèbre est celle de Charles Perrault, parue en 1694, puis rattachée aux Contes de ma mère l'Oye à partir de l'édition de 1781, « première édition complète ». Selon la nouvelle classification des contes de Ruth B. Bottigheimer[1], il s'agirait du premier[N 1] conte de fées français écrit.  
 Louis XIV enfant se plaignait à sept ans de ne plus pouvoir s'endormir en écoutant sa nourrice lui raconter Peau d'Âne, et dans Le Malade imaginaire de Molière (édition originale de 1682), la petite Louison en parle. De même La Fontaine en 1678 dans le Pouvoir des fables[3].
 Mourante, une reine se fait promettre par le roi de ne prendre pour nouvelle épouse qu'une femme plus belle et mieux faite qu'elle. Après la mort de celle-ci, le roi accablé de tristesse dit à sa fille qu'il ne veut plus jamais la revoir. Le temps passe et le roi se voit dans l'obligation de se remarier pour faire un héritier. Ne manquant pas à sa promesse, il se met à chercher sa future reine, seulement aucune des femmes du royaume n'est assez belle pour qu'il puisse l'épouser. La seule personne capable de rivaliser avec la beauté de sa défunte femme n'est autre que sa propre fille, et le roi la demande en mariage.
 Pour échapper à cette union incestueuse et sur les conseils de sa marraine, la princesse demande à son père par trois fois, pour sa dot, des robes irréalisables : elle demande d'abord une robe couleur de temps, puis une robe couleur de lune et enfin une robe couleur de soleil. Mais contre toute attente, il parvient toujours à les lui offrir. Elle lui demande alors de sacrifier son âne qui produit des écus d'or en guise de crottin, son plus précieux trésor, et le roi s'exécute. La princesse s'enfuit alors du château, revêtue de la peau de l'âne. Elle emporte avec elle sa toilette et ses plus belles robes.
 Peau d'âne s'installe dans un petit village d'un royaume voisin et travaille comme souillon, vivant dans une simple cabane. Le prince d’un autre royaume, vient en visite au village, en se promenant arrive à sa maison et la voit, parée de sa robe couleur soleil. Ébloui par sa beauté, il en tombe amoureux et rentrant au palais se meurt d'amour. Il demande alors que Peau d'âne lui fasse un gâteau. En faisant la pâte du gâteau, elle laisse échapper sa bague dedans sans s'en rendre compte. Le prince, manquant de s'étouffer avec celle-ci, demande immédiatement que toutes les femmes et demoiselles du pays, de la plus noble à la plus humble, viennent essayer la bague au château. Aucune ne peut passer cette dernière. On fait alors venir Peau d'âne au château. Son doigt entre dans la bague, sa peau d'âne tombe et laisse apparaître sa plus belle robe. Le prince peut alors l'épouser, les fêtes pour leurs noces durent trois mois et laissent tous les plus grands princes du monde entier défiler.
 Son père invité également, se rend compte de son erreur et demande pardon à sa fille, lui donnant sa bénédiction pour son mariage et sa nouvelle vie de reine.
 Une interprétation fait dériver le conte de Peau d'âne d'un mythe préhistorique semblable à celui de la femme-cygne, où l'animal central serait un mammifère quadrupède[4] et que l'on pourrait mettre en rapport de transformation structural avec le motif mythique de la ménagère mystérieuse[5].
 L'existence du conte est attestée pour la première fois, au XVIe siècle, dans les Propos rustiques (1547) de Noël du Fail (c. 1520–1591)[6],[7]. L'existence d'un conte oral est attestée au XVIIe siècle par le Page disgracié (1643) de Tristan L'Hermite, plus tard par les Mémoires (1624–1666) de Pierre de La Porte (1603–1680), premier valet de chambre (1643–1653) de Louis XIV enfant[6] (le mémorialiste s'y souvient, à plusieurs décennies de distance, du goût du petit prince pour « les contes de Peau d'Âne » en 1645), par le Virgile travesti (1648) et le Roman comique (1651) de Paul Scarron (1610–1660)[7], les Mémoires (1651) du cardinal de Retz (1613–1679)[6], l'Ovide Bouffon (1662) de Louis Richer[6], la Dissertation sur Joconde (1669) de Nicolas Boileau (1636–1711)[6], le Malade imaginaire (1673, acte II, sc. 8) de Molière (1622–1673)[6],[7],[8] et le Pouvoir des fables (1678) de Jean de La Fontaine (1621–1695)[6],[7],[8].
 Un certain nombre de textes du Moyen Âge présentent des éléments caractéristiques du conte[9].
 Les frères Grimm ont publié une version de ce conte en allemand sous le titre Allerleirauh, traduit parfois en Peau de mille-bêtes ou Toutes-Fourrures (1812). Dans cette version, le personnage de la marraine est absent et l'héroïne porte un manteau de mille fourrures.
 Il existe également plusieurs versions africaines[4].
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 Charles Deulin collected another, French version in his Contes du Roi Cambrinus (1874), which he credited to the Grimm version.[2] Alexander Afanasyev collected two Russian variants, entitled ""The Night Dances"", in his Narodnye russkie skazki.[3]
 Its closest analogue is the Scottish Kate Crackernuts, where it is a prince who is obliged to dance every night.[citation needed]
 The tale was published by the Brothers Grimm in the first edition of Kinder- und Hausmärchen, volume 2, in 1815. Their source was Jenny von Droste-Hülshoff. It was originally numbered 47 but appeared as KHM 133 in subsequent editions.[1]
 In a kingdom lives a king and his twelve daughters. The twelve princesses sleep in twelve beds in the same bedroom, the doors to which their father locks every night. But every morning, the king unlocks his daughters' bedroom doors to find their shoes worn out as if they have been dancing all night. The king, perplexed, promises that any man who can solve the mystery can marry any of the twelve princesses and inherit the kingdom, but every suitor will be given only three days and three nights to discover the princesses' secret, or he will be beheaded.
 Many princes attempt to discover where the twelve princesses dance every night, but all of them fail and are executed. An old soldier, returning from war, meets an old woman to whom he tells of his decision to try the king's challenge. The old woman warns the soldier to avoid drinking the wine the princesses will give him and to pretend to be fast asleep until they leave, and gives him an invisibility cloak that he can use to observe them.
 The soldier is well received at the palace and in the evening, the eldest princess comes to his chamber and offers him a cup of wine. The soldier, remembering the old woman's advice, secretly pours the wine into a sponge he has tied under his chin and lies on his bed, snoring loudly as if he were asleep.
 The twelve princesses, assured that the soldier is asleep, dress themselves in fine dancing gowns and escape from their room by a trapdoor  beneath the eldest one's bed. The soldier, seeing this, puts on his invisibility cloak and follows them down a flight of stairs. He steps on the gown of the youngest princess, whose cry of alarm to her sisters is rebuffed by the eldest. The passageway leads them to three groves of trees: the first having silver trees, the second golden trees, and the third diamond trees. The invisible soldier breaks off a twig from each grove as evidence, scaring the youngest princess each time he does so. Whenever the youngest princess warns her sisters of the sounds of wood cracking, the eldest dismisses them as salutes. They walk on until they come upon a great clear lake where twelve princes, in twelve boats, are waiting for the twelve princesses. Each princess gets into one boat, the soldier boarding the same one as the youngest princess. The twelfth prince complains to the twelfth princess that their boat is heavier than usual, unaware that the soldier is also on board. On the other side of the lake stands a castle, into which the twelve princesses go and dance the night away.
 The twelve princesses happily dance until three in the morning when their shoes are worn out and they must leave. When the twelve princes row the twelve princesses back across the lake, the soldier sits by the eldest. When they reach the top of the secret staircase, the soldier runs ahead of the twelve princesses and lies back in his bed, snoring to trick them into thinking that their secret remains safe.
 The soldier does not tell the king of his discovery right away, and follows and spies on the twelve princesses on the second and third nights, with everything happening just as before, except that on the third night, the soldier carries away a cup as a fourth token of where he has been. When the time comes for him to declare the princesses' secret, the soldier presents before the king the three twigs and the cup, and tells the king about all he has seen. The princesses know that there is no use in denying the truth, and confess. The soldier chooses the eldest princess as his bride for he is no longer a young man, and is made the king's heir.
 The twelve princes are cursed for as many nights as they have danced with the twelve princesses.
 The Brothers Grimm learned the tale from their friends, the Haxthausens, who had heard the tale in Münster. Other versions were known in Hesse and Paderborn. In the Hesse version, only one princess is believed to be responsible for wearing out a dozen shoes every night until a young shoemaker's apprentice discovers that she is joined by eleven other princesses in the revels. The spell is broken, and the apprentice marries the princess. In the Paderborn version, it is three princesses who dance nightly in a palace escorted by three giants.[4] This version introduces the ruse of the soldier disposing of the drugged wine and pretending to be asleep.[5]
 Victorian editors disliked the ""do or die"" aspect imposed upon those willing to discover the Princesses' whereabouts, and found ways to avoid it. The candidates who failed simply vanished without explanation instead of being sent to their deaths. Andrew Lang's version has the questing princes vanish and it is revealed they have been enchanted and trapped in the underground world. The hero of Lang's version is a cowherd named Michael, who marries the youngest princess, Lina, not the eldest. Her sisters each marry one of the contestants once they are freed from the enchantment.
 The garden of trees with gold, silver, and diamond leaves recalls a similar garden in the Sumerian epic of Gilgamesh.[5]
 The Princesses in the Grimms' version are often portrayed as somewhat malicious characters, showing no remorse for lying to their father, and repeatedly giving their suitors drugged wine to ensure that their mystery remains unsolved, despite knowing that those who fail are put to death in some versions of the story.
 The tale is not likely to be earlier than the 17th century and many variants are known from different countries.[6]
 In variants, the princesses vary in number, sometimes being just one maiden. In other variants, the princess goes to a night dance with a supernatural character, such as the Devil.
 A French literary version exists, penned by Charles Deulin in his Contes du Roi Cambrinus.[21]",1142,"Main page; Contents; Current events; About Wikipedia; Help; Learn to edit; Community portal; Upload file; ; learn more; Article; Talk; Read; Read; Upload file; ; Aarne–Thompson; Kinder- und Hausmärchen; Kate Crackernuts; German; fairy tale; Brothers Grimm; Grimm's Fairy Tales; Aarne-Thompson; Charles Deulin; Alexander Afanasyev; Narodnye russkie skazki; Kate Crackernuts; citation needed; Brothers Grimm; Kinder- und Hausmärchen; kingdom; king; princesses; father; shoes; dancing; marry; beheaded; princes; soldier; war; wine; invisibility cloak; palace; sponge; trapdoor; trees; silver; golden; diamond; third; cup; confess; cursed; Münster; Hesse; Paderborn; Andrew Lang; Sumerian; Gilgamesh; Scotland; France; Portugal; Germany; Denmark; Iceland; Czech Republic; Slovakia; Hungary; Romania; Russia; Armenia; Cape Verde; Turkey; Arabic; India; Bengal; Uzbek; Charles Deulin; ; verification; adding citations to reliable sources; Learn how and when to remove this message; ; Jeanette Winterson; Sexing the Cherry; Fernsehen der DDR; DEFA; Happily Ever After: Fairy Tales for Every Child; Barbie in the 12 Dancing Princesses; Jim Dale; Freddie Jones; Gloria Grahame; Walter de la Mare; Robin McKinley; The Door in the Hedge; Robin McKinley; The Door in the Hedge; Ellen Kushner; Patricia A. 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L.; Charles Deulin; ISBN; JSTOR; ; ; Standard Ebooks; Project Gutenberg; Project Gutenberg; v; t; The Brothers Grimm; Jacob Grimm; Wilhelm Grimm; Grimms' Fairy Tales; Deutsche Sagen; Deutsche Mythologie; Deutsches Wörterbuch; Bearskin; The Brave Little Tailor; Brother and Sister; Cat and Mouse in Partnership; Cinderella; The Devil with the Three Golden Hairs; Doctor Know-all; The Dog and the Sparrow; The Elves and the Shoemaker; The Fisherman and His Wife; The Four Skillful Brothers; The Frog Prince; The Gnome; Godfather Death; The Golden Bird; The Golden Goose; The Goose Girl; The Goose-Girl at the Well; The Grave Mound; Hans My Hedgehog; Hansel and Gretel; The Hut in the Forest; The Jew Among Thorns; Jorinde and Joringel; The Juniper Tree; The King of the Golden Mountain; King Thrushbeard; Little Red Riding Hood; Mary's Child; Mother Holle; Old Hildebrand; Old Sultan; Pied Piper of Hamelin; The Queen Bee; Rapunzel; The Riddle; The Robber Bridegroom; Rumpelstiltskin; The Seven Ravens; The Singing, Springing Lark; The Six Servants; The Six Swans; Sleeping Beauty; Snow White; Snow-White and Rose-Red; The Story of the Youth Who Went Forth to Learn What Fear Was; The Three Little Men in the Wood; The Three Spinners; Thumbling; Town Musicians of Bremen; Trusty John; The Turnip; The Twelve Brothers; The Water of Life; The White Snake; The Wolf and the Seven Young Goats; The Wonderful Musician; Grimm's law; Göttingen Seven; Grim Tales; The Wonderful World of the Brothers Grimm; Once Upon a Brothers Grimm; Grimm's Fairy Tale Classics; Simsala Grimm; The Brothers Grimm; Grimm Tales; The Sisters Grimm; Fairy tale; American McGee's Grimm; German Fairy Tale Route; Grimm; Once Upon a Time; The 10th Kingdom; The Grimm Variations; Category; v; t; Brothers Grimm; Barbie in the 12 Dancing Princesses; Wildwood Dancing; Princess of the Midnight Ball; Entwined; Categories; Grimms' Fairy Tales; Fictional princesses; Fictional footwear; Fiction about magic; German fairy tales; Female characters in fairy tales; Indian fairy tales; Indian folklore; Indian literature; ATU 300-399; 12 (number); Works about princesses; Articles with short description; Short description is different from Wikidata; Articles containing German-language text; All articles with unsourced statements; Articles with unsourced statements from May 2020; Articles needing additional references from November 2016; All articles needing additional references; Articles with unsourced statements from November 2021; Commons category link from Wikidata; Articles with Project Gutenberg links; Creative Commons Attribution-ShareAlike 4.0 License; About Wikipedia; Disclaimers",Categories; Grimms' Fairy Tales; Fictional princesses; Fictional footwear; Fiction about magic; German fairy tales; Female characters in fairy tales; Indian fairy tales; Indian folklore; Indian literature; ATU 300-399; 12 (number); Works about princesses,/static/images/icons/wikipedia.png; /static/images/mobile/copyright/wikipedia-wordmark-en.svg; /static/images/mobile/copyright/wikipedia-tagline-en.svg; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/8/8a/Elenore_Abbott_-_The_Shoes_that_Were_Danced_to_Pieces_-_1920.jpg/220px-Elenore_Abbott_-_The_Shoes_that_Were_Danced_to_Pieces_-_1920.jpg; //upload.wikimedia.org/wikipedia/en/thumb/9/99/Question_book-new.svg/50px-Question_book-new.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/4/4d/ChildrensTheareMaine1942.jpg; //upload.wikimedia.org/wikipedia/en/thumb/4/4a/Commons-logo.svg/12px-Commons-logo.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/4/4c/Wikisource-logo.svg/15px-Wikisource-logo.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/en/thumb/9/96/Symbol_category_class.svg/16px-Symbol_category_class.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/en/thumb/4/4a/Commons-logo.svg/12px-Commons-logo.svg.png; https://login.wikimedia.org/wiki/Special:CentralAutoLogin/start?type=1x1; /static/images/footer/wikimedia-button.svg; /w/resources/assets/poweredby_mediawiki.svg
Astérix,https://fr.wikipedia.org/wiki/Astérix,"« Astérix le Gaulois » redirige ici.  Pour l'album de bande dessinée, voir Astérix le Gaulois (album). Pour le film, voir Astérix le Gaulois (film).
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 Astérix, anciennement Astérix le Gaulois, est une série de bande dessinée française créée le 29 octobre 1959 par le scénariste français René Goscinny et le dessinateur français Albert Uderzo dans le no 1 du journal français Pilote. Après la mort de René Goscinny en 1977, Albert Uderzo poursuit seul la série, puis passe la main en 2013 au duo formé de Jean-Yves Ferri (scénario) et de Didier Conrad (dessin). En 2023, la série conserve Didier Conrad comme dessinateur mais c'est Fabcaro qui en assure désormais le scénario. La série compte 40 tomes en octobre 2023.
 La série met en scène les habitants d'un petit village gaulois d'Armorique qui, en 50 av. J.-C. (peu après la conquête romaine), poursuivent seuls la lutte contre l'envahisseur grâce à une potion magique inventée par leur druide, boisson qui donne une force surhumaine à quiconque en boit. Les personnages principaux de la série sont le guerrier Astérix et le livreur de menhirs Obélix, chargés par le village de déjouer les plans des Romains ou d'aller soutenir tout peuple qui a besoin d'aide contre les Romains.
 Publiée dans Pilote de 1959 à 1973, la série est éditée parallèlement en album cartonné, pour les vingt-quatre premiers albums, d'abord aux éditions Dargaud, puis à partir de 1998 aux éditions Hachette, et enfin aux éditions Albert René pour les dix albums suivants. Les ventes cumulées des albums, traduits dans cent dix-sept langues et dialectes, représentent 393 millions d'exemplaires[2], ce qui en fait la deuxième bande dessinée la plus vendue dans le monde après le manga One Piece[3],[4].
 
La série est avant tout humoristique et parodie principalement la société française contemporaine à travers ses stéréotypes et ses régionalismes, ainsi que des traditions et coutumes emblématiques de pays étrangers. Le comique de répétition est très présent avec notamment le naufrage des pirates. Le dessin est lui semi-réaliste, fortement inspiré de l'école de Marcinelle. « Nous sommes en 50 avant Jésus-Christ. Toute la Gaule est occupée par les Romains... Toute ? Non ! Car un village peuplé d'irréductibles Gaulois résiste encore et toujours à l'envahisseur. Et la vie n'est pas facile pour les garnisons de légionnaires romains des camps retranchés de Babaorum, Aquarium, Laudanum et Petibonum… »
 — Légende de la carte de la Gaule ouvrant les albums d'Astérix[5] La légende ainsi que la carte de la Gaule mentionnées ci-dessus ont été supprimées de l'album Astérix et la Transitalique paru en 2017 sans que l'éditeur, Hachette, ne donne d'explication. Ces dernières sont réapparues dans l'album La Fille de Vercingétorix paru en 2019.
 Ce village gaulois d'Armorique résiste à l'envahisseur grâce à la potion magique préparée par le druide Panoramix, qui procure momentanément une force surhumaine à qui en boit.
 La bande dessinée se focalise principalement sur l'un des habitants de ce village, Astérix, courageux guerrier, qui se sert non seulement de la potion magique, mais aussi de son intelligence pour déjouer les plans de Jules César et défendre son village de l'envahisseur.
 
Le premier album mis à part, Astérix est accompagné dans toutes ses aventures par son ami Obélix, le seul Gaulois chez qui les effets de la potion magique sont permanents depuis qu’il est tombé dans une marmite de potion lorsqu'il était petit. À partir du cinquième album (Le Tour de Gaule d'Astérix), les deux héros sont accompagnés par Idéfix, un petit chien qu'adopte ensuite Obélix. La série a pour tradition d'alterner les aventures en Gaule et à l'étranger[6],[7].  « Le personnage a été inventé en deux heures par Uderzo et moi, dans un éclat de rire ! »
 — René Goscinny[8] Le duo René Goscinny-Albert Uderzo se forme dès le début des années 1950 et mène rapidement de nombreux projets en commun au sein de l'agence World Press, fondée par Georges Troisfontaines. Leur première collaboration aboutit à la création d'une série humoristique, Oumpah-Pah le Peau-Rouge, qu'ils ne parviennent pas à faire publier. Georges Troisfontaines leur commande alors une rubrique sur la manière de bien se tenir dans le monde, intitulée Qui a raison ?, qu'il place dans l'hebdomadaire féminin Les Bonnes Soirées édité par Dupuis. Uderzo l'illustre de 1951 à 1953 mais Goscinny, lassé du sujet, cesse de fournir des textes en 1952. Le duo crée également les séries Jehan Pistolet, publiée dans le supplément jeunesse de La Libre Belgique à partir de 1952, puis Luc Junior, publiée dans le même journal à partir de 1954[c 1].
 En 1956, Goscinny et Uderzo, accompagnés du scénariste Jean-Michel Charlier et de Jean Hébrard, quittent World Press pour fonder leurs propres agences de presse et de publicité, Édifrance et Édipresse[c 2]. En 1959, le publicitaire François Clauteaux lance Pilote, un journal pour les enfants financé par Radio Luxembourg[b 1], et charge les quatre associés d'assurer la partie bande dessinée du nouveau périodique. Uderzo et Goscinny se proposent d'abord d'adapter le Roman de Renart et quelques planches sont réalisées pour la maquette du journal. Mais le dessinateur Raymond Poïvet leur apprend que le dessinateur Jean Trubert a déjà réalisé une bande dessinée sur le même thème pour le journal Vaillant. Déçu, le duo cherche une nouvelle idée[b 2].
 À deux mois de la sortie du journal, ils sont réunis dans l'appartement d'Uderzo à Bobigny, en face du cimetière de Pantin[9],[d 1]. Goscinny songe à une bande relevant du « folklore français » et demande à Uderzo de lui énumérer les grandes périodes de l'histoire de France. Ce dernier commence par le paléolithique puis enchaîne sur les Gaulois, une période qui s'impose comme une évidence car inédite en bande dessinée[d 2]. En quelques heures, les deux compères créent le village gaulois et ses habitants. Goscinny imagine un personnage malin, au petit gabarit, prenant le contre-pied des héros habituels des bandes dessinées de l'époque[c 2]. Pour satisfaire ses préférences de dessinateur, Uderzo lui adjoint un second rôle au gabarit imposant qui devient, d'un commun accord entre les auteurs, livreur de menhirs. Astérix et Obélix sont nés[d 3],[c 2].
 La série intègre à temps le journal Pilote pour son lancement le 29 octobre 1959. Le premier numéro s'écoule à 300 000 exemplaires[c 3] et l'histoire intitulée Astérix le Gaulois fait de la série l'une des plus plébiscitées par les lecteurs[b 3]. Malgré ce succès, le journal manque rapidement d'argent[d 4] et, pour survivre, il est racheté pour un franc symbolique par Georges Dargaud, ainsi que les séries qui le composent[d 5].
 Forts du succès d'Astérix le Gaulois, les auteurs enchaînent avec une deuxième histoire intitulée La Serpe d'or, publiée à partir du 11 août 1960 dans Pilote[j 1]. C'est la première fois que les deux héros s'éloignent des environs du village, pour se rendre à Lutèce afin d'y acheter une nouvelle serpe pour le druide Panoramix. C'est également dans cet épisode que le barde est mis à l'écart pour le banquet final, bâillonné et attaché à un arbre par ses compères qui ne supportent pas son chant, une scène qui deviendra récurrente dans les différents albums d'Astérix[e 1]. En 1961, un premier album de la série est édité par Hachette dans la « Collection Pilote », reprenant l'intégralité de l'histoire Astérix le Gaulois[j 2]. Le livre se vend alors à 6 000 exemplaires[e 2]. La même année, la parution de la troisième histoire, Astérix et les Goths, démarre dans Pilote[j 3]. C'est la première fois qu'Astérix et Obélix s'aventurent hors de la Gaule[e 3].
 Devenues la série phare du journal, les aventures des Gaulois occupent presque en continu la place privilégiée de la dernière page pendant quatre années, de 1961 à 1965[c 4]. Astérix gladiateur, quatrième volet de la série, paraît à partir de mars 1962 et marque l'apparition d'un nouveau gag récurrent. Uderzo et Goscinny y font un clin d’œil à Victor Hubinon et Jean-Michel Charlier et leur série Barbe-Rouge, publiée elle aussi dans Pilote, en faisant croiser la route d'Astérix et Obélix à un équipage de pirates, dont le bateau fait naufrage[j 4]. Les ventes d'albums explosent : ce quatrième opus atteint la première année 150 000 exemplaires vendus, tandis que les premiers retirages font s'accroître le nombre d'albums mis sur le marché. Le succès d'Astérix dépasse largement le cadre de la bande dessinée : plusieurs journaux réputés sérieux commencent à s'intéresser à la série pendant l'été 1965, tandis que la même année, le premier satellite français lancé dans l'espace est officieusement baptisé Astérix par ses concepteurs[c 5].
 L'histoire suivante, intitulée Le Tour de Gaule d'Astérix, dont la parution a débuté février 1963, est une caricature des régionalismes français[j 5]. C'est aussi l'entrée d'un personnage important de la série, le chien Idéfix, qui suit Astérix et Obélix durant toute l'aventure sans que ceux-ci ne le remarquent avant la dernière planche[a 1]. Un concours est lancé dans les pages de Pilote pour le baptiser[e 4].
 La sortie du film Cléopâtre, en 1963, l'une des réalisations les plus chères de l'histoire du cinéma, avec la présence d'Elizabeth Taylor dans le rôle-titre, inspire aux deux auteurs le thème de la sixième aventure de la série, Astérix et Cléopâtre, dans laquelle les deux héros se rendent en Égypte en compagnie du druide Panoramix[c 6]. L'annonce dans Pilote de la parution de cette nouvelle aventure, de même que la couverture originale de l'album, parodient l'affiche du film de Mankiewicz[e 5].
 L'année suivante, Le Combat des chefs est selon Le Figaro une raillerie de la campagne de l'élection présidentielle en cours, mais évoque aussi, toujours selon le journal, un sujet plus grave : la collaboration pendant la seconde guerre mondiale, en assimilant les Gallo-Romains aux Français qui pactisaient avec l'occupant allemand[e 6].
 L'histoire Astérix chez les Bretons, parue dans Pilote à partir de septembre 1965[j 6], confirme le succès grandissant de la série : le tirage initial de l'album s'élève à 400 000 exemplaires, soit le double de l'album précédent. Parallèlement, la direction de Pilote adopte le sous-titre « le journal d'Astérix et d'Obélix » pour son hebdomadaire, signalant ainsi la place prééminente de la série auprès des lecteurs[c 5]. L'année suivante, dans la neuvième aventure, Astérix et les Normands, ces derniers débarquent en Gaule avec neuf siècles d'avance sur la réalité historique. Les ventes d'album décollent littéralement et 1,2 million d'exemplaires sont vendus en deux jours[e 7].
 Le premier personnage féminin d'importance majeure, Falbala, fait son apparition la même année alors que commence la parution de la dixième aventure, Astérix légionnaire[e 8]. L'histoire suivante, Le Bouclier arverne, publiée dès le mois de juin 1967[j 7], aborde une nouvelle fois le thème de la collaboration sous l'occupation[h 1].
 À la fin de l'année 1967, la première adaptation des aventures d'Astérix en dessin animé sort sur les écrans. Astérix le Gaulois, produit par les studios Belvision à l'insu des deux auteurs de la série et avec la complicité de Georges Dargaud, réunit 2 415 920 spectateurs, contribuant ainsi à faire connaître les aventures du Gaulois à un public encore plus élargi[c 7],[10]. Alors qu'une deuxième adaptation est en cours de production chez Belvision, à partir de l'album La Serpe d'or, Uderzo et Goscinny opposent cette fois-ci leur veto et parviennent à convaincre Dargaud de financer un projet plus ambitieux, l'adaptation d'Astérix et Cléopâtre, un long métrage dont ils superviseront l'intégralité de la direction artistique[c 7]. À sa sortie en 1968, le film est un nouveau succès, avec près de deux millions d'entrées en salle[10].
 Parallèlement, le duo Goscinny-Uderzo poursuit l'écriture de nouvelles aventures : les auteurs s'inspirent de l'actualité pour rédiger le scénario de Astérix aux Jeux olympiques, en l'occurrence les Jeux olympiques d'été de 1968 à Mexico. Cette histoire permet à Albert Uderzo de démontrer ses talents de dessinateur réaliste à travers la représentation des villes d'Athènes et d'Olympie[c 8]. L'album aborde également un sujet qui fait polémique à l'époque de la création de la série, la question du dopage, soulevée par l'utilisation de la potion magique[e 9]. Le montant élevé de leurs impôts, dû au succès de la série, leur aurait inspiré le scénario d'Astérix et le Chaudron, treizième épisode d'Astérix[e 10].
 Suit Astérix en Hispanie, une parodie de l'Espagne des années 1960, envahie par les touristes en été[e 11], puis La Zizanie, qui s'inspire des événements survenus au sein de la rédaction de Pilote en mai 1968. Violemment contesté, René Goscinny, alors rédacteur en chef du journal, est victime d'une fronde de jeunes auteurs, menée par Jean Giraud, pour prendre le pouvoir au sein de la rédaction[e 12]. C'est également dans cet épisode qu'il est donné pour la première fois une réelle importance aux personnages féminins, dont l'épouse du chef, Bonemine. Toutes s'apparentent à des mégères avides de ragots, au physique peu flatteur, à l'exception de la jeune et coquette compagne du doyen du village, Agecanonix, ce qui vaut aux auteurs un certain nombre d'accusations de misogynie[e 13]. L'histoire suivante, Astérix chez les Helvètes leur est directement suggérée par Georges Pompidou, alors premier ministre[c 9]. Albert Uderzo précise : « Nous n’avons pas réalisé cet album tout de suite, pour ne pas lui faire croire que c’était son idée qui avait fait du chemin. On a sa dignité, dans la BD[j 8] ! » Dans cette aventure, les Gaulois font cause commune avec les Romains : sur fond de corruption, ils viennent en aide à un questeur romain contre un gouverneur qui détourne les impôts à son profit[e 14].
 Les deux auteurs poursuivent la critique de la société française au fil des aventures. En 1971, c'est à partir de la polémique qui s'ouvre avec le bétonnage des bords de plage français que naît l'histoire Le Domaine des dieux, dans laquelle César a l'idée de faire disparaître la forêt autour du village en construisant un complexe immobilier, afin d'isoler les Gaulois[e 15]. Dans Les Lauriers de César, ce sont les nouveaux riches qui sont brocardés, en la personne d'Homéopatix, le beau-frère du chef Abraracourcix[e 16]. Le Devin, dix-neuvième volet des aventures d'Astérix, pointe la crédulité de la plupart des habitants du village, victime d'un charlatan ayant fait alliance avec les Romains, le devin Prolix[j 9].
 
Le 31 mai 1973 commence la parution d'une nouvelle histoire, Astérix en Corse, qui est d'ailleurs la dernière aventure d'Astérix à paraître dans les colonnes de l'hebdomadaire Pilote. En 14 ans, 880 pages du journal auront été consacrées à la série[j 10]. Pour l'occasion, les auteurs effectuent leur premier voyage d'étude sur place. L'album offre un concentré de stéréotypes nourris sur les Corses, de la pratique de l'omertà à la prétendue paresse des insulaires en passant par leur susceptibilité[e 17].  L'année 1974 marque la fondation des Studios Idéfix, qui aboutissent à la sortie du troisième dessin animé de la série, Les Douze Travaux d'Astérix, deux années plus tard. Contrairement aux deux précédents films, celui-ci n'est pas issu de l'adaptation d'un album, mais de l'écriture d'un scénario original par René Goscinny, épaulé par Pierre Tchernia[c 10]. En 1974 sort également le vingt et unième album d'Astérix, intitulé Le Cadeau de César, dont le quotidien Le Monde fait son feuilleton d'été[11],[e 18] Cet épisode raconte les rivalités qui peuvent apparaître au cours d'une élection locale. Le duel politique qui oppose le chef Abraracourcix à un nouveau venu dans le village, nommé Orthopédix, est un clin d’œil à la campagne électorale qui oppose Valéry Giscard d'Estaing à François Mitterrand lors de l'élection présidentielle de 1974[j 11]. Astérix et Obélix partent ensuite à la découverte de l'Amérique, dans La Grande Traversée, parue en 1975[e 19]. La vingt-troisième aventure d'Astérix, dont la prépublication est assurée par Le Nouvel Observateur[c 5], tourne en dérision l'économie libérale. Dans cet épisode, intitulé Obélix et Compagnie, un jeune technocrate romain tente d'introduire la loi de l'offre et de la demande dans le village gaulois, ce qui crée une rivalité entre les habitants, chacun voulant devenir le plus riche et le plus puissant du village[e 20].
 En 1977, un contentieux oppose René Goscinny à son ami et éditeur Georges Dargaud, concernant notamment la gestion des droits étrangers d'Astérix, dans laquelle l'auteur s'estime lésé. Goscinny envisage alors la création d'une maison d'autoédition et demande à Albert Uderzo de suspendre la réalisation des planches de l'épisode suivant de la série, Astérix chez les Belges[12]. Le 5 novembre 1977, René Goscinny meurt brutalement d'une crise cardiaque alors qu'il effectue un test d'effort dans une clinique[13],[c 11]. Albert Uderzo mène seul le projet de Goscinny : en 1979, il achève l'album Astérix chez les Belges[e 21], puis il crée les Éditions Albert René, financées à hauteur de 20 % par Gilberte Goscinny, la veuve du défunt[c 12].
 Contre Georges Dargaud qui considère après la tragique disparition de Goscinny qu'Astérix est mort avec son auteur, Albert Uderzo s'efforce de poursuivre le travail accompli depuis la fin des années 1950 et assure lui-même l'écriture du scénario des albums suivants. Sa première histoire est Le Grand Fossé, qui paraît en 1980 et qui est une référence indirecte au Mur de Berlin qui sépare alors la ville en deux, à l'image du village gaulois traversé par un fossé dans l'album en question[j 12]. L'année suivante, L'Odyssée d'Astérix est l'occasion pour l'auteur de dénoncer les marées noires qui font l'actualité avec le naufrage du Tanio qui souille les plages de l'Île de Batz[e 22]. Suivent Le Fils d'Astérix en 1983[j 13], puis Astérix chez Rahàzade en 1987, une histoire inspirée des Mille et Une Nuits et qui se déroule pour une grande partie en Inde[e 23]. Avec La Rose et le Glaive qui sort en 1991, Albert Uderzo répond une nouvelle fois aux accusations de misogynie envers la série[c 13] : une barde remplace Assurancetourix et entraîne une révolution féministe au sein du village[e 24]. C'est également la première fois que le tirage initial de l'album atteint deux millions d'exemplaires[c 14].
 Alors que la série, véritable succès éditorial, ne cesse de battre des records de vente, Albert Uderzo s'attire peu à peu les critiques de la presse quant aux scénarios de ses aventures, jugés peu aboutis[14]. En 1996, dans La Galère d'Obélix, un album qui mène les héros jusqu'à l'Atlantide, Obélix boit une pleine marmite de potion magique, ce qui le transforme en statue de pierre avant de physiquement redevenir un enfant[e 25]. Dans Astérix et Latraviata, paru en 2001, ce sont les parents des deux héros qui apparaissent[e 26] et dans Le ciel lui tombe sur la tête, Uderzo introduit une dose de science-fiction dans l'histoire avec la venue d'extra-terrestres au village[e 27]. Ce dernier album sort en 2005, mais entretemps paraît Astérix et la Rentrée gauloise, un album regroupant quatorze histoires courtes parues à diverses époques dont une inédite[e 26].
 Parallèlement, Astérix devient un héros de cinéma : le film Astérix et Obélix contre César réalisé par Claude Zidi sort en salle en 1999. Avec un budget annoncé à 275 millions de francs, il devient à l'époque la plus grosse production de langue française de tous les temps[15]. Porté par des comédiens renommés comme Christian Clavier dans le rôle d'Astérix, Gérard Depardieu dans le rôle d'Obélix ou encore Roberto Benigni, le film réalise 9 millions d'entrées en France et 24 millions dans le monde entier[16], mais l'accueil de la presse est plus mitigé[17],[c 6].
 En 2006, les albums sont réédités : les couleurs sont refaites et les dessins de couverture modernisés[18].
 
En 2008, alors qu'il a hissé sa maison d'édition au 63e rang des éditeurs français, Albert Uderzo cède 60 % des parts de sa société au groupe Hachette, qui récupère ainsi les droits sur l'intégralité de la série. Uderzo retourne à sa table de dessin pour signer un nouvel album, L'Anniversaire d'Astérix et Obélix - Le Livre d'or, qui paraît en 2009 pour célébrer le cinquantenaire de la série[19]. Dans cet album d'histoires courtes, le lecteur découvre Astérix et ses amis villageois vieillis de 50 ans, ainsi que de nombreuses parodies et détournements d’œuvres d'art[j 14].  Alors que sa main ne lui permet plus de dessiner, Albert Uderzo envisage un temps que la série s'éteigne avec lui[20], mais il se ravise finalement : en septembre 2011, alors que les éditions Hachette célèbrent les 350 millions d'exemplaires d'Astérix vendus dans le monde, le groupe annonce que l'auteur Jean-Yves Ferri est choisi par Uderzo pour écrire le scénario du prochain album[21]. Cependant, Uderzo déclare en 2018 qu'il supervise fortement le travail de Ferri et Conrad, mais souhaite que la série s'arrête à sa mort[22].
 Astérix chez les Pictes, 35e épisode de la série, est publié le 24 octobre 2013[23]. Le scénario, écrit en six mois par Jean-Yves Ferri[24], envoie Astérix et Obélix en Écosse, alors appelée Calédonie, pour y démêler une affaire de trahison entre deux clans. Le dessin réalisé par Didier Conrad, alors que Frédéric Mébarki, auteur de tous les visuels sur les produits dérivés d'Astérix, était initialement pressenti[25], suit fidèlement le style d'Albert Uderzo[23]. Accueilli plutôt favorablement par la critique[26], ce nouvel album est un succès éditorial : alors que 5 millions d'exemplaires sont imprimés pour le premier tirage, dont 2 millions dédiés à la France, de nouvelles impressions sont commandées en urgence pour répondre à la demande[27]. Quelques semaines plus tard, Albert Uderzo confie dans un entretien accordé à M le magazine du Monde qu'il songe à écrire le scénario d'une nouvelle histoire d'Astérix, sans pour autant en réaliser les dessins[28].
 En 2014, une première adaptation animée en 3D des aventures d'Astérix est réalisée par Alexandre Astier et Louis Clichy. Astérix : Le Domaine des dieux sort en salle le 26 novembre 2014[29]. Le succès est immédiat, tandis que les critiques soulignent la qualité de la réalisation[30], et qu'Uderzo déclare qu'il s'agit du « meilleur film d'Astérix qui soit sorti[29]. »
 Le 31 mars 2015, le scénariste Jean-Yves Ferri dévoile le nom du prochain album d'Astérix : Le Papyrus de César, qui sort le 22 octobre de la même année[31] et est tiré à 4,5 millions d'exemplaires, pour la France.
 Le 18 octobre 2017, un nouvel album, intitulé Astérix et la Transitalique sort dans les librairies françaises et est tiré à environ 5 millions d'exemplaires dont 2 millions pour le marché français. C'est donc le troisième album réalisé par le duo Jean-Yves Ferri-Didier Conrad[32].
 Le 38e album, réalisé par Jean-Yves Ferri et Didier Conrad, sort le 24 octobre 2019. Intitulé La Fille de Vercingétorix, il est tiré à 5 millions d'exemplaires et traduit en vingt langues[33],[34],[35].
 Un album hors série, Le Menhir d'or, est sorti le 21 octobre 2020[36], il s'agit d'une réédition du livre-disque éponyme sorti en 1967, écrit par René Goscinny avec des dessins de Albert Uderzo.
 Astérix et le Griffon, le 39e album d’Astérix, le cinquième du duo Jean-Yves Ferri et Didier Conrad, est sorti le 21 octobre 2021[37].
 L'ébauche d'un scénario non achevée d'une autre aventure d'Astérix, écrite par René Goscinny peu avant sa mort et portant le titre Astérix au cirque, a été découverte dans ses archives. Devant paraître après Astérix chez les Belges, la fille de l'auteur a laissé entendre qu'une tentative de finaliser l'album sera peut-être entreprise dans les prochaines années[38].
 Le 20 décembre 2022, il est annoncé que le scénariste Jean-Yves Ferri laisse sa place, remplacé par Fabcaro. L'Iris blanc, le 40e album, paraît le 26 octobre 2023 et met en avant « nos obsessions contemporaines tout en gardant le charme d'Astérix »[39].
 Outre des personnages historiques comme Jules César ou Cléopâtre, de nombreux personnages existants ou ayant existé sont apparus au fil des albums successifs, sous forme de clins d’œil humoristiques. Par exemple, La Zizanie met en scène un centurion romain qui a les traits de l'acteur Lino Ventura, très populaire à l'époque où l'album a été publié. Cette pratique contribue à donner différents niveaux de lecture à l'œuvre (les enfants, et même les adultes, ne vont pas nécessairement reconnaître toutes les personnalités caricaturées) et empêche de la réduire au rang de « bande dessinée pour enfants ». Dans Le Papyrus de César, Bonus Promoplus, conseiller de Jules César, est une caricature de Jacques Séguéla.
 Les jeux de mots sont très nombreux, Goscinny en a disséminé pour différents âges. Notamment, les noms de la plupart des personnages apparaissant dans les quelque trente albums d'Astérix le Gaulois sont basés sur des jeux de mots, à commencer par le nom d'Astérix, qui évoque le signe typographique appelé « astérisque », et le nom d'Obélix, qui évoque le signe typographique appelé « obélisque » qui peut servir comme appel de note en complément de l’astérisque. On peut également citer le personnage d'Idéfix, dont le nom fait penser à l'expression « idée fixe », mais aussi la Gauloise Iélosubmarine, dont le nom rappelle la chanson des Beatles Yellow Submarine, ou encore le doyen du village, qui s'appelle logiquement Agecanonix (nom évoquant l'expression « âge canonique »), et bien d'autres. Par ailleurs, tous les noms des Gaulois se terminent en -ix, ce qui est en fait une interprétation personnelle des auteurs à partir des noms de chefs gaulois en -rix (roi), par exemple Vercingétorix, alors qu'en réalité les noms masculins se terminaient le plus souvent en -os, ce qui correspond au nominatif masculin singulier latin -us. Les auteurs font également terminer ceux des Gauloises en -ine généralement (Bonemine, Iélosubmarine, etc., Falbala faisant partie des exceptions), ce qui par contre correspond à une certaine réalité. Tous ceux des Normands terminent en -af (Grossebaf, Autograf, Batdaf…), sur le modèle du saint roi Olaf II de Norvège. Tous ceux des Ibères en -on (Soupalognon y Crouton…), des Bretons en -ax (Jolitorax, Antrax…) ou en -os (Zebigbos), des Goths en -ic (Téléféric, Périféric…), conformément aux noms germaniques en -ric, ceux des Romains en -us (Garovirus, Roméomontaigus, Infarctus…), des Grecs en -os ou -as (Plexigas, Invinoveritas…), des Égyptiens en -is (Numérobis, Tournevis, Amonbofis…), des Indiens en -ah ou -ane (Kiçah, Seurhane) et ceux des Pictes et des Calédoniens commencent par mac- (Mac Oloch, Mac Abbeh…). Dans Astérix et la Transitalique, de nouveaux peuples font leur apparition tels que les Koushites (peuple au sud de l'Égypte) dont les noms terminent en -afer (Toutunafer et Niphéniafer), les Sarmates (peuple du nord de la mer noire entre autres) qui terminent en -ov (Ogouguimov, Olyunidislov), les Lusitaniens (Portugal) en -ès (Solilès, Pataquès), les Cimbres (Danemark) comme leurs compatriotes vikings en -en (Neuillisursen, Betåkårøten).
 D'autres jeux de mots sont plus contextuels. Les exemples sont nombreux. Parlant d'Astérix et Obélix se trouvant aux thermes, dans une piscine remplie (par opposition aux autres piscines de l'endroit, précédemment vidées par Obélix), le chef Abraracourcix indique au patron des lieux « Mes Gaulois sont dans la pleine » (allusions aux « Gaulois sont dans la plaine »[40])[41]. Un Gallo-romain (le chef de tribu Aplusbégalix), affiche chez lui un panneau « Rome Sweet Rome » (parodie de la formule anglaise Home sweet home)[42], ou Astérix, s'adressant à un couple de Romains dont la femme se montre généreuse, au contraire de son époux, lui lance « Allez, Romain, sois bon comme la Romaine »[43].
 Le comique de répétition est très présent tout au long de la série. Il se présente sous forme de malentendus entre les personnages ou des problèmes de langages. Certaines scènes reviennent fréquemment, comme le naufrage des pirates qui débute toujours par un cri de peur du personnage Baba la vigie : « Les Gau… les GauGau… » et qui se finit par une citation en latin de Triple-patte, le vieux pirate estropié. Les chants du barde sont aussi très réguliers, et provoquent toujours la fuite des auditeurs ou la neutralisation du barde par les coups[44]. Obélix ponctue ses constats par un « ils sont fous ces… ». Les bagarres dues aux poissons pas frais d'Ordralfabétix et les chutes à répétition du chef du haut de son pavois, qui commencent à partir du quatorzième album Astérix en Hispanie, sont aussi très fréquentes dans la série[45].
 Par ailleurs, en plus d'être ainsi inter-albums (gags se répétant d'un album à l'autre), le comique de répétition est également très présent à l'intérieur même des albums, avec des gags s'y répétant régulièrement. L'album L'Odyssée d'Astérix en est un bon exemple : dans le bateau phénicien, Astérix et Obélix affrontent trois fois d'affilée des navires, avec une même mise en scène (« À chaque fois que je revois cette scène, j'y découvre quelque chose de nouveau ! » commente un membre de l'équipage)[46] ; leur navire reçoit ensuite un « même accueil » (flèches enflammées et boulets) à quatre ports de suite[47] ; et dans le désert, les Gaulois sont attaqués à de multiples reprises par des guerriers de diverses tribus qui les confondent toujours avec leurs ennemis qui arrivent après, le tout accompagné de répliques répétitives et de tout un ensemble construisant un riche comique de répétition[48].
 L'image que la bande dessinée donne de la vie quotidienne en Gaule ne doit pas être prise au pied de la lettre :
 Les personnages ne vieillissent pas d'un album à l'autre dont l'action est censée se dérouler chaque fois en -50, mais il est évident que ces aventures ne peuvent être concomitantes. On peut retracer approximativement la ligne chronologique comme suit :
 Les auteurs prennent donc beaucoup de libertés avec la réalité historique. Leurs héros participent par exemple à des événements antérieurs à -50, telle que l'invasion partielle de la Bretagne insulaire (-55) et celle de la Belgique, qui font partie intégrante de la campagne de la guerre des Gaules, dans les années -50. À l'inverse, les références aux pillages vikings dans Astérix et les Normands, et à l'expédition vers le Vinland dans La Grande Traversée, correspondent à des faits se déroulant bien plus tard, entre le VIIIe siècle et le XIe siècle ; ces anachronismes sont toutefois justifiés, le premier de façon comique par le chef des vikings d'Astérix et les Normands qui précise, page 31, « [qu'ils] ne [sont] pas venus faire la guerre. Pour ça, [leurs] descendants s'en chargeront dans quelques siècles. », et le second par le fait que l'explorateur viking de La Grande Traversée se perçoit comme un visionnaire, et qu'il n'est pas pris au sérieux par sa tribu.
 En règle générale, il convient de rappeler qu'en dépit des efforts de documentation, l'univers d'Astérix est très loin de la réalité historique puisque souvent, il montre plus ou moins la caricature d'un pays moderne dans une forme antique. Il ne s'agit pas d'approximation involontaire, mais d'un esprit de décalage explicite. Par exemple, dans la Lutèce astérixienne (qui tient pour cette Gaule fictive le rôle d'avant-garde de l'art, de la fête et de la mode que tient par la suite le Paris contemporain pour la « province », ce qui en soi, est déjà éloigné de la réalité historique pour la Lutèce de la Gaule romaine), un pigeonnier géant singe trait pour trait la tour Eiffel, tandis que la ville accueille une délégation du comité olympique grec, pour obtenir l'organisation des jeux. Assimiler le fonctionnement des Jeux modernes, se passant dans des lieux à chaque fois différents, à celui des Jeux antiques originaux est absurde sur le plan historique (ils avaient toujours lieu en Grèce à Olympie), mais l'esprit d'Astérix n'est justement pas dans la retranscription fidèle de l'histoire. Autre exemple : la Germanie contemporaine de Jules César (assimilée dans l'album aux seuls peuples Goths, Wisigoths, Ostrogoths, qui n'y apparaissent que plusieurs siècles plus tard) est en partie un amalgame de références au militarisme prussien, au Reich hitlérien, et au célèbre morcellement politique interne du Saint-Empire romain germanique. Dans les îles britanniques, les Bretons jouent au rugby dans des stades, on y croise des roulottes à deux étages rappelant les célèbres bus à impériale londoniens, on montre quatre bardes célèbres qui sont les caricatures des Beatles, etc. La plupart des albums se focalisant sur un peuple en particulier (Gaulois inclus) ont recours à ce schéma de mélange du passé, du présent et des clichés. Un dernier exemple plus fantaisiste encore est celui des « montagnes slaves » installées à l'occasion du Combat des chefs, grands manèges mécaniques présentant une version « barbare » des montagnes russes.
 Cependant, de nombreux éléments historiques véridiques sont habilement intégrés aux aventures d'Astérix : conquête de la Bretagne (même si elle n'est pas le fait de Jules César, qui n'y fait que des incursions), révoltes ibériques, combats de César en Afrique contre les anciens partisans de Pompée, liaison avec Cléopâtre, fonctionnement de l'administration et l'armée romaines : questeurs, vingt ans de service militaire, formation militaire dite en « tortue », etc.
 Le dessin d'Albert Uderzo et de la série est proche de l'école de Marcinelle du journal Spirou, où les dessins sont réalisés de manière semi-réaliste : les personnages sont en partie caricaturés au niveau des expressions et possèdent tous des gros nez[f 1].
 Les expressions sont caricaturées à l’extrême afin de faire rire immédiatement le lecteur. Les nez des personnages sont énormes, chaque détail physique est exagéré. Un personnage ivre a le nez rouge, un gros mangeur a un ventre énorme, un maître autoritaire a un cou démesuré[f 1]. La couleur du visage fait aussi partie de la caricature avec le rouge pour la colère et le vert pour la peur. Dans l'histoire La Grande Traversée, une planche sans parole est consacrée à détailler l'expression des caractères gaulois par Astérix et Obélix, avec la gourmandise représentée par des mains se frottant le ventre et une bouche qui salive, la mauvaise humeur par des sourcils froncés, des mains dans les poches et des épaules remontées, ou encore la bagarre représentée par une posture de boxeur[f 2].
 Les décors que dessine Albert Uderzo naissent la plupart du temps de son imagination et il ne s'aide jamais de photographie ou de documentation. Seule exception pour l'histoire Astérix en Corse où il est allé lui-même en Corse pour se documenter et prendre des photographies de la faune et la flore. Les paysages d'Albert Uderzo sont toujours très détaillés et bien réalisés[f 3].
 Pour dessiner les architectures représentées dans la série, Albert Uderzo n'utilise pas toujours des documents. Ainsi dans l'histoire Le Tour de Gaule d'Astérix, il dessine le port de Gesocribate de l'époque selon son imagination. Par la suite il reçoit un courrier d'un agrégé d'histoire pour le féliciter du tracé du port fidèle à la représentation antique[f 3]. La ville de Lutèce est, elle, représentée selon le tracé de l'actuelle île de la Cité, avec un temple romain à la place de l'Église Notre-Dame de Paris et l'axe de la rue Saint-Jacques[f 4]. Pour la ville de Rome présente dans l'histoire Les Lauriers de César, il s'inspire de la grande maquette de l'architecte Italo Gismondi qui représente Rome sous l'Empereur Constantin Ier[f 5]. Pour l'histoire L'Odyssée d'Astérix, Albert Uderzo fait son second voyage d'étude sur place, après la Corse, pour dessiner un décor. En l’occurrence il part à Jérusalem, il s'inspire notamment de la maquette présente au musée d’Israël pour dessiner le Second Temple de Jérusalem[f 6].
 Le Sénat romain représenté dans la série est entièrement contrôlé par Jules César, qui a acheté la soumission des sénateurs y siégeant ou réduit leur influence. Il semble avoir perdu son rôle de chef de l'État romain au bénéfice de César et ne contrôle même plus la politique extérieure de la République. Quand le Sénat est représenté, il est montré comme une assemblée endormie composée d'anciens militaires ou d'anciens partisans de Pompée, amollis par le luxe et les fortunes acquises, qui créent des commissions et sous-commissions pour enterrer les dossiers ou prévoient de l'examiner lors d'un prochain déjeuner. Ils cherchent avant tout à servir leurs propres intérêts en conservant le pouvoir en place, permettant à César de régner seul sur la République romaine[h 2].
 Comme dans la réalité historique, l'armée romaine est loyale envers Jules César, et non plus envers le Sénat romain. Elle est composée en majorité d'engagés volontaires qui recherchent gloire et fortune (ils regrettent très vite leur choix), mais aussi de troufions envoyés principalement en Corse. Si les légionnaires sont fidèles à César, beaucoup de ses gradés, principalement des centurions, rêvent de le renverser et le remplacer. C'est le cas notamment dans Le Devin où Caius Faipalgugus, le centurion du camp de Petibonum est contrarié dans ses plans par son optione qui reste jusqu'au bout fidèle à la légalité du pouvoir en place. Malgré quelques trahisons, César tient son armée d'une main de maître et n'hésite pas à la commander lui-même comme dans Astérix chez les Belges. De plus, il punit lui-même les gradés qui lui désobéissent, comme dans la première aventure de la série, où il envoie un centurion en Mongolie inférieure[h 3].
 Les jeux du cirque sont représentés dans la série comme un moyen d'abrutir le peuple et de l'éloigner de la politique. Pendant les jeux, César suit les avis du public car il sait que plus le peuple est content, plus son pouvoir est renforcé. Ainsi, dans Astérix gladiateur, il accorde sa grâce à Assurancetourix, très applaudi par le public avec Astérix et Obélix[h 4].
 Les barbares et les brigands : le lecteur les voit entre autres dans La Serpe d'or et Le tour de Gaule d'Astérix où ils essaient de détrousser les deux héros, mais se retrouvent punis à coups de poing.
 Paris est dans la série représentée par Lutèce. Blottie dans l'Île de la Cité, Lutèce est alors présentée comme le Paris contemporain, ville lumière, des arts, de l'amour, de la mode et réputée pour sa vie nocturne. Les touristes viennent en masse des autres pays antiques pour y voir un moulin rouge qui propose la visite de la ville pour trois sesterces. C'est la capitale de la mode : dans La Rose et le Glaive, les villageoises sont curieuses de savoir ce qui est à la mode dans la ville (d'où le jeu de mots de Maestria : « Oh vous savez, Lutèce n'est qu'un pari sur l'avenir. »). C'est la ville où il faut monter pour connaître une carrière artistique ou faire fortune : dans Astérix et les Normands, Assurancetourix espère bien pouvoir chanter à « l'Olympix » (la salle de l'Olympia). Les Arvernes y ouvrent des établissements qui vendent du vin et du charbon et les Méridionaux des auberges comme dans l'album La Serpe d'or où un personnage ressemblant au César de Marcel Pagnol tient un bar nommé Au soleil de Massilia. Les Gaulois sont attachés à leur capitale (dans la réalité Lutèce n'a pas ce statut) et n'hésitent pas à le faire savoir en chanson : ainsi, prisonnier des Goths, le druide Panoramix chante « Revoir Lutèce » et Assurancetourix, dans les prisons de Rome, chante « Menhir montant », parodies de Revoir Paris et Ménilmontant de Charles Trenet (composés pendant l'occupation allemande) ; Maestria, dans La Rose et le Glaive, chante « Lutèce est une blonde », parodie de Ça, c'est Paris de Mistinguett ; pour fêter l'arrivée au Pirée dans Astérix aux Jeux Olympiques le village chante « À Lutèce on l'aime bien Nini peau d'sanglier ! » parodie de Nini peau d'chien d'Aristide Bruant[i 1].
 Dans la série, l'Auvergne et ses habitants sont représentés par les Arvernes. On vient principalement y faire des cures thermales, dans les villes d'Aquae calidae (""Eaux chaudes"", en latin = Vichy) ou Borvo (dieu guérisseur gaulois qui donne son nom à La Bourboule). Les voyageurs, comme Astérix et Obélix, n'hésitent pas à grimper sur le Puy de Dôme, où l'air est délicieux. La capitale Nemessos (Clermont-Ferrand) possède une grosse entreprise de fabrication de roues évoquant l'usine Michelin. C'est aussi une région avec une forte diversité de spécialités culinaires comme le « bleu d'Arverne », la potée au chou ou encore la saucisse sèche, et à la fin du repas on danse la bourrée. Les habitants ont un accent qui chuinte bien que les nouvelles générations le perdent selon les vieux Arvernes[i 2]. Les Arvernes n'hésitent pas à quitter leur région pour faire fortune dans la capitale en ouvrant des boutiques de vin et de charbon, comme les bougnats au XIXe siècle[i 1].
 La Provence représentée dans la série est principalement celle de Marcel Pagnol. Dans Le Tour de Gaule d'Astérix, les deux irréductibles Gaulois vont à Massilia (Marseille) et entrent dans un établissement nommé « Taverne des Nautes » où se joue une partie de cartes avec quatre caricatures tirées du film Marius, adapté de Pagnol. Le tenancier, César Labeldecadix, est la caricature de Raimu jouant le personnage de César. Il râle contre « l'estranger » de Lugdunum qui refuse de boire le « pastix » (le pastis). À côté se trouve une poissonnerie où la marchande ressemble à Honorine Cabanis, autre personnage de Pagnol. Massilia est la ville de l'exagération, de la bouillabaisse et de la pétanque. L'accent marseillais est caricaturé et les auteurs déforment les sons et le parler provençal[i 3].
 La Corse et ses habitants sont représentés principalement dans Astérix en Corse, qui voit Astérix et Obélix voyager sur l'île de beauté. Graphiquement, la Corse dessinée par Uderzo est stéréotypée : l'île est montagneuse, couverte de bois de chênes, châtaigniers et de maquis. Les villages sont faits de maisons en pierres sèches, des vieillards passent leur temps assis sur des bancs, les femmes portent le foulard traditionnel dit mezzaro, et des cochons sauvages vivent en liberté devant les habitations. Les références à la culture corse sont nombreuses, notamment au chanteur Tino Rossi : Ocatarinetabellatchitchix, nom du héros principal Corse de l'histoire, renvoie au refrain de la chanson Tchi tchi, et le mot de passe qu'utilisent les pirates et les Gaulois renvoie à la chanson Vieni vieni. Les évocations de Napoléon Ier sont aussi très nombreuses : Ocatarinetabellatchitchix est montré plusieurs fois dans la posture de Napoléon, la main dans le pli de sa pelisse[i 4] ; il annonce après la victoire face aux légionnaires romains que, pour que les Corses acceptent un empereur, il faudra qu'il soit Corse lui-même[i 5].
 Les stéréotypes corses sont grossis avec un second degré. Les querelles ancestrales et la vendetta sont caricaturées par l'opposition entre le clan Ocatarinetabellatchitchix et Figatellix, dont les origines sont si anciennes qu'on n'en connaît plus la raison exacte, les motifs donnés étant dérisoires et ne concernant même pas un des membres directs du clan[i 6]. La fierté des Corses est caricaturée par des personnages raides et stoïques, ne souriant jamais et montrant rarement leurs émotions[i 7]. Les femmes corses sont représentées comme soumises aux hommes du clan, cloîtrées à la maison, ne pouvant parler en la présence d'hommes n'appartenant pas au clan[i 8]. Dernier stéréotype parodié, la paresse des Corses : Ocatarinetabellatchitchix, relâché par les Romains avant l'attaque des irréductibles Gaulois, refuse d'interrompre sa sieste pour sortir de la cellule ; les druides corses ne cueillent pas le gui dans les arbres, mais attendent qu'il tombe, et le chantier de la voie romaine avance au ralenti (ouvert trois ans auparavant, il ne compte que quelques dalles)[i 9]. En réalité, si les noms des Corses se terminent en -ix et si la Corse a des Druides, c'est pour montrer de manière moderne son appartenance à la Gaule, donc à la France, alors qu'en réalité, les Corses ne descendent pas des Gaulois (qui n'ont jamais colonisé l'île), et n'ont par conséquent pas de druides, au sens celtique du terme.
 Dans la préface de l'album, les auteurs prennent, avec un second degré assumé, le soin de vanter les mérites de la Corse et de certains de ses grands hommes, en rappelant avec humour que les Corses sont plus encore que des gens emplis de qualités : ils sont susceptibles.
 Les albums de la série mettent en scène un grand nombre d'habitants des différentes régions de France et leurs différences. Ainsi l'Armorique, où se situe le village des irréductibles, est une représentation de la Bretagne moderne. Dans l'histoire Le Fils d'Astérix un des habitants du village plante des menhirs dans un champ, allusion aux menhirs de Carnac ; la région possède déjà un fort patrimoine de chansons et de danses (« Ils ont des casques ailés, vive les Celtes » chante Assurancetourix parodie de la chanson Ils ont des chapeaux ronds)[i 10]. La Normandie est parodiée par deux représentations, celle des Normands dans l'album Astérix et les Normands et par les habitants de Rotomagus (Rouen) dans l'album Le Tour de Gaule d'Astérix. Le débarquement des Normands sur les plages gauloises est une double allusion aux invasions vikings du Moyen Âge, qui fondent la province en 911, et au débarquement allié sur les plages normandes, lors de la Seconde Guerre mondiale. Ils creusent « de beaux trous normands », en référence à la pratique de boire un verre d'alcool entre deux plats d'un repas, appelée le trou normand. Ils accompagnent tous leurs plats de crème et leur spécialité culinaire est la « crème à la crème »[Cit. 1]. En arrivant en Gaule, ils chantent qu'ils veulent revoir leur Normandie, référence à l'hymne normand Ma Normandie écrit par Frédéric Bérat. Quant aux habitants de Rotomagus, ils fournissent des ""réponses de Normand"" aux légionnaires qui poursuivent Astérix et Obélix qui répètent « P'têt ben qu'oui, p'têt ben qu'non ». La ville de Suindinum (Le Mans) est connue pour sa célèbre course de char à bœufs qui parodie la course automobile des vingt-quatre heures du Mans[i 11].
 À Nicae (Nice) se trouve « la promenade des Bretons », bordée de palmiers, parodiant la Promenade des Anglais, et les plages de la ville sont remplies de touristes. La spécialité culinaire est la « salade nicaesoise » (salade niçoise)[i 12]. Burdigala (Bordeaux) a pour spécialités le vin et les huîtres comme encore aujourd'hui, et la célèbre Place des Quinconces est nommée ainsi à la suite des ordres du centurion romain qui exige que ses légionnaires se mettent en quinconce, lors de la bataille contre les habitants de la ville qui protègent la fuite d'Astérix et Obélix[i 11]. Le Pays basque est représenté par le peuple des Vaccéens, excellents montagnards et guides, qui aident à passer en Hispanie. Leur spécialité culinaire est le « poulet vasconne », parodie du poulet basquaise[i 13]. Lugdunum est un important foyer de résistance à l'occupation romaine, en référence au Lyon moderne, ville de résistance pendant la Seconde Guerre mondiale et surtout ville de Jean Moulin. Les légionnaires romains se perdent dans ses ruelles qui rappellent les traboules[i 14]. D'autres villes sont représentées par leurs spécialités culinaires dans Le Tour de Gaule d'Astérix : Tolosa (Toulouse) pour la saucisse, Aginnum (Agen) pour ses pruneaux, Camaracum (Cambrai) pour ses bêtises et Durocortorum (Reims) pour son vin pétillant en amphore, dont les bouchons sautent facilement[i 13].
 Les classes sociales supérieures, ou aisées, sont représentées principalement à travers le personnage du beau-frère de Bonemine, Homéopatix, qui apparaît entre autres dans Les Lauriers de César. Celui-ci représente le grand bourgeois parisien - lutécien dans la bande dessinée - qui jette sur le reste de la Gaule un regard condescendant assimilé à celui des Parisiens sur la Province. Les signes extérieurs de sa fortune sont sa maison, copiée sur un modèle romain, ses habits (fourrures et bijoux) et les mets coûteux qu'il sert à Abraracourcix, Bonemine, Astérix et Obélix dans Les Lauriers de César (sabots de bœuf en gelée, par exemple). Il pourrait être une caricature de nouveau riche (à la Bouvard et Pécuchet).
 La fièvre de dépenses et de distinction sociale qui saisit les Gaulois dans Obélix et Compagnie peut également être une critique des parvenus.
 La classe moyenne est la représentation sociale la plus présente dans la série. Elle est composée d'artisans, de commerçants, d'employés, d'agriculteurs et de fonctionnaires[i 15]. Les fonctionnaires romains sont représentés à plusieurs reprises dans la série, et parodient l'administration française, comme dans Astérix et le Chaudron qui met en scène un collecteur d'impôts dont les phylactères parodient les formulaires administratifs ; les douaniers sont parodiés par des légionnaires romains gardant les frontières et accusant Astérix et Obélix d'importations frauduleuses. Des entreprises nationales comme La Poste ou la banque du Crédit lyonnais (parodié en Crédit Latin) sont aussi mises en scène[i 16].
 Les classes populaires apparaissent rarement dans la série. La classe ouvrière est toutefois représentée dans Le Domaine des dieux, par l'intermédiaire des esclaves de toutes nationalités qui coupent les arbres dans la forêt, parodiant le travail de force à la chaîne. Le chef des esclaves, Duplicatha, représente le travailleur immigré et le meneur syndical qui négocie les conditions de travail avec le patronat. Évocation aussi à travers le Phénicien Epidemaïs, qui à plusieurs reprises au cours de la série trouve des moyens pour exploiter des travailleurs : ainsi dans Astérix gladiateur, ses rameurs sont des employés qui n'ont pas bien lu le contrat qu'ils ont signé. De même, dans L'Odyssée d'Astérix, il est devenu organisateur de croisières, et ses rameurs des clients partant en croisière. Dernière référence dans Le Bouclier arverne, avec l'entreprise de roues présente dans la ville de Nemessos, où des femmes travaillent à graver des catalogues de vente, en parodiant la division et la spécialisation des tâches, avec un rythme éprouvant de travail[i 17].
 Dans la série, l'histoire est renversée par les auteurs dès la carte de la Gaule, présente sur chaque couverture d'album. Tout est fait pour que le lecteur pense à la France moderne, bien que les frontières ne soient pas représentées. Ainsi, la carte centrée sur la France évacue hors cadre la partie allemande et suisse de la Gaule, la Belgique mentionnée au Nord fait une confusion volontaire avec l'État moderne de Belgique. Lutèce est mentionnée sur la carte, représentée comme l'égal de Paris et capitale de la Gaule. Le texte introductif, présent sur la carte, conduit le lecteur dans le sens de l'identification : il commence par « Nous » pour faire participer le lecteur, et l'utilisation du présent de l'indicatif abolit la distance historique. L'Histoire est prise à contrepied, renversant les forces et faisant la vie dure aux Romains. De plus, les Gaulois sont qualifiés d'« irréductibles », ce qui est pour le lecteur un gage qu'ils ne seront jamais vaincus[pas clair].
 Dès la première planche de la série, dans Astérix le Gaulois, l'histoire est parodiée avec la capitulation de Vercingétorix, qui jette ses armes non pas aux pieds de César, mais sur les pieds de César, ce qui le fait bondir de son siège. Le chef gaulois, avec sa forte musculature, domine la scène par rapport au chétif chef romain au crâne dégarni et poussant un grand cri de douleur en recevant les armes sur ses pieds. La scène historique est renversée au profit des Gaulois dont l'honneur sort vainqueur de cette scène. C'est aussi une parodie poussée à l'extrême des livres d'Histoire de la Troisième République, qui glorifiaient Vercingétorix par rapport à Jules César. Dans Le Bouclier arverne, l'histoire est de nouveau renversée avec un nouveau Gergovie pour les Romains : Abraracourcix triomphe dans la ville sur le bouclier de Vercingétorix, devant un César qui ne peut que constater son échec. La revanche gauloise est totale et renverse l'histoire en annulant symboliquement Alésia.
 Autre symbole de l'Histoire renversée, la paix romaine. Commencée selon les auteurs de la Troisième République après la défaite gauloise d'Alésia, pour pacifier les territoires conquis dont les clans étaient en lutte perpétuelle, elle apparaît dans la série comme de la simple propagande. Au lieu de pacifier, le César de la série ne pense qu'à faire la guerre au minuscule village des irréductibles, qui pourtant ne menacent pas sa puissance. Dans le récit Le Combat des chefs, c'est même le contraire de la paix romaine puisqu'au lieu de pacifier les tribus, il n'hésite pas à les monter les unes contre les autres en poussant le chef Aplusbégalix à se battre contre Abraracourcix pour s'emparer du village des irréductibles. Poussée plus loin dans la parodie, la paix romaine devient la paix gauloise, le mode de vie simple du village à base de rigolade, de loisir et de bonne humeur qui contamine les camps retranchés aux alentours, préférant vivre une existence simple enfermés dans leur camp plutôt que de prendre des ""baffes"" en exerçant leur mission de soldats censés diffuser la culture romaine. L'exemple le plus probant se trouve dans Obélix et Compagnie, qui montre les camps romains entièrement dominés par la culture du petit village, où les légionnaires s'occupent des tâches ménagères, du jardinage ou s'adonnent aux loisirs plutôt que de faire leur devoir de soldat. De plus, la discipline romaine censée être diffusée par la pax romana est tournée en ridicule par les déroutes que subissent continuellement les légions de Rome face aux Gaulois, qui se lancent dans la bagarre dans un désordre général.
 Depuis le début des années 1960 et le succès de la série, ses deux auteurs ont toujours refusé toute récupération politique de droite comme de gauche. Ainsi, Uderzo s'opposa à une affiche du RPR en 1998 ; « Astérix ne doit pas être mêlé à ça » déclara-t-il et finalement l'affiche fut modifiée[55],[56]. L'unique entrave à cette règle de ne pas s'occuper de politique fut pour confirmer la neutralité du « petit Gaulois » dans le premier album de l'ère Uderzo, Le Grand Fossé, qui caricature les affrontements partisans en montrant un village gaulois coupé en deux avec deux chefs, élus, l'un, par la partie droite, et l'autre, par la partie gauche, qui revendiquent chacun la pleine gouvernance du village. La droite et la gauche du village étant traitées sur un pied d'égalité, cet album ne permet pas d'attribuer un bord politique à la série, puisque finalement, c'est Comix, le fils d'un des deux chefs, qui prend la tête du village réuni en se mariant avec Fanzine la fille de l'autre chef[e 28].
 Malgré cela, certains médias et auteurs tentent d'analyser la série sous un angle politique, voire de définir son orientation. Ainsi, pour Le Figaro, le druide Panoramix serait de droite car s'occupant, selon ce journal, de fonctions qui sont généralement des priorités d'homme de droite, comme la défense et la santé. Toujours selon ce journal, le barde Assurancetourix, homme de culture et enseignant à ses heures, serait, lui, de gauche[e 29]. A contrario, pour Libération, Astérix et les habitants du village gaulois seraient de gauche, en tant qu'« opprimés » luttant contre des « envahisseurs », à quelques nuances près, comme le chauvinisme[57], qui fait dire à l'un d'eux : « Moi, les étrangers ne me dérangent pas tant qu'ils restent chez eux », (Agecanonix dans Le Cadeau de César).
 Selon Nicolas Rouvière — auteur de Astérix ou la parodie des identités et Astérix ou les lumières de la civilisation — les auteurs ont toujours pris soin de ne pas faire de satire partisane, et de brouiller les pistes sur la portée politique de la série, même si, selon lui, elle reste porteuse de certaines valeurs (l'idéal universaliste par exemple), par le biais de la satire sociétale qu'elle propose[58]. Alors que les auteurs du livre Tintin est-il de gauche ? Astérix est-il de droite ?, concluent à l'instar d'Alain Duhamel — auteur de l'ouvrage Le complexe d'Astérix — que le « petit Gaulois » et ses copains sont inclassables[59].
 Les historiens sont partagés, surtout pendant la Troisième République, sur l'interprétation à donner de la défaite gauloise face aux légions romaines. Certains comme Camille Jullian pensent qu'elle a détruit une civilisation gauloise viable alors que d'autres comme Ernest Lavisse pensent que la défaite était inéluctable pour faire entrer la Gaule dans la modernité en créant une civilisation gallo-romaine[60]. Les auteurs de la série semblent être de l'avis de ces derniers en faisant jouer à Astérix et au village des irréductibles le rôle de résistant pour l'honneur, et non de libérateur de la Gaule. Le but des irréductibles Gaulois est de faire enrager César en l'empêchant d'être maître de l'intégralité du territoire de la Gaule, ainsi que de l'empêcher de s'approprier les symboles de l'indépendance et de la résistance gauloise. Les irréductibles Gaulois savent qu'ils vont être balayés par l'Histoire en même temps que la culture gauloise par rapport à la modernité que représente la République romaine, et ils ne cherchent jamais à empêcher ce processus[61]. Le druide Panoramix en est le premier conscient et dans l'histoire Le Domaine des dieux il dit à Astérix qu'ils n'arriveront jamais à empêcher le cours des choses, mais qu'ils ont encore le temps[62].
 Entre le village des irréductibles Gaulois et la République romaine, les relations sont parfois ambiguës. S'ils n'hésitent pas à flanquer une bonne rouste aux légionnaires romains et à empêcher toute annexion de leur village, ils font échouer à plusieurs reprises des complots de centurions romains pour renverser Jules César, comme dans Astérix le Gaulois ou Le Devin. Ils luttent en plus contre les fonctionnaires corrompus ou mafieux de la République : ainsi dans l'histoire La Serpe d'or, ils font tomber le préfet romain de Lutèce, chef d'un réseau de trafiquants de serpes d'or. Dans Astérix chez les Helvètes, ils combattent l'administration corrompue de Genava et de Condate, et sauvent même le questeur romain, empoisonné par un gouverneur de Condate alors qu'il essayait de récolter les impôts de la province détournés par ce même gouverneur. Dans Astérix aux Jeux olympiques, il offre même sa palme olympique à un athlète romain, ce qui sauve l'honneur de la République aux yeux de Jules César.[Passage contradictoire][63]. Lui-même et Obélix se sont d'ailleurs inscrits aux Jeux. Comme les Grecs et les Romains sont seuls à pouvoir y participer, Astérix déclare (au début de l'aventure) que lui-même et les habitants de son village sont des Romains « depuis la conquête de la Gaule par Jules ». En fait, pour les irréductibles Gaulois, la véritable menace est celle des barbares, représentés par les Goths et par les Normands. Ils combattent toute intrusion en Gaule et par conséquent dans la République romaine, là où les légionnaires romains se trouvent complètement incompétents. Par là même, ils renforcent le pouvoir romain[61].
 En dehors d'Astérix et Obélix, le tandem sur qui repose l'ensemble de la série, sont qualifiés de personnages principaux ceux jouant un rôle majeur dans au moins une aventure (le chef Abraracourcix dans Le Bouclier arverne et Astérix chez les Belges, le barde Assurancetourix dans Astérix gladiateur), mais aussi ceux apparaissant régulièrement en bonne place dans les albums, à l'image du druide Panoramix, du chien Idéfix ou de Jules César. Le poissonnier du village Ordralfabétix, le forgeron Cétautomatix ou encore l'ancien du village Agecanonix, ont également leur part de célébrité. Du côté des femmes, on note Iélosubmarine, épouse du poissonnier, Bonemine, épouse du chef Abraracourcix, la belle Falbala, qui rend fou d'amour le naïf Obélix, ou encore l'épouse d'Agecanonix, très belle femme récurrente dans les albums, dont on ne connait pourtant pas le patronyme. D'autres personnages secondaires ont aussi marqué les mémoires, tels Jolitorax (Astérix chez les Bretons) ou Ocatarinetabellatchitchix (Astérix en Corse). Dans Le Cadeau de César, la jeune Coriza, dite Zaza, prend les traits d'Isabelle Uderzo, fille du dessinateur de la série.
 Astérix est un guerrier gaulois et le héros de la série. Lors de ses diverses aventures, Astérix est presque toujours accompagné de son meilleur ami Obélix et de son chien Idéfix. Il apparaît dès la première planche de la première histoire[a 2], où il porte déjà son habit caractéristique composé d'un haut noir, d'un pantalon rouge, d'une épée portée sur le côté et d'un casque agrémenté de deux plumes qui, selon leurs orientations, révèlent son humeur[g 1]. Petit et mince, voire chétif, Astérix est physiquement loin des stéréotypes des héros de bande dessinée de l'époque[c 15]. Au début, Albert Uderzo voulait le dessiner grand et fort, mais le scénariste René Goscinny souhaitait absolument un anti-héros qui ait « un physique marrant[a 3] ». Les auteurs souhaitaient qu'il soit teigneux[c 15], malin plutôt qu'intelligent et débrouillard afin de coller à la caricature du Français moyen[a 1]. Son nom commence par la lettre « A » afin, selon les auteurs, d'être référencé au début des futures encyclopédies de bande dessinée. Il vient d'un signe typographique, l'astérisque. Un pseudo-suffixe -ix est ajouté en référence au chef gaulois Vercingétorix[a 2].
 Astérix est né en 85 av. J.-C., le même jour que son meilleur ami Obélix. Cette révélation est tardive et contradictoire. C'est en effet en 2001 avec l'album Astérix et Latraviata qu'est célébré l'anniversaire commun des deux amis ; alors que précédemment dans l'album Obélix et compagnie, en 1976, l'anniversaire du seul Obélix est fêté. Le père d'Astérix s'appelle Astronomix et sa mère Praline. Tous deux tiennent une boutique de souvenirs à Condate avec les parents d'Obélix, (eux aussi apparaissent tardivement, dans l'album Astérix et Latraviata). Astérix a un cousin germain breton, Jolitorax[a 3] et il est généralement admis qu'il est célibataire et sans enfant. Cependant, dans l'album 34 L'anniversaire, la quatrième case (planche 3A) de la page 7 le montre saluant son fils et sa belle-fille. Il est vrai que cette courte histoire est présentée comme une vision d'Uderzo (planche 4A, page 8), finalement ramenée à un rêve (planche 4B, page 8).
 Obélix, le livreur de menhirs, est le meilleur ami d'Astérix qu'il accompagne toujours dans ses aventures. Il a un chien nommé Idéfix. Contrairement à Astérix, qui doit boire de la potion magique, Obélix est lui tombé dans la marmite de potion magique quand il était petit, ses effets sont donc permanents chez lui[a 4]. Son nom vient sans doute, comme celui d'Astérix, d'un signe typographique, l'obèle[a 4] ou bien de l'obélisque égyptien[64].
 La présence d'Obélix dans la série est un vœu d'Albert Uderzo : alors que René Goscinny souhaite que le personnage principal, Astérix, ait un petit gabarit, Uderzo insiste pour lui adjoindre un partenaire au physique hors normes, qui correspond plus à ses préférences en matière de dessin[c 16]. Il apparaît dès la première planche de la première histoire[a 5], dans laquelle il porte une hache à la ceinture, instrument qui disparaît dès la planche suivante. En revanche, sa tenue demeure la même tout au long de la série : des braies à raies verticales blanches et bleues et le torse nu[g 2]. Dans cette première histoire, sa présence n'est qu'anecdotique, mais il prend de l'importance dès le deuxième album, La Serpe d'or, au point d'être considéré comme le co-héros de la série.
 Doté d'un appétit jamais satisfait, Obélix apprécie la chasse aux sangliers et les festins copieux et interminables. « Cauchemar des Romains[65] », il est aussi susceptible et sa colère fuse lorsqu'on le traite de « gros ». Il voue un amour déçu et secret à la belle gauloise Falbala[a 6].
 
Obélix est né en 85 av. J.-C., le même jour que son meilleur ami Astérix. Son père s'appelle Obélodalix et sa mère Gélatine. Tous deux tiennent une boutique de souvenirs à Condate avec les parents d'Astérix. Il a un cousin germain à Lutèce, Amérix, qui fabrique des serpes d'or. Il n'a apparemment pas d'enfant mais Goscinny et Uderzo lui ont tout de même imaginé un descendant, nommé Obélisc'h, qui vit au XXe siècle[a 7].  Idéfix est le chien d'Obélix. Il fait sa première apparition dans la neuvième planche de l'histoire Le Tour de Gaule d'Astérix, dans laquelle il suit Astérix et Obélix tout au long de leur périple à travers la Gaule, sans que ceux-ci y prêtent attention, jusqu'à la dernière planche où Obélix le remarque et lui donne un os[a 1]. Un concours est lancé dans le journal Pilote pour lui trouver un nom : Idéfix est choisi par les lecteurs, préféré à Patracourcix, Trépetix et Paindépix[c 17].
 Idéfix est un petit chien blanc dont la race est indéterminée. Court sur pattes dans ses premières apparitions, il prend de la hauteur et s'affine au fil des albums. Il accompagne les deux héros de la série dans toutes leurs aventures, à l'exception de quatre albums, Astérix chez les Bretons, Astérix légionnaire, Astérix chez les Helvètes et Les Lauriers de César, dans lesquels il reste au village[c 18].
 Idéfix ne parle pas : il s'exprime par des aboiements et ses pensées sont presque exclusivement imagées[a 1]. Il est en revanche doué de sentiments, ne supportant pas que l'on fasse du mal aux arbres. Il noue une relation privilégiée avec Obélix, qui le prend souvent au creux de sa main[c 18]. En 1974, il devient l'emblème des studios d'animations qui portent son nom. Les auteurs pastichent alors le logo de la Metro-Goldwyn-Mayer, en mettant Idéfix à la place du lion, surmontant la devise « Delirant isti Romani[c 18] ! » (""Ils sont fous, ces Romains"").
 À partir de 2021, la série Idéfix et les Irréductibles sort en dessin animés et en BD, elle raconte les aventures d'Idéfix à Lutèce, deux ans avant sa rencontre avec Astérix et Obélix.
 Panoramix est le druide du village. Figure de vieux sage, c'est de lui que dépend la survie du village car il est le seul à posséder le secret de la potion magique, qui ne se transmet que « de bouche de druide à oreille de druide »[c 19]. Il apparaît dès le premier album, Astérix le Gaulois, dans la troisième planche. Comme tous les habitants du village, il a sa propre tenue, composée d'un habit blanc et d'une cape rouge. Facilement reconnaissable à sa longue barbe blanche, il porte toujours une serpe en or qui lui permet de cueillir le gui, ingrédient essentiel de la potion magique. Son nom vient de « Panoramique », un vaste paysage[a 8].
 Il est le chef du « village des fous » et se déplace presque exclusivement sur un bouclier porté par deux guerriers[c 20]. Il apparaît pour la première fois dès la sixième planche de la première histoire de la série. Son nom provient de l'expression « tomber sur quelqu'un à bras raccourcis » qui signifie attaquer violemment en pliant ses bras. Bien qu'il soit le chef et un ancien guerrier qui a notamment participé à la bataille d'Alésia, il ne semble toutefois pas à la hauteur de son rôle et la plupart des décisions importantes sont prises par Astérix ou Panoramix[a 9]. Néanmoins, il possède certaines compétences de chef, se tenant parfaitement au courant de la situation politique extérieure : il connaît les derniers événements du conflit qui oppose, dans l'album Astérix légionnaire, César aux partisans de Pompée en Afrique[i 18].
 Ventripotent, amateur de bonne chère[c 20], une santé solide si ce n'est une grosse crise de foie. Il est marié avec Bonemine. Cette dernière prend l'ascendant sur lui régulièrement en particulier dans leur hutte. Abraracourcix est le fils de l'ancien chef du village, ce qui laisse supposer que la transmission du titre de chef se fait héréditairement, mais le fait qu'il n'ait pas d'enfant ne semble pas poser de problème de succession aux habitants du village[66]. Il a aussi un frère, Océanix, et un neveu, Goudurix, qui vivent à Lutèce, tout comme son beau-frère Homéopatix, qu'il déteste pour son côté nouveau riche. L'épouse de ce dernier se nomme Galantine[a 10].
 Assurancetourix est le barde du village. Sa voix insupportable lui vaut d'être régulièrement assommé, notamment par Cétautomatix, le forgeron du village. Ce dernier l'empêche également de chanter des chants d'encouragement lors des départs d'Astérix et Obélix en aventure. Capable par son chant de faire fuir les animaux de la forêt, les Normands ou les lions du cirque, voire de déclencher des pluies torrentielles ou de faire tourner le lait, il est mis à l'écart, ligoté et bâillonné lors des banquets qui clôturent chacune des aventures. Il se considère toutefois comme un génie artistique incompris, mais il n'est pas pour autant rejeté par les autres habitants du village, qui savent lui reconnaître certaines qualités : « il chante aussi mal qu'il est bon camarade » dit de lui le chef Abraracourcix dans l'album Astérix gladiateur, à quoi le druide Panoramix ajoute : « c'est un Excellent camarade[c 21] ! » Les habitants du village vont même l'utiliser pour faire fuir les Normands dans Astérix et les Normands et les locataires romains dans Le Domaine des Dieux.
 Vivant en haut d'un arbre, il joue aussi le rôle de guetteur, avertissant régulièrement le village en cas d'attaque des Romains. Dans Le Papyrus de César, il possède un instrument, le Beuglophon, permettant, via une réaction en chaîne, d'avertir Astérix, Obélix et Panoramix lorsque le village est en danger.
 Présenté dans l'album Astérix gladiateur comme un dictateur, le personnage de Jules César dans la bande dessinée est une représentation du personnage historique éponyme, ancien consul romain, conquérant de la Gaule[c 22]. Il apparaît dès la première planche de la première histoire[a 11]. Toutefois, et contrairement à ce que prétend la série (et la croyance populaire) César n'eut jamais le titre d'empereur, il fut seulement imperator, ""général en chef"" en latin.
 La présence du village de fous, « qui résiste encore et toujours à l'envahisseur », l'irrite au plus haut point. Malmené par ces derniers, la figure du personnage historique est néanmoins respectée puisqu'il n'est jamais atteint physiquement par les coups, ni menacé dans sa fonction par les irréductibles Gaulois[i 19]. Le personnage de Jules César est souvent moqué par les auteurs : sa façon de parler de lui-même à la troisième personne et ses célèbres citations latines sont fréquemment détournées et parodiées[a 12]. Son évolution dans la série montre sa préoccupation à vouloir tenir une grande place dans l'Histoire en étant jugé comme un homme digne, alors qu'il perd souvent son sang-froid dans les situations où il n'arrive pas à se faire craindre et respecter[i 20]. Sa stature de personnage historique est néanmoins toujours rétablie en mettant en avant sa clémence[i 21].
 La série Astérix met en scène un personnage qui règne en maître absolu sur une république décadente : ses conseillers, corrompus, ne pensent qu'à boire et à manger, ce qui leur vaut d'être représentés sous les traits de personnages lourds et somnolents. César est également malmené par Cléopâtre, la « reine des reines », avec qui il a un fils nommé Césarion. Il possède également un fils adoptif, Brutus[a 12]. Celui-ci apparaît, le plus souvent brièvement, dans quatre des albums de la série.
 La représentation physique du personnage est fidèle aux effigies antiques et aux gravures sur les monnaies. De même, le dessinateur se conforme à la description qu'en a fait l'écrivain latin Suétone : la poitrine large, la taille élancée, les yeux vifs, César porte sur sa tête la couronne de laurier de l'Imperator[c 22]. Son physique évolue cependant considérablement au sein même de l'album Astérix le Gaulois, entre sa première apparition à la planche 1 et son retour à la fin de l'histoire : le nez long et droit pointant au milieu d'un visage rond laisse la place à un nez toujours long, mais cassé[g 3], dans un visage taillé à la serpe[c 22].
 Les membres importants du village incarnent un corps de métier. Cétautomatix est le forgeron, il apparaît pour la première fois dans la planche onze de la première histoire, avec un physique différent des albums suivants. Sa forme graphique définitive se voit dans Astérix et les Normands[a 13] après plusieurs transformations (auparavant, il apparaît avec un physique différent dans chaque album)[g 4]. C'est aussi un critique musical et culinaire brutal qui frappe Assurancetourix pour l'empêcher de chanter ou Ordralfabétix quand il juge à l'odeur ses poissons pas assez frais[a 13]. Ce dernier est le poissonnier du village, apparu pour la première fois dans la première planche de l'histoire Astérix en Hispanie[a 14]. Il est créé par les auteurs afin de donner un prétexte aux Gaulois de se bagarrer entre eux : la qualité de ses poissons, importés de Lutèce (alors que le village est au bord de la mer), est source de beaucoup de conflits dans le village. Son nom vient de « ordre alphabétique »[a 15].
 Le village comporte aussi des femmes, dont Bonemine, l'épouse du chef qui apparaît pour la première fois dans l'histoire Le Bouclier arverne. Elle se considère comme « la première dame du village » et elle n'hésite pas à abuser de sa position auprès des autres dames du village ; elle est aussi très dirigiste avec son mari, Abraracourcix[a 16]. Agecanonix, le doyen du village, est marié à une jeune femme belle et élancée seulement connue sous le nom de madame Agecanonix. Enfin, Iélosubmarine est poissonnière et l'épouse d'Ordralfabétix ; son nom fait référence à la chanson des Beatles Yellow Submarine.
 Falbala est la fille de Plantaquatix, un villageois ; elle étudie à Condate[a 17]. Elle apparaît pour la première fois dans la première planche de l'histoire Astérix légionnaire[a 18]. Très belle, elle fait tomber sous son charme Obélix. Puis c'est Astérix qui succombera à un de ses baisers. Elle est fiancée à Tragicomix[a 17], jeune homme qui apparaît lui aussi pour la première fois dans l'histoire Astérix légionnaire. Il tient un commerce de location de chars et de chevaux à Condate, mais est enrôlé de force dans les légions romaines[a 19]. Le cousin d'Obélix Amérix apparaît dans l'histoire La Serpe d'or : il fabrique des serpes à Lutèce, mais il est enlevé par Avoranfix. Ce dernier dirige un réseau de trafic de serpes qu'il vend à prix d'or[a 20] avec son homme de main, Lentix[a 21]. Dans Le Tour de Gaule d'Astérix, plusieurs Gaulois apparaissent pour aider Astérix et Obélix, Beaufix de Lugdunum, Changéledix capitaine de navire à Burdigala[a 22], Labeldecadix surnommé « César » tenancier à Massilia[a 23]. Goudurix est le neveu d'Abraracourcix qui apparaît notamment dans Astérix et les Normands : très peureux, il est enlevé par les Normands qui veulent le lancer du haut d'une falaise car, paraît-il, « la peur donne des ailes » - ils ignorent en effet la peur et veulent en percer le secret. Il est une caricature des jeunes yéyés à la mode dans les années 1960[a 24]. Pneumatix est le livreur de courrier du village. Il apparaît occasionnellement, la plupart du temps au début de l'histoire, où les nouvelles qu'il apporte sont les points de départ des aventures.
 Quelques rares Gaulois assument également les rôles d'antagonistes. Ils ne sont pas foncièrement mauvais, mais sont appâtés par la richesse ou la gloire, ce qui les conduit à s'allier avec les Romains. Ils finissent bien souvent par le regretter. Dans Le Tour de Gaule d'Astérix, Quatrédeusix de Divodurum[a 25] et Odalix d'Aginum tentent de trahir leurs compatriotes en essayant de vendre Astérix et Obélix aux Romains[a 26]. Dans La Serpe d'Or, Avoranfix et Lentix font du trafic de serpes pour le compte du gouverneur romain. Des brigands croisent également la route d'Astérix et Obélix (dans les premières aventures principalement). Dans Le Combat des chefs, Aplusbégalix, chef du village de Serum, tente de devenir Gallo-romain. C'est en revanche la cupidité du chef Moralélastix dans Astérix et le Chaudron qui le pousse à traiter avec les Romains. Le faux devin Prolix, dans Le Devin, tente de s'enrichir sur le dos des naïfs habitants du village. Seul Acidenitrix dans Le Grand Fossé semble déroger à cette règle.
 Physiquement, les Gaulois possèdent la caractéristique d'être blonds ou roux, sauf pour les plus anciens (Agecanonix, Panoramix) qui ont naturellement les cheveux blancs. Mais les personnages du sud-est de la Gaule (de Massilia, Corses ou Arvernes) sont presque tous bruns. Les Gaulois se reconnaissent aussi par la terminaison de leur nom en -ix pour les hommes. Les Celtes en général, ainsi que les Belges, les Bretons et les Helvètes possèdent également une moustache ou une barbe. Les Corses ont essentiellement un visage glabre, à l'instar des Romains, ce qui suggère qu'ils ont une particularité propre (historiquement et ethniquement, les Corses ne sont pas Celtes mais se rapprochent des peuples Italiques).
 Le premier Romain à avoir un rôle important dans les aventures d'Astérix est Caius Bonus, dans la première histoire de la série. Il est le centurion du camp de Petibonum. Il rêve de prendre la place de César ; pour réaliser son ambition il fait enlever Panoramix afin de s'emparer de la potion magique. Accompagné de son aide de camp, Marcus Sacapus[a 27], il envoie le légionnaire Caligula Minus espionner dans le village d'Astérix déguisé en Gaulois[a 28]. Gracchus Pleindastus est le préfet de Lutèce dans l'histoire La Serpe d'or, mais aussi le chef du trafic de serpes qui sévit dans la ville[a 29]. Caligula Alavacomgetepus est le préfet des Gaules dans Astérix gladiateur. Il a l'idée d'amener un irréductible Gaulois en cadeau à Jules César[a 30]. Il confie cette mission à Gracchus Nenjetépus, alors centurion de Petibonum. D'abord perplexe, celui-ci décide de s'acquitter de sa tâche en faisant capturer le barde Assurancetourix. Ce personnage est également présent dans Le Tour de Gaule d'Astérix[a 31]. Caius Obtus est un organisateur des jeux du cirque, peu apprécié par Jules César[a 32]. Son second, Briseradius, est un entraîneur de gladiateurs. Chargé de former Astérix et Obélix, il démissionne rapidement[a 33]. Parmi les personnages de l'album Le Tour de Gaule d'Astérix apparaissent plusieurs Romains chargés d'arrêter Astérix et Obélix à la suite du pari conclu avec Lucius Fleurdelotus, l'envoyé spécial de Jules César[a 23] : Encorutilfaluquejelesus le préfet de Lugdunum[a 34], Quintilius légionnaire romain de Camarucum, Plexus et Radius, deux brigands qui détroussent Astérix et Obélix et se font capturer par erreur par une patrouille romaine[a 26], Yenapus préfet de Tolosa[a 35]. Dans Astérix et Cléopâtre, Jules César confie la mission de détruire le palais d'Alexandrie au général Chorus[a 36].
 Marcus Junius Brutus est un personnage historique souvent présent dans la série. Dans les premières histoires, il est représenté comme un peu bête, dans l'ombre de Jules César. Il sert aux auteurs pour faire des clins d'œil à la grande histoire. Dans la suite, le personnage évolue. Ainsi, dans Le Fils d'Astérix, il devient un « dévoyé sans scrupules »[a 37].
 Dans bon nombre d'albums de la série, les haut gradés romains sont corrompus et cherchent à renverser César.
 Les pirates sont une bande de flibustiers, qui parcourt les mers pour attaquer des navires. Elle est composée du chef Barbe Rouge[a 38], de la vigie noire Baba, qui ne prononce pas les « r »[a 30], et de Triple-Patte qui doit son surnom à sa jambe de bois et qui a la particularité de formuler des citations latines avant et après les naufrages[a 39]. D'autres membres d'équipage dont les noms sont inconnus apparaissent ; le fils de Barbe-rouge, Erix, fait une apparition dans Le Tour de Gaule d'Astérix avant de disparaître complètement, laissé en caution par son père pour acheter un nouveau bateau[a 40]. La présence des pirates parodie la série Barbe-Rouge de Jean-Michel Charlier et Victor Hubinon qui paraît en même temps dans Pilote. Il s'agit d'un comique de répétition dans la série, puisque dans presque chaque grande histoire, leur bateau est coulé par les Gaulois. Ils apparaissent pour la première fois à la planche onze de Astérix gladiateur[a 38].
 Les Goths apparaissent dans Astérix et les Goths. Le chef des Wisigoths, Téléféric, souhaite s'emparer de la potion magique pour conquérir les territoires des Ostrogoths, puis la Gaule et la République romaine. Sa seconde préoccupation est d'offrir des divertissements à son peuple[a 41]. Il communique avec les Gaulois par l'intermédiaire du traducteur Cloridric, un lâche et un fourbe qui lui ment en lui faisant croire que Panoramix va lui livrer très bientôt le secret de la potion magique. Il va ensuite devenir le chef suprême des Goths lors des « guerres astérixiennes »[a 42], qui sont la conséquence d'une stratégie d'Astérix consistant à donner de la potion magique aux Goths afin qu'ils se battent entre eux et oublient leur plan d'envahissement de la Gaule. Elle va mettre en scène notamment, Casseurdebric[a 43], Electric[a 44], Liric[a 45], Passmoilcric[a 46] ou encore Satiric[a 47]. Coudetric est le chef Goths qui capture Panoramix lors du concours annuel des druides[a 48].
 Les Goths apparaissent également dans Astérix légionnaire en la personne de deux candidats à l'engagement dans la légion romaine à Condate, Chimeric et Figuralegoric. Mais ce dernier, trop maigre, est refusé et seul l'autre participe au reste de l'aventure.
 Le Phénicien le plus emblématique de la série est le marchand Épidemaïs. Il apparaît pour la première fois dans Astérix Gladiateur où il embarque Astérix et Obélix sur son bateau pour Rome. Il a une étrange conception de l'entreprise puisqu'il exploite ses associés, qui sont chargés de ramer, car ils ont mal lu le contrat d'association avant de le signer. Il apparaît aussi dans L'Odyssée d'Astérix où il conduit les héros vers la Mésopotamie ; cette fois, les rameurs sont les participants d'un club de vacances-croisière, dont on se doute qu'ils ont été également dupés[67],[a 37].
 Les Égyptiens apparaissent essentiellement dans Astérix et Cléopâtre ; la reine Cléopâtre VII est un personnage historique, mais les auteurs caricaturent son caractère : elle est très colérique, moqueuse, excentrique, mais aussi juste et reconnaissante ; son nez est source de gag et de bons mots inspirés par la phrase de Blaise Pascal. : "" Le nez de Cléopâtre s'il eut été plus court, toute la face de la Terre aurait change. ""Elle réapparaît dans Le Fils d'Astérix[a 49]. À la suite d'un pari avec César, elle confie la construction d'un palais à l'architecte Numérobis qui fait appel à son ami Panoramix pour le finir dans les temps impartis. Son scribe s'appelle Misenplis[a 50]. Son rival Amonbofis va tout faire pour l'en empêcher avec son complice Tournevis[a 51]. César possède un espion égyptien nommé Ginfis qui lui fait des rapports réguliers[a 52].
 Les Bretons apparaissent dans l'histoire Astérix chez les Bretons. Le personnage principal est Jolitorax, cousin germain d'Astérix venu en Gaule pour demander l'aide des irréductibles Gaulois[a 53]. Les autres personnages de son village sont le Calédonien (écossais) Mac Anotérapix, l'Hibernian (irlandais) O'Torinolaringologix[a 54] et le chef Zebigbos[a 55]. Cassivellaunos est un personnage historique, chef breton lors de l'invasion par Rome[a 56]. Ipipourax est un joueur de rugby de Camulodunum soigné avec de la potion magique au cours du match[a 56]. Relax est un aubergiste qui cache le trio recherché par les Romains[a 57], son cousin est Surtax[a 55].
 Les Normands sont présents dans Astérix et les Normands. Ils sont les ancêtres imagés des Vikings. Leur chef, Olaf Grossebaf, souhaite envahir la Gaule pour connaître la peur dont on dit qu'elle donne des ailes[a 58]. Mataf est la vigie du drakkar normand[a 59]. Dactilograf et Sténograf sont chargés de lancer Goudurix du haut de la falaise pour le faire voler[a 24].
 Dans Astérix chez les Belges on trouve brièvement les Dupond et Dupont empruntés aux Aventures de Tintin.
 La série naît en même temps que le journal Pilote puisqu'elle fait sa première apparition dans le premier numéro du journal du 29 octobre 1959 avec l'histoire Astérix le Gaulois. La série paraît dans le journal au rythme d'une à deux pages par semaine jusqu'au no 38 du 14 juillet 1960[68]. L'année suivante, cette histoire est publiée en album, le premier de la série[69]. La série fait rapidement son retour dans l'hebdomadaire avec la publication de la seconde histoire La Serpe d'or à partir du no 42 du 11 août 1960 jusqu'au no 74 du 23 mars 1961[68] (en album en 1962[69]). Au rythme d'une histoire par an, Astérix et les Goths commence sa publication dans le no 82 jusqu'au no 122[68].
 Aux éditions Hachette
 Aux éditions Albert René
 Sur les 393 millions d'albums vendus (en 2023)[70], on estime à 130 millions ceux vendus dans les pays francophones, à 120 millions en Allemagne, à 23 millions au Royaume-Uni ainsi qu'aux Pays-Bas, à 24 millions en Espagne et les autres pays hispanophones, à 5 millions en Suède, à 5,5 millions en Italie et au Portugal, à 4 millions pour la Finlande, la Norvège et le Danemark, à 7 millions en Grèce, à 3 millions au Brésil et à 1,5 million en Pologne. On remarque l'absence des États-Unis où le héros n'a jamais percé malgré une tentative de traduction[71],[72]. Le succès de ces albums en Italie est remarquable, bien que les Romains y soient généralement tournés en dérision et y subissent la plupart du temps des défaites infligées par les « irréductibles » Gaulois.
 Astérix a ainsi été traduit en 117 langues selon les éditions Albert-René. Les albums sont d'abord traduits dans la langue de destination, puis retraduits en français et relus par Albert Uderzo et René Goscinny pour s'assurer du bon niveau de la traduction[réf. nécessaire].
 Plusieurs albums ont été traduits dans des langues régionales ou minoritaires. En France, l'album La Rentrée gauloise a été traduit dans 6 langues régionales, mais c'est en Allemagne qu'on trouve le plus grand nombre de traductions dans des parlers régionaux (65 albums et 29 dialectes)[73].
 Astérix a également été traduit en latin pour l'album Le Ciel lui tombe sur la tête (Caelum in caput ejus cadit)[74] et en espéranto[75] à partir de 1979.
 Astérix le Gaulois est classé à la 23e place des 100 meilleurs livres du XXe siècle.
 En 1965, le premier satellite artificiel français mis en orbite prend le nom d'Astérix.
 Dans les années 1990, quatre astéroïdes de la ceinture principale sont baptisés Astérix, Obélix, Panoramix et Idéfix. En 2008, un autre de ces astéroïdes orbitant entre les planètes Mars et Jupiter a été nommé Uderzo[76].
 Un insecte hémiptère fossile, découvert en 2011 dans l'ambre de l'Oise et daté de l'Éocène inférieur (-55 millions d'années environ), a été baptisé Ordralfabetix sirophatanis en hommage à Ordralfabétix, le poissonnier du village[77].
 La Monnaie de Paris a frappé en octobre 2013 trois pièces « Astérix »[78] :
 En 2015, la Monnaie de Paris a frappé vingt-sept pièces pour la collection « Valeurs de la République »[79]:
 En 2009, pour commémorer les cinquante ans de la série, la société de la poste française émet une collection de 6 timbres, chacun d'une valeur de 0,56 €. Placés dans une page pleine, il comprend « Idéfix », le timbre le plus petit jamais émis, et « Obélix » portant un menhir recouvert de poudre de pierre, devenant ainsi le timbre le plus gros et le plus lourd[80].
 Dix ans plus tard, afin de commémorer les 60 ans d'Astérix et les 30 ans du Parc Astérix[81], la Poste émet une bande-carnet de 12 timbres autoadhésifs baptisé « Tous timbrés! Tous irréductibles! »[82].
 Astérix a fait l'objet d'une exposition à Bruxelles en 2005, intitulée « Le monde-miroir d’Astérix »[83],[84].
 Du 16 octobre 2013 au 19 janvier 2014 s'est tenue à la Bibliothèque nationale de France une exposition[85], qui faisait notamment suite au don de planches originales de trois albums d'Astérix par Albert Uderzo à la BNF[86]. Cette rétrospective coordonnée par Carine Picaud, conservatrice à la réserve des livres rares, a été accompagnée d'un ouvrage coédité par la BNF et Hazan : Astérix de A à Z[87]. Le bruit court que la BNF pourrait recevoir un don de toutes les planches toujours en possession d'Albert Uderzo (il y en aurait environ 1200)[88].
 En parallèle, une autre exposition, intitulée Astérix s'affiche à Bercy Village !, s'est tenue à Bercy Village du 4 octobre 2013 à mi-janvier 2014[89].
 « Les planches originales de la bande dessinée Astérix sont très rares sur le marché et sont saluées par des enchères de très haut niveau », explique Kapandji Morhange aux Echos. Quelques exemples[90],[91] :
 Le téléfilm Deux Romains en Gaule, librement inspiré de l'univers d'Astérix et réalisé par Pierre Tchernia, est diffusé le 25 février 1967[99]. Astérix et Obélix y apparaissent brièvement en tant que personnages animés. Goscinny et Uderzo y font aussi une apparition.
 La série d’animation Idéfix et les Irréductibles, réalisée par Charles Vaucelle, est diffusée à partir du 2 juillet 2021.
 La série d’animation Astérix, adaptée de l’album Le Combat des chefs et réalisée par Alain Chabat, sera diffusée sur Netflix dès 2025[100],[101],[102].
 
Au cours des années 1960, Jean Dejoux un chercheur à la RTF, met au point le procédé de l'animographe et le présente aux deux auteurs, Goscinny et Uderzo. Séduit, Georges Dargaud, le directeur du journal Pilote, entreprend en 1967 l'adaptation de l'album Astérix le Gaulois, produit par les studios Belvision, sans en informer les deux auteurs de la série. Ces derniers ne découvrent le film que lors d'une projection privée, mais ne s'opposent pas à sa sortie en salle[c 7].
 Le succès est au rendez-vous avec 2 415 920 entrées[10], mais Goscinny et Uderzo ne sont pas convaincus par la qualité artistique du film. Ils apprennent alors qu'un second film est en cours de production chez Belvision, adapté du deuxième album de la série, La Serpe d'or. Ils s'opposent à la réalisation de ce projet et proposent à Georges Dargaud d'investir dans un long métrage dont ils superviseraient eux-mêmes la direction artistique. C'est ainsi que naît Astérix et Cléopâtre, tiré du sixième album des aventures d'Astérix. Albert Uderzo dessine le storyboard tandis que René Goscinny est épaulé par Pierre Tchernia dans l'adaptation du scénario. Ce dernier écrit pour le film trois chansons sur une musique composée par Gérard Calvi[c 7].
 En 1974, Dargaud, Goscinny et Uderzo fondent les Studios Idéfix pour réaliser un troisième dessin animé, Les Douze Travaux d'Astérix. Contrairement aux deux précédents films, celui-ci n'est pas le fruit de l'adaptation d'un album, mais de l'écriture d'un scénario original par René Goscinny, avec la collaboration de Pierre Tchernia. Uderzo réalise de nombreuses planches de modèles des nouveaux personnages et la direction de l'animation est confiée à Pierre Watrin et Henri Gruel. La production débute à l'automne 1974 et le film sort en salle le 20 octobre 1976[c 10]. La mort de René Goscinny en 1977 entraîne la fermeture des Studios Idéfix, mais les adaptations d'Astérix en dessins animés reprennent en 1985 avec Astérix et la Surprise de César.
 Les aventures d'Astérix ont inspiré de nombreux jeux de société de plusieurs sortes (parcours, quiz…). Le premier en date, Astérix et la potion magique, de type jeu de hasard raisonné, a été édité par la société Noël en 1967.
 La bande dessinée a inspiré deux parcs de loisirs. Le premier, créé en 1967, a vu le jour près de Nice, mais celui-ci a rapidement fermé ses portes, le succès n'ayant pas été au rendez-vous[105]. C'est en 1989 que le Parc Astérix actuel a ouvert dans l'Oise.
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 The legend dates back to the Middle Ages. The earliest references describe a piper, dressed in multicoloured (""pied"") clothing, who was a rat catcher hired by the town to lure rats away[1] with his magic pipe. When the citizens refused to pay for this service as promised, he retaliated by using his instrument's magical power on their children, leading them away as he had the rats. This version of the story spread as folklore and has appeared in the writings of Johann Wolfgang von Goethe, the Brothers Grimm, and Robert Browning, among others. The phrase ""pied piper"" has become a metaphor for a person who attracts a following through charisma or false promises.[2]
 There are many contradictory theories about the Pied Piper. Some suggest he was a symbol of hope to the people of Hamelin, which had been attacked by plague; he drove the rats from Hamelin, saving the people from the epidemic.[3]
 In 1284, while the town of Hamelin was suffering from a rat infestation, a piper dressed in multicoloured (""pied"") clothing appeared, claiming to be a rat-catcher. He promised the mayor a solution to their problem with the rats. The mayor, in turn, promised to pay him 1,000 guilders for the removal of the rats. The piper accepted and played his pipe to lure the rats into the Weser River, where all the rats drowned.[4]
 Despite the piper's success, the mayor reneged on his promise and refused to pay him the full sum (reputedly reduced to 50 guilders) even going so far as to blame the piper for bringing the rats himself in an extortion attempt. Enraged, the piper stormed out of the town, vowing to return later to take revenge. On Saint John and Paul's day, while the adults were in church, the piper returned, dressed in green like a hunter and playing his pipe. In so doing, he attracted the town's children. One hundred and thirty children followed him out of town and into a mountains’ cave, after which they were never seen again. Depending on the version, at most three children remained behind: one was lame and could not follow quickly enough, the second was deaf and therefore could not hear the music, and the last was blind and therefore unable to see where he was going. These three informed the villagers of what had happened when they came out from church.[4]
 Other versions relate that the Pied Piper led the children to the top of Koppelberg Hill, where he took them to a beautiful land,[5] or a place called Koppenberg Mountain,[6] or Transylvania. In yet other versions, he made them walk into the Weser as he did with the rats, and they all drowned. Or, the Piper returned the children after extorting payment, or the children were returned only after the villagers paid several times the original payment in gold.[4][7]
 The Hamelin street named Bungelosenstrasse (""street without drums"") is believed to be the last place that the children were seen. Ever since, music or dancing is not allowed on this street.[8][9]
 The earliest mention of the story seems to have been on a stained-glass window placed in the Church of Hamelin c. 1300. The window was described in several accounts between the 14th and 17th centuries.[10] It was destroyed in 1660. Based on the surviving descriptions, a modern reconstruction of the window has been created by historian Hans Dobbertin. It features the colourful figure of the Pied Piper and several figures of children dressed in white.[11][failed verification]
 The window is generally considered to have been created in memory of a tragic historical event for the town; Hamelin town records also apparently start with this event.[citation needed]
 Although research has been conducted for centuries, no explanation for the historical event is universally accepted as true. In any case, the rats were first added to the story in a version from c. 1559 and are absent from earlier accounts.[12]
 Decan Lude of Hamelin was reported c. 1384 to have in his possession a chorus book containing a Latin verse giving an eyewitness account of the event.[13][further explanation needed]
 The Lüneburg manuscript (c. 1440–50) gives an early German account of the event.[14] An article by James P. O'Donnell in The Saturday Evening Post (December 24, 1955) tells how an elderly German researcher, Heinrich Spanuth, discovered the earliest version of the story in the Luneberg city archives in 1936.  
 
On the back of the last tattered page of a dusty chronicle called The Golden Chain, written in Latin in 1370 by the monk Heinrich of Herford, there is written in a different handwriting the following account:[15] Here follows a marvellous wonder, which transpired in the town of Hamelin in the diocese of Minden, in this Year of Our Lord, 1284, on the Feast of Saints John and Paul. A certain young man thirty years of age, handsome and well-dressed, so that all who saw him admired him because of his appearance, crossed the bridges and entered the town by the West Gate. He then began to play all through the town a silver pipe of the most magnificent sort. All the children who heard his pipe, in the number of 130, followed him to the East Gate and out of the town to the so-called execution place or Calvary. There they proceeded to vanish, so that no trace of them could be found. The mothers of the children ran from town to town, but they found nothing. It is written: A voice was heard from on high, and a mother was bewailing her son. And as one counts the years according to the Year of Our Lord or according to the first, second or third year of an anniversary, so do the people in Hamelin reckon the years after the departure and disappearance of their children. This report I found in an old book. And the mother of the Dean Johann von Lüde saw the children depart.[16][17][18][note 1] It is rendered in the following form in an inscription on a house known as Rattenfängerhaus (English: ""Rat Catcher's House"" or Pied Piper's House) in Hamelin:[14]
 anno 1284 am dage johannis et pauli war der 26. juni dorch einen piper mit allerley farve bekledet gewesen cxxx kinder verledet binnen hameln geboren to calvarie bi den koppen verloren
 (In the year 1284 on the day of [Saints] John and Paul on 26 June 130 children born in Hamelin were lured by a piper clothed in many colours to Calvary near the Koppen, [and] lost)
 According to author Fanny Rostek-Lühmann this is the oldest surviving account. Koppen (High German Kuppe, meaning a knoll or domed hill) seems to be a reference to one of several hills surrounding Hamelin. Which of them was intended by the manuscript's author remains uncertain.[19]
 A similar inscription can be found on the ""Wedding- or Hochzeitshaus, a fine structure erected between 1610 and 1617[20] for marriage festivities, but diverted from its purpose since 1721. Behind rises the spire of the parish church of St. Nicholas which, in the words of an English book of folklore, may still ""enwall stones that witness how the parents prayed, while the Piper wrought sorrow for them without"":[21]
 Nach Christi Geburt 1284 Jahr Gingen bei den Koppen unter Verwahr Hundert und dreissig Kinder, in Hameln geboren von einem Pfeiffer verfürt und verloren
 In the year of Our Lord 1284 went into the Koppen under custody 130 children born in Hamelin by a piper seduced and lost
 A portion of the town gate dating from the year 1556 is currently exhibited at the Hamelin Museum. According to Hamelin Museum, this stone is the oldest surviving sculptural evidence for the legend.[22] It bears the following inscription:[23]
 Anno 1556 / Centu[m] ter denos
C[um] mag[us] ab urbe puellos /
Duxerat a[n]te a[n]nos 272.
Condita porta fuit
 In the year 1556, 
272 years after the magician 
stole 130 children from the city, 
this gate was founded.
 
The Hamelin Museum writes:[24] In the mid 14th Century, a monk from Minden, Heinrich von Herford, puts together a collection of holy legends called the ""Catena Aurea"".  It speaks of a ""miracle"" that took place in 1284 in Hamelin.  A youth appeared and played on a strange silver flute.  Every child that heard the flute, followed the stranger.  They left Hamelin by the Eastern gate and disappeared at Kalvarien Hill.  This is the oldest known account of this occurrence. Around this time a verse of rhyme is found in ""zu Hameln im Kloster"".  It tells about the children's disappearance.  It is written in red ink on the title page of a missal.  It bewails ""the 130 beloved Hamelner children"" who were ""eaten alive by Calvaria"".  The original verses are probably the oldest written source of this legend.  It has been missing for hundreds of years.[note 2] However, different versions of transcriptions of handwritten copies still exist. One was published by Heinrich Meibom in 1688.[25] Another was included by Johann Daniel Gottlieb Herr under the title Passionale Sanctorum in Collectanea zur Geschichte der Stadt Hameln. His manuscript is dated 1761.[26] There are some Latin verses which had a prose version underneath:[27]

 Maria audi nos, tibi Filius nil negat. 
Post duo C. C. mille post octoginta quaterue
—Annus hic est ille, quo languet sexus uterque—
Orbantis pueros centumque triginta Joannis
Et Pauli caros Hamelenses non sine damnis,
Fatur, ut omnes eos vivos Calvaria sorpsit,
Christi tuere reos, ne tam mala res quibus obsit.

Anno millesimo ducentesimo octuagesimo quarto in die Johannis et Pauli perdiderunt Hamelenses centum et triginta pueros, qui intraverunt montem Calvariam.
 Mary, hear us, for your Son denies you nothing. 
1284 is that year when members of 
both sexes languish (through weakness), 
the year of the day John and Paul, which the 130 dear children of Hamelin swept away 
and not without doom. 
It is said that Calvary swallowed them alive. 
Christ, protect the guilty so that no similar evil fate overtake them.[26]

In the year one thousand two hundred and eighty-four, on the day of John and Paul, the Hamelin lost a hundred and thirty children who entered Calvary mount.
 Somewhere between 1559 and 1565, Count Froben Christoph von Zimmern included a version in his Zimmerische Chronik.[28] This appears to be the earliest account which mentions the plague of rats. Von Zimmern dates the event only as ""several hundred years ago"" (vor etlichen hundert jarn  [sic]), so that his version throws no light on the conflict of dates (see next paragraph). Another contemporary account is that of Johann Weyer in his De praestigiis daemonum (1563).[29]
 
A number of theories suggest that children died of some natural causes such as disease or starvation,[30] and that the Piper was a symbolic figure of Death.  Analogous themes which are associated with this theory include the Dance of Death, Totentanz or Danse Macabre, a common medieval trope. Some of the scenarios that have been suggested as fitting this theory include that the children drowned in the river Weser, were killed in a landslide or contracted some disease during an epidemic. Another modern interpretation reads the story as alluding to an event where Hamelin children were lured away by a pagan or heretic sect to forests near Coppenbrügge (the mysterious Koppen ""hills"" of the poem) for ritual dancing where they all perished during a sudden landslide or collapsing sinkhole.[31]
 Speculation on the emigration theory is based on the idea that, by the 13th century, overpopulation of the area resulted in the oldest son owning all the land and power (majorat), leaving the rest as serfs.[32] It has also been suggested that one reason the emigration of the children was never documented was that the children were sold to a recruiter from the Baltic region of Eastern Europe, a practice that was common at the time. [citation needed] In his book The Pied Piper: A Handbook, Wolfgang Mieder states that historical documents exist showing that people from the area including Hamelin did help settle parts of Transylvania.[33] Emily Gerard reports in The Land Beyond the Forest an element of the folktale that ""popular tradition has averred the Germans who about that time made their appearance in Transylvania to be no other than the lost children of Hameln, who, having performed their long journey by subterranean passages, reissued to the light of day through the opening of a cavern known as the Almescher Höhle, in the north-east of Transylvania.""[34] Transylvania had suffered under lengthy Mongol invasions of Central Europe, led by two grandsons of Genghis Khan and which date from around the time of the earliest appearance of the legend of the piper, the early 13th century.[35]
 In the version of the legend posted on the official website for the town of Hamelin, another aspect of the emigration theory is presented:
 Among the various interpretations, reference to the colonization of East Europe starting from Low Germany is the most plausible one: The ""Children of Hameln"" would have been in those days citizens willing to emigrate being recruited by landowners to settle in Moravia, East Prussia, Pomerania or in the Teutonic Land. It is assumed that in past times all people of a town were referred to as ""children of the town"" or ""town children"" as is frequently done today. The ""Legend of the children's Exodus"" was later connected to the ""Legend of expelling the rats"". This most certainly refers to the rat plagues being a great threat in the medieval milling town and the more or less successful professional rat catchers.[36] The theory is provided credence by the fact that family names common to Hamelin at the time ""show up with surprising frequency in the areas of Uckermark and Prignitz, near Berlin.""[37]
 Historian Ursula Sautter, citing the work of linguist Jürgen Udolph, offers this hypothesis in support of the emigration theory:
 ""After the defeat of the Danes at the Battle of Bornhöved in 1227,"" explains Udolph, ""the region south of the Baltic Sea, which was then inhabited by Slavs, became available for colonization by the Germans."" The bishops and dukes of Pomerania, Brandenburg, Uckermark and Prignitz sent out glib ""locators"", medieval recruitment officers, offering rich rewards to those who were willing to move to the new lands. Thousands of young adults from Lower Saxony and Westphalia headed east. And as evidence, about a dozen Westphalian place names show up in this area. Indeed there are five villages called Hindenburg running in a straight line from Westphalia to Pomerania, as well as three eastern Spiegelbergs and a trail of etymology from Beverungen south of Hamelin to Beveringen northwest of Berlin to Beweringen in modern Poland.[38] Udolph favours the hypothesis that the Hamelin youths wound up in what is now Poland.[39] Genealogist Dick Eastman cited Udolph's research on Hamelin surnames that have shown up in Polish phonebooks:
 Linguistics professor Jürgen Udolph says that 130 children did vanish on a June day in the year 1284 from the German village of Hamelin (Hameln in German). Udolph entered all the known family names in the village at that time and then started searching for matches elsewhere. He found that the same surnames occur with amazing frequency in the regions of Prignitz and Uckermark, both north of Berlin. He also found the same surnames in the former Pomeranian region, which is now a part of Poland.
 Udolph surmises that the children were actually unemployed youths who had been sucked into the German drive to colonize its new settlements in Eastern Europe. The Pied Piper may never have existed as such, but, says the professor, ""There were characters known as lokators who roamed northern Germany trying to recruit settlers for the East."" Some of them were brightly dressed, and all were silver-tongued.
 Professor Udolph can show that the Hamelin exodus should be linked with the Battle of Bornhöved in 1227 which broke the Danish hold on Eastern Europe. That opened the way for German colonization, and by the latter part of the thirteenth century there were systematic attempts to bring able-bodied youths to Brandenburg and Pomerania. The settlement, according to the professor's name search, ended up near Starogard in what is now northwestern Poland. A village near Hamelin, for example, is called Beverungen and has an almost exact counterpart called Beveringen, near Pritzwalk, north of Berlin and another called Beweringen, near Starogard.
 
Local Polish telephone books list names that are not the typical Slavic names one would expect in that region. Instead, many of the names seem to be derived from German names that were common in the village of Hamelin in the thirteenth century. In fact, the names in today's Polish telephone directories include Hamel, Hamler and Hamelnikow, all apparently derived from the name of the original village.[40] Some theories have linked the disappearance of the children to mass psychogenic illness in the form of dancing mania. Dancing mania outbreaks occurred during the 13th century, including one in 1237 in which a large group of children travelled from Erfurt to Arnstadt (about 20 km (12 mi)), jumping and dancing all the way,[41] in marked similarity to the legend of the Pied Piper of Hamelin, which originated at around the same time.[42]
 Others have suggested that the children left Hamelin to be part of a pilgrimage, a military campaign, or even a new Children's Crusade (which is said to have occurred in 1212) but never returned to their parents. These theories see the unnamed Piper as their leader or a recruiting agent. The townspeople made up this story (instead of recording the facts) to avoid the wrath of the church or the king.[43]
 William Manchester's A World Lit Only by Fire places the events in 1484, and further proposes that the Pied Piper was a psychopathic paedophile.[44]
 ""The Piper is coming nearer,"" he said, ""he is nearer than he was that evening I saw him before. His long, shadowy cloak is blowing around him. He pipes—he pipes—and we must follow—Jem and Carl and Jerry and I—round and round the world. Listen—listen—can't you hear his wild music?""[47] In linguistics, pied-piping is the common name for the ability of question words and relative pronouns to drag other words along with them when brought to the front, as part of the phenomenon called Wh-movement. For example, in ""For whom are the pictures?"", the word ""for"" is pied-piped by ""whom"" away from its declarative position (""The pictures are for me""), and in ""The mayor, pictures of whom adorn his office walls"" both words ""pictures of"" are pied-piped in front of the relative pronoun, which normally starts the relative clause.
 Some researchers believe that the tale has inspired the common English phrase ""pay the piper"".[67] This phrase implies that the person who provides payment or funding for something has the authority to dictate how it should be done. However, the phrase ""pay the piper"" may also be a contraction of the English proverb ""he who pays the piper calls the tune.""[67] This proverb, in contrast to the modern interpretation of paying a debt, suggests that the person who bears the financial responsibility for something also has the right to determine how it should be carried out.[68]
 The present-day city of Hamelin continues to maintain information about the Pied Piper legend and possible origins of the story on its website.  Interest in the city's connection to the story remains so strong that, in 2009, Hamelin held a tourist festival to mark the 725th anniversary of the disappearance of the town's earlier children.[69] The Rat Catcher's House is popular with visitors, although it bears no connection to the Rat-Catcher version of the legend.  Indeed, the Rattenfängerhaus is instead associated with the story due to the earlier inscription upon its facade mentioning the legend.  The house was built much later, in 1602 and 1603.  It is now a Hamelin City-owned restaurant with a Pied Piper theme throughout.[70] The city also maintains an online shop with rat-themed merchandise as well as offering an officially licensed Hamelin Edition of the popular board game Monopoly which depicts the legendary Piper on the cover.[71]
 In addition to the recent milestone festival, each year the city marks 26 June as ""Rat Catcher's Day"". In the United States, a similar holiday for exterminators based on Rat Catcher's Day is marked on 22 July, but has not caught on.[72]",3408,"Main page; Contents; Current events; About Wikipedia; Help; Learn to edit; Community portal; Upload file; ; learn more; Article; Talk; Read; Read; Upload file; Pied Piper (disambiguation); Pied Piper of Hamelin (disambiguation); ; ; German; title character; legend; Hamelin; Lower Saxony; Germany; Middle Ages; pipe; Johann Wolfgang von Goethe; Brothers Grimm; Robert Browning; plague; ; Maxfield Parrish; rat; mayor; guilders; Weser River; extortion; revenge; John and Paul; children; lame; deaf; blind; Koppenberg; Weser; drowned; List of literary accounts of the Pied Piper; ; Hamelin; Kate Greenaway; Robert Browning; failed verification; citation needed; Decan Lude; Latin; further explanation needed; James P. 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Le Magicien d'Oz,https://fr.wikipedia.org/wiki/Le_Magicien_d%27Oz,"Pour les articles homonymes, voir Le Magicien d'Oz (homonymie).
 
 Le Magicien d'Oz (titre original : The Wonderful Wizard of Oz) est un roman pour enfants écrit par Lyman Frank Baum et publié aux États-Unis en 1900 aux éditions George M. Hill Company, avec des illustrations de William Wallace Denslow. En France, il a été édité pour la première fois en 1931[1].
 Grand classique de la littérature enfantine dans le monde anglophone - en première place[réf. nécessaire] avec Le Vent dans les saules écrit par Kenneth Grahame en 1908 - il en a été tiré plusieurs adaptations cinématographiques.
 L'auteur a écrit une suite à ce roman : Le Merveilleux Pays d'Oz (The Marvelous Land of Oz, 1904), traduit en français tardivement en 1981[2] et Ozma, la princesse d'Oz (Ozma of Oz, 1907) traduit en français en 1982.
 Une petite fille prénommée Dorothée (ou Dorothy selon les versions) et son petit chien Toto, qui habitent au Kansas, sont enlevés avec leur maison par une tornade et transportés dans un pays merveilleux du nom d'Oz. La maison tombe sur la méchante sorcière de l'Est et la tue sur le coup ; Dorothée récupère les souliers d'argent (de rubis dans le film de 1939) de la sorcière. Pour trouver un moyen de rentrer au Kansas, la gentille sorcière du Nord lui conseille de s'adresser au grand et puissant magicien d'Oz, qui réside dans la Cité d'Émeraude.
 Pour s'y rendre il faut suivre une route de brique jaune. En chemin, Dorothée rencontre un épouvantail qui se plaint de ne pas avoir de cerveau, un bûcheron en fer blanc qui regrette de ne pas avoir de cœur, et un lion qui déplore son manque de courage. Suivant Dorothée, tous les trois se rendent auprès du magicien pour qu'il leur accorde ce qui leur manque. Le magicien accepte, à condition qu'ils éliminent la méchante sorcière de l'Ouest. Dorothée y parvient, en jetant un seau d'eau sur la sorcière, ce qui la fait fondre.
 Mais le magicien se trouve être un imposteur. Il réussit tout de même à donner à l'épouvantail, au bûcheron et au lion ce qu'ils désirent, mais il lui est plus difficile de ramener Dorothée au Kansas. Il fabrique pour cela un ballon, mais celui-ci s'envole avec le magicien et sans Dorothée. En fin de compte, Dorothée peut rentrer chez elle grâce à l'aide de la gentille fée du Sud, qui lui apprend que les souliers d'argent pouvaient l'aider : il lui suffit de claquer trois fois des talons et d'exprimer un souhait.
 L'historien Henry Littlefield a proposé en 1964 dans un article du American Quarterly une interprétation économique, toutefois très controversée. Entre 1883 et 1897, à la fin du Gilded Age, une dépression eut lieu aux États-Unis. Les agriculteurs de l'Ouest s'endettèrent lourdement. L'étalon-or avait alors cours et certains économistes préconisaient d'utiliser également l'argent[3]. Cela aurait permis d'augmenter la quantité de monnaie, aurait entraîné l'inflation et réduit le poids réel de l'endettement des agriculteurs. Cette question fut cruciale lors de l'élection présidentielle de 1896. William Jennings Bryan attaqua alors l'étalon-or. Mais ce fut William McKinley, républicain et défenseur de l'étalon-or qui devint président. Les personnages du livre symbolisent diverses figures et des événements de l'époque [4]:
 Luca Gallesi publie en 2012 l'essai C'era une volta l'economia (Il était une fois l'économie en 2015 en France) dans lequel il analyse cette approche historico-économique du Magicien d'Oz comme étant liée à la querelle du bimétallisme, reprenant ainsi la thèse de Hugh Rockoff[5] et d'Henry Littlefield[6]. Gregory Mankiw cite également le conte comme illustration de cet épisode économique dans son ouvrage Macroéconomie (1992).
 Lors d'une interview, en 1903, au magazine Publishers Weekly[7], Baum annonça qu'il a tiré le nom Oz de son classeurs à tiroirs, labellisé ""O–Z""[8].
 Lors de sa publication en 1900, Le Magicien d'Oz a reçu un accueil critique positif. The New York Times en fait l'éloge, le considérant comme un exemple du renouveau de la littérature de jeunesse. L'article suppose qu'il devrait plaire grandement aux jeunes lecteurs et salue la qualité des illustrations qui constituent un agréable complément du texte[9]. 
 Toutefois, le roman sera plus tard accusé de véhiculer des idéaux malsains et impies et en 1928, les bibliothèques publiques américaines censurent le livre sous prétexte qu'il « dépeint des personnages de femmes fortes dans des rôles de leader »[10].
 En 1957, c'est en arguant que les romans de Baum n'ont « aucune valeur pour les enfants d'aujourd'hui » que le directeur des bibliothèques publiques de Détroit censure à nouveau ses livres. Il ajoute que les histoires et les personnages encouragent « la négativité et un esprit de lâcheté chez les enfants »[10].
 (liste non exhaustive)
 Plusieurs adaptations cinématographiques ont été tirées de ce livre. La plus célèbre est le film musical de Victor Fleming (1939), avec Judy Garland dans le rôle de Dorothy Gale et Frank Morgan dans le rôle du magicien. Les chansons du film (Over the Rainbow, Follow the Yellow Brick Road et We're off to see the wizard) sont particulièrement célèbres.  
 Plusieurs séries télévisées ont été adaptées de l'œuvre, comme Emerald City, réalisée en 2016 et diffusée en 2017.
 L. Frank Baum écrivit de nombreuses suites au roman. Il y approfondit sa description du pays d'Oz et invente plusieurs pays voisins. Après la mort de L. F. Baum, d'autres romans furent écrits par d'autres auteurs, les premiers étant Ruth Plumly Thompson, John R. Neill et Jack Snow.
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The tale was first published with three others by Andersen in a cheap booklet on 8 May 1835 in Copenhagen by C. A. Reitzel.
 The tale is classified in the Aarne–Thompson–Uther Index as ATU 704, ""The Princess and the Pea"".[2]
 The story tells of a prince who wants to marry a princess but is having difficulty finding a suitable wife. He meets many princesses, but is never sure that they are real (Danish: rigtig, lit. 'rightful') princesses—until one stormy night, when a mysterious young woman drenched with rain seeks shelter in the prince's castle. She claims to be a princess, but the prince's mother, the queen, has doubts. She decides to test their unexpected guest by placing a hard uncooked pea in the bed she is offered for the night, covered by twenty mattresses and twenty featherbeds.
 In the morning, the mysterious woman tells her hosts that she endured a rather restless night, kept awake by something in the bed that made her feel uncomfortable. The prince's family realizes that she is a princess after all, since only a true princess could be so delicate. The prince and the princess are happily married, and the story ends with the pea being placed in a museum, where it might still remain.
 Researcher Jack Zipes said that Andersen, during his lifetime, ""was obliged to act as a dominated subject within the dominant social circles despite his fame and recognition as a writer."" He therefore had a mixed opinion of the upper classes, at the same time aspiring to them and scorning them. According to Zipes and other writers, this tendency found expression in Andersen's stories, where people like the princess undergo ordeals to prove their virtuousness.[3]
 While a 1905 article in the American Journal of Education recommended the story for children aged 8–10,[4] ""The Princess and the Pea"" was not uniformly well received by critics. Toksvig wrote in 1934, ""[the story] seems to the reviewer not only indelicate but indefensible, in so far as the child might absorb the false idea that great ladies must always be so terribly thin-skinned.""[5]
 ""The Princess and the Pea"" spurred on positive criticism, as well. In fact, critic Paul Hazard pointed out the realistic aspects of the fairy tale that make it easily relatable to all people. He believed that ""the world Andersen witnessed—which encompassed sorrow, death, evil and man's follies—is reflected in his tales,"" and most evidently in ""The Princess and the Pea."" Another scholar, Niels Kofoed, noticed that “since they involve everyday-life themes of love, death, nature, injustice, suffering and poverty, they appeal to all races, ideologies, classes and genders.” Moreover, Celia Catlett Anderson realized that one of the things that makes this story so appealing and relatable is that optimism prevails over pessimism, especially for the main character of the princess. This inspires hope in the readers for their own futures and strength within themselves.[3]
 In 1927, German composer Ernst Toch published an opera based on ""The Princess and the Pea"", with a libretto by Benno Elkan.[6] Reportedly this opera was very popular in the American student repertoires;[7] the music, as well as the English translation (by Marion Farquhar), were praised in a review in Notes.[6] The story was adapted to the musical stage in 1959 as Once Upon a Mattress, with comedian Carol Burnett playing the play's heroine, Princess Winnifred the Woebegone. The musical was revived in 1997 with Sarah Jessica Parker in the role. It was revived again in 2024 with Sutton Foster in the role of Winnifred. A television adaptation of ""The Princess and the Pea"" starred Liza Minnelli in a  Faerie Tale Theatre episode in 1984. The story has been adapted into three films, a six-minute IMAX production in 2001, one full-length animation film in 2002 and the 2005 feature-length movie featuring Carol Burnett and Zooey Deschanel.[1] The tale was the basis for a story in The Stinky Cheese Man and Other Fairly Stupid Tales by Jon Scieszka[8] and Lane Smith, wherein the prince decides to slip a bowling ball underneath one hundred mattresses after three years of unsuccessful attempts with the pea. In the morning, the princess comes downstairs and tells the queen, ""This might sound odd but I think you need another mattress. I felt like I was sleeping on a lump as big as a bowling ball."" satisfying the king and the queen. The princess marries the prince and they live happily, though maybe not entirely honestly, ever after.[9] American poet Jane Shore published a poem, ""The Princess and the Pea"", in the January 1973 issue of Poetry, in which a close dependency between princess and pea is posited: ""I lie in my skin as in an ugly coat: / my body owned by the citizens / who ache and turn whenever I turn / on the pea on which so much depends"" (13-16).[10] Russian writer Evgeny Shvarts incorporates the story, with two other Andersen stories, in his Naked King.[11]
 A few folk tales feature a boy discovering a pea or a bean assumed to be of great value. After the boy enters a castle and is given a bed of straw for the night he tosses and turns in his sleep, attempting to guard his treasure. Some observers are persuaded that the boy is restless because he is unaccustomed to sleeping on straw and is therefore of aristocratic blood.[1] In the more popular versions of the tale, only one pea is used. However, Charles Boner added in two more peas in his translation of the story upon which Andersen based his tale. Other differences amongst versions can be seen in various numbers of mattresses as well as feather beds.[citation needed] Versions of the story differ based on whether or not the character of the helper is included. The helper, in some cases, tells the princess to pretend she slept badly. In other versions, the helper does not appear at all and the princess decides to lie all on her own.[12] A similar fairy tale, The Pea Test (Die Erbsenprobe), was included by the Brothers Grimm in 1843 at number 182 in the fifth edition of their collection Children's and Household Tales, but was removed from subsequent editions.
 Princess and the Pea is a children's board game loosely based on ""The Princess and the Pea"", an 1835 fairy tale by Hans Christian Andersen, in which each player tries to build the highest stack of mattresses before reaching the final space on the board. It was first published by Winning Moves Games USA in 2003 and was republished in 2008 - but is no longer in production. 
 Each player moves their bed across the board, and tried to build the tallest bed by stacking their mattresses as high as possible.[13][14]
 The gameplay is fairly straightforward. On a player's turn, the roll the die and move their bed forward that many spaces on the board, then perform the action of the space they land on. Actions involve adding mattresses to your bed from the supply, giving away a mattress, taking a mattress from the person with the most, etc. The game ends when one of the players reaches the crown space, the last one on the board. All other players move their beds to the space and the number of mattresses each player has is counted. The player with the most wins. In the case of a tie, the win is shared. 
 Princess Pea from the PBS Kids children’s series Super Why! (2007-2016) is the daughter of the prince and princess of that story, Princess Pea turns into Princess Presto with spelling power.",1303,"Main page; Contents; Current events; About Wikipedia; Help; Learn to edit; Community portal; Upload file; ; learn more; Article; Talk; Read; Read; Upload file; Princess and the Pea (board game); merged; Discuss; The Princess and the Pea (disambiguation); Short story; Hans Christian Andersen; ; Edmund Dulac; Wikisource; Charles Boner; fairy tale; Danish; lit.; fairy tale; Hans Christian Andersen; Aarne–Thompson–Uther Index; Danish; lit.; pea; featherbeds; Jack Zipes; Paul Hazard; Ernst Toch; Benno Elkan; Notes; musical stage; Once Upon a Mattress; Carol Burnett; Sarah Jessica Parker; Sutton Foster; Liza Minnelli; Faerie Tale Theatre; IMAX; full-length animation film; The Stinky Cheese Man and Other Fairly Stupid Tales; Jon Scieszka; Lane Smith; bowling ball; Jane Shore; Poetry; Evgeny Shvarts; ; Jesperhus; citation needed; Children's and Household Tales; Children's literature portal; Greenwood Publishing Group; JSTOR; Notes; doi; JSTOR; The Musical Times; JSTOR; The Reading Teacher; JSTOR; Scieszka, John and Lane Smith; ISBN; Shore, Jane; Poetry; JSTOR; Russian Review; doi; JSTOR; Andersen, Hans Christian; ISBN; Opie, Peter; Oxford University Press; ISBN; Tatar, Maria; W.W. Norton & Company; ISBN; Toksvig, Signe; Macmillan and Co.; University of Chicago Press; ISBN; Zipes, Jack; Routledge; ISBN; Super Why!; Wikisource; Jean Hersholt; LibriVox; v; t; Hans Christian Andersen; Bibliography; Fairy Tales Told for Children. First Collection.; Fairy Tales Told for Children. New Collection; New Fairy Tales. 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Les Musiciens de Brême,https://fr.wikipedia.org/wiki/Les_Musiciens_de_Brême,"Pour les articles homonymes, voir Les Musiciens de Brême (homonymie).
 
 
 Les Musiciens de Brême est un conte de Jacob et Wilhelm Grimm. Il figure dans Contes de l'enfance et du foyer, dans la deuxième édition de 1819.
 En Allemagne, dans un village situé non loin de Brême, un meunier vit avec son âne. Ce dernier prenant de l'âge, son maître décide de le tuer pour récupérer sa peau. Mais l'âne pressent les ennuis et s'enfuit la nuit venue. Il décide de se rendre à Brême pour devenir musicien. En chemin, il rencontre un chien  trop âgé pour la chasse et dont le maître veut se débarrasser. L'âne propose alors au chien d'aller avec lui à Brême pour s'engager dans l'orchestre municipal. Plus loin, l'âne et le chien rencontrent un chat et un coq dans la même situation qu'eux, et leur proposent de les suivre sur la route de Brême. 
 Un soir, les quatre animaux découvrent une maison habitée par des voleurs. Bien décidés à prendre leur place, ils élaborent un plan pour se débarrasser des voleurs : l'âne se place devant la fenêtre de la maison, le chien monte sur l'âne, le chat sur le chien et le coq sur le chat ; quand ils sont ainsi installés, ils donnent de la voix tous ensemble, bondissent par la fenêtre et les voleurs, effrayés, s'enfuient. Après la disparition des voleurs, les quatre compagnons à pattes décident de s'installer dans la maison.
 Le chef des voleurs envoie plus tard un de ses hommes pour voir s'ils peuvent récupérer la maison. Peine perdue : les animaux, dans le noir, l'attaquent et le terrorisent.
 Les animaux finissent par s'installer définitivement dans la confortable maison. Ils ne joueront pas à Brême.
 Les quatre animaux sont statufiés dans diverses villes dont :
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 The ""Town Musicians of Bremen"" (German: Die Bremer Stadtmusikanten) is a German fairy tale collected by the Brothers Grimm and published in Grimms' Fairy Tales in 1819 (KHM 27).[1]
 It tells the story of four aging domestic animals, who after a lifetime of hard work are neglected and mistreated by their former masters. Eventually, they decide to run away and become town musicians in the city of Bremen. Contrary to the story's title the characters never arrive in Bremen, as they succeed in tricking and scaring off a band of robbers, capturing their spoils, and moving into their house. It is a story of Aarne–Thompson Type 130 (""Outcast animals find a new home"").[1]
 The Brothers Grimm first published this tale in the second edition of Kinder- und Hausmärchen in 1819, based on the account of the German storyteller Dorothea Viehmann (1755–1815).[1]
 In the story, a donkey, a dog, a cat, and a rooster, all past their prime years in life and usefulness on their respective farms, were soon to be discarded or mistreated by their masters. One by one, they leave their homes and set out together. They decide to go to Bremen, known for its freedom, to live without owners and become musicians there (""Something better than death we can find anywhere"").
 On the way to Bremen, they see a lighted cottage; they look inside and see three robbers enjoying their ill-gotten gains. Standing on each other's backs, they decide to scare the robbers away by making a din; the men run for their lives, not knowing what the strange sound is. The animals take possession of the house, eat a good meal, and settle in for the evening.
 Later that night, the robbers return and send one of their members in to investigate. He sees the cat's eyes shining in the darkness and thinks he is seeing the coals of the fire. The robber reaches over to light his candle. Things happen in quick succession; the cat scratches his face with her claws, the dog bites him on the leg, the donkey kicks him with his hooves, and the rooster crows and chases him out the door. The terrified robber tells his companions that he was beset by a horrible witch who had scratched him with her long fingernails (the cat), a dwarf who has a knife (the dog), a black monster who had hit him with a club (the donkey), and worst of all, a judge calling out from the rooftop (the rooster). The robbers abandon the cottage to the strange creatures who have taken it, where the animals live happily for the rest of their days.
 In the original version of this story, which dates from the twelfth century, the robbers are a bear, a lion, and a wolf, all animals featured in heraldic devices. When the donkey and his friends arrive in Bremen, the townsfolk applaud them for having rid the district of the terrible beasts. An alternate version involves the animals' master(s) being deprived of his livelihood (because the thieves stole his money and/or destroyed his farm or mill) and having to send his or their animals away, unable to take care of them any further. After the animals dispatch the thieves, they take the ill-gotten gains back to their master so he can rebuild. Other versions involve at least one wild, non-livestock animal, such as a lizard, helping the domestic animals out in dispatching the thieves.[2]
 The tale is classified in the international Aarne-Thompson-Uther Index as type ATU 130, ""The Animals in Night Quarters (Bremen Town Musicians)"".[3][4] Folklorists Stith Thompson and Barre Toelken see a deep relation between this type and type ATU 210, ""Cock (Rooster), Hen, Duck, Pin, and Needle on a Journey"".[5][6]
 Folklorist Antti Aarne proposed an Asian origin for the tale type ATU 130, ""Die Tiere auf der Wanderschaft"" (""Wandering Animals and Objects"").[7][8]
 French folklorist Paul Delarue identified two forms of the tale type: a Western one, wherein the animals in exile are always domestic animals (represented by Grimm's tale), and an Eastern one, wherein the characters are ""inferior animals"".[9] This second form is popular in Japan, China, Korea, Melanesia and Indonesia.[10]
 The story is similar to other AT-130 tales like the German/Swiss ""The Robber and the Farm Animals"", the Norwegian ""The Sheep and the Pig Who Set Up House"", the Finnish ""The Animals and the Devil"", the Flemish ""The Choristers of St. Gudule"", the Scottish ""The Story of the White Pet"", the English ""The Bull, the Tup, the Cock, and the Steg"", the Irish ""Jack and His Comrades"", the Spanish ""Benibaire"", the American ""How Jack Went to Seek His Fortune"" and ""The Dog, the Cat, the Ass, and the Cock"", and the South African ""The World's Reward"".[1]
 Joseph Jacobs also cited this as a parallel version of the Irish ""Jack and His Comrades"",[11] and the English ""How Jack went to seek his fortune"".[12] Variants also appears in American folktale collections,[13] and in Scottish Traveller repertoires.[14]
 Variants also appear in tale compilations from Indian, Malay and Japanese sources.
 The tale has been retold through animated pictures, motion pictures (often musicals), theatre plays and operas.
 The sculpture of the Town Musicians of Bremen in Bremen, Germany, is the starting point of a tourist attraction, the German Fairy Tale Route (Deutsche Märchenstraße). The German Fairy Tale Route is a popular tourist attraction in Germany that celebrates the country's rich heritage of fairy tales. Beginning in Hanau in Hesse, the birthplace of the Brothers Grimm, and ending in Bremen, the home of the famed Town Musicians of Bremen, this scenic route meanders through various landscapes that inspired many of the tales we still know and love today.
 Some of the best known adaptations are:",959,"Main page; Contents; Current events; About Wikipedia; Help; Learn to edit; Community portal; Upload file; ; learn more; Article; Talk; Read; Read; Upload file; Coordinates; The Bremen Town Musicians (disambiguation); ; Gerhard Marcks; Bremen; Aarne–Thompson; Brothers Grimm; Grimms' Fairy Tales; Bremen; Aarne–Thompson; Brothers Grimm; Kinder- und Hausmärchen; Dorothea Viehmann; Bremen; Aarne-Thompson-Uther Index; Stith Thompson; Barre Toelken; Antti Aarne; Paul Delarue; ; Walter Crane; AT-130; Jack and His Comrades; Joseph Jacobs; Scottish Traveller; animated pictures; motion pictures; musicals; ; The Bremen Town Musicians; Soviet; Ub Iwerks; ComiColor Cartoons; Terrytoons; The Hopeful Donkey; The Goose that Laid the Golden Eggs; Richard Mohaupt; Wolves, Witches and Giants; Spike Milligan; Birmingham; Yuri Entin; Vasily Livanov; Soyuzmultfilm; The Bremen Town Musicians; On the Trail of the Bremen Town Musicians; The New Bremen Town Musicians; Jim Henson; Muppets; The Muppet Musicians of Bremen; Sergio Bardotti; Luis Enríquez Bacalov; Chico Buarque; Spain; Goya Award for Best Animated Film; Los Trotamúsicos; Bremen; Rik Mayall; Grim Tales; Tezuka Productions; The Fearless Four; James Ingram; B.B. 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Shrek (film),https://fr.wikipedia.org/wiki/Shrek_(film),"Pour les articles homonymes, voir Shrek.
 Pour l’article ayant un titre homophone, voir nadege.
 Mike MyersEddie MurphyCameron Diaz
 Série Shrek Shrek 2(2004) 
 Pour plus de détails, voir Fiche technique et Distribution. modifier  Shrek est un film d'animation américain en images de synthèse réalisé par Andrew Adamson et Vicky Jenson et sorti en 2001. Produit par DreamWorks Animation, ce film pour enfant est une parodie de contes de fées adaptée du livre illustré Shrek ! de William Steig, paru en 1990.
 Le film remporte un succès fulgurant et permet à DreamWorks (cofondé par Steven Spielberg) de se poser en grand rival de Pixar (à l'époque dirigé par Steve Jobs) dans le domaine de l'animation surtout en 3D[1]. Cet engouement pour Shrek conduit ses producteurs à en faire une franchise. Ainsi trois suites voient le jour : Shrek 2, Shrek le troisième et Shrek 4, cinq courts-métrages (Shrek 3D, Joyeux Noël Shrek !, Shrek, fais-moi peur !, Le Noël Shrektaculaire de l'Âne et Zombi Shrek), des films dérivés (Le Chat potté et Le Chat potté 2 : La Dernière Quête) ainsi qu'une comédie musicale Shrek the Musical a même vu le jour en 2008.
 Le film est sélectionné en compétition au festival de Cannes 2001 et est le premier film à recevoir l'Oscar du meilleur film d'animation, en 2002.
 En 2020, le film est sélectionné par la National Film Registry de la Bibliothèque du Congrès pour y être conservé, comme étant « culturellement, historiquement ou esthétiquement important », et devient ainsi le premier film d'animation DreamWorks et le premier long métrage d'animation non produit ou distribué par Disney à recevoir cet honneur[2].
 Le film Shrek 5 est prévu pour le 1er juillet 2026[3].
 Un ogre laid et misanthrope, Shrek, vit tranquille et heureux dans la saleté au milieu d'un marais qu'il croit un havre de paix. Mais un jour, son espace est envahi de créatures de contes de fées expulsées par le tyrannique Lord Farquaad. Shrek, flanqué de L'âne très bavard, part demander des comptes au seigneur. Mais celui-ci le charge d'aller secourir la princesse Fiona prisonnière en haut d'un donjon gardé par un dragon et de la lui ramener pour l'épouser et devenir roi, en échange de l'expulsion des squatteurs de son marais. Or, la princesse Fiona cache un secret terrifiant qui va entraîner Shrek et son compagnon l'âne dans une palpitante et périlleuse aventure.
 Un ogre laid et misanthrope, Shrek (voix anglaise Mike Myers, voix française Alain Chabat), vit tranquille et heureux dans la saleté au milieu d'un marais. Un soir, l'ogre chasse des villageois venus le capturer dans le cadre de la traque des créatures enchantées des contes de fées contre récompense. Le lendemain, un âne bavard (voix anglaise Eddie Murphy, voix française Med Hondo) mis en vente par sa propriétaire aux autorités prend la fuite, pourchassé par les soldats. Mais il rencontre l'ogre qui met en déroute les soldats.
 L'Âne, impressionné par Shrek, l'accompagne jusque chez lui, le considérant comme un nouvel ami pour éviter de rester seul. Mais une fois rentré chez lui, l'ogre chasse son collant compagnon hors de sa maison. Le soir-même, son domaine est envahi par une nuée d'horripilantes créatures de contes de fées, sept nains, trois ours, un pantin, trois fées, et moult sorcières, princes charmants, princesses… Les importuns sont arrivés là parce qu'ils ont été, disent-ils, expulsés par le tyrannique Lord Farquaad. L'ogre demande dès lors un volontaire pour lui indiquer le chemin vers le seigneur. L'Âne se porte volontaire… à son grand regret. Tous deux se mettent en route.
 Au château, Lord Farquaad doit épouser une princesse pour devenir roi. Le Miroir Magique lui propose de choisir entre Cendrillon, Blanche-Neige et Fiona. Le souverain choisit cette dernière, mais elle est enfermée en haut du donjon d'un château, situé dans un volcan gardé par un dragon. Le seigneur organise alors un tournoi pour déterminer qui ira la sauver pour la lui ramener. Au matin suivant, Shrek et l'Âne arrivent au château du Lord le jour du tournoi. Mais avant que Farquaad ne lance la compétition, il voit l'ogre s'avancer au milieu de l'arène et ordonne à ses combattants de l'affronter. Mais l'ogre les neutralise facilement avec un peu d'aide de l'Âne pour le plaisir des spectateurs. Une fois le combat terminé, les archers ciblent Shrek et attendent les ordres du seigneur. Mais ce dernier décide de déclarer l'ogre vainqueur et le charge d'aller secourir la princesse. Shrek accepte la quête à condition que Farquaad chasse les squatteurs de son marais. Shrek et l'Âne se mettent en route.
 Plus tard, les deux compagnons arrivent au château retenant la princesse et se séparent. Mais l'Âne trouve le dragon qui le pourchasse. Shrek attrape la queue du dragon pour tenter de sauver l'Âne, mais ce dernier le balance directement dans la plus haute tour du château, où se trouve la chambre de la princesse Fiona. Pendant ce temps-là, l'Âne, apeuré, découvre la féminité de la bête qui tombe amoureuse de lui et se rendent tous les deux dans la grande salle. Pendant ce temps, Shrek réveille Fiona qui s'attendait au fameux baiser et la sort du donjon pour retrouver l'Âne auprès de la dragonne. Shrek enchaîne la bête et prend la fuite avec la princesse et l'Âne hors du château. La dragonne, prisonnière, est malheureuse de se retrouver à nouveau seule. Fiona fait part de sa surprise lorsqu'elle découvre que c'est un ogre avec peu de manière qui l'a libérée dans le cadre d'un marché avec son ""futur époux"" et refuse de bouger pour le retrouver. Refusant de jouer les messagers après tout ce qu'il a traversé, l'ogre la porte sur le dos et ils repartent. Mais, pour l'ogre, le retour s'annonce difficile car la princesse est, comme il se doit, incurablement bien élevée, raffinée et romantique... Cependant, chemin faisant, elle commence à trouver, malgré ses rots et les pets, quelques attraits à l'ogre mal léché...
 Le soir, Fiona ordonne à Shrek et l'Âne de s'arrêter pour la nuit et de lui trouver un abri. Pendant la nuit, Shrek fait part à l'Âne du fait qu'il est fatigué que les gens le prennent pour un monstre, conversation entendue par Fiona depuis son abri. Le lendemain, Fiona fait des œufs au plat au petit déjeuner pour remercier le duo de l'avoir sortie de sa prison. Plus tard, au cours de la journée de marche, Fiona montre ses talents pour le kung-fu en combattant la bande de Robin des Bois. Mais Shrek a reçu une flèche perdue dans le derrière qu'elle doit enlever rapidement, au plus grand dam de Shrek. La suite de la journée montre la forte complicité entre Shrek et Fiona. Mais en arrivant au moulin en vue du château de Lord Farquaad, la princesse demande de s'arrêter pour la nuit.
 Les deux protagonistes partagent un dîner complice, mais sont interrompus par l'Âne qui annonce que le soleil se couche. La princesse, affolée, se réfugie dans le moulin en leur souhaitant bonne nuit. Shrek s'isole, tandis que l'Âne se rend dans le moulin et découvre le terrible secret de Fiona : depuis son enfance, elle est victime d'un sortilège qui, la nuit tombée, la transforme en ogresse, et auquel seul un baiser d'amour peut le rompre. Shrek s'approche du moulin avec des fleurs et entend alors Fiona parler de « bête hideuse et repoussante » en se confiant à l'Âne. Croyant à tort qu'elle faisait allusion à lui, l'ogre s'éloigne, le cœur brisé. L'Âne conseille à Fiona de tout raconter à Shrek, certain qu'il comprendra sa situation. Mais quand cette dernière décide de le faire, le matin est arrivé et elle reprend sa forme normale. Mais à ce moment-là, Shrek, très fâché, la livre à Lord Farquaad. La princesse, bien qu'elle soit embarrassée par la petite taille du seigneur, accepte de l'épouser en ajoutant une condition : ils doivent se marier le jour-même, avant la nuit tombante.
 L'ogre, ayant rempli son contrat, rentre seul dans son marais, calme, très malheureux et dépressif après avoir envoyé paître l'Âne. C'est alors que l'Âne le rejoint, et, après avoir dissipé le malentendu, lui fait comprendre que Fiona l'aime et qu'il faut la sauver du mariage malheureux qui se profile. Heureusement, l'Âne fait appel à la dragonne avec qui il a sympathisé dans la solitude, pour se rendre au château de Farquaad. Lors de l'échange des vœux, Shrek entre dans l'église du château pour faire part de son opposition au mariage. Il tente de prévenir une Fiona furieuse sur la vérité du mariage et l'unique désir de Farquaad de devenir roi. Voulant comprendre les motivations personnelles de Shrek d'empêcher le mariage, Farquaad comprend avec l'hilarité générale de son peuple que l'ogre est tombé amoureux de la princesse. Comprenant la vérité, Fiona doute au moment d'embrasser Farquaad, et prend finalement sa décision. Elle finit par avouer son secret à Shrek et la totalité des sujets présents, en se transformant en ogresse une fois le soleil couché. Shrek comprend alors de quoi elle voulait parler en parlant de « bête hideuse », mais le Lord, horrifié, fait arrêter Shrek et Fiona. Shrek, se défendant, appelle ensuite l'Âne et la dragonne, qui dévore Farquaad. Le Lord vaincu, Shrek et Fiona s'avouent leur amour et s'embrassent, ce qui a pour effet que le sort de Fiona se scelle, cette dernière devenant définitivement une ogresse.
 Les deux amants retournent finalement au marais et s'y marient avec les créatures magiques pour convives.
 La silhouette du personnage de Shrek semble être inspirée d'un personnage réel (même si la société de production ne l'a jamais confirmé) : il s'agit de Maurice Tillet (1903-1954)[4], un lutteur professionnel français émigré aux États-Unis atteint, à l'âge de 20 ans, d'acromégalie[4]. Une des scènes (Shrek contre tous les chevaliers) est inspirée d'un combat de catch[réf. nécessaire]. L'Âne, lui, a été modelé à partir de Périclès, un véritable âne miniature repéré au Barron Park à Palo Alto[5].
 Le nom « Shrek » est une translittération en caractères latins du yiddish « שרעק », issu du mot allemand « Schreck » et qui signifie « peur, effroi, sursaut ». En outre, l'adjectif allemand « schrecklich » signifie ""affreux"", ce qui renvoie au physique du personnage éponyme. Shrek pourrait également être un clin d’œil à Max Schreck, acteur allemand qui interpréta Nosferatu le vampire en 1922[6].
 Robin Williams, qui a travaillé pour Jeffrey Katzenberg (cofondateur de Dreamworks) dans le film Aladdin, révèle dans un entretien qu'il a refusé de participer au film parce qu'il ne voulait pas travailler à nouveau pour Katzenberg. Il ne dit pas quelle voix il a refusé d'interpréter[7].
 Chris Farley décède alors qu'il a enregistré près de 90 % des répliques du personnage Shrek. DreamWorks propose alors à Mike Myers de reprendre le rôle, celui-ci exige que le script soit réécrit pour ne laisser aucune trace de la version de Farley. Une fois fini, Myers demande à enregistrer une autre version, avec cette fois un accent écossais similaire à celui de sa mère quand elle lui racontait des histoires[8]. (Myers a également pris l'accent écossais pour les personnages de Stuart MacKenzie dans le film Quand Harriet découpe Charlie ! ainsi que Gras-Double dans les films Austin Powers 2 : L'Espion qui m'a tirée et Austin Powers dans Goldmember).
 Le comédien Emmanuel Curtil était à l'origine choisi pour interpréter le personnage de Shrek en français. Alors que les enregistrements étaient terminés, les studios DreamWorks commandent un nouveau doublage avec Alain Chabat en remplacement de Curtil, pour des raisons commerciales[9].
 
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 modifier  Outre-Atlantique Shrek reçoit des notes et critiques généralement positives. Le site Rotten Tomatoes rapporte un taux de critiques positives à 88 % basé sur 205 critiques, et une note moyenne de 7,8⁄10[11].
 En France aussi la critique est élogieuse. Le site Allociné indique une note moyenne de 4.3⁄5 pour 23 critiques recueillies[12].
 En France le film est un succès populaire, il enregistre plus de 4 millions d'entrées. C'est le 9e film le plus vu en 2001. Sur le plan mondial le film rapporte près d'un milliard de dollars. Il avait couté 60 millions. Taux de rentabilité 1 664 %[13].
 Le film remporte 11 573 015 $ lors de sa première diffusion et 42 347 760 $ lors de sa première semaine de diffusion, atteignant ainsi le box office avec en moyenne 11 805 $ dans 3 587 salles de cinéma. Durant la deuxième semaine, le film remporte 0,3 % de 42 481 425 et 55 215 620 $ durant les quatre premiers jours. Malgré ces résultats, le film est classé second derrière Pearl Harbor avec une moyenne de 15 240 $ dans 3 623 salles. Le film arrête sa diffusion le 6 décembre 2001 aux États-Unis après avoir remporté 267 665 011 $ et 216 744 207 hors frontières américaines, remportant donc un franc succès avec un total de 484 409 218 $. Produit avec un budget de 60 millions de dollars, le film est classé quatrième film de 2001 à plus gros revenu derrière Harry Potter à l'école des sorciers, Le Seigneur des anneaux : La Communauté de l'anneau et Monstres et Cie.
 Le jeu de cartes à collectionner DreamWorks comporte plusieurs personnages du film.
 Le film a connu plusieurs adaptations en jeu vidéo :
 Avec la sortie au cinéma des suites du film, de nouveaux jeux ont été développés, basés spécifiquement sur ces films ou plus généralement sur la licence.
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It is one of the best-known tales associated with One Thousand and One Nights (often known in English as The Arabian Nights), despite not being part of the original text; it was added by the Frenchman Antoine Galland, based on a folk tale that he heard from the Syrian storyteller Hanna Diyab.[1]
 Known along with Ali Baba as one of the ""orphan tales"", the story was not part of the original Nights collection and has no authentic Arabic textual source, but was incorporated into the book Les mille et une nuits by its French translator, Antoine Galland.[2]
 John Payne quotes passages from Galland's unpublished diary recording Galland's encounter with a Maronite storyteller from Aleppo, Hanna Diyab.[1] According to Galland's diary, he met with Hanna, who had travelled from Aleppo to Paris with celebrated French traveller Paul Lucas, on March 25, 1709. Galland's diary further reports that his transcription of ""Aladdin"" for publication occurred in the winter of 1709–10. It was included in his volumes ix and x of the Nights, published in 1710, without any mention or published acknowledgment of Hanna's contribution.
 Payne also records the discovery in the Bibliothèque Nationale in Paris of two Arabic manuscripts containing Aladdin (with two more of the ""interpolated"" tales). One was written by a Syrian Christian priest living in Paris, named Dionysios Shawish, alias Dom Denis Chavis. The other is supposed to be a copy Mikhail Sabbagh made of a manuscript written in Baghdad in 1703. It was purchased by the Bibliothèque Nationale at the end of the nineteenth century.[3] As part of his work on the first critical edition of the Nights, Iraq's Muhsin Mahdi has shown[4] that both these manuscripts are ""back-translations"" of Galland's text into Arabic.[5][6]
 Ruth B. Bottigheimer[7] and Paulo Lemos Horta[8][9] have argued that Hanna Diyab should be understood as the original author of some of the stories he supplied, and even that several of Diyab's stories (including Aladdin) were partly inspired by Diyab's own life, as there are parallels with his autobiography.[10]
 The story is often retold with variations. The following is a précis of the Burton translation of 1885.[11]
 Aladdin is an impoverished young ne'er-do-well, dwelling in ""one of the cities of Ancient China."" He is recruited by a sorcerer from the Maghreb, who passes himself off as the brother of Aladdin's late father, Mustapha the tailor, convincing Aladdin and his mother of his good will by pretending to set up the lad as a wealthy merchant. The sorcerer's real motive is to persuade young Aladdin to retrieve a wonderful oil lamp (chirag) from a booby-trapped magic cave. After the sorcerer attempts to double-cross him, Aladdin finds himself trapped in the cave. Aladdin is still wearing a magic ring the sorcerer has lent him. When he rubs his hands in despair, he inadvertently rubs the ring and a genie appears and releases him from the cave, allowing him to return to his mother while in possession of the lamp. When his mother tries to clean the lamp, so they can sell it to buy food for their supper, a second far more powerful genie appears who is bound to do the bidding of the person holding the lamp.
 With the aid of the genie of the lamp, Aladdin becomes rich and powerful and marries Princess Badroulbadour, the sultan's daughter (after magically foiling her marriage to the vizier's son). The genie builds Aladdin and his bride a wonderful palace, far more magnificent than the sultan's.
 The sorcerer hears of Aladdin's good fortune, and returns; he gets his hands on the lamp by tricking Aladdin's wife (who is unaware of the lamp's importance) by offering to exchange ""new lamps for old"". He orders the genie of the lamp to take the palace, along with all its contents, to his home in the Maghreb. Aladdin still has the magic ring and is able to summon the lesser genie. The genie of the ring is too weak to directly undo any of the magic of the genie of the lamp, but he is able to transport Aladdin to the Maghreb where, with the help of the ""woman's wiles"" of the princess, he recovers the lamp and slays the sorcerer, returning the palace to its proper place.
 The sorcerer's more powerful and evil brother plots to destroy Aladdin for killing his brother by disguising himself as an old woman known for her healing powers. Badroulbadour falls for his disguise and commands the ""woman"" to stay in her palace in case of any illnesses. Aladdin is warned of this danger by the genie of the lamp and slays the impostor.
 Aladdin eventually succeeds to his father-in-law's throne.
 The opening sentences of the story, in both the Galland and the Burton versions, set it in ""one of the cities of China"".[12] On the other hand, there is practically nothing in the rest of the story that is inconsistent with a Middle Eastern setting. For instance, the ruler is referred to as ""Sultan"" rather than ""Emperor"", as in some retellings, and the people in the story are Muslims and their conversation is filled with Muslim platitudes. A Jewish merchant buys Aladdin's wares, but there is no mention of Buddhists, Daoists or Confucians.
 Notably, ethnic groups in Chinese history have long included Muslim groups, including large populations of Uyghurs, and the Hui people as well as the Tajiks whose origins go back to Silk Road travelers. Islamic communities have been known to exist in the region since the Tang dynasty (which rose to power simultaneously with the prophet Muhammad's career.) Some have suggested that the intended setting may be Turkestan (encompassing Central Asia and the modern-day Chinese autonomous region of Xinjiang in Western China).[13] The Arabicized Turkic Kara-Khanid Khanate, which was located in this region and had a strong identification with China, bears a strong resemblance to the setting, their rulers even adopting the Arab title of Sultan, even going so far as to adopt the title of ""Sultan of the East and China"", which was used alongside Turkic titles such as Khan (title) and Khagan; however, chancellors were referred to as Hajib rather than Vizier.
 For all this, speculation about a ""real"" Chinese setting depends on a knowledge of China that the teller of a folk tale (as opposed to a geographic expert) might well not possess.[14] In early Arabic usage, China is known to have been used in an abstract sense to designate an exotic, faraway land.[15][16]
 The story of Aladdin is classified in the Aarne–Thompson–Uther Index as tale type ATU 561, ""Aladdin"", after the character.[17][18][19] In the Index, the ""Aladdin"" story is situated next to two similar tale types: ATU 560, The Magic Ring, and ATU 562, The Spirit in the Blue Light.[20][21][22][23] All of these stories deal with a down-on-his-luck and impoverished boy or soldier, who finds a magical item (ring, lamp, tinderbox) that grants his wishes. In this regard, German folklorist Hans-Jörg Uther, in his revision of the international index, published in 2004, remarked that the similarities between the three tale types make it hard to differentiate them.[24] On the other hand, per Stith Thompson's The Folktale, in type 561, the magical item is stolen, but eventually recovered thanks to the use of another magical object.[25] Similarly, Czech scholar Karel Horálek [cs] distinguishes the three types in that, in type 560, the hero is helped by animals (the snake gives the ring and the dog and the cat retrieve the stolen object); type 561 does away with the animals, leaving the hero to recover the stolen lamp with the second object, and, finally, type 562 inserts another person that helps the hero.[26]
 Since its appearance in The One Thousand and One Nights, the tale has integrated into oral tradition.[27] Scholars Ton Deker and Theo Meder located variants across Europe and the Middle East.[28] In addition, according to scholar Kurt Ranke, in Enzyklopädie des Märchens, the ""greatest distribution density"" occurs in Europe and in the Mediterranean region, with variants also collected in the Middle East (Turkey, Israel, Iraq, Yemen, Iran), Central Asia (in Tajikistan and Uzbekistan), India (among the Santal people),[29][30] and in Southeast Asia (Indonesia and the Philippines).[31]
 The version with three wishes have become a popular variant of the tale, popularized in the 20th century in the West.[32]
 Adaptations vary in their faithfulness to the original story. In particular, difficulties with the Chinese setting are quite often resolved by giving the story a more typical Arabian Nights background.
 Sega Sammy have released a line of pachinko machines based on Aladdin since 1989. Sega Sammy have sold over 570,000 Aladdin pachinko machines in Japan, as of 2017[update].[52] At an average price of about $5,000,[53] this is equivalent to approximately $2.85 billion in pachinko sales revenue.",1476,"Main page; Contents; Current events; About Wikipedia; Help; Learn to edit; Community portal; Upload file; ; learn more; Article; Talk; Read; Read; Upload file; Aladdin (1992 Disney film); Aladdin (disambiguation); Magic lantern; ; Aarne–Thompson; Middle East; /əˈlædɪn/; ə-LAD-in; Arabic; romanized; [ʕalaːʔ adˈdiːn]; ATU 561, 'Aladdin'; Middle-Eastern; folk tale; One Thousand and One Nights; Antoine Galland; Hanna Diyab; Hanna Diyab; Ali Baba; Les mille et une nuits; French; Antoine Galland; John Payne; Maronite; Aleppo; Hanna Diyab; Paris; Paul Lucas; Bibliothèque Nationale; Arabic manuscripts; Dionysios Shawish; Baghdad; Iraq; Muhsin Mahdi; ; sorcerer; Maghreb; tailor; oil lamp; booby-trapped; magic ring; genie; Badroulbadour; sultan; vizier; Sultan; Emperor; Muslims; Jewish; Buddhists; Daoists; Confucians; ethnic groups in Chinese history; Muslim groups; Uyghurs; Hui people; Tajiks; Silk Road; Tang dynasty; Muhammad; Turkestan; Central Asia; Xinjiang; Western China; Kara-Khanid Khanate; Sultan; Khan (title); Khagan; Hajib; Vizier; Aarne–Thompson–Uther Index; Hans-Jörg Uther; Stith Thompson; Kurt Ranke; Enzyklopädie des Märchens; Santal people; three wishes; A Choice of Magic; Ruth Manning-Sanders; Mike Resnick; Martin H. 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"Anastasia (film, 1997)","https://fr.wikipedia.org/wiki/Anastasia_(film,_1997)","Pour les articles homonymes, voir Anastasia.
 Meg RyanJohn CusackKelsey GrammerChristopher LloydHank Azaria
 
 Pour plus de détails, voir Fiche technique et Distribution. modifier  Anastasia est un film d'animation américain réalisé par Don Bluth et Gary Goldman, sorti en 1997.
 Le personnage principal est la grande-duchesse Anastasia Nikolaïevna de Russie, dite Anastasia, benjamine des Romanov dont le dernier monarque, le tsar Nicolas II, fut victime d'une révolution. La légendaire survie d’Anastasia, qui aurait fui l'assassinat des siens, est le ressort du drame. Dans le film, elle échappe aux bolchéviques mais tombe dans les filets de Raspoutine.
 Saint-Pétersbourg, 1916. La veille de la révolution qui va le briser, le tsar Nicolas II commémore le tricentenaire dynastique dans l'Empire russe. Sa mère, l'impératrice douairière Marie, se rend au palais pour rejoindre la fête. Elle appelle sa petite-fille cadette, la grande-duchesse Anastasia, et lui fait don d'une boîte à musique qui joue sa berceuse préférée, Loin du froid de décembre (ou Un beau jour de décembre au Québec). Pour consoler la fillette de 8 ans, qui l’a priée de ne pas retourner en France, la souveraine l'accompagne d'un collier qui dit Ensemble à Paris.
 L'ancien mage devenu sorcier maléfique Raspoutine, que la cour avait pris pour un saint avant de comprendre qu’il avait trahi la famille impériale, et qui fut donc banni, apparaît peu après. Le tsar le bannit en vain : Raspoutine appelle la malédiction sur les Romanov et les voue à l’éternelle condamnation pour leur faire payer son bannissement. Les pouvoirs de Raspoutine lui furent donnés après qu'il vendit son âme au diable, ce qui provoqua la révolution envahissant la Russie, les nobles fuyant alors la ville mise à sac. La cadette tente de suivre son frère et ses sœurs mais remarque qu’elle n’a pas sa boîte à musique. Suivie de sa grand-mère, elles reviennent sur leurs pas. Alors qu’elles essaient de trouver la boîte, le jeune servant Dimitri les aide à s’enfuir juste au moment où arrivent les bolcheviques. Au même moment, Anastasia entend les balles et comprend que, si elle avait suivi sa famille, elle aurait été abattue.
 Marie et Anastasia gagnent une cour pour échapper aux soldats. Raspoutine les y piège et se jette sur la fille quand la glace se lézarde : il se noie dans l’eau qui surgit sous ses pieds. La souveraine et la duchesse tentent alors de gagner un tramway. Marie y accède, mais sa petite-fille tombe et se heurte la tête sur les rails. Elle se perd dans la foule, et Marie s’endeuille.
 Dix ans plus tard, une rumeur se répand dans la nouvelle URSS : la cadette aurait fui. Sachant que la souveraine demeurée à Paris compte payer celui qui trouve Anastasia, Dimitri et son ami Vladimir trament une ruse. Ils veulent trouver quelqu'un qui ressemble à la grande-duchesse, faire croire à Marie qu’il s’agit d’Anastasia et gagner la prime. Dimitri veut jouer la souveraine en lui montrant la boîte, qu’il a recueillie au palais. La grande-duchesse disparue a passé dix ans à l’orphelinat ; devenue amnésique à la suite du choc lors de sa fuite avec sa grand-mère, elle a oublié son passé royal, mais comme son bijou lui dit Ensemble à Paris, elle compte retrouver ses proches en France. Depuis sa perte de mémoire, elle est prénommée Anya.
 Après avoir rencontré un chien qu'elle nomme Pooka en cours de route, Anya arrive à Saint-Pétersbourg, elle rencontre une vieille femme qui lui conseille d'aller voir au palais un certain Dimitri qui, d’après elle, pourra l’aider. Dans la salle de bal, de vagues souvenirs l’envahissent mais s’évaporent quand Dimitri l’apostrophe. Comme il voit chez elle une grande ressemblance avec la grande-duchesse disparue, il la convainc d’aller à Paris avec lui et Vladimir sans toutefois lui dire qu’ils veulent l’utiliser.
 Bartok, une chauve-souris qui avait servi Raspoutine, les écoute et déniche le reliquaire qui pourvoyait son maître en magie et qui l'entraîne subitement vers les tréfonds terrestres, là où vit désormais Raspoutine. Celui-ci comprend que sa malédiction a failli, et qu’il est prisonnier entre la vie et la mort. Mais comme Bartok lui a rapporté son reliquaire, il va finir ce qu’il avait commencé en maudissant la grande-duchesse et envoie ses démons la tuer.
 Durant le voyage à Paris, la jeune héroïne frôle la mort à plusieurs reprises : elle et les autres échappent de peu à un drame ferroviaire, puis Raspoutine l'ensorcelle en utilisant son frère et ses sœurs pour qu’elle saute dans la mer, tentative meurtrière que Dimitri contrarie. Ses échecs dépitent le mage à tel point qu’il part pour Paris pour tuer Anya en personne.
 C'est au même moment que Marie et sa cousine Sophie questionnent une jeune femme qui déclare à tort qu’elle est Anastasia. Toutes les jeunes femmes qui sont venues voir Marie ont menti sur leur identité, si bien que la souveraine se lasse de ces ruses et fait cesser les rencontres.
 Dimitri et Vladimir transmettent à Anya un grand savoir de la vie de la grande-duchesse pour qu'elle convainque Sophie et puisse voir Marie. Durant l’entretien avec Sophie, Anya répond correctement à une question imprévue, l’évasion des souverains pendant le soir de la révolution, dont Dimitri se souvient toujours, et dont le dernier réalise qu’elle est bel et bien Anastasia. Elle est reçue à l’épreuve et informée du refus de Marie, mais Sophie ajoute que la souveraine ira voir un ballet russe et leur conseille de l’y rejoindre.
 Le ballet achevé, Dimitri veut convaincre Marie de recevoir Anya, mais la souveraine s'y oppose, toujours agacée par les impostrices. Elle est au courant de ses efforts pour dépister une femme qui ressemble à sa petite-fille pour la récompense. Celle-ci les écoute et, de colère, quitte Dimitri.
 Le jeune homme enlève Marie et lui montre la boîte pour tenter de la convaincre une nouvelle fois. Elle accepte d'aller voir Anya malgré sa méfiance, mais quand la jeune femme ouvre la boîte pour chanter la berceuse, elle comprend qu’elle a trouvé la fille perdue. La mémoire de l’orpheline se débloque lorsqu’elle voit les photos de famille de Marie.
 La souveraine s'engage à payer Dimitri, mais l’escroc décline. Marie, qui reconnaît le garçon qui l’a sauvée des bolcheviques, comprend que le salut de la duchesse vaut plus que n’importe quelle prime aux yeux du jeune homme.
 Quelque temps après, la grande-duchesse cherche Pooka dans les parcs palatiaux. Elle est surprise par Raspoutine, qu'elle ne reconnaît que lorsqu’il mentionne le passé. Une bataille se déchaîne, et l’héroïne est quasi perdue quand Dimitri la sauve au péril de sa propre vie. Mais Pooka parvient à arracher le reliquaire magique des mains de Raspoutine, qui est ensuite détruit par Anya. La destruction du reliquaire détruit le mage à son tour.
 Dimitri et la duchesse se réconcilient et décident de vivre ensemble. Elle écrit à Marie pour lui dire qu'elles se reverront. « C’est un parfait commencement », constate la souveraine. Bartok, quant à lui, finit par trouver l’amour de sa vie, lui aussi.
 Anastasia, héroïne de l'histoire. Fille de 8 ans du tsar Nicolas II, elle perd la mémoire le soir de la révolution Russe en fuyant avec sa grand-mère. Orpheline, elle décide, 10 ans plus tard, de partir à la recherche de ses origines.
 À Paris apparaît Joséphine Baker et sa ceinture de bananes promenant une panthère, Claude Monet en train de peindre et Auguste Rodin.
 La bande originale du film sort en octobre 1997 en cassette audio et en CD.
 La version française de la bande originale n'ayant été éditée qu'une seule fois (lors de sa sortie initiale), ladite VF est considérée comme ""rare"" et n'est disponible qu'en cd d'occasion ou provenant de stocks non écoulés. 
 Un film dérivé, Bartok le magnifique, est réalisé par Don Bluth et Gary Goldman en 1999. Il sort directement en vidéo.
 Le film s'appuie sur la théorie de la survie d’Anastasia, née à cause de la négligence des bolcheviques qui auraient perdu son corps. Il emprunte aussi au mythe des talents occultes de Raspoutine, qui avait prédit la chute de l’Empire et la mort des Romanov peu après la sienne, ce que le film interprète comme une malédiction. Il aurait ainsi prédit à la tsarine Alexandra Feodorovna :
 « Je mourrai dans des souffrances atroces. Après ma mort, mon corps n'aura point de repos. Puis tu perdras ta couronne. Toi et ton fils vous serez massacrés ainsi que toute la famille. Après, le déluge terrible passera sur la Russie. Et elle tombera entre les mains du Diable. »
 D'après le site Allociné, « le personnage de Dimitri est inspiré d'un prince européen ayant confirmé qu’Anna Anderson était la véritable Anastasia. Celui-ci n’avait pourtant rencontré Anastasia Romanov qu’une seule fois, lorsqu’elle était enfant. Sa parole n'a donc pas été considérée comme crédible. Les créateurs du long-métrage animé se sont toutefois inspirés de celui-ci pour créer le personnage du jeune Dimitri »[5].
 Le compositeur musical du film est le fils d'Alfred Newman, qui a mis en musique le film Anastasia d’Anatole Litvak, également des studios de la Fox, avec Ingrid Bergman dans le rôle-titre. Vers la fin du dessin-animé, après avoir trouvé Marie, l’héroïne porte une garde-robe semblable à celle de Bergman dans le film d’antan.
 Le combat final a lieu sur un pont qui ressemble au pont Alexandre-III, emblème de l'amitié franco-russe. Alexandre III était le grand-père d’Anastasia et l’époux de Marie. La destruction de ce pont peut être vue comme suit : ses origines retrouvées, la princesse s’en éloigne pour rebâtir sa vie.
 « Plusieurs éléments historiques se trouvent dans le long-métrage animé de Don Bluth et Gary Goldman. Ainsi, le dessin que l'Impératrice Marie regarde lorsqu’elle pense à sa petite fille est un dessin que la véritable Anastasia avait fait pour son père l’empereur Nicolas II, en 1914. La reproduction du portrait de la famille d’Anastasia dans la salle de bal inclut un cocker ; le chien appartenait à Alexei, le frère d’Anastasia, et a été retrouvé vivant après le massacre de la famille Romanov. À la fin du film, la robe que porte Anastasia est la réplique d’une robe lui ayant véritablement appartenu »[5]
 Alors qu'on chante Paris, tu nous ouvres ton cœur, la totalité des scènes est enrobée dans un tableau : après l’évocation des Folies Bergère par Joséphine Baker portant autour de la taille une ceinture de bananes et promenant un léopard, on voit un peintre faire tournoyer son tableau pour le montrer au spectateur. C’est Claude Monet ; on le reconnaît à sa grande barbe blanche et à sa blouse de travail. Le spectateur entre alors dans le tableau en prenant place près du Moulin-Rouge. Le décor est peint, immobile et ponctué de coups de pinceau reconnaissables de Georges Seurat. Les personnages sont bien animés par-dessus le décor.
 À l'intérieur du Moulin-Rouge, les spectateurs au second plan sont à nouveau figés et peints.
 Plus tard, très brièvement mais à remarquer, on voit Auguste Rodin (reconnaissable à sa barbe blanche allongée) qui sculpte son Penseur. Le modèle du Penseur est par hasard Dimitri, qui s'afflige de voir la duchesse dans les bras d’un danseur. Quand les personnages gagnent le faîte de la tour Eiffel, on retrouve le décor du tableau d’autant plus visible quand la Lune surgit derrière Dimitri.
 Parmi les autres figures historiques : Gertrude Stein, Jean Patou, Charles Lindbergh, Maurice Chevalier, Isadora Duncan et Sigmund Freud. Apparaît également au début de la chanson le célèbre magasin de vêtements et cosmétiques Chanel fondé par Coco Chanel[6].
 Toutes ces caractéristiques proviennent de la culture parisienne des années folles en France.
 Dans le film de Walt Disney, on peut voir dans l'une des scènes la méchante reine descendre des escaliers en colimaçon, avec des corbeaux comme témoin de la scène. On peut remarquer un hommage au film pendant la chanson Au plus noir de la nuit : Raspoutine descend lui aussi un escalier en colimaçon mais les corbeaux ont été remplacés par des insectes.
 En 2017, le film a été adapté en comédie musicale par Lynn Ahrens et Stephen Flaherty, sur un livret de Terrence McNally. Le spectacle a débuté ses représentations le 12 mai 2016 à Broadway[7] sous le nom Anastasia.",2018,"Accueil; Portails thématiques; Article au hasard; Contact; Débuter sur Wikipédia; Aide; Communauté; Modifications récentes; ; Rechercher; en savoir plus; Contributions; Discussion; Article; Discussion; Lire; Lire; Pages liées; Suivi des pages liées; Téléverser un fichier; Pages spéciales; ; Anastasia; ; Don Bluth; Gary Goldman; Bruce Graham; Bob Tzudiker; Noni White; Meg Ryan; John Cusack; Kelsey Grammer; Christopher Lloyd; Hank Azaria; Fox Animation Studios; ; États-Unis; Animation; historique; aventure; drame; film musical; 1997; ; film d'animation; américain; Don Bluth; Gary Goldman; 1997; Anastasia Nikolaïevna de Russie; Romanov; tsar; Nicolas II; révolution; assassinat des siens; bolchéviques; Raspoutine; Saint-Pétersbourg; 1916; tsar; Nicolas II; dynastique; Empire russe; Marie; Anastasia; boîte à musique; sorcier; Raspoutine; vendit son âme au diable; révolution; bolcheviques; URSS; 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https://login.wikimedia.org/wiki/Special:CentralAutoLogin/start?type=1x1; /static/images/footer/wikimedia-button.svg; /w/resources/assets/poweredby_mediawiki.svg,https://en.wikipedia.org/wiki/Anastasia,Anastasia,https://en.wikipedia.org/wiki/Anastasia,"Anastasia (from Greek: Ἀναστασία, romanized: Anastasía) is a feminine given name of Greek origin, derived from the Greek word anástasis (ἀνάστασις), meaning ""resurrection"". It is a popular name in Eastern Europe.
 The name Anastasia originated during the early days of Christianity and was given to many Greek  girls born in December and around Easter.[1]  It was established as the female form (Greek: Ἀναστασία) of the male name Anastasius (Greek: Ἀναστάσιος Anastasios pronounced [anaˈstasi.os]),[2] and has the meaning of ""she/he of the resurrection"".[2][3]  It is the name of several early saints; including Anastasia of Sirmium, a central saint from the 3rd century who is commemorated during the first Mass on Christmas Dawn each year according to the traditional calendar of the Catholic Church[1] and on December 22 according to the Eastern Orthodox Church. Slavic diminutives  include Nastya,[2] Nastia or Nastja (Serbian, Slovenian) as well as various hypocoristics: Nastenka, Nastyusha, Nastyona, Nastasia, Nastunja.
 Anastasia is a very popular name for girls, especially in Europe, where most names have Christian associations.[2] Anastasia was the most popular name for girls for many years in Russia until 2008, when it was surpassed by the name Sophia.[4][5]  It remains one of the top ten names for Russian girls,[4][5] as well as for girls in Belarus,[3] Moldova,[3] Serbia,[6] Georgia,[7] and Montenegro.[8]",214,"Main page; Contents; Current events; About Wikipedia; Help; Learn to edit; Community portal; Upload file; ; learn more; Article; Talk; Read; Read; Upload file; Anastasia (disambiguation); /ˌænəˈsteɪʒə/; UK; /-ziə/; [anastaˈsi.a]; [ɐnəstɐˈsʲijə]; [ɐnɐstɐˈs⁽ʲ⁾ijɐ]; Greek; Russian; Ukrainian; Serbian Cyrillic; Bulgarian; Greece; Asya; Anastacia; Anastacio; Anastas; Anastase; Anastasie; Anastasiia; Anastasija; Anastasio; Anastasius; Anastasiya; Anastassia; Anastassiya; Annastacia; Annastasia; Anastasi; Anastasia; Anastasijević; v; t; Greek; romanized; given name; resurrection; Eastern Europe; early days of Christianity; Greek; Easter; Anastasius; [anaˈstasi.os]; Anastasia of Sirmium; Mass; Catholic Church; Eastern Orthodox Church; diminutives; Nastya; Nastja; hypocoristics; Europe; Russia; Sophia; Belarus; Moldova; Serbia; Georgia; Montenegro; ; Grand Duchess Anastasia Nikolaevna of Russia; Tsar Nicholas II; Anastasia (sister of Constantine I); Anastasia (wife of Constantine IV); Anastasia the Patrician; Princess Anastasia of Greece and Denmark; Princess Anastasia of Montenegro; Anastasia of Kiev; Anastasia of Sirmium; A.D.; Anastasia, Princess of Löwenstein-Wertheim-Rosenberg; Anastasia Abbagnato; Anastasia Avramidou; Anastasia Bachynska; Anastasia Bitsenko; Anastasia Carbonari; Anastasia Dogaru; Anastasia Dețiuc; Anastasia Elfman; Anastasia Gkatsou; Anastasia Gloushkov; Anastasia Gorbenko; Anastasia Griffith; Anastasia Karpova; Anastasia Kobekina; Anastasia Kozhevnikova; Nu Virgos; Anastasia Lapsui; Anastasia Markovych; Anastasia Martin; Anastasia Melnichenko; Anastasia Motaung; Anastasia Muñoz; Anastasia Ndereba; Anastasia Pagonis; Anastasia Pavlyuchenkova; Anastasia Phillips; Anastasia Potapova; Anastasia Prikhodko; Anastasia Radzinskaya; Anastasia Romanovna; Grand Duchess Anastasia Nikolaevna of Russia; Anastasia Rudnaya; Anastasia Shuppo; Anastasia Sinitsyna; Anastasia Skoptsova; Anastasia Soare; Anastasia Spyridonidou; Anastasia Syromyatnikova; Anastasia Tikhonova; Anastasia Zakharova; Anastasia Zavorotnyuk; Princess Anastasia Nikolaevna Romanov; the 1997 animated film of the same name; Grand Duchess Anastasia Nikolaevna of Russia; Cinderella; Re:Zero − Starting Life in Another World; Fifty Shades of Grey; Sant'Anastasia (disambiguation); Saint Anastasia (disambiguation); Anastasia of Russia (disambiguation); Anastasia (surname); Anastacia (given name); Anastasie; Anastasiia; Anastasija; Anastasiya; Anastassia; Anastatia (disambiguation); Annastasia; Antasia; Anastazia Wambura; United Kingdom; Oxford University; Serbia; Russia; The Moscow News; Russia; The Moscow Times; United Kingdom; Montenegro; Australia; Georgia; given name; Categories; Given names; Given names of Greek language origin; Greek feminine given names; Feminine given names; Romanian feminine given names; Russian feminine given names; Slavic feminine given names; Ukrainian feminine given names; Pages with Greek IPA; Pages with Russian IPA; Pages with Ukrainian IPA; Articles containing Greek-language text; Articles containing Russian-language text; Articles containing Ukrainian-language text; Articles containing Serbian-language text; Articles containing Bulgarian-language text; Pages using sidebar with the child parameter; Articles containing Ancient Greek (to 1453)-language text; CS1 Serbian-language sources (sr); CS1 foreign language sources (ISO 639-2); CS1 Georgian-language sources (ka); Articles with short description; Short description is different from Wikidata; All set index articles; Creative Commons Attribution-ShareAlike 4.0 License; About Wikipedia; Disclaimers",Categories; Given names; Given names of Greek language origin; Greek feminine given names; Feminine given names; Romanian feminine given names; Russian feminine given names; Slavic feminine given names; Ukrainian feminine given names,/static/images/icons/wikipedia.png; /static/images/mobile/copyright/wikipedia-wordmark-en.svg; /static/images/mobile/copyright/wikipedia-tagline-en.svg; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/2/25/Grand_Duchess_Anastasia_Nikolaevna_Crisco_edit_letters_removed.jpg/220px-Grand_Duchess_Anastasia_Nikolaevna_Crisco_edit_letters_removed.jpg; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/9/99/WPanthroponymy.svg/30px-WPanthroponymy.svg.png; https://login.wikimedia.org/wiki/Special:CentralAutoLogin/start?type=1x1; /static/images/footer/wikimedia-button.svg; /w/resources/assets/poweredby_mediawiki.svg
"Anastasia (film, 1997)","https://fr.wikipedia.org/wiki/Anastasia_(film,_1997)","Pour les articles homonymes, voir Anastasia.
 Meg RyanJohn CusackKelsey GrammerChristopher LloydHank Azaria
 
 Pour plus de détails, voir Fiche technique et Distribution. modifier  Anastasia est un film d'animation américain réalisé par Don Bluth et Gary Goldman, sorti en 1997.
 Le personnage principal est la grande-duchesse Anastasia Nikolaïevna de Russie, dite Anastasia, benjamine des Romanov dont le dernier monarque, le tsar Nicolas II, fut victime d'une révolution. La légendaire survie d’Anastasia, qui aurait fui l'assassinat des siens, est le ressort du drame. Dans le film, elle échappe aux bolchéviques mais tombe dans les filets de Raspoutine.
 Saint-Pétersbourg, 1916. La veille de la révolution qui va le briser, le tsar Nicolas II commémore le tricentenaire dynastique dans l'Empire russe. Sa mère, l'impératrice douairière Marie, se rend au palais pour rejoindre la fête. Elle appelle sa petite-fille cadette, la grande-duchesse Anastasia, et lui fait don d'une boîte à musique qui joue sa berceuse préférée, Loin du froid de décembre (ou Un beau jour de décembre au Québec). Pour consoler la fillette de 8 ans, qui l’a priée de ne pas retourner en France, la souveraine l'accompagne d'un collier qui dit Ensemble à Paris.
 L'ancien mage devenu sorcier maléfique Raspoutine, que la cour avait pris pour un saint avant de comprendre qu’il avait trahi la famille impériale, et qui fut donc banni, apparaît peu après. Le tsar le bannit en vain : Raspoutine appelle la malédiction sur les Romanov et les voue à l’éternelle condamnation pour leur faire payer son bannissement. Les pouvoirs de Raspoutine lui furent donnés après qu'il vendit son âme au diable, ce qui provoqua la révolution envahissant la Russie, les nobles fuyant alors la ville mise à sac. La cadette tente de suivre son frère et ses sœurs mais remarque qu’elle n’a pas sa boîte à musique. Suivie de sa grand-mère, elles reviennent sur leurs pas. Alors qu’elles essaient de trouver la boîte, le jeune servant Dimitri les aide à s’enfuir juste au moment où arrivent les bolcheviques. Au même moment, Anastasia entend les balles et comprend que, si elle avait suivi sa famille, elle aurait été abattue.
 Marie et Anastasia gagnent une cour pour échapper aux soldats. Raspoutine les y piège et se jette sur la fille quand la glace se lézarde : il se noie dans l’eau qui surgit sous ses pieds. La souveraine et la duchesse tentent alors de gagner un tramway. Marie y accède, mais sa petite-fille tombe et se heurte la tête sur les rails. Elle se perd dans la foule, et Marie s’endeuille.
 Dix ans plus tard, une rumeur se répand dans la nouvelle URSS : la cadette aurait fui. Sachant que la souveraine demeurée à Paris compte payer celui qui trouve Anastasia, Dimitri et son ami Vladimir trament une ruse. Ils veulent trouver quelqu'un qui ressemble à la grande-duchesse, faire croire à Marie qu’il s’agit d’Anastasia et gagner la prime. Dimitri veut jouer la souveraine en lui montrant la boîte, qu’il a recueillie au palais. La grande-duchesse disparue a passé dix ans à l’orphelinat ; devenue amnésique à la suite du choc lors de sa fuite avec sa grand-mère, elle a oublié son passé royal, mais comme son bijou lui dit Ensemble à Paris, elle compte retrouver ses proches en France. Depuis sa perte de mémoire, elle est prénommée Anya.
 Après avoir rencontré un chien qu'elle nomme Pooka en cours de route, Anya arrive à Saint-Pétersbourg, elle rencontre une vieille femme qui lui conseille d'aller voir au palais un certain Dimitri qui, d’après elle, pourra l’aider. Dans la salle de bal, de vagues souvenirs l’envahissent mais s’évaporent quand Dimitri l’apostrophe. Comme il voit chez elle une grande ressemblance avec la grande-duchesse disparue, il la convainc d’aller à Paris avec lui et Vladimir sans toutefois lui dire qu’ils veulent l’utiliser.
 Bartok, une chauve-souris qui avait servi Raspoutine, les écoute et déniche le reliquaire qui pourvoyait son maître en magie et qui l'entraîne subitement vers les tréfonds terrestres, là où vit désormais Raspoutine. Celui-ci comprend que sa malédiction a failli, et qu’il est prisonnier entre la vie et la mort. Mais comme Bartok lui a rapporté son reliquaire, il va finir ce qu’il avait commencé en maudissant la grande-duchesse et envoie ses démons la tuer.
 Durant le voyage à Paris, la jeune héroïne frôle la mort à plusieurs reprises : elle et les autres échappent de peu à un drame ferroviaire, puis Raspoutine l'ensorcelle en utilisant son frère et ses sœurs pour qu’elle saute dans la mer, tentative meurtrière que Dimitri contrarie. Ses échecs dépitent le mage à tel point qu’il part pour Paris pour tuer Anya en personne.
 C'est au même moment que Marie et sa cousine Sophie questionnent une jeune femme qui déclare à tort qu’elle est Anastasia. Toutes les jeunes femmes qui sont venues voir Marie ont menti sur leur identité, si bien que la souveraine se lasse de ces ruses et fait cesser les rencontres.
 Dimitri et Vladimir transmettent à Anya un grand savoir de la vie de la grande-duchesse pour qu'elle convainque Sophie et puisse voir Marie. Durant l’entretien avec Sophie, Anya répond correctement à une question imprévue, l’évasion des souverains pendant le soir de la révolution, dont Dimitri se souvient toujours, et dont le dernier réalise qu’elle est bel et bien Anastasia. Elle est reçue à l’épreuve et informée du refus de Marie, mais Sophie ajoute que la souveraine ira voir un ballet russe et leur conseille de l’y rejoindre.
 Le ballet achevé, Dimitri veut convaincre Marie de recevoir Anya, mais la souveraine s'y oppose, toujours agacée par les impostrices. Elle est au courant de ses efforts pour dépister une femme qui ressemble à sa petite-fille pour la récompense. Celle-ci les écoute et, de colère, quitte Dimitri.
 Le jeune homme enlève Marie et lui montre la boîte pour tenter de la convaincre une nouvelle fois. Elle accepte d'aller voir Anya malgré sa méfiance, mais quand la jeune femme ouvre la boîte pour chanter la berceuse, elle comprend qu’elle a trouvé la fille perdue. La mémoire de l’orpheline se débloque lorsqu’elle voit les photos de famille de Marie.
 La souveraine s'engage à payer Dimitri, mais l’escroc décline. Marie, qui reconnaît le garçon qui l’a sauvée des bolcheviques, comprend que le salut de la duchesse vaut plus que n’importe quelle prime aux yeux du jeune homme.
 Quelque temps après, la grande-duchesse cherche Pooka dans les parcs palatiaux. Elle est surprise par Raspoutine, qu'elle ne reconnaît que lorsqu’il mentionne le passé. Une bataille se déchaîne, et l’héroïne est quasi perdue quand Dimitri la sauve au péril de sa propre vie. Mais Pooka parvient à arracher le reliquaire magique des mains de Raspoutine, qui est ensuite détruit par Anya. La destruction du reliquaire détruit le mage à son tour.
 Dimitri et la duchesse se réconcilient et décident de vivre ensemble. Elle écrit à Marie pour lui dire qu'elles se reverront. « C’est un parfait commencement », constate la souveraine. Bartok, quant à lui, finit par trouver l’amour de sa vie, lui aussi.
 Anastasia, héroïne de l'histoire. Fille de 8 ans du tsar Nicolas II, elle perd la mémoire le soir de la révolution Russe en fuyant avec sa grand-mère. Orpheline, elle décide, 10 ans plus tard, de partir à la recherche de ses origines.
 À Paris apparaît Joséphine Baker et sa ceinture de bananes promenant une panthère, Claude Monet en train de peindre et Auguste Rodin.
 La bande originale du film sort en octobre 1997 en cassette audio et en CD.
 La version française de la bande originale n'ayant été éditée qu'une seule fois (lors de sa sortie initiale), ladite VF est considérée comme ""rare"" et n'est disponible qu'en cd d'occasion ou provenant de stocks non écoulés. 
 Un film dérivé, Bartok le magnifique, est réalisé par Don Bluth et Gary Goldman en 1999. Il sort directement en vidéo.
 Le film s'appuie sur la théorie de la survie d’Anastasia, née à cause de la négligence des bolcheviques qui auraient perdu son corps. Il emprunte aussi au mythe des talents occultes de Raspoutine, qui avait prédit la chute de l’Empire et la mort des Romanov peu après la sienne, ce que le film interprète comme une malédiction. Il aurait ainsi prédit à la tsarine Alexandra Feodorovna :
 « Je mourrai dans des souffrances atroces. Après ma mort, mon corps n'aura point de repos. Puis tu perdras ta couronne. Toi et ton fils vous serez massacrés ainsi que toute la famille. Après, le déluge terrible passera sur la Russie. Et elle tombera entre les mains du Diable. »
 D'après le site Allociné, « le personnage de Dimitri est inspiré d'un prince européen ayant confirmé qu’Anna Anderson était la véritable Anastasia. Celui-ci n’avait pourtant rencontré Anastasia Romanov qu’une seule fois, lorsqu’elle était enfant. Sa parole n'a donc pas été considérée comme crédible. Les créateurs du long-métrage animé se sont toutefois inspirés de celui-ci pour créer le personnage du jeune Dimitri »[5].
 Le compositeur musical du film est le fils d'Alfred Newman, qui a mis en musique le film Anastasia d’Anatole Litvak, également des studios de la Fox, avec Ingrid Bergman dans le rôle-titre. Vers la fin du dessin-animé, après avoir trouvé Marie, l’héroïne porte une garde-robe semblable à celle de Bergman dans le film d’antan.
 Le combat final a lieu sur un pont qui ressemble au pont Alexandre-III, emblème de l'amitié franco-russe. Alexandre III était le grand-père d’Anastasia et l’époux de Marie. La destruction de ce pont peut être vue comme suit : ses origines retrouvées, la princesse s’en éloigne pour rebâtir sa vie.
 « Plusieurs éléments historiques se trouvent dans le long-métrage animé de Don Bluth et Gary Goldman. Ainsi, le dessin que l'Impératrice Marie regarde lorsqu’elle pense à sa petite fille est un dessin que la véritable Anastasia avait fait pour son père l’empereur Nicolas II, en 1914. La reproduction du portrait de la famille d’Anastasia dans la salle de bal inclut un cocker ; le chien appartenait à Alexei, le frère d’Anastasia, et a été retrouvé vivant après le massacre de la famille Romanov. À la fin du film, la robe que porte Anastasia est la réplique d’une robe lui ayant véritablement appartenu »[5]
 Alors qu'on chante Paris, tu nous ouvres ton cœur, la totalité des scènes est enrobée dans un tableau : après l’évocation des Folies Bergère par Joséphine Baker portant autour de la taille une ceinture de bananes et promenant un léopard, on voit un peintre faire tournoyer son tableau pour le montrer au spectateur. C’est Claude Monet ; on le reconnaît à sa grande barbe blanche et à sa blouse de travail. Le spectateur entre alors dans le tableau en prenant place près du Moulin-Rouge. Le décor est peint, immobile et ponctué de coups de pinceau reconnaissables de Georges Seurat. Les personnages sont bien animés par-dessus le décor.
 À l'intérieur du Moulin-Rouge, les spectateurs au second plan sont à nouveau figés et peints.
 Plus tard, très brièvement mais à remarquer, on voit Auguste Rodin (reconnaissable à sa barbe blanche allongée) qui sculpte son Penseur. Le modèle du Penseur est par hasard Dimitri, qui s'afflige de voir la duchesse dans les bras d’un danseur. Quand les personnages gagnent le faîte de la tour Eiffel, on retrouve le décor du tableau d’autant plus visible quand la Lune surgit derrière Dimitri.
 Parmi les autres figures historiques : Gertrude Stein, Jean Patou, Charles Lindbergh, Maurice Chevalier, Isadora Duncan et Sigmund Freud. Apparaît également au début de la chanson le célèbre magasin de vêtements et cosmétiques Chanel fondé par Coco Chanel[6].
 Toutes ces caractéristiques proviennent de la culture parisienne des années folles en France.
 Dans le film de Walt Disney, on peut voir dans l'une des scènes la méchante reine descendre des escaliers en colimaçon, avec des corbeaux comme témoin de la scène. On peut remarquer un hommage au film pendant la chanson Au plus noir de la nuit : Raspoutine descend lui aussi un escalier en colimaçon mais les corbeaux ont été remplacés par des insectes.
 En 2017, le film a été adapté en comédie musicale par Lynn Ahrens et Stephen Flaherty, sur un livret de Terrence McNally. Le spectacle a débuté ses représentations le 12 mai 2016 à Broadway[7] sous le nom Anastasia.",2018,"Accueil; Portails thématiques; Article au hasard; Contact; Débuter sur Wikipédia; Aide; Communauté; Modifications récentes; ; Rechercher; en savoir plus; Contributions; Discussion; Article; Discussion; Lire; Lire; Pages liées; Suivi des pages liées; Téléverser un fichier; Pages spéciales; ; Anastasia; ; Don Bluth; Gary Goldman; Bruce Graham; Bob Tzudiker; Noni White; Meg Ryan; John Cusack; Kelsey Grammer; Christopher Lloyd; Hank Azaria; Fox Animation Studios; ; États-Unis; Animation; historique; aventure; drame; film musical; 1997; ; film d'animation; américain; Don Bluth; Gary Goldman; 1997; Anastasia Nikolaïevna de Russie; Romanov; tsar; Nicolas II; révolution; assassinat des siens; bolchéviques; Raspoutine; Saint-Pétersbourg; 1916; tsar; Nicolas II; dynastique; Empire russe; Marie; Anastasia; boîte à musique; sorcier; Raspoutine; vendit son âme au diable; révolution; bolcheviques; URSS; 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It is a popular name in Eastern Europe.
 The name Anastasia originated during the early days of Christianity and was given to many Greek  girls born in December and around Easter.[1]  It was established as the female form (Greek: Ἀναστασία) of the male name Anastasius (Greek: Ἀναστάσιος Anastasios pronounced [anaˈstasi.os]),[2] and has the meaning of ""she/he of the resurrection"".[2][3]  It is the name of several early saints; including Anastasia of Sirmium, a central saint from the 3rd century who is commemorated during the first Mass on Christmas Dawn each year according to the traditional calendar of the Catholic Church[1] and on December 22 according to the Eastern Orthodox Church. Slavic diminutives  include Nastya,[2] Nastia or Nastja (Serbian, Slovenian) as well as various hypocoristics: Nastenka, Nastyusha, Nastyona, Nastasia, Nastunja.
 Anastasia is a very popular name for girls, especially in Europe, where most names have Christian associations.[2] Anastasia was the most popular name for girls for many years in Russia until 2008, when it was surpassed by the name Sophia.[4][5]  It remains one of the top ten names for Russian girls,[4][5] as well as for girls in Belarus,[3] Moldova,[3] Serbia,[6] Georgia,[7] and Montenegro.[8]",214,"Main page; Contents; Current events; About Wikipedia; Help; Learn to edit; Community portal; Upload file; ; learn more; Article; Talk; Read; Read; Upload file; Anastasia (disambiguation); /ˌænəˈsteɪʒə/; UK; /-ziə/; [anastaˈsi.a]; [ɐnəstɐˈsʲijə]; [ɐnɐstɐˈs⁽ʲ⁾ijɐ]; Greek; Russian; Ukrainian; Serbian Cyrillic; Bulgarian; Greece; Asya; Anastacia; Anastacio; Anastas; Anastase; Anastasie; Anastasiia; Anastasija; Anastasio; Anastasius; Anastasiya; Anastassia; Anastassiya; Annastacia; Annastasia; Anastasi; Anastasia; Anastasijević; v; t; Greek; romanized; given name; resurrection; Eastern Europe; early days of Christianity; Greek; Easter; Anastasius; [anaˈstasi.os]; Anastasia of Sirmium; Mass; Catholic Church; Eastern Orthodox Church; diminutives; Nastya; Nastja; hypocoristics; Europe; Russia; Sophia; Belarus; Moldova; Serbia; Georgia; Montenegro; ; Grand Duchess Anastasia Nikolaevna of Russia; Tsar Nicholas II; Anastasia (sister of Constantine I); Anastasia (wife of Constantine IV); Anastasia the Patrician; Princess Anastasia of Greece and Denmark; Princess Anastasia of Montenegro; Anastasia of Kiev; Anastasia of Sirmium; A.D.; Anastasia, Princess of Löwenstein-Wertheim-Rosenberg; Anastasia Abbagnato; Anastasia Avramidou; Anastasia Bachynska; Anastasia Bitsenko; Anastasia Carbonari; Anastasia Dogaru; Anastasia Dețiuc; Anastasia Elfman; Anastasia Gkatsou; Anastasia Gloushkov; Anastasia Gorbenko; Anastasia Griffith; Anastasia Karpova; Anastasia Kobekina; Anastasia Kozhevnikova; Nu Virgos; Anastasia Lapsui; Anastasia Markovych; Anastasia Martin; Anastasia Melnichenko; Anastasia Motaung; Anastasia Muñoz; Anastasia Ndereba; Anastasia Pagonis; Anastasia Pavlyuchenkova; Anastasia Phillips; Anastasia Potapova; Anastasia Prikhodko; Anastasia Radzinskaya; Anastasia Romanovna; Grand Duchess Anastasia Nikolaevna of Russia; Anastasia Rudnaya; Anastasia Shuppo; Anastasia Sinitsyna; Anastasia Skoptsova; Anastasia Soare; Anastasia Spyridonidou; Anastasia Syromyatnikova; Anastasia Tikhonova; Anastasia Zakharova; Anastasia Zavorotnyuk; Princess Anastasia Nikolaevna Romanov; the 1997 animated film of the same name; Grand Duchess Anastasia Nikolaevna of Russia; Cinderella; Re:Zero − Starting Life in Another World; Fifty Shades of Grey; Sant'Anastasia (disambiguation); Saint Anastasia (disambiguation); Anastasia of Russia (disambiguation); Anastasia (surname); Anastacia (given name); Anastasie; Anastasiia; Anastasija; Anastasiya; Anastassia; Anastatia (disambiguation); Annastasia; Antasia; Anastazia Wambura; United Kingdom; Oxford University; Serbia; Russia; The Moscow News; Russia; The Moscow Times; United Kingdom; Montenegro; Australia; Georgia; given name; Categories; Given names; Given names of Greek language origin; Greek feminine given names; Feminine given names; Romanian feminine given names; Russian feminine given names; Slavic feminine given names; Ukrainian feminine given names; Pages with Greek IPA; Pages with Russian IPA; Pages with Ukrainian IPA; Articles containing Greek-language text; Articles containing Russian-language text; Articles containing Ukrainian-language text; Articles containing Serbian-language text; Articles containing Bulgarian-language text; Pages using sidebar with the child parameter; Articles containing Ancient Greek (to 1453)-language text; CS1 Serbian-language sources (sr); CS1 foreign language sources (ISO 639-2); CS1 Georgian-language sources (ka); Articles with short description; Short description is different from Wikidata; All set index articles; Creative Commons Attribution-ShareAlike 4.0 License; About Wikipedia; Disclaimers",Categories; Given names; Given names of Greek language origin; Greek feminine given names; Feminine given names; Romanian feminine given names; Russian feminine given names; Slavic feminine given names; Ukrainian feminine given names,/static/images/icons/wikipedia.png; /static/images/mobile/copyright/wikipedia-wordmark-en.svg; /static/images/mobile/copyright/wikipedia-tagline-en.svg; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/2/25/Grand_Duchess_Anastasia_Nikolaevna_Crisco_edit_letters_removed.jpg/220px-Grand_Duchess_Anastasia_Nikolaevna_Crisco_edit_letters_removed.jpg; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/9/99/WPanthroponymy.svg/30px-WPanthroponymy.svg.png; https://login.wikimedia.org/wiki/Special:CentralAutoLogin/start?type=1x1; /static/images/footer/wikimedia-button.svg; /w/resources/assets/poweredby_mediawiki.svg
"Coco (film, 2017)","https://fr.wikipedia.org/wiki/Coco_(film,_2017)","Pour les articles homonymes, voir Coco.
 Série Classiques d’animation Pixar Cars 3(2017) Les Indestructibles 2(2018) 
 Pour plus de détails, voir Fiche technique et Distribution. modifier  Coco est un film d'animation américain réalisé par Lee Unkrich et co-réalisé par Adrian Molina, sorti en 2017. Sur un scénario élaboré par Adrian Molina et Matthew Aldrich, le film est basé sur une histoire originale de Lee Unkrich, Jason Katz, Matthew Aldrich et d´Adrian Molina. Coproduit par les studios Disney et Pixar, il est le 139e long métrage d'animation des studios Disney et le 19e film d'animation en images de synthèse des studios Pixar.
 En pleine Fête des morts, à Santa Cecilia. Depuis quatre générations, la musique est interdite au sein de la famille de Miguel Rivera. Alors que le garçon de 12 ans rêve de devenir un guitariste aussi talentueux que son idole Ernesto de la Cruz, sa famille veut le voir prendre la relève de la cordonnerie créée par son arrière-arrière-grand-mère Imelda, la mère de son arrière-grand-mère Coco encore en vie. Décidé à prouver son talent durant le concours du Jour des Morts, Miguel entre par effraction dans le mausolée d'Ernesto, mort accidentellement des années auparavant, pour emprunter sa guitare. Au moment où il joue un accord tout en marchant sur des pétales de rose d'Inde, il se retrouve propulsé au Pays des Morts. Miguel apprend qu'il doit obtenir la bénédiction d'un de ses ancêtres avant l'aube, sinon il deviendra un squelette bloqué dans cet étonnant endroit jusqu'à ce qu'il disparaisse après être tombé dans l'oubli dans le monde des vivants. Aidé du filou Hector, Miguel débute un extraordinaire voyage au bout duquel l'attend une importante vérité cachée concernant sa famille… 
 Il y a longtemps, Imelda Rivera était mariée à un musicien rencontrant ses premiers succès. Ce dernier quitta sa femme et sa fille, Coco, pour poursuivre sa carrière musicale. Laissée à elle-même, Imelda fut obligée de travailler et créa une entreprise de cordonnerie, transmise de génération en génération. En représailles contre son époux, elle bannit toute musique dans sa famille. 
 Dans le présent, son arrière-arrière-petit-fils, Miguel, âgé de 12 ans, vit avec sa famille, dont Coco, son arrière-grand-mère, dans le petit village mexicain de Santa Cecilia. Il rêve de devenir un musicien comme Ernesto de la Cruz, vedette de la musique et du cinéma, de la même génération qu'Imelda, qui est mort lors d'une représentation, quand une énorme cloche lui est tombée accidentellement dessus à la suite d'une maladresse d'un technicien de coulisse. Mais sa famille le destine à perpétuer la tradition familiale en devenant cordonnier. Pour la Fête des morts, chaque famille expose sur l’autel familial, l’ofrenda, les photos de ses ancêtres afin que ceux-ci puissent lui rendre visite. Lors des préparatifs, Miguel casse accidentellement le cadre de la photographie d'Imelda, au centre de l'autel, et découvre que son mari (dont la tête a été arrachée de la photographie) tenait la célèbre guitare blanche d'Ernesto et dès lors, Miguel est persuadé d'être l'arrière-arrière-petit-fils d'Ernesto. Plus tard dans la soirée, quand Miguel fait part à sa famille de son intention de participer au concours de talents du Jour des Morts, son Abuelita Elena détruit sa guitare. Offensé, il rejette sa famille, quitte la maison en larmes et se dirige vers le cimetière de la ville.
 Miguel s'infiltre dans le mausolée d'Ernesto et ""empreinte"" sa célèbre guitare pour participer au concours. Alors qu'il joue un accord, il devient invisible aux yeux de tous les villageois, excepté du chien errant Dante, un xolo qui le suit partout, mais il découvre les figures squelettiques des ancêtres décédés en visite dans leur famille depuis le Pays des Morts pour l'occasion, qu’il peut voir et avec lesquels il peut interagir. Miguel rencontre ses propres ancêtres, qui l’amènent avec eux aux Pays des Morts en traversant le pont reliant le monde des morts à celui des vivants. Ils découvrent alors qu'Imelda n'a pas pu traverser le Pont car sa photographie a été retirée de l'autel familial. Miguel apprend qu’il est coincé dans le Pays des Morts par une malédiction après avoir pris la photo d’Imelda de son autel avec lui, et également qu'il doit retourner dans son monde avant l'aube sous peine de devenir un squelette et de ne plus pouvoir y revenir. Pour cela, il doit recevoir la bénédiction d'un membre de sa famille via un pétale de rose d'Inde, pour briser la malédiction. Imelda donne sa bénédiction à Miguel à la condition qu'il abandonne son rêve de musicien. Miguel refuse, et s'en va quérir la bénédiction d'Ernesto de la Cruz.
 Dans sa fuite, Miguel rencontre Héctor, un squelette malchanceux prétendument mort d’une intoxication alimentaire, qui n’est pas autorisé à traverser le Pont car sa photo n’est affichée sur aucun autel familial, et qui a autrefois joué avec Ernesto : il lui propose de l'aider à le rencontrer. En retour, Héctor demande à Miguel de rapporter sa propre photo dans le monde des vivants pour qu'il puisse rendre visite à sa fille, avant qu'elle ne l'oublie et qu'il ne disparaisse totalement, car tel est le destin des morts dont aucun vivant n’a conservé la mémoire. Au même moment, Imelda lance Pepita, son énorme alebrije, à sa poursuite. Avec l’aide d’Héctor, Miguel participe avec succès à un concours de chant dont le vainqueur sera invité à participer au concert de l’Aurore donné par Ernesto, mais, rattrapé par ses ancêtres, il doit à nouveau s’enfuir. Héctor comprend que Miguel lui a menti en disant qu'il n'avait pas d'autres parents qu'Ernesto et essaie de le ramener aux siens, mais Miguel l'abandonne avant d'échapper une nouvelle fois à Imelda. Il réussit finalement à infiltrer le manoir de De la Cruz où il attire l’attention d’Ernesto en chantant mais tombe dans un bassin et Ernesto se précipite pour le sauver. Celui-ci accepte Miguel comme son descendant, mais Héctor survient et les confronte, implorant Miguel de prendre sa photo avec lui. Le garçon apprend également que l'amitié entre Ernesto et Héctor a mal tourné avant le décès de ce dernier. Héctor clamant par ailleurs être le véritable auteur des chansons d'Ernesto. Lorsque Héctor rappelle à Ernesto ce qu'il lui avait dit le jour de sa mort, Miguel se rend compte qu'il s'agit d'une réplique d'un film dans lequel Ernesto avait joué et où son personnage échappe à un empoisonnement. Héctor réalise alors la vérité sur sa mort : alors que les deux amis étaient en tournée, Héctor avait voulu rentrer chez lui retrouver sa famille mais Ernesto eut peur que ce départ ne mette un terme à sa carrière. Ne parvenant pas à retenir Héctor, Ernesto feignit d'accepter son départ en l’empoisonnant sous prétexte de lui offrir un verre d'adieu, et en récupérant ses affaires, il s’appropria la guitare blanche et les textes de ses chansons consignées dans un carnet, puis construisit seul sa célébrité. À la suite de sa découverte de la vérité, Miguel se fait voler la photo d'Héctor par Ernesto, et ce dernier fait jeter Miguel et Héctor dans un cénote.
 Quand Héctor lui révèle que sa fille se nomme Coco, Miguel se rend compte qu'il est son véritable arrière-arrière-grand-père et que Coco est la seule personne vivante qui se souvient encore de lui. Héctor rajoute que la plus célèbre chanson d'Ernesto, Ne m'oublie pas avait en réalité composée pour elle. Avec l'aide de Dante, qui se transforme en alebrije, les ancêtres Rivera les sauvent. Mais Imelda est furieuse de revoir Héctor car, même après son décès, elle ne lui a jamais pardonné de l'avoir abandonnée avec Coco. Miguel explique que la mort d'Héctor était due à sa décision de revenir auprès de sa famille, et Imelda pardonne durement à son mari, pris de remords. Tous infiltrent le concert de l'Aurore d'Ernesto afin de récupérer la photographie. En échappant à la sécurité, Imelda se retrouve par accident sur scène avec Ernesto, mais réussit à lui reprendre la photographie et à la donner à Miguel. Alors qu'Imelda s'apprête à donner sa bénédiction à Miguel avec comme condition de ne pas oublier à quel point sa famille l'aime, Ernesto, effrayé à l'idée que Miguel révèle la vérité aux yeux du monde, l'attrape et le jette du haut du stade vers le lac. Pepita sauve Miguel, mais pendant sa chute, la photographie glisse de ses mains et disparaît dans l'eau. Par ailleurs, les aveux d'Ernesto ont été retransmis à son insu, avec l'aide d'une caméra, révélant ainsi la supercherie à la foule de morts présente au concert. Résultat : Ernesto fait face au public furieux. Après avoir ramené Miguel sain et sauf auprès de sa famille, Pepita projette Ernesto avec force dans un clocher voisin, et il se retrouve de nouveau écrasé par une cloche, comme lors de son décès accidentel.
 Le jour commence à poindre et Héctor est en voie de disparition alors que son souvenir s'étiole dans la mémoire de Coco. Imelda donne sa bénédiction sans condition à Miguel qui, de retour dans le monde des vivants, se rue chez lui pour jouer Ne m'oublie pas à Coco, ce qui ravive les souvenirs de Coco et lui rend sa vitalité. Coco donne à Miguel la partie manquante de la photographie de l'autel, avec le visage d'Héctor. Elena se réconcilie avec son petit-fils et accepte de nouveau la musique dans la famille.
 Un an plus tard, Miguel se présente à l'autel avec une photographie de Coco à sa nouvelle petite sœur. Les lettres d'Héctor que Coco avait gardées pour lui (contenant la preuve qu'Ernesto s'était accaparé sa musique et ses chansons) ont conduit à la destruction de l'héritage de De la Cruz, le public honorant désormais Héctor Rivera. Au Pays des Morts, Héctor, Imelda, Coco et les autres rendent visite à leurs descendants, alors que Miguel joue et chante pour les siens, morts comme vivants.
  Sauf indication contraire ou complémentaire, les informations mentionnées dans cette section peuvent être confirmées par la base de données IMDb.
 Originellement, la sortie du film était prévue pour 2015. Mais ce n'est que le 14 août 2015, lors du D23 que Pixar confirme plusieurs films dont Le Monde de Dory, Toy Story 4 et Coco[7],[8],[9],[10]. Il est présenté au public lors de la conférence et se voit attribuer son titre. Dès lors, sa sortie est repoussée à 2017[11].
 
 En France l'accueil est positif : le site Allociné propose une moyenne des critiques presse de 4,1/5[12]. Le JDD évoque « une réussite totale, équilibrant action, humour et tendresse, enthousiasme et sagesse. »[13]. Selon les Inrocks, « ""Coco"" sonde en réalité les plus noires angoisses de l'espèce humaine et laisse derrière lui au moins un morceau de bravoure, une grande scène de mélo qui restera comme un des sommets de la vénérable maison. »[14]. Libération dresse par contre un constat moins enthousiaste : « la vitesse à laquelle se déroule le récit nous sème : pas le temps de vivre ni de mourir tranquille, ni même de larmoyer trop longtemps. La poésie s’y étale de manière plus balourde et balisée sur un terrain certes sucré et surrythmé, mais le fil narratif surprend moins au tournant. »[15].
 Il est parfois reproché au film de présenter des points communs avec La Légende de Manolo, sorti en 2014, comme l'interdiction par sa famille de pratiquer de la musique afin de perpétuer la tradition familiale, la répétition de la phrase « ne m'oublie pas » tout au long du film, notamment avant que l'un des protagonistes soit écrasé par une cloche (la scène est présente dans les deux films), l'existence d'un monde parallèle « coloré et chatoyant », où habitent tous les ancêtres des protagonistes, et bien sûr la présence de la culture et des traditions mexicaines[16],[17]. Cependant, les deux films suivent des trames narratives différentes.
 En France, avec 4,5 millions d'entrées dans les salles de cinéma[18], Coco arrive à la 4e place du box-office en 2017. Au niveau mondial, les recettes du film sont bonnes, ce qui est positif pour la firme Disney car la somme investie (220 millions de dollars[réf. nécessaire]) est considérable : c'est le 31e plus gros budget de l'histoire du cinéma[19]. Mais au box-office des films d'animation en France, 4,5 millions d'entrées est un chiffre assez moyen, qui met Coco à la 41e place du classement. La même année (2017), il est devancé par Moi moche et méchant 3 qui enregistre 5,6 millions d'entrées[20].
 Le 25 novembre 2017, Coco récolte 40,8 millions de dollars en trois jours dépassant le film de super-héros Justice League de Warner Bros. sorti le même jour avec 35,5 millions de dollars[21]. Le 27 novembre 2017, le film Coco cumule 71,2 millions de dollars en moins d'une semaine aux États-Unis, diffusé dans 3 987 salles de cinéma[22]. Le 11 décembre 2017, Coco continue à récolter 18,3 millions de dollars en troisième semaine, cumulant 135,5 millions de dollars aux États-Unis et 389,5 millions de dollars à l'international[23].
 Au total, le film a rapporté 807 millions de dollars pour un budget de 175 millions[réf. nécessaire]. Coco est par ailleurs le premier film avec un budget à neuf chiffres à présenter un casting principal entièrement composé de gens d'origine hispanique.
 Au Brésil, le film a été rebaptisé Viva. En effet, en portugais (langue officielle du Brésil), le terme « cocô » signifie « merde »[26].",2199,"Accueil; Portails thématiques; Article au hasard; Contact; Débuter sur Wikipédia; Aide; Communauté; Modifications récentes; ; Rechercher; en savoir plus; Contributions; Discussion; Article; Discussion; Lire; Lire; Pages liées; Suivi des pages liées; Téléverser un fichier; Pages spéciales; ; Coco; ; Lee Unkrich; Adrian Molina; Adrian Molina; Lee Unkrich; Pixar Animation Studios; Walt Disney Pictures; ; États-Unis; Animation; 2017; Classiques d’animation Pixar; Cars 3; Les Indestructibles 2; ; Lee Unkrich; Adrian Molina; 2017; Adrian Molina; Lee Unkrich; Adrian Molina; studios Disney; Pixar; long métrage d'animation; film d'animation; images de synthèse; Pixar; Fête des morts; ; mexicain; Fête des morts; xolo; rose d'Inde; alebrije; cénote; alebrije; IMDb; Lee Unkrich; Adrian Molina; Adrian Molina; Adrian Molina; Lee Unkrich; Michael Giacchino; Germaine Franco; Adrian Molina; Harley Jessup; Lee Unkrich; Darla K. Anderson; John Lasseter; Pixar Animation Studios; Walt Disney Pictures; Walt Disney Studios Motion Pictures International; ; États-Unis; anglais; espagnol; 2,39:1; Dolby Atmos; animation; Mexique; 20; octobre; 2017; Festival international du film de Morelia; 27; octobre; 2017; Canada; 21; novembre; 2017; États-Unis; 22; novembre; 2017; France; 29; novembre; 2017; Anthony Gonzalez; Gael García Bernal; Benjamin Bratt; Alanna Ubach; Renée Victor; Ana Ofelia Murguia; Edward James Olmos; Jaime Camil; Sofía Espinosa; Alfonso Arau; Carla Medina; Luis Valdez; Selene Luna; Natalia Cordova-Buckley; Frida Kahlo; Lombardo Boyar; Gabriel Iglesias; Cheech Marin; Carla Medina; Salvador Reyes; John Ratzenberger; Allociné; Ary Abittan; Damien Ferrette; Bernard Gabay; Michel Lerousseau; Brigitte Virtudes; Évelyne Grandjean; Patrick Raynal; Franck Capillery; Thierry Wermuth; François-Xavier Demaison; Gérard Surugue; Emmanuelle Rivière; Frida Kahlo; Barbara Tissier; Frédéric Souterelle; Pierre Margot; Patrick Delage; Caroline Pascal; Anne Tilloy; doublage; Dubbing Brothers; direction artistique; Claire Guyot; adaptation des dialogues; Claude Lombard; The Walt Disney Company France; bande originale; Adrien Bletton; Benoît Brière; Élise Bertrand; France Castel; Béatrice Picard; Guy Nadon; Martin Desgagné; Hubert Fielden; Manuel Tadros; Emmanuelle Rivière; Frida Kahlo; Viviane Pacal; Aline Pinsonneault; doublage; direction artistique; adaptation des dialogues; ; 2015; D23; Pixar; Le Monde de Dory; Toy Story 4; 2017; Ne m'oublie pas; La Llorona; Metacritic; Rotten Tomatoes; Allociné; Le Point; Positif; Cahiers du Cinéma; Le Figaro; Les Inrockuptibles; Télérama; Le Monde; Libération; Allociné; JDD; Inrocks; Libération; La Légende de Manolo; box-office en 2017; [réf. nécessaire]; box-office des films d'animation en France; Moi moche et méchant 3; Justice League; Warner Bros.; États-Unis; États-Unis; États-Unis; France; [réf. nécessaire]; hispanique; Darla K. 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The story, about a dying child's dreams and hope, was first published in 1845. It has been adapted to various media, including animated, live-action, and VR films as well as television musicals and opera.[1]
 On a freezing New Year's Eve, a poor young girl, frozen, shivering, bareheaded and barefoot, unsuccessfully tries to sell matches in the street. Afraid to go home because her father would beat her for failing to sell any matches and not earning even a single penny, she huddles in the alley between two houses and lights matches, one by one, to warm herself.
 In the flame of the matches, she sees a series of comforting visions: a warm iron stove, a lovely roasted goose, and a great glorious Christmas tree. Each vision disappears as its match burns out. In the sky, she sees a shooting star, which her late grandmother had told her meant that someone is on their way to Heaven. In the flame of the next match she sees her late grandmother, the only person that ever treated her with love and kindness. To keep the vision of her grandmother alive as long as possible, the girl lights the entire bundle of matches she has.
 When the matches are gone, the girl freezes to death in the cold weather, as her grandmother carries her soul to Heaven. The next morning, passers-by find the girl's body with a smile on her face and express pity, but they do not know about the wonderful visions she had seen or how happy she is with her grandmother in Heaven.[2]
 ""The Little Match Girl"" was first published in December 1845, in Dansk Folkekalender for 1846. The work was re-published as a part of New Fairy Tales (4 March 1848), Second Volume, Second Collection (Nye Eventyr (1848), Andet Bind, Anden Samling), and again 18 December 1849 as a part of Fairy Tales (1850; Eventyr). The work was also published 30 March 1863 as a part of Fairy Tales and Stories (1863), Second Volume (Eventyr og Historier (1863), Andet Bind).[3]",370,"Main page; Contents; Current events; About Wikipedia; Help; Learn to edit; Community portal; Upload file; ; learn more; Article; Talk; Read; Read; Upload file; The Little Match Girl (1928 film); The Little Matchgirl (2006 film); The Little Match Seller; Match Girl (short story); Short story; Hans Christian Andersen; ; fairy tale; Danish; matchsticks; literary fairy tale; Hans Christian Andersen; ; New Year's Eve; Christmas tree; shooting star; grandmother; Heaven; freezes to death; Fairy Tale Forest; Dutch; amusement park; Efteling; Pepper's ghost; Andersen Monogatari; Crayon Shin-chan; Cinderella; Is the Order a Rabbit?; Binbou Shimai Monogatari; Love Hina; Su; Shinobu; Little Red Riding Hood; Okinawa; yakuza; Gakuen Alice; Mikan Sakura; Gin Tama; Yagyu Kyubei; Kagura; Shinpachi; Ōkami-san; Shirobako; Osomatsu-san; Sumire Sato; Bobobo-bo Bo-bobo; Miss Kobayashi's Dragon Maid; magical girls; Forty-seven rōnin; YuruYuri; Komi-san wa, Komyushou Desu.; One Piece; Isekai Quartet; KonoSuba; Flint the Time Detective; Nekopara; Date A Live; Danny Kaye; Golden Records; Peter Pan Records; Myths and Legends; Hans Christian Andersen; Bill Willingham; Fables; comic book; Rose Red; the embodiment of Hope; Castle Films; black-and-white; Virgin Mary; citation needed; Color Rhapsodies; Charles Mintz studio; New York City; Arthur Davis; Academy Award for Best Short Subject (Cartoons); Disney; The Old Mill; The World of Hans Christian Andersen; Toei Animation; ""The Stingiest Man In Town""; Ebenezer Scrooge; Fine Cut: KCET's Festival of Student Film; ADV Films; Hello Kitty; The Little Match Girl; Walt Disney Animation Studios; Fantasia (2006); Academy Award for Best Animated Short; The Danish Poet; The Little Mermaid; Blu-ray Disc; Disney+; David Bradley; Lesley Joseph; The Little Match Seller; Percy Nash; The Little Match Girl; Jean Renoir; Johan Jacobsen; Karin Nellemose; Françoise Rosay; 1954 Cannes Film Festival; La vendedora de rosas; Víctor Gaviria; Colombian movie; homeless; solvent abuse; Palme d'Or; 1998 Cannes Film Festival; Resurrection of the Little Match Girl; Sumire Sato; Suikoden III; Yakuza 5; Yakuza; Yakuza Kiwami; The Witcher 3: Wild Hunt – Blood and Wine; THE iDOLM@STER 2; Dark Parables: The Match Girl`s Lost Paradise; Dark Parables; landowner; Lobotomy Corporation; Library of Ruina; SINoALICE; Anne Bishop; Match Girl; Ruby Slippers, Golden Tears; Clarissa Pinkola Estés; Women Who Run with the Wolves; Neil Gaiman; A Study in Emerald; Gregory Maguire; NPR; Matchless: A Christmas Story; William McGonagall; Jerry Pinkney; an adaption; Terry Pratchett; Discworld; Hogfather; Death; Santa Claus; manga; Tokyopop; Rising Stars of Manga; Anne Ursu; Frederik Magle; Thomas Eje; Niels-Henning Ørsted Pedersen; avant-garde; Helmut Lachenmann; Red Army Faction; Gudrun Ensslin; Meret Becker; Chyi Chin; Loren Mazzacane Connors; Tormentor; GrooveLily; Striking 12; off-Broadway; Erasure; Breathe; The Tiger Lillies; David Lang; The Little Match Girl Passion; Paul Hillier; Theater of Voices; Pulitzer Prize; Johann Sebastian Bach; St. John; St. Matthew; The Crüxshadows; As the Dark Against My Halo; The Light Princess; Wednesday Campanella; Mack Wilberg; The Tabernacle Choir at Temple Square; Rolando Villazon; Loona; Chuu; Heart Attack; MaSiWei; StarKid Productions; Charles Dickens; A Christmas Carol; O. 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Les Quatre Filles du docteur March,https://fr.wikipedia.org/wiki/Les_Quatre_Filles_du_docteur_March,"Pour les articles homonymes, voir Les Quatre Filles du docteur March (homonymie).
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 Les Quatre Filles du docteur March (titre original : Little Women)  est un roman de l’autrice américaine Louisa May Alcott, publié dans un premier temps en deux volumes. Le premier parut en 1868 et le second en 1869. À sa sortie, le premier volume connut un franc succès, autant dans la presse qu'auprès du public, tant et si bien que l'auteure compléta son œuvre par un second volume, sorti en 1869. L'histoire de ces quatre sœurs a connu d'autant plus de succès qu'elle a fait écho au quotidien de nombreuses familles américaines ayant vécu la guerre de Sécession.
 Ce roman est tiré de l'expérience personnelle de Louisa May Alcott qui avait trois sœurs. Par ailleurs, le personnage de Jo semble inspiré de l'auteure elle-même. On peut ainsi considérer qu'il s'agit d'une autobiographie romancée[1].
 En France, le roman a paru pour la première fois en 1880 aux éditions J. Hetzel sous le titre Les Quatre filles du docteur Marsch, traduit et adapté au goût de l'époque par Pierre-Jules Hetzel sous son nom de plume de P.-J. Stahl, dans la collection « Bibliothèque d'éducation et de récréation ».
 Simone de Beauvoir écrit à son sujet, dans Mémoires d'une jeune fille rangée (1958) : « Il y eut un livre où je crus reconnaître mon visage et mon destin : Les Quatre filles du Docteur March, de Louisa May Alcott[2]. »
 L’action se déroule aux États-Unis, pendant la guerre de Sécession. En l’absence de leur père Robert, pasteur nordiste engagé comme aumônier dans le conflit, quatre jeunes sœurs issues de la classe moyenne de la société font face aux difficultés de la vie quotidienne en ce temps de guerre : la raisonnable Margaret (surnommée Meg), l'intrépide Josephine (surnommée Jo), la charitable Elisabeth (surnommée Beth) et l'orgueilleuse Amy. Elles vivent à Concord dans l'État du Massachusetts avec leur mère et leur fidèle domestique, Hannah. Autrefois riche, la famille March a été ruinée lorsque Robert March a fait faillite en aidant un ami dans ses affaires. Malgré cela, elle est heureuse, fait toujours preuve de bon sens, de générosité et de bienveillance et n'oublie pas d'aider plus pauvre qu'elle.
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Hetzel; Pierre-Jules Hetzel; nom de plume; Simone de Beauvoir; Mémoires d'une jeune fille rangée; États-Unis; guerre de Sécession; pasteur; nordiste; aumônier; Concord; Massachusetts; scarlatine; [réf. nécessaire]; WASP; aumônier; P.-J. Stahl; scarlatine; caniche; Vevey; Suisse; 1880; J. Hetzel; Bibliothèque d'éducation et de récréation; P.-J. Stahl; 2020; Gallmeister; ISBN; 978-2-35178-744-1; Nathalie Novi; ISBN; 979-1-09673-912-7; 1918; Harley Knoles; Dorothy Bernard; Conrad Nagel; Kate Lester; 1933; Les Quatre Filles du docteur March; George Cukor; Katharine Hepburn; Jean Parker; Spring Byington; Edna May Oliver; 1949; Les Quatre Filles du docteur March; Mervyn LeRoy; June Allyson; Elizabeth Taylor; Janet Leigh; Mary Astor; 1994; Les Quatre Filles du docteur March; Gillian Armstrong; Winona Ryder; Kirsten Dunst; Susan Sarandon; Claire Danes; 2018; Les Quatre Filles du docteur March; Lucas Grabeel; Lea Thompson; 2019; Les Filles du docteur March; Greta Gerwig; Saoirse Ronan; Florence Pugh; Emma Watson; Eliza Scanlen; Laura Dern; Meryl Streep; 1958; 1970; John McRae; 1978; Les Quatre Filles du docteur March; David Lowell Rich; 2012; 2017; 2022; Little Women; Netflix; 2023; 2024; Théâtre Le Ranelagh; 1981; Les Quatre Filles du docteur March; 1987; Les Quatre Filles du docteur March; 1993; Petite Bonne Femme; 2007; manhwa; 2015; 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//upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/c/c5/Peter_Pan_by_nk.svg/13px-Peter_Pan_by_nk.svg.png; https://login.wikimedia.org/wiki/Special:CentralAutoLogin/start?type=1x1; /static/images/footer/wikimedia-button.svg; /w/resources/assets/poweredby_mediawiki.svg,https://en.wikipedia.org/wiki/The_Wild_Swans,The Wild Swans,https://en.wikipedia.org/wiki/The_Wild_Swans,"""The Wild Swans"" (Danish: De vilde svaner) is a literary fairy tale by Hans Christian Andersen about a princess who rescues her 11 brothers from a spell cast by an evil queen. The tale was first published on 2 October 1838 in Andersen's Fairy Tales Told for Children. New Collection. First Booklet (Eventyr, fortalte for Børn. Ny Samling. Første Hefte) by C. A. Reitzel in Copenhagen, Denmark. It has been adapted to various media including ballet, television, and film.
 It is categorized as an Aarne-Thompson type 451 (""The Brothers Who Were Turned into Birds"").[1] Other type 451 variants include The Twelve Brothers, The Six Swans, The Seven Ravens, The Twelve Wild Ducks and Udea and her Seven Brothers.[2]
 In a faraway kingdom, there lives a widowed king with his twelve children: eleven princes and one princess. One day, he decides to remarry, but marries a wicked queen who is a witch. Out of spite, the queen turns her eleven stepsons into magnificent swans who are allowed to temporarily become human only at night and forced to fly by day. When their sister Elisa has reached the age of fifteen, the queen tries to bewitch her—but Elisa's goodness is too strong for this, so the queen has her banished after making her unrecognizable by dirtying her face and ripping her dress. Elisa finds her brothers, who carry Elisa to safety in a foreign land where she is out of the reach of her evil stepmother.
 There, Elisa is guided by the queen of the fairies to gather stinging nettles in graveyards to knit into shirts that will eventually help her brothers regain their human shapes. Elisa endures painfully blistered hands from nettle stings, and she must also take a vow of silence for the duration of her task, for speaking one word will kill herself and her brothers. The handsome king of another faraway land happens to come across Elisa, who cannot talk, and falls in love with her. He grants her a room in his castle where she continues her knitting. Eventually he proposes to crown her as his queen and wife, and she accepts.
 However, the archbishop is chagrined because he thinks Elisa is herself a witch, but the king will not believe him. One night Elisa runs out of nettles and is forced to collect more in a nearby church graveyard where the archbishop is watching. Ghoulish spirits that devour the bodies of the dead are also in the churchyard, and the archbishop believes that Elisa is in league with them.  He reports the incident to the king as proof of witchcraft. The statues of the saints shake their heads in protest, but the archbishop misinterprets this sign as confirmation of Elisa's guilt. The archbishop orders Elisa put on trial for witchcraft. She can speak no word in her defense, and is sentenced to death by burning at the stake.
 The brothers discover Elisa's plight and try to speak to the king but fail, thwarted by the rising sun. Even as the tumbril bears Elisa away to execution, she continues knitting, determined to continue up to the last moment of her life. This enrages the people, who are on the brink of snatching and ripping the shirts into pieces when the swans descend and rescue Elisa. The people interpret this as a sign from Heaven that Elisa is innocent, but the executioner still prepares for the burning. When Elisa finishes the last shirt, she throws the shirts over the swans, and her brothers return to their human forms. The youngest brother has a swan's wing instead of an arm, as Elisa did not have time to finish one sleeve of his shirt. Elisa is now free to speak and tell the truth but faints from exhaustion, so her brothers explain. As they do so, the firewood around Elisa's stake miraculously takes root and bursts into flowers. The king plucks the topmost flower and places it on Elisa's chest. She is revived by the white flower, and the king and Elisa are married.
 Danish folktale collector Mathias Winther [da] collected a similar tale named De elleve Svaner (English: ""The Eleven Swans""), first published in 1823, from which Andersen probably took inspiration.[3][4][5]",702,"Main page; Contents; Current events; About Wikipedia; Help; Learn to edit; Community portal; Upload file; ; learn more; Article; Talk; Read; Read; Upload file; Wild Swans (disambiguation); Short story; Hans Christian Andersen; ; fairy tale; Fairy Tales Told for Children. New Collection. First Booklet; The Steadfast Tin Soldier; Danish; literary fairy tale; Hans Christian Andersen; princess; Fairy Tales Told for Children. New Collection. First Booklet; Copenhagen; Aarne-Thompson; The Twelve Brothers; The Six Swans; The Seven Ravens; The Twelve Wild Ducks; Udea and her Seven Brothers; ; queen; witch; swans; evil stepmother; fairies; stinging nettles; archbishop; saints; trial for witchcraft; burning at the stake; tumbril; The Wild Swans; Wild Swans; Elena Kats-Chernin; Michael Cunningham; Stories to Remember; Sigourney Weaver; The Wild Swans; Toei Animation; The Six Swans; Brothers Grimm; Andersen monogatari; Mr. Piper; Jessica Jung; Girls' Generation's; The Boys; Caroline Stevermer; Snow White, Blood Red; Ellen Datlow; Terri Windling; baseball; Daughter of the Forest; Juliet Marillier; The Fairytaler; Margrethe II of Denmark; Gregory Maguire; Jessica Day George; mail order bride; Children's literature portal; Denmark portal; The Six Swans; The Twelve Brothers; The Twelve Wild Ducks; ISBN; Ashliman, D. L.; IMDb; IMDb; The Storyteller (TV series); ; ; ; Wikisource; Jean Hersholt; v; t; Hans Christian Andersen; Bibliography; Fairy Tales Told for Children. First Collection.; Fairy Tales Told for Children. New Collection; New Fairy Tales. First Volume; The Angel; Blockhead Hans; The Emperor's New Clothes; The Fir-Tree; The Flying Trunk; The Galoshes of Fortune; The Garden of Paradise; The Goblin and the Grocer; Golden Treasure; The Ice-Maiden; Little Claus and Big Claus; The Little Match Girl; The Little Mermaid; The Most Incredible Thing; The Nightingale; Ole Lukoie; The Princess and the Pea; The Red Shoes; The Shadow; The Snow Queen; The Snowman; The Steadfast Tin Soldier; The Story of a Mother; The Swineherd; The Tallow Candle; Thumbelina; The Tinderbox; The Travelling Companion; The Ugly Duckling; What the Old Man Does is Always Right; The Wicked Prince; The Improvisatore; The Two Baronesses; Little Kirsten; When the Spaniards Were Here; Danmark, mit fædreland; Christine's Picture Book; Hans Christian Andersen; The Daydreamer; The World of Hans Christian Andersen; Andersen Monogatari; The Fairytaler; Hans Christian Andersen: My Life as a Fairytale; Young Andersen; Hans Christian Andersen Museums; Pleated Christmas hearts; International Children's Book Day; Hans Christian Andersen Award; Hans Christian Andersen Literature Award; Category; Categories; Danish fairy tales; 1838 short stories; Fictional swans; Fictional princes; Fiction about shapeshifting; Witchcraft in fairy tales; Short stories by Hans Christian Andersen; ATU 400-459; Literary fairy tales; Articles with short description; Short description is different from Wikidata; Articles containing Danish-language text; Articles containing explicitly cited English-language text; Commons category link from Wikidata; Creative Commons Attribution-ShareAlike 4.0 License; About Wikipedia; Disclaimers",Categories; Danish fairy tales; 1838 short stories; Fictional swans; Fictional princes; Fiction about shapeshifting; Witchcraft in fairy tales; Short stories by Hans Christian Andersen; ATU 400-459; Literary fairy tales,/static/images/icons/wikipedia.png; /static/images/mobile/copyright/wikipedia-wordmark-en.svg; /static/images/mobile/copyright/wikipedia-tagline-en.svg; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/7/79/Elsa_en_de_wilde_zwanen_%288206147124%29.jpg/220px-Elsa_en_de_wilde_zwanen_%288206147124%29.jpg; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/a8/Arrleft.svg/10px-Arrleft.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/f/f4/Arrright.svg/10px-Arrright.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/b/b5/The_queen_disenchants_the_wild_swans_and_fains_upon_the_funeral_pyre.jpg/220px-The_queen_disenchants_the_wild_swans_and_fains_upon_the_funeral_pyre.jpg; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/1/1d/Tom_Sawyer_1876_frontispiece.jpg/20px-Tom_Sawyer_1876_frontispiece.jpg; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/9/9c/Flag_of_Denmark.svg/32px-Flag_of_Denmark.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/en/thumb/4/4a/Commons-logo.svg/12px-Commons-logo.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/4/4c/Wikisource-logo.svg/15px-Wikisource-logo.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/4/4c/Wikisource-logo.svg/12px-Wikisource-logo.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/en/thumb/9/96/Symbol_category_class.svg/16px-Symbol_category_class.svg.png; https://login.wikimedia.org/wiki/Special:CentralAutoLogin/start?type=1x1; /static/images/footer/wikimedia-button.svg; /w/resources/assets/poweredby_mediawiki.svg
Peter et Elliott le dragon,https://fr.wikipedia.org/wiki/Peter_et_Elliott_le_dragon,"Vous lisez un « article de qualité » labellisé en 2021.
 Pour l’article homonyme, voir Peter et Elliott le dragon (film, 2016).
 Helen ReddyMickey RooneySean MarshallJim Dale
 
 Pour plus de détails, voir Fiche technique et Distribution. modifier  Peter et Elliott le dragon (Pete's Dragon) est le 30e long-métrage d'animation des studios Disney. Mêlant animation et prises de vues réelles comme Mary Poppins (1964) et L'Apprentie sorcière (1971), il est réalisé par Don Chaffey et sort en 1977.
 La production de Peter et Elliott le dragon est lancée en parallèle de celle des Aventures de Bernard et Bianca, sorti à l'été 1977. Malgré une animation limitée à un seul personnage, qui n'était pas prévu comme étant visible à l'origine, le film nécessite de nombreux animateurs. C'est le premier film entièrement réalisé par la nouvelle génération d'animateurs des studios après le départ des Neuf Sages de Disney. Le film utilise aussi beaucoup d'effets spéciaux, une spécialité du studio Disney. La direction parie sur une comédie musicale pour renouveler le succès de Mary Poppins, engageant même une chanteuse à succès, Helen Reddy. Mais le film ne rencontre qu'un faible succès en salles. À sa sortie, la critique fait une comparaison avec le dernier chef-d'œuvre de Walt Disney, au désavantage de Peter et Elliott. Helen Reddy est aussi pointée du doigt, mais les critiques plus tardives soulignent surtout l'absence de Walt Disney, la sentant peser sur le studio. Une sorte d'adage finit par émerger, qui vaut pour toute la période des Studios Disney de 1973 à 1988 : « Qu'aurait fait Walt ? »
 Malgré cet échec, le personnage d'Elliott fait partie de l'écurie Disney au point d'avoir un char dans la parade éclectique Main Street Electrical Parade ou une apparition dans Qui veut la peau de Roger Rabbit (1988). Le film a fait l'objet d'une nouvelle adaptation, Peter et Elliott le dragon (2016).
 L'action se passe au début du XXe siècle à Passamaquoddy, petite ville de Nouvelle-Angleterre, plus précisément dans le Maine. L'arrivée de Peter, un orphelin d'une douzaine d'années, fuyant sa famille adoptive, ne se fait pas sans mal. Peter, qui a été acheté comme garçon de ferme par la famille Gogan, fuit cette famille abusive sur le dos d'un dragon doué d'invisibilité nommé Elliott tandis que les Gogan chantent des promesses d'un meilleur traitement pour le garçon. Mais leurs paroles trahissent les punitions sévères qu'ils prévoient. Avec un mouvement de sa queue, Elliott jette les Gogan dans la boue, offrant à Peter un peu de répit avant de s'endormir dans une barque.
 Peter et Elliott visitent le village de pêcheurs de Passamaquoddy. La maladresse d'Elliott pourtant invisible donne l'impression à la population que Peter est une source de malchance. Lampie, le gardien du phare, sort d'une taverne et fait la connaissance de Peter. Il parvient à voir le dragon et, terrifié, court au village pour avertir de la présence d'un monstre. Toutefois la population ne le croit pas et attribue cela à son addiction, l'homme étant porté sur la boisson.
 Le soir, caché dans une grotte en bord de mer, Peter réprimande Elliott pour les dégâts causés dans la ville. Alors qu'ils se réconcilient, Nora, la fille de Lampie, apparaît pour prévenir que Peter n'est pas en sécurité dans la grotte à cause de la marée. Après quelques explications, elle se rend compte qu'il est orphelin et qu'il n'est pas de la région. Elle lui propose de la nourriture, un lit et un abri au phare, ce qu'il accepte. Peter poursuit son histoire et raconte les abus imposés par la famille Gogan. Nora et le garçon se lient d'amitié. Elle lui raconte la disparition en mer de son fiancé Paul l'année précédente. Mais Nora s'interroge sur Elliott, quand ce dernier annonce qu'il questionnera le dragon à propos de Paul.
 Le lendemain, le marchand itinérant, le Dr Terminus, arrive en ville avec son assistant Hoagy. D'abord irrités par le retour de ce personnage, les habitants de Passamaquoddy un peu crédules l'acceptent. Le duo promet de faire le jour sur le dragon mais n'y parvient pas. Le jour suivant, la pêche est mauvaise. Les pêcheurs accusent Peter. Nora prend sa défense et rappelle que les lieux de pêche ne sont pas immuables. Nora emmène Peter à l'école où l'enseignante, Miss Taylor, le punit à cause des bêtises d'Elliott. Irrité par cette punition injuste, le dragon se lance sur l'école où il laisse sa silhouette sur le mur tandis que le jeune garçon s'enfuit. Le Dr  Terminus lui propose alors de le rejoindre mais l'enfant préfère accepter l'offre de Nora et Lampie de vivre avec eux en permanence.
 La famille Gogan arrive alors en ville et réclame le retour du garçon. Nora refuse de le livrer. Les Gogan les poursuivent dans une petite embarcation mais Elliott la torpille, sauvant Peter. Par la suite le Dr Terminus fait équipe avec les Gogan pour capturer Peter et Elliott. Profitant de la superstition des habitants, il les convainc que la capture du dragon résoudra leurs problèmes.
 Dans la soirée, une tempête s'abat sur le village. En mer, un navire s'approche de Passamaquoddy avec Paul à son bord. Pendant ce temps, le Dr Terminus attire Peter au hangar à bateaux tandis que Hoagy fait de même avec Elliott. Le dragon, bien qu'invisible, est pris au piège dans un filet. Il se libère, sauve Peter et affronte les Gogan. La matriarche des Gogan, Lena, lui crie dessus, affirmant que Peter est leur propriété en brandissant un acte de vente. Le dragon brûle le papier et parvient à faire fuir la famille désarmée. Alors qu'Elliott et Peter se réjouissent du départ de leurs tortionnaires, le Dr Terminus tente de harponner le dragon. Mais sa jambe reste coincée dans la corde du harpon et, lorsqu'il appuie sur la détente, il se retrouve catapulté à travers le plafond. Criant durant sa traversée, il finit son vol sur un poteau électrique. Le charlatan propose d'acheter des morceaux d'Elliott pour les revendre, ce que le dragon refuse. L'animal détruit le chariot du Dr Terminus, mettant ainsi fin à son entreprise d'escroquerie. Elliott sauve ensuite le maire, l'enseignante Miss Taylor et les membres du conseil municipal de la chute d'un poteau électrique endommagé par la tempête. Par cet acte, il se révèle à eux, levant son invisibilité.
 De retour au phare, une vague scélérate a éteint la lampe. Elliott parvient difficilement à la rallumer avec son feu de dragon, permettant à Nora de le voir enfin. Le phare rallumé, le bateau est sauvé. Le lendemain matin, le maire et les habitants félicitent Elliott pour son aide tandis que Nora retrouve Paul, seul survivant d'un naufrage au cap Hatteras et ayant souffert d'amnésie. Le dragon explique à Peter que, celui-ci étant désormais dans une famille qui l'aime, il doit partir pour aider un autre enfant en difficulté. Il est triste de devoir partir mais Peter le réconforte en disant qu'il sera capable d'aider cet enfant. Peter et sa nouvelle famille font leurs adieux à Elliott lorsqu'il s'envole joyeusement, le garçon rappelant au dragon qu'il est censé être invisible.
 Sauf mention contraire, les informations proviennent des sources concordantes suivantes : Leonard Maltin[3], John Grant[4], Mark Arnold[5] et IMDb[6].
 Sauf mention contraire, les informations proviennent des sources concordantes suivantes : John Grant[4], Dave Smith[7], Mark Arnold[8] et IMDb[6].
 Version de 1978 : Studio de doublage : SPS ; adaptation : Natacha Nahon (dialogues), Pierre Delanoë et Henri Lemarchand (chansons) ; direction artistique : Jean-Pierre Dorat (dialogues), Georges Tzipine (chansons).
 Version longue : Studio de doublage : Cinéphase ; adaptation : Natacha Nahon (dialogues), Pierre Delanoë et Henri Lemarchand (chansons), Luc Aulivier (version longue) ; direction artistique : Perrette Pradier (dialogues), Georges Costa (chansons).
  Sources : Dans l'ombre des studios[9], cartons de doublage.
 Sauf mention contraire, les informations suivantes sont issues de l’Internet Movie Database[2].
 Une histoire intitulée Peter et Elliott le dragon est acquise par les studios Disney dans les années 1950[7],[11]. La plus ancienne trace du projet dans les Walt Disney Archives est un scénario intitulé Pete's Dragon in the U.S.A de référence 1791, daté du 10 décembre 1957, écrit par Seton I. Miller et associé à une adaptation nommée Pete's Dragon in the U.S.A (Forever After) du même Miller d'après une histoire de S.S. Field[12]. Dans ces versions, le dragon est prénommé Gabriel mais le projet s'arrête là[12]. Le projet reprend en mars 1958 en vue d'une adaptation en téléfilm dans l'émission télévisée The Wonderful World of Disney[7],[11],[12]. Le scénariste Noel Langley est engagé et écrit le scénario qu'il livre en avril 1958 mais Walt Disney met un terme à cette production[12]. David Koenig évoque un projet de courte histoire achetée en 1962 et développé sur 17 pages sous le nom de Pete's Dragon in the U.S.A[13]. En septembre 1968, après la mort de Walt Disney, le projet reprend vie avec un nouveau scénario écrit par Bill Raynor et Myles Wilder mais le projet est encore stoppé dès octobre[12].
 En 1975, le producteur Jerome Courtland redécouvre le projet et demande à Malcolm Marmorstein d'écrire un nouveau scénario[7]. Courtland demande dans un courrier à Marmorstein de développer le scénario qu'il a découvert et il demande aussi à Al Kasha et Joel Hirschhorn de composer la musique[13]. Un clap visible dans le documentaire DVD indique la date du 17 novembre 1976[11]. Jerome Courtland tenait le rôle principal dans la série The Saga of Andy Burnett (1957) produit par Disney[14] avant d'être le réalisateur de plusieurs films dont La Montagne ensorcelée (1975) et Le Gang des chaussons aux pommes (1975)[15]. Marmorstein propose une comédie musicale traditionnelle avec tous les éléments d'un standard Disney[13]. Marmorstein modifie aussi plusieurs éléments du film qui se déroule désormais dans une période précise au lieu du présent, avec un dragon réel tandis que Peter devient orphelin[13]. Il baptise le dragon Elliott en hommage à son ami Elliott Gould[13].
 Ce film devient une nouvelle tentative du studio Disney de mêler animation et acteurs dans une comédie musicale à l'image de Mary Poppins (1964) et de L'Apprentie sorcière (1971)[11],[16],[17]. Cette combinaison d'animation et d'acteurs existe depuis les années 1920 avec Max Fleischer (des Fleischer Studios) et a été améliorée par Walt Disney comme il l'explique lui-même dans les images d'archives du documentaire DVD[11] (Voir les Alice Comedies). Ce même documentaire comprend une interview de Virginia Davis expliquant son rôle d'Alice à l'époque[18]. D'autres exemples de films usant de ce mélange sont présentés dans le documentaire comme Les Dix Audacieux (1960), Monte là-d'ssus (1961), La Fiancée de papa (1961)[18].
 Peter et Elliott le dragon est le premier film d'animation de Disney dans lequel aucun des « Neuf Sages », le noyau dur des animateurs du studio, n'est impliqué[4],[11]. Cependant, plusieurs vétérans du studio sont présents. Ken Anderson est l'un des animateurs qui assurent la transition[4]. Anderson est engagé fin 1934[19] sur les Silly Symphonies puis le long métrage Blanche-Neige et les Sept Nains (1937)[20]. John Grant lui attribue le titre de « Dixième sage »[4]. Sur ce film, il a la tâche de concevoir et animer le personnage du dragon Elliott, seul personnage animé du film[4],[11]. Dans un documentaire, Anderson explique comment il a réussi à le faire cracher du feu[18]. John Grant mentionne un autre membre du studio assurant la transition avec la nouvelle génération, Frank Phillips le cameraman à l'œuvre dans le studio depuis plusieurs décennies et qui avait même joué l'un des enfants dans Alice Comedies[4]. Le dessinateur Herb Ryman, reconnu pour ses dessins préparatoires des parcs Disneyland et Magic Kingdom sort de sa retraite pour réaliser les décors d'animation et le générique du film[21]. Don Bluth, engagé en 1955 comme assistant de John Lounsbery sur La Belle au bois dormant (1959)[22], est nommé réalisateur pour l'animation[23].
 Certains des nouveaux animateurs vont évoluer et participer à d'importantes productions dans les années suivantes. On peut noter la présence de Don Hahn dont c'est la première participation après des études de musique à l'Université d'État de Californie à Northridge, jouant de la percussion dans ces groupes locaux[24]. Hahn est assigné au nettoyage des dessins[24] et, en raison de la charge de travail, il est promu assistant réalisateur auprès de Don Bluth[25],[26]. Glen Keane avait déjà participé à l'animation de Les Aventures de Bernard et Bianca (1977) mais son talent le fait évoluer rapidement, et sera nommé superviseur de l'animation sur la production suivante, Rox et Rouky (1981)[27]. Lorna Cook, entrée chez Disney en 1972, fait ses classes sur l'animation de ce film et deviendra réalisatrice et scénariste[28]. Vera Lanpher est engagée comme intervalliste et dirigera plus tard le département de nettoyage des dessins[29]. Randy Cartwright, auparavant assistant animateur auprès d'Ollie Johnston, est promu animateur sur ce film[30]. Arrivé en 1975, Dave Spafford est nommé assistant de John Pomeroy[31]. Le dessinateur Dale Baer quitte le studio en bon terme durant la production de ce film pour devenir freelance, mais reviendra chez Disney en 1988[32].
 Dans le projet initial, Elliott devait rester invisible tout au long du film sauf dans une seule séquence[33],[34]. Cette séquence intitulée Terminus & Hoagy Hunt Elliott a été abandonnée[18],[33]. Elle montrait une scène du film sous un autre angle[18]. Grant explique que le Dr Terminus essayait de tailler le dragon en pièces pour le vendre[33]. Durant la phase de développement, Ken Anderson considère que l'invisibilité permanente du dragon est une mauvaise idée car les personnages réels auraient passé leur temps à expliquer aux spectateurs les actions non visibles[13],[33]. David Koenig ajoute que, commercialement parlant, il aurait été difficile de vendre des peluches d'un dragon invisible[13]. Les animateurs insistèrent pour qu'Elliott apparaisse au moins à la fin, puis obtinrent petit à petit des séquences supplémentaires, portant sa présence à 22 min[34]. Après avoir obtenu que le dragon ne soit invisible que dans quelques scènes, Ken Anderson propose un dragon de type oriental et non pas occidental, en raison du caractère bon/gentil associé au dragon oriental[33].
 
Graphiquement, le personnage est conçu selon les mêmes principes de base que ceux utilisés pour Monsieur Mouche, les Sept nains, et même Donald ou Mickey[33]. Il est composé essentiellement de cercles ou de formes oblongues et ventrues (comme les poires)[33]. Graphiquement, il est à l'opposé d'un autre dragon conçu par Ken Anderson, celui de Maléfique dans La Belle au bois dormant (1959)[33]. Dave Smith attribue le personnage à Ken Anderson pour la partie conception, à Don Bluth pour l'animation et à Dorse A. Lampher pour les effets spéciaux[7]. John Grant le décrit ainsi :  « Elliott est un dragon vert avec des taches sombres, des cheveux rose clair sur la tête, une queue avec un plumeau à trois branches rose clair et des pointes dorsales rose foncé. Le blanc de ses yeux est de couleur bleue entourant des pupilles noires et surmonté par des sourcils noirs. Il possède aussi des narines caverneuses et de longues oreilles fines sortant sur le côté. Son expression faciale habituelle est un sourire désireux de plaire avec une voix caractérisée par des grognements, des déglutis, des claquements rapides et des tambourinements[33]. »
 Jeff Kurti résume les éléments de son anatomie ainsi « une tête de camélidé, un cou de crocodile, des oreilles de vache[34].
 La première version du dragon s'inspire de l'acteur Wallace Beery, déjà caricaturé dans Mickey's Gala Premier (1933)[33]. John Grant poursuit sa description du personnage ainsi[33] « il a tout pour être attachant, génial avec sa grande taille, sa force, son souffle enflammé, sa gentillesse et sa capacité à contenir sa colère. »  Elliott possède un grand sens de l'humour, dégage beaucoup de joie et est capable de beaucoup de grâce malgré sa taille et sa maladresse[34]. À cause de la brutalité des Gogan et des machinations du Dr Terminus, Elliott explose littéralement de colère grâce à des effets pyrotechniques mais son feu n'est pas utilisable à volonté[33]. Ainsi, par la suite, il a des difficultés à allumer le phare[33]. Le dragon n'apprécie pas l'alcool, comme le montre la scène dans la cave avec Lampie et Hoagy[33].
 
Dans une interview donnée à David Hammond du American Cinematographer en 1977, Ken Anderson explique que :  « Le personnage devait se mélanger et non sortir [du décor]. Cela nécessite un planning très précis et de l'attention. Par exemple, chaque ombre doit tomber parfaitement juste. Quand vous dessinez une séquence animée vous devez savoir parfaitement où la lumière tombe dans la scène en prise de vue réelle. Aussi, les tons de la peau humaine changent en fonction de la qualité de lumière lorsque la personne bouge d'une zone à une autre ou selon l'heure du jour. Et les couleurs d'Elliott doivent s'ajuster avec cela[33]. »
 John Grant explique que l'animation d'Elliott, tous les détails de son apparence et la couleur du personnage, ont été compliqués, créant plus de problème que de solutions[33]. Entre 80 et 90 personnes ont travaillé sur le personnage dont 42 animateurs et intervallistes, ce qui a généré de nombreuses inconsistances parfois notables[33]. En regardant attentivement, on peut remarquer que les couleurs fluctuent et cela pourrait être considéré comme non délibéré mais John Grant incrimine l'impression du film au montage[33].
 Alors que les animateurs Ken Anderson et Steve Hulett conçoivent les personnages du film inachevé Catfish Bend d'après les œuvres de Ben Lucien Burman, ils se souviennent qu'à l'étage inférieur, l'équipe d'animation de Peter et Elliott est sur le feu[35]. La sortie est prévue pour Noël 1978 au Radio City Music Hall de New York et l'équipe doit travailler du « lundi au dimanche » avec « tout le monde sur le pont[35]. » Don Bluth a installé un tableau coloré de suivi de l'activité dans le hall mais la progression montrait que les délais risquaient de ne pas être tenus[35]. L'animateur d'effets spéciaux, Pete Young, se rappelle avoir été réassigné sur les intervalles 12 heures par jour mais cela ne l'a pas gêné car il était payé double ou triple[35]. Même Larry Clemmons qui n'avait pas réalisé de travail d'assistant depuis 40 ans a été appelé à l'animation[35]. Toutefois son travail assez brut a convaincu la direction du studio de demander de l'aide ailleurs[35]. Les délais ont été finalement tenus, ce qui permit au studio d'éprouver un grand sentiment de soulagement[35].
 C'est la première participation de l'acteur britannique Jim Dale à un film Disney, il est jusque-là plus connu pour ses participations régulières à la série de films Carry On ou dans des spectacles de Broadway[1]. Il est aussi connu pour être le narrateur en version américaine des livres audio de la série Harry Potter[1]. Sean Marshall fait ses débuts dans le rôle de Peter et donnera sa voix au garçon dans Le Petit Âne de Bethléem (1987)[7]. Marshall révèle qu'il n'avait aucune expérience d'acteur avant ce film et qu'il a dû apprendre à danser et à chanter[18].
 Le rôle de Nora a été proposé à Julie Andrews, vedette de Mary Poppins (1964), mais elle l'a refusé[36]. L'actrice Helen Reddy fait aussi ses débuts dans ce film, en raison des talents de chanteuse qu'elle a montrés dans son album I Am Woman (1972) ou par sa reprise du titre Delta Dawn (1973)[1],[7] (Voir aussi la section #Bande originale). Le film I Am Woman (2019) retrace l'histoire de la chanteuse et actrice. L'acteur Mickey Rooney joue le père d'Helen Reddy, Lampie. Jeff Conaway qui interprète Willie Gogan, jouera le rôle de Kenickie dans Grease (1978).
 Dans une interview de décembre 1976, le danseur Richard Bohannon explique qu'il a commencé sa carrière avec Disney au début des années 1970 dans le spectacle itinérant Disney on Parade interprétant durant deux ans et demi le personnage de Bert de Mary Poppins (1964), joué par Dick Van Dyke, et qu'il a été initié à l'acrobatie par deux Persans[37]. Il indique qu'il a joué trois petits rôles dans Peter et Elliott le dragon, un pêcheur dansant sur des tonneaux dans un saloon, un dandy percutant le dragon Elliott et un pêcheur tentant de capturer le dragon[37].
 La ville fictive de Passamaquody a été construite au studio Disney dans la zone western[7],[18],[38], ensemble situé à l'est du studio[38] et désormais disparu. Le nom de la ville est inspiré d'une tribu amérindienne du Maine, les Passamaquoddys[13]. Ce tournage oblige le décorateur Jack Martin Smith à maquiller les 30 bâtiments existants du studio et à en faire construire huit autres[7]. La Western Street avait été construite pour des villages de l'Ouest américain comme pour Elfego Baca ou Texas John Slaughter mais a été transformée en village Irlandais pour Darby O'Gill et les Farfadets (1959) ou, comme ici, en village de pêcheurs du Maine[38]. Une partie du tournage prend aussi part au Disney's Golden Oak Ranch à Santa Clarita[18]. Le phare que l'on peut voir dans le film est construit à Morro Bay en Californie[7],[18]. Il était équipé d'une lentille de Fresnel visible à 18–24 milles nautiques, ce qui oblige Disney à obtenir une permission spéciale des garde-côtes pour le mettre en marche, car les bateaux passant par là auraient pu le confondre avec un vrai phare[7],[18].
 Certaines scènes sont supprimées, comme l'une qui prévoyait une tentative de capture d'Elliott par Hoagy et le Doc Terminus en utilisant beaucoup de peinture[39]. Le clan Gogan devait affronter Peter et Nora avec une ordonnance de vente dans un chariot mais a été réécrite avec tout le monde dans le bateau[39].
 L'acteur Sean Marshall explique, dans le documentaire DVD, que certains effets spéciaux du film ont nécessité la technique du procédé à la vapeur de sodium (aussi appelé « fond jaune ») consistant en la superposition de trois scènes[11] (par exemple, un premier plan en prises de vues réelles, un personnage animé au deuxième plan (Elliott) et enfin un fond en prises de vues réelles). John Grant précise que le film fait aussi usage du procédé du fond bleu, les deux étant utilisés abondamment dans le film[4]. La séquence de la tempête en mer utilise quant à elle la méthode des miniatures[4].
 La méthode du fond bleu existe depuis de nombreuses années. Elle a été développée sur la série Out of the Inkwell par les frères Dave et Max Fleischer au sein Fleischer Studios[40]. Elle est rapidement utilisée par Disney sur les Alice Comedies (1923-1927) puis dans plusieurs longs métrages comme Les Trois Caballeros (1945), Mélodie du Sud (1946), Mary Poppins (1964) ou L'Apprentie sorcière (1971), mais aussi les publicités Kellogg's de Tony le tigre (en) pour les céréales Frosties[40]. Disney l'utilisera à nouveau sur Qui veut la peau de Roger Rabbit (1988)[40]. Grant explique ainsi la différence entre fond bleu (ou vert) et fond jaune[4] : pour le premier la prise de vues se fait avec un fond bleu (ou vert) mais la caméra ne filme pas cette couleur (désormais enlevée numériquement) tandis que le fond jaune nécessite deux caméras, l'une avec les couleurs et l'autre ayant un filtre et filmant un écran jaune surexposé grâce à des lampes au sodium ; celui-ci permet d'obtenir un film en noir et blanc, qui sert de référence pour juxtaposer au montage un autre film.
 Une autre méthode utilisée est la composition, permettant par exemple sur le cas de Peter et Elliott le dragon de mélanger trois sources[4]. Dans la scène où Elliott donne une pomme puis recueille une larme de Peter (Sean Marshall), il y a un premier plan avec l'acteur, un second plan avec le dragon animé et un arrière-plan, le décor[33]. John Grant considère cette scène comme un chef-d'œuvre des effets spéciaux[33]. Mais cette technique pose des problèmes, surtout aux acteurs : ils ne voient ni leur interlocuteur virtuel ni une partie du décor[33].
 Le budget final du film est estimé à 10 millions de dollars[1]. Il est toutefois deux fois inférieur à celui du film de science-fiction Le Trou noir (1979), qui utilisera lui aussi beaucoup d'effets spéciaux[41].
 
 modifier  Les musiques et chansons sont écrites et composées par Al Kasha et Joel Hirschhorn[7],[8],[13]. Al Kasha justifie la présence de la musique dans cette comédie musicale avec le dicton : Quand tu ne peux plus parler, tu peux faire un numéro musical[42]. Le film inclut de nombreux numéros musicaux, en raison des acteurs ayant pour la plupart des talents vocaux : en effet, le duo de compositeurs s'est assuré que chacun possède son thème musical ou sa chanson personnalisée ainsi qu'une chorale[42]. Kasha confirme qu'il est rare que chaque acteur ou presque ait la chance de chanter[42]. Il précise que sur 1 h 40 min de film, il y a 1 h 20 min de musique[42].
 En parallèle de la composition, le studio cherche des interprètes. Un vent de changement était à l'œuvre au sein de Disneyland Records, et Merrill Dean, président du label depuis 1975[43], négocie pour que la chanteuse Helen Reddy, alors sous contrat avec Capitol Records, participe à la production du film qui se veut plus ambitieuse que L'Apprentie sorcière (1971)[44]. Mike Curb, compositeur alors président de MGM Records, produit le single de la chanson titre Candle on the Water d'Helen Reddy pour Capitol Records[45]. Le contrat de la chanteuse explique cette sortie en dehors du catalogue Disney[44]. Candle on the Water est une combinaison de deux chansons du duo, récompensées d'un Oscar, la première sur le thème de l'eau The Morning After tirée du film L'Aventure du Poséidon (1972) et l'autre sur le thème du feu We May Never Love Like This Again dans La Tour infernale (1974)[42]. Kasha explique que c'est une musique inspirante, et qu'elle évoque sa croyance en Dieu[42].
 Un duo entre les personnages de Peter et Elliott intitulé Loyalty (Loyauté) a été composé par Kasha et Hirschhorn mais le duo a préféré ne pas le proposer[42], une forme d'autocensure. Un grand final nommé The Greastest Star in The World dans lequel le village entier faisait les louanges d'Elliott pour ses actions héroïques était prévu[42]. Entre-temps, la fin du film a été modifiée et le personnage, devenu moins héroïque, ne justifiait plus cette scène[42]. Pour le final, la production a préféré un medley de reprises au lieu d'une nouvelle chanson[36]. Ce pot-pourri reprend d'abord le titre I Saw A Dragon, un couplet de transition intitulé Elliott Did it et une version modifiée de Passamashloddy pour finir sur Brazzle Dazzle Day[36].
 Il existe une version française de livre-disque racontée par Philippe Noiret publié chez Adès en 1978[47].
 Les chansons présentes dans le DVD du film de 2003 ne sont pas les chansons originales car les droits en sont détenus par Capitol Records, mais sont de nouvelles versions produites par Buena Vista Records[18].
 Le studio Disney prévoit de sortir le film Peter et Elliott le dragon pour Noël 1977 et organise une importante campagne publicitaire pour cette première comédie musicale du studio depuis six ans[48]. Elle utilise des publicités similaires aux productions précédentes, dupliquant même celles de Mary Poppins (1964)[49]. C'est le premier film de Disney à être enregistré en son Dolby Stéréo[1]. Une adaptation en bande dessinée est publiée les dimanches du 4 septembre 1977 au 27 novembre 1977 (soit 13 planches) dans la presse américaine, scénario adapté par Carl Fallberg et Richard Moore au dessin[50].
 Leonard Maltin et Steve Hulett mentionnent une première au Radio City Music Hall de New York[35],[49]. Elle a lieu le 3 novembre 1977 mais Janet Maslin du New York Times n'évoque pas de première avec les acteurs[51].
 Une seconde adaptation en bande dessinée par Dan Spiegle et Larry Mayer est publiée aux États-Unis en avril 1978 dans le magazine Walt Disney Showcase[52]. De plus, une version britannique dessinée par Rex Archer est publiée au Royaume-Uni dans le magazine Mickey Mouse à partir du 30 septembre 1978[53]. La chanson Candle on the Water du film est sélectionnée pour l'Oscar de la meilleure partition de chansons et adaptation musicale en 1978[1].
 Le film Peter et Elliott le dragon se voulait un second Mary Poppins mais ne récolte que 18 millions de dollars à sa première sortie aux États-Unis[1],[7]. Il se classe à la 17e place du box-office annuel américain, un succès modéré pour les productions Disney de l'époque[11],[35]. Pour l'année 1978, seules deux productions du studio se hissent dans le top 25 des films et dans le bas du tableau, Peter et Elliott le dragon et Tête brûlée et pied tendre[54].
 Les critiques lors de la sortie du film sont partagées, appréciant certains points et sabrant d'autres. Janet Maslin du New York Times fait l'éloge du film en le déclarant « le film Disney le plus énergique et le plus agréable depuis longtemps[51] ». Elle complimente également la performance d'Helen Reddy, en notant que « comme Sean Marshall ne chante pas bien, au contraire de la chanteuse, elle l'accompagne souvent de sa voix. Helen Reddy est utile [au film] pour sa voix mais n'a pas la carrure d'une actrice - elle a tendance à se comporter comme si elle était une ampoule très brillante dans une très petite lampe, toutefois comme elle se retrouve souvent en compagnie de messieurs Rooney, Dale ou Buttons alors ses scènes fonctionnent bien. »[51] Cependant, Maslin critique la durée du film et la consommation excessive d'alcool durant le film[51]. Kathleen Carroll du New York Daily News attribue au film trois étoiles sur quatre[55]. Elle critique la partition musicale et les scènes avec acteurs, mais fait l'éloge de l'animation du dragon et de ses interactions avec les acteurs, écrivant que « Sean Marshall, en tant que Peter, a l'air et[pas clair] agit naturellement à la caméra, ce qui le change de façon rafraîchissante des adorables petits chérubins qu'il joue habituellement dans les films Disney[55]. Helen Reddy joue son rôle avec une efficacité croustillante et reçoit heureusement un fort soutien du reste de la distribution, en particulier Jim Dale, très habile et drôle dans le rôle du vilain docteur, il éclipse presque l'attendrissant dragon[55]. Le magazine Variety écrit que le film est « une fable enchanteresse et humaine qui présente une vedette animalière des plus adorables (bien qu'animée)[56]. » Variety salue la combinaison de l'action réelle et de l'animation comme « jamais réalisée de manière plus efficace » et ajoute que le film souffre « chaque fois qu'Elliott est hors champ[56] ».
 John Skow du Time considère le film comme « un fantasme sympathique », mais n'apprécie par les numéros musicaux, y voyant « une bonne occasion de faire la queue pour plus de pop-corn[57] ». Charles Champlin du Los Angeles Times écrit : « Avec ses 2 heures 7 minutes, c'est une épreuve difficile pour les jeunes spectateurs, les divertissements animés n'arrêtent pas d'être interrompus par des chansons d'Al Kasha et de Joel Hirschhorn qui ne sont pas des moments de spectacle au sens large[58]. » Champlin qualifie ces chansons de « trop nombreuses, fades et superficielles[58]. » Gary Arnold du  Washington Post écrit que le film « était apparemment censé être une comédie musicale fantastique et entraînante, mais il est mis en scène et photographié sans énergie, talent ou coordination de comédie musicale… Les enfants sont peut-être les seuls sur qui compter pour profiter des attaques d'Elliott et de ses intermèdes burlesques qui interrompent parfois l'ennui, mais pour les parents se sera davantage une corvée[59]. » Gene Siskel du Chicago Tribune attribue au film deux étoiles sur quatre et écrit que « « c'est encore la même formule Disney usée : un enfant au visage doux dans un monde falsifié, [tourné] en studio et peuplé de vieux acteurs auxquels on a demandé de rejouer leurs antiques routines de vaudevilles[60]. »  Siskel ajoute que « comparé aux grands classiques de l'animation Disney, Peter et Elliott le dragon n'est qu'un téléfilm diffusé sur grand écran[60]. »
 Sur le site de l'agrégateur de critiques Rotten Tomatoes, le film a une note d'approbation de 56 % sur la base de 27 critiques, avec une note moyenne de 5/10[61]. Le consensus est : « Ennuyeux et lent, c'est une œuvre Disney de moindre qualité, bien que l'animation ne soit pas sans charme[61]. Metacritic attribue au film une note de 46 sur la base de 5 critiques, indiquant « des critiques mitigées ou moyennes[62]. »
 Le film ressort au cinéma en 1984 aux États-Unis dans une version écourtée à 106 minutes[1]. Il est diffusé dans les émissions The Disney Sunday Movie en 1986 sur ABC et The Magical World of Disney en 1989 sur NBC[1]. Le personnage d'Elliott fait une apparition dans Qui veut la peau de Roger Rabbit (1988)[63]. Il est présent dans le jeu Epic Mickey : Le Retour des héros (2012) comme boss dans une version steampunk[64].
 Le personnage d'Elliott le dragon est intégré à la parade nocturne Main Street Electrical Parade[11], le char est conçu, comme de nombreux autres, par Bill Justice[65].
 Le film est le premier à sortir en VHS aux États-Unis en octobre 1980[1]. L'édition DVD de 2003 comprend des extraits de l'épisode The Plausible Impossible de l'émission Disneyland, daté du 31 octobre 1956[1], dans lequel Walt Disney explique comment les dessins et l'animation rendent plausibles des choses impossibles[66]. Cet épisode comprend également une scène inachevée et inutilisée de Blanche-Neige et les Sept Nains (1937) et le segment Une Nuit sur le Mont Chauve de Fantasia (1940)[66]. Le DVD comprend aussi des extraits de l'émission Disney Souvenirs et le moyen métrage Monstres et mystères ou les créatures mythologiques de notre société (1974) qui évoque le monstre du loch Ness[1]. Peter et Elliott le dragon est aussi le premier film sorti avant 1985 à être édité en Blu-ray en 2013, juste avant la sortie dans ce format de Tron (1982)[1].
 En 2010, Walt Disney Pictures se lance dans un projet à long terme de produire des remakes de ses longs métrages d'animation[67]. Dans le contexte des nombreux projets de remakes, le 19 mars 2013, David Lowery est engagé par Disney comme scénariste avec son partenaire Toby Halbrooks et le producteur Jim Whitaker pour une nouvelle adaptation de Peter et Elliott le dragon (1977) mais qui ne sera pas une comédie musicale[68]. Ce projet est étonnant parmi la liste des remakes de grands classiques comme Alice au pays des merveilles (2010), Maléfique (2014), Le Livre de la jungle (2016) ou Mulan, le journaliste Mike Fleming écrit même que « celui-là je ne l'ai pas vu venir[68]. »
 Le 20 novembre 2014, le studio Disney confirme le tournage en Nouvelle-Zélande de janvier à avril 2015 de la nouvelle adaptation de Peter et Elliott le dragon avec de vrais acteurs[69],[70]. La sortie du film réalisé par David Lowery est prévue en 2016. Robert Redford ou encore Bryce Dallas Howard sont au casting. Le 10 février 2015, David Lowery confirme le début du tournage en Nouvelle-Zélande[71],[72].
 Le film Peter et Elliott le dragon (Pete's Dragon) de David Lowery sort en 2016.
 John West rappelle que Peter et Elliott le dragon fait partie des nombreux droits détenus par le studio depuis longtemps, certains projets avaient été planifiés par Walt Disney mais suspendus à la fin des années 1960 et d'autres attendaient d'être mis en production comme La Course au trésor (1978)[73]. John Grant synthétise les critiques à la sortie du film, la plupart des métaphores, comme « une tentative [du studio] de plaire à tout le monde en même temps mais ne parvenant qu'à avoir le cul entre deux chaises[4] ».
 Le film est bien accueilli par le public mais il ne provoque pas une frénésie comparable à celle de Mary Poppins, qu'avait pourtant espérée le studio[44]. David Koenig indique que les critiques ont été rudes à la sortie du film[36]. L'une des critiques évoque même un film de type coffret mécano pour entreprise[4]. Toutefois la critique la plus commune est d'être une tentative ratée de répéter le succès de Mary Poppins (1964), ce que Grant juge injustifié car, selon lui, les deux films sont très dissemblables[4]. Ross Anderson note qu'à l'inverse de Mary Poppins, où des humains entrent dans un monde d'animation, ici c'est un dragon animé qui vit dans le monde réel[25]. Leonard Maltin rappelle que cette critique est liée à la campagne publicitaire reprenant le graphisme de Mary Poppins mais déclare que les deux films ne jouent pas dans la même ligue[49]. Malgré des recettes honorables en salles, le film est un effort décourageant pour les studios Disney en raison de cette comparaison avec Mary Poppins, un énorme succès financier et artistique[74], attribué à Walt Disney. Pour rappel, Drew Casper qualifie Mary Poppins de cerise sur le gâteau[75] pour la carrière de Walt Disney et pour Robin Allan, Mary Poppins constitue l'épitaphe de Walt Disney au cinéma[76].
 Selon Leonard Maltin, le film présente de nombreux problèmes, les premiers étant sa longueur et son rythme lent au début[49]. Il y a aussi un point commun aux comédies musicales de Disney, la bande sonore est « piétonne »[Quoi ?], comportant quelques musiques agréables mais aucune mémorable après la fin du film[49]. Tim Hollis et Greg Ehrbar considèrent qu'il ne suffit pas d'une comédie musicale traditionnelle pour relancer la division musicale du studio après Mary Poppins[44].
 Leonard Maltin écrit que le scénario est parfait pour Disney, un orphelin échappant à ses cruels gardiens pour une ville de pêcheurs du Maine et recueilli par une femme et son père dans un phare[49]. En raison de ce statut d'orphelin, Lynda Haas, Elizabeth Bell et Laura Sells associent le film au thème récurrent de la « mère absente » dans un sous-groupe où la mère n'est pas absente comme dans Pinocchio, Cendrillon, etc. mais qu'elle n'est présente que pour encourager ses enfants de manière bénévole, se sacrifiant pour atteindre ce but comme dans La Belle et le Clochard (1955) ou Fidèle Vagabond (1957)[77]. Douglas Brode imagine qu'Elliott, dans la tradition de l'envol final de Mary Poppins, s'envolera une fois qu'il aura normalisé ses relations de petit garçon abandonné avec son père[78]. Thomas J. Harris, dans son livre Children's Live-Action Musical Films, critique fortement l'histoire et la composition de l'animation Elliott, trouvant la « fin à la Mary Poppins complètement absurde, car la vie de Peter avant de rencontrer Elliott n'est jamais développée »[79].
 Pour Maltin, un autre problème réside au niveau du personnage féminin principal, Helen Reddy, une chanteuse populaire sans charisme à l'écran[49]. Une erreur de l'actrice a nécessité la coupure de 13 minutes du film après sa première diffusion[49]. David Koenig précise que la chanteuse était préoccupée par son accent australien qu'elle cherchait à masquer, problème inverse de Dick Van Dyke dans Mary Poppins qui forçait un accent britannique[36]. Koenig considère qu'elle joue plus sur la diction que sur la conviction, se concentrant sur la prononciation et non sur son rôle[36]. Par ses propos, Maltin fait incomber à l'actrice la majeure partie de l'écart de durée entre la version de 1977 et celle de 1984.
 Maltin trouve une énième erreur, au niveau du personnage principal, Elliott[49] et de ses interactions avec les personnages réels. Le personnage conçu par Ken Anderson a été animé et rendu vivant avec brio et humour par Don Bluth et son équipe[49]. Chaque scène avec Sean Marshall et son ami animé est gagnante[49]. Tout cela donne aux bouffonneries des autres personnages, réels, un aspect fatigant[74].
 Malgré ces critiques, certaines auteurs voient dans ce film des éléments intéressants voire de grande qualité. John Grant considère la scène de la larme de Peter recueillie par Elliott comme un chef-d'œuvre des effets spéciaux dans l'histoire du cinéma de par l'usage de plusieurs méthodes[33]. Dans leur encyclopédie du cinéma, Adolf Heinzlmeier et Berndt Schulz attribuent une note moyenne de deux étoiles et écrivent qu'il est à la limite de la sensiblerie, mais avec des effets spéciaux impressionnants[80]. Mark Arnold considère le film comme le film préféré de sa jeunesse, appréciant l'animation et les personnages mais la musique étant un cran en dessous de Mary Poppins (1964)[11]. David Koenig rappelle que sans la sortie de Peter Elliott, Steven Spielberg n'aurait pas réalisé E.T., l'extra-terrestre (1982)[36].
 Pour Leonard Maltin, le choix d'une jeune chanteuse pour le rôle principal et la campagne publicitaire « à la » Mary Poppins ont joué en défaveur du film en invitant à une comparaison et confirmant un sentiment général au sein de l'industrie cinématographique que toutes les décisions au sein des Studios Disney étaient sur la base de Qu'aurait fait Walt ?[74]. Et la réponse aurait été « quelque chose de mieux » car Walt Disney, comme le rappelle Ward Kimball, bien que critiqué par les banques et les empires financiers pendant des années, parvenait à innover en prenant des risques[74].",6690,"Accueil; Portails thématiques; Article au hasard; Contact; Débuter sur Wikipédia; Aide; Communauté; Modifications récentes; ; Rechercher; en savoir plus; Contributions; Discussion; Article; Discussion; Lire; Lire; Pages liées; Suivi des pages liées; Téléverser un fichier; Pages spéciales; ; article de qualité; ; Peter et Elliott le dragon (film, 2016); ; Don Chaffey; Malcolm Marmorstein; Al Kasha; Joel Hirschhorn; Helen Reddy; Mickey Rooney; Sean Marshall; Jim Dale; Walt Disney Productions; ; États-Unis; Animation; aventure; comédie; fantastique; film musical; 1977; ; long-métrage d'animation; studios Disney; Mary Poppins; L'Apprentie sorcière; Don Chaffey; 1977; Aventures de Bernard et Bianca; Neuf Sages de Disney; Helen Reddy; Walt Disney; Studios Disney de 1973 à 1988; Main Street Electrical Parade; Qui veut la peau de Roger Rabbit; Peter et Elliott le dragon; Nouvelle-Angleterre; Maine; dragon; disparition en mer; vague scélérate; Don Chaffey; DGA; Malcolm Marmorstein; Seton I. 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//upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/1/11/Bon_article.svg/14px-Bon_article.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/8/83/Article_de_qualit%C3%A9.svg/14px-Article_de_qualit%C3%A9.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/1/11/Bon_article.svg/14px-Bon_article.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/1/11/Bon_article.svg/14px-Bon_article.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/1/11/Bon_article.svg/14px-Bon_article.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/1/11/Bon_article.svg/14px-Bon_article.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/1/11/Bon_article.svg/14px-Bon_article.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/1/11/Bon_article.svg/14px-Bon_article.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/1/11/Bon_article.svg/14px-Bon_article.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/1/11/Bon_article.svg/14px-Bon_article.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/8/83/Article_de_qualit%C3%A9.svg/14px-Article_de_qualit%C3%A9.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/1/11/Bon_article.svg/14px-Bon_article.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/8/83/Article_de_qualit%C3%A9.svg/14px-Article_de_qualit%C3%A9.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/1/11/Bon_article.svg/14px-Bon_article.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/8/83/Article_de_qualit%C3%A9.svg/14px-Article_de_qualit%C3%A9.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/1/11/Bon_article.svg/14px-Bon_article.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/7/77/United_States_film_clapperboard.svg/27px-United_States_film_clapperboard.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/1/15/Circle-icons-1970s.svg/24px-Circle-icons-1970s.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/d/da/Animation_disc.svg/26px-Animation_disc.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/6/6b/Korrigan.png/27px-Korrigan.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/ac/Musical_notes.svg/32px-Musical_notes.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/2/20/D_letter_upon_three_circles.svg/31px-D_letter_upon_three_circles.svg.png; https://login.wikimedia.org/wiki/Special:CentralAutoLogin/start?type=1x1; /static/images/footer/wikimedia-button.svg; /w/resources/assets/poweredby_mediawiki.svg,https://en.wikipedia.org/wiki/Madame_Bovary,Madame Bovary,https://en.wikipedia.org/wiki/Madame_Bovary,"Madame Bovary (/ˈboʊvəri/;[1] French: [madam bɔvaʁi]), originally published as Madame Bovary: Provincial Manners (French: Madame Bovary: Mœurs de province [madam bɔvaʁi mœʁ(s) də pʁɔvɛ̃s]), is a novel by French writer Gustave Flaubert, published in 1857. The eponymous character lives beyond her means in order to escape the banalities and emptiness of provincial life.
 When the novel was first serialized in Revue de Paris between 1 October and 15 December 1856, public prosecutors attacked the novel for obscenity. The resulting trial in January 1857 made the story notorious. After Flaubert's acquittal on 7 February 1857, Madame Bovary became a bestseller in April 1857 when it was published in two volumes. A seminal work of literary realism, the novel is now considered Flaubert's masterpiece, and one of the most influential literary works in history.
 Charles Bovary is a shy, oddly dressed teenager who becomes an Officier de santé in the Public Health Service. He marries the woman his mother has chosen for him, the unpleasant but supposedly rich widow Héloïse Dubuc. He sets out to build a practice in the village of Tostes.
 One day, Charles visits a local farm to set the owner's broken leg and meets his patient's daughter, Emma Rouault. Emma is a beautiful, poetically dressed young woman who has a yearning for luxury and romance inspired by reading popular novels. Charles is immediately attracted to her, and when Héloïse dies, Charles waits a decent interval before courting Emma in earnest. Her father gives his consent, and Emma and Charles marry.
 Emma finds her married life dull and becomes listless. Charles decides his wife needs a change of scenery and moves his practice to the larger market town of Yonville. There, Emma gives birth to a daughter, Berthe, but motherhood proves a disappointment to Emma. She becomes infatuated with Léon Dupuis, a law student who shares Emma's appreciation for literature and music. Emma does not acknowledge her passion for Léon, who departs for Paris to continue his studies.
 Next, Emma begins an affair with a rich and rakish landowner, Rodolphe Boulanger. After four years, she insists they run away together. Rodolphe does not share her enthusiasm for this plan and on the eve of their planned departure, he ends the relationship with a letter placed at the bottom of a basket of apricots delivered to Emma. The shock is so great that Emma falls deathly ill and  returns to religion.
 When Emma recovers, she and Charles attend the opera, at Charles' insistence, in nearby Rouen. The opera reawakens Emma's passions, and she re-encounters Léon who, now educated and working in Rouen, is also attending the opera. They begin an affair. Emma indulges her fancy for luxury goods and clothes with purchases made on credit from the merchant Lheureux, who arranges for her to obtain power of attorney over Charles' estate.
 When Lheureux calls in Bovary's debt, Emma pleads for money from several people, only to be turned down. In despair, she swallows arsenic and dies an agonizing death. Charles, heartbroken, abandons himself to grief, stops working, and lives by selling off his possessions. When he dies, his young daughter Berthe is placed with her grandmother, who soon dies. Berthe lives with an impoverished aunt, who sends her to work in a cotton mill. The book concludes with the local pharmacist Homais, who had competed with Charles' medical practice, gaining prominence among Yonville people and being rewarded for his medical achievements.
 Emma Bovary is the novel's eponymous protagonist. She has a highly romanticized view of the world and craves beauty, wealth, passion, as well as high society.
 Charles Bovary, Emma's husband, is a very simple and common man. He is an officier de santé, or ""health officer"".
 Rodolphe Boulanger is a wealthy local man who seduces Emma as one in a long string of mistresses.
 Léon Dupuis is a clerk who introduces Emma to poetry and who falls in love with her.
 Monsieur Lheureux is a sly merchant who lends money to Charles and leads the Bovarys into debt and financial ruin.
 Monsieur Homais is the town pharmacist.
 Justin is Monsieur Homais' apprentice and second cousin who harbors a crush on Emma.
 The book was in some ways inspired by the life of a schoolfriend of the author who became a doctor. Flaubert's friend and mentor, Louis Bouilhet, had suggested to him that this might be a suitably ""down-to-earth"" subject for a novel and that Flaubert should attempt to write in a ""natural way,"" without digressions.[2] The writing style was of supreme importance to Flaubert. While writing the novel, he wrote that it would be ""a book about nothing, a book dependent on nothing external, which would be held together by the internal strength of its style"",[3] an aim which, for the critic Jean Rousset, made Flaubert ""the first in date of the non-figurative novelists"", such as James Joyce and Virginia Woolf.[4] Though Flaubert avowed no liking for the style of Balzac, the novel he produced became arguably a prime example and an enhancement of literary realism in the vein of Balzac. The ""realism"" in the novel was to prove an important element in the trial for obscenity: the lead prosecutor argued that not only was the novel immoral, but that realism in literature was an offence against art and decency.[5]
 The realist movement was, in part, a reaction against romanticism. Emma may be said to be the embodiment of a romantic: in her mental and emotional process, she has no relation to the realities of her world. Although in some ways he may seem to identify with Emma,[6] Flaubert frequently mocks her romantic daydreaming and taste in literature. The accuracy of Flaubert's supposed assertion that ""Madame Bovary, c'est moi"" (""Madame Bovary is me"") has been questioned.[6][7][8] In his letters, he distanced himself from the sentiments in the novel. To Edma Roger des Genettes, he wrote, ""Tout ce que j'aime n'y est pas"" (""all that I love is not there"") and to Marie-Sophie Leroyer de Chantepie, ""je n'y ai rien mis ni de mes sentiments ni de mon existence"" (""I have used nothing of my feelings or of my life"").[7] For Mario Vargas Llosa, ""If Emma Bovary had not read all those novels, it is possible that her fate might have been different.""[9]
 Madame Bovary has been seen as a commentary on the bourgeoisie, the folly of aspirations that can never be realized or a belief in the validity of a self-satisfied, deluded personal culture, associated with Flaubert's period, especially during the reign of Louis Philippe, when the middle class grew to become more identifiable in contrast to the working class and the nobility. Flaubert despised the bourgeoisie. In his Dictionary of Received Ideas, the bourgeoisie is characterized by intellectual and spiritual superficiality, raw ambition, shallow culture, a love of material things, greed, and above all a mindless parroting of sentiments and beliefs.[10]
 For Vargas Llosa, ""Emma's drama is the gap between illusion and reality, the distance between desire and its fulfillment"" and shows ""the first signs of alienation that a century later will take hold of men and women in industrial societies.""[11]
 Long established as one of the greatest novels, the book has been described as a ""perfect"" work of fiction.[12][13] Henry James wrote: ""Madame Bovary has a perfection that not only stamps it, but that makes it stand almost alone: it holds itself with such a supreme unapproachable assurance as both excites and defies judgment.""[14] Marcel Proust praised the ""grammatical purity"" of Flaubert's style, while Vladimir Nabokov said that ""stylistically it is prose doing what poetry is supposed to do"".[15] Similarly, in his preface to his novel The Joke, Milan Kundera wrote, ""not until the work of Flaubert did prose lose the stigma of aesthetic inferiority. Ever since Madame Bovary, the art of the novel has been considered equal to the art of poetry.""[16] Giorgio de Chirico said that in his opinion ""from the narrative point of view, the most perfect book is Madame Bovary by Flaubert"".[17] Julian Barnes called it the best novel that has ever been written.[18]
 The novel exemplifies the tendency of realism, over the course of the nineteenth century, to become increasingly psychological, concerned with the accurate representation of thoughts and emotions rather than of external things.[19] Thus it prefigures the work of modernist novelists Marcel Proust, Virginia Woolf and James Joyce.
 The book was controversial upon its release: its scandalous subject matter led to an obscenity trial in 1857. Flaubert was acquitted.[20] Le Figaro was negative of the work.[21] They stated, ""Monsieur Flaubert is not a writer.""[21]
 Madame Bovary has had the following film and television adaptations:
 David Lean's film Ryan's Daughter (1970) was a loose adaptation of the story, relocating it to Ireland during the time of the Easter Rebellion. The script had begun life as a straight adaptation of Madame Bovary, but Lean convinced writer Robert Bolt to re-work it into another setting.",1482,"Main page; Contents; Current events; About Wikipedia; Help; Learn to edit; Community portal; Upload file; ; learn more; Article; Talk; Read; Read; Upload file; Madame Bovary (disambiguation); ; Gustave Flaubert; Realist novel; Revue de Paris; Michel Lévy Frères; Wikisource; /ˈboʊvəri/; [madam bɔvaʁi]; French; [madam bɔvaʁi mœʁ(s) də pʁɔvɛ̃s]; French; Gustave Flaubert; Revue de Paris; literary realism; ; Charles Léandre; ball; Paris; opera; power of attorney; arsenic; pharmacist; Louis Bouilhet; Jean Rousset; James Joyce; Virginia Woolf; Balzac; literary realism; his letters; Mario Vargas Llosa; bourgeoisie; Dictionary of Received Ideas; Henry James; Marcel Proust; Vladimir Nabokov; The Joke; Milan Kundera; Giorgio de Chirico; Julian Barnes; obscenity; Le Figaro; Eleanor Marx; Francis Steegmuller; Paul de Man; Lydia Davis; Adam Thorpe; Unholy Love; Albert Ray; Madame Bovary; Jean Renoir; Max Dearly; Valentine Tessier; Madame Bovary; Gerhard Lamprecht; Pola Negri; Aribert Wäscher; Ferdinand Marian; Madame Bovary; Carlos Schlieper; Mecha Ortiz; Roberto Escalada; Enrique Diosdado; Alberto Bello; Madame Bovary; Vincente Minnelli; Jennifer Jones; James Mason; Van Heflin; Louis Jourdan; Gene Lockhart; BBC; Giles Cooper; Madame Bovary; Edwige Fenech; Madame Bovary; Save and Protect; Alexandr Sokurov; Madame Bovary; Claude Chabrol; Isabelle Huppert; Maya Memsaab; Hindi; Ketan Mehta; Madame Bovary; Sophie Barthes; Mia Wasikowska; Henry Lloyd-Hughes; Paul Giamatti; Ezra Miller; France Télévisions; Thierry Godard; David Lean; Ryan's Daughter; Easter Rebellion; Robert Bolt; Emmanuel Bondeville; Madame Bovary; Posy Simmonds; Gemma Bovery; Anne Fontaine's film adaptation; 2000 TV series; Heidi Thomas; Frances O'Connor; Hugh Bonneville; Hugh Dancy; Abraham's Valley; Manoel de Oliveira; VeggieTales; ; Novels portal; I Am Not Madame Bovary; Pan Jinlian; The Perpetual Orgy; Arsenic poisoning; Delphine Delamare; Dictionary.com Unabridged; Byatt, A. S.; Jong, Erica; James, Henry; Kundera, Milan; Barnes, Julian; Newspapers; Wikisource; Standard Ebooks; LibriVox; ; v; t; Gustave Flaubert; November; Salammbô; Sentimental Education; The Temptation of Saint Anthony; Three Tales; Bouvard et Pécuchet; Memoirs of a Madman; Le Château des cœurs; Letters; Age of the captain; Dictionary of Received Ideas; v; t; Gustave Flaubert; Unholy Love; Madame Bovary; Madame Bovary; Madame Bovary; Madame Bovary; Madame Bovary; Madame Bovary; Madame Bovary; Madame Bovary; Madame Bovary; Ryan's Daughter; Signora Bovary; Maya Memsaab; Madame Blueberry; Gemma Bovery; Bovarysme; The Perpetual Orgy; Anuradha; From These Roots; Abraham's Valley; Louise Colet; Delphine Delamare; v; t; New Woman of the late 19th century; 19th-century feminism; First-wave feminism; Women's history; Louise Abbéma; Elenore Abbott; Nina E. 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Chapman; Émilie Charmy; Alice Brown Chittenden; Elizabeth Coffin; Emma Lampert Cooper; Susan Stuart Frackelton; Wilhelmina Weber Furlong; Elizabeth Shippen Green; Ellen Day Hale; Laura Knight; Anna Lea Merritt; Elizabeth Nourse; Violet Oakley; Rose O'Neill; Elizabeth Okie Paxton; Emily Sartain; Pamela Colman Smith; Jessie Willcox Smith; Annie Swynnerton; Candace Wheeler; Anne Whitney; Elizabeth Barrett Browning; Mona Caird; Kate Chopin; Annie Sophie Cory; Ella D'Arcy; Ella Hepworth Dixon; Maria Edgeworth; George Egerton; Sarah Grand; Amy Levy; Olive Schreiner; Educators; Alice Freeman Palmer; Henry James; The Portrait of a Lady; Elizabeth Barrett; Aurora Leigh; Kate Chopin; The Awakening; Victoria Cross; Anna Lombard; Ella Hepworth Dixon; The Story of a Modern Woman; Gustave Flaubert; Henrik Ibsen; A Doll's House; Henry Arthur Jones; Henry James; novella; Daisy Miller; Amy Levy; The Romance of a Shop; George Bernard Shaw; Mrs. Warren's Profession; George Bernard Shaw; Candida; H. G. Wells; Ann Veronica; Authority control databases; Categories; 1857 French novels; Novels by Gustave Flaubert; Realist novels; Novels about adultery; Novels set in 19th-century France; Novels first published in serial form; Works originally published in Revue de Paris; Novels set in Normandy; Michel Lévy Frères books; French novels adapted into films; Female characters in literature; Censored books; French novels adapted into television shows; French novels adapted into operas; Literary characters introduced in 1856; 1857 debut novels; Novels about suicide; CS1 French-language sources (fr); Articles with short description; Short description is different from Wikidata; Use dmy dates from October 2020; Articles containing French-language text; Articles that link to foreign-language Wikisources; Articles that link to Wikisource; Pages with French IPA; Commons category link from Wikidata; Articles with LibriVox links; Articles with French-language sources (fr); Creative Commons Attribution-ShareAlike 4.0 License; About Wikipedia; Disclaimers",Categories; 1857 French novels; Novels by Gustave Flaubert; Realist novels; Novels about adultery; Novels set in 19th-century France; Novels first published in serial form; Works originally published in Revue de Paris; Novels set in Normandy; Michel Lévy Frères books; French novels adapted into films; Female characters in literature; Censored books; French novels adapted into television shows; French novels adapted into operas; Literary characters introduced in 1856; 1857 debut novels; Novels about suicide,/static/images/icons/wikipedia.png; /static/images/mobile/copyright/wikipedia-wordmark-en.svg; /static/images/mobile/copyright/wikipedia-tagline-en.svg; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/9/9f/Madame_Bovary_1857_%28hi-res%29.jpg/220px-Madame_Bovary_1857_%28hi-res%29.jpg; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/f/f6/Leandre_-_Madame_Bovary_p323.jpg/220px-Leandre_-_Madame_Bovary_p323.jpg; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/3/3f/Book_collection.jpg/32px-Book_collection.jpg; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/f/fa/Wikiquote-logo.svg/34px-Wikiquote-logo.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/4/4c/Wikisource-logo.svg/38px-Wikisource-logo.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/en/thumb/4/4a/Commons-logo.svg/30px-Commons-logo.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/2/21/Speaker_Icon.svg/15px-Speaker_Icon.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/2/21/Speaker_Icon.svg/20px-Speaker_Icon.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/en/thumb/8/8a/OOjs_UI_icon_edit-ltr-progressive.svg/10px-OOjs_UI_icon_edit-ltr-progressive.svg.png; https://login.wikimedia.org/wiki/Special:CentralAutoLogin/start?type=1x1; /static/images/footer/wikimedia-button.svg; /w/resources/assets/poweredby_mediawiki.svg
Heidi (série télévisée d'animation),https://fr.wikipedia.org/wiki/Heidi_(série_télévisée_d%27animation),"Pour les articles homonymes, voir Heidi.
 
 modifier  Heidi (アルプスの少女ハイジ, Arupusu no Shōjo Haiji?, « Heidi, fille des Alpes ») est une série télévisée d'animation japonaise (anime) en 52 épisodes de 24 minutes, produite par le studio Zuiyo Eizo (futur Nippon Animation), qui a été diffusée initialement sur Fuji Television du 6 janvier au 29 décembre 1974.
 La série a été réalisée par Isao Takahata ; le layout était assuré par Hayao Miyazaki ; la conception des personnages et la supervision de l'animation, par Yōichi Kotabe. Basée sur deux romans de l'écrivaine suisse Johanna Spyri (Heidi et Heidi grandit), la série est issue du projet World Masterpiece Theater (Sekai Meisaku Gekijo) et connut un immense succès.
 Au Québec, la série a été diffusée à partir du 24 septembre 1977 à la Télévision de Radio-Canada[1], au Luxembourg dès le 4 septembre 1978 sur Télé Luxembourg, et en France à partir du 22 décembre 1979 sur TF1 dans Les Visiteurs de Noël, puis rediffusée sur France 5 dans Zouzous depuis le 25 avril 2012.
 Depuis le 29 juin 2015, l'anime est diffusé sur YouTube[2] sur la chaine Studio100 KIDS Français.
 Par la qualité de sa mise en scène, Heidi est considérée aujourd'hui comme un tournant majeur dans l'histoire de la série d'animation télévisée, non seulement au Japon mais aussi à l'échelle internationale[3].
 L'histoire se déroule en Suisse et en Allemagne, au XIXe siècle. Heidi, une petite fille de sept ans, est orpheline depuis quatre ans. Elle a été recueillie par sa tante Dete, la sœur de sa mère, qui travaille à Bad Ragaz. Lorsque celle-ci trouve un travail à Francfort, ne pouvant pas emmener Heidi avec elle, elle la confie à son grand-père paternel, qui vit dans un chalet de montagne en Suisse, à l'écart d'un village dont les habitants le voient comme un homme bourru et marginal. On le surnomme « l'Oncle de l'Alpe », et la rumeur populaire prétend qu'il aurait tué quelqu'un par le passé. Il s'attendrit au contact de la fillette et s'occupe d'elle comme si elle était sa propre fille, lui donnant le peu qu'il possède et, par exemple, en lui confectionnant des objets à sa mesure et en lui fournissant tout ce qui lui est nécessaire. Heidi fait la connaissance de Pierre (Peter), le jeune gardien de troupeau qui s'occupe des chèvres des villageois et de son grand-père. Ils deviennent bientôt d'excellents amis. Les deux enfants vivent de nombreuses aventures aux alpages, où Heidi accompagne Pierre et prend soin de sa chevrette préférée, Blanchette. Heidi prend un plaisir énorme à la vie de montagne, et bientôt elle est attachée à son grand-père et à cette vie rude.
 Deux ans plus tard, Dete, la tante de Heidi, revient pour l'emmener vivre à Francfort afin qu'elle bénéficie d'une meilleure éducation. Heidi préfèrerait rester vivre à la montagne, mais, en lui mentant, Dete la convainc de l'accompagner, lui promettant qu'elle rentrera le soir même. Le départ d'Heidi inquiète beaucoup Pierre et sa famille et plonge son grand-père dans un mélange de colère et de chagrin. Quand elle arrive à Francfort, Heidi ne se sent pas vraiment à l'aise. Tout d'abord, on l'appelle Adélaïde, au lieu de Heidi, et elle est persécutée par la gouvernante de la maison, l'implacable et rigide Mlle Rougemont (Rottenmeier). Innocente mais débordante d'énergie, Heidi ne se fait pas à la vie de la ville où l'on tente de lui inculquer les bonnes manières de la haute société. À table, ce n'est pas la même chose qu'à la montagne, elle ne fait pas elle-même son lit et surtout, elle n'entend pas le bruit de la nature. La seule chose qu'elle aime dans cette maison, c'est la fille de la riche famille, Claire (Clara). Celle-ci est paraplégique depuis la naissance et ne peut se déplacer seule. Elle passe ses journées assise à lire ou à regarder par la fenêtre. Une amitié indéfectible finit par unir les deux jeunes filles, et Heidi permet à Claire de s'ouvrir sur la vie dans la nature, plutôt que de rester cloitrée dans sa grande maison où elle s'ennuie. Cela contribuera progressivement à améliorer la santé de Claire et à lui faire retrouver goût à la vie d'une enfant normal. Mais, à un certain point, Heidi, ne pouvant se faire à cette nouvelle vie, tombe malade de chagrin. Elle pourra finalement repartir dans la montagne, avec l'accord du père de Claire, M. Gérard (Sesemann).
 Un an plus tard, une surprise attend Heidi. Elle reçoit son amie Claire pendant l'été. C'est à partir de ce moment-là que Claire va vouloir essayer de marcher pour la première fois de sa vie. Chaque jour, Heidi et Pierre apprennent à Claire comment marcher et finalement, lorsque sa famille lui rend visite à la montagne, Claire a retrouvé l'usage de ses jambes. Heidi est au comble du bonheur, et tous ses amis aussi.
  Source et légende : version québécoise (VQ) sur Doublage.qc.ca[4]
 En 2008, Studio 100 a racheté la société allemande EM Entertainment qui était jusqu'alors propriétaire de la série[5],[6].
 Un village du nom de Hokuto, situé à environ deux heures de Tokyo, reproduit le cadre et l'architecture, version suisse, de celui de Heidi et y prépare même une fondue au fromage en version japonaise quelque peu remaniée par rapport à la recette originale puisque, en lieu et place de pain en guise d'accompagnement, la dégustation en est ici agrémentée de saucisses et de légumes [7].
 En 2016, son réalisateur Isao Takahata a été l'invité de NEF Animation au Centre Européen d'Études Japonaises d'Alsace pour diriger une masterclass de cinq jours, destinée aux professionnels français et entièrement consacrée à cette série [8].",934,"Accueil; Portails thématiques; Article au hasard; Contact; Débuter sur Wikipédia; Aide; Communauté; Modifications récentes; ; Rechercher; en savoir plus; Contributions; Discussion; Article; Discussion; Lire; Lire; Pages liées; Suivi des pages liées; Téléverser un fichier; Pages spéciales; ; Heidi; Anime; Zuiyo Eizo; Kazé; ; Fuji TV; 6; janvier; 1974; 29; décembre; 1974; ; ?; série télévisée d'animation; japonaise; anime; Zuiyo Eizo; Nippon Animation; Fuji Television; 29; décembre; 1974; Isao Takahata; Hayao Miyazaki; Yōichi Kotabe; romans; Johanna Spyri; World Masterpiece Theater; Québec; 24; septembre; 1977; Télévision de Radio-Canada; Luxembourg; 4; septembre; 1978; Télé Luxembourg; France; 22; décembre; 1979; TF1; Les Visiteurs de Noël; France 5; Zouzous; YouTube; ; Plopsaland; ; Suisse; Allemagne; Bad Ragaz; Francfort; paraplégique; Johanna Spyri; Isao Takahata; Hayao Miyazaki; Directeur artistique; Directeur de la photographie; Zuiyo Eizo; Nippon Animation; Kazuko Sugiyama; Kōhei Miyauchi; Rihoko Yoshida; Miyoko Asō; Vic Perrin; Jean Fontaine; Ève Gagnier; Louise Rémy; Yolande Roy; Françoise Faucher; Béatrice Picard; Hubert Noël; Ronald France; Andrée Lachapelle; Marie-Christine Barrault; Studio 100; fondue au fromage; NEF Animation; Alsace; Xavier Kawa-Topor; Notices d'autorité; Anime News Network; Georges Baumgartner; RTS Info; Radio télévision suisse; v; Isao Takahata; Panda Petit Panda; Panda Petit Panda : Le Cirque sous la pluie; Jours d'hiver; Horus, prince du Soleil; Kié la petite peste; Goshu le violoncelliste; L'Histoire des canaux de Yanagawa; Le Tombeau des lucioles; Souvenirs goutte à goutte; Pompoko; Mes voisins les Yamada; Le Conte de la princesse Kaguya; Marco; Anne… la maison aux pignons verts; v; Studio 100; 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It was written as a book ""for children and those who love children"" (as quoted from its subtitle).
 Heidi is one of the best-selling books ever written and is among the best-known works of Swiss literature.[4][5]
 In the town of Domleschg lived two brothers. The older wasted the family fortune on drinking and gambling, while the younger ran away to serve in the Kingdom of the Two Sicilies's Army in Naples. Years later the younger brother returns with a son, Tobias. After Tobias serves an apprenticeship to Mels, father and son move to Dörfli ('small village' in Swiss German) in the municipality of Maienfeld.  The villagers spread rumors about the father's life in Naples. The man becomes known as The Alm-Uncle, as he lives in seclusion on the mountain Alm. Two village girls, sisters Dete and Adelheid, befriend Tobias. Adelheid and Tobias marry and have a daughter, also named Adelheid but affectionately nicknamed Heidi. Soon after, Tobias is killed in a work accident and Adelheid dies of shock. The Alm-Uncle holds this against God and becomes bitter. 
 Heidi[6] is raised by her maternal grandmother and Dete in Maienfeld. Shortly after the grandmother's death, Dete is offered a job as a maid in the big city, and takes 5-year-old Heidi to live with the Alm-Uncle. He resents Heidi's arrival, but the girl's intelligence and cheerful yet unaffected demeanour soon earn his love. Heidi befriends her new neighbours: young Peter the goatherd, his mother Brigitte, and his blind maternal grandmother. With each season that passes, the mountaintop inhabitants, especially Peter and the grandmother, grow more attached to Heidi, and she to them. However, the grandfather refuses to allow Heidi to attend school, quarrelling with the local pastor and schoolmaster when they try to encourage him to do so, and Heidi is illiterate as a result.
 Three years later, Dete returns to take Heidi to Frankfurt to be a hired lady's companion to a wealthy girl named Klara Sesemann, who is unable to walk and regarded as an invalid. Klara is charmed by Heidi's simple friendliness and her descriptions of life on the Alm, and delights in all the funny mishaps brought about by Heidi's naïvety and lack of experience with city life, but the Sesemanns' strict housekeeper, Fräulein Rottenmeier, views the household disruptions as wanton misbehaviour, and places the free-spirited Heidi under more and more restraint, forbidding her to talk of the Alps or to cry for home. Soon, Heidi becomes terribly homesick for the Alm, and grows alarmingly pale and thin. Her one diversion is learning to read and write using a collection of Biblical stories, motivated by Klara's grandmother Frau Sesemann who shows her trust and affection, and encourages her to believe in God and to pray. Later Frau Sesemann gifts Heidi the book.
 Heidi's homesickness leads to episodes of sleepwalking where she goes downstairs and opens the front door, which the household initially takes as the work of ghosts.  The family doctor recommends she be sent home before she becomes seriously ill. She gladly returns to the mountains laden with presents for her friends and the book from Frau Sesemann, but finds one of her greatest pleasures is reading hymns to Peter's blind grandmother, who can no longer do so for herself. Her faith in God speaks to something in the Alm-Uncle. One day Heidi reads to him ""The Prodigal Son"" from a book Frau Sesemann gave her. That night Alm-Uncle prays for the first time in years. He accompanies Heidi to church, and that winter takes accommodation in the village so that she can attend school.
 Heidi and Klara continue to keep in touch and exchange letters. A visit by the doctor to Heidi leads him to recommend that Klara visit Heidi, believing that the mountain environment and the wholesome companionship will do her good. Klara makes the journey the next season and spends a wonderful summer with Heidi, becoming stronger on goat's milk and fresh mountain air. Peter, jealous of Heidi's and Klara's friendship, pushes her empty wheelchair down the mountain.  He is soon wracked with guilt about what he did and ultimately confesses to it. Without her wheelchair, Klara has no choice but to learn to walk; she attempts to do so and is gradually successful. Her grandmother and father are overcome with joy to see Klara walking again. The Sesemann family promises to provide permanent care for Heidi, if there ever comes a time when her grandfather is no longer able to do so.
 Thirteen English translations were done between 1882 and 1959, by British and American translators: Louise Brooks, Helen B. Dole, H.A. Melcon, Helene S. White, Marian Edwardes, Elisabeth P. Stork, Mabel Abbott, Philip Schuyler Allen, Shirley Watkins, M. Rosenbaum, Eileen Hall, and Joy Law.[7] As of 2010, only the Brooks, Edwardes and Hall translations are still in print.[8] The preface of the 1924 English translation was written by Adeline Zachert.[9]
 In April 2010, a Swiss scholar named Peter Otto Büttner, uncovered a book written in 1830 by German author Hermann Adam von Kamp entitled Adelaide: The Girl from the Alps (German: Adelaide, das Mädchen vom Alpengebirge).[10] The two stories share many similarities in plotline and imagery.[11] Spyri's biographer Regine Schindler said it was entirely possible that Spyri may have been familiar with the story, as she grew up in a literate household with many books.[citation needed]
 About 25 film or television productions of the original story have been made. The Heidi films were popular far and wide, becoming a huge hit, and the Japanese animated series became iconic in several countries around the world. The only incarnation of the Japanese-produced animated TV series to reach the English language was a dubbed feature-length compilation film using the most pivotal episodes of the television series, released on video in the United States in 1985. Although the original book describes Heidi as having dark, curly hair, she is usually portrayed as blonde.
 Versions of the story include:
 A stage musical adaptation of Heidi with book and lyrics by Francois Toerien, music by Mynie Grové and additional lyrics by Esther von Waltsleben, premiered in South Africa at the Klein Karoo National Arts Festival in 2016. Directed by Toerien with musical direction by Dawid Boverhoff, the production starred Tobie Cronjé (Rottenmeier), Dawid Minnaar (Sesemann), Albert Maritz (Grandfather), Ilse Klink (Aunt Dete), Karli Heine (Heidi), Lynelle Kenned (Klara), Dean Balie (Peter), Jill Middlekop and Marlo Minnaar. Puppets for the production were created by Hansie Visagie.[18]
 A stage musical adaptation of Heidi of the Mountain (music and lyrics by Claude Watt, book by Claude and Margaret Watt) was performed in Sidney, BC, Canada by Mountain Dream Productions, premiering in 2007 at the Charlie White Theatre, and has been performed again several times since then.[19] The 2007 production starred Claude Watt (Grandfather), Margaret Watt (Rottenmeier), Rianne Craig (Heidi) and Katrina Brindle (Klara).
 There have been two Heidi computer games released for mobile devices, with the most recent being Heidi: Mountain Adventures. Both games are based on the Studio 100 TV series of 2015 and are aimed at young children, with educational elements and a series of mini-games.[20][21]
 Heidiland, named after the Heidi books, is an important tourist area in Switzerland, popular especially with Japanese and Korean tourists.[22] Maienfeld is the center of what is called Heidiland; one of the villages, formerly called Oberrofels,[23] is actually renamed ""Heididorf"".[24] Heidiland is located in an area called Bündner Herrschaft; it is criticized as being a ""laughable, infantile cliché""[22] and ""a more vivid example of hyperreality"".[25]
 Between 1933 and 1955, French publishing company Flammarion published a new edition of Heidi along with a series of new original sequels. Despite being all published under Johanna Spyri's name, this books were neither written nor endorsed by Spyri, but were adapted from her other works by her French translator, Charles Tritten in the 1930s and 1940s, many years after she died, while the last one was witten by Nathalie Gala.[26][27][28][29] The series is composed of a total of 7 books, 2 translated from Spyri's works and 5 original. Only two of them were published in English.
 There are some major differences between the original Heidi and the Tritten sequels. These include:
 In 1990, screenwriters Weaver Webb and Fred & Mark Brogger, and director Christopher Leitch, produced Courage Mountain, starring Charlie Sheen and Juliette Caton as Heidi. Billed as a sequel to Spyri's story, the film is anachronistic in that it depicts Heidi as a teenager during World War I, despite the fact that the original novel (where Heidi is only five years old) was published in 1881.
 The book has been criticised for black-and-white character portrayals and an idealization of pastoral life.[34][page needed]
 In Japan, since its first Japanese translation in 1906, the book has been influential upon the general, stereotypical image of Switzerland for the Japanese, especially its tourists, many visiting the Heidi's Village park.",1556,"Main page; Contents; Current events; About Wikipedia; Help; Learn to edit; Community portal; Upload file; ; learn more; Article; Talk; Read; Read; Upload file; Heidi (disambiguation); ; Johanna Spyri; Children's fiction; Switzerland; Heidi Grows Up; Wikisource; /ˈhaɪdi/; [ˈhaɪdi]; Johanna Spyri; German; German; Swiss Alps; best-selling books ever written; Swiss literature; ; Domleschg; Kingdom of the Two Sicilies; Naples; Mels; Maienfeld; Naples; Alm; goatherd; Frankfurt; lady's companion; invalid; Fräulein; homesick; goat's milk; English; Adeline Zachert; citation needed; blonde; Heidi; motion picture; Shirley Temple; title role; Heidi; Heidi and Peter; citation needed; Do Phool; Hindi; A. R. Kardar; Baby Naaz; Clay Warnick; Neil Simon; citation needed; Mark Dignam; Lesley Judd; Heidi; Werner Jacobs; Heidi; television film; Jennifer Edwards; Maximilian Schell; Michael Redgrave; American football; Oakland Raiders; New York Jets; citation needed; old time radio; Camarata; John Witty; Ysanne Churchman; citation needed; Heidi, Girl of the Alps; anime; Isao Takahata; Nippon Animation; dubbed; BBC; The New Adventures of Heidi; Altendorf, Schwyz; citation needed; Heidi's Song; Hanna-Barbera; citation needed; Courage Mountain; Heidi; Noley Thornton; Jane Seymour; Jason Robards; Lexi Randall; Heidi; Heidi; Heidi; Paul Marcus; Max Von Sydow; Diana Rigg; Heidi 4 Paws; Angela Lansbury; Heidi; Studio 100 Animation; Maya the Bee; Heidi; Heidi, bienvenida a casa; Ilse Klink; mini-games; ; Maienfeld; Bündner Herrschaft; hyperreality; Heidi Grows Up; Heidi's Children; Courage Mountain; Charlie Sheen; ; CHF; commemorative coin; page needed; Switzerland portal; ; Novels portal; 2521 Heidi; Alpine people and culture; Alpine transhumance; History of the Alps; Swiss folklore; doi; doi; S2CID; Radio Times; Wayback Machine; Gamasutra; ISBN; ISBN; ISBN; ISBN; ISBN; ISBN; Wikisource; Standard Ebooks; Project Gutenberg; Project Gutenberg; Project Gutenberg; LibriVox; Wayback Machine; v; t; Johanna Spyri; Heidi; Heidi; Heidi and Peter; Do Phool; Heidi; Heidi; The New Adventures of Heidi; Heidi; Heidi; Heidi 4 Paws; Heidi; Heidi, bienvenida a casa; Heidi, Girl of the Alps; Heidi's Song; Heidi; Heidi; Heidi Grows Up; Heidi's Children; Heidi Game; Courage Mountain; ""Heidi"" (song); Authority control databases; Categories; Heidi books; 1881 German-language novels; 19th-century Swiss novels; 1880s children's books; Books about women; Maienfeld; Swiss novels adapted into television shows; Swiss novels adapted into films; Swiss novels adapted into plays; Alps in fiction; Novels set in Frankfurt; Novels set in Switzerland; Novels set in mountains; Literary characters introduced in 1881; Characters in novels of the 19th century; Children's books set in Switzerland; Children's books set in Germany; Children's books set in mountains; Webarchive template wayback links; CS1 French-language sources (fr); Articles with short description; Short description matches Wikidata; Use mdy dates from September 2012; Articles that link to Wikisource; Pages with German IPA; Articles containing German-language text; All articles with unsourced statements; Articles with unsourced statements from July 2023; Articles containing Alemannic German-language text; Articles with unsourced statements from November 2023; Articles containing Hindi-language text; Articles with unsourced statements from May 2024; Articles containing French-language text; Wikipedia articles needing page number citations from March 2021; Commons category link is on Wikidata; Articles with Project Gutenberg links; Articles with LibriVox links; Creative Commons Attribution-ShareAlike 4.0 License; About Wikipedia; Disclaimers",Categories; Heidi books; 1881 German-language novels; 19th-century Swiss novels; 1880s children's books; Books about women; Maienfeld; Swiss novels adapted into television shows; Swiss novels adapted into films; Swiss novels adapted into plays; Alps in fiction; Novels set in Frankfurt; Novels set in Switzerland; Novels set in mountains; Literary characters introduced in 1881; Characters in novels of the 19th century; Children's books set in Switzerland; Children's books set in Germany; Children's books set in mountains,/static/images/icons/wikipedia.png; /static/images/mobile/copyright/wikipedia-wordmark-en.svg; /static/images/mobile/copyright/wikipedia-tagline-en.svg; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/1/1a/Spyri_Heidi_Cover_1887.jpg/220px-Spyri_Heidi_Cover_1887.jpg; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/5/5e/Heidi_Bild.jpg/220px-Heidi_Bild.jpg; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/5/54/Karte_Gemeinde_Maienfeld.png/250px-Karte_Gemeinde_Maienfeld.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/6/6b/Swiss-Commemorative-Coin-2001-CHF-50-obverse.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/f/f3/Flag_of_Switzerland.svg/28px-Flag_of_Switzerland.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/3/3f/Book_collection.jpg/32px-Book_collection.jpg; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/4/4c/Wikisource-logo.svg/38px-Wikisource-logo.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/en/thumb/4/4a/Commons-logo.svg/30px-Commons-logo.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/2/21/Speaker_Icon.svg/15px-Speaker_Icon.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/en/thumb/8/8a/OOjs_UI_icon_edit-ltr-progressive.svg/10px-OOjs_UI_icon_edit-ltr-progressive.svg.png; https://login.wikimedia.org/wiki/Special:CentralAutoLogin/start?type=1x1; /static/images/footer/wikimedia-button.svg; /w/resources/assets/poweredby_mediawiki.svg
Les Animaux du Bois de Quat'sous,https://fr.wikipedia.org/wiki/Les_Animaux_du_Bois_de_Quat%27sous,"modifier - modifier le code - voir Wikidata (aide)  Les Animaux du Bois de Quat'sous (The Animals of Farthing Wood) est une série télévisée de dessins animés en coproduction germano-anglo-hispano-française en 39 épisodes de 25 minutes, inspirée des livres pour enfants du même titre de Colin Dann, dont la série en est l'adaptation, et diffusée en Grande-Bretagne entre le 6 janvier 1993 et le 21 décembre 1995 sur BBC One.
 En France, la série a été diffusée en 1994 sur France 2 et France 3, en Suisse sur TSR2, en Belgique sur la RTBF et au Québec à partir du 21 juillet 1995 à la Télévision de Radio-Canada.
 Le succès de la série entraînera la création d'une autre série intitulée L'Île de Noé.
 Les animaux du Bois de Quat’Sous mènent une vie paisible dans leur petite forêt, mais au cours d’un été caniculaire leur logis est attaqué par les bulldozers et les bétonneuses. Menacés à la fois par l’homme et la sécheresse, les animaux sont contraints de fuir pour sauver leurs vies et n’ont plus qu’un seul espoir : parvenir à rallier le Parc du Daim Blanc, une réserve naturelle où tous pourront vivre en paix. Devant l’importance de la crise, ils décident d’établir un pacte les engageant à s’unir et à s’entraider pour atteindre ensemble leur destination. Reniant leur instinct de prédateur, les plus grands animaux promettent d’aider les plus petits et de les protéger pour la durée du voyage.
 Guidés par Crapaud, Renard et Blaireau, les animaux du Bois de Quat’Sous entament alors un grand périple à travers l’inconnu. Traversant champs et villes, entre rencontres heureuses et événements tragiques, ils apprendront à rester soudés et à affronter ensemble les épreuves et les dangers jalonnant leur chemin jusqu’au Parc du Daim Blanc.
 La nouvelle vie des animaux du bois de Quat’Sous n’est pas de tout repos. En effet, leur arrivée triomphale dans le Parc du Daim Blanc ne plaît pas à tout le monde et notamment à une famille de renards bleus dirigée par le Balafré. Le pacte garde ici tout son sens et Renard et les siens devront rester solidaires pour lutter contre cette nouvelle menace.
 Tout le monde vit heureux dans le Parc du Daim Blanc, mais cette vie paisible ne sera que de courte durée car de nouveaux dangers menacent les animaux : un gros rat blanc nommé Tibère entend envahir le parc. Brute, le nouveau chef du troupeau de daims blancs, se montre plus cruel de jour en jour, le torrent est empoisonné et il est interdit de boire à la mare, et d’étranges disparitions se produisent. Le pacte des animaux du Bois de Quat’Sous sera-t-il assez solide pour affronter ces événements ?
 Finalement, Tibère est vaincu et quitte le parc, suivi par le reste des rats. Brute a laissé sa place de chef au petit-fils du Grand Daim Blanc, un daim sage et juste et tout le monde peut de nouveau s'abreuver à la mare. Tandis que le Parc fusionne avec un autre, Renard, se faisant vieux, nomme Courage, son petit-fils, chef des animaux du bois de Quat'Sous.
 Cette liste ne présente que les personnages récurrents de la série, de nombreux personnages secondaires qui apparaissent dans un seul épisode n'y sont pas repris.
 À noter que, lors de cette troisième saison, plusieurs personnages résidant dans le parc lors des deux premières ne réapparaissent pas sans que la raison de leur absence soit expliquée. Ce sont : Crécerelle, Taupinette, Crapotte, le Corbeau, et tous les renards bleus sauf Voyou mais ils doivent juste continuer leur vie de leur côté.
 Les protagonistes rencontrent tout au long de leur aventures des ennemis. Bien que la majorité soient épisodiques, on peut toutefois en noter des récurrents qui apparaissent dans deux épisodes de suite :
 Certains épisodes se déroulent des jours, voire des mois après le précèdent.
 Bien que la série soit fidèle aux livres, même jusqu'aux plus petits détails scénaristiques, elle comporte toutefois quelques libertés par rapport aux livres et quelques erreurs d'orthographe et de réalisation, parmi lesquelles, les plus importantes :",674,Accueil; Portails thématiques; Article au hasard; Contact; Débuter sur Wikipédia; Aide; Communauté; Modifications récentes; ; Rechercher; en savoir plus; Contributions; Discussion; Article; Discussion; Lire; Lire; Pages liées; Suivi des pages liées; Téléverser un fichier; Pages spéciales; ; Allemagne; ; Espagne; ; France; ; Royaume-Uni; BBC One; 6; janvier; 1993; 21; décembre; 1995; (aide); ; série télévisée; dessins animés; germano; anglo; hispano; française; Colin Dann; 6; janvier; 1993; 21; décembre; 1995; BBC One; France; 1994; France 2; France 3; Suisse; TSR2; Belgique; RTBF; Québec; 21; juillet; 1995; Télévision de Radio-Canada; L'Île de Noé; Crapaud; Renard; Blaireau; Michael Hirsh; Philippe Leclerc; Bernard Tiphaine; Marc de Georgi; Laurence Badie; Raoul Delfosse; Évelyne Grandjean; Maaïke Jansen; Jean-François Kopf; Claude Chantal; Mireille Audibert; Serge Lhorca; Guillaume Lebon; Gérard Surugue; Gérard Hernandez; Henri Poirier; Brigitte Lecordier; renard roux; blaireau; crapaud; belette; chouette hulotte; vipère; quatrième mur; faucon crécerelle; taupe; lapins; tritons; campagnol; faisans; lièvres; hérissons; musaraignes; pie-grièche; écureuil gris; héron; daim; renard bleu; chat; chien; corbeau; rat; harde; corneille; hibou; ; Allemagne; ARD; WDR; ; Autriche; ORF; ; Belgique; BRT; RTBF; ; Croatie; ; Canada; Radio-Canada; ; Danemark; DR; ; Espagne; TVE; ; Finlande; YLE; ; France; France 2; France 3; ; Irlande; RTE; ; Italie; RAI; ; Pays-Bas; NOS; ; Norvège; NRK; ; Royaume-Uni; BBC; ; Suède; SVT; ; États-Unis; Cartoon Network; ; Suisse; SRG SSR; TSI; ; Turquie; TRT; ; Japon; Planète Jeunesse; ; Portail de l’animation; ; Portail des séries télévisées; ; Portail des années 1990; ; Portail de la télévision britannique; 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It tells the story of Jack Skellington, the King of ""Halloween Town"", who stumbles upon ""Christmas Town"" and schemes to take over the holiday. Danny Elfman wrote the songs and score and provided the singing voice of Jack.[7] The principal voice cast includes Chris Sarandon, Catherine O'Hara, William Hickey, Ken Page, Paul Reubens, Glenn Shadix and Ed Ivory.
 The Nightmare Before Christmas originated from a poem written by Burton in 1982 while he was working as an animator at Walt Disney Productions. With the critical success of Vincent that same year, Burton began to consider developing the film as either a short film or a half-hour television special, to no avail. Over the years, Burton's thoughts regularly returned to the project, and, in 1990, he made a development deal with Walt Disney Studios. Production started in July 1991 in San Francisco; Disney initially released the film through the Touchstone Pictures label because the studio believed the film would be ""too dark and scary for kids"".[1]
 The Nightmare Before Christmas premiered at the New York Film Festival on October 9, 1993, and was given a limited release on October 13, before its wide theatrical release on October 29. The film was met with commercial and critical success upon release, earning praise for its animation, particularly the innovation of stop-motion as an art form, as well as its characters, songs, and score. While initially a modest box office hit, it has since garnered a large cult following and is widely regarded as one of the greatest animated films of all time.[8][9][10][11][12] It was nominated for the Academy Award for Best Visual Effects, a first for an animated film, but lost to Jurassic Park.[13] Thirteen years after its initial release, the film was reissued by Walt Disney Pictures and was re-released annually in Disney Digital 3-D from 2006 until 2010.
 In 2023, the film was selected for preservation in the United States National Film Registry by the Library of Congress as being ""culturally, historically or aesthetically significant.""[14]
 Halloween Town is a fantasy world populated by various monsters and supernatural beings. Jack Skellington, the well-respected ""Pumpkin King"", leads the town in organizing the annual Halloween celebrations. This year, however, Jack grows tired of the same routine and longs for something new. Upon discovering trees containing doors to other holiday-themed worlds, Jack stumbles through the one leading to Christmas Town and is fascinated by the unfamiliar holiday.
 Jack returns home and shares his discovery with his friends and neighbors, but they struggle to grasp the concept of Christmas, although there is one character in Christmas Town they can relate to, a mighty lobster-like king, who's known as ""Sandy Claws"". After several futile attempts at finding a way to rationally explain Christmas, Jack decides to ""improve"" the holiday instead. He announces that Halloween Town will take over Christmas this year and assigns Christmas-themed jobs, such as singing carols, making presents and building a sleigh pulled by skeletal reindeer, to various residents. 
 Sally, the creation of local mad scientist Doctor Finkelstein, experiences a vision predicting that their efforts will end disastrously. Jack, whom she secretly loves, dismisses her warnings and instructs her to make a Santa Claus suit for him. He also tasks mischievous trick-or-treating trio Lock, Shock and Barrel with abducting Santa; however, he orders them not to involve their superior, Oogie Boogie, a bogeyman with a passion for gambling, in their plot.
 When Lock, Shock and Barrel bring Santa to Halloween Town, Jack, surprised that he is not the clawed man he expected, tells Santa that he will take care of Christmas this year and orders the trio to keep Santa safe. However, they disobey Jack's orders and bring Santa to Oogie, who plots to play a game with Santa's life at stake. As Jack departs to deliver presents in the real world, Sally attempts to rescue Santa from Oogie, only to be captured herself.
 Jack's presents terrify the real world's populace, who contact the local authorities and are instructed to lock down their homes for protection. The military is alerted and Jack is shot out of the sky, leading Halloween Town's populace to believe he is dead. Bemoaning the trouble that he has caused, Jack realizes he nonetheless enjoyed the experience, and that it gave him new ideas for celebrating Halloween, reigniting his love for the holiday.
 Upon returning home, Jack rescues Santa and Sally, then confronts Oogie and defeats him by unraveling a thread holding his cloth form together, causing all of the bugs inside Oogie to spill out and reduce him to nothing. Santa makes amends with Jack and resumes his yearly duties, replacing Jack's presents with genuine ones, while all of Halloween Town celebrates Jack's return. Santa brings a snowfall to the town, thereby bringing the Christmas spirit upon it, while Jack and Sally declare their love for each other.
 
 The cast also features Debi Durst, Gregory Proops, Kerry Katz, Randy Crenshaw, Sherwood Ball, Carmen Twillie, Glenn Walters, and John Morris voicing various characters. Patrick Stewart recorded narration for a prologue and epilogue. While not used in the final film, the narration is included on the soundtrack album.[17]
 As writer Tim Burton's upbringing in Burbank, California, was associated with the feeling of solitude, the filmmaker was largely fascinated by holidays during his childhood. ""Anytime there was Christmas or Halloween, […] it was great. It gave you some sort of texture all of a sudden that wasn't there before,"" Burton would later recall.[18] After completing his short film Vincent in 1982,[18] Burton, who was then employed at Walt Disney Feature Animation, wrote a three-page poem titled The Nightmare Before Christmas, drawing inspiration from television specials of Rudolph the Red-Nosed Reindeer, How the Grinch Stole Christmas! and the poem A Visit from St. Nicholas.[19] Burton intended to adapt the poem into a television special with the narration spoken by his favorite actor, Vincent Price,[20] but also considered other options such as a children's book.[21] He created concept art and storyboards for the project in collaboration with Rick Heinrichs, who also sculpted character models;[22][23] Burton later showed his and Heinrichs' works-in-progress to Henry Selick, also a Disney animator at the time.[24] After the success of Vincent in 1982, Disney started to consider developing The Nightmare Before Christmas as either a short film or 30-minute holiday television special.[22] However, the project's development eventually stalled, as its tone seemed ""too weird"" to the company.[25] As Disney was unable to ""offer his nocturnal loners enough scope"", Burton was fired from the studio in 1984[20] and went on to direct the commercially successful films Beetlejuice (1988) and Batman (1989) for Warner Bros. Pictures.[25]
 Over the years, Burton regularly thought about the project. In 1990, Burton found out that Disney still owned the film rights.[26] He and Selick committed to produce a full-length film expanding on the poem's storyline with the latter as director.[24] Burton's own success with live-action films piqued the interest of Walt Disney Studios chairman Jeffrey Katzenberg, who saw the film as an opportunity to continue the studio's streak of recent successes in feature animation.[27] Disney was looking forward to Nightmare ""to show capabilities of technical and storytelling achievements that were present in Who Framed Roger Rabbit.""[28] Walt Disney Pictures president David Hoberman believed the film would prove to be a creative achievement for Disney's image, elaborating ""we can think outside the envelope. We can do different and unusual things.""[27]
 Nightmare marked Burton's third consecutive film with a Christmas setting. Burton could not direct because of his commitment to Batman Returns, and he did not want to be involved with ""the painstakingly slow process of stop motion"".[24] To adapt his poem into a screenplay, Burton approached Michael McDowell, his collaborator on Beetlejuice. McDowell and Burton experienced creative differences, which convinced Burton to make the film as a musical with lyrics and compositions by frequent collaborator Danny Elfman. Elfman and Burton created a rough storyline and two-thirds of the film's songs.[4] Elfman found writing Nightmare's eleven songs to be ""one of the easiest jobs I've ever had. I had a lot in common with Jack Skellington.""[22] Caroline Thompson had yet to be hired to write the screenplay.[4] With Thompson's screenplay, Selick stated, ""there are very few lines of dialogue that are Caroline's. She became busy on other films and we were constantly rewriting, re-configuring and developing the film visually.""[29]
 Selick and his team of animators began production in July 1991 in San Francisco, California, with a crew of over 120 workers, utilizing 20 sound stages for filming.[24][30] Joe Ranft was hired from Disney as a storyboard supervisor, while Eric Leighton was hired to supervise animation.[31] At the peak of production, 20 individual stages were simultaneously being used for filming.[32] In total, there were 109,440 frames taken for the film. The work of Ray Harryhausen, Ladislas Starevich, Edward Gorey, Étienne Delessert, Gahan Wilson, Charles Addams, Jan Lenica, Francis Bacon, and Wassily Kandinsky influenced the filmmakers. Selick described the production design as akin to a pop-up book.[22][29] In addition, Selick stated, ""When we reach Halloween Town, it's entirely German Expressionism. When Jack enters Christmas Town, it's an outrageous Dr. Seuss-esque setpiece. Finally, when Jack is delivering presents in the 'Real World', everything is plain, simple and perfectly aligned.""[33] Vincent Price, Don Ameche, and James Earl Jones were considered to provide the narration for the film's prologue; however, all proved difficult to cast, and the producers instead hired local voice artist Ed Ivory.[15] Patrick Stewart provided the prologue narration for the film's soundtrack.
 On the direction of the film, Selick reflected, ""It's as though [Burton] laid the egg, and I sat on it and hatched it. He wasn't involved in a hands-on way, but his hand is in it. It was my job to make it look like 'a Tim Burton film', which is not so different from my own films.""[29] When asked about Burton's involvement, Selick claimed, ""I don't want to take away from Tim, but he was not in San Francisco when we made it. He came up five times over two years, and spent no more than eight or ten days in total.""[29] Walt Disney Feature Animation contributed with digital effects and some second-layering traditional animation.[24] Burton found production somewhat difficult, because he was simultaneously filming Batman Returns and in pre-production for Ed Wood.[4]
 The filmmakers constructed 227 puppets to represent the characters in the movie, with Jack Skellington having ""around four hundred heads"", allowing the expression of every possible emotion.[34] Sally's mouth movements ""were animated through the replacement method. During the animation process, […] only Sally's face 'mask' was removed in order to preserve the order of her long, red hair. Sally had ten types of faces, each made with a series of eleven expressions (e.g. eyes open and closed, and various facial poses) and synchronized mouth movements.""[35] The stop-motion figurine of Jack was reused in James and the Giant Peach (also directed by Selick) as Captain Jack.[36]
 The film's soundtrack album was released in 1993 on Walt Disney Records. The film's soundtrack contains bonus tracks, including a longer prologue and an extra epilogue, both narrated by Sir Patrick Stewart. For the film's 2006 re-release in Disney Digital 3-D, a special edition of the soundtrack was released, featuring a bonus disc that contained covers of five of the film's songs by Fall Out Boy, Panic! at the Disco, Marilyn Manson, Fiona Apple, and She Wants Revenge. Four original demo tracks by Elfman were also included.[37] On September 30, 2008, Disney released the cover album Nightmare Revisited, featuring artists such as Amy Lee, Flyleaf, Korn, Rise Against, Plain White T's, The All-American Rejects, and many more.[38]
 American gothic rock band London After Midnight featured a cover of ""Sally's Song"" on their 1998 album Oddities. LiLi Roquelin performed a French cover of ""Sally's Song"" on her album Will you hate the rest of the world or will you renew your life? in 2010. Pentatonix released a cover of ""Making Christmas"" for their 2018 Christmas album Christmas Is Here!.[39]
 In 2003, the Disneyland Haunted Mansion Holiday soundtrack CD was released. Although most of the album's songs are not original ones from the film, one song is a medley of ""Making Christmas"", ""What's This?"", and ""Kidnap the Sandy Claws"". Other songs included are original holiday songs changed to incorporate the theme of the film. However, the last song is the soundtrack for the Disneyland Haunted Mansion Holiday ride.
 The Nightmare Before Christmas was originally going to be released under Walt Disney Pictures as part of the Walt Disney Feature Animation lineup (as was advertised as Walt Disney Pictures in the behind the scenes sneak peek on the 1993 VHS release of Pinocchio), but Disney decided to release the film under the studio's adult-oriented Touchstone Pictures banner, because the studio thought the film would be ""too dark and scary for kids,"" Selick remembered. ""Their biggest fear, and why it was kind of a stepchild project, [was] they were afraid of their core audience hating the film and not coming.""[40] To convey Burton's involvement and attract a wider audience, Disney marketed the film as Tim Burton's The Nightmare Before Christmas.[27] According to Selick, the decision was made approximately three weeks before the film went into wide release.[41] Burton explained that, ""…it turned more into more of a brand-name thing, it turned into something else, which I'm not quite sure about.""[4] The film made its world premiere on the opening day celebration of the New York Film Festival on October 9, 1993,[42] and was given a limited release on October 13, 1993, before its wide theatrical release on October 29, 1993.
 The Nightmare Before Christmas was reissued under the Walt Disney Pictures label and re-released on October 20, 2006, with conversion to Disney Digital 3-D, and was accompanied by Pixar's short film Knick Knack.[1] Industrial Light & Magic assisted in the process.[31] It subsequently re-released on October 19, 2007, October 24, 2008, and October 23, 2009.[43] The El Capitan Theatre in Hollywood, California, has been showing the film in 4-D screenings annually in October, ending on Halloween, since 2010.[44] The reissues have led to a reemergence of 3-D films and advances in RealD Cinema.[45][46]
 In October 2020, The Nightmare Before Christmas was re-released in 2,194 theaters. It grossed $1.3 million over the weekend, finishing fourth behind Tenet.[47] For the film's 30th anniversary and in commemoration of The Walt Disney Company's centennial, it was re-released in theaters across the United States and Canada on October 20, 2023, including engagements in 4DX.[48] The film was once again theatrically re-released on October 11, 2024, including RealD 3D and Disney Digital 3-D formats.
 With years of successful home video sales, The Nightmare Before Christmas later achieved the ranks of a cult film.[31] Touchstone Home Video first released the film on VHS and LaserDisc (in both deluxe CAV and widescreen editions) on September 30, 1994, and on DVD on December 2, 1997.[49] The Nightmare Before Christmas was released on DVD a second time on October 3, 2000, as a special edition. The release included an audio commentary by Selick and cinematographer Pete Kozachik, a 28-minute making-of documentary, a gallery of concept art, storyboards, test footage and deleted scenes. Burton's Vincent (1982) and Frankenweenie (1984) were also included.[50] Both DVDs were non-anamorphic widescreen releases. The film was released on UMD for PlayStation Portable on October 25, 2005.[51]
 Walt Disney Studios Home Entertainment reissued the DVD (this time with an anamorphic transfer) and on Blu-ray Disc (for the first time) on August 26, 2008, as a two-disc digitally remastered ""collector's edition"", but still containing the same special features.[52][53]
 Walt Disney Studios Home Entertainment released The Nightmare Before Christmas on Blu-ray 3D on August 30, 2011. The release included a Blu-ray 3D disc, Blu-ray disc and a DVD that includes both a DVD and digital copy.
 In 2018, a sing-along version, accompanied by the theatrical cut and a Movies Anywhere copy, as a single-disc version for the film's 25th anniversary.[54] The singalong version was also released on Disney+ on September 30, 2022.
 In celebration of its 30th anniversary, the film was remastered in 4K and was released on 4K Blu-ray, including extra content, on August 22, 2023.[55][56]
 Disney has extensively marketed the film and its characters across many forms of media and memorabilia, including action figures, books, games, art crafts, and fashion products. Jack Skellington, Sally, Pajama Jack, and the Mayor have been made into bendable figures,[57] while Jack and Sally even appear in fine art.[58]  Sally has been made into an action figure and a Halloween costume.[59]
 Various Disneyland and the branching theme parks host attractions featuring Nightmare characters, particularly during Halloween and Christmas seasons. Since 2001, Disneyland has given its Haunted Mansion Holiday attraction a Nightmare Before Christmas theme for the holiday season. It features characters, decorations and music from the film, in addition to Mickey's Not-So-Scary Halloween Party and Mickey's Halloween Party featuring the film's characters.[60] Additionally, Jack hosts the Halloween Screams, HalloWishes, and Not So Spooky Spectacular! fireworks shows at Magic Kingdom (where the host is Ghost Host) and Disneyland (where the host is Jack himself), as well as the Frightfully Fun Parade.[61]
 Around the release of the film, Hoberman was quoted, ""I hope Nightmare goes out and makes a fortune. If it does, great. If it doesn't, that doesn't negate the validity of the process. The budget was less than any Disney blockbuster so it doesn't have to earn Aladdin-sized grosses to satisfy us.""[22] The film earned $50 million in the United States in its initial theatrical run[43] and was regarded as a moderate sleeper hit.
 The Nightmare Before Christmas made an additional $11.1 million in box office gross in its 2006 reissue.[62] The 2007, 2008, 2009, 2020, and 2023 reissues earned $15.8 million, $2.5 million, $2.3 million, and $10 million, respectively[clarification needed], increasing the film's total box office gross to $107.8 million.[43][63] It would also finish in top 10 during the first three-day weekend of its 2024 re-release, grossing $2.4 million.[64][65]
 On Rotten Tomatoes, The Nightmare Before Christmas holds a rating of 95% based on 106 reviews, with an average rating of 8.4/10. The site's critics consensus reads, ""The Nightmare Before Christmas is a stunningly original and visually delightful work of stop-motion animation.""[66] On Metacritic, the film has a weighted average score of 82 out of 100, based on 30 critics, indicating ""universal acclaim"".[67] Audiences surveyed by CinemaScore gave the film an average grade ""B+"" on an A+ to F scale.[68]
 Roger Ebert praised the film's visual inventiveness: ""One of the many pleasures of Tim Burton's The Nightmare Before Christmas is that there is not a single recognizable landscape in it. Everything looks strange and haunting. Even Santa Claus would be difficult to recognize without his red-and-white uniform."" He wrote that it presented a world ""that is as completely new as the worlds we saw for the first time in such films as Metropolis, The Cabinet of Dr. Caligari and  Star Wars. What all of these films have in common is a visual richness, so abundant they deserve more than one viewing."" He wrote that ""The songs by Danny Elfman are fun too, a couple of them using lyrics so clever they could be updated from Gilbert & Sullivan. And the choreography, liberated from gravity and reality, has an energy of its own, as when the furniture,  the architecture, and the very landscape itself gets in on the act."" He notes that ""some of the Halloween creatures might be a tad scary for smaller children, but this is the kind of movie older kids will eat up; it has the kind of offbeat, subversive energy that tells them wonderful things are likely to happen.""[69]
 Peter Travers of Rolling Stone called it a restoration of ""originality and daring to the Halloween genre. This dazzling mix of fun and fright also explodes the notion that animation is kid stuff. … It's 74 minutes of timeless movie magic.""[70] James Berardinelli stated ""The Nightmare Before Christmas has something to offer just about everyone. For the kids, it's a fantasy celebrating two holidays. For the adults, it's an opportunity to experience some light entertainment while marveling at how adept Hollywood has become at these techniques. There are songs, laughs, and a little romance. In short, The Nightmare Before Christmas does what it intends to: entertain.""[71] Desson Thomson of The Washington Post enjoyed the film's similarities to the writings of Oscar Wilde and the Brothers Grimm, as well as The Cabinet of Dr. Caligari and other German Expressionist films.[72]
 Michael A. Morrison discusses the influence of Dr. Seuss' How the Grinch Stole Christmas! on the film, writing that Jack parallels the Grinch and Zero parallels Max, the Grinch's dog.[73] Philip Nel writes that the film ""challenges the wisdom of adults through its trickster characters"", contrasting Jack as a ""good trickster"" with Oogie Boogie, whom he also compares with Seuss' Dr. Terwilliker as a bad trickster.[74] Entertainment Weekly reports that fan reception of these characters borders on obsession, profiling Laurie and Myk Rudnick, a couple whose ""degree of obsession with [the] film is so great that … they named their son after the real-life person that a character in the film is based on.""[75] This enthusiasm for the characters has also been profiled as having spread beyond North America to Japan.[76] Yvonne Tasker notes ""the complex characterization seen in The Nightmare Before Christmas"".[77]
 The film was nominated for both the Academy Award for Best Visual Effects and the Hugo Award for Best Dramatic Presentation. Nightmare won the Saturn Award for Best Fantasy Film, while Elfman won Best Music. Selick and the animators were also nominated for their work. Elfman was nominated for the Golden Globe Award for Best Original Score. Most recently, the film ranked #1 on Rotten Tomatoes' ""Top 25 Best Christmas Movies"" list.[78]
 Blink-182's 2003 song ""I Miss You"" makes reference to the film.[79][80]
 The third and fourth episodes of the fifth season of Fargo feature a group of characters that wear masks depicting characters from the movie, including Jack Skellington.
 
In 2003, Disney began to consider producing a sequel, but rather than using stop motion, they wanted to use computer animation.[81] Burton convinced Disney to drop the idea. ""I was always very protective of [The Nightmare Before Christmas], not to do sequels or things of that kind,"" Burton explained. ""You know, Jack visits Thanksgiving world or other kinds of things just because I felt the movie had a purity to it and the people that like it, because it's a mass-market kind of thing, it was important to kind of keep that purity of it.""[46] The 2004 video game The Nightmare Before Christmas: Oogie's Revenge did serve as a sequel of the film, with Capcom's crew of developers going after Burton for advice[82] and having the collaboration of the film's art director, Deane Taylor.[83] In 2009, Selick said he would do a film sequel if he and Burton could create a good story for it.[84]
 In February 2019, it was reported that a new Nightmare Before Christmas film was in the works with Disney considering either a stop-motion sequel or live-action remake.[85] In October 2019, Chris Sarandon expressed interest on reprising his role as Jack Skellington if a sequel film ever materializes.[86]
 On February 22, 2021, Disney Publishing announced that a sequel was given to the 1993 film in the form of a young adult novel, released as Long Live the Pumpkin Queen. It was written by Shea Ernshaw and features Sally as the main character, told through her point-of-view, with events taking place after the film.[87] The book was released on August 2, 2022.[88]
 In October 2023, Selick stated that he would like to do a prequel film about how Jack became king of Halloween Town.[89][90] The following month, however, Burton said that he did not want to see any further projects in that universe.[91] In August 2024, Selick expressed doubt that a sequel would ever materialize, not wanting to ""beat [the film] to death.""[92]
 A collectible card game based on the film called The Nightmare Before Christmas TCG was released in 2005 by NECA. The game was designed by Quixotic Games founder Andrew Parks[93] and Zev Shlasinger. It consists of a Premiere set and 4 Starter Decks based on four characters, Jack Skellington, the Mayor, Oogie Boogie, and Doctor Finkelstein. Each Starter Deck contains a rule book, a Pumpkin King card, a Pumpkin Points card, and a 48-card deck. The game has four card types: Characters, Locales, Creations, and Surprises. The Cards' rarities are separated into four categories: Common, Uncommon, Rare, Ultra Rare.
 Quixotic Games also developed The Nightmare Before Christmas Party Game that was released in 2007 by NECA.[94]
 A collector's edition The Nightmare Before Christmas-themed Jenga game was issued with orange, purple and black blocks with Jack Skellington heads on them. The set comes in a coffin-shaped box instead of the normal rectangular box.[95]
 A 168-card Munchkin Tim Burton's The Nightmare Before Christmas-themed Munchkin was developed by USAopoly featuring the citizens of Halloween Town such as Jack Skellington, Oogie Boogie, Doctor Finkelstein, and Lock, Shock and Barrel. The game comes with a custom die similar to the ones used by Oogie Boogie in the film.[96][97]
 On September 15, 2020, a Nightmare Before Christmas-themed tarot card deck and guidebook was released and the illustration was done by Abigail Larson.[98] On October 27, 2023, Disney partnered with Mattel to produce a Jack and Sally doll under their Monster High toyline.[99]
 In 1993, a pop-up book based on the film was released on October 1.[100] Another pop-up book calendar titled Nightmare Before Christmas Pop-Up Book and Advent Calendar was released September 29, 2020.[101][102] Jack is the titular character in the short story ""Tim Burton's The Nightmare Before Christmas: Jack's Story"".[103] Disney Press released a Tim Burton's The Nightmare Before Christmas Party Cookbook: Recipes and Crafts for the Perfect Spooky Party on August 21, 2017.[104] A behind-the-scenes art book titled Tim Burton's Nightmare Before Christmas: The Film, the Art, the Vision was released on October 14, 1993, and a Disney Editions Deluxe edition was published July 28, 2009.[105][106]
 In 2006, a picture book containing the poem Tim Burton wrote that originated the film was released on August 15.[107] In celebration of the film's 20th anniversary, the poem was re-released with a hardcover edition in 2013.[108] On July 20, 2009, an illustrated book covering the Haunted Mansion Holiday attraction's rendition of ""The Twelve Days of Christmas"" song titled Nightmare Before Christmas: The 13 Days of Christmas was published. In celebration of the film's 25th anniversary, a book and CD, featuring narration and sound effects, was released on July 3, 2018.[109]
 In honor of the film's 25th anniversary, a Cinestory Comic made by Disney and published by Joe Books LTD was released on September 26, 2017.[110] A graphic novel retelling of the film by Joe Books LTD was released on July 31, 2018, and digital and hardcover versions were released August 25, 2020.[111][112] On November 26, 2020, a novel retelling of the film version was released as part of the Disney Animated Classics series.[113] In 2021, another version of Nightmare Before Christmas 13 Days of Christmas came out on July 6 and was soon followed by Little Golden Books's release of their adaptation of Nightmare Before Christmas on July 13, 2021.[114][115]
 In 2017, Tokyopop secured exclusive licensing for two manga adaptions for Nightmare Before Christmas, with the first manga being an adaptation of the film's plot line, with art by Jun Asuka, released October 17.[116][117] The second manga, a fully colored series illustrated by Kei Ishiyama and titled Zero's Journey, chronicles the adventures of Jack's dog, Zero, in his experiences beginning in Christmas Town after accidentally getting separated from Jack, who tries to find him, and acts as a sequel to the film, with Tim Burton's story approval.[118] The 20 issues were first published monthly, starting on October 2, and then collected into four full-color graphic novels, with a black-and-white collector's edition manga edition as well.[119][120] Starting on July 21, 2021, Tokyopop released another sequel manga centered around Sally, titled The Nightmare Before Christmas: Mirror Moon, written by Mallory Reaves and fully-colored series illustrated by Gabriella Chianello, and Nataliya Torretta. The first two issues will be collected into a graphic novel that is slated to be released on October 26.[121][122][123]
 A novelization of the film written by Daphne Skinner was published on January 1, 1994.[124] On August 2, 2022, a young adult novel titled Long Live the Pumpkin Queen by Shea Ernshaw was released. With Sally as the protagonist, with the premise described as ""...takes place shortly after the movie ends. It's the yet-to-be-told love story of Sally and Jack. But it's also a coming-of-age story for Sally, as we see her navigate her new royal title as the Pumpkin Queen of Halloween Town"". The novel introduced new characters and explored Sally's past, as well as exploring other holiday worlds as Sally and Jack tackle a mysterious villain Sally has accidentally unleashed.[87][125][126][127]
 On November 1, 2022, Tokyopop announced a full-colored graphic novel series titled Disney Tim Burton's The Nightmare Before Christmas: The Battle for Pumpkin King, which centers around the friendship and rivalry between a young Jack Skellington and Oogie Boogie. The graphic novel consisted of five issues, starting with the first release in May 2023, and the full graphic novel edition is available in September 2023.[128][129][130]
 A novelization for The Nightmare Before Christmas, written by Megan Shepherd was released on July 4, 2023, to celebrate the 30th anniversary.[131] On July 20, 2023, Shepherd also revealed that she will be writing a sequel to Ernshaw's Pumpkin Queen book and is expected to be released in 2024.[132][133]
 On July 19, 2023, Disney announced that it is partnering with Dynamite Entertainment to publish new comics based on the film, with the first project being written by Torunn Grønbekk.[134][135][136]
 On August 22, 2023, Epic Ink published a cultural book titled ""Disney Tim Burton’s The Nightmare Before Christmas Beyond Halloween Town: The Story, the Characters, and the Legacy'"" by writer Emily Zemler.[137]
 The Nightmare Before Christmas has inspired video game spin-offs, including Oogie's Revenge and The Pumpkin King.
 The Kingdom Hearts series includes Halloween Town as a world, appearing in the titles Kingdom Hearts, Chain of Memories, Kingdom Hearts II, and 358/2 Days, with Christmas Town also as a major area in Kingdom Hearts II. Jack Skellington appears as a party member of the protagonist, Sora, while other important characters from the film appear as supporting characters in the world. The games adapt parts of the plot of The Nightmare Before Christmas.
 A Jack Skellington figurine is available for the Disney Infinity video game, allowing the character to be playable in the game's ""Toy Box Mode"".[138] The main characters of the film (except Santa Claus) appear as playable characters in the video game Disney Magic Kingdoms, as well as in some attractions based on locations of the film, in new storylines in which the characters are involved.[139][140][141][142] Jack and Oogie Boogie are featured as playable units in many Disney-related mobile games, such as Disney Heroes: Battle Mode, Disney Sorcerer's Arena, and Disney Mirrorverse.
 In December 2021, a collaboration between Disney and Fall Guys released a seasonal challenge themed after The Nightmare Before Christmas, which was available from December 16 through December 27.[143][144]
 In September 2023, Disney Dreamlight Valley released a patch update featuring furniture, clothing and motifs inspired by the film.
 In October 2023, Fortnite collaborated with Disney to make the Jack Skellington costume and other The Nightmare Before Christmas-themed cosmetics for the Fortnitemares 2023 event.[145]
 Rocket League released The Nightmare Before Christmas-themed cosmetics and items for their Haunted Hallows Event from October 18 to November 1, 2023.[146][147]
 A live concert, produced by Disney Concerts, was held at the Hollywood Bowl in October 2015 and was followed by subsequent performances in 2016 and 2018. The shows featured Elfman, O'Hara, and Page reprising their roles from the film. In December 2019, this show came to Europe, with dates in Edinburgh, Glasgow, London and Dublin.[148]
 A one-night-only virtual benefit concert presentation of the film, presented by The Actors Fund and produced by James Monroe Iglehart with the cooperation of Burton, Elfman, Disney and Actors' Equity Association, streamed on October 31, 2020. 100% of the proceeds will benefit the Lymphoma Research Foundation, as a response to the COVID-19 pandemic and its impact on the performing arts. The cast included Iglehart as Oogie Boogie, along with Rafael Casal as Jack Skellington, Adrienne Warren as Sally, Danny Burstein as Santa Claus and the Narrator, Nik Walker as Lock, Lesli Margherita as Shock and Rob McClure as Barrel. Rounding out the cast were Kathryn Allison, Jenni Barber, Erin Elizabeth Clemons, Fergie L. Phillipe, Jawan M. Jackson and Brian Gonzalez.[149][150]
 In October 2021, Disney hosted a live-to-film concert of Tim Burton's The Nightmare Before Christmas for two nights at LA's Banc of California Stadium on October 29 and 31. The show featured Billie Eilish singing as Sally and Danny Elfman reprising his role as Jack. Ken Page reprised the role of Oogie Boogie, while ""Weird Al"" Yankovic sang as Shock. The concert included a full orchestra led by acclaimed conductor John Mauceri to perform the film's score and songs live.[151][152][153][154]
 In October 2021, Disney announced that they were hosting another live-to-film concert at the OVO Arena Wembley in London on December 9 and 10, 2022. The show featured Elfman and Page reprising their respective roles, while John Mauceri returned as conductor alongside the BBC Concert Orchestra. Acclaimed singer and songwriter Phoebe Bridgers took on the role of Sally.[155]
 In October 2023, Disney hosted another concert from October 27–29 at the Hollywood Bowl. Elfman, Page, Catherine O'Hara, and other guest stars are set to appear, including Halsey, who is sharing the role of Sally with O'Hara.[156][157] However, days before the concert, Halsey dropped out from her role due to a ""scheduling conflict"".[158][159] The 2023 concert series was dedicated to Paul Reubens, the original voice of Lock, who died in July that year.
 Disney Interactive Studios released an As Told by Emoji animated adaptation of The Nightmare Before Christmas in 2016, which can be found on their official YouTube channel.[160]
 In 2019, a behind-the-scenes podcast series about The Nightmare Before Christmas was made, featuring the animators, producers and other crew discussing the making of the movie, totaling 38 episodes.[161]",5766,"Main page; Contents; Current events; About Wikipedia; Help; Learn to edit; Community portal; Upload file; ; learn more; Article; Talk; Read; Read; Upload file; ; The Nightmare Before Christmas (disambiguation); ; Henry Selick; Caroline Thompson; Michael McDowell; Tim Burton; Denise Di Novi; Danny Elfman; Chris Sarandon; Catherine O'Hara; William Hickey; Glenn Shadix; Paul Reubens; Ken Page; Touchstone Pictures; Skellington Productions; Buena Vista Pictures Distribution; New York Film Festival; Halloween; Christmas; gothic; stop motion; animated; musical; fantasy film; Henry Selick; Tim Burton; Jack Skellington; King; Halloween; Christmas; Danny Elfman; score; Chris Sarandon; Catherine O'Hara; William Hickey; Ken Page; Paul Reubens; Glenn Shadix; Walt Disney Productions; Vincent; short film; Walt Disney Studios; San Francisco; Touchstone Pictures; New York Film Festival; cult following; of all time; Academy Award for Best Visual Effects; Jurassic Park; reissued; Walt Disney Pictures; Disney Digital 3-D; National Film Registry; Library of Congress; fantasy world; Jack Skellington; ""Sandy Claws""; reindeer; mad scientist; vision; trick-or-treating; bogeyman; gambling; military; bugs; List of The Nightmare Before Christmas characters; ; Chris Sarandon; ; Catherine O'Hara; Jack Skellington; Sally; Chris Sarandon; Danny Elfman; Jack Skellington; Catherine O'Hara; Sally; rag doll; Frankenstein's monster; toxicologist; Beetlejuice; William Hickey; Doctor Finkelstein; mad scientist; Glenn Shadix; Mayor of Halloween Town; town meetings; Paul Reubens; Pee-wee's Big Adventure; Batman Returns; Ken Page; Oogie Boogie; bogeyman; Ed Ivory; Santa Claus; Joe Ranft; Gregory Proops; Carmen Twillie; John Morris; Patrick Stewart; soundtrack album; ; ; Henry Selick; Tim Burton; Burbank, California; Vincent; Walt Disney Feature Animation; Rudolph the Red-Nosed Reindeer; How the Grinch Stole Christmas!; A Visit from St. Nicholas; Vincent Price; concept art; storyboards; Rick Heinrichs; sculpted; Henry Selick; Beetlejuice; Batman; Warner Bros. 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Wallace et Gromit,https://fr.wikipedia.org/wiki/Wallace_et_Gromit,"modifier - modifier le code - voir Wikidata (aide)  Wallace et Gromit (Wallace and Gromit) sont deux personnages de courts et longs métrages d'animation créés par Nick Park. Le studio Aardman Animations engagea Nick Park dans les années 1980 pour l'aider à monter et tourner ses films de Wallace et Gromit en échange de son savoir-faire pour d'autres films[réf. nécessaire]. Les courts métrages de Wallace et Gromit racontent les aventures rocambolesques d'un inventeur génial amateur de crackers et de fromage (Wallace) et de son chien intelligent (Gromit).
 Les films utilisent les techniques de l'animation en pâte à modeler : tous les personnages sont en plasticine (pâte à modeler non séchante) et les scènes sont animées image par image (stop motion). Avec cette méthode, l'équipe de Nick Park parvient en moyenne à enregistrer 2 secondes de film en une journée de travail[réf. nécessaire] (pour 24 images par seconde). La réalisation est, de ce fait, très longue.
 Souvent salués par la critique et récompensés (trois Oscars) pour leur inventivité et leur humour, leur succès donnera lieu à plusieurs courts métrages, des publicités et un long métrage.
 Wallace (dont la voix est celle de Peter Sallis et Gilbert Levy, Francis Lax, Yves Beneyton et Jean-Loup Horwitz pour la version française), est habillé d'une façon toute britannique : chemise blanche, gilet vert, pantalon marron et cravate rouge. Très connu par son amour pour le fromage (en particulier le Wensleydale) et les crackers, il boit essentiellement du thé et du vin de Bordeaux. Cet inventeur tête en l'air crée des inventions qui fonctionnent rarement comme prévu. Toutes ressemblent à celles de William Heath Robinson ou de Rube Goldberg. Nick Park déclara que toutes les inventions de Wallace étaient conçues autour du principe de « using a sledgehammer to crack a nut »[réf. nécessaire], variante anglaise de l'expression « écraser une mouche avec un marteau ».
 Cependant, certaines de ses créations sont basées sur de vraies inventions. En effet, le lit qui bascule pour lever le dormeur fut présenté à la Grande exposition de 1851 par Theophilus Carter, à Londres. Le personnage de Wallace peut faire preuve de bonté. Pourtant il lui arrive d'être égoïste et fort peu reconnaissant vis-à-vis de Gromit. Nick Park a déclaré que pour ce personnage, il s'est inspiré en partie de son père : « After making the film it became very apparent that Wallace was incredibly like my dad in many ways, particularly because of his whole attitude to life. He’s naïve – not that my dad was naïve, but he had ideas and got on with them… »
 Gromit est un chien à la fois intelligent, créatif, gentil et sensible. Il aime lire, les puzzles, le crochet, et aide parfois son maître Wallace à construire ses inventions. Il ne parle pas de manière audible, néanmoins son regard permet de comprendre ce qu'il ressent.
 Il est présenté réveillé avant son maître, lui préparant ses repas ou s'occupant des tâches domestiques.
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It consists of four short films, two feature-length films and has spawned numerous spin-offs and TV adaptations. The series centres on Wallace, a good-natured, eccentric, cheese-loving inventor, and Gromit, his loyal and intelligent anthropomorphic beagle. The first short film, A Grand Day Out, was finished and released in 1989. Wallace was voiced by actor Peter Sallis until 2010 when he was succeeded by Ben Whitehead. While Wallace speaks very often, Gromit is largely silent and has no dialogue, communicating through facial expressions and body language.[1]
 Because of their popularity, the characters have been described as positive international cultural icons of both modern British culture and British people in general. BBC News called them ""some of the best-known and best-loved stars to come out of the UK"".[2] Icons has said they have done ""more to improve the image of the English world-wide than any officially appointed ambassadors"".[3]
 Park has made pointed references that he was inspired by his childhood through the 1950s and 1960s in Lancashire in Northern England.  Although not overtly set in any particular time – with the 1960s being the optimum time period placement, except for the considerable number of anachronisms – but with very shaky geography, where Wigan is seen at the end of Wallace's alliterative home address on his letters, though his accent comes from the Holme Valley of West Yorkshire and he is especially fond of Wensleydale cheese (from Wensleydale, North Yorkshire).
 Their films have been widely praised, with the first three short films, A Grand Day Out (1989), The Wrong Trousers (1993) and A Close Shave (1995) earning 100% on Rotten Tomatoes; the feature film Wallace & Gromit: The Curse of the Were-Rabbit (2005) has also received acclaim. The feature film is the second-highest-grossing stop-motion animated film, outgrossed by Chicken Run (2000), another creation of Park's. A fourth short film, A Matter of Loaf and Death, was released in 2008. A second full-length feature film, Wallace & Gromit: Vengeance Most Fowl — marking the return of the penguin Feathers McGraw, the villain from The Wrong Trousers — will be released in at the end of 2024.[4] The franchise has received numerous accolades, including five British Academy Film Awards, three Academy Awards and a Peabody Award.[5]
 The first short film, A Grand Day Out, was nominated for the Academy Award for Best Animated Short Film in 1991. The short films The Wrong Trousers and A Close Shave followed. The full-length feature The Curse of the Were-Rabbit was released in 2005. The latter three each earned Academy Awards.
 In January 2007, a five-film deal with DreamWorks and Aardman fell through after three films, due to creative differences, as well as the box office failure of Flushed Away. Park said later that DreamWorks executives wanted to Americanise the very British Wallace and Gromit after test screenings, which would have tarnished some of the duo's nostalgic charm. The fourth Wallace & Gromit short, A Matter of Loaf and Death, was Park's first production since the end of the DreamWorks deal. It was the most-watched television programme in the UK in 2008.[6] A Matter of Loaf and Death won the 2008 BAFTA Award for Best Short Animation and was nominated for an Academy Award in 2010.[7] In 2013, Peter Lord stated that there were no plans at the moment for a new short film, and Park announced in the following year that the declining health of Wallace's voice actor, Peter Sallis, had the possibility of preventing any future films despite the availability of Ben Whitehead.[8]
 On 4 May 2017, Lord stated that more projects with the characters are likely while speaking at an animation event in Stuttgart, Germany. He said, ""When Nick [Park]'s not drawing cavemen, he's drawing Wallace & Gromit ... I absolutely assume he will do another, but not a feature. I think he found it was too much. I think he liked the half-hour format.""[9]
 Sallis died on 2 June 2017 at the age of 96.[10] In 2018, Park said to Radio Times: ""[Sallis] was such a special one-off person with such unique qualities, it would be hard to fill his shoes but I think he'd want us to carry on and I've got more Wallace and Gromit ideas.""[11] In 2019, Park announced that a new Wallace & Gromit project is in development. ""I can't give too much away because it would spoil it really, but it's Wallace & Gromit up to their old antics.""[12][13] In May 2020, Aardman announced the release of The Big Fix Up, a Wallace & Gromit story in the form of an augmented reality (AR) mobile app. It features the voices of Miriam Margolyes, Isy Suttie and Jim Carter and was released on 18 January 2021.[14][15]
 In September 2021, a bronze bench statue of Wallace & Gromit was unveiled in Preston, Lancashire, Park's home town.[16] In January 2022, a new film, Wallace & Gromit: Vengeance Most Fowl, was announced, which is due to release in 2024 on Netflix worldwide, except for the UK where it will debut first on the BBC before also coming to Netflix at a later date.[17]
 Wallace lives, along with his pet dog Gromit, at 62 West Wallaby Street that is in a part of Wigan in Lancashire.
 He usually wears brown woollen trousers, a white shirt with detachable sleeves, and a red tie under a green vee-necked knitted sleeveless sweater. He is fond of cheese, especially Wensleydale, with crackers.[18][19]
 Nick Park, his creator, said: ""He's a very self-contained figure. A very homely sort who doesn't mind the odd adventure."" He is loosely based on Park's father and Park has never made it clear as to whether Wallace is the character's forename or surname, preferring to leave this ambiguous.[20][21][22]
 Wallace was voiced by Peter Sallis until his retirement in 2010, being succeeded by Ben Whitehead since 2009.[23][24][25]
 Wallace is an inveterate inventor, creating elaborate contraptions that often do not work wholly as intended. Their appearance is similar to the illustrations of W. Heath Robinson and Rube Goldberg, where Nick Park has said of Wallace that all his inventions are designed around the principle of using a ""sledgehammer to crack a nut"". Some of Wallace's contraptions are based on real-life inventions. For example, his method of waking up in the morning uses a bed that tips up to wake up its owner, an invention that was exhibited at the Great Exhibition of 1851 by Theophilus Carter.
 To finance the development of his inventions, Wallace runs independent business ventures to varying levels of success.  He adapts his house with increasingly elaborate contraptions, employing his devices & gadgets in various ways. Each business has a punning name, which reflect those of the titles of the films:
 While he has shown himself to be skilled to some degree in the businesses he creates, an unexpected flaw in the inventions he uses to assist him in his latest venture or simple, but odd, happenstance ends up being pivotal to the resolution of the story. 
 In the first photo shown on The Curse of the Were-Rabbit, it was revealed that Wallace once had a full head of hair and a very thick moustache with muttonchops. On the photo that shows Gromit's graduation at Dogwarts, he had lost his beard, but still had a little hair, in the form of sideburns just above his ears. In The Wrong Trousers, he still uses a hair-dryer. In A Matter of Loaf and Death, when Wallace is talking to Gromit, a picture is seen behind Gromit of Wallace with a brown beard and brown hair.
 Wallace has had three romantic interests. The first was wool shop owner Wendolene Ramsbottom,[26] which ended quickly when Wendolene told Wallace that she was allergic to cheese. The second was Lady Campanula Tottington in The Curse of the Were-Rabbit, whom Wallace fondly calls ""Totty"". In A Matter of Loaf and Death, Wallace becomes engaged to Piella Bakewell, who turns out to be a serial killer of bakers.[27]
 ""Gromit doesn't ever say a word, but there has never been a more expressive character (animated or otherwise) to grace our screens.""
 —Empire magazine's entry for Gromit placing the dog first in their list of ""the 50 best animated movie characters"".[28] Gromit is a beagle, with a cream-coloured short-hair coat and oversized floppy dark brown ears, who is Wallace's pet dog and best friend.[29] He is very intelligent, having graduated from ""Dogwarts University"" (""Dogwarts"" being a pun on ""Hogwarts"", the wizard school from the Harry Potter books) with a double first in Engineering for Dogs.[30] He likes knitting, playing chess, reading the newspaper, tea and cooking. His prized possessions include his alarm clock, dog bone, brush, and a framed photo of himself with Wallace. He is very handy with electronic equipment and an excellent aeroplane pilot. He often threatens the plans of the antagonists he and Wallace encounter in their adventures. Sometimes, Gromit ignores Wallace's orders, such as in A Close Shave and Shopper 13, where Wallace orders him to get rid of Shaun, but Gromit does not. Gromit's birthday is 12 February.[31] In The Wrong Trousers, he is seen circling the date on a calendar.
 Gromit has no visible mouth and expresses himself through facial expressions and body language. Peter Hawkins originally intended to voice Gromit, but Park dropped the idea when he realised how Gromit's thoughts and feelings could be known through movement with some canine noises on rare occasions.[32][33] Many critics believe that Gromit's silence makes him the perfect straight man, with a pantomime expressiveness that drew favourable comparisons to Buster Keaton.[34] He does at times make dog-like noises, such as yelps and growling.[35] According to the fortieth anniversary documentary A Grand Night In: The Story of Aardman, Gromit was originally supposed to be a cat, but the idea was dropped as Park realised that animating a dog was easier.
 Generally speaking, Gromit's tastes are more in vogue than those of Wallace; this being one of the many ways they contrast with each other as characters. Gromit seems to have a significant interest in encyclopaedic, classical and philosophical literature, and popular culture, including film and music. Electronics for Dogs has been a firm favourite since A Grand Day Out, and in The Wrong Trousers Gromit's bookshelves feature titles such as Kites, Sticks, Sheep, Penguins, Rockets, Bones and Stars, while he is seen reading The Republic, by Pluto (a nod to the Disney character of the same name and a pun on Plato) and Crime and Punishment, by Fido Dogstoyevsky (a pun on Fyodor Dostoyevsky). Gromit's various possessions make extensive use of puns: A Matter of Loaf and Death features ""Pup Fiction"" (Pulp Fiction), ""The Dogfather"" (The Godfather), ""Where Beagles Dare"" (Where Eagles Dare), ""Bite Club"" (Fight Club) and ""The Bone Identity"" (The Bourne Identity) all as book titles, and ""Citizen Canine"" (Citizen Kane) as a film poster. His taste in music has been shown to cover Bach (presumably punning on ""bark""), ""Poochini"" (a play on Puccini), ""McFlea"" (McFly), ""The Beagles"" (the Beatles) and ""Red Hot Chili Puppies"" (Red Hot Chili Peppers).
 Gromit gains his own love interest in A Matter of Loaf and Death, when he becomes attached to Fluffles, a poodle. Fluffles reciprocates his affection and joins Wallace and Gromit delivering bread at the end of the film, and the three drive off into the sunset, making a delivery and listening to ""Puppy Love"" (performed, according to the record cover, by ""Doggy Osmond"").
 NASA named one of its new prototype Mars explorer robots after Gromit in 2005.[36] On 1 April 2007, HMV announced that Gromit would stand in for Nipper for a three-month period, promoting children's DVDs in its UK stores.[37]
 Although not overtly setting the series in any particular town, Nick Park had previously hinted that its milieu was inspired by thoughts of 1950s Wigan, reinforced by an A–Z Wigan being displayed on Wallace's Anti-Pesto van in The Curse of the Were-Rabbit.[38] In The Wrong Trousers, Gromit picks up a letter at the Wallace & Gromit residence addressed to ""62 West Wallaby Street, Wigan"".[38] The address includes a postcode of WG7 7FU, though this does not match any street in Wigan, whose postcodes begin with the letters WN.[39] This address can be seen in the Cracking Contraptions episode ""Shopper 13"".
 Wallace's accent (voiced by Peter Sallis) comes from the Holme Valley of West Yorkshire.[40]
 In the Cracking Contraptions episode ""The Soccamatic"", Wallace says to Gromit, ""How do you like my Preston North End soccamatic, Gromit?"". The episode references famous English footballers of the 1950s and '60s, including Nobby Stiles, Tom Finney and Bill Shankly (all of whom played for Preston in their careers) as well as Geoff Hurst and Stanley Matthews.
 The nostalgic quality of Wallace & Gromit's world has been compared to 1950s Beanotown.[41]
 The Wallace & Gromit films are shot using the stop motion animation technique.[75] After detailed storyboarding, set and plasticine model construction, the films are shot one frame at a time, moving the models of the characters slightly to give the impression of movement in the final film. As is common with other animation techniques, the stop motion animation in Wallace & Gromit may duplicate frames if there is little motion, and in action scenes sometimes multiple exposures per frame are used to produce a faux motion blur. Because a second of film constitutes 24 separate frames, even a short half-hour film like A Close Shave takes a great deal of time to animate. General quotes on the speed of animation of a Wallace & Gromit film put the filming rate at typically around 30 frames per day per animator.[76]
 Some effects, particularly the fire, smoke and floating bunnies in The Curse of the Were-Rabbit, proved impossible to create in stop motion and were rendered by computer animation specialists, MPC film.[77] MPC film studied the set for three months to create clay-like animation to match the stop-motion production. By paying close attention to detail, MPC was able to make the animated bunnies blend in with the clay bunnies. Adding imperfections such as fingerprints along with texture to the animated bunnies helped enhance the effect. MPC's collaboration resulted in over 700 effects to aid the film along with colouring to match the visuals.[77]
 Most models were destroyed in the 2005 Aardman studio fire, but a set from A Matter of Loaf and Death is presently on display at the We The Curious science centre.[78] The set and several props from the museum featured in The Wrong Trousers survived as well, as they were being kept at the National Science and Media Museum in Bradford, West Yorkshire, before the fire occurred.
 The music featured in every film was written by British film composer Julian Nott. The theme song was used to wake up astronauts aboard space shuttle mission STS-132 in May 2010.[79] It has been suggested on BBC Radio 4's PM that the theme should become the England football supporters' song, instead of the main title theme of The Great Escape.[80]
 A Wallace & Gromit interactive CD-ROM game from 1996, named Wallace & Gromit Fun Pack, was released for the PC, containing the Crackin' Compendium with three mini-games based on the three original animated shorts as well as brief video clips. The other program in the Fun Pack the Customise-O-Matic contained wallpapers, screen savers and sounds that could be assigned as system sounds.[81] A sequel Fun Pack 2 was released in 2000 featuring enhanced graphics and two new games as well as a remake of the Great Train Game.
 The characters were associated with a 144-issue fortnightly digest called Techno Quest, published by Eaglemoss Publications starting in 1997. It was designed to get children interested in science and technology.[82]
 In 1997, an animated screensaver themed video game entitled Wallace & Gromit Cracking Animator was released. Screensaver games were made by Dibase.[83] Players could create their own multimedia animations through the collation of things like sound effects, sets, characters and props. Players could manipulate the facial movements of characters to synchronise their expressions with dialogue.[84] Players could choose to make their finished creation their screensaver, or choose one of the pre-made screensaver games.[84] The Boston Herald offered a rating of 2.5 stars, noting that creativity is limited.[85]
 In September 2003, Wallace & Gromit in Project Zoo was released for the PlayStation 2, Xbox, GameCube, and Microsoft Windows. This separate story sees the duo take on Feathers McGraw (of The Wrong Trousers) again. Still obsessed with diamonds, he escapes from the penguin enclosure of West Wallaby Zoo, where he was ""imprisoned"" at the end of The Wrong Trousers, and takes over the entire zoo, kidnapping young animals and forcing their parents to work for him, helping him turn the zoo into a diamond mine.
 In 2005, a video game of The Curse of The Were-Rabbit was released for PlayStation 2 and Xbox, following the plot of the film as Wallace and Gromit work as vermin-catchers, protecting customers' vegetable gardens from rabbits, using a ""BunGun"".[86] Gameplay for the Project Zoo involve players exclusively controlling Gromit, as Wallace functions as a helper non-player character, but in The Curse of the Were-Rabbit, gameplay shifts between the two, and includes two-player cooperative play.[87] Both games were developed by Frontier Developments with the assistance of Aardman, with Peter Sallis reprising his role as Wallace. Project Zoo was published by BAM! Entertainment, while The Curse of the Were-Rabbit was published by Konami.[87]
 In July 2008, developer Telltale Games announced a new series of episodic video games based on the characters, called Wallace & Gromit's Grand Adventures.[88] The first episode in Grand Adventures, ""Fright of the Bumblebees"", was released on 23 March 2009.[89] The second episode, ""The Last Resort"", was released on 5 May 2009.[90] Two more episodes, ""Muzzled!"" and ""The Bogey Man"", were released in later 2009. The four episodes have separately been released on Xbox Live Arcade for the Xbox 360.
 On 25 July 2024, a Wallace & Gromit-themed course was added to the virtual reality game Walkabout Mini Golf as downloadable content.[91]
 There are also several interactive games on the official Wallace & Gromit, Shaun the Sheep and Timmy Time websites.
 British publisher Titan Magazines started producing a monthly Wallace & Gromit comic after the debut of Curse of the Were-Rabbit. The characters still run Anti-Pesto, and both Shaun and Feathers McGraw have appeared in the comic.[94]
 The two characters appeared in the monthly BeanoMAX comic until its closure in June 2013, and now appear every four weeks in The Beano.[95] They are heavily featured in 'Aardmag', the free online magazine that is unofficial but supported by Aardman Animations.[96] Nick Park guest-edited the 70th birthday issue of The Beano weekly, and so this issue contained numerous Wallace & Gromit references.[97]
 On 17 May 2010, they began appearing daily in The Sun.[98] It is credited to Titan and Aardman, with scripts written by Richy Chandler, Robert Etherington, Mike Garley, Ned Hartley, Rik Hoskin, David Leach, Luke Paton, J.P. Rutter, Rona Simpson and Gordon Volke, art by Sylvia Bennion, Jay Clarke, Jimmy Hansen, Viv Heath, Mychailo Kazybrid and Brian Williamson. It replaced George and Lynne. A graphic novel compiling all 311 daily strips was released on 8 October 2013, and a second volume followed on 4 November 2014.[99] A third volume was released on 25 March 2015,[100] and a fourth volume was released on 9 September 2015.[101]
 In November 1997 the characters appeared in a play called Wallace And Gromit™ Alive on Stage in a Grand Night Out.[102]
 On 9 March 2011, Shaun the Sheep made its live theatre début in Shaun's Big Show.[103] The 100-minute-long musical/dance show features all the regular characters, including Bitzer, Shirley and Timmy.
 In 2015, Shaun starred in Snow White and the Seven Dwarfs pantomime at Bristol Hippodrome.[104]
 In 2003, Aardman produced a cinematic commercial for the Renault Kangoo starring Wallace and Gromit. The ad played in front of several summer blockbusters in top British cinemas. The commercial, entitled ""The Kangoo-matic"", was Wallace & Gromit's first advertisement. Later Wallace & Gromit commercials were made for Jacob's Cream Crackers, energy supplier Npower and beverage PG Tips.
 The duo were used to promote a Harvey Nichols store that opened in Bristol (where Aardman is based) in 2008. The pictures show them, and Lady Tottington from Wallace & Gromit: The Curse of the Were-Rabbit, wearing designer clothes and items.[105] They were used to prevent a Wensleydale cheese factory from shutting down because of financial difficulties after a member of staff came up with the idea of using Wallace and Gromit as mascots, as Wensleydale is one of Wallace's favourite cheeses.[18][106]
 On 28 March 2009, The Science Museum in London opened an exhibition called ""Wallace & Gromit present a World of Cracking Ideas"". The family-orientated show, open until 1 November 2009,[107] hoped to inspire children to be inventive.[108] Wallace and Gromit were featured in many exhibition-exclusive videos, as well as one announcing the opening of the exhibition.[107]
 In December 2010, Wallace and Gromit featured on series of UK postage stamps issued by the Royal Mail for Christmas.[109] The same month, Nick Park appeared on BBC Radio 4's Desert Island Discs and announced that he was working with Blackpool Pleasure Beach to build a theme park ride based on the characters.[110] Wallace & Gromit's Thrill-O-Matic dark ride was opened by Park at Blackpool Pleasure Beach in 2013.[111]
 Wallace and Gromit appeared in a one-minute special for the Diamond Jubilee of Elizabeth II called Jubilee Bunt-a-thon.[112][113] In 2012, Wallace and Gromit featured on an advert saying ""Inventing For Britain"" which was part of a poster campaign to promote British trade and business aboard in the year they hosted the Olympics.
 In August 2012, they presented an edition of The BBC Proms, Wallace & Gromit's Musical Marvels, as Prom 20 of the 2012 season.[114] Because of its popularity, Wallace & Gromit's Musical Marvels became a full touring show in 2013. It premièred at The Plenary in Melbourne, Australia on 9 February 2013. It was performed at other venues throughout 2013, with A Matter of Loaf and Death screened at each performance.[115]
 In 2013 and 2014 the pair appeared in a nationwide TV, press and cinema campaign promoting the British government's ""Holidays at Home are Great"" directive, called Wallace & Gromit's Great UK Adventure.[116]
 In December 2019, they appeared in a DFS advert created by Krow to celebrate their 30th anniversary. Helena Bonham Carter reprised her role as Lady Tottington with new dialogue for this advert.[117]
 Wallace & Gromit spearheaded the fundraising for two children's charities,[118] Wallace & Gromit's Children's Foundation,[119] which supports children's hospices and hospitals in the United Kingdom, and Wallace & Gromit's Grand Appeal,[120] the Bristol Children's Hospital Charity. In July 2013, 80 giant fibreglass decorated sculptures of Gromit were distributed around Bristol as part of a Nick Park-inspired project to raise funds for the charity. The project is named Gromit Unleashed and sculptures were decorated by a range of artists and celebrities, including Joanna Lumley, Sir Peter Blake, Trevor Baylis and Jools Holland.[121] A similar project featuring Shaun the Sheep called Shaun in the City was in 2015.[122] A third was placed in 2018 called Gromit Unleashed 2, also featuring Wallace & Shaun. In 2020 Gromit Unleashed: The Grand Adventure will be in The Mall, Cribbs Causeway featuring 15 sculptures of Wallace, Gromit, Shaun and Feathers.[123] On  23 August 2023 a fourth trail was announced, the trail in Bristol will run in 2025.[124]
 A theme park ride called Wallace & Gromit's Thrill-O-Matic opened at Blackpool Pleasure Beach on 29 April 2013 by creator Nick Park, Amanda Thompson, Nick Thompson, Nick Farmer and Merlin Crossingham.
 The ride, which cost £5.25 million to make, was created by Blackpool Pleasure Beach design in association with Aardman Animations. The cars on the ride are designed on one of Wallace's slippers, so that, when a rider is seated, it is as if they are sitting inside a large slipper. The ride lasts almost four minutes, and features scenes from A Grand Day Out, The Wrong Trousers, A Close Shave, The Curse of the Were-Rabbit and A Matter of Loaf and Death along with some archive audio and some newly recorded lines from Ben Whitehead as the voice of Wallace.[125]
 In 2007, a spin-off series Shaun the Sheep was created for the character of Shaun, first introduced in 1995's A Close Shave. In the series, Shaun lives with his flock at Mossy Bottom Farm, a traditional small northern English farm. In each episode, their latest attempt to add excitement to their dull mundane life as livestock somehow snowballs into a fantastic sitcom-style escapade, most often with the help of their fascination with human doings and devices. This usually brings them into conflict—and often into partnership—with the farm sheepdog Bitzer, while they all are simultaneously trying to avoid discovery by the Farmer. Following the success of the series, two series of 1-minute shorts were created – Mossy Bottom Shorts and Championsheeps—followed by a television special The Farmer's Llamas (2015) and two feature films, Shaun the Sheep Movie (2015) and A Shaun the Sheep Movie: Farmageddon (2019).
 In 2009, a spin-off of Shaun the Sheep, Timmy Time, was created centring on the character of the same name. In the series, Timmy and his friends[126] have to learn to share, make friends and accept their mistakes.[127] They are supervised by two teachers, Harriet the Heron and Osbourne the Owl. The show is aimed at pre-school-aged children which the company described as ""a natural step for Aardman"".[128]",4261,"Main page; Contents; Current events; About Wikipedia; Help; Learn to edit; Community portal; Upload file; ; learn more; Article; Talk; Read; Read; Upload file; ; Nick Park; A Grand Day Out; Aardman Animations; Wallace & Gromit: The Curse of the Were-Rabbit; Wallace & Gromit: Vengeance Most Fowl; A Grand Day Out; The Wrong Trousers; A Close Shave; A Matter of Loaf and Death; Shaun the Sheep 3D; Wallace & Gromit's Cracking Contraptions; Shaun the Sheep; Timmy Time; Wallace & Gromit's World of Invention; Shaun the Sheep Championsheeps; Shaun the Sheep: The Farmer's Llamas; stop-motion animated; franchise; Nick Park; Aardman Animations; short films; feature-length films; anthropomorphic; beagle; A Grand Day Out; Peter Sallis; Ben Whitehead; facial expressions; body language; BBC News; Lancashire; Northern England; Wigan; alliterative; Holme Valley; West Yorkshire; Wensleydale cheese; Wensleydale; A Grand Day Out; The Wrong Trousers; A Close Shave; Rotten Tomatoes; Wallace & Gromit: The Curse of the Were-Rabbit; second-highest-grossing stop-motion animated film; Chicken Run; A Matter of Loaf and Death; Wallace & Gromit: Vengeance Most Fowl; Feathers McGraw; numerous accolades; British Academy Film Awards; Academy Awards; Peabody Award; ; Nick Park; Wallace & Gromit: The Curse of the Were-Rabbit; A Grand Day Out; Academy Award for Best Animated Short Film; The Wrong Trousers; A Close Shave; The Curse of the Were-Rabbit; DreamWorks; Flushed Away; Americanise; nostalgic; A Matter of Loaf and Death; BAFTA Award; Peter Lord; Peter Sallis; Ben Whitehead; ; Preston, Lancashire; Stuttgart; augmented reality; mobile app; Miriam Margolyes; Isy Suttie; Jim Carter; Preston; Wallace & Gromit: Vengeance Most Fowl; Netflix; List of Wallace & Gromit characters; ; Wigan; vee-necked; sleeveless sweater; Wensleydale; Nick Park; Peter Sallis; Ben Whitehead; elaborate contraptions; W. 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In an Adventure with Scientists!; Shaun the Sheep Movie; accolades; Early Man; A Shaun the Sheep Movie: Farmageddon; Chicken Run: Dawn of the Nugget; Wallace & Gromit: Vengeance Most Fowl; Morph; Creature Comforts; Wallace and Gromit; Angry Kid; Chicken Run; Shaun the Sheep; Peter Lord; Nick Park; David Sproxton; v; t; Shaun the Sheep; Nick Park; Shaun the Sheep Movie; accolades; A Shaun the Sheep Movie: Farmageddon; Episodes; Timmy Time; episodes; Nintendo DS game; Shaun in the City; Shaun the Sheep: The Farmer's Llamas; Home Sheep Home: Farmageddon Party Edition; Aardman Animations; A Close Shave; v; t; International Emmy Award for Outstanding Popular Arts Programming; Armchair Theatre; La cabina; The Evacuees; Henry Ford's America; Rich Little's Christmas Carol; Not the Nine O'Clock News; Vinicius para Crianças - Arca de Noé; The Black Adder; Fresh Fields; Spitting Image; Spitting Image; The New Statesman; Alexei Sayle's Stuff; Mr. Bean; The Curse of Mr. Bean; Drop the Dead Donkey; Drop the Dead Donkey; Red Dwarf; Absolutely Fabulous; Don't Forget Your Toothbrush; Wallace and Gromit; The Vicar of Dibley; Smack the Pony; Smack the Pony; So Graham Norton; Portals; ; Animation; United Kingdom; ; Television; Film; Categories; Wallace and Gromit; Fictional English people; Fictional inventors; Fictional dogs; Fictional duos; Peabody Award winners; Animated duos; Claymation; Stop motion characters; Animated human characters; Films adapted into television shows; Films adapted into comics; Film characters introduced in 1989; Fictional mute characters; Animated characters introduced in 1989; Webarchive template wayback links; All articles with dead external links; Articles with dead external links from December 2021; Articles with permanently dead external links; Articles with dead external links from May 2018; CS1 maint: numeric names: authors list; Articles with short description; Short description is different from Wikidata; Use British English from November 2018; Use dmy dates from October 2024; Dynamic lists; Creative Commons Attribution-ShareAlike 4.0 License; About Wikipedia; Disclaimers",Categories; Wallace and Gromit; Fictional English people; Fictional inventors; Fictional dogs; Fictional duos; Peabody Award winners; Animated duos; Claymation; Stop motion characters; Animated human characters; Films adapted into television shows; Films adapted into comics; Film characters introduced in 1989; Fictional mute characters; Animated characters introduced in 1989,/static/images/icons/wikipedia.png; /static/images/mobile/copyright/wikipedia-wordmark-en.svg; /static/images/mobile/copyright/wikipedia-tagline-en.svg; //upload.wikimedia.org/wikipedia/en/thumb/6/61/Wallace_and_Gromit_logo.svg/220px-Wallace_and_Gromit_logo.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/d/de/Wallace%2C_Gromit%2C_and_creator_Nick_Park.jpg/170px-Wallace%2C_Gromit%2C_and_creator_Nick_Park.jpg; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/6/68/Wallace_and_Gromit_Preston_20211015.jpg/220px-Wallace_and_Gromit_Preston_20211015.jpg; //upload.wikimedia.org/wikipedia/en/thumb/e/ec/Wallace_and_gromit.jpg/250px-Wallace_and_gromit.jpg; //upload.wikimedia.org/wikipedia/en/thumb/9/95/Wg_postal_code2.jpg/220px-Wg_postal_code2.jpg; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/d/d0/Wallace_and_Gromit_The_Wrong_Trousers_set.jpg/240px-Wallace_and_Gromit_The_Wrong_Trousers_set.jpg; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/7/70/Wallace_%26_Gromit%27s_Thrill-O-Matic.JPG/220px-Wallace_%26_Gromit%27s_Thrill-O-Matic.JPG; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/0/09/Bark_at_%E2%80%98EE_Gromit_Bristol.jpg/170px-Bark_at_%E2%80%98EE_Gromit_Bristol.jpg; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/f/fa/Wikiquote-logo.svg/34px-Wikiquote-logo.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/d/da/Animation_disc.svg/20px-Animation_disc.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/en/thumb/a/ae/Flag_of_the_United_Kingdom.svg/21px-Flag_of_the_United_Kingdom.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/8/8c/Blank_television_set.svg/21px-Blank_television_set.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/en/thumb/e/e7/Video-x-generic.svg/19px-Video-x-generic.svg.png; https://login.wikimedia.org/wiki/Special:CentralAutoLogin/start?type=1x1; /static/images/footer/wikimedia-button.svg; /w/resources/assets/poweredby_mediawiki.svg
Chicken Run,https://fr.wikipedia.org/wiki/Chicken_Run,"Julia SawalhaMel GibsonMiranda RichardsonBenjamin WhitrowTony Haygarth
 Série Chicken Run : La Menace nuggets(2023) 
 Pour plus de détails, voir Fiche technique et Distribution. modifier  Chicken Run, ou Poulets en fuite au Québec, est un film d'animation en volume franco-américano-britannique réalisé par Nick Park et Peter Lord sur un scénario signé par Karey Kirkpatrick basé sur une histoire originale de Nick Park et de Peter Lord. Il est sorti en 2000.
 Dans le Yorkshire (Angleterre) dans les années 1950, Ginger, poule pondeuse, cherche constamment à s'évader avec ses congénères du poulailler géré par le couple de fermiers Tweedy, mais ses tentatives sont des échecs. Un jour, un coq américain, Rocky, arrive dans le poulailler par les airs après s'être échappé d'un cirque. S'imaginant qu'il sait voler, Ginger lui demande de donner des cours de vols pour s'évader hors du poulailler. Mais le temps presse car les exploitants changent de stratégie pour plus de rentabilité, abandonnant les œufs pour les tourtes aux poulets et qu'ils viennent d'acheter une nouvelle machine dans ce but. Après avoir échappé à la mort dans cette machine grâce à Rocky, Ginger planifie un nouveau moyen d'évasion qui doit réussir coûte que coûte, car leurs heures sont comptées...
 Ginger est une poule pondeuse dans le poulailler d'une ferme en pleine campagne britannique. L'endroit comporte plusieurs baraquements en bois, enclos par un grillage surmonté de fil de fer barbelé. Il est géré par le couple Tweedy, dont la femme est méchante et acariâtre et le mari faible et poltron. Il peut toutefois se montrer d'une grande méchanceté envers ses poules. Ginger y vit avec ses semblables ainsi qu'avec Poulard, vieux coq radoteur et ancien membre de la RAF. Lassée de son absence de liberté, de sa vie monotone et du risque de finir dans l'assiette des propriétaires, l'énergique et volontaire Ginger essaye régulièrement de s'enfuir, mais se fait rattraper à chaque fois. Son objectif est de faire évader toutes ses congénères. Mais M. Tweedy, paranoïaque, commence peu à peu à se douter de quelque chose, même s'il est régulièrement brimé par sa femme qui trouve ridicule que son mari s'imagine que des poules puissent fomenter un quelconque plan d'évasion.
 Alors que l'une de ses congénères, Edwige, est abattue par les Tweedy car elle ne pondait plus d'œufs, la détermination d'évasion de Ginger atteint son paroxysme. Mais la solution de son nouveau plan d'évasion dévoilée ne fait pas l'unanimité, tandis qu'elle rencontre des soucis de paiement avec les rats Ric et Rac qui lui fournissent les matériaux.
 C'est à ce moment-là qu'elle fait connaissance avec Rocky, un coq américain hâbleur, qui arrive dans le poulailler par la voie des airs, mais se blesse à une aile à l'atterrissage. Alors qu'il s’apprête à repartir, il découvre que le cirque d'où il s'est échappé le recherche et demande à être caché. Mais Ginger et les poules s'imaginent qu'il sait voler, et passent un marché avec lui : s'il leur dispense des cours de vol, elles le cachent pour qu'il ne soit pas renvoyé dans le cirque. Ainsi, Rocky échappe aux recherches du cirque et aux Tweedy.
 Au cours des jours suivants, Rocky essaie de donner des cours de vol aux poules, mais les résultats ne sont pas forcément à la hauteur de leurs attentes, sous les regards amusés des rats. Mais le temps presse car M. et Mme Tweedy décident d'abandonner la vente des œufs, peu rentable, et achètent une machine capable de préparer de façon industrielle des tourtes au poulet. Le lendemain, après l'arrivée de la machine, les Tweedy se rendent dans le poulailler pour mesurer le tour de taille de la poule Babette, la plus grasse, alors que celle-ci s'attendait à être abattue à son tour, n'ayant rien pondu depuis quelques jours. Voulant les poules aussi grasses que Babette, les Tweedy doublent leurs rations. Alors que les poules se précipitent sur la nourriture, Ginger renverse la mangeoire pour leur expliquer qu'on les engraisse pour les tuer ensuite, tout en ignorant encore à quoi elle serviront.
 Démoralisées et attristées, les poules sont invitées par Rocky à une soirée dansante où elles retrouvent le sourire. Mais la soirée est interrompue par le lancement de la nouvelle machine des Tweedy. Ginger est choisie par le couple pour tester l'appareil à fabriquer les tourtes. Rocky s'évade du poulailler pour aller la secourir. Tous deux rentrent dans la machine, mais parviennent heureusement à contourner les systèmes et à saboter l'engin grâce à Rocky qui risque sa propre vie pour sauver la sienne. Tous deux dévoilent aux poules le terrible sort qui les attend. Toutes comptent alors sur les compétences présumées de Rocky, dont la blessure à l'aile est guérie, et attendent de lui qu'il leur fasse une démonstration de vol pour les aider à s'évader.
 Le lendemain, Rocky s'évade en secret du poulailler. Lorsque les poules s'aperçoivent de sa disparition, elles comprennent qu'il leur a menti, et qu'il utilisait un canon dans son numéro de cirque pour être propulsé dans les airs. Alors qu'une bagarre générale éclate entre les poules, Ginger voit la médaille du vieux coq Poulard en forme d'avion et lui vient son idée d'évasion. Elle prend alors la direction des opérations et fait construire un avion de bric et de broc, avec l'apport de différents matériaux fournis par les rats Ric et Rac qu'elles paient en œufs. Mais le temps presse, car pendant ce temps, M. Tweedy répare la machine à tourtes, bien que sa réparation prenne plus de temps que prévu, agaçant sa femme. En début de soirée, Rocky s'arrête devant l'imposante publicité sur les tourtes aux poulets des Tweedy et est pris de remords.
 Le soir, les Tweedy ont réparé la machine, et le mari est chargé par sa femme d'aller chercher toutes les poules. Surprises en pleins travaux, les poules sautent sur M. Tweedy et le ligotent, tandis que sa femme l'attend en lançant la machine à fond. L'évasion est lancée, la cabane dans laquelle elles travaillaient est transformée en avion qui sera piloté par Poulard pendant que les poules pédaleront. La piste de décollage est prête avec la mise en place d'une rampe, l'avion s'élance. Mais M. Tweedy, toujours ligoté, fait tomber la rampe et l'avion est contraint de faire un nouveau tour de piste, dont le demi-tour assomme l'exploitant, et s'accroche à la guirlande lumineuse que les gallinacés utilisaient pour guider la piste. Ginger court hors de l'avion pour remettre la rampe, mais elle est surprise par Mme Tweedy. Soudain, Rocky surgit en tricycle par dessus le grillage pour secourir Ginger en neutralisant Mme Tweedy, puis tous deux relèvent la rampe in extremis au moment du décollage de l'avion. Ginger et Rocky utilisent la guirlande pour grimper à bord de l'avion.
 Mais à peine décollé, l'avion s'avère être plus chargé que prévu. En effet, Mme Tweedy a saisi la guirlande qu'elle grimpe pour atteindre l'avion et le faire redescendre. Ginger tente en vain de couper la guirlande. Mais un concours de circonstances la fait se retrouver face à la fermière sur la guirlande. Ginger esquive un coup de hache qui coupe la guirlande, faisant tomber Mme Tweedy dans la soupape de sécurité de la machine à tourtes et la faisant exploser. Après s'être libéré et ayant échappé à l'explosion, M. Tweedy rappelle à Mme Tweedy son avertissement selon lequel les poules étaient organisées, la faisant grogner jusqu'à ce qu'il pousse la porte de la grange encore debout sur elle. Les poules célèbrent leur victoire pendant que Ginger et Rocky s'embrassent, et ils s'envolent vers une île où ils élisent domicile.
 Légende : Doublage cinéma/vidéo + Doublage télévision
  Source des voix françaises : Voxofilm[2], Comparaison[3]
 En 1995, l'idée de Chicken Run voit le jour quand les réalisateurs Nick Park et Peter Lord imaginent une histoire se déroulant dans un poulailler, et mettant en scène des poules tentant de fuir pour échapper à leur destin funeste. À travers cette comédie, les réalisateurs cherchent à créer une parodie du film culte La Grande Évasion de John Sturges, sorti en 1963. Après avoir présenté le projet à DreamWorks Animation, l'équipe passe deux ans et demi à concevoir les personnages, le scenario et à créer le storyboard[4].
 Le tournage du film dure en tout 18 mois, avec une équipe d'environ 250 personnes. Les têtes et les mains des personnages sont faits de pâte à modeler. Les corps sont sculptés dans de la pâte à modeler qui est ensuite moulée pour en faire du silicone afin de pouvoir appliquer de la peinture plus simplement. À l'intérieur, les personnages sont faits de solides squelettes en acier[5].
 Sur le site Rotten Tomatoes, le film a obtenu un taux d'approbation de 97 % et une note moyenne de 8,1⁄10 basée sur 170 commentaires. Le site s'accorde pour dire que « Chicken Run a tout le charme de Wallace & Gromit de Nick Park et peut plaire à tout le monde. Le doublage est fantastique, le slapstick est brillant et les séquences d'action sont spectaculaires ». Le film tient également un score de 88⁄100, basé sur 34 critiques sur Metacritic, indiquant une « acclamation universelle ». Les spectateurs interrogés par CinemaScore ont attribué au film une note de « A ».
 
 C'est ce film et sa technique d'animation qui ont inspiré le concept et les personnages des Têtes à claques créées par Michel Beaudet[6].
 On y trouve de très nombreuses références au film La Grande Évasion, notamment en ce qui concerne les baraques qui sont similaires, le tunnel qui est clairement le même, le fait que Ginger fasse rebondir une balle pour passer le temps au cachot, la musique, etc., mais aussi à d'autres films du même genre tels que Les Indomptables de Colditz et Stalag 17.
 L'un des personnages s’appelle Mac Bec, probable référence au personnage de Mac Beth, le personnage principal de la pièce du même nom de Shakespeare.
 Le film a aussi trouvé son inspiration dans La ferme des animaux de George Orwell.
 L'Oscar du meilleur film d'animation est créé en 2002 après que les membres de l'académie ont regretté que Chicken Run n'ait pas été sélectionné pour l'Oscar du meilleur film lors de la 73e cérémonie des Oscars, l'année précédente.
 La suite, Chicken Run : La Menace nuggets, est diffusée sur Netflix fin 2023.",1700,"Accueil; Portails thématiques; Article au hasard; Contact; Débuter sur Wikipédia; Aide; Communauté; Modifications récentes; ; Rechercher; en savoir plus; Contributions; Discussion; Article; Discussion; Lire; Lire; Pages liées; Suivi des pages liées; Téléverser un fichier; Pages spéciales; ; Nick Park; Peter Lord; Nick Park; Peter Lord; Karey Kirkpatrick; Harry Gregson-Williams; John Powell; Julia Sawalha; Mel Gibson; Miranda Richardson; Benjamin Whitrow; Centre National de la Cinématographie; Aardman Animations; DreamWorks Animation; Pathé; ; Royaume-Uni; ; États-Unis; ; France; Animation; 2000; Chicken Run : La Menace nuggets; ; Québec; film; animation en volume; franco; américano; britannique; Nick Park; Peter Lord; Karey Kirkpatrick; Nick Park; Peter Lord; 2000; Yorkshire; Angleterre; années 1950; poule pondeuse; s'évader; poulailler; fermiers; coq; américain; cirque; œufs; tourtes; grillage; fil de fer barbelé; RAF; Peter Lord; Nick Park; Karey Kirkpatrick; Nick Park; Peter Lord; Harry Gregson-Williams; John Powell; Steve Jablonsky; Gavin Greenaway; Geoff Zanelli; Simon Wells; Brenda Chapman; Kelly Asbury; Loyd Price; Peter Lord; Nick Park; David Sproxton; Aardman Animations; DreamWorks Pictures; Pathé Distribution; TVA International; Divertissement Paramount Pictures Canada; ; Royaume-Uni; ; États-Unis; ; France; anglais; 2,35:1; 35 mm; animation; États-Unis; Royaume-Uni; France; États-Unis; France; Julia Sawalha; Mel Gibson; Imelda Staunton; Timothy Spall; Benjamin Whitrow; Jane Horrocks; Miranda Richardson; Phil Daniels; John Sharian; United International Pictures; Pathé; [réf. nécessaire]; Dorothée Jemma; Patrick Poivey; Évelyne Grandjean; Gérard Hernandez; Michel Prud'homme; Marie Vincent; Véronique Alycia; Danielle Volle; Patrick Préjean; Éric Métayer; Céline Mauge; Caroline Combes; Valérie Lemercier; Gérard Depardieu; Josiane Balasko; Frédéric Norbert; Claude Piéplu; Sophie Arthuys; Lucie Dolène; Béatrice Agenin; Henri Guybet; Cédric Dumond; Nick Park; Peter Lord; La Grande Évasion; John Sturges; DreamWorks Animation; storyboard; Rotten Tomatoes; Metacritic; CinemaScore; ; États-Unis; ; Canada; ; France; ; Têtes à claques; Michel Beaudet; La Grande Évasion; Les Indomptables de Colditz; Stalag 17; Mac Beth; Shakespeare; La ferme des animaux; George Orwell; Oscar du meilleur film d'animation; 2002; Oscar du meilleur film; 73e cérémonie des Oscars; Chicken Run : La Menace nuggets; Netflix; 2023; Vimeo; BBC; TVA; Chicken Run : La Menace nuggets; Wallace et Gromit; Animation de pâte à modeler; Centre national du cinéma et de l'image animée; Notices d'autorité; v; DreamWorks Animation; Fourmiz; Shrek; Shrek 2; Gang de requins; Madagascar; Nos voisins, les hommes; Shrek le troisième; Bee Movie : Drôle d'abeille; Kung Fu Panda; Madagascar 2; Monstres contre Aliens; Dragons; Shrek 4 : Il était une fin; Megamind; Kung Fu Panda 2; Le Chat potté; Madagascar 3 : Bons Baisers d'Europe; Les Cinq Légendes; Les Croods; Turbo; M. 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//upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/c/c1/Blue_iPod_Nano.jpg/10px-Blue_iPod_Nano.jpg; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/d/da/Animation_disc.svg/26px-Animation_disc.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/5/50/Jester01_recadre.png/42px-Jester01_recadre.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/e/e2/Pinicola_enucleator.png/30px-Pinicola_enucleator.png; https://login.wikimedia.org/wiki/Special:CentralAutoLogin/start?type=1x1; /static/images/footer/wikimedia-button.svg; /w/resources/assets/poweredby_mediawiki.svg,https://en.wikipedia.org/wiki/Chicken_Run,Chicken Run,https://en.wikipedia.org/wiki/Chicken_Run,"Chicken Run is a 2000 animated adventure comedy film[9] produced by Pathé and Aardman Animations in partnership with DreamWorks Animation.[10][11] Aardman's first feature-length film, it was directed by Peter Lord and Nick Park (in their feature-length directorial debuts) from a screenplay by Karey Kirkpatrick and based on an original story by Lord and Park.[12] The film stars the voices of Julia Sawalha, Mel Gibson, Tony Haygarth, Miranda Richardson, Phil Daniels, Lynn Ferguson, Timothy Spall, Imelda Staunton, and Benjamin Whitrow. Set in the countryside of Yorkshire, the plot centres on a group of British anthropomorphic chickens who see an American rooster named Rocky Rhodes as their only hope to escape the farm when their owners want to turn them into chicken pies.
 Chicken Run was a critical and commercial success, grossing over $220 million and becoming the highest-grossing stop-motion animated film in history. At the time, this film was DreamWorks Animation's most successful release, but this was overtaken by Shrek the following year.[13]
 23 years later, a sequel, titled Chicken Run: Dawn of the Nugget, was released on Netflix on 15 December 2023.[14] Its Netflix release followed its world premiere at the 67th BFI London Film Festival on 14 October 2023, which would also see preview screenings taking place at UK cinemas at the same time.[15]
 In the countryside of Yorkshire,[16] a flock of chickens live on an egg farm structured like a prisoner-of-war camp. The farm is run by the cruel Mrs Tweedy and her submissive husband, Mr Tweedy, who kill and eat any chicken that is no longer able to lay eggs. Led by the rebellious Ginger, the chickens constantly devise new ways to try to escape but are always caught. Mr Tweedy suspects the chickens are organised and plotting resistance, but his wife dismisses his theories while being frustrated with making minuscule profits.
 One night, Ginger witnesses an American rooster named Rocky Rhodes glide over the coop's fences and crash-land; the chickens put his sprained wing in a cast and hide him from the Tweedys, who have been promised a handsome reward by Rocky's owner for his return. Inspired by Rocky's apparent flying abilities, Ginger begs him to help teach her and the other chickens to fly so they can escape, threatening to alert the humans if he refuses. Rocky reluctantly gives them training lessons. One evening, a load of equipment is delivered to the farm, containing the parts for a chicken pie machine that Mrs Tweedy has ordered as part of a plan to convert the farm into a profitable pie-making factory. When the Tweedys increase the chickens' food rations and ignore the decline in egg production, Ginger deduces that the couple's new plan is to fatten the chickens for slaughter. After Ginger and Rocky get into an argument, Rocky holds a morale-boosting dance party during which it is revealed that his wing is healed. Ginger insists that he demonstrate flying the next day, but Mr Tweedy finishes assembling the machine and puts Ginger in it for a test run. Rocky saves her and sabotages the machine, buying them time to warn the chickens and plan an escape from the farm.
 The next day, Ginger finds Rocky has left, leaving behind part of a poster that shows that he is in fact part of a ""chicken cannonball"" act with no ability to fly on his own, making them realize that their chance to learn how to fly has been crushed. In the midst of being devastated, Ginger is inspired by elderly rooster Fowler's stories of his time in the Royal Air Force to build an aircraft to flee the farm. The chickens assemble parts for the plane as Mr Tweedy fixes the pie-making machine. Meanwhile, Rocky comes across a billboard advertising Mrs Tweedy's chicken pies and returns to the farm out of guilt.
 Mrs Tweedy orders Mr Tweedy to gather all the chickens for the machine, but the chickens subdue him and finish the plane, which Ginger persuades Fowler to pilot. As the plane approaches the take-off ramp, Mr Tweedy is able to knock over the ramp before being knocked out; Ginger races to reset the ramp, but a now-alerted Mrs Tweedy attacks her. Before Mrs Tweedy can hurt Ginger, Rocky returns and subdues her, before holding up the ramp with Ginger, allowing the plane to take flight. Rocky and Ginger grab onto the runway lights, which have been snagged by the departing plane. An axe-wielding Mrs Tweedy follows them by climbing up the lights, but Ginger tricks Mrs Tweedy into cutting the line, sending her falling into the pie machine, causing it to explode in a mushroom cloud of gravy.
 The chickens celebrate their victory after defeating the Tweedys while Ginger and Rocky kiss each other, and they fly to an island bird sanctuary where they make their home. Sometime later, the chickens have settled into their new home, and Rocky and Ginger have started a romantic relationship. Nick and Fetcher, two rats that have been helping the chickens throughout the escape, decide to set up their own egg farm, but they fall into a circular debate over whether they must use a chicken or egg to start it.
 Chicken Run was first conceived in 1995 by Aardman co-founder Peter Lord and Wallace and Gromit creator Nick Park. According to Park, the project started as a spoof on the 1963 film The Great Escape.[17] Chicken Run was Aardman Animations' first feature-length production, which would be executive produced by Jake Eberts. Nick Park and Peter Lord, who run Aardman, directed the film,[18] while Karey Kirkpatrick scripted, with additional input from Mark Burton[citation needed] and John O'Farrell.[citation needed]
 When a chicken speaks, each sound corresponds to a different beak that was placed on the character.[19]
 Pathé agreed to finance the film in 1996, putting their finances into script development and model design. DreamWorks officially came on board in 1997.[4][20] They beat out studios including Disney, 20th Century Fox (which had distributed the Wallace & Gromit shorts in the U.S.), and Warner Bros. and largely won due to the perseverance of DreamWorks co-chairman Jeffrey Katzenberg; as a company they were eager to make their presence felt in the animation market in an attempt to compete with Disney's dominance of the field.[4] Katzenberg explained that he had ""been chasing these guys for five or six years, ever since I first saw Creature Comforts.""[4] DreamWorks secured their first animated feature with the film, and they handled distribution in all territories except Europe, which Pathé handled.[4] The two studios co-financed the film.[4] DreamWorks also retains rights to worldwide merchandising.[4]
 Principal photography began on 29 January 1998. During production, 30 sets were used with 80 animators working along with 180 people working overall. The result was one minute of film completed for each week of filming, and production wrapped on 18 June 1999.[20]
 John Powell and Harry Gregson-Williams composed the music for the film, which was released on 20 June 2000 under the RCA Victor label.[21][22][23] It was recorded at the Abbey Road Studios in London.[24] Powell incorporated some kazoos and whistles to create an even funnier soundtrack.
 The review aggregator website Rotten Tomatoes reported a 97% approval rating and an average rating of 8.1/10, based on 174 reviews. The website's critics consensus reads: ""Chicken Run has all the charm of Nick Park's Wallace & Gromit, and something for everybody. The voice acting is fabulous, the slapstick is brilliant, and the action sequences are spectacular.""[25] At Metacritic the film has a weighted average score of 88 out of 100, based on 34 critics, indicating ""universal acclaim"".[26] Audiences polled by CinemaScore gave the film an average grade of ""A−"" on an A+ to F scale.[27]
 Roger Ebert of the Chicago Sun-Times gave three and a half stars out of four, writing: ""So it truly is a matter of life and death for the chickens to escape from the Tweedy Chicken Farm in Chicken Run, a magical new animated film that looks and sounds like no other. Like the otherwise completely different Babe, this is a movie that uses animals as surrogates for our hopes and fears, and as the chickens run through one failed escape attempt after another, the charm of the movie wins us over.""[28]
 Chicken Run and its sequel have been noted for their depiction of feminism,[29][30][31][32] revolution,[29][30] Marxism,[33][29][34] veganism[35] and fascism.[36] According to Florentine StrzeIczyk, Chicken Run points to the way that masculinity and femininity are mediated in popular film genres.[36] It also received attention for its female-led cast. Film School Rejects called the movie feminist, noting that ""the stereotypical 'woman's work' of these female chickens (such as their sewing and knitting) is crucial in constructing their mechanism for escape and vital towards the revolution itself.""[30] The Islamic Republic of Iran News Network argued it was a way to disguise Zionism[37] and Western propaganda.[31][37]
 On opening weekend, the film grossed $17,506,162 for a $7,027 average from 2,491 theatres. Overall, the film placed second behind Me, Myself & Irene.[38][39] In its second weekend, the film held well as it slipped only 25% to $13,192,897 for a $4,627 average from expanding to 2,851 theatres and finishing in fourth place.[40] The film's widest release was 2,953 theatres, after grossing $106,834,564 in the United States and Canada. In the United Kingdom, it was the third highest-grossing film of the year with a gross of $43 million.[41] With an additional $75 million from other markets, it grossed $224,834,564 worldwide. Produced on an estimated budget of $42–45 million, the film was a huge box office hit. To date, it is still the highest grossing stop motion animated movie.
 Chicken Run was released on VHS and DVD in the United States on November 21, 2000 by DreamWorks Home Entertainment.[60]
 Universal Pictures Home Entertainment released Chicken Run on Blu-ray in North America on January 22, 2019.[61]
 In January 2022, the title for the sequel was revealed as Chicken Run: Dawn of the Nugget and was announced for a 2023 release on Netflix.[62][63][64] Zachary Levi, Thandiwe Newton, Romesh Ranganathan and Daniel Mays were revealed to be replacing Gibson, Sawalha, Spall and Daniels as the voices of Rocky, Ginger, Nick and Fetcher; David Bradley voiced Fowler due to Whitrow's death in 2017, while Horrocks, Staunton and Ferguson reprised their roles as Babs, Bunty and Mac.[65] Bella Ramsey has been cast as Molly, while Nick Mohammed and Josie Sedgwick-Davies voiced two new characters, Dr Fry and Frizzle, respectively. Sam Fell directed with Steve Pegram and Leyla Hobart producing. Kirkpatrick and O'Farrell wrote the script with Rachel Tunnard.[65] In June 2023, Gregson-Williams was revealed to be composing the sequel.[66] Later that month, it was officially announced that the film would release on Netflix on 15 December 2023.[67] Its Netflix release followed its world premiere at the 67th BFI London Film Festival on 14 October 2023, which would also see preview screenings taking place at UK cinemas at the same time.[15]
 Chicken Run is a stealth-based 3-D platformer based on the movie. It was released in November 2000 on most consoles. The game is a loose parody of the film The Great Escape, which is set during World War II.[68]",1856,"Main page; Contents; Current events; About Wikipedia; Help; Learn to edit; Community portal; Upload file; ; learn more; Article; Talk; Read; Read; Upload file; Chicken Run (video game); ; Peter Lord; Nick Park; Karey Kirkpatrick; David Sproxton; Phil Daniels; Lynn Ferguson; Mel Gibson; Tony Haygarth; Jane Horrocks; Miranda Richardson; Julia Sawalha; Timothy Spall; Imelda Staunton; Benjamin Whitrow; Dave Alex Riddett; John Powell; Harry Gregson-Williams; Aardman Animations; DreamWorks Animation; Allied Filmmakers; Pathé; Pathé Distribution; StudioCanal; DreamWorks Pictures; adventure; comedy film; Pathé; Aardman Animations; DreamWorks Animation; Peter Lord; Nick Park; Karey Kirkpatrick; Julia Sawalha; Mel Gibson; Tony Haygarth; Miranda Richardson; Phil Daniels; Lynn Ferguson; Timothy Spall; Imelda Staunton; Benjamin Whitrow; Yorkshire; anthropomorphic; highest-grossing stop-motion animated film in history; Shrek; Chicken Run: Dawn of the Nugget; Netflix; BFI London Film Festival; Yorkshire; chickens; egg farm; prisoner-of-war camp; chicken pie; Royal Air Force; mushroom cloud; gravy; bird sanctuary; rats; chicken or egg; ; ; ; ; ; ; Mel Gibson; Miranda Richardson; Timothy Spall; Jane Horrocks; Imelda Staunton; Lynn Ferguson; Julia Sawalha; Mel Gibson; Miranda Richardson; Tony Haygarth; Benjamin Whitrow; Timothy Spall; Phil Daniels; Jane Horrocks; Imelda Staunton; Lynn Ferguson; Wallace and Gromit; The Great Escape; Aardman Animations; Jake Eberts; Nick Park; Peter Lord; Karey Kirkpatrick; Mark Burton; citation needed; John O'Farrell; citation needed; Pathé; DreamWorks; Disney; 20th Century Fox; Wallace & Gromit; Warner Bros.; Jeffrey Katzenberg; Creature Comforts; Principal photography; John Powell; Harry Gregson-Williams; RCA Victor; Rotten Tomatoes; Wallace & Gromit; Metacritic; CinemaScore; Roger Ebert; Chicago Sun-Times; Babe; feminism; revolution; Marxism; veganism; fascism; masculinity; 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Madagascar,https://fr.wikipedia.org/wiki/Madagascar,"Pour les articles homonymes, voir Madagascar (homonymie).
 
 (mg) Repoblikan'i Madagasikara  (fr) République de Madagascar  18° 54′ 44″ S, 47° 31′ 18″ E modifier  Madagascar (en malgache : Madagasikara), en forme longue république de Madagascar (en malgache : Repoblikan'i Madagasikara), est un État insulaire situé dans l'océan Indien et géographiquement rattaché au continent africain, dont il est séparé par le canal du Mozambique. Longue de 1 580 km et large de 580 km, Madagascar couvre une superficie de 587 000 km2 qui la classe quatrième île du monde, après le Groenland, la Nouvelle-Guinée et Bornéo. Sa capitale est Antananarivo[8] et le pays a pour monnaie l'ariary. Ses habitants, les Malgaches, sont un peuple associant un mélange de populations d'origines austronésiennes et est-africaines, mais parlant une langue malayo-polynésienne : le malgache. Le pays est entouré par d'autres îles et archipels : les Comores (dont Mayotte), les Mascareignes (dont La Réunion et Maurice) et les Seychelles[9].
 Durant la majeure partie du XIXe siècle, l'île est administrée par le royaume de Madagascar, cette administration s'exerce dans le cadre du protectorat français de Madagascar après 1883, à la suite de la première expédition de Madagascar. Considérant que le protectorat est peu appliqué par le gouvernement malgache, la France organise une deuxième expédition militaire à partir de 1895. Les établissements français de Diego-Suarez, de Nosy Be et de l'Île Sainte-Marie sont rattachés au protectorat le 28 janvier 1896. Les troubles consécutifs à l'intervention militaire française conduiront, en 1897, à la fin de l'autonomie malgache, à l'annexion de l'île par la France et à La Réunion de l'ancien protectorat et d'autres territoires français au sein de la colonie de Madagascar et dépendances. Le premier gouvernement autonome malgache renaît le 14 octobre 1958 lorsque la république de Madagascar est proclamée sur le territoire de l'ancien protectorat (territoire de l'ancien royaume mérina et des anciens établissements français de Diego-Suarez, de Nosy Be et de l'île Sainte-Marie) tout en restant membre de la Communauté française. En 1960, la République malgache accède à l'indépendance, ce qui fait du pays l'un des premiers à devenir souverain dans cette zone de l'océan Indien.
 Le pays est divisé en six anciennes provinces (faritany) historiques, de même nom que celui de leurs capitales : Antananarivo (ou Tananarive), Antsiranana (ou Diego-Suarez), Fianarantsoa, Majunga (ou Mahajanga), Tamatave (ou Toamasina) et Toliara (ou Tuléar).
 Durant vingt siècles, Madagascar a été façonnée par des peuples venant d'horizons divers (Afrique, Sud-Est asiatique (Indonésie), Proche-Orient, Europe, etc.) pour créer la société pluriculturelle malgache actuelle. Ce pays de plus de 26 millions d’habitants est très diversifié sur le plan culturel et compte 18 ethnies distinctes (foko = « groupe », « tribu », « caste »), ou nations autochtones, parlant chacune un dialecte malgache, ainsi que trois minorités arrivées au cours des trois derniers siècles, les Karanes, les Sinoas et les Vazahas.
 Madagascar appartient au groupe des pays les moins avancés selon l'ONU[10]. En effet, Madagascar fait face à une croissance insuffisante et une pauvreté persistante, en grande partie à cause de faiblesses de la gouvernance[11].
 L'île de Madagascar est nommée de bien des façons au cours des siècles par les différents peuples qui l'ont visitée : on lit chez les navigateurs les noms de Ménouthias (dans la Géographie de Ptolémée, mais il n'est pas sûr qu'il désigne bien cette île), Phébol, Qanbalû (par les Arabes), Bukini (en swahili), Wakwak (pour certains peuples malgaches), Cerné, Malichu ou Madeigester, sans qu'il soit toujours certain que tous ces témoignages se rapportent bien à la même île[12].
 Le nom arabe de Madagascar est « Ķ(u)mr’ » (homonyme d'une montagne africaine, peut-être le Kilimandjaro et non de la lune - qamar - comme souvent affirmé), qui a peut-être désigné toutes les îles situées sous le nuage de Magellan avant d'être finalement réservé aux îles Comores (« Jouzour al qomr »)[13]. Quant aux Portugais, ils la baptisent brièvement São Lourenço, découverte par Diogo Dias, le 10 août 1500, jour de la Saint Laurent[14],[13].
 Le terme « Madagascar » est d'origine européenne et semble être une translittération de l'arabe بالإيطالية soit malay-jazayra, « île malaise » (les Arabes ayant remarqué la parenté linguistique entre Malgaches et Malais, avec qui ils commerçaient). Ce mot a d'ailleurs également eu des traductions latines en malai insula, abrégé en malains[h]u puis Malichu, forme que l'on retrouve sur certaines cartes de la Renaissance[12].
 Pour d'autres, le nom de « Madagascar » serait issu d'une faute de scribe écrivant le nom persan de l'île Madagasbar, puisque Madgâshî-bar signifierait dans cette langue le « pays des malgaches »[15].
 Certaines sources suggèrent que ce serait également l'étymologie de Ķ(u)mr’, qui pourrait être apparenté à khmer (même si Khmers et Malais sont des peuples bien distincts)[13].
 Situé dans la partie sud-ouest de l’océan Indien, au sud de l’équateur et traversé par le tropique du Capricorne, Madagascar est la quatrième plus grande île du monde en superficie (591 896 km2)[16] après le Groenland, la Nouvelle-Guinée et Bornéo. Elle fait partie de l'Afrique, le canal du Mozambique, d'une largeur d'environ 400 km, la séparant de l'Afrique de l'Est continentale.
 La Grande Île, parfois appelée « l’île Rouge » en référence à la latérite qui colore ses plateaux, s’étire sur 1 580 km du nord au sud, pour 500 km d'est en ouest avec un maximum à 575 km, et comporte 4 828 km de côtes. Elle est entourée de l'archipel des Comores (300 km au nord-ouest), des Seychelles (1 000 km au nord), de La Réunion (800 km à l’est), de l'île Maurice (868 km à l’est), du Mozambique (400 km à l'ouest) et est ceinturé par les Îles Éparses de l'océan Indien (Tromelin, Glorieuses, Juan de Nova, Bassas da India et Europa).
 Le relief divise le pays en trois bandes : à l'est, une étroite bande de falaises s’aplanit brusquement en une mince plaine côtière bordée par l’océan Indien ; des hauts plateaux au centre, enfin à l'ouest, une zone plus large et plus étalée, occupée par des plaines alluvionnaires à faible déclivité jusqu’au canal du Mozambique.
 Les hauts plateaux centraux dans le sens nord-sud ont une altitude oscillant entre 800 et 1 500 m et couvrent 60 % de l'île ; ils s'élèvent brusquement lorsqu'on approche le pays par la côte est et descendent beaucoup plus doucement vers les vastes plaines de l'Ouest. Les hauts plateaux comptent trois principaux massifs : au nord, le Tsaratanana, qui possède le plus haut sommet de l'île (un pic volcanique de 2 876 m d'altitude, le Maromokotro), au centre le massif volcanique de l'Ankaratra avec 2 642 m d'altitude au Tsiafajavona et au sud l'Andringitra, qui culmine au pic Boby à 2 658 m.
 Outre ces ensembles montagneux majeurs, on distingue aussi au nord, à une trentaine de kilomètres au nord-ouest du Maromokotro, dans la région Diana, la chaîne Tsiafapandroaka, dont l'altitude moyenne est de 508 m. Toujours dans la même région, on trouve la chaîne de l'Andrafiamena, qui culmine à une altitude de 760 m. Elle fait partie de l'aire protégée Andrafiamena-Andavakoera. Au sud-ouest, répartie sur les régions Menabe et Atsimo-Andrefana, se situe la chaîne de Makay, d'une longueur de 120 km sur 50 km de large et culminant à environ 750 m d'altitude. Très sauvage, sillonné de nombreux canyons, cet ensemble montagneux est encore peu connu du grand tourisme. Plus au sud, dans la région d'Ihorombe, se dresse le massif de l'Isalo, très original par son relief ruiniforme et ses canyons, et qui, pour ces raisons, a fait l'objet d'un parc national[17]. Son altitude atteint 1 304 m au Mitsinjoroy[18]. Au sud et sud-est, en se dirigeant vers la côte orientale, on rencontre les monts de l'Ivakoany, qui s'élèvent à 1 644 m. De là partent vers le nord les monts Kalambatritra (1 842 m) qui séparent la vallée de l'Onilahy (qui coule vers le canal du Mozambique) de celle de l'Ionaivo (qui coule vers le nord pour se jeter dans la Mananara)[19].
 La côte orientale est bordée de lagons abrités par une barrière de corail. La côte nord-ouest (sur le canal du Mozambique) comporte de nombreuses îles dont celles de Nosy Be et Nosy Mitsio.
 L'hydrographie de Madagascar est caractérisée par une distribution asymétrique de ses cours d'eau, influencée par la topographie et les précipitations. À l'est de l'île, les cours d'eau sont abondants et longs, coulant à travers des régions forestières et montrant une forte pente, alimentés par les précipitations régulières. Ces cours d'eau, tels que le fleuve Mananjary, maintiennent un débit constant tout au long de l'année, bien que leur eau puisse prendre une teinte brunâtre due à l'érosion accrue des terres forestières. En revanche, les fleuves de l'ouest, prenant source sur les hautes terres, sont généralement plus longs mais moins abrupts, avec des variations saisonnières marquées de débit, influencées par les saisons de pluie et de sécheresse. Ces cours d'eau, comme le Mangoky, présentent des crues impressionnantes pendant la saison des pluies, teintées en rouge par l'érosion des sols occidentaux. Les plaines de l'ouest peuvent être sujettes à des inondations dévastatrices après le passage de cyclones, affectant les habitants et leurs cultures[20],[21].
 Les étendues d'eau de Madagascar, couvrant environ 0,94 % de la superficie totale, forment un ensemble diversifié[20], entre autres:
 La tectonique des plaques montre qu'au Permo-Trias (250–200 Ma), Madagascar, l’Afrique, l’Inde, l’Australie, l’Antarctique et l’Amérique du Sud étaient réunis en un supercontinent appelé Gondwana. Il y a 250 millions d’années, le Gondwana s'est disloqué pour former les cinq continents : à une première phase de rifting qui a commencé au Permo-Trias, suit une phase d’ouverture océanique du Jurassique moyen au Crétacé supérieur (180–70 Ma) avec la formation des bassins de Somalie au nord et de Mozambique au sud, relié par la ride de Davie entraînant la plaque Indo-Malgache vers le sud[22]. L’extension de la dorsale centrale indienne il y a 150 millions d'années sépare l’Inde de Madagascar avec un épisode de compression le long de la ride de Davie alors exhumée. Au cours de cette océanisation, l'Inde opère une remontée du sud au nord vers l'Asie, il y a entre 150 et 50 millions d'années, à une vitesse estimée d'environ 15 cm/an, ce qui aboutit à une collision avec l'ancienne plaque eurasienne (l'ancien Tibet), provoquant la surrection de l'Himalaya et l'expulsion du bloc indochinois vers le sud-est[23].
 L'amincissement lithosphérique et la remontée asthénosphérique à la hauteur de Madagascar suggèrent que l'île est soumise à une extension E-W depuis le Miocène, contemporaine et de direction parallèle à l’ouverture du rift Est-Africain. Ainsi, le rifting afromalgache qui se développe actuellement témoigne de la reprise, depuis le Néogène, du démantèlement du Gondwana[24].
 Cette origine permet d’expliquer l’existence d’une faune et d’une flore communes à Madagascar et au sud des continents africain, asiatique et américain, ainsi que des profils géologiques très proches.
 Néanmoins, l'isolement de Madagascar au cours des temps géologiques a fait évoluer la faune et la flore de façon unique. On trouve donc sur la Grande Île des espèces particulières qui n'existent nulle part ailleurs (endémiques), dont les lémuriens sont un exemple célèbre (bien qu'on puisse en trouver sur l'archipel des Comores). D'un point de vue géologique, on retrouve dans la structure de la Grande Île toutes les périodes de l’histoire de la planète.
 Le point culminant de Madagascar est le Maromokotro dans le massif du Tsaratanana dans le massif volcanique nord, qui culmine à 2 876 m d’altitude.
 Du fait de son relief, Madagascar réunit une véritable mosaïque de paysages. L’île est faite de contrastes entre le bush du grand Sud, les forêts humides de l’est, les hauts plateaux granitiques du centre, parfois surmontés de massifs volcaniques et les savanes des collines sédimentaires de l’ouest.
 L'île de Madagascar bien que faisant partie de l'Afrique, est parfois surnommée « le huitième continent »[25].
 Madagascar est découpé en cinq zones climatiques :
 L’île subit l’influence des alizés et de la mousson. Il existe deux saisons : la saison des pluies (saison chaude), de novembre à avril, et la saison sèche (saison fraîche), de mai à octobre.
 Dans le passé, d'importantes variations climatiques et environnementales (« hypervariations ») semblent avoir touché certaines parties de la grande île[26], qui pourraient expliquer le « nanisme » de certaines espèces de lémuriens (microcèbes)[27].
 Madagascar est particulièrement exposée au changement climatique[28]. L'île a en effet été classée septième pays le plus affecté par le changement climatique en 2017 par le Global Climate Risk Index. Dans une étude publiée par le WWF en mars 2019, l’ONG écrivait que « les résultats des projections des scientifiques sur la Grande Ile sont alarmants. Même si nous limitons l’augmentation de la température de la Terre à 2 °C — objectif des pays signataires de l’accord de Paris —, la situation climatique sera insoutenable pour 25 % des espèces de Madagascar. Ce qui provoquera leur extinction dans les années 2080 »[29].
 Fin janvier 2022, la tempête Ana provoque la mort de 48 personnes et le déplacement de 72 000 Malgaches ayant perdu leur maison[30].
 Très étirée entre l'équateur et le tropique du Capricorne, l’originalité de Madagascar réside dans son extrême diversité : la variété du relief et du climat a favorisé la biodiversité d’une flore et d’une faune caractérisées par un important taux d’endémisme, bien que l'île n’abrite plus qu’une partie de sa forêt primaire.
 Récifs de corail, plages de sable fin, arbres du voyageur (ravinala), allées de baobabs, jungle aquatique, savanes. La côte nord-ouest est protégée par une barrière corallienne comme un atoll. Le littoral oriental est une chaîne de falaises couronnées d'arbres géants. À l'intérieur, au nord, des cuvettes fertiles ; au sud, une brousse d'épineux ; au centre, des montagnes.
 En 2003, le Président Marc Ravalomanana a annoncé qu’il triplerait la superficie des aires protégées de l’île pour atteindre six millions d’hectares. En décembre 2005, le pays a créé un million d’hectares d’aires protégées nouvelles. En 2007, plus d’un million d’hectares supplémentaires (soit un total de 3,7 millions d’hectares) incluant :
 Madagascar est isolée de l'Afrique continentale et de l'Asie depuis plus de 80 millions d'années et a développé une flore et une faune distinctives, avec plus de 90 % de ses espèces endémiques à la nation insulaire[31]. La biodiversité de l'île est fortement menacée[32].
 L'isolement biogéographique de Madagascar, la variété des climats et des reliefs ont favorisé le développement d'une faune et d'une flore uniques au monde, en partie endémiques (dont l’Hapalémur gris du lac Alaotra (Hapalemur alaotrensis), unique primate au monde à vivre dans des roseaux). On découvre encore de nouvelles espèces dans le pays ; en 11 ans, au début du XXIe siècle, ce sont ainsi 41 mammifères, 61 reptiles, 69 amphibiens, 17 poissons, 42 invertébrés et 385 plantes qui ont été découvertes sur l’île, soit plus de 600 nouvelles espèces animales et végétales au total. Parmi elles figurent le plus petit primate du monde, un lémurien de dix centimètre (Microcebus berthae) ou encore un caméléon au museau inhabituellement long (Calumma crypticum)[33]. Dans les espèces végétales remarquables, on peut citer le Baobab amoureux. Un grand nombre de ces espèces, animales ou végétales, ont été nommées avec l'épithète spécifique madagascariensis ou madagascariense. Un genre d'archées et un genre de serpents ont également été nommés en référence à Madagascar : Madagascarchaea et Madagascarophis.
 Cette biodiversité est cependant très fragilisée par le développement de l'agriculture et par la déforestation en partie illégale. Les Malgaches pratiquent de façon intense la culture sur brûlis.
 Madagascar a perdu 44 % de sa couverture forestière depuis les années 1950. Entre 50 000 et 100 000 hectares de forêts sont détruits chaque année[34].
 La faune marine est également très riche, bien qu'encore mal connue.
 L'avifaune de Madagascar comprend 294 espèces dont 107 endémiques : voir la liste des espèces d'oiseaux de Madagascar. Les amphibiens de Madagascar comportent 247 espèces dont 245 endémiques : voir la liste des amphibiens de Madagascar.
 L'île abrite les deux tiers des caméléons présents dans le monde et 50 espèces de lémuriens que l'on ne trouve que sur place[35] ; parmi ces derniers qui représentent 15 % des espèces et sous-espèces de primates connus au monde[36], 96 % des espèces de lémuriens sont considérées comme étant menacées d’extinction. D’ici à 2070, 95 % de l’habitat des lémuriens pourraient être détruits du fait de la déforestation et du réchauffement climatique[37].
 Les découvertes archéologiques permettent d'envisager une première présence de l'espèce humaine à Madagascar il y a au moins 10 000 ans[38],[39]. Ce sont des traces d'actes de boucherie sur un oiseau géant, l’æpyornis, espèce aujourd'hui disparue.
 L'origine de la population malgache actuelle est diverse et discutée. Les Malgaches sont tantôt considérés comme majoritairement d'ascendance austronésienne (comme leurs langues) tantôt, compte tenu de la proximité de l'Afrique (400 km des côtes de Madagascar), comme majoritairement Africains. Des origines indiennes, mélanésiennes ou même phéniciennes ont été aussi proposées[40].
 Une grande étude pan-génomique (le projet MAGE, Madagascar Génétique et Ethnolinguistique[41]) a été lancé sur tout le territoire malgache. Cette étude a montré en 2018 que chaque Malgache est le fruit d'un ancien métissage entre des populations de langue austronésienne et de populations de langue bantoue[42]. Les proportions de chromosomes Y des études génétiques récentes sur les Malgaches ont montré que leurs ancêtres étaient africains et asiatiques[43] Trois ethnies malgaches, les Antemoros, les Vézos et les Mikeas, ont environ 70 % d'ascendance africaine et 30 % d'ascendance asiatique[43]. Dans une étude récente menée à l'échelle de l'île, les proportions de chromosomes Y selon l'étude montrer pourcentages de Africain et Asiatique (70,7 contre 20,7 ou 51 % contre 34 %). Cependant, les lignées d'ADNmt, transmises de la mère à l'enfant, sont à l'opposé (42,4 % d'origine africaine contre 50,1 % d'origine est-asiatique)[44],[45],[46]. Le chromosome Y exclusivement masculin des fréquences paternelles d'Asie de l'Est/Sud-Est telles que l'haplogroupe O-M175 varie de 45 % chez les Antalaotra, 16 % chez les Ampanabaka, 5 % chez les Anteony. En revanche, l'haplogroupe masculin africain tel que E1b1a1 constituait 76 % de la diversité génétique des Ampanabaka, mais seulement 7 % chez les Antalaotra et 12 % chez les Anteony[47].
 Les nombreuses recherches pluridisciplinaires récentes — archéologiques[48], linguistiques[49],[50],[51] et historiques[52] — confirment ce mélange[53] :
 L'arrivée des populations austronésiennes a suscité de nombreuses études. Des simulations sur ordinateur de la navigation entre l'Indonésie et Madagascar permettent de comprendre les itinéraires possibles qui ont amené à la colonisation de Madagascar par des Austronésiens à partir du début de notre ère. Les Maldives, et dans une moindre mesure les Chagos voisines, étaient une escale probable sur la route de Madagascar, aussi bien depuis Sumatra que depuis le sud de l'Inde et Sri Lanka, où des marins et marchands javanais et malais se rendaient pour le commerce[56]. Quant à la cause de la venue de ces Austronésiens, l’histoire de l'océan Indien du début du premier millénaire de notre ère est encore très mal connue. On peut seulement supposer que l’île de Madagascar joua un rôle important dans le commerce, notamment celui des épices[57], entre l’Asie du Sud-Est et le Moyen-Orient, directement ou via les côtes africaines. Il se peut notamment que ces vahoaka ntaolo aient en particulier recherché du bois solide pour construire leurs pirogues, tel le lakana ou le vintana (un nom que l'on trouve encore aujourd'hui dans le vinta, homonyme contemporains des Vezo).
 Au début du peuplement humain, appelé « période paléomalgache », les Ntaolo semblent s'être divisés en deux grands ensembles selon leurs choix de subsistance : les Vazimbas (de *ba/va-yimba-« ceux de la forêt », de *yimba-« forêt » en proto Sud-Est Barito (SEB), aujourd'hui barimba ou orang rimba en malais[58]) qui s'installèrent — comme leur nom l'indique — dans les forêts de l'intérieur, et les Vézos (de *ba/va/be/ve-jau, « ceux de la côte » en proto-Malayo-Javanais, qui a aussi donné veju en bugis, bejau en malais et bajo en javanais[59]) qui restèrent sur la côte Ouest. Le qualificatif Vazimba désignait donc à l'origine les Ntaolo chasseurs et/ou cueilleurs qui décidèrent de s'établir « dans la forêt », notamment dans les forêts des hauts plateaux centraux de la Grande Île et celles de la côte Est et Sud-Est[Note 2], tandis que les Vezo étaient les Ntaolo pêcheurs qui restèrent sur les côtes de l'Ouest et du Sud (probablement les côtes du premier débarquement)[51].
 Le mot vazimba est un qualificatif austronésien désignant les « habitants de la forêt » d'une manière générale (y compris les Austronésiens eux-mêmes qui s'installèrent dans les forêts), il n'est pas exclu que d'autres hominidés vazimba aborigènes, de type homme de Florès par exemple, aient habité dans les forêts de Madagascar des dizaines — voire des centaines — de milliers d'années avant l'arrivée des vazimba austronésiens. Quelques-uns ont peut-être encore existé à l'arrivée des vahoaka ntaolo austronésiens au premier millénaire avant notre ère. Ceci pourrait expliquer le mythe des « petits hommes/nains primaires de la forêt » que les vahoaka ntaolo austronésiens — ancêtres de la majorité des malgaches actuels — auraient rencontrés et assimilés (ou peut-être anéantis) à leur arrivée. Seules l'archéologie et la génétique pourraient apporter des preuves à l'appui de ce mythe. Il n'est pas à exclure non plus que le mythe des « vazimba-petits hommes/nains » ait été emmené par les Austronésiens à partir des îles où ils habitaient auparavant, auquel cas ce mythe pourrait effectivement concerner les hominidés de type « Florès » ou Négrito (orang asli en malais). Ces derniers, de petite taille, ont en effet habité les forêts des îles de la Sonde bien avant l'arrivée sur place des Austronésiens, et y sont considérés comme étant les peuples aborigènes. On sait par exemple que le mythe de l'ogre « Trimo be - mangeur d'enfant » est un conte emmené par les Austronésiens et parle en fait du tigre (de * (t)rimu, « tigre » en proto-MP) qui habite les forêts des îles de la Sonde. Le mythe des « petits nains vazimba » pourrait avoir subi un voyage similaire.
 Dès le milieu du premier millénaire jusqu'à 1600 environ, l'ile accueillit des immigrants moyen-orientaux (Perses shirazi, Arabes omanites, Juifs arabisés), africains (Bantous) et orientaux (Indiens gujaratis, Malais, Javanais, Bugis et Orang Laut), voire européens (Portugais), qui s'intégrèrent et s'acculturèrent à la société Vezo et Vazimba, souvent par alliance matrimoniale.
 Les apports culturels, politiques et technologiques seront à l'origine des grands bouleversements du XVIe siècle qui conduiront à l'époque féodale malgache.
 Les clans néo-austronésiens[50] (Malais, Javanais, Bugis, Toraja et Orang Laut), quant à eux, historiquement et globalement — sans distinction de leur île d'origine — dénommés les Hova (de uwa-« homme du peuple », « roturier » en vieux bugis[60]), ont, selon les traditions orales[61], débarqué au Nord et à l'Est de l'île. Selon l'observation des linguistes au sujet des emprunts aux vieux malais (sanskritisé), vieux javanais (sanskritisé) et vieux bugi du Moyen Âge dans le fonds de vocabulaire proto-austronésien (proto-SEB) originel, les premières vagues hova sont arrivées au VIIIe siècle au plus tôt[49],[50].
 Diplomates, officiers, savants, commerçants ou simples soldats, certains alliés aux marins Orang Laut ou Talaut (Antalaotra en malgache), ces hova étaient probablement issus des thalassocraties indonésiennes. Leurs chefs, connus sous le nom des diana ou andriana ou raondriana (de (ra)hadyan-« seigneur » en vieux javanais[62], aujourd'hui raden et qu'on retrouve également encore dans le titre de noblesse andi(an) chez les Bugis), se sont, pour la plupart, alliés aux clans vazimba :
 Le 10 août 1500, le portugais Diogo Dias fut le premier Européen à apercevoir Madagascar, qu'il appela l'île São Lourenço.
 À l'intérieur des terres, les luttes pour l'hégémonie des différents clans néo-Vazimba des hauts plateaux centraux (que les autres clans néo-Vezo des côtes appelaient sans distinction les Hova) aboutirent à la naissance des royaumes et/ou ethnies Merina, Betsileo, Bezanozano, Sihanaka, Tsimihety et Bara.
 Sur les côtes, l'intégration des nouveaux immigrés orientaux, moyen-orientaux et africains donnèrent naissance aux royaumes et/ou ethnies néo-Vezo : Antakarana, Boina, Menabe (réunis plus tard en Sakalaves) et Vézos (côte Ouest), Mahafaly et Antandroy (Sud), Antesaka, Antambahoaka, Antemoro, Antaifasy, Antanala, Betsimisaraka (côte Est).
 La naissance de ces grands royaumes « post-Vazimba »/ « post-Vezo » modifièrent essentiellement la structure politique de l'ancien monde des clans néo-Vazimba et néo-Vezo, mais la grande majorité des anciennes catégories demeurèrent intactes au sein de ces nouveaux royaumes : la langue commune, les coutumes, les traditions, le sacré, l'économie, l'art des anciens demeurèrent préservés dans leur grande majorité, avec des variations de forme selon les régions.
 Aujourd'hui, la population de Madagascar peut être considérée comme le produit d'un brassage entre les premiers occupants vahoaka ntaolo austronésiens (Vazimba et Vezo) et, ceux arrivés plus tardivement (Hova néo-Austronésiens, Perses, Arabes, Africains et Européens).
 Génétiquement, le patrimoine austronésien originel est plus ou moins bien réparti dans toute l'île. Les chercheurs ont notamment remarqué la présence, partout, du « motif polynésien »[63],[54],[64], un vieux marqueur caractéristique des populations austronésiennes datant d'avant les grandes immigrations vers les îles polynésiennes et mélanésiennes, (c. 500 av. J.-C. au plus tard). Ceci supposerait un foyer de départ commun entre les ancêtres des Polynésiens actuels (partis vers les îles Pacifiques à l'est) et des vahoaka ntaolo (partis vers l'ouest jusqu'à Madagascar) vers (ou avant) 500 av. J.-C.
 Phénotypiquement, c'est parmi les populations des hautes terres (Merina, Betsileo, Bezanozano, Sihanaka), plus endogames, que le phénotype austronésien mongoloïde est le plus prégnant. On remarque également parfois le phénotype austronésien australoïde et austronésien négrito partout à Madagascar (y compris sur les hauts plateaux). Contrairement au phénotype bantou, le phénotype austronésien « négrito » se caractérise notamment par sa petite taille.
 Les populations locales ont également souffert, comme de nombreux pays africains, de la traite des esclaves. Ainsi, par exemple, des esclaves malgaches ont été amenés par les Européens dans la vice-royauté du Pérou, en Amérique du Sud, et se sont installés principalement sur la côte nord du pays, dans la région de Piura[65]. Il existe même au Pérou un lieu baptisé « Ferme Malakasy », qui date de l'époque à laquelle les Malgaches ont été exploités dans la culture des champs, et qui évoque le nom de leur pays d'origine, tout comme il est prononcé dans leur propre langue. Actuellement au Pérou, les descendants de ces esclaves sont connus comme « Mangaches », une corruption de la langue au fil du temps. Ces descendants des Malgaches ont encore conservé dans de nombreux cas, les caractéristiques d'origine afro-indonésien. Leur intégration au Pérou a été si forte qu'ils ont contribué à la culture de ce pays par la création de formes musicales telles que tondero[66]. Ils ont même eu une influence dans le domaine politique puisque l'ancien président péruvien Luis Miguel Sánchez Cerro, qui a gouverné ce pays dans la troisième décennie du XXe siècle, était un « Mangache »[67].
 Jean Laborde est nommé premier consul de France à Madagascar le 12 avril 1862, sous le Second Empire, c'est-à-dire avant la colonisation à proprement parler. Il est le précepteur du futur roi Radama II, mais aussi le confident des missionnaires, l'initiateur de l'industrie malgache et l'amant de la reine Ranavalona Ire.
 La fin du XIXe siècle, avec le partage de l'Afrique entre les empires coloniaux européens à la conférence de Berlin (1884-1885), sonne le glas de l'expansion et de l'indépendance du royaume de Madagascar. Les politiciens malgaches jouaient jusqu'alors sur les rivalités des puissances coloniales pour conserver leur souveraineté. La conférence de Berlin laisse la France comme favori pour s'approprier l'île (position stratégique face aux Anglais, dans l’océan Indien). La France signe alors un traité avec le royaume de Madagascar qui repose sur l'ambiguïté de la langue malgache et qui ne donne théoriquement aucun droit à la République française sur le royaume de Madagascar. Mais, au fil des incidents diplomatiques, la France mène une politique de plus en plus intrusive[68], puis entreprend la conquête de l'île.
 La résistance est massive, l'armée malgache parvient à repousser les premières vagues d'invasion en 1883, mais les combats décisifs suivront. Ils sont connus sous le nom de « deuxième guerre franco-malgache »[69].
 Lorsque le gouvernement français envoie une armée de conscrits mal préparés qui progresse très lentement, les maladies font des ravages dans leurs rangs. Finalement, au premier coup de canon sur la capitale Antananarivo, la reine Ranavalona III fait hisser le drapeau blanc[réf. nécessaire]. Contrairement à un récit forgé par les autorités, puis diffusé dans l'enseignement, les Malgaches sont vaincus facilement. Les ennemis principaux ne sont ni les monarques ou chefs indigènes, ni les sultans marchands d'esclaves, mais le climat et les maladies[70].
 Quand la campagne de Madagascar se termine en 1895, l'armée française recense 13 tués et 88 blessés au cours des combats, et 4 498 morts de maladies (paludisme, dysenterie...), soit près de 30 % de pertes sur un effectif total de 14 850 hommes[70].
 La conquête est suivie de dix ans de guerre civile larvée, due à l'insurrection des Menalamba. L'insurrection est née parmi le peuple Sakalaves et s'est rapidement étendue à la capitale Tananarive et ailleurs. Cette insurrection est en opposition à la colonisation française et à la classe politique merina convertie au protestantisme. Les rebelles n'avaient pas pour objectif de restaurer la reine et étaient opposés au christianisme et au système de travail forcé qui existait dans le royaume Merina. Les rebelles étaient en grande partie constitués de paysans et d’esclaves en fuite[71]. La « pacification » conduite par l'administration française dure plus de quinze ans, en réponse aux guérillas rurales dispersées dans le pays. Au total, cette guerre civile et la répression de cette résistance à la conquête coloniale fait entre 50 000 et 700 000 victimes malgaches, selon les sources[72],[69].
 Madagascar sera sous administration française du 6 août 1896 au 14 octobre 1958.
 Le général Joseph Gallieni, nommé gouverneur général de Madagascar (1896-1905), contribue à pacifier l'île, non sans mesures répressives. Selon ce dernier, l'action militaire devait être accompagnée d'une aide aux peuples colonisés dans différents domaines, comme l'administration, l'économie et l'enseignement. Elle nécessitait un contact permanent avec les habitants ainsi qu'une parfaite connaissance du pays et de ses langues. Le 27 septembre 1896, l'administration française abolit l'esclavage (il s'agissait d'un esclavage inter-malgache). Trentinian, Joffre et Lyautey servirent à Madagascar sous les ordres de Gallieni.
 Durant l'été 1897 a lieu le massacre d’Ambiky[73],[74] cité par Aimé Césaire dans son Discours sur le colonialisme, comme un des exemples de la violence de la conquête coloniale.
 Sous l'impulsion de Galliéni, de nombreuses infrastructures sont mises en place : premier chemin de fer Tananarive-Tamatave (achevé en 1903), achèvement du chemin de fer de Madagascar[75], développement rapide du réseau routier (1905 à 1935), Institut Pasteur, écoles. Toutes les écoles établies avant l'ère coloniale sont fermées et l’obligation pour les indigènes de parler le français est instaurée.
 En 1907, pour la première fois depuis un siècle, les exportations malgaches sont supérieures aux importations : les planteurs et l'administration coloniale s'enrichissent, d'immenses concessions minières et forestières sont accordées à de grosses sociétés. Les chefs indigènes loyaux envers l'administration française se voient également accorder une partie des terres et certains jeunes Malgaches vont étudier en France, contribuant à faire connaître Madagascar. Le travail forcé est instauré en faveur des compagnies françaises et les paysans se voient incités, à travers l'impôt, à se salarier (notamment dans les concessions coloniales) au détriment des petites exploitations individuelles[69].
 Madagascar est avec 46 000 hommes l'une des colonies françaises à mobiliser le plus de soldats par rapport à sa population durant la Première Guerre mondiale[76].
 La période coloniale est toutefois accompagnée de mouvements de lutte pour l'indépendance : les Menalamba, les Vy Vato Sakelika, le Mouvement démocratique de la rénovation malgache (MDRM). En 1927, d’importantes manifestations sont organisées à Antananarivo, notamment à l'initiative du militant communiste François Vittori, emprisonné à la suite de cette action[77]. Les années 1930 voient le mouvement anti-colonial malgache gagner encore en dynamisme. Le syndicalisme malgache commence à apparaître dans la clandestinité et le Parti communiste de la région de Madagascar se constitue. Mais dès 1939, toutes les organisations sont dissoutes par l’administration de la colonie, qui opte pour le régime de Vichy. Le MDRM est lui accusé par le régime colonial d'être à l'origine de l'insurrection de 1947 et sera poursuivi par de violentes répressions[69].
 La répression menée contre la résistance des malgaches à la colonisation aurait fait entre 1897 et 1947 plus de cent mille morts pour une population de trois millions d'habitants à l'époque[78].
 Pendant la Seconde Guerre mondiale, un projet nazi est resté dans les cartons : c'est le « plan Madagascar » visant à déporter quatre millions de Juifs d'Allemagne, de ses pays alliés et de ses territoires conquis, à Madagascar, alors colonie française du régime de Vichy.
 À partir de mai 1942, craignant que le gouvernement de Philippe Pétain n'ouvre les ports malgaches aux sous-marins allemands ou à la marine impériale japonaise, l'Empire britannique mène l'opération Ironclad et prend progressivement possession des points stratégiques de l'île. Lorsque les Français libres arrivent en janvier 1943, le contrôle de ces points devient l'objet de tensions entre le général de Gaulle et le gouvernement britannique.
 Le retour des combattants malgaches enrôlés durant la Seconde Guerre mondiale, les discriminations du régime de l'indigénat et les conditions de vie misérables des autochtones favorisent le militantisme des mouvements anti-colonialistes aspirant à l'indépendance et créent les conditions d'une insurrection.
 L'insurrection malgache débute en mars 1947, entraînant une répression sanglante par l'armée française, qui fait plusieurs dizaines de milliers de morts, les chiffres oscillant, selon les sources, entre une dizaine de milliers et 89 000 d'après Jacques Tronchon[79]. La répression s'accompagne d'exécutions sommaires, de tortures, de regroupements forcés et d'incendies de villages. L'armée française expérimente la « guerre psychologique » : des suspects sont jetés, vivants, depuis des avions afin de terroriser les villageois dans les régions d’opération[69].
 Territoire d'outre-mer de 1946 à 1958, Madagascar obtient un premier niveau d'autonomie le 10 octobre 1958, en tant que République autonome malgache au sein de la Communauté. Le 14 octobre, Philibert Tsiranana devient président du Conseil de gouvernement avant d'être élu premier président de la République le 1er mai 1959.
 L'île accède à l'indépendance le 26 juin 1960 mais la Première République malgache reste très étroitement liée à la France par les accords de coopération. Le président Tsiranana, critiqué par la population pour son soutien aux intérêts français, fait face à une contestation grandissante, en particulier la grève des étudiants menée de la capitale vers les provinces, et quitte le pouvoir en 1972.
 Il donne les pleins pouvoirs au général Gabriel Ramanantsoa qui décide d'organiser un référendum afin d'officialiser son pouvoir pour une période transitoire. Le référendum l'ayant plébiscité, il crée un gouvernement d'union nationale, qu'il dirige jusqu'en 1975, avant de passer le flambeau au populaire colonel de gendarmerie Richard Ratsimandrava. Ce dernier est assassiné au bout d'une semaine, le 11 février 1975 à 20 heures. Après l'assassinat du général Ratsimandrava, Madagascar est dirigé par un Comité national de direction militaire présidé par le général Andriamahazo.
 Le 14 juin 1975, Didier Ratsiraka est nommé chef de l'État et du gouvernement. Le Comité national de direction militaire est alors remplacé par un Comité national de la révolution.
 La deuxième république malgache est apparentée à un État communiste, même si la propriété privée n’y est pas abolie, et que la religion n’y est pas persécutée. Comme le régime cubain, elle contrôle tous les échanges avec l’extérieur, se dote en mars 1976 d’un parti unique, l’« Avant-Garde de la révolution malgache » (AREMA), et s’appuie sur le bloc de l'Est pour subsister. Pour commencer, le capitaine de frégate Didier Ratsiraka organise le 21 décembre 1975 un référendum pour approuver la Charte de la révolution socialiste et la nouvelle constitution. Le 30 décembre 1975, Didier Ratsiraka proclame la République démocratique malgache. Par la suite, il devient l’un des militants actifs du non-alignement. En 1976, le gouvernement achève l’expulsion de l'armée française et ferme les ambassades et consulats. Ratsiraka instaure le franc malgache (FMG) et délaisse le franc CFA. Dix ans plus tard, vers la fin des années 1980, on parle d’« échec de l’expérience socialiste » car le régime de Didier Ratsiraka ne parvient pas à améliorer les conditions de vie et l’opposition s'amplifie. Au début des années 1990, la fin du soutien du bloc de l’Est oblige le régime à autoriser des investisseurs privés à opérer dans le pays. Les disettes provoquent des manifestations populaires qui sont réprimées par l’armée au prix de nombreuses victimes[Note 3].
 La Convention du 31 octobre 1991 est adoptée pour mettre fin aux émeutes dans le pays. Elle officialise une transition démocratique et libérale conduite par Albert Zafy, lequel dirige la Haute Autorité de l’État, tandis que Didier Ratsiraka demeure symboliquement président de la République. Après une brève période transitoire, une nouvelle Constitution est adoptée par référendum et Albert Zafy, candidat de l’opposition, est élu à la présidence en 1993. C’est le début d’un libéralisme économique et politique sans précédent, mais la croissance promise et tant attendue n’est pas plus au rendez-vous. Le président fait appel le 17 septembre 1995 à un référendum constitutionnel afin de donner le pouvoir au président de la République de nommer le Premier ministre et ainsi de destituer Francisque Ravony, soutenu par les députés de la majorité. C’est le début d’une guerre ouverte entre le président et les députés, laquelle se soldera par le vote en juin 1996 de la destitution du président. Le Premier ministre Norbert Ratsirahonana devient chef de l’État par intérim en attendant les nouvelles élections.
 L’amiral Didier Ratsiraka, rentré quelques mois plus tôt de son exil en France, est réélu au 2e tour de l’élection présidentielle face à Zafy[80]. Madagascar connaît une période de stabilité économique jusqu’en 2001 avec 4,3 % de croissance annuelle moyenne.
 Le maire de la capitale, Marc Ravalomanana, arrive en tête de l'élection présidentielle de décembre 2001. Un second tour est prévu mais celui-ci revendique la victoire dès le premier tour sur la base des résultats publiés par son propre quartier général à Ankorondrano (quartier de Tananarive). Ravalomanana dénonce une fraude électorale massive et décide d'acculer ainsi le gouvernement Ratsiraka. Le président Didier Ratsiraka tente de reprendre la main en modifiant les membres de la Haute Cour Constitutionnelle, chargée de proclamer les résultats électoraux à Madagascar. Le candidat Ravalomanana réclame la confrontation des procès-verbaux en sa possession et les procès-verbaux officiels. Le gouvernement refuse une telle méthode jugée « illégale » mais exhorte les opposants à participer au second tour.
 Marc Ravalomanana est élu président de la République et nomme plus tard Jacques Sylla, Premier ministre. La capitale étant acquise à la cause de l'ancien maire, Didier Ratsiraka décide de délocaliser le siège du gouvernement à Toamasina, son fief et principal port de l'île situé dans l'est. Le gouvernement érige des barrages routiers pour paralyser et asphyxier la capitale, ce qui finit par paralyser tout le pays.
 À l'invitation de l'Union Africaine et du président du Sénégal Abdoulaye Wade, les deux parties protagonistes se réunissent à Dakar et signent des accords en avril 2002 qui prévoient notamment un nouveau décompte des voix, l'organisation d'un référendum (à la place d'un second tour) si la majorité absolue n'était pas obtenue et l'instauration d'un gouvernement d'union nationale dirigé par M. Ravalomanana. Ces accords ne seront pas respectés par les deux parties qui camperont sur leur position, une fois rentrées au pays. Ravalomanana ne relâche pas la pression et finit par obtenir l'annulation de la nomination de la nouvelle Haute Cour constitutionnelle en raison d'un vice de forme, la cour précédente, reconduite dans ses fonctions, se charge de procéder à la publication des résultats des élections.
 En mai 2002, Marc Ravalomanana est déclaré vainqueur dès le premier tour avec plus de 51 % des voix. Il est investi dans ses fonctions de président de la République une semaine plus tard. Il confirme Jacques Sylla au poste de Premier ministre. Il décide de faire appel aux réservistes de l'armée pour lancer des expéditions contre les troupes fidèles à Didier Ratsiraka et pour « libérer » les provinces des barrages. Les deux camps s'affrontent désormais militairement. En juillet 2002, Toamasina, la dernière province où le camp Ratsiraka s'est retranché est tombée entre les mains de Ravalomanana. Didier Ratsiraka prend la fuite avec ses fidèles à bord d'un avion à destination de la France. Les pays occidentaux, les États-Unis en tête, et la France en dernier, reconnaissent la victoire de Ravalomanana. Cependant, l'Union africaine, l'ONU et les bailleurs de fonds ne reconnaissent le gouvernement de Marc Ravalomanana qu'en janvier 2003, à la suite des élections législatives remportées par son parti.
 À la fin de son premier mandat, le président Marc Ravalomanana élabore sa vision « Madagascar Naturellement » et met en œuvre le Madagascar Action Plan (MAP), un nouveau programme de développement pour 5 ans[81].
 En décembre, le président Marc Ravalomanana est réélu dès le premier tour avec 56 % des voix pour un second mandat de 5 ans, avec comme principal objectif la réalisation du MAP[82],[83].
 En avril 2007, Marc Ravalomanana fait modifier par voie référendaire la Constitution dans un sens qui renforce les pouvoirs présidentiels en permettant les ordonnances « en cas d’urgence et de catastrophe ». Cette révision introduit en outre l’anglais comme troisième langue officielle, modifie la structure administrative en remplaçant les six provinces autonomes par 22 régions et supprime le caractère laïc de l’État malgache[84].
 L’opposition voit dans cette révision des risques de dérive autocratique tandis que l’Église catholique malgache critique sévèrement l’organisation du référendum, et pointe « le pouvoir exorbitant » accordé au président. Les autorités épiscopales catholiques craignent que le président Ravalomanana, qui est vice-président de la puissante Église réformée de Madagascar[85], interfère directement dans les activités religieuses[84].
 Au fil des années, les partis d'opposition accusent le gouvernement de paralyser les entreprises locales comme la Savonnerie tropicale[Note 4],[Note 5], la société le Quartz[86]. Le gouvernement ne serait pas neutre vis-à-vis des diverses concurrences entre entreprises, qui devraient ne compter que sur elles-mêmes pour assurer leur gestion. Marc Ravalomanana est également pointé du doigt par l'opposition pour avoir « éliminé » les entrepreneurs malgaches performants, accaparé leurs affaires pour se placer lui-même dans tous les secteurs économiques bénéficiaires[Note 6].
 Le problème principal est que des luttes intestines incessantes conjuguées à l'âge de la majorité des élites négligeant leur succession ont creusé un vide politique et amené un cruel défaut d'émulation.
 Le processus électoral est également fortement décrié par les opposants, qui voudraient lui apporter de fortes améliorations afin d'éviter les troubles lors de chaque élection présidentielle[87].
 En août 2008, le gouvernement Ravalomanana mène un bras de fer intense avec la commune urbaine d'Antananarivo dirigée par le maire révolté de la capitale Andry Rajoelina. Depuis l'accession de ce dernier à ce poste, se sont succédé la confiscation des recettes de la commune par le Trésor[88], le retrait à la commune de la gestion de la gare routière d'Ampasapito, le retrait de la gestion de l'assainissement de la capitale[89] ; on a constaté d'autre part l'absence de travaux sérieux de la part de la mairie et la dégradation flagrante de la ville.
 En juillet 2008, le président malgache cède une licence d'exploitation de 1,3 million d'hectares de terres — la moitié des terres arables malgaches — pour une durée de quatre-vingt-dix-neuf ans à la multinationale sud-coréenne Daewoo Logistics dans le but d’approvisionner la Corée du Sud notamment en maïs[90]. L'information est dévoilée en novembre à la suite de sa publication dans le Financial Times[91] relayé par d'autres médias du monde et sème la panique du peuple dans la capitale, ainsi que la colère et la peur de « l'envahisseur », contribuant à porter au pouvoir Andry Rajoelina qui dénonce l'accord comme anticonstitutionnel en mars 2009[92].
 En décembre 2008, le ministre de la Communication de Marc Ravalomanana ferme la chaîne de télévision Viva du maire de Tananarive – ce dernier, Andry Rajoelina, ayant diffusé un reportage sur l'ancien président Ratsiraka (acte interdit par les lois sur les médias et n'ayant pas eu l'autorisation du ministère de la Télécommunication)[93]. S'ensuivent protestations et manifestations.
 À la suite de la fermeture de la chaîne de télévision Viva de l'opposant Andry Rajoelina, de violentes manifestations et émeutes secouent la capitale. Le 7 février, lors l'assaut du palais d'État d'Ambohitsorohitra par la foule, la garde présidentielle ouvre le feu, tuant 28 manifestants et en blessant 212 autres[94]. Le 16 mars 2009, des militaires mutins soutiens d'Andry Rajoelina parviennent à prendre de force le palais. Marc Ravalomanana se voit contraint à la démission de son poste de président de la République, à transférer le pouvoir à un conseil militaire, et doit fuir en Afrique du Sud[95]. Ces changements sont considérés par l'ensemble de la communauté internationale comme un putsch que la France est la première à condamner[96]. S'ensuit une période de bras de fer politique et militaire entre les prétendants, soutenus par les armées, régulière pour l'un, mutine pour l'autre.
 Marc Ravalomanana, Andry Rajoelina, Didier Ratsiraka et Albert Zafy se rencontrent finalement en août 2009, en présence des représentants de l'Union africaine (UA), des Nations unies (ONU), de l'Organisation internationale de la Francophonie et de la Communauté de développement de l'Afrique australe (SADC), pour des pourparlers qui conduisent aux accords de Maputo, nom de la capitale du Mozambique. Le 18 décembre 2009, Andry Rajoelina dénonce ces accords de Maputo, change de premier ministre et décide de faire précéder les élections législatives à venir d'un référendum sur une nouvelle constitution. Le référendum a lieu finalement en novembre 2010[97].
 Par référendum du 17 novembre 2010 au suffrage universel direct, la population se positionne par oui ou non sur le changement de la constitution[97]. Cette nouvelle constitution est proclamée le 11 décembre de la même année, et fait entrer le pays dans sa IVe république.
 Le régime semi-présidentiel de la constitution de la Troisième République révisée en 2007[98] est remplacé par un régime semi-parlementaire, selon la constitution 2010[97] : « Art. 54 : Le président de la République nomme le Premier ministre, présenté par le parti ou le groupe de partis majoritaire à l’Assemblée nationale ».
 En décembre 2013, furent organisées conjointement l'élection présidentielle et l'élection législative à Madagascar. Hery Rajaonarimampianina est élu premier président de la Quatrième République, en éliminant son adversaire au second tour Jean-Louis Robinson. Il est investi et prête serment à Mahamasina le 25 janvier 2014. Jean-Omer Beriziky est encore le chef du gouvernement jusqu'au 16 avril 2014, ou il est remplacé par le gouvernement Roger Kolo. Nouveau changement le 17 janvier 2015, où Jean Ravelonarivo devient chef du gouvernement. Olivier Mahafaly Solonandrasana le remplace le 10 avril 2016, mais pour calmer le pays en proie aux émeutes, il est contraint à la démission et remplacé par Christian Ntsay le 4 juin 2018[99]. Les élections de décembre 2018 portent au pouvoir pour 5 ans Andry Rajoelina[100]. Celui-ci remporte également les élections législatives de mai 2019 et obtient la majorité absolue à l'Assemblée nationale[101].
 Le 12 octobre 2023, le président malgache Andry Rajoelina a été destitué par le Parlement à la suite d’une motion de censure déposée par l’opposition et adoptée par 151 voix contre 105. La présidente de l’Assemblée nationale, Christine Razanamahasoa, est investie présidente par intérim[102].
 Madagascar est une république à régime semi-présidentiel multipartite, où le président est le chef d'État et le Premier ministre le chef du gouvernement. Le pouvoir exécutif est aux mains du gouvernement[103] tandis que le pouvoir législatif est partagé entre le gouvernement et les deux chambres du Parlement : l'Assemblée nationale et le Sénat. Le pouvoir judiciaire est indépendant des deux premiers.
 Le chef de l'État actuel est Andry Rajoelina élu au suffrage universel direct le 19 décembre 2018, pour un mandat de 5 ans reconductible une fois[97]. Il devient le deuxième président élu de la IVe république de Madagascar et succède à l'intérim du Premier ministre Christian Ntsay qui est reconduit dans sa fonction par le nouveau président[1]. La passation de pouvoir a eu lieu le 19 janvier 2019[100].
 Six provinces sont créées en 1959, au moment de l’indépendance du pays, et nommées en fonction de leur capitale. Elles sont scindées en 22 régions en 2004[104] puis en 23 régions en 2021[105]. La révision 2007 de la constitution de 1992 supprime l’autonomie de ces provinces[104]. L’article 143 de la constitution de 2010 institue que « Les collectivités territoriales décentralisées de la République sont les communes, les régions et les provinces »[106].
 La population malgache est majoritairement d'origine austronésienne et mélanésienne (cf. « Histoire » plus haut). Les différentes vagues successives de populations venant de tout le pourtour de l'océan Indien se sont ensuite greffées sur ce fonds commun et, dans chaque région, le mariage des nouveaux arrivants avec les premiers habitants austronésiens (Vazimbas et Vézos) aboutit à la diversité actuelle. Malgré les différences visibles phénotypiquement, la génétique montre que le fonds austronésien est communément partagé à des degrés variables selon les régions[54]et il est également culturellement très prégnant (langue commune, traditions culinaires communes telles que le riz au bœuf ou le riz au poisson, polyphonie et signature rythmique communes en musique, etc.)
 La population, qui était de l'ordre de trois millions de personnes sous le régime colonial, dépasse 27 millions de personnes au début des années 2020.
 Des années 1880 aux années 1970, l'émigration reste faible. Elle est liée, dans le contexte colonial, à des études poursuivies par des enfants de la bourgeoisie malgache - qui choisissent souvent de revenir au pays où les attendent de belles situations - ou à des carrières militaires. Elle se développe ensuite à partir de l’arrivée au pouvoir de Didier Ratsiraka en 1975, la dégradation des conditions d'enseignement et de l'économie du pays conduisant les étudiants à quitter le pays plus nombreux et surtout à se fixer durablement en France[107].
Depuis le début des années 1990, les flux migratoires croissent régulièrement. On estimait le nombre de migrants malgaches dans le monde à en 1990 à 58 000 personnes et en 2015 à 170 000 personnes[108].
Les Malgaches migrent majoritairement vers l'Europe. Environ neuf migrants sur dix vivent en Europe et 85 % en France[108].
 La diaspora malgache est en lien fort avec Madagascar. Elle est regroupée en plus de 240 associations rien qu'en France, et elle transfère chaque année quelque 86 millions d'euros vers Madagascar[109].
 S'il est vrai que l'on compte 18 ethnies à Madagascar[110], la diversité n'y est pas pour autant de type ethnique mais bien plutôt d'ordre géographique, politique ou économique. L'amalgame des peuples d'Orient, d'Asie du Sud-Est, d'Afrique et d'Arabie se retrouve en chaque groupe, du nord au sud. Tous les clans ont une culture originelle commune.
 Un autre point de vue est à affirmer, parce que, en revanche, il existe une énorme différence à Madagascar entre les ethnies (et pas les tribus) Ambaniandro (littéralement ceux qui sont nés sous le jour) essentiellement représentés par le groupe Mérina et les ethnies dites « côtières » (essentiellement d'origines bantous).
 Si, comme dans toute société, la mixité ethnique existe et se développe dans le cadre du concept de « fihavanana » (un esprit de consensus particulier) et par les influences « occidentales » et du développement des échanges mondiaux (par la jeunesse malgache), il persiste une sorte de racisme latent, imperceptible aux « vahiny » (les invités, les visiteurs), issu de la grande histoire et des fondements de la civilisation malgache, et en particulier des guerres de conquête entre les rois et reines Mérina (des hauts plateaux malgaches) et principalement les Sakalava de la côte ouest de Madagascar[111].
Ce racisme existe également envers les « Mérinas » et de la part des sujets de certains royaumes « Sakalaves » (les « Vézos » et les « Boina » en particulier)[réf. nécessaire].
 Les différences culturelles sont marquées entre les peuples côtiers et ceux des hauts plateaux, même si le culte des ancêtres est partout répandu et que l'espoir d'une « vie » meilleure après la mort (le paradis) rend globalement le peuple malgache assez fataliste face aux aléas de la vie terrestre.
 La musique et la comédie, en particulier, expriment profondément ces différences entre ces deux (ou quatre) mondes qui caractérisent 
Madagascar[réf. nécessaire].
 Parmi les Arabes, bien peu ont fait souche, et la plupart sont retournés vers Zanzibar[réf. nécessaire].
 Outre les 18 ethnies, certaines communautés d'origines diverses issues d'une immigration récente (à partir des années 1900) se sont installées sur l'île. Il s'agit notamment :
 La première définition de la famille malgache est un cercle très large, par rapport à la notion de famille européenne moderne. Si la lignée génétique est définie jusqu'aux arrière-arrière-grands-parents, la famille débute à ce point connu. Et le mariage devient difficile entre neveux, nièces... D'où la notion importante « être de la même razana » (ancêtre, lieu d'enterrement...).
 La deuxième définition est la famille par consentement mutuel, formée par des liens d'entraide très sérieux renforcés par la confiance réciproque éprouvée. Comme le lien sanguin est inexistant, le mariage est possible.
 La troisième définition est le lien historique vécu. Par exemple, une haie de plantes qui a servi (autrefois) de cache contre l'ennemi, un animal qui incarne les ancêtres ou le contraire, alors ces espèces d'êtres vivants sont masina (adorés) ou ne peuvent être utilisés ni tués ni mangés : fady (interdit ou tabou).
 La loi no 2007- 022 relative au mariage et aux régimes matrimoniaux fixe l'âge matrimonial à 18 ans.
 Le mariage dans le grand cercle familial est considéré comme un inceste, c'est un tabou.
 Il est toujours défini par la procréation du couple, que les procréateurs vivent ensemble ou chacun de leur côté, le plus souvent près des parents.
 L'âge de la procréation est encore majoritairement très jeune, entre 15 et 24 ans pour 40 % des naissances en 2014[112]. Les relations se créent avec les proches de la famille ou de connaissance d'enfance.
 Une fille ayant déjà accouché, même mineure, sera considérée comme adulte responsable. La formule de courtoisie « la maman de… » lui est attribuée. Elle est considérée alors libre sexuellement aux yeux de la société.
 Le viol est réprimé socialement, et les responsables d'un viol sont considérés comme étant atteints d'une maladie psychiatrique. L'inceste est considéré comme une malédiction. La mise à l'écart de la vie sociale est automatique.
 La jeune fille n'a pas d'âge minimum pour avoir des relations sexuelles, d'où l'expression mbola tsy mahasaky lehilahy (« ne supporte toujours pas les hommes »). Madagascar a signé de multiples conventions de protection de l'enfance.
 Depuis 2007, notamment d'après la loi no 2007 022 du 20 août 2007 relative au mariage et aux régimes matrimoniaux (Journal officiel de la république de Madagascar no 3 163 du 28/01/08, p. 131), en son article 3, « L’âge matrimonial est fixé à 18 ans. Toutefois, avant cet âge et pour des motifs graves, sans préjudice des poursuites pénales relatives aux infractions aux mœurs, le président du Tribunal de première instance peut autoriser le mariage, à la demande du père et de la mère ou de la personne qui exerce l’autorité sur l'enfant et avec leur consentement exprès ainsi que de celui-ci. Le consentement doit être donné devant le président du Tribunal de première instance et constaté dans la décision judiciaire autorisant le mariage ».
 La première relation sexuelle, à la nubilité, est un critère de jugement familial et social. Pour toute jeune fille non indépendante, une première relation sexuelle est une honte qui peut la pousser vers la prostitution occasionnelle sans le soutien moral, financier des proches ou du père de son enfant éventuel. La prolifération du tourisme sexuel par sa réputation lucrative est la cause, ou la conséquence, de ces phénomènes échos de la pauvreté sociale : éducation, économie[113][réf. non conforme].
 L'homosexualité n'est pas admise mais tolérée dans la société malgache, beaucoup de parents malgaches renient cependant leur enfant à partir du moment où ils apprennent son homosexualité. Il subsiste un rejet social.
 Le malgache est la langue nationale de Madagascar mais chaque région a aussi sa propre langue maternelle. Le français est la deuxième langue officielle, parlée par environ 26,5 % de la population, soit 7,7 millions de personnes sur 29,1 millions d'habitants en 2022[114]. Selon les statistiques de l'académie malgache, dans tout Madagascar en 2012, 0,57 % du peuple malgache parlait uniquement le français, 15,87 % le pratiquait occasionnellement et 83,61 % ne comprenait que le malgache[115]. L'anglais aussi fut langue officielle de 2007 à 2010[98],[84]. Cependant, la nouvelle Constitution de novembre 2010 ne mentionne que le malgache (langue nationale) et le français comme langues officielles, l'anglais ayant disparu du texte[116].
 Malgré la diversité du peuplement qui est à l'origine des différents parlers dans toute l'île, une langue commune s'est constituée : le malgache (officiellement : malagasy). Celui-ci est devenu aujourd'hui[Quand ?] la langue officielle du pays : c'est le parler de l'Imerina (région de Tananarive et d'Ambohimanga) qui a été choisi comme langue officielle en raison d'une longue tradition d'écriture remontant à la première moitié du XIXe siècle.[réf. nécessaire] Linguistiquement, le malgache se rattache à la famille austronésienne. Le malgache appartient donc au groupe malayo-polynésien de type occidental.
 Les premiers outils linguistiques ont été créés en 1828, mais le premier texte fut diffusé en 1835. Et la publication de la Bible malgache imposa rapidement le modèle d'une langue écrite et d'un style noble. Les manuscrits malgaches du XIXe siècle (surtout des discours royaux, des généalogies, des comptes rendus d’événements ou de voyages importants) sont relativement nombreux, mais beaucoup d’entre eux ont été détruits au moment de la conquête coloniale française. À la fin de la monarchie merina, il existait une dizaine de périodiques publiés à Antananarivo, puis la colonisation de 1896 entraîna la suppression de la presse malgache. Cependant, les journaux de l’époque avaient pris l'habitude de publier en malgache des poèmes et des textes littéraires en prose (contes, fables, nouvelles, etc.). Aujourd’hui, la presse et la littérature malgache semblent bien vivantes. Toutefois, le marché de l’édition malgache demeure extrêmement limité en raison du prix élevé des coûts de fabrication du livre.[réf. nécessaire]
 Madagascar est aussi membre de l'Organisation internationale de la francophonie.
 Les régions de Analamanga, Atsinanana et de Menabe font partie de l'Association internationale des régions francophones[117] et de l'Association internationale des maires francophones (AIMF).
 En 2013 environ 35 % de la population adulte est analphabète[118]. Le taux d'alphabétisation des jeunes hommes est très légèrement supérieur à celui des jeunes femmes[118]. Les investissements publics pour l'éducation correspondent à 10,7 % des dépenses gouvernementales dans la période de 2009-2016[119]. La part réservée à l'enseignement supérieur dans le budget public de l'éducation a dégringolé de 32 % au début des années 1990 à environ 13 % en 2000[120]. « Un assistant débutant touche 300 euros et un professeur titulaire en fin de carrière environ 440 », explique Émile Rakotomahanina Ralaisoa, ancien recteur de l'université d'Antananarivo.[réf. nécessaire] Même si c'est largement au-dessus du SMIC local, qui est de 250 000 ariary par mois[121] (soit plus de 52 euros), la profession reste sous-payée. Les dépenses courantes pour l'enseignement primaire sont d'environ 57 dollars américains (parité de pouvoir d'achat) par élève[119].
 Depuis 1972, l'enseignement national à Madagascar se dissocie du programme de la France d'où la distinction entre statuts national et international. Deux classes d'écoles apparaissent : les écoles malgaches « d'État » et les écoles françaises « diplomatiques ».
 Le malgache devient la langue officielle dans toutes les écoles et les administrations. Le français devient la première langue enseignée et l'anglais la deuxième. Cette révolution intellectuelle n'a pu bénéficier d'aucune année préparatoire. Aucun programme de création du vivier professoral n'a été prévu.
Des bacheliers sont recrutés par différents corps de l'armée, avec « discipline et patrie », avant de devenir des professeurs contractuels durant une année scolaire maximum.
 Au début des années 1990, des écoles primaires privées fleurissent ici et là, revendiquant le modèle français d'enseignement. Cela constitue un espoir de se projeter vers l'Europe, pour des parents prêts à se sacrifier dans le paiement de droits de scolarité (écolage) exorbitants pour la majorité des ménages. En 2008, ces écoles se sont multipliées dans beaucoup de villes.
 Chacune des capitales des six provinces dispose de son université : l'université d'Antananarivo, l'université d’Antsiranana, l'université de Fianarantsoa, l'université de Mahajanga, l'université de Toamasina et l'université de Toliara.
 Il existe aussi d'autres écoles d'enseignement supérieur :
 On trouve également diverses écoles internationales, dont des établissements financés par l'Agence pour l'enseignement français à l'étranger (AEFE) dépendant du ministère français de l'Éducation nationale. L'AEFE compte une vingtaine d'établissements homologués dans le pays[124].
 En 2023, Madagascar est classé en 107e position pour l'indice mondial de l'innovation[125].
 Les groupes religieux locaux déclarent que 70 % de la population est chrétienne et se répartit comme suit : Catholiques romains (34 % de la population), Église presbytérienne de Jésus-Christ à Madagascar (Église FJKM, 18 %), luthériens (14 %) et anglicans (4,5 %)[129] en 2022.
 Outre le culte des ancêtres, d'autres religions orientales sont également présentes sur l'île. L'islam a d'abord été apporté sur l'île au Moyen Âge par les Arabes et les commerçants somaliens musulmans qui ont créé plusieurs écoles islamiques le long de la côte orientale[réf. souhaitée]. Bien que l'astrologie islamique se soit propagée à travers l'île, la religion islamique a d'abord échoué son implantation, sauf dans une poignée de localités côtières du sud-est avant de connaître ces dernières années une expansion dans toute l'île[réf. nécessaire]. Aujourd'hui[Quand ?], les musulmans représentent une minorité de la population malgache (15 %)[130],[131] et sont largement concentrés dans les provinces du nord-ouest de Mahajanga et d'Antsiranana (Diego Suarez). Les musulmans sont divisés entre des ethnies malgaches, indo-pakistanaises et comoriennes. Plus récemment, l'hindouisme a été introduit à Madagascar à travers des personnes qui immigrèrent de la région du Kâthiâwar en Inde vers la fin du XIXe siècle. La plupart des Indiens de Madagascar parlent gujarati ou hindi[réf. nécessaire].
 Le temple hindou se trouve actuellement à Ivandry[réf. nécessaire].
 Un animisme est aussi présent dans certaines ethnies du sud de l'île.
 Selon la Banque mondiale, 75 % de la population vivait toujours sous le seuil international de pauvreté à 1,90 dollar par jour en 2019 — un taux nettement supérieur à la moyenne régionale de 41 %[132].
 Le pays occupe la quatrième place mondiale en termes de malnutrition chronique. Près d’un enfant de moins de 5 ans sur deux souffre d’un retard de croissance. En outre, Madagascar compte parmi les cinq pays où l’accès à l’eau est le plus difficile pour la population. Douze millions de personnes n’ont pas accès à l’eau potable, selon l’ONG WaterAid[133].
 En ce sens, l'ONG La Source Jeune[134] permet de venir en aide aux Malgaches en leur permettant de construire des puits et d'en faire bénéficier les populations locales. Les forages ont lieu dans les zones les plus reculées où l'accès à l'eau potable est l'un des problèmes majeurs.
 Plus d’un million de personnes se trouvent en 2021 en situation d’insécurité alimentaire aiguë dans le sud de Madagascar[135].
 La création de l'euro favorise la vigueur de la monnaie malgache maintenue indépendante par rapport à la devise de l'ancienne métropole coloniale (le franc français), face au monopole du dollar américain de référence, auparavant fort.
 En mai 2003, l'ariary remplace le franc malgache (FMG) comme monnaie à Madagascar. À partir de cette date, un double étiquetage est appliqué dans les commerces et sur les marchés jusqu'au basculement officiel, le 1er janvier 2005. Depuis cette date, seul l'ariary a cours officiel dans le pays (1 ariary = 5 FMG).
 La corruption est élevée dans les administrations du pays. Le Centre de recherches et de publications sur les relations entre le tiers-monde et l’Europe (Cetim) dénonce ainsi le « pillage » des ressources naturelles malgaches, notamment par les concessions minières et les trafiquants de bois précieux. Les zones franches sont également sources d’immenses profits pour les entreprises, aux dépens des salariés, souvent privés de tout droit[133].
 Depuis des décennies, Madagascar fait face à une croissance insuffisante et une pauvreté persistante, en grande partie à cause de faiblesses de la gouvernance, d'un développement inadéquat du capital humain et physique, et d'une transformation structurelle lente. La situation est exacerbée par l'augmentation des crises climatiques et la vulnérabilité accrue aux chocs extérieurs. En outre, la faible croissance économique combinée à une croissance démographique rapide a fait de Madagascar l'un des pays où le taux de pauvreté est parmi les plus élevés au monde, atteignant 75 % en 2022 si l'on se réfère au seuil de pauvreté national.
 Bien que la croissance économique se soit ralentie, passant de 5,7 % en 2021 à 3,8 % en 2022, en grande partie à cause des retombées de la guerre en Ukraine et des chocs climatiques, elle s'est progressivement redressée. La croissance devrait poursuivre son redressement et se stabiliser à 4 % en 2023, avant de s'accélérer pour atteindre environ 4,7 % en 2024-25. Les pressions inflationnistes se sont intensifiées, l'inflation globale passant de 6,9 % en juin 2022 à 11,3 % en juin 2023. L'inflation devrait se maintenir à 10,5 % en 2023, avant de se modérer pour atteindre environ 8,5 % en 2024-25.
 Le déficit des comptes courants s'est creusé, passant de 5 % du PIB en 2021 à 5,6 % en 2022. Toutefois, une baisse des prix mondiaux du pétrole devrait contribuer à une nouvelle réduction du déficit des comptes courants à 4,5 % du PIB en 2023-25, la baisse des importations étant supérieure au ralentissement des exportations. Le rebond des exportations pourrait toutefois se heurter à des difficultés, car les politiques d'importation restrictives - telles que l'abaissement des niveaux de nicotine autorisés dans les produits alimentaires importés - des principaux partenaires commerciaux de Madagascar dans le secteur de la vanille sont susceptibles d'entraver les progrès.
 Le déficit budgétaire global s'est creusé, passant de 2,8 % du PIB en 2021 à 6,4 % en 2022, et la dette publique totale a augmenté pour atteindre 56,9 % du PIB en 2022. Cette détérioration du solde budgétaire résulte en grande partie du report des paiements des droits pétroliers par les distributeurs de pétrole. Le règlement de ces dettes croisées devrait ramener le déficit budgétaire à 3,8 % du PIB en 2023, les recettes fiscales passant de 9,6 % du PIB en 2022 à 12,8 % en 2023. En outre, l'augmentation progressive prévue des dépenses en capital de 5,1 % du PIB en 2021 à 8,7 % en 2025 reflète l'amélioration de l'exécution du budget et la mise en œuvre des projets prioritaires du gouvernement[11].
 En 1889, naît la première banque de Madagascar[réf. nécessaire].
 Le système bancaire de Madagascar est entièrement privatisé depuis 1998-1999. Le pays abrite une banque centrale et plusieurs banques primaires et institutions de microfinance.
 Une minorité reçoit des revenus périodiques mensuels de l'extérieur de la part d'un membre de la famille. La somme est évaluée à 50–100 € nets en moyenne par famille.
 De riz depuis :
 Depuis 2015, la Chine est devenue le premier partenaire commercial de Madagascar et la plus grande source d'importations, selon les Douanes malgaches[145].
 C'est l'OMNIS, une agence du ministère de l’Énergie qui est chargée de l'exploration et de la gestion des ressources minières et en hydrocarbures malgaches
 Sur l’ensemble du territoire malgache, 20 blocs d’exploration pétrolière à terre et 264 en mer sont recensés[147]. Aujourd'hui[Quand ?], Madagascar compte 15 entreprises pétrolières en concurrence dont Sterling Energy (Royaume-Uni), Wilton Petroleum (Royaume-Uni), Tullow Madagascar (Royaume-Uni), Amicoh (Royaume-Uni), Essar Energy (Inde), Niko Ressources (Inde), Varun Petroleum (Inde), Exxon Mobil (États-Unis), Total (France), Candax (Canada), Sunpec (Chine), Roc Oil (Australie) et Sapetro (Nigeria). Parmi ces entreprises, on comptera deux entreprises malgaches, Madagascar Oil et Petromad.
 Madagascar dispose de 836 km de voies ferrées et d'environ 49 250 km de routes dont 1 724 km goudronnées.
 Elle possède 11 aéroports à liaisons commerciales régulières (Antananarivo-Ivato, Nosy Be Fascène, Toamasina, Tolagnaro, Toliara, Mahajanga Amborovy, Antsiranana Arrachart, Maorantsetra, Morondava, Sambava et Sainte-Marie).
 80 % du trafic maritime de marchandises à l'international est assuré par le port de Toamasina (Tamatave).
 En 2019, seuls 15 % des habitants disposent de l'électricité. Ce taux n'a pas évolué depuis huit ans. La plupart des personnes s'éclairent à la bougie ou à la lampe à pétrole[148]
 En 2011, la production d’électricité du pays atteint 1 328 GWh et est issue à[149] :
 En 2001, les énergies renouvelables représentaient 63 % de la production totale d’électricité. Le potentiel de développement de l’hydroélectricité est par ailleurs élevé, le pays n’en exploitant que 132 MW alors que la ressource totale est estimée à 7 800 MW[149]. L'énergie solaire photovoltaïque représente aussi un fort potentiel en raison du bon ensoleillement disponible et de la possibilité de construire des petites unités de production non connectées au réseau électrique[150].
 L'économie informelle échappe à l'évaluation nationale du PIB. Cette classification vient du fait que les revenus financiers produits en monnaies fiduciaires, sont friables et sans traçabilité. Pourtant ce sont des devises monnayables à l'international mais de sources non vérifiables, donc non comptabilisée comme indice de croissance du pays, en l'absence de contrôle imposé par l'État[Note 7]. Cette manne fait vivre un peu plus de 30 % de la population mais la valeur de la monnaie nationale s'en retrouve lourdement affectée auprès des organisations de valorisation économique, comme le FMI.
 En 1984, le gouvernement malgache a décidé d'élargir l'ouverture du pays au tourisme. Madagascar possède des potentialités très importantes pour le développement du tourisme, mais ce secteur est encore en lente progression. Les parcs nationaux, comme ceux du Tsingy de Bemaraha, d'Andasibe-Mantadia, d'Isalo, de Ranomafana ou d'Ankarana constituent des destinations prisées pour les visiteurs internationaux qui veulent découvrir la faune et la flore unique de l'île. Le nombre de touristes internationaux fluctue en fonction des conjonctures ; ainsi, après la crise politique de 2009, il a fortement chuté. Le record annuel d'entrée de touristes à avoir visité le pays est de un peu moins de 300 000 personnes en 2016, ce qui a généré l'entrée de 702 millions de dollars en devise[151].
 En mars 2020, la fermeture des frontières à suite de la pandémie de Covid-19 a également fortement affecté le secteur touristique malgache durant les deux années qui ont suivi[152]. Depuis la levée des restrictions en avril 2022, on observe une timide repise de l'activité : entre janvier et novembre de cette même année 106 000 personnes ont visité l'île[153].
 Malgré son haut potentiel touristique, le tourisme à Madagascar est sous-développé. Les attractions touristiques malgaches incluent ses plages et sa biodiversité[154]. Pendant les années 1990, le tourisme était le deuxième revenu d'exportation du pays et lui rapporta près de 50 millions de dollars. Le nombre de touristes visitant le pays ne cesse d'augmenter depuis les années 1990, malgré des baisses ponctuelles dues aux instabilités politiques, et devrait atteindre 500 000 visiteurs en 2018[155]. La grande majorité des touristes sont français ; cela s'explique par les liens historiques et linguistiques qu'ont les deux pays.
 Privée de comptabilité officielle, la production rurale écoulée ne laisse aucun indice économique. Ce secteur englobe l'élevage bovin, la culture du riz, la pêche artisanale, etc. Des ONG achètent des productions artisanales pour les vendre en France et réinvestir les gains dans l'éducation et l'économie malgaches[156].
 Le salaire moyen mensuel par habitant à Madagascar compte parmi les plus bas du monde. En 2022, il était estimé à environ 44 euros par mois[157]. Le 1er mai 2022, le gouvernement et le patronat malgache ont fixés le salaire minimum mensuel à 250 000 ariary soit environ 52 euros[158].
 Madagascar occupe le premier rang dans le classement des pays africains par rapport à la superficie des terres cédées aux investisseurs étrangers avec 3,7 millions d'hectares de terres agricoles cédées[159]. L’engouement pour les terres se poursuit dans le cadre d’autres projets agricoles ou miniers, et la transparence fait parfois défaut[160].
 Daewoo, entreprise coréenne, avait obtenu un bail pour l’exploitation de plus d’un million d’hectares de surfaces agricoles en 2009[160], en échange de la promesse d’infrastructures et d’emplois[161]. Cette zone était aussi grande que la moitié des biens arables du pays[162]. Ce bail arrêté après le coup d'état de 2009, qui a conduit au départ forcé du président Marc Ravalomanana[163].
 465 000 hectares de terres à Madagascar avaient été loués à une société indienne, Varun International, pour cultiver du riz pour la consommation en Inde[164].
Cela a été annulé par le nouveau gouvernement[164].
 L’achat des terres agricoles par de nouveaux investisseurs non occidentaux en pays tropicaux est habituellement présenté comme un accaparement inédit des terres paysannes.
 La situation est souvent celle-ci : les investisseurs arrivés de longue date dans ces pays contrôlent la production, les filières et la commercialisation des denrées, sans avoir besoin d’endosser de nombreux aspects du « mic-mac » de la gestion des exploitations et la responsabilité éthique des revenus de misère de la main d’œuvre.
 La terre reste nominalement propriété des paysans locaux mais la production et les valeurs ajoutées sont la propriété de fait des investisseurs étrangers et de quelques cooptés locaux. Ces derniers sont tenus par une corruption de longue date à laquelle aucun nouvel arrivant ne peut se soustraire. Il s’agit de situations acquises durant la période coloniale et consolidées pendant les cinquante années qui ont suivi.
 Les investisseurs des pays émergents n’ont pas ces avantages d’antériorité de présence. Ils doivent payer au prix fort la terre, prendre en charge les investissements de terrain, gérer les aléas des facteurs de production, faire face directement aux conflits sociaux éventuels, payer plus cher la main d’œuvre et faire sur-enchère sur des décideurs déjà corrompus.
 Les aspects de la contre-attaque des premiers arrivants sont multiformes : pression directe sur les États producteurs et indirecte par des institutions internationales pour annuler des contrats, faux semblants humanistes souvent repris sincèrement par les citoyens des pays développés, manipulation de la société civile organisée urbaine des pays sous-développés (presse locale et ONG locales corrompues, etc.).
 Parfois aussi, des efforts sous forme d'opportunités immédiates mais aux bénéfices incertains à long terme, sont consentis à la paysannerie locale. À titre d’exemple, la flambée multifactorielle des prix de la vanille a introduit une concurrence qui a rapidement amélioré les revenus paysans des Malgaches mais également fragilisé la position monopolistique des importateurs traditionnels. Le fonds Danone, le Suisse Firmenich et l’Américain Mars ont mis 120 millions d’euros sur la table en 2018 pour différents pays producteurs. À Madagascar, ils aideront 3 000 producteurs en contrepartie de l’asservissement de leur production à leur filière pendant 10 ans[165].
 Depuis l'amélioration significative des offres de connexion à Internet, le commerce en ligne a connu un développement timide mais constant. En 2017, un internaute malgache sur dix déclare avoir déjà effectué un achat en ligne. Les produits les plus achetés sur Internet concernent la haute technologie et le prêt-à-porter, ces deux catégories rassemblant à elles seules près de 50 % des ventes en ligne. Les freins majeurs au développement du commerce en ligne à Madagascar sont le manque de confiance dans l'économie numérique et les problèmes de paiement en ligne. C'est ainsi que la majorité des achats en ligne sont payés en espèces à la livraison. Malgré tout, plus d'un non-consommateur sur deux affirme être prêt à acheter sur Internet[166].
 L'art malgache est toujours vivant, mais une certaine standardisation gagne l'artisanat qui devient un produit de consommation et perd donc beaucoup de sa naïveté créatrice.
 L'art malgache du bois s'enracine dans les traditions des peuples de la forêt. Ébène, bois de rose, palissandre, espèces connues et inconnues ont fourni le matériau principal à l'architecture jusqu'au XIXe siècle, aux sculptures ornant les tombeaux, dans le sud, au pays mahafaly, au bois de lit taillé aux ciseaux dans la région d'Antananarivo ou à la marqueterie d'Ambositra. Les masques sculptés dans le palissandre massif ou le bois de rose sont introuvables maintenant. Ils représentaient les différents types morphologiques des clans et des tribus. Cet art a disparu. On trouve encore des masques mahafalys dans le sud mais ils se rapprochent plus de l'art africain (ils sont creux et peints). Les boîtes à miel en forme de zébu ou les boîtes en bois vieilli aux dessins géométriques ont également presque disparu. Les motifs géométriques employés dans tout l'artisanat malgache (bois ou orfèvrerie) se réfèrent à un langage de signes dont la signification est perdue. Si on ne compte plus de sculptures de masques, des artisans exposent encore des personnages en bois peint, habillés de tissus colorés et qui représentent différentes activités de la vie quotidienne. De jolies boîtes en bois de rose sont décorées de marqueterie naïve.
 Cette pièce de tissu est incontestablement le produit artisanal malgache le plus original. Il est partie intégrante de la civilisation de l'île. Le lamba simple recouvre les épaules des femmes des hauts plateaux, il est en coton blanc ou tissé de soie sauvage d'andibe (une araignée qui confectionne des toiles géantes et dont la soie rappelle celle des vers européens). Le lamba plus large et bordé de rayures de couleurs sert de nappe de fête, dans la région des hauts plateaux. On le trouve décoré de broderies naïves. Le lambamena, c'est-à-dire linceul, en soie grège, est le plus solide pour résister à l'humidité des tombeaux. Mais il peut être aussi utilisé comme tentures ou tapisseries.
 Madagascar abonde en gemmes semi-précieuses très variées. On les trouve facilement au zoma (marché) d'Antananarivo, polies en « œufs » ou en « boules ». Les pierres les plus belles sont le béryl, l'améthyste, l'aigue-marine. Ces pierres semi-précieuses sont utilisées pour la fabrication de jeux de solitaire.
 Les Malgaches sont connus pour leur créativité et la musique est un domaine dans lequel celle-ci est peut-être la plus flagrante[réf. nécessaire]. Bien que géographiquement éloigné des circuits internationaux, Madagascar commence à bénéficier d'une audience internationale pour la qualité de sa musique et de ses musiciens, tant sur le plan traditionnel (world music ou musique du monde) que moderne (jazz, world jazz, gospel, rock, metal, hip-hop, soul, variété)[réf. nécessaire].
 Historiquement, la musique traditionnelle (aujourd'hui[Quand ?] musique du monde ou world music) malgache a bénéficié d'une publicité internationale par le biais des grands ambassadeurs du passé, citons pour exemple : Rakoto Frah (hira gasy), Mama Sana, etc. C'est le type de pulse rythmique qui donne son nom au genre, bien que la signature rythmique soit commune du nord au sud de Madagascar : il s'agit des 12/8 et 6/4, tels les variantes de Salegy et le Hira gasy.
 Actuellement[Quand ?], de nombreux ambassadeurs de la musique traditionnelle malgache, musiciens et leaders internationalement reconnus résident à l'étranger. Ils contribuent au renouvellement et au rayonnement des formes rythmiques et mélodiques traditionnelles à travers le monde. C'est le cas par exemple de : Régis Gizavo (accordéon et chant, musique du Sud), D'Gary (guitare et chant, musique du Sud), Erick Manana (guitare et chant, hira gasy), Justin Vali (valiha et chant, hira gasy), Kilema (marovany et chant, musique du Sud), etc.
 Un opéra unique, au monde, le Hira Gasy (distinct du vakodrazana[réf. nécessaire]), rassemble un public immense à Madagascar. Ses origines remonteraient au XVe siècle. Au début du XIXe siècle, le roi Andrianampoinimerina sollicita les troupes de paysans-artistes pour accompagner par des spectacles les travaux d'édifications de grandes rizières. Les artistes furent alors élevés au titre de mpihiran'ny andriana (« les artistes royaux »).
 Puis, lorsque le royaume de Madagascar commença des relations intenses avec l'Angleterre, les troupes de mpihira gasy s'équipèrent d'instruments européens (trompettes, violons, tambours), et de costumes inspirés de ceux venus d'Angleterre : robes victoriennes pour les femmes, tenues semi-militaires pour les hommes.
 Au XXIe siècle, l'opéra Hira Gasy compte plusieurs centaines de troupes de paysans — artistes qui rassemblent des centaines de milliers de spectateurs par an. La télévision, la radio, et l'Internet relayant les spectacles qui, pour la plupart sont donnés en milieu rural, en particulier durant les cérémonies de famadihana.
 Cet art connaît même un rayonnement international. À l'initiative d'un pôle culturel allant des Seychelles au Canada en passant par l'Europe et les Antilles, une initiative est en cours en vue de faire inscrire l'opéra Hira Gasy sur le liste du patrimoine culturel immatériel de l'UNESCO.
 Actuellement[Quand ?], Madagascar voit se former de nombreux académies, instituts, et orchestres tels l'OCPAA (Orchestre Philharmonique d'Analamanga) associé avec l'Orchestre des Jeunes récemment créé, le Jejy Music Institute, l'Anglican Music Institute (AMI), Laka association, Maestria, Harmonia Rajaofetra, le Chœur Artistique et Symphonique de Tananarive, la Camerata de Madagascar.
 Le compositeur français Raymond Loucheur (1899-1979) a écrit en 1946 une Rhapsodie malgache[168], qui utilise des thèmes folkloriques.
 Parmi toutes les musiques modernes pratiquées par les artistes à Madagascar, la musique improvisée (jazz, world jazz, blues) est pour l'instant la seule à bénéficier d'un festival annuel internationalement reconnu et primé : le « Madajazzcar » — 21e édition en octobre 2011 — qui s'est vu décerner le label international « Djangodor - Trophées internationaux du Jazz ».
 Par ailleurs, de nombreux musiciens malgaches de jazz résidant à l'étranger se réclament aussi de la tradition malgache : ils contribuent ainsi au renouvellement et au rayonnement des formes rythmiques et mélodiques traditionnelles à travers le monde. C'est le cas, par exemple, des musiciens comme Jeannot et Lalao Rabeson (piano et chant, jazz), Nivo et Serge Rahoerson (piano et chant, jazz), Tony Rabeson (batteur de jazz) et Arly Rajaobelina (piano, jazz), Sylvain Marc (basse, jazz et variété), Julio Rakotonanahary (basse et vocal), Solorazaf (guitare et vocal), Nicolas Vatomanga ou encore Charles Kely (guitare et vocal).
 La musique de variété malgache s'est fait connaître internationalement — dans le monde francophone surtout — par le groupe Les Surfs, longtemps au top du hit-parade français.
Les Mahaleo et Erick Manana peuvent aussi être intégrés car leur musique fait aussi appel aux autres genres (folk, etc.).
 À la base, la cuisine malgache est une base asiatique avec des influences indiennes, arabes et africaines, constitué essentiellement de riz, de bananes, de noix de coco, de fruits de mer, de poissons, de viande de zébu et de tomate. Le plat principal est souvent accompagné du « romazava », sorte de soupe d'herbes aromatiques appelées brèdes.
 Du petit déjeuner au dîner, le riz (dont la culture occupe 55 % des terres cultivées) est l'aliment de base de la cuisine malgache. Il est cuit la plupart du temps à l'eau ; on le sert en premier et on y mélange, selon son goût, les autres préparations.
 Un repas typiquement malgache se présente sous la forme d'un plat unique. Traditionnel, le romazava, une sorte de ragoût à base de viande de porc ou de zébu, cuit avec des brèdes et du gingembre ; ou encore le ravitoto, composé de viande de porc et de morceaux de gras, mijoté avec des feuilles de manioc pilées et relevé avec un zeste de pulpe de coco. Les achards, légumes macérés dans de l'huile, du vinaigre et du curry, et le piment, très fort, sont toujours servis à part.
 Sinon, il existe d'autres plats typiques, tels les sambosa (des beignets à forme triangulaire : samoussa), crevettes chinoises ; le rogay (rougail) qui est une préparation à base de tomate et d'oignons qui peut accompagner n'importe quel plat, le sakay (piment) ; le misao, un plat chinois (mian : pates - chao : sauté ou mine-sao) malgachisé, recette à base de nouilles chinoises, champignons noirs, omelette, viande hachée, carottes et haricots émincés, petit pois et sauce de soja, ou le Tsaramaso sy Henakisoa.
 De manière générale, aucun plat n'est servi épicé. En revanche, un petit plat de sakay (piment) est présent à chaque repas et permet à chacun d'ajuster la saveur de son repas à sa guise.
 Le tout peut être arrosé de vin malgache rouge, rosé ou blanc. Moelleux, il se boit facilement.
 Les poissons d'eau douce (brochets, carpes, truites) et de mer (requins, thons, espadons) tiennent également une bonne place dans la cuisine mais c'est la langouste qui reste un des aliments privilégiés de Madagascar. De goût différent selon la région où elle est pêchée, on l'apprécie de préférence grillée et arrosée de jus de citron vert.
 Tous les fruits et légumes d'Europe poussent à Madagascar, à l'exception de la cerise, et les fruits tropicaux tels que bananes, mangues, grenadilles ou fruits de la passion y abondent.
 On déguste aussi un foie gras, de bonne qualité, produit sur place de façon tout à fait artisanale.
 La cuisine malgache regroupe aussi une variété de mets sucrés. Parmi ceux-ci, il y existe plusieurs variations de beignets, aussi communément appelé mofo : des mofo gasy (en) et des ramanonaka (fait à partir de farine de riz et d'œuf) que l'on mange au déjeuner, du mofo akondro (beignets de bananes), des mokary (composé de farine de riz et de lait de coco), etc. Il ne faut pas oublier le koba, un dessert traditionnel de Madagascar confectionné à l'aide de cacahuètes broyées et de sucre roux. Ce mets est enveloppé dans des feuilles de bananes, pour ensuite être bouilli pour une durée de 24 à 48 heures.
 Vieille tradition austronésienne que l'on retrouve encore dans certaines îles d'Indonésie (Bornéo et Bangka notamment), le famadihana est un rituel d'exhumation des morts propre surtout aux peuples des hauts plateaux, notamment les mérinas[169], et qui se raréfie du fait de la christianisation. Quand le devin en donne le signal, le clan familial décide de commencer la cérémonie dite du Famadihana (« retournement des morts »). Exhumé quelques années après le décès, le défunt est d'abord porté en procession avec un cortège de musiciens, puis les ossements, après une toilette rituelle, sont enveloppés dans des lambas traditionnellement en soie naturelle (lambamena). La fête marque le retour définitif des ancêtres (les razana) parmi leurs descendants dont ils deviendront les protecteurs. Il s'agit bien d'une fête : la liesse est de règle, les pleurs et les lamentations sont proscrites. Le repas traditionnel à cette fête est le vary be menaka, du riz avec de la viande grasse (avec beaucoup de graisse, parfois on ajoute de la viande de porc à la viande de zébu). La famille organisatrice peut même préparer des tenues spéciales pour bien marquer la fête. Cette coutume n'est propre qu'à certaines tribus de Madagascar et est aussi une occasion de rassembler la grande famille et une occasion de voir qui sont les personnes qui préservent leur relation avec cette grande famille (ayant répondu à l'invitation et apporté une contribution habituellement financière).
 La vie en société est régie par les fady (interdits instaurés par les ancêtres).
 À Madagascar, les fady peuvent concerner une région entière, des lieux particuliers, des familles ou une personne[170].
 Quelques exemples des fady :
 - Il est interdit de pointer du doigt les baleines[171].
 - Ne pas tuer, ni manger des dauphins.
 - Ne jamais donner de coups de pied au mur au risque d'entraîner la mort de sa grand-mère maternelle ou paternelle.
 - Ne pas travailler la terre le jour du mardi.
 Les fady sont des moyens utilisés par les aînés pour apprendre aux plus jeunes le savoir-vivre et l'art de se comporter en société[172]. Et ils ont aussi des vertus dans la protection de l'environnement.
 Nombres de passeports à l'émigration par année :
 Les Organisations paysannes faitières : RESEAU SOA, CPM, KOLOHARENA, FIFATA, FEKRITAMA, FENAM (Filière Apiculture) en collaboration avec le Tranoben'ny Tantsaha (chambre d'Agriculture à Madagascar). Source FIDA.
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//upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/1/1a/Misao.JPG/220px-Misao.JPG; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/2/2e/Tsaramaso_sy_henakisoa.jpg/220px-Tsaramaso_sy_henakisoa.jpg; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/8/80/Famadihana_reburial_razana_ancestor_Madagascar.jpg/220px-Famadihana_reburial_razana_ancestor_Madagascar.jpg; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/6/65/Lock-green.svg/9px-Lock-green.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/6/65/Lock-green.svg/9px-Lock-green.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/6/65/Lock-green.svg/9px-Lock-green.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/6/65/Lock-green.svg/9px-Lock-green.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/6/65/Lock-green.svg/9px-Lock-green.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/b/bc/Icon_flat_design_plume.svg/20px-Icon_flat_design_plume.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/b/bc/Icon_flat_design_plume.svg/20px-Icon_flat_design_plume.svg.png; 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//upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/7/73/Blue_pencil.svg/10px-Blue_pencil.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/7/73/Blue_pencil.svg/10px-Blue_pencil.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/7/73/Blue_pencil.svg/10px-Blue_pencil.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/7/73/Blue_pencil.svg/10px-Blue_pencil.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/b/b6/Africa-countries-northern.svg/80px-Africa-countries-northern.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/c/c7/Africa-countries-western.svg/80px-Africa-countries-western.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/6/6c/Africa-countries-central.svg/80px-Africa-countries-central.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/d/df/Africa-countries-eastern.svg/80px-Africa-countries-eastern.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/7/72/Africa-countries-southern.svg/80px-Africa-countries-southern.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/2/2c/Emblem_of_La_Francophonie.svg/100px-Emblem_of_La_Francophonie.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/b/bc/Flag_of_Madagascar.svg/33px-Flag_of_Madagascar.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/8/86/Africa_%28orthographic_projection%29.svg/24px-Africa_%28orthographic_projection%29.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/d/d6/Oc%C3%A9an_Indien.png/24px-Oc%C3%A9an_Indien.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/2/2c/Emblem_of_La_Francophonie.svg/24px-Emblem_of_La_Francophonie.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/e/e0/Circle-icons-globe.svg/24px-Circle-icons-globe.svg.png; https://login.wikimedia.org/wiki/Special:CentralAutoLogin/start?type=1x1; /static/images/footer/wikimedia-button.svg; /w/resources/assets/poweredby_mediawiki.svg,https://en.wikipedia.org/wiki/Madagascar,Madagascar,https://en.wikipedia.org/wiki/Madagascar,"Madagascar,[a] officially the Republic of Madagascar,[b] is an island country comprising the island of Madagascar and numerous smaller peripheral islands. Lying off the southeastern coast of Africa, it is the world's fourth largest island, the second-largest island country and the 46th largest country in the world.[14] Its capital and largest city is Antananarivo.
 Following the prehistoric breakup of the supercontinent Gondwana, Madagascar split from Africa during the Early Jurassic, around 180 million years ago, and split from the Indian subcontinent around 90 million years ago,[15] allowing native plants and animals to evolve in relative isolation; consequently, it is a biodiversity hotspot and one of the world's 17 megadiverse countries, with over 90% of wildlife being endemic. The island has a subtropical to tropical maritime climate. Madagascar was first permanently settled during or before the mid-first millennium AD by Austronesian peoples,[16] presumably arriving on outrigger canoes from present-day Indonesia.[17][18][19] These were joined around the ninth century AD by Bantu groups crossing the Mozambique Channel from East Africa.[20] Other groups continued to settle on Madagascar over time, each one making lasting contributions to Malagasy cultural life. Consequently, there are 18 or more classified peoples of Madagascar, the most numerous being the Merina of the central highlands.
 Until the late 18th century, the island of Madagascar was ruled by a fragmented assortment of shifting sociopolitical alliances. Beginning in the early 19th century, most of it was united and ruled as the Kingdom of Madagascar by a series of Merina nobles. The monarchy was ended in 1897 by the annexation by France, from which Madagascar gained independence in 1960. The country has since undergone four major constitutional periods, termed republics, and has been governed as a constitutional democracy since 1992. Following a political crisis and military coup in 2009, Madagascar underwent a protracted transition towards its fourth and current republic, with constitutional governance being restored in January 2014.
 Madagascar is a member of the United Nations (UN), the African Union (AU), the Southern African Development Community (SADC), and the Organisation Internationale de la Francophonie. Malagasy and French are both official languages of the state. Christianity is the country's predominant religion, with a significant minority still practising traditional faiths. Madagascar is classified as a least developed country by the UN.[21] Ecotourism and agriculture, paired with greater investments in education, health and private enterprise, are key elements of its development strategy. Despite substantial economic growth since the early 2000s, income disparities have widened, and quality of life remains low for the majority of the population. As of 2021, 68.4 percent of the population is considered to be multidimensionally poor.[22]
 In the Malagasy language, the island of Madagascar is called Madagasikara (Malagasy pronunciation: [madaɡasʲˈkʲarə̥]) and its people are referred to as Malagasy.[23][24] The origin of the name is uncertain,[25] and is likely foreign, having been propagated in the Middle Ages by Europeans.[26] If this is the case, it is unknown when the name was adopted by the inhabitants of the island. No single Malagasy-language name predating Madagasikara appears to have been used by the local population to refer to the island, although some communities had their name for part or all of the lands they inhabited.[27]
 One hypothesis relates Madagascar to the word Malay, referring to the Austronesian origin of the Malagasy people in modern-day Indonesia. In a map by Muhammad al-Idrisi dating from the year 1154, the island is named Gesira Malai, or ""Malay island"" in Arabic. The inversion of this name to Malai Gesira, as it was known by the Greeks, is thought to be the precursor of the modern name of the island.[28] The name ""Malay island"" was later rendered in Latin as Malichu, an abbreviated form of Malai Insula, in the medieval Hereford Mappa Mundi as the name of Madagascar.[29][28]
 Another hypothesis is that Madagascar is a corrupted transliteration of Mogadishu, the capital of Somalia and an important medieval Indian Ocean port. This would have resulted from 13th-century Venetian explorer Marco Polo confusing the two locations in his memoirs, in which he mentions the land of Madageiscar to the south of Socotra. This name would then have been popularized on Renaissance maps by Europeans.[26][27] One of the first documents written that might explain why Marco Polo called it Madagascar is in a 1609 book on Madagascar by Jerome Megiser.[30][31] Jerome Megiser describes an event in which the kings of Mogadishu and Adal traveled to Madagascar with a fleet of around twenty-five thousand men in order to invade the wealthy islands of Taprobane and Sumatra. However, a tempest threw them off course and they landed on the coasts of Madagascar, conquering the island and signing a treaty with its inhabitants. They remained for eight months and erected at different points of the island eight pillars on which they engraved ""Magadoxo"", a name which later, by corruption became Madagascar.[30][31][32][33] Jan Huyghen van Linschoten, a Dutch traveler who copied Portuguese works and maps, confirmed this event by saying ""Madagascar has its name from 'makdishu' (Mogadishu)"" whose ""shayk"" invaded it.[30][34]
 The name Malagasikara, or Malagascar, is also historically attested. A British state paper in 1699 records the arrival of eighty to ninety passengers from ""Malagaskar"" to what would eventually become New York City.[35] An 1882 edition of the British newspaper The Graphic referred to ""Malagascar"" as the name of the island, stating that it is etymologically a word of Malay origin, and may be related to the name of Malacca.[36] In 1891, Saleh bin Osman, a Zanzibari traveler, refers to the island as ""Malagaskar"" when recounting his journeys, including as part of the Emin Pasha Relief Expedition.[37] In 1905, Charles Basset wrote in his doctoral thesis that Malagasikara was the way the island is referred to by its natives, who emphasized that they were Malagasy, and not Madagasy.[38]
 Traditionally, archaeologists have estimated that the earliest settlers arrived in successive waves in outrigger canoes from South Borneo, possibly throughout the period between 350 BC and 550 AD, while others are cautious about dates earlier than AD 250. In either case, these dates make Madagascar one of the most recent major landmasses on Earth to be settled by humans, predating the settlement of Iceland and New Zealand.[39] It is proposed that Ma'anyan people were brought as laborers and slaves by Javan and Sumatran-Malays in their trading fleets to Madagascar.[40][41][42][43] Dates of settlement of the island earlier than the mid-first millennium AD are not strongly supported.[16] However, there is scattered evidence for much earlier human visits and presence. (See History of Madagascar).[44][45] Archaeological finds such as cut marks on bones found in the northwest and stone tools in the northeast indicate that Madagascar was visited by foragers around 2000 BCE.[46][47][48]
 Upon arrival, early settlers practiced slash-and-burn agriculture to clear the coastal rainforests for cultivation. The first settlers encountered Madagascar's abundance of megafauna,[49] including 17 species of giant lemurs, the large flightless elephant birds (including possibly the largest bird to ever exist, Aepyornis maximus), the giant fossa, and several species of Malagasy hippopotamus, which have since become extinct because of hunting and habitat destruction.[50] By 600 AD, groups of these early settlers had begun clearing the forests of the central highlands.[51]
 Arab traders first reached the island between the 7th and 9th centuries.[52] A wave of Bantu-speaking migrants from southeastern Africa arrived around the year 1000.[53] Around this time, zebu from South India were first brought, intermingling with sanga found in East Africa.[54] Irrigated paddy fields were developed in the central highland Betsileo Kingdom and were extended with terraced paddies throughout the neighboring Kingdom of Imerina a century later.[51] The rising intensity of land cultivation and the ever-increasing demand for zebu pasturage had largely transformed the central highlands from a forest ecosystem to grassland by the 17th century.[55]
 The oral histories of the Merina people, who arrived in the central highlands between 600 and 1,000 years ago, describe encountering an established population they called the Vazimba. Probably the descendants of an earlier and less technologically advanced Austronesian settlement wave, the Vazimba were assimilated or expelled from the highlands by the Merina kings Andriamanelo, Ralambo, and Andrianjaka in the 16th and early 17th centuries.[56] Today, the spirits of the Vazimba are revered as tompontany (ancestral masters of the land) by many traditional Malagasy communities.[57]
 The written history of Madagascar began with the Arabs, who established trading posts along the northwest coast by at least the 10th century and introduced Islam, the Arabic script (used to transcribe the Malagasy language in a form of writing known as sorabe), Arab astrology, and other cultural elements.[58]
 European contact began in 1500, when the Portuguese sea captain Diogo Dias sighted the island, while participating in the 2nd Armada of the Portuguese India Armadas.[8]
 Matatana was the first Portuguese settlement on the south coast, 10 km west of Fort Dauphin. In 1508, settlers there built a tower, a small village, and a stone column. This settlement was established in 1513 at the behest of the viceroy of Portuguese India, Jeronimo de Azevedo.[59]
 Contacts continued from the 1550s. Several colonization and conversion missions were ordered by King João III and by the Viceroy of India, including one in 1553 by Baltazar Lobo de Sousa. In that mission, according to detailed descriptions by chroniclers Diogo do Couto and João de Barros, emissaries reached the inland via rivers and bays, exchanging goods and even converting one of the local kings.[60]
 The French established trading posts along the east coast in the late 17th century.[58] From about 1774 to 1824, Madagascar gained prominence among pirates and European traders, particularly those involved in the trans-Atlantic slave trade. The small island of Nosy Boroha off the northeastern coast of Madagascar has been proposed by some historians as the site of the legendary pirate utopia of Libertalia.[61] Many European sailors were shipwrecked on the coasts of the island, among them Robert Drury, whose journal is one of the few written depictions of life in southern Madagascar during the 18th century.[62] European accounts until the early 20th century identified Malagasy people as being of Jewish origin.[63]
 The wealth generated by maritime trade spurred the rise of organized kingdoms on the island, some of which had grown quite powerful by the 17th century.[64] Among these were the Betsimisaraka alliance of the eastern coast and the Sakalava chiefdoms of Menabe and Boina on the west coast. The Kingdom of Imerina, located in the central highlands with its capital at the royal palace of Antananarivo, emerged at around the same time under the leadership of King Andriamanelo.[65]
 Upon its emergence in the early 17th century, the highland kingdom of Imerina was initially a minor power relative to the larger coastal kingdoms[65] and grew even weaker in the early 18th century when King Andriamasinavalona divided it among his four sons. Following almost a century of warring and famine, Imerina was reunited in 1793 by King Andrianampoinimerina (1787–1810).[66] From his initial capital Ambohimanga,[67] and later from the Rova of Antananarivo, this Merina king rapidly expanded his rule over neighbouring principalities. His ambition to bring the entire island under his control was largely achieved by his son and successor, King Radama I (1810–28), who was recognized by the British government as King of Madagascar. Radama concluded a treaty in 1817 with the British governor of Mauritius to abolish the lucrative slave trade in return for British military and financial assistance. Artisan missionary envoys from the London Missionary Society began arriving in 1818 and included such key figures as James Cameron, David Jones and David Griffiths, who established schools, transcribed the Malagasy language using the Roman alphabet, translated the Bible, and introduced a variety of new technologies to the island.[68]
 Radama's successor, Queen Ranavalona I (1828–61), responded to increasing political and cultural encroachment on the part of Britain and France by issuing a royal edict prohibiting the practice of Christianity in Madagascar and pressuring most foreigners to leave the territory. William Ellis of the London Missionary Society described his visits made during her reign in his book Three Visits to Madagascar during the years 1853, 1854, and 1856. The Queen made heavy use of the traditional practice of fanompoana (forced labor as tax payment) to complete public works projects and develop a standing army of between 20,000 and 30,000 Merina soldiers, whom she deployed to pacify outlying regions of the island and further expand the Kingdom of Merina to encompass most of Madagascar. Residents of Madagascar could accuse one another of various crimes, including theft, Christianity and especially witchcraft, for which the ordeal of tangena was routinely obligatory. Between 1828 and 1861, the tangena ordeal caused about 3,000 deaths annually. In 1838, it was estimated that as many as 100,000 people in Imerina died as a result of the tangena ordeal, constituting roughly 20 percent of the population.[69] The combination of regular warfare, disease, difficult forced labor, and harsh measures of justice resulted in a high mortality rate among soldiers and civilians alike during her 33-year reign; the population of Madagascar is estimated to have declined from around 5 million to 2.5 million between 1833 and 1839.[70]
 Among those who continued to reside in Imerina were Jean Laborde, an entrepreneur who developed munitions and other industries on behalf of the monarchy, and Joseph-François Lambert, a French adventurer and slave trader, with whom then-Prince Radama II signed a controversial trade agreement termed the Lambert Charter. Succeeding his mother, Radama II attempted to relax the queen's stringent policies but was overthrown two years later by Prime Minister Rainivoninahitriniony and an alliance of Andriana (noble) and Hova (commoner) courtiers, who sought to end the absolute power of the monarch.[58]
 Following the coup, the courtiers offered Radama's queen, Rasoherina, the opportunity to rule, if she would accept a power-sharing arrangement with the Prime Minister: a new social contract that would be sealed by a political marriage between them.[71] Queen Rasoherina accepted, first marrying Rainivoninahitriniony, then later deposing him and marrying his brother, Prime Minister Rainilaiarivony, who would go on to marry Queen Ranavalona II and Queen Ranavalona III in succession.[72] Over the course of Rainilaiarivony's 31-year tenure as prime minister, numerous policies were adopted to modernize and consolidate the power of the central government.[73] Schools were constructed throughout the island and attendance was made mandatory. Army organization was improved and British consultants were employed to train and professionalize soldiers.[74] Polygamy was outlawed and Christianity declared the official religion of the court in 1869, was adopted alongside traditional beliefs among a growing portion of the populace.[73] Legal codes were reformed on the basis of British common law and three European-style courts were established in the capital city.[74] In his joint role as Commander-in-Chief, Rainilaiarivony also successfully ensured the defense of Madagascar against several French colonial incursions.[74]
 Primarily on the basis that the Lambert Charter had not been respected, France invaded Madagascar in 1883 in what became known as the first Franco-Hova War.[75] At the end of the war, Madagascar ceded the northern port town of Antsiranana (Diego Suarez) to France and paid 560,000 francs to Lambert's heirs.[76] In 1890, the British accepted the full formal imposition of a French protectorate on the island, but French authority was not acknowledged by the government of Madagascar. To force capitulation, the French bombarded and occupied the harbor of Toamasina on the east coast, and Mahajanga on the west coast, in December 1894 and January 1895 respectively.[77]
 A French military flying column then marched toward Antananarivo, losing many men to malaria and other diseases. Reinforcements came from Algeria and Sub-Saharan Africa. Upon reaching the city in September 1895, the column bombarded the royal palace with heavy artillery, causing heavy casualties and leading Queen Ranavalona III to surrender.[78] Popular resistance to the French capture of Antananarivo—known as the Menalamba rebellion—broke out in December 1895, and was not suppressed until the end of 1897.[79][80] France annexed Madagascar in 1896 and declared the island a colony the following year, dissolving the Merina monarchy and sending the royal family into exile on Réunion Island and to Algeria. 
 The conquest was followed by ten years of civil war, due to the Menalamba insurrection. The ""pacification"" carried out by the French administration lasted more than fifteen years, in response to the rural guerrillas scattered throughout the country. In total, the repression of this resistance to colonial conquest caused several tens of thousands of Malagasy victims.[81]
 Under colonial rule, plantations were established for the production of a variety of export crops.[82] Slavery was abolished in 1896 and approximately 500,000 slaves were freed; many remained in their former masters' homes as servants[83] or as sharecroppers; in many parts of the island strong discriminatory views against slave descendants are still held today.[84] Wide paved boulevards and gathering places were constructed in the capital city of Antananarivo[85] and the Rova palace compound was turned into a museum.[86] Additional schools were built, particularly in rural and coastal areas where the schools of the Merina had not reached. Education became mandatory between the ages of 6 and 13 and focused primarily on the French language and practical skills.[87]
 Huge mining and forestry concessions were granted to large companies. Native chiefs loyal to the French administration were also granted part of the land. Forced labor was introduced in favor of the French companies and peasants were encouraged, through taxation, to work for wages (especially in the colonial concessions) to the detriment of small individual farms. However, the colonial period was accompanied by movements fighting for independence: the Menalamba, the Vy Vato Sakelika, the Democratic Movement for Malagasy Renovation (MDRM). In 1927, major demonstrations were organized in Antananarivo, notably on the initiative of the communist activist François Vittori, who was imprisoned as a result. The 1930s saw the Malagasy anti-colonial movement gain further momentum. Malagasy trade unionism began to appear underground and the Communist Party of the Madagascar region was formed. But in 1939, all the organizations were dissolved by the administration of the colony, which opted for the Vichy regime. The MDRM was accused by the colonial regime of being at the origin of the 1947 insurrection and was pursued by violent repression.[89]
 The Merina royal tradition of taxes paid in the form of labor was continued under the French and used to construct a railway and roads linking key coastal cities to Antananarivo.[90] Malagasy troops fought for France in World War I.[8] In the 1930s, Nazi political thinkers developed the Madagascar Plan that had identified the island as a potential site for the deportation of Europe's Jews.[91] During the Second World War, the island was the site of the Battle of Madagascar between the Vichy French and an Allied expeditionary force.[92]
 The occupation of France during the Second World War tarnished the prestige of the colonial administration in Madagascar and galvanized the growing independence movement, leading to the Malagasy Uprising of 1947.[93] This movement led the French to establish reformed institutions in 1956 under the Loi Cadre (Overseas Reform Act), and Madagascar moved peacefully towards independence.[94] The Malagasy Republic was proclaimed on 14 October 1958, as an autonomous state within the French Community. A period of provisional government ended with the adoption of a constitution in 1959 and full independence on 26 June 1960.[95]
 Since regaining independence, Madagascar has transitioned through four republics with corresponding revisions to its constitution. The First Republic (1960–72), under the leadership of French-appointed President Philibert Tsiranana, was characterized by a continuation of strong economic and political ties to France. Many high-level technical positions were filled by French expatriates, and French teachers, textbooks and curricula continued to be used in schools around the country. Popular resentment over Tsiranana's tolerance for this ""neo-colonial"" arrangement inspired a series of farmer and student protests that overturned his administration in 1972.[58]
 Gabriel Ramanantsoa, a major general in the army, was appointed interim president and prime minister that same year, but low public approval forced him to step down in 1975. Colonel Richard Ratsimandrava, appointed to succeed him, was assassinated six days into his tenure. General Gilles Andriamahazo ruled after Ratsimandrava for four months before being replaced by another military appointee: Vice Admiral Didier Ratsiraka, who ushered in the Marxist–Leninist Second Republic that ran under his tenure from 1975 to 1993.[96]
 This period saw a political alignment with the Eastern Bloc countries and a shift toward economic insularity. These policies, coupled with economic pressures stemming from the 1973 oil crisis, resulted in the rapid collapse of Madagascar's economy and a sharp decline in living standards,[58] and the country had become completely bankrupt by 1979. The Ratsiraka administration accepted the conditions of transparency, anti-corruption measures and free market policies imposed by the International Monetary Fund, World Bank and various bilateral donors in exchange for their bailout of the nation's broken economy.[97]
 Ratsiraka's dwindling popularity in the late 1980s reached a critical point in 1991 when presidential guards opened fire on unarmed protesters during a rally. Within two months, a transitional government had been established under the leadership of Albert Zafy (1993–96), who went on to win the 1992 presidential elections and inaugurate the Third Republic (1992–2010).[98] The new Madagascar constitution established a multi-party democracy and a separation of powers that placed significant control in the hands of the National Assembly. The new constitution also emphasized human rights, social and political freedoms, and free trade.[58] Zafy's term, however, was marred by economic decline, allegations of corruption, and his introduction of legislation to give himself greater powers. He was consequently impeached in 1996, and an interim president, Norbert Ratsirahonana, was appointed for the three months prior to the next presidential election. Ratsiraka was then voted back into power on a platform of decentralization and economic reforms for a second term which lasted from 1996 to 2001.[97]
 The contested 2001 presidential elections in which then-mayor of Antananarivo, Marc Ravalomanana, eventually emerged victorious, caused a seven-month standoff in 2002 between supporters of Ravalomanana and Ratsiraka. The negative economic impact of the political crisis was gradually overcome by Ravalomanana's progressive economic and political policies, which encouraged investments in education and ecotourism, facilitated foreign direct investment, and cultivated trading partnerships both regionally and internationally. National GDP grew at an average rate of 7 percent per year under his administration. In the latter half of his second term, Ravalomanana was criticised by domestic and international observers who accused him of increasing authoritarianism and corruption.[97]
 Opposition leader and then-mayor of Antananarivo, Andry Rajoelina, led a movement in early 2009 in which Ravalomanana was pushed from power in an unconstitutional process widely condemned as a coup d'état.[99] In March 2009, Rajoelina was declared by the Supreme Court as the President of the High Transitional Authority, an interim governing body responsible for moving the country toward presidential elections. In 2010, a new constitution was adopted by referendum, establishing a Fourth Republic, which sustained the democratic, multi-party structure established in the previous constitution.[98] Hery Rajaonarimampianina was declared the winner of the 2013 presidential election, which the international community deemed fair and transparent.[100]
 In 2018 the first round of the presidential election was held on 7 November and the second round was held on 10 December. Three former presidents and the most recent president were the main candidates of the elections. Rajoelina won the second round of the elections. Ravalomana lost the second round and he did not accept the results because of allegations of fraud. Rajaonarimampianina received very modest support in the first round. In January 2019 the High Constitutional Court declared Rajoelina as the winner of the elections and the new president.[101][102][103]
In June 2019 parliamentary elections the Rajoelina's won absolute majority of the seats of the National Assembly. It received 84 seats and the supporters of former president Ravalomana got only 16 seats of 151 seats of the National Assembly. 51 seats of deputies were independent or represented small parties. Rajoelina could rule as a strongman.[104]
 Mid-2021 marked the beginning of the 2021–2022 Madagascar famine which, due to a severe drought, caused hundreds of thousands of people to face food insecurity and over one million people were on the verge of a famine.[105]
 In November 2023, Rajoelina was re-elected to another term with 58.95% of the vote in the first round of the election amidst an opposition boycott and a controversy about his acquisition of French citizenship and subsequent eligibility. Turnout was 46.36%, the lowest in a presidential election in the country's history.[106]
 At 592,800 square kilometres (228,900 sq mi),[8] Madagascar is the world's 46th largest country,[107] the second-largest island country[14] and the fourth-largest island.[8] The country lies mostly between latitudes 12°S and 26°S, and longitudes 43°E and 51°E.[108] Neighboring islands include the French territory of Réunion and the country of Mauritius to the east, as well as the state of Comoros and the French territory of Mayotte to the north west. The nearest mainland state is Mozambique, located to the west.
 The prehistoric breakup of the supercontinent Gondwana resulted in the separation of East Gondwana (comprising Madagascar, Antarctica, Australia and the Indian subcontinent) and West Gondwana (Africa–South America) during the Jurassic period, around 185 million years ago. The Indo-Madagascar landmass separated from Antarctica and Australia around 125 million years ago[109] and Madagascar separated from the Indian landmass about 84–92 million years ago during the Late Cretaceous.[110] This long history of separation from other continents has allowed plants and animals on the island to evolve in relative isolation. Along the length of the eastern coast runs a narrow and steep escarpment containing much of the island's remaining tropical lowland forest. To the west of this ridge lies a plateau in the center of the island ranging in altitude from 750 to 1,500 m (2,460 to 4,920 ft) above sea level. These central highlands, traditionally the homeland of the Merina people and the location of their historic capital at Antananarivo, are the most densely populated part of the island and are characterized by terraced, rice-growing valleys lying between grassy hills and patches of the subhumid forests that formerly covered the highland region. To the west of the highlands, the increasingly arid terrain gradually slopes down to the Mozambique Channel and mangrove swamps along the coast.[111]
 Madagascar's highest peaks rise from three prominent highland massifs: Maromokotro 2,876 m (9,436 ft) in the Tsaratanana Massif is the island's highest point, followed by Boby Peak 2,658 m (8,720 ft) in the Andringitra Massif, and Tsiafajavona 2,643 m (8,671 ft) in the Ankaratra Massif. To the east, the Canal des Pangalanes is a chain of human-made and natural lakes connected by canals built by the French just inland from the east coast and running parallel to it for some 600 km (370 mi).[112]
 The western and southern sides, which lie in the rain shadow of the central highlands, are home to dry deciduous forests, spiny forests, and deserts and xeric shrublands. Due to their lower population densities, Madagascar's dry deciduous forests have been better preserved than the eastern rain forests or the original woodlands of the central plateau. The western coast features many protected harbors, but silting is a major problem caused by sediment from the high levels of inland erosion carried by rivers crossing the broad western plains.[112]
 The combination of southeastern trade winds and northwestern monsoons produces a hot rainy season (November–April) with frequently destructive cyclones, and a relatively cooler dry season (May–October). Rain clouds originating over the Indian Ocean discharge much of their moisture over the island's eastern coast; the heavy precipitation supports the area's rainforest ecosystem. The central highlands are both drier and cooler while the west is drier still, and a semi-arid climate prevails in the southwest and southern interior of the island.[111]
 Tropical cyclones cause damage to infrastructure and local economies as well as loss of life.[58] In 2004, Cyclone Gafilo became the strongest cyclone ever recorded to hit Madagascar. The storm killed 172 people, left 214,260 homeless[113] and caused more than US$250 million in damage.[114] In February 2022, Cyclone Batsirai killed 121 people,[16][115] weeks after Cyclone Ana killed 55 and displaced 130,000 people on the island.[116]
 A 2022 analysis found that the expected costs for Madagascar, to adapt to and avert the environmental consequences of climate change, are going to be high.[117]
 As a result of the island's long isolation from neighbouring continents, Madagascar is home to various endemic plants and animals found nowhere else on Earth.[118][119] Approximately 90% of all plant and animal species found in Madagascar are endemic.[120] This distinctive ecology has led some ecologists to refer to Madagascar as the ""eighth continent"",[121] and the island has been classified by Conservation International as a biodiversity hotspot.[118] Madagascar is classed as one of 17 megadiverse countries. The country is home to seven terrestrial ecoregions: Madagascar lowland forests, Madagascar subhumid forests, Madagascar dry deciduous forests, Madagascar ericoid thickets, Madagascar spiny forests, Madagascar succulent woodlands, and Madagascar mangroves.[122]
 More than 80 percent of Madagascar's 14,883 plant species are found nowhere else in the world, including five plant families.[123] The family Didiereaceae, composed of four genera and 11 species, is limited to the spiny forests of southwestern Madagascar.[111] Four-fifths of the world's Pachypodium species are endemic to the island.[124] Three-fourths[125] of Madagascar's 860[123] orchid species are found here alone, as are six of the world's nine baobab species.[126] The island is home to around 170 palm species, three times as many as on all of mainland Africa; 165 of them are endemic.[125] Many native plant species are used as herbal remedies for a variety of afflictions. The drugs vinblastine[127][128] and vincristine[127][129] are vinca alkaloids,[130][131] used to treat Hodgkin lymphoma,[132] leukemia,[133] and other cancers,[134] were derived from the Madagascar periwinkle.[135][136] The traveler's palm, known locally as ravinala[137] and endemic to the eastern rain forests,[138] is highly iconic of Madagascar and is featured in the national emblem as well as the Air Madagascar logo.[139]
 Like its flora, Madagascar's fauna is diverse and exhibits a high rate of endemism. Lemurs have been characterized as ""Madagascar's flagship mammal species"" by Conservation International.[118] In the absence of monkeys and other competitors, these primates have adapted to a wide range of habitats and diversified into numerous species. As of 2012[update], there were officially 103 species and subspecies of lemur,[141] 39 of which were described by zoologists between 2000 and 2008.[142] They are almost all classified as rare, vulnerable, or endangered. At least 17 species of lemur have become extinct since humans arrived on Madagascar, all of which were larger than the surviving lemur species.[143]
 A number of other mammals, including the catlike fossa, are endemic to Madagascar. Over 300 species of birds have been recorded on the island, of which over 60 percent (including four families and 42 genera) are endemic.[118] The few families and genera of reptiles that have reached Madagascar have diversified into more than 260 species, with over 90 percent of these being endemic[144] (including one endemic family).[118] The island is home to two-thirds of the world's chameleon species,[144] including the smallest known.[145]
 Endemic fish of Madagascar include two families, 15 genera and over 100 species, primarily inhabiting the island's freshwater lakes and rivers. Although invertebrates remain poorly studied in Madagascar, researchers have found high rates of endemism among the known species. All 651 species of terrestrial snail are endemic, as are a majority of the island's butterflies, scarab beetles, lacewings, spiders, and dragonflies.[118]
 Madagascar's varied fauna and flora are endangered by human activity.[146] Since the arrival of humans around 2,350 years ago, Madagascar has lost more than 90 percent of its original forest.[147] This forest loss is largely fueled by tavy (""fat""), a traditional slash-and-burn agricultural practice imported to Madagascar by the earliest settlers.[55] Malagasy farmers embrace and perpetuate the practice not only for its practical benefits as an agricultural technique, but for its cultural associations with prosperity, health and venerated ancestral custom (fomba malagasy).[148] As human population density rose on the island, deforestation accelerated beginning around 1,400 years ago.[149] By the 16th century, the central highlands had been largely cleared of their original forests.[55] More recent contributors to the loss of forest cover include the growth in cattle herd size since their introduction around 1,000 years ago, a continued reliance on charcoal as a fuel for cooking, and the increased prominence of coffee as a cash crop over the past century.[150] Madagascar had a 2019 Forest Landscape Integrity Index mean score of 4.63/10, ranking it 119th globally out of 172 countries.[151]
 According to a conservative estimate, about 40 percent of the island's original forest cover was lost from the 1950s to 2000, with a thinning of remaining forest areas by 80 percent.[152] In addition to traditional agricultural practice, wildlife conservation is challenged by the illicit harvesting of protected forests, as well as the state-sanctioned harvesting of precious woods within national parks. Although banned by then-President Marc Ravalomanana from 2000 to 2009, the collection of small quantities of precious timber from national parks was re-authorized in January 2009 and dramatically intensified under the administration of Andry Rajoelina as a key source of state revenues to offset cuts in donor support following Ravalomanana's ousting.[153]
 Invasive species have likewise been introduced by human populations. Following the 2014 discovery in Madagascar of the Asian common toad, a relative of a toad species that has severely harmed wildlife in Australia since the 1930s, researchers warned the toad could ""wreak havoc on the country's unique fauna.""[154] Habitat destruction and hunting have threatened many of Madagascar's endemic species or driven them to extinction. The island's elephant birds, a family of endemic giant ratites, became extinct in the 17th century or earlier, most probably because of human hunting of adult birds and poaching of their large eggs for food.[155] Numerous giant lemur species vanished with the arrival of human settlers to the island, while others became extinct over the course of the centuries as a growing human population put greater pressures on lemur habitats and, among some populations, increased the rate of lemur hunting for food.[156] A July 2012 assessment found that the exploitation of natural resources since 2009 has had dire consequences for the island's wildlife: 90 percent of lemur species were found to be threatened with extinction, the highest proportion of any mammalian group. Of these, 23 species were classified as critically endangered. A 2023 study published in Nature Communications found that 120 of the 219 mammal species only found on Madagascar are threatened with extinction.[157]
 In 2003, Ravalomanana announced the Durban Vision, an initiative to more than triple the island's protected natural areas to over 60,000 km2 (23,000 sq mi) or 10 percent of Madagascar's land surface. As of 2011[update], areas protected by the state included five Strict Nature Reserves (Réserves Naturelles Intégrales), 21 Wildlife Reserves (Réserves Spéciales) and 21 National Parks (Parcs Nationaux).[158] In 2007 six of the national parks were declared a joint World Heritage Site under the name Rainforests of the Atsinanana. These parks are Marojejy, Masoala, Ranomafana, Zahamena, Andohahela and Andringitra.[159] Local timber merchants are harvesting scarce species of rosewood trees from protected rainforests within Marojejy National Park and exporting the wood to China for the production of luxury furniture and musical instruments.[160]
 Madagascar is a semi-presidential representative democratic multi-party republic, wherein the popularly elected president is the head of state and selects a prime minister, who recommends candidates to the president to form his cabinet of ministers. According to the constitution, executive power is exercised by the government while legislative power is vested in the ministerial cabinet,[161] the Senate and the National Assembly, although in reality these two latter bodies have very little power or legislative role. The constitution establishes independent executive, legislative and judicial branches and mandates a popularly elected president limited to three five-year terms.[8]
 The public directly elects the president and the 151 members of the National Assembly to five-year terms. All 18 members of the Senate serve six-year terms, with 12 senators elected by local officials and 6 appointed by the president.
 At the local level, the island's 22 provinces are administered by a governor and provincial council. Provinces are further subdivided into regions and communes. The judiciary is modeled on the French system, with a High Constitutional Court, High Court of Justice, Supreme Court, Court of Appeals, criminal tribunals, and tribunals of first instance.[162] The courts, which adhere to civil law, lack the capacity to quickly and transparently try the cases in the judicial system, often forcing defendants to pass lengthy pretrial detentions in unsanitary and overcrowded prisons.[163]
 Antananarivo is the administrative capital and largest city of Madagascar.[8] It is located in the highlands region, near the geographic center of the island. King Andrianjaka founded Antananarivo as the capital of his Imerina Kingdom around 1610 or 1625 upon the site of a captured Vazimba capital on the hilltop of Analamanga.[56] As Merina dominance expanded over neighboring Malagasy peoples in the early 19th century to establish the Kingdom of Madagascar, Antananarivo became the center of administration for virtually the entire island. In 1896 the French colonizers of Madagascar adopted the Merina capital as their center of colonial administration. The city remained the capital of Madagascar after regaining independence in 1960. In 2017, the capital's population was estimated at 1,391,433 inhabitants.[164] The next largest cities are Antsirabe (500,000), Toamasina (450,000) and Mahajanga (400,000).[8]
 Since Madagascar gained independence from France in 1960, the island's political transitions have been marked by numerous popular protests, several disputed elections, an impeachment, two military coups and one assassination. The island's recurrent political crises are often prolonged, with detrimental effects on the local economy, international relations and Malagasy living standards. The eight-month standoff between incumbent Ratsiraka and challenger Marc Ravalomanana following the 2001 presidential elections cost Madagascar millions of dollars in lost tourism and trade revenue as well as damage to infrastructure, such as bombed bridges and buildings damaged by arson.[165] A series of protests led by Andry Rajoelina against Ravalomanana in early 2009 became violent, with more than 170 people killed.[166] Modern politics in Madagascar are colored by the history of Merina subjugation of coastal communities under their rule in the 19th century. The consequent tension between the highland and coastal populations has periodically flared up into isolated events of violence.[167]
 Madagascar has historically been perceived as being on the margin of mainstream African affairs despite being a founding member of the Organisation of African Unity, which was established in 1963 and dissolved in 2002 to be replaced by the African Union. Madagascar was not permitted to attend the first African Union summit because of a dispute over the results of the 2001 presidential election, but rejoined the African Union in July 2003 after a 14-month hiatus. Madagascar was again suspended by the African Union in March 2009 following the unconstitutional transfer of executive power to Rajoelina.[168] Madagascar is a member of the International Criminal Court with a Bilateral Immunity Agreement of protection for the United States military.[8] Eleven countries have established embassies in Madagascar, including France, the United Kingdom, the United States, China and India,[169] while Madagascar has embassies in sixteen other countries.
 Human rights in Madagascar are protected under the constitution and the state is a signatory to numerous international agreements including the Universal Declaration of Human Rights and the Convention on the Rights of the Child.[170] Religious, ethnic and sexual minorities are protected under the law. Freedom of association and assembly are also guaranteed under the law, although in practice the denial of permits for public assembly has occasionally been used to impede political demonstrations.[153][170] Torture by security forces is rare and state repression is low relative to other countries with comparably few legal safeguards, although arbitrary arrests and the corruption of military and police officers remain problems. Ravalomanana's 2004 creation of BIANCO, an anti-corruption bureau, resulted in reduced corruption among Antananarivo's lower-level bureaucrats in particular, although high-level officials have not been prosecuted by the bureau.[153] Accusations of media censorship have risen due to the alleged restrictions on the coverage of government opposition.[171] Some journalists have been arrested for allegedly spreading fake news.[172]
 The rise of centralized kingdoms among the Sakalava, Merina and other ethnic groups produced the island's first standing armies by the 16th century, initially equipped with spears but later with muskets, cannons and other firearms.[173] By the early 19th century, the Merina sovereigns of the Kingdom of Madagascar had brought much of the island under their control by mobilizing an army of trained and armed soldiers numbering as high as 30,000.[174] French attacks on coastal towns in the later part of the century prompted then-Prime Minister Rainilaiarivony to solicit British assistance to provide training to the Merina monarchy's army. Despite the training and leadership provided by British military advisers, the Malagasy army was unable to withstand French weaponry and was forced to surrender following an attack on the royal palace at Antananarivo. Madagascar was declared a colony of France in 1897.[175]
 The political independence and sovereignty of the Malagasy armed forces, which comprises an army, navy and air force, was restored with independence from France in 1960.[176] Since this time the Malagasy military has never engaged in armed conflict with another state or within its own borders, but has occasionally intervened to restore order during periods of political unrest. Under the socialist Second Republic, Admiral Didier Ratsiraka instated mandatory national armed or civil service for all young citizens regardless of sex, a policy that remained in effect from 1976 to 1991.[177][178] The armed forces are under the direction of the Minister of Defense and have remained largely neutral during times of political crisis, as during the protracted standoff between incumbent Ratsiraka and challenger Marc Ravalomanana in the disputed 2001 presidential elections, when the military refused to intervene in favor of either candidate. This tradition was broken in 2009, when a segment of the army defected to the side of Andry Rajoelina, then-mayor of Antananarivo, in support of his attempt to force President Ravalomanana from power.[153]
 The Minister of Interior is responsible for the national police force, paramilitary force (gendarmerie) and the secret police.[162] The police and gendarmerie are stationed and administered at the local level. However, in 2009 fewer than a third of all communes had access to the services of these security forces, with most lacking local-level headquarters for either corps.[179] Traditional community tribunals, called dina, are presided over by elders and other respected figures and remain a key means by which justice is served in rural areas where state presence is weak. Historically, security has been relatively high across the island.[153] Violent crime rates are low, and criminal activities are predominantly crimes of opportunity such as pickpocketing and petty theft, although child prostitution, human trafficking and the production and sale of marijuana and other illegal drugs are increasing.[162] Budget cuts since 2009 have severely impacted the national police force, producing a steep increase in criminal activity in recent years.[153]
 Madagascar is subdivided into 22 regions (faritra).[8] The regions are further subdivided into 119 districts, 1,579 communes, and 17,485 fokontany.[179]
 Madagascar became a member state of the United Nations on 20 September 1960, shortly after gaining its independence on 26 June 1960.[182] As of January 2017, 34 police officers from Madagascar are deployed in Haiti as part of the United Nations Stabilisation Mission in Haiti.[183] Starting in 2015, under the direction of and with assistance from the UN, the World Food Programme started the Madagascar Country Programme with the two main goals of long-term development and reconstruction efforts, and addressing the food insecurity issues in the southern regions of Madagascar.[184] These goals plan to be accomplished by providing meals for specific schools in rural and urban priority areas and by developing national school feeding policies to increase consistency of nourishment throughout the country. Small and local farmers have also been assisted in increasing both the quantity and quality of their production, as well as improving their crop yield in unfavorable weather conditions.[184] In 2017, Madagascar signed the UN treaty on the Prohibition of Nuclear Weapons.[185]
 Madagascar's GDP in 2015 was estimated at US$9.98 billion, with a per capita GDP of $411.82.[186][187] Approximately 69 percent of the population lives below the national poverty line threshold of one dollar per day.[188] According to the United Nations Development Programme, as of 2021, 68.4 percent of the population is multidimensionally poor.[22] During 2011–15, the average growth rate was 2.6% but was expected to have reached 4.1% in 2016, due to public works programs and a growth of the service sector.[189] The agriculture sector constituted 29 percent of Malagasy GDP in 2011, while manufacturing formed 15 percent of GDP. Madagascar's other sources of growth are tourism, agriculture and the extractive industries.[190] The fishing sector represents 800 millions USD or 6% of GNP with 200 000 direct jobs.[191]
 Tourism focuses on the niche eco-tourism market, capitalizing on Madagascar's unique biodiversity, unspoiled natural habitats, national parks and lemur species.[192] An estimated 365,000 tourists visited Madagascar in 2008, but the sector declined during the political crisis with 180,000 tourists visiting in 2010.[190] However, the sector has been growing steadily for a few years. In 2016, 293,000 tourists landed in the African island with an increase of 20% compared to 2015. For 2017 the country has the goal of reaching 366,000 visitors, while for 2018 government estimates are expected to reach 500,000 annual tourists.[193]
 The island is still a very poor country in 2018; structural brakes remain in the development of the economy: corruption and the shackles of the public administration, lack of legal certainty, and backwardness of land legislation. The economy, however, has been growing since 2011, with GDP growth exceeding 4% per year;[194][195] almost all economic indicators are growing, the GDP per capita was around $1600 (PPP) for 2017,[196] one of the lowest in the world, although growing since 2012; unemployment was also cut, which in 2016 was equal to 2.1%[197] with a work force of 13.4 million as of 2017.[198] The main economic resources of Madagascar are tourism, textiles, agriculture, and mining.
 Poverty affects 92% of the population in 2017. The country ranks fourth in the world in terms of chronic malnutrition. Nearly one in two children under the age of five is stunted. In addition, Madagascar is among the five countries where access to water is the most difficult for the population. Twelve million people do not have access to clean water, according to the NGO WaterAid.[199]
 Madagascar's natural resources include a variety of agricultural and mineral products. Agriculture (including the growing of raffia), mining, fishing and forestry are mainstays of the economy. In 2017 the top exports were vanilla (US$894M), nickel metal (US$414M), cloves (US$288M), knitted sweaters (US$184M) and cobalt (US$143M).[201]
 Madagascar is the world's principal supplier of vanilla, cloves[202] and ylang-ylang.[113] The island supplies 80% of the world's natural vanilla.[203] Other key agricultural resources include coffee, lychees and shrimp. Key mineral resources include various types of precious and semi-precious stones, and it currently provides half of the world's supply of sapphires, which were discovered near Ilakaka in the late 1990s.[204]
 Madagascar has one of the world's largest reserves of ilmenite (titanium ore), as well as important reserves of chromite, coal, iron, cobalt, copper and nickel.[112] Several major projects are underway in the mining, oil and gas sectors that are anticipated to give a significant boost to the Malagasy economy. These include such projects as ilmenite and zircon mining at the Mandena mine by Rio Tinto,[205] extraction of nickel by the Ambatovy mine near Moramanga and its processing near Toamasina by Sherritt International,[206] and the development of the giant onshore heavy oil deposits at Tsimiroro and Bemolanga by Madagascar Oil.[207]
 Exports formed 28 percent of GDP in 2009.[8] Most of the country's export revenue is derived from the textiles industry, fish and shellfish, vanilla, cloves and other foodstuffs.[190] France is the nation's main trading partner, although the United States, Japan and Germany also have strong economic ties.[112] The Madagascar-U.S. Business Council was formed in May 2003, as a collaboration between USAID and Malagasy artisan producers to support the export of local handicrafts to foreign markets.[208] Imports of such items as foodstuffs, fuel, capital goods, vehicles, consumer goods and electronics consume an estimated 52 percent of GDP. The main sources of Madagascar's imports include China,[209] France, Iran, Mauritius and Hong Kong.[8]
 In 2010, Madagascar had approximately 7,617 km (4,730 mi) of paved roads, 854 km (530 mi) of railways and 432 km (270 mi) of navigable waterways.[13] The majority of roads in Madagascar are unpaved, with many becoming impassable in the rainy season. Largely paved national routes connect the six largest regional towns to Antananarivo, with minor paved and unpaved routes providing access to other population centers in each district.[58] Construction of the Antananarivo–Toamasina toll highway, the country's first toll highway, began in December 2022. The approximately US$1,000,000,000 infrastructure project, which will connect Madagascar's capital to its largest seaport, is expected to take four years to complete.[210] Another project meant to create 348 kilometers of roads and create better connections costs €235.5 million. This includes a €116 million grant from the European Union, a €110 million loan from the European Investment Bank, and €4.8 million in finance from the Republic of Madagascar.[211] Since 2016, €100.4 million has been paid to the Republic of Madagascar through this project.[211][212]
 There are several rail lines in Madagascar. Antananarivo is connected to Toamasina, Ambatondrazaka and Antsirabe by rail, and another rail line connects Fianarantsoa to Manakara. The most important seaport in Madagascar is located on the east coast at Toamasina. Ports at Mahajanga and Antsiranana are significantly less used because of their remoteness.[58] Madagascar's government hopes to expand the ports of Antsiranana in the north and Taolagnaro in the south, connecting them to improved road networks, since many imports are every day necessities and Madagascar also relies on export money.[211][213][214] The island's newest port at Ehoala, constructed in 2008 and privately managed by Rio Tinto, will come under state control upon completion of the company's mining project near Tôlanaro around 2038.[205] Air Madagascar services the island's many small regional airports, which offer the only practical means of access to many of the more remote regions during rainy season road washouts.[58]
 Running water and electricity are supplied at the national level by a government service provider, Jirama, which is unable to service the entire population. As of 2009[update], only 6.8 percent of Madagascar's fokontany had access to water provided by Jirama, while 9.5 percent had access to its electricity services.[179] Fifty-six percent of Madagascar's power is provided by hydroelectric power plants, with the remaining 44% provided by diesel engine generators.[215] Mobile telephone and internet access are widespread in urban areas but remain limited in rural parts of the island. Approximately 30% of the districts are able to access the nations' several private telecommunications networks via mobile telephones or land lines.[179] The World Bank estimates that 17 million people in Madagascar's rural areas live more than two kilometres away from an all-season road.[216] In Madagascar, 11% of the rural population has access to power.[211][217]
 Radio broadcasts remain the principal means by which the Malagasy population access international, national, and local news. Only state radio broadcasts are transmitted across the entire island. Hundreds of public and private stations with local or regional range provide alternatives to state broadcasting.[163] In addition to the state television channel, a variety of privately owned television stations broadcast local and international programming throughout Madagascar. Several media outlets are owned by political partisans or politicians themselves, including the media groups MBS (owned by Ravalomanana) and Viva (owned by Rajoelina),[153] contributing to political polarization in reporting.
 The media have historically come under varying degrees of pressure to censor their criticism of the government. Reporters are occasionally threatened or harassed, and media outlets are periodically forced to close.[163] Accusations of media censorship have increased since 2009 because of the alleged intensification of restrictions on political criticism.[170] Access to the internet has grown dramatically over the past decade, with an estimated 352,000 residents of Madagascar accessing the internet from home or in one of the nation's many internet cafés in December 2011.[163]
 Agriculture has long influenced settlement on the island. Almost 60% of the nation's population live in rural areas.[218]
 In 2024, the population of Madagascar was estimated at 32 million, up from 2.2 million in 1900.[219][58] The annual population growth rate in Madagascar was approximately 2.4% in 2024.[219]
 Approximately 39.3 percent of the population is younger than 15 years of age, while 57.3 percent are between the ages of 15 and 64. Those aged 65 and older form 3.4 percent of the total population.[219] Only two general censuses, in 1975 and 1993, have been carried out after independence. The most densely populated regions of the island are the eastern highlands and the eastern coast, contrasting most dramatically with the sparsely populated western plains.[58]
 The Malagasy ethnic group forms over 90 percent of Madagascar's population and is typically divided into 18 ethnic subgroups.[8] Recent DNA research revealed that the genetic makeup of the average Malagasy person constitutes an approximately equal blend of Southeast Asian, Oceanian and East African genes,[220][221][43] although the genetics of some communities show a predominance of Southeast Asian or East African origins or some Arab, Indian, or European ancestry.[222]
 Southeast Asian features – specifically from the southern part of Borneo – are most predominant among the Merina of the central highlands,[167] who form the largest Malagasy ethnic subgroup at approximately 26 percent of the population, while certain communities among the western coastal peoples (collectively called côtiers) have relatively stronger East African features. The largest coastal ethnic subgroups are the Betsimisaraka (14.9 percent) and the Tsimihety and Sakalava (6 percent each).[58] Peoples along the east and southeastern coasts often have a roughly equal blend of Austronesian and Bantu ancestry; coastal peoples also usually show the largest genetic influence from the centuries of Arab, Somali, Gujarati, and Tamil traders and merchants of the area, compared to the inland highlander peoples.
 Chinese, Indian and Comoran minorities are present in Madagascar, as well as a small European (primarily French) populace. Emigration in the late 20th century has reduced these minority populations, occasionally in abrupt waves, such as the exodus of Comorans in 1976, following anti-Comoran riots in Mahajanga.[58] By comparison, there has been no significant emigration of Malagasy peoples.[112] The number of Europeans has declined since independence, reduced from 68,430 in 1958[94] to 17,000 three decades later. There were an estimated 25,000 Comorans, 18,000 Indians, and 9,000 Chinese living in Madagascar in the mid-1980s.[58]
 The Malagasy language is of Malayo-Polynesian origin and is generally spoken throughout the island. The numerous dialects of Malagasy, which are generally mutually intelligible,[224] can be clustered under one of two subgroups: eastern Malagasy, spoken along the eastern forests and highlands including the Merina dialect of Antananarivo, and western Malagasy, spoken across the western coastal plains. The Malagasy language derives from the Southeast Barito languages, with the Ma'anyan language being its closest relative, incorporating numerous Malay and Javanese loanwords.[225][226]
 French became the official language during the colonial period, when Madagascar came under the authority of France. In the first national Constitution of 1958, Malagasy and French were named the official languages of the Malagasy Republic. Madagascar is a francophone country, and French is mostly spoken as a second language among the educated population and used for international communication.[58]
 Among the upper class in large cities, French is spoken as a native language.[227]
 No official languages were mentioned in the Constitution of 1992, although Malagasy was identified as the national language. Nonetheless, many sources still claimed that Malagasy and French were official languages, eventually leading a citizen to initiate a legal case against the state in April 2000, on the grounds that the publication of official documents only in the French language was unconstitutional. The High Constitutional Court observed in its decision that, in the absence of a language law, French still had the character of an official language.[228]
 The Constitution of 2007 recognised three official languages, Malagasy, French, and English.[229] A fourth Constitution, adopted in 2010 following a referendum,[1] recognised only Malagasy and French.
 Christianity is the most widely professed religion in Madagascar. According to the most recent national census completed in 1993, a majority of the population (52 percent) adhered to indigenous beliefs, with Christianity being the largest single religion at 41 percent, followed by Islam at 7 percent. However, according to the Pew Research Center in 2020, 85% of the population identified as Christian, while just 4.5% exclusively practiced folk religions; Protestants comprise a plurality of Christians, followed by Roman Catholics.[230] In contrast, a 2020 study conducted by the Association of Religion Data Archives found 58.1% of the population was Christian, 2.1% Muslim, 39.2% practiced traditional faiths, and 0.6% was nonreligious or adhered to other faiths.[231][8]
 The inconsistency in religious data reflects the common practice of alternating between religious identities or syncretizing different faith traditions. Christians integrate and combine their religious beliefs with the deeply rooted practice of honoring ancestors. For instance, they may bless their dead at church before proceeding with traditional burial rites or invite a Christian minister to consecrate a famadihana reburial.[232] Christianity is predominant in the highlands.[233] The Malagasy Council of Churches comprises the four oldest and most prominent Christian denominations of Madagascar (Roman Catholic, Church of Jesus Christ in Madagascar, Lutheran, and Anglican) and has been influential in Malagasy politics.[234]
 The veneration of ancestors has led to the widespread tradition of tomb building, as well as the highlands practice of the famadihana, whereby a deceased family member's remains are exhumed and re-wrapped in fresh silk shrouds, before being replaced in the tomb. The famadihana is an occasion to celebrate the beloved ancestor's memory, reunite with family and community, and enjoy a festive atmosphere. Residents of surrounding villages are often invited to attend the party, where food and rum are typically served, and a hiragasy troupe or other musical entertainment is commonly present.[232] Consideration for ancestors is also demonstrated through adherence to fady, taboos that are respected during and after the lifetime of the person who establishes them. It is widely believed that by showing respect for ancestors in these ways, they may intervene on behalf of the living. Conversely, misfortunes are often attributed to ancestors whose memory or wishes have been neglected. The sacrifice of zebu is a traditional method used to appease or honor the ancestors. In addition, the Malagasy traditionally believe in a creator god, called Zanahary or Andriamanitra.[235]
 Islam was first brought to Madagascar in the Middle Ages by Arab and Somali Muslim traders, who established several Islamic schools along the eastern coast. While the use of Arabic script and loan words, and the adoption of Islamic astrology, would spread across the island, Islam took hold in only a handful of southeastern coastal communities. In 2020, Muslims constituted 2% of the population of Madagascar.[231][8] They are largely concentrated in the northwestern provinces of Mahajanga and Antsiranana. Muslims are divided between ethnic Malagasy and Indians, Pakistanis and Comorans.
 Hinduism was introduced to Madagascar through Gujarati people immigrating from the Saurashtra region of India in the late 19th century. Most Hindus in Madagascar speak Gujarati or Hindi at home, reflecting the faiths concentration among those of Indian ancestry.[236]
 Rabbinic Judaism emerged on the island in the 21st century, as the common belief in a myth of Jewish origin for the Malagasy peoples inspired Messianic Jews in Antananarivo to begin researching Judaism and studying the Torah. In 2016, 121 members of the Malagasy Jewish community were formally converted to Orthodox Judaism.[237]
 Medical centers, dispensaries, and hospitals are found throughout the island, although they are concentrated in urban areas and particularly in Antananarivo. Access to medical care remains beyond the reach of many Malagasy, especially in the rural areas, and many recourse to traditional healers.[238] In addition to the high expense of medical care relative to the average Malagasy income, the prevalence of trained medical professionals remains extremely low. In 2010, Madagascar had an average of three hospital beds per 10,000 people and a total of 3,150 doctors, 5,661 nurses, 385 community health workers, 175 pharmacists, and 57 dentists for a population of 22 million. Fifteen percent of government spending in 2008 was directed toward the health sector. Approximately 70 percent of spending on health was contributed by the government, while 30 percent originated with international donors and other private sources.[239] The government provides at least one basic health center per commune. Private health centers are concentrated within urban areas and particularly those of the central highlands.[179]
 Despite these barriers to access, health services have shown a trend toward improvement over the past twenty years. Child immunizations against such diseases as hepatitis B, diphtheria, and measles increased an average of 60 percent in this period, indicating low but increasing availability of basic medical services and treatments. The Malagasy fertility rate in 2009 was 4.6 children per woman, declining from 6.3 in 1990. Teen pregnancy rates of 14.8 percent in 2011, much higher than the African average, are a contributing factor to rapid population growth.[239] In 2010, the maternal mortality rate was 440 per 100,000 births, compared to 373.1 in 2008 and 484.4 in 1990, indicating a decline in perinatal care following the 2009 coup. The infant mortality rate in 2011 was 41 per 1,000 births,[8] with an under-five mortality rate at 61 per 1,000 births.[240] Schistosomiasis, malaria, and sexually transmitted diseases are common in Madagascar, although infection rates of AIDS remain low relative to many countries in mainland Africa, at 0.2 percent of the adult population. The malaria mortality rate is also among the lowest in Africa at 8.5 deaths per 100,000 people, in part because of the highest frequency use of insecticide treated nets in Africa.[239] Adult life expectancy in 2009 was 63 years for men and 67 years for women.[239]
 Madagascar had outbreaks of the bubonic plague and pneumonic plague in 2017 (2575 cases, 221 deaths) and 2014 (263 confirmed cases, 71 deaths).[241] In 2019, Madagascar had a measles outbreak, resulting in 118,000 cases and 1,688 deaths. In 2020, Madagascar was also affected by the COVID-19 pandemic. Undernourishment and hunger rates were at 42% in 2018.[242] According to the United Nations, more than one million people in southern Madagascar are struggling to get enough to eat,[243] due to what could become the first famine caused by climate change.[244]
 Prior to the 19th century, all education in Madagascar was informal and typically served to teach practical skills as well as social and cultural values, including respect for ancestors and elders.[58] The first formal European-style school was established in 1818 at Toamasina by members of the London Missionary Society (LMS). The LMS was invited by King Radama I to expand its schools throughout Imerina to teach basic literacy and numeracy to aristocratic children. The schools were closed by Ranavalona I in 1835,[245] but reopened and expanded in the decades after her death.
 By the end of the 19th century, Madagascar had the most developed and modern school system in pre-colonial Sub-Saharan Africa. Access to schooling was expanded in coastal areas during the colonial period, with French language and basic work skills becoming the focus of the curriculum. During the post-colonial First Republic, a continued reliance on French nationals as teachers, and French as the language of instruction, displeased those desiring a complete separation from the former colonial power.[58] Consequently, under the socialist Second Republic, French instructors and other nationals were expelled, Malagasy was declared the language of instruction, and a large cadre of young Malagasy were rapidly trained to teach at remote rural schools under the mandatory two-year national service policy.[246]
 This policy, known as malgachization, coincided with a severe economic downturn and a dramatic decline in the quality of education. Those schooled during this period generally failed to master the French language or many other subjects and struggled to find employment, forcing many to take low-paying jobs in the informal or black market that mired them in deepening poverty. Excepting the brief presidency of Albert Zafy, from 1992 to 1996, Ratsiraka remained in power from 1975 to 2001 and failed to achieve significant improvements in education throughout his tenure.[247]
 Education was prioritized under the Ravalomanana administration (2002–09), and is currently free and compulsory from ages 6 to 13.[248] The primary schooling cycle is five years, followed by four years at the lower secondary level and three years at the upper secondary level.[58] During Ravalomanana's first term, thousands of new primary schools and additional classrooms were constructed, older buildings were renovated, and tens of thousands of new primary teachers were recruited and trained. Primary school fees were eliminated, and kits containing basic school supplies were distributed to primary students.[248]
 Government school construction initiatives have ensured at least one primary school per fokontany and one lower secondary school within each commune. At least one upper secondary school is located in each of the larger urban centers.[179] The three branches of the national public university are located at Antananarivo, Mahajanga, and Fianarantsoa. These are complemented by public teacher-training colleges and several private universities and technical colleges.[58]
 As a result of increased educational access, enrollment rates more than doubled between 1996 and 2006. However, education quality is weak, producing high rates of grade repetition and dropout.[248] Education policy in Ravalomanana's second term focused on quality issues, including an increase in minimum education standards for the recruitment of primary teachers from a middle school leaving certificate (BEPC) to a high school leaving certificate (BAC), and a reformed teacher training program to support the transition from traditional didactic instruction to student-centered teaching methods to boost student learning and participation in the classroom.[249] Public expenditure on education was 2.8 percent of GDP in 2014. The literacy rate is estimated at 64.7%.[107]
 Madagascar was ranked 110th in the Global Innovation Index in 2024.[250]
 Each of the many ethnic subgroups in Madagascar adhere to their own set of beliefs, practices and ways of life that have historically contributed to their unique identities. However, there are a number of core cultural features that are common throughout the island, creating a strongly unified Malagasy cultural identity. In addition to a common language and shared traditional religious beliefs around a creator god and veneration of the ancestors, the traditional Malagasy worldview is shaped by values that emphasize fihavanana (solidarity), vintana (destiny), tody (karma), and hasina, a sacred life force that traditional communities believe imbues and thereby legitimates authority figures within the community or family. Other cultural elements commonly found throughout the island include the practice of male circumcision; strong kinship ties; a widespread belief in the power of magic, diviners, astrology and witch doctors; and a traditional division of social classes into nobles, commoners, and slaves.[58][235]
 Although social castes are no longer legally recognized, ancestral caste affiliation often continues to affect social status, economic opportunity, and roles within the community.[251] Malagasy people traditionally consult Mpanandro (""Makers of the Days"") to identify the most auspicious days for important events such as weddings or famadihana, according to a traditional astrological system introduced by Arabs. Similarly, the nobles of many Malagasy communities in the pre-colonial period would commonly employ advisers known as the ombiasy (from olona-be-hasina, ""man of much virtue"") of the southeastern Antemoro ethnic group, who trace their ancestry back to early Somali settlers.[252]
 The diverse origins of Malagasy culture are evident in its tangible expressions. The most emblematic instrument of Madagascar, the valiha, is a bamboo tube zither carried to Madagascar by early settlers from southern Borneo, and is very similar in form to those found in Indonesia and the Philippines today.[253] Traditional houses in Madagascar are likewise similar to those of southern Borneo in terms of symbolism and construction, featuring a rectangular layout with a peaked roof and central support pillar.[254] Reflecting a widespread veneration of the ancestors, tombs are culturally significant in many regions and tend to be built of more durable material, typically stone, and display more elaborate decoration than the houses of the living.[255] The production and weaving of silk can be traced back to the island's earliest settlers, and Madagascar's national dress, the woven lamba, has evolved into a varied and refined art.[256]
 The Southeast Asian cultural influence is also evident in Malagasy cuisine, in which rice is consumed at every meal, typically accompanied by one of a variety of flavorful vegetable or meat dishes.[257] African influence is reflected in the sacred importance of zebu cattle and their embodiment of their owner's wealth, traditions originating on the African mainland. Cattle rustling, originally a rite of passage for young men in the plains areas of Madagascar where the largest herds of cattle are kept, has become a dangerous and sometimes deadly criminal enterprise as herdsmen in the southwest attempt to defend their cattle with traditional spears against increasingly armed professional rustlers.[51]
 A wide variety of oral and written literature has developed in Madagascar. One of the island's foremost artistic traditions is its oratory, as expressed in the forms of hainteny (poetry), kabary (public discourse) and ohabolana (proverbs).[258][259] An epic poem exemplifying these traditions, the Ibonia, has been handed down over the centuries in several different forms across the island, and offers insight into the diverse mythologies and beliefs of traditional Malagasy communities.[260] This tradition was continued in the 20th century by such artists as Jean-Joseph Rabearivelo, who is considered Africa's first modern poet,[261] and Elie Rajaonarison, an exemplar of the new wave of Malagasy poetry.[262] Madagascar has also developed a rich musical heritage, embodied in dozens of regional musical genres such as the coastal salegy or highland hiragasy that enliven village gatherings, local dance floors and national airwaves.[263] Madagascar also has a growing culture of classical music fostered through youth academies, organizations and orchestras that promote youth involvement in classical music.
 The plastic arts are also widespread throughout the island. In addition to the tradition of silk weaving and lamba production, the weaving of raffia and other local plant materials has been used to create a wide array of practical items such as floor mats, baskets, purses and hats.[208] Wood carving is a highly developed art form, with distinct regional styles evident in the decoration of balcony railings and other architectural elements. Sculptors create a variety of furniture and household goods, aloalo funerary posts, and wooden sculptures, many of which are produced for the tourist market.[264] The decorative and functional woodworking traditions of the Zafimaniry people of the central highlands was inscribed on UNESCO's list of Intangible Cultural Heritage in 2008.[265]
 Among the Antaimoro people, the production of paper embedded with flowers and other decorative natural materials is a long-established tradition that the community has begun to market to eco-tourists.[264] Embroidery and drawn thread work are done by hand to produce clothing, as well as tablecloths and other home textiles for sale in local crafts markets.[208] Malagasy artists such as Madame Zo have incorporated textile traditions of Madagascar directly into their work.[266] A small but growing number of fine art galleries in Antananarivo, and several other urban areas, offer paintings by local artists, and annual art events, such as the Hosotra open-air exhibition in the capital, contribute to the continuing development of fine arts in Madagascar.[267]
 A number of traditional pastimes have emerged in Madagascar. Moraingy, a type of hand-to-hand combat, is a popular spectator sport in coastal regions. It is traditionally practiced by men, but women have recently begun to participate.[268] The wrestling of zebu cattle, which is named savika or tolon-omby, is also practiced in many regions.[269] In addition to sports, a wide variety of games are played. Among the most emblematic is fanorona, a board game widespread throughout the Highland regions. According to folk legend, the succession of King Andrianjaka after his father Ralambo was partially the result of the obsession that Andrianjaka's older brother may have had with playing fanorona to the detriment of his other responsibilities.[270]
 Western recreational activities were introduced to Madagascar over the past two centuries. Rugby union is considered the national sport of Madagascar.[271] Soccer is also popular. Madagascar has produced a world champion in pétanque, a French game similar to lawn bowling, which is widely played in urban areas and throughout the Highlands.[272] School athletics programs typically include soccer, track and field, judo, boxing, women's basketball and women's tennis. Madagascar sent its first competitors to the Olympic Games in 1964, and has also competed in the African Games.[112] Scouting is represented in Madagascar by its own local federation of three scouting clubs. Membership in 2011 was estimated at 14,905.[273]
 Because of its advanced sports facilities, Antananarivo gained the hosting rights for several of Africa's top international basketball events, including the 2011 FIBA Africa Championship,[274] the 2009 FIBA Africa Championship for Women,[275] the 2014 FIBA Africa Under-18 Championship,[276] the 2013 FIBA Africa Under-16 Championship,[277] and the 2015 FIBA Africa Under-16 Championship for Women.[278] Madagascar's national 3x3 basketball team won the gold medal at the 2019 African Games.
 Malagasy cuisine reflects the diverse influences of Southeast Asian, African, Oceania, Indian, Chinese, and European culinary traditions. The complexity of Malagasy meals can range from the simple, traditional preparations introduced by the earliest settlers, to the refined festival dishes prepared for the island's 19th-century monarchs. Throughout almost the entire island, the contemporary cuisine of Madagascar typically consists of a base of rice (vary) served with an accompaniment (laoka). The many varieties of laoka may be vegetarian or include animal proteins, and typically feature a sauce flavored with such ingredients as ginger, onion, garlic, tomato, vanilla, coconut milk, salt, curry powder, green peppercorns or, less commonly, other spices or herbs. In parts of the arid south and west, pastoral families may replace rice with maize, cassava, or curds made from fermented zebu milk. A wide variety of sweet and savory fritters as well as other street foods are available across the island, as are diverse tropical and temperate-climate fruits. Locally produced beverages include fruit juices, coffee, herbal teas and teas, and alcoholic drinks such as rum, wine, and beer.[257] Three Horses Beer is the most popular beer on the island[279] and is considered emblematic of Madagascar.[280]
 20°S 47°E / 20°S 47°E / -20; 47",12308,"Main page; Contents; Current events; About Wikipedia; Help; Learn to edit; Community portal; Upload file; ; learn more; Article; Talk; Read; Read; Upload file; Coordinates; ; ; Geography of Madagascar; Madagascar (franchise); Madagascar (disambiguation); Malagasy; French; ; Flag; ; Seal; Ry Tanindrazanay malala ô!; ; Antananarivo; Malagasy; French; Ethnic groups; Merina; Betsimisaraka; Betsileo; Tsimihety; Sakalava; Antaisaka; Antandroy; others; Christianity; Protestantism; Catholicism; Christian; no religion; traditional faiths; Islam; others; Demonym(s); Malagasy; Government; semi-presidential republic; President; Andry Rajoelina; Prime Minister; Christian Ntsay; Parliament; Upper house; Senate; Lower house; National Assembly; Formation; Kingdom; French colony; Republic; Declaration of independence; Area; 46th; Population; 49th; GDP; PPP; 117th; 182nd; GDP; 139th; 188th; Gini; HDI; 177th; Ariary; MGA; UTC; EAT; DST; UTC; Drives on; Calling code; 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Kung Fu Panda,https://fr.wikipedia.org/wiki/Kung_Fu_Panda,"Jack BlackDustin HoffmanAngelina JolieIan McShaneJackie Chan
 Série Kung Fu Panda Kung Fu Panda 2(2011) 
 Pour plus de détails, voir Fiche technique et Distribution. modifier  Kung Fu Panda est un film d'animation américain produit par DreamWorks Animation, réalisé par Mark Osborne et John Stevenson, sorti en 2008.
 Po est un jeune panda qui travaille comme serveur au restaurant sous les ordres de San Ping, son père adoptif. Il est aussi un fan des arts martiaux et idolâtre les Cinq Cyclones, cinq combattants de kung-fu qui protègent la vallée de la Paix, où il vit. Son rêve est de devenir un maître de l'art martial, malgré sa carrure.
 Le Grand Maître Oogway, qui dirige aujourd'hui Tigresse, Grue, Singe, Mante et Vipère, les Cinq cyclones avec son ami, Maître Shifu, a une vision où Tai Lung, le fils adoptif et ancien élève de Maître Shifu, se libère de la prison où il est gardé enfermé et compte bien prendre sa revanche après s'être vu refuser l'octroi du titre de Guerrier Dragon. Inquiet, Maître Shifu envoie un messager pour s'assurer que Tai Lung est toujours sous bonne garde.
 Au sein de la vallée, le palais de Jade organise un tournoi pour désigner le futur Guerrier Dragon, où tous les habitants s'y convient. San Ping envoie son fils adoptif sur le lieu pour vendre des nouilles, mais ce dernier arrive en retard et se voit refuser l'accès au palais. Il tente par tous les moyens d'y accéder, mais échoue, jusqu'à l'utilisation d'une chaise arrimée à des fusées où, cette fois, il réussit son coup, mais s'écrase d'une longue chute au milieu des cinq guerriers. À la grande surprise de tout le monde, le panda est désigné par maître Oogway comme le Guerrier Dragon, alors que Maître Shifu pensait que Tigresse méritait le titre.
 Persuadé que son maître s'est trompé, le panda roux décide d’humilier Po pour le forcer à partir de lui-même en lui faisant sentir toute son incompétence à suivre un entraînement basique. Les cinq Cyclones ne sont guère plus tendres avec le panda, constatant son incapacité totale à se battre. Démoralisé, Po se confie à maître Oogway qui le réconforte et l'encourage à persévérer, ce qui le pousse à s'accrocher et à s’attirer les bonnes grâces des Cinq au fil du temps. Tigresse raconte aussi à Po l'histoire entre Tai Lung et Maître Shifu et les raisons de la nouvelle attitude de leur maître. Pendant ce temps, Tai Lung réussit une évasion spectaculaire de sa prison, grâce à une plume dont il se sert pour déverrouiller ses entraves avant d'écraser les gardes et de pulvériser l'entrée grâce à des explosifs de défense. Après avoir appris l'évasion de son ancien élève par son messager, Maître Shifu informe son maitre de cette terrible nouvelle, qui lui conseille de placer ses espoirs en Po avant de partir rejoindre le Monde des Esprits. Le panda roux informe ses élèves de l'évasion de Tai Lung et, malgré ses recommandations, les cinq guerriers décident de partir combattre l'ancien apprenti de leur maître dans la nuit.
 Le lendemain matin, Maître Shifu surprend Po en train de voler de la nourriture de la cuisine, mais découvre ses capacités et réalise son plein potentiel. Il décide de prendre le panda sous son aile et de l'entraîner d'une autre façon que les cinq Cyclones, afin que son nouvel élève trouve son propre style de combat. Malgré leur supériorité numérique, les cinq guerriers sont battus par Tai Lung sur un ancien pont et se retrouvent paralysés. Maître Shifu les libère de la paralysie et confie à Po le rouleau du dragon, mais celui-ci est vierge et ne reflète que son visage. Le panda roux ordonne alors l'évacuation de la vallée, pendant qu'il va retenir son ancien élève. Po aide son père adoptif à partir et ce dernier lui révèle qu'il n'y a aucun ingrédient secret dans sa soupe. San Ping explique à son fils adoptif que le talent et la volonté sont deux éléments essentiels en plus d'avoir foi en soi, ce qui permet à Po de comprendre le sens du message du rouleau. Le panda vole à la rescousse de son maître qui est en train de combattre Tai Lung et se fait laminer, malgré ses tentatives de raisonner son fils adoptif et ses remords.
 Po réveille l'excitation de Tai Lung en agitant le rouleau du Dragon devant lui, puis s'ensuit un combat à la fois imprévisible, peu académique et intense entre les deux guerriers. Après une lutte acharnée, l'ancien élève de Maître Shifu parvient à récupérer le rouleau, mais en dépit de son insatiable soif de pouvoir, ne comprend pas le sens du message, ce qui l'enrage encore plus. Son attaque paralysante n'a aucun effet sur Po et ce dernier prend le dessus sur son adversaire et l'envoie dans le Monde des Esprits avec la prise du doigt Wushi. Après sa victoire, le panda est félicité par les habitants de la vallée et gagne le respect des cinq Cyclones. Inquiet pour Maître Shifu, il rejoint son maitre qui est enfin libéré du poids de son erreur passé et retrouve la paix intérieure. Bien qu'ils se reposent tous les deux, Po invite son maître à déjeuner.
 Po est un panda qui vit avec son père, M. Ping, une oie qui possède un restaurant de nouilles. Il y travaille en tant que serveur. Seulement, Po est très maladroit et rêve de devenir maître de kung-fu et de se battre aux côtés de ses idoles, les « Cinq cyclones », formé de Tigresse, Grue, Mante, Vipère, et Singe, élèves de maître Shifu. Son rêve va devenir réalité car maître Oogway le choisit pour devenir le « guerrier dragon ». Mais maître Shifu refuse de croire que Po est digne d'être le guerrier dragon, étant donné qu'il ne maîtrise pas le kung-fu. Il décide de tout tenter pour se débarrasser de lui, mais Po s'obstine à ne pas renoncer. Alors que Tai Lung s'est évadé de prison, maître Oogway essaie de convaincre son vieil ami de former le guerrier dragon, de lui enseigner le kung-fu et de croire en lui. Maître Shifu décide alors de prendre Po sous son aile et de le former au kung-fu. Po progresse vite et arrive de manière rapide et efficace à maîtriser l'art martial. Il obtient finalement le Rouleau du Dragon. Lors de l'arrivée de Tai Lung à la Vallée, maître Shifu tente de gagner du temps en l'affrontant mais est battu par son ancien élève. Po intervient alors et affronte Tai Lung à son tour. Après un combat acharné, Po bat Tai Lung et rétablit la paix dans la Vallée. Même les « Cinq cyclones » s'inclinent avec respect devant lui. Après cet épisode marquant, il affrontera plusieurs ennemis, dont le prince Shen qui a tué sa mère, ou encore le redoutable général Kai. Devenu le guerrier incarnant l'énergie du dragon après avoir accompli sa maîtrise du Chi contre Kai et retrouvé sa famille, il devient maître du palais de Jade et se lance dans l'enseignement du kung-fu.
 Maître Shifu[3] est un panda roux, élève de maître Oogway et le maître des Cinq cyclones et de Po. C'est également l'ancien maître de Tai Lung. Lorsque Tai Lung n'était qu'un bébé, Maître Shifu l'a recueilli et l'a élevé comme son propre fils. S'apercevant que Tai Lung est très doué pour le kung-fu dès son plus jeune âge, Maître Shifu décide de l'entraîner et de croire en lui. Seulement, Tai Lung ne s'intéresse qu'à une chose : avoir le Rouleau du Dragon. Mais maître Oogway perçoit la noirceur du cœur de ce dernier et refuse que Tai Lung devienne le guerrier dragon. Déçu et offensé, Tai Lung s'attaque à la Vallée et à ses habitants. Il tente de s'emparer du rouleau par la force ; Shifu doit alors arrêter son ancien élève, mais il ne peut s'y résoudre. Maître Oogway le stoppe à temps et Tai Lung est amené à la prison où il est enfermé pendant 20 ans. Depuis ce jour, Shifu n'a plus été le même : il est devenu plus froid, plus sévère. Il est malgré tout exigeant mais il reste hanté par ses erreurs commises par le passé. Le jour de la désignation du guerrier dragon, Po est choisi par maître Oogway, mais Shifu estime que Po n'est pas digne d'être le guerrier dragon car il ne maîtrise pas le kung-fu. Tai-Lung s'étant évadé de prison, maître Oogway convainc son vieil ami de former Po, de lui enseigner le kung-fu et de croire en lui. Shifu prend alors Po sous son aile et le forme à l'art martial. Grâce à son maître, Po maîtrise vite le kung-fu et Shifu lui donne le rouleau du dragon. Tai Lung se présente devant son ancien maître et le combat devient intense. Mais Shifu est vaincu par son ancien élève. Po sauve la vie de son maître en affrontant Tai Lung et le bat après un combat acharné. Il finit par devenir élève de son ancien disciple Po, qui lui apprendra à se servir du Chi.
 C'est une membre des Cinq cyclones et une élève de maître Shifu. Parmi les cinq, elle est la plus audacieuse et la plus forte du groupe physiquement. Son style de combat est agressif et rapide. Alors qu'elle pensait avoir été désignée pour devenir le guerrier dragon, Po atterrit dans l'arène par accident et est choisi à sa place par maître Oogway. Elle considère Po comme une honte pour le kung-fu mais après que celui-ci a été formé au kung-fu par maître Shifu et vaincu Tai Lung, elle le respecte beaucoup plus : elle finit même par reconnaître être son amie après sa victoire sur Kai.
 C'est un membre des Cinq cyclones et un élève de maître Shifu. Il est l'un des seuls à utiliser une arme pour se battre : le bambou. Son habilité martiale est étonnante. En combat, il peut utiliser à la fois ses mains et ses pieds. Son style de combat est acrobatique, rapide et imprévisible. C'est certainement le plus sympathique du groupe, après Maître Vipère.
 C'est un membre des Cinq cyclones et un élève de maître Shifu. Combattant hors pair rapide et agile, il n'utilise jamais son bec. Ses ailes lui permettent de faire de grands mouvements circulaires et de renverser tous ses adversaires.
 C'est une membre des Cinq cyclones et une élève de maître Shifu. Vipère est un serpent venimeux, une guerrière redoutable capable d'étrangler tous ses adversaires. Son pouvoir ne réside pas seulement dans sa séduction, mais aussi dans sa force. Elle s'enroule autour de ses adversaires en se servant de leur énergie pour contre-attaquer avec une force redoutable. Elle n'a jamais vraiment détesté Po, pas même à l'arrivée de ce dernier, et montre beaucoup d'empathie pour lui.
 C'est un membre des Cinq cyclones et un élève de maître Shifu. Il est le plus petit du groupe, mais cela ne l'empêche pas d'être fort et rapide en combat. Sa petite taille et sa rapidité le rendent quasiment invincible et invisible au combat. Ses puissantes et bondissantes pattes arrière sont utilisées comme des armes. Il est également capable de soigner les gens par l’acupuncture, un art thérapeutique.
 C'est une panthère des neiges et un ancien élève de maître Shifu. Ce dernier l'a recueilli lorsqu'il était bébé et l'a élevé comme son propre enfant. Tai Lung est devenu extrêmement doué pour le kung-fu dès son plus jeune âge. Maître Shifu décida de l'entraîner et crut en lui. Tai Lung, devenu un combattant hors pair, veut à tout prix obtenir le rouleau du dragon afin de devenir le guerrier dragon. Mais ce titre lui a été refusé par maître Oogway. Offensé, il sème la désolation dans la Vallée de la Paix et tente de s'emparer du rouleau par la force. Mais il est rapidement battu par maître Oogway. Après avoir été enfermé en prison pendant 20 ans, Tai Lung s'évade et fait son grand retour. D'abord, il croise les Cinq cyclones sur son passage. Ceux-ci sont prêts à tout pour l'arrêter. Mais Tai Lung s'en débarrasse. Revenu chercher le rouleau du dragon, il affronte son ancien maître et le bat. Mais Po intervient et l'affronte à son tour. Il sera battu par Po.
 À l'origine général d'une immense armée, il collabore avec son frère d'armes, le général Kai. Blessé par une embuscade, il est soigné par des pandas maîtrisant le Chi. Il leur demande de lui enseigner cette science complexe ; mais Kai veut utiliser cette énergie pour conquérir le monde. Forcé de l'arrêter, Oogway l'envoie dans le royaume des esprits pour cinq cents ans, où il restera enfermé à s'entraîner désespérément pour en sortir.
 C'est une tortue un peu vieille mais rapide et forte, c'est le créateur du kung-fu. Malgré sa mesquinerie et son humour ressenti, il est un très grand maître du kung-fu. Il adore dire des phrases philosophiques et il aime les pêches. Il était jadis le maître de Maître Shifu. Il est celui qui a vaincu Tai Lung alors qu'il était sur le point de frapper Maître Shifu et de prendre le rouleau du dragon. Il se bat avec une sorte de grand bâton. Il est souvent étonné de la rapidité de Maître Shifu. Dans Kung Fu Panda, il meurt de vieillesse, acceptant son sort avec paix et sérénité, il fait promettre à Maître Shifu de croire en Po. Il obtient un séjour éternel au royaume des esprits, où il croisera Po devenu surpuissant.
 Il dirige un restaurant de nouilles depuis très longtemps. Il a adopté Po. Le moins qu'on puisse dire c'est qu'il a beaucoup de mal à comprendre les rêves de kung-fu de son fils et pense aux nouilles constamment !
 Jeffrey Katzenberg, le PDG de DreamWorks Animation aurait dévoilé que plusieurs suites au film d'animation Kung Fu Panda seraient en préparation et plus exactement six chapitres : « Kung Fu Panda comporte en fait 6 chapitres, et nous les avons planifiés sur plusieurs années[4]. »",2320,"Accueil; Portails thématiques; Article au hasard; Contact; Débuter sur Wikipédia; Aide; Communauté; Modifications récentes; ; Rechercher; en savoir plus; Contributions; Discussion; Article; Discussion; Lire; Lire; Pages liées; Suivi des pages liées; Téléverser un fichier; Pages spéciales; Mark Osborne; John Stevenson; Jonathan Aibel et Glenn Berger; Jack Black; Dustin Hoffman; Angelina Jolie; Ian McShane; Jackie Chan; DreamWorks Animation; ; États-Unis; animation; 2008; Kung Fu Panda; Kung Fu Panda 2; ; film d'animation; américain; DreamWorks Animation; Mark Osborne; John Stevenson; 2008; kung-fu; Réalisation; Mark Osborne; John Stevenson; Scénario; Jonathan Aibel et Glenn Berger; Photographie; Montage; Musique; Hans Zimmer; John Powell; Production; Société de production; DreamWorks Animation; Société de distribution; Paramount Pictures; Format; Couleur; 65 mm; 2,39 : 1; Dolby Digital; Pays; ; États-Unis; Langue; anglais; Genre; animation; millions; dollars; ; États-Unis; ; Canada; 6; juin; 2008; ; Belgique; ; France; 9; juillet; 2008; ; États-Unis; ; France; Jack Black; Po Ping; Dustin Hoffman; Angelina Jolie; maître Tigresse; Ian McShane; Jackie Chan; maître Singe; Seth Rogen; maître Mante; Lucy Liu; maître Vipère; David Cross; maître Grue; Randall Duk Kim; James Hong; Dan Fogler; Michael Clarke Duncan; Manu Payet; Pierre Arditi; Marie Gillain; Marc Lavoine; William Coryn; Xavier Fagnon; Mylène Jampanoï; Tomer Sisley; Michel Tureau; Pascal Sellem; Hugolin Chevrette-Landesque; Guy Nadon; Hélène Mondoux; Pierre Chagnon; François L'Écuyer; Tristan Harvey; Michèle Lituac; Gilbert Lachance; Vincent Davy; Hubert Gagnon; Martin Watier; Benoît Rousseau; Po Ping; Tigresse; Grue; Mante; Vipère; Singe; panda roux; Maître Tigresse; Maître Singe; Maître Vipère; Maître Grue; Maître Vipère; panthère des neiges; ; Monde; ; États-Unis; ; France; Kung Fu Panda (série de films); 2008; long métrage; 2008; Kung Fu Panda : Les Secrets des cinq cyclones; 2010; Kung Fu Panda : Bonnes Fêtes; émission spéciale; 2011; Kung Fu Panda 2; 2011; Kung Fu Panda : Les Secrets des Maîtres; 2016; Kung Fu Panda : Les Secrets du rouleau; 2016; Kung Fu Panda 3; 2024; Kung Fu Panda 4; Jeffrey Katzenberg; mandarin; cantonais; cri Wilhelm; serpent; singe; tigre; mante religieuse; grue blanche; léopard; Hey! Say! JUMP; Internet Movie Database; chinois; Kung fu; The Little Panda Fighter; v; Kung Fu Panda; Kung Fu Panda 2; Kung Fu Panda 3; Kung Fu Panda 4; Les Secrets des cinq cyclones; Bonnes Fêtes !; Les Secrets des maîtres; Les Secrets du rouleau; L'Incroyable Légende; Les Pattes du destin; Le Chevalier Dragon; Po Ping; Maître Tigresse; Maître Singe; Maître Grue; Maître Vipère; Maître Mante; Kung Fu Panda; v; DreamWorks Animation; Fourmiz; Shrek; Shrek 2; Gang de requins; Madagascar; Nos voisins, les hommes; Shrek le troisième; Bee Movie : Drôle d'abeille; Madagascar 2; Monstres contre Aliens; Dragons; Shrek 4 : Il était une fin; Megamind; Kung Fu Panda 2; Le Chat potté; Madagascar 3 : Bons Baisers d'Europe; Les Cinq Légendes; Les Croods; Turbo; M. 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Following the adventures of the titular Po Ping (primarily voiced by Jack Black and Mick Wingert), a giant panda who is improbably chosen as the prophesied Dragon Warrior and becomes a master of kung fu, the franchise is set in a fantasy wuxia genre version of ancient China populated by anthropomorphic animals. Although everyone initially doubts him, including Po himself, he proves himself worthy as he strives to fulfill his destiny.
 The franchise consists mainly of four animated films: Kung Fu Panda (2008), Kung Fu Panda 2 (2011), Kung Fu Panda 3 (2016) and Kung Fu Panda 4 (2024), as well as three television series: Kung Fu Panda: Legends of Awesomeness (2011–2016), The Paws of Destiny (2018–2019), and The Dragon Knight (2022–2023). The first two films were distributed by Paramount Pictures, the third film was distributed by 20th Century Fox and the fourth was distributed by Universal Pictures, while the television series respectively aired on Nickelodeon and Nicktoons, Amazon Prime, and Netflix. Five short films, Secrets of the Furious Five (2008), Secrets of the Masters (2011), Secrets of the Scroll, Panda Paws (both 2016), and Dueling Dumplings (2024), and a television special, Kung Fu Panda Holiday (2010), have also been produced.
 The franchise's first two features were nominated for the Academy Award for Best Animated Feature as well as numerous Annie Awards, the first television series won 11 Emmy Awards and the third television series won two Emmy Awards. All four films were critical and commercial successes,[1] grossing over $2 billion overall, making it the seventh highest-grossing animated film franchise, while the second film was the highest-grossing film worldwide directed solely by a woman (Jennifer Yuh Nelson) until Wonder Woman (2017). The series is additionally popular in China as an outstanding Western interpretation of the wuxia film genre.[2]
 
 
 Po, a clumsy panda bear, is a kung fu fanatic who lives in the Valley of Peace and works in his goose father Mr. Ping's noodle shop, unable to realize his dream of learning the art of kung fu. One day, a kung fu tournament is held for the elderly spiritual leader of the valley, Grand Master Oogway, to determine the identity of the Dragon Warrior, the one kung fu master capable of understanding the secret of the Dragon Scroll, which is said to contain the key to limitless power. Everyone in the valley expects the Dragon Warrior to be one of the Furious Five—Tigress, Monkey, Mantis, Viper, and Crane—a quintet of kung fu warriors trained by Master Shifu to protect the valley. To everyone's surprise, Oogway chooses Po, who has accidentally stumbled into the tournament arena after arriving late via fireworks explosion.
 Refusing to believe that Po can be the Dragon Warrior, Shifu subjects Po to torturous training exercises in order to discourage him into quitting. Determined to change himself into someone he can respect, Po perseveres in his training and befriends the Furious Five, who had previously mocked Po for his lack of skill in kung fu. Po soon learns that the valley is being approached by Tai Lung, an evil kung fu warrior who has escaped from prison to take revenge for being denied the Dragon Scroll, and despairs he will be unable to defeat him. However, Shifu discovers that Po is capable of martial arts when motivated by food, and successfully trains him to learn kung fu. After his training is complete, Po is given the Dragon Scroll, which he discovers to be blank. However, Po realizes that the key to limitless power lies within himself, allowing him to defeat Tai Lung and restore peace to the valley.
 Po now lives his dream as a kung fu master and protects the Valley of Peace alongside the Furious Five. However, he is thrown into internal conflict when he begins having flashbacks of his mother and learns from Mr. Ping that he was adopted as an infant. Shortly after, Po and the Five are sent on a mission to stop the evil peacock Lord Shen from using a newly developed weapon, the cannon, to conquer all of China and destroy kung fu tradition. Po remains tormented by thoughts of being abandoned by his real parents until he is guided by a wise old soothsayer to embrace his past, and remembers that his parents risked their lives to save him from Shen, who had set out to exterminate all pandas after learning of a prophecy that he would be defeated by ""a warrior of black-and-white"". Po achieves inner peace, which allows him to destroy Shen's new weapon, defeat Shen, and accept Mr. Ping as his father. However, during the last scene of the movie, it shows Po's biological father realizing his son is alive.
 Shortly after the events of the second film, Shifu relinquishes his duties as master of the Jade Palace to Po, claiming that the next step of his own apprenticeship is to oversee the Furious Five's training. While struggling with this new responsibility, Po rejoices upon reuniting with his biological father, Li, though Mr. Ping is less enthusiastic. However, news arrives that the spirit warrior General Kai has returned to the mortal realm and is 'collecting' Kung Fu masters from all over China, both living and dead, to serve in his army of Jade Zombies. Po and the others discover from a scroll left by Oogway that Kai can only be defeated by the power of Chi, a technique known only by the panda colonies; thus, Po and Li set to the secret Panda Valley in order to have Po learn it. Po eventually discovers, to his horror, that Li had deceived him, because the pandas have long forgotten about how to manipulate the Chi, and he just wanted to protect his son from Kai. Once making amends with both his adoptive and biological fathers, Po joins forces with Ping, Tigress, and the pandas to make a stand against Kai, all mastering the power of Chi in the process and using its power to destroy him for good. After returning to the Valley of Peace, Po spends his days spreading the teachings of Kung fu and Chi.
 Shifu tasks Po to retire as the Dragon Warrior and find a successor as he must advance to become the Spiritual Leader of the Valley of Peace. Disappointed, he struggles to find the right candidate angering Shifu. He later spots a corsac fox and thief named Zhen entering the Jade Palace and sends her to prison but soon learns that Tai Lung has returned. Zhen reveals that it wasn't actually Tai Lung but a shapeshifting sorceress named The Chameleon. Po decides to go after her and Zhen agrees to lead him to the Chameleon in exchange for a reduction of her sentence. They both head towards Juniper City and there, Po finds that Zhen is a wanted criminal, leading to both of them getting arrested. They successfully escape to the Den of Thieves where Zhen reunites with her old mentor Han who allows them to stay there for one day. Po and Zhen then enter Chameleon's lair, where Zhen betrays Po, takes the Staff of Wisdom and gives it to the Chameleon, who is revealed to be her master. Po manages to escape without the staff but Chameleon, who has shapeshifted into Zhen, throws him off of the cliff and Po gets saved by his adoptive and biological father. The Chameleon uses the staff to summon every martial arts master from the Spirit Realm, stealing their kung fu abilities and locking them in cages. Zhen decides to deflect away from Chameleon and reunites with Po. Zhen later manages to convince the Den of Thieves to help her out in saving Po. Zhen and Po defeat the Chameleon and return the stolen Kung fu to their masters. Po sends them back to the spirit realm with Tai Lung taking the Chameleon with him. At the Valley of Peace, Po chooses Zhen as the next Dragon Warrior and the Furious Five joins him in training her.
 In May 2024, following the critical and commercial success of Kung Fu Panda 4, Mitchell suggested that a fifth film could happen, but it would likely not be until at least 2027 due to the lengthy production process.[3]
 Kung Fu Panda Holiday (also known as Kung Fu Panda Holiday Special) is a 2010 television special that premiered on NBC on November 24. It tells a story of Po, who is assigned to host the annual Winter Feast by Master Shifu, despite his wishes to spend the holiday with Mr. Ping.
 Kung Fu Panda: Legends of Awesomeness is an animated television series based on the Kung Fu Panda film series, set between the first two films. The show was originally intended to premiere in 2010, but was delayed and officially launched on Nickelodeon on November 7, 2011. Of the series's voice cast, only Lucy Liu, Randall Duk Kim, and James Hong reprise their roles from the films as Viper, Oogway, and Mr. Ping, respectively. The first season, consisting of 26 episodes, ended on April 5, 2012. The second season aired from April 6, 2012, to June 21, 2013, and also consisted of 26 episodes. A third season consisting of 28 episodes began airing June 24, 2013, going on an extended hiatus after June 22, 2014, before airing its last 10 episodes two years later, from February 15 to June 29, 2016, as a tie-in to the theatrical run of Kung Fu Panda 3.
 Kung Fu Panda: The Paws of Destiny is the second Kung Fu Panda animated series, set after the events of Kung Fu Panda 3. Across 26 episodes produced by DreamWorks Animation Television with Amazon Studios and ordered, and aired by Amazon Prime Video, the series was released in its 13-episode first season's first part on November 16, 2018, and its 13-episode first season's second and final part on July 4, 2019.[4] The series follows Po on a fresh adventure, mentoring four young pandas (Nu Hai, Jing, Bao and Fan Tong), who happen upon a mystical cave beneath the Panda Village - and accidentally absorb the chi of the ancient and powerful Kung Fu warriors known as the four constellations. The four friends realize that they now have a new destiny - to save the world from an impending evil with their new-found Kung Fu powers. They are aided along their journey by Po, who finds himself faced with his biggest challenge yet - teaching this ragtag band of kids how to wield their strange powers.
 Kung Fu Panda: The Dragon Knight is the third Kung Fu Panda animated series, which premiered on Netflix on July 14, 2022, with Jack Black reprising his role as Po.[5][6] The series follows Po as he must leave his home behind and embark on a globe-trotting quest for redemption and justice that finds him partnered up with a no-nonsense English knight known as the Wandering Blade. Rita Ora joined the cast as Wandering Blade and James Hong reprised his role as Mr. Ping.[7]
 Kung Fu Panda: Secrets of the Furious Five, or simply Secrets of the Furious Five, is an animated short film that serves as a semi-sequel (or spin-off) to Kung Fu Panda and appears on a companion disc of the original film's deluxe DVD release. It was later broadcast on NBC on February 26, 2009, and is available as a separate DVD as of March 24 the same year. The film has a framing story of Po (in computer animation), telling the stories of his comrades in arms, the Furious Five, which are depicted in 2D cel animation.
 Kung Fu Panda: Secrets of the Masters is an animated short film released on December 13, 2011, as a special feature attached to the Kung Fu Panda 2 DVD and Blu-ray. It tells the backgrounds of the masters of Gongmen City: Thundering Rhino, Storming Ox, and Croc.[8]
 Kung Fu Panda: Secrets of the Scroll is an animated short film officially released as a bonus feature in the Kung Fu Panda: Ultimate Edition of Awesomeness Blu-ray pack in January 2016.[9] Secrets of the Scroll details the forming of the Furious Five, and their first fight together against a common enemy. Unlike previous Kung Fu Panda[citation needed] short films, Secrets of the Scroll has yet to be released on its own DVD or Blu-ray.
 Panda Paws is a short film that was released with the home media of Kung Fu Panda 3. Panda Paws involves the character Mei Mei (voiced by Kate Hudson) competing with Bao at the ""Spring Festival"". A version of the short was previously released in theaters preceding the DreamWorks Animation film Home in 2015, with Rebel Wilson voicing Mei Mei, prior to her firing from Kung Fu Panda 3.[10]
 Dueling Dumplings is a short film that was released with the home media of Kung Fu Panda 4. It involves Po and Zhen offering each other dumplings from their respective homelands. They bicker over whose are better and try to force each other to try them. After a playful battle, they end up tasting each other's dumplings and end up liking them.
 This section includes characters who will appear or have appeared in the franchise.
 The film series has grossed over $2.3 billion, making it the eighth highest-grossing animated franchise and DreamWorks Animation's second highest-grossing franchise behind Shrek.
 Each Kung Fu Panda film has received positive reviews, with critics often praising the animation, voice acting, and character development.[citation needed]
 Directed by entertainment director Franco Dragone, Kung Fu Panda: Arena Spectacular is an in-progress live arena show, featuring characters from the Kung Fu Panda. Combining circus and Chinese acrobatics as well as arena show effects, the production was supposed to be released around the same time of Kung Fu Panda 2.[40] After a multi city casting tour in 2010,[41] the production went behind closed doors until late 2011 when a new set of audition dates were announced for the following year.[42] However, shortly before the announced January 2012 auditions, both Franco Dragone and DreamWorks decided to postpone the live show's opening date, canceling all auditions.[43] No further announcements have been made since.
 A themed area Po's Kung Fu Garden was opened in 2012 at DreamWorks Experience, one of the themed lands at the Australian theme park Dreamworld. At opening Po's Kung Fu Garden consisted only of a small area featuring a Po photo opportunity. In late 2012, additional rides and attractions were added to the area. All of the rides were moved to Ocean Parade since DreamWorks Experience was rethemed as Kenny and Belinda's Dreamland in 2023.[44]
 A multi-sensory attraction, based on Kung Fu Panda, opened at the DreamWorks Theatre on June 15, 2018, at Universal Studios Hollywood.[45]
 A Kung Fu Panda-themed children's play area opened at DreamWorks Water Park on October 1, 2020.[46]
 Universal Studios Beijing also has a Kung Fu Panda themed area titled Kung Fu Panda Land of Awesomeness, which opened alongside the park in September 2021.
 Universal Studios Florida's DreamWorks Land will include the play area ""Po's Kung Fu Training Camp"" and the digital meet-and-greet titled ""Po Live!"".[47]",2541,"Main page; Contents; Current events; About Wikipedia; Help; Learn to edit; Community portal; Upload file; ; learn more; Article; Talk; Read; Read; Upload file; Kung Fu Panda (film); Po (Kung Fu Panda); Kung Fu Panda (disambiguation); ; Ethan ReiffCyrus Voris; Jonathan AibelGlenn Berger; Kung Fu Panda; DreamWorks Animation; Universal Pictures; Kung Fu Panda; Kung Fu Panda 2; Kung Fu Panda 3; Kung Fu Panda 4; Secrets of the Furious Five; Secrets of the Masters; Secrets of the Scroll; Legends of Awesomeness; The Paws of Destiny; The Dragon Knight; Kung Fu Panda Holiday; Kung Fu Panda; Kung Fu Panda 2; Kung Fu Panda 3; Kung Fu Panda 4; martial arts; comedy; media franchise; Kung Fu Panda; DreamWorks Animation; Po Ping; Jack Black; Mick Wingert; giant panda; kung fu; wuxia; ancient China; anthropomorphic animals; Kung Fu Panda 2; Kung Fu Panda 3; Kung Fu Panda 4; Kung Fu Panda: Legends of Awesomeness; The Paws of Destiny; The Dragon Knight; Paramount Pictures; 20th Century Fox; Universal Pictures; Nickelodeon; Nicktoons; Amazon Prime; Netflix; short films; Secrets of the Furious Five; Secrets of the Masters; Secrets of the Scroll; television special; Kung Fu Panda Holiday; Academy Award for Best Animated Feature; Annie Awards; Emmy Awards; Emmy Awards; seventh highest-grossing animated film franchise; Jennifer Yuh Nelson; Wonder Woman; China; wuxia; Kung Fu Panda; John Stevenson; Mark Osborne; Jonathan Aibel and Glenn Berger; Ethan Reiff and Cyrus Voris; Kung Fu Panda 2; Jennifer Yuh Nelson; Kung Fu Panda 3; Alessandro Carloni; Kung Fu Panda 4; Mike Mitchell; Darren Lemke; Kung Fu Panda; Secrets of the Furious Five; Kung Fu Panda Holiday; Kung Fu Panda: Legends of Awesomeness; Kung Fu Panda 2; Secrets of the Masters; Secrets of the Scroll; Kung Fu Panda 3; The Paws of Destiny; Kung Fu Panda: The Dragon Knight; Kung Fu Panda 4; Kung Fu Panda (film); Po; Kung Fu Panda 2; Kung Fu Panda 3; second film; Kung Fu Panda 4; corsac fox; Zhen; Kung Fu Panda Holiday; NBC; Legends of Awesomeness; 1; Nickelodeon; 2; 3; Nicktoons; The Paws of Destiny; 1; Amazon Prime Video; The Dragon Knight; Netflix; Kung Fu Panda Holiday; NBC; Kung Fu Panda: Legends of Awesomeness; Nickelodeon; Lucy Liu; Randall Duk Kim; James Hong; Viper; Oogway; Mr. Ping; tie-in; Kung Fu Panda: The Paws of Destiny; DreamWorks Animation Television; Amazon Studios; Amazon Prime Video; Kung Fu Panda: The Dragon Knight; Netflix; Jack Black; Rita Ora; Secrets of the Furious Five; NBC; computer animation; 2D; Kung Fu Panda: Secrets of the Masters; Kung Fu Panda 2; Thundering Rhino; Storming Ox; Croc; Kung Fu Panda: Secrets of the Scroll; Blu-ray; citation needed; Mei Mei; Kate Hudson; Bao; DreamWorks Animation; Home; Rebel Wilson; List of Kung Fu Panda characters; Kung Fu Panda; Kung Fu Panda 2; Kung Fu Panda 3; Kung Fu Panda 4; Secrets of the Furious Five; Kung Fu Panda:Secrets of the Masters; Kung Fu Panda:Secrets Of the Scroll; Kung Fu Panda Holiday; Kung Fu Panda:Legends of Awesomeness; Kung Fu Panda:The Paws of Destiny; Kung Fu Panda:The Dragon Knight; Po Ping / Li LotusThe Dragon Warrior; Jack Black; Mick Wingert; Master Shifu; Dustin Hoffman; Fred Tatasciore; Angelina Jolie; Tara Strong; Kari Wahlgren; Seth Rogen; Jackie Chan; Jaycee Chan; James Sie; Lucy Liu; Jessica DiCicco; David Cross; James Hong; Randall Duk Kim; Piotr Michael; Tai Lung; Ian McShane; André Sogliuzzo; Dan Fogler; Michael Clarke Duncan; Lord Shen; Gary Oldman; Michelle Yeoh; Danny McBride; Dennis Haysbert; Jean-Claude Van Damme; Tony Leondis; Victor Garber; Paul Scheer; Jonathan Groff; Li Shan; Fred Tatasciore; Bryan Cranston; General Kai; J. 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Toy Story,https://fr.wikipedia.org/wiki/Toy_Story,"Vous lisez un « article de qualité » labellisé en 2010.
 Pour les articles homonymes, voir Toy Story (homonymie).
 Tom HanksTim Allen
 Série Classiques d'animation Pixar 1 001 Pattes(1998) Série Toy Story Toy Story 2(1999) Pour plus de détails, voir Fiche technique et Distribution. modifier  Toy Story ou Histoire de jouets au Québec est un film d'animation américain réalisé par John Lasseter et sorti en 1995. Coproduit par les studios Disney, il est le premier long métrage d'animation en images de synthèse des studios Pixar. Le scénario, élaboré par Joss Whedon, Andrew Stanton, Joel Cohen et Alec Sokolow, est basé sur une histoire originale de John Lasseter, Pete Docter, Andrew Stanton et Joe Ranft.
 Le film met en scène un groupe de jouets. Woody, une poupée représentant un cow-boy, et Buzz l'Éclair, une figurine d'astronaute, en sont les personnages principaux.
 Toy Story a produit près de 362 millions de dollars de recettes dans le monde. Il a reçu des critiques très positives qui saluent à la fois l'innovation technique de l'animation et la qualité du scénario. Depuis 2005 — sa première année d'éligibilité —, il fait partie du National Film Registry.
 En plus des sorties DVD, de nombreux produits dérivés sont apparus sur le marché : jouets, jeux vidéo, attractions, etc.
 Le film a fait l'objet de trois suites au cinéma : Toy Story 2 réalisé à nouveau par John Lasseter en 1999, Toy Story 3 de Lee Unkrich en 2010[NB 1], et Toy Story 4 de Josh Cooley en 2019[1].
 La franchise comprend aussi une série télévisée dérivée, Les Aventures de Buzz l'Éclair (2000-2001) dont Buzz l'Éclair, le film : Le Début des aventures, long-métrage directement sorti en vidéo en 2000, constitue le prologue. Un film dérivé, Buzz l'Éclair, est sorti en salles en 2022.
 On peut également retrouver les personnages de Toy Story dans les Toy Story Toons, qui sont trois courts métrages : Vacances à Hawaï (2011), Mini Buzz (2011) et Rex, le roi de la fête (2012), mais aussi dans deux moyens métrages : Toy Story : Angoisse au motel (2013) et Toy Story : Hors du temps (2014).
 Dans la chambre d'Andy, ses jouets se mettent à vivre leur propre vie dès qu'il sort de la pièce. Le jour de son anniversaire, quelques jours avant le déménagement de sa famille, c'est la panique puisque chacun craint d'être remplacé par un jouet neuf. Woody le cow-boy est le jouet préféré du jeune garçon et n'appréhende donc pas tellement cette fête. Mais Andy reçoit une figurine articulée d'astronaute, Buzz l'Éclair (« Buzz Lightyear » en version originale et québécoise). Très vite, il s'avère que Woody a « perdu sa place » de jouet préféré, au profit de Buzz. Il essaie toutefois d'accueillir Buzz dans le groupe des jouets d'Andy, mais l'astronaute ne sait pas qu'il est un jouet, mais pense qu'il est un Ranger de l'espace, employé par Star Command et ennemi du terrible empereur Zurg. Il pense aussi qu'il peut voler, ce que Woody conteste. Après une « démonstration » devant les jouets, ceux-ci l'applaudissent, à l'exception de Woody, qui « n'appelle pas ça voler » mais plutôt « tomber avec panache ».
 Alors qu'Andy se prépare pour aller à Pizza Planète (« Pizza Planet » en version originale et québécoise), sa mère lui dit qu'il ne peut prendre qu'un seul jouet. Woody essaie alors de se débarrasser de Buzz en le faisant tomber dans un coin inaccessible de la chambre, mais échoue et Buzz se retrouve projeté à travers la fenêtre. Les autres jouets commencent alors à penser que Woody, jaloux, a essayé de tuer Buzz. Quant à Andy, ne trouvant plus Buzz, il s'empare de Woody pour aller à Pizza Planet. Buzz voit soudain Andy aller dans la voiture de sa mère avec Woody et grimpe dans le véhicule pour se venger de ce dernier. Lors d'un arrêt à une station-service, les deux jouets rivaux se battent, quittent même la voiture de la mère d'Andy, qui repart finalement sans eux.
 Woody trouve un camion Pizza Planet et prévoit alors de monter dedans pour rejoindre Andy. Mais, redoutant le regard des autres jouets s'il revient seul, il demande à Buzz de venir avec lui. Arrivés à destination, les deux jouets finissent dans une machine attrape-peluche, où Sid, le voisin d'Andy, connu pour être un destructeur de jouets, les capture.
 Buzz et Woody essaient désormais de s'enfuir de la maison de Sid avant le déménagement d'Andy. Cette maison renferme de nombreux jouets inquiétants ainsi que Scud, le chien méchant de Sid. Buzz voit alors une publicité pour la gamme de jouets Buzz l'Éclair, ce qui le choque profondément. Il veut se prouver qu'il peut voler, mais n'y arrive pas et se casse un bras. Déprimé, Buzz se sent incapable de participer au plan d'évasion de Woody. Ce dernier essaie d'obtenir l'aide des jouets d'Andy, situés dans la maison d'en face ; mais ceux-ci lui en veulent toujours d'avoir essayé d'écarter Buzz. En revanche, les jouets de Sid viennent en aide à Woody en refixant le bras de Buzz, qui se fait ensuite martyriser par Sid. Woody organise alors, avec les jouets de Sid, un plan de sauvetage de Buzz. Mais même après tous ces efforts, les deux jouets ne parviennent pas à rattraper la voiture de la mère d'Andy partie pour le déménagement.
 Ils s'accrochent alors au camion de déménagement mais sont poursuivis par Scud. En sauvant Woody du chien, Buzz est éjecté du camion. Woody essaie de le sauver avec la voiture téléguidée d'Andy, mais les autres jouets ne lui font pas confiance et il est jeté par-dessus bord. Les jouets comprennent leur erreur lorsqu'ils aperçoivent Woody et Buzz sur la voiture téléguidée et les aident alors à les ramener sur le camion ; mais les piles de la voiture sont épuisées et les deux héros sont obligés d'allumer la fusée qu'avait fixée Sid sur le dos de Buzz pour décoller. Finalement, la voiture téléguidée rejoint les autres jouets dans le camion et Buzz et Woody rejoignent Andy dans la voiture. La famille et tous les jouets d'Andy arrivent finalement à bon port dans la nouvelle maison. Chaque jouet est à sa place et chacun s'en trouve heureux.
 Au Noël suivant, la sœur d'Andy reçoit une Madame Patate tandis qu'Andy reçoit un véritable petit chien, ce qui ne rassure pas la tribu des jouets.
  Sauf indication contraire ou complémentaire, les informations mentionnées dans cette section peuvent être confirmées par la base de données IMDb.
  Source et légende : version québécoise (VQ) sur Doublage.qc.ca[3]
 À la fin des années 1970, John Lasseter entre aux Studios Disney comme animateur et participe à la production de Rox et Rouky (1981). C'est à cette période que remonte sa première expérience dans le domaine de l'animation par ordinateur. Deux de ses amis lui font découvrir la scène du Light Cycle, issue du film Tron (1982)[NB 2]. Cette expérience est une révélation qui le sensibilise aux possibilités offertes par l'animation par ordinateur[4]. Lasseter travaille ensuite pour la division Lucasfilm Computer Graphics Group de Lucasfilm Ltd. qui, vendue par George Lucas à Steve Jobs, deviendra Pixar Animation Studios[5] en 1986[6].
 Le court-métrage oscarisé Tin Toy (1988) réalisé par Lasseter permet à Pixar d'espérer pouvoir réaliser son premier long métrage[6] mais, comme le studio réalise une perte nette de 8,3 millions de $ en 1990[7], il doit chercher un partenaire financier. La société se sépare le 30 avril 1990 de sa division de matériel informatique[8].
 Au début des années 1990, le studio Disney cherche de nouvelles formes d'animation comme l'animation en volume (L'Étrange Noël de monsieur Jack de Henry Selick, 1993) et à améliorer ses techniques de production avec par exemple le projet informatisé CAPS[6], collaboration entre les deux sociétés[9], mais aussi à produire un film en images de synthèse[10]. Disney a déjà fait quelques utilisations de l'informatique comme dans La Belle et la Bête (1991)[10]. Ces éléments permettent à Disney et Pixar de se rapprocher. Bien que Lasseter soit un ancien de Disney, il préfère rester chez Pixar et lancer un projet commun[9].
 C'est dans le cadre du projet CAPS qu'au début de l'été 1990, à l'approche de la fin de la production de Bernard et Bianca au pays des kangourous (1990), l'équipe de Pixar apprend l'intérêt de Disney pour une collaboration[11].
 Les premières discussions commencent entre Ed Catmull, Avy Ray Smith et Peter Schneider, président de Walt Disney Feature Animation[11]. Après quelques rencontres entre les membres de Pixar et ceux de Disney, c'est Jeffrey Katzenberg, le président du studio Disney, qui prend en main les négociations[12]. Pixar propose une émission spéciale d'une demi-heure nommée A Tin Toy Christmas[12], pour gagner en expérience[13]. Mais Katzenberg refuse cette proposition et autorise l'équipe de Pixar, lors de leur réunion au sein du studio Disney, à rencontrer les animateurs Disney pour les aider à faire non pas un moyen métrage mais un long métrage[14]. Les discussions se poursuivent et aboutissent en mars 1991 à l'écriture d'un contrat pour un long métrage basé sur les personnages de Tin Toy, appelé Toy Story[15],[16].
 Le 3 mai 1991, les deux parties s'accordent sur les termes du contrat, signé début juillet[17]. Le journal The Hollywood Reporter révèle l'information le 12 juillet 1991 ; le contrat prévoit alors aussi deux autres films[18], aux noms pour le moment indéterminés[19], en contrepartie de quoi Pixar percevra 10 % des bénéfices[20],[21]. Mais le contrat est beaucoup plus précis, il comporte plusieurs clauses dont la possibilité pour Disney d'arrêter à tout moment le projet (Pixar recevant 350 000 USD en compensation) ou de réécrire son propre scénario si celui de Pixar ne leur convient pas, et accorde à Disney la totalité des droits de toutes les productions dérivées[18]. Une autre concerne les producteurs[19].
 Le projet permet à Disney de profiter de l'avance de Pixar dans l'image de synthèse, tandis que Pixar utilise l'expérience de Disney dans la production de longs métrages[9]. Le projet commence chez Pixar avec Edwin Catmull (président), John Lasseter, Ralph Guggenheim (producteur) et Bill Reeves (directeur technique)[6]. Leur première tâche a été de réaliser un film de 30 secondes pour tester la technologie[19]. L'équipe, simplement 10 personnes dans l'arrière boutique d'un constructeur de matériel informatique, s'étoffe rapidement avec l'arrivée de Peter Docter et Andrew Stanton[22].
 Le concept de base du film est d'imaginer l'empilement des jouets d'une chambre d'enfant prendre vie[23]. Selon Lasseter : « Cette chambre est un microcosme urbain, un melting pot pas si emmêlé »[24]. En suivant ce concept, la principale tâche de l'équipe de production a été de retrouver l'essence physique et conceptuelle de chaque jouet, sa (ses) matière(s), ses textures, ses limitations techniques et en fonction de ces contraintes d'imaginer un caractère, une personnalité[24]. Toutefois c'est d'abord à l'équipe du scénario de chercher une histoire forte et inoubliable[25].
 Un premier scénario arrive rapidement à l'été 1991, mais Katzenberg le rejette car les personnages voulaient la même chose pour les mêmes raisons[26]. Au départ, le premier jouet devait être Tinny, héros de Tin Toy, mais ce musicien mécanique dans son uniforme rouge était muet et « trop vieillot » pour devenir le personnage principal[27],[28]. Une version intermédiaire selon Stanton était conçue comme la nouvelle de Rip Van Winkle, un jouet se réveille sur le bord d'une route et part à la recherche de ses propriétaires, c'était l'idée retenue pour l'émission A Tin Toy Christmas[29].
 
Il propose alors à Lasseter de faire un buddy movie et de s'inspirer de films comme 48 heures (1982) et La Chaîne (1958), des films centrés sur deux personnages qui malgré leur opposition doivent coopérer, gagnant un respect mutuel[26].  « C’est un genre que personne n’avait réellement exploré dans le domaine de l’animation. Nous y avons vu un grand potentiel pour réaliser un film avec des personnages forts. L’idée de base d’un « buddy movie », c’est de mettre en scène deux personnages aux caractères résolument opposés et de les placer dans une situation qui les oblige à collaborer et à se remettre en cause. Cela permet de traduire à l’image toutes les étapes de leur évolution, et cela offre de grandes possibilités en termes d’interprétation. »
 — John Lasseter[30] Une nouvelle version du scénario, écrite par Lasseter, Stanton et Docter, est présentée en septembre 1991 avec Tinny et une marionnette de ventriloque[26] du genre Charlie McCarthy et ayant appartenu au père d'Andy[27]. L'idée au centre de l'histoire est la confrontation de deux personnages qui développent petit à petit une amitié[25],[26]. Cette relation entre un ancien et un nouveau jouet permet d'explorer des territoires complexes en émotions[31]. La création des personnages principaux, à savoir l'ancien et le nouveau jouet préféré d'Andy, n'a pas été aisée.
 Tinny est ensuite remplacé par une figurine militaire de type G.I. Joe, jouet préféré de Lasseter, avant de se doter d'un thème spatial, d'après le jouet des années 1960 Major Matt Mason[28]. De plus, la société Hasbro a refusé l'usage du G.I. Joe, mais a autorisé celui de M. Patate[32],[33]. Selon le magazine EW, le refus était motivé par la mauvaise image donnée par un personnage G.I. Joe attaché à un pétard M-80, même renommé Combat Carl[32]. Tinny est alors rebaptisé Lunar Larry puis Tempus from Morph[28].
 Les personnages devant s'opposer mais partager des traits communs, afin d'avoir un meilleur scénario autour de l'astronaute, l'ancien jouet est alors devenu un cow-boy, les deux genres cherchant à conquérir une frontière[27]. Il est baptisé Woody d'après l'acteur afro-américain Woody Strode mais reste une marionnette de ventriloque[28]. Les deux personnages Woody et Tempus sont présentés en juin 1992 à Disney dans un test de 30 secondes[34]. Mais comme Disney souhaite que le film vise à la fois un public jeune et un public adulte, la compagnie demande à revoir les personnalités de Woody et Tempus[34] et que des références pour adultes soient ajoutées[32]. Un des problèmes de Woody est que les marionnettes de ventriloque ont récemment été associées aux films d'horreur[34]. Lasseter se base alors sur une poupée de Casper le gentil fantôme, munie d'une ficelle pour la voix, pour transformer Woody, réduisant en plus sa taille, très proche de celle de Tempus et permettant un meilleur antagonisme[34]. Woody a conservé une trace de la poupée de ventriloque avec sa corde parlante[35]. Le reste de la personnalité de Woody a été développé sur l'acteur choisi pour lui prêter sa voix[35] (voir ci-après). L'ajout de ce personnage spatial, brièvement nommé Buzz the spaceman, modifie le scénario[27]. Finalement le personnage spatial est baptisé Buzz Lightyear (Buzz l'Éclair), en référence à l'astronaute Buzz Aldrin[34].
 Dans les premiers scénarios, le lieu de détente de la famille était une combinaison entre une pizzeria et un golf miniature, avec des scènes comiques autour des éléments du golf[36]. Ce n'est qu'avec l'arrivée de Buzz qu'il se transforme en quelque chose qui peut évoquer un spatioport, la pizzeria Pizza Planet, mélange de diner des années 1950, d'une salle d'arcade des années 1990 et d'un fast-food au décor de science-fiction[36]. Les plans du restaurant et de sa salle de jeu sont si détaillés qu'ils auraient pu être construits pour de vrai, l'équipe chargée de les concevoir ayant travaillé comme des architectes[37]. En octobre 1992, Joe Ranft rejoint Pixar et aide au développement du scénario[22].
 Le nouveau scénario de Toy Story est fortement influencé par les idées du scénariste Robert McKee, et connaît de nombreuses modifications avant d'être finalisé[38]. Le scénario initial est l'œuvre de Lasseter, Schneider, Schumacher, Andrew Stanton, Pete Docter et Joe Ranft, ancien de chez Disney[39]. Comme son contrat l'autorise, Disney fait appel à Joel Cohen, Alec Sokolow et, plus tard, Whedon, pour aider le développement du scénario[40],[38].
 Au bout d'une année de production, la productrice Bonnie Arnold vient aider Guggenheim, apportant son expérience des films d'action comme Danse avec les loups (1990)[39]. Son arrivée prévue par le contrat de juillet 1990 était un souhait de Disney d'avoir deux producteurs, Guggenheim côté Pixar et Arnold côté Disney[19]. Le duo a conçu un système budgétaire pour assurer la productivité du studio Pixar[39]. Du côté de chez Disney, Kathleen Gavin assure la coordination des projets spéciaux en tant que vice-présidente, ayant déjà coproduit L'Étrange Noël de monsieur Jack[39].
 Joss Whedon vient aider à l'écriture du scénario durant quelques mois avant qu'il soit connu comme le créateur de la série Buffy contre les vampires (débutée en 1997)[41]. Whedon avait proposé de faire de Barbie un personnage qui sauverait Woody et Buzz à la fin du film, dans un tenue de commando à l'image de Sarah Connor dans Terminator 2 : Le Jugement dernier, élément qu'il avait déjà imaginé en 1992 pour le film Buffy, tueuse de vampires[33],[42]. L'idée fut abandonnée après le refus de Mattel, propriétaire de la licence Barbie. Le producteur Ralph Guggenheim a déclaré que Mattel n'avait pas accepté l'utilisation de Barbie dans le film car « Mattel pense que les filles qui jouent avec des poupées Barbie projettent leurs personnalités sur la poupée. Si vous donnez à la poupée une voix et que vous l'animez, vous lui donnez une personnalité qui ne correspond pas à l'idéal de chaque petite fille »[32]. Les poupées Barbie apparaîtront, cependant, dans les suites du film, Toy Story 2 et Toy Story 3.
 Disney a donné officiellement son feu vert pour le film le 19 janvier 1993, date à laquelle le casting des voix a pu commencer[32],[33].
 Lasseter avait toujours voulu que Tom Hanks soit la voix originale de Woody, affirmant que Hanks « a la capacité de prendre des sentiments et de les rendre émouvants »[43],[44]. Même si le personnage, comme celui de Une équipe hors du commun (1992) est pauvre et méprisable[32]. » De rapides séances de test, utilisant la voix de Hanks dans Turner et Hooch (1989), ont convaincu ce dernier de signer pour le film[32],[45].
 Billy Crystal a été approché pour la voix de Buzz mais a refusé le rôle[43], ce qu'il a ensuite regretté, bien qu'il ait quelques années plus tard joué la voix originale de Bob Razowski dans un autre succès de Pixar, Monstres et Cie (2001)[46],[47]. Katzenberg propose alors le rôle à Tim Allen, déjà apparu dans la série télévisée Papa bricole, et celui-ci accepte[43] après une session de test faite à Détroit[48].
 Toy Story est le premier rôle dans un film d'animation à la fois pour Hanks et pour Allen[49].
 Lasseter voulait que Don Rickles fasse la voix de M. Patate[50]. Afin de le persuader, Lasseter, Thomas Schumacher et quelques personnes lui ont rendu visite avec une figurine de M. Patate[50]. Par accident, Lasseter a fait tomber le chapeau melon de la figurine qui, sans cet accessoire, avait une forte ressemblance avec Rickles, chauve[50]. Cet incident a permis de détendre l'atmosphère et finalement Rickles a accepté[50]. La recherche de l'acteur pour Zigzag a été plus longue car l'équipe cherchait un acteur avec un accent ironique[50]. Ne parvenant pas à trouver ce qu'ils voulaient, un jour Schumacher proposa de changer d'optique et d'avoir un accent rural, ce que l'acteur Jim Varney représentait assez bien[50]. Ce dernier accepta. Ce choix a par la suite obligé les équipes artistiques à modifier légèrement Zigzag[50] (voir ci-après).
 Lasseter ne voulait pas faire de Toy Story un film musical comme l'ont été les précédentes productions de Disney[48] telles que La Petite Sirène (1989)[33], Aladdin ou Le Roi lion[20]. Initialement, Disney avait toutefois voulu privilégier le format musical, faisant valoir que « Nous suivons la voie des films musicaux. Les personnages qui se mettent à chanter constituent un raccourci important »[32].
 Disney et Pixar sont finalement parvenus à un accord respectant le choix de Lasseter : pas de comédie musicale et pas de personnage qui chante, mais des musiques accompagnant et soulignant l'action[33]. Chris Montan, responsable musical chez Disney depuis le milieu des années 1980, contacte Randy Newman pour lui demander d'écrire les chansons de Toy Story[51]. Ce dernier n'avait alors jamais composé de musique pour un film d'animation. Lasseter a déclaré que « Ses musiques sont émouvantes, profondes et satiriques, il apportera une touche émotionnelle à chaque scène »[32]. Newman accepte et présente sa première composition, Je suis ton ami, le 26 mars 1993 à Lasseter, Guggenheim, Arnold et Montan au siège de Disney à Burbank[51]. Newman a composé la chanson phare du film Je suis ton ami (ou T'as trouvé un ami au Québec et You've Got a Friend in Me en version originale) en un jour[32]. La chanson la plus difficile à composer selon Newman a été I Will Go Sailing No More (Jamais plus je ne volerai) en raison du changement de sentiment à rendre en plein milieu, passant « d'une lamentation plaintive et mordante à un cri de défi[52].
La version française quant à elle, est composée de onze chansons instrumentales, trois versions françaises interprétées par CharlÉlie Couture et d'une chanson dans sa version originale en anglais[53].
 Pixar présente un avant-projet du film à Disney le 19 novembre 1993[32],[54]. Le résultat est désastreux car Woody est présenté comme un « imbécile sarcastique », un personnage insupportable[55]. Le président de Walt Disney Feature Animation, Peter Schneider, arrête immédiatement la production en attendant qu'un nouveau scénario soit préparé et approuvé par Disney[54]. Steve Daly mentionne une réunion similaire tenue par Joe Ranft en date du 17 novembre 1993 avec le même résultat[56]. Il précise que l'animation avait déjà commencé et a dû être arrêtée[57].
 Dans cette version, Woody trompe les autres jouets et crie sur Zigzag, pousse intentionnellement Buzz, le mène vers le jardin de Sid[58]. Lasseter demande alors à Disney d'attendre un peu le temps de modifier le scénario afin d'éviter de devoir licencier toute l'équipe de production chez Pixar et que le studio Disney produise le film seul[55]. Pixar parvient à survivre à cet arrêt en se repliant sur ses anciennes activités en attendant que le scénario soit réécrit[32],[58].
 Le nouveau scénario fait de Woody un personnage plus sympathique[59], grâce à la présence du scénariste et vétéran de l'animation Joe Ranft[55]. Par exemple c'est une lampe Luxo (non vivante), en hommage à Luxo Jr., qui fait tomber Buzz[59] et non Woody. Le film est allongé avec une introduction dans laquelle on voit Andy jouer avec Woody pour apporter plus de sentiments[59]. Pour des besoins de réalisme, ou une « crédibilité émotionnelle » selon Steve Daly, du film, de nombreux éléments secondaires ont été créés, le meilleur exemple étant la publicité pour Buzz l'Éclair[60].
 Katzenberg redémarre alors la production en février 1994[58],[57]. Aucun employé n'a donc été licencié[61]. Les acteurs ont dû revenir en mars pour enregistrer les textes du nouveau scénario[32]. Mais Katzenberg refuse que le titre final du film comporte le terme Toy (« jouet ») par peur de repousser le public adolescent[62]. En raison de désaccords avec Michael Eisner, alors PDG de Disney, Jeffrey Katzenberg quitte Disney et son remplaçant ne s'oppose pas à l'usage du titre Toy Story[62].
 Entre le début de la production et 1994, l'équipe de 24 personnes a grossi pour atteindre 110 personnes[59],[63]. En comparaison, Le Roi lion, sorti en 1994, avait un budget de 45 millions de dollars et une équipe de 800 personnes[32]. David Price détaille ainsi l'équipe : 27 animateurs, 22 directeurs techniques, 61 artistes et ingénieurs[64]. Mais de nombreux artistes étaient en réalité employés par une société commune à Disney et Pixar nommée Hi Tech Toons[64].
 Durant la production, l'équipe de Pixar a fait le choix de ne pas reproduire la réalité en cherchant à en faire une réplique exacte mais de créer un monde hyperréel[65]. Lasseter a dit à propos du défi que représentait l'animation par ordinateur : « Chaque feuille et chaque brin d'herbe ont dû être créés[32]. » Ce principe est compréhensible avec l'exemple des soldats en plastique. Bien qu'ils ne bougent ni comme de vrais soldats ni comme les jouets en plastique qu'un enfant manipule, ils agissent comme des soldats en plastique vivants[66]. Lui et son équipe avaient pour souci majeur de rendre les jouets authentiques et vivants :
 « La qualité du jeu des personnages de Toy Story parvient à vous faire croire que les jouets sont vivants. Après avoir vu le film, vous ne regarderez plus jamais vos jouets ou ceux de vos enfants comme avant. Finalement, Toy Story n’est peut-être pas une histoire imaginaire... »
 — Ralph Guggenheim, producteur du film[30] L'organisation de l'équipe était comme une chaîne de montage similaire à celle en vigueur chez Disney[64].
 Le département artistique conçoit les personnages, les décors et tous les objets[64]. La création du film a commencé grâce à des storyboards animés qui aidaient les 27 animateurs travaillant sur le film à concevoir les personnages. L'animation par ordinateur de chaque personnage est passée par une première étape, où chaque personnage a soit été créé avec de la pâte à modeler, soit été modélisé sur un schéma dessiné à l'ordinateur[67].
 Le service de la conception graphique dirigé par Ralph Eggleston et comprenant Bob Pauley, Bill Cone, Tia Kratter et Robin Cooper a eu la charge du niveau de détail des scènes, de la lumière d'ambiance générale au plus petit détail des accessoires[68]. Des détails à peine visibles comme les rayures sur plinthes ou un réveil déréglé et clignotant dans la chambre d'Andy ont été ajoutés pour donner l'impression d'un monde réel[68].
 Ces éléments sont modélisés en 3D par l'un des directeurs techniques soit à partir d'un cahier des charges soit d'une sculpture pour les éléments plus complexes (certains jouets ou les humains)[64]. Les modèles 3D sont agrémentés de contrôles, ou variables d'animation, afin de définir leurs mouvements et les conséquences d'un mouvement sur leur forme[64]. Woody a été modélisé par Bill Reeves et Buzz par Eben Ostby[69]. Les cadreurs ont aussi été chargés de redimensionner les éléments créés par les artistes, parfois de créer plusieurs versions d'un même modèle comme le bureau d'Andy dont les détails du bois apparaissent quand Woody monte dessus[70].
 Ensuite, le département artistique définit une scène avec sa palette de couleurs et son éclairage et le département du cadrage positionne les modèles dans la scène et les mouvements de caméra[69]. Il n'a fallu pas moins de neuf sources différentes de lumière pour Woody lorsqu'il regarde par la fenêtre Buzz qui vient de tomber, en raison de l'heure, celle du coucher de soleil[71].
 À plusieurs reprises, le film use de miroirs, de reflets et autres surfaces réfléchissantes (casque de Buzz, rétroviseur, etc.). Ce rendu a été obtenu grâce à la création d'un environnement mappé dans un cube[72]. Les images éléments de la scène sont projetées sur les faces intérieures d'un cube qui entoure les personnages ; le miroir ne fait alors que réfléchir une des faces du cube sans être obligé de recréer les éléments.
 La scène finale, une course poursuite pour rejoindre la voiture de la famille d'Andy, a nécessité la création d'un décor très important[73]. Pour simplifier leur tâche, l'équipe a créé un jeu de modèles réutilisables constitué de 14 maisons et 15 terrains paramétrables en couleur, implantation et décors de jardin, pour un total de 125 déclinaisons[73].
 Le département d'animation (3D) applique alors les principes de base de l'animation pour donner vie aux personnages[69]. Une fois que les animateurs avaient le modèle d'un personnage, les articulations et les mouvements ont été codés, permettant à chaque personnage de se déplacer de diverses manières, de parler, marcher ou sauter[67]. Chaque articulation, avec le code qui lui est associé, est nommée avar (en) (animation variable)[64],[74]. Une fois le personnage et ses avars créés, les animateurs avaient souvent la charge de chercher à « briser » le personnage, pousser les avars à l'extrême pour détecter les éventuels bugs[75].
 Chez Pixar, à l'inverse des habitudes[NB 3] de Disney, un animateur gère une scène en entier et non un personnage durant tout le film[69] ; toutefois, il y a quelques exceptions. Pour la scène dans la station service, Woody a été animé par Mark Oftedal et Buzz par Guionne Leroy[76]. L'animateur définit des points clés de l'animation, la machine générant les étapes intermédiaires[76].
 De tous les personnages, Woody a été le plus complexe puisqu'il a nécessité la création de 723 mouvements possibles, dont 212 pour le visage et 58 pour la bouche[32],[77].
 Lasseter a fait le choix de ne pas faire générer les mouvements des lèvres[78]. Pour synchroniser la voix des acteurs avec les personnages, les animateurs ont passé une semaine par trame de 8 secondes à repasser en détail sur la bouche des personnages et sur leurs expressions[67].
 Après cela, les animateurs ont compilé les scènes et développé un nouveau storyboard avec les personnages animés par ordinateur. Les animateurs ont ensuite ajouté des ombres, de l'éclairage, des effets visuels, et enfin — grâce à 300 processeurs informatiques — ont donné au film son apparence finale[67],[77]. L'équipe responsable des textures, dirigée par Tom Porter, a utilisé l'outil de texturage de RenderMan, le RenderMan Shading Language[78]. L'équipe responsable des éclairages, la plus importante en nombre et dirigée par Galyn Susman et Sharon Calahan, a eu à sa disposition de nombreuses possibilités techniques allant des éclairages standards (vie courante), professionnels (cinéma) mais aussi des lumières sans ombres, d'autres n'éclairant qu'un seul objet ou encore des projecteurs d'ombres[79].
 Afin de réaliser le rendu de Toy Story, Pixar a utilisé une ferme de serveurs, la Renderfarm[79]. Le film a utilisé un affichage à la résolution de 1 536 × 922 pixels avec un pixel représentant un carré d'un demi-centimètre pour un écran de salle de cinéma standard[79]. Grâce à l'utilisation de l'anticrénelage pour adoucir les traits, une résolution plus grande, estimée à plusieurs milliers de lignes, n'a pas été nécessaire[79].
 Au cours de la post-production, le film a été envoyé à Skywalker Sound, où les effets sonores ont été mélangés avec le thème musical[77]. Une séance de test en public a été réalisée à San Rafael en 1993[80].
 L'apparence de Buzz l'Éclair est basée sur les combinaisons portées par les astronautes du programme Apollo et les figurines G.I. Joe[81],[82]. Sa mentalité rigide et son inflexibilité, mais aussi sa force de caractère sont dus à la matière qui le compose, du plastique rigide[83].
 Le deuxième personnage, initialement une poupée de ventriloque, a été changé en une poupée cow-boy, le shérif Woody, nommée d'après l'acteur américain de westerns Woody Strode[30]. En apparence, Woody est très relaxé, détendu, avec un aspect attachant et des valeurs qui nous poussent à avoir confiance en lui[35]. Au contraire de Buzz, Woody n'a pas un moral d'acier ; quand son mental flanche, son corps fait de même, c'est à relier au fait que c'est une poupée en tissu[83].
 Plus de deux mille croquis de Woody et mille de Buzz ont été nécessaires avant d'aboutir aux personnages que l'on connaît, choisis par John Lasseter[84]. Graphiquement, les deux personnages ont été conçus avant que Tim Allen et Tom Hanks ne donnent leurs voix ; mais selon Bonnie Arnold, plus ils prêtaient leur voix, plus Buzz et Woody donnaient l'impression d'être Allen et Hanks[85]. Finalement, Woody comprend plus de 1 500 avars, bien plus que les 18 de Luxo Jr[86].
 Le caractère mécontent de M. Patate est, comme l'explique Lasseter, dû à son intégrité physique, les éléments de son visage tombant à longueur de journée, motif légitime de mécontentement[24]. Ceci fait en plus un parallèle avec l'expression américaine « a chip on his shoulder » qui désigne un mécontentement, une rumination pour la personne qui doit porter « une écharde (chip) sur son épaule », étant donné que chip signifie également « tranche » et que c'est de là que vient le mot « chips ».
 La fragilité de la poupée de porcelaine La Bergère induit la douce romance avec Woody et ses mouvements délicats, sinon elle casse[24]. Pour Bayonne, comme on place souvent une tirelire en hauteur sur une étagère, il éprouve un sentiment de supériorité et, en liaison avec l'expression « two cents matters », pense avoir souvent raison[87]. Techniquement les deux personnages sont identiques au niveau informatique, un assemblage de formes simples à la surface lisse mais grâce au logiciel d'ombrage, qui gère la façon dont une source lumineuse arrive sur une surface, la texture, la « peau » de Bayonne et celle de la Bergère sont totalement différentes[88].
 Pour Rex, ses articulations peu nombreuses et limitées l'éloignent des monstres de Jurassic Park (1993) ce qui le rend rigide mais aussi provoque son manque de confiance en lui[24]. Sa présence dans le film était justifiée par la forte popularité des dinosaures et du Tyrannosaurus rex[89]. Afin de renforcer le fait que ce soit un jouet, la texture de sa peau au niveau du cou se brise quand il tourne la tête, qui comme c'est un jouet bouge d'un seul bloc[89]. Zigzag, en raison de sa difficulté à se mouvoir par lui-même, a un caractère de suiveur[87]. À l'origine conçu comme un chien Jack Russell Terrier, joueur et nerveux, son aspect a été modifié avec le choix de l'acteur Jim Varney, ses oreilles ont été allongées, assouplies et déplacées du haut du crâne vers le côté, ses yeux ont été mis en berne, son cou rapetissé et il est devenu plus proche du chien de Saint-Hubert[50], comme Pluto.
 Le colosse miniature avec des bras disproportionnés est appelé Rocky Gibraltar[74], c'est une figurine de catch. Pour animer les soldats en plastique, Pete Docter a demandé à une partie des artistes d'attacher chacun des vieilles chaussures à une planche et de marcher avec[90]. Après plusieurs séries de pas et sauts dans le hall du studio, les animateurs ont réussi à imaginer les mouvements des soldats[91]. De même, de nombreuses tentatives ont été réalisées pour comprendre l'ouverture du parachute et les mouvements lors d'une descente du second étage d'un soldat parachutiste miniature suspendu par le casque[91].
 Pour représenter les humains, le défi de l'équipe de Pixar a été comparable à celui pour Blanche-Neige et les Sept Nains (1937) car personne n'avait encore réussi à reproduire un humain convaincant, or il fallait ici en créer quatre[92]. Le premier personnage humain le plus approchant de ce que les animateurs voulaient était le bébé dans Tin Toy[92]. La difficulté provient surtout de la conjonction de la peau et des vêtements ; ainsi, pour reproduire les mouvements du visage et du T-shirt de Sid, garde-robe qui ne dépasse pas un total de 50 $ (dans la vie réelle)[92], il a été nécessaire « d'afficher plus de lignes qu'un écran de contrôle aérien[93] ».
 Le chien de Sid, Scud, est animé grâce à 178 avars mais certains comme ceux des oreilles et de la queue ont été très souvent utilisés, au contraire de ceux des dents[75]. Les jouets mutants, « réparés » par Sid, sont parmi les derniers à avoir été conçus et modelés[94]. Et pour beaucoup ils réutilisent des éléments conçus pour les jouets d'Andy comme le torse de Rocky Gibraltar pour le mutant à tête d'insecte ou le skateboard d'Andy en version miniature pour RollerBob[94].
 Le budget initial fourni par Disney était de 17,5 millions d'USD[64] avec une sortie prévue pour 1994[18]. Mais dès 1994, le budget de Disney atteint les 21,5 millions, et 6 millions sont encore nécessaires[95]. De son côté, Steve Jobs, qui avait acheté Pixar pour 10 millions d'USD, a investi plus de 50 millions sans atteindre la rentabilité[95]. Disney demande à Pixar de faire un crédit de 3 millions d'USD garanti sur les fonds personnels de Jobs[95]. Steve Jobs tente de renflouer Pixar en faisant un partenariat avec Microsoft[96].
 Finalement la création du film a nécessité un budget de 30 millions de dollars[97]. Avant la sortie du film, le producteur exécutif du film Steve Jobs avait déclaré que « Si Toy Story remporte un succès modéré — disons 75 millions de $ au box-office — on [Pixar et Disney] atteindra le seuil de rentabilité. S'il en recueille 100 millions, on gagnera de l'argent. Mais si c'est un vrai blockbuster et qu'il rapporte 200 millions ou à peu près, on va se faire beaucoup d'argent[63]. » Le président de Disney Michael Eisner avait lui déclaré que « La technologie est brillante, les voix sont inspirées et je pense que l'histoire va toucher la corde sensible des gens. Croyez-moi, lorsqu'on a pour la première fois accepté de travailler ensemble, on ne pensait vraiment pas que leur premier film serait notre sortie de l'été 1995 »[63].
 En décembre 1994, Guggenheim rencontre un directeur de Disney Consumer Products (DCP) et découvre l'absence d'une gamme de produits dérivés[98]. Cette absence était due à un calendrier chargé en productions chez Disney, avec Pocahontas (1995) et Le Bossu de Notre-Dame (1996) ainsi qu'à une incompréhension, d'après laquelle Toy Story n'aurait pas de personnages originaux[98].
 En janvier 1995, Peter Schneider annonce la sortie de Toy Story pour novembre 1995 ne laissant que la moitié du temps habituel pour concevoir une gamme[98]. De plus, Mattel et Hasbro déclinent l'offre de produire des jouets[99]. Disney trouve un fabricant qui accepte de produire les jouets, Toy Fair, une société de Toronto avec une succursale en Chine nommée Thinkway Toys[99], spécialisée dans les tirelires parlantes[82]. C'est aussi en janvier que Lasseter rencontre Albert Chan, propriétaire de Thinkway et principal créateur[82]. Chan propose une gamme de jouets basée sur des figurines de 6 pouces (15,2 cm), moitié moins que le format des G.I. Joe souhaité par Lasseter pour Buzz[82]. Chan répond que ce format ne se fait plus mais Lasseter insiste arguant que le public voudra les personnages du film[82]. Début mars, Chan revient avec des figurines, 12 pouces (30,5 cm) pour Buzz et 15 pouces (38,1 cm) pour Woody et Lasseter l'emmène dans une salle de projection du studio où le film était projeté. Selon les souvenirs de Lasseter, les employés du studio sont alors devenus hystériques[100]. Eben Osby, modeleur de Buzz, a bondi de son siège, traversé la salle en courant pour prendre la figurine des mains de Lasseter[100]. Mais les chaînes de magasins n'ont pas partagé l'enthousiasme des employés : Walmart ne commercialisa pas la figurine, Toys ""R"" Us et Disney Store n'ont eux commandé pour les États-Unis que 60 000 figurines de Buzz et 45 000 de Woody[100]. Lasseter demanda la création de 250 000 figurines de chaque, menaçant de les produire à ses frais. Une semaine avant la sortie du film, ce stock était déjà écoulé[100]. Les commandes de figurines de Buzz ont atteint les 1,6 million après une semaine de diffusion[100]. En 2007, on comptait 25 millions de figurines vendues, tous personnages confondus[100].
 Toy Story a été au centre d'une grande campagne de marketing avant sa sortie qui mettait en avant des images du film, par exemple sur les emballages alimentaires[101]. Une grande diversité de produits dérivés est sortie durant l'exploitation en salles du film et durant sa sortie en VHS dont des jouets, des vêtements ou des chaussures[102].
 Disney a dépensé 20 millions de dollars pour le marketing autour du film ; Burger King, PepsiCo, Coca-Cola et Payless ShoeSource ont eux dépensé 125 millions de dollars dans des opérations mettant en jeu la promotion autour du film[103],[104]. The New York Times détaille quelques-unes des dépenses : 45 millions de dollars pour Burger King, 75 à 80 millions de sachets promotionnels chez Frito-Lay, filiale de PepsiCo, tandis que Coca-Cola a proposé des promotions sur la gamme Minute Maid (alors en perte de vitesse)[104].
 Un consultant marketing a dit à propos de cette promotion : « Comment un enfant, assis devant un film d'une heure et demie mettant en scène une foule de jouets reconnaissables à l'œil, pourra ne pas vouloir en posséder un[101] ? ».
 
 AllMusic : [105]
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 La première de Toy Story a eu lieu le 19 novembre 1995 à Hollywood, en Californie dans le El Capitan Theatre[109]. Cette salle appartenant à Disney, un espace a été transformé en un petit parc à thème consacré à Toy Story sur trois niveaux avec une course d'obstacles avec les pieds attachés comme les soldats en plastique et une pizzeria digne de Pizza Planet[109].
 La sortie nationale aux États-Unis a eu lieu le 22 novembre 1995, date du début du week-end de Thanksgiving. Le film était initialement projeté dans 2 281 cinémas, avant que ce chiffre n'atteigne les 2 574 cinémas. Toy Story est resté en salles durant 37 semaines[110]. Il a aussi été projeté, hors-compétition, durant la Berlinale du 15 au 26 février 1996[111]. Le tout premier court-métrage de Pixar, Les Aventures d'André et Wally B., était projeté avant chaque diffusion du film dans tous les cinémas.
  Sauf indication contraire ou complémentaire, les informations mentionnées dans cette section peuvent être confirmées par la base de données IMDb.
 Dans la plupart de ces pays, le film est ressorti dans une version en relief (projection en relief stéréoscopique) et a été présenté avec Toy Story 2, avant la sortie du troisième volet.
 À sa sortie, Toy Story était la seule production de Pixar qui arborait uniquement le logo de Disney, malgré la collaboration des deux entreprises sur le film. Cependant, depuis l'acquisition complète de Pixar par The Walt Disney Company en 2006, Toy Story — tout comme les autres films produits par Pixar — fait désormais figurer la marque Disney•Pixar.
 Toy Story a reçu un accueil critique très favorable par les critiques du monde entier. Sur Rotten Tomatoes, le film obtient le score d’excellence de 100 % de critiques positives, avec une moyenne de 9/10 (le tout étant basé sur 89 critiques différentes). Le résumé de toutes les critiques est : « Aussi divertissant qu'innovant, Toy Story a donné le coup d'envoi à une série de films, signée Pixar, de qualité, revigorant la méthode des films d'animation »[112]. Sur Metacritic, le film a reçu la mention « acclamation générale » (universal acclaim) avec un score de 95/100 basé sur 26 critiques[113]. Les critiques ont salué le film pour son animation en images de synthèse, la distribution des voix et la capacité à réunir des personnes de tous âges.
 Leonard Klady du magazine Variety a loué l'animation « […] tape-à-l'œil et son aspect inhabituel. La caméra tourne et bouge de façon assez vertigineuse et nous invite à reprendre notre souffle »[114]. Roger Ebert du Chicago Sun-Times a comparé l'animation innovante du film à Qui veut la peau de Roger Rabbit, déclarant que « Les deux films mettent en pièces l'univers des effets visuels au cinéma et le reconstruisent, nous permettant de voir les choses d'une nouvelle façon »[115]. Pour Richard Corliss du Time, l'animation du film fait de lui « la comédie la plus inventive de l'année »[116].
 La distribution a également été félicitée par de nombreuses critiques. Susan Wloszczyna de USA Today s'est réjouie de la présence de Hanks et Allen dans les rôles principaux[117]. Kenneth Turan du Los Angeles Times a déclaré que « Avec Tom Hanks, qui apporte […] une énorme crédibilité à Woody, Toy Story constitue l'un des films d'animation les mieux interprétés ; les acteurs font fortement ressentir leur présence »[118]. Plusieurs critiques ont également félicité la capacité du film à réunir des personnes de tous âges, et en particulier aussi bien les enfants que les adultes[115],[119]. Owen Gleiberman du magazine Entertainment Weekly a écrit :« Il a la pureté, la liberté extatique de l'imagination, c'est la marque des meilleurs films pour enfants »[120].
 « Oui, nous nous préoccupons de ce que disent les critiques. Oui, nous nous préoccupons des chiffres que notre film va faire au box-office la première semaine. Oui, nous nous préoccupons des chiffres que notre film va faire au box-office en totalité. Mais si nous faisons tout ce que nous faisons, c'est avant tout pour divertir notre public. Je tire la plus grande joie de mon métier de réalisateur lorsque je me glisse dans une salle de cinéma anonymement et que je regarde les gens qui regardent mon film. Voir la joie sur le visage des gens, voir les gens être vraiment dans le film... est pour moi la plus grande récompense que je pourrais avoir. »
 — John Lasseter[100] En 1995, le magazine Time a classé Toy Story à la huitième place des dix meilleurs films de l'année[121]. En 2003, The Online Film Critics Society a désigné le film comme le meilleur film d'animation de tous les temps[122]. En 2007 cette fois-ci, Toy Story est apparu à la 22e place du top 50 des films aux effets visuels les plus influents, dressé par The Visual Effects Society[123]. En 2005 — sa première année d'éligibilité — le film est entré au National Film Registry. Il est donc l'un des cinq seuls films qui y sont entrés lors de leur première année d'éligibilité[124], avec Do the Right Thing, Raging Bull, Les Affranchis et Fargo. Il est aussi classé 99e sur le classement des 100 meilleurs films américains de tous les temps réalisé par l'AFI en 2007[125],[126],[127]. Il est l'un des deux seuls films d'animation sur cette liste, avec Blanche-Neige et les Sept Nains. Toy Story est également apparu à la sixième place d'un autre classement de l'AFI, celui des dix meilleurs films d'animation.
 Enfin, le film a été déclaré « meilleur film d'animation » à la fois par la Los Angeles Film Critics Association et le Kansas City Film Critics Circle[128],[129]. Ce film fait partie de la liste du BFI des 50 films à voir avant d'avoir 14 ans établie en 2005 par le British Film Institute, intégrant même le top 10 de cette liste. Il est aussi le plus haut classé des films d'animation (99e) dans le classement du magazine Empire des 500 meilleurs films de tous les temps[130].
 Durant les cinq premiers jours d'exploitation du film aux États-Unis (correspondant au week-end de Thanksgiving — l'Action de grâce), les recettes se sont élevées à 39 071 176 $US[131]. Toy Story s'est classé premier au box-office du week-end avec des recettes de 29 140 617 $[110], position qu'il a maintenue les deux semaines suivantes. David Price donne les chiffres suivants : 10 millions le premier jour, 28 millions pour les trois jours du week-end, 64,7 millions au bout de 12 jours[132].
 Le film a eu les recettes aux États-Unis les plus hautes de tous les films sortis en 1995, dont Batman Forever et Apollo 13 (avec Tom Hanks également)[133]. À l'époque de sa sortie, il constituait le troisième meilleur film d'animation en termes de recettes, après Le Roi lion (1994) et Aladdin (1992)[20]. Sans tenir compte de l'inflation, Toy Story était classé en mars 2009 à la 96e place sur la liste des films ayant fait les meilleures recettes aux États-Unis, depuis il est descendu en juillet 2010 à la 115e[134]. Le film a eu des revenus bruts de 191 796 233 $ aux États-Unis et au Canada et de 170 162 503 $ à l'international, pour un total de 361 958 736 $[110]. En France, Toy Story a totalisé 2 746 426 entrées[135], faisant de lui le huitième plus grand succès en France de l'année 1996.
 Le tableau suivant dresse un bilan du nombre d'entrées qu'avait effectué le film dans différents pays d'Europe au 1er janvier 1997.
 Toy Story est sorti en VHS et Laserdisc le 29 octobre 1996, sans bonus. Durant la première semaine après sa sortie, les recettes des locations de VHS s'élevaient à 5,1 millions de dollars, faisant de Toy Story le numéro un des vidéos de la semaine[137]. Plus de 21,5 millions de VHS ont été vendues la première année[138],[139]. Le 11 janvier 2000, il est sorti en VHS dans la série Gold Classic Collection, avec Tin Toy en bonus ; ces cassettes se sont écoulées à 2 millions d'unités[139]. Sa première sortie en DVD remonte au 17 octobre 2000, où il était inclus dans un pack avec Toy Story 2 (avant d'être plus tard disponible individuellement). Également le 17 octobre 2000, un ensemble de trois DVD est sorti, l’Ultimate Toy Box, composé de Toy Story, Toy Story 2 et un DVD de bonus[139]. Le 6 septembre 2005, un double-DVD en l'honneur du dixième anniversaire de la série est sorti, contenant une grande partie des bonus de l’Ultimate Toy Box[140].
 Toy Story a été disponible en format Blu-ray pour la première fois dans le Special Edition Combo Pack qui contenait deux disques : le film en format Blu-ray et le film en format DVD, et qui est sorti le 23 novembre 2010[141].
 Récompenses
 Nominations
 Ce premier long-métrage des studios Pixar marque un tournant dans l'histoire du dessin animé : c'est le premier film entièrement réalisé en images de synthèse 3D[147] ; coproduit par les studios Disney, il inaugure une suite de succès parmi lesquels 1001 pattes (1998), Toy Story 2 (1999), Monstres et Cie (2001), Le Monde de Nemo (2003), Les Indestructibles (2004), Cars (2006), Ratatouille (2007), WALL-E (2008), Là-haut (2009) et Toy Story 3 (2010).
 Amorçant une tradition chez les studios Pixar, Toy Story renferme de multiples clins d'œil à l'industrie du cinéma. Par exemple, la théière qu'utilise Hannah quand elle joue avec Buzz est une réplique de la théière de l'Utah, modèle utilisé dans la synthèse d'image 3D qui est devenu un objet standard de référence dans la communauté de la synthèse d'image[148]. De nombreux clins d'œil sont plus particulièrement portés sur l'entreprise Disney. Lorsque Buzz veut prouver à Woody qu'il sait voler, une image de Mickey Mouse est cachée sur une réplique géante de montre[149]. Enfin, vers la fin du film, quand Woody et Buzz arrivent près de la voiture d'Andy en roulant et qu'on les voit dans le rétroviseur, on peut entendre la chanson Hakuna matata du film d'animation Le Roi lion, sorti un an auparavant[150].
 Le film est aussi parsemé de références à l'histoire de Pixar et à ses courts métrages passés. Quand le livreur de Pizza Planet entre dans la station-service Dinoco, il demande où se situe le West Cutting Boulevard. C'était en fait l'adresse des studios d'animation Pixar à Richmond (Californie), à l'époque de la réalisation du film[151]. Depuis 2000, les studios ont déménagé à Emeryville (Californie). La lampe de bureau et le ballon jaune avec une étoile rouge font référence au premier court-métrage de Pixar, Luxo Jr. (1986)[152],[153]. Dans la scène où Woody invite les jouets à se trouver un partenaire de déménagement, on peut apercevoir en arrière-plan sur une étagère un livre intitulé Tin Toy dont l'auteur mentionné est Lasseter (une référence à John Lasseter). C'est de ce court-métrage réalisé en 1988 par Lasseter que Toy Story est inspiré[154]. On trouve aussi un livre nommé Knick Knack, autre court métrage de Pixar, datant lui de 1989[155].
 Toy Story marque également le début d'une longue liste d'apparitions d'objets récurrents dans les films signés Pixar. Le code A113, qui était à l'origine le numéro d'une classe de CalArts (école où ont travaillé John Lasseter et Brad Bird) et qui apparaîtra dans tous les autres longs métrages de Pixar, apparaît dans le film, sur la plaque d'immatriculation du monospace de la mère d'Andy[156]. Figure également dans le film la compagnie Dinoco, qui sera aussi présente dans Cars et WALL-E[157], ainsi que la chaîne de pizzerias Pizza Planet, dont le camion apparaîtra dans la quasi-intégralité des longs métrages de Pixar. Quand Luxo Junior bouscule Buzz par la fenêtre ouverte, celui-ci pousse le célèbre cri Wilhelm qui pourra être entendu également dans Toy Story 3.
 Le sol où se trouvent Woody et Buzz quand ils tentent de s'échapper de la maison de Sid fait référence à celui de l'hôtel Overlook dans Shining[158].
 Différents auteurs ont vu de l'humanisme dans le film et l'ont rapproché du roman Don Quichotte[159],[160]. Bruce R. Burningham a établi des comparaisons entre les personnages des deux œuvres. Ainsi, Buzz l'Éclair se rapprocherait de Don Quichotte alors que Woody est comparé à Sancho Panza. Burningham avance que ce dernier, au cours du film, éprouve des difficultés dues à ses rapports avec Buzz, un nouveau venu plein d'illusions. Rossinante, le cheval de Don Quichotte, serait devenu le vaisseau spatial accidenté de Buzz. Il souligne toutefois que Dulcinée n'a pas d'équivalent dans le film de Pixar. Pour lui, cela vient du fait que dans la tradition chevaleresque, chaque chevalier a une femme à qui il peut se confier, tandis que les codes de la science-fiction ne prévoient pas de personnage qui aurait un tel rôle vis-à-vis des rangers de l'espace[159].
 Burningham met également en évidence un lien entre les histoires de Toy Story et de Don Quichotte : comme Don Quichotte, dont la généalogie est délibérément ambiguë, Buzz n'a pas de véritable histoire avant le début du film. Il se réveille ex nihilo de son « hypersomnolence », aussi vite qu'Alonso Quichano se découvre une nouvelle identité dans le premier chapitre. Plus loin dans le film, Buzz essaie de trouver un « vaisseau » pour revenir sur sa « planète » pendant que Woody tente de trouver un moyen de revenir avec Buzz dans la chambre d'Andy, et ce en se servant des illusions de Buzz. Pour Burningham, cette situation est calquée sur le schéma narratif du roman de Cervantes, où Sancho, tout comme Woody, apprend vite à se servir des rêves de son maître pour arriver à ses propres fins[159].
 Toy Story a eu un impact important sur l'industrie cinématographique de par le côté innovant de l'animation en images de synthèse. Après la sortie du film, diverses industries se sont intéressées à la technologie utilisée dans le film. Les fabricants de cartes graphiques ont souhaité pouvoir créer des images similaires à celles du film pour les ordinateurs personnels, les développeurs de jeu vidéo ont voulu apprendre à reproduire ce type d'animation dans leurs jeux et les chercheurs en robotique se sont penchés sur la mise en place d'une intelligence artificielle dans leurs robots pour que ceux-ci aient un comportement proche de celui des personnages du film[161].
 
D'après Jason Bosse, « tous ceux qui travaillent dans l'animation traditionnelle ont compris qu'il fallait se surpasser, faire jouer les personnages de façon plus vraie, et non pas se contenter du style traditionnel qui était appliqué depuis 20 ans » [162].  « Nous n'aurions pas pu faire ce film par la voie de l'animation traditionnelle. C'est une histoire qui ne peut être racontée qu'avec des personnages en trois dimensions… Certains des plans du film sont si beaux. »
 — Tom Schumacher, vice-président de Walt Disney Feature Animation[163] Le personnage de Buzz l'Éclair et sa phrase phare, « Vers l'infini et au-delà ! » (au Québec, « Vers l'infini et plus loin encore ! »), ont participé à la renommée du film. Le personnage est si populaire qu'en 2008, des astronautes ont emmené une figurine de Buzz l'Éclair dans l'espace à bord de la navette spatiale Discovery pour le tournage d'un film pédagogique[164].
 La phrase « Vers l'infini et au-delà ! » est apparue sur plusieurs tee-shirts tirés du film. De par sa grande popularité, elle a même été utilisée par quelques philosophes et mathématiciens dans leurs publications[165],[166],[167]. En 2008, cette phrase a de nouveau fait le tour des nouvelles mondiales lorsqu'on a appris qu'un père et son fils, tout au long des 15 heures pendant lesquelles ils ont nagé dans l'océan Atlantique, avaient continuellement répété cette phrase afin de ne pas se perdre mutuellement[168],[169].
 Buzz ainsi que les autres personnages du film font désormais partie de la culture populaire : Debian, un système d'exploitation libre pour ordinateur, à la suite de la décision de Bruce Perens le chef de projet de l'époque qui travaillait aussi pour Pixar, a baptisé ses versions successives des noms des personnages du film[170] ; à savoir Buzz, Rex, Bo, Hamm, Slink, Potato, Woody, Sarge, Etch, Lenny, Squeeze, Wheezy, Jessie, Etch, Sid et Buster[171]. Le logo en forme de spirale de Debian serait inspiré, selon Martin Krafft par la forme particulière du menton de Buzz[172].
 La bande originale de Toy Story a été produite par Walt Disney Records et est sortie le 22 novembre 1995, la semaine de la sortie du film. Composée et écrite par Randy Newman, la bande originale a été louée pour sa musique « vive et remuante »[105]. Mais en dépit de ce succès critique, l'album ne dépassera pas la place 94 du Billboard 200[107].
 Je suis ton ami est aussi sorti sous forme de single en cassette audio et en CD le 12 avril 1996 afin de promouvoir la sortie de la bande originale[173]. En 2006, la bande originale a été remasterisée et, bien qu'elle ne soit plus disponible en magasin, elle est achetable sur des plates-formes telles que iTunes[106].
 Toy Story a donné lieu à trois suites, Toy Story 2 (1999), Toy Story 3 (2010) et Toy Story 4  (2019) et à une série d'animation, Les Aventures de Buzz l'Éclair, dont le prologue, Buzz l'Éclair, le film : Le Début des aventures, est sorti en vidéo.
 Au départ, il était prévu que la suite de Toy Story, dont le développement a commencé en 1996, sorte directement en vidéofilm[174]. Cependant, comme l'histoire était considérée assez bonne pour ne pas sortir directement en vidéo, il a été annoncé en 1998 que la suite sortirait en salles[175]. L'enregistrement des voix de Toy Story 2, dans lequel Woody est volé durant un vide-greniers, a vu le retour de la majorité des voix présentes dans le premier volet. La critique a encore mieux accueilli ce deuxième volet que le premier, Toy Story 2 parvenant même à décrocher un — ce qui est pourtant peu fréquent — 100 % sur le site Rotten Tomatoes, note basée sur 25 critiques[176]. Le film a recueilli 485 015 179 $ de recettes à l'international, ce qui en faisait, en son temps, le deuxième plus gros succès des films d'animation, après Le Roi lion[177],[178].
 Toy Story a également donné lieu à un spin-off directement sorti en vidéo, Buzz l'Éclair, le film : Le Début des aventures, prologue de la série Les Aventures de Buzz l'Éclair[179]. Le film et la série suivent Buzz l'Éclair et ses amis qui tentent de maintenir la justice dans la galaxie. Bien que le film ait été critiqué car il n'utilisait pas le même type d'animation que Toy Story et Toy Story 2, près de 3 millions de VHS et DVD du film se sont vendus la première semaine de sa sortie[180],[181]. La série, elle, a perduré durant deux saisons.
 Toy Story 3 est sorti aux États-Unis le 18 juin 2010[182]. L'action du film se concentre sur les jouets d'Andy, abandonnés dans une garderie après que ce dernier est parti à l'université[183]. De nouveau, la majorité des voix des deux premiers films était encore présente pour ce troisième volet qui est, contrairement aux deux premiers, projeté en relief dans certaines salles.
 Le 2 décembre 2014, ABC diffuse un épisode spécial Noël de 22 minutes intitulé Toy Story : Hors du temps (Toy Story That Time Forgot) écrit et réalisé par Steve Purcell qui met en scène les personnages de Toy Story 3 qui doivent affronter des jouets de la gamme Battlesaurs, de violents dinosaures de combats qui ignorent leur condition de jouets[184]. Le court métrage est sorti en France en VOD le 18 mars 2017.
 Le 14 août 2015, lors du D23, Pixar confirme plusieurs films dont Le Monde de Dory, Toy Story 4 et le court métrage Coco[185],[186],[187],[188]. Lors de la conférence, John Lasseter confirme la présence d'une romance dans Toy Story 4 entre Woody et Bo Peep, une poupée chantante[189],[190],[191].
 Le 2 octobre 2009, le film est re-sorti en Disney Digital 3-D[192], une technologie de projection en relief stéréoscopique. Aux États-Unis, Toy Story 1 et 2 sont sortis ensemble, à la manière d'un double-programme, pour une durée de deux semaines[193], revue à la hausse après le succès de cette reprise[194],[195]. La deuxième suite du film, Toy Story 3, est aussi sortie en 3D[192].
 « Les films et les personnages de Toy Story garderont toujours une place très spéciale dans nos cœurs et nous sommes très heureux de resservir ce film très important pour nous au public, qui pourra l'apprécier d'une nouvelle façon grâce à la technologie 3D. Avec la sortie à venir de Toy Story 3 où l'on pourra retrouver Buzz, Woody et les autres jouets de la chambre d'Andy, nous avons pensé qu'il serait bien de présenter à nouveau au public les deux premiers films d'une toute nouvelle façon. »
 — John Lasseter, à propos de la reprise des premiers volets en 3D[196] Pour faire du film initial un film en 3D, les studios Pixar ont dû placer virtuellement une seconde caméra dans chaque scène du film, permettant d'obtenir des images à la fois pour l'œil gauche et pour l'œil droit — ce qui est nécessaire pour créer une impression de profondeur[197]. Unique à l'animation par ordinateur, ce procédé a été qualifié par Lasseter d'« archéologie numérique »[197]. Ce travail a duré quatre mois, et il a fallu six mois supplémentaires pour ajouter la 3D aux deux films. Le principal stéréographe Bob Whitehill a supervisé ce travail en cherchant à obtenir un rendu qui ait une influence émotionnelle sur la narration du film :
 « Pour chercher les meilleures façons d'utiliser la 3D au profit de l'histoire d'un film, je regarde le film dans son ensemble. Par exemple, dans Toy Story, lorsque les jouets sont seuls dans leur monde, je voulais rendre l'impression d'un monde où l'on vit en sécurité. Et lorsqu'ils sortent dans le monde des hommes, c'est là que je fais réellement intervenir la 3D pour bien refléter le fait que ce monde est dangereux, compliqué et bouleversant. »
 — Bob Whitehill[197] La reprise en 3D du film a obtenu de bons résultats au box-office américain, recueillant 12 491 789 $ lors du premier week-end d'exploitation, le plaçant alors troisième derrière Bienvenue à Zombieland et Tempête de boulettes géantes[198].
 En novembre 1996, le spectacle sur glace Disney on Ice : Toy Story a ouvert ses portes. Y figuraient les voix présentes dans le film et la musique de Randy Newman[199]. En avril 2008, le Disney Wonder lança la comédie musicale Toy Story: The Musical pour ses passagers[200].
 Walt Disney Imagineering a développé plusieurs attractions pour les parcs Disney sur l'univers du film :
 Les deux logiciels Disney's Animated Storybook: Toy Story et Disney's Activity Center: Toy Story dérivés du film sont sortis pour Windows et Mac OS[203]. Disney's Animated Storybook: Toy Story a été le logiciel le plus vendu de l'année 1996, avec plus de 500 000 unités écoulées[204]. Deux jeux vidéo sur consoles sont également sortis pour le film : Toy Story sur Mega Drive, Super Nintendo, Game Boy et PC, et Toy Story Racer sur PlayStation (qui contient des allusions à Toy Story 2)[205]. Pixar a créé des animations originales pour tous les jeux, dont des séquences animées entières pour les titres sur PC. Dans le jeu Disney Infinity un mode aventure basé sur Toy Story est présent avec Buzz l'Éclair, Woody et Jessie en figurines.
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//upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/7/77/United_States_film_clapperboard.svg/27px-United_States_film_clapperboard.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/b/b8/Nokia-9110-1.png/36px-Nokia-9110-1.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/d/da/Animation_disc.svg/26px-Animation_disc.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/5/50/Jester01_recadre.png/42px-Jester01_recadre.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/6/6b/Korrigan.png/27px-Korrigan.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/9/90/Circle-icons-die-customized.svg/24px-Circle-icons-die-customized.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/4/48/P_-_Pixar.svg/19px-P_-_Pixar.svg.png; https://login.wikimedia.org/wiki/Special:CentralAutoLogin/start?type=1x1; /static/images/footer/wikimedia-button.svg; /w/resources/assets/poweredby_mediawiki.svg,https://en.wikipedia.org/wiki/Toy_Story,Toy Story,https://en.wikipedia.org/wiki/Toy_Story,"Toy Story is a 1995 American animated comedy film produced by Pixar Animation Studios for Walt Disney Pictures. The first installment in the Toy Story franchise, it was the first entirely computer-animated feature film, as well as the first feature film from Pixar. The film was directed by John Lasseter (in his feature directorial debut), written by Joss Whedon, Andrew Stanton, Joel Cohen, and Alec Sokolow based on a story by Lasseter, Stanton, Pete Docter, and Joe Ranft, produced by Bonnie Arnold and Ralph Guggenheim, and features the voices of Tom Hanks, Tim Allen, Annie Potts, John Ratzenberger, Don Rickles, Wallace Shawn, and Jim Varney.
 Taking place in a world where toys come to life when humans are not present, the plot of Toy Story focuses on the relationship between an old-fashioned pullstring cowboy doll named Woody and a modern space cadet action figure, Buzz Lightyear, as Woody develops jealousy towards Buzz when he becomes their owner Andy's favorite toy.
 Following the success of Tin Toy, a short film that was released in 1988, Pixar was approached by Disney to produce a computer-animated feature film that was told from a small toy's perspective. Lasseter, Stanton, and Docter wrote early story treatments, which were rejected by Disney, who wanted the film's tone to be ""edgier"". After several disastrous story reels, production was halted and the script was rewritten to better reflect the tone and theme Pixar desired: ""toys deeply want children to play with them, and ... this desire drives their hopes, fears, and actions"". The studio, then consisting of a relatively small number of employees, produced Toy Story under minor financial constraints.
 Toy Story premiered at the El Capitan Theatre in Los Angeles on November 19, 1995, and was released in theaters in North America on November 22 of that year. It was the highest-grossing film during its opening weekend,[2] eventually grossing over $373 million worldwide, making it the second highest-grossing film of 1995. The film received critical acclaim, with praise directed towards the technical innovation of the animation, script, Randy Newman's score, appeal to all age groups, and voice performances (particularly Hanks and Allen), and holds a 100% approval rating on film aggregation website Rotten Tomatoes. The film is frequently lauded as one of the best animated films ever made and, due to its status as the first computer-animated film, one of the most important films in the medium's history and film at large.[4] The film received three Academy Award nominations—Best Original Screenplay (the first animated film to be nominated for the award), Best Original Song for ""You've Got a Friend in Me"", and Best Original Score—in addition to being honored with a non-competitive Special Achievement Academy Award.[5]
 In 2005, Toy Story was selected for preservation in the United States National Film Registry by the Library of Congress as being ""culturally, historically, or aesthetically significant"", one of nine films designated in its first year of eligibility. The success of Toy Story launched a multimedia franchise, spawning three sequels (and a planned fourth sequel) beginning with Toy Story 2 (1999), a spin-off film Lightyear (2022), and numerous short films. The film also had a theatrical 3D re-release in 2009 as part of a double feature with the second film.
 A group of sentient toys, who pretend to be lifeless when humans are around, are preparing to move into a new house with their young owner Andy Davis, his infant sister Molly, and their single mother Mrs. Davis. Learning that Andy's birthday party has been unexpectedly moved to an earlier date, several toys — including Mr. Potato Head, Slinky Dog, Rex the tyrannosaur, Hamm the piggy bank, and Bo Peep the porcelain doll — become concerned that Andy might receive something that will replace them. To calm them, Sheriff Woody, Andy's favorite toy and their de facto leader, sends Sarge and his green army men to spy on Andy's birthday party with a baby monitor. Andy receives a Buzz Lightyear action figure, who believes he is an actual Space Ranger and does not know he is really a toy. Buzz impresses the others with his high-tech features and becomes Andy's new favorite toy, provoking Woody's jealousy.
 Two days before the move, Andy's family plans for a dinner at Pizza Planet. To ensure Andy brings him along and not Buzz, Woody tries knocking Buzz behind the desk with RC, the radio-controlled car. However, Buzz is accidentally knocked out of the bedroom window instead, and most of the other toys believe Woody has deliberately killed Buzz. Andy takes Woody with him, but Buzz furiously confronts him in the car. The two fight, fall out of the car, and are left behind; after a further quarrel, they hitch a ride to the restaurant on a Pizza Planet delivery truck.
 At Pizza Planet, Buzz mistakes a claw crane full of toy aliens for a rocket, and climbs in, pursued by Woody. Sid Phillips, Andy's sadistic next-door neighbor, takes the two from the crane to his house, where they encounter his Bull Terrier Scud and his ""mutant"" toys, made from parts of other toys he has destroyed.
 Buzz, after watching a television commercial promoting him, suffers an existential crisis, realizing he is a toy after all. He attempts to fly but falls and breaks his arm. After Sid's toys fix Buzz, Sid tapes Buzz to a firework rocket, planning to blow him up the following day. Overnight, Woody helps Buzz realize that his purpose is to make Andy happy, restoring Buzz's resolve. Sid takes Buzz out to blow him up, but Woody rallies the mutant toys to ""break the rules"" and frighten Sid into never harming toys again.
 Now freed, Woody and Buzz pursue the Davis' moving truck, but Scud attacks Woody. Buzz stays behind to fight off the dog; Woody climbs into the truck, and pushes RC out to rescue Buzz. Still thinking Woody has killed another toy, the others also toss him out of the truck. Woody and Buzz pursue the truck on RC, and the other toys see them and realize their mistake. RC's batteries run out, forcing Woody to ignite the rocket strapped to Buzz. Buzz opens his wings to sever the tape just before the rocket explodes; he and Woody glide through the sunroof of Mrs. Davis' car, landing safely inside.
 As the toys listen in on the Christmas gift opening in the new house, Mr. Potato Head is delighted when Molly gets a Mrs. Potato Head. Woody and Buzz jokingly ponder what gift could be ""worse"" than Buzz, only to nervously smile at each other when Andy gets a dachshund puppy.
 John Lasseter's first experience with computer animation was during his work as an animator at Walt Disney Feature Animation, when two of his friends showed him the light-cycle scene from Tron. It was an eye-opening experience that awakened Lasseter to the possibilities offered by the new medium of computer-generated animation.[6] Lasseter tried to pitch The Brave Little Toaster as a fully computer-animated film to Disney, but the idea was rejected and Lasseter was fired.[7] He then went on to work at Lucasfilm and in 1986, he became a founding member of Pixar. In 1986, Pixar was purchased by entrepreneur and Apple Inc. co-founder Steve Jobs.[8] At Pixar, Lasseter created short, computer-animated films to show off the Pixar Image Computer's capabilities. In 1988, Lasseter produced the short film Tin Toy, which was told from the perspective of a toy, referencing Lasseter's love of classic toys. Tin Toy won the 1989 Academy Award for Best Animated Short Film, the first computer-generated film to do so.[9]
 Tin Toy gained Disney's attention, and the new team at The Walt Disney Company, CEO Michael Eisner and chairman Jeffrey Katzenberg in the film division, sought to get Lasseter to come back.[9] Lasseter, grateful for Jobs' faith in him, felt compelled to stay with Pixar, telling co-founder Ed Catmull, ""I can go to Disney and be a director, or I can stay here and make history.""[9] Katzenberg realized he could not lure Lasseter back to Disney and therefore set plans into motion to ink a production deal with Pixar to produce a film.[9] Disney had always made all their movies in-house and refused to change this. But when Tim Burton, who used to work at Disney, wanted to buy back the rights to The Nightmare Before Christmas, Disney struck a deal allowing him to make it as a Disney film outside the studio. This allowed Pixar to make their movies outside Disney.[10]
 Both sides were willing. Catmull and fellow Pixar co-founder Alvy Ray Smith had long wanted to produce a computer-animated feature, but only by the early 1990s were the computers cheap and powerful enough to make this possible.[11][12] In addition, Disney had licensed Pixar's Computer Animation Production System (CAPS), and that made it the largest customer for Pixar's computers.[13] Jobs made it apparent to Katzenberg that although Disney was happy with Pixar, it was not the other way around: ""We want to do a film with you,"" said Jobs. ""That would make us happy.""[13]
 Catmull, Smith, and head of animation Ralph Guggenheim met with Walt Disney Feature Animation president Peter Schneider in the summer of 1990 to discuss making a feature film, but they found the atmosphere to be puzzling and contentious. They later learned that while Katzenberg was pushing the idea of working with Pixar, Schneider did not want to bring in a non-Disney animation studio. Katzenberg arranged to meet directly with the Pixar contingent, this time including Lasseter and Jobs. The Pixar team proposed a Christmas television special, A Tin Toy Christmas, as a first step, but Katzenberg countered that as long as they were gearing up to transition from 30-second commercials to a half-hour special, they might as well go all the way and make a feature-length film.[14]
 Katzenberg also made it clear that he was only working with Pixar to get access to Lasseter's talents,[13][14] and that the Pixar team would be signing up to work with a self-described ""tyrant"" and micro-manager.[13][14] However, he invited them to talk with Disney's animators and get their opinions on working under him and Lasseter was impressed with what he heard.[15] The two companies began negotiations, although they disagreed on key points including whether Disney would get the rights to Pixar's animation technology[15] or whether Pixar would retain partial ownership of the films, characters, and home video and sequel rights.[13] As Pixar was nearing bankruptcy and desperate for funds,[13] they settled on a deal that would allow Disney to have complete ownership and control of the films and characters, including the rights to make sequels without Pixar's involvement, while Pixar would get approximately 12.5% of ticket sales.[16][17] These early negotiations became a point of contention between Jobs and Eisner for many years.[13]
 An agreement to produce a feature film based on Tin Toy with a working title of Toy Story was finalized, and production began soon thereafter.[18]
 Originally, Toy Story was going to feature ""Tinny"", the wind-up one-man band toy from the Tin Toy short film, along with ""the dummy"", a ventriloquist's dummy. While the film's premise was still about toys' desire to be played with by children, the rest of the film's script, which involved Tinny being left behind at a gas station, meeting up with the dummy, and having a series of adventures before finding their way into a kindergarten classroom where they can be played with every day, was quite different.[19] Katzenberg was unhappy with the treatment drafted by Lasseter, Andrew Stanton, and Pete Docter, as the two character's motivations were too similar. Instead, he encouraged them to write it as a buddy film, giving the two main characters contrasting personalities, and having them only become friends after being forced to work together.[20][21] Lasseter, Stanton, and Docter delivered a revised treatment in September 1991 that more closely resembles the final version of the film: Tinny replaces the ventriloquist dummy as a child's favorite toy, their bickering causes them to be left behind at a gas station, they almost catch up to the family at a pizza restaurant, they have to escape a kid that mutilates toys, and the movie ends with a chase scene as the two toys try to catch up to the family's moving van.[20]
 The script went through many changes before the final version of it. Lasseter decided Tinny was ""too antiquated""; the character was first changed to a military action figure in the likes of G.I. Joe and was then given a space theme. Tinny's name changed to Lunar Larry, then Tempus from Morph, and eventually Buzz Lightyear (after astronaut Buzz Aldrin).[22] Lightyear's design was modeled on the suits worn by Apollo astronauts as well as the aforementioned G.I. Joe action figures. Also, the green and purple color scheme on Lightyear's suit was inspired by Lasseter and his wife, Nancy, whose favorite colors are green and purple, respectively.[23][24] Woody was inspired by a Casper the Friendly Ghost doll that Lasseter had when he was a child; he was a ventriloquist's dummy with a pull-string (hence the name ""Woody""). This was until character designer Bud Luckey suggested that Woody could be changed to a cowboy ventriloquist dummy. Lasseter liked the contrast between the Western and the science fiction genres and the character immediately changed. Eventually, all of the ventriloquist dummy aspects of the character were deleted as the dummy looked ""sneaky and mean"".[25] However they kept the name ""Woody"" to pay homage to the Western actor Woody Strode.[22] The story department drew inspiration from films such as Midnight Run and The Odd Couple,[26] and Lasseter screened Hayao Miyazaki's Castle in the Sky for further influence.
 Since Toy Story's script writers had little experience with feature films, they attended a seminar given by screenwriter Robert McKee.[25] They were inspired by his guidance, based on Aristotle's Poetics, that the main character in a story should be defined by how they react to the obstacles they face, and that it is those obstacles that make characters interesting.[27] Disney also appointed the duo Joel Cohen and Alec Sokolow and, later, Joss Whedon to help develop the script. Whedon thought that while the script did not work, it had ""a great structure"". He added the character of Rex and sought a pivotal role for a Barbie doll; the latter transformed into Bo Peep as Mattel would not license the character.[28] Whedon also re-visioned Buzz Lightyear from being a dim-witted but cheerful and self-aware character to an action figure who isn't aware that he's a toy—an epiphany that transformed the film.[29] A brainstorming session with members of Disney Animation's creative team resulted in the addition of the three-eyed squeaky toy aliens.[30]
 Katzenberg approved the script on January 19, 1993, at which point voice casting began.[31] Paul Newman, who subsequently accepted the role of Doc Hudson in the 2006 Pixar film Cars, was considered for the role of Woody.[32] Robin Williams and Clint Eastwood were also considered for Woody,[33] but Lasseter always wanted Tom Hanks to play the role. Lasseter claimed that Hanks ""has the ability to take emotions and make them appealing. Even if the character, like the one in A League of Their Own, is down-and-out and despicable.""[31] To gauge how an actor's voice might fit with a character, Lasseter borrowed a common Disney technique: animate a vocal monologue from a well-established actor to meld the actor's voice with the appearance or actions of the animated character.[28] This early test footage, using Hanks' voice from Turner & Hooch, convinced Hanks to sign on to the film.[31][34]
 Billy Crystal was approached to play Buzz, and was given his own monologue, utilizing dialogue from When Harry Met Sally. However, he turned down the role, believing the film would be unsuccessful due to its animation. Crystal regretted this upon seeing the film; he subsequently accepted the role of Mike Wazowski in the 2001 Pixar film Monsters, Inc.. In addition to Crystal, Bill Murray, Chevy Chase and Jim Carrey, along with a number of other actors, including Jason Alexander, Dan Aykroyd, Matthew Broderick, Kevin Costner, Michael J. Fox, Richard Gere, David Hasselhoff, Michael Keaton, Wayne Knight, Bill Paxton, Dennis Quaid, Kurt Russell, Adam Sandler and John Travolta, were also considered for the role of Buzz.[35][36][37][38][39][40][41] Lasseter took the role to Tim Allen, who was appearing in Disney's Home Improvement, and he accepted.[42] Crystal later stated in an interview that he would not have been right as Buzz, and that Allen was ""fantastic"" in the role.[43][44] Before Wallace Shawn and Jim Varney were cast as Rex and Slinky Dog, Rick Moranis and John Cleese were originally considered for the roles.[33]
 To cast Andy, Pixar held an open call for young male actors to bring a toy with them. John Morris (who voices Andy in the film) brought multiple toys, specifically 45 X-Men figures, contrary to the instructions of bringing just one, and Pixar reacted to his dumping of the toys with laughter.[45]
 Toy Story was both Hanks' and Allen's first animated film, and they recorded their lines together to make their characters' chemistry and interactions realistic.[46]
 Every couple of weeks, Lasseter and his team showed Disney their latest storyboards or footage. Disney was impressed by Pixar's technical innovation, but less so of the plot. Katzenberg discarded most of Pixar's script ideas, giving his own extensive notes. Katzenberg primarily wanted to add ""more edginess"" to the two main characters,[21] as Disney wanted Toy Story to appeal to both children and adults, and they asked for adult references to be added to the film.[31] The characters ended up being stripped of their charm,[21][42] with Hanks, while recording Woody's dialogue for the story reels, pointed out that the Woody character had been made into a ""real jerk"".[21] Pixar screened the first half of the film for Disney executives on November 19, 1993—an event they later dubbed the ""Black Friday Incident"".[31][47] The results were disastrous, and Disney's head of feature animation, Peter Schneider, halted production.[48] Katzenberg asked colleague Thomas Schumacher why the reels were bad, to which Schumacher answered, ""Because it's not their movie anymore; it's completely not the movie that John set out to make.""[47]
 Lasseter was embarrassed by the current state of the film, later recalling, ""It was a story filled with the most unhappy, mean characters that I've ever seen."" Katzenberg allowed him to take the script back to Pixar for rewrites,[47] and the production crew shifted to television commercials while the head writers worked out a new script, being funded personally by Jobs until Disney resumed production.[47] Although Lasseter attempted to keep morale high by remaining outwardly buoyant, the production shutdown was ""a very scary time"" according to story department manager BZ Petroff.[49] Schneider appealed directly to Eisner to cancel the project altogether.[50][20] Stanton and the other story artists worked to quickly produce new script pages, with help from consultants such as Whedon, and the first revisions were completed in two weeks as promised.[49]
 Pixar's script rewrites took three months, and saw Woody transformed from a tyrant to a wise leader. It also included a more adult-oriented staff meeting amongst the toys rather than the juvenile group discussion that had existed in earlier drafts. Buzz Lightyear's character was also changed ""to make it more clear to the audience that he genuinely doesn't know he's a toy"".[50] Katzenberg and Schneider resumed production with the new script by February 1994,[47] and the voice actors returned one month later to record their new lines.[31] The crew grew from 24 people to 110, and now included 27 animators and 22 technical directors.[51][52] In comparison, The Lion King, released in 1994, required a staff of 800.[51] In the early budgeting process, Jobs was eager to produce the film as efficiently as possible, impressing Katzenberg with his focus on cost-cutting. However, the $17 million production budget was no longer going to be sufficient, and Jobs requested more funds from Disney to compensate them for the time lost in rewrites based on Katzenberg's notes. Catmull was able to reach a compromise on a new budget, but the incident led Jobs to rethink their deal with Disney.[47]
 We couldn't have made this movie in traditional animation. This is a story that can only really be told with three-dimensional toy characters. ... Some of the shots in this film are so beautiful.
 —Tom Schumacher, Vice President of Walt Disney Feature Animation[53] Recruiting animators for Toy Story was brisk; the magnet for talent was not mediocre pay but the allure of taking part in the first computer-animated feature.[52] Lasseter said of the challenges of computer animation, ""We had to make things look more organic. Every leaf and blade of grass had to be created. We had to give the world a sense of history. So the doors are banged up, the floors have scuffs.""[31] The film began with animated storyboards to guide the animators in developing the characters. 27 animators worked on the film, using 400 computer models to animate the characters. Each character was first either created out of clay or modeled from a computer-drawn diagram before reaching the computer-animated design.[54]
 Once the animators had a model, its articulation and motion controls were coded; this allowed each character to move in a variety of ways, such as talking, walking, or jumping.[54] Out of all of the characters, Woody was the most complex, as he required 723 motion controls, including 212 for his face and 58 for his mouth.[31][55] The first piece of animation, a 30-second test, was delivered to Disney in June 1992, when the company requested a sample of what the film would look like. Lasseter wanted to impress Disney with several things in the test that could not be done in traditional, hand-drawn animation, such as Woody's yellow plaid shirt with red stripes, the reflections in Buzz's helmet and the decals on his spacesuit, or Venetian blind shadows falling across Andy's room.[25]
 There were eight teams that were responsible for different aspects of all of the shots. The art department was responsible for determining the overall color and lighting scheme.[56] The layout department was responsible for determining the position of all elements of the shot, as well as programming the virtual camera's position and movements.[56] The animation department created the movements of the characters, generally with one animator being assigned to animate an entire shot, but occasionally with each character having its own animator.[56] The shading team used Pixar's RenderMan software to assign surface textures and reflectivity properties to objects.[57] The lighting team placed global, spot, and flood lighting within the scenes.[57] The ""Render Farm"" used Sun Microsystems computers, running around the clock, to produce the final frames of the film.[30] The camera team recorded the finished frames, which had been rendered at a resolution of 1536 by 922, onto film stock.[30] Finally, Skywalker Sound mixed sound effects, the musical score, and the dialogue to create the audio for the film.[55]
 In order to make the film feel as realistic as possible, the layout department, led by Craig Good, avoided the sweeping camera shots popular in computer animation at the time, and instead focused on emulating what would have been possible had the film been shot in live-action with real film cameras.[56] The animation department, led by Rich Quade and Ash Brannon, used Pixar's Menv software to hand pose the characters at key frames based on videotape of the actors recording their lines, and let the software do the inbetweening.[58] To sync the characters' mouths and facial expressions to the actors' recorded voices, animators spent a week per eight seconds of animation, as Lasseter felt that automatic lip syncing would not properly convey a character's emotions.[54][58] The shading team, led by Tom Porter, used scans of real objects, as well as textures drawn by artists and created with procedural generation algorithms, to ""dress"" the objects in the film.[57]
 The film required 800,000 machine hours and 114,240 frames of animation in total, divided between 1,561 shots that totaled over 77 minutes.[31][54][59][56] Pixar was able to render less than 30 seconds of the film per day.[60]
 Lasseter did not want to make Toy Story into a musical, as he felt that it would make the film feel less genuine. Whedon later agreed, saying ""It would have been a really bad musical because it's a buddy movie. It's about people who won't admit what they want, much less sing about it. ... Buddy movies are about sublimating, punching an arm, 'I hate you.' It's not about open emotion.""[31] However, Disney preferred to make it a musical, as they had had much success with incorporating Broadway-style musical numbers into their animated films, and encouraged Pixar to do the same.[31] As a compromise, although the characters would not sing, the movie would feature non-diegetic songs as background music.[28] Despite this not happening, the first musical number is seen at the end of Toy Story 2 (1999), and Toy Story: The Musical (2012) is the first version of the original to actually feature the cast of characters singing.
 Randy Newman was hired, and composed three original songs for the film. The film's signature song ""You've Got a Friend in Me"", was written in one day. The song ""Hakuna Matata"" from The Lion King is heard briefly during the climax when Woody and Buzz are trying to get into the truck while riding RC.[31]
On Newman, Lasseter said, ""His songs are touching, witty, and satirical, and he would deliver the emotional underpinning for every scene.""[31] The soundtrack for Toy Story was produced by Walt Disney Records and was released on November 22, 1995, the week of the film's release.[61]
 The film's editors, including Lee Unkrich, worked on Toy Story up until the September 1995 deadline to deliver a final cut for scoring and sound design.[61] According to Unkrich, a scene removed from the original final edit featured Sid torturing Buzz and Woody violently at his house before the scene where Sid interrogates Woody with a magnifying glass. The torture scene was removed because the crew felt that the audience would be so invested in Buzz and Woody's characters by that point that they would be uncomfortable watching them being subjected to such violence.[62] Another scene, in which Woody tries to get Buzz's attention when he was stuck in the box crate while insincerely apologizing for accidentally getting him knocking out of the window, was shortened because the creators felt it would lose the energy of the film.[62] A test screening in July 1995 received encouraging responses from the audience, but the film was not rated as highly as had been hoped, leading to another last-minute round of edits.[61] Eisner, who attended the screening, suggested that the final shot of the film should be of both Woody and Buzz, leading to the film's final shot of the two worried about the arrival of Andy's new puppy.[61]
 The crew had difficulty analysing the film's quality due to footage being in scattered pieces.[60] Some animators felt the film would be a significant disappointment commercially but felt animators and animation fans would find it interesting.[60] Schneider had grown optimistic about the film as it neared completion, and he announced a United States release date of November, coinciding with Thanksgiving weekend and the start of the winter holiday season.[63]
 Sources indicate that Jobs lacked confidence in the film during its production, and had been exploring the possibility of selling Pixar to companies such as Hallmark Cards and Microsoft.[47][63] However, as the film progressed, Jobs, like Schneider, became increasingly passionate about the film and the transformative nature of what Pixar might be able to accomplish. Eager for Pixar to have the funds necessary to negotiate with Disney as an equal partner, and optimistic about the impact the finished film would have, Jobs decided that he would schedule an initial public offering (IPO) of Pixar just a week after the film's November release.[47]
 Both Disney and Pixar held separate premieres for Toy Story, with Disney holding theirs at their flagship El Capitan Theatre in Los Angeles on November 19, 1995, and Pixar holding theirs the following night at the Regency Center in San Francisco. According to David Price's 2008 book The Pixar Touch, the film deeply resonated with audiences, with even the adults being noticeably moved by the film.[64]
 In some international territories, the theatrical release of the film was preceded by a re-release of the Roger Rabbit short Roller Coaster Rabbit.
 In addition to showing at the El Capitan, where tickets included admission to the Totally Toy Story funhouse that Disney had built in the Hollywood Masonic Temple next door,[65] the film opened on 2,281 screens on the 22nd and later expanded to 2,574.[64]
 The film was also shown at the Berlin International Film Festival out of competition from February 15 to 26, 1996.[66][67] Elsewhere, the film opened in March 1996.[63]
 Marketing for Toy Story included $20 million spent by Disney for advertising as well as advertisers such as Burger King, PepsiCo, Coca-Cola, and Payless ShoeSource paying $125 million in promotions for the film.[68] Marketing consultant Al Ries reflected on the promotion: ""This will be a killer deal. How can a kid, sitting through a one-and-a-half-hour movie with an army of recognizable toy characters, not want to own one?""[69] Despite this, Disney Consumer Products was slow to see the potential of Toy Story.[63] When the Thanksgiving release date was announced in January 1995, many toy companies were accustomed to having eighteen months to two years of lead time and passed on the project. Disney shopped the film at the Toy Fair trade show in February 1995, where only the small Canadian company Thinkway Toys, was interested in licensing the toy rights for the Toy Story characters.[70] Disney promoted the film by inserting its trailer into the home-video re-release of Cinderella, showing a behind-the-scenes documentary on the Disney Channel, and incorporating the characters into a parade at the Disney-MGM Studios theme park in Florida.[61]
 It was screenwriter Joss Whedon's idea to incorporate Barbie as a character who could rescue Woody and Buzz in Toy Story's final act.[71] The idea was dropped after Mattel objected and refused to license the toy. Producer Ralph Guggenheim claimed that Mattel did not allow the use of the toy as ""They [Mattel] philosophically felt girls who play with Barbie dolls are projecting their personalities onto the doll. If you give the doll a voice and animate it, you're creating a persona for it that might not be every little girl's dream and desire.""[31] Hasbro likewise refused to license G.I. Joe (mainly because Sid was going to blow one up, prompting the filmmakers to instead use a fictional toy, Combat Carl), but they did license Mr. Potato Head.[31] The only real-life toy in the film that was not in production was Slinky Dog, which had been discontinued since the 1970s. When designs for Slinky were sent to Betty James (Slinky inventor Richard James's wife) she said that Pixar had improved the toy and that it was ""cuter"" than the original.[72]
 On October 2, 2009, Toy Story was re-released in Disney Digital 3-D.[73] The film was also released with Toy Story 2 as a double feature for a two-week run[74] which was extended due to its success.[75] In addition, the film's second sequel, Toy Story 3, was also released in the 3-D format.[73] Lasseter commented on the new 3-D re-release:
 The Toy Story films and characters will always hold a very special place in our hearts and we're so excited to be bringing this landmark film back for audiences to enjoy in a whole new way thanks to the latest in 3-D technology. With Toy Story 3 shaping up to be another great adventure for Buzz, Woody, and the gang from Andy's room, we thought it would be great to let audiences experience the first two films all over again and in a brand new way.[76]
 Translating the film into 3-D involved revisiting the original computer data and virtually placing a second camera into each scene, creating left eye and right eye views needed to achieve the perception of depth.[77] Unique to computer animation, Lasseter referred to this process as ""digital archaeology"".[77] The process took four months, as well as an additional six months for the two films to add the 3-D. The lead stereographer Bob Whitehill oversaw this process and sought to achieve an effect that affected the emotional storytelling of the film:
 When I would look at the films as a whole, I would search for story reasons to use 3-D in different ways. In Toy Story, for instance, when the toys were alone in their world, I wanted it to feel consistent with a safer world. And when they went out to the human world, that's when I really blew out the 3-D to make it feel dangerous and deep and overwhelming.[77]
 Unlike other countries, the United Kingdom received the films in 3-D as separate releases. Toy Story was released on October 2, 2009. Toy Story 2 was instead released January 22, 2010.[78] The re-release performed well at the box office, opening with $12,500,000 in its opening weekend, placing at the third position after Zombieland and Cloudy with a Chance of Meatballs.[79][80] The double feature grossed $30.7 million in its five-week release.[80]
 As part of Disney's 100th anniversary, Toy Story was re-released in selected CINEMARK theaters from July 21 to August 3, 2023,[81] as well as UK cinemas from September 29 to October 5,[82] and Latin American theaters from October 12 to 18 alongside Cinderella.[83]
 Toy Story was released by Walt Disney Home Video on VHS and LaserDisc in the United States and Canada on October 29, 1996,[84] with no bonus material. Within the first few weeks of this release, VHS rentals and sales totaled $5.1 million, ranking Toy Story as the No. 1 video, beating out Twister.[85][86] Over 21.5 million VHS copies were sold during the first year.[87] A deluxe edition widescreen LaserDisc 4-disc box set was released on December 18, 1996.[88] This THX-certified LaserDisc release features bonus material, including the history and development of characters, storyboards and story reels, abandoned concepts and characters, audio commentary, outtakes, deleted animation and trailers.[88] On January 11, 2000, the film was re-released on VHS, but this time as the first video to be part of the Walt Disney Gold Classic Collection with the bonus short film Tin Toy. This release sold two million copies.[87]
 Toy Story was released for the first time on DVD on October 17, 2000, in a two-pack with its first sequel Toy Story 2.[89] The same day, a 3-disc ""Ultimate Toy Box"" set was released, featuring Toy Story, Toy Story 2, and the third disc of bonus materials.[87] Both DVD versions have the Tin Toy short, as well as the THX certification.[90] The twin-pack release was later released individually on March 20, 2001. The DVD two-pack, the Ultimate Toy Box set, the Gold Classic Collection VHS and DVD, and the original DVD were all put in the Disney Vault on May 1, 2003.[91] On September 6, 2005, a 2-disc ""10th Anniversary Edition"" was released featuring much of the bonus material from the ""Ultimate Toy Box"", including a retrospective special with John Lasseter and a brand new DTS sound mix.[92] This DVD went back in the Disney Vault on January 31, 2009, along with Toy Story 2. The 10th Anniversary release was the last version of Toy Story to be released before being taken out of the Disney Vault lineup along with Toy Story 2.[93] Also on September 6, 2005, a UMD of Toy Story featuring some deleted scenes, a filmmakers' reflect, and a new ""Legacy of Toy Story"" was released for the Sony PlayStation Portable.
 Toy Story was available for the first time on Blu-ray in a Special Edition Combo Pack that included two discs, the Blu-ray, and the DVD versions of the film. This combo-edition was released by Walt Disney Studios Home Entertainment on March 23, 2010, along with its sequel.[94] There was a DVD-only re-release on May 11, 2010.[95] Another ""Ultimate Toy Box"", packaging the Combo Pack with those of both sequels, became available on November 2, 2010. On November 1, 2011, the first three Toy Story films were re-released all together, each as a DVD/Blu-ray/Blu-ray 3D/Digital Copy combo pack (four discs each for the first two films, and five for the third film). They were also released on Blu-ray 3D in a complete trilogy box set. The film had a re-release on 4K Ultra HD Blu-ray on June 4, 2019.[96]
 Yes, we worry about what the critics say. Yes, we worry about what the opening box office is going to be. Yes, we worry about what the final box office is going to be. But really, the whole point of why we do what we do is to entertain our audiences. The greatest joy I get as a filmmaker is to slip into an audience for one of our movies anonymously and watch people watch our film. Because people are 100 percent honest when they're watching a movie. And to see the joy on people's faces, to see people really get into our films... to me is the greatest reward I could get.
 —John Lasseter, reflecting on the impact of the film[97] Before the film's release, executive producer and Apple Inc. co-founder Steve Jobs stated ""If Toy Story is a modest hit—say $75 million at the box office, we'll [Pixar and Disney] both break even. If it gets $100 million, we'll both make money. But if it's a real blockbuster and earns $200 million or so at the box office, we'll make good money, and Disney will make a lot of money."" Upon its release on November 22, 1995, Toy Story managed to gross more than $350 million worldwide.[59] Disney chairman Michael Eisner stated ""I don't think either side thought Toy Story would turn out as well as it has. The technology is brilliant, the casting is inspired, and I think the story will touch a nerve. Believe me, when we first agreed to work together, we never thought their first movie would be our 1995 holiday feature, or that they could go public on the strength of it.""[59]
 The film's first five days of domestic release (on Thanksgiving weekend) earned it $39.1 million.[98] Moreover, Toy Story earned a total of $158.6 million from ticket sales combined with the five-day Wednesday opening.[99] It would go on to hold this record until Independence Day took it the next year.[100] The film placed first in the weekend's box office with $29.1 million[3] and maintained the number-one position at the domestic box office for the next two weekends. It was displaced by Jumanji in its fourth weekend, but still remained ahead of Heat with $10.9 million.[101] Toy Story went on to become the highest-grossing domestic film of 1995, beating Batman Forever, Apollo 13 (also starring Tom Hanks), Pocahontas, Casper, Waterworld, GoldenEye, and other films.[102] At the time of its release, it was the third-highest-grossing animated film of all time, after The Lion King (1994) and Aladdin (1992).[17] Toy Story became the second-highest-grossing film of 1995, just $3 million behind Die Hard with a Vengeance.[103] When not considering inflation, Toy Story is number 96 on the list of the highest-grossing domestic films of all time.[104] The film had gross receipts of $223.2 million in the U.S. and Canada and $171.2 million in international markets from its original 1995 release and three re-releases for a total of $394.4 million worldwide.[3] At the time of its release, the film ranked as the 17th-highest-grossing film (unadjusted) domestically and the 21st-highest-grossing film worldwide.
 Toy Story has an approval rating of 100% based on 96 professional reviews on the review aggregator website Rotten Tomatoes, with an average rating of 9.1/10. Its critical consensus reads, ""Entertaining as it is innovative, Toy Story reinvigorated animation while heralding the arrival of Pixar as a family-friendly force to be reckoned with.""[105] Metacritic (which uses a weighted average) assigned Toy Story a score of 96 out of 100 based on 26 critics, indicating ""universal acclaim"".[106] Audiences polled by CinemaScore gave the film an average grade of ""A"" on an A+ to F scale.[107]
 Particular praise was offered for the film's 3D animation. Leonard Klady of Variety commended its ""razzle-dazzle technique and unusual look"" and said that ""the camera loops and zooms in a dizzying fashion that fairly takes one's breath away.""[108] Roger Ebert of the Chicago Sun-Times compared the animation to Disney's Who Framed Roger Rabbit, saying that ""both movies take apart the universe of cinematic visuals and put it back together again, allowing us to see in a new way.""[109] Due to the film's creative animation, Richard Corliss of TIME claimed that it was ""the year's most inventive comedy"".[110]
 The voice cast was also praised by various critics. Susan Wloszczyna of USA Today approved of the selection of Tom Hanks and Tim Allen for the lead roles.[111] Kenneth Turan of the Los Angeles Times stated that ""Starting with Tom Hanks, who brings an invaluable heft and believability to Woody, Toy Story is one of the best voiced animated features in memory, with all the actors ... making their presences strongly felt.""[112]
 Several critics also recognized the film's ability to appeal to various age groups.[109][113] Owen Gleiberman of Entertainment Weekly wrote ""It has the purity, the ecstatic freedom of imagination, that's the hallmark of the greatest children's films. It also has the kind of spring-loaded allusive prankishness that, at times, will tickle adults even more than it does kids.""[114]
 In 1995, Toy Story was ranked eighth in TIME's list of the ""Best 10 films of 1995"".[115] In 2011, TIME named it one of the ""25 All-TIME Best Animated Films"".[116]
It also ranks at number 99 in Empire magazine's list of the ""500 Greatest Films of All Time"" and as the ""highest-ranked animated movie"".[117]
 In 2003, the Online Film Critics Society ranked the film as the greatest animated film of all time.[118] In 2007, the Visual Effects Society named the film 22nd in its list of the ""Top 50 Most Influential Visual Effects Films of All Time"".[119] The film is ranked 99th on the AFI's list of the ""100 greatest American Films of All-Time"".[120][121][122] It was one of the only two animated films on that list, the other being Snow White and the Seven Dwarfs (1937). It was also the sixth best in the animation genre on AFI's 10 Top 10.
 In more recent years, director Terry Gilliam has praised the film as ""a work of genius. It got people to understand what toys are about. They're true to their own character. And that's just brilliant. It's got a shot that's always stuck with me when Buzz Lightyear discovers he's a toy. He's sitting on this landing at the top of the staircase and the camera pulls back and he's this tiny little figure. He was this guy with a massive ego two seconds before... and it's stunning. I'd put that as one of my top ten films, period.""[123]
 The film won and was nominated for various other awards including a Kids' Choice Award, MTV Movie Award, and a British Academy Film Award, among others. John Lasseter received a Special Achievement Academy Award in 1996 ""for the development and inspired application of techniques that have made possible the first feature-length computer-animated film"".[124][125] Additionally, the film was nominated for three Academy Awards, two to Randy Newman for Best Music—Original Song, for ""You've Got a Friend in Me"", and Best Music—Original Musical or Comedy Score.[126] It was also nominated for Best Original Screenplay for the work by Joel Cohen, Pete Docter, John Lasseter, Joe Ranft, Alec Sokolow, Andrew Stanton and Joss Whedon, making it the first animated film to be nominated for an Academy Award writing category.[126]
 Toy Story won eight Annie Awards, including Best Animated Feature. Animator Pete Docter, director John Lasseter, musician Randy Newman, producers Bonnie Arnold and Ralph Guggenheim, production designer Ralph Eggleston, and writers Joel Cohen, Alec Sokolow, Andrew Stanton, and Joss Whedon all won awards for Best Individual Achievement in their respective fields for their work on the film. The film also won Best Individual Achievement in technical achievement.[127]
 Toy Story was nominated for two Golden Globe Awards, one for Best Motion Picture—Comedy or Musical, and one for Best Original Song—Motion Picture for Newman's ""You've Got a Friend in Me"".[128] At both the Los Angeles Film Critics Association Awards and the Kansas City Film Critics Circle Awards, the film won ""Best Animated Film"".[129][130] Toy Story is also among the top ten in the BFI list of the 50 films you should see by the age of 14, and the highest-placed (at No. 99) animated film in Empire magazine's list of ""500 Greatest Movies of All Time"".[131] In 2005, Toy Story, along with Toy Story 2 was voted the fourth greatest cartoon in Channel 4's 100 Greatest Cartoons poll, behind The Simpsons, Tom and Jerry, and South Park.[132]
 Toy Story had a large effect on the film industry with its innovative computer animation. After the film's debut, various industries were interested in the technology used for the film. Graphics chip makers desired to compute imagery similar to the film's animation for personal computers, game developers wanted to learn how to replicate the animation for video games, and robotics researchers were interested in building artificial intelligence into their machines that compared to the film's lifelike characters.[134] Various authors have also compared the film to an interpretation of Don Quixote as well as humanism.[135][136] In addition, Toy Story left an impact with its catchphrase ""To Infinity and Beyond"", sequels, and software, among others. In 2005, Toy Story was selected by the United States Library of Congress to be preserved in the National Film Registry for being ""culturally, historically, or aesthetically significant"".[137][138]
 Buzz Lightyear's line ""To Infinity and Beyond!"" has been used not only on themed merchandise, but among philosophers and mathematical theorists as well.[139][140][141] In 2008, during STS-124, astronauts took an action figure of Buzz Lightyear into space on Space Shuttle Discovery as part of an educational experience for students while stressing the catchphrase. The action figure was used for experiments in zero-g.[142] It was reported in 2008 that a father and son had continually repeated the phrase to help them keep track of each other while treading water for 15 hours in the Atlantic Ocean.[143] The phrase occurs in the lyrics of Beyoncé's 2008 song ""Single Ladies (Put a Ring on It)"", during the bridge.[144] In 2012, the late Capital STEEZ released a song titled ""Infinity and Beyond"" in reference to the phrase as part of his AmeriKKKan Korruption mixtape.[145]
 Disney has also recycled the phrase in homage to Toy Story at least twice. In the ""blooper reel"" shown during the credits of A Bug's Life, Dave Foley says the line while in character as Flik, and Tim Allen himself repeated his famous line in The Shaggy Dog, in a scene when the titular character jumps off a bridge onto a moving vehicle.[146]
 Toy Story's cast of characters forms the basis for the naming of the releases of the Debian computer operating system, from Debian 1.1 Buzz, the first release with a codename, in 1996, to Debian 14 Forky, the most-recently announced future release.[147][148]
 In 2013, Pixar designed a ""Gromit Lightyear"" sculpture based on the Aardman Animations character Gromit for Gromit Unleashed, which sold for £65,000.[149]
 The first sequel, titled Toy Story 2, was released on November 24, 1999. In the film, Woody is stolen by a toy collector, leading Buzz and his friends to launch a rescue mission. Initially, Toy Story 2 was going to be a direct-to-video release, with development beginning in 1996.[150] However, after the cast from Toy Story returned and the story was considered to be better than that of a direct-to-video release, it was announced in 1998 that the sequel would see a theatrical release.[151]
 Toy Story 3 was released on June 18, 2010. In the film, Andy's toys are accidentally donated to a day-care center as he prepares to leave for college.
 Toy Story 4 was released on June 21, 2019,[152] with most of the main cast returning for the film.[153] In the film, Woody, Buzz, and the rest of the gang get used to living with Bonnie, who creates a new toy named Forky, from recycled materials from school. As they go on a road trip with Bonnie, Woody is also reunited with Bo Peep, and must decide where his loyalties lie.
 A spin-off film, Lightyear, was released on June 17, 2022, with Chris Evans portraying the original Buzz Lightyear, upon whom the toy given to Andy in the first film was based.
 On February 8, 2023, Disney announced that a fifth Toy Story film is in development.[154]",8122,"Main page; Contents; Current events; About Wikipedia; Help; Learn to edit; Community portal; Upload file; ; learn more; Article; Talk; Read; Read; Upload file; ; ; Toy Story (franchise); Toy Story (disambiguation); ; John Lasseter; Joss Whedon; Andrew Stanton; Joel Cohen; Alec Sokolow; Pete Docter; Joe Ranft; Bonnie Arnold; Ralph Guggenheim; Tom Hanks; Tim Allen; Annie Potts; John Ratzenberger; Don Rickles; Wallace Shawn; Jim Varney; Lee Unkrich; Randy Newman; Pixar Animation Studios; Buena Vista Pictures Distribution; El Capitan Theatre; comedy film; Pixar Animation Studios; Walt Disney Pictures; Toy Story franchise; first entirely computer-animated feature film; John Lasseter; directorial debut; Joss Whedon; Andrew Stanton; Joel Cohen; Alec Sokolow; Pete Docter; Joe Ranft; Bonnie Arnold; Ralph Guggenheim; Tom Hanks; Tim Allen; Annie Potts; John Ratzenberger; Don Rickles; Wallace Shawn; Jim Varney; toys; Woody; Buzz Lightyear; Tin Toy; short film; story reels; El Capitan Theatre; Los Angeles; second highest-grossing film of 1995; Randy Newman; 100% approval rating; Rotten Tomatoes; one of the best animated films ever made; Academy Award; Best Original Screenplay; Best Original Song; You've Got a Friend in Me; Best Original Score; Special Achievement Academy Award; National Film Registry; Library of Congress; Toy Story 2; Lightyear; short films; toys; Andy Davis; Molly; Mrs. Davis; Mr. Potato Head; Slinky Dog; Rex the tyrannosaur; Hamm the piggy bank; Bo Peep; porcelain doll; Sheriff Woody; de facto; Sarge; green army men; baby monitor; Buzz Lightyear; action figure; RC; radio-controlled car; claw crane; toy aliens; Sid Phillips; Bull Terrier; Scud; existential crisis; firework rocket; moving truck; Christmas; Mrs. Potato Head; dachshund; puppy; ; ; Tom Hanks; Tim Allen; Woody; Buzz Lightyear; List of Toy Story characters; Tom Hanks; pullstring; cowboy; Tim Allen; action figure; Don Rickles; Jim Varney; dachshund; slinky; Wallace Shawn; Tyrannosaurus; John Ratzenberger; piggy bank; Annie Potts; porcelain; John Morris; Erik von Detten; Laurie Metcalf; R. Lee Ermey; army men; Jeff Pidgeon; Penn Jillette; ; John Lasseter; John Lasseter; computer animation; Walt Disney Feature Animation; Tron; The Brave Little Toaster; Lucasfilm; Pixar; Apple Inc.; Steve Jobs; Pixar Image Computer; Tin Toy; 1989 Academy Award; Best Animated Short Film; first computer-generated film to do so; The Walt Disney Company; Michael Eisner; Jeffrey Katzenberg; the film division; Ed Catmull; Tim Burton; The Nightmare Before Christmas; Alvy Ray Smith; Computer Animation Production System; Ralph Guggenheim; Walt Disney Feature Animation; Peter Schneider; Christmas television special; ventriloquist's dummy; treatment; Andrew Stanton; Pete Docter; buddy film; G.I. 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Fox; Richard Gere; David Hasselhoff; Michael Keaton; Wayne Knight; Bill Paxton; Dennis Quaid; Kurt Russell; Adam Sandler; John Travolta; Tim Allen; Home Improvement; Wallace Shawn; Jim Varney; Rick Moranis; John Cleese; John Morris; X-Men; Black Friday (shopping) § Instances of violence and chaos on Black Friday; Thomas Schumacher; The Lion King; clay; RenderMan; Sun Microsystems; Skywalker Sound; Ash Brannon; Menv; key frames; inbetweening; Tom Porter; procedural generation; Toy Story (soundtrack); Broadway; non-diegetic; Toy Story: The Musical; Randy Newman; You've Got a Friend in Me; Hakuna Matata; The Lion King; Walt Disney Records; Lee Unkrich; Hallmark Cards; Microsoft; initial public offering (IPO); ; El Capitan Theatre; El Capitan Theatre; Regency Center; Roger Rabbit; Roller Coaster Rabbit; Hollywood Masonic Temple; Berlin International Film Festival; Burger King; PepsiCo; Coca-Cola; Payless ShoeSource; Al Ries; Disney Consumer Products; Disney Channel; Disney-MGM Studios; Barbie; Mattel; Ralph Guggenheim; Hasbro; G.I. 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2006; Spider-Man 3; 2007; The Dark Knight; 2008; Avatar; 2009; Toy Story 3; 2010; Harry Potter and the Deathly Hallows – Part 2; 2011; The Avengers; 2012; The Hunger Games: Catching Fire; 2013; American Sniper; 2014; Star Wars: The Force Awakens; 2015; Rogue One; 2016; Star Wars: The Last Jedi; 2017; Black Panther; 2018; Avengers: Endgame; 2019; Bad Boys for Life; 2020; Spider-Man: No Way Home; 2021; Top Gun: Maverick; 2022; Barbie; 2023; List of highest-grossing films in the United States and Canada; Portals; ; Disney; ; Cartoon; ; Comedy; Film; United States; ; Animation; ; 1990s; ; Toys; Authority control databases; Categories; 1995 films; American animated feature films; Toy Story; 1995 animated films; 1990s American animated films; 1990s buddy comedy films; 1990s children's animated films; 1995 computer-animated films; 1990s fantasy comedy films; 1990s English-language films; 3D re-releases; American 3D films; American adventure comedy films; American buddy comedy films; American children's animated adventure films; American children's animated comedy films; American children's animated fantasy films; American computer-animated films; Animated buddy films; Animated films about friendship; Best Animated Feature Annie Award winners; Films scored by Randy Newman; Films adapted into television shows; Films directed by John Lasseter; Films produced by Bonnie Arnold; Pixar animated films; Films with screenplays by Joel Cohen; Films with screenplays by Pete Docter; Films with screenplays by John Lasseter; Films with screenplays by Joe Ranft; Films with screenplays by Alec Sokolow; Films with screenplays by Andrew Stanton; Films with screenplays by Joss Whedon; United States National Film Registry films; Films about dolls; 1995 directorial debut films; 1995 children's films; 1995 comedy films; Animated films about sentient toys; English-language fantasy comedy films; English-language buddy comedy films; The Numbers ID not in Wikidata; IMDb ID (Cite Mojo) different from Wikidata; CS1 maint: location missing publisher; 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Le Monde de Nemo,https://fr.wikipedia.org/wiki/Le_Monde_de_Nemo,"Ne doit pas être confondu avec Le Monde de Dory.
 Albert BrooksEllen DeGeneresAlexander GouldWillem DafoeBrad Garrett
 Série Classiques d'animation Pixar Monstres et Cie(2001) Les Indestructibles(2004) Série Le Monde de Nemo Le Monde de Dory(2016) Pour plus de détails, voir Fiche technique et Distribution. modifier  Le Monde de Nemo ou Trouver Nemo au Québec (Finding Nemo) est le cinquième film d'animation en images de synthèse des studios Pixar. Il est produit par Walt Disney Pictures, réalisé par Andrew Stanton et Lee Unkrich et sorti en 2003.
 Il raconte l'histoire d'un poisson-clown surprotecteur nommé Marin qui, avec un chirurgien bleu amnésique appelé Dory, part à la recherche son fils disparu Nemo. En chemin, il apprend à prendre des risques et accepte que Nemo prenne soin de lui-même.
 La préproduction du film commence début 1997. L'inspiration du projet est née de multiples expériences, remontant à l'enfance de Stanton quand il adorait aller chez le dentiste pour voir l'aquarium et imaginait que les poissons venaient de l'océan et voulaient rentrer à la maison. Pour garantir que les mouvements des poissons dans le film soient crédibles, les animateurs ont suivi un cours intensif de biologie des poissons et d'océanographie. Thomas Newman est le compositeur de la musique du film.
 Présenté en avant-première à Los Angeles le 18 mai 2003, Le Monde de Nemo sort dans les salles américaines le 30 mai. Dès sa sortie, il est largement acclamé par la critique, qui salue les éléments visuels, le scénario, l'animation, la musique de Newman et les personnages qui sont plébiscités tant par les jeunes spectateurs que par leurs parents[1]. Il devient le plus grand succès pour un film d'animation au moment de sa sortie et le deuxième plus grand succès de l'année 2003, avec un total de 871 millions $ de recettes dans le monde à la fin de son exploitation[2]. Il est nommé dans quatre catégories à la 76e cérémonie des Oscars, et remporte celle du meilleur film d'animation, devenant ainsi le premier film Pixar à gagner cette récompense.
 Le Monde de Nemo est le titre DVD le plus vendu de tous les temps, avec plus de 40 millions d'exemplaires vendus en 2006[3], et était le film classé G (tout public) le plus rentable de tous les temps avant que Toy Story 3 du même studio ne le surpasse. Le film est ressorti en 3D en 2012. En 2008, l'American Film Institute le classe comme le 10e plus grand film d'animation américain dans son Top 10. Une suite, Le Monde de Dory, est sortie en juin 2016.
 Après la mort de sa compagne Corail et du reste de la couvée à la suite de l'attaque d'un barracuda, le poisson-clown Marin doit prendre soin de son fils unique, Nemo, handicapé par une nageoire atrophiée[4]. Lors de son premier jour d'école, Marin, inquiet, décide de le suivre à l'occasion d'une sortie scolaire. Afin de prouver sa valeur à ses copains, Nemo décide de nager jusqu'à la surface pour toucher un mystérieux bateau. C'est alors qu'il se fait enlever par un plongeur.
 Marin, qui assiste impuissant à cette scène, s'élance alors à la poursuite du bateau. Malheureusement, celui-ci est beaucoup trop rapide, ce qui n'empêche pas Marin de partir à la recherche de son fils. Sur son chemin, il fait la rencontre de Dory (ou Doris), un poisson-chirurgien ayant des « troubles de la mémoire immédiate ». Elle prétend avoir vu passer le bateau qui aurait enlevé Nemo. Mais ils n'ont pas le temps de se lancer à la poursuite de ce dernier, car ils se font capturer par une bande de requins, qui veulent devenir les amis des poissons en arrêtant d'en manger. Marin ne tarde pas à retrouver le masque du plongeur qui a enlevé son fils et tente de déchiffrer l'adresse inscrite dessus. Dory se met à saigner légèrement à cause d'une maladresse, ce peu de sang suffit à faire retrouver les instincts prédateurs de Bruce, le plus grand des 3 requins. Bruce devient incontrôlable et tente de dévorer Dory et Marin, mais ceux-ci parviennent à s'échapper.
 Pendant ce temps, Nemo a atterri dans un aquarium chez le plongeur, dentiste de profession, de même que d'autres poissons de toutes les races. Parmi eux, un zancle, Gill, vient également de l'océan et rêve d'y retourner. Le soir même, il organise une réunion dans l'aquarium afin d'expliquer son nouveau plan pour s'échapper de l'aquarium.
 Dans l'océan, Marin et Dory parviennent à retrouver la trace de Nemo grâce aux inscriptions sur le masque du plongeur tombé à la suite de l'écroulement d'une épave de sous-marin (dans laquelle Bruce et ses amis habitaient) dans les abysses tout en réussissant à échapper à un poisson abyssal. Les deux héros se mettent en route pour Sydney. Un banc de poissons-lune leur indique la direction à suivre et leur conseillent de nager au fond d'un canyon, mais arrivé au canyon, Marin, par peur de l'idée de passer au fond, décide de passer au-dessus et les deux poissons se retrouvent encerclés par des méduses. En faisant la course pour sortir du banc de méduses, Dory se fait piquer et perd connaissance. En réussissant à la secourir, Marin s'évanouit à son tour.
 Dans l'aquarium, Gill met son plan à exécution. Il demande à Nemo de bloquer le système de filtrage de l'aquarium avec un morceau de gravier. Nemo parvient à coincer la roue, mais pas suffisamment longtemps et il manque de se faire tuer. Gill le sauve à temps.
 Quand Marin et Dory reprennent leurs esprits, ils sont dans le courant est-australien sur les carapaces de tortues aventureuses, guidées par Crush une tortue âgée de 150 ans, qui les conduisent très rapidement près de Sydney. Toutes les créatures vivant dans l'océan apprennent bientôt les immenses exploits que Marin a accomplis pour retrouver son fils. La nouvelle parvient jusqu'à un pélican qui vole prévenir Nemo que son père le recherche. Surpris et heureux de cette nouvelle, Nemo tente une seconde fois de bloquer les rouages, cette fois avec succès. L'aquarium commençant désormais à s'encrasser, le dentiste devrait, selon Gill, faire comme à son habitude et nettoyer l'aquarium à la main et mettre, pendant ce temps, les poissons dans un sac en plastique sur le rebord de la fenêtre. C'est selon Gill l'unique façon de s'échapper du bureau en nageant dans le sac de façon à le faire rouler et basculer dans l'océan.
 Pendant ce temps, Marin et Dory parviennent à s'échapper du ventre d'une baleine grâce aux brillantes idées de Dory. Le lendemain, une surprise attend les poissons de l'aquarium : celui-ci est nettoyé par un scanner. Pire, Nemo est livré à Darla, la nièce du dentiste, connue pour torturer les poissons. Alors qu'elle est sur le point de tuer Nemo, le pélican apparaît portant Marin et Dory dans son bec. Une bataille s'ensuit à l'issue de laquelle Nemo, Marin et Dory retrouvent l'océan, mais cette dernière est prise dans le filet d'un chalutier.
 Afin de sauver Dory, Nemo décide d'entrer dans le filet et d'inciter les poissons attrapés à nager vers le fond, ce qui pourra créer un poids suffisant pour que le filet cède. Marin, qui refuse dans un premier temps, de peur de perdre son fils à nouveau, accepte de lui faire confiance et encourage les autres poissons à nager vers le fond. Le plan de Nemo fonctionne et tous les poissons, y compris Dory, se retrouvent libres.
 De retour dans leur anémone, tout a bien changé : Dory vit avec les requins qui, eux, vivent maintenant en harmonie avec les poissons (bien qu'ils fassent toujours peur), Nemo retourne à l'école et Marin a plus confiance en son fils.
 Pendant ce temps, Gill réussit à organiser l'évasion des poissons de l'aquarium vers la mer avec succès.
 La bande originale du film, sortie le 20 mai 2003, est signée Thomas Newman.
 La chanson Beyond The Sea est interprétée par Robbie Williams. Cette reprise de La Mer de Charles Trenet est issue de l'album Swing When You're Winning de Robbie Williams.
 Le film fait aussi partie de la « Liste du BFI des 50 films à voir avant d'avoir 14 ans » établie en 2005 par le British Film Institute[9].
 L'auteur français de livres pour enfants Franck Le Calvez a poursuivi Disney en justice, jugeant que le personnage principal du film (Némo) plagiait le héros de son livre, Pierrot le poisson-clown. Il demandait le retrait de certains produits dérivés (livres, peluches) imitant son personnage. Le tribunal de grande instance de Paris a rendu son jugement le 20 avril 2005 et condamné Franck Le Calvez à payer des dommages-intérêts à Disney et Pixar, estimant qu'il n'y avait pas de similitudes avérées entre les deux poissons. Disney avait déposé l'image de Némo en février 2002, le livre Pierrot le poisson clown a été publié en novembre 2002, le personnage Pierrot a été déposé en février 2003 par l'éditeur Flaven Scene[11],[12].
 La société Disney a construit plusieurs attractions dans ses parcs à thèmes basées sur l'univers du film.
 Plusieurs adaptations en jeu vidéo ont été réalisées.
 La première adaptation développée par Traveller's Tales pour les consoles GameCube et PlayStation 2 a été éditée en 14 novembre 2003 par THQ. C'est un jeu de plate-forme pour enfant. Il reprend fidèlement la trame de l'histoire du film avec notamment de nombreux extraits du film.
 Une deuxième adaptation développée par KnowWonder pour Microsoft Windows et par Vicarious Visions pour Game Boy Advance est éditée par THQ en novembre 2003. C'est un jeu d'aventure et de réflexion pour les tout-petits (3 ans et plus, d'après la classification PEGI). Nemo se fait kidnapper par un plongeur, et son père Marin se met à sa recherche avec l'aide de Dory. Le jeu se présente en une succession d'écrans fixes dans lequel le joueur doit dialoguer avec les personnages du film, ou résoudre de petits jeux, pour passer aux écrans suivants. Le joueur doit à la fois faire évoluer Marin, mais aussi Nemo. Des extraits du film servent d'intermède.
 Une dernière adaptation pour la console Nintendo DS, est sortie en mars 2006.
 Le 2 avril 2013, Pixar et Disney annoncent que la suite du film sera un spin-off centré sur le personnage de Dory intitulé Le Monde de Dory (Finding Dory) avec une sortie prévue le 22 juin 2016[17],[18],[19].
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//upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/1/11/Bon_article.svg/10px-Bon_article.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/1/11/Bon_article.svg/10px-Bon_article.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/8/83/Article_de_qualit%C3%A9.svg/10px-Article_de_qualit%C3%A9.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/1/11/Bon_article.svg/10px-Bon_article.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/8/83/Article_de_qualit%C3%A9.svg/10px-Article_de_qualit%C3%A9.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/8/83/Article_de_qualit%C3%A9.svg/10px-Article_de_qualit%C3%A9.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/8/83/Article_de_qualit%C3%A9.svg/10px-Article_de_qualit%C3%A9.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/7/77/United_States_film_clapperboard.svg/27px-United_States_film_clapperboard.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/c/c1/Blue_iPod_Nano.jpg/10px-Blue_iPod_Nano.jpg; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/d/da/Animation_disc.svg/26px-Animation_disc.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/4/48/P_-_Pixar.svg/19px-P_-_Pixar.svg.png; https://login.wikimedia.org/wiki/Special:CentralAutoLogin/start?type=1x1; /static/images/footer/wikimedia-button.svg; /w/resources/assets/poweredby_mediawiki.svg,https://en.wikipedia.org/wiki/Finding_Nemo,Finding Nemo,https://en.wikipedia.org/wiki/Finding_Nemo,"Finding Nemo is a 2003 American animated comedy-drama adventure film[2] produced by Pixar Animation Studios for Walt Disney Pictures. Directed by Andrew Stanton and co-directed by Lee Unkrich, the screenplay was written by Stanton, Bob Peterson, and David Reynolds from a story by Stanton. The film stars the voices of Albert Brooks, Ellen DeGeneres, Alexander Gould, Willem Dafoe, and Geoffrey Rush. It tells the story of an overprotective clownfish named Marlin (Brooks) who, along with a forgetful regal blue tang named Dory (DeGeneres), searches for his missing son Nemo (Gould). Along the way, Marlin learns to take risks and comes to terms with Nemo taking care of himself.
 Pre-production of the film began in 1997. The inspiration for Finding Nemo sprang from multiple experiences, going back to Stanton's childhood, when he loved going to the dentist to see the fish tank, assuming that the fish were from the ocean and wanted to go home. To ensure that the movements of the fish in the film were believable, the animators took a crash course in fish biology and oceanography. Thomas Newman composed the score for the film.
 Premiering in Los Angeles on May 18, Finding Nemo was released in theaters in the United States on May 30, 2003. Upon its release, it received widespread acclaim from critics, who praised the visual elements, screenplay, animation, Newman's score and characters that have been cited as funny to both young moviegoers and their parents.[3] It became the highest-grossing animated film at the time of its release, and the second-highest-grossing film of 2003, earning a total of $871 million worldwide by the end of its initial theatrical run.[4] The film received four nominations at the 76th Academy Awards, and won the award for Best Animated Feature, becoming the first Pixar film to do so.
 Finding Nemo is the best-selling DVD title of all time, with over 40 million copies sold as of 2006[update],[5] and was the highest-grossing G-rated film of all time before Pixar's own Toy Story 3 overtook it. The film was re-released in 3D in 2012. In 2008, the American Film Institute named it as the 10th greatest American animated film as part of their 10 Top 10 lists.[6] A sequel, Finding Dory, was released in June 2016.
 A clownfish named Marlin and his wife, Coral, live happily in an anemone in the Great Barrier Reef. They are about to become parents, waiting for their many eggs to hatch. Suddenly, a barracuda approaches the anemone; Coral rushes to protect her eggs as the barracuda knocks Marlin unconscious. Upon awakening, Marlin discovers that Coral and all but one of the eggs have been eaten by the barracuda; the last remaining egg is cracked. Marlin vows to keep his only surviving child safe.
 Marlin becomes overprotective of his son, Nemo. On Nemo's first day at school, the two have a heated argument regarding Marlin's parenting approach. Nemo defiantly swims to a speedboat and is captured by a pair of scuba divers. Marlin frantically pursues the boat in vain. Marlin meets Dory, a blue tang with acute short-term memory loss, who offers to help him. The two encounter Bruce, Anchor, and Chum, three sharks who have sworn to abstain from eating fish. Marlin finds a diver's mask that fell from the boat and accidentally injures Dory with it. The scent of her blood sends Bruce into a frenzy and he accidentally sets off old naval mines; the sharks, Marlin, and Dory are able to swim to safety before the mines blow up.
 Nemo is placed in a fish tank in the office of dentist Philip Sherman in Sydney. He meets the ""Tank Gang"", led by Gill, a scarred Moorish idol. Sherman plans to give Nemo to his niece, Darla, who killed her previous pet fish as a result of her careless treatment. Gill, who also wishes to return to the ocean, devises an escape plan: Nemo, the smallest fish in the tank, will block the aquarium's filter tube with a pebble, obliging Sherman to put the fish into bags while he cleans the tank. This will allow them to roll out the window and into the harbor. Nemo attempts to block the filter but fails and is almost killed by the filter's machinery, causing Gill to feel deeply regretful.
 The diver's mask falls into a deep trench. As Marlin and Dory search for it, they are attacked by an anglerfish but manage to trap it using the mask. Dory memorizes the address written on the mask. A school of moonfish give the pair directions to the East Australian Current. On their way, Marlin and Dory become trapped in a forest of jellyfish. After being stung and knocked unconscious, they awaken in the East Australian Current with a large group of sea turtles, including Crush and his son, Squirt. The story of Marlin's quest is relayed by the turtles all across the ocean to Sydney, where it reaches Nigel, a pelican who regularly converses with the Tank Gang. Nigel tells the Tank Gang of Marlin's journey, motivating Nemo to try blocking the filter again. Nemo is successful, and the aquarium quickly becomes covered in green algae.
 After exiting the current, Marlin and Dory get lost and are consumed by a blue whale. The whale expels them through its blowhole into Sydney Harbour. Nigel finds Marlin and Dory, and, after rescuing them from a flock of ravenous seagulls, takes them to Sherman's office, where Nemo is playing dead to avoid being given to Darla; this causes Marlin to believe Nemo is really dead. Sherman forces Nigel out of his office, and Gill helps Nemo escape through the sink drain that leads to the ocean.
 Deeply shaken, Marlin mournfully says goodbye to Dory and begins heading home. Nemo meets Dory, who helps him reunite with Marlin. However, a fishing trawler captures her in a net along with a school of groupers. Nemo and Marlin work together, instructing the fish to swim down. Their combined force breaks the beam of the trawler, freeing the fish. 
 Some time later, Marlin, who has become more confident and outgoing, drops Nemo off at school. Dory joins Marlin, and together, they wave goodbye to Nemo as he leaves with his class. Meanwhile, after the dentist's new filter breaks, the Tank Gang escapes into Sydney Harbour in their plastic bags. Now successfully in the ocean but still stuck in the bags, they ponder what to do next.
 [7]
 The inspiration for Finding Nemo sprang from multiple experiences, going back to director Andrew Stanton's childhood, when he loved going to the dentist to see the fish tank, assuming that the fish were from the ocean and wanted to go home.[8] In 1992, shortly after his son was born, he and his family took a trip to Six Flags Discovery Kingdom (which was called Marine World at the time). There, after seeing the shark tube and various exhibits, he felt that the underwater world could be done beautifully in computer animation.[9] Later, in 1997, he took his son for a walk in the park but realized that he was overprotecting him and lost an opportunity to have a father-son experience that day.[8]
 In an interview with National Geographic magazine, Stanton said that the idea for the characters of Marlin and Nemo came from a photograph of two clownfish peeking out of an anemone:
 It was so arresting. I had no idea what kind of fish they were, but I couldn't take my eyes off them. And as an entertainer, the fact that they were called clownfish—it was perfect. There's almost nothing more appealing than these little fish that want to play peekaboo with you.[10]
 In addition, clownfish are colorful, but do not tend to come out of an anemone often. For a character who has to go on a dangerous journey, Stanton felt a clownfish was the perfect type of fish for the character.[8] Pre-production of the film began in early 1997. Stanton began writing the screenplay during the post-production of A Bug's Life. As a result, Finding Nemo began production with a complete screenplay, something that co-director Lee Unkrich called ""very unusual for an animated film"".[8] The artists took scuba diving lessons to study the coral reef.[8]
 Stanton originally planned to use flashbacks to reveal how Coral died but realized that by the end of the film there would be nothing to reveal, deciding to show how she died at the beginning of the movie.[8] The character of Gill also was different from the character seen in the final film. In a scene that was eventually deleted, Gill tells Nemo that he's from a place called Bad Luck Bay and that he has brothers and sisters in order to impress the young clownfish, only for the latter to find out that he was lying by listening to a patient reading a children's storybook that shares exactly the same details.[8]
 William H. Macy was the first actor cast as Marlin. Although Macy had recorded most of the dialogue, Stanton felt that the character needed a lighter touch.[11] Stanton then cast Albert Brooks in the role, and in his opinion, it ""saved"" the film.[8] Brooks liked the idea of Marlin being this clownfish who isn't funny and recorded outtakes of telling very bad jokes.
 The idea for the initiation sequence came from a story conference between Stanton and Bob Peterson while they were driving to record the actors. Although he originally envisioned the character of Dory as male, Stanton was inspired to cast Ellen DeGeneres when he watched an episode of Ellen in which he saw her ""change the subject five times before finishing one sentence"".[8] The pelican character named Gerald (who in the final film ends up swallowing and choking on Marlin and Dory) was originally a friend of Nigel. They were going to play against each other with Nigel being neat and fastidious and Gerald being scruffy and sloppy. The filmmakers could not find an appropriate scene for them that did not slow the pace of the picture, so Gerald's character was minimized.[8]
 Stanton himself provided the voice of Crush the sea turtle. He originally did the voice for the film's story reel and assumed they would find an actor later. When Stanton's performance became popular in test screenings, he decided to keep his performance in the film. He recorded all his dialogue while lying on a sofa in Unkrich's office.[8] Crush's son Squirt was voiced by Nicholas Bird, the young son of fellow Pixar director Brad Bird. According to Stanton, the elder Bird was playing a tape recording of his young son around the Pixar studios one day. Stanton felt the voice was ""this generation's Thumper"" and immediately cast Nicholas.[8]
 Megan Mullally was originally going to provide a voice in the film. According to Mullally, the producers were stunned to learn that the voice of her character Karen Walker on the television show Will & Grace was not her natural speaking voice. The producers hired her anyway, and then strongly encouraged her to use her Karen Walker voice for the role. When Mullally refused, she was dismissed.[12]
 To ensure that the movements of the fish in the film were believable, the animators took a crash course in fish biology and oceanography. They visited aquariums, went diving in Hawaii, and received in-house lectures from an ichthyologist.[13] As a result, Pixar's animator for Dory, Gini Cruz Santos, integrated ""the fish movement, human movement, and facial expressions to make them look and feel like real characters.""[14] Production designer Ralph Eggleston created pastel drawings to give the lighting crew led by Sharon Calahan ideas of how every scene in the film should be lit.[15]
 The Great white shark, Bruce, is in reference to the animatronic shark used in the Universal film Jaws. The shark they had used on set was nicknamed ""Bruce"" after Bruce Raiman, who was Steven Spielberg's divorce lawyer.[16] The line ""Here's Brucey!"" is a reference to the Jack Nicholson line from the 1980 horror film, The Shining.[17] Additionally, the music that plays for the dentist's niece Darla is the theme music from the 1960 Alfred Hitchcock film, Psycho.[18]
 The film was dedicated to Glenn McQueen, a Pixar animator who died of melanoma in October 2002.[19] Finding Nemo shares many plot elements with Pierrot the Clownfish,[20] a children's book published in 2002, but allegedly conceived in 1995. The author, Franck Le Calvez, sued Disney for infringement of his intellectual rights and to bar Finding Nemo merchandise in France. The judge ruled against him, citing the color differences between Pierrot and Nemo.[21]
 In 2016, Disney Character Voices International's senior vice president Rick Dempsey, in collaboration with the Navajo Nation Museum, created a Navajo dubbing of the movie titled Nemo Há’déést’íí which was released in theaters March 18–24 of the same year.[22][23] The project was thought as a means to preserve Navajo language, teaching the language to kids through a Disney movie.[24] The studio held auditions on the reservation, but finding an age-appropriate native speaker to voice Nemo was hard, Dempsey said, as the majority of native Navajo speakers are over 40 years old.[23] The end credits version of the song ""Beyond the Sea"", covered in the English version by Robbie Williams, was also adapted into Navajo, with Fall Out Boy's lead singer Patrick Stump performing it.[25] In 2016, Finding Nemo was the second movie to receive a dub in Navajo, after Star Wars.[26]
 Finding Nemo was the first Pixar film not to be scored by Randy Newman. The original soundtrack album was instead scored by Thomas Newman, his cousin, and released on May 20, 2003.[27][28] The score was nominated for the Academy Award for Original Score, losing to The Lord of the Rings: The Return of the King.[29]
 Disney released a teaser trailer of Finding Nemo in June 2002, being first attached to the theatrical release of Lilo & Stitch. The teaser was later attached to the theatrical screenings of Hey Arnold!: The Movie, The Powerpuff Girls Movie, Stuart Little 2 and Jonah: A VeggieTales Movie. The teaser was also attached to the Monsters, Inc. home video release and other Disney home video releases. The next trailer for the film was released in October 2002 and was attached to the theatrical screenings of Treasure Planet and The Wild Thornberrys Movie. The third trailer for the film was released in February 2003 and was attached to the theatrical screening of The Jungle Book 2. The fourth and final trailer for the film was released in March 2003 and was attached to the theatrical screening of Piglet's Big Movie.
 McDonald's restaurants began to sell eight Happy Meal toys based on the film.[30] At the 100th North American International Toy Fair event in New York City, Hasbro unveiled a variety of Finding Nemo toys.[31] A cereal themed to the film was released by Kellogg's, consisting of naturally sweetened oats with fish-shaped marshmallows.[32] Finding Nemo was advertised as promotional partners on other companies, like Frito-Lay, Keebler, Pepsi, Ralphs, Dreyer's, Jel Sert, Airheads, Orville Redenbacher's, and THQ. Before May 26, 2003, stickers on over 50 million bags of potato chips alerted consumers to a sweepstakes dangling a trip for four to Sydney, Australia with a visit to the Great Barrier Reef. On May 17, 2003, Frito-Lay hosted an event at each of the Walmart stores, where kids could use 3D goggles to find hidden images of Nemo. Kellogg's packed eight different water toys depicting film characters inside Frosted Flakes, Rice Krispies, Honey Smacks and Cocoa Rice Krispies cereal boxes. The Honey Smacks, Frosted Flakes, Cinnamon Crunch Crispix and Froot Loops boxes also carried a Nemo memory card game on back panels. Plus, a Nemo-themed Marshmallow Froot Loops cereal featured four of the film's characters. Consumers could mail in two UPCs from the three Kellogg's cereals to receive a large beach towel. Besides this, the company unveiled a new type of Pop-Tarts inspired by Finding Nemo. Known as the Great Berry Reef Pop-Tarts, they had a wild berry filling and fish sprinkles. A pool raft was available with two Pop-Tart UPCs and shipping, handled by Draft Worldwide of Chicago. Eggo waffles would offer holographic swimming goggles with the purchase of two of its products with shipping and handling. For their snacks division, Kellogg's offered consumers who purchased two packages of select products and two gallons of milk with a giant inflatable shark. The company advertised the film on Vanilla Wafers, Chips Deluxe, Mini Fudge Shoppe Fudge Stripes, Soft Batch Chocolate Chip Cookies, Rice Krispies Treats and limited edition Nemo-themed cookies.[33]
 On May 20, 2003, Kellogg's recalled Frosted Flakes cereal boxes due to their extremely close resemblance of a Hasbro memory card game. A lawsuit was filed against the company, which included a full-page reproduction of the front of a Frosted Flakes box with the cereal's familiar Tony the Tiger mascot grinning next to Nemo, Dory and Crush from the film. Disney had licensed the characters to use on the game cards. Hasbro had filed the suit to protect its trademark against blatant infringement.[34]
 Finding Nemo was not only the fifth Pixar film, but was also the first one to be released during the summer instead of November, much like its four predecessors.[35] The film premiered in Los Angeles on May 18, 2003,[36] and opened in theaters with The Italian Job and Wrong Turn on May 30, 2003.[37]
 Finding Nemo was released on VHS and DVD on November 4, 2003, both THX-certified and taken from the digital source.[38][39] The film's 2-disc Collector's Edition DVD release sold more than 8 million copies on its first day of release, breaking Spider-Man's record for having the highest single-day DVD sales.[40][41] It also surpassed Monsters, Inc. for having the highest single-day record for an animated movie.[40] Within two weeks, it went on to become the best-selling DVD of its time, selling over 15 million copies and beating The Lord of the Rings: The Fellowship of the Ring.[42] With over 40 million copies sold, Finding Nemo currently holds the record for the best-selling DVD release of all time.[43] The first disc features a widescreen version, documentaries, galleries and an audio/visual commentary, and the second disc features a full-frame version, games, sneak peeks of other films (including The Incredibles and Home on the Range), bonus shorts (Knick Knack, which was shown alongside the film in theaters, and Exploring the Reef), and the advertising campaign.[44] Both discs also feature introductions from Stanton and Unkrich and ""virtual aquariums"" based on the film's various settings.[45][44]
 The film was then released on both Blu-ray 3D and Blu-ray on December 4, 2012, with both a 3-disc and a 5-disc set.[46] In 2019, Finding Nemo was released on 4K Ultra HD Blu-ray.[47][48]
 During its original theatrical run, Finding Nemo grossed $339.7 million in the United States and Canada and $531.3 million in other territories, for a worldwide total of $871.0 million.[4] It was the second-highest-grossing film of 2003, behind The Lord of the Rings: The Return of the King.[49][50] Finding Nemo also defeated The Matrix Reloaded to become the highest-grossing film of the 2003 summer season.[51] The film sold an estimated 56.4 million tickets in the United States during its initial theatrical run.[1]
 On its opening weekend, Finding Nemo earned $70.6 million in the United States and Canada.[52] When the film opened, it was ranked number one at the box office, dethroning Bruce Almighty and The Italian Job.[53] Additionally, it surpassed its predecessor Monsters, Inc. for having the highest domestic opening weekend for an animated film.[53] It would hold this record until Shrek 2 took it the following year.[54] Finding Nemo achieved the third-highest opening weekend for a 2003 film at the time of its release, behind The Matrix Reloaded and X2.[55] During its second weekend, the film dropped to second place behind 2 Fast 2 Furious.[56] It declined by 34% while making $45.8 million.[57] Nevertheless, the film returned to the number one spot the following week. At that point, it earned $29.2 million, bringing the total domestic gross to $192.3 million. Finding Nemo was the first film to reclaim the number one spot since Die Another Day and Harry Potter and the Chamber of Secrets in 2002.[58] It would also outgross the weaker openings of Rugrats Go Wild, Hollywood Homicide and Dumb and Dumberer: When Harry Met Lloyd.[59] By the film's 20th day of release, Finding Nemo had earned over $200 million.[60] During the film's fourth weekend, it was overtaken by Hulk.[61] Despite this, Finding Nemo continued to draw in large crowds and families throughout the summer season while outgrossing another animated film, Sinbad: Legend of the Seven Seas.[62]
 By July 2003, Finding Nemo had earned $274.9 million, beating The Matrix Reloaded and becoming the top-grossing movie of the year.[63] The film even surpassed Shrek to become the second highest-grossing animated film.[64] Later that month, the film had earned over $300 million, becoming the highest-grossing animated film in the United States and Canada, surpassing The Lion King.[65] By the end of the summer season, Finding Nemo was one of five films to reach $200 million at the box office in a single summer season, with the others being X2, The Matrix Reloaded, Bruce Almighty and Disney's own Pirates of the Caribbean: The Curse of the Black Pearl.[66] At the end of its theatrical run, Finding Nemo grossed $339.7 million in the United States and Canada and $531.3 million in international territories, totaling $871.0 million worldwide. In all three occasions, it had outgrossed The Lion King to become the highest-grossing animated film. It stayed in the Top 10 until August 14 (11 weeks total).[67] In North America, it was surpassed by both Shrek 2 in 2004 and Toy Story 3 in 2010.[68] Finding Nemo would hold the record for having the highest international gross for an animated film until 2009 when it was taken by Ice Age: Dawn of the Dinosaurs.[69] Outside North America, it stands as the fifth highest-grossing animated film. Worldwide, it currently ranks as the ninth highest-grossing animated film. Moreover, it was the highest-grossing Disney film for three years before Pirates of the Caribbean: Dead Man's Chest surpassed it.[70] Finding Nemo was also the fourth animated film to make $500 million worldwide, joining Monsters, Inc., Aladdin and The Lion King.[71]
 The film had impressive box office runs in many international markets. In Japan, its highest-grossing market after North America, it grossed ¥11.2 billion ($102.4 million), becoming the highest-grossing foreign animated film in local currency (yen).[72] It has only been surpassed by Frozen (¥25.5 billion).[73] Plus, Finding Nemo was the second film by Buena Vista Pictures to reach $100 million in the country, just after Armageddon in 1999.[74] In Mexico, it earned $4.7 million, making it the country's second-highest opening weekend, behind Spider-Man.[75] The film also grossed £37.2 million ($67.1 million) in the U.K., Ireland, and Malta.[76] At the Manchester UCI Cinemas, it made a total three-day opening gross of £17,150 ($28,583), becoming the theater's highest-grossing digital film at the time, surpassing Star Wars: Episode II – Attack of the Clones and numerous other releases.[77] Making £28.7 million ($35.7 million), Finding Nemo was the highest-grossing film released in October 2003 in the region, beating Bad Boys II.[78] Following in biggest grosses are France and the Maghreb region ($64.8 million), Germany ($53.9 million), and Spain ($29.5 million).[76]
 After the success of the 3D re-release of The Lion King, Disney re-released Finding Nemo in 3D on September 14, 2012,[79] with a conversion cost estimated to be below $5 million.[80] For the opening weekend of its 3D re-release in North America, Finding Nemo grossed $16.7 million, debuting at the No. 2 spot behind Resident Evil: Retribution.[81] The film earned $41.1 million in North America and $28.2 million internationally, for a combined total of $69.3 million, and a cumulative worldwide total of $940.3 million.[1]
 On the review aggregator website Rotten Tomatoes, 99% of 270 critics' reviews are positive, with an average rating of 8.7/10. The website's consensus reads, ""Breathtakingly lovely and grounded by the stellar efforts of a well-chosen cast, Finding Nemo adds another beautifully crafted gem to Pixar's crown.""[82] Metacritic (which uses a weighted average) assigned the film a score of 90 out of 100 based on 38 reviews, indicating ""universal acclaim"".[83] Audiences polled by CinemaScore gave the film a rare average grade of ""A+"" on an A+ to F scale.[84]
 Roger Ebert gave the film four out of four stars, calling it ""one of those rare movies where I wanted to sit in the front row and let the images wash out to the edges of my field of vision"".[85] Ed Park of The Village Voice gave the film a positive review, saying ""It's an ocean of eye candy that tastes fresh even in this ADD-addled era of SpongeBob SquarePants.""[86] Mark Caro of the Chicago Tribune gave the film four out of four stars, saying ""You connect to these sea creatures as you rarely do with humans in big-screen adventures. The result: a true sunken treasure.""[87] Hazel-Dawn Dumpert of LA Weekly gave the film a positive review, saying ""As gorgeous a film as Disney's ever put out, with astonishing qualities of light, movement, surface and color at the service of the best professional imaginations money can buy.""[88] Beth Jones of The Roanoke Times gave Finding Nemo a five out of five rating, explaining that ""several scenes are scarier than Edward Norton's mustache in The Italian Job.""[89] Jeff Strickler of the Star Tribune gave the film a positive review, saying it ""proves that even when Pixar is not at the top of its game, it still produces better animation than some of its competitors on their best days.""[88] Gene Seymour of Newsday gave the film three-and-a-half stars out of four, saying ""The underwater backdrops take your breath away. No, really. They're so lifelike, you almost feel like holding your breath while watching.""[88] Rene Rodriguez of the Miami Herald gave the film four out of four stars, saying ""Parental anxiety may not be the kind of stuff children's films are usually made of, but this perfectly enchanting movie knows how to cater to its kiddie audience without condescending to them.""[90]
 Kenneth Turan of the Los Angeles Times gave the film three-and-a-half out of five, saying ""The best break of all is that Pixar's traditionally untethered imagination can't be kept under wraps forever, and ""Nemo"" erupts with sea creatures that showcase Stanton and company's gift for character and peerless eye for skewering contemporary culture.""[91] Sandra Hall of The Sydney Morning Herald said, ""This is not the first time Pixar's animators have been engaged with the natural world, but they've never been as deeply immersed as they are in this undersea Fantasia.""[92] Stephen Holden of The New York Times gave the film four out of five stars, saying ""Visual imagination and sophisticated wit raise Finding Nemo to a level just below the peaks of Pixar's Toy Story movies and Monsters, Inc..""[93] Terry Lawson of the Detroit Free Press gave the film three out of four, saying ""As we now expect from Pixar, even the supporting fish in ""Finding Nemo"" are more developed as characters than any human in the Mission: Impossible movies.""[94] Claudia Puig of USA Today gave the film three and half out of four, saying ""Finding Nemo is an undersea treasure. The most gorgeous of all the Pixar films—which include Toy Story 1 and 2, A Bug's Life and Monsters, Inc.—Nemo treats family audiences to a sweet, resonant story and breathtaking visuals. It may lack Monsters, Inc.'s clever humor, but kids will identify with the spunky sea fish Nemo, and adults will relate to Marlin, Nemo's devoted dad.""[95] Bruce Westbrook of the Houston Chronicle gave the film an A−, saying ""Finding Nemo lives up to Pixar's high standards for wildly creative visuals, clever comedy, solid characters and an involving story.""[96] Jack Garner of Gannett News Service gave it a score of ten out of ten, stating that the film ""strikes the perfect balance between the charm and childlike innocence of Disney animation and the cutting-edge humor and hipness of the old Warner Brothers cartoons.""[97] Tom Long of The Detroit News gave the film an A−, saying ""A simple test of humanity: If you don't laugh aloud while watching it, you've got a battery not a heart.""[88]
 Moira MacDonald of The Seattle Times gave the film four out of four, saying ""Enchanting; written with an effortless blend of sweetness and silliness, and animated with such rainbow-hued beauty, you may find yourself wanting to freeze-frame it.""[88] Daphne Gordon of the Toronto Star gave the film four out of five, saying ""One of the strongest releases from Disney in years, thanks to the work of Andrew Stanton, possibly one of the most successful directors you've never heard of.""[88] Ty Burr of The Boston Globe gave the film three and a half out of four, saying ""Finding Nemo isn't quite up there with the company's finest work—there's finally a sense of formula setting in—but it's hands down the best family film since Monsters, Inc.""[88] C.W. Nevius of The San Francisco Chronicle gave the film four out of four, saying ""The visuals pop, the fish emote and the ocean comes alive. That's in the first two minutes. After that, they do some really cool stuff.""[98] Gregory M. Lamb of The Christian Science Monitor gave the film a rating of three out of four, calling it ""the best animated underwater picture since The Little Mermaid.""[99] Ann Hornaday of The Washington Post gave the film a positive review, saying ""Finding Nemo will engross kids with its absorbing story, brightly drawn characters and lively action, and grown-ups will be equally entertained by the film's subtle humor and the sophistication of its visuals.""[88] David Ansen of Newsweek gave the film a positive review, saying ""A visual marvel, every frame packed to the gills with clever details, Finding Nemo is the best big-studio release so far this year.""[100]
 Richard Corliss of Time gave the film a positive review, saying ""Nemo, with its ravishing underwater fantasia, manages to trump the design glamour of earlier Pixar films.""[101] Lisa Schwarzbaum of Entertainment Weekly gave the film an A, saying ""In this seamless blending of technical brilliance and storytelling verve, the Pixar team has made something as marvelously soulful and innately, fluidly American as jazz.""[102] Carrie Rickey of The Philadelphia Inquirer gave the film three out of four, saying ""As eye-popping as Nemo's peepers and as eccentric as this little fish with asymmetrical fins.""[88] David Germain of the Associated Press gave the film a positive review, saying ""Finding Nemo is laced with smart humor and clever gags, and buoyed by another cheery story of mismatched buddies: a pair of fish voiced by Albert Brooks and Ellen DeGeneres.""[103] Anthony Lane of The New Yorker gave the film a positive review, saying ""The latest flood of wizardry from Pixar, whose productions, from Toy Story onward, have lent an indispensable vigor and wit to the sagging art of mainstream animation.""[104] The 3D re-release prompted a retrospective on the film nine years after its initial release. Stephen Whitty of The Star-Ledger described it as ""a genuinely funny and touching film that, in less than a decade, has established itself as a timeless classic.""[105] On the 3D re-release, Lisa Schwarzbaum of Entertainment Weekly wrote that its emotional power was deepened by ""the dimensionality of the oceanic deep"" where ""the spatial mysteries of watery currents and floating worlds are exactly where 3D explorers were born to boldly go"".[106]
 Finding Nemo was included on a number of best-of lists. The film appeared on professional rankings from BBC and The Independent based on retrospective appraisal, as one of the greatest films of the twenty-first century.[107][108] Several publications have listed it as one of the best animated films, including: IGN (2010),[109] Insider, USA Today, Elle (all 2018),[110][111][112] Parade, Complex, and Time Out New York (all 2021).[113][114][115] In December 2021, the film's screenplay was listed number 60 on the Writers Guild of America's ""101 Greatest Screenplays of the 21st Century (So Far)"".[116]
 At the 76th Academy Awards, Finding Nemo became the first Pixar film to win the Best Animated Feature category, defeating Brother Bear and The Triplets of Belleville.[29][117] The film received two more Academy Award nominations for Best Original Screenplay and Best Sound Editing, losing both to Lost in Translation and Master and Commander: The Far Side of the World respectively.[29] It also won the award for Best Animated Film at the Kansas City Film Critics Circle Awards, the Saturn Awards the Las Vegas Film Critics Society Awards, the National Board of Review Awards, the Online Film Critics Society Awards, and the Toronto Film Critics Association Awards.[118] The film received many other awards, including: Kids Choice Awards for Favorite Movie and Favorite Voice from an Animated Movie (Ellen DeGeneres), and the Saturn Award for Best Supporting Actress (Ellen DeGeneres).[118]
 The film was also nominated for two Chicago Film Critics Association Awards, for Best Picture and Best Supporting Actress (Ellen DeGeneres), a Golden Globe Award for Best Motion Picture – Musical or Comedy, and two MTV Movie Awards, for Best Movie and Best Comedic Performance (Ellen DeGeneres).[118]
 In June 2008, the American Film Institute revealed its ""Ten Top Ten"", the best 10 films in 10 ""classic"" American film genres, after polling over 1,500 people from the creative community. Finding Nemo was acknowledged as the 10th best film in the animation genre.[6] It was the most recently released film among all 10 lists, and one of only three movies made after the year 2000 (the others being The Lord of the Rings: The Fellowship of the Ring and Shrek).[119]
 American Film Institute recognition:
 The film's use of clownfish prompted mass purchase of the fish breed as pets in the United States, even though the story portrayed the use of fish as pets negatively and suggested that saltwater aquariums are notably tricky and expensive to maintain.[120] The demand for clownfish was supplied by large-scale harvesting of tropical fish in regions like Vanuatu.[121] The Australian Tourism Commission (ATC) launched several marketing campaigns in China and the United States to improve tourism in Australia, many of them utilizing Finding Nemo clips.[122][123] Queensland used Finding Nemo to draw tourists to promote itself to vacationers.[124] According to National Geographic, ""Ironically, Finding Nemo, a movie about the anguish of a captured clownfish, caused home-aquarium demand for them to triple.""[125]
 The reaction to the film by the general public has led to environmental devastation for the clownfish, and has provoked an outcry from several environmental protection agencies, including the Marine Aquarium Council, Australia. [citation needed] The demand for tropical fish skyrocketed after the film's release, causing reef species decimation in Vanuatu and several other reef areas.[126] After seeing the film, some aquarium owners released their pet fish into the ocean, but failed to release them into the correct oceanic habitat, which introduced species that are harmful to the indigenous environment, a practice that is harming reefs worldwide.[127][128]
 A 2017 study by researchers from James Cook University in Australia found little evidence for fan-based purchases of wild-caught fish immediately (within 1.5 years of release) following the film.[129]
 A spin-off sequel[b] to this film was released in June 2016, titled Finding Dory.[136] It focuses on Dory having a journey to reunite with her parents (Diane Keaton and Eugene Levy).[131][137] Like the previous film, Finding Dory was a financial success and fared well with critics.[138][139]
 A video game based on the film was released in 2003, for Microsoft Windows, Xbox, PlayStation 2, GameCube, and Game Boy Advance. The goal of the game is to complete different levels under the roles of Nemo, Marlin or Dory. It includes cut scenes from the movie, and each clip is based on a level. It was also the last Pixar game developed by Traveller's Tales. Upon release, the game received mixed reviews.[140][141][142][143][144][145] A Game Boy Advance sequel, titled Finding Nemo: The Continuing Adventures, was released in 2004.[146]
 Finding Nemo has inspired numerous attractions and properties at Disney Parks around the world, including: Turtle Talk with Crush, which opened in 2004 at Epcot, 2005 in Disney California Adventure Park, 2008 in Hong Kong Disneyland, and 2009 in Tokyo DisneySea; Finding Nemo Submarine Voyage, which opened in 2007 in Disneyland Park; The Seas with Nemo & Friends, which opened in 2007 at Epcot; Finding Nemo – The Musical, which opened in 2007 in Disney's Animal Kingdom; and Crush's Coaster, which opened in 2007 at Walt Disney Studios Park.[147][148][149]",6068,"Main page; Contents; Current events; About Wikipedia; Help; Learn to edit; Community portal; Upload file; ; learn more; Article; Talk; Read; Read; Upload file; ; ; Finding Nemo (franchise); Finding Nemo (video game); ; Andrew Stanton; Bob Peterson; David Reynolds; Albert Brooks; Ellen DeGeneres; Alexander Gould; Willem Dafoe; Geoffrey Rush; Bill Hunter; Sharon Calahan; David Ian Salter; Thomas Newman; Pixar Animation Studios; Buena Vista Pictures Distribution; Los Angeles; comedy-drama; adventure film; Pixar Animation Studios; Walt Disney Pictures; Andrew Stanton; Lee Unkrich; Bob Peterson; David Reynolds; Albert Brooks; Ellen DeGeneres; Alexander Gould; Willem Dafoe; Geoffrey Rush; clownfish; regal blue tang; Thomas Newman; Los Angeles; highest-grossing animated film; second-highest-grossing film of 2003; 76th Academy Awards; Best Animated Feature; DVD; G-rated; Toy Story 3; 3D; American Film Institute; 10 Top 10; Finding Dory; clownfish; anemone; Great Barrier Reef; barracuda; blue tang; acute short-term memory loss; naval mines; Sydney; Moorish idol; anglerfish; moonfish; East Australian Current; jellyfish; sea turtles; pelican; green algae; blue whale; blowhole; Sydney Harbour; seagulls; playing dead; fishing trawler; net; groupers; Albert Brooks; clownfish; Ellen DeGeneres; Dory; regal blue tang; short-term memory loss; Alexander Gould; Willem Dafoe; scarred; moorish idol; Brad Garrett; porcupinefish; Allison Janney; sea star; Stephen Root; yellow tang; Austin Pendleton; obsessive-compulsive; royal gramma; Vicki Lewis; striped damselfish; Joe Ranft; cleaner shrimp; Geoffrey Rush; Australian pelican; Andrew Stanton; green sea turtle; Elizabeth Perkins; Nicholas Bird; Bob Peterson; spotted eagle ray; Barry Humphries; great white shark; Eric Bana; hammerhead shark; Bruce Spence; mako shark; Bill Hunter; butterfly fish; flapjack octopus; Erik Per Sullivan; seahorse; John Ratzenberger; moonfish; ; Andrew Stanton; Andrew Stanton; Six Flags Discovery Kingdom; National Geographic; anemone; A Bug's Life; Lee Unkrich; scuba diving; William H. 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Les Indestructibles,https://fr.wikipedia.org/wiki/Les_Indestructibles,"Série Classiques d'animation Pixar Le Monde de Nemo(2003) Cars(2006) Série Les Indestructibles Les Indestructibles 2(2018) Pour plus de détails, voir Fiche technique et Distribution. modifier  Les Indestructibles ou Les Incroyable au Québec (The Incredibles) est le sixième film d'animation en images de synthèse réalisé par les studios Pixar. Écrit et réalisé par Brad Bird et coproduit par Walt Disney Pictures, il est sorti sur les écrans de cinéma en 2004. Quatorze ans après, une suite sort le 4 juillet 2018, par Walt Disney Pictures.
 En 2005, Brad Bird remporte l'Oscar du meilleur film d'animation[1].
 Dans un monde où les super-héros sont monnaie courante, l'un des plus célèbres d'entre eux, M. Indestructible, passe une journée ordinaire, stoppant des braqueurs en fuite, sauvant un chat coincé dans un arbre et gérant même (maladroitement) Buddy, un fan un peu trop impliqué, croisant au passage quelques collègues comme Elastigirl et Frozone. Après avoir empêché un monorail de s'écraser à la suite de la destruction de la voie par une bombe, il arrive (avec un peu de retard) à son mariage avec Elastigirl, qui veut des explications sur son retard et lui demande de s'impliquer dans leur future vie de couple plus sérieusement, ce qu'il accepte, confiant dans l'avenir.
 Malheureusement, l'incident du monorail met le feu aux poudres et déclenche une réaction en chaine. L'opinion publique se retourne contre les Super-Héros en raison des dommages collatéraux causés par leurs actions et après plusieurs procès, le gouvernement crée un programme qui force les super-héros à retourner à la vie civile sous leurs identités secrètes, rendant les actes super héroïques illégaux.
 Quinze ans plus tard, Bob et Helen Parr — anciennement connus sous les noms de M. Indestructible et d'Elastigirl — ont maintenant trois enfants, Violette, Flèche et Jack-Jack, et vivent dans une petite maison de banlieue à Métroville. Même s'il aime sa famille, Bob s'ennuie ferme dans la routine de sa vie de banlieusard de classe moyenne et de son travail d'employé de bureau dans une insipide compagnie d'assurances frauduleuse. Avec son meilleur ami Lucius Best, anciennement connu sous le nom de Frozone, il en vient même à jouer les justiciers illégalement pour se rappeler les jours heureux.
 Un jour, son superviseur l'empêche d'intervenir pendant un racket. Bob perd son sang-froid, le blesse, et se fait renvoyer. De retour chez lui, Bob reçoit un message d'une femme qui se fait appeler Mirage, qui lui donne la mission de détruire un robot intelligent et autonome hors de contrôle, l'Omnidroïde 9000, sur l'île tropicale de Nomanisan. Bob, plus qu'heureux de redevenir enfin M. Indestructible, accepte la mission sans en avertir sa famille. Il se rend sur l'île, trouve le robot, le combat et le désactive en le faisant détruire sa propre source d'alimentation.
 M. Indestructible trouve l'intervention, ainsi que la grosse somme qu'il reçoit, rajeunissante. Ses relations avec sa famille s'améliorent et il récupère sa silhouette d'antan au cours des deux mois qui suivent. En voyant une déchirure dans son costume, il rend visite à la costumière pour super-héros Edna Mode, amie de la famille, pour qu'elle le rafistole. Pensant qu'Helen sait ce que Bob fait, Edna crée également de nouveaux costumes pour toute la famille. Envoyé une nouvelle fois sur Nomanisan, M. Indestructible découvre que Mirage travaille pour Buddy Pine, l'ancien fan de lui qu'il avait froidement rejeté plus jeune. Devenu Syndrome, il est le créateur des Omnidroïdes et a engagé plusieurs super-héros au fil des ans pour les combattre afin de les peaufiner, ce qui en a fait tuer beaucoup. M. Indestructible échappe de justesse à son ennemi en fuyant une explosion qui lui permet de passer pour mort.
 Helen rend visite à Edna et apprend les manigances de Bob. Elle active une balise GPS qu'Edna avait glissé dans la combinaison de M. Indestructible (comme dans tous les super-costumes qu'elle a fabriqués pour la famille), ce qui le fait capturer accidentellement alors qu'il s'infiltrait dans la base de Syndrome. Elastigirl emprunte un jet privé pour se diriger à Nomanisan. Elle découvre ensuite que Violette et Flèche ont fugué de la maison et ont embarqué avec elle, laissant Jack-Jack avec une babysitter. Les transmissions radio d'Elastigirl sont remarquées par Syndrome, qui envoie un missile pour l'éliminer. L'avion est détruit, mais Elastigirl et les enfants survivent et arrivent sur l'île grâce à leurs pouvoirs. Helen s'infiltre dans la base et découvre le plan de Syndrome. Quand elle voit que Syndrome est indifférent lorsque sa vie est en danger, Mirage libère M. Indestructible et l'informe que sa famille a survécu et est sur l'île. Helen arrive et part avec M. Indestructible pour retrouver leurs enfants, qui sont chassés par les gardes de Syndrome, qu'ils ont su tenir éloignés assez longtemps avant que leurs parents n'arrivent. Syndrome finit par les capturer tous et les emprisonne. Son plan ultime est d'envoyer le dernier modèle d'Omnidroïde à Métroville pour y semer terreur et désolation, tout en le contrôlant pour donner l'impression de le vaincre et devenir un héros aux yeux des gens. Il compte ensuite vendre ses inventions aux gens pour que tout le monde soit ""super"", et que finalement, personne ne le soit plus.
 L'Omnidroïde est envoyé à Métroville tandis que Syndrome s'y rend en jet, commençant son petit numéro après avoir laissé sa création semer la panique. Les Indestructibles s'échappent dans une fusée jusqu'à Métroville grâce à l'aide de Mirage. À cause de son programme, l'Omnidroïde reconnaît Syndrome comme une menace et lance un laser sur la télécommande qui se trouvait sur son poignet. Ce dernier perd la télécommande et ne peut donc plus contrôler le robot, qui l'assomme. Les Indestructibles et Frozone combattent l'Omnidroïde avec difficulté, jusqu'à ce qu'Elastigirl trouve la télécommande et permette à M. Indestructible d'utiliser une des pinces du robot propulsée pour le détruire. De retour chez eux, les Indestructibles retrouvent Syndrome, qui prévoit d'enlever Jack-Jack et de faire de lui son accolyte pour pouvoir prendre sa revanche sur eux. Alors que Syndrome vole jusqu'à son jet, les super-pouvoirs de Jack-Jack commencent alors à se manifester et il tombe des bras de son ravisseur en plein vol après lui avoir fait passer un sale quart d'heure. Elastigirl le rattrape et alors que Syndrome arrive dans son avion, M. Indestructible lui lance sa voiture, ce qui fait qu'il se fait aspirer par la turbine du jet privé à cause de sa cape (Edna Mode avait précédemment indiqué les dangers d'avoir un costume avec une cape, en rappelant à Bob la liste des super-héros morts à cause de celle-ci), ce qui le tue et fait exploser l'avion.
 Trois mois plus tard, les Indestructibles croisent la route d'un super-vilain nommé Le Démolisseur. Ils enfilent alors leurs masques de super-héros, prêts à affronter cette nouvelle menace en famille.
 Pour sa sixième production, Pixar s'est assuré les services de Brad Bird[3], le réalisateur du film Le Géant de fer, dont l'intelligence et la sensibilité du scénario avaient été remarquées à sa sortie en 1999 malgré un relatif échec commercial. Cette nouvelle histoire nous conte les aventures d'un super-héros et de sa famille extraordinaire confrontés à la banalité du quotidien[4] et, accessoirement, à un super méchant nommé Syndrome. Au départ, Les Indestructibles était un film d'animation traditionnel produit par Warner Bros. Pictures. Lorsque cette société ferma sa division animation en l'an 2000, le projet et son réalisateur furent récupérés par Pixar qui lui donna son envergure actuelle. Par ailleurs, la plupart des équipes qui ont travaillé sur Le Géant de fer, ont rejoint le projet des Indestructibles avec Bird.
 Les décors sont qualifiés par Brad Bird de « rétrofuturistes », c'est-à-dire qu'ils représentent l'avenir tel qu'imaginé dans les années 1960.
 Le 18 mars 2014, Robert Iger annonce la mise en production de Cars 3 et Les Indestructibles 2[5],[6] ainsi qu'une conversion 3D (tout comme Ratatouille)[7].
 « Rêvant d'un film où se marierait son intérêt pour la vie de famille et son goût des comics et de toute la (sous)-culture populaire américaine, Bird a inventé l'histoire hilarante d'une famille de super-héros obligée à retourner dans le rang à cause de la médiocratie contemporaine »
 « Incidemment, à travers les problèmes d’un couple qui commence à souffrir de l’érosion du quotidien palot et se met à douter l’un de l’autre, Bird dessine plus qu’une célébration de la cellule familiale réunie mais une authentique histoire d’amour où on est prêt à tout par amour et dans laquelle on préfère s’embrasser plutôt que se dire des banalités. »",1402,"Accueil; Portails thématiques; Article au hasard; Contact; Débuter sur Wikipédia; Aide; Communauté; Modifications récentes; ; Rechercher; en savoir plus; Contributions; Discussion; Article; Discussion; Lire; Lire; Pages liées; Suivi des pages liées; Téléverser un fichier; Pages spéciales; ; Brad Bird; Brad Bird; Pixar Animation Studios; Walt Disney Pictures; ; États-Unis; 2004; Classiques d'animation Pixar; Le Monde de Nemo; Cars; Les Indestructibles 2; ; Québec; film d'animation; images de synthèse; Pixar; Brad Bird; Walt Disney Pictures; 2004; suite; Walt Disney Pictures; Brad Bird; Oscar du meilleur film d'animation; super-héros; banlieue; robot; costumière; babysitter; super-vilain; Red Richards; Quatre Fantastiques; canot pneumatique; parachute; Flash; Jane Storm; Baby-Sitting Jack-Jack; téléportation; Iceberg; X-Men; Syndrome; Edith Head; Linda Hunt; Brad Bird; Mark Andrews; Josh Cooley; Doug Sweetland; Michael Giacchino; Stephen Schaffer; John Lasseter; Pixar Animation Studios; Walt Disney Pictures; Buena Vista International; USD; ; États-Unis; anglais; français; 2,35:1; Cinémascope; Dolby Digital EX; DTS; Royaume-Uni; Festival du film de Londres; États-Unis; Canada; France; Belgique; Craig T. 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//upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/5/50/Jester01_recadre.png/42px-Jester01_recadre.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/d/d7/Nuvola_apps_konquest.svg/30px-Nuvola_apps_konquest.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/4/48/P_-_Pixar.svg/19px-P_-_Pixar.svg.png; https://login.wikimedia.org/wiki/Special:CentralAutoLogin/start?type=1x1; /static/images/footer/wikimedia-button.svg; /w/resources/assets/poweredby_mediawiki.svg,https://en.wikipedia.org/wiki/The_Incredibles,The Incredibles,https://en.wikipedia.org/wiki/The_Incredibles,"The Incredibles is a 2004 American animated superhero film produced by Pixar Animation Studios and released by Walt Disney Pictures. Written and directed by Brad Bird, it stars the voices of Craig T. Nelson, Holly Hunter, Sarah Vowell, Spencer Fox, Jason Lee, Samuel L. Jackson, and Elizabeth Peña. Set in a retro-futuristic version of the 1960s,[5][6][7] the film follows Bob and Helen Parr, a couple of superheroes, known as Mr. Incredible and Elastigirl, respectively, who hide their powers in accordance with a government mandate, and attempt to live a quiet suburban life with their three children. However, Bob's desire to help people draws the entire family into a confrontation with a vengeful fan-turned-foe.
 Bird, who was Pixar's first outside director, developed the film as an extension of the 1960s comic books and spy films from his boyhood and personal family life. He pitched the film to Pixar after Warner Bros.' box office disappointment of his first feature, The Iron Giant (1999), and carried over much of its staff to develop The Incredibles. The animation team was tasked with animating an all-human cast, which required creating new technology to animate detailed human anatomy, clothing, and realistic skin and hair. Michael Giacchino composed the film's orchestral score.
 The Incredibles debuted at the El Capitan Theatre on October 24, 2004, and was released in theaters in the United States on November 5. It earned $632 million worldwide, finishing its theatrical run as the fourth-highest-grossing film of 2004. The Incredibles received widespread acclaim from critics, with praise for its animation, screenplay, voice acting, action sequences, sound design, humor, music, and is frequently considered to be one of the greatest superhero movies of all time. The film won Best Animated Feature and Best Sound Editing at the 77th Academy Awards, with two additional nominations for Best Original Screenplay and Best Sound Mixing, as well as the Annie Award for Best Animated Feature. It was the first entirely animated film to win the prestigious Hugo Award for Best Dramatic Presentation. A sequel, Incredibles 2, was released in June 2018.
 On the day of his wedding with Helen (alias Elastigirl), superhero Bob Parr (alias Mr. Incredible) thwarts a civilian's attempted suicide by tackling him through a skyscraper window. Bob then discovers supervillain Bomb Voyage robbing the building, but is interrupted by his devoted fanboy Buddy Pine, who wants to be his sidekick. Bob rejects Buddy, and Voyage clips a bomb onto Buddy's cape. Bob gets the bomb off, but it destroys an elevated train track, forcing Bob to stop an oncoming train. After his wedding, Bob is sued for collateral damage by the suicidal civilian and the injured train passengers. Similar lawsuits create a negative public attitude towards superheroes, and the government initiates the Superhero Relocation Program, banning ""supers"" from using their powers in public and forcing them into hiding.
 Fifteen years later, Bob lives with Helen and their children, Violet, Dash, and baby Jack-Jack, in Metroville. Bob misses his superhero days and resents his mundane job as a claims adjuster, moonlighting as a vigilante with his friend Lucius Best (alias Frozone). One day, Bob's supervisor, Gilbert Huph, stops him from preventing a mugging. A frustrated Bob injures Huph and is dismissed. That evening, a woman named Mirage secretly offers Bob a mission to subdue a giant ""Omnidroid"" robot loose on Nomanisan island. Bob succeeds by tricking the machine into ripping out its own power source. Rejuvenated by the action and higher pay, Bob trains to get back into shape, and asks superhero costume designer Edna Mode to fix a tear in his old suit. Incorrectly assuming Helen knows of Bob's new job, Edna makes new suits for the entire family.
 Summoned back to Nomanisan, Bob discovers Mirage is working for Buddy, now calling himself Syndrome"" after being embittered by Bob's rejection. Syndrome has become wealthy by inventing weapons that mimic superpowers. He has been perfecting the Omnidroid by luring supers to fight it until it kills them. Syndrome intends to send an Omnidroid to attack Metroville, then defeat it publicly with secret controls, thereby gaining ""hero"" status. He plans to then sell his inventions to the world to make the term ""super"" irrelevant.
 Helen visits Edna and learns what Bob has been up to. She activates a beacon Edna built into the suits to find Bob, inadvertently causing Bob to be captured while infiltrating Syndrome's base. Helen borrows a private plane to fly to Nomanisan; Violet and Dash stow away, leaving Jack-Jack with a babysitter. Despite knowing that there are children on the plane, Syndrome shoots it down. Helen and the kids survive and make it to the island. Disillusioned by Syndrome's callousness, Mirage releases Bob and informs him of his family's survival. Syndrome's guards pursue Dash and Violet, who evade them with their powers and reunite with their parents. Syndrome captures the family before following the Omnidroid to Metroville. Violet uses her powers to free her family, and Mirage helps them reach Metroville.
 Recognizing Syndrome's remote-control gauntlet as a threat, the Omnidroid disarms Syndrome and knocks him out. The Incredible and Lucius fight the Omnidroid; Helen and the kids retrieve the remote control, allowing Bob to destroy the robot's power source. The Parrs and Lucius are hailed by the public just as Syndrome awakens to see their victory. Returning home, the Parrs find Syndrome abducting Jack-Jack to raise as a sidekick. As Syndrome flies away, Jack-Jack's superpowers manifest, and he escapes Syndrome's hold. Helen rescues the falling baby, and Bob throws his car at Syndrome's plane. Syndrome is pulled into the plane's engine by his cape.
 Three months later, the Parrs witness the arrival of supervillain the Underminer. They don their masks and suits, ready to face the new threat.
 The Incredibles as a concept dates back to 1993 when Bird sketched the family during an uncertain point in his film career.[8][9] Personal issues had percolated into the story as they weighed on him in life.[10] During this time, Bird had signed a production deal with Warner Bros. Feature Animation and was in the process of directing his first feature, The Iron Giant.[11] Approaching middle age and having high aspirations for his filmmaking, Bird pondered whether his career goals were attainable only at the price of his family life.[10] He stated, ""Consciously, this was just a funny movie about superheroes. But I think that what was going on in my life definitely filtered into the movie.""[12] After the box office failure of The Iron Giant, Bird gravitated toward his superhero story.[10][11]
 He imagined it as a homage to the 1960s comic books and spy films from his boyhood and he initially tried to develop it as a 2D cel animation.[10] When The Iron Giant became a box office bomb, he reconnected with old friend John Lasseter at Pixar in March 2000 and pitched his story idea to him.[9] Bird and Lasseter knew each other from their college years at CalArts in the 1970s.[13] Lasseter was sold on the idea and convinced Bird to come to Pixar, where the film would be done in computer animation. The studio announced a multi-film contract with Bird on May 4, 2000.[10] The Incredibles was written and directed solely by Brad Bird, a departure from previous Pixar productions which typically had two or three directors and as many screenwriters with a history of working for the company.[14] In addition, it would be the studio's first film in which all characters are human.[13]
 The dad is always expected in the family to be strong, so I made him strong. The moms are always pulled in a million different directions, so I made her stretch like taffy. Teenagers, particularly teenage girls, are insecure and defensive, so I made her turn invisible and turn on shields. And ten-year-old boys are hyperactive energy balls. Babies are unrealized potential.
 – Brad Bird, writer and director of The Incredibles.[15][16] Bird came to Pixar with the lineup of the story's family members worked out: a mom and dad, both suffering through the dad's midlife crisis; a shy teenage girl; a cocky ten-year-old boy; and a baby. Bird had based their powers on family archetypes.[10][16][17] During production, Hayao Miyazaki of Studio Ghibli visited Pixar and saw the film's story reels. When Bird asked if the reels made any sense or if they were just ""American nonsense,"" Miyazaki replied, through an interpreter, ""I think it's a very adventurous thing you are trying to do in an American film.""[18]
 Syndrome was originally written as a minor character who assaults Bob and Helen at the beginning of the movie, only to die in an explosion that destroys the Parrs' house (in this version, the Smiths), but he was made the main antagonist because the filmmakers liked him more than the character of Xerek, who was intended to fulfill that role. The Snug character that Helen talks to at the phone in the final film was intended to fly Helen to Nomanisan Island and to die, but he was removed from that position when Lasseter suggested having Helen pilot the plane herself.[19][20] Syndrome was based on Brad Bird himself.[21]
 Holly Hunter, cast as Helen Parr/Elastigirl,[22] never voiced an animated character before and saw the role as an exciting opportunity to expand her repertoire. She was also drawn to the film by its unique and ""unconventional story about family and human dynamics"".[22] Bird considered Hunter ""one of the finest actresses in the world"", capable of playing a ""sensitive"" character who also has ""a very sturdy center"". Like Hunter, Craig T. Nelson also had never done an voice role but had wondered about wanting to do a role after he recalled seeing The Iron Giant again; he did his voicework when not working on The District, which he was starring in at the time of the sessions, which took over two years.[22][23][24][25] Spencer Fox was cast as Dash Parr, which was also his feature film debut.[26] Brad Bird wanted to give Dash a realistic out-of-breath voice in certain scenes such as the jungle scene so he made Fox run four laps around the Pixar studio until he got tired.[27] Samuel L. Jackson was cast as Lucius Best/Frozone, Bird cast him because he stated that he wanted the character to have the coolest voice.[28] Lily Tomlin was originally considered for the role of Edna Mode, but later turned it down.[29] After several failed attempts to cast Edna Mode, Bird took on her voice role himself. It was an extension of the Pixar custom of tapping in-house staff whose voices came across particularly well on scratch dialogue tracks.[17] Sarah Vowell was offered the role of Violet unexpectedly;[30] Bird wanted to cast Vowell as Violet after hearing her voice on the National Public Radio program, This American Life.[31][32][33] Bird stated that she was ""perfect"" for the part and immediately called her to offer her the role.[31]
 Upon Pixar's acceptance of the project, Brad Bird was asked to bring in his own team for the production. He brought up a core group of people he worked with on The Iron Giant. Because of this, many 2D artists had to make the shift to 3D, including Bird himself. Bird found working with CGI ""wonderfully malleable"" in a way that traditional animation is not, calling the camera's ability to easily switch angles in a given scene ""marvelously adaptable."" He found working in computer animation ""difficult"" in a different way than working traditionally, finding the software ""sophisticated and not particularly friendly.""[34] Bird wrote the script without knowing the limitations or concerns that went hand-in-hand with the medium of computer animation. As a result, this was to be the most complex film yet for Pixar.[8] The film's characters were designed by Tony Fucile and Teddy Newton, whom Bird had brought with him from Warner Bros.[35] Like most computer-animated films, The Incredibles had a year-long period of building the film from the inside out: modeling the exterior and understanding controls that would work the face and the body—the articulation of the character—before animation could even begin.[34] Bird and Fucile tried to emphasize the graphic quality of good 2D animation to the Pixar team, who had only worked primarily in CGI. Bird attempted to incorporate teaching from Disney's Nine Old Men that the crew at Pixar had ""never really emphasized.""[34]
 For the technical crew members, the film's human characters posed a difficult set of challenges.[14] Bird's story was filled with elements that were difficult to animate with CGI back then. Humans are widely considered to be the most difficult things to execute in animation. Pixar's animators filmed themselves walking to better grasp proper human motion.[9] Creating an all-human cast required creating new technology to animate detailed human anatomy, clothing, and realistic skin and hair. Although the technical team had some experience with hair and cloth in Monsters, Inc. (2001), the amount of hair and cloth required for The Incredibles had never been done by Pixar up until this point. Moreover, Bird would tolerate no compromises for the sake of technical simplicity. Where the technical team on Monsters, Inc. had persuaded director Pete Docter to accept pigtails on Boo to make her hair easier to animate, the character Violet had to have long hair that obscured her face; in fact, this was integral to her character.[14] Violet's long hair, which was extremely difficult to animate, was only successfully animated toward the end of production. In addition, animators had to adapt to having hair both underwater and blowing through the wind.[34] Disney was initially reluctant to make the film because of these issues, thinking that a live-action film would be preferable, but Lasseter denied this.[36]
 The Incredibles was everything that computer-generated animation had trouble doing. It had human characters, it had hair, it had water, it had fire, it had a massive number of sets. The creative heads were excited about the idea of the film, but once I showed story reels of exactly what I wanted, the technical teams turned white. They took one look and thought, ""This will take ten years and cost $500 million. How are we possibly going to do this?""
 So I said, ""Give us the black sheep. I want artists who are frustrated. I want the ones who have another way of doing things that nobody's listening to. Give us all the guys who are probably headed out the door."" A lot of them were malcontents because they saw different ways of doing things, but there was little opportunity to try them, since the established way was working very, very well.
 We gave the black sheep a chance to prove their theories, and we changed the way a number of things are done here. For less money per minute than was spent on the previous film, Finding Nemo, we did a movie that had three times the number of sets and had everything that was hard to do. All this because the heads of Pixar gave us leave to try crazy ideas.[37]
 — Brad Bird speaking to McKinsey Quarterly in 2008 Not only did The Incredibles cope with the difficulty of animating CGI humans, but also many other complications. The story was bigger than any prior story at the studio, was longer in running time, and had four times the number of locations.[34][38] Supervising technical director Rick Sayre noted that the hardest thing about the film was that there was ""no hardest thing,"" alluding to the amount of new technical challenges: fire, water, air, smoke, steam, and explosions were all additional to the new difficulty of working with humans.[34] The film's organizational structure could not be mapped out like previous Pixar features, and it became a running joke to the team.[34] Sayre said the team adopted ""Alpha Omega,"" where one team was concerned with building modeling, shading, and layout, while another dealt with final camera, lighting, and effects. Another team, dubbed the ""character team,"" digitally sculpted, rigged, and shaded all of the characters, and a simulation team was responsible for developing simulation technology for hair and clothing.[34] There were at least 781 visual effects shots in the film, and they were quite often visual gags, such as the window shattering when Bob angrily shuts the car door. Additionally, the effects team improved their modeling of clouds, using volumetric rendering for the first time.[34]
 The skin of the characters gained a new level of realism from a technology to mimic ""subsurface scattering.""[35] The challenges did not stop with modeling humans. Bird decided that in a shot near the film's end, baby Jack-Jack would have to undergo a series of transformations, and in one of the five planned he would turn himself into a kind of goo. Technical directors, who anticipated spending two months or even longer to work out the goo effect, stealing precious hours from production that had already entered its final and most critical stages, petitioned the film's producer, John Walker, for help. Bird, who had himself brought Walker over from Warner Bros. to work on the project, was at first immovable, but after arguing with Walker in several invective-laced meetings over the course of two months, Bird finally conceded.[39] Bird also insisted that the storyboards define the blocking of characters' motions, lighting, and camera movements, which had previously been left to other departments rather than storyboarded.[14]
 Bird admitted that he ""had the knees of [the studio] trembling under the weight"" of The Incredibles, but called the film a ""testament to the talent of the animators at Pixar,"" who were admiring the challenges the film provoked.[34] He recalled, ""Basically, I came into a wonderful studio, frightened a lot of people with how many presents I wanted for Christmas, and then got almost everything I asked for.""[36]
 The Incredibles is the first Pixar film to be scored by Michael Giacchino. Brad Bird was looking for a specific sound as inspired by the film's retrofuturistic design – the future as seen from the 1960s. John Barry was the first choice to do the film's score, with a trailer of the film given a rerecording of Barry's theme to On Her Majesty's Secret Service. However, Barry did not wish to duplicate the sound of some of his earlier soundtracks;[40] the assignment was instead given to Giacchino.[41] Giacchino noted that recording in the 1960s was largely different from modern day recording and Dan Wallin, the recording engineer, said that Bird wanted an old feel, and as such the score was recorded on analog tapes. Wallin noted that brass instruments, which are at the forefront of the film's score, sound better on analog equipment rather than digital. Wallin came from an era in which music was recorded, according to Giacchino, ""the right way,"" which consists of everyone in the same room, ""playing against each other and feeding off each other's energy."" Many of Giacchino's future soundtracks followed suit with this style of mixing. Tim Simonec was the conductor/orchestrator for the score's recording.[42]
 The film's orchestral score was released on November 2, 2004, by Walt Disney Records, three days before the film opened in theaters. It won numerous awards for best score including Los Angeles Film Critics Association Award, BMI Film & TV Award, ASCAP Film and Television Music Award, Annie Award, Las Vegas Film Critics Society Award and Online Film Critics Society Award and was nominated for Grammy Award for Best Score Soundtrack for Visual Media, Satellite Award and Broadcast Film Critics Association Award.[43]
 Several film reviewers drew precise parallels between the film and certain superhero comic books, like Powers, Watchmen, Fantastic Four, Justice League, and The Avengers. The producers of the 2005 adaptation of Fantastic Four were forced to make significant script changes and add more special effects because of similarities to The Incredibles.[44] Bird was not surprised that comparisons arose due to superheroes being ""the most well-trod turf on the planet,"" but noted that he had not been inspired by any comic books specifically, only having heard of Watchmen. He did comment that it was nice to be compared to it, since ""if you're going to be compared to something, it's nice if it's something good"".[16]
 Some commentators took Bob's frustration with celebrating mediocrity and Syndrome's comment that ""when everyone's super, no one will be"" as a reflection of views shared by German philosopher Friedrich Nietzsche or an extension of Russian-American novelist Ayn Rand's Objectivism philosophy, which Bird felt was ""ridiculous.""[9][16] He stated that a large portion of the audience understood the message as he intended whereas ""two percent thought I was doing The Fountainhead or Atlas Shrugged."" Some purported that The Incredibles exhibited a right-wing bias, which Bird also scoffed at. ""I think that's as silly of an analysis as saying The Iron Giant was left-wing. I'm definitely a centrist and feel like both parties can be absurd.""[9]
 The film also explored Bird's dislike for the tendency of the children's comics and Saturday morning cartoons of his youth to portray villains as unrealistic, ineffectual, and non-threatening.[45] In the film, Dash and Violet have to deal with villains who are perfectly willing to use deadly force against children.[46] On another level, both Dash and Violet display no emotion or regret at the deaths of those who are trying to kill them, such as when Dash outruns pursuers who crash their vehicles while chasing him, or when both of them witness their parents destroy several attacking vehicles with people inside, in such a manner that the deaths of those piloting them is undeniable. Despite disagreeing with some analysis, Bird felt it gratifying for his work to be considered on many different levels, which was his intention: ""The fact that it was written about in the op/ed section of The New York Times several times was really gratifying to me. Look, it's a mainstream animated movie, and how often are those considered thought provoking?""[9]
 A teaser trailer of The Incredibles premiered on May 30, 2003, and was attached to the screenings of Finding Nemo.[47] Several companies released promotional products related to the film. In the weeks before the film's opening, there were also promotional tie-ins with SBC Communications (using Dash to promote the ""blazing-fast speed"" of its SBC Yahoo! DSL service) Tide, Downy, Bounce and McDonald's.[48] Dark Horse Comics released a limited series of comic books based on the film.[49] Toy maker Hasbro produced a series of action figures and toys based on the film.[50] Kellogg's released an Incredibles-themed cereal, as well as promotional Pop-Tarts and fruit snacks, all proclaiming an ""Incrediberry Blast"" of flavor.[51] Pringles included potato chips featuring the superheroes and quotes from the film.[52][53] In July 2008, it was announced that a series of comic books based on the film would be published by BOOM! Studios in collaboration with Disney Publishing by the end of the year.[54] The first miniseries by BOOM! was The Incredibles: Family Matters by Mark Waid and Marcio Takara, which was published from March to June 2009[citation needed] and collected into a trade paperback published in July of that year.[55]
 The Incredibles was released theatrically in the United States on November 5, 2004.[56] In theaters, The Incredibles was accompanied by a short film, Boundin' (2003).[57] The theatrical release also included sneak peeks for Cars and Star Wars: Episode III – Revenge of the Sith.[58] While Pixar celebrated another triumph with The Incredibles, Steve Jobs was embroiled in a public feud with the head of its distribution partner, The Walt Disney Company.[59] This would eventually lead to the ousting of Michael Eisner and Disney's acquisition of Pixar the following year. In March 2014, Disney CEO and chairman Bob Iger announced that the film would be reformatted and re-released in 3D.[60] The Incredibles was re-released and digitally re-mastered for IMAX theaters (alongside its sequel, Incredibles 2) using their DMR Technology in a double feature on June 14, 2018.[61]
 As part of Disney's 100th anniversary The Incredibles was re-released between September 1 to 14, 2023 in the United States[62] and October 5 to 11 in Latin America.[63]
 The film was first released on both VHS and a two-disc collector's edition DVD set on March 15, 2005.[64][65] The DVD set was THX certified,[66] consisted of widescreen and a pan and scan fullscreen versions and included two newly commissioned Pixar short films, Jack-Jack Attack and Mr. Incredible and Pals, which were made specifically for this home-video release, and Boundin', a Pixar short film that premiered alongside the feature film in its original theatrical release.[66][67][68] The VHS release only featured the short, Boundin'. It was the highest-selling DVD of 2005, with 17.38 million copies sold.[69] The film was also released on UMD for the Sony PSP.[70] Disney released the film on Blu-ray in North America on April 12, 2011,[71] and on 4K UHD Blu-ray on June 5, 2018; this marks Disney's first 4K Blu-ray reissue on the format.[72]
 The Incredibles earned $261.4 million in the United States and Canada and $370.1 million in other territories, for a worldwide total of $631.6 million.[3] It was the fourth-highest-grossing film of 2004, behind Shrek 2, Harry Potter and the Prisoner of Azkaban and Spider-Man 2.[73]
 The Incredibles was released with Alfie on November 5, 2004. It debuted earning $70.7 million from 3,933 theaters.[4][74] This made it the second-highest opening weekend for an animated film, trailing only behind Shrek 2. The film opened in the number #1 spot at the box office, dominating Saw, The Grudge, Shark Tale, Ray, Ladder 49 and other films. Despite its opening, the overall Hollywood revenues fell, continuing a box office slump that had lingered for most of the fall season. The top 12 movies took in $136.1 million down to 5% from the same weekend the previous year, just after the openings of The Matrix Revolutions and Elf.[75] For 15 years, The Incredibles had the biggest November opening weekend for an animated film until it was dethroned by Frozen II in 2019.[76] It continued to rule the box office while staying ahead of The Polar Express. Its second weekend earnings dropped by 28% to $51 million,[77][78] and followed by another $26 million the third weekend.[79] The Incredibles completed its theatrical run in the United States and Canada on April 14, 2005.[80]
 On the review aggregator website Rotten Tomatoes, 97% of 248 critics' reviews are positive, with an average rating of 8.4/10. The website's consensus reads: ""Bringing loads of wit and tons of fun to the animated superhero genre, The Incredibles easily lives up to its name.""[81] Metacritic, which uses a weighted average, assigned the film a score of 90 out of 100, based on 41 critics, indicating ""universal acclaim"".[82] Audiences polled by CinemaScore gave the film a rare average grade of ""A+"" on an A+ to F scale, making it Pixar's fourth (consecutive) film to receive this grade (after Toy Story 2, Monsters, Inc., and Finding Nemo).[83]
 Roger Ebert of the Chicago Sun-Times gave the film three-and-a-half out of four, writing that the film ""alternates breakneck action with satire of suburban sitcom life"" and is ""another example of Pixar's mastery of popular animation.""[84] Peter Travers of Rolling Stone also gave the film three-and-a-half, calling it ""one of the year's best"" and saying that it ""doesn't ring cartoonish, it rings true.""[85] Giving the film three-and-a-half as well, People magazine found that The Incredibles ""boasts a strong, entertaining story and a truckload of savvy comic touches.""[86]
 Eleanor Ringel Gillespie of The Atlanta Journal-Constitution was bored by the film's ""recurring pastiches of earlier action films"", concluding that ""the Pixar whizzes do what they do excellently; you just wish they were doing something else.""[87] Jessica Winter of The Village Voice criticized the film for ""playing as a standard summer action film"", despite being released in early November. Her review, titled as ""Full Metal Racket,"" noted that The Incredibles ""announces the studio's arrival in the vast yet overcrowded Hollywood lot of eardrum-bashing, metal-crunching action sludge.""[88] Laura Clifford of Reeling Reviews gave the film an A- and said, ""Mix X-Men with True Lies and Spy Kids then add the retro design of The Powerpuff Girls all tied together with the magical technology of Pixar.""[89] In a positive review, Jennifer Frey of The Washington Post explained that ""the movie is full of wonderful little touches: Syndrome, the bad guy, is drawn to remind viewers of Heat Miser from the classic Christmas cartoon The Year Without a Santa Claus. As always, Pixar excels with its animation, but what makes this family film even more appealing is the smartness of the script, which is clearly written, end to end, to appeal to adults as well as children.""[90]
 The Incredibles was included on a number of best-of lists. It appeared on professional rankings from The Guardian based on retrospective appraisal, as one of the greatest films of the twenty-first century.[91] Travers also named it as number 6 on his list of the decade's best films.[92] Several publications have listed it as one of the best animated films, including: Entertainment Weekly (2009),[93] IGN (2010),[94] Insider, USA Today, Elle (all 2018),[95][96][97] Rolling Stone (2019),[98] Parade, Complex, Time Out New York, and Empire (all 2021).[b] The Incredibles appeared on several lists of the best superhero films, by outlets including: Time (2011),[103] Paste, Vulture, Marie Claire (all 2019),[104][105][106] IGN (2020),[107] Esquire, The Indian Express, and Parade (all 2021).[108][109][110] In December 2021, the film's screenplay was listed number 48 on the Writers Guild of America's ""101 Greatest Screenplays of the 21st Century (So Far)"".[111] Others have named it one of the best conservative films,[112] best action films,[113][114] and best political films.[115]
 The Incredibles led the 77th Academy Awards season with four nominations (including Best Original Screenplay and Sound Mixing). It received two Oscars: Best Animated Feature and Sound Editing.[116] Joe Morgenstern of The Wall Street Journal called The Incredibles the year's best picture.[16] Premiere magazine released a cross-section of all the top critics in America and The Incredibles placed at number three, whereas review aggregation website Rotten Tomatoes cross-referenced reviews that suggested it was its year's highest-rated film.[16]
 The film also received the 2004 Annie Award for Best Animated Feature and the 2005 Hugo Award for Best Dramatic Presentation, Long Form, and it was nominated for the 2004 Golden Globe Award for Best Motion Picture – Musical or Comedy. It also won the Saturn Award for Best Animated Film. The American Film Institute included it as one of the top 10 films of 2004.[117]
 It was included on Empire's 500 Greatest Films of All Time at number 400.[118]
 It has received several game adaptations: The Incredibles (2004), The Incredibles: When Danger Calls (2004),[119] and The Incredibles: Rise of the Underminer (2005).[120] Kinect Rush: A Disney–Pixar Adventure (2012) features characters and worlds from five Pixar films, including The Incredibles.[121][122] Disney Infinity (2013) includes The Incredibles playset featuring the film's playable characters.[123] Lego The Incredibles was released in June 2018.[124]
 A sequel, titled Incredibles 2, was released on June 15, 2018[125] and was once again a critical and commercial success, although it was considered inferior in comparison to its predecessor.[126]",5152,"Main page; Contents; Current events; About Wikipedia; Help; Learn to edit; Community portal; Upload file; ; learn more; Article; Talk; Read; Read; Upload file; ; ; The Incredibles (disambiguation); ; Brad Bird; John Walker; Craig T. Nelson; Holly Hunter; Sarah Vowell; Spencer Fox; Jason Lee; Samuel L. Jackson; Elizabeth Peña; Patrick Lin; Janet Lucroy; Stephen Schaffer; Michael Giacchino; Pixar Animation Studios; Buena Vista Pictures Distribution; El Capitan Theatre; superhero film; Pixar Animation Studios; Walt Disney Pictures; Brad Bird; Craig T. Nelson; Holly Hunter; Sarah Vowell; Spencer Fox; Jason Lee; Samuel L. Jackson; Elizabeth Peña; retro-futuristic; Bob; Helen Parr; spy films; Warner Bros.; The Iron Giant; Michael Giacchino; film's orchestral score; El Capitan Theatre; fourth-highest-grossing film of 2004; Best Animated Feature; Best Sound Editing; 77th Academy Awards; Best Original Screenplay; Best Sound Mixing; Annie Award for Best Animated Feature; Hugo Award for Best Dramatic Presentation; Incredibles 2; Elastigirl; Mr. Incredible; Buddy Pine; Violet; Dash; Jack-Jack; claims adjuster; moonlighting; Frozone; Gilbert Huph; Mirage; Omnidroid; Edna Mode; beacon; Underminer; List of The Incredibles characters; ; Craig T. Nelson; superhuman strength; Holly Hunter; shapeshift; Sarah Vowell; force fields; Spencer Fox; superhuman speed; Jason Lee; Samuel L. Jackson; humidity; Elizabeth Peña; Brad Bird; Teddy Newton; Jean Sincere; Bud Luckey; Rick Dicker; Wallace Shawn; Lou Romano; Tony Rydinger; Kari; John Ratzenberger; ; Brad Bird; Warner Bros. Feature Animation; The Iron Giant; spy films; 2D cel animation; box office bomb; John Lasseter; Pixar; CalArts; computer animation; Hayao Miyazaki; Studio Ghibli; Holly Hunter; Craig T. Nelson; The District; Spencer Fox; Brad Bird; Pixar; Samuel L. Jackson; Lily Tomlin; Sarah Vowell; National Public Radio; This American Life; 3D; CGI; Teddy Newton; Disney's Nine Old Men; Monsters, Inc.; Pete Docter; McKinsey Quarterly; subsurface scattering; storyboards; The Incredibles (soundtrack); Michael Giacchino; retrofuturistic; John Barry; trailer; On Her Majesty's Secret Service; Walt Disney Records; Los Angeles Film Critics Association Award; BMI Film & TV Award; ASCAP; Annie Award; Online Film Critics Society Award; Grammy Award for Best Score Soundtrack for Visual Media; Satellite Award; Broadcast Film Critics Association Award; Powers; Watchmen; Fantastic Four; Justice League; The Avengers; 2005 adaptation; Friedrich Nietzsche; Russian-American; Ayn Rand; Objectivism; The Fountainhead; Atlas Shrugged; centrist; op/ed; The New York Times; Finding Nemo; SBC Communications; SBC Yahoo! DSL; Tide; Downy; Bounce; McDonald's; Dark Horse Comics; Hasbro; Kellogg's; Pop-Tarts; Pringles; BOOM! Studios; Mark Waid; Marcio Takara; citation needed; trade paperback; Boundin'; Cars; Star Wars: Episode III – Revenge of the Sith; Steve Jobs; The Walt Disney Company; Michael Eisner; Bob Iger; 3D; IMAX; Incredibles 2; VHS; collector's edition; DVD; THX; pan and scan; Pixar; Jack-Jack Attack; Mr. Incredible and Pals; home-video; UMD; Sony PSP; Blu-ray; 4K UHD Blu-ray; fourth-highest-grossing film of 2004; Shrek 2; Harry Potter and the Prisoner of Azkaban; Spider-Man 2; Alfie; Saw; The Grudge; Shark Tale; Ray; Ladder 49; The Matrix Revolutions; Elf; Frozen II; The Polar Express; review aggregator; Rotten Tomatoes; Metacritic; weighted average; CinemaScore; Toy Story 2; Monsters, Inc.; Finding Nemo; Roger Ebert; Chicago Sun-Times; Peter Travers; Rolling Stone; People; The Atlanta Journal-Constitution; The Village Voice; X-Men; True Lies; Spy Kids; The Powerpuff Girls; Jennifer Frey; The Washington Post; Christmas; The Year Without a Santa Claus; The Guardian; Entertainment Weekly; IGN; Insider; USA Today; Elle; Rolling Stone; Parade; Complex; Time Out New York; Empire; Time; Paste; Vulture; Marie Claire; Esquire; The Indian Express; Writers Guild of America; List of Pixar awards and nominations § The Incredibles; 77th Academy Awards; Best Original Screenplay; Sound Mixing; Best Animated Feature; Sound Editing; Annie Award for Best Animated Feature; Hugo Award; Best Dramatic Presentation, Long Form; Golden Globe Award; Best Motion Picture – Musical or Comedy; Saturn Award; Best Animated Film; American Film Institute; top 10 films of 2004; The Incredibles; The Incredibles: When Danger Calls; The Incredibles: Rise of the Underminer; Kinect Rush: A Disney–Pixar Adventure; Disney Infinity; Lego The Incredibles; Incredibles 2; Buena Vista Pictures Distribution; Walt Disney Pictures; AFI Catalog of Feature Films; American Film Institute; British Board of Film Classification; Box Office Mojo; IMDb; Los Angeles Times; ThisIsInsider.com; Insider Inc.; Star 104.5; Blu-ray Disc; Michael Barrier; NPR; Screen Rant; The Walt Disney Company; Blu-ray Disc; The New York Times; Advertising Age; IGN; Variety; St. James, Emily; Vox; Variety; Forbes; hive4media.com; The Jersey Journal; Newspapers.com; ; IGN; Engadget; Media Play News; The Numbers; People; Los Angeles Times; Variety; People; Box Office Mojo; Rotten Tomatoes; Fandango Media; Metacritic; Fandom, Inc.; The Hollywood Reporter; Ebert, Roger; Chicago Sun-Times; The Village Voice; The Washington Post; Bradshaw, Peter; The Guardian; Bernardin, Marc; Entertainment Weekly; IGN; Insider; USA Today; Elle; Rolling Stone; Parade; Complex; Time Out New York; Empire; Time; Paste; Vulture; Marie Claire; IGN; Esquire; The Indian Express; Parade; Deadline Hollywood; National Review; Bernardin, Marc; Entertainment Weekly; The Guardian; Hornaday, Ann; The Washington Post; The New York Times; Associated Press; Empire; IGN; GamesMaster; GamesRadar+; Engadget; Wired; USA Today; Polygon; The Hollywood Reporter; ISSN; Alfred A. Knopf; ISBN; Chronicle Books; ISBN; IMDb; TCM Movie Database; AllMovie; Wayback Machine; v; t; The Incredibles; Incredibles 2; ; The Incredibles; Rise of the Underminer; Lego The Incredibles; Rush: A Disney–Pixar Adventure; Disney Infinity; Disney Magic Kingdoms; Disney Mirrorverse; Fall Guys; Fortnite; Jack-Jack Attack; Mr. Incredible and Pals; The Incredibles; Incredibles 2; Characters; Bob Parr; Helen Parr; Dash Parr; Violet Parr; Edna Mode; Incredicoaster; Hero Zone; Suddenly Super: A Twisted Tale; v; t; Disney theatrical animated features; Walt DisneyAnimation Studios; Snow White and the Seven Dwarfs; Pinocchio; Fantasia; Dumbo; Bambi; Saludos Amigos; The Three Caballeros; Make Mine Music; Fun and Fancy Free; Melody Time; The Adventures of Ichabod and Mr. Toad; Cinderella; Alice in Wonderland; Peter Pan; Lady and the Tramp; Sleeping Beauty; One Hundred and One Dalmatians; The Sword in the Stone; The Jungle Book; The Aristocats; Robin Hood; The Many Adventures of Winnie the Pooh; The Rescuers; 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Stone; Bram Stoker's Dracula; Gary Rydstrom; Richard Hymns; Jurassic Park; Stephen Hunter Flick; Speed; Lon Bender; Per Hallberg; Braveheart; Bruce Stambler; The Ghost and the Darkness; Tom Bellfort; Christopher Boyes; Titanic; Gary Rydstrom; Richard Hymns; Saving Private Ryan; Dane Davis; The Matrix; Jon Johnson; U-571; George Watters II; Christopher Boyes; Pearl Harbor; Mike Hopkins; Ethan Van der Ryn; The Lord of the Rings: The Two Towers; Richard King; Master and Commander: The Far Side of the World; Michael Silvers; Randy Thom; Mike Hopkins; Ethan Van der Ryn; King Kong; Bub Asman; Alan Robert Murray; Letters from Iwo Jima; Karen Baker Landers; Per Hallberg; The Bourne Ultimatum; Richard King; The Dark Knight; Paul N. J. Ottosson; The Hurt Locker; Richard King; Inception; Eugene Gearty; Philip Stockton; Hugo; Per Hallberg; Karen Baker Landers; Skyfall; Paul N. J. 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Klaus; Soul; The Mitchells vs. the Machines; Guillermo del Toro's Pinocchio; Spider-Man: Across the Spider-Verse; v; t; Annie Award for Outstanding Achievement for Animated Effects in an Animated Production; Hercules; Mulan; The Iron Giant; Fantasia 2000; Shrek; Spirit: Stallion of the Cimarron; Finding Nemo; Wallace & Gromit: The Curse of the Were-Rabbit; Flushed Away; Surf's Up; Kung Fu Panda; The Princess and the Frog; How to Train Your Dragon; The Adventures of Tintin; Rise of the Guardians; The Croods; Big Hero 6; The Good Dinosaur; Moana; Coco; Ralph Breaks the Internet; Frozen 2; Transformers: Dark of the Moon; The Avengers; Pacific Rim; Edge of Tomorrow; Avengers: Age of Ultron; Doctor Strange; Soul; The Mitchells vs. the Machines; Avatar: The Way of Water; Spider-Man: Across the Spider-Verse; v; t; Critics' Choice Movie Award for Best Animated Feature; A Bug's Life; John Lasseter; Andrew Stanton; The Prince of Egypt; Simon Wells; Brenda Chapman; Steve Hickner; Toy Story 2; John Lasseter; 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The Rescuers Down Under; Beauty and the Beast; Aladdin; The Nightmare Before Christmas; The Lion King; Toy Story; James and the Giant Peach; Anastasia; The Prince of Egypt; The Iron Giant; Chicken Run; Shrek; Spirited Away; Finding Nemo; Wallace & Gromit: The Curse of the Were-Rabbit; Happy Feet; Ratatouille; WALL-E; Up; Toy Story 3; Rango; ParaNorman; Frozen; The Lego Movie; Inside Out; Zootopia; Coco; Isle of Dogs; Toy Story 4; Soul; Encanto; Guillermo del Toro's Pinocchio; The Boy and the Heron; v; t; Florida Film Critics Circle Award for Best Animated Film; The Iron Giant; Chicken Run; Shrek; Spirited Away; Finding Nemo; Wallace & Gromit: The Curse of the Were-Rabbit; Monster House; Ratatouille; WALL-E; Up; Toy Story 3; The Adventures of Tintin: The Secret of the Unicorn; Frankenweenie; Frozen; The Lego Movie; Inside Out; Kubo and the Two Strings; Coco; Mirai; I Lost My Body; Soul; Encanto; Turning Red; The Boy and the Heron; v; t; Hugo Award for Best Dramatic Presentation, Long Form; 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The Boy and the Heron; v; t; National Board of Review Award for Best Animated Feature; Chicken Run; Shrek; Spirited Away; Finding Nemo; Corpse Bride; Cars; Ratatouille; WALL-E; Up; Toy Story 3; Rango; Wreck-It Ralph; The Wind Rises; How to Train Your Dragon 2; Inside Out; Kubo and the Two Strings; Coco; Incredibles 2; How to Train Your Dragon: The Hidden World; Soul; Encanto; Marcel the Shell with Shoes On; Spider-Man: Across the Spider-Verse; v; t; New York Film Critics Circle Award for Best Animated Film; The Iron Giant; South Park: Bigger, Longer & Uncut; Chicken Run; Waking Life; Spirited Away; The Triplets of Belleville; Howl's Moving Castle; Happy Feet; Persepolis; WALL-E; Fantastic Mr. Fox; The Illusionist; Frankenweenie; The Wind Rises; The Lego Movie; Inside Out; Zootopia; Coco; Spider-Man: Into the Spider-Verse; I Lost My Body; Wolfwalkers; The Mitchells vs. the Machines; Marcel the Shell with Shoes On; The Boy and the Heron; v; t; Online Film Critics Society Award for Best Animated Film; 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Shrek (film),https://fr.wikipedia.org/wiki/Shrek_(film),"Pour les articles homonymes, voir Shrek.
 Pour l’article ayant un titre homophone, voir nadege.
 Mike MyersEddie MurphyCameron Diaz
 Série Shrek Shrek 2(2004) 
 Pour plus de détails, voir Fiche technique et Distribution. modifier  Shrek est un film d'animation américain en images de synthèse réalisé par Andrew Adamson et Vicky Jenson et sorti en 2001. Produit par DreamWorks Animation, ce film pour enfant est une parodie de contes de fées adaptée du livre illustré Shrek ! de William Steig, paru en 1990.
 Le film remporte un succès fulgurant et permet à DreamWorks (cofondé par Steven Spielberg) de se poser en grand rival de Pixar (à l'époque dirigé par Steve Jobs) dans le domaine de l'animation surtout en 3D[1]. Cet engouement pour Shrek conduit ses producteurs à en faire une franchise. Ainsi trois suites voient le jour : Shrek 2, Shrek le troisième et Shrek 4, cinq courts-métrages (Shrek 3D, Joyeux Noël Shrek !, Shrek, fais-moi peur !, Le Noël Shrektaculaire de l'Âne et Zombi Shrek), des films dérivés (Le Chat potté et Le Chat potté 2 : La Dernière Quête) ainsi qu'une comédie musicale Shrek the Musical a même vu le jour en 2008.
 Le film est sélectionné en compétition au festival de Cannes 2001 et est le premier film à recevoir l'Oscar du meilleur film d'animation, en 2002.
 En 2020, le film est sélectionné par la National Film Registry de la Bibliothèque du Congrès pour y être conservé, comme étant « culturellement, historiquement ou esthétiquement important », et devient ainsi le premier film d'animation DreamWorks et le premier long métrage d'animation non produit ou distribué par Disney à recevoir cet honneur[2].
 Le film Shrek 5 est prévu pour le 1er juillet 2026[3].
 Un ogre laid et misanthrope, Shrek, vit tranquille et heureux dans la saleté au milieu d'un marais qu'il croit un havre de paix. Mais un jour, son espace est envahi de créatures de contes de fées expulsées par le tyrannique Lord Farquaad. Shrek, flanqué de L'âne très bavard, part demander des comptes au seigneur. Mais celui-ci le charge d'aller secourir la princesse Fiona prisonnière en haut d'un donjon gardé par un dragon et de la lui ramener pour l'épouser et devenir roi, en échange de l'expulsion des squatteurs de son marais. Or, la princesse Fiona cache un secret terrifiant qui va entraîner Shrek et son compagnon l'âne dans une palpitante et périlleuse aventure.
 Un ogre laid et misanthrope, Shrek (voix anglaise Mike Myers, voix française Alain Chabat), vit tranquille et heureux dans la saleté au milieu d'un marais. Un soir, l'ogre chasse des villageois venus le capturer dans le cadre de la traque des créatures enchantées des contes de fées contre récompense. Le lendemain, un âne bavard (voix anglaise Eddie Murphy, voix française Med Hondo) mis en vente par sa propriétaire aux autorités prend la fuite, pourchassé par les soldats. Mais il rencontre l'ogre qui met en déroute les soldats.
 L'Âne, impressionné par Shrek, l'accompagne jusque chez lui, le considérant comme un nouvel ami pour éviter de rester seul. Mais une fois rentré chez lui, l'ogre chasse son collant compagnon hors de sa maison. Le soir-même, son domaine est envahi par une nuée d'horripilantes créatures de contes de fées, sept nains, trois ours, un pantin, trois fées, et moult sorcières, princes charmants, princesses… Les importuns sont arrivés là parce qu'ils ont été, disent-ils, expulsés par le tyrannique Lord Farquaad. L'ogre demande dès lors un volontaire pour lui indiquer le chemin vers le seigneur. L'Âne se porte volontaire… à son grand regret. Tous deux se mettent en route.
 Au château, Lord Farquaad doit épouser une princesse pour devenir roi. Le Miroir Magique lui propose de choisir entre Cendrillon, Blanche-Neige et Fiona. Le souverain choisit cette dernière, mais elle est enfermée en haut du donjon d'un château, situé dans un volcan gardé par un dragon. Le seigneur organise alors un tournoi pour déterminer qui ira la sauver pour la lui ramener. Au matin suivant, Shrek et l'Âne arrivent au château du Lord le jour du tournoi. Mais avant que Farquaad ne lance la compétition, il voit l'ogre s'avancer au milieu de l'arène et ordonne à ses combattants de l'affronter. Mais l'ogre les neutralise facilement avec un peu d'aide de l'Âne pour le plaisir des spectateurs. Une fois le combat terminé, les archers ciblent Shrek et attendent les ordres du seigneur. Mais ce dernier décide de déclarer l'ogre vainqueur et le charge d'aller secourir la princesse. Shrek accepte la quête à condition que Farquaad chasse les squatteurs de son marais. Shrek et l'Âne se mettent en route.
 Plus tard, les deux compagnons arrivent au château retenant la princesse et se séparent. Mais l'Âne trouve le dragon qui le pourchasse. Shrek attrape la queue du dragon pour tenter de sauver l'Âne, mais ce dernier le balance directement dans la plus haute tour du château, où se trouve la chambre de la princesse Fiona. Pendant ce temps-là, l'Âne, apeuré, découvre la féminité de la bête qui tombe amoureuse de lui et se rendent tous les deux dans la grande salle. Pendant ce temps, Shrek réveille Fiona qui s'attendait au fameux baiser et la sort du donjon pour retrouver l'Âne auprès de la dragonne. Shrek enchaîne la bête et prend la fuite avec la princesse et l'Âne hors du château. La dragonne, prisonnière, est malheureuse de se retrouver à nouveau seule. Fiona fait part de sa surprise lorsqu'elle découvre que c'est un ogre avec peu de manière qui l'a libérée dans le cadre d'un marché avec son ""futur époux"" et refuse de bouger pour le retrouver. Refusant de jouer les messagers après tout ce qu'il a traversé, l'ogre la porte sur le dos et ils repartent. Mais, pour l'ogre, le retour s'annonce difficile car la princesse est, comme il se doit, incurablement bien élevée, raffinée et romantique... Cependant, chemin faisant, elle commence à trouver, malgré ses rots et les pets, quelques attraits à l'ogre mal léché...
 Le soir, Fiona ordonne à Shrek et l'Âne de s'arrêter pour la nuit et de lui trouver un abri. Pendant la nuit, Shrek fait part à l'Âne du fait qu'il est fatigué que les gens le prennent pour un monstre, conversation entendue par Fiona depuis son abri. Le lendemain, Fiona fait des œufs au plat au petit déjeuner pour remercier le duo de l'avoir sortie de sa prison. Plus tard, au cours de la journée de marche, Fiona montre ses talents pour le kung-fu en combattant la bande de Robin des Bois. Mais Shrek a reçu une flèche perdue dans le derrière qu'elle doit enlever rapidement, au plus grand dam de Shrek. La suite de la journée montre la forte complicité entre Shrek et Fiona. Mais en arrivant au moulin en vue du château de Lord Farquaad, la princesse demande de s'arrêter pour la nuit.
 Les deux protagonistes partagent un dîner complice, mais sont interrompus par l'Âne qui annonce que le soleil se couche. La princesse, affolée, se réfugie dans le moulin en leur souhaitant bonne nuit. Shrek s'isole, tandis que l'Âne se rend dans le moulin et découvre le terrible secret de Fiona : depuis son enfance, elle est victime d'un sortilège qui, la nuit tombée, la transforme en ogresse, et auquel seul un baiser d'amour peut le rompre. Shrek s'approche du moulin avec des fleurs et entend alors Fiona parler de « bête hideuse et repoussante » en se confiant à l'Âne. Croyant à tort qu'elle faisait allusion à lui, l'ogre s'éloigne, le cœur brisé. L'Âne conseille à Fiona de tout raconter à Shrek, certain qu'il comprendra sa situation. Mais quand cette dernière décide de le faire, le matin est arrivé et elle reprend sa forme normale. Mais à ce moment-là, Shrek, très fâché, la livre à Lord Farquaad. La princesse, bien qu'elle soit embarrassée par la petite taille du seigneur, accepte de l'épouser en ajoutant une condition : ils doivent se marier le jour-même, avant la nuit tombante.
 L'ogre, ayant rempli son contrat, rentre seul dans son marais, calme, très malheureux et dépressif après avoir envoyé paître l'Âne. C'est alors que l'Âne le rejoint, et, après avoir dissipé le malentendu, lui fait comprendre que Fiona l'aime et qu'il faut la sauver du mariage malheureux qui se profile. Heureusement, l'Âne fait appel à la dragonne avec qui il a sympathisé dans la solitude, pour se rendre au château de Farquaad. Lors de l'échange des vœux, Shrek entre dans l'église du château pour faire part de son opposition au mariage. Il tente de prévenir une Fiona furieuse sur la vérité du mariage et l'unique désir de Farquaad de devenir roi. Voulant comprendre les motivations personnelles de Shrek d'empêcher le mariage, Farquaad comprend avec l'hilarité générale de son peuple que l'ogre est tombé amoureux de la princesse. Comprenant la vérité, Fiona doute au moment d'embrasser Farquaad, et prend finalement sa décision. Elle finit par avouer son secret à Shrek et la totalité des sujets présents, en se transformant en ogresse une fois le soleil couché. Shrek comprend alors de quoi elle voulait parler en parlant de « bête hideuse », mais le Lord, horrifié, fait arrêter Shrek et Fiona. Shrek, se défendant, appelle ensuite l'Âne et la dragonne, qui dévore Farquaad. Le Lord vaincu, Shrek et Fiona s'avouent leur amour et s'embrassent, ce qui a pour effet que le sort de Fiona se scelle, cette dernière devenant définitivement une ogresse.
 Les deux amants retournent finalement au marais et s'y marient avec les créatures magiques pour convives.
 La silhouette du personnage de Shrek semble être inspirée d'un personnage réel (même si la société de production ne l'a jamais confirmé) : il s'agit de Maurice Tillet (1903-1954)[4], un lutteur professionnel français émigré aux États-Unis atteint, à l'âge de 20 ans, d'acromégalie[4]. Une des scènes (Shrek contre tous les chevaliers) est inspirée d'un combat de catch[réf. nécessaire]. L'Âne, lui, a été modelé à partir de Périclès, un véritable âne miniature repéré au Barron Park à Palo Alto[5].
 Le nom « Shrek » est une translittération en caractères latins du yiddish « שרעק », issu du mot allemand « Schreck » et qui signifie « peur, effroi, sursaut ». En outre, l'adjectif allemand « schrecklich » signifie ""affreux"", ce qui renvoie au physique du personnage éponyme. Shrek pourrait également être un clin d’œil à Max Schreck, acteur allemand qui interpréta Nosferatu le vampire en 1922[6].
 Robin Williams, qui a travaillé pour Jeffrey Katzenberg (cofondateur de Dreamworks) dans le film Aladdin, révèle dans un entretien qu'il a refusé de participer au film parce qu'il ne voulait pas travailler à nouveau pour Katzenberg. Il ne dit pas quelle voix il a refusé d'interpréter[7].
 Chris Farley décède alors qu'il a enregistré près de 90 % des répliques du personnage Shrek. DreamWorks propose alors à Mike Myers de reprendre le rôle, celui-ci exige que le script soit réécrit pour ne laisser aucune trace de la version de Farley. Une fois fini, Myers demande à enregistrer une autre version, avec cette fois un accent écossais similaire à celui de sa mère quand elle lui racontait des histoires[8]. (Myers a également pris l'accent écossais pour les personnages de Stuart MacKenzie dans le film Quand Harriet découpe Charlie ! ainsi que Gras-Double dans les films Austin Powers 2 : L'Espion qui m'a tirée et Austin Powers dans Goldmember).
 Le comédien Emmanuel Curtil était à l'origine choisi pour interpréter le personnage de Shrek en français. Alors que les enregistrements étaient terminés, les studios DreamWorks commandent un nouveau doublage avec Alain Chabat en remplacement de Curtil, pour des raisons commerciales[9].
 
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 modifier  Outre-Atlantique Shrek reçoit des notes et critiques généralement positives. Le site Rotten Tomatoes rapporte un taux de critiques positives à 88 % basé sur 205 critiques, et une note moyenne de 7,8⁄10[11].
 En France aussi la critique est élogieuse. Le site Allociné indique une note moyenne de 4.3⁄5 pour 23 critiques recueillies[12].
 En France le film est un succès populaire, il enregistre plus de 4 millions d'entrées. C'est le 9e film le plus vu en 2001. Sur le plan mondial le film rapporte près d'un milliard de dollars. Il avait couté 60 millions. Taux de rentabilité 1 664 %[13].
 Le film remporte 11 573 015 $ lors de sa première diffusion et 42 347 760 $ lors de sa première semaine de diffusion, atteignant ainsi le box office avec en moyenne 11 805 $ dans 3 587 salles de cinéma. Durant la deuxième semaine, le film remporte 0,3 % de 42 481 425 et 55 215 620 $ durant les quatre premiers jours. Malgré ces résultats, le film est classé second derrière Pearl Harbor avec une moyenne de 15 240 $ dans 3 623 salles. Le film arrête sa diffusion le 6 décembre 2001 aux États-Unis après avoir remporté 267 665 011 $ et 216 744 207 hors frontières américaines, remportant donc un franc succès avec un total de 484 409 218 $. Produit avec un budget de 60 millions de dollars, le film est classé quatrième film de 2001 à plus gros revenu derrière Harry Potter à l'école des sorciers, Le Seigneur des anneaux : La Communauté de l'anneau et Monstres et Cie.
 Le jeu de cartes à collectionner DreamWorks comporte plusieurs personnages du film.
 Le film a connu plusieurs adaptations en jeu vidéo :
 Avec la sortie au cinéma des suites du film, de nouveaux jeux ont été développés, basés spécifiquement sur ces films ou plus généralement sur la licence.
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/static/images/mobile/copyright/wikipedia-wordmark-fr.svg; /static/images/mobile/copyright/wikipedia-tagline-fr.svg; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/a9/Logo_disambig.svg/20px-Logo_disambig.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/4/44/Logo_disambig-homophone.svg/20px-Logo_disambig-homophone.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/fr/thumb/9/9a/Shrek_logo.png/220px-Shrek_logo.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/a4/Flag_of_the_United_States.svg/20px-Flag_of_the_United_States.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/3/38/Info_Simple.svg/12px-Info_Simple.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/a4/Flag_of_the_United_States.svg/20px-Flag_of_the_United_States.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/a1/MikeMyersJune07.jpg/220px-MikeMyersJune07.jpg; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/3/38/Info_Simple.svg/12px-Info_Simple.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/3/38/Info_Simple.svg/12px-Info_Simple.svg.png; 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//upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/5/50/Jester01_recadre.png/42px-Jester01_recadre.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/c/c1/Blue_iPod_Nano.jpg/10px-Blue_iPod_Nano.jpg; https://login.wikimedia.org/wiki/Special:CentralAutoLogin/start?type=1x1; /static/images/footer/wikimedia-button.svg; /w/resources/assets/poweredby_mediawiki.svg,https://en.wikipedia.org/wiki/Shrek,Shrek,https://en.wikipedia.org/wiki/Shrek,"Shrek is a 2001 American animated fantasy comedy film loosely based on the 1990 children's picture book by William Steig. Directed by Andrew Adamson and Vicky Jenson (in their feature directorial debuts) and written by Ted Elliott, Terry Rossio, Joe Stillman, and Roger S. H. Schulman, it is the first installment in the Shrek film series. The film stars Mike Myers, Eddie Murphy, Cameron Diaz, and John Lithgow. In the film, an embittered ogre named Shrek (Myers) finds his home in the swamp overrun by fairy tale creatures banished by the obsessive ruler Lord Farquaad (Lithgow). With the help of Donkey (Murphy), Shrek makes a pact with Farquaad to rescue Princess Fiona (Diaz) in exchange for regaining control of his swamp.
 After purchasing the rights to Steig's book in 1991, Steven Spielberg sought to produce a traditionally-animated film adaptation, but John H. Williams convinced him to bring the project to the newly founded DreamWorks in 1994. Jeffrey Katzenberg, along with Williams and Aron Warner, began development on Shrek in 1995, immediately following the studio's purchase of the rights from Spielberg. Chris Farley was cast as the voice for the title character, recording most of the required dialogue, but died in 1997 before his work on the film was finished; Myers was hired to replace him, and gave Shrek his Scottish accent. The film was initially intended to be created using motion capture, but after poor test results, the studio hired Pacific Data Images to complete the final computer animation. Shrek parodies other fairy tale adaptations, primarily animated Disney films.[7]
 Shrek premiered at the Mann Village Theatre In Westwood, and was later shown at the 2001 Cannes Film Festival, where it competed for the Palme d'Or,[4][8] making it the first animated film since Disney's Peter Pan (1953) to be chosen to do so.[9] The film was theatrically released by DreamWorks Pictures in the United States on May 18, 2001, and grossed over $492 million worldwide, becoming the fourth highest-grossing film of 2001. It was widely praised by critics for its animation, voice performances, soundtrack, writing and humor, which they noted catered to both adults and children. Shrek was nominated for the Academy Award for Best Adapted Screenplay and won the first Academy Award for Best Animated Feature.
 The film's major success helped establish DreamWorks Animation as a competitor to Pixar in feature film computer animation. Three sequels have been released—Shrek 2 (2004), Shrek the Third (2007), and Shrek Forever After (2010)—along with two spin-off films—Puss in Boots (2011) and Puss in Boots: The Last Wish (2022)—with other productions, notably Shrek 5, in development. It is also regarded as one of the most influential animated films of the 2000s and one of the greatest animated films ever made.[10][11][12] The United States Library of Congress selected Shrek for preservation in the National Film Registry in 2020, becoming the first animated film of the 21st century to be preserved.
 Shrek is an anti-social and highly territorial ogre who loves the solitude of his swamp and enjoys fending off mobs and intruders. His life is interrupted after the dwarfish Lord Farquaad of Duloc exiles a vast number of fairy-tale creatures, who inadvertently end up in the swamp. Angered by the intrusion, Shrek decides to visit Farquaad and demand him to move the creatures elsewhere. Shrek reluctantly allows a talkative Donkey, whom he saved from Farquaad's guards before, to tag along and guide him to Duloc.
 Meanwhile, Farquaad is presented with the Magic Mirror, who tells him that he must marry a princess in order to become king. Farquaad chooses Princess Fiona, who is imprisoned in a castle guarded by a Dragon. Unwilling to rescue Fiona himself, he organizes a tournament in which the winner will receive the ""privilege"" of performing the task on his behalf. When Shrek and Donkey arrive at Duloc, Farquaad announces that whoever kills Shrek will win the tournament; however, Shrek and Donkey defeat Farquaad's knights with relative ease. Amused, Farquaad proclaims them champions, and agrees to relocate the fairy-tale creatures if Shrek rescues Fiona.
 Shrek and Donkey travel to the castle and are attacked by the Dragon. Shrek locates Fiona, who is appalled by his lack of romanticism; they flee the castle after rescuing Donkey from the dragon, who's revealed to be female and has fallen in love with him. When Shrek removes his helmet and reveals he is an ogre, Fiona stubbornly refuses to go to Duloc, demanding Farquaad arrive in person to save her. Shrek carries Fiona against her will. That night, after setting up camp, and with Fiona alone in a cave, Shrek admits to Donkey that he is anti-social because he grew frustrated after being constantly judged for his appearance. Fiona overhears this and decides to be more kind to Shrek. The next day, the three are harassed by Robin Hood and his band of Merry Men, but Fiona easily defeats them in physical combat. Shrek becomes impressed with Fiona, and they begin to fall in love.
 When the trio nears Duloc, Fiona takes shelter in a windmill for the evening. Donkey later enters alone and discovers that Fiona has transformed into an ogre. She explains that during her childhood, she was cursed to transform into an ogre at night but retain her human form during the day. She tells Donkey that only ""true love's kiss"" will break the spell and change her to ""love's true form"". Meanwhile, Shrek is about to confess his feelings to Fiona, when he overhears Fiona referring to herself as an ""ugly beast"". But believing that she is talking about him, Shrek angrily leaves and returns the next morning with Farquaad. Confused and hurt by Shrek's abrupt hostility, Fiona accepts Farquaad's marriage proposal and requests that they be married before nightfall. Shrek abandons Donkey and returns to his now-vacated swamp, but quickly realizes that he feels miserable without Fiona. Donkey appears, scolding Shrek for his bad behavior and for jumping to conclusions. He even tells Shrek that Fiona was not referring to him as an ""ugly beast"" and encourages him to express his love to Fiona. The two reconcile, and quickly travel to Duloc by riding the Dragon, whom Donkey has befriended.
 Shrek interrupts the wedding just before the ceremony ends and tells Fiona that Farquaad is only marrying her to become king. The sun sets as Fiona transforms into an ogre in front of everyone, causing Shrek to understand Fiona's previous remarks. Outraged and disgusted, Farquaad orders Shrek executed and Fiona re-imprisoned, so that he will still be king by technicality. The two are saved when the Dragon, ridden by Donkey, breaks in and devours Farquaad. Shrek and Fiona profess their love and share a kiss. Fiona's curse is broken; she is surprised to find she has remained an ogre, though Shrek reassures her that he still finds her beautiful. They marry in the swamp with the fairy-tale creatures in attendance, then leave for their honeymoon.
 
At the time DreamWorks Pictures was founded, producer John H. Williams got hold of the book from his children and when he brought it to DreamWorks, it caught CEO Jeffrey Katzenberg's attention and the studio decided to make it into a film.[20] Recounting the inspiration of making the film, Williams said:  Every development deal starts with a pitch and my pitch came from my then kindergartner, in collaboration with his pre-school brother. Upon our second reading of Shrek, the kindergartner started quoting large segments of the book pretending he could read them. Even as an adult, I thought Shrek was outrageous, irreverent, iconoclastic, gross, and just a lot of fun. He was a great movie character in search of a movie.[21] After buying the rights to the film, Katzenberg quickly put it in active development in November 1995.[22][23] Steven Spielberg had thought about making a traditionally animated film adaptation of the book before, when he bought the rights to the book in 1991 before the founding of DreamWorks, where Bill Murray would play Shrek and Steve Martin would play Donkey.[24] In the beginning of production, co-director Andrew Adamson refused to be intimidated by Katzenberg and had an argument with him about how much the film should appeal to adults. Katzenberg wanted both audiences, but he deemed some of Adamson's ideas, such as adding sexual jokes and Guns N' Roses music to the soundtrack, to be too outrageous.[25][26] Adamson and Kelly Asbury joined in 1997 to co-direct the film. However, Asbury left a year later for work on the 2002 film Spirit: Stallion of the Cimarron, and was replaced with story artist Vicky Jenson, although Asbury would later co-direct the sequel. Both Adamson and Jenson decided to work on the film in half, so the crew could at least know whom to go to with specific detail questions about the film's sequences; ""We both ended up doing a lot of everything,"" Adamson said. ""We're both kinda control freaks, and we both wanted to do everything.""[27]
 Some early sketches of Shrek's house were done between 1996 and 1997 using Photoshop, with the sketches showing Shrek first living in a garbage dump near a human village called Wart Creek. It was also thought at one time that he would live with his parents and keep rotting fish in his bedroom.[28] Donkey was modeled after Pericles (born 1994; also known as Perry), a real miniature donkey from Barron Park in Palo Alto, California.[29] Raman Hui, supervising animator of Shrek, stated that Fiona ""wasn't based on any real person"" and he did many different sketches for her. He had done over 100 sculptures of Fiona before the directors chose the final design.[30] In early development, the art directors visited Hearst Castle, Stratford upon Avon, and Dordogne for inspiration. Art Director Douglas Rogers visited a magnolia plantation in Charleston, South Carolina, for inspiration of Shrek's swamp.[31][32] Planned characters not used in the film include Goldilocks and Sleeping Beauty.[33]
 The screenplay was written by Ted Elliott, Terry Rossio, Joe Stillman, and Roger S. H. Schulman, loosely based on the picture book by William Steig. The way Steig upended fairy tale conventions in the original book by making an ogre the protagonist formed the basis for the movie being a parody of fairy tales. Elliott and Rossio began writing for the film in 1997 and worked on the project for two years. They centered the four main characters’ personalities on maladaptive responses to self-esteem issues; as the DreamWorks story crew developed the plot, their personalities remained the same, ensuring the “thematic unity” of the story was preserved. When the studio leaned towards Shrek being a kind person shunned for being an ogre, they pushed for Shrek to remain a “misanthropic anti-hero.”[34][35]
 Nicolas Cage was initially offered the role of Shrek but he turned it down because he did not want to look like an ogre. In 2013, Cage explained: ""When you're drawn, in a way it says more about how children are going to see you than anything else, and I so care about that.""[36]
 Chris Farley was initially hired to voice Shrek, and he had recorded nearly all of the dialogue for the character, but died before completing the project.[37] According to David Spade, Farley only had 5 days left of voice work and Farley's brother John was asked if he would come in and finish his lines but John refused.[38] A story reel featuring a sample of Farley's recorded dialogue was leaked to the public in August 2015.[39] DreamWorks then re-cast the voice role to Mike Myers, who insisted on a complete script rewrite, to leave no traces of Farley's version of Shrek.[37] According to Myers, he wanted to voice the character ""for two reasons: I wanted the opportunity to work with Jeffrey Katzenberg; and [the book is] a great story about accepting yourself for who you are.""[21]
 After Myers had completed providing the voice for the character over the course of 1999 and the film was well into production, a rough cut of the movie was shown to him in February 2000.[40] Myers asked to re-record all of his lines with a Scottish accent, similar to that his mother used when she told him bedtime stories and also used for his roles in other films, such as So I Married an Axe Murderer and Austin Powers: The Spy Who Shagged Me.[37] According to the DVD commentary, he had also tried using a Lothar of the Hill People accent and a Canadian accent.[41] After hearing the alternative, Katzenberg agreed to redo scenes in the film, saying, ""It was so good we took $4M worth of animation out and did it again.""[42] Myers disputed the cost, saying ""it didn't cost the studio 'millions of dollars',"" as rumored. ""What it meant is instead of me going in for ten sessions, I went in for twenty sessions. I got paid the same.""[43] Because of Myers voicing the character, more ideas began to come. There were clearer story points, fresher gags and comedy bits.[44] ""I got a letter from Spielberg thanking me so much for caring about the character,"" Myers said. ""And he said the Scottish accent had improved the movie.""[45]
 Another person planned to voice a character in the film was Janeane Garofalo, who was set to star alongside Farley as Princess Fiona. However, she was fired from the project for unexplained reasons. Years later, Garofalo stated ""I was never told why [I was fired]. I assume because I sound like a man sometimes? I don't know why. Nobody told me ... But, you know, the movie didn't do anything, so who cares?""[46]
 Shrek was originally set up to be a live-action/CG animation hybrid with background plate miniature sets and the main characters composited into the scene as motion-captured computer graphics, using an ExpertVision Hires Falcon 10 camera system to capture and apply realistic human movement to the characters.[47] Softimage was used, as well as Mental Ray.[48] A sizable crew was hired to run a test, and after a year and a half of R & D, the test was finally screened in May 1997.[49] The results were not satisfactory, with Katzenberg stating ""It looked terrible, it didn't work, it wasn't funny, and we didn't like it.""[37] The animation wasn't released publicly until 2023 when it was posted by production designer Barry E. Jackson on his YouTube channel.[50] The studio then turned to its production partners at Pacific Data Images (PDI), who began production with the studio in 1998[51] and helped Shrek get to its final, computer-animated look.[37] At this time, Antz was still in production at the studio[37] and effects supervisor Ken Bielenberg was asked by Aron Warner ""to start development for Shrek"".[52] Similar to previous PDI films, PDI used its own proprietary software (like the Fluid Animation System) for its animated movies. For some elements, however, it also took advantage of some of the powerhouse animation software on the market. This is particularly true with Maya, which PDI used for most of its dynamic cloth animation and for the hair of Fiona and Farquaad.[53]
 ""We did a lot of work on character and set-up, and then kept changing the set up while we were doing the animation,"" Hui noted. ""In Antz, we had a facial system that gave us all the facial muscles under the skin. In Shrek, we applied that to whole body. So, if you pay attention to Shrek when he talks, you see that when he opens his jaw, he forms a double chin, because we have the fat and the muscles underneath. That kind of detail took us a long time to get right.""[54] One of the most difficult parts of creating the film was making Donkey's fur flow smoothly so that it did not look like that of a Chia Pet. This fell into the hands of the surfacing animators, who used flow controls within a complex shader to provide the fur with many attributes (ability to change directions, lie flat, swirl, etc.).[32] It was then the job of the visual effects group, led by Ken Bielenberg, to make the fur react to environment conditions. Once the technology was mastered, it could be applied to many aspects of the movie, including grass, moss, beards, eyebrows, and even threads on Shrek's tunic. Making human hair realistic was different from Donkey's fur, requiring a separate rendering system and much attention from the lighting and visual effects teams.[32]
 Shrek has 31 sequences, with 1,288 total shots.[31] Aron Warner said that the creators ""envisioned a magical environment that you could immerse yourself into"". Shrek includes 36 separate in-film locations to make the world of the film, which DreamWorks claimed was more than any previous computer-animated feature. In-film locations were finalized and, as demonstrated by past DreamWorks animated movies, color and mood was of the utmost importance.[32] The animation was completed in 2000.[55]
 Shrek is the third DreamWorks animated film (and the only film in the Shrek series) to have Harry Gregson-Williams team up with John Powell to compose the score following Antz (1998) and Chicken Run (2000).[56] Powell was left out to compose scores for later Shrek films with Gregson-Williams due to a conflict.[57] The score was recorded at Abbey Road Studios by Nick Wollage and Slamm Andrews, with the latter mixing it at Media Ventures and Patricia Sullivan-Fourstar handling mastering.[58]
 Shrek introduced a new element to give the film a unique feel. The film used pop music and other oldies to make the story more forward. Covers of songs like ""On the Road Again"" and ""Try a Little Tenderness"" were integrated in the film's score.[59] The band Smash Mouth's song ""All Star"" gained massive popularity after its original release two years earlier,  due to its usage in the film's opening credits.[60] As the film was about to be completed, Katzenberg suggested to the filmmakers to redo the film's ending to ""go out with a big laugh""; instead of ending the film with just a storybook closing over Shrek and Fiona as they ride off into the sunset, they decided to add a song ""I'm a Believer"" covered by Smash Mouth and show all the fairytale creatures in the film.[61]
 Although Rufus Wainwright's version of the song ""Hallelujah"" appeared in the soundtrack album, it was John Cale's version that appeared in the film; in a radio interview, Rufus Wainwright suggested that his version of ""Hallelujah"" did not appear in the film due to the ""glass ceiling"" he was hitting because of his sexuality. An alternative explanation is that, although the filmmakers wanted Cale's version for the film, licensing issues prevented its use in the soundtrack album, because Wainwright was an artist for DreamWorks but Cale was not.[62]
 The film's 1996 animation test used the song ""I Got You (I Feel Good)"". The clip was considered lost until 2023.[63]
 In many places, the film references classic movies, predominantly those by Disney. When Tinker Bell falls on Donkey and he says ""I can fly"" and people around including the Three Little Pigs say ""He can fly, he can fly""; this is a reference to Disney's Peter Pan. Donkey then says, while still flying, ""You might have seen a house fly, maybe even a super fly, but I bet you ain't never seen a Donkey fly!"". This scene is a reference to the Disney film Dumbo.[64] The scene where Fiona is singing to the blue bird is a reference to Snow White and the Seven Dwarfs.[64] The transformation scene at the end of the film references Disney's Beauty and the Beast.[64]
 When Shrek crosses the bridge to the Castle and says, ""That'll do, Donkey, that'll do"", this is a reference to the movie Babe.[64] The scene where Princess Fiona is fighting the Merry Men is a lengthy reference to the film The Matrix.[64] At the end of the film, the Gingerbread Man at the end with a crutch (and one leg) says ""God bless us, everyone"" which is a reference to Tiny Tim in A Christmas Carol.[64]
 In the scene where the Magic Mirror gives Lord Farquaad the option to marry three princesses, it parodies popular American television show The Dating Game featuring: Cinderella and Snow White.[65] In addition, Lord Farquaad's theme park style kingdom Duloc heavily mimics Disneyland, even in so far as parodying the famous ""It's a Small World"" musical ride in the scene with the singing puppets.[65] It has been suggested that Lord Farquaad himself is an unflattering parody of then-Disney CEO Michael Eisner, whom producer Katzenberg reportedly dislikes.[66]
 In 2000, IMAX released CyberWorld onto its branded large-screen theaters. It was a compilation film that featured stereoscopic conversions of various animated shorts and sequences, including the bar sequence in Antz. DreamWorks was so impressed by the technology used for the sequence's ""stereoscopic translation"", that the studio and IMAX decided to plan a big-screen 3D version of Shrek. The film would have been re-released during the Christmas season of 2001, or the following summer, after its conventional 2D release. The re-release would have also included new sequences and an alternate ending. Plans for this was dropped due to ""creative changes"" instituted by DreamWorks and resulted in a loss of $1.18 million, down from IMAX's profit of $3.24 million.[67][68][69]
 Radio Disney was told not to allow any ads for the film to air on the station, stating, ""Due to recent initiatives with The Walt Disney Company, we are being asked not to align ourselves promotionally with this new release Shrek. Stations may accept spot dollars only in individual markets.""[70] The restriction was later relaxed to allow ads for the film's soundtrack album onto the network.[71]
 On May 7, 2001, Burger King began promotions for the film, giving out a selection of nine exclusive Candy Caddies based on the Shrek characters, in Big Kids Meal and Kids Meal orders.[72] Ice cream chain Baskin-Robbins also ran an 8-week promotion of the film, selling products such as Shrek's Hot Sludge Sundae, a combination of Oreo Cookies 'n Cream ice cream, hot fudge, crushed chocolate cookies, whipped cream and squiggly gummy worms, and Shrek Freeze Frame Cake, featuring an image of Shrek and Donkey framed by sunflowers. This was to support the film's DVD/VHS release.[73]
 Shrek was released by DreamWorks Home Entertainment on VHS and DVD on November 2, 2001.[74][75] It surpassed Star Wars: Episode I – The Phantom Menace's short-lived record for being the fastest-selling DVD title of all time, selling 2.5 million copies within the first three days of release.[76] Another 4.5 million copies were sold on VHS in the same timespan, making it the biggest opening weekend in retail video since The Lion King in 1995.[76] Both releases included Shrek in the Swamp Karaoke Dance Party, a 3-minute musical short film, that takes up right after Shrek's ending, with film's characters performing a medley of modern pop songs.[77] As for the DVD release, this two-disc set features a fullscreen format on the first disc and a widescreen format on the second disc, with the latter featuring a DTS audio track.[78]
 Coincidentally, the film was released on video the same day that Pixar's Monsters, Inc. hit theaters. Since videos were traditionally released on Tuesdays, Disney's executives did not receive this well, saying that the move ""seemed like an underhanded attempt to siphon off some of their film's steam"". DreamWorks responded that it ""simply shifted the release to a Friday to make it more of an event and predicted that it and other studios would do so more frequently with important films."" Monsters, Inc. earned that weekend more than $62 million, breaking the record for an animated film, while Shrek's video release made more than $100 million,[79] and eventually became the biggest selling DVD at the time with over 5.5 million sales.[80] This broke the record previously held by Gladiator, another DreamWorks film.[81] Shrek generated more than $420 million in revenue for DreamWorks on DVD and VHS, and has sold more than 21 million copies of the 23 million shipped by January 2002.[74] Worldwide, more than 10 million Shrek DVDs have been sold by that point.[74]
 A 3D version of the film was released on Blu-ray 3D by Paramount Home Entertainment on December 1, 2010, along with its sequels,[82] and a regular 2D Blu-ray boxset of the series was released six days later.[83]
 In commemoration of the film's 20th anniversary, an Ultra HD Blu-ray edition was released on May 11, 2021, by Universal Pictures Home Entertainment.[84]
 Shrek opened on around 6,000 screens[85] across 3,587 theaters;[86] eleven of them showed the film digitally.[87] This was the first time that DreamWorks had shown one of its films digitally.[88] The film earned $11.6 million on its first day and $42.3 million on its opening weekend, topping the box office for the weekend and averaging $11,805 from 3,587 theaters.[89] In its second weekend, due to the Memorial Day Weekend holiday, the film gained 0.3 percent to $42.5 million and $55.2 million over the four-day weekend, resulting in an overall 30 percent gain.[90] Despite this, the film finished in second place behind Pearl Harbor and had an average of $15,240 from expanding to 3,623 sites.[90] In its third weekend, the film retreated 34 percent to $28.2 million for a $7,695 average from expanding to 3,661 theaters.[91] By mid-June 2001, Shrek became the top-grossing movie of the year domestically, defeating The Mummy Returns.[92] This achievement would last until that December when it was beaten by Harry Potter and the Sorcerer's Stone.[93] The film closed on December 6, 2001, after grossing $267.7 million domestically, along with $216.7 million overseas, for a worldwide total of $484.4 million.[5] Produced on a $60 million budget, the film was a huge box office smash[5] and is the fourth highest-grossing film of 2001.[94]
 Shrek became the highest-grossing animated film ever to be released in Australia, passing the mark set by The Lion King in 1994.[95] In the United Kingdom, Shrek regained the top spot at the British box office after being beaten out the previous week by Lara Croft: Tomb Raider, earning a $20.3 million since its opening in the UK.[96]
 In addition to being an instant box office success, Shrek received wide critical acclaim.[97][98][99] 88% of 213 professional reviews of the film on the review aggregator website Rotten Tomatoes are positive, with an average rating of 7.8/10. The website's critical consensus reads, ""While simultaneously embracing and subverting fairy tales, the irreverent Shrek also manages to tweak Disney's nose, provide a moral message to children, and offer viewers a funny, fast-paced ride.""[100] Metacritic assigned Shrek a weighted average score of 84 out of 100 based on 34 critics, indicating ""universal acclaim"".[101] Audiences polled by CinemaScore gave the film an average grade of ""A"" on an A+ to F scale.[102]
 Roger Ebert praised the film, giving it four stars out of a possible four and describing it as ""jolly and wicked, filled with sly in-jokes and yet somehow possessing a heart"".[103] USA Today's Susan Wloszczyna praised Eddie Murphy's performance, stating it ""gives the comic performance of his career, aided by sensational digital artistry, as he brays for the slightly neurotic motormouth"".[104] Richard Schickel of Time also enjoyed Murphy's role, stating ""No one has ever made a funnier jackass of himself than Murphy.""[105] Peter Rainer of New York magazine liked the script, also stating ""The animation, directed by Andrew Adamson and Vicky Jenson, is often on the same wriggly, giggly level as the script, although the more ""human"" characters, such as Princess Fiona and Lord Farquaad, are less interesting than the animals and creatures—a common pitfall in animated films of all types.""[106] Peter Travers of Rolling Stone wrote ""Shrek is a world-class charmer that could even seduce the academy when it hands out the first official animation Oscar next year.""[107] James Berardinelli of ReelViews gave the film three and a half stars out of four, saying ""Shrek is not a guilty pleasure for sophisticated movie-goers; it is, purely and simply, a pleasure.""[108] Kenneth Turan of the Los Angeles Times wrote ""The witty, fractured fairy tale Shrek has a solid base of clever writing.""[109] Lisa Schwarzbaum of Entertainment Weekly gave the film an A−, saying ""A kind of palace coup, a shout of defiance, and a coming of age for DreamWorks.""[110] Jay Boyar of the Orlando Sentinel wrote ""It's a pleasure to be able to report that the movie both captures and expands upon the book's playful spirit of deconstruction.""[111]
 Steven Rosen of The Denver Post wrote ""DreamWorks Pictures again proves a name to trust for imaginative, funny animated movies that delight kids and adults equally.""[112] Susan Stark of The Detroit News gave the film four out of four stars, saying ""Swift, sweet, irreverent, rangy and as spirited in the writing and voice work as it is splendid in design.""[113] Jami Bernard of the New York Daily News gave the film four out of four stars, saying ""The brilliance of the voice work, script, direction and animation all serve to make Shrek an adorable, infectious work of true sophistication.""[114] Rene Rodriguez gave the film three out of four stars, calling it ""a gleefully fractured fairy tale that never becomes cynical or crass"".[115] Elvis Mitchell of The New York Times gave the film four out of five stars, saying ""Beating up on the irritatingly dainty Disney trademarks is nothing new; it's just that it has rarely been done with the demolition-derby zest of Shrek.""[116] William Steig, the author of the original book, and his wife Jeanne Steig also enjoyed the film, stating ""We all went sort of expecting to hate it, thinking, 'What has Hollywood done to it?' But we loved it. We were afraid it would be too sickeningly cute and, instead, Bill just thought they did a wonderful, witty job of it.""[117]
 John Anderson of Newsday wrote ""The kind of movie that will entertain everyone of every age and probably for ages to come.""[118] Jay Carr of The Boston Globe wrote ""In an era when much on film seems old, Shrek seems new and fresh and clever.""[119] Stephen Hunter of The Washington Post gave the film five out of five stars, saying ""Despite all its high-tech weirdness, it is really that most perdurable of human constructions, a tale told well and true.""[120] Joe Baltake of The Sacramento Bee wrote that it ""isn't so much a fractured spoof of everything Disney, but actually a Monty Python flick for kids – kids of all ages"".[119] Andrew Sarris of The New York Observer wrote ""What gives Shrek its special artistic distinction is its witty and knowingly sassy dialogue, delivered by vocally charismatic performers whose voices remind us of their stellar screen personae in live-action movies.""[121] Lisa Alspector of the Chicago Reader wrote ""This romantic fantasy complicates the roles of beauty and beast, making it hard to guess what form a sensitive resolution will take.""[122] Joe Morgenstern of The Wall Street Journal wrote ""The charms of Shrek, which is based on the children's book by William Steig, go far beyond in-jokes for adults.""[123] John Zebrowski of The Seattle Times gave the film three out of four stars, saying ""The movie is helped immensely by its cast, who carry it through some of the early, sluggish scenes. But this is Murphy's movie. Donkey gets most of the good lines, and Murphy hits every one.""[124]
 A mixed review came from Mark Caro of the Chicago Tribune, who gave the film two and a half stars out of four and compared it to Toy Story 2, which he said ""had a higher in-jokes/laughs ratio without straining to demonstrate its hipness or to evoke heartfelt emotions"".[125] On the more negative side, Michael Atkinson of The Village Voice said he was ""desperately avoiding the risk of even a half-second of boredom"", and said ""the movie is wall-to-window-to-door noise, babbling, and jokes (the first minute sees the first fart gag), and demographically it's a hard-sell shotgun spray.""[126] Christy Lemire of the Associated Press described Shrek as a ""90-minute onslaught of in-jokes"", and said while it ""strives to have a heart"" with ""a message about beauty coming from within"", ""somehow [the message] rings hollow"".[119] Anthony Lane of The New Yorker said, despite the film ""cunning the rendering of surfaces, there's still something flat and charmless in the digital look, and most of the pleasure rises not from the main romance but from the quick, incidental gags.""[127]
 Entertainment Weekly put it on its end-of-the-decade, ""best-of"" list, saying, ""Prince Charming? So last millennium. This decade, fairy-tale fans – and Princess Fiona – fell for a fat and flatulent Ogre. Now, that's progress.""[141]  In June 2008, the American Film Institute revealed its ""Ten top Ten""; the best ten films in ten ""classic"" American film genres—after polling over 1,500 people from the creative community Shrek was acknowledged as the eighth best film in the animated genre, and the only non-Disney·Pixar film in the Top 10.[142][10] Shrek was also ranked second in a Channel 4 poll of the ""100 Greatest Family Films"", losing out on the top spot to E.T. the Extra-Terrestrial.[143] In 2005, Shrek came sixth in Channel 4's 100 Greatest Cartoons poll behind The Simpsons, Tom and Jerry, South Park, Toy Story and Family Guy.[144] In November 2009, the character, Lord Farquaad, was listed No. 14 in IGN UK's ""Top 15 Fantasy Villains"".[145] In 2006, it was ranked third on Bravo's 100 funniest films list.[146] The film's title character was awarded his own star on the Hollywood Walk of Fame in May 2010.[147]
 American Film Institute recognition:
 The New York Times retrospectively described the film as ""a beloved, offbeat fairy tale whose characters and jokes continue to permeate pop culture, reaching another generation of fans.""[97] Previous films and TV shows, such as Fractured Fairy Tales and The Princess Bride, have parodied the traditional fairy tale.[148][149] Shrek had a significant impact that influenced a later generation of mainstream animated films,[149] receiving recognition for being one of the most influential from the 2000s.[148][150] Particularly after Shrek 2, animated films began to incorporate more pop culture references and end-film musical numbers.[149] Such elements can be seen in films like Robots, Chicken Little, Doogal, Ron's Gone Wrong and more recently with Ruby Gillman, Teenage Kraken and The Tiger’s Apprentice.[149] It also inspired a number of computer animated films which also spoofed fairy tales, or other related story genres, often including adult-oriented humor, most of which were not nearly as successful as Shrek, such as Chicken Little, Happily N'Ever After, Igor, Hoodwinked!, Enchanted and its sequel Disenchanted.[149] In 2020, the United States Library of Congress selected Shrek to be preserved in the National Film Registry for being ""culturally, historically, or aesthetically significant"".[151]
 Several video game adaptations of the film have been published on various game console platforms, including Shrek (2001), Shrek: Hassle at the Castle (2002), Shrek: Extra Large (2002), Shrek: Super Party (2002) and Shrek SuperSlam (2005).[152] Shrek was also included as a bonus unlockable character in the video game Tony Hawk's Underground 2 (2004).[153]
 In 2003, Dark Horse Comics released a three-issue mini-series comic book adaptation of Shrek which was written by Mark Evanier, and the issues were later compiled into a trade paperback.[154]
 A musical version, based on the film, with music by Jeanine Tesori and a book and lyrics by David Lindsay-Abaire, opened on Broadway on December 14, 2008, and closed January 3, 2010, running for a total of 441 performances.[155] It starred Brian d'Arcy James in the title role, Sutton Foster as Princess Fiona, Christopher Sieber as Lord Farquaad, Daniel Breaker as Donkey, and John Tartaglia as Pinocchio.[155] The Broadway production was recorded and released on DVD, Blu-ray and digital media.[156][157][158] A North American Tour opened July 25, 2010, in Chicago.[155] A London production opened in the West End on June 7, 2011.[159] The musical received many Tony Award nominations and won the 2009 Tony Award for Best Costume Design. It received five Laurence Olivier Award nominations including Best New Musical.[160]
 A shot-for-shot fan remake titled Shrek Retold was released through 3GI Industries on November 29, 2018. The project was a collaboration of 200 filmmakers and mixes live action, hand drawn animation, Flash animation, CGI and various other art forms to recreate the film. The film is available on YouTube for free.[161][162]
 Three sequels were released over the years – the Oscar-nominated Shrek 2 in 2004, Shrek the Third in 2007, and Shrek Forever After in 2010. Shrek 2 was the only one to receive similar acclaim from critics,[163][164][165] though all three sequels were commercially successful.[166][167] Shrek the Halls (2007) and Scared Shrekless (2010) were released as holiday-themed short films. A spin-off prequel film entitled Puss in Boots, centered on the titular character's life before his debut in Shrek 2, was released in 2011, while a sequel, titled Puss in Boots: The Last Wish and set after the events of Shrek Forever After, was released in 2022.[168] A fifth feature film was originally planned during the development of Shrek Forever After, but the idea was later abandoned by DreamWorks Animation CEO Jeffrey Katzenberg.[169][168] Leading up to NBCUniversal's planned acquisition of DreamWorks Animation in 2016, it was announced that a fifth Shrek film would be released in 2019.[170] On November 6, 2018, Variety reported that Chris Meledandri had been tasked to reboot both Shrek and Puss in Boots, with the original cast potentially returning to reprise their roles.[171][172] While cast members reported that a script was completed for a fifth Shrek film, development stalled and future plans have yet to be officially announced.[173][174] After it was reported in April 2023 that a fifth Shrek film with the original cast and a spinoff featuring Donkey was planned, Murphy said in June 2024 that he had begun voice recording sessions for Shrek 5 months ago and would begin working for the Donkey spinoff once it was finished.[175]",6280,"Main page; Contents; Current events; About Wikipedia; Help; Learn to edit; Community portal; Upload file; ; learn more; Article; Talk; Read; Read; Upload file; ; ; Shrek (franchise); Shrek (character); Shrek!; Shrek (disambiguation); ; Andrew Adamson; Vicky Jenson; Ted Elliott; Terry Rossio; Joe Stillman; Roger S. H. Schulman; Shrek!; William Steig; Aron Warner; John H. Williams; Jeffrey Katzenberg; Mike Myers; Eddie Murphy; Cameron Diaz; John Lithgow; Harry Gregson-Williams; John Powell; DreamWorks Animation; PDI/DreamWorks; DreamWorks Pictures; Mann Village Theatre; fantasy comedy film; 1990 children's picture book; William Steig; Andrew Adamson; Vicky Jenson; Ted Elliott; Terry Rossio; Joe Stillman; Roger S. H. Schulman; Shrek film series; Mike Myers; Eddie Murphy; Cameron Diaz; John Lithgow; ogre; Shrek; Lord Farquaad; Donkey; Princess Fiona; Steven Spielberg; traditionally-animated; John H. 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Best Theatrical Motion Picture; Entertainment Weekly; American Film Institute; Ten top Ten; Pixar; Channel 4; E.T. the Extra-Terrestrial; The Simpsons; Tom and Jerry; South Park; Toy Story; Family Guy; IGN UK; Bravo; Hollywood Walk of Fame; American Film Institute; AFI's 100 Years...100 Heroes & Villains; AFI's 100 Years...100 Songs; AFI's 100 Years...100 Movies (10th Anniversary Edition); AFI's 10 Top 10; pop culture; Fractured Fairy Tales; The Princess Bride; Robots; Chicken Little; Doogal; Ron's Gone Wrong; Ruby Gillman, Teenage Kraken; The Tiger’s Apprentice; Chicken Little; Happily N'Ever After; Igor; Hoodwinked!; Enchanted; Disenchanted; Library of Congress; National Film Registry; Shrek The Musical; video game; game console; Shrek; Shrek: Hassle at the Castle; Shrek: Extra Large; Shrek: Super Party; Shrek SuperSlam; Tony Hawk's Underground 2; Dark Horse Comics; comic book; trade paperback; musical; Jeanine Tesori; David Lindsay-Abaire; Broadway; Brian d'Arcy James; Sutton Foster; 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Cars (film),https://fr.wikipedia.org/wiki/Cars_(film),"Pour les articles homonymes, voir Cars.
 Owen WilsonBonnie HuntLarry the Cable GuyPaul NewmanJohn Ratzenberger
 Série Classiques d'animation Pixar Les Indestructibles(2004) Ratatouille(2007) Série Cars Cars 2(2011) Pour plus de détails, voir Fiche technique et Distribution. modifier  Cars  ou Les Bagnoles au Québec (Cars) est le septième long métrage d'animation entièrement en images de synthèse des studios Pixar. Sorti en 2006 et coproduit par les studios Disney, le film se déroule dans un monde peuplé d'automobiles anthropomorphes.
 Dans un monde peuplé entièrement de véhicules vivants, Flash McQueen, une voiture de course rouge est un jeune champion avide de succès et promis à une très belle carrière. Un jour, il se retrouve abandonné par accident en plein désert et en essayant de retrouver son chemin, arrive dans la petite ville de Radiator Springs, située sur la mythique Route 66. Loin de ses fans, il va s’y faire de nouveaux amis et découvrir qu'il y a des choses bien plus importantes dans la vie que de franchir en premier la ligne d’arrivée. Une suite, intitulée Cars 2, est sortie le 27 juillet 2011, elle-même suivie de Cars 3, sortie le 2 août 2017.
 Lors du Dinoco 400, la dernière course de la saison de la Piston Cup, trois coureurs sont à égalités de points : le septuple champion Strip Weathers, dit le King, qui tente de remporter sa huitième et dernière Piston Cup avant de prendre sa retraite, l'habituel second, Chick Hicks, qui a recours aux accidents forcés pour prendre de l'avance, et le talentueux mais arrogant nouveau venu Flash McQueen. En queue de peloton, Flash évite un carambolage impliquant tous les concurrents, délibérément provoqué par Chick. Pendant que les autres voitures s'arrêtent pour changer de pneus, McQueen reste en piste pour prendre la tête. Grâce à cette avance, il domine la fin de course, jusqu'au dernier tour où ses pneus arrière éclatent. Chick et le King le rattrapent, mais les trois franchissent la ligne d'arrivée exactement au même moment.
 Une nouvelle course est donc organisée à Los Angeles, en Californie, pour départager les trois vainqueurs. McQueen est prêt à tout pour gagner la course, non seulement pour être le premier rookie à remporter la Piston Cup, mais aussi parce que cela lui permettrait de quitter le parrainage peu glorieux de Rust-eze, une entreprise de « pommade » à pare-chocs, et de prendre la place du King dans la prestigieuse écurie Dinoco. Cependant, il a du mal à travailler avec les autres en raison de son égoïsme, ce qui lui a valu de renvoyer trois chefs d'équipe et de voir son équipe des stands démissionner après la course.
 Désireux d'arriver en Californie le plus vite possible pour discuter avec Dinoco, Flash pousse son transporteur et unique ami, Mack, à voyager toute la nuit sur l'Interstate 40. Alors que McQueen dort, Mack s'assoupit et est réveillé en sursaut par une bande de délinquants tunés, ce qui fait tomber Flash de la remorque. McQueen se réveille au milieu de la circulation à contresens, évite plusieurs collisions, et quitte l'autoroute à toute vitesse à la recherche de Mack. Perdu sur la mythique Route 66, il cherche à rejoindre l’autoroute le plus vite possible, mais est pris en chasse par le shérif de Radiator Springs, en Arizona. Prenant les pétarades de l’échappement du shérif pour des coups de feu, Flash McQueen panique et prend la fuite, endommageant par inadvertance la chaussée de la route principale.
 Le lendemain matin, Flash McQueen se réveille à Radiator Springs et découvre qu’il est en prison. Après une rapide conversation avec Martin, une dépanneuse, il est conduit au tribunal pour y être jugé. Le juge Doc Hudson, qui est également le médecin de la ville, décide en le voyant d'immédiatement le chasser, mais l’avocate Sally Carrera arrive et parvient à convaincre Doc Hudson de l’obliger à réparer la route. Flash McQueen est alors attelé à Bessie, une goudronneuse, et se voit imposé de réparer les dégâts qu’il a causés avant de pouvoir quitter la ville. Cependant, la prochaine course pour départager les vainqueurs de la Piston Cup doit avoir lieu dans moins d’une semaine et Flash McQueen est pressé de s’y rendre, afin de rencontrer Dinoco. Après une tentative d’évasion ratée, il se résigne à réparer la route mais dans son empressement bâcle le travail. Fatigué d’entendre les complaintes de la voiture de course, Doc Hudson défie Flash McQueen de le battre à la course. Si Flash McQueen gagne, il pourra partir librement, s’il perd, il devra réparer la route. Flash relève le défi et démarre la course en trombe, laissant Doc Hudson dans son nuage de poussière, ce dernier n’ayant même pas bougé. Cependant, Flash arrive trop vite sur un virage et le sol sableux lui fait perdre son adhérence, ce qui l’envoie au terme d’un dérapage se planter dans des cactus. Doc, qui avait prévu la chose, demande à Martin de l’accompagner pour récupérer Flash et est déclaré vainqueur. Flash McQueen se voit donc obligé non seulement de détruire la portion de route qu'il avait bâclé, mais également de recommencer la réparation.
 Le lendemain matin, la ville découvre que Flash McQueen a fini de réparer une portion de route et tous sont étonnés par la perfection de son travail. Étant donné qu’il était arrivé à court de goudron au beau milieu de la nuit, le Shérif a autorisé Flash à s’entraîner sur le circuit de terre, sous sa surveillance. Flash essaye désespérément de passer le virage problématique, mais échoue sans arrêt. Doc lui suggère alors de braquer ses roues dans le sens opposé au virage, mais McQueen est en colère et refuse de l’écouter. Il décide cependant d’essayer la chose, bien qu’elle lui semble farfelue, et termine à nouveau sa course dans les cactus. C’est alors que Sally l’invite à venir passer la nuit au Cozy Cone Motel, tandis que Martin s’amuse de l’évolution de leur relation.
 Le jour d'après, alors qu’il cherche le shérif, Flash McQueen se retrouve dans le garage de Doc et découvre son secret : Doc est en réalité Hudson Hornet, une légende des circuits, ayant remporté la Piston Cup trois fois d'affilée, en 1951, en 1952 et en 1953. Plus tard, Sally invite Flash à l’accompagner pour une promenade dans les environs de Radiator Springs et l’emmène au Wheel Well Motel, un vieux motel abandonné d’où ils peuvent contempler le paysage. Sally lui raconte alors comment elle est arrivée là et comment la construction de l’autoroute, quarante ans plus tôt, a transformé Radiator Springs en une ville fantôme. Lors de son retour à Radiator Springs, Flash McQueen surprend Doc sur le circuit de terre et est impressionné par son pilotage. Mais, dès que Doc l’aperçoit, il tourne les talons et retourne à son garage, où Flash le suit. Doc est fâché et lui ordonne de sortir, mais Flash insiste et lui demande pourquoi il a quitté le monde de la course automobile alors qu’il était si brillant. Doc lui montre un article de journal et lui explique finalement qu’il n’est pas parti volontairement, mais qu’il a eu un grave accident en 1954. Une fois réparé, Doc a bien essayé de participer à nouveau aux courses, mais il en a été écarté au profit de rookies. Finalement, Doc demande à Flash de terminer la route et de quitter la ville.
 Le lendemain, alors qu’il vient juste de finir de réparer la route, Flash McQueen décide de rendre service à tous les habitants de Radiator Springs, notamment en se laissant relooker. Le soir ils organisent une fête en son honneur, au cours de laquelle Sally et Flash tombent amoureux, mais sont interrompus par l’arrivée d’une foule de journalistes et de véhicules en tout genre, dont Mack, qui est venu chercher Flash pour l’emmener sur le lieu de la course. Sally est très déçue de découvrir que c’est Doc qui a informé la presse et la ville tout entière est affectée du départ de Flash.
 Lors de la course, en Californie, Flash n’arrête pas de se remémorer Sally et Radiator Springs. Plongé dans ses souvenirs, il est vite distancé par ses concurrents, jusqu’à ce qu’une bonne partie des habitants de Radiator Springs viennent se joindre à son équipe pour le soutenir. Doc, qui est venu en tant que directeur technique, ne manque pas d’être remarqué par tout le monde étant donné sa grande renommée. Guido se montre également d’une aide incroyable, parvenant à changer les roues de Flash plus rapidement à lui tout seul que toute une équipe. Tout ceci encourage Flash McQueen, il parvient ainsi à reprendre la tête de la course, loin devant Strip Weathers et Chick Hicks. Mais ce dernier est mauvais perdant, et refuse de terminer dernier, il assène alors un coup violent au King, lui faisant perdre le contrôle et l'éjectant hors de la piste. Après plusieurs tonneaux, Strip Weathers s’immobilise, accidenté. Flash McQueen, voyant le résultat du crash, se remémore l’accident de Doc ayant mis un terme à sa carrière. À quelques mètres de l’arrivée, il pile sur ses freins et s’arrête juste avant la ligne, laissant Chick Hicks gagner la course. Flash rejoint Strip Weathers, et le pousse jusqu’à la ligne d’arrivée pour lui faire dignement terminer sa carrière.
 Grâce à sa tricherie, Chicks Hicks remporte la Piston Cup, mais est huée par la foule. Flash McQueen se voit offrir son rêve, Tex lui proposant de rejoindre l’équipe Dinoco pour la beauté de son esprit sportif, mais le cœur de Flash a bien changé et il ne peut se résigner à quitter l’équipe Rust-eze qui lui a mis le pied à l’étrier et l’a amené là où il est. Après la course, Flash revient à Radiator Springs, là où il a décidé d’implanter son quartier général de course. Grâce à Flash McQueen, la ville connaît un boom touristique qui la revitalise, et l’ancienne Route 66 autrefois abandonnée redevient une route majeure, étant officiellement classée « Route 66 Historique ».
 En plus du film, le DVD contient :
 Radiator Springs est la ville fictive où se déroule la majorité du film. Elle serait située sur la mythique Route 66 (route qui traverse d'Est en Ouest les Etats de l'Illinois, du Missouri, du Kansas, de l'Oklahoma, du Texas, du Nouveau-Mexique, de l'Arizona et de la Californie).
 La ville aurait été créée dans les années 1930 par un certain Stanley, une voiture vendant des bouchons de radiateurs.
 Dans les années 1930 à 1950, la ville est à son âge d’or car, étant placée sur la Route 66, des centaines de voitures traversaient la ville et fréquentaient ses différents commerces.
 C’est à partir de 1957, lors de l’ouverture de l'Interstate 40, que la fréquentation de la Route 66 baisse. Puis c'est dans les années 1960 que la ville commença à ne plus du tout voir passer des voyageurs.
 Toutes les boutiques de la ville ferment définitivement les unes après les autres et la ville est laissée en ruine. Dans les années 1980, la Route 66 et la ville sont retirées des cartes. Les habitants sont attristés par cette nouvelle et s’enferment dans leurs boutiques.
 Cependant, grâce à Flash McQueen, la ville retrouve la période de l'âge d'or qu'elle avait connu des années 30 jusqu'au années 50 et redevient ainsi une destination touristique.
 De par leur action, bien que personne ne le sache et qu'ils l'ignorent eux-mêmes, les quatre délinquants sont responsables de la disparition de Flash durant le film. Dans les scènes du générique, le quatuor se fait arrêter par le Shérif et ils sont condamnés à réparer la route de Radiator Springs. Tout comme Flash McQueen, ils reçoivent du goudron sur leurs carrosseries. Ils réapparaissent plus tard dans Tokyo Martin où ils s'amusent à faire des drifts dans les rues de Radiator Springs, Snot Rod est cependant absent. DJ apparaît seul plus tard dans « Ça tourne ! » où il regarde Guido en train de faire un petit spectacle avec un panneau publicitaire. À ce moment-là, DJ active ses sonos et envoie une musique pour donner plus d'ambiance au spectacle.
 Dans le jeu vidéo, ils poursuivent Mack afin de le dévaliser sur l'autoroute. Ils se répartissent alors les tâches : DJ part en premier pour endormir Mack avec une musique, Boost arrive ensuite pour sauter sur la remorque et l'ouvrir grâce à un tremplin accroché sur Snot Rod et Wingo se charge ensuite de voler le contenu de la remorque. Ils sont plus tard arrêtés par Flash McQueen. Ils lui révèlent alors que c'est Chick Hicks qui les a envoyés.
 
 
 
 
 
 
 
 Dans la version française du film, Martin la dépanneuse tient son nom du personnage de Martine, du film Le Grand Chemin sorti en 1987. Les deux personnages partagent le même milieu et le même caractère.
 Il s'agit du dernier film de Paul Newman, décédé en 2008.
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https://login.wikimedia.org/wiki/Special:CentralAutoLogin/start?type=1x1; /static/images/footer/wikimedia-button.svg; /w/resources/assets/poweredby_mediawiki.svg,https://en.wikipedia.org/wiki/Cars,Car,https://en.wikipedia.org/wiki/Cars,"A car, or an automobile, is a motor vehicle with wheels. Most definitions of cars state that they run primarily on roads, seat one to eight people, have four wheels, and mainly transport people over cargo.[1][2] There are around one billion cars in use worldwide. The car is considered an important part of the developed economy.[citation needed]
 The French inventor Nicolas-Joseph Cugnot built the first steam-powered road vehicle in 1769, while the Swiss inventor François Isaac de Rivaz designed and constructed the first internal combustion-powered automobile in 1808. The modern car—a practical, marketable automobile for everyday use—was invented in 1886, when the German inventor Carl Benz patented his Benz Patent-Motorwagen. Commercial cars became widely available during the 20th century. The 1901 Oldsmobile Curved Dash and the 1908 Ford Model T, both American cars, are widely considered the first mass-produced[3][4] and mass-affordable[5][6][7] cars, respectively. Cars were rapidly adopted in the US, where they replaced horse-drawn carriages.[8] In Europe and other parts of the world, demand for automobiles did not increase until after World War II.[9] In the 21st century, car usage is still increasing rapidly, especially in China, India, and other newly industrialised countries.[10][11]
 Cars have controls for driving, parking, passenger comfort, and a variety of lamps. Over the decades, additional features and controls have been added to vehicles, making them progressively more complex. These include rear-reversing cameras, air conditioning, navigation systems, and in-car entertainment. Most cars in use in the early 2020s are propelled by an internal combustion engine, fueled by the combustion of fossil fuels. Electric cars, which were invented early in the history of the car, became commercially available in the 2000s and are predicted to cost less to buy than petrol-driven cars before 2025.[12][13] The transition from fossil fuel-powered cars to electric cars features prominently in most climate change mitigation scenarios,[14] such as Project Drawdown's 100 actionable solutions for climate change.[15]
 There are costs and benefits to car use. The costs to the individual include acquiring the vehicle, interest payments (if the car is financed), repairs and maintenance, fuel, depreciation, driving time, parking fees, taxes, and insurance.[16] The costs to society include maintaining roads, land-use, road congestion, air pollution, noise pollution, public health, and disposing of the vehicle at the end of its life. Traffic collisions are the largest cause of injury-related deaths worldwide.[17] Personal benefits include on-demand transportation, mobility, independence, and convenience.[18] Societal benefits include economic benefits, such as job and wealth creation from the automotive industry, transportation provision, societal well-being from leisure and travel opportunities, and the generation of revenue from taxation. People's ability to move flexibly from place to place has far-reaching implications for the nature of societies.[19]
 The English word car is believed to originate from Latin carrus/carrum ""wheeled vehicle"" or (via Old North French) Middle English carre ""two-wheeled cart"", both of which in turn derive from Gaulish karros ""chariot"".[20][21] It originally referred to any wheeled horse-drawn vehicle, such as a cart, carriage, or wagon.[22][23]
 ""Motor car"", attested from 1895, is the usual formal term in British English.[2] ""Autocar"", a variant likewise attested from 1895 and literally meaning ""self-propelled car"", is now considered archaic.[24] ""Horseless carriage"" is attested from 1895.[25]
 ""Automobile"", a classical compound derived from Ancient Greek autós (αὐτός) ""self"" and Latin mobilis ""movable"", entered English from French and was first adopted by the Automobile Club of Great Britain in 1897.[26] It fell out of favour in Britain and is now used chiefly in North America,[27] where the abbreviated form ""auto"" commonly appears as an adjective in compound formations like ""auto industry"" and ""auto mechanic"".[28][29]
 In 1649, Hans Hautsch of Nuremberg built a clockwork-driven carriage.[32][33] The first steam-powered vehicle was designed by Ferdinand Verbiest, a Flemish member of a Jesuit mission in China around 1672. It was a 65-centimetre-long (26 in) scale-model toy for the Kangxi Emperor that was unable to carry a driver or a passenger.[18][34][35] It is not known with certainty if Verbiest's model was successfully built or run.[35]
 Nicolas-Joseph Cugnot is widely credited with building the first full-scale, self-propelled mechanical vehicle in about 1769; he created a steam-powered tricycle.[36] He also constructed two steam tractors for the French Army, one of which is preserved in the French National Conservatory of Arts and Crafts.[36] His inventions were limited by problems with water supply and maintaining steam pressure.[36] In 1801, Richard Trevithick built and demonstrated his Puffing Devil road locomotive, believed by many to be the first demonstration of a steam-powered road vehicle. It was unable to maintain sufficient steam pressure for long periods and was of little practical use.
 The development of external combustion (steam) engines is detailed as part of the history of the car but often treated separately from the development of true cars. A variety of steam-powered road vehicles were used during the first part of the 19th century, including steam cars, steam buses, phaetons, and steam rollers. In the United Kingdom, sentiment against them led to the Locomotive Acts of 1865.
 In 1807, Nicéphore Niépce and his brother Claude created what was probably the world's first internal combustion engine (which they called a Pyréolophore), but installed it in a boat on the river Saone in France.[37] Coincidentally, in 1807, the Swiss inventor François Isaac de Rivaz designed his own ""de Rivaz internal combustion engine"", and used it to develop the world's first vehicle to be powered by such an engine. The Niépces' Pyréolophore was fuelled by a mixture of Lycopodium powder (dried spores of the Lycopodium plant), finely crushed coal dust and resin that were mixed with oil, whereas de Rivaz used a mixture of hydrogen and oxygen.[37] Neither design was successful, as was the case with others, such as Samuel Brown, Samuel Morey, and Etienne Lenoir,[38] who each built vehicles (usually adapted carriages or carts) powered by internal combustion engines.[39]
 In November 1881, French inventor Gustave Trouvé demonstrated a three-wheeled car powered by electricity at the International Exposition of Electricity.[40] Although several other German engineers (including Gottlieb Daimler, Wilhelm Maybach, and Siegfried Marcus) were working on cars at about the same time, the year 1886 is regarded as the birth year of the modern car—a practical, marketable automobile for everyday use—when the German Carl Benz patented his Benz Patent-Motorwagen; he is generally acknowledged as the inventor of the car.[39][41][42]
 In 1879, Benz was granted a patent for his first engine, which had been designed in 1878. Many of his other inventions made the use of the internal combustion engine feasible for powering a vehicle. His first Motorwagen was built in 1885 in Mannheim, Germany. He was awarded the patent for its invention as of his application on 29 January 1886 (under the auspices of his major company, Benz & Cie., which was founded in 1883). Benz began promotion of the vehicle on 3 July 1886, and about 25 Benz vehicles were sold between 1888 and 1893, when his first four-wheeler was introduced along with a cheaper model. They also were powered with four-stroke engines of his own design. Emile Roger of France, already producing Benz engines under license, now added the Benz car to his line of products. Because France was more open to the early cars, initially more were built and sold in France through Roger than Benz sold in Germany. In August 1888, Bertha Benz, the wife and business partner of Carl Benz, undertook the first road trip by car, to prove the road-worthiness of her husband's invention.[43]
 In 1896, Benz designed and patented the first internal-combustion flat engine, called boxermotor. During the last years of the 19th century, Benz was the largest car company in the world with 572 units produced in 1899 and, because of its size, Benz & Cie., became a joint-stock company. The first motor car in central Europe and one of the first factory-made cars in the world, was produced by Czech company Nesselsdorfer Wagenbau (later renamed to Tatra) in 1897, the Präsident automobil.
 Daimler and Maybach founded Daimler Motoren Gesellschaft (DMG) in Cannstatt in 1890, and sold their first car in 1892 under the brand name Daimler. It was a horse-drawn stagecoach built by another manufacturer, which they retrofitted with an engine of their design. By 1895, about 30 vehicles had been built by Daimler and Maybach, either at the Daimler works or in the Hotel Hermann, where they set up shop after disputes with their backers. Benz, Maybach, and the Daimler team seem to have been unaware of each other's early work. They never worked together; by the time of the merger of the two companies, Daimler and Maybach were no longer part of DMG. Daimler died in 1900 and later that year, Maybach designed an engine named Daimler-Mercedes that was placed in a specially ordered model built to specifications set by Emil Jellinek. This was a production of a small number of vehicles for Jellinek to race and market in his country. Two years later, in 1902, a new model DMG car was produced and the model was named Mercedes after the Maybach engine, which generated 35 hp. Maybach quit DMG shortly thereafter and opened a business of his own. Rights to the Daimler brand name were sold to other manufacturers.
 In 1890, Émile Levassor and Armand Peugeot of France began producing vehicles with Daimler engines, and so laid the foundation of the automotive industry in France. In 1891, Auguste Doriot and his Peugeot colleague Louis Rigoulot completed the longest trip by a petrol-driven vehicle when their self-designed and built Daimler powered Peugeot Type 3 completed 2,100 kilometres (1,300 mi) from Valentigney to Paris and Brest and back again. They were attached to the first Paris–Brest–Paris bicycle race, but finished six days after the winning cyclist, Charles Terront.
 The first design for an American car with a petrol internal combustion engine was made in 1877 by George Selden of Rochester, New York. Selden applied for a patent for a car in 1879, but the patent application expired because the vehicle was never built. After a delay of 16 years and a series of attachments to his application, on 5 November 1895, Selden was granted a US patent (U.S. patent 549,160) for a two-stroke car engine, which hindered, more than encouraged, development of cars in the United States. His patent was challenged by Henry Ford and others, and overturned in 1911.
 In 1893, the first running, petrol-driven American car was built and road-tested by the Duryea brothers of Springfield, Massachusetts. The first public run of the Duryea Motor Wagon took place on 21 September 1893, on Taylor Street in Metro Center Springfield.[44][45] Studebaker, subsidiary of a long-established wagon and coach manufacturer, started to build cars in 1897[46]: 66  and commenced sales of electric vehicles in 1902 and petrol vehicles in 1904.[47]
 In Britain, there had been several attempts to build steam cars with varying degrees of success, with Thomas Rickett even attempting a production run in 1860.[48] Santler from Malvern is recognised by the Veteran Car Club of Great Britain as having made the first petrol-driven car in the country in 1894,[49] followed by Frederick William Lanchester in 1895, but these were both one-offs.[49] The first production vehicles in Great Britain came from the Daimler Company, a company founded by Harry J. Lawson in 1896, after purchasing the right to use the name of the engines. Lawson's company made its first car in 1897, and they bore the name Daimler.[49]
 In 1892, German engineer Rudolf Diesel was granted a patent for a ""New Rational Combustion Engine"". In 1897, he built the first diesel engine.[39] Steam-, electric-, and petrol-driven vehicles competed for a few decades, with petrol internal combustion engines achieving dominance in the 1910s. Although various pistonless rotary engine designs have attempted to compete with the conventional piston and crankshaft design, only Mazda's version of the Wankel engine has had more than very limited success.
 All in all, it is estimated that over 100,000 patents created the modern automobile and motorcycle.[50]
 Large-scale, production-line manufacturing of affordable cars was started by Ransom Olds in 1901 at his Oldsmobile factory in Lansing, Michigan, and based upon stationary assembly line techniques pioneered by Marc Isambard Brunel at the Portsmouth Block Mills, England, in 1802. The assembly line style of mass production and interchangeable parts had been pioneered in the US by Thomas Blanchard in 1821, at the Springfield Armory in Springfield, Massachusetts.[51] This concept was greatly expanded by Henry Ford, beginning in 1913 with the world's first moving assembly line for cars at the Highland Park Ford Plant.
 As a result, Ford's cars came off the line in 15-minute intervals, much faster than previous methods, increasing productivity eightfold, while using less manpower (from 12.5 manhours to 1 hour 33 minutes).[52] It was so successful, paint became a bottleneck. Only Japan black would dry fast enough, forcing the company to drop the variety of colours available before 1913, until fast-drying Duco lacquer was developed in 1926. This is the source of Ford's apocryphal remark, ""any color as long as it's black"".[52] In 1914, an assembly line worker could buy a Model T with four months' pay.[52]
 Ford's complex safety procedures—especially assigning each worker to a specific location instead of allowing them to roam about—dramatically reduced the rate of injury.[53] The combination of high wages and high efficiency is called ""Fordism"" and was copied by most major industries. The efficiency gains from the assembly line also coincided with the economic rise of the US. The assembly line forced workers to work at a certain pace with very repetitive motions which led to more output per worker while other countries were using less productive methods.
 In the automotive industry, its success was dominating, and quickly spread worldwide seeing the founding of Ford France and Ford Britain in 1911, Ford Denmark 1923, Ford Germany 1925; in 1921, Citroën was the first native European manufacturer to adopt the production method. Soon, companies had to have assembly lines, or risk going broke; by 1930, 250 companies which did not, had disappeared.[52]
 Development of automotive technology was rapid, due in part to the hundreds of small manufacturers competing to gain the world's attention. Key developments included electric ignition and the electric self-starter (both by Charles Kettering, for the Cadillac Motor Company in 1910–1911), independent suspension, and four-wheel brakes.
 Since the 1920s, nearly all cars have been mass-produced to meet market needs, so marketing plans often have heavily influenced car design. It was Alfred P. Sloan who established the idea of different makes of cars produced by one company, called the General Motors Companion Make Program, so that buyers could ""move up"" as their fortunes improved.
 Reflecting the rapid pace of change, makes shared parts with one another so larger production volume resulted in lower costs for each price range. For example, in the 1930s, LaSalles, sold by Cadillac, used cheaper mechanical parts made by Oldsmobile; in the 1950s, Chevrolet shared bonnet, doors, roof, and windows with Pontiac; by the 1990s, corporate powertrains and shared platforms (with interchangeable brakes, suspension, and other parts) were common. Even so, only major makers could afford high costs, and even companies with decades of production, such as Apperson, Cole, Dorris, Haynes, or Premier, could not manage: of some two hundred American car makers in existence in 1920, only 43 survived in 1930, and with the Great Depression, by 1940, only 17 of those were left.[52]
 In Europe, much the same would happen. Morris set up its production line at Cowley in 1924, and soon outsold Ford, while beginning in 1923 to follow Ford's practice of vertical integration, buying Hotchkiss' British subsidiary (engines), Wrigley (gearboxes), and Osberton (radiators), for instance, as well as competitors, such as Wolseley: in 1925, Morris had 41 per cent of total British car production. Most British small-car assemblers, from Abbey to Xtra, had gone under. Citroën did the same in France, coming to cars in 1919; between them and other cheap cars in reply such as Renault's 10CV and Peugeot's 5CV, they produced 550,000 cars in 1925, and Mors, Hurtu, and others could not compete.[52] Germany's first mass-manufactured car, the Opel 4PS Laubfrosch (Tree Frog), came off the line at Rüsselsheim in 1924, soon making Opel the top car builder in Germany, with 37.5 per cent of the market.[52]
 In Japan, car production was very limited before World War II. Only a handful of companies were producing vehicles in limited numbers, and these were small, three-wheeled for commercial uses, like Daihatsu, or were the result of partnering with European companies, like Isuzu building the Wolseley A-9 in 1922. Mitsubishi was also partnered with Fiat and built the Mitsubishi Model A based on a Fiat vehicle. Toyota, Nissan, Suzuki, Mazda, and Honda began as companies producing non-automotive products before the war, switching to car production during the 1950s. Kiichiro Toyoda's decision to take Toyoda Loom Works into automobile manufacturing would create what would eventually become Toyota Motor Corporation, the largest automobile manufacturer in the world. Subaru, meanwhile, was formed from a conglomerate of six companies who banded together as Fuji Heavy Industries, as a result of having been broken up under keiretsu legislation.
 The transport sector is a major contributor to air pollution, noise pollution and climate change.[55]
 Most cars in use in the early 2020s run on petrol burnt in an internal combustion engine (ICE). The International Organization of Motor Vehicle Manufacturers says that, in countries that mandate low sulphur motor spirit, petrol-fuelled cars built to late 2010s standards (such as Euro-6) emit very little local air pollution.[56][57] Some cities ban older petrol-driven cars and some countries plan to ban sales in future. However, some environmental groups say this phase-out of fossil fuel vehicles must be brought forwards to limit climate change. Production of petrol-fuelled cars peaked in 2017.[58][59]
 Other hydrocarbon fossil fuels also burnt by deflagration (rather than detonation) in ICE cars include diesel, autogas, and CNG. Removal of fossil fuel subsidies,[60][61] concerns about oil dependence, tightening environmental laws and restrictions on greenhouse gas emissions are propelling work on alternative power systems for cars. This includes hybrid vehicles, plug-in electric vehicles and hydrogen vehicles. Out of all cars sold in 2021, nine per cent were electric, and by the end of that year there were more than 16 million electric cars on the world's roads.[62] Despite rapid growth, less than two per cent of cars on the world's roads were fully electric and plug-in hybrid cars by the end of 2021.[62] Cars for racing or speed records have sometimes employed jet or rocket engines, but these are impractical for common use.
 Oil consumption has increased rapidly in the 20th and 21st centuries because there are more cars; the 1980s oil glut even fuelled the sales of low-economy vehicles in OECD countries. The BRIC countries are adding to this consumption.
 As of 2023[update] few production cars use wheel hub motors.[63][64]
 In almost all hybrid (even mild hybrid) and pure electric cars regenerative braking recovers and returns to a battery some energy which would otherwise be wasted by friction brakes getting hot.[65] Although all cars must have friction brakes (front disc brakes and either disc or drum rear brakes[66]) for emergency stops, regenerative braking improves efficiency, particularly in city driving.[67]
 Cars are equipped with controls used for driving, passenger comfort, and safety, normally operated by a combination of the use of feet and hands, and occasionally by voice on 21st-century cars. These controls include a steering wheel, pedals for operating the brakes and controlling the car's speed (and, in a manual transmission car, a clutch pedal), a shift lever or stick for changing gears, and a number of buttons and dials for turning on lights, ventilation, and other functions. Modern cars' controls are now standardised, such as the location for the accelerator and brake, but this was not always the case. Controls are evolving in response to new technologies, for example, the electric car and the integration of mobile communications.
 Some of the original controls are no longer required. For example, all cars once had controls for the choke valve, clutch, ignition timing, and a crank instead of an electric starter. However, new controls have also been added to vehicles, making them more complex. These include air conditioning, navigation systems, and in-car entertainment. Another trend is the replacement of physical knobs and switches by secondary controls with touchscreen controls such as BMW's iDrive and Ford's MyFord Touch. Another change is that while early cars' pedals were physically linked to the brake mechanism and throttle, in the early 2020s, cars have increasingly replaced these physical linkages with electronic controls.
 Cars are typically equipped with interior lighting which can be toggled manually or be set to light up automatically with doors open, an entertainment system which originated from car radios, sideways windows which can be lowered or raised electrically (manually on earlier cars), and one or multiple auxiliary power outlets for supplying portable appliances such as mobile phones, portable fridges, power inverters, and electrical air pumps from the on-board electrical system.[68][69][a] More costly upper-class and luxury cars are equipped with features earlier such as massage seats and collision avoidance systems.[70][71]
 Dedicated automotive fuses and circuit breakers prevent damage from electrical overload.
 Cars are typically fitted with multiple types of lights. These include headlights, which are used to illuminate the way ahead and make the car visible to other users, so that the vehicle can be used at night; in some jurisdictions, daytime running lights; red brake lights to indicate when the brakes are applied; amber turn signal lights to indicate the turn intentions of the driver; white-coloured reverse lights to illuminate the area behind the car (and indicate that the driver will be or is reversing); and on some vehicles, additional lights (e.g., side marker lights) to increase the visibility of the car. Interior lights on the ceiling of the car are usually fitted for the driver and passengers. Some vehicles also have a boot light and, more rarely, an engine compartment light.
 During the late 20th and early 21st century, cars increased in weight due to batteries,[73] modern steel safety cages, anti-lock brakes, airbags, and ""more-powerful—if more efficient—engines""[74] and, as of 2019[update], typically weigh between 1 and 3 tonnes (1.1 and 3.3 short tons; 0.98 and 2.95 long tons).[75] Heavier cars are safer for the driver from a crash perspective, but more dangerous for other vehicles and road users.[74] The weight of a car influences fuel consumption and performance, with more weight resulting in increased fuel consumption and decreased performance. The Wuling Hongguang Mini EV, a typical city car, weighs about 700 kilograms (1,500 lb). Heavier cars include SUVs and extended-length SUVs like the Suburban. Cars have also become wider.[76]
 Some places tax heavier cars more:[77] as well as improving pedestrian safety this can encourage manufacturers to use materials such as recycled aluminium instead of steel.[78] It has been suggested that one benefit of subsidising charging infrastructure is that cars can use lighter batteries.[79]
 Most cars are designed to carry multiple occupants, often with four or five seats. Cars with five seats typically seat two passengers in the front and three in the rear. Full-size cars and large sport utility vehicles can often carry six, seven, or more occupants depending on the arrangement of the seats. On the other hand, sports cars are most often designed with only two seats. Utility vehicles like pickup trucks, combine seating with extra cargo or utility functionality. The differing needs for passenger capacity and their luggage or cargo space has resulted in the availability of a large variety of body styles to meet individual consumer requirements that include, among others, the sedan/saloon, hatchback, station wagon/estate, coupe, and minivan.
 Traffic collisions are the largest cause of injury-related deaths worldwide.[17] Mary Ward became one of the first documented car fatalities in 1869 in Parsonstown, Ireland,[80] and Henry Bliss one of the US's first pedestrian car casualties in 1899 in New York City.[81] There are now standard tests for safety in new cars, such as the Euro and US NCAP tests,[82] and insurance-industry-backed tests by the Insurance Institute for Highway Safety (IIHS).[83] However, not all such tests consider the safety of people outside the car, such as drivers of other cars, pedestrians and cyclists.[84]
 The costs of car usage, which may include the cost of: acquiring the vehicle, repairs and auto maintenance, fuel, depreciation, driving time, parking fees, taxes, and insurance,[16] are weighed against the cost of the alternatives, and the value of the benefits—perceived and real—of vehicle usage. The benefits may include on-demand transportation, mobility, independence, and convenience,[18] and emergency power.[86] During the 1920s, cars had another benefit: ""[c]ouples finally had a way to head off on unchaperoned dates, plus they had a private space to snuggle up close at the end of the night.""[87]
 Similarly the costs to society of car use may include; maintaining roads, land use, air pollution, noise pollution, road congestion, public health, health care, and of disposing of the vehicle at the end of its life; and can be balanced against the value of the benefits to society that car use generates. Societal benefits may include: economy benefits, such as job and wealth creation, of car production and maintenance, transportation provision, society wellbeing derived from leisure and travel opportunities, and revenue generation from the tax opportunities. The ability of humans to move flexibly from place to place has far-reaching implications for the nature of societies.[19]
 Cars are a major cause of urban air pollution,[90] with all types of cars producing dust from brakes, tyres, and road wear,[91] although these may be limited by vehicle emission standards.[92] While there are different ways to power cars, most rely on petrol or diesel, and they consume almost a quarter of world oil production as of 2019[update].[58] Both petrol and diesel cars pollute more than electric cars.[93] Cars and vans caused 8% of direct carbon dioxide emissions in 2021.[94] As of 2021[update], due to greenhouse gases emitted during battery production, electric cars must be driven tens of thousands of kilometres before their lifecycle carbon emissions are less than fossil fuel cars;[95][96] however this varies considerably[97] and is expected to improve in future due to lower carbon electricity, and longer lasting batteries[98] produced in larger factories.[99] Many governments use fiscal policies, such as road tax, to discourage the purchase and use of more polluting cars;[100] and many cities are doing the same with low-emission zones.[101] Fuel taxes may act as an incentive for the production of more efficient, hence less polluting, car designs (e.g., hybrid vehicles) and the development of alternative fuels.[citation needed] High fuel taxes or cultural change may provide a strong incentive for consumers to purchase lighter, smaller, more fuel-efficient cars,[citation needed] or to not drive.[101]
 The lifetime of a car built in the 2020s is expected to be about 16 years, or about 2 millionkm (1.2 millionmiles) if driven a lot.[102] According to the International Energy Agency the average rated fuel consumption of new light-duty vehicles fell by only 0.9% between 2017 and 2019, far smaller than the 1.8% annual average reduction between 2010 and 2015. Given slow progress to date, the IEA estimates fuel consumption will have to decrease by 4.3% per year on average from 2019 to 2030.[103] The increase in sales of SUVs is bad for fuel economy.[58] Many cities in Europe have banned older fossil fuel cars and all fossil fuel vehicles will be banned in Amsterdam from 2030.[104] Many Chinese cities limit licensing of fossil fuel cars,[105] and many countries plan to stop selling them between 2025 and 2050.[106]
 The manufacture of vehicles is resource intensive, and many manufacturers now report on the environmental performance of their factories, including energy usage, waste and water consumption.[107] Manufacturing each kWh of battery emits a similar amount of carbon as burning through one full tank of petrol.[108] The growth in popularity of the car allowed cities to sprawl, therefore encouraging more travel by car, resulting in inactivity and obesity, which in turn can lead to increased risk of a variety of diseases.[109]
 Animals and plants are often negatively affected by cars via habitat destruction and pollution. Over the lifetime of the average car, the ""loss of habitat potential"" may be over 50,000 square metres (540,000 sq ft) based on primary production correlations.[110][clarification needed] Animals are also killed every year on roads by cars, referred to as roadkill. More recent road developments are including significant environmental mitigation in their designs, such as green bridges (designed to allow wildlife crossings) and creating wildlife corridors.
 Growth in the popularity of cars and commuting has led to traffic congestion.[111] Moscow, Istanbul, Bogotá, Mexico City and São Paulo were the world's most congested cities in 2018 according to INRIX, a data analytics company.[112]
 Mass production of personal motor vehicles in the United States and other developed countries with extensive territories such as Australia, Argentina, and France vastly increased individual and group mobility and greatly increased and expanded economic development in urban, suburban, exurban and rural areas.[citation needed]
 In the United States, the transport divide and car dependency resulting from domination of car-based transport systems presents barriers to employment in low-income neighbourhoods,[113] with many low-income individuals and families forced to run cars they cannot afford in order to maintain their income.[114] Dependency on automobiles by African Americans may result in exposure to the hazards of driving while black and other types of racial discrimination related to buying, financing and insuring them.[115]
 Although intensive development of conventional battery electric vehicles is continuing into the 2020s,[116] other car propulsion technologies that are under development include wireless charging,[117] hydrogen cars,[118][119] and hydrogen/electric hybrids.[120] Research into alternative forms of power includes using ammonia instead of hydrogen in fuel cells.[121]
 New materials which may replace steel car bodies include aluminium,[122] fiberglass, carbon fiber, biocomposites, and carbon nanotubes.[123] Telematics technology is allowing more and more people to share cars, on a pay-as-you-go basis, through car share and carpool schemes. Communication is also evolving due to connected car systems.[124] Open-source cars are not widespread.[125]
 Fully autonomous vehicles, also known as driverless cars, already exist as robotaxis[126][127] but have a long way to go before they are in general use.[128]
 Car-share arrangements and carpooling are also increasingly popular, in the US and Europe.[129] For example, in the US, some car-sharing services have experienced double-digit growth in revenue and membership growth between 2006 and 2007. Services like car sharing offer residents to ""share"" a vehicle rather than own a car in already congested neighbourhoods.[130]
 The automotive industry designs, develops, manufactures, markets, and sells the world's motor vehicles, more than three-quarters of which are cars. In 2020, there were 56 million cars manufactured worldwide,[131] down from 67 million the previous year.[132]
 The automotive industry in China produces by far the most (20 million in 2020), followed by Japan (seven million), then Germany, South Korea and India.[133] The largest market is China, followed by the US.
 Around the world, there are about a billion cars on the road;[134] they burn over a trillion litres (0.26×10^12 US gal; 0.22×10^12 imp gal) of petrol and diesel fuel yearly, consuming about 50 exajoules (14,000 TWh) of energy.[135] The numbers of cars are increasing rapidly in China and India.[136] In the opinion of some, urban transport systems based around the car have proved unsustainable, consuming excessive energy, affecting the health of populations, and delivering a declining level of service despite increasing investment. Many of these negative effects fall disproportionately on those social groups who are also least likely to own and drive cars.[137][138] The sustainable transport movement focuses on solutions to these problems. The car industry is also facing increasing competition from the public transport sector, as some people re-evaluate their private vehicle usage.
 Established alternatives for some aspects of car use include public transport such as busses, trolleybusses, trains, subways, tramways, light rail, cycling, and walking. Bicycle sharing systems have been established in China and many European cities, including Copenhagen and Amsterdam. Similar programmes have been developed in large US cities.[139][140] Additional individual modes of transport, such as personal rapid transit could serve as an alternative to cars if they prove to be socially accepted.[141] A study which checked the costs and the benefits of introducing Low Traffic Neighbourhood in London found the benefits overpass the costs approximately by 100 times in the first 20 years and the difference is growing over time.[142]
 General:
 
 Effects:
 
 Mitigation:",5386,"Main page; Contents; Current events; About Wikipedia; Help; Learn to edit; Community portal; Upload file; ; learn more; Article; Talk; Read; Read; Upload file; ; Central African Republic; Car (disambiguation); Cars (film); Passenger railroad car; Motor vehicle; Passenger car (disambiguation); Automobile (disambiguation); layout guidelines; Learn how and when to remove this message; ; Toyota Corolla; best-selling series of automobile of all time; Vehicle; Transportation; Petrol; Diesel; Natural gas; Hydrogen; Biodiesel; Battery; Fuel cell; Solar cell; Hybrids; Carl Benz; motor vehicle; wheels; roads; seat; wheels; people; cargo; developed economy; citation needed; Nicolas-Joseph Cugnot; François Isaac de Rivaz; Carl Benz; Benz Patent-Motorwagen; Oldsmobile Curved Dash; Ford Model T; horse-drawn carriages; after World War II; newly industrialised countries; driving; parking; passenger; lamps; rear-reversing cameras; air conditioning; navigation systems; in-car entertainment; internal combustion engine; combustion; fossil fuels; Electric cars; history of the car; climate change mitigation scenarios; Project Drawdown; costs and benefits to car use; maintenance; depreciation; insurance; land-use; road congestion; air pollution; noise pollution; public health; disposing of the vehicle at the end of its life; Traffic collisions; automotive industry; far-reaching implications for the nature of societies; English; Latin; Old North French; Middle English; Gaulish; chariot; horse-drawn vehicle; cart; carriage; wagon; British English; Horseless carriage; classical compound; Ancient Greek; French; Automobile Club of Great Britain; North America; auto industry; auto mechanic; History of the automobile; spinning off; relocating; Wikipedia's inclusion policy; Learn how and when to remove this message; ; Ferdinand Verbiest; ; Musée des Arts et Métiers; ; Carl Benz; ; Benz Patent-Motorwagen; ; Bertha Benz; ; Flocken Elektrowagen; ; Stuttgart; Gottlieb Daimler; Wilhelm Maybach; Daimler Motoren Gesellschaft; Mercedes-Benz Group; Porsche; Hans Hautsch; Nuremberg; Ferdinand Verbiest; Flemish; Jesuit mission in China; Kangxi Emperor; Nicolas-Joseph Cugnot; French National Conservatory of Arts and Crafts; Richard Trevithick; Puffing Devil; steam cars; steam buses; phaetons; steam rollers; Locomotive Acts; Nicéphore Niépce; internal combustion engine; Pyréolophore; Saone; François Isaac de Rivaz; de Rivaz internal combustion engine; Lycopodium powder; Lycopodium; hydrogen; oxygen; Samuel Brown; Samuel Morey; Etienne Lenoir; Gustave Trouvé; International Exposition of Electricity; Gottlieb Daimler; Wilhelm Maybach; Siegfried Marcus; Carl Benz; Benz Patent-Motorwagen; Mannheim; Benz & Cie.; four-stroke; Bertha Benz; road trip; flat engine; joint-stock company; Tatra; Präsident; Daimler Motoren Gesellschaft; Cannstatt; Emil Jellinek; Émile Levassor; Armand Peugeot; automotive industry in France; Auguste Doriot; Peugeot Type 3; Valentigney; Paris–Brest–Paris; Charles Terront; George Selden; Rochester, New York; two-stroke; which hindered, more than encouraged; Henry Ford; American car; Duryea brothers; Springfield, Massachusetts; Duryea Motor Wagon; Metro Center; Studebaker; Thomas Rickett; Santler; Frederick William Lanchester; Daimler Company; Harry J. 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Ratatouille (film),https://fr.wikipedia.org/wiki/Ratatouille_(film),"Vous lisez un « bon article » labellisé en 2008.
 Pour les articles homonymes, voir Ratatouille (homonymie).
 Patton OswaltLou RomanoIan HolmPeter O'TooleBrad Garrett
 Série Classiques d'animation Pixar Cars(2006) WALL-E(2008) 
 Pour plus de détails, voir Fiche technique et Distribution. modifier  Ratatouille est le huitième film d'animation en images de synthèse des studios américains Pixar, écrit et réalisé par Brad Bird et sorti en salles en 2007.
 Le film raconte les aventures animées d'un rat, nommé Rémy, qui est séparé de sa famille lors d'une fuite en catastrophe de sa colonie, délogée de son lieu d'établissement. Rémy s'installe alors dans les cuisines de Chez Gusteau !, un grand restaurant parisien, et fait la connaissance d'Alfredo Linguini, un jeune commis de cuisine.
 Acclamé tant par le public que par la critique, le film se hisse dès sa sortie en tête du box-office aux États-Unis, en France et au Royaume-Uni. Il sera finalement un succès et recevra diverses récompenses, dont l'Oscar du meilleur film d'animation en 2007.
 Rémy, un jeune rat, vit dans la campagne française en périphérie de Paris avec son père, Django, son frère, Émile, et un clan de rats, dans le grenier de la maison d'une vieille dame à la retraite. Contrairement aux membres de sa famille, Rémy est un grand admirateur de la cuisine française. Grâce à son odorat très fin, le jeune rat connaît instinctivement les ingrédients à ajouter aux plats pour les rendre meilleurs et plus subtils. C'est pourquoi il se rend furtivement le soir dans la cuisine pour lire un livre de recettes du chef cuisinier étoilé Auguste Gusteau, mort récemment après la perte d'une de ses étoiles à cause d'un critique culinaire, Anton Ego, qui s'opposait à l'idée fondamentale de Gusteau selon laquelle « tout le monde peut cuisiner ».
 Un soir, Rémy, accompagné de son frère, est en train de concocter une recette lorsque la propriétaire de la maison les prend sur le fait et les oblige à fuir. Séparé de sa famille et seul dans les égouts, Rémy parle en rêve avec Gusteau, qui le console et le guide jusqu'à son restaurant. Il tombe sur Alfredo Linguini, un jeune commis de cuisine préposé aux poubelles depuis que Skinner, le nouveau chef, a appris qu'il était le fils de la petite amie de Gusteau. Alors qu'Alfredo renverse accidentellement une soupe en passant la serpillière, il essaie de la rattraper et s'apprête irrémédiablement à la gâcher, Rémy s'infiltre dans la cuisine pour sauver le plat en utilisant son talent mais Alfredo l'aperçoit et l'enferme sous une passoire. Skinner remarque à son tour Alfredo à côté de la soupe et vient alors le réprimander : il ne doit pas s'occuper de la préparation des plats, n'ayant aucune formation de cuisinier. Quelques minutes passent, et la soupe est servie à Solène Leclerc, une critique culinaire. Skinner s'apercevant que la soupe servie était celle qu'Alfredo avait modifiée, tente de l'intercepter, mais n'y parvient pas. Il s'apprête à licencier le jeune commis lorsque la critique, ravie par la soupe appétissante, fait parvenir au chef ses félicitations. Alfredo est alors affecté à la préparation des soupes. Pendant ce temps, Rémy, qui a réussi à s'échapper de la passoire, est capturé et enfermé dans un bocal par des cuisiniers. C'est Alfredo qui est chargé de la tâche de s'en défaire. Mais alors qu'il s'apprête à le jeter dans la Seine, il se rend compte que le rat comprend ses paroles et qu'il peut l'aider. Ils acceptent alors de travailler ensemble. Colette, une jeune cuisinière, est chargée de l'apprentissage d'Alfredo mais Skinner, toujours décidé à s'en débarrasser, demande à ce dernier de préparer à nouveau une soupe, certain que le commis n'y parviendra pas.
 Le jour suivant, le rat s'entraîne à diriger Alfredo, en lui tirant les cheveux, caché sous sa toque de cuisinier. Le commis réussissant ses tâches avec succès, est pris de l'envie de révéler son secret à Colette, mais le petit rat s'y oppose et l'oblige à l'embrasser à la place. Alfredo et Colette réalisent alors grâce à Rémy qu'ils sont amoureux l'un de l'autre et entament une relation.
 Rémy découvre par hasard qu'Alfredo est le fils de Gusteau et réussit à récupérer de justesse les preuves de cette filiation des griffes de Skinner. Alfredo devient alors le chef légitime du restaurant et décide de révéler son secret aux autres cuisiniers. Choqués qu'il doive son talent à un rat, tous décident alors de le quitter, y compris Colette, le soir même où l'horrible critique Anton Ego leur rend visite. Désemparé, Alfredo ne sait plus que faire. Mais la famille de Rémy, qui avait une dette envers lui, vient lui prêter main-forte.
 Dans les cuisines du restaurant, de nombreux petits rats se partagent les tâches pour concocter les plats, tandis qu'Alfredo assure le service. Rémy décide de préparer une ratatouille (Confit byaldi) pour le critique. Lors de la dégustation, la profusion de saveurs fait ressurgir chez Ego le souvenir de la ratatouille de son enfance. Subjugué, il veut remercier le chef mais Alfredo lui avoue que c'est un rat qui a préparé le plat. Le lendemain du repas, le critique publie un article élogieux sur Alfredo et sur son mystérieux petit cuisinier sans en dévoiler la nature exacte. Mais les services d'hygiène, avertis par Skinner de la présence de rats dans l'établissement, ferment le restaurant et Ego perd son emploi et sa crédibilité en tant que critique culinaire. Aidé de Colette, qui a lu entretemps le livre d'Auguste Gusteau Tout le monde peut cuisiner, Alfredo ouvre un nouveau restaurant nommé La Ratatouille, en l'honneur de celle servie à Ego. Il s'occupe du service, laissant la cuisine à Colette et Rémy. Le film se termine par le service à Ego très ravi de revenir manger dans ce nouveau restaurant et attendant patiemment que le chef lui prépare un dessert qui le surprendra comme il le souhaite, tandis que dehors, une queue imposante de gens attendent devant le nouveau restaurant.
  Sauf indication contraire ou complémentaire, les informations mentionnées dans cette section peuvent être confirmées par la base de données IMDb.
 Source : IMDb[3]
 Début février 2008, le DVD ainsi qu'une édition haute définition Blu-ray sortent en vente en France, et début novembre 2007 en Amérique[4]. Cette nouvelle sortie pour les studios Pixar se différencie des précédents DVD, où apparaissaient dans le menu, différents jeux enfantins[5]. Seul, un menu interactif de Disney Channel est mis en valeur, accompagné de deux courts métrages, régis par un son Dolby Digital : une histoire de rats, et l'extraction ratée d'un dormeur de sa maison par un extraterrestre maladroit. L'histoire de rats n'est autre qu'une histoire animée sur Rémy et Émile, intitulée Your Friend the Rat (Vos amis les rats), dans laquelle deux rats essayent de devenir amis avec des humains, démontrant les préjugés des humains à travers plusieurs exemples[6]. Ce court métrage en trois dimensions dure onze minutes. L'autre court métrage n'est autre que celui précédant Ratatouille, en salle : Extra-terrien.
 On retrouve de plus la conception des personnages, la recette de la ratatouille, quelques morceaux du storyboard, la constitution du Paris imaginé pour le film, et une discussion entre Brad Bird et Thomas Keller sur la réalisation du film, et des aspects culinaires du film.
 Jan Pinkava, oscarisé en 1998 pour le court-métrage Le Joueur d'échecs, est à l'origine du projet : il en a créé le scénario, les costumes, les paysages : il est le noyau de Ratatouille[7]. Mais en 2005, Pixar décide de le remplacer par Brad Bird[8],[9],[10], réalisateur du précédent long-métrage Pixar (oscarisé) Les Indestructibles.
 Ce changement inattendu est dû à la complexité de l'histoire imaginée par Pinkava[11] : trop de personnages principaux et d'intrigues secondaires. Brad Bird reprend le projet en renforçant la relation Rémy-Alfredo[12], et le personnage de Colette, alors faiblement utilisé[13]. Le nouveau réalisateur modifie aussi l'esthétique des rats pour les rendre moins anthropomorphes[14], en imaginant une comédie axée sur le physique[15], dont le personnage d'Alfredo Linguini fournirait la base du travail[16]. Il persuade néanmoins John Lasseter de garder le titre Ratatouille trouvé par Pinkava, car il sonne typiquement français tout en contenant le mot « rat »[17].
 Après avoir fini de retoucher le scénario, Brad Bird, son directeur de la photographie, Robert Anderson, et plusieurs autres techniciens, se rendent à Paris. Durant une semaine, ils visitent les monuments principaux et mangent dans des restaurants chics parisiens[18] pour comprendre correctement l'environnement de la capitale, Brad désirant donner de cette ville une vision romantique[8].
 De retour en Amérique, l'équipe se lance dans la préparation du film, déjà en chantier depuis deux ans. Selon Brad Bird, c'est ce délai qui a incité les techniciens à tenter des choses qu'ils n'auraient pas faites autrement[17].
 Ratatouille est le premier long métrage des studios Pixar dont la distribution ne comprend pas Joe Ranft, surnommé le « Cœur de Pixar »[19], mort le 16 août 2005 dans un accident de voiture.
 Le film est dédié à Dan Lee, animateur de l'équipe mort en 2005 d'un cancer du poumon.
 D'après le concepteur Jason Deamer « la plupart des personnages étaient conçus lorsque Jan a quitté le tournage. Cet homme avait l'œil pour les reliefs[20] ». C'est ainsi que Pinkava imagine Anton Ego comme un vautour[21] ; en outre, les traits du personnage s'inspirent de ceux de Louis Jouvet[22].
 Jan Pinkava dira, après son départ du projet :
 « Les gens veulent toujours savoir d'où viennent les idées. La vérité est qu'un jour, je me tenais dans la cuisine avec ma femme, et que tout à coup j'ai eu cette idée : et si un rat voulait devenir un chef de cuisine ? Lorsque vous vous mettez à raconter cela aux gens, tout le monde rit. C'est vraiment une idée complètement folle[23] ! »
 Jan consulte Debbie Ducommun, une experte en rats, à propos de leurs habitudes et de leurs caractéristiques[24]. De même avant le responsable de la conception des personnages, Greg Dykstra réalise des maquettes préalables en argile d'après les conseils d'un autre expert : B. F. Skinner, qui est d'ailleurs l'un des personnages du film.
 De plus, pour étudier les mouvements des rats, un an avant le tournage est installée, à l'entrée des studios Pixar, une grande cage emplie de rats qui pouvaient ainsi courir, marcher ou dormir[25].
 Puis vient le choix des voix. Brad Bird a tout de suite choisi Patton Oswalt pour le personnage de Rémy après l'avoir entendu dans une de ses comédies[23]. Tous les acteurs choisis ont dû ensuite s'entraîner à prendre un accent français authentique. Cependant, John Ratzenberger, qui joue le rôle de Mustafa, n'y parvenant pas, il s'exprime avec un accent italien[26].
 Enfin des scènes de référence sont tournées en vrai pour étudier certains mouvements. Par exemple, pour la scène de Linguini qui saute dans la Seine pour sauver Rémy, il a fallu qu'un technicien, vêtu comme le commis, saute dans la piscine des studios et vérifie quelles parties des vêtements collaient à la peau[27].
 Auguste Gusteau est inspiré par Bernard Loiseau et Paul Bocuse, et prénommé en hommage à Auguste Escoffier[28]. Certains traits du personnage du chef cuisinier Auguste Gusteau n'ont peut-être pas été créés par Jan Pinkava mais plutôt inspirés de la vie d'un véritable chef cuisinier, Bernard Loiseau. Dans le film, Gusteau a disparu, des rumeurs circulent sur le fait qu'il semble s'être suicidé après la perte d'une étoile pour son grand restaurant car il cherchait toujours à atteindre l'excellence avec ses cinq étoiles.
 La description présente de nombreuses similitudes avec Bernard Loiseau, classé trois étoiles au Guide Michelin, et 19⁄20 au Gault et Millau. Considéré comme l'un des plus grands restaurateurs français[29]. Il projetait d'ouvrir un hôtel de luxe et de caractère, mais à la suite d'une rétrogradation de 19⁄20 à 17⁄20 par le Gault et Millau, et à des critiques lui reprochant de ne plus rechercher la perfection, en s'endormant sur ses lauriers au détriment de sa qualité de créateur et d'innovateur[30], Bernard Loiseau se suicide le 24 février 2003[31].
 Ce fut un défi pour les cinéastes de créer tous les décors, surtout ceux qui avaient trait à la nourriture, créés par des ordinateurs : il fallait, selon le réalisateur, qu'ils apparaissent délicieux. Pour ce faire, l'équipe de tournage a consulté plusieurs chefs gastronomiques, autant en Amérique qu'en France[32], et des animateurs d'écoles culinaires de la région de la baie de San Francisco[33] pour comprendre l'organisation d'une cuisine industrielle. Ils ont notamment rendu visite au restaurant Taillevent, à Guy Savoy, à Hélène Darroze, à La Tour d'Argent, à Cyril Lignac, au Café Procope et au restaurant Le Train bleu. Michael Warch, l'un des nombreux techniciens du film, avait, avant de travailler pour les studios Pixar, suivi une formation d'école culinaire avant de tourner le film, ce qui lui permit d'aider les autres techniciens, concepteurs des décors[34],[35].
 Le célèbre chef Thomas Keller a permis au producteur, Brad Lewis, de venir découvrir sa cuisine du French Laundry. Pour la conclusion du film, Keller a créé un plat fantaisiste, selon les souhaits du réalisateur, et en parallèle au titre du film, qu'il a nommé « Confit byaldi »[36]. La lumière utilisée dans Ratatouille pour mettre en valeur les fruits et légumes fut la même que celle utilisée dans Les Indestructibles pour la peau de la famille de super-héros[37], mais, de nouveaux programmes furent utilisés pour donner une texture organique[38]. Pour rendre le résultat plus réaliste, la musique, les dialogues et des images abstraites représentant les sensations des personnages lors de dégustation ont été utilisés. L'apparence des mets a été créée par l'animateur Michel Gagné, qui s'inspira du travail d'Oscar Fischinger et de Norman McLaren[39]. En dernier lieu, pour rendre un compost réaliste, le département d'art du film a photographié plusieurs sortes de produits alimentaires, tels que des pommes, des baies, des bananes, des champignons, des oranges, du brocoli et de la laitue en fermentation[40].
 Des noms de techniciens de tournage furent donnés à certains de ces aliments, comme « Les olives noires Goodman » (en référence à l'animateur Dan Goodman), ou « Le Café Stan » (le monteur Stan Webb).
 Plusieurs lieux réels ont inspiré le film[41]. Les équipes de Pixar ont visité La maison Aurouze, un dératiseur parisien situé dans le premier arrondissement et dont la façade a été reproduite dans le film[41]. Le grand restaurant parisien La Tour d'Argent a inspiré le décor du restaurant panoramique du film[41].
 Dans Ratatouille, ce n'est pas un Paris actuel, avec quelques traces de pollution dans le ciel, ni de longues files de voitures dans les rues, mais un Paris historique et symbolique qui apparaît, vu à travers des clichés enjolivés. En effet, dans le film, on aperçoit une Citroën 2 CV et une Citroën DS à plusieurs reprises, ou même un Linguini à vélo. Ceci révèle une trace de romantisme dans la vue parisienne des producteurs hollywoodiens[42].
 Cédric Klapisch dira à ce sujet :
 « Dans ce Paris imaginé, on roule encore en 2CV ou en DS. Je trouve cela charmant quand on s'invente le Paris que l'on veut voir. Finalement, le Paris qui est décrit par Hollywood demeure un Paris historique et symbolique. Vous me direz, quand un Français va faire un clip en Californie, il y a toujours une fille en roller avec un milk-shake ! Tout le monde a des clichés sur tout le monde[42] ! »
 À la différence de la directrice de la photographie, Sharon Calahan, qui a déclaré rechercher une atmosphère d'octobre, idéale, pour le film :
 « Quand nous sommes allés à Paris, il y avait du soleil, mais la lumière était argentée et diffuse, tout paraissait doux, chaleureux et accueillant. Je voulais retrouver cela dans notre film. Le film n'est pas éclairé avec une lumière fortement colorée et des ombres franches comme c'est le cas d'ordinaire, parce que je voulais vraiment célébrer cette couleur particulière que l'on ne trouve qu'à Paris[43]. »
 La bande originale de Ratatouille, sortie le 26 juin 2007 sous le label Walt Disney Records, a été composée par Michael Giacchino. La chanson du générique de fin, Le Festin, est interprétée en français par Camille. La musique est interprétée par Le Rat Band sous la direction de Tim Simonec.
 La bande-annonce de Ratatouille débute de la même manière que son prédécesseur : Cars. Une vue d'ensemble dépeint Paris, accompagnée d'une voix narrative décrivant la capitale. Le spectateur assiste ensuite à une scène dans un restaurant, celui de maître Gusteau. Puis, la caméra entre dans les cuisines, et donne à voir un rat qui assaisonne une soupe… mais le commis Alfredo Linguini le prend sur le fait[44]. Cependant, les scènes que l'on peut voir ne sont pas présentes dans le film, comme tous les autres métrages des studios Pixar. Une seconde bande-annonce sort le 23 mars 2007[45].
 Le Grand Tour du fromage commence le 11 mai 2007 avec des démonstrations de cuisine et un extrait du film. Lou Romano participe à une séance d'autographe à San Francisco à cette occasion[46]. Est ensuite créé un vin français à l'image de Ratatouille, avec l'aide de Costco. Quelques bouteilles sont commercialisées, mais à la suite de plaintes déposées par l'Institut d'œnologie de Californie, tout est arrêté. Le motif de la plainte est que ce produit dérivé risquait de pousser des mineurs à la consommation d'alcool[47]. Des peluches, des jouets, un jeu vidéo, plusieurs livres et albums sortent également.
 Au Royaume-Uni, plutôt que de sortir une bande-annonce, un extrait comportant des scènes de Rémy et Émile est diffusé en salle pour décourager le piratage du film[48]. De même, les protagonistes du film sont utilisés dans une publicité pour la Nissan Note[49].
 Les studios Disney et Pixar s'inquiétant de la compréhension par le public anglophone, et particulièrement par les jeunes, et de la prononciation du mot « ratatouille », le titre est épelé phonétiquement lors des bandes-annonces, extraits et sur l'affiche du film[50],[51].
 La première mondiale de Ratatouille a lieu le 22 juin 2007 à Los Angeles au Théâtre Kodak[52], précédant d'une semaine la sortie nationale.
 Ratatouille sort après une longue brouille entre les États-Unis et la France, à la suite du refus de cette dernière de participer à la troisième guerre du Golfe déclenchée en 2003 sous l'impulsion de l'administration Bush (ce qui avait entraîné une campagne de boycott des produits français menée par certains parlementaires américains, allant jusqu'à la proposition du retrait du mot « french » dans l'expression « French Fries », désignant aux États-Unis les frites, sur les menus de certaines cantines scolaires[53]. Pour le magazine La Vanguardia, Ratatouille est un élément de réconciliation destiné aux jeunes américains qui découvrent ainsi Paris et les beautés de la France[53], tout comme l'avait été en son temps Les Aristochats, sorti en 1970 sous la présidence de Georges Pompidou, après plusieurs actions du général de Gaulle pour renforcer l'indépendance de la France, comme la sortie de l'OTAN et la fermeture en 1966 des bases américaines situées en France[53]. De fait, Nicolas Sarkozy enterrera la hache de guerre entre les deux pays lors d'un discours devant le Congrès des États-Unis en novembre 2007[54].
 Lors de sa sortie nationale américaine, Ratatouille compte près de 3 940 copies et démarre à la première place avec plus de 47 000 000 $[55], le plus petit départ pour un long métrage d'animation réalisé par Pixar depuis 1 001 Pattes.
 Cependant, en France, lors de sa sortie nationale, le film réalise le meilleur démarrage pour un film d'animation[56], se classant Numéro 1 du box-office annuel en France, après Les Bronzés 3 en 2006 et avant Bienvenue chez les Ch'tis en 2008.
 Au Royaume-Uni, le film débute aussi premier au box-office avec près de 4 000 000 £[57].
 Le 13 janvier 2008, le film avait engendré près de 206 445 654 $ aux États-Unis, et plus de 619 687 889 $ dans le monde, réalisant ainsi le troisième plus gros succès des studios Pixar, derrière Le Monde de Nemo et Les Indestructibles[58].
 Succès critique et public, Ratatouille est l'un des longs métrages les plus rentables que Pixar a produit à ce jour[58]. Le film a d'ailleurs été élu par le site internet Rotten Tomatoes[60] « meilleur film de l'année ». Et ce succès, c'est la Walt Disney Company qui en profite en créant par masse des produits dérivés comme des peluches, des jouets, des jeux vidéo, et même un vin français. Plusieurs livres ont aussi été commercialisés autour du film : des albums, des bandes-dessinées, ou des romans.
 Avec ses 1 951 074 entrées, Ratatouille réalise le quatrième meilleur démarrage hebdomadaire français de tous les temps pour un film d'animation, il est aussi le film le plus vu dans les salles de cinéma en 2007[61].
 Les réactions critiques du film sont la plupart du temps unanimement positives. 196 personnes de Rotten Tomatoes, un critique en ligne, évaluent à 96⁄100 Ratatouille[62], de la même manière que Metacritic, dont 37 personnes l'ont aussi évalué à 96⁄100, le sixième meilleur score de tous les sites internet en janvier 2008[63].
 A. O. Scott, du New York Times, a parlé de Ratatouille comme d'« un film populaire impeccable, et l'un des portraits d'artiste les plus convaincants qu'il ait vu au cinéma[64] ». Roger Ebert, du Chicago Sun-Times, et Jeffrey Lyons, de NBC, ont quant à eux avoué qu'ils venaient de voir un film à la hauteur de leur espérance. Plusieurs revues[65] ont noté que la critique qu'émettait Anton Ego, à la fin du film, pouvait être prise comme une « claque sur le poignet » pour des critiques professionnels[66],[67].
 Ratatouille est nommé cinq fois aux Oscars 2008 (meilleur film d'animation, meilleure chanson originale, meilleur scénario, meilleur son et meilleur mixage de son), détenant le record du nombre de nominations pour un film d'animation en images de synthèse et détrônant ainsi Monstres et Cie, Le Monde de Nemo et Les Indestructibles. La Belle et la Bête détient quant à lui toujours le record du nombre de nominations pour un film d'animation traditionnel[68], avec six nominations dont deux trophées remportés.
 Le court métrage qui précédait le film lors de sa sortie en salles, Extra-terrien, est également nommé à l'Oscar du meilleur court métrage d'animation[69].
 Ratatouille obtient aussi treize nominations aux Annie Awards dont neuf récompenses et une victoire aux Golden Globes dans la catégorie « Meilleur film d'animation ». Le film a pour l'instant remporté près de dix-huit prix internationaux et a été nommé pour divers autres prix à vingt-sept reprises[3].
 Durant son exploitation, le film est apparu sur plusieurs classements des dix meilleurs films de l'année 2007 de magazines notables[70].
 Une attraction sur le thème du film nommée Ratatouille : L'Aventure totalement toquée de Rémy existe dans le parc Walt Disney Studios en France, ainsi qu'un quartier parisien, un restaurant et des boutiques. Elle a été inaugurée le 10 juillet 2014[76]. En 2017, elle doit être dupliquée dans le pavillon français du parc Epcot.
 IF Magazine a décrit Ratatoing, un film brésilien d'animation en images de synthèse sorti en 2007, comme un « ripoff » (une « contrefaçon ») de Ratatouille[77]. Marcus Aurelius Canônico, du magazine brésilien Folha de S.Paulo, s'est aussi demandé si Pixar engagerait des poursuites judiciaires contre les concepteurs de ce film d'animation. Le Ministère de la Culture brésilien a d'ailleurs publié l'article de Canônico sur son site officiel[78].
 Patton Oswalt, la voix de Rémy souhaite une suite pour Ratatouille. La suite se déroulerait aux Champs-Élysées et Linguini ouvrirait son propre restaurant car son plus grand rêve est d'être un chef étoilé[79].
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 The word ratatouille derives from the Occitan ratatolha[2] and is related to the French ratouiller and tatouiller, expressive forms of the verb touiller, meaning ""to stir up"".[3][4] From the late 18th century, in French, it merely indicated a coarse stew. Modern ratatouille uses tomatoes as a foundation for sautéed garlic, onion, zucchini (courgette), aubergine (eggplant), bell pepper, marjoram, fennel and basil. Instead of basil, bay leaf and thyme, or a mix of green herbs like herbes de Provence can be used. The modern version does not appear in print until c.1930.[5]
 The Guardian's food and drink writer Felicity Cloake wrote in 2016 that, considering ratatouille's relatively recent origins (it first appeared in 1877[unreliable source]), there exists a great variety of methods of preparation for it.[6] The Larousse Gastronomique claims ""according to the purists, the different vegetables should be cooked separately, then combined and cooked slowly together until they attain a smooth, creamy consistency"", so that (according to the chair of the Larousse's committee, Joël Robuchon) ""each [vegetable] will taste truly of itself.""[7]
 Similar dishes exist in many cuisines. These include: piperade (South-West of France), bohémienne (Vaucluse), chichoumeille (Languedoc), tian (South east of France), Confit byaldi (created by Michel Guérard), pisto (Castilian-Manchego, Spain), samfaina (Catalan, Spain), tombet (Majorcan), ciambotta, caponata and peperonata (Italy), briám and tourloú (Greek), şakşuka and türlü (Turkish), ajapsandali (Georgian), lecsó (Hungarian), pinakbet (Filipino), ghiveci (Romanian) and zaalouk (Moroccan). Different parts of the Indian subcontinent have their own versions of winter vegetable stew. Gujarat makes undhiyu, Kerala avial (with coconut and local spices), and Bengal shukto.
 In 2007, Walt Disney Pictures and Pixar Animation Studios released the film Ratatouille. The film features Remy, a young rat with an exceptional sense of taste and smell who dreams of becoming a chef. The climax of the film sees Remy prepare the titular dish in the form of confit byaldi for the notoriously harsh food critic Anton Ego, who unexpectedly loves the dish due to nostalgia for his mother's cooking of traditional ratatouille. The movie gave widespread exposure to this dish around the world.[8]",412,"Main page; Contents; Current events; About Wikipedia; Help; Learn to edit; Community portal; Upload file; ; learn more; Article; Talk; Read; Read; Upload file; Ratatouille (film); Ratatouille (disambiguation); ; Stew; Main course; France; Provence-Alpes-Côte d'Azur; Vegetables; tomatoes; onions; courgette; aubergine; bell peppers; garlic; marjoram; fennel; basil; bay leaves; thyme; Confit byaldi; ; ; /ˌrætəˈtuːi/; RAT-ə-TOO-ee; [ʁatatuj]; ⓘ; Occitan; [ʀataˈtuʎɔ]; ⓘ; French; Provençal; stewed; vegetables; Nice; [niswaz]; tomato; garlic; onion; courgette; aubergine; capsicum; herbs; chives; fennel; Occitan; tomatoes; sautéed; garlic; onion; zucchini; aubergine; bell pepper; marjoram; fennel; basil; bay leaf; thyme; herbes de Provence; The Guardian; Felicity Cloake; unreliable source; Larousse Gastronomique; Joël Robuchon; ; ; ; ; Confit byaldi; piperade; South-West of France; Vaucluse; Languedoc; tian; South east of France; Confit byaldi; Michel Guérard; pisto; Castilian-Manchego, Spain; samfaina; Catalan, Spain; tombet; Majorcan; ciambotta; caponata; peperonata; Italy; tourloú; Greek; şakşuka; türlü; Turkish; ajapsandali; Georgian; lecsó; Hungarian; pinakbet; Filipino; ghiveci; Romanian; zaalouk; Moroccan; Indian subcontinent; Gujarat; undhiyu; Kerala; avial; shukto; Walt Disney Pictures; Pixar Animation Studios; Ratatouille; rat; confit byaldi; food critic; nostalgia; France portal; ; Food portal; Tian (dish); List of stews; List of vegetable dishes; Shakshouka; Lecsó; Oxford English Dictionary; ISBN; Robuchon, Joël; ISBN; v; t; Eggplant dishes; List of eggplant dishes; Ajapsandali; Ajvar; Alinazik kebab; Baba ghanoush; Badrijani; Baghara baingan; Baingan bharta; Beguni; Caponata; Ciambotta; Confit byaldi; Dahi baigana; Dì sān xiān; Eggplant papucaki; Eggplant salads and appetizers; Escalivada; Fried aubergine; Hünkârbeğendi; İmam bayıldı; Karnıyarık; Kashk e badamjan; Kyopolou; Kulawong talong; Malidzano; Mirza ghassemi; Moussaka; Parmigiana; Pasta alla Norma; Pinđur; Pisto; Poqui poqui; Rollatini; Şakşuka; Stuffed eggplant; Tepsi baytinijan; Tombet; Tortang talong; Türlü; Zaalouk; Zacuscă; ; Categories; Cuisine of Provence; Eggplant dishes; French cuisine; French stews; Occitan cuisine; Vegetable dishes; Pages using the Phonos extension; Articles with short description; Short description is different from Wikidata; Pages with French IPA; Pages including recorded pronunciations; Articles containing Occitan (post 1500)-language text; Pages with Occitan IPA; All articles lacking reliable references; Articles lacking reliable references from January 2024; Creative Commons Attribution-ShareAlike 4.0 License; About Wikipedia; Disclaimers",Categories; Cuisine of Provence; Eggplant dishes; French cuisine; French stews; Occitan cuisine; Vegetable dishes,/static/images/icons/wikipedia.png; /static/images/mobile/copyright/wikipedia-wordmark-en.svg; /static/images/mobile/copyright/wikipedia-tagline-en.svg; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/1/14/RatatouilleWithBuckwheat.jpg/250px-RatatouilleWithBuckwheat.jpg; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/d/df/Wikibooks-logo-en-noslogan.svg/16px-Wikibooks-logo-en-noslogan.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/en/thumb/4/4a/Commons-logo.svg/12px-Commons-logo.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/2/27/Ratatouille.jpg/190px-Ratatouille.jpg; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/f/f4/20170329_ratatouille-debut-cuisson.jpg/200px-20170329_ratatouille-debut-cuisson.jpg; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/7/7a/20170329_ratatouille-fin-cuisson.jpg/200px-20170329_ratatouille-fin-cuisson.jpg; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/f/f8/Confit_byaldi_2.jpg/200px-Confit_byaldi_2.jpg; //upload.wikimedia.org/wikipedia/en/thumb/c/c3/Flag_of_France.svg/32px-Flag_of_France.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/d/d6/Foodlogo2.svg/32px-Foodlogo2.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/9/99/Wiktionary-logo-en-v2.svg/40px-Wiktionary-logo-en-v2.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/c/c9/Bonjon_or_Bonjorn.jpg/140px-Bonjon_or_Bonjorn.jpg; https://login.wikimedia.org/wiki/Special:CentralAutoLogin/start?type=1x1; /static/images/footer/wikimedia-button.svg; /w/resources/assets/poweredby_mediawiki.svg
Monstres et Cie,https://fr.wikipedia.org/wiki/Monstres_et_Cie,"Pour l’article homonyme, voir Monstres et Cie (jeu vidéo).
 John GoodmanBilly CrystalMary GibbsSteve BuscemiJames Coburn
 Série Classiques d'animation Pixar Toy Story 2(1999) Le Monde de Nemo(2003) Série Monstres et Cie Monstres Academy(2013) Pour plus de détails, voir Fiche technique et Distribution. modifier  Monstres et Cie (« Monstres et Compagnie ») ou Monstres, Inc. (« Monstres, Incorporé ») au Québec (Monsters, Inc.) est le quatrième film d'animation en images de synthèse des studios Pixar. Sorti en 2001, il a été réalisé par Pete Docter et coproduit par Walt Disney Pictures.
 Ce film a donné lieu à plusieurs œuvres dérivées, dont un préquel, Monstres Academy, sorti en 2013.
 L'histoire se déroule à Monstropolis, une ville habitée par toutes sortes de créatures. Au cœur de la ville se situe l'usine de traitements de cris d'enfants, énergie nécessaire à la ville. Des monstres se rendent chaque jour chez des enfants par les portes d'entrées de chambres pour recueillir leurs précieux cris pour les transformer en énergie pour la ville.
 Jacques Sullivan (dit Sulli) est, aux yeux de tous les habitants de Monstropolis, une vraie « terreur d'élite ». Assisté de Robert Razowski (alias Bob), un drôle de mini-cyclope vert, Sulli n'a pas son pareil pour horrifier les bambins. Ce grand monstre sait comme personne pétrifier et tétaniser sans jamais toucher, puisque tout contact physique avec un enfant humain serait mortel. Mais les temps sont durs pour le duo de terreur : les enfants ne hurlent plus aussi facilement qu'avant et la ville est au bord de la crise d'énergie.
 Un jour, alors qu’il s’occupe de papiers pour leur manager Germaine, Sulli trouve une porte de placard restée seule dans l’usine déserte. Alors qu’il entre dans la chambre, il découvre qu’elle est vide, et s’aperçoit bientôt que la fillette qui y habite l’a suivi dans le monde des monstres. Alors que Sulli est terrorisé par la petite, car il croit que les enfants humains sont toxiques, celle-ci n’est pas du tout effrayée par le monstre et le surnomme aussitôt « Minou ».
 Sulli demande alors de l’aide à Bob. Les deux amis entreprennent de renvoyer la fillette chez elle, mais entre-temps Sulli a fini par se prendre d’amitié pour la petite, qu’il a surnommé « Bouh », d’après le cri qu’elle pousse par jeu quand elle se cache. Après avoir déguisé Bouh en bébé monstre, ils s’introduisent dans l’usine pour trouver sa porte. Ils découvrent alors que Léon, le challenger de Sulli dans la compétition du meilleur terroriseur, emmène des enfants dans le monde des monstres pour les soumettre à une machine qui extrait automatiquement leurs cris ; Sulli et Bob, toujours accompagnés de Bouh, tentent de prévenir le président de Monstres et compagnie, Henri Waternoose. Cependant, ils arrivent en pleine démonstration de la meilleure manière d’effrayer un enfant, et le président demande à Sulli de montrer ses talents en la matière. Horrifiée par les grognements de Sulli, Bouh se met à pleurer, dévoilant qu’elle est une petite fille. Waternoose, emportant Bouh, promet de faire revenir les choses dans l’ordre, mais on découvre bientôt qu’il est en fait complice de Léon, car il veut remettre à flot la compagnie. Il exile Sulli et Bob dans l’Himalaya. Avec l’aide de l’abominable homme des neiges qu’ils ont rencontré, les deux amis parviennent à regagner Monstropolis, où ils arrivent à temps pour porter secours à Bouh.
 Bob, Sulli et Bouh s’introduisent alors dans la réserve de portes de la compagnie dans l’espoir de retrouver la porte de Bouh. Léon se lance à la poursuite de Sulli parmi les millions de portes, finit par l’attraper et tente de le tuer. Cela déclenche la colère de Bouh qui saute sur le dos de Léon et l’assomme avec une batte de baseball récupérée dans la chambre où ils sont tous entrés. Sulli le jette à travers une porte, derrière laquelle se trouve une caravane. On voit alors une mère le battre sans pitié, le confondant avec un alligator. Après quoi, Sulli et Bob détruisent la porte et réussissent par la ruse à enregistrer les aveux complets du président. Germaine révèle qu’elle est une des membres éminentes de l’Agence de Détection des Enfants, un groupe qui s’occupe des contacts avec les humains, et fait emmener Waternoose. Sulli et Bob doivent se résoudre à ramener Bouh chez elle, et après de déchirants adieux, sa porte est broyée. Sulli garde simplement un petit bout de porte en souvenir.
 Quelque temps plus tard, Sulli devient président de Monstres et Cie et métamorphose radicalement la compagnie. Il a découvert grâce à Bouh que le rire des enfants est dix fois plus efficace que leurs cris de peur et envoie maintenant les monstres pour faire rire les enfants.
 Bob révèle à Sulli un projet secret sur lequel il travaillait : il reconstitue pièce par pièce la porte de Bouh, et grâce à la pièce finale qu’a gardée Sulli, elle peut fonctionner à nouveau. La scène finale du film montre l’entrée de Sulli dans la chambre de Bouh. On ne voit pas la petite fille, mais on l'entend prononcer Minou, nom qu'elle utilise pour appeler Sulli.
 Source : IMDb[1]
 Quelque temps avant la sortie du film, l'auteure-compositrice pour enfants Lori Madrid attaque Pixar en justice, déclarant que la société de production avait usurpé l'un de ses poèmes de 1997 ""There's a Boy in My Closet"".
 En 1999, Lori envoie son poème à six éditeurs dont Chronicle Books qui en fera par la suite une comédie musicale. Lors de la sortie de la bande-annonce du film, elle crut que la maison d'édition avait transmis son travail à l'entreprise et que le film était basé sur son œuvre, et entreprit des procédures contre l'éditeur, Disney et Pixar en octobre 2001 devant le tribunal fédéral de Cheyenne dans l'État de Wyoming. Son avocat demande au tribunal une injonction qui empêcherait aux sociétés de production de sortir le film d'animation durant le procès. Cependant, le 1er novembre 2001, la veille de la sortie du film - qui devait être diffusé dans 3 200 salles de cinéma du pays - le juge Clarence Brimmer (en)[2] refusa l'injonction. Le 26 juin 2002, il a été jugé que le poème et le film n'avaient rien en commun.
 En Décembre 2002, Stanley Mouse, artiste américain, a lui aussi entamé des procédures contre Pixar affirmant que les personnages de Bob et Sulli étaient basés sur les dessins d'Excuse My Dust, un film qu'il avait tenté de vendre à Hollywood en 1998. Lors du procès, il a été révélé que l'un des animateurs ayant participé à la production de Monstres et Cie avait déjà rendu visite à Stanley en 2000. Après toutes ces déclarations, une porte-parole a assuré que les personnages du film avaient été développés et imaginés par les équipes de Walt Disney Pictures et Pixar et respectaient les droits d'auteur. L'affaire a ensuite été réglée dans des conditions non divulguées.
 Dans les parcs Disney Monstres et Cie est présent sous la forme de plusieurs attractions :
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(also known as Monsters, Incorporated) is a 2001 American animated comedy film produced by Pixar Animation Studios for Walt Disney Pictures.[2] Featuring the voices of John Goodman, Billy Crystal, Steve Buscemi, James Coburn, Mary Gibbs, and Jennifer Tilly, the film was directed by Pete Docter (in his feature directorial debut), co-directed by Lee Unkrich and David Silverman, and produced by Darla K. Anderson, from a screenplay by Andrew Stanton and Daniel Gerson. The film centers on two monsters, the hairy James P. ""Sulley"" Sullivan (Goodman) and his one-eyed partner and best friend Mike Wazowski (Crystal), who are employed at the titular energy-producing factory Monsters, Inc., which generates power by scaring human children. However, the monster world believes that the children are toxic, and when a little human girl, Boo (Gibbs), sneaks into the factory, she must be returned home before it is too late.
 Docter began developing the film in 1996, and wrote the story with Jill Culton, Jeff Pidgeon and Ralph Eggleston, following the idea conceived in a lunch in 1994 attended during the near completion of Toy Story (1995). Stanton wrote the screenplay with Gerson. The characters went through many incarnations over the film's five-year production process. The technical team and animators found new ways to simulate fur and cloth realistically for the film. Randy Newman, who composed the music for Pixar's three prior films, returned to compose the score for its fourth.
 Monsters, Inc. premiered at the El Capitan Theatre on October 28, 2001, and was released in theaters in the United States on November 2. Upon its release, it received critical acclaim and was a commercial success,[3] grossing over $528 million worldwide to become the third highest-grossing film of 2001.[1] The film won the Academy Award for Best Original Song for ""If I Didn't Have You"" and was nominated for the first Best Animated Feature, but lost to DreamWorks' Shrek, and was also nominated for Best Original Score and Best Sound Editing. Monsters, Inc. saw a 3D re-release in theaters on December 19, 2012. A prequel titled Monsters University, which was directed by Dan Scanlon, was released on June 21, 2013. A sequel series titled Monsters at Work premiered on Disney+ on July 7, 2021.
 In a world inhabited by monsters, the city of Monstropolis harnesses the screams of human children for energy. At the Monsters, Incorporated factory, skilled monsters employed as ""scarers"" venture into the human world to scare children and harvest their screams through doors that activate portals to children's bedroom closets. The work is considered dangerous, as human children are believed to be toxic and capable of killing a monster through physical contact. Monsters, Inc. CEO, Henry J. Waternoose III, is concerned about the declining energy production, as children are becoming less easily scared.
 One evening after work, top scarer James P. ""Sulley"" Sullivan discovers that an active door has been left in the station of his rival, Randall Boggs. He inspects the door and accidentally lets a toddler girl into the factory. Frightened, Sulley unsuccessfully tries returning the girl, who escapes into Monstropolis, interrupting Sulley's best friend and assistant Mike Wazowski on a date at a sushi restaurant. Chaos erupts when other monsters see the girl; Sulley and Mike escape with her as the Child Detection Agency (CDA) arrives and quarantines the restaurant. Forced to keep the girl hidden in their apartment for the night, Sulley realizes that she is not toxic and her laughter can generate more energy than screams.
 The next day, Sulley and Mike disguise the girl as a monster and attempt to send her home. While Mike seeks out her door, Sulley grows attached to her and nicknames her ""Boo"". Randall, waiting in ambush for the girl, kidnaps Mike by accident and reveals his plan to kidnap children and extract screams from them using his invention, the Scream Extractor. Sulley rescues Mike, and they search for Waternoose to alert him of Randall's plan. However, Boo inadvertently reveals herself to Waternoose, who reveals that he is working with Randall. Waternoose banishes Mike and Sulley to the Himalayas in the human world, and abducts Boo.
 Sulley finds a way to return to the monster world, but Mike refuses to go with him. Sulley returns to the factory and rescues Boo from the Scream Extractor, but Randall fights him. Mike returns to reconcile with Sulley, and both search for Boo's door. Randall eventually catches up to the trio, and Boo easily defeats him after a chase through the factory door vault. Sulley and Mike banish Randall through a door to the human world and destroy it.
 Mike and Sulley locate Boo's door, but Waternoose brings it down to the scare floor, intending to have the CDA arrest Mike and Sulley. Mike distracts the CDA while Sulley and Boo lure Waternoose into a scare simulation room. There, Sulley tricks Waternoose into revealing his conspiracy with Randall to kidnap thousands of children. Mike records the conversation, exposing Waternoose to the CDA, and Waternoose is arrested. Undercover CDA agent Roz allows Sulley to send Boo home, but has her door destroyed. Sulley retools the company's power generation method to harvest children's laughter instead of screams, as laughter is ten times more powerful. With the energy crisis solved, the factory is now focused on making children laugh to collect energy; Mike becomes the company's top comedian and Sulley becomes the new CEO. Mike then reveals to Sulley he has rebuilt Boo's door. Sulley enters the door and reunites with Boo.
 The idea for Monsters, Inc., along with ideas that would eventually become A Bug's Life, Finding Nemo, and WALL-E, was conceived in a lunch in 1994 attended by John Lasseter, Pete Docter, Andrew Stanton, and Joe Ranft near the completion of Toy Story.[11] One of the ideas that came out of the brainstorming session was a film about monsters. ""When we were making Toy Story"", Docter said, ""everybody came up to me and said, 'Hey, I totally believed that my toys came to life when I left the room.' So when Disney asked us to do some more films, I wanted to tap into a childlike notion that was similar to that. I knew monsters were coming out of my closet when I was a kid. So I said, 'Hey, let's do a film about monsters.'""[12]
 Docter began work on the film that was to become Monsters, Inc. in 1996 while others focused on A Bug's Life (1998) and Toy Story 2 (1999). Its code name was Hidden City, after Docter's favorite restaurant in Point Richmond.[13] By early February 1997, Docter, together with Harley Jessup, Jill Culton, and Jeff Pidgeon, had drafted a treatment that bore some resemblance to the final film. Docter pitched the story to Disney with some initial artwork on February 4 that year. He and his story team left with some suggestions in hand and returned to pitch a refined version of the story on May 30. At this pitch meeting, longtime Disney animator Joe Grant – whose work stretched back to Snow White and the Seven Dwarfs (1937) – suggested the title Monsters, Inc., a play on the title of a gangster film Murder, Inc.,[14] and the name stuck.[15] The film would be the first Pixar feature not directed by Lasseter, helmed instead by Docter, as well as Lee Unkrich and David Silverman, who served as co-directors.[16] The early test of Monsters, Inc. was released on October 11, 1998.
 The storyline took on many forms during production.[17] Docter's original idea featured a 30-year-old man dealing with monsters that he drew in a book as a child coming back to bother him as an adult. Each monster represented a fear he had, and conquering those fears eventually caused the monsters to disappear.[18]
 After Docter scrapped the initial concept of a 30-year-old terrified of monsters, he decided on a buddy story between a monster and a child titled simply Monsters, in which the monster character of Sulley (known at this stage as Johnson) was an up-and-comer at his workplace, where the company's purpose was to scare children. Sulley's eventual sidekick, Mike Wazowski, had not yet been added.[17][19]
 Between 1996 and 2000, the lead monster and child went through radical changes as the story evolved. As the story continued to develop, the child varied in age and gender. Ultimately, the story team decided that a girl would be the best counterpart for a furry, 8-foot-tall (2.4 m) co-star.[17] After a girl was settled upon, the character continued to undergo changes, at one point being from Ireland and at another time being an African American character.[15] Originally, the character of the little girl, known as Mary, became a fearless seven-year-old toughened by years of teasing and pranks from four older brothers.[15] In stark contrast, Johnson is nervous about the possibility of losing his job after the boss at Monsters, Inc. announces a downsizing. He feels envious because another scarer, Ned (who later became Randall), is the company's top performer.[15] Through various drafts, Johnson's occupation went back and forth between scarer and some other position such as a janitor or a refinery worker, until his final incarnation as the best scarer at Monsters, Inc.[15] Throughout development, Pixar worried that having a main character whose main goal was to scare children would alienate audiences and make them not empathize with him. Docter would later describe that the team ""bent over backwards trying to create a story that still had monsters"" while still attempting to solve the problem.[16] A key moment came when the team decided, ""Okay, he's the BEST scarer there. He's the star quarterback"", with Docter noting that before that moment ""design after design, we really didn't know what he was about.""[16] Disney noted to Pixar early on that they did not want the character to ""look like a guy in a suit"".[16] To this end, Johnson was originally planned to have tentacles for feet; however, this caused many problems in early animation tests. The idea was later largely rejected, as it was thought that audiences would be distracted by the tentacles.[20] Mary's age also differed from draft to draft until the writers settled on the age of three. ""We found that the younger she was, the more dependent she was on Sulley"", Docter said.[12]
 Eventually, Johnson was renamed Sullivan. Sullivan was also planned to wear glasses throughout the film. However, the creators found it a dangerous idea because the eyes were a perfectly readable and clear way of expressing a character's personality; thus, this idea was also rejected.[20]
 The idea of a monster buddy for the lead monster emerged at an April 6, 1998, ""story summit"" in Burbank with employees from Disney and Pixar. A term coined by Lasseter, a ""story summit"" was a crash exercise that would yield a finished story in only two days.[21] Such a character, the group agreed, would give the lead monster someone to talk to about his predicament. Development artist Ricky Nierva drew a concept sketch of a rounded, one-eyed monster as a concept for the character, and everyone was generally receptive to it.[12] Docter named the character Mike for the father of his friend Frank Oz, a director and Muppet performer.[15] Jeff Pidgeon and Jason Katz story-boarded a test in which Mike helps Sulley choose a tie for work, and Mike Wazowski soon became a vital character in the film.[12] Originally, Mike had no arms and had to use his legs as appendages; however, due to some technical difficulties, arms were soon added to him.[12]
 Screenwriter Daniel Gerson joined Pixar in 1999 and worked daily on the film with the filmmakers for almost two years. He considered it his first experience in writing a feature film. He explained, ""I would sit with Pete [Docter] and David Silverman and we would talk about a scene and they would tell me what they were looking for. I would make some suggestions and then go off and write the sequence. We'd get together again and review it and then hand it off to a story artist. Here's where the collaborative process really kicked in. The board artist was not beholden to my work and could take liberties here and there. Sometimes, I would suggest an idea about making the joke work better visually. Once the scene moved on to animation, the animators would plus the material even further.""[17]
 Docter has cited the 1973 film Paper Moon as inspiration for the concept of someone experiencing getting stuck with a kid who turns out to be the real expert, and he credits Lasseter for coming up with the ""laughter is ten times more powerful than fear"" concept.[22]
 Bill Murray was considered for the voice role of James P. ""Sulley"" Sullivan. He screen-tested for the role and was interested, but when Pete Docter was unable to make contact with him, he took it as a ""no"".[23][24] The voice role of Sulley went to John Goodman, the longtime co-star of the comedy series Roseanne and a regular in the films of the Coen brothers. Goodman interpreted the character to himself as the monster equivalent of a National Football League player. ""He's like a seasoned lineman in the tenth year of his career,"" he said at the time. ""He is totally dedicated and a total pro.""[25] Billy Crystal, regretting having turned down the part of Buzz Lightyear years prior, accepted that of Mike Wazowski, Sulley's one-eyed best friend and scare assistant.[26][27]
 In November 2000, early in the production of Monsters, Inc., Pixar packed up and moved for the second time after its Lucasfilm Ltd. years.[25] The company's 500 employees had become spread among three buildings, separated by a busy highway. The company moved from Point Richmond to a much bigger campus in Emeryville, co-designed by Lasseter and Steve Jobs.[25]
 In production, the film differed from earlier Pixar features, as every main character in this movie had its own lead animator – John Kahrs on Sulley, Andrew Gordon on Mike, and Dave DeVan on Boo.[28] Kahrs found that the ""bearlike quality"" of Goodman's voice provided an exceptionally good fit with the character. He faced a difficult challenge, however, in dealing with Sulley's sheer mass; traditionally, animators conveyed a figure's heaviness by giving it a slower, more belabored movement, but Kahrs was concerned that such an approach to a central character would give the film a ""sluggish"" feel.[28] Like Goodman, Kahrs came to think of Sulley as a football player, one whose athleticism enabled him to move quickly in spite of his size. To help the animators with Sulley and other large monsters, Pixar arranged for Rodger Kram, a University of California, Berkeley expert on the locomotion of heavy mammals, to lecture on the subject.[28]
 Adding to Sulley's lifelike appearance was an intense effort by the technical team to refine the rendering of fur. Other production houses had tackled realistic fur, most notably Rhythm & Hues in its 1993 polar bear commercials for Coca-Cola and in its talking animals' faces in the 1995 film Babe.[28] This film, however, required fur on a much larger scale. From the standpoint of Pixar's engineers, the quest for fur posed several significant challenges; one was to figure out how to animate a large number of hairs – 2,320,413 of them on Sulley – in a reasonably efficient way,[28] and another was to make sure that the hairs cast shadows on other ones. Without self-shadowing, either fur or hair takes on an unrealistic flat-colored look (e.g., in Toy Story, the hair on Andy's toddler sister, as seen in that movie's opening sequence, is hair without self-shadowing).[28]
 The first fur test allowed Sulley to run an obstacle course. Results were not satisfactory, as such objects caught and stretched out the fur due to the extreme amount of motion. Another similar test was also unsuccessful, because, this time, the fur went through the objects.[20]
 Pixar then set up a Simulation department and created a new fur simulation program called Fizt (short for ""physics tool"").[29] After a shot with Sulley in it had been animated, this department took the data for that shot and added Sulley's fur. Fizt allowed the fur to react in a more natural way. Every time when Sulley had to move, his fur (automatically) reacted to his movements, thus taking the effects of wind and gravity into account as well. The Fizt program also controlled the movement of Boo's clothes, which provided another ""breakthrough"".[29] The deceptively simple-sounding task of animating cloth was also a challenge because of the hundreds of creases and wrinkles that occur in clothing when the wearer moves.[30] The team also had to solve the complex problem of how to keep cloth untangled – in other words, to keep it from passing through itself when parts of it intersect.[31] Fizt applied the same system to Boo's clothes as to Sulley's fur. First of all, Boo was animated shirtless; the Simulation department then used Fizt to apply the shirt over Boo's body, and every time she moved, her clothes also reacted to her movements in a more natural manner.
 To solve the problem of cloth-to-cloth collisions, Michael Kass, Pixar's senior scientist, was joined on Monsters, Inc. by David Baraff and Andrew Witkin and developed an algorithm they called ""global intersection analysis"" to handle the problem. The complexity of the shots in the film, including elaborate sets such as the door vault, required more computing power to render than any of Pixar's earlier efforts combined. The render farm in place for Monsters, Inc. was made up of 3500 Sun Microsystems processors, compared with 1400 for Toy Story 2 and only 200 for Toy Story, both built on Sun's own RISC-based SPARC processor architecture.[31]
 The scene in which the Harryhausen's restaurant was decontaminated was originally going to feature the restaurant being blown up.[32] Due to the September 11 attacks, the explosion was replaced by a plasma dome.[33][34][better source needed]
 Monsters Inc. was Randy Newman's fourth feature film collaboration with Pixar. The end credits song ""If I Didn't Have You"" was sung by John Goodman and Billy Crystal.[17]
 The album was nominated for the Academy Award for Best Original Score and a Grammy Award for Best Score Soundtrack for Visual Media.[35] The score lost both these awards to The Lord of the Rings: The Fellowship of the Ring, but after sixteen nominations, the song ""If I Didn't Have You"" finally won Newman his first Academy Award for Best Original Song. During his acceptance speech, he jokingly said ""I don't want your pity"".[35][36] It also won a Grammy Award for Best Song Written for Visual Media.[35]
 In October 2000, a teaser trailer of Monsters, Inc. was unveiled, which could not only be found online, but was also attached to the home video releases of Toy Story 2.[37] This trailer would be attached to 102 Dalmatians theatrically and can later be seen on the DVD release of The Emperor's New Groove, which was released on May 1, 2001.[38] Another Monsters, Inc. trailer premiered in theaters in June 2001 with the release of Atlantis: The Lost Empire.[39]
 Several Happy Meal toys based on the film were released by McDonald's.[40] Meanwhile, Hasbro debuted their own Monsters, Inc. toys at the North American International Toy Fair event.[41]
 The film premiered on October 28, 2001, at the El Capitan Theatre in Hollywood, California.[42] It was theatrically released on November 2, 2001 in the United States, in Australia on December 26, 2001, and in the United Kingdom on February 8, 2002.[43] The theatrical release was accompanied by the Pixar short animated film For the Birds.[44]
 As with A Bug's Life and Toy Story 2, a montage of ""outtakes"" and a performance of a play based on a line from the film were made and included in the end credits of the film starting on December 7, 2001.[45]
 After the success of the 3D re-release of The Lion King,[46] Disney and Pixar re-released Monsters, Inc. in 3D on December 19, 2012.[47]
 Monsters, Inc. was released on VHS and DVD on September 17, 2002.[48][49] Both releases are THX certified and feature the animated shorts Mike's New Car and For the Birds.[50] The DVD release presents the film in widescreen and fullscreen, both taken from the digital source by Pixar. The widescreen version additionally includes filmmakers' commentary and a sound effects-only audio track. On the second disc, there are a variety of bonus features including animated shorts, outtakes, the ""If I Didn't Have You"" music video, and more.[51] This release set records for the highest single-day DVD sales with 5 million copies being sold on its first day.[52] Although this record was surpassed by Spider-Man two months later, the film continued to hold the highest single-day record for an animated movie until 2003 when Finding Nemo took it.[53] The film was then released on Blu-ray on November 10, 2009,[54] and on Blu-ray 3D on February 19, 2013.[55] While the 2009 Blu-ray release featured a 5.1 DTS-HD Master Audio surround sound track, the 2013 reissue and its 3D counterpart feature a 7.1 channel Dolby TrueHD track.[56]  Monsters, Inc. was released on 4K Blu-ray on March 3, 2020.[57]
 On its first day of release, Monsters, Inc. earned $17.8 million, then generated $26.9 million the following day, making the latter the second-highest Saturday gross of all time, behind The Mummy Returns.[58] It ranked number one at the box office upon opening, beating out K-PAX, Thirteen Ghosts, Domestic Disturbance, and The One.[58] The film's debut also led to audience declines of From Hell, Riding in Cars with Boys, Training Day, Bandits, and other films.[58] Monsters, Inc. held the record for having the biggest opening weekend of an animated film, making $62,577,067 and surpassing the previous record held by Toy Story 2.[59] It would last for two years until the release of Finding Nemo in May 2003.[60] The film was ranked as the biggest three-day opening weekend for a Disney film, dethroning Pearl Harbor. It was even the fourth film of the year to reach $60 million within its first three days of release, just after The Mummy Returns, Planet of the Apes, and Rush Hour 2.[61] The film had a small drop-off of 27.2% over its second weekend, earning another $45,551,028, while also outgrossing Shallow Hal and Heist to remain at the top spot.[62] In its third weekend, the film experienced a larger decline of 50.1%, placing itself in the second position just after Harry Potter and the Sorcerer's Stone. In its fourth weekend, however, there was an increase of 5.9%, making $24,055,001 that weekend for a combined $528 million. As of May 2013, it is the eighth-biggest fourth weekend ever for a film.[63][64]
 The film made $289,916,256 in North America, and $287,509,478 in other territories, for a worldwide total of $577,425,734.[1] The film is Pixar's ninth highest-grossing film worldwide and sixth in North America.[65] For a time, the film surpassed Aladdin as the second highest-grossing animated film of all time, only behind 1994's The Lion King.[31]
 In the United Kingdom, Ireland, and Malta, it earned £37,264,502 ($53,335,579), marking the sixth highest-grossing animated film of all time in the country and the thirty-second highest-grossing film of all time.[66] In Japan, although earning $4,471,902 during its opening and ranking second behind The Lord of the Rings: The Fellowship of the Ring for the weekend, it moved to first place on subsequent weekends due to exceptionally small decreases or even increases and dominated for six weeks at the box office. It finally reached $74,437,612, standing as 2001's third highest-grossing film and the third largest U.S. animated feature of all time in the country behind Toy Story 3 and Finding Nemo.[67]
 Review aggregator Rotten Tomatoes gave the film an approval rating of 96% based on 200 reviews, with an average rating of 8.1/10. The website's critical consensus reads, ""Clever, funny, and delightful to look at, Monsters, Inc. delivers another resounding example of how Pixar elevated the bar for modern all-ages animation.""[68] Metacritic assigned the film a weighted average score of 79 out of 100 based on 35 critics, indicating ""generally favorable reviews"".[69] Audiences polled by CinemaScore gave the film a rare ""A+"" grade, becoming the second Pixar film to gain the score after Toy Story 2.[70]
 Charles Taylor of Salon magazine stated, ""[i]t's agreeable and often funny, and adults who take their kids to see it might be surprised to find themselves having a pretty good time.""[71] Elvis Mitchell of The New York Times gave it a positive review, praising the film's usage of ""creative energy"", saying ""There hasn't been a film in years to use creative energy as efficiently as Monsters, Inc.""[72] Although Mike Clark of USA Today thought the comedy was sometimes ""more frenetic than inspired and viewer emotions are rarely touched to any notable degree"", he also viewed the film as ""visually inventive as its Pixar predecessors"".[73]
 ReelViews film critic James Berardinelli gave the film 31⁄2 stars out of 4 and wrote that the film was ""one of those rare family films that parents can enjoy (rather than endure) along with their kids"".[74] Roger Ebert of the Chicago Sun-Times gave the film 3 out of 4 stars, calling it ""cheerful, high-energy fun, and like the other Pixar movies, has a running supply of gags and references aimed at grownups"".[75] Lisa Schwarzbaum of Entertainment Weekly gave the film a ""B+"" grade and praised its animation, stating ""Everything from Pixar Animation Studios – the snazzy, cutting-edge computer animation outfit – looks really, really terrific and unspools with a liberated, heppest-moms-and-dads-on-the-block iconoclasm.""[76]
 Monsters, Inc. won the Academy Award for Best Original Song (Randy Newman, after fifteen previous nominations, for ""If I Didn't Have You"").[35] It was one of the first animated films to be nominated for Best Animated Feature (lost to Shrek).[35] It was also nominated for Best Original Score (lost to The Lord of the Rings: The Fellowship of the Ring) and Best Sound Editing (lost to Pearl Harbor).[77][35] At the Kid's Choice Awards in 2002, it was nominated for ""Favorite Voice in an Animated Movie"" for Billy Crystal (who lost to Eddie Murphy in Shrek).[35]
 Shortly before the film's release, Pixar was sued by children's songwriter Lori Madrid of Wyoming, stating that the company had stolen her ideas from her 1997 poem ""There's a Boy in My Closet"".
 Madrid mailed her poem to six publishers in October 1999, notably Chronicle Books, before turning it into a local stage musical in August 2001. After seeing the trailer for Monsters, Inc., Madrid concluded that Chronicle Books had passed her work to Pixar and that the film was based on her work.[79] In October 2001, she filed the suit against Chronicle Books, Pixar, and Disney in a federal court in Cheyenne, Wyoming. Her lawyer asked the court to issue a preliminary injunction, that would forbid Pixar and Disney from releasing the film while the suit was pending.
 In a hearing on November 1, 2001, the day before the film's scheduled release, the judge refused to issue the injunction. On June 26, 2002, he ruled that the film had nothing in common with the poem.[80]
 In November 2002, Stanley Mouse filed a lawsuit in which he alleged that the characters of Mike and Sulley were based on drawings of Excuse My Dust, a film that he had tried to sell to Hollywood in 1998.[81] The lawsuit also stated that a story artist from Pixar visited Mouse in 2000 and discussed Mouse's work with him.[81] A Disney spokeswoman responded, saying that the characters in Monsters, Inc. were ""developed independently by the Pixar and Walt Disney Pictures creative teams, and do not infringe on anyone's copyrights"".[78] The case was ultimately settled under undisclosed terms.[82][unreliable source]
 A prequel, titled Monsters University, was released on June 21, 2013. John Goodman, Billy Crystal, and Steve Buscemi reprised their roles of Sulley, Mike, and Randall, while Dan Scanlon directed the film. The prequel's plot focuses on Sulley and Mike's studies at Monsters University, where they start off as rivals but soon become best friends.
 An animated short, Mike's New Car, was made by Pixar in 2002 in which the two main characters have assorted misadventures with a car Mike has just bought. This film was not screened in theaters, but is included with all home video releases of Monsters, Inc., and on Pixar's Dedicated Shorts DVD.[83] In August 2002, a manga version of Monsters, Inc. was made by Hiromi Yamafuji and distributed in Kodansha's Comic Bon Bon magazine in Japan; the manga was published in English by Tokyopop until it went out of print.[84] A series of video games, including a multi-platform video game were created based on the film. The video games included Monsters, Inc., Monsters, Inc. Scream Team and Monsters, Inc. Scream Arena.[85] A game titled Monsters, Inc. Run was released on the App Store for iPhone, iPod Touch, and iPad on December 13, 2012.[86]
 Feld Entertainment toured a Monsters, Inc. edition of their Walt Disney's World on Ice skating tour from 2003 to 2007.[87] Monsters, Inc. has inspired three attractions at Disney theme parks around the world. In 2006 Monsters, Inc. Mike & Sulley to the Rescue! opened at Disneyland Resort's Disney California Adventure in Anaheim, California.[88] In 2007, Monsters, Inc. Laugh Floor opened at Walt Disney World Resort's Magic Kingdom in Lake Buena Vista, Florida, replacing The Timekeeper. The show is improvisational in nature, and features the opportunity for Guests to interact with the monster comedians and submit jokes of their own via text message.[89] In 2009 Monsters, Inc. Ride & Go Seek opened at Tokyo Disney Resort's Tokyo Disneyland in Chiba, Japan.[90]
 In 2009, Boom! Studios produced a Monsters Inc. comic book mini-series that ran for four issues. The storyline takes place after the movie and focuses on Sulley and Mike's daily struggles to operate Monsters Inc. on its new laughter-focused company policy. At the same time, their work is impeded by the revenge schemes of Randall and Waternoose, as well as a human child (indirectly revealed to be Sid Phillips from the Toy Story franchise) who has hijacked the company's closet door technology to commit a string of toy thefts throughout the human world.[91]
 Sulley, Mike, Boo, Randall, Celia and Roz appear as playable characters in the video game Disney Magic Kingdoms, being unlocked during the progress of the game's main storyline.[92]
 A world based on the film made its debut appearance in the Kingdom Hearts series in Kingdom Hearts III,[93][94] making it the second Disney-Pixar movie featured in the series after Toy Story.[95][96] The world takes place after the events of the first film.
 In November 2017, Disney CEO Bob Iger spoke about plans to develop a television series spin-off of Monsters, Inc. among other properties owned by the company.[97][98][99] By November of the following year the series was confirmed for Disney+, and would continue the story of the previous films.[100] On April 9, 2019, it was announced that Goodman, Crystal, and Tilly would return as Mike, Sulley, and Celia, respectively for the series. Peterson returns as Roz and also voices her twin sister Roze. Additional cast members include Ben Feldman as Tylor Tuskmon, Mindy Kaling as Val, Henry Winkler as Fritz, Lucas Neff as Duncan, Alanna Ubach as Cutter, Stephen Stanton as Needleman and Smitty (replacing Gerson), and Aisha Tyler as Tylor's mother Millie. In addition, Ratzenberger returns as Yeti and also voices Tylor's father Bernard.[101] It was released on Disney+ on July 7, 2021.[102][103] The series begins the day after Waternoose's arrest and follows Tylor who hopes to be promoted to the Laugh Floor.[104]",5248,"Main page; Contents; Current events; About Wikipedia; Help; Learn to edit; Community portal; Upload file; ; learn more; Article; Talk; Read; Read; Upload file; ; ; Monster Cable; Monsters, Inc. (franchise); Monsters, Inc. (video game); ; Pete Docter; Andrew Stanton; Daniel Gerson; Jill Culton; Jeff Pidgeon; Ralph Eggleston; Darla K. Anderson; John Goodman; Billy Crystal; Steve Buscemi; James Coburn; Jennifer Tilly; Mary Gibbs; Randy Newman; Pixar Animation Studios; Buena Vista Pictures Distribution; El Capitan Theatre; comedy film; Pixar Animation Studios; Walt Disney Pictures; John Goodman; Billy Crystal; Steve Buscemi; James Coburn; Mary Gibbs; Jennifer Tilly; Pete Docter; Lee Unkrich; David Silverman; Darla K. Anderson; Andrew Stanton; Daniel Gerson; Mike Wazowski; Jill Culton; Jeff Pidgeon; Ralph Eggleston; Toy Story; Randy Newman; El Capitan Theatre; third highest-grossing film of 2001; Academy Award for Best Original Song; If I Didn't Have You; Best Animated Feature; DreamWorks; Shrek; Best Original Score; Best Sound Editing; 3D; prequel; Monsters University; Dan Scanlon; Monsters at Work; Disney+; human; Henry J. Waternoose III; James P. ""Sulley"" Sullivan; Randall Boggs; Mike Wazowski; Himalayas; List of Monsters, Inc. characters; John Goodman; James P. ""Sulley"" Sullivan; Billy Crystal; Mike Wazowski; Mary Gibbs; Boo; Steve Buscemi; Randall Boggs; chameleon; James Coburn; Henry J. 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"Coco (film, 2017)","https://fr.wikipedia.org/wiki/Coco_(film,_2017)","Pour les articles homonymes, voir Coco.
 Série Classiques d’animation Pixar Cars 3(2017) Les Indestructibles 2(2018) 
 Pour plus de détails, voir Fiche technique et Distribution. modifier  Coco est un film d'animation américain réalisé par Lee Unkrich et co-réalisé par Adrian Molina, sorti en 2017. Sur un scénario élaboré par Adrian Molina et Matthew Aldrich, le film est basé sur une histoire originale de Lee Unkrich, Jason Katz, Matthew Aldrich et d´Adrian Molina. Coproduit par les studios Disney et Pixar, il est le 139e long métrage d'animation des studios Disney et le 19e film d'animation en images de synthèse des studios Pixar.
 En pleine Fête des morts, à Santa Cecilia. Depuis quatre générations, la musique est interdite au sein de la famille de Miguel Rivera. Alors que le garçon de 12 ans rêve de devenir un guitariste aussi talentueux que son idole Ernesto de la Cruz, sa famille veut le voir prendre la relève de la cordonnerie créée par son arrière-arrière-grand-mère Imelda, la mère de son arrière-grand-mère Coco encore en vie. Décidé à prouver son talent durant le concours du Jour des Morts, Miguel entre par effraction dans le mausolée d'Ernesto, mort accidentellement des années auparavant, pour emprunter sa guitare. Au moment où il joue un accord tout en marchant sur des pétales de rose d'Inde, il se retrouve propulsé au Pays des Morts. Miguel apprend qu'il doit obtenir la bénédiction d'un de ses ancêtres avant l'aube, sinon il deviendra un squelette bloqué dans cet étonnant endroit jusqu'à ce qu'il disparaisse après être tombé dans l'oubli dans le monde des vivants. Aidé du filou Hector, Miguel débute un extraordinaire voyage au bout duquel l'attend une importante vérité cachée concernant sa famille… 
 Il y a longtemps, Imelda Rivera était mariée à un musicien rencontrant ses premiers succès. Ce dernier quitta sa femme et sa fille, Coco, pour poursuivre sa carrière musicale. Laissée à elle-même, Imelda fut obligée de travailler et créa une entreprise de cordonnerie, transmise de génération en génération. En représailles contre son époux, elle bannit toute musique dans sa famille. 
 Dans le présent, son arrière-arrière-petit-fils, Miguel, âgé de 12 ans, vit avec sa famille, dont Coco, son arrière-grand-mère, dans le petit village mexicain de Santa Cecilia. Il rêve de devenir un musicien comme Ernesto de la Cruz, vedette de la musique et du cinéma, de la même génération qu'Imelda, qui est mort lors d'une représentation, quand une énorme cloche lui est tombée accidentellement dessus à la suite d'une maladresse d'un technicien de coulisse. Mais sa famille le destine à perpétuer la tradition familiale en devenant cordonnier. Pour la Fête des morts, chaque famille expose sur l’autel familial, l’ofrenda, les photos de ses ancêtres afin que ceux-ci puissent lui rendre visite. Lors des préparatifs, Miguel casse accidentellement le cadre de la photographie d'Imelda, au centre de l'autel, et découvre que son mari (dont la tête a été arrachée de la photographie) tenait la célèbre guitare blanche d'Ernesto et dès lors, Miguel est persuadé d'être l'arrière-arrière-petit-fils d'Ernesto. Plus tard dans la soirée, quand Miguel fait part à sa famille de son intention de participer au concours de talents du Jour des Morts, son Abuelita Elena détruit sa guitare. Offensé, il rejette sa famille, quitte la maison en larmes et se dirige vers le cimetière de la ville.
 Miguel s'infiltre dans le mausolée d'Ernesto et ""empreinte"" sa célèbre guitare pour participer au concours. Alors qu'il joue un accord, il devient invisible aux yeux de tous les villageois, excepté du chien errant Dante, un xolo qui le suit partout, mais il découvre les figures squelettiques des ancêtres décédés en visite dans leur famille depuis le Pays des Morts pour l'occasion, qu’il peut voir et avec lesquels il peut interagir. Miguel rencontre ses propres ancêtres, qui l’amènent avec eux aux Pays des Morts en traversant le pont reliant le monde des morts à celui des vivants. Ils découvrent alors qu'Imelda n'a pas pu traverser le Pont car sa photographie a été retirée de l'autel familial. Miguel apprend qu’il est coincé dans le Pays des Morts par une malédiction après avoir pris la photo d’Imelda de son autel avec lui, et également qu'il doit retourner dans son monde avant l'aube sous peine de devenir un squelette et de ne plus pouvoir y revenir. Pour cela, il doit recevoir la bénédiction d'un membre de sa famille via un pétale de rose d'Inde, pour briser la malédiction. Imelda donne sa bénédiction à Miguel à la condition qu'il abandonne son rêve de musicien. Miguel refuse, et s'en va quérir la bénédiction d'Ernesto de la Cruz.
 Dans sa fuite, Miguel rencontre Héctor, un squelette malchanceux prétendument mort d’une intoxication alimentaire, qui n’est pas autorisé à traverser le Pont car sa photo n’est affichée sur aucun autel familial, et qui a autrefois joué avec Ernesto : il lui propose de l'aider à le rencontrer. En retour, Héctor demande à Miguel de rapporter sa propre photo dans le monde des vivants pour qu'il puisse rendre visite à sa fille, avant qu'elle ne l'oublie et qu'il ne disparaisse totalement, car tel est le destin des morts dont aucun vivant n’a conservé la mémoire. Au même moment, Imelda lance Pepita, son énorme alebrije, à sa poursuite. Avec l’aide d’Héctor, Miguel participe avec succès à un concours de chant dont le vainqueur sera invité à participer au concert de l’Aurore donné par Ernesto, mais, rattrapé par ses ancêtres, il doit à nouveau s’enfuir. Héctor comprend que Miguel lui a menti en disant qu'il n'avait pas d'autres parents qu'Ernesto et essaie de le ramener aux siens, mais Miguel l'abandonne avant d'échapper une nouvelle fois à Imelda. Il réussit finalement à infiltrer le manoir de De la Cruz où il attire l’attention d’Ernesto en chantant mais tombe dans un bassin et Ernesto se précipite pour le sauver. Celui-ci accepte Miguel comme son descendant, mais Héctor survient et les confronte, implorant Miguel de prendre sa photo avec lui. Le garçon apprend également que l'amitié entre Ernesto et Héctor a mal tourné avant le décès de ce dernier. Héctor clamant par ailleurs être le véritable auteur des chansons d'Ernesto. Lorsque Héctor rappelle à Ernesto ce qu'il lui avait dit le jour de sa mort, Miguel se rend compte qu'il s'agit d'une réplique d'un film dans lequel Ernesto avait joué et où son personnage échappe à un empoisonnement. Héctor réalise alors la vérité sur sa mort : alors que les deux amis étaient en tournée, Héctor avait voulu rentrer chez lui retrouver sa famille mais Ernesto eut peur que ce départ ne mette un terme à sa carrière. Ne parvenant pas à retenir Héctor, Ernesto feignit d'accepter son départ en l’empoisonnant sous prétexte de lui offrir un verre d'adieu, et en récupérant ses affaires, il s’appropria la guitare blanche et les textes de ses chansons consignées dans un carnet, puis construisit seul sa célébrité. À la suite de sa découverte de la vérité, Miguel se fait voler la photo d'Héctor par Ernesto, et ce dernier fait jeter Miguel et Héctor dans un cénote.
 Quand Héctor lui révèle que sa fille se nomme Coco, Miguel se rend compte qu'il est son véritable arrière-arrière-grand-père et que Coco est la seule personne vivante qui se souvient encore de lui. Héctor rajoute que la plus célèbre chanson d'Ernesto, Ne m'oublie pas avait en réalité composée pour elle. Avec l'aide de Dante, qui se transforme en alebrije, les ancêtres Rivera les sauvent. Mais Imelda est furieuse de revoir Héctor car, même après son décès, elle ne lui a jamais pardonné de l'avoir abandonnée avec Coco. Miguel explique que la mort d'Héctor était due à sa décision de revenir auprès de sa famille, et Imelda pardonne durement à son mari, pris de remords. Tous infiltrent le concert de l'Aurore d'Ernesto afin de récupérer la photographie. En échappant à la sécurité, Imelda se retrouve par accident sur scène avec Ernesto, mais réussit à lui reprendre la photographie et à la donner à Miguel. Alors qu'Imelda s'apprête à donner sa bénédiction à Miguel avec comme condition de ne pas oublier à quel point sa famille l'aime, Ernesto, effrayé à l'idée que Miguel révèle la vérité aux yeux du monde, l'attrape et le jette du haut du stade vers le lac. Pepita sauve Miguel, mais pendant sa chute, la photographie glisse de ses mains et disparaît dans l'eau. Par ailleurs, les aveux d'Ernesto ont été retransmis à son insu, avec l'aide d'une caméra, révélant ainsi la supercherie à la foule de morts présente au concert. Résultat : Ernesto fait face au public furieux. Après avoir ramené Miguel sain et sauf auprès de sa famille, Pepita projette Ernesto avec force dans un clocher voisin, et il se retrouve de nouveau écrasé par une cloche, comme lors de son décès accidentel.
 Le jour commence à poindre et Héctor est en voie de disparition alors que son souvenir s'étiole dans la mémoire de Coco. Imelda donne sa bénédiction sans condition à Miguel qui, de retour dans le monde des vivants, se rue chez lui pour jouer Ne m'oublie pas à Coco, ce qui ravive les souvenirs de Coco et lui rend sa vitalité. Coco donne à Miguel la partie manquante de la photographie de l'autel, avec le visage d'Héctor. Elena se réconcilie avec son petit-fils et accepte de nouveau la musique dans la famille.
 Un an plus tard, Miguel se présente à l'autel avec une photographie de Coco à sa nouvelle petite sœur. Les lettres d'Héctor que Coco avait gardées pour lui (contenant la preuve qu'Ernesto s'était accaparé sa musique et ses chansons) ont conduit à la destruction de l'héritage de De la Cruz, le public honorant désormais Héctor Rivera. Au Pays des Morts, Héctor, Imelda, Coco et les autres rendent visite à leurs descendants, alors que Miguel joue et chante pour les siens, morts comme vivants.
  Sauf indication contraire ou complémentaire, les informations mentionnées dans cette section peuvent être confirmées par la base de données IMDb.
 Originellement, la sortie du film était prévue pour 2015. Mais ce n'est que le 14 août 2015, lors du D23 que Pixar confirme plusieurs films dont Le Monde de Dory, Toy Story 4 et Coco[7],[8],[9],[10]. Il est présenté au public lors de la conférence et se voit attribuer son titre. Dès lors, sa sortie est repoussée à 2017[11].
 
 En France l'accueil est positif : le site Allociné propose une moyenne des critiques presse de 4,1/5[12]. Le JDD évoque « une réussite totale, équilibrant action, humour et tendresse, enthousiasme et sagesse. »[13]. Selon les Inrocks, « ""Coco"" sonde en réalité les plus noires angoisses de l'espèce humaine et laisse derrière lui au moins un morceau de bravoure, une grande scène de mélo qui restera comme un des sommets de la vénérable maison. »[14]. Libération dresse par contre un constat moins enthousiaste : « la vitesse à laquelle se déroule le récit nous sème : pas le temps de vivre ni de mourir tranquille, ni même de larmoyer trop longtemps. La poésie s’y étale de manière plus balourde et balisée sur un terrain certes sucré et surrythmé, mais le fil narratif surprend moins au tournant. »[15].
 Il est parfois reproché au film de présenter des points communs avec La Légende de Manolo, sorti en 2014, comme l'interdiction par sa famille de pratiquer de la musique afin de perpétuer la tradition familiale, la répétition de la phrase « ne m'oublie pas » tout au long du film, notamment avant que l'un des protagonistes soit écrasé par une cloche (la scène est présente dans les deux films), l'existence d'un monde parallèle « coloré et chatoyant », où habitent tous les ancêtres des protagonistes, et bien sûr la présence de la culture et des traditions mexicaines[16],[17]. Cependant, les deux films suivent des trames narratives différentes.
 En France, avec 4,5 millions d'entrées dans les salles de cinéma[18], Coco arrive à la 4e place du box-office en 2017. Au niveau mondial, les recettes du film sont bonnes, ce qui est positif pour la firme Disney car la somme investie (220 millions de dollars[réf. nécessaire]) est considérable : c'est le 31e plus gros budget de l'histoire du cinéma[19]. Mais au box-office des films d'animation en France, 4,5 millions d'entrées est un chiffre assez moyen, qui met Coco à la 41e place du classement. La même année (2017), il est devancé par Moi moche et méchant 3 qui enregistre 5,6 millions d'entrées[20].
 Le 25 novembre 2017, Coco récolte 40,8 millions de dollars en trois jours dépassant le film de super-héros Justice League de Warner Bros. sorti le même jour avec 35,5 millions de dollars[21]. Le 27 novembre 2017, le film Coco cumule 71,2 millions de dollars en moins d'une semaine aux États-Unis, diffusé dans 3 987 salles de cinéma[22]. Le 11 décembre 2017, Coco continue à récolter 18,3 millions de dollars en troisième semaine, cumulant 135,5 millions de dollars aux États-Unis et 389,5 millions de dollars à l'international[23].
 Au total, le film a rapporté 807 millions de dollars pour un budget de 175 millions[réf. nécessaire]. Coco est par ailleurs le premier film avec un budget à neuf chiffres à présenter un casting principal entièrement composé de gens d'origine hispanique.
 Au Brésil, le film a été rebaptisé Viva. En effet, en portugais (langue officielle du Brésil), le terme « cocô » signifie « merde »[26].",2199,"Accueil; Portails thématiques; Article au hasard; Contact; Débuter sur Wikipédia; Aide; Communauté; Modifications récentes; ; Rechercher; en savoir plus; Contributions; Discussion; Article; Discussion; Lire; Lire; Pages liées; Suivi des pages liées; Téléverser un fichier; Pages spéciales; ; Coco; ; Lee Unkrich; Adrian Molina; Adrian Molina; Lee Unkrich; Pixar Animation Studios; Walt Disney Pictures; ; États-Unis; Animation; 2017; Classiques d’animation Pixar; Cars 3; Les Indestructibles 2; ; Lee Unkrich; Adrian Molina; 2017; Adrian Molina; Lee Unkrich; Adrian Molina; studios Disney; Pixar; long métrage d'animation; film d'animation; images de synthèse; Pixar; Fête des morts; ; mexicain; Fête des morts; xolo; rose d'Inde; alebrije; cénote; alebrije; IMDb; Lee Unkrich; Adrian Molina; Adrian Molina; Adrian Molina; Lee Unkrich; Michael Giacchino; Germaine Franco; Adrian Molina; Harley Jessup; Lee Unkrich; Darla K. 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Les Aventures de Tom Sawyer,https://fr.wikipedia.org/wiki/Les_Aventures_de_Tom_Sawyer,"Vous lisez un « article de qualité » labellisé en 2018.
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 Les Aventures de Tom Sawyer (titre original : The Adventures of Tom Sawyer) est le premier roman que Mark Twain écrit seul. Il est publié en 1876, d'abord en Angleterre en juin, puis aux États-Unis en décembre.
 Mark Twain y conte les aventures d'un garçon du sud des États-Unis, Tom Sawyer, vers 1844, avant la guerre de Sécession, dans la ville fictive de Saint-Petersburg au Missouri, sur la rive droite du Mississippi. En partie autobiographique, l'histoire s'inspire, du moins dans ses premiers chapitres, de l'enfance de l'auteur, passée à Hannibal au Missouri et recréée par la fiction autour du jeune protagoniste dont la personnalité domine le roman.
Ses frasques constituent l'essentiel de l'action et sa gouaille triomphante confère au roman une unité que l’ordre strictement chronologique du récit ne garantissait pas.
 Twain parle d'une épopée de l'enfance ou d'un « hymne en prose ». De fait, le narrateur témoigne d'une grande indulgence envers son héros et utilise ses pitreries, ses escapades et ses prouesses pour mettre en évidence les travers comme les qualités des gens qui l'entourent. En revanche, sa satire devient sans concession lorsqu'il dénonce la morale publique, le pouvoir judiciaire, l'éducation, la religion, la médecine ou l'économie.
 Les Aventures de Tom Sawyer est le plus célèbre des romans de Twain, et aussi son plus grand succès de librairie, de son vivant jusqu'au XXIe siècle. Considéré comme un classique de la littérature de jeunesse, l'auteur le qualifie de « roman pour enfants pour adultes ». D'emblée catalogué comme humoristique, genre alors jugé mineur, ses innovations littéraires restent longtemps négligées et c'est seulement plusieurs décennies après la mort de l'auteur qu'il est reconnu comme l'une des œuvres fondatrices de la littérature américaine.
 En tant que journaliste, Twain rend compte d'événements et de sujets qu'il va reprendre dans Tom Sawyer[TP 1], par exemple, l'école du dimanche (Sunday School)[N 1] et les amourettes de l'enfance[TP 2]. Vers 1868, il achève une nouvelle intitulée à titre posthume Manuscrit d'un jeune garçon (Boy's Manuscript), qui raconte la vie d'un enfant sur les rives du Mississippi et, en 1870, il évoque avec son ami d'enfance, Will Bowen, des souvenirs partagés qui se retrouvent dans le roman[MA 1],[2].
 Les avis sur la période durant laquelle Mark Twain s'attelle à ce projet divergent considérablement. Peter Stoneley pense que c'est en 1872[3], Dhuicq et Frison avancent février 1873[DF 1] et Pat McAllister, auteur de The Bedside, Bathtub & Armchair companion to Mark Twain (Mark Twain, manuel pour la table de chevet, la baignoire et le fauteuil) publié en 2008, parle de l'été 1874, « période fertile en souvenirs », écrit-elle[MA 1] : depuis sa maison de Hartford qui surplombe le fleuve Connecticut Mark Twain se trouve « transporté dans le passé de ses années aux pieds nus dans la touffeur et la crasse de Hannibal [qui] le submergent[CCom 1] » ; Matthews utilise le mot « moissonné » (harvested) pour résumer le processus de remémoration dont Twain lui a fait part ; la scène se passe quatre ans avant celle décrite par Pat McAllistair, soit en 1870, juste après le mariage avec Olivia (Livy)[4].
 Twain gribouille un schéma sur la première page de ses feuillets, « esquisse dont, pour qui connaît le livre et à dire le moins, le plan a de quoi surprendre, tant quasiment rien n'y est reconnaissable[CCom 2] ».
 « 1. Boyhood & Youth; 2. Y & early Manh. 3.the Battle of life in many lands. 4. (age 37 to 40,) return & meet grown babies & toothless old drivelers who were the grandees of his boyhood. The Adored Unknown a faded old maid & full of rasping, puritanical vinegar piety[MA 1]. » « 1. Enfance et prime jeunesse ; 2. jeunesse et première maturité ; 3. la bataille de la vie dans de nombreuses contrées ; 4. (âge 37- 40), retour pour rencontrer les bébés qui ont grandi et les sans-dents qui bavent, autrefois les seigneurs de son enfance. L'Inconnu Adorée, une vieille fille fanée et replète de bigoterie puritaine, grommelante et acariâtre. » « Au diable l'esquisse ! » (« Outline be damned[MA 1]! »), ajoute McAllister, et de rappeler la métamorphose du souvenir en lieux et personnages de fiction : en cet été 1874, Twain écrit 400 pages, mais en septembre tout s'arrête ; Tom, écrit McAllister, « mourut temporairement » (« Tom died temporarily[MA 1] »). Le problème se pose de savoir si le héros doit être conduit jusqu'à l'âge adulte et, se donnant le temps de la réflexion[TG 1], Twain écrit, en collaboration avec son voisin Charles Dudley Warner, l'Âge doré, publié la même année[TR 2]. Enfin, Tom, en a-t-il été décidé, ne grandira pas, et le roman est aussitôt repris[MA 1]. Une lettre à W. D. Howells du 5 juillet 1875 annonce qu'il est terminé et, après des mois de révisions, il parait le 9 juin 1876 en Angleterre, l'année du centenaire de la naissance des États-Unis[MA 1]. Une édition pirate apparaît au Canada le 29 juillet de la même année, et la première édition aux États-Unis le 8 décembre[5].
 Twain affirme dans son Autobiographie que Les Aventures de Tom Sawyer est la première œuvre écrite avec une machine à écrire : « Je me déclare — jusqu'à plus ample informé — comme étant la première personne à avoir destiné à la littérature l'usage de la machine à écrire. Le livre en question devait être Les Aventures de Tom Sawyer. J'en ai écrit la moitié en 1872 et le reste en 1874. Ma dactylographe m'a tapé un livre en 1874 et j'en ai conclu qu'il s'agissait bien de celui-là[C 1]. »[6],[7].
 Les recherches de l'historien Darryl Rehr montrent cependant que le premier tapuscrit de Twain est La Vie sur le Mississippi, réalisé sous la dictée avec une Remington no 2[8].
 Si Mark Twain s'essaie pour la première fois à écrire un roman seul[TM 1],[TR 3], Tom Sawyer n'est pas l'œuvre d'un débutant. Twain a déjà composé des récits autobiographiques, Le Voyage des Innocents, À la dure[TM 1] ; avec Tom Sawyer, il puise à nouveau dans son passé : Tom, c'est lui, mais aussi plusieurs camarades, un personnage « composite » comme le précise la préface : « la plupart des aventures relatées dans ce livre sont vécues ; une ou deux me sont personnelles, les autres sont arrivées à mes camarades d’écoles. Huck Finn est décrit d’après nature ; Tom Sawyer aussi ; les traits de ce dernier personnage sont toutefois empruntés à trois garçons de ma connaissance : il appartient par conséquent à ce que les architectes nomment l’ordre composite[C 2] ».
 Précédemment, Twain a mis en scène des enfants dans de courtes « esquisses » (sketches) parodiant la littérature de jeunesse, péripéties satiriques ou conseils de conduite édifiants : ainsi, Conseils aux petites filles (Advice to little girls), publié en 1867[10].
 Parmi les textes antérieurs, L'Histoire du bon petit garçon et L'Histoire du méchant petit garçon (Story of the Good Little Boy, Story of the Bad Little Boy) se rapprochent le plus de Tom Sawyer — parenté remarquée dès la parution du roman[TG 2] —, deux contes satiriques de quelques pages chacun, le premier d'abord paru en mai 1870 dans le Galaxy[11], puis dans Sketches, New & Old en 1875, avec des illustrations de True Williams[12], le second dans le Californian en 1875, puis dans Sketches New & Old en même temps que le conte précédent et avec le même illustrateur[13].
 Dans le premier, un enfant modèle ne reçoit jamais de récompense, se voit rejeté par les employeurs alors qu'il présente d'excellentes attestations, meurt accidentellement sans avoir eu le temps d'écrire, comme il le souhaite, son « dernier discours » (his dying speech)[TG 2]. Le conte se termine de façon désabusée et sibylline[TG 2] : « Ainsi périt le bon petit garçon, après avoir fait tous ses efforts pour vivre selon les manuels [de conduite], mais sans pouvoir y parvenir. Tous ceux qui vécurent comme lui prospérèrent, excepté lui. Son cas est vraiment remarquable. Il est probable qu’on n’en donnera jamais d’explication[C 3] ».
 Dans le second, le méchant petit garçon vole, ment, tue et finit riche député[TG 2] : « Et il grandit et se maria, et eut de nombreux enfants. Et il fendit la tête à tous, une nuit, à coup de hache, et s’enrichit par toutes sortes de fourberies et de malhonnêtetés. Et à l’heure actuelle, c’est le plus infernal damné chenapan de son village natal ; il est universellement respecté et siège au parlement[C 4] ».
 Cette chute rappelle le mot de Twain à propos de Tom qui aurait dû finir homme politique ou au bout d'une corde[16]. À la fois chenapan et garçon doué d'une certaine générosité, le personnage tient du « bad boy » américain que tempère un bon caractère, traits se limitant réciproquement : les tours de Tom n'atteignent pas à la méchanceté et sa générosité trouve ses limites dans sa vanité[TG 3].
 Les textes quasi allégoriques des deux garçons opposés ironisent sur la confiance faussement naïve accordée à l'autorité des livres et révèlent le décalage entre ce qui s'écrit à l'époque et la réalité : « Eh bien ! Vous pourriez consulter et consulter d’un bout jusqu’à l’autre, et d’ici au prochain Noël, tous les livres de l’école du dimanche, sans rencontrer chose pareille[C 5] ». L'auteur feint l'étonnement lorsque le « méchant petit garçon » n'est jamais puni comme dans les livres :  « Comment Jim s'en tira toujours demeure pour moi un mystère » (« How this Jim ever escaped is a mystery to me[15] ») ; dans Tom Sawyer, ce n'est plus le narrateur, mais le personnage principal, Tom, qui croit, mais cette fois de manière très sérieuse, en la vérité des livres, les romans d'aventures peuplant son imaginaire[TG 4].
 Les Aventures de Tom Sawyer comporte 76 000 mots[TR 4], soit 228 pages dans l'édition Barnes & Noble Classics[TP 3], et raconte les péripéties de Tom Sawyer[N 2], garnement malicieux et superstitieux, accompagné de plusieurs de ses camarades, au premier rang desquels Huckleberry Finn (Huck) et Joe Harper, dans la ville fictive de Saint-Petersbourg sur le Mississippi[17]. Tom est élevé par sa tante Polly à la suite de la mort de ses parents, alors que son ami Huck vit d'expédients. L'œuvre comprend trente-cinq chapitres et cinq grandes lignes narratives[TR 4] qui s'entremêlent au fil des différents épisodes[TG 5].
 Si aucune indication précise ne concerne la date des faits, plusieurs indices permettent d'en situer le début au vendredi 14 juin 1844, supputation d'autant plus plausible que la préface de Twain renvoie l'histoire à la période de son enfance, « à savoir il y a 30  ou   40 ans », soit entre 1836 et 1846[TH 1].
 La première ligne narrative ouvre l'histoire et le lecteur y découvre les relations que Tom entretient avec sa famille, l'école, l'Église et ses camarades[18].
 Se révèlent d'emblée le caractère manipulateur du jeune protagoniste et sa capacité à duper son entourage. Ses tromperies sont souvent le fruit de tractations lui permettant de faire travailler les autres à son profit et de cumuler des honneurs immérités[AK 1].
 Le récit commence ex abrupto par un appel : « Tom ! » que suit un silence. Tante Polly est à la recherche de son neveu qu'elle trouve barbouillé de confiture. Elle prend le fouet, mais Tom détourne son attention et s'enfuit. L'après-midi, il fait l'école buissonnière et au souper, subit l'inspection de sa tante qui le soupçonne d'être allé se baigner. Tom est sur le point de la duper encore une fois lorsque son demi-frère, Sid, remarque que le fil utilisé pour coudre le col de sa chemise est décoloré, preuve qu'il a bel et bien nagé. Le garnement s'échappe, non sans avoir jeté de la boue à son délateur[19],[TE 1].
 Alors qu'il marche en s'entraînant à siffler sur sa guimbarde (Jew's Harp)[TG 6], il tombe sur un nouvel arrivant de son âge, richement habillé, dont le lecteur apprendra le nom plus tard, Alfred Temple. Les deux garçons rivalisent de menaces et une bagarre éclate. Tom a le dessus et contraint son rival à lui demander grâce. Le vaincu s'en va la rage au cœur, puis lance une pierre dans le dos de Tom qui le poursuit jusque chez lui. La mère du fuyard s'en mêle et somme Tom de partir. Rentré fort tard, il est surpris par sa tante qui, au spectacle de ses vêtements déchirés, se résout à le punir pour de bon[20].
 Le samedi matin, Tom se voit condamné à passer plusieurs couches de lait de chaux sur la palissade qui jouxte la maison[19]. Arrive Jim, le jeune esclave, qu'il tente de soudoyer ; Jim refuse de peur d'être puni ; Tom insiste et marchande, propose de montrer son gros orteil qu'il s'est écorché la veille[AK 1] ; Jim finit par se laisser tenter par une bille en albâtre (alley pour alabaster en argot), et accepte le marché[21].
 Tante Polly, qui veille au grain, intervient : « L’instant d’après, Jim déguerpissait à toute allure, le seau à la main et le derrière en feu ; Tom badigeonnait la palissade avec ardeur ; tante Polly regagnait la maison, la pantoufle sous le bras et la mine triomphante »[C 6].
 Tom ne se résigne pas, songe avec tristesse à ses camarades libres de s'amuser dont il subira les moqueries[19]. Après inventaire de ses biens, bris de jouets, bricoles, billes, il dispose d'un capital échangeable contre au moins une demi-heure de liberté[DF 3].
 Une nouvelle idée germe en son esprit[AK 1] : Ben Rogers s'en vient à passer et s'étonne de l'ardeur avec laquelle Tom s'adonne à sa tâche. Ce dernier allèche sa curiosité en insistant sur la difficulté du travail et aussi sur l'agrément qu'il lui procure. Lui seul, assure-t-il, est qualifié pour l'accomplir. Ben l'implore en vain de lui confier le pinceau, marchande, offre une pomme, et Tom, après quelques hésitations de pure forme, finit par accepter. Tous les garçons qui s'approchent succombent au stratagème et bientôt la palissade est comme neuve. Qui plus est, Tom a amassé un beau butin, un morceau de craie, des pétards, un bouton de porte, un chat borgne, un soldat de plomb :
 « Tom se dit qu’après tout l’existence n’était pas si mauvaise. Il avait découvert à son insu l’une des grandes lois qui font agir les hommes, à savoir qu’il suffit de leur faire croire qu’une chose est difficile à obtenir pour allumer leur convoitise. Si Tom avait été un philosophe aussi grand et aussi profond que l’auteur de ce livre, il aurait compris une fois pour toutes que travailler c’est faire tout ce qui nous est imposé, et s’amuser exactement l’inverse[C 7]. »
 Au dîner, tante Polly s'absente un instant et Sid casse le sucrier ; aussitôt les dégâts constatés, Tom reçoit une gifle qui le jette à terre : clamant son innocence, il s'en va ruminer son chagrin dans un coin[19]. Cet incident rappelle l'ironie de L'Histoire du bon petit garçon et préfigure l'une des plus dramatiques des aventures de Tom (le pardon)[22].
 La deuxième ligne narrative, d'abord enchâssée dans la première, s'en distingue tout en restant dans le contexte familial et scolaire : c'est la rencontre au chapitre III et le début de la relation de Tom avec Becky Thatcher, la fille du juge, amours enfantines s'enchevêtrant également avec les autres épisodes du roman[20].
 Une fois la punition accomplie, Tom se présente devant sa tante qui, étonnée, le soupçonne de mentir. Ébahie de voir les trois couches de lait de chaux dûment passées, elle le récompense d'une pomme. Tom sort s'amuser et rejoint Joe Harper ; chacun prend le commandement d'une armée pour se livrer bataille ; Tom et sa bande remportent la victoire et il s'en revient chez lui[AK 2].
 Chemin faisant, il longe la demeure du juge Thatcher et aperçoit une fillette blonde aux yeux bleus, nouvelle dans le bourg. Sans une pensée pour Amy Lawrence, sa petite amie du moment, il tombe sous son charme et entreprend de se pavaner devant elle et de se livrer à toutes sortes d'excentricités[19]. La petite fait mine de rentrer chez elle, puis s'arrête soudain sur le seuil et lui jette une fleur par-dessus la haie[AK 3]. Tom passe la fleur à sa boutonnière et reprend son manège devant le portail, mais sans revoir la petite blonde aux yeux bleus[23],[24].
 Cousine Mary revient de la campagne, mais Tom s'en va bouder. Le soir, il retourne du côté de chez Thatcher et recommence ses pitreries : à plat sur le sol, il fait le mort dans l'espoir d'éveiller la pitié de la petite fille aux yeux bleus, mais son manège tourne court lorsqu'un déluge d'eau glacée s'abat sur lui depuis la fenêtre ; déconfit, il rentre se coucher[24].
 Le lendemain, Tom rencontre la fillette et pour se mettre en valeur, jure d'apprendre les versets de la Bible prescrits pour l'école du dimanche. Cousine Mary tente de les lui faire répéter et Becky lui fait miroiter la récompense d'un canif[N 3],[19].
 L'astuce, cependant, prend bientôt le relais de la vertu : à l'entrée du bâtiment, Tom échange diverses bricoles contre les bons points distribués aux enfants ayant bien retenu leur leçon : neuf jaunes, neuf rouges et dix bleus[TE 2], assez pour prétendre au prix correspondant à 2 000 versets sus par cœur[N 4], d'une Bible méchamment reliée (« a very plainly bound Bible »)[TE 3],[AK 3].
 Le dimanche matin, le directeur de l'école du dimanche fait office de maître de cérémonie et présente les personnalités, dont le juge Thatcher qu'accompagnent son épouse et sa fille. Tom exhibe « ses » points et réclame son prix à la grande déconfiture de ses camarades : non seulement ils se sont fait berner[TE 4], mais ils contribuent à leurs dépens à un moment de gloire que rehausse la présence d'invités de marque[25].
 La gloriole va être de courte durée : ayant reçu sa Bible, Tom est invité à faire la démonstration de son savoir[AK 4] ; le juge lui demande le nom des deux premiers apôtres ; réponse de Tom : « David et Goliath[N 5] ! »
Sur ce, écrit l'auteur : « Peut-être vaut-il mieux tirer sur la fin de cette scène le voile de la charité[C 8] »[TG 3].
 Plus tard dans la matinée, Tom est assis sur le banc (pew) de l'église avec Sid, Mary et tante Polly. Parmi les fidèles se trouvent la veuve Douglas, le maire, le postier[TR 5]. Le sermon du révérend Sprague traîne en longueur et pour tromper son ennui, Tom s'amuse avec un lucane cerf-volant (pinchbug ou pinch-beetle) qui finit par le pincer et lui échapper[19]. Au milieu de la nef, l'insecte est repéré par un caniche (poodle) qui tente de le mordiller[AK 5] ; mais, bientôt, fatigué, le chien « bâilla, soupira et alla s’asseoir juste sur le cerf-volant[N 6] qu'il avait complètement oublié ! Aussitôt le malheureux poussa un hurlement de douleur et détala dans l'allée centrale[C 9] ». L'assistance garde tant bien que mal son sérieux, mais un rire sous cape accompagne chacune des phrases de l'homélie. La fin de l'office est un soulagement pour tous[TH 4].
 La troisième ligne narrative concerne surtout la complicité qui s'établit entre Tom et Huckleberry Finn (Huck)[AK 3].
 Arrive le lundi matin. Tom cherche quelle maladie il pourrait simuler pour ne pas aller à l'école. Il feint d'avoir une dent branlante, mais tante Polly la lui arrache et il doit obtempérer[19]. Sur le chemin, il rencontre Huckleberry Finn qui se promène avec un chat mort. Twain décrit la dégaine du « paria juvénile du village[CCom 3] » :
 « Huckleberry was always dressed in the cast–off clothes of full–grown men, and they were in perennial bloom and fluttering with rags. His hat was a vast ruin with a wide crescent lopped out of its brim; his coat, when he wore one, hung nearly to his heels and had the rearward buttons far down the back; but one suspender supported his trousers; the seat of the trousers bagged low and contained nothing, the fringed legs dragged in the dirt when not rolled up[TH 5]. » « [Traduction libre] Les vêtements de Huckleberry, rebuts du trousseau d'adultes dans la maturité de leur âge, frémissaient de toutes leurs loques comme un printemps perpétuel rempli d'ailes d'oiseaux. Un large croissant manquait à la bordure de son chapeau qui n'était qu'une vaste ruine ; sa veste, lorsqu'il en avait une, lui battait les talons et les boutons de sa martingale lui arrivaient très bas dans le dos. Une seule bretelle retenait son pantalon dont le fond pendait comme une poche basse et vide, et dont les jambes, tout effrangées, traînaient dans la poussière, quand elles n'étaient point roulées à mi-mollet. » Les deux garçons s'entretiennent des méthodes susceptibles de guérir les verrues et s'accordent pour essayer une cure avec le chat mort au cimetière à minuit[AK 6]. Tom arrive en retard en classe et s'apprête à mentir à l'instituteur Dobbins lorsqu'il aperçoit la petite Becky. Aussitôt, il décide de dire la vérité pour se faire reléguer chez les filles, ce qui ne manque pas de se produire quand il affirme avec aplomb qu'il « causait » avec Huck Finn[27]. Après s'être fait fouetter, il se retrouve à côté d'elle et cherche à capter son attention ; il dessine sur un bout de papier et sa voisine lui demande la permission de regarder : c'est une maison à peine esquissée, mais la petite fille semble impressionnée par un si grand talent[TR 5] ; Tom écrit alors en cachette et Becky brûle de regarder, mais il hésite, refuse, puis dévoile enfin son « Je t'aime » (« I love you »). Sur ce, l'instituteur intervient, saisit Tom par l'oreille et le ramène à sa place près de Joe Harper[TR 5].
 Tom s'ennuie et propose à Joe de jouer avec une vrillette (death-watch) qu'il sort de sa poche. L'insecte émet un crissement semblable à un tic-tac[TG 4]. Passionnés par leur jeu, les deux garçons ne remarquent pas Dobbins qui s'approche à pas feutrés et administre à chacun un coup de férule. Un nuage de poussière s'élève dans la salle[28].
 Pendant la pause de midi, Tom et Becky se retrouvent dans la salle de classe vide et Tom lui apprend à dessiner. Ils discutent, partagent un chewing-gum et enfin Tom demande à Becky si elle a déjà été fiancée et, devant son étonnement, lui explique ce que cela veut dire. Ils se déclarent leur amour et s'embrassent[19] :
 « « […] Et quand tu rentreras chez toi ou que tu iras à l’école, tu marcheras toujours à côté de moi, à condition que personne ne puisse nous voir…
Et puis dans les réunions, tu me choisiras comme cavalier et moi je te choisirai comme cavalière. C’est toujours comme ça que ça se passe quand on est fiancé.
– Oh ! c’est si gentil ! je n’avais jamais entendu parler de cela.
– Je t’assure qu’on s’amuse bien. Quand moi et Amy Lawrence… »
Les grands yeux de Becky apprirent à Tom qu’il venait de faire une gaffe. Il s’arrêta, tout confus.
« Oh ! Tom ! Alors je ne suis donc pas ta première fiancée ? »
La petite se mit à pleurer[C 10] ».
  Cherchant à se faire pardonner, Tom lui offre une boule en cuivre, mais Becky la jette à terre. Tom sort alors de l'école, bien décidé à ne pas y retourner l'après-midi, et Becky tente en vain de le retrouver[TR 5].
 Ce fil narratif fait basculer le roman dans le drame et ouvre la voie de la « rédemption » de Tom[TP 4].
 Tom et Huck, comme convenu, se sont rendus au cimetière à la nuit tombée, mais avant qu'ils ne puissent vérifier leur théorie thérapeutique[AK 7], ils sont témoins de l'exhumation d'un cadavre par le jeune Dr Robinson qu'assistent Muff Potter, ivre, et Joe l'Indien. S'ensuit une dispute au cours de laquelle Muff est assommé, puis Joe, sans mobile apparent, poignarde à mort le docteur avec le couteau de l'ivrogne et le glisse entre ses doigts. Lorsque Muff revient à lui, l'Indien le persuade qu'il a tué l'apothicaire, et Muff, après avoir reçu réponse à ses questions, prend ses jambes à son cou. Joe remet calmement le cadavre déterré dans son cercueil, rebouche le trou et s'en va[TR 5]. Tom et Huck, qui le redoutent, se rendent dans la tannerie désaffectée et s'engagent solennellement par le sang (blood-oath) à ne rien révéler de ce qu'ils ont vu (voir Procès de Muff plus bas)[29].
 Plusieurs épisodes importants s'ensuivent, en particulier l'arrestation de Muff, confondu par la présence de son couteau sur les lieux du crime et le témoignage de Joe. Tom est peu à peu pris de remords, perd le sommeil et sombre dans la mélancolie, ce que remarquent ses proches et amis. Pour tenter de museler sa conscience, il se rend sous la fenêtre de Muff à la prison et lui jette des friandises en cachette. Tante Polly, inquiète pour sa santé, lui donne de bonnes doses de Doloricide, « le liquide de feu » (fire in liquid form)[TR 7].
 Tom se rend au sommet du coteau de Cardiff et, assis au pied d'un chêne, rumine son malheur et s'apitoie sur son sort, tout en restant soucieux de son image[AK 8] :
« Comme cela devrait être reposant de mourir et de rêver pour l’éternité à l’abri des arbres du cimetière caressés par le vent, sous l’herbe et les fleurettes ! Sommeiller ainsi, ne plus jamais avoir de soucis ! Si seulement il avait pu laisser derrière lui le souvenir d’un bon élève, il serait parti sans regret. […] Ah ! si seulement il pouvait mourir, ne fût-ce que POUR QUELQUE TEMPS[C 11] ! »
 Son esprit volatil s'imagine bientôt une carrière de clown ou de soldat, finalement de pirate[19] : après Robin des Bois, il sera le « Vengeur noir de la mer des Antilles » (the Black Avenger of the Spanish Main!)[30],[N 7].
 Décidé à partir dès le lendemain, il essaie un sort pour retrouver
les billes qu'il a perdues, mais le sort ne répond pas à son appel, sans doute victime d'une sorcière[TR 5]. Soudain résonne une trompette et Joe Harper, lui aussi absent de l'école, apparaît ; les deux compères jouent à Robin des Bois[N 8],[TG 8] le reste de l'après-midi[AK 9] ; après la mort de Robin, « [ils] se rhabillèrent, dissimulèrent leur attirail et s’éloignèrent en regrettant amèrement de ne plus être des hors-la-loi et en se demandant ce que la civilisation moderne pourrait bien leur apporter comme compensation. Autant être des hors-la-loi une année entière dans la forêt de Sherwood plutôt que Président des États-Unis à vie[C 12] ».
 Ulcéré par les rebuffades de Becky, exaspéré par l'injustice subie par son copain Joe qui vient d'être fouetté et songe à se faire ermite[TR 7], encouragé par Huck toujours libre, Tom prend la résolution de gagner l'île Jackson pour vivre à la façon des pirates[31],[N 9].
 Dans un texte inachevé, intitulé Villageois de 1840-1843 (Villagers of 1840-3)[32], Twain commente la sentimentalité romanesque des jeunes de cette époque, « douce, naïve, mélancolique »[CCom 4], écrit-il ; il ajoute que mêmes les pirates sont mus par de nobles idéaux, ont un sens de l'honneur, se marient par amour, et qu'il n'est pas étonnant que des enfants les prennent comme modèles[TE 5].
 Après avoir volé de quoi se nourrir — « Le Vengeur de la mer des Caraïbes » apporte un gros jambon bouilli, « La Terreur des flots » des tranches de bacon, « Finn les mains-rouges » un poêlon, des épis de maïs pour fabriquer des pipes et des feuilles de tabac à moitié séchées[TH 9] —, les gamins se donnent rendez-vous à minuit en aval du fleuve, puis montent sur un radeau de rondins avec Tom, debout au centre, comme commandant de bord. Les ordres chuchotés fusent précis, et l'esquif parvient au nord de l'île Jackson[TR 7]. Le radeau part à la dérive : « qu'importe, écrit McAllister, il faut profiter de sa liberté et être heureux »[CCom 5]. La nuit se passe sous l'abri d'une vieille voile convertie en tente, et le lendemain, les enfants explorent leur nouveau domaine tout en se baignant d'heure en heure[TR 7].
 L'après-midi s'installe un « manque indéfini » (« undefined longing »), sans que personne n'admette sa nostalgie[AK 10]. Une explosion les arrache à leur rêverie, c'est le bruit du canon utilisé pour faire remonter le corps des noyés à la surface[N 10] : ce sont eux qu'on cherche et ils se flattent de tant d'attention[MA 2].
 Pendant la nuit, tandis que ses compagnons dorment, Tom écrit deux messages sur des bouts d'écorce de sycamore[N 11], place le premier dans le chapeau de Joe et enfouit le second dans sa veste[TR 7]. Il quitte le camp et se met à l'eau, marche et nage jusqu'aux rives de l'Illinois où il reprend pied et remonte vers le quai du ferry desservant Saint-Petersbourg. Arrivé au bateau, il se glisse vers l'arrière, coupe l'amarre de la barque de sauvetage et traverse le fleuve à la rame. Arrivé chez sa tante, il aperçoit par la fenêtre tante Polly, Sid, Mary et la mère de Joe Harper en pleurs. Il patiente jusqu'à ce que la voisine s'en aille et que tout le monde se mette au lit. D'abord tenté de laisser son écorce près du lit où sa tante s'est endormie, il se ravise, dépose un baiser furtif sur sa joue et repart vers le quai d'embarquement[TR 7].
 Il regagne le camp juste avant le lever du jour et, après avoir raconté son escapade, dort jusqu'à midi. Le soir, les trois fugueurs dégustent des œufs de tortue, puis passent la nuit à fumer et jouer à qui crachera sa chique le plus haut[TR 7],[N 12], et font les braves sous un violent orage qui secoue l'île toute la nuit[TR 7].
 Le lendemain matin, les cloches de l'église sonnent pour inviter les fidèles à rendre un ultime hommage aux jeunes disparus. Au beau milieu de l'oraison funèbre, devant tante Polly, Mary, Sid et la famille Harper, tous de noir vêtus[TR 7], le prêtre s'arrête soudain : les noyés viennent d'apparaître qui s'avancent triomphalement dans l'allée centrale[MA 2]. L'église est en émoi, les familles se jettent sur les disparus et les poutres métalliques de l'édifice résonnent des chants de grâce qu'entonne la congrégation[TR 7].
 Ce sont les grandes vacances. Tom rejoint « les Cadets de la tempérance », mais sans enthousiasme[TR 8] ; diverses attractions font brièvement halte dans le village : un cirque, un phrénologue, un mesmériseur ; la fête du 4 juillet n'a pas grand succès ; Becky séjourne chez ses parents à Constantinople et Tom attrape la rougeole et doit garder le lit pendant quinze jours[TR 9].
 Depuis que le Dr  Robinson a été poignardé, un regain de religiosité gagne la population : Joe Harper étudie les Saintes Écritures ; Ben Rogers rend visite aux pauvres ; Jim Hollis devient très pieux et même Huck cite des versets de la Bible. Après qu'un violent orage ébranle les maisons, Tom rechute et son isolement est prolongé de trois semaines. Lorsqu'il émerge de sa quarantaine, il constate que l'heure n'est plus aux dévotions et que ses camarades reprennent leurs habitudes pécheresses[TR 8].
 Le procès approche. La veille, Tom et Huck se résolvent à libérer Muff de sa cellule, mais au dernier moment, se contentent de lui faire passer du tabac et des allumettes. À l'audience, les témoins sont appelés les uns après les autres, tandis que les deux gamins déambulent dans le tribunal. À la fin de la journée, la version d'Injun Joe est de plus en plus accréditée. Tom marche seul dans la nuit, rentre tard et ne trouve pas le sommeil. Le deuxième jour, le procureur général accable Potter, l'avocat plaide d'abord la folie, puis retire sa ligne de défense et soudain, appelle Tom à la barre comme témoin surprise. Sans mentionner le nom de Huck, Tom rétablit la vérité des faits et au moment où il se tourne vers Injun Joe pour désigner le coupable, l'Indien d'un saut franchit la fenêtre et disparaît[TR 9].
 Muff est libéré, mais le félon rôde en liberté et Tom craint pour sa vie, hésite à sortir et passe des nuits peuplées de cauchemars : Injun Joe lui apparaît en ogre noir prêt à lui trancher la gorge avec un énorme couteau. Huck aussi a peur, mais c'est la violation du serment scellé dans le sang qui le chagrine le plus et entame sérieusement sa confiance en la nature humaine. Un détective de Saint-Louis enquête pendant quelques jours, puis s'en va avec, pour toute révélation, l'assurance qu'il est sur une piste[TR 9].
 Les vacances d'été se trainent et Tom et Huck décident de se lancer sur la piste d'un trésor, d'abord sans succès sous un arbre mort, puis dans une maison hantée[19]. Cependant, Tom reste prudent car vendredi porte malheur. Aussi l'après-midi se passe-t-il à jouer à « Robin des Bois » et ce n'est que le lendemain matin que les deux garçons passent à l'action[TR 9].
 Dans cet antre à fantômes, ils grimpent jusqu'au deuxième étage où ils aperçoivent deux hommes, dont l'un, très sale et avec un accent espagnol, qu'ils reconnaissent à la voix être Joe l'Indien. Les malfrats sont occupés à déverser des pièces d'argent dans une cache, puis, à leur grande surprise, en extraient une caisse remplie d'or[33]. Soudain, Joe s'aperçoit qu'il est surveillé, reprend son butin et s'enfuit avec son comparse, non sans avoir chuchoté « chambre 2 » (chamber 2). Tom et Huck supputent qu'il s'agit d'une chambre d'hôtel et par élimination passent en revue les tavernes et autres lieux de résidence, mais sans succès, jusqu'à la « Taverne de la Tempérance »[N 13] ; Tom, muni du trousseau de clefs de tante Polly, pénètre dans la chambre 2, tandis que Huck fait le guet dans le couloir, puis en sort aussitôt : Joe l'indien gît sur le sol, ivre-mort[MA 3].
 Becky invite ses camarades d'école à un pique-nique. En ce samedi après-midi, les chaperons accompagnent les enfants pour une promenade en bateau sur le fleuve[AK 11]. Après avoir copieusement joué par une belle chaleur estivale, on décide d'explorer la grotte McDougal, célèbre pour son labyrinthe de couloirs, ses stalagmites et stalactites, ses cascades et ses lacs souterrains[TR 10]. Réconciliés, Tom et Becky s'éloignent du groupe et s'enfoncent d'un couloir à l'autre, se contentant, pour seule précaution, de laisser sur les parois une trace de leur passage avec le noir de fumée de leurs torches[MA 4]. Bientôt, cependant, ces dernières s'éteignent et les enfants, terrifiés, se retrouvent dans la plus totale obscurité. Les chauves-souris volètent alentour et Becky est fatiguée. Tom, ayant trouvé une source fraîche, la laisse se reposer à côté tandis qu'il progresse d'un stalagmite à l'autre avec le fil de son cerf-volant tiré de sa poche. À la fin d'un couloir, alors qu'il tâte la roche à la recherche d'un angle, soudain surgit vingt mètres plus loin une vive lumière projetée sur les cavités. Tom pousse un cri de frayeur et se sent comme pétrifié[TR 11] : c'est Injun Joe qui décampe aussitôt. Remontant le fil déroulé, Tom rejoint peu à peu sa camarade sans lui dire mot de sa rencontre. Quelques instants plus tard, il reprend sa marche en avant pour tenter de localiser une issue[MA 4].
 Pendant ce temps, Huck, qui n'est pas invité au pique-nique, monte fidèlement la garde près de la « Taverne de la Tempérance »[19]. Vers onze heures, Injun Joe et son comparse se faufilent avec leur trésor. Huck les suit à pas de chat : ils passent par Cardiff Hill et prennent le chemin du manoir de la veuve Douglas. Pressentant leur passage à l'acte et leur forfait — « Venge-toi sur elle », chuchote le comparse (« Take it out on her ») —[N 14], Huck se glisse jusqu'à la maison du Gallois et de ses fils, les informe de l'urgence de la situation et bientôt les hommes montent la garde fusils en main devant la belle demeure, tandis que la veuve, sans se douter de rien, parcourt tranquillement un livre dans son lit[MA 4].
 La veuve Douglas et nombre d'autres visiteurs frappent à la porte pour venir aux nouvelles, mais le Gallois, fidèle à sa parole, ne dit mot du rôle joué par le jeune garçon. D'ailleurs, en proie à une forte fièvre, le petit héros est alité. À l'église cependant, Tante Polly et Mrs. Thatcher se rendent compte que Tom et Becky manquent à l'appel et donnent l'alarme sans tarder[19]. À part un bout de ruban et leur nom écrit au noir de fumée, aucune trace des enfants : les cheveux gris de Tante Polly virent au blanc et Mrs. Thatcher lance des appels désespérés dont l'écho se réverbère sur les parois[AK 12].
 Ce n'est que le mardi soir que sonnent les cloches et s'élève le cri salvateur : « On les a retrouvés ! » (They've been found!). Après trois jours et trois nuits de terreur passés sans eau ni nourriture, Tom finit par repérer, à plus de huit kilomètres de l'entrée[TR 10], un filet de jour à travers la roche donnant sur le fleuve. Il se glisse dans l'anfractuosité, persuade Becky de le suivre et arrête un esquif de passage qui les ramène à la ville[MA 5][N 15].
 Becky est confinée dans sa chambre pour reprendre des forces, alors que Tom, allongé dans un sofa, raconte l'aventure à ses nombreux visiteurs, l'embellit de plus en plus et se glorifie de l'attention dont il est l'objet[MA 5]. Une quinzaine passe et on l'autorise à rendre visite à Huck. En chemin, il s'arrête pour prendre des nouvelles de Becky et apprend que son juge de père, par mesure de sécurité, a fait murer l'entrée de la grotte[19]. Le garçon blêmit et révèle qu'Injun Joe y est enfermé[TR 11]. Le juge, Tom et une foule de citadins, en petits bateaux à voile et par le ferry, s'y précipitent[TH 10], mais une fois la lourde porte de fer trempé (boiler iron)[TH 11] ouverte, le corps du bandit est aussitôt découvert, mort d'inanition, ce qui soulève la compassion de Tom, sensible à l'ultime lutte de celui qu'il a contribué à mettre hors d'état de nuire[MA 5] ; sans plus tarder, le cadavre est enterré près de l'entrée[TR 11].
 Chacun se remet peu à peu de ses émotions. Le trésor de la « chambre 2 », suppute Tom, doit être dans la grotte[TH 12]. Quoique terrifié à l'idée de tomber sur le fantôme de Joe l'Indien[TR 11], Tom persuade Huck d'y retourner. Les deux gamins empruntent le bateau d'un « citoyen absent » (an absent citizen) [TH 13], et s'enfoncent dans les galeries où ils découvrent, au pied d'une croix dessinée au noir de fumée, le trésor convoité. Les pièces d'or sont lourdes dans les sacs ; au retour, alors qu'ils s'apprêtent à les ranger dans un chalet de jardin chez la veuve Douglas, ils se voient interceptés par son voisin le Gallois qui les invite à le suivre jusqu'au manoir[19]. Là, les attendent Tante Polly et nombre d'importants personnages, les Thatcher, les Harper[TR 3] et la veuve Douglas en personne qui accueille Huck comme son sauveur, le cajole et offre de lui donner un foyer, de veiller à son éducation et, le jour venu, de le lancer dans les affaires[MA 5].
 Tom s'exclame alors que « Huck n'a pas besoin de ça, Huck est riche ! » (« Huck don't need that, Huck is rich! »). Et pour preuve, il revient courbé sous les sacs. Une fois la surprise passée et les pièces comptées — il y en a pour plus de 12 000 $[TR 11] —, la veuve Douglas et le juge Thatcher font serment de gérer au mieux cette manne, l'une au profit de Huck, l'autre à celui de Tom. Bientôt, les portes de la société s'ouvrent devant ce dernier, inscrit à l'École militaire (National Military Academy)[TH 14], comme pour l'ancien paria que sa protectrice entraîne volens nolens, propre comme un sou neuf et bichonné par une horde de domestiques, dans les soirées mondaines où l'on dîne dans des assiettes de porcelaine et avec des couverts d'argent, avant, le soir, de se glisser dans des draps immaculés[TH 14],[TR 11].
 Trois semaines plus tard, Huck est en fuite et manque à l'appel depuis quarante-huit heures [TR 11]. Les recherches s'organisent et Tom le découvre par hasard blotti dans un tonneau (hogshead) jouxtant l'abattoir désaffecté[19]. Huck n'en peut plus de la richesse, « [traduction libre] Tom, tu peux me croire, c'est pas comme on penserait être riche, que des soucis, de la sueur, de quoi en crever, j'te dis ! [C 13] ». Tom comprend les affres de son ami, mais finit par le persuader de tenter un nouvel essai ; argument suprême : s'il est « présentable » (respectable)[TR 11], il rejoindra sa bande de malfrats huppés[MA 1]. L'initiation promise a lieu au chapitre II des Aventures de Huckleberry Finn[TG 11].
 « So endeth this chronicle. It being strictly a history of a boy, it must stop here; the story could not go much further without becoming the history of a man. When one writes a novel about grown people, he knows exactly where to stop--that is, with a marriage; but when he writes of juveniles, he must stop where he best can.[TH 16] » « [Traduction libre] Ainsi se termine cette chronique. C'est l'histoire d'un « garçon », sans plus. Elle doit prendre fin maintenant ; si elle se poursuivait, il ne lui en faudrait pas beaucoup plus pour devenir celle d'un « homme ». Quand un roman concerne des adultes, l'auteur en connaît exactement le dénouement, un mariage. Avec des jeunes, il convient qu'il sache y mettre un terme de la meilleure façon possible. » Mark Twain s'intéresse désormais à Huck : en 1884, Les Aventures de Huckleberry Finn, écrit à la première personne, prend la relève[MA 1].
 Héros du roman, Thomas Sawyer est un orphelin d'âge indéterminé, qui ne pense qu'à faire l'école buissonnière, à s'identifier aux personnages de ses romans préférés et à jouer des tours à ses camarades. Amoureux de Becky Thatcher, il n'a de cesse de l'impressionner, et lorsqu'il se retrouve perdu avec elle dans une grotte où ils sont bien près de mourir, il fait preuve de courage et s'évertue à la consoler alors même qu'il est terrorisé. Ces aspects du personnage ont donné de lui une image convenue d'enfant généreux, anticonformiste et libre[AK 14].
 Pour autant, Tom est aussi un garçon imbu de lui-même, à l'affût de la reconnaissance et de la gloire : il a le goût de la « magnificence théâtrale » (theatrical gorgeousness) (chapitre XV)[TH 17] et le besoin d'être admiré. Twain souligne sa « vicieuse vanité » (the vicious vanity that was in him) au chapitre XIX[TH 18]. À travers son histrionisme et ses malhonnêtetés, mensonges, vols, c'est le théâtre hypocrite de la petite ville américaine qui est également visé[AK 15].
 Le compagnon de cœur de Tom est Huckleberry Finn[N 16], appelé Huck, peut-être inspiré de Tom Blankenship et autres habitants de Hannibal[TG 12]. Paria au grand cœur[MA 6], il a pour père un ivrogne et, garçon vagabond, dort l'été à la belle étoile et l'hiver dans un tonneau (hogshead). Les enfants de Saint-Petersbourg ont interdiction de le fréquenter, ce qui rend sa compagnie d'autant plus attrayante[AK 13]. Il apparaît comme le pendant authentique de Tom Sawyer, véritablement « a-civilisé », naturel et indépendant. Avide comme son ami d'aventures et de chasses aux trésors, il refuse cependant de sacrifier sa vie de vagabond au confort et aux richesses[MA 1].
 Joe Harper réincarne l'ancien compagnon de jeu Will Bowen[MA 1] et Becky (Rebecca) Thatcher s'inspire de Anna Laura Hawkins, petite amie du jeune Mark Twain à Hannibal[TR 13]. Becky apparaît dès le chapitre III, mais c'est au chapitre VI que Tom lui déclare son amour, puis se fait punir à sa place de la plus féroce façon lorsqu'elle déchire accidentellement un livre[TM 2]. Selon Morris, elle est dépeinte selon la stricte représentation de la différence des sexes caractéristique de l'époque : timide, faible et dépendante, son rôle se borne à être courtisée, en l'occurrence par Tom[35]. Bien qu'elle demeure le personnage féminin le plus célèbre créé par Twain, son rôle se réduit à peu de choses dans le roman, l'innocence idéalisée d'une petite fille[TR 3], et l'auteur ne se souvient même plus de son nom quand il commence Les Aventures de Huckleberry Finn[TR 14]. Toutefois, elle y est brièvement mentionnée sous le nom de « Bessie » Thatcher et fait une apparition dans Schoolhouse Hill[36],[TR 14].
 Tante Polly, sœur de la mère décédée de Tom, veille sur ses neveux et porte des lunettes pour se donner l'air sévère alors que sa vue est excellente[TR 15]. Ses liens de parenté avec cousine Mary sont inconnus, et il ne semble pas qu'elle ait été mariée ou ait eu des enfants[AK 13]. Vieille femme au grand cœur, elle a les pires difficultés à punir Tom sans ressentir du remords, et en éprouve tout autant lorsqu'elle ne le punit pas[TR 16].
 Elle apparaît dans les autres histoires du cycle de Tom et Huck[TR 17]. Dans son Autobiographie, Twain indique que le personnage s'inspire de sa propre mère[MA 1],[TR 18] : « Elle a été celle dont j'avais besoin dans nombre de mes livres, où elle incarne la Tante Polly dans Tom Sawyer[C 14] ». Elle tient aussi de Mrs. Ruth Partingdon[N 17], personnage de Life and Sayings of Mrs. Partingdon (Vie et proverbes de Mrs. Partingdon) (1854) de Benjamin Penhallow Shillaber [TR 16]. Autre source possible, Tante Patsy, de son nom Martha Ann Quarles, épouse de John Quarles, oncle de Twain[TR 16].
 Sid Sawyer est le demi-frère de Tom, sans doute du même père puisque les deux garçons partagent leur nom. Enfant modèle, il a pour habitude de dénoncer Tom à tante Polly, facilement dupée par son neveu. Il tient beaucoup du frère de l'auteur, Henry Clemens, de deux ans son cadet[TE 8], mais Twain tempère cette filiation : « C'est Sid dans Tom Sawyer. Mais Sid n'a rien de Henry. Henry était un garçon bien plus gentil et plus fin que ne le fut jamais Sid[C 15]. »[TE 8]
 Mary (Sawyer ?) est la cousine de Tom, sans que son âge ni sa situation dans la famille ne soient précisés. Elle a une certaine influence sur son jeune cousin qu'elle tente de motiver, l'aide à faire ses devoirs et parfois obtient de lui qu'il lui obéisse, ne serait-ce qu'à contre-cœur. Elle est vraisemblablement la copie de Pamela Clemens, sœur de l'auteur[AK 13].
 Jim, le garçon noir qui travaille pour Tante Polly, incarne sans doute Sandy, l'esclave de la famille Clemens, connu pour passer sa vie à chanter. Quant à Joe Harper, ami de Tom, il ressemblerait à John B. Briggs, autre camarade d'école de Twain[34].
 Muff Potter est un personnage important pour la seule raison qu'il est accusé du meurtre du Dr Robinson. Joe l'Indien (Injun Joe) porte un nom méprisant, Injun, qui désigne les Indiens ; de plus, c'est un métis, symbole du paria dans la société américaine de l'époque, car fruit d'une transgression, « figure maudite et malheureuse qui ne peut appartenir à aucun groupe[TG 9] ». Il est le seul méchant du roman et représente l'unique danger réel du monde enfantin de Tom. À ce titre, il est l'adulte qui a le rôle le plus saillant dans l'histoire. Mark Twain fait preuve du racisme anti-indien — également présent dans À la dure —[34] qui attribue à cette ethnie les traits les plus vicieux et les plus cruels : de fait, Joe tue — cinq meurtres lui sont imputés —, se parjure, projette de mutiler le visage de la veuve Douglas. Il finit par mourir de faim dans la grotte McDougal[34].
 Joe l'Indien a réellement existé[TG 12]. Dénommé Joe Douglas, vivant à Hannibal où il décède en 1925, c'est un Osage scalpé par des Pawnees. Bon travailleur et respecté, l'Amérindien s'est perdu dans la grotte McDougal et Twain écrit dans son Autobiographie qu'il a survécu en mangeant des chauves-souris[39]. Toutefois, un autre Joe Douglas habitait lui aussi à Hannibal et jusqu'à sa mort à 102 ans, il n'a eu de cesse de proclamer qu'il n'avait rien à voir avec le meurtrier de Tom Sawyer[MA 1].
 Inspirée d'une certaine Melicent Holliday, la veuve Douglas, riche habitante de Saint-Petersbourg, est une belle femme pieuse d'une quarantaine d'années qui vit avec sa sœur célibataire Miss Watson, dans un manoir perché sur la colline (Cardiff Hill). Apparaissant au chapitre V, elle passe au premier plan de l'histoire au chapitre XXIX, alors que Joe l'Indien projette de la mutiler. Huck la sauve et, en récompense, la veuve le prend sous son toit et se propose de le « civiliser »[34].
 Le Dr Robinson ne joue aucun rôle dans l'histoire sinon d'être poignardé à mort. Jeune apothicaire respecté, avec la passion de la recherche, il loue les services d'Injun Joe et de Muff Potter pour exhumer le cadavre de Hoss Williams et pratiquer sur lui des expériences scientifiques[34].
 Le juge Thatcher est le plus haut dignitaire de Constantinople — en réalité Palmyra[TP 5] —, chef-lieu du comté où il réside, à vingt kilomètres de Saint-Peterbourg où il vient voir son frère, l'homme de loi de la ville[40]. Vraisemblablement inspiré du père de Twain, le juge de paix John M. Clemens[TR 19], il est décrit comme « auguste », « bien rembourré », « prodigieux » (august, portly, prodigious). Le juge n'apparaît que deux fois dans le roman, lors de la remise des prix et après que Tom réussit à s'échapper de la grotte avec sa fille Becky[TR 14]. Ses fonctions le conduisent à prendre en charge les intérêts de la communauté : c'est lui qui, par mesure de précaution, fait murer l'ouverture de la grotte, ou encore, avec l'aide de la veuve Douglas, contribue à gérer le trésor des enfants[TR 14],[34]. Jeff Thatcher est le cousin de Becky. C'est un ami de Tom qui ne joue qu'un rôle mineur dans l'action[TR 14].
 Mr. Sprague est le pasteur méthodiste de la paroisse. Mr Jones, dit le Gallois, et ses fils vivent près de la résidence de la veuve Douglas, et ce sont eux qui réagissent dès que Huck alerte le voisinage sur l'imminence des projets criminels d'Injun Joe[34]. Amy Laurence est le premier amour de Tom, vite oubliée dès l'arrivée de Becky. Ben Rogers est l'ami de Tom qui se fait berner en acceptant de blanchir la palissade de Tante Polly à sa place. Alfred Temple est un nouvel arrivant venu de Saint-Louis[TG 13] qui arbore de beaux vêtements. Lui aussi est sensible aux charmes de la petite Becky qui prétend parfois le courtiser pour éveiller la jalousie de son amoureux[TR 13],[34].
 Restent Mr. Walters, le directeur de l'école du dimanche, maigrelet et portant barbiche[TR 20], et Mr. Dobbins, le maître de l'école élémentaire. Le premier ne ressemble en rien à celui qu'évoque Twain dans son Autobiographie, décrit comme calme et de bon sens ; en revanche, le second s'inspire en partie de Mr. Dawson, maître de l'école fréquentée par Twain à Hannibal[TE 9]. Walters se ridiculise lorsque, pour s'attirer les bonnes grâces du juge, il décerne à Tom un prix qu'il ne mérite pas. Quant à Dobbins, il tue par l'alcool sa mélancolie de n'avoir eu les moyens de faire des études médicales, ce qui lui vaut les risées de ses élèves. C'est un maître prompt à user du fouet ou de la férule qu'il manie avec complaisance sur les garçons comme sur les filles. Lorsque Becky déchire accidentellement le vieux manuel d'anatomie rangé dans le tiroir de son bureau (chap. XX), c'est uniquement parce que Tom s'accuse du forfait et reçoit les verges à sa place qu'elle échappe au châtiment corporel[TR 21].
 Le 5 juillet 1875, Twain envoie le manuscrit à Howells avec une note de mise en garde : « Ce n'est pas un livre pour garçons. Il ne doit être lu que par des adultes. Il n'a été écrit que pour les adultes[C 16] ». Or, Howells, tout en exprimant un jugement très positif sur le roman[TP 6], ajoute : « Je pense que vous devriez en faire très explicitement une histoire pour la jeunesse[CCom 6] ». Twain, d'abord irrité, finit par admettre l'idée quand sa femme, Olivia (Livy), abonde dans le même sens[42],[TP 6].
 Le 5 novembre 1875, Twain remet ce manuscrit à l'American Publishing Company, une maison d'édition de Hartford, en la personne de sa présidente[43] Elisha Bliss[TR 3], qui l'adresse à True Williams[TR 11] pour les illustrations : pour des raisons non élucidées, la parution est différée, mais dans le même temps, Twain le confie en janvier à Moncure Conway pour Chatto & Windus de Londres qui le publie le 9 juin 1876 sans illustration ; des éditions pirates paraissent très vite au Canada (Belford Brothers) et en Allemagne (Bernard von Tauchnitz)[TR 22] ; finalement, l'American Publishing Company sort la sienne le 8 décembre 1876, la première à être illustrée[TR 22].
 Ces deux éditions diffèrent légèrement : après avoir achevé son manuscrit, Twain en a fait réaliser une copie que Howells a annotée et sur laquelle l'auteur a apporté des corrections. Les changements ont ensuite été reportés sur le manuscrit original, mais certains ont échappé à la vigilance des secrétaires[44]. L'édition anglaise est établie d'après cet exemplaire, que Rasmussen appelle « secretarial copy », tandis que l'édition américaine est fondée sur le manuscrit original[TR 23]. De plus, Twain révise personnellement les épreuves de l'édition américaine, ce qu'il ne fait pas pour l'édition anglaise. L'édition américaine fait donc autorité[44], mais selon les versions utilisées, les chapitres ont une numérotation différente[TR 23].
 Avant que ne paraisse Tom Sawyer, Mark Twain est un écrivain déjà célèbre : ses récits de voyages et ses conférences sont connus, et il est considéré comme l'un des meilleurs humoristes américains : James Russell Lowell qualifie La Célèbre Grenouille sauteuse du comté de Calaveras de « plus beau morceau d'humour écrit en Amérique »[45],[46].
 Au moment de la publication du roman, Twain est marié avec Olivia (Livy) depuis six ans, a deux filles, Susy et Clara, et s'est installé à Hartford, Connecticut, dans une vaste et couteuse demeure. Le train de vie qu'il y mène est pour lui une source de soucis financiers et il espère que Tom Sawyer sera un aussi grand succès de librairie que Le Voyage des innocents[45].
 D'après Lee Clark Mitchell, Les Aventures de Tom Sawyer « peut prétendre […] à être le plus populaire des romans américains » (« lays claim […] to being America's most popular novel »)[47].
 Pourtant, il n'a d'abord connu qu'un faible succès[48], bien moins que Le Voyage des innocents, à peine 20 000 exemplaires (35 000 en 1885[49]), ce que Twain considère comme un échec[50]. De plus, catalogué comme un livre pour la jeunesse, encore que Mark Twain précise dans la préface qu'il est aussi destiné aux adultes, il souffre de n'avoir pas été assez tôt pris au sérieux. Twain s'évertue à corriger cette impression en multipliant les mises en garde :  « Tom Sawyer n'est pas un livre pour les enfants, j'écris pour des adultes qui ont été des petits garçons[C 17] », ou encore « Ce n'est pas un livre pour garçons. Il ne doit être lu que par des adultes[C 18]. » En 1877, le New-York Evening Post vient à la rescousse en écrivant que l'idée qu'un tel roman puisse être destiné aux enfants ne saurait être qu'une plaisanterie de l'auteur[TG 14].
 William Howells (Atlantic Monthly, no 37, mai 1876) parle d'une « merveilleuse étude de l'esprit d'un garçon qui vit dans un monde totalement différent de celui dans lequel il est corporellement présent au côté des adultes », mais il évoque surtout la moralité du roman et des personnages : « Tom ne jure presque pas » (Tom hardly swears at all) et Huck, selon lui, est sur une bonne voie puisqu'au dénouement, il commence « à vivre décemment » (a decent Life)[51].
 L'Edinburgh Scotsman (23 juin 1876) évoque un délicieux roman pour les gamins, malgré sa forte « saveur américaine », que les parents pourront sans crainte mettre dans les mains de leurs enfants. Richard Littledale (Academy, 24 juin 1876) voit dans le livre, qu'il juge amusant, un intéressant témoignage sur le « genre d'animal qu'est l'écolier américain » (« The kind of animal that is the American schoolboy ») — ou du moins qu'il était quelques décennies plus tôt —, avec son imagination bizarre et ses superstitions[51].
 L'article du London Standard (7 juillet 1876) juge qu'il s'agit d'une œuvre capitale dans le domaine de la littérature pour garçons ; son compte rendu a ceci de remarquable qu'il met en valeur une identité propre de la littérature américaine, dont Tom Sawyer est une illustration exemplaire : la langue y est, au sens littéral, « extra-ordinaire », et, bien que fondée sur l'anglais, différente, développée aux États-Unis, avec une autre grammaire et un argot qui lui sont propres[51].
 Le Saturday Review (8 juillet 1876), dans un compte rendu lapidaire, regrette l'humour trop souvent extravagant et vulgaire qui serait habituel à l'auteur. Le San Francisco Chronicle (7 janvier 1877) parle de l'un des meilleurs livres du « génial Mark Twain » (the genius that is Mark Twain)[51].
 Le San Francisco Evening Bulletin (20 janvier 1877) enchérit sur ce jugement et estime que nulle part ailleurs les dons de Mark Twain n'ont été plus évidents, son imagination débridée plus libre et son humour plus authentique. Le personnage de Tom ne peut qu'avoir été profondément vécu et senti, et pour être peint avec autant de vivacité, il a dû jaillir de la conscience la plus intime de son créateur. À l'opposé de Howells, le périodique souligne également que Tom, débordant de perversité enfantine, ment, trompe, vole, et va ainsi de mal en pis[51].
 Le New-York Evening Post (1er février 1877) est plus critique, et affirme que, si la première moitié de l'œuvre est caractéristique du meilleur Twain, le reste perd tout charme du fait du caractère « grotesque » (ludicrous) du récit : la prétention de l'auteur à le considérer comme une œuvre pour la jeunesse est l'une de ses grosses plaisanteries, tant il est clair qu'un jeune garçon serait tenté d'en imiter le héros[51].
 En définitive, Tom Sawyer est devenu le plus grand succès de Twain, sans cesse réédité de son vivant. Depuis, il a connu des centaines d'éditions et été traduit dans des dizaines de langues[48]. Selon Hemingway, il est considéré comme une œuvre fondatrice[52], et d'après Faulkner, son auteur est « le père » (the father) de la littérature américaine[53].
 Mark Twain livre dans la préface le double projet des Aventures de Tom Sawyer, marquant au passage l'ambiguïté de statut du livre :
 « Although my book is intended mainly for the entertainment of boys and girls, I hope it will not be shunned by men and women on that account, for part of my plan has been to try to pleasantly remind adults of what they once were themselves, and of how they felt and thought and talked, and what queer enterprises they sometimes engaged in[DF 5]. » « Bien que mon livre ait surtout pour but de divertir garçons et filles, j’espère qu’il ne sera pas boudé pour cette raison par les hommes et les femmes, car je me suis également proposé de remémorer agréablement aux adultes ce qu’ils ont jadis été eux-mêmes, leurs sentiments, leurs pensées et leurs paroles, et dans quelles étranges entreprises ils s’engageaient parfois. » Le roman est ainsi censé être une œuvre pour la jeunesse, mais il s'agit en même temps d'un livre de souvenirs destiné aux adultes. La préface donne une brève analyse du contenu : composé de sentiments, de pensées, de paroles et d'entreprises propres à l'enfance, le jeune lecteur s'en amuse, y retrouvant peut-être quelques bribes de sa propre image, et l'adulte fait resurgir des sentiments, des pensées, des paroles déjà vécus, mais enfouis dans sa mémoire[TP 6].
 Cette dualité, présente tout au long du roman, en fait un ouvrage sur les enfants, mais où se retrouve le point de vue de l'adulte qui se remémore avoir été enfant ; le souvenir est sollicité pour que surgissent des sentiments naguère ressentis et aujourd'hui présentés avec un nimbe d'affectueuse empathie assez souvent tempérée d'une dose d'ironie. Twain procède de la même façon dans Les Aventures de Huckleberry Finn, mais dans ce dernier roman, le point de vue de l'enfant et de l'adulte se rejoignent et se mêlent du seul fait que le récit est conduit à la première personne[DF 6].
 Duick et Frison montrent que les brusques changements de tonalité de l'ouvrage — l'humour succédant à des scènes abominables, « les « mauvais » garçons devenant parfois des modèles » —, tout en divertissant les enfants, incitent les adultes à réfléchir sur l'état de la société et l'universalité de la morale[DF 1]. Certains épisodes et motifs, voire certains personnages sont étrangement ambivalents : « derrière chaque scène de souvenir d'enfance lumineux et ensoleillé qui éclaire le roman est tapi son contraire : un univers de cauchemar et de bêtise qui remet en cause les fondements mêmes du monde perdu de Saint-Petersbourg[DF 7]. »
 L'ambivalence de la tension touche l'ensemble de Tom Sawyer qui se veut une protestation contre la littérature de l'enfant modèle : en annonçant que Tom n'en est pas un, Twain se range dans un nouveau mouvement littéraire, celui du « mauvais garçon », justement, qui satirise la philosophie morale des histoires « béni-oui-oui ». La distinction entre bonne et mauvaise conduite s'estompe, et ce n'est qu'avec Huckleberry Finn que seront définies les implications complexes d'une prétendue « mauvaise conduite », souvent plus morale « du fait de sa capacité à bouleverser les prémisses moralement civilisées d'un Sud esclavagiste[DF 7]. »
 Les Aventures de Tom Sawyer participe de plusieurs genres : les traditions et conventions de la fiction romanesque[TR 24] ; l'autobiographie puisque l'histoire est en majeure partie fondée sur les souvenirs de l'auteur ; la quête identitaire de la part du jeune héros, ce qui l'apparente, à cela près que l'histoire s'arrête à la fin de l'enfance[TR 25], au Bildungsroman ; la veine picaresque avec des épisodes présentés de manière strictement chronologique[54] ; la satirico-comique aussi quand les mœurs d'une bourgade se voient montrées à la loupe[55].
 Tom se complaît à lire des romans d'aventures, Robin des Bois, des contes de pirates et de voleurs[TR 24]. Ses amis et lui se donnent des noms flamboyants, Tom « Le Vengeur noir de l'océan des Caraïbes » (chapitre VIII), Joe « Terreur des flots », Huck « Mains de sang »[N 18],[TR 26]. Tom se souvient de toutes ses lectures, tant intrigues que dialogues[TR 27] — alors qu'il n'a aucune idée des versets de la Bible —, et, à la fois animateur et réalisateur[TR 25], organise des jeux de scène avec Huck et Joe Harper[TR 27] : ses personnages sont des pirates qui volent et tuent, sauf les femmes, parce qu'ils sont « trop nobles » (too noble)[56]. Rasmussen écrit que l'imagination de Tom le rapproche de Don Quichotte, alors que Huck, plus réaliste, joue le rôle de Sancho Panza[TR 25].
 Ces saynètes préfigurent la vraie vie qui ne tarde pas à se manifester, si bien que s'opère un glissement de la fiction à la réalité. L'épisode du cimetière où un cadavre est dérobé et Injun poignarde le docteur[TR 28], son refus de tuer la veuve Douglas qu'il préfère défigurer, tout cela l'apparente aux « nobles » pirates, à cela près que ce n'est pas la générosité qui le guide, mais le désir d'une vengeance plus subtile et plus cruelle que la mort elle-même[TR 28].
 Les conventions de ce genre de fiction jouent un autre rôle : les actes criminels dont Tom et Huck sont témoins ne semblent pas les jeter dans un trouble particulier. Seule parle la terreur que Tom ressent face à Injun Joe, dans le cimetière, au procès, dans la maison hantée, dans la grotte. Si le crime en soi ne le préoccupe guère, sa conscience lui dicte de sauver l'innocent faussement accusé. Son témoignage de vérité reste à double tranchant : il lui confère la dignité de héros et lui vaut la haine meurtrière du Satan de la ville[TR 28]. Rasmussen pense qu'une telle constatation révèle les idées de l'époque sur la psychologie enfantine, mais implique aussi que les lectures et les jeux de Tom l'ont endurci et préparé à la rudesse, voire à la violence de la vie[TR 25].
 D'un strict point de vue autobiographique, Rasmussen, se fondant sur le témoignage de Laura Hawkins, petite-amie d'enfance de Mark Twain, confirme que le héros est pratiquement la copie conforme de l'enfant Samuel Clemens, en particulier dans les premiers chapitres[TR 25]. En effet, seuls les événements mineurs, les coquineries scolaires, les parades amoureuses devant la maison de Laura Hawkins, le sucrier cassé par Henry, etc. trouvent une réplique dans le roman. Les drames et autres tragédies, l'épisode du cimetière, l'exhumation comme le meurtre, l'errance dans la grotte, la découverte du trésor, sont pure invention[TR 11].
 Evans analyse le seul détail choisi par Twain pour décrire physiquement Tom : ses cheveux bouclés. Ces boucles sont empruntées à l'auteur qui écrit dans son autobiographie (volume II) qu'elles « ont rempli sa vie d'amertume [C 19] ». Or, ajoute le critique, que Tom ait ou non les cheveux bouclés n'a aucune incidence sur l'action — il eût pu aussi bien avoir les cheveux raides, selon la mode de l'époque[TE 11] —, mais Tom est en partie le jeune Samuel, et Twain lui lègue ce petit trait alors considéré comme « efféminé », furtif coup de pinceau non anodin puisqu'il écorne de façon intime l'image de l'aventurier fanfaron et impavide que Tom revendique[TE 11].
 Twain a une confiance aveugle en sa mémoire ; dans son autobiographie, il relate une conversation avec John Hay, secrétaire d'État, au cours de laquelle il affirme que tout auteur se servant de son propre passé ne peut dire que la vérité, malgré lui le plus souvent, car chaque fait et chaque chose imaginée fusionnent pour révéler « la vérité de son être intime, son âme, son caractère[C 20] ».
 Tom Sawyer n'est pas écrit à la première personne. Hutchinson explique que l'aspect autobiographique y reste délimité par les souvenirs de Hannibal[TH 19], bourg destiné à se métamorphoser sous divers noms dans plusieurs œuvres, Les Aventures de Huckleberry Finn, Un Yankee du Connecticut à la cour du roi Arthur (1889), La Tragédie de Pudd’nhead Wilson et la comédie des deux jumeaux extraordinaires (1894), L'Homme qui corrompit Hadleyburg (1899) et même Eseldorf situé dans l'Autriche de 1590 avec Le Mystérieux Étranger (1897-1906) resté inachevé[TH 20].
 Quand Twain commence le roman en 1873, le Hannibal de son enfance (1839-1853) a complètement disparu. La guerre de Sécession et l'industrialisation ont transformé aussi bien physiquement que sociologiquement le Mississippi et ses abords[TG 15]. Ainsi, la reviviscence autobiographique redonne vie à un passé qui n'est plus — ce que Twain appelle « l'Ouest de son enfance »[TG 16] —, dont le souvenir tend à embellir les lieux, ici colline, fleuve, carrière, anciens abattoirs, etc. Le coteau apparaît comme le pays de cocagne, un lieu de rêve et de repos[TH 21] ; à Saint-Petersbourg brille un été permanent et, selon Peck, c'est là qu'apparaît la véritable unité du roman, à la fois de lieu, de temps et d'humeur[TP 7].
 Dans son autobiographie, Twain passe la revue des personnages qui l'ont inspiré : une mosaïque d'ivrognes pour Muff Potter, un heureux mélange pour Tom, l'auteur enfant et quelques autres garnements[TG 17]. Nulle description, cependant. Becky, avec ses nattes blondes et ses yeux bleus, n'est qu'un stéréotype parfait, même si, selon Twain, elle s'inspire de Mary Miller, voisine d'en face des Clemens[TE 1]. Quant à Huck, ses vêtements sont dépeints, mais nulle trace de son visage, si bien qu'il demeure une figure idéalisée et exemplaire : « sale, ignorant, sous-alimenté, mais au cœur d'or et totalement libre[C 21] », un symbole d'indépendance heureuse[TG 18].
 Comme précisé dans la préface, le regard vers le passé demeure indulgent[TG 19], celui d'un auteur adulte appartenant à un monde moins hétérogène que celui de Huckleberry Finn[TH 20] et dont la voix s'affirme de bout en bout (settled)[TH 20]. Le « lecteur imaginaire[TH 22] » est censé s'identifier au protagoniste, mais ce dernier étant condamné à ne pas grandir, cette connivence se voit spoliée : le héros est privé des privilèges de l'héroïsme, la richesse, un mariage avec le meilleur parti de la ville, le statut de notable local[TH 23]. Selon Gerber, le choix même du nom « Saint-Petersbourg » n'est pas innocent : « le lieu de saint-Pierre » (St. Peter's place), autrement dit le paradis[57].
 Tom a eu le temps de se forger une identité et comme le récit présente le point de vue d'un garçon dont le narrateur reste complice, la route de l'enfance traverse nécessairement le monde des adultes et s'en rapproche de plus en plus[TH 20].
 La représentation sociale que fait Twain de Saint-Petersbourg est perçue de manière très variée par les lecteurs de Tom Sawyer[TR 29] : Bernard DeVoto est sensible à la description nostalgique d'une communauté rurale et une idylle du temps passé[58] ; Hutchinson considère que le caractère parodique des descriptions révèle plutôt une vie sociale terne et somnolente, dont la torpeur s'affiche d'autant plus que les aventures de Tom sont mouvementées[TH 20] ; Robinson est même d'avis que la vie sociale n'y est fondée que sur la mauvaise foi et ne s'y nourrit que d'inepties[55].
 À l'exception de Huck qui, pour n'avoir connu ni famille, ni école, ni église, échappe à la plupart des travers sociaux[TG 20], les habitants, issus du Midwest conservateur, religieux et puritain — évoqués dans plusieurs autres œuvres — témoignent de traits de caractère qui ne sont donc pas toujours flatteurs. En 2008, le traducteur Bernard Hœpffner parle d'une bande de « connards qui votent pour Bush[59] » : certains sont portés sur l'alcool, comme l'instituteur ; la superstition règne en maître— comme Mark Twain le précise dans la préface[TH 1] — : un chien qui hurle annonce la mort, un cadavre qui saigne montre son meurtrier[N 19], le chat mort soigne les verrues, mais uniquement dans un cimetière à minuit, ou encore « Eau de pluie, eau de bois mort, / Grâce à toi ma verrue sort[C 22] », etc. De tels préjugés, considérés comme vérités immuables, influencent les décisions d'une population encore peu éduquée et donnent lieu à de longues discussions, du moins entre Tom et Huck[60].
 L'ironie de Twain s'exerce sur la volatilité de l'opinion publique, prête à lyncher Muff Potter, puis changeant soudain de direction — comme si elle ne l'avait jamais accusé —, lorsqu'il est innocenté ; ou encore sur l'Église, véritable théâtre de vanité, ou même sur l'enseignement de la morale, dont la rhétorique « sublime » et « cauchemardesque » — c'est le narrateur qui commente — accable les jeunes filles lors de leur récitation de fin d'année (chapitre XXI) : « Mais ce qui faisait la particularité unique de ces travaux, […] c’était l’inévitable, l’intolérable sermon qui terminait chacun d’eux à la façon d’un appendice monstrueux. Peu importait le sujet. On était tenu de se livrer à une gymnastique intellectuelle inouïe pour le faire entrer coûte que coûte dans le petit couplet d’usage où tout esprit moral et religieux pouvait trouver matière à édification personnelle. L’hypocrisie flagrante de ces sermons n’a jamais suffi à faire bannir cet usage des écoles […] Aujourd’hui encore, il n’y en a pas une seule dans tout notre pays, où l’on n’oblige les jeunes filles à terminer ainsi leurs compositions. Et vous découvrirez que le sermon de la jeune fille la plus frivole et la moins pieuse de l’école est toujours le plus long et le plus impitoyablement dévot[C 23] ».
 En revanche, ni l'obéissance au conformisme, ni les pulsions personnelles n'apparaissent comme vraiment monstrueuses[TG 22] et, lorsque l'ensemble des villageois se mobilise pour retrouver Tom et Becky, Twain dépeint un village accablé et souffrant solidairement, puis au retour des « disparus », qui se répand en effusions de joie et de larmes plus éloquentes que les mots : « les gens […] ne pouvaient même plus parler et erraient en versant des torrents de larmes[C 24] »[TG 22].
 D'après Peck, Saint-Petersbourg ne représente pas seulement Hannibal, mais l'ensemble de la vie rurale des États-Unis[TP 8], et à ce titre, Les Aventures de Tom Sawyer annonce des œuvres du XXe siècle, telles que Winesburg-en-Ohio de Sherwood Anderson (1919) et Rue principale (Main Street) de Sinclair Lewis (1920), romans qui, comme celui de Twain, révèlent une profonde affection envers le monde perdu qu'ils racontent[TP 8].
 Twain n'indique jamais ce qu'il doit à ses lectures[TG 23]. Pourtant, les références au roman d'aventures, au récit régionaliste et à la veine picaresque ne manquent pas dans Tom Sawyer. Les influences de Dickens (le Bildungsroman)[N 20],[TP 4], Don Quichotte, Poe avec Le Scarabée d'or (The Gold Bug), et plus obscures pour le lecteur d'aujourd'hui, celles des auteurs régionalistes comiques Augustus Baldwin Longstreet (1790-1870), surtout connu pour Georgia Scenes, et George Washington Harris (1814-1869), créateur du personnage Sut Lovingood[61], se font assurément sentir[62],[TG 23]. Don Quichotte, en particulier, que Twain lit vers la fin des années 1860 et qui le fascine par sa satire[TR 12], prête au moins deux des attributs de son héros à Tom : lecture vorace d'histoires romanesques et confusion entre imagination et réalité[TR 12].
 Les thèmes contenus dans Les Aventures de Tom Sawyer concernent des enfants et, au-delà, la société tout entière, et aussi l'humaine condition[TM 1].
 Messent relève l'importance des barrières et des fenêtres dans le roman[TM 1]. True Williams, illustrateur de Mark Twain, est connu pour le peu d'attention qu'il porte au texte : dans la première édition, il représente la palissade que Tom doit repeindre avec des barres latérales espacées[TM 1], de la hauteur de l'enfant, alors qu'il s'agit de tout autre chose[TR 30] : censée avoir quelque 27 mètres de long sur 3 mètres de haut (chapitre XXVI)[TG 6], son gigantisme est symbolique des barrières séparant le domaine privé de l'espace public, et la maturation de Tom représente un parcours dans lequel nombre de frontières doivent être franchies[TM 1].
 D'un côté, les valeurs du foyer qu'incarne Tante Polly ; de l'autre, l'autorité des institutions d'une bourgade de campagne « trente ou quarante années plus tôt »[TM 3] : ici, Tom se rebelle et affirme un besoin de liberté sur quoi rebondissent les punitions[TM 4] ; là, son imagination folâtre subvertit l'éthique[TM 5] exigeant labeur et respect des usages, au point que ses funérailles se voient spoliées de leur solennité par sa miraculeuse résurrection[TM 6]. C'est surtout hors des frontières du bourg qu'il atteint au génie, en marge de la civilisation, dans les forêts pour revivre l'aventure de Robin des Bois, sur l'île Jackson afin de réincarner les pirates de la Caraïbe, enfin dans la grotte McDougal au péril de sa vie et de celle de sa petite fiancée[TM 5].
 Cette liberté que sa bande s'octroie tient de l'utopie d'un monde sans entraves sociales[TG 3]. Twain évoque « le délice ressenti à se réveiller frais et reposé dans le profond silence et le calme des bois[C 25] » ; et pour décrire le plaisir à se baigner dans la rivière, le vocabulaire choisi évoque les cabrioles et les ébats de jeunes animaux, « caracoler », « gambader », etc., alors que volent alentour les vêtements, ces derniers vestiges de la civilisation[TH 28],[TM 6].
 Peck voit dans ce tableau une vision de la jeunesse en symbiose avec la nature rappelant à la fois Rousseau (L'Émile) et Wordsworth (Le Prélude)[TP 9]. Alors que Twain, écrit-il, tend plutôt à se méfier de la sensibilité en la rendant aussitôt burlesque, ici il laisse aller la fête lustrale jusqu'à son terme, sans commentaire ni restriction d'aucune sorte[TP 9].
 Il coïncide avec l'entrée en scène de Joe l'Indien, homme de la nuit[TM 6], d'abord dans un cimetière désaffecté. Twain accuse le caractère gothique de la scène, l'air immobile, le hululement de la chouette, des ombres se mouvant dans les ténèbres : pour la première fois une menace plane et désormais l'atmosphère quasi pastorale cède au cauchemar[TM 6]. Tom est témoin d'une scène barbare : un cadavre exhumé, un meurtre, un innocent accusé. La prise de conscience s'effectue en deux étapes : d'abord, craignant pour sa sécurité, il garde le silence et tente d'apaiser ses doutes en offrant quelques babioles au prisonnier dans sa geôle. Le déclic se produit au tribunal lors du procès : dans ce lieu symbolique de l'autorité, Tom surmonte ses frayeurs et donne publiquement sa version des faits. Un seuil est franchi, l'innocence cède à l'expérience, et le sens des responsabilités l'emporte sur les lâchetés de l'âge enfantin[TM 6].
 Selon C. G. Wolff, d'un certain point de vue, Tom et Joe l'Indien sont des doubles opposés[63]. Tom « joue » la violence et n'a de cesse de faire trembler les gens, mais Joe, lui, la met réellement en œuvre, tue, et sa revanche envers la veuve Douglas promet d'être d'une sauvagerie inouïe. De plus, comme Tom, il franchit les limites symboliques de Saint-Petersbourg : son corps agile et nerveux lui permet de sauter par les fenêtres, de se glisser par les petites anfractuosités de la roche comme les jeunes enfants ; en somme, il porte à l'extrême les tendances anti-sociales et rebelles qui, chez Tom, restent à l'état d'ébauches[63].
 Ce jumelage se poursuit dans l'épisode de la grotte McDougal, que Messent qualifie de « mouvement final du roman sur le plan vertical[CCom 7] », alors que côte à côte, mais sans le savoir, les deux s'enfoncent « de labyrinthe en labyrinthe[CCom 8] ». L'aventure prend une dimension mythique car, dans ce monde des ténèbres, un triangle relationnel et pathétique se construit entre le jeune héros perdu face au méchant familier des lieux et la figure virginale et vulnérable du personnage de Becky[TM 7]. En une scène hybride, tenant à la fois du roman gothique et du Bildungsroman[64], Tom se révèle à la hauteur de la situation : il ne souffle mot de sa rencontre à Becky pour ne pas l'effrayer davantage et, crânement, réussit à la sortir indemne de l'enfer[TM 8].
 Si Tom envie la manière de vivre de Huck, respecte sa farouche lutte pour la liberté, Huck admire la culture livresque de Tom ; quand Tom explique comment s'habillent les pirates, Huck ne conteste en rien son savoir[65]. Quelle que soit leur indéfectible amitié, cependant, Huck voit en Tom un conformiste déjà en phase avec la société qu'il prétend rejeter[65].
 Un exemple typique est donné lors de l'épisode de la fugue sur l'île Jackson : le premier jour est le plus beau de la vie des trois lurons ; le soir, cependant, même s'ils récitent leur prière, Tom et Joe Harper, qui ont reçu la même éducation, ressentent une certaine culpabilité pour avoir volé la nourriture nécessaire à l'excursion[65]. À l'opposé, Huck n'éprouve aucune crise de conscience, ni pour avoir dérobé les aliments à l'étalage, ni pour avoir « emprunté » certains outils : après tout, c'est la société qui l'a rejeté et, en réalité, sa journée est à marquer d'une pierre blanche tant son dîner surpasse en qualité ce qu'il trouve d'habitude dans le village[65].
 En somme, les deux garçons ont le même sens du bien et du mal, mais chez Huck, il s'agit d'une reconnaissance innée faisant bon ménage avec sa débrouillardise, tandis que chez Tom, c'est le fruit des enseignements qu'il a reçus, tant en famille qu'à l'école et lors des activités paroissiales du dimanche[65]. S'y ajoutent aussi les bonnes dispositions de son tempérament : menteur invétéré, ses tromperies restent pour la plupart inoffensives ou générées par les meilleures intentions ; elles s'apparentent à ce que Tante Polly appelle des « mensonges bénis » (chapitre IX) et que le juge Thatcher, lorsque Tom se fait punir à la place de Becky, qualifie (chapitre xxxv) de « nobles, généreux, magnanimes »[TP 10].
 Leur vie est scellée par le fait que ce sont tous les deux des orphelins, mais tandis que Tom vit dans une maison agréable et dort chaque nuit dans un bon lit, Huck est seul, sans foyer, avec un père qui passe pour être le soulard du bourg et qui le rosse chaque fois qu'il est pris de boisson[65]. Lui dort où il peut. Tom mange trois fois par jour et Huck dépend de ce qu'il trouve dans les détritus. Tom porte l'uniforme de son école, mais Huck se contente de guenilles que retient une bretelle effrangée et va toujours nu-pieds[65].
 Huck ne sait pas ce qu'est l'école, encore moins celle du dimanche. À la différence de son ami, il n'est jamais invité chez quiconque. Il passe son temps à errer, disparaît parfois pendant quelques jours sans que personne n'y prête jamais attention. Il est incapable de se plier aux règles de bonne conduite : se retenir de cracher lui est impossible, de fumer et de chiquer non plus ; les vêtements propres le gênent, les emplois du temps le contraignent au-delà de l'indicible, et se tenir à table lui semble aussi inutile que grotesque[65].
 Tom se laisse emporter par des rêves insensés, tous inspirés des romans d'aventure dont il est friand[TR 25]. Il a l'art d'ajouter aux faits de tous les jours de petites touches qui donnent à la réalité une air de fantaisie[66]. Huck, quant à lui, n'a jamais lu un livre de sa vie et, en toute occasion, oppose son pragmatisme aux débordements imaginatifs de son ami. Huck, en fait, n'a aucune ambition, surtout pas le désir de se « civiliser », c'est-à-dire d'adopter les habitudes de la cité[65]. Tom, lui, connaît les astreintes de la vie en commun et c'est pourquoi il se fait un malin plaisir de les transgresser. Huck ne sacrifie rien ; Tom s'intègre à la fin de son parcours enfantin[TP 11] et éprouve la joie d'avoir conquis une place de choix dans cette société qu'il a tant et si malicieusement bernée[65].
 Ainsi, le roman entre dans sa dernière phase : Tom a réussi son rite de passage, la population l'acclame en héros et bientôt, le trésor va couronner son accession à la maturité et, plus prosaïquement, sa totale intégration[TM 8]. Messent note que, symboliquement, Joe l'Indien meurt devant une ouverture fermée :  cette dernière barrière n'a pu être franchie et l'élément nuisible de la communauté perd la vie par là même où il l'a souvent sauvée[TM 8].
 Dès 1877, le San Francisco Evening Bulletin évoque en Tom un personnage « débordant de perversité enfantine »[67][CCom 9], sans que cette qualification ne soit à proprement parler péjorative[67] : Tom Sawyer est « un conformiste, un beau-parleur qui joue à l'homme libre[TG 24]. » Et, pour Messent, si Tom perturbe le quotidien des adultes, sa rébellion n'est possible que sur le fond des conventions et des valeurs sociales d'un village dans lequel il est finalement intégré et rencontre le succès[TM 1].
 Cette insertion de Tom dans sa communauté situe la limite du portrait qu'en trace Twain comme symbole de liberté, limite qui peut être vue comme une forme d'inauthenticité. Tom Sawyer serait un roman de formation où le personnage joue dans l'espace permis par les adultes[TG 3], puis cesse progressivement de jouer pour adhérer aux valeurs du monde des grandes personnes[68] qui passent des pleurs aux rires avec une facilité déconcertante, leur volatilité d'humeur étant voulue par Twain qui veille sur l'innocence du héros jusqu'au terme de l'enfance[TG 3]. Trop socialisé désormais, ne franchissant plus les fenêtres de la liberté, Tom a perdu le droit d'accéder à l'âge d'homme ; il est devenu un « rebelle intégré[CCom 10] » et Twain l'abandonne pour Huckleberry Finn qui, lui, ne s'intègre jamais[TM 8] : « J'ai décidé de ne pas conduire le garçon au-delà de l'enfance, écrit-il. Je crois que cela lui serait fatal à moins que ce ne fût autobiographiquement — comme Gil Bas — […] Si l'histoire se poursuivait et si je l'amenais à la maturité, ce serait le condamner au mensonge comme tous ces héros de littérature à quatre-sous, ce qui susciterait le mépris souverain du lecteur. Ce n'est pas un livre pour enfants, d'aucune façon. Il ne sera lu que par des adultes. Il n'a été écrit que pour des adultes[C 26]. »[70],[71] Ainsi, Tom, de par la volonté de son créateur, est condamné à se figer à l'extrême limite de l'enfance, à la rigueur aux premiers stades de l'adolescence[TP 12].
 Dans la mesure où Tom est conçu comme un personnage essentiellement comique, il doit rester sympathique et ses actes ne peuvent qu'apparaître sans gravité ou sans conséquences[TG 3]. Pour autant, tout au long du roman, la liberté se définit par la transgression des règles régissant la société. La bonne conduite, telle que les adultes la définissent, implique une perte de cette liberté : cela signifie blanchir la palissade le samedi matin, s'ennuyer en classe le reste du temps et le dimanche, s'habiller selon des règles convenues, se morfondre à la récitation biblique, puis à l'église, subir le prêchi-prêcha du révérend. Huck, qui est dispensé de telles obligations parce qu'il n'y a personne pour les lui imposer, devient le réceptacle de l'admiration des autres enfants car il représente un symbole de pure liberté[TG 18].
 Peck situe Tom à mi-chemin entre la liberté et l'emprisonnement : sous la férule de sa tante, il est tenu d'aller à l'école et à celle du dimanche, de se tenir à l'église en bon chrétien, de ne pas casser les pots[TP 13]. Dès qu'il le peut pourtant, il s'échappe pour vivre sa vie qu'il définit par d'autres règles, aussi absolues que les autres, le code d'honneur des pirates et des voleurs reposant sur des superstitions auxquelles la plus stricte adhésion est requise. Ces transgressions ont un prix, par exemple lorsque Tom bouleverse sa tante en repartant sur l'île Jacob sans lui laisser un signe de vie. Son sens des responsabilités a ses limites : même après la découverte du trésor, alors que la sauvagerie enfantine l'a quittée, il forme toujours l'espoir de devenir le chef d'un gang crapuleux, mais « présentable[C 27] ».
 Ses tricheries finissent toujours par passer au second plan grâce à l'appui du narrateur qui renverse les situations ou intervient par sa satire. Son omniscience rend l'exercice aisé[72] : que Tom obtienne des faveurs de façon peu respectable, et Twain met aussitôt l'accent sur le rire, sort son héros du désagrément par une boutade et tire le rideau[TG 3] ; ainsi, les tours de passe-passe abondent, Twain s'arrangeant pour métamorphoser une colère légitime en satisfaction ou soulagement[TG 26]. Selon Grimal, Tom est un héros qui ne fait que « jouer à la liberté », tandis que Huck, « enfant libertaire[TG 25] », devient le vrai défenseur des valeurs du livre, énonçant dans l'ultime chapitre les lois fondamentales de son existence[TG 25].
 La mort est omniprésente dans le roman, réelle, mise en scène ou en tant que menace. Tom est un orphelin et la disparition de ses parents n'est pas expliquée ; il assiste, avec Huck, au meurtre du Dr Robinson. Les habitants de Saint-Petersbourg le considèrent comme noyé lorsqu'il part jouer aux pirates sur l'île Jackson avec Huck et Joe. Il fait de ses funérailles le théâtre de son retour surprise. Il lutte avec sa conscience pour savoir s'il sauvera Muff Potter de la pendaison. Avec Huck, il craint d'être tué par Joe l'Indien. Tom et Becky frôlent la mort lorsqu'ils se perdent dans la grotte où Joe trépasse peu après. D'après Cynthia Griffin Wolf, « l'identification finale[CCom 11] » concerne Tom et Injun Joe, le personnage le plus mystérieux du roman, dont le lecteur ignore le passé, quelle est la nature de son antagonisme avec le Dr Robinson, pourquoi le mari de la veuve Douglas l'a fait fouetter[TH 30], etc.
 Les nombreuses allusions bibliques, rituelles ou littéraires, confortent cette présence morbide : allusion au meurtre d'Abel par Caïn (Genèse, 4, 10), au cheval pâle de l'Apocalypse (Apocalypse, 6, 7) que ne compense pas la doxologie, l'hymne de louanges chanté à la fin de l'office. Du poème de Lord Byron[N 21],[74], La Destruction de Sennachérib (The Destruction of Sennacherib) (1815), se détache le premier vers, de rythme anapestique, suggérant une attaque fulgurante [u u – / u u – / u u –  / u u –][75] : L'Assyrien s'élança comme le loup sur le troupeau (The Assyrian came down like a wolf on the fold)[76], sans compter que la cloche fêlée de l'église vient du SS City of Chester, vapeur ayant coulé lors d'une collision[77],[TG 28].
 D'après Grimal, dans la mesure où le livre se présente surtout « comme un roman d'aventures et d'expériences enfantines[TG 25] », il n'a pas besoin d'une morale subtile : le héros y joue un rôle moins sérieux que celui des  Aventures de Huckleberry Finn, où ce n'est pas le monde adulte qui est critiqué « mais le fonctionnement social et idéologique des États bordant le Mississippi[TG 25] ».
 Pourtant, si la morale est présentée de plusieurs manières, c'est en général négativement. L'enchantement que procure Tom Sawyer se construit sur une série d'horreurs[TG 12]. À travers le personnage de Huck et l'adhésion de Tom à une association pour l'interdiction du tabac et de l'alcool (« Cadets de la Tempérance ») [TG 10], c'est le désir de l'interdit qui est souligné, ce qui montre qu'aux yeux de Twain, la morale est la source principale d'immoralité. Plus tard, dans un essai comme Qu'est-ce que l'homme ?[C 28],[N 22], Twain développe cette même idée en considérant que la liberté morale attribuée à l'homme le rend capable du mal. À l'école du dimanche, c'est l'hypocrisie et la vanité du directeur que Twain ridiculise à travers l'épisode des bons points échangés ; l'hypocrisie est tout autant mise en évidence lorsque Twain évoque les devoirs auxquels sont astreintes les jeunes filles et les contraintes moralisatrices auxquelles elles sont tenues de se conformer[TH 25],[TP 14].
 Bien que Twain se défende de tout romantisme[TG 3], le fait est que les conduites ou sentiments moraux qui ne font pas l'objet de son ironie ou de sa critique sont ceux qui, de manière spontanée, sont issus du sentiment ou du naturel des personnages : tante Polly est une vieille femme d'un naturel généreux, ce qui la retient de châtier Tom comme elle le souhaiterait[TG 26] ; Tom évite à Becky une punition humiliante par un acte de noblesse spontanée dont il est le premier à s'étonner ; son sens de la justice sauve Muff Potter de la potence[TH 20] et la bonté des habitants de Saint-Petersbourg, pourtant si critiqués par Twain, s'exprime par leur désespoir lors de la disparition des enfants et la ferveur de leur joie à leur retour[TG 29].
 Le monde de Saint-Petersbourg n'est pas toujours à l'image des paysages idylliques qu'il recèle. Si Twain se montre dans l'ensemble indulgent avec lui, sa satire ne s'en exerce pas moins sur les adultes — plus rarement les enfants —, surtout lorsqu'ils sont des représentants institutionnels ; et dans l'ensemble, elle dénonce les nombreux préjugés qui faussent le jugement collectif[MA 7].
 Trois personnages, le protagoniste Tom, Muff Potter et Injun Joe, vivent à des degrés divers en marge de la société. Huck, orphelin de mère et fils de l'ivrogne du village (Pap Finn), n'a aucune figure parentale pour lui signifier la différence entre le bien et le mal, mais si au début du roman il est considéré comme un paria, ce n'est pas parce qu'il a une conduite répréhensible, c'est en raison de sa dégaine et de la réputation de son père. Tom et lui, cependant, bénéficient de la volatilité sociale, prompte au pardon[TG 26], si bien que les deux petits gaillards se voient en un tour de main propulsés au statut de héros, puis susciter l'angoisse, le soulagement et enfin l'admiration[MA 7].
 Joe l'Indien ne bénéficie pas de la moindre aptitude au pardon : son statut de métis — moitié natif Américain, moitié caucasien —[TR 28] le rejette en marge d'une société qu'il ne cherche nullement à courtiser : il incarne le mal pour des méfaits criminels avérés, et seul, un groupe de « nunuches » (sappy women)[TH 31] lance une pétition auprès du gouverneur pour obtenir sa grâce. Ici, Twain passe au crible de sa satire certains groupes sociaux qui, pour des raisons de sensiblerie, ne savent trier entre qui mérite l'indulgence et qui le châtiment. La mort de Joe met un terme à ces velléités, le destin se chargeant de faire justice[79].
 Le roman dans son ensemble est parfois qualifié de raciste parce que, comme dans Huckleberry Finn, les Noirs y sont traités de « nègres » (negroes/niggers). D'après Rasmussen, le terme est en usage à l'époque de l'enfance de Twain, et il l'utilise naturellement, en particulier dans les dialogues[TR 31]. D'ailleurs, une version purgée du mot soulève les sarcasmes de plusieurs critiques[80].
 Twain évoque cette question dans son autobiographie (volume I) à propos de son bourg natal : la couleur de peau, explique-t-il, traçait une fine ligne de démarcation entre la « camaraderie » et la « camaraderie », « dont chacun était conscient, mais qui rendait la fusion complète impossible[CCom 12] ». L'esclavage demeurait domestique et la population avait le « commerce des esclaves[CCom 13] » en horreur[81], au point de le qualifier d'« enfer sur terre[CCom 14] ».
 Le roman est parcouru par une tension entre la discipline et l'indulgence, la condamnation et le pardon, par exemple dans les relations qu'entretiennent Tom et Tante Polly. Chez elle, le conflit est permanent entre la tête et le cœur, le devoir et l'amour[TG 30] : « chaque fois que je lui pardonne, dit-elle, ma conscience saigne, et chaque fois que je le frappe, mon vieux cœur se brise en mille morceaux »[C 29] ».
 D'ailleurs, Tom sait très bien comment en jouer ; lors de l'incident où il se fait punir en présence de Sid pour le sucrier cassé, il imagine (he pictured) un scénario d'un pathétique consommé[TE 15] :
 « He knew that in her heart his aunt was on her knees to him […]. He pictured himself lying sick unto death and his aunt bending over him beseeching one little forgiving word, but he would turn his face to the wall, and die with that word unsaid. […] And he pictured himself brought home from the river, dead, with his curls all wet, and his sore heart at rest. How she would throw herself upon him, and how her tears would fall like rain, and her lips pray God to give her back her boy and she would never, never abuse him any more! But he would lie, cold and white and make no sign[22]. » « Il savait qu’au fond d’elle-même, sa tante regrettait son geste […] Il se représentait sur son lit de mort. Sa tante, penchée sur lui, implorait un mot de pardon, mais lui, inflexible, se tournait vers le mur et rendait l’âme sans prononcer une parole. […] Puis il imaginait un homme ramenant son cadavre à la maison. On l’avait repêché dans la rivière. Ses boucles étaient collées à son front et ses pauvres mains immobiles pour toujours. Son cœur si meurtri avait cessé de battre. Tante Polly se jetterait sur lui. Ses larmes ruisselleraient comme des gouttes de pluie. Elle demanderait au Seigneur de lui rendre son petit garçon et promettrait de ne plus jamais le punir à tort. Mais il resterait là, raide et froid devant elle… » Le thème du pardon s'applique aussi à la société tout entière : Tom franchit le pas par son action rédemptrice et passe du monde de la condamnation au statut de héros[TG 31]. Huck en bénéficie lui aussi après avoir sauvé la veuve Douglas, ce qui le sort de l'ostracisme du paria. Muff Potter lui-même, en dépit de ses erreurs passées, se voit réhabilité dans la mesure où il fait sincèrement montre de meilleures intentions, ce qui donne à Twain l'occasion de se débarrasser de lui[TR 32]. Pour ce faire, il se moque du brusque revirement de l'opinion à son égard, une « déraison volage » (« fickle reasoning »), selon lui, encore qu'aussitôt il atténue son propos et ajoute : « mais ce genre de conduite est plutôt à mettre au crédit de la société ; par conséquent, il n'est pas vraiment bien d'y trouver à redire[C 30] ».
 Toutes les grandes institutions sont représentées en microcosme, et toutes se voient moquées par le narrateur-auteur, qu'il s'agisse de la morale publique, du pouvoir judiciaire, de l'éducation, de la religion, de la médecine ou de l'économie[TP 15]. Twain part du principe que chacune d'elles et les personnalités qui les représentent devraient être en complet accord avec leur comportement public[TG 32].
 Ainsi, une taverne se proclamant « de la Tempérance », c'est-à-dire censée ne pas servir d'alcool[TG 32], ne saurait avoir un tonneau de whisky dans son sous-sol ; de même, une école du dimanche, qui a pour stricte mission d'inculquer la connaissance des Saintes Écritures à ses élèves, ne devrait pas les inciter à se pavaner — et le maître avec eux — devant la plus haute instance judiciaire du comté, le juge Thatcher, qui lui-même, fait le beau dans ce que Twain considère comme un sanctuaire de dignité[MA 8].
 Certes, les scènes qui se déroulent à l'église sont autant d'intermèdes comiques (comic relief)[MA 9], mais l'institution ecclésiastique est vue comme une machine de pouvoir, et sa succursale, l'école du dimanche en l'occurrence, un appareil à détruire plutôt qu'à structurer l'enfant : les prêches interminables suscitent l'ennui, d'autant que leur puissance évocatrice se limite au whangdoodle[MA 8], soit une forme de discours-gadget stéréotypé[82].
 Les maîtres d'école, dont le devoir est de veiller à l'instruction des enfants, ne devraient pas avoir le droit, comme le fait Mr. Dobbins, de fouetter un élève pour l'exemple avant une inspection ni de s'enivrer juste avant pour se donner du courage. La mission de l'établissement de soins médicaux serait de veiller à la santé des habitants, alors qu'elle est dévoyée par la promotion d'une drogue antalgique, la « Doloricide », censée, comme son nom l'indique, être un « tue-douleur », et prescrite systématiquement comme la panacée, alors qu'en réalité elle tue le patient, mais à petit-feu. Même Tom l'expérimente sur le chat de sa tante, Peter, qui fait des bonds jusqu'au plafond[TE 16].
 Tout cela s'accomplit aux dépens de l'honnêteté ; en définitive, ce qui prévaut dans les secteurs institutionnels, c'est de se montrer, de s'enrichir et de grimper au plus vite au faîte de l'échelle sociale plutôt que d'assurer ses fonctions avec le devoir de sa charge et une stricte moralité[MA 10].
 Rares sont ceux qui cumulent vertu et richesse, le juge Thatcher, peut-être, et la veuve Douglas faisant exception[TE 17] ; et lorsque Tom et Huck se trouvent couverts d'or, d'un coup la population se presse pour boire leurs vantardises comme paroles d'Évangile, alors que nul — à moins que leurs escapades ne fassent craindre pour leur vie — ne leur prête attention du temps de leur pauvreté[83].
 Ainsi, Twain, d'ailleurs souvent aidés par ses personnages-enfants, perfore la baudruche des illusions que chacun entretient sur son importance, tous ou presque participant de l'hypocrisie ambiante, qu'ils pouffent comme des gamines au beau milieu de la remise du prix ou que, tel Mr. Dobbins, affichent leur indignité sans perruque[N 23] et pris de boisson[84].
 L'approche narrative dans Tom Sawyer n'est pas aussi travaillée que dans Les Aventures de Huckleberry Finn. Le narrateur reste extradiégétique, puisqu'il n'appartient pas à l'histoire racontée mais intervient dans son récit[85]. Omniscient et clairvoyant, selon la terminologie de Gérard Genette, il est le maître des personnages, entre dans leur conscience et aucun secret ne lui échappe. C'est la focalisation zéro[86].
Dans l'ensemble, son rapport avec le héros reste simple : la nostalgie, qui regarde avec amusement les joies et les désespoirs de l'enfance, domine. Il arrive cependant que, par un jeu ironique, l'auteur lui-même se montre tout en se cachant, comme par procuration. Ainsi, dans la phrase : « Si Tom avait été un philosophe aussi grand et aussi profond que l’auteur de ce livre, il aurait compris une fois pour toutes que travailler c’est faire tout ce qui s'impose à nous, et s’amuser exactement l’inverse », l'intention ludique paraît évidente (voir : La palissade passée à la chaux)[87].
 Quoi qu'il en soit, Howells parle de « réussite » (a success) dans un compte rendu pour The Atlantic Monthly[TG 19] ; Twain, lui, considère son œuvre comme une épopée de l'enfance, un « hymne en prose » (« hymn in prose form[88] »).
 Certains critiques jugent que le roman manque de cohérence structurelle. Ils notent que le récit se borne à une énumération d'événements strictement chronologique rappelant le roman picaresque[DF 7] ; d'autre part, les voix entendues se suivent et, tout en gardant chacune son ton et son style définissant la personnalité du personnage dont elle émane — ainsi, Tante Polly est « typique de la population des Américains moyens de Saint-Petersbourg et de leur manière de s'exprimer[DF 7] » —, finissent par s'empiler les unes sur les autres[89].
 De ces différentes voix vernaculaires, l'une s'élève plus conventionnelle, se plaisant à des apartés éditoriaux, des passages satiriques témoignant d'un jugement social supérieur : celle du narrateur qui, même dans ses intrusions en discours indirect libre, prête au jeune héros un style dont il serait incapable (comme dans la méditation en haut de la colline avant la fugue vers l'île Jackson). Ainsi alternent style élevé et style populaire, « au point que Twain semble hésiter quant au choix stylistique qu'il veut faire[DF 6]. » Quoi qu'il en soit, la langue de Tom, son bagout, sa façon d'entortiller les mots, ses dons de fabuliste dominent et resserrent le récit et, dans le même temps, confèrent au protagoniste une identité : si le lecteur ne sait quasi rien de son visage[TE 18], si même ses traits varient selon le choix des différents illustrateurs, en revanche, sa rhétorique subjugue ses camarades et, quand il le faut, lui permet de tenir tête aux adultes ; Tom joue de la langue comme d'un instrument de musique, en virtuose[TP 14] jetant un charme sur la communauté et le lecteur, tel, écrit Peck, le chant d'Ariel dans La Tempête de Shakespeare[TP 16]. Cet envoûtement tient beaucoup à l'art du jeu : le bagout sert de passe-partout, sort des situations difficiles, gagne l'admiration des camarades, subjugue Tante Polly : c'est du wordplay comme disent les Anglais, non pas « jeu de mots », mais langage ludique, une façon de se jouer tout en jouant[TP 17].
 Les enfants, Tom surtout, se présentent en agissant et, par le biais du discours indirect libre, en fonction des sentiments qui les font agir, l'amitié, la peur, l'amour, l'amour-propre et la culpabilité. Tom est un garçon d'un âge indéterminé[TP 12], comme en témoigne l'épisode de la dent de lait au chapitre VI, sans doute anachronique[TP 14]. À cet égard, Twain ne se soucie pas de réalisme : tantôt son héros a sept ans, tantôt douze ou quatorze[TG 4] ; ses émois envers Becky Thatcher ne sont plus des enfantillages innocents, mais ceux d'un garçon atteignant l'âge de la puberté[TG 4].
 La chronologie du récit, qui ne couvre qu'une courte période, est marquée par les jours de la semaine, vendredi, samedi, dimanche, lundi, etc. à la suite. Il faut attendre les vacances d'été pour que la durée se condense en quelques épisodes plus espacés. Les repères sont typiques d'une bourgade de campagne, l'alternance du jour et de la nuit, les cloches de l'église appelant les fidèles, sonnant le malheur et la joie, autant de jalons qui s'estompent le temps que les jeunes héros vaguent dans la nature, sur la colline ou l'île, à plus forte raison quand Tom et Becky se perdent dans la grotte[TG 32].
 Twain utilise des formes d'humour dont il s'est déjà abondamment servi dans ses œuvres précédentes, par exemple le canular (practical joke), consistant à placer indûment une personne dans une situation de victime, par exemple lorsque Tom se fait passer pour mort et est pleuré par toute la communauté villageoise. Un tel humour ne va pas sans cruauté, comme l'illustre Twain avec le retour incognito du jeune garçon : se torturant l'esprit pour décider ou non de prévenir sa tante éplorée qu'il est sain et sauf, se gargarisant même d'une litanie de bonne conscience pour lui épargner du chagrin, il y renonce gaillardement au profit de l'effet de surprise que ne manquera pas de créer sa plaisanterie morbide ; d'où son retour du royaume des morts au beau milieu de ses propres obsèques et la joie collective que le manipulateur et metteur en scène de la fanfaronnade partage goulûment, mais à rebours, avec les paroissiens[TG 26]. Ainsi, Tom se moque de son village sans grave conséquence pour lui ; au contraire, il se voit aussitôt pardonné. D'après Grimal, l'affrontement avec le groupe reste sans danger et l'amour de sa tante est inaltérable. Malgré ses vilains tours, il réussit, conformément à son vœu souvent exprimé, à devenir le personnage le plus en vue de la communauté[TG 26].
 Une autre technique consiste à attribuer des traits humains à un animal, comme l'illustre au chapitre XII, la scène de Tom donnant de la « Dolomicide » à Peter le chat :
 « “Don’t ask for it unless you want it, Peter.”
 But Peter signified that he did want it.
“You better make sure.”
Peter was sure.
“Now you’ve asked for it, and I’ll give it to you, because there ain’t anything mean about me; but if you find you don’t like it, you mustn’t blame anybody but your own self.”
 
Peter was agreeable[TH 35]. » « [Traduction libre] « N’en demande pas, si t'en veux pas, Peter », fit Tom.
 Peter fit comprendre qu’il en voulait.
« T'es bien sûr ? »
Peter en était sûr.
« Bon, déclara Tom. Je vais t’en donner puisque t'y tiens, j'suis pas mesquin, moi. Mais, si tu l’aimes pas, t'auras qu'à t'en prendre à toi-même. »
 
Peter avait l'air ravi. » Le comique de la scène relève uniquement de la maestria dont Twain dote son jeune héros, habile à mettre en scène les personnages dont l'un n'en peut mais, à créer un semblant de dialogue où questions et réponses relèvent du ventriloquisme ; un rôle primordial est ainsi conféré au narrateur qui joue le jeu, n'ayant d'yeux que pour le chat dont chaque mimique est traduite avec un anthropomorphisme sans retenue[TM 9].
 Ici, l'humour se nourrit de plusieurs effets complémentaires : d'abord la nature publique et extrême de l'erreur monumentale de Tom ; ensuite l'impression d'un abîme séparant le monde de l'enfance et celui des adultes, confrontation du jeu et de la recherche permanente du plaisir avec la prière et le dur labeur[TM 10]. Cette stature ironique se voit d'autant accusée qu'en fin de compte Twain laisse à entendre que les deux mondes ne sont pas tellement différents, ne serait-ce que parce que tous, élèves comme dignitaires, cèdent à la vanité de se mettre en vedette[TM 10] (infra : Aspect comique).
 Mark Twain aime les mots dont il fait des listes depuis son enfance, en anglais comme dans beaucoup d'autres langues. Tout au long de ses voyages, il prête une attention enthousiaste aux parlers locaux ; a fortiori, celui de sa ville natale lui est naturellement familier[MA 11]. De plus, en tant qu'ancien compositeur-typographe chargé d'aligner les caractères pour former les lignes de texte, il prend en aversion les vocables longs et compliqués, exige la précision, chacun à propos et à sa place, jurons y compris[MA 11] ; les adjectifs, « duvet poudre-aux-yeux » (fluff), sont des parasites à éliminer[MA 11].
 Les mots coulent chez lui, se bousculant l'un l'autre, tant l'aisance de l'écriture les invite[MA 11]. Aussi, le style de Twain dans Tom Sawyer peut paraître cru, voire négligé. Pourtant, si le parler des gens de Saint-Petersbourg est dialectal et argotique, voire tarabiscoté, la diction reste calculée de façon que le lecteur garde l'impression d'un récit fluide. Twain use du contraste, exagération et sérieux, drôlerie cynique et finesse, lorsque son regard se porte sur la nature humaine, mais le fait marquant reste l'entrée de la langue vernaculaire qui, comme le souligne Hemingway, marque un tournant dans l'histoire de la fiction américaine[52],[DF 8].
 L'original de Tom Sawyer est plus rude que la version qui en a été publiée[90].
 À la demande de Howells et d'Olivia, son épouse, Twain édulcore son texte. Par exemple, « tripes » (bowells), que tord le « Tue-Douleur », devient « entrailles » (entrails) et « sacrées » (bloody), qualifiant les « peignées » (wollops) que donne et reçoit le jeune héros, s'atténue en « rudes » (rough)[90], sans qu'« aucune de ses coupures ou altérations ne défigure le roman[TG 14]. ». D'autre part, certaines grossièretés, en particulier dans la bagarre du chapitre III, le discours de Walter au chapitre IV et le passage où Becky regarde un corps nu dans le livre d'anatomie au chapitre XX, ont été tamisées[TG 1]. Toutefois, la théorie d'une quelconque censure de la part de Howells et d'Olivia est fortement démentie par Rasmussen pour qui l'examen des manuscrits ne révèle que des changements stylistiques mineurs, si bien « qu'il n'existe aucune raison de penser que le texte publié n'est pas celui que Twain a avalisé »[CCom 15].
 Twain a l'art du dialogue : plutôt qu'en donner une description, il va droit au but et offre au lecteur un échantillon pris sur le vif. Ainsi, après que Tom a failli tomber entre les mains d'Injun Joe la veille, il va en discuter avec Huck :
 « - Hello, Huck!
 - Hello, yourself.
 [Silence, for a minute.]
 - Tom, if we'd 'a' left the blame tools at the dead tree, we'd 'a' got the money. Oh, ain't it awful!
 
- Tain't a dream, then, 'tain't a dream! Somehow I most wish it was. Dog'd if I don't, Huck[TH 36]. » « - Salut Huck !
 - Salut toi ! 
 (Silence, une minute)
 - Tom, si on avait laissé nos fichus outils à l'arbre mort, on aurait l'magot. C'est pas la guigne, ça ! 
 
- On l'a pas rêvé, tout ça, on l'a pas rêvé ! Des fois, je m' demande si ça aurait pas été mieux. Ma parole, Huck ! » Le rythme de l'échange est rendu par un ensemble de procédés tels que l'usage systématique des contractions propres à la langue parlée[91] (we'd, ain't, tain't), et de l'argot usuel chez les jeunes garçons (blame, dog'd) ; en particulier, les contractions ain't et tain't (prononcées [eɪnt] et [teɪnt]), la première positive, la seconde négative, d'abord nées en Angleterre d'une mode prévalant dans les années 1770[92], se généralisent aux États-Unis et restent très vivaces dans le parler provincial. De plus, l'emploi systématique que fait Huck de a (prononcé [ə] comme dans [ə]-l[ɛ]ft) avant chaque verbe, dénote un registre de langue différent de celui de Tom : paradoxalement, en anglais britannique, cet usage est devenu à la fois précieux et poétique, mais ici, il appartient à la langue populaire brute[93].
 D'un strict point de vue stylistique, deux moments se dégagent du dialogue, d'abord les brèves salutations, puis les commentaires qui occupent chacun une ligne. Dans les deux cas existe un parallèle quasi poétique, avec des répétitions de mêmes mots, un découpage de chaque phrase en trois hémistiches, des bribes de rythme iambique chez Huck, puis trochaïque chez Tom, enfin les noms propres (Huck et Tom) encadrant l'ensemble. L'effet le plus frappant est aussi le plus simple : entrecoupant la séquence, se situe un silence ; outre la succincte mention de la durée, le mot s'impose par sa brièveté et du fait qu'il est détaché sur une seule ligne ; de plus, des parenthèses (ou crochets, selon les différentes éditions) l'isolent, si bien qu'ici, la ponctuation a le pouvoir de démarquer, de faire sentir et de prolonger l'absence, autrement indicible[91].
 La métaphore centrale est celle de l'homme-insecte, avec la connotation que l'un et l'autre ont beaucoup en commun[94].
 Nombre d'insectes deviennent autant d'antidotes à l'ennui que génèrent l'école et l'église. Une simple mouche suffit à occuper le regard et l'esprit ; l'attention que Tom porte à la toilette de cette mouche[94] reflète en écho inversé la vacuité de la prière à ses yeux. À l'église, les pitreries du lucane[94] ont raison de la dévotion et rien ne vaut en classe les montées et descentes d'une tique de part et d'autre de l'Équateur[94] tracé sur une ardoise[N 24], pour oublier la maussaderie d'une leçon. Cet épisode, entièrement emprunté aux souvenirs d'enfance de Twain[TE 19], se trouve mentionné dans Manuscrit d'un garçon, une première version de Tom Sawyer et, avec d'autres souvenirs, une lettre à Will Bowen du 25 janvier 1870[TR 33].
 Les parades d'amour des uns valent les mises en valeur des autres, tel le bibliothécaire qui, les bras chargés de livres, court çà et là avec l'air gourmé d'un arthropode ou d'un hexapode[TH 37]. Dans le même passage, l'autorité est qualifiée d'« insecte », employé adjectivalement (insect authority)[TH 37]. En une autre occasion, alors que Tom se languit lorsque Muff risque l'échafaud — en raison de son silence scellé dans le sang avec Huck[TH 38] —, s'ensuit un violent orage qu'il interprète comme une manifestation de la colère divine à son endroit : autant, pense-t-il, mettre une batterie d'artillerie pour neutraliser une punaise des bois (greenshield bug ou simplement bug)[TH 39],[95].
 D'après Messent, l'épisode de l'inspection est l'un des plus réussis de toute l'œuvre de Twain[TM 11]. Vêtu de ses habits du dimanche pour se rendre à l'école du même nom qu'il déteste, gêné par la raideur amidonnée de son costume trop court acheté deux ans plus tôt — « la gêne […] qu'un costume et la propreté apportent avec eux » (the restraint […] that whole clothes and cleanliness brings with them —[TH 40], Tom, à son habitude, triche et impatient « de gloire et de panache » (glory and éclat), achète sa gloriole par le troc. Ce faisant, il mine et court-circuite la procédure institutionnelle et aussi, ajoute Messent, sape le socle de valeurs sur lesquelles elle repose[TM 11]. Le juge Thatcher prononce les bonnes paroles qu'exige la tradition, félicite le lauréat et, en couronnement de la cérémonie, pose une ultime question : c'est la célèbre séquence sur David et Goliath[TM 11].
 Le comique de Twain surgit de telles tirades satiriques : ainsi, le détail du texte montre que lors de cette solennelle occasion, c'est à qui de se faire valoir, du bas au faîte de la chaîne sociale ; s'érige alors phrase par phrase un empilement de vanité que souligne la répétition quasi épiphorique de showing off (« se paradait », « se mettait en valeur », « s'érigeait en vedette », etc.), que le changement de typographie fait d'autant plus ressortir (Voir Les « apôtres » David et Goliath) :
 « Mr. Walters fell to showing off, with all sorts of official bustlings and activities, giving orders, delivering judgments, discharging directions here, there, everywhere that he could find a target. The librarian showed off -- running hither and thither with his arms full of books and making a deal of the splutter and fuss that insect authority delights in. The young lady teachers showed off -- bending sweetly over pupils that were lately being boxed, lifting pretty warning fingers at bad little boys and patting good ones lovingly. The young gentlemen teachers showed off with small scoldings and other little displays of authority and fine attention to discipline -- and most of the teachers, of both sexes, found business up at the library, by the pulpit; and it was business that frequently had to be done over again two or three times (with much seeming vexation). The little girls showed off in various ways, and the little boys showed off with such diligence that the air was thick with paper wads and the murmur of scufflings. And above it all the great man sat and beamed a majestic judicial smile upon all the house, and warmed himself in the sun of his own grandeur -- for he was showing off, too. [TH 41]. » « Mr. Walters, succombant à son tour à l'envie de se faire remarquer, allait et venait, donnait des ordres et des contrordres, s'occupait de tout et de rien. Le bibliothécaire, lui aussi, courait çà et là, les bras chargés de livres, faisant rendre le maximum du peu d'autorité qu'il avait. Les jeunes institutrices faisaient ce qu'elles pouvaient pour attirer l'attention, complimentant aujourd'hui l'élève qu'elles avaient rudoyé la veille, faisaient des effets de doigts en parlant à l'un, en avertissant l'autre ; les jeunes professeurs gourmandaient celui-ci, faisaient des recommandations à celui-là ; les uns et les autres avaient comme par hasard affaire à la bibliothèque près de l'estrade, ce qui les amenait à s'y rendre deux ou trois fois avec de grandes démonstrations d'activité. Les petites filles s'agitaient et les garçons se mettaient en vedette en s'envoyant les uns aux autres des boulettes de papier. Le grand homme, assis, regardait les uns et les autres avec une sérénité souriante et se complaisait au spectacle de sa propre grandeur car il se faisait valoir lui aussi[TG 33]. » Twain ne se moque pas de l'institution religieuse dans ce passage, comme il l'a fait dans d'autres. Sa verve comique s'exerce sur l'espèce humaine en général. Chacun exhibe la même futilité de comportement, le solennel juge Thatcher ne le cédant en rien à la vanité ambiante. Rang et statut se voient soudain annihilés, tant chacun et chacune, quelle que soit son insignifiance ou son importance, se retrouve au même niveau d'enfantillage et tous finissent par se ressembler[TG 20].
 Mark Twain donne plusieurs suites à Tom Sawyer qui apportent un éclairage rétrospectif au premier roman de la série et qui ont, surtout pour ce qui concerne Huck Finn, influencé la perception des lecteurs sur le statut et le propos de l'œuvre. Mis à part Huckleberry Finn, les œuvres du cycle de Tom[TR 34] et Huck[TR 35] sont considérées comme des échecs littéraires.
 Les Aventures de Huckleberry Finn commencent immédiatement après Les Aventures de Tom Sawyer et avec les mêmes personnages. Les deux romans ont souvent été comparés, la plupart de façon désobligeante pour le premier[96]. Autant ce dernier se voit — à tort, d'après l'auteur — confiné dans la catégorie de la littérature enfantine, autant le deuxième est jugé littérairement supérieur : l'un garde un style classique, mais sans la profondeur morale de l'autre ; par ailleurs, Tom Sawyer se déroule de manière erratique avec une succession de scènes rappelant les Esquisses anciennes et nouvelles, alors que Huck Finn est doté d'une brillante narration solidement structurée. Ainsi, Tom Sawyer, en dépit de ses mérites, est parfois considéré comme une préparation au grand chef-d'œuvre de Mark Twain, un roman secondaire en quelque sorte, dont le plus grand mérite est d'avoir donné le jour à l'un des plus célèbres héros de l'Amérique profonde[97].
 D'autre part, les deux romans contrastent par leur ton : tandis que Huckleberry Finn est sombre et violent, Tom Sawyer serait une « idylle comique de l'enfance » (a comic idyll of childhood)[96], un assemblage de souvenirs idéalisés, une œuvre fondamentalement légère et fantaisiste. Selon Cynthia Griffin Wolff, une telle comparaison fait fi de la complexité morale de l'œuvre et tend à la reléguer de façon simpliste dans la catégorie réservée à l'enfance américaine[96].
 De plus, Huckleberry Finn accentue les côtés déplaisants du personnage de Tom, et les premiers chapitres apparaissent comme une manière de le congédier, parce que son histoire ne présente plus aucun intérêt aux yeux de l'auteur[TG 34]. Rétrospectivement, Les Aventures de Tom Sawyer épuisent les possibilités du personnage, tout en restant un récit d'aventures toujours ouvert et inépuisable. Pour certains commentateurs, cette différence se signale par le titre dévolu à chacun des ouvrages : Les Aventures de Tom Sawyer (The Adventures of Tom Sawyer), mais […] Aventures de Huckleberry Finn (Adventures of Huckleberry Finn), sans l'article défini qui clôt — « définitivement » — lesdites aventures dans un cas, mais n'en ferme pas l'issue dans l'autre[98].
 Tom Sawyer en voyage, court roman publié en 1894, souligne d'emblée deux traits de caractère de Tom constituant le point de départ du récit et déjà présents dans Les Aventures de Tom Sawyer : son désir de se faire un nom et la croyance aveugle en l'autorité indiscutable des romans d'aventures, ce qui le rend méprisant à l'égard de Huck et de Jim, deux ignorants à ses yeux. Le roman regorge de péripéties rocambolesques et l'intrigue — si l'on peut dire — est prétexte à toute une dialectique burlesque entre un gamin hâbleur et imaginatif, un galopin naïf et un negmarron farci de superstitions assaisonnées de préceptes presbytériens mal digérés[99],[100].
 Tom et Huck sont appelés en Arkansas au secours de leur oncle, le pasteur Silas, persécuté par son voisin Brace Dunlap et son frère Jubiter. Lors de leur descente du Mississippi en bateau à aube, ils croisent un étrange passager, qui n’est autre que le jumeau de Jubiter, lui-même poursuivi par deux complices auxquels il a dérobé une paire de diamants. Une double enquête commence pour les inséparables héros : retrouver les diamants et élucider le meurtre de Jubiter, commis la nuit même de leur arrivée chez l’oncle Silas. Le temps presse car le malheureux pasteur s’en est accusé et doit bientôt comparaître devant le tribunal du pays[101].
 Huckleberry Finn et Tom Sawyer chez les Indiens est soudainement abandonné et laissé inachevé par Twain, peut-être en raison de la tournure particulièrement sombre et brutale prise par l'histoire. Elle confirme la vision que l'auteur se fait des Indiens, illustrée par le personnage de Joe l'Indien dans Les Aventures de Tom Sawyer : dans ce texte, en effet, les Indiens enlèvent et violent des femmes[102], ce qui fait écho au traitement qu'Injun Joe se propose d'infliger à la veuve Douglas au chapitre XXX[TH 30].
 Tom Sawyer est devenu un personnage populaire et familier. Témoin de ce succès, le roman est adapté pour le cinéma du vivant même de l'auteur et il existe de très nombreux autres films, éléments télévisés, bandes dessinées[103], jeux vidéo et comédies musicales telle celle à l’affiche début 2018 au Théâtre Mogador[104]. Pour autant, une telle popularité ne va pas sans une appropriation du personnage par le public qui tend à négliger les aspects les plus rudes du texte ainsi que ses charges critiques[105].
  : document utilisé comme source pour la rédaction de cet article.
 Les éditions de Tom Sawyer sont innombrables ; les premières et certaines autres reposent sur les manuscrits : à cet égard, le site du Mark Twain Project présente une nouvelle édition, imprimée en 2010 et mise en ligne en 2017[106], le manuscrit original, composé de 876 feuilles manuscrites, étant conservé à l'Université de Georgetown, Washington, D.C[TR 23].
 La traduction de Twain est un sujet d'étude à part entière[107], et avec Les Aventures de Huckleberry Finn, Les Aventures de Tom Sawyer posent au moins deux problèmes aux traducteurs : d'une part, c'est un livre d'habitude rangé dans la catégorie littérature de jeunesse ; d'autre part, Twain fait entrer dans la littérature le parler des populations du sud des États-Unis[107].
 Il en résulte que les premières traductions, tenues de respecter un certain niveau littéraire et certaines idées sur la littérature destinée aux enfants, réécrivent, adaptent, suppriment ou ajoutent. Se remarque ainsi la quasi-suppression du chapitre XXII dans lequel l'instituteur, ivre en public, se fait humilier par des élèves. À dire vrai, jusque dans les années 1960, il n'existe pas de réelle traduction en français de Tom Sawyer[107].
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D. Howells; 9; juin; 1876; centenaire de la naissance des États-Unis; Autobiographie; machine à écrire; tapuscrit; La Vie sur le Mississippi; Remington; ; autobiographiques; À la dure; ordre composite; enfants; parodiant; littérature de jeunesse; satiriques; 1867; satiriques; 1870; 1875; True Williams; allégoriques; ironisent; autorité; narrateur; ; Tom Sawyer; Huckleberry Finn; Mississippi; Tom; 14; juin; 1844; ; protagoniste; ; école buissonnière; guimbarde; ; lait de chaux; bille; albâtre; argot; ; soldat de plomb; ironie; dramatiques; ; ; lait de chaux; ; ; école du dimanche; versets; Bible; école du dimanche; canif; Bible; ; apôtres; ; révérend; lucane cerf-volant; nef; caniche; homélie; ; Huckleberry Finn; ; verrues; vrillette; ; cuivre; ; thérapeutique; ; pirate; sort; forêt de Sherwood; Président des États-Unis; ; ermite; ; sycamore; Illinois; oraison funèbre; ; Huck; True Williams; phrénologue; mesmériseur; fête du 4 juillet; rougeole; Saintes Écritures; Bible; quarantaine; ogre; 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cause; nécessité; libre arbitre; coccinelle; ISSN; University of California Press; ISBN; 978-0-5200-3353-5; Que faire ?; University of Virginia Library; Université Cornell; University of Virginia Library; University of Virginia Library; projet Gutenberg; projet Gutenberg; University of South Florida; University of South Florida; University of Illinois Press; JSTOR; University of California Press; projet Gutenberg; Columbia University Press; ISBN; 978-0-2311-1541-4; Bernard Hœpffner; Nouvel Observateur du Monde; projet Gutenberg; George Gordon Byron; Richard Westall; The Washington Post Company; projet Gutenberg; New York Times Company; ISSN; projet Gutenberg; Armand Colin; ISBN; 978-2-2002-6967-8; Gérard Genette; Éditions du Seuil; EAN; 9782020020398; projet Gutenberg; Que faire ?; YouTube; Association nationale des instituts thérapeutiques, éducatifs, pédagogiques et de leurs réseaux (France); ISBN; 978-2-3537-1892-4; DOI; University of California Press; Gabriel de Lautrec; Nelson ; Éditeurs; Gabriel de Lautrec; Nelson ; Éditeurs; v; Œuvres; Mark Twain; Romans; Le Prince et le Pauvre; Les Aventures de Huckleberry Finn; Un Yankee à la cour du roi Arthur; La Tragédie de Pudd’nhead Wilson et la comédie des deux jumeaux extraordinaires; Nouvelles; L’Infortuné Fiancé d’Aurélia; La Célèbre Grenouille sauteuse; Perce, mon ami, perce !; Extraits du journal d’Adam; Trois mille ans chez les microbes; La Visite au ciel du capitaine Tempête; La Prière de la guerre; Esquisses anciennes et nouvelles; Le Voyage des innocents; À la dure; La Vie sur le Mississippi; L'Autobiographie de Mark Twain; Qu'est-ce que l'homme ?; Comment raconter une histoire; ; Portail de la littérature américaine; ; Portail de la littérature d’enfance et de jeunesse; ; Portail des années 1870; article de qualité; page de discussion; vote l'ayant promu; Catégories; Les Aventures de Tom Sawyer; Roman américain paru en 1876; Roman se déroulant au XIXe siècle; Trésor dans la littérature; Premier roman; Roman de Mark Twain; 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//upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/b/ba/Adventures_of_Tom_Sawyer-pg133.png/180px-Adventures_of_Tom_Sawyer-pg133.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/f/ff/Tom_Sawyer_-_12-112.jpg/220px-Tom_Sawyer_-_12-112.jpg; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/b/bc/Icon_flat_design_plume.svg/20px-Icon_flat_design_plume.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/b/bc/Icon_flat_design_plume.svg/20px-Icon_flat_design_plume.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/b/bc/Icon_flat_design_plume.svg/20px-Icon_flat_design_plume.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/b/bc/Icon_flat_design_plume.svg/20px-Icon_flat_design_plume.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/b/bc/Icon_flat_design_plume.svg/20px-Icon_flat_design_plume.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/b/bc/Icon_flat_design_plume.svg/20px-Icon_flat_design_plume.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/b/bc/Icon_flat_design_plume.svg/20px-Icon_flat_design_plume.svg.png; 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//upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/0/0a/Quill_and_ink-US.svg/20px-Quill_and_ink-US.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/c/c5/Peter_Pan_by_nk.svg/13px-Peter_Pan_by_nk.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/6/6e/Jacques_Guiaud_et_Jules_Didier_-_D%C3%A9part_de_Gambetta_en_ballon_place_Saint-Pierre.jpg/39px-Jacques_Guiaud_et_Jules_Didier_-_D%C3%A9part_de_Gambetta_en_ballon_place_Saint-Pierre.jpg; https://login.wikimedia.org/wiki/Special:CentralAutoLogin/start?type=1x1; /static/images/footer/wikimedia-button.svg; /w/resources/assets/poweredby_mediawiki.svg,https://en.wikipedia.org/wiki/The_Adventures_of_Tom_Sawyer,The Adventures of Tom Sawyer,https://en.wikipedia.org/wiki/The_Adventures_of_Tom_Sawyer,"The Adventures of Tom Sawyer (also simply known as Tom Sawyer) is a picaresque novel by Mark Twain published on 9 June 1876 about a boy, Tom Sawyer, growing up along the Mississippi River. It is set in the 1840s in the town of St. Petersburg, which is based on Hannibal, Missouri, where Twain lived as a boy.[2] In the novel, Sawyer has several adventures, often with his friend Huckleberry Finn. Originally a commercial failure, the book ended up being the best-selling of Twain's works during his lifetime.[3][4]
Though overshadowed by its 1885 sequel, Adventures of Huckleberry Finn, the book is considered by many to be a masterpiece of American literature.[5] It is alleged by Mark Twain to be one of the first novels to be written on a typewriter.[6]
 Orphan Tom Sawyer lives with his Aunt Polly and his half-brother Sid in the town of St. Petersburg, Missouri, sometime in the 1840s. He frequently skips school to play or go swimming. When Polly catches him sneaking home late on a Friday evening and discovers that he has been in a fight, she makes him whitewash her fence the next day as punishment.
 Tom persuades several neighborhood children to trade him small trinkets and treasures for the ""privilege"" of doing his work, using reverse psychology to convince them of its enjoyable nature. Later, Tom trades the trinkets with students in his Sunday school class for tickets given out for memorizing verses of Scripture. He collects enough tickets to earn a prized Bible from the teacher, despite being one of the worst students in the class and knowing almost nothing of Scripture, eliciting envy from the students and a mixture of pride and shock from the adults.
 Tom falls in love with Becky Thatcher, a girl who is new in town. Tom wins the admiration of her father, the prominent Judge Thatcher, in the church by obtaining the Bible as a prize, but reveals his ignorance when he cannot answer basic questions about Scripture. Tom pursues Becky, eventually persuading her to get ""engaged"" by kissing her. Their romance soon collapses when she discovers that Tom was ""engaged"" to another schoolgirl, Amy Lawrence.
 Becky spurns Tom, who accompanies Huckleberry Finn, a vagrant boy whom all the other boys admire, to a graveyard at midnight to perform a ritual intended to heal warts. At the graveyard, they witness three body snatchers, Dr. Robinson, Muff Potter and Injun Joe, robbing a grave. A fight breaks out, during which Robinson knocks Potter unconscious and is then murdered by Injun Joe. When Potter wakes up, Injun Joe puts the weapon in his hand and tells him that he killed Robinson while drunk. Tom and Huck swear a blood oath not to tell anyone about the murder, fearing that Injun Joe will find out and kill them for revenge. Potter is arrested and jailed to await trial, not disputing Injun Joe's claim.
 Tom grows bored with school, and he, his friend/classmate Joe Harper, and Huck run away to Jackson's Island in the Mississippi River to begin life as ""pirates"". While enjoying their freedom, they notice the community is scouring the river for their bodies, as the boys are missing and presumed dead. Tom sneaks back home one night to observe the commotion and, after a moment of remorse at his loved ones' suffering, conceives a plan to attend his own funeral. The three carry out this scheme, appearing at church in the middle of their joint funeral service and winning the respect of their classmates for the stunt. Back in school, Becky rips a page in the school master's anatomy book after Tom startles her, but Tom regains her admiration by claiming responsibility for the damage and accepting the punishment that would have been hers.
 During Potter's murder trial, Tom breaks his oath with Huck and testifies for the defense, identifying Injun Joe as the actual culprit. Injun Joe flees the courtroom before he can be apprehended; Potter is acquitted, but Tom and Huck now live in fear for their lives. 
 Once school lets out for the summer, Tom and Huck decide to hunt for buried treasure in the area. While investigating an abandoned house, they are interrupted by the arrival of two men; one of them is a Spaniard, supposedly deaf-mute, who is actually Injun Joe in disguise. He and his partner plan to bury some stolen treasure in the house, but inadvertently discover a hoard of gold coins while doing so. They decide to move it to a new hiding place, which Tom and Huck are determined to find. One night, Huck follows the men, who plan to break into the home of the wealthy Widow Douglas so Injun Joe can mutilate her face in revenge for being publicly whipped for vagrancy − a punishment handed down by her late husband, a justice of the peace. Huck summons help and prevents the break-in, but asks that his name not be made public for fear of retaliation by Injun Joe.
 Shortly before Huck stops the crime, Tom goes on a picnic to a local cave with Becky and their classmates. Tom and Becky become lost and wander in the cave for days, facing starvation and dehydration. Becky becomes dehydrated and weak, and Tom's search for a way out grows more desperate. He encounters Injun Joe by chance, but is not seen. He eventually finds an exit, and he and Becky are joyfully welcomed back to town, learning that they have been missing for three days and traveled five miles (eight kilometers) from the entrance. Judge Thatcher has the cave's entrance door reinforced and locked. When Tom hears of this action two weeks later, he is horror-stricken, knowing that Injun Joe is still inside. He directs a posse to the cave, where they find Injun Joe dead of starvation just inside the entrance.
 A week later, having deduced from Injun Joe's presence that the stolen gold must be hidden in the cave, Tom takes Huck there in search of it. They find the gold, which totals over $12,000 (equivalent to $392,000 in 2023) and is invested on their behalf. The Widow Douglas adopts Huck, who finds the restrictions of a civilized home life painful, attempting to escape back to his vagrant life. He reluctantly returns to the widow, persuaded by Tom's offer to form a high-class robber gang.
 The novel has elements of humor, satire and social criticism – features that later made Mark Twain one of the most important authors of American literature. Mark Twain describes some autobiographical events in the book. The novel's setting of St. Petersburg is based on Twain's actual boyhood home of Hannibal, near St. Louis, and many of the places in it are real and today support a tourist industry as a result.[7]
 The concept of boyhood is developed through Tom's actions, including his runaway adventure with Joe and Huckleberry. To help show how mischievous and messy boyhood was, The Miriam and Ira D. Wallach Division of Art, Prints and Photographs shows a picture of a young boy smoking a pipe, sawing furniture, climbing all over the place, and sleeping. In Twain's novel, Tom and his friend are young when they decide they want to learn how to smoke a pipe. Tom and Joe do this to show just how cool they are to the other boys.[8]
 Tom Sawyer was Twain's first attempt to write a novel. He had previously written contemporary autobiographical narratives (The Innocents Abroad or The New Pilgrims' Progress, Roughing It) and two short texts called sketches which parody the youth literature of the time. These are The Story of the Good Boy and The Story of the Wicked Little Boy which are satirical texts of a few pages. In the first, a model child is never rewarded and ends up dying before he can declaim his last words which he has carefully prepared. In the second story, an evil little boy steals and lies, like Tom Sawyer, but finishes rich and successful. Tom appears as a mixture of these little boys since he is at the same time a scamp and a boy endowed with a certain generosity.
 By the time he wrote Tom Sawyer, Twain was already a successful author based on the popularity of The Innocents Abroad. He owned a large house in Hartford, Connecticut, but needed another success to support himself, with a wife and two daughters. He had collaborated on a novel with Charles Dudley Warner, The Gilded Age, published in 1874.[9]
 He had earlier written an unpublished memoir of his own life on the Mississippi and had corresponded with a boyhood friend, Will Bowen, both of which had evoked many memories and were used as source material.
 Twain named his fictional character after a San Francisco fireman whom he met in June 1863. The real Tom Sawyer was a local hero, famous for rescuing 90 passengers after a shipwreck. The two remained friendly during Twain's three-year stay in San Francisco, often drinking and gambling together.[10]
 In November 1875, Twain gave the manuscript to Elisha Bliss of the American Publishing Company, who sent it to True Williams for the illustrations. A little later, Twain had the text also quickly published at Chatto and Windus of London, in June 1876, but without illustration. Pirate editions appeared very quickly in Canada and Germany. The American Publishing Company finally published its edition in December 1876, which was the first illustrated edition of Tom Sawyer.[11]
 A third person narrator describes the experiences of the boys, interspersed with occasional social commentary. In its sequel, Adventures of Huckleberry Finn, Mark Twain changes to a first person narrative.[12] The two other subsequent books, Tom Sawyer Abroad and Tom Sawyer, Detective, are similarly in the first person narrative from the perspective of Huckleberry Finn.
 The book has raised controversy for its use of the racial epithet ""nigger""; a bowdlerized version aroused indignation among some literary critics.[13]
 The book has been criticized for its caricature-like portrayal of Native Americans through the character Injun Joe. He is depicted as malevolent for the sake of malevolence, is not allowed to redeem himself in any way by Twain, dies a pitiful and despairing death in a cave and upon his death is treated as a tourist attraction. Revard suggests that the adults in the novel blame the character's Indian blood as the cause of his evil.[14]
 Tom Sawyer, the story's title character, also appears in two other uncompleted sequels: Huck and Tom Among the Indians and Tom Sawyer's Conspiracy. He is also a character in Twain's unfinished Schoolhouse Hill.
 Tom Sawyer: A Ballet in Three Acts premiered on October 14, 2011, at the Kauffman Center for the Performing Arts in Kansas City, Missouri. The score was by composer Maury Yeston, with choreography by William Whitener, artistic director of the Kansas City Ballet.[37][38] A review in The New York Times observed: ""It’s quite likely that this is the first all-new, entirely American three-act ballet: it is based on an American literary classic, has an original score by an American composer and was given its premiere by an American choreographer and company. ... Both the score and the choreography are energetic, robust, warm, deliberately naïve (both ornery and innocent), in ways right for Twain.""[39]
 The Adventures of Tom Sawyer has been adapted into comic book form many times:
 On November 30, 2011, to celebrate Twain's 176th birthday, the Google Doodle was a scene from The Adventures of Tom Sawyer.[42]",1912,"Main page; Contents; Current events; About Wikipedia; Help; Learn to edit; Community portal; Upload file; ; learn more; Article; Talk; Read; Read; Upload file; ; Mark Twain; Bildungsroman; picaresque novel; satire; folk; children's literature; OCLC; Dewey Decimal; LC Class; Adventures of Huckleberry Finn; Wikisource; The Adventures of Tom Sawyer (disambiguation); picaresque novel; Mark Twain; Tom Sawyer; Mississippi River; Hannibal, Missouri; Huckleberry Finn; Adventures of Huckleberry Finn; American literature; typewriter; ; commemorative stamp; whitewashed; ; True Williams; Aunt Polly; St. Petersburg, Missouri; whitewash; trinkets; reverse psychology; Sunday school; Scripture; Bible; Becky Thatcher; Amy Lawrence; Huckleberry Finn; ritual; warts; body snatchers; Injun Joe; unconscious; murdered; blood oath; Mississippi River; pirates; presumed dead; funeral; church; anatomy; punishment; testifies; courtroom; acquitted; gold coins; Widow Douglas; mutilate; justice of the peace; picnic; cave; starvation; dehydration; civilized; vagrant; robber gang; Mark Twain; American literature; Hannibal; The Innocents Abroad or The New Pilgrims' Progress; Hartford, Connecticut; Charles Dudley Warner; The Gilded Age; ; American Publishing Company; True Williams; Chatto and Windus; third person; Adventures of Huckleberry Finn; first person narrative; Tom Sawyer Abroad; Tom Sawyer, Detective; nigger; bowdlerized; Native Americans; Injun Joe; Adventures of Huckleberry Finn; Tom Sawyer Abroad; Tom Sawyer, Detective; Tom Sawyer; Schoolhouse Hill; Tom Sawyer; Jack Pickford; Tom Sawyer; John Cromwell; Jackie Coogan; Soviet Union; The Adventures of Tom Sawyer; Technicolor; Selznick; Tommy Kelly; Norman Taurog; William Cameron Menzies; Tom Sawyer; U.S. Steel Hour; Frank Luther; Jimmy Boyd; The Adventures of Tom Sawyer (1960); Wolfgang Liebeneiner; The New Adventures of Huckleberry Finn; Hanna-Barbera; Tom Sawyer (1973); Robert B. Sherman; Richard M. Sherman; Johnny Whitaker; Jeff East; Jodie Foster; Celeste Holm; Dr Pepper; Buddy Ebsen; Upper Canada Village; Páni kluci; Huckleberry Finn and His Friends; The Adventures of Tom Sawyer; anime; Nippon Animation; World Masterpiece Theater; HBO; Stanislav Govorukhin; Rascals and Robbers: The Secret Adventures of Tom Sawyer and Huckleberry Finn; Patrick Creadon; Anthony Michael Hall; Peter Horton; Michael Dudikoff; claymation; Hal Roach; citation needed; Wishbone; Tom and Huck; Jonathan Taylor Thomas; Brad Renfro; Bob Merrill; Christopher Lloyd; Kirsten Dunst; Tom Sawyer; anthropomorphic; Rhett Akins; Mark Wills; Lee Ann Womack; Waylon Jennings; Hank Williams Jr.; Betty White; League of Extraordinary Gentlemen; Shane West; U.S. Secret Service; Professor Moriarty; Hermine Huntgeburth; Tom Sawyer & Huckleberry Finn (2014); Joel Courtney; Jake T. Austin; Band of Robbers; Nee Brothers; rock; Rush; Moving Pictures; Theodor Adorno; Gretel Adorno; Guildhall School of Music and Drama; Theatre Royal Stratford East; London, England; Big River; William Hauptman; Roger Miller; The Adventures of Tom Sawyer; Ken Ludwig; Don Schlitz; Mark Twain House and Museum; Making the Move; Tom Sawyer: A Ballet in Three Acts; Kauffman Center for the Performing Arts; Kansas City, Missouri; Maury Yeston; Kansas City Ballet; The New York Times; comic book; comic strip; Clare Victor Dwiggins; McClure Syndicate; Classics Illustrated; Gilberton; Dell Comics; Frank Thorne; Editorial Bruguera; Edmond Fernández Ripoll; Pendulum Illustrated Classics; Pendulum Press; Irwin Shapiro; E. R. Cruz; Marvel Classics Comics; First Comics; Mike Ploog; Sterling Publishing; Papercutz; Jean-David Morvan; Capstone Publishers; The Adventures of Tom Sawyer; Nintendo Entertainment System; SETA; Square's Tom Sawyer; role-playing video game; Square; Google Doodle; Children's literature portal; Adventures of Huckleberry Finn; List of Tom Sawyer characters; Mark Twain bibliography; National Tom Sawyer Days; The Story of a Bad Boy; Facsimile of the original 1st edition; ISBN; ISBN; ISBN; ISBN; ISBN; ISSN; JSTOR; The New York Times; ISBN; ISSN; ISSN; Playbill; archive.today; Wayback Machine; ISBN; dead link; Wikisource; Standard Ebooks; Project Gutenberg; LibriVox; Internet Archive; Wayback Machine; v; t; Mark Twain; Bibliography; The Gilded Age: A Tale of Today; The Prince and the Pauper; Adventures of Huckleberry Finn; A Connecticut Yankee in King Arthur's Court; The American Claimant; Tom Sawyer Abroad; Pudd'nhead Wilson; Tom Sawyer, Detective; Personal Recollections of Joan of Arc; A Double Barrelled Detective Story; A Horse's Tale; The Mysterious Stranger; Hellfire Hotchkiss; The Celebrated Jumping Frog of Calaveras County; Cannibalism in the Cars; A Literary Nightmare; A Murder, a Mystery, and a Marriage; The Great Revolution in Pitcairn; 1601; The Stolen White Elephant; Luck; The Million Pound Bank Note; A Double Barrelled Detective Story; Those Extraordinary Twins; The Man That Corrupted Hadleyburg; A Dog's Tale; Extracts from Adam's Diary; The War Prayer; Eve's Diary; Extract from Captain Stormfield's Visit to Heaven; My Platonic Sweetheart; Advice for Good Little Girls; Mark Twain's (Burlesque) Autobiography and First Romance; Sketches New and Old; Mark Twain's Library of Humor; Merry Tales; The £1,000,000 Bank Note and Other New Stories; The $30,000 Bequest and Other Stories; Is He Dead?; The Awful German Language; On the Decay of the Art of Lying; Advice to Youth; How to Tell a Story and Other Essays; Concerning the Jews; To the Person Sitting in Darkness; Edmund Burke on Croker and Tammany; What Is Man?; The United States of Lyncherdom; Fenimore Cooper's Literary Offenses; Letters from the Earth; Territorial Enterprise letters; Letters from Hawaii; The Innocents Abroad; Roughing It; Old Times on the Mississippi; A Tramp Abroad; Life on the Mississippi; Following the Equator; Is Shakespeare Dead?; Autobiography of Mark Twain; Chapters from My Autobiography; King Leopold's Soliloquy; The Private History of a Campaign That Failed; Christian Science; Some Thoughts on the Science of Onanism; Votes for Women; Family cabin; Birthplace State Historic Site; State Park; Boyhood home and museum; Mark Twain Cave; Mark Twain in Nevada; Territorial Enterprise; Sagebrush School; Quarry Farm; Mark Twain House; Stormfield; Twain–Ament indemnities controversy; Popular culture; Mark Twain Prize for American Humor; Mark Twain Tonight!; The Adventures of Mark Twain; The Adventures of Mark Twain; Mark Twain; Twain and Shaw Do Lunch; Mark Twain: The Musical; Olivia Langdon Clemens; Susy Clemens; Clara Clemens; Jean Clemens; John M. 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Les Quatre Filles du docteur March,https://fr.wikipedia.org/wiki/Les_Quatre_Filles_du_docteur_March,"Pour les articles homonymes, voir Les Quatre Filles du docteur March (homonymie).
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 Les Quatre Filles du docteur March (titre original : Little Women)  est un roman de l’autrice américaine Louisa May Alcott, publié dans un premier temps en deux volumes. Le premier parut en 1868 et le second en 1869. À sa sortie, le premier volume connut un franc succès, autant dans la presse qu'auprès du public, tant et si bien que l'auteure compléta son œuvre par un second volume, sorti en 1869. L'histoire de ces quatre sœurs a connu d'autant plus de succès qu'elle a fait écho au quotidien de nombreuses familles américaines ayant vécu la guerre de Sécession.
 Ce roman est tiré de l'expérience personnelle de Louisa May Alcott qui avait trois sœurs. Par ailleurs, le personnage de Jo semble inspiré de l'auteure elle-même. On peut ainsi considérer qu'il s'agit d'une autobiographie romancée[1].
 En France, le roman a paru pour la première fois en 1880 aux éditions J. Hetzel sous le titre Les Quatre filles du docteur Marsch, traduit et adapté au goût de l'époque par Pierre-Jules Hetzel sous son nom de plume de P.-J. Stahl, dans la collection « Bibliothèque d'éducation et de récréation ».
 Simone de Beauvoir écrit à son sujet, dans Mémoires d'une jeune fille rangée (1958) : « Il y eut un livre où je crus reconnaître mon visage et mon destin : Les Quatre filles du Docteur March, de Louisa May Alcott[2]. »
 L’action se déroule aux États-Unis, pendant la guerre de Sécession. En l’absence de leur père Robert, pasteur nordiste engagé comme aumônier dans le conflit, quatre jeunes sœurs issues de la classe moyenne de la société font face aux difficultés de la vie quotidienne en ce temps de guerre : la raisonnable Margaret (surnommée Meg), l'intrépide Josephine (surnommée Jo), la charitable Elisabeth (surnommée Beth) et l'orgueilleuse Amy. Elles vivent à Concord dans l'État du Massachusetts avec leur mère et leur fidèle domestique, Hannah. Autrefois riche, la famille March a été ruinée lorsque Robert March a fait faillite en aidant un ami dans ses affaires. Malgré cela, elle est heureuse, fait toujours preuve de bon sens, de générosité et de bienveillance et n'oublie pas d'aider plus pauvre qu'elle.
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Hetzel; Pierre-Jules Hetzel; nom de plume; Simone de Beauvoir; Mémoires d'une jeune fille rangée; États-Unis; guerre de Sécession; pasteur; nordiste; aumônier; Concord; Massachusetts; scarlatine; [réf. nécessaire]; WASP; aumônier; P.-J. Stahl; scarlatine; caniche; Vevey; Suisse; 1880; J. Hetzel; Bibliothèque d'éducation et de récréation; P.-J. Stahl; 2020; Gallmeister; ISBN; 978-2-35178-744-1; Nathalie Novi; ISBN; 979-1-09673-912-7; 1918; Harley Knoles; Dorothy Bernard; Conrad Nagel; Kate Lester; 1933; Les Quatre Filles du docteur March; George Cukor; Katharine Hepburn; Jean Parker; Spring Byington; Edna May Oliver; 1949; Les Quatre Filles du docteur March; Mervyn LeRoy; June Allyson; Elizabeth Taylor; Janet Leigh; Mary Astor; 1994; Les Quatre Filles du docteur March; Gillian Armstrong; Winona Ryder; Kirsten Dunst; Susan Sarandon; Claire Danes; 2018; Les Quatre Filles du docteur March; Lucas Grabeel; Lea Thompson; 2019; Les Filles du docteur March; Greta Gerwig; Saoirse Ronan; Florence Pugh; Emma Watson; Eliza Scanlen; Laura Dern; Meryl Streep; 1958; 1970; John McRae; 1978; Les Quatre Filles du docteur March; David Lowell Rich; 2012; 2017; 2022; Little Women; Netflix; 2023; 2024; Théâtre Le Ranelagh; 1981; Les Quatre Filles du docteur March; 1987; Les Quatre Filles du docteur March; 1993; Petite Bonne Femme; 2007; manhwa; 2015; 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//upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/c/c5/Peter_Pan_by_nk.svg/13px-Peter_Pan_by_nk.svg.png; https://login.wikimedia.org/wiki/Special:CentralAutoLogin/start?type=1x1; /static/images/footer/wikimedia-button.svg; /w/resources/assets/poweredby_mediawiki.svg,https://en.wikipedia.org/wiki/Little_Women,Little Women,https://en.wikipedia.org/wiki/Little_Women,"Little Women is a coming-of-age novel written by American novelist Louisa May Alcott, originally published in two volumes, in 1868 and 1869.[1][2] The story follows the lives of the four March sisters—Meg, Jo, Beth, and Amy—and details their passage from childhood to womanhood. Loosely based on the lives of the author and her three sisters,[3][4]: 202  it is classified as an autobiographical or semi-autobiographical novel.[5][6]: 12 
 Little Women was an immediate commercial and critical success, and readers were eager for more about the characters. Alcott quickly completed a second volume (titled Good Wives in the United Kingdom, though the name originated with the publisher and not Alcott). It was also met with success. The two volumes were issued in 1880 as a single novel titled Little Women. Alcott subsequently wrote two sequels to her popular work, both also featuring the March sisters: Little Men (1871) and Jo's Boys (1886).
 The novel has been said to address three major themes: ""domesticity, work, and true love, all of them interdependent and each necessary to the achievement of its heroine's individual identity.""[7]: 200  According to Sarah Elbert, Alcott created a new form of literature, one that took elements from romantic children's fiction and combined it with others from sentimental novels, resulting in a totally new genre. Elbert argues that within Little Women can be found the first vision of the ""All-American girl"" and that her various aspects are embodied in the differing March sisters.[7]: 199 
 The book has been translated into numerous languages, and frequently adapted for stage and screen.
 In 1868, Alcott's publisher, Thomas Niles, recommended that she write a novel about girls that would have widespread appeal.[4]: 2  Alcott resisted, preferring to publish a collection of short stories, instead.  Niles pressed her to write the girls' book first, however, and he was aided by her father, Amos Bronson Alcott, who also urged her to do so.[4]: 207  Louisa confided to a friend, ""I could not write a girls' story knowing little about any but my sisters and always preferring boys"".[8]
 In May 1868, Alcott wrote in her journal: ""Niles, partner of Roberts, asked me to write a girl's book. I said I'd try.""[9]: 36  Alcott set her novel in an imaginary Orchard House modeled on her residence of the same name, where she wrote the novel.[4]: xiii  She, later, recalled that she did not think she could write a successful book for girls and did not enjoy writing it.[10]: 335-  ""I plod away,"" she wrote in her diary, ""although, I don't enjoy this sort of things.""[9]: 37 
 By June, Alcott had sent the first dozen chapters to Niles, and both agreed that they were dull. But Niles's niece, Lillie Almy, read them and said she enjoyed them.[10]: 335–336  The completed manuscript was shown to several girls who agreed it was ""splendid.""  Alcott wrote, ""they are the best critics, so, I should definitely be satisfied.""[9]: 37  She wrote Little Women ""in record time for money"",[7]: 196x2  but the book's immediate success surprised both her and her publisher.[11]
 According to literary critic Sarah Elbert, when using the term ""little women"" Alcott was drawing on its Dickensian meaning; it represented the period in a young woman's life where childhood and elder childhood are ""overlapping"" with young womanhood. Each of the March sister heroines has a harrowing experience that alerts them and the reader that ""childhood innocence"" is of the past, and that ""the inescapable woman problem"" is all that remains.[7][page needed]
 The March sisters – Meg, Jo, Beth, and Amy – and their mother, whom they call Marmee, live in a new neighborhood (loosely based on Concord) in Massachusetts in genteel poverty. Having lost all his money, their father is serving as a chaplain for the Union Army in the American Civil War, far from home. The mother and daughters face their first Christmas without him. When Marmee asks them to give their Christmas breakfast away to an impoverished family, the girls and their mother venture into town, laden with baskets, to feed the hungry children. When they return, they discover their wealthy, elderly neighbor, Mr. Laurence, has sent over a decadent surprise dinner, to make up for their breakfast. The two families become acquainted, following these acts of kindness.
 Meg and Jo must work to support the family: Meg tutors a nearby family of four children; Jo assists her aged great-aunt March, a wealthy widow living in a mansion in Plumfield. Beth, too timid for school, is content to stay at home and help with housework; and Amy is still at school. Meg is beautiful and traditional, Jo is a tomboy who writes, Beth is a peacemaker and a pianist, and Amy is an artist who longs for elegance and fine society. The sisters strive to help their family and improve their characters, as Meg is vain, Jo is hotheaded, Beth is cripplingly shy, and Amy is materialistic. The neighbor boy, Laurie, the orphaned grandson of Mr. Laurence, becomes close friends with the sisters, particularly the tomboyish Jo.
 The girls keep busy, as the war goes on. Jo writes a novel that gets published but is frustrated to have to edit it down and can't comprehend the conflicting critical response. Meg is invited to spend two weeks with rich friends, where there are parties and cotillions for the girls to dance with boys and improve their social skills. Laurie is invited to one of the dances, and Meg's friends incorrectly think she is in love with him. Meg is more interested in John Brooke, Laurie's young tutor.
 Word comes that Mr. March is very ill with pneumonia and Marmee is called away to nurse him in Washington, DC. Mr. Laurence offers to accompany her, but she declines, knowing travel would be uncomfortable for the old man. Mr. Laurence, instead, sends John Brooke to do his business in Washington and help the Marches. While in Washington, Brooke confesses his love for Meg to her parents. They are pleased but consider Meg too young to marry, so, Brooke agrees to wait.
 While Marmee is in Washington, Beth contracts scarlet fever, after spending time with a poor family, where three children die. As a precaution, Amy is sent to live with Aunt March and replaces Jo as her companion and helper. Jo, who already had scarlet fever, tends to Beth. After many days of illness, the family doctor advises that Marmee be sent for, immediately. Beth recovers, but never fully regains her health and energy.
 While Brooke waits for Meg to come of age to marry, he joins the military and serves in the war. After he is wounded, he returns to find work, so he can buy a house and be ready, when he marries Meg. Laurie goes off to college. On Christmas Day, a year after the book's opening, the girls' father returns home.
 (Published separately in the United Kingdom as Good Wives)
 Three years later, Meg and John marry and learn how to live together. When they have twins, Meg is a devoted mother, but John begins to feel neglected and left out. Meg seeks advice from Marmee, who helps her find balance in her married life by making more time for wifely duties and encouraging John to become more involved with child rearing.
 Laurie graduates from college, having put in the effort to do well in his last year, with Jo's prompting. Amy is chosen over Jo to go on a European tour with her aunt. Beth's health is weak, due to complications from scarlet fever, and her spirits are down. While trying to uncover the reason for Beth's sadness, Jo realizes that Laurie has fallen in love. At first she believes it's with Beth, but soon senses it's with herself. Jo confides in Marmee, telling her that she loves Laurie like a brother and that she could not love him in a romantic way.
 Jo decides she wants a bit of adventure and to put distance between herself and Laurie, hoping he will forget his feelings. She spends six months with a friend of her mother who runs a boarding house in New York City, serving as governess for her two children. Jo takes German lessons with another boarder, Professor Friedrich Bhaer. He has come to America from Berlin to care for the orphaned sons of his sister. For extra money, Jo writes salacious romance stories, anonymously, for sensational newspapers. Suspecting her secret, Friedrich mentions such writing is unprincipled and base. Jo is persuaded to give up that type of writing, as her time in New York comes to an end, unaware that Friedrich has fallen in love with her. When she returns to Massachusetts, Laurie proposes marriage, and she declines.
 Laurie travels to Europe with his grandfather, to escape his heartbreak. At home, the lasting results of Beth's scarlet fever slowly begin to kill her. Jo devotes her time to the care of her dying sister. Laurie encounters Amy in Europe, and he slowly falls in love with her, as he begins to see her in a new light. She is unimpressed by the aimless, idle, and forlorn attitude he has adopted, since being rejected by Jo, and she inspires him to find his purpose and do something worthwhile with his life. With the news of Beth's death, they meet for consolation, and their romance grows. Amy's aunt will not allow Amy to return, unchaperoned, with Laurie and his grandfather, so, they marry, before returning home from Europe.
 Friedrich is in Massachusetts on business and visits the Marches, daily, for two weeks. On his last day, he proposes to Jo, and the two become engaged, as she realizes she loves him. Because the Professor is poor, the wedding must wait, while he establishes a good income by going out west to teach. A year goes by without much success; later, Aunt March dies and leaves her large estate, Plumfield, to Jo, who marries Friedrich and turns the house into a school. They have two sons of their own, and Amy and Laurie have a daughter. At apple-picking time, Marmee celebrates her 60th birthday at Plumfield, with her husband, her three surviving daughters, their husbands, and her five grandchildren.
 Meg, the oldest sister, is 16, when the story starts. She is described as a beauty, and she manages the household, when her mother is absent. She has long brown hair and blue eyes and particularly beautiful hands, and she is seen as the prettiest one of the sisters. Meg fulfils expectations for women of the time; from the start, she is already a nearly perfect ""little woman,"" in the eyes of the world.[12] Before her marriage to John Brooke, while still living at home, she often lectures her younger sisters to ensure they grow to embody the title of ""little women"".[13]
 Meg is employed as a governess for the Kings, a wealthy local family. Because of their father's family's social standing, Meg makes her debut into high society, but she is lectured by her friend and neighbor, Theodore ""Laurie"" Laurence, for behaving like a snob. Meg marries John Brooke, Laurie's tutor. They have twins, Margaret ""Daisy"" Brooke and John Laurence ""Demi"" Brooke. The sequel, Little Men, mentions a baby daughter, Josephine ""Josie"" Brooke,[14] who is 14, at the beginning of the final book.[15]
 According to Sarah Elbert, ""democratic domesticity requires maturity, strength, and above all, a secure identity that Meg lacks"".[7]: 204  Others believe Alcott does not intend to belittle Meg for her ordinary life and writes her with loving detail, suffused with sentimentality.[16]
 The principal character, Jo, 15 years old at the beginning of the book, is a strong and willful young woman, struggling to subdue her fiery temper and stubborn personality.[17][18]
 Second oldest of the four sisters, Jo is masculine, the smartest, most creative one in the family; her father has referred to her as his ""son Jo,"" and her best friend and neighbour, Theodore ""Laurie"" Laurence, sometimes calls her ""my dear fellow,"" while she, alone, calls him Teddy. Jo has a ""hot"" temper that often leads her into trouble. With the help of her own misguided sense of humor, her sister, Beth, and her mother, she works on controlling it. It has been said that much of Louisa May Alcott shows through in these characteristics of Jo.[19] In her essay, ""Recollections of My Childhood,"" Alcott refers to herself as a tomboy who enjoyed boys' activities, like running foot-races and climbing trees.
 Jo loves literature, both reading and writing. She composes plays for her sisters to perform and writes short stories. She initially rejects the idea of marriage and romance, feeling that it would break up her family and separate her from the sisters whom she adores. While pursuing a literary career in New York City, she meets Friedrich Bhaer, a German professor. On her return home, Laurie proposes marriage to Jo, which she rejects, thus confirming her independence. Another reason for the rejection is that the love that Laurie has for Jo is more a brotherly love, rather than romantic love, the difference between which he was unable to understand, because he was ""just a boy,"" as said by Alcott in the book.
 After Beth dies, Professor Bhaer woos Jo at her home, when ""they decide to share life's burdens, just as they shared the load of bundles on their shopping expedition"".[7]: 210  She is 25 years old when she accepts his proposal. The marriage is deferred, until her unexpected inheritance of her Aunt March's home, a year later. According to critic Barbara Sicherman, ""The crucial first point is that the choice is hers, its quirkiness another sign of her much-prized individuality.""[20]: 21  They have two sons, Robert ""Rob"" Bhaer and Theodore ""Ted"" Bhaer. Jo also writes the first part of Little Women during the second portion of the novel. According to Elbert, ""her narration signals a successfully completed adolescence"".[7]: 199 
 Beth, 13 when the story starts, is described as kind, gentle, sweet, shy, quiet, honest, and musical. She is the shyest March sister and the pianist of the family.[21]: 53  Infused with quiet wisdom, she is the peacemaker of the family, and she gently scolds her sisters, when they argue.[22] As her sisters grow up, they begin to leave home, but Beth has no desire to leave her house or family. She is especially close to Jo: when Beth develops scarlet fever, after visiting the Hummels, Jo does most of the nursing and rarely leaves her side. Beth recovers from the acute disease, but her health is permanently weakened.
 As she grows, Beth begins to realize that her time with her loved ones is coming to an end. Finally, the family accepts that Beth will not live much longer. They make a special room for her, filled with all the things she loves best: her kittens, her piano, Father's books, Amy's sketches, and her beloved dolls. She is never idle; she knits and sews things for the children who pass by on their way to and from school. But eventually, she puts down her sewing needle, saying it grew ""heavy.""  Beth's final sickness has a strong effect on her sisters, especially Jo, who resolves to live her life with more consideration and care for everyone. The main loss during Little Women is the death of beloved Beth. Her ""self-sacrifice is ultimately the greatest in the novel. She gives up her life, knowing that it has had only private, domestic meaning.""[7]: 206–207 
 Amy is the youngest sister and baby of the family; she's 12, when the story begins. Interested in art, she is described as a ""regular snow-maiden,"" with curly golden hair and blue eyes, ""pale and slender"" and ""always carrying herself"" like a proper young lady. She is the artist of the family.[23] Often coddled, because she is the youngest, Amy can behave in a vain and self-centered way, though she does still love her family.[24]: 5  She has the middle name Curtis, and is the only March sister to use her full name, rather than a diminutive.[25]
 Amy is chosen by her aunt to travel to Europe with her, instead of her sister, Jo. There, she matures and makes a decision, based on her limited artistic talent, how to direct her adult life. She encounters ""Laurie"" Laurence and his grandfather, during the extended visit. Amy is the least inclined of the sisters to sacrifice and self-denial. She behaves well, in upper-class society, and she is at ease, with herself. Critic Martha Saxton observes the author was never fully at ease with Amy's moral development, and her success, in life, seemed relatively accidental.[24] However, Amy's morality does appear to develop, throughout her adolescence and early adulthood, and she can confidently and justly put Laurie in his place, when she believes he is wasting his life on pleasurable activities. Ultimately, Amy is shown to work very hard to gain what she wants and to make the most of her success, when she has it.
 For her books, Alcott was often inspired by familiar elements. The characters in Little Women are recognizably drawn from family members and friends.[3][4]: 202  Her married sister Anna was Meg, the family beauty. Lizzie, Alcott's beloved sister, was the model for Beth. Like Beth, Lizzie was quiet and retiring. Like Beth as well, she died tragically at age twenty-three from the lingering effects of scarlet fever.[36] May, Alcott's strong-willed sister, was portrayed as Amy, whose pretentious affectations cause her occasional downfalls.[4]: 202  Alcott portrayed herself as Jo. Alcott readily corresponded with readers who addressed her as ""Miss March"" or ""Jo"", and she did not correct them.[37][38]: 31 
 However, Alcott's portrayal, even if inspired by her family, is an idealized one. For instance, Mr. March is portrayed as a hero of the American Civil War, a gainfully employed chaplain, and, presumably, a source of inspiration to the women of the family. He is absent for most of the novel.[38]: 51  In contrast, Bronson Alcott was very present in his family's household, due in part to his inability to find steady work. While he espoused many of the educational principles touted by the March family, he was loud and dictatorial. His lack of financial independence was a source of humiliation to his wife and daughters.[38]: 51  The March family is portrayed as living in genteel penury, but the Alcott family, dependent on an improvident, impractical father, suffered real poverty and occasional hunger.[39] In addition to her own childhood and that of her sisters, scholars who have examined the diaries of Louisa Alcott's mother, Abigail Alcott, have surmised that Little Women was also heavily inspired by Abigail Alcott's own early life.[26]: 6  Originally, Alcott did not want to publish Little Women, claiming she found it boring, and wasn't sure how to write girls as she knew few beyond her sisters. However, encouraged by her editor Thomas Niles, she wrote it within 10 weeks.[40]
 Also, Little Women has several textual and structural references to John Bunyan's novel The Pilgrim's Progress.[41] Jo and her sisters read it at the outset of the book and try to follow the good example of Bunyan's Christian. Throughout the novel, the main characters refer many times to The Pilgrim's Progress and liken the events in their own lives to the experiences of the pilgrims. Several chapter titles directly reference characters and places from The Pilgrim's Progress.
 In addition to drawing on her own life during the development of Little Women, Alcott also took influence from several of her earlier works including ""The Sisters' Trial"", ""A Modern Cinderella"", and ""In the Garret"". The characters within these short stories and poems, in addition to Alcott's own family and personal relationships, inspired the general concepts and bases for many of the characters in Little Women.[42]
 The first volume of Little Women was published in 1868 by Roberts Brothers.[43] The first edition included illustrations by Abigail May Alcott, the sister commonly called ""May"" who inspired the fictional Amy March. She ""struggled"" with her illustrative additions to her sister's book, but later improved her skills and found some success as an artist.[44]
 The first printing of 2,000 copies sold out quickly, and the company had trouble keeping up with the demand for additional printings. They announced: ""The great literary hit of the season is undoubtedly Miss Alcott's Little Women, the orders for which continue to flow in upon us to such an extent as to make it impossible to answer them with promptness.""[9]: 37  The last line of Chapter 23 in the first volume states: ""So the curtain falls upon Meg, Jo, Beth, and Amy. Whether it ever rises again, depends upon the reception given the first act of the domestic drama called Little Women.""[45] Alcott delivered the manuscript for the second volume on New Year's Day 1869, just three months after publication of part one.[10]: 345 
 Versions in the late 20th and 21st centuries combine both Little Women and Good Wives into one book under the title Little Women, with the latter marked as Part 2 (chapters 24 to 47).[46] Each chapter is numbered and has a title as well. Part 2, Chapter 24 opens with: ""In order that we may start afresh and go to Meg's wedding with free minds, it will be well to begin with a little gossip about the Marches.""[45] Editions published in the 21st century may be the original text unaltered, the original text with illustrations, the original text annotated for the reader (explaining terms of 1868–69 that are less common now), the original text modernized and abridged, or the original text abridged.[citation needed]
 The British influence, giving Part 2 its own title, Good Wives, has the book still published in two volumes, with Good Wives beginning three years after Little Women ends, especially in the UK and Canada, but also with some US editions. Some editions listed under Little Women appear to include both parts, especially in the audiobook versions.[citation needed] Editions are shown in continuous print from many publishers, as hardback, paperback, audio, and e-book versions, from the 1980s to 2015.[citation needed]  This split of the two volumes also shows at Goodreads, which refers to the books as the Little Women series, including Little Women, Good Wives, Little Men and Jo's Boys.[citation needed]
 G. K. Chesterton believed Alcott in Little Women, ""anticipated realism by twenty or thirty years"", and that Fritz's proposal to Jo, and her acceptance, ""is one of the really human things in human literature"".[47] Gregory S. Jackson said that Alcott's use of realism belongs to the American Protestant pedagogical tradition, which includes a range of religious literary traditions with which Alcott was familiar. He has copies in his book of nineteenth-century images of devotional children's guides which provide background for the game of ""pilgrims progress"" that Alcott uses in her plot of Book One.[48]
 Little Women was well received upon first publication. According to 21st-century critic Barbara Sicherman there was, during the 19th century, a ""scarcity of models for nontraditional womanhood"", which led more women to look toward ""literature for self-authorization. This is especially true during adolescence.""[20]: 2  Little Women became ""the paradigmatic text for young women of the era and one in which family literary culture is prominently featured"".[20]: 3  Adult elements of women's fiction in Little Women included ""a change of heart necessary"" for the female protagonist to evolve in the story.[7]: 199 
 In the late 20th century, some scholars criticized the novel. Sarah Elbert, for instance, wrote that Little Women was the beginning of ""a decline in the radical power of women's fiction"", partly because women's fiction was being idealized with a ""hearth and home"" children's story.[7]: 197  Women's literature historians and juvenile fiction historians have agreed that Little Women was the beginning of this ""downward spiral"". But Elbert says that Little Women did not ""belittle women's fiction"" and that Alcott stayed true to her ""Romantic birthright"".[7]: 198–199 
 Little Women's popular audience was responsive to ideas of social change as they were shown ""within the familiar construct of domesticity"".[7]: 220  While Alcott had been commissioned to ""write a story for girls"", her primary heroine, Jo March, became a favorite of many different women, including educated women writers through the 20th century. The girl story became a ""new publishing category with a domestic focus that paralleled boys' adventure stories"".[20]: 3–4 
 One reason the novel was so popular was that it appealed to different classes of women along with those of different national backgrounds, at a time of high immigration to the United States. Through the March sisters, women could relate and dream where they may not have before.[20]: 3–4  ""Both the passion Little Women has engendered in diverse readers and its ability to survive its era and transcend its genre point to a text of unusual permeability.""[20]: 35 
 At the time, young girls perceived that marriage was their end goal. After the publication of the first volume, many girls wrote to Alcott asking her ""who the little women marry"".[20]: 21  Sicherman said that the ending, which she personally characterizes as ""unsatisfying"", worked to ""keep the story alive"" as if the reader might find it ended differently upon different readings.[20]: 21  Anne E. Boyd contends that ""Alcott particularly battled the conventional marriage plot in writing Little Women"".[49] Alcott did not have Jo accept Laurie's hand in marriage; rather, when she arranged for Jo to marry, she portrayed an unconventional man as her husband. In Sicherman's opinion, Alcott used Friedrich to ""subvert adolescent romantic ideals"" because he was much older and seemingly unsuited for Jo.[20]: 21  However, the character was partially based upon older men Alcott was attracted to, such as Henry David Thoreau and Ralph Waldo Emerson,[50][51] or admired, such as German writers Charles Follen and Johann Wolfgang von Goethe.[52][53][54] In particular, Alcott had considered Goethe her ""chief idol"" since the day Emerson had introduced her to Goethe and handed her a copy of Wilhelm Meister's Apprenticeship[55] Bhaer is also representative of Alcott's reverence for German culture.[56]
 In 2003 Little Women was ranked number 18 in The Big Read, a survey of the British public by the BBC to determine the ""Nation's Best-loved Novel"" (not children's novel); it is fourth-highest among novels published in the U.S. on that list.[57] Based on a 2007 online poll, the U.S. National Education Association listed it as one of its ""Teachers' Top 100 Books for Children"".[58] In 2012 it was ranked number 47 among all-time children's novels in a survey published by School Library Journal, a monthly with primarily US audience.[59]
 Little Women has been one of the most widely read novels, noted by Stern from a 1927 report in The New York Times and cited in Little Women and the Feminist Imagination: Criticism, Controversy, Personal Essays.[60]  Ruth MacDonald argued that ""Louisa May Alcott stands as one of the great American practitioners of the girls' novel and the family story"".[61]
 In the 1860s, gendered separation of children's fiction was a newer division in literature. This division signaled a beginning of polarization of gender roles as social constructs ""as class stratification increased"".[20]: 18  Joy Kasson wrote, ""Alcott chronicled the coming of age of young girls, their struggles with issues such as selfishness and generosity, the nature of individual integrity, and, above all, the question of their place in the world around them.""[62] Girls related to the March sisters in Little Women, along with following the lead of their heroines, by assimilating aspects of the story into their own lives.[20]: 22 
 After reading Little Women, some women felt the need to ""acquire new and more public identities,"" however dependent on other factors, such as financial resources.[20]: 55  While Little Women showed the regular lives of American middle-class girls, it also ""legitimized"" their dreams to do something different and allowed them to consider the possibilities.[20]: 36  More young women started writing stories that had adventurous plots and ""stories of individual achievement—traditionally coded male—challenged women's socialization into domesticity"".[20]: 55  Little Women also influenced contemporary European immigrants to the United States who wanted to assimilate into the middle-class culture.
 In the pages of Little Women, young and adolescent girls read the normalization of ambitious women. This provided an alternative to the previously normalized gender roles.[20]: 35  Little Women repeatedly reinforced the importance of ""individuality"" and ""female vocation"".[20]: 26  Little Women had ""continued relevance of its subject"" and ""its longevity points, as well to surprising continuities in gender norms from the 1860s at least through the 1960s"".[20]: 35  Those interested in domestic reform could look to the pages of Little Women to see how a ""democratic household"" would operate.[7]: 276 
 While ""Alcott never questioned the value of domesticity,"" she challenged the social constructs that made spinsters obscure and fringe members of society, solely because they were not married.[7]: 193  ""Little Women indisputably enlarges the myth of American womanhood, by insisting that the home and the women's sphere cherish individuality and thus produce young adults who can make their way in the world, while preserving a critical distance from its social arrangements."" As with all youth, the March girls had to grow up. These sisters, and in particular, Jo, were apprehensive about adulthood, because they were afraid that, by conforming to what society wanted, they would lose their special individuality.[7]: 199 
 Alcott's Jo also made professional writing imaginable for generations of women. Writers as diverse as Maxine Hong Kingston, Margaret Atwood, and J.K. Rowling have noted the influence of Jo March on their artistic development. Even other fictional portraits of young women aspiring to authorship often reference Jo March.[63]
 Alcott's novel is often celebrated for Jo and her narrative arch in which she becomes a self-determined woman with a career. However, framing this novel as a success, solely for Jo's accomplishments, portrays it as a ""traditional 'lone genius' patriarchal narrative"" in which only women who are ""categorized as 'exceptional' or particularly 'worthy'"" are celebrated.[64] Little Women awards all its women worthy, despite their status as conventional or unconventional—not just Jo, who is the obvious exception to societal expectation. Alcott's novel celebrates the agency of women, the four sisters and their mother, to choose their path in life. Meg makes the decision to marry and have children and though it is the traditional pathway, she makes the choice for her own happiness. Thus, reducing Alcott's novel to just Jo's experience as an exception promotes it as a patriarchal narrative and erases her careful work to portray a matriarchal narrative, rich with female agency and voice. 
 Alcott ""made women's rights integral to her stories, and above all, to Little Women"".[7]: 193  Alcott's fiction became her ""most important feminist contribution""—even considering all the effort Alcott made to help facilitate women's rights"".[7]: 193  She thought that ""a democratic household could evolve into a feminist society."" In Little Women, she imagined that just such an evolution might begin with Plumfield, a nineteenth-century feminist utopia.[7]: 194 
 Little Women has a timeless resonance which reflects Alcott's grasp of her historical framework in the 1860s. The novel's ideas do not intrude themselves upon the reader because the author is wholly in control of the implications of her imaginative structure. Sexual equality is the salvation of marriage and the family; democratic relationships make happy endings. This is the unifying imaginative frame of Little Women.[7]: 276  Little Women has been adapted to film seven times. The first adaptation was a silent film directed by Alexander Butler and released in 1917, which starred Daisy Burrell as Amy, Mary Lincoln as Meg, Ruby Miller as Jo, and Muriel Myers as Beth. It is considered a lost film.[71]
 Another silent film adaptation was released in 1918 and directed by Harley Knoles. It starred Isabel Lamon as Meg, Dorothy Bernard as Jo, Lillian Hall as Beth, and Florence Flinn as Amy. It is also considered a lost film.[72]
 George Cukor directed the first sound adaptation of Little Women, starring Katharine Hepburn as Jo, Joan Bennett as Amy, Frances Dee as Meg, and Jean Parker as Beth. The film was released in 1933.[73] In Radio City Music Hall the film was ""breaking box-office records"" in the fall of 1933, and Hepburn received top billing.[74]It was followed by an adaptation of Little Men the following year.[citation needed]
 The first color adaptation starred June Allyson as Jo, Margaret O'Brien as Beth, Elizabeth Taylor as Amy, and Janet Leigh as Meg. Directed by Mervyn LeRoy, it was released in 1949. The film received two Academy Award nominations for color film, for Best Cinematography and Best Art Direction/Set Direction, the latter for which it received the Oscar.[75]
 Gillian Armstrong directed a 1994 adaptation, starring Winona Ryder as Jo, Trini Alvarado as Meg, Samantha Mathis and Kirsten Dunst as Amy, Claire Danes as Beth and Susan Sarandon as Marmee. The film received three Academy Award nominations, including Best Actress for Ryder.[76]
 A contemporary film adaptation[77] was released in 2018 to mark the 150th anniversary of the novel.[78] It was directed by Clare Niederpruem in her directorial debut and starred Sarah Davenport as Jo, Allie Jennings as Beth, Melanie Stone as Meg, and Elise Jones and Taylor Murphy as Amy.[78]
 Writer, and director Greta Gerwig took on the story in her 2019 adaptation of the novel. The film stars Saoirse Ronan as Jo, Emma Watson as Meg, Florence Pugh as Amy, Laura Dern as Marmee, Meryl Streep as Aunt March, Eliza Scanlen as Beth and Timothee Chalamet as Laurie. The film received six Academy Award nominations, including Best Picture.[79]
 Little Women was adapted into a television musical, in 1958, by composer Richard Adler for CBS.[80]
 Little Women has been made into a serial four times by the BBC: in 1950 (when it was shown live), in 1958, in 1970, and in 2017. The 3-episode 2017 series development was supported by PBS, and was aired as part of the PBS Masterpiece anthology in 2018.
 In 1950, the American anthology series Studio One aired a two-part adaptation consisting of two hour-long episodes on CBS. The first was Little Women: Meg's Story on December 18, followed by Little Women: Jo's Story on Christmas day. Meg's Story was directed by Paul Nickell and Jo's Story by Lela Swift. It featured a teleplay by Sumner Locke Elliott and starred Nancy Marchand as Jo, June Dayton as Beth, Peg Hillias as Mrs. March, Lois Hall as Amy, Mary Sinclair as Meg, Elizabeth Patterson as Aunt March, Kent Smith as Bhaer, John Baragrey as Mr. Brooks, Berry Kroeger as Mr. Laurence, Una O'Connor as Hannah, and Conrad Bain Dr. Bangs.[81][82] In 1958, CBS aired a musical version starring Florence Henderson.[83]
 Universal Television produced a two-part miniseries based on the novel, which aired on NBC in 1978. It was followed by a 1979 series.
 In the 1980s, multiple anime adaptations were made. In 1980, an anime special was made as a predecessor to the 26-part 1981 anime series Little Women. Then, in 1987, another adaptation titled Tales of Little Women was released. All anime specials and series were dubbed in English and shown on American television. Ai no Wakakusa Monogatari can be streamed on Amazon Prime.[84]
 In 2012, Lifetime aired The March Sisters at Christmas (directed by John Simpson), a contemporary television film focusing on the title characters' efforts to save their family home from being sold.[85] It is usually rebroadcast on the channel each holiday season.[citation needed]
 In 2017, BBC television aired a miniseries adaptation developed by Heidi Thomas, directed by Vanessa Caswill. The three one-hour episodes were first broadcast on BBC One on Boxing Day 2017 and the following two days. The cast includes Maya Hawke, Emily Watson, Michael Gambon and Angela Lansbury.[1] [2] [3] Production was supported by PBS and the miniseries was shown as part of its Masterpiece anthology.
 A 2018 adaption is that of Manor Rama Pictures LLP of Karan Raj Kohli & Viraj Kapur which streams on the ALTBalaji app in India. The web series is called Haq Se. Set in Kashmir, the series is a modern-day Indian adaptation of the book.
 A South Korean adaptation was developed and produced by Studio Dragon for local cable network tvN and Netflix. Written by Chung Seo-kyung[86] and directed by Kim Hee-won, it aired in September 2022.
 The novel was adapted to a musical of the same name with a book by Allan Knee, lyrics by Mindi Dickstein, and music by Jason Howland and debuted on Broadway at the Virginia Theatre on January 23, 2005 and closed on May 22, 2005 after 137 performances. A production was also staged in Sydney, Australia in 2008.[87]
 Eleanor Everest Freer adapted Little Women as an opera, writing both the score and libretto.[88]  Freer's opera, a two-act work in English, debuted in Chicago at the Musician's Club of Women on April 2, 1934.[89]
 The Houston Grand Opera commissioned and performed Little Women in 1998. The opera was aired on television by PBS in 2001 and has been staged by other opera companies since the premiere.[90]
 The novel has inspired a number of other literary retellings by various authors. Books inspired by Little Women include the following:
 My Brilliant Friend by Elena Ferrante includes a child writer who loves reading Little Women.[102] Inspired by Little Women, Jeanne Birdsall wrote about four sisters in The Penderwicks.[103]",6187,"Main page; Contents; Current events; About Wikipedia; Help; Learn to edit; Community portal; Upload file; ; learn more; Article; Talk; Read; Read; Upload file; Little Women (disambiguation); ; verification; adding citations to reliable sources; Learn how and when to remove this message; ; Louisa May Alcott; Bildungsroman; Roberts Brothers; Little Men; coming-of-age; Louisa May Alcott; Little Men; Jo's Boys; Sarah Elbert; All-American girl; Amos Bronson Alcott; Dickensian; page needed; Concord; Massachusetts; genteel poverty; chaplain; Union Army; American Civil War; Christmas; breakfast; impoverished; tutors; great-aunt; widow; mansion; tomboy; pianist; artist; fine society; cotillions; pneumonia; Washington, DC; scarlet fever; twins; governess; debut; Barbara Sicherman; scarlet fever; ; Pablo Marcos; genteel poverty; chaplain; Henry David Thoreau; Ralph Waldo Emerson; Charles Follen; Johann Wolfgang von Goethe; John Bridge Pratt; Polish; Lawrence, Kansas; ; Fruitlands; American Civil War; chaplain; John Bunyan's; The Pilgrim's Progress; Abigail May Alcott; citation needed; citation needed; citation needed; Little Men; Jo's Boys; citation needed; G. K. Chesterton; realism; Henry David Thoreau; Ralph Waldo Emerson; Charles Follen; Johann Wolfgang von Goethe; Wilhelm Meister's Apprenticeship; German culture; The Big Read; BBC; National Education Association; School Library Journal; The New York Times; Maxine Hong Kingston; Margaret Atwood; J.K. 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K.; ISBN; ISBN; ISBN; ISBN; ISBN; ISBN; School Library Journal; ISBN; ISBN; ISBN; doi; S2CID; Internet Broadway Database; Pierpont, Claudia Roth; ISBN; Deadline Hollywood; The Washington Post; Tatler; Edipresse; ISBN; ISBN; ISSN; ISBN; doi; ISSN; S2CID; doi; ISSN; S2CID; ISSN; ISBN; ISBN; ISBN; Wikisource; Standard Ebooks; Project Gutenberg; LibriVox; Internet Archive; v; t; Louisa May Alcott; Novels; A Long Fatal Love Chase; An Old-Fashioned Girl; Little Men; Work: A Story of Experience; Eight Cousins, or The Aunt-Hill; Rose in Bloom; A Modern Mephistopheles; Under the Lilacs; Jack and Jill: A Village Story; Jo's Boys; ; Short works; Flower Fables; Hospital Sketches; Behind A Mask or, A Woman's Power; Lost in a Pyramid; or, The Mummy's Curse; Miscellany; Transcendental Wild Oats; The Brownie and the Princess; Fruitlands; Orchard House; Hillside (The Wayside); Thoreau–Alcott House; Amos Bronson Alcott; Abby May Alcott; Anna Bronson Alcott; Elizabeth Sewall Alcott; Abigail May Alcott Nieriker; 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Mary Poppins (film),https://fr.wikipedia.org/wiki/Mary_Poppins_(film),"Pour les articles homonymes, voir Mary Poppins.
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 Julie AndrewsDick Van DykeDavid TomlinsonGlynis Johns
 Série The Cat That Looked at a King(2004) 
 Pour plus de détails, voir Fiche technique et Distribution. modifier  Mary Poppins est un film musical américain de Robert Stevenson adapté du roman éponyme de Pamela L. Travers et sorti en 1964. Mêlant prises de vues réelles et animation, il est considéré comme le 23e long métrage d'animation des studios Disney.
 Après une longue période de tractations entre Walt Disney et Pamela L. Travers pour obtenir les droits d'adaptation, la production du film commence en 1960 pour s'achever en 1964. Cette période fait l'objet d'un long-métrage de fiction sortie en 2013, Dans l'ombre de Mary de John Lee Hancock, avec Tom Hanks dans le rôle de Walt Disney. Révélant le talent de Julie Andrews et confirmant celui de Dick Van Dyke, Mary Poppins est l'une des productions Disney les plus chaleureusement accueillies par le public et la presse, remportant de nombreux prix, dont cinq Oscars, bien que certains spécialistes estiment que sa forme évoque les années 1940 plutôt que les années 1960. Le film est remarquable par plusieurs aspects, comme le traitement en « comédie musicale » ou le mélange entre prises de vues réelles et animation, même si l'activité originelle des studios Disney passe au second plan, phénomène qui s'amplifiera dans les décennies suivantes. 
 Réalisé à une période qui voit l'institutionnalisation des critiques dans une élite intellectuelle devenue le fer de lance des détracteurs de Disney, Mary Poppins est une œuvre-testament, couronnant la carrière de Walt Disney, qui meurt deux ans plus tard.
 Printemps 1910. Au-dessus de Londres, une jeune femme, assise sur un nuage, attend. Plus près du sol, Bert, homme-orchestre et ramoneur, divertit les passants à l'entrée du parc. Tous les jours à 18 heures précises, l'amiral Boom tire au canon depuis le toit de sa maison pour donner l'heure. Au courant de tout ce qui se passe dans le voisinage grâce à sa lorgnette, il avertit Bert que le temps est à l'orage, pointant vers la maison des Banks. 18 heures est l'heure où George Banks, un employé de banque affairé, rentre chez lui. Winifred, sa femme, le précède de quelques minutes, se félicitant des actions menées plus tôt avec ses sœurs suffragettes. Elle se heurte à Katie Nounou, la nurse des enfants Banks, qui lui donne sa démission à la suite d'une énième fugue de Jeanne et Michaël. M. Banks, heureux de rentrer chez lui, s'installe comme d'habitude dans son fauteuil avant de s'apercevoir qu'une chose manque à son rituel, ce que confirme sa femme : il manque ses enfants. Peu après, un policier sonne à la porte, ramenant les enfants et leur cerf-volant cassé après lequel ils avaient couru. Une discussion s'engage alors dans la famille pour définir les qualités de la nouvelle nurse qui va être embauchée. M. Banks a des idées bien précises, les enfants aussi, totalement opposées. M. Banks rédige une annonce, les enfants aussi… La première est publiée dans la presse, l'autre déchirée et jetée dans la cheminée. Un courant d'air entraîne cependant les morceaux déchirés par le conduit de cheminée.
 Le lendemain, de nombreuses nurses plus âgées et patibulaires les unes que les autres se présentent à l'entrée de la maison mais M. Banks souhaite n'ouvrir la porte qu'à l'heure prévue, pas avant. C'est alors que, descendant des nuages, se présente une nouvelle candidate : Mary Poppins. Elle provoque une forte bourrasque qui chasse les autres prétendantes, restant seule candidate. Sous l'œil étonné de M. Banks, elle sort l'annonce des enfants et poursuit par un discours qui le laisse sans voix. Désarçonné par l'aplomb de la jeune femme, il l'engage.
 Mary Poppins monte à l'étage pour rencontrer les enfants. Sortant de nombreux objets volumineux de son petit sac, elle parvient à les forcer à ranger leurs chambres en transformant cette tâche en jeu… et en usant aussi d'un peu de magie. Plus tard, le trio se rend au parc et y rencontre Bert, qui réalise sur le sol des dessins à la craie. Bert et Mary semblent se connaître de longue date et Bert, qui connaît les dons de magicienne de Mary Poppins, lui propose de se servir d'un des dessins (un paysage de campagne anglaise) comme portail vers un monde enchanté. Plongés dans ce nouvel environnement, les enfants courent vers une attraction et laissent Mary et Bert profiter de la balade, puis d'un café où ils sont servis par quatre manchots. Bert et Mary dansent avant de rejoindre les enfants sur un carrousel. Par magie, les chevaux se détachent du manège et entament une course dans la campagne, rattrapant une chasse au renard dans la plus pure tradition anglaise. Bert prend en pitié le renard et le fait grimper sur sa monture sauvant ainsi l'animal des chiens de chasse. La chevauchée se poursuit sur un champ de course, permettant à Mary de gagner l'épreuve qui s'y dispute. Pour justifier sa victoire dans une course hippique, alors qu'elle était sur un simple cheval de bois, Mary utilise le terme de « supercalifragilisticexpialidocious ». Mais les réjouissances sont interrompues par la pluie qui fait disparaître les dessins à la craie et rappelle les protagonistes à la réalité. Le soir, lorsque Jeanne et Michaël demandent à Mary combien de temps elle restera avec eux, elle répond : « jusqu'à ce que le vent tourne » avant de leur chanter une berceuse pour qu'ils s'endorment.
 Le lendemain, à la demande de Bert, les enfants et Mary se rendent en urgence chez l'oncle Albert, qui est collé au plafond à la suite d'une crise de rire. Albert leur propose de le rejoindre pour prendre le thé. Il raconte des blagues et l'hilarité permet à Bert puis aux enfants de s'envoler. Mary se joint momentanément à eux avant de leur rappeler qu'ils doivent partir bientôt, ce qui attriste et fait redescendre tout le monde. Le soir, apprenant les aventures de ses enfants de leurs bouches, M. Banks s'irrite mais Mary Poppins parvient à retourner la conversation en suggérant au père qu'il leur fasse découvrir le lieu où il travaille pendant qu'elle prend son jour de congé. Puis elle chante aux enfants une émouvante chanson sur une vieille femme qui vend des graines pour les oiseaux, au pied de la cathédrale Saint-Paul. Le lendemain, alors que M. Banks emmène ses enfants à la banque, ils croisent en chemin la vieille femme de la chanson mais M. Banks refuse que Michaël dépense ses deux pence pour acheter un sac de graines, comptant lui en faire faire un meilleur usage.
 Dans la banque, les collaborateurs de M. Banks, dont le vieux directeur M. Dawes Sr., tentent de persuader Michaël d'investir ses deux pence qu'ils lui arrachent des mains. Contrarié, l'enfant se met à crier, créant une panique dans la banque qui est contrainte de fermer pour éviter un krach boursier. Apeurés, les deux enfants s'enfuient et échouent dans les bas-fonds de Londres. Sur les bords de la Tamise, ils croisent, par chance, Bert qui a repris ses habits de ramoneur. Celui-ci réconforte les enfants et leur explique sur le chemin de la maison que leur père les aime, alors qu'eux trouvaient qu'il ne leur témoignait pas assez d'affection et semblait obnubilé par son travail.
 À la maison, Mme Banks accueille les enfants mais, devant se rendre à une nouvelle manifestation, elle trouve l'excuse d'employer Bert comme ramoneur pour qu'il s'occupe d'eux. Mary revient de son jour de congé et a à peine le temps d'avertir que le ramonage est source de danger que Bert et les enfants sont aspirés par la cheminée. Le groupe entame alors un voyage au-dessus des toits de Londres, suivi d'une danse avec d'autres ramoneurs qui s'achève dans la maison des Banks, jusqu'au retour du père. M. Banks chasse les ramoneurs et demande des comptes à Mary Poppins, qui lui répond qu'elle ne donne jamais d'explications. Il reçoit au même moment un appel téléphonique lui intimant de retourner à la banque immédiatement. Avant qu'il ne parte, les enfants viennent s'excuser pour leur conduite et Michaël lui offre ses deux pence.
 Sur le chemin de la banque, M. Banks commence à s'interroger sur la vie qu'il mène. Une fois devant le conseil d'administration, il est accusé d'être le responsable de la fermeture (temporaire) de la banque, chose qui ne s'était pas produite depuis le Boston Tea Party en 1773. Il est sûr de se faire renvoyer. Se remémorant le mot « supercalifragilisticexpialidocious », M. Banks, à la surprise générale, prend la chose avec détachement, donne les deux pence à M. Dawes Sr., raconte une blague de l'oncle Albert et part hilare. Derrière lui, le vieux Dawes comprend la blague et, éclatant de rire, s'envole.
 Le lendemain, la girouette de la maison de l'amiral Bloom indique que le vent a tourné. Chez les Banks, c'est l'affolement : George n'est pas rentré de la nuit et certains pensent au suicide. C'est alors qu'il apparaît, portant le cerf-volant réparé, auquel sa femme, rassurée, ajoute son écharpe de suffragette en guise de queue. Toute la famille quitte la maison pour le tester, sans voir Mary Poppins qui les observe depuis la fenêtre du premier étage. Au parc, ils rencontrent Dawes Jr. qui joue, lui aussi avec un cerf-volant et informe M. Banks que son père est mort… de rire. Nullement attristé par cette fin joyeuse, il propose à Banks de le reprendre comme associé. Alors que Mary Poppins s'envole vers de nouveaux défis, Bert, qui vend des cerfs-volants à l'entrée du parc, lui lance de loin un adieu en espérant qu'elle ne sera pas partie trop longtemps.
 Sauf mention contraire, les informations proviennent des sources suivantes : Leonard Maltin[3], John Grant[4], John West[5] et Internet Movie Database[6].
 et les voix de
 Sauf mention contraire, les informations proviennent des sources suivantes Leonard Maltin[3] et John West[5].
 Doublage réalisé par la Société parisienne de sonorisation (SPS) ; adaptation française : Louis Sauvat, chansons : Christian Jollet, direction artistique : Serge Nadaud, direction musicale : Georges Théry.
 Sources : Carton de doublage et Dans l'ombre des studios[8].
 Sauf mention contraire, les informations suivantes sont issues de l'Internet Movie Database[9].
 
 En Belgique, il a été diffusé pour la première fois le 24 décembre 1988[14] sur la RTBF.
 Mary Poppins est, au départ, une série de romans écrits par l'Australienne Pamela L. Travers dont le premier a été publié en 1934[15]. Au début des années 1960, la romancière entame le cinquième tome, Mary Poppins From A-Z, qui sort en 1963. L'histoire se passe à Londres à la fin de l'époque édouardienne, marquée par une dépression économique et une société en déclin[11]. Dans ses ouvrages, Pamela L. Travers décrit une famille de la classe moyenne, les Banks, tenaillée par des inquiétudes financières et qui possède la plus petite maison de la rue, délabrée et ayant besoin d'un ravalement. Elle n'en possède pas moins plusieurs domestiques : une cuisinière (Mrs. Brill), une lingère (Ellen), un valet (Robertson Ay) qui s'occupe de polir l'argenterie et les chaussures, et une nurse (Katie Nanna)[11].
 D'après Caitlin Flanagan, Walt Disney découvre Mary Poppins dans les années 1940 grâce à sa fille Diane[11],[16],[17], née en décembre 1933[18]. Pat Williams et Jim Denney écrivent que c'est en 1939 que Walt découvre pour la première fois ses deux filles lisant Mary Poppins[19]. John Grant raconte l'histoire suivante « Walt ramasse un livre posé par terre à côté de sa fille Diane et lui demande s'il est bien. Elle lui répond qu'il est très très bien et le presse d'en faire un dessin animé[4] ». Valérie Lawson propose une histoire différente : « une soirée avant Noël 1943, Walt est attiré dans la chambre de sa fille âgée de 11 ans par ses rires et elle lui montre le livre pour expliquer son hilarité[20] ». Neal Gabler ajoute que Walt découvrit sa femme lisant le même livre quelques jours plus tard et qu'elle riait aussi[21].
 Quoi qu'il en soit, Disney voit immédiatement le potentiel de l'histoire et cherche à en obtenir les droits d'adaptation au cinéma[11]. Il ne tarde pas à découvrir que l'auteur est une femme « revêche » (ou « difficile », selon les auteurs) et qu'elle a déjà rejeté l'offre de Samuel Goldwyn d'adapter son œuvre au cinéma[4],[11]. Pamela L. Travers semble convaincue que personne ne saurait rendre justice à ses personnages ou à leurs aventures[22]. En janvier 1944, Walt apprend que Pamela L. Travers est venue s'installer à Manhattan pour échapper à la Seconde Guerre mondiale qui ravage Londres où elle vivait[19],[16]. Walt envoie alors son frère Roy Disney à sa rencontre pour signer un contrat d'adaptation mais elle refuse au motif qu'elle ne conçoit pas Mary Poppins comme un personnage de dessin animé[19],[16] (entrevue datée de 1945 par Valérie Lawson[20]). Walt lui propose alors une adaptation en prises de vues réelles, mais sans succès[19]. En 1946, Pamela L. Travers accepte un contrat de 10 000 dollars avant de se rétracter, n'ayant pas de regard sur le scénario[23]. Au début des années 1950, Walt Disney profite de la visite d'un tournage au Royaume-Uni pour rencontrer en personne l'auteur[16]. Plusieurs offres se succèdent, dont une proposition de 750 000 dollars, puis la même somme avec un acompte de 100 000 dollars[23]. Durant les 17 années suivantes, Walt et Roy poursuivent leurs démarches et obtiennent finalement en 1960 son autorisation sous condition qu'elle choisisse le rôle-titre et valide le scénario[19],[4] - une première pour le studio[11].
 Selon Valerie Lawson, ce changement d'avis, qui survient en 1959, pourrait avoir deux raisons : d'un côté, elle perd son amie intime Madge Burnans[n 3] et apprend le décès du père de son fils adoptif ; de l'autre, elle reçoit un courrier de son avocat new-yorkais daté du 3 juillet 1959 lui faisant état de l'ultime offre de Disney[24]. Elle comprend plusieurs points, dont une demande de pré-scénario écrit par Pamela L. Travers pour le film, 100 000 dollars et un pourcentage sur les recettes de 5 %[11],[25]. En plus de lui recommander de le contacter[25], l'avocat appuie cette dernière clause et fait remarquer à sa cliente que les ventes des quatre livres sont limitées et que la seule autre source de revenus de Mlle Travers est un loyer de ses locataires[26] alors que les films Disney sont intemporels et peuvent être ressortis indéfiniment[25].
 Cette longue période de tractation fait l'objet d'un film intitulé Dans l'ombre de Mary (Saving Mr. Banks), réalisé par John Lee Hancock, avec Tom Hanks et Emma Thompson incarnant respectivement Walt Disney et Pamela L. Travers, et présenté au Festival du film de Londres en octobre 2013[27].
 Si Walt Disney ne s'est pas ou peu impliqué dans la production des précédents longs-métrages d'animations Les 101 Dalmatiens (1961) et Merlin l'Enchanteur (1963), il s'engage beaucoup pour ce film réalisé principalement en prises de vues réelles[17]. En avril 1960, un accord préliminaire est signé entre Disney et Pamela L. Travers, avec une convention en date du 3 juin pour une durée de six ans sur la base du scénario établi[28]. Pamela L. Travers dispose alors de 60 jours pour retravailler le script et elle s'adjoint l'aide du scénariste de télévision Donald Bull[28]. Elle respecte le délai[28] mais Disney n'en accuse réception par télégramme que le 20 décembre 1960 en lui proposant une présentation très rapidement[29].
 Décidant d'en faire une comédie musicale, Walt Disney assigne les frères Sherman à la première phase d'adaptation[19] dès septembre 1960 en leur demandant de lire les livres de Travers[16]. Le duo, composé de Richard et Robert Sherman, vient d'écrire les chansons pour La Fiancée de papa (1961), une de leurs premières collaborations avec Disney pour un long-métrage[30]. C'est à la fin de la présentation des deux premières chansons pour La Fiancée de papa que Walt Disney propose aux frères Sherman de composer les chansons de Mary Poppins[31].
 Richard et Robert Sherman lisent le premier roman de la série et sélectionnent six des douze chapitres, sélection qui s'avère identique à celle opérée par Walt Disney[32]. David Koenig et John West mentionnent une sélection de sept chapitres, communiquée deux semaines après leur assignation lors d'une réunion qui dura deux heures et demie au lieu de la demi-heure prévue[16],[22]. Un des premiers points relevés par Walt est qu'il est nécessaire d'expliquer aux Américains ce qu'est une « nounou »[11]. Il confie ensuite aux frères Sherman et à Don DaGradi, un de ses meilleurs scénaristes, le soin de retravailler l'histoire[32]. Ceux-ci comparent leurs productions respectives, chansons, musiques et storyboards et s'influencent mutuellement jusqu'à obtenir une version définitive qui est alors rédigée par Bill Walsh[32]. Plusieurs auteurs indiquent que Walsh a été impliqué très tôt dans le scénario, voire avant la composition des frères Sherman, mais John West précise que c'est une méprise[33]. Walsh est un vétéran du studio ayant scénarisé de nombreux comic strips de Mickey Mouse depuis 1943[34],[35] ainsi que des séries télévisées avant de passer aux longs-métrages en prises de vues réelles au début des années 1960[36].
 Une fois la composition entamée et la trame de l'histoire définie, Bill Walsh formalise le scénario et écrit la plupart des dialogues[37]. Walsh a toutefois grandement contribué au film, imaginant par exemple les scènes de la banque[33]. Comme décidé par Disney et les frères Sherman, il s'appuie essentiellement sur le premier roman de la série[28].
 Au début de l'année 1961, les frères Sherman ont déjà écrit plusieurs chansons et DaGradi a réalisé des centaines d'esquisses[11]. Ce sont surtout des chansons partielles avec des chœurs[38]. DaGradi a lui imaginé les prises de vues, depuis les angles de caméras aux axes de développement des personnages, travail qu'il avait réalisé sur les scènes des farfadets de Darby O'Gill et les Farfadets (1959) et le match de basket-ball de Monte là-d'ssus (1961)[33]. John West résume ainsi la participation de Walsh et DaGradi : 80 à 90 % des dialogues sont de Walsh et ce qu'on voit à l'écran depuis l'arrivée de Mary dans les airs à la fin du film en passant par Jolly Holiday est de DaGradi[33]. West ajoute que la vision de DaGradi fait écho à celle de Walt Disney et une des conséquences est l'absence, dans les films Disney, de deux acteurs simplement chantant en gros plan ; ils font toujours quelque chose, danser, bouger ou autre[33]. C'est durant une session pour définir le scénario d'une scène où Bert et Mary prenaient le thé que Walt Disney a divergé sur l'analogie entre les serveurs et les manchots[39]. Il a proposé d'avoir une scène avec des manchots tenant un rôle de serveur, en animation, dansant avec Bert, tandis que Mary Poppins assistait au spectacle[40].
 Le 13 février 1961, Disney invite Travers à venir discuter de ses propositions et valider ce qui a été réalisé, comme le stipule le contrat[11],[29]. Il ajoute dans sa lettre qu'elle peut rencontrer tous les participants au film (animateurs, scénariste et artistes) ainsi que voir les effets spéciaux prévus[29]. Il lui propose aussi de découvrir le parc Disneyland et d'assister à une projection privée de La Fiancée de papa (1961)[11]. Pamela L. Travers arrive en Californie fin mars et réside au Beverly Hills Hotel[29]. Cette visite permet de longues heures de discussions entre Walt et Pamela, qui se souvient surtout d'un échange[41]. Walt lui déclara : « Je pense que vous êtes très vaniteuse. – Oh, moi ? Oui ! » lui répondit-elle. Il s'est ensuivi une rapide joute verbale pour savoir qui en savait le plus sur Mary Poppins[41]. La romancière reste dix jours au studio pour discuter du scénario[42] et de la musique[43].
 Travers découvre ainsi que le personnage de Bert est développé par Disney bien au-delà du livre[44]. Le personnage de Mary Poppins a, lui, été adouci, devenant plus charmant et sympathique[45] alors que la Mary de Pamela L. Travers « n'est pas joyeuse, elle est acerbe, tranchante, rude, entière et futile[46] ». Malgré son désir de revenir sur certains éléments, Pamela L. Travers est confrontée « à la machine Disney déjà trop avancée pour pouvoir reculer[47] ». Elle se contente donc, le reste de son séjour, de répondre de façon détournée sans vraiment acquiescer, restant ferme seulement sur deux points : l'époque édouardienne et l'absence de relation amoureuse entre Mary et Bert[47]. Elle rédige également une lettre de neuf pages prévenant les auteurs de ne pas faire de Mary Poppins un garçon manqué[48]. Elle rentre à New York le 14 avril[48].
 À l'automne 1961, deux écueils surgissent, le premier est le film Babes in Toyland (1961) prévu pour Noël et dont la production est un désastre[49], la seconde est Pamela L. Travers elle-même[50]. La comédie musicale Babes in Toyland sert de galop d'essai pour Mary Poppins[51], mais le résultat est si mauvais que Walt Disney déclare que le studio ne sait peut-être pas faire des comédies musicales[50].
 Les vicissitudes rencontrées poussent Walt Disney à acheter par précaution les droits du roman The Magic Bed Knob de Mary Norton de peur que Pamela L. Travers ne stoppe l'intégralité du projet[52],[53]. L'adaptation de ce roman sera réalisée plus tard sous le nom L'Apprentie sorcière (1971). Les réticences de l'auteur ont évolué au point que Walt Disney aurait proposé de changer le scénario au profit de L'Apprentie sorcière[54], proposition datée de 1963[55].
 En parallèle de leur travail sur le scénario pour adapter en comédie musicale l'œuvre de Pamela L. Travers, les frères Sherman entament celui de composition, s'installant dans un petit bureau à Hollywood[16]. Ils expliquent que c'est lorsque Walt Disney leur a demandé d'inventer un mot plus fort que le superlatif qu'ils se sont rappelé le terme « supercalifragilisticexpialidocious », entendu dans leur enfance[56]. Richard se souvient avoir entendu un mot approchant lors d'un séjour en colonie de vacances dans les Adirondacks, dans les années 1930[39]. Richard explique que « super » fait référence à « en haut », « cali » à « beauté », « fragilistic » à « délicat », « expiali » à « expier » et « docious » à « éducables »[57].
 La première chanson achevée par les frères Sherman est Feed the Birds[33]. La plupart des chansons ont été créées pour satisfaire le scénario, mais ce n'est pas le cas pour toutes[40]. La chanson Chem cheminée est conçue en 1962 d'après une esquisse de cheminée et d'un ramoneur[32],[40]. L'esquisse de DaGradi montrait un ramoneur marchant dans le brouillard de Cherry Tree Lane avec son bras serrant son balai et sifflotant[40]. Elle était inspirée par un chapitre de Mary Poppins, et après quelques recherches, les frères Sherman découvrirent une légende sur les balais de ramoneurs qui apportaient chance et fortune[40]. Peter Ellenshaw, concepteur de décors d'origine britannique ayant réalisé plusieurs vues panoramiques de Londres pour les précédentes productions de Disney, propose aux frères Sherman, à la demande de Bill Walsh, un chant dans les pubs anglais nommé Knees up Mother Brown et leur fait une démonstration de danse dans son bureau[32]. Ellenshaw, Walsh et les Sherman la proposent ensuite à Walt dans son bureau, qui danse avec eux, et cette danse devient le numéro Step in Time[45]. Le thème du père, mi-parlé mi-chanté, de M. Banks descend en droite ligne de celui de Henry Higgins interprété par Rex Harrison dans My Fair Lady[58], comédie musicale qui avait lancé la carrière de Julie Andrews, quelques années plus tôt. Le travail de composition s'étale sur deux années et sur 35 chansons écrites ; seules 14 sont finalement sélectionnées[22]. Parmi elles, Nourrir les p'tits oiseaux devient la préférée de Disney[39],[59], au point qu'il versait, selon Neal Gabler, une larme à chaque fois qu'il l'entendait[59] tandis que Robert Sherman imaginait qu'elle supplanterait la Berceuse de Brahms[39]. La source d'inspiration de la chanson A Spoonful of Sugar provient du fils de Robert Sherman, Jeff, qui un soir annonce à son père en rentrant de l'école que c'était la journée de la vaccination contre la polio mais qu'il n'a pas souffert car le vaccin avait été placé sur une cuillère avec un morceau de sucre[39].
 D'après les frères Sherman, Pamela L. Travers aurait toutefois été insatisfaite de leurs compositions, préférant les chansons originales de l'époque comme Ta Ra Ra Boome De Ay[43], popularisée en France par Polaire et Jeanne Bloch. Les chansons du film sont interprétées dès 1964 par des artistes aussi variés que le Cheltenham Orchestra and Chorus et Duke Ellington[56]. La chanson la plus difficile à composer est, selon les frères Sherman, le final, Laissons-le s'envoler (Let's Go Fly a Kite)[40]. La solution a été trouvée par les compositeurs en se replongeant encore une fois dans leur enfance, quand leur père les emmenait faire du cerf-volant dans le Roxbury Park à Beverly Hills[49]. C'est cette chanson qui a ajouté au film les deux scènes, au début et à la fin du film, avec un cerf-volant en forme d'épanadiplose[49].
 
 modifier  La bande originale éditée en 1964 par Buena Vista Records comprend des musiques et paroles de Richard M. Sherman et Robert B. Sherman orchestrées par Irwin Kostal[60].
 Pour les autres bandes sonores tirés du film, voir la section dédiée.
 Une liste des chansons inutilisées est fournie par David Koenig, certaines ayant été reprises dans d'autres productions Disney. Il cite ainsi une longue séquence intitulée The Magic Compass et composée de plusieurs chansons illustrant les différents pays explorés par Mary Poppins et les enfants[61] :
 Cette longue séquence musicale avait pour origine un compas magique qui permettait de se rendre partout dans le monde et, selon John West, devait être merveilleuse, mais Walt Disney l'a considérée comme superflue et étrangère à l'histoire principale, d'où sa suppression[49].
 Parmi les autres chansons écartées, on trouve :
 Ces chansons supprimées n'ont jamais été traduites en français. Elles sont disponibles sur l'album The Legacy Collection : Mary Poppins (2014), avec des morceaux interprétés par Richard M. Sherman et la chanteuse Juliana Hansen.
 Le scénario a modifié l'histoire originale en de nombreux passages. Le résultat est une adaptation libre qui met en avant la fantaisie, le sentiment et l'humour, l'ensemble étant épicé par des chansons entraînantes, des danses énergiques et des effets spéciaux à la pointe du progrès[37],[65]. Un des premiers choix des frères Sherman est de changer la période de l'histoire. Celle de la Grande Dépression étant trop triste, ils envisagent l'année 1917 et la fin de la Première Guerre mondiale avant de choisir l'époque édouardienne[38]. Un autre changement est l'ajout d'un pendant masculin à Mary Poppins[40]. Le livre de Travers présente Bert, l'artiste de rue, et Robertson Eye, un homme à tout faire, ainsi que le ramoneur ajouté par les frères Sherman avec leur chanson[40]. Walt Disney propose alors de regrouper les trois dans Bert, qui devient un touche-à-tout avec son propre thème musical[40].
 Christopher Finch indique que les spectateurs qui attendaient une adaptation fidèle des histoires de Travers ont dû être déçus, convenant que « ses délicates fantaisies fonctionnent à merveille avec des mots mais que ces artifices littéraires ne peuvent se traduire en images qu'au prix de changements considérables[66] ». Si Pamela L. Travers et Donald Bull avaient sélectionné 17 scènes dans trois livres différents pour leur scénario préliminaire[42], Bill Walsh et Don DaGradi n'ont, eux, retenu que trois scènes et inventé de nouvelles aventures[42]. Finch explique que Walsh et DaGradi ont dû fournir au film une structure et que cela n'a été possible qu'en modifiant le matériau brut par quelques ajouts[66]. David Koenig et John West reprennent les termes de Richard Sherman et écrivent que le problème vient du livre, que le roman n'a pas de continuité dans son histoire et se résume à une « succession d'incidents »[16],[67].
 Selon Valerie Lawson, auteur d'une biographie de Pamela L. Travers qui sert de base aux documentaires The Real Mary Poppins et The Shadow of Mary Poppins de Lisa Matthews[68], « le film ne possède pas la mystique et la symbolique du livre[69] ». Elle cite quelques différences[70] : lorsque Mary Poppins approche de la maison, elle contrôle le vent et non l'inverse, c'est M. Banks qui mène l'entretien d’embauche et non sa femme.
Bien qu'il traite d'une famille de la middle-class à Londres en 1910, le fait qu'il soit écrit par une équipe d'hommes américains au début des années 1960 se ressent[11]. Le nœud gordien du scénario est, comme l'écrit Caitlin Flanagan, pour Mme Banks, « de trouver une solution à une crise pire pour son esprit maternel que l'infidélité de son mari ou une banqueroute : trouver une nounou[11] ». Le public retient surtout que Mary Poppins cherche à transformer le cuistre Banks en un père américain affectueux des années 1950-1960[11]. Flanagan note aussi que les revendications de suffragette de Mme Banks tournent court, une banderole devenant une queue pour le cerf-volant[11].
 Lors de la production, le studio Disney et Pamela L. Travers ont échangé de nombreux courriers conservés à la State Library of New South Wales de Sydney, parmi les manuscrits originaux et les effets personnels de l'auteur[71]. Ainsi Travers prévient Disney qu'il risque de perturber le public s'il ne fait pas apparaître les jumeaux des Banks, mais elle lui concède que les Banks ne doivent pas parler de Mary Poppins en usant de son seul prénom, comme il est fait dans le livre[44]. D'autres éléments sont sujets à controverse. Pamela L. Travers ne voulait pas de rouge dans le film jusqu'à ce que Don DaGradi lui rappelle que c'est la couleur officielle de la poste et des téléphones britanniques[67].
 La scène intitulée It's a Jolly Holiday with Mary est basée sur une nouvelle intitulée Mary Poppins and the Match Man publiée en novembre 1926 et où apparaît le personnage de Mary Poppins pour la première fois[72], remaniée et intégrée huit ans plus tard sous le titre de chapitre The Day Out au roman[73]. Ce choix de Disney pour la scène centrale du film irrita toujours l'auteur car elle considérait ce chapitre comme le moins abouti des aventures de Mary Poppins sans pour autant donner d'explications[73]. Pamela L. Travers demanda aussi - en vain - que M. Dawes Senior ne meure pas et passe plutôt la fin de sa vie à la retraite en train de rire[74].
 Le script final a été envoyé par Disney à Pamela L. Travers en février 1963 avec ses propositions pour les acteurs[75]. Même si certains avaient déjà été choisis, une confirmation de Travers était nécessaire afin d'honorer la promesse qui lui avait été faite d'utiliser principalement des acteurs anglais[76]. Pour chaque rôle, plusieurs acteurs avaient été pressentis :
 Le premier choix de Walt Disney pour Mary Poppins est Bette Davis mais elle est américaine, dans la cinquantaine et ne chante pas[52]. Disney propose alors le rôle à Mary Martin, vedette de Broadway ayant notamment créé, entre autres, les comédies musicales South Pacific (1949), Peter Pan (1954) et La Mélodie du bonheur (1961), mais celle-ci décline le rôle[77],[52]. Lors de son séjour en Californie, Pamela L. Travers propose l'actrice Julie Harris[77]. C'est la secrétaire de Disney qui évoque, la première, le nom d'une jeune actrice : Julie Andrews[78]. Celle-ci, après avoir créé de façon triomphale la comédie musicale My Fair Lady[n 4] à Broadway en 1956[79],[80], vient de participer à la célèbre émission télévisée The Ed Sullivan Show pour y faire la promotion de la nouvelle création du tandem Loewe-Lerner, Camelot[54], dans laquelle elle incarne la reine Guenièvre[81],[82].
 En août 1961[77], Walt Disney se rend à New York pour la voir sur scène et lui propose le rôle dès le lendemain[83]. Valérie Lawson précise que c'est la chanson What Do the Simple Folk Do ? qui l'a convaincu de l'engager[83] (même si elle situe, quant à elle, cette rencontre au printemps 1962)[84]. Le fait que Julie Andrews sache siffler est aussi une des raisons de sa participation[85]. Grant ajoute que le rôle était parfait pour elle qui avait incarné, dans ses premières années, des rôles de princesses de contes de fées adaptés par les studios Disney comme Cendrillon ou Blanche-Neige[56].
 Mais Julie Andrews refuse car elle est enceinte et attend, de plus, la réponse de Warner Bros. qui prépare l'adaptation cinématographique de My Fair Lady[4],[83]. Disney lui propose néanmoins de visiter le parc Disneyland et les studios, ainsi que d'engager Tony Walton, son mari, comme consultant pour les costumes sur le film[83],[86].
 Après avoir entendu les chansons des frères Sherman où elle retrouve le style vaudeville de ses débuts[83], Andrews accepte le rôle, d'autant qu'elle apprend que la Warner Bros. lui a finalement préféré Audrey Hepburn pour le rôle principal de My Fair Lady[78],[80],[85], ne la jugeant pas suffisamment photogénique et ne voulant pas prendre le risque de confier le rôle-titre d'une superproduction à une débutante à l'écran[n 5].
 Disney l'engage pour un cachet de 150 000 dollars mais doit encore convaincre Travers[87]. Julie Andrews donne naissance à sa fille Emma le 27 novembre 1962, deux mois après son retour à Londres[88]. Le lendemain, Pamela L. Travers, pressée de voir celle qui incarnera Mary Poppins, se rend à la maternité[n 6] et demande à parler à Andrews, mais la jeune mère est trop faible[87]. Elle propose alors un dîner, quelques semaines plus tard, et sa première remarque à Andrews est qu'elle a « le bon nez pour jouer Mary Poppins[87],[82] ». Ce qui ne rassure qu'à moitié Julie Andrews, qui a peur de voir son nez sur grand écran, comme elle le confiera en janvier 1965 au magazine Showtime [78].
 Pour le rôle de Bert, bien plus développé que dans le livre, Walt envisage d'abord Cary Grant, refusé par Travers, puis Laurence Harvey et Anthony Newley[86]. D'après une interview de Walt Disney donnée au Ladie's Home Journal en octobre 1963, le choix de Dick Van Dyke a été motivé par une interview où l'acteur déclarait qu'il ne ferait que des films qu'il pourrait voir avec ses enfants[89]. Walt Disney le choisit après avoir regardé un épisode de l'émission que Van Dyke anime sur CBS[90]. Van Dyke propose aussi de jouer gratuitement le rôle de M. Dawes Sr. quand il apprend que le rôle n'était pas attribué[90]. En réalité, les syndicats ne permettant pas ce genre d'accord, Van Dyke fut payé 4 000 dollars, somme qu'il reversa au California Institute of the Arts[91].
 Pamela L. Travers propose Margaret Rutherford pour la femme aux oiseaux et Karen Dotrice pour Jane[44]. La prestation de la jeune Karen, fille de Roy Dotrice dans Les Trois Vies de Thomasina (1963), est tellement appréciée par les studios qu'elle est invitée en Californie et engagée aussitôt[76],[92],[93]. Le film Les Trois Vies de Thomasina, sorti de façon limitée en décembre 1963, fait partie des productions Disney tournées au Royaume-Uni[94] avec des acteurs majoritairement locaux.
 Jane Darwell, l'inoubliable Ma Joad des Raisins de la colère (1940), est choisie pour le rôle de l'émouvante « femme aux oiseaux[75] ». Elle vit alors dans une maison de retraite pour acteurs et ne peut plus marcher[95]. Ce sera son dernier film[75].
 David Tomlinson et Glynis Johns interprètent les parents Banks. Selon Maltin, Tomlinson parvient « à ne pas transformer le père en un méchant » alors que Glynis John est « une actrice qui éclaire l'écran lorsqu'elle apparaît, même quelques minutes » ; elle rend ainsi la scène de la chanson « Les Sœurs suffragettes » mémorable[93]. Glynis Johns avait déjà travaillé pour Disney lors de deux films des années 1950 produits par Walt Disney British Films, La Rose et l'Épée (1953) de Ken Annakin, dans le rôle de Mary Tudor, et Échec au roi (1953) d'Harold French. Lors de sa première audition, Glynis John pensait interpréter le rôle de Mary Poppins, mais Walt Disney la détrompe en prétendant que les frères Sherman avaient composé une magnifique chanson pour elle, en tant que Mme Banks[61],[95],[96]. Informés de ce mensonge, les deux frères remanient la chanson Practically Perfect, prévue initialement pour Mary Poppins mais écartée, qui devient Sister Suffragette[61],[95],[96].
 Arthur Treacher et Reginald Owen, deux vétérans du cinéma, jouent des rôles mineurs mais mémorables, tandis qu'Ed Wynn interprète un rôle conçu sur mesure pour lui : celui d'un homme qui ne peut s'empêcher de rire[93].
 Walt Disney choisit Robert Stevenson comme réalisateur en raison de ses précédentes productions pour le studio, dont Darby O'Gill et les Farfadets et Monte là-d'ssus[97]. Mais ce choix se fait au détriment de Ken Annakin, qui avait travaillé pour les studios Disney au Royaume-Uni au début et à la fin des années 1950 et cherchait à obtenir les droits d'adapter Mary Poppins[97]. La direction artistique ou les effets spéciaux sont confiés, entre autres, à des vétérans du studio dont William H. Tuntke, Emile Kuri, Peter Ellenshaw ou Robert Mattey[97]. Arthur J. Vitarelli est à nouveau le réalisateur pour les scènes avec des éléments volants[97]. D'après Dave Smith, les seuls employés non Disney, en dehors des acteurs, sont les chorégraphes Marc Breaux et Dee Dee Wood[10].
 Le tournage commence en mai 1963 pour s'achever en septembre[98]. Le film est entièrement tourné dans les studios de Burbank[10]. Christopher Finch mentionne des scènes aux décors simplistes qui ne dépareraient pas dans un théâtre de Broadway[66]. Le jardin et les toits de Londres sont reconstitués dans le « Stage 2 » d'une superficie de 31 200 pieds carrés (2 899 m2)[99]. Le 2 août 2001, à l'occasion des 50 ans de sa construction, le bâtiment sera baptisé « Julie Andrews » en l'honneur de l'actrice[100].
 Selon les souvenirs de Tom Leetch, assistant réalisateur sur le film, le tournage a été aussi difficile que l'écriture du scénario, avec de nombreuses répétitions en raison du souci du détail, avec Walt Disney présent quotidiennement sur le plateau[1]. Selon Karen Dotrice, il était présent tous les jours sur le plateau pour être sûr que l'esprit reste joyeux[86]. Les scènes étaient reprises pour un décalage de quelques centimètres et répétées durant une semaine ou dix jours avant d'être faites en costumes[1]. Pour Leetch, c'était plaisant mais très lent[1]. À la demande de Pamela L. Travers, la jupe de Mary Poppins est même commandée à un atelier de Kensington Road à Londres[52]. Afin de pouvoir répéter au mieux, une maquette des toits de Londres a été fournie aux chorégraphes et reproduite grandeur nature dans une salle de répétition[101]. La scène Step in Time faillit être coupée à la suite d'une suggestion de Walt Disney, mais elle a été conservée car elle participait à l'ensemble du film[102].
 Côté ambiance de tournage, Walt Disney avait fait en sorte que tout se passe bien et, d'après Arthur Vitarelli, les seuls accrocs étaient dus à l'incompatibilité entre les styles de Robert Stevenson et Dick Van Dyke[101]. Stevenson est très carré, ne tournant que quelques secondes, alors que Van Dyke, plus libre, se sentait frustré par des prises si courtes[101]. Vitarelli a, lui, reculé quand Van Dyke insistait pour jouer les scènes sans doublure[101]. Valérie Lawson indique que, tandis que les acteurs dansaient dans les studios Disney avec des manchots, l'auteur Pamela L. Travers essayait de se libérer de son anxiété en pratiquant la méditation sur des tatamis à Kyoto[65]. Travers était intriguée depuis de nombreuses années par la photo d'une statue de Bouddha au temple Kōryū-ji et l'argent remis par Disney lui a permis de faire plusieurs séjours en Asie dès juillet 1961 à Bangkok puis au Japon[103].
 La technique du procédé à la vapeur de sodium (ou « écran jaune ») utilisée pour mélanger animation et prises de vues réelles n'est pas une première et est portée au crédit d'Ub Iwerks dès Mélodie du Sud[104], elle est utilisée par les studios Disney dès les années 1920 pour la série de courts-métrages Alice Comedies mais aussi dans les années 1940, notamment avec Mélodie du Sud (1946)[105]. Mary Poppins combine dans le même esprit personnages vivants et animés dans des décors réels ou dessinés[105],[106]. Cette technique valut à l'équipe qui la mit en place l'Oscar des meilleurs effets visuels de 1965.
 D'après Ward Kimball, Walt Disney appréciait les films en prises de vues réelle dans lesquels on pouvait insérer des effets d'animation, tels qu'une voiture volante, ce qu'il réalisa dans Monte là-d'ssus (1961)[101],[107]. Techniquement, ces effets combinent des acteurs ou des objets suspendus par des câbles, des miniatures, des décors peints et des ajouts au montage[107]. John West précise que, par certains côtés, ces filins sont de grandes balançoires[101]. Selon les producteurs de Monte là-d'ssus, l'utilisation de câbles obligeait le tournage en noir et blanc, choix repris pour Après lui, le déluge (1963) mais, rapidement, la technique évolue et, pour Mary Poppins, le tournage se fait en couleurs[108]. Durant une répétition, les câbles utilisés par la doublure de Dick Van Dyke pour le faire voler se sont rompus, heureusement sans qu'il soit gravement blessé[109]. La séquence des nounous repoussées par le vent devait initialement être faite en animation, mais Vitarelli a obtenu l'accord pour la réaliser avec des acteurs et des filins[102].
 L'une des techniques habituelles, la rétro-projection, impliquant le tournage des acteurs après l'animation, est écartée au profit du tournage des prises de vues réelles, sur lesquelles les animateurs ont ajouté par la suite les rôles secondaires animés[105]. Ub Iwerks est autorisé à acheter, pour 250 000 dollars, un nouveau procédé de matte painting non précisé[110] mais assimilable à l'image latente. Iwerks serait aussi le responsable des effets spéciaux de la scène où Mary Poppins vole au-dessus des toits de Londres[106]. Walt Disney déclara au réalisateur Robert Stevenson qu'il ne devait « pas s'inquiéter de ce que les animateurs étaient capables ou non de faire, parce que sinon ces gars vont le surpasser[105]. » Les animateurs ont critiqué les choix du réalisateur, Franklin Thomas et Ollie Johnston évoquent l'espace qui limite le nombre des manchots et l'angle de prise de vue ne permettait pas de les mettre à leur avantage[105]. Une autre conséquence est l'aspect plat des animations par rapport aux acteurs, ainsi que l’impossibilité d'avoir la même luminosité[111]. Robert Broughton, artiste des effets spéciaux photographiques, est crédité de façon posthume pour la composition cinématographie des peintures matte en couleur permettant à Dick Van Dyke de danser avec les pingouins[112].
 Le film utilise également d'autres effets spéciaux visuels. Robin Allan mentionne les décors d'époque édouardienne et les peintures sur miroir réalisées par Peter Ellenshaw[17]. Le film utilise aussi l'enregistrement image par image et le défilement inversé, par exemple pour la scène de la nursery où Jane voit ses jouets revenir dans leur coffre de rangement[93]. Cette scène est, pour Leonard Maltin, celle où les effets spéciaux sont les plus visibles, du moins compréhensibles[93]. L'ensemble des techniques mises en œuvre pour le film fait dire à Richard Schickel qu'elles ont rendu le film possible[106] et à Christopher Finch qu'« il n'aurait jamais pu être réalisé ailleurs [que chez Disney][66]. »
 Le film totalisant 139 minutes, il est question de supprimer les scènes de la berceuse Stay Awake et de l'oncle Albert, qui sont finalement conservées[113], la première tenant particulièrement à cœur à Julie Andrews.
 On peut relever quelques faux raccords dans le film[114] :
 Pamela L. Travers avait explicitement refusé toute utilisation de l'animation[45] mais comme le fait remarquer Diane Disney, son père Walt avait tout de même préparé le terrain au cas où il souhaiterait le faire… et il l'a fait[43]. L'idée de l'utiliser serait venue à Walt Disney lors de l'écoute de la chanson Jolly Holiday qui comprend un quatuor de garçons de café[43]. Ceux-ci faisant toujours penser à Walt à des manchots, il demanda de transformer la séquence en animation[43].
 Finalement, le film comporte deux séquences d'animation, un peu comme Mélodie du Sud (1946)[45] que Disney projeta à ses animateurs pour les convaincre[110]. La première, longue, commence dans la nursery avant d'entraîner les enfants, Bert et Mary dans des aventures fantastiques ; la seconde, plus courte, intervient lors de la scène de la femme aux oiseaux[56]. Pamela L. Travers demanda en vain la suppression de la première[43]. La seconde séquence est le reste d'une scène plus longue coupée au montage, mais retrouvée par l'archiviste Dave Smith et conservée aux Walt Disney Archives[56].
 L'animation, qui a pris onze mois, a été réalisée après le tournage[98] sous la supervision d'Hamilton Luske, à qui l'on doit aussi Pinocchio et Fantasia (1940) et, dans les années 1960, qui avait de plus en plus la charge des séries télévisées en prises de vues réelles[115].
 Aucun des personnages animés ne porte de nom ; ils apparaissent souvent en groupe, comme la paire de tortues utilisées par Mary et Bert comme rocher pour traverser un ruisseau ou les quatre manchots garçons de café[56]. À propos des manchots, Frank Thomas explique, en 1981, lors d'un entretien pour Rox et Rouky, qu'il s'était renseigné sur les manchots, avait découvert qu'il y avait 26 espèces de sphenisciformes et que le studio voulait simplement ce que le public pensait être un manchot[56]. Il y a aussi les cinq membres du groupe Pearly Band qui servent de choristes pour la chanson Supercalifragilisticexpialidocious[56]. Grant ajoute aussi que la bande de reporters-journalistes entourant Mary Poppins après sa victoire sont plus inspirés des vieux films avec de longs imperméables, des blocs-notes et autres signes distinctifs que des véritables journalistes[116]. Les voix de la plupart des animaux sont celles des acteurs habituels doublant les dessins animés du studio, dont Ginny Tyler qui fait les sifflements[7].
 Quelques personnages apparaissent seuls, comme le garde du carrousel ou la vraie star de la séquence animée : le renard poursuivi par le chasseur[56]. Mais ce renard ne ressemble pas aux autres futurs renards de Disney, comme Rox dans Rox et Rouky (1981) ou Robin dans Robin des bois (1973)[56]. Le renard de Mary Poppins est petit et famélique, mais déterminé à survivre, attirant l'empathie du public[56]. Sa voix originale est celle de Dal McKennon, ayant un fort accent irlandais[116].
 Finalement, la production du film aura duré quatre ans[45] et coûté entre 5[65] et 5,2 millions de dollars[117].
 En raison de son utilisation comme timbre, on sait que l'affiche originale du film est l'œuvre de Paul Wenzel[118]. Une campagne publicitaire assez importante accompagne le film avec pas moins de 46 sociétés partenaires[89],[119] à la suite de la signature, par Pamela L. Travers en 1961, d'une longue liste de produits dérivés[47]. La chanson Un morceau de sucre (A Spoonful of Sugar) est ainsi l'occasion d'une campagne de la National Sugar Company avec des personnages Disney[119],[89].
 Chaque département de Disney est appelé à promouvoir le film[120]. Jimmy Johnson à la tête de Walt Disney Records supervise la création d'un dossier de presse musical avec la bande originale, un synopsis de l'histoire, des fiches sur les acteurs illustrées par des images du film et des partitions des chansons[120]. Un mois après l'envoi de ce dossier, sans retour de maison de disques, Disney Records organise des visionnages du film encore inachevé à New York et Burbank[120]. Toujours sans succès, en juin 1964, Johnson contacte Louis Prima, alors en concert à Las Vegas pour enregistrer deux chansons, dont A Spoonful of Sugar, mises sur un disque et envoyées aux stations de radio[120].
 La première mondiale de Mary Poppins a lieu au Grauman's Chinese Theatre à Hollywood, le jeudi 27 août 1964[10],[11],[37],[98],[119],[102],[121],[122]. La soirée est digne des plus importantes productions Disney, les spectateurs étant accueillis par Mickey Mouse, Dingo, Blanche-Neige et les 7 nains, ainsi qu'une troupe de douze ramoneurs, des agents de sécurité habillés en bobbies et des hôtesses du parc Disneyland[11],[123],[124].
 Toutefois, selon John West, le studio n'avait pas organisé de soirées de ce genre depuis Blanche-Neige et les Sept Nains en 1937[102]. Le succès est total, avec une standing ovation de cinq minutes, tandis que Pamela L. Travers « pleure de joie artistique... ou financière » pour ses 5 % des revenus[11]. Elle fait toutefois deux remarques, l'une sur le personnage de Bert et l'autre sur la séquence d'animation qui ne la satisfont pas, mais Walt lui répond qu'il est trop tard pour changer quoi que ce soit[98]. Après la première, le film est sorti dans quinze villes américaines clés avant d'être diffusé plus largement[122].
 Hollis Albert, dans le Saturday Review, évoque « l'un des plus magnifiques exemples de divertissement venus d'Hollywood[93] ». Bosley Crowther cite un extrait du film : « les gens presque parfaits ne permettent pas à leurs sentiments de brouiller leurs sensations » et considère qu'être pratiquement est irrésistible[93]. Le Time écrit que Mary Poppins retourne durant ses jours de congés à Oz et que pour réaliser un meilleur spectacle [que Le Magicien d'Oz (1939)], Disney a utilisé l'ensemble de la machinerie magique à sa disposition[93]. Lyndon B. Johnson, alors président des États-Unis, promet que le film va réconcilier une nation brouillée avec son concept de « Grande Société »[125]. Judith Crist, critique au New York Herald Tribune et l'émission Today, écrit que « le cinéma a été inventé pour montrer des scènes comme la danse des ramoneurs[58],[126] ». Maltin cite un extrait de sa critique[93] :
 « Les danseurs surpassent la magie des effets spéciaux techniques du film. […] Mlle Andrews est superbe dans le chant, la danse, la comédie et au cœur de tout (trop belle pour être Mary Poppins ? C'est une critique faite par un aigri qui ne sait pas que Mary Poppins est jeune et belle parce que tous ceux aimés par les enfants le sont). Et le Bert de Dick Van Dyke révèle que ses dons de danseur n'ont jamais vraiment été exploités avant, principalement parce qu'ils sont sans limites. Regardez la distribution au générique de fin pour plus de preuve. »
 Judith Crist évoque le fait que Dick van Dyke a interprété deux personnages dans le film, Bert le ramoneur mais aussi un membre du comité de direction de la banque, le très âgé M. Dawes Senior[93],[74]. Le Hollywood Reporter souhaite au film de se placer dans les quatre ou cinq meilleurs films de tous les temps mais évoque le fait étrange que, dans certains cercles intellectuels, le talent artistique de Disney est reconnu mais embarrasse et que le nom Disney est presque vu comme une maladie honteuse[126].
 D'autres critiques sont plus acerbes. La plus virulente est Frances Clarke Sayers[n 7] qui déclare que « le côté acerbe de Mary Poppins, imprévisible, plein de mystères et de magie, devient par le traitement de M. Disney un grand gros chamallow recouvert d'une touche de crème[4],[127],[128],[129] ». La plupart des spécialistes de Disney, comme le très critique Richard Schickel qui cite Frances Clarke Sayers, désapprouvent ces propos, John Grant allant jusqu'à écrire que la suppression de la causticité du livre transforme le film en « un délice »[4]. L'éditorialiste du Kansas City Star de l'époque titre même « Voici un film pour pourrir votre soirée[89] », évoquant ces cercles dont on voudrait bien faire partie mais qui vous expulseront à la seule mention du film[126].
 Dopé par les nombreuses critiques favorables et par une importante campagne publicitaire, le film est accueilli par le public comme aucun autre auparavant[93]. C'est l'un des plus importants succès dans l'histoire des studios Disney, tant au niveau critique que financier[3]. Pour Grant, il bat tous les records du box-office, a été applaudi par les critiques et marque le sommet de la carrière de Julie Andrews[4]. Pour Finch, la clé de la réussite de Julie Andrews, qui est plus jeune et glamour que la Mary Poppins de Pamela L. Travers, ne tient pas que dans ses qualités vocales et en danse, mais est surtout d'avoir réussi à paraître impeccable et collet monté alors qu'elle est perpétuellement au bord d'une malicieuse folie[66].
 Lors de sa sortie initiale, le film récolte d'importantes recettes, même si les chiffres varient d'un ouvrage à l'autre : Cobbett Steinberg évoque 28,5 millions de dollars[130], Leonard Maltin et Steven Watts mentionnent 31 millions aux États-Unis[89], Maltin ajoutant 45 millions à l'international[131], Pat Williams et Michael Barrier donnent le chiffre de 44 millions de dollars[98],[121] tandis que Richard Schickel indique 45 millions de dollars pour les États-Unis et le Canada[132]. Neal Gabler cite 50 millions à l'international dont 30 millions aux États-Unis[117] tandis que Valérie Lawson cite le chiffre de 75 millions de dollars[65]. La journaliste Hedda Hopper, de CBS, évoque la rumeur prétendant que Walt Disney avait envisagé de vendre ses studios et son parc à thèmes à CBS pour prendre sa retraite, mais qu'avec le résultat du film, il pourrait racheter CBS[133].
 De nombreux produits dérivés, livres, enregistrements et jouets ont accompagné le film et augmenté les revenus des studios[131],[119]. La novélisation du film aurait même été vendue cinq fois plus que le roman original republié à l'occasion par l'éditeur de Travers[119],[134].
 Jimmy Johnson précise que les ventes de disques n'ont réellement débuté qu'en 1965[122]. Pour l'édition de la bande originale du film, Walt Disney est approché par RCA Records et Columbia Records, mais Roy Disney décline les offres au profit de leur propre label qui, du coup, pulvérise ses ventes[135] avec deux millions d'exemplaires, en 1965[136],[137]. Jimmy Johnson, Tim Hollis et Greg Ehrbar mentionnent l'édition d'une version « seconde distribution » publiée par Disneyland Records avec Marni Nixon interprétant Mary Poppins[138],[139]. Les secondes distributions sont un phénomène assez courant dans les années 1960 où des chanteurs professionnels, ici sous contrat avec Disney, ont enregistré les chansons issues du film. Marni Nixon avait assuré le doublage chanté d'Audrey Hepburn pour le film My Fair Lady[139]. Hollis et Ehrbar créditent Bill Lee (Bert), Pamela Shannon et le compositeur Richard Sherman (oncle Albert)[140]. Elle s'écoule à un million d'exemplaires et la version racontée à un demi-million[136], cette dernière étant narrée par Robie Lester[141]. Duke Ellington enregistre même un album intitulé Duke Ellington Plays Mary Poppins les 6, 8 et 9 septembre 1964 à Chicago[122],[142]. Jimmy Johnson précise que, parmi les nombreux disques sortis, seule la bande originale était demandée par le public et seule la version de Ray Conniff a eu une place dans les classements[143]. Le succès musical du film a forcé le studio à ne plus jamais négliger l'édition musicale d'un film[143].
 Après sa sortie américaine, le film a fait l'objet d'une première européenne au Leicester Square Theater le 17 décembre 1964 en présence de Julie Andrews, Pamela L. Travers, David Tomlinson et Hermione Baddeley, mais sans Walt Disney[144]. Le succès est moins important, la critique et la population britanniques n'étant pas réceptives à la vision acidulée américaine[144].
 Lors de la sélection pour les Oscars, deux chansons du film ont été présélectionnées, ce qui, selon Jimmy Johnson, était une première, avec un risque de dilution des voix[139]. Le studio a donc décidé d'augmenter la diffusion de Chem cheminée sur les radios de Californie, où vivent au moins 175 des membres de la commission musicale, et réduire la diffusion de A Spoonful of Sugar durant le mois entre la présélection et la sélection officielle pour favoriser la première au détriment de la seconde[139]. Julie Andrews reçoit un Oscar pour son interprétation, car elle a réussi, selon Maltin, à capturer chaque nuance du personnage et non, malgré ce que certains ont pu dire, par compassion ou comme un camouflet à Jack Warner qui avait refusé de l'engager pour My Fair Lady[58]. Dick Van Dyke a lui aussi démontré l'étendue de ses talents, bien plus vaste que ce que les téléspectateurs pouvaient imaginer, dont une faculté de parler aux enfants sans condescendance[58]. Selon Jimmy Johnson, il n'a jamais été aussi bon avant ou après[120]. Au total, le film a été nommé 13 fois aux Oscars 1965 et a obtenu 5 prix[131] : Meilleure actrice, Meilleurs effets visuels, Meilleur montage, Meilleure musique originale et Meilleure chanson originale. Jimmy Johnson précise qu'il est rare que la bande originale d'un film et une chanson du même film reçoivent toutes les deux un oscar[145].
 Jimmy Johnson mentionne un contrat de licence musicale signé en 1965 avec la société japonaise Nippon Columbia comprenant une adaptation en japonais de la bande originale de Mary Poppins (1964) et des versions anglophones qui se sont vendues par milliers alors que le film ne sortait qu'en décembre 1965[146].
 Après la sortie du film et son succès, Pamela L. Travers a continué à écrire, dont quelques histoires liées à Mary Poppins[147]. Dans les années 1980, elle est contactée par le studio Disney qui délègue un scénariste pour faire une suite au film, mais sans succès[147]. Pamela L. Travers semble toutefois déconnectée du film et de son succès, déclarant dès 1964 que, pour elle, le plus important, désormais, était d'avoir une rose à son nom ou celui de son héroïne, souhait exaucé d'après John West dans les années 1980[147]. De leur côté, les deux jeunes acteurs Karen Dotrice et Matthew Garber n'ont pas profité du succès du film[147]. Karen Dotrice a continué à faire des seconds rôles et s'est mariée à l'acteur Alex Hyde-White[147]. Matthew Garber était resté en contact avec Hugh Attwooll et, âgé de 8 ans à la sortie du film, il décide de faire le tour du monde[147]. Il envoie au réalisateur une carte postale d'Inde qui met trois mois à venir. Entre-temps, il contracte une maladie et décède[147] le 13 juin 1977 dans un hôpital de Londres des suites d'une pancréatite à l'âge de 21 ans[148].
 Mary Poppins fait partie des nombreux films scénarisés par Bill Walsh qui ont été des succès commerciaux rentables et populaires pour le studio dans les années 1960 aux côtés de Quelle vie de chien ! (1959), Monte là-d'ssus (1961), Après lui, le déluge (1963), L'Espion aux pattes de velours (1965) et Lieutenant Robinson Crusoé (1966)[36]. Le film est sorti au moins trois fois au cinéma aux États-Unis, Caitlin Flanagan mentionne 1964, 1973 et 1980[11],[12],[13]. En 1973, le film est présenté comme pour une première mondiale au Radio City Music Hall avec une cérémonie, la première organisée dans ce lieu pour une ressortie[149]. Ron Miller, gendre de Walt Disney alors à la tête du studio, avait prévu la sortie du film d'horreur Les Yeux de la forêt pour l'été 1980 mais, en raison des critiques généralisées, a décalé la diffusion et l'a remplacé par une ressortie de Mary Poppins[12],[150]. Andrew Epstein, du Los Angeles Times, se demande, en mai 1980, lors de l'annonce de la ressortie de Mary Poppins, si  le joyeux film de 1964 ressortant en salle en pleine débâcle va restaurer la confiance perdue envers les studios Disney[150].
 En 2024, le film est reclassifié par le British Board of Film Classification (BBFC). Il est sorti de la catégorie « U » (pour universel) pour rejoindre la catégorie « PG », qui nécessite un contrôle parental. L'organisme explique qu'un terme péjoratif, celui de « Hottentots », est utilisé pour désigner les Khoïkhoï d'Afrique du Sud et de Namibie. Il y apparaît deux fois pour désigner les ramoneurs au visage couvert de suie[151].
 De nombreux critiques considèrent Mary Poppins comme le chef-d’œuvre ultime de Walt Disney, tel Leonard Maltin[3]. Pour Maltin, s'il ne fallait retenir qu'un mot pour décrire le film, ce serait « supercalifragilisticexpialidocious, sinon il épuiserait une bibliothèque pleine d'adjectifs[3]. » Pour Christopher Finch, Mary Poppins est l'un des plus grands succès de l'histoire du cinéma[152]. John Grant écrit, en 1993, qu'il devient difficile d'écrire quelque chose d'inédit sur le film, ajoutant qu'il est bien meilleur que le livre dont il s'inspire[4].
 Selon Leonard Maltin, Walt Disney n'a pas eu autant d'éloges depuis ses débuts dans l'animation avec Mickey Mouse[93]. Le studio a réussi à éviter deux écueils : la destruction du personnage de Mary Poppins et le sentimentalisme[93]. Mary Poppins est un film produit par une entreprise qui atteint ses 35 années d'existence et réalisé par une équipe forte de cette expérience, guidée par Walt Disney en personne[3]. Maltin note que Walt a aussi engagé du « sang neuf » pour collaborer avec les vétérans, parvenant à un mélange parfait entre imagination des uns et savoir-faire des autres[3]. Le film est riche en détails et son « attrait universel » réside, selon Maltin, dans ses différentes facettes[153]. Il réunit ainsi réflexion avec le mouvement des suffragettes dont fait partie Mme Banks, comique avec les gags individuels ou celui centré sur l'amiral Bloom et sa maison en forme de bateau, fantaisie avec les incursions dans le monde animé, sentiments avec les enfants Banks délaissés par leurs parents, et musique[153]. Maltin explique aussi que le film comporte non pas des enfants « mignons », qui ont souvent tué des films prometteurs, mais des enfants dont « le jeu est mignon »[58]. Le film échappe, selon lui, à la perfection en raison de sa longueur, et il aurait supprimé la scène d'oncle Albert[93]. Pour Maltin, au-delà des récompenses et des bénéfices financiers, Mary Poppins est une synthèse de l'art cinématographique et du divertissement développés par les studios Disney[131]. Maltin termine son analyse ainsi : « Ce film couronne une carrière et si Walt Disney n'avait jamais reçu la gratitude du monde ou provoqué l'envie chez ses confrères auparavant, Mary Poppins l'aurait fait[131]. »
 Steven Watts écrit, quant à lui, que Mary Poppins est « la plus grande réalisation du divertissement des années 1960, […] une fantaisie musicale brillante qui mélange animation et prise de vue réelle, expertise technologique, divertissement familial, personnages attachants, décors frappants, comédie et danse[154]. » John West précise que, pour de nombreux critiques, les 13 récompenses aux Oscars ne font que démontrer que Mary Poppins est une perle au milieu de la médiocrité[124]. Le succès de cette comédie musicale ainsi que de My Fair Lady (1964) a poussé les studios à produire de nombreuses comédies musicales, mais à la différence des autres, le studio Disney a produit des musiques originales composées par les frères Sherman au lieu de reprendre des succès de Broadway[124]. Jimmy Johnson considère que Mary Poppins est, de loin, le film en prise de vues réelles le plus personnel réalisé par Walt Disney, celui pour lequel il a accordé le plus de temps et d'attention[155]. Johnson ajoute que Walt Disney était partout, qu'il était le catalyseur qui a fait que Mary Poppins fonctionne en tant que film[156].
 Robin Allan relie Mary Poppins et son atmosphère édouardienne aux nombreuses productions nostalgiques de Disney[157] (voir Nostalgie dans le film Danny, le petit mouton noir). Les décors évoquent pour lui la ville de Marceline autant que la banlieue londonienne, tandis que les séquences d'animation confèrent un aspect plus rural[158]. Le film est ainsi un mélange entre nostalgies américaine et britannique[158]. Douglas Brode note un fait étrange dans les productions Disney des années 1950-1960 : plusieurs films commencent par un plan général de Londres suivi d'un mouvement de caméra plongeant : Alice au pays des merveilles, Peter Pan, Mary Poppins et Les 101 Dalmatiens[159]. Richard Shickel cite le rapport annuel des Walt Disney Productions en 1966, le dernier paraphé par Walt Disney[160],[161] : « Dans les années 1930, Les Trois Petits Cochons a été un énorme succès et j'ai écouté les cris demandant d'autres films avec des cochons, mais je suis persuadé que personne ne peut citer une seule suite. Fort de ce constat, je n'ai jamais prévu de suite pour Blanche-Neige ... de même, je ne prévois pas de suite à Mary Poppins. » Malgré cela, Roy Disney déclare, en 1967, que le public s'attend à au moins un Mary Poppins par an[162], mais il ajoute qu'il ne doit pas l'espérer[163]. »
 Steven Watts note que Mary Poppins marque l'explosion de la guerre entre défenseurs et détracteurs de Disney[126] qui s'affrontent désormais par presse interposée. Au printemps 1965, le responsable de l'éducation en Californie, le docteur Mac Rafferty, écrit dans le Los Angeles Times que Walt Disney est le plus grand pédagogue de tous les temps et que l'animation Disney a fait revivre d'importants morceaux de la culture populaire américaine[126]. A contrario, Frances Clarke Sayers tire à boulets rouges dans le même journal, le traitant de « simulateur de nature éhonté », d'« artiste tape-à-l'œil » ou de « créateur de clichés[129]. » Sayers multiplie les attaques les années suivantes dans plusieurs magazines, dont le National Observer et FM and Fine Arts, écrivant que « tous les films de Disney sont choquants », qu'ils falsifient la vie, terminant en rejetant la faute sur le public : « Il n'y a aucune raison pour que les bons livres soient réduits ou affaiblis pour satisfaire les attentes d'un public qui n'est pas prêt ou pas assez intéressé pour faire l'effort de les lire[129]. » D'autres auteurs rejoignent le camp de Sayers, comme Whitney Balliet, dans The New Yorker, qui écrit que les films de Disney sont pleins « de sadisme, de violence, de stupidité, d'avidité et de peur » et que leur histoire est « portée par des personnages blêmes et sots[129].» Des experts de la littérature enfantine écrivent dans les pages de la New York Times Book Review ou de Book Week que Disney « estompe les différences entre la fantaisie commerciale et l'imagination véritable » et présente « un fantastique déballage de littérature de pacotille[129]. » L'accueil des productions Disney se scinde ainsi en deux clans : l'un élitiste, toujours prêt à critiquer et considérant Disney comme une activité lucrative, et l'autre grand public qui partage les mêmes principes moraux et les valeurs du divertissement[164].
 La réponse de Walt Disney aux attaques de Sayers consiste à refuser de répondre publiquement et courber le dos, tout en reconnaissant gagner de l'argent[164]. Sayers admet « qu'attaquer Disney, c'est comme attaquer une mère... une institution américaine[164]. » Watts note que les réprimandes de ce genre ont augmenté à partir du milieu des années 1960, alors que la société Disney commençait à prendre des forces sur plusieurs fronts[164].
 En 2011, le critique Drew Casper a résumé ainsi l'impact de Mary Poppins[165] : « Disney était le leader, ses fantaisies musicales mélangeaient animation et effets spéciaux vraiment merveilleux en prises de vues réelles pour des enfants et l'enfant en chaque adulte. Mary Poppins était sa cerise [sur le gâteau]... l'histoire était simple, presque banale. Mais le traitement du film est caractérisé par une sophistication extrême (tel le montage de Coton Warburton pour la séquence sur les toits) et une grande faculté d'imagination (une dégustation de thé sur le plafond, un escalier de fumée noire au sommet de la ville). » Shickel écrit que Mary Poppins marque la fin d'une époque : les studios, sous l'impulsion de leur fondateur, se recentrent sur les films en prises de vues réelles[166], se servant de l'animation pour rehausser certains[167]. Pour Robin Allan, Mary Poppins constitue l'épitaphe de Walt Disney au cinéma[158].
 Pour Christopher Finch, Mary Poppins est une « extravagance » qui aurait parfaitement convenu aux années 1930 ou 1940 mais qui est une « forme d'art perdu » dans les années 1960[18]. Maltin y voit, quant à lui, une stylisation totale : rien n'est réel, tout a été recréé, chaque centimètre dessiné dans un but précis[58]. Le panorama de Londres au générique est une peinture rendue vivante par le cinéma[58]. La couleur est éblouissante comme dans la scène Jolly Holliday. La musique des frères Sherman est à son meilleur niveau, pleine d'esprit, sentimentale et unique[58].
 Brode écrit que Mary Poppins, avec son décor britannique et son aspect hippie, est contemporaine de la British Invasion[168]. Les séquences d'animation sont, pour Brode, inspirées par un « voyage sous LSD[169]. » La scène chez l'oncle Albert est une variante de la Mad Tea Party d’Alice au pays des merveilles (1951) dans laquelle, après une tasse de thé, le buveur grimpe au plafond[169]. Mary Poppins offre aux enfants de la famille Banks des « vacances fleuries[170] », aidée dans cette tâche par Bert, un musicien ambulant qui crée des paysages colorés avec des bâtons de craie sur les trottoirs de Hyde Park[171]. Le but du film est de « retrouver la part d'enfance qui ne doit pas nécessairement disparaître » et, malgré certains moments tristes, c'est un des films de Disney les plus appréciés[172]. Chris Cuomo note que les connexions symboliques et cinématographiques entre Mary Poppins et Le Magicien d'Oz (1939) sont nombreuses et peuvent faire l'objet d'une étude fascinante[173].
 Depuis Blanche-Neige et les Sept Nains (1937), les studios Disney ont créé des icônes culturelles comme l'innocente Blanche-Neige ou la Reine-sorcière[174]. Parmi les stéréotypes véhiculés par Disney, plusieurs auteurs évoquent la marâtre présente dans Blanche-Neige et Cendrillon, le personnage principal sans présence maternelle évoqué dans Blanche-Neige, Pinocchio, Bambi ou, dans une moindre mesure, Dumbo[175]. Cet aspect de la « mère absente » est développé par Lynda Haas, Elizabeth Bell et Laura Sells[176]. Dans Mary Poppins, comme dans Mélodie du Sud et d'autres films postérieurs, le studio utilise le stéréotype de la mère réduite à ses seuls éléments sociétaux[174]. Sean Griffin va plus loin et rappelle que, dans la plupart des productions, des courts-métrages d'animation des années 1930 et 1940 aux séries télévisées des années 1990, la femme est au second plan, les personnages principaux étant essentiellement masculins[177].
 Caitlin Flanagan écrit que le film met en avant la famille [américaine] idéale selon Walt Disney (père travailleur, mère au foyer et enfants heureux) mais que ce n'est pas l'image renvoyée par Pamela L. Travers[11]. Flanagan rappelle que Mlle Travers ne s'est jamais mariée, portait des pantalons, a eu une relation tumultueuse avec un homme marié plus vieux qu'elle et a longtemps vécu avec une autre femme[11]. À l'âge de 40 ans, elle tenta d'adopter sa jeune femme de ménage âgée de 17 ans, mais sans succès, puis alla en Irlande adopter un bébé, mais pas son frère jumeau[11].
 Pour Brode, Mary Poppins présente un cliché du Britannique propre et convenable, tout comme l'oncle Rémus est celui du vieux serviteur noir dans Mélodie du Sud (1946)[178]. Le film musical comporte une énième critique du banquier spoliant les petits propriétaires terriens, thème aussi développé dans Calloway le trappeur (1965) et dont la justification est attribuée par Brode aux origines de Walt Disney, le Midwest américain[179]. Brode développe ses propos : M. Banks, désinvolte, terne, propre et résolument impassible, est une version moins caricaturale de M. Darling dans Peter Pan (1953)[170]. Mme Banks est une suffragette volontaire servant de substitut à la femme urbaine des années 1960 qui s'oppose à son mari en militant pour les droits des femmes[170]. Brode ajoute aussi l'usage répété de la magie, de la bonne fée[180].
 Critiqués pour leur caricature d'un colporteur juif dans Les Trois Petits Cochons (1933), les studios Disney ont également présenté au travers d'Ed Wynn de nombreux personnages juifs sympathiques, tels l'oncle Albert dans Mary Poppins, le chef des pompiers dans Monte là-d'ssus (1961), le juge du concours agricole dans Après lui, le déluge (1963) ou le fabricant de jouets dans Babes in Toyland (1961)[181]. Le film comportant plusieurs personnages âgés, certains positifs, d'autres négatifs, on ne peut pas, selon Brode, qualifier la production de discriminatoire envers ces derniers[171]. Maltin explique que l'une des clés du succès du film est son humanité et sa fantaisie, comme dans la scène où M. Banks se rend seul et de nuit à la banque pour être licencié, tandis que Bert explique aux enfants qu'il est un homme bien malgré son côté rude[58].
 Pour Pat Williams, ce que les gens retiennent du film est que les enfants ont simplement besoin d'amour et d'attention[182]. L'essayiste américaine Chris Cuomo est reprise à la fois par Lynda Haas, Elizabeth Bell et Laura Sells dans From Mouse to Mermaid[183] et par Sean Griffin dans Tinker Belles and Evil Queens[184]. Cuomo compare Mary Poppins à L'Apprentie sorcière (1971), estimant que le second ne parvient pas à égaler le premier[183],[185]. Elle étudie les films en comparant les images morales et sexuelles qu'ils abordent[185]. Elle écrit que « la mission morale de Mary Poppins est de sauver une famille dirigée par un mauvais patriarche et une suffragette peu concernée[183],[186]. » Douglas Brode considère L'Apprentie sorcière comme une variante de Mary Poppins[187] pour plusieurs raisons, principalement la mère de substitution et l'utilisation de la magie.
 Si l'image de Mary Poppins est celle d'une jeune femme apparemment convenable, discrètement magicienne, une « nounou rebelle sans cause féministe[185] », Douglas Brode écrit que l'élément le plus complexe et ambitieux du film [par rapport aux précédentes productions] est la métamorphose d'un pur capitaliste en un illuminé[170] : M. Banks, conventionnel, conformiste et capitaliste, subit un choc culturel au contact d'une femme à l'apparence normale, Mary Poppins, malgré tout anticonformisme[168]. Cuomo résume sa fonction à apporter l'ordre dans la cellule familiale[186]. Brode ajoute que Mary Poppins est telle « une déesse mère qui extrait les enfants de leurs existences conventionnelles et tristes »[169],[180], ou Zeus dans la Symphonie pastorale de Fantasia (1940), toujours prêt à lancer la foudre[159]. Les valeurs de Mary Poppins, bien que divergentes des suffragettes[186], ne sont pas pour autant machistes[188]. Ainsi, elle n'accepte pas la négligence de Winifred Banks vis-à-vis de ses devoirs maternels[188]. Steven Watts rappelle que les deux acteurs principaux participent aussi au renforcement de ce message, Julie Andrews ayant déclaré que son plus grand rôle était d'être mère, tandis que Dick Van Dyke est souvent présenté comme un homme pratiquant et attaché à sa famille[89]. Pour Cuomo, le message éthique du film est que, « face à une famille qui se désintègre, l'homme a l'occasion de reprendre le contrôle[188]. » Caitlin Flanagan estime que la morale du film (« licencier la nounou pour vivre en famille ») est surprenante et que l'œuvre est de la propagande anti-nourrice[11]. Toutefois, elle précise que cela n'est pas très gênant car le public retient uniquement que la famille a retrouvé la joie[11].
 Cuomo s'interroge aussi sur les éléments sexuels du film. Mary Poppins n'interfère pas dans la cellule familiale ; il n'y a aucune tension sexuelle avec M. Banks, et à peine un flirt avec Bert, le musicien de rue[189]. Elle donne même l'image d'une vieille fille célibataire[190]. Cuomo relie son comportement à la résistance envers l'hétérosexualité dans les années 1970 ou 1990 mais aussi au féminisme victorien[189]. Elle sert même de conscience antiféministe pour la famille Banks[190] tout en rappelant que le bonheur passe par la vie de famille[189]. Cuomo trouve toutefois l'image de la fée-vieille fille plus convaincant dans L'Apprentie sorcière que dans Mary Poppins[191].
 Une adaptation en bande dessinée a été publiée en juillet 1973 dans le magazine Walt Disney Showcase[192].
 L'histoire revue par les scénaristes de Disney a fait l'objet, en France, d'une publication dans la Bibliothèque rose[193]. Dans les livres-disques Disneyland parus en 1964 et 1967, ce sont Simone Valère, puis Anna Gaylor (pour le texte) et Christiane Legrand (pour le chant) qui prêtent leur voix à Mary Poppins.
 Le studio Disney a essayé de reproduire le succès de Mary Poppins en reprenant le mélange animation et prise de vues réelles sous la forme de comédie musicale à plusieurs reprises, par exemple avec L'Apprentie sorcière (1971) ou Peter et Elliott le dragon (1977)[194].
 En 1988, les manchots serveurs de Mary Poppins ont été réutilisés dans Qui veut la peau de Roger Rabbit, dans la scène du Ink and Paint Club où chante Jessica Rabbit et où Betty Boop vend des cigarettes[195].
 Pour le 40e anniversaire du film Mary Poppins, The Answer Studio, créé en octobre 2004 et composé de 35 des 101 employés du studio Walt Disney Animation Japan fermé quatre mois plus tôt[196], s'est vu confier la réalisation d'un court-métrage intitulé The Cat That Looked at a King[197]. Réalisé par Peter Schneider, il est inspiré de Mary Poppins Opens the Door (1943)[198].
 Le 20 octobre 2013 est présenté, au 57e Festival du film de Londres, le long-métrage Dans l'ombre de Mary (Saving Mr. Banks), qui raconte la période de tractation entre Walt Disney (Tom Hanks) et Pamela L. Travers (Emma Thompson)[27].
 Le 14 septembre 2015, Disney commence le développement d'une suite de Mary Poppins, sous la direction de Rob Marshall[199],[200],[201]. Le Retour de Mary Poppins (Mary Poppins Returns) sort en 2018.
 Les chansons du film sont éditées dès 1965 en trois versions par Disneyland Records[136],[137] :
 Une version concomitante à la sortie du film, Duke Ellington Plays Mary Poppins, a été enregistrée par Duke Ellington du 6 au 9 septembre 1964 à Chicago[142]. D'autres chanteurs reprendront par la suite les chansons du film, dont Louis Armstrong qui enregistre Chem cheminée le 17 mai 1968 à Hollywood parmi d'autres chansons issues des films de Disney[202]. Lors d'une brève résurgence du phénomène au tournant des années 1980, le label ressort la bande originale dans une version Picture-disc, avec une illustration décorative sur la face du vinyle[203].
 
 modifier  L’imagineer Tony Baxter indique que, lors de son entretien d'embauche à Walt Disney Imagineering (dans les années 1970[204]), il proposa entre autres une attraction inspirée de Mary Poppins ,mais elle fut classée dans un dossier avec 50 autres[113].
 Le pavillon du Royaume-Uni à Epcot comprend un jardin appelé Butterfly and Knot Herb, situé derrière le cottage d'Anne Hathaway dont l'aspect est inspiré des décors du film[205].
 Une des scènes du parcours scénique The Great Movie Ride, situé à Disney's Hollywood Studios, présentait des animatroniques de Mary Poppins et Bert chantant ensemble Chem cheminée sur les toits de Londres[113]. Dans la file d'attente de cette attraction est exposé un cheval de bois ayant servi dans le film[206]. Toujours à Disney's Hollywood Studios, dans la boutique Sid Cahuenga's One of a Kind, on peut trouver la veste du costume original de Bert dans la scène de Jolly Holiday[207].
 Il aura fallu attendre plus de quarante ans pour que le film fasse l'objet d'une adaptation scénique. Le 15 septembre 2004, la comédie musicale Mary Poppins, coproduite par Walt Disney Theatrical Productions et Cameron Mackintosh, est créée au Bristol Hippodrome avant d'être prolongée au Prince Edward Theatre dans le West End de Londres. Le 16 novembre 2006, cette production légèrement révisée est montée au New Amsterdam Theatre de Broadway. Depuis, le spectacle a été adapté dans plus de quinze pays. Une adaptation française de la comédie musicale avait été envisagée pour l'automne 2013 par Stage Entertainment au théâtre Mogador[208], mais la production a finalement été annulée et remplacée par La Belle et la Bête.
 La série Les Simpson parodie régulièrement la société américaine, dont les productions Disney. Deux épisodes font références à Mary Poppins. Le premier, Shary Bobbins (1997), parodie presque entièrement le film avec, par exemple :
 Un second épisode des Simpson, Homer rentre dans la reine (2003), se passe à Londres et on peut y voir des gouvernantes volant sous un parapluie.
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Les Aventures de Bernard et Bianca,https://fr.wikipedia.org/wiki/Les_Aventures_de_Bernard_et_Bianca,"Vous lisez un « article de qualité » labellisé en 2021.
 Pour l’article homonyme, voir Bernard et Bianca (album).
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 Série Classiques d'animation Disney Les Aventures de Winnie l'ourson(1977) Rox et Rouky(1981) Série Bernard et Bianca Bernard et Bianca au pays des kangourous(1990) Pour plus de détails, voir Fiche technique et Distribution. modifier  Les Aventures de Bernard et Bianca (The Rescuers) est le 29e long-métrage d'animation et le 23e « Classique d'animation » des studios Disney. Sorti en 1977, il est adapté des ouvrages de Margery Sharp, The Rescuers (1959) et Miss Bianca (1962).
 Après une tentative d'adaptation abandonnée du vivant de Walt Disney, opposé à la présence de références politiques dans le projet, le film est finalement mis en production en 1973. Il devient ainsi le premier projet des nouveaux animateurs des studios Disney. Les Aventures de Bernard et Bianca marque en effet le début de la transition entre l'ancienne et la nouvelle génération d'animateurs destinée à prendre la relève du studio Disney.
 Malgré un dépassement de budget en comparaison aux précédents longs-métrages d'animation du studio Disney, le film reçoit un accueil critique très positif et connaît un grand succès préfigurant la « renaissance Disney » avec des films comme La Petite Sirène, Aladdin ou Le Roi Lion.
 Les critiques, qui ont mal accueilli Les Aristochats et Robin des Bois, saluent chaleureusement la conception et le scénario, preuve de l'attente au retour d'un film d'animation Disney avec sentiments. Le film permet en effet au studio Disney de renouer avec les longs-métrages d'animation centrés sur un scénario et de l'émotion, dans la lignée des premiers longs-métrages (Blanche-Neige et les Sept Nains, Dumbo, Bambi), mais disparus depuis La Belle au Bois Dormant (1959). Il amène également les studios à abandonner la production des longs-métrages d'animation au ton léger, comme Le Livre de la jungle ou Robin des Bois, par nécessité de la richesse du scénario.
 Le film connaît également le succès mondial, notamment en Allemagne et en France, où il dépasse La Guerre des étoiles. Il devient ainsi le plus gros succès de l'année au box-office français, ce qui fait des Aventures de Bernard et Bianca le dernier film d'animation Disney à se hisser en tête du box-office avant Le Roi lion (1994). Du fait de cet important succès, le film ravive l'intérêt de la critique et du public pour l'animation, quelque peu oubliée depuis le début des années 1970.
 Les Aventures de Bernard et Bianca est le premier film d'animation sorti en Dolby stéréo, un nouveau système sonore donnant à la bande-son une qualité supérieure aux précédents films d'animation. Cependant, peu de salles étant encore équipées à cette époque pour le Dolby stéréo, le film sort également en son monophonique.
 Une suite, intitulée Bernard et Bianca au pays des kangourous, sort en 1990 pour capitaliser sur le succès du film.
 Une jeune orpheline nommée Penny est enlevée et enfermée dans un bateau à aube abandonné du Bayou du Diable. Un jour, elle jette à l'eau une bouteille contenant un message de détresse. La bouteille dérive dans l'océan et finalement s'échoue dans le port de New York où elle  est découverte par la SOS Société, une organisation internationale de souris qui a élu domicile dans les caves du bâtiment des Nations unies. Miss Bianca, une souris blanche déléguée de Hongrie, se porte volontaire au secours de Penny. Après un temps d'hésitation, le président de la SOS Société suggère de lui adjoindre un coéquipier. Ne sachant qui choisir entre les différents délégués masculins prêts à l'accompagner, Bianca choisit finalement à la surprise générale Bernard, le concierge balbutiant atteint de triskaïdékaphobie[1].
 Le duo se rend d'abord à l'endroit auquel la lettre était destinée : l'orphelinat Clair Matin (Morningside en VO) où vivait Penny. Les souris y rencontrent un vieux chat nommé Rufus. Celui-ci leur apprend que les autorités humaines ont renoncé à rechercher l'orpheline, considérant sa disparition comme une fugue à cause du fait qu'elle pensait ne jamais pouvoir être adoptée. Il mentionne également Mme Médusa, qui avait tenté d'entrainer un jour Penny dans une combine louche. Bien qu'estimant que cette piste ne peut mener nulle part, il donne aux souris l'adresse du magasin de prêt-sur-gage. Sur place, Bernard et Bianca surprennent une conversation téléphonique entre Médusa et son associé Snoops. Ils apprennent que les deux compères sont bien les ravisseurs de Penny, qu'ils séquestrent au Bayou du Diable, et qu'ils sont à la recherche du plus gros diamant du monde, l’Œil du Diable.
 Face à l'incapacité de Snoops d'empêcher Penny d'envoyer des messages dans des bouteilles, Médusa décide de les rejoindre. Bernard et Bianca tentent de l'accompagner discrètement mais sont expulsés de la voiture pendant le trajet jusqu'à l'aéroport à cause de la conduite irresponsable de Médusa. Grâce à un albatros du nom d'Orville, les deux souris parviennent finalement jusqu'au bayou alors que Penny est en train de faire une nouvelle tentative d'évasion à travers les marécages. Les deux équipiers se lient d'amitié avec Annie Bouée et son mari Luke, exaspérés comme la majorité des habitants du bayou par la présence de Médusa. Ces derniers proposent leur aide et celle de leurs voisins. Le groupe voit alors que Penny est rattrapée par Néron et Brutus, les crocodiles de Médusa. Avec l'aide de la libellule Evinrude, Bernard et Bianca prennent non sans difficultés les reptiles en filature et localisent ainsi le bateau où Penny est détenue.
 Les deux souris surprennent une discussion entre Médusa et Snoops qui leur apprend que Penny a été enlevée car sa petite taille lui permet de passer l'étroit passage donnant sur une grotte où est caché l’Œil du Diable. Après avoir été pourchassés par les deux crocodiles, Bernard et Bianca trouvent Penny et préparent un plan d'évasion avec elle tandis qu'Evinrude alerte les locaux qui se sont réunis chez Annie et Luke en attendant leur signal. Mais Evinrude est retardée par un groupe de chauves-souris en chasse et doit se cacher. Le lendemain matin, Médusa et Snoops emmènent Penny dans la caverne où se trouve l'Œil. Pour la forcer à récupérer le diamant, Médusa garde avec elle son ours en peluche. Bernard et Bianca sont cachés dans la poche de la jupe de la petite fille que Snoops fait descendre dans la grotte. Ensemble, ils arrivent à trouver la pierre précieuse, dissimulée dans le crâne de l'un des pirates morts dans cette grotte. Toutefois, le crâne est fermement coincé dans la roche et l'eau est montée dangereusement durant leurs recherches. Malgré les supplications de Penny, apeurée par la marée, Médusa refuse de la faire remonter. La fillette utilise un sabre pour entrouvrir la mâchoire du crâne pendant que les souris essayent de le sortir depuis l'intérieur. Ils parviennent in extremis à récupérer le diamant et arrivent à rejoindre tant bien que mal la sortie.
 À sa sortie de la grotte, Penny est interceptée par Snoops et Médusa. Cette dernière souhaitant duper son comparse, prend le diamant et le cache dans l'ours en peluche. De retour au bateau, elle pointe un fusil sur son associé et Penny afin de les empêcher de la suivre. Mais en s'enfuyant, elle trébuche sur un câble tendu par Bernard et Bianca et fait tomber l'ours. Penny récupère sa peluche et s'enfuit en courant. Les animaux du voisinage, enfin prévenus, arrivent alors au bateau et aident les souris à emprisonner les deux crocodiles. Ensuite, ils allument les feux d'artifice que Snoops stockait sur le bateau pour localiser Penny lors de ses tentatives d'évasion nocturnes, augmentant le chaos et faisant sombrer le bateau sous les eaux du bayou. Pendant ce temps, les souris et Penny arrivent à voler l'hydroglisseur artisanal de Médusa. Cette dernière tente en vain de les poursuivre en utilisant ses crocodiles comme des skis nautiques mais finit accrochée à l'une des cheminées du bateau tandis que les deux sauriens irrités par la manœuvre essayent de l'attraper, le tout sous le regard moqueur de Snoops qui s'éloigne sur un radeau de fortune.
 De retour à New York, la SOS Société regarde un reportage sur la découverte par Penny du diamant de l’Œil du Diable qui a été offert à la Smithsonian Institution et sur l'adoption de la jeune fille. La réunion est interrompue par Evinrude qui survient avec un appel à l'aide qui amène Bernard et Bianca vers une nouvelle aventure.
 Sauf mention contraire, les informations proviennent des sources suivantes : Leonard Maltin[3], John Grant[4], Mark Arnold[5] et IMDb[6].
 Sauf mention contraire, les informations proviennent des sources suivantes : Leonard Maltin[3], John Grant[4] et Mark Arnold[5].
 Sauf mention contraire, les informations suivantes sont issues de l’Internet Movie Database[9].
 
 Bernard et Bianca est, à l'origine, une série de neuf romans écrite par Margery Sharp : The Rescuers (1959), Miss Bianca (1962), The Turret (1963), Miss Bianca in the Salt Mines (1966), Miss Bianca in the Orient (1970), Miss Bianca in the Antarctic (1971), Miss Bianca and the Bridesmaid (1972), Bernard the Brave (1977) et Bernard into Battle (1978). Ce n'est qu'après la sortie du second roman en 1962, que l'idée d'adapter Miss Bianca en film d'animation est évoquée au sein du studio qui acquiert les droits d'adaptation de la série[10] et non juste du premier tome. Le concept de base est de raconter les aventures de souris ayant fondé une agence internationale d'aide aux victimes installée dans les sous-sols du siège de l'ONU, à New York[10]. Le film s'appuie finalement sur les deux premiers tomes[11]. L'idée de cette adaptation date de la période où Walt Disney était encore en vie[12]. Mark Arnold situe le premier projet en 1962[13].
 La première tentative d'adaptation s'organise autour de la libération d'un prisonnier enfermé dans une forteresse d'une zone sibérienne sous le joug d'un régime totalitaire[10]. Ce scénario adapte le premier tome du roman dans lequel Bianca, Bernard et une troisième souris nommée Nils viennent en aide à un poète norvégien emprisonné[10],[12]. Walt Disney avait suggéré de remplacer le poète par un ours polaire nommé Willie, prisonnier d'un zoo[12]. Le projet est abandonné à la suite d'une décision de Walt Disney qui désapprouvait l'incursion de la politique dans le divertissement[10],[12].
 Après la mort de Walt Disney en 1966, au moins trois des histoires de Margery Sharp sont envisagées[10]. Le projet ne reprend qu'en janvier 1973 en utilisant à nouveau le second roman comme source principale d'inspiration[8]. Le film s'appuie donc sur les deux premiers tomes, The Rescuers et Miss Bianca[8]. Le scénario qui sort du lot concerne une petite orpheline nommée Penny, enlevée dans le bayou du sud américain par Mme Médusa, qui souhaite profiter de sa taille pour récupérer un diamant caché dans une cave[10].
 Au début des années 1970, deux productions sont entamées mais la direction du studio décide qu'une seule peut sortir au cinéma[14]. Ces deux premières productions, qui n'ont pas été lancées par Walt Disney, sont Scruffy et l'adaptation des histoires de Margery Sharp[14]. Les adaptations de Sharp sont dirigées par Don Bluth et vues comme un moyen d'entraîner les jeunes animateurs, mais le niveau du film passe régulièrement du premier au second plan et vice-versa[15].
 En 1975, la production des Aventures de Bernard et Bianca se poursuit. Le studio Disney règne sur le milieu de l'animation, les concurrents s'étant tournés vers la production de séries télévisées d'animation[16].
 Charles Salomon évoque la production intitulée Scruffy, dirigée pendant deux ans par Ken Anderson et centrée sur un macaque berbère de Gibraltar durant la Seconde Guerre mondiale[17]. L'histoire est une adaptation du livre Scruffy (1962) de Paul Gallico[15]. Cependant, le scénario est trop proche des précédentes productions : d'un côté, il met en scène un chef macaque chantant, rôle parfait pour Phil Harris mais trop semblable au Livre de la Jungle ; de l'autre, il représente une femelle macaque apprivoisée et choyée par ses maîtres, prénommée Amélia, qui se joint à la bande de Scruffy et menace ainsi de dissoudre son groupe, ressort de scénario déjà présent dans La Belle et le Clochard (1955) et Les Aristochats[17]. Le couple formé par Scruffy et Amélia devait, après maintes péripéties avec un espion allemand et un général et son chien, devenir les parents adoptifs de jumeaux, ressort émotionnel présent dans Les 101 Dalmatiens (1961)[17]. Finalement cette production est restée inachevée à la fin des années 1970[17]. L'autre production, Bernard et Bianca est portée par Fred Lucky[NB 1], un dessinateur de presse canadien récemment arrivé chez Disney[14]. Pour Fred Lucky, le mélange de singes et de soldats nazis dans Scruffy est une combinaison gagnante[14]. Pourtant, la direction des studios a finalement choisi Bernard et Bianca[14].
 Une version de travail du film comprenait un ours nommé Louis qui s'échappait d'un zoo aidé par les deux souris Bernard et Bianca, et dont la voix devait être celle de Louis Prima[18] (le roi Louie dans Le Livre de la jungle). D'après Fred Lucky, cet ours polaire était prisonnier en Arctique d'un Roi des Pingouins vivant dans une immense goélette et il devait danser pour son geôlier[15]. Floyd Huddleston, auteur de Everybody Wants to be a Cat pour Les Aristochats (1970) compose six chansons pour Les Aventures de Bernard et Bianca interprétées par Louis Prima, Sam Butera et les Witnesses mais elles ne sont finalement pas utilisées[15],[18]. Durant l'été 1975, Louis Prima commence à souffrir de maux de tête. En octobre 1975, il est opéré d'une tumeur au cerveau, opération qui le plonge dans un coma ; il meurt près de trois ans plus tard sans avoir repris connaissance[13]. Ce projet est abandonné et l'équipe d'animation principale qui vient d'achever Robin des Bois se retourne vers l'ours polaire[15]. Mais le décor arctique pose problème aux animateurs car trop vide[15].
 Les Aventures de Bernard et Bianca sont basées sur les romans de Margery Sharp mais il y a plusieurs différences entre le film et l'œuvre originale. Ollie Johnston et Frank Thomas indiquent que le premier tome offre un scénario avec du suspense et du tragique mais pas assez d'humour, dans lequel les deux souris doivent sauver une petite fille captive d'une vieille femme froide et cruelle[19]. Pour corriger cela, la méchante est rendue plus tape-à-l'œil et avec une personnalité plus excentrique[19]. Les deux animateurs et auteurs expliquent que le scénario est revu de nombreuses fois pour exprimer le désir consumant de cette femme et ses sinistres plans, mais sans jamais donner entière satisfaction[19]. La solution est finalement arrivée quand Geraldine Page est auditionnée pour la voix du personnage de Médusa, offrant un personnage fanatique et vaniteux[19]. Les premiers concepts sont timides mais sa voix permet d'aller plus loin[19].
 Un autre point du développement est la question des souris : sont-elles mariées ou non[20] ? Afin de renforcer les émotions du film, les personnages sont des amateurs dans le métier du sauvetage et leur relation amoureuse balbutiante[21]. Ainsi la scène où Bernard tente de poser son bras sur Bianca endormie contre lui sur l'albatros permet au public de se faire l'écho des premiers rendez-vous et de s'identifier aux personnages[20]. Le fait d'avoir des amateurs au lieu d'un duo expérimenté et sûr de lui offre de nombreuses possibilités comme l'absence de logique de Bianca ou la maladresse de Bernard[21]. Une séquence abandonnée conçue par Ken Anderson devait présenter les souris en train de se préparer pour la mission, Bianca sélectionnant différentes tenues, parfois inadaptées, tandis que Bernard, tel un James Bond, prend des inventions et des armes qu'il assure manier pour impressionner Bianca[21].
 Penny est inspirée du personnage de Patience, une jeune orpheline dans le roman de Margery Sharp. Enlevée par Mme Médusa afin de récupérer le diamant « l'Œil du Diable », elle jette à la mer une bouteille contenant un message de détresse. John Grant la décrit comme « une mignonne petite fille, un peu trop [mignonne] si l'on prend en compte sa voix[22]. » Elle a des cheveux brun blond attaché à l'arrière et des yeux bleu gris assortis à sa robe[22]. Pour Grant, comme de nombreuses personnes attrayantes, elle est convaincue de ne pas l'être et se sous-estime, ce qui permet à Mme Medusa de jouer avec ses sentiments[22]. Penny est très attachée à son ours en peluche, Teddy, qui est le symbole de son absence d'amis[22]. L'attachement à Teddy est toutefois la cause de la perte de Mme Medusa, Penny le gardant par devers tout alors qu'il contient le diamant[22].
 Pour Lynda Haas, le film fait partie des nombreuses productions de Disney où le personnage principal n'a pas de mère[23]. David Koenig s'amuse, dans son livre Mouse Under Glass, à réaliser un classement du « niveau d'orphelinage »[NB 2] mesuré sur une échelle de 1 à 100, du plus antipathique au plus pathétique-sympathique des personnages de Disney. Il y classe Penny en haut avec un score maximal, suivi par Quasimodo dans Le Bossu de Notre-Dame, Bambi puis Dumbo (scores entre 80 et 92)[24].
 Pour Thomas et Johnston, ce n'est donc pas la nature imprévisible et sauvage de Médusa qui retient l'attention du public mais la situation difficile et poignante de la petite fille esseulée[25]. Pour Woolie Reitherman, bien qu'elle soit entourée de nombreux personnages forts, c'est Penny qui porte l'histoire par sa sincérité[26]. Pour cette raison, le personnage est dessiné de façon réaliste, contrairement aux méchants au style graphique plus libre[27]. C'est le scénariste Vance Gerry qui définit la bible du personnage, ses attitudes et expressions[28]. Pour rendre le personnage de Penny réaliste, deux fillettes de cinq ans ont été filmées non pour reproduire des scènes du film mais pour trouver les limites des actions, les bons mouvements et la meilleure façon de les faire[26].
 Afin de présenter le personnage de Penny et son désir d'être adoptée, une scène joyeuse d'une visite au zoo avait été prévue, esquissée et en partie animée[29],[30]. Cependant, durant les réunions de production, il s'est avéré qu'une scène plus émouvante captiverait davantage le public[29]. David Koenig précise qu'il fallait une scène rapprochant le personnage du public plus rapidement[30]. Le pathos associé à Penny est au centre du film[29]. Des danses ou chansons pour d'éventuelles rencontres avec de potentiels parents adoptifs ont été proposées mais le surplus de travail nécessaire a eu raison de ces idées[29].
 Désireux d'émouvoir au plus vite le public, Vance Gerry suggère finalement l'image de Penny restant seule assise sur un lit, dans une chambre désertée par les autres enfants qui ont été adoptés, où elle est rejointe par le chat Rufus[29]. Vance Gerry (pour les esquisses) et Larry Clemmons (pour le texte) développent ainsi l’idée qui apparaît dans le film[29]. Gerry propose plusieurs possibilités pour l'angle de vue ou la proximité de la fenêtre de cette scène, avec Penny assise ou non sur son lit, différents uniformes, différentes tailles et dispositions de chambre[31]. Gerry envisage Penny de face, de dos, de côté et chaque angle offre quelque chose de spécial, tout comme la relation avec le chat, qui passe ou non sous son bras[32]. Le but est de se concentrer sur la plus intense affirmation d'une petite fille seule et triste, avec de la chaleur, de l'émotion et de la sincérité tout en en faisant une situation réaliste[31], mais aussi de captiver le public avec cette jeune héroïne[31]. C'est l'animateur chargé de cette scène, Ollie Johnston, qui a décidé que la meilleure position était de dos car, avec les épaules baissées et la tête basse, elle semblait plus vulnérable et cela permettait d'intensifier, plus tard, le fait qu'elle affronte la tête haute ses adversaires[32]. Cette position de dos permet aussi d'ajouter une scène au chat qui arrive et quémande des caresses, ce personnage étant plus malléable au niveau de l'animation[32].
 Pour Frank Thomas et Ollie Johnston, le travail sur cette introduction est payant et, grâce à de subtils mouvements, l'émotion est large et l'impact de la scène puissant[31]. Mais ils déclarent qu'il ne faut pas trop verser dans le dramatique pour les personnages et que si l'on essaye de reproduire le théâtre cela semble faux et fou[32]. Mais « malgré les limitations [de l'animation, ils] ont trouvé des façons de développer les émotions qui ont touché le public partout dans le monde et élevé son esprit, ce qui est digne d'intérêt »[32]. Ils citent William Faulkner pour qui le « sujet le plus difficile pour un écrivain est de mettre par écrit les problèmes du cœur humain en conflit avec lui-même » et déclarent que même l'animation peut prétendre à cet idéal[32]. À l'opposé, la scène du bateau, durant laquelle Penny descend lentement de l'escalier dans la clarté de la lune, n'est pas parvenue à rendre le côté dramatique voulu lors de sa conception, ne conservant que son côté sombre[33].
 John Grant explique que Bernard et Bianca sont très différents des autres souris créées par le studio comme Mickey Mouse et qu'il est donc inutile de chercher des ressemblances entre eux[22]. À l'opposé des premières souris du studio, Bernard et Bianca ont de nombreux traits des souris réelles, que ce soit la queue, les oreilles ou la moustache, mais ils ont un comportement beaucoup plus humain[34]. Petit détail technique, le noir des yeux d'une souris ne possède pas de reflet blanc mais dans ce film il est laissé pour rendre les souris plus réalistes[35].
 Miss Bianca est une souris blanche membre de la SOS Société, au sein de laquelle elle représente la Hongrie[36]. Un important trait de caractère du personnage est son absence de peur face au danger[34]. Dans la version originale, la voix de Bianca est celle d'Eva Gabor, tandis que Bob Newhart double Bernard[10]. Pour Thomas et Johnston, Eva Gabor offre sa détermination et sa compassion à Bianca après avoir offert son charme et son élégance à Duchesse dans Les Aristochats (1971)[37]. Si l'on excepte le fait qu'elle est déléguée de la Hongrie, le pays d'origine de Bianca n'est pas mentionné clairement dans le film ou les documents de production, toutefois son accent est clairement européen. D'autres éléments sont par ailleurs associés par les auteurs à l'actrice Eva Gabor, comme l'élégance, le chic, le sens de la mode, sa crainte de froisser sa robe en montant sur l'albatros ou encore son parfum qui fait de l'effet aux crocodiles[36],[22]. Jeff Kurtti voit donc dans la nationalité hongroise du personnage un hommage à Eva Gabor[38].
 Bernard est le concierge de la SOS Société[34], comme dans les romans. Hormis le fait qu'il joue un rôle mineur dans le roman Miss Bianca, sa personnalité et ses traits sont conservés. Atteint de triskaïdékaphobie et un peu bègue, il est amoureux de Miss Bianca[36],[34]. Pour Grant, le développement de cette dernière avec une personnalité et une apparence calquées sur Eva Gabor est si convaincant que le studio a adopté la même technique anthropomorphique pour les deux souris[34].
 Les auteurs ont envisagé que Bernard et Bianca soient un couple marié de détectives professionnels mais l'absence de mariage permettait plus de romance[39]. De même, les animateurs ont imaginé le mariage de Bernard et Bianca à la fin du film, mais par respect pour le roman, la scène fut éliminée. Bernard demandera néanmoins sa bien-aimée en mariage dans Bernard et Bianca au pays des kangourous (1990)[39].
 Un oiseau, probablement un pigeon, devait initialement servir de moyen de transport à Bernard et Bianca[10],[39]. Son principal usage était d'être catapulté avec les deux souris[40]. Cependant, ce rôle mineur ne permettait pas de développer un personnage[40]. Finalement, l'animateur Ollie Johnston s'est souvenu d'un épisode des True-Life Adventures montrant le décollage et l'atterrissage maladroit des albatros[10],[41]. Johnston est ainsi devenu le principal animateur de l'albatros Orville, comme du chat Rufus[42]. Johnston a néanmoins été assisté par un nouveau venu des studios, Chuck Harvey, principalement sur la partie démarche de l'albatros[42],[43].
 Le prénom de l'albatros Orville est inspiré du prénom de l'un des Frères Wright, pionniers de l'aviation américaine[44]. Le capitaine Orville est conçu comme un ancien aviateur de la Première Guerre mondiale[41]. La voix du personnage est, en version originale, celle de Jim Jordan, un animateur radio connu pour son rôle de Fibber McGee[10],[13],[42],[43], mais il approchait des 76 ans lors des premières prises de son et craignait de ne plus être en vie si d'autres prises étaient nécessaires[45]. Bien qu'étant un personnage secondaire, la performance d'Orville est mémorable surtout à cause de son caractère maladroit[42]. Il apparaît dans deux séquences, l'aller vers le Bayou du Diable et la scène finale vers une destination inconnue[42]. Pour le comique, Orville semble ne pas se soucier du fait que, dans le pilotage, il y a deux étapes (le décollage et l'atterrissage), qu'il ne maîtrise ni l'une ni l'autre[41]. En plus de la maladresse de l'albatros, sa jeune carrière de pilote fait qu'il exécute son treizième vol avec les deux héros comme indiqué sur le panneau d'envol, renforçant la triskaïdékaphobie de Bernard[42]. Durant la production, son rôle a failli être supprimé au profit d'une simple compagnie aérienne, l'histoire n'ayant pas besoin de lui mais, en le développant et avec des interactions, son rôle s'est imposé[46]. Pour Grant, c'est la voix de Rufus qui fait son succès alors que, pour Orville, c'est son animation, à l'instar de Dingo[42].
 Le chat Rufus est un personnage mineur mais, pour Grant, il joue le même rôle que la Fée bleue dans Pinocchio (1940) ou la Fée-Marraine dans Cendrillon (1950), la magie en moins, en étant présent dans les principales scènes d'émotions[34]. Sa seule fonction dans le film est de renseigner Bernard et Bianca sur Medusa[34]. Rufus est basé sur les traits de l'animateur qui l'a conçu et animé, Ollie Johnston[47],[48]. Pour Grant, la scène de flashback entre Rufus et Penny est un supplément gratuit mais qui fonctionne émotionnellement grâce aux dessins d'Ollie Johnston et à la voix de John McIntire[34]. Son autre intérêt est son utilisation dans l'introduction de Penny car, en animation, il permet des expressions plus fortes grâce un visage plus souple que celui de la petite fille triste, ses réactions en disant plus[32]. À l'instar des souris anthropomorphes, Rufus est un humain dans un costume de chat[34].
 Evinrude est une libellule qui aide les sauveteurs en leur servant de moteur de bateau dans le bayou. Elle sert aussi d'assistant technique pour Orville[42]. C'est un personnage fort malgré son absence de parole[42] et ses bruitages sont l'œuvre de Jim MacDonald[49]. Dès que l'équipe d'animation a proposé une scène de libellule essoufflée, Jim MacDonald a cherché à associer un son réaliste et a imaginé une scie électrique ainsi qu'un tambour avec une membrane en plastique muni qu'un bec d'air pulsé[50]. Le studio Disney arrive à insuffler une personnalité à la libellule grâce à la scène de poursuite des chauve-souris[51]. Le professeur de marketing Jean-Marc Lehue relie le nom du personnage au fabricant de moteurs de bateaux Evinrude Outboard Motors[52].
 John Grant évoque aussi les personnages des rats musqués Elie Mae et Luke Mae, la tortue Gramps, la chouette Deacon, le lapin Deadeye et la taupe Digger[51]. Elie Mae est la force derrière la rébellion du bayou, malgré sa tenue stéréotypée de femme au foyer maniant le rouleau à pâtisserie[51]. Son époux Luke est, quant à lui, le stéréotype du Hillbilly ivre et somnolent[51]. À l'origine, le personnage de leader de la rébellion était une grenouille-taureau dont la voix originale était celle de Phil Harris, mais celle-ci a finalement été supprimée[39] car, pour Frank Thomas et Ollie Johnston, l'histoire doit contenir des situations permettant aux personnages de révéler leur personnalité[46]. La voix de Jeanette Nolan a permis de donner à Elie Mae une chaleur délicate, mais aussi un cri terrifiant pour exprimer son coté agressif[46]. Elle est conçue avec une personnalité de « femme d'intérieur germanique »[46]. Bien que le personnage ait, à l'origine, été développé avec un caractère complexe afin d'offrir son aide à Penny, au fil de la production et du travail sur la principale séquence comprenant Elie, seule son ton maternel est conservé[53]. Le personnage est conçu pour être sincère et convaincant mais, finalement, il n'a pas atteint le coté drôle qu'il doit avoir[53]. Cet exemple de développement pour rien peut être dévastateur pour les animateurs, ce qui a fait dire à Ron Clements, alors fraîchement arrivé, que « le plus grand défi d'un animateur est de créer une relation de personnages à travers des images auxquelles le public peut croire. Pour lui, ces personnages existent — ils sont réels. Il est assez difficile de créer un personnage qui vit mais pour en faire deux ou plus interdépendants, c'est un rêve impossible »[53]. Frank Thomas et Ollie Johnston répondent qu'il est possible de développer plusieurs personnages ensemble, s'il y a une relation entre eux comme pour les volontaires du marais, mais sans le conflit avec Elie Mae, la scène ne possède que très peu de vitalité[53].
 Pour Grant, la tortue Gramps est notable parce qu'elle s'inscrit dans la même lignée que Toby Tortoise, mais aussi parce que l'animateur Larry Clemmons lui donne sa voix[51]. Deacon fait aussi partie des nombreuses chouettes semblables du studio mais, au contraire de Mama dans Rox et Rouky (1981), Deacon sert uniquement à faire nombre dans la population du bayou, tout comme Deadeye et Digger[51]. Les personnages secondaires du bayou forment une milice dénommée les « Swamps Vounteers » (volontaires du marais)[54].
 Grant note aussi la présence d'un grand nombre de personnages mineurs, presque des figurants, comme les trois souris découvrant la bouteille lancée par Penny, les humains visibles à la télévision (parmi lesquels se trouve un journaliste) et la cohorte d'humains et de souris des Nations unies, dont le président pompeux[51]. Ce dernier est conçu comme une version souris de Robert Morley mais l'acteur a refusé de lui donner sa voix et il a finalement été remplacé par Bernard Fox[39]. Grant distingue aux Nations unies les représentants humains et leurs contreparties murines suivants, l'Inde, l'Autriche, la Chine, la Corée, la France, l'Allemagne, les Pays-Bas, une nation africaine et l'Écosse, ce qui le conduit à s’interroger sur une possible reconnaissance de l'indépendance écossaise[55]. Jack Shaheen, dans une étude sur la représentation des Arabes et les stéréotypes associés à Hollywood, mentionne le film pour la présence d'une délégation des pays arabes à la SOS Société[56].
 Propriétaire d'une boutique de prêteur sur gages, Mme Médusa enlève Penny et la contraint à trouver « l'Œil du Diable »[57]. Durant la conception du personnage, Ken Anderson a esquissé plusieurs femmes étranges allant de l'ancienne maîtresse d'école à la criminelle[58]. Initialement le personnage de Cruella d'Enfer, conçu par Marc Davis[34], avait été envisagé pour jouer le rôle de la méchante mais un nouveau personnage nommé Médusa a finalement été créé par Ken Anderson, animateur qui avait participé à la conception de Cruella[13],[58]. Le studio Disney a alors pour politique de ne pas faire de suite à ses films. Médusa est une version modifiée de la Duchesse au Diamant du roman Miss Bianca avec qui elle partage peu de traits communs en dehors de sa mauvaise conduite des voitures[58]. L'apparence du personnage est basée sur l'ex-femme de l'animateur Milt Kahl qui ne l'appréciait plus[10],[57]. Milt Kahl arrivant à l'âge de la retraite[57],[58],[59], il avait à cœur que son dernier personnage soit le meilleur et a tellement insisté pour parfaire Médusa qu'il a fini par réaliser presque seul l'animation du personnage[60],[57],[59]. La voix originale de Médusa est celle de Geraldine Page[60],[61].
 Durant la scène où Mme Médusa se démaquille tout en préméditant l'enlèvement, l'animation de sa bouche est synchronisée avec ses propos mais, une fois tournée vers le miroir, l'animation de ses yeux, liée au retrait de ses faux cils, n'a alors plus rien à voir avec ses paroles[59]. Pour Frank Thomas et Ollie Johnston, cette scène animée par Milt Kahl démontre une grande habileté dans l'utilisation des bases de l'animation[62]. Si l'action avait été liée à un autre dialogue, ce comique lié au démaquillage aurait été perturbant[62]. John Culhane compare cette scène à une version en mouvement d'une caricature d'Honoré Daumier, de la série Croquis d'expressions[61]. Pour John Grant, Mme Médusa est plus proche d'une femme habillée en méchante qu'un génie du mal et c'est uniquement sa monomanie irrationnelle envers le plus gros diamant du monde qui la motive au point d'abandonner là où ils sont d'autres diamants plus petits[61]. Comme de nombreux méchants monomaniaques, elle se retrouve à la fin du film sans l'objet de ses désirs[61]. Johnston et Thomas la décrivent comme une femme négligée, dure, impitoyable et instable qui a toujours vécu grâce à son intelligence[63]. Charles Champlin du Los Angles Times la voit comme une chanteuse de nightclub négligée et dépassée[64]. Pour Charles Salomon elle n'a pas de grande scène comme Ursula ou Cruella et sa monomanie la rend comique voire ridicule[64]. Johnston et Thomas écrivent que la plupart des animateurs du studio ont apprécié cette caricature de sorcière mais ce n'est pas le cas du public[65].
 Bien qu'elle fasse partie du groupe des méchantes de Disney motivées par une monomanie, comme la Reine-sorcière, Maléfique ou Cruella d'Enfer[66], sa peur des souris en fait une méchante comique et non terrifiante[60]. Elle n'a pas d'intérêt à laisser Penny en vie mais, selon John Grant, ce n'est pas à cause de la malice ou de la cruauté et, même si elle est prête à tirer sur Mr. Snoops et Penny, elle n'est pas la source de cauchemar[61]. Médusa rejoint, avec Cruella d'Enfer, les caricatures de femmes un peu folles[58], souvent ridicules de différentes manières, mais toujours fascinantes[64]. Médusa n'est pas une meurtrière car, lorsqu'elle utilise un fusil pour tirer sur les souris dans un moment de panique, elle rate son coup, détruisant ses propres affaires[64].
 Néron et Brutus sont les deux crocodiles de Médusa et ils sont basés sur deux chiens du roman nommés Tyran et Tourment. Ce sont les deux animaux de compagnie de Médusa et ils ne sont pas différentiables[61]. Ils partagent le rôle de cerbères gardant Penny et possèdent une certaine intelligence, comme le démontre la scène avec l'orgue[61]. En raison de l'absence de dialogue et du faible nombre d'expressions, les crocodiles n'ont pas nécessité de distorsion de la forme [de base] d'un crocodile[67]. Pour David Koenig, ils souffrent du « Syndrome Pluto », des adjuvants animaliers qui n'ont pas la parole alors que d'autres personnages animaliers anthropomorphes ou non en sont dotés[68].
 Mr. Snoops, l'acolyte de Mme Médusa, est basé sur le personnage de Mandrake chez Margery Sharp. Son physique est une caricature de l'historien de l'animation John Culhane, décédé le 31 juillet 2015[39],[69],[70],[71],[72],[73]. Son nom est lié au fait que le journaliste passait beaucoup de temps à espionner (« snoop » en anglais) autour du studio[39]. Maltin et Grant s'accordent sur le fait que la plupart des personnages animaliers du film sont des pures créations d'animation mais Snoops fait exception pour les personnages humains[61]. Johnston et Thomas expliquent que Milt Kahl avait participé à une conférence pour les élèves de la School of Visual Arts de New York sur invitation de John Culhane en 1973 et que, pour promouvoir l'événement, il a réalisé une caricature de lui-même assis avec Culhane bâillonné sur ses genoux avec Robin des bois[65]. En montrant cette affiche aux studios, Woolie Reitherman déclare qu'il a trouvé le méchant de Bernard et Bianca, l'acolyte de Médusa, Mr. Snoops[65]. D'après un article de Culhane dans le New York Times d'août 1976, le journaliste explique qu'il a visité les studios de Disney et que les animateurs semblaient s'intéresser à lui d'un peu trop près[61]. Culhane prétend qu'il a pratiquement été dupé en posant pour diverses réactions, et ses mouvements ont été imités sur la feuille de modèle de M. Snoops[61],[65]. Joe Flynn réalise l'enregistrement de la voix de Mr Snoops juste avant sa mort en 1974, durant sa dernière semaine de travail pour le studio[13]. Pour Grant, Snoops est un idiot et un technocrate de bas niveau qui utilise des gadgets, un arsenal de fusées éclairantes et feux d'artifice, pour assouvir son besoin de puissance mais ceux-ci contribuent à le faire perdre, dans l'explosion du bateau[61]. Snoops et Médusa utilisent tous les deux des armes considérées comme modernes, biologique pour Médusa et des missiles pour Snoops[61].
 Dans un article interne au studio de 1976, Culhane explique comment il est devenu le modèle pour le personnage de Snoops[71] : 
 « En fouillant dans les studios Disney lors de missions précédentes, j'avais fait la connaissance de Milt Kahl, un maître animateur qui a également conçu de nombreux personnages des dessins animés de Disney. En mai 1973, Milt a participé à une conférence dans une classe où j'enseignais et a accepté de dessiner une affiche pour annoncer l'événement. Sur l'affiche, il nous caricaturait lui-même et moi. Lorsque Milt est revenu aux studios, les artistes travaillant sur Bernard et Bianca cherchaient un aspect pour l'un des méchants. Dans le script, il est décrit comme nerveux, indécis et dominé par Médusa. Le gars aux jambes courtes avec Milt sur l'affiche ressemblait au réalisateur Woolie Reitherman comme ce genre de gars, et ils l'ont nommé, d'après ma profession, « M. Snoops ». Avant même de le voir à l'écran, j'ai réalisé que Snoops me ressemblait en effet parce que, partout où j'allais dans les studios Disney cette année-là, les artistes qui me croisaient dans les couloirs se retournaient et marquaient un temps d'arrêt avant de se dire « C'est lui, d'accord, c'est M. Snoops ». »
 Culhane déclare que « Devenir un personnage de Disney était au-delà de [ses] rêves de gloire les plus fous »[65].
 Le film a nécessité quatre années de production, 250 artistes dont 40 animateurs qui ont réalisé plus de 330 000 dessins et 750 décors, pour les 14 séquences réparties en 1 039 scènes[8]. L'équipe de scénaristes supervisée par Larry Clemmons a pris plus d'un an pour adapter les deux livres de Margery Sharp[74].
 Le générique du film est réalisé en animation limitée (sketchy) en utilisant les pastels de Mel Shaw pour illustrer le voyage d'une bouteille depuis le Golfe du Mexique jusqu'au port de New York, la partition instrumentale The Journey (le Voyage) offrant de nombreux possibilité de mouvement de caméras selon la même méthode utilisée dans Les Trois Caballeros (1944) ou Mélodie Cocktail (1948). Pour la suite, graphiquement, le film marque l'arrêt chez Disney de l'animation limitée utilisée durant les années 1960 et 1970[75]. Cet arrêt est dû à l'amélioration du procédé de xérographie désormais capable des nuances de gris et des tons doux en plus des contours noirs[75].
 Thomas et Johnston expliquent que le système de xérographie utilisé à grande échelle sur Les 101 Dalmatiens (1961) donne une impression de délicatesse moindre, d'absence de soin du détail à l'opposé des films d'avant-guerre, sentiment partagé par Walt Disney et le public[76]. Mais ce problème est résolu à partir de Bernard et Bianca grâce à l'usage d'une ligne grise (de traçage) supprimant la ligne brutale et épaisse au profit d'un dessin plus doux[76]. Le gris est obtenu avec un nouveau toner développé pour les machines Xerox[77]. Certains critiques y ont vu un nouveau style graphique, mais Johnston et Thomas écrivent que c'est juste un simple changement[76]. Thomas et Johnston précisent que le studio continue d'utiliser les mêmes ficelles avec, par exemple, l'envol de l'albatros au-dessus de Manhattan pour rendre la scène de déplacement plus théâtral à l'instar des nains rentrant de la mine passant sur un tronc couché[78].
 Frank Thomas et Ollie Johnston découpent le film en 13 séquences, ce qui semble être pour eux « une constante des films Disney entre 10 et 15 »[79] :
 Lors de la production, l'équipe décide que le moment fort du film sera la scène où Penny, Bernard et Bianca recherchent le diamant alors qu'une vague menace de submerger la cave[60]. Cependant, lors des visionnages, un membre du studio fit remarquer que le courant étant quasiment inexistant dans les bayous, il n'y avait pas de vagues[60],[80]. Après de longs débats, un animateur demanda : « Ça gêne qui ?… C'est juste un dessin animé »[60]. Le public ne tint en effet pas rigueur au studio de cette incohérence[60]. Johnston et Thomas considèrent la scène de la marée montante dans la caverne des pirates comme la représentation de la Nature brutale à l'image du feu de forêt dans Bambi (1942) ou les éléments dans le segment L'Apprenti sorcier de Fantasia (1940)[81]. Pour rendre réaliste la scène de la caverne et la notion de profondeur, les animateurs ont ajouté une scène où Bernard glisse[82]. À l'inverse, pour ne pas rendre la scène de la caverne trop sombre et effrayante, les animateurs ont supprimé les ombres que la lanterne aurait dû porter[83].
 David Koenig note quant à lui que les souris de la SOS Société sont très douées car, malgré l'entrée qui n'est qu'un petit trou dans un mur, elles ont réussi à installer dans leur quartier général, une vieille commode dont les tiroirs servent de balcons, un livre servant d'estrade, une bobine pour pupitre et même un écran 19 pouces à la fin du film[80]. Au mur, il est possible d'apercevoir une montre Mickey Mouse qui sert d'horloge.
 
 modifier  Les chansons du film ont été composées par Sammy Fain, Carol Connors et Ayn Robbins et interprétées en version originale par Shelby Flint[8]. Reprenant un procédé inutilisé par le studio Disney depuis Bambi (1942), la plupart des chansons importantes font partie de la narration et ne sont pas associées à un personnage du film. Sammy Fain avait initialement écrit trois chansons pour le film mais, à la suite d'une audition de Carol Connors et Ayn Robbins pour une comédie musicale, la production a envisagé une musique plus contemporaine[39]. Ensuite, Ron Miller a demandé à Artie Butler, connaissance de Connors et Robbins, d'écrire la bande sonore[39]. Butler a composé les musiques d'ambiance du film en essayant de rendre les tâches des souris presque irréalisables en raison de leur différence de taille par rapport aux humains, par exemple quand elles cherchent à déplacer le diamant[84]. Connors devait écrire une chanson pour Mme Médusa mais non intégrée au scénario, elle n'a jamais été demandée à la compositrice[30].
 La chanson The Journey aussi nommée Who Will Rescue Me? est présente dans le générique du début et illustre le parcours de la bouteille jetée à la mer par Penny depuis le bayou jusqu'à New York. Impressionné par la musique, Wolfgang Reitherman a envoyé un animateur 24 heures dans un van en bord de plage pour qu'il esquisse la scène[30]. La seconde chanson Rescue Aid Society est interprétée durant la réunion de la SOS Société par Bernard, Miss Bianca et plusieurs membres des délégations internationales. La chanson est conçue comme un hymne à l'image de la Mickey Mouse March de l'émission The Mickey Mouse Club[30]. Durant la chanson, ce n'est pas Eva Gabor qui donne sa voix à Bianca mais Robie Lester, narratrice pour Disneyland Records depuis 1965 qui avait déjà remplacé Eva Gabor pour le film Les Aristochats (1970)[85]. Robie Lester avait subi deux chirurgies cardiaques en 1972 et pensait ne pas revenir sur le devant de la scène en raison de la disparition de ses producteurs et réalisateurs[85]. La chanson Rescue Aid Society est reprise plus tard dans le film par Bianca et Bernard seuls comme un mantra lors d'une phase de doute. Tomorrow is Another Day est interprétée par Bernard et Bianca durant leur voyage vers le bayou sur le dos d'Orville et à la fin du film lorsque le duo repart pour une nouvelle mission. La chanson est composée par Connors et Robbins la nuit suivant le visionnage des esquisses de la scène, alors qu'ils avaient une semaine pour le faire[30].
 Sammy Fain avait écrit une chanson intitulée The Need to Be Loved pour la scène où Penny perd espoir après avoir été vertement prise à partie par Médusa[30]. Reitherman appréciait la mélodie mais a demandé à Connors et Robbins d'écrire de nouvelles paroles, et la chanson est devenue Someone's Waiting For You[30]. La version The Need to Be Loved était interprétée par Jennifer Paz et Paul Francis Webster[30].
 Le film comprend d'autres éléments chantés absents de la bande originale. Pour l'impression du vinyle, la musique d'ambiance est ajoutée au dialogue, méthode plus utilisée par Disney Records depuis Le Livre de la Jungle, mais le directeur du label Jymm Magon décida de couper les chansons et les quatre principales chansons n'ont été disponibles qu'une année plus tard[86]. Faith is a Bluebird n'est pas une chanson mais un poème récité par Rufus et Penny durant un flashback qui montre le chat essayant de réconforter la petite orpheline. L'oiseau en question est un merlebleu de l'Est graphiquement semblable à un oiseau bleu présent au début d'Alice au pays des merveilles (1951). Une variation de la chanson populaire For He's a Jolly Good Fellow, intitulée For Penny's a Jolly Good Fellow, est interprétée à la fin du film par les orphelins qui accueillent Penny[85].
 Source version française : Disney-planet.fr[87]
 Le film est achevé après quatre ans de production pour un budget estimé à 7,5 millions de USD[88], ce qui en fait le film d'animation le plus cher des années 1970, dépassant le budget de La Belle au bois dormant (1959), lui-même estimé à 6 millions de USD[89],[90],[91],[92],[93].
 La première du film Les Aventures de Bernard et Bianca a lieu à Washington le 19 juin 1977, avant une sortie nationale aux États-Unis le 22 juin 1977[94], seulement 4 semaines après la sortie de La Guerre des étoiles (sorti le 25 mai 1977) et presque 40 ans après le premier long métrage de Disney, Blanche-Neige et les Sept Nains (1937). Le film reçoit un bon accueil de la part de la critique et rencontre le succès commercial. Lors de sa sortie, le film était précédé aux États-Unis du court-métrage documentaire A Tale of Two Critters mettant en scène un castor et un ours[95]. En France, le film sort le 30 novembre 1977[9] et il est accompagné des court-métrages L'Atelier du père Noël (1932) et Arizona Sheepdog (1955). L'émission Les Visiteurs de Noël consacre au film une section promotionnelle de 5 minutes le 28 décembre 1977[96]. Les Aventures de Bernard et Bianca  récolte 16 millions d'USD aux États-Unis et au Canada et 32,1 millions d'USD à l'international[13].
 Dès sa sortie en France le 30 novembre 1977, le film réalise un important démarrage avec 516 696 entrées et se positionne au premier rang du box-office français, dépassant le film de George Lucas. Les Aventures de Bernard et Bianca est, pour sa première semaine, présent dans vingt-et-une salles parisiennes et attire 147 522 spectateurs. Durant sa sortie en France, les 7,2 millions d'entrées du film dépassent celles de Star Wars[97]. Avec 5 219 476 entrées, Les Aventures de Bernard et Bianca finit ainsi numéro un du box-office des films sortis en France en 1977[98].
 Il est aussi le plus important film de l'année en Allemagne de l'Ouest avec 9,7 millions d'entrées[99]. Ce résultat en Allemagne a mis 17 ans avant d'être dépassé par Le Roi Lion, qui réalisa un score de plus de 11 millions d'entrées[99].
 À la fin de la période de sortie initiale, les recettes aux États-Unis et au Canada totalisent 19 millions d'USD et 41 millions à l'international[100]. En 1978, Harmetz annonce des recettes de 45 millions d'USD pour l'Europe de l'Ouest[101]. Quelques années plus tard, le montant total généré par le film est estimé à 48 millions d'USD en salle à l'international[102],[103].
 Les Aventures de Bernard et Bianca est le premier film d'animation du studio Disney à devenir un succès commercial depuis Livre de la jungle (1967) et le dernier avant La Petite Sirène (1989). Il marque ainsi la fin de la seconde partie du Premier Âge d'Or des studios, débutant avec Cendrillon (1950). Il est aussi le premier succès du studio dans lequel Walt Disney n'a pas été impliqué. Les Aventures de Bernard et Bianca est le plus important succès de Disney depuis Mary Poppins (1964), et préfigure le Second Âge d'or de l'animation ou la Renaissance du studio[104].
 Variety considère Bernard et Bianca comme une « admirable histoire simple » avec une vraie terreur et un marais gothique[88]. Le film est, pour le magazine, « la meilleure œuvre des animateurs Disney depuis de nombreuses années, restituant le métier à ses anciennes gloires »[88]. L'une des meilleures scènes est celle avec l'albatros Orville[88]. De plus, le film a une approche plus aventureuse de la stylisation des couleurs et des décors que les précédents, avec une délicate palette de pastel utilisée à un effet de grande envergure[88].
 Charles Champlin du Los Angeles Times a salué le film comme « le meilleur long métrage d'animation de Disney depuis une décennie ou plus - le plus drôle, le plus inventif, le moins gêné, le plus cohérent et émouvant du début à la fin, et probablement le plus important de tous, c'est aussi le plus touchant de cette manière unique que la fantaisie a de porter des vibrations de la vie réelle et des sentiments réels »[105].
 Vincent Canby du New York Times écrit que « le film n'appartient pas à la même catégorie que les précédents longs métrages d'animation de Disney (Blanche-Neige et les Sept Nains, Bambi, Fantasia) mais c'est un rappel d'un genre de divertissement animé et joyeux qui a pratiquement disparu »[106].
 Le critique Gene Siskel du Chicago Tribune attribue deux étoiles et demi sur quatre et écrit que « Voir un film d'animation Disney de nos jours, c'est le comparer aux classiques de Disney sortis il y a 30 ou 40 ans. Bernard et Bianca est léger, en effet. Ses thèmes sont oubliables. C'est surtout une histoire d'aventure »[95]. Siskel répond à Gary Arnold du Washington Post qui voit dans Bernard et Bianca des similarités avec Star Wars, principalement le sauvetage d'une jeune femme mais les ressemblances ne font pas un film[95]. Pour Siskel, il y a de nombreux personnages mais l'histoire est maigre[95].
 Ellen MacKay de Common Sense Media donne quatre étoiles sur cinq, considérant que c'est une grande aventure mais trop sombre pour les plus jeunes[107]. TV Guide attribue trois étoiles sur cinq au film, estimant que « Bernard et Bianca est un film magnifiquement animé qui a prouvé que Disney a encore le savoir-faire de la fabrication de plats pour enfants de qualité alors même que leurs antécédents s'affaiblissaient »[108]. Le Rotten Tomatoes recense 81 % d'approbations avec une note moyenne de 6,46/10 à partir de 31 revues et le consensus s'établit sur « une animation unique, des personnages décalés et un travail vocal affectueux de Bob Newhart et Eva Gabor, le film représente un point lumineux dans l'après âge d'or de Disney »[109].
 Le film est rediffusé au cinéma en 1983[8],[110] et 1989[8]. Aux États-Unis, Les Aventures de Bernard et Bianca ressort en 1983[13] et récolte 21 millions d'USD. Le 17 mars 1989, le film ressort à nouveau et récolte 21,1 millions d'USD[111]. Le film totalise des revenus bruts de 75 millions d'USD sur le sol américain pour un total de 169 millions d'USD[112]. Le film ressort en salle aux États-Unis le 16 décembre 1983, cette fois en Dolby Stéréo accompagné par le moyen métrage Le Noël de Mickey, première apparition de Mickey Mouse à l'écran depuis 1953[113].
 Cette ressortie de Bernard et Bianca est remarquable car Le Noël de Mickey est le retour d'une tradition vieille de plus de 50 ans, un court métrage de Disney dépassant le succès du long métrage qu'il accompagne[114]. Pour sa ressortie le 2 décembre 1987, le film fait un démarrage avec 244 186 entrées et attire 2 millions de spectateurs supplémentaires et totalise 7 219 476 entrées[111].
 En 1989, afin d'anticiper la sortie de la première suite du studio Disney, Bernard et Bianca au pays des kangourous prévu en 1990, le studio Disney rediffuse Les Aventures de Bernard et Bianca au cinéma en mars[115].
 Les premières sorties DVD se font au début des années 2000, le 21 novembre 2001 en Australie, le 28 janvier 2002 au Royaume-Uni, puis le 20 mai 2003 aux États-Unis[réf. nécessaire]. La version américaine contient un court documentaire sur les méchants de Disney mais aucune information sur le film[13]. En France, le DVD est édité le 15 octobre 2002[116].
Le 21 août 2012, le film sort pour la première fois aux États-Unis en Blu-ray dans une nouvelle version restaurée pour célébrer son 35e anniversaire, avec un coffret comprenant la suite Bernard et Bianca au pays des kangourous[13]. Cette version comprend aussi une chanson supprimée Peoplitis, des esquisses de scènes supprimées dont celle de l'ours[13].
 Pour David Koenig, le film est gentillet et s'en sort bien de manière surprenante au box-office, mais son innocuité apparente ne l'a pas empêché d'être censuré au Danemark et en Scandinavie pour violence suggérée[117].
 Le 8 janvier 1999, trois jours après la seconde sortie en VHS du film aux États-Unis, Walt Disney Home Video procède au rappel de 3,4 millions de cassettes en raison d'une image répréhensible dans un décor[118],[119],[117],[120],[121],[122],[123]. À environ 38 minutes, alors que Bernard et Bianca sont sur le dos d'Orville, une image de femme nue avait été ajoutée dans une fenêtre de l'immeuble à l'arrière-plan[118],[13],[124],[125]. L'image de cette femme nue est floue et apparaît de manière consécutive dans seulement deux des 110 000 images du film et nécessite de visionner le film au ralenti image par image pour être vue[118],[119],[117],[126],[127]. Personne ne l'avait remarquée durant les projections au cinéma[117]. Elle aurait été ajoutée durant la post-production et pas par un animateur[119],[126],[127]. Lors de la première édition en VHS en 1992, l'image avait été recouverte lors du transfert du négatif vers le master de la cassette[127],[117]. Malheureusement la réédition de 1999 avait été refaite à partir du master original, d'où le rappel[117].
 Cette affaire survient alors que, depuis 1997, la Convention baptiste du Sud demande le boycott des films Disney après plusieurs problèmes d'images subliminales à caractère sexuel présentes dans Aladdin (1992), Le Roi lion (1994) ou des propos inappropriés dans La Petite Sirène (1989)[119],[127].
 Les Aventures de Bernard et Bianca est le premier film de Disney à associer les talents de l'équipe d'animateurs et scénaristes d'origine des studios (dont certains des Neuf Sages de Disney) avec la nouvelle garde, moins expérimentée et recrutée au début des années 1970[101],[69]. Le studio profite, pour ce film, de la première promotion du California Institute of the Arts (CalArts), fondé par Disney en 1961, qui s'installe sur son propre campus en 1977 même si, pour Mark Arnold, la nouvelle génération d'animateurs n'est vraiment disponible que pour Rox et Rouky (1981)[128]. Pour John Grant, Les Aventures de Bernard et Bianca est un film « transitionnel » qui marque le passage de l'ancienne école d'animateurs Disney à la nouvelle[4]. Quelques membres des Neuf Sages jouent un rôle important dans la genèse du film mais le générique montre l'arrivée de nombreux nouveaux talents[4]. C'est la dernière collaboration entre les vétérans du studio Milt Kahl, Ollie Johnston et Frank Thomas[4],[10]. John Lounsbery est décédé en 1976 plus d'un an avant la sortie du film[4], supervisant la réalisation de certaines séquences[129]. Après le film, Milt Kahl a pris sa retraite, Frank Thomas et Ollie Johnston ont participé à la production suivante Rox et Rouky (1981) avant de prendre conjointement leur retraite tandis que la nouvelle génération prenait la relève[4],[60].
 Pour Frank Thomas et Ollie Johnston, la scène d'introduction de Penny est un bon exemple de collaboration entre animateur, ici Larry Clemmons, et scénariste, ici Vance Gerry aussi concepteur du personnage[29]. La séquence est d'abord joyeuse permettant d'accepter cette jeune fille pleine d'assurance et de gaité avant des scènes plus tristes qui n'auraient pas été acceptées par le public dans le sens contraire[29].
 C'est aussi la première participation de Don Bluth en tant qu'animateur et non plus assistant animateur[10]. Parmi les nouveaux animateurs impliqués dans la production du film, plusieurs ont joué un rôle important dans la Renaissance Disney des années 1990[130]. On peut citer John Pomeroy, Glen Keane, Ron Clements, Gary Goldman et Andy Gaskill[130]. La plupart des animateurs est formée sous la supervision d'Eric Larson et ils font ici leurs débuts[4]. Grant note aussi l'arrivée de Chuck Harvey sur la partie démarche de l'albatros[42].
 Les Aventures de Bernard et Bianca est, selon John Grant, un petit film modeste[74] mais il n'est pas que cela car le studio avait des ambitions simples et elles ont été atteintes[4]. Il a été chaudement accueilli par les critiques et a eu un résultat correct au box-office[4]. Pour Grant, les critiques préfèrent la sécurité et la réussite à ce qui est plus périlleux et imparfait[4].
 Depuis Les 101 Dalmatiens (1961), le studio n'a pas conservé un outil de production de qualité élevée et plusieurs productions sont considérées comme sans intérêt[4]. Parmi ces dernières, Grant liste Merlin l'Enchanteur (1963), Le Livre de la jungle (1967), œuvre avec du charme mais légère et mal construite, Robin des Bois (1973), le moins satisfaisant, et enfin Les Aristochats (1970), souvent considéré comme une variante féline des 101 Dalmatiens, même s'il sort un peu du lot[4]. Pour Grant, le film Les Aventures de Bernard et Bianca partage autant d'éléments communs avec Les 101 Dalmatiens mais n'a jamais été considéré comme une variante, au contraire des Aristochats[4]. Dans ce contexte, Grant considère Bernard et Bianca comme un rappel bienvenu que la magie Disney est toujours présente[4].
 Mark Arnold considère le film comme le plus agréable des trois longs métrages d'animations des années 1970 mais aussi comme le dernier fait d'armes de l'ancienne garde d'animateurs[131], une nouvelle génération prenant place durant la période. L'harmonie et les rouages instaurés par Disney ont été perturbés depuis le décès de Walt Disney[131].
 Pour Frank Thomas et Ollie Johnston, la scène finale du film où Medusa est traînée derrière un Swamp Mobile est caractéristique du cheminement durant la production de tous les films Disney, les animateurs souhaitant ajouter des gags aux nombreuses bonds, éclaboussures et coups pris par la méchante alors que le réalisateur hésitait, préférant se concentrer sur le ressenti, avec un gros plan sur son visage[132].
 Finalement, les critiques sont plates vis-à-vis du film, « personne ne perd son calme, personne ne le déteste profondément, personne de l'adore. [L'ambiance] est calme et sans controverse tout comme la relève de la Garde des animateurs[4]. » Pour Grant, le studio Disney « doit faire quelque chose pour insuffler une nouvelle direction et éviter de baratter [la crème] de Robin des Bois et d'espérer que cela prenne[4]. Mais avant qu'une nouvelle branche pousse, il faut consolider l'existant[74]. » Pour Grant, il ne faut pas attendre plus du film qu'un divertissement pour toute la famille[74]. Plusieurs des pratiques du studio n'ont pas été reprises dans le film, comme la personnalisation des personnages par rapport aux acteurs qui leur donnent leur voix, à l'exception de Miss Bianca, ou comme les chansons s'insérant de manière intrusive dans l'action[74]. Les personnages ont été solidement établis par l'équipe de scénaristes dans une histoire bien délimitée[74]. Mais, selon Grant, le scénario n'est pas la part la plus importante du film, c'est la conception des personnages qui est l'élément fort du film, principe qui est repris dans les productions suivantes des années 1980 comme Rox et Rouky (1981), Taram et le Chaudron magique (1985) et Basil, détective privé (1986)[74].
 C'est le quatrième long métrage d'animation Disney dont l'action est située dans le présent à la sortie du film, après Les 101 Dalmatiens (1961). En revanche, c'est le premier long métrage à posséder un prologue avant le générique. Une partie de l'histoire est dévoilée avant le défilement du générique. Durant le générique, la caméra se déplace au-dessus de photographies statiques alors qu'auparavant le studio avait pour habitude d'utiliser des cellulos sur lesquels les crédits s'affichaient au-dessus de décors immobiles, parfois le même fond pour tout le générique comme pour Blanche-Neige et les Sept Nains (1937).
 Parmi les films d'animation Disney des années 1960 à 1990, plusieurs jeunes garçons devaient être les personnages principaux mais ont reçu une personnalité banale, comme Moustique dans Merlin l'Enchanteur (1963) ou Taram dans Taram et le Chaudron magique (1985)[22]. Selon Grant, le studio Disney a découvert l'efficacité d'avoir un personnage central presque neutre comme contrepoint à la folie des personnages secondaires[22]. Les Aventures de Bernard et Bianca applique le même principe, à la différence que Penny est une fille et non un garçon et que, dans la mentalité occidentale, un personnage féminin doit être sauvé et non se sauver lui-même[22]. En ajoutant ces éléments, Penny devient un adjuvant, même la raison d'être du film autour duquel tout se joue mais qui n'y contribue virtuellement en rien[22].
 Pour Lynda Haas, Elizabeth Bell et Laura Sells dans From Mouse to Mermaid, Bernard et Bianca et sa suite font partie des six films de Disney dans lesquels la domination des femmes par l'homme et des humains sur la nature sont apparents, en lien avec les propos sur l'écoféminisme développés par Karen J. Warren[133]. Les autres films sont Les 101 Dalmatiens (1961), Le Livre de la jungle (1967), La Petite Sirène (1989) et La Belle et la Bête (1991)[133]. Patrick D. Murphy parle quant à lui d'androcentrisme[134]. Malgré les changements dans la société américaine, notables dans le film, un chaperon masculin est nécessaire pour la mission de sauvetage[135].
 Patrick D. Murphy note que Médusa, tout comme le personnage de McLeath dans le second opus, sont des méchants motivés par la cupidité, à l'image de Cruella dans Les 101 Dalmatiens (1961)[135]. Cruella d'Enfer et Mme Médusa sont deux femmes sophistiquées, archétypes de celles que l'on peut rencontrer à un cocktail ou un dîner, au timbre de voix aristocratique, des personnalités dominatrices et convaincues de leurs droits[34]. Leurs actions sont toujours les bonnes et celles des autres mauvaises, ce qui est renforcé par la présence d'un ou plusieurs comparses benêts et maladroits[34]. Les deux femmes sont monomaniaques, avares et s'attaquent à des jeunes, enfants ou chiots[61]. Mais Cruella, avec sa flamboyance, est beaucoup plus terrifiante que Médusa[61]. John Grant fait remarquer que les comparaisons, lors de la sortie du film, entre Cruella d'Enfer et Mme Médusa étaient assez favorables mais que, le temps passant, il est difficile d'en être aussi sûr[34]. La comparaison des deux films est sans intérêt mais celle des deux antagonistes reste pertinente[34].
 Durant les années 1960 et 1970, les films Disney mettent l'accent sur la comédie au lieu de l'histoire, de l'émotion ou du drame. Janet Wasko écrit que la plupart des productions des années 1970, après la mort de Roy Oliver Disney et l'arrivée de Donn Tatum à la direction de Disney, est constituée de navets. De fait, même les films ayant eu le plus de succès comme Robin des Bois (1973), Les Aventures de Bernard et Bianca (1977) ou Le Trou noir (1979), n'égalent pas les succès des décennies précédentes[136]. Bernard et Bianca offre au cinéma d'animation un retour au drame comme le studio avait pu le faire avec Bambi (1942) ou Dumbo (1941)[137]. Frank Thomas et Ollie Johnston considèrent Bernard et Bianca comme leur retour à un film avec des sentiments et le meilleur sans Walt Disney. Pour Leonard Maltin, Les Aventures de Bernard et Bianca est « une bouffée d'air frais pour tous ceux intéressés par le futur de l'animation Disney »[138].
 Maltin apprécie l'humour et l'imagination du film, imbriqués avec expertise dans une structure historique solide… avec une agréable distribution de personnages[138]. C'est, pour Maltin, le film d'animation le plus satisfaisant depuis Les 101 Dalmatiens (1961) et il surpasse les productions animées de son temps[138]. Maltin ajoute que le principe de créer des personnages typiquement d'animation sans rechercher une forme de réalisme a fait longtemps défaut aux productions Disney des années 1960 à 1980, jusqu'à la sortie des Aventures de Bernard et Bianca[139]. Pour Charles Solomon, alors que les animateurs semblent aimer se répéter avec Les Aristochats (1970), Robin des Bois (1973) et Rox et Rouky (1981), Bernard et Bianca apporte une éclatante et rare dose d'imagination[140].
 Mark Arnold indique qu'après le succès de la sortie du film, le studio a décidé de poursuivre la production d'autres films d'animation réalisés par les nouveaux animateurs comme Le Petit Âne de Bethléem[141]. Dans un processus de reconnaissance entamé avec Robin des Bois qui est le premier à inclure des assistants animateurs dans les crédits ainsi que cinq assistant animateur clé, Bernard et Bianca crédite 15 animateurs et 11 assistants[142].
 Patrick D. Murphy écrit que Bernard et Bianca et sa suite Bernard et Bianca au pays des kangourous (1990) introduisent une nouveauté par rapport aux films précédents, un sauvetage inter-espèce[135]. Mais il note qu'entre les deux opus, il y a une inversion des genres, héroïne et méchante dans le premier, masculins dans le second[143].
 Une adaptation en bande dessinée est publiée en septembre 1977 dans le magazine Walt Disney Showcase[144]. Elle est diffusée en France en tant que feuilleton dans Le Journal de Mickey pendant 4 semaines (du numéro 1326, daté du 27 novembre 1977, au numéro 1329 daté du 18 décembre 1977)[145].
 Un jeu de société est édité en 1977 par Mako et réédité en février 2006[146]. Destiné aux plus jeunes, ce jeu est constitué de deux parties : la première est un jeu d'adresse reprenant le voyage d'Orville, la seconde est un jeu de dé pour collecter des objets et procéder au sauvetage de Penny dans le bateau[146].
 Dans le jeu vidéo Disney Magic Kingdoms, Bernard, Miss Bianca, Penny et Orville apparaissent en tant que personnages jouables dans le scénario principal du jeu, ainsi que SOS Société et le Bateau de Madame Médusa comme attractions[147],[148].
 En 1987, la chanteuse et ambassadrice Disney Douchka Esposito sort un 45 T comportant 3 chansons dont Bernard et Bianca[149].
 Après trois sorties entre 1977, 1983 et 1989, Les Aventures de Bernard et Bianca est le premier long métrage d'animation Disney à avoir fait l'objet d'une suite[8]. Un second opus, Bernard et Bianca au pays des kangourous, sort en effet le 16 novembre 1990. Ce film prend place dans l'Outback, l’arrière-pays australien, et pousse Bernard et Bianca à sauver un jeune garçon prénommé Cody d'un braconnier. En raison de la mort de Jim Jordan, le personnage d'Orville est remplacé par un autre albatros, Wilbur auquel John Candy prête sa voix[150],[115].
 Le personnage de Penny aurait, quant à lui, dû réapparaitre dans le film Oliver et Compagnie (1989). Dans une version préliminaire, Penny vivait désormais à New York avec sa famille adoptive et son chat Rufus. L'idée fut abandonnée mais la ressemblance physique entre Jenny et Penny a été conservée[151].",11004,"Accueil; Portails thématiques; Article au hasard; Contact; Débuter sur Wikipédia; Aide; Communauté; Modifications récentes; ; Rechercher; en savoir plus; Contributions; Discussion; Article; Discussion; Lire; Lire; Pages liées; Suivi des pages liées; Téléverser un fichier; Pages spéciales; ; article de qualité; ; Bernard et Bianca (album); ; page d’aide Unicode; ; Wolfgang Reitherman; Art Stevens; John Lounsbery; Bob Newhart; Eva Gabor; Geraldine Page; Walt Disney Pictures; ; États-Unis; film d'animation; 1977; Classiques d'animation Disney; Les Aventures de Winnie l'ourson; Rox et Rouky; Bernard et Bianca au pays des kangourous; ; long-métrage d'animation; « Classique d'animation »; studios Disney; 1977; Margery Sharp; Walt Disney; accueil critique; renaissance Disney; La Petite Sirène; Aladdin; Le Roi Lion; Les Aristochats; Robin des Bois; Blanche-Neige et les Sept Nains; Dumbo; Bambi; La Belle au Bois Dormant; 1959; Le Livre de la jungle; Robin des Bois; La Guerre des étoiles; box-office français; Le Roi lion; Dolby stéréo; Bernard et Bianca au pays des kangourous; 1990; Bayou; New York; Nations unies; souris blanche; Hongrie; triskaïdékaphobie; albatros; crocodiles; libellule; marée; hydroglisseur; skis nautiques; Smithsonian Institution; Wolfgang Reitherman; Art Stevens; John Lounsbery; Richard Rich; Larry Clemmons; Ken Anderson; Frank Thomas; Vance Gerry; David Michener; Ted Berman; Burny Mattinson; Margery Sharp; Don Griffith; Joe Hale; Sylvia Roemer; Al Dempster; Ann Guenther; Melvin Shaw; Eric Larson; Burny Mattinson; Milt Kahl; Ollie Johnston; Frank Thomas; Don Bluth; John Pomeroy; Cliff Nordberg; Gary Goldman; Andy Gaskill; Dale Baer; Art Stevens; Chuck Harvey; Ron Clements; Glen Keane; Jack Buckley; Dick Lucas; Walt Stanchfield; Randy Cartwright; Tad Stones; Herb Taylor; James Melton; Evelyn Kennedy; Artie Butler; Carol Connors; Robert MacArthur Crawford; Sammy Fain; Don Duckwall; Ron Miller; Wolfgang Reitherman; Walt Disney Pictures; Buena Vista Pictures Distribution; ; États-Unis; anglais; USD; 35 mm; 1,66:1; 1,75:1; Dolby Stéréo; RCA Sound System; États-Unis; 22; juin; 1977; France; 30; novembre; 1977; Leonard Maltin; John Grant; Mark Arnold; IMDb; Bob Newhart; Eva Gabor; Robie Lester; Geraldine Page; Joe Flynn; Jeanette Nolan; Pat Buttram; Jim Jordan; John McIntire; Bernard Fox; Larry Clemmons; James G. 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//upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/1/11/Bon_article.svg/14px-Bon_article.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/1/11/Bon_article.svg/14px-Bon_article.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/1/11/Bon_article.svg/14px-Bon_article.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/8/83/Article_de_qualit%C3%A9.svg/14px-Article_de_qualit%C3%A9.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/e/ef/Theme_de_qualite.svg/17px-Theme_de_qualite.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/8/83/Article_de_qualit%C3%A9.svg/14px-Article_de_qualit%C3%A9.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/8/83/Article_de_qualit%C3%A9.svg/14px-Article_de_qualit%C3%A9.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/8/83/Article_de_qualit%C3%A9.svg/14px-Article_de_qualit%C3%A9.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/8/83/Article_de_qualit%C3%A9.svg/14px-Article_de_qualit%C3%A9.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/8/83/Article_de_qualit%C3%A9.svg/14px-Article_de_qualit%C3%A9.svg.png; 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//upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/1/11/Bon_article.svg/14px-Bon_article.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/1/11/Bon_article.svg/14px-Bon_article.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/1/11/Bon_article.svg/14px-Bon_article.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/8/83/Article_de_qualit%C3%A9.svg/14px-Article_de_qualit%C3%A9.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/1/11/Bon_article.svg/14px-Bon_article.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/8/83/Article_de_qualit%C3%A9.svg/14px-Article_de_qualit%C3%A9.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/1/11/Bon_article.svg/14px-Bon_article.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/8/83/Article_de_qualit%C3%A9.svg/14px-Article_de_qualit%C3%A9.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/1/11/Bon_article.svg/14px-Bon_article.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/7/77/United_States_film_clapperboard.svg/27px-United_States_film_clapperboard.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/1/15/Circle-icons-1970s.svg/24px-Circle-icons-1970s.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/d/da/Animation_disc.svg/26px-Animation_disc.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/5/50/Jester01_recadre.png/42px-Jester01_recadre.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/2/20/D_letter_upon_three_circles.svg/31px-D_letter_upon_three_circles.svg.png; https://login.wikimedia.org/wiki/Special:CentralAutoLogin/start?type=1x1; /static/images/footer/wikimedia-button.svg; /w/resources/assets/poweredby_mediawiki.svg,https://en.wikipedia.org/wiki/The_Sound_of_Music,The Sound of Music,https://en.wikipedia.org/wiki/The_Sound_of_Music,"The Sound of Music is a musical with music by Richard Rodgers, lyrics by Oscar Hammerstein II, and a book by Howard Lindsay and Russel Crouse. It is based on the 1949 memoir of Maria von Trapp, The Story of the Trapp Family Singers. Set in Austria on the eve of the Anschluss in 1938, the musical tells the story of Maria, who takes a job as governess to a large family while she decides whether to become a nun. She falls in love with the children, and eventually their widowed father, Captain von Trapp. He is ordered to accept a commission in the German Navy, but he opposes the Nazis. He and Maria decide on a plan to flee Austria with the children. Many songs from the musical have become standards, including ""Do-Re-Mi"", ""My Favorite Things"", ""Edelweiss"", ""Climb Ev'ry Mountain"", and the title song ""The Sound of Music"".
 The original Broadway production, starring Mary Martin and Theodore Bikel, opened in 1959[1] and won five Tony Awards, including Best Musical, out of nine nominations. The first London production opened at the Palace Theatre in 1961. The show has enjoyed numerous productions and revivals since then. It was adapted as a 1965 film musical starring Julie Andrews and Christopher Plummer, which won five Academy Awards, including Best Picture. The Sound of Music was the last musical written by Rodgers and Hammerstein, as Oscar Hammerstein died of stomach cancer nine months after the Broadway premiere.
 After viewing The Trapp Family, a 1956 West German film about the von Trapp family, and its 1958 sequel (The Trapp Family in America), stage director Vincent J. Donehue thought that the project would be perfect for his friend Mary Martin; Broadway producers Leland Hayward and Richard Halliday (Martin's husband) agreed.[2] The producers originally envisioned a non-musical play that would be written by Lindsay and Crouse and that would feature songs from the repertoire of the Trapp Family Singers. Then they decided to add an original song or two, perhaps by Rodgers and Hammerstein. But it was soon agreed that the project should feature all new songs and be a musical rather than a play.[3]
 Details of the history of the von Trapp family were altered for the musical. The real Georg von Trapp did live with his family in a villa in Aigen, a suburb of Salzburg. He wrote to the Nonnberg Abbey in 1926 asking for a nun to help tutor his sick daughter, and the Mother Abbess sent Maria. His wife, Agathe Whitehead, had died in 1922. The real Maria and Georg married at the Nonnberg Abbey in 1927. Lindsay and Crouse altered the story so that Maria was governess to all of the children, whose names and ages were changed, as was Maria's original surname (the show used ""Rainer"" instead of ""Kutschera""). The von Trapps spent some years in Austria after Maria and the Captain married and he was offered a commission in Germany's navy. Since von Trapp opposed the Nazis by that time, the family left Austria after the Anschluss, going by train to Italy and then traveling on to London and the United States.[4] To make the story more dramatic, Lindsay and Crouse had the family, soon after Maria's and the Captain's wedding, escape over the mountains to Switzerland on foot.
 In Salzburg, Federal State of Austria, just before World War II, nuns from Nonnberg Abbey sing the Dixit Dominus. One of the postulants, Maria Rainer, is on the nearby mountainside, regretting leaving the beautiful hills (""The Sound of Music""). She returns late to the abbey where the Mother Abbess and the other nuns have been considering what to do about the free-spirit (""Maria""). Maria explains her lateness, saying she was raised on that mountain, and apologizes for singing in the garden without permission. The Mother Abbess joins her in song (""My Favorite Things""). The Mother Abbess tells her that she should spend some time outside the abbey to decide whether she is suited for the monastic life. She will act as the governess to the seven children of a widower, Austro-Hungarian Navy submarine Captain Georg von Trapp.
 Maria arrives at the villa of Captain von Trapp. He explains her duties and summons the children with a boatswain's call. They march in, clad in uniforms. He teaches her their individual signals on the call, but she openly disapproves of this militaristic approach. Alone with them, she breaks through their wariness and teaches them the basics of music (""Do-Re-Mi"").
 Rolf, a young messenger, delivers a telegram and then meets with the eldest child, Liesl, outside the villa. He claims he knows what is right for her because he is a year older than she (""Sixteen Going on Seventeen""). They kiss, and he runs off, leaving her squealing with joy. Meanwhile, the housekeeper, Frau Schmidt, gives Maria material to make new clothes, as Maria had given all her possessions to the poor. Maria sees Liesl slipping in through the window, wet from a sudden thunderstorm, but agrees to keep her secret. The other children are frightened by the storm. Maria sings ""The Lonely Goatherd"" to distract them.
 Captain von Trapp arrives a month later from Vienna with Baroness Elsa Schraeder and Max Detweiler. Elsa tells Max that something is preventing the Captain from marrying her. He opines that only poor people have the time for great romances (""How Can Love Survive""). Rolf enters, looking for Liesl, and greets them with ""Heil"". The Captain orders him away, saying that he is Austrian, not German. Maria and the children leapfrog in, wearing play-clothes that she made from the old drapes in her room. Infuriated, the Captain sends them off to change. She tells him that the children need him to show his love for them, and he angrily orders her back to the abbey. As she apologizes, they hear the children singing ""The Sound of Music"", which she had taught them, to welcome Elsa Schraeder. He joins in and embraces them. Alone with Maria, he asks her to stay, thanking her for bringing music back into his house. Elsa is suspicious of her until she explains that she will be returning to the abbey in September.
 The Captain gives a party to introduce Elsa, and guests argue over the Anschluss (the Nazi German annexation of Austria). Kurt asks Maria to teach him to dance the Ländler. When he fails to negotiate a complicated figure, the Captain steps in to demonstrate. He and Maria dance until they come face-to-face; and she breaks away, embarrassed and confused. Discussing the expected marriage between Elsa and the Captain, Brigitta tells Maria that she thinks Maria and the Captain are really in love with each other. Elsa asks the Captain to allow the children to say goodnight to the guests with a song (""So Long, Farewell""). Max is amazed at their talent and wants them for the Kaltzburg Festival, which he is organizing. The guests leave for the dining room, and Maria slips out the front door with her luggage.
 At the abbey, Maria says that she is ready to take her monastic vows; but the Mother Abbess realizes that she is running away from her feelings. She tells her to face the Captain and discover if they love each other, and tells her to search for and find the life she was meant to live (""Climb Ev'ry Mountain"").
 Max teaches the children how to sing on stage. When the Captain tries to lead them, they complain that he is not doing it as Maria did. He tells them that he has asked Elsa to marry him. They try to cheer themselves up by singing ""My Favorite Things"" but are unsuccessful until they hear Maria singing on her way to rejoin them. Learning of the wedding plans, she decides to stay only until the Captain can arrange for another governess. Max and Elsa argue with the Captain about the imminent Anschluss, trying to convince him that it is inevitable (""No Way to Stop It""). When he refuses to compromise on his opposition to it, Elsa breaks off the engagement. Alone, the Captain and Maria finally admit their love, desiring only to be ""An Ordinary Couple"". As they marry, the nuns reprise ""Maria"" against the wedding processional.
 While Maria and the Captain are on their honeymoon, Max prepares the children to perform at the Kaltzburg Festival. Herr Zeller, the Gauleiter of the region, demands to know why they are not flying the Flag of Nazi Germany now that the Anschluss has occurred. The Captain and Maria return early from their honeymoon before the Festival. In view of the Nazi German occupation, the Captain decides the children should not sing at the event. Max argues that they would sing for Austria, but the Captain points out that it no longer exists. Maria and Liesl discuss romantic love; Maria predicts that in a few years Liesl will be married (""Sixteen Going on Seventeen (Reprise)""). Rolf enters with a telegram that offers the Captain a commission in the German Navy, and Liesl is upset to discover that Rolf is now a committed Nazi. The Captain consults Maria and decides that they must secretly flee Austria. German Admiral von Schreiber arrives to find out why Captain von Trapp has not answered the telegram. He explains that the German Navy holds him in high regard, offers him the commission, and tells him to report immediately to Bremerhaven to assume command. Maria says that he cannot leave immediately, as they are all singing in the Festival concert; and the Admiral agrees to wait.
 At the concert, after the von Trapps sing an elaborate reprise of ""Do-Re-Mi"", Max brings out the Captain's guitar. Captain von Trapp sings ""Edelweiss"", as a goodbye to his homeland, while using Austria's national flower as a symbol to declare his loyalty to the country. Max asks for an encore and announces that this is the von Trapp family's last chance to sing together, as the honor guard waits to escort the Captain to his new command. While the judges decide on the prizes, the von Trapps sing ""So Long, Farewell"" (reprise), leaving the stage in small groups. Max then announces the runners-up, stalling as much as possible. When he announces that the first prize goes to the von Trapps and they do not appear, the Nazis start a search. The family hides at the Abbey, and Sister Margaretta tells them that the borders have been closed. Rolf comes upon them and calls his lieutenant, but after seeing Liesl he changes his mind and tells him they aren't there. The Nazis leave, and the von Trapps flee over the Alps as the nuns reprise ""Climb Ev'ry Mountain"".
 
 
 The Sound of Music premiered at New Haven's Shubert Theatre where it played an eight-performance tryout in October and November 1959 before another short tryout in Boston.[9] The musical then opened on Broadway at the Lunt-Fontanne Theatre on November 16, 1959, moved to the Mark Hellinger Theatre on November 6, 1962, and closed on June 15, 1963, after 1,443 performances. The director was Vincent J. Donehue, and the choreographer was Joe Layton. The original cast included Mary Martin as Maria, Theodore Bikel as Captain Georg von Trapp, Patricia Neway as Mother Abbess, Kurt Kasznar as Max Detweiler, Marion Marlowe as Elsa Schraeder, Brian Davies as Rolf, Lauri Peters as Liesl and Muriel O'Malley as Sister Margaretta. Patricia Brooks, June Card and Tatiana Troyanos were ensemble members in the original production. The show tied for the Tony Award for Best Musical with Fiorello!. Other awards included Martin for Best Actress in a Musical, Neway for Best Featured Actress, Best Scenic Design (Oliver Smith) and Best Conductor And Musical Director (Frederick Dvonch). Bikel and Kasznar were nominated for acting awards, and Donehue was nominated for his direction. The entire children's cast was nominated for Best Featured Actress category as a single nominee, even though two of the children were boys.[10]
 Martha Wright replaced Martin in the role of Maria on Broadway in October 1961, followed by Karen Gantz in July 1962, Jeannie Carson in August 1962[11] and Nancy Dussault in September 1962. Jon Voight, who later married co-star Lauri Peters, was a replacement for Rolf from September 1961 to June 1962.[12] The national tour starred Florence Henderson as Maria and Beatrice Krebs as Mother Abbess. It opened at the Grand Riviera Theater, Detroit, on February 27, 1961, and closed November 23, 1963, at the O'Keefe Centre, Toronto. Henderson was succeeded by Barbara Meister in June 1962. Theodore Bikel was not satisfied playing the role of the Captain, and Bikel did not like to play the same role over and over again. In his autobiography, he writes: ""I promised myself then that if I could afford it, I would never do a run as long as that again.""[13] The original Broadway cast album sold three million copies.
 The musical premiered in London's West End at the Palace Theatre on May 18, 1961, and ran for 2,385 performances. It was directed by Jerome Whyte and used the original New York choreography, supervised by Joe Layton, and the original sets designed by Oliver Smith. The cast included Jean Bayless as Maria, followed by Sonia Rees, Roger Dann as Captain von Trapp, Constance Shacklock as Mother Abbess, Eunice Gayson as Elsa Schraeder, Harold Kasket as Max Detweiler, Barbara Brown as Liesl, Nicholas Bennett as Rolf and Olive Gilbert as Sister Margaretta.[14][15]
 In 1981, at producer Ross Taylor's urging, Petula Clark agreed to star in a revival of the show at the Apollo Victoria Theatre in London's West End. Michael Jayston played Captain von Trapp, Honor Blackman was the Baroness and June Bronhill played the Mother Abbess. Other notable cast members included Helen Anker, John Bennett and Martina Grant.[16] Despite her misgivings that, at age 49, she was too old to play the role convincingly, Clark opened to unanimous rave reviews and the largest advance sale in the history of British theatre at that time. Maria von Trapp, who attended the opening night performance, described Clark as ""the best"" Maria ever. Clark extended her initial six-month contract to thirteen months. Playing to 101 percent of seating capacity, the show set the highest attendance figure for a single week (October 26–31, 1981) of any British musical production in history (as recorded in The Guinness Book of Theatre).[17][18] It was the first stage production to incorporate the two additional songs (""Something Good"" and ""I Have Confidence"") that Richard Rodgers composed for the film version.[19] ""My Favorite Things"" had a similar context to the film version, while the short verse ""A Bell is No Bell"" was extended into a full-length song for Maria and the Mother Abbess. ""The Lonely Goatherd"" was set in a new scene at a village fair.
 The cast recording of this production was the first to be recorded digitally. It was released on CD for the first time in 2010 by the UK label Pet Sounds and included two bonus tracks from the original single issued by Epic to promote the production.
 Director Susan H. Schulman staged the first Broadway revival of The Sound of Music, with Rebecca Luker as Maria and Michael Siberry as Captain von Trapp. It also featured Patti Cohenour as Mother Abbess, Jan Maxwell as Elsa Schraeder, Fred Applegate as Max Detweiler, Dashiell Eaves as Rolf, Patricia Conolly as Frau Schmidt and Laura Benanti, in her Broadway debut, as Luker's understudy. Later, Luker and Siberry were replaced by Richard Chamberlain as the Captain and Benanti as Maria. Lou Taylor Pucci made his Broadway debut as the understudy for Kurt von Trapp. The production opened on March 12, 1998, at the Martin Beck Theatre, and closed on June 20, 1999, after 533 performances. This production was nominated for a Tony Award for Best Revival of a Musical.[20] It then toured in North America.
 An Andrew Lloyd Webber production opened on November 15, 2006, at the London Palladium, produced by Live Nation's David Ian and Jeremy Sams. Following failed negotiations with Hollywood star Scarlett Johansson,[21] the role of Maria was cast through a UK talent search reality TV show called How Do You Solve a Problem like Maria? The talent show was produced by (and featured) Andrew Lloyd Webber and also featured presenter/comedian Graham Norton and a judging panel of David Ian, John Barrowman and Zoë Tyler.
 Connie Fisher was selected by public voting as the winner of the show. In early 2007, Fisher suffered from a heavy cold that prevented her from performing for two weeks. To prevent further disruptions, an alternate Maria, Aoife Mulholland, a fellow contestant on How Do You Solve a Problem like Maria?, played Maria on Monday evenings and Wednesday matinee performances. Simon Shepherd was originally cast as Captain von Trapp, but after two preview performances he was withdrawn from the production, and Alexander Hanson moved into the role in time for the official opening date along with Lesley Garrett as the Mother Abbess. After Garrett left, Margaret Preece took the role. The cast also featured Lauren Ward as the Baroness, Ian Gelder as Max, Sophie Bould as Liesl, and Neil McDermott as Rolf. Other notable replacements included Simon Burke and Simon MacCorkindale as the Captain and newcomer Amy Lennox as Liesl. Summer Strallen replaced Fisher in February 2008,[22] with Mulholland portraying Maria on Monday evenings and Wednesday matinees.[23]
 The revival received enthusiastic reviews, especially for Fisher, Preece, Bould and Garrett. A cast recording of the London Palladium cast was released.[24] The production closed on February 21, 2009, after a run of over two years[25] and was followed by a UK national tour, described below.
 The first Australian production opened at Melbourne's Princess Theatre in 1961 and ran for three years. The production was directed by Charles Hickman, with musical numbers staged by Ernest Parham. The cast included June Bronhill as Maria, Peter Graves as Captain von Trapp and Rosina Raisbeck as Mother Abbess. A touring company then played for years, with Vanessa Lee (Graves' wife) in the role of Maria. The cast recording made in 1961 was the first time a major overseas production featuring Australian artists was transferred to disc.[26][27]
 In 1988, the Moon Troupe of Takarazuka Revue performed the musical at the Bow Hall (Takarazuka, Hyōgo). Harukaze Hitomi and Gou Mayuka starred.[28] A 1990 New York City Opera production, directed by Oscar Hammerstein II's son, James, featured Debby Boone as Maria, Laurence Guittard as Captain von Trapp, and Werner Klemperer as Max.[29]
 An Australian revival played in the Lyric Theatre, Sydney, New South Wales, from November 1999 to February 2000. Lisa McCune played Maria, John Waters was Captain von Trapp, Bert Newton was Max, Eilene Hannan was Mother Abbess and Rachel Marley was Marta. This production was based on the 1998 Broadway revival staging.[30] The production then toured until February 2001, in Melbourne, Brisbane, Perth and Adelaide. Rachael Beck took over as Maria in Perth and Adelaide, and Rob Guest took over as Captain von Trapp in Perth.[31][32][33][34]
 An Austrian production premiered in 2005 at the Volksoper Wien in German. It was directed and choreographed by Renaud Doucet. The cast included Sandra Pires as Maria, Kurt Schreibmayer and Michael Kraus as von Trapp, with Heidi Brunner as Mother Abbess. The song ""Do-Re-Mi"" was rewritten as ""C wie Cellophanpapier"", replacing the solfège syllables with the German letter notation C through H and selecting mnemonics that begin with each letter.[35] The production is still in the repertoire of the Volksoper with performances each season; performances are scheduled for 2024.[36][37][38]
 The Salzburg Marionette Theatre has toured extensively with their version that features the recorded voices of Broadway singers such as Christiane Noll as Maria.[39] The tour began in Dallas, Texas, in 2007[40] and continued in Salzburg in 2008.[41] The director is Richard Hamburger.[42] In 2008, a Brazilian production with Kiara Sasso as Maria and Herson Capri as the Captain played in Rio de Janeiro and São Paulo,[43] and a Dutch production was mounted with Wieneke Remmers as Maria, directed by John Yost.[44]
 Andrew Lloyd Webber, David Ian and David Mirvish presented The Sound of Music at the Princess of Wales Theatre in Toronto from 2008 to 2010. The role of Maria was chosen by the public through a television show, How Do You Solve a Problem Like Maria?, which was produced by Lloyd Webber and Ian and aired in mid-2008. Elicia MacKenzie won[45] and played the role six times a week, while the runner-up in the TV show, Janna Polzin, played Maria twice a week.[46] Captain von Trapp was played by Burke Moses. The show ran for more than 500 performances. It was Toronto's longest running revival ever.[47]
 A UK tour began in 2009 and visited more than two dozen cities before ending in 2011. The original cast included Connie Fisher as Maria, Michael Praed as Captain von Trapp and Margaret Preece as the Mother Abbess. Kirsty Malpass was the alternate Maria.[48] Jason Donovan assumed the role of Captain Von Trapp, and Verity Rushworth took over as Maria, in early 2011. Lesley Garrett reprised her role as Mother Abbess for the tour's final engagement in Wimbledon in October 2011.
 A production ran at the Ópera-Citi theater in Buenos Aires, Argentina in 2011. The cast included Laura Conforte as Maria and Diego Ramos as Captain Von Trapp.[49] A Spanish national tour began in November 2011 at the Auditorio de Tenerife in Santa Cruz de Tenerife in the Canary Islands. The tour visited 29 Spanish cities, spending one year in Madrid's Gran Vía at the Teatro Coliseum, and one season at the Tívoli Theatre in Barcelona. It was directed by Jaime Azpilicueta and starred Silvia Luchetti as Maria and Carlos J. Benito as Captain Von Trapp.[50]
 A production was mounted at the Open Air Theatre, Regent's Park from July to September 2013.[51][52] It starred Charlotte Wakefield as Maria, with Michael Xavier as Captain von Trapp and Caroline Keiff as Elsa.[51] It received enthusiastic reviews and became the highest-grossing production ever at the theatre.[51] In 2014, the show was nominated for Best Musical Revival at the Laurence Olivier Awards and Wakefield was nominated for Best Actress in a Musical.[53]
 A brief South Korean production played in 2014[54] The same year, a Spanish language translation opened at Teatro de la Universidad in San Juan, under the direction of Edgar García. It starred Lourdes Robles as Maria and Braulio Castillo as Captain Von Trapp, with Dagmar as Elsa.[55] A production (in Thai: มนต์รักเพลงสวรรค์) ran at Muangthai ratchadalai Theatre, Bangkok, Thailand, in April 2015 in the Thai language. The production replaced the song ""Ordinary couple""  with ""Something Good"".[56][57][58]
 A North American tour, directed by Jack O'Brien and choreographed by Danny Mefford, began at the Ahmanson Theatre in Los Angeles in September 2015. The tour ran until July 2017.[59] Kerstin Anderson played Maria, with Ben Davis as Capt. von Trapp and Ashley Brown as Mother Abess. The production has received warm reviews.[60] A UK tour produced by Bill Kenwright began in 2015 and toured into 2016. It was directed by Martin Connor and starred Lucy O'Byrne as Maria.[61][62] A 2016 Australian tour of the Lloyd Webber production, directed by Sams, included stops in Sydney,[63] Brisbane, Melbourne and Adelaide. The cast included Amy Lehpamer as Maria, Cameron Daddo as Captain Von Trapp, Marina Prior as Baroness Schraeder and Lorraine Bayly as Frau Schmidt. The choreographer was Arlene Phillips.[64]
 On March 2, 1965, 20th Century Fox released a film adaptation of the musical starring Julie Andrews as Maria Rainer and Christopher Plummer as Captain Georg von Trapp. It was produced and directed by Robert Wise with the screenplay adaptation written by Ernest Lehman. Two songs were written by Rodgers specifically for the film, ""I Have Confidence"" and ""Something Good"". The film won five Oscars at the 38th Academy Awards, including Best Picture.
 A live televised production of the musical aired twice in December 2013 on NBC.[65] It was directed by Beth McCarthy-Miller and Rob Ashford.[66] Carrie Underwood starred as Maria, with Stephen Moyer as Captain von Trapp, Christian Borle as Max, Laura Benanti as Elsa, and Audra McDonald as the Mother Abbess.[67] The production was released on DVD the same month.[68]
 British network ITV presented a live version of its own on December 20, 2015. It starred Kara Tointon as Maria, Julian Ovenden as Captain von Trapp, Katherine Kelly as the Baroness and Alexander Armstrong as Max.[69][70]
 Most reviews of the original Broadway production were favorable. Richard Watts Jr. of the New York Post stated that the show had ""strangely gentle charm that is wonderfully endearing. The Sound of Music strives for nothing in the way of smash effects, substituting instead a kind of gracious and unpretentious simplicity.""[71] The New York World-Telegram and Sun pronounced The Sound of Music ""the loveliest musical imaginable. It places Rodgers and Hammerstein back in top form as melodist and lyricist. The Lindsay-Crouse dialogue is vibrant and amusing in a plot that rises to genuine excitement.""[71] The New York Journal American's review opined that The Sound of Music is ""the most mature product of the team ... it seemed to me to be the full ripening of these two extraordinary talents"".[71]
 Brooks Atkinson of The New York Times gave a mixed assessment. He praised Mary Martin's performance, saying ""she still has the same common touch ... same sharp features, goodwill, and glowing personality that makes music sound intimate and familiar"" and stated that ""the best of the Sound of Music is Rodgers and Hammerstein in good form"". However, he said, the libretto ""has the hackneyed look of the musical theatre replaced with Oklahoma! in 1943. It is disappointing to see the American musical stage succumbing to the clichés of operetta.""[71] Walter Kerr's review in the New York Herald Tribune was unfavorable: ""Before The Sound of Music is halfway through its promising chores it becomes not only too sweet for words but almost too sweet for music"", stating that the ""evening suffer[s] from little children"".[71]
 Columbia Masterworks recorded the original Broadway cast album at the Columbia 30th Street Studio in New York City a week after the show's 1959 opening. The album was the label's first deluxe package in a gatefold jacket, priced $1 higher than previous cast albums. It was No. 1 on Billboard's best-selling albums chart for 16 weeks in 1960.[72] It was released on CD from Sony in the Columbia Broadway Masterworks series.[73] In 1959, singer Patti Page recorded the title song from the show for Mercury Records[74] on the day that the musical opened on Broadway. The 1961 London production was recorded by EMI and released on the HMV label and later re-issued on CD in 1997, on the Broadway Angel label.[75]
 The 1965 film soundtrack was released by RCA Victor and is one of the most successful soundtrack albums in history, having sold over 20 million copies worldwide.[76][77] RCA Victor also released an album of the 1998 Broadway revival produced by Hallmark Entertainment and featuring the full revival cast, including Rebecca Luker, Michael Siberry, Jan Maxwell and Fred Applegate.[78] The Telarc label made a studio cast recording of The Sound of Music, with the Cincinnati Pops Orchestra conducted by Erich Kunzel (1987). The lead roles went to opera stars: Frederica von Stade as Maria, Håkan Hagegård as Captain von Trapp, and Eileen Farrell as the Mother Abbess.[19] The recording ""includes both the two new songs written for the film version and the three Broadway songs they replace, as well as a previously unrecorded verse of ""An Ordinary Couple"""".[79] The 2006 London revival was recorded and has been released on the Decca Broadway label.[80] There have been numerous studio cast albums and foreign cast albums issued, though many have only received regional distribution. According to the cast album database, there are 62 recordings of the score that have been issued over the years.[81]
 The soundtrack from the 2013 NBC television production starring Carrie Underwood and Stephen Moyer was released on CD and digital download in December 2013 on the Sony Masterworks label. Also featured on the album are Audra McDonald, Laura Benanti and Christian Borle.[82]",4678,"Main page; Contents; Current events; About Wikipedia; Help; Learn to edit; Community portal; Upload file; ; learn more; Article; Talk; Read; Read; Upload file; The Sound of Music (film); The Sound of Music (song); The Sound of Music (disambiguation); ; Richard Rodgers; Oscar Hammerstein II; Book; Howard Lindsay; Russel Crouse; Maria von Trapp; The Story of the Trapp Family Singers; Broadway; West End; revival; revival; revival; Tony Award for Best Musical; musical; Richard Rodgers; Oscar Hammerstein II; Howard Lindsay; Russel Crouse; Maria von Trapp; The Story of the Trapp Family Singers; Anschluss; Captain von Trapp; standards; Do-Re-Mi; My Favorite Things; Edelweiss; Climb Ev'ry Mountain; The Sound of Music; Broadway; Mary Martin; Theodore Bikel; Tony Awards; Palace Theatre; 1965 film musical; Julie Andrews; Christopher Plummer; Academy Awards; Rodgers and Hammerstein; The Trapp Family; West German; von Trapp family; The Trapp Family in America; Vincent J. Donehue; Mary Martin; Leland Hayward; Lindsay and Crouse; Rodgers and Hammerstein; Georg von Trapp; Aigen; Salzburg; Nonnberg Abbey; Mother Abbess; Maria; Agathe Whitehead; Germany's navy; Anschluss; Italy; Salzburg; Federal State of Austria; World War II; Nonnberg Abbey; Dixit Dominus; postulants; The Sound of Music; Abbess; Maria; My Favorite Things; abbey; monastic; governess; Austro-Hungarian Navy; Georg von Trapp; boatswain's call; Do-Re-Mi; Sixteen Going on Seventeen; The Lonely Goatherd; Vienna; Heil; leapfrog; Anschluss; Ländler; So Long, Farewell; monastic vows; Climb Ev'ry Mountain; No Way to Stop It; Gauleiter; Flag of Nazi Germany; German Navy; Nazi; Bremerhaven; Edelweiss; Austria's national flower; Nazis; Alps; The Sound of Music; Maria; My Favorite Things; Do-Re-Mi; Sixteen Going on Seventeen; The Lonely Goatherd; Ländler; So Long, Farewell; Climb Ev'ry Mountain; No Way to Stop It; Edelweiss; Edelweiss; Ländler; Maria Rainer; postulant; Georg von Trapp; Nonnberg Abbey; Gauleiter; Mary Martin; Jean Bayless; Petula Clark; Rebecca Luker; Connie Fisher; Theodore Bikel; Michael Jayston; Michael Siberry; Alexander Hanson; Patricia Neway; Constance Shacklock; June Bronhill; Patti Cohenour; Lesley Garrett; Marion Marlowe; Eunice Gayson; Honor Blackman; Jan Maxwell; Lauren Ward; Kurt Kasznar; John Bennett; Fred Applegate; Ian Gelder; Lauri Peters; Sophie Bould; Dashiell Eaves; Neil McDermott; Martha Wright; Jeannie Carson; Nancy Dussault; Lois Hunt; Paul Lipson; Jon Voight; Laura Benanti; Dennis Parlato; Richard Chamberlain; Patrick Quinn; Lenny Wolpe; Summer Strallen; Simon Burke; Simon MacCorkindale; Margaret Preece; ; Mary Martin; Shubert Theatre; Broadway; Lunt-Fontanne Theatre; Mark Hellinger Theatre; Vincent J. Donehue; Joe Layton; Mary Martin; Theodore Bikel; Patricia Neway; Kurt Kasznar; Marion Marlowe; Lauri Peters; Muriel O'Malley; Patricia Brooks; June Card; Tatiana Troyanos; Tony Award; Fiorello!; Oliver Smith; Martha Wright; Nancy Dussault; Jon Voight; Florence Henderson; Beatrice Krebs; Grand Riviera Theater; O'Keefe Centre; cast album; West End; Palace Theatre; Jean Bayless; Constance Shacklock; Eunice Gayson; Olive Gilbert; Petula Clark; Apollo Victoria Theatre; London; West End; Michael Jayston; Honor Blackman; June Bronhill; Helen Anker; John Bennett; Martina Grant; seating capacity; Epic; Susan H. 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Donehue; Best Conductor and Musical Director; Best Scenic Design of a Musical; Oliver Smith; Theatre World Award; Lauri Peters; Outer Critics Circle; Constance Towers; Tony Award; Best Revival of a Musical; Drama Desk Award; Outstanding Orchestrations; Bruce Coughlin; Outer Critics Circle Award; Rebecca Luker; Jan Maxwell; Heidi Ettinger; Drama League Award; Wayback Machine; Prologue; National Archives and Records Administration; Wayback Machine; Rodgers, Richard; Hammerstein, Oscar; ISBN; Wayback Machine; New Haven Register; Wayback Machine; Wayback Machine; ISBN; Maslon, Laurence; ISBN; Wayback Machine; Wayback Machine; Wayback Machine; Wayback Machine; Wayback Machine; Wayback Machine; Wayback Machine; Wayback Machine; Wayback Machine; Wayback Machine; Wayback Machine; Wayback Machine; Wayback Machine; Wayback Machine; Wayback Machine; Wayback Machine; Wayback Machine; Korea JoongAng Daily; Wayback Machine; Wayback Machine; Wayback Machine; Wayback Machine; Wayback Machine; Wayback Machine; 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The Sound of Music; The Sound of Music: Music from the NBC Television Event; Elisabeth von Trapp; The von Trapps; Trapp Family Lodge; Trapp Family Austrian Relief; v; t; Billboard Year-End; number one albums; Calypso; Harry Belafonte; Music; My Fair Lady; Music; My Fair Lady; The Music from Peter Gunn; Henry Mancini; Camelot; West Side Story; West Side Story; Hello, Dolly!; Mary Poppins; Original Cast Soundtrack; Whipped Cream & Other Delights; Herb Alpert & the Tijuana Brass; More of the Monkees; The Monkees; Are You Experienced; The Jimi Hendrix Experience; In-A-Gadda-Da-Vida; Iron Butterfly; Bridge over Troubled Water; Simon & Garfunkel; Jesus Christ Superstar; Harvest; Neil Young; The World Is a Ghetto; War; Goodbye Yellow Brick Road; Elton John; Greatest Hits; Elton John; Frampton Comes Alive!; Peter Frampton; Rumours; Fleetwood Mac; Saturday Night Fever; 52nd Street; Billy Joel; The Wall; Pink Floyd; Hi Infidelity; REO Speedwagon; Asia; Asia; Thriller; Michael Jackson; Thriller; 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Fée Clochette,https://fr.wikipedia.org/wiki/Fée_Clochette,"Pour le film de 2008, voir La Fée Clochette.
 
 La fée Clochette est un personnage créé par J. M. Barrie en 1904 dans sa pièce de théâtre Peter Pan sous le nom de Tinker Bell, traduit en France par Tinn-Tamm. Elle apparaît également dans les nombreuses œuvres adaptées ou dérivées de la pièce de Barrie.
 Cette petite fée a des traits de caractère très particuliers : amoureuse de Peter Pan, elle ne supporte pas que celui-ci porte son regard sur un sujet féminin, et encore moins qu'il s'y intéresse. Or Peter, qui est un séducteur, passe son temps à essayer d'épater Wendy, ce qui énerve très profondément Clochette. James Barrie indique que, comme toutes les fées, elle est parfois gentille, parfois méchante, et qu'elle est tellement petite qu’elle n’a de place que pour un seul sentiment à la fois. Cependant, Clochette est apte à jouer des tours. Elle ira donc dire aux Garçons perdus que Peter leur demande de tuer une « Wendy à plumes ». Il s'agit bien sûr de Wendy, qui la suit tant bien que mal pour échapper à l'infâme Crochet. Elle profite de la naïveté des enfants pour blesser Wendy. Mais quand Peter les rejoint, il demande des explications aux Garçons perdus, et punit Clochette qui doit s’en aller pour toujours. Wendy prend la défense de la fée et Peter adoucit la sentence : Clochette ne sera punie que durant une semaine. 
 Clochette est jalouse, mais elle est aussi très colérique, et elle peut être méchante. Cependant Clochette n'hésite pas à boire le poison contenu dans le médicament de Peter Pan pour sauver ce dernier. 
 Elle est aussi assez naïve et rancunière pour dévoiler au capitaine Crochet la cachette de Peter Pan.
 L’appartement de Clochette est une niche dans un mur, guère plus grande qu’une cage d’oiseau. Il est séparé du reste de la pièce par un rideau léger et est aménagé avec de superbes tapis, un chandelier et du mobilier de prix qui donne à l’ensemble un air prétentieux et vieillot. L'auteur écrit que personne n’aurait pu rêver un endroit plus exquis.
 Elle est fragile et sensible, se déplace très rapidement et, grâce à sa poudre, elle permet à Peter, aux enfants Darling et aux Garçons perdus de voler.
 Le personnage de « Clochette » est présent dans l'adaptation en dessin animé de Walt Disney, sous le nom de fée Clochette (Tinker Bell en version originale). Elle est interprétée par Ludivine Sagnier dans le film de Peter Pan de P. J. Hogan.
 Dans le film Hook ou la Revanche du Capitaine Crochet (1991), elle est amoureuse de Peter Pan (le seul vœu qu'elle a fait pour elle-même est d'avoir une taille normale, pour pouvoir embrasser Peter Pan). Pour ce rôle, le réalisateur Steven Spielberg fait appel à Julia Roberts.
 Dans la bande dessinée de Loisel, elle est présentée comme celle qui apprend à Peter à voler.
 Dans la série de jeux vidéo Kingdom Hearts, elle est présente sous forme d'invocation après avoir scellé la Serrure du Pays Imaginaire.
 Elle apparaît dans la saison 3 de Once Upon a Time, interprétée par Rose McIver, où elle se trouve être une fée déchue après avoir essayé d'aider la méchante reine sans y parvenir.
 Elle apparaît également dans la série dérivée de Winx Club, Le monde des Winx. Elle interprète la méchante reine du pays imaginaire après que Peter Pan lui a brisé le cœur. Après la saison 2 elle redevient gentille.
 Yara Shahidi l'incarne dans Peter Pan et Wendy (2022) de David Lowery, remake du film d'animation de 1953 de Disney.
 Disney a développé plusieurs films d'animations pour étendre le monde défini dans les livres et donner vie aux fées, notamment sous la franchise Disney Fairies.
 Lorsqu'il est traduit dans d'autres langues, le nom de la fée Clochette est parfois interprété plus ou moins phonétiquement, mais il est souvent remplacé par un nom qui évoque son caractère, qui se réfère à une cloche ou représente le son d'une clochette.
 En 2010, le personnage de la fée Clochette obtient la 2 418 e étoile du Walk of Fame d'Hollywood[1]. 
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Pippi was named by Lindgren's daughter Karin, who asked her mother for a get-well story when she was off school.
 Pippi is red-haired, freckled, unconventional and superhumanly strong – able to lift her horse one-handed. She is playful and unpredictable. She often makes fun of unreasonable adults, especially if they are pompous and condescending. Her anger comes out in extreme cases, such as when a man mistreats his horse. Pippi, like Peter Pan, does not want to grow up. She is the daughter of a buccaneer captain and has adventure stories to tell about that, too. Her four best friends are her horse and monkey, and the neighbours' children, Tommy and Annika.
 After being rejected by Bonnier Publishers in 1944, Lindgren's first manuscript was accepted by Rabén and Sjögren. The three Pippi chapter books (Pippi Longstocking, Pippi Goes on Board, and Pippi in the South Seas) were published from 1945 to 1948, followed by three short stories and a number of picture book adaptations. They have been translated into 76 languages as of 2018[update][1] and made into several films and television series.
 Pippi Longstocking is a nine-year-old girl.[2] At the start of the first novel, she moves into Villa Villekulla: the house she shares with her monkey, named Mr. Nilsson, and her horse that is not named in the novels but called Lilla Gubben (Little Old Man) in the movies.[3] Pippi soon befriends the two children living next door, Tommy and Annika Settergren.[4][5] With her suitcase of gold coins, Pippi maintains an independent lifestyle without her parents: her mother died soon after her birth; her father, Captain Ephraim Longstocking, goes missing at sea, ultimately turning up as king of a South Sea island.[6][7][8] Despite periodic attempts by village authorities to make her conform to cultural expectations of what a child's life should be, Pippi happily lives free from social conventions.[9][10] According to Eva-Maria Metcalf, Pippi ""loves her freckles and her tattered clothes; she makes not the slightest attempt to suppress her wild imagination, or to adopt good manners.""[10] Pippi is literate and has a penchant for storytelling, which often takes the form of tall tales.[11]
 When discussing Pippi, Astrid Lindgren explained that ""Pippi represents my own childish longing for a person who has power but does not abuse it.""[12] Although she is the self-proclaimed ""strongest girl in the world"", Pippi often uses nonviolence to solve conflicts, via guile, creativity with facts, and misdirection, such as to protect other children from bullying or excuse her chronic truancy.[13][14] Pippi has been variously described by literary critics as ""warm-hearted"",[9] compassionate,[15] kind,[16] clever,[7] generous,[9][17] playful,[18] and witty to the point of besting adult characters in conversation.[9] Laura Hoffeld wrote that while Pippi's ""naturalness entails selfishness, ignorance, and a marked propensity to lie"", the character ""is simultaneously generous, quick and wise, and true to herself and others.""[19]
 The inspiration for her father, Captain Ephraim Longstocking, came from the real life Carl Emil Pettersson, a Swedish sailor who became king of Tabar Island in Papua New Guinea after he was shipwrecked in 1904. He married the local king's daughter, and they had nine children.[8]
 Biographer Jens Andersen locates a range of influences and inspiration for Pippi not only within educational theories of the 1930s, such as those of A. S. Neill and Bertrand Russell, but also contemporary films and comics that featured ""preternaturally strong characters"" (e.g. Superman and Tarzan).[20] Literary inspiration for the character can be found in Alice's Adventures in Wonderland, E. T. A. Hoffmann's The Strange Child, Anne of Green Gables, and Daddy Long Legs in addition to myths, fairytales, and legends.[20] Andersen argues that the ""misanthropic, emotionally stunted age"" of the Second World War, during which Lindgren was developing the character, provided the most influence: the original version of Pippi, according to Andersen, ""was a cheerful pacifist whose answer to the brutality and evil of war was goodness, generosity, and good humor.""[21]
 Pippi originates from bedside stories told for Lindgren's daughter, Karin. In the winter of 1941, Karin had come down with an illness and was confined to her sickbed; inspired by Karin's request to tell her stories about Pippi Longstocking—a name Karin had created on the spot[22]—Lindgren improvised stories about an ""anything-but-pious"" girl with ""boundless energy.""[23] As a child, Karin related more to Annika and Tommy, rather than Pippi, who she felt was very different from her personality.[24] Pippi became a staple within the household, with Karin's friends and cousins also enjoying her adventures.[23] In April 1944, while recovering from a twisted ankle, Lindgren wrote her stories about Pippi in shorthand, a method she used throughout her writing career; a copy of the clean manuscript was turned into a homemade book for Karin and given to her on May 21, while another was posted to publisher Bonnier Förlag, where it was rejected in September on the grounds of being ""too advanced.""[25]
 After her critical success with her debut children's novel The Confidences of Britt-Mari (1944),[26] Lindgren sent the manuscript for Pippi Longstocking to her editor at Rabén and Sjögren, the children's librarian and critic Elsa Olenius, in May 1945. Olenius advised her to revise some of the ""graphic"" elements, such as a full chamber pot being used as a fire extinguisher, and then to enter it into the upcoming competition at Rabén and Sjögren, which was for books targeted at children between the ages of six and ten.[27] Critic Ulla Lundqvist estimates that a third of the manuscript was altered, with some changes made to improve its prose and readability, and others done to the character of Pippi, who according to Lundqvist ""acquire[d] a new modesty and tenderness, and also a slight touch of melancholy,"" as well as ""less intricate"" dialogue.[4] Pippi Longstocking placed first and was subsequently published in November 1945 with illustrations by Ingrid Vang Nyman.[28] Two more books followed: Pippi Goes on Board (1946) and Pippi in the South Seas (1948).[29] Three picture books were also produced: Pippi's After Christmas Party (1950), Pippi on the Run (1971), and Pippi Longstocking in the Park (2001).[30]
 Pippi in the original Swedish language books says her full name is Pippilotta Viktualia Rullgardina Krusmynta Efraimsdotter Långstrump. Although her surname Långstrump – literally long stocking – translates easily into other languages, her personal names are less easily translated,[31] and one of them is a patronymic, Efraimsdotter, which is unfamiliar to many cultures. English language books and films about Pippi have given her name in the following forms:
 In 2005, UNESCO published lists of the most widely translated books. In regard to children's literature, Pippi Longstocking was listed as the fifth most widely translated work with versions in 70 different languages.[36][37] As of 2017, Lindgren's works had been translated into 100 languages.[38] Here are the character's names in some languages other than English.
 Pippi Longstocking quickly became popular in Sweden upon publication, and by the end of the 1940s, 300,000 copies had been sold, saving Rabén and Sjögren from impending financial ruin.[42] This was partially due to Olenius's marketing: she ensured that the book was frequently read to a radio audience, as well as helping to put on a popular adaptation of the book at her children's theatre at Medborgarhuset, Stockholm, in March 1946, for which only a library card was required for admission.[43] This performance also toured other Swedish cities, including Norrköping, Göteborg, and Eskilstuna.[43] Another factor in the book's success was two positive reviews by the influential Swedish critics of children's culture, Eva von Zweigbergk and Greta Bolin, writing for Dagens Nyheter and Svenska Dagbladet, respectively; they  praised the main character as ""a liberatory force.""[44] Zweigbergk wrote that Pippi could provide an outlet for regular children who do not have the considerable freedom she possesses, with which Bolin agreed, remarking that Pippi's humor and antics would also appeal to adults for the same reason.[45]
 Subsequent reviews of Pippi Longstocking echoed the general opinions of von Zweigbergk and Bolin towards the book, until John Landquist's criticism in an August 1946 piece published in Aftonbladet, titled ""BAD AND PRIZEWINNING.""[46] Landquist, who worked as a professor at Lund University, argued that the book was badly done, harmful to children, and that Pippi herself was mentally disturbed.[46][47] Further criticism of Pippi's supposedly ""unnatural"" and harmful behavior followed in an article in the teachers' magazine Folkskollärarnas Tidning and in readers' letters to magazines.[46][48] This debate over Pippi's performance of childhood colored the reviews of the sequel Pippi Goes On Board (October 1946), some of which responded to Landquist's argument within the review itself.[46][48] Regardless, Pippi continued to maintain her popularity and was featured in a range of merchandising, adaptations, and advertising.[49]
 In 1950, Pippi Longstocking was translated into American English by Viking Books,[nb 1] featuring Louis Glanzman's artwork.[50] It did not become a bestseller, although sales did eventually improve after the initial release; more than five million copies had been sold by 2000.[51] Pippi was positively received by American reviewers, who did not find her behavior ""subversive"" or problematic, but rather ""harmless"" and entertaining.[52] Eva-Maria Metcalf has argued that Pippi was subject to a ""double distancing"" as both a foreign character and one believed to be nonsensical, thus minimizing her potentially subversive actions that had stirred the minor controversy earlier in Sweden.[53] As a result of Pippi and Lindgren's growing recognition in the United States, Pippi's behavior in later books became more critically scrutinized by literary critics, some of whom were less sure of the ""hilarious nonsensical behavior, the goodness of her heart, and the freedom of her spirit"" that had been lauded in earlier reviews.[54] Reviewers of Pippi in the South Seas in The Horn Book Magazine and The Saturday Review found Pippi to be less charming than in earlier books, with The Saturday Review describing her as ""noisy and rude and unfunny.""[55]
 An influential television adaptation of Pippi Longstocking debuted on 8 February 1969 in Sweden, and was broadcast for thirteen weeks, during which it acquired a considerable following.[56] It was directed by Olle Hellbom, who later directed other adaptations of Lindgren's works.[57] Inger Nilsson starred as Pippi, and upon the broadcast of the television series, she became a celebrity along with her co-stars Pär Sundberg and Maria Persson, who played Tommy and Annika respectively.[56] In this adaptation Pippi's horse that is unnamed in the novels was called Lilla Gubben (Little Old Man).[3] As a result of Lindgren's considerable unhappiness with the lesser-known Swedish film adaptation of Pippi Longstocking (1949), she wrote the screenplay for the television adaptation, which stuck more closely to the narrative of the books than the film had.[58] Scholar Christine Anne Holmlund briefly discussed the difference she found between the two iterations of Pippi, namely that Viveca Serlachius's portrayal of Pippi sometimes took on middle-class sensibilities in a way that other iterations of Pippi had not, for example, purchasing a piano in one scene only to show it off in Villa Villakula. In contrast, the Pippi of Hellbom's television series and subsequent tie-in 1970 films, Pippi in the South Seas and Pippi on the Run,[59][60] is an ""abnormal, even otherworldly,"" periodically gender-defying bohemian reminiscent of Swedish hippies.[61] Holmlund argued that both Gunvall and Hellbom's adaptations depict her as a ""lovably eccentric girl.""[62]
 In the twenty-first century, Pippi has continued to maintain her popularity, often placing on lists of favorite characters from children's literature or feminist characters.[63][64][65] She is regarded as the most well-known of Lindgren's creations,[62] and appears as a character in Astrid Lindgren's World, a theme park in Vimmerby, Sweden, dedicated to Lindgren's works,[66] and on the obverse of the Swedish 20 kronor note, as issued by Riksbank.[67] Additionally, Pika's Festival, a children's festival in Slovenia, borrows its name from her.[68] Pippi has also inspired other literary creations: for his character Lisbeth Salander in the Millennium series, Stieg Larsson was inspired by his idea of what Pippi might have been like as an adult.[69] Pippi has continued to remain popular with critics, who often cite her freedom as part of her appeal. The Independent's Paul Binding described her as ""not simply a girl boldly doing boys' things,"" but rather ""[i]n her panache and inventiveness she appeals to the longings, the secret psychic demands of girls and boys, and indeed has happily united them in readership all over the world.""[70] Susanna Forest of The Telegraph called Pippi ""still outrageous and contemporary"" and ""the ultimate imaginary friend to run along rooftops and beat up the bad guys.""[71] In 100 Best Books for Children, Anita Silvey praised the character as ""the perfect fantasy heroine — one who lives without supervision but with endless money to execute her schemes.""[66]
 Pippi has been subject to censorship in translations. A censored edition of Pippi Longstocking appeared in France, with changes made to her character to make her ""a fine young lady"" instead of ""a strange, maladjusted child.""[72] Additionally, the publisher, Hachette, thought that Pippi's ability to lift a horse would seem unrealistic to French child readers, and thus changed the horse to a pony.[73] In response to this change, Lindgren requested that the publisher give her a photo of a real French girl lifting a pony, as that child would have a ""secure"" weightlifting career.[74] Sara Van den Bossche has hypothesized that the lack of controversy as a result of the censorship might be why Pippi Longstocking went mainly unremarked upon in France, whereas in Germany and Sweden, the book quickly became accepted within the countries' respective children's literature canon, even as it stirred controversy over its ""anti-authoritarian tendencies.""[72][clarification needed] In 1995, an uncensored version of Pippi Longstocking was released in France, which ""shook"" French readers, although the book did not reach the cultural status as it had in Germany and Sweden.[75][clarification needed]
 The character has also centered in debates about how to handle potentially offensive racial language in children's literature. In 2014, the Swedish public broadcaster SVT edited the 1969 television adaptation of Pippi Longstocking with the approval of Astrid Lindgren's heirs: the first edit removed Pippi's reference to her father as ""King of the Negroes,"" a term now offensive in Sweden;[nb 2] and the second eliminated Pippi slanting her eyes, although it kept her pretending to sing in ""Chinese"".[77] These changes received a backlash: of the first 25,000 Swedish readers polled by the Aftonbladet on Facebook, eighty-one percent disagreed with the idea of removing outdated racial language and notions from Pippi Longstocking, and the columnist Erik Helmerson of Dagens Nyheter labelled the changes as censorship.[77] One of Lindgren's grandchildren, Nils Nyman, defended the edits, arguing that to not do so might have diluted Pippi's message of female empowerment.[77]
 The three main Pippi Longstocking books were published first in Swedish and later in English:
 There are also a number of additional Pippi stories, some just in Swedish, others in both Swedish and English:
 Other books in Swedish include:[92]",2483,"Main page; Contents; Current events; About Wikipedia; Help; Learn to edit; Community portal; Upload file; ; learn more; Article; Talk; Read; Read; Upload file; Pippi Longstocking (disambiguation); ; Ingrid Vang Nyman; Pippi Goes On Board; Pippi Longstocking; Pippi in the South Seas; Astrid Lindgren; Swedish; Swedish; main character; series of children's books; Swedish; Astrid Lindgren; Peter Pan; buccaneer; Bonnier Publishers; Rabén and Sjögren; chapter books; Villa Villekulla; South Sea; tall tales; Carl Emil Pettersson; Tabar Island; Papua New Guinea; A. S. Neill; Bertrand Russell; Superman; Tarzan; Alice's Adventures in Wonderland; E. T. A. 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Peter et Elliott le dragon,https://fr.wikipedia.org/wiki/Peter_et_Elliott_le_Dragon,"Vous lisez un « article de qualité » labellisé en 2021.
 Pour l’article homonyme, voir Peter et Elliott le dragon (film, 2016).
 Helen ReddyMickey RooneySean MarshallJim Dale
 
 Pour plus de détails, voir Fiche technique et Distribution. modifier  Peter et Elliott le dragon (Pete's Dragon) est le 30e long-métrage d'animation des studios Disney. Mêlant animation et prises de vues réelles comme Mary Poppins (1964) et L'Apprentie sorcière (1971), il est réalisé par Don Chaffey et sort en 1977.
 La production de Peter et Elliott le dragon est lancée en parallèle de celle des Aventures de Bernard et Bianca, sorti à l'été 1977. Malgré une animation limitée à un seul personnage, qui n'était pas prévu comme étant visible à l'origine, le film nécessite de nombreux animateurs. C'est le premier film entièrement réalisé par la nouvelle génération d'animateurs des studios après le départ des Neuf Sages de Disney. Le film utilise aussi beaucoup d'effets spéciaux, une spécialité du studio Disney. La direction parie sur une comédie musicale pour renouveler le succès de Mary Poppins, engageant même une chanteuse à succès, Helen Reddy. Mais le film ne rencontre qu'un faible succès en salles. À sa sortie, la critique fait une comparaison avec le dernier chef-d'œuvre de Walt Disney, au désavantage de Peter et Elliott. Helen Reddy est aussi pointée du doigt, mais les critiques plus tardives soulignent surtout l'absence de Walt Disney, la sentant peser sur le studio. Une sorte d'adage finit par émerger, qui vaut pour toute la période des Studios Disney de 1973 à 1988 : « Qu'aurait fait Walt ? »
 Malgré cet échec, le personnage d'Elliott fait partie de l'écurie Disney au point d'avoir un char dans la parade éclectique Main Street Electrical Parade ou une apparition dans Qui veut la peau de Roger Rabbit (1988). Le film a fait l'objet d'une nouvelle adaptation, Peter et Elliott le dragon (2016).
 L'action se passe au début du XXe siècle à Passamaquoddy, petite ville de Nouvelle-Angleterre, plus précisément dans le Maine. L'arrivée de Peter, un orphelin d'une douzaine d'années, fuyant sa famille adoptive, ne se fait pas sans mal. Peter, qui a été acheté comme garçon de ferme par la famille Gogan, fuit cette famille abusive sur le dos d'un dragon doué d'invisibilité nommé Elliott tandis que les Gogan chantent des promesses d'un meilleur traitement pour le garçon. Mais leurs paroles trahissent les punitions sévères qu'ils prévoient. Avec un mouvement de sa queue, Elliott jette les Gogan dans la boue, offrant à Peter un peu de répit avant de s'endormir dans une barque.
 Peter et Elliott visitent le village de pêcheurs de Passamaquoddy. La maladresse d'Elliott pourtant invisible donne l'impression à la population que Peter est une source de malchance. Lampie, le gardien du phare, sort d'une taverne et fait la connaissance de Peter. Il parvient à voir le dragon et, terrifié, court au village pour avertir de la présence d'un monstre. Toutefois la population ne le croit pas et attribue cela à son addiction, l'homme étant porté sur la boisson.
 Le soir, caché dans une grotte en bord de mer, Peter réprimande Elliott pour les dégâts causés dans la ville. Alors qu'ils se réconcilient, Nora, la fille de Lampie, apparaît pour prévenir que Peter n'est pas en sécurité dans la grotte à cause de la marée. Après quelques explications, elle se rend compte qu'il est orphelin et qu'il n'est pas de la région. Elle lui propose de la nourriture, un lit et un abri au phare, ce qu'il accepte. Peter poursuit son histoire et raconte les abus imposés par la famille Gogan. Nora et le garçon se lient d'amitié. Elle lui raconte la disparition en mer de son fiancé Paul l'année précédente. Mais Nora s'interroge sur Elliott, quand ce dernier annonce qu'il questionnera le dragon à propos de Paul.
 Le lendemain, le marchand itinérant, le Dr Terminus, arrive en ville avec son assistant Hoagy. D'abord irrités par le retour de ce personnage, les habitants de Passamaquoddy un peu crédules l'acceptent. Le duo promet de faire le jour sur le dragon mais n'y parvient pas. Le jour suivant, la pêche est mauvaise. Les pêcheurs accusent Peter. Nora prend sa défense et rappelle que les lieux de pêche ne sont pas immuables. Nora emmène Peter à l'école où l'enseignante, Miss Taylor, le punit à cause des bêtises d'Elliott. Irrité par cette punition injuste, le dragon se lance sur l'école où il laisse sa silhouette sur le mur tandis que le jeune garçon s'enfuit. Le Dr  Terminus lui propose alors de le rejoindre mais l'enfant préfère accepter l'offre de Nora et Lampie de vivre avec eux en permanence.
 La famille Gogan arrive alors en ville et réclame le retour du garçon. Nora refuse de le livrer. Les Gogan les poursuivent dans une petite embarcation mais Elliott la torpille, sauvant Peter. Par la suite le Dr Terminus fait équipe avec les Gogan pour capturer Peter et Elliott. Profitant de la superstition des habitants, il les convainc que la capture du dragon résoudra leurs problèmes.
 Dans la soirée, une tempête s'abat sur le village. En mer, un navire s'approche de Passamaquoddy avec Paul à son bord. Pendant ce temps, le Dr Terminus attire Peter au hangar à bateaux tandis que Hoagy fait de même avec Elliott. Le dragon, bien qu'invisible, est pris au piège dans un filet. Il se libère, sauve Peter et affronte les Gogan. La matriarche des Gogan, Lena, lui crie dessus, affirmant que Peter est leur propriété en brandissant un acte de vente. Le dragon brûle le papier et parvient à faire fuir la famille désarmée. Alors qu'Elliott et Peter se réjouissent du départ de leurs tortionnaires, le Dr Terminus tente de harponner le dragon. Mais sa jambe reste coincée dans la corde du harpon et, lorsqu'il appuie sur la détente, il se retrouve catapulté à travers le plafond. Criant durant sa traversée, il finit son vol sur un poteau électrique. Le charlatan propose d'acheter des morceaux d'Elliott pour les revendre, ce que le dragon refuse. L'animal détruit le chariot du Dr Terminus, mettant ainsi fin à son entreprise d'escroquerie. Elliott sauve ensuite le maire, l'enseignante Miss Taylor et les membres du conseil municipal de la chute d'un poteau électrique endommagé par la tempête. Par cet acte, il se révèle à eux, levant son invisibilité.
 De retour au phare, une vague scélérate a éteint la lampe. Elliott parvient difficilement à la rallumer avec son feu de dragon, permettant à Nora de le voir enfin. Le phare rallumé, le bateau est sauvé. Le lendemain matin, le maire et les habitants félicitent Elliott pour son aide tandis que Nora retrouve Paul, seul survivant d'un naufrage au cap Hatteras et ayant souffert d'amnésie. Le dragon explique à Peter que, celui-ci étant désormais dans une famille qui l'aime, il doit partir pour aider un autre enfant en difficulté. Il est triste de devoir partir mais Peter le réconforte en disant qu'il sera capable d'aider cet enfant. Peter et sa nouvelle famille font leurs adieux à Elliott lorsqu'il s'envole joyeusement, le garçon rappelant au dragon qu'il est censé être invisible.
 Sauf mention contraire, les informations proviennent des sources concordantes suivantes : Leonard Maltin[3], John Grant[4], Mark Arnold[5] et IMDb[6].
 Sauf mention contraire, les informations proviennent des sources concordantes suivantes : John Grant[4], Dave Smith[7], Mark Arnold[8] et IMDb[6].
 Version de 1978 : Studio de doublage : SPS ; adaptation : Natacha Nahon (dialogues), Pierre Delanoë et Henri Lemarchand (chansons) ; direction artistique : Jean-Pierre Dorat (dialogues), Georges Tzipine (chansons).
 Version longue : Studio de doublage : Cinéphase ; adaptation : Natacha Nahon (dialogues), Pierre Delanoë et Henri Lemarchand (chansons), Luc Aulivier (version longue) ; direction artistique : Perrette Pradier (dialogues), Georges Costa (chansons).
  Sources : Dans l'ombre des studios[9], cartons de doublage.
 Sauf mention contraire, les informations suivantes sont issues de l’Internet Movie Database[2].
 Une histoire intitulée Peter et Elliott le dragon est acquise par les studios Disney dans les années 1950[7],[11]. La plus ancienne trace du projet dans les Walt Disney Archives est un scénario intitulé Pete's Dragon in the U.S.A de référence 1791, daté du 10 décembre 1957, écrit par Seton I. Miller et associé à une adaptation nommée Pete's Dragon in the U.S.A (Forever After) du même Miller d'après une histoire de S.S. Field[12]. Dans ces versions, le dragon est prénommé Gabriel mais le projet s'arrête là[12]. Le projet reprend en mars 1958 en vue d'une adaptation en téléfilm dans l'émission télévisée The Wonderful World of Disney[7],[11],[12]. Le scénariste Noel Langley est engagé et écrit le scénario qu'il livre en avril 1958 mais Walt Disney met un terme à cette production[12]. David Koenig évoque un projet de courte histoire achetée en 1962 et développé sur 17 pages sous le nom de Pete's Dragon in the U.S.A[13]. En septembre 1968, après la mort de Walt Disney, le projet reprend vie avec un nouveau scénario écrit par Bill Raynor et Myles Wilder mais le projet est encore stoppé dès octobre[12].
 En 1975, le producteur Jerome Courtland redécouvre le projet et demande à Malcolm Marmorstein d'écrire un nouveau scénario[7]. Courtland demande dans un courrier à Marmorstein de développer le scénario qu'il a découvert et il demande aussi à Al Kasha et Joel Hirschhorn de composer la musique[13]. Un clap visible dans le documentaire DVD indique la date du 17 novembre 1976[11]. Jerome Courtland tenait le rôle principal dans la série The Saga of Andy Burnett (1957) produit par Disney[14] avant d'être le réalisateur de plusieurs films dont La Montagne ensorcelée (1975) et Le Gang des chaussons aux pommes (1975)[15]. Marmorstein propose une comédie musicale traditionnelle avec tous les éléments d'un standard Disney[13]. Marmorstein modifie aussi plusieurs éléments du film qui se déroule désormais dans une période précise au lieu du présent, avec un dragon réel tandis que Peter devient orphelin[13]. Il baptise le dragon Elliott en hommage à son ami Elliott Gould[13].
 Ce film devient une nouvelle tentative du studio Disney de mêler animation et acteurs dans une comédie musicale à l'image de Mary Poppins (1964) et de L'Apprentie sorcière (1971)[11],[16],[17]. Cette combinaison d'animation et d'acteurs existe depuis les années 1920 avec Max Fleischer (des Fleischer Studios) et a été améliorée par Walt Disney comme il l'explique lui-même dans les images d'archives du documentaire DVD[11] (Voir les Alice Comedies). Ce même documentaire comprend une interview de Virginia Davis expliquant son rôle d'Alice à l'époque[18]. D'autres exemples de films usant de ce mélange sont présentés dans le documentaire comme Les Dix Audacieux (1960), Monte là-d'ssus (1961), La Fiancée de papa (1961)[18].
 Peter et Elliott le dragon est le premier film d'animation de Disney dans lequel aucun des « Neuf Sages », le noyau dur des animateurs du studio, n'est impliqué[4],[11]. Cependant, plusieurs vétérans du studio sont présents. Ken Anderson est l'un des animateurs qui assurent la transition[4]. Anderson est engagé fin 1934[19] sur les Silly Symphonies puis le long métrage Blanche-Neige et les Sept Nains (1937)[20]. John Grant lui attribue le titre de « Dixième sage »[4]. Sur ce film, il a la tâche de concevoir et animer le personnage du dragon Elliott, seul personnage animé du film[4],[11]. Dans un documentaire, Anderson explique comment il a réussi à le faire cracher du feu[18]. John Grant mentionne un autre membre du studio assurant la transition avec la nouvelle génération, Frank Phillips le cameraman à l'œuvre dans le studio depuis plusieurs décennies et qui avait même joué l'un des enfants dans Alice Comedies[4]. Le dessinateur Herb Ryman, reconnu pour ses dessins préparatoires des parcs Disneyland et Magic Kingdom sort de sa retraite pour réaliser les décors d'animation et le générique du film[21]. Don Bluth, engagé en 1955 comme assistant de John Lounsbery sur La Belle au bois dormant (1959)[22], est nommé réalisateur pour l'animation[23].
 Certains des nouveaux animateurs vont évoluer et participer à d'importantes productions dans les années suivantes. On peut noter la présence de Don Hahn dont c'est la première participation après des études de musique à l'Université d'État de Californie à Northridge, jouant de la percussion dans ces groupes locaux[24]. Hahn est assigné au nettoyage des dessins[24] et, en raison de la charge de travail, il est promu assistant réalisateur auprès de Don Bluth[25],[26]. Glen Keane avait déjà participé à l'animation de Les Aventures de Bernard et Bianca (1977) mais son talent le fait évoluer rapidement, et sera nommé superviseur de l'animation sur la production suivante, Rox et Rouky (1981)[27]. Lorna Cook, entrée chez Disney en 1972, fait ses classes sur l'animation de ce film et deviendra réalisatrice et scénariste[28]. Vera Lanpher est engagée comme intervalliste et dirigera plus tard le département de nettoyage des dessins[29]. Randy Cartwright, auparavant assistant animateur auprès d'Ollie Johnston, est promu animateur sur ce film[30]. Arrivé en 1975, Dave Spafford est nommé assistant de John Pomeroy[31]. Le dessinateur Dale Baer quitte le studio en bon terme durant la production de ce film pour devenir freelance, mais reviendra chez Disney en 1988[32].
 Dans le projet initial, Elliott devait rester invisible tout au long du film sauf dans une seule séquence[33],[34]. Cette séquence intitulée Terminus & Hoagy Hunt Elliott a été abandonnée[18],[33]. Elle montrait une scène du film sous un autre angle[18]. Grant explique que le Dr Terminus essayait de tailler le dragon en pièces pour le vendre[33]. Durant la phase de développement, Ken Anderson considère que l'invisibilité permanente du dragon est une mauvaise idée car les personnages réels auraient passé leur temps à expliquer aux spectateurs les actions non visibles[13],[33]. David Koenig ajoute que, commercialement parlant, il aurait été difficile de vendre des peluches d'un dragon invisible[13]. Les animateurs insistèrent pour qu'Elliott apparaisse au moins à la fin, puis obtinrent petit à petit des séquences supplémentaires, portant sa présence à 22 min[34]. Après avoir obtenu que le dragon ne soit invisible que dans quelques scènes, Ken Anderson propose un dragon de type oriental et non pas occidental, en raison du caractère bon/gentil associé au dragon oriental[33].
 
Graphiquement, le personnage est conçu selon les mêmes principes de base que ceux utilisés pour Monsieur Mouche, les Sept nains, et même Donald ou Mickey[33]. Il est composé essentiellement de cercles ou de formes oblongues et ventrues (comme les poires)[33]. Graphiquement, il est à l'opposé d'un autre dragon conçu par Ken Anderson, celui de Maléfique dans La Belle au bois dormant (1959)[33]. Dave Smith attribue le personnage à Ken Anderson pour la partie conception, à Don Bluth pour l'animation et à Dorse A. Lampher pour les effets spéciaux[7]. John Grant le décrit ainsi :  « Elliott est un dragon vert avec des taches sombres, des cheveux rose clair sur la tête, une queue avec un plumeau à trois branches rose clair et des pointes dorsales rose foncé. Le blanc de ses yeux est de couleur bleue entourant des pupilles noires et surmonté par des sourcils noirs. Il possède aussi des narines caverneuses et de longues oreilles fines sortant sur le côté. Son expression faciale habituelle est un sourire désireux de plaire avec une voix caractérisée par des grognements, des déglutis, des claquements rapides et des tambourinements[33]. »
 Jeff Kurti résume les éléments de son anatomie ainsi « une tête de camélidé, un cou de crocodile, des oreilles de vache[34].
 La première version du dragon s'inspire de l'acteur Wallace Beery, déjà caricaturé dans Mickey's Gala Premier (1933)[33]. John Grant poursuit sa description du personnage ainsi[33] « il a tout pour être attachant, génial avec sa grande taille, sa force, son souffle enflammé, sa gentillesse et sa capacité à contenir sa colère. »  Elliott possède un grand sens de l'humour, dégage beaucoup de joie et est capable de beaucoup de grâce malgré sa taille et sa maladresse[34]. À cause de la brutalité des Gogan et des machinations du Dr Terminus, Elliott explose littéralement de colère grâce à des effets pyrotechniques mais son feu n'est pas utilisable à volonté[33]. Ainsi, par la suite, il a des difficultés à allumer le phare[33]. Le dragon n'apprécie pas l'alcool, comme le montre la scène dans la cave avec Lampie et Hoagy[33].
 
Dans une interview donnée à David Hammond du American Cinematographer en 1977, Ken Anderson explique que :  « Le personnage devait se mélanger et non sortir [du décor]. Cela nécessite un planning très précis et de l'attention. Par exemple, chaque ombre doit tomber parfaitement juste. Quand vous dessinez une séquence animée vous devez savoir parfaitement où la lumière tombe dans la scène en prise de vue réelle. Aussi, les tons de la peau humaine changent en fonction de la qualité de lumière lorsque la personne bouge d'une zone à une autre ou selon l'heure du jour. Et les couleurs d'Elliott doivent s'ajuster avec cela[33]. »
 John Grant explique que l'animation d'Elliott, tous les détails de son apparence et la couleur du personnage, ont été compliqués, créant plus de problème que de solutions[33]. Entre 80 et 90 personnes ont travaillé sur le personnage dont 42 animateurs et intervallistes, ce qui a généré de nombreuses inconsistances parfois notables[33]. En regardant attentivement, on peut remarquer que les couleurs fluctuent et cela pourrait être considéré comme non délibéré mais John Grant incrimine l'impression du film au montage[33].
 Alors que les animateurs Ken Anderson et Steve Hulett conçoivent les personnages du film inachevé Catfish Bend d'après les œuvres de Ben Lucien Burman, ils se souviennent qu'à l'étage inférieur, l'équipe d'animation de Peter et Elliott est sur le feu[35]. La sortie est prévue pour Noël 1978 au Radio City Music Hall de New York et l'équipe doit travailler du « lundi au dimanche » avec « tout le monde sur le pont[35]. » Don Bluth a installé un tableau coloré de suivi de l'activité dans le hall mais la progression montrait que les délais risquaient de ne pas être tenus[35]. L'animateur d'effets spéciaux, Pete Young, se rappelle avoir été réassigné sur les intervalles 12 heures par jour mais cela ne l'a pas gêné car il était payé double ou triple[35]. Même Larry Clemmons qui n'avait pas réalisé de travail d'assistant depuis 40 ans a été appelé à l'animation[35]. Toutefois son travail assez brut a convaincu la direction du studio de demander de l'aide ailleurs[35]. Les délais ont été finalement tenus, ce qui permit au studio d'éprouver un grand sentiment de soulagement[35].
 C'est la première participation de l'acteur britannique Jim Dale à un film Disney, il est jusque-là plus connu pour ses participations régulières à la série de films Carry On ou dans des spectacles de Broadway[1]. Il est aussi connu pour être le narrateur en version américaine des livres audio de la série Harry Potter[1]. Sean Marshall fait ses débuts dans le rôle de Peter et donnera sa voix au garçon dans Le Petit Âne de Bethléem (1987)[7]. Marshall révèle qu'il n'avait aucune expérience d'acteur avant ce film et qu'il a dû apprendre à danser et à chanter[18].
 Le rôle de Nora a été proposé à Julie Andrews, vedette de Mary Poppins (1964), mais elle l'a refusé[36]. L'actrice Helen Reddy fait aussi ses débuts dans ce film, en raison des talents de chanteuse qu'elle a montrés dans son album I Am Woman (1972) ou par sa reprise du titre Delta Dawn (1973)[1],[7] (Voir aussi la section #Bande originale). Le film I Am Woman (2019) retrace l'histoire de la chanteuse et actrice. L'acteur Mickey Rooney joue le père d'Helen Reddy, Lampie. Jeff Conaway qui interprète Willie Gogan, jouera le rôle de Kenickie dans Grease (1978).
 Dans une interview de décembre 1976, le danseur Richard Bohannon explique qu'il a commencé sa carrière avec Disney au début des années 1970 dans le spectacle itinérant Disney on Parade interprétant durant deux ans et demi le personnage de Bert de Mary Poppins (1964), joué par Dick Van Dyke, et qu'il a été initié à l'acrobatie par deux Persans[37]. Il indique qu'il a joué trois petits rôles dans Peter et Elliott le dragon, un pêcheur dansant sur des tonneaux dans un saloon, un dandy percutant le dragon Elliott et un pêcheur tentant de capturer le dragon[37].
 La ville fictive de Passamaquody a été construite au studio Disney dans la zone western[7],[18],[38], ensemble situé à l'est du studio[38] et désormais disparu. Le nom de la ville est inspiré d'une tribu amérindienne du Maine, les Passamaquoddys[13]. Ce tournage oblige le décorateur Jack Martin Smith à maquiller les 30 bâtiments existants du studio et à en faire construire huit autres[7]. La Western Street avait été construite pour des villages de l'Ouest américain comme pour Elfego Baca ou Texas John Slaughter mais a été transformée en village Irlandais pour Darby O'Gill et les Farfadets (1959) ou, comme ici, en village de pêcheurs du Maine[38]. Une partie du tournage prend aussi part au Disney's Golden Oak Ranch à Santa Clarita[18]. Le phare que l'on peut voir dans le film est construit à Morro Bay en Californie[7],[18]. Il était équipé d'une lentille de Fresnel visible à 18–24 milles nautiques, ce qui oblige Disney à obtenir une permission spéciale des garde-côtes pour le mettre en marche, car les bateaux passant par là auraient pu le confondre avec un vrai phare[7],[18].
 Certaines scènes sont supprimées, comme l'une qui prévoyait une tentative de capture d'Elliott par Hoagy et le Doc Terminus en utilisant beaucoup de peinture[39]. Le clan Gogan devait affronter Peter et Nora avec une ordonnance de vente dans un chariot mais a été réécrite avec tout le monde dans le bateau[39].
 L'acteur Sean Marshall explique, dans le documentaire DVD, que certains effets spéciaux du film ont nécessité la technique du procédé à la vapeur de sodium (aussi appelé « fond jaune ») consistant en la superposition de trois scènes[11] (par exemple, un premier plan en prises de vues réelles, un personnage animé au deuxième plan (Elliott) et enfin un fond en prises de vues réelles). John Grant précise que le film fait aussi usage du procédé du fond bleu, les deux étant utilisés abondamment dans le film[4]. La séquence de la tempête en mer utilise quant à elle la méthode des miniatures[4].
 La méthode du fond bleu existe depuis de nombreuses années. Elle a été développée sur la série Out of the Inkwell par les frères Dave et Max Fleischer au sein Fleischer Studios[40]. Elle est rapidement utilisée par Disney sur les Alice Comedies (1923-1927) puis dans plusieurs longs métrages comme Les Trois Caballeros (1945), Mélodie du Sud (1946), Mary Poppins (1964) ou L'Apprentie sorcière (1971), mais aussi les publicités Kellogg's de Tony le tigre (en) pour les céréales Frosties[40]. Disney l'utilisera à nouveau sur Qui veut la peau de Roger Rabbit (1988)[40]. Grant explique ainsi la différence entre fond bleu (ou vert) et fond jaune[4] : pour le premier la prise de vues se fait avec un fond bleu (ou vert) mais la caméra ne filme pas cette couleur (désormais enlevée numériquement) tandis que le fond jaune nécessite deux caméras, l'une avec les couleurs et l'autre ayant un filtre et filmant un écran jaune surexposé grâce à des lampes au sodium ; celui-ci permet d'obtenir un film en noir et blanc, qui sert de référence pour juxtaposer au montage un autre film.
 Une autre méthode utilisée est la composition, permettant par exemple sur le cas de Peter et Elliott le dragon de mélanger trois sources[4]. Dans la scène où Elliott donne une pomme puis recueille une larme de Peter (Sean Marshall), il y a un premier plan avec l'acteur, un second plan avec le dragon animé et un arrière-plan, le décor[33]. John Grant considère cette scène comme un chef-d'œuvre des effets spéciaux[33]. Mais cette technique pose des problèmes, surtout aux acteurs : ils ne voient ni leur interlocuteur virtuel ni une partie du décor[33].
 Le budget final du film est estimé à 10 millions de dollars[1]. Il est toutefois deux fois inférieur à celui du film de science-fiction Le Trou noir (1979), qui utilisera lui aussi beaucoup d'effets spéciaux[41].
 
 modifier  Les musiques et chansons sont écrites et composées par Al Kasha et Joel Hirschhorn[7],[8],[13]. Al Kasha justifie la présence de la musique dans cette comédie musicale avec le dicton : Quand tu ne peux plus parler, tu peux faire un numéro musical[42]. Le film inclut de nombreux numéros musicaux, en raison des acteurs ayant pour la plupart des talents vocaux : en effet, le duo de compositeurs s'est assuré que chacun possède son thème musical ou sa chanson personnalisée ainsi qu'une chorale[42]. Kasha confirme qu'il est rare que chaque acteur ou presque ait la chance de chanter[42]. Il précise que sur 1 h 40 min de film, il y a 1 h 20 min de musique[42].
 En parallèle de la composition, le studio cherche des interprètes. Un vent de changement était à l'œuvre au sein de Disneyland Records, et Merrill Dean, président du label depuis 1975[43], négocie pour que la chanteuse Helen Reddy, alors sous contrat avec Capitol Records, participe à la production du film qui se veut plus ambitieuse que L'Apprentie sorcière (1971)[44]. Mike Curb, compositeur alors président de MGM Records, produit le single de la chanson titre Candle on the Water d'Helen Reddy pour Capitol Records[45]. Le contrat de la chanteuse explique cette sortie en dehors du catalogue Disney[44]. Candle on the Water est une combinaison de deux chansons du duo, récompensées d'un Oscar, la première sur le thème de l'eau The Morning After tirée du film L'Aventure du Poséidon (1972) et l'autre sur le thème du feu We May Never Love Like This Again dans La Tour infernale (1974)[42]. Kasha explique que c'est une musique inspirante, et qu'elle évoque sa croyance en Dieu[42].
 Un duo entre les personnages de Peter et Elliott intitulé Loyalty (Loyauté) a été composé par Kasha et Hirschhorn mais le duo a préféré ne pas le proposer[42], une forme d'autocensure. Un grand final nommé The Greastest Star in The World dans lequel le village entier faisait les louanges d'Elliott pour ses actions héroïques était prévu[42]. Entre-temps, la fin du film a été modifiée et le personnage, devenu moins héroïque, ne justifiait plus cette scène[42]. Pour le final, la production a préféré un medley de reprises au lieu d'une nouvelle chanson[36]. Ce pot-pourri reprend d'abord le titre I Saw A Dragon, un couplet de transition intitulé Elliott Did it et une version modifiée de Passamashloddy pour finir sur Brazzle Dazzle Day[36].
 Il existe une version française de livre-disque racontée par Philippe Noiret publié chez Adès en 1978[47].
 Les chansons présentes dans le DVD du film de 2003 ne sont pas les chansons originales car les droits en sont détenus par Capitol Records, mais sont de nouvelles versions produites par Buena Vista Records[18].
 Le studio Disney prévoit de sortir le film Peter et Elliott le dragon pour Noël 1977 et organise une importante campagne publicitaire pour cette première comédie musicale du studio depuis six ans[48]. Elle utilise des publicités similaires aux productions précédentes, dupliquant même celles de Mary Poppins (1964)[49]. C'est le premier film de Disney à être enregistré en son Dolby Stéréo[1]. Une adaptation en bande dessinée est publiée les dimanches du 4 septembre 1977 au 27 novembre 1977 (soit 13 planches) dans la presse américaine, scénario adapté par Carl Fallberg et Richard Moore au dessin[50].
 Leonard Maltin et Steve Hulett mentionnent une première au Radio City Music Hall de New York[35],[49]. Elle a lieu le 3 novembre 1977 mais Janet Maslin du New York Times n'évoque pas de première avec les acteurs[51].
 Une seconde adaptation en bande dessinée par Dan Spiegle et Larry Mayer est publiée aux États-Unis en avril 1978 dans le magazine Walt Disney Showcase[52]. De plus, une version britannique dessinée par Rex Archer est publiée au Royaume-Uni dans le magazine Mickey Mouse à partir du 30 septembre 1978[53]. La chanson Candle on the Water du film est sélectionnée pour l'Oscar de la meilleure partition de chansons et adaptation musicale en 1978[1].
 Le film Peter et Elliott le dragon se voulait un second Mary Poppins mais ne récolte que 18 millions de dollars à sa première sortie aux États-Unis[1],[7]. Il se classe à la 17e place du box-office annuel américain, un succès modéré pour les productions Disney de l'époque[11],[35]. Pour l'année 1978, seules deux productions du studio se hissent dans le top 25 des films et dans le bas du tableau, Peter et Elliott le dragon et Tête brûlée et pied tendre[54].
 Les critiques lors de la sortie du film sont partagées, appréciant certains points et sabrant d'autres. Janet Maslin du New York Times fait l'éloge du film en le déclarant « le film Disney le plus énergique et le plus agréable depuis longtemps[51] ». Elle complimente également la performance d'Helen Reddy, en notant que « comme Sean Marshall ne chante pas bien, au contraire de la chanteuse, elle l'accompagne souvent de sa voix. Helen Reddy est utile [au film] pour sa voix mais n'a pas la carrure d'une actrice - elle a tendance à se comporter comme si elle était une ampoule très brillante dans une très petite lampe, toutefois comme elle se retrouve souvent en compagnie de messieurs Rooney, Dale ou Buttons alors ses scènes fonctionnent bien. »[51] Cependant, Maslin critique la durée du film et la consommation excessive d'alcool durant le film[51]. Kathleen Carroll du New York Daily News attribue au film trois étoiles sur quatre[55]. Elle critique la partition musicale et les scènes avec acteurs, mais fait l'éloge de l'animation du dragon et de ses interactions avec les acteurs, écrivant que « Sean Marshall, en tant que Peter, a l'air et[pas clair] agit naturellement à la caméra, ce qui le change de façon rafraîchissante des adorables petits chérubins qu'il joue habituellement dans les films Disney[55]. Helen Reddy joue son rôle avec une efficacité croustillante et reçoit heureusement un fort soutien du reste de la distribution, en particulier Jim Dale, très habile et drôle dans le rôle du vilain docteur, il éclipse presque l'attendrissant dragon[55]. Le magazine Variety écrit que le film est « une fable enchanteresse et humaine qui présente une vedette animalière des plus adorables (bien qu'animée)[56]. » Variety salue la combinaison de l'action réelle et de l'animation comme « jamais réalisée de manière plus efficace » et ajoute que le film souffre « chaque fois qu'Elliott est hors champ[56] ».
 John Skow du Time considère le film comme « un fantasme sympathique », mais n'apprécie par les numéros musicaux, y voyant « une bonne occasion de faire la queue pour plus de pop-corn[57] ». Charles Champlin du Los Angeles Times écrit : « Avec ses 2 heures 7 minutes, c'est une épreuve difficile pour les jeunes spectateurs, les divertissements animés n'arrêtent pas d'être interrompus par des chansons d'Al Kasha et de Joel Hirschhorn qui ne sont pas des moments de spectacle au sens large[58]. » Champlin qualifie ces chansons de « trop nombreuses, fades et superficielles[58]. » Gary Arnold du  Washington Post écrit que le film « était apparemment censé être une comédie musicale fantastique et entraînante, mais il est mis en scène et photographié sans énergie, talent ou coordination de comédie musicale… Les enfants sont peut-être les seuls sur qui compter pour profiter des attaques d'Elliott et de ses intermèdes burlesques qui interrompent parfois l'ennui, mais pour les parents se sera davantage une corvée[59]. » Gene Siskel du Chicago Tribune attribue au film deux étoiles sur quatre et écrit que « « c'est encore la même formule Disney usée : un enfant au visage doux dans un monde falsifié, [tourné] en studio et peuplé de vieux acteurs auxquels on a demandé de rejouer leurs antiques routines de vaudevilles[60]. »  Siskel ajoute que « comparé aux grands classiques de l'animation Disney, Peter et Elliott le dragon n'est qu'un téléfilm diffusé sur grand écran[60]. »
 Sur le site de l'agrégateur de critiques Rotten Tomatoes, le film a une note d'approbation de 56 % sur la base de 27 critiques, avec une note moyenne de 5/10[61]. Le consensus est : « Ennuyeux et lent, c'est une œuvre Disney de moindre qualité, bien que l'animation ne soit pas sans charme[61]. Metacritic attribue au film une note de 46 sur la base de 5 critiques, indiquant « des critiques mitigées ou moyennes[62]. »
 Le film ressort au cinéma en 1984 aux États-Unis dans une version écourtée à 106 minutes[1]. Il est diffusé dans les émissions The Disney Sunday Movie en 1986 sur ABC et The Magical World of Disney en 1989 sur NBC[1]. Le personnage d'Elliott fait une apparition dans Qui veut la peau de Roger Rabbit (1988)[63]. Il est présent dans le jeu Epic Mickey : Le Retour des héros (2012) comme boss dans une version steampunk[64].
 Le personnage d'Elliott le dragon est intégré à la parade nocturne Main Street Electrical Parade[11], le char est conçu, comme de nombreux autres, par Bill Justice[65].
 Le film est le premier à sortir en VHS aux États-Unis en octobre 1980[1]. L'édition DVD de 2003 comprend des extraits de l'épisode The Plausible Impossible de l'émission Disneyland, daté du 31 octobre 1956[1], dans lequel Walt Disney explique comment les dessins et l'animation rendent plausibles des choses impossibles[66]. Cet épisode comprend également une scène inachevée et inutilisée de Blanche-Neige et les Sept Nains (1937) et le segment Une Nuit sur le Mont Chauve de Fantasia (1940)[66]. Le DVD comprend aussi des extraits de l'émission Disney Souvenirs et le moyen métrage Monstres et mystères ou les créatures mythologiques de notre société (1974) qui évoque le monstre du loch Ness[1]. Peter et Elliott le dragon est aussi le premier film sorti avant 1985 à être édité en Blu-ray en 2013, juste avant la sortie dans ce format de Tron (1982)[1].
 En 2010, Walt Disney Pictures se lance dans un projet à long terme de produire des remakes de ses longs métrages d'animation[67]. Dans le contexte des nombreux projets de remakes, le 19 mars 2013, David Lowery est engagé par Disney comme scénariste avec son partenaire Toby Halbrooks et le producteur Jim Whitaker pour une nouvelle adaptation de Peter et Elliott le dragon (1977) mais qui ne sera pas une comédie musicale[68]. Ce projet est étonnant parmi la liste des remakes de grands classiques comme Alice au pays des merveilles (2010), Maléfique (2014), Le Livre de la jungle (2016) ou Mulan, le journaliste Mike Fleming écrit même que « celui-là je ne l'ai pas vu venir[68]. »
 Le 20 novembre 2014, le studio Disney confirme le tournage en Nouvelle-Zélande de janvier à avril 2015 de la nouvelle adaptation de Peter et Elliott le dragon avec de vrais acteurs[69],[70]. La sortie du film réalisé par David Lowery est prévue en 2016. Robert Redford ou encore Bryce Dallas Howard sont au casting. Le 10 février 2015, David Lowery confirme le début du tournage en Nouvelle-Zélande[71],[72].
 Le film Peter et Elliott le dragon (Pete's Dragon) de David Lowery sort en 2016.
 John West rappelle que Peter et Elliott le dragon fait partie des nombreux droits détenus par le studio depuis longtemps, certains projets avaient été planifiés par Walt Disney mais suspendus à la fin des années 1960 et d'autres attendaient d'être mis en production comme La Course au trésor (1978)[73]. John Grant synthétise les critiques à la sortie du film, la plupart des métaphores, comme « une tentative [du studio] de plaire à tout le monde en même temps mais ne parvenant qu'à avoir le cul entre deux chaises[4] ».
 Le film est bien accueilli par le public mais il ne provoque pas une frénésie comparable à celle de Mary Poppins, qu'avait pourtant espérée le studio[44]. David Koenig indique que les critiques ont été rudes à la sortie du film[36]. L'une des critiques évoque même un film de type coffret mécano pour entreprise[4]. Toutefois la critique la plus commune est d'être une tentative ratée de répéter le succès de Mary Poppins (1964), ce que Grant juge injustifié car, selon lui, les deux films sont très dissemblables[4]. Ross Anderson note qu'à l'inverse de Mary Poppins, où des humains entrent dans un monde d'animation, ici c'est un dragon animé qui vit dans le monde réel[25]. Leonard Maltin rappelle que cette critique est liée à la campagne publicitaire reprenant le graphisme de Mary Poppins mais déclare que les deux films ne jouent pas dans la même ligue[49]. Malgré des recettes honorables en salles, le film est un effort décourageant pour les studios Disney en raison de cette comparaison avec Mary Poppins, un énorme succès financier et artistique[74], attribué à Walt Disney. Pour rappel, Drew Casper qualifie Mary Poppins de cerise sur le gâteau[75] pour la carrière de Walt Disney et pour Robin Allan, Mary Poppins constitue l'épitaphe de Walt Disney au cinéma[76].
 Selon Leonard Maltin, le film présente de nombreux problèmes, les premiers étant sa longueur et son rythme lent au début[49]. Il y a aussi un point commun aux comédies musicales de Disney, la bande sonore est « piétonne »[Quoi ?], comportant quelques musiques agréables mais aucune mémorable après la fin du film[49]. Tim Hollis et Greg Ehrbar considèrent qu'il ne suffit pas d'une comédie musicale traditionnelle pour relancer la division musicale du studio après Mary Poppins[44].
 Leonard Maltin écrit que le scénario est parfait pour Disney, un orphelin échappant à ses cruels gardiens pour une ville de pêcheurs du Maine et recueilli par une femme et son père dans un phare[49]. En raison de ce statut d'orphelin, Lynda Haas, Elizabeth Bell et Laura Sells associent le film au thème récurrent de la « mère absente » dans un sous-groupe où la mère n'est pas absente comme dans Pinocchio, Cendrillon, etc. mais qu'elle n'est présente que pour encourager ses enfants de manière bénévole, se sacrifiant pour atteindre ce but comme dans La Belle et le Clochard (1955) ou Fidèle Vagabond (1957)[77]. Douglas Brode imagine qu'Elliott, dans la tradition de l'envol final de Mary Poppins, s'envolera une fois qu'il aura normalisé ses relations de petit garçon abandonné avec son père[78]. Thomas J. Harris, dans son livre Children's Live-Action Musical Films, critique fortement l'histoire et la composition de l'animation Elliott, trouvant la « fin à la Mary Poppins complètement absurde, car la vie de Peter avant de rencontrer Elliott n'est jamais développée »[79].
 Pour Maltin, un autre problème réside au niveau du personnage féminin principal, Helen Reddy, une chanteuse populaire sans charisme à l'écran[49]. Une erreur de l'actrice a nécessité la coupure de 13 minutes du film après sa première diffusion[49]. David Koenig précise que la chanteuse était préoccupée par son accent australien qu'elle cherchait à masquer, problème inverse de Dick Van Dyke dans Mary Poppins qui forçait un accent britannique[36]. Koenig considère qu'elle joue plus sur la diction que sur la conviction, se concentrant sur la prononciation et non sur son rôle[36]. Par ses propos, Maltin fait incomber à l'actrice la majeure partie de l'écart de durée entre la version de 1977 et celle de 1984.
 Maltin trouve une énième erreur, au niveau du personnage principal, Elliott[49] et de ses interactions avec les personnages réels. Le personnage conçu par Ken Anderson a été animé et rendu vivant avec brio et humour par Don Bluth et son équipe[49]. Chaque scène avec Sean Marshall et son ami animé est gagnante[49]. Tout cela donne aux bouffonneries des autres personnages, réels, un aspect fatigant[74].
 Malgré ces critiques, certaines auteurs voient dans ce film des éléments intéressants voire de grande qualité. John Grant considère la scène de la larme de Peter recueillie par Elliott comme un chef-d'œuvre des effets spéciaux dans l'histoire du cinéma de par l'usage de plusieurs méthodes[33]. Dans leur encyclopédie du cinéma, Adolf Heinzlmeier et Berndt Schulz attribuent une note moyenne de deux étoiles et écrivent qu'il est à la limite de la sensiblerie, mais avec des effets spéciaux impressionnants[80]. Mark Arnold considère le film comme le film préféré de sa jeunesse, appréciant l'animation et les personnages mais la musique étant un cran en dessous de Mary Poppins (1964)[11]. David Koenig rappelle que sans la sortie de Peter Elliott, Steven Spielberg n'aurait pas réalisé E.T., l'extra-terrestre (1982)[36].
 Pour Leonard Maltin, le choix d'une jeune chanteuse pour le rôle principal et la campagne publicitaire « à la » Mary Poppins ont joué en défaveur du film en invitant à une comparaison et confirmant un sentiment général au sein de l'industrie cinématographique que toutes les décisions au sein des Studios Disney étaient sur la base de Qu'aurait fait Walt ?[74]. Et la réponse aurait été « quelque chose de mieux » car Walt Disney, comme le rappelle Ward Kimball, bien que critiqué par les banques et les empires financiers pendant des années, parvenait à innover en prenant des risques[74].",6690,"Accueil; Portails thématiques; Article au hasard; Contact; Débuter sur Wikipédia; Aide; Communauté; Modifications récentes; ; Rechercher; en savoir plus; Contributions; Discussion; Article; Discussion; Lire; Lire; Pages liées; Suivi des pages liées; Téléverser un fichier; Pages spéciales; ; article de qualité; ; Peter et Elliott le dragon (film, 2016); ; Don Chaffey; Malcolm Marmorstein; Al Kasha; Joel Hirschhorn; Helen Reddy; Mickey Rooney; Sean Marshall; Jim Dale; Walt Disney Productions; ; États-Unis; Animation; aventure; comédie; fantastique; film musical; 1977; ; long-métrage d'animation; studios Disney; Mary Poppins; L'Apprentie sorcière; Don Chaffey; 1977; Aventures de Bernard et Bianca; Neuf Sages de Disney; Helen Reddy; Walt Disney; Studios Disney de 1973 à 1988; Main Street Electrical Parade; Qui veut la peau de Roger Rabbit; Peter et Elliott le dragon; Nouvelle-Angleterre; Maine; dragon; disparition en mer; vague scélérate; Don Chaffey; DGA; Malcolm Marmorstein; Seton I. 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//upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/1/11/Bon_article.svg/14px-Bon_article.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/8/83/Article_de_qualit%C3%A9.svg/14px-Article_de_qualit%C3%A9.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/1/11/Bon_article.svg/14px-Bon_article.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/1/11/Bon_article.svg/14px-Bon_article.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/1/11/Bon_article.svg/14px-Bon_article.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/1/11/Bon_article.svg/14px-Bon_article.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/1/11/Bon_article.svg/14px-Bon_article.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/1/11/Bon_article.svg/14px-Bon_article.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/1/11/Bon_article.svg/14px-Bon_article.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/1/11/Bon_article.svg/14px-Bon_article.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/8/83/Article_de_qualit%C3%A9.svg/14px-Article_de_qualit%C3%A9.svg.png; 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//upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/2/20/D_letter_upon_three_circles.svg/31px-D_letter_upon_three_circles.svg.png; https://login.wikimedia.org/wiki/Special:CentralAutoLogin/start?type=1x1; /static/images/footer/wikimedia-button.svg; /w/resources/assets/poweredby_mediawiki.svg,https://en.wikipedia.org/wiki/Pete%27s_Dragon,Pete's Dragon,https://en.wikipedia.org/wiki/Pete%27s_Dragon,Pete's Dragon is the title of two Disney live-action films:,10,Main page; Contents; Current events; About Wikipedia; Help; Learn to edit; Community portal; Upload file; ; learn more; Article; Talk; Read; Read; Upload file; Pete's Dragon (1977 film); Pete's Dragon (2016 film); ; set index article; Category; Set index articles on films; Articles with short description; Short description is different from Wikidata; All set index articles; Monitored short pages; Creative Commons Attribution-ShareAlike 4.0 License; About Wikipedia; Disclaimers,Category; Set index articles on films,/static/images/icons/wikipedia.png; /static/images/mobile/copyright/wikipedia-wordmark-en.svg; /static/images/mobile/copyright/wikipedia-tagline-en.svg; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/8/8c/DAB_list_gray.svg/30px-DAB_list_gray.svg.png; https://login.wikimedia.org/wiki/Special:CentralAutoLogin/start?type=1x1; /static/images/footer/wikimedia-button.svg; /w/resources/assets/poweredby_mediawiki.svg
Ferdinand,https://fr.wikipedia.org/wiki/Ferdinand,"Cette page d’homonymie répertorie les différents sujets et articles portant le même nom.
 Sur les autres projets Wikimedia : Ferdinand est un nom propre qui peut désigner :
 Ferdinand est un prénom d'origine germanique dérivé du gotique Frithinand, composé des éléments 𐍆𐍂𐌹𐌸 / frith/friþ (« paix ») et 𐌽𐌰𐌽𐌸 / nand/nanþ (« courage », « audace », « témérité »).
 Comme les prénoms Rodrigue ou Alphonse , ce prénom a probablement été importé et implanté dans la péninsule Ibérique par les Wisigoths entre le Ve siècle et le VIIIe siècle. En France, le prénom a été repris à l'allemand à la fin du Moyen Âge[1] (cf. vieux haut allemand Fridunand[2]).
 Il a pour variante masculine Fernand et forme féminine Ferdinande[3].
 Il a également pour formes étrangères Ferdinando, Fernando et au féminin Ferdinanda, Fernanda.
 Voir Saint Ferdinand 
 Les Ferdinand sont des peintres qui ont bâti leur réputation sous ce nom.",149,"Accueil; Portails thématiques; Article au hasard; Contact; Débuter sur Wikipédia; Aide; Communauté; Modifications récentes; ; Rechercher; en savoir plus; Contributions; Discussion; Article; Discussion; Lire; Lire; Pages liées; Suivi des pages liées; Téléverser un fichier; Pages spéciales; ; page d’homonymie; prénom; germanique; gotique; Rodrigue; Alphonse; ; péninsule Ibérique; Wisigoths; Ve siècle; VIIIe siècle; vieux haut allemand; Fernand; hypocoristiques; Saint Ferdinand; ; Ferdinand Ier; ; Ferdinand II; ; Ferdinand III; ; Ferdinand IV; ; Ferdinand V; ; Ferdinand VI; Ferdinand VII; Ferdinand Ier de Bulgarie; Ferdinand Ier de Roumanie; Charles-Guillaume-Ferdinand de Brunswick; Ferdinand Ier du Saint-Empire; Ferdinand II du Saint-Empire; Ferdinand III du Saint-Empire; Ferdinand IV du Saint-Empire; Ferdinand Ier d'Autriche; Hongrie; Bohême; Charles-Ferdinand d'Autriche; Frédéric Ferdinand d'Autriche; François-Ferdinand d'Autriche; 1889; Ferdinand Ier; Ferdinand d'Autriche-Este; Marie-Béatrice de Modène; Ferdinand Charles Joseph d'Autriche-Este; Ferdinand Charles Victor d'Autriche-Este; Ferdinand Ier de Toscane; Ferdinand II de Toscane; Ferdinand III de Toscane; Ferdinand IV de Toscane; Ferdinand Ier; Ferdinand II; Ferdinand III de Sicile; Ferdinand Ier; Ferdinand II de Naples; Ferdinand III de Naples; Ferdinand IV de Naples; Ferdinand Ier des Deux-Siciles; Ferdinand II des Deux-Siciles; Ferdinand de Portugal; ; Ferdinand Ier de Portugal; Ferdinand II de Portugal; Ferdinand du Portugal; Ferdinand de Portugal, seigneur de Serpa; Serpa; Infant Ferdinand; Ferdinand de Portugal (1433-1470); duc de Beja; duc de Viseu; Ferdinand Ier; duc de Bragance; Ferdinand II; duc de Bragance; duc de Guimarães; Ferdinand Ier d'Aragon; Ferdinand II d'Aragon; Ferdinand Ier, roi de Castille et Léon; Ferdinand II, roi de Léon; Ferdinand III de Castille; Ferdinand IV de Castille; Ferdinand V de Castille; Ferdinand d'Autriche (1609-1641); Ferdinand VI d'Espagne; Ferdinand VII d'Espagne; Blondedy Ferdinand; Ferdinand Coly; football; sénégalais; français; Dakar; Hans-Jürgen Ferdinand; Rio Ferdinand; Jean La Brunière de Médicis, dit Ferdinand; Ferdinand Alquié; Ferdinand Barrot; Ferdinand Buisson; Ferdinand Bol; Ferdinand Chalandon; Ferdinand Marcos; Ferdinand Foch; Ferdinand de Lesseps; Ferdinand de Saussure; Ferdinand Porsche; Porsche; Ferdinand Sarrien; Ferdinand von Zeppelin; Zeppelin; Ferdinand; La Tempête; William Shakespeare; Aurélie Valognes; Ferdinand Elle; Malines; 1580; Paris; 1637; Louis Ferdinand Elle l'Aîné; Louis Ferdinand Elle le jeune; Ferdinand Hodler; Ferdinand; Ferdinand Bardamu; Voyage au bout de la nuit; Louis-Ferdinand Céline; Le Journal d'un fou; Nicolas Gogol; La Tempête; Pierrot le fou; Jean-Luc Godard; Ferdinand le taureau; Ferdinand; Carlos Saldanha; 2017; Ordre de Saint-Ferdinand; ; Ferdinand; Ferdinand; Ferdinand Porsche; Franz Ferdinand; Ferdinand; Idaho; Ferdinand; Indiana; Ferdinand; Ferdinand; 2017; Carlos Saldanha; Albert Dauzat; Marie-Thérèse Morlet; ISBN; 978-2-03-583728-8; Catégorie; Homonymie; Droit d'auteur; crédits graphiques; comment citer les auteurs et mentionner la licence; 501(c)(3); À propos de Wikipédia; Avertissements",Catégorie; Homonymie,/static/images/icons/wikipedia.png; /static/images/mobile/copyright/wikipedia-wordmark-fr.svg; /static/images/mobile/copyright/wikipedia-tagline-fr.svg; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/a9/Logo_disambig.svg/20px-Logo_disambig.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/a9/Logo_disambig.svg/15px-Logo_disambig.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/a9/Logo_disambig.svg/15px-Logo_disambig.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/a9/Logo_disambig.svg/15px-Logo_disambig.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/a9/Logo_disambig.svg/15px-Logo_disambig.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/a9/Logo_disambig.svg/15px-Logo_disambig.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/a9/Logo_disambig.svg/15px-Logo_disambig.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/a9/Logo_disambig.svg/15px-Logo_disambig.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/a9/Logo_disambig.svg/15px-Logo_disambig.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/a9/Logo_disambig.svg/15px-Logo_disambig.svg.png; https://login.wikimedia.org/wiki/Special:CentralAutoLogin/start?type=1x1; /static/images/footer/wikimedia-button.svg; /w/resources/assets/poweredby_mediawiki.svg,https://en.wikipedia.org/wiki/Ferdinand,Ferdinand,https://en.wikipedia.org/wiki/Ferdinand,"Ferdinand is a Germanic name composed of  the  elements farð ""journey, travel"", Proto-Germanic *farthi, abstract noun from root *far- ""to fare, travel"" (PIE *par, ""to lead, pass over""), and nanth ""courage"" or  nand ""ready, prepared"" related to Old High German nendan ""to risk, venture.""
 The name was adopted in Romance languages from its use in the Visigothic Kingdom. It is reconstructed as either Gothic Ferdinanths or Frithunanths. It became popular in German-speaking Europe only from the 16th century, with Habsburg rule over Spain. Variants of the name include Fernán, Fernando, Hernando, and Hernán in Spanish, Ferran in Catalan, and Fernando and Fernão in Portuguese. The French forms are Ferrand, Fernand, and Fernandel, and it is Ferdinando and Fernando in Italian. In Hungarian both Ferdinánd and Nándor are used equally. The Dutch forms are Ferdinand and Ferry.
 There are numerous short forms in many languages, such as the Finnish Veeti.
 There is a feminine Spanish, Portuguese, and Italian form, Fernanda.",159,"Main page; Contents; Current events; About Wikipedia; Help; Learn to edit; Community portal; Upload file; ; learn more; Article; Talk; Read; Read; Upload file; Ferdinand (disambiguation); ; Ferdinand II of Aragon; /ˈfɜːrdɪnænd/; [ˈfɛʁdinant]; Germanic name; Visigothic Kingdom; Gothic; German-speaking Europe; Habsburg; over Spain; Spanish; Catalan; Portuguese; French; Fernand; Ferdinando; Fernando; Italian; Hungarian; Dutch; Ferry; Finnish; Ferdinand I of Aragon; Ferdinand II of Aragon; Ferdinand I of León; Ferdinand II of León; Ferdinand III of Castile; Ferdinand IV of Castile; Ferdinand II of Aragon; Ferdinand VI of Spain; Ferdinand VII of Spain; Cardinal-Infante Ferdinand of Austria; Ferdinand I of Portugal; Ferdinand II of Portugal; Ferdinand, Count of Flanders; Ferdinand the Holy Prince; Ferdinand, Duke of Viseu; Ferdinand of Portugal, Duke of Guarda; Ferdinand I, Holy Roman Emperor; Ferdinand II, Archduke of Austria; Ferdinand II, Holy Roman Emperor; Ferdinand III, Holy Roman Emperor; Ferdinand I of Austria; Ferdinand of Bavaria; Ferdinand of Fürstenberg; Ferdinand, Duke of Brunswick; Ferdinand Zvonimir von Habsburg; Ferdinand I of Naples; Ferdinand II of Naples; Ferdinand II of Aragon; Ferdinand IV of Naples; Ferdinand I of the Two Sicilies; Ferdinand I of Aragon; Ferdinand II of Aragon; Ferdinand III of Sicily; I of the Two Sicilies; Ferdinand I of the Two Sicilies; Ferdinand II of the Two Sicilies; Ferdinando Gonzaga, Duke of Mantua; Ferdinando Carlo Gonzaga, Duke of Mantua and Montferrat; Ferdinand of Parma; Ferdinand III, Grand Duke of Tuscany; Ferdinand IV, Grand Duke of Tuscany; Ferdinand I of Bulgaria; Ferdinand I of Romania; Ferdinand, Hereditary Prince of Denmark; Kareem Abdul-Jabbar; Fernando Alonso; Ferdinand Bol; Fernand Braudel; Ferdinand de Rothschild; Ferdinand Budicki; Ferdinand Porsche; Ferd Burket; Ferdinand Coly; Ferdinand Dennis; Ferd Dreher; Ferdinand Fabra; Ferdinand Foch; Ferd Hayward; Ferran Hurtado; Ferdinand van Ingen; Ferdinand Jodl; Ferd Johnson; Ferdinand Kozovski; Ferdinand Kvan Edman; Jelly Roll Morton; Ferdinand de Lesseps; Ferdinand Magellan; Ferdinand Marcos; Ferdinand ""Bongbong"" Marcos Jr.; Ferdinand Penker; Ferdinand ""Thirdy"" Ravena III; Ferdinand Rudolph Hassler; Ferdinand Sauerbruch; Ferdinand de Saussure; C. Ferdinand Sybert; Ferran Torres; Ferd Wirtz; Ferdinand von Zeppelin; Ferdinand Mannlicher; Ferdinand Zylka; Ferdinand von Aegir; Fire Emblem: Three Houses; Fire Emblem Warriors: Three Hopes; Pierrot le fou; Václav Havel; Ferdinand; The Story of Ferdinand; Taranaki Rugby Football Union; Ferdinand; Thomas & Friends; Steel Ball Run; L.A. Noire; Ferd (nickname); Ferdy; Ferdinand Porsche (disambiguation); Ferdinando (disambiguation); Fernand (disambiguation); Fernando; Fernández; Hernández; given name; Categories; Given names; Germanic given names; German masculine given names; Masculine given names; Bulgarian masculine given names; French masculine given names; Romanian masculine given names; Pages with German IPA; Articles with text in West Germanic languages; Articles containing Proto-Germanic-language text; Articles containing Proto-Indo-European-language text; Articles containing Old High German (ca. 750-1050)-language text; Articles containing Gothic-language text; Articles containing Spanish-language text; Articles containing Catalan-language text; Articles containing Portuguese-language text; Articles containing French-language text; Articles containing Hungarian-language text; Articles containing Dutch-language text; Articles containing Finnish-language text; Articles with text in Romance languages; Articles with short description; Short description is different from Wikidata; All set index articles; Creative Commons Attribution-ShareAlike 4.0 License; About Wikipedia; Disclaimers",Categories; Given names; Germanic given names; German masculine given names; Masculine given names; Bulgarian masculine given names; French masculine given names; Romanian masculine given names,/static/images/icons/wikipedia.png; /static/images/mobile/copyright/wikipedia-wordmark-en.svg; /static/images/mobile/copyright/wikipedia-tagline-en.svg; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/e/e2/FerdinandCatholic.jpg/220px-FerdinandCatholic.jpg; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/9/99/WPanthroponymy.svg/30px-WPanthroponymy.svg.png; https://login.wikimedia.org/wiki/Special:CentralAutoLogin/start?type=1x1; /static/images/footer/wikimedia-button.svg; /w/resources/assets/poweredby_mediawiki.svg
Le Petit Prince,https://fr.wikipedia.org/wiki/Le_Petit_Prince,"« Petit Prince » redirige ici. Pour les autres significations, voir Petit Prince (homonymie).
 
 Le Petit Prince est une œuvre de langue française, la plus connue d'Antoine de Saint-Exupéry. Publié en 1943 à New York simultanément à sa traduction anglaise[1], c'est une œuvre poétique et philosophique sous l'apparence d'un conte pour enfants.
 Traduit en six cent langues et dialectes différents[2], Le Petit Prince est l'ouvrage le plus traduit au monde après la Bible[3].
 Le langage, simple et dépouillé, parce qu'il est destiné à être compris par des enfants, est en réalité pour le narrateur le véhicule privilégié d'une conception symbolique de la vie. Chaque chapitre relate une rencontre du petit prince qui laisse celui-ci perplexe, en raison des comportements absurdes des « grandes personnes ». Ces différentes rencontres peuvent être lues comme une allégorie.
 Les aquarelles font partie du texte[4] et participent à cette pureté du langage : dépouillement et profondeur sont les qualités maîtresses de l'œuvre.
 L'œuvre peut se lire comme une invitation de l'auteur à retrouver l'enfant en soi, car « toutes les grandes personnes ont d'abord été des enfants. (Mais peu d'entre elles s'en souviennent.) » L'ouvrage est dédié à Léon Werth, « quand il était petit garçon ».
 Le narrateur est un aviateur qui, à la suite d'une panne de moteur, a dû se poser en catastrophe dans le désert du Sahara et tente seul de réparer son avion (Antoine de Saint-Exupéry se met ainsi en scène dans son œuvre).
 Le lendemain de son atterrissage forcé, il est réveillé par une petite voix qui lui demande : « S'il vous plaît… dessine-moi un mouton ! »
 Très surpris par cette apparition miraculeuse et incongrue, l'aviateur obéit. Aucun de ses dessins de moutons ne convient au petit prince. Excédé, le narrateur dessine la caisse du mouton : « Ça, c'est la caisse. Le mouton que tu veux est dedans ». Le petit prince s'en montre cette fois-ci satisfait et remarque que le mouton « s'est endormi ».
 Peu de temps après, le petit prince demande à l'aviateur si un mouton mange des fleurs, lequel répond « oui, même les fleurs qui ont des épines ». Devant le chagrin du garçonnet qui s'inquiète pour sa fleur, l'aviateur finit par promettre de dessiner une muselière pour empêcher le mouton de manger la fleur.
 Jour après jour, le petit prince raconte son histoire au narrateur. Il vit sur une autre planète, appelée par les grandes personnes « l'astéroïde B 612 », « à peine plus grande qu'une maison ». Sa planète a été découverte, en 1909, par un astronome turc que personne n'a pris au sérieux à cause de ses vêtements traditionnels. Refaisant sa conférence, en 1920, en costume et cravate après une réforme dans son pays, il avait cette fois-ci été longuement applaudi.
 Les activités du petit prince consistent essentiellement à ramoner les volcans et à arracher les baobabs pour qu'ils n'envahissent pas sa planète. Une aquarelle pleine page montre une planète rendue inutilisable par trois baobabs qu'il aurait fallu arracher à temps. L'auteur indique que si ce dessin est effrayant, c'est qu'il était « animé par le sentiment de l'urgence » en le dessinant.
 Ces activités terminées, le petit prince contemple des couchers de soleil ; son astéroïde est si petit qu'il lui suffit de déplacer sa chaise de quelques mètres pour cela : une fois, il a vu le Soleil se coucher quarante-trois fois[5],[6],[7],[8] à la suite. Il n'hésite d'ailleurs pas à préciser au narrateur que « quand on est tellement triste, on aime les couchers de soleil ».
 Ayant assisté à la naissance d'une rose superbe — orgueilleuse, coquette et exigeante —, le petit prince découvre que l'amour peut avoir des épines. Il quitte alors sa planète et part explorer les étoiles, en quête d'amis. Il dit au narrateur qu'il n'aurait jamais dû quitter sa planète, car « il ne faut jamais écouter les fleurs ». Il a ainsi rencontré, murés dans leur solitude, une galerie de personnages : le monarque d'un empire factice (qui ne voit en lui qu'un sujet), le vaniteux (qui le voit comme un admirateur), le buveur qui boit pour oublier qu'il boit, le businessman propriétaire d'étoiles, l'allumeur de réverbères qui obéit à une consigne sans se poser de questions (le seul dont le petit prince se fait un ami, étant tout de même obligé de le quitter en raison de la petite taille de sa planète, sur laquelle il n'y a pas de place pour deux) et le géographe écrivant d'énormes livres, lesquels, au chagrin du petit prince, ne recensent pas les choses importantes de la vie, uniquement les pérennes[Quoi ?].
 Toujours en quête d'amis, le petit prince arrive sur Terre, et c'est encore la solitude et l'absurdité de l'existence qu'il va découvrir : sa rencontre avec le serpent qui ne parle que par énigmes (il « les résout toutes »), celle d'une fleur « à trois pétales », l'écho des montagnes.
 Il arrive dans un jardin de roses. Il réalise que sa fleur n'était pas unique au monde et devient bien malheureux.
Il rencontre le renard ; ce dernier lui explique ce que signifie le terme « apprivoiser », un terme bien trop oublié par les hommes. C'est grâce à l'enseignement du renard que le petit prince découvre la profondeur de l'amitié :
 Plus tard, le petit prince rencontre successivement un aiguilleur de trains et un marchand avant de trouver l'aviateur — avec lequel il reste huit jours. Guidé par la fragilité et par la candeur du petit prince, celui-ci finit par découvrir un puits dans le désert : « Ce qui embellit le désert, dit le Petit Prince, c'est qu'il cache un puits quelque part. » Peu après, le petit prince explique au narrateur qu'il est arrivé sur Terre depuis près d'un an : il doit rentrer sur sa planète pour s'occuper de sa fleur dont il se sent désormais « responsable ». Il ne peut en revanche emporter son corps trop lourd et alors le serpent, qui parle toujours par énigmes, accepte de le « libérer » en le mordant. En compagnie de l'aviateur, le petit prince revient sur le lieu exact où il était arrivé : « Il tomba doucement comme tombe un arbre. Ça ne fit même pas de bruit à cause du sable. »
 Le lendemain, l'aviateur ne retrouve pas le corps du petit prince et en conclut qu'il est bien rentré sur sa planète. Ayant terminé de réparer son avion, il rentre chez lui. C'est alors qu'il se rend compte qu'il n'a pas dessiné de courroie pour attacher la muselière qu'il a promise au petit prince. Le mouton a-t-il mangé la fleur ?
 Il dessine l'endroit du désert d'où il est reparti. Et espère ainsi que les lecteurs lui donneront des nouvelles du petit prince.
 « J'aurais aimé commencer cette histoire à la façon des contes de fées. » Le regret du narrateur est clair. Pourtant, lors de sa parution, Le Petit Prince n'a pas reçu l'accueil de Terre des hommes ni de Pilote de guerre, considéré par le rédacteur en chef du journal américain The Atlantic comme « la plus grande réponse que les démocraties aient trouvée à Mein Kampf »[source insuffisante]. Pourtant, malgré sa chevelure dorée, son écharpe aérienne et son rire délicieux d'enfant, le Petit Prince est foncièrement grave. Il a vu le jour en temps de guerre et un dessin terrifiant d'une planète envahie par trois baobabs (bien enracinés dans la terre) que nul n'a coupés à temps, dessiné « avec le sentiment de l'urgence » écrit l'auteur, peut faire penser aux trois puissances de l'Axe[réf. souhaitée].
 En 1939, paraît Terre des hommes. Dans le train qui le conduit à Moscou, Saint-Exupéry rencontre un couple d'ouvriers : « Entre l'homme et la femme, l'enfant, tant bien que mal, avait fait son creux et il dormait. Mais il se retourna dans le sommeil, et son visage m'apparut sous la veilleuse. Ah ! quel adorable visage ! Il était né de ce couple-là une sorte de fruit doré. Il était né de ces lourdes hardes cette réussite de charme et de grâce. Je me penchai sur ce front lisse, sur cette douce moue des lèvres, et je me dis : voici un visage de musicien, voici Mozart enfant, voici une belle promesse de la vie. Les petits princes des légendes n'étaient point différents de lui. »[9] Le personnage était déjà nommé.
 Le 29 décembre de la même année, Saint-Exupéry tente d'effectuer la liaison de Paris-m à Saïgon ; son avion s'écrase le 31 décembre dans le désert de Libye. Une caravane de nomades le sauve : la rencontre « miraculeuse » et comme « tombée du ciel » vient de naître.
 Michel Quesnel précise que « lorsqu'il fréquente les petits restaurants, Saint-Exupéry alimente sa patience en griffonnant, sur le papier gaufré qui lui tient lieu de nappe, l'esquisse d'un jeune personnage auquel il suffira qu'on l'ampute d'ailes inutiles et qu'on laisse rayonner ses cheveux pour qu'il devienne le Petit Prince »[10].
 Petit à petit, les courriers personnels de l'auteur font apparaître la silhouette très nette que nous connaissons du personnage. En mai 1940, dans une lettre qu'il envoie à Léon Werth, à qui est dédié le livre, apparaît sur son nuage un petit personnage au regard courroucé, en face d'une planète habitée par un vieux mouton cornu, plantée d'arbres et ornée en premier plan par une rose.
 Le personnage du petit prince aurait aussi été inspiré à Saint-Exupéry par la personnalité de Pierre Sudreau[11]. Une autre histoire, tenace au Québec, affirme que le Petit Prince serait inspiré de Thomas De Koninck, fils de son ami Charles De Koninck chez qui il a séjourné à Québec en 1942[12]. Saint-Exupéry fait poser Denis de Rougemont pour dessiner les croquis du Petit prince[13],[14]. Devenus amis, Rougemont et Saint-Exupéry s'installent ensemble à New York, dans des appartements voisins, pour que Rougemont puisse continuer à relire les brouillons du Petit Prince[15].
 Pour créer le personnage du Petit Prince, l'auteur s'est sans doute également inspiré de son filleul et neveu François d'Agay, fils de sa sœur cadette Gabrielle[réf. nécessaire].
 Dans son ouvrage historique consacré à l'opération Condor, l'écrivain français Pablo Daniel Magee écrit que la fameuse figure du boa ayant avalé un éléphant, visible dans les premières pages du Petit Prince, serait inspirée par la forme du Cerro Patiño, une colline située sur la rive opposée à l'Hôtel del Lago, au bord du lac Ypacaraí, au Paraguay. En effet, au cours de son service dans l'aéropostale, Saint-Exupéry y passait beaucoup de temps en compagnie de son amie Hilda Ingenohl[16].
 Le Petit Prince fait son apparition dans les librairies aux États-Unis en 1943. Saint-Exupéry y pense depuis plus de sept années déjà. Sauf à lire l'ouvrage comme une « autobiographie discrète »[17], la mort de son frère François, qu'il nommait « le roi soleil », en juillet 1917 marque peut-être le passage d'Antoine du stade d'adolescent à celui d'adulte[18]. Prévu comme un conte de Noël devant sortir pour les fêtes de Noël en 1942 selon Eugene Reynal, son éditeur américain qui avait suggéré à Saint-Exupéry de mettre en texte l’histoire du petit bonhomme qu’il n’arrêtait pas de dessiner partout, Le Petit Prince sort finalement en anglais et en français le 6 avril 1943 aux éditions Reynal & Hitchcock[19],[20] puis en France aux éditions Gallimard en avril 1946, la sortie prévue fin 1945 ayant été retardée[21]. Ce titre reste, en 2020, le plus grand succès de cet éditeur[22].
 L'ouvrage, vendu à plus de cent quarante-cinq millions d'exemplaires dans le monde, dont douze millions d'exemplaires en France[18], est traduit en 600 langues et dialectes, ce qui en fait l'ouvrage de littérature le plus vendu au monde et le plus traduit après la Bible[23] : les langues les plus connues des cinq continents, mais aussi dans des langues moins répandues comme le corse, le breton, le papiamento à Curaçao, le féroïen aux îles Féroé, le frioulan en Italie, l'aragonais en Espagne, le romanche en Suisse, l'irlandais en Irlande, le quichua en Équateur, le guarani au Paraguay, ainsi qu'en espéranto[24] et dans les nombreuses langues de l'Inde : le bengali, le hindi, le télougou, le marathi, le pendjabi, le tamoul, le malayalam[25]. En 2005, Le Petit Prince fut traduit en toba, une langue amérindienne du nord de l'Argentine, sous le titre So Shiyaxauolec Nta'a. C'est le premier livre à avoir été traduit dans cette langue après le Nouveau Testament. Egalement disponible en braille dans plusieurs langues, les aquarelles de l'auteur ont aussi été adaptées aux mal et non-voyants en 2014 par les éditions Claude Garrandes[26]. Le livre a été traduit en latin par Auguste Haury avec pour titre Regulus (Éditions Hazan, 1961).
 Phénomène d’édition, phénomène culturel, Le Petit Prince est international. Plus de cent-trente millions de livres, cassettes, DVD, CD audio vendus dans le monde, un musée au Japon, un opéra aux États-Unis et en Allemagne, une comédie musicale en France et en Corée, une intégration dans les programmes scolaires au Maroc, au Canada, au Liban, au Japon, en Corée, plus de quatre cents produits dérivés sous licence[18], etc.
 Le livre fut initialement publié à New York, et l'édition française fut ensuite tirée par retramage des gravures de cette édition, dont les originaux n'étaient plus disponibles. Un nouveau tirage en collection Folio au début du XXIe siècle restitua tardivement dans une édition française les illustrations à partir des originaux. Indépendamment de la meilleure qualité technique, cette réédition montre que plusieurs dessins des éditions françaises antérieures avaient été remaniés d'autorité par l'éditeur pour des raisons de mise en page (étoile visée par l'Astronome, par exemple)[27].
 Le manuscrit autographe original — non signé[28] — est conservé au département des manuscrits littéraires et historiques de la Morgan Library and Museum à New York, sous la cote MA 2592[29],[30].
 Après sa parution en 2017 en dialecte hassanya, la langue utilisée à Tarfaya, ville du Maroc où a séjourné l'auteur, Le Petit Prince devient le livre non religieux le plus traduit au monde avec au moins une édition disponible en plus de trois cents langues[31], incluant plusieurs langues anciennes.
 Depuis le 1er janvier 2015, le livre est dans le domaine public dans tous les pays du monde sauf quatre : la France, les États-Unis[32], l'Espagne et l'Italie[33]. En France, Le Petit Prince, comme l'ensemble de l’œuvre de Saint-Exupéry, reste protégé par le droit d'auteur jusqu'en 2032. Cette exception tient à l'extension de la durée des droits concernant les auteurs morts pour la France (comme c'était le cas pour Guillaume Apollinaire qui, mort en 1918, entre dans le domaine public en 2015) avec en plus une prorogation de guerre, comme toutes les œuvres publiées avant 1948[34]. Dans les autres pays, où la durée de 70 ans après la mort de l'auteur est en vigueur sans exception, l'œuvre de Saint-Exupéry est bien dans le domaine public depuis le 1er janvier 2015. Au Canada et au Japon, où la durée des droits n'est valable que cinquante ans après la mort de l'auteur, Le Petit Prince était entré dans le domaine public dès 1995.
 Par ailleurs, comme c'est déjà le cas pour les personnages de Tintin et de Zorro, les héritiers de Saint-Exupéry ont déposé le personnage du roman comme marque de commerce[35], en juin 2018[36], jusqu'en juin 2028.
 Le Petit Prince a suscité de nombreuses interprétations philosophiques et spirituelles, voire romanesques. Parmi les lecteurs influencés par le livre de Saint-Exupéry, le prêtre Stan Rougier qui entame son chemin de foi après avoir lu Le Petit Prince à l'âge de dix-sept ans, et qui consacre un ouvrage à ce sujet : Que peut-on dire aux hommes ?, Saint-Exupéry en approche de Dieu (2017)[37]. Le roman est également l'une des lectures favorites du bienheureux Carlo Acutis qui l'emploie fréquemment pour illustrer la vertu théologale de charité auprès de son entourage[38]. Sur le plan littéraire, Le Petit Prince influence l'écrivain Michel Bussi qui dédie un roman entier à l’œuvre de Saint-Exupéry : Code 612 : Qui a tué le Petit Prince ? (2021)[39].
 Il existe également de nombreux ouvrages philosophiques reprenant la moralité du Petit Prince :
 La philosophe Laurence Vanin consacre également deux livres à ce sujet :
 La version de 1973 éditée en disques Déesse (la plus rare de toutes), rassemble Jean Carmet, Romain Bouteille, Claude Piéplu, Bernard Dimey, et Raoul de Godewarsvelde, le papa d'Arnaud Delbarre, l'actuel[Quand ?] directeur de l'Olympia.
 Certains éléments du conte figurent sur le billet de 50 francs Saint-Exupéry, notamment le Petit Prince debout sur sa planète, avec deux volcans et deux fleurs, des étoiles et, au recto, le « boa ouvert ». Sur les premières éditions de ce billet, il était orthographié « Saint-Éxupéry ».
 En 2022, l'écrivain Donato Sperduto a écrit le roman Il sorriso del Piccolo Principe (Ed. Wip) : finalement, le Petit Prince peut sourire.
 L'homme d'affaires et poète argentin Alejandro Roemmers a aussi écrit une suite au Petit Prince. Intitulée Le retour du Jeune Prince, ce roman narre le voyage du Petit Prince, devenu adolescent, en pleine steppe patagonienne.
 Depuis juillet 2011, le Futuroscope comporte une attraction sur le thème du Petit Prince.
 Un parc à thème entier, inspiré de l'œuvre, ouvre ses portes le 1er juillet 2014 en France, en Alsace, à Ungersheim[52]. Les attractions et spectacles de cet espace, dont les ballons captifs ou le biplan sont les emblèmes, abordent le monde animal et végétal, l'astronomie et l'aviation avec sérieux ou féerie.
 Bruno Cathala et Antoine Bauza ont créé deux jeux de société sur le thème du Petit Prince, conduisant les joueurs à fabriquer une planète[53].
 Dans MapleStory, le petit prince est perdu dans le désert de Nihal (Nihal Desert). Le joueur incarne un personnage pour l'aider à chercher quelque chose[54].
 Dans Sky: Les Enfants de La Lumière, le Petit Prince peut être trouvé dans le Désert Etoilé (Starlight Desert). Le joueur incarne un personnage pour l'aider à voyager à travers le monde de Sky.
 Saint-Exupéry a dédié Le Petit Prince à l'un de ses meilleurs amis, Léon Werth, écrivain et critique d'art. Ou plutôt, précise-t-il, à l'enfant qu'a été Léon Werth. Il a regretté par la suite de ne pas l'avoir dédicacé à son épouse[réf. nécessaire] Consuelo de Saint-Exupéry, qui est l'âme du livre, représentée par la rose, orgueilleuse et fragile à la fois.
 De février à juin 2022, la première grande exposition consacrée à l'œuvre, « À la rencontre du Petit Prince », est organisée au musée des Arts décoratifs de Paris[55]. D’octobre 2022 à février 2023, une exposition « The Little Prince: Taking Flight » est organisée au Morgan Library and Museum à New York [56].
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Michel; ISBN; 978-2-226-25835-9; EAN; 9782226258359; OCLC; BNF; SUDOC; Études littéraires; OCLC; DOI; R. Laffont; ISBN; 978-2-221-10969-4; EAN; 9782221109694; OCLC; BNF; SUDOC; VLB; ISBN; 978-2-89649-326-5; OCLC; BNF; SUDOC; Alain Vircondelet; Flammarion; ISBN; 978-2-08-120901-5; EAN; 9782081209015; OCLC; BNF; SUDOC; Lionel-Max Chassin; OCLC; BNF; SUDOC; ; L'Escala; province; Gérone; Catalogne; astéroïde; 46610 Bésixdouze; hexadécimal; 100 meilleurs livres du XXe siècle; Thomas De Koninck; domaine public; Notices d'autorité; ; Waldo; Robert A. Heinlein; Prix Hugo du meilleur roman court; 1944; 2019; Killdozer; Theodore Sturgeon; v; Antoine de Saint-Exupéry; L'Aviateur; Courrier sud; Vol de nuit; Terre des hommes; Pilote de guerre; Lettre à un otage; Citadelle; Lettres de jeunesse; Carnets; Lettres à sa mère; Un sens à la vie; Écrits de guerre; Manon, danseuse; Lettres à l'inconnue; v; Prix Hugo du meilleur roman court; La Chose; John W. Campbell; Si ça arrivait; Robert A. 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//upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/5/53/Letni_pod_vodou_%28underwater_summer_photo%29.jpg/41px-Letni_pod_vodou_%28underwater_summer_photo%29.jpg; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/c/c8/Carl_von_Bergen_M%C3%A4dchen_mit_Teller.jpg/15px-Carl_von_Bergen_M%C3%A4dchen_mit_Teller.jpg; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/5/5b/Circle-icons-magicwand.svg/24px-Circle-icons-magicwand.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/c/ce/Emojione1_1F3DC.svg/24px-Emojione1_1F3DC.svg.png; https://login.wikimedia.org/wiki/Special:CentralAutoLogin/start?type=1x1; /static/images/footer/wikimedia-button.svg; /w/resources/assets/poweredby_mediawiki.svg,https://en.wikipedia.org/wiki/The_Little_Prince,The Little Prince,https://en.wikipedia.org/wiki/The_Little_Prince,"The Little Prince (French: Le Petit Prince, pronounced [lə p(ə)ti pʁɛ̃s]) is a novella written and illustrated by French writer and military pilot Antoine de Saint-Exupéry. It was first published in English and French in the United States by Reynal & Hitchcock in April 1943 and was published posthumously in France following liberation; Saint-Exupéry's works had been banned by the Vichy Regime. The story follows a young prince who visits various planets, including Earth, and addresses themes of loneliness, friendship, love, and loss. Despite its style as a children's book, The Little Prince makes observations about life, adults, and human nature.[9]
 The Little Prince became Saint-Exupéry's most successful work, selling an estimated 140 million copies worldwide, which makes it one of the best-selling in history.[10][11][12][Note 2][14] The book has been translated into over 505 different languages and dialects worldwide, being the second most translated work ever published, trailing only the Bible.[15][16][17] The Little Prince has been adapted to numerous art forms and media, including audio recordings, radio plays, live stage, film, television, ballet, and opera.[16][18]
 As a test to determine if grownups are as enlightened as a child, the narrator shows them a picture depicting a boa constrictor that has eaten an elephant. The adults always reply that the picture depicts a hat, and so he knows to only talk of ""reasonable"" things to them, rather than the fanciful.
 The narrator becomes an aircraft pilot, and one day, his plane crashes in the Sahara desert, far from civilization. The narrator must fix his air plane before his supply of water runs out. Here, he is greeted by a young boy nicknamed ""the little prince.""
 The prince asks the narrator to draw a sheep. The narrator first shows him the picture of the elephant inside the snake, which, to the narrator's surprise, the prince interprets correctly. After three failed attempts at drawing a sheep, the frustrated narrator draws a crate, claiming the sheep is inside. This turns out to be the exact drawing the prince wanted.
 Over the course of days, while the narrator attempts to repair his plane, the prince recounts his life story. He used to live on a house-sized asteroid known as ""B 612"" on Earth. The asteroid has three minuscule volcanoes (two active, and one dormant or extinct) and various plants.
 The prince used to clean the volcanoes and weed unwanted seeds and sprigs that infested his soil, pulling out baobab trees that were constantly on the verge of overrunning the surface. The prince wants a sheep to eat the undesirable plants, but worries it will also eat plants with thorns.
 The prince met a rose that grew on the asteroid. The rose exaggerated ailments to have the prince care for her. The prince made a screen and glass globe to protect her from the cold and wind, watered her, and kept the caterpillars off.
 Despite falling in love with the rose, the prince also began to feel that she was taking advantage of him and resolved to leave the planet to explore the rest of the universe. Upon saying their goodbyes, the rose apologised for failing to show that she loved him. She wished him well and turned down his desire to leave her in the glass globe, saying she would protect herself. The prince laments that he did not understand how to love his rose while being with her.
 The prince has since visited six other planets, each of which was inhabited by one adult. They include:
 Since the prince landed in a desert, he believed that Earth was uninhabited. He then met a snake that claimed to have the power to return him to his home, if he ever wished that. The prince next met a flower, who said she had only seen a few men in that part of the world, and they had no roots, letting the wind blow them around and living hard lives. After climbing the highest mountain he had ever seen, the prince hoped to see the whole of Earth, thus finding the people; however, he saw only the desolate landscape. When the prince called out, his echo answered him, which he interpreted as the voice of someone boring who only repeats words.
 The prince encountered a row of rosebushes, becoming downcast at having once thought that his rose was unique and thinking she had lied about being unique. He began to feel that he was not a great prince, as his planet contained only three tiny volcanoes and a flower he now thought of as common. He started weeping, until a fox came along.
 The fox desired to be tamed and taught the prince how to tame him. By being tamed, something goes from being ordinary and just like all the others to being special and unique.
 From the fox, the prince learns that his rose was indeed special because she was the object of the prince's love and time; he had ""tamed"" her, and now she was more precious than all of the other roses. Upon their departing, the fox says that important things can only be seen with the heart, not the eyes.
 The prince then met two people from Earth:
 Eight days after the plane crash, the narrator and the prince are dying of thirst. The prince becomes morose and longs to return home and see his flower.
 The prince finds a well, saving them. The narrator later finds the prince talking to the snake, discussing his return home and his desire to see his rose again, worrying that she has been left to fend for herself. The prince bids a farewell to the narrator and states that if it looks as though he has died, it is only because his body was too heavy to take with him to his planet. The prince warns the narrator not to watch him leave, as it will upset him. The narrator, realising what will happen, refuses to leave the prince's side. The prince says that the narrator only need look at the stars to think of the prince's laughter, and that it will seem as if all the stars are laughing. The prince then walks away and allows the snake to bite him, falling down.
 The next morning, the narrator cannot find the prince's body. Managing to repair his aeroplane, he leaves the desert. The narrator requests to be contacted by anyone in that area encountering a boy like the prince.
 The story of The Little Prince is recalled in a sombre, measured tone by the pilot-narrator, in memory of his small friend, ""a memorial to the prince—not just to the prince, but also to the time the prince and the narrator had together.""[19] The Little Prince was created when Saint-Exupéry was ""an ex-patriate and distraught about what was going on in his country and in the world.""[14] According to one analysis, ""the story of the Little Prince features a lot of fantastical, unrealistic elements.... You can't ride a flock of birds to another planet... The fantasy of the Little Prince works because the logic of the story is based on the imagination of children, rather than the strict realism of adults.""[20]
 An exquisite literary perfectionist, akin to the 19th century French poet Stéphane Mallarmé,[21] Saint-Exupéry produced draft pages ""covered with fine lines of handwriting, much of it painstakingly crossed out, with one word left standing where there were a hundred words, one sentence substitut[ing] for a page...""[22] He worked ""long hours with great concentration."" According to the author himself, it was extremely difficult to start his creative writing processes.[23] Biographer Paul Webster wrote of the aviator-author's style: ""Behind Saint-Exupéry's quest for perfection was a laborious process of editing and rewriting which reduced original drafts by as much as two-thirds.""[24] The French author frequently wrote at night, usually starting at about 11 p.m. accompanied by a tray of strong black coffee. In 1942 Saint-Exupéry related to his American English teacher, Adèle Breaux, that at such a time of night he felt ""free"" and able to concentrate, ""writing for hours without feeling tired or sleepy"", until he instantaneously dozed off.[22] He would wake up later, in daylight, still at his desk, with his head on his arms. Saint-Exupéry stated it was the only way he could work, as once he started a writing project it became an obsession.[25]
 A native speaker of French, Saint-Exupéry was never able to achieve anything more than haltingly poor English. Adèle Breaux, his young Northport English tutor to whom he later dedicated a writing (""For Miss Adèle Breaux, who so gently guided me in the mysteries of the English language""), related her experiences with her famous student as Saint-Exupéry in America, 1942–1943: A Memoir, published in 1971.[26]
 ""Saint-Exupéry's prodigious writings and studies of literature sometimes gripped him, and on occasion he continued his readings of literary works until moments before take-off on solitary military reconnaissance flights, as he was adept at both reading and writing while flying. Taking off with an open book balanced on his leg, his ground crew would fear his mission would quickly end after contacting something 'very hard'. On one flight, to the chagrin of colleagues awaiting his arrival, he circled the Tunis airport for an hour so that he could finish reading a novel. Saint-Exupéry frequently flew with a lined carnet (notebook) during his long, solo flights, and some of his philosophical writings were created during such periods when he could reflect on the world below him, becoming 'enmeshed in a search for ideals which he translated into fable and parable'.""[27][28]
 In The Little Prince, its narrator, the pilot, talks of being stranded in the desert beside his crashed aircraft. The account clearly drew on Saint-Exupéry's own experience in the Sahara, an ordeal described in detail in his 1939 memoir Wind, Sand and Stars (original French: Terre des hommes).[9]
 On 30 December 1935, at 2.45am, after 19 hours and 44 minutes in the air, Saint-Exupéry, along with his copilot-navigator André Prévot, crashed in the Sahara desert.[29] They were attempting to break the speed record for a Paris-to-Saigon flight in a then-popular type of air race called a raid, that had a prize of 150,000 francs.[30] Their plane was a Caudron C-630 Simoun,[Note 3] and the crash site is thought to have been near to the Wadi Natrun valley, close to the Nile Delta.[31]
 Both miraculously survived the crash, only to face rapid dehydration in the intense desert heat.[32] Their maps were primitive and ambiguous. Lost among the sand dunes with a few grapes, a thermos of coffee, a single orange, and some wine, the pair had only one day's worth of liquid. They both began to see mirages, which were quickly followed by more vivid hallucinations. By the second and third days, they were so dehydrated that they stopped sweating altogether. Finally, on the fourth day, a Bedouin on a camel discovered them and administered a native rehydration treatment, which saved Saint-Exupéry's and Prévot's lives.[30]
 In the novella, the fox, believed to be modelled after the author's intimate New York City friend, Silvia Hamilton Reinhardt, tells the prince that his rose is unique and special, as she is the one he loves.[33] The novella's iconic phrase, ""One sees clearly only with the heart"" is believed to have been suggested by Reinhardt.
 The fearsome, grasping baobab trees, researchers have contended, were meant to represent Nazism attempting to destroy the planet.[33] The little prince's reassurance to the pilot that the prince's body is only an empty shell resembles the last words of Antoine's dying younger brother François, who told the author, from his deathbed: ""Don't worry. I'm all right. I can't help it. It's my body"".[34]
 Many researchers believe that the prince's kindhearted, but petulant and vain, Rose was inspired by Saint-Exupéry's Salvadoran wife Consuelo de Saint-Exupéry,[33][35] with the small home planet being inspired by El Salvador where he crashed and stayed to recover while being within view of 3 volcanoes, one of which was Ilamatepec, also known as The Santa Ana Volcano.[36] Despite a tumultuous marriage, Saint-Exupéry kept Consuelo close to his heart and portrayed her as the prince's rose, whom he tenderly protects with a wind screen and places under a glass dome on his tiny planet. Saint-Exupéry's infidelity and the doubts of his marriage are symbolized by the vast field of roses the prince encounters during his visit to Earth.[9]
 This interpretation was described by biographer Paul Webster who stated she was ""the muse to whom Saint-Exupéry poured out his soul in copious letters ... Consuelo was the rose in The Little Prince. ""I should have judged her by her acts and not by her words"", says the prince. ""She wrapped herself around me and enlightened me. I should never have fled. I should have guessed at the tenderness behind her poor ruses.""[24]
 Saint-Exupéry probably has drawn inspiration for the prince's character and appearance from his own self as a youth, as during his early years friends and family called him le Roi-Soleil (""the Sun King"") because of his golden curly hair.[citation needed] The author had also met a precocious eight-year-old with curly blond hair while he was residing with a family in Quebec City in 1942, Thomas De Koninck, the son of philosopher Charles De Koninck.[37][38][39] Another possible inspiration for the little prince has been suggested as Land Morrow Lindbergh, the young, golden-haired son of fellow aviator Charles Lindbergh and his wife, Anne Morrow Lindbergh, whom he met during an overnight stay at their Long Island home in 1939.[40][41][Note 4]
 Some have seen the prince as a Christ figure, as the child is sin-free and ""believes in a life after death"", subsequently returning to his personal heaven.[42] When Life photojournalist John Phillips questioned the author-aviator on his inspiration for the child character, Saint-Exupéry told him that one day he looked down on what he thought was a blank sheet and saw a small childlike figure: ""I asked him who he was"", he replied. ""I'm the Little Prince"" was the reply.[43]
 One of Saint-Exupéry's earliest literary references to a small prince is to be found in his second news dispatch from Moscow, dated 14 May 1935. In his writings as a special correspondent for Paris-Soir, the author described traveling from France to the Soviet Union by train. Late at night, during the trip, he ventured from his first-class accommodation into the third-class carriages, where he came upon large groups of Polish families huddled together, returning to their homeland. His commentary not only described a diminutive prince but also touched on several other themes Saint-Exupéry incorporated into various philosophical writings:[44]
 I sat down [facing a sleeping] couple. Between the man and the woman a child had hollowed himself out a place and fallen asleep. He turned in his slumber, and in the dim lamplight I saw his face. What an adorable face! A golden fruit had been born of these two peasants..... This is a musician's face, I told myself. This is the child Mozart. This is a life full of beautiful promise. Little princes in legends are not different from this. Protected, sheltered, cultivated, what could not this child become? When by mutation a new rose is born in a garden, all gardeners rejoice. They isolate the rose, tend it, foster it. But there is no gardener for men. This little Mozart will be shaped like the rest by the common stamping machine.... This little Mozart is condemned. Upon the outbreak of the Second World War, a laureate of several of France's highest literary awards and a successful pioneering aviator prior to the war, Saint-Exupéry initially flew with a reconnaissance squadron as a reserve military pilot in the Armée de l'Air (French Air Force).[9] After France's defeat in 1940 and its armistice with Germany, he and Consuelo fled Occupied France and sojourned in North America, with Saint-Exupéry first arriving by himself at the very end of December 1940. His intention for the visit was to convince the United States to quickly enter the war against Nazi Germany and the Axis forces, and he soon became one of the expatriate voices of the French Resistance. In the midst of personal upheavals and failing health, he produced almost half of the writings for which he would be remembered, including a tender tale of loneliness, friendship, love and loss, in the form of a young prince visiting Earth.[45]
 An earlier memoir by the author recounted his aviation experiences in the Sahara, and he is thought to have drawn on the same experiences as plot elements in The Little Prince.
 He wrote and illustrated the manuscript during the summer and fall of 1942. Although greeted warmly by French-speaking Americans and by fellow expatriates who had preceded him in New York, his 27-month stay would be marred by health problems and racked with periods of severe stress and marital strife. These included partisan attacks on the author's neutral stance towards supporters of both ardent French Gaullist and Vichy France.[46] Saint-Exupéry's American translator (the author spoke poor English) wrote: ""He was restless and unhappy in exile, seeing no way to fight again for his country and refusing to take part in the political quarrels that set Frenchman against Frenchman.""[22] However, the period was to be both a ""dark but productive time"" during which he created three important works.[47]
 Between January 1941 and April 1943, the Saint-Exupérys lived in two penthouse apartments on Central Park South,[48] then, at the Delamater-Bevin Mansion in Asharoken, Long Island, and still later, a rented brownstone on Beekman Place, again in New York City.[49][50]
 The couple also stayed in Quebec for five weeks during the late spring of 1942, where they met a precocious eight-year-old boy with blond curly hair, Thomas, the son of philosopher Charles De Koninck, with whom the Saint-Exupérys resided.[51][52][53][54] During an earlier visit to Long Island in August 1939, Saint-Exupéry had also met Land Morrow Lindbergh, the young, golden-haired son of the pioneering American aviator Charles Lindbergh and his wife, Anne Morrow Lindbergh.[40][41]
 After returning to the US from his Quebec speaking tour, Saint-Exupéry was pressed to work on a children's book by Elizabeth Reynal, one of the wives of his US publisher, Reynal & Hitchcock. The French wife of Eugene Reynal had closely observed Saint-Exupéry for several months, and noting his ill health and high stress levels, she suggested to him that working on a children's story would help.[55][Note 5] The author wrote and illustrated The Little Prince at various locations in New York City but principally in the Long Island north-shore community of Asharoken in mid-to-late 1942, with the manuscript being completed in October.[50][51][51]
 Although the book was started in his Central Park South penthouse, Saint-Exupéry soon found New York City's noise and sweltering summer heat too uncomfortable to work in and so Consuelo was dispatched to find improved accommodations. After spending some time at an unsuitable clapboard country house in Westport, Connecticut,[56] they found Bevin House, a 22-room mansion in Asharoken that overlooked Long Island Sound. The author-aviator initially complained, ""I wanted a hut, and it's the Palace of Versailles.""[45] As the weeks wore on, the author became invested in his project and the home would become ""a haven for writing, the best place I have ever had anywhere in my life.""[57] He devoted himself to the book on mostly midnight shifts,[22] usually starting at about 11 pm, fueled by helpings of scrambled eggs on English muffins, gin and tonics, Coca-Colas, cigarettes and numerous visits by friends and expatriates who dropped in to see their famous countryman. One of the visitors was his wife's Swiss writer paramour Denis de Rougemont, who also modeled for a painting of the Little Prince lying on his stomach, feet and arms extended up in the air.[45][50] De Rougemont would later help Consuelo write her autobiography, The Tale of the Rose, as well as write his own biography of Saint-Exupéry.
 While the author's personal life was frequently chaotic, his creative process while writing was disciplined. Christine Nelson, curator of literary and historical manuscripts at the Morgan Library and Museum which had obtained Saint-Exupéry's original manuscript in 1968, stated: ""On the one hand, he had a clear vision for the shape, tone, and message of the story. On the other hand, he was ruthless about chopping out entire passages that just weren't quite right"", eventually distilling the 30,000 word manuscript, accompanied by small illustrations and sketches, to approximately half its original length.[58] The story, the curator added, was created when he was ""an ex-patriate and distraught about what was going on in his country and in the world.""[14]
 The large white Second French Empire-style mansion, hidden behind tall trees, afforded the writer a multitude of work environments, but he usually wrote at a large dining table.[22] It also allowed him to alternately work on his writings and then on his sketches and watercolours for hours at a time, moving his armchair and paint easel from the library towards the parlor one room at a time in search of sunlight. His meditative view of sunsets at the Bevin House were incorporated in the book, where the prince visits a small planet with 43 daily sunsets, a planet where all that is needed to watch a sunset ""is move your chair a few steps.""[45][50][Note 6]
 The original 140-page autograph manuscript of The Little Prince, along with various drafts and trial drawings, were acquired from the author's close friend Silvia Hamilton in 1968 by curator Herbert Cahoon of the Pierpont Morgan Library (now The Morgan Library & Museum) in Manhattan, New York City.[11][59][60] It is the only known surviving handwritten draft of the complete work.[61] The manuscript's pages include large amounts of the author's prose that was struck-through and therefore not published as part of the first edition. In addition to the manuscript, several watercolour illustrations by the author are also held by the museum. They were not part of the first edition. The institution has marked both the 50th and 70th anniversaries of the novella's publication, along with the centenary celebration of the author's birth, with major exhibitions of Antoine de Saint-Exupéry's literary works.[33][62] Physically, the manuscript's onion skin media has become brittle and subject to damage. Saint-Exupéry's handwriting is described as being doctor-like, verging on indecipherable.[63]
 The story's keynote aphorism, On ne voit bien qu'avec le cœur. L'essentiel est invisible pour les yeux (""One sees clearly only with the heart. What is essential is invisible to the eye"") was reworded and rewritten some 15 times before achieving its final phrasing. Saint-Exupéry also used a Dictaphone recorder to produce oral drafts for his typist.[22][59] His initial 30,000-word working manuscript was distilled to less than half its original size through laborious editing sessions. Multiple versions of its many pages were created and its prose then polished over several drafts, with the author occasionally telephoning friends at 2:00 a.m. to solicit opinions on his newly written passages.[22]
 Many pages and illustrations were cut from the finished work as he sought to maintain a sense of ambiguity to the story's theme and messages. Included among the deletions in its 17th chapter were references to locales in New York, such as the Rockefeller Center and Long Island. Other deleted pages described the prince's vegetarian diet and the garden on his home asteroid that included beans, radishes, potatoes and tomatoes, but which lacked fruit trees that might have overwhelmed the prince's planetoid. Deleted chapters discussed visits to other asteroids occupied by a retailer brimming with marketing phrases, and an inventor whose creation could produce any object desired at a touch of its controls. Likely the result of the ongoing war in Europe weighing on Saint-Exupéry's shoulders, the author produced a sombre three-page epilogue lamenting ""On one star someone has lost a friend, on another someone is ill, on another someone is at war..."", with the story's pilot-narrator noting of The Prince: ""he sees all that. . . . For him, the night is hopeless. And for me, his friend, the night is also hopeless."" The draft epilogue was also omitted from the novella's printing.[59]
 In April 2012 a Parisian auction house announced the discovery of two previously unknown draft manuscript pages that included new text.[10][64] In the newly discovered material the Prince meets his first Earthling after his arrival. The person he meets is an ""ambassador of the human spirit"".[10][64] The ambassador is too busy to talk, saying he is searching for a missing six letter word: ""I am looking for a six-letter word that starts with G that means 'gargling' "", he says. Saint-Exupéry's text does not say what the word is, but experts believe it could be ""guerre"" (or ""war""). The novella thus takes a more politicized tack with an anti-war sentiment, as 'to gargle' in French is an informal reference to 'honour', which the author may have viewed as a key factor in military confrontations between nations.[64][65]
 Saint-Exupéry met Léon Werth (1878–1955), a writer and art critic, in 1931. Werth soon became Saint-Exupery's closest friend outside of his Aeropostale associates. Werth was an anarchist, a leftist Bolshevik supporter of Jewish descent, twenty-two years older than Saint-Exupéry.
 
Saint-Exupéry dedicated two books to him, Lettre à un otage [fr] (Letter to a Hostage) and Le Petit Prince (The Little Prince), and referred to Werth in three more of his works. At the beginning of the Second World War while writing The Little Prince, Saint-Exupéry lived in his downtown New York City apartment, thinking of his native France and his friends. Werth spent the war unobtrusively in Saint-Amour, his village in the Jura, a mountainous region near Switzerland where he was ""alone, cold and hungry"", a place that had few polite words for French refugees. Werth appears in the preamble to the novella, where Saint-Exupéry dedicates the book to him:[66] To Leon Werth
 I ask children to forgive me for dedicating this book to a grown-up. I have a serious excuse: this grown-up is the best friend I have in the world. I have another excuse: this grown-up can understand everything, even books for children. I have a third excuse: he lives in France where he is hungry and cold. He needs to be comforted. If all these excuses are not enough then I want to dedicate this book to the child whom this grown-up once was. All grown-ups were children first. (But few of them remember it.) So I correct my dedication:
 To Leon Werth,
 
When he was a little boy Saint-Exupéry's aircraft disappeared over the Mediterranean in July 1944. The following month, Werth learned of his friend's disappearance from a radio broadcast. Without having yet heard of The Little Prince, in November, Werth discovered that Saint-Exupéry had published a fable the previous year in the U.S., which he had illustrated himself, and that it was dedicated to him.[67] At the end of the Second World War, which Antoine de Saint-Exupéry did not live to see, Werth said: ""Peace, without Tonio (Saint-Exupéry) isn't entirely peace."" Werth did not see the text for which he was so responsible until five months after his friend's death, when Saint-Exupéry's French publisher, Gallimard, sent him a special edition. Werth died in Paris in 1955.
 All of the novella's simple but elegant watercolour illustrations, which were integral to the story, were painted by Saint-Exupéry. He had studied architecture as a young adult but nevertheless could not be considered an artist – which he self-mockingly alluded to in the novella's introduction. Several of his illustrations were painted on the wrong side of the delicate onion skin paper that he used as his medium of choice.[50] As with some of his draft manuscripts, he occasionally gave away preliminary sketches to close friends and colleagues; others were even recovered as crumpled balls from the floors in the cockpits he flew.[Note 7] Two or three original Little Prince drawings were reported in the collections of New York artist, sculptor and experimental filmmaker Joseph Cornell.[68] One rare original Little Prince watercolour would be mysteriously sold at a second-hand book fair in Japan in 1994, and subsequently authenticated in 2007.[69][70]
 An unrepentant lifelong doodler and sketcher, Saint-Exupéry had for many years sketched little people on his napkins, tablecloths, letters to paramours and friends, lined notebooks and other scraps of paper.[43][45] Early figures took on a multitude of appearances, engaged in a variety of tasks. Some appeared as doll-like figures, baby puffins, angels with wings, and even a figure similar to that in Robert Crumb's Keep On Truckin' of 1968. In a 1940 letter to a friend, he sketched a character with his own thinning hair, sporting a bow tie, viewed as a boyish alter-ego, and he later gave a similar doodle to Elizabeth Reynal at his New York publisher's office.[43] Most often the diminutive figure was expressed as ""...a slip of a boy with a turned up nose, lots of hair, long baggy pants that were too short for him and with a long scarf that whipped in the wind. Usually the boy had a puzzled expression... [T]his boy Saint-Exupéry came to think of as ""the little prince"", and he was usually found standing on top of a tiny planet. Most of the time he was alone, sometimes walking up a path. Sometimes there was a single flower on the planet.""[56] His characters were frequently seen chasing butterflies; when asked why they did so, Saint-Exupéry, who thought of the figures as his alter-egos, replied that they were actually pursuing a ""realistic ideal"".[45] Saint-Exupéry eventually settled on the image of the young, precocious child with curly blond hair, an image which would become the subject of speculations as to its source. One ""most striking"" illustration depicted the pilot-narrator asleep beside his stranded plane prior to the prince's arrival. Although images of the narrator were created for the story, none survived Saint-Exupéry's editing process.[14]
 To mark both the 50th and 70th anniversaries of The Little Prince's publication, the Morgan Library and Museum mounted major exhibitions of Saint-Exupéry's draft manuscript, preparatory drawings, and similar materials that it had obtained earlier from a variety of sources. One major source was an intimate friend of his in New York City, Silvia Hamilton (later, Reinhardt), to whom the author gave his working manuscript just prior to returning to Algiers to resume his work as a Free French Air Force pilot.[33][62][71] Hamilton's black poodle, Mocha, is believed to have been the model for the Little Prince's sheep, with a Raggedy Ann type doll helping as a stand-in for the prince.[61] Additionally, a pet boxer, Hannibal, that Hamilton gave to him as a gift may have been the model for the story's desert fox and its tiger.[47] A museum representative stated that the novella's final drawings were lost.[33]
 Seven unpublished drawings for the book were also displayed at the museum's exhibit, including fearsome looking baobab trees ready to destroy the prince's home asteroid, as well as a picture of the story's narrator, the forlorn pilot, sleeping next to his aircraft. That image was likely omitted to avoid giving the story a 'literalness' that would distract its readers, according to one of the Morgan Library's staff.[33] According to Christine Nelson, curator of literary and historical manuscripts at the Morgan, ""[t]he image evokes Saint-Exupéry's own experience of awakening in an isolated, mysterious place. You can almost imagine him wandering without much food and water and conjuring up the character of the Little Prince.""[14] Another reviewer noted that the author ""chose the best illustrations... to maintain the ethereal tone he wanted his story to exude. Choosing between ambiguity and literal text and illustrations, Saint-Exupéry chose in every case to obfuscate.""[72] Not a single drawing of the story's narrator–pilot survived the author's editing process; ""he was very good at excising what was not essential to his story"".[14]
 In 2001 Japanese researcher Yoshitsugu Kunugiyama surmised that the cover illustration Saint-Exupéry painted for Le Petit Prince deliberately depicted a stellar arrangement created to celebrate the author's own centennial of birth. According to Kunugiyama, the cover art chosen from one of Saint-Exupéry's watercolour illustrations contained the planets Saturn and Jupiter, plus the star Aldebaran, arranged as an isosceles triangle, a celestial configuration which occurred in the early 1940s, and which he likely knew would next reoccur in the year 2000.[73] Saint-Exupéry possessed superior mathematical skills and was a master celestial navigator, a vocation he had studied at Salon-de-Provence with the Armée de l'Air (French Air Force).
 Stacy Schiff, one of Saint-Exupéry's principal biographers, wrote of him and his most famous work, ""rarely have an author and a character been so intimately bound together as Antoine de Saint-Exupéry and his Little Prince"", and remarking of their dual fates, ""the two remain tangled together, twin innocents who fell from the sky"".[74] Another noted that the novella's mystique was ""enhanced by the parallel between author and subject: imperious innocents whose lives consist of equal parts flight and failed love, who fall to earth, are little impressed with what they find here and ultimately disappear without a trace.""[75]
 Only weeks after his novella was first published in April 1943, despite his wife's pleadings and before Saint-Exupéry had received any of its royalties (he never would), the author-aviator joined the Free French Forces. He would remain immensely proud of The Little Prince, and almost always kept a personal copy with him which he often read to others during the war.[74]
 As part of a 32-ship military convoy he voyaged to North Africa where he rejoined his old squadron to fight with the Allies, resuming his work as a reconnaissance pilot despite the best efforts of his friends, colleagues and fellow airmen who could not prevent him from flying.[Note 8] He had previously escaped death by the barest of margins a number of times, but was then lost in action during a July 1944 spy mission from the moonscapes of Corsica to the continent in preparation for the Allied invasion of occupied France, only three weeks before the Liberation of Paris.[45][Note 9]
 Many of the book's initial reviewers were flummoxed by the fable's multi-layered story line and its morals,[9] perhaps expecting a significantly more conventional story from one of France's leading writers. Its publisher had anticipated such reactions to a work that fell neither exclusively into a children's nor adults' literature classification. The New York Times reviewer wrote shortly before its publication ""What makes a good children's book? ... The Little Prince, which is a fascinating fable for grown-ups [is] of conjectural value for boys and girls of 6, 8 and 10. [It] may very well be a book on the order of Gulliver's Travels, something that exists on two levels""; ""Can you clutter up a narrative with paradox and irony and still hold the interest of 8 and 10-year olds?"" Notwithstanding the story's duality, the review added that major portions of the story would probably still ""capture the imagination of any child.""[78] Addressing whether it was written for children or adults, Reynal & Hitchcock promoted it ambiguously, saying that as far as they were concerned ""it's the new book by Saint-Exupéry"", adding to its dustcover ""There are few stories which in some way, in some degree, change the world forever for their readers. This is one.""[59]
 Others were not shy in offering their praise. Austin Stevens, also of The New York Times, stated that the story possessed ""...large portions of the Saint-Exupéry philosophy and poetic spirit. In a way it's a sort of credo.""[56] P.L. Travers, author of the Mary Poppins series of children books, wrote in a New York Herald Tribune review: ""The Little Prince will shine upon children with a sidewise gleam. It will strike them in some place that is not the mind and glow there until the time comes for them to comprehend it.""[59][79]
 British journalist Neil Clark, in The American Conservative in 2009, offered an expansive view of Saint-Exupéry's overall work by commenting that it provides a ""…bird's eye view of humanity [and] contains some of the most profound observations on the human condition ever written"", and that the author's novella ""doesn't merely express his contempt for selfishness and materialism [but] shows how life should be lived.""[80]
 The book enjoyed modest initial success, residing on The New York Times Best Seller list for only two weeks,[63] as opposed to his earlier 1939 English translation, Wind, Sand and Stars which remained on the same list for nearly five months.[43] As a cultural icon, the novella regularly draws new readers and reviewers, selling almost two million copies annually and also spawning numerous adaptations. Modern-day references to The Little Prince include one from The New York Times that describes it as ""abstract"" and ""fabulistic"".[62]
 As of April 2017,[81] The Little Prince became the world's most translated non-religious book (into 300 languages) together with Italian novel The Adventures of Pinocchio.
 Katherine Woods (1886–1968)[82] produced the first English translation of 1943, which was later joined by several other English translations. Her translation contained some errors.[83][84] Mistranslations aside, one reviewer noted that Wood's almost ""poetic"" English translation has long been admired by many Little Prince lovers, who have spanned generations (it stayed in print until 2001), as her work maintains Saint-Exupéry's story-telling spirit and charm, if not its literal accuracy.[72] As of 2019[update] at least seven additional English translations have been published:[85]
 The Little Prince was also translated by Bonnie Greer for a BBC radio adaptation in 1999.
 Each translation approaches the essence of the original with an individual style and focus.[88][89]
 Le Petit Prince is often used as a beginner's book for French-language students, and several bilingual and trilingual translations have been published. As of 2017, it has been translated into more than 300 languages and dialects, including Sardinian,[90] the constructed international languages of Esperanto and Klingon, and the Congolese language Alur, as well as being printed in Braille for blind readers. It is also often used as an introduction into endangered varieties with very few speakers like Maya (2001), Aromanian (2006), or Banat Bulgarian (2017). It is one of the few modern books to have been translated into Latin, as Regulus, vel Pueri soli sapiunt[91][92] in 1961 by Auguste Haury (1910–2002) and as Regulus in 2010 by Alexander Winkler. A translation of the book was published as U'cc priinsâž in Skolt Sámi translated by Skolt Sámi author Kati-Claudia Fofonoff in 2000, a language spoken in Sápmi. Which, at the time, was spoken by less than 500 people making it the smallest language with a translation of Le Petit Prince.  In 2005, the book was also translated into Toba Qom, an indigenous language of northern Argentina, as So Shiyaxauolec Nta'a. It was the first book translated into that language since the New Testament. It was also translated to a northern Italian dialect, Vogherese. Anthropologist Florence Tola, commenting on the suitability of the work for Toban translation, said there is ""nothing strange [when] the Little Prince speaks with a snake or a fox and travels among the stars, it fits perfectly into the Toba mythology"".[93]
 Linguists have compared the many translations and even editions of the same translation for style, composition, titles, wordings and genealogy. As an example: as of 2011 there are approximately 47 translated editions of The Little Prince in Korean,[Note 10] and there are also about 50 different translated editions in Chinese (produced in both mainland China and Taiwan). Many of them are titled Prince From a Star, while others carry the book title that is a direct translation of The Little Prince.[95] By studying the use of word phrasings, nouns, mistranslations and other content in newer editions, linguists can identify the source material for each version: whether it was derived from the original French typescript, or from its first translation into English by Katherine Woods, or from a number of adapted sources.[72][96]
 The first edition to be published in France, Saint-Exupéry's birthplace, was printed by his regular publisher in that country, Gallimard, only after[8] the German occupation of France ended.[97][Note 11] Prior to France's liberation new printings of Saint-Exupéry's works were made available only by means of secret print runs,[99][100] such as that of February 1943 when 1,000 copies of an underground version of his best seller Pilote de guerre, describing the German invasion of France, were covertly printed in Lyon.[101]
 Commemorating the novella's 70th anniversary of publication, in conjunction with the 2014 Morgan Exhibition, Éditions Gallimard released a complete facsimile edition of Saint-Exupéry's original handwritten manuscript entitled Le Manuscrit du Petit Prince d'Antoine de Saint-Exupéry: Facsimilé et Transcription, edited by Alban Cerisier and Delphine Lacroix. The book in its final form has also been republished in 70th anniversary editions by Houghton Mifflin Harcourt (in English) and by Gallimard (in French).[61]
 A Portuguese translation of the novella in 2007, edited by Eidouro Gráfica e Editora Ltda and presented at the XIII Biannual Book Fair of Rio de Janeiro, Brazil, holds the Guinness World Record for world's largest book published.[102] The impressive tome measures 2.01 m (6 ft 7 in) high and 3.08 m (10 ft 1 in) wide when open, containing 128 pages.
 It has been translated into minority languages, such as the Irish language, by Éabhloid publishers in 2015.
 After being translated by Bonifacio del Carril, The Little Prince was first published in Spanish as El principito in September 1951 by the Argentine publisher Emecé Editores.[103][104] Other Spanish editions have also been created; in 1956 the Mexican publisher Diana released its first edition of the book, El pequeño príncipe, a Spanish translation by José María Francés.[8] Another edition of the work was produced in Spain in 1964 and, four years later, in 1968, editions were also produced in Colombia and Cuba, with translation by Luis Fernández in 1961. Chile had its first translation in 1981; Peru in February 1985; Venezuela in 1986, and Uruguay in 1990.[103][105][106]
The book is among the few books in the Castilian cant Gacería[107] (as El pitoche engrullón) or the Madrid slang Cheli[108] (as El chaval principeras).
 The Little Prince has an adaptation for the inhabitants of Bavaria, Austria and South Tyrol, covering for a large variety of the Bavarian language. The book was adapted by Johannes Limmer and published in 2019. It is called Da gloane Prinz and contains the original pictures of Saint-Exupéry.[109]
 The Little Prince is one of the most popular and beloved foreign works of literature in China. It is reported that there are more than 70 Chinese translations of the novella.[110] According to the official website of the Succession Antoine de Saint-Exupéry-d'Agay, the version translated by Li Jihong, which was published in January 2013, sold over two million copies in less than four years.[111] Cheng Li-chun published a translation in Taiwan in May 2022.[112]
 Due to Saint-Exupéry's wartime death, his estate received the civil code designation Mort pour la France (English: Died for France), which was applied by the French government in 1948. Amongst the law's provisions is an increase of 30 years in the duration of copyright;[113] thus most of Saint-Exupéry's creative works will not fall out of copyright status in France for an extra 30 years.[114][75]
 The book will remain under copyright in the US until 2039[115][116] and will remain in copyright in France until 2033 or 2045.[117][118]
 The wide appeal of Saint-Exupéry's novella has led to it being adapted into numerous forms over the decades. Additionally, the title character himself has been adapted in a number of promotional roles, including as a symbol of environmental protection, by the Toshiba Group.[119] He has also been portrayed as a ""virtual ambassador"" in a campaign against smoking, employed by the Veolia Energy Services Group,[119] and his name was used as an episode title in the TV series Lost.
 The multi-layered fable, styled as a children's story with its philosophical elements of irony and paradox directed towards adults, allowed The Little Prince to be transferred into various other art forms and media, including:
 In 1997, Jean-Pierre Davidts wrote what could be considered a sequel to The Little Prince, entitled Le petit prince retrouvé (The Little Prince Returns).[125] In this version, the shipwrecked narrator encounters the little prince on a lone island; the prince has returned to seek help against a tiger who threatens his sheep.[126] Another sequel titled The Return of the Little Prince was written by former actress Ysatis de Saint-Simone, niece of Consuelo de Saint-Exupéry.[127]
 New York City's Morgan Library & Museum mounted three showings of the original manuscript, with its first showing in 1994, on the occasion of the story's 50th anniversary of publication, followed by one celebrating the author's centennial of birth in 2000, with its last and largest exhibition in 2014 honouring the novella's 70th anniversary.
 The 1994 exhibition displayed the original manuscript, translated by the museum's art historian Ruth Kraemer,[128] as well as a number of the story's watercolours drawn from the Morgan's permanent collection. Also included with the exhibits was a 20-minute video it produced, My Grown-Up Friend, Saint-Exupéry, narrated by actor Macaulay Culkin,[Note 12] along with photos of the author, correspondence to Consuelo, a signed first edition of The Little Prince, and several international editions in other languages.[92]
 In January 2014, the museum mounted a third, significantly larger, exhibition centered on the novella's creative origins and its history. The major showing of The Little Prince: A New York Story celebrated the story's 70th anniversary.[62] It examined both the novella's New York origins and Saint-Exupéry's creative processes, looking at his story and paintings as they evolved from conceptual germ form into progressively more refined versions and finally into the book's highly polished first edition. It was as if visitors were able to look over his shoulder as he worked, according to curator Christine Nelson. Funding for the 2014 exhibition was provided by several benefactors, including The Florence Gould Foundation, The Caroline Macomber Fund, Houghton Mifflin Harcourt, Air France and the New York State Council on the Arts.[61]
 The new, more comprehensive exhibits included 35 watercolor paintings and 25 of the work's original 140 handwritten manuscript pages,[130] with his almost illegible handwriting penciled onto 'Fidelity' watermarked onion skin paper. The autograph manuscript pages included struck-through content that was not published in the novella's first edition. As well, some 43 preparatory pencil drawings that evolved into the story's illustrations accompanied the manuscript, many of them dampened by moisture that rippled its onion skin media.[131][132] One painting depicted the prince floating above Earth wearing a yellow scarf was wrinkled, having been crumpled up and thrown away before being retrieved for preservation.[47] Another drawing loaned from Silvia Hamilton's grandson depicted the diminutive prince observing a sunset on his home asteroid; two other versions of the same drawing were also displayed alongside it allowing visitors to observe the drawing's progressive refinement.[59] The initial working manuscript and sketches, displayed side by side with pages from the novella's first edition, allowed viewers to observe the evolution of Saint-Exupéry's work.
 Shortly before departing the United States to rejoin his reconnaissance squadron in North Africa in its struggle against Nazi Germany, Saint-Exupéry appeared unexpectedly in military uniform at the door of his intimate friend, Silvia Hamilton. He presented his working manuscript and its preliminary drawings in a ""rumpled paper bag"", placed onto her home's entryway table, offering, ""I'd like to give you something splendid, but this is all I have"".[62][71][79][132][133] Several of the manuscript pages bore accidental coffee stains and cigarette scorch marks.[47] The Morgan later acquired the 30,000-word manuscript from Hamilton in 1968, with its pages becoming the centrepieces of its exhibitions on Saint-Exupéry's work. The 2014 exhibition also borrowed artifacts and the author's personal letters from the Saint-Exupéry-d'Gay Estate,[Note 13] as well as materials from other private collections, libraries and museums in the United States and France.[134] Running concurrent with its 2014 exhibition, the Morgan held a series of lectures, concerts and film showings, including talks by Saint-Exupéry biographer Stacy Schiff, writer Adam Gopnik, and author Peter Sís on his new work The Pilot and The Little Prince: The Life of Antoine de Saint-Exupéry,[133][135]
 Additional exhibits included photos of Saint-Exupéry by Life photojournalist John Phillips, other photos of the author's New York area homes,[61] an Orson Welles screenplay of the novella the filmmaker attempted to produce as a movie in collaboration with Walt Disney,[43][62][Note 14] as well as one of the few signed copies extant of The Little Prince, gifted to Hamilton's 12-year-old son.[Note 15]
 French professional wrestler Daniel Dubail was billed as Le Petit Prince.[164]
Pakistani-British professional wrestler Mohammed Allam was billed as The Little Prince.[165]
 Since 2020, June 29 is International Little Prince Day. This date was chosen to commemorate the birth of Antoine de Saint-Exupéry, which occurred on June 29, 1900. The Antoine de Saint-Exupéry Foundation started the initiative striving to promote the humanist values carried by the book published in 1943. Mark Osborne was one of the first personalities to participate in the Little Prince Day 2020.[166]",8128,"Main page; Contents; Current events; About Wikipedia; Help; Learn to edit; Community portal; Upload file; ; learn more; Article; Talk; Read; Read; Upload file; Little Prince; ; Antoine de Saint-Exupéry; Bonnie Greer; Michael Morpurgo; Alan Wakeman; Science fantasy; Reynal & Hitchcock; Gallimard; Le Monde's 100 Books of the Century; Pilote de guerre; [lə p(ə)ti pʁɛ̃s]; novella; Antoine de Saint-Exupéry; Reynal & Hitchcock; liberation; Vichy Regime; best-selling; most translated work; the Bible; boa constrictor; Sahara; asteroid; dormant or extinct; baobab; lamplighter; geographer; Earth; fantasy; imagination; realism; perfectionist; Stéphane Mallarmé; Paul Webster; Northport; ground crew; Tunis; ; Saigon; Wind, Sand and Stars; Paris; Saigon; francs; Caudron; C-630 Simoun; Wadi Natrun; Nile Delta; mirages; hallucinations; Bedouin; New York City; Nazism; ; Consuelo; Salvadoran; Consuelo de Saint-Exupéry; El Salvador; Ilamatepec; citation needed; Quebec City; Thomas De Koninck; Charles De Koninck; Charles Lindbergh; Anne Morrow Lindbergh; Long Island; Life; John Phillips; Moscow; Paris-Soir; Soviet Union; ; Lac Saint-Louis; Second World War; Armée de l'Air; armistice with Germany; Nazi Germany; Axis forces; French Resistance; French Gaullist; Vichy France; Central Park South; Delamater-Bevin Mansion; Asharoken; Long Island; Beekman Place; Quebec; Anne Morrow Lindbergh; Reynal & Hitchcock; Asharoken; ; Bevin House; Long Island; Central Park South; Westport; Long Island Sound; Palace of Versailles; Denis de Rougemont; Morgan Library and Museum; Second French Empire; autograph manuscript; The Morgan Library & Museum; Manhattan; struck-through; watercolour illustrations; Antoine de Saint-Exupéry; onion skin media; aphorism; Dictaphone; Rockefeller Center; Long Island; epilogue; Léon Werth; Aeropostale; Bolshevik; of Jewish descent; Saint-Amour; Jura; Gallimard; watercolour illustrations; Joseph Cornell; Robert Crumb; Keep On Truckin'; Morgan Library and Museum; Free French Air Force; poodle; Raggedy Ann; boxer; Saturn; Jupiter; Aldebaran; isosceles triangle; celestial navigator; Salon-de-Provence; Armée de l'Air; Stacy Schiff; Saint-Exupéry; Free French Forces; Antoine de Saint-Exupéry – Disappearance; lost in action; Corsica; the continent; Allied invasion of occupied France; Liberation of Paris; The New York Times; Gulliver's Travels; Reynal & Hitchcock; credo; P.L. 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Frère des ours,https://fr.wikipedia.org/wiki/Frère_des_ours,"Joaquin PhoenixJosh HartnettJeremy Suarez
 Série Classiques d'animation Disney La Planète au trésor(2002) La ferme se rebelle(2004) Série Frère des ours Frère des ours 2(2006) Pour plus de détails, voir Fiche technique et Distribution. modifier  Frère des ours (Brother Bear) — ou Mon frère l'ours au Québec — est le 84e film d'animation et le 44e « Classique d'animation » des studios Disney, sorti en 2003 et réalisé par Robert Walker (en) et Aaron Blaise.
 Kenaï est un jeune homme turbulent. Désinvolte et aventurier, il attend impatiemment le jour de la cérémonie de la maturité où la chamane de son village lui remettra son totem, symbole d'une vertu qu'il devra accomplir et suivre toute sa vie. Mais alors qu'il l'imagine représenter un animal puissant, symbole de force ou de sagesse comme ses frères aînés Sitka et Denahi, il reçoit « l'ours de l'amour ».
 Furieux de la moquerie de son frère aîné et des reproches quant au vol par un ours de la pêche qui devait servir au banquet et que la désinvolture de Kenaï avait favorisé, ce dernier décide de se lancer à la poursuite du grizzli dans la forêt. Il finit par retrouver et affronter l'animal au sommet d'un pic rocheux, mais présumant de ses forces, il est rapidement mis en difficulté. Ses deux frères interviennent alors pour éloigner le danger mais l'ours est beaucoup trop fort pour eux : il fait déséquilibrer Denahi qui glisse dans une crevasse et assomme Sitka d'un coup de patte. Décidé à l'achever, l'ours remarque que Kenaï et Denahi sont eux aussi en position vulnérable et se retourne contre eux. Afin de sauver ses frères, Sitka plante alors sa lance dans une fente du glacier, ce qui a pour effet de provoquer une gigantesque fissure dans la roche. Un énorme morceau de roche et de glace se détache alors de la falaise, entraînant Sitka et l'ours dans une chute qui est malheureusement fatale au jeune homme, alors que l'ours s'en sort sain et sauf. Seul un morceau de lance et le manteau de Sitka sont retrouvés flottant dans la rivière en contrebas au pied de la falaise. Le soir, après les funérailles de son frère, désespéré et fou de rage, Kenaï traque l'ours et finit par le tuer au sommet d'une aiguille rocheuse. C'est alors que des esprits apparaissent, dont notamment l'esprit de Sitka et le métamorphosent en ours. Denahi, qui s'était entretemps lancé à la poursuite de Kenaï arrive juste à ce moment-là. Apercevant un énorme ours au sommet du pic rocheux et les haillons de Kenaï éparpillés sur la roche, il pense à tort que l'ours qui se tient devant lui a tué Kenaï. Il se lance alors à la poursuite de l'ours, sans savoir qu'il s'agit en réalité de son propre frère.
 Au début, Kenaï a beaucoup de mal à accepter cette transformation, d'autant qu'il fait la rencontre d'un petit ourson bavard nommé Koda. Au fil de la conversation, Koda lui apprend qu'il connaît le sommet où « les lumières du ciel touchent la terre ». Or, Kenaï doit atteindre ce sommet s'il veut que l'esprit de Sitka lui rende son apparence humaine, information donnée par la chamane et sorcière de son village, et Koda est le seul à en connaître le chemin… Du moins, à s'en souvenir vaguement car il était tout petit quand il y est allé. Kenaï se voit contraint de l'accompagner, malgré son bavardage excessif et agaçant. Au fur et à mesure, Kenaï devient moins froid et se lie d'amitié avec l'ourson. Ils doivent cependant échapper à Denahi, qui les poursuit sans relâche. Ainsi, ils gravissent des reliefs, traversent des plaines à dos de mammouth et passent par une zone de lave, accompagnés de deux élans frères, Truc et Muche, rencontrés en route.
 Une fois arrivés au pied de la montagne, ils découvrent un lac au bord duquel sont rassemblés une multitude d'ours qui pêchent et jouent à longueur de journée. Un de leurs jeux consiste à raconter une histoire palpitante. Celles des ours ne sont en général pas bien passionnantes. Kenaï raconte qu'il a fait la rencontre du plus insupportable des oursons, mais que, maintenant, ils sont comme frères. Puis Koda raconte qu'un jour, caché dans un buisson, il a vu un chasseur traquer sa mère sans savoir ce qu'elle est devenue par la suite…
 Kenaï, horrifié comprend alors que l'ours qu'il a tué quand il était encore humain n'était autre que la mère de Koda. Honteux, il quitte le groupe et tente d'atteindre seul le sommet mais il est rattrapé par Koda, nourrissant toujours le désir du retour prochain de sa mère. Kenaï lui annonce que sa mère ne reviendra jamais et Koda part en pleurs, refusant cette réalité. Alors qu'il est seul, Truc et Muche arrivent et essaient de le réconforter mais Truc, qui est en colère contre son frère, s’énerve contre lui mais se réconcilie avec Muche lorsque celui-ci lui rappelle que, en tant que frère, il sera toujours là pour l'aider, ce qui fait prendre conscience à Koda que Kenaï a besoin de lui. Kenaï arrive au sommet de la montagne où il est attaqué par son frère Denahi, seul survivant de la traque (du moins, c'est ce que Denahi croit car, arrivé au sommet du pic et découvrant un ours à la place de Kenaï, il est persuadé que l'animal, qu'il pense être l'ours que Kenaï traquait, est l'assassin de son frère). Le combat s'engage. Koda tente d'intervenir jusqu'au moment où un aigle majestueux apparaît, interrompant nette la confrontation. Les Grands Esprits apparaissent alors devant Denahi et Koda médusés, Kenaï se transforme et apparaît sous sa forme humaine. Denahi découvre en face de lui son frère, qu'il s'apprêtait à tuer, et Koda s'aperçoit que son ami est en fait un humain. Le jeune ourson voit également l'esprit de sa mère se matérialiser devant lui. Sous les yeux ébahis des trois protagonistes, l'aigle majestueux se métamorphose et prend la forme humaine de l'esprit de Sitka.
 Kenaï fait alors une demande aux esprits : il veut redevenir un ours et comprend que son but est de devoir veiller sur Koda, désormais seul au monde. L'esprit de Sitka lui accorde cette faveur. Après cela, Sitka ainsi que la mère de Koda peuvent rejoindre les Grands Esprits, en paix. C'est sous cette apparence que Kenaï rentre au village, en compagnie de Denahi et de Koda, où il est rapidement adopté par la population des hommes. Kenaï ayant ainsi réalisé la vertu assignée par son totem « l’ours de l’amour ».
 Le film prend place à l'époque post-ère glaciaire en Amérique du Nord, où les tribus locales d'Inuits croient que toutes les créatures vivantes sont créées par les Esprits (animisme) qui apparaissent sous forme d'aurore polaire.
 Un second film, Frère des ours 2, est sortie directement en vidéo en 2006.
 Frère des ours a été adapté en jeu vidéo sur Windows et Game Boy Advance.",1150,"Accueil; Portails thématiques; Article au hasard; Contact; Débuter sur Wikipédia; Aide; Communauté; Modifications récentes; ; Rechercher; en savoir plus; Contributions; Discussion; Article; Discussion; Lire; Lire; Pages liées; Suivi des pages liées; Téléverser un fichier; Pages spéciales; ; Aaron Blaise; Tab Murphy; Joaquin Phoenix; Josh Hartnett; Jeremy Suarez; Walt Disney Pictures; ; États-Unis; 2003; Classiques d'animation Disney; La Planète au trésor; La ferme se rebelle; Frère des ours 2; ; Québec; film d'animation; « Classique d'animation »; studios Disney; 2003; Aaron Blaise; ; Epcot; grizzli; Aaron Blaise; Tab Murphy; Mark Mancina; Phil Collins; Chuck Williams; Walt Disney Pictures; Buena Vista Pictures Distribution; Gaumont Buena Vista International; anglais; 1,78:1; 2,35:1; DTS; Dolby Digital; SDDS; États-Unis; Canada; 7; novembre; 2003; France; 28; janvier; 2004; Joaquin Phoenix; D. B. 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Balto,https://fr.wikipedia.org/wiki/Balto,"Pour les articles homonymes, voir Balto (homonymie).
 Pour l'adaptation au cinéma, voir Balto (film).
 modifier - modifier le code - modifier Wikidata Balto, né en 1919 et mort en 1933  est un chien de traîneau de race husky sibérien.
 Il est célèbre pour sa participation à la course au sérum de 1925, à Nome (Alaska), pendant laquelle un médicament anti-diphtérique dut être transporté d'Anchorage à Nome par chemin de fer puis par traîneau à chiens pour combattre une épidémie de cette maladie.
 Balto est né en Alaska, dans l'élevage de Leonhard Seppala qui travaillait pour une compagnie minière en tant que conducteur de traîneau à chiens. Il a été nommé ainsi en mémoire de l'éleveur de rennes et explorateur norvégien Samuel Balto (en).  
 À l'âge de 6 mois, il fut castré car il était trop grand et ses traits étaient considérés trop grossiers pour un husky de l'époque (le standard de l'époque recherchait des chiens plus fins et légers sur pattes, destinés à la course). Avant de connaître la célébrité, Balto effectuait en traîneau des réapprovisionnements pour les miniers[réf. nécessaire]. 
 En janvier 1925, la diphtérie, maladie mortelle qui attaque les enfants, se développe à Nome. Du sérum est demandé en urgence à tous les hôpitaux des alentours. Par télégramme, les autorités apprennent qu'il en reste dans la ville d'Anchorage, à 1 600 kilomètres de là. Le blizzard qui souffle en violentes rafales empêche l'acheminement par avion. Il est décidé qu'un train pourra transporter le sérum jusqu'à la ville de Nenana, mais pas plus loin, faute de chemin de fer. Or, Nenana se trouve encore à 1085 kilomètres de Nome. Une seule solution s'offre aux habitants : faire l'aller-retour en traîneau grâce à un attelage tiré par des chiens, un voyage de 25 jours en temps normal. On confia cette mission à Leonhard Seppala qui partit de Nome en direction de Nenana avec un attelage de 20 huskies dirigé par Togo, son meilleur chien de tête.
 Alors que Seppala était déjà en route les autorités décidèrent qu'un relais de plusieurs attelages avait des chances de délivrer le précieux sérum plus rapidement. C'est ainsi que 20 mushers et plus de 100 huskies prirent part à la course.
 On demanda à Gunnar Kaasen, l'assistant de Seppala, dont l'équipage de huskies était dirigé par Balto, de faire partie du relais. Arrivant au dernier point de contrôle avant Nome, Kaasen trouva son remplaçant endormi. Considérant que son équipage se comportait bien, il décida de poursuivre jusqu'à Nome. Le sérum fut ainsi livré de Nenana à Nome en seulement 5 jours et demi.
 Kaasen et Balto ayant parcouru la dernière partie du parcours, la presse s'empara de l'histoire et fit de Balto le nouveau héros de la nation. À la fin de l'année, une statue sculptée par F.G. Roth fut érigée à Central Park, à New York, avec ces mots : « Endurance - Fidélité - Intelligence » ainsi qu'une inscription : 
 « Cette statue est consacrée à l’esprit invincible des chiens de traîneau qui ont transmis par relais l’antitoxine sur 600 miles de glace rugueuse, à travers les eaux déloyales, par les tempêtes de neige arctique de Nenana au soulagement de Nome en détresse pendant l’hiver de 1925. »
 Après la mort de Balto en 1933, à l'âge de 14 ans, son corps a été naturalisé et exposé au musée d'histoire naturelle de Cleveland[1].
 Le chemin parcouru par le husky donne lieu à une course de traîneau annuelle, nommée Iditarod, dont la première édition répertoriée a eu lieu en 1973.
 Un film d'animation, intitulé Balto, Chien-Loup, Héros des neiges a été produit en 1995 par les studios Amblimation.
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 A falling out between Seppala and Kaasen resulted in Balto and his teammates being sold under disputed circumstances to a traveling circus operator and ultimately housed in squalor at a dime museum in Los Angeles. When news stories emerged in February 1927 about his poor living conditions, a two-week fundraising effort in Cleveland, Ohio, led to the successful purchase of Balto and his team by the citizenry of Cleveland. Balto lived in ease at the Brookside Zoo until his death on March 14, 1933, at the age of 14; his body was subsequently mounted and displayed in the Cleveland Museum of Natural History, where it remains to this day. While the subject of numerous cultural depictions and homages, including a 1995 animated film, Balto's role in the serum run remains controversial as contemporary media coverage focused almost entirely on him over the efforts of the other mushers and dogs—most notably, Seppala and his lead dog Togo—and has more recently undergone historical reappraisals.
 Little is known about Balto's early years.[1] Balto's birth year is commonly recognized as 1919, in Nome, Alaska, at the kennels of Leonhard Seppala, a native Norwegian, sled dog breeder, musher and competitive racer.[2][3] He was named after Samuel Balto, a Sámi who was part of Fridtjof Nansen's exploration of Greenland in 1888,[4][5] and whom Seppala admired.[a] No birth records were kept for Balto or his litter as his body type did not align with other racing huskies that Seppala was breeding. The only evidence of Balto's birth year came from later interviews with Seppala.[3] With a largely black fur coat, Balto had a small, stocky build, unique for a Siberian husky.[8]
 Believing Balto to be ""second rate""[9] and not holding much potential, Seppala neutered him at six months of age.[10] He considered him a ""scrub dog"",[11] unable to run as fast as his other dogs,[6] who were derisively called ""Siberian rats"" by mushers against whom Seppala competed.[12] Seppala claimed in his memoir to have ""given [Balto] every chance"" to ride with his primary sled dog team ""but could not qualify"";[4] thus, Balto was relegated to haul freight and large cargo for short runs and was part of a team that pulled railcars with miners over a disused railroad.[13] Gunnar Kaasen,[b] another native Norwegian and a close family friend of Seppala[10] with 21 years' dog sledding experience, came to know Balto through his work at Seppala's mining company.[9][14] Kaasen believed Seppala misjudged Balto's potential and that the dog's short stature could allow him to be more strong and steady.[6]
 In January 1925, doctors realized that a potentially deadly diphtheria epidemic was poised to sweep through the young people of Nome, Alaska,[15] placing the city under quarantine.[16] Dr. Curtis Welch, the primary physician in Nome, transmitted via Morse code that the town's existing serum, which was over six years old, was being depleted. Additional serum was made available in Anchorage, but the territory's only two usable aircraft had open cockpits and were thus grounded for the winter.[17] After considering all the alternatives, officials decided to have the serum ferried via multiple dog sled teams[18] over the ""Seward-to-Nome Trail"".[19] The serum was transported by train from Anchorage to Nenana, where the first musher embarked as part of a 674-mile (1,085 km) relay.[20] More than 20 mushers took part, facing a blizzard with −23 °F (−31 °C) temperatures and strong winds. Originally projected to arrive in Nome by February 6,[21] the date was moved up several times as the teams repeatedly broke land speed records.[22][23] News coverage of the event, in particular the hazards posed to the dogs and the leaders,[21][24] was relayed worldwide; newspaper headlines read; ""Relief Nears Nome!"",[25] ""Dog Teams in Race with Death in Far North""[20] and ""Seppalla ... May Save Diphtheria Victims"".[23]
 As the serum run progressed, additional teams were recruited[26] as Alaskan governor Scott Cordelle Bone worried about Seppala's team experiencing fatigue.[10] Kaasen was appointed to drive a team of Seppala's dogs originally set aside for company business during the run,[27] with Fox chosen by Seppala as the leader.[8] Kaasen, however, chose Balto to co-lead alongside Fox,[c] a move Seppala later disagreed with as he felt Balto was not worthy to be a lead dog.[28] Balto had been largely untried as a sled dog prior to the run,[19] but Kaasen expressed confidence in Balto's abilities and likely identified with him.[29] The serum package was handed to Kaasen by Charlie Olson in Bluff[30] at 10:00 p.m. on February 1.[7] The blizzard quickly began to bear down on the team, causing them to become lost and confused. This prompted Kaasen to move Balto to the lead, yelling at him, ""Go home, Balto.""[31] Balto's ability to pull heavy freight allowed him to steadily navigate the team through the storm;[32] at one point, Balto stopped in front of a patch of ice on the Topkok River that broke underneath him, saving Kaasen's life along with the entire team.[28][33][34] Kaasen suffered frostbite after his sled flipped and the serum package fell into the snow, forcing him to search bare-handed for it.[12][28][35]
 Kaasen and his team arrived in Point Safety ahead of schedule,[19] but found the last team of the run was not ready and the roadhouse they lodged in was dark.[36] Ed Rohn, the leader of this final team,[37] was asleep at the time under the impression Kaasen had been halted in nearby Solomon,[11] a settlement Kaasen rode past without visibly recognizing due to the poor weather.[36] Kaasen decided not to wake him up and continue on, knowing it would take time for Rohn to prepare and risk putting additional dogs in harm's way.[36] Despite suffering from exposure and exhaustion,[34][38] Kaasen and Balto traveled the remaining 25 miles (40 km) to Nome, and arrived at Front Street on February 2, 1925, at 5:30 a.m.[7][d] While frozen solid, all 300,000 units of the antitoxin were intact, and Kaasen handed them over to be thawed for use by midday.[40][41] Four of Kaasen's dogs were partially frozen when they arrived;[42] one newspaper dispatch erroneously stated Balto and the majority of the team died several days later from frozen lungs,[43] and was immediately retracted shortly after publication.[10] Seppala reached Nome two days later and praised Kaasen for having continued on through blizzard conditions.[44]
 Kaasen gave all credit to Balto,[7] telling a United Press reporter, ""I gave Balto, my lead dog, his head and trusted to him. He never once faltered ... [i]t was Balto who led the way, the credit is his.""[45] After reaching Dr. Welch's office to deliver the serum, Kaasen tended to Balto, hugging him and purportedly[11] repeating, ""Damn fine dog ... damn fine dog.""[34][46] On the U.S. Senate chamber floor several days later, Washington Senator Clarence Dill recognized the efforts of everyone who helped with the serum run but cited Balto in particular, saying, ""[t]his black Siberian dog, through the darkness and storm, crossed this icy desert and kept the trail when no human being could possibly have found the way.""[47] The H. K. Mulford Company, one of the manufacturers of the serum units, awarded Kaasen a $1,000 prize (equivalent to $17,374 in 2023) alongside inscribed medals which were given to all the mushers.[48]
 Newspapers were heralding the feats achieved during the serum run almost exclusively to Balto, eclipsing the efforts of the 18 other mushers and 150 sled dogs who participated.[10][12] The death toll in Nome was seven people—not counting Alaskan Natives who were not recorded—adding further to the media sensation as the diphtheria epidemic was seemingly averted.[12] When the New York Daily News published exclusive photos of Kaasen's arrival in Nome, Balto was pictured directly in the foreground of the entire team;[49] these photos were later revealed to be staged recreations hours after Kaasen arrived.[11] The recent adoption of radio in the contiguous United States also meant dispatches from Nome had been relayed to radio stations throughout the country.[12][50] As 1925 ended, Balto was credited in news coverage as having accomplished the entire serum run by himself,[10] a misconception that persisted long after his death.[51]
 Film producer Sol Lesser promptly signed Kaasen, Balto and the team of ""thirteen half wolves"" to a contract with Educational Pictures for a movie based on the serum run.[52] Film production began in April 1925 in Los Angeles. Upon arriving in the city, Balto was the recipient of the ""bone of the city"" by the mayor of Los Angeles, along with other dignitaries[53] including actress Mary Pickford.[54] The two-reel movie, Balto's Race to Nome, debuted the following month to positive reviews;[55] it is now considered a lost film. Shortly after the film's release, Kaasen sued Lesser for unpaid wages;[56] Lesser then sold the existing contract to the vaudeville circuit.[1] Kaasen and Balto soon traveled across the country, making public appearances and being bestowed gifts from the cities visited.[57][58] In one instance, while visiting Cleveland, Ohio, Kaasen was awarded a subscription to The Plain Dealer as a gift from an existing subscriber, to be delivered to his home in Nome.[59]
 A statue of Balto, sculpted by Frederick Roth, was erected in New York City's Central Park on December 17, 1925, ten months after Balto's arrival in Nome. Balto modeled in front of Roth[60][61] and was present for the monument's unveiling.[62] The statue is located on the main path leading north from the Tisch Children's Zoo.[63] In front of the statue, a low-relief slate plaque depicts Balto's sled team and bears the inscription, ""[d]edicated to the indomitable spirit of the sled dogs that relayed antitoxin six hundred miles over rough ice, across treacherous waters, through Arctic blizzards from Nenana to the relief of stricken Nome in the winter of 1925: endurance, fidelity, intelligence"".[63][64]
 Seppala had been ""amazed and vastly amused"" at Balto and Kaasen's celebrity statuses,[65] but was displeased as it overlooked his lead dog Togo, who went through the run's longest and most dangerous part.[66][67] Seppala made a similar cross-country tour with Togo and his teammates in 1926, including a gala ice-rink appearance at Madison Square Garden, believing that Togo had been deprived of fame and acclaim.[10] Before relocating to Poland Spring, Maine, in March 1927, Seppala claimed Fox was the actual leader of Kaasen's team[68] and failed to get any proper credit due to Fox's name being more common and would not stand out in newspaper headlines like Balto.[69] A February 1932 interview Seppala had with Henry McLemore furthered this, claiming a newspaper reporter simply chose Balto as ""the lead dog ... that brought the serum in"" after multiple names were offered by Seppala; as he was still riding to Nome with Togo at the time, this is likely anachronistic.[70] The ""Vaccine Research Association"" unsuccessfully called for the Central Park statue's removal in 1931,[71] citing a 1929 interview where Seppala claimed all the dramatic events surrounding the run were fabricated to sell newspapers.[72] Unwilling to show disrespect to a sled dog, Seppala partly backtracked from these claims in his memoir:[69]
 I hope I shall never be the man to take away credit from any dog or driver who participated in that run. We all did our best. But when the country was roused to enthusiasm over the serum run driver, I resented the statue to Balto, for if any dog deserved special mention it was Togo ... At the time I left [for the run] I never dreamed that anyone could consider these dogs [the second string] fit to drive even in a short relay. ... As to the leader, it was up to the driver who happened to be selected to choose any dog he liked, and he chose Balto.[4] After the dispute with Lesser was resolved,[73] Balto and his teammates were sold to Sam Houston, owner of a traveling circus. The exact circumstances for the sale are unclear: some accounts, including Houston himself, claimed Kaasen sold the dogs after tiring of the constant traveling and moved back to Alaska.[1][74] Other accounts claimed Seppala made the deal with Houston and ordered Kaasen—who was still under his employ at the Pioneer Mining Company—back to Alaska.[75] Seppala claimed in his memoir that he sold the dogs to Lesser, with Balto selling for much more ""on account of the publicity given to his 'glorious achievements'"".[4] Kaasen and Seppala never spoke to each other again.[10] Kaasen's departure occurred after the Central Park statue unveiling; upon returning to Nome one year after the run,[76] he found himself alienated by residents of Nome over his fame, with some expressing resentment over the bypassing of Ed Rohn.[77] By May 1947, Seppala dismissed the serum run as little more than ""just an ordinary hard run"" and Balto's fame as ""a product of modern publicity rather than of outstanding merit ... Balto was just a good average dog"".[78]
 Balto and his team continued on tour throughout much of 1926 under the ownership of Sam Houston in both his circus and theatre circuits.[79][80] By February 1927, stories emerged of Balto and six teammates living in the back room of a ""for men only""[81] dime museum in Los Angeles,[82][83] also described as a freak show.[1] After leaving the vaudeville circuit, Balto and his team briefly resided at a farm,[73] only to be taken back to the city after misbehaving and entering a chicken coop.[82] Balto and his teammates were displayed chained to a sled,[1][34] with their only exercise consisting of brief trips in the museum's back alley.[81] They were malnourished, with their ribs showing.[50] Jack Wooldridge of the Oakland Tribune wrote about the mistreatment, ""[t]here probably was never a more dejected, sorrowful looking lot of malamutes than these as they now appear. Balto will never see the snow again. He's simply an exhibit in a museum.""[82]
 Cleveland businessman George Kimble visited the dime museum while in Los Angeles after noticing a sign outside advertising ""Balto the wonder dog"".[34][e] Outraged at seeing Balto and his teammates in poor health,[1][50] Kimble offered to buy the dogs from Sam Houston, who was willing to sell,[74] but demanded $2,000 (equivalent to $35,080 in 2023), more than Kimble could personally afford.[50] Kimble reached out to area businessmen and elected officials, along with The Plain Dealer,[1] and assembled the Cleveland Balto Committee led by Common Pleas Judge James B. Ruhl,[85] which negotiated with Houston.[74] After Houston agreed to sell the dogs for $1,500, a fund raising campaign was formally announced in the March 1, 1927, Plain Dealer, and the Brookside Zoo promised to create lodging for the dogs.[73][86] Raising $200 on the campaign's first day, a ten-day option was obtained,[74] and the dogs were temporarily relocated to a ranch as a foster home.[87] The Plain Dealer carried daily tallies of donations to the campaign.[f] Donations came from all over the city, with Cleveland schoolchildren dropping loose change in buckets[50] and offering their milk money;[84] along with children, bank employees, offices and nonprofit institutions all making donations.[85] Within four days, the committee grew from seven members to seventeen.[89] Area kennel clubs, shops and hotels also made contributions.[84]
 Appeals to donate were broadcast over radio stations WDBK, WHK and WTAM,[88] along with stations in Detroit and elsewhere; one response came from Japan after a listener there heard an appeal over WJZ in New York by long-distance reception.[90] Three models for the William Taylor & Son department store were driven around downtown Cleveland promoting the campaign.[90][94] The Los Angeles Alaskan Society subsequently offered to buy the team if the $2,000 could not be raised in time by the Cleveland effort, as the ten-day option had been publicized in the Los Angeles Daily Times.[73][91] By the evening of March 8, $1,517 had been raised, prompting one last-minute appeal by the Plain Dealer;[92] the following morning, the fund surpassed the $2,000 goal, totaling $2,245.88 (equivalent to $39,393 in 2023) and securing the purchase of the entire seven-dog team.[93] The effort won the praise of Roald Amundsen, who compared it to the city of Oslo adopting the lone surviving dog from his expedition to the South Pole.[93] A Plain Dealer editorial on the campaign's success read, ""[t]he city which honors a worthy dumb animal honors itself. Cleveland looks forward to welcoming its Alaskan guests a few days hence and hopes their life here may be long and pleasant.""[95]
 Balto and his six teammates—Alaska Slim, Fox, Tillie, Billie, Old Moctoc and Sye[g]—were transported by train from Los Angeles to Cleveland along with identification papers;[98] arriving March 16, the dogs were escorted to temporary quarters at Brookside Zoo.[99][100] A grand parade took place at the Public Square on March 19, 1927, which the city designated as ""Balto Day"".[101] Despite rainy conditions, thousands of people were present[h] as the team pulled a sled modified with iron wheels making it navigable on cobblestone streets and streetcar tracks; two local Boy Scout troops carried signs announcing Balto's arrival and a map of the serum run,[102] while five local people were ""sourdough""[i] escorts.[103] In the rotunda of Cleveland City Hall, Judge Ruhl read a deed of gift that transferred ownership of Balto and his team to the city ""forever"".[102][104][105] After the parade, the dogs were all transported to a more permanent housing at the zoo.[102]
 Balto and his teammates made their formal debut at the Brookside Zoo on March 20, 1927, with estimates of up to 15,000 people visiting the zoo that day.[106] Even with his permanent residence at the zoo, Balto occasionally made public appearances, including at an exhibition hosted by the Western Reserve Kennel Club in which Balto won ""best of show"" honors.[107] Balto also made an appearance at a parade for the 1929 National Air Races.[108]
 Owing to the Brookside Zoo's location in a valley, the team would pull sleds during winter weather conditions; one snowfall in early January 1928, turned the zoo's boulevard into an icy trail, with Balto and Fox alternating lead.[109][110] The Plain Dealer occasionally anthropomorphized their depictions of Balto at the zoo, including an encounter with a visiting husky and his owner from Manitoba.[111] Another 1929 story centered around his ""daydreaming"" of Richard E. Byrd's expedition of Antarctica;[112] this resulted in multiple letters to the editor that criticized the enclosure and were concerned about the welfare of the dogs.[113][114] One letter expressed regret for contributing to ""Balto to Cleveland"" fund as ""one of the most inhuman acts we could have performed"".[115] One letter written decades later recalled visiting the zoo on a hot day, with Balto tied to a tree in front of a water pan ""with a few drops of water in it"".[96] Even with these criticisms, the conditions at the zoo were generally seen as ""excellent"".[116] Zoo staff frequently sprayed the dogs to discourage fleas, their steam-heated kennel had a purpose-built shower for nightly cleaning,[117] and the dogs had a respectable diet[118] of meat in the morning, nightly dog biscuits and plentiful access to water.[109] Zoo superintendent John Kramer defended their treatment of the dogs, particularly with Fox, saying ""people don't understand why we do certain things here... you can't please them all.""[119]
 Another enclosure meant for the summer months was built for the dogs in 1930.[120] This enclosure included a bronze tablet on top of a granite monument[116] located in front of Balto's cage.[121] Bearing the names of the entire seven-dog team,[122] the monument was intended as a shrine for all animal lovers of Greater Cleveland.[75][121] The dogs lived out the remainders of their lives at the zoo: Billie was the first to die,[123] followed by Fox.[116] Between 1930 and 1933, Alaska Slim, Tillie and Old Moctoc all died, with Balto and Sye the only members in the team remaining.[31]
 Balto died on March 14, 1933, at the age of 14.[124] News of Balto's declining health was published four days earlier, having lost his sight and suffering decreased mobility and paralysis.[125] Because of his advanced age,[126] the city's veterinarian and zoo personnel estimated he would not be able to survive the week.[31][127] Balto's death was attributed to both an enlarged heart and bladder,[128] the former as a result of stress incurred from the serum run.[51] The following day, the Cleveland Museum of Natural History (CMNH) agreed to display Balto in taxidermy form.[128] Balto's mounting cost $50 (equivalent to $1,177 in 2023) and was again raised through a fund-raising campaign;[129] the process included the placement of Balto's skin and fur over a lifelike form as an effigy, a process that was finished by that May.[51][130] Balto's thyroid and adrenal glands were preserved at the Cleveland Clinic in George Washington Crile's organ collection.[75][128]
 Sye, the last of the seven dogs, was reportedly crestfallen over Balto's death, moaning, howling, and refusing to eat.[51] Sye died on March 25, 1934, one year after Balto, and was the only dog of the group to sire offspring.[131] As was the case with Balto, Sye's remains were mounted for display by the zoo, initially displayed over the zoo's tiger enclosure.[132] By 1965, neither the zoo or CMNH could locate the remains of Sye, which are now presumed lost.[97] Sye, Balto and Togo were the only three dogs that participated in the serum run to have had their remains mounted.[132] The monument that was erected at the zoo for the dogs, retroactively regarded as a gravestone,[75] was taken out of public display after Balto died.[129] As other zoo buildings were subsequently erected on the site of the former enclosure for Balto's team, the exact site of the graves for Billie, Fox, Moctoc, Slim and Tillie are now unknown.[132]
 Initially displayed, then placed in storage for several years, Balto was again put on public display in March 1940, coinciding with a dog show taking place at the Public Auditorium.[51] Displays of Balto were intermittent in the years since, with his remains placed in cold storage at all other times.[50] CMNH had so many animals in their collection that it became difficult to display Balto with greater frequency; in 1975, the Plain Dealer noted Balto's absence as the 50th anniversary of the serum run approached, prompting CMNH to arrange an exhibition.[39] By 2000, CMNH centered Balto around exhibits about the serum run and Inuit people,[10] making his visibility permanent; wildlife resources director Harvey Webster said, ""he's an icon ... [the serum run is] a story about the remarkable confluences of men and dogs who did the seemingly impossible in short order.""[1]
 As part of a larger $150 million renovation project, Balto's remains were refurbished and reinstalled in CMNH's new Visitor Hall,[133] which opened on October 15, 2023.[134] Balto is among the museum's eight most iconic specimens that are represented in the Hall.[133][135]
 In early 1998, 22 second and third-grade students at Butte Elementary School in Palmer, Alaska,[136] began a letter and petition drive to return Balto to Alaska after student Cody McGinn did a book report and discovered his remains were in Cleveland.[137] Teacher Dwight Homstad viewed Balto's custody as a two-sided issue and that the students wanted to show the emotional attachment Alaskans still had toward Balto.[136] Alaskan governor Tony Knowles endorsed the effort, writing to Homstad's class, ""During a time of great need in Alaska's history, Balto persevered through treacherous and perilous conditions to save the lives of many Alaskans.""[138] Homstad also contracted for a shipping crate to be transported to CMNH containing the petitions and a video made of the students writing the petitions.[139] By July 1998, the Alaska State Legislature passed a formal proclamation supporting Balto's return to Alaska.[140] Homstad also offered the idea of a trade or barter with CMNH for Balto.[136]
 They were imploring the museum to send our doggie home. And we said: 'Wait a minute. He spent a majority of his life, actually, in Cleveland, and it was the community of Cleveland that saved him from a pretty despicable fate.'
 Harvey Webster, wildlife resources director, Cleveland Museum of Natural History[10] CMNH declined both the requests for a permanent return or of shared custody (the latter McGinn advocated for[137]) citing Balto's purchase by the people of Cleveland, that Balto spent 60 percent of his life in Cleveland,[136] and the fragile condition of his remains; one taxidermist estimated that, if properly cared for, a mounted specimen like Balto's can last for up to two lifetimes.[139] Despite the initial refusal, the effort was soon publicized internationally with coverage in both People and CNN; one museum trustee learned of the dispute while on vacation in Indonesia.[139] CMNH announced in August 1998 that Balto would be loaned to the Anchorage Museum of History and Art, who paid substantial money to insure his mount,[10] for six months.[140] The Anchorage Museum previously sought to have Balto displayed in an exhibit tied to the 1988 Iditarod Trail Sled Dog Race[42] and were in negotiations with CMNH earlier in the year about a loan.[136] Balto was placed in a special crate for the trip to Anchorage with the label ""Contents: One Hero Dog"",[10] and a CMNH curator was present at the museum for the exhibition's duration.[140]
 A second exhibition of Balto took place at the Anchorage Museum between March and May 2017;[141] again, a CMNH registrar accompanied Balto, who was placed in a climate-controlled crate on the flight to Alaska.[142] Balto and Togo were displayed side-by-side as part of the 2017 exhibit.[66]
 The story had already heralded a winner by the time [Leonhard] Seppala made the 100 miles home. It was too complicated to showcase 20 drivers and 150 dogs. The relay as a concept was not as exciting as 'Balto crossed the finish line.'
 Gay Salisbury, historian[10] Controversy continues to surround Balto's celebrity status. Mushers have placed doubt on claims Balto truly led Kaasen's team, based primarily on his prior track record.[12] No records exist of Seppala ever having used him as a leader in runs or races prior to 1925, and Seppala himself stated Balto ""was never in a winning team""[143] and was a ""scrub dog"".[66] The pictures and film of Kaasen and Balto in Nome were recreated hours after their arrival once the sun had risen. Speculation still exists as to whether Balto's position as lead was genuine or staged for media purposes due to Balto being a more newsworthy and appealing name than Fox.[68][144] One 1927 newspaper editorial published after Seppala's claim that Fox actually led Kaasen's team read, ""[w]hether 'Balto' or 'Fox' matters little. The performance stands and the nation-wide emotion which it aroused is recorded in history. Somebody else wrote the works of Shakespeare, Homer was not the author of the Iliad. The lead dog on that historic trip to Nome was not Balto. What does it matter?""[145] Balto remains more famous to the general public due to the long-held misconceptions about his role.[12][66] While some historians note it is possible Balto led Kaasen's team, he at most likely ran co-lead with Fox rather than running single-lead by himself.[146]
 The aftermath of the serum run and the fame awarded to Balto and Kaasen initiated a feud between Seppala, Kaasen and Ed Rohn that lasted for the rest of their lives and has continued to the present day.[147] Decorated mushers and others in the surrounding area—including Rohn, based on conversations the two men had before leaving Nome—believed that Kaasen's decision to not wake Rohn at Point Safety was motivated by a desire to grab the glory for himself.[148] Conversely, supporters of Kaasen argue Rohn was inexperienced with mushing in severe weather.[149] Despite being the subject of widespread fame alongside Balto, Kaasen rarely spoke about the run in later years and was reluctant to make public appearances. Other mushers and residents also died without providing a full account of their respective roles, making it unlikely for the facts to ever be known.[77] The contribution of Alaska Natives, whose teams traveled the majority of the run, is also heavily obscured:[12][66][149] while contributing to the area economy and the absence of language barriers, reporters and filmmakers were disinterested in their feats.[150] Many of them died prior to the 1970s, when efforts were made to better preserve Alaskan history, and surviving mushers were given honorary ""number one"" designations in the early years of the Iditarod Trail Sled Dog Race.[151]
 The overlooking of Togo in popular culture has come to the displeasure of mushers, some of whom have reared dogs with bloodlines traced directly to Seppala's dogs and Togo specifically, something Balto could not do due to being neutered.[10] Historian Jeff Dinsdale viewed the narrative around Balto as ""heavily dependent on fantasy [that] evolved"" to usurp Togo's feats and called Togo ""the greatest sled dog of all time, sort of the Gordie Howe of dog sledding"".[152] Writer Kenneth Ungermann argued Balto's outsized fame was more a symbol of the feats achieved during the run, writing, ""[t]o the American public, the glorified husky was representative of Jack, Dixie, Togo, and every other leader and dog that helped carry the antitoxin and hope to the people of Nome.""[153]
 In a 2020 op-ed for the Anchorage Daily News, historian David Reamer criticized Balto Seppala Park in Anchorage for fostering ""the misconception of Balto as the singular hero dog of Nome"" and ""[a]ny opportunity is a good opportunity to spread the worthy truth of Togo"";[66] Reamer praised the movie Togo for remedying ""a historical misjustice"".[12] In ranking the top 10 heroic animals for Time, Katy Steinmetz placed Togo at number one, writing, ""the dog that often gets credit ... is Balto, but he just happened to run the last ... leg in the race. The sled dog who did the lion's share of the work was Togo.""[154] The National Park Service credits Togo for having ""led his team across the most dangerous leg of the journey... though Balto received the credit for saving the town, to those who know more than the Disney story [sic], Balto is considered the backup dog"".[155] CMNH has recognized Togo as ""a superb leader... courageous and strong, smart and possessing an exceptional ability to find the trail and sense danger"".[3]
 The Cleveland Metroparks Zoo (successor to the Brookside Zoo) unveiled companion statues of Balto and Togo in 1997.[10] In 2001, a statue of Togo was unveiled at Seward Park in New York City's Lower East Side, and later moved to a prominent position in the park by 2019; a change.org petition was also launched in late 2019 calling for the removal of Balto's Central Park statue in favor of a statue for Togo.[12]
 Genealogy of Balto[164]
 Balto's DNA was analyzed and sequenced as part of the Zoonomia Project, an international collaboration that has mapped the genomes of over 240 mammals.[165] After being approached by Cornell University associate professor Heather Huson about including Balto in Zoonomia, CMNH agreed and sent a skin sample to University of California, Santa Cruz professor Katherine Moon.[11] CMNH chief science officer Gavin Svenson was enthusiastic about the project and noted advancements in technology have since made it easier to map out genomes from 100-year old DNA.[46] Compared with the genomes of 682 modern-day dogs and wolves, in addition to the 240 mammals in Zoonomia,[11] Balto's genome was found to be more diverse with fewer unhealthy variants than modern purebred dogs and more similar to today's Alaskan huskies often outcrossed to promote better fitness and health.[166][164]
 Balto shared part of his ancestry with modern Siberian huskies (39 percent) as well as Greenland dogs (18 percent), Chinese village dogs (17 percent), Samoyeds (6 percent) and Alaskan malamutes (4 percent).[164][167] Balto had several DNA adaptations that promoted Arctic survival, including a thick double coat, the ability to digest starch, and bone and tissue development.[166][167] Researchers were also able to accurately predict how Balto would have looked—fur coat color, eyes and fur thickness—from his surviving DNA, which was cross-referenced with historical photos and his remains.[2] Testing also disproved the urban legend that Balto had grey wolf genetics;[46] Moon said, ""[h]e was not a wolf, he was just a good boy.""[165]",5378,"Main page; Contents; Current events; About Wikipedia; Help; Learn to edit; Community portal; Upload file; ; learn more; Article; Talk; Read; Read; Upload file; ; Balto (film); Baltimore; ; Species; Canis lupus familiaris; Breed; Alaskan husky; Nome; Territory of Alaska; Cleveland, Ohio; Cleveland Museum of Natural History; Sled dog; 1925 serum run to Nome; Leonhard Seppala; Samuel Balto; Alaskan husky; musher; Leonhard Seppala; Gunnar Kaasen; 1925 serum run to Nome; diphtheria; antitoxin; Anchorage, Alaska; Nenana, Alaska; Nome; dog sled; celebrity; two-reel; statue; Central Park; vaudeville; traveling circus; dime museum; Los Angeles; fundraising; Cleveland, Ohio; Brookside Zoo; mounted; Cleveland Museum of Natural History; a 1995 animated film; Togo; Nome, Alaska; Leonhard Seppala; Norwegian; sled dog; Samuel Balto; Sámi; Fridtjof Nansen; Greenland; neutered; railcars; disused railroad; Gunnar Kaasen; 1925 serum run to Nome; diphtheria; epidemic; Nome, Alaska; quarantine; Morse code; serum; Anchorage; cockpits; dog sled; Seward-to-Nome Trail; Nenana; musher; blizzard; Scott Cordelle Bone; Bluff; ; Gunnar Kaasen; roadhouse; Solomon; United Press; U.S. Senate chamber; Clarence Dill; H. K. Mulford Company; Alaskan Natives; media sensation; New York Daily News; contiguous United States; ; Sol Lesser; Educational Pictures; Los Angeles; bone of the city; Mary Pickford; two-reel; lost film; vaudeville; Cleveland, Ohio; The Plain Dealer; ; Central Park; New York City; statue of Balto; Frederick Roth; New York City; Central Park; Tisch Children's Zoo; Togo; Madison Square Garden; Poland Spring, Maine; Henry McLemore; anachronistic; traveling circus; dime museum; freak show; Oakland Tribune; ; The Plain Dealer; Common Pleas; Brookside Zoo; option; foster home; kennel clubs; WDBK; WHK; WTAM; Detroit; WJZ; long-distance reception; William Taylor & Son; Los Angeles Daily Times; Roald Amundsen; Oslo; South Pole; identification papers; Public Square; cobblestone; streetcar tracks; Boy Scout; sourdough; Cleveland City Hall; deed of gift; National Air Races; anthropomorphized; Manitoba; Richard E. Byrd; letters to the editor; dog biscuits; shrine; Greater Cleveland; veterinarian; enlarged heart; Cleveland Museum of Natural History; taxidermy; effigy; thyroid; adrenal glands; Cleveland Clinic; George Washington Crile; ; dog show; Public Auditorium; cold storage; Inuit; Palmer, Alaska; Tony Knowles; shipping crate; Alaska State Legislature; People; CNN; Indonesia; Anchorage Museum of History and Art; insure; Iditarod Trail Sled Dog Race; Shakespeare; Homer; Iliad; bloodlines; Gordie Howe; op-ed; Anchorage Daily News; Togo; Time; National Park Service; the Disney story; sic; Seward Park; Lower East Side; change.org; Alistair MacLean; Night Without End; Uncle Scrooge; North of the Yukon; Carl Barks; Margaret Davidson; Balto; wolfdog; Steven Spielberg; Amblimation; direct-to-video; Balto II: Wolf Quest; Balto III: Wings of Change; Togo; The Great Alaskan Race; Brian Presley; PBS Kids; Molly of Denali; DNA; genomes; Cornell University; University of California, Santa Cruz; Alaskan huskies; Siberian huskies; Greenland dogs; Chinese village dogs; Samoyeds; Alaskan malamutes; Iditarod Trail; Northern (genre); Hachikō; Togo (dog); List of individual dogs; roadhouse; Cleveland Museum of Natural History; Cleveland Museum of Natural History; Helgelands Blad; National Library of Norway; Thomas Jr., Robert McG.; Slate; McLemore, Henry; KTUU-TV; The Saturday Evening Post; ISSN; U.S. National Park Service; ISBN; ISBN; Variety; The Hollywood Reporter; doi; PMC; PMID; Little, Brown and Company; ISBN; OCLC; W. W. 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Horton (film),https://fr.wikipedia.org/wiki/Horton_(film),"Pour les articles homonymes, voir Horton.
 
 Pour plus de détails, voir Fiche technique et Distribution. modifier  Horton (Dr. Seuss’ Horton Hears a Who!), ou Horton entend un qui ! au Québec, est un film d'animation américain réalisé par Jimmy Hayward et Steve Martino, sorti en 2008. 
 Le film est inspiré des histoires de Theodor Seuss Geisel, dit Dr. Seuss.
 Un jour, Horton l'éléphant croit entendre un appel au secours provenant d'un grain de poussière flottant dans les airs. Dès lors, il est convaincu qu'une certaine forme de vie peuple ce grain de poussière même s'il ne peut la voir. En effet, la cité de Zouville et ses microscopiques habitants, les Zous, sont en grand danger ! 
 Lorsque Horton annonce la nouvelle aux autres animaux de la jungle de Nool, personne ne le croit. Certains menacent même d'aller jusqu'à détruire le grain de poussière. Horton décide alors de faire tout son possible pour protéger ses nouveaux amis, car une personne est une personne, même toute petite...",165,"Accueil; Portails thématiques; Article au hasard; Contact; Débuter sur Wikipédia; Aide; Communauté; Modifications récentes; ; Rechercher; en savoir plus; Contributions; Discussion; Article; Discussion; Lire; Lire; Pages liées; Suivi des pages liées; Téléverser un fichier; Pages spéciales; ; Horton; ; Logo; français; Jimmy Hayward; Steve Martino; Ken Daurio; Cinco Paul; ; États-Unis; Animation; comédie dramatique; aventure; fantastique; 2008; ; Québec; film d'animation; américain; Jimmy Hayward; Steve Martino; 2008; Theodor Seuss Geisel; Jimmy Hayward; Steve Martino; Ken Daurio; Cinco Paul; Dr. Seuss; John Powell; Christopher Meledandri; Chris Wedge; Blue Sky Studios; 20th Century Fox; ; États-Unis; anglais; Dolby Digital; Animation; comédie dramatique; aventure; fantastique; avant-première; Hollywood; Jim Carrey; Steve Carell; Carol Burnett; Will Arnett; 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The film was directed by Kelly Asbury and Lorna Cook (in their feature directorial debuts) from a screenplay by John Fusco, based on an idea by Jeffrey Katzenberg, who produced the film alongside Mireille Soria.[4] The film combines traditional animation and computer animation.
 Set in the Old West in the late 19th century, the film follows Spirit, a Kiger mustang stallion (voiced by Matt Damon as a narrator), who is captured during the American Indian Wars by the United States Cavalry; he is eventually freed by a Lakota man named Little Creek with whom he bonds, as well as a mare named Rain. In contrast to the anthropomorphic style of animal characters in other animated features, Spirit and his fellow horses communicate with each other through non-linguistic sounds and body language (albeit with many human facial expressions and reactions).
 Spirit: Stallion of the Cimarron was released in theaters on May 24, 2002, and was a box office disappointment, earning only $122 million on an $80 million budget, but received positive reviews. It was nominated for the Academy Award for Best Animated Feature.[5][6] The film also launched a media franchise completely using computer animation, with a Netflix spin-off television series Spirit Riding Free premiering on May 5, 2017, followed by  a spin-off of the original film, titled Spirit Untamed, released on June 4, 2021.
 In the late 19th-century American West, a Kiger mustang colt, Spirit, is born to a herd of wild horses; he grows into a stallion, and assumes the leadership of the herd. One night, upon following a strange light near his herd, Spirit finds horses tied to a log and their wranglers sleeping around a campfire. The men awaken, and, after a chase, capture Spirit and take him to a US cavalry fort.
 The senior officer of the fort, the Colonel, orders Spirit to be broken; however, Spirit defies all attempts, while beating up the farrier. The Colonel retaliates by having him tied to a post for three days without food or water in order to weaken him. Meanwhile, a Lakota named Little Creek is also brought into the fort and held captive; his friends toss a knife over the wall for him, which he uses to secretly cut his bonds.
 After three days, Spirit is weak enough that the Colonel temporarily subdues him, boasting that any wild horse can eventually be tamed. Seeing the other captive horses' disappointment, Spirit regains his strength and angrily throws the Colonel off, breaking down the corral's wall in the process.  Enraged, the Colonel orders his men to kill  Spirit; however, Little Creek saves the horse, and the two escape, setting the other captive horses free in the process.
 Little Creek and his fellow Lakotas lasso Spirit and return to their village; there,  Little Creek unsuccessfully attempts to tame Spirit with kindness. Little Creek ties the other end of Spirit's lead rope to his own pet mare, Rain, hoping she can discipline him. Spirit eventually falls in love with Rain, despite not understanding her attachment to humans. He and Little Creek gradually come to respect each other; realizing that Spirit is not meant to be domesticated, Little Creek sets him free.
 Spirit starts back towards his herd, and tries to convince Rain to come with him. They notice the Colonel and his men charging to attack the Lakota village, and return to help. During the confrontation, the Colonel shoots Rain and she falls into a river; he is about to shoot Little Creek, but Spirit knocks the Colonel off his horse, deflecting the shot and saving Little Creek's life. Trying to rescue Rain, Spirit leaps into the river, but they both plummet over a waterfall. Once out of the water, Spirit stays by Rain's side, only for the cavalry to recapture him and leave her for dead. Little Creek tends to Rain; realizing that Spirit saved his life, he sets out in pursuit of the cavalry.
 Spirit is put in a train with other captured horses from the village, and becomes disheartened; however, he has a vision of his herd running free across their homeland, strengthening him again. Spirit and many other horses are then forced to work on the transcontinental railroad, sledging a steam locomotive through the woods. After noticing that the railroad will pass right through his homeland, Spirit pretends to pass out, tricking the men into releasing him, then frees the other horses by kicking their chains off of the sledge. The unattached locomotive tumbles backwards down a hill, crashes into another locomotive in a station below, and starts a fire which sets the surrounding forest ablaze. Spirit is trapped when a loose chain around his neck snags on a fallen tree, but Little Creek arrives and cuts him free; together, they escape by jumping into a ravine.
 The next morning, the Colonel and his cavalry find Spirit and Little Creek. A chase ensues through the Grand Canyon; eventually, though seemingly trapped at the edge of a wide gorge, Spirit takes a leap of faith to the other side, with Little Creek on his back, which he succeeds at. Impressed, the Colonel stops his men from shooting at Spirit and Little Creek, gives Spirit a nod of respect, and calls off the pursuit. After celebrating their freedom, Spirit and Little Creek return to the Lakotas, meeting up with Rain, who has recovered. Little Creek tells Spirit to take care of Rain after naming him ""Spirit who could not be broken"".  Spirit leads Rain back to his herd, reuniting with his mother in the process, and they run free across the plains.
 Writer John Fusco, best known for his work in the Western and Native American genres (such as the films Young Guns and Young Guns II), was hired by DreamWorks Animation to create an original screenplay based on an idea by Jeffrey Katzenberg.[7] Fusco began by writing and submitting a novel to the studio and then adapted his own work into a screenplay format. He remained on the project as the main writer over the course of four years, working closely with Katzenberg, the directors, and artists.[8]
 Spirit: Stallion of the Cimarron was made over the course of four years using a conscious blend of traditional hand-drawn animation and computer animation.[8] James Baxter said that the animation was the most difficult piece of production he worked on for a movie: ""I literally spent the first few weeks with my door shut, telling everyone, 'Go away; I've got to concentrate.' It was quite daunting because when I first started to draw horses, I suddenly realized how little I knew."" The team at DreamWorks, under his guidance, used a horse named ""Donner"" as the model for Spirit and brought the horse to the animation studio in Glendale, California for the animators to study.[8] Sound designer Tim Chau was dispatched to stables outside Los Angeles to record the sounds of real horses; the final product features real hoof beats and horse vocals that were used to express their vocalizations in the film.[9] None of the animal characters in the film speak English beyond occasional reflective narration from the protagonist mustang, voiced by Matt Damon in the film.[10] Many of the animators who worked on Spirit would later work on Shrek 2, as their influence can be seen for the character Donkey.[11] The production team, consisting of Kelly Asbury, Lorna Cook, Mireille Soria, Jeffrey Katzenberg, Kathy Altieri, Luc Desmarchelier, Ron Lukas, and story supervisor Ronnie del Carmen took a trip to the western United States to view scenic places they could use as inspiration for locations in the film. The homeland of the mustangs and Lakotas is based on Glacier National Park, Yellowstone National Park, Yosemite National Park, and the  Teton mountain range; the cavalry outpost was also based on Monument Valley.
 Traveling to all those different places, we were reminded that this is a magnificent country, so in some respects, it was a way for us to honor and to celebrate the grandeur in our own backyard. Geographically, we kind of threw convention out the window. We took the best from nature and gave it our own spin, and ultimately it served the story well.  Additional animation and fine line services were provided by Anvil Studios, Bardel Entertainment and Stardust Pictures.
 The instrumental score was composed by Hans Zimmer with songs by Bryan Adams in both the English and French versions of the album. The opening theme song for the film, ""Here I Am"" was written by Bryan Adams, Gretchen Peters, and Hans Zimmer. It was produced by Jimmy Jam and Terry Lewis. Another song, not included in the film itself (although it can be heard in the ending credits), is ""Don't Let Go"", which is sung by Bryan Adams with Sarah McLachlan on harmonies and piano. It was written by Bryan Adams, Gavin Greenaway, Robert John ""Mutt"" Lange, and Gretchen Peters. Many of the songs and arrangements were set in the American West, with themes based on love, landscapes, brotherhood, struggles, and journeys. Garth Brooks was originally supposed to write and record songs for the film but the deal fell through.
 Spirit: Stallion of the Cimarron was released in theaters on May 24, 2002.
 Spirit: Stallion of the Cimarron was released on VHS and DVD on November 19, 2002.[13] It was re-released on DVD on May 18, 2010.[14] The film was released on Blu-ray by Paramount Home Entertainment, 20th Century Fox Home Entertainment and Universal Pictures Home Entertainment on May 13, 2014.[15]
 On review aggregator Rotten Tomatoes, Spirit: Stallion of the Cimarron holds an overall approval rating of 69% based on 127 reviews, with an average rating of 6.40/10. The site's critical consensus reads: ""A visually stunning film that may be too predictable and politically correct for adults, but should serve children well.""[16] Review aggregator Metacritic gives the film a weighted average score of 52 out of 100, based on 29 critics, indicating ""mixed or average reviews"".[17] Audiences polled by CinemaScore gave the film an average grade of ""A"" on an A+ to F scale.[18]
 Critic Roger Ebert gave the film three stars out of four and said in his review, ""Uncluttered by comic supporting characters and cute sidekicks, Spirit is more pure and direct than most of the stories we see in animation – a fable I suspect younger viewers will strongly identify with.""[19] Leonard Maltin of Hot Ticket called it ""one of the most beautiful and exciting animated features ever made"". Clay Smith of Access Hollywood considered the film ""An Instant Classic"".[20] Jason Solomons described the film as ""a crudely drawn DreamWorks animation about a horse that saves the West by bucking a US Army General"".[21] USA Today's Claudia Puig gave it 3 stars out of 4, writing that the filmmakers' ""most significant achievement is fashioning a movie that will touch the hearts of both children and adults, as well as bring audiences to the edge of their seats.""[22] Dave Kehr of the New York Times criticized the way in which the film portrayed Spirit and Little Creek as ""pure cliches"" and suggested that the film could have benefited from a comic relief character.[23] The film was screened out of competition at the 2002 Cannes Film Festival.[24] Rain was the first animated horse to receive an honorary registration certificate from the American Paint Horse Association (APHA).[25]
 When the film opened on Memorial Day Weekend 2002, the film earned $17,770,036 on the Friday-Sunday period, and $23,213,736 through the four-day weekend for a $6,998 average from 3,317 theaters. The film overall opened in fourth place behind Star Wars: Episode II – Attack of the Clones, Spider-Man, and Insomnia. In its second weekend, the film retreated 36% to $11,303,814 for a $3,362 average from expanding to 3,362 theaters and finishing in fifth place for the weekend. In its third weekend, the film decreased 18% to $9,303,808 for a $2,767 average from 3,362 theaters. The film closed on September 12, 2002, after earning $73,280,117 in the United States and Canada with an additional $49,283,422 overseas for a worldwide total of $122,563,539, against an $80 million budget.
 Two video games based on the film were released on October 28, 2002, by THQ: the PC game Spirit: Stallion of the Cimarron — Forever Free and the Game Boy Advance game Spirit: Stallion of the Cimarron — Search for Homeland.[40]
 A third game ""Lucky's Big Adventure"" was released in 2021 based on the ""Untamed"" film sequel below.
 Book series
 Shortly after the movie, a book series called “Spirit of the West” was released by writer Kathleen Duey; telling the story of Spirit's family lineage and herd.[41]
 A computer-animated spin-off television series based on the film, titled Spirit Riding Free, premiered on Netflix on May 5, 2017.[42] The series follows all the daring adventures when Spirit, who is the offspring of the original, meets a girl named Lucky whose courage matches his own.[43][44]
 A computer-animated film, titled Spirit Untamed, was released on June 4, 2021, by Universal Pictures. It is a film adaptation of the spin-off series Spirit Riding Free as well as a spin-off of the original film.[45][46]",2207,"Main page; Contents; Current events; About Wikipedia; Help; Learn to edit; Community portal; Upload file; ; learn more; Article; Talk; Read; Read; Upload file; Spirit: Stallion of the Cimarron (soundtrack); Spirit (franchise); ; Kelly Asbury; John Fusco; Mireille Soria; Jeffrey Katzenberg; Matt Damon; James Cromwell; Richard McGonagle; Charles Napier; Michael Horse; Donald Fullilove; Nick Fletcher; Bryan Adams; Hans Zimmer; DreamWorks Animation; DreamWorks Pictures; Cannes; United States; Western film; DreamWorks Animation; DreamWorks Pictures; Kelly Asbury; John Fusco; Jeffrey Katzenberg; Mireille Soria; traditional animation; computer animation; Old West; Kiger mustang; stallion; Matt Damon; American Indian Wars; United States Cavalry; Lakota; anthropomorphic; non-linguistic sounds; body language; box office disappointment; Academy Award for Best Animated Feature; media franchise; computer animation; Netflix; Spirit Riding Free; Spirit Untamed; 19th-century American West; Kiger mustang; colt; stallion; wranglers; US cavalry; Colonel; broken; farrier; Lakota; corral; lead rope; transcontinental railroad; steam locomotive; Grand Canyon; Matt Damon; Kiger mustang; James Cromwell; Lakota; break; Richard McGonagle; Charles Napier; Zahn McClarnon; Michael Horse; Donald Fullilove; John Fusco; Young Guns; Young Guns II; DreamWorks Animation; Jeffrey Katzenberg; James Baxter; Glendale, California; Matt Damon; Shrek 2; Donkey; Ronnie del Carmen; Glacier National Park; Yellowstone National Park; Yosemite National Park; Teton mountain range; Monument Valley; Bardel Entertainment; Spirit: Stallion of the Cimarron (soundtrack); Hans Zimmer; Bryan Adams; Here I Am; Bryan Adams; Gretchen Peters; Hans Zimmer; Jimmy Jam and Terry Lewis; Sarah McLachlan; Gavin Greenaway; Robert John ""Mutt"" Lange; American West; Garth Brooks; VHS; DVD; Blu-ray; Paramount Home Entertainment; 20th Century Fox Home Entertainment; Universal Pictures Home Entertainment; Rotten Tomatoes; Metacritic; weighted; CinemaScore; Roger Ebert; Leonard Maltin; Hot Ticket; Access Hollywood; Jason Solomons; USA Today; Dave Kehr; New York Times; 2002 Cannes Film Festival; American Paint Horse Association; Star Wars: Episode II – Attack of the Clones; Spider-Man; Insomnia; ASCAP Film and Television Music Awards; Hans Zimmer; Bryan Adams; Academy Awards; Best Animated Feature; Jeffrey Katzenberg; Annie Awards; Animated Theatrical Feature; Ronnie Del Carmen; Simon Wells; Carlos Grangel; Jamie Lloyd; Critics Choice Awards; Best Animated Feature; Genesis Awards; Golden Globes; Best Original Song – Motion Picture; Hans Zimmer; Bryan Adams; Gretchen Peters; Here I Am; Kids' Choice Awards; Matt Damon; Golden Reel Award; Online Film Critics Society Awards; Golden Satellite Awards; Visual Effects Society Awards; James Baxter; Western Heritage Awards; Mireille Soria; Jeffrey Katzenberg; Kelly Asbury; John Fusco; Matt Damon; James Cromwell; World Soundtrack Awards; Hans Zimmer; Bryan Adams; R.J. 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Les Aristochats,https://fr.wikipedia.org/wiki/Les_Aristochats,"Vous lisez un « article de qualité » labellisé en 2013.  Il fait partie d'un « thème de qualité ».
 Série Classiques d'animation Disney Le Livre de la jungle(1967) Robin des Bois(1973) 
 Pour plus de détails, voir Fiche technique et Distribution. modifier  Les Aristochats (The Aristocats) est le 25e long-métrage d'animation et le 20e « Classique d'animation » des studios Disney. Sorti en 1970 et réalisé par Wolfgang Reitherman, ce film est inspiré par une histoire de Tom McGowan et Tom Rowe, qui met en scène des chats désignés comme héritiers par une vieille dame parisienne, aux prises avec un majordome qui souhaite bénéficier seul et rapidement de cet héritage.
 Ce film est le dernier dont la production a été approuvée par Walt Disney, mort fin 1966, avant la réalisation du film. L'élément le plus important du film est sa musique, avec la participation de Maurice Chevalier et des frères Sherman. Malgré un succès en salles, les critiques négatives sont nombreuses surtout à cause de la réutilisation d'une recette classique, tant dans le scénario que dans l'animation, dans les acteurs ou dans la musique. Ces critiques sont vues comme une conséquence de la mort de Walt Disney tandis que d'autres évoquent les départs à la retraite progressifs de la plupart des artistes du studio. L'absence d'un méchant d'envergure est aussi un sujet de critiques.
 Après Le Livre de la jungle en 1967, le film s'inscrit pour les spécialistes dans les prémices de la période de déclin des années 1970 qui précède une forme de léthargie tout au long des années 1980, avant le « Second âge d'or », débutant en 1989.
 À Paris, en 1910, une chatte nommée Duchesse vit avec ses trois chatons, Marie, Toulouse et Berlioz, dans la demeure d'une ancienne chanteuse d'opéra, Adélaïde Bonnefamille. Cette riche vieille dame décide de faire son testament avec l'aide de son vieil ami avocat[NB 1], Georges Hautecourt. Comme elle n'a pas de famille vivante, avec ses dernières volontés, elle lègue désormais toute sa fortune à ses chats et stipule que sa fortune leur appartiendra jusqu'à leur mort puis ira au majordome de la maison, Edgar. Ce dernier apprend la nouvelle par hasard grâce à un tube acoustique qui relie sa chambre à la pièce où se situent Madame Bonnefamille et son avocat. Pensant que les chats vont lui survivre, et très déçu de passer après eux dans le testament, Edgar décide alors de hâter la procédure en se débarrassant définitivement de toute la famille féline.
 Edgar endort les chats en mettant des somnifères dans leur nourriture et part à la campagne pour les abandonner. Mais le projet est mis à mal par deux chiens de ferme, Napoléon et Lafayette. Edgar s'enfuit, perdant son parapluie, son chapeau et le panier avec les chats dans le side-car de sa moto pendant la lutte. Les chats sont abandonnés dans la campagne française tandis que, chez Mme Bonnefamille, la maîtresse de maison, la souris Roquefort et le cheval Frou-Frou s'aperçoivent de la disparition des félins. Le lendemain, Duchesse rencontre Thomas O'Malley, un chat de gouttière qui offre son aide pour guider la chatte et ses trois chatons à Paris, tout en adoptant une attitude de séducteur envers Duchesse. Pendant ce temps, Edgar savoure son succès, qu'il révèle à Frou-Frou, mais se rend compte aussitôt avec horreur que les affaires qu'il a abandonnées cette nuit-là sont autant d'indices qui peuvent l'incriminer.
 Les chats se heurtent à plusieurs difficultés sur le chemin du retour. Ils tentent d'abord de faire clandestinement du stop à l'arrière d'un fourgon de lait avant d'en être chassés par le chauffeur. Par la suite, Marie tombe dans une rivière et O'Malley plonge pour la sauver. Aux abords d'un champ, le groupe rencontre deux oies anglaises, Amélia et Amélie, qui effectuent un tour de France. Les oies révèlent qu'elles ont l'intention d'aller à Paris, et Duchesse accepte de se joindre à elles. Lorsque le groupe arrive au Petit Café, ils rencontrent l'oncle des deux oies, Waldo, totalement ivre pour avoir été mariné dans du vin blanc par un chef du restaurant. Amélie et Amélia décident de reconduire leur oncle chez lui.
 Une fois dans Paris, les chats se déplacent sur les toits de la ville et rencontrent Scat Cat et son groupe de chats musiciens, des amis de O'Malley. Duchesse et les chatons découvrent alors la bohème parisienne et chantent en chœur Tout le monde veut devenir un cat. Après le départ des musiciens, les chatons s'allongent dans un lit pendant que Duchesse et O'Malley s'installent sur un toit non loin pour discuter, mais ils sont écoutés par les trois petits depuis un rebord de fenêtre. Le sujet de discussion porte sur l'éventualité que Duchesse reste auprès de O'Malley et l'épouse, mais elle refuse par loyauté envers Madame Bonnefamille. Pendant ce temps, après une nouvelle course-poursuite avec les deux chiens, Edgar parvient à récupérer son side-car, son parapluie et son chapeau dans la ferme de Napoléon et Lafayette.
 Les chats retrouvent le chemin de la maison et rentrent chez eux et O'Malley les quitte résigné. Edgar découvre Duchesse et les chatons revenus, les capture dans un sac et les cache dans le four. Les chats demandent à Roquefort de prévenir O'Malley pour qu'il les aide. O'Malley revient alors à leur secours et ordonne à Roquefort de trouver Scat Cat et ses amis pour qu'ils viennent en renfort.
 Edgar retire les chats du four et les place dans une malle avec le projet de les envoyer à Tombouctou, en Afrique. O'Malley, Scat Cat, son gang et le cheval Frou-Frou s'attaquent à Edgar pendant que Roquefort libère Duchesse et les trois chatons. Les chats de gouttière parviennent à maîtriser Edgar afin que Frou-Frou le pousse et l'enferme dans la malle en partance pour l'Afrique.
 Madame Bonnefamille retrouve ses chats, fait connaissance avec O'Malley et décide de changer son testament en remplaçant Edgar par O'Malley. Elle crée une fondation pour les chats errants de Paris. Lors de l'inauguration, Scat Cat et ses amis interprètent à nouveau Tout le monde veut devenir un cat. La dernière scène montre tous les animaux protagonistes réunis lors d'une fête : la famille de Duchesse et O'Malley, le groupe de Scat Cat, les oies Amélie, Amélia et leur oncle Waldo, le cheval Frou-Frou et la souris Roquefort, et même les deux chiens Napoléon et Lafayette. Ces deux derniers annoncent la fin du film en aboyant.
 Sauf mention contraire, les informations proviennent des sources suivantes : Leonard Maltin[2], John Grant[3], Mark Arnold[4] et IMDb[5].
 Sauf mention contraire, les informations proviennent des sources suivantes : Leonard Maltin[2], Mark Arnold[4] et IMDb[5]
 Sauf mention contraire ou complémentaire, les informations proviennent des cartons DVD ainsi que des sources suivantes : Voxofilm[8] et Les Grands Classiques[9].
 Les Aristochats n'obtient aucune nomination ni récompense dans les festivals, ni dans les cérémonies majeures. Le film est seulement distingué par un prix catalan ainsi que pour ses performances au box-office allemand.
 Sauf mention contraire, les informations suivantes sont issues de l'Internet Movie Database[12].
 Toutes ces versions présentent le film dans son format d'origine, à l'exception de la version laserdisc qui est recadrée en panoramique.
 Les Aristochats est le dernier long-métrage initié par Walt Disney avant sa mort, en décembre 1966. Le scénario, inspiré d'une nouvelle d'Émile Zola intitulée Le Paradis des chats[15],[16],[NB 2], l'avait intrigué, mais il n'avait pas eu le temps d'organiser une seule réunion avec un membre de l'équipe du projet[17]. John Grant note qu'un court métrage d'animation réalisé en 1943 par Chuck Jones pour Warner Bros. s'intitule Un chat bien né (The Aristo-Cat) mais n'a aucun rapport avec le film de Disney[18].
 Début décembre 1961, Walt Disney est à Londres avec plusieurs membres du studio et il demande à Harry Tytle, producteur et superviseur de production chez Disney, de rencontrer Tom McGowan pour concevoir des histoires animalières pour de futures productions[19]. McGowan est le réalisateur du moyen métrage The Hound That Thought He Was a Raccoon (1960) et réside à Londres avec sa famille[19]. Les deux hommes se rencontrent le 9 décembre 1961 et avant le début de l'année 1962, McGowan a déjà récolté plusieurs esquisses de scénarios auprès d'auteurs, dont l'une concerne une famille de chatons et leur mère à New York[19]. Deux mois plus tard, Tytle est à Rome pour superviser le téléfilm Escapade in Florence avec Annette Funicello[19]. McGowan informe Tytle que l'histoire a été complétée par Tom Rowe, un auteur américain vivant à Paris, dont il paie personnellement les dépenses[19].
 À l'origine, il s'agit d'un projet en prises de vue de réelles en deux parties pour l'émission The Wonderful World of Disney sur National Broadcasting Company[3],[20]. La première version du scénario écrite en 1962 par Tom McGowan et Tom Rowe s'étale sur 106 pages[20]. Les deux hommes sont ensuite rejoints par Harry Tytle pour une seconde version, les deux versions prévoyant Boris Karloff dans le rôle du majordome et Françoise Rosay pour l'infirmière en chef[20] (personnage ultérieurement abandonné). Tytle, qui avait déjà proposé que le film Les 101 Dalmatiens se déroule à Londres, suggère à nouveau le lieu du récit : Paris[19]. En août 1962, le trio envoie une version finalisée aux studios Disney en Californie pour validation[19].
 Le scénario initial a ainsi été écrit par Tom McGowan, Tom Rowe et Harry Tytle mais, à sa lecture, Walt Disney préfère qu'il soit revu pour en faire un long métrage d'animation[3],[20]. Wade Simpson indique que ce n'est pas Walt Disney en personne qui a rejeté le scénario mais un subalterne et c'est pour cette raison que McGowan va chercher à outrepasser ce refus[19]. Il rencontre Walt Disney à Londres, évoque son projet et dépose le script dans une enveloppe à son hôtel le Connaught[19]. À peine rentré chez lui, McGowan reçoit un appel de Walt Disney qui venait de lire le scénario et qui lui dit qu'il souhaite faire un film[19]. Walt Disney s'envole alors pour Lisbonne pour y retrouver Tytle, à qui il demande dans l'avion du retour d'acheter les droits de l'histoire puis de le produire comme un téléfilm et d'assigner McGowan à la réalisation[19]. Le 30 août 1962, Tytle et McGowan débutent six jours d'âpres négociations pour les droits du téléfilm, McGowan acceptant de conserver les droits sur les produits dérivés[19]. En janvier 1963, Tytle est hospitalisé à Londres et en profite pour revoir le scénario avec McGowan et Rowe qui est envoyé le 1er février en Californie avant le tournage à Paris[19]. C'est en juin 1963 que Tom Rowe signifie par écrit à Harry Tytle son mécontentement du traitement effectué par le studio et Walt Disney confie à Tytle la charge de répondre que les altérations, validées par Walt Disney lui-même, seront conservées[19]. McGowan essaye en vain de récupérer les droits[19], avec la volonté de produire le film seul. En août 1963, Walt Disney demande une copie du script et, deux jours plus tard, Card Walker annonce que Les Aristochats sera le prochain long métrage d'animation du studio[19]. Le projet n'avance pas avant mai 1964[19], date à laquelle des réunions internes se mettent en place. Le 25 novembre 1964, Tytle évoque dans son journal personnel avoir travaillé sur des points comiques du scénario avec Walt Disney et qu'il avait proposé les frères Sherman pour la musique[19]. Alors que le projet a changé de mains, Walt Disney qualifie le travail de Rowe de « bon mais pas essentiel[19]. »
 Avec la production du Livre de la Jungle (1967) qui accapare Walt Disney, le projet est repoussé[3]. Peu de temps avant son décès le 15 décembre 1966, Walt Disney en étudie les storyboards dessinés par Ken Anderson et autorise la production[21]. Pour John Grant, la mort de Walt Disney relance la production[3], car l'absence d'autres projets pousse le studio à suivre en quelque sorte les dernières volontés du fondateur disparu. Anderson devient une fois de plus le directeur artistique d'une production Disney[22]. Des éléments écrits par Rowe sont remplacés. Ainsi, une souris est ajoutée et le personnage de la bonne Elvira qui voulait tuer les chatons, interprété dans les versions d'essai par Elsa Lanchester, est supprimé[19]. Malgré les nombreux changements, Rowe tente toutefois un procès contre Disney en vertu des lois françaises mais la plainte est classée sans suite[19].
 Les Aristochats est également la dernière prestation de Bill Thompson, qui avait prêté sa voix à de nombreux personnages Disney depuis Alice au pays des merveilles (1951) ainsi qu'à Droopy. Il contient de nombreuses similarités avec Les 101 Dalmatiens (1961), comme les fourgons qui apparaissent dans les deux films et l'enlèvement d'animaux qui est au centre des deux trames[23]. Christopher Finch ajoute que la romance entre Duchesse et O'Malley ressemble beaucoup à celle de Lady et du Clochard dans La Belle et le Clochard (1955)[21]. À l'instar des 101 Dalmatiens et du Livre de la Jungle, cette œuvre doit beaucoup au travail sur la personnalité des personnages basée sur la voix des acteurs[21]. Maltin indique que, comme Le Livre de la jungle, Les Aristochats utilise une palette de vedettes hollywoodiennes pour leur personnalité : Phil Harris est Thomas O'Malley, Eva Gabor est Duchesse[24].
 Le studio essaye d'engager Louis Armstrong pour Scat Cat, un chat très jazzy conçu avec à l'esprit Satchmo, mais c'est Scatman Crothers qui donne sa voix[24]. Wolfgang Reitherman indique dans les colonnes du International Cinematographers Guild Magazine[3] que les personnages de Thomas O'Malley et Baloo dans Le Livre de la jungle tous deux interprétés par Phil Harris et basés sur sa personnalité, n'ont pas exactement le même modèle, O'Malley étant plutôt inspiré par Clark Gable alors que Baloo avait pour modèle initial Wallace Beery[18]. Reitherman dit aussi qu'Eva Gabor est probablement la voix féminine la plus originale jamais utilisée dans un dessin animé[3]. Lors de la préparation de la scène où O'Malley tombe dans la rivière, Harris a exécuté toutes les demandes des animateurs mais il a aussi proposé des modifications pour rendre la scène plus divertissante[25]. Plus tard durant la production, Harris a demandé à ne faire qu'une seule prise pour l'enregistrement de sa voix au lieu de découper la scène comme habituellement et d'installer une baignoire pleine d'eau dans le studio[26]. Il s'est ensuite assis dans la baignoire avec l'eau jusqu'au menton, un micro installé près de lui, et a demandé la diffusion de la scène[26]. Durant la prise, il plongeait la tête sous l'eau pour bien reproduire l'effet de noyade[26].
 La scène avec les deux chiens de ferme, Napoléon (Pat Buttram) et La Fayette (George Lindsey), qui s'en prennent aux voleurs, a tellement plu à la production que le scénario a été modifié pour que le majordome revienne dans la ferme, le prétexte étant l'oubli de son parapluie[20]. Les deux chiens font ainsi une seconde apparition[27]. Alors qu'au début le film lui-même indique 1910 comme date et que la majorité des auteurs reprennent cette année, John Grant situe l'histoire dans les années 1930[18].
 La production dura quatre ans[1],[22] et coûta, selon les souvenirs de Wolfgang Reitherman, environ 4 millions de dollars[1],[28]. Il comprend plus de 325 000 dessins, 20 séquences principales pour 1 125 scènes séparées, et 900 décors[1],[28]. Il a été réalisé par 35 animateurs et plus de 200 autres artistes[1].
 C'est la dernière participation des frères Sherman (Richard et Robert) à un long métrage d'animation Disney en raison d'une frustration vis-à-vis des choix pris par la direction après la mort de Walt Disney[20]. Pour le studio Disney, les frères Sherman achèvent à l'époque leur travail sur L'Apprentie sorcière (1971) et, sortant de leur retraite, ils composeront quelques chansons pour Les Aventures de Tigrou (2000)[29].
 Pour Les Aristochats, les frères Sherman composent une longue liste de chansons mais seules deux et demie sont conservées[20] : The  Aristocats (Les Aristocats), Scales and Arpeggios (Gammes et Arpèges) et She Never Felt Alone (à moitié seulement). Cette dernière devait s'intituler Pourquoi (and Why) avant d'être renommée temporairement I Never Feel Alone et devait être la chanson de Madame Adelaïde Bonnefamille[30]. Duchesse reprenait le même thème et c'est finalement cette seule reprise qui a été conservée[30]. Une autre composition intitulée Le Jazz Hot devait être le pendant de I Wanna Be Like You (Être un homme comme vous) dans Le Livre de la jungle (1967) mais la production a préféré Everybody Wants To Be A Cat (Tout le monde veut devenir un cat) de Floyd Huddleston et Al Rinker[30]. Une chanson devait être associée à un personnage non conservé, la partenaire criminelle du majordome, Elvira la femme de chambre[30]. Le duo Edgar-Elvira avait une scène romantique durant laquelle il chantait How Much You Mean to Me (and Court Me Slowly)[30].
 Les frères Sherman avaient aussi écrit une chanson pour Thomas O'Malley, My Way's the Highway, qui fut remplacée par Thomas O'Malley (Thomas O'Malley Cat) de Terry Gilkyson, avec un texte autobiographique[30]. Également intitulée I'll Fly the Highway, la chanson fut reprise et incluse dans un album édité par Disneyland Records nommé The Orange Bird et destiné à promouvoir le restaurant The Sunshine Terrace du parc Magic Kingdom de Walt Disney World Resort, espace sponsorisé par les producteurs de citron de Floride[31]. Les paroles de la chanson évoquent en effet un lieu ensoleillé, ce qui collait avec le thème du restaurant[31]. La chanson Thomas O'Malley a été enregistrée sous deux versions : l'une assez simple et l'autre plus élaborée avec un orchestre de jazz au complet, mais c'est la première qui fut retenue pour le film[30]. Le thème musical associé à O'Malley a été composé par Terry Gilkyson, déjà auteur du thème de Baloo dans Le Livre de la jungle[32].
 La traduction française des paroles est signée Christian Jollet[33], qui a travaillé sur les versions francophones de plusieurs productions Disney telles que Merlin l'Enchanteur (1963) et  Robin des Bois (1973)[34].
 En 1965-1966, Walt Disney propose au chanteur et acteur Maurice Chevalier de sortir de sa retraite cinématographique et de jouer le rôle du père Sylvain dans Rentrez chez vous, les singes ! (1967), ce qu'il accepte[3]. Quand le studio Disney vient en 1969 demander à Maurice Chevalier, alors âgé de 80 ans, de chanter pour Les Aristochats, le chanteur accepte aussi, à la surprise de tout le monde[3]. Selon John Grant, c'est Bill Anderson, producteur du studio[3], qui aurait demandé à Maurice Chevalier de participer au film, alors que, selon Jérémie Noyer, ce serait le réalisateur Wolfgang Reitherman[35].
 On peut aussi noter que les frères Sherman ont déjà rencontré Maurice Chevalier lorsque celui-ci a travaillé avec leur père Al Sherman en 1930 dans le film La Grande Mare, dans lequel il chante notamment Livin' in the Sunlight, Lovin' in the Moonlight[36]. Le chanteur utilisait des chansons des frères Sherman dans ses spectacles, débutant souvent par  la chanson There's a Great Big Beautiful Tomorrow de l'attraction Carousel of Progress et clôturant par It's a Small World[36]. C'est en pensant à Maurice Chevalier que le duo d'auteurs-compositeurs a écrit le thème du film Les Aristochats[36]. Ils ont enregistré une version de test interprétée par Dick Van Dyke et qui fut envoyée à Maurice Chevalier[36].
 Maurice Chevalier accepte par amitié pour Walt Disney[35],[37]. Ce fut là sa dernière prestation car il meurt le 1er janvier 1972. Au sujet de sa participation, Maurice Chevalier écrit, dans une lettre adressée à Bill Anderson[38], qu'il n'aurait « accepté pour personne d'autre et quelle que soit la somme proposée, sauf pour l'honneur de montrer l'amour et l'admiration pour le seul et unique Walt »[3]. La version avec Maurice Chevalier n'est toutefois pas présente sur le disque sorti chez Disneyland Records[3].
 
 modifier  Le film ne compte que six chansons composées par les frères Sherman. Il comporte également des extraits de « La donna è mobile » (Rigoletto) de Giuseppe Verdi, de la suite orchestrale de Carmen de Georges Bizet et des chansons traditionnelles Rock-a-bye Baby (en) et Ta-ra-ra Boom-de-ay (en).
 En raison des multiples éditions, les autres bandes originales sont présentées dans la section sur les produits dérivés.
 Duchesse est la chatte de pedigree, mère de la portée de trois chatons de Madame Bonnefamille[18]. Le caractère du personnage est basée sur Eva Gabor qui lui donne sa voix, une vraie lady selon Wolfgang Reitherman, et le personnage donne l'impression d'être parfaitement au courant de son statut aristocratique[18]. Toutefois c'est Robie Lester, narratrice pour Disneyland Records depuis 1965[39], qui assure le chant dans le film mais aussi le chant et les paroles pour la version narrée du disque[40]. Duchesse est de couleur blanche, élancée et féline, avec une queue touffue et un collier doré[18], toujours joliment apprêtée avec un visage élégant, comme son modèle[41]. Eva Gabor lui donne en anglais une voix dont chaque mot commençant par le son W est prononcé comme un son V, ce que Grant associe à la prononciation européenne, si ce n'est française[18]. Pour Thomas et Johnston, Eva Gabor offre aussi son charme et son élégance[42]. Duchesse distille son éducation à ses trois chatons et cela fonctionne sauf peut-être pour Toulouse[18]. Pour Grant, Duchesse est un exemple du triomphe répété par les animateurs de Disney, celui de parvenir à donner à un animal de dessin animé beaucoup de traits humains tout en conservant ceux essentiels de l'animal[41]. Afin de mieux rendre compte des émotions des chats lors de la scène finale, les animateurs ont volontairement ignoré les règles de réalisme en faisant s'enrouler les queues de Thomas O'Malley et Duchesse ensemble, ce qui est anatomiquement impossible[43]. L'émotion est renforcée par les expressions des chatons regardant la scène[43].
 O'Malley, de son nom complet Abraham de Lacy Giuseppe Casey Thomas O'Malley[6],[41], est le véritable héros du film, une sorte de « chevalier blanc en armure » qui sauve Duchesse puis, d'abord contre son gré, ses trois chatons[41]. En français son nom a été traduit en Walter Giuseppe Désiré Thomas O'Malley. Dans le film, le personnage déclare toutefois s'appeler J. Thomas O'Malley ce qui semble être un hommage à J. Pat O'Malley, acteur régulier des productions Disney depuis la fin des années 1940[41]. Le scénario permet l'évolution de O'Malley d'un chat de gouttière bon vivant et indépendant vers un père adoptif brave, aimant et protecteur[41]. Grant liste trois faits de bravoure : l'arrêt du camion de lait en se jetant devant, le sauvetage de Marie emportée par la rivière et le combat contre Edgar[41]. En termes de caractère et d'évolution, le personnage s'approche de Baloo dans Le Livre de la jungle, avec lequel il partage également un certain embonpoint et surtout la voix de Phil Harris dans la version originale[41], tout comme celle de Claude Bertrand dans la version française. Claude Bertrand assure non seulement les dialogues français mais aussi les chansons de O'Malley, ce qu'il n'avait pas fait avec Baloo ni avec Petit Jean dans Robin des Bois, dont les chansons étaient interprétées par Jean Stout.
 Les trois chatons sont Marie, Toulouse et Berlioz[44]. Les noms des deux chatons masculins rendent hommage à des artistes français, le peintre Henri de Toulouse-Lautrec et le compositeur Hector Berlioz[32]. Toulouse et Marie ont une personnalité assez prononcée tandis que, selon John Grant, Berlioz est plus « bidimensionnel[NB 3] », semblable aux chatons d'animation des autres studios et non de Disney[44]. John Grant décrit Marie comme « le genre de petite fille avec qui les petits garçons craignent d'être forcés de jouer et se souviennent en tremblant le reste de leur vie[44]. » C'est la « fille à sa maman », toute blanche et avec un nœud rose dans les cheveux, mais dont la gentillesse est plutôt feinte, provoquant des chamailleries auxquelles elle se soustrait avant d'être punie[44]. Toulouse est un chaton bagarreur qui ne craint rien ni personne, tentant même de se battre avec Thomas O'Malley[44]. Ce chaton donne l'impression d'être un boxeur miniature maintenu à distance d'une seule patte par l'adulte lui faisant face[44]. Ollie Johnston, responsable de l'animation des chatons, a réalisé de nombreuses esquisses d'après des films pour découvrir ce qui rend un chaton mignon et attirant[45].
 Scat Cat et son groupe de joyeux chats jazzies font partie des plus intéressants seconds rôles des films Disney mais seul le chef possède une identité[46]. Scat Cat devait être interprété par Louis Armstrong mais le chanteur était souffrant et il est d'ailleurs mort peu après la sortie du film[46]. Avec Armstrong et Chevalier chantant dans le même film, l'affiche aurait eu beaucoup d'effet mais c'est Scatman Crothers qui donne sa voix à Scat Cat, se l'appropriant avec superbe[46]. Les quatre autres chats du groupe sont identifiés par leur accent, chinois, anglais, italien et russe[44]. Pour ce groupe de jazz, les animateurs ont réussi, comme pour Duchesse, O'Malley ou les chatons, à conserver la part féline de ces musiciens[46]. Collectivement, ils forment un personnage composite qui permet de conserver l'esprit de la musique jazz[44].
 Roquefort est une souris civilisée dont la voix originale est fournie par un habitué du studio Disney, Sterling Holloway[41], qui avait déjà prêté sa voix à la cigogne dans Dumbo (1941), à Fleur adulte dans Bambi (1942), au Chat de Chester dans Alice au pays des merveilles (1951) et Kaa dans Le Livre de la jungle (1967)[47]. Le personnage a été conçu comme un brave petit compagnon, charmant, débrouillard et loyal, ayant beaucoup d'amitié pour les chats de la maison de Madame Bonnefamille[41]. Il bafouille quand il est inquiet[41]. Frou-Frou est une vieille jument appartenant à Madame Bonnefamille dont la voix est celle de Nancy Kulp[44]. Son rôle est d'obtenir la confiance d'Edgar après avoir enlevé les chats, le majordome prenant le cheval pour un âne (au sens figuré d'imbécile), mais aussi de le projeter dans les airs, la jument étant le seul animal du film qui est assez grand et fort pour le faire[48].
 Amelia et Amélie (Abigail en anglais) Gabble sont deux oies, sœurs et vieilles filles à l'anglaise, dont les voix originales sont celles de Carole Shelley et Monica Evans[44]. Leur comportement alterne entre retenue britannique presque glaciale, conseils des meilleures écoles et rires incontrôlés[44]. Ollie Johnston, responsable de l'animation des oies, s'est basé sur des photographies pour ses esquisses et a essayé de leur donner un caractère vaniteux et frivole[49]. Les animateurs avaient essayé de filmer deux oies dans la ferme d'un ami de l'un d'eux, parmi des poules et une dinde, mais le bruit continu de la caméra a fait fuir les oies et la plupart des volatiles[50]. Les observations qu'ils ont faites dans cette ferme leur ont toutefois permis de reproduire la position des cous presque toujours entrelacés lorsque les oies marchent ensemble[50]. L'animation des oies avec leur long cou s'est vue simplifiée par le travail préalable sur le serpent Kaa du Livre de la jungle, aussi utilisé sur Triste Sire dans Robin des Bois (1973), les animateurs ayant envisagé différentes solutions pour pallier l'absence de bras et de visage détaillé[51]. Les deux sœurs sont choquées de découvrir que Thomas O'Malley n'est pas le mari de Duchesse mais acceptent d'aider les chats à retourner à Paris, usant de la disposition en V des canards et oies migrateurs[44]. Leur rôle dans le film est mineur mais elles apprennent à nager à O'Malley et permettent d'agrémenter le retour à Paris[44]. Arrivées en ville, elles retrouvent leur oncle Waldo au ""Petit Café"", où l'oie est servie à la provençale marinée dans le vin blanc[44].
 Les deux chiens de ferme Napoléon et Lafayette sont deux militaires dont l'idée obsessionnelle selon laquelle tout envahisseur doit être repoussé provoque un effet comique[48]. Dans la version originale, leurs voix sont celles d'Américains campagnards mal éduqués afin de donner l'impression d'être des Français rustiques[48]. Napoléon est le chef des deux chiens, agissant un peu comme le Colonel dans Les 101 Dalmatiens (1961)[48].
 Comme pour les chatons Toulouse et Berlioz, les noms de certains personnages font référence à la France, où se déroule l'histoire : la souris tire son nom du fromage de Roquefort, la jument est nommée d'après un mot français faisant notamment référence à une chanson de la fin du XIXe siècle, et les chiens prennent l'identité de deux militaires historiques connus des Anglo-Saxons, Napoléon Bonaparte et le Marquis de Lafayette.
 Madame Adélaïde Bonnefamille, dont le nom est orthographié « Bonfamille » en anglais, est une riche femme excentrique dont le rôle est assez mineur mais fondamental[46]. Sa voix originale est celle de Hermione Baddeley, actrice réputée qui avait fourni selon Reitherman une interprétation formidable du rôle de la bonne dans Le Plus Heureux des milliardaires (1967)[46]. Pour Grant, le personnage de Madame Bonnefamille reprend l'adage de « tel chien, tel maître » et ressemble donc par ses traits aristocratiques à Duchesse, un peu comme ce qui avait déjà été fait par les studios Disney dans Les 101 Dalmatiens (1961)[46].
 Le majordome Edgar tient le rôle du méchant mais, selon Grant, son crime est d'être atteint par le péché de l'impatience[46]. C'est un méchant à l'anglaise, habillé d'une veste bordeaux et un pantalon gris-bleu[46]. Sa voix originale est empruntée à Roddy Maude-Roxby qui, selon Reithermann, « donne le ton snob d'un Anglais qui a rigolé pour la dernière fois il y a deux ans[46]. » Maude-Roxby donne aussi sa voix au livreur, sans effet snob[46]. Edgar désire recevoir immédiatement l'héritage de Mme Bonnefamille et non attendre la mort des chats désignés comme héritiers[46]. Grant remet en cause la pertinence du scénario car Edgar aurait pu patienter quelques années jusqu'à la mort des chats tandis que sa solution consistant à les éloigner n'empêcherait pas Madame Bonnefamille d'adopter une autre famille féline ni de changer une fois de plus son testament[46]. Selon lui, la méchanceté d'Edgar se limite à endormir les chats avec un somnifère dans leur lait alors qu'il aurait pu mettre un poison mortel, donc il fait pâle figure face à Cruella d'Enfer dans Les 101 Dalmatiens[46].
 Grant détaille deux autres humains : l'avocat Georges Hautecourt et le vendeur de lait[48]. Hautecourt est décrit par Wolfgang Reitherman comme le plus vieil avocat du monde, avec des cheveux blancs de part et d'autre d'une tonsure et de larges sourcils, ce qui peut faire de lui le grand-père préféré de nombreux enfants[48]. Le chauffeur du camion de lait est un Français à l'épaisse et large moustache qui, dans la version originale, ne prononce que deux mots en français, « Sapristi » et « Sacrebleu », parlant en anglais avec un accent français le reste du temps[48]. Sa voix est celle de Peter Renaday, acteur ayant prêté sa voix à de nombreux personnages de Disney dont Mickey Mouse[52] ou le fantôme accueillant les visiteurs dans l'attraction Haunted Mansion[53].
 La plupart des humains ont été animés par Milt Kahl et John Lounsbery[54]. En apprenant qu'il devait animer la scène finale entre Madame Bonnefamille et son avocat, Lounsbery déclara qu'il était « trop difficile d’animer [seul] les personnages conçus par Kahl »[55].
 Pour les détails concernant l'accueil critique, voir la section « Analyse ».
Le film Les Aristochats sort aux États-Unis pour la période de Noël 1970[56]. Il est toutefois précédé dès l'été par la publication d'un album narré par Peter Renaday et Robie Lester dans la collection Storyteller Series[56] ainsi qu'une publication en bande dessinée hebdomadaire adapté par Frank Reilly avec de dessins de John Ushler publiée durant 17 semaines entre le 6 septembre et le 27 décembre 1970[57]. Une seconde version d'un seul tenant sur 31 pages a été publiée dès mars 1971 dans le numéro 30 du magazine Gold Key one shots avec des dessins d'Al Hubbard[58] et rééditée en 1973 dans le numéro 16 du magazine Walt Disney Showcase[59],[60]. La première du film a lieu le 24 décembre 1970[19].
 La sortie du film aux États-Unis est un succès et la sortie en Europe, plus particulièrement en France, dépasse les performances américaines[24]. Il rapporte 10,1 millions de dollars aux États-Unis et 16 millions supplémentaires à l'international[28],[61] et permet au studio d'animation Disney d'affirmer sa prééminence[24]. Selon John Grant, le succès est fulgurant mais de nombreuses critiques sont déçues par « quelques broutilles[3]. » La plupart d'entre elles regrette que Les Aristochats soit une continuité des productions précédentes. En 1971, Gold Key Comics entament deux séries de comics issues de l'univers des Aristochats intituiée The Aristokittens et  O'Malley and the Alley Cats[62]. Peu après la sortie du film, David Duff publie une biographie de la reine Victoria et du prince Albert, publiée en 1973, dans laquelle une erreur de typographie s'est insérée dans un titre de chapitre intitulé Albert and the Aristocats, erreur que la femme de l'auteur avait prise pour un trait d'esprit et n'avait donc pas corrigée[18].
 Le film ressort en décembre 1980 puis en 1987 rapportant respectivement 18 et 17 millions de dollars supplémentaires[61],[63],[64]. En décembre 2005, les studios Disney, au travers des DisneyToon Studios, commencent à produire une suite intitulée The Aristocats 2, pour une sortie prévue en DVD en 2007[65], mais le projet est finalement abandonné entre fin 2005[66] et début 2006[65].  Cette annulation est la conséquence de mesures économiques que les studios ont décidées pour faire face au coût plus élevé que prévu des productions en images de synthèse, notamment La Fée Clochette (2008)[66]. Un projet de série télévisée, lui aussi abandonné, avait également été impulsé par Michael Eisner en 2003[13].
 Disponible en VoD sur la chaîne Disney+, le film Les Aristochats est d'abord assorti en 2019 d'un avertissement qui stipule qu'il est ""susceptible de contenir des représentations culturelles désuètes."" En 2020, cet avertissement est modifié et déclare que le film ""comprend des représentations négatives et/ou un mauvais traitement de personnes ou de cultures."" Cet avertissement concerne la scène où le chat siamois Shun Gon joue du piano en utilisant des baguettes[67],[68].
 Les Aristochats fait partie des nombreux longs métrages d'animation de Disney utilisant des animaux domestiques comme base, l'un des deux principaux thèmes avec les contes de fées[69]. Pour Leonard Maltin, cette nouvelle production est une surprise agréable pour ceux qui n'ont pas apprécié Le Livre de la jungle (1967), se référant à la longue analyse de Michael Barrier dans le magazine Funnyworld[23]. Ken Anderson se souvient que Roy Disney souhaitait fermer le département animation du studio après Le Livre de la jungle mais aucun document interne n'a été émis en ce sens[61]. En revanche, pour Bob Thomas, le film n'a rien d'innovant tout comme Robin des Bois (1973) par rapport aux Aventures de Bernard et Bianca (1977)[70]. Pour Robin Allan, Les Aristochats comme Robin des Bois sont le reflet de la torpeur qui gagne les studios Disney après la mort de leur fondateur[22]. Allan ajoute que, pour ces deux films, les meilleurs animateurs encore présents chez Disney n'ont pas réussi à montrer l'étendue de leur créativité, réutilisant au contraire des ressources précédemment produites[22] et se souvenant des préférences de Walt Disney plutôt que de prendre leurs propres décisions[22]. Frank Thomas indique qu'au début de la production des Aristochats, ils étaient fortement conscients de l'absence de Walt Disney pour les guider, leur montrer le chemin ou agiter les idées[71].
 Une des principales critiques concernant Les Aristochats concerne sa ressemblance, tant au niveau de la technique que du scénario et du choix des acteurs, avec les précédentes productions Disney. David Koenig écrit que le film est une version féline de La Belle et le Clochard (1955) qui rencontre Les 101 Dalmatiens (1961), donc quelque chose de déjà vu[20]. John Grant évoque plusieurs critiques de l'époque qualifiant aussi le film de version féline des 101 Dalmatiens, le résultat « d'une recette reprise et mélangée avec de nouveaux ingrédients puis réchauffée pour faire croire à un nouveau plat[3]. » Grant concède la critique au niveau technique[3] et évoque une critique qui a surgi avec la sortie du film Le Livre de la jungle (1967), l'usage de la personnalité des acteurs pour créer celles des personnages animés[3]. Selon Leonard Maltin, le problème concerne surtout Phil Harris interprétant Baloo dans Le Livre de la jungle puis qui reprend plus ou moins le même jeu d'acteur avec Thomas O'Malley dans Les Aristochats et avec Petit Jean dans Robin des Bois (1973)[72]. Il faut aussi rappeler que c'est le même compositeur, Terry Gilkyson, qui a écrit le thème musical de Baloo et celui de O'Malley[32]. Pour Charles Salomon, Harris répète le même type de personnage[73]. Pour Grant, c'est cette réutilisation d'une même formule, celle d'un personnage apprécié par le public pour Baloo puis pour O'Malley, qui a offensé les critiques[41]. Grant interprète la scène où le chaton Toulouse cherche à se battre avec O'Malley comme un rappel de la scène entre Baloo et Mowgli dans Le Livre de la jungle, escarmouche donnant naissance à leur amitié[44]. Pour Charles Salomon, ce point démontre que l'équipe Disney, sans la présence du créateur des studios, réutilise les formules qui ont fonctionné[74]. Jay P. Telotte écrit pour sa part que Les Aristochats et Robin des bois font partie des projets réalisés avec peu d'efforts par les animateurs pendant 15 ans après la mort de Walt Disney[75]. Les animateurs Frank Thomas et Ollie Johnston précisent que ce film fait partie des longs métrages réalisés avant que les équipes de Disney soient profondément réduites par les départs en retraite[17].
 Les Aristochats comporte selon Maltin de nombreuses similarités avec Les 101 Dalmatiens mais également un certain charme et un humour qui aident à couvrir un scénario assez peu inspiré[23]. Selon Michael Barrier, ces deux caractéristiques créent une atmosphère qui éloigne le film de son prédécesseur, évitant l'écueil de la simple copie[23]. Koenig donne un avis plus nuancé : « le film est plaisant même s'il ressemble à un chauffeur de taxi en costume-cravate, trop bien habillé et aucun nouveau lieu où aller[76]. » Pour Maltin, la pire insulte au film serait de le considérer peu marquant alors qu'il est délicatement réalisé et agréable ; sa trame, bien que superficielle, possède comme les personnages une certaine résonance[24]. Affirmant que le film est très bon, John Grant note qu'il faut regarder chaque long métrage d'animation de Disney comme une entité unique sinon les critiques [issues] d'une comparaison sont hors de propos[3]. Grant conclut que « ce n'est pas la faute des Aristochats si les 101 Dalmatiens sont un des meilleurs films d'animation de tous les temps[3]. »
 Rosina Lippi-Green indique, dans une étude des parlers anglophones dans les films d'animation Disney, que le personnage de Thomas O'Malley, avec un argot américain socialement marqué, et Duchesse, avec un anglais plus courant voire sophistiqué, sont des stéréotypes des amants potentiels du cinéma, le mâle romantique ayant souvent un accent différent, voire étranger[77]. Le schéma est similaire dans La Belle et le Clochard (1955) avec Clochard et Lady[77].
 Charles Salomon évoque une production de la fin des années 1970, intitulée Scruffy, dont le scénario, considéré comme trop proche de précédentes productions comme Les Aristochats, avait conduit à l'annulation de ce projet dirigé pendant deux ans par Ken Anderson[78]. Le film racontait l'histoire d'un macaque berbère de Gibraltar durant la Seconde Guerre mondiale, avec un chef de macaque chantant, au caractère parfait pour Phil Harris étant similaire à Baloo dans Le Livre de la jungle, et une femelle macaque apprivoisée et choyée par ses maîtres, prénommée Amélia, qui se joignait à la bande de Scruffy et menaçait de dissoudre le groupe, ressort de scénario déjà présent dans La Belle et le Clochard (1955) et Les Aristochats[78]. Le couple formé par Scruffy et Amélia devait, après maintes péripéties avec un espion allemand et un général et son chien, devenir les parents adoptifs de jumeaux, ressort émotionnel présent dans Les 101 Dalmatiens (1961)[78].
 Bob Thomas note une originalité concernant les chats : souvent cantonnés aux rôles de méchants dans les productions Disney, ils deviennent les héros dans Les Aristochats[70]. En revanche, un des problèmes du film s'explique par le fait que le méchant majordome est presque agréable, un trait jamais rencontré chez les méchants de Disney[76]. David Koenig cite Dick Huemer qui a déclaré que « les personnages méchants de Disney sont toujours noir et blanc et pas seulement chromatiquement, [ils sont dessinés] avec des traits abrupts, pas gris... Vous êtes un vilain ou vous ne l'êtes pas. Mais c'est une caractéristique du dessin animé, sinon [les personnages] sont fades »[76]. Ollie Johnston et Frank Thomas précisent que la trame du film nécessitait un méchant mais que le majordome n'a rien d'extraordinaire[17]. Johnston et Thomas se réjouissent toutefois que le succès du film ne dépende d'aucune relation victime-bourreau et que les autres personnages et autres événements fournissent la majeure partie du divertissement[17].
 Koenig relève en outre quelques incohérences. L'une d'elles se produit après que Napoléon a déchiré l'arrière du pantalon du majordome sur sa moto[30]. Celui-ci est à nouveau déchiré quelques secondes plus tard, alors que le domestique accidenté est accroché à un moulin, ce qui suggère que le vêtement a été rapiécé entre-temps[30]. Une seconde incohérence consiste en l'apparition soudaine d'un cadenas sur le coffre dans lequel le majordome est enfermé[76]. Koenig note également des anachronismes comme la présence des deux chiens du vieux Sud américain à Paris, un groupe de jazz en 1910 alors que le phénomène débute après la Première Guerre mondiale, ou un chat hippie, style des années 1960[30]. La présence du jazz n'est toutefois pas une incohérence si on retient l'hypothèse de John Grant selon laquelle l'histoire se déroule dans les années 1930[18]. Koenig évoque aussi parmi les anachronismes l'utilisation d'une « lampe Tiffany » qui provoque un jeu de lumière psychédélique, mais la société Tiffany & Co. a produit sa première lampe Peacock en 1905[79]. Il existe d'autres erreurs comme le fait que, sur la malle dans laquelle Edgar termine enfermé, on lit « Tombouctou, Afrique-Équatoriale française » alors que cette ville, aujourd'hui malienne, était à l'époque en Afrique-Occidentale française. Mark Arnold ajoute qu'il est étrange que Richard Sherman évoque principalement dans les bonus du DVD les chansons coupées au montage final[61].
 Les Aristochats a été un succès aux États-Unis comme en France, lieu où se déroule l'action. Or, la sortie du film en 1970 survient durant une période de réchauffement des relations franco-américaines. Durant les années 1960, la politique du général de Gaulle a visé à renforcer l'indépendance de la France, au besoin en s'opposant aux États-Unis, comme lors de la sortie du commandement intégré de l'OTAN ou lors de la fermeture, en 1966, des bases américaines situées dans l'hexagone[80]. Cependant, Georges Pompidou, successeur de Charles de Gaulle en 1969, s'efforce d'adoucir les relations entre les deux pays[80]. Pour Ramón Llanas, du journal espagnol La Vanguardia, le film Les Aristochats est un élément de conciliation destiné aux jeunes Américains qui découvrent ainsi Paris et les beautés de la France, logique reprise en 2007 avec Ratatouille, coproduit par Disney et Pixar et également sorti dans une période de réchauffement des relations franco-américaines[80]. Ainsi, Llanas affirme que Les Aristochats « a fait découvrir aux petits Américains les merveilles de ce Paris canaille et distingué qui à lui seul justifie qu'on ne se fâche pas trop avec les Français »[80].
 Comme pour beaucoup de productions Disney, de nombreux produits dérivés ont vu le jour, notamment sous forme d'images Panini et de figurines Esso ou Kinder. Une suite devant sortir directement en vidéo a été évoquée en 2007 mais rapidement annulée[81].
 En 2022, Walt Disney Pictures annonce une adaptation en prise de vues réelles des Aristochats[82].
 Les livres reprenant l'histoire du film de manière plus ou moins complète, et adaptés à diverses tranches d'âge, sont très nombreux et regroupés selon des collections. Une recherche effectuée en 2013 dans un catalogue marchand français donne les résultats suivants :
 La musique du film a été éditée aux États-Unis sous plusieurs versions.
 En 2013, la version française de Tout le monde veut devenir un cat a été reprise par Thomas Dutronc et Laura Smet sur une compilation intitulée We Love Disney[85]. L'année suivante, l'album We Love Disney 2 a proposé trois reprises de la bande originale des Aristochats : Les Aristocats par Olivia Ruiz, Thomas O'Malley par Renan Luce et Gammes et Arpèges par Arielle Dombasle. En 2015, sur la version américaine de l'album We Love Disney, Ev'rybody Wants to Be a Cat est repris par Charles Perry.
 En France, le film fut décliné en plusieurs adaptations comme des livres-disques dont un est narré par Louis de Funès[86], mais aussi par Anny Duperey en 1982[87], par Jacques Martin en 1982[88] ou Douchka en 1988[89].
 Durant les années 1970 et 1980, les productions Disney réutilisent des portions d'animations et les acteurs pour de nouvelles productions. C'est le cas pour Les Aristochats. La façon dont O'Malley et Duchesse dansent lors du concert des cats est reprise pour Robin et Belle Marianne dans Robin des Bois[90],[91]. En outre, dans la même scène de Robin des bois, le chat flûtiste et le lapin batteur ont des ressemblances avec Scat Cat et le chat siamois des Aristochats[92].
 Eva Gabor qui prête sa voix à Duchesse, prête aussi sa voix à Bianca dans Les Aventures de Bernard et Bianca (1977), donnant de la compassion et un ton déterminé[42]. De même Michèle André qui prête sa voix à Duchesse dans la version française du film, prête sa voix à Belle Marianne dans la version française de Robin des Bois (1973). Selon John Grant, la souris Roquefort apporte les prémices du personnage de Basil dans Basil, détective privé (1986)[46].
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//upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/1/11/Bon_article.svg/14px-Bon_article.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/1/11/Bon_article.svg/14px-Bon_article.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/1/11/Bon_article.svg/14px-Bon_article.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/1/11/Bon_article.svg/14px-Bon_article.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/1/11/Bon_article.svg/14px-Bon_article.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/1/11/Bon_article.svg/14px-Bon_article.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/1/11/Bon_article.svg/14px-Bon_article.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/1/11/Bon_article.svg/14px-Bon_article.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/8/83/Article_de_qualit%C3%A9.svg/14px-Article_de_qualit%C3%A9.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/e/ef/Theme_de_qualite.svg/17px-Theme_de_qualite.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/8/83/Article_de_qualit%C3%A9.svg/14px-Article_de_qualit%C3%A9.svg.png; 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//upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/1/11/Bon_article.svg/14px-Bon_article.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/8/83/Article_de_qualit%C3%A9.svg/14px-Article_de_qualit%C3%A9.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/8/83/Article_de_qualit%C3%A9.svg/14px-Article_de_qualit%C3%A9.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/8/83/Article_de_qualit%C3%A9.svg/14px-Article_de_qualit%C3%A9.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/8/83/Article_de_qualit%C3%A9.svg/14px-Article_de_qualit%C3%A9.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/8/83/Article_de_qualit%C3%A9.svg/14px-Article_de_qualit%C3%A9.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/8/83/Article_de_qualit%C3%A9.svg/14px-Article_de_qualit%C3%A9.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/1/11/Bon_article.svg/14px-Bon_article.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/8/83/Article_de_qualit%C3%A9.svg/14px-Article_de_qualit%C3%A9.svg.png; 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//upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/1/11/Bon_article.svg/14px-Bon_article.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/8/83/Article_de_qualit%C3%A9.svg/14px-Article_de_qualit%C3%A9.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/1/11/Bon_article.svg/14px-Bon_article.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/7/77/United_States_film_clapperboard.svg/27px-United_States_film_clapperboard.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/1/15/Circle-icons-1970s.svg/24px-Circle-icons-1970s.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/d/da/Animation_disc.svg/26px-Animation_disc.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/1/12/Black_Paw.svg/26px-Black_Paw.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/2/20/D_letter_upon_three_circles.svg/31px-D_letter_upon_three_circles.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/1/1c/Cscr-featuredtopic_gold.svg/24px-Cscr-featuredtopic_gold.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/8/83/Article_de_qualit%C3%A9.svg/14px-Article_de_qualit%C3%A9.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/8/8d/Mary_Poppins6.jpg/75px-Mary_Poppins6.jpg; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/8/83/Article_de_qualit%C3%A9.svg/14px-Article_de_qualit%C3%A9.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/8/83/Article_de_qualit%C3%A9.svg/14px-Article_de_qualit%C3%A9.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/8/83/Article_de_qualit%C3%A9.svg/14px-Article_de_qualit%C3%A9.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/8/83/Article_de_qualit%C3%A9.svg/14px-Article_de_qualit%C3%A9.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/8/83/Article_de_qualit%C3%A9.svg/14px-Article_de_qualit%C3%A9.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/8/83/Article_de_qualit%C3%A9.svg/14px-Article_de_qualit%C3%A9.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/8/83/Article_de_qualit%C3%A9.svg/14px-Article_de_qualit%C3%A9.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/8/83/Article_de_qualit%C3%A9.svg/14px-Article_de_qualit%C3%A9.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/8/83/Article_de_qualit%C3%A9.svg/14px-Article_de_qualit%C3%A9.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/8/83/Article_de_qualit%C3%A9.svg/14px-Article_de_qualit%C3%A9.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/1/11/Bon_article.svg/14px-Bon_article.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/8/83/Article_de_qualit%C3%A9.svg/14px-Article_de_qualit%C3%A9.svg.png; https://login.wikimedia.org/wiki/Special:CentralAutoLogin/start?type=1x1; /static/images/footer/wikimedia-button.svg; /w/resources/assets/poweredby_mediawiki.svg,https://en.wikipedia.org/wiki/The_Aristocats,The Aristocats,https://en.wikipedia.org/wiki/The_Aristocats,"The Aristocats is a 1970 American animated comedy film produced by Walt Disney Productions and distributed by Buena Vista Distribution. It is directed by Wolfgang Reitherman and written by Ken Anderson, Larry Clemmons, Eric Cleworth, Vance Gerry, Julius Svendsen, Frank Thomas and Ralph Wright. It is the final Disney animated film made with the involvement of Walt Disney Productions' co-founder Roy O. Disney before his death on December 20, 1971. The film is based on a story by Tom McGowan and Tom Rowe, and revolves around a family of aristocratic cats, and how an alley cat acquaintance helps them after a butler has kidnapped them to gain his mistress's fortune which was intended to go to them. The film features the voices of Phil Harris, Eva Gabor, Hermione Baddeley, Dean Clark, Sterling Holloway, Scatman Crothers, and Roddy Maude-Roxby.
 In 1962, The Aristocats project began as an original script for a two-part live-action episode for Walt Disney's Wonderful World of Color, developed by writers Tom McGowan and Tom Rowe and producer Harry Tytle. Following two years of rewrites, Tytle suggested the project would be more suitable for an animated film, in which Disney temporarily shelved the project while The Jungle Book (1967) advanced into production. When The Jungle Book was nearly complete, Disney appointed Ken Anderson to develop preliminary work on The Aristocats, making it the last film project to be personally approved by Disney before his death.[3][4][5] Longtime Disney collaborators Robert and Richard Sherman composed multiple songs for the film, though only two made it in the finished product.
 The Aristocats was released on December 24, 1970, to generally positive reviews from film critics. It was also a commercial success. A live-action remake is currently in development, with Questlove attached to direct.
 In 1910, mother cat Duchess and her three kittens, Berlioz, Marie, and Toulouse, live in Paris with retired opera diva Madame Adelaide Bonfamille, and her English butler, Edgar. The cats are pampered pets that live a luxurious lifestyle and are very cultured in art and music, like their owner.
 While preparing her will with elderly lawyer Georges Hautecourt, Madame declares that her vast fortune will be first left to her cats, then revert to Edgar once they all pass away. Edgar overhears this through a speaking tube and, after erroneously calculating that he will die before he can claim his inheritance, plots to eliminate the cats. He sedates them by putting sleeping pills in a dish of cream, then drives them on his motorcycle out to the countryside in a basket. There, he is ambushed by two hounds named Napoleon and Lafayette, losing his hat, sidecar, umbrella, shoes, and the basket before escaping. The cats are left stranded in the countryside, while Madame Adelaide, Roquefort the mouse, and Frou-Frou the horse discover their absence.
 The next morning, Duchess meets an alley cat named Thomas O'Malley, who offers to guide her and the kittens to Paris. The group briefly hitchhikes in a milk truck before being chased out by the driver. Later, while crossing a railroad trestle, the cats narrowly avoid an oncoming train, and Marie falls into a river. O'Malley immediately dives in and rescues her, and is himself rescued by Amelia and Abigail Gabble, two English geese on holiday. The geese lead the cats to the outskirts of Paris, then depart to reunite with their inebriated Uncle Waldo. Meanwhile, Edgar returns to the countryside to retrieve his possessions (the only evidence that can incriminate him) from Napoleon and Lafayette and, after some difficulty, ultimately succeeds.
 Traveling across the rooftops of the city, the cats meet up with O'Malley's friend Scat Cat who performs the song ""Ev'rybody Wants to Be a Cat"" with several other cat musicians. After the band has departed, O'Malley and Duchess converse on a nearby rooftop while the kittens listen at a windowsill. Duchess' loyalty to Madame prompts her to decline O'Malley's marriage proposal. The next day, Duchess and the kittens return to Madame's mansion. Edgar finds them before Madame does, and places them in a sack, deciding to ship them to Timbuktu.
 Roquefort catches up with O'Malley at Duchess’ instruction, and O'Malley returns to the mansion, sending Roquefort to find Scat Cat and his gang. Though he struggles to explain the situation to the alley cats, Roquefort successfully brings them to O'Malley's aid. O'Malley, the alley cats, and Frou-Frou fight Edgar, while Roquefort frees Duchess and the kittens. At the end of the fight, Edgar is locked in his own packing-case and sent to Timbuktu himself.
 The Aristocats return to Madame Adelaide, who, unaware of the reason for Edgar's departure, rewrites her will to exclude him. After adopting O'Malley into the family, Madame establishes a charity foundation, housing Paris' stray cats in the mansion. Scat Cat and his gang are the first to move in, and reprise their song so loudly that the two hound dogs can hear it out in the countryside.
 On December 9, 1961, Walt Disney suggested that Harry Tytle and Tom McGowan find some animal stories to adapt as a two-part live-action episode for the Wonderful World of Color television program. By New Year's 1962, McGowan had found several stories including a children's book about a mother cat and her kittens set in New York City.[7] However, Tytle felt that the London setting had added a significant element to One Hundred and One Dalmatians (1961) and suggested setting the story of the cats in Paris. Following a rough storyline, the story became about two servants—a butler and a maid—who were in line to inherit a fortune of an eccentric mistress after the pet cats died and focused on their feeble and foolish attempts to eliminate the felines.[7] Boris Karloff and Françoise Rosay were in mind to portray the butler and the distressed Madame.[8] A subplot centered around a mother cat hiding her kittens to keep them out of danger in a variety of different homes and locales around Paris. During the filming of Escapade in Florence (1962), McGowan brought Tytle the story that had been written by Tom Rowe, an American writer who was living in Paris.[7]
 By August 1962, they sent the completed story treatment to Burbank, where it was returned as ""rejected"" by the Disney studios. McGowan, upset at the rejection, suggested selling the treatment elsewhere, but later learned Disney was staying at the Connaught in London. McGowan then slipped the treatment into an envelope for Disney to read at the hotel desk.[7] Disney contacted McGowan, stating he had liked the treatment and would meet with Tytle in Lisbon, Portugal. On August 29, during their flight back to London, Disney told Tytle to purchase the story for a live-action theatrical film, with McGowan as director. Disney also recommended further story revisions, one of which was eliminating one of the kitten characters.[10]
 The script revisions were later made in January and February 1963. In June 1963, Rowe had written a letter to Disney addressing his displeasure of the script revisions, in which Tytle responded to Rowe that the changes Disney approved of would be kept. However, the project was temporarily shelved, and in August 1963, Tytle suggested that The Aristocats should be reworked into an animated feature, to which Disney agreed. At Disney's recommendation, Tytle presented the project to Wolfgang Reitherman, who was directing The Jungle Book (1967), who agreed it would work as an animated film.[11][12] For that reason, Disney temporarily shelved the project as the animation department was occupied with The Jungle Book (1967).[13] In April 1964, story artist Otto Englander was assigned to work on the project. In November 1964, during a story meeting, Disney felt the cats should talk amongst themselves but never in front of the humans, in a similar approach as in One Hundred and One Dalmatians (1961).[11] Because of the production delays, studio producer Bill Anderson advised Tytle to centralize his efforts on live action projects, and he was subsequently replaced by Winston Hibler.[14]
 In 1966, Disney assigned Ken Anderson to determine whether The Aristocats would be suitable for an animated feature. With occasional guidance from Reitherman, Anderson worked from scratch and simplified the two stories into one that focused more on the cats.[13] Disney saw the preliminary sketches and approved the project shortly before his death.[15] After The Jungle Book (1967) was completed, the animation department began work on The Aristocats.[13] Reitherman assumed the producing duties, and later tossed out the more emotional story of Duchess's obsession to find human adopters befitting of her kittens' talents. Instead, the film would be retooled as an adventure comedy in the vein of One Hundred and One Dalmatians (1961). Furthermore, the character Elvira, the maid, who was intended to be voiced by Elsa Lanchester, was removed from the story placing Edgar as the central villain in order to better simplify the storyline.[12]
 As with The Jungle Book (1967), the characters were patterned on the personalities of the voice actors.[13] In 1966, Disney contacted Phil Harris to improvise the script, and shortly after, he was cast to voice Thomas O'Malley. To differentiate the character from Baloo, Reitherman noted O'Malley was ""more based on Clark Gable than Wallace Beery, who was partly the model for Baloo.""[13] Furthermore, Reitherman cast Eva Gabor as Duchess, remarking she had ""the freshest femme voice we've ever had"", and Sterling Holloway as Roquefort.[13] Louis Armstrong was initially reported to voice Scat Cat,[16] but he had to back out of the project due to illness.[17] Out of desperation, Scatman Crothers was hired to voice the character under the direction to imitate Armstrong.[18] Pat Buttram and George Lindsey were cast as the farm dogs, which proved to be popular with the filmmakers that another scene was included to have the dogs when Edgar returns to the farm to retrieve his displaced hat and umbrella.[8]
 Ken Anderson spent eighteen months developing the design of the characters.[19] Five of Disney's legendary ""Nine Old Men"" worked on it, including the Disney crew that had been working 25 years on average.[20] Originally, O'Malley was going to be drawn with stripes to have him resemble a tabby cat, but this was dropped after Reitherman remembered the difficulty in animating Shere Khan in The Jungle Book.[12]
 The Aristocats was the last Disney animated feature Robert and Richard Sherman worked on as staff songwriters, growing frustrated by the studio's management following Disney's death. While employed, the Sherman Brothers completed their work on the film, but they would not return to Disney until they were asked to compose songs for The Tigger Movie (2000).[21]
 The Sherman Brothers composed multiple songs, but only the title song and ""Scales and Arpeggios"" were included in the film.[8] Desiring to capture the essence of France, the Sherman Brothers composed the song ""The Aristocats"". Disney film producer Bill Anderson suggested Maurice Chevalier should sing the title song.[22] Following the suggestion, Richard Sherman imitated Chevalier's voice as he performed a demo for the song. Chevalier received the demo and was brought out of retirement to sing the song. Deleted songs that were intended for the film included ""Pourquoi?"" sung by Hermione Baddeley as Madame Bonfamille, its reprise, and ""She Never Felt Alone"" sung by Robie Lester as Duchess.[23][24]
 For the show-stopping musical number, the Sherman Brothers composed ""Le Jazz Hot"", but ""Ev'rybody Wants to Be a Cat"", composed by Floyd Huddleston and Al Rinker, was used instead.[25] Lastly, a villainous song was envisioned to be sung by Edgar and his assistant Elvira as a romantic duet, but the song was dropped when Elvira was removed from the story.[26] Another deleted song was for Thomas O'Malley titled ""My Way's The Highway"", but the filmmakers had Terry Gilkyson compose the eponymous song ""Thomas O'Malley Cat"". Gilkyson explained, ""It was the same song, but they orchestrated it twice. They used the simpler one, because they may have thought the other too elaborate or too hot. It was a jazz version with a full orchestra.""[27]
 The instrumental music was composed by George Bruns, who drew from his background with jazz bands in the 1940s and decided to feature the accordion-like musette for French flavor.[28]
 On Classic Disney: 60 Years of Musical Magic, this includes ""Thomas O'Malley Cat"" on the purple disc and ""Ev'rybody Wants to Be a Cat"" on the orange disc. On Disney's Greatest Hits, this includes ""Ev'rybody Wants to Be a Cat"" on the red disc.
 On August 21, 2015, in honor of the film's 45th anniversary, a new soundtrack was released as part of Walt Disney Records: The Legacy Collection. The release includes the songs and score as used in the film, along with The Lost Chords of the Aristocats (featuring songs written for the film but not used), and previously released album versions of the songs as bonus tracks.[29]
 Original songs performed in the film include:
 The Aristocats was originally released to theaters on December 24, 1970. The film was released as a double feature with Niok, the Orphan Elephant (1957).[30] It was re-released in theaters in 1980 and 1987.
 It was released on VHS in Europe on January 1, 1990, and in the UK in 1995. It was first released on VHS in North America on April 24, 1996, as part of the Masterpiece Collection.
 In January 2000, Walt Disney Home Video launched the Gold Classic Collection, and The Aristocats was released on VHS and DVD on April 4, 2000.[31] The DVD contained the film in its 1.33:1 aspect ratio enhanced with Dolby 2.0 surround sound.[32] The Gold Collection release was quietly discontinued in 2006. A new single-disc Special Edition DVD (previously announced as a 2-Disc set) was released on February 5, 2008.
 Disney released the film on Blu-ray for the first time on August 21, 2012.[33][34] The 2-disc Special Edition Blu-ray/DVD combo (both in Blu-ray and DVD packaging) featured a new digital transfer and new bonus material.[35] A single disc DVD edition was also released on the same day.[36]
 In honor of Disney's 100th anniversary, The Aristocats was re-released on February 28, 2023 as a Disney100 Edition (BLU-RAY + DVD).[37] A Walmart-exclusive package, released the same day, contains a collectible commemorative pin.[38]
 By January 1972, The Aristocats had earned $10.1 million in box office rentals from the United States and Canada.[39] Overseas, the film became the most popular ""general release"" movie at the British box office in 1971 with rentals of $2.6 million.[40][41]
 The Aristocats was the most widely-attended film in France in 1971, with 12.7 million in ticket admissions. It is currently the 20th highest-grossing film of all-time in France, earning $3.6 million in box office rentals.[42][41][43] That same year, the film was the most widely-attended film released in Germany with ticket admissions of 11.3 million. It is currently Germany's 11th highest-grossing film of all-time.[44] By the end of its initial theatrical run, the film had earned domestic rentals of $11 million and $17 million in international countries,[45] for a worldwide rental of $28 million.[46]
 The film was re-released to theaters in the United States on December 19, 1980, where it grossed an additional $18 million and again on April 10, 1987, where it grossed $17 million.[47] The film grossed $32 million worldwide from an international re-release in 1994, including $11 million in France.[48][49] The Aristocats has had a lifetime gross of $55.7 million in the United States and Canada,[50] and its total lifetime worldwide box office gross is $191 million.[2]
 Howard Thompson of The New York Times praised the film as ""grand fun all the way, nicely flavored with tunes, and topped with one of the funniest jam sessions ever by a bunch of scraggly Bohemians headed by one Scat Cat.""[51] Roger Ebert, writing for the Chicago Sun-Times, awarded the film three stars out of four, summarizing The Aristocats as ""light and pleasant and funny, the characterization is strong, and the voices of Phil Harris (O'Malley the Alley Cat) and Eva Gabor (Duchess, the mother cat) are charming in their absolute rightness.""[52] Charles Champlin of the Los Angeles Times wrote that the film ""has a gentle good-natured charm which will delight the small-fry and their elders alike."" He praised the animation, but remarked that the film ""lacks a certain kind of vigor, boldness and dash, a kind of a hard-focused emphasis which you would say was a Disney trademark.""[53] Arthur D. Murphy of Variety praised the film writing the film is ""[h]elped immeasurably by the voices of Phil Harris, Eva Gabor, Sterling Holloway, Scatman Crothers and others, plus some outstanding animation, songs, sentiment, some excellent dialog and even a touch of psychedelia.""[54] Stefan Kanfer, reviewing for Time magazine, noted that ""[t]he melodies in Disney's earlier efforts have been richer. But for integration of music, comedy and plot, The Aristocats has no rivals.""[55]
 Gene Siskel of the Chicago Tribune felt the film's ""artwork and story do not compare to the truly great Disney films Snow White, Pinocchio, Bambi and Dumbo but there is enough juvenile humor to keep the children in their seats for the 78 minutes.""[56] For its 1987 re-release, animation historian Charles Solomon expressed criticism for its episodic plot, anachronisms, and borrowed plot elements from earlier Disney animated features, but nevertheless wrote ""[b]ut even at their least original, the Disney artists provide better animation--and more entertainment--than the recent animated features hawking The Care Bears, Rainbow Brite and Transformers.""[57] Writing in his book The Disney Films, Disney historian and film critic Leonard Maltin wrote that ""[t]he worst that one could say of The AristoCats is that it is unmemorable. It's smoothly executed, of course, and enjoyable, but neither its superficial story nor its characters have any resonance.""[58] Additionally, in his book Of Mice and Magic, Maltin criticized the film for re-using Phil Harris to replicate The Jungle Book's Baloo, dismissing the character Thomas O'Malley as ""essentially the same character, dictated by the same voice personality.""[59]
 On review aggregator Rotten Tomatoes, 64% of 33 critics gave the film a positive review, with an average rating of 5.8/10, earning it a score of ""Fresh"". The website's consensus states, ""Though The Aristocats is a mostly middling effort for Disney, it is redeemed by terrific work from its voice cast and some jazzy tunes.""[60] On Metacritic, the film holds a weighted average score of 66 out of 100, based on 12 critics, indicating ""generally favorable reviews"".[61]
 In 2021, the film was one of several that Disney limited to viewers 7 years of age and older on their streaming service Disney+, stating that the character Shun Gon was a racist stereotype of East Asian people.[62]
 The film is recognized by American Film Institute in these lists:
 In 1986 a novel was published.[64]
 In 2005, Disneytoon Studios originally planned to make a follow-up to the film, along with sequels to Chicken Little (2005) and Meet the Robinsons (2007).[65] Originally intended to be a 2D animated feature, Disney executives decided to produce the film in computer animation in order to garner more interest.[66] Additionally, the story was meant to center around Marie, Duchess's daughter, who becomes smitten by another kitten aboard a luxury cruise ship. However, she and her family must soon take on a jewel thief on the open seas.[67] The project was cancelled when John Lasseter was named Disney's new chief creative officer, in which he called off all future sequels Disneytoon had planned and instead make original productions or spin-offs.[65]
 In 2000, a television series, titled The Aristocats: The Animated Series, was commissioned by Disney Television Animation. The series would follow Marie, Toulouse, and Berlioz (now teenagers and also anthropomorphic), along with a new character named Delancey. The series was scheduled to be released sometime in 2002, but production was put on hold in 2001. It would restart production in 2003, with a release scheduled for late 2006 or 2007, only for it to be scrapped after Disney's acquisition of Pixar.[citation needed]
 In January 2022, it was announced that a live-action remake is in development with Will Gluck producing under his Olive Bridge Entertainment banner and Keith Bunin writing the script with Gluck.[68] Questlove was attached to direct the film in March 2023.[69]
 Thomas O'Malley, Duchess, Berlioz, Marie, and Toulouse were added to the kingdom builder mobile game Disney Magic Kingdoms in September 2023.[70]",3358,"Main page; Contents; Current events; About Wikipedia; Help; Learn to edit; Community portal; Upload file; ; learn more; Article; Talk; Read; Read; Upload file; ; The Aristocrats; ; Wolfgang Reitherman; Ken Anderson; Larry Clemmons; Vance Gerry; Julius Svendsen; Frank Thomas; Ralph Wright; Winston Hibler; Phil Harris; Eva Gabor; Sterling Holloway; Scatman Crothers; Paul Winchell; Lord Tim Hudson; Thurl Ravenscroft; Gary Dubin; Nancy Kulp; Pat Buttram; George Lindsey; Monica Evans; Carole Shelley; Charles Lane; Hermione Baddeley; Roddy Maude-Roxby; Bill Thompson; George Bruns; Walt Disney Productions; Buena Vista Distribution; comedy film; Walt Disney Productions; Buena Vista Distribution; Wolfgang Reitherman; Ken Anderson; Larry Clemmons; Vance Gerry; Julius Svendsen; Frank Thomas; Ralph Wright; Roy O. Disney; Phil Harris; Eva Gabor; Hermione Baddeley; Sterling Holloway; Scatman Crothers; Roddy Maude-Roxby; Walt Disney's Wonderful World of Color; The Jungle Book; Ken Anderson; to be personally approved; Robert and Richard Sherman; live-action; Questlove; kittens; Paris; will; speaking tube; sleeping pills; hounds; sidecar; mouse; horse; hitchhikes; trestle; geese; Ev'rybody Wants to Be a Cat; marriage proposal; Timbuktu; Phil Harris; feral cat; Colosseum; Romanesco dialect; Eva Gabor; Turkish Angora cat; citation needed; Robie Lester; Gary Dubin; kitten; Henri de Toulouse-Lautrec; Marie Antoinette; Hector Berlioz; Sterling Holloway; house mouse; Scatman Crothers; Paul Winchell; Chinese cat; Lord Tim Hudson; English cat; Vito Scotti; Italian cat; Thurl Ravenscroft; Russian cat; Nancy Kulp; Palomino; carriage horse; Ruth Buzzi; Pat Buttram; bloodhound; George Lindsey; Basset Hound; Hermione Baddeley; opera singer; Charles Lane; Roddy Maude-Roxby; butler; Monica Evans; twin sister; goose; Carole Shelley; Bill Thompson; gander; Peter Renaday; Wonderful World of Color; London; One Hundred and One Dalmatians; Boris Karloff; Françoise Rosay; Escapade in Florence; ; Connaught; Lisbon; Portugal; Wolfgang Reitherman; The Jungle Book; Bill Anderson; live action projects; Winston Hibler; Ken Anderson; Elsa Lanchester; Phil Harris; Baloo; Clark Gable; Wallace Beery; Eva Gabor; Sterling Holloway; Louis Armstrong; Scatman Crothers; Pat Buttram; George Lindsey; Nine Old Men; Robert and Richard Sherman; The Tigger Movie; ; Bill Anderson; Maurice Chevalier; Hermione Baddeley; Floyd Huddleston; Al Rinker; Terry Gilkyson; eponymous; George Bruns; musette; Classic Disney: 60 Years of Musical Magic; purple disc; orange disc; new soundtrack; Walt Disney Records: The Legacy Collection; Robert and Richard Sherman; Maurice Chevalier; Robie Lester; Gary Dubin; Terry Gilkyson; Phil Harris; Floyd Huddleston; Al Rinker; Scatman Crothers; Phil Harris; Robie Lester; Robie Lester; double feature; VHS; DVD; aspect ratio; surround sound; Blu-ray; 20th highest-grossing film of all-time; 11th highest-grossing film of all-time; Howard Thompson; The New York Times; Roger Ebert; Chicago Sun-Times; Charles Champlin; Los Angeles Times; Variety; Stefan Kanfer; Time; Gene Siskel; Chicago Tribune; The Care Bears; Rainbow Brite; Transformers; Leonard Maltin; review aggregator; Rotten Tomatoes; Metacritic; ; Disney+; racist stereotype of East Asian people; American Film Institute; AFI's 10 Top 10; Disneytoon Studios; Chicken Little; Meet the Robinsons; computer animation; John Lasseter; Disney Television Animation; anthropomorphic; Disney; Pixar; citation needed; live-action; Will Gluck; Keith Bunin; Questlove; Disney Magic Kingdoms; List of highest-grossing animated films; List of highest-grossing films in France; List of American films of 1970; List of animated feature films of 1970; List of Walt Disney Pictures films; List of Disney theatrical animated features; The Logansport Press; Newspapers.com; ; Variety; Los Angeles Times; The Guardian; The New York Times; Deseret News; Google News Archive; Ottawa Citizen; Thomas, Bob; Kentucky New Era; University Press of Mississippi; ISBN; Google Books; The Montreal Gazette; Los Angeles Times; ISBN; Entertainment Weekly; Newspapers.com; ; Disney.go.com; Free Lance-Star; Associated Press; The Times; London, England; Variety; Philips, McCandlish; Variety; Ebert, Roger; ; ; Maltin, Leonard; ISBN; Plume; ISBN; Rotten Tomatoes; Fandango; Metacritic; Fandom, Inc.; cite web; link; ISBN; Irvine, California; ISBN; OCLC; IMDb; TCM Movie Database; Don Markstein's Toonopedia; v; t; The Sherman Brothers; Richard M. Sherman; Robert B. 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Zootopie,https://fr.wikipedia.org/wiki/Zootopie,"Ne doit pas être confondu avec Zookeeper ou Zoo Story.
 Ginnifer GoodwinJason BatemanIdris ElbaJ. K. SimmonsJenny Slate
 Série Classiques d'animation Disney Les Nouveaux Héros(2014) Vaiana : La Légende du bout du monde(2016) Série Zootopie Zootopie 2(2025) Pour plus de détails, voir Fiche technique et Distribution. modifier  Zootopie ou Zootopia au Québec (Zootopia) est le 135e long-métrage d'animation et le 55e « Classique d'animation » des studios Disney réalisé par Byron Howard et Rich Moore. Entièrement réalisé en images de synthèse, le film est une comédie policière et un buddy movie sorti en salles en 2016. Il raconte l'histoire de l'optimiste et intrépide lapine Judy Hopps, lieutenant et nouvelle recrue de la police de Zootopie, ville exclusivement peuplée de mammifères anthropomorphes, où elle cherche à faire ses preuves en enquêtant sur la disparition d'une loutre avec l'aide du renard escroc Nick Wilde.
 Aux États-Unis, son pays de production, le film est acclamé par la critique, élogieuse sur l'animation, le jeu des acteurs donnant leurs voix aux personnages ainsi que sur le scénario ; elle souligne l'actualité des thèmes abordés par le film comme les préjugés, la discrimination (positive comme négative), le racisme et les stéréotypes[1],[2],[3].
 C'est un gros succès du box-office mondial : Zootopie est le quatrième film d'animation de l'histoire du cinéma à passer le milliard de dollars de recettes au box-office mondial[4].
 Il remporte plusieurs distinctions, dont l'Oscar du meilleur film d'animation en 2017.
 Vu le fort succès du premier film, Disney a annoncé une suite pour le 26 novembre 2025[5].
 Zootopie est une ville qui ne ressemble à aucune autre, puisque tous ses habitants sont des animaux d'espèces différentes, de l'immense éléphant à la minuscule souris, qui cohabitent dans des quartiers résidentiels, allant de l'élégant Sahara Square au glacial Tundratown en passant par le miniature Little Rodentia. Lorsque Judy Hopps, une jeune lapine issue d'une grande famille de cultivateurs de carottes, fait son entrée dans la police, elle découvre vite la difficulté de s'imposer parmi ses grands durs de collègues. Sur le point de se faire licencier pour faute professionnelle, Judy saute audacieusement sur l'occasion de faire ses preuves en tentant de résoudre, en seulement 48 heures, une épineuse affaire de disparitions de prédateurs. Cependant, cela l'oblige à faire équipe avec l'arnaqueur professionnel Nick Wilde, un renard à la langue bien pendue.
 Zootopie est une ville cosmopolite où ne vivent que des mammifères et où chaque espèce cohabite avec les autres ; qu’on soit un prédateur ou une proie, tout le monde est accepté à Zootopie. Judy Hopps est une lapine de 9 ans qui vit à la campagne avec ses parents. Alors que tous les membres de sa famille sont cultivateurs, Judy annonce pendant son spectacle d'école qu'elle veut vivre à Zootopie la grande métropole et devenir officier de police, ce qui affole ses parents qui estiment ce métier trop dangereux pour un lapin. En sortant du spectacle, Judy intervient en voyant Gideon Grey, un renard voyou, en train de racketter ses camarades. Gideon réagit violemment, griffant Judy à la joue, et se moque de son rêve de devenir lapin flic avant de s'en aller. Judy en sort traumatisée, mais encore plus déterminée à combattre le crime.
 Quinze ans après, Judy est entrée à l'académie de police grâce à un programme de discrimination positive mis en place par le maire de Zootopie, mais a du mal face aux épreuves imposées. Malgré ses difficultés, elle persévère et finit par triompher en utilisant sa ruse et son agilité. Sortie major de sa promotion, elle est nommée lieutenant au commissariat central de Zootopie par le maire Leodore Lionheart (un lion) et son adjointe, Miss Bellwether (une brebis). Après avoir fait ses adieux à sa famille, elle prend le train pour Zootopie. Elle emménage dans un appartement minable du centre-ville, et commence son service le lendemain. Dès son arrivée, le chef Bogo (un buffle) la méprise ouvertement et l'affecte au stationnement comme contractuelle, alors que les gros bras (éléphants, rhinocéros, lions, tigres, ours, etc.) ont le droit d'enquêter sur l'affaire du moment : quatorze citoyens, tous des animaux prédateurs, ont mystérieusement disparu.
 Pendant sa tournée, Judy suit chez un glacier un renard suspect, Nick Wilde. Elle le voit voulant acheter une immense glace pour l'anniversaire de son fils auprès des éléphants qui refusent de servir un renard. Indignée par ce traitement discriminatoire, Judy intervient et offre elle-même la glace au petit avant de reprendre son service. Plus tard, elle recroise les deux individus et se rend compte qu'elle a été roulée : Wilde et son pseudo-fils qui est en fait un fennec ont fait fondre l'énorme glace pour éléphant et l'ont transformée en dizaines de petites glaces qu'ils ont revendues, faisant ainsi une énorme marge de bénéfice. Après le départ du fennec, Judy accuse Wilde de lui avoir menti et menace de l'arrêter ; mais ce dernier, rusé, lui montre que son opération, quoique malhonnête, reste dans le cadre de la loi, et se moque de sa naïveté en lui révélant qu'en dépit des apparences, les préjugés et la discrimination sont bel et bien présents à Zootopie. Après lui avoir asséné qu'elle ne sera jamais un vrai flic, Wilde s'en va, laissant derrière lui une Judy démoralisée. Une fois rentrée chez elle, elle reçoit un appel de ses parents qui laissent éclater leur soulagement en apprenant qu'elle n'est que contractuelle, le poste le moins dangereux, ce qui achève de l'abattre.
 Le lendemain, elle reprend sa tournée, les plaintes de conducteurs verbalisés n'améliorant pas son humeur, mais retrouve son enthousiasme lorsqu'elle surprend une belette en train de s'enfuir après avoir volé des fleurs. Après une course-poursuite à travers le quartier miniature de Little Rodentia, elle finit par l'arrêter, sauvant au passage une musaraigne que le voleur avait failli écraser. Elle est en revanche réprimandée par Bogo pour avoir abandonné son poste de contractuelle et mis en danger les petits habitants de Little Rodentia. Judy lui demande de lui confier une vraie mission, mais Bogo refuse abruptement. C'est là que débarque Mrs. Otterton (une loutre), l'épouse d'un des quatorze animaux portés disparus, venue implorer Bogo de retrouver son mari. Alors que Bogo déplore que tous ses enquêteurs soient occupés, Judy saute sur l'occasion et annonce à Mrs. Otterton qu'elle se charge de l'affaire. Bogo menace de renvoyer Judy pour insubordination, mais en est empêché par l'arrivée de l'adjointe au maire Bellwether, enthousiaste d'apprendre que leur nouvelle recrue s'occupe de l'enquête. Une fois Bellwether et Mrs. Otterton parties, Bogo, furieux, lance un ultimatum à Judy : si elle n'a pas résolu l'affaire d'ici 48 heures, elle devra démissionner.
 En examinant le dossier et les photos prises par les caméras de la ville, Judy découvre qu'Otterton avait acheté une de ses glaces à Nick Wilde juste avant de disparaître. Judy va voir Wilde pour lui demander dans quelle direction est parti Otterton après avoir acheté sa glace. Wilde refuse d'aider la lapine jusqu'à ce qu'elle menace de l'arrêter pour fraude fiscale, l'ayant enregistré avec son stylo-dictaphone alors qu'il se vantait des bénéfices engrangés par ses magouilles : elle ne lui donnera le stylo que s'il l'aide à résoudre son enquête. Wilde avoue qu'il a vu Otterton entrer dans un club naturiste. Le propriétaire du club confirme qu'Otterton est venu ce jour-là suivre un cours de yoga et qu'une limousine blanche est venue le chercher à la sortie. Après un passage au service des immatriculations tenu par des paresseux, Judy et Nick retrouvent la limousine qui s'avère appartenir à Mr. Big, le parrain de la mafia de Toundraville, dont Nick s'est fait l'ennemi en le trompant sur une marchandise qu'il lui avait vendue.
 En inspectant la limousine, dans laquelle ils retrouvent le portefeuille d'Otterton au milieu de multiples marques de griffes, Judy et Nick sont capturés par les ours polaires de Mr. Big et conduits dans sa villa. Le parrain (qui s'avère être une musaraigne), mécontent de revoir Nick accompagné d'une policière, envisage d'abord de les tuer jusqu'à ce que sa fille intervienne : c'est la jeune musaraigne dont Judy avait sauvé la vie. Reconnaissant, Mr. Big les épargne et accepte de répondre à leurs questions : il admet avoir envoyé une limousine à Otterton, qui était son fleuriste et qui avait quelque chose d'important à lui dire, mais Otterton n'est jamais venu au rendez-vous. Mr. Big leur donne l'adresse du jaguar chauffeur qui conduisait la limousine : Manchas, le seul à pouvoir leur dire ce qui est arrivé à Otterton sur le trajet.
 Judy et Nick se rendent dans le quartier de la forêt tropicale, où habite Manchas. Ils le trouvent chez lui, balafré à l’œil et terrorisé. Manchas leur annonce que c'est Otterton qui l'a mis dans cet état : pendant le trajet dans la limousine, Otterton est soudain devenu fou furieux et l'a sauvagement attaqué sans raison. Manchas leur annonce aussi qu'Otterton s'est mis à délirer et à parler de « hurleurs nocturnes ». Alors que Judy et Nick se demandent ce que sont les « hurleurs nocturnes », Manchas est pris à son tour de convulsions, devient lui aussi sauvage et pourchasse Judy et Nick à quatre pattes. Judy réussit à menotter le jaguar fou à un réverbère, sauvant la vie de Nick au passage, et prévient les renforts. Mais lorsque le chef Bogo et la brigade arrivent, le jaguar a disparu, à la surprise de Judy. Croyant qu'elle se paie sa tête et refusant de considérer Nick comme un témoin digne de foi, Bogo, à bout de patience, exige que Judy rende son badge sur-le-champ mais Nick, qui a fini par sympathiser avec elle, intervient et rappelle à Bogo qu'elle a encore dix heures pour conclure l'enquête.
 Lorsque Judy remercie Nick de l'avoir défendue, ce dernier lui explique que lui-même a été persécuté depuis son enfance parce qu'il est un renard, stéréotypé comme indigne de confiance, ce qui l'a poussé à devenir un arnaqueur. Nick a soudain l'idée d'examiner les vidéos des caméras de surveillance pour découvrir ce qui est arrivé au jaguar menotté au réverbère et Judy le conduit à la mairie où l'adjointe au maire Bellwether, méprisée et traitée comme une secrétaire par son patron, leur donne accès aux vidéos. Les caméras révèlent que ce sont des loups qui ont capturé le jaguar fou et l'ont emmené en camionnette à l'hôpital désaffecté de Cliffside, à l'extérieur de la ville. Judy et Nick se disent que ces loups doivent être les fameux « hurleurs nocturnes » et se rendent à Cliffside, où ils entrent par effraction en distrayant les gardes. À l'intérieur, Judy et Nick trouvent, enfermés dans des cellules en plexiglas, non seulement Otterton et Manchas, mais aussi les treize autres prédateurs qui avaient disparu, tous devenus sauvages. Ils découvrent aussi que le maire était au courant et qu'il harcèle le médecin pour trouver un traitement ; le maire étant un lion, il craint que cette épidémie ne provoque un mouvement de panique chez les citoyens à l'encontre des prédateurs de la ville et ne lui coûte son poste. L'alerte est donnée, mais Judy et Nick parviennent à s'échapper du bâtiment et contactent le chef Bogo pour lui annoncer qu'ils ont retrouvé tous les disparus. La brigade prend d'assaut l'hôpital et arrête le maire et ses complices, celui-ci insistant n'avoir agi que pour protéger la ville.
 Après ce coup de filet, Bellwether remplace Lionheart comme maire et Judy fait la une et devient une héroïne pour toute la ville. Devenue amie avec Nick, elle l'invite à s'engager dans la police à ses côtés avant de se rendre à la conférence de presse donnée dans le hall du commissariat. Cependant, interrogée sur la raison de la folie soudaine des prédateurs disparus, Judy annonce à la presse ce qu'elle a entendu entre le maire et le médecin la veille : ces prédateurs sont victimes de leurs gènes, qui ont fait remonter leur nature agressive profonde à la surface et les ont rendus aussi sauvages et vicieux qu'autrefois. Nick accueille très mal les commentaires de Judy sur les prédateurs, qui lui rappellent la méfiance dont il a été victime depuis sa jeunesse, et lui reproche ses propos irresponsables lorsqu'elle revient le voir. Judy lui explique qu'elle ne pensait pas à lui en disant ça, mais Nick l'accuse de toujours le considérer comme un ennemi, montrant comme exemple le spray anti-renard offert par ses parents qu'elle porte à sa ceinture. Judy, alarmée par le comportement de plus en plus agité de Nick, pose sa main sur son arme par réflexe, prête à se défendre. Nick voit dans ce geste la confirmation de ses propos et part, déçu et amer.
 Durant les semaines qui suivent, les incidents causés par des prédateurs devenus sauvages se multiplient. La panique et la haine raciale s'emparent de la ville, les prédateurs sont de plus en plus craints ou persécutés et des émeutes éclatent. S'estimant responsable de la situation, Judy quitte la police et retourne vivre chez ses parents à la campagne.
 Alors qu'elle est en train de vendre des carottes au stand de ses parents, elle a la surprise de voir arriver Gideon Grey, devenu pâtissier. Ses parents lui expliquent qu'inspirés par son ouverture d'esprit, ils se sont associés à Gideon. Celui-ci, en voyant Judy, s'excuse immédiatement auprès d'elle de s'être conduit comme un voyou durant sa jeunesse. Judy, touchée, accepte ses excuses. Durant la conversation qui suit, elle apprend que les « hurleurs nocturnes » sont une variété de crocus très toxiques et qu'un frère de sa mère est autrefois devenu fou furieux après en avoir mangé un. Elle comprend alors que c'est la toxine de ces fleurs qui a rendu les prédateurs sauvages et retourne immédiatement à Zootopie.
 Une fois de retour en ville, elle retrouve Nick et le supplie de lui pardonner et de l'aider une dernière fois. Devant ses larmes, il finit par accepter et les deux amis se réconcilient. Ils remontent la piste grâce à Duke Weaselton, le voleur de fleurs que Judy avait arrêté et, avec l'aide de Mr. Big, lui font avouer à qui il devait livrer les « hurleurs nocturnes » qu'il avait essayé de voler. Weaselton révèle qu'ils étaient destinés à Doug, un bélier peu sympathique qui vit dans une ancienne station de métro abandonnée.
 Nick et Judy s'y rendent et découvrent un laboratoire clandestin installé dans une vieille rame de métro, dans laquelle Doug, aidé par deux autres béliers, cultive et raffine les « hurleurs nocturnes » en un sérum qui, injecté dans des capsules tirées par un fusil ou un pistolet à air comprimé, rend instantanément les victimes sauvages. Doug reçoit un appel d'un mystérieux commanditaire, révélant qu'il est responsable de tous les cas de prédateurs sauvages. Judy prend le contrôle de la rame, avec l'intention d'amener le laboratoire entier à la police comme preuve. Les chimistes se lancent à leur poursuite, après avoir prévenu leur patron. Judy et Nick parviennent à les semer, mais le train déraille, les obligeant à sauter en marche avant qu'il n'explose, détruisant la quasi-totalité des preuves. Heureusement, Nick a sauvé l'étui contenant le pistolet à air comprimé chargé d'une capsule de sérum. Alors qu'ils coupent par le musée d'histoire naturelle fermé pour rénovations, Bellwether apparaît, accompagnée de plusieurs moutons policiers, mais Judy, méfiante, la reconnaît comme étant le véritable cerveau de l'opération. En tentant de fuir avec Nick, elle se blesse à la jambe, l'empêchant de courir, ce qui les oblige à se cacher lorsque Nick refuse de l'abandonner. Bellwether, tout en tâchant de les débusquer, explique qu'elle a orchestré ces attaques pour créer un climat de haine raciale envers les prédateurs (trop avantagés dans leur société et bénéficiant de trop de privilèges), afin d'unir les 90 % d'animaux-proies vivant à Zootopie contre un ennemi commun. Après les avoir piégés dans une fosse d'exposition, Bellwether récupère le pistolet et décide d'en finir en tirant sur Nick, avant de prévenir la police qu'un renard sauvage a tué le lieutenant Hopps dans le musée. Mais c'était sans compter sans la ruse de Nick qui, prévoyant le coup, avait substitué des myrtilles à la capsule de sérum et feint de chasser Judy sous son emprise, tandis que cette dernière enregistre les aveux de Bellwether sur son stylo. Bellwether tente de fuir, mais voit sa retraite coupée par Bogo et sa brigade qui l'arrêtent, ainsi que ses moutons.
 Bellwether se retrouve en prison, un antidote aux « hurleurs nocturnes » est trouvé et toutes les victimes redeviennent normales. Le calme revient en ville. Judy réussit à convaincre Nick de rentrer dans la police, tous deux finissent coéquipiers et patrouillent ensemble dans les rues pour faire régner la loi.
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  Source et légende : Version française (VF) sur RS Doublage[9]
 Source : IMDb[13] (liste non exhaustive).
 Le 9 août 2013, les studios Disney annoncent lors de l'exposition D23 que le réalisateur Byron Howard travaille sur une comédie d'aventure animalière nommée Zootopia[15]. Jared Bush est annoncé au scénario. Selon les dires de son réalisateur, le film serait très différent des autres productions d'animaux anthropomorphes dans lesquels les animaux vivent dans un monde sauvage ou avec les humains[15]. Le concept selon lequel les animaux vivent dans leur propre monde moderne conçu par eux-mêmes a été bien accueilli par John Lasseter, directeur créatif du studio à l'époque, qui, lorsque le projet lui a été soumis, aurait même rappelé au réalisateur Byron Howard l'image de Rafiki soulevant Simba dans Le Roi lion [15].
 Les deux réalisateurs ont déjà des « Classiques Disney » à leur actif : Byron Howard a coréalisé Volt, star malgré lui (2008) et Raiponce (2010) tandis que Rich Moore a réalisé Les Mondes de Ralph (2012).
 Le film n'a pas été produit dans les locaux historiques de la firme à Burbank, alors en travaux, mais à 8 km de là, dans une ancienne usine située à Tujunga Avenue, près de l'aéroport Bob Hope. D'après les réalisateurs, l'« ambiance de start-up » qui y régnait a favorisé le développement du film[16].
 Après que Byron Howard et Nathan Greno, réalisateurs de Raiponce, eurent achevé le film, le producteur John Lasseter leur demanda de lui soumettre au moins trois idées de films. Parmi les six idées environ qui furent soumises, presque toutes avaient en commun d'avoir comme personnages des animaux anthropomorphes[17],[18]. D'après Byron Howard, « l'un était un film spatial. Il s'appelait Pug, The Bounty Hunter » (litt. en français : « Carlin, le chasseur de primes »). « [Il y] avait un lapin de l'espace [...] en combinaison spatiale. » Un autre s'intitulait The Island Of Dr. Meow (« L'Île du Docteur Miaou ») et était « une sorte de version de film de série B ringard  — comme un film de Roger Corman [...] des années 1960. » Des adolescents se rendaient sur cette île et un chat de plus de 1,80 m de haut transformait ces gens en animaux[Note 1],[18].
 Une fois le projet lancé, Zootopie est d'abord conçu comme un film d'espionnage centré sur un personnage nommé « Jack Savage » ressemblant en quelque sorte à James Bond[19]. Avec l'aide du Disney Story Trust, un groupe composé du haut personnel créatif du studio qui se réunissait régulièrement pour discuter de tous les projets en développement, le film devient une procédure policière où Wilde a le rôle principal et Hopps principalement celui de faire-valoir[19],[20].
 Parmi les films qui les ont inspirés pour créer cette histoire, les deux réalisateurs citent notamment 48 heures (1982), Le Roi Lion (1994) ou bien encore Un fauteuil pour deux (1983)[16].
 À l’origine, le film était structuré pour que Nick soit le personnage principal et Hopps son faire-valoir[21]. En novembre 2014, les cinéastes ont réalisé que l’intrigue du film serait plus engageante s'ils échangeaient les rôles[21]. Ils ont ainsi réécrit le scénario pour se concentrer sur la description de Judy Hopps comme nouvelle arrivante en ville, naïve mais héroïque, et dont les idéaux égalitaires doivent faire face aux préjugés de Zootopie, contrairement à Nick Wilde, autochtone aigri qui subit cyniquement ces préjugés[21].
 Alors que le scénario évoluait, la personnalité de Judy Hopps est devenue plus optimiste et naïve, influençant par là même son apparence. Selon le directeur artistique des personnages, Cory Loftis, le plus gros défi a été de la rendre robuste alors que les lapins sont « mignons, doux et adorables », ce qui s'est principalement traduit par des bras et des cuisses plus massifs que pour un lapin réel. Mais contrairement à d'autres personnages, son processus de conception a été relativement facile car sa personnalité a été trouvée assez tôt et n'a nécessité que quelques retouches par la suite[a 1].
 Dans le monde de l'animation, rendre correctement la fourrure et les cheveux est une tâche considérée comme très ardue. Ici, non seulement les studios Disney doivent animer un personnage principal entièrement couvert de fourrure, ce qui n'était pas arrivé depuis Volt (sorti en 2008), mais l'intégralité des personnages de Zootopie sont dans le même cas. Alors qu'Elsa, héroïne de la Reine des Neiges, compte 400 000 cheveux, une souris et une girafe de Zootopie ont respectivement 480 000 et 9 millions de poils[22].
 Les travaux les plus récents que Disney avait entrepris en matière d'animation de la fourrure datait alors de son film Volt pour son personnage principal, mais le logiciel utilisé à l'époque n'était pas prêt pour créer la fourrure réaliste des animaux de Zootopie[23]. Les ingénieurs en informatique du studio ont donc développé le logiciel de contrôle de fourrure iGroom, ce qui donna aux concepteurs de personnage un contrôle précis sur le brossage, la forme et l'ombrage de la fourrure et rendit possible la création d'une variété de styles excentriques pour chaque animal[23]. Le logiciel était aussi capable de contrôler une sous-couche virtuelle pour donner à la fourrure une impression de moelleux à un degré sans précédent[23]. Cette fonction a été utilisée pour créer des personnages comme l'Officier Clawhauser, lequel possède une grosse tête faite de fourrure tachetée. Parmi les personnages avec un nombre remarquable de poils ou de cheveux se trouvent les deux personnages principaux, Judy Hopps et Nick Wilde, avec environ 2,5 millions de poils ; une girafe avec neuf millions ; une gerbille avec 480 000 et un rongeur avec plus de poils que les 400 000 cheveux de la tête d'Elsa dans La Reine des Neiges[23].
 Zootopie est le deuxième Disney, après Les Nouveaux Héros à utiliser le moteur de rendu Hyperion[23]. Un nouveau modèle de fourrure y a été ajouté pour faciliter la création d'images réalistes de la fourrure dense des animaux[23]. Nitro, une application d'affichage en temps réel développée depuis la réalisation des Mondes de Ralph, est utilisée pour rendre bien plus vite la fourrure plus consistante, intacte et subtile, contrairement à la pratique précédente de prédire le fonctionnement de la fourrure en réalisant et en observant la silhouette ou les poses du personnage[23]. Le générateur d'arbres et de plantes Bonsai, d'abord utilisé dans La Reine des neiges, est réutilisé pour réaliser de nombreuses variations des arbres avec un feuillage très détaillé[23].
 Les recherches sur le film eurent lieu au Disney's Animal Kingdom, au Kenya et au San Diego Zoo Safari Park, où les animateurs passèrent huit mois à étudier les différents démarches des animaux ainsi que la couleur des pelages[24],[23]. 800 000 formes de mammifères ont été créées pour et placées dans le film[23]. Afin de rendre les personnages encore plus réalistes, ils se rendirent aussi au musée d'histoire naturelle pour observer de près l'apparence de la fourrure au microscope sous des éclairages variés[23].
 Pour la conception urbaine de la ville de Zootopie, la réalisation s'inspira de villes importantes dont New York, San Francisco, Las Vegas, Paris, Shanghai, Hong Kong, et Brasilia[25]. Pour développer une cité qui pourrait être véritablement habitée par des animaux hauts de 5 cm (deux pouces) à 8 m (27 pieds) et venant de climats extrêmement différents, les cinéastes ont consulté des spécialistes de l'Americans with Disabilities Act et des concepteurs de systèmes de climatisation[26].
 Le film est réputé pour ses références foisonnantes au monde réel et aux fictions passées et à venir des studios Disney, en particulier sous forme de jeux de mots animaliers[27]. Il est ainsi possible d'identifier sur des jaquettes de DVD piratés des parodies de films d'animation des studios Disney[27].
 Parmi les anciens classiques Disney, Judy Hopps tapant du pied contre le sol fait référence à Panpan de Bambi tandis que le faux faon du muséum est une référence directe au personnage principal[28].
 La scène de la vente de glace contient des références à Dumbo. Ainsi, Finnick est déguisé en éléphanteau et la boutique a pour nom « Jerry Jumbeaux Jr. », Jumbo Jr. étant le véritable nom de Dumbo[28].
 Outre les liens possibles entre Nick Wilde et le personnage principal de Robin des Bois[29],[30],[28], le nom de famille du maire de Zootopie, Lionheart en français : « Cœur de lion », est aussi le surnom du roi Richard[28].
 La scène de revente des DVD piratés montre des jaquettes rappelant plusieurs films Disney : Big Hero 6 en français : « Les Nouveaux Héros » devient Pig Hero 6 en français : « Cochon héros 6 », Tangled en français : « Raiponce » devient Wrangled en français : « Chamaillés », et Wreck-It Ralph en français : « Les Mondes de Ralph » devient Wreck-It Rhino[27]. Mais cette scène révèle également des films pas encore sortis tels que Vaiana : La Légende du bout du monde (devenu Meowna), sorti un an après Zootopie, ou encore Frozen 2 (en français : « La Reine des Neiges 2 »), devenu Floatzen 2, sorti en décembre 2019[27],[31],[32].
 Plusieurs Hidden Mickey sont visibles dans le film. L'un est une tache sur la tête du guépard Clawhauser, tandis qu'un autre est une poupée à l'effigie de la souris rangée dans une poussette que croise Nick pendant une de ses combines[27].
 Dans une scène du film à Toundraville, deux enfants d'une famille d'éléphants portent les costumes d'Elsa et d'Anna de la Reine des Neiges[33]. En français et français québécois, le chef Bogo fait aussi référence au film en prononçant « libérée, délivrée », titre de la chanson du même nom[34]. Le personnage de Duke Weaselton, dont Judy écorche le nom en « Weselton », est également une référence au même film, dans lequel apparait le duc de Weselton ; les deux personnages sont doublés par Alan Tudyk dans la version originale[35]. Lorsqu'elle le poursuit, la lapine retire sa veste de la même façon qu'Elsa pendant Libérée, Délivrée, et le nom d'une boutique de pâtisseries fait référence au personnage Hans. En anglais, l'actrice Kristen Bell, qui a prêté sa voix à Anna et est fan de paresseux, l'a également fait pour le personnage de Pricilla[36].
 Certaines références et clins d’œil à la trilogie du Parrain[31] et à la série 21 Jump Street sont visibles dans le film[réf. nécessaire]. La deuxième meilleure réplique de l'histoire du cinéma américain selon le classement de l'American Film Institute, initialement prononcée par Marlon Brando dans le premier film de la trilogie Parrain, est notamment reprise et parodiée[31][source insuffisante].
 La scène du laboratoire avec les béliers en combinaison jaune fabricant un sérum à partir de fleurs bleues qui rendent les animaux sauvages est un hommage à Breaking Bad. Ainsi, les béliers participant à la fabrication du sérum s'appellent Jesse et Woolter (Jesse et Walter dans la série originale, ce dernier voit son nom changé pour un jeu de mots avec wool, « laine » en anglais), en hommage à des personnages de cette série. Selon les réalisateurs Byron Howard et Rich Moore, son origine vient de l'utilisation pendant des années de Breaking Bad comme exemple pour décrire cette scène. De nombreuses projections-test ont eu lieu, montrant que les adultes riaient devant la référence tandis que les enfants ne remarquaient rien[37].
 Selon Byron Howard, le nom complet de Nick Wilde est Nicholas Piberius Wilde, jeu de mots avec le personnage de fiction James Tiberius Kirk[38].
 La musique originale du film a été composée par Michael Giacchino[39]. Il s'agit de son premier projet pour un long-métrage des Studios d'animation Walt Disney [39], puisqu'il avait auparavant composé la musique du court-métrage de Dingo Comment brancher son home cinéma, les deux épisodes spéciaux et un court-métrage de Lutins d'élite, mission Noël, ainsi que le court-métrage La Ballade de Nessie. En plus de donner sa voix en version originale au personnage de Gazelle, la pop star Shakira a contribué à la chanson originale du film, nommée Try Everything (littéralement en français : « Essaie tout ») et écrite par Sia et Stargate[40],[41]. La bande originale du film a été enregistrée par un orchestre de 80 instruments en novembre 2015, avec Tim Simonec en chef d'orchestre[42].
 En décembre 2015, une série d'affiches parodiant les films populaires de l'année écoulée à la sauce de Zootopie est diffusée par les studios[43],[44]. Une opération marketing similaire a lieu fin février 2016 à l'approche des Oscars, où les personnages de Zootopie remplacent les acteurs principaux sur les affiches et où les noms des films sont changés. Ainsi, Bridge of Spies en français : « Le Pont des espions » devient Bridge of Sloths en français : « Le Pont des paresseux », The Revenant devient The Hibernant en français : « L'Hibernant », Mad Max: Fury Road  devient Mad Yax: Furry Road en français : « Yax le Fou : Route en fourrure », et Jurassic World devient Giraffic World (en français : ""Monde Giraffique""), entre autres[45].
 La première bande-annonce fut publiée en ligne le 11 juin 2015 sur la page YouTube en anglais de Walt Disney Animation Studios, et au cinéma avec le film Vice-versa de Pixar[46]. Une deuxième bande-annonce fut aussi publiée en ligne sur cette page Youtube le 23 novembre 2015 (et au cinéma avec Le Voyage d'Arlo de Pixar), présentant une séquence du film où les personnages principaux se rendent dans une préfecture (basée sur le DMV américain) opérée entièrement par des paresseux[47],[48]. La bande-annonce officielle du film est sortie en ligne sur la même page YouTube pour le réveillon de la Saint-Sylvestre 2015[49]. Des figurines de Judy Hopps et Nick Wilde furent mises en vente aux États-Unis pour Disney Infinity 3.0 le 1er mars 2016[50].
 Une entreprise de marketing numérique, Allied Integrated Media, est engagée par Disney pour atteindre les membres du fandom furry sur Meetup. Elle les encourage alors à poster des photos d'eux dans leurs costumes sur les réseaux sociaux avec le mot-dièse du film ; une forme de marketing viral[51],[44].
 Aux États-Unis, Zootopie a été acclamé par la critique[52],[53]. Sur Rotten Tomatoes, la note du film est de 98 % sur les 205 critiques prises en compte, avec une note moyenne de 8,1/10. La déclaration de consensus du site déclare que « le très complet Zootopie transmet un message réfléchi tout en étant compréhensible, aussi riche et équilibré que son animation très moderne – tout cela en restant suffisamment rapide et drôle pour divertir les jeunes spectateurs »[1],[Note 2]. Sur Metacritic, le film a un score de 78/100 basé sur 39 critiques, indiquant des « critiques généralement favorables »[54]. Sur CinemaScore, les audiences ont donné au film une note moyenne de « A+ » sur une échelle allant de A+ à F[55].
 Dans la presse spécialisée, Chris Nashawaty indique pour Entertainment Weekly que Zootopie « fournira suffisamment de matière à réflexion en ce qui concerne les préjugés et la tolérance » pour les amateurs de films qui « approchent les films d'animation pour enfants à la recherche de métaphores socio-politiques profondes », tandis que ceux après un « slapstick loufoque, des bons mots énergiques, et de petits rires légers » seront « des lapins beaucoup plus heureux » en sortant du film[56]. Peter Travers (en) de Rolling Stone écrit qu'il se pourrait que Zootopie soit « le film le plus subversif de 2016 », acclamant son message opportun sur les dégâts causés par les préjugés face à la rhétorique politique xénophobe en vigueur au moment de sa sortie, ainsi son humour[2]. Peter Debruge de Variety opina que Zootopie « joue directement sur les points forts du studio »[57]. Le critique d'IGN, Eric Goldman, donne au film une note de 9,0/10 'Amazing' en français : « Incroyable » et déclare que « Zootopie est un merveilleux exemple de comment Disney peut, au mieux de sa forme, mélanger son passé et son présent ensemble d'une façon très attractive et convaincante. Il reprend le trope d'animation classique des animaux qui marchent, parlent et agissent comme des humains, mais y donne une touche de modernité en termes d'humour et de style d'animation [...] ainsi que dans ses thèmes, lesquels sont porteurs de sens et étrangement d'actualité »[58].
 Du côté de la presse généraliste, Neil Genzlinger (en) du The New York Times considère le film « drôle, intelligent, et donne à réfléchir »[59].
 En Belgique, la cote globale de Zootopie est de 20/20 selon Cinenews[60].
 Dans les médias spécialisés, Ruben Nollet de Cinenews donne 16/20 au film, où il salue les « clins d’yeux et autres jeux de mots », l'humour, les couleurs, l'expérience des réalisateurs qui « parviennent à faire passer la morale de l’histoire sans faire usage d’un mégaphone », et déplore « l'insupportable chanson de Shakira »[61].
 Selon le barème d'Allociné, le film obtient une moyenne de 4/5 pour 28 critiques presses postées (dont 22 d'au moins 4/5)[62].
 Dans la presse cinéma française, Sylvestre Picard de Première, pour qui « la créativité semble avoir délaissé Pixar pour Disney », décrit Zootopie comme une « fable », le « récit d'un empowerment » à travers le personnage de Judy qui explique « avec force et clarté aux jeunes spectateurs pourquoi le racisme c'est mal, pourquoi le sexisme, c'est mal », où « les vannes, les répliques, l'enquête, tout fonce, pas un temps mort, les personnages secondaires sont à crever de rire et utilisent le talent le plus pur des designers Disney », souligne les détails de la ville « hallucinant d'humour, de justesse et de poésie », et conclut que « sans atteindre le niveau des chefs-d'œuvre monumentaux (Le Roi lion) ou psychos (Kuzco) du studio d'oncle Walt, on peut dire que Zootopie, pur Disney, est un futur classique »[63]. Pour Nicolas Didier de Télérama, « les studios Disney confirment qu'ils sont en forme », et considère le film comme « une initiation au polar, une version junior du Grand Sommeil », où « le scénario, d'une intelligence remarquable, nous rappelle que l'habit ne fait pas le moine, que la peur est une arme redoutable pour gouverner, et s'amuse avec pas mal de clichés que la firme Disney a elle-même forgés »[64]. Selon Théo Ribeton des inRocks, Zootopie est « un vivier prodigieusement fertile, s’amusant avec brio des variétés de tailles et de tempéraments des espèces, constituant in fine une sorte de recueil de fables de La Fontaine taillé sur mesure pour le melting-pot urbain », faisant « jaillir à l’écran un stade d’expressivité des animations faciales totalement inédit » et qui, « en plus d’installer un univers foisonnant et réjouissant, met aussi le linge sale sur la table »[65].
 L'Obs croit déceler de nombreuses ressemblances entre Zootopie de Walt Disney et l'album Chaminou et le Khrompire[66].
 Dans la presse spécialisée, John Nugent du magazine Empire qualifie Zootopie de « dessin animé pour tous les âges » et indique que « la dernière renaissance créative de la maison construite par Walt [Disney] (mais revigorée par Pixar) ne montre aucun signe de ralentissement ». Il lui donne une note de 4/5[67].
 Pour la presse généraliste en Suisse francophone, Antoine Duplan du Temps affirme que le « 55e « Classique d’animation » des studios Disney témoigne de l’esprit Pixar : vivacité de l’animation, insolence des personnages et touche satirique », où « le scénario ménage un twist souscrivant à la paranoïa ambiante et à la culture du complot selon lequel le lion doit apprendre à se méfier de l’agneau » et « la terreur ontologique des bêtes pacifiées retournant à la sauvagerie renvoie à L’Île du Dr. Moreau » en concluant qu'« après La Reine des neiges et Les Nouveaux Héros, Disney perpétue avec Zootopie une routine de la perfection graphique et scénaristique »[68].
 En Chine, un journal de l'Armée populaire de libération publia un éditorial accusant le film de promouvoir les morales occidentales et la propagande américaine, critiquant le rôle inversé des prédateurs et des proies du film[69],[70].
 En 2016, Zootopie rapporte 341,3 millions de dollars aux États-Unis et au Canada, et 682,5 millions de dollars dans le reste du monde pour un total de 1,024 milliards de dollars sur un budget initial de 150 millions[71],[72]. Le 18 mars 2016, le film dépasse le palier des 500 millions de dollars de recettes et devient le troisième film consécutif de Walt Disney Animation Studios à atteindre ce palier après La Reine des neiges (Frozen, 2013) et Les Nouveaux Héros (Big Hero 6, 2014)[73],[74]. Le 5 avril, il devient le premier film de 2016 à rapporter plus de 800 millions de dollars en vente de tickets[75], puis devient aussi le 24 avril le premier de l'année à passer la barre des 900 millions[76]. La limite du milliard de dollars est franchie le 5 juin, faisant de Zootopie le deuxième film de 2016 (après Captain America: Civil War, produit par le même groupe), le quatrième film d'animation (après Toy Story 3, La Reine des neiges et Les Minions), le onzième film Disney (troisième film d'animation Disney), et le vingt-sixième film tout court à franchir cette étape[77].
 Au niveau mondial, en termes de recettes, Zootopie est le quatrième film de 2016 (derrière Civil War, Rogue One et Le Monde de Dory)[78], le quatrième d'animation de cette année-là[78], le deuxième film à sa sortie originelle de Walt Disney Animation Studios depuis leur création (après la Reine des Neiges)[75], le deuxième film original (derrière Avatar)[79], le cinquième film d'animation le plus rentable de tous les temps, et le 28e plus gros succès du box office mondial. Il a été un temps le 25e film le plus rentable de tous les temps et le 26e à franchir le seuil du milliard de dollars de recettes dans le monde[80]. Il est le huitième film original en tenant compte de l'inflation[81]. Deadline.com a calculé un profit net de 294,9 millions de dollars pour Zootopie en tenant compte de toutes les dépenses et revenus autour de lui, faisant du film la cinquième sortie la plus rentable de 2016[82].
 Aux États-Unis, Walt Disney Home Entertainment a sorti Zootopie sur Blu-ray, Blu-ray 3D, DVD, et les plateformes de distribution numérique le 7 juin 2016. Il y a inclus du contenu bonus tel que « Scoretopia », une scène d'ouverture alternative et la vidéo musicale de Try Everything par Shakira[83]. Le film a démarré au sommet des classements de ventes de home media pour la semaine finissant le 12 juin 2016[84].
 En Inde, les droits satellites ont été vendus à Star Movies (en).
 Un jeu de société basé sur le film et nommé Zootopia: Suspect Search a été publié[85],[86].
 Des jeux vidéo comportant plusieurs personnages du film sont également sortis. Ainsi, Zootopie Scènes de Crimes, sorti en 2016 sur Android, iOS et Windows 10, était un jeu d'objets cachés reprenant l'univers de Zootopie [87],[88],[89]. Des personnages du film font également partie de Disney Infinity 3.0 à partir de 2016, un jeu multi-plateformes avec figurines et powerdisks[90],[91], et de Disney Heroes: Battle Mode, sorti sur Android et iOS en 2018[92],[93].
 Une adaptation du film en bande dessinée de 48 pages a été publiée en plusieurs langues dans la foulée de la sortie cinéma[94],[95]. Plusieurs histoires courtes originales se déroulant dans l'univers de Zootopie, scénarisées par Joe Caramagna, et dont une partie dessinée par Gurihiru (en), ont aussi été distribuées dans plusieurs pays[96],[97]. 
 Le 12 septembre 2018, Dark Horse Comics et Disney sortent un roman graphique en anglais de 48 pages titré Disney Zootopia: Friends To The Rescue (en français : « Disney Zootopie : Les Amis à la rescousse »). Il contient deux histoires scénarisées par Jimmy Gownley (en) et dessinées par Leandro Ricardo da Silva mettant en scène Judy Hopps et Nick Wilde pendant leur enfance[98],[99]. Un second tome, Disney Zootopia: Family Night (en français : « Disney Zootopie : Soirée en famille »), a été annoncé pour le 13 mars 2019[100].
 Le 22 janvier 2019, Shanghai Disneyland annonce la construction d'une zone sur le thème du film Zootopie[101],[102],[103].
 Dès le 22 mars 2016, avec le succès en salle de Zootopie (600 millions d'USD à l'international dont 173 en Chine) selon Forbes, le studio Disney pourrait produire une suite[104]. Selon Marc Snetiker d'Entertainment Weekly, bien que rien n'ait encore été annoncé, les adaptations et suites des précédents films à succès du studio sembleraient indiquer que « Zootopie est en position pour faire quelques bonds après sa course dans les salles. ». Il cite le réalisateur Byron Howard qui indique que beaucoup a été coupé pendant l'élaboration du film, tels que des quartiers évoqués et des personnages éliminés. Il indique aussi que le film a résolu la tâche difficile de construire un univers détaillé, ce qui offre maintenant un avantage pour une adaptation télévisée et qu'« un certain nombre de scénarios futurs pourrait être tirés de décors  que les cinéastes ont peiné à créer », comme l'hôtel en forme de palmier et les « maisons-dunes » de Sahara Square. Enfin, Rich Moore pointe la nécessité de résoudre des points d'intrigues restants, la plus grande interrogation des fans étant si la relation entre Judy Hopps et Nick Wilde est amoureuse ou amicale[105].
 Peter Sciretta de Slashfilm suppose quant à lui que les réalisateurs s'inspireront des séries télévisées, joueront probablement avec cette question de la relation entre les deux personnages jusqu'à Zootopie 3 et que les idées de suite sont encore en cours d'exploration par les créateurs et pourraient aussi bien concerner les parties qui n'ont pas fini dans le premier film qu'un retour aux sources du film (un film d'espionnage à la James Bond)[106].
 Après le passage du milliard de dollars de recettes au box office par le film, Erwan Lafleuriel d'IGN France rapporte que bien qu'« une suite à Zootopie n'est pas encore dans les projets de Disney pour l'instant », Byron Howard pense qu'elle est « tout à fait possible »[107].
 Le 3 février 2019, l'acteur Tom Lister, Jr., l'interprète en anglais de Finnick le fennec, révèle que deux suites au film Zootopie (2016) sont en préparation chez Disney afin d'en faire une trilogie[108],[109].
 En 2023, Bob Iger, président de The Walt Disney Company, annonce la mise en production simultanée de Zootopie 2, de La Reine des neiges 3 et de Toy Story 5 pour les studios Pixar, avec pour objectif de redynamiser les audiences, et l'économie de l'entreprise qui rencontre une crise créative importante[110].
 En avril 2016, le journaliste Arnaud Gonzague du Nouvel Observateur a affirmé que Disney a emprunté de façon « manifeste » pour Zootopie des éléments de l'album de bande dessinée Chaminou et le Khrompire. Selon lui, « chez Chaminou comme dans Zootopie, certains animaux ne respectent plus ce pacte  [de non agression entre prédateurs et proies] et redeviennent «sauvages»- même si les raisons qui expliquent cette rupture sont bien différentes dans les deux scripts. Et [...] dans les deux cas, l’affaire n’est pas celle que l’on croit »[66].
 À l'inverse, en Chine, le film d'animation La Folle ville des jouets (疯狂玩具城) produit par MSI Imaging Media et Wuhan Digital Media a été critiqué à sa sortie le 29 avril 2016 sur les sites de vidéo à la demande en continu pour son titre et son affiche similaires à ceux de Zootopie, puisque le titre en chinois de Zootopie est 動物方城市, soit ""La Folle ville des animaux"" en français. L'histoire est cependant différente du film de Disney et concerne un petit garçon transporté dans un monde de jouets[111].
 Le 21 mars 2017, une action en justice pour violation de copyright a été déposée contre Disney par Esplanade Productions, une entreprise appartenant à Gary L. Goldman, co-scénariste de Total Recall[112],[113]. La plainte affirme que Goldman a présenté à Disney en 2000 et 2009 un concept de film hybride live-action/animation nommé Looney, où il s'agissait d'un animateur socialement maladroit qui crée un dessin animé auto-inspiré appelé « Zootopia ». Disney a rejeté par deux fois l'idée, mais Goldman a accusé l'entreprise d'avoir copié les noms, les thèmes, les contextes et les tropes des personnages. La plainte contenait un ensemble d'illustrations conceptuelles précoces de personnages qui ressembleraient à des personnages majeurs du film, dont Nick Wilde, Judy Hopps, Flash et le Chef Bogo. Un porte-parole de Disney avait alors qualifié que la plainte était « montée avec des allégations manifestement fausses »[114]. Après plusieurs mois de délibérations en va-et-vient entre les deux parties, le juge fédéral Michael W. Fitzgerald (en) a rejeté les accusations le 8 novembre 2017. Selon l'examen final, « Les efforts de Goldman pour rendre semblables les intrigues de Looney et de Zootopie étaient forcés. Toutes les similitudes supposées entre les deux œuvres étaient des thèmes, pas des points de l'intrigue ou des séquences d'événements, qui étaient trop généraux pour être protégés par la loi sur le copyright »[115],[116].
 Le film est un polar et un buddy movie[117].
 Zootopie a beaucoup recourt à l'humour. Il est notamment présent sous forme de clins d'œil et de clichés délibérés[117].
 Pour l'auteur Gersende Bollut, le style graphique est proche de celui de Robin des Bois[117].
 Le film explore les thèmes des discriminations et des préjugés[118].
 Le succès commercial de Zootopie en Chine continentale est considéré comme un « gigantesque coup de chance » par Rob Cain de Forbes, car le film fit l'objet de peu de promotion de la part des studios[119] et devait faire face au moment de sa sortie à la suite d'une franchise très populaire, Ip Man 3. Dix jours après sa sortie en salles du 4 mars 2016, le film franchit la barre des 100 millions de dollars de recettes avec 112 millions de dollars. Les 9e et 10e jours d'exploitation dépassèrent consécutivement le record de revenu journalier de 129 millions de yuans (19,5 millions de dollars de l'époque) établi le mois précédent par Kung Fu Panda 3[120].
 Parmi les raisons avancées pour expliquer ce succès inattendu, Zootopie bénéficia d'abord de très bonnes notes des spectateurs, du bouche à oreille, et d'une sortie simultanée sur plusieurs supports de diffusion (« day-and-date release »)[120]. Selon Miranda Xu de NY China Style, Zootopie devint « du jour au lendemain » après sa sortie un sujet tendance sur « toutes les plateformes de réseau social » chinoises et « un phénomène Internet instantané »[121]. Julie Makinen pour le Los Angeles Times indique que le film a aussi bénéficié d'une augmentation des projections à la place d'Ip Man 3, lequel a été touché par un scandale de manipulation de chiffres de ventes de tickets en ligne[122].
 Selon Xinhua, le personnage de Flash est devenu une célébrité sur l'Internet chinois et a provoqué un intérêt pour les paresseux[123]. Quant à Nick Wilde, il est devenu selon Wei Xi du Global Times le modèle du petit ami ou du mari idéal pour un grand nombre de spectatrices[124].
 La popularité du film dans le pays a entrainé une hausse des ventes illégales de fennec auprès des particuliers voulant en faire leur animal de compagnie[125]. Cette espèce en danger est interdite à la vente en Chine[126], n'a pas un comportement adapté à la vie d'intérieur, et peut aussi bien tomber malade que transmettre des maladies à l'être humain[125],[127].
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//upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/1/11/Bon_article.svg/14px-Bon_article.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/1/11/Bon_article.svg/14px-Bon_article.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/8/83/Article_de_qualit%C3%A9.svg/14px-Article_de_qualit%C3%A9.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/1/11/Bon_article.svg/14px-Bon_article.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/8/83/Article_de_qualit%C3%A9.svg/14px-Article_de_qualit%C3%A9.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/1/11/Bon_article.svg/14px-Bon_article.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/8/83/Article_de_qualit%C3%A9.svg/14px-Article_de_qualit%C3%A9.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/1/11/Bon_article.svg/14px-Bon_article.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/7/77/United_States_film_clapperboard.svg/27px-United_States_film_clapperboard.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/0/08/Nokia_Lumia_1020_Front.svg/13px-Nokia_Lumia_1020_Front.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/d/da/Animation_disc.svg/26px-Animation_disc.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/4/4b/Goat_icon_yellow.svg/24px-Goat_icon_yellow.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/2/20/D_letter_upon_three_circles.svg/31px-D_letter_upon_three_circles.svg.png; https://login.wikimedia.org/wiki/Special:CentralAutoLogin/start?type=1x1; /static/images/footer/wikimedia-button.svg; /w/resources/assets/poweredby_mediawiki.svg,https://en.wikipedia.org/wiki/The_Fox_and_the_Child,The Fox and the Child,https://en.wikipedia.org/wiki/The_Fox_and_the_Child,"The Fox and the Child (French: Le renard et l'enfant) is a 2007 French adventure drama film directed by Luc Jacquet. Starring Bertille Noël-Bruneau, Isabelle Carré and Thomas Laliberté. The English version of the film is narrated by Kate Winslet. It tells the story of a young girl who explores through a forest looking for a fox.
 A young girl who's about 10 years old lives in a farm house in the Jura mountains in eastern France. One day in autumn, when she rides her bicycle to school through the forest, she observes a fox hunting. Of course, the fox escapes, but the girl yearns to meet the animal again.
 During the following months, the girl spends most of her free time in the forest trying to find the fox, but she doesn't meet it again until winter arrives. During the winter, she follows the fox's tracks far across the fields. Suddenly she compares her hand to the size of the tracks near those she is following and discovers they are relatively fresh wolf tracks. She is alarmed as a wolf pack begins howling near her. She runs away panicked, falls and hurts her ankle.
 The ankle heals very slowly, so that she has to stay at home during the winter reading a book about foxes and other animals of the forest.
 When spring arrives, the girl is looking for foxholes and waits for the fox, who she eventually names Lily. The fox has young babies and moves from one foxhole to another because of the girl's inquisitiveness; so the girl decides to observe the fox from a greater distance.
 The girl finds the fox again and tries to get the animal accustomed to her. She feeds it meat. Later she can even touch the fox and is led to the new den. Finally, the fox comes to her house and she lets it inside, wanting to show it her bedroom. But the fox becomes distressed at not being able to find a way out and escapes by smashing through the brittle plate glass window, shattering the glass. The fox is hurt badly but survives. The girl learns that she cannot keep wild animals as pets at home as they are unpredictable and are not possessions.
 Years later she tells the whole story to her son, as seen at the end of the film. Some versions (DVD English) replace this scene with an illustration.
 The film was shot on the Plateau de Retord in Ain, which the film director knows well because he spent his youth there, in the summer,[2] as well as in the  Abruzzo in Italy.
The foxes in the film were played by six animals: Titus, Sally, Ziza, Scott, Tango and Pitchou. Titus was the fox who had been tamed by Marie-Noëlle Baroni. It died on March 17, 2008, at the advanced age of 12 years.[3]",479,"Main page; Contents; Current events; About Wikipedia; Help; Learn to edit; Community portal; Upload file; ; learn more; Article; Talk; Read; Read; Upload file; ; Luc Jacquet; Bertille Noël-Bruneau; Isabelle Carré; Evgueni Galperine; Alice Lewis; Canal+; France 3 Cinéma; France Télévisions; Wild Bunch; Buena Vista International; French; adventure; drama film; Luc Jacquet; Bertille Noël-Bruneau; Kate Winslet; fox; Jura mountains; fox; foxholes; Ain; Abruzzo; Italy; Young Artist Award; Foxes in popular culture, films and literature; Box Office Mojo; Le Journal du dimanche; Wayback Machine; IMDb; Rotten Tomatoes; Categories; 2007 films; 2007 direct-to-video films; 2000s adventure drama films; French drama films; 2000s French-language films; Films about foxes; Films set in France; 2007 drama films; Films directed by Luc Jacquet; 2000s French films; Buena Vista International films; Articles with French-language sources (fr); Webarchive template wayback links; Articles with short description; Short description is different from Wikidata; Template film date with 1 release date; Rotten Tomatoes ID different from Wikidata; Creative Commons Attribution-ShareAlike 4.0 License; About Wikipedia; Disclaimers",Categories; 2007 films; 2007 direct-to-video films; 2000s adventure drama films; French drama films; 2000s French-language films; Films about foxes; Films set in France; 2007 drama films; Films directed by Luc Jacquet; 2000s French films; Buena Vista International films,/static/images/icons/wikipedia.png; /static/images/mobile/copyright/wikipedia-wordmark-en.svg; /static/images/mobile/copyright/wikipedia-tagline-en.svg; //upload.wikimedia.org/wikipedia/en/thumb/3/38/The_Fox_%26_the_Child.jpg/220px-The_Fox_%26_the_Child.jpg; https://login.wikimedia.org/wiki/Special:CentralAutoLogin/start?type=1x1; /static/images/footer/wikimedia-button.svg; /w/resources/assets/poweredby_mediawiki.svg
Les Animaux du Bois de Quat'sous,https://fr.wikipedia.org/wiki/Les_Animaux_du_Bois_de_Quat’sous,"modifier - modifier le code - voir Wikidata (aide)  Les Animaux du Bois de Quat'sous (The Animals of Farthing Wood) est une série télévisée de dessins animés en coproduction germano-anglo-hispano-française en 39 épisodes de 25 minutes, inspirée des livres pour enfants du même titre de Colin Dann, dont la série en est l'adaptation, et diffusée en Grande-Bretagne entre le 6 janvier 1993 et le 21 décembre 1995 sur BBC One.
 En France, la série a été diffusée en 1994 sur France 2 et France 3, en Suisse sur TSR2, en Belgique sur la RTBF et au Québec à partir du 21 juillet 1995 à la Télévision de Radio-Canada.
 Le succès de la série entraînera la création d'une autre série intitulée L'Île de Noé.
 Les animaux du Bois de Quat’Sous mènent une vie paisible dans leur petite forêt, mais au cours d’un été caniculaire leur logis est attaqué par les bulldozers et les bétonneuses. Menacés à la fois par l’homme et la sécheresse, les animaux sont contraints de fuir pour sauver leurs vies et n’ont plus qu’un seul espoir : parvenir à rallier le Parc du Daim Blanc, une réserve naturelle où tous pourront vivre en paix. Devant l’importance de la crise, ils décident d’établir un pacte les engageant à s’unir et à s’entraider pour atteindre ensemble leur destination. Reniant leur instinct de prédateur, les plus grands animaux promettent d’aider les plus petits et de les protéger pour la durée du voyage.
 Guidés par Crapaud, Renard et Blaireau, les animaux du Bois de Quat’Sous entament alors un grand périple à travers l’inconnu. Traversant champs et villes, entre rencontres heureuses et événements tragiques, ils apprendront à rester soudés et à affronter ensemble les épreuves et les dangers jalonnant leur chemin jusqu’au Parc du Daim Blanc.
 La nouvelle vie des animaux du bois de Quat’Sous n’est pas de tout repos. En effet, leur arrivée triomphale dans le Parc du Daim Blanc ne plaît pas à tout le monde et notamment à une famille de renards bleus dirigée par le Balafré. Le pacte garde ici tout son sens et Renard et les siens devront rester solidaires pour lutter contre cette nouvelle menace.
 Tout le monde vit heureux dans le Parc du Daim Blanc, mais cette vie paisible ne sera que de courte durée car de nouveaux dangers menacent les animaux : un gros rat blanc nommé Tibère entend envahir le parc. Brute, le nouveau chef du troupeau de daims blancs, se montre plus cruel de jour en jour, le torrent est empoisonné et il est interdit de boire à la mare, et d’étranges disparitions se produisent. Le pacte des animaux du Bois de Quat’Sous sera-t-il assez solide pour affronter ces événements ?
 Finalement, Tibère est vaincu et quitte le parc, suivi par le reste des rats. Brute a laissé sa place de chef au petit-fils du Grand Daim Blanc, un daim sage et juste et tout le monde peut de nouveau s'abreuver à la mare. Tandis que le Parc fusionne avec un autre, Renard, se faisant vieux, nomme Courage, son petit-fils, chef des animaux du bois de Quat'Sous.
 Cette liste ne présente que les personnages récurrents de la série, de nombreux personnages secondaires qui apparaissent dans un seul épisode n'y sont pas repris.
 À noter que, lors de cette troisième saison, plusieurs personnages résidant dans le parc lors des deux premières ne réapparaissent pas sans que la raison de leur absence soit expliquée. Ce sont : Crécerelle, Taupinette, Crapotte, le Corbeau, et tous les renards bleus sauf Voyou mais ils doivent juste continuer leur vie de leur côté.
 Les protagonistes rencontrent tout au long de leur aventures des ennemis. Bien que la majorité soient épisodiques, on peut toutefois en noter des récurrents qui apparaissent dans deux épisodes de suite :
 Certains épisodes se déroulent des jours, voire des mois après le précèdent.
 Bien que la série soit fidèle aux livres, même jusqu'aux plus petits détails scénaristiques, elle comporte toutefois quelques libertés par rapport aux livres et quelques erreurs d'orthographe et de réalisation, parmi lesquelles, les plus importantes :",674,Accueil; Portails thématiques; Article au hasard; Contact; Débuter sur Wikipédia; Aide; Communauté; Modifications récentes; ; Rechercher; en savoir plus; Contributions; Discussion; Article; Discussion; Lire; Lire; Pages liées; Suivi des pages liées; Téléverser un fichier; Pages spéciales; ; Allemagne; ; Espagne; ; France; ; Royaume-Uni; BBC One; 6; janvier; 1993; 21; décembre; 1995; (aide); ; série télévisée; dessins animés; germano; anglo; hispano; française; Colin Dann; 6; janvier; 1993; 21; décembre; 1995; BBC One; France; 1994; France 2; France 3; Suisse; TSR2; Belgique; RTBF; Québec; 21; juillet; 1995; Télévision de Radio-Canada; L'Île de Noé; Crapaud; Renard; Blaireau; Michael Hirsh; Philippe Leclerc; Bernard Tiphaine; Marc de Georgi; Laurence Badie; Raoul Delfosse; Évelyne Grandjean; Maaïke Jansen; Jean-François Kopf; Claude Chantal; Mireille Audibert; Serge Lhorca; Guillaume Lebon; Gérard Surugue; Gérard Hernandez; Henri Poirier; Brigitte Lecordier; renard roux; blaireau; crapaud; belette; chouette hulotte; vipère; quatrième mur; faucon crécerelle; taupe; lapins; tritons; campagnol; faisans; lièvres; hérissons; musaraignes; pie-grièche; écureuil gris; héron; daim; renard bleu; chat; chien; corbeau; rat; harde; corneille; hibou; ; Allemagne; ARD; WDR; ; Autriche; ORF; ; Belgique; BRT; RTBF; ; Croatie; ; Canada; Radio-Canada; ; Danemark; DR; ; Espagne; TVE; ; Finlande; YLE; ; France; France 2; France 3; ; Irlande; RTE; ; Italie; RAI; ; Pays-Bas; NOS; ; Norvège; NRK; ; Royaume-Uni; BBC; ; Suède; SVT; ; États-Unis; Cartoon Network; ; Suisse; SRG SSR; TSI; ; Turquie; TRT; ; Japon; Planète Jeunesse; ; Portail de l’animation; ; Portail des séries télévisées; ; Portail des années 1990; ; Portail de la télévision britannique; 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An animated Animals of Farthing Wood television series based on the books aired in the 1990s, created by the European Broadcasting Union.[2]
 The books tell the story of a group of woodland animals whose home has been paved over by developers. They learn of a nature reserve, White Deer Park, where they will be safe, and undertake to make the journey together. They form an Oath, promising to protect one another and overcome their natural instincts until they reach their destination.
 The Animals of Farthing Wood, the first book in the series, was first published by John Goodchild Publishers in the United Kingdom in the first half of 1979 as two separate paperbacks. The first was known as Escape from Danger and the second was known as The Way to White Deer. After this one instance, they have been released as one novel.
 The original book was meant to be a stand-alone book, with the animals reaching White Deer Park at the end. The success of the book led to a further six novels detailing the adventures of the animals once they reached White Deer Park, and a prequel showing how Farthing Wood came to be destroyed. The cover illustrations for this original series were painted by Portal artist Frances Broomfield.
 Dann revealed in an interview with the ""Green Action"" radio programme on Q96 that the two-book version was special-issue for a children's book club that operated through British primary schools and included some illustrations left out of the original.[citation needed]
 In the Grip of Winter was published in 1981, Fox's Feud was published in 1982, and The Fox Cub Bold was published in 1983. An omnibus edition of all three books was published in 1994 by Hutchinson. The Siege of White Deer Park was first published in 1985, In the Path of the Storm was first published in 1989, and Battle for the Park was first published in 1992. Those three books were made into a second omnibus in 1995 by Hutchinson.
 In 1994, the last book in the series, Farthing Wood: The Adventure Begins, was released.",389,Main page; Contents; Current events; About Wikipedia; Help; Learn to edit; Community portal; Upload file; ; learn more; Article; Talk; Read; Read; Upload file; The Animals of Farthing Wood (TV series); talk page; Learn how and when to remove these messages; ; single source; talk page; introducing  citations to additional sources; ; verification; adding citations to reliable sources; Learn how and when to remove this message; Learn how and when to remove this message; ; Colin Dann; Children's; Fantasy novel; Heinemann; Hardback; Paperback; Colin Dann; Animals of Farthing Wood television series; European Broadcasting Union; Q96; citation needed; omnibus; Hutchinson; Farthings Wood; Independent; Variety; Portal; Children's literature; Categories; Series of children's books; Novel series; 1979 novels; Animals of Farthing Wood books; Children's books about foxes; Children's books about frogs; Heinemann (publisher) books; Novels about foxes; Novels about talking animals; Children's novels about rabbits and hares; Children's books about owls; Children's books about snakes; Children's books set in forests; Articles with short description; Short description is different from Wikidata; Articles needing additional references from July 2015; All articles needing additional references; Articles needing additional references from January 2013; Articles with multiple maintenance issues; Use dmy dates from August 2022; Use British English from August 2022; All articles with unsourced statements; Articles with unsourced statements from January 2013; Creative Commons Attribution-ShareAlike 4.0 License; About Wikipedia; Disclaimers,Categories; Series of children's books; Novel series; 1979 novels; Animals of Farthing Wood books; Children's books about foxes; Children's books about frogs; Heinemann (publisher) books; Novels about foxes; Novels about talking animals; Children's novels about rabbits and hares; Children's books about owls; Children's books about snakes; Children's books set in forests,/static/images/icons/wikipedia.png; /static/images/mobile/copyright/wikipedia-wordmark-en.svg; /static/images/mobile/copyright/wikipedia-tagline-en.svg; //upload.wikimedia.org/wikipedia/en/thumb/b/b4/Ambox_important.svg/40px-Ambox_important.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/en/thumb/9/99/Question_book-new.svg/50px-Question_book-new.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/en/thumb/9/99/Question_book-new.svg/50px-Question_book-new.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/en/thumb/a/a9/The_Animals_of_Farthing_Wood.JPG/200px-The_Animals_of_Farthing_Wood.JPG; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/1/1d/Tom_Sawyer_1876_frontispiece.jpg/14px-Tom_Sawyer_1876_frontispiece.jpg; https://login.wikimedia.org/wiki/Special:CentralAutoLogin/start?type=1x1; /static/images/footer/wikimedia-button.svg; /w/resources/assets/poweredby_mediawiki.svg
Les Aventures de Bernard et Bianca,https://fr.wikipedia.org/wiki/Bernard_et_Bianca,"Vous lisez un « article de qualité » labellisé en 2021.
 Pour l’article homonyme, voir Bernard et Bianca (album).
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 Série Classiques d'animation Disney Les Aventures de Winnie l'ourson(1977) Rox et Rouky(1981) Série Bernard et Bianca Bernard et Bianca au pays des kangourous(1990) Pour plus de détails, voir Fiche technique et Distribution. modifier  Les Aventures de Bernard et Bianca (The Rescuers) est le 29e long-métrage d'animation et le 23e « Classique d'animation » des studios Disney. Sorti en 1977, il est adapté des ouvrages de Margery Sharp, The Rescuers (1959) et Miss Bianca (1962).
 Après une tentative d'adaptation abandonnée du vivant de Walt Disney, opposé à la présence de références politiques dans le projet, le film est finalement mis en production en 1973. Il devient ainsi le premier projet des nouveaux animateurs des studios Disney. Les Aventures de Bernard et Bianca marque en effet le début de la transition entre l'ancienne et la nouvelle génération d'animateurs destinée à prendre la relève du studio Disney.
 Malgré un dépassement de budget en comparaison aux précédents longs-métrages d'animation du studio Disney, le film reçoit un accueil critique très positif et connaît un grand succès préfigurant la « renaissance Disney » avec des films comme La Petite Sirène, Aladdin ou Le Roi Lion.
 Les critiques, qui ont mal accueilli Les Aristochats et Robin des Bois, saluent chaleureusement la conception et le scénario, preuve de l'attente au retour d'un film d'animation Disney avec sentiments. Le film permet en effet au studio Disney de renouer avec les longs-métrages d'animation centrés sur un scénario et de l'émotion, dans la lignée des premiers longs-métrages (Blanche-Neige et les Sept Nains, Dumbo, Bambi), mais disparus depuis La Belle au Bois Dormant (1959). Il amène également les studios à abandonner la production des longs-métrages d'animation au ton léger, comme Le Livre de la jungle ou Robin des Bois, par nécessité de la richesse du scénario.
 Le film connaît également le succès mondial, notamment en Allemagne et en France, où il dépasse La Guerre des étoiles. Il devient ainsi le plus gros succès de l'année au box-office français, ce qui fait des Aventures de Bernard et Bianca le dernier film d'animation Disney à se hisser en tête du box-office avant Le Roi lion (1994). Du fait de cet important succès, le film ravive l'intérêt de la critique et du public pour l'animation, quelque peu oubliée depuis le début des années 1970.
 Les Aventures de Bernard et Bianca est le premier film d'animation sorti en Dolby stéréo, un nouveau système sonore donnant à la bande-son une qualité supérieure aux précédents films d'animation. Cependant, peu de salles étant encore équipées à cette époque pour le Dolby stéréo, le film sort également en son monophonique.
 Une suite, intitulée Bernard et Bianca au pays des kangourous, sort en 1990 pour capitaliser sur le succès du film.
 Une jeune orpheline nommée Penny est enlevée et enfermée dans un bateau à aube abandonné du Bayou du Diable. Un jour, elle jette à l'eau une bouteille contenant un message de détresse. La bouteille dérive dans l'océan et finalement s'échoue dans le port de New York où elle  est découverte par la SOS Société, une organisation internationale de souris qui a élu domicile dans les caves du bâtiment des Nations unies. Miss Bianca, une souris blanche déléguée de Hongrie, se porte volontaire au secours de Penny. Après un temps d'hésitation, le président de la SOS Société suggère de lui adjoindre un coéquipier. Ne sachant qui choisir entre les différents délégués masculins prêts à l'accompagner, Bianca choisit finalement à la surprise générale Bernard, le concierge balbutiant atteint de triskaïdékaphobie[1].
 Le duo se rend d'abord à l'endroit auquel la lettre était destinée : l'orphelinat Clair Matin (Morningside en VO) où vivait Penny. Les souris y rencontrent un vieux chat nommé Rufus. Celui-ci leur apprend que les autorités humaines ont renoncé à rechercher l'orpheline, considérant sa disparition comme une fugue à cause du fait qu'elle pensait ne jamais pouvoir être adoptée. Il mentionne également Mme Médusa, qui avait tenté d'entrainer un jour Penny dans une combine louche. Bien qu'estimant que cette piste ne peut mener nulle part, il donne aux souris l'adresse du magasin de prêt-sur-gage. Sur place, Bernard et Bianca surprennent une conversation téléphonique entre Médusa et son associé Snoops. Ils apprennent que les deux compères sont bien les ravisseurs de Penny, qu'ils séquestrent au Bayou du Diable, et qu'ils sont à la recherche du plus gros diamant du monde, l’Œil du Diable.
 Face à l'incapacité de Snoops d'empêcher Penny d'envoyer des messages dans des bouteilles, Médusa décide de les rejoindre. Bernard et Bianca tentent de l'accompagner discrètement mais sont expulsés de la voiture pendant le trajet jusqu'à l'aéroport à cause de la conduite irresponsable de Médusa. Grâce à un albatros du nom d'Orville, les deux souris parviennent finalement jusqu'au bayou alors que Penny est en train de faire une nouvelle tentative d'évasion à travers les marécages. Les deux équipiers se lient d'amitié avec Annie Bouée et son mari Luke, exaspérés comme la majorité des habitants du bayou par la présence de Médusa. Ces derniers proposent leur aide et celle de leurs voisins. Le groupe voit alors que Penny est rattrapée par Néron et Brutus, les crocodiles de Médusa. Avec l'aide de la libellule Evinrude, Bernard et Bianca prennent non sans difficultés les reptiles en filature et localisent ainsi le bateau où Penny est détenue.
 Les deux souris surprennent une discussion entre Médusa et Snoops qui leur apprend que Penny a été enlevée car sa petite taille lui permet de passer l'étroit passage donnant sur une grotte où est caché l’Œil du Diable. Après avoir été pourchassés par les deux crocodiles, Bernard et Bianca trouvent Penny et préparent un plan d'évasion avec elle tandis qu'Evinrude alerte les locaux qui se sont réunis chez Annie et Luke en attendant leur signal. Mais Evinrude est retardée par un groupe de chauves-souris en chasse et doit se cacher. Le lendemain matin, Médusa et Snoops emmènent Penny dans la caverne où se trouve l'Œil. Pour la forcer à récupérer le diamant, Médusa garde avec elle son ours en peluche. Bernard et Bianca sont cachés dans la poche de la jupe de la petite fille que Snoops fait descendre dans la grotte. Ensemble, ils arrivent à trouver la pierre précieuse, dissimulée dans le crâne de l'un des pirates morts dans cette grotte. Toutefois, le crâne est fermement coincé dans la roche et l'eau est montée dangereusement durant leurs recherches. Malgré les supplications de Penny, apeurée par la marée, Médusa refuse de la faire remonter. La fillette utilise un sabre pour entrouvrir la mâchoire du crâne pendant que les souris essayent de le sortir depuis l'intérieur. Ils parviennent in extremis à récupérer le diamant et arrivent à rejoindre tant bien que mal la sortie.
 À sa sortie de la grotte, Penny est interceptée par Snoops et Médusa. Cette dernière souhaitant duper son comparse, prend le diamant et le cache dans l'ours en peluche. De retour au bateau, elle pointe un fusil sur son associé et Penny afin de les empêcher de la suivre. Mais en s'enfuyant, elle trébuche sur un câble tendu par Bernard et Bianca et fait tomber l'ours. Penny récupère sa peluche et s'enfuit en courant. Les animaux du voisinage, enfin prévenus, arrivent alors au bateau et aident les souris à emprisonner les deux crocodiles. Ensuite, ils allument les feux d'artifice que Snoops stockait sur le bateau pour localiser Penny lors de ses tentatives d'évasion nocturnes, augmentant le chaos et faisant sombrer le bateau sous les eaux du bayou. Pendant ce temps, les souris et Penny arrivent à voler l'hydroglisseur artisanal de Médusa. Cette dernière tente en vain de les poursuivre en utilisant ses crocodiles comme des skis nautiques mais finit accrochée à l'une des cheminées du bateau tandis que les deux sauriens irrités par la manœuvre essayent de l'attraper, le tout sous le regard moqueur de Snoops qui s'éloigne sur un radeau de fortune.
 De retour à New York, la SOS Société regarde un reportage sur la découverte par Penny du diamant de l’Œil du Diable qui a été offert à la Smithsonian Institution et sur l'adoption de la jeune fille. La réunion est interrompue par Evinrude qui survient avec un appel à l'aide qui amène Bernard et Bianca vers une nouvelle aventure.
 Sauf mention contraire, les informations proviennent des sources suivantes : Leonard Maltin[3], John Grant[4], Mark Arnold[5] et IMDb[6].
 Sauf mention contraire, les informations proviennent des sources suivantes : Leonard Maltin[3], John Grant[4] et Mark Arnold[5].
 Sauf mention contraire, les informations suivantes sont issues de l’Internet Movie Database[9].
 
 Bernard et Bianca est, à l'origine, une série de neuf romans écrite par Margery Sharp : The Rescuers (1959), Miss Bianca (1962), The Turret (1963), Miss Bianca in the Salt Mines (1966), Miss Bianca in the Orient (1970), Miss Bianca in the Antarctic (1971), Miss Bianca and the Bridesmaid (1972), Bernard the Brave (1977) et Bernard into Battle (1978). Ce n'est qu'après la sortie du second roman en 1962, que l'idée d'adapter Miss Bianca en film d'animation est évoquée au sein du studio qui acquiert les droits d'adaptation de la série[10] et non juste du premier tome. Le concept de base est de raconter les aventures de souris ayant fondé une agence internationale d'aide aux victimes installée dans les sous-sols du siège de l'ONU, à New York[10]. Le film s'appuie finalement sur les deux premiers tomes[11]. L'idée de cette adaptation date de la période où Walt Disney était encore en vie[12]. Mark Arnold situe le premier projet en 1962[13].
 La première tentative d'adaptation s'organise autour de la libération d'un prisonnier enfermé dans une forteresse d'une zone sibérienne sous le joug d'un régime totalitaire[10]. Ce scénario adapte le premier tome du roman dans lequel Bianca, Bernard et une troisième souris nommée Nils viennent en aide à un poète norvégien emprisonné[10],[12]. Walt Disney avait suggéré de remplacer le poète par un ours polaire nommé Willie, prisonnier d'un zoo[12]. Le projet est abandonné à la suite d'une décision de Walt Disney qui désapprouvait l'incursion de la politique dans le divertissement[10],[12].
 Après la mort de Walt Disney en 1966, au moins trois des histoires de Margery Sharp sont envisagées[10]. Le projet ne reprend qu'en janvier 1973 en utilisant à nouveau le second roman comme source principale d'inspiration[8]. Le film s'appuie donc sur les deux premiers tomes, The Rescuers et Miss Bianca[8]. Le scénario qui sort du lot concerne une petite orpheline nommée Penny, enlevée dans le bayou du sud américain par Mme Médusa, qui souhaite profiter de sa taille pour récupérer un diamant caché dans une cave[10].
 Au début des années 1970, deux productions sont entamées mais la direction du studio décide qu'une seule peut sortir au cinéma[14]. Ces deux premières productions, qui n'ont pas été lancées par Walt Disney, sont Scruffy et l'adaptation des histoires de Margery Sharp[14]. Les adaptations de Sharp sont dirigées par Don Bluth et vues comme un moyen d'entraîner les jeunes animateurs, mais le niveau du film passe régulièrement du premier au second plan et vice-versa[15].
 En 1975, la production des Aventures de Bernard et Bianca se poursuit. Le studio Disney règne sur le milieu de l'animation, les concurrents s'étant tournés vers la production de séries télévisées d'animation[16].
 Charles Salomon évoque la production intitulée Scruffy, dirigée pendant deux ans par Ken Anderson et centrée sur un macaque berbère de Gibraltar durant la Seconde Guerre mondiale[17]. L'histoire est une adaptation du livre Scruffy (1962) de Paul Gallico[15]. Cependant, le scénario est trop proche des précédentes productions : d'un côté, il met en scène un chef macaque chantant, rôle parfait pour Phil Harris mais trop semblable au Livre de la Jungle ; de l'autre, il représente une femelle macaque apprivoisée et choyée par ses maîtres, prénommée Amélia, qui se joint à la bande de Scruffy et menace ainsi de dissoudre son groupe, ressort de scénario déjà présent dans La Belle et le Clochard (1955) et Les Aristochats[17]. Le couple formé par Scruffy et Amélia devait, après maintes péripéties avec un espion allemand et un général et son chien, devenir les parents adoptifs de jumeaux, ressort émotionnel présent dans Les 101 Dalmatiens (1961)[17]. Finalement cette production est restée inachevée à la fin des années 1970[17]. L'autre production, Bernard et Bianca est portée par Fred Lucky[NB 1], un dessinateur de presse canadien récemment arrivé chez Disney[14]. Pour Fred Lucky, le mélange de singes et de soldats nazis dans Scruffy est une combinaison gagnante[14]. Pourtant, la direction des studios a finalement choisi Bernard et Bianca[14].
 Une version de travail du film comprenait un ours nommé Louis qui s'échappait d'un zoo aidé par les deux souris Bernard et Bianca, et dont la voix devait être celle de Louis Prima[18] (le roi Louie dans Le Livre de la jungle). D'après Fred Lucky, cet ours polaire était prisonnier en Arctique d'un Roi des Pingouins vivant dans une immense goélette et il devait danser pour son geôlier[15]. Floyd Huddleston, auteur de Everybody Wants to be a Cat pour Les Aristochats (1970) compose six chansons pour Les Aventures de Bernard et Bianca interprétées par Louis Prima, Sam Butera et les Witnesses mais elles ne sont finalement pas utilisées[15],[18]. Durant l'été 1975, Louis Prima commence à souffrir de maux de tête. En octobre 1975, il est opéré d'une tumeur au cerveau, opération qui le plonge dans un coma ; il meurt près de trois ans plus tard sans avoir repris connaissance[13]. Ce projet est abandonné et l'équipe d'animation principale qui vient d'achever Robin des Bois se retourne vers l'ours polaire[15]. Mais le décor arctique pose problème aux animateurs car trop vide[15].
 Les Aventures de Bernard et Bianca sont basées sur les romans de Margery Sharp mais il y a plusieurs différences entre le film et l'œuvre originale. Ollie Johnston et Frank Thomas indiquent que le premier tome offre un scénario avec du suspense et du tragique mais pas assez d'humour, dans lequel les deux souris doivent sauver une petite fille captive d'une vieille femme froide et cruelle[19]. Pour corriger cela, la méchante est rendue plus tape-à-l'œil et avec une personnalité plus excentrique[19]. Les deux animateurs et auteurs expliquent que le scénario est revu de nombreuses fois pour exprimer le désir consumant de cette femme et ses sinistres plans, mais sans jamais donner entière satisfaction[19]. La solution est finalement arrivée quand Geraldine Page est auditionnée pour la voix du personnage de Médusa, offrant un personnage fanatique et vaniteux[19]. Les premiers concepts sont timides mais sa voix permet d'aller plus loin[19].
 Un autre point du développement est la question des souris : sont-elles mariées ou non[20] ? Afin de renforcer les émotions du film, les personnages sont des amateurs dans le métier du sauvetage et leur relation amoureuse balbutiante[21]. Ainsi la scène où Bernard tente de poser son bras sur Bianca endormie contre lui sur l'albatros permet au public de se faire l'écho des premiers rendez-vous et de s'identifier aux personnages[20]. Le fait d'avoir des amateurs au lieu d'un duo expérimenté et sûr de lui offre de nombreuses possibilités comme l'absence de logique de Bianca ou la maladresse de Bernard[21]. Une séquence abandonnée conçue par Ken Anderson devait présenter les souris en train de se préparer pour la mission, Bianca sélectionnant différentes tenues, parfois inadaptées, tandis que Bernard, tel un James Bond, prend des inventions et des armes qu'il assure manier pour impressionner Bianca[21].
 Penny est inspirée du personnage de Patience, une jeune orpheline dans le roman de Margery Sharp. Enlevée par Mme Médusa afin de récupérer le diamant « l'Œil du Diable », elle jette à la mer une bouteille contenant un message de détresse. John Grant la décrit comme « une mignonne petite fille, un peu trop [mignonne] si l'on prend en compte sa voix[22]. » Elle a des cheveux brun blond attaché à l'arrière et des yeux bleu gris assortis à sa robe[22]. Pour Grant, comme de nombreuses personnes attrayantes, elle est convaincue de ne pas l'être et se sous-estime, ce qui permet à Mme Medusa de jouer avec ses sentiments[22]. Penny est très attachée à son ours en peluche, Teddy, qui est le symbole de son absence d'amis[22]. L'attachement à Teddy est toutefois la cause de la perte de Mme Medusa, Penny le gardant par devers tout alors qu'il contient le diamant[22].
 Pour Lynda Haas, le film fait partie des nombreuses productions de Disney où le personnage principal n'a pas de mère[23]. David Koenig s'amuse, dans son livre Mouse Under Glass, à réaliser un classement du « niveau d'orphelinage »[NB 2] mesuré sur une échelle de 1 à 100, du plus antipathique au plus pathétique-sympathique des personnages de Disney. Il y classe Penny en haut avec un score maximal, suivi par Quasimodo dans Le Bossu de Notre-Dame, Bambi puis Dumbo (scores entre 80 et 92)[24].
 Pour Thomas et Johnston, ce n'est donc pas la nature imprévisible et sauvage de Médusa qui retient l'attention du public mais la situation difficile et poignante de la petite fille esseulée[25]. Pour Woolie Reitherman, bien qu'elle soit entourée de nombreux personnages forts, c'est Penny qui porte l'histoire par sa sincérité[26]. Pour cette raison, le personnage est dessiné de façon réaliste, contrairement aux méchants au style graphique plus libre[27]. C'est le scénariste Vance Gerry qui définit la bible du personnage, ses attitudes et expressions[28]. Pour rendre le personnage de Penny réaliste, deux fillettes de cinq ans ont été filmées non pour reproduire des scènes du film mais pour trouver les limites des actions, les bons mouvements et la meilleure façon de les faire[26].
 Afin de présenter le personnage de Penny et son désir d'être adoptée, une scène joyeuse d'une visite au zoo avait été prévue, esquissée et en partie animée[29],[30]. Cependant, durant les réunions de production, il s'est avéré qu'une scène plus émouvante captiverait davantage le public[29]. David Koenig précise qu'il fallait une scène rapprochant le personnage du public plus rapidement[30]. Le pathos associé à Penny est au centre du film[29]. Des danses ou chansons pour d'éventuelles rencontres avec de potentiels parents adoptifs ont été proposées mais le surplus de travail nécessaire a eu raison de ces idées[29].
 Désireux d'émouvoir au plus vite le public, Vance Gerry suggère finalement l'image de Penny restant seule assise sur un lit, dans une chambre désertée par les autres enfants qui ont été adoptés, où elle est rejointe par le chat Rufus[29]. Vance Gerry (pour les esquisses) et Larry Clemmons (pour le texte) développent ainsi l’idée qui apparaît dans le film[29]. Gerry propose plusieurs possibilités pour l'angle de vue ou la proximité de la fenêtre de cette scène, avec Penny assise ou non sur son lit, différents uniformes, différentes tailles et dispositions de chambre[31]. Gerry envisage Penny de face, de dos, de côté et chaque angle offre quelque chose de spécial, tout comme la relation avec le chat, qui passe ou non sous son bras[32]. Le but est de se concentrer sur la plus intense affirmation d'une petite fille seule et triste, avec de la chaleur, de l'émotion et de la sincérité tout en en faisant une situation réaliste[31], mais aussi de captiver le public avec cette jeune héroïne[31]. C'est l'animateur chargé de cette scène, Ollie Johnston, qui a décidé que la meilleure position était de dos car, avec les épaules baissées et la tête basse, elle semblait plus vulnérable et cela permettait d'intensifier, plus tard, le fait qu'elle affronte la tête haute ses adversaires[32]. Cette position de dos permet aussi d'ajouter une scène au chat qui arrive et quémande des caresses, ce personnage étant plus malléable au niveau de l'animation[32].
 Pour Frank Thomas et Ollie Johnston, le travail sur cette introduction est payant et, grâce à de subtils mouvements, l'émotion est large et l'impact de la scène puissant[31]. Mais ils déclarent qu'il ne faut pas trop verser dans le dramatique pour les personnages et que si l'on essaye de reproduire le théâtre cela semble faux et fou[32]. Mais « malgré les limitations [de l'animation, ils] ont trouvé des façons de développer les émotions qui ont touché le public partout dans le monde et élevé son esprit, ce qui est digne d'intérêt »[32]. Ils citent William Faulkner pour qui le « sujet le plus difficile pour un écrivain est de mettre par écrit les problèmes du cœur humain en conflit avec lui-même » et déclarent que même l'animation peut prétendre à cet idéal[32]. À l'opposé, la scène du bateau, durant laquelle Penny descend lentement de l'escalier dans la clarté de la lune, n'est pas parvenue à rendre le côté dramatique voulu lors de sa conception, ne conservant que son côté sombre[33].
 John Grant explique que Bernard et Bianca sont très différents des autres souris créées par le studio comme Mickey Mouse et qu'il est donc inutile de chercher des ressemblances entre eux[22]. À l'opposé des premières souris du studio, Bernard et Bianca ont de nombreux traits des souris réelles, que ce soit la queue, les oreilles ou la moustache, mais ils ont un comportement beaucoup plus humain[34]. Petit détail technique, le noir des yeux d'une souris ne possède pas de reflet blanc mais dans ce film il est laissé pour rendre les souris plus réalistes[35].
 Miss Bianca est une souris blanche membre de la SOS Société, au sein de laquelle elle représente la Hongrie[36]. Un important trait de caractère du personnage est son absence de peur face au danger[34]. Dans la version originale, la voix de Bianca est celle d'Eva Gabor, tandis que Bob Newhart double Bernard[10]. Pour Thomas et Johnston, Eva Gabor offre sa détermination et sa compassion à Bianca après avoir offert son charme et son élégance à Duchesse dans Les Aristochats (1971)[37]. Si l'on excepte le fait qu'elle est déléguée de la Hongrie, le pays d'origine de Bianca n'est pas mentionné clairement dans le film ou les documents de production, toutefois son accent est clairement européen. D'autres éléments sont par ailleurs associés par les auteurs à l'actrice Eva Gabor, comme l'élégance, le chic, le sens de la mode, sa crainte de froisser sa robe en montant sur l'albatros ou encore son parfum qui fait de l'effet aux crocodiles[36],[22]. Jeff Kurtti voit donc dans la nationalité hongroise du personnage un hommage à Eva Gabor[38].
 Bernard est le concierge de la SOS Société[34], comme dans les romans. Hormis le fait qu'il joue un rôle mineur dans le roman Miss Bianca, sa personnalité et ses traits sont conservés. Atteint de triskaïdékaphobie et un peu bègue, il est amoureux de Miss Bianca[36],[34]. Pour Grant, le développement de cette dernière avec une personnalité et une apparence calquées sur Eva Gabor est si convaincant que le studio a adopté la même technique anthropomorphique pour les deux souris[34].
 Les auteurs ont envisagé que Bernard et Bianca soient un couple marié de détectives professionnels mais l'absence de mariage permettait plus de romance[39]. De même, les animateurs ont imaginé le mariage de Bernard et Bianca à la fin du film, mais par respect pour le roman, la scène fut éliminée. Bernard demandera néanmoins sa bien-aimée en mariage dans Bernard et Bianca au pays des kangourous (1990)[39].
 Un oiseau, probablement un pigeon, devait initialement servir de moyen de transport à Bernard et Bianca[10],[39]. Son principal usage était d'être catapulté avec les deux souris[40]. Cependant, ce rôle mineur ne permettait pas de développer un personnage[40]. Finalement, l'animateur Ollie Johnston s'est souvenu d'un épisode des True-Life Adventures montrant le décollage et l'atterrissage maladroit des albatros[10],[41]. Johnston est ainsi devenu le principal animateur de l'albatros Orville, comme du chat Rufus[42]. Johnston a néanmoins été assisté par un nouveau venu des studios, Chuck Harvey, principalement sur la partie démarche de l'albatros[42],[43].
 Le prénom de l'albatros Orville est inspiré du prénom de l'un des Frères Wright, pionniers de l'aviation américaine[44]. Le capitaine Orville est conçu comme un ancien aviateur de la Première Guerre mondiale[41]. La voix du personnage est, en version originale, celle de Jim Jordan, un animateur radio connu pour son rôle de Fibber McGee[10],[13],[42],[43], mais il approchait des 76 ans lors des premières prises de son et craignait de ne plus être en vie si d'autres prises étaient nécessaires[45]. Bien qu'étant un personnage secondaire, la performance d'Orville est mémorable surtout à cause de son caractère maladroit[42]. Il apparaît dans deux séquences, l'aller vers le Bayou du Diable et la scène finale vers une destination inconnue[42]. Pour le comique, Orville semble ne pas se soucier du fait que, dans le pilotage, il y a deux étapes (le décollage et l'atterrissage), qu'il ne maîtrise ni l'une ni l'autre[41]. En plus de la maladresse de l'albatros, sa jeune carrière de pilote fait qu'il exécute son treizième vol avec les deux héros comme indiqué sur le panneau d'envol, renforçant la triskaïdékaphobie de Bernard[42]. Durant la production, son rôle a failli être supprimé au profit d'une simple compagnie aérienne, l'histoire n'ayant pas besoin de lui mais, en le développant et avec des interactions, son rôle s'est imposé[46]. Pour Grant, c'est la voix de Rufus qui fait son succès alors que, pour Orville, c'est son animation, à l'instar de Dingo[42].
 Le chat Rufus est un personnage mineur mais, pour Grant, il joue le même rôle que la Fée bleue dans Pinocchio (1940) ou la Fée-Marraine dans Cendrillon (1950), la magie en moins, en étant présent dans les principales scènes d'émotions[34]. Sa seule fonction dans le film est de renseigner Bernard et Bianca sur Medusa[34]. Rufus est basé sur les traits de l'animateur qui l'a conçu et animé, Ollie Johnston[47],[48]. Pour Grant, la scène de flashback entre Rufus et Penny est un supplément gratuit mais qui fonctionne émotionnellement grâce aux dessins d'Ollie Johnston et à la voix de John McIntire[34]. Son autre intérêt est son utilisation dans l'introduction de Penny car, en animation, il permet des expressions plus fortes grâce un visage plus souple que celui de la petite fille triste, ses réactions en disant plus[32]. À l'instar des souris anthropomorphes, Rufus est un humain dans un costume de chat[34].
 Evinrude est une libellule qui aide les sauveteurs en leur servant de moteur de bateau dans le bayou. Elle sert aussi d'assistant technique pour Orville[42]. C'est un personnage fort malgré son absence de parole[42] et ses bruitages sont l'œuvre de Jim MacDonald[49]. Dès que l'équipe d'animation a proposé une scène de libellule essoufflée, Jim MacDonald a cherché à associer un son réaliste et a imaginé une scie électrique ainsi qu'un tambour avec une membrane en plastique muni qu'un bec d'air pulsé[50]. Le studio Disney arrive à insuffler une personnalité à la libellule grâce à la scène de poursuite des chauve-souris[51]. Le professeur de marketing Jean-Marc Lehue relie le nom du personnage au fabricant de moteurs de bateaux Evinrude Outboard Motors[52].
 John Grant évoque aussi les personnages des rats musqués Elie Mae et Luke Mae, la tortue Gramps, la chouette Deacon, le lapin Deadeye et la taupe Digger[51]. Elie Mae est la force derrière la rébellion du bayou, malgré sa tenue stéréotypée de femme au foyer maniant le rouleau à pâtisserie[51]. Son époux Luke est, quant à lui, le stéréotype du Hillbilly ivre et somnolent[51]. À l'origine, le personnage de leader de la rébellion était une grenouille-taureau dont la voix originale était celle de Phil Harris, mais celle-ci a finalement été supprimée[39] car, pour Frank Thomas et Ollie Johnston, l'histoire doit contenir des situations permettant aux personnages de révéler leur personnalité[46]. La voix de Jeanette Nolan a permis de donner à Elie Mae une chaleur délicate, mais aussi un cri terrifiant pour exprimer son coté agressif[46]. Elle est conçue avec une personnalité de « femme d'intérieur germanique »[46]. Bien que le personnage ait, à l'origine, été développé avec un caractère complexe afin d'offrir son aide à Penny, au fil de la production et du travail sur la principale séquence comprenant Elie, seule son ton maternel est conservé[53]. Le personnage est conçu pour être sincère et convaincant mais, finalement, il n'a pas atteint le coté drôle qu'il doit avoir[53]. Cet exemple de développement pour rien peut être dévastateur pour les animateurs, ce qui a fait dire à Ron Clements, alors fraîchement arrivé, que « le plus grand défi d'un animateur est de créer une relation de personnages à travers des images auxquelles le public peut croire. Pour lui, ces personnages existent — ils sont réels. Il est assez difficile de créer un personnage qui vit mais pour en faire deux ou plus interdépendants, c'est un rêve impossible »[53]. Frank Thomas et Ollie Johnston répondent qu'il est possible de développer plusieurs personnages ensemble, s'il y a une relation entre eux comme pour les volontaires du marais, mais sans le conflit avec Elie Mae, la scène ne possède que très peu de vitalité[53].
 Pour Grant, la tortue Gramps est notable parce qu'elle s'inscrit dans la même lignée que Toby Tortoise, mais aussi parce que l'animateur Larry Clemmons lui donne sa voix[51]. Deacon fait aussi partie des nombreuses chouettes semblables du studio mais, au contraire de Mama dans Rox et Rouky (1981), Deacon sert uniquement à faire nombre dans la population du bayou, tout comme Deadeye et Digger[51]. Les personnages secondaires du bayou forment une milice dénommée les « Swamps Vounteers » (volontaires du marais)[54].
 Grant note aussi la présence d'un grand nombre de personnages mineurs, presque des figurants, comme les trois souris découvrant la bouteille lancée par Penny, les humains visibles à la télévision (parmi lesquels se trouve un journaliste) et la cohorte d'humains et de souris des Nations unies, dont le président pompeux[51]. Ce dernier est conçu comme une version souris de Robert Morley mais l'acteur a refusé de lui donner sa voix et il a finalement été remplacé par Bernard Fox[39]. Grant distingue aux Nations unies les représentants humains et leurs contreparties murines suivants, l'Inde, l'Autriche, la Chine, la Corée, la France, l'Allemagne, les Pays-Bas, une nation africaine et l'Écosse, ce qui le conduit à s’interroger sur une possible reconnaissance de l'indépendance écossaise[55]. Jack Shaheen, dans une étude sur la représentation des Arabes et les stéréotypes associés à Hollywood, mentionne le film pour la présence d'une délégation des pays arabes à la SOS Société[56].
 Propriétaire d'une boutique de prêteur sur gages, Mme Médusa enlève Penny et la contraint à trouver « l'Œil du Diable »[57]. Durant la conception du personnage, Ken Anderson a esquissé plusieurs femmes étranges allant de l'ancienne maîtresse d'école à la criminelle[58]. Initialement le personnage de Cruella d'Enfer, conçu par Marc Davis[34], avait été envisagé pour jouer le rôle de la méchante mais un nouveau personnage nommé Médusa a finalement été créé par Ken Anderson, animateur qui avait participé à la conception de Cruella[13],[58]. Le studio Disney a alors pour politique de ne pas faire de suite à ses films. Médusa est une version modifiée de la Duchesse au Diamant du roman Miss Bianca avec qui elle partage peu de traits communs en dehors de sa mauvaise conduite des voitures[58]. L'apparence du personnage est basée sur l'ex-femme de l'animateur Milt Kahl qui ne l'appréciait plus[10],[57]. Milt Kahl arrivant à l'âge de la retraite[57],[58],[59], il avait à cœur que son dernier personnage soit le meilleur et a tellement insisté pour parfaire Médusa qu'il a fini par réaliser presque seul l'animation du personnage[60],[57],[59]. La voix originale de Médusa est celle de Geraldine Page[60],[61].
 Durant la scène où Mme Médusa se démaquille tout en préméditant l'enlèvement, l'animation de sa bouche est synchronisée avec ses propos mais, une fois tournée vers le miroir, l'animation de ses yeux, liée au retrait de ses faux cils, n'a alors plus rien à voir avec ses paroles[59]. Pour Frank Thomas et Ollie Johnston, cette scène animée par Milt Kahl démontre une grande habileté dans l'utilisation des bases de l'animation[62]. Si l'action avait été liée à un autre dialogue, ce comique lié au démaquillage aurait été perturbant[62]. John Culhane compare cette scène à une version en mouvement d'une caricature d'Honoré Daumier, de la série Croquis d'expressions[61]. Pour John Grant, Mme Médusa est plus proche d'une femme habillée en méchante qu'un génie du mal et c'est uniquement sa monomanie irrationnelle envers le plus gros diamant du monde qui la motive au point d'abandonner là où ils sont d'autres diamants plus petits[61]. Comme de nombreux méchants monomaniaques, elle se retrouve à la fin du film sans l'objet de ses désirs[61]. Johnston et Thomas la décrivent comme une femme négligée, dure, impitoyable et instable qui a toujours vécu grâce à son intelligence[63]. Charles Champlin du Los Angles Times la voit comme une chanteuse de nightclub négligée et dépassée[64]. Pour Charles Salomon elle n'a pas de grande scène comme Ursula ou Cruella et sa monomanie la rend comique voire ridicule[64]. Johnston et Thomas écrivent que la plupart des animateurs du studio ont apprécié cette caricature de sorcière mais ce n'est pas le cas du public[65].
 Bien qu'elle fasse partie du groupe des méchantes de Disney motivées par une monomanie, comme la Reine-sorcière, Maléfique ou Cruella d'Enfer[66], sa peur des souris en fait une méchante comique et non terrifiante[60]. Elle n'a pas d'intérêt à laisser Penny en vie mais, selon John Grant, ce n'est pas à cause de la malice ou de la cruauté et, même si elle est prête à tirer sur Mr. Snoops et Penny, elle n'est pas la source de cauchemar[61]. Médusa rejoint, avec Cruella d'Enfer, les caricatures de femmes un peu folles[58], souvent ridicules de différentes manières, mais toujours fascinantes[64]. Médusa n'est pas une meurtrière car, lorsqu'elle utilise un fusil pour tirer sur les souris dans un moment de panique, elle rate son coup, détruisant ses propres affaires[64].
 Néron et Brutus sont les deux crocodiles de Médusa et ils sont basés sur deux chiens du roman nommés Tyran et Tourment. Ce sont les deux animaux de compagnie de Médusa et ils ne sont pas différentiables[61]. Ils partagent le rôle de cerbères gardant Penny et possèdent une certaine intelligence, comme le démontre la scène avec l'orgue[61]. En raison de l'absence de dialogue et du faible nombre d'expressions, les crocodiles n'ont pas nécessité de distorsion de la forme [de base] d'un crocodile[67]. Pour David Koenig, ils souffrent du « Syndrome Pluto », des adjuvants animaliers qui n'ont pas la parole alors que d'autres personnages animaliers anthropomorphes ou non en sont dotés[68].
 Mr. Snoops, l'acolyte de Mme Médusa, est basé sur le personnage de Mandrake chez Margery Sharp. Son physique est une caricature de l'historien de l'animation John Culhane, décédé le 31 juillet 2015[39],[69],[70],[71],[72],[73]. Son nom est lié au fait que le journaliste passait beaucoup de temps à espionner (« snoop » en anglais) autour du studio[39]. Maltin et Grant s'accordent sur le fait que la plupart des personnages animaliers du film sont des pures créations d'animation mais Snoops fait exception pour les personnages humains[61]. Johnston et Thomas expliquent que Milt Kahl avait participé à une conférence pour les élèves de la School of Visual Arts de New York sur invitation de John Culhane en 1973 et que, pour promouvoir l'événement, il a réalisé une caricature de lui-même assis avec Culhane bâillonné sur ses genoux avec Robin des bois[65]. En montrant cette affiche aux studios, Woolie Reitherman déclare qu'il a trouvé le méchant de Bernard et Bianca, l'acolyte de Médusa, Mr. Snoops[65]. D'après un article de Culhane dans le New York Times d'août 1976, le journaliste explique qu'il a visité les studios de Disney et que les animateurs semblaient s'intéresser à lui d'un peu trop près[61]. Culhane prétend qu'il a pratiquement été dupé en posant pour diverses réactions, et ses mouvements ont été imités sur la feuille de modèle de M. Snoops[61],[65]. Joe Flynn réalise l'enregistrement de la voix de Mr Snoops juste avant sa mort en 1974, durant sa dernière semaine de travail pour le studio[13]. Pour Grant, Snoops est un idiot et un technocrate de bas niveau qui utilise des gadgets, un arsenal de fusées éclairantes et feux d'artifice, pour assouvir son besoin de puissance mais ceux-ci contribuent à le faire perdre, dans l'explosion du bateau[61]. Snoops et Médusa utilisent tous les deux des armes considérées comme modernes, biologique pour Médusa et des missiles pour Snoops[61].
 Dans un article interne au studio de 1976, Culhane explique comment il est devenu le modèle pour le personnage de Snoops[71] : 
 « En fouillant dans les studios Disney lors de missions précédentes, j'avais fait la connaissance de Milt Kahl, un maître animateur qui a également conçu de nombreux personnages des dessins animés de Disney. En mai 1973, Milt a participé à une conférence dans une classe où j'enseignais et a accepté de dessiner une affiche pour annoncer l'événement. Sur l'affiche, il nous caricaturait lui-même et moi. Lorsque Milt est revenu aux studios, les artistes travaillant sur Bernard et Bianca cherchaient un aspect pour l'un des méchants. Dans le script, il est décrit comme nerveux, indécis et dominé par Médusa. Le gars aux jambes courtes avec Milt sur l'affiche ressemblait au réalisateur Woolie Reitherman comme ce genre de gars, et ils l'ont nommé, d'après ma profession, « M. Snoops ». Avant même de le voir à l'écran, j'ai réalisé que Snoops me ressemblait en effet parce que, partout où j'allais dans les studios Disney cette année-là, les artistes qui me croisaient dans les couloirs se retournaient et marquaient un temps d'arrêt avant de se dire « C'est lui, d'accord, c'est M. Snoops ». »
 Culhane déclare que « Devenir un personnage de Disney était au-delà de [ses] rêves de gloire les plus fous »[65].
 Le film a nécessité quatre années de production, 250 artistes dont 40 animateurs qui ont réalisé plus de 330 000 dessins et 750 décors, pour les 14 séquences réparties en 1 039 scènes[8]. L'équipe de scénaristes supervisée par Larry Clemmons a pris plus d'un an pour adapter les deux livres de Margery Sharp[74].
 Le générique du film est réalisé en animation limitée (sketchy) en utilisant les pastels de Mel Shaw pour illustrer le voyage d'une bouteille depuis le Golfe du Mexique jusqu'au port de New York, la partition instrumentale The Journey (le Voyage) offrant de nombreux possibilité de mouvement de caméras selon la même méthode utilisée dans Les Trois Caballeros (1944) ou Mélodie Cocktail (1948). Pour la suite, graphiquement, le film marque l'arrêt chez Disney de l'animation limitée utilisée durant les années 1960 et 1970[75]. Cet arrêt est dû à l'amélioration du procédé de xérographie désormais capable des nuances de gris et des tons doux en plus des contours noirs[75].
 Thomas et Johnston expliquent que le système de xérographie utilisé à grande échelle sur Les 101 Dalmatiens (1961) donne une impression de délicatesse moindre, d'absence de soin du détail à l'opposé des films d'avant-guerre, sentiment partagé par Walt Disney et le public[76]. Mais ce problème est résolu à partir de Bernard et Bianca grâce à l'usage d'une ligne grise (de traçage) supprimant la ligne brutale et épaisse au profit d'un dessin plus doux[76]. Le gris est obtenu avec un nouveau toner développé pour les machines Xerox[77]. Certains critiques y ont vu un nouveau style graphique, mais Johnston et Thomas écrivent que c'est juste un simple changement[76]. Thomas et Johnston précisent que le studio continue d'utiliser les mêmes ficelles avec, par exemple, l'envol de l'albatros au-dessus de Manhattan pour rendre la scène de déplacement plus théâtral à l'instar des nains rentrant de la mine passant sur un tronc couché[78].
 Frank Thomas et Ollie Johnston découpent le film en 13 séquences, ce qui semble être pour eux « une constante des films Disney entre 10 et 15 »[79] :
 Lors de la production, l'équipe décide que le moment fort du film sera la scène où Penny, Bernard et Bianca recherchent le diamant alors qu'une vague menace de submerger la cave[60]. Cependant, lors des visionnages, un membre du studio fit remarquer que le courant étant quasiment inexistant dans les bayous, il n'y avait pas de vagues[60],[80]. Après de longs débats, un animateur demanda : « Ça gêne qui ?… C'est juste un dessin animé »[60]. Le public ne tint en effet pas rigueur au studio de cette incohérence[60]. Johnston et Thomas considèrent la scène de la marée montante dans la caverne des pirates comme la représentation de la Nature brutale à l'image du feu de forêt dans Bambi (1942) ou les éléments dans le segment L'Apprenti sorcier de Fantasia (1940)[81]. Pour rendre réaliste la scène de la caverne et la notion de profondeur, les animateurs ont ajouté une scène où Bernard glisse[82]. À l'inverse, pour ne pas rendre la scène de la caverne trop sombre et effrayante, les animateurs ont supprimé les ombres que la lanterne aurait dû porter[83].
 David Koenig note quant à lui que les souris de la SOS Société sont très douées car, malgré l'entrée qui n'est qu'un petit trou dans un mur, elles ont réussi à installer dans leur quartier général, une vieille commode dont les tiroirs servent de balcons, un livre servant d'estrade, une bobine pour pupitre et même un écran 19 pouces à la fin du film[80]. Au mur, il est possible d'apercevoir une montre Mickey Mouse qui sert d'horloge.
 
 modifier  Les chansons du film ont été composées par Sammy Fain, Carol Connors et Ayn Robbins et interprétées en version originale par Shelby Flint[8]. Reprenant un procédé inutilisé par le studio Disney depuis Bambi (1942), la plupart des chansons importantes font partie de la narration et ne sont pas associées à un personnage du film. Sammy Fain avait initialement écrit trois chansons pour le film mais, à la suite d'une audition de Carol Connors et Ayn Robbins pour une comédie musicale, la production a envisagé une musique plus contemporaine[39]. Ensuite, Ron Miller a demandé à Artie Butler, connaissance de Connors et Robbins, d'écrire la bande sonore[39]. Butler a composé les musiques d'ambiance du film en essayant de rendre les tâches des souris presque irréalisables en raison de leur différence de taille par rapport aux humains, par exemple quand elles cherchent à déplacer le diamant[84]. Connors devait écrire une chanson pour Mme Médusa mais non intégrée au scénario, elle n'a jamais été demandée à la compositrice[30].
 La chanson The Journey aussi nommée Who Will Rescue Me? est présente dans le générique du début et illustre le parcours de la bouteille jetée à la mer par Penny depuis le bayou jusqu'à New York. Impressionné par la musique, Wolfgang Reitherman a envoyé un animateur 24 heures dans un van en bord de plage pour qu'il esquisse la scène[30]. La seconde chanson Rescue Aid Society est interprétée durant la réunion de la SOS Société par Bernard, Miss Bianca et plusieurs membres des délégations internationales. La chanson est conçue comme un hymne à l'image de la Mickey Mouse March de l'émission The Mickey Mouse Club[30]. Durant la chanson, ce n'est pas Eva Gabor qui donne sa voix à Bianca mais Robie Lester, narratrice pour Disneyland Records depuis 1965 qui avait déjà remplacé Eva Gabor pour le film Les Aristochats (1970)[85]. Robie Lester avait subi deux chirurgies cardiaques en 1972 et pensait ne pas revenir sur le devant de la scène en raison de la disparition de ses producteurs et réalisateurs[85]. La chanson Rescue Aid Society est reprise plus tard dans le film par Bianca et Bernard seuls comme un mantra lors d'une phase de doute. Tomorrow is Another Day est interprétée par Bernard et Bianca durant leur voyage vers le bayou sur le dos d'Orville et à la fin du film lorsque le duo repart pour une nouvelle mission. La chanson est composée par Connors et Robbins la nuit suivant le visionnage des esquisses de la scène, alors qu'ils avaient une semaine pour le faire[30].
 Sammy Fain avait écrit une chanson intitulée The Need to Be Loved pour la scène où Penny perd espoir après avoir été vertement prise à partie par Médusa[30]. Reitherman appréciait la mélodie mais a demandé à Connors et Robbins d'écrire de nouvelles paroles, et la chanson est devenue Someone's Waiting For You[30]. La version The Need to Be Loved était interprétée par Jennifer Paz et Paul Francis Webster[30].
 Le film comprend d'autres éléments chantés absents de la bande originale. Pour l'impression du vinyle, la musique d'ambiance est ajoutée au dialogue, méthode plus utilisée par Disney Records depuis Le Livre de la Jungle, mais le directeur du label Jymm Magon décida de couper les chansons et les quatre principales chansons n'ont été disponibles qu'une année plus tard[86]. Faith is a Bluebird n'est pas une chanson mais un poème récité par Rufus et Penny durant un flashback qui montre le chat essayant de réconforter la petite orpheline. L'oiseau en question est un merlebleu de l'Est graphiquement semblable à un oiseau bleu présent au début d'Alice au pays des merveilles (1951). Une variation de la chanson populaire For He's a Jolly Good Fellow, intitulée For Penny's a Jolly Good Fellow, est interprétée à la fin du film par les orphelins qui accueillent Penny[85].
 Source version française : Disney-planet.fr[87]
 Le film est achevé après quatre ans de production pour un budget estimé à 7,5 millions de USD[88], ce qui en fait le film d'animation le plus cher des années 1970, dépassant le budget de La Belle au bois dormant (1959), lui-même estimé à 6 millions de USD[89],[90],[91],[92],[93].
 La première du film Les Aventures de Bernard et Bianca a lieu à Washington le 19 juin 1977, avant une sortie nationale aux États-Unis le 22 juin 1977[94], seulement 4 semaines après la sortie de La Guerre des étoiles (sorti le 25 mai 1977) et presque 40 ans après le premier long métrage de Disney, Blanche-Neige et les Sept Nains (1937). Le film reçoit un bon accueil de la part de la critique et rencontre le succès commercial. Lors de sa sortie, le film était précédé aux États-Unis du court-métrage documentaire A Tale of Two Critters mettant en scène un castor et un ours[95]. En France, le film sort le 30 novembre 1977[9] et il est accompagné des court-métrages L'Atelier du père Noël (1932) et Arizona Sheepdog (1955). L'émission Les Visiteurs de Noël consacre au film une section promotionnelle de 5 minutes le 28 décembre 1977[96]. Les Aventures de Bernard et Bianca  récolte 16 millions d'USD aux États-Unis et au Canada et 32,1 millions d'USD à l'international[13].
 Dès sa sortie en France le 30 novembre 1977, le film réalise un important démarrage avec 516 696 entrées et se positionne au premier rang du box-office français, dépassant le film de George Lucas. Les Aventures de Bernard et Bianca est, pour sa première semaine, présent dans vingt-et-une salles parisiennes et attire 147 522 spectateurs. Durant sa sortie en France, les 7,2 millions d'entrées du film dépassent celles de Star Wars[97]. Avec 5 219 476 entrées, Les Aventures de Bernard et Bianca finit ainsi numéro un du box-office des films sortis en France en 1977[98].
 Il est aussi le plus important film de l'année en Allemagne de l'Ouest avec 9,7 millions d'entrées[99]. Ce résultat en Allemagne a mis 17 ans avant d'être dépassé par Le Roi Lion, qui réalisa un score de plus de 11 millions d'entrées[99].
 À la fin de la période de sortie initiale, les recettes aux États-Unis et au Canada totalisent 19 millions d'USD et 41 millions à l'international[100]. En 1978, Harmetz annonce des recettes de 45 millions d'USD pour l'Europe de l'Ouest[101]. Quelques années plus tard, le montant total généré par le film est estimé à 48 millions d'USD en salle à l'international[102],[103].
 Les Aventures de Bernard et Bianca est le premier film d'animation du studio Disney à devenir un succès commercial depuis Livre de la jungle (1967) et le dernier avant La Petite Sirène (1989). Il marque ainsi la fin de la seconde partie du Premier Âge d'Or des studios, débutant avec Cendrillon (1950). Il est aussi le premier succès du studio dans lequel Walt Disney n'a pas été impliqué. Les Aventures de Bernard et Bianca est le plus important succès de Disney depuis Mary Poppins (1964), et préfigure le Second Âge d'or de l'animation ou la Renaissance du studio[104].
 Variety considère Bernard et Bianca comme une « admirable histoire simple » avec une vraie terreur et un marais gothique[88]. Le film est, pour le magazine, « la meilleure œuvre des animateurs Disney depuis de nombreuses années, restituant le métier à ses anciennes gloires »[88]. L'une des meilleures scènes est celle avec l'albatros Orville[88]. De plus, le film a une approche plus aventureuse de la stylisation des couleurs et des décors que les précédents, avec une délicate palette de pastel utilisée à un effet de grande envergure[88].
 Charles Champlin du Los Angeles Times a salué le film comme « le meilleur long métrage d'animation de Disney depuis une décennie ou plus - le plus drôle, le plus inventif, le moins gêné, le plus cohérent et émouvant du début à la fin, et probablement le plus important de tous, c'est aussi le plus touchant de cette manière unique que la fantaisie a de porter des vibrations de la vie réelle et des sentiments réels »[105].
 Vincent Canby du New York Times écrit que « le film n'appartient pas à la même catégorie que les précédents longs métrages d'animation de Disney (Blanche-Neige et les Sept Nains, Bambi, Fantasia) mais c'est un rappel d'un genre de divertissement animé et joyeux qui a pratiquement disparu »[106].
 Le critique Gene Siskel du Chicago Tribune attribue deux étoiles et demi sur quatre et écrit que « Voir un film d'animation Disney de nos jours, c'est le comparer aux classiques de Disney sortis il y a 30 ou 40 ans. Bernard et Bianca est léger, en effet. Ses thèmes sont oubliables. C'est surtout une histoire d'aventure »[95]. Siskel répond à Gary Arnold du Washington Post qui voit dans Bernard et Bianca des similarités avec Star Wars, principalement le sauvetage d'une jeune femme mais les ressemblances ne font pas un film[95]. Pour Siskel, il y a de nombreux personnages mais l'histoire est maigre[95].
 Ellen MacKay de Common Sense Media donne quatre étoiles sur cinq, considérant que c'est une grande aventure mais trop sombre pour les plus jeunes[107]. TV Guide attribue trois étoiles sur cinq au film, estimant que « Bernard et Bianca est un film magnifiquement animé qui a prouvé que Disney a encore le savoir-faire de la fabrication de plats pour enfants de qualité alors même que leurs antécédents s'affaiblissaient »[108]. Le Rotten Tomatoes recense 81 % d'approbations avec une note moyenne de 6,46/10 à partir de 31 revues et le consensus s'établit sur « une animation unique, des personnages décalés et un travail vocal affectueux de Bob Newhart et Eva Gabor, le film représente un point lumineux dans l'après âge d'or de Disney »[109].
 Le film est rediffusé au cinéma en 1983[8],[110] et 1989[8]. Aux États-Unis, Les Aventures de Bernard et Bianca ressort en 1983[13] et récolte 21 millions d'USD. Le 17 mars 1989, le film ressort à nouveau et récolte 21,1 millions d'USD[111]. Le film totalise des revenus bruts de 75 millions d'USD sur le sol américain pour un total de 169 millions d'USD[112]. Le film ressort en salle aux États-Unis le 16 décembre 1983, cette fois en Dolby Stéréo accompagné par le moyen métrage Le Noël de Mickey, première apparition de Mickey Mouse à l'écran depuis 1953[113].
 Cette ressortie de Bernard et Bianca est remarquable car Le Noël de Mickey est le retour d'une tradition vieille de plus de 50 ans, un court métrage de Disney dépassant le succès du long métrage qu'il accompagne[114]. Pour sa ressortie le 2 décembre 1987, le film fait un démarrage avec 244 186 entrées et attire 2 millions de spectateurs supplémentaires et totalise 7 219 476 entrées[111].
 En 1989, afin d'anticiper la sortie de la première suite du studio Disney, Bernard et Bianca au pays des kangourous prévu en 1990, le studio Disney rediffuse Les Aventures de Bernard et Bianca au cinéma en mars[115].
 Les premières sorties DVD se font au début des années 2000, le 21 novembre 2001 en Australie, le 28 janvier 2002 au Royaume-Uni, puis le 20 mai 2003 aux États-Unis[réf. nécessaire]. La version américaine contient un court documentaire sur les méchants de Disney mais aucune information sur le film[13]. En France, le DVD est édité le 15 octobre 2002[116].
Le 21 août 2012, le film sort pour la première fois aux États-Unis en Blu-ray dans une nouvelle version restaurée pour célébrer son 35e anniversaire, avec un coffret comprenant la suite Bernard et Bianca au pays des kangourous[13]. Cette version comprend aussi une chanson supprimée Peoplitis, des esquisses de scènes supprimées dont celle de l'ours[13].
 Pour David Koenig, le film est gentillet et s'en sort bien de manière surprenante au box-office, mais son innocuité apparente ne l'a pas empêché d'être censuré au Danemark et en Scandinavie pour violence suggérée[117].
 Le 8 janvier 1999, trois jours après la seconde sortie en VHS du film aux États-Unis, Walt Disney Home Video procède au rappel de 3,4 millions de cassettes en raison d'une image répréhensible dans un décor[118],[119],[117],[120],[121],[122],[123]. À environ 38 minutes, alors que Bernard et Bianca sont sur le dos d'Orville, une image de femme nue avait été ajoutée dans une fenêtre de l'immeuble à l'arrière-plan[118],[13],[124],[125]. L'image de cette femme nue est floue et apparaît de manière consécutive dans seulement deux des 110 000 images du film et nécessite de visionner le film au ralenti image par image pour être vue[118],[119],[117],[126],[127]. Personne ne l'avait remarquée durant les projections au cinéma[117]. Elle aurait été ajoutée durant la post-production et pas par un animateur[119],[126],[127]. Lors de la première édition en VHS en 1992, l'image avait été recouverte lors du transfert du négatif vers le master de la cassette[127],[117]. Malheureusement la réédition de 1999 avait été refaite à partir du master original, d'où le rappel[117].
 Cette affaire survient alors que, depuis 1997, la Convention baptiste du Sud demande le boycott des films Disney après plusieurs problèmes d'images subliminales à caractère sexuel présentes dans Aladdin (1992), Le Roi lion (1994) ou des propos inappropriés dans La Petite Sirène (1989)[119],[127].
 Les Aventures de Bernard et Bianca est le premier film de Disney à associer les talents de l'équipe d'animateurs et scénaristes d'origine des studios (dont certains des Neuf Sages de Disney) avec la nouvelle garde, moins expérimentée et recrutée au début des années 1970[101],[69]. Le studio profite, pour ce film, de la première promotion du California Institute of the Arts (CalArts), fondé par Disney en 1961, qui s'installe sur son propre campus en 1977 même si, pour Mark Arnold, la nouvelle génération d'animateurs n'est vraiment disponible que pour Rox et Rouky (1981)[128]. Pour John Grant, Les Aventures de Bernard et Bianca est un film « transitionnel » qui marque le passage de l'ancienne école d'animateurs Disney à la nouvelle[4]. Quelques membres des Neuf Sages jouent un rôle important dans la genèse du film mais le générique montre l'arrivée de nombreux nouveaux talents[4]. C'est la dernière collaboration entre les vétérans du studio Milt Kahl, Ollie Johnston et Frank Thomas[4],[10]. John Lounsbery est décédé en 1976 plus d'un an avant la sortie du film[4], supervisant la réalisation de certaines séquences[129]. Après le film, Milt Kahl a pris sa retraite, Frank Thomas et Ollie Johnston ont participé à la production suivante Rox et Rouky (1981) avant de prendre conjointement leur retraite tandis que la nouvelle génération prenait la relève[4],[60].
 Pour Frank Thomas et Ollie Johnston, la scène d'introduction de Penny est un bon exemple de collaboration entre animateur, ici Larry Clemmons, et scénariste, ici Vance Gerry aussi concepteur du personnage[29]. La séquence est d'abord joyeuse permettant d'accepter cette jeune fille pleine d'assurance et de gaité avant des scènes plus tristes qui n'auraient pas été acceptées par le public dans le sens contraire[29].
 C'est aussi la première participation de Don Bluth en tant qu'animateur et non plus assistant animateur[10]. Parmi les nouveaux animateurs impliqués dans la production du film, plusieurs ont joué un rôle important dans la Renaissance Disney des années 1990[130]. On peut citer John Pomeroy, Glen Keane, Ron Clements, Gary Goldman et Andy Gaskill[130]. La plupart des animateurs est formée sous la supervision d'Eric Larson et ils font ici leurs débuts[4]. Grant note aussi l'arrivée de Chuck Harvey sur la partie démarche de l'albatros[42].
 Les Aventures de Bernard et Bianca est, selon John Grant, un petit film modeste[74] mais il n'est pas que cela car le studio avait des ambitions simples et elles ont été atteintes[4]. Il a été chaudement accueilli par les critiques et a eu un résultat correct au box-office[4]. Pour Grant, les critiques préfèrent la sécurité et la réussite à ce qui est plus périlleux et imparfait[4].
 Depuis Les 101 Dalmatiens (1961), le studio n'a pas conservé un outil de production de qualité élevée et plusieurs productions sont considérées comme sans intérêt[4]. Parmi ces dernières, Grant liste Merlin l'Enchanteur (1963), Le Livre de la jungle (1967), œuvre avec du charme mais légère et mal construite, Robin des Bois (1973), le moins satisfaisant, et enfin Les Aristochats (1970), souvent considéré comme une variante féline des 101 Dalmatiens, même s'il sort un peu du lot[4]. Pour Grant, le film Les Aventures de Bernard et Bianca partage autant d'éléments communs avec Les 101 Dalmatiens mais n'a jamais été considéré comme une variante, au contraire des Aristochats[4]. Dans ce contexte, Grant considère Bernard et Bianca comme un rappel bienvenu que la magie Disney est toujours présente[4].
 Mark Arnold considère le film comme le plus agréable des trois longs métrages d'animations des années 1970 mais aussi comme le dernier fait d'armes de l'ancienne garde d'animateurs[131], une nouvelle génération prenant place durant la période. L'harmonie et les rouages instaurés par Disney ont été perturbés depuis le décès de Walt Disney[131].
 Pour Frank Thomas et Ollie Johnston, la scène finale du film où Medusa est traînée derrière un Swamp Mobile est caractéristique du cheminement durant la production de tous les films Disney, les animateurs souhaitant ajouter des gags aux nombreuses bonds, éclaboussures et coups pris par la méchante alors que le réalisateur hésitait, préférant se concentrer sur le ressenti, avec un gros plan sur son visage[132].
 Finalement, les critiques sont plates vis-à-vis du film, « personne ne perd son calme, personne ne le déteste profondément, personne de l'adore. [L'ambiance] est calme et sans controverse tout comme la relève de la Garde des animateurs[4]. » Pour Grant, le studio Disney « doit faire quelque chose pour insuffler une nouvelle direction et éviter de baratter [la crème] de Robin des Bois et d'espérer que cela prenne[4]. Mais avant qu'une nouvelle branche pousse, il faut consolider l'existant[74]. » Pour Grant, il ne faut pas attendre plus du film qu'un divertissement pour toute la famille[74]. Plusieurs des pratiques du studio n'ont pas été reprises dans le film, comme la personnalisation des personnages par rapport aux acteurs qui leur donnent leur voix, à l'exception de Miss Bianca, ou comme les chansons s'insérant de manière intrusive dans l'action[74]. Les personnages ont été solidement établis par l'équipe de scénaristes dans une histoire bien délimitée[74]. Mais, selon Grant, le scénario n'est pas la part la plus importante du film, c'est la conception des personnages qui est l'élément fort du film, principe qui est repris dans les productions suivantes des années 1980 comme Rox et Rouky (1981), Taram et le Chaudron magique (1985) et Basil, détective privé (1986)[74].
 C'est le quatrième long métrage d'animation Disney dont l'action est située dans le présent à la sortie du film, après Les 101 Dalmatiens (1961). En revanche, c'est le premier long métrage à posséder un prologue avant le générique. Une partie de l'histoire est dévoilée avant le défilement du générique. Durant le générique, la caméra se déplace au-dessus de photographies statiques alors qu'auparavant le studio avait pour habitude d'utiliser des cellulos sur lesquels les crédits s'affichaient au-dessus de décors immobiles, parfois le même fond pour tout le générique comme pour Blanche-Neige et les Sept Nains (1937).
 Parmi les films d'animation Disney des années 1960 à 1990, plusieurs jeunes garçons devaient être les personnages principaux mais ont reçu une personnalité banale, comme Moustique dans Merlin l'Enchanteur (1963) ou Taram dans Taram et le Chaudron magique (1985)[22]. Selon Grant, le studio Disney a découvert l'efficacité d'avoir un personnage central presque neutre comme contrepoint à la folie des personnages secondaires[22]. Les Aventures de Bernard et Bianca applique le même principe, à la différence que Penny est une fille et non un garçon et que, dans la mentalité occidentale, un personnage féminin doit être sauvé et non se sauver lui-même[22]. En ajoutant ces éléments, Penny devient un adjuvant, même la raison d'être du film autour duquel tout se joue mais qui n'y contribue virtuellement en rien[22].
 Pour Lynda Haas, Elizabeth Bell et Laura Sells dans From Mouse to Mermaid, Bernard et Bianca et sa suite font partie des six films de Disney dans lesquels la domination des femmes par l'homme et des humains sur la nature sont apparents, en lien avec les propos sur l'écoféminisme développés par Karen J. Warren[133]. Les autres films sont Les 101 Dalmatiens (1961), Le Livre de la jungle (1967), La Petite Sirène (1989) et La Belle et la Bête (1991)[133]. Patrick D. Murphy parle quant à lui d'androcentrisme[134]. Malgré les changements dans la société américaine, notables dans le film, un chaperon masculin est nécessaire pour la mission de sauvetage[135].
 Patrick D. Murphy note que Médusa, tout comme le personnage de McLeath dans le second opus, sont des méchants motivés par la cupidité, à l'image de Cruella dans Les 101 Dalmatiens (1961)[135]. Cruella d'Enfer et Mme Médusa sont deux femmes sophistiquées, archétypes de celles que l'on peut rencontrer à un cocktail ou un dîner, au timbre de voix aristocratique, des personnalités dominatrices et convaincues de leurs droits[34]. Leurs actions sont toujours les bonnes et celles des autres mauvaises, ce qui est renforcé par la présence d'un ou plusieurs comparses benêts et maladroits[34]. Les deux femmes sont monomaniaques, avares et s'attaquent à des jeunes, enfants ou chiots[61]. Mais Cruella, avec sa flamboyance, est beaucoup plus terrifiante que Médusa[61]. John Grant fait remarquer que les comparaisons, lors de la sortie du film, entre Cruella d'Enfer et Mme Médusa étaient assez favorables mais que, le temps passant, il est difficile d'en être aussi sûr[34]. La comparaison des deux films est sans intérêt mais celle des deux antagonistes reste pertinente[34].
 Durant les années 1960 et 1970, les films Disney mettent l'accent sur la comédie au lieu de l'histoire, de l'émotion ou du drame. Janet Wasko écrit que la plupart des productions des années 1970, après la mort de Roy Oliver Disney et l'arrivée de Donn Tatum à la direction de Disney, est constituée de navets. De fait, même les films ayant eu le plus de succès comme Robin des Bois (1973), Les Aventures de Bernard et Bianca (1977) ou Le Trou noir (1979), n'égalent pas les succès des décennies précédentes[136]. Bernard et Bianca offre au cinéma d'animation un retour au drame comme le studio avait pu le faire avec Bambi (1942) ou Dumbo (1941)[137]. Frank Thomas et Ollie Johnston considèrent Bernard et Bianca comme leur retour à un film avec des sentiments et le meilleur sans Walt Disney. Pour Leonard Maltin, Les Aventures de Bernard et Bianca est « une bouffée d'air frais pour tous ceux intéressés par le futur de l'animation Disney »[138].
 Maltin apprécie l'humour et l'imagination du film, imbriqués avec expertise dans une structure historique solide… avec une agréable distribution de personnages[138]. C'est, pour Maltin, le film d'animation le plus satisfaisant depuis Les 101 Dalmatiens (1961) et il surpasse les productions animées de son temps[138]. Maltin ajoute que le principe de créer des personnages typiquement d'animation sans rechercher une forme de réalisme a fait longtemps défaut aux productions Disney des années 1960 à 1980, jusqu'à la sortie des Aventures de Bernard et Bianca[139]. Pour Charles Solomon, alors que les animateurs semblent aimer se répéter avec Les Aristochats (1970), Robin des Bois (1973) et Rox et Rouky (1981), Bernard et Bianca apporte une éclatante et rare dose d'imagination[140].
 Mark Arnold indique qu'après le succès de la sortie du film, le studio a décidé de poursuivre la production d'autres films d'animation réalisés par les nouveaux animateurs comme Le Petit Âne de Bethléem[141]. Dans un processus de reconnaissance entamé avec Robin des Bois qui est le premier à inclure des assistants animateurs dans les crédits ainsi que cinq assistant animateur clé, Bernard et Bianca crédite 15 animateurs et 11 assistants[142].
 Patrick D. Murphy écrit que Bernard et Bianca et sa suite Bernard et Bianca au pays des kangourous (1990) introduisent une nouveauté par rapport aux films précédents, un sauvetage inter-espèce[135]. Mais il note qu'entre les deux opus, il y a une inversion des genres, héroïne et méchante dans le premier, masculins dans le second[143].
 Une adaptation en bande dessinée est publiée en septembre 1977 dans le magazine Walt Disney Showcase[144]. Elle est diffusée en France en tant que feuilleton dans Le Journal de Mickey pendant 4 semaines (du numéro 1326, daté du 27 novembre 1977, au numéro 1329 daté du 18 décembre 1977)[145].
 Un jeu de société est édité en 1977 par Mako et réédité en février 2006[146]. Destiné aux plus jeunes, ce jeu est constitué de deux parties : la première est un jeu d'adresse reprenant le voyage d'Orville, la seconde est un jeu de dé pour collecter des objets et procéder au sauvetage de Penny dans le bateau[146].
 Dans le jeu vidéo Disney Magic Kingdoms, Bernard, Miss Bianca, Penny et Orville apparaissent en tant que personnages jouables dans le scénario principal du jeu, ainsi que SOS Société et le Bateau de Madame Médusa comme attractions[147],[148].
 En 1987, la chanteuse et ambassadrice Disney Douchka Esposito sort un 45 T comportant 3 chansons dont Bernard et Bianca[149].
 Après trois sorties entre 1977, 1983 et 1989, Les Aventures de Bernard et Bianca est le premier long métrage d'animation Disney à avoir fait l'objet d'une suite[8]. Un second opus, Bernard et Bianca au pays des kangourous, sort en effet le 16 novembre 1990. Ce film prend place dans l'Outback, l’arrière-pays australien, et pousse Bernard et Bianca à sauver un jeune garçon prénommé Cody d'un braconnier. En raison de la mort de Jim Jordan, le personnage d'Orville est remplacé par un autre albatros, Wilbur auquel John Candy prête sa voix[150],[115].
 Le personnage de Penny aurait, quant à lui, dû réapparaitre dans le film Oliver et Compagnie (1989). Dans une version préliminaire, Penny vivait désormais à New York avec sa famille adoptive et son chat Rufus. L'idée fut abandonnée mais la ressemblance physique entre Jenny et Penny a été conservée[151].",11004,"Accueil; Portails thématiques; Article au hasard; Contact; Débuter sur Wikipédia; Aide; Communauté; Modifications récentes; ; Rechercher; en savoir plus; Contributions; Discussion; Article; Discussion; Lire; Lire; Pages liées; Suivi des pages liées; Téléverser un fichier; Pages spéciales; ; article de qualité; ; Bernard et Bianca (album); ; page d’aide Unicode; ; Wolfgang Reitherman; Art Stevens; John Lounsbery; Bob Newhart; Eva Gabor; Geraldine Page; Walt Disney Pictures; ; États-Unis; film d'animation; 1977; Classiques d'animation Disney; Les Aventures de Winnie l'ourson; Rox et Rouky; Bernard et Bianca au pays des kangourous; ; long-métrage d'animation; « Classique d'animation »; studios Disney; 1977; Margery Sharp; Walt Disney; accueil critique; renaissance Disney; La Petite Sirène; Aladdin; Le Roi Lion; Les Aristochats; Robin des Bois; Blanche-Neige et les Sept Nains; Dumbo; Bambi; La Belle au Bois Dormant; 1959; Le Livre de la jungle; Robin des Bois; La Guerre des étoiles; box-office français; Le Roi lion; Dolby stéréo; Bernard et Bianca au pays des kangourous; 1990; Bayou; New York; Nations unies; souris blanche; Hongrie; triskaïdékaphobie; albatros; crocodiles; libellule; marée; hydroglisseur; skis nautiques; Smithsonian Institution; Wolfgang Reitherman; Art Stevens; John Lounsbery; Richard Rich; Larry Clemmons; Ken Anderson; Frank Thomas; Vance Gerry; David Michener; Ted Berman; Burny Mattinson; Margery Sharp; Don Griffith; Joe Hale; Sylvia Roemer; Al Dempster; Ann Guenther; Melvin Shaw; Eric Larson; Burny Mattinson; Milt Kahl; Ollie Johnston; Frank Thomas; Don Bluth; John Pomeroy; Cliff Nordberg; Gary Goldman; Andy Gaskill; Dale Baer; Art Stevens; Chuck Harvey; Ron Clements; Glen Keane; Jack Buckley; Dick Lucas; Walt Stanchfield; Randy Cartwright; Tad Stones; Herb Taylor; James Melton; Evelyn Kennedy; Artie Butler; Carol Connors; Robert MacArthur Crawford; Sammy Fain; Don Duckwall; Ron Miller; Wolfgang Reitherman; Walt Disney Pictures; Buena Vista Pictures Distribution; ; États-Unis; anglais; USD; 35 mm; 1,66:1; 1,75:1; Dolby Stéréo; RCA Sound System; États-Unis; 22; juin; 1977; France; 30; novembre; 1977; Leonard Maltin; John Grant; Mark Arnold; IMDb; Bob Newhart; Eva Gabor; Robie Lester; Geraldine Page; Joe Flynn; Jeanette Nolan; Pat Buttram; Jim Jordan; John McIntire; Bernard Fox; Larry Clemmons; James G. 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Walt Disney and Europe; Mouse Under Glass; Mark Arnold; Frozen in Ice : The Story of Walt Disney Productions, 1966-1985; Mouse Under Glass; Mark Arnold; Frozen in Ice : The Story of Walt Disney Productions, 1966-1985; The Disney That Never Was; The Disney Villain; Disney Animation : The Illusion of Life; Disney Animation : The Illusion of Life; The Encyclopedia of Walt Disney's Animated Characters; From Mouse to Mermaid; Mouse Under Glass; Disney Animation : The Illusion of Life; Disney Animation : The Illusion of Life; Disney Animation : The Illusion of Life; Disney Animation : The Illusion of Life; Disney Animation : The Illusion of Life; Mouse Under Glass; Disney Animation : The Illusion of Life; Disney Animation : The Illusion of Life; Disney Animation : The Illusion of Life; The Encyclopedia of Walt Disney's Animated Characters; Disney Animation : The Illusion of Life; Disney Dossiers : Files of Character from the Walt Disney Studios; Disney Animation : The Illusion of Life; Disney Dossiers : Files of Character from the Walt Disney Studios; 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//upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/1/15/Circle-icons-1970s.svg/24px-Circle-icons-1970s.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/d/da/Animation_disc.svg/26px-Animation_disc.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/5/50/Jester01_recadre.png/42px-Jester01_recadre.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/2/20/D_letter_upon_three_circles.svg/31px-D_letter_upon_three_circles.svg.png; https://login.wikimedia.org/wiki/Special:CentralAutoLogin/start?type=1x1; /static/images/footer/wikimedia-button.svg; /w/resources/assets/poweredby_mediawiki.svg,https://en.wikipedia.org/wiki/The_Rescuers,The Rescuers,https://en.wikipedia.org/wiki/The_Rescuers,"The Rescuers is a 1977 American animated adventure comedy-drama film produced by Walt Disney Productions and released by Buena Vista Distribution. Bob Newhart and Eva Gabor respectively star as Bernard and Bianca, two mice who are members of the Rescue Aid Society, an international mouse organization dedicated to helping abduction victims around the world. Both must free 6 year old orphan Penny (voiced by Michelle Stacy) from two treasure hunters (played by Geraldine Page and Joe Flynn), who intend to use her to help them obtain a giant diamond. The film is based on a series of books by Margery Sharp, including The Rescuers (1959) and Miss Bianca (1962).
 An early version of The Rescuers entered development in 1962, but was shelved due to Walt Disney's dislike of its political overtones. During the 1970s, the film was revived as a project intended for the younger animators, with the oversight of the senior staff. Four years were spent working on the film. The Rescuers was released on June 22, 1977, to positive critical reception and became a box office success, earning $48 million against a budget of $7.5 million during its initial theatrical run. It has since grossed a total of $169 million after two re-releases in 1983 and 1989. Due to the film's success, a sequel titled The Rescuers Down Under was released in 1990, which made this film the first Disney animated film to have a sequel.
 In an abandoned riverboat in Devil's Bayou, Louisiana, a 6 year old orphan named Penny drops a message in a bottle, containing a plea for help, into the river. The Rescue Aid Society, an international mouse organization inside the United Nations, finds the bottle when it washes up in New York City. The Hungarian representative, Miss Bianca, volunteers to accept the case. She chooses Bernard, a stammering janitor, as her co-agent. The two visit Morningside Orphanage, where Penny lived, and meet an old cat named Rufus. He tells them about a woman named Madame Medusa who once tried to lure Penny into her car, prompting the mice to investigate her pawn shop for clues.
 At the pawn shop, Bianca and Bernard discover that Medusa and her partner, Mr. Snoops, are searching for the world's largest diamond, the Devil's Eye. The mice learn that Medusa and Snoops are currently at the Devil's Bayou with Penny, whom they have kidnapped and placed under the guard of two trained crocodiles, Brutus and Nero. With the help of an albatross named Orville and a dragonfly named Evinrude, the mice follow Medusa to the bayou. There, they learn that Medusa plans to force Penny to enter a small blowhole that leads down into a blocked-off pirates' cave where the Devil's Eye is located.
 Bernard and Bianca find Penny and devise a plan of escape. They send Evinrude to alert the local animals, who loathe Medusa, but Evinrude is delayed when he is forced to take shelter from a cloud of bats. The following morning, Medusa and Snoops send Penny down into the cave to find the gem. Unbeknownst to Medusa, Bianca and Bernard are hiding in Penny's dress pocket. The three soon find the Devil's Eye within a pirate skull. As Penny pries the mouth open with a sword, the mice push the gem through it, but soon the oceanic tide rises and floods the cave. The three barely manage to escape with the diamond.
 Medusa betrays Snoops and hides the diamond in Penny's teddy bear, while holding Penny and Snoops at gunpoint. When she trips over a cable set as a trap by Bernard and Bianca, Medusa loses the bear and the diamond to Penny, who runs away with them. The local animals arrive at the riverboat and aid Bernard and Bianca in trapping Brutus and Nero, then set off Mr. Snoops's fireworks to create more chaos. Meanwhile, Penny and the mice commandeer Medusa's swamp-mobile, a makeshift airboat. Medusa unsuccessfully pursues them, using Brutus and Nero as water-skis. As the riverboat sinks from the fireworks' damage, Medusa crashes and is left clinging to the boat's smoke stacks. Mr. Snoops escapes on a raft and laughs at her, while the irritated Brutus and Nero turn on her and circle below.
 Back in New York City, the Rescue Aid Society watch a news report of how Penny found the Devil's Eye, which has been given to the Smithsonian Institution while it is implied that Medusa and Mr. Snoops have been arrested. It also mentions she has been adopted. The meeting is interrupted when Evinrude arrives with a call for help, sending Bernard and Bianca on a new adventure.
 In 1959, the book The Rescuers by Margery Sharp had been published to considerable success. In 1962, Sharp followed up with a sequel titled Miss Bianca. That same year, the books were optioned by Walt Disney, who began developing an animated film adaptation. In January 1963, story artist Otto Englander wrote a story treatment based on the first book, centering on a Norwegian poet unfairly imprisoned in a Siberia-like stronghold known as the Black Castle.[2] The story was revised with the location changed to Cuba, in which the mice would help the poet escape into the United States.[3] However, as the story became overtly involved in international intrigue, Disney shelved the project as he was unhappy with the political overtones.[4] In August 1968, Englander wrote another treatment featuring Bernard and Bianca rescuing Richard the Lionheart during the Middle Ages.[2]
 A total of four years were spent working on The Rescuers, which was made on a budget of $7.5 million.[5] During the early 1970s, The Rescuers reentered development as a project for the young animators, led by Don Bluth, with the studio planning to alternate between full-scale ""A pictures"" and smaller, scaled-back ""B pictures"" with simpler animation. The animators had selected the most recent book, Miss Bianca in the Antarctic, to adapt from. The new story involved a King penguin deceiving a captured polar bear into performing in shows aboard a schooner, causing the unsatisfied bear to place a bottle that would reach the mice. Fred Lucky, a newly hired storyboard artist, was assigned to develop the story adaptation, alongside Ken Anderson.[6] This version of the story was dropped, to which Lucky explained the Arctic setting ""was too stark a background for the animators.""[7] Vance Gerry, also a storyboard artist, also explained director Wolfgang Reitherman ""decided not to go with Fred Lucky's version. He said, ""'It's too complicated. I want a simple story: A little girl gets kidnapped and the mice try to get her back, period.'""[8] According to Burny Mattinson, he stated: ""Our problem was that the penguin wasn't formidable or evil enough for the audience to believe he would dominate the big bear. We struggled with that for a year or so. We changed the locale to somewhere in America and it was now a regular zoo and we tried to come up with something with the bear in the zoo and needing to be rescued but that didn't work either.""[3]
 In that version, the bear character was still retained, but was renamed Louie the Bear. Jazz singer Louis Prima was cast in the role and had recorded most of the dialogue and multiple songs that were composed by Floyd Huddleston.[9] The writers also expanded the role of his best friend, Gus the Lion.[10] Huddleston had stated, ""It's about two animals. One is Louis Prima — he's the polar bear — and Redd Foxx is the lion ...Louis gets cornered into leaving and going to the South Pole where he can make himself a bigger star. But he gets homesick; he feels fooled. They send out little mice as 'rescuers'.""[11] By November 1973, the role of Louie the Bear had been heavily scaled back and then eliminated.[10] In one version, the bear was meant to be Bernard and Bianca's connection to Penny. Gerry explained, ""We developed the sequence where, while the two mice are searching for clues as to where Penny has been taken, they come across this bear who she had been friends with because the orphanage where Penny was living was near the zoo.""[3] In the final film, the idea was reduced to a simple scene where Bernard enters a zoo and hears a lion's roar that scares him away.[8]
 While promoting the release of Robin Hood (1973) in Europe, Reitherman stated: ""I took Margery Sharp's books along and there was in there a mean woman in a crystal palace. When I got back I called some of the guys together and I said, 'We've got to get a villain in this thing.'""[2] The villainess and her motive to steal a diamond was adapted from the Diamond Duchess in Miss Bianca. The setting was then changed to the bayous found in the Southern United States.[7] By August 1973, the villainess was named the Grand Duchess with Phyllis Diller cast in the role.[10] A month later, Ken Anderson began depicting Cruella de Vil, the villainess from One Hundred and One Dalmatians (1961), as the main antagonist of the film.[10][13] Anderson had drawn several sketches of Cruella de Vil sporting alligator-leathered chic attire and sunglasses; one sketch depicted her wearing bell-bottom pants and platform shoes.[14] However, several staff members such as animator Ollie Johnston stated it felt wrong to attempt a sequel for the character.[15] Furthermore, Mattinson explained that Milt Kahl did not want to animate Cruella de Vil. ""Milt, of course, was very strong against that, 'Oh, no no. We're gonna have a new character. I'm not gonna do Cruella',"" Mattinson recalled, ""Because he felt that Marc [Davis] had animated Cruella beautifully. He was not gonna go and take his character.""[13]
 The new villain was named Madame Medusa, and her appearance was based on Kahl's then-wife, Phyllis Bounds (who was the niece of Lillian Disney), whom he divorced in 1978.[16] This was Kahl's last film for the studio, and he wanted his final character to be his best. He was so insistent on perfecting Madame Medusa that he ended up doing almost all the animation for the character himself.[17] The kidnapped child Penny was inspired by Patience, the orphan in the novel. The alligator characters Brutus and Nero was based on the two bloodhounds, Tyrant and Torment, in the novels. For the henchman, the filmmakers adapted the character, Mandrake, into Mr. Snoops. His appearance was caricatured from John Culhane, a journalist, who had been interviewing animators at the Disney studios.[15][18] Culhane claimed he was practically tricked into posing for various reactions, and his movements were imitated on Mr. Snoops's model sheet. However, he stated, ""Becoming a Disney character was beyond my wildest dreams of glory.""[19]
 The writers had considered depicting Bernard and Bianca as married professional detectives, but decided that depicting them as novices in a new relationship was more compelling and romantic.[7][20] For the supporting characters, a pint-sized swamp mobile for the mice—a leaf powered by a dragonfly—was created. As they developed the comedic potential of displaying his exhaustion through buzzing, the dragonfly grew from an incidental into a major character.[21] Veteran sound effects artist and voice actor Jimmy MacDonald came out of retirement to provide the effects.[22] Additionally, the local swamp creatures were originally written as a dedicated home guard that drilled and marched incessantly. However, the writers rewrote them into a volunteer group of helpful little bayou creatures. Their leader, a singing bullfrog, voiced by Phil Harris, was cut from the film,[23] as were lines characterizing muskrat Ellie Mae as their outspoken boss.[24] For Bernard and Bianca's transportation, a pigeon was proposed (specifically one that would be catapulted, repurposing an unused gag from Robin Hood),[25] until Johnston remembered a True-Life Adventures film featuring albatrosses and their clumsy take-offs and landings, leading him suggest that ungainly bird instead.[26] A scene of the mice preparing for their adventure, with Bianca choosing outfits and Bernard testing James Bond-like gadgets, was cut for pacing.[20] On February 13, 1976, co-director John Lounsbery died of a heart attack during production. Art Stevens, an animator, was then selected as the new co-director.[27]
 After the commercial success of The Aristocats (1970), then-vice president Ron Miller pledged that new animators should be hired to ensure ""a continuity of quality Disney animated films for another generation.""[28] Eric Larson, one of the ""Nine Old Men"" animators, scouted for potential artists who were studying at art schools and colleges throughout the United States. More than 60 artists were brought into the training program.[28] Then, the selected trainees were to create a black-and-white animation test, which were reviewed at the end of the month. The process would continue for several months, in which the few finalists were first employed as in-betweeners working only on nights and weekends.[29] By 1977, more than 25 artists were hired during the training program.[30] Among those selected were Glen Keane, Ron Clements, and Andy Gaskill, all of whom would play crucial roles in the Disney Renaissance.[31] Because of this, The Rescuers was the first collaboration between the newly recruited trainees and the senior animators.[30] It would also mark the last joint effort by Milt Kahl, Ollie Johnston, and Frank Thomas, and the first Disney film Don Bluth had worked on as a directing animator, instead of as an assistant animator.[26]
 Ever since One Hundred and One Dalmatians (1961), animation for theatrical Disney animated films had been done by xerography, which had only been able to produce black outlines. By the time The Rescuers was in production, the technology had been improved for the cel artists to use a medium-grey toner in order to create a softer-looking line.[32]
 Sammy Fain was first hired as a lyricist and wrote two original songs ""Swamp Volunteers March"" and ""The Rescuers Aid Society"". Meanwhile, the filmmakers had listened to an unproduced musical composed by the songwriting team of Carol Connors and Ayn Robbins.[23] Both women had first met each other in 1973 on a double date. Before then, Connors had co-composed and sang successful songs such as ""To Know Him Is to Love Him"" and ""Hey Little Cobra"" with the Teddy Bears. Meanwhile, Robbins worked as a personal secretary to actors George Kennedy and Eva Gabor and wrote unpublished poetry.[33]
 Desiring more contemporary songs for the film, Reitherman called Connors and Robbins into his office and shown them storyboards of Bernard and Bianca flying on Orville. Connors and Robbins then composed ""Tomorrow Is Another Day"" to accompany the scene. They later composed the symphonic piece ""The Journey"" to play during the opening titles.[34] Near the end of the film's production, Reitherman asked artist Mel Shaw to illustrate pastel sketches to accompany the music. Shaw agreed and was assisted by Burny Mattinson.[35]
 Connors and Robbins wrote another song ""The Need To Be Loved"", but Reitherman preferred Fain's song ""Someone's Waiting for You"". He nevertheless asked both women to compose new lyrics for the songs. They also recomposed a new version of the ""Rescuers Aid Society"" song.[34] Most of the songs they had written for the film were performed by Shelby Flint.[36] Also, for the first time since Bambi (1942), all the most prominent songs were sung as part of a narrative, as opposed to by the film's characters as in most Disney animated films.
 Describing their collaborative process, Robbins noted ""...Carol plays the piano and I play the pencil."" During production, both women were nominated for an Academy Award for Best Original Song for ""Gonna Fly Now"" from Rocky (1976) with Bill Conti.[36]
 Original songs performed in the film include:
 Songs heard in the film but not released on the soundtrack include:
 On June 19, 1977, The Rescuers premiered at the AFI Silver Theatre in Washington, D.C.,[37] and was accompanied with the live-action nature documentary film, A Tale of Two Critters (1977).[38] By January 1979, the film had earned $15 million in distributor rentals from the United States and Canada,[39] achieving the highest-gross for an animated film during its initial release.[40]
 The film was the highest-grossing film in France in 1977, out-grossing Star Wars and The Spy Who Loved Me.[40] It received admissions of $7.2 million.[41] The film also became the highest-grossing film in West Germany for 1977,[42] earning $6 million during its first 20 days of release.[40] Altogether, it received admissions of 10.3 million.[43] During its release, it earned $48–50 million in worldwide gross rentals at the box office.[44][5]
 The Rescuers was re-released in 1983 and 1989.[18] During its 1983 re-release, the film was accompanied with the new Mickey Mouse featurette, Mickey's Christmas Carol, which marked the character's first theatrical appearance after a 30-year absence. The film grossed $21 million domestically.[45] In 1989, the film earned $21.2 million domestically.[46] The film's total lifetime domestic gross is $71.2 million,[47] and its total lifetime worldwide gross is $169 million.[1]
 To tie in with the film's 25th anniversary, The Rescuers debuted in the Walt Disney Classics Collection line in 2002, with three different figures featuring three of the film's characters, as well as the opening title scroll. The three figures were sculpted by Dusty Horner and they were: Brave Bianca, featuring Miss Bianca the heroine and priced at $75,[48] Bold Bernard, featuring hero Bernard, priced also at $75[49] and Evinrude Base, featuring Evinrude the dragonfly and priced at $85.[48] The title scroll featuring the film's name, The Rescuers, and from the opening song sequence, ""The Journey,"" was priced at $30. All figures were retired in March 2005, except for the opening title scroll which was suspended in December 2012.[48]
 The Rescuers was the inspiration for another Walt Disney Classics Collection figure in 2003. Ken Melton was the sculptor of Teddy Goes With Me, My Dear, a limited-edition, 8-inch sculpture featuring the evil Madame Medusa, the orphan girl Penny, her teddy bear ""Teddy"" and the Devil's Eye diamond. Exactly 1,977 of these sculptures were made, in reference to the film's release year, 1977. The sculpture was priced at $299 and instantly declared retired in 2003.[49]
 In November 2008, a sixth sculpture inspired by the film was released. Made with pewter and resin, Cleared For Take Off introduced the character of Orville into the collection and featured Bernard and Bianca a second time. The piece, inspired by Orville's take-off scene in the film, was sculpted by Ruben Procopio.[50]
 The Rescuers premiered on VHS and LaserDisc on September 18, 1992 as part of the Walt Disney Classics series. The release went into moratorium on April 30, 1993.[51] It was re-released on VHS as part of the Walt Disney Masterpiece Collection on January 5, 1999, but due to a scandal was recalled three days later and reissued on March 23, 1999.
 The Rescuers was released on DVD on May 20, 2003, as a standard edition, which was discontinued in November 2011.[citation needed]
 On August 21, 2012, a 35th-anniversary edition of The Rescuers was released on Blu-ray alongside its sequel in a ""2-Movie Collection"".[52][53]
 On January 8, 1999, three days after the film's second release on home video, The Walt Disney Company announced a recall of about 3.4 million copies of the videotapes because there was a blurry image of a topless woman in the background of a scene.[54][55][56][57]
 The image appears twice in non-consecutive frames during the scene in which Miss Bianca and Bernard are flying on Orville's back through New York City. The two images could not be seen in ordinary viewing because the film runs too fast—at 24 frames per second.[58]
 
On January 10, 1999, two days after the recall was announced, the London newspaper The Independent reported: A Disney spokeswoman said that the images in The Rescuers were placed in the film during post-production, but she declined to say what they were or who placed them... The company said the aim of the recall was to keep its promise to families that they can trust and rely on the Disney brand to provide the best in family entertainment.[59] The Rescuers home video was reissued on March 23, 1999, with the nudity edited and blocked out.[citation needed]
 The Rescuers was said to be Disney's greatest film since Mary Poppins (1964), and seemed to signal a new golden age for Disney animation.[60] Charles Champlin of the Los Angeles Times praised the film as ""the best feature-length animated film from Disney in a decade or more—the funniest, the most inventive, the least self-conscious, the most coherent, and moving from start to finish, and probably most important of all, it is also the most touching in that unique way fantasy has of carrying vibrations of real life and real feelings.""[61] Gary Arnold of The Washington Post wrote the film ""is one of the most rousing and appealing animated features ever made by the Disney studio. The last production for several members of the original feature animation unit assembled by Walt Disney in the late '30s, the film is both a triumphant swan song and gladdening act of regeneration.""[62] Dave Kehr of The Chicago Reader praised the film as ""a beautifully crafted and wonderfully expressive cartoon feature,"" calling it ""genuinely funny and touching.""[63] Variety magazine wrote the film was ""the best work by Disney animators in many years, restoring the craft to its former glories. In addition, it has a more adventurous approach to color and background stylization than previous Disney efforts have displayed, with a delicate pastel palette used to wide-ranging effect.""[64]
 Vincent Canby of The New York Times wrote that the film ""doesn't belong in the same category as the great Disney cartoon features (Snow White and The Seven Dwarfs, Bambi, Fantasia) but it's a reminder of a kind of slickly cheerful, animated entertainment that has become all but extinct.""[65] Gene Siskel of the Chicago Tribune gave the film two-and-a-half stars out of four writing, ""To see any Disney animated film these days is to compare it with Disney classics released 30 or 40 years ago. Judged against Pinocchio, for example. The Rescuers is lightweight, indeed. Its themes are forgettable. It's mostly an adventure story.""[38] TV Guide gave the film three stars out of five, opining that The Rescuers ""is a beautifully animated film that showed Disney still knew a lot about making quality children's fare even as their track record was weakening."" They also praised the voice acting of the characters, and stated that the film is ""a delight for children as well as adults who appreciate good animation and brisk storytelling.""[66] Ellen MacKay of Common Sense Media gave the film four out of five stars, writing, ""Great adventure, but too dark for preschoolers"".[67]
 In his book, The Disney Films, film historian Leonard Maltin referred to The Rescuers as ""a breath of fresh air for everyone who had been concerned about the future of animation at Walt Disney's,"" praises its ""humor and imagination and [that it is] expertly woven into a solid story structure ... with a delightful cast of characters."" Finally, he declares the film ""the most satisfying animated feature to come from the studio since 101 Dalmatians."" He also briefly mentions the ease with which the film surpassed other animated films of its time.[68] The film's own animators Frank Thomas and Ollie Johnston stated on their website that The Rescuers had been their return to a film with heart and also considered it their best film without Walt Disney.[69] The review aggregator website Rotten Tomatoes reported that the film received a 79% approval rating, with an average rating of 6.5/10 based on 33 reviews. The website's consensus states: ""Featuring superlative animation, off-kilter characters, and affectionate voice work by Bob Newhart and Eva Gabor, The Rescuers represents a bright spot in Disney's post-golden age.""[70] On Metacritic, the film has a weighted average score of 74 out of 100 based on 8 reviews, indicating ""generally favorable reviews"".[71]
 In 2008, the American Film Institute nominated The Rescuers for its Top 10 Animated Films list.[74]
 Bernard and Bianca made appearances as meet-and-greet characters at Walt Disney World and Disneyland in the years following the original film's release. While they currently do not make regular appearances at the American parks, both continue to appear regularly at Tokyo Disney Resort.[citation needed]
 Like other Disney animated characters, the characters of the film have recurring cameo appearances in the television series House of Mouse.
 In the Disney Infinity video games, Medusa's Swamp Mobile was introduced as a vehicle in Disney Infinity 2.0.[75]
 In the world builder video game Disney Magic Kingdoms, Bernard, Miss Bianca, Penny, Madame Medusa, and Orville appear as playable characters in the main storyline of the game, along with The Rescue Aid Society and Madame Medusa's Riverboat as attractions.[76][77][78]
 Along with other Walt Disney Animation Studios characters, the main characters of the film have cameo appearances in the short film Once Upon a Studio.[79]
 The Rescuers was the first Disney animated film to have a sequel. After three successful theatrical releases of the original film, The Rescuers Down Under was released theatrically on November 16, 1990.
 The Rescuers Down Under takes place in the Australian Outback, and involves Bernard and Bianca trying to rescue a boy named Cody and a giant golden eagle called Marahute from a greedy poacher named Percival C. McLeach. Both Bob Newhart and Eva Gabor reprised their lead roles. Since Jim Jordan, who had voiced Orville, had since died, a new character, Wilbur (Orville's brother, another albatross), was created and voiced by John Candy.",4211,"Main page; Contents; Current events; About Wikipedia; Help; Learn to edit; Community portal; Upload file; ; learn more; Article; Talk; Read; Read; Upload file; ; The Rescuers (disambiguation); ; Wolfgang Reitherman; John Lounsbery; Art Stevens; Larry Clemmons; Vance Gerry; Ken Anderson; Frank Thomas; Burny Mattinson; Dick Sebast; Ted Berman; The Rescuers; Margery Sharp; Bob Newhart; Eva Gabor; Joe Flynn; Geraldine Page; Artie Butler; Walt Disney Productions; Buena Vista Distribution; adventure; comedy-drama; Walt Disney Productions; Buena Vista Distribution; Bob Newhart; Eva Gabor; Geraldine Page; Joe Flynn; Margery Sharp; The Rescuers; Walt Disney; The Rescuers Down Under; Louisiana; message in a bottle; United Nations; New York City; Hungarian; cat; pawn shop; diamond; albatross; dragonfly; bayou; blowhole; pirates; bats; fireworks; airboat; raft; Smithsonian Institution; adopted; Bob Newhart; Eva Gabor; Geraldine Page; blowhole; Joe Flynn; Jeanette Nolan; Pat Buttram; muskrats; liquor; Jim Jordan; Wright brothers; airplane; Merchandising the Wright Brothers; Marian; John McIntire; Ollie Johnston; Bernard Fox; Larry Clemmons; James MacDonald; brand of outboard motors; dragonfly; leaf boat; George Lindsey; Dub Taylor; John Fiedler; The Rescuers; Walt Disney; story treatment; Siberia; Cuba; Richard the Lionheart; Middle Ages; Don Bluth; King penguin; schooner; Ken Anderson; Vance Gerry; Wolfgang Reitherman; Burny Mattinson; Louis Prima; Floyd Huddleston; Redd Foxx; ; skull; Robin Hood; Southern United States; Phyllis Diller; Cruella de Vil; One Hundred and One Dalmatians; chic; bell-bottom pants; platform shoes; Ollie Johnston; Milt Kahl; Marc; Lillian Disney; Jimmy MacDonald; Phil Harris; True-Life Adventures; James Bond; John Lounsbery; Art Stevens; The Aristocats; Ron Miller; Eric Larson; Nine Old Men; in-betweeners; Glen Keane; Ron Clements; Disney Renaissance; Frank Thomas; xerography; Soundtrack album; Vinyl LP; Various artists; Label; Disneyland; Producer; Walt Disney Animation Studios; The Many Adventures of Winnie the Pooh; The Fox and the Hound; Sammy Fain; Carol Connors; Ayn Robbins; To Know Him Is to Love Him; Hey Little Cobra; the Teddy Bears; George Kennedy; Eva Gabor; Mel Shaw; Shelby Flint; Bambi; Academy Award for Best Original Song; Gonna Fly Now; Rocky; Bill Conti; Shelby Flint; Robie Lester; Bob Newhart; Bernard Fox; Shelby Flint; Shelby Flint; Shelby Flint; flashback; faith; bluebird; Alice in Wonderland; The U.S. Air Force; leitmotif; For He's a Jolly Good Fellow; AFI Silver; Washington, D.C.; A Tale of Two Critters; distributor rentals; France; Star Wars; The Spy Who Loved Me; West Germany; Mickey Mouse; Mickey's Christmas Carol; Walt Disney Classics Collection; pewter; resin; Ruben Procopio; VHS; LaserDisc; Walt Disney Classics; moratorium; DVD; citation needed; Blu-ray; ; frames; The Independent; citation needed; Mary Poppins; Charles Champlin; Los Angeles Times; The Washington Post; The Chicago Reader; Variety; Vincent Canby; The New York Times; Snow White and The Seven Dwarfs; Bambi; Fantasia; Gene Siskel; Chicago Tribune; TV Guide; voice acting; Common Sense Media; Leonard Maltin; 101 Dalmatians; review aggregator; Rotten Tomatoes; Metacritic; Academy Awards; Best Original Song; Sammy Fain; Carol Connors; Ayn Robbins; National Board of Review Awards; American Film Institute; Top 10 Animated Films list; Walt Disney World; Disneyland; Tokyo Disney Resort; citation needed; House of Mouse; Disney Infinity; Disney Infinity 2.0; world builder; Disney Magic Kingdoms; Once Upon a Studio; Gold Key; The Rescuers Down Under; Outback; golden eagle; poacher; John Candy; 1977 in film; List of American films of 1977; List of animated feature films of 1977; List of highest-grossing animated films; List of highest-grossing films in France; List of Walt Disney Pictures films; List of Disney theatrical animated feature films; Variety; Cartoon Brew; The Tennessean; Newspapers.com; ; Dorling Kindersley; ISBN; Yahoo! 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Fée Clochette,https://fr.wikipedia.org/wiki/Tinker_Bell,"Pour le film de 2008, voir La Fée Clochette.
 
 La fée Clochette est un personnage créé par J. M. Barrie en 1904 dans sa pièce de théâtre Peter Pan sous le nom de Tinker Bell, traduit en France par Tinn-Tamm. Elle apparaît également dans les nombreuses œuvres adaptées ou dérivées de la pièce de Barrie.
 Cette petite fée a des traits de caractère très particuliers : amoureuse de Peter Pan, elle ne supporte pas que celui-ci porte son regard sur un sujet féminin, et encore moins qu'il s'y intéresse. Or Peter, qui est un séducteur, passe son temps à essayer d'épater Wendy, ce qui énerve très profondément Clochette. James Barrie indique que, comme toutes les fées, elle est parfois gentille, parfois méchante, et qu'elle est tellement petite qu’elle n’a de place que pour un seul sentiment à la fois. Cependant, Clochette est apte à jouer des tours. Elle ira donc dire aux Garçons perdus que Peter leur demande de tuer une « Wendy à plumes ». Il s'agit bien sûr de Wendy, qui la suit tant bien que mal pour échapper à l'infâme Crochet. Elle profite de la naïveté des enfants pour blesser Wendy. Mais quand Peter les rejoint, il demande des explications aux Garçons perdus, et punit Clochette qui doit s’en aller pour toujours. Wendy prend la défense de la fée et Peter adoucit la sentence : Clochette ne sera punie que durant une semaine. 
 Clochette est jalouse, mais elle est aussi très colérique, et elle peut être méchante. Cependant Clochette n'hésite pas à boire le poison contenu dans le médicament de Peter Pan pour sauver ce dernier. 
 Elle est aussi assez naïve et rancunière pour dévoiler au capitaine Crochet la cachette de Peter Pan.
 L’appartement de Clochette est une niche dans un mur, guère plus grande qu’une cage d’oiseau. Il est séparé du reste de la pièce par un rideau léger et est aménagé avec de superbes tapis, un chandelier et du mobilier de prix qui donne à l’ensemble un air prétentieux et vieillot. L'auteur écrit que personne n’aurait pu rêver un endroit plus exquis.
 Elle est fragile et sensible, se déplace très rapidement et, grâce à sa poudre, elle permet à Peter, aux enfants Darling et aux Garçons perdus de voler.
 Le personnage de « Clochette » est présent dans l'adaptation en dessin animé de Walt Disney, sous le nom de fée Clochette (Tinker Bell en version originale). Elle est interprétée par Ludivine Sagnier dans le film de Peter Pan de P. J. Hogan.
 Dans le film Hook ou la Revanche du Capitaine Crochet (1991), elle est amoureuse de Peter Pan (le seul vœu qu'elle a fait pour elle-même est d'avoir une taille normale, pour pouvoir embrasser Peter Pan). Pour ce rôle, le réalisateur Steven Spielberg fait appel à Julia Roberts.
 Dans la bande dessinée de Loisel, elle est présentée comme celle qui apprend à Peter à voler.
 Dans la série de jeux vidéo Kingdom Hearts, elle est présente sous forme d'invocation après avoir scellé la Serrure du Pays Imaginaire.
 Elle apparaît dans la saison 3 de Once Upon a Time, interprétée par Rose McIver, où elle se trouve être une fée déchue après avoir essayé d'aider la méchante reine sans y parvenir.
 Elle apparaît également dans la série dérivée de Winx Club, Le monde des Winx. Elle interprète la méchante reine du pays imaginaire après que Peter Pan lui a brisé le cœur. Après la saison 2 elle redevient gentille.
 Yara Shahidi l'incarne dans Peter Pan et Wendy (2022) de David Lowery, remake du film d'animation de 1953 de Disney.
 Disney a développé plusieurs films d'animations pour étendre le monde défini dans les livres et donner vie aux fées, notamment sous la franchise Disney Fairies.
 Lorsqu'il est traduit dans d'autres langues, le nom de la fée Clochette est parfois interprété plus ou moins phonétiquement, mais il est souvent remplacé par un nom qui évoque son caractère, qui se réfère à une cloche ou représente le son d'une clochette.
 En 2010, le personnage de la fée Clochette obtient la 2 418 e étoile du Walk of Fame d'Hollywood[1]. 
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M. Barrie's 1904 play Peter Pan and its 1911 novelisation Peter and Wendy. She has appeared in a variety of film and television adaptations of the Peter Pan stories, in particular the 1953 animated Walt Disney picture Peter Pan. She also appears in the official 2006 sequel Peter Pan in Scarlet by Geraldine McCaughrean commissioned by Great Ormond Street Hospital as well as the ""Peter and the Starcatchers"" book series by Ridley Pearson and Dave Barry. 
 At first only a supporting character described by her creator as ""a common fairy"", her animated incarnation was a hit and has since become a widely recognized unofficial mascot of The Walt Disney Company, next to the official mascot of Mickey Mouse.
 Barrie described Tinker Bell as a fairy who mended pots and kettles, an actual tinker of the fairy folk.[1] Her speech consists of the sounds of a tinkling bell, which is understandable only to those familiar with the language of the fairies.
 Though sometimes ill-tempered, jealous, vindictive and inquisitive, she is also helpful and kind to Peter.[2] The extremes in her personality are explained in the story by the fact that a fairy's size prevents her from holding more than one feeling at a time, so when she is angry she has no counterbalancing compassion. At the end of the novel, when Peter flies back to find an older Wendy, ""when she expressed a doubtful hope that Tinker Bell would be glad to see her he said, 'Who is Tinker Bell?'"" Try as she might, nothing she said helped Peter remember Tinker Bell. Finally, Peter said, 'There are such a lot of them, I expect she is no more.' The narrator comments that he expected Peter was right, ""that fairies don't live long, but they are so little that a short time seems a good while to them."" 
 In the first draft of the play, she is called Tippy-toe, but became Tinker Bell in the later drafts and final version.[3]
 In the original stage productions, Tinker Bell was represented on stage by a darting light ""created by a small mirror held in the hand off-stage and reflecting a little circle of light from a powerful lamp"",[4] and her voice was ""a collar of bells and two special ones that Barrie brought from Switzerland"".[5] However, a 'Jane (or Jenny) Wren' was listed among the cast on the programmes as playing Tinker Bell; this was a joke which also helped with the mystique of the fairy character and fooled H.M. Inspector of Taxes, who sent Jane Wren a tax demand.[5]
 Originally, no fairy dust was mentioned in the play, but Barrie added to the script the necessity to sprinkle it to enable the children to fly because ""so many children tried [to fly] from their beds and needed surgical attention.""[6]
 In the  musical version of the play, she was also represented by a darting light, accompanied by a celesta. Her favourite insult (as in Barrie's play) is ""You silly ass!"", which the audience learns to recognise because it is always represented by the same motif: four notes (presumably one for each syllable of the phrase), followed by a growl on the bassoon.
 Film adaptations provided the first vocal effects for the character, whether through sound, such as musical expressions or the sound of a tinkling bell, or human speech.
 In the 1924 film, Tinker Bell was played by Virginia Browne Faire.
 In the 1991 film Hook, Tinker Bell is portrayed by Julia Roberts. After taking the now-adult Peter to Neverland to rescue his children, Tinker Bell persuades Captain Hook to give her three days to restore Peter's lost memories (including his abilities to fly, fight, and crow) in order to ensure a fair fight between Peter and Hook. After Peter's memory is restored, Tinker Bell ""wishes"" herself into a human-size woman to share a kiss with Peter. After Peter returns to London, Tinker Bell appears to him one last time on the Peter Pan statue in Kensington Gardens to tell him that she will always love him.
 In this version, Tinker Bell is portrayed as a winged, six-inch-tall tomboyish sprite with a red ""pixie cut"" hairstyle. She wears a ragged leather tunic with matching shorts and carries a dagger strapped to her leg. Only while flying does she appear as the traditional ball of light. Tinker Bell displays strength beyond all proportion to her size and is capable of picking up and carrying a grown man, as well as wielding a human sword while flying (giving the impression that the sword is hovering in mid-air). This is also the first interpretation in which Tinker Bell has the ability to transform into a human-size version of herself. Hook subverts Tinker Bell's canon by having her survive well into the modern era, whereas the original novel states that fairies are naturally short-lived. The implication of the novel was that Tinker Bell died shortly after the Darling children's adventures, and that Peter forgot her.
 In the 2003 film Peter Pan, P.J. Hogan originally planned to use a computer-generated version of the character, but instead used Ludivine Sagnier in combination with digital models and effects to take advantage of the actress's expressions.
 In the 2023 film Peter Pan & Wendy, Yara Shahidi portrayed Tinker Bell. This marked the first time a person of color portrayed the character, who had been previously portrayed by white actors. This adaptation followed in the footsteps of Disney's casting of the African American actress Halle Bailey to play Ariel in The Little Mermaid (2023).
 Tinker Bell will appear in the 2025 horror film Peter Pan's Neverland Nightmare which will portray her as a human instead of a fairy. This version who is addicted to heroin, whilst mistaking it for fairy dust.  She and Captain Hook will be helping Peter Pan kidnap kids.[7]
 Tinker Bell returns in the official sequel Peter Pan in Scarlet. When Wendy and the rest of the group reach Neverland and ask Peter where she is, he replies that he does not know anyone by the name Tinker Bell, which is explained as him not remembering her after she died. She is mentioned by Wendy and the rest of the Lost Boys to Fireflyer, a silly blue fairy, who when he reaches the top of Neverpeak, makes the wish to meet her. When they open Captain Hook's treasure chest, among other things, Tinker Bell is seen inside it to Fireflyer's joy. Initially, Tinker Bell does not like him, but eventually she comes to see that Fireflyer is not as bad as he seems to be. In the end, they get married and start selling dreams to the Roamers, previous Lost Boys that have been outcast by Peter, while having many adventures.
 In the Dave Barry and Ridley Pearson Peter and the Starcatchers book series, Tinker Bell makes her first appearance at the end of the first novel. Originally, she was a green and yellow coloured bird who was put in a bag of starstuff, turning her into a fairy. Molly's father, the famous starcatcher Lord Leonard Aster, made her Peter's guardian and she follows him on all of his adventures. She doesn't like being called a fairy and would much rather be called ""birdwoman"" because of her origins. She is very protective of Peter, and hates his paying attention to any other female. She can be very impolite to others (only Peter is able to understand her perfectly, and most of the time he does not reveal what she says about others, because they are mostly insults). She is also able to emit a very bright light, which she uses as an attack against other creatures, especially Lord Ombra, one of the main villains of the series.
 In the Andy Weir and Sarah Andersen Cheshire Crossing series, Tinker ""Tink"" Bell firstly appears alongside Peter as they attempt to rescue captured fairies from Captain Hook and the Wicked Witch of the West, with Peter being captured and Tink fleeing to get Wendy's help, alongside that of Dorothy Gale and Alice Liddell, providing the latter two with fairy dust to fly. Later, after Dorothy is captured, Tink frees her and goes to Castle West to warn Jack the Knave of Hearts of the incoming flying pirate ship, preventing the Cheshire Cat from eating her when they attempt to do so. Later, after the Witch defeats Mary Poppins in battle, Tink lends Poppins her power against the Witch as Poppins utters ""Say hello to my little friend!"", leaving them evenly matched. Later, after the Witch has been defeated, Alice places Peter (now shrunken to Tink's size and having matured due to consuming size-altering berries in Wonderland) next to Tink, having recognized her as being in love with him, and after being complimented by Peter as to her appearance, the pair kiss.
 In the book by Kirk Clendinning, Coira in Everland, Tinker ""Tink"" Bell has isolated herself from the other fairies and girls in Everland, partly due to her anger and humiliation with Pan, deep in the forest within a hollow tree. Coira, who has lost her dream pool, and so too is estranged from the community, finds Tinker Bell and they become fast friends, sharing Pan-like adventures together. When the Mairbh Queen threatens to destroy Everland by enslaving fairies and children to gather nectar so that she can make enough fairy dust to escape from Everland, Tink, Coira, a mauve fairy named Chandler and mysterious boy work together to defeat her and restore Everland to normalcy.
 Tinker Bell was voiced or portrayed by:
 In World of Winx, Tinker Bell is a powerful fairy from the world of dreams (also called Neverland) and a friend of Peter Pan. When Peter Pan eventually left her for Wendy Darling, she became dark and cold, turning into the evil Queen.
 In addition to the illustrations in the original editions of Peter Pan, Tinker Bell has also been depicted by fantasy artists such as Brian Froud and Myrea Pettit. She also appears in the edition of Peter Pan in Scarlet illustrated by David Wyatt.
 A bronze sculpture of Tinker Bell by London artist Diarmuid Byron O'Connor was commissioned by Great Ormond Street Hospital, to whom Barrie bequeathed the copyright to the character, to be added to his original four-foot statue of Peter Pan, wresting a thimble from Peter's finger. The figure has a 9.5 in (240 mm) wingspan and is 7 in (180 mm) tall. She was unveiled on 29 September 2005 by Sophie, Countess of Wessex. 
 In 2009, a waxwork of Tinker Bell (the museum's ""smallest figure of all time"" at 5.5 in (140 mm) was created at Madame Tussauds, London.[9]
 Five people individually played Tinker Bell at Disneyland California from 1961 to 2005. Multiple alternate people, women and men, were playing the role at Walt Disney World in Florida and Disneyland after 2005. Tinker Bell didn't start flying in Florida until 1985.",1824,"Main page; Contents; Current events; About Wikipedia; Help; Learn to edit; Community portal; Upload file; ; learn more; Article; Talk; Read; Read; Upload file; Tinker Bell (Disney character); Tinker Bell (disambiguation); Pixie (X-Men); Peter Pan; ; Diarmuid Byron O'Connor; Peter Pan; J. M. Barrie; Fairy; J. M. Barrie; Peter Pan; novelisation; Peter and Wendy; Walt Disney; Peter Pan; Peter Pan in Scarlet; Peter and the Starcatchers; fairy; The Walt Disney Company; Mickey Mouse; tinker; compassion; H.M. Inspector of Taxes; musical version of the play; celesta; 1924 film; Virginia Browne Faire; Tinker Bell (Disney character); Hook; Julia Roberts; Peter Pan statue; Kensington Gardens; modern era; Peter Pan; P.J. Hogan; Ludivine Sagnier; Peter Pan & Wendy; Yara Shahidi; Halle Bailey; Ariel; The Little Mermaid; Peter Pan's Neverland Nightmare; heroin; Peter Pan in Scarlet; Dave Barry; Ridley Pearson; Peter and the Starcatchers; Andy Weir; Sarah Andersen; Cheshire Crossing; the Wicked Witch of the West; Dorothy Gale; Alice Liddell; Jack the Knave of Hearts; pirate ship; the Cheshire Cat; Mary Poppins; Say hello to my little friend!; shrunken; matured; Wonderland; kiss; Sumi Shimamoto; anime; The Adventures of Peter Pan; Debi Derryberry; Peter Pan and the Pirates; Keira Knightley; Neverland miniseries; Rose McIver; Once Upon A Time; Quite a Common Fairy; Peter Pan Live!; computer-generated; Paloma Faith; Peter & Wendy; ITV; World of Winx; ; Madame Tussauds; Brian Froud; Diarmuid Byron O'Connor; Great Ormond Street Hospital; Sophie, Countess of Wessex; Madame Tussauds; Disneyland; Walt Disney World; Disneyland; Hollywood Bowl; Tiny Kline; v; t; J. M. Barrie; Peter Pan; Characters; Peter Pan; Wendy Darling; Captain Hook; Mr. Smee; Disney version; Tiger Lily; Lost Boys; The Lost Boys; Finding Neverland; Neverland; Llewelyn Davies boys; George; Jack; Peter; Michael; Peter Pan syndrome; puer aeternus; Peter Pan copyright; Disney franchise; Disney Fairies; Tinker Bell cast; Peter Pan; Peter Pan; The Little White Bird; Peter Pan in Kensington Gardens; Peter and Wendy; Peter Pan in Scarlet; Peter and the Starcatchers; Peter and the Shadow Thieves; Peter and the Secret of Rundoon; Peter and the Sword of Mercy; The Bridge to Never Land; Never Land Books; Peter Pan; Peter Pan; Hook; Neverland; Peter Pan; Pan; Come Away; Wendy; The Lost Girls; The Twisted Childhood Universe; Peter Pan's Neverland Nightmare; Peter Pan; Peter Pan; Return to Never Land; Peter Pan & Wendy; Tinker Bell films; Tinker Bell; Tinker Bell and the Lost Treasure; Tinker Bell and the Great Fairy Rescue; Pixie Hollow Games; Secret of the Wings; Pixie Hollow Bake Off; The Pirate Fairy; Tinker Bell and the Legend of the NeverBeast; Otheradaptations; 1954 musical; 1976 musical; 1989 Animated Series; Fox's Peter Pan & the Pirates; Jake and the Never Land Pirates; Once Upon a Time; Neverland; Peter Pan Live!; Peter and Wendy; 1950 musical; 1954 musical; Peter Pan: A Musical Adventure; Peter and the Starcatcher; Peter Pan 360; Peter and Alice; Peter Pan Goes Wrong; Wendy & Peter Pan; Disney's Peter Pan Jr.; Finding Neverland (musical); Peter Pan and the Pirates; Hook; Peter Pan: Adventures in Never Land; The Child Thief; Peter Pank; Lost Girls; Marvel Fairy Tales; Cheshire Crossing; Faith, Trust, and Pixie Dust; Songs; ""Lost Boy"" (Ruth B song); Somewhere in Neverland; ""Peter Pan"" (Kelsea Ballerini song); Disney on Ice; Fantasmic!; Peter Pan's Flight; Pixie Hollow; Never Never Land; Category; v; t; Disney's Peter Pan; Works based on Peter Pan; Peter Pan; Return to Never Land; Peter Pan & Wendy; ; Tinker Bell films; Tinker Bell; Tinker Bell and the Lost Treasure; Tinker Bell and the Great Fairy Rescue; Secret of the Wings; The Pirate Fairy; Tinker Bell and the Legend of the NeverBeast; Jake and the Never Land Pirates; episodes; Pixie Hollow Games; Pixie Hollow Bake Off; Once Upon a Time; Second Star to the Right; season 3; Never Smile at a Crocodile; What Made the Red Man Red?; Disney Fairies: Faith, Trust, and Pixie Dust; Peter Pan & Wendy (soundtrack); Peter Pan's Flight; Pixie Hollow; Fantasy Springs; Peter Pan: Adventures in Never Land; Pixie Hollow; Disney's Villains' Revenge; Kingdom Hearts; Kingdom Hearts; Chain of Memories; 358/2 Days; Birth by Sleep; Kinect: Disneyland Adventures; Epic Mickey; Epic Mickey: Power of Illusion; Disney Infinity 2.0; Disney Magic Kingdoms; Disney Mirrorverse; Tinker Bell; Disney Fairies; Tinker Bell cast members; Disney's Greatest Villains; Peter Pan (peanut butter); Straight On Till Morning: A Twisted Tale; House of Mouse; Mickey's House of Villains; Once Upon a Halloween; Trust Me; Chip 'n Dale: Rescue Rangers; Once Upon a Studio; Category; Authority control databases; 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Frère des ours,https://fr.wikipedia.org/wiki/Frère_des_Ours,"Joaquin PhoenixJosh HartnettJeremy Suarez
 Série Classiques d'animation Disney La Planète au trésor(2002) La ferme se rebelle(2004) Série Frère des ours Frère des ours 2(2006) Pour plus de détails, voir Fiche technique et Distribution. modifier  Frère des ours (Brother Bear) — ou Mon frère l'ours au Québec — est le 84e film d'animation et le 44e « Classique d'animation » des studios Disney, sorti en 2003 et réalisé par Robert Walker (en) et Aaron Blaise.
 Kenaï est un jeune homme turbulent. Désinvolte et aventurier, il attend impatiemment le jour de la cérémonie de la maturité où la chamane de son village lui remettra son totem, symbole d'une vertu qu'il devra accomplir et suivre toute sa vie. Mais alors qu'il l'imagine représenter un animal puissant, symbole de force ou de sagesse comme ses frères aînés Sitka et Denahi, il reçoit « l'ours de l'amour ».
 Furieux de la moquerie de son frère aîné et des reproches quant au vol par un ours de la pêche qui devait servir au banquet et que la désinvolture de Kenaï avait favorisé, ce dernier décide de se lancer à la poursuite du grizzli dans la forêt. Il finit par retrouver et affronter l'animal au sommet d'un pic rocheux, mais présumant de ses forces, il est rapidement mis en difficulté. Ses deux frères interviennent alors pour éloigner le danger mais l'ours est beaucoup trop fort pour eux : il fait déséquilibrer Denahi qui glisse dans une crevasse et assomme Sitka d'un coup de patte. Décidé à l'achever, l'ours remarque que Kenaï et Denahi sont eux aussi en position vulnérable et se retourne contre eux. Afin de sauver ses frères, Sitka plante alors sa lance dans une fente du glacier, ce qui a pour effet de provoquer une gigantesque fissure dans la roche. Un énorme morceau de roche et de glace se détache alors de la falaise, entraînant Sitka et l'ours dans une chute qui est malheureusement fatale au jeune homme, alors que l'ours s'en sort sain et sauf. Seul un morceau de lance et le manteau de Sitka sont retrouvés flottant dans la rivière en contrebas au pied de la falaise. Le soir, après les funérailles de son frère, désespéré et fou de rage, Kenaï traque l'ours et finit par le tuer au sommet d'une aiguille rocheuse. C'est alors que des esprits apparaissent, dont notamment l'esprit de Sitka et le métamorphosent en ours. Denahi, qui s'était entretemps lancé à la poursuite de Kenaï arrive juste à ce moment-là. Apercevant un énorme ours au sommet du pic rocheux et les haillons de Kenaï éparpillés sur la roche, il pense à tort que l'ours qui se tient devant lui a tué Kenaï. Il se lance alors à la poursuite de l'ours, sans savoir qu'il s'agit en réalité de son propre frère.
 Au début, Kenaï a beaucoup de mal à accepter cette transformation, d'autant qu'il fait la rencontre d'un petit ourson bavard nommé Koda. Au fil de la conversation, Koda lui apprend qu'il connaît le sommet où « les lumières du ciel touchent la terre ». Or, Kenaï doit atteindre ce sommet s'il veut que l'esprit de Sitka lui rende son apparence humaine, information donnée par la chamane et sorcière de son village, et Koda est le seul à en connaître le chemin… Du moins, à s'en souvenir vaguement car il était tout petit quand il y est allé. Kenaï se voit contraint de l'accompagner, malgré son bavardage excessif et agaçant. Au fur et à mesure, Kenaï devient moins froid et se lie d'amitié avec l'ourson. Ils doivent cependant échapper à Denahi, qui les poursuit sans relâche. Ainsi, ils gravissent des reliefs, traversent des plaines à dos de mammouth et passent par une zone de lave, accompagnés de deux élans frères, Truc et Muche, rencontrés en route.
 Une fois arrivés au pied de la montagne, ils découvrent un lac au bord duquel sont rassemblés une multitude d'ours qui pêchent et jouent à longueur de journée. Un de leurs jeux consiste à raconter une histoire palpitante. Celles des ours ne sont en général pas bien passionnantes. Kenaï raconte qu'il a fait la rencontre du plus insupportable des oursons, mais que, maintenant, ils sont comme frères. Puis Koda raconte qu'un jour, caché dans un buisson, il a vu un chasseur traquer sa mère sans savoir ce qu'elle est devenue par la suite…
 Kenaï, horrifié comprend alors que l'ours qu'il a tué quand il était encore humain n'était autre que la mère de Koda. Honteux, il quitte le groupe et tente d'atteindre seul le sommet mais il est rattrapé par Koda, nourrissant toujours le désir du retour prochain de sa mère. Kenaï lui annonce que sa mère ne reviendra jamais et Koda part en pleurs, refusant cette réalité. Alors qu'il est seul, Truc et Muche arrivent et essaient de le réconforter mais Truc, qui est en colère contre son frère, s’énerve contre lui mais se réconcilie avec Muche lorsque celui-ci lui rappelle que, en tant que frère, il sera toujours là pour l'aider, ce qui fait prendre conscience à Koda que Kenaï a besoin de lui. Kenaï arrive au sommet de la montagne où il est attaqué par son frère Denahi, seul survivant de la traque (du moins, c'est ce que Denahi croit car, arrivé au sommet du pic et découvrant un ours à la place de Kenaï, il est persuadé que l'animal, qu'il pense être l'ours que Kenaï traquait, est l'assassin de son frère). Le combat s'engage. Koda tente d'intervenir jusqu'au moment où un aigle majestueux apparaît, interrompant nette la confrontation. Les Grands Esprits apparaissent alors devant Denahi et Koda médusés, Kenaï se transforme et apparaît sous sa forme humaine. Denahi découvre en face de lui son frère, qu'il s'apprêtait à tuer, et Koda s'aperçoit que son ami est en fait un humain. Le jeune ourson voit également l'esprit de sa mère se matérialiser devant lui. Sous les yeux ébahis des trois protagonistes, l'aigle majestueux se métamorphose et prend la forme humaine de l'esprit de Sitka.
 Kenaï fait alors une demande aux esprits : il veut redevenir un ours et comprend que son but est de devoir veiller sur Koda, désormais seul au monde. L'esprit de Sitka lui accorde cette faveur. Après cela, Sitka ainsi que la mère de Koda peuvent rejoindre les Grands Esprits, en paix. C'est sous cette apparence que Kenaï rentre au village, en compagnie de Denahi et de Koda, où il est rapidement adopté par la population des hommes. Kenaï ayant ainsi réalisé la vertu assignée par son totem « l’ours de l’amour ».
 Le film prend place à l'époque post-ère glaciaire en Amérique du Nord, où les tribus locales d'Inuits croient que toutes les créatures vivantes sont créées par les Esprits (animisme) qui apparaissent sous forme d'aurore polaire.
 Un second film, Frère des ours 2, est sortie directement en vidéo en 2006.
 Frère des ours a été adapté en jeu vidéo sur Windows et Game Boy Advance.",1150,"Accueil; Portails thématiques; Article au hasard; Contact; Débuter sur Wikipédia; Aide; Communauté; Modifications récentes; ; Rechercher; en savoir plus; Contributions; Discussion; Article; Discussion; Lire; Lire; Pages liées; Suivi des pages liées; Téléverser un fichier; Pages spéciales; ; Aaron Blaise; Tab Murphy; Joaquin Phoenix; Josh Hartnett; Jeremy Suarez; Walt Disney Pictures; ; États-Unis; 2003; Classiques d'animation Disney; La Planète au trésor; La ferme se rebelle; Frère des ours 2; ; Québec; film d'animation; « Classique d'animation »; studios Disney; 2003; Aaron Blaise; ; Epcot; grizzli; Aaron Blaise; Tab Murphy; Mark Mancina; Phil Collins; Chuck Williams; Walt Disney Pictures; Buena Vista Pictures Distribution; Gaumont Buena Vista International; anglais; 1,78:1; 2,35:1; DTS; Dolby Digital; SDDS; États-Unis; Canada; 7; novembre; 2003; France; 28; janvier; 2004; Joaquin Phoenix; D. B. Sweeney; Jason Raize; Jeremy Suarez; Joan Copeland; Rick Moranis; Dave Thomas; Michael Clarke Duncan; Jim Cummings; Frank Welker; Rick Jones; Pat Fry; Corey Burton; U Aung Ko; Kath Soucie; Howard McGillin; Rodger Bumpass; Patrick Pinney; Jack Angel; Bruno Choël; Boris Rehlinger; Damien Boisseau; Kad Merad; Olivier Baroux; Annie Cordy; David Douillet; Omar et Fred; Robert Party; Évelyne Grandjean; Philippe Dumat; Alexandre Gillet; Dorothée Pousséo; Jacques Bouanich; Hervé Rey; Jérôme Pauwels; Marc Alfos; Xavier Fagnon; Michel Vigné; Éric Métayer; Guillaume Lebon; Fabien Jacquelin; Patrice Dubois; François Godin; Antoine Durand; Louise Turcot; Ghislain Taschereau; Pierre Brassard; Guy Nadon; Vincent Davy; François Sasseville; Joël Legendre; Viviane Pacal; Stéfanie Dolan; Marie-Ève Janvier; Joël Legendre; ère glaciaire; Inuits; animisme; aurore polaire; Frère des ours 2; Frère des ours (jeu vidéo); jeu vidéo; Windows; Game Boy Advance; ; États-Unis; ; France; Observatoire européen de l'audiovisuel; 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//upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/c/c1/Bear_%28121661%29_-_The_Noun_Project.svg/24px-Bear_%28121661%29_-_The_Noun_Project.svg.png; https://login.wikimedia.org/wiki/Special:CentralAutoLogin/start?type=1x1; /static/images/footer/wikimedia-button.svg; /w/resources/assets/poweredby_mediawiki.svg,https://en.wikipedia.org/wiki/Brother_Bear,Brother Bear,https://en.wikipedia.org/wiki/Brother_Bear,"Brother Bear is a 2003 American animated musical fantasy comedy-drama film produced by Walt Disney Feature Animation and released by Walt Disney Pictures. It was directed by Aaron Blaise and Robert Walker (in their feature directorial debuts) and produced by Chuck Williams, from a screenplay written by Tab Murphy, Lorne Cameron, David Hoselton, and the writing team of Steve Bencich and Ron J. Friedman. The film stars the voices of Joaquin Phoenix, Jeremy Suarez, Rick Moranis, Dave Thomas, Jason Raize (in his only film role), and D.B. Sweeney. Brother Bear follows an Alaska native boy named Kenai who kills a grizzly bear as retribution for his older brother's death. The Great Spirits, incensed by the unnecessary killing, transform Kenai into a bear himself as punishment.[3] In order to become human again, Kenai travels to a mountain where the Northern lights touch the earth, forging a relationship with a cub named Koda along the way.
 The film was the third and final Disney animated feature produced primarily by the Feature Animation studio at Disney-MGM Studios in Orlando, Florida; the studio was shut down in March 2004, not long after the release of this film in favor of computer-animated features. Brother Bear was released in the United States on November 1, 2003, to mixed reviews from critics and received a nomination for Best Animated Feature at the 76th Academy Awards, losing to Pixar's Finding Nemo. The film grossed $250 million against a $46 million budget. A direct-to-video sequel, Brother Bear 2, was released on August 29, 2006.
 In a post-ice age Alaska, the local tribes believe all creatures are created through the Great Spirits, who are said to appear in the form of an aurora. A trio of brothers, Kenai, the youngest; Denahi, the middle; and Sitka, the eldest, return to their tribe for Kenai to receive his totem, necklaces in the shapes of different animals, from Tanana, the shaman of the brothers' tribe. The particular animals they represent symbolize what they must achieve to call themselves men.
 Unlike Sitka, who gained the eagle of guidance, and Denahi, who gained the wolf of wisdom, Kenai receives the bear of love. He objects to his totem, stating that bears are thieves and dumb creatures without feelings, and believes his point is made a fact when a brown bear steals their basket of salmon, which Kenai did not hold properly in a hurry to receive his totem. Kenai searches for the basket and finds it destroyed. He sees the bear, provokes it, his brothers find him, and a fight ends on top of a giant glacier. When the bear gets the upper hand, Sitka gives his life to save his brothers by dislodging the glacier, although the bear survives the fall. After Sitka's funeral, an enraged Kenai blames the bear for Sitka's death and rejects his totem. He hunts down and chases the bear up onto a rocky cliff, fighting and eventually slaying it. The Spirits, represented by Sitka's spirit in the form of a bald eagle, arrive and transform Kenai into a bear after the dead bear's body evaporates and joins them. Denahi arrives and falsely believes that Kenai was killed by the bear from earlier. Kenai falls off the cliff and down some rapids, but survives.  Denahi vows to avenge Kenai.
 Kenai awakens as he is healed by Tanana and discovers to his horror that he has become a bear. Tanana cannot understand Kenai, but advises him to go to the mountain where the lights touch the earth to find Sitka and be turned back into a human, but only when he atones for his actions; she vanishes without an explanation. Kenai quickly discovers that the wildlife can now speak to him, meeting a pair of moose brothers named Rutt and Tuke. He gets caught in a trap but is freed by an outgoing bear cub named Koda. After they evade Denahi, who is still unaware that the bear he's pursuing is Kenai, Koda reveals to Kenai that his mother is missing. They make a deal: Kenai will escort Koda to an annual salmon run, and then the cub will lead Kenai to the mountain nearby. Along the way, the two form a brother-like relationship and are joined by Rutt and Tuke and ride on the backs of a woolly mammoth herd. Kenai and Koda eventually continue their journey on foot. As they go through a volcanic field, Kenai and Koda are still hunted by Denahi as he is determined to avenge Kenai.
 Kenai and Koda reach the salmon run, where a large number of bears live as a family, including the leader Tug. Kenai accepts his new surroundings and is comfortable living with the other bears. During story time among the bears, Koda tells a story about his mother recently fighting human hunters on a glacier, reminding Kenai of his and his brothers' fight with the bear that led to Sitka's death, making him realize that the bear he killed was Koda's mother. Horrified of what he has done, Kenai runs away in a fit of guilt, but Koda soon follows him. Downhearted, Kenai confesses the truth to Koda, who runs away, grief-stricken that Kenai was responsible for his mother's death. An remorseful Kenai leaves to go to the mountain.
 Meanwhile, Rutt and Tuke, having had a falling out, reconcile in front of Koda, prompting him to forgive Kenai. On the mountain, Kenai is cornered by Denahi, but their battle is interrupted by Koda, who steals Denahi's spear. Kenai comes to Koda's aid, out of love, prompting Sitka to appear and turn him back into a human, much to Denahi and Koda's surprise. However, upon realizing that Koda needs him because of his own mistake, Kenai asks Sitka to transform him back into a bear with Denahi's support. Sitka complies, and Kenai is transformed back into a bear. Koda is reunited briefly with the spirit of his mother before she and Sitka return to the spirit world. In the end, Kenai lives with the rest of the bears and gains his title as a man, through being a bear.
 Additional vocals by Patrick Pinney, Bob Bergen, Rodger Bumpass, Roger Rose, Debi Derryberry, Randy Crenshaw, Phil Proctor, John Schwab, Bill Farmer, Pamela Adlon, Hope Levy, and Sherry Lynn.
 Following the critical and commercial success of The Lion King (1994), then-Disney chairman and CEO Michael Eisner urged for more animal-centric animated features. He suggested a North American setting, taking particular inspiration from an original landscape painting by Albert Bierstadt that he purchased. For the characters, the hero would be a bear, the king of the forest.[5] At the time, the original idea, which was inspired by King Lear, centered around an old blind bear who traveled the forest with his three daughters.[6] In 1997, veteran animator Aaron Blaise joined the project as director because he ""wanted to be attached so that [he] could animate bears"",[7] and was soon joined by co-director Robert Walker.[8] Because Blaise desired a more naturalistic story, Blaise and producer Chuck Williams produced a two-page treatment of a father-son story in which the son is transformed into a bear, and in the end, remains a bear. Thomas Schumacher, then-president of Walt Disney Feature Animation, approved the revised story and proclaimed, ""This is the idea of the century.""[5] Tab Murphy, who had co-written the screenplays for The Hunchback of Notre Dame (1996), Tarzan (1999), and Atlantis: The Lost Empire (2001), came on board to write an early draft of the script.[8]
 After the project was green-lit, Blaise,  Walker, and the story artists embarked on a research trip in August 1999 to visit Alaska where they traveled on the Valley of Ten Thousand Smokes and Kodiak Island.[5] They also traveled through Denali National Park and the Kenai Fjords National Park, where they visited Exit and Holgate Glacier.[9] A year later, the production team took additional research trips through the Yellowstone National Park, Grand Teton National Park, and the Sequoia National Park.[5] Around 2000, the story evolved into a tale in which the transformed Kenai is taken in by an older bear, Grizz, who was to be voiced by Michael Clarke Duncan.[10] However, Blaise explained that ""we were struggling [with the story], trying to get some charm into the film. So we turned Grizz into a cub named Koda"",[7] who was voiced by Jeremy Suarez. Because Blaise, Walker, and Williams enjoyed Duncan's vocal performance, Tug, the de facto leader of the bears at the salmon run, was written into the film.[10]
 In March 2001, Joaquin Phoenix confirmed he was cast in the film, exclaiming, ""Oh, but forget the Oscar nomination (for Gladiator). The real pinnacle is that I'm playing an animated character in a Disney film. Isn't that the greatest? I play a Native American transformed into a bear. It's called The Bears. Don't call me a leading man. I don't care about that. I'm a leading bear. I am content!""[11] After the filmmakers heard his audition tapes for Finding Nemo (2003), Jeremy Suarez was cast as Koda.[5]
 As is typical for animation voice acting, Suarez and Phoenix voiced their roles separately, although they both did a recording session together at least two times.[5] Voicing the moose brothers Rutt and Tuke, Dave Thomas and Rick Moranis performed simultaneously throughout the recording process.[5] Angayuqaq Oscar Kawagley, an associate professor who taught courses on Alaska Native philosophy at the University of Alaska, Fairbanks, claimed he was never given a script, but was instead given ""the dialogue that they had written, which was being told by a Native person"". For his role as the Inuit Narrator, Kawagley translated the dialogue in written form into Yup'ik and faxed the translation back to the Disney studio. He later recorded his translation at an Anchorage studio while being videotaped for animation reference.[12]
 The film is traditionally animated but includes some CG elements such as ""a salmon run and a caribou stampede"".[13] Layout artist Armand Serrano, speaking about the drawing process on the film, said that ""we had to do a life drawing session with live bear cubs and also outdoor drawing and painting sessions at Fort Wilderness in Florida three times a week for two months [...]"".[citation needed]. In 2001, Background supervisor Barry Kooser and his team traveled to Jackson Hole, Wyoming and studied with Western landscape painter Scott Christensen, where they learned to: ""simplify objects by getting the spatial dimensions to work first and working in the detail later.""
 According to Ruben Aquino, supervising animator for the character of Denahi, Denahi was originally meant to be Kenai's father; later this was changed to Kenai's brother.[14] Byron Howard, supervising animator for Kenai in bear form, said that earlier in production a bear named Grizz (who resembles Tug in the film and is voiced by the same actor) was supposed to have the role of Kenai's mentor.[15] Art Director Robh Ruppel stated that the ending of the film originally showed how Kenai and Denahi get together once a year to play when the northern lights are in the sky.[15]
 Following the success of the Tarzan soundtrack, Phil Collins was offered the opportunity to compose songs for Brother Bear, as well as let him ""co-write the score"".[16] However, Collins explained, ""Slowly, the bad news started to trickle down that I wouldn't be singing it all. It was a bit of a disappointment, because I [usually] write songs that I sing myself.""[17] While Collins composed six songs for the film, he shared vocal performance duties with Tina Turner, who sang the opening song;[18] the Blind Boys Of Alabama and the Bulgarian Women's Choir, who performed the song, ""Transformation"". Collins's lyrics for the song were first translated into Iñupiaq. The performance was then arranged by score co-composers Collins and Mark Mancina, and vocal arranger Eddie Jobson.[19]
 Brother Bear was originally slated for a spring 2004 release, while Home on the Range was scheduled for an autumn 2003 release.[20][21] However, Disney announced that Brother Bear would be released in fall 2003 while Home on the Range was pushed back for a spring 2004 release. Contrary to speculation, news writer Jim Hill stated the release date switch was not because Home on the Range was suffering from story rewrites, but to promote Brother Bear on the Platinum Edition release of The Lion King.[22] On July 15, 2003, Disney announced that the release date would be moved up by one weekend from its previously scheduled slot of November 7, 2003. However, instead of opening on Halloween, the film would be released on Saturday, November 1, 2003.[23]
 On October 20, 2003, Brother Bear premiered at the New Amsterdam Theatre, where fellow attendees included New York Governor George Pataki and cast members Michael Clarke Duncan and Estelle Harris. Following the screening of the film, Collins performed the song ""No Way Out"" before introducing Tina Turner to the stage where she performed the opening song, ""Great Spirits"".[24]
 Brother Bear was released on VHS and DVD on March 30, 2004. The DVD release consisted of two separate discs, which were both THX-certified. The first disc contained the widescreen version (1.66:1 aspect ratio) and the second disc featured the original theatrical widescreen version (1.66:1 and 2.35:1 aspect ratio). The DVD also included a documentary on the production of the film, an audio commentary track by Rutt and Tuke with an option for visual mode, an artwork gallery narrated by the artists, three deleted scenes, two games called ""Find Your Totem"" and ""Bone Puzzle"", and two music videos with Phil Collins.[25][26] By January 2005, the film had earned $169 million in home video sales and rentals.[27] In April 2004 alone, 5.51 million DVD copies of the film were sold.[28]
 The film was released in a Blu-ray special edition combined with its sequel, Brother Bear 2, on March 12, 2013.[29]
 Disney's Brother Bear games were released in November 2003 for Game Boy Advance, PC and mobile phones.
 Brother Bear received mixed reviews from critics.[30][31] On the review aggregator website Rotten Tomatoes, 37% of 131 critics' reviews are positive, with an average rating of 5.5/10. The website's consensus reads: ""Brother Bear is gentle and pleasant if unremarkable Disney fare, with so-so animation and generic plotting.""[32] Metacritic, which assigns a normalized rating out of 100 from top reviews from mainstream critics, calculated a score of 48 based on 28 reviews, indicating ""mixed or average reviews"".[33] Audiences polled by CinemaScore gave the film an average grade of ""A"" on an A+ to F scale.[34]
 On the syndicated television show At the Movies, film critics Roger Ebert and Richard Roeper both gave the film positive reviews. In his print review for the Chicago Sun-Times, Ebert wrote the film ""doesn't have the zowie factor of The Lion King or Finding Nemo, but is sweet rather than exciting. Children and their parents are likely to relate on completely different levels, the adults connecting with the transfer of souls from man to beast, while the kids are excited by the adventure stuff.""[35] USA Today film critic Claudia Puig gave the film three out of four stars praising the film for its ""message of tolerance and respect for nature rings loud and clear. And family audiences are treated to a vibrantly hued movie with appealing characters.""[36] Kirk Honeycutt of The Hollywood Reporter called the film ""a playful movie that celebrates nature and the spirit world with striking imagery and a smooth blend of drama and comedy.""[37]
 Writing for Variety, Todd McCarthy summarized that ""Brother Bear is a very mild animated entry from Disney with a distinctly recycled feel [because] the film's characters and narrative simply fail to engage strong interest, and tale is probably too resolutely serious to enchant small fry in the way the better Disney titles always have.""[38] Kenneth Turan, reviewing for the Los Angeles Times, complimented ""the richness and fluidity of its visuals"" and the ""satisfying ending"", but derided that ""Brother Bear has an appeal that can't be denied. Too often, however, this film's lack of a fresh dramatic approach and not its technique makes it difficult to embrace as much as we'd like to"".[39] Stephen Holden of The New York Times felt the film was too similar to The Lion King. He later wrote: ""This opulent movie, with gorgeous rainbow animation, is heavy on message but light on humor.""[40]
 Many critics and audiences also noted the use of the film's aspect ratio as a storytelling device. The film begins at a standard widescreen aspect ratio of 1.75:1 (similar to the 1.85:1 ratio common in U.S. cinema or the 1.78:1 ratio of HDTV), while Kenai is a human; in addition, the film's art direction and color scheme are grounded in realism. After Kenai transforms into a bear twenty-four minutes into the picture, the film itself transforms as well: to an anamorphic aspect ratio of 2.35:1 and towards brighter, more fanciful colors and slightly more caricatured art direction. Brother Bear was the first feature since The Horse Whisperer to do a widescreen shift. It was the only animated film to feature this technique, until The Simpsons Movie and Enchanted in 2007.
 In its limited release, Brother Bear played only in two selected theaters in Los Angeles, California and New York City, grossing $291,940 for a per-screen average of $145,970.[41][42] The wide release followed on November 1, 2003, expanding to 3,030 theater venues. The film opened second behind Scary Movie 3 grossing $18.5 million at the box office.[43] On its second wide weekend, the film continued its strong showing grossing $18.6 million against new competing films such as Elf and The Matrix Revolutions, collecting $44.1 million in three weeks.[44] The film grossed $85.3 million in the United States and Canada, and $165.1 million in international territories, bringing its worldwide total to $250.4 million.[2]
 The song ""Welcome"" written by Phil Collins was later used as the theme song for Walt Disney's Parade of Dreams during the Happiest Homecoming on Earth, celebrating the 50th anniversary of Disneyland. For the parade, the song had slightly changed lyrics and was performed by an ensemble.
 Disney Television Animation was set to produce a television series titled Brother Bear: The Series for Disney Channel. The Simpsons veteran Pete Michels was to helm the series and was allowed to watch a copy of the film so that he could construct a pilot. The series would have taken place directly after the events of the film and would have seen Kenai and Koda adopt other orphaned animals into their family. Jeremy Suarez, Rick Moranis and Dave Thomas were to reprise their respective roles while Will Friedle would have replaced Joaquin Phoenix as Kenai. While the pilot tested well, it was not picked up as Disney Channel executives felt that adapting the film as a series was ""counterproductive"" to their goal of trying to reach a tween audience, combined with the fact that the movie performed below expectations.[45]
 A direct-to-video sequel called Brother Bear 2 was released on August 29, 2006. It focuses on the continued adventures of bear brothers Kenai and Koda. While the first film dealt with Kenai's relationship with Koda, this one focuses more on his bond with a young human of his past, Nita.
 A video game of same name was released by Disney as a tie-in to the film. It was released for Game Boy Advance, November 21 for Microsoft Windows, and for mobile phones.",3221,"Main page; Contents; Current events; About Wikipedia; Help; Learn to edit; Community portal; Upload file; ; learn more; Article; Talk; Read; Read; Upload file; ; ; Aaron Blaise; Robert Walker; Tab Murphy; David Hoselton; Steve Bencich; Ron J. Friedman; Nathan Greno; Stevie Wermers-Skelton; Joaquin Phoenix; Jeremy Suarez; Rick Moranis; Dave Thomas; Jason Raize; D. B. Sweeney; Phil Collins; Mark Mancina; Walt Disney Pictures; Walt Disney Feature Animation; Buena Vista Pictures Distribution; New Amsterdam Theatre; musical; fantasy; comedy-drama film; Walt Disney Feature Animation; Walt Disney Pictures; Aaron Blaise; Robert Walker; Tab Murphy; David Hoselton; Steve Bencich; Ron J. Friedman; Joaquin Phoenix; Jeremy Suarez; Rick Moranis; Dave Thomas; Jason Raize; D.B. Sweeney; Alaska native; Disney animated feature; Disney-MGM Studios; Orlando, Florida; Best Animated Feature; 76th Academy Awards; Pixar's; Finding Nemo; direct-to-video; Brother Bear 2; ice age; Alaska; tribes; Spirits; aurora; totem; brown bear; bald eagle; moose; woolly mammoth; Joaquin Phoenix; Byron Howard; Jeremy Suarez; grizzly bear; Rick Moranis; Dave Thomas; moose; Bob and Doug; Jason Raize; Harold Gould; Ruben A. Aquino; D.B. 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Anderson; Saturn Awards; May 5, 2004; Best Animated Feature; Phil Collins; Walt Disney's Parade of Dreams; Happiest Homecoming on Earth; Disneyland; Disney Television Animation; Disney Channel; The Simpsons; Jeremy Suarez; Rick Moranis; Dave Thomas; Will Friedle; Joaquin Phoenix; Brother Bear 2; same name; Game Boy Advance; Microsoft Windows; mobile phones; ; Disney portal; Film portal; ; Animation portal; List of Disney theatrical animated features; The Wrap; Box Office Mojo; ISBN; The New York Times; Animation World Magazine; Orlando Sentinel; Entertainment Weekly; Newsday; San Francisco Gate; Anchorage Daily News; TV Guide; Billboard; Variety; The Washington Post; MovieWeb; Screen Daily; MovieWeb; Rotten Tomatoes; Fandango; Metacritic; TheWrap; RogerEbert.com; USA Today; ISBN; IMDb; AllMovie; Rotten Tomatoes; Metacritic; Box Office Mojo; v; t; Brother Bear 2; ; Music; Look Through My Eyes; No Way Out; Disney's Brother Bear; Redwood Creek Challenge Trail; Once Upon a Studio; v; t; Disney theatrical animated features; 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The Sword in the Stone; The Jungle Book; The Aristocats; Robin Hood; The Many Adventures of Winnie the Pooh; The Rescuers; The Fox and the Hound; The Black Cauldron; The Great Mouse Detective; Oliver & Company; The Little Mermaid; The Rescuers Down Under; Beauty and the Beast; Aladdin; The Lion King; Pocahontas; The Hunchback of Notre Dame; Hercules; Mulan; Tarzan; Fantasia 2000; Dinosaur; The Emperor's New Groove; Atlantis: The Lost Empire; Lilo & Stitch; Treasure Planet; Home on the Range; Chicken Little; Meet the Robinsons; Bolt; The Princess and the Frog; Tangled; Winnie the Pooh; Wreck-It Ralph; Frozen; Big Hero 6; Zootopia; Moana; Ralph Breaks the Internet; Frozen 2; Raya and the Last Dragon; Encanto; Strange World; Wish; Moana 2; Zootopia 2; My Peoples; The Reluctant Dragon; Victory Through Air Power; Song of the South; So Dear to My Heart; Mary Poppins; Bedknobs and Broomsticks; Pete's Dragon; Who Framed Roger Rabbit; Prep & Landing; Prep & Landing: Naughty vs. Nice; Baymax!; Zootopia+; Iwájú; Jared Bush; Edwin Catmull; Roy Conli; Roy E. Disney; Walt Disney; Don Hahn; Jeffrey Katzenberg; John Lasseter; Jennifer Lee; Peter Schneider; Thomas Schumacher; David Stainton; Clark Spencer; Disney Legends; Disney's Nine Old Men; Les Clark; Marc Davis; Ollie Johnston; Milt Kahl; Ward Kimball; Eric Larson; John Lounsbery; Wolfgang Reitherman; Frank Thomas; James Algar; Ken Anderson; Xavier Atencio; Art Babbitt; Grace Bailey; Carl Barks; Mary Blair; Joyce Carlson; Marge Champion; Claude Coats; Don DaGradi; Virginia Davis; Andreas Deja; Norm Ferguson; Eyvind Earle; Clyde Geronimi; Manuel Gonzales; Floyd Gottfredson; Yale Gracey; Joe Grant; David Hand; Jack Hannah; John Hench; Dick Huemer; Ub Iwerks; Wilfred Jackson; Steve Jobs; Bill Justice; Glen Keane; Hamilton Luske; Burny Mattinson; Fred Moore; Floyd Norman; Bill Peet; Walter Peregoy; Joe Ranft; Retta Scott; Ben Sharpsteen; Mel Shaw; Ruthie Tompson; Roy Williams; Tyrus Wong; Disney animators' strike; 1982 animators' strike; Disney Renaissance; Disney Animation: The Illusion of Life; 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Lilo et Stitch,https://fr.wikipedia.org/wiki/Lilo_et_Stitch,"Cet article ne cite pas suffisamment ses sources (juin 2013).
 Si vous disposez d'ouvrages ou d'articles de référence ou si vous connaissez des sites web de qualité traitant du thème abordé ici, merci de compléter l'article en donnant les références utiles à sa vérifiabilité et en les liant à la section « Notes et références ».
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 Série Classiques d'animation Disney Atlantide, l'empire perdu(2001) La Planète au trésor(2002) Série Lilo et Stitch Lilo et Stitch 2(2005) Pour plus de détails, voir Fiche technique et Distribution. modifier  Lilo et Stitch (Lilo and Stitch) est le 76e long-métrage d'animation et le 42e « Classique d'animation » des studios Disney, sorti en 2002 et réalisé par Dean DeBlois et Chris Sanders.
 Le film a fait l'objet d'une suite, sortie directement en vidéo en 2005, Lilo et Stitch 2 : Hawaï, nous avons un problème!, ainsi que d'une série télévisée, Lilo et Stitch, la série (2003-2006), dont Stitch ! Le film (2003) et Leroy et Stitch (2006) sont respectivement le prologue et l'épilogue, et d'une seconde série, Stitch ! (2008-2011), dont Stitch à la rescousse (2012) sert de conclusion.
 Sur la planète Turo (le vaisseau amiral de la fédération Galactique), le professeur Jumba comparaît devant le Grand Conseil. Il est accusé d’avoir pratiqué des expérimentations génétiques illégales, il a en effet créé le premier spécimen d’une nouvelle espèce hyper-résistante et destructrice qu’il a baptisé « expérience 626 ». Le conseil tente de déterminer si la créature est dotée de raison mais elle ne fait que les insulter. Jumba est donc arrêté et 626 est banni, il sera propulsé sur un astéroïde désert. Le capitaine Gantu doit se charger de mener 626 en exil. Mais 626 parvient à se défaire de ses chaînes et vole un vaisseau-patrouille. Toute la fédération se lance à sa poursuite mais 626, qui était sur le point d’être intercepté entre en hyper-espace et échappe à ses poursuivants.
 Le central Galactique calcule son lieu d’arrivée et détermine qu’il a dû s’écraser sur la Terre. Ils pensent initialement que 626 ne survivra pas car la Terre est majoritairement recouverte d’eau mais ils s’aperçoivent finalement qu’il s’est échoué sur une petite île : Hawaï.
Un spécialiste de la planète, l’agent Pikly est appelé pour donner son expertise. La présidente du Grand Conseil souhaite initialement détruire la terre mais Pikly s’y oppose, arguant qu’il s’agit d’une planète utilisée pour la sauvegarde d’une espèce menacée : le moustique.
Pour capturer 626 discrètement sans causer un mouvement de panique sur Terre, la présidente missionne Pikly et Jumba. Ce dernier sera libre s'il capture 626.
 Pendant ce temps sur Terre, Lilo est une fillette Hawaïenne vivant avec sa grande sœur, Nani, depuis le décès de leurs parents dans un accident de voiture. Lilo a beaucoup de mal avec l’autorité de Nani.
Après une énième dispute, Nani est confrontée à un éducateur, monsieur Cobra Bubbles, qui vient pour déterminer si elle peut conserver la garde de Lilo. Il constate la situation déplorable et donne 3 jours à Nani pour offrir un cadre plus stable a Lilo, sans quoi il devra lui retirer la garde.
Après s’être réconciliée, Lilo et Nani assistent au crash du vaisseau de 626, prenant le phénomène pour une étoile filante.
 De son côté, 626 se fait écraser par un camion après son atterrissage. Il survit et est conduit à un chenil. Les employés ne comprennent pas à quel espèce il peut bien appartenir. 626 se camoufle alors en chien et se fait adopter par Lilo qui le nomme « Stitch ».
 Parallèlement, Jumba et Pikly sont arrivés sur Terre et ont repéré Stitch. Ils tentent de l’éliminer mais ne peuvent pas l’atteindre sans que Lilo ne les démasque, elle lui sert de bouclier-humain. Mais Stitch s’aperçoit vite qu’il a débarqué sur une île et qu’il ne peut pas fuir bien loin.
 Durant la soirée, dans le restaurant où travaille Nani, Jumba et Pikly attirent Stitch pour tenter de l’arrêter mais la créature mord Pikly au visage. Nani est donc renvoyée, empirant ainsi sa situation pour garder Lilo avec elle.
 Elle veut donc renvoyer Stitch au chenil puisqu’il ne leur cause que des problèmes mais Lilo lui répond en invoquant « Ohana », un mot que leur père utilisait régulièrement en disant « Ohana signifie famille, famille signifie que personne ne doit être abandonné ni oublié ». À ces mots, Nina consent à garder Stitch. Mais ce dernier, avec son instinct qui le pousse uniquement à la destruction, met le carnage dans la chambre de Lilo ; elle parvient tout de même à le calmer.
 Observant la scène de l’extérieur, Jumba se questionne sur l’avenir de Stitch puisqu’il n’a aucun but en dehors de la destruction. Pikly observe avec enthousiasme les moustiques mais une nuée se pose rapidement sur lui et le pique.
 Le lendemain, Bubbles revient au domicile de Nani pour la questionner sur les conséquences de la perte de son travail. Stitch se comporte mal et Bubbles exige donc que Nani retrouve un emploi et que le « chien » de Lilo se comporte en citoyen modèle lors de sa prochaine visite.
 Nani part donc en quête d’un travail et Lilo explique à Stitch comment bien se comporter. Elle prend comme exemple son idole, Elvis Presley et apprend à Stitch à danser, à chanter et à séduire les femmes. Il démontre immédiatement un talent exceptionnel dans ces disciplines mais gâche maladroitement la plupart des entretiens de Nani et cause un mouvement de panique sur la plage après avoir attaqué des vacanciers qui voulaient le prendre en photo.
 Nani et Lilo désespèrent mais David, un ancien collègue dont Nani est sous le charme, les emmène surfer pour qu’elles oublient leurs problèmes. La journée se passe à merveille mais Jumba et Pikly tentent à nouveau de capturer Stitch sur sa planche de surf. Ils échouent et Stitch est sauvé de la noyade par David.
 Bubbles qui observait depuis la plage, constate à nouveau que Lilo a été mise en danger. Il explique à Nani qu’il reviendra le lendemain pour lui enlever la garde de Lilo.
 Stitch qui comprend qu’il a causé tout ce désordre, décide de quitter la petite famille pour ne pas leur causer plus de tort.
 Devant l’incompétence de Jumba et Pikly à attraper Stitch, la présidente du Conseil les renvoie et envoie le capitaine Gantu pour achever leur mission et les faire arrêter. Jumba se réjouit de cette nouvelle, n’étant plus obligé de respecter les règles imposées par la présidente.
 Il tente de capturer Stitch à sa façon. Ce dernier se réfugie chez Lilo qui est restée seule à la maison, Nani étant partie pour un dernier entretien d’embauche qui lui permettrait de garder Lilo auprès d’elle. Mais Jumba entre dans la demeure et son combat avec Stitch détruit en grande partie l’habitation.
 Nani rentre précipitamment en constatant que sa maison est en feu. Sur place, elle trouve Lilo avec Bubbles qui est venu la récupérer. Ne voulant pas être emmenée loin de sa sœur, Lilo fuit dans la forêt où elle est retrouvée par Stitch qui lui révèle qu’il est un extra-terrestre.
 Ils sont alors tous deux capturés par Gantu qui les charge à l’arrière de son vaisseau. Stitch parvient à s’échapper juste avant le décollage mais Lilo reste captive. Alors que Nani interroge Stitch sur la localisation de sa sœur, Jumba et Pikly arrêtent Stitch mais se laissent convaincre par ce dernier de porter secours à Lilo.
 Ils prennent alors en chasse le vaisseau de Gantu qui est furieux de remarquer que Stitch s'est échappé. Stitch parvient à s’infiltrer dans le vaisseau de Gantu, à le détruire et à libérer Lilo juste à temps. De retour sur Terre victorieux, Stitch est une nouvelle fois capturée par la présidente du Conseil qui s’est déplacée en personne.
 Bubbles est aussi présent et révèle qu’il fait partie de la CIA et qu’il connaissait l’existence des extra-terrestres.
 Alors qu’elle l’a fait prisonnier, la présidente constate l’humanité que Stitch a acquise en étant avec Lilo. Elle modifie donc sa peine et le condamne à l’exil sur Terre avec sa nouvelle famille. Jumba et Pikly restent également.
 Stitch vit maintenant une vie bien remplie avec Lilo, Nani et David, sa nouvelle famille.
 (édition collector 2 DVD) ; 5 mars 2014 (Blu-ray simple).
 Lilo et Stitch a également donné lieu à plusieurs adaptations en jeux vidéo :",1402,"Accueil; Portails thématiques; Article au hasard; Contact; Débuter sur Wikipédia; Aide; Communauté; Modifications récentes; ; Rechercher; en savoir plus; Contributions; Discussion; Article; Discussion; Lire; Lire; Pages liées; Suivi des pages liées; Téléverser un fichier; Pages spéciales; ; ; ne cite pas suffisamment ses sources; vérifiabilité; Notes et références; Quelles sources sont attendues ?; Comment ajouter mes sources ?; Dean DeBlois; Chris Sanders; Chris Sanders; Dean DeBlois; Walt Disney Pictures; ; États-Unis; Animation; 2002; Classiques d'animation Disney; Atlantide, l'empire perdu; La Planète au trésor; Lilo et Stitch 2; ; long-métrage d'animation; « Classique d'animation »; studios Disney; 2002; Dean DeBlois; Chris Sanders; Lilo et Stitch 2 : Hawaï, nous avons un problème!; Lilo et Stitch, la série; Stitch ! Le film; Leroy et Stitch; prologue; épilogue; Stitch !; Hawaï; Dean DeBlois; Chris Sanders; Chris Sanders; Chris Williams; Roger Allers; John Sanford; Alan Silvestri; Clark Spencer; Walt Disney Pictures; Buena Vista Pictures Distribution; Gaumont Buena Vista International; dollars; anglais; 1,66:1; Dolby Digital; SDDS; DTS; ; États-Unis; 21; juin; 2002; ; France; 26; juin; 2002; Chris Sanders; Daveigh Chase; Tia Carrere; Jason Scott Lee; David Ogden Stiers; Kevin McDonald; Ving Rhames; Zoe Caldwell; Kevin Michael Richardson; Amy Hill; Emmanuel Garijo; Camille Donda; Vincent Grass; Éric Métayer; Mouss Diouf; Saïd Amadis; Serge Faliu; hula; Jérôme Pauwels; Martin Watier; François Godin; Vincent Davy; François Sasseville; Maka Kotto; Yves Corbeil; Charlotte Bernard; États-Unis; Canada; Colombie; Italie; Belgique; Venezuela; Pays-Bas; Suisse; Brésil; Mexique; Autriche; Allemagne; Israël; Pérou; Pologne; Espagne; Argentine; Hong Kong; Argentine; Corée du Sud; Taïwan; Égypte; France; Philippines; Norvège; République tchèque; Islande; Afrique du Sud; Danemark; Finlande; Norvège; Suède; Turquie; Australie; Bulgarie; Royaume-Uni; Estonie; Grèce; Hongrie; Koweït; Russie; Japon; ; Québec; ; France; Stitch; Gremlin; Elvis Presley; Terre; CIA; Boeing 747; attentats du 11 septembre 2001; Faith Hill; Lilo et Stitch; Leroy et Stitch; Pixar; easter eggs; A113; Mulan; Kiki la petite sorcière; Disney; Simba; Roi lion; Belle; Bête; Ariel; Jasmine; Aladdin; Elvis Presley; Earth vs. the Spider; Bert I. 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https://login.wikimedia.org/wiki/Special:CentralAutoLogin/start?type=1x1; /static/images/footer/wikimedia-button.svg; /w/resources/assets/poweredby_mediawiki.svg,https://en.wikipedia.org/wiki/Lilo_&_Stitch,Lilo & Stitch,https://en.wikipedia.org/wiki/Lilo_&_Stitch,"Lilo & Stitch is a 2002 American animated science fiction comedy drama film produced by Walt Disney Feature Animation and released by Walt Disney Pictures.[3][4] It was written and directed by Chris Sanders and Dean DeBlois (in their feature directorial debuts) and produced by Clark Spencer, based on an original story created by Sanders. It stars Daveigh Chase and Sanders as the voices of the title characters, with the voices of Tia Carrere, David Ogden Stiers, Kevin McDonald, Ving Rhames, Jason Scott Lee, Zoe Caldwell, and Kevin Michael Richardson in supporting roles. It was the second of three Disney animated feature films produced primarily at the Florida animation studio in Disney-MGM Studios at Walt Disney World near Orlando, Florida.[5][d]
 The film tells the story of two individuals: an orphaned Hawaiian girl named Lilo Pelekai, who is raised by her struggling older sister, Nani, after their parents' deaths, and the genetically engineered extraterrestrial creature Experiment 626, who Lilo adopts as her ""dog"" and renames ""Stitch"". Stitch, who was designed to cause chaos and destruction, initially uses Lilo to avoid recapture by an intergalactic federation. They develop a close bond through the Hawaiian concept of ʻohana, or extended family, causing Stitch to reconsider his intended destructive purpose in order to keep his newfound family together.
 The film is based on an idea by Sanders, who originally conceived Stitch in 1985, and the film's design and aesthetics are based on his personal art style. Stitch was initially at the center of a children's book Sanders had conceptualized, but later abandoned. A feature-length film starring the character entered development in 1997 when Thomas Schumacher, then the president of Walt Disney Feature Animation, approached Sanders with the objective of ""producing the Dumbo for our generation."" The use of watercolor backgrounds hearkened back to early Disney productions such as Snow White and the Seven Dwarfs (1937). The film and its accompanying soundtrack made extensive use of the music of Elvis Presley, while Alan Silvestri composed the film's score.
 Lilo & Stitch premiered at the El Capitan Theatre in Los Angeles on June 16, 2002, and was theatrically released in the United States on June 21. The film received positive reviews from critics, who praised its story, humor, charm, and originality. Produced on an $80 million budget and promoted with a marketing campaign that played up its oddities, it was a box-office success, grossing over $273 million worldwide. It was nominated for Best Animated Feature at the 75th Academy Awards but lost to Spirited Away.[6][7] The film's success made it a highlight of Disney's post-animation renaissance era in the 2000s, spawning a franchise that includes three direct-to-video film sequels and three television series. A live-action adaptation is set to be released in 2025.
 On planet Turo, the United Galactic Federation convicts scientist Dr. Jumba Jookiba of illegal genetic experimentation; he has created Experiment 626, an aggressive and near-indestructible creature with great learning capabilities. 626 is sentenced to exile on a desert asteroid, but he escapes and hijacks a space cruiser that crash-lands on Kauaʻi, Hawaii, on the planet Earth. Shortly after landing on Earth, 626 is hit by three passing trucks and taken to an animal shelter. The Federation's Grand Councilwoman offers Jumba an early release if he retrieves 626 with the assistance of the council's Earth expert, Agent Pleakley.
 On Kauaʻi, orphaned teenager Nani Pelekai struggles to take care of her lonely, rambunctious younger sister, Lilo, following their parents' death in a car crash. Social worker Cobra Bubbles doubts Nani can be an adequate guardian for Lilo and threatens to place Lilo in foster care if the Pelekais' situation fails to improve. After overhearing Lilo wishing to have a friend, Nani brings her to the animal shelter to adopt a dog. Lilo adopts 626, who is impersonating a dog, and names him ""Stitch"". That night, Stitch causes chaos at the lūʻau where Nani works while trying to avoid capture by Jumba and Pleakley. Nani's boss blames Nani for the chaos, and she is fired. The news of Nani's unemployment reaches Bubbles, who orders Nani to find a new job and tells Lilo to teach Stitch to be a ""model citizen"".
 Despite Lilo's attempts to domesticate Stitch, his antics repeatedly ruin Nani's efforts to find a new job. While Nani, Lilo, and Stitch go surfing with Nani's former co-worker and friend David, Jumba and Pleakley again attempt to capture Stitch and unintentionally drag Lilo underwater in the process. David rescues Lilo and Stitch, but Bubbles, having observed the mishap, tells Nani he will retrieve Lilo the following morning. Feeling guilty for causing so much trouble, Stitch runs away. The Grand Councilwoman fires Jumba and Pleakley and tasks her second-in-command, Captain Gantu, with capturing Stitch, while Jumba begins hunting Stitch using less covert methods. When David informs Nani of another job opportunity, Nani leaves Lilo at home alone. Jumba and Pleakley chase Stitch back to the Pelekais' house. The ensuing fight between Jumba and Stitch culminates in an explosion that destroys the house.
 Nani gets the job but frantically returns home after seeing a fire engine driving toward her house. Bubbles arrives to retrieve Lilo. While Bubbles and Nani argue about Lilo's well-being, Lilo runs away into the woods and encounters Stitch, who reveals his alien identity just moments before Gantu captures them both. Stitch manages to escape just as Gantu's ship takes off. Nani confronts Stitch, but Jumba and Pleakley immediately capture him. Nani asks them to save Lilo, but they insist they only have legal authority to capture Stitch. After Nani bursts into tears, Stitch remembers ʻohana, a term for ""family"" he learned from Lilo, and convinces Jumba to help rescue her. Jumba, Pleakley, Stitch, and Nani board Jumba's spaceship, pursue Gantu and rescue Lilo.
 The Grand Councilwoman arrives to retrieve Stitch herself. She fires Gantu for endangering Lilo and failing to capture Stitch. However, after observing Stitch's civilized behavior and being informed that Lilo legally owns Stitch because she bought him at the animal shelter, the Grand Councilwoman decrees that Stitch will live out his exile on Earth and that the Pelekai family has the protection of the United Galactic Federation. Bubbles reveals he is a former CIA agent who had previously met the Grand Councilwoman in Roswell, New Mexico in 1973. Stitch, Jumba, and Pleakley, having joined Lilo and Nani's family, rebuild their house with David and Bubbles' help.
 In 1985, after graduating from California Institute of the Arts, Chris Sanders had created the character of Stitch for an unsuccessful children's book pitch.[8] He said, ""I wanted to do a children's book about this little creature that lived in a forest. It was a bit of a monster with no real explanation as to where it came from."" But he found it difficult to condense the story and abandoned the project.[9] In 1987, Walt Disney Feature Animation hired him for their newly formed visual development department. His first project was The Rescuers Down Under (1990), but he soon transitioned into storyboarding.[10] After that, Sanders storyboarded sequences for Beauty and the Beast (1991) and The Lion King (1994), and was promoted to Head of Story on Mulan (1998).[11]
 In 1997, several executives at Disney Feature Animation were invited to a retreat at Michael Eisner's farm in Vermont to discuss the future animation slate beyond adapting preexisting legends, folklore or classic novels.[12] At the retreat, Thomas Schumacher, then executive vice president of Disney Feature Animation, suggested they produce a film that would be the ""Dumbo for our generation"", compared to the large-budget Disney animated features they had already done.[8] Schumacher approached Sanders about producing the film, telling him: ""Everybody wants this next film to be you.""[9]
 During a karaoke dinner at the Walt Disney World Swan Resort, Schumacher asked Sanders, ""Is there anything you would like to develop?"" Sanders remembered the children's book project he had initially developed.[13] At his next meeting, Sanders pitched a remote, non-urban location, with Stitch crash-landing into a forest and interacting entirely with woodland animals, being ostracized by them, and living on his own at a farm in rural Kansas.[14] But Schumacher suggested that Stitch should interact with people instead: ""The animal world is already alien to us. So, if you wanna get the best contrast between this monster and the place where it lives, I would recommend you set it in a human world.""[13][15][16] Sanders would eventually, albeit inadvertently, revisit his idea of a creature bonding with animals in a forest years later with The Wild Robot (2024).[17]
 For three straight days in his Palm Springs, Florida hotel room, Sanders created a 29-page pitch book drawing conceptual sketches and outlining the film's general story.[13] He initially revised it by adding a boy character.[18] But as the character of Stitch evolved, Sanders decided he needed to be contrasted with a female character: ""I think Stitch represented a male character so the balance would be to put him with a little girl. We wanted someone who was going to be in conflict with Stitch, and we realized a little boy might be a comrade.""[19] Sanders then glanced at a map of Hawaii on his wall, and recalling he had recently vacationed there, he relocated the story there.[8] Not well versed in Hawaiian culture, Sanders turned to a vacation roadmap and found the names ""Lilo Lane"" and ""Nani"" there.[9] After finishing the booklet, he shipped it to Burbank, and Schumacher approved the pitch with one condition: ""it has to look like you drew it.""[13]
 ""Animation has been set so much in ancient, medieval Europe — so many fairy tales find their roots there, that to place it in Hawaii was kind of a big leap. But that choice went to color the entire movie, and rewrite the story for us.""
 —Chris Sanders, reflecting on the location change to Hawaii[15] Dean DeBlois, who had served as ""story co-head"" for Mulan, was brought on to co-write and co-direct Lilo & Stitch after Thomas Schumacher allowed him to leave production on Atlantis: The Lost Empire (2001).[20] Meanwhile, Disney executive Clark Spencer was assigned as the film's producer. Unlike several previous and concurrent Disney Feature Animation productions, the film's pre-production team remained relatively small and isolated from upper management until the film went into full production.[21]
 Originally, Stitch was the leader of an intergalactic gang, and Jumba was one of his former cronies summoned by the Intergalactic Council to capture Stitch.[8] Test audience response to early versions of the film led to changing Stitch and Jumba into creation and creator.[8]
 While the animation team visited Kauaʻi to research the locale, their tour guide explained the meaning of ʻohana as it applies to extended families. This concept of ʻohana became an important part of the movie. DeBlois recalls:
 No matter where we went, our tour guide seemed to know somebody. He was really the one who explained to us the Hawaiian concept of ʻohana, a sense of family that extends far beyond your immediate relatives. That idea so influenced the story that it became the foundation theme, the thing that causes Stitch to evolve despite what he was created to do, which is destroy. The island of Kauaʻi had also been featured in such films as Raiders of the Lost Ark (1981) and the Jurassic Park trilogy (1993–2001). Disney's animators faced the daunting task of meshing the film's plot, which showed the impoverished and dysfunctional life that many Hawaiians lived during the then-recent economic downturn, with the island's serene beauty. The actors voicing the film's young adults, Nani and David, were Tia Carrere, a local of Honolulu, and Jason Scott Lee, who is of Hawaiian descent and grew up in Hawaii. Both Carrere and Lee assisted with rewriting their characters' dialogue in proper colloquial dialect, and with adding Hawaiian slang terms.[22]
 One innovative and unique aspect of the film is its strong focus on the relationship between two sisters. At the time, a central relationship between sisters as a major plot element was rare in American animated films.[23]
 Daveigh Chase earned the role of Lilo in the fall of 1998 against 150 other candidates.[24]
 Stitch was initially intended to be a non-verbal character, but Sanders said he realized ""he'd have to say a few things, so we made sure that we kept it to a minimum."" Instead of hiring a professional actor to voice Stitch, DeBlois suggested Sanders take the role. According to Sanders, Stitch's voice was the one he regularly used ""just to bother people at the studio. I'd call people on the phone and do that voice and annoy them.""[25]
 Tia Carrere was originally considered for the title character in Mulan (1998), but lost the role to Ming-Na Wen.[26] After learning Disney was doing a Hawaii-set film, Carrere sought a voice role and was hired to voice Nani.[26] She spent two years recording her part in Los Angeles, Paris, and Toronto.[27] Jason Scott Lee was cast as David after Carrere recommended him for the film.[26]
 Chris Williams, then a storyboard artist, suggested Kevin McDonald for the part of Agent Pleakley. After McDonald read for the part, he was cast.[9] Cobra Bubbles was initially envisioned as more of a nebbish, with Jeff Goldblum in mind for the role. Goldblum declined the role, and Bubbles was reconceived as a more intimidating character. Sanders and DeBlois recalled Ving Rhames's performance in Pulp Fiction (1994) and cast him.[9]
 During the film's early development, Ricardo Montalbán was cast as one of the villains, with his vocal performance based on the voice he used for Khan Noonien Singh in Star Trek II: The Wrath of Khan.[9] However, all the lines he recorded were removed and his character was cut after the meeting that lead to the removal of Stitch's gang from the story. Eventually the villainous role in the film would be Gantu voiced by Kevin Michael Richardson who is best known for playing villain roles in shows and movies. David Ogden Stiers (who had previously done voices for Disney in past films) was chosen to be the voice of Jumba. Australian actress Zoe Caldwell got the role of voicing the Grand Councilwoman, the leader of the United Galactic Federation.[9]
 In a deviation from several decades' worth of Disney features, Sanders and DeBlois chose to use watercolor painted backgrounds for Lilo & Stitch, as opposed to the traditional gouache technique.[8] Watercolors had been used for the early Disney animated shorts, as well as the early Disney features Snow White and the Seven Dwarfs (1937), Pinocchio (1940), and Dumbo (1941), but the technique had been largely abandoned by the mid-1940s in favor of less complicated media such as gouache. Sanders preferred that watercolors be used for Lilo & Stitch to evoke both the bright look of a storybook and the art direction of Dumbo, requiring the background artists to be trained in working with the medium.[8][21]
 The animation itself was all based on 2D work since the budget was too small for computer-generated imagery.[20] The character designs were based on Sanders's personal drawing style, rather than the traditional Disney in-house style.[8] To assist the animators with adapting Sanders's style, Sue C. Nichols, the film's visual development supervisor, created a manual, Surfing the Sanders Style.[13] Because of the limited budget, details like pockets or designs on clothing were avoided in the animation process, and since they could not afford to do shadows throughout much of the film, many of the scenes took place in shaded areas, saving shadows for more pivotal scenes.[20]
 The film's extraterrestrial elements, such as the spaceships, were designed to resemble marine life, such as whales and crabs.[28] One altered scene in the film involved Stitch, Nani, Jumba, and Pleakley hijacking a Boeing 747 jet from Lihue Airport that scrapes against buildings through downtown Honolulu. But after the September 11 attacks, with only a few weeks left in production, the climax was completely reworked to have them use Jumba's spacecraft instead. The location was also shifted to have them fly through the mountains of Kauaʻi.[29][30] Regardless, the final design still has engines that resembled the 747's jet engines, according to Sanders.[20]
 Even after this adjustment, the team had enough budget for about two additional minutes of animation, which was used to create the epilogue montage of Lilo, Nani, and Stitch becoming a new family.[20][31]
 On June 16, 2002, Lilo & Stitch premiered at the El Capitan Theatre. Alongside the filmmakers and Disney studio executives, Priscilla and Lisa Marie Presley, Wynonna Judd, Phil Collins, Gregory Hines, and Jodie Foster were also in attendance.[32]
 Wanting Stitch to be a central part of the film's marketing campaign, Sanders pitched a subversive idea: ""what if Stitch invaded other Disney properties?"" Dick Cook, then chairman of Walt Disney Studios, loved the idea and allowed for four parody teaser trailers to be made (nicknamed ""Inter-stitch-als""), in which Stitch crashes memorable moments of four films from the Disney Renaissance (three of which Sanders had worked on): The Little Mermaid (1989), Beauty and the Beast (1991), Aladdin (1992), and The Lion King (1994).[25] Most of the original actors reprised their roles in the trailers, but they were shocked when asked to act negatively toward Stitch.[citation needed] The trailers also include the AC/DC song ""Back in Black.""
 The marketing campaign also included several tie-in promotions, like Lilo & Stitch toys being offered as part of McDonald's Happy Meals.[33] In the United Kingdom, Lilo & Stitch trailers and television ads featured a cover of Elvis's song ""Suspicious Minds"", performed by Gareth Gates, who became famous on the UK TV program Pop Idol. In the U.S., ""Hound Dog"" was used for both theatrical and television trailers. The marketing campaign presented Stitch as the sort of ""Disney Family Black Sheep"". As a promotional campaign, comics of Lilo & Stitch ran in Disney Adventures before the film's release. The comics detailed events leading up to the film for both title characters, including Stitch's creation and escape. These events were later contradicted by the sequel Lilo & Stitch 2: Stitch Has a Glitch, rendering the comics non-canonical, but the comics are notable for introducing Experiment 625, Reuben, who was a main character in the subsequent movies and TV series.[citation needed] Most of the comic series have been released as a collective volume, Comic Zone Volume 1: Lilo & Stitch.
 Lilo & Stitch was released on VHS and DVD on December 3, 2002.[34] During the first day of release, more than 3 million DVD copies were sold, earning $45 million in retail sales.[35][36] This THX-certified DVD release features various bonus features, including a ""Build An Alien Experiment"" game, an audio commentary, music videos, deleted scenes, teaser trailers, and DVD-ROM.[37] In 2003, a 2-disc DVD version was announced to come out along with Alice in Wonderland (1951) and Pocahontas (1995), which were released in 2004 and 2005. 
 A 2-Disc Special Edition DVD of the film was released in Australia on November 10, 2004 and the UK on August 22, 2005, along with the UK release of Lilo & Stitch 2: Stitch Has a Glitch (2005), but a release in the US was affected by many delays. On March 24, 2009, Disney finally released the special edition DVD, called the ""Big Wave Edition"". This DVD edition retained the original supplemental features, along with an audio commentary, a two-hour documentary, more deleted scenes, a number of behind-the-scenes featurettes, and some games.
 On June 11, 2013, Lilo & Stitch was released on Blu-ray and re-released on DVD alongside Lilo & Stitch 2 in a ""2-Movie Collection"", which included a single Blu-ray with both films but without bonus features, a reprint of disc one of the ""Big Wave Edition"" DVD, and a reprint of the Lilo & Stitch 2 DVD.[38] The ""2-Movie Collection"" has since seen two re-releases; one on January 31, 2017, containing only the Blu-ray and a code to redeem a digital download of the two films,[39] and another on August 9, 2022, which places both films on separate Blu-ray discs that also contain most of their original DVD bonus features, the two DVDs from the first Blu-ray collection, and a digital download code as with the second Blu-ray collection.[40]
 A scene where Nani chases Lilo was modified for the UK home video release.[41] In the original, Lilo hid in a clothes dryer, which was changed to a commode with a cabinet and pizza box used as a ""door"" to avoid influencing children to hide in dryers.[42] The UK edit was later used for the film's Disney+ release[42] and the 2022 Blu-ray release.[citation needed]
 Lilo & Stitch opened in second place earning $35.3 million in its first weekend, ranking narrowly below Tom Cruise's Minority Report.[43] During its second weekend, it fell to third place, behind Minority Report and Mr. Deeds.[44] Despite the opening of Men in Black II the week after, Lilo & Stitch remained in third place.[45]
 Meanwhile, Lilo & Stitch continued to draw in families while other major summer blockbusters like Spider-Man and Star Wars: Episode II – Attack of the Clones were still in wide release.[46] Additionally, it went on to compete against the Warner Bros. live-action/animated hybrid film, Scooby-Doo, along with Matt Damon's action film, The Bourne Identity.[46] The film earned $145.8 million in the U.S. and Canada, and $127.3 million internationally, totaling $273.1 million worldwide.[2]
 In the UK, Lilo & Stitch collected $2.4 million during its opening weekend, ranking in first place ahead of Signs and My Big Fat Greek Wedding.[47] The film would be overtaken by Red Dragon in its second weekend.[48]
 At the end of its theatrical run, Lilo & Stitch earned $145.8 million in the U.S. and Canada, and $127.3 million internationally, totaling $273.1 million worldwide.[2] It became the second-highest-grossing animated film of 2002, behind 20th Century Fox's Ice Age. They were the only two animated films to approach the $100 million mark that year domestically.[49] Box Office Mojo estimates that the film sold over 25 million tickets during its original run.[2]
 Lilo & Stitch received critical acclaim.[50][51] Rotten Tomatoes reported that the film has an approval rating of 87% based on 149 reviews, with an average rating of 7.3/10. The site's critics consensus reads, ""Edgier than traditional Disney fare, Lilo and Stitch explores issues of family while providing a fun and charming story.""[52] Metacritic assigned the film a weighted average score of 73 out of 100, based on 30 critics, indicating ""generally favorable reviews"".[53] Audiences polled by CinemaScore gave the film an average grade of ""A"" on an A+ to F scale.[54]
 Roger Ebert of the Chicago Sun-Times gave the film 3+1⁄2 stars out of 4, writing: ""It's one of the most charming feature-length cartoons of recent years—funny, sassy, startling, original and with six songs by Elvis. It doesn't get sickeningly sweet at the end, it has as much stuff in it for grown-ups as for kids, and it has a bright offbeat look to it.""[55] Kenneth Turan of the Los Angeles Times wrote: ""Looser and less obviously formulaic in its fresh approach to our hearts, the brash [film] has an unleashed, subversive sense of humor that's less corporate and more uninhibited than any non-Pixar Disney film has been in time out of mind. With its hand-drawn characters and its use of watercolors for backgrounds (the first time the studio's done that since the 1940s), this is a happy throwback to the time when cartoons were cinema's most idiosyncratic form instead of one of its most predictable.""[56] Richard Corliss of Time magazine felt the film is ""a bright, engaging bauble with half a dozen Elvis Presley songs for Mom and Dad, and just enough sass. Stitch sticks his tongue into his nose and eats his snot to keep the tweeners giggling ...after a lag in the early sister scenes, Lilo reveals its own very American verve and wit, along with a smart story sense that marks the best animated features, traditional or computerized.""[57]
 Claudia Puig of USA Today noted the colors ""are ultra-vibrant and rich, appropriate to the Hawaiian setting. Best of all, the movie has an endearingly cheeky attitude sometimes missing from more earnest Disney tales. Witty, touching and well paced, Lilo & Stitch is ideal family fare, but little more.""[58] Desson Howe of The Washington Post also praised the film's use of watercolors, writing it is ""appealing. It's easy, rather than flashy, on the eyes. And there's some sort of relief in that, in this world of hyper-powerful computer-generated imagery.""[59] Owen Gleiberman, reviewing for Entertainment Weekly, argued the ""animation in Lilo & Stitch has an engaging retro-simple vivacity, and it's nice to see a movie for tots make use of Elvis Presley, but the story is witless and oddly defanged. Stitch gets discovered by Lilo, a temperamental Hawaiian girl who's the whiniest of whiny brats. These two become friends in theory only: There's so little connection between them that just about the only thing sustaining the movie is its vague E.T. outline.""[60]
 Todd McCarthy of Variety felt Sanders and DeBlois ""keep things moving briskly while commendably avoiding any special sentimental 'We Are a Village' point-making, despite the obvious opportunity. Character designs are familiar enough, but backgrounds possess an unusual pastel quality that gives the film an inviting atmosphere all its own.""[61] In contrast, Mick LaSalle of the San Francisco Gate felt Lilo & Stitch was more appropriate for a television series, writing the directors ""find themselves locked into the structure of a feature film. They're forced to tell the story of Lilo and Stitch's relationship, to give it shape and a sense of arrival. Since this is a kid's movie, the relationship can only head in the direction of schmaltz. So the promising anarchy of the first 10 or 15 minutes is suppressed.""[62]
 Peter M. Nichols states that through the character of Nani and her struggles, the film appeals to older children better than such attempts by the studio to do so as The Emperor's New Groove, Atlantis: The Lost Empire, and Treasure Planet.[63]
 Lilo & Stitch: An Original Walt Disney Records Soundtrack is the soundtrack to Disney's 2002 animated feature Lilo & Stitch. It was released by Walt Disney Records on June 11, 2002, on Audio CD and Compact Cassette.
 The soundtrack contains two original songs from the film written by Mark Kealiʻi Hoʻomalu and Alan Silvestri (the film's composer), and performed by Kealiʻi Hoʻomalu and the Kamehameha Schools children's chorus. It also contains five songs by American singer Elvis Presley, and two of his songs re-recorded by contemporary artists. These songs were performed by American singer Wynonna (""Burning Love"") and Swedish group A-Teens (""Can't Help Falling in Love"").
 On June 23, 2003, the soundtrack album was certified Platinum by the Recording Industry Association of America for sales of 1 million units.[65] On March 17, 2023, the song ""Hawaiian Roller Coaster Ride"" received Platinum certification from the RIAA for reaching 1 million certified units.[66]
 ""Baby You Belong"" by Faith Hill was used as the theme song in the Japanese version. In North America the song was simply an album track with no connotation to the film.[67]
 ^ Shipments figures based on certification alone.
 ‡ Sales+streaming figures based on certification alone.
 On August 26, 2003, Disney released a direct-to-video sequel, Stitch! The Movie, which served as the pilot to a television series titled Lilo & Stitch: The Series. This series ran for 65 episodes between September 20, 2003, and July 29, 2006. The series carried on where the film left off and charted Lilo and Stitch's efforts to capture and rehabilitate Jumba's remaining experiments. The series, as well as the original parts of the franchise that focused on Lilo Pelekai and were set in Hawaii, ended with the television film Leroy & Stitch, which aired on June 23, 2006.
 On August 30, 2005, Lilo & Stitch 2: Stitch Has a Glitch, another direct-to-video sequel to the film, was released. In this film (set between Lilo & Stitch and Stitch! The Movie), Stitch has a glitch because his molecules were never fully charged (this is contrary to an original opening, ""Stitch's trial"", which was seen on the DVD release of Lilo & Stitch). Lilo wants to win the May Day hula contest like her mother did in the 1970s, but Stitch continues to have outbursts. Lilo gets increasingly mad at Stitch as his glitch causes more problems for her and ruins her chances of winning the competition. She thinks Stitch is not cooperating properly, until she finds out that Stitch is dying. The Lilo & Stitch 2: Stitch Has a Glitch DVD also contained a short film, The Origin of Stitch, that served as a bridge between Stitch Has a Glitch and Stitch! The Movie.
 In March 2008, Disney announced an anime based on the Lilo & Stitch franchise aimed at the Japanese market titled Stitch!. The anime, which ran as a series from October 2008 to March 2011, features a Japanese girl named Yuna Kamihara in place of Lilo, and is set on a fictional island in Okinawa Prefecture instead of Hawaii. This series was produced by Madhouse for its first two seasons, and Shin-Ei Animation for its third season and two post-series specials in 2012 and 2015.
 From March 27 to April 6, 2017, an English-language Chinese animated television series based on the franchise titled Stitch & Ai aired in China with a Mandarin Chinese dub. It was produced by Anhui Xinhua Media and Panimation Hwakai Media. Like with the Stitch! anime, it features a local girl named Wang Ai Ling instead of Lilo, and is set in the Huangshan mountains. Unlike Stitch!, however, this series was originally produced in English in co-operation with American animators (including those who worked on Lilo & Stitch: The Series) and then dubbed into Mandarin Chinese; the original English production aired in Southeast Asia during February 2018.
 In October 2018, The Hollywood Reporter reported that Walt Disney Pictures was developing a live-action remake of Lilo & Stitch to be produced by Aladdin producers Dan Lin and Jonathan Eirich and written by Mike Van Waes.[78] In November 2020, it was reported that Jon M. Chu entered talks to direct the film and that it was unclear if the film would be released in theaters or on Disney+. In July 2022, Dean Fleischer Camp replaced Chu as the film's director.[79] In February 2023, Zach Galifianakis joined the film.[80][81] On March 31, 2023, it was announced that Maia Kealoha was cast as Lilo.[82] Further cast members were announced that April, including Sydney Agudong as Nani,[4] Courtney B. Vance as Bubbles,[83] and Billy Magnussen in an undisclosed role.[84] Kahiau Machado was originally cast as David, but was later replaced by Kaipo Dudoit.[85] On April 21, 2023, Galifianakis was confirmed to play Jumba, and Magnussen was confirmed to play Pleakley, while Chris Sanders entered in final negotiations to return as the voice of Stitch.[86] Tia Carrere, the original voice actress of Nani, was announced to play Mrs. Kekoa, while Amy Hill, who voiced Mrs. Hasagawa in the original, will portray a new character named Tūtū.[87]
 In August 2024, the film was shifted to a summer 2025 theatrical release.[88] Two months later, the film was given a release date of May 23, 2025 in the United States.[89]
 There were three official games released in 2002 to coincide with the film: Disney's Lilo & Stitch: Trouble in Paradise for PlayStation and Microsoft Windows, Disney's Lilo & Stitch for Game Boy Advance, and Disney's Stitch: Experiment 626 for PlayStation 2. Stitch is also a summonable character in Kingdom Hearts II and III, and appears along with his homeworld in Kingdom Hearts Birth by Sleep for the PlayStation Portable. Lilo and Stitch both appear in the Nintendo 3DS game Disney Magical World and its sequel. Stitch is also a playable character in the Disney Infinity series in the second game, Disney Infinity 2.0, and the series' third and final game, Disney Infinity 3.0. He was also a meet and greet character in Kinect: Disneyland Adventures. Some characters of the film are playable characters in the game Disney Magic Kingdoms. Stitch also appears as a playable character in the mobile game Disney Mirrorverse, and as an unlockable villager Disney Dreamlight Valley. Lilo, Stitch, Jumba, Gantu, and (from Lilo & Stitch: The Series) Angel are playable racers in Disney Speedstorm, which also features a track environment based on the film's depiction of Kauaʻi.",5381,"Main page; Contents; Current events; About Wikipedia; Help; Learn to edit; Community portal; Upload file; ; learn more; Article; Talk; Read; Read; Upload file; Lilo & Stitch: The Series; Lilo & Stitch (2025 film); Lilo & Stitch (franchise); ; Chris Sanders; Dean DeBlois; Clark Spencer; Daveigh Chase; Tia Carrere; Ving Rhames; David Ogden Stiers; Kevin McDonald; Jason Scott Lee; Zoe Caldwell; Kevin Michael Richardson; Darren T. Holmes; Alan Silvestri; Walt Disney Feature Animation; Buena Vista Pictures Distribution; El Capitan Theatre; science fiction; comedy drama; Walt Disney Feature Animation; Walt Disney Pictures; Chris Sanders; Dean DeBlois; Clark Spencer; Daveigh Chase; Tia Carrere; David Ogden Stiers; Kevin McDonald; Ving Rhames; Jason Scott Lee; Zoe Caldwell; Kevin Michael Richardson; Disney-MGM Studios; Walt Disney World; Orlando, Florida; Lilo Pelekai; Nani; extraterrestrial creature; Experiment 626; ʻohana; extended family; Thomas Schumacher; Dumbo; Snow White and the Seven Dwarfs; Elvis Presley; Alan Silvestri; El Capitan Theatre; Los Angeles; Best Animated Feature; 75th Academy Awards; Spirited Away; animation renaissance; franchise; direct-to-video; live-action adaptation; Experiment 626; exile; Kauaʻi; Hawaii; Earth; animal shelter; car crash; guardian; foster care; lūʻau; surfing; fire engine; ohana; CIA; Roswell, New Mexico; List of Lilo & Stitch characters; Daveigh Chase; Lilo Pelekai; Kauaʻi; dog; Chris Sanders; Stitch; koala; genetic experiment; Tia Carrere; Nani Pelekai; legal guardian; Jason Scott Lee; David Kawena; David Ogden Stiers; Dr. Jumba Jookiba; Kevin McDonald; Agent Pleakley; Earth; Ving Rhames; Cobra Bubbles; social worker; Kevin Michael Richardson; Captain Gantu; Zoe Caldwell; the Grand Councilwoman; Grey; Mertle Edmonds; hālau hula; Moses Puloki; Amy Hill; Mrs. Hasagawa; ; concept sketch; California Institute of the Arts; Chris Sanders; Walt Disney Feature Animation; The Rescuers Down Under; Beauty and the Beast; The Lion King; Mulan; Michael Eisner; Thomas Schumacher; Dumbo; Walt Disney World Swan Resort; Kansas; The Wild Robot; Palm Springs, Florida; fairy tales; Dean DeBlois; Mulan; Atlantis: The Lost Empire; Kauaʻi; ʻohana; extended families; Raiders of the Lost Ark; Jurassic Park trilogy; economic downturn; Tia Carrere; Honolulu; Jason Scott Lee; colloquial dialect; American animated films; title character; Ming-Na Wen; Los Angeles; Paris; Toronto; Chris Williams; Kevin McDonald; Jeff Goldblum; Pulp Fiction; Ricardo Montalbán; Khan Noonien Singh; Star Trek II: The Wrath of Khan; ; Boeing 747; gouache; Snow White and the Seven Dwarfs; Pinocchio; Dumbo; gouache; computer-generated imagery; Sue C. Nichols; hijacking; Boeing 747; Lihue Airport; Honolulu; September 11 attacks; El Capitan Theatre; Priscilla; Lisa Marie Presley; Wynonna Judd; Phil Collins; Gregory Hines; Jodie Foster; Dick Cook; Disney Renaissance; The Little Mermaid; Beauty and the Beast; Aladdin; The Lion King; citation needed; AC/DC; Back in Black; McDonald's; Suspicious Minds; Gareth Gates; Pop Idol; Hound Dog; Black Sheep; Disney Adventures; Lilo & Stitch 2: Stitch Has a Glitch; Reuben; citation needed; VHS; DVD; THX; Alice in Wonderland; Pocahontas; Australia; UK; Lilo & Stitch 2: Stitch Has a Glitch; Blu-ray; Disney+; citation needed; Tom Cruise; Minority Report; Mr. Deeds; Men in Black II; Spider-Man; Star Wars: Episode II – Attack of the Clones; Warner Bros.; Scooby-Doo; Matt Damon; The Bourne Identity; Signs; My Big Fat Greek Wedding; Red Dragon; 20th Century Fox; Ice Age; Box Office Mojo; Rotten Tomatoes; Metacritic; CinemaScore; Roger Ebert; Chicago Sun-Times; Kenneth Turan; Los Angeles Times; Richard Corliss; Time; Claudia Puig; USA Today; Desson Howe; The Washington Post; Owen Gleiberman; Entertainment Weekly; E.T.; Todd McCarthy; Variety; We Are a Village; Mick LaSalle; San Francisco Gate; Nani; The Emperor's New Groove; Atlantis: The Lost Empire; Treasure Planet; Soundtrack album; Genre; Rock; pop; country rock; film score; Hawaiian; Label; Walt Disney; Producer; Lilo & Stitch; Lilo & Stitch 2: Island Favorites; Walt Disney Animation Studios; Atlantis: The Lost Empire; Treasure Planet; Alan Silvestri; Showtime; Stuart Little 2; Singles; Can't Help Falling in Love; AllMusic; Disney; Walt Disney Records; Audio CD; Compact Cassette; Mark Kealiʻi Hoʻomalu; Alan Silvestri; Kamehameha Schools; Elvis Presley; Wynonna; A-Teens; certified Platinum; Recording Industry Association of America; Faith Hill; Alan Silvestri; Mark Kealiʻi Hoʻomalu; Kamehameha Schools; Stuck on You; Elvis Presley; Burning Love; Wynonna Judd; Suspicious Minds; Elvis Presley; Heartbreak Hotel; Elvis Presley; (You're the) Devil in Disguise; Elvis Presley; Alan Silvestri; Mark Kealiʻi Hoʻomalu; Kamehameha Schools; Hound Dog; Elvis Presley; Can't Help Falling in Love; A-Teens; Alan Silvestri; Alan Silvestri; Alan Silvestri; ARIA; Ö3 Austria; Canadian Albums; Billboard; Offizielle Top 100; Billboard 200; Billboard; Certified units; ARIA; RIAA; Certified units; RIAA; Lilo & Stitch (franchise); Stitch! 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Vance; Billy Magnussen; Tia Carrere; Amy Hill; Disney's Lilo & Stitch: Trouble in Paradise; PlayStation; Microsoft Windows; Disney's Lilo & Stitch; Game Boy Advance; Disney's Stitch: Experiment 626; PlayStation 2; Kingdom Hearts II; III; Kingdom Hearts Birth by Sleep; PlayStation Portable; Nintendo 3DS; Disney Magical World; its sequel; Disney Infinity series; Disney Infinity 2.0; Disney Infinity 3.0; Kinect: Disneyland Adventures; Disney Magic Kingdoms; Disney Mirrorverse; Disney Dreamlight Valley; Disney Speedstorm; ; Disney portal; Film portal; ; Animation portal; ; Cartoon portal; ; Comedy portal; United States portal; List of films featuring extraterrestrials; Buena Vista Pictures Distribution; Walt Disney Pictures; Mulan; Brother Bear; Allmovie; Box Office Mojo; ISBN; Business Insider; Vulture; Hyperion; ISBN; Cinefantastique; Internet Archive; ; Fumettologica; The Honolulu Advertiser; Hana Hou!; Vulture; IGN; Animation World Network; Polygon; CinemaBlend; ISBN; Corvallis Gazette-Times; Newspapers.com; ; Orlando Sentinel; Honolulu Star-Bulletin; ; ISBN; Comic Book Resources; Insider.com; The Wall Street Journal; The Honolulu Advertiser; Variety; The Advocate; Los Angeles Times; Screen Daily; United Press International; SFGate; The Quint; Rotten Tomatoes; Fandango; Metacritic; CinemaScore; RogerEbert.com; ISBN; AllMusic; Recording Industry Association of America; Recording Industry Association of America; Jam!; GfK Entertainment Charts; Billboard; Billboard; Australian Recording Industry Association; Variety; The Hollywood Reporter; ISBN; AllMovie; IMDb; Box Office Mojo; Rotten Tomatoes; v; t; Lilo & Stitch; Stitch! 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Rio,https://fr.wikipedia.org/wiki/Rio,"Cette page d’homonymie répertorie les différents sujets et articles portant le même nom.
 Cet article possède un paronyme, voir Rioz.
 Pour l’article ayant un titre homophone, voir Rioz.
 Rio, en portugais, ou Río, en espagnol, est un mot signifiant « rivière, fleuve ». Il apparaît dans la composition de beaucoup de noms géographiques.
 RIO (en majuscules, avec ou sans points ou espaces) est un sigle, un acronyme ou un code de trois lettres.
 Rio est un nom de lieu notamment porté  par :
 Rio est un patronyme breton[1],[2], présent surtout dans le Morbihan[3]. Il est porté notamment par :
 Sur les autres projets Wikimedia : RIO est un sigle ou acronyme de trois lettres pouvant faire référence à :",119,Accueil; Portails thématiques; Article au hasard; Contact; Débuter sur Wikipédia; Aide; Communauté; Modifications récentes; ; Rechercher; en savoir plus; Contributions; Discussion; Article; Discussion; Lire; Lire; Pages liées; Suivi des pages liées; Téléverser un fichier; Pages spéciales; ; page d’homonymie; ; paronyme; Rioz; ; Rioz; rivière; fleuve; sigle; acronyme; code; Rio de Janeiro; État de Rio de Janeiro; paroisse civile; commune; Fonsagrada; province de Lugo; communauté autonome; Galice; Daniel Río Rubal; Rio; Rio; village; comté; Knox; Illinois; Rio; patronyme; breton; Morbihan; Île-d'Arz; Alphonse Rio; Iria del Río; catalane; Michel Rio; ; Michel Rio; Michel Rio; Nicolas Rio; Patrice Rio; Paula Prado del Río; Roger Rio; Yannick Rio; Río; Achaïe; Patras; Rio; province de Livourne; Rio; hameau; Amatrice; Venise; Canaux de Venise; prénom japonais; Alberto Rio; Régie des installations olympiques; québécois; Jeux olympiques de Montréal; 1976; Rio; salle de cinéma; Stockholm; Suède; Rio; album studio; Duran Duran; 1982; Rio; single; 1982; Rio; Carlos Saldanha; 2011; Rio; Rio; 1939; John Brahm; Rio PMP300; MP3; 1998; IPod; Apple; 2001; Rio; Christophe Willem; 2017; Rio Grande; 1950; RIO; Sigles de 2 caractères; Sigles de 3 caractères; Sigles de 4 caractères; Sigles de 5 caractères; Sigles de 6 caractères; Sigles de 7 caractères; Sigles de 8 caractères; sigle; acronyme; RapidIO; Relevé d'identité opérateur; téléphone mobile; Référentiel des identités et de l'organisation; numéro matricule; policiers français; Rame inox omnibus; SNCF; Rio de Janeiro; AITA; recherche scientifique; RIO; Eurodance; Manuel Reuter; Rock in opposition; Kia Rio; Brasserie Valduc-Thor; Thorembais-Saint-Trond; Hervé Abalain; ISBN; 2877472388; Riou; Insee; Géopatronyme; Tous les articles commençant par « Rio »; Catégories; Homonymie; Homonymie de toponyme; Sigle de 3 caractères; Patronyme breton; Acronyme; Homonymie d'acronyme; Code; Article contenant un appel à traduction en espagnol; Droit d'auteur; crédits graphiques; comment citer les auteurs et mentionner la licence; 501(c)(3); À propos de Wikipédia; Avertissements,Catégories; Homonymie; Homonymie de toponyme; Sigle de 3 caractères; Patronyme breton; Acronyme; Homonymie d'acronyme; Code,/static/images/icons/wikipedia.png; /static/images/mobile/copyright/wikipedia-wordmark-fr.svg; /static/images/mobile/copyright/wikipedia-tagline-fr.svg; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/a9/Logo_disambig.svg/20px-Logo_disambig.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/a9/Logo_disambig.svg/20px-Logo_disambig.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/4/44/Logo_disambig-homophone.svg/20px-Logo_disambig-homophone.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/a9/Logo_disambig.svg/15px-Logo_disambig.svg.png; https://login.wikimedia.org/wiki/Special:CentralAutoLogin/start?type=1x1; /static/images/footer/wikimedia-button.svg; /w/resources/assets/poweredby_mediawiki.svg,https://en.wikipedia.org/wiki/Rio,Rio,https://en.wikipedia.org/wiki/Rio,"Rio or Río is the Portuguese, Spanish, and Maltese word for ""river"". The term also exists in Italian, but is largely obsolete and used in a poetical or literary context to mean ""stream""; the standard Italian word for ""river"" is fiume.
 Rio, RIO or Río may also refer to:",49,"Main page; Contents; Current events; About Wikipedia; Help; Learn to edit; Community portal; Upload file; ; learn more; Article; Talk; Read; Read; Upload file; river; Rio de Janeiro; Rio do Sul; Río Bec; Río Bravo, Tamaulipas; Deerpark, New York; Rio, Florida; Rio, Georgia; Rio, Illinois; Rio, Virginia; Rio, West Virginia; Rio, Wisconsin; El Río, Las Piedras, Puerto Rico; Río Arriba, Añasco, Puerto Rico; Río Arriba, Arecibo, Puerto Rico; Río Arriba, Fajardo, Puerto Rico; Río Arriba, Vega Baja, Puerto Rico; Río Abajo, Ceiba, Puerto Rico; Río Abajo, Cidra, Puerto Rico; Río Abajo, Humacao, Puerto Rico; Río Abajo, Utuado, Puerto Rico; Río Abajo, Vega Baja, Puerto Rico; Rio Creek, Wisconsin; Rio Grande Valley (Texas); RIO Washingtonian Center; Rio, Italy; Rio, Greece; Río Bravo, Suchitepéquez; Rio Grande (disambiguation); Río Muni; Rio Tuba; Rio Adebisi; Rio Alderton; Rio Fahmi; Rio Fanning; Rio Ferdinand; Rio Goldhammer; Rio Gomez; Rio Hackford; Rio Haryanto; Rio Hillen; Rio Hope-Gund; Rio Komiya; Rio Mavuba; Rio Nitta; Rio Noguchi; Rio Omori; Rio Preisner; Rio Raj; Rio Ramandika; Rio Ramirez; Rio Reiser; Rio Rii; Rio Ruiz; Rio Sakuma; Rio Saputro; Rio Shipston; Rio Suryana; Rio Waida; Rio Wells; Rio Yañez; Rio Fredrika; Rio Hardy; Rio Hirai; Rio Kanno; Rio Kishida; Rio Locsin; Rio Matsumoto; Rio Natsuki; Rio Natsume; Rio Sasaki; Rio Shimamoto; Rio Shimono; Rio Shirai; Rio Suzuki; Rio Takizawa; Rio Teramoto; Rio Uchida; Rio Waida; Rio Watari; Rio Yamase; Rio Yamashita; Tina Yuzuki; Al Rio; Alexis-François Rio; Michel Rio (footballer); Michel Rio; Neiphiu Rio; Patrice Rio; Zhaleo Rio; Rio (1939 film); Rio (franchise); Rio (2011 film); Rio (soundtrack); Rio 2; ""Rio"" (CSI: Miami); Rio: Rainbow Gate!; Rio (Money Heist); Rio (Shaman King); main villain from Juken Sentai Gekiranger; Bob the Builder; Seishun Buta Yarō; Yu-Gi-Oh! Zexal; Sound of the Sky; Assassination Classroom; The Gods Lie; Dead or Alive; character from The Story of Tracy Beaker series; Blue Archive; Agatha All Along; Rio (video game); Angry Birds Rio; R.I.O.; Los del Río; Rock in Opposition; Rock in Rio; Río (Aterciopelados album); Rio (Uri Caine album); Rio (Duran Duran album); Rio (Keith Jarrett album); Rio (Joyce album); Rio (Trevor Rabin album); Rio (Lee Ritenour album); Rock in Rio (album); Rush in Rio; ""Rio"" (Duran Duran song); ""Rio"" (Ledri Vula song); Hey Marseilles; ""Rio"" (Michael Nesmith song); Wavelength; Rio (British drink); Rio (Chinese drink); Rio All Suite Hotel and Casino; Convention on Biological Diversity; Rio Group; RIO Models; Rio Tinto (corporation); Regional Institute of Ophthalmology; Rio Declaration on Environment and Development; Rio Protocol; Inter-American Treaty of Reciprocal Assistance; Regulatory Innovation Office; Radar Intercept Officer; Victoria Transit Patrol; Remote interface officer; Rio (digital audio players); Rio (windowing system); Kyocera Rio; CompactRIO; Winsock RIO extensions; Ford Del Rio; Avian Rio; IATA airport code; Kia Rio; Panther Rio; Premier Rio; Ford Del Rio; Rio (surname); Swallows and Amazons; Research Ideas and Outcomes; open-access; Del Rio (disambiguation); Regional Health Information Organization; Ríos (disambiguation); Rive (disambiguation); River (disambiguation); Rivers (disambiguation); Rivière (disambiguation); ; disambiguation; Categories; Disambiguation pages; Place name disambiguation pages; Disambiguation pages with given-name-holder lists; Disambiguation pages with surname-holder lists; Japanese feminine given names; Feminine given names; Japanese unisex given names; Articles containing Japanese-language text; Short description is different from Wikidata; All article disambiguation pages; All disambiguation pages; Creative Commons Attribution-ShareAlike 4.0 License; About Wikipedia; Disclaimers",Categories; Disambiguation pages; Place name disambiguation pages; Disambiguation pages with given-name-holder lists; Disambiguation pages with surname-holder lists; Japanese feminine given names; Feminine given names; Japanese unisex given names,/static/images/icons/wikipedia.png; /static/images/mobile/copyright/wikipedia-wordmark-en.svg; /static/images/mobile/copyright/wikipedia-tagline-en.svg; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/9/99/Wiktionary-logo-en-v2.svg/40px-Wiktionary-logo-en-v2.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/en/thumb/5/5f/Disambig_gray.svg/30px-Disambig_gray.svg.png; https://login.wikimedia.org/wiki/Special:CentralAutoLogin/start?type=1x1; /static/images/footer/wikimedia-button.svg; /w/resources/assets/poweredby_mediawiki.svg
La Garde du Roi lion,https://fr.wikipedia.org/wiki/La_Garde_du_Roi_lion,"La mise en forme de cet article est à améliorer (août 2024).
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 modifier - modifier le code - voir Wikidata (aide)  La Garde du Roi lion (The Lion Guard) est une série télévisée d'animation américaine, produite par les studios Disney. Basée sur les longs métrages d'animation Le Roi lion (1994) et Le Roi lion 2 (1998), Cette série montre l’adolescence de Kiara ; la troisième saison fait quant à elle suite au même film.
 Le pilote, intitulé La Garde du Roi lion : Un nouveau cri, a été diffusé le 22 novembre 2015 sur Disney Junior, Disney Channel[3] et Disney Cinémagic , puis la diffusion de la série s'est poursuivie à partir du 15 janvier 2016[4]. 
 En France et en Belgique, elle est diffusée depuis le 27 janvier 2016 sur Disney Junior puis sur France 3 dans l'émission Ludo depuis le 1er septembre 2016[5] et au Québec à partir du 27 février 2016 sur La Chaîne Disney[6].
 Un épisode spécial, L'Ombre de Scar (The Rise of Scar), a été diffusé le 27 novembre 2017 aux États-Unis et le 29 juillet 2017 en France.
 La série raconte les efforts de Kion, le plus jeune enfant de Simba et Nala, afin de réunir une équipe d'animaux pour protéger la Terre des Lions. Certains personnages du Roi lion et sa suite Le Roi lion 2 apparaissent tels que Kiara, Timon, Pumbaa, Rafiki, Zazu, Nala et Simba[7],[8]. Il met également en vedette de nouveaux personnages dont Fuli le guépard, Beshte l'hippopotame, Ono l'aigrette et Bunga le ratel (ou le zorille du cap), amis de Kion[9]. Les Principaux ennemis de la garde sont les Hyènes vivant sur la terre interdite dirigée par Janja (saisons 1 et 2).
 Sources : lionguardfandom.com [10]
 Sources : rsdoublage.com [14]
 La série a été annoncée par Disney le 9 juin 2014 au Comic Con, le même mois que le 20e anniversaire du premier film et a été décrit comme « Le Roi lion rencontre The Avengers[15]. »
 L'annonce de la série est venue après une réunion entre le directeur général de Disney Junior, Nancy Kanter et le chef de la direction de Disney Robert Iger. Robert a suggéré à Nancy que Disney Junior devrait envisager la production de cette série pour célébrer le 20e anniversaire du film en 2014. Disney a montré des images assez tôt pour attirer le jeune public, qui était en mesure de faire des suggestions, telles que le réglage du regard des hyènes. Disney Consumer Products a lancé une ligne de jouets basée sur la série télévisée ; au moins cinq titres de livres basés sur la série sont également prévus pour une sortie en janvier 2016 : Return of the Roar, Can't Wait to Be Queen, Bunga the Wise, Follow That Hippo!, Meet the New Guard et Kion's Animal Alphabet[16].
 Le 12 août 2015, une bande-annonce a été présentée lors de l'exposition D23, avec de nouvelles informations sur le long métrage[17],[18].
 L'épisode pilote, intitulé La Garde du Roi lion : Un nouveau cri, est diffusé le 22 novembre 2015 sur Disney Junior Disney Channel et Disney Cinemagic . En 2016 il a été annoncé qu’une saison 2 serait en production. En 2017, il a été annoncé que la saison 3 était officiellement en cours de production et serait diffusée le 27 août 2019 aux États-Unis et en France, sur Disney junior, elle sera diffusée au mois de novembre. 
 En août 2015, Disney confirme qu'une partie de la distribution vocale originale sera présente[19],[20].",597,"Accueil; Portails thématiques; Article au hasard; Contact; Débuter sur Wikipédia; Aide; Communauté; Modifications récentes; ; Rechercher; en savoir plus; Contributions; Discussion; Article; Discussion; Lire; Lire; Pages liées; Suivi des pages liées; Téléverser un fichier; Pages spéciales; ; ; wikifier; ; Série d'animation; Aventures; jeunesse; Science-fiction; Disney Television Animation; ; États-Unis; Disney Junior; Disney Channel; Disney+; 15; janvier; 2016; 17; novembre; 2019; (aide); ; série télévisée; animation; américaine; studios Disney; longs métrages; Le Roi lion; 1994; Le Roi lion 2; 1998; Kiara; 22; novembre; 2015; Disney Junior; Disney Channel; 15; janvier; 2016; France; Belgique; 27; janvier; 2016; Disney Junior; France 3; Ludo; 1er; septembre; 2016; Québec; 27; février; 2016; La Chaîne Disney; Kion; Simba; Nala; Kiara; Timon; Pumbaa; Rafiki; Zazu; Nala; Simba; guépard; hippopotame; aigrette; ratel; zorille; Kion; zorille du Cap; guépard; hippopotame; aigrette; aigle martial; Simba; Nala; Kiara; Mufasa; Scar; Zira; Vitani; Kovu; éléphante; Rafiki; mandrill; chaman; gorille; rhinocéros; espèce; hyènes; chacals; protèles; zèbre; Zazu; calao; ombrette; vautour; gymnogène; drongo; oiseau; crocodiles; girafe; Timon; Pumbaa; suricate; phacochère; guépard; autruche; okapi; buffle; léopard; gazelle; rongeur; tortue; cobra égyptien; Disney Television Animation; Disney Junior; Disney-ABC Domestic Television; ; États-Unis; HDTV; 16/9; États-Unis; 15; janvier; 2016; France; Belgique; 27; janvier; 2016; Canada; Québec; 27; février; 2016; Kion; Atticus Shaffer; Joshua Rush; Rob Lowe; Simba; Gabrielle Union; Nala; Eden Riegel; Kiara; Timon; Ernie Sabella; Pumbaa; Khary Payton; Rafiki; Jeff Bennett; Zazu; James Earl Jones; Mufasa; Sarah Hyland; Madison Pettis; Maia Mitchell; Kevin Michael Richardson; Dee Bradley Baker; Russi Taylor; Greg Ellis; Cam Clarke; Blair Underwood; Christian Slater; Ana Gasteyer; Phil LaMarr; David Oyelowo; Emma Bunton; Entertainment Weekly; Kion; Benjamin Bollen; Diane Dassigny; Emmanuel Curtil; Simba; Nala; Kelly Marot; Kiara; Jean-Philippe Puymartin; Timon; Michel Elias; Pumbaa; Med Hondo; Rafiki; Serge Faliu; Michel Prud'homme; Zazu; Gilles Morvan; Mufasa; Xavier Fagnon; Gérard Surugue; Patrice Dozier; Clément Moreau; Michel Vigné; Patrick Borg; Saïd Amadis; Pierre-François Pistorio; Jean-Michel Vaubien; Élisabeth Wiener; Zira; Cédric Dumond; Kovu; Dorothée Pousséo; Vitani; Damien Boisseau; Marie Zidi; Guy Chapellier; Scar; Daniel Beretta; Anaïs Delva; Aurélie Konaté; Jérémie Covillault; Paul Borne; Clara Soares; Olivier Podesta; Arnaud Léonard; Liste des épisodes de La Garde du Roi lion; Comic Con; premier film; The Avengers; Disney Junior; Robert Iger; Disney Consumer Products; bande-annonce; D23; pilote; Disney Junior; Disney Channel; Bibliothèque verte; Entertainment Weekly; Variety; The Wall Street Journal; Time; Entertainment Weekly; Variety; The Daily Mirror; The Daily Telegraph; v; Roi Lion; Disney; Simba; Mufasa; Sarabi; Nala; Scar; Timon; Pumbaa; Rafiki; Zazu; Kiara; Kovu; Sarafina; Zira; Vitani; Kion; Le Roi lion; Le Roi lion 2 : L'Honneur de la tribu; Le Roi lion 3 : Hakuna Matata; Le Roi lion; Mufasa : Le Roi lion; Timon et Pumbaa; Festival of the Lion King; Legend of the Lion King; Le Roi lion; Circle of Life: An Environmental Fable; Bande originale du Roi Lion; Can You Feel the Love Tonight; Circle of Life; Hakuna Matata; Bande originale du Roi lion (2019); The Lion King: The Gift; Le Roi lion; Le Roi lion : Atelier de jeux; Le Roi lion; Kingdom Hearts 2; Le magazine; v; Séries télévisées; Disney; The Mouse Factory; Les Wuzzles; Les Gummi; La Bande à Picsou; Les Nouvelles Aventures de Winnie l'ourson; Tic et Tac, les rangers du risque; Super Baloo; Myster Mask; La Bande à Dingo; La Petite Sirène; Raw Toonage; He's Bonkers; Bonkers; Le Marsupilami; Aladdin; Gargoyles, les anges de la nuit; Timon et Pumbaa; Couacs en vrac; Mighty Ducks; Gargoyles: The Goliath Chronicles; Doug; Le Livre de la jungle, souvenirs d'enfance; Nightmare Ned; Les 101 Dalmatiens, la série; La Cour de récré; Pepper Ann; Hercule; Rolie Polie Olie; Mickey Mania; Les Weekenders; Les Aventures de Buzz l'Éclair; Tous en boîte; Galaxie Lloyd; La Légende de Tarzan; Le Livre de Winnie l'ourson; Cool Attitude; Stanley; Teamo Supremo; Fillmore !; Kim Possible; Lilo et Stitch, la série; Dave le barbare; W.I.T.C.H.; Brandy et M. 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Horton (film),https://fr.wikipedia.org/wiki/Horton_Hears_a_Who!,"Pour les articles homonymes, voir Horton.
 
 Pour plus de détails, voir Fiche technique et Distribution. modifier  Horton (Dr. Seuss’ Horton Hears a Who!), ou Horton entend un qui ! au Québec, est un film d'animation américain réalisé par Jimmy Hayward et Steve Martino, sorti en 2008. 
 Le film est inspiré des histoires de Theodor Seuss Geisel, dit Dr. Seuss.
 Un jour, Horton l'éléphant croit entendre un appel au secours provenant d'un grain de poussière flottant dans les airs. Dès lors, il est convaincu qu'une certaine forme de vie peuple ce grain de poussière même s'il ne peut la voir. En effet, la cité de Zouville et ses microscopiques habitants, les Zous, sont en grand danger ! 
 Lorsque Horton annonce la nouvelle aux autres animaux de la jungle de Nool, personne ne le croit. Certains menacent même d'aller jusqu'à détruire le grain de poussière. Horton décide alors de faire tout son possible pour protéger ses nouveaux amis, car une personne est une personne, même toute petite...",165,"Accueil; Portails thématiques; Article au hasard; Contact; Débuter sur Wikipédia; Aide; Communauté; Modifications récentes; ; Rechercher; en savoir plus; Contributions; Discussion; Article; Discussion; Lire; Lire; Pages liées; Suivi des pages liées; Téléverser un fichier; Pages spéciales; ; Horton; ; Logo; français; Jimmy Hayward; Steve Martino; Ken Daurio; Cinco Paul; ; États-Unis; Animation; comédie dramatique; aventure; fantastique; 2008; ; Québec; film d'animation; américain; Jimmy Hayward; Steve Martino; 2008; Theodor Seuss Geisel; Jimmy Hayward; Steve Martino; Ken Daurio; Cinco Paul; Dr. Seuss; John Powell; Christopher Meledandri; Chris Wedge; Blue Sky Studios; 20th Century Fox; ; États-Unis; anglais; Dolby Digital; Animation; comédie dramatique; aventure; fantastique; avant-première; Hollywood; Jim Carrey; Steve Carell; Carol Burnett; Will Arnett; 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It was published in 1954 by Random House.[2] This book tells the story of Horton the Elephant and his adventures saving Whoville, a tiny planet located on a speck of dust, from the animals who mock him. These animals attempt to steal and burn the speck of dust, so Horton goes to great lengths to save Whoville from being incinerated. 
 ""A person's a person, no matter how small"" is the most popular line from Horton Hears a Who! and also serves as the major moral theme that Dr. Seuss conveys to his audience.[3] Horton endures harassment to care for and ensure the safety of the Whos, who represent the insignificant. Horton Hears a Who! has been well-received in libraries, schools, and homes across the world. The book has been adapted as a 1970 television special and a 2008 animated film by Blue Sky Studios and 20th Century Fox Animation, and much of its plot was incorporated into the Broadway musical production Seussical.[4]
 Geisel began work on Horton Hears a Who! in the fall of 1953. It is his second book to feature Horton the Elephant with the first being Horton Hatches the Egg. The Whos would later reappear in How the Grinch Stole Christmas!. The book's main theme, ""a person's a person no matter how small"", was Geisel's reaction to his visit to Japan, where the importance of the individual was an exciting new concept.[5] Geisel, who had harbored strong anti-Japan sentiments before and during World War II, changed his views dramatically after the war and used this book as an allegory for the American post-war occupation of the country.[6] His comparison of the Whos and the Japanese was a way for him to express his willingness for companionship. Geisel strived to relay the message that the Japanese should be valued equally, especially in a stressful post-war era.[7] He dedicated the book to a Japanese friend.[8]
 The book tells the story of Horton the Elephant, who, ""On the 15th of May, in The Jungle of Nool"", while splashing in a pool, hears a speck of dust talking to him. Horton surmises that a small person lives on the speck and places it on the top of a red clover, vowing to protect it. He later discovers that the speck is actually a tiny planet, home to a community called Whoville, where microscopic creatures called Whos live. The Mayor of Whoville asks Horton to protect them from harm, which Horton happily agrees to, proclaiming throughout the book, ""A person's a person, no matter how small"".
 Throughout the book, Horton is trying to convince the Jungle of Nool that ""a person is a person no matter how small"" and that everyone should be treated equally. In his mission to protect the speck, Horton is ridiculed and harassed by the other animals in the jungle for it since they believe that anything that can't be seen or heard is nonexistent. He is first criticized by the sour kangaroo and her joey. The splash they make as they jump into the pool almost reaches the speck, so Horton decides to find somewhere safer for it. But the news of his odd new behavior spreads quickly, and he is soon harassed by the Wickersham Brothers, a group of monkeys (which are actually apes). They steal the clover from him and give it to Vlad Vladikoff, a “black-bottomed” eagle. Vlad flies the clover a long distance, with Horton in pursuit, until Vlad drops it into the middle of a field of clovers that stretches for hundreds of miles.
 After an extremely long search, Horton finally finds the clover (the 3,000,000th flower) with the speck on it. However, the Mayor informs him that Whoville, the town on the speck, is in bad shape from the fall, and Horton discovers that the sour kangaroo and the Wickersham Brothers (along with their extended family) have caught up to him. They tie Horton up and threaten to boil the speck in a hot steaming kettle of ""Beezle-Nut"" oil. To save Whoville, Horton implores the little people to make as much noise as they can, to prove their existence. So almost everyone in Whoville shouts, sings, and plays instruments, but still no one but Horton can hear them. So the Mayor searches Whoville until he finds a very small shirker named JoJo, who is playing with a yo-yo instead of making noise. The Mayor carries him to the top of Eiffelberg Tower, where JoJo shouts out a loud ""Yopp!"", which finally makes the kangaroo and the monkeys hear the Whos. Now convinced of the Whos' existence, the other jungle animals vow to help Horton protect the tiny community.
 Horton Hears a Who! was published on August 28, 1954, by Random House Children's Books which is a division of the publishing company Random House.[2] There are four formats of the book that exist including a hardcopy version, a paperback version, an e-book version, and an audio version. There are several editions of the hardcopy version including a ""Party Edition"" and a 65th-anniversary edition. Dr. Seuss has sold hundreds of millions of copies in over thirty languages of his well-known children's books, which includes Horton Hears a Who![9]
 Horton Hears a Who! is written in anapestic tetrameter, like many other Dr. Seuss books.[10] Unlike some of his books, however, Horton contains a strong moral message—""a person's a person, no matter how small""—which Thomas Fensch identifies as ""universal, multinational, multi-ethnic. In a word: Equality"".[11]
 The book unites two polar opposite worlds through Horton's determination, integrity, faithfulness, and bravery.[12]
 Horton Hears a Who! received praise for the moral message Dr. Seuss exemplifies through Horton the Elephant. A 2002 news article in the Santa Fe Reporter details comedic performer Susan Jayne Weiss saying, ""Horton is the ultimate metaphor for believing in yourself, your mission and what you know to be true, against societal prescriptions to the contrary"".[13] Ben Witherington of the Asbury Theological Seminary applauds Dr. Seuss for his work in the characterization of Horton as the elephant fights to show the other animals that even the small people are people deserving of respect and love. Additionally, Witherington commended Dr. Seuss for his disdain for cynicism while proving that the imagination can solve life's troubles.[14]
 Peter Tonguette, writing for National Review, lauded the book's intricate and thoughtful rhymes and appealing illustrations defined Seuss's work.[15]
 In recent years, the book has been co-opted by the United States anti-abortion movement, with some interpreting ""a person's a person, no matter how small"" as being an allegory for the human fetus. This interpretation has been criticized by Audrey Geisel, the widow of the author, and Karl ZoBell, an attorney for Dr. Seuss Enterprises.[16]
 Horton Hears a Who! was adapted into a half-hour animated TV special by MGM Animation/Visual Arts in 1970. It was directed by Chuck Jones, produced by Theodor Geisel (Dr. Seuss), and narrated by Hans Conried, who also voiced Horton. The Sour Kangaroo (voiced by June Foray)'s name is Jane Kangaroo while her son is named Junior. Horton's contact in Whoville was not the Mayor, but a scientist named Dr. Hoovie who was also voiced by Hans Conried. Vlad Vladikov's name was changed to Whizzer McWoff. Dr. Seuss was awarded a Peabody Award for the animated special Horton Hears a Who! [17]
 The story, along with Horton Hatches the Egg, also provides the basic plot for the 2000 Broadway musical Seussical with ""the biggest blame fool in the jungle of Nool"", Horton the Elephant, as the main protagonist. Seussical debuted on November 30, 2000, at the famed Richard Rodgers Theatre with high expectations. The music in the play was written by Tony Award winners Lynn Ahrens and Stephen Flaherty.[4] The show flopped and eventually closed six months later on May 20, 2001.[18] Known as one of ""Broadway's biggest losers"", Seussical lost an estimated 11 million dollars.[18] During its time on Broadway, Seussical's Kevin Chamberlin was nominated for one Tony Award (Best Actor in a Musical).[18]
 Horton Hears a Who! was adapted into a computer-animated feature-length film of the same name in 2008, using computer animation from Blue Sky Studios, the animation arm of 20th Century Fox. The cast includes Jim Carrey, Steve Carell, Carol Burnett, Will Arnett, and Amy Poehler. It was released on March 14, 2008.[9] The film received 18 award nominations including a Kids' Choice Award, Golden Schmoes Award, and Academy of Science Fiction, Fantasy & Horror Films.[citation needed] The film also won the American Society of Composers, Authors, and Publishers Award at the ASCAP Film and Television Music Awards show.[19]
 An animated series based on the book Horton Hears a Who! aimed at preschoolers, among other Seuss story adaptations, is in development for Netflix.[20]",1470,"Main page; Contents; Current events; About Wikipedia; Help; Learn to edit; Community portal; Upload file; ; learn more; Article; Talk; Read; Read; Upload file; Blue Sky Studios; Horton Hears a Who! (film); Horton Hears a Who! (TV special); ; Dr. Seuss; Children's literature; picture book; Random House; ISBN; OCLC; Scrambled Eggs Super!; Horton Hatches the Egg; On Beyond Zebra!; How the Grinch Stole Christmas!; Dr. Seuss; Random House; Horton the Elephant; Whoville; 1970 television special; 2008 animated film; Blue Sky Studios; 20th Century Fox Animation; Seussical; Horton the Elephant; Horton Hatches the Egg; How the Grinch Stole Christmas!; anti-Japan sentiments; American post-war occupation of the country; post-war; Horton the Elephant; dust; red clover; planet; Whoville; microscopic; kangaroo; joey; monkeys; apes; eagle; Beezle-Nut; yo-yo; Random House; e-book; C-SPAN; anapestic tetrameter; Asbury Theological Seminary; National Review; co-opted; United States anti-abortion movement; allegory; human fetus; Audrey Geisel; Dr. Seuss Enterprises; ; Dr. Seuss; Horton Hears a Who! (TV special); TV special; MGM Animation/Visual Arts; Chuck Jones; Theodor Geisel; Hans Conried; June Foray; Hans Conried; ; ; Horton Hatches the Egg; Broadway musical; Seussical; Horton Hears a Who! (film); feature-length film of the same name; Blue Sky Studios; 20th Century Fox; Jim Carrey; Steve Carell; Carol Burnett; Will Arnett; Amy Poehler; citation needed; Netflix; ISBN; ISBN; Minear, Richard H.; Dr. Seuss Goes to War; New York; The New Press; ISBN; ISBN; National Review; ISBN; Da Capo Press; ISBN; The New York Times; Radio National; v; t; Dr. Seuss; The Grinch; Horton the Elephant; Bartholomew Cubbins; Bibliography; And to Think That I Saw It on Mulberry Street; The 500 Hats of Bartholomew Cubbins; The King's Stilts; The Seven Lady Godivas; Horton Hatches the Egg; McElligot's Pool; Thidwick the Big-Hearted Moose; Bartholomew and the Oobleck; If I Ran the Zoo; Scrambled Eggs Super!; On Beyond Zebra!; If I Ran the Circus; How the Grinch Stole Christmas!; The Cat in the Hat; The Cat in the Hat Comes Back; Yertle the Turtle and Other Stories; Happy Birthday to You!; One Fish, Two Fish, Red Fish, Blue Fish; Green Eggs and Ham; The Sneetches and Other Stories; Dr. Seuss's Sleep Book; Dr. Seuss's ABC; Hop on Pop; Fox in Socks; I Had Trouble in Getting to Solla Sollew; I Wish That I Had Duck Feet; Come over to My House; The Foot Book; I Can Lick 30 Tigers Today! and Other Stories; My Book about ME; Mr. Brown Can Moo! Can You?: Dr. Seuss's Book of Wonderful Noises!; The Lorax; Marvin K. Mooney Will You Please Go Now!; Did I Ever Tell You How Lucky You Are?; The Shape of Me and Other Stuff; There's a Wocket in My Pocket; Great Day for Up!; Wacky Wednesday; Oh, the Thinks You Can Think!; The Cat's Quizzer; I Can Read with My Eyes Shut!; Oh Say Can You Say?; Hunches in Bunches; The Butter Battle Book; You're Only Old Once!; I Am Not Going to Get Up Today!; Oh, the Places You'll Go!; Daisy-Head Mayzie; My Many Colored Days; Hooray for Diffendoofer Day!; The Bippolo Seed and Other Lost Stories; Horton and the Kwuggerbug and More Lost Stories; What Pet Should I Get?; Horse Museum; The Gerald McBoing-Boing Show; The Wubbulous World of Dr. Seuss; Gerald McBoing-Boing; The Cat in the Hat Knows a Lot About That!; episodes; Green Eggs and Ham; Television specials; Dr. Seuss' How the Grinch Stole Christmas!; Horton Hears a Who!; The Cat in the Hat; The Lorax; Dr. Seuss on the Loose; The Hoober-Bloob Highway; Halloween Is Grinch Night; Pontoffel Pock, Where Are You?; The Grinch Grinches the Cat in the Hat; The Butter Battle Book; In Search of Dr. Seuss; Daisy-Head Mayzie; Horton Hatches the Egg; Gerald McBoing-Boing; How the Grinch Stole Christmas; The Cat in the Hat; Horton Hears a Who!; The Lorax; The Grinch; Dr. Seuss' Fix-Up the Mix-Up Puzzler; The Grinch; The Cat in the Hat; Dr. Seuss: Green Eggs and Ham; Dr. Seuss: How the Grinch Stole Christmas!; Welcome; Seussical; Dr. Seuss' How the Grinch Stole Christmas! The Musical; You're a Mean One, Mr. Grinch; The Cat in the Hat; The Lorax; Dr. Seuss' The Grinch Musical Live!; Dr. Seuss's ABC; Green Eggs and Ham; The Cat in the Hat; Private Snafu; The Pocket Book of Boners; Your Job in Germany; Our Job in Japan; Design for Death; The 5,000 Fingers of Dr. T.; Hejji; Society of Red Tape Cutters; Flit; Helen Palmer; A Fish Out of Water; Amazing World of Dr. Seuss Museum; Beginner Books; Dr. Seuss Enters., L.P. v. Penguin Books USA, Inc.; Dr. Seuss Goes to War; The Secret Art of Dr. Seuss; Dr. Seuss National Memorial; Geisel Award; Geisel Library; Geisel School of Medicine; PM; Political messages of Dr. Seuss; Read Across America; Seuss Landing; v; t; Horton the Elephant; Dr. Seuss; Horton Hatches the Egg; Horton and the Kwuggerbug and More Lost Stories; Horton Hatches the Egg; Horton Hears a Who!; Horton Hears a Who!; Whoville; Seussical; Dr. Seuss Memorial; Categories; 1954 children's books; American picture books; Children's books about elephants; Children's books adapted into films; Books by Dr. Seuss; Occupied Japan; Random House books; Sequel books; Horton the Elephant; Articles with short description; Short description is different from Wikidata; Articles to be expanded from December 2021; All articles to be expanded; Articles with empty sections from December 2021; All articles with empty sections; All articles with unsourced statements; Articles with unsourced statements from March 2021; Creative Commons Attribution-ShareAlike 4.0 License; About Wikipedia; Disclaimers",Categories; 1954 children's books; American picture books; Children's books about elephants; Children's books adapted into films; Books by Dr. Seuss; Occupied Japan; Random House books; Sequel books; Horton the Elephant,/static/images/icons/wikipedia.png; /static/images/mobile/copyright/wikipedia-wordmark-en.svg; /static/images/mobile/copyright/wikipedia-tagline-en.svg; //upload.wikimedia.org/wikipedia/en/thumb/b/b8/HortonHearsAWhoBookCover.jpg/220px-HortonHearsAWhoBookCover.jpg; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/1/1b/Nuvola_apps_kaboodle.svg/16px-Nuvola_apps_kaboodle.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/5/55/Ted_Geisel_NYWTS_2_crop.jpg/220px-Ted_Geisel_NYWTS_2_crop.jpg; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/1/1c/Wiki_letter_w_cropped.svg/20px-Wiki_letter_w_cropped.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/1/1c/Wiki_letter_w_cropped.svg/20px-Wiki_letter_w_cropped.svg.png; https://login.wikimedia.org/wiki/Special:CentralAutoLogin/start?type=1x1; /static/images/footer/wikimedia-button.svg; /w/resources/assets/poweredby_mediawiki.svg
Les Schtroumpfs,https://fr.wikipedia.org/wiki/Les_Schtroumpfs,"« Schtroumpf » redirige ici. Pour les autres significations, voir Schtroumpf (homonymie).
 
 5 tomes Schtroumpferies
 7 tomes L'Univers des Schtroumpfs
 5 tomes 300 Gags
 6 tomes Le Village des Filles
 1 tome Hors série
 Les Schtroumpfs est une série de bande dessinée jeunesse belge créée par Peyo en 1958 racontant l'histoire d'un peuple imaginaire de petites créatures bleues logeant dans un village champignon au milieu d'une vaste forêt. Les seize premiers albums ont été publiés par leur auteur. Depuis sa mort le 24 décembre 1992, son fils Thierry Culliford dirige l'édition des nouveaux albums.
 En 2013, 25 millions d'albums des Schtroumpfs avaient été vendus dans le monde entier, ainsi que 300 millions de figurines, 40 millions de disques et CD et 8 millions de DVD[1].
 Au cinéma, le 1er film Les Schtroumpfs, mélangeant animation et prises de vues réelles, atteint plus de 560 millions de dollars de recettes en 2011[1]. En 2013, Les Schtroumpfs 2 totalise 347,5 millions de dollars récoltés dans le monde[2]. La troisième adaptation, Les Schtroumpfs et le Village perdu, sortie en 2017 et qui est exclusivement en images de synthèse, récolte 197,2 millions de dollars de recettes au niveau mondial[2].
 D'autres projets comme Smurfs On Ice, Les Schtroumpfs Le Spectacle Musical ou encore l’exposition La Schtroumpf Experience, qui attire 240 000 visiteurs et est nommée aux Visit Brussels Awards, ont également vu le jour[3],[4],[5],[6].
 Mondialement, les Schtroumpfs sont considérés comme des icônes culturelles intergénérationnelles, tout en faisant partie des plus grands héros de la pop culture internationale[7],[8],[9],[10],[11],[12]. Comme les contes de fées, Tintin, Babar, Astérix ou encore les Barbapapas avant eux, ils ont fait l'objet d'interprétations politiques et d'analyses sociologiques. Les principales questions de cet ordre posées à leur sujet étant « la société des schtroumpfs est-elle communiste ? » ou « pourquoi n'y a-t-il qu'une seule schtroumpfette au village ? »[13].
 L'ensemble des albums raconte la vie des Schtroumpfs dans leur village au cœur d'une forêt imaginaire en Europe durant un Moyen Âge mythifié, se défendant face au sorcier Gargamel et son chat Azraël ou partant dans de grandes aventures. Toute la tribu vit dans des champignons aménagés en maisons, dans un petit village au cœur de la forêt. Les Schtroumpfs sont petits et bleus avec une queue ronde. Ils sont vêtus d'un bonnet phrygien et de chausses blancs, à l'exception de leur chef, le Grand Schtroumpf, vêtu de rouge, et de quelques autres Schtroumpfs, comme le Schtroumpf bricoleur, le Schtroumpf paysan ou le Schtroumpf sauvage.
 Le concepteur de la série et de l'univers des Schtroumpfs est l'auteur belge francophone Peyo, de son vrai nom Pierre Culliford. Né en 1928, il a conçu Les Schtroumpfs en 1958. Il est surtout connu pour cette série. Il a été le scénariste et le dessinateur de plusieurs des 16 premiers albums des Schtroumpfs.
 Pour l'aider dans leur réalisation, il fonde en 1964 un studio dans sa propre résidence. Walthéry, âgé d'à peine 17 ans, est le premier assistant du maître et participe aux dessins du troisième album. Face à son talent, celui-ci se verra confier la direction d'autres séries créées par Peyo : Jacky et Célestin, puis Benoît Brisefer. Ce sont Derib, puis Gos qui seront les nouveaux co-dessinateurs des albums suivants. Gos participe au scénario et au dessin du tome 5 en 1969, ainsi qu'au scénario du tome 6. Marc Wasterlain fait également partie du studio Peyo, contribuant notamment au dessin du douzième album. Ces différents assistants iront par la suite lancer leurs propres séries à succès.
 Le responsable co-auteur des scénarios durant cette période fondatrice est Yvan Delporte, rédacteur en chef du journal Spirou de 1956 à 1968, qui participe à 8 des 10 premiers albums, publiés entre 1965 et 1983.
 À la suite du départ des éditions Dupuis à la fin des années 1980, Peyo lance un journal Les Schtroumpfs. L'occasion de composer un nouveau studio[14] : aux côtés de Daniel Desorgher, qui s'occupait des produits dérivés, sont recrutés plusieurs dessinateurs : Jean-Luc Van de Walle, José Grandmont, Philippe Delzenne, Alain Maury ou encore Bernard Swysen[15]. Ce dernier aide Peyo à dessiner le tome 14, sorti en janvier 1990[16].
 À la mort de Peyo en décembre 1992, c'est Thierry Culliford, son fils, qui devient le nouveau scénariste en chef de la série, à partir du tome 16. Il est depuis co-scénariste et coordinateur de l'exécution graphique de la série. Thierry Culliford choisit alors l’édition du Lombard, plutôt que Cartoon création ou Dupuis.
 Du 17e album au 24e album, Thierry Culliford est accompagné de Luc Parthoens pour le scénario, puis, à partir du 26e album, Alain Jost va aider Thierry Culliford pour le scénario pour les albums qui suivent.
 Les premiers repreneurs officiels du dessin sont désormais Alain Maury et Luc Parthoens, qui réalisent les tomes 16 à 20. Puis du tome 21 à 24, c'est Ludo Borecki qui officie principalement au dessin. (Les tomes 24 et 25 sont aussi co-dessinés par Jeroen De Coninck.)
 Borecki a d'abord collaboré au magazine Schtroumpf !, et a participé aux albums Schtroumpferies 2 à 5, publiés de 1996 à 2002, puis a dessiné les décors du tome 17 de Johan & Pirlouit (2001)[17].
 À partir du tome 26, Pascal Garray et Jeroen De Coninck vont se succéder au dessin, en alternance, jusqu'en janvier 2017, date de disparition de Pascal Garray[18], De Coninck reprend ainsi la réalisation du tome 36, aidé par Miguel Díaz Vizoso, collaborateur fréquent de la série, que ce soit au scénario (tome 25) ou au dessin (tome 33). Philippe Delzenne a quant à lui co-écrit le tome 21. José Grandmont collabore aussi au studio, de 2002 à 2009.
 Nine Culliford, de son vrai nom Janine Culliford, a été la coloriste des albums des Schtroumpfs avec son mari jusqu'en 1992. Elle serait à l'origine de la couleur des petits hommes en bleu. Elle continue la colorisation des Schtroumpfs jusqu'à sa mort en juillet 2016[19].
 S'il quitte officiellement le studio Peyo en 2011, Alain Maury reste consultant graphique[20]. Ainsi, il est le dessinateur des nouveaux tomes de Johan et Pirlouit, publiés à la fin des années 1990, et participe aussi à la réalisation de la nouvelle série dérivée Les Schtroumpfs et le Village des filles.
 Depuis juillet 2016, Alain Perwez dit Peral rejoint le studio Peyo en tant que dessinateur[21]. Il succède à Pascal Garray, auprès de Jeroen De Coninck. Il devient même principal dessinateur des Schtroumpfs avec Miguel Diaz Vizoso, quand Jeroen De Coninck décide de prendre sa retraite en 2017.
 Au début de l'année 1958, Peyo réfléchit au scénario de la nouvelle histoire de Johan et Pirlouit. Son idée est d'utiliser les mauvais talents musicaux de Pirlouit, un peu comme dans le conte Le Joueur de flûte de Hamelin. Il a pour idée de départ de mettre dans les mains de Pirlouit une flûte enchantée. L'histoire, qui commence sa publication en mai 1958 seulement trois semaines après la fin du récit précédent, a pour titre La Flûte à six trous. Comme prévu, l'ouverture de l'histoire multiplie les gags de Pirlouit et sa flûte magique qui fait danser tous ceux qui l'entendent. Ce début d'histoire est permis, car Peyo, avec l'accord de Dupuis, est désormais passé au format soixante planches et non plus quarante-quatre comme auparavant[22]. Dans la suite de son histoire, il a l'idée d'intégrer les créateurs de cette fameuse flûte et de réutiliser les petits lutins roses coiffés d'un bonnet à fleur dont il s'était servi pour une ébauche de court-métrage d'animation pendant son passage chez CBA. Pour les nommer, il a l'idée de ressortir le mot qui l'avait bien amusé avec André Franquin quelques mois auparavant. C'est Nine Culliford, sa femme, qui a l'idée d'utiliser du bleu pour colorier ses petites créatures[23].
 La découverte de ces nouveaux personnages par les lecteurs se fait progressivement. Tout d'abord des yeux qui observent les héros, puis le langage Schtroumpf est dévoilé, ensuite une main bleue et enfin les personnages apparaissent aux lecteurs[24]. Les Schtroumpfs ne font pas tout de suite l'unanimité chez l'éditeur, toujours inquiet que la censure française puisse frapper le journal : le langage schtroumpf est notamment pointé du doigt. Peyo doit le rassurer en affirmant que cette création est éphémère et va être utilisée durant quelques planches seulement, le temps pour les personnages de construire une nouvelle flûte enchantée[25].
 La nouvelle histoire de Johan et Pirlouit, commence sa publication en avril 1959 et a pour titre La Guerre des sept fontaines. Elle aborde le thème de la vie après la mort[26]. L'utilisation de la magie dans la première partie du récit va contraindre Peyo à réutiliser des personnages tirés d'autres épisodes. Comme l'enchanteur Homnibus a déjà été utilisé, il va rechercher la sorcière Rachel et le Grand Schtroumpf, rompant sa promesse de ne plus utiliser les Schtroumpfs[27].
 Lors d'un repas en 1957, Peyo aurait demandé à Franquin de lui passer une salière et, butant sur le mot, l'aurait donc appelée un schtroumpf (« Passe-moi… le schtroumpf ! ») : la conversation se serait poursuivie en schtroumpf[28],[29].
 Il est fait référence à ce repas à trois reprises dans les albums des Schtroumpfs. D'abord, dans Le Schtroumpf financier, à la case 3 de la page 22 : on voit deux Schtroumpfs en train de manger, puis un demande a l'autre de lui passer le… la…, puis ils sont coupés par l'apparition d'un autre Schtroumpf. Puis, dans Les Schtroumpfs et le Livre qui dit tout, à la page 8, où l'on voit deux Schtroumpfs cherchant dans le livre l'origine du mot Schtroumpf. Enfin dans Les Schtroumpfs et l'Arbre d'or, page 12 cases 3 et 4.
 Schtroumpf se prononce pratiquement comme le mot allemand Strumpf qui signifie « chaussette » (les Schtroumpfs s'appelant Schlümpfe (sing. Schlumpf) en allemand). Le nom de la danse Smurf vient directement des Schtroumpfs (Smurfs en anglais).
 La première apparition des Schtroumpfs se produit dans l'épisode des aventures de Johan et Pirlouit La flûte à six trous, prépublié dans Le Journal de Spirou le 23 octobre 1958[30] et dont le nom en album devint La Flûte à six schtroumpfs. On y rencontre une peuplade de lutins bleus à bonnets blancs vivant dans un village de champignons et parlant le langage Schtroumpf. Johan et Pirlouit viendront encore rendre visite aux Schtroumpfs dans l'épisode intitulé Le Pays maudit. Les Schtroumpfs viendront également leur prêter main-forte dans les albums La Guerre des sept fontaines, Le Sortilège de Maltrochu, La Horde du corbeau et La Nuit des sorciers.
 À partir de 1959, les Schtroumpfs vivent leurs propres aventures dans Spirou, d'abord sous la forme de sept mini-récits (Les Schtroumpfs noirs (1959), Le Voleur de Schtroumpfs (1959), L'Œuf et les Schtroumpfs (1960), Le Faux Schtroumpf (1961), La Faim des Schtroumpfs (1961), Le Centième Schtroumpf (1962), et Le Schtroumpf volant (1963), albums de quarante-huit pages chacun, à monter soi-même), qui seront réédités sous mini-couvertures cartonnées à partir de 2004 (trois coffrets de deux mini-albums par les éditions Niffle) ; Spirou récidivera avec le mini-récit Le Bébé Schtroumpf, tiré d'images du dessin animé en 1984. Jusque-là, on ne voyait que le Grand Schtroumpf et les petits Schtroumpfs, apparemment tous identiques. Les différences physiques et de caractère (Schtroumpf à lunettes, farceur, costaud, etc.) n'apparaissent — progressivement — qu'au moment où les Schtroumpfs commencent à avoir leurs propres histoires.
 Les histoires des Schtroumpfs se situent théoriquement en Europe au Moyen Âge (avec quelques étrangetés : les Schtroumpfs connaissent les tomates et les pommes de terre), mais on a parfois des clins d'œil au monde moderne. Cela donne lieu à des anachronismes : ainsi, dans l'histoire le petit train des schtroumpfs, Gargamel identifie non seulement immédiatement une voie ferrée quand il en voit une, mais connaît aussi le vocabulaire associé au ferroviaire.
 Les Schtroumpfs sont âgés d'une centaine d'années, hormis le Grand Schtroumpf qui a 542 ans, ainsi que le Bébé Schtroumpf dont l'âge n'est pas donné.
 Il y a aujourd'hui cent cinq Schtroumpfs (cent plus le Grand Schtroumpf, la Schtroumpfette, Sassette, le bébé Schtroumpf et le Schtroumpf Sauvage) dont les principaux sont : le Grand Schtroumpf (chef et doyen), la Schtroumpfette, le Schtroumpf à lunettes, le Schtroumpf bricoleur, le Schtroumpf paresseux, le Schtroumpf gourmand, le Schtroumpf grognon, le Schtroumpf farceur, le Schtroumpf costaud, le Schtroumpf pâtissier, le Schtroumpf paysan, le Schtroumpf coquet…
 Ils ont parfois recours à Homnibus, un vieil enchanteur sympathique qui les aide lors de problèmes d'importance majeure comme la santé du Grand Schtroumpf. Il fait partie des seuls humains que les Schtroumpfs ne craignent pas, avec Johan, Pirlouit et le Roi de ces derniers, contrairement à Grossbouf.
 Le sorcier Gargamel et son chat Azraël sont les pires ennemis des Schtroumpfs. Ils ne leur en veulent pas pour les mêmes raisons : Gargamel en a besoin pour fabriquer la Pierre Philosophale — ses innombrables échecs développent une volonté de revanche et de vengeance — tandis qu'Azraël, lui, veut tout simplement les manger. D'autres dangers guettent les Schtroumpfs comme la mouche Bzz ou les Schtroumpfs noirs mais, dans ce dernier cas, la menace est éliminée définitivement à la fin de l'histoire, alors que Gargamel et Azraël reviennent toujours.
 L'aliment préféré des Schtroumpfs est la salsepareille et ils vivent dans des maisons individuelles ayant l'apparence de gros champignons. Les Schtroumpfs se déguisent souvent lors de bals masqués dans le village ou dans l'album Le Cosmoschtroumpf (en Schlips, orange avec des cheveux apparents — sans bonnet) pour faire croire à l'un des leurs qu'il a atterri sur une autre planète, ou encore lorsqu'ils donnent des représentations théâtrales du Chaperon Schtroumpf…
 Il n'y a pas de loi chez les Schtroumpfs, juste des valeurs morales et du respect. À de nombreuses reprises (Le Schtroumpfissime, Le Schtroumpf financier, On ne schtroumpfe pas le progrès, Le Schtroumpf reporter, Les Schtroumpfs joueurs, Les Schtroumpfs de l'ordre) les Schtroumpfs tentent d'adopter un système correspondant plus à celui des humains, pour retomber sur leurs pieds avec la conclusion que leur monde est bien mieux sans eux. Les Schtroumpfs, dans leur monde médiéval, travaillent beaucoup autour des expériences chimiques, des événements inexpliqués… Les Schtroumpfs sont aussi très en contact avec la nature, et en proie à ses caprices (La Faim des Schtroumpfs) ainsi qu'à ses délices : les récoltes automnales, l'amitié et la communication qui existe entre eux et les animaux. Le plus connu des animaux schtroumpfs est Puppy, à l'origine le chien d'Homnibus, qui finit par être adopté par le Bébé Schtroumpf.
 Peyo a dénombré et caractérisé une centaine de ses petites créatures bleues et en a ajouté quelques-unes au fil des histoires[31].
 Les Schtroumpfs sont en quelque sorte des lutins, ou des nutons[32],[33], à ceci près qu'ils sont beaucoup plus petits que dans la plupart des légendes. Ils sont décrits « hauts comme trois pommes » par le grimoire de Gargamel. Comparé à ce dernier, qui possède une taille humaine moyenne, les Schtroumpfs apparaissent vraiment minuscules, guère plus gros que des souris, ce qui ne manque jamais de susciter l'appétit d'Azraël. Par rapport à la nature environnante, leur taille est assez variable, changeant selon la fantaisie de Peyo. D'après l'album Schtroumpferies 5, la porte d'une maison schtroumpf fait dix-sept centimètres sur dix centimètres, ce qui laisse penser qu'ils ne mesurent guère plus d'une quinzaine de centimètres. Une taille a été donnée par la présentation[34][réf. incomplète] qui les a décrits comme « de petits lutins bleus de cinq centimètres ». En 1991 dans l'album Les Évadés, les Petits Hommes rencontrent les Schtroumpfs[35], et on constate alors qu'ils ont à peu près la même taille, sachant que les Petits Hommes sont exactement à l'échelle 1/10 par rapport aux humains. Cette rencontre pose par ailleurs quelques problèmes de chronologie (les séries ne se situent pas au même siècle).
 Ils sont bleus, et quasiment de forme humanoïde. Les seules différences notables sont une minuscule queue à l'arrière-train, et le fait qu'ils n'ont que trois doigts opposables au pouce, et quatre orteils[36]. Et surtout, ils portent tous un bonnet phrygien de forme très caractéristique ainsi qu'un pantalon. Il est de couleur blanche pour tous les personnages, excepté le Grand Schtroumpf, qui en arbore un exemplaire de couleur rouge.
 L'épisode du Bébé Schtroumpf montre comment naissent les Schtroumpfs : ils sont amenés par une cigogne (clin d'œil à une fable qu'on racontait aux enfants posant la question « d'où viennent les bébés ? » quand on souhaitait leur dissimuler la vérité sur la sexualité), un soir de pleine lune bleue[37]. Les Schtroumpfettes (Schtroumpfette comme Sassette) sont créées par une méthode de sorcellerie, connue de Gargamel. Les P'tits Schtroumpfs ne sont pas apparus comme juvéniles à l'origine, ils sont en fait des Schtroumpfs adultes rajeunis. À noter que d'une certaine manière, les Schtroumpfs étaient des créatures asexuées avant l'épisode La Schtroumpfette.
 Le sémiologue italien Umberto Eco a consacré plusieurs pages au langage Schtroumpf pour illustrer les facultés de l'esprit humain en interprétation des données dans un article dont la version française (supervisée par l'auteur) donne pour exemple à reconnaissance « immédiate » : Je suis le schtroumpf, le schtroumpf, l'inschtroumpfé[38].
 Des albums comme Le Schtroumpfissime, Schtroumpf vert et vert Schtroumpf, montraient par ailleurs l'intérêt de Peyo et d'Yvan Delporte pour les questions de signifiants et de signifiés.
 La langue Schtroumpf se déduit par une transformation simple depuis la langue du lecteur : il suffit de remplacer les substantifs par le mot « schtroumpf » ; les verbes sont remplacés par le verbe « schtroumpfer », les adverbes par « schtroumpfement ». Généralement les adjectifs restent conformes à la langue d'édition de l'album.
 Toutefois, les mots trop longs sont rarement remplacés par « schtroumpf ». Le Petit Chaperon rouge devient (dans une moitié du village, du moins) « le Petit Schtroumpferon rouge », non « le Petit Schtroumpf rouge ».
 En général, la règle implicite est de remplacer juste assez de mots pour donner un caractère comique à la phrase, tout en la laissant compréhensible pour le lecteur. Le scénariste peut aussi écrire des phrases volontairement incompréhensibles pour enrichir l'intrigue ou simplement pour l'effet comique, d'autant qu'en français le mot « schtroumpf » se prononce difficilement (c'est un peu moins vrai en anglais, où il devient « smurf », et encore moins en espagnol, où il devient « pitufo »). Ainsi, Johan et Pirlouit, dans l'album Le Pays maudit, étaient prévenus que l'ennemi disposait d'« Un schtroumpf qui schtroumpfe du schtroumpf », le schtroumpf rescapé de l'attaque étant tout à fait incapable de l'exprimer plus clairement ; ce n'est qu'après l'avoir rencontré qu'ils comprirent qu'il s'agissait d’un dragon qui crache du feu.
 Toutefois, dans certains gags de Schtroumpfs, le mot « Schtroumpf » est justement utilisé pour remplacer un nom qui ne devient connu qu'à la fin du gag, contribuant donc à rendre la fin amusante.
 Dans l'album Le Schtroumpfissime, le tyran répond « Schtroumpf ! » quand il est sommé de se rendre. Au premier degré, cela rend tout à fait impossible de deviner ce qu'il dit. Tout lecteur un peu au courant repère un clin d'œil au fameux « mot » de Pierre Cambronne, d'autant qu'une note placée après indique « historique ». Dans le même ordre d'idées, le récit L'Œuf et les Schtroumpfs nous offre cet échange : « Un œuf ! D'où sort-il ? — Du schtroumpf d'une poule ». Dans les deux cas nous avons l'exemple d'un mot qu'il serait malséant d'imprimer dans une revue de bonne tenue destinée aux enfants.
 Dans la version en dessin animé de La Flûte à six schtroumpfs, le Grand Schtroumpf est capable de traduire en langage humain une phrase dans laquelle tous les mots-clés sont remplacés par « schtroumpf ». Plus généralement lors des premières rencontres dans Johan et Pirlouit, les Schtroumpfs remplaçaient presque tous les mots, tout en se comprenant entre eux. Au contraire, les illustrations du manuel de grammaire Schtroumpf à la fin de l'album Les Schtroumpfeurs de flûte indiquent qu'eux-mêmes se créent des quiproquos s'ils disent « un schtroumpf de schtroumpf ». Bref, les règles du langage Schtroumpf sont complètement libres suivant l'effet que souhaite produire l'auteur.
 Un faux débat a divisé les linguistes dans les années 1970 pour déterminer s'il fallait dire un schtroumpfe-bouchon ou un tire-bouschtroumpf. Ce problème divisant les Schtroumpfs est au cœur de l'intrigue de l'album Schtroumpf vert et vert Schtroumpf (qui est aussi une satire sur les débats entre francophones et néerlandophones de Belgique). Il est résolu par le Grand Schtroumpf qui leur demande finalement de ne plus employer de mots composés. Les deux versions sont donc erronées : on doit tout simplement dire un schtroumpf, ou à défaut un schtroumpfe-schtroumpf. Le Schtroumpf à lunettes propose quant à lui « l'objet qui débouche les bouteilles ».
 On peut noter l'utilisation de la langue Schtroumpf dans la dernière partie du film Mes nuits sont plus belles que vos jours, film français réalisé par Andrzej Żuławski, sorti en 1989. Ce film fait la part belle aux dialogues surréalistes et aux calembours, mais ceux-ci remplacent les classiques mots d'amour…
 Ce peuple vit dans un village au milieu d'une forêt, dans une contrée appelée « le Pays maudit » géographiquement difficile à situer, certainement quelque part en Europe. Les auteurs étant belges, d'aucuns avancent que le village Schtroumpf est situé quelque part en Ardenne belge — l'auteur Pierre Dubois appuie ce postulat[39] — éventuellement dans la province de Luxembourg, boisée et peu peuplée. Le village pourrait aussi se situer en Ardèche. En effet, dans l'album no 23, Les Schtroumpfs joueurs, il est indiqué dès la première page que l'action se situe à « Aubenas »[40], nom que porte une commune de l'Ardèche. Lors de sa première apparition, dans les albums La Flûte à six schtroumpfs et Le Pays maudit de Johan et Pirlouit, le village se trouve dans un environnement sinistre au milieu d'arbres noirs et nus (ce qui est peut-être tout simplement la faute du dragon présent dans l'album). Il est bien plus accueillant dès le premier album des Schtroumpfs, pour devenir au fur et à mesure un petit paradis romantique à l'orée d'une forêt. Le plan du Pays maudit se trouve dans le premier album des Schtroumpfs, à savoir Les Schtroumpfs noirs, où le village figure par exemple assez loin de la forêt ; ce plan fut très vite modifié pour changer au gré des aventures (comme le plan du village d'Astérix).
 Les Schtroumpfs ont également construit un barrage sur une rivière afin de ne pas être inondés. La rivière et son barrage ont plusieurs fois été un élément très présent de l'intrigue.
 De plus, sur le plan est indiqué que « bien rares sont les humains qui ont pu y arriver », alors que dans les albums suivants il est dit qu'on ne peut pas accéder au village schtroumpf sans qu'un Schtroumpf indique le chemin. Néanmoins, dans :
 D'autres humains sont venus au village en ayant été guidés, comme dans :
 Une certaine méfiance a pu se faire jour à l'égard des Schtroumpfs aux États-Unis dès leur création, où ils ont pu être perçus comme une œuvre de propagande communiste[41]. De plus, le premier album de la série, Les Schtroumpfs noirs, y a été perçu comme un album raciste[42] — raison pour laquelle l'adaptation américaine de cet album n'est pas le Schtroumpf noir mais le Schtroumpf violet. Par-delà ces premières réactions américaines, les Schtroumpfs ont fait l'objet d'un grand nombre de théories et d'analyses. Le village des Schtroumpfs a pu être interprété comme la métaphore d'une salle de classe, le Grand Schtroumpf comme celle de Marx ou de Staline, leur bonnet comme une référence au bonnet phrygien révolutionnaire, le personnage de Gargamel comme une caricature antisémite, le personnage du Schtroumpfissime comme une apologie de la monarchie, l'album Les Schtroumpfs noirs comme le premier album de zombies etc. En 2011, l'essayiste Antoine Buéno consacre aux Schtroumpfs une monographie globale, Le Petit livre bleu, analyse critique de la société des schtroumpfs, qui recense et articule toutes ces interprétations et suscite une polémique sur les messages politiques véhiculés par la série.
 En marge de la série classique, Le Lombard édite des séries parallèles : Schtroumpferies, 120 blagues de Schtroumpfs, 3 Histoires de Schtroumpfs, L'Univers des Schtroumpfs et Les Schtroumpfs et le Village des filles.
 Édités d'abord chez Dupuis (treize premiers tomes), puis chez Cartoon Creation (maison d'édition créée par Peyo, qui cédera les droits de ses bandes dessinées au Lombard en 1992), la suite de la série est éditée chez Le Lombard (tomes seize à trente). Toutefois, les éditions Dupuis et Le Lombard appartiennent toutes deux au Groupe Dargaud. Les Schtroumpfs sont par ailleurs passés de père en fils : à la mort de Peyo en décembre 1992, c’est son fils, Thierry Culliford, qui participe au scénario des nouveaux albums (après le seizième tome).
 Premières apparitions dans la série Johan et Pirlouit :
 Ces albums à agrafer soi-même étaient encartés dans le Journal de Spirou.
 Albums petits formats carrés dans la collection « Le Lombard jeunesse ». La série reprend des histoires publiées dans le mensuel Schtroumpf ! entre 1990 et 1992.
 La série des Schtroumpferies est constituée d’histoires courtes en une planche sur les Schtroumpfs et leur univers (44 histoires par album).
 Cette série est publiée à partir de 2017 et écrite en prenant en compte les nouveaux éléments introduits dans l’histoire du long-métrage Les Schtroumpfs et le Village perdu.
 Chaque tome de cette série est un one-shot par un auteur différent qui met en scène les schtroumpfs dans son propre style.
 C'est une rubrique rédactionnelle du journal Spirou publiée du no 1549 au no 1667 mettant en scène l'univers de la série Les Schtroumpfs. Elle est écrite par Yvan Delporte et illustrée par Peyo. Dans les années 1990, la série est reprise dans le mensuel Schtroumpf !.
 Grandir avec les Schtroumpfs est une série de dix histoires de 40 pages chacune publiées chez Le Lombard à partir d'août 2020[48] et destinés aux enfants à partir de trois ans[49]. Dans ces histoires, les Schtroumpfs sont confrontés à des problèmes de la vie quotidienne, du type de ceux que peuvent également rencontrer les jeunes enfants. Chaque album s'accompagne d'un dossier pédagogique rédigé par Diane Drory.
 Liste des titres[50] :
 En 1959 paraissent 9 films de 13 minutes chacun, réalisés par les Studios TV Animation Dupuis, à savoir : Les Schtroumpfs noirs, L'Œuf et les Schtroumpfs, Le Voleur de Schtroumpfs, Le Faux Schtroumpf, Le Schtroumpf volant, Le Schtroumpf cet inconnu, Le Schtroumpf et son dragon, La Schtroumpflûte, et Le Schtroumpf-robot. Les sept premiers cités sont en noir et blanc tandis que les deux derniers sont en couleur.
 Les Schtroumpfs sont de nouveau adaptés, aux États-Unis cette fois, par Hanna-Barbera Productions -distribués par Warner Bros. Pictures- à partir de 1981 (soit 427 dessins animés finalement). Ils totalisent 9 saisons[51][source insuffisante] en Amérique, et ajoutent d'autres personnages comme Chlorhydris, Balthazar, Dame Nature, Père Temps et Scrupule. Le succès fut grand et fait découvrir les Schtroumpfs à un plus large public américain. L'accompagnement musical des séquences s'y compose toujours de musique classique (par exemple, le début du premier mouvement de la symphonie n*8 inachevée de Schubert est utilisé comme leitmotiv du méchant Gargamel).
 Produite par Peyo Productions et Dupuis Édition & Audiovisuel, une série animée utilisant la 3D-CGI similaire à celle du film d'animation Les Schtroumpfs et le Village perdu est diffusée depuis 2021[52]. Les diffuseurs sont la RTBF, sur La Trois, en Belgique, TF1 en France et Nickelodeon aux États-Unis[53],[54].
 Eddy Ryssack produit en 1965 le film d'environ 90 minutes intitulé Les aventures des Schtroumpfs (connu aussi sous le nom de L'Histoire de Schtroumpf).
 Le grand dessin animé de 74 min 30 s produit par Dupuis-Belvision en 1975 fut un des derniers du studio.
 Parallèlement à la diffusion de la série animée, les studios Hanna-Barbera Productions ont produit trois longs métrages pour le cinéma : V'la les schtroumpfs, Le Bébé schtroumpf et Les P'tits Schtroumpfs. Il s'agit en réalité de compilations de différents épisodes, remontés pour obtenir une histoire plus ou moins cohérente. Ce procédé a été utilisé également pour Les Dalton en cavale, long métrage dérivé de la série Lucky Luke de Hanna-Barbera.
 Les Schtroumpfs et le Village perdu de Kelly Asbury avec les voix de Mandy Patinkin, Demi Lovato, Rainn Wilson, Joe Manganiello, Jack McBrayer et Danny Pudi[55] sort en 2017. Ce film, produit en animation 3D par Sony Pictures, sort le 7 avril 2017 aux États-Unis, et le 5 avril 2017 en France. Le film obtient des critiques positives, tout en atteignant 197.2 millions de dollars de recettes au niveau mondial[2].
 Un nouveau film d’animation réalisé par Chris Miller sur un scénario de Pam Brady, avec Rihanna prêtant sa voix à la Schtroumpfette est prévu pour 2025[56],[57]. Il s’agirait d’une adaptation en musique des Schtroumpfs noirs.
 Ces films hybrident des prises de vues réelles avec des Schtroumpfs réalisés en animation 3D.
 Albums format « Italienne » (décors de Matagne pour les trois). Ces trois albums de récits illustrés ont été publiés en concomitance avec les six Contes Schtroumpfs du le Journal de Spirou :
 Ces trois albums de récits illustrés ont été publiés en concomitance avec les six Contes Schtroumpfs du Journal de Spirou, scénarisés par Yvan Delporte. À savoir :
 Premiers livres, Dupuis (1982, cartonnés) :
 Première bibliothèque des enfants, Hemma :
 (annoncés : Le Duel musical (5), La Flûte magique (6), La Poursuite (7), Le Voyage merveilleux (8), Au pays des Schtroumpfs (9), Les Deux Flûtes (10))
 Albums Pop-Hop articulés, collection Panorama Schtroumpf (1993) :
 Il existe des figurines en plastique des différents Schtroumpfs. Certaines personnes ont fait d'importantes collections de ces figurines et se les échangent encore sur les sites de vente aux enchères. Il existe également des figurines beaucoup plus rares en métal et en résine, ou des figurines articulées en plastique.
 Il existe également des peluches schtroumpfs, la plupart n'étant que des essais de copie, telles les peluches Kinder, etc. Les vraies peluches sont celles où l'acquereur peut y trouver la marque des schtroumpfs, elles sont extrêmement ressemblantes. Les vraies peluches schtroumpfs sont très rares dans les grands magasins. Les amateurs peuvent en trouver sur les ventes aux enchères.
 Très connu aux États-Unis et en Belgique, un peu dans le reste de l'Europe (France,  Italie, Allemagne, Royaume-Uni, etc.), les images en relief View-Master, sous forme de petits disques en carton de 9 centimètres de diamètre, contenant chacun 14 diapositives miniatures, permettant de voir sept images en relief en utilisant un lecteur spécial, ont proposé des produits sur les Schtroumpfs.
Les lecteurs mécaniques, qui ressemblent a des paires de jumelles (différents modèles existent depuis 1939 fabriqués par Sawye'rs (États-Unis, Oregon), puis GAF, puis Tyco, Mattel, Fisher Price) et les disques View-Master s'achètent séparément, ou en coffret cadeau. L'utilisateur actionne une gâchette sur le côté de la visionneuse pour faire tourner le disque, et passer d'un cliché à l'autre.
 Un jeu de trois disques, soit 21 images en relief, représentant les Schtroumpfs, date de 1982-1983. Ils ont été réalisés et dessinés par une équipe maison, pour les besoins du procédé du relief, et fabriqués en Belgique, distribués dans un emballage « Blister Pack » rectangulaire plat. Référence du produit complet : BD 172-123 F. Pour ce set, comme simple exemple, chaque disque porte les références BD 1721, BD 1722 et BD 1723. La Lettre F indique la version française. L'emballage de protection a existé en fond jaune et en fond noir. Les disques View-Master furent donc les premières apparitions des schtroumpfs en relief.
 D'autres jeux ont existé : « Les P'tits Schtroumpfs », « Le Bébé Schtroumpf », « Schtroumpfette » (smurfette), « Le Schtroumpf volant » (flying smurf), « Le Schtroumpf voyageur » (traveling smurf).
 Un coffret cadeau en carton a été édité, contenant un lecteur de disques View Master, trois disques d'images des schtroumpfs en relief, avec une belle décoration et des découpages de personnages des Schtroumpfs, avec Gargamel et Azraël, et les maisons champignon, à bricoler soi-même. Un autre coffret cadeau a été sorti sous forme de baril en carton, « smurf theatre » avec un projecteur électrique lumineux (sans relief) de disques view master à utiliser avec un écran ou un mur, et un autre coffret plus petit, sous forme de capsule en plastique transparent, avec un lecteur view Master, « the smurfs time capsule », en 2004 par Mattel/Fisher-Price.
 Le disque 33 t « Joyeux noël avec les Schtroumpfs » sorti en 1983 reprenant les chants de Noël.
 Les Schtroumpfs ont aussi sorti des albums dans un style dance-pop :
 Remarque:
il est à noter qu'en 1963-1964 apparaît en France le groupe de rock Les Schtroumpfs, avec l'accord explicite de Peyo, composé de Patrick Logelin -qui reprendre en français I'm Happy Just to Dance with You en 1964-, Luc Bonnetto, Patrice Portal, Jacques et Richard Geshner. Issu des Fougas, il deviendra les Sparks, disparu à la fin de l'année 1969 (ne pas confondre avec The Sparks des frères Mael, né en 1968 et toujours en activité). Le dessinateur donne son accord après avoir assisté personnellement à une répétition du groupe cannois, ne demandant rien en contrepartie. Séduit, il s'inspire même de leur aventure pour créer alors l'histoire Schtroumpfonie en ut (1963)[64].
 (Philips)
 (Polydor 1975 - disques et cassette faisant suite au dessin animé Dupuis-Belvision)
 Par Vader Abraham : le 45 T Au pays des Schtroumpfs (PE22209)
 (SPI France)
 (WEA) (avec Royal River music)
 (Polydor 1982 à 1984 - disques (11) et cassettes (3) faisant suite aux dessins animés Hanna & Barbera de 1981)
 En 1984, les Schtroumpfs font leur apparition dans les parcs d'attractions américains de Kings Entertainment Corporation. Chaque parc propose alors une attraction et des mascottes Schtroumpf.
 En Europe, divers parcs adaptent le thème des Schtroumpfs depuis 1989 :
 En Asie, les adaptations sur le thème des Schtroumpfs sont plus récentes[84] :
 Les Schtroumpfs sont aussi des bonbons Haribo. Il existe quatre types de bonbons :
 L'univers des Schtroumpfs fait l'objet, en 2016, d'une exposition au sein de l'Abbaye de Caunes-Minervois, intitulée « L'Union fait la Schtroumpf - les Schtroumpfs au pays de la Salsepareille ». Elle présente en particulier des planches originales de Peyo[100].
 En 2018, une exposition sur Les Schtroumpfs, intitulée La Schtroumpf Experience, se tient au Centre Wallonie-Bruxelles[101]. Elle est un succès en termes de fréquentation, avec 240 000 visiteurs et est nommée « Meilleure Exposition 2018 » lors des Visit.Brussels Awards en 2019[6]. La schtroumpf expérience sur smurfexperience.com
 Entre le 20 octobre 2016 et le 29 janvier 2017, il fut présenté un spectacle intitulé Les Schtroumpfs, Le Spectacle Musical aux Folies Bergère à Paris[3],[4],[5].
 Les Schtroumpfs ont été traduits en plus de 50 langues[102], dont
le néerlandais (De Smurfen), ainsi qu’en
afrikaans (Smurfies),
albanais (Pufët),
allemand (Schlümpfe),
anglais (Smurfs),
arabe (السنافر (Sanafer)),
asturien (Estrunfinos),
azéri (Şirinler),
basque (Pottokiak),
bolonais (Šblóff),
bosnien (Штрумпфови (Strumpfovi)),
breton (Schtroumpfed),
bulgare (Смърфовете (Smurfovete)),
catalan (Barrufets),
chinois (蓝精灵 (Lán jīnglíng)),
coréen (스머프 (Seumeopeu)),
croate (Štrumpfovi),
danois (Smølferne),
espagnol (Pitufos),
estonien (Smurfid),
finnois (Smurffit),
grec (Στρουμφάκια (Stroumfákia)),
hébreu (הדרדסים (Hdrdsym)),
hindi (स्मर्फ्स (Smarphs)),
hongrois (Hupikék törpikék),
indonésien (Smurf),
islandais (Strumparnir),
italien (Puffi),
japonais (スマーフ (Sumāfu)),
kazakh (Смурфтер (Smurfter)),
kirghize (Смурфики (Smurfiki)),
kurde (Şînok),
letton (Smurfi),
lituanien (Smurfai),
macédonien (Штрумпфови (Strumpfovi)),
monténégrin (Штрумпфови (Strumpfovi)),
norvégien (Smurfene),
persan (اسمورف‌ها (Asmurf‌ha)),
polonais (Smerfy),
portugais (Smurfs),
roumain (Ștrumfii),
russe (Смурфики (Smurfiki)),
serbe (Штрумпфови (Strumpfovi)),
singhalais (නිල් කුරුමිට්ටෝ (Nil kurumitto)),
slovaque (Šmolkovia),
slovène (Smrkci),
suédois (Smurfarna),
tagalog (Smurf),
tamoul (ஸ்மர்ஃப்ஸ் (Smarhps)),
tchèque (Šmoulové),
thaï (สเมิร์ฟ (Smeirf)),
turc (Şirinler),
ukrainien (Смурфи (Smurfi)),
et vietnamien (Xì Trum).
 Les Schtroumpfs, en 2013, représentent 25 millions d'albums, 300 millions de figurines, 40 millions de disques et CD et 8 millions de DVD vendus dans le monde entier[1]. En 2011, une planche originale des Schtroumpfs Noirs, dessinée par Peyo, s'est vendue à 68 000 euros, ce qui établit un nouveau record[1].
 Au cinéma, il atteint plus de 560 millions de dollars de recettes pour le 1er film Les Schtroumpfs, mélangeant animation et prises de vues réelles, en 2011[1]. En 2013, Les Schtroumpfs 2 totalise 347,5 millions de dollars récoltés dans le monde[2]. Quant à la 3e adaptation cinématographique Les Schtroumpfs et le Village perdu parue en 2017, elle récolte 197,2 millions de dollars de recettes au niveau mondial[2].
 Véronique Culliford, la fille de Peyo, « reconnaît que le film a permis de conquérir, sur le marché américain, les jeunes générations et ailleurs de nouveaux territoires, comme la Russie, l'Inde, ou la Chine »[1].
 Pour ce qui est des ventes de BD, on remarque une baisse du tirage en France à partir de 2015[109],[110].
 15 BD 
 hebdo
 20 livres
 hebdo
 pré-sortie
 Depuis le 5 février 2024, l'astéroïde (12994) Pitufo est nommé en référence aux Schtroumpfs, « Pitufo » étant le nom en espagnol de ces personnages. À Porto Rico, pitufo est par ailleurs un terme d'affection[116].
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Les Schtroumpfs olympiques; janvier; 1983; ISBN; 2-8001-0769-3; Le Bébé Schtroumpf; octobre; 1984; ISBN; 2-8001-1148-8; Les P'tits Schtroumpfs; avril; 1988; ISBN; 2-8001-1569-6; L’Aéroschtroumpf; Cartoon Creation; Bruxelles; mars; 1990; ISBN; 2-87345-000-2; L'Étrange Réveil du Schtroumpf paresseux; avril; 1991; ISBN; 2-80361-234-8; Le Schtroumpf financier; Le Lombard; Bruxelles; novembre; 1992; Thierry Culliford; Alain Maury; Nine; Studio Leonardo; ISBN; 2-8036-1017-5; Le Schtroumpfeur de bijoux; novembre; 1994; ISBN; 2-8036-1098-1; Docteur Schtroumpf; octobre; 1996; ISBN; 2-80361-945-8; Le Schtroumpf sauvage; novembre; 1998; ISBN; 2-80361-351-4; 978-2-8036-7031-4; La Menace Schtroumpf; novembre; 2000; ISBN; 2-80361-516-9; On ne schtroumpfe pas le progrès; novembre; 2002; Pascal Garray; ISBN; 2-80361-773-0; Le Schtroumpf reporter; novembre; 2003; Nine Culliford; ISBN; 2-80361-900-8; Les Schtroumpfs joueurs; janvier; 2005; ISBN; 2-80362-005-7; Salade de Schtroumpfs; janvier; 2006; Jeroen De Coninck; 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https://login.wikimedia.org/wiki/Special:CentralAutoLogin/start?type=1x1; /static/images/footer/wikimedia-button.svg; /w/resources/assets/poweredby_mediawiki.svg,https://en.wikipedia.org/wiki/The_Smurfs,The Smurfs,https://en.wikipedia.org/wiki/The_Smurfs,"The Smurfs (French: Les Schtroumpfs; Dutch: De Smurfen) is a Belgian comic franchise centered on a fictional colony of small, blue, humanoid creatures who live in mushroom-shaped houses in the forest. The Smurfs was created and introduced as a series of comic characters by the Belgian comics artist Peyo (the pen name of Pierre Culliford) in 1958, wherein they were known as Les Schtroumpfs.
 There are more than 100 Smurf characters, and their names are based on adjectives that emphasise their characteristics, such as ""Jokey Smurf"", who likes to play practical jokes on his fellow Smurfs. ""Smurfette"" was the first female Smurf to be introduced in the series. The Smurfs wear Phrygian caps, which came to represent freedom during the modern era.
 The word ""smurf"" is the original Dutch translation of the French ""schtroumpf"", which, according to Peyo, is a word he invented during a meal with fellow cartoonist André Franquin when he could not remember the word salt.[1][2][3]
 The Smurfs franchise began as a comic and expanded into advertising, films, TV series, ice capades, video games, theme parks, and toys. By 2008, the franchise had generated $4 billion in revenue, making The Smurfs one of the highest-grossing media franchises of all time.[4]
 At the time he came up with the idea for the Smurfs, Peyo was the creator, artist, and writer of the Franco-Belgian comics series titled Johan et Pirlouit (translated to English as Johan and Peewit), set in Europe during the Middle Ages and including elements of sword-and-sorcery. Johan serves as a brave young page to the king, and Peewit (called  Pirlouit (pronounced Peer-loo-ee) in the original French version) functions as his faithful, if boastful and cheating, midget sidekick. In 1958, Spirou magazine started the prepublication of the new Johan et Pirlouit comic book La Flûte à six trous (""The Flute with Six Holes"").[5] The adventure involved their recovery of a magic flute, which required some sorcery by the wizard Homnibus. In this manner, they met a tiny, blue-skinned humanoid in white clothing called a ""Schtroumpf"", followed by his numerous peers who looked just like him, with an elderly leader who wore red clothing and had a white beard. Their first full appearance was published in Spirou on October 23, 1958.[6] The characters proved to be a huge success, and the first independent Smurf stories appeared in Spirou in 1959, together with the first merchandising. The Smurfs shared more adventures with Johan and Pirlouit, got their own series and all subsequent publications of the original story were retitled La Flûte à six Schtroumpfs (also the title of the movie version of the story).
 With the commercial success of the Smurfs came the merchandising empire of Smurf miniatures, models, games, and toys. Entire collecting clubs have devoted themselves to collecting PVC Smurfs and Smurf merchandise.
 Schtroumpf (IPA [ʃtʁumf] ⓘ) is pronounced like the German word ""Strumpf"" meaning ""sock"". However, according to Peyo, the original author of the Smurfs comic strip, the term and the accompanying language of the Smurfs came during a meal he had with his colleague and friend André Franquin at the Belgian coast. Having momentarily forgotten the word ""salt"", Peyo asked him (in French) to pass the schtroumpf. Franquin jokingly replied, ""Here's the Schtroumpf—when you are done schtroumpfing, schtroumpf it back..."" and the two spent the rest of that weekend speaking in ""schtroumpf language"".[1][3]
 Both the comics and cartoons have been translated in many languages. In most cases, the original name ""Schtroumpf"" is replaced by a new term. The most common are variations of the Dutch translation ""Smurf"", which is also used as the name in English. However, other names are indicative of their gnome-like appearance.
 In English, they were briefly named the goblins in the book Dilly Duckling and the Goblins (1973) before being renamed the Smurfs.[7]
 In Spanish, they are called Pitufos, a term invented by  Miguel Agustí who was the head of the Spanish magazine Strong, which first published the cartoon in Spanish. According to Agustí, he was walking around Barcelona while trying to come up a name for the cartoon. He came across a sculpture of the Ox of Patufet and was inspired by the word Patufet. From the Catalan Patufet he derived the non-existent word Pitufo. (Catalans themselves use the term Barrufet, formerly used to mean goblin or gnome, to avoid confusion with their own Patufet.) The name later spread to most Spanish-language versions of the cartoon.[8]
 In Hebrew, the name chosen was ""Dardasim"" (דרדסים), originally an old-fashioned  Hebrew term for a slipper which due to the series' success in Israel has now gone completely out of use in its original sense.
 Worldwide, there are about 55 translations of the word Schtroumpf, including[9]
 The storylines tend to be simple tales of bold adventure. The cast has a simple structure as well: almost all the characters look essentially alike—mostly male (a few female Smurfs have appeared: Smurfette, Sassette, and Nanny Smurf), short (""three apples high""),[10] with blue skin, white trousers with a hole for their short tails, white hat in the style of a Phrygian cap, and sometimes some additional accessory that identifies a personality (for example, ""Handy Smurf"" wears overalls instead of the standard trousers, a brimmed hat, and a pencil above his ear). Smurfs can walk and run, but often move by skipping on both feet. They love to eat sarsaparilla (a species of Smilax) leaves, whose berries the Smurfs naturally call ""smurfberries"". The smurfberries appear only in the cartoon; in the original comics, the Smurfs only eat the leaves from the sarsaparilla.
The Smurfs fulfill simple archetypes of everyday people: ""Lazy Smurf"", ""Grouchy Smurf"", ""Brainy Smurf"", and so on. All Smurfs, with the exception of Papa, Baby, Smurfette, Nanny and Grandpa, are said to be 100 years old. There were originally 99 Smurfs, but this number increased as new Smurf characters appeared, such as Sassette and Nanny. All of the original Smurfs were male; later female additions are Smurfette and Sassette. Smurfette was Gargamel's creation, while Sassette was created by the Smurflings.[11]
 A characteristic of the Smurf language is the frequent use of the undefinable word ""smurf"" and its derivatives in a variety of meanings. The Smurfs frequently replace both nouns and verbs in everyday speech with the word ""smurf"": ""We're going smurfing on the River Smurf today"". When used as a verb, ""to smurf"" typically means ""to make"", ""to be"", ""to like"", or ""to do"".
 Humans have found that replacing ordinary words with the term ""smurf"" at random is not enough: in one adventure, Peewit explains to some other humans that the statement ""I'm smurfing to the smurf"" means ""I'm going to the wood"", but a Smurf corrects him by saying that the proper statement would be ""I'm smurfing to the smurf""; whereas what Peewit said was ""I'm warbling to the dawn"". So ""I'm smurfing to the smurf"" is not the same as ""I'm smurfing to the smurf"".[12]
 In the animated series, only some words (or a portion of the word) are replaced with the word ""smurf"". Context offers a reliable understanding of this speech pattern, but common vocabulary includes remarking that something is ""just smurfy"" or in some cases, ""smurftastic"".
 In Schtroumpf vert et vert Schtroumpf (see Smurf Versus Smurf), published in Belgium in 1972, it was revealed that the smurf village was divided between North and South, and that the Smurfs on either side had different ideas as to how the term ""smurf"" should be used: for instance, the Northern Smurfs called a certain object a ""bottle smurfer"", while the Southern Smurfs called it a ""smurf opener"". This story is considered a parody on the still ongoing taalstrijd (language war) between French- and Dutch-speaking communities in Belgium.[13]
 When they first appeared in 1958, the Smurfs lived in a part of the world called ""Le Pays Maudit"" (French for ""the Cursed Land""). To reach it required magic or travelling through dense forests, deep marshes, a scorching desert and a high mountain range.[14] The Smurfs themselves use storks in order to travel long distances, such as to the kingdom where Johan and Pirlouit live, and keep up-to-date with events in the outside world.[15]
 In the Johan et Pirlouit stories, the Smurf village is made up of mushroom-like houses of different shapes and sizes in a desolate and rocky land with just a few trees. However, in the Smurf series itself, the mushroom-like houses are more similar to one another and are located in a clearing in the middle of a deep forest with grass, a river, and vegetation. Humans such as Gargamel are shown to live nearby, though it is almost impossible for an outsider to find the Smurf village except when led by a Smurf.[16]
 Papa Smurf is the leader of the community. Other Smurfs are generally named in reference to their main personality trait; for example, Brainy, Greedy, Vanity, Lazy, Clumsy, Hefty, Jokey, Dreamy, Grouchy; or their profession; for example, Poet, Actor, Handy, Harmony, Farmer, Clockwork, Painter, Tailor, Miner, Architect, Reporter, Timber, Barber and Doctor Smurf; much like Disney's Seven Dwarfs. The first female Smurf, Smurfette, was created by Gargamel to lure the other Smurfs. Papa Smurf then changed her into what we see today. The non-Smurf characters who would appear later would include their enemies: the wizard Gargamel, his cat Azrael, an ugly witch Hogatha, and Gargamel's godfather Balthazar; and their friends: the page Johan and his young friend Peewit, and the wizard Homnibus. There are more than 100 Smurfs.[17]
 Since the first appearance of the Smurfs in Johan et Pirlouit in 1958, more than 40 Smurf comics volumes have been created, 16 of them by Peyo, the others by his studio. Originally, the Smurf stories appeared in Spirou magazine with reprints in many different magazines, but after Peyo left the publisher Dupuis, many comics were first published in dedicated Smurf magazines, which existed in French, Dutch, German and Turkish. A number of short stories and one page gags have been collected into comic books next to the regular series. English translations have been published in the U.S. by the graphic novel publisher Papercutz as well as a mini series published by Marvel Comics in the mid-1980s.
 Peyo's drawing style is similar to his fellow cartoonists from the Marcinelle school.[18] The emphasis is on movement, enhanced by the use of Indian ink, with comic aspects regularly appearing.[19] This style was approached by his successors, although there are also differences.[20]
 In 1965, a black-and-white 87-minute animated film called Les Aventures des Schtroumpfs was released in theatres in Belgium. It consisted of five short cartoons made in the previous years for broadcasting on Walloon TV. German copies and copies with Dutch subtitles are known to exist. The stories were based on existing Smurf stories like The Black Smurfs and The Smurfs and the Egg, and were created by writer Maurice Rosy and artist Eddy Ryssack from the small Dupuis animation studios.[21] In total, ten animated shorts were created between 1961 and 1967, the first series in black and white and the later ones in colour.
 In 1976, La Flûte à six schtroumpfs (an adaptation of the original ""Johan et Pirlouit"" story) was released. Michel Legrand provided the musical score to the film. The film would be released in the United States in 1983 (after the animated series became popular there) in an English language dubbed version titled The Smurfs and the Magic Flute. A few more full-length Smurf films were made, most notably The Baby Smurf and Here are the Smurfs. created from episodes of the Hanna-Barbera television cartoon series.
 Sony Pictures announced plans to begin a trilogy of live-action/animated Smurf films, with the first film released on July 29, 2011;[22] the project had been in various stages of development since 2003.[23] In June 2008, it was announced that Columbia Pictures and Sony Pictures Animation had acquired film rights from Lafig Belgium. Jordan Kerner produced the film, with the screenwriters including Shrek 2 and Shrek the Third screenwriters J. David Stem and David N. Weiss.[24][25] The film stars Jonathan Winters as Papa Smurf, Katy Perry as Smurfette, George Lopez as Grouchy Smurf, Gary Basaraba as Hefty Smurf, John Oliver as Vanity Smurf, Alan Cumming as Gutsy Smurf, Paul Reubens as Jokey Smurf, Hank Azaria as Gargamel, Neil Patrick Harris as Patrick Winslow and Jayma Mays as Grace Winslow, a couple in New York who help the Smurfs get back to their village. It was suggested that Quentin Tarantino would play Brainy Smurf, but this ""didn't work out"" so Fred Armisen voices Brainy instead.[26] A CGI/traditionally animated mini-film, titled The Smurfs: A Christmas Carol, was released on December 2, 2011, on The Smurfs DVD and Blu-ray.[27] A sequel to The Smurfs, titled The Smurfs 2, was released on July 31, 2013.[28]  A fully animated Smurfs reboot film, Smurfs: The Lost Village, was released on April 7, 2017, with Demi Lovato starring as Smurfette.[29]
 At CinemaCon on August 25, 2021, it was announced that a new Smurfs movie is in the works. The movie will be a musical and it is planned for a December 20, 2024 release for Paramount Pictures and Nickelodeon.[6] In August 2022, Paramount Pictures announced that the movie was pushed back to February 14, 2025, with Sonic the Hedgehog 3 taking its previous release date.[30]
 The Smurfs secured their place in North American pop culture in 1981, when the Saturday morning cartoon series The Smurfs, produced by Hanna-Barbera Productions in association with SEPP International S.à.r.l., aired on NBC from September 12, 1981, to December 2, 1989 (reruns until August 25, 1990). The show continued to air on the USA network until 1993, and on Cartoon Network until 2003. The Smurfs is still broadcast on the Boomerang channel throughout the United States. The show became a major success for NBC, spawning spin-off television specials on an almost yearly basis. The Smurfs was nominated multiple times for Daytime Emmy awards, and won Outstanding Children's Entertainment Series in 1982–1983.[23] The Smurfs television show enjoyed continued success until 1990, when, after nearly a decade of success, NBC cancelled it due to decreasing ratings and plans to extend their Today morning show franchise to create a Saturday edition, although they did not do so until 1992, two years later. The decreased ratings were the result of the network changing the format of the show, resulting in the final season featuring regular time travel with only a few Smurfs.
 In the TV series, many classical masterpieces are used as background music during the episodes, among them Franz Schubert's Unfinished Symphony (Symphony No. 8 in B minor), Edvard Grieg's Peer Gynt and Modest Mussorgsky's Pictures at an Exhibition.[31]
 The Smurfs was named the 97th best animated series by IGN. It has been called ""kiddie cocaine"" for people growing up during the 1980s.[32]
 On August 31, 2017, it was announced that IMPS and Dupuis Audiovisuel would be working on the new Smurfs TV series with CGI animation. The series was scheduled for 2020 but postponed to 2021. It is co produced by Ketnet (Flanders), TF1 (France), KiKa (Germany),[33] OUFTIVI (Wallonia), Peyo Productions, and Dupuis Audiovisuel[34][35][36] (the TV branch of the comics publisher). It shows new stories, not adaptations of comics or other older stories.[37] Nickelodeon picked up the series for a 2021 release in the United States.[38]
 On February 26, 2008, Warner Home Video released Season 1 Volume 1 on DVD, containing the first 19 episodes. On October 7, 2008, Warner Bros. released Season 1 Volume 2 on DVD, containing the remaining 20 episodes from season 1. Though Warner Bros. has decided to discontinue the season sets and release single-disc volume sets instead, they are reportedly still following the correct order of episodes.[citation needed]
 Magna Home Entertainment in Australia has released a 9-disc 50th Anniversary Collection, containing a total of 52 episodes.[citation needed] In September 2009, a Smurfette-themed collection containing 25 episodes was made available followed by the ""Papa Smurf Collection"" in December 2009 containing 26 themed episodes.[39]
In July 2010, both the Smurfette and Papa Smurf Collection were included in a special 'Favourites Collection'.[40] Also releasing at the same time was the Smurfs' first feature film (produced in 1975), The Smurfs and the Magic Flute, available for the first time on DVD, in Australia.[41]
 On November 3, 2010, two ""Just Smurfy"" collections were released, each featuring episodes not yet released on DVD to the Australian market.[42][43] December 3, 2010 saw the 3rd collection hit the market.[44] A fourth Just Smurfy set was planned for release on March 2, 2011.[45]
 Magna Home Entertainment in Australia have released Season 1[46] and Season 2[47] on August 24, 2011. Season 3[48] and Season 4[49] was released on October 5, 2011. A limited edition ""Ultimate Collection 1"",[50] which features the first five seasons, was released on August 24, 2011. An ""Ultimate Collection 2"",[51] which features Season 6 to Season 9, was released on November 2, 2011.
 The show was released on DVD in the UK through a joint conjunction with Arrow Films and Fabulous Films Ltd. The complete 1st season was released in a four-disc box set on July 5, 2010. Season 2 was released on September 6, 2010, Seasons 3, 4 and 5 were released on July 1, 2013, and the original Smurfs feature film, The Smurfs and The Magic Flute, was released on DVD and Blu-ray on October 11, 2010.
 Papa Smurf, Hefty Smurf, and Brainy Smurf appeared in the cartoon crossover Cartoon All-Stars to the Rescue along with Bugs Bunny and Daffy Duck (from the Looney Tunes franchise), Huey, Dewey, and Louie (from DuckTales), Winnie the Pooh and Tigger, Garfield, Alvin and the Chipmunks, the Muppet Babies (Kermit, Piggy and Gonzo respectively), Slimer (from The Real Ghostbusters), ALF, and Michelangelo (from Teenage Mutant Ninja Turtles). Smurfette appeared on the promotional poster, but never[clarification needed] appeared in the actual film.
 From 1959 until the end of the 1960s, Dupuis produced Smurf figurines. But the best known and most widely available Smurf figurines are those made by Schleich, a German toy company. Most of the Smurf figurines given away as promotional material (e.g. by National Garages in the 1970s and McDonald's in the 1990s) are also made by Schleich. New Smurf figures continue to appear; in fact, only in two years since 1969 (1991 and 1998) have no new Smurfs entered the market. Schleich currently produces 8 to 12 new figurines a year. Over 300 million of them have been sold so far.[23]
 Other Smurf figurines have been created for advertising purposes, e.g. worldwide for McDonald's and Kinder Surprise, or nationally for e.g. Albert Heijn in the Netherlands, and Delhaize in Belgium. Special Smurf comics were often created for advertising campaigns. This started in the 1960s for Kwatta and Kellogg's, and later for companies like BP in the UK and Australia, or Benco (a Dutch chocolate drink).[52] These comics were often only part of a larger campaign, e.g. the Benco comics were accompanied by a TV ad.[53]
 A Smurf balloon/float/Falloon (which is half float, half balloon) continues to be presented in holiday parades such as Macy's Thanksgiving Day Parade.[54]
 Smurfs had two cereals in the 1980s made by Post Cereals: Smurf-Berry Crunch cereal and Smurfs Magic Berries. Both had animated commercials on Saturday morning. Two Smurfs pastas, made by Chef Boyardee and DelVerde, were made in the 1980s as well. Also Libby's and Heinz came out with Smurf-A-Getti canned pasta for the American and Canadian market.
 The Smurfs had a commercial in the 1980s for the Mexican snack cake company Marinela Submarinos with a rare version of Smurfette (Pitufina) dressed in a red dress and her hair done in pigtails.
 Over the decades, many singles and albums of Smurf music have been released in different countries and languages, sometimes very successfully, with millions of copies sold. The best known is the single The Smurf Song and its accompanying album, created by Dutch musician Pierre Kartner who sang under the alias Father Abraham, which reached the #1 position in 16 countries. Worldwide, more than 10 million CDs with Smurf music have been sold between 2005 and 2007 alone.[23]
 In 1989, I.M.P.S and R-Tek Music, International created Smurfin!: Tenth Anniversary Commemorative Album, released by Quality Special Products in Canada and the United States and Dino Music in Australia. It was also released in parts of Europe. The Album came out on LP, CD and cassette. The LP featured 20 tracks (The Canadian CD and cassette had 16, the American CD had 10). The songs were covers of popular songs like ""Surfin' U.S.A."", ""Kokomo"", ""The Lion Sleeps Tonight"", and ""I Think We're Alone Now"", as well as two original songs.
 For several years, the Smurfs were the children's act in the Ice Capades travelling ice show. After they were retired from that function, the Smurf suits from the show were issued to Ice Capades Chalets, the show's subsidiary chain of ice rinks, lasting until the show was sold to a group of investors led by Dorothy Hamill. The Chalets were sold to Recreation World. The Smurfette suit in particular had a somewhat different hairstyle from what was portrayed in the Hanna-Barbera cartoons.
 In 1984, the Smurfs began appearing in North American theme parks owned by Kings Entertainment Corporation. Each park featured a Smurf attraction and Smurf walk-around figures. Canada's Wonderland had an entire Smurf village to walk through, ending with Gargamel's Castle. ""The Smurfs' Enchanted Voyage"" was located in Kings Island. Kings Dominion has ""Smurf Mountain"". California's Great America featured a pint-sized steel coaster, ""The Blue Streak"". Carowinds had an artificial island that was named Smurf Island that had a Smurf village—including toadstool houses which could be entered. Hanna–Barbera Land had a Smurf district.
 In 1989, in the French region of Lorraine, the Sorépark group opened a complete Smurfpark, named Big Bang Schtroumpf. In 1991, the park was bought by the successful Belgian Walibi Group and renamed Walibi Schtroumpf with new attractions. After the Walibi Group was acquired by Six Flags, the park was named Walibi Lorraine, and all the Smurfs references in the park were removed in 2003.
 Comics Station, Ankara Amusement Park, Motiongate Dubai, Movie Animation Park Studios, and Dream Island feature Smurf sections.
 The Smurfs have appeared in video games made for most major game consoles (including Nintendo's NES, Super NES, and Game Boy systems, Atari 2600, ColecoVision, Sega's Game Gear, Master System, Mega Drive and Mega CD systems, and the original Sony PlayStation) and for the PC. In 2010, the Smurfs expanded into the world of apps for Android, the iPad, iPhone, and iPod Touch with the game Smurf Village.
 In 2005, an advertisement featuring The Smurfs was aired in Belgium in which the Smurf village is annihilated by warplanes.[61] Designed as a UNICEF advertisement, and with the approval of the family of the Smurfs' late creator Peyo, the 25-second episode was shown on the national television after the 9 p.m. timeslot to avoid children having to see it. It was the keystone in a fund-raising campaign by UNICEF's Belgian arm to raise money for the rehabilitation of former child soldiers in Burundi and the Democratic Republic of the Congo—both former Belgian colonies.
 In honour of their 50th anniversary in 2008, the Smurfs began a year-long ""Happy Smurfday Euro Tour"" in connection with UNICEF. The Smurfs visited fifteen European countries on the day of their 50th ""Smurfday"" in the form of publicly distributed white figurines. The recipients could decorate and submit them to a competition. The results of this contest were auctioned off and raised a total amount of 124,700 euros for benefit of UNICEF.[62]
 The 50th anniversary of the Smurfs and the 80th anniversary of the birth of its creator Peyo, were celebrated by issuing a high-value collectors' coin: the Belgian 5 euro 50th anniversary of The Smurfs commemorative coin, minted in 2008.
 In 1998, writer Marc Schmidt wrote a parody article citing the Smurfs as an example of the impact of socialism in continental European culture.[63][64] In 2011, Schmidt's essay was scrutinised in a response essay by Kate Krake, who examined the nature of cultural theory built on textual observation and warned against creating false allegories out of texts like The Smurfs.[65]
 French sociologist Antoine Buéno described Smurf society in a 2011 book as a totalitarian and racist utopia with antisemitic tones.[66][67][68] Studio Peyo head Thierry Culliford, the son of Peyo, dismissed Buéno's accusations as ""grotesque and frivolous"".[69]",4055,"Main page; Contents; Current events; About Wikipedia; Help; Learn to edit; Community portal; Upload file; ; learn more; Article; Talk; Read; Read; Upload file; ; The Smurfs (comics); Smurf (disambiguation); ; Peyo; French; Johan and Peewit; Studio Peyo; The Smurfs comics; The Smurfs in film; The Smurfs; The Smurfs; The Smurfs; List of The Smurfs video games; The Smurfs music; The Smurfs merchandising; French; Dutch; Belgian; comic; mushroom; Belgian comics; Peyo; Phrygian caps; André Franquin; ice capades; highest-grossing media franchises of all time; Franco-Belgian comics; Johan and Peewit; Middle Ages; sword-and-sorcery; king; midget; sidekick; Spirou; movie version of the story; PVC; [ʃtʁumf]; ⓘ; André Franquin; gnome-like; Patufet; Catalan; Hebrew; slipper; Arabic; Basque; Catalan; Croatian; Czech; Danish; Dutch; Finnish; German; Greek; Hebrew; Hungarian; Icelandic; Indonesian; Italian; Japanese; Lithuanian; Norwegian; Polish; Portuguese; Brazilian Portuguese; Romanian; Russian; Slovak; Slovene; Spanish; Swedish; Turkish; ; Brussels; Smurfette; Phrygian cap; overalls; sarsaparilla; Smilax; nouns; verbs; Smurf Versus Smurf; parody; taalstrijd; forests; marshes; desert; mountain range; storks; Gargamel; List of The Smurfs characters; Disney's Seven Dwarfs; Gargamel; The Smurfs (comics); ; Spirou; Dupuis; Papercutz; Marvel Comics; Marcinelle school; Indian ink; The Smurfs in film; black-and-white; animated; film; Les Aventures des Schtroumpfs; five short cartoons; Walloon; Maurice Rosy; Michel Legrand; The Smurfs and the Magic Flute; Sony Pictures; first; Columbia Pictures; Sony Pictures Animation; Jordan Kerner; Shrek 2; Shrek the Third; David N. Weiss; Jonathan Winters; Katy Perry; George Lopez; Gary Basaraba; John Oliver; Alan Cumming; Paul Reubens; Hank Azaria; Neil Patrick Harris; Jayma Mays; Quentin Tarantino; Fred Armisen; The Smurfs: A Christmas Carol; The Smurfs 2; Smurfs: The Lost Village; Demi Lovato; a new Smurfs movie; Paramount Pictures; Nickelodeon; Sonic the Hedgehog 3; ; The Smurfs (1981 TV series); The Smurfs (2021 TV series); pop culture; Saturday morning cartoon; Hanna-Barbera Productions; NBC; Cartoon Network; Boomerang; Daytime Emmy; Today; morning show; Saturday edition; 1992; Franz Schubert; Unfinished Symphony; Edvard Grieg; Peer Gynt; Modest Mussorgsky; Pictures at an Exhibition; IGN; TF1; KiKa; Peyo; Dupuis; Nickelodeon; Warner Home Video; DVD; citation needed; Magna Home Entertainment; citation needed; Magna Home Entertainment; Cartoon All-Stars to the Rescue; Bugs Bunny; Daffy Duck; Looney Tunes; Huey, Dewey, and Louie; DuckTales; Winnie the Pooh; Tigger; Garfield; Alvin and the Chipmunks; Muppet Babies; 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Zootopie,https://fr.wikipedia.org/wiki/Zootopia,"Ne doit pas être confondu avec Zookeeper ou Zoo Story.
 Ginnifer GoodwinJason BatemanIdris ElbaJ. K. SimmonsJenny Slate
 Série Classiques d'animation Disney Les Nouveaux Héros(2014) Vaiana : La Légende du bout du monde(2016) Série Zootopie Zootopie 2(2025) Pour plus de détails, voir Fiche technique et Distribution. modifier  Zootopie ou Zootopia au Québec (Zootopia) est le 135e long-métrage d'animation et le 55e « Classique d'animation » des studios Disney réalisé par Byron Howard et Rich Moore. Entièrement réalisé en images de synthèse, le film est une comédie policière et un buddy movie sorti en salles en 2016. Il raconte l'histoire de l'optimiste et intrépide lapine Judy Hopps, lieutenant et nouvelle recrue de la police de Zootopie, ville exclusivement peuplée de mammifères anthropomorphes, où elle cherche à faire ses preuves en enquêtant sur la disparition d'une loutre avec l'aide du renard escroc Nick Wilde.
 Aux États-Unis, son pays de production, le film est acclamé par la critique, élogieuse sur l'animation, le jeu des acteurs donnant leurs voix aux personnages ainsi que sur le scénario ; elle souligne l'actualité des thèmes abordés par le film comme les préjugés, la discrimination (positive comme négative), le racisme et les stéréotypes[1],[2],[3].
 C'est un gros succès du box-office mondial : Zootopie est le quatrième film d'animation de l'histoire du cinéma à passer le milliard de dollars de recettes au box-office mondial[4].
 Il remporte plusieurs distinctions, dont l'Oscar du meilleur film d'animation en 2017.
 Vu le fort succès du premier film, Disney a annoncé une suite pour le 26 novembre 2025[5].
 Zootopie est une ville qui ne ressemble à aucune autre, puisque tous ses habitants sont des animaux d'espèces différentes, de l'immense éléphant à la minuscule souris, qui cohabitent dans des quartiers résidentiels, allant de l'élégant Sahara Square au glacial Tundratown en passant par le miniature Little Rodentia. Lorsque Judy Hopps, une jeune lapine issue d'une grande famille de cultivateurs de carottes, fait son entrée dans la police, elle découvre vite la difficulté de s'imposer parmi ses grands durs de collègues. Sur le point de se faire licencier pour faute professionnelle, Judy saute audacieusement sur l'occasion de faire ses preuves en tentant de résoudre, en seulement 48 heures, une épineuse affaire de disparitions de prédateurs. Cependant, cela l'oblige à faire équipe avec l'arnaqueur professionnel Nick Wilde, un renard à la langue bien pendue.
 Zootopie est une ville cosmopolite où ne vivent que des mammifères et où chaque espèce cohabite avec les autres ; qu’on soit un prédateur ou une proie, tout le monde est accepté à Zootopie. Judy Hopps est une lapine de 9 ans qui vit à la campagne avec ses parents. Alors que tous les membres de sa famille sont cultivateurs, Judy annonce pendant son spectacle d'école qu'elle veut vivre à Zootopie la grande métropole et devenir officier de police, ce qui affole ses parents qui estiment ce métier trop dangereux pour un lapin. En sortant du spectacle, Judy intervient en voyant Gideon Grey, un renard voyou, en train de racketter ses camarades. Gideon réagit violemment, griffant Judy à la joue, et se moque de son rêve de devenir lapin flic avant de s'en aller. Judy en sort traumatisée, mais encore plus déterminée à combattre le crime.
 Quinze ans après, Judy est entrée à l'académie de police grâce à un programme de discrimination positive mis en place par le maire de Zootopie, mais a du mal face aux épreuves imposées. Malgré ses difficultés, elle persévère et finit par triompher en utilisant sa ruse et son agilité. Sortie major de sa promotion, elle est nommée lieutenant au commissariat central de Zootopie par le maire Leodore Lionheart (un lion) et son adjointe, Miss Bellwether (une brebis). Après avoir fait ses adieux à sa famille, elle prend le train pour Zootopie. Elle emménage dans un appartement minable du centre-ville, et commence son service le lendemain. Dès son arrivée, le chef Bogo (un buffle) la méprise ouvertement et l'affecte au stationnement comme contractuelle, alors que les gros bras (éléphants, rhinocéros, lions, tigres, ours, etc.) ont le droit d'enquêter sur l'affaire du moment : quatorze citoyens, tous des animaux prédateurs, ont mystérieusement disparu.
 Pendant sa tournée, Judy suit chez un glacier un renard suspect, Nick Wilde. Elle le voit voulant acheter une immense glace pour l'anniversaire de son fils auprès des éléphants qui refusent de servir un renard. Indignée par ce traitement discriminatoire, Judy intervient et offre elle-même la glace au petit avant de reprendre son service. Plus tard, elle recroise les deux individus et se rend compte qu'elle a été roulée : Wilde et son pseudo-fils qui est en fait un fennec ont fait fondre l'énorme glace pour éléphant et l'ont transformée en dizaines de petites glaces qu'ils ont revendues, faisant ainsi une énorme marge de bénéfice. Après le départ du fennec, Judy accuse Wilde de lui avoir menti et menace de l'arrêter ; mais ce dernier, rusé, lui montre que son opération, quoique malhonnête, reste dans le cadre de la loi, et se moque de sa naïveté en lui révélant qu'en dépit des apparences, les préjugés et la discrimination sont bel et bien présents à Zootopie. Après lui avoir asséné qu'elle ne sera jamais un vrai flic, Wilde s'en va, laissant derrière lui une Judy démoralisée. Une fois rentrée chez elle, elle reçoit un appel de ses parents qui laissent éclater leur soulagement en apprenant qu'elle n'est que contractuelle, le poste le moins dangereux, ce qui achève de l'abattre.
 Le lendemain, elle reprend sa tournée, les plaintes de conducteurs verbalisés n'améliorant pas son humeur, mais retrouve son enthousiasme lorsqu'elle surprend une belette en train de s'enfuir après avoir volé des fleurs. Après une course-poursuite à travers le quartier miniature de Little Rodentia, elle finit par l'arrêter, sauvant au passage une musaraigne que le voleur avait failli écraser. Elle est en revanche réprimandée par Bogo pour avoir abandonné son poste de contractuelle et mis en danger les petits habitants de Little Rodentia. Judy lui demande de lui confier une vraie mission, mais Bogo refuse abruptement. C'est là que débarque Mrs. Otterton (une loutre), l'épouse d'un des quatorze animaux portés disparus, venue implorer Bogo de retrouver son mari. Alors que Bogo déplore que tous ses enquêteurs soient occupés, Judy saute sur l'occasion et annonce à Mrs. Otterton qu'elle se charge de l'affaire. Bogo menace de renvoyer Judy pour insubordination, mais en est empêché par l'arrivée de l'adjointe au maire Bellwether, enthousiaste d'apprendre que leur nouvelle recrue s'occupe de l'enquête. Une fois Bellwether et Mrs. Otterton parties, Bogo, furieux, lance un ultimatum à Judy : si elle n'a pas résolu l'affaire d'ici 48 heures, elle devra démissionner.
 En examinant le dossier et les photos prises par les caméras de la ville, Judy découvre qu'Otterton avait acheté une de ses glaces à Nick Wilde juste avant de disparaître. Judy va voir Wilde pour lui demander dans quelle direction est parti Otterton après avoir acheté sa glace. Wilde refuse d'aider la lapine jusqu'à ce qu'elle menace de l'arrêter pour fraude fiscale, l'ayant enregistré avec son stylo-dictaphone alors qu'il se vantait des bénéfices engrangés par ses magouilles : elle ne lui donnera le stylo que s'il l'aide à résoudre son enquête. Wilde avoue qu'il a vu Otterton entrer dans un club naturiste. Le propriétaire du club confirme qu'Otterton est venu ce jour-là suivre un cours de yoga et qu'une limousine blanche est venue le chercher à la sortie. Après un passage au service des immatriculations tenu par des paresseux, Judy et Nick retrouvent la limousine qui s'avère appartenir à Mr. Big, le parrain de la mafia de Toundraville, dont Nick s'est fait l'ennemi en le trompant sur une marchandise qu'il lui avait vendue.
 En inspectant la limousine, dans laquelle ils retrouvent le portefeuille d'Otterton au milieu de multiples marques de griffes, Judy et Nick sont capturés par les ours polaires de Mr. Big et conduits dans sa villa. Le parrain (qui s'avère être une musaraigne), mécontent de revoir Nick accompagné d'une policière, envisage d'abord de les tuer jusqu'à ce que sa fille intervienne : c'est la jeune musaraigne dont Judy avait sauvé la vie. Reconnaissant, Mr. Big les épargne et accepte de répondre à leurs questions : il admet avoir envoyé une limousine à Otterton, qui était son fleuriste et qui avait quelque chose d'important à lui dire, mais Otterton n'est jamais venu au rendez-vous. Mr. Big leur donne l'adresse du jaguar chauffeur qui conduisait la limousine : Manchas, le seul à pouvoir leur dire ce qui est arrivé à Otterton sur le trajet.
 Judy et Nick se rendent dans le quartier de la forêt tropicale, où habite Manchas. Ils le trouvent chez lui, balafré à l’œil et terrorisé. Manchas leur annonce que c'est Otterton qui l'a mis dans cet état : pendant le trajet dans la limousine, Otterton est soudain devenu fou furieux et l'a sauvagement attaqué sans raison. Manchas leur annonce aussi qu'Otterton s'est mis à délirer et à parler de « hurleurs nocturnes ». Alors que Judy et Nick se demandent ce que sont les « hurleurs nocturnes », Manchas est pris à son tour de convulsions, devient lui aussi sauvage et pourchasse Judy et Nick à quatre pattes. Judy réussit à menotter le jaguar fou à un réverbère, sauvant la vie de Nick au passage, et prévient les renforts. Mais lorsque le chef Bogo et la brigade arrivent, le jaguar a disparu, à la surprise de Judy. Croyant qu'elle se paie sa tête et refusant de considérer Nick comme un témoin digne de foi, Bogo, à bout de patience, exige que Judy rende son badge sur-le-champ mais Nick, qui a fini par sympathiser avec elle, intervient et rappelle à Bogo qu'elle a encore dix heures pour conclure l'enquête.
 Lorsque Judy remercie Nick de l'avoir défendue, ce dernier lui explique que lui-même a été persécuté depuis son enfance parce qu'il est un renard, stéréotypé comme indigne de confiance, ce qui l'a poussé à devenir un arnaqueur. Nick a soudain l'idée d'examiner les vidéos des caméras de surveillance pour découvrir ce qui est arrivé au jaguar menotté au réverbère et Judy le conduit à la mairie où l'adjointe au maire Bellwether, méprisée et traitée comme une secrétaire par son patron, leur donne accès aux vidéos. Les caméras révèlent que ce sont des loups qui ont capturé le jaguar fou et l'ont emmené en camionnette à l'hôpital désaffecté de Cliffside, à l'extérieur de la ville. Judy et Nick se disent que ces loups doivent être les fameux « hurleurs nocturnes » et se rendent à Cliffside, où ils entrent par effraction en distrayant les gardes. À l'intérieur, Judy et Nick trouvent, enfermés dans des cellules en plexiglas, non seulement Otterton et Manchas, mais aussi les treize autres prédateurs qui avaient disparu, tous devenus sauvages. Ils découvrent aussi que le maire était au courant et qu'il harcèle le médecin pour trouver un traitement ; le maire étant un lion, il craint que cette épidémie ne provoque un mouvement de panique chez les citoyens à l'encontre des prédateurs de la ville et ne lui coûte son poste. L'alerte est donnée, mais Judy et Nick parviennent à s'échapper du bâtiment et contactent le chef Bogo pour lui annoncer qu'ils ont retrouvé tous les disparus. La brigade prend d'assaut l'hôpital et arrête le maire et ses complices, celui-ci insistant n'avoir agi que pour protéger la ville.
 Après ce coup de filet, Bellwether remplace Lionheart comme maire et Judy fait la une et devient une héroïne pour toute la ville. Devenue amie avec Nick, elle l'invite à s'engager dans la police à ses côtés avant de se rendre à la conférence de presse donnée dans le hall du commissariat. Cependant, interrogée sur la raison de la folie soudaine des prédateurs disparus, Judy annonce à la presse ce qu'elle a entendu entre le maire et le médecin la veille : ces prédateurs sont victimes de leurs gènes, qui ont fait remonter leur nature agressive profonde à la surface et les ont rendus aussi sauvages et vicieux qu'autrefois. Nick accueille très mal les commentaires de Judy sur les prédateurs, qui lui rappellent la méfiance dont il a été victime depuis sa jeunesse, et lui reproche ses propos irresponsables lorsqu'elle revient le voir. Judy lui explique qu'elle ne pensait pas à lui en disant ça, mais Nick l'accuse de toujours le considérer comme un ennemi, montrant comme exemple le spray anti-renard offert par ses parents qu'elle porte à sa ceinture. Judy, alarmée par le comportement de plus en plus agité de Nick, pose sa main sur son arme par réflexe, prête à se défendre. Nick voit dans ce geste la confirmation de ses propos et part, déçu et amer.
 Durant les semaines qui suivent, les incidents causés par des prédateurs devenus sauvages se multiplient. La panique et la haine raciale s'emparent de la ville, les prédateurs sont de plus en plus craints ou persécutés et des émeutes éclatent. S'estimant responsable de la situation, Judy quitte la police et retourne vivre chez ses parents à la campagne.
 Alors qu'elle est en train de vendre des carottes au stand de ses parents, elle a la surprise de voir arriver Gideon Grey, devenu pâtissier. Ses parents lui expliquent qu'inspirés par son ouverture d'esprit, ils se sont associés à Gideon. Celui-ci, en voyant Judy, s'excuse immédiatement auprès d'elle de s'être conduit comme un voyou durant sa jeunesse. Judy, touchée, accepte ses excuses. Durant la conversation qui suit, elle apprend que les « hurleurs nocturnes » sont une variété de crocus très toxiques et qu'un frère de sa mère est autrefois devenu fou furieux après en avoir mangé un. Elle comprend alors que c'est la toxine de ces fleurs qui a rendu les prédateurs sauvages et retourne immédiatement à Zootopie.
 Une fois de retour en ville, elle retrouve Nick et le supplie de lui pardonner et de l'aider une dernière fois. Devant ses larmes, il finit par accepter et les deux amis se réconcilient. Ils remontent la piste grâce à Duke Weaselton, le voleur de fleurs que Judy avait arrêté et, avec l'aide de Mr. Big, lui font avouer à qui il devait livrer les « hurleurs nocturnes » qu'il avait essayé de voler. Weaselton révèle qu'ils étaient destinés à Doug, un bélier peu sympathique qui vit dans une ancienne station de métro abandonnée.
 Nick et Judy s'y rendent et découvrent un laboratoire clandestin installé dans une vieille rame de métro, dans laquelle Doug, aidé par deux autres béliers, cultive et raffine les « hurleurs nocturnes » en un sérum qui, injecté dans des capsules tirées par un fusil ou un pistolet à air comprimé, rend instantanément les victimes sauvages. Doug reçoit un appel d'un mystérieux commanditaire, révélant qu'il est responsable de tous les cas de prédateurs sauvages. Judy prend le contrôle de la rame, avec l'intention d'amener le laboratoire entier à la police comme preuve. Les chimistes se lancent à leur poursuite, après avoir prévenu leur patron. Judy et Nick parviennent à les semer, mais le train déraille, les obligeant à sauter en marche avant qu'il n'explose, détruisant la quasi-totalité des preuves. Heureusement, Nick a sauvé l'étui contenant le pistolet à air comprimé chargé d'une capsule de sérum. Alors qu'ils coupent par le musée d'histoire naturelle fermé pour rénovations, Bellwether apparaît, accompagnée de plusieurs moutons policiers, mais Judy, méfiante, la reconnaît comme étant le véritable cerveau de l'opération. En tentant de fuir avec Nick, elle se blesse à la jambe, l'empêchant de courir, ce qui les oblige à se cacher lorsque Nick refuse de l'abandonner. Bellwether, tout en tâchant de les débusquer, explique qu'elle a orchestré ces attaques pour créer un climat de haine raciale envers les prédateurs (trop avantagés dans leur société et bénéficiant de trop de privilèges), afin d'unir les 90 % d'animaux-proies vivant à Zootopie contre un ennemi commun. Après les avoir piégés dans une fosse d'exposition, Bellwether récupère le pistolet et décide d'en finir en tirant sur Nick, avant de prévenir la police qu'un renard sauvage a tué le lieutenant Hopps dans le musée. Mais c'était sans compter sans la ruse de Nick qui, prévoyant le coup, avait substitué des myrtilles à la capsule de sérum et feint de chasser Judy sous son emprise, tandis que cette dernière enregistre les aveux de Bellwether sur son stylo. Bellwether tente de fuir, mais voit sa retraite coupée par Bogo et sa brigade qui l'arrêtent, ainsi que ses moutons.
 Bellwether se retrouve en prison, un antidote aux « hurleurs nocturnes » est trouvé et toutes les victimes redeviennent normales. Le calme revient en ville. Judy réussit à convaincre Nick de rentrer dans la police, tous deux finissent coéquipiers et patrouillent ensemble dans les rues pour faire régner la loi.
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  Source et légende : Version française (VF) sur RS Doublage[9]
 Source : IMDb[13] (liste non exhaustive).
 Le 9 août 2013, les studios Disney annoncent lors de l'exposition D23 que le réalisateur Byron Howard travaille sur une comédie d'aventure animalière nommée Zootopia[15]. Jared Bush est annoncé au scénario. Selon les dires de son réalisateur, le film serait très différent des autres productions d'animaux anthropomorphes dans lesquels les animaux vivent dans un monde sauvage ou avec les humains[15]. Le concept selon lequel les animaux vivent dans leur propre monde moderne conçu par eux-mêmes a été bien accueilli par John Lasseter, directeur créatif du studio à l'époque, qui, lorsque le projet lui a été soumis, aurait même rappelé au réalisateur Byron Howard l'image de Rafiki soulevant Simba dans Le Roi lion [15].
 Les deux réalisateurs ont déjà des « Classiques Disney » à leur actif : Byron Howard a coréalisé Volt, star malgré lui (2008) et Raiponce (2010) tandis que Rich Moore a réalisé Les Mondes de Ralph (2012).
 Le film n'a pas été produit dans les locaux historiques de la firme à Burbank, alors en travaux, mais à 8 km de là, dans une ancienne usine située à Tujunga Avenue, près de l'aéroport Bob Hope. D'après les réalisateurs, l'« ambiance de start-up » qui y régnait a favorisé le développement du film[16].
 Après que Byron Howard et Nathan Greno, réalisateurs de Raiponce, eurent achevé le film, le producteur John Lasseter leur demanda de lui soumettre au moins trois idées de films. Parmi les six idées environ qui furent soumises, presque toutes avaient en commun d'avoir comme personnages des animaux anthropomorphes[17],[18]. D'après Byron Howard, « l'un était un film spatial. Il s'appelait Pug, The Bounty Hunter » (litt. en français : « Carlin, le chasseur de primes »). « [Il y] avait un lapin de l'espace [...] en combinaison spatiale. » Un autre s'intitulait The Island Of Dr. Meow (« L'Île du Docteur Miaou ») et était « une sorte de version de film de série B ringard  — comme un film de Roger Corman [...] des années 1960. » Des adolescents se rendaient sur cette île et un chat de plus de 1,80 m de haut transformait ces gens en animaux[Note 1],[18].
 Une fois le projet lancé, Zootopie est d'abord conçu comme un film d'espionnage centré sur un personnage nommé « Jack Savage » ressemblant en quelque sorte à James Bond[19]. Avec l'aide du Disney Story Trust, un groupe composé du haut personnel créatif du studio qui se réunissait régulièrement pour discuter de tous les projets en développement, le film devient une procédure policière où Wilde a le rôle principal et Hopps principalement celui de faire-valoir[19],[20].
 Parmi les films qui les ont inspirés pour créer cette histoire, les deux réalisateurs citent notamment 48 heures (1982), Le Roi Lion (1994) ou bien encore Un fauteuil pour deux (1983)[16].
 À l’origine, le film était structuré pour que Nick soit le personnage principal et Hopps son faire-valoir[21]. En novembre 2014, les cinéastes ont réalisé que l’intrigue du film serait plus engageante s'ils échangeaient les rôles[21]. Ils ont ainsi réécrit le scénario pour se concentrer sur la description de Judy Hopps comme nouvelle arrivante en ville, naïve mais héroïque, et dont les idéaux égalitaires doivent faire face aux préjugés de Zootopie, contrairement à Nick Wilde, autochtone aigri qui subit cyniquement ces préjugés[21].
 Alors que le scénario évoluait, la personnalité de Judy Hopps est devenue plus optimiste et naïve, influençant par là même son apparence. Selon le directeur artistique des personnages, Cory Loftis, le plus gros défi a été de la rendre robuste alors que les lapins sont « mignons, doux et adorables », ce qui s'est principalement traduit par des bras et des cuisses plus massifs que pour un lapin réel. Mais contrairement à d'autres personnages, son processus de conception a été relativement facile car sa personnalité a été trouvée assez tôt et n'a nécessité que quelques retouches par la suite[a 1].
 Dans le monde de l'animation, rendre correctement la fourrure et les cheveux est une tâche considérée comme très ardue. Ici, non seulement les studios Disney doivent animer un personnage principal entièrement couvert de fourrure, ce qui n'était pas arrivé depuis Volt (sorti en 2008), mais l'intégralité des personnages de Zootopie sont dans le même cas. Alors qu'Elsa, héroïne de la Reine des Neiges, compte 400 000 cheveux, une souris et une girafe de Zootopie ont respectivement 480 000 et 9 millions de poils[22].
 Les travaux les plus récents que Disney avait entrepris en matière d'animation de la fourrure datait alors de son film Volt pour son personnage principal, mais le logiciel utilisé à l'époque n'était pas prêt pour créer la fourrure réaliste des animaux de Zootopie[23]. Les ingénieurs en informatique du studio ont donc développé le logiciel de contrôle de fourrure iGroom, ce qui donna aux concepteurs de personnage un contrôle précis sur le brossage, la forme et l'ombrage de la fourrure et rendit possible la création d'une variété de styles excentriques pour chaque animal[23]. Le logiciel était aussi capable de contrôler une sous-couche virtuelle pour donner à la fourrure une impression de moelleux à un degré sans précédent[23]. Cette fonction a été utilisée pour créer des personnages comme l'Officier Clawhauser, lequel possède une grosse tête faite de fourrure tachetée. Parmi les personnages avec un nombre remarquable de poils ou de cheveux se trouvent les deux personnages principaux, Judy Hopps et Nick Wilde, avec environ 2,5 millions de poils ; une girafe avec neuf millions ; une gerbille avec 480 000 et un rongeur avec plus de poils que les 400 000 cheveux de la tête d'Elsa dans La Reine des Neiges[23].
 Zootopie est le deuxième Disney, après Les Nouveaux Héros à utiliser le moteur de rendu Hyperion[23]. Un nouveau modèle de fourrure y a été ajouté pour faciliter la création d'images réalistes de la fourrure dense des animaux[23]. Nitro, une application d'affichage en temps réel développée depuis la réalisation des Mondes de Ralph, est utilisée pour rendre bien plus vite la fourrure plus consistante, intacte et subtile, contrairement à la pratique précédente de prédire le fonctionnement de la fourrure en réalisant et en observant la silhouette ou les poses du personnage[23]. Le générateur d'arbres et de plantes Bonsai, d'abord utilisé dans La Reine des neiges, est réutilisé pour réaliser de nombreuses variations des arbres avec un feuillage très détaillé[23].
 Les recherches sur le film eurent lieu au Disney's Animal Kingdom, au Kenya et au San Diego Zoo Safari Park, où les animateurs passèrent huit mois à étudier les différents démarches des animaux ainsi que la couleur des pelages[24],[23]. 800 000 formes de mammifères ont été créées pour et placées dans le film[23]. Afin de rendre les personnages encore plus réalistes, ils se rendirent aussi au musée d'histoire naturelle pour observer de près l'apparence de la fourrure au microscope sous des éclairages variés[23].
 Pour la conception urbaine de la ville de Zootopie, la réalisation s'inspira de villes importantes dont New York, San Francisco, Las Vegas, Paris, Shanghai, Hong Kong, et Brasilia[25]. Pour développer une cité qui pourrait être véritablement habitée par des animaux hauts de 5 cm (deux pouces) à 8 m (27 pieds) et venant de climats extrêmement différents, les cinéastes ont consulté des spécialistes de l'Americans with Disabilities Act et des concepteurs de systèmes de climatisation[26].
 Le film est réputé pour ses références foisonnantes au monde réel et aux fictions passées et à venir des studios Disney, en particulier sous forme de jeux de mots animaliers[27]. Il est ainsi possible d'identifier sur des jaquettes de DVD piratés des parodies de films d'animation des studios Disney[27].
 Parmi les anciens classiques Disney, Judy Hopps tapant du pied contre le sol fait référence à Panpan de Bambi tandis que le faux faon du muséum est une référence directe au personnage principal[28].
 La scène de la vente de glace contient des références à Dumbo. Ainsi, Finnick est déguisé en éléphanteau et la boutique a pour nom « Jerry Jumbeaux Jr. », Jumbo Jr. étant le véritable nom de Dumbo[28].
 Outre les liens possibles entre Nick Wilde et le personnage principal de Robin des Bois[29],[30],[28], le nom de famille du maire de Zootopie, Lionheart en français : « Cœur de lion », est aussi le surnom du roi Richard[28].
 La scène de revente des DVD piratés montre des jaquettes rappelant plusieurs films Disney : Big Hero 6 en français : « Les Nouveaux Héros » devient Pig Hero 6 en français : « Cochon héros 6 », Tangled en français : « Raiponce » devient Wrangled en français : « Chamaillés », et Wreck-It Ralph en français : « Les Mondes de Ralph » devient Wreck-It Rhino[27]. Mais cette scène révèle également des films pas encore sortis tels que Vaiana : La Légende du bout du monde (devenu Meowna), sorti un an après Zootopie, ou encore Frozen 2 (en français : « La Reine des Neiges 2 »), devenu Floatzen 2, sorti en décembre 2019[27],[31],[32].
 Plusieurs Hidden Mickey sont visibles dans le film. L'un est une tache sur la tête du guépard Clawhauser, tandis qu'un autre est une poupée à l'effigie de la souris rangée dans une poussette que croise Nick pendant une de ses combines[27].
 Dans une scène du film à Toundraville, deux enfants d'une famille d'éléphants portent les costumes d'Elsa et d'Anna de la Reine des Neiges[33]. En français et français québécois, le chef Bogo fait aussi référence au film en prononçant « libérée, délivrée », titre de la chanson du même nom[34]. Le personnage de Duke Weaselton, dont Judy écorche le nom en « Weselton », est également une référence au même film, dans lequel apparait le duc de Weselton ; les deux personnages sont doublés par Alan Tudyk dans la version originale[35]. Lorsqu'elle le poursuit, la lapine retire sa veste de la même façon qu'Elsa pendant Libérée, Délivrée, et le nom d'une boutique de pâtisseries fait référence au personnage Hans. En anglais, l'actrice Kristen Bell, qui a prêté sa voix à Anna et est fan de paresseux, l'a également fait pour le personnage de Pricilla[36].
 Certaines références et clins d’œil à la trilogie du Parrain[31] et à la série 21 Jump Street sont visibles dans le film[réf. nécessaire]. La deuxième meilleure réplique de l'histoire du cinéma américain selon le classement de l'American Film Institute, initialement prononcée par Marlon Brando dans le premier film de la trilogie Parrain, est notamment reprise et parodiée[31][source insuffisante].
 La scène du laboratoire avec les béliers en combinaison jaune fabricant un sérum à partir de fleurs bleues qui rendent les animaux sauvages est un hommage à Breaking Bad. Ainsi, les béliers participant à la fabrication du sérum s'appellent Jesse et Woolter (Jesse et Walter dans la série originale, ce dernier voit son nom changé pour un jeu de mots avec wool, « laine » en anglais), en hommage à des personnages de cette série. Selon les réalisateurs Byron Howard et Rich Moore, son origine vient de l'utilisation pendant des années de Breaking Bad comme exemple pour décrire cette scène. De nombreuses projections-test ont eu lieu, montrant que les adultes riaient devant la référence tandis que les enfants ne remarquaient rien[37].
 Selon Byron Howard, le nom complet de Nick Wilde est Nicholas Piberius Wilde, jeu de mots avec le personnage de fiction James Tiberius Kirk[38].
 La musique originale du film a été composée par Michael Giacchino[39]. Il s'agit de son premier projet pour un long-métrage des Studios d'animation Walt Disney [39], puisqu'il avait auparavant composé la musique du court-métrage de Dingo Comment brancher son home cinéma, les deux épisodes spéciaux et un court-métrage de Lutins d'élite, mission Noël, ainsi que le court-métrage La Ballade de Nessie. En plus de donner sa voix en version originale au personnage de Gazelle, la pop star Shakira a contribué à la chanson originale du film, nommée Try Everything (littéralement en français : « Essaie tout ») et écrite par Sia et Stargate[40],[41]. La bande originale du film a été enregistrée par un orchestre de 80 instruments en novembre 2015, avec Tim Simonec en chef d'orchestre[42].
 En décembre 2015, une série d'affiches parodiant les films populaires de l'année écoulée à la sauce de Zootopie est diffusée par les studios[43],[44]. Une opération marketing similaire a lieu fin février 2016 à l'approche des Oscars, où les personnages de Zootopie remplacent les acteurs principaux sur les affiches et où les noms des films sont changés. Ainsi, Bridge of Spies en français : « Le Pont des espions » devient Bridge of Sloths en français : « Le Pont des paresseux », The Revenant devient The Hibernant en français : « L'Hibernant », Mad Max: Fury Road  devient Mad Yax: Furry Road en français : « Yax le Fou : Route en fourrure », et Jurassic World devient Giraffic World (en français : ""Monde Giraffique""), entre autres[45].
 La première bande-annonce fut publiée en ligne le 11 juin 2015 sur la page YouTube en anglais de Walt Disney Animation Studios, et au cinéma avec le film Vice-versa de Pixar[46]. Une deuxième bande-annonce fut aussi publiée en ligne sur cette page Youtube le 23 novembre 2015 (et au cinéma avec Le Voyage d'Arlo de Pixar), présentant une séquence du film où les personnages principaux se rendent dans une préfecture (basée sur le DMV américain) opérée entièrement par des paresseux[47],[48]. La bande-annonce officielle du film est sortie en ligne sur la même page YouTube pour le réveillon de la Saint-Sylvestre 2015[49]. Des figurines de Judy Hopps et Nick Wilde furent mises en vente aux États-Unis pour Disney Infinity 3.0 le 1er mars 2016[50].
 Une entreprise de marketing numérique, Allied Integrated Media, est engagée par Disney pour atteindre les membres du fandom furry sur Meetup. Elle les encourage alors à poster des photos d'eux dans leurs costumes sur les réseaux sociaux avec le mot-dièse du film ; une forme de marketing viral[51],[44].
 Aux États-Unis, Zootopie a été acclamé par la critique[52],[53]. Sur Rotten Tomatoes, la note du film est de 98 % sur les 205 critiques prises en compte, avec une note moyenne de 8,1/10. La déclaration de consensus du site déclare que « le très complet Zootopie transmet un message réfléchi tout en étant compréhensible, aussi riche et équilibré que son animation très moderne – tout cela en restant suffisamment rapide et drôle pour divertir les jeunes spectateurs »[1],[Note 2]. Sur Metacritic, le film a un score de 78/100 basé sur 39 critiques, indiquant des « critiques généralement favorables »[54]. Sur CinemaScore, les audiences ont donné au film une note moyenne de « A+ » sur une échelle allant de A+ à F[55].
 Dans la presse spécialisée, Chris Nashawaty indique pour Entertainment Weekly que Zootopie « fournira suffisamment de matière à réflexion en ce qui concerne les préjugés et la tolérance » pour les amateurs de films qui « approchent les films d'animation pour enfants à la recherche de métaphores socio-politiques profondes », tandis que ceux après un « slapstick loufoque, des bons mots énergiques, et de petits rires légers » seront « des lapins beaucoup plus heureux » en sortant du film[56]. Peter Travers (en) de Rolling Stone écrit qu'il se pourrait que Zootopie soit « le film le plus subversif de 2016 », acclamant son message opportun sur les dégâts causés par les préjugés face à la rhétorique politique xénophobe en vigueur au moment de sa sortie, ainsi son humour[2]. Peter Debruge de Variety opina que Zootopie « joue directement sur les points forts du studio »[57]. Le critique d'IGN, Eric Goldman, donne au film une note de 9,0/10 'Amazing' en français : « Incroyable » et déclare que « Zootopie est un merveilleux exemple de comment Disney peut, au mieux de sa forme, mélanger son passé et son présent ensemble d'une façon très attractive et convaincante. Il reprend le trope d'animation classique des animaux qui marchent, parlent et agissent comme des humains, mais y donne une touche de modernité en termes d'humour et de style d'animation [...] ainsi que dans ses thèmes, lesquels sont porteurs de sens et étrangement d'actualité »[58].
 Du côté de la presse généraliste, Neil Genzlinger (en) du The New York Times considère le film « drôle, intelligent, et donne à réfléchir »[59].
 En Belgique, la cote globale de Zootopie est de 20/20 selon Cinenews[60].
 Dans les médias spécialisés, Ruben Nollet de Cinenews donne 16/20 au film, où il salue les « clins d’yeux et autres jeux de mots », l'humour, les couleurs, l'expérience des réalisateurs qui « parviennent à faire passer la morale de l’histoire sans faire usage d’un mégaphone », et déplore « l'insupportable chanson de Shakira »[61].
 Selon le barème d'Allociné, le film obtient une moyenne de 4/5 pour 28 critiques presses postées (dont 22 d'au moins 4/5)[62].
 Dans la presse cinéma française, Sylvestre Picard de Première, pour qui « la créativité semble avoir délaissé Pixar pour Disney », décrit Zootopie comme une « fable », le « récit d'un empowerment » à travers le personnage de Judy qui explique « avec force et clarté aux jeunes spectateurs pourquoi le racisme c'est mal, pourquoi le sexisme, c'est mal », où « les vannes, les répliques, l'enquête, tout fonce, pas un temps mort, les personnages secondaires sont à crever de rire et utilisent le talent le plus pur des designers Disney », souligne les détails de la ville « hallucinant d'humour, de justesse et de poésie », et conclut que « sans atteindre le niveau des chefs-d'œuvre monumentaux (Le Roi lion) ou psychos (Kuzco) du studio d'oncle Walt, on peut dire que Zootopie, pur Disney, est un futur classique »[63]. Pour Nicolas Didier de Télérama, « les studios Disney confirment qu'ils sont en forme », et considère le film comme « une initiation au polar, une version junior du Grand Sommeil », où « le scénario, d'une intelligence remarquable, nous rappelle que l'habit ne fait pas le moine, que la peur est une arme redoutable pour gouverner, et s'amuse avec pas mal de clichés que la firme Disney a elle-même forgés »[64]. Selon Théo Ribeton des inRocks, Zootopie est « un vivier prodigieusement fertile, s’amusant avec brio des variétés de tailles et de tempéraments des espèces, constituant in fine une sorte de recueil de fables de La Fontaine taillé sur mesure pour le melting-pot urbain », faisant « jaillir à l’écran un stade d’expressivité des animations faciales totalement inédit » et qui, « en plus d’installer un univers foisonnant et réjouissant, met aussi le linge sale sur la table »[65].
 L'Obs croit déceler de nombreuses ressemblances entre Zootopie de Walt Disney et l'album Chaminou et le Khrompire[66].
 Dans la presse spécialisée, John Nugent du magazine Empire qualifie Zootopie de « dessin animé pour tous les âges » et indique que « la dernière renaissance créative de la maison construite par Walt [Disney] (mais revigorée par Pixar) ne montre aucun signe de ralentissement ». Il lui donne une note de 4/5[67].
 Pour la presse généraliste en Suisse francophone, Antoine Duplan du Temps affirme que le « 55e « Classique d’animation » des studios Disney témoigne de l’esprit Pixar : vivacité de l’animation, insolence des personnages et touche satirique », où « le scénario ménage un twist souscrivant à la paranoïa ambiante et à la culture du complot selon lequel le lion doit apprendre à se méfier de l’agneau » et « la terreur ontologique des bêtes pacifiées retournant à la sauvagerie renvoie à L’Île du Dr. Moreau » en concluant qu'« après La Reine des neiges et Les Nouveaux Héros, Disney perpétue avec Zootopie une routine de la perfection graphique et scénaristique »[68].
 En Chine, un journal de l'Armée populaire de libération publia un éditorial accusant le film de promouvoir les morales occidentales et la propagande américaine, critiquant le rôle inversé des prédateurs et des proies du film[69],[70].
 En 2016, Zootopie rapporte 341,3 millions de dollars aux États-Unis et au Canada, et 682,5 millions de dollars dans le reste du monde pour un total de 1,024 milliards de dollars sur un budget initial de 150 millions[71],[72]. Le 18 mars 2016, le film dépasse le palier des 500 millions de dollars de recettes et devient le troisième film consécutif de Walt Disney Animation Studios à atteindre ce palier après La Reine des neiges (Frozen, 2013) et Les Nouveaux Héros (Big Hero 6, 2014)[73],[74]. Le 5 avril, il devient le premier film de 2016 à rapporter plus de 800 millions de dollars en vente de tickets[75], puis devient aussi le 24 avril le premier de l'année à passer la barre des 900 millions[76]. La limite du milliard de dollars est franchie le 5 juin, faisant de Zootopie le deuxième film de 2016 (après Captain America: Civil War, produit par le même groupe), le quatrième film d'animation (après Toy Story 3, La Reine des neiges et Les Minions), le onzième film Disney (troisième film d'animation Disney), et le vingt-sixième film tout court à franchir cette étape[77].
 Au niveau mondial, en termes de recettes, Zootopie est le quatrième film de 2016 (derrière Civil War, Rogue One et Le Monde de Dory)[78], le quatrième d'animation de cette année-là[78], le deuxième film à sa sortie originelle de Walt Disney Animation Studios depuis leur création (après la Reine des Neiges)[75], le deuxième film original (derrière Avatar)[79], le cinquième film d'animation le plus rentable de tous les temps, et le 28e plus gros succès du box office mondial. Il a été un temps le 25e film le plus rentable de tous les temps et le 26e à franchir le seuil du milliard de dollars de recettes dans le monde[80]. Il est le huitième film original en tenant compte de l'inflation[81]. Deadline.com a calculé un profit net de 294,9 millions de dollars pour Zootopie en tenant compte de toutes les dépenses et revenus autour de lui, faisant du film la cinquième sortie la plus rentable de 2016[82].
 Aux États-Unis, Walt Disney Home Entertainment a sorti Zootopie sur Blu-ray, Blu-ray 3D, DVD, et les plateformes de distribution numérique le 7 juin 2016. Il y a inclus du contenu bonus tel que « Scoretopia », une scène d'ouverture alternative et la vidéo musicale de Try Everything par Shakira[83]. Le film a démarré au sommet des classements de ventes de home media pour la semaine finissant le 12 juin 2016[84].
 En Inde, les droits satellites ont été vendus à Star Movies (en).
 Un jeu de société basé sur le film et nommé Zootopia: Suspect Search a été publié[85],[86].
 Des jeux vidéo comportant plusieurs personnages du film sont également sortis. Ainsi, Zootopie Scènes de Crimes, sorti en 2016 sur Android, iOS et Windows 10, était un jeu d'objets cachés reprenant l'univers de Zootopie [87],[88],[89]. Des personnages du film font également partie de Disney Infinity 3.0 à partir de 2016, un jeu multi-plateformes avec figurines et powerdisks[90],[91], et de Disney Heroes: Battle Mode, sorti sur Android et iOS en 2018[92],[93].
 Une adaptation du film en bande dessinée de 48 pages a été publiée en plusieurs langues dans la foulée de la sortie cinéma[94],[95]. Plusieurs histoires courtes originales se déroulant dans l'univers de Zootopie, scénarisées par Joe Caramagna, et dont une partie dessinée par Gurihiru (en), ont aussi été distribuées dans plusieurs pays[96],[97]. 
 Le 12 septembre 2018, Dark Horse Comics et Disney sortent un roman graphique en anglais de 48 pages titré Disney Zootopia: Friends To The Rescue (en français : « Disney Zootopie : Les Amis à la rescousse »). Il contient deux histoires scénarisées par Jimmy Gownley (en) et dessinées par Leandro Ricardo da Silva mettant en scène Judy Hopps et Nick Wilde pendant leur enfance[98],[99]. Un second tome, Disney Zootopia: Family Night (en français : « Disney Zootopie : Soirée en famille »), a été annoncé pour le 13 mars 2019[100].
 Le 22 janvier 2019, Shanghai Disneyland annonce la construction d'une zone sur le thème du film Zootopie[101],[102],[103].
 Dès le 22 mars 2016, avec le succès en salle de Zootopie (600 millions d'USD à l'international dont 173 en Chine) selon Forbes, le studio Disney pourrait produire une suite[104]. Selon Marc Snetiker d'Entertainment Weekly, bien que rien n'ait encore été annoncé, les adaptations et suites des précédents films à succès du studio sembleraient indiquer que « Zootopie est en position pour faire quelques bonds après sa course dans les salles. ». Il cite le réalisateur Byron Howard qui indique que beaucoup a été coupé pendant l'élaboration du film, tels que des quartiers évoqués et des personnages éliminés. Il indique aussi que le film a résolu la tâche difficile de construire un univers détaillé, ce qui offre maintenant un avantage pour une adaptation télévisée et qu'« un certain nombre de scénarios futurs pourrait être tirés de décors  que les cinéastes ont peiné à créer », comme l'hôtel en forme de palmier et les « maisons-dunes » de Sahara Square. Enfin, Rich Moore pointe la nécessité de résoudre des points d'intrigues restants, la plus grande interrogation des fans étant si la relation entre Judy Hopps et Nick Wilde est amoureuse ou amicale[105].
 Peter Sciretta de Slashfilm suppose quant à lui que les réalisateurs s'inspireront des séries télévisées, joueront probablement avec cette question de la relation entre les deux personnages jusqu'à Zootopie 3 et que les idées de suite sont encore en cours d'exploration par les créateurs et pourraient aussi bien concerner les parties qui n'ont pas fini dans le premier film qu'un retour aux sources du film (un film d'espionnage à la James Bond)[106].
 Après le passage du milliard de dollars de recettes au box office par le film, Erwan Lafleuriel d'IGN France rapporte que bien qu'« une suite à Zootopie n'est pas encore dans les projets de Disney pour l'instant », Byron Howard pense qu'elle est « tout à fait possible »[107].
 Le 3 février 2019, l'acteur Tom Lister, Jr., l'interprète en anglais de Finnick le fennec, révèle que deux suites au film Zootopie (2016) sont en préparation chez Disney afin d'en faire une trilogie[108],[109].
 En 2023, Bob Iger, président de The Walt Disney Company, annonce la mise en production simultanée de Zootopie 2, de La Reine des neiges 3 et de Toy Story 5 pour les studios Pixar, avec pour objectif de redynamiser les audiences, et l'économie de l'entreprise qui rencontre une crise créative importante[110].
 En avril 2016, le journaliste Arnaud Gonzague du Nouvel Observateur a affirmé que Disney a emprunté de façon « manifeste » pour Zootopie des éléments de l'album de bande dessinée Chaminou et le Khrompire. Selon lui, « chez Chaminou comme dans Zootopie, certains animaux ne respectent plus ce pacte  [de non agression entre prédateurs et proies] et redeviennent «sauvages»- même si les raisons qui expliquent cette rupture sont bien différentes dans les deux scripts. Et [...] dans les deux cas, l’affaire n’est pas celle que l’on croit »[66].
 À l'inverse, en Chine, le film d'animation La Folle ville des jouets (疯狂玩具城) produit par MSI Imaging Media et Wuhan Digital Media a été critiqué à sa sortie le 29 avril 2016 sur les sites de vidéo à la demande en continu pour son titre et son affiche similaires à ceux de Zootopie, puisque le titre en chinois de Zootopie est 動物方城市, soit ""La Folle ville des animaux"" en français. L'histoire est cependant différente du film de Disney et concerne un petit garçon transporté dans un monde de jouets[111].
 Le 21 mars 2017, une action en justice pour violation de copyright a été déposée contre Disney par Esplanade Productions, une entreprise appartenant à Gary L. Goldman, co-scénariste de Total Recall[112],[113]. La plainte affirme que Goldman a présenté à Disney en 2000 et 2009 un concept de film hybride live-action/animation nommé Looney, où il s'agissait d'un animateur socialement maladroit qui crée un dessin animé auto-inspiré appelé « Zootopia ». Disney a rejeté par deux fois l'idée, mais Goldman a accusé l'entreprise d'avoir copié les noms, les thèmes, les contextes et les tropes des personnages. La plainte contenait un ensemble d'illustrations conceptuelles précoces de personnages qui ressembleraient à des personnages majeurs du film, dont Nick Wilde, Judy Hopps, Flash et le Chef Bogo. Un porte-parole de Disney avait alors qualifié que la plainte était « montée avec des allégations manifestement fausses »[114]. Après plusieurs mois de délibérations en va-et-vient entre les deux parties, le juge fédéral Michael W. Fitzgerald (en) a rejeté les accusations le 8 novembre 2017. Selon l'examen final, « Les efforts de Goldman pour rendre semblables les intrigues de Looney et de Zootopie étaient forcés. Toutes les similitudes supposées entre les deux œuvres étaient des thèmes, pas des points de l'intrigue ou des séquences d'événements, qui étaient trop généraux pour être protégés par la loi sur le copyright »[115],[116].
 Le film est un polar et un buddy movie[117].
 Zootopie a beaucoup recourt à l'humour. Il est notamment présent sous forme de clins d'œil et de clichés délibérés[117].
 Pour l'auteur Gersende Bollut, le style graphique est proche de celui de Robin des Bois[117].
 Le film explore les thèmes des discriminations et des préjugés[118].
 Le succès commercial de Zootopie en Chine continentale est considéré comme un « gigantesque coup de chance » par Rob Cain de Forbes, car le film fit l'objet de peu de promotion de la part des studios[119] et devait faire face au moment de sa sortie à la suite d'une franchise très populaire, Ip Man 3. Dix jours après sa sortie en salles du 4 mars 2016, le film franchit la barre des 100 millions de dollars de recettes avec 112 millions de dollars. Les 9e et 10e jours d'exploitation dépassèrent consécutivement le record de revenu journalier de 129 millions de yuans (19,5 millions de dollars de l'époque) établi le mois précédent par Kung Fu Panda 3[120].
 Parmi les raisons avancées pour expliquer ce succès inattendu, Zootopie bénéficia d'abord de très bonnes notes des spectateurs, du bouche à oreille, et d'une sortie simultanée sur plusieurs supports de diffusion (« day-and-date release »)[120]. Selon Miranda Xu de NY China Style, Zootopie devint « du jour au lendemain » après sa sortie un sujet tendance sur « toutes les plateformes de réseau social » chinoises et « un phénomène Internet instantané »[121]. Julie Makinen pour le Los Angeles Times indique que le film a aussi bénéficié d'une augmentation des projections à la place d'Ip Man 3, lequel a été touché par un scandale de manipulation de chiffres de ventes de tickets en ligne[122].
 Selon Xinhua, le personnage de Flash est devenu une célébrité sur l'Internet chinois et a provoqué un intérêt pour les paresseux[123]. Quant à Nick Wilde, il est devenu selon Wei Xi du Global Times le modèle du petit ami ou du mari idéal pour un grand nombre de spectatrices[124].
 La popularité du film dans le pays a entrainé une hausse des ventes illégales de fennec auprès des particuliers voulant en faire leur animal de compagnie[125]. Cette espèce en danger est interdite à la vente en Chine[126], n'a pas un comportement adapté à la vie d'intérieur, et peut aussi bien tomber malade que transmettre des maladies à l'être humain[125],[127].
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//upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/1/11/Bon_article.svg/14px-Bon_article.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/8/83/Article_de_qualit%C3%A9.svg/14px-Article_de_qualit%C3%A9.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/e/ef/Theme_de_qualite.svg/17px-Theme_de_qualite.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/8/83/Article_de_qualit%C3%A9.svg/14px-Article_de_qualit%C3%A9.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/8/83/Article_de_qualit%C3%A9.svg/14px-Article_de_qualit%C3%A9.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/8/83/Article_de_qualit%C3%A9.svg/14px-Article_de_qualit%C3%A9.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/8/83/Article_de_qualit%C3%A9.svg/14px-Article_de_qualit%C3%A9.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/8/83/Article_de_qualit%C3%A9.svg/14px-Article_de_qualit%C3%A9.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/8/83/Article_de_qualit%C3%A9.svg/14px-Article_de_qualit%C3%A9.svg.png; 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//upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/1/11/Bon_article.svg/14px-Bon_article.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/1/11/Bon_article.svg/14px-Bon_article.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/8/83/Article_de_qualit%C3%A9.svg/14px-Article_de_qualit%C3%A9.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/1/11/Bon_article.svg/14px-Bon_article.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/8/83/Article_de_qualit%C3%A9.svg/14px-Article_de_qualit%C3%A9.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/1/11/Bon_article.svg/14px-Bon_article.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/8/83/Article_de_qualit%C3%A9.svg/14px-Article_de_qualit%C3%A9.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/1/11/Bon_article.svg/14px-Bon_article.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/7/77/United_States_film_clapperboard.svg/27px-United_States_film_clapperboard.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/0/08/Nokia_Lumia_1020_Front.svg/13px-Nokia_Lumia_1020_Front.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/d/da/Animation_disc.svg/26px-Animation_disc.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/4/4b/Goat_icon_yellow.svg/24px-Goat_icon_yellow.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/2/20/D_letter_upon_three_circles.svg/31px-D_letter_upon_three_circles.svg.png; https://login.wikimedia.org/wiki/Special:CentralAutoLogin/start?type=1x1; /static/images/footer/wikimedia-button.svg; /w/resources/assets/poweredby_mediawiki.svg,https://en.wikipedia.org/wiki/Zootopia,Zootopia,https://en.wikipedia.org/wiki/Zootopia,"Zootopia (titled Zootropolis or Zoomania in various regions)[b] is a 2016 American animated buddy cop action comedy film[6][7] produced by Walt Disney Animation Studios and released by Walt Disney Pictures. It was directed by Byron Howard and Rich Moore, co-directed by Jared Bush, and produced by Clark Spencer, from a screenplay written by Bush and Phil Johnston, and a story by Howard, Moore, Bush, Johnston, Jim Reardon, Josie Trinidad, and Jennifer Lee. The film stars the voices of Ginnifer Goodwin, Jason Bateman, Idris Elba, Jenny Slate, Nate Torrence, Bonnie Hunt, Don Lake, Tommy Chong, J. K. Simmons, Octavia Spencer, Alan Tudyk, and Shakira. The film follows a rookie police officer rabbit and a con artist fox as they work together to uncover a conspiracy involving the disappearance of predators. 
 Zootopia premiered at the Brussels Animation Film Festival in Belgium on February 13, 2016,[8] and went into general theatrical release in Disney Digital 3-D, RealD 3D, IMAX 3D, and 4DX formats in the United States on March 4.[9][10] Zootopia received positive reviews from critics, who praised its screenplay, animation, voice acting, subject matter, and Michael Giacchino's musical score.[11][12][13] The film opened to record-breaking box offices in several countries, and earned a worldwide gross of over $1 billion, making it the fourth-highest-grossing film of 2016. Among other accolades, the film was named one of the top ten best films of 2016 by the American Film Institute and won Best Animated Feature at the 89th Academy Awards.[14] A television spin-off series, Zootopia+, premiered on Disney+ on November 9, 2022, while a sequel, Zootopia 2, is scheduled for release on November 26, 2025.
 In a world inhabited by anthropomorphic animals, Judy Hopps, a rabbit from rural Bunnyburrow, fulfills her childhood dream of becoming the first rabbit police officer in the city of Zootopia. On her first day at the Zootopia Police Department (ZPD), she is given parking duty by Chief Bogo,  and is hustled by two con artist foxes, Nick Wilde and Finnick, during her shift. The next day, she abandons her post to arrest small-time crook Duke Weaselton for stealing a bag of crocus bulbs. Later, while Chief Bogo is reprimanding Judy, Mrs. Otterton visits his office, pleading for her husband Emmitt, one of 14 missing predators, to be found. Without first seeking approval, Judy volunteers, and Bogo attempts to fire her for insubordination, but the city's assistant mayor, Dawn Bellwether, praises Judy for taking the assignment. Bogo begrudgingly agrees, but demands Judy's resignation if she cannot close the case within 48 hours.
 Having ascertained that Nick was the last to see Emmitt, Judy blackmails Nick into helping her by covertly recording his confession to tax evasion. They track a limousine that picked up Emmitt and find his belongings inside. They learn that the limousine is owned by Mr. Big, an arctic shrew crime boss whom Nick has a history with. Mr. Big reveals that Emmitt unexpectedly ""went savage"" and mindlessly attacked the limousine's chauffeur, Manchas, a black jaguar. Judy and Nick question Manchas, who explains that Emmitt yelled about ""Night Howlers"" before attacking him. Manchas suddenly turns savage himself and chases Judy and Nick. Judy traps Manchas and calls the ZPD for help, but Manchas vanishes before backup arrives. Bogo demands Judy's resignation, but Nick reminds him that Judy still has 10 hours to solve the case. After leaving the scene with Judy, Nick reveals that as a child, he was bullied by his peers because they had prejudiced beliefs about foxes.
 At City Hall, Bellwether allows Judy and Nick to access Zootopia's traffic cameras, which reveal Manchas was abducted by timberwolves, whom Judy assumes are the Night Howlers. Following the wolves, Judy and Nick locate Emmitt, Manchas and the other missing predators, who are all ""savage"" and imprisoned in an asylum. Zootopia's mayor, Leodore Lionheart, had ordered their capture, and is trying to secretly ascertain what caused their feral behavior. Lionheart and the asylum staff are arrested, and Bellwether becomes the new mayor.
 Judy, praised for solving the case, asks Nick to join the ZPD as her partner. At a press conference, Judy accidentally implies the savageness epidemic was caused by the physiology that all predators possess. Disappointed and offended by the remarks, Nick abandons Judy, whose comments subsequently incite fear and discrimination against predators throughout Zootopia. Wracked with guilt, she quits her job and returns to Bunnyburrow.
 While managing her parents' vegetable stand, Judy learns that Night Howlers are actually Midnicampum flowers, which have severe, lasting psychotropic effects if ingested. Realizing that someone is deliberately using the flowers to turn predators savage, she returns to Zootopia and reconciles with Nick. Aided by Mr. Big, they interrogate Weaselton, who admits that a ram named Doug hired him to steal the Night Howler bulbs. They find Doug in a laboratory hidden in Zootopia's subway, where he manufactures a serum from the Night Howlers to use against predators via a dart pistol. Judy and Nick obtain a serum gun as evidence after a dangerous chase in the subway, but before they can reach the ZPD, Bellwether confronts them in the Natural History Museum and reveals herself to be the mastermind of a prey-supremacist conspiracy. Judy and Nick become trapped in an exhibit, and Bellwether shoots Nick with the serum gun, then orders the ZPD to capture him, but Judy and Nick reveal that they had replaced the darts with blueberries and recorded Bellwether's confession.
 Bellwether and her accomplices are arrested for their crimes, while the still-imprisoned Lionheart publicly denies knowledge of her scheme, insisting that imprisoning the infected predators was ""doing the wrong thing for the right reason"". The predators are rehabilitated  and Judy is reinstated into the ZPD. Months later, Nick graduates from the police academy, becoming Judy's partner and the first fox police officer.
 Development of the film that would come to be called Zootopia began when Byron Howard pitched six story ideas to Disney Animation chief creative officer and executive producer John Lasseter, of which three involved animal characters: an all-animal adaptation of The Three Musketeers,[41] a 1960s-themed story about a ""mad doctor cat...who turned children into animals"", and a ""bounty hunter pug in space"".[42] The common thread running through these ideas was that Howard wanted to do a film similar to Disney's Robin Hood, which also featured animals in anthropomorphic roles.[43] According to Howard, Zootopia emerged from his desire to create something different from other animal anthropomorphic films, where animals either live in the natural world or in the human world. His concept, in which animals live in a modern world designed by animals for animals, was well received by Lasseter, who responded by embracing and lifting Howard ""in the air like a baby Simba"".[44] Lasseter suggested that Howard should try combining the 1960s theme with the animal characters, especially the space pug.[42] This led Howard to develop and pitch Savage Seas, an international spy film centered on an arctic hare named ""Jack Savage"" who was somewhat like James Bond.[42][45] It was around this time that screenwriter Jared Bush was hired to work on the film; he was excited to work on a spy film because his own father and grandfather had worked for the Central Intelligence Agency.[42]
 Howard and Bush continued to develop the film with the assistance of the Disney Story Trust, the studio's top creative personnel who meet regularly to review and discuss all projects in development.[45] The most delightful part of the spy film turned out to be its first act, set in a city created by and for animals.[42] To focus on the all-animal city, Howard eventually dropped the 1960s setting, along with the espionage and international aspects, and changed the film into a contemporary police procedural in which Nick Wilde was the lead role and Judy Hopps was essentially his sidekick.[42][45][46] For a while, ""the filmmakers were very committed"" to that version of the story,[45] but then in November 2014, the filmmakers realized the film's plot would be more engaging if they reversed the roles to instead focus on Hopps as opposed to Wilde.[46] The change in perspective involved dropping several characters, including two characters known as ""The Gerbil Jerks"" who were described as ""trust-fund gerbils that had nothing better to do than harass Nick.""[47]
 In May 2013, The Hollywood Reporter initially reported that Howard was directing the film and that Jason Bateman had been cast, but little else about the film was known at the time.[16] Zootopia was first officially announced on August 10, 2013, at the D23 Expo, with a March 2016 release date.[43][49]
 Research for the film took place in Disney's Animal Kingdom, as well as in Kenya and the San Diego Zoo Safari Park, where animators spent eight months studying various animals' walk cycles as well as fur color.[50][51] Eight hundred thousand forms of mammals were created for and featured in the film.[51] To make the characters' fur even more realistic, they also went to the Natural History Museum of Los Angeles County to closely observe the appearance of fur with a microscope under a variety of lighting.[52][51] The filmmakers drew inspiration for Zootopia's urban design from major cities including New York City, San Francisco, Las Vegas, Paris, Shanghai, Hong Kong, and Brasília.[53] To develop a city that could actually be inhabited by talking mammals ranging in size from two inches (5.1 cm) to 27 feet (8.2 m) and from drastically different climates, the filmmakers consulted Americans with Disabilities Act specialists and HVAC system designers.[54] For assistance with designing motor vehicles appropriate for so many different types and sizes of mammals, the filmmakers consulted with J Mays, former chief creative officer of the Ford Motor Company.[55] During the development process, Walt Disney Studios chairman Alan F. Horn suggested that Nick should expressly state his disappointment (""Just when I thought someone actually believed in me..."") after discovering that Judy still fears him as a predator.[56] In March 2015, it was revealed that Rich Moore (Wreck-It Ralph) had been added as a director of the film, in addition to Jared Bush (Penn Zero: Part-Time Hero) as co-director.[57]
 Disney's most recent work on animating fur was for the titular character of the 2008 film Bolt, but the software they had used at the time was not ready for creating the realistic fur of the animals of Zootopia. Therefore, the studio's IT engineers developed the fur-controlling software ""iGroom"", which gave character designers precise control over the brushing, shaping, and shading of fur and made it possible to create a variety of eccentric character styles for each animal. The software was also able to control an unseen ""imaginary"" under-layer that gave fur a degree of plushness not seen before. This feature was used to create characters like Officer Clawhauser, who has a big head that is entirely made of spotted fur. Characters with noteworthy numbers of strands of hair or fur included both of the two lead characters, Judy Hopps and Nick Wilde, who each had around 2.5 million hairs; a giraffe with nine million strands of fur; a gerbil with 480,000 strands; and a rodent with more strands of hair than the 400,000 that were on Elsa's head in Frozen.[51]
 Zootopia was the second time Disney used the Hyperion renderer, which they had first used on Big Hero 6. A new fur paradigm was added to the renderer to facilitate the creation of realistic images of the animals' dense fur. Nitro, a real-time display application developed since the making of Wreck-It Ralph, was used to make the fur more consistent, intact, and subtle much more quickly, as opposed to the previous practice of having to predict how the fur would work while making and looking at silhouettes or poses for the character. The tree-and-plant generator Bonsai, first used in Frozen, was used to make numerous variations of trees with very detailed foliage.[51]
 Zootopia was produced in makeshift quarters in a giant warehouse in North Hollywood (together with Moana) while Disney Animation's headquarters in Burbank was being renovated.[58]
 On May 6, 2015, Bateman and Ginnifer Goodwin were announced as having been cast, respectively, in the roles of Nick Wilde and Judy Hopps.[15] The filmmakers chose Bateman because they wanted an actor who could bring ""a funny yet heartfelt side"" with ""a wily, dry-witted sort of voice"". Bateman described his character as ""a crafty, sarcastic schemer"", remarking on the role's similarity to many other roles he had done since he was 12. He explained that he had said to the directors: ""'What kind of voice do you guys want me to do?' And they just looked at me like I was an idiot and said, 'Just do what you do. Just talk.'""[59]
 Commenting on the casting of Goodwin, Moore said that she brought ""very centered sweetness, tremendous heart and a great sense of humor""; he described Judy as ""a little Pollyanna mixed with Furiosa"". Goodwin stated about her character: ""People mistake kindness for naïveté or stupidity, and she is a good girl through and through. But she's not a dumb bunny.""[59]
 The film's score is composed by Michael Giacchino, in his first feature-length project for Walt Disney Animation Studios,[60] as he previously worked on several short films and television specials produced by the company, as well as multiple Pixar films. Recording took place from November 16–20, 2015, with an 80-piece orchestra conducted by Tim Simonec.[61] In addition to her voice role of Gazelle, pop star Shakira also contributed an original song to the film titled ""Try Everything"", which was written by Sia and Stargate.[20][62] The soundtrack was released on March 4, 2016, by Walt Disney Records.[63][64]
 The first teaser trailer was released online at Walt Disney Animation Studios' YouTube page on June 11, 2015.[65] A second teaser trailer was released online again at Walt Disney Animation Studios' YouTube page on November 23, 2015, featuring a sequence of the film where the main characters encounter a Department of Mammal Vehicles (based on the DMV) run entirely by sloths.[66] The official theatrical trailer for the film was released online at Walt Disney Animation Studios' YouTube page on New Year's Eve 2015.[67] Figures of Judy Hopps and Nick Wilde were released for Disney Infinity 3.0 on March 1, 2016.[68]
 In addition, the studio devoted considerable marketing attention to the furry fandom demographic, believing that they would logically be most interested in this film project.[69]
 Zootopia was released on March 4, 2016, in Disney Digital 3-D, RealD 3D, and IMAX 3D, making it the first Disney animated film shown in domestic IMAX theatres since Treasure Planet (2002).[9][10] It was shown for the first time to the public as a feature film in an international competition for a young audience during the Brussels Animation Film Festival in Belgium on February 7, and was screened to the general media and audience on February 13.[70][71]
 In China, the state's SAPPRFT granted the film a rare two-week extension to play in theaters in addition to its limited 30-day run, which was to have ended on April 3.[72]
 The film was retitled for theatrical release across several international territories. In the United Kingdom and other European, Middle Eastern, and North African countries, the film was renamed Zootropolis, a reference to the concept of a ""metropolis"" rather than to that of a ""utopia"".[73][74][75] This was due to Disney being unable to trademark the name ""Zootopia"" in these territories for various legal reasons, including Danish Givskud Zoo registering the name Zootopia in 2014.[76] In Germany, the film was titled Zoomania due to a children's book by German author Kay Fischer titled Zootropolis released in 2010.[77][78]
 Zootopia was released by Walt Disney Studios Home Entertainment on Blu-ray, Blu-ray 3D, DVD, and Digital HD platforms on June 7, 2016.[citation needed] It includes some bonus material such as ""Scoretopia"", an alternate opening, and the music video to Shakira's ""Try Everything"".[79] The film debuted at the top of the home media sales chart for the week ending on June 12, 2016.[80] The film made a revenue of $89.6 million from home media sales with 4.4 million units sold, making it the third best-selling title of 2016 behind Star Wars: The Force Awakens and Finding Dory.[81] Zootopia was released on 4K Blu-ray on November 5, 2019.[82]
 On June 22, 2020, amid the reopening of theaters due to the COVID-19 global pandemic, Disney announced that Zootopia, along with 11 other Disney owned titles, were to return to US theaters during a 4-week period. Zootopia returned to US theaters on June 26 and played through July 2, 2020, alongside The Avengers, and The Greatest Showman.[83] The re-release grossed a total of $393,600.[84]
 On July 20, 2020, it was announced that the film would be returning to theaters in China, along with Big Hero 6 and the Chinese debut of Sonic the Hedgehog on July 31, 2020.[85]
 As part of Disney's 100th anniversary, Zootopia was re-released in Helios theaters across Poland on October 22, 2023.[86]
 Zootopia grossed $341.3 million in the U.S. and Canada and $682.5 million in other countries for a worldwide total of $1.024 billion, against a budget of $150 million.[4][5] On March 18, 2016, the film reached the $500 million mark, becoming the third consecutive Walt Disney Animation Studios film to reach the milestone after Frozen (2013) and Big Hero 6 (2014).[87][88] On April 5, it became the first film of 2016 to gross over $800 million in ticket sales,[89] and on April 24, became the first film of 2016 to cross $900 million.[90] On June 5, the film crossed the $1 billion mark, becoming the second film of 2016 to do so (after the studio's own Captain America: Civil War), the fourth animated film (after Toy Story 3, Frozen and Minions), the eleventh Disney film, the third Disney animated film, and the twenty-sixth film overall to reach the milestone.[91]
 Worldwide, it was the fourth-highest-grossing film of 2016 (behind Civil War, Rogue One, and Finding Dory),[92] the second-highest-grossing animated film of 2016,[92] the second-highest-grossing Walt Disney Animation Studios film (second-highest overall) of all time in its original release (after Frozen),[89] the second-highest-grossing original film (behind Avatar),[93] and the fourth-highest-grossing animated film of all time. Deadline Hollywood calculated the net profit of the film to be $294.9 million, when factoring together all expenses and revenues for the film, making it the fifth-most profitable release of 2016.[94]
 In the United States and Canada, pre-release tracking suggested the film would open to $60–70 million from 3,827 theaters in its opening weekend.[95][96] It played in 3,100 3D theaters, 365 IMAX theaters, and 325 premium large format screens.[95] It earned $1.7 million from Thursday previews, a record for a non-Pixar Disney animated film,[97] for an animated film opening outside of summer,[98] and seventh-biggest all time for an animated film.[99] Buoyed by good word of mouth, it earned $19.5 million on its opening day, also a record for a non-Pixar Disney animated film (breaking Frozen's record),[97] and the second-biggest for a March animated film (behind Ice Age: The Meltdown).[100] In its opening weekend, it scored a better than expected $75.1 million, which was the biggest non-Pixar Disney animated opening (breaking Big Hero 6's record), the biggest opening weekend among Walt Disney Animation Studios films (breaking Frozen's record), the biggest March animated opening (breaking The Lorax's record), the seventh-biggest March opening, and the tenth-biggest animated opening of all time.[101][102][103] Furthermore, its opening weekend is also the fourth-biggest for an original film, behind The Secret Life of Pets, Inside Out, and Avatar.[104][105] It also performed exceptionally well in IMAX, where the film brought in $5.2 million from 366 screens, the second-best animated IMAX opening behind only Toy Story 3 ($8.4 million).[102]
 In its second weekend, it fell gradually by 31% to $51.3 million and recorded one of the best holds for an animated film, more or less on par with Wreck-It Ralph's second weekend drop of 32%, but a bigger drop than The Lego Movie's 27%.[106] It continued to top the box office for the third weekend, earning $37.2 million, falling by 28% from its previous weekend while passing the $200 million mark.[107] This made it the second-biggest third weekend for a film that did not open at over $100 million, behind Avatar ($68 million) and ahead of Skyfall ($35 million).[108] The film was overtaken by the superhero film Batman v Superman: Dawn of Justice in its fourth weekend, despite only a marginal decline.[109] It spent a total of 13 consecutive weeks in the top ten, more than any other film except for Avatar (14 weeks) and Frozen (16 weeks) over the last decade.[93]
 It ended its theatrical run on August 4, 2016, after playing in theaters for a total of 154 days.[5] It became the second-highest-grossing Walt Disney Animation Studios film (behind Frozen),[110] the seventh-highest-grossing film of 2016,[111] and the tenth-highest-grossing animated film of all time.[112] In June 2020, due the worldwide closure of cinemas during the COVID-19 pandemic and limits on which films played, Zootopia returned to 280 theaters—mostly drive-ins—and grossed $393,600.[113]
 Zootopia received a scattered release as Walt Disney Studios Motion Pictures took advantage of school holidays in various markets. The film opened in a limited number of international markets in the weekend ending February 14, earning $4.5 million in three markets.[114] It expanded to 22 markets in its second weekend, into 36% of its total international markets, and added $31.2 million.[115] It added another $33 million in its third weekend with no new markets.[116] In its fourth weekend, it expanded to 45 countries and grossed $64.7 million, coming in second place at the international box office, behind the Chinese film Ip Man 3.[117] $3.3 million came from IMAX showings.[117] It finally topped the box office in its fifth weekend after a strong second-weekend gross in China. It added $89.3 million from 45 countries, an increase of 25% from its previous weekend.[118] It remained in first place for the second time in its sixth weekend,[119] before Batman v Superman: Dawn of Justice took the top spot.[120] It passed the $500 million mark in its eighth weekend.[121]
 In its opening weekend—which varied between markets—the film grossed $3.1 million in Spain and an additional $1.7 million in Belgium and Denmark. In Belgium, it had the biggest ever animated opening for a Disney or Pixar film.[114] It broke opening records for a non-Pixar Disney animated film in China ($23.6 million), France ($8.1 million), Russia ($7.8 million), Germany ($6.6 million), Hong Kong ($1.5 million), Poland ($1.2 million), and India.[115][117][120][122] It opened in the United Kingdom and Ireland with $7.5 million, Mexico with $4.6 million, Australia with $3.2 million, Brazil with $2.6 million, and in Italy, on a non-holiday weekend with $3.1 million.[115][119][120] The film had number-one openings in Austria, Switzerland, Portugal, and South Africa.[117] In the UK and Ireland, with significant competition from Batman v Superman: Dawn of Justice and the animated family film Kung Fu Panda 3, the film had a £5.31 million ($7.6 million) opening weekend from 579 theaters, including £1.74 million ($2.5 million) worth of previews, debuting in second place behind Dawn of Justice and falling just short of Walt Disney Animation Studios' best opening in the UK.[123][124] It fell just 24% in its second weekend.[125]
 Zootopia's largest markets overseas are China ($235.6 million), followed by Japan ($70.1 million), Russia and the CIS ($39.2 million), Germany ($34.2 million), the UK ($34.2 million), France ($31.9 million), and South Korea ($31.6 million).[126][127][128] In China, it is the highest-grossing Disney film in local currency (¥1.530 billion), surpassing Avengers: Age of Ultron (¥1.464 billion), as well as the seventh-highest-grossing film of all time.[129][130] In Russia, it is the second-highest-grossing film of all time in local currency (₽2.3 billion), behind only Avatar (₽3.6 billion).[131] It topped the Russian and German box office for three weekends,[132][133] and the Chinese and Korean box office for two weekends.[134][135]
 In China, where it was locally known as Crazy Animal City (疯狂动物城),[75] the film exceeded expectations[136] and was considered Hollywood's biggest breakout success in China since 2015's Jurassic World made $229 million.[137] It had an opening day of $3.4 million on its way to $23.6 million for its three-day opening weekend, debuting in second place and scoring the biggest non-sequel animated opening, as well as the second-biggest three-day opening and IMAX opening for an animated film, behind Kung Fu Panda 3.[117] In its ninth day of release (a Saturday), it recorded the biggest single-day gross ever for an animated film, with $25 million (compared to $10.6 million on its first Saturday), and passed the lifetime total of Big Hero 6 to become the highest-grossing Disney animated film in China.[138][139] In its second weekend, it grossed $60 million,[140] an enormous increase of 139% from its previous weekend, and crossed the $100 million mark to become the third animated film in China to do so, after Kung Fu Panda 3 and Monkey King: Hero Is Back. This also marked the single best weekend for an animated film.[118] In mid-March, the combined total of Kung Fu Panda 3 and Zootopia alone broke 2014's record of $286 million in box office grosses for American animated features in China.[141] In its third weekend, it grossed $40 million for a total of $175 million, making it the highest-grossing animated film of all time in China.[142] On March 27, its seventeenth day of release, it passed the $200 million mark, becoming the first animated film, the second Disney film, and the sixth Hollywood film overall to pass that milestone.[120] It became the highest-grossing animated film of all time and the second-highest-grossing film of 2016, behind only The Mermaid.[143]
 It opened in Japan on April 23[144] and earned $4 million in its opening weekend, debuting at second place in the box office, behind Detective Conan: The Darkest Nightmare,[145][146] and had the third-biggest Walt Disney Animation Studios debut in that market, behind Frozen and Big Hero 6.[90] Deadline.com pointed out that the average opening number might have been due to the 2016 Kumamoto earthquakes, which could have affected moviegoers.[90] In a rare achievement, it topped the box office in its third weekend after two weeks at No. 2.[147] In the following two weekends, it continued to increase its ticket sales,[148] and topped the box office there for four consecutive weekends.[149][150] After four straight wins, it was finally overtaken by the R-rated superhero film Deadpool.[151] It was the No. 1 western/Hollywood film for eight consecutive weekends.[152] The Hollywood Reporter cited that strong word of mouth, audiences watching both the English and Japanese versions, and 3D and 4DX screenings, as well as a popular Japanese version of the ""Try Everything"" song by Dream Ami, all helped boost Zootopia's performance.[149] Its strong run in the market aided the film to propel past the $1 billion mark worldwide.[153] It remained in top three for 11 consecutive weekends and has grossed a total of $70.1 million there.[154][155][156]
 On the review aggregator Rotten Tomatoes, the film has an approval rating of 98% based on 298 reviews, with an average rating of 8.1/10. The website's critical consensus reads: ""The brilliantly well-rounded Zootopia offers a thoughtful, inclusive message that's as rich and timely as its sumptuously state-of-the-art animation—all while remaining fast and funny enough to keep younger viewers entertained.""[11] It was the site's second-highest-rated film of 2016 behind Moonlight.[157] On Metacritic, the film has a score of 78 out of 100, based on 43 critics, indicating ""generally favorable reviews"".[158] Audiences polled by CinemaScore gave the film an average grade of ""A"" on an A+ to F scale.[159][97]
 Neil Genzlinger of The New York Times considered the movie ""funny, smart, [and] thought-provoking"".[160] Peter Travers of Rolling Stone wrote that Zootopia ""may be the most subversive movie of"" 2016, giving the film three-and-a-half stars out of four and praising its timely message about the harm of prejudice in the face of the prevailing xenophobic political rhetoric at the time of the film's release, and the film's humor.[12] Peter Debruge at Variety opined that Zootopia ""plays directly to the studio's strength"".[161] IGN reviewer Eric Goldman gave the film a 9.0 out of 10 'Amazing' score, saying ""Zootopia is a wonderful example of how Disney, at its best, can mix its past and present together in a very cool, compelling way. It takes the classic animation trope of animals walking, talking, and acting like humans, but gives it a modern spin both in terms of its humor and animation style ... and also in its themes, which are meaningful and fascinatingly topical.""[162]
 
Writing in British Sunday newspaper The Observer, reviewer Mark Kermode:  Very funny, and very likable holiday treat... The ensuing drama is nominally a tale of predators succumbing to their animal instincts while frightened prey fear their neighbours. In fact, it's a delightfully well-orchestrated parable about trust and tolerance versus panic and prejudice. An encouragingly upbeat celebration of love and diversity in times of hate and uncertainty. If that all sounds overly on-message, then fear not—the jokes are funny, the characters engaging, and the animation packed with delicious visual detail... this is proper family fun with genuine cross-generational appeal. Hooray![163] In the UK daily newspaper The Daily Telegraph, Robbie Collin noted, ""The lion doesn't just lie down with the lamb, they run for City Hall on a joint ticket. It's the diversity dream come true. Or is it? […] Think Busytown by way of Chinatown. It's almost certain to be the most existentially probing talking animal cartoon of the year."" Collin added, ""Like Nick Nolte and Eddie Murphy in 48 Hrs., albeit considerably cuter, Judy and Nick make a hilariously strained but effective double act – not least thanks to Goodwin and Bateman's tremendous vocal work, which trips along with the effortless swing and snap of great bebop.""[164]
 Matt Zoller Seitz of RogerEbert.com, despite generally liking the film (three out of four stars), had trouble with the film's central metaphor that conflicted with its message:  Zootopia is constantly asking its characters to look past species stereotypes, and not use species-ist language or repeat hurtful assumptions. This all seems clever and noble until you realize that all the stereotypes about various animals are to some extent true, in particular the most basic one carnivores eat herbivores because it's in their nature. If Zootopia were a bit vaguer, or perhaps dumber and less pleased with itself, it might have been a classic, albeit of a very different, less reputable sort. As-is, it's a goodhearted, handsomely executed film that doesn't add up in the way it wants to.[165] Also in The Daily Telegraph, Rosa Prince singled out the film's lead character, Judy Hopps, as a welcome change for Disney animated feature film heroines, such as the Disney Princess franchise. She found that unlike those characters' focus on romance or family loyalty, Hopps' focus is on her dream career as a police officer and serving her city.[166]
 Some were critically divided of the message about universal prejudices of all sorts interpreted as an allegory of American racism. Nico Lang of Consequence of Sound felt that Disney delivered a kids' version of Crash.[167] Others criticized the use of prey and predator species in the ""allegory""[168][169][170] while critics at The Root stated positively that the movie acknowledges culpability of systemic racism and white supremacy.[171] The Encyclopedia of Science Fiction states that the film ""uses its premise to examine cultural biases, stereotypes and prejudices, including conveying a strong anti-racist message. It avoids the species A = race Y trap; though the viewer needs to accept that, in this context, animal behaviour is being treated as a stereotype.""[172]
 The film was chosen by the American Film Institute as one of the top ten films of 2016,[173] and won the Academy Award,[174] Golden Globe, Critics Choice Movie Award and Annie Award for Best Animated Feature Film. It also received a nomination for the BAFTA Award for Best Animated Film, which it lost to Kubo and the Two Strings.[175][176]
 On March 21, 2017, a copyright infringement lawsuit was filed against Disney by Esplanade Productions, a company owned by Gary L. Goldman, the co-screenwriter of Total Recall. The lawsuit claims that Goldman (in 2000 and 2009) pitched a concept to Disney for a live-action film titled Looney, which was about a socially awkward animator who creates a self-inspired TV cartoon called Zootopia. Disney twice rejected the pitch, but Goldman accused the company of copying the name, themes, settings, and character tropes. Filed with the lawsuit was a graphic of early concept artwork of characters that are claimed to appear similar to major characters from the film, including Nick Wilde, Judy Hopps, Flash, and Chief Bogo. A Disney spokesperson described the lawsuit as being ""ridden with patently false allegations"".[177] After months of back-and-forth deliberation between the two parties, U.S. District Judge Michael W. Fitzgerald dismissed the infringement claims on November 8, 2017. As stated in the final review, ""Goldman's effort to make the plots of Looney and Zootopia seem similar were strained. All the purported similarities between the two works were themes, not plot points or sequences of events, that were too general to be protected by copyright law.""[178][179] Esplanade appealed to the Ninth Circuit, which affirmed the dismissal on April 24, 2019.[180]
 A card game based on the film called Zootopia: Suspect Search was released,[181] as well as a game for mobile phones titled Zootopia Crime Files.[182]
 In May 2018, it was announced that a Zootopia graphic novel was set to be published by Dark Horse Comics. The graphic novel, titled Disney Zootopia: Friends to the Rescue, was written by Jimmy Gownley, with art by Leandro Ricardo da Silva. It was released on September 25, 2018.[183]
 On January 22, 2019, Disney Parks announced a themed area based on Zootopia was to be coming to Shanghai Disneyland Park, with construction on the land beginning on December 9, 2019.[184] Construction halted for a brief period during the COVID-19 pandemic, but by June 2020, construction had resumed.[185] The land opened to the public on December 20, 2023, which is part of The Walt Disney Company's 100th anniversary celebration.[186] The land includes an trackless dark ride Zootopia: Hot Pursuit.
 On September 9, 2023, it was announced at Destination D23 that the It's Tough to Be a Bug! attraction at Disney's Animal Kingdom of Walt Disney World in Orlando, Florida would be replaced by a Zootopia show in the Tree of Life theater.[187] The show was revealed to be titled Zootopia: Better Together! in 2024, at the Disney Experiences showcase at D23, with a premiere of late 2025.[188]
 On December 10, 2020 during the Disney Investors Day livestream, Walt Disney Animation Studios announced that a television series entitled Zootopia+ would premiere in 2022 on Disney+ as one of the studios' first television projects, as most TV shows based on Disney's animated films are produced by Disney Television Animation. It was announced to be an anthology series that would feature storylines that follow 3 sets of characters from the film (the mobster shrews, the tiger dancers, and the sloths).[189][190][191] On November 12, 2021, Disney confirmed the series for a release in 2022, and also released a first-look teaser image which included characters from the film not previously confirmed to be in the series. The series would be directed by Trent Correy and Josie Trinidad.[192] It was released on November 9, 2022 with six shorts.[193]
 Among the episodes include an action parody starring Bonnie and Stu Hopps, a musical starring Duke Weaselton, a Real Housewives spoof with Fru-Fru, a film noir parody with Mr. Big, a dance competition parody with Clawhauser, Bogo, and Gazelle, and a romantic comedy parody with Flash and Priscilla. Judy Hopps and Nick Wilde cameo in the action parody and make other appearances throughout.[194] All the cast members from the movie reprised their roles. The music is composed by Curtis Strong and Mick Giacchino (Michael's son), with Michael scoring the ""Duke the Musical"" episode with lyrics by Kate Anderson and Elyssa Samsel (Olaf's Frozen Adventure, Central Park).[195]
 In June 2016, Howard and Moore were in talks about the possibility of a Zootopia sequel.[c] On February 8, 2023, Disney CEO Bob Iger announced that a sequel to Zootopia was in the works during the Disney 2023 Q1 investors call.[201] Later that day, screenwriter and co-director Jared Bush confirmed that he is working on the film as director and writer, while Josie Trinidad, who had served as head of story for the first film alongside Jim Reardon, was confirmed as the sequel's co-director, making it her feature directorial debut.[202][203] Ginnifer Goodwin, who voices Judy, told CinemaBlend that she would like to see a role reversal between Judy and Nick in the sequel. “I would like to see Nick have to be the one to convince Judy that the world is worth fighting for,” she said. Jason Bateman, who voices Nick, also told CinemaBlend about his idea for the sequel. “The two of us [Nick and Judy] kicking ass out there. Cleaning up the streets. We’re a couple of new cops out there. So, bad guys, be warned,” he said.[204] On February 7, 2024, Iger revealed during the Disney 2024 Q1 investors call that the sequel will officially be called Zootopia 2, and will release on November 26, 2025.[205] On August 9, 2024, Ke Huy Quan was announced to be playing Gary and Bush will be the sole writer and director of the film instead with Yvett Merino set to produce.[206]",6207,"Main page; Contents; Current events; About Wikipedia; Help; Learn to edit; Community portal; Upload file; ; learn more; Article; Talk; Read; Read; Upload file; Zootopia (franchise); Givskud Zoo; Everland; Zootopia (soundtrack); ; Byron Howard; Rich Moore; Jared Bush; Phil Johnston; Jim Reardon; Jennifer Lee; Clark Spencer; Ginnifer Goodwin; Jason Bateman; Idris Elba; Jenny Slate; Nate Torrence; Bonnie Hunt; Don Lake; Tommy Chong; J. K. 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Simmons; Octavia Spencer; Alan Tudyk; Shakira; Belgium; general theatrical release; Disney Digital 3-D; RealD 3D; IMAX 3D; 4DX; Michael Giacchino; fourth-highest-grossing film of 2016; other accolades; best films of 2016; American Film Institute; Best Animated Feature; 89th Academy Awards; spin-off; Zootopia+; Disney+; Zootopia 2; anthropomorphic; Judy Hopps; rural; police officer; parking duty; con artist; Weaselton; crocus; bulbs; Otterton; blackmails; tax evasion; arctic shrew; crime boss; savage; black jaguar; timberwolves; asylum; Lionheart; psychotropic effects; subway; dart pistol; prey-supremacist; Ginnifer Goodwin; Judy Hopps; Jason Bateman; Nick Wilde; red fox; Kath Soucie; Idris Elba; African buffalo; police chief; Jenny Slate; sheep; assistant mayor; Nate Torrence; doughnut; cheetah; dispatcher; Bonnie Hunt; Don Lake; Tommy Chong; domestic yak; J. K. 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Les Trolls (film),https://fr.wikipedia.org/wiki/Les_Trolls_(film),"Pour les articles homonymes, voir Troll (homonymie) et Les Trolls.
 Série Les Trolls 2 : Tournée mondiale(2020) 
 Pour plus de détails, voir Fiche technique et Distribution. modifier  Les Trolls (Trolls) est un film d'animation en 3D américain réalisé par Mike Mitchell et Walt Dohrn, sorti en 2016.
 Le film est basé sur les poupées Troll créées par Thomas Dam (en) en 1959. Deux suites, nommées Les Trolls 2 : Tournée mondiale et Les Trolls 3, sont sorties en 2020 et 2023.
 Les Trolls sont de petites créatures qui adorent chanter, danser et se faire des câlins. Malheureusement, il existe d'autres créatures, les Bergens, qui ne connaissent pas le bonheur. Le seul jour où les Bergens sont heureux est le Trollstice : une journée où les Bergens atteignent le bonheur en mangeant des Trolls. Heureusement, le roi Peppy réussit à sauver son peuple et le cacher durant près de vingt ans. Cependant, une fête retentissante mène un Bergen en exil, la ministre du bonheur, cuisinière en chef, à la cachette des Trolls. Les meilleurs amis de la princesse Poppy sont alors capturés. Armée de sa joie de vivre et de son énergie débordante, elle va devoir compter sur Branche, un Troll grognon sans couleur, afin de retrouver ses amis dans le territoire de leurs pires ennemis.
 Les Trolls sont de petites créatures colorées et perpétuellement heureuses qui chantent, dansent et se font des câlins toute la journée. Ils sont découverts par les gigantesques, laids et misérables Bergens, qui ne savent ni chanter ni danser ni même faire des câlins et croient qu'ils ne peuvent se sentir heureux qu'en mangeant un Troll. Les Bergen emprisonnent les Trolls dans un arbre en cage et les mangent chaque année pour une occasion spéciale, Le Trollstice. L'année où le prince Graillon Jr, fils du roi Graillon Sr, doit manger son premier troll, la cheffe chargée de la cérémonie découvre que le chef des Trolls, King Peppy, a pris sa petite fille, la princesse Poppy, et son peuple et a organisé une évasion. Le roi Graillon Sr. bannit la cheffe, et elle jure de trouver les trolls, tout en complotant secrètement pour renverser la monarchie pour se venger de son bannissement.
 Vingt ans plus tard, Poppy devenue adulte organise la plus marrante, la plus bruyante et la plus fracassante des fête pour célébrer le 20 ème anniversaire de l'évasion. Un troll masculin sérieux, gris et survivaliste nommé Branch prévient que cela pourrait compromettre leur position, mais tout le monde l'ignore. Malheureusement,ses prédictions se réalisent lorsque Cheffe se rend là où on lieu les feux d’artifice et kidnappe les meilleurs amis de Poppy: Cooper , Smidge Fuzbert, Satin, Chenille, Biggie, Guy Diamant ainsi que son intérêt amoureux, un troll ""zen"" nommé Creek. Pendant que le reste se recroquevissent dans le bunker de survie de Branch, Poppy part seule pour sauver ses amis. Elle se met dans plusieurs situations potentiellement mortelles et est finalement sauvée par Branch, qui pense que la quête est désespérée et l'a suivie à contrecœur pour échapper à son bunker bondé.
 Après une nuit dans leur camp, ils arrivent aux tunnels des racines et rencontrent Nuage man. Ce dernier accepte de les guider à condition que Branch lui fasse un tape m'en 5 mais ça dégénère. À leur arrivée à Bergen Ville, Poppy et Branch voient les bergens dépressifs et Graillon Jr, devenu roi. La cheffe sort de nulle part et montre les Trolls à King Graillon qui pourra finalement connaître le bonheur, la debannie, réinstaure le Trollstice et la cheffe lui sert Creek et Garillon semble le manger, mais Poppy a toujours l'espoir que Creek soit vivant, et trouve le reste des trolls gardés par une jeune bergen de chambre nommée Brigitte. Apprenant que Brigitte est secrètement amoureuse de Graillon Jr, Poppy et les trolls acceptent de l'aider à obtenir un rendez-vous en échange de son aide pour déterminer si Creek est en vie. Branch refuse de chanter avec le reste dans leur numéro musical qui s'ensuit ; lui et Poppy se chamaillent, et il révèle qu'il a refusé de chanter depuis que son chant a attiré l'attention de Cheffe, qui a trouvé sa maison, enlevé sa grand-mère qui l'a poussé pour le sauver et l'a probablement mangée. Sa couleur est passée du bleu au gris ce jour-là de la culpabilité.
 Poppy le réconforte avec un câlin, et les trolls déguisent Brigitte en ""Lady Pallaite-Froufrou"". Elle et Griallon Jr vont à un rendez-vous dans un restaurant à arcades puis à une patinoire à roulettes, et Poppy apprend que Creek retenu captif dans un bijou sur la cape de Graillon. Après le date, les trolls se rend dans la chambre de Graillon et tentent de libérer Creek, mais découvrent que le bijou est vide. La cheffe arrive, les attrape à nouveau, et Poppy est horrifiée d'apprendre que Creek, en échange de sa propre survie, les a tous trahis à Cheffe. Il vole la cloche à vache de Poppy et l'utilise pour piéger le reste des trolls pour que Cheffe les capture et place dans une marmite destiné à être servi à la fête. Poppy ayant cœur brisé et les autres trolls tombent dans le désespoir et deviennent gris.
 Branch, ayant retrouver la joie, chante pour lui remonter le moral. Poppy répond à ses sentiments et chante, et tous les trolls, y compris Branch, retrouvent leur espoir et leurs couleurs. Brigitte, ne voulant pas qu’ils se fassent tous manger, les libère pendant que la cheffe ne regarde pas. Poppy, sachant comment les Bergens en colère réagiront, refuse de permettre à Brigitte de se sacrifier. Les trolls reviennent et expliquent aux Bergens que Lady Paillette-Froufrou est en fait Brigitte, et qu'elle et Graillon sont déjà heureux d'être amoureux l'un de l'autre sans avoir manger un trolls de leurs vie.
 Les trolls montrent aux Bergen qu'eux aussi peuvent trouver le bonheur en eux-mêmes, apportant lumière, couleur et joie à Bergen Ville. Cheffe refuse d'accepter la paix, et elle et Creek sont mis sur un chariot de service enflammé qui les envoie rouler hors de Bergen Ville. De retour à la maison, Poppy est devenue reine des Trolls et entame une relation avec Branch.
 Creek et Chef se retrouvent au sommet d'une colline. Le chef tente de manger Creek, mais la colline, qui est en fait un monstre et que Poppy est déjà passée dessus, les mange.
  Sauf indication contraire ou complémentaire, les informations mentionnées dans cette section peuvent être confirmées par la base de données IMDb.
  Source et légende : Version française (VF) sur RS Doublage[5] et générique des éditions en vidéo.
  Source et légende : version québécoise (VQ) sur Doublage.qc.ca[6].
 Le 23 juin 2010, DreamWorks Animation annonce avoir conclu un accord avec la société de Dam Things, qui produit les poupées Troll, afin de créer un film[7]. Adam Wilson et Melanie Wilson LaBracio sont alors annoncés pour écrire le scénario[7]. En septembre 2012, il est annoncé que le film a pour titre de travail Trolls, qu'il sortira le 5 juin 2015 avec Anand Tucker à la réalisation d'après un scénario de Wallace Wollodarsky et Maya Forbes. En plus de se baser sur les poupées Troll, le film s'inspire d'une trilogie de romans de Terry Pratchett nommée Le Grand Livre des gnomes (The Nome Trilogy)[8].
 En avril 2013, DreamWorks Animation annonce avoir acquis la propriété intellectuelle pour la franchise Trolls de la Dam Family et Dam Things[9]. Ayant « de grands projets pour la franchise », la société de production devient le détenteur des droits pour les produits dérivés à l'échelle mondiale, à l'exception de la Scandinavie, où Dam Things reste le détenteur des droits[9]. Un mois plus tard, DreamWorks Animation annonce Mike Mitchell (Shrek 4) à la réalisation et Erica Rivinoja au scénario afin de « réimaginer » le film en tant que comédie musicale qui présente l'origine des cheveux colorés des Trolls[10]. Le 6 janvier 2016, la distribution du film est annoncée sur Twitter[11].
 
 Singles modifier  Justin Timberlake, qui prête sa voix au personnage de Branch dans le film, est également producteur délégué où il supervise la direction créative de la musique[13]. Ainsi, il publie le premier titre de la bande originale, intitulé Can't Stop the Feeling! et écrit par lui-même, Max Martin et Shellback, le 6 mai 2016[13]. La chanson arrive à la première place des meilleures ventes de singles dans plus de dix-sept pays[14].
 La bande originale met en vedette trois pistes originales supplémentaires écrites par Timberlake spécialement pour le film et interprétées par lui-même et d'autres artistes tandis qu'Anna Kendrick, James Corden, Icona Pop, Zooey Deschanel et Christopher Mintz-Plasse effectueront des reprises de chansons à succès des dernières décennies[13]. La bande originale est sortie le 23 septembre 2016 sur RCA Records[13].
 Il est annoncé en mai 2013 que le film sortira le 4 novembre 2016[15].
 Le 28 janvier 2016, la première bande-annonce est dévoilée[16]. Une deuxième est mise en ligne dès le 29 juin 2016[17].
 Pour son premier jour d'exploitation aux États-Unis et au Canada, Les Trolls se place à la seconde place et rapporte 12,3 millions dans 4060 cinémas, derrière Doctor Strange avec 32,5 millions[18]. Le film reste à la deuxième place avec 46,5 millions lors du premier week-end d'exploitation, toujours derrière Doctor Strange qui effectue 85 millions[19]. Finalement, le film rapporte 338 022 563 $ au box-office mondial, dont 152 512 834 $ en Amérique du Nord et 185 509 729 $ à l'international[1].
 En France, également pour son premier jour d'exploitation, le film se positionne à la deuxième place du classement avec 94 434 entrées dans 611 salles, derrière Brice 3 et ses 180 531 entrées[20]. Dès sa première semaine, il reste à la deuxième place avec 976 227 entrées, toujours derrière Brice 3 qui effectue 1 100 295 entrées[21]. Au total, le film cumule 2 712 699 entrées[22].
 Les Trolls sort d'abord en numérique le 24 janvier 2017 puis le 7 février en DVD, Blu-ray[23] et Ultra HD[24] aux États-Unis et le 20 février 2017 en France[25]. Le film est premier dans le classement des ventes en vidéo durant ses deux premières semaines aux États-Unis[26],[27].
 Un television special, intitulé Les Trolls : Spécial fêtes (Trolls Holiday), poursuit les événements du film[39]. Il est diffusé le 24 novembre 2017 sur NBC, aux États-Unis[39], et le 23 décembre 2017 sur Gulli, en France[réf. nécessaire]. La princesse Poppy constate que les Bergens n'ont pas de vacances à célébrer. Elle recrute alors Branch et le groupe Snack Pack pour montrer à sa meilleure amie, Brigitte, et à d'autres Bergens l'importance des vacances. Anna Kendrick, Justin Timberlake, Zooey Deschanel, Christopher Mintz-Plasse et James Corden reprennent leurs rôles[39]. Après sa diffusion à la télévision, il sort uniquement en digital et DVD le 28 novembre 2017 aux États-Unis[39] et le 12 décembre 2017 en France[40].
 Une série d'animation basée sur le film, nommée Trolls : En avant la musique ! (Trolls: The Beat Goes On), est diffusée depuis le 19 janvier 2018 sur Netflix[39],[41].
 Annoncée en février 2017, une suite, intitulée Les Trolls 2 : Tournée mondiale (Trolls World Tour), sortira en avril 2020[42],[43]
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https://login.wikimedia.org/wiki/Special:CentralAutoLogin/start?type=1x1; /static/images/footer/wikimedia-button.svg; /w/resources/assets/poweredby_mediawiki.svg,https://en.wikipedia.org/wiki/Trolls,Troll,https://en.wikipedia.org/wiki/Trolls,"A troll is a being in Nordic folklore, including Norse mythology. In Old Norse sources, beings described as trolls dwell in isolated areas of rocks, mountains, or caves, live together in small family units, and are rarely helpful to human beings.
 In later Scandinavian folklore, trolls became beings in their own right, where they live far from human habitation, are not Christianized, and are considered dangerous to human beings. Depending on the source, their appearance varies greatly; trolls may be ugly and slow-witted, or look and behave exactly like human beings, with no particularly grotesque characteristic about them.
 Trolls are sometimes associated with particular landmarks in Scandinavian folklore, which at times may be explained as formed from a troll exposed to sunlight. Trolls are depicted in a variety of media in modern popular culture.
 The Old Norse nouns troll and trǫll (variously meaning ""fiend, demon, werewolf, jötunn"") and Middle High German troll, trolle ""fiend"" (according to philologist Vladimir Orel likely borrowed from Old Norse), possibly developed from Proto-Germanic neuter noun *trullan, meaning ""to tread, step on"". The origin of the Proto-Germanic word is unknown.[1] Additionally, the Old Norse verb trylla 'to enchant, to turn into a troll' and the Middle High German verb trüllen ""to flutter"" both developed from the Proto-Germanic verb *trulljanan, a derivative of *trullan.[1]
 In Norse mythology, troll, like thurs, is a term applied to jötnar and is mentioned throughout the Old Norse corpus. In Old Norse sources, trolls are said to dwell in isolated mountains, rocks, and caves, sometimes live together (usually as father-and-daughter or mother-and-son), and are rarely described as helpful or friendly.[2] The Prose Edda book Skáldskaparmál describes an encounter between an unnamed troll woman and the 9th-century skald Bragi Boddason. According to the section, Bragi was driving through ""a certain forest"" late one evening when a troll woman aggressively asked him who he was, in the process describing herself:
 Old Norse:
 Anthony Faulkes translation:
 John Lindow translation:
 Bragi responds in turn, describing himself and his abilities as a skillful skald, before the scenario ends.[4]
 There is much confusion and overlap in the use of Old Norse terms jötunn, troll, þurs, and risi, which describe various beings. Lotte Motz theorized that these were originally four distinct classes of beings: lords of nature (jötunn), mythical magicians (troll), hostile monsters (þurs), and heroic and courtly beings (risi), the last class being the youngest addition. On the other hand, Ármann Jakobson is critical of Motz's interpretation and calls this theory ""unsupported by any convincing evidence"".[5] Ármann highlights that the term is used to denote various beings, such as a jötunn or mountain-dweller, a witch, an abnormally strong or large or ugly person, an evil spirit, a ghost, a blámaðr, a magical boar, a heathen demi-god, a demon, a brunnmigi, or a berserker.[6][7]
 Later in Scandinavian folklore, trolls become defined as a particular type of being.[8] Numerous tales are recorded about trolls in which they are frequently described as being extremely old, very strong, but slow and dim-witted, and are at times described as man-eaters and as turning to stone upon contact with sunlight.[9] However, trolls are also attested as looking much the same as human beings, without any particularly hideous appearance about them, but living far away from human habitation and generally having ""some form of social organization""—unlike the rå and näck, who are attested as ""solitary beings"". According to John Lindow, what sets them apart is that they are not Christian, and those who encounter them do not know them. Therefore, trolls were in the end dangerous, regardless of how well they might get along with Christian society, and trolls display a habit of bergtagning ('kidnapping'; literally ""mountain-taking"") and overrunning a farm or estate.[10]
 Lindow states that the etymology of the word ""troll"" remains uncertain, though he defines trolls in later Swedish folklore as ""nature beings"" and as ""all-purpose otherworldly being[s], equivalent, for example, to fairies in Anglo-Celtic traditions"". They ""therefore appear in various migratory legends where collective nature-beings are called for"". Lindow notes that trolls are sometimes swapped out for cats and ""little people"" in the folklore record.[10]
 A Scandinavian folk belief that lightning frightens away trolls and jötnar appears in numerous Scandinavian folktales, and may be a late reflection of the god Thor's role in fighting such beings. In connection, the lack of trolls and jötnar in modern Scandinavia is sometimes explained as a result of the ""accuracy and efficiency of the lightning strokes"".[11] Additionally, the absence of trolls in regions of Scandinavia is described in folklore as being a ""consequence of the constant din of the church-bells"". This ringing caused the trolls to leave for other lands, although not without some resistance; numerous traditions relate how trolls destroyed a church under construction or hurled boulders and stones at completed churches. Large local stones are sometimes described as the product of a troll's toss.[12] Additionally, into the 20th century, the origins of particular Scandinavian landmarks, such as particular stones, are ascribed to trolls who may, for example, have turned to stone upon exposure to sunlight.[9]
 Lindow compares the trolls of the Swedish folk tradition to Grendel, the supernatural mead hall invader in the Old English poem Beowulf, and notes that ""just as the poem Beowulf emphasizes not the harrying of Grendel but the cleansing of the hall of Beowulf, so the modern tales stress the moment when the trolls are driven off.""[10]
 Smaller trolls are attested as living in burial mounds and in mountains in Scandinavian folk tradition.[13] In Denmark, these creatures are recorded as troldfolk (""troll-folk""), bjergtrolde (""mountain-trolls""), or bjergfolk (""mountain-folk"") and in Norway also as trollfolk[14] (""troll-folk"") and tusser.[13] Trolls may be described as small, human-like beings or as tall as men depending on the region of origin of the story.[15]
 In Norwegian tradition, similar tales may be told about the larger trolls and the Huldrefolk (""hidden-folk""), yet a distinction is made between the two. The use of the word trow in Orkney and Shetland, to mean beings which are very like the Huldrefolk in Norway, may suggest a common origin for the terms. The word troll may have been used by pagan Norse settlers in Orkney and Shetland as a collective term for supernatural beings who should be respected and avoided rather than worshipped. Troll could later have become specialized as a description of the larger, more menacing Jötunn-kind whereas Huldrefolk may have developed as the term for smaller trolls.[16]
 John Arnott MacCulloch posited a connection between the Old Norse vættir and trolls, suggesting that both concepts may derive from spirits of the dead.[17]
 Troll, a Norwegian research station in Antarctica, is so named because of the rugged mountains which stand around that place like trolls. It includes a ground station which tracks satellites in polar orbit.
 Trolls have appeared in many works of modern fiction, most often, in the fantasy genre, with classic examples being the portrayal of trolls in works such as in Tolkien's Middle-earth[18] or the Dungeons & Dragons roleplaying game.[19][20]
 Beginning in the 1950s, Troll dolls were a popular toy based on the folklore creature. Trolls based on the dolls appeared in the Hollywood animated movie Trolls (2016) and its subsequent sequels Trolls World Tour (2020), and Trolls Band Together (2023).
 Troll[21] is the name, and main antagonist, of a 2022 Norwegian movie released by Netflix on December 1, 2022.
 It has been hypothesized that the troll myth might have its origin in real-life interactions between anatomically modern humans and Neanderthals.[22][23]
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La Garde du Roi lion,https://fr.wikipedia.org/wiki/La_Garde_du_Roi_Lion,"La mise en forme de cet article est à améliorer (août 2024).
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 modifier - modifier le code - voir Wikidata (aide)  La Garde du Roi lion (The Lion Guard) est une série télévisée d'animation américaine, produite par les studios Disney. Basée sur les longs métrages d'animation Le Roi lion (1994) et Le Roi lion 2 (1998), Cette série montre l’adolescence de Kiara ; la troisième saison fait quant à elle suite au même film.
 Le pilote, intitulé La Garde du Roi lion : Un nouveau cri, a été diffusé le 22 novembre 2015 sur Disney Junior, Disney Channel[3] et Disney Cinémagic , puis la diffusion de la série s'est poursuivie à partir du 15 janvier 2016[4]. 
 En France et en Belgique, elle est diffusée depuis le 27 janvier 2016 sur Disney Junior puis sur France 3 dans l'émission Ludo depuis le 1er septembre 2016[5] et au Québec à partir du 27 février 2016 sur La Chaîne Disney[6].
 Un épisode spécial, L'Ombre de Scar (The Rise of Scar), a été diffusé le 27 novembre 2017 aux États-Unis et le 29 juillet 2017 en France.
 La série raconte les efforts de Kion, le plus jeune enfant de Simba et Nala, afin de réunir une équipe d'animaux pour protéger la Terre des Lions. Certains personnages du Roi lion et sa suite Le Roi lion 2 apparaissent tels que Kiara, Timon, Pumbaa, Rafiki, Zazu, Nala et Simba[7],[8]. Il met également en vedette de nouveaux personnages dont Fuli le guépard, Beshte l'hippopotame, Ono l'aigrette et Bunga le ratel (ou le zorille du cap), amis de Kion[9]. Les Principaux ennemis de la garde sont les Hyènes vivant sur la terre interdite dirigée par Janja (saisons 1 et 2).
 Sources : lionguardfandom.com [10]
 Sources : rsdoublage.com [14]
 La série a été annoncée par Disney le 9 juin 2014 au Comic Con, le même mois que le 20e anniversaire du premier film et a été décrit comme « Le Roi lion rencontre The Avengers[15]. »
 L'annonce de la série est venue après une réunion entre le directeur général de Disney Junior, Nancy Kanter et le chef de la direction de Disney Robert Iger. Robert a suggéré à Nancy que Disney Junior devrait envisager la production de cette série pour célébrer le 20e anniversaire du film en 2014. Disney a montré des images assez tôt pour attirer le jeune public, qui était en mesure de faire des suggestions, telles que le réglage du regard des hyènes. Disney Consumer Products a lancé une ligne de jouets basée sur la série télévisée ; au moins cinq titres de livres basés sur la série sont également prévus pour une sortie en janvier 2016 : Return of the Roar, Can't Wait to Be Queen, Bunga the Wise, Follow That Hippo!, Meet the New Guard et Kion's Animal Alphabet[16].
 Le 12 août 2015, une bande-annonce a été présentée lors de l'exposition D23, avec de nouvelles informations sur le long métrage[17],[18].
 L'épisode pilote, intitulé La Garde du Roi lion : Un nouveau cri, est diffusé le 22 novembre 2015 sur Disney Junior Disney Channel et Disney Cinemagic . En 2016 il a été annoncé qu’une saison 2 serait en production. En 2017, il a été annoncé que la saison 3 était officiellement en cours de production et serait diffusée le 27 août 2019 aux États-Unis et en France, sur Disney junior, elle sera diffusée au mois de novembre. 
 En août 2015, Disney confirme qu'une partie de la distribution vocale originale sera présente[19],[20].",597,"Accueil; Portails thématiques; Article au hasard; Contact; Débuter sur Wikipédia; Aide; Communauté; Modifications récentes; ; Rechercher; en savoir plus; Contributions; Discussion; Article; Discussion; Lire; Lire; Pages liées; Suivi des pages liées; Téléverser un fichier; Pages spéciales; ; ; wikifier; ; Série d'animation; Aventures; jeunesse; Science-fiction; Disney Television Animation; ; États-Unis; Disney Junior; Disney Channel; Disney+; 15; janvier; 2016; 17; novembre; 2019; (aide); ; série télévisée; animation; américaine; studios Disney; longs métrages; Le Roi lion; 1994; Le Roi lion 2; 1998; Kiara; 22; novembre; 2015; Disney Junior; Disney Channel; 15; janvier; 2016; France; Belgique; 27; janvier; 2016; Disney Junior; France 3; Ludo; 1er; septembre; 2016; Québec; 27; février; 2016; La Chaîne Disney; Kion; Simba; Nala; Kiara; Timon; Pumbaa; Rafiki; Zazu; Nala; Simba; guépard; hippopotame; aigrette; ratel; zorille; Kion; zorille du Cap; guépard; hippopotame; aigrette; aigle martial; Simba; Nala; Kiara; Mufasa; Scar; Zira; Vitani; Kovu; éléphante; Rafiki; mandrill; chaman; gorille; rhinocéros; espèce; hyènes; chacals; protèles; zèbre; Zazu; calao; ombrette; vautour; gymnogène; drongo; oiseau; crocodiles; girafe; Timon; Pumbaa; suricate; phacochère; guépard; autruche; okapi; buffle; léopard; gazelle; rongeur; tortue; cobra égyptien; Disney Television Animation; Disney Junior; Disney-ABC Domestic Television; ; États-Unis; HDTV; 16/9; États-Unis; 15; janvier; 2016; France; Belgique; 27; janvier; 2016; Canada; Québec; 27; février; 2016; Kion; Atticus Shaffer; Joshua Rush; Rob Lowe; Simba; Gabrielle Union; Nala; Eden Riegel; Kiara; Timon; Ernie Sabella; Pumbaa; Khary Payton; Rafiki; Jeff Bennett; Zazu; James Earl Jones; Mufasa; Sarah Hyland; Madison Pettis; Maia Mitchell; Kevin Michael Richardson; Dee Bradley Baker; Russi Taylor; Greg Ellis; Cam Clarke; Blair Underwood; Christian Slater; Ana Gasteyer; Phil LaMarr; David Oyelowo; Emma Bunton; Entertainment Weekly; Kion; Benjamin Bollen; Diane Dassigny; Emmanuel Curtil; Simba; Nala; Kelly Marot; Kiara; Jean-Philippe Puymartin; Timon; Michel Elias; Pumbaa; Med Hondo; Rafiki; Serge Faliu; Michel Prud'homme; Zazu; Gilles Morvan; Mufasa; Xavier Fagnon; Gérard Surugue; Patrice Dozier; Clément Moreau; Michel Vigné; Patrick Borg; Saïd Amadis; Pierre-François Pistorio; Jean-Michel Vaubien; Élisabeth Wiener; Zira; Cédric Dumond; Kovu; Dorothée Pousséo; Vitani; Damien Boisseau; Marie Zidi; Guy Chapellier; Scar; Daniel Beretta; Anaïs Delva; Aurélie Konaté; Jérémie Covillault; Paul Borne; Clara Soares; Olivier Podesta; Arnaud Léonard; Liste des épisodes de La Garde du Roi lion; Comic Con; premier film; The Avengers; Disney Junior; Robert Iger; Disney Consumer Products; bande-annonce; D23; pilote; Disney Junior; Disney Channel; Bibliothèque verte; Entertainment Weekly; Variety; The Wall Street Journal; Time; Entertainment Weekly; Variety; The Daily Mirror; The Daily Telegraph; v; Roi Lion; Disney; Simba; Mufasa; Sarabi; Nala; Scar; Timon; Pumbaa; Rafiki; Zazu; Kiara; Kovu; Sarafina; Zira; Vitani; Kion; Le Roi lion; Le Roi lion 2 : L'Honneur de la tribu; Le Roi lion 3 : Hakuna Matata; Le Roi lion; Mufasa : Le Roi lion; Timon et Pumbaa; Festival of the Lion King; Legend of the Lion King; Le Roi lion; Circle of Life: An Environmental Fable; Bande originale du Roi Lion; Can You Feel the Love Tonight; Circle of Life; Hakuna Matata; Bande originale du Roi lion (2019); The Lion King: The Gift; Le Roi lion; Le Roi lion : Atelier de jeux; Le Roi lion; Kingdom Hearts 2; Le magazine; v; Séries télévisées; Disney; The Mouse Factory; Les Wuzzles; Les Gummi; La Bande à Picsou; Les Nouvelles Aventures de Winnie l'ourson; Tic et Tac, les rangers du risque; Super Baloo; Myster Mask; La Bande à Dingo; La Petite Sirène; Raw Toonage; He's Bonkers; Bonkers; Le Marsupilami; Aladdin; Gargoyles, les anges de la nuit; Timon et Pumbaa; Couacs en vrac; Mighty Ducks; Gargoyles: The Goliath Chronicles; Doug; Le Livre de la jungle, souvenirs d'enfance; Nightmare Ned; Les 101 Dalmatiens, la série; La Cour de récré; Pepper Ann; Hercule; Rolie Polie Olie; Mickey Mania; Les Weekenders; Les Aventures de Buzz l'Éclair; Tous en boîte; Galaxie Lloyd; La Légende de Tarzan; Le Livre de Winnie l'ourson; Cool Attitude; Stanley; Teamo Supremo; Fillmore !; Kim Possible; Lilo et Stitch, la série; Dave le barbare; W.I.T.C.H.; Brandy et M. 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The series was first broadcast with a television film titled The Lion Guard: Return of the Roar on Disney Channel on November 22, 2015, and began airing as a TV series on January 15, 2016, on Disney Junior.[3] It is the second television series to be based on The Lion King, the first being The Lion King's Timon & Pumbaa (1995–1999). The Lion Guard is a sequel and spin-off to The Lion King, and takes place during the time-gap within the 1998 direct-to-video sequel The Lion King II: Simba's Pride,[4] while the third and final season takes place in parallel with the film's second act, with the final two episodes serving as an epilogue.
 The second season premiered on July 7, 2017, followed by the third on August 3, 2019,[5] with the series finale airing on November 3 the same year.
 The show centers on Kion, the son of King Simba and Queen Nala, and the younger brother of Kiara. As second-born to the throne, Kion was gifted with a power called the 'Roar of the Elders' and becomes the leader of the Lion Guard, a team that protects the Pride Lands and defends the Circle of Life. 
 Despite the tradition that the Lion Guard has always been made of lions, Kion appoints his friends Bunga the honey badger, Beshte the hippopotamus, Fuli the cheetah, and Ono the egret, and together, they set out to keep their homeland safe and protect it from animals who disrespect the Circle of Life.
 At the start of Season 2, the Lion Guard's mission becomes harder when Kion's deceased granduncle Scar returns as a fiery spirit and plans to destroy the Pride Lands. Scar forms an army consisted of animals from the Outlands. This eventually leads to an all-out battle between the Pridelanders and the Outlanders.
 By Season 3, the guard, now teenagers, successfully defeat Scar. Afterwards, they leave the Pride Lands to locate the Tree of Life in Asia to cure Kion and Ono's battle injuries, Kion having received a venomous scar from Ushari the cobra and Ono losing his eyesight from the poisonous volcanic fumes while rescuing Bunga. Kion's team also gets a new member, a female martial eagle named Anga who replaces Ono's position as the keenest of sight after Ono temporarily loses his eyesight, while the latter gains a new position as the smartest.
 Once reaching the Tree of Life, the Lion Guard assists in defending the haven from intruders together with the Night Pride, the group and family who protects the Tree of Life. After Kion and Ono are healed and their enemies are defeated, hyenas Jasiri and Janja (the latter having reformed during the final confrontation with Scar) come looking for them and alert them that Zira and her pride are back.
 The Lion Guard returns to the Pride Lands, only to find out that the conflict has already been settled. Zira's daughter, Vitani, has formed her own Lion Guard in their absence, causing an argument between them and Kion's Lion Guard. However, after seeing Vitani's confidence in becoming a leader even without the Roar, Kion allows Vitani's Lion Guard to succeed his Guard as defenders of the Pride Lands. Kion and his friends return to Asia where Kion marries the Night Pride's leader, Queen Rani, and is crowned king of the Tree of Life.
 The characters returning from The Lion King and its sequels and spin-offs appear in this series:
 The series was announced by Disney on June 9, 2014, on the run-up to the first film's 20th anniversary. Disney Junior general manager Nancy Kanter stated: ""It's kind of like The Lion King meets The Avengers"".[10] The series' announcement came after a meeting between Kanter and Disney chief executive Robert Iger. Iger suggested to Kanter that Disney Junior should consider producing content to celebrate the 20th anniversary of The Lion King in 2014. Disney had shown early footage to young test audiences, who were able to make suggestions, such as adjusting the look of the hyenas.[11] Disney Consumer Products launched a line of toys to tie into the television series, as well at book titles based on the series such as Return of the Roar, Can't-Wait to be Queen, Bunga the Wise, Meet the New Guard, Fuli Finds Her Place, Join the Lion Guard!, and Kion's Animal Alphabet.[12] A sneak peek of The Lion Guard was shown at the 2015 D23 Expo.[13] On August 12, 2015, a sneak peek was shown, with new information that the television movie was scheduled to air in November 2015 to be titled The Lion Guard: Return of the Roar.[14] On October 9, 2015, it was announced that Return of the Roar would premiere on November 22, 2015, on Disney Channel.[15]
 On coming up with the idea, the series' creator and executive producer Ford Riley noted that at the end of The Lion King the presentation of Simba and Nala's newborn cub is seen. In The Lion King II: Simba's Pride, it is revealed that the cub in question is Kiara and that she will be the future queen. Riley was interested in the idea of a second-born cub and what his role would be if Kiara is destined to become queen. Additionally, he was inspired by his 8-year-old son, who would visit the park with friends and pretend to be a superhero team.[4][16]
 Riley confirmed the timeline of the series; in Simba's Pride there is a years-long time gap, The Lion Guard takes place during the years in-between Kiara's first meeting with Kovu as a cub and her first hunt as an adult.[4] Riley also noted the inclusion of Swahili into the series, which is used for names of characters, locations, songs, and catchphrases.[4]
 Classic mythology is used as inspiration for the show. Riley stated ""We want it to feel epic and so we're trying to draw from as many epics in classical literature and classical television in addition to (The Lion King) itself"". Riley noted that protecting the Circle of Life is the main theme of the series; ""The animals who respect it don't eat too much, allow for the grass to grow, and larger animals to eat smaller animals. Our bad guys come from those that don't respect the Circle of Life. They just want to eat and wreak havoc.""[16]
 In terms of giving The Lion Guard the same look as the original film, director Howy Parkins stated that they were mindful to keep the essence of The Lion King. To that end, the crew did extensive research on the look of the backgrounds and characters and were able to obtain some original model sheets. In addition, Barry Atkinson and Mike Surrey, background painter and supervising animator for Timon on the original film respectively, were brought in to consult with the series' background artists, animators and storyboard artists.[17]
 Speaking on the show's educational aspect, Parkins stated that research was done on animals and habitats in the Serengeti, and that this information is woven into storylines without being overt.[17]
 Like its American counterpart, Return of the Roar premiered on November 22, 2015, on Disney Channel in Canada, while the series premiered on January 17, 2016, on Disney Junior, two days after its American premiere.[18][19] In the United Kingdom and Ireland, Return of the Roar premiered on Disney Junior on February 8, 2016, while the series premiered on April 13, 2016.[20][21] In Australia and New Zealand, the pilot debuted on February 6, 2016, and the series began airing on February 28, 2016, on Disney Junior.[22] In Southeast Asia, the pilot premiered on March 20, 2016, on Disney Channel (April 11 on Disney Junior) and the series itself on April 17 on the Disney Junior block on Disney Channel.[23][24]
 Max Nicholson from IGN gave the pilot episode score of 7.7, describing the special as ""a fun-filled, if younger-skewing, hour television"". He praised the pilot for introducing more of the Lion King lore, and also the animation, music, and performance of the new voice actors. However, he found Janja and his clan lacked the appeal to make a compelling villain.[25]
 Ed Power of The Daily Telegraph scored the pilot two stars out of five, labeling it a ""Soggy, Sentimental throwback"".[26]
 Emily Ashby of Common Sense Media gave the series four out of five stars, stating ""With its strong messages about courage, responsibility, and friendship, this series is a fun pick for kids, and parents who watch with their kids will enjoy seeing the original The Lion King gang -- including Timon, Pumbaa, and the eccentric Rafiki -- in cameos throughout the series"".[27]
 Distributed by Walt Disney Studios Home Entertainment.
 Talking Lion Guard Backpack Clip
 Lion Guard Power Necklace
 It's UnBungalievable shorts
Five Lion Guard Wristbands
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 A second soundtrack release entitled The Lion Guard: Disney Junior Music was released digitally on September 1, 2017.",1515,"Main page; Contents; Current events; About Wikipedia; Help; Learn to edit; Community portal; Upload file; ; learn more; Article; Talk; Read; Read; Upload file; ; Adventure; Comedy; Musical; The Lion King; Ford Riley; Howy Parkins; Max Charles; Joshua Rush; Diamond White; Atticus Shaffer; Bryana Salaz; Michael Luwoye; Christopher Willis; Beau Black; list of episodes; Disney Television Animation; Disney Channel; Disney Junior; Ford Riley; Disney; The Lion King; television film; Disney Channel; Disney Junior; The Lion King's Timon & Pumbaa; The Lion King II: Simba's Pride; Kion; Simba; Nala; Kiara; Scar; Zira; Vitani; List of The Lion Guard episodes; List of The Lion King (franchise) characters; Kion; Max Charles; Bunga; Joshua Rush; Fuli; Diamond White; Beshte; Ono; Atticus Shaffer; Anga; Bryana Salaz; The Lion King; Simba; Rob Lowe; Matthew Broderick; Nala; Gabrielle Union; 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La Légende de Korra,https://fr.wikipedia.org/wiki/La_Légende_de_Korra,"modifier - modifier le code - voir Wikidata (aide)  La Légende de Korra (The Legend of Korra) est une série d'animation américaine créée par Michael Dante DiMartino et Bryan Konietzko et diffusée du 14 avril 2012 au 19 décembre 2014 sur la chaîne Nickelodeon. Prévue initialement comme une mini-série de 12 épisodes faisant suite à la série à succès Avatar, le dernier maître de l'air, elle comporte finalement un total de 52 épisodes répartis en quatre saisons.
 En France et en Belgique francophone[1], le premier épisode fut diffusé le 19 septembre 2012 à 16 h 50 sur Nickelodeon France dans sa section Ntoons[2]. Ensuite, la chaîne J-One diffusera la première saison entière, qui est aujourd'hui disponible sur Canalplay. À partir du 3 juillet 2017, France 4 diffuse à son tour la série entière.
 La série a changé de nom plusieurs fois avant sa diffusion. Appelée initialement Avatar: Legend of Korra, elle était conçue au départ pour être une mini-série de 12 épisodes, qui serait diffusée à partir du 14 avril 2012. Devant son succès, elle a ensuite été reconduite pour 14 épisodes supplémentaires, qui couvriront le 2e livre. Finalement, Nickelodeon a renouvelé la série pour une deuxième saison de 26 épisodes qui sera divisée en deux afin de couvrir le 3e et 4e livre[3]. Ces deux premiers livres formeront la première saison de la série tandis que les troisième et quatrième formeront la deuxième saison. Le titre a alors été changé afin de devenir The Last Airbender: Legend of Korra (le Dernier Maître de l'Air : la Légende de Korra). Le 14 mars 2012, le nom a encore une fois été changé pour devenir enfin The Legend of Korra (La Légende de Korra). La série s'achève à la quatrième saison, il n'est pas prévu qu'une cinquième ait lieu[4].
 Soixante-dix ans après la fin de la domination de la Nation du Feu (laquelle a été défaite par l'avatar Aang et grâce au concours de l'actuel seigneur du feu Zuko), le monde connaît enfin une ère de paix et la République des Nations est créée par Aang et Zuko sur les terres anciennement volées par la Nation du Feu au Royaume de la Terre. La capitale de ce nouvel État, la Cité de la République, accueille désormais des citoyens issus de toutes les nations, y compris la famille d'Aang et de Katara, Aang et son fils cadet Tenzin étant les derniers Nomades de l'Air encore en vie.
 Quelque temps avant le début de la série, Aang décède, et, suivant le cycle de résurrection des avatars, une jeune fille issue de la Tribu de l'Eau du Sud hérite des pouvoirs du maître de l'air. Sous la tutelle de l'ordre du Lotus blanc (une organisation chargée de défendre l'Avatar et de l'initier à la maîtrise des quatre éléments), d'une Katara vieillissante et du chef Tonraq, l'enfant prodige Korra parvient à maîtriser l'eau, le feu et la terre, mais requiert un maître de l'air qui lui permettrait de maîtriser ce dernier élément et ainsi de devenir un avatar accompli. Mais Korra, du haut de ses dix-sept ans, est une adolescente rebelle et défie régulièrement les règles établies par sa famille et par le Lotus blanc. Lorsque Tenzin, dernier maître de l'air depuis le décès de son père Aang, annonce à Korra qu'il doit repousser la période d'apprentissage de Korra en raison de ses responsabilités au sein de la République des Nations, la jeune avatar décide de quitter la Tribu de l'Eau du Sud clandestinement, et rejoint la Cité de la République en bateau.
 Isolée depuis son enfance, Korra découvre pour la toute première fois les évolutions technologiques de ces dernières années: électricité, radio, industrie... mais, inconsciente des lois en vigueur dans la Cité, Korra prend à parti le speaker d'un parti politique révolutionnaire appelé les Égalitaristes, et qui souhaitent l'abolition de la maîtrise des éléments. Un comble pour un avatar. Le leader du parti, Amon, est décrit comme un homme mystérieux, mais charismatique et qui pourrait faire vaciller le pouvoir en place au sein de la République des Nations. Plus tard, Korra assiste au pillage d'un magasin par les membres d'une triade. Refusant de laisser les criminels s'enfuir, Korra attaque avec sa chienne-ourse Naga les gangsters, qui sont rapidement mis hors de combat. Alors que les forces de police de la ville arrivent et arrêtent les criminels, Korra est également sommée d'accompagner les policiers en raison des dommages matériels qu'elle a causé. Défiant l'autorité, Korra tente de s'enfuir mais est rattrapée par les policiers qui maîtrisent un élément récemment découvert: le Métal.
 Au poste de police, Korra est interrogée par Lin Beifong, la fille de Toph, protagoniste d' ""Avatar : Le dernier maître de l'Air"", pionnière de la maîtrise du Métal, et première cheffe de la police de la Cité de la République. Lin ayant hérité du caractère de cochon de sa mère, le ton monte entre les deux femmes avant que Tenzin ne fasse irruption dans la salle d'interrogatoire. Faisant valoir sa position en tant que conseiller au sein du Conseil de la République (le pouvoir exécutif de l'Etat), Tenzin parvient à obtenir la libération de Korra, qui dès lors est sommée de quitter la Cité de la République. Après avoir reconsidéré son injonction, Tenzin accepte de superviser l'apprentissage de Korra en l'hébergeant sur une île au large de la ville, sur laquelle vivent Tenzin et sa famille.
 Korra fait donc la rencontre de Pema, l'épouse de Tenzin, ainsi que de ses trois enfants: Jinora, l'aînée, est une prodige de l'air, très talentueuse et spirituelle ; Ikki, sa sœur, est d'une nature plus enjouée, mais également plus téméraire ; enfin, Meelo, le benjamin et seul garçon de la famille, est celui qui a hérité de la nature casse-cou, insolente et immature de son grand-père Aang, n'hésitant par exemple pas à dénigrer ses sœurs malgré leur maîtrise de l'air très poussée. On apprend plus tard que Pema est enceinte d'un quatrième enfant.
 Korra a interdiction de se rendre en ville tant que son apprentissage ne sera pas arrivé à son terme, or, par l'intermédiaire de la radio, Korra développe une passion pour les tournois de la Ligue des Maîtres, un sport très populaire au sein de la Cité de la République. Comble de la frustration, le stade dans lequel les tournois ont lieu est visible depuis l'île des Nomades de l'Air. Bravant l'interdiction de Tenzin, Korra se rend au tournoi de ce soir, et y fait la rencontre de Bolin et de son frère Mako, respectivement maîtres de la Terre et du Feu. Malgré l'avis de Mako, et à la grande joie de Korra, la jeune avatar est autorisée à remplacer un membre de l'équipe des deux frères: les Furets de Feu, dont la mascotte est un authentique furet de feu nommé Pabu et appartenant à Bolin. Mais là encore, la méconnaissance des règles joue contre Korra, qui accumule les fautes, dévoile notamment son statut d'avatar (ce qui alerte les membres du Lotus blanc et Tenzin, qui écoutaient la radio). Finalement, le match est remporté par les Furets de Feu, mais Korra est vite rattrapée par ses devoirs lorsque Tenzin fait irruption dans les vestiaires et somme Korra de retourner sur l'île des Nomades de l'Air immédiatement.
 Korra poursuit tant bien que mal son entraînement, tandis que sur le continent, les Furets de Feu font face à la réalité: ils manquent de moyens financiers, et leur sponsor est sur le point de les lâcher. Mako et Bolin doivent donc chercher autant de sources d'argent que possible, et Mako travaille notamment dans une usine électrique, usant de sa maîtrise de la Foudre (une variété de la maîtrise du feu vue dans ATLA chez Iroh, Ozai, Azula et Zuko, et démocratisée depuis). En rentrant un soir du travail, Mako manque de se faire renverser par Asami Sato, la fille du fameux industrialiste Hiroshi Sato (personnage inspiré de Henry Ford et dont les industries font écho au modèle Ford-T, la première voiture vendue en masse aux États-Unis). La jeune entrepreneuse s'éprend immédiatement d'amour pour le sportif, et lui propose, en guise de dédommagement, de partager un repas haut de gamme aux frais d'Asami. Pendant ce temps, Bolin est démarché par une triade qui l'engage comme homme de main, le jeune homme ne se doutant de rien.
 Mako, pour l'heure, souhaite retrouver son frère disparu. Avec l'aide de Korra, Mako remonte la piste d'une triade alliée avec les Égalitaristes d'Amon, et parviennent à s'infiltrer dans un meeting présidé par le leader du groupe. Là, Amon développe ses projets politiques criminels, et pour faire bonne mesure, annonce avoir développé un appareil électronique qui imite le pouvoir de suppression de maîtrise dont seul l'avatar a l'usage. En d'autres termes, Amon peut désormais bloquer la maîtrise de quiconque, définitivement. L'horreur est poussée à son paroxysme quand Korra et Mako aperçoivent, parmi les cobayes sur lesquels l'appareil sera testé, Bolin. Fomentant un plan pour le secourir, Korra s'éclipse et fait fuir un tuyau de vapeur qui, grâce à la maîtrise de l'Eau de l'avatar, envahit bientôt la salle de conférence. Mako profite de la confusion pour secourir son frère in extremis, Amon laissant volontairement l'équipe de l'Avatar s'enfuir afin de véhiculer le message d'Amon, et de mettre en garde le Conseil de la République.
 Choquée par les actions d'Amon, Korra développe un stress post-traumatique, qui empire avec le poids des responsabilités de l'avatar que Korra doit porter. Car le Conseil de la République, dirigé de fait par le représentant de la Tribu de l'Eau du Nord Tarrlok, souhaite la mise en place d'une milice de surveillance, et requiert dans ses rangs la présence de Korra. Tarrlok fait valoir l'arrestation de Yakone, un criminel maître du Sang qui a été arrêté grâce à l'avatar Aang et à sa capacité de neutraliser Yakone malgré sa maîtrise du Sang. Cette décision déplaît fortement à Tenzin, mais le Conseil vote unanimement la création de la milice de Tarrlok. Le conseiller est conforté dans ses décisions lorsque la radio-pirate d'Amon annonce que tous les maîtres vivront bientôt dans la terreur. Korra refuse pourtant d'intégrer la milice, au grand dam de Tarrlok qui ne compte pas en rester là.
 Pendant ce temps, et à l'issue de son rendez-vous avec Asami, Mako obtient de cette dernière l'exclusivité d'une rencontre avec l'entrepreneur. Ce dernier propose même de devenir sponsor des Furets de feu au nom de sa société: les Industries de l'Avenir. Les enfants de Tenzin sont intrigués par les pots-de-vin et cadeaux de Tarrlok à destination de Korra, mais cette dernière refuse toujours d'intégrer la milice. Changeant de tactique, le politicien sans scrupule décide de faire jouer la carte médiatique et populaire, en invitant l'avatar à un gala organisé par ses soins, et auquel toute la presse de la République des Nations est conviée. Sous le flash des caméras et la pression des journalistes, Korra accepte tant bien que mal la proposition de Tarrlok. À peine quelques heures plus tard, un raid dans un centre d'entraînement de bloqueurs de chi permet le démentiellement d'une partie du réseau d'Amon, lequel est par ailleurs défié en duel par l'avatar sur l'île du mémorial de l'avatar Aang. Là, Korra est prise au piège par Amon et des bloqueurs de chi, lesquels, alors que Korra est laissée inconsciente à terre, lui permettent d'avoir une vision de sa vie passée (celle d'Aang); dans cette vision, le criminel Yakone passe devant la cour de justice de la Cité de la République, présidée par Sokka et avec le concours de la cheffe de police Toph Beifong et d'Aang. À l'issue de son procès, duquel Yakone est jugé pour utilisation illégale de la maîtrise du sang, puis déclaré coupable, le criminel s'échappe en maîtrisant Aang et toute l'assemblée, puis en se libérant en manipulant les muscles et le sang de Toph pour lui apporter les clefs de ses menottes.
 Le flashback s'arrête là, et Korra se réveille, terrorisée et renvoyée à sa propre faiblesse en dépit de son statut d'avatar. Tenzin arrive à temps pour la réconforter, lequel lui affirme qu'avoir conscience de ses peurs est le premier pas (mais aussi le plus dur) pour les surpasser. Pendant ce temps, Asami et Mako passent du temps en amoureux et s'avouent mutuellement leurs sentiments, avant que leur discussion ne prennent un tournant plus tragiques, les deux avouant également être respectivement orphelin de mère pour l'une, de père et de mère pour l'autre.
 Plus tard, les Furets de feu s'entraînent pour un nouveau match, désormais sponsorisés par les Industries de l'Avenir dont Asami est la représentante auprès de l'équipe. Asami et Mako ne manquent pas une occasion de montrer leur amour, au grand damne de Korra. Bolin profite de la situation pour faire des avances à la jeune avatar, qui sont immédiatement rejetées et mènent à un conflit entre les quatre protagonistes, particulièrement entre les deux garçons. Korra, face à cette situation délicate, trouve conseil auprès de Pema, l'épouse de Tenzin. Cette dernière mentionne par ailleurs la première compagne du dernier maître de l'Air, qui n'est autre que Lin Beifong. Par la suite, à la fois pour satisfaire Bolin et provoquer Mako, Korra accepte de sortir avec le maître de la Terre. Leur premier rendez-vous a lieu dans un restaurant de nouilles, mais est vite perturbé par l'irruption des joueurs d'une équipe adverse qui, non contente d'être en tête du tournoi, se permet de provoquer et d'intimider Korra, laquelle laisse sa chienne-ourse Naga gérer la situation à grands coups d'aboiements qui terrorisent les provocateurs.
 Après coup, les provocations réciproques de Mako et de Korra dégénèrent en une dispute ouverte et sans ménagement, alors même que les deux s'avouent mutuellement leurs sentiments. Après quelques jours de guerre froide entre Bolin, Mako et Korra, la situation revient à la normale  quand les Furets de feu décrochent une place pour la demi-finale du tournoi des maîtres. La situation dégénère lorsque Mako et Korra s'embrassent, laissant respectivement Asami et Bolin sur le carreau. Le cœur brisé, Bolin se réfugie dans le même restaurant de nouilles où il avait eu rendez-vous avec Korra, et se laisse tenter par des bols entiers de nouilles, qu'il dévore pour oublier. La situation ne désescalade au fil des jours, et les Furets de feu, de par leur manque cruel de communication et de confiance mutuelle, sont sur le point de perdre en demi-finale du tournoi des maîtres. Korra finit malgré tout par donner la victoire à son équipe dans une manche décisive. À l'issue du match, Korra use de sa maîtrise de l'eau pour soigner ses coéquipiers, une compétence qui a été enseignée par Katara à la jeune avatar.
 La finale du tournoi des maîtres approche, mais Amon, une nouvelle fois par l'intermédiaire de la radio, lance un ultimatum au Conseil de la République: annuler la finale du tournoi d'un sport réservé aux maîtres despotes, ou subir l'ire des Égalitaristes. Sur l'avis de Korra et de Lin Beifong (laquelle prend en charge la surveillance du match avec ses maîtres du Métal), la finale a finalement lieu, conformément aux plans d'Amon malheureusement. Lin profite de cette occasion pour faire une trêve avec Tenzin, les deux surveillant ainsi les gradins du stade où se tiendra le match. Lorsque ce dernier commence, les Furets de feu sont vaincus grâce à des techniques déloyales, auxquelles l'arbitre ne fait volontairement pas attention.
 Le match se termine par la défaite des Furets de feu, mais la cérémonie de remise de trophée est interrompue par les Égalitaristes d'Amon qui, infiltrés parmi les supporters, neutralisent un à un les maîtres du Métal, puis Lin, Tenzin, Korra, Bolin et Mako. Amon en personne émerge sur le terrain de jeu en sautant depuis un dirigeable en stationnaire au-dessus du stade; une fois l'attention portée uniquement sur lui, il commence son discours. Regrettant que même le sport soit corrompu par les maîtres, le leader révolutionnaire décide de châtier lui-même les tricheurs en leur privant leur maîtrise élémentaire. Devant une foule choquée par cet acte, Amon annonce que la révolution anti-maîtres est en marche, et que la technologie remplacera bientôt la maîtrise pour permettre l'égalité entre tous les individus. Se libérant de leurs geôliers, Korra et ses amis tentent d'arrêter Amon alors que celui-ci tente de s'enfuir. Avec le soutien de Lin Beifong, Korra parvient à neutraliser quelques égalitaristes avant de se faire maîtriser par le Lieutenant d'Amon, un homme utilisant des bâtons électriques qui paralysent et électrisent les personnes qui rentrent en contact avec. Alors que Korra tombe dans le vide, Lin se résout à stopper sa poursuite pour sauver la vie de la jeune avatar; une fois en lieu sûr, et les Égalitaristes partis, Lin déclare qu'elle avait perdu une bataille, mais qu'elle gagnera la guerre, alors même que Tenzin annonce que la Cité de la République est effectivement entrée en guerre.
 Asami propose aux garçons et à Korra de rester quelque temps dans son manoir familial, le temps de se remettre de leurs émotions; si Korra est dans un premier temps peu enjouée à cette idée, elle se fait vite au train de vie luxueux de la jeune femme, alors même que les affaires vont bon train grâce à l'éviction du marché du concurrent direct des Industries de l'Avenir, Brocolis & Co., dont le directeur est soupçonné d'être affilié aux Égalitaristes. Pourtant, Korra tombe un jour sur Hiroshi Sato en pleine conversation téléphonique, au cours de laquelle il semble donner des détails et informations aux Égalitaristes. En informant Beifong et Tenzin, Korra permet la mise sous surveillance d'Hiroshi Sato et de ses usines, s'attirant les foudres d'une Asami dégoûtée à l'idée qu'on puisse ainsi accuser son père. Le comble du grotesque pour elle advient lorsque Lin Beifong, usant de sa maîtrise de la Terre pour utiliser des ondes sismiques, affirme qu'une usine a été construite sous le manoir familial.
 S'interrogeant sur la disparition soudaine d'Hiroshi à la suite de cette découverte, Beifong et ses maîtres du Métal mènent l'enquête en s'introduisant dans l'usine via une entrée secrète; une fois sur les lieux, ils sont pris au piège et alertent Mako, Asami, Korra et Bolin qui les rejoignent. Asami, faisant face aux réelles intentions de son père pour la première fois, est tiraillée entre son amour pour son père, et ses propres valeurs ainsi que celles de son entreprise. Finalement, feintant de rejoindre son père dans le camp égalitariste, la jeune femme neutralise Hiroshi à l'aide d'un gant électrique déjà utilisé lors de la finale du tournoi des maîtres. Ce faisant, Asami a permis à Korra, Bolin, Mako, Lin et à quelques maîtres du Métal de s'échapper, même si la plupart de ces derniers sont toujours retenus prisonniers. Ayant failli à son devoir, et souhaitant désormais agir en dehors du simple cadre légal, Lin Beifong annonce sa démission du poste de cheffe des forces de police.
 Le poste de chef de la police revient au capitaine Saikhan, un homme entretenant des liens étroits avec le conseiller Tarrlok, et qui met dès son investigation ses forces sous l'égide du maître de l'eau. La saison de la ligue des maîtres étant terminée, Tenzin reprend l'initiation de Korra à la maîtrise de l'air, bien que son tempérament l'empêche de se focaliser sur la dimension spirituelle de la maîtrise de l'air, pourtant nécessaire. Korra n'est jamais en paix, d'autant que Tarrlok a légiféré pour restreindre les droits des non-maîtres, notamment en appliquant des couvre-feux et autres politiques discriminatoires, si bien que l'avatar en vient à confronter directement le conseiller. Dominé, Tarrlok joue son va-tout: il est un maître du sang, une maîtrise pourtant illégale au sein de la Cité de la République. Pire encore, il maîtrise le sang en dehors des périodes de pleine lune, une don qui n'a été découvert que chez le criminel Yakone.
 Finalement, Tarrlok kidnappe la jeune avatar, en feintant l'intrusion d'Égalitaristes, puis l'enferme dans un chalet perdu dans les montagnes. De retour en ville, Tarrlok est poussé dans ses derniers retranchements après qu'une expédition en terre égalitariste menée par Tenzin a démenti le récit du conseiller; son témoignage est vite démenti, y compris par la secrétaire de Tarrlok, et ce dernier est mis aux arrêts par Tenzin. Mais tel Yakone qui maîtrise Aang pour s'échapper, Tarrlok utilise sa maîtrise du sang pour étrangler Tenzin et toutes les autres personnes à sa poursuite. Pensant être en sécurité dans son chalet, Tarrlok est privé de sa maîtrise puis kidnappé à son tour par Amon, tandis que Korra parvient à échapper in extremis aux Égalitaristes. Grâce à Naga qui a flairé sa trace, une Korra très affaibli parvient miraculeusement à retourner en ville et à y être soignée.
 La disparition de Tarrlok accélère les plans des Égalitaristes, lesquels lancent une attaque de grande envergure sur la Cité de la République au moyen d'avions de combat et d'assauts au sol. L'île des Nomades de l'Air est attaquée à son tour, alors que Pema est sur le point d'accoucher. Lin assure la protection de la famille de Tenzin, tandis que la flotte de la République des Nations, commandée par le général Iroh II, est en route pour aider les forces de la Cité de la République. L'île des Nomades de l'Air tombe finalement, et non sans avoir rencontré de résistance, entre les mains des Égalitaristes. Pema, qui vient d'accoucher, les enfants et Tenzin évacuent l'île sur le bison volant Oogi, tandis que Lin se sacrifie pour détruire un dirigeable égalitariste, et en dévier un autre. Elle est finalement capturée par Amon, et sa maîtrise lui est privée.
 La marine de la République est décimée dès son entrée dans la baie de la Cité de la République par des mines sous-marines, des torpilles et des bombardements aériens. Malgré la résistance du général Iroh II, le navire de ce dernier est finalement coulé, et le militaire secouru par Korra. Une fois soigné, Iroh II monte un plan pour saboter les infrastructures égalitaristes, situées au-delà des montagnes qui ceinturent la Cité de la République; son plan est malgré tout un échec, et lui, Asami et Bolin sont capturés et détenus en prison. Là, Hiroshi Sato tente une nouvelle fois de raisonner sa fille, qui lui affirme être très déçue de lui. Finalement, c'est Naga qui, grâce à la force de ses pattes avant, parvient à libérer les prisonniers. Profitant de cette occasion, Bolin détruit les avions et pistes de décollage du site, tandis qu'Iroh II s'envole pour combattre les Égalitaristes dans le ciel, et qu'Asami combat une dernière fois son père avant de le maîtriser et de le capturer.
 Mako et Korra s'infiltrent dans l'île des Nomades de l'Air afin de tendre un piège à Amon; là, ils y retrouvent un Tarrlok n'ayant plus rien à perdre, qui leur explique qu'Amon (de son vrai nom Noatak) n'est ni plus ni moins que le frère de Tarrlok et le fils de Yakone. De ce fait, celui qui se prétend défenseur des idéaux anti-maîtres est à la fois un maître de l'Eau et un maître du Sang. Grâce à ces informations, Korra tente de faire éclater la vérité au grand jour face aux partisans d'Amon réunis dans une salle de conférence, mais la jeune avatar se rend vite compte que le public n'est pas convaincu, grâce notamment à un habile maquillage qui sert à appuyer le statut de martyr de la cause anti-maître d'Amon. Mais il y a plus important: Tenzin et sa famille ont été capturés, et sont sur le point de voir leur maîtrise privée à jamais. C'est la maîtrise de l'Air qui risque de disparaître.
 Alors que Mako fait diversion et libère les maîtres de l'Air, Korra affronte Amon, dont les vraies intentions sont découvertes par son Lieutenant; son plus loyal partisan quitte alors Amon, au grand damne de celui-ci qui tue alors le Lieutenant en guise de représailles pour cette trahison. Puis, utilisant sa maîtrise du sang, Amon immobilise Korra et parvient à la priver des trois éléments qu'elle maîtrisait. Alors que le même sort attendait Mako, Korra révèle sa maîtrise de l'air, un deus ex machina qui envoie Amon par-delà une fenêtre donnant sur la mer. Amon, risquant de se noyer, n'a d'autre choix que de révéler sa maîtrise de l'eau et ainsi de détruire tout le mythe qui tournait autour de lui. Il est finalement contraint de prendre la fuite en hors-bord avec Tarrlok. Mais, ce dernier rongé par le remords, utilise le matériel présent sur le bateau pour commettre une attaque-suicide qui tue les deux frères ennemis sur le coup. Le mouvement révolutionnaire meurt avec son chef.
 Dans la Cité de la République, le commandant Bumi (frère de Tenzin et fils de Aang et de Katara) accoste dans la baie, et aide Iroh II à rétablir l'ordre dans la ville. Lin et les autres prisonniers sont libérés, tandis qu'Hiroshi Sato écope d'une peine de prison à vie. Mais la maîtrise de Lin et de Korra a disparu, et cette dernière tente désespérément d'obtenir de l'aide de Katara, retournant ainsi provisoirement dans la Tribu de l'Eau du Sud. Là, Korra est déçue car Katara ne lui est d'aucune secours. C'est alors que, désespérée et isolée de tous, la jeune avatar reçoit la visite de sa vie antérieure: Aang. Celui-ci, grâce à son pouvoir à celui des avatars Roku, Yangchen, Wan, Kioshi et de tous les autres avatars passés, rétablissent la maîtrise des quatre éléments à Korra. Les avatars passés offrent également à Korra la possibilité de rétablir la maîtrise de n'importe qui, permettant notamment à Lin Beifong de retrouver sa maîtrise de la Terre et du Métal, ainsi que son poste de cheffe de la police.
 La deuxième saison (ou deuxième livre) commence six mois après l'attaque de la Cité de la République par les Égalitaristes. Le peuple a pris conscience de la corruption qui gangrenait le système politique jusqu'alors en place, et la dissolution du Conseil de la République a été prononcée, l'assemblée étant remplacée par un président élu au suffrage universel direct: le président Raiko. Korra et ses amis sont retournés à la Cité de la République, où Korra parfait son enseignement de la maîtrise de l'Air, tandis qu'Asami a repris l'entreprise de son père -quoique devant faire face à sa légende noire désormais- et que Mako a été engagé au sein des forces de police de la Cité de la République.
 Pendant ce temps, au large des terres glacées de la Tribu de l'Eau du Sud, des marins-pêcheurs sont entraînés par le fond par une mystérieuse créature: un esprit rebelle qui cause la mort des malheureux humains. Leur disparition, même mystérieuse, ne fait l'objet d'aucun article de presse au sein de la Cité de la République, alors Korra profite de ses jours heureux sur l'Île des Nomades de l'Air. Le frère de Tenzin et ex-commandant de la Marine, Bumi, a récemment élu domicile sur l'île, au grand dam de Tenzin qui n'apprécie guère le tempérament bagarreur et fonceur de son frère. Par ailleurs, Bumi est révélé comme ne maîtrisant aucun élément, ne comptant que sur son sens aiguisé de la stratégie pour commander les forces navales de la République des Nations. Son frère le maître de l'Air prévoit pourtant une visite en famille des différents Temples de l'Air avec Bumi et leur sœur Kya, temples dans lesquels leurs ancêtres se réunissaient autrefois.
 Lorsque le Festival des Esprits, une fête traditionnelle ancestrale des Tribus de l'Eau visant à renforcer leurs liens entre elles et les esprits, débute, Korra manifeste largement son enthousiasme à l'idée de retourner au Pôle Sud. Refusant dans un premier temps de voyager jusqu'au Pôle Sud, Tenzin doit reconsidérer sa position quand Bumi l'informe que leur mère Katara les a invités à la rejoindre avec leur sœur Kya. Se faisant à l'idée qu'il devra se rendre au Pôle Sud, Tenzin décide de faire venir avec lui Korra, Bolin et Mako. Asami les rejoint également, car souhaitant rencontrer un investisseur excentrique nommé Varrick là-bas.
 Une fois sur place, Korra est accueillie en grande pompe par son père Tonraq, le chef de la Tribu du Sud. Elle rencontre également son oncle Unalaq, chef de la Tribu du Nord, son cousin Desna et sa sœur jumelle Eska. Bolin tombe amoureux d'Eska en dépit de la froideur qui caractérise la fille du chef du Nord. Visitant les attractions du festival, Unalaq déplore que l'aspect spirituel et religieux de cet événement ne soit désormais plus qu'un argument marketing, mettant notamment en garde son frère et sa nièce que les esprits doivent sûrement être mécontents de cette situation.
 Pendant ce temps, Asami, assistée par Bolin, se rend sur le yacht du millionnaire excentrique Varrick, seule personne à pouvoir encore sauver la société de la jeune femme. L'excentricité de l'homme d'affaires est amplifiée par ses courtisans qui, pour éviter de le frustrer, se joue au jeu de Varrick, le flattant et mentant en inventant des récits farfelus le mettant en valeur. Contre l'avis d'Asami, Bolin fait preuve de lucidité et conteste les prouesses inexistantes de Varrick. L'homme, que l'on pensait irritable au possible, renvoie l'un de ses courtisans malhonnêtes et se rapproche vite de Bolin, lui faisant notamment découvrir sa toute nouvelle invention: le cinématographe. L'intervention de Bolin permet d'accélérer les négociations entre Varrick et Asami, les deux investisseurs promettant de faire un marché commun à l'issue du banquet que Tonraq donne le soir-même. On apprend par ailleurs que c'est notamment grâce au soutien financier de Varrick que le président Raiko a été élu à la tête de la République des Nations.
 Alors qu'Unalaq propose à sa nièce de parfaire sa maîtrise de l'Eau et de découvrir la spiritualité de la Tribu de l'Eau du Nord, le chef Tonraq et Tenzin s'opposent au projet du chef du Nord, considérant que Korra doit d'abord maîtriser l'élément de l'Air. Mais, apprenant ce qui était arrivé aux marins victimes d'un mauvais esprit, Korra avoue être lassée de ses entraînements avec Tenzin, et vouloir se rendre utile en combattant les mauvais esprits. Plus tard, lors du banquet donné par Tonraq en l'honneur de sa fille, cette dernière apprend que ce sont Tonraq et Tenzin qui ont choisi de la forcer à rester toute sa jeunesse durant au Pôle Sud. La confiance entre Korra, son père et Tenzin se dégrade. Pendant ce temps, le dernier maître de l'Air retrouve son frère Bumi ainsi que sa sœur Kya, Les trois enfants d'Aang et de Katara se sont séparés à la mort de leur père, car là où Bumi s'est engagé dans la Marine de la République des Nations, Kya est restée avec sa mère désormais veuve au Pôle Sud pour veiller sur elle. On apprend par ailleurs que Kya est une maître de l'Eau à l'instar de sa mère, et que cette dernière lui a enseigné de nombreuses techniques de soin.
 À l'issue du banquet, Bolin se met en tête d'avouer ses sentiments à Eska; mais cette dernière, d'une nature pour le moins sadique, lui annonce qu'elle accepte de sortir avec Bolin, mais qu'elle le considérera au mieux pour un ami, au pire pour un esclave. Pendant ce temps, la famille de Korra croise par malchance le chemin d'un esprit malveillant qui manque de mettre hors de combat l'avatar. L'esprit est finalement apaisé par Unalaq, qui maîtrise l'Energie spirituelle. Impressionnée, Korra accepte que son oncle la prenne sous son aile. Mis à pied par Korra, Tenzin se résout à quitter le Pôle Sud et à commencer son voyage familial aux Temples de l'Air. Direction le Temple de l'Air du Sud.
 Alors que son entraînement commence, Korra est averti par Unalaq que son entraînement requerra l'ouverture d'un portail spirituel, un acte assez dangereux qui n'impressionne pour autant pas le moins du monde Korra. Unalaq avoue à sa nièce que si Tonraq est devenu chef de la Tribu du Sud, c'est parce qu'il a été en premier lieu banni de la Tribu du Nord après qu'il a par mégarde embrassé une forêt sacrée en pourchassant des bandits ayant attaqué le Nord. Korra se met en colère contre son père en apprenant cela, lequel assume son acte mais tâche de le nuancer en invoquant la séparation entre humains et esprits. Sa philosophie, en contradiction totale avec celle de son frère, aboutit à un débat sur le manque de spiritualité de la Tribu du Sud, représentée notamment par l'absence d'aurores boréales, pourtant fréquentes dans le Nord.
 Après la dispute, Korra et Unalaq se mettent en route vers le portail des esprits, lequel n'est autre que le cœur gelé de la forêt que Tonraq a autrefois incendié. Mais la situation se complique lorsqu'un groupe de Maîtres de l'Eau du Sud tendent une embuscade Unalaq et tentent de l'éliminer. Cet acte jugé lâche est le casus belli qui déclenche officiellement la guerre civile entre les deux Tribus de l'Eau. L'avatar, malgré son rôle de pacificatrice, ne veut pas intervenir dans cette guerre qui devient littéralement fratricide. Malgré les divergences d'opinion entre Eska et Bolin, respectivement alliés d'Unalaq et de Korra, Bolin refuse de rompre avec la fille du chef, de peur que celle-ci ne le gèle vivant et ne le jette en pâture à des piranhas. Tonraq, son épouse et ses plus proches partisans sont arrêtés pour crime de haute trahison et tentative d'assassinat sur Unalaq, bien que les parents de Korra soient innocents dans cette affaire. Korra, flairant l'arnaque, exige un procès équitable pour tous les prisonniers; à l'issue de ce procès, le juge Hotah relaxe la mère de Korra; les autres prévenus sont tous condamnés à la peine capitale, qui est commutée en prison à perpétuité sur demande de Korra et d'Unalaq. Les prisonniers doivent néanmoins purger leur peine au Pôle Nord, loin des lieux de trouble.
 Korra ne souhaite pas en rester là, et, pour libérer son père et les autres prisonniers, décide de faire parler le juge Hotah. Ce dernier, sous la menace que représentent les crocs acérés de Naga, avoue qu'Unalaq a payé le juge pour faire appliquer la peine maximale, et que c'est par sa faute que la forêt sacrée a été incendiée (et donc que Tonraq a été banni de la Tribu du Nord). Unalaq a ainsi détrôné son propre frère et l'a condamné à l'exil, puis à la prison à vie. Unalaq, mis devant ses propres actions, tente de faire diversion en persuadant Korra qu'une guerre civile entre Tribus de l'Eau causerait un déséquilibre spirituel tel qu'il ne pourrait en résulter que l'annihilation du Sud. Le seul moyen d'éviter cela est donc de mener à bien la Convergence harmonique, ou l'ouverture du portail spirituel.
 Pendant ce temps, Asami, Bolin et Mako convainquent Varrick de se lancer à la poursuite du navire de la Tribu de l'Eau du Nord qui transportent Tonraq et ses pairs. Le millionnaire fou fait donc émerger des calles de son yacht un hydravion qui, propulsé par le feu de Mako, permet aux protagonistes de rejoindre le navire nordiste et d'en libérer les prisonniers. Après être remontés sur le yacht, ces derniers mettent le cap sur la Cité de la République pour obtenir l'aide de la Flotte républicaine d'Iroh II. Eska, qui a de fait rompu avec Bolin de par son départ pour la Cité de la République, tente en vain de poursuivre ce dernier en utilisant sa maîtrise de l'Eau. Elle échoue néanmoins, mais focalise désormais son ire sur celle qui a détourné Bolin d'Eska: Korra.
 En chemin, Varrick suggère que Bolin devienne un acteur, et dont le personnage qu'il incarnera, Nuktuk, fera office d'outil de propagande au service du Sud. Dans une certaine mesure, Varrick venait d'inventer la propagande médiatique. Arrivés à la Cité de la République, Korra et Varrick rencontrent le président Raiko, tandis que Lin Beifong ordonne à Mako de se rendre en urgence sur le trajet d'une marche pacifiste de maîtres de l'Eau du Sud, afin de veiller à ce qu'il n'y ait aucun débordement. Pendant ce temps, au Pôle Sud, Unalaq décide d'activer le pas et d'ouvrir d'une façon ou d'une autre le portail spirituel du Nord, à défaut d'avoir pu le faire au Sud. Les membres de la Tribu du Sud vivant dans la Cité de la République sont parallèlement visés par un attentat à l'explosif qui touche et ravage leur centre culturel. Alors que tout porte à croire qu'il s'agit d'un acte de mercenaires du Nord, Mako, témoin de la scène, affirme avoir vu des maîtres du Feu. La situation se bloque alors que le président Raiko refuse l'envoi de troupes au Sud, ne voulant pas interférer dans les affaires internes des Tribus de l'Eau.
 Mais, forte de ses contacts dans les milieux politico-militaires, Korra réussit à obtenir du général Iroh II l'envoi de troupes qui supporteront officieusement le Sud. C'est sans compter sur la délation de Mako qui, fidèle à son poste et donc à la République et ses représentants, cause l'irruption du président Raiko en personne sur le croiseur d'Iroh II. Le politicien rappelle les devoirs et la loyauté du militaire envers son gouvernement, réduisant à néant les chances pour qu'Iroh II puisse d'une quelconque façon supporter le Sud et Korra. Dépitée, Korra obtient néanmoins d'Iroh II un conseil: persuader le Seigneur Zuko et sa fille au pouvoir d'intervenir militairement.
 Korra ne compte cependant pas en rester là avec Mako, et le confronte directement dans les bureaux de la police. Chacun étant loyal à sa propre hiérarchie, la dispute stagne et Mako décide de rompre avec Korra, qui s'enfuit pour le Sud en bateau. Ce dernier est attaqué dans un premier temps par Eska et Desna, avant qu'un esprit maléfique ne les mette en déroute et décide de s'en prendre à Korra. Cette dernière, utilisant les techniques de purification d'énergie d'Unalaq, est sur le point de défaire l'esprit quand ce dernier reprit le dessus et avala Korra, l'entraînant avec lui sous les eaux glacées du Pôle Sud.
 Pendant ce temps, un cargo appartenant aux Industries de l'Avenir est coulé par la Marine du Nord; Asami est ruinée, alors que son partenaire commercial Varrick se focalise sur la percée de Bolin dans le cinéma de propagande. Mako remonte la piste de l'attentat du centre culturel, et constate que le détonateur retrouvé sur les lieux du crime est le même modèle de télécommande que celui utilisé par Varrick lors de ses tournages.
 Dans l'estomac de l'esprit maléfique, Korra a une vision de l'avatar originel: l'avatar Wan. Ce dernier, ayant vécu dans des temps immémoriaux, était à l'origine un chapardeur ayant dupé un lion-tortue (un animal légendaire apportant conseils et pouvoir à ceux qui le respecte) qui a acquis la maîtrise originelle du Feu, en prétextant une attaque d'esprits. Banni des murs de sa ville, il est condamné à errer dans le Monde des Esprits, avec pour seule compagnie les flammes qu'il utilise pour se chauffer et s'éclairer. Se familiarisant petit à petit avec les esprits, il parvient à vivre en symbiose avec eux et parvient même à recruter des humains pour vivre avec lui en-dehors des murs de la ville. Mais un jour, Wan fit la rencontre de deux esprits se battant. Il ne le savait pas, mais venait de rencontrer les deux esprits supérieurs, représentants du bien et du mal: Vaatu et Raava. Vaatu manipula Wan pour le forcer à intervenir, le libérant ainsi de sa malédiction qui consistait à se battre éternellement et continuellement avec Raava. Ce dernier esprit informa Wan de son erreur, alors que Vaatu venait de s'échapper. Désormais, l'équilibre des mondes humain et spirituel est menacé.
 Mais Wan est déterminé à poursuivre Vaatu et à rétablir l'équilibre brisé; avec l'aide de Raava, il acquiert successivement les pouvoirs octroyés par les lion-tortues maîtrisant la Terre, l'Eau et l'Air. L'esprit de Raava, lorsqu'il entre en harmonie avec celui de son hôte, lui permet de décupler son pouvoir et de faire briller ses yeux; le premier avatar était né. Usant de ses pouvoirs et de ceux de Raava, Wan remonte la piste de Vaatu, et finit par le sceller dans l'Arbre du Temps duquel il ne pourra jamais s'échapper par lui-même. L'équilibre spirituel étant revenu, Wan se donne pour mission jusqu'à sa mort de faire le lien entre le Monde des Esprits et le Monde des Humains, ainsi que de veiller à l'harmonie et à la paix dans le monde. Dans le monde des Humains, Korra sort de son coma.
 À son réveil, la jeune avatar rencontre un chamane, éleveur de bisons volants, qui l'informe que la Convergence harmonique aura lieu dans deux semaines. Grâce à l'un des bisons que le chamane offrit à Korra, cette dernier part en direction de la Tribu de l'Eau du Nord. La vision de Korra a eu pour effet négatif de permettre à Unalaq de déverrouiller le portail spirituel du Nord, lui permettant ainsi à terme d'accéder au Monde des Esprits et à l'Arbre du Temps où est piégé Vaatu. Mais d'ici là, Korra a le temps de se mettre à la recherche de Tenzin, et de l'informer de ce qui est sur le point de se passer. L'avatar retrouve son premier instructeur dans le Temple de l'Air de l'Est, le plus spirituel de tous. Korra supplie Tenzin de se rendre dans le Monde des Esprits via la méditation, mais ce dernier avoue à demi-mot n'avoir jamais pu y aller. C'est alors que Jinora, l'enfant prodige de Tenzin, affirma avoir des dons de méditation et de projection astrale. Malgré les doutes de Tenzin, Jinora démontre ses aptitudes en faisant apparaître une horde de lapin-dragons, des esprits bons dont un qui s'éprend vite pour l'oncle Bumi. Jinora annonce que Korra devra les suivre jusque dans le Monde des Esprits, afin de le localiser et de le verrouiller de l'intérieur avant qu'Unalaq n'ait pu faire quoi que ce soit.
 Ce dernier met d'ores et déjà en place ses plans, au grand damne de ses enfants qui ne voient pas une quelconque utilité au projet de leur père. Korra et Tenzin utilisent le bison volant Oogi pour rejoindre un site ancestral des Nomades de l'Air, où les esprits se sont rassemblés. Après une épuration du site, jusqu'alors dominé par la végétation, Tenzin tente une première fois de rentrer dans le Monde des Esprits, sans succès. Il est par la suite attaqué par des esprits malveillants que Korra parvient à défaire cette fois en les purifiant. Tenzin réessaie par la suite plusieurs fois d'accéder au Monde spirituel, mais sans succès. Il autorise finalement Jinora à accompagner Korra dans le Monde des Esprits, ce à quoi elle parvient dès sa première tentative.
 Dans ce monde, Unalaq est déjà entré en contact avec Vaatu, qui confirme la présence proche de l'avatar (via Raava) malgré sa disparition en mer. Korra et Jinora se perdent dans les forêts enchantées de ce nouveau monde, et Korra, sous la pression et l'émotion, s'endort pour se réveiller en ayant le corps qu'elle avait à ses quatre ans. Seule dans une sombre forêt, elle erre longtemps avant de tomber, à bout de force, sur un homme tenant une lampe et reconnaissant Korra: c'est Iroh, l'oncle de Zuko. Le vieil homme accompagne Korra hors de la forêt, vers une clairière où il a ouvert un salon de thé et organise des fêtes en l'honneur des esprits (ce jour-ci, un mariage). Korra reconnaît parmi les biens d'Iroh une théière ayant appartenu à l'avatar Wan; ainsi, Iroh a confirmation que Korra est bien l'avatar, descendant spirituel de Wan.
 Pendant ce temps, Jinora découvre la librairie de Wan Shi Tong (un personnage déjà apparu dans ATLA). La sombre chouette voit d'un très mauvais œil l'arrivée d'un nouvel humain et, alors qu'elle s'apprêtait à tuer Jinora, se rend compte au dernier moment qu'elle descend de l'avatar Aang, qui était déjà venu en ces lieux des décennies plus tôt. Laissant la vie sauve à la jeune fille, Wan Shi Tong la trahit pourtant en avertissant Unalaq de la présence de la prodige de l'Air, la chouette considérant Unalaq comme le réel allié des esprits. Jinora devient l'otage d'Unalaq.
 Dans la clairière où vit Iroh, Korra reprend sa forme adulte et fait ses adieux au héros de la guerre de Cent ans. Korra se dirige à toute vitesse vers le portail ouvert par Unalaq, afin de le refermer de l'intérieur. Alors qu'elle est sur le point de le refermer, Vaatu contacte Korra via Raava, et menace de tuer Jinora si le portail est refermé. Il précise également que les efforts de Korra pour fermer le portail de l'intérieur sont inutiles puisque Unalaq est déjà dans le Monde spirituel. Brandissant toujours la menace de tuer Jinora, Vaatu exige que Korra libère le mauvais esprit grâce à son pouvoir d'avatar. Ne voulant pas risquer de blesser Jinora, Korra cède et libère Vaatu de sa prison. Profitant d'une distraction causée par un esprit, l'avatar parvient à refaire surface dans le monde physique, mais Jinora ne reprend pas conscience.
 Dans la Cité de la République, le président Raiko et sa première-dame assistent à l'avant-première du nouveau film de propagande de Varrick. Ce dernier met de plus en plus en évidence la position neutre et déplorable de Raiko vis-à-vis de la guerre qui fait rage entre les Tribus de l'Eau. Pour donner une ambiance plus réaliste à son film, Varrick a engagé d'authentiques hommes de main pour capturer le président. Néanmoins, le plan échoue et Varrick est mis aux arrêts. Cela laisse malgré tout le temps à Korra de revenir en ville avertir le président de la menace qui plane désormais sur le monde entier. Mais Raiko ne cède pas, au point que Bolin regrette qu'il n'ait pas été capturé en bonne et due forme par les agents de Varrick. C'est malgré tout une victoire pour Mako qui voit ses suspicions sur Varrick être confirmée. Faute de soutien, Korra se résout à affronter son oncle et Vaatu et retourne, avec Asami, Bolin et Mako, ainsi que du matériel de combat récupéré auprès de Varrick, au Pôle Nord.
 Tenzin, Kya et Katara font tout pour maintenir la pauvre Jinora en vie, alors que son esprit est toujours prisonnier de Vaatu. Pendant ce temps, Tonraq et ses partisans lancent une attaque désespérée sur les militaires du Nord, en vain; ils sont capturés par Unalaq. La Convergence harmonique est imminente, et pendant que Bolin, Mako, Asami, Bumi, Kya et Tenzin tâche de saccager le camp militaire qui garde l'entrée du portail, Korra confronte Unalaq, qui a perdu le soutien de ses propres enfants. Bolin fait valoir son attachement envers Ezka pour qu'elle et son frère se retourne contre leur père, qui projette maintenant de fusionner avec Vaatu pour donner naissance au premier Avatar obscur. Affirmant qu'il deviendra un équivalent de Korra avec davantage de spiritualité. Unalaq prône l'abolition de la séparation des mondes, et fera tout pour arriver à ses fins, quitte à perdre son humanité. Pour canaliser l'énergie issue de cette fusion, des centaines de portails spirituels sont créés en un instant partout dans le monde, y compris dans la Cité de la République.
 Une fois le camp militaire saccagé, les protagonistes investissent le Monde des Esprits; les enfants d'Aang se mettent sur la trace de Jinora, tandis que Korra fait face son oncle et à Vaatu. Tenzin, Kya et Bumi retrouvent Iroh, qui les aiguille vers le Brouillard des Âmes perdues, un canyon où les âmes damnées errent indéfiniment. Là, Tenzin fait la rencontre de celui qui était autrefois l'amiral Zhao; Zhao, devenu fou et mégalomaniaque, n'en a pas pour autant perdu sa volonté de retrouver l'avatar [Aang], et en vient aux mains lorsqu'il voit Tenzin et le confond avec son père. Kya et Bumi s'en débarrassent finalement, lse remettant à la recherche de Jinora. Celle-ci est finalement retrouvée, son père pleurant de joie au moment de leurs retrouvailles.
 Korra lutte difficilement contre Vaatu et Unalaq, si bien qu'à la fin du combat, Raava est touchée par la lame d'eau utilisée par Unalaq. Ce faisant, l'esprit supérieur est déconnecté de Korra, détruisant par la même occasion le cycle de l'avatar tel qu'il était connu. Vaatu s'échappe du Monde des Esprits, et Unalaq proclame le début de ""Dix-mille ans de ténèbres"", alors que l'avatar obscur marche vers la Cité de la République. Celui-ci prend la forme d'une entité gigantesque, traversant la mer à pieds à la manière d'un Godzilla. Refusant d'abandonner la Cité à son sort, Korra commence à méditer dans l'arbre où était retenu Vaatu. Là, elle apprend via une vision de Raava que peu importe si l'esprit du bien ou du mal meurt, il reviendra toujours pour rétablir l'équilibre, et qu'il s'agissait d'un cycle que l'on ne peut briser.
 Forte de sa séance de méditation, Korra développe une projection astrale qui la fait grandir à l'instar d'Unalaq. Grâce à la projection spirituelle de Jinora, Raava ressuscite et permet à une Korra gigantesque de se battre contre Unalaq, et de le défaire. L'avatar obscur meurt et est réduit en poussière, tandis que Vaatu disparaît. Jinora regagne son corps physique, Ezka et Tesna assurent l'intérim du pouvoir au Pôle Nord (et en profite pour retirer les troupes du Nord du Pôle Sud), et la Tribu de l'Eau du Sud gagne son indépendance vis-à-vis du Nord, avec à sa tête le chef Tonraq.
 Korra, ayant renoué avec Raava, regagne son statut d'avatar, mais hélas, sa connexion avec les précédents avatars est brisée à jamais. Korra ouvre donc la voie à une nouvelle lignée d'avatars. Contrairement à ce que l'avatar Wan avait fait il y a longtemps, Korra profite de la situation pour laisser ouverts les divers portails spirituels, permettant ainsi à esprits et humains de vivre ensemble en harmonie. Korra reçoit l'appui de Tenzin, qui considère que quelle que fût sa décision, elle aurait été réfléchie et pertinente. Le monde rentre dans une nouvelle ère alors que l'avatar cesse officiellement d'être l'intermédiaire entre les deux mondes, bien qu'il continue de veiller à apporter la paix dans toutes les nations.
 Le monde a également connu une grande modernisation, la Cité de la République ressemble au New York et au Shanghai de 1920 (avenues, gratte-ciel, véhicules à moteur, tramways, paquebots à vapeur, dirigeables). Cette évolution technologique qui a permis aux gens de s'affranchir de la maîtrise des éléments dans la vie de tous les jours (eau courante, électricité, chauffage, transports, radios, appareils photos, micro et haut-parleur) a aussi donné naissance à des mouvements anti-maîtrise de plus en plus nombreux dans la ville. La fin de la série semble se passer dans ce qui est dans notre monde les années 1930 voire 1940 (le canon sur rail de Kuvira est fortement inspiré du Schwerer Gustav, une pièce d'artillerie mise en service en 1941).
 Au fur et à mesure, la série prend une tournure de plus en plus politique et philosophique, ainsi que plus de maturité.
 Wu est le prince héritier du Royaume de la Terre à la suite de la mort de sa grand-tante. C'est un playboy insouciant. Malgré tout, il a bon fond. Mako assure sa sécurité. Durant l'affrontement face au Méca-Robot, ll aide Pema a gérer les réfugiés.
 Korra, la nouvelle Avatar, maîtrise parfaitement l'Eau, la Terre et le Feu et doit maintenant se consacrer à l'Air. Pour ce faire, Katara demande l'aide de Tenzin, le fils de Aang et Katara et un des derniers maîtres de l'air. Contre l'avis du Lotus Blanc mais avec la bénédiction de Katara, Korra quitte le Pôle Sud avec sa fidèle Naga et rejoint Tenzin et sa famille à Républic City. Tenzin y officie comme conseiller auprès au Gouvernement de la ville de Républic City en compagnie de Tarrlok, un membre de la Tribu de l'eau du Pôle Nord. Korra découvre une ville au fonctionnement compliqué et se retrouve face à Lin Beinfong, cheffe de la police et maître du Métal. Elle rejoint également une équipe participant au Tournoi des Maîtres, une compétition promettant richesse aux vainqueurs. Ses coéquipiers sont Mako, un maître du feu, et Bolin, un mettre de la terre (et son furet Pabbu), qui sont tous deux des frères orphelins; Ils sont soutenus par Asami, la fille de l'inventeur Hiroshi Sato. Mais une menace rode dans la ville: Amon, un charismatique leader, mène un groupe anti-maîtrise qui se bat pour l'égalité des humains ne sachant pas maîtriser un élément. De plus, Amon a le terrifiant pouvoir de retirer la maîtrise d'une personne...
 Tentant de renouer avec la tribu de l'eau du Pôle Nord, Korra accepte l'invitation de son oncle Unalaq (le frère de Tonraq, son père) afin d'assister à un festival. Elle y rencontre ses cousins Eska et Desna. Le festival est troublé par l'attaque d'esprits, qu'Unalaq arrive à calmer en utilisant sa maîtrise de l'eau. Korra, dont la mission d'Avatar est d'être un pont entre le monde des Humains et celui des Esprits, lui demande alors de le former malgré la réticence de Tonraq et de Tenzin. Mais Unalaq révèle sa vraie nature en attaquant la tribu du Pôle Sud pour de vieilles querelles malgré les stratagèmes de Tonraq et de l'inventeur Varrick. Mako et Asami tentent d'aider leur amie tandis que Bolin devient acteur et tourne dans des publicités de propagande contre la guerre avec Varrick. De son côté, Tenzin doit gérer le retour de Kya et de Bumi, son frère et sa sœur, pendant que sa fille Jinora commence à fortement développer sa spiritualité.Elle devient un guide pour Korra dans le monde des Esprits, où elle y retrouve Iroh et apprend l'histoire du premier avatar, Wan, qui a fusionné avec Raava, l'esprit du Bien, et banni Vaatu, l'esprit du Mal qui peut corrompre les autres esprits. Vaatu peut cependant s'échapper de sa prison lors de la Convergence Harmonique, un évènement rare, pendant lequel l'Avatar et Raava doivent fusionner. Mais Korra, toujours affectée par les techniques d'Amon, n'est plus connectée avec les anciens Avatars et donc avec Raava. Vaatu, aidé par Unalaq, n'a jamais été aussi proche de retrouver sa liberté et de commencer une ère de Ténèbres.
 Depuis que Korra a décidé de laisser les esprits vivre dans le monde des Humains, ceux-ci ont envahi une partie de la ville et provoquent la colère de Raiko mais également de nombreux habitants de la Cité de la République. Mais la convergence harmonique a un nouvel effet : elle fait apparaître de nouveaux maîtres de l'air, parmi lesquels le jeune Kai, Opal, mais aussi Bumi, le frère de Tenzin. Aidé de ses enfants, de Kya et de Korra et ses amis, Tenzin tente de regrouper et de former ses nouveaux disciples en arpentant tous les royaumes. Cela amène Lin à retrouver sa demi-sœur Suyin (la mère d'Opal) avec laquelle elle entretient des rapports très houleux depuis leur adolescence. Mako et Bolin renouent également avec de la famille éloignée à Ba-Sing-Se. Zaheer, un ancien terroriste, acquiert également ce nouveau don et libère ses trois acolytes P-Li, Ming-Hua et Ghazan malgré l'intervention de Zuko, Eska et Desna. Ce groupe, appelé le Lotus Rouge, est une dangereuse organisation luttant pour la liberté en ayant comme seul but de tuer l'Avatar.
 Après les évènements du livre précédent, Korra a renoncé à sa fonction d'avatar et erre, poursuivie par des démons intérieurs, jusqu'à ce qu'elle rencontre la seule personne qui puisse l'aider: Toph. Mako, de son côté, est le garde du corps du prince Wu destiné à devenir le nouveau roi du Royaume de la Terre après le meurtre de la précédente reine par Zaheer. Mais Kuvira, surnommée la Grande Unificatrice après avoir réussi à réunifier de nombreuses régions du royaume, s'oppose à ce couronnement et souhaite désormais proclamer l’irrédentisme du Royaume de la Terre. Elle est soutenue dans son projet par l'inventeur Varrick et son assistante Zhu Li, mais aussi par Bolin et Baatar Jr. A l'inverse, Suyin et sa famille s'opposent à la montée en puissance de ce royaume belliqueux. Pour éviter que la guerre fasse rage, Tenzin charge Jinora, Ikki et Meeloo de retrouver Korra. Mais la guerre finit par frapper aux portes de la cité de la République, et Raiko et Lin peinent à convaincre les autres royaumes de les aider. Pour arriver à vaincre Kuvira, Asami fait libérer son père Hiroshi de prison et Korra trouve un allié inattendu en la personne de son ancien ennemi Zaheer.
 En juillet 2010, Nickelodeon annonce une série dérivée de la série Avatar, le dernier maitre de l'air (2005-2008), avec de nouveau Michael Dante DiMartino et Bryan Konietzko derrière le projet[6].
 Si Avatar, le dernier maitre de l'air dépeint principalement un milieu rural, La Légende de Korra s'aventure d'avantage vers le milieu urbain, puisant dans l'univers steampunk et montrant toutes sortes de technologies[7],[8]. Dans une entrevue donnée en 2010, les créateurs disent s'être inspirés de différentes villes, comme celle de Shanghai des années 1920, celle d'Hong Kong dans les années 1930, celle de Manhattan ou encore celle de Vancouver « une ville qui saille sur une péninsule ou une île et a des grandes montagnes autour d'elle »[6].
 Les nomades de l'air sont inspirés de la culture du Tibet et du Bouddhisme[9]. Gyatso, le maître de l'air d'Aang, et Tenzin, le maître de l'air de Korra et fils de Katara et d'Aang, portent à eux deux le nom de l'actuel dalaï-lama, Tenzin Gyatso.
 Les créateurs de la série ont indiqué s'être inspirés de Keita Gotō, un homme d'affaires japonais influent de la première moitié du XXe siècle, ainsi que de Theodore Roosevelt, le 26e président des États-Unis, pour le riche industriel Hiroshi Sato[10].
 Les armures des maîtres du métal faisant office d'antagonistes principaux dans la dernière saison sont inspirés des Stormtroopers impériaux de la saga Star Wars[11].
 Cet article ne cite pas suffisamment ses sources (juillet 2021).
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 Note : le Livre 1 : L'air en édition USA/Canada contient une piste française, aussi bien pour la version DVD que pour la version Blu-Ray, mais aucun sous-titres français. Les versions Blu-Ray USA/Canada sont ""region free"" (A/B/C). Il est donc possible de lire ces Blu-Ray sur n'importe quel lecteur Blu-Ray européen, contrairement aux versions DVD, qui sont elles en Zone 1. Les DVD en Zone 2 provenant du Royaume-Uni contiennent également une piste française, mais aucun sous-titres. Aucune version Blu-Ray n'est prévue à ce jour en France ni dans le reste de l'Europe.
 La bande originale du Livre 1 : L'air, appelée The Legend of Korra: Original Music From Book One, est disponible aux États-Unis en CD Audio et en téléchargement légal depuis le 16 juillet 2013. Elle est composée de 26 titres.
 Note : aucune bande originale des livres suivants n'est prévue à ce jour.
 Plusieurs artbooks édités par Dark Horse Comics sont sortis aux États-Unis. N'ayant pas été publiés en Europe, ces livres n'existent qu'en anglais. À la manière de l'artbook de la série Avatar, le dernier maître de l'air, chaque artbook contient de nombreux croquis, illustrations et artworks inédits, ainsi que diverses informations sur le développement de la série (personnages, scénario, lieux, etc.). Un artbook est sorti pour chaque Livre/Saison de la série. Il est possible de se les procurer par internet, sur des sites tels qu'Amazon.
 Note : ces artbooks ne sont disponibles qu'aux États-Unis et ne sont donc pas disponibles en français. Il est néanmoins possible de les importer via internet.
 La série continue dans des comics édités par Dark Horse Comics. Une première série de comics a été annoncée lors de la San Diego Comic-Con 2015 et comme pour les comics d'Avatar, le dernier maître de l'air, il s'agira d'un arc de trois volumes. D'autres arcs devraient également voir le jour par la suite. Le premier arc, intitulé Turf Wars et dessiné par Irene Koh, reprendra là où la série s'était arrêtée et portera principalement sur la relation amoureuse entre les héroïnes Korra et Asami (relation appelée Korrasami par les fans). Michael Dante DiMartino, le co-créateur de la série, se chargera du scénario - scénario qui sera vérifié et validé par Bryan Konietzko, l'autre co-créateur de la série. Le premier volume de l'arc Turf Wars est sorti le 8 août 2017 aux États-Unis. Le second tome a été publié le 17 janvier 2018 et le troisième et dernier tome le 22 août 2018.
 Un deuxième arc, Ruins of the Empire, a été publié en trois tomes en mai 2019, novembre 2019 et février 2020. Est venu ensuite Patterns in Time en novembre 2022.
 Le premier arc en version française, intitulé Guerres de territoires, a été publié aux éditions Hachette Comics en mars 2023.
 Deux romans édités par Random House Books for Young Readers sont sortis aux États-Unis en 2013. Le premier, Revolution, retrace l'histoire des épisodes 1 à 6 du Livre 1 et est sorti le 8 janvier 2013. Le second roman, Endgame, retrace les épisodes 7 à 12 du Livre 1 et est sorti le 9 juillet 2013.
 Note : ces deux livres n'existent pas en français.
 En août 2012, le magazine américain Variety rédige dans un article que Paramount Animation, une société sœur de Nickelodeon, aurait commencé le développement de plusieurs films d'animation, avec des budgets de l'ordre de 100 millions de dollars. Selon Variety, l'un de ces films serait The Legend of Korra. Cependant, le co-créateur de la série, Bryan Konietzko, écrit plus tard sur son blog qu'aucun film n'est actuellement en développement.
 La série a été déclinée en jeux vidéo à la fin de l'année 2014 sur plusieurs supports.
 PlatinumGames a développé un jeu d'action basé sur le gameplay de Bayonetta et disponible en téléchargement légal depuis le 21 octobre 2014 sur PS3, PS4, et PC, et le 22 octobre 2014 sur Xbox 360 et Xbox One.
 Un jeu de type jeu de rôle/stratégie a quant à lui été développé sur Nintendo 3DS par le studio Webfoot Technologies. Le jeu est édité par Activision sur toutes les plateformes.
 Concernant le scénario du jeu, celui-ci a été écrit par l'un des scénaristes de la série et se situe entre les Livres 2 et 3. Certaines cinématiques ont été réalisées en dessin animé (tout comme la série) avec l'aide des animateurs de la série.
 La version consoles de salon/PC donne la possibilité de combattre mais aussi de faire des tournois de Pro-Bending (un sport populaire dans la série). La version 3DS, quant à elle, suit le même scénario que la version consoles de salon/PC, mais avec un gameplay complètement différent, basé sur des combats 2D au tour par tour.
 Les fans de la série ont eu la possibilité de voter pour leur jaquette préférée sur Facebook parmi trois illustrations réalisées par les créateurs de la série. Celle ayant obtenue le plus de votes est devenue la jaquette officielle.
 Note : ces jeux vidéo ne sont pas sortis en français, mais uniquement en anglais.
 Une adaptation en jeu de rôle sur table d′Avatar, le dernier maître de l'air et de La Légende de Korra, sous le titre Avatar Legends en VO, est réalisée par Magpie Games après une campagne de financement participatif conduite entre le 3 août et le 3 septembre 2021 sur la plateforme Kickstarter[12]. Le jeu paraît en février 2022[13]. C'est Arkhane Asylum Publishing qui est chargé en 2023 de sa publication en français[14],[15],[16].
 Des statuettes, figurines, peluches, et autres produits dérivés à l'effigie des personnages de la série existent. Trois marques en produisent à ce jour : Dark Horse, Zwyer Industries et Good Smile Company.
 Dark Horse a sorti une statuette de 28 cm de la statue commémorative d'Aang (qu'on peut voir à la Cité de la République). Celle-ci est disponible depuis le 22 avril 2015 au prix de 149,99 $. Une statuette de Korra a également été annoncée lors de la San Diego Comic-Con 2015, et cette dernière est disponible depuis mars 2016 au prix de 79,99 $. Une peluche à l'effigie de Naga est également disponible chez Dark Horse depuis avril 2016.
 Le 11 octobre 2016, Dark Horse a sorti une collection de 20 posters détachables sobrement intitulée The Legend of Korra - The Poster Collection. Chaque affiche est imprimée sur un papier cartonné de qualité au format 30 x 40 cm.
 Zwyer Industries, eux, ont sorti une statuette de 28 cm de Lin Beifong. Celle-ci est disponible depuis août 2015 et est vendue au prix de 99,99 $. Elle a été disponible en avance dans une édition spéciale limitée, avec une peinture brillante (au lieu de mat) sur les parties métalliques de l'armure du personnage. Cette édition n'était disponible à la vente qu'à la San Diego Comic-Con 2015. En 2016, Zwyer Industries a sorti plusieurs figurines et statuettes, à savoir une statuette de 28 cm de Korra, disponible depuis juin 2016 pour 108,99 $, ainsi que deux figurines Chibi depuis juillet 2016 au prix de 19,99 $ chacune. La première est à l'effigie d’Aang et Momo (issue de la série Avatar, le dernier maître de l'air, précédant l'histoire de Korra) et la seconde à l'effigie de Korra. Zwyer Industries devrait sortir des statuettes de d'autres personnages emblématiques tels que Mako, Asami, Bolin ou encore Tenzin, mais également des personnages de la série Avatar, le dernier maître de l'air.
 Good Smile Company ont sorti début 2017 une figurine Nendoroid à l'effigie de Korra pour le prix de 4 800 ¥ (environ 42 €). Les précommandes se sont terminées le 15 octobre 2016.",10879,"Accueil; Portails thématiques; Article au hasard; Contact; Débuter sur Wikipédia; Aide; Communauté; Modifications récentes; ; Rechercher; en savoir plus; Contributions; Discussion; Article; Discussion; Lire; Lire; Pages liées; Suivi des pages liées; Téléverser un fichier; Pages spéciales; Action; Aventure; Fantasy; Comédie dramatique; Michael Dante DiMartino; Bryan Konietzko; Nickelodeon Animation Studio; Studio Mir; J. K. Simmons; David Faustino; P. J. Byrne; Kiernan Shipka; Daniel Dae Kim; Seychelle Gabriel; Lance Henriksen; Richard Epcar; ; États-Unis; Nickelodeon; 14; avril; 2012; 19; décembre; 2014; (aide); ; série d'animation; américaine; Michael Dante DiMartino; Bryan Konietzko; 14; avril; 2012; 19; décembre; 2014; Nickelodeon; Avatar, le dernier maître de l'air; France; Belgique francophone; Nickelodeon France; J-One; Canalplay; France 4; Henry Ford; Ford-T; pots-de-vin; suffrage universel direct; casus belli; relaxe; première-dame; Godzilla; New York; Shanghai; électricité; appareils photos; Schwerer Gustav; David Faustino; P. J. Byrne; Seychelle Gabriel; J. K. Simmons; Kiernan Shipka; Darcy Rose Byrnes; Mindy Sterling; Steve Blum; Clancy Brown; Lance Henriksen; Richard Epcar; Jim Cummings; Tom Kenny; Daniel Dae Kim; Dee Bradley Baker; Dante Basco; Chris Hardwick; Greg Cipes; Eva Marie Saint; Richard Riehle; Lisa Edelstein; Anne Heche; Zelda Williams; ; ; Seychelle Gabriel; ; David Faustino; ; P. J. Byrne; ; J. K. Simmons; ; Mindy Sterling; ; Kiernan Shipka; ; Dee Bradley Baker; ; ne cite pas suffisamment ses sources; des références de qualité et vérifiables; comment faire ?; {{Référence nécessaire}}; Olivier Martret; Jessica Monceau; Guy Chapellier; Alexandra Pic; Sophie Arthuys; Paul Borne; Axel Kiener; Marie-Martine; Gilbert Lévy; Véronique Soufflet; Michel Dodane; Benoît Du Pac; Boris Rehlinger; Alexis Tomassian; Pierre-François Pistorio; Guillaume Orsat; Patrice Melennec; Thierry Ragueneau; Anne Massoteau; Benjamin Bollen; Gauthier de Fauconval; mécanique; auto-défense; Avatar, le dernier maître de l'air; Toph Beifong; Avatar; Ford; jumeaux; mercure; prince héritier; Livre 1 de Avatar : La Légende de Korra; Livre 2 de Avatar: La Légende de Korra; Livre 3 d'Avatar : La Légende de Korra; Livre 4 d'Avatar : La Légende de Korra; Nickelodeon; série dérivée; Avatar, le dernier maitre de l'air; Michael Dante DiMartino; Bryan Konietzko; Avatar, le dernier maitre de l'air; steampunk; Shanghai; Hong Kong; Manhattan; Vancouver; Tibet; Bouddhisme; dalaï-lama; Tenzin Gyatso; Keita Gotō; Theodore Roosevelt; Stormtroopers; Star Wars; ; ; ne cite pas suffisamment ses sources; vérifiabilité; Notes et références; Quelles sources sont attendues ?; Comment ajouter mes sources ?; DVD; Livre 1 : L'Air; Livre 2 : Les Esprits; Livre 3 : Le Changement; Livre 4 : L'Équilibre; Blu-ray; Livre 1 : L'Air; Livre 2 : Les Esprits; Livre 3 : Le Changement; Livre 4 : L'Équilibre; Livre 1 : L'air; française; DVD; Blu-Ray; Blu-Ray; DVD; Royaume-Uni; Blu-Ray; France; Bande originale; Livre 1 : L'air; États-Unis; CD Audio; téléchargement légal; Artbooks; Dark Horse Comics; États-Unis; Avatar, le dernier maître de l'air; croquis; illustrations; artworks; Amazon; Comics; Dark Horse Comics; San Diego Comic-Con; Avatar, le dernier maître de l'air; Michael Dante DiMartino; Bryan Konietzko; États-Unis; Romans; Random House Books for Young Readers; États-Unis; 2013; livres; Film; magazine; Variety; Paramount Animation; Nickelodeon; films d'animation; dollars; Variety; Bryan Konietzko; blog; Jeux vidéo; PlatinumGames; Bayonetta; PS3; PS4; PC; Xbox 360; Xbox One; jeu de rôle; stratégie; Nintendo 3DS; Webfoot Technologies; Activision; Jeu de rôle; Avatar, le dernier maître de l'air; financement participatif; Kickstarter; Arkhane Asylum Publishing; Autres produits dérivés; Dark Horse; Good Smile Company; Dark Horse; San Diego Comic-Con; 2016; Dark Horse; Dark Horse; posters; San Diego Comic-Con; Chibi; Aang; Avatar, le dernier maître de l'air; Avatar, le dernier maître de l'air; Good Smile Company; Nendoroid; legrog.org; Avatar, le dernier maître de l'air; v; Michael Dante DiMartino; Bryan Konietzko; Avatar, le dernier maître de l'air; Liste des épisodes; Aang; Azula; Iroh; Katara; Sokka; Toph; Zuko; Liste des personnages; Avatar, le dernier maître de l'air; Le Royaume de la Terre en feu; Into the Inferno; Livre Un : L'Air; Livre Deux : Esprits; Livre Trois : Changement; Livre Quatre : Équilibre; Korra; La Légende de Korra; 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As a stand-alone sequel to their previous series, Avatar: The Last Airbender (The Legend of Aang),[4] which ran for three seasons from February 21, 2005, to July 19, 2008, Legend of Korra ran for 52 episodes (""chapters""), separated into four seasons (""books""), from April 14, 2012, to December 19, 2014. It has been continued as a comic book series.
 Like its predecessor, the series is set in a fictional universe in which certain people can telekinetically manipulate, or ""bend"", one of the four elements: water, earth, fire, or air. Only one individual, the ""Avatar"", can bend all four elements, and is responsible for maintaining balance in the world. The series follows Avatar Korra, the successor and reincarnation of Aang from the previous series, as she faces political and spiritual unrest in a modernizing world.
 The main characters are voiced by Janet Varney, Seychelle Gabriel, David Faustino, P. J. Byrne, J. K. Simmons and Mindy Sterling, and supporting voice actors include Aubrey Plaza, John Michael Higgins, Kiernan Shipka, Lisa Edelstein, Steve Blum, Eva Marie Saint, Henry Rollins, Anne Heche, and Zelda Williams. Some of the people who worked on Avatar: The Last Airbender (including designer Joaquim Dos Santos, writers Joshua Hamilton and Tim Hedrick, composer Jeremy Zuckerman and sound designer Benjamin Wynn) returned to work on The Legend of Korra.
 The Legend of Korra has received critical acclaim, with praise for its writing and production values, and has been nominated for and won awards such as the Annie Awards, a Daytime Emmy Award, and a Gracie Award. The series was also praised for addressing sociopolitical issues such as social unrest and terrorism, as well as for going beyond the established boundaries of youth entertainment with respect to issues of race, gender, and sexual orientation. The series' final scene, intended to depict the beginning of a same-sex romance between Korra and Asami Sato, was unprecedented at the time and has been credited with paving the way for LGBT representation in children's television.
 The Legend of Korra was initially conceived as a twelve-episode miniseries. Nickelodeon declined the creators' pitch for an Avatar: The Last Airbender follow-up animated film based on what then became the three-part comics The Promise, The Search and The Rift, choosing instead to expand Korra to 26 episodes.[5] The series was expanded further in July 2012 to 52 episodes. These episodes are grouped into four separate seasons (""Books"") composed of twelve to fourteen episodes (""Chapters"") each, with each season telling a stand-alone story. Beginning with episode 9 of season 3, new episodes were first distributed through the Internet rather than broadcast. The Legend of Korra concluded with the fourth season.[6]
 The Legend of Korra is set in the fictional world of Avatar: The Last Airbender, 70 years after the events of that series. The people of the world belong to four nations: the Water Tribes, the Earth Kingdom, the Fire Nation, and the Air Nomads. The distinguishing element of the series is ""bending"", the ability of some people to telekinetically manipulate the classical element associated with their nation (water, earth, fire, or air). Bending is carried out by spiritual and physical exercises, portrayed as similar to Chinese martial arts. As a result of a genocide in the series's backstory, there is only one living family of airbenders at the time of the series.
 Only one person, the ""Avatar"", can bend all four elements. Cyclically reincarnating among the world's four nations, the Avatar maintains peace and balance in the world. The Legend of Korra focuses on Avatar Korra, a seventeen-year-old girl from the Southern Water Tribe and the successor of Avatar Aang from The Last Airbender.
 The first season is mostly set in Republic City, the capital of the United Republic of Nations, a new multicultural sovereign state founded by Avatar Aang after the end of The Last Airbender. The 1920s-inspired metropolis is described as ""if Manhattan had happened in Asia"" by the series' creators,[7] and its residents are united by their passion for ""pro-bending"", a spectator sport in which two teams composed of an earthbender, waterbender, and firebender throw each other out of a ring using bending techniques. Rapid technological growth has displaced the spirituality of bending, and what was considered a renowned martial art in Avatar: The Last Airbender is now commonplace, with benders in Republic City using their abilities to commit crime, compete in spectator sports, and fulfill everyday jobs.[8] The second season adds the southern polar region, home of the Southern Water Tribe, as a main setting in addition to Republic City, while the third and fourth seasons take place largely in the Earth Kingdom.
 The first season, Book One: Air, sees Korra move to Republic City to learn airbending from Tenzin, Avatar Aang's son. She joins a pro-bending team alongside the brothers Bolin and Mako, and befriends Asami Sato, heiress to a leading engineering corporation. The ambitious politician Tarrlok enlists Korra to fight the anti-bender uprising of the ""Equalists"", led by the masked Amon, who strips benders of their abilities. Korra and her friends, aided by police chief Lin Beifong, unmask Amon as a waterbender himself and Tarrlok's brother, ending the Equalists' coup.
 In the second season, Book Two: Spirits, Korra's uncle Unalaq, chief of the Northern Water Tribe, seizes power in the southern tribe. While Korra's friends seek support against Unalaq, Korra learns of the first Avatar, Wan, who fused his soul with the spirit of light, Raava, to imprison Vaatu, the spirit of darkness. Unalaq frees Vaatu during the Harmonic Convergence, a decamillennial alignment of planets, and unites with him to become a dark Avatar. After defeating Unalaq, Korra chooses to leave open the portals between the material world and the spirit world, allowing a new coexistence of spirits and humans.
 The third season, Book Three: Change, begins as nonbenders begin developing airbending powers as a result of Harmonic Convergence, and Tenzin, Korra, and her friends attempt to recruit them to re-establish the extinct Air Nomads. One new airbender is Zaheer, the leader of the anarchist Red Lotus society. The Red Lotus assassinates the Earth Queen, throwing her kingdom into chaos, and captures Korra to attempt to kill her and end the Avatar cycle. They are defeated by Korra's friends and the new airbenders, but Korra is severely injured and psychologically traumatized.
 The final season, Book Four: Balance, takes place three years later. Korra slowly recovers from her mental and physical trauma. The metalbender Kuvira, assigned to reunite the fractured Earth Kingdom, declares herself head of the new, authoritarian ""Earth Empire"". Kuvira builds a spirit-powered superweapon and attempts to conquer Republic City. When Korra and her friends destroy the weapon, defeating Kuvira, the blast creates another portal to the Spirit World. The series ends with the prospect of democracy for the former Earth Kingdom, as Korra and Asami leave together for a vacation in the spirit world.
 Korra (Janet Varney) is the series' 17-year-old ""headstrong and rebellious"" protagonist,[9] and Aang's reincarnation as the Avatar. Her transformation ""from brash warrior to a spiritual being"", according to DiMartino, is a principal theme of the series.[10] The character was inspired by Bryan Konietzko's ""pretty tough"" sister, and by female MMA fighters.
 The series focuses on Korra and her friends, sometimes called ""Team Avatar"", which include the bending brothers Mako and Bolin and the non-bender Asami. Mako (David Faustino), the older brother, is a firebender described as ""dark and brooding"".[3][11] The character was named after the late Mako Iwamatsu, the voice actor for Iroh in the first two seasons of the original series. His younger brother Bolin (P. J. Byrne) is an earthbender described as lighthearted, humorous, and ""always [having] a lady on his arm"".[3][12] Asami Sato (Seychelle Gabriel), the only non-bender among the leading characters, is the daughter of the wealthy industrialist Hiroshi Sato.[3]
 The other main characters are the airbending master Tenzin, one of Aang's grown children (J. K. Simmons), and his family, which include his wife Pema (Maria Bamford) and their daughters Jinora (Kiernan Shipka) and Ikki (Darcy Rose Byrnes) and sons Meelo (Logan Wells) and Rohan. Jinora is calm and an avid reader. She is an airbender and joins the main cast in season 2.[13][14] Ikki is described as ""fun, crazy, and a fast talker"".[14] Little brother Meelo is super-active and comically aggressive, and baby Rohan is born during the third-to-last episode of Book One. Other recurring characters include Republic City police chief Lin Beifong (Mindy Sterling), and Korra's animal friends Naga and Pabu (both Dee Bradley Baker, the voice of a number of animals including Appa and Momo in the original series). Pabu was inspired by Futa, a famous standing Japanese red panda.[15] Jeff Bennett as the voice for Shiro Shinobi, fast-talking probending match announcer in Book One. He also does the voice-overs for the short recaps during the opening sequence of each episode.
 According to critic Mike Hoffman, the romantic interests of Korra and her companions are less in the foreground than in Avatar, and feature mainly in the first two seasons.[16] In Book One, Bolin pines for Korra, who is interested in Mako, who dates Asami. By the end of the season, Mako has broken up with Asami and entered a relationship with Korra. This ends around the end of Book Two, during which Bolin suffers from an abusive relationship with the waterbender Eska. In the fourth season, Bolin dates the airbender Opal, while Asami and Korra become closer friends. The series' final scene indicates a romantic connection between them.[17] Mike DiMartino wrote that the scene ""symbolizes their evolution from being friends to being a couple"".[18] They continue in a relationship in the comics.
 Book One: Air features two main adversaries for Korra: the Equalists' masked leader Amon (Steve Blum) who has the power to remove a person's bending-powers,[3][19] and the ambitious, charismatic politician Tarrlok (Dee Bradley Baker), who resorts to increasingly repressive methods against the Equalists.[20]  Tenzin's parents Katara (Eva Marie Saint), and Avatar Aang (D. B. Sweeney), main characters of the Avatar: The Last Airbender series, also made recurring appearances. Chris Hardwick and Kate Higgins voiced Sokka and Toph Beifong in guest appearances. Amon's lieutenant is voiced by Lance Henriksen, and Asami's father Hiroshi Sato by Daniel Dae Kim. Sato's character, the self-made founder of Future Industries, was inspired by Theodore Roosevelt and by the Japanese industrialists Keita Goto and Iwasaki Yatarō.[21] Rami Malek voices Tahno, a pro-bending athlete. Richard Epcar voices Saikhan, captain of the Republic City Metalbending Police Force. Both Amon and Tarrlok are identified as the sons of mob boss Yakone (Clancy Brown). Korra is also supported by General Iroh (Dante Basco, who voiced Zuko in the original series), a member of the United Forces who is described as ""a swashbuckling hero-type guy"".[22][23] He is named after Iroh, Zuko's uncle in the original series.[24]
 Book Two: Spirits features Tenzin's and Korra's families, including Tenzin's elder siblings Kya (Lisa Edelstein) and Bumi (Richard Riehle) as well as Korra's father Tonraq (James Remar) and mother Senna (Alex McKenna). Book 2 also introduces John Michael Higgins as the corrupt businessman and inventor Varrick, with Stephanie Sheh voicing his assistant Zhu Li, along with Korra's uncle Unalaq (Adrian LaTourelle), aided by his twin children Desna (Aaron Himelstein) and Eska (Aubrey Plaza), and Vaatu (Jonathan Adams), the spirit of disorder. Spencer Garrett joined the cast as the voice for Raiko, the president of the United Republic. The season also explains the Avatar mythos though the first Avatar Wan (Steven Yeun) and Vaatu's polar opposite Raava (April Stewart). Making a few appearances in Books Two and Three, Greg Baldwin reprises Iroh from the previous series. Set six months after the events of the first season, Book Two: Spirits sees Mako as a police officer, Asami in charge of Future Industries, and Bolin leading a new pro-bending team with little success.
 The anarchist antagonists introduced in Book Three: Change, the Red Lotus, comprise the new airbender Zaheer (Henry Rollins), the armless waterbender Ming-Hua (Grey DeLisle, who previously voiced a dark spirit),[25] the combustionbender P'Li (Kristy Wu), and the lavabender Ghazan (Peter Giles). Supporting characters include the Earth Queen Hou-Ting (Jayne Taini), the retired Fire Lord Zuko (Bruce Davison), Lin's half-sister Suyin Beifong (Anne Heche), Suyin's trusted advisor Aiwei (Maurice LaMarche) and her captain of the guards Kuvira (Zelda Williams). New airbenders are also introduced in the season including the young thief Kai (Skyler Brigmann) and Suyin's daughter Opal (Alyson Stoner), both of Earth Kingdom origins and the love interests of Jinora and Bolin respectively. Jim Meskimen voices a Republic City merchant and later airbender named Daw, as well as Suyin's husband, the architect Baatar. Jason Marsden as the voice for Huan, second oldest son of Suyin, along Marcus Toji voicing  Wei and Wing are the twin sons of Suyin. Greg Cipes as the voice for Tu, the cousin of Mako and Bolin, along Susan Silo voices a their grandmother Yin.[citation needed]
 The final season, Book Four: Balance, features Kuvira as Korra's antagonist at the head of an army bent on uniting the Earth Kingdom. The cast is also joined by Sunil Malhotra as Prince Wu, the vain heir to the Earth Kingdom throne, and Todd Haberkorn as Baatar Jr., Suyin's estranged son who is Kuvira's fiancé and second-in-command. Philece Sampler voices the aged Toph Beifong, another returning character from Avatar whose young adult version was voiced by Kate Higgins in Books 1 and 3. April Stewart was cast as Zuko's daughter, Fire Lord Izumi, in a minor role.[26]
 The art design of Republic City, described as ""if Manhattan had happened in Asia"", was inspired by the 1920s and incorporates influences from American and European architecture from that time period.[7] Elements of film noir and steampunk also influenced the city's art concept. The design for the metalbending police force is based on 1920s New York City police uniforms, crossed with samurai armor.[27]
 The fighting styles employed by characters in the original show Avatar: The Last Airbender were derived from different distinct styles of Chinese martial arts.[28] Set 70 years later, the fighting style in the multicultural Republic City has modernized and blended,[29][30] with the creators incorporating three primary styles: traditional Chinese martial arts, mixed martial arts, and tricking. The pro-bending sport introduced in the series was inspired by mixed martial arts (MMA) tournaments.[27][31]
 Chinese martial arts instructor Sifu Kisu consulted on Avatar: The Last Airbender and returned as a consultant for the fight scenes in The Legend of Korra. MMA fighters Jeremy Humphries and Mac Danzig were credited with ""providing a lot of the moves you'll see in the Probending arena"", and Steve Harada and Jake Huang provided the stylized flips and acrobatics of ""tricking"" to the series' fighting style.[31]
 The Legend of Korra was co-created and produced by Bryan Konietzko and Michael Dante DiMartino at Nickelodeon Animation Studios in Burbank, California. To illustrate the length of the production process (about 10 to 12 months per episode)[32] and the overlap of the various phases, Konietzko wrote in July 2013 that their team was already developing the storyboards for the first episode of Book 4 while the last episodes of Book 2 were not yet finished.[33]
 Production of the series was announced at the annual San Diego Comic-Con on July 22, 2010. It was originally due for release in October 2011.[34][35] Tentatively titled Avatar: Legend of Korra at the time, it was intended to be a twelve-episode[36] mini series set in the same fictional universe as the original show,[35] but seventy years later.[37] In 2011, the title was changed to The Last Airbender: Legend of Korra, and again in March 2012 to The Legend of Korra. The premiere was eventually delayed to April 14, 2012.[36] South Korean animation studio Mir was involved in the pre-production, storyboarding and animation of the series which allows the studio more creative input on directing the martial arts scenes that the series and its predecessor are known for.[38]
 According to animation director Yoo Jae-myung, Nickelodeon was initially reluctant to approve the series and suspended production because, according to Konietzko, conventional wisdom had it that ""girls will watch shows about boys, but boys won't watch shows about girls"". The creators eventually persuaded the channel's executives to change their mind. Konietzko related that in test screenings, boys said that Korra being a girl did not matter to them.[39]
 The creators wrote all of the episodes of the first season themselves, omitting ""filler episodes"" to allow for a concise story.[40] Once the series was expanded from its original 12-episode schedule to 26 and then to 52, more writers were brought in so that the creators could focus on design work.[41] Joaquim Dos Santos and Ryu Ki-Hyun, who worked on the animation and design of the original series, also became involved with creating The Legend of Korra, as is storyboarder Ian Graham. Jeremy Zuckerman and Benjamin Wynn, who composed the soundtrack for the original series as ""The Track Team,"" also returned to score The Legend of Korra.[42]
 The second season, Book Two: Spirits, premiered on September 13, 2013, and concluded on November 22, 2013. It consists of fourteen episodes. Animation work was done by the South Korean animation studio Mir as well as the Japanese animation studio Pierrot.[1] Studio Mir was expected to solely work on Book 2, but executive director Jae-myung Yoo decided that Studio Mir would animate The Boondocks instead because the animation process was less rigorous. Pierrot was eventually called in to fill the void and animate Book 2. According to Jae-myung Yoo, Studio Mir was later contacted and re-asked to animate Book 2. Yoo feared that, if Book 2 failed, Studio Mir and Korean animators would have their reputations tarnished for Pierrot's failures. Consequently, Studio Mir accepted the offer and worked alongside Pierrot.[43]
 The third season, Book Three: Change, aired its first three episodes on June 27, 2014, soon after some episodes were leaked online.[44] It takes place two weeks after the events of Book Two: Spirits. Episodes nine to thirteen were streamed online, rather than being broadcast as a television program.[45]
 Book Four: Balance, the final season, was produced in parallel to the previous two seasons. The crew, at one point, worked on approximately 30 episodes at the same time: post-production for season 2, production for season 3 and pre-production for season 4.[46] Some production steps, such as color correction and retakes, continued up until the date of the series finale, December 19, 2014.[47] Season 4 started online distribution a few months after the third season's finale on October 3, 2014. After Nickelodeon cut the season's budget by the amount required for one episode, DiMartino and Konietzko decided to include a clip show, which reuses previously produced animation, as episode 8 (""Remembrances"") instead of dismissing many of the creative staff.[48] Studio Mir was helped by its companion studio, a subunit called Studio Reve, while working on Book 4.[49][50][51]
 Concerning the development of the much-discussed final scene intended to show the friends Korra and Asami becoming a romantic couple, Bryan Konietzko explained that at first he and DiMartino did not give the idea much weight, assuming they would not be able to get approval for portraying their relationship. But during the production of the finale they decided to test that assumption, approached the network and found them supportive up to a certain limit. They decided to change the final scene from Korra and Asami only holding hands, to also facing each other in a pose referencing the marriage scene a few minutes prior and the pose made by Aang and Katara in the finale of Avatar: The Last Airbender.[52]
 The Legend of Korra was produced mainly as traditional animation, with most frames drawn on paper in South Korea by the animators at Studio Mir and scanned for digital processing. Each episode comprises about 15,000 drawings.[53] The series makes occasional use of computer-generated imagery for complex scenes or objects, most noticeably in the animations of the pro-bending arena or the mecha-suits of the later seasons.
 While The Legend of Korra was produced in the United States and therefore not a work of Japanese animation (""anime"") in the strict sense, The Escapist magazine argued that the series is so strongly influenced by anime that it would otherwise easily be classified as such: its protagonists (a superpowered heroine, her group of talented, supporting friends, a near-impervious villain who wants to reshape the world), its themes (family, friendship, romance, fear, and death) and the quality of its voice acting as well as the visual style are similar to those of leading anime series such as Fullmetal Alchemist: Brotherhood, Bleach or Trigun.[54] A notable difference from such series is the absence of lengthy opening and ending sequences set to J-pop songs;[54] to save broadcast time, The Legend of Korra's openings and endings last only a few seconds. The series mostly abstains from using the visual tropes characteristic of anime, but does occasionally use exaggerated facial expressions to highlight emotions for comic effect.
 As in Avatar, the series adds to its Asian aesthetic by presenting all text that appears in its fictional world in traditional Chinese characters, without translating it. For example, on the ""Wanted"" posters seen in the episode ""The Stakeout"", the names of the protagonists are written as 寇拉 (Korra), 馬高 (Mako) and 愽林 (Bolin).
 The Legend of Korra is set to music by Jeremy Zuckerman, who previously wrote the music for Avatar: The Last Airbender with Benjamin Wynn. For The Legend of Korra, Zuckerman is the sole composer while Wynn is the lead sound designer; the two collaborate with Foley artist Aran Tanchum and showrunner Mike DiMartino on the soundscape of the series.[55] Konietzko and DiMartino's concept for the score was to blend traditional Chinese music with early jazz. On that basis, Zuckerman composed a score combining elements of Dixieland, traditional Chinese music and Western orchestration. It is performed mainly by a string sextet and various Chinese solo instruments,[56] including a dizi (flute), paigu (drums), a guqin, an erhu and a Mongolian matouqin.[57][58]
 A soundtrack CD, The Legend of Korra: Original Music from Book One, was published on July 16, 2013.[59] Music from Korra and Avatar was also played in concert at the PlayFest festival in Málaga, Spain in September 2014.[60] The series's soundtrack was nominated as best TV soundtrack for the 2013 GoldSpirit Awards.[61]
 On July 16, 2013, Nickelodeon and Sony Music Entertainment's Legacy Recordings released The Legend of Korra: Original Music from Book One.
 The first season (Book One: Air) aired in the United States on Nickelodeon on Saturday mornings between April 14, 2012, and June 23, 2012. Unlike its predecessor, the series was broadcast in high-definition. It was broadcast in other countries on the local Nickelodeon channels beginning in August 2012.
 The second season (Book Two: Spirits) began airing on Nickelodeon in the United States on September 13, 2013, on Friday evenings. The season ended on November 22, 2013.
 The third season (Book Three: Change) began airing on Nickelodeon in the United States on June 27, 2014, also on Friday evenings, two episodes at a time. The broadcast was announced one week in advance after several episodes of the new season were leaked on the Internet. After the first seven episodes aired to low ratings, Nickelodeon removed the last five episodes from its broadcast schedule. The remainder of the episodes were then distributed online via Amazon Video, Google Play, Xbox Video and Hulu as well as the Nickelodeon site and apps.[62] The Escapist compared The Legend of Korra to Firefly as ""a Friday night genre series with a loyal fan following built up from previous works by the creators that is taken off the air after the network fails to advertise it properly or broadcast episodes in a logical manner.""[2] Series creator Michael DiMartino said that the series' move to online distribution reflected a ""sea change"" in the industry: While Korra did not fit in well with Nickelodeon's other programming, the series did extremely well online, with the season 2 finale having been Nickelodeon's biggest online event.[63]
 The fourth season (Book Four: Balance) began distribution in the United States on October 3, 2014, through Nick.com, Amazon Video, iTunes and Hulu.[64] Beginning on November 28, 2014, with episode 9, the fourth season was officially premiered back on television on Fridays on Nicktoons.[65]
 The Legend of Korra is broadcast subtitled or dubbed on Nickelodeon channels outside of the U.S.
 In Germany, the first and second seasons received a German-language broadcast on Nickelodeon Germany. The third and fourth seasons are broadcast in 2015 on the German Nicktoons pay TV channel. In France, only the first season has been broadcast on Nickelodeon France and J-One. A fandub project to complete the French dub was launched in 2015.[66]
 In 2017, the Kenya Film Classification Board banned The Legend of Korra, together with the cartoon series The Loud House, Hey Arnold!, Steven Universe, Clarence and Adventure Time, from being broadcast in Kenya. According to the Board, the reason was that these series were ""glorifying homosexual behavior"".[67]
 Since August 14, 2020, The Legend of Korra is available for streaming on Netflix in the United States.[68]
 All episodes of the series have also been released through digital download services, DVD and Blu-ray formats. The DVD releases contain extra features such as audio commentary from the creators, cast and crew for some episodes, and the Blu-ray releases contain commentary for additional episodes.
 The following table indicates the release dates of the DVD and Blu-ray versions of the series:
 The series premiere averaged 4.5 million viewers, ranking it as basic cable's number-one kids' show and top animated program for the week with total viewers. The Legend of Korra also ranks as the network's most-watched animated series premiere in three years.[84]
 Book One: Air drew an average of 3.8 million viewers per episode. This was the highest audience total for an animated series in the United States in 2012.[85]
 Book Two: Spirits premiered with 2.6 million viewers. Suggested explanations for the reduced number of broadcast viewers were: the long period between seasons, a change in time slot (Friday evening instead of Saturday morning), the increased availability of digital download services, and generally reduced ratings for the Nickelodeon channel.[86]
 Book Three: Change aired on short notice in June 2014 after Spanish-language versions of some episodes were leaked on the Internet. The season premiered with 1.5 million viewers.[44] After declining TV ratings in the third season, Nickelodeon stopped airing the series on its main network and shifted its distribution to sister channel, Nicktoons and online outlets. The online distribution is where the show had proven to be much more successful.[63][87]
 The Legend of Korra received praise for its production values, the quality of its writing, its challenging themes and its transgression of the conventions of youth entertainment.
 On the review aggregator website Rotten Tomatoes, the show currently has an average score of 89%, based on critic reviews.[88] Its first season holds a score of 91% with an average rating of 8.25 out of 10, based on 11 critic reviews, with the website's critical consensus saying, ""The Legend of Korra expands the world of Avatar: The Last Airbender with narrative substance and crisp animation – and progresses the drama and action with a female lead.""[89] The second season holds a score of 67% with an average rating of 8.35 out of 10, based on 9 critic reviews.[90] Both Book Three: Change and Book 4: Balance receive the score of 100% based on 9 critic reviews, with average ratings of 9.5 out of 10 and 9 out of 10 respectively.[91][92]
 David Hinckley of the New York Daily News wrote that the ""visually striking"" series is ""full of little tricks and nuances that only true fans will notice and savor, but nothing prevents civilians from enjoying it as well.""[93] Writing for Vulture, Matt Patches highlighted the second season's loose, handheld-style cinematography—challenging for an animated series—and the ""weird, wonderful"", wildly imagined spirits fought by Korra; ""a Kaiju parade with beasts that mirror velociraptors"".[94] Max Nicholson for IGN described the third season as ""easily the show's most consistent season to date, delivering complex themes, excellent storylines and unmatched production values.""[95] And Oliver Sava, for The A.V. Club, characterized it as a ""truly magnificent season of television, delivering loads of character development, world building, socio-political commentary, and heart-racing action, all presented with beautifully smooth animation and impeccable voice acting"".[96]
 Before the first season's finale, Scott Thill of Wired hailed The Legend of Korra as ""the smartest cartoon on TV,"" able to address adults' spiritual and sociopolitical concerns while presenting an ""alternately riveting and hilarious ride packed with fantasy naturalism, steampunk grandeur, kinetic conflicts, sci-fi weaponry and self-aware comedy.""[97] In The Atlantic, Julie Beck characterized the series as ""some of the highest quality fantasy of our time"", appreciating it for combining nuanced social commentary with Avatar: The Last Airbender's ""warmth, whimsy, and self-referential wit"".[98] Brian Lowry of Variety felt that the series ""represents a bit more ambitious storytelling for older kids, and perhaps a few adults with the geek gene.""[99]
 At TV.com, Noel Kirkpatrick commented favorably on how the second season of ""one of television's best programs"" handled the necessary quantity of exposition, and on its introduction of the theme of conflict between spiritualism and secularism.[100] Covering the third season, Scott Thill at Salon described Korra as one of the toughest, most complex female characters on TV, despite being in a cartoon, and considered that the ""surreal, lovely sequel"" to Avatar ""lastingly and accessibly critiques power, gender, extinction, spirit and more — all wrapped up in a kinetic 'toon as lyrical and expansive as anything dreamt up by Hayao Miyazaki or George Lucas"".[101] David Levesley at The Daily Beast recommended the series to those looking for ""beautifully shot and well-written fantasy on television"" after the end of Game of Thrones's most recent season, noting that in both series ""the fantastical and the outlandish are carefully balanced with human relationships and political intrigue"".[102]
 Several reviewers noted the sociopolitical issues that, unusually for an animated series on a children's channel, run through The Legend of Korra. According to Forbes, by telling ""some of the darkest, most mature stories"" ever animated, The Legend of Korra has created a new genre, ""the world's first animated television drama"".[103] Thill proposed that the Equalists' cause in season 1 reflected the recent appearance of the Occupy movement, and DiMartino responded that though the series was written before Occupy Wall Street began, he agreed that the show similarly depicted ""a large group of people who felt powerless up against a relatively small group of people in power.""[104] Beck wrote that The Legend of Korra used magic to illustrate ""the growing pains of a modernizing world seeing the rise of technology and capitalism, and taking halting, jerky steps toward self-governance"", while portraying no side of the conflict as entirely flawless.[98] Alyssa Rosenberg praised the show for examining issues of class in an urban setting, and a guest post in her column argued that the struggle between Korra and Amon's Equalists reflected some of the ideas of John Rawls' ""luck egalitarianism"", praising the series for tackling moral issues of inequality and redistribution.[105][106]
 Writing for The Escapist, Mike Hoffman noted how the series respected its younger viewers by explicitly showing, but also giving emotional weight to the death of major characters, including ""one of the most brutal and sudden deaths in children's television"" in the case of P'Li in season 3. By portraying Korra's opponents not as stereotypical villains, but as human beings with understandable motivations corrupted by an excess of zeal, the series trusted in viewers to be able to ""resolve the dissonance between understanding someone's view and disagreeing with their methods"". And, Hoffman wrote, by showing Korra to suffer from ""full-on depression"" at the end of the third season, and devoting much of the fourth to her recovery, the series helped normalize mental health issues, a theme generally unaddressed in children's television, which made them less oppressive for the viewers.[107]
 Summing up Book Four, Joanna Robinson for Vanity Fair described it as ""the most subversive television event of the year"", noting how much of the season and series pushed the boundaries of what is nominally children's television by ""breaking racial, sexual, and political ground"": It featured a dark-skinned female lead character as well as a bevy of diverse female characters of all ages, focused on challenging issues such as weapons of mass destruction, PTSD and fascism, and was infused with an Eastern spirituality based on tenets such as balance and mindfulness.[108] Levesley also highlighted the ""many examples of well-written women, predominantly of color"" in the series.[102] Oliver Sava at The A.V. Club noted that the series had ""consistently delivered captivating female figures""; he considered it to be first and foremost about women, and about how they relate to each other ""as friends, family, and rivals in romance and politics"".[17]
 Moreover, according to Robinson, the series' final scene, in which Korra and Asami gaze into each other's eyes in a shot mirroring the composition of Avatar's final moments in which Aang and Katara kiss, ""changed the face of TV"" by going further than any other work of children's television in depicting same-sex relationships[108]—an assessment shared by reviewers for TV.com,[109] The A.V. Club,[17] USA Today,[110] IGN,[111] Moviepilot[112] and The Advocate.[113] Mike Hoffman, on the other hand, felt that Korra and Asami's relationship was not intended as particularly subversive, but as something the writers trusted younger viewers, now often familiar with same-sex relationships, to be mature enough to understand.[107] Megan Farokhmanesh of Polygon wrote that by portraying Korra and Asami as bisexual, the series even avoided the error of assuming sexual orientation, as many other TV series did, to be a strict divide between ""gay"" and ""straight"".[114] In 2018, io9 ranked the series' final scene #55 on its list of ""The 100 Most Important Pop Culture Moments of the Last 10 Years"".[115] As Korra was made widely available again on Netflix in 2020, Janet Varney called her role as the voice of Korra ""the most profound and meaningful part of my career"" on account of the impact the ending had on queer fans.[68] Vanity Fair said that the show's creators ""fought hard"" for the ending with Korra and Asami, which has ""plausible deniability that it's all platonic.""[116]
 The Washington Post and Vulture have since credited The Legend of Korra with changing the landscape of LGBT representation in western animated children's cartoons, paving the way for more overt queer content in shows such as Adventure Time, Steven Universe, and She-Ra and the Princesses of Power.[117][118]
 The first season of The Legend of Korra received numerous accolades. It received two nominations for the 2012 Annie Awards; Bryan Konietzko, Joaquim Dos Santos Ryu Ki-Hyun, Kim Il Kwang and Kim Jin Sun were nominated in the category of Best Character Design in an Animated Television Production, and the first two episodes were nominated in the category of Best Animated Television Production for Children.[119] The series was also nominated for the ""Outstanding Children's Program"" award from among the 2012 NAACP Image Awards, which ""celebrates the accomplishments of people of color"".[120] IGN editors and readers awarded the series the ""IGN People's Choice Award"" and the ""Best TV Animated Series"" award in 2012, and it was also nominated for ""Best TV Series"" and ""Best TV Hero"" for Korra.[121] The series also took second place (after My Little Pony: Friendship is Magic) in a TV.com readers' poll for the ""Best Animated Series"" of 2012.[122] The first season also received three Daytime Emmy Award nominations, winning in the category of ""Outstanding Casting For an Animated Series or Special.""
 The second season received fewer awards and total nominations than the first; it was nominated for three Annie Awards in 2014, winning in the category of ""Outstanding Achievement, Production Design in an Animated TV/Broadcast Production."" It was nominated for two more IGN awards, being nominated for ""Best TV Animated Series"" and winning the ""IGN People's Choice Award"" for the second year in a row.[123]
 The third and fourth seasons, combined into one entry, were nominated for six IGN awards, winning the ""People's Choice Award"" for the third time in a row, as well as ""Best TV Animated Series"" for the second time, ""People's Choice Award for Best TV Episode"" for Korra Alone, and ""People's Choice Award for Best TV Series"" for the first time.[124] The third and fourth seasons were nominated for two Annie Awards; ""Best Animated TV/Broadcast Production for Children's Audience,"" and winning ""Outstanding Achievement, Storyboarding in an Animated TV/Broadcast Production.""
 Like its predecessor series, The Legend of Korra has a broad fandom, including on social media and at fan conventions. Most fans are young adults, according to The Escapist, but many are children and younger teenagers.[107]
 According to Merrill Barr writing for Forbes, few series ""boast as vocal a fan base as The Legend of Korra"", including such popular series as Game of Thrones and Orphan Black.[128] In January 2015, after the series ended, the media reported on a fan petition to have Netflix produce a series in the Avatar universe garnering more than 10,000 signatures only in 2015.[129]
 The A.V. Club and io9 noted that the live-action TV series Warrior, for which NBC ordered a pilot in early 2015, has a premise almost identical to that of The Legend of Korra: It is to be about ""a damaged heroine"" who ""works undercover with physical and spiritual guidance from a mysterious martial arts master to bring down an international crime lord"" in a ""contemporary multicultural and sometimes magical milieu"".[130][131]
 In an interview with GLAAD's Raina Deerwater, ND Stevenson, creator of the series She-Ra and the Princesses of Power talked about queer representation in animation, situating The Legend of Korra alongside Steven Universe as an inspiring series that has taught young fans to expect ""nothing less than a variety of solid queer representation and central queer characters."".[132]
 The Legend of Korra is continued in a graphic novel trilogy series written by DiMartino and published by Dark Horse Comics. The first trilogy, The Legend of Korra: Turf Wars, was drawn by Irene Koh and takes place immediately following the series finale, focusing on Korra and Asami's relationship in the aftermath of Kuvira's attack. The first volume was published on July 26, 2017,[133] the second volume was published on January 17, 2018,[134] and the third and final volume was published on August 22, 2018.[135] A sequel, The Legend of Korra: Ruins of the Empire, was published in three volumes in May 2019, November 2019, and February 2020.[136]
 Hardcover art books detailing each season's creative process have been published by Dark Horse, similar to the art book published about Avatar: The Last Airbender:
 In July 2013, Nickelodeon published a free interactive e-book, The Legend of Korra: Enhanced Experience, on iTunes.[141] It contained material such as concept art, character biographies, animatics and storyboards.[142]
 In March 2013, PixelDrip Gallery organized a Legend of Korra fan art exhibition in Los Angeles with the support of the series's creators, and later published a documentary video about it.[143] Another art exhibition supported by Nickelodeon to pay tribute to The Legend of Korra and Avatar was held from March 7 to 22, 2015 at Gallery Nucleus in Alhambra, California.[144][145]
 An adult coloring book, The Legend of Korra Coloring Book (ISBN 978-1-5067-0246-9) with art by Jed Henry was released in July 2017.[146]
 Book One: Air was adapted as two novels by Erica David, aimed at readers ages twelve and up. The novelizations were published by Random House in 2013:[147]
 Activision published two video games based on the series in October 2014. The first, titled only The Legend of Korra, is a third-person beat 'em up game for Xbox One, Xbox 360, PlayStation 4, PlayStation 3, and Microsoft Windows. Despite the game's developer PlatinumGames being known for well-received action games, the game received mixed reviews. The second game, The Legend of Korra: A New Era Begins, is a turn-based strategy game developed by Webfoot Technologies for the Nintendo 3DS. Nickelodeon also makes several Adobe Flash-based browser games based on The Legend of Korra available on their website.[148]
 IDW Publishing released a series of board games based on The Legend of Korra. The first is an adaptation of the series' pro-bending game; that was financed through Kickstarter and released in fall 2017.[149] Korra is a playable character in multiple Nickelodeon crossover games, including Super Brawl Universe, Nickelodeon Kart Racers 2: Grand Prix and 3: Slime Speedway, and Nickelodeon All-Star Brawl and its sequel.[150] Korra also appears as a skin for Skadi in Smite.[151]
 A 12-inch figurine of Lin Beifong, as well as a graphic t-shirt, was announced at the 2015 San Diego Comic-Con.[152] Mondo released a figurine of Korra and Asami holding hands in March 2018.[153]
 In 2013, before the premiere of Book Two: Spirits, Nickelodeon released three animated short videos online titled Republic City Hustle that cover part of the lives of Mako and Bolin as street hustlers before the events of the first season.[154] They are written by Tim Hedrick, one of the writers for Book Two: Spirits, and designed by Evon Freeman.[155]
 In August 2012, Variety reported that Paramount Animation, a sister company of Nickelodeon, was starting development of several animated films, with budgets of around US$100 million. According to Variety, a possible candidate for one of the films was The Legend of Korra.[156] Series creator Bryan Konietzko later wrote on his blog that no such film was in development.[157] In July 2013, he said that he and DiMartino were far too busy working on multiple seasons of the TV series in parallel to consider developing a film adaptation at that time.[158]",6970,"Main page; Contents; Current events; About Wikipedia; Help; Learn to edit; Community portal; Upload file; ; learn more; Article; Talk; Read; Read; Upload file; ; The Legend of Korra (video game); The Legend of Korra (comics); ; Action; Drama; Fantasy; Steampunk; Michael Dante DiMartino; Bryan Konietzko; Joaquim Dos Santos; Andrea Romano; Janet Varney; Seychelle Gabriel; David Faustino; P. J. Byrne; J. K. Simmons; Mindy Sterling; Kiernan Shipka; Dee Bradley Baker; Jeremy Zuckerman; Benjamin Wynn; list of episodes; Studio Mir; Pierrot; Nickelodeon Animation Studio; Nickelodeon; Nick.com; Avatar: The Last Airbender; Avatar: The Last Airbender (comics); The Legend of Korra (comics); fantasy; action; Michael Dante DiMartino; Bryan Konietzko; Nickelodeon; stand-alone sequel; Avatar: The Last Airbender (The Legend of Aang); comic book series; fictional universe; telekinetically; four elements; Korra; reincarnation; Aang; Janet Varney; Seychelle Gabriel; David Faustino; P. J. Byrne; J. K. Simmons; Mindy Sterling; Aubrey Plaza; John Michael Higgins; Kiernan Shipka; Lisa Edelstein; Steve Blum; Eva Marie Saint; Henry Rollins; Anne Heche; Zelda Williams; Joaquim Dos Santos; Jeremy Zuckerman; Benjamin Wynn; Annie Awards; Daytime Emmy Award; Gracie Award; sociopolitical; social unrest; terrorism; race; gender; sexual orientation; Asami Sato; LGBT representation in children's television; List of The Legend of Korra episodes; miniseries; pitch; The Promise; The Search; The Rift; 1; Nickelodeon; 2; 3; Nick.com; 4; World of Avatar: The Last Airbender; Avatar: The Last Airbender series overview; telekinetically; water; earth; fire; air; Chinese martial arts; genocide; backstory; Avatar; reincarnating; Korra; Aang; Manhattan; Book One: Air; Tenzin; Aang; Bolin; Mako; Asami Sato; Book Two: Spirits; Book Three: Change; Book Four: Balance; Kuvira; List of Avatar: The Last Airbender characters; ; ; ; ; ; ; ; ; Janet Varney; Seychelle Gabriel; David Faustino; P. J. Byrne; J. K. Simmons; Mindy Sterling; Kiernan Shipka; Dee Bradley Baker; Korra; Asami Sato; Mako; Bolin; Tenzin; Lin Beifong; Janet Varney; female MMA fighters; David Faustino; Mako Iwamatsu; Iroh; P. J. Byrne; Seychelle Gabriel; J. K. Simmons; Maria Bamford; Kiernan Shipka; Darcy Rose Byrnes; Mindy Sterling; Dee Bradley Baker; Futa; red panda; Jeff Bennett; voice-overs; the comics; ; ; ; ; ; Steve Blum; Eva Marie Saint; Lance Henriksen; Daniel Dae Kim; Clancy Brown; Katara; Book One: Air; Steve Blum; Katara; Eva Marie Saint; Avatar Aang; D. B. Sweeney; Avatar: The Last Airbender; Chris Hardwick; Kate Higgins; Sokka; Toph Beifong; Lance Henriksen; Daniel Dae Kim; self-made; Theodore Roosevelt; Keita Goto; Iwasaki Yatarō; Rami Malek; Richard Epcar; Clancy Brown; Dante Basco; Zuko; swashbuckling; ; ; ; ; Lisa Edelstein; Aubrey Plaza; James Remar; Steven Yeun; Book Two: Spirits; Lisa Edelstein; Richard Riehle; James Remar; Alex McKenna; John Michael Higgins; Stephanie Sheh; Aaron Himelstein; Aubrey Plaza; Jonathan Adams; Spencer Garrett; Steven Yeun; April Stewart; Greg Baldwin; ; ; ; ; ; ; ; Henry Rollins; Grey DeLisle; Bruce Davison; Alyson Stoner; Anne Heche; Jim Meskimen; Zelda Williams; Zaheer; Zuko; Kuvira; Book Three: Change; Zaheer; Henry Rollins; Grey DeLisle; Kristy Wu; Bruce Davison; Anne Heche; Maurice LaMarche; Kuvira; Zelda Williams; Alyson Stoner; Jim Meskimen; Jason Marsden; Marcus Toji; Greg Cipes; Susan Silo; citation needed; Book Four: Balance; Todd Haberkorn; Philece Sampler; April Stewart; film noir; steampunk; Chinese martial arts; mixed martial arts; tricking; Mac Danzig; ; Bryan Konietzko; Michael Dante DiMartino; Burbank, California; San Diego Comic-Con; mini series; fictional universe; Mir; test screenings; filler; Joaquim Dos Santos; Jeremy Zuckerman; Benjamin Wynn; Book Two: Spirits; Mir; Pierrot; The Boondocks; Book Three: Change; television program; Book Four: Balance; clip show; Avatar: The Last Airbender; traditional animation; computer-generated imagery; anime; The Escapist; Fullmetal Alchemist: Brotherhood; Bleach; Trigun; J-pop; visual tropes; traditional Chinese characters; Jeremy Zuckerman; Benjamin Wynn; sound designer; Foley; traditional Chinese music; early jazz; Dixieland; string sextet; dizi (flute); paigu; guqin; erhu; matouqin; The Legend of Korra: Original Music from Book One; Málaga; GoldSpirit Awards; Book One: Air; Nickelodeon; Book Two: Spirits; Book Three: Change; The Escapist; Firefly; Friday night; Book Four: Balance; Nicktoons; Nickelodeon Germany; German Nicktoons; Nickelodeon France; J-One; fandub; Kenya Film Classification Board; The Loud House; Hey Arnold!; Steven Universe; Clarence; Adventure Time; Netflix; DVD; Blu-ray; Region 1; Region 2; Region 4; Air; Spirits; Change; Balance; Nicktoons; Nielsen Media Research; citation needed; review aggregator; Rotten Tomatoes; New York Daily News; Vulture; Kaiju; velociraptors; The A.V. 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Le Petit Nicolas,https://fr.wikipedia.org/wiki/Le_Petit_Nicolas,"Pour les articles homonymes, voir Le Petit Nicolas (homonymie).
 
 Le Petit Nicolas est une œuvre de littérature d'enfance et de jeunesse écrite de 1956 à 1965[1] par René Goscinny, et illustrée par Jean-Jacques Sempé. Écrites sous forme de courts récits dans lesquels se mêlent l'humour et la tendresse de l'enfance, les aventures du Petit Nicolas mettent en scène un petit garçon dans un environnement urbain[2] pendant les années 1960. Le personnage y livre ses pensées intimes grâce à un langage enfantin créé par Goscinny et les thèmes sont avant tout ceux de l'enfance (la camaraderie, les disputes, les rapports avec la maîtresse d'école, les premières amourettes...) mais Goscinny y décrypte également le monde complexe des adultes : l'éducation, les disputes familiales, les rapports entre voisins, la relation du père avec son patron, etc.
 Il naît le 29 mars 1959 dans les colonnes de Sud-Ouest Dimanche. Publié sous la forme d’un conte illustré, il remporte un vif succès auprès des lecteurs et devient un feuilleton hebdomadaire pendant sept ans. À partir de 1960, les éditions Denoël publient cinq volumes du Petit Nicolas. Considéré comme un chef-d’œuvre de littérature jeunesse, les aventures du célèbre écolier sont devenues un classique.
 Ces récits entrecoupés d'illustrations ne comptent que quelques pages et sont généralement indépendants les uns des autres, bien que Nicolas cite parfois une anecdote d'une histoire précédente. L'ensemble de l'œuvre peut être lu sans ordre particulier tandis que certains passages tels que l'origine du surnom du Bouillon – un des surveillants de l'école –, la description du terrain vague ou encore le fait qu'Alceste est « un copain qui mange tout le temps » sont repris très régulièrement et contribuent au style enfantin de la narration.
 C’est dans un magazine belge que débutent les collaborations entre Goscinny et Sempé. Le premier travaille aussi pour un hebdomadaire, Le Moustique, où il publiera environ une trentaine de feuilletons policiers sous les pseudonymes de René Macaire ou René Maldecq. À l’occasion, il dessine les couvertures du magazine. Le second collabore à ce magazine et réalise notamment trois ou quatre dessins représentant un petit garçon, de simples dessins de presse en une case. Le rédacteur en chef demande au dessinateur de lui trouver un nom. Sempé aperçoit une publicité d’un célèbre caviste sur un bus. Ce sera Nicolas[3].
 On rencontre pour la première fois les aventures du Petit Nicolas sous forme de bande dessinée, dans un hebdomadaire belge, Le Moustique, de 1955 à 1956. René Goscinny signe le scénario de ces 28 gags[4] (un par semaine) sous le pseudonyme d'Agostini, alors que Sempé les illustre sous son propre nom. Ce dernier ne se sentant pas à l'aise dans le rôle de dessinateur de bande dessinée, le projet est abandonné[5].
 Le journal demande alors au dessinateur de transformer cette esquisse de personnage en une bande dessinée. Habile au crayon, Sempé n’est ni scénariste, ni écrivain. C’est Goscinny qui imagine et écrit les scénarios. Le 25 septembre 1955 paraît la première planche du Petit Nicolas en bande dessinée. À l’époque, Goscinny multiplie les collaborations et utilise plusieurs pseudonymes. C’est pourquoi les planches sont signées Sempé et « Agostini ». Mais l’aventure fait long feu. René Goscinny organise une réunion pour la défense des droits des auteurs. En retour, il est licencié. Sempé, solidaire, claque la porte. La vingt-huitième et dernière planche paraît le 20 mai 1956[6].
 Trois ans plus tard, Henri Amouroux, le rédacteur en chef de Sud-Ouest Dimanche leur commande une histoire humoristique pour son numéro de Pâques. Inspiré, Goscinny propose à Sempé de réutiliser ce qui a été l’ébauche de leur éphémère collaboration, ce personnage de Nicolas, trop vite abandonné. Les deux amis changent de formule : « Je n’aime pas la bande dessinée. Je n’en ai jamais lu, je n’ai jamais aimé ça. En revanche les dessins humoristiques m’ont toujours passionné », dira Sempé[7]. Goscinny troque alors sa casquette de scénariste pour celle de conteur. « Il arriva avec un texte dans lequel un enfant, Nicolas, racontait sa vie avec ses copains qui avaient tous des noms bizarres : Rufus, Alceste, Maixent, Agnan, Clotaire... Le surveillant général était surnommé Le Bouillon. C’était parti : René avait trouvé la formule », expliquera Sempé qui ajoutera : « Il a tout inventé »[8].
 Le 29 mars 1959 paraît dans Sud-Ouest Dimanche, la première aventure du Petit Nicolas sous forme de conte écrit par Goscinny et illustré par Sempé. À l’origine, un seul épisode des aventures du Petit Nicolas était prévu. Le courrier des lecteurs est enthousiaste et le journal leur demande de continuer. Le succès est immédiat et l'œuvre prend sa forme définitive telle qu'on la connaît actuellement : de courts textes illustrés et non plus une bande dessinée. Le journal Pilote l'accueille également dès son premier numéro en octobre 1959, le jeune écolier y côtoie l’autre création de René Goscinny, Astérix le gaulois, né la même année que le Petit Nicolas. La série connaît un engouement ininterrompu jusqu'en 1965, année au cours de laquelle Goscinny met fin aux aventures de son petit personnage[1]. Les deux hommes partagent le même humour et se comprennent parfaitement. Goscinny écrit intégralement les histoires que Sempé illustre d’un, deux, voire trois ou quatre dessins en noir et blanc, au gré de son inspiration. Au rythme d’une histoire tous les dimanches, Goscinny et Sempé réalisent en 7 ans 222 histoires dont 10 ne seront illustrées qu’en 2008 par Sempé pour l’ouvrage Le Petit Nicolas – Le ballon et autres histoires inédites (IMAV éditions, 2009).
 Bien des années plus tard, en 2004, Anne Goscinny, fille de René Goscinny, fonde IMAV éditions qui devient l’éditrice du Petit Nicolas. Elle publie plusieurs volumes des Histoires inédites du Petit Nicolas. Désormais, IMAV est l’éditeur de l’intégralité des livres du Petit Nicolas (15 volumes) et gère tous les droits d’adaptation audiovisuelle et merchandising dans le monde entier.
 En mars 2009, le Petit Nicolas fête ses cinquante ans. Cet anniversaire est marqué par la sortie d'un nouveau recueil Le Ballon et Autres Histoires inédites, d'un film[9] et d'une série télévisée d'animation.
 Alceste est son meilleur ami.
Nicolas est également sous le charme de Marie-Edwige, sa voisine. C’est lui qui raconte l’histoire, comme la raconterait un enfant.
 « Le Petit Nicolas est un enfant normal… Il est gourmand, il est bagarreur, il aime jouer au football, il aime s’amuser…ceci dit il est très gentil » confiera Goscinny.
 Nicolas n’est pas très bon élève mais il n’est pas le dernier qui est son ami Clotaire. Dans sa tirelire il économise des sous pour s’acheter un avion, quand il sera grand. Il veut être aviateur.
 On le reconnaît à peine sur les dessins de groupe car Sempé considère que Le Petit Nicolas est incarné par l’ensemble de la bande de copains et doit à peine se distinguer des autres.
 Alceste est l’un des rares enfants facilement identifiables ; Sempé le dessine presque toujours en train de se mettre quelque chose dans la bouche. Il a les mains sales ce qui est parfois gênant pour ses copains car quand on lui serre la main, elle est toujours collante. Il est d'humeur assez égale mais n'aime pas partager sa nourriture avec ses copains ce qui crée quelquefois des disputes.
 « Il ne faut jamais faire le guignol avec sa nourriture, surtout quand c’est la deuxième tartine de la deuxième récré ». Au football, il n’aime pas courir ce qui arrange ses coéquipiers : « Il est bien, Alceste, comme goal : il est très large et il couvre bien le but ».
 Alceste n’est pas sans rappeler d’autres personnages de l’univers de René Goscinny comme Obélix ou Averell Dalton, obsédés par la nourriture. Son nom évoque bien sûr « Le Misanthrope» célèbre pièce de Molière.
 Rufus prend très au sérieux le métier de son père dont il est très fier. Chaque fois qu’il se sent un peu déstabilisé , il brandit la menace de son père policier : « Je vais dire à mon papa de donner des tas de contraventions à ton papa ! ».
 Le code secret de la bande de copains sera entre autres « Rufus est bête, faites passer ». Il inspire au comédien Jacques Narcy son nom de scène « Rufus ».
 Clotaire est le seul des personnages à avoir une télévision chez lui, ce qui lui confère une certaine aura. Il dispose également d’un « vélo de course » avec porte bagage pour faire les courses.  
 Le jour de la remise des prix, il est miraculeusement récompensé et reçoit « le prix de la camaraderie ».  
 Eudes impose sa loi : chef de la bande des Vengeurs ou capitaine de l’équipe de foot. Il a le coup de poing facile d’autant qu’il se vexe facilement.
 Il a un grand frère Jonas qui fait son service militaire dont il est à la fois jaloux et fier. A la fin de l’année, il remporte le prix de gymnastique.  
 Son père, « il gagne des tas et des tas d'argent ». et lui offre des cadeaux qu’il apporte à l’école : un appareil photo, un équipement complet de footballeur, une boite de magie… Il vient souvent en classe avec des déguisements : cow-boy, martien, mousquetaire…
 Geoffroy est volontiers insolent après Clotaire, l’élève qui récolte le plus de punitions. Il habite une grande maison avec une piscine en forme de haricot. Quand les parents sont demandés à l'école, la mère de Geoffroy se fait représenter par Albert, le chauffeur de sa famille.
 Geoffroy est avec Alceste, le compagnon le plus présent dans les aventures de Nicolas. Il rafle généralement « le prix de bonne tenue ». Ce que Nicolas attribue au fait qu’ « il est toujours très bien habillé ».  
 Joachim est « terrible aux billes » « La maîtresse ne l’a jamais, jamais une fois félicité » sauf le jour où son frère Léonce est né. On le reconnait sur certains dessins car il porte parfois un béret. Il aura droit au titre de la première édition du cinquième volume « Joachim a des ennuis » paru en 1964 mais qui sera par la suite réédité en : « Le Petit Nicolas a des ennuis ».  
 Sans cesse, Agnan dénonce ses camarades qui le traitent de « cafard ».  Il pleure très facilement ou pique une crise de nerf lorsqu'il est contrarié ou embarrassé. C'est pourquoi lorsque tout le monde joue au football, Agnan est nommé arbitre ou bien joueur en arrière, voire gardien.
 Susceptible, il est bagarreur. Quand sa sœur aînée Hermione se marie, Maixent devient beau-frère et provoque ainsi la jalousie de ses copains. C’est le moins présent de la bande de Nicolas. Une nouvelle lui est néanmoins intégralement consacrée, « Le Magicien ».  
 « Elle est très chouette, même si c’est une fille. Je crois que l’on va se marier plus tard ».
 Capricieuse et autoritaire, elle mène Nicolas par le bout du nez. Quand elle s’exprime, elle a le pouvoir de remuer les paupières très vite, ce qui fait rougir Nicolas. « Il y a une chose que Marie-Edwige aime bien, c’est de voir faire des galipettes, et pour les galipettes, je suis terrible ».
 Marie-Edwige aime le piano et la danse. Elle est aussi très coquette :  « Ma poupée (Chantal) et moi, on n’a plus rien à se mettre ! ». Dans l’histoire « Souvenirs de vacances », Nicolas ressent ses premiers émois… On peut se demander si il n'est pas tombé amoureux de Marie-Edwige.
 Après une partie de football, une vitre cassée par Louisette et une punition pour Nicolas, le jeune garçon est séduit : « Elle est chouette, Louisette, quand on sera grands, on se mariera. Elle a un shoot terrible ! ».
 Il lui arrive de se mettre en colère : « Elle m’a fait des yeux, ceux avec lesquels il vaut mieux ne pas rigoler ». Pour son fils elle veut une éducation irréprochable et l’abreuve de recommandations. Parfois débordée, elle s’en remet à son mari : « Quand il viendra, tu lui avoueras ce que tu as fait, il te punira… ».
 Mais avec son mari les relations sont parfois tendues : « A moi les sales besognes ! ». Les disputes sont sans lendemain, une tarte aux pommes scellant la réconciliation.
 Son personnage est joué par Bernadette Lafont dans l’adaptation pour la télévision Tous les enfants du monde (1964), Valérie Lemercier dans les deux premiers films réalisés par Laurent Tirard, puis par Audrey Lamy dans Le trésor du Petit Nicolas réalisé par Julien Rappeneau.
 Lorsqu'il rentre à la maison, il aime lire son journal dans son fauteuil et fumer une pipe. Il est généralement plus jovial et indulgent envers son fils que sa femme ne l'est. « C’est le plus gentil de tous les papas… ».
 Il aime se vanter auprès de son fils d'exploits scolaires ou sportifs : « Je savais que papa avait été un champion terrible de football, de rugby, de natation et de boxe, mais pour le vélo, c’était nouveau ».
 Mais il ne peut jamais montrer à son fils les preuves de ses faits d’armes (médailles ou prix, etc.) qu'il a invariablement perdues « dans le déménagement quand il s'est marié ». À l'occasion d'une visite d'un ancien camarade de classe, Nicolas apprend, qu'à son âge, son père faisait les quatre cents coups.
 Anxieux, parfois colérique, volontiers querelleur avec son voisin M. Blédurt, papa se comporte parfois comme un grand enfant. Les disputes avec maman sont sans gravité : « Papa, a dit que non, c’était lui qui avait eu tort et ils se sont mis à rigoler, et ils se sont embrassés ».
 L’acteur Michel Lonsdale joue le rôle du père dans l’adaptation pour la télévision en Tous les enfants du monde (1964) et Kad Merad dans les deux premiers films du Petit Nicolas et Jean-Paul Rouve dans le troisième.
 Avec son gendre, les relations sont tendues et provoque souvent une scène de ménage : « Ah ! Ta mère ! Ça m’étonnait qu’elle ne soit pas encore arrivée dans la conversation, ta mère ».
 L’actrice Dominique Lavanant interprète le rôle de Mémé dans le film Les vacances du Petit Nicolas.
 Aux yeux de Nicolas, ce VRP est un « explorateur ». Héros de l’histoire « Le nez de Tonton Eugène », au cours de laquelle Nicolas écopera d’une punition : « Je ne dois pas apporter de nez en carton en classe d’histoire dans le but de faire le pitre et de dissiper mes camarades ».
 Dubon semble être originaire de Corrèze[10] et a été sergent-chef dans la Coloniale. Il utilise un langage assez recherché : « proférer », « sobriquet », etc.
 René Goscinny a écrit 223 histoires au total. 222 d'entre elles ont été rassemblées en huit recueils, 5 du vivant de Goscinny et 3 au cours des années 2000.
 En 1960, sort Le Petit Nicolas en librairie chez Denoël qui sera le premier éditeur de la saga. Les cinq premiers volumes qui paraissent chaque année de 1960 à 1964 : Le Petit Nicolas, Les récrés du Petit Nicolas, Les vacances du Petit Nicolas, Le Petit Nicolas et les copains, Joachim a des ennuis (qui sera réédité plus tard sous le titre Le Petit Nicolas a des ennuis). Chaque recueil rassemble une quinzaine d’histoires parues dans Sud-Ouest-Dimanche et Pilote. « Le premier volume n’a absolument pas marché » raconte Sempé. C’est l’émission de télévision, Lecture pour tous animée par Pierre Dumayet qui lance Le Petit Nicolas, grâce à la présence sur le plateau de ses deux créateurs : « Nous avons arrêté avant que cela ne tourne au cauchemar. C’était un style très spécial. Il ne fallait pas que cela tourne au procédé. Cela dit, chaque fois que nous nous voyons, nous sommes tentés de reprendre les aventures du Petit Nicolas… C’est un personnage pour qui j’ai une tendresse toute particulière »[11] déclare Goscinny, qui disparaît en 1977. « Il avait trouvé un ton formidable et qui plaît encore aux enfants d’aujourd’hui, fait remarquer Sempé. Par la suite, il m’a dit, à plusieurs reprises, que le Petit Nicolas était ce qu’il préférait de toute son œuvre ».[12]
 En 2004, Anne Goscinny exhume des archives de son père nombre d’histoires inédites en livre, pour la plupart parues dans Sud-Ouest Dimanche. Elle décide, avec l’accord de Sempé, de publier ces inédits chez IMAV, maison d’éditions créée avec son mari Aymar du Chatenet[13].
 Trois autres opus viennent compléter la série chez IMAV éditions :
 IMAV éditions est devenue la maison-mère du Petit Nicolas et publie désormais l’intégralité du catalogue, y compris les anciens titres parus chez Denoël. IMAV éditions gèrent également les droits d’adaptation audiovisuelle et merchandising pour le monde entier.
 Une série de grandes expositions patrimoniales dont l’une à l’Hôtel de Ville de Paris (150 000 visiteurs en 2009) ou encore à La Fondation Louis Vuitton (2019) ainsi que quatre films au cinéma et deux séries télévisés ont largement contribué à la notoriété du personnage dont Sempé dira « Le Petit Nicolas est indémodable car lorsque nous l’avons créé il était déjà démodé ».
 Histoires inédites du Petit Nicolas (2004) 80 histoires inédites publiées par Anne Goscinny et Sempé. Ces histoires avaient déjà été publiées dans Sud-Ouest Dimanche, mais jamais sous forme de livre.
 Ce recueil de 2004 a été édité au format de poche (Gallimard jeunesse, coll. ""Folio junior"") en 5 volumes dont les titres sont :
 Histoires inédites du Petit Nicolas - volume 2 (2006) 45 autres histoires inédites.
 Ce recueil de 2006 a été édité au format de poche (Gallimard jeunesse, coll. ""Folio junior"") en 3 volumes dont les titres sont :
 Le Ballon et Autres Histoires inédites (2009). Les dix dernières histoires non publiées en livre de Nicolas (dont la toute première histoire parue en 1959, L'œuf de Pâques), illustrées par 70 aquarelles réalisées en 2008 par Sempé.
 La totalité des histoires inédites ont d’abord été publiés en 4 volumes chez IMAV éditions.
 L’intégralité de l’œuvre a été rééditée en 15 volumes. Elle est désormais disponible chez IMAV (éditions cartonnées) et en édition de poche chez Folio et Folio Junior (Gallimard) et en éditions numériques.
 Le Petit Nicolas en latin – Pullus Nicolellus. Traduction Elisabeth Antébi et Marie France Saignes, IMAV éditions, novembre 2012
 La collection « Le Petit Nicolas dans les langues de France »
 Les éditions IMAV ont traduit le Petit Nicolas dans les 75 langues de France officiellement référencées.
 En 1964, le réalisateur André Michel adapte Un souvenir qu'on va chérir sous le titre La Photo de classe pour un film à sketches intitulé Tous les enfants du monde. Roland Demongeot y incarne Nicolas, alors que Michael Lonsdale joue le rôle du père de Nicolas et Bernadette Lafont sa mère.
 En 2009 est sorti Le Petit Nicolas, un film de Laurent Tirard qui rassemble plusieurs éléments de différentes histoires, avec Maxime Godart pour incarner le jeune héros. Il est suivi en 2014 d'un deuxième opus du même réalisateur, Les Vacances du petit Nicolas, dans lequel un nouvel acteur incarne Nicolas : Mathéo Boisselier. D'autres rôles sont en revanche interprétés par les mêmes personnes dans les deux longs métrages, notamment Kad Merad et Valérie Lemercier pour les parents du héros.
 En 2021, le personnage est de retour sur grand écran avec Le Trésor du Petit Nicolas de Julien Rappeneau, avec Ilan Debrabant dans le rôle-titre[20],[21]. Jean-Paul Rouve et Audrey Lamy incarnent ses parents.
 L'œuvre est ensuite adaptée en animation avec le long métrage Le Petit Nicolas : Qu'est-ce qu'on attend pour être heureux ? sorti en 2022 où le jeune Simon Faliu prête sa voix au personnage. Ce film remporte le prestigieux Cristal du long métrage lors du festival international du film d'animation d'Annecy.
 Une série télévisée d'animation, Le Petit Nicolas, est diffusée à partir de septembre 2009 sur M6.
 Une seconde série télévisée d'animation, Le Petit Nicolas : Tous en vacances, est diffusée à partir du 11 avril 2022 sur M6.
 Le 13 novembre 2021 une adaptation par Pauline Thimonnier, réalisée par Baptiste Guiton sur une musique de Olivier Longre est enregistrée en public au studio 104 de la Maison de la Radio. Les rôles sont tenus par des enfants, dont Viggo Ferreira--Redier pour celui de Nicolas, et des comédiens de la Comédie Française[22]. Elle est ensuite diffusée sur France Culture et rendue disponible, découpée en 11 épisodes, en podcast[23].
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ISBN; 978-2-915732-71-9; ISBN; 978-2-915732-72-6; ISBN; 978-2-07-065047-7; ISBN; 978-2-07-065731-5; ISBN; 978-2-07-055902-2; ISBN; 978-2-07-055903-9; ISBN; 978-2-07-058997-5; ISBN; 978-2-07-058998-2; ISBN; 978-2-07-507799-6; ISBN; 978-2-07-507804-7; ISBN; 978-2-07-058996-8; ISBN; 978-2-07-066657-7; Le Figaro; Le Figaro et vous; Le Figaro; Le Figaro; BFM TV; Paris Match; ISBN; 978-2-35710-649-9; Esprit; ISSN; JSTOR; Presses universitaires de la Méditerranée; ISBN; 978-2-36781-274-8; Aymar du Chatenet; Jean-Claude Lattès; ISBN; 2-7096-2313-7; Aymar du Chatenet; ISBN; 978-2-36590-160-4; ISSN; Patrick Gaumer; Guy Vidal; Pierre Tchernia; Dargaud; ISBN; 978-2-205-04670-0; OCLC; e-ISSN; DOI; ISBN; 978-1-80085-689-9; DOI; JSTOR; The French Review; ISSN; JSTOR; Pascal Ory; Perrin; ISBN; 978-2-262-02506-9; OCLC; The French Review; ISSN; JSTOR; ISSN; Notices d'autorité; v; René Goscinny; Jean-Jacques Sempé; Les Vacances du Petit Nicolas; Nicolas; Le Petit Nicolas; Le Petit Nicolas; Les Vacances du petit Nicolas; 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The books depict an idealized version of childhood in 1950s France.
 The work started out as a comic strip, which initially ran in the Belgian magazine Le Moustique between 1956 and 1958, drawn by Sempé and written by Goscinny. The series was quick to draw attention. A few years later Goscinny began to write Le Petit Nicolas in short story form, with illustrations by Sempé. The first Nicolas story, L’œuf de Pâques, was published 29 March 1959 in the journal Sud-Ouest Dimanche. The authors hadn't initially planned to continue the series but the sudden popularity of the comic kept them going. Thus, they continued to publish the comics in Sud-Ouest and Pilote until 1965.[1]
 Thirty years after Goscinny's death, his daughter Anne decided to publish his unreleased stories, creating new books out of ten stories. Sempé, who was unaware of this material, obliged by providing the illustrations.
 The illustrations got turned into a feature film, Little Nicholas: Happy As Can Be from France’s Foliascope and Luxembourg’s Bidibul Productions that released on 16 December 2022. Amandine Fredon and Benjamin Massoubre (I Lost My Body) directed the feature based on the bestselling French children’s book series Le Petit Nicolas.[2]
 The books are told from the point of view of Nicolas himself, which gives the book a distinct and personal sense of humour.  The narration is a pastiche of childish storytelling, with run-on sentences and schoolyard slang used in abundance, and much of the humour derives from Nicolas’s misunderstanding of adults' behaviour. At the same time, adults are as much a target of the book's satire as children, as the straightforward and uncomplicated worldview of the child narrator exposes the flaws of adult perception. This subversive element in Le Petit Nicolas made it an early example of modern children's literature that is centred on the experience of the child's interpretation of the world, rather than an adult's.
 The characters from the French edition include (with names from Anthea Bell's English translation in square brackets):
 Other characters include Nicolas's parents, as well as teachers and administrators in the school. The teacher is hard-working and loves the children, although they usually exasperate her. The superintendent, Mr. Dubon (Mr Goodman), is known as ""le Bouillon"" (""Old Spuds""). Mr Billings (Mr Blédurt) is their next door neighbour, and likes annoying Nicholas' father. 
 The two main characters of another comic series by Goscinny, Iznogoud, begin to take shape in the episode when Nicolas is in summer camp. He and the other children are forced to take a nap, so the counsellor tells them a story about ""a caliph who was a very good man but who had a very evil vizier..."", then tells how the caliph dresses as a common man to find out what people think of him, and the evil vizier takes his place.
 An English edition with the title Young Nicolas was completed by Stella Rodway for Hutchinson & Co. in 1961. It was published in the USA by Bobbs-Merrill in 1962. The characters' names retain the French form. The title page lists the authors simply as ""Sempé and Goscinny"".
 An English edition of the series with anglicised character names was released in 1978, translated by Anthea Bell. This contained five volumes: Nicholas and the Gang at School, Nicholas and the Gang Again, Nicholas on Holiday, Nicholas and the Gang, and Nicholas at Large. The first volume was republished with more complete illustrations in 2005 by Phaidon Press as Nicholas. Four further volumes followed from Phaidon, as Nicholas Again, Nicholas on Holiday (Nicholas on Vacation in North America), Nicholas and the Gang, and finally Nicholas in Trouble in 2008.
 In this version, M. Dubon (nicknamed ""le Bouillon"") becomes Mr. Goodman (nicknamed ""Old Spuds""). He derives his nickname from his habit of repeating constantly: ""Look me in the eye."" In French broth (bouillon) has eyes (blobs of fat on the surface), in the English version they become potato eyes. In the story 'Djodjo', the English exchange student George becomes a Belgian named Jochen, and his nickname is changed from ""Djodjo"" to ""Yocky"".
 Another English translation of Le petit Nicolas, with the title The Chronicles of Little Nicholas, was published in New York by Farrar, Straus and Giroux in 1993. The translator is not named in this edition; the copyright page attributes copyright for the translation to Farrar, Straus and Giroux.
 Nicholas was the subject of a Mildred L. Batchelder Honour for translated children's books in 2006 given by the Association for Library Services to Children (ALSC), a division of the American Library Association, and Nicholas and the Gang received the same honour in 2008",799,Main page; Contents; Current events; About Wikipedia; Help; Learn to edit; Community portal; Upload file; ; learn more; Article; Talk; Read; Read; Upload file; ; verification; adding citations to reliable sources; Learn how and when to remove this message; ; René Goscinny; Jean-Jacques Sempé; French; children's books; René Goscinny; Jean-Jacques Sempé; Le Moustique; Sud-Ouest; Pilote; Little Nicholas: Happy As Can Be; I Lost My Body; Anthea Bell; football; Iznogoud; caliph; vizier; Anthea Bell; Mildred L. Batchelder; Little Nicholas; Le Petit Nicolas; Nicholas on Holiday; Little Nicholas: Happy As Can Be; Authority control databases; Categories; French children's novels; 1959 French novels; Book series introduced in 1959; French comic strips; 1956 comics debuts; 1959 comics endings; Child characters in comics; Child characters in literature; Male characters in comics; Male characters in literature; Comedy literature characters; Fictional French people; Comics about children; Comics set in France; Humor comics; Slice of life comics; French novels adapted into films; French comics adapted into films; Children's books adapted into films; Comics adapted into novels; Comics adapted into animated series; Comics adapted into television series; Children's books adapted into television shows; French novels adapted into television shows; Works by René Goscinny; Comics set in the 1950s; Comics set in the 1960s; Novels set in France; Novels set in the 1950s; Novels set in the 1960s; 1959 children's books; Children's books set in France; Children's books set in the 1950s; Articles with short description; Short description matches Wikidata; Articles needing additional references from May 2023; All articles needing additional references; Articles with French-language sources (fr); Creative Commons Attribution-ShareAlike 4.0 License; About Wikipedia; Disclaimers,Categories; French children's novels; 1959 French novels; Book series introduced in 1959; French comic strips; 1956 comics debuts; 1959 comics endings; Child characters in comics; Child characters in literature; Male characters in comics; Male characters in literature; Comedy literature characters; Fictional French people; Comics about children; Comics set in France; Humor comics; Slice of life comics; French novels adapted into films; French comics adapted into films; Children's books adapted into films; Comics adapted into novels; Comics adapted into animated series; Comics adapted into television series; Children's books adapted into television shows; French novels adapted into television shows; Works by René Goscinny; Comics set in the 1950s; Comics set in the 1960s; Novels set in France; Novels set in the 1950s; Novels set in the 1960s; 1959 children's books; Children's books set in France; Children's books set in the 1950s,/static/images/icons/wikipedia.png; /static/images/mobile/copyright/wikipedia-wordmark-en.svg; /static/images/mobile/copyright/wikipedia-tagline-en.svg; //upload.wikimedia.org/wikipedia/en/thumb/9/99/Question_book-new.svg/50px-Question_book-new.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/en/thumb/b/b9/Le_petit_Nicolas.jpg/220px-Le_petit_Nicolas.jpg; //upload.wikimedia.org/wikipedia/en/thumb/8/8a/OOjs_UI_icon_edit-ltr-progressive.svg/10px-OOjs_UI_icon_edit-ltr-progressive.svg.png; https://login.wikimedia.org/wiki/Special:CentralAutoLogin/start?type=1x1; /static/images/footer/wikimedia-button.svg; /w/resources/assets/poweredby_mediawiki.svg
Nausicaä de la Vallée du Vent (film d'animation),https://fr.wikipedia.org/wiki/Nausicaä_de_la_Vallée_du_Vent_(film_d%27animation),"Pour les articles homonymes, voir Nausicaä de la Vallée du Vent et Nausicaa (homonymie).
 11 mars 1984
 
 modifier  Nausicaä de la Vallée du Vent (風の谷のナウシカ, Kaze no Tani no Naushika?) est un film d'animation japonais d'aventure et de science fantasy post-apocalyptique, réalisé par Hayao Miyazaki, abordant notamment les thématiques de l'écologie et du pacifisme[2] par une approche non manichéenne habituelle à l'auteur. Sorti dans les salles japonaises en 1984, le film est salué par les critiques au Japon comme dans le reste du monde et est récompensé par le Prix Noburō Ōfuji la même année. Il s'agit de l'adaptation de la première partie du manga éponyme de Miyazaki publié entre février 1982 et mars 1994 dans le magazine japonais Animage monthly. Le film est souvent considéré comme faisant partie du studio Ghibli même s’il est antérieur à sa création. Il s'agit du second long métrage réalisé par Miyazaki après Le Château de Cagliostro, qui avait permis au réalisateur d’attirer l’attention du magazine Animage.
 L'intrigue du film se déroule sur Terre, dans un futur lointain, et présente un univers post-apocalyptique. Les êtres humains alors technologiquement avancés, se sont entretués lors d'un conflit mondial, baptisé Les Sept Jours de Feu, après avoir largement pollué la planète dans leur course au progrès. S'adaptant progressivement à ces nouvelles conditions, la biosphère a continué son évolution et la Terre est désormais dominée par des arthropodes géants (parmi lesquels les Ômus), des champignons et des plantes à spores. L'espèce humaine, dont les habitants de la petite Vallée du Vent, est au bord de l'extinction et tente de survivre à l’avancée de la forêt (la Fukai) devenue toxique pour eux, au milieu d'une guerre entre l'Empire tolmèque et la cité de Pejite. Princesse de la Vallée du Vent, Nausicaä est animée d’un grand amour pour la vie sous toutes ses formes et par-delà les apparences. Elle tente de ramener la paix entre les différentes factions ainsi qu'entre les humains et la nature.
 La grande première du film a eu lieu au Japon le 11 mars 1984. Le film est distribué dans le monde par Buena Vista Entertainment. En 1985, une première version tronquée, réorganisée et aux noms modifiés, est sortie aux États-Unis sous le titre Warriors of The Wind, exportée en France en 1987 sous le titre Le Vaisseau Fantôme, puis La Princesse des étoiles[3]. Les modifications effectuées par les distributeurs ont suscité d'importantes polémiques retardant les sorties ultérieures à l'international de plusieurs films du studio Ghibli.
 Mille ans se sont écoulés depuis la chute de la civilisation industrielle lors des « sept jours de feu », guerre planétaire d'une incommensurable violence. L'humanité survit tant bien que mal au sein de quelques enclaves menacées par la fukai (腐海?), gigantesque forêt qui ne cesse de gagner du terrain et dont les spores sont mortelles pour la majorité des êtres vivants. Cette jungle épaisse est protégée par des insectes géants qui se sont adaptés à cet environnement. Les « ômus » (王蟲, Ōmu?, litt. « insecte-roi ») en sont les principaux représentants, par leur taille et leur sensibilité.
 La Vallée du Vent est un petit royaume agricole, protégé des spores et de la fukai par des vents marins. Sa tranquillité se trouve perturbée par le naufrage d'un immense vaisseau de l'empire tolmèque pris pour cible par des insectes depuis une halte malheureuse dans la forêt toxique. Afin de récupérer la cargaison de ce vaisseau, les troupes tolmèques envahissent la vallée ; elles assassinent le vieux roi Jill par fusillade et font prisonnière sa fille Nausicaä.
 Il s'avère que cette cargaison, si précieuse aux yeux des Tolmèques, est un guerrier géant descendant des colosses ayant anéanti le monde lors des ""sept jours de feu"". Les Tolmèques veulent l'utiliser pour brûler la forêt toxique et cela au détriment des peuples voisins à qui ils font la guerre. Cet incendie risquerait de provoquer le courroux de milliers d'ômus et leur raz-de-marée serait dévastateur comme cela l'avait été dans le passé lorsqu'ils avaient provoqué l'anéantissement de nations entières.
 Nausicaä, parvenant à s'échapper, découvre que la fukai n'empoisonne pas l'environnement, mais qu'elle le purifie en drainant l'air et les sols pollués. Guidée par son amour de tous les êtres vivants et accompagnée de son familier Teto, elle va tenter par tous les moyens de faire taire la guerre, sauver l'humanité et rétablir un équilibre entre les êtres humains et la nature.
 La version tronquée réalisée aux États-Unis, Warriors of the Wind, est amputée de nombreux passages pour respecter le format de 1 h 30 et les noms des personnages sont modifiés. La version française reprend ensuite les modifications apportées dans ce montage et est diffusée sous le titre La Princesse des étoiles.
 Doublage réalisé par Dubbing Brothers.
 Plusieurs numéros spéciaux du magazine Animage, mensuel fondé en 1978 et spécialisé dans l'animation japonaise, ont été consacrés à une personnalité en particulier entre 1979 et 1981. Le journaliste Toshio Suzuki a déjà rencontré Hayao Miyazaki pour parler de Horus, Prince du Soleil[7] (太陽の王子 ホルスの大冒険, Taiyo no oji : Horusu no daiboken?) puis du film Le Château de Cagliostro (ルパン三世カリオストロの城, Rupan sansei: Kariosutoro no shiro?). Au vu de la reconnaissance dont commence à jouir l'auteur, lui consacrer un numéro est devenu envisageable : ainsi sort en août Le Magicien du dessin animé, Hayao Miyazaki - Un univers d'aventure et de rêve[8].
 L'équipe du magazine Animage, ayant pu découvrir certains des projets de Miyazaki lors de la préparation de son numéro, s'y intéresse vivement et cherche à l'aider à les mettre en œuvre. Elle présente ainsi en juillet une proposition de long-métrage, Sengoku Majô, à une commission de Tokuma Shoten (éditeur d'Animage), mais celle-ci la refuse. Un deuxième projet de film est alors mis sur pieds : une adaptation d'une bande dessinée de Richard Corben, Rolf, éditée par Rip Off Press en 1971. Elle raconte l'histoire de Maryara, fille du pays de Canis, dont le chien Rolf, transformé par un sorcier en être mi-humain, mi-animal, fait face à une invasion soudaine de troupes démoniaques[9],[10]. Rapidement, l'œuvre envisagée s'éloigne largement de l'œuvre originale, en intégrant des éléments comme la Vallée du Vent, des vers des sables, une Nausicaä en reine des goules, la fukai. Le projet est donc mis de côté par manque de fidélité. Le rédacteur en chef Hideo Ogata et l'équipe du magazine dans son ensemble encouragent pourtant Miyazaki à réaliser son propre manga, qui paraîtrait dans Animage et pourrait, à terme, être lui-même adapté en long-métrage[8].
 Miyazaki accepte, mais pose certaines conditions : d'abord, mettre en suspens le manga si un anime venait à être réalisé ; lui laisser un contrôle total sur son œuvre, et ne pas exiger du manga qu'il soit spécialement conçu pour être adapté en film. Le dessin de Kaze no Tani no Naushika est entamé en septembre[8], mais la progression est très lente et la parution de premier numéro repoussée d'un mois. À cela s'ajoute le travail de Miyazaki, depuis l'été 1981, sur la série nippo-italienne Sherlock Holmes (名探偵ホームズ) qui vient tout compromettre. Le premier épisode paraît tout de même en février 1982[11].
 Environ un an plus tard, les articles consacrés à Nausicaä se sont multipliés tant dans la presse spécialisée (Comic Box) que dans les grands quotidiens nationaux[12] (Yomiuri shinbun, Tokyo Shinbun). Eu égard à un tel engouement, Hideo Ogata propose de faire, à partir de la série, un film pilote d'environ cinq minutes, dont la projection est bientôt envisagée au Budokan lors de l'Anime Grand Prix du 23 avril 1983. Après avoir rendu visite à Hayao Miyazaki, on [Qui ?] décide de passer à dix minutes ; mais le poids des coûts de production mène finalement à l'abandon du projet[12].
 En novembre 1982, la toute récente société Tokuma Communications (filiale de Tokuma Shoten) propose de réaliser une original video animation[Note 2] de trente minutes, que Miyazaki fait porter à une heure dix. Le scénario serait alors centré sur l'enfance de Nausicaä, grandissant aux côtés de son mentor Yupa et d'un bébé ômu. À nouveau, les coûts de production paraissent trop importants : impossible de rentabiliser un projet de près de cent millions de yens quand le prix public de la vidéo est de 19800 yens (environ 125 euros en 2007). On décide alors de produire un véritable film[13].
 Au cours du mois de février 1983, le chef de la section publicité des éditions Tokuma Shoten prend contact avec l'agence de publicité Hakuhodo et un accord est rapidement conclu entre les deux sociétés qui s'engagent à coproduire le film. La distribution du film est confiée à la Tōei en avril, qui a l'intention de le faire sortir en mars 1983[14]. Hayao Miyazaki choisit Isao Takahata comme producteur[Note 3],[15]. Enfin, à la mi-mai, le studio Topcraft est désigné pour la réalisation. Miyazaki s'attelle à l'élaboration de croquis préparatoires, au nombre de trente, et notamment à la conception du personnage principal[16]. Une vingtaine de personnes se trouvent sollicitées par lui et Takahata, auxquelles s'ajoutent des animateurs connus de la rédaction d'Animage : s'engagent ainsi Kazuo Komatsubara, Mitsuki Nakamura, Yoshinori Kanada, Osamu Nabeshima[16] et Takashi Nakamura[17].
 Une première version du synopsis est finie fin mai. Elle se présente comme une succession de notes exposant brièvement le contenu de chaque scène et tient dans un premier temps sur cinq pages à peine. Il apparaît rapidement à Miyazaki, Takahata et Kazunori Itô — qui les assiste pour le scénario — qu'il y a pourtant trop de matière : pour ce dernier, si le premier synopsis est respecté, le film durerait près de trois heures. Itô en tire un scénario d'une dizaine de pages, mais Miyazaki ne peut l'examiner et donner des consignes pour sa finalisation car il doit commencer la réalisation des animations. Pour le storyboard, il se base donc sur un deuxième synopsis dont il est l'auteur[18]. Quoi qu'il en soit, des coupes drastiques sont effectuées entre le manga et le scénario du film.
 Dès les débuts du projet d'adaptation, Miyazaki est en effet placé dans une situation délicate : alors qu'il a déjà achevé seize chapitres du manga (sur cinquante-neuf) lorsqu'il commence à travailler sur l'animation, il doit créer une histoire cohérente sans interférer avec l'œuvre originale. Il finit par se concentrer, selon Helen McCarthy, sur l'invasion de la Vallée du Vent par les Tolmèques[19] ; lui-même déclare par ailleurs qu'il trouvait important de se concentrer sur la découverte, par Nausicaä, « du rôle réel, de la structure et de la signification de la fukai », omettant par conséquent de multiples aspects qui seront développés dans le manga[20].
 À la sortie du film en mars 1984, seuls 2 des 7 tomes sont achevés. Le scénario apparait donc comme une revisite habile de l'existant dans le manga, en vue de rendre le tout cohérent avec la progression et la durée d'un film.
 Le sauvetage du bébé Ohmu aux lacs acides, qui amène la fin du film, correspond d'ailleurs aux dernières pages du tome 2. Dans le manga ce sont les Dorks, grands absents nécessaires du film et non le royaume de Pejite, qui fomentent le stratagème du bébé Ohmu. L'univers Dork, encore peu développé à la sortie du film, le sera ensuite beaucoup plus au point de devenir majeur, voire principal, dans le scénario du manga.
 Du côté tolmèque, Il est question, à un moment donné[Quand ?], des problèmes politiques qui agitent le royaume, et qui sont évoqués à plusieurs reprises dans le manga : mais ils sont jugés trop complexes pour le film[17] et finalement, les tensions entre Kushana, son père et ses frères n'y seront que suggérées.
 En suivant l'ordre du film, on peut noter le fait que le vaisseau tolmèque qui se crashe au début de l'histoire correspond dans le manga à un vaisseau de réfugiés de Pejite, qui fuient la guerre. Ce vaisseau est découvert dans le manga par Nausicaä et Mito alors qu'ils survolent la Mer de la décomposition à bord du Gunship ; ils tentent de le guider tous deux[21]. Ensuite, le guerrier géant n'est plus entreposé à Pejite, mais dans la Vallée du Vent, après le crash du vaisseau tolmèque ; la pierre présente dans le manga, qui servirait à le faire revivre, est ignorée.
 Les vaisseaux tolmèques, dans le manga, ne font que se poser dans la Vallée du Vent ; mais cette intrusion déroge à toutes les règles de précaution élémentaires (comme la quarantaine bactériologique) et s'apparente à une véritable provocation : Nausicaä intervient alors en demandant le départ des troupes, et finit par affronter un soldat en duel singulier, avant l'interposition de Yupa[21]. Les troupes, menées par Kushana qui présente ses excuses, quittent la vallée ; le roi Jihl n'est pas encore mort — il décède à cause de la maladie dont il est affecté[21]. Intervient ensuite une divergence cruciale[21] : dans le manga, la Vallée du Vent correspond à un royaume vassal de l'empire tolmèque, alors que dans le film, celui-ci ne correspond qu'à un envahisseur extérieur, prétendument animé de nobles intentions. Le personnage de Kurotawa n'apparaît que plus tard dans le manga[21].
 Dans le manga, Nausicaä se rallie aux Tolmèques afin de participer à la guerre, en vertu de l'ancienne alliance qui lie les deux royaumes. Lorsque survient l'attaque de la flotte par Asbel, le vaisseau de Kushana continue sa route vers le sud, alors qu'elle se joint à Nausicaä et Mito dans le film afin d'échapper à l'explosion de sa nef[21]. Dans le manga, Nausicaä et Asbel, après s'être extirpés de la forêt toxique, sont capturés par des Dorks : ils rencontrent le Vénérable du clan Mani, puis Nausicaä parvient à s'enfuir avec l'aide d'Asbel — dans le film, Nausicaä est capturée par des survivants de Pejite, et s'échappe grâce à des réfugiées et, à nouveau, Asbel[21].
 Enfin, bien que Nausicaä soit hissée par ômus sur un tapis doré, elle n'est pas mise en danger, comme dans le film ; la « marche » des ômus ne s'arrête pas par ailleurs dès cet épisode, et le problème reste entier : Nausicaä poursuit la guerre, et la saga se poursuit sur près de 700 pages[21], jusqu'à ce qu'elle parvienne jusqu'au cœur de la ville sainte de Shuwa. Les personnages de Kushana et Kurotawa bénéficient d'un traitement psychologique bien plus important dans le manga[22], tandis que de nombreux personnages font leur apparition : on peut notamment citer l'empereur dork Namuris, Chalka, Chikuku, ou encore Selm et le gardien du jardin de Shuwa.
 D'un autre côté, Miyazaki décide de montrer plus en détail à quoi ressemble la vie quotidienne dans la Vallée du Vent, ce qu'il n'avait pas fait dans la première édition du manga[Note 4] afin de conserver une certaine intensité narrative[18].
 Les brouillons des trois premières parties du storyboard — qui doit en compter quatre — sont achevées fin juillet. La première d'entre elles est prête le 1er août[18] et permet à l'équipe, qui vient d'emménager dans les locaux du studio Topcraft, de se consacrer aux animations. Tsukasa Tannai, ayant déjà travaillé avec Miyazaki, vient rejoindre l'équipe le 1er novembre[24]. Cependant, la tension monte, le film étant loin d'être achevé ; plusieurs membres d'Animage viennent même donner un coup de main à partir de janvier. À la fin du mois, il ne reste toutefois plus que les animations-clefs de vingt plans sur 1 620. Les animateurs ont achevé leur part de travail début février ; le 6 du mois, la réalisation des intervalles est terminée[25].
 Le budget limité, les contraintes de temps et de personnel ont conduit Miyazaki à déléguer certains aspects de l'animation, ce qu'il cherchera toujours à éviter par la suite. François Prioux note un character design approximatif — le dessin de Nausicaä changeant par exemple de plan en plan —, un certain nombre d'animations en boucle, et quelques scènes bâclées[22].
 Début février, il reste encore à achever la colorisation de 25 000 cellulo. L'épouse d'Isao Takahata, autrefois coloriste chez Toei Animation, est mise à contribution. Miyazaki y participe également, en même temps qu'il s'occupe de peindre, à l'aquarelle, les motifs des six parties[26] de la tapisserie du générique d'ouverture, pour laquelle il dit s'être inspiré de la tapisserie de Bayeux et d'autres images tirées de livres sur l'histoire du monde[27],[25],[28].
 Une partie de la photographie est confiée à des studios externes comme Takahashi pro. Tout le personnel libre se relaie pour seconder l'équipe de prise de vue, afin que la machine de tournage soit en constante activité[25].
 Le film est réalisé en 10 mois — de mai 1983 à mars 1984 — avec un budget d'un million de dollars US. Le film a été projeté dans 90 salles de cinéma au Japon. Il rencontre un vif succès en salles, avec 914 767 entrées à sa sortie et 742 millions de yens[29] au box-office[7] (pour comparer[Note 5], cela équivaut à 3 301 446 $ ; en tête du box office américain en mars 1984 se trouvait alors Splash et ses 6 174 069 $ de recette). Son succès permit la création du studio Ghibli en collaboration avec Isao Takahata.
 À l'exportation, l'anime fut d’abord distribué par New World Pictures et diffusé à la télévision par Home Box Office dans les années 1980 aux États-Unis sous le titre Warriors of the Wind (litt. « Guerriers du vent »). Cette version doublée en anglais ampute trente-deux minutes au film original, le re-montage donnant la préférence à l'action. Les noms des personnages ont été modifiés, et l’histoire ainsi que la musique plus ou moins changées. Cette version adaptée par les américains s'exporta ensuite dans le monde entier et sortit en France en VHS sous le titre La Princesse des étoiles.
 De nombreux amateurs désapprouvent cette version, ainsi que Miyazaki lui-même[réf. nécessaire]. À la suite de cela le Studio Ghibli adopta une règle stricte interdisant toute coupure de ses œuvres lors de leur adaptation. L'incident a provoqué une longue période durant laquelle l'exportation des films du Studio Ghibli a été stoppée. Il est d'ailleurs possible de trouver un DVD de cette version, commercialisé avant que Buena Vista ne ressorte la version japonaise intégrale au cinéma, puis en DVD.
 La Walt Disney Company publie, le 22 février 2005 par le biais de sa filiale Buena Vista Entertainment, un DVD (zone 1) comportant la version intégrale du film, composé de la version originale sous-titrée et d'une version anglaise. Il existe deux versions DVD en France, une édition simple et une autre collector avec un DVD supplémentaire contenant une version storyboard du film.
 Nausicaä de la Vallée du Vent obtient un véritable triomphe critique au Japon et aux États-Unis.
 En France, le film est projeté pour la première fois en 2001 au festival Nouvelles Images du Japon à Paris en présence du réalisateur. Il ne sort dans les salles que le 23 août 2006, soit 22 ans après sa sortie japonaise. Il rencontre cependant un accueil très favorable.
 L'agrégateur du site Allociné calcule une moyenne de 4,5/5 sur une base de 26 critiques presse françaises[30]. Le site américain IMDB calcule pour sa part une moyenne de 8,1/10[31], tandis que l'agrégateur international Rotten Tomatoes lui décerne une note de 88 sur 100[32].
 Le film a reçu le Prix Noburō Ōfuji en 1984, qui récompense des œuvres d'animation d'auteurs en voie de reconnaissance.
 Warriors of the Wind fut projeté, en clôture du 14e Festival international du film fantastique et de science-fiction de Paris qui se tenait au grand Rex, du 22 novembre au 2 décembre 1984. Bien que l'anime n'ait pas été projeté en version française, Warriors of the Wind fut qualifié à l'époque de remarquable, reçut le Prix spécial du jury, et obtint la 3e place parmi les films favoris du public[33].
 Le film s'inspire de La princesse qui aimait les chenilles. La trame de cette nouvelle inspire le caractère singulier de l'héroïne de Miyazaki. En effet, Nausicaä porte une affection sans bornes aux Omus (chenilles géantes) et n'approuve pas de peur en leur présence. Nausicaä pense que les chenilles donnent avant tout l'impression d'une grande sagesse, d'une sensibilité rare et d'un raffinement incomparable[34].
 Il y également un parallèle avec Nausicaa de l'Odyssée d'Homère. En effet, Nausicaä de Miyazaki partage les mêmes qualités que Nausicaa de l'Odyssée : un caractère diplomatique plus affrimé pour faire dialoguer entre elles des puissances rivales. Également, un goût pour la nature et les animaux plus fort que Nausicaa de l'Odyssée et n'hésite pas à se sacrifer pour sa cause et le destin de son peuple[34]. 
 Le film fait l'objet d'une adaptation au théâtre sous la forme d'une pièce de kabuki au théâtre Shinbashi Enbujō de Tokyo en 2019[35].
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//upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/d/d7/Nuvola_apps_konquest.svg/30px-Nuvola_apps_konquest.svg.png; https://login.wikimedia.org/wiki/Special:CentralAutoLogin/start?type=1x1; /static/images/footer/wikimedia-button.svg; /w/resources/assets/poweredby_mediawiki.svg,https://en.wikipedia.org/wiki/Alice_Through_the_Looking_Glass,Through the Looking-Glass,https://en.wikipedia.org/wiki/Alice_Through_the_Looking_Glass,"Through the Looking-Glass, and What Alice Found There (also known as Alice Through the Looking-Glass or simply Through the Looking-Glass) is a novel published on 27 December 1871 (although it is indicated[where?] that the novel was published in 1872[1]) by Lewis Carroll, a mathematics lecturer at Christ Church, University of Oxford, and the sequel to Alice's Adventures in Wonderland (1865). Alice again enters a fantastical world, this time by climbing through a mirror into the world that she can see beyond it. There she finds that, just like a reflection, everything is reversed, including logic (for example, running helps one remain stationary, walking away from something brings one towards it, chessmen are alive, nursery rhyme characters exist, and so on).
 Through the Looking-Glass includes such verses as ""Jabberwocky"" and ""The Walrus and the Carpenter"", and the episode involving Tweedledum and Tweedledee. The mirror above the fireplace that is displayed at Hetton Lawn in Charlton Kings, Gloucestershire (a house that was owned by Alice Liddell's grandparents, and was often visited by Alice and Lewis Carroll) resembles the one drawn by John Tenniel, and is cited as a possible inspiration for Carroll.[2] The novel prompted a new-found appreciation for its predecessor when it was published.[3]
 Alice is playing with a white kitten (whom she calls ""Snowdrop"") and a black kitten (whom she calls ""Kitty"") while pondering what the world is like on the other side of a mirror's reflection. Climbing up onto a mantelpiece, she pokes at the wall-hung mirror behind a fireplace and discovers, to her surprise, that she can step through it. She finds herself in a reflected version of her own house and notices a book with looking-glass poetry, ""Jabberwocky"", whose reversed printing she can read only by holding it up to the mirror. She also observes that the chess pieces have come to life, though they remain small enough for her to pick up.
 Upon leaving the house (where it had been a cold, snowy night), she enters a sunny spring garden where the flowers can speak. Elsewhere in the garden, Alice meets the Red Queen, who is now human-sized, and who impresses Alice with her ability to run at breathtaking speeds.
 The Red Queen reveals that the entire countryside is laid out in squares, like a gigantic chessboard, and offers to make Alice a queen if she can move all the way to the eighth rank in a chess match. Alice is placed in the second rank as one of the White Queen's pawns, and begins her journey across the chessboard by boarding a train that jumps over the third row and directly into the fourth rank, thus acting on the rule that pawns can advance two spaces on their first move. She arrives in a forest where a gnat teaches her about the looking glass insects, creatures part bug part object (e.g., bread and butterfly, rocking horse fly), before flying away. Continuing her journey, Alice crosses the ""wood where things have no names"". There she forgets all nouns, including her own name. With the help of a fawn who has also forgotten his identity, she makes it to the other side, where they both remember everything. Realizing that he is a fawn, she is a human, and that fawns are afraid of humans, it runs off.
 
She then meets the twin brothers Tweedledum and Tweedledee, whom she knows from the nursery rhyme. After reciting a poem, they draw Alice's attention to the Red King—sleeping under a nearby tree—and provoke her with idle philosophical banter that she is but an imaginary figure in his dreams. The brothers begin suiting up for battle, only to be frightened away by an enormous crow, as the nursery rhyme about them predicts. Alice next meets the White Queen, who is absent-minded but can remember future events before they have happened. Alice and the White Queen advance into the chessboard's fifth rank by crossing over a brook together, but at the very moment of the crossing, the Queen transforms into a talking Sheep in a small shop. Alice soon finds herself struggling to handle the oars of a small rowboat, where the Sheep annoys her with shouting about ""crabs"" and ""feathers"".
 After crossing another brook into the sixth rank, Alice encounters Humpty Dumpty, who, besides celebrating his unbirthday, provides his own translation of the strange terms in ""Jabberwocky"". In the process, he introduces Alice to the concept of portmanteau words, before his inevitable fall.
 All the king's horses and all the king's men come to Humpty Dumpty's assistance, and are accompanied by the White King, along with the Lion and the Unicorn, who proceed to act out a nursery rhyme by fighting with each other. The March Hare and Hatter[a] appear in the guise of ""Anglo-Saxon messengers"" called ""Haigha"" and ""Hatta"".
 Upon leaving the Lion and Unicorn to their fight, Alice reaches the seventh rank by crossing another brook into the forested territory of the Red Knight, who wants to capture the ""white pawn""—Alice—until the White Knight comes to her rescue. Escorting her through the forest towards the final brook-crossing, the Knight recites a poem of his own composition and repeatedly falls off his horse.
 Bidding farewell to the White Knight, Alice steps across the last brook, and is automatically crowned a queen, with the crown materialising abruptly on her head.[b] She soon finds herself in the company of both the White and Red Queens, who confound Alice by using word play to thwart her attempts at logical discussion. They then invite one another to a party that will be hosted by Alice—of which Alice herself had no prior knowledge.
 Alice arrives and seats herself at her own party, which quickly turns into chaos. Alice grabs the Red Queen, believing her to be responsible for all the day's nonsense, and begins shaking her.
 Alice awakes in her armchair to find herself holding Kitty, whom she deduces to have been the Red Queen all along, with Snowdrop having been the White Queen. Alice then recalls the speculation of the Tweedle brothers, that everything may have been a dream of the Red King, and that Alice might be a figment of his imagination.
 One of the key motifs of Through the Looking-Glass is that of mirrors, including the use of opposites, time running backwards, and so on, not to mention the title of the book itself. In fact, the themes and settings of the book make it somewhat of a mirror image of its predecessor, Alice's Adventures in Wonderland (1865). The first book begins in the warm outdoors, on 4 May;[c] uses frequent changes in size as a plot device; and draws on the imagery of playing cards. The second book, however, opens indoors on a snowy, wintry night exactly six months later, on 4 November (the day before Guy Fawkes Night);[d] uses frequent changes in time and spatial directions as a plot device; and draws on the imagery of chess.
 While the first Alice novel took playing cards as a theme, Through the Looking-Glass instead used chess; most of the main characters are represented by chess pieces, with Alice being a pawn. The looking-glass world consists of square fields divided by brooks or streams, and the crossing of each brook typically signifies a change in scene, with Alice advancing one square. At the book's beginning, Carroll provided and explained a chess composition with descriptive notation, corresponding to the events of the story. Although the piece movements follow the rules of chess, other basic rules are ignored: one player (White) makes several consecutive moves while the (Red/Black) opponent's moves are skipped, and a late check (12... Qe8+) is left undealt with. Carroll also explained that certain items listed in the composition do not have corresponding piece moves but simply refer to the story, e.g. the ""castling of the three Queens, which is merely a way of saying that they entered the palace"". Despite these liberties, the final position is an authentic checkmate.
 The most extensive treatment of the chess motif in Carroll's novel was made by Glen Downey in his master's thesis, later expanded and incorporated into his dissertation on the use of chess as a device in Victorian fiction. In the former piece, Downey gave the composition's moves in algebraic notation: 1... Qh5 2. d4 3. Qc4 4. Qc5 5. d5 6. Qf8 7. d6 8. Qc8 9. d7 Ne7+ 10. Nxe7 11. Nf5 12. d8=Q Qe8+ 13. Qa6 14. Qxe8#.[4] In the latter piece, Downey treated the 21 items in the composition sequentially, identifying the above 16 coherent chess moves, and another five items as ""non-moves"" or pure story descriptors, per Carroll's qualification.[5]
 The mating position nearly satisfies the conditions of a pure mate, a special type of checkmate where the mated king is prevented from moving to any of the adjacent squares in its field by exactly one enemy attack, among other conditions. The position is also nearly an ideal mate, a stronger form of pure mate in which every piece on the board of either colour contributes to the checkmate. The one feature of the position which prevents it from being either a pure or an ideal mate is that the Red (Black) King is unable to move to e3 for two reasons: the knight's attack, and the (sustained) attack of the newly promoted, mating queen. Although pure and ideal mates are ""incidental"" in real games, they are objects of aesthetic interest to composers of chess problems.[6]
 The White Queen offers to hire Alice as her lady's maid and to pay her ""twopence a week, and jam every other day"". Alice says that she does not want any jam today, to which the Queen replies, ""you couldn't have it if you did want it. The rule is, jam tomorrow and jam yesterday—but never jam to-day."" This is a reference to the rule in Latin that the word iam or jam—which means now, in the sense of already or at that time—cannot be used to describe now in the present, which is nunc in Latin. Therefore, ""jam"" is never available today.[7] This exchange is also a demonstration of the logical fallacy of equivocation.[8]
 
Most poems and songs in the book do not include a title. Lewis Carroll decided to suppress a scene involving what was described as ""a wasp in a wig"" (possibly a play on the commonplace expression ""bee in the bonnet""). A biography of Carroll, written by Carroll's nephew, Stuart Dodgson Collingwood, suggests that one of the reasons for this suppression was a suggestion from his illustrator, John Tenniel,[11] who wrote in a letter to Carroll dated 1 June 1870:[12]
 I am bound to say that the  'wasp'  chapter doesn't interest me in the least, and I can't see my way to a picture. If you want to shorten the book, I can't help thinking—with all submission—that there is your opportunity. For many years, no one had any idea what this missing section was or whether it had survived. In 1974, a document purporting to be the galley proofs of the missing section was auctioned at Sotheby's; the catalogue description, in part, read, ""the proofs were bought at the sale of the author's…personal effects…Oxford, 1898"". The document would be won by John Fleming, a Manhattan book dealer, for a bid of about US$832 (equivalent to $5,140 in 2023).[13] The contents were subsequently published in Martin Gardner's More Annotated Alice (1990),[14] and are also available as a hardback book.[15]
 The rediscovered section describes Alice's encounter with a wasp wearing a yellow wig, and includes a full previously unpublished poem. If included in the book, it would have followed, or been included at the end of, Chapter 8—the chapter featuring the encounter with the White Knight. The discovery is generally accepted as genuine, but the proofs have yet to receive any physical examination to establish age and authenticity.[16]
 The missing episode was included in the 1998 TV film adaptation Alice through the Looking Glass, with the character being portrayed by Ian Richardson. It was also included in the 2010 graphic novel ""The Complete Alice in Wonderland"".
 The book has been adapted several times, both in combination with Alice's Adventures in Wonderland and as a stand-alone feature.",2035,"Main page; Contents; Current events; About Wikipedia; Help; Learn to edit; Community portal; Upload file; ; learn more; Article; Talk; Read; Read; Upload file; Through the Looking-Glass (disambiguation); ; Lewis Carroll; John Tenniel; Children's fiction; Macmillan; Alice's Adventures in Wonderland; where?; Lewis Carroll; Christ Church; University of Oxford; Alice's Adventures in Wonderland; Alice; Jabberwocky; The Walrus and the Carpenter; Tweedledum and Tweedledee; Charlton Kings; Alice Liddell; John Tenniel; Alice; mantelpiece; Jabberwocky; reversed printing; chess pieces; ; Red Queen; run at breathtaking speeds; White Queen's; pawns; ; Tweedledum and Tweedledee; nursery rhyme; a poem; Red King; is but an imaginary figure; ; White Queen; remember future events; talking Sheep; small shop; crabs; feathers; Humpty Dumpty; unbirthday; portmanteau; ; White King; the Lion and the Unicorn; March Hare; Hatter; Anglo-Saxon; White Knight; a poem of his own composition; word play; Alice; March Hare; The Hatter; Humpty Dumpty; Red King; Red Queen; The Sheep; Tweedledum and Tweedledee; The Walrus and the Carpenter; White King; White Knight; White Queen; The Lion and the Unicorn; List of minor characters in Through the Looking-Glass; motifs; mirror image; Alice's Adventures in Wonderland; plot device; Guy Fawkes Night; chess; algebraic notation; ; ; pawn; chess composition; descriptive notation; rules of chess; check; checkmate; Glen Downey; algebraic notation; pure mate; field; ideal mate; aesthetic; composers; White Queen; jam tomorrow; logical fallacy; equivocation; ; The Walrus and the Carpenter; To the Looking-Glass world it was Alice that said...; media help; Jabberwocky; Tweedledum and Tweedledee; The Walrus and the Carpenter; Humpty Dumpty; The Lion and the Unicorn; Haddocks' Eyes; lullaby; To the Looking-Glass world it was Alice that said…; A boat beneath a sunny sky; acrostic; Alice Pleasance Liddell; John Tenniel; galley proofs; Sotheby's; Manhattan; Martin Gardner; More Annotated Alice; Alice through the Looking Glass; Ian Richardson; ; Jabberwock; silent movie; Walter Lang; Douglas Cleverdon; Argo Records; Margaretta Scott; Jane Asher; Tony Church; Norman Shelley; Carleton Hobbs; Alice Through the Looking Glass; NBC; Moose Charlap; Ricardo Montalban; Agnes Moorehead; Jack Palance; Jimmy Durante; Smothers Brothers; BBC; James MacTaggart; Sarah Sutton; cutout-animated; Kievnauchfilm studio; Janet Waldo; Mr. T; Jonathan Winters; Phyllis Diller; Alice through the Looking Glass; Channel 4; Kate Beckinsale; the Tobacco Factory; Hattie Naylor; Through the Looking Glass; chamber opera; Alan John; libretto; Andrew Upton; Alice Through the Looking Glass; James Bobin; Alice in Wonderland; BBC Radio 4; Stephen Wyatt; Julian Rhind-Tutt; Lauren Mote; Carole Boyd; Sally Phillips; Nicholas Parsons; Alistair McGowan; John Rowe; Alice in Wonderland; pre-code; Norman Z. 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Charlie et la Chocolaterie,https://fr.wikipedia.org/wiki/Charlie_et_la_Chocolaterie,"Pour les articles homonymes, voir Charlie et la Chocolaterie (homonymie).
 modifier - modifier le code - modifier Wikidata Charlie et la Chocolaterie (Charlie and the Chocolate Factory) est un roman pour enfants de l'auteur britannique Roald Dahl. Contant les aventures du jeune Charlie Bucket dans la chocolaterie de l'excentrique Willy Wonka, il est très apprécié des enfants, notamment dans les pays anglophones.
 Charlie et la Chocolaterie a été publié pour la première fois aux États-Unis par Roald Dahl et édité par Alfred A. Knopf en 1964, et par Allen & Unwin en 1967 au Royaume-Uni. Le livre a été adapté au cinéma en deux longs métrages : Charlie et la Chocolaterie (Willy Wonka & the Chocolate Factory) de Mel Stuart avec Gene Wilder, et Charlie et la Chocolaterie de Tim Burton avec Johnny Depp. La suite de l'histoire, Charlie et le Grand Ascenseur de verre, a été écrite par Roald Dahl en 1972.
 Charlie Bucket vit pauvrement dans une toute petite maison avec ses parents et ses quatre grands-parents cloués au lit, dont grand-papa Joe qui va l'accompagner à la chocolaterie. Charlie est un enfant gentil, attentionné et soigneux qui aime sa famille malgré leurs difficultés communes. Hors sa famille, la chose qu'il aime le plus est le chocolat. À cause de sa pauvreté extrême, il ne peut toutefois recevoir qu'une tablette de chocolat par an, à l'occasion de son anniversaire.
 Il y a près de sa maison la plus grosse chocolaterie du monde, dont le propriétaire se nomme Willy Wonka.
 Willy Wonka est le plus important, le plus créatif et le plus inventif raffineur de chocolat au monde, produisant une importante variété de sucreries merveilleuses et délicieuses, dont certaines semblent irréalisables (comme les glaces qui ne fondent jamais ou les chewing-gums qui ne perdent pas leur goût). Comme raconté par Joe Bucket, l'espionnage industriel ayant pratiquement ruiné la fabrique, Willy Wonka l'a complètement fermée, puis rouverte ultérieurement avec l'aide d'ouvriers inconnus et mystérieux.
 Après avoir passé plusieurs années en fonctionnant de la sorte, Willy Wonka, à la surprise de tous, aurait décidé d'autoriser à nouveau la visite de sa chocolaterie par le public, en organisant une loterie. Cinq tablettes de chocolat « Wonka » contenant des tickets d'or cachés sous l'emballage sont dispersées dans le monde. Chaque ticket autorisera son découvreur (accompagné au maximum de deux membres de sa famille) à accéder à la chocolaterie pour une visite guidée par le chocolatier en personne. Une frénésie d'achat de chocolat secoue alors le globe. Les gagnants des quatre premiers tickets s'avèrent être :
 Parallèlement, la pauvreté qui enserre la famille de Charlie se ressent davantage.
 Par pur miracle, et à la dernière seconde, Charlie parvient à trouver le dernier ticket d'or. Grand-Papa Joe se lève alors de son lit, et tous deux partent pour la chocolaterie de Willy Wonka où les autres gagnants les rejoignent. Ils y découvriront ses merveilleuses réalisations, y compris certains prototypes aux effets secondaires étonnants. Par ailleurs, Willy Wonka révèle à ses invités que les mystérieux ouvriers sont des Oompas-Loompas, un peuple pygmée venu de l’Oompaland qui a accepté de venir travailler dans sa fabrique, car il peut leur fournir des quantités illimitées de leur mets préféré, la graine de cacao (ingrédient principal du chocolat). Au cours du livre, ils se lancent régulièrement et massivement dans des couplets en vers improvisés pour commenter la conduite des autres enfants et les conséquences de leurs actes.
 Willy Wonka est l'étrange et intelligent propriétaire de la chocolaterie Wonka. Il est très excentrique. Il est le personnage le plus connu du roman, en raison notamment des acteurs qui l'ont incarné (Gene Wilder, Johnny Depp, Timothée Chalamet). Il est très connu dans l'univers du livre pour ses bonbons aussi excentriques que lui et son chocolat délicieux. Sa chocolaterie est faite de pièces surprenantes, fantastiques et parfois jugées inutiles par les chanceux visiteurs de sa chocolaterie. Il est toujours représenté, par les différents illustrateurs, comme un homme différent de la norme. Il est joueur, optimiste et un peu moqueur. Il est décrit dans le livre comme aussi vif qu'un écureuil. Il aime énormément sa chocolaterie et les Oompa-Loompas. Son incarnation par Gene Wilder a été déclinée en nombreux Mèmes.La famille Bucket est représentée comme une famille très pauvre, qui peut à peine subvenir à se peut en manger souvent (une fois par an). Sa famille et lui suivent l'évolution de la chasse aux tickets d'or dans les journaux, les films et la télévision. Contrairement aux quatre autres enfants, Charlie est honnête et généreux.
 Grand-père Joe est l'un des quatre grands-parents de Charlie. Il est obstiné, sénile mais toujours gentil et attentionné. Il raconte à Charlie (et au lecteur) l'histoire de la chocolaterie de Willy Wonka et le mystère des employés de Wonka. Quand Charlie trouve son ticket d'or, grand-père Joe saute de joie et, plus tard, accompagne Charlie lors de la visite de la chocolaterie.
 Les Gloop sont une famille de personnages enrobés. M. Gloop a un rôle mineur comparé à sa femme : Mme Gloop. C'est une femme très fière de son fils tel qu'il l'est. Elle semble encourager la gourmandise de son fils et être peu soucieuse des problèmes que cela peut entraîner.
 Présenté comme « un garçon gourmand », Augustus Gloop est obèse et glouton. Il a 9 ans et n'a pas de manières lorsqu'il mange. Il est l'un des quatre antagonistes, le premier enfant à trouver son ticket d'or et également le premier à être éliminé de la visite. Il va en effet boire dans la rivière-mélangeuse de Willy Wonka, tomber dedans, et être aspiré par un tuyau de verre menant à la salle des nougatines. La pression du chocolat associée au faible diamètre du tuyau le fera maigrir, et en sortant de la chocolaterie, Augustus sera maigre et couvert de chocolat. Chaque illustrateur le représente comme ventru, joufflu, gros comme s'il « avait été gonflé ».
 Les Beauregard sont une famille de grands sportifs et de champions ambitieux.  
 Violette Beauregard est la troisième à trouver son ticket d'or, la deuxième à être éjectée de la visite et l'une des quatre antagonistes. Elle est braillarde et obsédée par le chewing-gum. Violette prétend avoir mâché un de ses chewing-gums pendant 3 mois. Elle a peu de manières et n'hésite pas à demander à ses parents de se taire. Mais lorsqu'elle vole un chewing-gum de Mr Wonka, elle devient énorme et bleue tel une myrtille géante. Il a fallu l'emmener à la salle au pressoir pour lui faire régurgiter le jus de myrtille produit par son corps; à la sortie de la chocolaterie, Violette demeure bleue et a une souplesse de contorsionniste. 
 Les Salt appartiennent à une haute classe sociale. M. Salt est le patron d'une usine de noix et Mme Salt, professeure de géographie. Ils gâtent énormément leur fille, Veruca. Bien que les adaptations mettent en avant M. Salt, sa femme a autant d'importance que lui dans le livre.
 Veruca Salt est une enfant exigeante, manipulatrice et gâtée qui exige tout ce qu'elle veut (et plus) de ses parents. Elle est égoïste, sans pitié envers sa famille et n'a absolument aucun respect pour la propriété d'autrui. Elle est la deuxième personne à trouver son ticket d'or, l'une des quatre antagonistes et la troisième éliminée de la visite. Dans la chocolaterie, Veruca est jetée dans un vide-ordures par des écureuils dressés pour détecter et éliminer les « mauvaises noix ». Son père subit le même sort. Ils réapparaîtront tous les deux couverts de détritus. L'apparence de Veruca change d'illustrateurs en illustrateurs mais elle porte toujours une robe. 
 Les Teavee sont une famille typique de classe moyenne. M. et Mme Teavee laissent leur fils, Mike, regarder la télévision à longueur de journée.
 Mike Teavee ne fait que regarder la télévision. Il est le quatrième enfant à trouver son ticket d'or, l'un des quatre antagonistes, et le dernier à être éjecté de la chocolaterie. Il est décrit comme portant dix-huit pistolets en plastique et « ouvrant le feu » lorsqu'il voit des gangsters à la télévision. Dans son interview, il ne parle pas de son ticket, demande aux journalistes de se taire, et préfère regarder la télé. Dans la chocolaterie, Mike est miniaturisé par une caméra de télévision conçue pour diffuser des échantillons de barres de chocolat par voie télévisuelle. Après avoir rétréci, ses parents déplorent qu'il ne puisse plus aller à l'école. Son père, en colère, prend alors la télévision comme responsable du mauvais comportement de Mike, et décide de la débrancher et de la jeter par la fenêtre dès qu'ils arrivent à la maison, au plus grand malheur de son fils. Il est représenté, par les illustrateurs, habillé en cow-boy ou avec ses pistolets en plastique.
 Les quatre autres enfants vont en effet mal se comporter et finir chacun victimes d'un sort malheureux et affublés d'une condition physique les forçant à quitter le bâtiment.
 Chacun de ces enfants est l'allégorie d'un vice trouvé dans la personnalité des enfants de l'époque. Charlie est montré de manière évidente comme l'enfant parfait, humble, gentil, et bien élevé.
 À la fin de l'histoire, il s'avère que la loterie était une idée de Willy Wonka pour choisir son successeur. Étant le seul gagnant d'un billet d'or encore en compétition, Charlie apprend qu'il hérite de la chocolaterie et part en voyage dans un ascenseur vitré volant avec Willy Wonka et Grand-papa Joe. La famille de Charlie peut venir vivre avec lui à la chocolaterie. L'histoire se poursuit dans Charlie et le Grand Ascenseur de verre.
 Roald Dahl utilise aussi des connotations érotiques dans ce livre qui ne sont pas sans rappelés ses nombreuses nouvelles à caractère sexuel. Ainsi, dans le livre il y a une référence à un fruit appelé le Snozzberry qui pourrait être léché. Ce fruit inconnu est pourtant retrouvé dans le roman Mon Oncle Oswald où il fait référence à un sexe masculin.
 Charlie et la Chocolaterie, grâce à son succès extraordinaire et à ses trois adaptations au cinéma, est devenu une référence culturelle. Cette signification culturelle a par exemple donné son nom à la société The Willy Wonka Candy Company, et a donné naissance à une expression anglaise : le terme « golden ticket » désigne désormais une garantie thésaurisée pour quelque chose de spécial et d'exclusif.
 Le module de jeu de rôle sur table, Blood in the Chocolate, s'inspire librement de nombreux éléments de l'histoire originale[1].
 Dans cette chocolaterie, on trouve une grande variété de salles spécialisées, qui représentent toutes les étapes de la fabrication ou se dédient à un produit particulier. Les enfants, lors de leur visite guidée, y voient nombre d'invraisemblances. Un bon exemple est la fameuse  « Chocolate Room ». Tout y est comestible, même le gazon. On y trouve une cascade de chocolat qui le brasse pour lui donner la bonne texture. Comme le précise à quelques reprises Willy Wonka, sa chocolaterie est la seule au monde à utiliser une cascade pour brasser le chocolat. Cela lui donne une texture riche et onctueuse. On remarque également des tuyaux qui emportent le chocolat vers d'autres endroits de la fabrique, comme celui dans lequel Augustus Gloop est aspiré.
 D'autres pièces sont aussi décrites, comme la « Salle des Inventions » où Violet Beauregard se transforme en myrtille. C'est dans la « Salle des noix » que Veruca Salt est éliminée. Dans cette salle, des dizaines d'écureuils dressés trient les noix, envoyant les mauvaises dans le tuyau à déchets. C'est dans la « Salle de Télévision » que Mike Teavee disparaît.
 En réponse aux critiques de la NAACP, de l'auteur canadien Eleanor Cameron, et d'autres personnes indignées par la description des Oompa-Loompas comme des pygmées à peau noire travaillant dans la fabrique Wonka pour des graines de cacao, Roald Dahl modifia certaines parties de ses textes, et Schindelman remplaça quelques illustrations (les illustrations de la version anglaise changèrent aussi). Cette nouvelle version fut publiée en 1973 aux États-Unis. Dans la version révisée, les Oompa-Loompas sont décrits comme ayant de longs et étonnants cheveux marron-doré et une peau blanche rosée. Leur origine est aussi passée de l'Afrique au pays imaginaire de Loompaland. L'hypothèse la plus probable serait que la vision qu'avait Roald Dahl des Noirs et des Indiens, était due en partie à ses souvenirs. Du fait qu'il a traversé pendant la Seconde Guerre mondiale, des pays profondément racistes et impérialistes. Il est tout de même bon de préciser qu'à l'origine, Charlie le héros éponyme était de couleur de peau noire, ce que l'éditeur lui conseilla de changer de peur de faire fuir les lecteurs blancs.
 Le roman et ses adaptations ont aussi inspiré un long métrage mettant en scène Tom et Jerry : Tom et Jerry au pays de Charlie et la chocolaterie de Spike Brandt (2017).
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comment citer les auteurs et mentionner la licence; 501(c)(3); À propos de Wikipédia; Avertissements",Catégories; Charlie et la Chocolaterie; Roman pour l'enfance et la jeunesse; Roman britannique paru en 1964; Roman de Roald Dahl; Roman britannique adapté au cinéma; Roman britannique adapté au théâtre,/static/images/icons/wikipedia.png; /static/images/mobile/copyright/wikipedia-wordmark-fr.svg; /static/images/mobile/copyright/wikipedia-tagline-fr.svg; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/a9/Logo_disambig.svg/20px-Logo_disambig.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/5/50/Sand_Sculpture_at_Weston_super_Mare_of_Charlie_and_the_Chocolate_Factory_by_Anique_Kuizenga.jpg/260px-Sand_Sculpture_at_Weston_super_Mare_of_Charlie_and_the_Chocolate_Factory_by_Anique_Kuizenga.jpg; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/7/73/Blue_pencil.svg/10px-Blue_pencil.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/7/73/Blue_pencil.svg/10px-Blue_pencil.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/7/73/Blue_pencil.svg/10px-Blue_pencil.svg.png; 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/static/images/footer/wikimedia-button.svg; /w/resources/assets/poweredby_mediawiki.svg,https://en.wikipedia.org/wiki/Charlie_and_the_Chocolate_Factory,Charlie and the Chocolate Factory,https://en.wikipedia.org/wiki/Charlie_and_the_Chocolate_Factory,"Charlie and the Chocolate Factory is a 1964 children's novel by British author Roald Dahl. The story features the adventures of young Charlie Bucket inside the chocolate factory of eccentric chocolatier Willy Wonka.[1]
 The story was originally inspired by Roald Dahl's experience of chocolate companies during his schooldays at Repton School in Derbyshire. Cadbury would often send test packages to the schoolchildren in exchange for their opinions on the new products.[2] At that time (around the 1920s), Cadbury and Rowntree's were England's two largest chocolate makers and they each often tried to steal trade secrets by sending spies, posing as employees, into the other's factory—inspiring Dahl's idea for the recipe-thieving spies (such as Wonka's rival Slugworth) depicted in the book.[3] Because of this, both companies became highly protective of their chocolate-making processes. It was a combination of this secrecy and the elaborate, often gigantic, machines in the factory that inspired Dahl to write the story.[4]
 Charlie and the Chocolate Factory is frequently ranked among the most popular works in children's literature.[5][6][7] In 2012, Charlie Bucket brandishing a Golden Ticket appeared in a Royal Mail first class stamp in the UK.[8] The novel was first published in the U.S. by Alfred A. Knopf, Inc. in 1964 and in the U.K. by George Allen & Unwin 11 months later. The book's sequel, Charlie and the Great Glass Elevator, was written by Dahl in 1971 and published in 1972. Dahl had also planned to write a third book in the series but never finished it.[9]
 The book has also been adapted into two major motion pictures: Willy Wonka & the Chocolate Factory in 1971 and Charlie and the Chocolate Factory in 2005. A stand-alone film exploring Willy Wonka's origins titled Wonka was released in 2023. The book has spawned a media franchise with multiple video games, theatrical productions and merchandise. 
 Charlie Bucket lives in poverty with his parents and grandparents in a town which is home to a world-famous chocolate factory. One day, Charlie's bedridden Grandpa Joe tells him about Willy Wonka, the factory's eccentric owner, and all of his fantastical candies. Rival chocolatiers sent in spies to steal his recipes, forcing Wonka to close the factory and disappear. He reopened the factory years later, but the gates remain locked, and nobody knows who is providing the factory with its workforce.
 The next day, the newspaper announces that Wonka has hidden five Golden Tickets in Wonka Bars; the finders of these tickets will be invited to come and tour the factory. The first four tickets are found by gluttonous Augustus Gloop, spoiled Veruca Salt, compulsive gum-chewer Violet Beauregarde, and television addict Mike Teavee. One day, Charlie buys two Wonka Bars with some money he found in the snow. When he opens the second, Charlie discovers that the second bar he bought contains the fifth and final ticket. Upon hearing the news, Grandpa Joe regains his mobility and volunteers to accompany Charlie to the factory.
 On the day of the tour, Wonka welcomes the five children and their parents inside the factory, a wonderland of confectionery creations that defy logic. They also meet the Oompa-Loompas, a race of impish humanoids who help him operate the factory as a thanks for his rescuing them from a land of dangerous monsters. During the tour, the other children besides Charlie give in to their impulses and are ejected from the tour in darkly comical ways: Augustus falls into the Chocolate River and is sucked up a pipe, Violet swells into a giant human blueberry after chewing an experimental stick of three-course dinner gum ending with a blueberry pie flavor, Veruca and her parents fall down a garbage chute after the former tries to capture one of the nut-testing squirrels, and Mike is shrunk down to the size of a chocolate bar after misusing the Television Chocolate device despite Wonka's warnings. The Oompa-Loompas sing about the children's misbehaviour each time disaster strikes.
 With only Charlie remaining, Wonka congratulates him for ""winning"" the factory. Wonka explains that the whole tour was designed to help him find a worthy heir to his business, and Charlie was the only child whose inherent genuineness passed the test. They ride the Great Glass Elevator and watch the other four children leave the factory before flying to Charlie's house, where Wonka invites the entire Bucket family to come and live with him in the factory.
 Dahl's widow said that Charlie was originally written as ""a little black boy though this thought to be a falsehood."" Dahl's biographer said the change to a white character was driven by Dahl's agent, who thought a black Charlie would not appeal to readers.[10][11]
 In the first published edition, the Oompa-Loompas were described as African pygmies, and were drawn this way in the original printed edition.[10] After the announcement of a film adaptation sparked a statement from the NAACP, which expressed concern that the transportation of Oompa-Loompas to Wonka's factory resembled slavery, Dahl found himself sympathising with their concerns and published a revised edition.[10] In this edition, as well as the subsequent sequel, the Oompa-Loompas were drawn as being white and appearing similar to hippies, and the references to Africa were deleted.[10]
 In 2023, publisher Puffin made more than eighty additional changes to the original text of the book, such as: removing every occurrence of the word fat (including referring to Augustus Gloop as ""enormous"" rather than ""enormously fat"" and greatly changing the words of his song); removing most references to the Oompa-Loompa's diminutive size and physical appearance and omitting descriptions of them living in trees and wearing deerskins and leaves; removing or changing the words mad, crazy, and queer; omitting many references to Mike Teavee's toy guns; and removing references to corporal punishment (such as changing ""She needs a really good spanking"" to ""She needs a really good talking to"" and ""She wants a good kick in the pants"" to ""She needs to learn some manners"").[12][13]
 Mr Wonka turned around and clicked his fingers sharply, click, click, click, three times. Immediately, an Oompa-Loompa appeared, as if from nowhere, and stood beside him.
 The Oompa-Loompa bowed and smiled, showing beautiful white teeth. His skin was almost pure black, and the top of his fuzzy head came just above the height of Mr Wonka's knee. He wore the usual deerskin slung over his shoulder.
 'Now listen to me,' said Mr Wonka, looking down at the tiny man.
 Mr Wonka turned around and clicked his fingers sharply, click, click, click, three times. Immediately, an Oompa-Loompa appeared, as if from nowhere, and stood beside him.
 The Oompa-Loompa bowed and smiled, showing beautiful white teeth. His skin was rosy-white, his hair was golden brown, and the top of his head came just above the height of Mr Wonka's knee. He wore the usual deerskin slung over his shoulder.
 'Now listen to me,' said Mr Wonka, looking down at the tiny man.
 An Oompa-Loompa appeared, as if from nowhere, and stood beside him.
 'Now listen to me,' said Mr Wonka, looking down at the man.
 Various unused and draft material from Dahl's early versions of the novel have been found. In the initial, unpublished drafts of Charlie and the Chocolate Factory nine golden tickets were distributed to tour Willy Wonka's secret chocolate factory[15] and the children faced more rooms and more temptations to test their self-control.[15][16] Some of the names of the children cut from the final work include:[17]
 ""Spotty Powder"" was first published as a short story in 1973.[21][23] In 1998, it was included in the children's horror anthology Scary! Stories That Will Make You Scream edited by Peter Haining. The brief note before the story described the story as having been left out of Charlie and the Chocolate Factory due to an already brimming number of misbehaving children characters in the tale. In 2005, The Times reprinted ""Spotty Powder"" as a ""lost"" chapter, saying that it had been found in Dahl's desk, written backwards in mirror writing (the same way that Leonardo da Vinci wrote in his journals).[16][24] Spotty Powder looks and tastes like sugar, but causes bright red pox-like spots to appear on faces and necks five seconds after ingestion, so children who eat Spotty Powder do not have to go to school. The spots fade on their own a few hours later. After learning the purpose of Spotty Powder, the humourless, smug Miranda Piker and her equally humourless father (a schoolmaster) are enraged and disappear into the Spotty Powder room to sabotage the machine. Soon after entering, they are heard making what Mrs. Piker interprets as screams. Mr. Wonka assures her (after making a brief joke where he claims that headmasters are one of the occasional ingredients) that it is only laughter. Exactly what happens to them is not revealed in the extract.[15][16]
 In an early draft, sometime after being renamed from Miranda Grope to Miranda Piker, but before ""Spotty Powder"" was written, she falls down the chocolate waterfall and ends up in the Peanut-Brittle Mixer. This results in the ""rude and disobedient little kid"" becoming ""quite delicious.""[21][25] This early draft poem was slightly rewritten as an Oompa-Loompa song in the lost chapter, which now puts her in the ""Spotty-Powder mixer"" and instead of being ""crunchy and ... good [peanut brittle]"" she is now ""useful [for truancy] and ... good.""[16]
 In 2014, The Guardian revealed that Dahl had removed another chapter (""The Vanilla Fudge Room"") from an early draft of the book. The Guardian reported the now-eliminated passage was ""deemed too wild, subversive and insufficiently moral for the tender minds of British children almost 50 years ago.""[15] In what was originally chapter five in that version of the book, Charlie goes to the factory with his mother instead of Grandpa Joe as originally published. At this point, the chocolate factory tour is down to eight kids,[22][26] including Tommy Troutbeck and Wilbur Rice. After the entire group climbs to the top of the titular fudge mountain, eating vanilla fudge along the way, Troutbeck and Rice decide to take a ride on the wagons carrying away chunks of fudge. The wagons take them directly to the Pounding And Cutting Room, where the fudge is reformed and sliced into small squares for retail sale. Wonka states the machine is equipped with ""a large wire strainer ... which is used specially for catching children before they fall into the machine"" adding that ""It always catches them. At least it always has up to now.""[22]
 The chapter dates back to an early draft with ten golden tickets, including one each for Miranda Grope and Augustus Pottle, who fell into the chocolate river prior to the events of ""Fudge Mountain"".[15][27] Augustus Pottle was routed to the Chocolate Fudge Room, not the Vanilla Fudge Room explored in this chapter,[22][26] and Miranda Grope ended up in the Fruit and Nuts Room.
 Also in 2014, Vanity Fair published a plot summary of ""The Warming Candy Room"", wherein three boys eat too many ""warming candies"" and end up ""bursting with heat.""[28]
 The Warming Candy Room is dominated by a boiler, which heats a scarlet liquid. The liquid is dispensed one drop at a time, where it cools and forms a hard shell, storing the heat and ""by a magic process ... the hot heat changes into an amazing thing called 'cold heat.'"" After eating a single warming candy, one could stand naked in the snow comfortably. This is met with predictable disbelief from Clarence Crump, Bertie Upside, and Terence Roper, who proceed to eat at least 100 warming candies each, resulting in profuse perspiration. The three boys and their families discontinue the tour after they are taken to cool off ""in the large refrigerator for a few hours.""[19]
 Dahl originally planned for a child called Marvin Prune to be included. He submitted the excised chapter regarding Prune to The Horn Book Review in the early 1970s.[29] Rather than publish the chapter, Horn Book responded with a critical essay by novelist Eleanor Cameron, who called Charlie and the Chocolate Factory “one of the most tasteless books ever written for children”.[30]
 In a 2006 list for the Royal Society of Literature, author J. K. Rowling (author of the Harry Potter books) named Charlie and the Chocolate Factory among her top ten books that every child should read.[31] A fan of the book since childhood, film director Tim Burton wrote: ""I responded to Charlie and the Chocolate Factory because it respected the fact that children can be adults.""[32][33]
 A 2004 study found that it was a common read-aloud book for fourth-graders in schools in San Diego County, California.[34] A 2012 survey by the University of Worcester determined that it was one of the most common books that UK adults had read as children, after Alice's Adventures in Wonderland, The Lion, the Witch and the Wardrobe, and The Wind in the Willows.[35]
 Groups who have praised the book include:
 In the 2012 survey published by SLJ, a monthly with primarily US audience, Charlie was the second of four books by Dahl among their Top 100 Chapter Books, one more than any other writer.[40] Time magazine in the US included the novel in its list of the 100 Best Young-Adult Books of All Time; it was one of three Dahl novels on the list, more than any other author.[41] In 2016 the novel topped the list of Amazon's best-selling children's books by Dahl in Print and on Kindle.[42] In 2023, the novel was ranked by BBC at no. 18 in their poll of ""The 100 greatest children's books of all time"".[43]
 Although the book has always been popular and considered a children's classic by many literary critics, a number of prominent individuals have spoken unfavourably of the novel over the years.[44] Children's novelist and literary historian John Rowe Townsend has described the book as ""fantasy of an almost literally nauseating kind"" and accused it of ""astonishing insensitivity"" regarding the original portrayal of the Oompa-Loompas as African black pygmies, although Dahl did revise this in later editions.[45] Another novelist, Eleanor Cameron, compared the book to the sweets that form its subject matter, commenting that it is ""delectable and soothing while we are undergoing the brief sensory pleasure it affords but leaves us poorly nourished with our taste dulled for better fare.""[30]
Ursula K. Le Guin wrote in support of this assessment in a letter to The Horn Book Review, saying that her own daughter would turn ""quite nasty"" upon finishing the book.[46] Dahl responded to Cameron's criticisms by noting that the classics that she had cited would not be well received by contemporary children.[47]
 Charlie and the Chocolate Factory has frequently been adapted for other media, including games, radio, the screen,[48] and stage, most often as plays or musicals for children – often titled Willy Wonka or Willy Wonka, Jr. and almost always featuring musical numbers by all the main characters (Wonka, Charlie, Grandpa Joe, Violet, Veruca, etc.); many of the songs are revised versions from the 1971 film.
 The book was first made into a feature film as a musical, titled Willy Wonka & the Chocolate Factory (1971), directed by Mel Stuart, produced by David L. Wolper, and starring Gene Wilder as Willy Wonka, character actor Jack Albertson as Grandpa Joe, and Peter Ostrum as Charlie Bucket, with music by Leslie Bricusse and Anthony Newley. Dahl was credited for writing the screenplay, but David Seltzer was brought in by Stuart and Wolper to make changes against Dahl's wishes, leaving his original adaptation, in one critic's opinion, ""scarcely detectable"".[49] Amongst other things, Dahl was unhappy with the foregrounding of Wonka over Charlie, and disliked the musical score. Because of this, Dahl disowned the film.[49] The film had an estimated budget of $2.9 million but grossed only $4 million and was considered a box-office disappointment, though it received positive reviews from critics. Home video and DVD sales, as well as repeated television airings, resulted in the film subsequently becoming a cult classic.[50] Concurrently with the 1971 film, the Quaker Oats Company introduced a line of candies whose marketing uses the book's characters and imagery.[51]
 Warner Bros. and the Dahl estate reached an agreement in 1998 to produce another film version of Charlie and the Chocolate Factory, with the Dahl family receiving total artistic control. The project languished in development hell until Tim Burton signed on to direct in 2003. The film, titled Charlie and the Chocolate Factory, starred Johnny Depp as Willy Wonka. It was released in 2005 to positive reviews and massive box office returns, becoming the eighth-highest-grossing film of the year.[52]
 In October 2016, Variety reported that Warner Bros. had acquired the rights to the Willy Wonka character from the Roald Dahl Estate and would be planning a new film centered on the eccentric character with David Heyman producing.[53] In February 2018, Paul King entered final negotiations to direct the film.[54] In May 2021, it was reported that the film would be a musical titled Wonka, with Timothée Chalamet playing a younger version of the titular character in an origin story.[55] King was confirmed as director and co-writer along with comedian Simon Farnaby; the film was released globally in December 2023.[56]
 On 27 November 2018, Netflix and The Roald Dahl Story Company jointly announced that Netflix would be producing an animated series based on Dahl's books, including Charlie and the Chocolate Factory, Matilda, The BFG, The Twits, and other titles. Production commenced on the first of the Netflix Dahl animated series in 2019.[70] On 5 March 2020, Variety announced that Taika Waititi was partnering with Netflix on a pair of animated series — one based on the world of 'Charlie and the Chocolate Factory and another based on the Oompa-Loompa characters. “The shows will retain the quintessential spirit and tone of the original story while building out the world and characters far beyond the pages of the Dahl book for the very first time,” Netflix said.[71] On 23 February 2022, Mikros Animation revealed that they would be producing a new collaboration with Netflix. The collaboration was announced as Charlie and the Chocolate Factory. The long-format animated event series is based on the 1964 novel and is written, directed and executive produced by Waititi.[72][73]
 The book has been recorded a number of times:
 Charlie and the Chocolate Factory has undergone numerous editions and been illustrated by numerous artists.[80]
 The cover photo of the 50th anniversary edition, published by Penguin Modern Classics for sale in the UK and aimed at the adult market, received widespread commentary and criticism.[82]  The cover is a photo of a heavily made up young girl seated on her mother's knee and wearing a doll-like expression, taken by the photographers Sofia Sanchez and Mauro Mongiello as part of a photo shoot for a 2008 fashion article in a French magazine, for a fashion article titled ""Mommie Dearest.""[81][83] In addition to writing that ""the image seemingly has little to do with the beloved children's classic"",[84] reviewers and commentators in social media (such as posters on the publisher's Facebook page) have said the art evokes Lolita, Valley of the Dolls, and JonBenet Ramsey; looks like a scene from Toddlers & Tiaras; and is ""misleading,"" ""creepy,"" ""sexualised,"" ""grotesque,"" ""misjudged on every level,"" ""distasteful and disrespectful to a gifted author and his work,"" ""pretentious,"" ""trashy"", ""outright inappropriate,"" ""terrifying,"" ""really obnoxious,"" and ""weird & kind of paedophilic.""[81][85][86]
 The publisher explained its objective in a blog post accompanying the announcement about the jacket art: ""This new image . . . looks at the children at the center of the story, and highlights the way Roald Dahl’s writing manages to embrace both the light and the dark aspects of life.""[87] Additionally, Penguin Press's Helen Conford told the Bookseller: ""We wanted something that spoke about the other qualities in the book.  It's a children's story that also steps outside children's and people aren't used to seeing Dahl in that way."" She continued: ""[There is] a lot of ill feeling about it, I think because it's such a treasured book and a book which isn't really a 'crossover book'"" As she acknowledged: ""People want it to remain as a children's book.""
 The New Yorker describes what it calls this ""strangely but tellingly misbegotten"" cover design thusly: ""The image is a photograph, taken from a French fashion shoot, of a glassy-eyed, heavily made-up little girl. Behind her sits, a mother figure, stiff and coiffed, casting an ominous shadow. The girl, with her long, perfectly waved platinum-blond hair and her pink feather boa, looks like a pretty and inert doll—"" The article continues: ""And if the Stepford daughter on the cover is meant to remind us of Veruca Salt or Violet Beauregarde, she doesn't: those badly behaved squirts are bubbling over with rude life."" Moreover, writes Talbot, ""The Modern Classics cover has not a whiff of this validation of childish imagination; instead, it seems to imply a deviant adult audience.""[82]",3476,"Main page; Contents; Current events; About Wikipedia; Help; Learn to edit; Community portal; Upload file; ; learn more; Article; Talk; Read; Read; Upload file; Charlie and the Chocolate Factory (disambiguation); Mr. Bucket; ; Roald Dahl; Faith Jaques; Michael Foreman; Quentin Blake; Children's; fantasy novel; George Allen & Unwin; Puffin Books; Scholastic; OCLC; Charlie and the Great Glass Elevator; children's novel; Roald Dahl; Charlie Bucket; Willy Wonka; Repton School; Derbyshire; Cadbury; Rowntree's; spies; Slugworth; children's literature; Royal Mail; first class stamp in the UK; Alfred A. Knopf, Inc.; George Allen & Unwin; Charlie and the Great Glass Elevator; Willy Wonka & the Chocolate Factory; Charlie and the Chocolate Factory; Wonka; media franchise; Wonka Bars; Oompa-Loompas; List of Charlie and the Chocolate Factory characters; Roald Dahl revision controversy; African pygmies; NAACP; slavery; hippies; Puffin; The Times; mirror writing; Leonardo da Vinci; truancy; The Guardian; Vanity Fair; Eleanor Cameron; ; Willy Wonka; Hatter; Alice's Adventures in Wonderland; Royal Society of Literature; J. K. Rowling; Harry Potter; Tim Burton; San Diego County, California; University of Worcester; Alice's Adventures in Wonderland; The Lion, the Witch and the Wardrobe; The Wind in the Willows; BILBY Award; The Big Read; BBC; National Education Association; School Library Journal; Time; Amazon; Kindle; BBC; children's classic; literary historian; John Rowe Townsend; Oompa-Loompas; pygmies; Eleanor Cameron; Ursula K. 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Wolper; Gene Wilder; Willy Wonka; character actor; Jack Albertson; Grandpa Joe; Peter Ostrum; Leslie Bricusse; Anthony Newley; David Seltzer; cult classic; Quaker Oats Company; candies; ; Charlie and the Chocolate Factory; Warner Bros.; development hell; Tim Burton; Charlie and the Chocolate Factory; Johnny Depp; eighth-highest-grossing film of the year; Variety; David Heyman; Paul King; Wonka; Timothée Chalamet; origin story; Simon Farnaby; Radio 4; miniseries; Jackanory; Charlie and the Chocolate Factory video game; ZX Spectrum; Charlie and the Chocolate Factory; Alton Towers; family attraction themed around the story; elevators; The Golden Ticket; librettist; American Lyric Theater; Felicity Dahl; Opera Theatre of Saint Louis; Wexford Festival Opera; ; Charlie and the Chocolate Factory; Drury Lane; West End; Charlie and the Chocolate Factory; West End; Theatre Royal, Drury Lane; Sam Mendes; Marc Shaiman; Scott Wittman; Douglas Hodge; Tom and Jerry: Willy Wonka and the Chocolate Factory; 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Un chant de Noël,https://fr.wikipedia.org/wiki/Un_chant_de_Noël,"A Christmas Carol Vous lisez un « article de qualité » labellisé en 2013.
 Pour les articles homonymes, voir Chant de Noël (homonymie) et A Christmas Carol.
 
 Un chant de Noël (A Christmas Carol), également publié en français sous les titres Cantique de Noël, Chanson de Noël ou Conte de Noël, est le premier et le plus célèbre des contes écrits par Charles Dickens. Rédigé en même temps que Martin Chuzzlewit et paru en décembre 1843 chez Chapman & Hall avec des illustrations de John Leech, il est considéré comme « son œuvre la plus parfaite[2] ». Aussitôt, Thackeray le salue comme un « bienfait national[2] ». Acclamé par les critiques comme par le public, sa popularité n'a jamais faibli. Son protagoniste, Scrooge, reste sans doute le personnage dickensien le plus universellement connu et, grâce à ce livre, Dickens, incarné en une sorte de père Noël pour un monde anglo-saxon, a été décrit comme l'« inventeur » de la fête qui lui est associée[2].
 Pourtant, c'est d'abord une réponse qu'il a voulu apporter à des controverses d'ordre économique. Mais très vite, le conte s'est donné à lire comme affirmation des célébrations de Noël plutôt que pamphlet polémique, et, selon David Paroissien, qui lui attribue jusqu'au mérite d'avoir « sauvé les congés de fin d'année des griffes de sombres calvinistes », il a été promu au rang de « classique de la littérature de Noël des temps modernes[3] ».
 Les adaptations dont il a constamment fait l'objet depuis sa parution témoignent de l'universalité de son message. D'abord le théâtre, puis la scène du music-hall, la radio, la télévision et le cinéma, mais aussi la chanson de variété et la musique classique, le ballet comme la science-fiction, tous lui rendent hommage en une suite ininterrompue dont l'examen reflète l'évolution des goûts et des mentalités depuis le milieu du XIXe siècle[4].
 À la suite de la parution en 1822 de Some Ancient Christmas Carols de Davies Gilbert, en 1833 de Selection of Christmas Carols, Ancient and Modern par William Sandys, en 1837, enfin, de The Book of Christmas de Thomas Kibble Hervey, l'Angleterre victorienne s'est trouvée, au milieu du XIXe siècle, parcourue par la nostalgie des traditions de Noël d'avant l’ère puritaine de Cromwell. Cet intérêt s'est encore vu renforcé par l'influence du prince Albert, l'époux de la reine Victoria depuis 1841, qui a popularisé dans le royaume la tradition allemande des sapins et des cartes – la première datant, comme le livre de Dickens, de 1843 –, ainsi que des cantiques de Noël.
 Dickens n'est donc pas le premier écrivain à célébrer cette fête, il en est redevable aux essais publiés par Washington Irving dans son Sketch Book de 1820, décrivant l'ancien Noël anglais qu'il a vécu à Aston Hall et rassemblant contes de fées et comptines en même temps que pamphlets religieux et pages satiriques[5], mais c'est lui qui lui a « surimposé une approche séculaire[5] ». Dans son esprit, sentiment que renforce encore sa visite du 20 au 22 mars 1842 au pénitencier de Pittsburgh, en Pennsylvanie[6], où il partage des expériences de spiritualisme, contes de fées et comptines sont des histoires de conversion et de transformation[7]. Deux textes l'ont particulièrement fasciné : un essai de Douglas Jerrold, Les Beautés de la police, paru en 1843, qui expose sur le mode satirique et mélodramatique le sort d'un père séparé de son fils mis de force dans un hospice, et un autre du même auteur publié par Punch en 1841, qui lui aurait directement inspiré Scrooge, Comment Mr Chokepear fête joyeusement Noël[8].
 Robert Douglas-Fairhurst attribue sa force narrative au traumatisme, vécu à 12 ans, de son emploi forcé à la manufacture de cirage Warren, ainsi qu'à la compassion ressentie pour le sort des enfants pauvres lors du boom des années 1830 et 1840[7]. Au début de l'année 1843 il visite des mines en Cornouailles et, particulièrement bouleversé par le deuxième rapport de la commission sur le travail des enfants (Second Report of the Children's Employment Committee), il décide de « frapper un grand coup[8] ». En mai, il rédige un pamphlet intitulé Appel au peuple anglais sur le sort des enfants des familles pauvres, puis, reportant sa publication à la fin de l'année, écrit au Dr Southwood Smith, membre de la commission, pour lui demander de changer ses vues. Pour la première fois, il utilise l'expression « marteau-pilon » pour décrire ses intentions : « Vous sentirez à coup sûr qu'un marteau-pilon s'abattra vingt-cinq mille fois – vingt-cinq mille fois plus puissamment – si je suis ma première idée[9] ». Une visite à la Ragged School de Field Lane lui fait ajouter dans une lettre à Angela Burdett-Coutts « le cœur me va aux entrailles quand je me plonge dans ces scènes[10] ». Lors d'un discours prononcé à l’Athenæum de Manchester le 5 octobre 1843, Dickens conjure les ouvriers et les patrons de lutter main dans la main contre l'ignorance et pour une réforme du système éducatif, mais le peu d'écho que suscite sa démarche le convainc encore plus du pouvoir de la fiction : aucun sujet plus que celui de Noël, pense-t-il alors, ne saurait mieux parler au grand public. C'est donc lors de ces trois jours passés à Manchester qu'il conçoit Un chant de Noël[11], dont l'impact sera, il en est sûr, bien plus percutant que tous les traités du monde[12],[11].
 Noël et l'art du récit ont toujours été associés dans l'esprit de Dickens[2] : il avait déjà écrit A Christmas Dinner à la manière de Washington Irving dans les Esquisses de Boz en 1833, puis mis dans la bouche de Mr Wardle, en 1836-1837, l'histoire fantastique de Gabriel Grub, « le bedeau misanthrope volé par les lutins »[N 1], converti à la fin à une plus saine humanité, ce qui, d'après John Forster, lui avait procuré le « secret plaisir d'extrapoler ainsi sur une simple comptine[13],[N 2],[5] ». Au-delà de l'aspect purement narratif, cependant, Un chant de Noël est sous-tendu par le souci passionné qu'a Dickens des problèmes sociaux assaillant son pays[2]. Aussi son allégorie est-elle d'abord destinée à souligner que l'enfance est victime de l'indifférence générale, et que le personnage principal, comme le lecteur, « doivent ouvrir la porte close de leur cœur et considérer les gens comme des compagnons de voyage tous en route vers la tombe »[10].
 Un chant de Noël a été écrit en six semaines d'octobre à novembre 1843[14], « tâche bigrement ardue », écrit Dickens, à assumer en même temps que Martin Chuzzlewit, mais destinée à ouvrir des perspectives pour d'autres romans de grande envergure : « Quand je vois l'effet que produit un petit ensemble de cet acabit […], j'entrevois avec force l'immense effet que je produirais avec un livre de grand format »[15]. Les publications par Chapman & Hall, depuis la première le 19 décembre 1843, sous le titre A Christmas Carol in Prose. Being a Ghost Story of Christmas (« Un chant de Noël en prose, histoire de fantômes de Noël »), en 6 000 exemplaires, jusqu'à la septième en mai 1844, sont aussitôt épuisées[16], et Dickens en est d'emblée si ému qu'il passe « des larmes au rire et du rire aux larmes, et s'en voit retourné d'extraordinaire façon »[17].
 Pour autant, la publication a été laborieuse : les premiers tirages contiennent des pages de garde d'un vert olive que Dickens juge inacceptable, et Chapman & Hall les remplace en hâte par du jaune. Le résultat n'en est pas meilleur car il jure avec la page-titre, aussitôt refaite, et le produit final, relié de tissu rouge et à tranche dorée, n'est prêt que deux jours avant la date annoncée[18],[19]. Plus tard, Dickens fait relier en cuir rouge son manuscrit et l'offre à son avocat Thomas Mitton, qui le vend en 1875 au libraire Francis Harvey pour 50 £. Par la suite, le précieux document passe de main en main : le collectionneur Henry George Churchill en 1882, puis un libraire de Birmingham, un autre de Londres, puis Stuart M. Samuel, collectionneur spécialisé en Dickens, enfin J. P. Morgan qui le dépose à la Pierpont Morgan Library de New York, avec les quatre estampes en couleurs et les quatre gravures sur bois de John Leech[19].
 Le succès de l'œuvre n'a pas été sans répercussions financières et juridiques. Dickens espérait pouvoir éponger le débours de Chapman & Hall, mais la présentation luxueuse, les planches de couleur et les gravures sur bois ne lui ont laissé que 230 £[20]. En outre, le 6 février, paraît une version pirate qui l'oblige à poursuivre devant les tribunaux l'éditeur indélicat, Lee and Haddock. Le procès est gagné mais, alors que les dépens s'élèvent à 700 £, la partie adverse fait faillite, ce qui lui laisse un sentiment d'amertume et de rancœur qui s'ajoutera au ressentiment envers l'appareil judiciaire, dénoncé plus tard par la cour de la Chancellerie de La Maison d'Âpre-Vent[2].
 D'après Douglas-Fairhurst, si l'expérience de la manufacture de cirage vécue à 12 ans n'est pas directement décrite dans Un conte de Noël, l'ambiguïté de la relation entretenue par Dickens envers son père, adoré autant que diabolisé, se reflète dans la double personnalité du protagoniste, à la fois « prodigue à l'envers » et finalement généreux[21].
 Dès sa parution, le livre s'est trouvé presque unanimement acclamé par la critique. L’Athenaeum de Londres écrit qu'il y a là « matière à rire et à pleurer, à ouvrir mains et cœur à la charité même chez les moins charitables, un plat de choix à servir à la table d'un roi »[22]. Le poète-éditeur Thomas Hood ajoute que le nom même de l'auteur « prédispose à de meilleurs sentiments, et qu'il suffit d'un coup d'œil au frontispice pour esbaudir ses esprits animaux »[22]. Thackeray évoque dans le Fraser's Magazine de février « un bienfait national et, pour tout homme ou femme qui le lit, une faveur personnelle. Les deux dernières personnes que j'ai entendues en parler étaient des femmes qui ne se connaissaient pas et ignoraient qui en était l'auteur, et toutes les deux, pour toute critique, se sont écriées Que Dieu le bénisse ! », et il ajoute « Oui, QUE DIEU LE BÉNISSE !  [sic] Quel sentiment à inspirer pour un auteur et quelle récompense à glaner ! »[23]. Même Theodore Martin, l'un des rares à se montrer virulent envers Dickens, note que le conte témoigne de « finesse dans le sentiment et est adroitement conçu pour inciter au bien social »[24]. Quant à Chesterton, il estime que la bienveillance acquise de Scrooge est au centre de tout ce que Dickens a écrit[25], mais Edmund Wilson ne croit pas en une conversion aussi radicale du vieil avare, et il en tire argument pour extrapoler sur la personnalité divisée de son auteur[25]. John Butt, lui, y voit un conte délicieusement raconté, où structure et contenu sont ce qu'il appelle coterminous, c'est-à-dire ayant ensemble atteint l'ultime degré de l'achèvement[26].
 Les critiques ont surtout porté sur le coût du livre dont le luxe, paradoxalement, alors qu'il chante leur dignité, le rend inaccessible aux pauvres. La presse religieuse, après l'avoir boudé à sa parution, admet dans le Christian Remembrance de février 1844 que ce sujet « rebattu » se voit rajeuni par l'humour et la sentimentalité de l'auteur[27]. Dickens a noté plus tard qu'il a reçu quantité de lettres émanant des chaumières et lui racontant comment son Chant de Noël se lit en famille au coin de l'âtre, avant d'être rangé « sur une toute petite étagère à lui seul réservée »[28]. Margaret Oliphant, jamais tendre envers Dickens, déplore après sa mort qu'il y soit « essentiellement question de dinde et de pudding », mais admet que le conte est devenu comme « un nouveau testament » et qu'il « n'a pas son pareil pour inciter les gens à devenir meilleurs »[24]. Quant aux Américains, ils se sont d'abord montrés plus réticents, la féroce satire de leur pays dans les American Notes de 1842 et de la deuxième partie de Martin Chuzzlewit, tout aussi dénonciatrice, ayant profondément blessé leur amour-propre national. Au moment de la guerre de Sécession et après, cependant, le livre fait son chemin outre-Atlantique et la presse devient plus amène[29] : en 1863, le New York Times clame son enthousiasme et note que « le Noël d'antan et des vieux manoirs a pénétré dans le salon des familles pauvres[29] », et la North American Review en conclut que le génie de Dickens réside justement dans « sa compassion envers cette race  [sic] »[29]. Pour sa part, John Greenleaf Whittier discerne une similitude entre la rédemption de Scrooge et celle de sa nation déchirée par la guerre civile, et la charité du vieil homme repenti lui rappelle celle du peuple américain en lutte contre la pauvreté accablant son pays[30].
 À leur façon, les illustrateurs ont été nombreux à rendre hommage à Un chant de Noël. Depuis John Leech, illustrateur de l'édition originale, s'y sont intéressés, du vivant de Dickens ou peu après sa mort, Sol Eytinge, Fred Barnard, Arthur Rackam et C. E. Brock. Les interprétations modernes sont en particulier dues à Ronald Searle (1960), Michael Foreman (1983), Michael Cole (1985), Lisbeth Zwerger (1988), Roberto Innocenti (1990) et Ida Applebroog (1993)[31].
 Dickens divise le livre en cinq chapitres qu'il appelle staves, c'est-à-dire couplets de chant ou strophes de poème, chacun ayant un rapport avec le titre de l'ouvrage. La même technique est employée dans les deux contes de Noël suivants, les différentes parties portant, pour Les Carillons, des noms sonnant l'ordonnance du passage des heures, le carillon, les quarts, et pour Le Grillon du foyer, celui de chirps, les crissements de l'insecte.
 L'histoire[32] s'ouvre une veille de Noël brumeuse dans « un froid vif et perçant »[33], exactement sept années après la mort de Jacob Marley, l'associé d'Ebenezer Scrooge, ce « vieux pécheur […] avare qui savait saisir fortement, arracher, tordre, pressurer, gratter, ne point lâcher surtout ! Dur et tranchant comme une pierre à fusil dont jamais l’acier n’a fait jaillir une étincelle généreuse, secret, renfermé en lui-même et solitaire comme une huître »[33]. Scrooge ne connaît ni la bonté, ni la bienveillance, ni la charité, et il déteste Noël qu'il qualifie de « foutaise » (humbug). Toujours assis à son bureau, le feu réduit à quelques braises, il n'a cure du froid qui oblige pourtant son employé Bob Cratchit, aussi surmené que mal payé, à se réchauffer les doigts à la flamme de la bougie. Son allure glaciale frigorifie le pauvre commis plus que ne le font les éléments ; d'ailleurs, ne vient-il pas de refuser l'invitation à dîner de son neveu, de chasser un jeune garçon venu chanter un cantique à sa porte, puis de se débarrasser vertement de deux messieurs sollicitant un don pour une distribution de nourriture et de charbon aux pauvres, des inutiles, estime-t-il, qui feraient mieux de mourir pour régler le problème de la surpopulation. Le seul cadeau qu'il a maigrement consenti a été de donner un jour de congé à Bob Cratchit, et encore, se convainc-t-il, pour satisfaire à une inique convention sociale, une « pauvre excuse pour mettre la main dans la poche d’un homme tous les 25 décembre, dit-[il] en boutonnant sa redingote jusqu’au menton. Mais je suppose qu’il vous faut la journée tout entière ; tâchez au moins de m’en dédommager en venant de bonne heure après-demain matin[33] ». Bob se réjouit pourtant de cette misère car il entend dignement fêter Noël avec sa famille en puisant dans ses 15 shillings hebdomadaires[32].
 Scrooge dîne seul dans une taverne « mélancolique »[33], puis rentre chez lui par la nuit noire : « La cour était si obscure, que Scrooge lui-même, quoiqu’il en connût parfaitement chaque pavé, fut obligé de tâtonner avec les mains. Le brouillard et les frimas enveloppaient tellement la vieille porte sombre de la maison, qu’il semblait que le génie de l’hiver se tînt assis sur le seuil, absorbé dans ses tristes méditations[33] ». Mais voici qu'apparaît dans le marteau de la porte le visage de Jacob Marley, et que, quelques instants plus tard, la porte de la cave s'ouvre avec fracas. « Foutaises que tout cela », grommelle le vieillard, alors que résonnent des claquements de chaînes et des sonneries de cloches, et que se dresse bientôt devant lui le spectre tout entier. « Foutaises », se persuade-t-il sans grande conviction, car le fantôme est bien là : « Son corps était transparent, si bien que Scrooge, en l’observant et regardant à travers son gilet, pouvait voir les deux boutons cousus par derrière à la taille de son habit. Scrooge avait souvent entendu dire que Marley n’avait pas d’entrailles, mais il ne l’avait jamais cru jusqu’alors[33] ». Marley a un message à transmettre : que Scrooge change de comportement, sinon il vivra, comme lui, l'enfer de l'éternité. De toute façon, il va être hanté par trois esprits chargés de lui montrer comment quitter le mauvais chemin. Sur ce, le fantôme s'efface à travers la fenêtre pour rejoindre un groupe de congénères évoluant dans l'air de la nuit. Scrooge s'essaie à son « foutaises » habituel, mais ne peut en prononcer que la première syllabe, et il se met au lit[32].
 
Une heure sonne à l'horloge lorsque Scrooge remarque une vive lumière perçant l'obscurité, puis, alors que les rideaux de son lit sont violemment tirés par une main invisible, il discerne une « étrange silhouette, celle d’un enfant ; et néanmoins, pas aussi semblable à un enfant qu’à un vieillard vu au travers de quelque milieu surnaturel, qui lui donnait l’air de s’être éloigné à distance et d’avoir diminué jusqu’aux proportions d’un enfant[34] ». C'est l'esprit des Noëls passés qui invite Scrooge à revivre ces fêtes du temps jadis depuis son enfance : un 25 décembre dans la solitude d'un pensionnat, avec pour toute compagnie Les Mille et Une Nuits et Robinson Crusoé, un autre dans la même institution où sa sœur Fan est venue le chercher pour célébrer l'occasion en famille à Londres, une autre fois alors qu'apprenti chez le vieux et jovial Fezziwig, son ami Dick Wilkins et lui ont transformé l'entrepôt en salle de danse, enfin un dernier Noël quand Belle, sa fiancée, lui a rendu sa bague en lui reprochant de préférer l'argent à leur amour. De quoi émouvoir le vieil homme qui, mortifié de ce qu'il a perdu, prie l'esprit de bien vouloir lui épargner d'autres souvenirs. Rien n'y fait : alors, « Laissez-moi ! s’écria-t-il ; ramenez-moi, cessez de m’obséder !
 Dans la lutte, si toutefois c’était une lutte, car le spectre, sans aucune résistance apparente, ne pouvait être ébranlé par aucun effort de son adversaire, Scrooge observa que la lumière de sa tête brillait, de plus en plus éclatante. Rapprochant alors dans son esprit cette circonstance de l’influence que le fantôme exerçait sur lui, il saisit l’éteignoir et, par un mouvement soudain, le lui enfonça vivement sur la tête. L’esprit s’affaissa tellement sous ce chapeau fantastique, qu’il disparut presque en entier ; mais Scrooge avait beau peser sur lui de toutes ses forces, il ne pouvait venir à bout de cacher la lumière, qui s’échappait de dessous l’éteignoir et rayonnait autour de lui sur le sol. Il se sentit épuisé et dominé par un irrésistible besoin de dormir, puis bientôt il se trouva dans sa chambre à coucher. Alors il fit un dernier effort pour enfoncer encore davantage l’éteignoir, sa main se détendit, et il n’eut que le temps de rouler sur son lit avant de tomber dans un profond sommeil[34]. »
 
L'horloge sonne à nouveau une heure, mais Scrooge ne remarque aucun signe de l'arrivée d'un nouvel esprit. Une lumière, cependant, semble émaner de la pièce contiguë ; il en ouvre la porte et se trouve face à face avec un brasier triomphant dans l'âtre et un esprit gigantesque trônant au sommet d'une corne d'abondance ruisselant de gâteries de saison. C'est l'esprit du Noël présent qui conduit Scrooge le long des rues et dans les marchés où règnent l'abondance et la bonne volonté. Puis il l'emmène vers la maison de Bob Cratchit, où Mrs Cratchit et les enfants s'affairent à la préparation du dîner de fête. Bob revient de l'église avec son fils Tim[N 3]. La famille se régale des maigres portions allouées : chaque petit morceau d'oie rôtie, chaque parcelle de purée, de goutte de sauce à la pomme, de miette du pudding final se voient méticuleusement dévorés.  « Enfin, le dîner achevé, on enleva la nappe, un coup de balai fut donné au foyer et le feu ravivé. Le grog fabriqué par Bob ayant été goûté et trouvé parfait, on mit des pommes et des oranges sur la table et une grosse poignée de marrons sous les cendres. Alors toute la famille se rangea autour du foyer en cercle, comme disait Bob Cratchit, il voulait dire en demi-cercle : on mit près de Bob tous les cristaux de la famille, savoir : deux verres à boire et un petit verre à servir la crème dont l’anse était cassée. Qu’est-ce que cela fait ? Ils n’en contenaient pas moins la liqueur bouillante puisée dans le bol tout aussi bien que des gobelets d’or auraient pu le faire, et Bob la servit avec des yeux rayonnants de joie, tandis que les marrons se fendaient avec fracas et pétillaient sous la cendre. Alors Bob proposa ce toast :
« Un joyeux Noël pour nous tous, mes amis ! Que Dieu nous bénisse ! » La famille entière fit écho.
« Que Dieu bénisse chacun de nous ! », dit Tiny Tim le dernier de tous[34]. »
 Cette scène a, elle aussi, de quoi émouvoir le vieux Scrooge qui se préoccupe de savoir si Tiny Tim va vivre. La réponse de l'esprit est sibylline, mais ferme : « ― Si mon successeur ne change rien à ces images, qui sont l’avenir, reprit le fantôme, aucun autre de ma race ne le trouvera ici. Eh bien ! après ! s’il meurt, il diminuera le superflu de la population.
Scrooge baissa la tête lorsqu’il entendit l’esprit répéter ses propres paroles, et il se sentit pénétré de douleur et de repentir[34]. », d'autant qu'il assiste maintenant à une scène qui le sidère et l'éclaire tout à la fois : Bob partage avec les siens des histoires de Noël, tous chantent des cantiques, puis il lève son verre et, malgré une certaine hésitation de la part de Mrs Cratchit, chacun l'accompagne et lève le sien à la santé de… Mr Scrooge, « le mécène de notre petit gala[34]. »
 Le fantôme emmène Scrooge par les rues de la cité, dans la petite baraque d'un pauvre mineur, au sommet d'un phare solitaire et sur un navire en haute mer où se célèbrent les festivités de Noël. Puis Scrooge est conduit chez son neveu Fred où la fête bat son plein. Le vieil homme ressent soudain l'envie de se joindre aux chants et aux jeux de cette joyeuse compagnie, et même de participer au « Répondre par oui ou non » dont lui-même, Oncle Scrooge, est l'objet. Le fantôme vieillit, cependant, et se prépare à mettre un terme à « sa vie sur ce globe terrestre »[34], mais Scrooge remarque deux affreux gamins cachés sous son voile. Ce sont Ignorance et Besoin, un garçonnet et une fillette difformes exilés là comme des rebuts d'humanité. « Ce sont les enfants des hommes, dit l’esprit, laissant tomber sur eux un regard, et ils s’attachent à moi pour porter plainte contre leurs pères. Celui-là est l’ignorance ; celle-ci la misère. Gardez-vous de l’un et de l’autre et de toute leur descendance, mais surtout du premier, car sur son front je vois écrit : Condamnation[N 4]. Hâte-toi, Babylone, dit-il en étendant sa main vers la cité ; hâte-toi d’effacer ce mot, qui te condamne plus que lui, toi à ta ruine, comme lui au malheur. Ose dire que tu n’en es pas coupable ; calomnie même ceux qui t’accusent ! Cela peut servir au succès de tes desseins abominables. Mais gare la fin !
― N’ont-ils donc aucun refuge, aucune ressource ? s’écria Scrooge.
― N’y a-t-il pas des prisons ? dit l’esprit, lui renvoyant avec ironie pour la dernière fois ses propres paroles. N’y a-t-il pas des maisons de force ? »[34]. » L’horloge sonne minuit, et au sein de l'épais brouillard qui s'ajoute à la nuit, Scrooge aperçoit un fantôme « à l’aspect solennel, drapé dans une robe à capuchon et qui venait à lui glissant sur la terre comme une vapeur »[34].
 C'est le fantôme des Noëls à venir qui, d'emblée, le met en présence de quelques marchands de la City évoquant avec une parfaite indifférence la mort d'un de leurs collègues. Puis il le conduit chez un brocanteur où les biens du défunt sont vendus par ses propres serviteurs, enfin dans une chambre plongée dans la pénombre où gît un corps sur un lit. Scrooge hésite à soulever le drap pour reconnaître le mort et pose une question qui le taraude : n'y a-t-il au monde un seul être que ce décès émeuve ? Pour toute réponse, le fantôme lui montre un couple qui s'en réjouit, car il l'a libéré, au moins pour un temps, de ses dettes. La lugubre promenade se poursuit et, cette fois, c'est chez Bob Cratchit que se retrouve le vieux Scrooge, où la famille pleure le petit Tiny Tim qui vient de mourir. Scrooge se sent alors prêt à savoir l'identité du cadavre gisant seul dans la nuit, et le fantôme, exauçant son vœu, le conduit dans un cimetière où il découvre sa propre tombe avec, inscrit en grosses lettres noires, le nom « EBENEZER SCROOGE ». « Esprit, s’écria-t-il en se cramponnant à sa robe, écoutez-moi ! je ne suis plus l’homme que j’étais ; je ne serai plus l’homme que j’aurais été si je n’avais pas eu le bonheur de vous connaître. Pourquoi me montrer toutes ces choses, s’il n’y a plus aucun espoir pour moi ? 
Pour la première fois, la main parut faire un mouvement.
– Bon esprit, poursuivit Scrooge toujours prosterné à ses pieds, la face contre terre, vous intercéderez pour moi, vous aurez pitié de moi. Assurez-moi que je puis encore changer ces images que vous m’avez montrées, en changeant de vie[35] ! »
 Mais le fantôme s'évanouit dans le montant du lit et Scrooge est laissé seul à ses pensées.
 Il répète ses promesses, fait et refait ses prières. Jamais plus, ce qui eût pu être ne doit l'assaillir, cela il en est désormais sûr. Il se rue vers la fenêtre, ouvre tout grand les volets et découvre le glorieux matin. Le jeune garçon d'en bas lui apprend que c'est le jour de Noël et Scrooge exulte de n'avoir point manqué la fête. Il le dépêche aussitôt chez le volailler pour acheter la plus savoureuse des dindes qu'il destine aux Cratchit et sort de chez lui. Chaque personne qu'il rencontre est accueillie par un sonore « Joyeux Noël ! », les institutions charitables sont gratifiées de confortables sommes d'argent, la messe de Noël le reçoit parmi les fidèles, et la journée s'achève par l'arrivée chez le neveu où tout, victuailles, jeux, compagnie, bonheur, convivialité, tout, décidément, est parfait.
 Le lendemain matin, Scrooge est à son bureau de bonne heure et y attend Bob Cratchit qui, apeuré et confus, présente ses excuses pour son retard de dix-huit minutes, avec la promesse que jamais cette transgression ne se répétera. Et Scrooge de prendre sa voix sévère et son ton impérieux pour proclamer : « Fort bien ; mais je vous dirai, mon ami, […] que je ne puis laisser plus longtemps aller les choses comme cela. Par conséquent, poursuivit-il, en sautant à bas de son tabouret et en portant à Bob une telle botte dans le flanc qu’il le fit trébucher jusque dans sa citerne ; par conséquent, je vais augmenter vos appointements[36]! ». Et l'après-midi, maître et employé partagent une soupière de punch fumant.
 « Quant à Tiny Tim, qui ne mourut pas, Scrooge fut pour lui un second père. Il devint un aussi bon ami, un aussi bon maître, un aussi bon homme que le bourgeois de la bonne vieille Cité, ou de toute autre bonne vieille cité, ville ou bourg, dans le bon vieux monde. Quelques personnes rirent de son changement ; mais il les laissa rire et ne s’en soucia guère ; car il en savait assez pour ne pas ignorer que, sur notre globe, il n’est jamais rien arrivé de bon qui n’ait eu la chance de commencer par faire rire certaines gens. Puisqu’il faut que ces gens-là soient aveugles, il pensait qu’après tout il vaut tout autant que leur maladie se manifeste par les grimaces, qui leur rident les yeux à force de rire, au lieu de se produire sous une forme moins attrayante. Il riait lui-même au fond du cœur ; c’était toute sa vengeance.
 Il n’eut plus de commerce avec les esprits ; mais il en eut beaucoup plus avec les hommes, cultivant ses amis et sa famille tout le long de l’année pour bien se préparer à fêter Noël, et personne ne s’y entendait mieux que lui : tout le monde lui rendait cette justice.
 Puisse-t-on en dire autant de vous, de moi, de nous tous, et alors, comme disait Tiny Tim :
– Que Dieu nous bénisse, tous tant que nous sommes ![36] »
 Les personnages d'Un chant de Noël sont peu nombreux : Scrooge, Bob Cratchit, Tiny Tim, accessoirement Mrs Cratchit, sans prénom mais parfois nommée Emily dans certaines adaptations[N 5], le petit garçon des rues, le visiteur anonyme au ventre rebondi, la femme de ménage et la laveuse, des affairistes de la cité, quelques commerçants, le neveu Fred et sa mère Martha, le marchand Mr Fezziwig[37].
 Reste aussi un souvenir secret, celui de Belle, l'amour jamais oublié de Scrooge, celle qui, il y a si longtemps, l'a quitté tant elle a été horrifiée par son avidité[37]. Ainsi, cet homme d'acier recèle une faille secrète, révélée, comme tout son passé, par son voyage fantomatique, en fait un itinéraire intérieur. À ce titre, Un chant de Noël apparaît comme un roman d'apprentissage inversé, parcourant la vie à contresens, pratiquement de la mort à la naissance, avant d'aboutir à une renaissance. Si cette nouvelle aventure est possible, c'est que Scrooge possède un potentiel de régénération : ce n'est pas la peur qui lui fait changer de posture, mais l'accès, favorisé par la nostalgie amoureuse, à une sagesse, inhérente en lui mais toujours refoulée. Les digues du conformisme se sont rompues et le flot vital a repris son cours. Ainsi, si Scrooge s'affirme comme le protagoniste de l'histoire, il en est également l'antagoniste car il n'a eu nul autre ennemi que lui-même. D'ailleurs, ce rôle s'éteint automatiquement dès l'instant de sa conversion. Avant ce dramatique revirement, malgré des certitudes affichées, il est la victime de démons intérieurs, sans doute nourris, le narrateur le laisse entendre, par sa blessure inavouée, et s'il s'amende soudain de façon aussi radicale, c'est que ces démons se sont nommés et identifiés par l'intercession de ses guides dans le temps et dans l'espace, tels Virgile tenant Dante par la main à travers le dédale de l'Hadès, jusque dans les entrailles de son propre enfer[37].
 Parmi les fantômes, Jacob Marley tient une place à part, car il a bien été un homme, la copie conforme de Scrooge, et son statut d'esprit ne lui enlève en rien sa condition passée. Comme lui, il a connu l'obsession de l'argent, l'indifférence à autrui, sa condition présente n'étant que la réplique de son aliénation d'autrefois : les chaînes qui le retiennent aujourd'hui sont celles-là mêmes qui entravaient son cœur et bridaient ses employés ou ses débiteurs. À ce titre, il sert à la fois de repoussoir et de catalyseur.
Les autres esprits appartiennent au surnaturel : ils représentent des notions abstraites, le temps passé, le temps présent, le temps futur ; le premier, en réveillant les souvenirs enfouis, déclenche le revirement de Scrooge qui permet de redresser le deuxième et annihiler le troisième. En somme, si Marley ne reflète que lui-même et ses erreurs passées, et par jeu de miroir, celles de son ancien collègue, ses compères jouissent d'un statut bien supérieurs, ni hommes ni dieux, allégories morales douées de pédagogie, sachant doser leurs effets, monter en puissance et se relayer au moment crucial, alors que leur pseudo-victime, en fait un pécheur qu'ils ont mission de sauver, résiste de moins en moins et se révèle mûr pour l'assaut final[37].
 Restent les Cratchit, représentant l'humanité telle qu'elle devrait être, sortes d'allégories eux aussi, à la fois victimes et vainqueurs, triomphant des rigueurs sociales par la vertu de leur âme et l'amour qui les anime. Rien d'étonnant que Dickens ait bâti tout un échafaudage pathétique autour d'eux, façon de mettre en relief les anti-Scrooge et Marley qu'ils sont et de les proclamer héros de cette lutte entre le bien et le mal : incarnation du premier, ils triomphent du second comme passivement, sans lutter, par leur simple exemple. Si conte de fées il y a, c'est chez eux qu'il se déroule, les fantômes n'ayant servi que de révélateurs des vertus qu'ils portent[37].
 Pour autant, à se référer au stéréotype du conte de fées que représentent l’œuvre des frères Grimm, celles de Charles Perrault et de Hans Christian Andersen[38], Un chant de Noël, malgré ses aspects fantastiques et surnaturels, échappe à cette catégorie. Si les fantômes n'apparaissent et s'évanouissent que lorsque sonnent les heures à l'horloge, si le récit se termine bien, en particulier pour les enfants de l'histoire, Tiny Tim qui en est l'un des pivots et le petit garçon des rues promu au rang de protégé, il s'adresse essentiellement aux adultes, avec des acteurs âgés ou morts, des puissances surnaturelles restant sans substance, et il faut attendre la fin pour échapper à la terreur qu'engendre la rudesse de Scrooge et, par voie de conséquence, l'obséquiosité craintive de son employé[39].
 Cependant, le changement du vieil avare en un homme ouvert à la détresse d'autrui ne s'effectue pas en une démarche intérieure spontanée. Il y faut l'intervention de l'irrationnel, si bien que le monde réel est sans cesse remis en question par le monde surnaturel[40]. Dickens a conscience du danger que représente cette intrusion[40] et, dès l'incipit, il s'adresse au lecteur soupçonneux pour l'assurer que « Marley était mort, pour commencer. Là-dessus, pas l’ombre d’un doute », répétant avec insistance que « Marley était mort : ce point est hors de doute, et ceci doit être parfaitement compris ; autrement l’histoire que je vais raconter ne pourrait rien avoir de merveilleux »[33]. Ainsi, l'apparence de la tradition orale est conservée : une sorte de conversation s'installe entre lecteur et narrateur, avec des apostrophes telles que « Mind! » (« Vous comprenez ? »)[34] ou une question posée et une réponse apportée : « Scrooge savait-il qu’il fût mort ? Sans contredit. Comment aurait-il pu en être autrement[33] ? ».
 De plus, Dickens prend garde que Scrooge tente jusqu'au bout de s'expliquer en termes rationnels les étranges apparitions qui l'assaillent[40] : lorsque le visage de Marley se dessine dans le marteau de la porte, il n'est que « surpris » (startled), puis se débarrasse du problème avec un haussement d'épaules (Pooh, Pooh!) avant que, « se sentant un grand besoin de repos, soit par suite de l’émotion qu’il avait éprouvée, des fatigues de la journée, de cet aperçu du monde invisible, ou de la triste conversation du spectre, soit à cause de l’heure avancée, il alla droit à son lit, sans même se déshabiller, et s’endormit aussitôt »[33]. « Foutaises ! » reste à l'ordre du jour, répété neuf fois en une page[33], ce qui oblige le narrateur à feindre le désarroi : « Non, il n'y croyait toujours pas, même maintenant […] ce ne saurait être qu'un désordre des sens »[33]. Cette posture narrative, alignant le scepticisme supposé du lecteur sur le rationalisme du protagoniste, fait que l'histoire doit basculer, comme l'écrit Harry Stone, « de la tête vers le cœur »[39].
 
Dickens a écrit dans la préface de l'édition originale :  « Je me suis efforcé dans ce petit livre fantomatique, de soulever un fantôme d'idée qui ne mettra pas les lecteurs de mauvaise humeur, ni envers eux-mêmes, ni leurs proches, ni le temps de l'année, ni moi-même. Qu'elle hante plaisamment leur foyer et que personne ne songe à s'en débarrasser. Leur loyal serviteur et ami, C. D., décembre 1843. »
 L'accent est mis sur l'agréable, de pair avec la saison de l'année. Pourtant, le conte n'est pas essentiellement festif et pose de nombreuses questions tant de société que d'ordre personnel.
 Un chant de Noël a été écrit en même temps que Martin Chuzzlewit avec lequel il partage ses principaux thèmes, les deux œuvres traitant essentiellement de l'égoïsme[41]. Scrooge, comme Anthony et Jonas Chuzzlewit, est obsédé par l'argent, et la charité, d'abord absente du conte, n'est satiriquement incarnée dans le roman que par l'acariâtre fille de Seth Pecksniff[41]. La déférence dont témoigne Bob Cratchit envers son patron se voit caricaturée dans l'admiration aveugle que Tom Pinch porte à son usurpateur de maître. Les deux histoires concernent aussi un changement radical, la soudaine mutation de Scrooge en homme de bien et la longue avancée du jeune Martin vers l'identification et l'admission de son égocentrisme[41]. Toutefois, alors que la conversion de Scrooge le réintègre dans la communauté des hommes, dénouement éminemment positif, l'avenir du jeune Martin ne s'irradie pas de semblable lumière. Tout juste est-il, avec Mary Graham, autorisé à rejoindre le groupe amical mais limité de Tom Pinch et de sa sœur Ruth, qu'a intégré John Westlock, et en fin de compte le Chuzzlewit converti reste tout aussi égoïste qu'avant sa conversion. Dans l'un, l'intense jubilation de la réussite, dans l'autre la médiocrité du succès, le conteur offrant avec Noël « de lumineuses vacances au romancier englué dans les ténèbres »[41].
 La simplicité du récit, sa structure sans ramification en trois parties qu'encadrent un prologue et un épilogue, la soudaine conversion du protagoniste en une seule nuit, ce schématisme a incité certains critiques à déplorer le manque de réalisme du conte. Dans le vrai monde, disent-ils, Tiny Tim serait mort et Scrooge aurait pris son temps pour parvenir à une saine appréciation des choses. Tel n'est pas le but que poursuit Dickens, remarque Paul Davis, il a souhaité reprendre une vieille comptine et lui donner ce qu'il a appelé « un statut plus élevé ». À cette fin, il s'est coulé dans l'imaginaire du conte de fées et a rendu son histoire intemporelle, comme ancrée dans la culture populaire « à la manière de Cendrillon ou du Petit Chaperon rouge »[31], effet renforcé par le ton bonhomme (avuncular) du narrateur, évoquant la tradition orale des légendes ancestrales[31].
 Cependant, le conte n'est pas exempt d'ambiguïté et, même avant sa conversion, écrit Paul Davis, Scrooge se révèle être plus qu'un stéréotype d'avare[31]. C'est un homme disert, non sans humour, critiquant avec entrain les adeptes de la fête et affichant une indignation trop appuyée pour ne pas devenir suspecte : « Si je pouvais en faire à ma tête, […] tout imbécile qui court les rues avec un gai Noël sur les lèvres serait mis à bouillir dans la marmite avec son propre pouding et enterré avec une branche de houx au travers du cœur. C’est comme ça »[33]. Son ardeur empressée à discourir avec son neveu Fred, puis les deux représentants de l'association caritative, témoigne que, s'il paraît « fermé comme une huître », son passé n'est pas exempt de souffrance : la mort de sa sœur bien-aimée par exemple, la perte de son amour surtout[31]. Tout l'art de Dickens consiste à subvertir discrètement le commentaire du narrateur par le comportement même du personnage qui en est l'objet, épaississant ainsi progressivement sa psychologie et élaborant un regard virant peu à peu à la compassion. D'ailleurs, cette sympathie souterraine se confirme au grand jour lorsqu'il partage l'exultation d'un Scrooge cabriolant et pris d'« un rire splendide, un des rires les plus magnifiques, le père d’une longue, longue lignée de rires éclatants », ravi d'apprendre de la bouche du petit garçon des rues, désormais qualifié de « très intelligent »[42], qu'en définitive il n'a pas raté la fête[42],[31].
 
Un adjectif, répété à la fin en leitmotiv, résume l'attitude du protagoniste, la morale de l'intrigue et la nature même de l'histoire, c'est wonderful (« merveilleux ») : « Wonderful party, wonderful games, wonderful unanimity, won-der-ful happiness! »[N 6] : tout est merveilleux dans ce conte, le surnaturel, la révélation de Scrooge, sa rédemption, la fête qu'il célèbre désormais :  « Il n’eut plus de commerce avec les esprits ; mais il en eut beaucoup plus avec les hommes, cultivant ses amis et sa famille tout le long de l’année pour bien se préparer à fêter Noël, et personne ne s’y entendait mieux que lui : tout le monde lui rendait cette justice[36]. »
  « Merveilleux », ainsi, s'applique à la morale même de l'épilogue qui par là jure avec la convention du roman victorien distribuant bons et mauvais points. Si Tiny Tim vit et se régale d'une dinde deux fois grosse comme lui, si Bob Cratchit obtient une augmentation de ses appointements, si le petit garçon des rues se transforme en jeune ami, nul blâme infligé, nul prix à payer pour le responsable des maux de naguère : sans résistance, Scrooge se mue en grand-père ordinaire et généreux ; « Et pour Tiny Tim, qui ne mourut PAS  [sic], [il] fut pour lui un second père »[42], le vieil avare indifférent et brutal s'oblitérant de lui-même, ce qui n'est pas le moindre miracle de cette histoire.
 Au cœur du conte, en effet, Dickens a un message à faire passer[43] : une société dont les maîtres ne se préoccupent que de rentabilité sans se soucier du bien-être général est une société mortifère[41]. Scrooge ne sait rien de son employé, hormis le misérable salaire qu'il lui verse chaque semaine[31]. Cette indifférence le rend responsable du manque de soins dont souffre le petit Tim, puisque son père, qui travaille de longues heures chaque jour, n'a pas de quoi les payer[31]. Son obsession pour l'argent, écrit Paul Davis, l'a enchaîné au tiroir-caisse et a bardé les jambes de l'enfant d'un corset de fer, « quincaillerie objectifiant sa dureté »[31].
Avec le merveilleux, Dickens exprime ses préoccupations sociales concernant tous les petits Tim, ces milliers d'enfants vivant dans le dénuement, la saleté et la maladie, si bien que la moitié seulement atteint l'âge de 10 ans. Il a œuvré pour l'éducation et, en particulier, les Ragged Schools, gratuites et offrant un minimum d'instruction, y compris et à son regret, religieuse, le tout orienté vers l'acquisition d'un savoir-faire pratique[N 7],[44]. Ces enfants apparaissent sous la forme de deux allégories, le garçonnet « Ignorance », la fillette « Besoin », le premier portant sur son front le terrible mot « condamné » (doom). En effet, la mort programmée du jeune Tiny Tim est destinée à choquer autant qu'émouvoir : Michael Patrick Hearn rapporte qu'un spectateur bostonien avait remarqué en 1867 que le passage relatant cet événement avait « fait sortir tant de mouchoirs des poches qu'on eût dit une tempête de neige entrée sans billet dans la salle »[45].
 
Se pose aussi le problème du « sabbatarianisme », doctrine prêchant la stricte observance du dimanche réservé à la pratique religieuse[46]. Déjà en 1836, Dickens avait publié un pamphlet sur le sujet, Sunday Under Three Heads (« Dimanche sous trois têtes »)[47], sous le pseudonyme de Timothy Sparks, dénonçant un projet de loi visant à interdire toute récréation dominicale[N 8],[48]. Pour lui, il s'agit d'une nouvelle hypocrisie des classes dirigeantes, déguisée en piété pour accentuer leur domination sur les plus pauvres. Le dimanche, écrit-il en substance, est le seul jour où ils peuvent se divertir, ce que font leurs exploiteurs toute la semaine. Dans Un chant de Noël, cette préoccupation s'exprime par le dialogue de Scrooge avec l'Esprit du temps présent :  « Esprit, dit Scrooge après un instant de réflexion, je m’étonne alors que, parmi tous les êtres qui remplissent les mondes situés autour de nous, des esprits comme vous se soient chargés d’une commission aussi peu charitable : celle de priver ces pauvres gens des occasions qui s’offrent à eux de prendre un plaisir innocent […] Pardonnez-moi, si je me trompe. Cela se fait en votre nom ou, du moins, au nom de votre famille, dit Scrooge. ― Il y a, répondit l’esprit, sur cette terre où vous habitez, des hommes qui ont la prétention de nous connaître et qui, sous notre nom, ne font que servir leurs passions coupables, l’orgueil, la méchanceté, la haine, l’envie, la bigoterie et l’égoïsme ; mais ils sont aussi étrangers à nous et à toute notre famille que s’ils n’avaient jamais vu le jour. Rappelez-vous cela, et une autre fois rendez-les responsables de leurs actes, mais non pas nous[35]. »
 Pour autant, comme l'écrit Valerie Cunningham, Un chant de Noël s'inspire du message de l'Évangile : « La bonté devant habiter chacun, c'est, comme Jésus, se préoccuper discrètement du bien-être des hommes, en particulier, de ses voisins[49] ».
En cela, le conte adhère au schéma du Bildungsroman, fondé sur la rédemption du héros d'abord égaré[49]. Dans son récit autobiographique A Christmas Tree (« Le Sapin de Noël »), paru dans Household Words en décembre 1850, Dickens évoque le symbole de l'étoile de Noël : « Dans chaque tableau ou impression qu'inspire ce temps de l'année, que l'étoile brillant au faîte du toit des pauvres gens demeure l'étoile du monde chrétien tout entier […] que le cœur, la confiance de chaque enfant se tournent vers le Jésus de l'arbre de Noël […] et l'arbre nous dira les paroles eucharistiques du dernier souper […] : ceci commémore la loi de l'amour et de la bonté, de la pitié et de la compassion […][36]. » Célébrer Noël se fait donc sur ordre de Dieu, la fête annuelle étant érigée à la hauteur d'un véritable sacrement[50]. Même s'il s'agit d'un Noël, poursuit Valerie Cunningham, dont les agapes sont, elles aussi, une « obligation sacrée […] sacralisation sentant fort le terre-à-terre, nostalgie des bombances d'antan », la morale ultime reste que tout progrès, social ou personnel, passe par la mutation des esprits et des cœurs, l'accès individuel à la charité : alors, dans l'esprit de Dickens, « tel le Christ venu à Noël, le Ciel peut-il descendre sur la terre des hommes »[49].
 Stephen Skelton est même d'avis que le conte est souvent lu à contresens plutôt que le séculier, explique-t-il, c'est le sacré qu'il privilégie. Le livre est en effet serti d'allusions bibliques « désormais inaccessibles au lecteur moderne »[51] : d'abord son titre, loin de ritournelles comme Jingle Bells mais célébrant la naissance du Christ ; puis, lorsque Scrooge rappelle que Marley, transparent, n'a pas d'entrailles, il se réfère à l’Évangile selon Jean où il est question des « entrailles de la compassion », ce dont, évidemment, Marley est dépourvu ; de même, dans le nom « Cratchit », Dickens glisse cratch, antique appellation de la crèche ; enfin, Skelton divise le conte en quatre phases : le péché, le regret, le repentir, la rédemption, « voyage, précise-t-il, n'appartenant pas seulement à Scrooge, mais partage de tout un chacun »[51].
 Cette « philosophie de Noël », comme l'appelle Louis Cazamian[52] ou « philosophie du cantique », selon Dickens lui-même[53], s'est vue rappelée chaque Noël jusqu'en 1848, avec Les Carillons en 1844, Le Grillon du foyer en 1845, La Bataille de la vie en 1846 et L'homme hanté en 1848 : chaque fois, Dickens y célèbre les festivités, le repas, les danses, mimes et jeux, l'innocence enfantine, la nécessaire compassion envers autrui[52]. À ces nouvelles, se sont ajoutés, jusqu'en 1867, des numéros spéciaux de Household Words, puis de All the Year Round, les deux premiers relevant directement de Noël, les autres se focalisant plus sur le pouvoir de l'esprit à surmonter l'adversité et à retrouver l'espoir en la bonté, tous, cependant, « frappant l'accord de Noël » (striking the chord of Christmas), selon sa propre formulation lors de la préparation du numéro de 1852[54]. Noël a aussi occupé une place privilégiée dans nombre de ses romans : c'est chez les Wardle, lors d'une célébration de fin d'année digne des anciennes traditions que se ressourcent Mr Pickwick et ses hommes[55] ; la première rencontre de Pip avec Magwitch se situe juste avant le repas de Noël traditionnel de la famille Gargery[56] ; et Noël tient une place de choix dans le dernier roman pour accentuer le hiatus sévissant entre le sacré de l'occasion et le vide moral d'une société livrée à une parodie de célébration[57],[54].
 Catherine Waters écrit qu'Un chant de Noël a beaucoup contribué à cristalliser les vues de Dickens sur ce qu'elle appelle son « idéologie domestique »[58]. Son exaltation du « foyer » (hearth) comme valeur suprême se focalise autour d'un type de femme, retrouvée dans tous ses contes consacrés à Noël, celui de la petite ménagère se démenant pour offrir à sa famille le bonheur qu'elle attend : ainsi Dot Periwinkle dans Le Grillon du foyer, Mrs Cratchit dans Un chant de Noël, dont la gestion d'un logis plutôt exigu, mais rendu douillet par ses soins, illuminé par un âtre chaleureux et un souper alléchant, exalte sa vertu princeps[58]. D'ailleurs, lors de ses lectures du conte en public, Dickens, est-il rapporté, invitait ses auditeurs à se rassembler « autant que possible en un groupe d'amis pour écouter une histoire comme au coin du feu »[59]. Aussi s'est-il forgée toute une légende sur Dickens « l'apôtre de Noël »[60] et, le Noël suivant sa mort en 1870, toute la Grande-Bretagne s'est trouvée invitée à célébrer son conte « à la veillée, rideaux tirés, braises tisonnées, garçons et filles de retour de l'école réunis autour de l'âtre, et Père leur lisant cette petite légende enchanteresse »[61].
 « Merry Christmas! » (« Joyeux Noël ! ») ; c'est depuis la parution du Chant de Noël, écrit Cochrane, que le monde anglo-saxon se salue ainsi chaque 25 décembre en signe de ralliement[62]. D'après Standiford, le patronyme « Scrooge » s'est transformé en nom commun et l'exclamation « humbug » est devenue populaire[63]. Au printemps de 1844, The Gentleman's Magazine note une soudaine augmentation des dons aux institutions charitables, et Robert Lewis Stevenson, après avoir lu le conte en 1874, fait vœu de générosité. Thomas Carlyle, une fois le livre fermé, organise à l'instar de Scrooge deux dîners de fête pour des familles nécessiteuses[64]. Outre-Atlantique, un industriel nommé Fairhurst, après avoir assisté à une lecture publique à Boston en 1867, décide de fermer son usine chaque 25 décembre et de faire livrer une dinde à ses employés[65]. Au début du XXe siècle, la reine de Norvège envoie des cadeaux de Noël signés « Tiny Tim » aux petits londoniens handicapés, et selon Ruth Glancy, le conte se lit dans les tranchées de la Première Guerre mondiale[66].
 Ainsi, pour l'historien Ronald Hutton[67], la célébration de Noël telle qu'elle se pratique aujourd'hui doit beaucoup au renouveau enclenché par Dickens. Selon lui, le romancier a cherché à promouvoir la générosité personnelle aux dépens des admonitions de l'Église et de l'action communautaire des paroisses[67]. Sa vision d'ordre séculier, se surimposant à la pratique religieuse, a inauguré les rituels centrés autour du repas de fête, de la convivialité familiale et de l'échange de cadeaux[68]. À ce titre, Margaret Oliphant n'avait pas tort de souligner l'importance – mais elle le faisait de manière ironique – de la dinde, si abondamment distribuée après la conversion de Scrooge[69]. C'est ainsi qu'un simple conte, ne figurant pas parmi les meilleures œuvres de son auteur, d'abord écrit pour des raisons financières[69] et à l'origine conçu dans la tradition des morality tales des XVe siècle et XVIe siècle, offrant une allégorie de la rédemption mue par un pathos appuyé, en est venu à redéfinir l'esprit et l'importance d'une célébration de saison étouffée depuis l'emprise puritaine du XVIIe siècle[68].
 Comment expliquer cette longévité, s'interrogent toujours les critiques ? La réponse est simple, écrit Toby Young : inextricablement mêlé à la fête de Noël dans l'imaginaire collectif, le conte a survécu non par sa valeur intrinsèque mais en ce qu'il fait désormais partie, comme le single Merry Xmas Everybody! du groupe Slade, lancé en 1973[70], du rituel immuablement déroulé chaque 25 décembre[69]. En cela, il donne tort à George Orwell pour qui la longévité littéraire n'est pas un gage de mérite ; si une œuvre, même de médiocre envergure, écrit Toby Young, est promue au rang d'accessoire de fête populaire, de surcroît auréolée d'une connotation religieuse, elle se fraye un chemin à travers les rigueurs de la postérité et demeure en gloire[69].
 Lorsque Dickens entreprend Un chant de Noël, ce n'est plus un débutant. En 1843, s'il n'est âgé que de 31 ans, il a déjà publié, outre ses remarquables Esquisses de Boz (1833), Les Papiers posthumes du Pickwick Club d'avril 1836 à novembre 1837, Oliver Twist de février 1837 à avril 1839, Nicholas Nickleby d'avril 1838 à octobre 1839, Le Magasin d'antiquités d'avril 1840 à février 1841 et Barnaby Rudge du 13 février 1841 au 27 novembre 1841, tous romans considérés dès leur parution comme majeurs. Alors que le conte est en route, il poursuit Martin Chuzzlewit, autre œuvre d'envergure : c'est dire qu'il est déjà rompu à la technique du récit et qu'il s'est forgé une approche et un style romanesques bien à lui.
 En anglais, le titre original est : A Christmas Carol in Prose: Being a Ghost Story of Christmas (« Chant de Noël en prose : histoire de fantômes de Noël »). L'association de carol et de « prose » est en soi paradoxale : le genre appelle usuellement le vers avec ses cadences et ses rimes, le carol étant une chanson joyeuse traditionnelle destinée à la seule saison de Noël. Or, voilà un récit destiné à être lu et non récité, sans autre atour poétique que son découpage en couplets (staves). Et pourquoi le mélange « Noël » et « fantômes », d'autant qu'à l'époque la Nativité ne se déclinait pas en conte de fées ? Dickens, ici, signale d'emblée au lecteur que le propos est différent et qu'il lui faut s'attendre à une révélation inusitée[71].
 Le ton adopté par Dickens varie de scène en scène, passant de la férocité satirique lorsqu'il s'agit de Scrooge, au sentimentalisme appuyé chez les Cratchit. Deux exemples typiques sont l'entrevue entre l'avare et les deux messieurs venus demander une aumône, et le repas de Noël dans l'humble foyer de son employé.
 Dans la première, Dickens charge le vieil homme d'un raisonnement égoïste frisant l'imbécillité, les pauvres, selon lui, étant par nature destinés à l'hospice, la prison ou, mieux, la mort. Quoi qu'il arrive, la réponse ne varie pas : « Ce n’est pas ma besogne, répliqua Scrooge. Un homme a bien assez de faire ses propres affaires, sans se mêler de celles des autres. Les miennes prennent tout mon temps. Bonsoir, Messieurs. » Voyant clairement qu’il serait inutile de poursuivre leur requête, les deux étrangers se retirèrent[33]. » Le soin qu'apporte Dickens au choix des mots se détecte, par exemple, dans le contraste entre le simple « constat » (observation) du collecteur de fonds sur la condition des indigents et le conditionnel de Scrooge, would rather, signifiant que l'extinction de cette engeance parasite s'impose comme tout à fait souhaitable. Puis intervient le narrateur, entrant dans la conscience de l'avare, et, sans commentaire, le révélant « de plus en plus content de lui, et d’une humeur plus enjouée qu’à son ordinaire[33]. »[71].
 En revanche, la famille Cratchit semble idéalisée à l'extrême. Ici prévalent « le gentil, le beau, l'agréable » (nice), associés au « calme », au « succès », à la « perfection » en témoigne la scène du souper : ce cliché du bonheur familial, serti de commentaires en contraste du narrateur, quoique ancien, n'est pas ressenti comme excessif à l'époque victorienne ; au contraire, il est, au même titre que la satire ironique, un agent de révélation : le message est clair, les pauvres ne sont pas responsables de leur pauvreté, ce sont des êtres sensibles et sensés, capables de nobles sentiments. Le seul moyen de les comprendre et d'apprécier leurs vertus est de les fréquenter avec le respect dû à chaque être humain[71].
 S'impose d'emblée le choix des noms donnés aux personnages, peu nombreux ici : Scrooge, Bob et Tim Cratchit, Marley, les trois fantômes, le petit garçon des rues, quelques anonymes comme les deux messieurs venus quêter une aumône, le neveu Fred, enfin le maître de la fête, Mr Fezziwig. Chacun est choisi pour étiqueter celui qui le porte, par l'assemblage des syllabes, les connotations qu'elles appellent soit seules, soit en couple, les onomatopées, les allitérations et même le rythme du prénom et du nom associés[72].
 Ainsi, « Scrooge » ([skru:dʒ]) recèle « screw » qui, à l'époque, ne signifie que « visser » et le son [dʒ] qui accentue l'ampleur de ce monosyllabe n'en finissant pas de s'attarder. « Fred », le plus banal des prénoms, signale que son porteur n'est rien que naturel. « Cratchit » est plus complexe à analyser, ses deux composants étant très proches de mots signifiant « rebut », mais sans lui conférer pour autant ce statut, ce qui laisse à penser que, s'il l'est en effet pour les Scrooge de cette société, il n'en est rien en réalité : d'ailleurs, Tim, son petit garçon malade se voit nanti du qualificatif « Tiny » (« tout petit », « minuscule »), toujours accolé à son prénom et dont la connotation appelle la compassion et le soin protecteur offerts aux plus « petits » ; ainsi, ce prénom Tiny Tim se décline en trois syllabes, non seulement onomatopéiques, mais encadrées par deux toniques, la première, statique, sur Ti, la seconde, mélodique avec voix descendante, sur Tim, effet à la fois d'allongement et de repos, comme le retour à la tonique en musique après une échappée à la dominante. Appellation rassurante et même apaisante, en somme, signalant l'harmonie dont il est entouré et suggérant un destin moins cruel qu'il n'y paraît. De Marley, nom plutôt courant, il n'y a rien à dire sinon que, par sa banalité, il témoigne que même les plus insignifiants payent pour leurs erreurs passées, au même titre que les puissants, puisque ses chaînes l'entravent pour l'éternité. En revanche, Mr Fezziwig est une trouvaille de travestissement : il y a de la perruque (wig) en cet homme et quelque chose d'oriental (Fez) qui, en une période toujours portée vers les turqueries, ajoute à la somptuosité et l'allégresse des réjouissances dont il est le maître d'œuvre[72].
 Autre ressource dont Dickens a déjà éprouvé la vertu, la délégation d'autorité à un narrateur externe prêt à se délester lui-même d'une partie de ses prérogatives sur les trois fantômes de passage, chacun prenant tour à tour le récit en main sans que pour autant s'effacent complètement ni le conteur officiel ni l'auteur, tirant gentiment les ficelles et ne se privant pas de s'adresser au lecteur. Que l'omniscience siée aux esprits visiteurs va de soi puisque, naturellement doués d'ubiquité et de clairvoyance, ils convoquent le passé, le présent et même l'avenir, ce dernier restant virtuel à double titre, irréel par définition et, de par la conversion qu'entraîne son hypothèse, finalement remplacé par un présent à l'inverse du précédent. En fait, chacun d'eux joue le rôle de l'Asmodée de Lesage qui, dans Le Diable boiteux, soulève le toit des maisons pour y pénétrer et assister à ce qui s'y passe.
 Ainsi, Scrooge découvre ce que peut être la chaleur humaine d'un foyer chez les Cratchit célébrant la fête de la Nativité avec la simplicité qu'imposent leurs maigres ressources, mais dans la joie aimante d'une famille attentive et unie. Ses différents visiteurs le promènent beaucoup à travers les rues de la capitale, voyages au sein de la nuit striant le tohu-bohu, le va-et-vient, les cris et les senteurs[73]. Londres apparaît alors telle une planète inconnue : riches demeures jouxtant des îlots d'insigne pauvreté, luxe côtoyant la crasse, ciel noirci par les innombrables rejets des poêles à charbon, suie couvrant murs et trottoirs, égouts à ciel ouvert déversant leurs immondices dans le fleuve. Une foule bigarrée et bruyante, colporteurs, pickpockets, ivrognes, vagabonds, et partout la puanteur des corps mal lavés. Dans les maisons, l'ardeur du feu et la glace des pièces ; dehors, les voitures de louage, le bétail de passage, le fumier couvrant la chaussée[73]. Pour évoquer tout cela, Dickens emploie un vocabulaire précis, par exemple almshouse, à ne pas confondre avec workhouse, maisons de charité l'une et l'autre, mais la première privée et la seconde publique, blacking (« cirage »), constable (agent de la paix nommé par la paroisse), gammon (un commentaire sans queue ni tête), kith (le cercle des parents et amis), milliner (la modiste)[71].
 Outre les références historiques, celles aux hospices publics (workhouses)[33] ou à la New Poor Law (« Nouvelle loi sur les pauvres ») de 1834[33], Dickens appuie son récit sur des exemples littéraires ou relevant du patrimoine culturel national ou universel[71].
 Ainsi, il se réfère au premier couplet du cantique God Rest Ye Merry, Gentlemen[33], publié en Angleterre en 1823 dans Christmas Carols Ancient and Modern, compilation de William B. Sandys avec un incipit emprunté à William Hone dans Ancient Mysteries Described[74], dont voici le texte dans sa variante depuis la fin du XVIIIe siècle et sa traduction :
 Let nothing you dismay;
Remember Christ our Saviour,
Was born on Christmas-day;
To save our souls from Satan's power,
Which long time had gone astray:
 [74]. « Dieu vous garde gaillards, Gentlemen,
Ne laissez rien vous chagriner ;
Souvenez-vous que le Christ notre Sauveur
Est né le jour de Noël
Pour sauver nos âmes du pouvoir de Satan
Qui nous avait longtemps égarés :
Bonne nouvelle de réconfort et de joie ! »[75].
 En entendant l'hymne, Scrooge « saisit sa règle avec un geste si énergique que le chanteur s’enfuit épouvanté, abandonnant le trou de la serrure au brouillard et aux frimas »[34], plus sympathiques au goût de Scrooge.
 De même, au deuxième couplet, il évoque la danse Sir Roger de Coverley[76] que le vieux Fezziwig et sa dame exécutent gaillardement :
 « Mais le grand effet de la soirée, ce fut après le rôti et le bouilli, quand le ménétrier (un fin matois, remarquez bien, un diable d’homme qui connaissait bien son affaire : ce n’est ni vous ni moi qui aurions pu lui en remontrer !) commença à jouer « Sir Robert de Coverley ». Alors s’avança le vieux Fezziwig pour danser avec Mme Fezziwig. Ils se placèrent en tête de la danse. En voilà de la besogne ! vingt-trois ou vingt-quatre couples à conduire, et des gens avec lesquels il n’y avait pas à badiner, des gens qui voulaient danser et ne savaient ce que c’était que d’aller le pas[34]. »
 
Plusieurs des plus célèbres personnages des Mille et Une Nuits, un perroquet venu de Robinson Crusoé, les jumeaux abandonnés dans les bois, Valentin et Orson[77], l'un élevé en chevalier à la cour de Pépin le Bossu, l'autre grandissant dans une tanière d'ours avant d'être retrouvé par son frère, sont également mentionnés dans ce deuxième couplet, dévolu au passé de Scrooge, et plus particulièrement dans un passage lors d'une promenade aux rivages de l'enfance :  « Mais c’est Ali-Baba ! s’écria Scrooge en extase. C’est le bon vieil Ali-Baba, l’honnête homme ! Oui, oui, je le reconnais. C’est un jour de Noël que cet enfant là-bas avait été laissé ici tout seul, et que lui il vint, pour la première fois, précisément accoutré comme cela. Pauvre enfant ! Et Valentin, dit Scrooge, et son coquin de frère, Orson ; les voilà aussi. Et quel est son nom à celui-là, qui fut déposé tout endormi, presque nu, à la porte de Damas ; ne le voyez-vous pas ? Et le palefrenier du sultan renversé sens dessus dessous par les génies ; le voilà la tête en bas ! Bon ! traitez-le comme il le mérite ; j’en suis bien aise. Qu’avait-il besoin d’épouser la princesse ! »
Quelle surprise pour ses confrères de la Cité, s’ils avaient pu entendre Scrooge dépenser tout ce que sa nature avait d’ardeur et d’énergie à s’extasier sur de tels souvenirs, moitié riant, moitié pleurant, avec un son de voix des plus extraordinaires, et voir l’animation empreinte sur les traits de son visage ! « Voilà le perroquet ! continua-t-il ; le corps vert et la queue jaune, avec une huppe semblable à une laitue sur le haut de la tête ; le voilà ! « Pauvre Robinson Crusoé ! » lui criait-il quand il revint au logis, après avoir fait le tour de l’île en canot. « Pauvre Robinson Crusoé, où avez-vous été, Robinson Crusoé ? » L’homme, croyait rêver, mais non, il ne rêvait pas. C’était le perroquet, vous savez. Voilà Vendredi courant à la petite baie pour sauver sa vie ! Allons, vite, courage, houp[34] ! »
 Cette accumulation n'est assortie d'aucune explication, les lecteurs de Dickens étant familiers des œuvres citées, qu'ils soient hôtes des quartiers huppés ou des chaumières reculées. Voici Scrooge sous un jour nouveau : en l'ardeur de sa jeunesse revécue, il cite de mémoire des épisodes l'ayant à jamais imprégné : culture se donnant à voir comme populaire, habitants nommés d'après des personnages de légende, occurrences quotidiennes en décalque des œuvres du passé[78],[71].
 Paul Schlicke écrit que le personnage de Scrooge et son expression familière, Bah! Humbug! (« Bah, sottise ! »), sont universellement connus dans le monde anglo-saxon[25], et selon Philip Collins, l'histoire jouit d'un « statut institutionnel »[79]. Paul Davis évoque un « livre-culte » dont les très nombreuses adaptations successives reflètent l'évolution culturelle tant de la Grande-Bretagne que des États-Unis[4]. Pour une liste exhaustive des diverses adaptations dont a fait l'objet le conte de Dickens jusqu'en 2000, date de sa publication, se reporter à l'ouvrage de Fred Guida[80].
 Les adaptations ont été immédiates : en à peine plus de deux mois sont réalisées au moins huit mises en scène, celle d'Edward Stirling pour l'Adelphi, avec le célèbre acteur victorien O. Smith dans le rôle de Scrooge, présentée comme « ayant reçu l'aval de l'auteur »[81],[25]. Dickens lui-même en fait un « morceau de bravoure » de ses lectures publiques, inauguré à Birmingham fin décembre 1853 (trois heures de spectacle peu à peu réduites de moitié[25]) et encore repris lors de sa tournée d'adieu en 1870[82]. En dépit de cette pléthore de spectacles dès la parution, il n'en demeure pas moins, comme le note Philip Bolton, qu’Un chant de Noël est la seule œuvre de Dickens à avoir connu la plupart de ses adaptations au XXe siècle[83].
 Parmi les adaptations scéniques les plus remarquables, Paul Davis cite celles d'Edward Stirling (1843), de J. C. Buckstone (1901), de Bransby Williams (1928), de Maxwell Anderson (1954), de Barbara Fields (1977) et d'Israël Horovitz (1978)[31].
 Au cinéma se remarquent en particulier le film de 1935, Scrooge, la première version parlante, avec Sir Seymour Hicks, familier du rôle depuis de longues années au théâtre[N 9], ainsi que le magistral portrait d'un Scrooge tourmenté par Alastair Sim en 1951 dans un film de Brian Desmond Hurst, le Scrooge d'Albert Finney dans la version music-hall de 1970 (où Alec Guinness incarne Marley) et celui de George C. Scott dans la version télévisuelle de 1984. D'autres incarnations de Scrooge sont passées à la postérité, telles celles de Bransby Williams, de Lionel Barrymore, de Sir Ralph Richardson et de Patrick Stuart[80].
 L'histoire est si profondément ancrée dans la mémoire collective qu'elle ne cesse de faire l'objet d'adaptations, de transpositions, de pastiches, de parodies[31],[80].
 Le cinéma adapte l'histoire dès 1901 avec Scrooge; or Marley's Ghost de Walter R. Booth. Le cinéma muet transpose dès lors le conte à plusieurs reprises : A Christmas Carol en 1908 de la société Essanay, perdu, A Christmas Carol de J. Searle Dawley, Charles Kent et Ashley Miller en 1910, Scrooge de Leedham Bantock en 1913 et A Christmas Carol de Harold M. Shaw en 1914.
 La télévision s'intéresse à Un chant de Noël à partir de Noël 1947 et n'a pas cessé depuis[84]. De nombreuses séries télévisées en utilisent le canevas pour un épisode de Noël.
 Le court métrage A Christmas Carol réalisé en 1971 par Richard Williams a été récompensé par un Oscar du meilleur court métrage d'animation.
 En 1977, dans l'épisode 11 de la saison 4 de L'Homme qui valait trois milliards, intitulé Noël bionique (A Bionic Christmas Carol), le héros, Steve Austin (Lee Majors), se fait passer pour l'esprit du Noël futur auprès de Horton Budge (Ray Walston), afin de l'obliger à changer de comportement vis-à-vis de son entourage. En 1982, la société Burbank Films Australia produit un long métrage animé intitulé Un conte de Noël qui sort directement en vidéo. En 1983, le personnage de Scrooge, qui avait inspiré Carl Barks pour la création de Balthazar Picsou (Scrooge McDuck en anglais) en 1947, réapparaît dans le dessin animé Le Noël de Mickey (Mickey's Christmas Carol ), où l'oncle Picsou est Ebenezer Scrooge et Mickey Bob Cratchit[85],[86].
 On retrouve l'esprit de Dickens, dans la série télévisée Les Routes du Paradis (1984-1985), saison 1, épisode 13, sous le titre français On connaît la chanson, et sous le titre original Another Song for Christmas, avec comme acteurs principaux, Michael Landon, Victor French et Geoffrey Lewis. Dans cet épisode, on retrouve bien les trois esprits de Noël.
 En 1984 sont réalisés deux téléfilms. Le premier, au Royaume-Uni, A Christmas Carol, avec George C. Scott dans le rôle principal, est diffusé en novembre[87] ; l'autre, en France, Christmas Carol, adapté et mis en scène par Pierre Boutron, passe le 25 décembre sur TF1, avec Michel Bouquet dans le rôle d'Ebenezer Scrooge, pour lequel il reçoit un 7 d'or l'année suivante ; Pierre Clémenti est le fantôme des Noëls passés, Georges Wilson celui du Noël présent, Lisette Malidor celui du Noël futur, Pierre Olaf joue Bob Cratchit et Manuel Bonnet Scrooge jeune[88].
 En 1988, Fantômes en fête (Scrooged) est une comédie qui réadapte le conte à New York, à l'époque contemporaine, avec un côté méta : le Scrooge du film est un antipathique directeur de télévision voulant mettre en scène Un chant de noël à des fins commerciales[89],[80]. Dans un épisode de la série télévisée Code Quantum, Beckett se trouve opposé aux caprices d'un redoutable homme d'affaires qu'il compare à Scrooge. L'hologramme Al Calavicci décide alors de lui apparaître afin de jouer le rôle des trois fantômes et ainsi le faire changer.
En 1995, dans l'épisode L'Héritier de Burns de la série Les Simpson, Mr. Burns interpelle Bart dans la rue en lui demandant, comme dans Un chant de Noël, quel jour on est, et, toujours fidèle au conte, un enfant qui se croit interpellé répond qu'on est la veille de Noël. La série fit de nombreuses références au conte, la plus visible étant dans Père Noël sans frontières, où Lisa Simpson décrypte les thématiques du Chant de Noël et le fait que le conte est adapté dans tous les supports, même incongrus, tel Star Trek[90].
 Plusieurs programmes familiaux adaptent le conte : Noël chez les Muppets en 1992 avec les marionnettes du Muppet show et Michael Caine dans le rôle de Scrooge. Le film d'animation Charlie, le conte de Noël en 1998 (une aventure du chien Charlie)[31],[80]
 Dans la saison 2 de la série télévisée Xena, la princesse guerrière, l'épisode intitulé Solstice d'hiver (A Solstice Carol) en 1996 suit un scénario rappelant vaguement le conte de Dickens[85],[86].
 Dès le premier épisode (situé à Noël) de la série d'animation Futurama en 2000, apparaît un personnage récurrent, un enfant robot baptisé Tinny Tim, qui a une béquille, comme le vrai[85],[86]. Dans la série télévisée À la Maison-Blanche, la porte-parole du président Jed Bartlet, « CJ » Cregg, se compare à Ebenezer Scrooge, car elle a manqué la distribution des cadeaux.
 Le film d'animation, sorti directement en DVD en 2005, Bah, Humduck! A Looney Tunes Christmas met en scène Daffy Duck dans une histoire elle aussi inspirée par le conte[91].
 Le 8 décembre 2005, l'épisode 9 de la saison 5 de Smallville intitulé Lexmas (L'Esprit de Noël) donne à l'histoire d'Ebenezer Scrooge une conclusion différente de celle du conte : Lex Luthor, blessé par balles et tombé dans le coma, reçoit la visite du fantôme de sa mère. Elle lui montre un avenir où il s'est affranchi de l'influence de son père Lionel : il a épousé Lana et ils attendent un second enfant. C'est là une libre adaptation : il y a bien le fantôme, l'esprit de Noël (Clark distribue les cadeaux aux nécessiteux) et la décision du protagoniste de renoncer à ses ambitions pour écouter son cœur, mais seul le Noël à venir est visité, science-fiction oblige.
 En 2008, le téléfilm Barbie et la magie de Noël (Barbie in a Christmas Carol) reprend le conte, en transformant le vieil avare en jeune femme égoïste. Tous les personnages principaux sont féminisés : le fantôme de l'associé devient celui de feue la tante de l'héroïne, l'employé de Scrooge est sa costumière, les trois esprits sont trois femmes, Tiny Tim est une fillette malade rebaptisée « Tammy », mais le message reste identique[85],[86].
 En 2009, le film Hanté par ses ex (Ghosts of Girlfriends Past) avec Jennifer Garner et Matthew McConaughey s'inspire d'Un chant de Noël, mais en fait une comédie romantique. La même année, Catherine Tate réalise un sketch, Nan's Christmas Carol, où Joannie « Nan » Taylor (personnage provenant de son propre show The Catherine Tate Show) remplace Scrooge. Y apparaissent Ben Miller dans le rôle du fantôme du passé, David Tennant dans celui du présent et Roger Lloyd-Pack dans celui du futur.
 C'est en novembre de la même année que sort le long métrage d'animation, tourné en capture de mouvement 3D, Le Drôle de Noël de Scrooge, réalisé par Robert Zemeckis pour Disney, avec Jim Carrey dans huit rôles : Scrooge aux divers âges de sa vie et les trois esprits de Noël[92].
 L'épisode Le Fantôme des Noëls passés de la série britannique Doctor Who, diffusé le 25 décembre 2010 sur la BBC et le 24 décembre 2011 sur France 4, s'en inspire directement[93]. Dans cet épisode, c'est Kazran Sardick, interprété par Michael Gambon qui tient le rôle de Scrooge. Amy et Rory sont coincés sur un vaisseau dans une tempête nuageuse que génère une machine appartenant à Kazran. Le Docteur part à sa rencontre pour stopper la machine, mais comme Kazran refuse, il utilise le TARDIS pour se rendre dans son passé d'enfant et le lui fait revivre en vidéo, expérience qui modifie ses souvenirs. Amy y joue le fantôme du Noël présent et le Docteur celui du fantôme du Noël futur, présentant au jeune Kazran l'adulte qu'il deviendra. Dans l'épisode 15 de la troisième saison de La Vie de croisière de Zack et Cody, diffusée sur Disney Channel France, Le Conte de Noël de London (A London Carol)[94], l'arrogante London Tipton (Brenda Song) est déplacée dans le passé, le présent et le futur par le truchement de son miroir[85],[86].
 En 2012 est diffusé le téléfilm d'animation, mêlant images de synthèse et dessins traditionnels, Les Schtroumpfs, un chant de Noël ! avec le Schtroumpf grognon dans le rôle de Scrooge[95].
 L'épisode 8 de la saison 6 de la série d'animation My Little Pony : Les amies, c'est magique, La légende du feu chaleureux (A Hearth's Warming Tail), sorti en 2016, s'en inspire fortement ; on y voit Twilight Sparkle raconter à Starlight Glimmer un conte de Noël similaire au récit de Dickens. L'épisode entier est une réécriture de l'œuvre de Dickens, avec quelques adaptations et omissions, comme le personnage de Jacob Marley.
 Dans l'épisode 10 de la saison 2 de Trop cool, Scooby-Doo !, le titre est Scroogy Doo, d'après l'histoire, sauf que ce n'est pas Scrooge mais Véra qui découvre son passé, présent, futur ce qu'elle aurait pu faire si elle n'était pas dans la bande de Mystères Associés.
 En 2017, dans la série Glow, l'épisode « Joyeux GLOWël » (saison 3, épisode 10) montre un match de catch dont le thème est le conte de Dickens.
 En 2019, à l'occasion de Noël, la BBC diffuse la mini-série en 3 épisodes A Christmas Carol, basée sur le roman de Dickens et écrite par Steven Knight. Le rôle de Scrooge est interprété par Guy Pearce et celui de l'esprit des Noëls passés par Andy Serkis.
 En 2022, sort le film américain Spirited : L'Esprit de Noël, adaptation libre et modernisée. La même année, le film d'animation américano-britannique Scrooge : Un (mé)chant de Noël propose une nouvelle adaptation en images de synthèse.
 En 1890, Gustav Holst a composé une Suite pour chœur mixe et piano sur Un chant de Noël[96], et en 1910, il a repris le noël bien connu, God Rest Ye Merry, Gentlemen dans son Christmas Day - a choral fantasy on old carols[97], qui est mentionné au début du conte de Dickens lorsque, au premier couplet, Scrooge reçoit la visite inopportune d'un petit garçon venu chanter à sa porte.
 Deux opéras sont inspirés par Un chant de Noël, Mister Scrooge ou Shadows (Tiene) (1958–1959), du compositeur slovaque Ján Cikker, et A Christmas Carol (1978–1979) de Thea Musgrave[98].
 En 2002, Un chant de Noël est à nouveau adapté pour la scène par Rick Lombardo avec une chorégraphie spectaculaire de Ilyse Robbins sur une musique d'Anna Lackaff et Rick Lombardo[99],[100],[80].
 Le ballet Un chant de Noël est une adaptation en trois actes[101] de Christopher Gable sur une chorégraphie de Massimo Morricone et une musique de Carl Davis, en partie chantée par les danseurs. Le spectacle, avec Jeremy Kerridge, William Walker, Lorena Vidal, Royce Neagle, Steven Wheeler, le chœur du Northern Ballet Theatre, l'Orchestre philharmonique de la BBC sous la direction de John Pryce-Jones, est disponible en DVD[102]. Le Northern Ballet Theatre a repris le ballet en 2009, pour son quarantième anniversaire[103], et le rejoue à l'automne-hiver 2013[104].
 En 2008, le conte a été adapté en bande dessinée, sous le nom de Scrooge, aux éditions Delcourt dans leur collection « Jeunesse », avec Rodolphe comme scénariste et Estelle Meyrand comme dessinatrice. Le scénario est ainsi résumé : « Scrooge, un vieillard acariâtre, un vautour au cœur sec ignorant tout de l'humanité, reçoit le 24 décembre au soir la visite du fantôme de son défunt associé. Ce dernier lui fera vivre trois moments de sa vie, trois nuits de Noël – passée, présente et future – pour tenter de lui ouvrir les yeux et le cœur »[105].
 En 2008, dans la web-série française Noob, l'épisode 10 de la saison 1, épisode hors-série, s'appelle L'étrange noël de Dark Avenger, en référence à L'Étrange Noël de monsieur Jack. On y voit des joueurs en pères Noël, la petite fille aux allumettes, mais surtout, le Player Killer Dark Avenger rencontre trois PNJ qui sont les esprits de Noël et les suit dans une quête. Avec l'esprit des Noëls passés, il voit l'époque où, débutant, il subissait les moqueries des plus expérimentés ; avec celui du présent, il retrouve la terreur qu'il inspire aux autres à force de tuer pour se venger du tort qui lui a été fait ; l'esprit des Noëls à venir lui montre qu'il va causer la mort — en vrai — d'un joueur. À bout de tourment, ce joueur tombe à la renverse et se brise le cou. Mais, ici, l'expérience ne change pas Dark Avenger qui recommence à massacrer les avatars dès l'épisode suivant. 
 Un épisode de la web-série Epic Rap Battles of History fait s'affronter Donald Trump et Ebenezer Scrooge. Il s'agit en fait d'une adaptation du récit à la manière d'une rap battle, puisque Scrooge fait face ici à trois spectres : le premier représentant les hommes riches du passé, interprété par John Pierpont Morgan, le deuxième représentant des riches du présent, interprété par Jay-Z, et enfin le spectre des noëls futurs interprété par un personnage squelettique, probablement la mort elle-même.
 Les jeux vidéo s'emparent aussi du personnage de Scrooge.
Pour Noël 2006, les développeurs de Sony Online Entertainment intègrent à leur MMORPG EverQuest II un scénario de Noël (nommé Frostfell dans ce monde imaginaire), Frostfell 2006, reprenant les grandes lignes du conte, dans lequel chaque joueur devient, le temps de l'aventure, un équivalent local d'Ebenezer Scrooge.
 Dans son jeu vidéo Hunt: Showdown sorti en 2019, Crytek donnait la possibilité aux joueurs d'obtenir un personnage nommé Skinflint, inspiré de l'apparence d'Ebenezer Scrooge, en jouant l'évènement de Noël 2020.
 Publishing, coll. « The Nineteenth Century Series », 2008, 228 p. (ISBN 978-0-7546-6180-1).
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A Looney Tunes Christmas; Daffy Duck; la saison 5; Smallville; Barbie et la magie de Noël; Hanté par ses ex; Jennifer Garner; Matthew McConaughey; comédie romantique; Catherine Tate; David Tennant; Roger Lloyd-Pack; novembre de la même année; capture de mouvement; 3D; Le Drôle de Noël de Scrooge; Robert Zemeckis; Jim Carrey; Le Fantôme des Noëls passés; Doctor Who; BBC; France 4; Michael Gambon; Amy; Rory; Le Docteur; TARDIS; La Vie de croisière de Zack et Cody; Disney Channel France; Brenda Song; 2012; Schtroumpf grognon; My Little Pony : Les amies, c'est magique; Twilight Sparkle; Trop cool, Scooby-Doo !; BBC; A Christmas Carol; Steven Knight; Guy Pearce; Andy Serkis; Spirited : L'Esprit de Noël; adaptation; Scrooge : Un (mé)chant de Noël; Gustav Holst; noël; God Rest Ye Merry, Gentlemen; opéras; slovaque; Ján Cikker; chorégraphie; ballet; Christopher Gable; Carl Davis; Orchestre philharmonique de la BBC; web-série; Noob; l'épisode 10 de la saison 1; L'Étrange Noël de monsieur Jack; pères Noël; la petite fille aux allumettes; PNJ; débutant; Epic Rap Battles of History; Donald Trump; Ebenezer Scrooge; John Pierpont Morgan; Jay-Z; jeux vidéo; Sony Online Entertainment; MMORPG; EverQuest II; Hunt: Showdown; Crytek; Ebenezer Scrooge; conte; Portsmouth; BNF; ISBN; 978-0-521-84577-9; ISBN; 978-0-521-84577-9; William Makepeace Thackeray; Edinburgh University Press; ISBN; 0852240317; Michel Le Bris; Claudine Glot; Hoëbeke; ISBN; 2-84230-159-5; Claude Lecouteux; ISBN; 0393051587; 978-0393051582; Les Papiers posthumes du Pickwick Club; Les Grandes Espérances; Le Mystère d'Edwin Drood; The Guardian; ISBN; 0-8161-8924-2; M. de Goy; BNF; Dover Publications; Roberto Innocenti; ISBN; 2-07-056461-4; ISBN; 0192116657; 978-0192116659; ISBN; 0-8160-4087-7; ISBN; 0-8160-6407-5; ISBN; 0-19-285448-8; ISBN; 978-0-521-85914-1; 978-0-521-67634-2; ISBN; 978-0-470-65794-2; ISBN; 0-19-871156-5; ISBN; 978-0-198-66253-2; ISBN; 0600331733; ISBN; 0460007823; 978-0460007825; ISBN; 9077932038; 9789077932032; ISBN; 0048000051; ISBN; 9780674110007; ISBN; 0713901209; 978-0713901207; ISBN; 0701116447; ISBN; 0333063287; ISBN; 0140034889; 9780140034882; ISBN; 0198120761; 978-0198120766; ISBN; 0-460-04248-3; ISBN; 978-0-7012-0669-7; ISBN; 0-8240-5620-5; ISBN; 9780688043414; ISBN; 0-14-012136-6; ISBN; 978-0099437093; ISBN; 0333728033; 978-0333728031; ISBN; 978-0-7546-6180-1; ISBN; 0141036931; 978-1594203091; ISBN; 0007445318; 978-0007445318; ISBN; 0060922656; 9780060922658; ISBN; 1903018382; 978-1903018385; ISBN; 978-0-8014-4787-7; ISBN; 0-404-18522-3; ISBN; 0-8240-8988-X; ISBN; 978-0-307-40578-4; ISBN; 978-0-19-921352-8; ISBN; 0300046642; History Today; ISBN; 0-19-510980-5; ISBN; 0-8020-7752-8; ISBN; 0-679-74038-4; ISBN; 0-19-285448-8; ISBN; 978-0-19-283435-5; ISBN; 978-0-786-40738-5; ISBN; 978-1-55111-476-7; ISBN; 0-393-05158-7; ISBN; 978-1-429-48723-8; ISBN; 978-0-521-84577-9; ISBN; 978-0-7112-3031-6; Wikisource; Projet Gutenberg; Notices d'autorité; v; Charles Dickens; Les Papiers posthumes du Pickwick Club; Oliver Twist; Nicholas Nickleby; Le Magasin d'antiquités; Barnaby Rudge; Martin Chuzzlewit; Dombey et Fils; David Copperfield; La Maison d'Âpre-Vent; Les Temps difficiles; La Petite Dorrit; Le Conte de deux cités; Les Grandes Espérances; L'Ami commun; Le Mystère d'Edwin Drood; ; Le Grillon du foyer; La Bataille de la vie; The Long Voyage; Wilkie Collins; Esquisses de Boz; L'Horloge de Maître Humphrey; Notes américaines; A Child's History of England; Wilkie Collins; The Examiner; Morning Chronicle; Bentley's Miscellany; L'Horloge de Maître Humphrey; Household Words; All the Year Round; Household Words; Wilkie Collins; Wilkie Collins; Wilkie Collins; Wilkie Collins; Elizabeth Gaskell; All the Year Round; Wilkie Collins; Elizabeth Gaskell; Wilkie Collins; Wilkie Collins; Wilkie Collins; W. M. 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//upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/c/c8/Dore_London.jpg/220px-Dore_London.jpg; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/6/6d/Gustave_Dor%C3%A9_-_Ludgate_Hill.png/150px-Gustave_Dor%C3%A9_-_Ludgate_Hill.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/7/73/Blue_pencil.svg/10px-Blue_pencil.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/7/73/Blue_pencil.svg/10px-Blue_pencil.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/7/73/Blue_pencil.svg/10px-Blue_pencil.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/8/83/Article_de_qualit%C3%A9.svg/14px-Article_de_qualit%C3%A9.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/8/83/Article_de_qualit%C3%A9.svg/14px-Article_de_qualit%C3%A9.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/8/83/Article_de_qualit%C3%A9.svg/14px-Article_de_qualit%C3%A9.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/8/83/Article_de_qualit%C3%A9.svg/14px-Article_de_qualit%C3%A9.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/8/83/Article_de_qualit%C3%A9.svg/14px-Article_de_qualit%C3%A9.svg.png; 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//upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/1/11/Bon_article.svg/14px-Bon_article.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/1/11/Bon_article.svg/14px-Bon_article.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/8/83/Article_de_qualit%C3%A9.svg/14px-Article_de_qualit%C3%A9.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/8/83/Article_de_qualit%C3%A9.svg/14px-Article_de_qualit%C3%A9.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/8/83/Article_de_qualit%C3%A9.svg/14px-Article_de_qualit%C3%A9.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/1/11/Bon_article.svg/14px-Bon_article.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/1/11/Bon_article.svg/14px-Bon_article.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/1/11/Bon_article.svg/14px-Bon_article.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/5/5b/Circle-icons-magicwand.svg/24px-Circle-icons-magicwand.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/aa/Dickens_Gurney_head.jpg/16px-Dickens_Gurney_head.jpg; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/3/36/Penny_black.jpg/21px-Penny_black.jpg; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/c/cd/Circle-icons-calendar.svg/24px-Circle-icons-calendar.svg.png; https://login.wikimedia.org/wiki/Special:CentralAutoLogin/start?type=1x1; /static/images/footer/wikimedia-button.svg; /w/resources/assets/poweredby_mediawiki.svg,https://en.wikipedia.org/wiki/The_Iron_Giant,The Iron Giant,https://en.wikipedia.org/wiki/The_Iron_Giant,"The Iron Giant is a 1999 American animated science fiction film produced by Warner Bros. Feature Animation and distributed by Warner Bros. It is based on the 1968 novel The Iron Man by Ted Hughes (which was published in the United States as The Iron Giant). The film is directed by Brad Bird (in his directorial debut) and produced by Allison Abbate and Des McAnuff, from a screenplay written by Tim McCanlies, and based on a story treatment by Bird. The film stars the voices of Jennifer Aniston, Harry Connick Jr., Vin Diesel, James Gammon, Cloris Leachman, John Mahoney, Eli Marienthal, Christopher McDonald, and M. Emmet Walsh. Set during the Cold War in 1957, the film centers on a young boy named Hogarth Hughes, who discovers and befriends a giant alien robot. With the help of a beatnik artist named Dean McCoppin, Hogarth attempts to prevent the U.S. military and Kent Mansley, a paranoid federal agent, from finding and destroying the Giant.
 The film's development began in 1994 as a musical with the involvement of the Who's Pete Townshend, though the project took root once Bird signed on as director and hired McCanlies to write the screenplay in 1996. The film was animated using traditional animation, with computer-generated imagery used to animate the Iron Giant and other effects. The understaffed crew of the film completed it with half of the time and budget of other animated features. Michael Kamen composed the film's score, which was performed by the Czech Philharmonic. It was the final film by Warner Bros. Feature Animation to be fully animated and not a live-action/animation hybrid.
 The Iron Giant premiered at Mann's Chinese Theater in Los Angeles on July 31, 1999, and was released in the United States on August 6. The film significantly underperformed at the box office, grossing $31.3 million worldwide against a production budget of $50 million, which was attributed to Warner Bros.' lack of marketing and skepticism towards animated film production following the box office failure of Quest for Camelot in the preceding year. Despite this, the film was praised for its story, animation, musical score, characters, the portrayal of the title character and the voice performances of Aniston, Connick, Diesel, Mahoney, Marienthal, and McDonald. The film was nominated for several awards, winning nine Annie Awards out of 15 nominations. Through home video releases and television syndication, the film gathered a cult following[7] and is widely regarded as a modern animated classic, and one of the greatest animated films ever made.[8][9][10] In 2015, an extended, remastered version of the film was re-released theatrically,[8][11] and on home video the following year.[12][13]
 In October 1957, during the Cold War, an object from space crashes in the ocean just off the coast of Maine and then enters the forest near the town of Rockwell.
 The following night, nine-year-old Hogarth Hughes investigates and finds the object, a 50-foot-tall alien robot; he runs away but then returns to save the robot when he gets electrocuted while trying to eat the transmission lines of an electrical substation. Hogarth eventually befriends the Giant, finding him docile and curious. When he eats railroad tracks in the path of an oncoming train, the train collides with him and derails; Hogarth leads the Giant away from the area, discovering that he can self-repair. While there, Hogarth shows the Giant comic books and compares him to the hero Superman.
 The incidents lead paranoid U.S. government agent Kent Mansley to Rockwell. He suspects Hogarth's involvement after talking with him and his widowed mother, Annie, and rents a room in their house to keep an eye on him. Hogarth evades Mansley and leads the Giant to a junkyard owned by beatnik artist Dean McCoppin, who reluctantly agrees to keep him. Hogarth enjoys his time with the Giant but is compelled to explain the concept of death to the Giant after he witnesses hunters killing a deer.
 Hogarth is detained and interrogated by Mansley when he discovers evidence of the Giant after finding a photo of him next to Hogarth and summons a U.S. Army contingent led by General Shannon Rogard to the scrapyard to prove the Giant's existence, but Dean (having been warned by Hogarth earlier) tricks them by pretending that the Giant is one of his art pieces. Later, while playing with a toy gun, Hogarth inadvertently activates the Giant's defensive system, firing a laser beam in the process. Dean yells at him for nearly killing Hogarth, and the saddened Giant runs away with Hogarth giving chase. Dean realizes that the Giant was only acting in self-defense and catches up to Hogarth as they follow the Giant.
 The Giant rescues two boys falling from a roof when he arrives, winning over the townspeople. Mansley spots the Giant in the town while leaving Rockwell and has the Army attack the Giant after he has picked up Hogarth, forcing the two to flee. They initially evade the military by using the Giant's flight system, but the Giant is shot down and crashes to the ground.
 Hogarth is knocked unconscious, but the Giant assumes that Hogarth is dead, and in a fit of rage and grief transforms into a war machine and returns to Rockwell. Mansley convinces Rogard to prepare a nuclear missile launch from the USS Nautilus, as conventional weapons prove to be ineffective. Hogarth awakens and returns in time to calm the Giant while Dean clarifies the situation to Rogard.
 Rogard is ready to stand down and order the Nautilus to deactivate its primed nuke, but a panicked Mansley snatches Rogard's radio and orders the missile launch. The missile is targeted to hit Rockwell, where it will destroy the town upon impact in the resulting nuclear detonation. Mansley attempts to escape, but the Giant intervenes, and Rogard has Mansley arrested. To save the town, the Giant bids farewell to Hogarth and flies off to intercept the missile. As he soars into the missile's path, the Giant remembers Hogarth's words, ""You are who you choose to be,"" smiles contentedly, and declares himself ""Superman"" as he collides with the weapon. The missile explodes in the atmosphere, saving Rockwell, its population, and the military forces nearby, while the Giant is presumably destroyed, leaving Hogarth, Dean, Annie, and Rogard devastated.
 Months later, Dean and Annie, now a couple, have a chat at a memorial of the Giant made by Dean, standing in Rockwell.  Hogarth is given a package from Rogard containing a screw from the Giant, which is the only remnant found. That night, Hogarth finds the screw trying to move on its own and, remembering the Giant's ability to self-repair, happily allows the screw to leave.
 The screw joins many other parts as they converge on the Giant's head on the Langjökull glacier in Iceland, and the Giant smiles as he begins reassembling himself.
 In addition, Ollie Johnston and Frank Thomas voice the train's engineers briefly seen near the start of the film. Johnston and Thomas, who were animators and members of Disney's Nine Old Men, were cited by Bird as inspirations for his career, which he honored by incorporating their voices, likenesses, and first names into the film.[16]
 The origins of the film lie in the book The Iron Man (1968), by poet Ted Hughes, who wrote the novel for his children to comfort them in the wake of their mother Sylvia Plath's suicide. In the 1980s, rock musician Pete Townshend chose to adapt the book for a concept album; it was released as The Iron Man: A Musical in 1989.[18] In 1991, Richard Bazley, who later became the film's lead animator, pitched a version of The Iron Man to Don Bluth while working at his studio in Ireland. He created a story outline and character designs but Bluth passed on the project.[14] After a stage musical was mounted in London, Des McAnuff, who had adapted Tommy with Townshend for the stage, believed that The Iron Man could translate to the screen, and the project was ultimately acquired by Warner Bros. Entertainment.[18]
 In late 1996, while developing the project on its way through, the studio saw the film as a perfect vehicle for Brad Bird, who at the time was working for Turner Feature Animation developing Ray Gunn.[18] Turner Broadcasting had recently merged with Warner Bros. parent company Time Warner, and Bird was allowed to transfer to the Warner Bros. Animation studio to direct The Iron Giant.[18] After reading the original Iron Man book by Hughes, Bird was impressed with the mythology of the story and in addition, was given an unusual amount of creative control by Warner Bros.[18] This creative control involved introducing two new characters not present in the original book, Dean and Kent, setting the film in America, and discarding Townshend's musical ambitions (who did not care either way, reportedly remarking, ""Well, whatever, I got paid"").[19][20] Bird would expand upon his desire to set the film in America in the 1950s in a later interview:
 The Maine setting looks Norman Rockwell idyllic on the outside, but inside everything is just about to boil over; everyone was scared of the bomb, the Russians, Sputnik — even rock and roll. This clenched Ward Cleaver smile masking fear (which is really what the Kent character was all about). It was the perfect environment to drop a 50-foot-tall robot into.[20] Ted Hughes, the original story's author, died before the film's release. His daughter, Frieda Hughes, saw the finished film on his behalf and loved it. Townshend, who stayed on as the film's executive producer, enjoyed the final film as well.[21]
 Tim McCanlies was hired to write the script, though Bird was somewhat displeased with having another writer on board, as he wanted to write the screenplay himself.[19] He later changed his mind after reading McCanlies' then-unproduced screenplay for Secondhand Lions.[18] In Bird's original story treatment, America and the USSR were at war at the end, with the Giant dying. McCanlies decided to have a brief scene displaying his survival, stating, ""You can't kill E.T. and then not bring him back.""[19] McCanlies finished the script within two months. McCanlies was given a three-month schedule to complete a script, and it was by way of the film's tight schedule that Warner Bros. ""didn't have time to mess with us"" as McCanlies said.[22] The question of the Giant's backstory was purposefully ignored as to keep the story focused on his relationship with Hogarth.[23] Bird considered the story difficult to develop due to its combination of unusual elements, such as ""paranoid fifties sci-fi movies with the innocence of something like The Yearling"".[20] Hughes himself was sent a copy of McCanlies' script and sent a letter back, saying how pleased he was with the version. In the letter, Hughes stated, ""I want to tell you how much I like what Brad Bird has done. He's made something all of a piece, with terrific sinister gathering momentum and the ending came to me as a glorious piece of amazement. He's made a terrific dramatic situation out of the way he's developed The Iron Giant. I can't stop thinking about it.""[18]
 Bird combined his knowledge from his years in television to direct his first feature. He credited his time working on Family Dog as essential to team-building, and his tenure on The Simpsons as an example of working under strict deadlines.[20] He was open to others on his staff to help develop the film; he would often ask crew members their opinions on scenes and change things accordingly.[24] One of his priorities was to emphasize softer, character-based moments, as opposed to more frenetic scenes—something Bird thought was a problem with modern filmmaking. ""There has to be activity or sound effects or cuts or music blaring. It's almost as if the audience has the remote and they're going to change channels,"" he commented at the time.[23] Storyboard artist Teddy Newton played an important role in shaping the film's story. Newton's first assignment on staff involved being asked by Bird to create a film within a film to reflect the ""hygiene-type movies that everyone saw when the bomb scare was happening."" Newton came to the conclusion that a musical number would be the catchiest alternative, and the ""Duck and Cover"" sequence came to become one of the crew members' favorites of the film.[16] Nicknamed ""The X-Factor"" by story department head Jeffery Lynch, the producers gave him artistic freedom on various pieces of the film's script.[25]
 The financial failure of Warner's previous animated effort, Quest for Camelot, which made the studio reconsider animated films, helped shape The Iron Giant's production considerably. ""Three-quarters"" of the animation team on that film helped craft The Iron Giant.[23] By the time it entered production, Warner Bros. informed the staff that there would be a smaller budget as well as time-frame to get the film completed. Although the production was watched closely, Bird commented ""They did leave us alone if we kept it in control and showed them we were producing the film responsibly and getting it done on time and doing stuff that was good."" Bird regarded the trade-off as having ""one-third of the money of a Disney or DreamWorks film, and half of the production schedule"" but the payoff as having more creative freedom, describing the film as ""fully-made by the animation team; I don't think any other studio can say that to the level that we can.""[23] A small part of the team took a weeklong research trip to Maine, where they photographed and videotaped five small cities. They hoped to accurately reflect its culture down to the minutiae; ""we shot store fronts, barns, forests, homes, home interiors, diners, every detail we could, including the bark on trees"", said production designer Mark Whiting.[26]
 Bird stuck to elaborate scene planning, such as detailed animatics, to make sure there were no budgetary concerns.[23] The team initially worked with Macromedia's Director software, before switching to Adobe After Effects full-time. Bird was eager to use the then-nascent software, as it allowed for storyboard to contain indications of camera moves. The software became essential to that team—dubbed ""Macro"" early on—to help the studio grasp story reels for the film. These also allowed Bird to better understand what the film required from an editing perspective. In the end, he was proud of the way the film was developed, noting that ""We could imagine the pace and the unfolding of our film accurately with a relatively small expenditure of resources.""[27] The group would gather in a screening room to view completed sequences, with Bird offering suggestions by drawing onto the screen with a marker. Lead animator Bazley suggested this led to a sense of camaraderie among the crew, who were unified in their mission to create a good film.[14] Bird cited his favorite moment of the film's production as occurring in the editing room, when the crew gathered to test a sequence in which the Giant learns what a soul is. ""People in the room were spontaneously crying. It was pivotal; there was an undeniable feeling that we were really tapping into something,"" he recalled.[20]
 He opted to give the film's animators portions to animate entirely, rather than the standard process of animating one character, in a throwback to the way Disney's first features were created.[24][28] The exception were those responsible for creating the Giant himself, who was created using computer-generated imagery due to the difficulty of creating a metal object ""in a fluid-like manner"".[18] They had additional trouble with using the computer model to express emotion.[24] The Giant consisted of 7000 parts (the Battle Giant had 10,000 parts),[29] and was designed by filmmaker Joe Johnston and refined by production designer Mark Whiting and Steve Markowski, head animator for the Giant.[23] Using software, the team would animate the Giant ""on twos"" (every other frame, or twelve frames per second) when interacting with other characters, to make it less obvious it was a computer model.[23] Bird brought in students from CalArts to assist in minor animation work due to the film's busy schedule. He made sure to spread out the work on scenes between experienced and younger animators, noting, ""You overburden your strongest people and underburden the others [if you let your top talent monopolize the best assignments].""[24] Hiroki Itokazu designed all of the film's CGI props and vehicles, which were created in a variety of software, including Alias Systems Corporation's Maya, Alias' PowerAnimator, a modified version of Pixar's RenderMan, Softimage 3D, Cambridge Animation's Animo (now part of Toon Boom Technologies), Avid Elastic Reality, and Adobe Photoshop.[30]
 The art of Norman Rockwell, Edward Hopper and N.C. Wyeth inspired the design. Whiting strove for colors both evocative of the time period in which the film is set and also representative of its emotional tone; for example, Hogarth's room is designed to reflect his ""youth and sense of wonder"".[26] That was blended with a style reminiscent of 1950s illustration. Animators studied Chuck Jones, Hank Ketcham, Al Hirschfeld and Disney films from that era, such as 101 Dalmatians, for inspiration in the film's animation.[28]
 The score for the film was composed and conducted by Michael Kamen, making it the only film directed by Bird not to be scored by his future collaborator, Michael Giacchino. Bird's original temp score, ""a collection of Bernard Herrmann cues from '50s and '60s sci-fi films,"" initially scared Kamen.[31] Believing the sound of the orchestra is important to the feeling of the film, Kamen ""decided to comb eastern Europe for an ""old-fashioned"" sounding orchestra and went to Prague to hear Vladimir Ashkenazy conduct the Czech Philharmonic in Strauss's An Alpine Symphony."" Eventually, the Czech Philharmonic was the orchestra used for the film's score, with Bird describing the symphony orchestra as ""an amazing collection of musicians"".[32] The score for The Iron Giant was recorded in a rather unconventional manner, compared to most films: recorded over one week at the Rudolfinum in Prague, the music was recorded without conventional uses of syncing the music, in a method Kamen described in a 1999 interview as ""[being able to] play the music as if it were a piece of classical repertoire.""[31] Kamen's score for The Iron Giant won the Annie Award for Music in an Animated Feature Production on November 6, 1999.[33]
 Bird opted to produce The Iron Giant in widescreen—specifically the wide 2.39:1 CinemaScope aspect ratio—but was warned against doing so by his advisers. He felt it was appropriate to use the format, as many films from the late 1950s were produced in such widescreen formats.[34] He hoped to include the CinemaScope logo on a poster, partially as a joke, but 20th Century Fox, owner of the trademark, refused.[35]
 Bird later recalled that he clashed with executives who wished to add characters, such as a sidekick dog, set the film in the present day, and include a soundtrack of hip hop.[36] This was due to concerns that the film was not merchandisable, to which Bird responded, ""If they were interested in telling the story, they should let it be what it wants to be.""[23] The film was also initially going to be released under the Warner Bros. Family Entertainment banner, the logo which features mascot Bugs Bunny in a tuxedo eating a carrot as seen in the film's teaser trailer. Bird was against this for a multitude of reasons, mainly because he felt that the logo did not fit the tone of the movie, and eventually got confirmation that executives Bob Daley and Terry Semel agreed. Instead, Bird and his team developed another version of the logo to resemble the classic studio logo in a circle, famously employed in Looney Tunes shorts.[36] He credited executives Lorenzo di Bonaventura and Courtney Vallenti with helping him achieve his vision, noting that they were open to his opinion.[23]
 According to a report from the time of its release, The Iron Giant cost $50 million to produce with an additional $30 million going towards marketing,[6] though Box Office Mojo later reported its budget as $70 million.[37] It was regarded as a lower-budget film, in comparison to the films distributed by Walt Disney Pictures.[38]
 When he began work on the film, Bird was in the midst of coping with the death of his sister, Susan, who was shot and killed by her estranged husband. In researching its source material, he learned that Hughes wrote The Iron Man as a means of comforting his children after his wife, Sylvia Plath, died by suicide, specifically through the metaphor of the title character being able to re-assemble itself after being damaged. These experiences formed the basis of Bird's pitch to Warner Bros., which was based around the idea ""What if a gun had a soul, and didn't want to be a gun?""; the completed film was also dedicated to Hughes and Susan.[39][40] McCanlies commented that ""at a certain point, there are deciding moments when we pick who we want to be. And that plays out for the rest of your life"", adding that films can provide viewers with a sense of right and wrong, and expressed a wish that The Iron Giant would ""make us feel like we're all part of humanity [which] is something we need to feel.""[22] When some critics compared the film to E.T. the Extra-Terrestrial (1982), Bird responded by saying ""E.T. doesn't go kicking ass. He doesn't make the Army pay. Certainly you risk having your hip credentials taken away if you want to evoke anything sad or genuinely heartfelt.""[34]
 We had toy people and all of that kind of material ready to go, but all of that takes a year! Burger King and the like wanted to be involved. In April we showed them the movie, and we were on time. They said, ""You'll never be ready on time."" No, we were ready on time. We showed it to them in April and they said, ""We'll put it out in a couple of months."" That's a major studio, they have 30 movies a year, and they just throw them off the dock and see if they either sink or swim, because they've got the next one in right behind it. After they saw the reviews they [Warner Bros.] were a little shamefaced.
 — Writer Tim McCanlies on Warner Bros.' marketing approach[19] The Iron Giant was a commercial failure during its theatrical release; consensus among critics was that its failure was, in part, due to lack of promotion from Warner Bros. This was largely attributable to the reception of Quest for Camelot; after its release, Warner would not give Bird and his team a release date for their film until April 1999.[41][42] After wildly successful test screenings, the studio was shocked by the response: the test scores were their highest for a film in 15 years, according to Bird.[20] They had neglected to prepare a successful marketing strategy for the film—such as cereal and fast food tie-ins—with little time left before its scheduled release. Bird remembered that the studio produced one teaser poster for the film, which became its eventual poster.[36] Brad Ball, who had been assigned the role of marketing the film, was candid after its release, noting that the studio did not commit to a planned Burger King toy plan.[43] IGN stated that ""In a mis-marketing campaign of epic proportions at the hands of Warner Bros., they simply didn't realize what they had on their hands.""[44]
 The studio needed an $8 million opening to ensure success, but they were unable to properly promote it preceding the release. They nearly delayed the film by several months to better prepare. ""They said, 'we should delay it and properly lead up to its release,' and I said 'you guys have had two and a half years to get ready for this,'"" recalled Bird.[36] Press outlets took note of its absence of marketing,[45] with some reporting that the studio had spent more money on marketing for the intended summer blockbuster Wild Wild West instead.[24][41] Warner Bros. scheduled Sunday sneak preview screenings for the film prior to its release,[46] as well as a preview of the film on the online platform Webcastsneak.[47]
 After criticism that it mounted an ineffective marketing campaign for its theatrical release, Warner Bros. revamped its advertising strategy for the video release of the film, including tie-ins with Honey Nut Cheerios, AOL and General Motors[48] and secured the backing of three U.S. congressmen (Ed Markey, Mark Foley and Howard Berman).[49] Awareness of the film was increased by its February 2000 release as a pay-per-view title, which also increased traffic to the film's website.[50]
 The Iron Giant was released on VHS and DVD on November 23, 1999,[35] with a Laserdisc release following on December 6. Warner Bros. spent $35 million to market the home video release of the film.[51] The VHS edition came in three versions—pan and scan, pan and scan with an affixed Giant toy to the clamshell case, and a widescreen version. All of the initial widescreen home video releases were in 1.85:1, the incorrect aspect ratio for the film.[35] In 2000, television rights to the film were sold to Cartoon Network and TNT for $3 million. Cartoon Network showed the film continuously for 24 consecutive hours in the early 2000s for such holidays as the Fourth of July and Thanksgiving.[52][53]
 The Special Edition DVD was released on November 16, 2004.[54] In 2014, Bird entered discussions with Warner Bros. regarding the possibility of releasing The Iron Giant on Blu-ray. On April 23, he wrote on Twitter that ""WB & I have been talking. But they want a bare-bones disc. I want better,"" and encouraged fans to send tweets to Warner Home Video in favor of a Special Edition Blu-ray of the film.[55] The film was ultimately released on Blu-ray on September 6, 2016, and included both the theatrical and 2015 Signature Edition cuts, as well as a documentary entitled The Giant's Dream that covered the making of the film.[56] This version also received a DVD release months earlier on February 16 with The Giant's Dream documentary removed.[12] This film became available on HBO Max on November 1, 2020.
 The Iron Giant received critical acclaim.[57] On Rotten Tomatoes, the film holds a 96% approval rating based on 142 reviews, with an average rating of 8.20/10. The website's critics consensus reads, ""The endearing Iron Giant tackles ambitious topics and complex human relationships with a steady hand and beautifully animated direction from Brad Bird.""[58] Metacritic, which uses a weighted average, assigned the film a score of 85 out of 100 based on 29 critics, indicating ""universal acclaim"".[59] Audiences polled by CinemaScore gave the film an average grade of ""A"" on an A+ to F scale.[60] The Reel Source forecasting service calculated that ""96–97%"" of audiences that attended recommended the film.[46]
 Kenneth Turan of the Los Angeles Times called it ""straight-arrow and subversive, [and] made with simplicity as well as sophistication,"" writing, ""it feels like a classic even though it's just out of the box.""[61] Roger Ebert of the Chicago Sun-Times gave the film 3.5 out of 4 stars, and compared it, both in story and animation, to the works of Japanese director Hayao Miyazaki: ""Like the new Japanese animated films, The Iron Giant is happy to be a 'real movie' in everything but live action. There are no cute little animals and not a single musical number: It's a story, plain and simple... It works as a lot of animation does, to make you forget from time to time that these are moving drawings, because the story and characters are so compelling."" He concluded that it was ""not just a cute romp but an involving story that has something to say.""[62] The New Yorker reviewer Michael Sragow dubbed it a ""modern fairy tale"", writing, ""The movie provides a master class in the use of scale and perspective—and in its power to open up a viewer's heart and mind.""[63] Time's Richard Schickel deemed it ""a smart live-and-let-live parable, full of glancing, acute observations on all kinds of big subjects—life, death, the military-industrial complex.""[64] Lawrence Van Gelder, writing for The New York Times, deemed it a ""smooth, skilled example of animated filmmaking.""[65] Joe Morgenstern of The Wall Street Journal felt it ""beautiful, oh so beautiful, as a work of coherent art"", noting, ""be assured that the film is, before anything else, deliciously funny and deeply affecting"".[66]
 Both Hollywood trade publications were positive: David Hunter of The Hollywood Reporter predicted it to be a sleeper hit and called it ""outstanding"",[67] while Lael Loewenstein of Variety called it ""a visually appealing, well-crafted film [...] an unalloyed success.""[68] Bruce Fretts of Entertainment Weekly commented, ""I have long thought that I was born without the gene that would allow me to be emotionally drawn in by drawings. That is, until I saw The Iron Giant.""[69] Peter Stack of the San Francisco Chronicle agreed that the storytelling was far superior to other animated films, and cited the characters as plausible and noted the richness of moral themes.[70] Jeff Millar of the Houston Chronicle agreed with the basic techniques as well, and concluded the voice cast excelled with a great script by Tim McCanlies.[71] The Washington Post's Stephen Hunter, while giving the film 4 out of 5 stars, opined, ""The movie — as beautifully drawn, as sleek and engaging as it is — has the annoyance of incredible smugness.""[72]
 The Iron Giant opened at Mann's Chinese Theater in Los Angeles on July 31, 1999, with a special ceremony preceding the screening in which a concrete slab bearing the title character's footprint was commemorated.[73] The film opened in Los Angeles and New York City on August 4, 1999,[47] with a wider national release occurring on August 6 in the United States. It opened in 2,179 theaters in the U.S., ranking at number nine at the box office accumulating $5.7 million over its opening weekend.[74] It was quick to drop out of the top ten; by its fourth week, it had accumulated only $18.9 million—far under its reported $50 million budget.[6][5][74] According to Dave McNary of the Los Angeles Daily News, ""Its weekend per-theater average was only $2,631, an average of $145 or perhaps 30 tickets per showing""—leading theater owners to quickly discard the film.[46] At the time, Warner Bros. was shaken by the resignations of executives Bob Daly and Terry Semel, making the failure much worse.[46] T.L. Stanley of Brandweek cited it as an example of how media tie-ins were now essential to guaranteeing a film's success.[6]
 The film went on to gross $23.2 million domestically and $8.1 million internationally for a total of $31.3 million worldwide.[37][5] Analysts deemed it a victim of poor timing and ""a severe miscalculation of how to attract an audience.""[46] Lorenzo di Bonaventura, president of Warner Bros. at the time, explained, ""People always say to me, 'Why don't you make smarter family movies?' The lesson is, Every time you do, you get slaughtered.""[75]
 
The Hugo Awards nominated The Iron Giant for Best Dramatic Presentation,[76] while the Science Fiction and Fantasy Writers of America honored Brad Bird and Tim McCanlies with the Nebula Award nomination.[77] The British Academy of Film and Television Arts gave the film a Children's Award as Best Feature Film.[78] In addition The Iron Giant won nine Annie Awards out of fifteen nominations, winning every category it was nominated for,[79] with another nomination for Best Home Video Release at The Saturn Awards.[80] IGN ranked The Iron Giant as the fifth favorite animated film of all time in a list published in 2010.[81] In 2008, the American Film Institute nominated The Iron Giant for its Top 10 Animated Films list.[82]
 The film has gathered a cult following since its original release.[44] In 2018, when questioned over social media if there was ever a possibility of a sequel, Bird stated that because the film was considered a financial failure, a sequel was not likely to ever happen, but he also stressed that he considered the story of The Iron Giant to be completely self-contained in the film and saw no need for extending the story.[83]
 The Cartoon Network series Mad, did a parody of the movie as well as the film The Iron Lady for their Season 3 premiere entitled The Iron Giant Lady. In the sketch, British prime minister Margaret Thatcher is the Giant and inspires other gynoids to take positions of political power.
 In the Season 7 episode of Futurama entitled ""Assie Come Home"", the Iron Giant's head can be seen in Yuri's chop-shop in Filthytown.
 The designers of the 2015 video game Ori and the Blind Forest were guided by inspirations from the film and Disney's The Lion King.[84]
 In the Lego Movie spin-off series Unikitty!, the episode entitled ""Kaiju Kitty"" references the film's climatic moment of the Giant being blown up by the missile.
 The Iron Giant appears in Steven Spielberg's 2018 science fiction film Ready Player One.[85][86] Aech had collected the parts of the Iron Giant, which she later controlled during the Battle of Castle Anorak, where he teams up with Gundam to fight Mechagodzilla. After the Iron Giant sacrifices itself and falls into a pool of lava, it gives a thumbs up to Wade and his crew while it sinks into the lava paying direct homage to the end of Terminator 2: Judgment Day when the T-800 gives the thumbs up to both John & Sarah Connor as it sacrifices itself into the molten steel.
 The Iron Giant appears in Malcolm D. Lee's 2021 basketball film Space Jam: A New Legacy.[87] He is among the characters in the Warner Bros. 3000 Entertainment Server-Verse that watches the basketball game between the Tune Squad and the Goon Squad. After the Tune Squad won the game, the Giant shared a fist bump with King Kong.
 The Iron Giant appears as a playable character in the fighting game MultiVersus on July 26, 2022, as a part of its ""open beta"".
 The Iron Giant appears in the Teen Titans Go! episode, ""Warner Bros. 100th Anniversary"". He is among the remains of Blockbuster Island.
 Beto Tlahuetl, director of the Mexican music band ""Grupo Soñador"", stated that he was inspired by the movie to write the song ""El Gigante de Hierro"" (The Iron Giant) after dreaming of the Giant dancing in Los Angeles streets. The lyrics emphasize the theme of never giving up on a daughter's love by being the biggest protector.[88]
 A remastered and extended cut of the film, named the Signature Edition, was shown in one-off screenings across the United States and Canada on September 30, 2015, and October 4, 2015.[89] The edition is approximately two minutes longer than the original cut, and features a brief scene with Annie and Dean in the cafe and the Giant's dream sequence.[90] Both scenes were storyboarded by Bird during the production on the original film, but could not be finished due to time and budget constraints. Before they were fully completed for this new version, they were presented as deleted storyboard sequences on the 2004 DVD bonus features.[89] They were animated in 2015 by Duncan Studio, which employed several animators that worked on the original film, under Bird's supervision.[89] The film's Signature Edition was released on DVD and for digital download on February 16, 2016,[12] with an official Blu-ray release of this cut following on September 6.[13] Along with the additional scenes, it also showcases abandoned ideas that were not initially used due to copyright reasons, specifically a nod to Disney via a Tomorrowland commercial, which was also a reference to his then-recently released film of the same name, and a reference regarding the film being shot with CinemaScope cameras.[16]
 On March 14, 2016, coinciding with the release of the Signature Edition, it was announced that The Art of the Iron Giant would be written by Ramin Zahed and published by Insight Editions, featuring concept art and other materials from the film.[91]",5959,"Main page; Contents; Current events; About Wikipedia; Help; Learn to edit; Community portal; Upload file; ; learn more; Article; Talk; Read; Read; Upload file; ; Bennerley Viaduct; ; Brad Bird; Tim McCanlies; The Iron Man; Ted Hughes; Allison Abbate; Des McAnuff; Jennifer Aniston; Harry Connick Jr.; Vin Diesel; James Gammon; Cloris Leachman; John Mahoney; Eli Marienthal; Christopher McDonald; M. Emmet Walsh; Darren T. Holmes; Michael Kamen; Warner Bros. Feature Animation; Warner Bros.; Mann's Chinese Theater; science fiction film; Warner Bros. Feature Animation; Warner Bros.; The Iron Man; Ted Hughes; Brad Bird; Allison Abbate; Des McAnuff; Tim McCanlies; Jennifer Aniston; Harry Connick Jr.; Vin Diesel; James Gammon; Cloris Leachman; John Mahoney; Eli Marienthal; Christopher McDonald; M. Emmet Walsh; Cold War; beatnik; musical; the Who; Pete Townshend; traditional animation; computer-generated imagery; Michael Kamen; Czech Philharmonic; Warner Bros. Feature Animation; Mann's Chinese Theater; Quest for Camelot; Annie Awards; home video; cult following; greatest animated films ever made; remastered; Cold War; Maine; robot; Superman; paranoid; U.S. government; beatnik; death; deer; U.S. Army; USS Nautilus; nuclear detonation; Langjökull; Iceland; ; Christopher McDonald; Brad Bird; Eli Marienthal; Eli Marienthal; Burne Hogarth; Jennifer Aniston; Harry Connick Jr.; beatnik; Beat Generation; Vin Diesel; James Gammon; Cloris Leachman; fourth grade; Christopher McDonald; John Mahoney; Washington, D.C.; M. Emmet Walsh; Ollie Johnston; Frank Thomas; Disney's Nine Old Men; The Iron Man; Ted Hughes; Sylvia Plath; Pete Townshend; concept album; The Iron Man: A Musical; Don Bluth; his studio; Ireland; London; Des McAnuff; Tommy; Warner Bros. Entertainment; Brad Bird; Turner Feature Animation; Turner Broadcasting; Time Warner; Warner Bros. Animation; Frieda Hughes; Tim McCanlies; Secondhand Lions; USSR; The Yearling; Family Dog; The Simpsons; Duck and Cover; Quest for Camelot; Disney; DreamWorks; Maine; animatics; Macromedia; Director; Adobe After Effects; computer-generated imagery; Joe Johnston; CalArts; Alias Systems Corporation; Maya; PowerAnimator; Pixar; RenderMan; Softimage 3D; Cambridge Animation's Animo; Toon Boom Technologies; Avid Elastic Reality; Adobe Photoshop; Norman Rockwell; Edward Hopper; N.C. 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Pictures; Warner Bros. Feature Animation; Michel Gagné; Outstanding Individual Achievement for Directing in an Animated Feature Production; Brad Bird; Outstanding Individual Achievement for Music in an Animated Feature Production; Michael Kamen; Mark Andrews; Outstanding Individual Achievement for Voice Acting in an Animated Feature Production; Eli Marienthal; Outstanding Individual Achievement for Writing in an Animated Feature Production; Tim McCanlies; BAFTA Children's Award; Best Feature Film; Florida Film Critics Circle; January 9, 2000; Best Animated Film; Hugo Award; Best Dramatic Presentation; Los Angeles Film Critics Association; January 20, 2000; Best Animated Film; New York Film Critics Circle; January 10, 2000; Best Animated Film; Saturn Awards; June 6, 2000; Science Fiction and Fantasy Writers of America; Best Script; Young Artist Awards; cult following; Cartoon Network; Mad; The Iron Lady; The Iron Giant Lady; Margaret Thatcher; gynoids; Season 7; Futurama; Assie Come Home; Ori and the Blind Forest; Disney; The Lion King; Lego Movie; Unikitty!; Steven Spielberg; Ready Player One; Gundam; Mechagodzilla; Terminator 2: Judgment Day; T-800; John; Sarah Connor; Malcolm D. 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Mia et le Migou,https://fr.wikipedia.org/wiki/Mia_et_le_Migou,"Pour plus de détails, voir Fiche technique et Distribution. modifier  Mia et le Migou est un film d'animation franco-italien réalisé par Jacques-Rémy Girerd, produit par le studio Folimage, et sorti en 2008.
 Après le décès de sa mère, Mia, une fillette de 10 ans, abandonne son village natal, quelque part dans un pays de misère, pour partir à la recherche de son père. Son voyage la conduit à faire une extraordinaire rencontre avec les Migous. Elle découvre peu à peu leur vie dans une vallée isolée, ainsi que l'arbre majestueux qu'ils surveillent. Mais le patron du père de Mia, qui est promoteur immobilier, est décidé à installer un hôtel dans la vallée.
 Le film rassemble 127 474 spectateurs en première semaine ; après un mois, il cumule 368 847 entrées, et dépasse les 400 000 entrées en cinquième semaine[1].",139,Accueil; Portails thématiques; Article au hasard; Contact; Débuter sur Wikipédia; Aide; Communauté; Modifications récentes; ; Rechercher; en savoir plus; Contributions; Discussion; Article; Discussion; Lire; Lire; Pages liées; Suivi des pages liées; Téléverser un fichier; Pages spéciales; Jacques-Rémy Girerd; Iouri Tcherenkov; Benoît Chieux; Folimage; ; France; ; Italie; Animation; aventures; 2008; ; film d'animation; franco; italien; Jacques-Rémy Girerd; Folimage; 2008; Jacques-Rémy Girerd; Antoine Lanciaux; Iouri Tcherenkov; Benoît Chieux; Serge Besset; Miou-Miou; Mickaël Furnon; Olivia Ruiz; ; France; ; Italie; français; animation; aventures; France; 9; décembre; 2008; Laurent Gamelon; Pierre Richard; Dany Boon; Yolande Moreau; Miou-Miou; Jean-Pierre Coffe; Jean-François Dérec; Romain Bouteille; Maïté; prix du cinéma européen; 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Film d'animation Folimage; Film mettant en scène une plante; Écologisme dans la fiction; Film se déroulant en Amérique,/static/images/icons/wikipedia.png; /static/images/mobile/copyright/wikipedia-wordmark-fr.svg; /static/images/mobile/copyright/wikipedia-tagline-fr.svg; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/c/c3/Flag_of_France.svg/20px-Flag_of_France.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/0/03/Flag_of_Italy.svg/20px-Flag_of_Italy.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/3/38/Info_Simple.svg/12px-Info_Simple.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/c/c3/Flag_of_France.svg/20px-Flag_of_France.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/0/03/Flag_of_Italy.svg/20px-Flag_of_Italy.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/7/73/Blue_pencil.svg/10px-Blue_pencil.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/7/73/Blue_pencil.svg/10px-Blue_pencil.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/f/fe/France_film_clapperboard.svg/23px-France_film_clapperboard.svg.png; 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The film is about a young girl's search for her father in a tropical paradise, threatened by the construction of a gigantic hotel resort. The English version stars the voices of Whoopi Goldberg, Matthew Modine, Wallace Shawn, James Woods, John DiMaggio, and Amanda Misquez.[2] The film won the European Film Award for Best Animated Feature at the 22nd European Film Awards.[3] The English version of the film was given a limited release in the United States on 27 March 2011 and opened to generally mixed critical reviews.
 At a remote construction site in Latin America, an American developer named Jekhide attempts to build a resort, however, the site is attacked by a mysterious force, causing several workers to get trapped underground. One of the worker's daughters Mia has a premonition. So after saying a few words of parting at her mother's grave, she sets out on a journey across mountains and jungles to search for her father. She goes to a witch who shows her the way and along the way she meets and befriends a tribe of giant ape-like creatures called the Migoos.
 This film opened in France on 10 December 2008. It later premiered at the New York International Children's Film Festival on 27 February 2009 and the U.S. premiere was held in New York City on 25 March 2011.
 The film was released on DVD by Entertainment One in North America on 7 August 2012.
 The English-language version of the film had a limited release on 22 April 2011, only earning $16,975.
 While the French release was received favorably, the U.S. version received generally mixed reviews, with criticism focused on the film's crude humor and dark elements, while some praise was focused on the animation. This film has a 38% rating on the film critics aggregate site Rotten Tomatoes, based on 16 reviews, with an average rating of 5.1/10.[4]
 Kyle Smith of the New York Post gave this film 1 out of 4 stars and said that Mia and the Migoo is far too childish to intrigue adults yet too slow and dull for kids.
 Shawn Levy of The Oregonian gave this film a C− and wrote, ""It's lovely, truly, but so heavy-handed and slipshod that it's probably best enjoyed with the sound off—an option they're not likely to offer at the movie theater"".[5]
 On the positive side, Manohla Dargis  of The New York Times gave this film 3 of 5 stars and said that ""trying to parse meaning in Mia is secondary to its main point, which is its look, created with 500,000 hand-drawn frames"".",457,Main page; Contents; Current events; About Wikipedia; Help; Learn to edit; Community portal; Upload file; ; learn more; Article; Talk; Read; Read; Upload file; ; Laurent Gamelon; Dany Boon; Yolande Moreau; Pierre Richard; Miou-Miou; Folimage; French; Italian; Folimage; Whoopi Goldberg; Matthew Modine; Wallace Shawn; James Woods; John DiMaggio; 22nd European Film Awards; Latin America; protagonist; Laurent Gamelon; John DiMaggio; antagonist; Antarctica; Dany Boon; Wallace Shawn; Yolande Moreau; Whoopi Goldberg; Pierre Richard; Jesse Corti; Matthew Modine; James Woods; Miou-Miou; Veronica Taylor; New York International Children's Film Festival; Entertainment One; crude humor; Rotten Tomatoes; New York Post; The Oregonian; The New York Times; Variety; Rotten Tomatoes; The Oregonian; IMDb; v; t; European Film Award for Best Animated Feature Film; The Illusionist; Chico and Rita; Alois Nebel; The Congress; The Art of Happiness; Song of the Sea; My Life as a Zucchini; Loving Vincent; Another Day of Life; Buñuel in the Labyrinth of the Turtles; Josep; Flee; No Dogs or Italians Allowed; Robot Dreams; Categories; 2008 films; 2008 animated films; European Film Awards winners (films); French animated feature films; 2000s French animated films; 2000s French-language films; Italian animated feature films; 2000s Italian-language films; Folimage films; Films directed by Jacques-Rémy Girerd; Articles with short description; Short description is different from Wikidata; Use mdy dates from January 2023; Template film date with 1 release date; Articles containing French-language text; Articles containing Italian-language text; Creative Commons Attribution-ShareAlike 4.0 License; About Wikipedia; Disclaimers,Categories; 2008 films; 2008 animated films; European Film Awards winners (films); French animated feature films; 2000s French animated films; 2000s French-language films; Italian animated feature films; 2000s Italian-language films; Folimage films; Films directed by Jacques-Rémy Girerd,/static/images/icons/wikipedia.png; /static/images/mobile/copyright/wikipedia-wordmark-en.svg; /static/images/mobile/copyright/wikipedia-tagline-en.svg; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/4/4a/Mia_and_the_Migoo%27s_poster.jpg/220px-Mia_and_the_Migoo%27s_poster.jpg; https://login.wikimedia.org/wiki/Special:CentralAutoLogin/start?type=1x1; /static/images/footer/wikimedia-button.svg; /w/resources/assets/poweredby_mediawiki.svg
"Les Enfants loups, Ame et Yuki","https://fr.wikipedia.org/wiki/Les_Enfants_loups,_Ame_et_Yuki","21 juillet 2012
 
 
 modifier  Les Enfants loups, Ame et Yuki (おおかみこどもの雨と雪, Ōkami kodomo no Ame to Yuki?) est un film d'animation japonais réalisé par Mamoru Hosoda et produit par le Studio Chizu, sorti au Japon le 21 juillet 2012. Il est sorti en France le 29 août 2012.
 Hana (花?, « Fleur »), étudiante de 19 ans, tombe amoureuse d'un étudiant solitaire qui en vient à partager ses sentiments. Il lui révèle un soir être « un Homme-loup », descendant des loups de Honshū, ce qu'Hana accepte sans difficultés. Durant deux ans, ils vivent ensemble paisiblement dans un appartement à Tokyo. Ils ont vite deux enfants : une fille, Yuki (雪?, « Neige ») puis un garçon, Ame (雨?, « Pluie »), qui sont hybrides comme leur père, moitié humains, moitié louveteaux. L’Homme-loup cache sa nature à tous les autres habitants de la ville et travaille comme chauffeur-livreur pour subvenir aux besoins de la famille. Mais un soir de pluie, il meurt accidentellement, renversé par un véhicule, peu après la naissance d’Ame.
 Hana est abattue par le chagrin et élève seule ses deux enfants. Grâce aux maigres économies que son compagnon lui a laissées, la famille reste dans la ville. Hana rencontre rapidement des difficultés croissantes à cacher son secret et à composer avec le voisinage. Ne pouvant recevoir aucune aide extérieure pour gérer sa famille hybride car ses enfants sont capables de changer d'apparence spontanément, sans contrôle, elle s’épuise rapidement. Mise à la porte de son logement (car des voisins se sont plaints d'avoir entendu des hurlements d'animaux, alors que les bêtes sont interdites dans les logements) , elle décide d'emménager à la campagne, près d'une haute montagne, dans une maison isolée et en ruine.
 Avec patience et application, Hana entreprend la restauration longue et pénible de sa maison. Les enfants sont très heureux de vivre à l'extérieur. Yuki se révèle être la plus vive et la plus volontaire, sportive, active et gloutonne, tandis qu'Ame est fragile, maladroit, réservé et a un appétit d'oiseau mais s'ouvre à la nature.
 Hana cherche à cultiver les terres qui l’entourent, mais son ignorance lui vaut plusieurs déconvenues. Peu à peu, ses voisins cultivateurs (qui ont vu beaucoup de citadins venir et repartir découragés), apprécient sa persévérance et lui viennent en aide en lui décrivant des techniques agricoles et de semailles. Cette entraide permet à la famille de vivre pendant quelques années en relative autarcie.
 Ame et Yuki profitent beaucoup du nouvel environnement paisible de la montagne, mais Ame reste assez renfermé et il est très sensible ; il paraît beaucoup souffrir de l'image négative des loups dans la société humaine.
 L'hiver, les enfants découvrent avec une grande joie la neige abondante. Avec leur mère, ils se lancent dans une course exaltée sur les pentes enneigées, mais la promenade manque de tourner à la tragédie lorsqu'Ame, qui s'est aventuré à l'écart sous sa forme de loup pour chasser un martin-pêcheur, tombe dans le torrent et manque de se noyer. Il est sauvé in extremis par Yuki. Le jeune garçon, loin d’être traumatisé, sort de l’incident avec un caractère plus affirmé.
 Au printemps suivant, Yuki qui a maintenant six ans insiste pour aller à l’école et rencontrer d’autres enfants. Hana finit par accepter et lui apprend une comptine pour lui permettre de rester concentrée afin de ne pas se transformer étourdiment.
 Intimidée le premier jour, la petite fille s’intègre rapidement et est appréciée par ses camarades. Peu après, lorsqu’elle s’aperçoit que ses goûts pour les reptiles ou les squelettes de petits animaux sont aux antipodes de ceux de ses amies qui aiment les fleurs et les bijoux, Yuki déprime et décide de davantage se rapprocher de sa nature humaine. Elle est aidée par sa mère qui lui coud une nouvelle robe.
 De son côté, Ame pousse sa mère à visiter un organisme de préservation de la nature qui possède un loup en cage ; elle tente de parler à celui-ci pour savoir comment élever Ame, mais ils apprennent avec déception que l’animal est né dans un zoo en Russie. Hana décide de travailler pour le centre, afin d’apprendre sur la nature et de gagner un peu d’argent.
 Lorsqu’il a à son tour six ans, Ame entre à l’école, mais avec beaucoup moins d’enthousiasme que Yuki. Il s'avère moins assidu et beaucoup plus intéressé par la réserve naturelle que par ses études et ses camarades de classe, avec lesquels il ne parvient pas à s’intégrer.
 Plusieurs années passent.
 Yuki a onze ans, et un nouvel élève, Sôhei, arrive dans sa classe. Il semble montrer de l’intérêt pour Yuki. Celle-ci est mortifiée lorsqu’il déclare « sentir une odeur de chien » près d'elle. Elle l’évite et ne veut ni se mettre près de lui, ni lui parler. Contrarié, Sôhei commence à la harceler et la poursuit dans la cour pour qu’elle lui explique les raisons de son inimitié. Il va jusqu'à la plaquer contre un mur. Paniquée et stressée, ne pouvant plus s'enfuir, Yuki se transforme partiellement et le griffe jusqu'au sang, à l'oreille, par légitime défense.
 Déprimée par l’inefficacité de sa comptine d’enfance, parce que l’événement est venu aux oreilles des autres enfants et que Sôhei a déclaré devant le proviseur que c’était un loup - et non elle - qui était responsable de son agression, la jeune fille se renferme sur elle-même et ne va plus à l’école durant plusieurs jours. Loin d’être rebuté par l’incident, Sôhei dépose devant sa maison des polycopiés et des cadeaux, puis discute avec Hana. La mère cherche à comprendre ce que l'élève peut ressentir auprès des animaux sauvages, et la réponse est respectueuse, ce qui pousse Yuki à retourner étudier.
 Ame a dix ans et va de moins en moins à l’école ; il passe ses journées à parcourir les montagnes alentour sous sa forme de loup et s’est rapproché du « Maître », un vieux renard qui lui fait découvrir les secrets des environs. Les relations entre le frère et la sœur se dégradent. Chacun ne semble ne pas comprendre la voie que l’autre suit. Le tout aboutit à une spectaculaire dispute durant laquelle ils se poursuivent dans la maison et se battent jusqu’au sang sous leur forme de loup devant leur mère impuissante ; mais Ame a désormais le dessus sur Yuki. La jeune fille va se réfugier en pleurant dans la salle de bain.
 L’été suivant, des pluies torrentielles de mousson dévastent la région. Ame s’inquiète pour le Maître. La montagne subit aussi plusieurs glissements de terrain, ce qui est un danger pour la faune et la flore. Ame en parle à sa mère.
 Terrorisée à l’idée que son fils de seulement dix ans parte ainsi dans la montagne, Hana l’implore de ne plus y retourner. Son fils accepte la requête de sa mère, par respect pour elle, comprenant qu'elle craint légitimement pour sa vie.
 Un jour, pressentant un ouragan, Ame conseille en vain à Yuki de ne pas aller à l’école. En début d’après-midi, les parents sont appelés à venir chercher leurs enfants et Hana s’apprête à partir. Elle remarque que Ame, trop inquiet pour la montagne, a disparu de sa vue. Dévorée par l’inquiétude, Hana part à sa poursuite dans les sentiers boueux, sous la pluie. Elle finit par faire une chute qui la laisse à demi-inconsciente.
 Pendant ce temps, au gymnase, alors que les derniers enfants ont été raccompagnés par les professeurs, Yuki et Sôhei se cachent pour rester dans les lieux. Poussée par Sôhei qui garde le courage bien que sa mère qui vient de se remarier soit tombée enceinte et le renie, Yuki lui révèle sa nature hybride et lui explique ce qui s'est réellement passé le jour où elle l'a griffé. Sôhei lui répond qu’il le savait et n’a jamais trahi son secret.
 Hana est restée au sol dans la forêt jusqu’à la nuit tombante, désespérée de ne pas pouvoir protéger son fils qu’elle pense perdu et apeuré. Hana revoit en rêve l’Homme-loup qui lui déclare être toujours resté auprès d’elle et être fier de la manière dont elle a élevé leurs enfants. Il la rassure pour Ame, qui est déjà presque un adulte (en termes de loup).
 Au petit matin, Ame la retrouve et la porte pour la ramener. Il dépose sa mère sur le parking avant de repartir vers la montagne. Hana reprend ses esprits et voit que son fils a maintenant la forme d’un loup adulte. Elle le supplie de rester, mais Ame file dans la montagne et monte jusqu’à un sommet. Alors que le soleil apparaît dans les cieux, il pousse un hurlement lupin qui résonne dans toute la montagne. Hana comprend que c’est ainsi qu’il est heureux. Elle retrouve le sourire et lui prodigue des paroles d’encouragement.
 L’année suivante, Yuki part au collège dans un pensionnat. Ame vit dorénavant en loup, comme nouveau Maître des montagnes alentour. Hana a trouvé la sérénité, heureuse que ses enfants aient chacun trouvé leur voie.
 Elle reste en contact écrit avec sa fille qui est restée dans le monde des humains et reste en contact avec son fils par l’entremise des hurlements que le vent lui apporte de la montagne.
 La musique originale des Enfants loups est composée par Takagi Masakatsu. La chanson du générique de fin est interprétée par Ann Sally sur des paroles écrites par Mamoru Hosoda. La bande originale du film est éditée au Japon par VAP sous deux formes : la bande originale complète et un single comprenant la chanson du générique de fin dans sa version chantée et dans sa version instrumentale[3]. L'album est également disponible sur l'iTunes Store français.
 À sa sortie en France, le 29 août 2012, le film reçoit un excellent accueil de la part de la critique. En août 2014, le site agrégateur de critiques Allociné conférait une note moyenne de 4,1 sur 5 au film, sur la base de 22 critiques parues dans la presse[4]. Le film est d'ailleurs classé 22e dans la liste des meilleurs films de tous les temps selon les spectateurs sur AlloCiné[5].
 Le film est diffusé en avant-première mondiale à Paris le 25 juin 2012 à l'UGC Ciné Cité Les Halles en présence de Mamoru Hosoda et de la seiyuu Aoi Miyazaki[6].
 Au Japon, le film sort en salles le 21 juillet 2012[7], exploité sur 381 copies. Il rapporte plus de 4,5 millions de dollars en première semaine, en cumule plus de 27 millions au bout d'un mois, et dépasse les 49 millions de dollars en huitième semaine[8].
 En France, il sort en salles le 29 août 2012[7]. Exploité au départ sur 49 copies (un nombre très restreint)[9], il rassemble 36 672 entrées en première semaine[10]. Le film a assez de succès pour voir augmenter son nombre de copies exploitées, qui atteint 110 début octobre (chiffre encore modeste mais doublé par rapport à la distribution de première semaine) ; toujours début octobre, le film dépasse les 100 000 entrées, ce qui constitue un bon score par rapport au nombre de copies exploitées[11]. En dix semaines, le film dépasse les 150 000 entrées[12].
 En octobre 2013, le film cumule plus de 200 000 entrées ce qui représente le plus beau succès du réalisateur sur le territoire français, et reste comme l'un des plus beaux succès du cinéma indépendant sur l'année 2012 avec une participation à la très sélective semaine Télérama.
 Le film a été adapté en un manga dessiné par Yū, publiée dans le magazine Young Ace entre avril 2012 et août 2013, et compilée en un total de trois tomes[14]. Comme le film, la version française est éditée par Kazé[15]. Le manga reçoit le prix du seinen de l'année 2013 par le site Manganews. Un roman est également sorti le 1er août 2012[16] ainsi qu'un artbook sorti le 25 août 2012[17].",1957,"Accueil; Portails thématiques; Article au hasard; Contact; Débuter sur Wikipédia; Aide; Communauté; Modifications récentes; ; Rechercher; en savoir plus; Contributions; Discussion; Article; Discussion; Lire; Lire; Pages liées; Suivi des pages liées; Téléverser un fichier; Pages spéciales; ; Animation; fantastique; Film d'animation; Mamoru Hosoda; Mamoru Hosoda; Studio Chizu; Takagi Masakatsu; Kazé; 21; juillet; 2012; Manga; Seinen; Kadokawa Shoten; Kazé; ; Young Ace; Volumes; ; ?; film d'animation; japonais; Mamoru Hosoda; Studio Chizu; 21; juillet; 2012; France; 29; août; 2012; ?; loups de Honshū; Tokyo; ?; ?; légitime défense; Kitsune; ; Mamoru Hosoda; Takagi Masakatsu; NTV; Madhouse; Kadokawa Shoten; Toho; ; Japon; japonais; Japon; 21; juillet; 2012; France; 25; juin; 2012; avant-première; 29; août; 2012; Suisse; 31; octobre; 2012; DVD; Blu-Ray; Japon; France; Aoi Miyazaki; Haru Kuroki; 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/static/images/footer/wikimedia-button.svg; /w/resources/assets/poweredby_mediawiki.svg,https://en.wikipedia.org/wiki/Wolf_Children,Wolf Children,https://en.wikipedia.org/wiki/Wolf_Children,"Wolf Children (Japanese: おおかみこどもの雨と雪, Hepburn: Ōkami Kodomo no Ame to Yuki, lit. 'Wolf Children: Ame and Yuki') is a 2012 Japanese animated fantasy drama film directed and co-written by Mamoru Hosoda.[2][3] The second original feature film directed by Hosoda and the first work written by him, the film stars the voices of Aoi Miyazaki, Takao Osawa, and Haru Kuroki. The story's central theme is ""parent and child"",[4] depicting 13 years in the life of a young woman, Hana, who falls in love with a werewolf while in college, and following his death must raise the resulting half-wolf half-human children, Ame and Yuki, who grow and find their own paths in life.
 Hosoda established Studio Chizu for production. Yoshiyuki Sadamoto, of Nadia: The Secret of Blue Water (1990) and Neon Genesis Evangelion (1995), designed the characters. Wolf Children had its world premiere in Paris on June 25, 2012, and was released theatrically on July 21, 2012, in Japan.[5] Funimation licenses the film for North America[6] and Manga Entertainment handles UK rights.
 In Tokyo, Hana falls in love with an enigmatic man during her second year of college, who eventually reveals himself to be a wolf man. They later have two children, a daughter named Yuki (Snow) and a son named Ame (Rain). Their father is killed in an accident while hunting for food shortly after Ame's birth.
 Hana's life as a single mother is difficult; she has to hide the children as they constantly switch between their human and wolf forms, and they often get into fights. After she receives noise complaints and a visit from social services who are concerned that the children have not had vaccinations, Hana moves the family to the countryside away from prying neighbors. She works hard to repair a dilapidated house, but struggles to sustain the family on their own crops. With help from a strict old man named Nirasaki, she learns to farm sufficiently and befriends some of the locals.
 One day, Ame almost drowns in a river while trying to hunt a kingfisher. Yuki rescues him, and Ame becomes more confident in his wolf abilities. Yuki begs her mother to enroll her in a public school, and Hana accepts on the condition that Yuki keeps her wolf nature secret. Yuki soon makes friends at school while Ame is bullied by his school peers. Meanwhile, Ame often skips school and becomes more interested in the forest and takes lessons from an elderly fox about survival in the wild.
 In fourth grade, Yuki's class receives a new transfer student, Sōhei, who realizes something is unusual about her. When he pursues the matter by cornering her, Yuki gets increasingly angry, leading her to transform into a wolf and inadvertently injuring his ear. At the meeting with their parents and teachers, Sōhei claims a wolf attacked him, absolving Yuki of the blame, and the two become friends.
Yuki chastises Ame for not going to school. When he refuses, they get into a physical fight.
 Two years later, the elementary school is let out early due to treacherous weather. As Hana is about to leave to retrieve her, Ame disappears into the forest to help his dying fox teacher, and Hana follows him. Yuki and Sōhei are left alone at school. Yuki reveals her ability to Sōhei and confesses that it was really her who attacked him. He tells her he already knew, and promises to keep her secret.
 While searching for Ame, Hana slips and falls off a cliff. She sees a vision of the children's father telling her that Yuki and Ame will find their own paths in life, and that she raised them well. Ame finds Hana and carries her to safety. She awakens to see him fully transform into an adult wolf and run off into the mountains. Realizing he has found his own path, she happily but tearfully accepts his goodbye.
 One year later, Yuki leaves home to move into a middle school dormitory. Ame's wolf howls are heard far and wide in the forest. Hana, now living alone, reflects that raising her wolf children was like a fairy tale, and feels proud of the way she raised them.
 One of Hosoda's motivations for working on this film was that people around him had started raising children, and he ""saw them shining as they became parents."" In an interview with Anime! Anime! in February 2013, Hosoda explained why he chose the setting of Wolf Children despite the fact that it is a story about raising a child: ""It is generally taken for granted that children are raised and then grow up. But for the actual people involved, it is not natural at all. In order for the audience to share this feeling, I thought it would be good if we all shared an experience that no one else had (raising a werewolf child).""[7]
 In an interview with Famitsu, Hosoda said, ""I used to take it for granted that people would have children. However, after getting married, I began to realize that raising children in the city is a hardship in terms of the environment, such as public support, and that living in the countryside is not necessarily easy, and that there is a hardship of not having anyone of the same age. I wanted to make a film about such endurance."" Human parenting cannot be done in complete isolation, and the reason for choosing wolves as the material for the project was that ""wolves are very family-oriented, and they are disciplined animals that have a leader who leads the pack and lives with the whole group in mind.""[8]
 The setting of the early part of the story, ""a national university on the outskirts of Tokyo,"" is modeled after Hitotsubashi University in Kunitachi, Tokyo.[9][10] In addition, the countryside where Hana moves to is modeled after the undeveloped woodland in Toyama Prefecture. The backdrop of the film depicts the landscape of Nakaniikawa District's Kamiichi, Hosoda's hometown, and the neighboring town of Tateyama, and it was divulged that the former mayor of Kamiichi, Naoshi Itō, approached Hosoda to ""make a film based on the town"". The old house that served as the model for Hana's house was a private home owned by Masao Yamazaki, who lived in Kamiichi. In 2007, five years before the movie was released, Yamazaki passed away, and the house was considered for demolition, but it was chosen as the model for Hana's house, and after the movie became a big hit, it was opened to the public by the owners (relatives of Yamazaki) and volunteers (as of 2015).[11] The elementary school that Ame and Yuki attended was modeled after Tanaka Elementary School (only the gymnasium is still in existence). The yakitori with sauce that appears in the film is oidare yakitori, a local dish from Ueda, Nagano, where Hosoda's wife's parents live.
 At a press conference held on June 18, 2012, the director Mamoru Hosoda announced that Wolf Children would be released in 34 countries and territories.[12] This film's premiere was in France on June 25, 2012, marking its international debut.[13]
 It was subsequently released in Japan on July 21, 2012.[13] The film's Blu-ray and DVD release date for Japan was February 20, 2013. The film had a limited release in the United States on September 27, 2013.[14]
 Wolf Children was screened at Animefest 2013 in May in the Czech Republic[15] and at Animafest Zagreb 2013 in June in Croatia.[16]
 In addition to the film, two novelizations and a manga written by Hosoda (with art by Yū (優)) were released by Kadokawa Shoten.[17] The manga was translated into English by Yen Press and was nominated for the Best U.S. Edition of International Material—Asia category at the 2015 Eisner Awards.[18] As tie-ins to the film, a film picture book, an art book, and a storyboard book were released from Kadokawa, Media Pal, and Pia.
 Wolf Children was the second-highest-grossing film in Japan on its debut weekend of July 21–22, 2012, beating Pixar's animation Brave, which debuted in Japan on the same weekend.[23] It attracted an audience of 276,326 throughout the weekend, grossing 365.14 million yen.[23] The film subsequently surpassed Hosoda's previous work Summer Wars' gross of around 1.6 billion yen during the weekend of August 12–13, 2012.[24] In total, Wolf Children grossed 4.2 billion yen, making it the fifth-highest-grossing movie in Japan in 2012.[25]
 The review aggregator website Rotten Tomatoes reports that 95% of critics have given the film a positive review based on 19 reviews, with an average rating of 8.5/10.[26] On Metacritic, the film has a weighted average score of 76 out of 100 based on 8 critics, signifying ""generally favorable reviews"".[27]
 Mark Schilling of The Japan Times gave the film three out of five stars and wrote that ""The Miyazaki influence on Hosoda's own work seems obvious, from his cute-but-realistic style to his concern with pressing social issues and the messy emotions of actual human beings"". He felt the film was ""on the conventional and predictable side ... appealing to Jane Eyre fans in one scene, Call of the Wild fans in the next"" and criticized its ""well-worn, stereotypical rails"".[28]
 Thomas Sotinel of Le Monde gave the film five out of five stars.[29] Dave Chua of Mypaper also praised the film's ""magnificent understated eye for detail, from the grain of wood on doors to the lovingly captured forest scenes, that help lift the movie above regular animation fare"".[30] Chris Michael of The Guardian gave the film four out of five, writing that ""telling the story through the eyes of the harried, bereaved but indomitable mother gives this calm, funny, only occasionally schmaltzy family film a maturity Twilight never reached"".[31] Kenneth Turan of the Los Angeles Times described it as ""an odd story, told in a one-of-a-kind style that feels equal parts sentimental, somber and strange"", and felt the English language performances were inappropriately sweet and simplistic.[32] Steven D. Greydanus, writing in the National Catholic Register, named the film a runner-up in its list of the best films of 2013, writing: ""Despite brief early problematic content and an ambiguous climactic letdown, the main story is magic"".[33]
 Wolf Children won the 2013 Japan Academy Prize for Animation of the Year,[34] the 2012 Mainichi Film Award for Best Animation Film,[35] and the 2013 Animation of the Year award at TAF.[36] It won two awards at the Oslo Films from the South festival in Norway: the main award, the Silver Mirror, and the audience award.[37] It won an Audience Award at 2013 New York International Children's Film Festival[38] and the 2014 Best Anime Disc award from Home Media Magazine.[39]",1765,"Main page; Contents; Current events; About Wikipedia; Help; Learn to edit; Community portal; Upload file; ; learn more; Article; Talk; Read; Read; Upload file; ; Kanji; Revised Hepburn; Mamoru Hosoda; Satoko Okudera; Yuichiro Saito; Aoi Miyazaki; Takao Osawa; Masakatsu Takagi; Studio Chizu; Toho; Japanese; Hepburn; lit.; Japanese animated; fantasy; drama film; Mamoru Hosoda; Aoi Miyazaki; Takao Osawa; Haru Kuroki; Studio Chizu; Yoshiyuki Sadamoto; Nadia: The Secret of Blue Water; Neon Genesis Evangelion; world premiere; Funimation; kingfisher; Aoi Miyazaki; Colleen Clinkenbeard; Takao Osawa; David Matranga; Haru Kuroki; Jad Saxton; Micah Solusod; Alison Viktorin; Jason Liebrecht; Megumi Hayashibara; Lydia Mackay; Bunta Sugawara; Wendy Powell; Shota Sometani; Sonny Strait; Tadashi Nakamura; R. 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Miller; Famitsu; ; Hitotsubashi University; Hitotsubashi University; Kunitachi, Tokyo; Toyama Prefecture; Nakaniikawa District; Kamiichi; Tateyama; yakitori; Ueda, Nagano; Animefest; Czech Republic; Animafest Zagreb; Croatia; Kadokawa Shoten; Yen Press; Best U.S. Edition of International Material—Asia; Eisner Awards; storyboard; ISBN; ISBN; ISBN; ISBN; ISBN; ISBN; Pixar; Brave; yen; Summer Wars; review aggregator; Metacritic; The Japan Times; Miyazaki; Jane Eyre; Call of the Wild; Le Monde; Mypaper; The Guardian; Twilight; Kenneth Turan; Los Angeles Times; National Catholic Register; Japan Academy Prize for Animation of the Year; Mainichi Film Award for Best Animation Film; Animation of the Year; TAF; Oslo Films from the South; Norway; New York International Children's Film Festival; Home Media Magazine; Box Office Mojo; Anime News Network; Anime News Network; Anime News Network; Anime News Network; Animefest; Animafest Zagreb; Kadokawa Shoten; Yen Press; Kadokawa Shoten; Yen Press; Rotten Tomatoes; Fandango; Metacritic; CBS Interactive; The Japan Times; Le Monde; AsiaOne; The Guardian; Los Angeles Times; National Catholic Register; Japan Academy Prize; Wayback Machine; Films from the South; New York International Children's Film Festival; Anime News Network; Anime News Network; IMDb; v; t; Mamoru Hosoda; Digimon: The Movie; One Piece: Baron Omatsuri and the Secret Island; The Girl Who Leapt Through Time; Summer Wars; The Boy and the Beast; Mirai; Belle; Digimon Adventure; Digimon Adventure: Our War Game!; Ojamajo Doremi Dokkān; Ashita no Nadja; Studio Chizu; v; t; Studio Chizu; The Boy and the Beast; Mirai; Belle; Mamoru Hosoda; v; t; Japan Academy Film Prize for Animation of the Year; The Girl Who Leapt Through Time; Tekkon Kinkreet; Ponyo; Summer Wars; The Secret World of Arrietty; From Up on Poppy Hill; The Wind Rises; Stand by Me Doraemon; The Boy and the Beast; In This Corner of the World; Night Is Short, Walk On Girl; Mirai; Weathering with You; Demon Slayer: Kimetsu no Yaiba – The Movie: Mugen Train; Evangelion: 3.0+1.0 Thrice Upon a Time; The First Slam Dunk; The Boy and the Heron; v; t; Mainichi Film Award for Best Animation Film; Kiki's Delivery Service; White Wolf; Roujin Z; Porco Rosso; Patlabor 2: The Movie; Pom Poko; Junkers Come Here; Black Jack; Princess Mononoke; Doraemon: Nobita's South Sea Adventure; Jin-Roh: The Wolf Brigade; Doraemon: A Grandmother's Recollections; Spirited Away; Crayon Shin-chan: Fierceness That Invites Storm! 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Ponyo sur la falaise,https://fr.wikipedia.org/wiki/Ponyo_sur_la_falaise,"19 juillet 2008
 
 modifier  Ponyo sur la falaise (崖の上のポニョ, Gake no ue no Ponyo?) est un film d'animation japonais du studio Ghibli, écrit et réalisé par Hayao Miyazaki et sorti en 2008. C'est le neuvième film que Miyazaki réalise au sein du studio Ghibli.
 Fujimoto, un sorcier qui a abandonné le monde des humains pour vivre au fond des océans, fait des expériences avec l’« eau de vie », un liquide qui renforce la faune marine ; il espère ainsi un jour bouleverser l’équilibre écologique et voir la mer, maltraitée par les hommes, reprendre sa prééminence. L’aînée de ses filles, Brunehilde, petit poisson rouge de cinq ans à visage humain, profite d’un moment d’inattention de son père pour se glisser à travers un hublot du sous-marin et rejoindre la surface, sous l’ombrelle protectrice d’une méduse. Alors qu’elle découvre émerveillée la nature terrestre, elle voit au loin Sôsuké, un petit garçon de son âge vivant dans une maison sur une falaise, descendre dans la calanque avec son bateau jouet. Soudain, elle est surprise par un chalutier, dont le filet charrie une grande quantité d’ordures, et se retrouve coincée dans un pot de verre.
 Alors qu’il arrive près de l’eau, Sôsuké remarque le pot et se blesse au doigt en le brisant pour libérer son occupante, qui lèche le sang perlant de la coupure. Le petit garçon, appelé par sa mère, Lisa, remonte vers sa maison, tandis que des yōkai marins en forme de vagues, au service de Fujimoto, tentent en vain de récupérer Brunehilde. Sôsuké remplit un seau d’eau et y met sa trouvaille, qui lui crache un jet d’eau à la figure ; heureux de voir qu’elle est encore vivante, le garçonnet décide de la protéger, et l’emporte avec lui dans la voiture, où sa mère l’attend pour aller à la maternelle. Durant le trajet, il remarque que sa coupure a disparu, et décide d’appeler sa nouvelle amie Ponyo ; il tente de lui donner du pain de son sandwich, mais cette dernière préfère voler le jambon, qu’elle dévore goulument. Fujimoto, très ennuyé que sa fille ait été enlevée par un humain, tente de suivre la voiture le long de la côte, mais est confronté aux ordures qui jonchent la mer à proximité du port.
 Sôsuké et Lisa arrivent à la maison de retraite des Tournesols, qui jouxte le jardin d’enfants. Le garçonnet cache le seau sous un buisson et va saluer sa maîtresse ; ses petites camarades tentent de l’entraîner pour aller jouer, mais il préfère retourner voir sa protégée le plus vite possible. Surpris par Kumiko, une petite fille qui semble lui porter beaucoup d’attentions, Sôsuké lui montre le contenu du seau, mais la fillette se moque de Ponyo, qui l’arrose. Le petit garçon fuit alors les pleurs de sa camarade avec son seau, du côté de l’hospice où travaille sa mère ; il montre son amie aux vieilles dames en fauteuil roulant, Yoshi et Noriko qui attendent toujours avec impatience les visites du garçonnet qui égaient leur quotidien monotone, et Toki, qui est terrifiée par le poisson à visage humain qui annoncerait selon elle un tsunami. Ponyo arrose la vieille dame, dont les cris font fuir à nouveau Sôsuké, qui se réfugie sous la digue du port. Alors que la petite créature se met à parler, disant son nom, celui de son ami et le mot « aime » (好き, suki?), Fujimoto profite du fait que le petit garçon soit isolé et à proximité de la mer pour envoyer ses esprits marins le submerger et récupérer sa fille. Désespéré, le garçonnet se précipite dans la mer à la recherche de son amie au risque de se noyer, et est récupéré en larmes par sa mère.
 De retour à la maison, Sôsuké est très abattu ; le soir venu, il guette le Koganei Maru, cargo sur lequel son père est capitaine, pour échanger avec lui des signaux lumineux en morse. Kôichi aurait dû être de passage pour le dîner, mais n'a finalement pas pu venir, provoquant la colère et le chagrin de Lisa, que le petit garçon console. Dans sa demeure, creusée dans un rocher au fond de l’océan, Fujimoto fait la leçon à Brunehilde, mais cette dernière lui déclare qu’elle s’appelle « Ponyo », et veut devenir humaine pour retrouver Sôsuké. Alors que son père lui brosse un portrait peu flatteur des hommes, qui polluent les océans, elle persiste à souhaiter avoir des mains et des pieds, et prend une forme hybride en se faisant pousser des bras et des jambes à trois doigts. Fujimoto comprend alors qu’elle a ingéré du sang humain, et utilise son pouvoir pour la ramener à sa forme initiale.
 Alors que le sorcier sort, Ponyo est libérée par ses sœurs de la bulle où elle était maintenue prisonnière, et fait repousser ses membres. Décidant de partir à la recherche de son ami, elle submerge le repaire de Fujimoto et libère l’énergie du puits d’eau de vie, ce qui lui permet d’achever sa transformation en petite fille. Chevauchant un banc de poissons, elle jaillit à la surface, provoquant un typhon, qui manque de faire chavirer le Koganei Maru. Au Tournesols, Sôsuké dit au revoir à sa maîtresse et rejoint sa mère à l’hospice, où il offre des origamis aux vieilles dames. Lisa l’emmène en voiture, et ils partent sous la pluie battante, mais le trajet se transforme en une course contre la mer démontée, sur laquelle le garçonnet voit une petite fille courir. Alors qu’ils se garent chez eux, Ponyo surgit des vagues et se jette dans les bras de Sôsuké ; celui-ci ne reconnaît pas son amie au premier abord, mais finit par comprendre qui elle est. Lisa coupe court aux retrouvailles pour emmener les deux enfants à l’abri dans la maison. Après les avoir séchés et nourris, la jeune femme, qui s’inquiète pour les occupants des Tournesols, profite d’une accalmie provoquée par l’assoupissement de Ponyo pour retourner à l’hospice, laissant Sôsuké garder la maison.
 Au large, durant la nuit, le Koganei Maru est en perdition, les marins voyant au loin les lumières de tous les autres navires en panne également ; soudain, Gran Mamare, divinité de la mer et mère de Brunehilde, passe à la surface de l’eau, et les turbines se remettent en route. Fujimoto tente de s’approcher de la maison où Sôsuké et Ponyo dorment, mais est repoussé par un sortilège d’exclusion posé par sa fille, qu’il ne peut qu’apercevoir par la fenêtre ; la divinité de la mer arrive, et s’entretient avec le sorcier. Celui-ci est terrifié par les événements provoqués par Brunehilde, devenue humaine : la mer est revenue à l’époque du Dévonien (deux Dunkleosteus apparaissent dans un court passage), la lune se rapproche de la Terre, et les satellites artificiels commencent à tomber, pour se consumer dans l’atmosphère, mais Gran Mamare le rassure en lui rappelant la magie ancienne selon laquelle une sirène peut perdre ses pouvoirs et devenir une femme, si le cœur de l’homme qu’elle aime ne faiblit pas ; dans le cas contraire, elle est transformée en écume.
 Le lendemain, les deux enfants se réveillent ; le niveau de la mer, qui foisonne de poissons disparus depuis des centaines de millions d’années, est monté jusqu’au seuil de la maison. Avec ses pouvoirs, Ponyo élargit le bateau jouet de Sôsuké, et les deux enfants montent à bord avec des provisions ; mettant en route le moteur pop-pop, ils suivent la route submergée. Croisant un couple avec leur bébé sur une barque, ils leur offrent de la soupe et des sandwichs et récupèrent une bougie de rechange ; ils voient ensuite tous les gens du village passer sur une file de bateaux à rames, mais personne n’ayant vu Lisa, ils poursuivent leur route. Lorsque la bougie initiale finit de se consumer, Sôsuké demande à Ponyo d’agrandir la nouvelle, mais la petite fille tombe de sommeil ; le garçonnet se met donc à l’eau pour pousser le bateau à la nage. Ils finissent par arriver à un endroit où la route émerge, alors que le bateau jouet reprend sa taille normale, et le garçon affolé retrouve la voiture de Lisa sans son occupante. Le prenant par la main, son amie lui redonne du courage, et ils poursuivent leur route à pied.
 Aux Tournesols, les habitations submergées sont protégées par une énorme bulle, et Lisa discute en privé avec Gran Mamare. Fujimoto rassemble les vieilles dames, qui ont retrouvé l’usage de leurs jambes, pour les prévenir que Sôsuké et Ponyo sont en route et qu’elles vont être les témoins de leur épreuve. Suivant la route, les deux enfants arrivent à l’entrée d’un tunnel, et alors qu’ils le traversent, la petite fille reprend sa forme de poisson, ne donnant plus signe de vie. Le garçonnet, affolé, la remet dans son seau et tente de lui faire reprendre conscience, lorsque Fujimoto apparaît et lui dit de la laisser dormir et de l’accompagner pour retrouver Lisa et les vieilles dames. Alors que Sôsuké ne lui fait pas confiance, et tente de rejoindre la vieille Toki qui n’a pas voulu le croire non plus, le sorcier envoie ses esprits marins pour les submerger, et les convoie jusqu’aux Tournesols, où le petit garçon s’entretient avec Gran Mamare. Alors qu’il affirme accepter son amie telle qu’elle est et l’aimer quelle que soit sa forme, et que cette dernière accepte de renoncer à ses pouvoirs pour grandir et vivre auprès de son ami, les réactions en chaîne cataclysmiques s’interrompent, et tout le monde est ramené à la surface. Tandis que Fujimoto s’excuse et serre la main de Sôsuké, Ponyo saute du seau et embrasse son ami, reprenant sa forme de petite fille ; les bateaux des marins, dont celui de Kôichi, et les barques des gens du village accostent, et tout le monde se retrouve.
 Le travail sur le film démarre en 2006. Son style s'inspire beaucoup des aquarelles, une première pour un film de Miyazaki. C'est le deuxième film du studio Ghibli à utiliser des aquarelles après Mes voisins les Yamada (1999) d'Isao Takahata. Miyazaki a préféré dessiner la mer et les vagues lui-même et a apprécié d'expérimenter la façon d'exprimer cette partie importante du film. Ce niveau de détail est le résultat de 170 000 images différentes, un record pour un film de Miyazaki.
 Le village côtier où l'histoire prend place est inspiré de Tomonoura, un port de la ville de Fukuyama (préfecture de Hiroshima), situé dans le parc national de Setonaikai au Japon, où Miyazaki a séjourné en 2005[1].
 Le personnage de Sôsuké est fondé sur le fils de Miyazaki, Gorō, lorsqu'il avait cinq ans[2]. Le nom de Sôsuké vient du héros de La Porte (門, Mon?), une nouvelle de 1910 de Natsume Sōseki[1]. La vieille femme amère de la maison de retraite, Toki, est inspirée de la mère de Miyazaki qui avoue avoir pensé à ce qu'il lui dirait quand il la rejoindra.
 Le nom du bateau sur lequel le père de Sôsuké travaille est Koganeimaru (小金井丸?), une référence à l'emplacement des studios Ghibli à Koganei, Tokyo[1]. Maru (丸?) est un nom fréquent pour les noms de bateaux au Japon, signifiant littéralement « cercle ».
 Si Ponyo, créature marine désirant la terre, rappelle évidemment le personnage éponyme du conte La Petite Sirène (1837) d'Andersen[3], Fujimoto, génie misanthrope sous-marin, emprunte sans doute au capitaine Nemo de Jules Verne[4].
 La chanson du film est également un succès : 1,5 million de téléchargements sur téléphone mobile, et 350 000 CD vendus au 20 août 2008[5].
 Elle est interprétée par une actrice de 9 ans, Nozomi Ōhashi, et par le duo de musique folk Fujioka Fujimaki, composé de Takaaki Fujioka, producteur de musique freelance, et Naoya Fujimaki, salaryman travaillant chez Hakuhodo, une agence de publicité japonaise en relation avec le studio Ghibli. Le producteur du film Toshio Suzuki a choisi ces artistes alors peu connus pour donner une image réaliste de ce dialogue chanté entre un père et sa fille[6].
 Le morceau qui accompagne la scène du tsunami, qui voit Ponyo courir sur les vagues, est inspiré de la Chevauchée des Walkyries de Richard Wagner, référence renforcée par le nom de baptême de Ponyo, Brunehilde, l'une des walkyries de L'Anneau du Nibelung.
 La reine Silvia de Suède a vu le film avec Miyazaki dans une avant-première privée le 3 mars 2007, lors de son voyage au Japon avec le roi Charles XVI Gustave. L'avant-première eut lieu sur une falaise près de Tokyo[7].
 Un mois après sa sortie, le film a été vu par 8,43 millions de personnes au Japon, engrangeant plus de 10 milliards de yens de recettes[5].
 Entrées :
 Total : 16 250 785 entrées
 En France, le film est présenté en avant-première au Festival international de la bande dessinée d'Angoulême en janvier 2009.
 Ponyo sur la falaise a eu en général des critiques élogieuses, notamment à la Mostra de Venise. Ce film pour enfants, moins sombre que les précédents, est comparé à Mon voisin Totoro, sorti en 1988. Il a toutefois été parfois critiqué au Japon à cause de sa trop forte dramatisation et de la trop grande complexité des thèmes. Mais la beauté de la réalisation et des images, en particulier des effets de couleur, a été remarquée.
 La critique occidentale souligne la sensibilité des dessins et la force des sentiments familiaux — lien de la mère et de l'enfant, peur de l'abandon, de la séparation et de la mort — qui permet une forte identification des enfants, public cible, avec une musique et un happy end. On peut d'ailleurs remarquer une « similitude » de thème avec le film La Petite Sirène des studios Disney, sorti en 1989[3].
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 Ponyo (Japanese: 崖の上のポニョ, Hepburn: Gake no Ue no Ponyo, lit. 'Ponyo on the Cliff')[a] is a 2008 Japanese animated fantasy film written and directed by Hayao Miyazaki. It was animated by Studio Ghibli for the Nippon Television Network, Dentsu, Hakuhodo DY Media Partners, Buena Vista Home Entertainment, Mitsubishi, and distributed by Toho. The film stars Yuria Nara, Hiroki Doi, Tomoko Yamaguchi, Kazushige Nagashima, Yūki Amami, George Tokoro, Rumi Hiiragi, Akiko Yano, Kazuko Yoshiyuki and Tomoko Naraoka. It is the eighth film Miyazaki directed for Studio Ghibli, and his tenth overall.
 The film tells the story of Ponyo, a goldfish who escapes from the ocean and is helped by a five-year-old human boy, Sōsuke, after she is washed ashore while trapped in a glass jar. As they bond with each other, Ponyo desires to become a human girl, against the devastating circumstances brought about by her acquisition and use of magic.
 The film was originally released in Japan on July 19, 2008, by distributor Toho. It was a major commercial success, grossing over $204 million worldwide and becoming the eighth-highest-grossing anime film of all time. It received critical acclaim for its uplifting themes, visual design, and simultaneous appeal towards young children and all audiences.
 An English-language version of the film was released on August 14, 2009, to 927 theatres across the U.S., the widest opening for a Studio Ghibli film in the U.S. It was produced by The Kennedy/Marshall Company and released by Walt Disney Studios Motion Pictures through their Walt Disney Pictures banner.
 Fujimoto, a wizard who was once a human, lives underwater with his daughter Brunhilde and her numerous smaller sisters, who are goldfish-like creatures with human faces. While she and her siblings are on an outing with their father in his four-flippered submarine, Brunhilde sneaks off and floats away on the back of a jellyfish. After an encounter with a fishing trawler, she becomes trapped in a glass jar and drifts to the shore of a small fishing town where she is rescued by a five-year-old boy named Sōsuke. While shattering the jar with a rock, Sōsuke cuts his finger. Brunhilde licks his blood, healing the wound almost instantly. Sōsuke names her Ponyo and promises to protect her. Meanwhile, a distraught Fujimoto searches frantically for his lost daughter whom he believes to have been kidnapped. He calls his wave spirits to recover her, leaving Sōsuke heartbroken and confused by what happened. This causes a major typhoon-like storm across southern Japan.
 Ponyo refuses to let her father call her by her birth name, declaring her desire to be a human named Ponyo. She magically begins changing into a human, a power granted to her by Sōsuke's human blood that she licked. Fujimoto forces her back into her true form and leaves to summon Ponyo's mother, Gran Mamare. Meanwhile, Ponyo, with the help of her sisters, breaks away from her father and inadvertently uses his magic to make herself human. The huge amount of magic that she releases into the ocean causes an imbalance in nature, resulting in a tsunami. Ponyo goes back to Sōsuke, who is amazed and overjoyed to see her. His mother, Lisa, allows her to stay at their house. Lisa leaves after the tsunami subsides to check up on the residents of the nursing home where she works, promising Sōsuke that she will return home as soon as possible.
 Gran Mamare arrives at Fujimoto's submarine. Sōsuke's father, Kōichi, sees her traveling and recognizes her as the Goddess of Mercy. Fujimoto notices the moon appears to be falling out of its orbit and satellites are falling like shooting stars, symptoms of the dangerous imbalance of nature that now exists. Gran Mamare reassures him, and declares that if Sōsuke can pass a test, Ponyo can live as a human and the balance of nature will be restored. Fujimoto, still worried, reminds her that if Sōsuke fails the test, Ponyo will turn into sea foam.
 The next day, Sōsuke and Ponyo find that most of the land around the house has been covered by the ocean. Since it is impossible for Lisa to come home, the two decide to find her. With Ponyo's magic, they make Sōsuke's pop pop boat bigger to traverse the waters, seeing marine life from the Late Devonian period and more people on boats. When they reach the forest, however, Ponyo tires and falls asleep, and the boat slowly reverts back to its original size. Sōsuke drags Ponyo to the shore, where he finds Lisa's abandoned car. As they continue walking, Ponyo mysteriously reverts to her fish form. Meanwhile, Lisa and the residents of the nursing home are temporarily able to breathe water because of Gran Mamare. Ponyo and Sōsuke encounter Fujimoto, who warns the boy about the imbalance of nature, and begs him to return Ponyo to him. Despite their attempt to flee, they are captured, and Fujimoto takes them down to the protected nursing home.
 Sōsuke reunites with Lisa and meets Gran Mamare, with whom Lisa has just had a long private conversation. Gran Mamare asks him if he can love Ponyo whether she is a fish or human; Sōsuke confirms that he does. She then tells her daughter that if she chooses to become human once and for all, she will have to give up her magical powers. Ponyo agrees, and she is encased in a bubble given to Sōsuke, who is instructed to kiss it to complete Ponyo's transformation, as the balance of nature is restored. The previously stranded ships head back to port. Fujimoto respects his daughter's choice, having decided he can trust Sōsuke. Ponyo then joyfully jumps high in the air and kisses Sōsuke, completing her transformation as a human.
 Hayao Miyazaki, the film's director and writer, was prompted to create Ponyo after producer Toshio Suzuki suggested he make a film aimed at children, noting the success of Howl's Moving Castle (2004).[7] The film would be created from a mixture of real-world and fictional influences, combined with a desire to implement new art and animation approaches developed by other Studio Ghibli staff in a feature-length film.[8] In 2004 and 2005, Miyazaki spent time in Tomonoura, a seaside town in Setonaikai National Park, where he familiarised himself with its community and environment. His experience in Tomonoura established the kind of setting he wanted for his next film.[9][10] During his time there, he read the complete works of Natsume Sōseki. He took particular interest in The Gate, a book involving a character named Sōsuke who lived at the bottom of a cliff. This provided him more concrete ideas for characters and settings.[11] Initially, Miyazaki solely considered the concept of a film that would depict a stormy sea with ""waves higher than the house on a hillside"". He later created the character Ponyo, a name he thought of as an onomatopoeia of what ""soft, squishy softness"" feels like when touched.[12] Miyazaki recalled that as a nine-year-old he borrowed a copy of Hans Christian Andersen's ""The Little Mermaid"" from his neighbour, and that while he was reading it, he had difficulty accepting its premise that its protagonist did not have a soul.[13]
 When preparing pre-production materials, Miyazaki hit a creative block before visiting the Tate Britain art museum, where he found himself startled by an 1852 painting named Ophelia done by English painter John Everett Millais and its attention to detail. He remarked, ""I thought, my work is shoddy compared to those artists. I was just astonished. At that point, it became clear to me. Our animation style could not go on as before.""[14] At the time Katsuya Kondō, Miyazaki's colleague, had been the animation director of House Hunting (2006), a 12-minute short film made for screening at the Ghibli Museum. The short used solid and simple lines, and largely used hand-drawn animation. During the production of the short, Kondō had discussed the possibility of producing a feature-length film like this. Kondō accepted an offer to work on the next Studio Ghibli feature film soon after completing the short, identifying an opportunity to progress the ideas behind House Hunting with more consideration to story.[15]
 Production of Ponyo began in May 2006. Kondō was given the role of animation supervisor, and worked closely with Miyazaki in outlining a set of goals that defined the direction of the project, including the use of traditional animation throughout production.[8] Borrowing from Kondō's experience in animating House Hunting, Ponyo would use solid and simple lines; in isolating basic animation elements, the film would aim to demonstrate the advantages of hand drawn animation through the depiction of motion that cannot be reproduced in any other medium.[8][15] An example of the simple style is when Miyazaki painted a picture of Ponyo riding on a flock of fish, called ""Ponyo is Here"", which was inspired by him listening to ""Ride of the Valkyries"" while writing a letter to his staff about going with a more elemental style. This would later become a scene in the film.[16] In normal productions, animating a sailing ship would usually involve drawing one cel and sliding it across the frame, which would fix it in a predefined perspective and direction. Miyazaki, however, wanted the ships that appeared in Ponyo to be drawn frame-by-frame.[17] A few previous Studio Ghibli films used computer-generated imagery (CGI), the earliest being Princess Mononoke (1997).[18] For the production of Ponyo however, the computer graphics section at the studio was closed to prioritize hand-drawn animation.[19]
 Some elements of the film were inspired by Richard Wagner's opera Die Walküre.[20] Ponyo's birth name, Brunhilde, is a deliberate reference to the eldest of the nine legendary Valkyrie and Wagner's Brünnhilde. The music also makes reference to Wagner's opera. The character of Sōsuke is based on Miyazaki's son Gorō Miyazaki when he was five.[21]
 Miyazaki wanted his next film to be a sequel to Ponyo, but producer Toshio Suzuki convinced him to make The Wind Rises instead.[22]
 Ponyo's eponymous theme song, ""Gake no Ue no Ponyo"", was released ahead of the film on December 5, 2007, performed by Fujioka Fujimaki (a duo consisting of Takaaki Fujioka and Naoya Fujimaki who are known for their underground band Marichans from the 1970s) and eight-year-old Nozomi Ōhashi.[23] It entered the top 100 on the Oricon Weekly Charts on July 14, then rose to 24th on July 21, then 6th on July 28, and after the release of the film it ranked 3rd on August 4.[24] By the end of 2008, it was ranked as the 14th highest selling single on the Oricon Yearly Charts. Ōhashi was also the youngest participant in the 59th NHK Kōhaku Uta Gassen, beating Cute's Mai Hagiwara's record at age 11. Afterward, Ōhashi announced her unit with Fujioka Fujimaki was disbanding.[25]
 An English-translated pop version of the theme was recorded by Jonas and Cyrus to tie in with the film's English release. The theme plays over the second half of the English version's closing credits; the first half is a translated version of the theme rather than a remix.[26]
 The film score of Ponyo was composed by Joe Hisaishi, Miyazaki's regular collaborator. The score album, published on compact disc in Japan by Tokuma Japan Communications,[27] in South Korea by Pony Canyon Korea[28] and throughout Europe by Germany-based label Colosseum,[29] received a great deal of press in the West, including positive reviews from several veteran film music reviewers.[27][30]
 The film was released by Toho on July 19, 2008, in theatres across Japan on 481 screens—a record for a domestic film.[31][32][33][34] As it had beaten Pokémon: Giratina & the Sky Warrior (which had opened on the same day). It grossed ¥10 billion ($91 million) in its first month of release,[35] and a total of ¥15.0 billion ($153.1 million) as of November 9, 2008.[36][37]
 Tokyo Anime Fair chose Ponyo as Animation of the Year of 2008, as revealed in a press release by Anime News Network.
 The film was released on VHS and DVD by Walt Disney Studios Home Entertainment on July 3, 2009, and on Blu-ray on December 8, 2009.[38] Ponyo was the last Studio Ghibli film and last anime as a whole to be released on VHS, and the first Studio Ghibli film to be released on Blu-ray, although several Ghibli documentaries had been released on the format by Disney Japan prior to the release.[39]
 Ponyo was released in the U.S. and Canada on August 14, 2009, by Walt Disney Studios Motion Pictures through their Walt Disney Pictures banner and The Kennedy/Marshall Company, opening at a wide release at 927 theaters across America, which is by far the widest release for a Studio Ghibli film ever in the U.S, as compared to other Miyazaki films (Spirited Away opened in 26 theaters, Howl's Moving Castle opened in 36 theaters, and Princess Mononoke opened in 38 theaters).[40]
 The film's English dub was directed by John Lasseter, Brad Lewis and Peter Sohn of Pixar and produced by Frank Marshall, Hayao Miyazaki, John Lasseter, Steve Alpert, and Kathleen Kennedy; the English script was written by Melissa Mathison.[41][42]
 In July 2009, there were multiple pre-screenings of the film in California. Miyazaki traveled to America to promote this film by speaking at the University of California, Berkeley, and San Diego Comic-Con.[43]
 Walt Disney Studios Home Entertainment released the film on DVD and Blu-ray on March 2, 2010, as the first film produced by Ghibli or directed by either Miyazaki or Takahata to be released on Blu-ray in America.[44][45] GKIDS re-issued the film on Blu-ray and DVD on October 17, 2017, under a new deal with Studio Ghibli.[46]
 Ponyo was released in Southeast Asia on January 1, 2009.[4]
 The film was re-released from March 25 to 28, 2018, for its 10th anniversary.[47]
 On its opening weekend in the United States and Canada, it made $3,585,852 on 927 screens, which is a per screen average of $3,868.[2] It also opened at number nine at the United States and Canada box office.[2] The film made a total of $15,743,471 in the United States and Canada and $187,461,411 in other countries for a worldwide total of $203,204,882.[2] It was released on DVD and Blu-ray, as well as a DVD/Plush Toy pack, on March 2, 2010.
 Ponyo received critical acclaim.[b] Rotten Tomatoes compiled 174 reviews and determined that 91% were positive, with an average score of 7.6/10. The critics consensus on the website states, ""While not Miyazaki's best film, Ponyo is a visually stunning fairy tale that's a sweetly poetic treat for children and Miyazaki fans of all ages.""[55] On Metacritic, the film has a weighted average score of 86 out of 100, based on 29 reviews, indicating ""universal acclaim"".[56]
 The Japan Times gave the film four out of five stars, praised its simple thematic elements and its visual scheme, and compared the film to Miyazaki's classic animation My Neighbor Totoro.[57]
 Anime Diet cited the quality of the translation, noting, ""The story and the core of the film was communicated more than adequately through the professional dub and it did not get in the way of the sheer delight and joy that Miyazaki wanted to convey."" Citing ""slight pacing problems,"" it gave Ponyo a rating of 88%.[58]
 Critics at the Venice International Film Festival generally had high praise.[59][60] Wendy Ide of The Times said Ponyo ""is as chaotic and exuberant as a story told by a hyperactive toddler,"" and gave it 4 stars out of 5.[61] Roger Ebert of the Chicago Sun-Times gave the film four out of four stars, stating that, ""There is a word to describe Ponyo, and that word is magical. This poetic, visually breathtaking work by the greatest of all animators has such deep charm that adults and children will both be touched. It's wonderful and never even seems to try: It unfolds fantastically.""[62]
 The film was rated #2 on Dentsu's list of ""2008 Hit Products in Japan"", after the Wii console.[63]
 Ponyo was an entrant in the 65th Venice International Film Festival.[64] It received a special mention in the Bologna Future Film Festival, for ""the high artistic and expressive quality of animation able to give form to wonderful imagination of the worldwide cinema master"".[65]
 In 2009, Ponyo won five awards at the 8th annual Tokyo Anime Awards. The awards included ""Anime of the year"" and ""Best domestic feature"". Miyazaki received the award for best director and best original story, and Noboru Yoshida received the award for best art direction.[66]
 The film won the awards for Animation of the Year and Outstanding Achievement in Music at the 32nd Japan Academy Prize.[67]",2755,"Main page; Contents; Current events; About Wikipedia; Help; Learn to edit; Community portal; Upload file; ; learn more; Article; Talk; Read; Read; Upload file; ; latest accepted revision; Ponyo (disambiguation); ; Kanji; Revised Hepburn; Hayao Miyazaki; Toshio Suzuki; Tomoko Yamaguchi; Kazushige Nagashima; Yūki Amami; George Tokoro; Rumi Hiiragi; Akiko Yano; Kazuko Yoshiyuki; Tomoko Naraoka; Takeshi Seyama; Joe Hisaishi; Studio Ghibli; Toho; ¥; US$; US$; Japanese; Hepburn; Japanese animated; fantasy film; Hayao Miyazaki; Studio Ghibli; Nippon Television Network; Dentsu; Hakuhodo DY Media Partners; Buena Vista Home Entertainment; Mitsubishi; Toho; Tomoko Yamaguchi; Kazushige Nagashima; Yūki Amami; George Tokoro; Rumi Hiiragi; Akiko Yano; Kazuko Yoshiyuki; Tomoko Naraoka; goldfish; eighth-highest-grossing anime film of all time; The Kennedy/Marshall Company; Walt Disney Studios Motion Pictures; Walt Disney Pictures; wizard; submarine; jellyfish; fishing trawler; tsunami; Goddess of Mercy; satellites; balance of nature; pop pop boat; Devonian; Noah Cyrus; Frankie Jonas; Tomoko Yamaguchi; Tina Fey; Kazushige Nagashima; Matt Damon; Yūki Amami; Cate Blanchett; George Tokoro; Liam Neeson; Akiko Yano; Kazuko Yoshiyuki; Lily Tomlin; Tomoko Naraoka; Betty White; Cloris Leachman; ; Tomonoura; Toshio Suzuki; Howl's Moving Castle; Tomonoura; Setonaikai National Park; Natsume Sōseki; The Gate; onomatopoeia; Hans Christian Andersen's; The Little Mermaid; Tate Britain; Ophelia; John Everett Millais; Katsuya Kondō; House Hunting; Ghibli Museum; traditional animation; Ride of the Valkyries; ship; computer-generated imagery; Princess Mononoke; Richard Wagner; Die Walküre; Gorō Miyazaki; Toshio Suzuki; The Wind Rises; ; Nozomi Ōhashi; Gake no Ue no Ponyo; Fujioka Fujimaki; Nozomi Ōhashi; Oricon; 59th NHK Kōhaku Uta Gassen; Cute; Mai Hagiwara; Joe Hisaishi; Tokuma Japan Communications; Pony Canyon Korea; Toho; Pokémon: Giratina & the Sky Warrior; Tokyo Anime Fair; Anime News Network; VHS; DVD; Walt Disney Studios Home Entertainment; Blu-ray; Walt Disney Studios Motion Pictures; Walt Disney Pictures; The Kennedy/Marshall Company; Spirited Away; Howl's Moving Castle; Princess Mononoke; John Lasseter; Brad Lewis; Peter Sohn; Pixar; Frank Marshall; Hayao Miyazaki; Steve Alpert; Kathleen Kennedy; Melissa Mathison; University of California, Berkeley; San Diego Comic-Con; Walt Disney Studios Home Entertainment; GKIDS; Blu-ray; Rotten Tomatoes; Metacritic; The Japan Times; My Neighbor Totoro; The Times; Roger Ebert; Chicago Sun-Times; ; Dentsu; Wii; 65th Venice International Film Festival; Bologna; Tokyo Anime Awards; Animation of the Year; 32nd Japan Academy Prize; British Board of Film Classification; Box Office Mojo; Studio Ghibli; Studio Ghibli; help; help; Ain't It Cool News; help; help; Animation World Network; Anime News Network; AllMusic; Disney; Anime News Network; The Hollywood Reporter; Bandai Namco Entertainment Inc.; The Guardian; ISSN; AfterEllen; Anime News Network; Comic Book Resources; Variety; Salon; Rotten Tomatoes; Metacritic; Japan Times; Roger Ebert; Chicago Sun-Times; cite news; link; Anime News Network; NHK; ISBN; Nippon TV; The Guardian Weekly; Le Monde; Wild Bunch International Sales; AllMovie; Anime News Network; IMDb; Box Office Mojo; v; t; Hayao Miyazaki; Accolades; Bibliography; List of works; The Castle of Cagliostro; Nausicaä of the Valley of the Wind; Castle in the Sky; My Neighbor Totoro; Kiki's Delivery Service; Porco Rosso; Princess Mononoke; Spirited Away; Howl's Moving Castle; The Wind Rises; The Boy and the Heron; Panda! 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Mon voisin Totoro,https://fr.wikipedia.org/wiki/Mon_voisin_Totoro,"Pour les articles homonymes, voir Totoro.
 16 avril 1988
 
 modifier  Mon voisin Totoro (となりのトトロ, Tonari no Totoro?) est un film d'animation japonais réalisé par Hayao Miyazaki et produit par le Studio Ghibli, sorti au Japon le 16 avril 1988.
 Il est récompensé la même année par le prix Noburō Ōfuji et le Prix Mainichi du meilleur film.
 Ce film a été diffusé pour la première fois en France lors du Festival du cinéma pour enfants de Corbeil-Essonnes en 1992[1]. Il fut ensuite publié en VHS (TF1 Vidéo) en juillet 1999 quelques mois avant de sortir en salles dans toute la France au cinéma le 8 décembre 1999[2], avant une ressortie en 2002. Quant au DVD, son édition française est disponible depuis le 26 juillet 2006, et le Blu-ray est disponible depuis le 13 juillet 2013[3].
 Tatsuo Kusakabe, jeune anthropologue et professeur non titulaire d'une université de Tokyo, arrive dans le village où il va emménager avec ses deux filles, Satsuki, dix ans, et Mei, quatre ans. Les petites découvrent joyeusement leur nouvelle maison, qui n’a pas été habitée depuis un certain temps, et la campagne environnante où trône un camphrier gigantesque. Explorant l’habitation, de style japonais, elles trouvent des glands qui tombent de la soupente et une pièce remplie de petites créatures noires qui s’éclipsent (les susuwatari) ; leur père leur explique qu’il s’agit de noiraudes. Elles montent peu rassurées à l’étage, et Mei, qui attrape une des créatures, se retrouve les mains pleines de suie. Redescendant, elles rencontrent leur nouvelle voisine venue aider à faire le ménage, une grand-mère, qui leur explique que les noiraudes emménagent dans les lieux inhabités et partiront bientôt. Satsuki est polie et accueillante, mais Mei a peur de la nouvelle venue, et se cache derrière sa sœur. Alors qu’ils s’activent tous pour réactiver la pompe, nettoyer les salles de vie et déballer les affaires, Kanta, le petit-fils de la vieille dame, âgé lui aussi d’une dizaine d’années, apporte un paquet de la part de sa mère et dit à sa jeune voisine que leur nouvelle maison est hantée, avant de partir en courant.
 Le soir venu, de fortes rafales de vent font trembler la maison ; dans le bain, Tatsuo et ses filles rient fort pour chasser les fantômes, tandis que les noiraudes quittent la maison et émigrent vers le grand arbre. Le lendemain matin, ils font la lessive au lavoir, puis partent à vélo le long des rizières où leurs voisins s’activent, pour passer la journée avec Yasuko, la mère des petites, hospitalisée à proximité. Ils passent devant Kanta, qui échange des grimaces avec Satsuki.
 À la fin des vacances, Satsuki reprend l’école après avoir préparé le repas de midi pour sa sœur et son père ; ce dernier se met au travail à son bureau, tandis que Mei vagabonde à l’extérieur. Trouvant un gland, la petite fille le ramasse, et en voit plusieurs autres formant une piste ; la suivant, elle voit passer devant elle un petit être blanc-translucide et le poursuit, mais celui-ci se cache sous la maison. Alors que la fillette surveille une cavité, la petite créature, accompagnée maintenant par une autre un peu plus grande transportant un sac de glands, s’éclipse par une autre sortie, mais entendant des glands tomber, Mei les repère et les poursuit à nouveau. Continuant leur route à travers un étroit chemin de végétation, puis dans la forêt, tous trois aboutissent au pied du grand camphrier entouré d’un shimenawa, et les deux êtres disparaissent dans un trou entre les racines. Y tombant à leur suite, la petite fille découvre le domaine de Totoro, sorte de créature de la taille d’un ours au cri impressionnant, avec qui elle fait connaissance, avant de s’endormir sur son ventre.
 Le midi, Satsuki revient de l’école et cherche Mei ; elle trouve son chapeau devant la trouée et trouve sa sœur endormie non loin. À son réveil, celle-ci lui raconte sa rencontre avec Totoro ; Tatsuo les rejoint et ils poursuivent le long du chemin sous les branches, mais aboutissent sur leur maison. La petite fille est déconcertée, et son père lui explique qu’elle a dû voir le maître de la forêt ; ils vont tous trois à travers celle-ci pour voir le grand arbre, mais Mei ne retrouve pas l’entrée de l’antre de la créature. Après avoir salué le camphrier, qui est la raison pour laquelle Tatsuo a choisi d’habiter ce village, ils repartent.
 Le lendemain, Satsuki confie Mei à leur voisine avant d’aller à l’école pour la journée, et est surprise de voir la vieille dame arriver avec la petite fille alors qu’elle a encore deux heures de cours. Mei tenant à être avec sa grande sœur, elle est accueillie dans la classe avec des crayons, et dessine Totoro. Le soir venu, les deux fillettes reprennent le chemin de leur maison, mais une pluie torrentielle se met à tomber et elles doivent se réfugier dans l’abri d’une divinité shinto ; Kanta passe avec un vieux parapluie qu’il laisse à Satsuki avant de rentrer chez lui en courant. Après être rentrées chez elles, les deux fillettes partent à la rencontre de leur père avec un parapluie, et passent chez leurs voisins rendre celui que Kanta leur a prêté ; elles sont accueillies par la mère du garçon, qui timide reste caché tout en manifestant sa joie et sa fierté d’avoir aidé Satsuki.
 Les deux fillettes attendent à l’arrêt de bus sous la pluie, mais ce dernier a du retard ; Satsuki prend Mei qui s’endort sur son dos et patiente, quand soudain, elle voit Totoro arriver et attendre à côté d’elle. Pour se protéger de la pluie, la créature n’a qu’une large feuille sur la tête qui lui goutte sur le nez, et la jeune fille lui prête le parapluie qu’elle a apporté pour son père ; le maître de la forêt est étonné, mais ravi d’entendre le bruit des grosses gouttes qui, s’accumulant sur les feuilles des arbres, tombent sur l’objet. Alors que la pluie s’est arrêtée et que Mei se réveille, un « chat-bus (en) » arrive, et Totoro, toujours muni du parapluie, monte dedans après avoir donné un cadeau aux fillettes. Finalement, le bus arrive, et Tatsuo s’excuse d’être en retard ; ses filles expriment leur enthousiasme d’avoir vu les créatures, et ils rentrent joyeusement.
 Dans une lettre à sa mère, Satsuki décrit le cadeau de Totoro, un ensemble de graines emballées dans des feuilles de bambou, qu’elles ont plantées dans le jardin, mais les jours passent et Mei s’impatiente de les voir pousser. Une nuit, les fillettes entendent des percussions et voient la famille Totoro danser autour de leur potager ; elles courent rejoindre les créatures, et voient émerveillées des pousses sortir de terre et grandir à vue d’œil pour devenir un amas d’arbustes luxuriants qui fusionnent pour donner un arbre géant, dont la ramure recouvre la maison. Totoro fait tourner une toupie magique sur laquelle il grimpe, et emmène Satsuki et Mei, accrochées sur son ventre, faire des acrobaties aériennes au-dessus de la campagne, avant de jouer de l’ocarina au sommet de l’arbre.
 Le lendemain, l’arbre a disparu ; pensant avoir rêvé, Mei et Satsuki se précipitent vers le potager et découvrent avec joie que les graines ont germé. Les fillettes aident leur vieille voisine à ramasser les légumes dans les champs et parlent du passage prochain de leur maman pour le week-end, lorsque Kanta apporte un télégramme issu de l’hôpital demandant d’appeler. Très inquiètes, elles courent avec leur jeune voisin vers la maison de celui-ci pour appeler leur père, et la nouvelle tombe comme un couperet : Yasuko est souffrante et ne pourra finalement pas venir. Terriblement déçue, Mei fait un caprice, et les deux sœurs se disputent ; Tatsuo part voir son épouse à l’hôpital, laissant ses filles sous la garde de la voisine, qui tente de rassurer et consoler Satsuki, terrifiée à l’idée que sa mère puisse mourir.
 Mei profite d’un moment d’inattention de la vieille dame pour partir seule apporter un épi de maïs à l’hôpital alors que celui-ci est à trois heures de route à pied. Constatant la disparition de la petite, Satsuki et la voisine s’affolent ; la jeune fille part sur le chemin de l’hôpital en interrogeant toutes les personnes qu’elle croise, lorsqu’elle voit Kanta arriver à vélo ; celui-ci lui propose d’aller à l’hôpital, tandis qu’elle retournera à l’étang où une sandalette a été retrouvée, et où tout le village recherche Mei. Elle part en courant et arrive essoufflée au plan d’eau, pour s’apercevoir soulagée que la chaussure n’est pas celle de sa sœur. La nuit va bientôt tomber, et les villageois s’activent pour rechercher la petite fille, tandis que Satsuki court à la trouée et prie pour que cette dernière la mène à Totoro ; se précipitant dans le passage, envahi de noiraudes, elle finit par trébucher et tomber en contrebas sur le ventre de la créature endormie. La jeune fille réveille le maître de la forêt et lui explique que Mei a disparu, avant de s’effondrer en larmes. Totoro la prend dans ses bras, lui sourit, et emplit ses poumons d’air pour s’envoler ; il court au sommet de son arbre, d’où il pousse un énorme rugissement pour faire venir le chat-bus, dans lequel Satsuki monte. La créature affiche « MEI » comme direction sur son panneau d’affichage et part en trombe ; passant à travers la forêt et les rizières, ils montent finalement sur une ligne de haute tension qu’ils suivent pour retrouver enfin la petite fille perdue.
 Le chat propose à Mei et Satsuki de les emmener à l’hôpital où, du haut d’un arbre, elles voient à travers la fenêtre leurs parents discuter ; finalement, Yasuko n’avait attrapé qu’un rhume sans gravité et ne tardera pas à rentrer à la maison. Les fillettes déposent l’épi de maïs sur lequel est gravé « pour maman » sur le rebord de la fenêtre, où Tatsuo le découvre, avant de repartir dans la nuit à bord du chat-bus qui les laisse chez elles. Mei se précipite dans les bras de la vieille voisine qu’elle a enfin adoptée, tandis que Satsuki discute joyeusement avec Kanta, devenu son ami ; au sommet de son arbre, Totoro joue tranquillement de l’ocarina, tenant toujours son parapluie ouvert malgré l’absence de pluie. Dans la première image du générique, un taxi ramène Yasuko à la maison où ses deux filles l’accueillent joyeusement ; les images suivantes laissent supposer mais sans vraiment le montrer qu’un petit frère est venu agrandir la famille qui s’est parfaitement intégrée dans son nouvel environnement.
 Note : La version française aurait été créée vers juin 1993, en vue d'une projection à Annecy[5].
 Les origines du film Mon voisin Totoro se situent au début des années 1980[8]. À cette époque, Miyazaki propose à Yasuyoshi Tokuma son projet[8], qui le rejette, peu enthousiaste à l'idée de l'amitié entre deux fillettes et un monstre dans le Japon rural[9]. Ce refus ne sera pas le seul frein au projet. Si Miyazaki sait qu'il veut réaliser un film chaleureux pour un jeune public[8], il n'empêche que l'inspiration manque à sa réalisation[9]. C'est finalement à la lecture du supplément d'un journal « Le Japon, il y a quarante ans » que Miyazaki se débloque, décidant d'orienter son histoire autour de l'innocence de la vie à la campagne[8],[9].
 Au début de l'année 1987, il repropose son projet. Le studio Ghibli fait encore face à des réticences et aura beaucoup de mal à obtenir les accords des financiers et distributeurs[9]. Cependant, le producteur Toshio Suzuki trouve un moyen de rassurer les financiers. Tout d'abord, pour convaincre, il faut animer Totoro. Ensuite, il propose que le film ne dépasse pas 60 minutes et qu'il soit associé à un autre film, l'adaptation de la nouvelle La Tombe des lucioles de l'écrivain japonais Akiyuki Nosaka[9]. Ce film, qui sera intitulé Le Tombeau des lucioles, permettrait d'attirer les classes scolaires, qui pourrait alors visionner à sa suite Mon voisin Totoro[9]. Cette proposition est acceptée : Mon voisin Totoro et Le Tombeau des lucioles sont alors réalisés et produits en même temps[9] en une année par le studio Ghibli. Au terme de leurs productions, les deux films seront finalement bien distincts, avec la durée d'un long métrage normal chacun[9].
 La production de Mon voisin Totoro commence concrètement en mars 1987 pour se finir un an plus tard, en avril 1988[9].
 Lors des premiers essais, Mei est la seule enfant de l'histoire. Miyazaki lui ajoute une sœur (Satsuki) et explique pourquoi lors d'une interview publiée dans Tonari no Totoro, e-konte-shû : « Si Mei rencontrait Totoro dans le jardin, elle ne pourrait pas aller attendre son père à la descente du bus. Du coup, j'ai ajouté une autre gamine. Mais ça m'ennuyait car je tenais à ce que la rencontre ait lieu à l'arrêt de bus. En même temps, il m'était difficile d'abandonner l'idée de la fillette écarquillant les yeux devant une étrange créature qui se faufile dans l'herbe baignée de soleil. »[10]
 La bande originale du film a été publiée au Japon le 1er mai 1988 par le label Tokuma Shoten. Les musiques sont composées principalement par Joe Hisaishi (cinq pistes vocales sont écrites par Azumi Inoue)[11]. Les paroles de plusieurs chansons sont écrites par Rieko Nakagawa. La bande originale est rééditée le 21 novembre 1996 et le 25 août 2004[réf. souhaitée].
 Mon voisin Totoro réalise 800 000 entrées en cinq semaines d'exploitation[12]. Il fait partie de la liste du BFI des 50 films à voir avant d'avoir 14 ans établie en 2005 par le British Film Institute. Il fait également partie des 250 meilleurs films selon le site IMDb[13]. À Paris, le Studio des Ursulines, cinéma indépendant pour jeune public, projette le film une fois par semaine pendant des années[14],[15] ; après une courte pause, le film revient à l'affiche en 2013 à l'occasion des 25 ans de sa sortie[16].
 Le nom Totoro vient d'une mauvaise prononciation du mot troll (トロル, tororu?) par Mei. Elle en a vu un dans un livre et a décidé qu'il s'agissait de la même créature[17].
 Le chat-bus vient d'une croyance japonaise attribuant à un chat âgé le pouvoir magique de changer de forme : c'est alors un « bakeneko ». Le chat-bus est un « bakeneko » qui a vu un bus et qui a décidé d'en devenir un[17].
 La tuberculose de la mère de Satsuki et Mei est autobiographique, la mère de Hayao Miyazaki ayant eu la même maladie[17], elle restera éloignée de son fils durant 3 ans[18].
 Totoro est devenu la mascotte du studio Ghibli[19], et apparaît sur son logo au début de chaque film. Totoro est de loin le personnage Ghibli le plus populaire. D'après Toshio Suzuki, le studio ne sera probablement jamais capable de créer un personnage qui le dépassera, tout comme Walt Disney n'a jamais réussi à créer un personnage plus populaire que Mickey Mouse[20]. Le générique de début du film, Sampo, est très souvent utilisé dans les écoles japonaises lors des parades de la fête d'école (undokaï)[réf. nécessaire]. C'est d'ailleurs le thème générique retenu par le studio Ghibli[réf. nécessaire].
 Le studio Ghibli accorde une grande importance aux produits dérivés, notamment ceux de Mon voisin Totoro, et s'implique parfois jusque dans leur conception. Ont notamment été approuvés et commercialisés au Japon[21] : de très nombreuses peluches, des statues, figurines et poupées, des jouets, des bavoirs, bonnets et autres accessoires pour bébés en lots prêts à offrir, tous les ans de nouveaux calendriers et agenda, et d'innombrables accessoires divers (du pin's au sac-à-dos en passant par les briquets Zippos et tasses). Contre toute attente cependant, très peu de vêtements ou posters sont officiellement disponibles. Il existe par contre beaucoup de contrefaçons (fabriquées illégalement sans l'autorisation du studio Ghibli) vendues en dehors du Japon.
 Une reconstitution de la maison de Mei et Satsuki fut faite à l'occasion de l'Expo 2005 à Aichi. Dans le livre Totoro no sumu ie (トトロの住む家, Totoro no sumu ie?, La Maison où vit Totoro, 1991) Miyazaki a présenté une maison du quartier d'Asagaya dans l'arrondissement de Suginami à Tokyo comme « la maison où Totoro aurait adoré vivre »[22]. Construite en 1924, elle est alors devenue célèbre auprès des fans du film ; incendiée en 2009, elle fut reconstruite en 2010 selon des plans de Miyazaki, au sein d'un parc[22].
 On peut retrouver les boules de suie (les noiraudes) de Mon Voisin Totoro dans une scène du Voyage de Chihiro, autre film d'animation réalisé par Hayao Miyazaki.
 À titre d'hommage rendu par le studio d'animation américain Pixar au studio Ghibli, le personnage de Totoro fait une apparition sous forme de peluche dans le film d'animation Toy Story 3[23].
 L'astéroïde (10160) Totoro a été découvert par Takao Kobayashi le 31 décembre 1994 et a été nommé en hommage à Totoro.
 Le groupe de rap français S-Crew a utilisé le thème Le gros arbre de la forêt Tsukamori (Tsukamori no Taiju), créé par Joe Hisaishi pour la bande originale du film, comme partie instrumentale du morceau Aéroplane présent sur leur album Seine Zoo[24].
 En 2003, Hayao Miyazaki écrit et réalise un court métrage de treize minutes, Mei to Konekobasu (Mei et le chaton-bus), qui n'est projeté régulièrement qu'au musée Ghibli au Japon. Il s'agit d'une suite de Mon Voisin Totoro qui reprend le personnage de Mei Kusakabe, l'une des deux jeunes héroïnes du film, et relate les aventures qu'elle vit une nuit en compagnie d’un chaton-bus[25].
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 My Neighbor Totoro (Japanese: となりのトトロ, Hepburn: Tonari no Totoro) is a 1988 Japanese animated fantasy film written and directed by Hayao Miyazaki and animated by Studio Ghibli for Tokuma Shoten. It stars the voices of Noriko Hidaka, Chika Sakamoto and Hitoshi Takagi, and focuses on two young sisters and their interactions with friendly wood spirits in postwar rural Japan.
 The film explores themes such as animism, Shinto symbology, environmentalism and the joys of rural living. My Neighbor Totoro received worldwide critical acclaim, and has grossed over $41 million worldwide at the box office as of September 2019; the film also grossed significantly more from home video sales and merchandise.
 My Neighbor Totoro received numerous awards, including the Animage Anime Grand Prix prize, the Mainichi Film Award, and Kinema Junpo Award for Best Film in 1988. It also received the Special Award at the Blue Ribbon Awards in the same year. The film is considered as one of the top animation films, ranking 41st in Empire magazine's ""The 100 Best Films of World Cinema"" in 2010 and the number-one animated film on the 2012 Sight & Sound critics' poll of all-time greatest films.[1][2] The film and its titular character have become cultural icons, and made multiple cameo appearances in other films. Totoro also serves as the mascot for Studio Ghibli and is recognized as one of the most popular characters in Japanese animation.
 In 1950s Japan, university professor Tatsuo Kusakabe and his daughters Satsuki and Mei (approximately ten and four years old, respectively) move into an old house close to the hospital where the girls' mother, Yasuko, is recovering from a long-term illness. The house is inhabited by small, dark, dust-like house spirits called susuwatari, that can be seen when moving from bright places to dark ones.[note 1] The susuwatari leave to find another empty house. Mei discovers two small spirits that lead her into the hollow of a large camphor tree. She befriends a larger spirit, which identifies itself using a series of roars that she interprets as ""Totoro"". Mei thinks Totoro is the troll from her illustrated book Three Billy Goats Gruff. She falls asleep atop Totoro but when Satsuki finds her, she is on the ground. Despite many attempts, Mei cannot show her family Totoro's tree. Tatsuo comforts her, saying Totoro will reveal himself when he wants to.
 The girls wait for Tatsuo's bus, which is late. Mei falls asleep on Satsuki's back and Totoro appears beside them, allowing Satsuki to see him for the first time. Totoro has only a leaf on his head for protection against the rain, prompting Satsuki to offer her umbrella to him. Delighted, he gives her a bundle of nuts and seeds in return. A giant, bus-shaped cat arrives; Totoro boards it and leaves. A few days after planting the seeds, the girls awaken at midnight to find Totoro and his fellow spirits engaged in a ceremonial dance around the planted seeds. They join in, causing the seeds to grow into an enormous tree. Totoro takes the girls for a ride on a magical flying top. In the morning, the tree is gone but the seeds have sprouted.
 The girls discover that a planned visit by their mother has been postponed because of a setback in her treatment. Mei is upset and argues with Satsuki. She leaves for the hospital to take fresh corn to their mother, but gets lost on the way. Mei's disappearance prompts Satsuki and the neighbors to search for her, thinking that Mei has died. In desperation, Satsuki pleads for Totoro's help. Totoro summons the Catbus, which carries Satsuki to Mei's location, and the sisters reunite. The bus then takes them to the hospital, where the girls learn that their mother has been kept in the hospital by a minor cold but is otherwise recovering well. The girls secretly leave the ear of corn on the windowsill, where their parents discover it.
 Eventually, their mother returns home and the girls play with other children while Totoro and his friends watch from afar.
 Animism is a major theme in My Neighbor Totoro, according to Eriko Ogihara-Schuck.[3] Totoro has animistic traits and has kami status because he lives in a camphor tree in a Shinto shrine surrounded by a Shinto rope, and he is referred to as mori no nushi (master of the forest).[3] Ogihara-Schuck writes that when Mei returns from her encounter with Totoro, her father takes Mei and her sister to the shrine to greet and thank Totoro. This is a common practice in the Shinto tradition following an encounter with a kami.[3] According to Phillip E. Wegner, the film is an example of alternative history, citing the utopian-like setting of the anime.[4]
 After working on 3000 Miles in Search of a Mother, Miyazaki wanted to make a ""delightful, wonderful film"" that would be set in Japan with the idea to ""entertain and touch its viewers, but stay with them long after they have left the theaters"".[5] Initially, Miyazaki had the main characters Totoro, Mei, Tatsuo, and Kanta.[5]: 8  The director based Mei on his niece,[7] and Totoros as ""serene, carefree creatures"" that were ""supposedly the forest keeper, but that's only a half-baked idea, a rough approximation"".[5]: 5, 103 
 Art director Kazuo Oga was drawn to the film when Hayao Miyazaki showed him an original image of Totoro standing in a satoyama. Miyazaki challenged Oga to raise his standards, and Oga's experience with My Neighbor Totoro began Oga's career. Oga and Miyazaki debated the film's color palette; Oga wanted to paint black soil from Akita Prefecture and Miyazaki preferred the color of red soil from Kantō region.[5]: 82  The finished film was described by Studio Ghibli producer Toshio Suzuki; ""It was nature painted with translucent colors"".[8]
 Oga's conscientious approach to My Neighbor Totoro was a style the International Herald Tribune recognized as ""[updating] the traditional Japanese animist sense of a natural world that is fully, spiritually alive"". The newspaper said of the film:
 Set in a period that is both modern and nostalgic, the film creates a fantastic, yet strangely believable universe of supernatural creatures coexisting with modernity. A great part of this sense comes from Oga's evocative backgrounds, which give each tree, hedge and twist in the road an indefinable feeling of warmth that seems ready to spring into sentient life.[9] Oga's work on My Neighbor Totoro led to his continued involvement with Studio Ghibli, which assigned him jobs that would play to his strengths, and Oga's style became a trademark style of Studio Ghibli.[9]
 Only one young girl, rather than two sisters, is depicted in several of Miyazaki's initial conceptual watercolor paintings, as well as on the theatrical release poster and on later home-video releases. According to Miyazaki; ""If she was a little girl who plays around in the yard, she wouldn't be meeting her father at a bus stop, so we had to come up with two girls instead. And that was difficult.""[5]: 11  Miyazaki said the film's opening sequence was not storyboarded; ""The sequence was determined through permutations and combinations determined by the time sheets. Each element was made individually and combined in the time sheets ...""[5]: 27  The ending sequence depicts the mother's return home and the signs of her return to good health by playing with Satsuki and Mei outside.[5]: 149 
 Miyazaki stated that the story was initially intended to be set in 1955, however, the team was not thorough in the research and instead worked on a setting ""in the recent past"".[5]: 33  The film was originally set to be an hour long but during production it grew to respond to the social context, including the reason for the move and the father's occupation.[5]: 54  Eight animators worked on the film, which was completed in eight months.[10]
 Tetsuya Endo noted numerous animation techniques were used in the film. For example, ripples were designed with ""two colors of high-lighting and shading"" and the rain for My Neighbor Totoro was ""scratched in the cels"" and superimposed for it to convey a soft feel.[5]: 156  The animators stated one month was taken to create the tadpoles, which included four colors; the water for it was also blurred.[5]: 154 
 The music for My Neighbor Totoro was composed by Joe Hisaishi, who previously collaborated with Miyazaki on the movies Nausicaä of the Valley of the Wind and Castle in the Sky. Hisaishi was inspired by the contemporary composers Terry Riley, Philip Glass, Steve Reich, Karlheinz Stockhausen, and John Cage, and described Miyazaki's films as ""rich and personally compeling"". He hired an orchestra for the soundtrack and primarily used a Fairlight instrument.[5]: 169, 170 
 
The soundtrack for My Neighbor Totoro was first released in Japan on May 1, 1988, by Tokuma Shoten, and includes the musical score used in the film, except for five vocal pieces that were performed by Azumi Inoue, including ""Stroll"", ""A Lost Child"", and ""My Neighbor Totoro"".[11] It had previously been released as an Image Song CD in 1987 that contains some songs that were not included in the film.[12]  After writing and filming Nausicaä of the Valley of the Wind (1984) and Castle in the Sky (1986), Hayao Miyazaki began directing My Neighbor Totoro for Studio Ghibli. Miyazaki's production paralleled his colleague Isao Takahata's production of Grave of the Fireflies. Miyazaki's film was financed by executive producer Yasuyoshi Tokuma, and both My Neighbor Totoro and Grave of the Fireflies were released on the same bill in 1988. The dual billing was considered ""one of the most moving and remarkable double bills ever offered to a cinema audience"".[14]
 In Japan, My Neighbor Totoro initially sold 801,680 tickets and earned a distribution rental income of ¥588 million in 1988. According to the animation scholar Seiji Kano, by 2005, the film's box-office gross receipts in Japan totalled ¥1.17 billion[15] ($10.6 million).[16] In France, the film has sold 429,822 tickets since 1999.[17] The film has been internationally released several times since 2002.[18] The film has grossed $30,476,708 worldwide since 2002.[19] A South China Morning Post article in 2021 reported that the film has grossed more than $41 million in total.[20]
 Thirty years after its original release in Japan, My Neighbor Totoro received a Chinese theatrical release in December 2018. The delay was due to long-standing political tensions between China and Japan but many Chinese people had become familiar with Miyazaki's films due to rampant video piracy.[21] In its opening weekend, ending December 16, 2018, My Neighbor Totoro grossed $13 million, entering the box-office charts at number two behind Hollywood film Aquaman and ahead of Bollywood film Padman at number three.[22] By its second weekend, My Neighbor Totoro had grossed $20 million in China.[23] As of February 2019, it had grossed $25,798,550 in China.[24]
 In 1989, US-based company Streamline Pictures produced an exclusive English language dub of My Neighbor Totoro for use as an in-flight movie on Japan Airlines flights.[25] In April 1993, Troma Films, under its label 50th St. Films, distributed the dub of the film as a theatrical release.[26] The songs for the Streamline version of My Neighbor Totoro were sung by Cassie Byram.[27]
 In 2004, Walt Disney Pictures produced a new English dub of My Neighbor Totoro to be released after the rights to the Streamline dub had expired. As is the case with Disney's other English dubs of Miyazaki films, the Disney version of My Neighbor Totoro has a star-heavy cast, including Dakota and Elle Fanning as Satsuki and Mei, Timothy Daly as Mr. Kusakabe, Pat Carroll as Granny, Lea Salonga as Mrs. Kusakabe, and Frank Welker as Totoro and Catbus. The songs for the new dub retain the translation as the earlier dub but are sung by Sonya Isaacs.[28] The Disney dub was directed by Rick Dempsey, a Disney executive in charge of the company's dubbing services,[29] and was written by Don and Cindy Hewitt, who had written other dubs for Studio Ghibli.[30]
 Disney's English-language dub premiered on October 23, 2005; it was screened at the 2005 Hollywood Film Festival.[29][31] The cable television network Turner Classic Movies (TCM) held the television premiere of Disney's new English dub in January 2006, as part of the network's tribute to Hayao Miyazaki. TCM aired the dub and the original Japanese film with English subtitles.[32] The Disney version was released on DVD in the United States on March 7, 2006.[33] In Australia, an English dub was also released by Madman Entertainment on March 15, 2006.[34]
 In 2023, the film was re-released in 970 United States locations as part of celebrations to mark the 35th anniversary of its first theatrical release,[35] with showings in both Japanese with English subtitles and with the English dub.[36][37]
 Tokuma Shoten released My Neighbor Totoro on VHS and LaserDisc in August 1988.[38] Buena Vista Home Entertainment Japan (now Walt Disney Japan) reissued the VHS on June 27, 1997, as part of their series Ghibli ga Ippai.[39] Disney released the film on Blu-ray in Japan on 2012.[40]
 After the rights to the Streamline dub expired in 2004,[41] Walt Disney Home Entertainment re-released the movie on DVD on March 7, 2006, with Disney's newly produced English dub and the original Japanese version. The company reissued My Neighbor Totoro, as well as Castle in the Sky, and Kiki's Delivery Service, with updated cover art highlighting its Studio Ghibli origins, on March 2, 2010, coinciding with the US DVD and Blu-ray debut of Ponyo. My Neighbor Totoro was re-released by Disney on Blu-Ray on May 21, 2013. GKIDS re-issued the film on Blu-ray and DVD on October 17, 2017.[42]
 In Japan, My Neighbor Totoro had sold 3.5 million VHS and DVD units as of April 2012,[43] equivalent to approximately ¥16,100 million ($202 million) at an average retail price of ¥4,600 (¥4,700 on DVD and ¥4,500 on VHS).[44] In the United States, the film sold over 500,000 VHS units by 1996,[45] with the later 2010 DVD release selling a further 3.8 million units and grossing $64.5 million in the United States as of October 2018.[46]
 In the UK, the film's Studio Ghibli anniversary release appeared on the annual lists of ten-best-selling foreign language films on home video for five consecutive years, ranking number seven in 2015,[47] number six in 2016[48] and 2017,[49] number one in 2018,[50] and number two in 2019 below Spirited Away.[51]
 My Neighbor Totoro received widespread acclaim from film critics.[52][53] On the review aggregator website Rotten Tomatoes, 94% of 59 critics' reviews are positive, with an average rating of 8.4/10. The website's consensus reads: ""My Neighbor Totoro is a heartwarming, sentimental masterpiece that captures the simple grace of childhood.""[54] Metacritic, which uses a weighted average, assigned the film a score of 86 out of 100, based on 15 critics, indicating ""universal acclaim"".[55]
 In 2001, Japanese magazine Animage ranked My Neighbor Totoro 45th in its list of 100 Best Anime Productions of All Time.[56] My Neighbor Totoro was voted the highest-ranking animated film on Sight & Sound's critics' poll of all-time greatest films, and joint 154th overall.[1] In 2022, the magazine ranked the film as the joint-72nd-greatest film overall, being one of two animated films included in the list.[57][58] My Neighbor Totoro was ranked third on the list of ""Greatest Japanese Animated Films of All Time"" by film magazine Kinema Junpo in 2009, 41st in Empire magazine's ""The 100 Best Films of World Cinema"" in 2010, second on a similar Empire list of best children's films, and number one in the greatest animated films in Time Out; a similar list by the editors ranked the film in third place.[2][59][60][61]
 
Film critic Roger Ebert of Chicago Sun-Times identified My Neighbor Totoro as one of his ""Great Movies"", calling it ""one of the lovingly hand-crafted works of Hayao Miyazaki"". In his review, Ebert said the film ""is based on experience, situation and exploration—not on conflict and threat"", and added: 
it would never have won its worldwide audience just because of its warm heart. It is also rich with human comedy in the way it observes the two remarkably convincing, lifelike little girls ... It is a little sad, a little scary, a little surprising and a little informative, just like life itself. It depends on a situation instead of a plot, and suggests that the wonder of life and the resources of imagination supply all the adventure you need.[62] Steve Rose from The Guardian gave the film five stars, praising Miyazaki's ""rich, bright, hand-drawn"" animation and describing it as ""full of benign spirituality, prelapsarian innocence and joyous discovery, all rooted in a carefully detailed reality"".[63] Trevor Johnston from Time Out also awarded the film five stars, commenting on its ""delicate rendering of the atmosphere"" and its first half that ""delicately captures both mystery and quietness"".[64] Japanese filmmaker Akira Kurosawa cited My Neighbor Totoro as one of his favorite films.[65] Writing for the London Evening Standard, Charlotte O'Sullivan praised the charm of the film but said it lacks complexity in comparison with Spirited Away.[66] Jordan Cronk from Slant awarded the film three-and-a-half stars but said it is ""devoid of much of the fantasia of Miyazaki's more outwardly visionary work"".[67] In the 1996 movie guide ""Seen That, Now What?"", My Neighbor Totoro was given the rating of ""A"". The guide stated that the film is an ""enchanting, lushly animated view of the natural world with child's sense of wonder"", and noting its suitability for young children while being ""a perennial favorite among [film buffs]"".[68]
 The 1993 translation was not as well-received as the 2006 translation; Leonard Klady of Variety wrote the 1993 translation demonstrates ""adequate television technical craft"" that is characterized by ""muted pastels, homogenized pictorial style and [a] vapid storyline"". Klady described the film's environment as ""obviously aimed at an international audience"" but ""evinces a disorienting combination of cultures that produces a nowhere land more confused than fascinating"".[69] Stephen Holden of The New York Times described the 1993 translation as ""very visually handsome"", and said the film is ""very charming"" when ""dispensing enchantment"". Despite the highlights, Holden wrote ""too much of the film, however, is taken up with stiff, mechanical chitchat"".[70]
 Matthew Leyland of Sight & Sound reviewed the DVD released in 2006, commenting; ""Miyazaki's family fable is remarkably light on tension, conflict and plot twists, yet it beguiles from beginning to end ... what sticks with the viewer is the every-kid credibility of the girls' actions as they work, play and settle into their new surroundings"". Leyland praised the DVD transfer of the film but noted the disc lacks a look at the film's production, instead being overabundant with storyboards.[71] Writing in Joe Hisaishi's Soundtrack for My Neighbor Totoro, Kunio Hara praised the soundtrack, describing the song ""My Neighbor Totoro"" as a ""sonic icon"" of the film. Hara also commented the music ""arouse[s] a similar sentiment of yearning for the past"".[38]
 My Neighbor Totoro was considered a milestone for writer-director Hayao Miyazaki. The popularity of the film's central character Totoro among Japanese children has been likened to that of Winnie-the-Pooh in Britain.[76] The Independent said Totoro is one of the greatest cartoon characters, describing the creature; ""At once innocent and awe-inspiring, King Totoro captures the innocence and magic of childhood more than any of Miyazaki's other magical creations"".[77] The Financial Times recognized the character's appeal, commenting Totoro ""is more genuinely loved than Mickey Mouse could hope to be in his wildest—not nearly so beautifully illustrated—fantasies"".[76] Empire also commented on Totoro's appeal, ranking him at number 18 on a list of the greatest animated characters of all time.[78]
 The character of Totoro later became a mascot and official logo for Studio Ghibli.[79][80][81][82]
 According to the environmental journal Ambio, My Neighbor Totoro ""has served as a powerful force to focus the positive feelings that the Japanese people have for satoyama and traditional village life"". The film's central character Totoro was used as a mascot by the Japanese campaign ""Totoro Hometown Fund Campaign"", which aimed to preserve areas of satoyama in Saitama Prefecture.[83] The fund, started in 1990 after the film's release, held an auction in August 2008 at Pixar Animation Studios to sell over 210 original paintings, illustrations, and sculptures inspired by My Neighbor Totoro.[84]
 Miyazaki additionally uses Totoro as a part of his logo for Studio Ghibli.[85] Totoro also makes a cameo appearance in the Pixar film Toy Story 3 (2010)[86] but was not included in Toy Story 4 due to licensing problems.[87] Toy Story 3's art director Daisuke Tsutsumi is married to Miyazaki's niece, who inspired the character Mei in My Neighbor Totoro.[7]
 A main-belt asteroid that was discovered on December 31, 1994, was named 10160 Totoro.[88] In 2013, Eoperipatus totoro, a species of velvet worm that was discovered in Vietnam, was named after Totoro. Following the request of the paper's authors, the species was named for the character because he ""uses a many-legged animal as a vehicle, which according to the collectors resembles a velvet worm"".[89]
 In Japan in May 1988, Tokuma published a four-volume series of ani-manga books, which use color images and lines directly from My Neighbor Totoro.[90][91] The series was licensed for English-language release in North America by Viz Media, which released the books from November 10, 2004, through February 15, 2005.[92][93][94][95] A 111-page picture book based on the film and aimed at young children was released by Tokuma on June 28, 1988, and, in a 112-page English translation, by Viz on November 8, 2005.[96][97] Tokuma later released another 176-page art book containing conceptual art from the film and interviews with production staff on July 15, 1988, and, in English translation, by Viz on November 8, 2005.[98][99] In 2013, Viz released a hardcover light novel that was written by Tsugiko Kubo and illustrated by Hayao Miyazaki.[100]
 Mei and the Kittenbus (めいとこねこバス, Mei to Konekobasu) is a thirteen-minute sequel to My Neighbor Totoro that was written and directed by Miyazaki.[101] Chika Sakamoto, who voiced Mei in Totoro, returned to voice Mei in this short. Hayao Miyazaki voiced Granny Cat (Neko Baa-chan) and Totoro. The sequel focuses on the character Mei Kusakabe from the original film and her one-night adventures with Kittenbus, the offspring of Catbus, and other cat-oriented vehicles.[102] The sequel was first released in Japan in 2003 and is regularly shown at Ghibli Museum[103] but has not been released on home video.
 Licensed My Neighbor Totoro merchandise of Totoro has been sold in Japan for decades after the film's release. Sales of the film's licensed merchandise in Japan grossed ¥10.97 billion in 1999, ¥56.08 billion during 2003–2007,[104] at least ¥4.1 billion in 2008,[105] and ¥19.96 billion during 2010–2012.[104]
 In May 2022, the Royal Shakespeare Company and composer Joe Hisaishi announced that a stage adaptation of the film titled My Neighbor Totoro would run from 8 October 2022 to 21 January 2023 at the Barbican Centre in London.[106] It was adapted by British playwright Tom Morton-Smith and directed by Improbable's Phelim McDermott.[107] Tickets went on sale on 19 May 2022, breaking the theater's box-office record for sales in one day which was previously held by the 2015 production of Hamlet starring Benedict Cumberbatch.[108] The show won six Olivier Awards.[109]
 On 30 March 2023, it was announced that the production will return to the Barbican for another season,[110] which began on 21 November 2023 and ran until 23 March 2024.[109][needs update]",3874,"Main page; Contents; Current events; About Wikipedia; Help; Learn to edit; Community portal; Upload file; ; learn more; Article; Talk; Read; Read; Upload file; ; ; latest accepted revision; My Neighbour Totoro (play); ; Kana; Revised Hepburn; Hayao Miyazaki; Chika Sakamoto; Noriko Hidaka; Hitoshi Takagi; Takeshi Seyama; Joe Hisaishi; Studio Ghibli; Toho; Japanese; Hepburn; Japanese animated; fantasy film; Hayao Miyazaki; Studio Ghibli; Tokuma Shoten; Noriko Hidaka; Chika Sakamoto; Hitoshi Takagi; postwar rural Japan; animism; Shinto; environmentalism; home video; merchandise; Animage; Mainichi Film Award; Kinema Junpo Award; Blue Ribbon Awards; Empire; Sight & Sound; all-time greatest films; house spirits; susuwatari; camphor tree; Three Billy Goats Gruff; ; Expo 2005; ; giant, bus-shaped cat; 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Kiki la petite sorcière,https://fr.wikipedia.org/wiki/Kiki_la_petite_sorcière,"Vous lisez un « article de qualité » labellisé en 2017.
 Pour les articles homonymes, voir Kiki la petite sorcière (homonymie).
 29 juillet 1989
 
 modifier  Kiki la petite sorcière (魔女の宅急便, Majo no takkyūbin?, littéralement Le service de livraison rapide de la sorcière) est un film d’animation japonais, le cinquième du réalisateur Hayao Miyazaki, produit par le studio Ghibli en 1989. Il s’agit de l’adaptation d’un livre pour enfants d’Eiko Kadono, du même nom, paru en 1985.
 Kiki, le personnage principal, est une jeune sorcière qui quitte le foyer familial à treize ans pour s’établir seule dans une nouvelle ville d’apparence européenne. Elle y crée un service de livraison rapide par les airs, car son seul réel pouvoir magique est sa faculté de voler, et fait de nombreuses rencontres qui l’aident dans son intégration et son apprentissage de l’indépendance. Bien que Kiki soit une sorcière, le film est centré sur les vicissitudes du quotidien d’une jeune adolescente qui doit appréhender ses propres capacités pour trouver sa place dans une nouvelle communauté, des thèmes chers au réalisateur.
 Le film connaît un important succès avec plus de deux millions de spectateurs lors de sa sortie au Japon. Combinée aux ventes de produits dérivés du film Mon voisin Totoro sorti un an plus tôt, cette réussite contribue à la pérennisation du jeune studio Ghibli.
 Kiki est une jeune sorcière qui vient de fêter ses treize ans. C’est une date importante dans sa famille : traditionnellement à cet âge, les sorcières doivent quitter leurs parents et s’établir pour une année dans une nouvelle ville afin de parfaire leur apprentissage. Kiki, que cette idée met en joie, écoute le bulletin météo à la radio qui annonce beau temps. C’est décidé, elle partira le soir même ! Bien que sa mère soit un peu inquiète, elle n’essaye pas de différer le départ. Elle confie à sa fille la robe noire traditionnelle des sorcières, que Kiki trouve trop terne à son goût, tandis que son père appelle les voisins pour la cérémonie d’adieu. À la nuit tombante, la jeune sorcière est ainsi parée, avec sa petite radio, son paquetage, et son sarcastique chat noir Jiji qui a la faculté de parler avec Kiki. Elle enfourche le vieux balai magique de sa famille et s’envole vers sa nouvelle vie.
 Elle croise bientôt une jeune sorcière plus âgée, un peu hautaine, qui lui révèle s’être spécialisée dans l'astrologie. Kiki s’interroge sur sa spécialité quand elle est surprise par un violent orage qui la force à s’abriter dans un wagon à bestiaux. Au petit matin, elle a l’heureuse surprise de voir l’océan, près duquel elle rêvait de s’établir. Elle vole alors jusqu'à une ville brillante : les premiers habitants qu’elle aperçoit sont manifestement étonnés de voir une sorcière volant sur un balai. Elle fait la rencontre d’un jeune garçon enjoué nommé Tombo, qui semble amical et très intéressé par son pouvoir de voler. Kiki cependant lui répond froidement, puis le sème en volant. Se pose vite la question de savoir où loger : à treize ans et sans grand argent, elle ne peut louer une chambre d’hôtel. Accoudée seule à un muret, son chat Jiji songe à chercher une ville plus accueillante. Tous deux sont interrompus par une femme enceinte sortant en toute hâte de sa boulangerie car une cliente avait oublié la tétine de son bébé. Kiki se propose de ramener l’objet, ce qu’elle fait facilement par les airs, sous le regard émerveillé de la boulangère, qui se nomme Osono. De retour à la boulangerie, madame Osono, comprenant que la jeune fille n’avait pas d’endroit où dormir, lui offre le gîte pour la nuit, dans une chambre à l’étage d’une remise.
 Au petit matin, Kiki fait part à Osono de son idée pour gagner sa vie : créer un service de livraison rapide, puisque finalement, son meilleur talent est celui de voler. La boulangère, ravie, lui propose de loger gratuitement dans la chambre en échange de son aide à la boulangerie, le temps qu’elle se constitue une clientèle. Kiki s’occupe alors de nettoyer et d'arranger la chambre, puis de faire les courses. En chemin, elle croise Tombo qui essaye de nouveau d’engager la conversation, sans succès. Arrivée à la boulangerie, Kiki apprend qu’elle a sa première cliente, une habituée qui souhaite livrer un cadeau d’anniversaire. Durant la livraison, Kiki perd par accident le cadeau, une peluche, au-dessus d’une forêt et décide de la remplacer par Jiji car très ressemblant en attendant de la retrouver. Elle fait la connaissance d’Ursula, une jeune artiste-peintre, qui vit seule dans une cabane forestière. Elle lui propose de rendre la peluche qu’elle a trouvée, en échange la sorcière doit nettoyer la cabane. Kiki lui promet de revenir la voir et de poser comme modèle pour sa peinture.
 Un matin d’été, Kiki s’ennuie à la boulangerie et s’inquiète des maigres recettes de son service de livraison. Tombo surgit alors et, malgré la froideur de Kiki, l’invite à une fête, lui annonçant qu’il l’attendra à six heures du soir. Kiki, hésitante et inquiète de sa robe noire trop terne, en parle à Osono qui l’encourage fortement à aller à la fête et se faire des amis. La jeune sorcière n’a pas le temps de s’attarder car elle a deux clients à servir. Le second, qui est une vieille dame (nommée simplement « Madame » dans le film), lui a donné rendez-vous dans une vaste demeure. Elle souhaite livrer sa tarte fétiche à sa petite fille, mais son four électrique ne fonctionne plus et elle n'a pas pu la cuire. Embarrassée pour elle, Kiki propose à Madame de cuire la tarte dans un vieux four à pain, car elle sait comment le faire fonctionner. La jeune fille parvient à livrer la tarte à temps, toutefois, la petite fille de la vieille dame ne montre pas grand intérêt pour le cadeau. Trempée à cause de la pluie, fatiguée et en retard, Kiki se résout à ne pas accompagner Tombo et se couche déprimée. Tombo, qui a attendu un long moment dans la nuit, repart seul.
 Plus tard un matin, Osono lui demande de faire une livraison chez la famille Kopori. Sur place, Kiki constate avec surprise qu’il s’agit du nom de famille de Tombo. Ce dernier l’invite à aller voir un imposant dirigeable stationnant sur la plage. Kiki accepte et grimpe derrière Tombo sur son vélo bizarrement équipé d’une hélice. Après un premier accident qui provoque l’hilarité des deux adolescents, ils parviennent sur la plage où ils peuvent enfin discuter. Puis des amis de Tombo surviennent et leur enjoignent de visiter le dirigeable, mais Kiki, soudain distante, refuse la proposition et s’en retourne seule sans un mot. Elle se désole auprès de Jiji d’avoir été si malpolie, mais réalise soudain qu’elle ne peut plus parler à son chat ! Paniquée, elle sort dans la nuit pour se rendre compte qu’elle a perdu son pouvoir de voler. Elle brise même en deux son vieux balai familial par accident.
 Le lendemain, préoccupée par la perte de son pouvoir, elle reçoit la visite d’Ursula : cette dernière, qui remarque rapidement le trouble de Kiki, l’invite à venir séjourner dans sa cabane forestière. Kiki y découvre une magnifique peinture ; Ursula lui explique que pour achever la peinture elle a besoin que Kiki pose comme modèle, car elle a été sa source d’inspiration. Durant la nuit, Ursula raconte son choix de devenir peintre, ses hésitations et errances de jeune fille. Ce séjour réconforte beaucoup Kiki.
 De retour en ville, la jeune sorcière se rend chez Madame qui souhaite lui confier une livraison. Là, sur les images d’un vieux poste de télévision, une émission montre le départ en direct du grand dirigeable. Mais une forte bourrasque crée la panique, libérant le dirigeable qui s’élève et emporte Tombo accroché à une corde. Kiki se précipite alors sur place pour aider son ami. Elle emprunte le vieux balai d’un nettoyeur et, se concentrant, retrouve peu à peu son pouvoir de voler. Bien qu’encore maladroite en vol, elle parvient à sauver Tombo, sous les acclamations de la foule. La dernière scène montre les parents de Kiki lisant une lettre de leur fille où elle explique aimer sa nouvelle vie et avoir confiance en l’avenir. Le générique de fin montre Tombo et Kiki enfin complices, elle volant sur son balai et lui sur une machine volante de sa confection, sous le regard enthousiaste de leurs amis, tandis que Jiji, qui a définitivement perdu la faculté de parler, convole avec une chatte et leurs chatons[1].
 Kiki (キキ?) est une jeune sorcière qui vient tout juste d'avoir ses treize ans au début du film. Traditionnellement à cet âge, les sorcières doivent quitter leurs parents et s’établir pour une année dans une nouvelle ville afin de parfaire leur apprentissage. Toutefois, Kiki ne maîtrise aucun pouvoir magique, si ce n'est sa capacité à voler sur un balai magique. Elle décide donc de mettre en place un service de livraison aérien, avec l'aide de la boulangère Osono, afin de subvenir à ses besoins[2].
 Kiki est présentée de façon vertueuse par le réalisateur : elle est polie, attentionnée, et sa gentillesse lui permet de se faire de nombreux amis[3]. Au fur et à mesure du récit, Kiki, confrontée aux problématiques de l'intégration, gagne en indépendance, en confiance en elle, et en émancipation[4],[5].
 Sauf mention contraire, les informations ci-dessous proviennent de l’Internet Movie Database[13] ou d’Anime News Network[14].
 Sources : Internet Movie Database[16] et Buta Connection[15].
 Sources : Anime News Network[14] et Planète Jeunesse[17].
 Kiki la petite sorcière est adapté du livre éponyme pour enfant écrit par Eiko Kadono[4]. Le projet d’adaptation de cette histoire est venu à Hayao Miyazaki en remarquant la similitude entre le personnage de Kiki et les jeunes animatrices du studio Ghibli[18]. Au commencement du projet, Miyazaki est entièrement pris par la réalisation de Mon voisin Totoro et Isao Takahata, cofondateur du studio, par celle du Tombeau des lucioles. Le projet a donc été assigné à deux jeunes débutants, Sunao Katabuchi, qui avait travaillé avec Miyazaki sur Sherlock Holmes, à la réalisation et Nobuyuki Isshiki au scénario. Cependant, Miyazaki, qui jouait initialement le rôle de producteur uniquement, n’est pas satisfait par le premier scénario produit par Isshiki, si bien qu’il s’implique de plus en plus dans la scénarisation, jusqu’à devenir le principal réalisateur et scénariste, tandis que Sunao Katabuchi devient son assistant[18],[19]. La situation financière encore fragile du jeune studio explique également l’implication grandissante de Miyazaki[20],[19].
 Miyazaki commence par amender le scénario et, libéré par l'achèvement de Mon voisin Totoro, emmène son équipe en Suède pour s’inspirer de ses paysages, le film devant se dérouler dans un cadre européen. Au retour, le travail débute sur le scénario — modifié en profondeur par le réalisateur —, les croquis préparatoires et la conception des personnages. Pour ces derniers, Miyazaki se base souvent sur son entourage, telle Kiki qui est inspirée de la fille du producteur associé Toshio Suzuki, ainsi que des jeunes femmes travaillant au studio Ghibli[21]. Le scénario finalisé le 8 juillet 1988, Miyazaki s’attaque au storyboard, puis à la réalisation. Initialement, il était prévu pour le film une sortie limitée et une durée modeste (80 minutes maximum) ; cependant, le projet prend finalement la forme d’un long métrage majeur du studio, d’une durée de 102 minutes[18].
 Le film est réalisé entièrement en animation traditionnelle sur celluloïds, sans recours à l’infographie alors en vogue[11],[22]. L’animation repose sur les mouvements de caméra mis en place par les animateurs. Parmi les effets les plus employés figurent le zoom, qui permet de mettre en lumière un aspect important d’une scène, le panoramique, fortement utilisé pour les scènes de vol car il permet de suivre un objet en mouvement et ainsi montrer une plus grande quantité d’informations en un seul plan, le fondu utile pour montrer les variations de météo ou de lumière, le match moving idéal pour dévoiler progressivement un lieu grâce à la caméra mobile, et enfin la superposition de deux scènes en une (par exemple via un reflet sur une vitre)[23]. De plus, le vol, central dans l’œuvre de Miyazaki et dans le film, permet de capter des points de vue et des perspectives originales[4].
 L’animation des personnages vise à souligner leur état d’esprit. Par exemple, Kiki marche de façon joyeuse au début du film, puis plus timidement quand elle arrive dans sa nouvelle ville. Sa manière de voler évolue sur le même principe selon qu’elle maîtrise naturellement son balai au début, puis perd la faculté de voler et enfin réapprend maladroitement à la fin. Pour animer ces différents styles de vol, l’animation joue sur la flexibilité des membres de Kiki sur son balai pour montrer tension, élégance ou maladresse[23].
 Le récit se déroule dans un monde inspiré d’une Europe romantique et idéalisée[20]. La ville de Koriko, où s’établit Kiki, est ainsi un mélange de villes méditerranéennes (Lisbonne, Naples), de villes du nord de l’Europe (Visby, Stockholm, Paris et Amsterdam), et enfin de San Francisco[4],[24],[25]. La Suède semble la principale source d’inspiration, Miyazaki y ayant séjourné en 1971 et s’y étant de nouveau rendu avec son équipe lors de la préparation du scénario[20],[4]. Outre la diversité des lieux d’inspiration, la ville présente une architecture mélangeant les époques, avec des bâtiments allant du XVIIIe siècle aux années 1960. Cet aspect est renforcé par les objets, le dirigeable rappelant plutôt les années 1930, les voitures les années 1940 et le vieux téléviseur en noir et blanc, les années 1950. Ce mélange des lieux et des époques contribue à créer une Europe idéalisée qui échappe aux exigences de réalisme[24]. Il en résulte des décors urbains volontairement détaillés et pittoresques qui reposent sur des couleurs vives et de nombreux reflets éblouissants. Le récit emprunte à l’imaginaire européen, notamment la représentation de la sorcière avec sa robe sombre, son chat noir et son balai magique[10].
 La palette de couleurs au sein de Ghibli évolue d’un film à l’autre depuis les premières réalisations du studio jusqu’à Kiki la petite sorcière[26]. Dans ce dernier film, les tons dominants sont estivaux — le vert et le bleu —, tandis que les couleurs sombres n’interviennent que pour souligner un sentiment négatif ou la nuit[20]. La couleur suit aussi la préférence grandissante pour les tons plus réalistes et discrets au sein du studio, les couleurs primaires vives étant réservées aux détails[26].
 La bande originale du film est réalisée par Joe Hisaishi, tandis que Yumi Arai compose et interprète les génériques de début (Rouge no Dengon (ルージュの伝言, Rūju no dengon?)) et de fin (Yasashisa ni tsutsumareta nara (やさしさに包まれたなら, Yasashisa ni tsutsumaretanara?)) dans le style musical des années 1960-1970[20].
 La bande-son apparaît volontairement très européenne[27], s’inspirant de la musique occidentale pour la mesure et l’instrumentalisation (par exemple l’accordéon)[28]. Les compositions de Hisaishi sont empreintes d’innocence dans le film, ainsi que de sacré lors de la scène touchante où Kiki découvre la peinture qu’Ursula a faite d’elle[29],[22].
 Le film ménage également de nombreux silences qui permettent au spectateur d'interpréter librement l’ambiance des scènes. Ces silences ont été largement effacés dans la version anglaise de 1997, sur laquelle Paul Chihara a été chargé d’adapter la musique, pour mieux toucher le public américain[30].
 
 La production et la promotion sont assurées par Tokuma Shoten, qui possède alors Ghibli, ainsi que Nippon TV et Yamato Transport. Ce dernier participe à la création du film car, détenteur d’une marque nommée « Takkyūbin » (mot utilisé dans le titre), il est approché par le studio Ghibli pour prévenir tout ennui lié à l’usage du terme. Séduite par le projet, la société décide de s’impliquer dans la production du film, d’autant plus que son logo est un petit chat noir, ce qui n’est pas sans rappeler Jiji[33],[34].
 Kiki la petite sorcière bénéficie d’une campagne publicitaire plus large que les précédentes réalisations du studio, grâce au récent partenariat de Ghibli avec Nippon TV, qui peut assurer la promotion du film auprès d’une large audience, ainsi qu’au soutien d’une grande entreprise comme Yamato Transport[35]. Cette approche marketing sera reprise et amplifiée par la suite par Ghibli. L’affiche officielle, qui montre Kiki accoudée derrière le comptoir de la boulangerie, est choisie par le producteur associé Toshio Suzuki. Ce dernier souhaitait que l’affiche reflète le vrai sens du scénario, qui est centré sur le quotidien banal de Kiki plutôt que sur la magie[36]. Suzuki s’assure également que Nippon TV, en plus des publicités, rediffuse les précédents films de Ghibli peu avant la sortie de Kiki la petite sorcière[37].
 Le film sort le 29 juillet 1989 au Japon. Il s’agit du premier ample succès au box-office du studio Ghibli, réunissant 2 640 619 entrées pour un revenu de 2 170 000 000 de yens[38], avec un budget estimé à 800 000 000 de yens. Il s’agit du plus gros succès au box-office nippon pour l’année 1989[39]. Le film sort ensuite en VHS en 1995 (150 000 unités vendues[38]), en DVD en 2001 (plus de 500 000 unités vendues en juin 2014)[40], et en Blu-ray en 2012[41] (environ 11 000 unités vendues en 2012[42]). De plus, il est diffusé à treize reprises à la télévision japonaise entre 1990 et 2016, pour des parts d’audience allant de 13,5 % à 24,4 % (lors de la première diffusion le 5 octobre 1990)[43].
 Dans la francophonie, Kiki la petite sorcière a connu plusieurs sorties tardives au cinéma[44]. En France, il est présenté au Festival du film asiatique de Deauville le 12 mars 2004 et sort dans les salles le 31 mars de la même année[44], réunissant 653 067 spectateurs[45]. Il sort aussi au cinéma en Belgique et en Suisse le 10 avril 2004 (pour les parties francophones)[44]. Au Québec, le film est présenté à l’occasion du Festival international du film pour enfants de Montréal en 2015[46]. Dans le monde anglophone, il est diffusé uniquement en VHS en 1998 par Buena Vista Entertainment (filiale de Disney), qui vend plus de 900 000 unités en un mois[47].
 Au Japon, le Japan Times fait une critique positive du film, saluant notamment le « réalisme psychologique » dans l’évocation des sentiments de Kiki[49]. Le réalisateur Akira Kurosawa écrit avoir « pleuré » devant le film[50], alors que Mamoru Oshii estime dans Kinema Junpō que le film tombe à plat en voulant trop satisfaire les attentes du public[51]. Sur le site spécialisé eiga.com, le film récolte une note de 3,9 sur 5 parmi les spectateurs[52]. Parmi la presse spécialisée, le magazine Animage consacre deux longs articles enthousiastes au film dans les numéros de juillet[53] et septembre 1989 (Kiki faisant la couverture de ce dernier)[54], et décerne de plus son prix du meilleur film de l’année à Kiki la petite sorcière[55].
 Dans le monde, la critique est essentiellement positive. Parmi la presse francophone, Allociné recense 15 critiques positives sur 16 (pour une note moyenne de 4,5/5)[56]. Parmi les critiques positives, Fluctuat.net écrit qu’à travers le film, on « apprend à vivre, à croire, à aimer » et loue « les images de Miyazaki [qui sont] incroyablement vivantes »[57]. Pour Libération, « [l’]épatante équipée de Kiki, éprise d’indépendance et de libre arbitre, les tourments et engouements d’une préadolescente dans un environnement très réaliste, nimbé de nostalgie, en fait assurément l’une des plus craquantes héroïnes de Hayao Miyazaki », et ajoute que « parents et enfants participeront avec une même et constante jubilation aux pérégrinations urbaines, pastorales et azuréennes de l’entreprenante Kiki »[58]. Télérama loue en particulier les passages aériens, « prétexte[s] à quelques-unes des scènes les plus éblouissantes du film », ainsi que la « grande douceur » qui s’en dégage[59]. Pour Chronic'art, ce « conte intimiste à la limite de l’introspection [...] fait étinceler des facettes présentes mais souvent en veille dans l'œuvre du maître [Hayao Miyazaki] : le doute, la douleur, les rêveries contrariées »[60]. 
 En Suisse, Le Temps compare Kiki à Harry Potter, mais estimant que Kiki est « infiniment plus nuancée », car pour elle, « la gentillesse, la modestie, le savoir-vivre s'avèrent les clés de la maturité »[61]. L'Express de Neuchâtel estime que le film est un « joyau », plus accessible que Le Château dans le ciel (troisième long métrage de Miyazaki), car moins tourmenté[62]. Parmi les critiques plus négatives, L'Express regrette « l’imaginaire un peu court » du film, jugé une « énième exploitation de la signature Miyazaki »[63].
 Dans le monde anglophone, Rotten Tomatoes recense 96 % de critiques positives (sur 26, pour une note moyenne de 7,7/10)[64]. Dans le Los Angeles Times[65], le Seattle Times[66] et le Chicago Tribune[67], la qualité des dessins, du scénario ainsi que du doublage anglais, qui a été assuré par des acteurs célèbres comme Kirsten Dunst, Phil Hartman et Debbie Reynolds, est louée. Le Seattle Times[66] regrette cependant l’« animation limitée des visages », et le Boston Herald[68] la longueur du film. Le magazine cinématographique Empire fait lui aussi une critique favorable du film[69]. Sensacine en espagnol écrit qu’il s’agit d’« un des plus beaux films » de Miyazaki, qui s’adresse tant aux enfants qu’aux adultes[70]. Film-rezensionen.de juge que Kiki est un « charmant film d’animation pour petits et grands enfants, avec des dessins fouillés, des personnages attachants et une histoire intemporelle sur le passage à l’âge adulte »[71].
 La bande originale du film sort pour la première fois sur CD le 25 août 1989 au Japon[32] et se vend à 240 000 exemplaires la première année[38]. Elle est par la suite rééditée à plusieurs reprises dans ce pays, et les deux génériques sont présents sur la compilation des musiques du studio Ghibli sorties en 2008 et rééditée en 2015[72]. La bande originale est distribuée par Wasabi Records en Europe en 2012[31].
 Plusieurs publications sont issues directement du film. Dès 1989, Tokuma Shoten publie : un manga en quatre volumes basé sur les dessins du film[73] ; un artbook qui comprend de nombreuses esquisses préparatoires, des cellulos ainsi que des storyboards[74] ; un livre recensant des dessins du film, de nombreuses interviews ainsi que des notes de production[75] ; l’intégralité des storyboard et enfin un recueil de poèmes de Miyazaki en 32 pages inspirés de Kiki[76]. Plusieurs albums composés de scènes du film sont édités par Tokuma Shoten, Shougakukan et Keibunsha[76]. En 2013, Bungeishunjū publie en collaboration avec Ghibli une série de livres consacrée aux films de Ghibli, dont le cinquième volume est entièrement consacré à Kiki la petite sorcière ; ce volume comprend notamment des notes de production et plusieurs interviews de membres du studio, dont Hayao Miyazaki et Toshio Suzuki[77].
 Une multitude de produits dérivés ont également été commercialisés, incluant jouets, accessoires ou encore objets décoratifs[78],[79].
 Le film est centré sur le voyage initiatique de Kiki, qui, adolescente insouciante au début du récit, gagne peu à peu en indépendance et en confiance en elle[4],[5]. Tout comme dans Mon voisin Totoro, le précédent film de Miyazaki, il n’y a nul méchant ou confrontation avec le monde extérieur : Kiki ne se rebelle pas contre ses parents, qui la soutiennent, ou une quelconque autorité[83]. Elle n’est confrontée à aucune situation extraordinaire. Au contraire, son passage à l’âge adulte n’est rythmé que par les vicissitudes et excitations du quotidien, n’étant pas même épargné par l’ennui typique de l’adolescence[84],[5],[85]. Comme tout enfant qui grandit, Kiki doit faire face à des succès, mais aussi des petites désillusions, surmonter divers problèmes, et ainsi apprendre à vivre. Ses soucis peuvent être d’ordre purement matériel, comme le besoin de travailler pour gagner de quoi vivre, ou bien intérieur, comme le manque de confiance en elle[86],[10].
 L’aspect le plus important de l’apprentissage de Kiki est l’indépendance. En effet, Miyazaki insiste beaucoup sur les tracas d’argent de Kiki au début du film et son besoin prégnant de gagner sa vie. Il s’agit pour le réalisateur de présenter l’évolution de Kiki de façon la plus réaliste possible. Son modèle, ce sont les adolescentes tokyoïtes toutes confrontées à leur manière au passage à l’âge adulte, et donc à la question de leur indépendance[86]. La quête de soi apparaît comme un thème tout aussi important que l’appréhension de l’indépendance et permet un questionnement social : comment Kiki peut-elle se « réaliser » dans la société[11] ? Selon le réalisateur, nombre de jeunes femmes japonaises souffrent d’un « dénuement spirituel », quand bien même elles auraient acquis succès et indépendance matérielle[86], car l’important pour elles reste avant tout de trouver leurs propres talents et leur identité pour s’intégrer dans une nouvelle communauté[87],[86],[88].
 Miyazaki insiste sur l’importance de la collectivité et de l’intégration dans une nouvelle communauté, thèmes chers au réalisateur : Kiki, qui est au début un peu gauche, par exemple avec les garçons, apprend à connaître sa place dans la société et à construire des liens vertueux avec la communauté qui l’entoure[89],[11],[3]. En particulier, les valeurs de la politesse, du respect envers les anciens, de la propriété, de l’appartenance au groupe sont valorisées dans le film[89],[9]. Kiki rencontre de nombreux personnages secondaires (Osono, Tombo, Ursula, Madame…), et s’en fait des amis grâce à sa gentillesse ; c’est ce qui lui permet d’adoucir son exil et finalement, de s’intégrer petit à petit[3]. Plus intimement, elle ne grandit pas en opposition à l’extérieur, mais au contraire grâce à ses proches et ses amis qui l’aident et la soutiennent[83]. Les femmes du film — Osono qui gère avec brio sa boulangerie ou Ursula qui est fière et indépendante — servent de modèle ou guide pour Kiki[9].
 Le film montre que la société elle-même évolue, pouvant opposer tradition et modernité, ou artisanat et technologie. De nombreuses comparaisons entre l'ancien et le nouveau sont ainsi présentées, comme le vieux four à pain (inusité, mais toujours fonctionnel) et le four électrique (qui, lui, peut tomber en panne). Kiki, en tant qu'adolescente, embrasse les deux mondes : elle semble à l'aise avec la vie moderne, comme illustré au début du film par sa radio, mais ne refuse pas son héritage. Symboliquement, elle revêt ainsi la tenue traditionnelle noire des sorcières, bien qu'elle ne l'apprécie pas, mais la rehausse d'un large nœud rouge dans ses cheveux[9].
 Le début du film montre l’importance du rapport à l’autre à travers la représentation lyrique de la famille de Kiki, plus idéalisée que réelle. Miyazaki montre que Kiki a grandi dans un espace familial idéal, où le cadre est charmant, la maman travaille à la maison et le papa rentre tôt du boulot[11]. Osono et son mari forment ensuite une véritable famille de substitution pour Kiki, soulignant derechef l’importance de la famille pour le réalisateur[8],[11].
 Le scénario se démarque de nombre de dessins animés par le choix d’une jeune fille (shōjo) comme protagoniste du voyage initiatique. En effet, les thèmes de l’autonomie, la confiance en soi, la nécessité de gagner sa vie ou la planification de son avenir sont fréquemment présentés à travers de jeunes garçons plutôt que des filles[4],[10],[5]. Dans la plupart des cultures traditionnelles, notamment au Japon, il est inhabituel pour une fille de treize ans de partir seule dans un lieu étranger pour s’y établir professionnellement et apprendre l’indépendance, thèmes généralement masculins au cinéma[10]. Miyazaki inverse ainsi les codes de nombreux récits de passage à l’âge adulte en remplaçant le héros par une héroïne, donnant une tonalité originale à son histoire[4],[10]. Clin d’œil final de ce renversement des rôles, c’est Kiki qui secourt son ami Tombo à la fin du film, à la différence du schéma classique de conte de fées où c’est le jeune homme qui sauve sa princesse[90]. Par la force de caractère et l’obstination de Kiki, le film diffère aussi des mangas pour adolescentes de l’époque où les jeunes filles sont souvent enfermées dans des rôles passifs ou idéalisés[91]. Les autres personnages féminins du film, depuis Ursula qui mène une vie d’artiste un peu marginale à la figure maternelle d’Osono, peignent différentes possibilités pour les femmes de vivre en société[5].
 Le film respecte en partie les conventions de genre dans la construction des personnages : ainsi, Tombo apparaît généralement suractif et expansif là où Kiki est plus réfléchie et introspective[92]. Elle présente des traits de caractère récurrents des héroïnes idéalisées de Miyazaki : force de caractère, enjouement, charme[10]. Cette différence se ressent aussi via le lien au monde et à la nature : le pouvoir de Kiki est comparé par Ursula à une énergie intérieure et spirituelle (le ki), c’est-à-dire intimement liée à la nature, là où la machine volante de Tombo repose sur la force physique et la mécanique. Miyazaki respecte donc les différences de caractère et d’aptitude traditionnellement associés aux garçons et aux filles, mais veille à ce qu’aucun ne prenne l’ascendant sur l’autre, notamment socialement[92]. De plus, comme Kanta dans Mon voisin Totoro, Tombo n’apparaît pas comme le protecteur de Kiki, car les jeunes filles miyazakiennes s’émancipent, mais il est bienveillant envers elle et persévérant dans ses tentatives de lui montrer son amitié, voire son amour[6].
 Le vol, important dans le cinéma de Miyazaki et vecteur d’exaltation[93], apparaît comme central dans le film. Il s’agit d’un clair symbole d’émancipation pour plusieurs personnages féminins du réalisateur (Nausicaä, Fio, Kiki), un moyen pour elles de surmonter les limites physiques et sociales auxquelles les filles doivent faire face[94]. D’ailleurs, la crise de confiance de Kiki se matérialise par la perte de la faculté de voler[88]. Pour Drazen, le vol à deux avec Tombo sur la dernière scène relève aussi de l’intime, voire de l’amour : après qu’elle a surmonté son complexe vis-à-vis des amies plus élégantes et âgées de Tombo, tous deux partagent leur passion commune et exclusive, voler[95]. Bien que le film n’aborde nullement la puberté et la sexualité liées à l’adolescence, Napier note que le dénouement pour Kiki (le recouvrement de sa capacité de voler et donc de sa confiance en soi) se fait symboliquement au contact d’un garçon[90].
 Enfin, la diminution progressive de la complicité de Kiki avec son chat Jiji, qui part convoler et perd sa faculté de parler avec sa maîtresse, symbolise dans le film la perte de l’innocence de la jeune fille, indispensable pour embrasser la vie adulte et ses responsabilités[9],[96].
 Film du quotidien, Kiki la petite sorcière va souvent à rebours des attentes du spectateur en présentant des thèmes typiques du conte de façon inattendue, notamment par le choix d'une fille comme protagoniste de la quête d’indépendance et la relégation au second plan du merveilleux. Cela contribue à ancrer le film dans le réalisme plus que dans le conte de fées[90], le réalisateur s’attachant à montrer selon la formule de Le Roux « le naturel dans le merveilleux »[84].
 Pour renforcer l’aspect réaliste du film, Miyazaki va à rebours de la représentation classique dans les dessins animés de la petite fille aux pouvoirs magiques qui peut assouvir tous ses désirs (par exemple les magical girls). En opposition à ce schéma, le film est centré sur le quotidien de Kiki, qui ne tire en réalité que très peu d’avantages de ses pouvoirs de sorcière[88]. Certes elle peut voler, mais c’est bien tout, et elle doit ainsi affronter les mêmes problèmes que toutes les jeunes adolescentes de son âge[89],[88],[5]. Son apprentissage de la vie, qui se fait au contact du quotidien plutôt que par l’enseignement des adultes, est donc jonché de petits obstacles et imprévus qu’elle doit résoudre par l’effort, non pas d'un coup de baguette magique, pour trouver sa place dans le monde[5]. L’argent joue en particulier un rôle important dans la quête d’indépendance de Kiki, ce qui renforce grandement le réalisme du récit[90]. De plus, plusieurs scènes montrent Kiki accomplissant les tâches les plus banales comme faire le ménage, bien loin de l’image fantastique de la sorcière véhiculée par exemple dans Merlin l’Enchanteur (1963) de Disney ou la série Harry Potter[97].
 Le personnage d’Ursula fait figure de modèle pour Kiki : plus âgée, elle vit indépendante et joyeuse de sa peinture dans une petite cabane forestière. Elle aide Kiki à surmonter sa seule crise dans le film, la perte de son pouvoir de voler, qui résulte de la perte de confiance en soi[10]. Là encore, Miyazaki va à l’encontre des conventions de dessins animés en montrant que les pouvoirs magiques de Kiki ne sont pas innés, et que pire, elle peut les perdre à tout moment[10],[11], ce qui relève donc de la dimension psychologique et non du fantastique[83]. Il en résulte une sensation d’incertitude inhérente au fait de grandir[98]. Finalement, Kiki réapprend à voler au moment où elle cesse de penser à ses soucis et ses imperfections pour aider l’autre, en l’occurrence son ami Tombo en grand danger[10]. La vulnérabilité de Kiki qui entraîne la perte de son pouvoir n’est donc pas nécessairement un échec, car cela lui permet de mieux se comprendre[98]. De plus, le fait que les pouvoirs magiques ne soient pas innés renforce le message réaliste du film en montrant la nécessité permanente de travailler dur pour entretenir ses talents[11].
 Si, comme pour nombre de personnages féminins de Miyazaki, le portrait qui est fait de Kiki apparaît idéalisé, le réalisateur y associe un important aspect psychologique et l’ancre prosaïquement dans la société moderne, notamment par le besoin de gagner sa vie et l’importance de la confiance en soi dans le développement personnel[90]. Ce « réalisme psychologique » se retrouve aussi dans la description du quotidien : par exemple, la scène montrant Kiki gênée de pouvoir être vue en pyjama sur le chemin des toilettes, parce qu’elle ne connaît pas encore bien les Osono, ou bien la scène introductrice montrant Kiki allongée dans l’herbe et écoutant la radio comme tout adolescent banal pourrait le faire[97]. Cet ancrage dans le quotidien vise à ce que les émotions éprouvées par Kiki tout au long du récit puissent être comprises par tous, enfants et parents[85].
 Le scénario étant dénué de méchants ou de conflits extérieurs[83], le film est principalement rythmé par les états d'esprit de Kiki, entre joie, ennui et inquiétudes, ainsi que par sa crise de confiance qui est elle aussi intérieure et donc psychologique ; il en résulte une alternance entre passages mouvementés et contemplatifs, dans l’agitation de la ville ou le calme de lieux bucoliques[23],[11]. Ce rythme reflète d’ailleurs le chaotique passage à l’âge adulte de Kiki[23]. De nombreuses scènes notamment ne font en rien avancer l’histoire, mais ont pour fonction de véhiculer une émotion plus ou moins intense[99]. C’est le cas lorsque Kiki va aux toilettes au fond du jardin et doit se cacher et se presser sur le chemin du retour pour ne pas être vue par le boulanger, montrant l’embarras de l’adolescente face à une situation inhabituelle. Le lent panoramique et le point de vue qui montre toute la cour intérieure (renforçant l’impression de distance) soulignent l’hésitation et l’inconfort de Kiki[97]. Parmi ces scènes plus courtes figurent aussi le fou rire incontrôlable de Kiki et Tombo ou le câlin avec son père au début du film[99].
 Des épisodes sans rapport avec l’avancement du récit permettent aussi à Miyazaki de simplement montrer le travail d’animation, notamment le défilement des paysages dans les scènes de vol ou les pauses ménagées dans l’action, par exemple quand Kiki, immobile, s’apprête à décoller du toit du train roulant à toute vitesse. Selon Ellis, ces pauses rendent discrètement hommage au travail des animateurs en symbolisant la difficulté de donner vie à des images statiques (ce qui est le but de l’animation), peut-être en écho à la situation encore fragile du studio Ghibli récemment fondé par Miyazaki et Takahata, qui ont fait le choix de l’animation traditionnelle alors que l’infographie commence à s'imposer[11]. De plus, le film fait un lien positif entre artisanat (la boulangerie) et art (la peinture) présentés comme deux travaux utiles à la communauté ; ce lien fait de nouveau écho aux choix artistiques artisanaux du studio Ghibli[100].
 Au-delà de l’animation, Miyazaki présente dans le film une réflexion sur l’artiste. Les deux personnages féminins principaux du film, Kiki et Ursula, sont toutes deux à leur manière des créatrices qui symbolisent le cheminement intérieur de l’artiste : comme les adolescents, le plus important pour un jeune créateur n’est pas tant de gagner sa vie que de se réaliser soi-même[11]. Toutefois, les deux personnages peignent deux visions de l’artiste : Kiki est plus spontanée et improvisatrice, tandis qu’Ursula est moins impulsive, planifiant plus son travail (elle crée de nombreuses esquisses de ses tableaux)[11]. Pour Ellis, Miyazaki est soit plus proche d’Ursula, soit possède ces deux faces[11]. Ursula, qui a connu une crise similaire à celle de Kiki en voulant trop satisfaire les attentes des autres, explique avoir surmonté cette crise en comprenant que même dans la peinture, il faut parfois accepter un certain degré d’exigence et de souffrance, ce qui fait selon Cavallaro écho à la conception de l’art de Miyazaki[98].
 Les thèmes de l’exil et de l’intégration traversent l’œuvre de Miyazaki, depuis Le Peuple du désert, et deviennent particulièrement prégnants à partir de Mon voisin Totoro puis de Kiki la petite sorcière[3]. Ces deux films, qui sont tous deux dépourvus de mal[4], fonctionnent d’ailleurs sur un schéma inversé : Kiki est une campagnarde qui part s’installer dans une ville inconnue, tandis que Mei et Satsuki sont des citadines qui déménagent à la campagne[101]. Kiki présente aussi un ton plus adulte, puisque Miyazaki y passe de l’enfance (l’aînée, Satsuki, n’a que 10 ans dans Mon voisin Totoro) à l’adolescence[4]. Le réalisateur reviendra sur ces thèmes de l’exil et de l’intégration dans plusieurs films ultérieurs, comme Princesse Mononoké, Le Voyage de Chihiro et Ponyo sur la falaise[3].
 La thématique du voyage initiatique et de la quête d’indépendance pour une jeune fille est reprise plus tard dans Le Voyage de Chihiro : à l’instar de Kiki, Chihiro doit s’intégrer sans l’aide de ses parents dans un lieu étranger ainsi que dans le monde du travail. Les deux jeunes filles connaissent une crise de confiance et l’intégration par le travail et la solidarité[6],[21]. Cependant, Kiki est volontaire et heureuse à l’idée de partir, alors que Chihiro reste au début passive et craintive, étant transportée dans le monde des esprits contre son gré[102]. Les deux films reposent également sur un schéma opposé : Chihiro est une humaine voyageant dans un monde surnaturel tandis que Kiki est une sorcière s’établissant dans une ville humaine[103].
 Le film partage avec la production suivante de Miyazaki, Porco Rosso, la mise en scène de personnages hors du commun (une sorcière ou un homme à l’apparence de cochon) dans un univers très réaliste. Dans les deux films, le réalisateur ancre les éléments fantastiques dans le quotidien, bien loin de la magie et de l’exaltation attendues par le spectateur[84].
 Le personnage de Kiki s’inscrit pleinement dans la construction des héroïnes miyazakiennes décidées, pleines de vie et charmantes, donc idéalisées mais avec un réel aspect psychologique[104] et prenant leur vie en main comme Nausicaä et San[105]. Toutefois, Kiki est plus proche des petites filles de Totoro, mélange de force et de vulnérabilité, que de Nausicaä qui ne montre aucun doute[94].
 Visuellement, la fascination de Miyazaki pour l’Europe, qui se manifeste dans les paysages et l’architecture romantique du film, se ressent dans de nombreuses productions du réalisateur, notamment dans la série Heidi et ses paysages alpins, puis ses films Le Château de Cagliostro, Le Château dans le ciel, Porco Rosso et Le Château ambulant[106],[107].
 Le roman original est plus épisodique et léger que le film[86]. Miyazaki souhaitant peindre de façon plus réaliste et donc contrastée le passage à l’âge adulte, il modifie le scénario pour que son personnage affronte l’anxiété, la désillusion et la solitude. Il invente notamment la crise de Kiki perdant sa confiance en elle et son pouvoir de voler ainsi que le dénouement avec le dirigeable, et rend beaucoup plus prégnante l’importance de l'argent pour survivre, là où dans le livre, Kiki aide souvent par amitié ou troc. Miyazaki donne donc un aspect plus contemporain et social à son œuvre pour que les jeunes filles puissent s'y identifier[90],[86].
 D’autres changements plus mineurs ont été opérés : par exemple, dans le livre, Ursula n’est qu’un client anonyme de Kiki ; Tombo assiste Kiki dans son travail après avoir cassé son balai ; Kiki termine son année d’apprentissage (là où le film n’en montre qu’un été) ; le chat Jiji n’a pas de petite amie ; Kiki ne perd pas sa capacité à parler avec Jiji et à voler[18]. Dans les illustrations du roman, Kiki est aussi dessinée avec les cheveux plus longs, mais cela posait des difficultés d’animation qui ont été résolues en lui conférant des cheveux plus courts[108].
 Ces changements apportés à l’œuvre ont fortement déplu à l’auteure originale, qui a menacé de mettre fin au projet au stade du storyboard et forcé Miyazaki et Takahata à user de toute leur force de persuasion[20],[19].
 Pour Toshio Suzuki, le succès de Kiki la petite sorcière marque le « commencement de la seconde phase du studio Ghibli »[109],[110]. Fondé en 1985, le studio repose sur un modèle économique consistant à produire des films de qualité, mais onéreux et donc risqués ; or, les trois premières productions de Ghibli rencontrent un succès honorable au box-office, mais insuffisant pour permettre la pérennisation financière du studio qui reste donc dans une situation fragile[111],[110]. La réalisation en parallèle de Mon voisin Totoro et Le Tombeau des lucioles, sortis en 1988, n’est notamment rentabilisée qu’ultérieurement par la vente de produits dérivés du personnage de Totoro. Toutefois, ces premiers films, largement salués par la critique, permettent au studio de se forger une bonne réputation[110].
 La sortie de Kiki la petite sorcière marque donc une étape importante pour Ghibli, car il s’agit de son premier large succès au box-office, contribuant à la pérennisation de son activité[111]. Les principaux responsables du studio sont alors forcés de réfléchir au futur de leur entreprise[110]. Parmi les décisions qui en résultent, Ghibli embauche définitivement une partie de ses animateurs à temps plein — avec un salaire fixe, alors qu’ils étaient payés au dessin comme intérimaires auparavant —, et décide d’assurer le recrutement et la formation de nouveaux talents[112],[113]. Ces mesures, qui entraînent nécessairement une explosion des coûts de production, forcent également le studio à intensifier ses efforts dans la promotion dès 1991 pour la sortie de son film suivant, Souvenirs goutte à goutte d’Isao Takahata, qui atteint lui aussi la première place du box-office annuel japonais[114].
 Kiki la petite sorcière est le premier film du studio sur lequel travaille directement Toshio Suzuki, en tant que producteur associé. Suzuki, qui était auparavant rédacteur en chef de la revue Animage, connaissait Miyazaki depuis plusieurs années et l’avait même aidé à publier son manga Nausicaä de la vallée du vent[115]. Il rejoint officiellement Ghibli peu de temps après la sortie de Kiki la petite sorcière, en octobre 1989, et en deviendra le principal producteur ainsi que le président[116].
 Au compte des influences culturelles, Charles Vess a fait figurer plusieurs personnages de Miyazaki, dont Kiki, dans ses œuvres[50]. Kiki apparaît dans l’épisode-hommage des Simpson à Ghibli[117]. L’artiste Bill Mudron a réalisé une estampe inspirée de Kiki la petite sorcière dans le style de Kawase Hasui[118].
 Des esquisses préparatoires et illustrations issues de Kiki la petite sorcière ont été présentées, parmi d’autres œuvres, lors de l’exposition consacrée à Yoshifumi Kondo, qui est animateur sur le film[119], ainsi que celle sur les esquisses préparatoires des films de Ghibli[120], présentées dans plusieurs musées et galeries d'art. Les critiques Brian Camp et Julie Davis (chez Stone Bridge Press) ainsi qu’Andrew Osmond (chez Palgrave Macmillan) ont classé le film dans leur sélection des 100 meilleurs films d’animation[121],[122]. De plus, le succès du film incite l’auteure du roman original à écrire de nouveaux tomes sur les aventures de Kiki[112].
 D’un point de vue touristique, la boulangerie d’Osono est reproduite dans l’ancien bourg japonais de Yufuin, au nord de Yufu dans la préfecture d'Ōita[123]. Dans la ville de Ross en Australie, une boulangerie ressemblant fortement à celle d’Osono est devenue une destination touristique pour les amateurs du film[124].
 Dans le film Suzume de Makoto Shinkai (2023), un des personnages écoute sur son autoradio la chanson Rouge no Dengon, également présente de manière intradiégétique dans Kiki la petite sorcière. Le personnage appuie la référence de manière explicite car, pour justifier son choix de musique auprès de ses compagnons, il explique qu'eux aussi sont accompagnés par un chat.
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Empire; Sensacine; excite.co.jp; Internet Movie Database; Nippon Akademī-shō; ISBN; 9780765633088; DOI; DOI; Susan Jolliffe Napier; studio Ghibli; Les Moutons électriques; ISBN; 978-2-915793-84-0; Kotobank; Japan Today; excite.co.jp; Nippon Television; Stone Bridge Press; ISBN; 978-1-933330-22-8; Palgrave Macmillan; ISBN; 978-1-84457-563-3; Oricon; McFarland; ISBN; 978-0-7864-2369-9; Les Moutons électriques; ISBN; 978-2-915793-84-0; ISBN; 978-2-296-55074-2; Helen McCarthy; ISBN; 978-1-880656-41-9; Helen McCarthy; Jonathan Clements; ISBN; 978-1-933330-10-5; Hayao Miyazaki; ISBN; 978-1-4215-0593-0; Susan Jolliffe Napier; ISBN; 978-1-4039-7051-0; ISBN; 978-1-84243-358-4; Hayao Miyazaki; Studio Ghibli; Kiki la petite sorcière (roman); Notices d'autorité; v; Hayao Miyazaki; On Your Mark; La Chasse à la baleine; Mei to Konekobasu; Monomon l'araignée d'eau; Boro la petite chenille; Le Château de Cagliostro; Nausicaä de la Vallée du Vent; Le Château dans le ciel; Mon voisin Totoro; Porco Rosso; 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//upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/6/6b/Korrigan.png/27px-Korrigan.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/9/92/Studio_Ghibli_wordmark.svg/48px-Studio_Ghibli_wordmark.svg.png; https://login.wikimedia.org/wiki/Special:CentralAutoLogin/start?type=1x1; /static/images/footer/wikimedia-button.svg; /w/resources/assets/poweredby_mediawiki.svg,https://en.wikipedia.org/wiki/Kiki%27s_Delivery_Service,Kiki's Delivery Service,https://en.wikipedia.org/wiki/Kiki%27s_Delivery_Service,"Kiki's Delivery Service (Japanese: 魔女の宅急便, Hepburn: Majo no Takkyūbin, lit. 'Witch's Express Home Delivery') is a 1989 Japanese animated fantasy film written, produced, and directed by Hayao Miyazaki, based on the 1985 novel of the same name by Eiko Kadono. It was animated by Studio Ghibli for Tokuma Shoten, Yamato Transport and the Nippon Television Network, and stars the voices of Minami Takayama, Rei Sakuma and Kappei Yamaguchi. The story follows Kiki, a young witch who moves to the port city of Koriko with her cat Jiji and starts a flying courier service.
 In 1987, Group Fudosha asked Kadono's publishers for the rights to the novel to be made into a film by either Hayao Miyazaki or Isao Takahata. Production began near the release of My Neighbor Totoro (1988). Miyazaki initially worked as producer, but took over directing from Sunao Katabuchi as he became more involved in the project. As the novel is based on a fictional northern European country, Miyazaki and his team traveled to locations such as Visby, Sweden, to research its landscape. Miyazaki altered the story, adding new scenes to emphasize the theme of independence and growing up. According to Miyazaki, the film portrays the gulf between independence and reliance among teenage Japanese girls.[1]
 Kiki's Delivery Service was released in Japan on July 29, 1989, by the Toei Company.[2] It was the first Studio Ghibli film to be successful on initial release, grossing a total of ¥4.3 billion ($31 million). It received critical acclaim and multiple awards.
 An English dub was produced by Streamline Pictures for Japan Airlines international flights in 1989. Walt Disney Pictures produced an English dub in 1997, which became the first film under a deal between Tokuma and Disney to be released in English. It was released to home media in 1998.
 Kiki, a young witch, decides to go out on her own, which all young witches must do, taking her talking black cat, Jiji, with her. Her mother insists that she take her mother’s old, reliable broomstick. Kiki flies off into the night, searching for a new town to settle into. She encounters another witch and her cat who she finds pretentious but they cause Kiki to wonder what her special ""skill"" is. Kiki finds the town of Koriko and accidentally flies through traffic, causing disruptions. She is approached by a policeman, but a boy named Tombo helps her escape.
 Kiki looks for a place to live and work in her new town. She finds the Gutiokipanja bakery, owned by Osono and her husband, Fukuo, who are expecting a child. Osono invites her to live in a room above the bakery. Kiki opens a business delivering goods by broomstick, known as the ""Witch Delivery Service"". Her first delivery is of a small stuffed toy of a black cat that looks like Jiji. Along the way, she is caught in the wind and ends up in a forest filled with crows, which attack her, causing her to lose the toy. They come up with a plan in which Jiji pretends to be the toy until Kiki can retrieve the real one. She finds it in the home of a young painter, Ursula, who repairs and returns it. With the help of a dog, Kiki successfully retrieves Jiji and replaces him with the stuffed cat.
 The next day, Tombo gives her an invitation to visit his aviation club. However, she gets busy with her deliveries, and gets caught in a thunderstorm on her way back. Drenched from the rain, she decides not to go. She then falls ill, but Osono cares for her until she recovers. Osono secretly arranges for Kiki to see Tombo again by assigning her a delivery addressed to him. Kiki apologizes for missing the party, and Tombo takes her for a test ride on the flying machine he is working on, fashioned from a bicycle. Kiki warms up to him, but is once again disgusted by Tombo's friends.
 Kiki becomes depressed and discovers she can no longer understand Jiji. She has also lost her flying ability and is forced to suspend her delivery business. Ursula then visits Kiki and asks if she can go to her house. She agrees, and the two spend time together there. Ursula determines that Kiki's crisis is a form of artist's block, and then suggests to her to find a new purpose, so that she can regain her powers.
 While visiting a former customer's house she witnesses an airship accident on television. Tombo is seen trying to help tie the dirigible to the ground, but a gust of wind pushes the aircraft away with him clinging to the rope. Kiki rushes to the scene and asks to borrow a broom from a local shop-owner. She regains her flying power and manages to rescue Tombo. With her confidence restored, she resumes her delivery service, and writes a letter home saying that she and Jiji are happy.
 A major theme of the film is maturity.[6] After leaving her parents who are supportive of her independence, Kiki has to face problems common to adolescence such as finding a job, seeking acceptance, and taking care of herself.[7] The concept of vulnerability is also examined closely in the film. Critic Mark Schilling notes a scene during Kiki's first night away from home where Kiki rushes back to her room and slams the door behind her to avoid being spotted by Fukuo. Fukuo, however, steps outside simply to stretch his arms, and Kiki's bizarrely shy behavior ""expresses [her] youth, vulnerability, and isolation.""[8][9]
 Another theme is the transition from traditional to contemporary. Kiki is shown to balance both of these qualities. For instance, Kiki observes the tradition of witches wearing dark-colored clothes, but adorns her hair with a bright red bow.[10][page needed] Kiki also engages in other traditional methods, such as baking with a wood-burning stove and flying her mother's old broom.[10][page needed]
 Kiki's loss of her witch powers is considered the worst crisis she has to face during the film.[11][12] Her loss of flight reflects the harm dealt to Kiki by her own self-doubts.[11][13] This hardship causes Kiki to realize that being vulnerable does not always lead to failure and can help her learn valuable lessons to better understand herself.[13] Petrana Radulovic also suggests that Jiji's bond with Kiki represents the experiences she had as a child, and that once Kiki loses her powers to talk to Jiji, she becomes more lonely.[14] Jiji had served as the wiser voice (imaginary companion) to Kiki, and she stopped being able to understand him the moment she struggles with self-doubt. According to Miyazaki himself, Jiji is meant to represent the immature side of Kiki, and her inability to talk to Jiji represents her newfound maturity at the end of the movie.[15]
 In relation to Kiki's portrayal as a witch, some have drawn comparisons to historical or contemporary views on witches and witchcraft. The film incorporates some conventions from fairy-tales such as a black cat companion for Kiki,[16] Kiki's use of a broom for flight, and her black dress.[17] While girls with magical powers are common in Japanese television, Miyazaki wanted to stray away from the various stereotypes generated from these shows, remarking that witchcraft ""has always merely been the means to fulfill the dreams of young girls.""[18] This stereotypical portrayal of witches is also shown in the older witch Kiki encounters while travelling to Koriko.[18]
 Kiki has also been compared to other characters in Miyazaki's films. While there are overt differences in demeanor between Kiki and San from Princess Mononoke, a character who is motivated by anger, both characters take control over their own lives. This theme of remarkable independence is also seen in Miyazaki's earlier works, such as in Nausicaä in Nausicaä of the Valley of the Wind.[19] Kiki is also compared to Chihiro of Spirited Away as they are both young girls attempting to seek independence without being rebellious. Both Chihiro and Kiki develop their independence with the help of their friends.[20]
 In 1987, Group Fudosha asked Kadono's publishers for the rights to adapt Kadono's novel into a feature film directed by either Hayao Miyazaki or Isao Takahata of Studio Ghibli. However, both of the chosen directors were busy, working on My Neighbor Totoro and Grave of the Fireflies respectively.[22] Miyazaki accepted the role of producer while the studio continued to search for a director.[23] Near the end of Totoro's production, members of Studio Ghibli were being recruited as senior staff for Kiki's Delivery Service. The character design position was given to Katsuya Kondo, who was working with Miyazaki on Totoro. Hiroshi Ohno, who would later work on projects such as Jin-Roh, was hired as art director at the request of Kazuo Oga.
 Miyazaki chose Sunao Katabuchi as director. Katabuchi had worked with Miyazaki on Sherlock Hound; Kiki's Delivery Service was to have been his directorial debut. Studio Ghibli hired Nobuyuki Isshiki as script writer, but Miyazaki was dissatisfied by the first draft, finding it dry and too divergent from his own vision of the film.[24] Although the novel is set in a fictional northern European country, Miyazaki did not originally travel to Sweden for research. Instead, he had previously visited locations such as Visby and Stockholm while attempting to secure the rights for an animated adaptation of Pippi Longstocking. After being denied a meeting with Astrid Lindgren, he later used reference photos from that trip as inspiration for the film’s setting.[25][26][27] The architecture of Koriko is also based on the design of buildings from other cities such as Amsterdam, Paris, and San Francisco.[28]
 Upon their return to Japan, Miyazaki and the creative team worked on conceptual art and character designs. Miyazaki began significantly modifying the story, creating new ideas and changing existing ones.[29] Majo no Takkyūbin, the original children's book by Kadono that the movie was based on, is very different from Miyazaki's finished film. Kadono's novel is more episodic, consisting of small stories about various people and incidents Kiki encounters while making deliveries. Kiki overcomes many challenges in the novel based on ""her good heart"" and consequently expands her circle of friends. She faces no particular traumas or crises.[30] Many of the more dramatic elements, such as Kiki getting attacked by many crows, losing her powers or the airship incident at the film's climax, are not present in the original story. In order to more clearly illustrate the themes of struggling with independence and growing up in the film, Miyazaki intended to have Kiki face tougher challenges and create a more potent sense of loneliness.[30] One such challenge is Kiki's sudden loss of ability to fly. This event is only loosely paralleled in the novel, in which Kiki's broom breaks and merely requires her to fix it.[8] Miyazaki remarked, ""As movies always create a more realistic feeling, Kiki will suffer stronger setbacks and loneliness than in the original"".[8] Kadono was unhappy with the changes made between the book and film, to the point that the project was in danger of being shelved at the screenplay stage.[31] Miyazaki and Toshio Suzuki, the producer of Ghibli, went to the author's home and invited her to the film's studio. After her visit to the studio, Kadono decided to let the project continue.[23]
 Miyazaki finished the rough draft of the screenplay in June 1988 and presented it in July 1988. It was at this time that Miyazaki revealed that he had decided to direct the film, because he had influenced the project so much.[29] Kiki's Delivery Service was originally intended to be a 60-minute special, but expanded into a feature film running 102 minutes after Miyazaki completed storyboarding and scripting it.[32]
 The word takkyūbin (宅急便, literally ""home-fast-mail"") in the Japanese title is a trademark of Yamato Transport (which stylized it in non-Japanese languages as TA-Q-BIN), though it is used today as a synonym for takuhaibin (宅配便, ""home-delivery-mail""). While Yamato Transport sponsored the film, it initially did not approve of the usage of its trademark, since it was used by Kadano without permission. However, the success of the film restored relations between both her and Yamato Transport.[18][23]
 The film had a production budget of ¥800 million ($6.9 million), making it one of the most expensive anime films up until then, along with Akira (1988)[33] and Royal Space Force: The Wings of Honnêamise (1987).[34]
 As with Hayao Miyazaki's other films, Joe Hisaishi composed the soundtrack for this film. Three months before the theatrical release of the movie, the image album for the film was published by Tokuma Shoten on Compact disc. A vocal album was released in November 1992.[35]
 For the 1997 Disney English dub, much of the soundtrack was retained except for ""Message of Rouge"" and ""Wrapped in Kindness"", which were the opening and ending themes of the original Japanese version. Instead, they were replaced with two songs by Sydney Forest; ""Soaring"" and ""I'm Gonna Fly"". Both these songs were removed from the 2010 DVD re-release of the English dub of Kiki's Delivery Service.[36] Paul Chihara composed the music for the dub, adding music to scenes that were silent in the original Japanese version.[37]
 Kiki's Delivery Service premiered on July 29, 1989, in Japanese theaters. It sold around 2,640,000 tickets in Japan,[38][39] with a total box office of ¥4.3 billion (US$31 million) in gross receipts.[40] It became the first Studio Ghibli film to be successful during its initial release and was one of 1989's highest-grossing films in Japan.[38][41] It also grossed HK$4.04 million (US$519,000) in Hong Kong upon release there in 1990.[3] Later re-releases and international releases between 2004 and 2023 grossed US$10,366,082 worldwide,[42] adding up to $41,885,082 grossed worldwide as of 2023[update].[note 1] In the United Kingdom, it was 2018's seventh best-selling foreign-language film on home video,[43] and 2019's fifth best-selling foreign-language film (below four other Japanese films, including three Miyazaki anime films).[44]
 Streamline Pictures produced the first official English dub of Kiki's Delivery Service in November 1989 for Japan Airlines international flights. It was the second Studio Ghibli dub produced by Streamline following My Neighbor Totoro earlier that year. Tokuma Shoten commissioned Streamline for the Kiki's Delivery Service dub after being satisfied with the English production of My Neighbor Totoro, but did not give Streamline the rights to distribute the film in North America.[45] The Streamline dub was released only on the Ghibli LaserDisc Box Set in 1996, which is out of print.[23]
 Disney produced an English dub in 1997[37] and Kiki was the first film released through a deal Disney made with Tokuma.[39] It premiered at the Seattle International Film Festival on May 23, 1998, and was released on both VHS and LaserDisc by Buena Vista Home Video in September 1998.[3][36] It became the eighth-most sold film on Blockbuster during its first week of availability,[46] and sold over 900,000 copies by September 28, 1998.[47] It was released on home media in North America in 2003, alongside the releases of Spirited Away and Castle in the Sky.[48] Disney re-released the film to DVD in 2010 with an updated English dub that removed the earlier dub's deviations from the Japanese version.[49][23]
 In the United Kingdom, the film was released on Blu-ray by StudioCanal alongside a release of Grave of the Fireflies on July 1, 2013,[50] while in North America, Walt Disney Studios Home Entertainment released the film on Blu-ray Disc alongside Princess Mononoke and The Wind Rises, on November 18, 2014.[51] GKIDS re-issued the film on Blu-ray and DVD on October 17, 2017.[52] In 2020, it was announced the Japanese version and the Disney dub would be streaming on Netflix.[53]
 At the review aggregator website Rotten Tomatoes, 98% of 43 reviews are positive for Kiki's Delivery Service, and the average rating is 8.1/10. The critics consensus reads, ""Kiki's Delivery Service is a heartwarming, gorgeously-rendered tale of a young witch discovering her place in the world.""[54] Metacritic, another aggregator, collected 15 reviews and calculated an average rating of 85 out of 100, signifying ""universal acclaim"".[55]
 Initial reviews and reception for Kiki's Delivery Service were positive. Mark Schilling of The Japan Times gave a positive review, praising the realism of Kiki's character, as well as citing various scenes that emphasized it,[9] and Japanese filmmaker Akira Kurosawa also showed admiration for the film.[56] The film also received similar acclaim in America once it was released there. On September 12, 1998, it was the first video release to be reviewed as a normal film on Siskel and Ebert rather than on the ""Video Pick of the Week"" section.[46] Gene Siskel of the Chicago Tribune and Roger Ebert of the Chicago Sun-Times gave it ""two thumbs up""[57][58]
 Retrospective reviews were also positive. IGN's Andy Patrizio praised the film for its simple but meaningful story, as well as the voice acting of the English dub,[59] while Vox's Allegra Frank felt that the film presented its message well.[60]
 The film was also ranked high in various publications. Entertainment Weekly rated it as Video of the Year in 1998,[61] and in the same year Roger Ebert went on to rank it as one of the best animated films released in the U.S.[62] The film also ranked No. 12 on Wizard's Anime Magazine's list of the ""Top 50 Anime released in North America"".[63]
 A four-volume ani-manga book series using stills from the film was published in Japan by Tokuma Shoten between August and September 1989.[69][70] An English translation would later be published by Viz Media between April and July 2006.[71][72][73][74] Tokuma also published a 208-page art book on February 11, 1989, and Viz Media published the English translation of it on May 9, 2006.[75][76]
 A musical based on the film ran at the Southwark Playhouse in the UK from December 8, 2016, to January 7, 2017, and officially opened on December 13, 2016. It was adapted by Jessica Sian and directed by Katie Hewitt.[77] The musical would later run again from August 10, 2017, to September 3, 2017.[78]
 There were also other musicals that ran in Japan. The first ran in Tokyo and Osaka from June 2017 to September 2017, and starred Moka Kamishirasi as Kiki and Aran Abe as Tombo. A second one ran in 2018 which starred Riko Fukumoto as Kiki. The most recent one ran from March 2021 to April 2021 in Tokyo, Nagoya and Osaka. It stars Neo Inoue as Kiki, and Yūto Nasu as Tombo.[79]",3047,"Main page; Contents; Current events; About Wikipedia; Help; Learn to edit; Community portal; Upload file; ; learn more; Article; Talk; Read; Read; Upload file; Kiki's Delivery Service (disambiguation); ; listed sources; reliable; Learn how and when to remove this message; ; Kanji; Revised Hepburn; Hayao Miyazaki; Kiki's Delivery Service; Eiko Kadono; Minami Takayama; Rei Sakuma; Kappei Yamaguchi; Keiko Toda; Takeshi Seyama; Joe Hisaishi; Studio Ghibli; Toei Company; ¥; $; Japanese; Hepburn; animated; fantasy film; Hayao Miyazaki; 1985 novel of the same name; Eiko Kadono; Studio Ghibli; Tokuma Shoten; Yamato Transport; Nippon Television Network; Minami Takayama; Rei Sakuma; Kappei Yamaguchi; witch; courier; Isao Takahata; My Neighbor Totoro; Sunao Katabuchi; Visby; Toei Company; dub; Streamline Pictures; Japan Airlines; Walt Disney Pictures; talking black cat; artist's block; Streamline Pictures; Tokuma; Disney; Buena Vista; Screenmusic Studios; Minami Takayama; Lisa Michelson; Kirsten Dunst; Rei Sakuma; Kerrigan Mahan; Phil Hartman; Keiko Toda; Alexandra Kenworthy; Tress MacNeille; Minami Takayama; Edie Mirman; Janeane Garofalo; Kappei Yamaguchi; Eddie Frierson; Matthew Lawrence; Kōichi Yamadera; Greg Snegoff; John Hostetter; Barbara Goodson; Kath Soucie; Jeff Bennett; Haruko Kato; Debbie Reynolds; Edie Mirman; Edie McClurg; Yūko Kobayashi; Wendee Lee; Debi Derryberry; Sherry Lynn; Yuriko Fuchizaki; Pamela Adlon; Kikuko Inoue; Julia Fletcher; Mika Doi; Diane Michelle; Steve Kramer; John DeMita; Yoshiko Asai; Mike Reynolds; Julia Fletcher; Diane Michelle; Michihiro Ikemizu; Corey Burton; Doug Stone; Matt K. 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 20 juillet 2001
 
 modifier  Le Voyage de Chihiro (千と千尋の神隠し, Sen to Chihiro no kamikakushi?, littéralement « Kamikakushi de Sen et Chihiro ») est un film d'animation japonais écrit et réalisé par Hayao Miyazaki et produit par le studio Ghibli, sorti en 2001.
 Le film raconte l'histoire de Chihiro, une fillette de dix ans qui, alors qu'elle se rend en famille vers sa nouvelle maison, entre dans le monde des esprits. Après la transformation de ses parents en porcs par la sorcière Yubaba, Chihiro prend un emploi dans l'établissement de bains de la sorcière pour retrouver ses parents et regagner le monde des humains.
 Miyazaki écrit le scénario en s'inspirant librement d'un roman de Sachiko Kashiwaba (La Cité des brumes oubliées) ainsi que de la fille de son producteur associé, Seiji Okuda, qui vient lui rendre visite chaque été. Il y développe plusieurs thèmes qui lui sont chers, dont l'intégration par le travail collectif, le voyage initiatique, le renouement avec les valeurs ancestrales et le danger de la société moderne pour la nature et les traditions. La production de Chihiro débute en 2000 avec un budget de 19 millions de dollars. La composition de la bande originale du film est confiée à Joe Hisaishi.
 Le Voyage de Chihiro fut jusqu'en 2020 le plus grand succès de l'histoire du cinéma japonais, avec 23 millions de spectateurs au Japon et 395 millions de dollars de recettes dans le monde. Acclamé par la critique internationale, le film est considéré comme l'un des meilleurs des années 2000. Il remporte plusieurs récompenses, dont l'Oscar du meilleur film d'animation et l'Ours d'or du meilleur film de 2002.
 Chihiro Ogino (荻野 千尋, Ogino Chihiro?), dix ans, boude à l’arrière de la voiture de ses parents[1] ; ces derniers ont décidé de déménager à la campagne, et la petite fille regrette son ancienne école. En cherchant à rejoindre leur nouvelle maison, ils se perdent au bout d’une route tortueuse et arrivent devant un tunnel. Le traversant, malgré la réticence de Chihiro effrayée, ils arrivent dans ce qu’ils pensent être un parc à thèmes abandonné. Sentant une odeur de nourriture, ils rejoignent une échoppe vide regorgeant de victuailles, et les parents de la fillette s’installent ; prévoyant de payer en partant, ils commencent à manger goulûment. Agacée par leur comportement, Chihiro part explorer le village abandonné et se retrouve à l’entrée d’un pont menant à un palais des bains. Là, un jeune garçon l’avertit de partir vite avant le coucher du soleil.
 Alors que la nuit tombe rapidement, Chihiro se précipite pour retrouver ses parents, mais découvre avec horreur que ceux-ci se sont transformés en cochons. De plus en plus affolée, la fillette s’enfuit dans les rues où des dizaines d’ombres prennent vie, mais une grande étendue d’eau bloque maintenant le chemin du retour. Un grand bateau lumineux aborde et débarque des centaines de kami et yōkai tandis que Chihiro s’aperçoit qu’elle devient transparente. Elle part se blottir dans un coin où le jeune garçon la retrouve ; il la force à avaler un peu de nourriture du monde des esprits pour lui éviter de disparaître et la cache de la vue du Yu-bird, un rapace à tête de sorcière, qui patrouille. Il l’emmène ensuite traverser le pont qui mène au palais, tentant de la cacher des esprits et du personnel. Se présentant comme Haku, il semble connaître Chihiro de longue date, et lui conseille de descendre trouver Kamaji, le chauffagiste, pour obtenir du travail. Ainsi, la sorcière tenancière des lieux, Yubaba, ne pourra plus la transformer en animal.
 Après avoir descendu plusieurs escaliers vertigineux, Chihiro se retrouve dans la salle des chaudières où travaille Kamaji, un vieil homme à six bras extensibles, accompagné de noiraudes qui transportent le charbon. Elle demande au chauffagiste s’il peut lui donner du travail, mais ce dernier, qui a la charge de préparer les sels de bain et d’envoyer l’eau chaude, lui dit ne pas avoir besoin d’aide supplémentaire. La présentant comme sa petite-fille, il la confie à une jeune femme qui lui apporte à manger pour qu’elle la présente à Yubaba. Après avoir pris plusieurs ascenseurs, Chihiro se retrouve seule au dernier étage du palais, sa compagne ayant dû rester plus bas pour reprendre son travail. Une série de portes et de couloirs la mène au bureau où la sorcière l’attend. Yubaba interroge la fillette pour savoir qui l’a aidée à parvenir jusqu’ici, mais cette dernière se borne à lui demander du travail. Alors que la sorcière tente de l’intimider pour la faire renoncer, Bô, son bébé géant, se réveille et fait du raffut, ce qui donne à Chihiro l’occasion de se faire promettre d’être embauchée. Une fois le contrat signé, Yubaba vole les trois kanjis de son nom et la renomme Sen (千?) ; elle appelle Haku, qui s’avère être son apprenti, et lui demande de la superviser. Ce dernier, qui apparaît maintenant froid et autoritaire — pour ne pas éveiller le moindre soupçon chez Yubaba — confie la petite fille comme assistante à Lin, la jeune femme qui l’a accompagnée voir la sorcière. Lin accepte de mauvaise grâce de la prendre sous son aile, mais s’avère rapidement amicale envers la fillette, l’amenant au dortoir et lui fournissant ses nouveaux vêtements de travail.
 Au petit matin, Haku réveille Sen et lui donne rendez-vous pour l’amener voir ses parents ; en traversant le pont, la fillette croise un Sans-Visage qui semble s’intéresser à elle. Redevenu amical, le jeune apprenti l’amène à la porcherie, mais Akio et Yuko Ogino sont maintenant de simples cochons sans aucun souvenir de leur vie humaine. Sen leur promet de revenir les sauver et s’enfuit en larmes. Haku la console et lui rend ses anciens vêtements ainsi que la carte d’adieu écrite par les camarades de son ancienne école. Surprise, elle y lit son ancien prénom qu’elle avait déjà oublié. Son compagnon lui explique que Yubaba contrôle les gens en volant leurs prénoms et qu’elle doit conserver celui-ci en secret ; lui-même ne peut s’enfuir, ayant perdu la mémoire et oublié le sien, mais se souvient étrangement de Chihiro. Avant de retourner finir sa nuit dans la chaufferie, Sen voit un dragon s’envoler au loin.
 Alors que la première journée de travail commence, Sen et Lin reçoivent l’ordre de s’occuper du grand bain, très encrassé car réservé aux invités les plus sales. Au cours de son ouvrage, voyant le Sans-Visage dehors sous la pluie, la fillette le laisse entrer. Ce dernier, utilisant sa capacité à se rendre invisible, l’aide à obtenir une plaquette à envoyer à la chaufferie pour faire couler un bain aux herbes, que le contremaître ne voulait pas lui donner, afin de faciliter leur travail de nettoyage. Alors que Lin est partie chercher le déjeuner, il réapparaît et lui tend plusieurs autres plaquettes qu’il a volés, avant de disparaître. Peu après, Yubaba et tous les employés sont en effervescence : un esprit putride se dirige vers le palais, répandant une odeur abominable sur son passage. Sen reçoit l’ordre de le mener au grand bain et de s’occuper de lui. La fillette utilise les autres plaquettes pour remplir à nouveau le bain que l’hôte a fait déborder, mais tombe dedans. Elle s’aperçoit alors que quelque chose dépasse du corps de son client, et commence à tirer dessus, bientôt aidée par Lin et tous les autres employés à l’aide d’une corde fournie par Yubaba qui a compris la vraie nature de l’esprit, gardien d’une grande rivière polluée. Celui-ci, libéré de tous les détritus qui l’encombraient, remercie Sen en lui donnant une boulette amère, avant de partir, non sans laisser de nombreuses pépites d’or sur le sol, ce qui ravit la sorcière et ses employés.
 La nuit venue, un employé grenouille vient voir près du grand bain s’il ne reste pas de pépites oubliées ; le Sans-Visage, capable de faire apparaître des pépites dorées, le piège et l’avale. Utilisant la voix de la grenouille, l’esprit demande ensuite de la nourriture, faisant apparaître de plus en plus de pépites. Pendant ce temps, Sen rêve que la boulette amère permettrait de rendre forme humaine à ses parents, mais qu’elle ne peut plus identifier ceux-ci parmi tous les autres cochons. En se réveillant, elle s’aperçoit que tous les employés sont déjà levés : tout le monde est occupé à préparer et à convoyer des mets au Sans-Visage, devenu monstrueusement gros, et qui réclame de plus en plus de nourriture, jetant des pépites tout autour de lui depuis son bain. Pas intéressée par l’or, la fillette va sur un balcon voir la mer autour du palais qui a encore monté, et remarque le dragon qu’elle avait vu attaqué par des centaines d’oiseaux en papier. Ayant l’intuition que celui-ci est Haku, elle l’appelle pour qu’il vienne se réfugier, et ferme la fenêtre pour bloquer ses assaillants qui repartent, sauf un qui se colle discrètement dans son dos. Alors que le dragon remonte tant bien que mal vers le haut du palais, Sen court chercher de l’aide, et tombe sur le Sans-Visage entouré et acclamé par tous les employés ; il tente de lui donner de l’or, mais elle le repousse poliment, lui disant qu’elle est pressée. Furieux, l’esprit commence à avaler des employés, semant la panique.
 Sen parvient à trouver une échelle qui mène aux étages supérieurs, et arrive dans la chambre de Bô, d’où elle entend la sorcière demander à ses minions, trois têtes bondissantes nommées Kashira, de se débarrasser de Haku dont elle n’a plus besoin, avant de repartir. La fillette a juste le temps de se cacher dans un tas de coussins avant que Yubaba ne passe par la chambre pour s’éclipser, mais le bébé s’intéresse à elle et ne veut pas la laisser partir. Parvenant à lui faire peur avec le sang du dragon sur ses mains, elle se précipite pour aider Haku, mais est attaquée par le Yu-bird. L’oiseau de papier dans son dos fait alors apparaître un hologramme de Zeniba, sœur jumelle de Yubaba, qui transforme Bô en grosse souris, le Yu-bird en oisillon et les Kashira en Bô. Elle explique à Sen que Haku lui a volé un artefact magique et s’est condamné avec la protection magique de celui-ci. Le dragon reprend conscience et détruit l’oiseau de papier, faisant disparaître Zeniba, avant de tomber dans une oubliette, la fillette accrochée à son cou. Avec les dernières forces qui lui reste, il les mène à la chaufferie de Kamaji, et Sen lui fait avaler de force une moitié de la boulette amère, ce qui lui fait vomir l’artefact et reprendre forme humaine. Alors que Haku demeure inconscient, Sen décide de partir chez Zeniba pour lui rendre son bien et lui demander de l’aide. Kamaji lui donne des tickets de train et lui indique l’arrêt, l’avertissant que la ligne est à sens unique.
 Lin surgit ; Yubaba a découvert que Sen avait laissé entrer le Sans-Visage, qui souhaite la voir. La sorcière ne peut contrôler le monstre, et demande à la fillette, toujours accompagnée de Bô et du Yu-bird transformés qu’elle ne reconnaît pas, de s’en occuper. L’esprit est contrarié de ne pouvoir offrir à celle qu’il voudrait gâter ce dont elle a besoin ; poussé par sa frustration et sa solitude, il s’apprête à dévorer Sen, mais celle-ci lui donne à manger le reste de la boulette amère, ce qui le fait vomir et le rend furieux. Il poursuit la fillette à travers le palais, régurgitant au fur et à mesure tout ce qu’il a avalé, employés compris, et finit par reprendre sa forme d’origine. Sen en profite, avec l’aide de Lin, pour rejoindre la gare en suivant la voie de chemin de fer immergée, pour prendre le train avec ses deux petits compagnons et le Sans-Visage, rasséréné, qui a décidé de venir avec eux. Au palais, Yubaba est furieuse du bazar qui a été mis et de la fuite de Sen ; pour se venger, elle souhaite sacrifier ses parents, mais Haku, qui s’est réveillé, lui apprend que son bébé a été substitué et emmené chez Zeniba. Le jeune garçon lui fait promettre de libérer la fillette et ses parents s’il lui ramène Bô.
 Après un long voyage, et alors qu’il fait déjà nuit, Sen arrive à destination avec ses compagnons chez Zeniba qui les accueille. La fillette lui rend l’artefact en s’excusant pour Haku, et la sorcière lui explique que d’après les règles de ce monde, elle ne devra compter que sur elle-même pour sauver le jeune homme et ses parents ; elle lui offre cependant un charme de protection sous la forme d’un élastique à cheveux qu’elle vient de tisser avec l’aide du Sans-Visage, de Bô et du Yu-bird. À l’aube, Haku arrive sous sa forme de dragon, et ils repartent en volant sur son dos, sauf le Sans-Visage qui décide de rester chez Zeniba comme assistant. Pendant le trajet, Sen se souvient que plus jeune, elle était tombée dans une rivière désormais souterraine nommée Kohaku. Elle comprend que le jeune garçon, qu’elle avait l’intuition de connaître depuis longtemps, est en fait l’esprit de cette rivière, qui l’avait alors sauvée en l’amenant dans des eaux peu profondes. En se souvenant de son véritable nom, Haku est désormais libre, et reprend sa forme humaine ; ils volent tous deux main dans la main jusqu’au pont du palais où Yubaba les attend. Une dernière épreuve attend Sen : elle doit retrouver ses parents parmi une douzaine de cochons. Bô reprend sa forme de bébé, et ayant beaucoup gagné en maturité durant son aventure, gronde sa mère en lui demandant de ne pas faire pleurer sa compagne de voyage. Cette dernière accepte l’épreuve et devine, sous les acclamations des employés, que ses parents ne sont pas parmi les cochons présentés. Son contrat de travail se détruit, la libérant de son existence en tant que Sen, et Haku l’accompagne jusqu’à la frontière du domaine de la sorcière où l’eau a maintenant disparu. Les deux enfants se quittent en se promettant de se revoir, et la fillette rejoint ses parents qui l’attendent à l’entrée du tunnel et ne se sont rendu compte de rien. Une fois de retour à leur voiture, ils s’aperçoivent qu’elle est couverte de végétation et de poussière ; Chihiro se demande si ce qu’elle a vécu était bien réel, mais dans ses cheveux, le porte-bonheur de Zeniba jette un éclat.
 Par ordre alphabétique :
 À l'époque où le film est réalisé, Hayao Miyazaki passe toutes ses vacances d'été dans un chalet de montagne avec sa famille et cinq petites filles d'amis de la famille. L'idée du Voyage de Chihiro lui vient en voulant faire un film pour ces fillettes. Il a déjà réalisé des œuvres telles que Mon voisin Totoro et Kiki la petite sorcière, principalement destinées aux enfants et adolescents, mais n'a jamais créé un film s'adressant spécifiquement aux préadolescentes. Cherchant l'inspiration, il lit des magazines de prépublication de manga shōjo tels que Nakayoshi et Ribon laissés par les filles dans le chalet, mais est déçu de ne trouver pour sujets que des amourettes ou des romances. Pensant que ces mangas ne montrent pas ce que les jeunes filles « [ont] de plus cher dans leurs cœurs », Miyazaki décide de réaliser un film sur une héroïne qui serait une petite fille ordinaire, à laquelle il serait possible de s'identifier[30],[31].
 Depuis plusieurs années, Miyazaki souhaite adapter un livre pour enfants intitulé La Cité des brumes oubliées de Sachiko Kashiwaba[32]. Il propose deux projets dans cette veine qui sont rejetés : une adaptation directe du livre et un film à propos d'une adolescente contemporaine. Un troisième projet, qui finit par devenir Le Voyage de Chihiro, obtient plus de succès. Les trois histoires tournent autour d'un onsen, établissement thermal traditionnel japonais. Ce lieu, mystérieux pour le réalisateur, l’intrigue au point de composer plusieurs histoires à son sujet[30].
 Pour une partie des bâtiments du monde des esprits, Miyazaki se base sur les édifices du musée d'architecture en plein air d'Edo-Tokyo à Koganei. Il visite souvent ce musée pour y trouver l'inspiration lorsqu'il travaille sur le film. Miyazaki a toujours été intéressé par les bâtiments de l'ère Meiji au style inspiré de l'architecture occidentale. Le musée fait naître de la nostalgie chez Miyazaki, qui explique : « quand je me tiens ici seul, le soir, près de l'heure de fermeture, et que le soleil se couche – les larmes me montent aux yeux »[30],[33]. Parmi les sources d'inspiration majeure de l'établissement thermal figurent le Meguro Gajoen, hôtel tokyoïte des années 1920 marqué par une fusion des architectures japonaises et européennes[34] ; le Notoyaryokan, auberge traditionnelle située dans la préfecture de Yamagata, célèbre pour son architecture et ses caractéristiques ornementales[35],[36] ; et le Dōgo Onsen[37].
 La production du Voyage de Chihiro commence en 2000 avec un budget de 1,9 milliard de yens (soit environ 19 millions de dollars)[38]. Disney investit 10 % du coût pour le droit de préemption de la distribution américaine[39]. L'équipe comprend de jeunes animateurs et des vétérans comme Ai Kagawa et Kitaro Kosaka ; Miyazaki travaille en lien étroit avec l'animateur Masashi Andō pour la supervision de l'animation, bien que le trait plus réaliste de ce dernier demande un certain travail d'harmonisation[17].
 Fidèle aux habitudes de travail de Miyazaki, le scénario du film n'est pas définitif au commencement de la production, le réalisateur faisant évoluer son récit en fonction de ses inspirations et des premiers dessins. Le Sans-Visage notamment ne joue aucun rôle dans le scénario original, mais son apparition sur un dessin inspire Miyazaki pour la création de ce personnage sans identité[17],[18]. Selon Masashi Andō, cette méthode de travail est exigeante pour les animateurs, car certaines scènes doivent être régulièrement modifiées ou remplacées[40]. De plus, Miyazaki a réalisé en cours de production que le scénario initial était bien trop long et aurait nécessité plus de trois heures de film. Il a donc dû réécrire une partie de l'histoire et réduire les scènes frappantes, visant plutôt la simplicité[30],[17].
 Comme pour Princesse Mononoké, la plupart des dessins sont réalisés à la main, puis numérisés et retouchés par ordinateur, à la différence des premiers films du studio entièrement réalisés en animation traditionnelle sur celluloïds. Les images sont ensuite combinées avec des objets et effets créés par infographie, éventuellement en tridimension[41],[42]. L'objectif du studio est d'améliorer l'animation sans perdre l'aspect artisanal cher à Miyazaki. En particulier, chaque personnage est principalement dessiné à la main, Miyazaki travaillant aux côtés de ses animateurs pour vérifier que les résultats correspondent à ses vues[38]. Les principaux outils numériques utilisés incluent les calques permettant de superposer les dessins et les effets spéciaux, le morphing, l'animation numérique de l'eau, le lancer de rayon pour l'éclairage réaliste des scènes, la création et l'ajout de textures sur les objets 2D ou 3D, et enfin le montage final[43]. En raison des délais très courts, Ghibli sous-traite une partie du travail d'animation, notamment sur les intervalles, au studio coréen D.R. Digital[42].
 La palette de couleur apparaît particulièrement vive et brillante par rapport aux précédents films du studio, la couleur dominante étant le rouge, rehaussé par l'or et l'orange. Les contrastes avec les zones sombres visent à souligner l'importance relative des lieux : par exemple, les quartiers de Yubaba étant les plus vastes et luxueux, ils présentent de forts contrastes entre la couleur et le noir[41].
 La plupart des acteurs prêtant leur voix sont issus du monde de la télévision et du cinéma, comme Rumi Hiiragi pour Chihiro (elle a 13 ans en 1999), Bunta Sugawara pour Kamaji et Mari Natsuki pour Yubaba et Zeniba[44]. Seul Miyu Irino pour Haku est un comédien spécialiste du doublage d'anime.
 Le personnage principal, Chihiro Ogino, a deux noms dans le film. Dans la langue japonaise, les noms sont souvent constitués de caractères appelés kanjis qui peuvent avoir plusieurs sens et lectures. Chihiro (千尋?) est formé des caractères Sen / Chi (千?, « mille ») et Jin / Hiro (尋?, « recherche », « interrogation » ou « fantôme ») ; son nom de famille, Ogino (荻野?), peut être traduit par « champ de roseaux ». Lorsque Yubaba lui vole son nom, elle ne conserve que le premier caractère du prénom, Sen (千?), et lui impose de désormais répondre à ce nouveau nom. Chihiro devient Sen et perd ainsi son identité et ce qui la rattache au monde des vivants et à ses parents[45]. Miyazaki s'est ici inspiré du Cycle de Terremer d'Ursula Le Guin où les noms ont une importance primordiale pour le contrôle de sa vie et de sa mémoire, faisant écho au vol des noms par Yubaba pour asservir ses employés[11],[46].
 Le personnage de Chihiro n'est basé sur aucun modèle précis[47]. Lors de sa création, Miyazaki souhaite une fille « replète » plutôt que mince, visant avant tout au réalisme du personnage. Masashi Andō, responsable de la création des personnages, imagine ainsi une petite fille au visage rond, bien que son corps reste plus « fin »[47],[10]. La réalisation du personnage de Chihiro a été une des principales difficultés du film selon le réalisateur. Miyazaki souhaitait une fille normale et réaliste pour son film, mais était lui-même frustré de l'aspect trop terne que cela conférait à son personnage. Le film approchant de la fin cependant, il a été rassuré par l'évolution du personnage, déclarant sentir qu'« elle sera une femme charmante »[30].
 L’alter ego de Chihiro dans le monde des esprits est Haku, dont le rôle est ambigu au début du film. Afin de rendre ce personnage mystérieux, Masashi Andō travaille sur le contour des yeux pour qu'ils soient étranges et le dote de pupilles lui donnant un regard lointain afin de renforcer son rôle de personnage « transparent » tel que défini par le réalisateur[48].
 Enfin, Yubaba, personnage grotesque avec sa tête surdimensionnée qui n'est pas sans rappeler le monde d’Alice au pays des merveilles, est inspiré d'un projet abandonné du studio[49].
 Le film appartient aux genres du conte de fées et du fantastique, avec quelques touches de fantaisie et même d'horreur[11],[50]. Dans la mise en scène de ses œuvres, Miyazaki n'oppose pas le merveilleux au réel ou au quotidien, les deux aspects pouvant cohabiter ou se superposer naturellement[51]. Dans Le Voyage de Chihiro, le monde des esprits, où le temps et l'espace ne sont pas clairement définis, reste volontairement flou et non structuré. Les va-et-vient symboliques entre les deux mondes apparaissent multiples et changeants, si bien qu'il n'est pas possible d'en discerner les frontières, ni d'ailleurs de suivre le temps qui passe, à la différence des dessins animés typiques de Disney ou d’Alice au pays des merveilles. Pour renforcer cette impression de réel auprès du spectateur, le monde des esprits est dessiné et animé de façon très réaliste, si bien que Chihiro y évolue naturellement[11].
 Miyazaki ne pousse pas le spectateur à percer les secrets du monde des esprits, mais au contraire à accepter cet univers merveilleux, qui a sa cohérence propre, comme allant de soi. Cette approche correspond au shinto japonais, religion millénaire où les divinités, nommées kami, investissent continuellement le monde des vivants[52],[53]. De plus, le choix du merveilleux permet à Miyazaki de s'adresser plus facilement aux enfants tout en explorant, au-delà des apparences du réel, le subconscient et la dimension psychologique, selon Reider[11].
 Miyazaki ne révèle volontairement pas la nature du voyage de Chihiro, réel ou onirique, si bien que la fin reste ouverte à interprétations. Le mélange d'éléments architecturaux européens (victoriens) et japonais dans les bains concourt à cette ambiguïté. Le spectateur se trouve ainsi placé dans la même incertitude que le personnage principal[34],[11].
 La bande originale du film est composée par Joe Hisaishi en 2001 et enregistrée au Nouvel orchestre philharmonique du Japon[54]. La collaboration entre Hisaishi et Miyazaki, qui dure depuis la réalisation de Nausicaä de la vallée du vent en 1984, contribue à renforcer l'aspect « maladroit et immédiat » de l'aventure de Chihiro[55]. Les musiques reflètent les sentiments de l’héroïne[56] comme lors de la scène du train où s'expriment la tristesse et la mélancolie, mais également la peur lors de la scène de l'escalier menant à la chaufferie[57],[54] ; le Sans-Visage est représenté par des percussions à consonances métalliques qui le rendent mystérieux[54]. Le thème principal du film, Cet été-là, repris plusieurs fois, allie piano et orchestre ; les différents moments qui le composent évoquent tour à tour l'aventure, la solitude ou la nostalgie[58]. Quant à la musique du générique de fin (Rêvons toujours les mêmes rêves aimés), elle est composée et interprétée par Youmi Kimura[59].
 La bande originale est primée à plusieurs reprises, remportant notamment le prix de l'Académie japonaise, comme détaillé plus bas.
 Le Voyage de Chihiro est un grand succès commercial, rapportant 395 580 000 $ au box-office mondial, dont plus de 229 607 878 $ au Japon[60],[61],[62],[63]. Il devient le film le plus vu sur l'archipel avec plus de vingt millions de spectateurs, détrônant Titanic[64]. Il est toutefois dépassé par Demon Slayer: Kimetsu no Yaiba - Le film : Le train de l'Infini en 2020[65].
 Il réalise 1 461 488 entrées en France, 62 409 en Suisse, 25 112 en Belgique, et 15 280 au Québec[66]. Le Voyage de Chihiro reste le plus grand succès mondial pour un film non-américain et non-anglophone jusqu'en 2012, avant d'être dépassé par Intouchables[67].
 Le film est présenté en première internationale en décembre 2001 à Nouvelles images du Japon, festival du Forum des images, en présence de Hayao Miyazaki qui reçoit à cette occasion la Médaille de la Ville de Paris (Grand Vermeil) et est décoré de l'Ordre des Arts et des Lettres[27].
 Le film est plébiscité par la critique dans le monde entier. En France, il obtient une note moyenne de 4,8/5 sur la revue de presse d'Allociné[76]. Les Cahiers du cinéma le classe au 8e rang de leur liste des meilleurs films de 2002[77]. Le Monde évoque une « traversée du miroir onirique et romantique » où « l'animation devient un art du dévoilement » ; Les Inrockuptibles « un poème en prose, une épopée foisonnante, un conte philosophique, une œuvre beaucoup plus ambitieuse qu'un simple roman d'apprentissage destiné à la jeunesse » ; pour Libération, il « culmine dans une séquence de trajet en train, d'une simplicité apparente » mais « à tomber à la renverse » ; Positif estime que « Miyazaki présente un conte de fées pour tous âges, une moralité, une fantasmagorie pour l'œil, pour l'ouïe, pour l'intelligence » ; pour Première, « l'expérience a de quoi combler toutes les catégories d'âge, de culture et de sensibilité » ; Télérama évoque « une Alice aux pays des fantômes où se mêlent avec brio fantaisie, jeu de piste et audaces visuelles » ; et pour Le Nouvel Observateur, « le film a la qualité surréaliste d'un songe »[76].
 Dans le reste de la francophonie, La Libre Belgique estime que le film a « multiples degrés de lecture » est une « œuvre formellement époustouflante et d'une exceptionnelle densité »[78]. Pour Le Soir, « le mélange entre poésies fantaisistes et réflexions rares est réjouissant »[79]. Pour L'Impartial[80] et L'Express[81] en Suisse, il s'agit d'un réel « chef-d'œuvre » s'adressant aux adultes comme aux enfants. Au Québec lors de la sortie DVD, La Presse loue la « brillance du récit » et la « beauté des images »[82].
 Pour le Japan Times, le film est un « chef-d'œuvre » où Miyazaki mêle la « richesse de son imagination et la force de son intelligence morale »[83] ; pour le New York Times, Miyazaki propose un film d'une grande qualité artistique qui évite les stéréotypes des gentils et des méchants[84] ; dans le Wall Street Journal, Le Voyage de Chihiro est décrit comme un « chef-d'œuvre […] brillant, beau et profond » appelé à devenir un classique[85] ; pour The Guardian, le film, qui tranche techniquement avec l'animation occidentale, est « rapide et amusant, […] bizarre et merveilleux »[86] ; pour Der Spiegel enfin, le film illustre l'espoir que place Miyazaki dans les générations futures pour briser la « malédiction du matérialisme »[87].
 Parmi les critiques négatives, Hiroki Azuma estime dans le Mainichi Shinbun que la dimension psychologique des personnages est trop peu présente, l'évolution de Chihiro résultant plus d'éléments extérieurs que de sa volonté propre[88]. Osmond estime aussi qu'à l'exception de Mari Natsuki, les voix du Voyage de Chihiro ne sont pas réellement « mémorables »[89].
 Le film reçoit plusieurs distinctions prestigieuses, dont l'Ours d'or du meilleur film à Berlin, le prix de l'Académie japonaise du meilleur film et le prix Mainichi du meilleur film en 2002, ainsi que l'Oscar du meilleur film d'animation en 2003[90]. Il est le film ayant reçu le plus de suffrages de la liste du BFI des 50 films à voir avant d'avoir 14 ans[91],[90] établie en 2005 par le British Film Institute. En 2010, le magazine Empire le classe à la 10e place dans sa liste des 100 meilleurs films de tous les temps en langue non-anglaise[92].
  Sauf indication contraire ou complémentaire, les informations mentionnées dans cette section peuvent être confirmées par la base de données IMDb.
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 Le réalisateur explore les liens entre modernisme et tradition au Japon. Il illustre les dérives du capitalisme et de la mondialisation entraînant une perte d'identité culturelle, qui se manifeste par un individualisme, un égoïsme et un consumérisme insatiable radicalement opposés aux valeurs ancestrales du peuple japonais[4],[32],[93]. Chez le réalisateur, l'identité doit être comprise tant comme la quête de soi que la compréhension de ses liens avec la communauté, la société et la nature[94]. En puisant dans les traditions millénaires, notamment le shinto, ainsi que ses propres souvenirs, Miyazaki montre la possibilité d'un lien avec le passé permettant aux jeunes de reconstruire une identité plus forte et collective, car « sans attaches ni passé, l'homme autant que la société sont voués à disparaître » selon l'analyse de Colson et Régner[32],[94],[4].
 Miyazaki décrit dans le projet initial le but du film ainsi : « Nous devons informer [la jeunesse japonaise] de la richesse de nos traditions[95]. »
 Le récit et le dessin sont principalement construits sur l'opposition entre les dérives de la société contemporaine et les valeurs positives véhiculées par la tradition. La critique du monde moderne est introduite dès le début par une analogie qui perdure tout au long du film : l'association du vieux parc à thème délabré au Japon contemporain, en opposition au monde des esprits représentant le Japon traditionnel, mais déjà partiellement envahi par les dérives du capitalisme. Ainsi, selon Napier, Miyazaki vise à « réhabiliter certains aspects d'un Japon traditionnel idéalisé », sans adopter un ton didactique dans le film, procédant plutôt par allégories[4],[96].
 Le parc à thème retrace en quelque sorte la tragédie du Japon contemporain : construit lors de la bulle spéculative de la fin des années 1980 comme beaucoup d'autres, il est finalement laissé complètement à l'abandon pour cause économique. Avant d'arriver au parc, les parents de Chihiro passent à côté d'un torii, montrant que le parc a été bâti sans vergogne sur un ancien lieu religieux[93],[97]. Mais derrière cet abandon matériel se cache un abandon plus profond : l'oubli des valeurs et des traditions collectives de la société japonaise. Pour Miyazaki, les principes mêmes du matérialisme et du consumérisme mènent à une société à l'image du vieux parc à thème, c'est-à-dire l'abandon, le délabrement. Ce thème est aussi illustré par la rivière polluée jusqu'à l'excès[98],[99]. La bêtise des parents de Chihiro, qui pensent qu'une carte de crédit fait tout, et la figure du Sans-Visage s'inscrivent également dans cette critique. Le Sans-Visage, justement, apparaît comme une transgression étrangère au monde des esprits. Seul, sans personnalité, ayant même perdu la parole, il illustre jusqu'au grotesque le pathétique et la dangerosité de ces dérives consuméristes dont il est l'allégorie ; il témoigne de ce qui doit être évité selon Miyazaki : la perte totale de son identité[4],[93],[94].
 Le monde des esprits s'oppose au parc, et donc au Japon contemporain. Il incarne de prime abord un espace où perdurent les bonnes traditions du pays et ses légendes[98],[94]. Ainsi dans l'établissement thermal, les valeurs positives du travail collectif et de l'esprit de groupe côtoient divinités shintos et phénomènes légendaires divers. Miyazaki tient tout particulièrement au mérite de l'apprentissage et du travail envisagé collectivement, qui permettent par exemple de purifier le dieu de la rivière de la pollution accumulée ou de stopper la folie du Sans-Visage[32],[98]. Cependant, le réalisateur montre également que ces traditions qu'il défend sont fragiles, en témoigne l'oubli de son propre nom par Chihiro. Autre danger qui guette, la pollution qui menace là encore de corrompre le Japon traditionnel[4].
 Toutefois, si l'établissement thermal est manifestement imprégné du Japon traditionnel, il n'incarne pas précisément le monde voulu par Miyazaki et encore moins une forme d'utopie selon Yang[100] : ce lieu reste « liminal », signe que le Japon contemporain s'en est éloigné. De plus, le capitalisme et le matérialisme ont déjà pénétré l'établissement, qui rappelle par certains aspects plus l'usine que l’onsen local : Yubaba règne en maître sur ses employés qui doivent travailler dur pour vivre, représentant les classes ouvrières exploitées à l'image du vieux Kamaji qui se définit comme un « esclave »[93],[101]. Yubaba, obsédée par l'argent, incarne à la fois le capitalisme et l'Occident : elle est la seule vêtue à l'européenne dans le monde des esprits, et l'architecture de son étage particulier est empreint de style victorien, contrairement aux étages des employés qui évoquent le Japon des époques d'Edo, Meiji et Taishō[93].
 Dans le film, Miyazaki donne sa vision d'une reconstruction vertueuse de l'identité culturelle du Japon et de ses habitants[94],[4], à travers la recréation d'un lien entre traditions et modernité[102]. La mondialisation culturelle qui efface tant les particularismes locaux que le lien entre les lieux et l'histoire apparaît comme un grand danger[103]. Il y a, chez Miyazaki, un amour profond de la terre natale, de l'endroit où l'on naît (en japonais, furusato). Il illustre à plusieurs reprises la vacuité des personnes sans attache (tel le Sans-Visage) et, en opposition, les bienfaits de la connexion au passé et au furusato. Après que Haku a montré à Chihiro ses parents transformés en cochons, il parvient dans une scène très nostalgique pour le public japonais à la réconforter avec des onigiri, ces boules de riz si typiques de l'archipel que les mères japonaises confectionnent pour les bentō de leurs enfants[104]. Similairement, dans la scène du train, les fantômes des voyageurs représentent les travailleurs qui rentrent à la campagne, où les valeurs traditionnelles chères à Miyazaki sont mieux préservées que dans les métropoles[4],[93].
 Néanmoins, le réalisateur admet avoir eu, étant jeune, une opinion très négative de l'histoire japonaise, surtout son passé militariste, si bien que ses premiers films se déroulent dans un contexte européen[102]. Dans les années 1970, il renoue personnellement, en partie grâce à la plume de Sasuke Nakao, avec l'histoire ancienne du peuple japonais, dont la culture était étroitement liée au culte de la nature qu'il chérit lui-même[105]. Dans le film, il mêle à sa perception de ce passé historique ses souvenirs personnels. Ainsi, les traditions que le réalisateur décrit sont essentiellement celles qu'il a connues enfant, héritées en particulier de l'ère Taishō (1912-1926). Cette période, marquée par une influence accrue de l'Europe sur divers aspects de la culture japonaise, notamment l'architecture et les arts, montre que pour Miyazaki, l'identité culturelle du pays est diverse et dynamique, ainsi que collective plutôt qu'individuelle ; le réel danger est la « perte du sens de l'histoire et de l'identité » face au postmodernisme et au consumérisme selon l'analyse de Yoshioka[106].
 De plus, les connexions entre les deux Japon, traditionnel et contemporain, ne sont pas nécessairement négatives, comme le train, symbole de l'ère industrielle et promesse d'échappées, et surtout la présence même de Chihiro dans le monde des esprits, humaine qui purifie le dieu de la rivière. Miyazaki utilise d'ailleurs l'animation, et donc la technologie moderne, pour rappeler et faire perdurer les traditions[11]. Il n'y a pas une séparation radicale entre tradition et modernité, mais dialogues et conflits ; pour Yang, Miyazaki souhaite simplement le rétablissement du lien entre les deux mondes, oublié par les jeunes générations, afin d'éviter la crise morale, identitaire et écologique qui menace le Japon. Le film présente donc un moyen de « détruire l'avidité humaine qui soutient un système consumériste capitaliste » en reconsidérant le présent comme intégrant le passé selon Suzuki[93]. Le parcours de Chihiro, dont la perte d'identité est symbolisée par le vol de son nom au début du récit, montre que cette tâche est dévolue à la jeunesse contemporaine à laquelle le réalisateur s'adresse avec nostalgie et espoir[100],[97],[107].
 Le personnage de Chihiro, jeune fille moderne qui va faire des rencontres extraordinaires, illustre la recréation d'un lien salutaire entre les jeunes Japonais et les traditions. Au début geignarde, elle va grandir et s'ancrer dans le Japon traditionnel grâce au travail, à la solidarité et à la responsabilisation de son existence. Pour elle, le voyage dans le monde des esprits fonctionne ainsi comme un voyage initiatique, mais également comme un rite de passage lui permettant de renouer avec l'identité culturelle japonaise[4].
 Au début, Chihiro est une petite fille craintive et passive, perturbée par le déménagement de ses parents[2]. Exceptionnellement dans le cinéma miyazakien, ces derniers, archétypes des parents modernes, sont présentés de façon singulièrement négative : gloutons et irrespectueux, il leur est réservé un sort particulièrement pathétique via la transformation en cochon[108]. Si effacée que soit Chihiro, son refus de consommer la nourriture des esprits comme ses parents est un premier signe de vertu chez la petite fille, ce qui lui permet également de faire face à la terrible Yubaba pour obtenir un travail. Car c'est bien par le labeur collectif que Chihiro grandit et gagne en indépendance[4]. Deux épisodes illustrent sa « régénération culturelle » qui lui permet de s'approprier de bonnes valeurs et de gagner confiance en soi : la purification du dieu de la rivière polluée et l'affrontement grotesque du Sans-Visage menaçant de dévorer tous les employés des bains. En réalité, Chihiro elle-même subit une forme de « purification » qui résulte en son renouement avec les racines fondamentales et positives de la société japonaise, en particulier le shinto[109],[97],[107]. De plus, elle affronte ces deux épreuves collectivement, valeur primordiale pour Miyazaki. Dans la seconde moitié du film, Chihiro a définitivement gagné en maturité, car elle parvient à voyager de son propre chef jusque chez Zeniba, délivrer Haku en lui rendant sa véritable identité et, ultime épreuve, ressentir que ses parents ne se trouvent pas parmi le troupeau de cochons de Yubaba. La fin, bien qu'ambiguë puisque le spectateur ne sait pas si Chihiro se souviendra de ce voyage, suggère tout de même que la jeune fille s'est considérablement rapprochée de l'idéal miyazakien[94],[4].
 Osmond note que le film se découpe en deux parties séparées par l'affrontement du Sans-Visage. Dans la première partie, dominée par les couleurs rouge et or des bains, la craintive Chihiro ressemble peu aux héroïnes miyazakiennes à la fois fortes et pures, ainsi que parfois désespérées, comme Nausicaä et San. L'animateur Masashi Andō tenait particulièrement à ce que l'histoire et le dessin révèlent le doute chez Chihiro, sentiment que les personnages de Miyazaki expriment habituellement peu[8]. La seconde partie du film, où Chihiro est devenue courageuse, marque un rapprochement avec le cinéma miyazakien, de nombreuses scènes se déroulant désormais dans les airs ou l'eau, donnant une nouvelle couleur dominante bleue aux dessins. Andō et Miyazaki ont beaucoup discuté sur l'évolution du personnage ; l'animateur aurait lui préféré que le doute continue à se manifester chez Chihiro[9].
 Les films de Miyazaki sont souvent centrés sur de jeunes filles (shōjo). Le choix de Chihiro comme héroïne permet de jouer sur sa vulnérabilité face au monde, faisant écho à celle de la société traditionnelle[4],[110]. Il se crée une identification à la quête de soi du personnage, le spectateur étant amené selon son âge à penser à son propre futur[94],[111] ou, pour les Japonais, à se remémorer son enfance[95]. À la différence de Chihiro, le désir d'identité du Sans-Visage, par la corruption et le vol de la personnalité des autres, est un véritable échec[112]. Plus généralement, par sa mise en scène complexe et problématisée de la figure de la jeune fille, le réalisateur s'inscrit dans la lignée des shōjo manga comme Utena, la fillette révolutionnaire qui ne présentent plus ce genre de personnage comme fondamentalement positif et simpliste[4].
 La scène du train est perçue par Osmond comme l'une des plus fortes du film par la nostalgie et la poésie qu'elle dégage[113]. Dans le vieux wagon, les fantômes de voyageurs rentrent « à la maison » à la campagne tandis que seule Chihiro et ses compagnons sont pleinement colorés[93]. Cette scène du train circulant au beau milieu de la mer est totalement imaginaire, mais traitée de façon naturelle et donc réaliste, à la manière du cinéma en prise de vues réelles[114]. Elle « exemplifie la clarté et la précision de l'imagerie fantastique de Miyazaki, accessible et compréhensible par les adultes et les enfants »[113]. Pour Miyazaki, ce voyage en train constitue la fin réelle du film, Chihiro ayant achevé son évolution en « héroïne miyazakienne ». Les quelques scènes qui viennent après sont de fait moins détaillées ou justifiées[115].
 La mise en scène de ce voyage s'inspire directement d'un passage du Tombeau des lucioles d'Isao Takahata, cofondateur du studio Ghibli avec Miyazaki[114].
 Le Voyage de Chihiro est le film le plus traditionnel de Miyazaki[116]. L'œuvre plonge le spectateur dans un voyage au cœur du folklore et des croyances du Japon traditionnel, incarnés par le monde liminal des esprits, dont l'établissement thermal rappelle évidemment les onsen emblématiques du pays. Les rites shinto, notamment ruraux, ont fortement inspiré le réalisateur : dans cette religion animiste et polythéiste, chaque élément du monde est habité par un kami, une force ni bonne ni mauvaise qui existe, normalement imperceptible, dans le monde des vivants[97]. Dans le film, Miyazaki met en scène de nombreux kami de rivières, d'animaux ou de végétaux[97] ; toutefois, pour conserver un certain caractère universel tout en n'étant pas tributaire de la mythologie, le réalisateur a inventé ses propres kami afin que l'œuvre reste accessible aux enfants et aux étrangers[117],[118]. Les nombreuses métamorphoses intérieures et physiques des personnages, classiques dans les contes et dans le folklore, facilitent également la mise en place d'un langage universel et transculturel, tout en permettant de relier des situations apparemment sans lien entre elles, rompant avec les formes narratives classiques[119],[111].
 Le titre même du film révèle cet ancrage dans le shinto : kamikakushi, littéralement « caché par les esprits », signifie la disparition temporaire d'un humain, le plus souvent d'un enfant, qui aurait été enlevé pour une quelconque raison par les divinités[97] ; de nombreux contes et légendes populaires sont basés sur ce concept[11],[120]. Cela fait écho à l'évolution de Chihiro qui devient Sen pendant qu'elle disparaît dans le monde des dieux, le titre pouvant aussi bien être traduit en « La disparition de Sen et Chihiro » qu'en « Sen et la disparition de Chihiro »[45]. De plus, le rituel de l'ancrage dans un monde par la nourriture – dans le film, Haku empêche la disparition de Chihiro en lui faisant absorber une baie du monde des kami – rappelle le mythe shinto d'Izanagi et Izanami[11]. Ponts et tunnels, récurrents dans le film, sont également perçus comme des points de passage entre mondes dans le folklore[11].
 Fidèle au cinéma miyazakien et à la tradition shinto, le film ne repose pas sur l'opposition entre le bien et le mal, tous les personnages étant « moralement ambivalents », y compris le Sans-Visage, qui devient un compagnon de route de Chihiro, ou Yubaba, qui couve son enfant[97],[112]. À l'image de la nature et du shinto, tout est affaire de « pollution » et de « purification » personnelle, souvent associée à l'eau chez le réalisateur[97],[121]. Enfin, la délivrance de Haku, divinité associée à une rivière, par Chihiro au bout de son voyage personnel peut être vu comme l'union entre un humain et un kami (shinjin-gouitsu) qui requiert un cœur sincère et pur[97].
 Les personnages principaux du monde des esprits sont eux inspirés du folklore. Yubaba, bien qu'évoquant la reine d’Alice au pays des merveilles, rappelle également les Yama-Uba, sorcières des montagnes dotées de pouvoirs magiques dévorant les humains égarés. Tout comme Yubaba, les Yama-Uba sont aussi associées à la maternité, et l'une d'entre elles est la mère de Kintarō, un héros herculéen qui rappelle le gigantesque bébé dans le film de Miyazaki. Ainsi, dans le folklore, les Yama-Uba, maléfiques mais mères protectrices, présentent la même dualité que Yubaba[11]. Le vieux Kamaji, qui ressemble à une araignée symbolisant le travail collectif et l'habileté, rappelle les légendes de tsuchigumo, des yōkai (monstres) arachnéens. Ce terme désigne également dans le Japon ancien les renégats qui s'opposent au pouvoir central, incarné dans le film par Yubaba. Enfin, Haku rappelle sous son apparence de divinité le dragon Ryūjin, dieu de la mer[97] ; de plus, son nom complet (Nigihayami Kohaku Nushi) semble être inspiré de Nigihayahi, une figure historique et légendaire[11]. Le Sans-Visage demeure le seul personnage du monde des esprits non inspiré de la tradition[19]; il porte toutefois un masque de nô qui symbolise dans cette forme de théâtre traditionnel la dissimulation de soi et la confusion des identités[11].
 La présence du folklore et du shinto participe donc au message de Miyazaki qui est de renouer avec les traditions du Japon ainsi que de continuer à les faire vivre et évoluer[11]. La juxtaposition visuelle d'éléments modernes et traditionnels, japonais et européens, qui évoque là encore le lien entre des mondes différents, en appelle à la nostalgie, au souvenir et à la sensation de comprendre intuitivement le shinto humble et rural que valorise Miyazaki[122]. Comme dans ses précédents films, le réalisateur est moins intéressé par la théologie que par la place de la religion dans la vie quotidienne, notamment le lien spirituel entre l'humain et la nature[123].
 Le Voyage de Chihiro illustre certains thèmes récurrents du cinéma de Miyazaki, notamment le travail collectif, le respect de l'environnement, le voyage et l'intégration[124]. Le film qui en est le plus proche est Kiki la petite sorcière : à l'instar de Chihiro, Kiki doit s'intégrer sans l'aide de ses parents dans un nouvel endroit et dans le monde du travail. Les deux jeunes filles connaissent une crise de confiance et l'intégration par l'apprentissage et la solidarité[125],[126]. Cependant, Kiki est volontaire et enjouée à l'idée de partir, alors que Chihiro reste passive et craintive, déménageant puis étant transportée dans le monde des esprits contre son gré[127]. Les deux films reposent également sur un schéma opposé : Chihiro est une humaine voyageant dans un monde surnaturel tandis que Kiki est une sorcière s'établissant dans une ville humaine[32].
 Mon voisin Totoro et Princesse Mononoké s'inspirent du shinto et mettent en scène le lien entre communautés humaines et nature. Chaque film montre un passé précis : dans Mon voisin Totoro, Miyazaki met en scène ses souvenirs d'enfance, tandis que Princesse Mononoké s'inscrit dans l'histoire ancienne. Le Voyage de Chihiro est le premier film du réalisateur à mêler passé personnel et histoire. Il s'agit également de la première mise en scène directe du Japon contemporain et surtout de sa critique sociale : ni le monde de Kiki la petite sorcière, ni celui de Mon voisin Totoro ne sont « contaminés par les scories de la civilisation »[128],[129]. Cependant, la conclusion du Voyage de Chihiro répond à celle de Mon voisin Totoro : le rêve d'un « voisinage avec un imaginaire ancré dans les croyances animistes du shinto »[32].
 La structure narrative du film appelle à la comparaison avec Alice au pays des merveilles et Le Magicien d'Oz : dans ces deux romans adaptés au grand écran, une jeune fille voyage en rêve dans un monde carnavalesque et merveilleux[130],[131]. Tout comme Chihiro, Alice incarne une fille qui grandit et connaît un état de crise d'identité personnelle, en l'occurrence la pré-adolescence. Tant l'établissement thermal que le pays des merveilles d'Alice symbolisent l'instabilité et le rite de passage qui ne sont résolus que par la réappropriation de soi, de son identité et de son passé. Il s'agit là d'une différence avec Kiki, Nausicaä ou San (trois héroïnes de Miyazaki) qui sont elles déjà adolescentes et connaissent une période de transition différente[132]. Cependant, contrairement à Alice au pays des merveilles et au Magicien d'Oz, Miyazaki ne révèle pas si le monde des esprits est un rêve ou la réalité, laissant la fin ouverte à interprétation[11].
 Les Aventures de Pinocchio a inspiré Miyazaki pour la transformation des parents en cochons[133] : chez Pinocchio, les adolescents au comportement irresponsable sont changés en ânes et envoyés aux travaux forcés dans des mines de sel, les parents de Chihiro sont eux transformés en cochons, les enfants japonais étant peu familiers des ânes. Dans les deux cas, ce sont les choix de plaisirs rapides sans en considérer les conséquences qui déclenchent la punition (transformation).
 En Occident, le travail de Hayao Miyazaki est régulièrement cité comme source d’inspiration de John Lasseter du studio Pixar, qui encense l’animation artisanale en 2D du Voyage de Chihiro[134]. En particulier, le film d’animation Vice-versa (2015) de Disney et Pixar, qui explore le récit initiatique chaotique d’une petite fille dont la famille vient de déménager, développe des thématiques très similaires au Voyage de Chihiro[135],[136]. Nick Park du studio Aardman Animations confie que le film lui rappelle l’importance de puiser dans l’imaginaire enfantin[137].
 Au Japon, parmi les jeunes réalisateurs du studio Ghibli, Hiromasa Yonebayashi, qui a déjà travaillé avec Miyazaki, explore dans Souvenirs de Marnie (2014) certains thèmes communs au Voyage de Chihiro, notamment la découverte d’un monde merveilleux[138] et le récit initiatique de jeunes filles[139].
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Séquences; L’Obs; ISBN; 9780812697131; McFarland; ISBN; 978-0-7864-2369-9; Les Moutons électriques; ISBN; 978-2-915793-84-0; ISBN; 978-2-296-55074-2; Hayao Miyazaki; ISBN; 978-1-56931-777-8; OCLC; Susan Jolliffe Napier; ISBN; 978-1-4039-7051-0; Palgrave Macmillan; BFI; ISBN; 978-1-84457-230-4; 1-84457-230-7; ISBN; 9780765633088; Yellow Now; ISBN; 978-2-87340-300-3; ISBN; 978-2-36358-323-9; ISBN; 9782745905819; Susan Jolliffe Napier; Positif; ISBN; 2-85893-635-8; ISSN; DOI; Les Inrocks; ISSN; Les Inrocks; ISSN; DOI; Susuwatari; Le Voyage de Chihiro (bande originale); Hayao Miyazaki; Studio Ghibli; Notices d'autorité; Anime News Network; v; Hayao Miyazaki; On Your Mark; La Chasse à la baleine; Mei to Konekobasu; Monomon l'araignée d'eau; Boro la petite chenille; Le Château de Cagliostro; Nausicaä de la Vallée du Vent; Le Château dans le ciel; Mon voisin Totoro; Kiki la petite sorcière; Porco Rosso; Princesse Mononoké; Le Château ambulant; Ponyo sur la falaise; Le vent se lève; Le Garçon et le Héron; 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Spirited Away tells the story of Chihiro ""Sen"" Ogino, a ten-year-old girl who, while moving to a new neighborhood, inadvertently enters the world of kami (spirits of Japanese Shinto folklore).[7] After her parents are turned into pigs by the witch Yubaba, Chihiro takes a job working in Yubaba's bathhouse to find a way to free herself and her parents and return to the human world. The film was animated by Studio Ghibli for Tokuma Shoten, Nippon Television Network, Dentsu, Buena Vista Home Entertainment, Tohokushinsha Film, and Mitsubishi and distributed by Toho.[8]
 Miyazaki wrote the screenplay after he decided the film would be based on the ten-year-old daughter of his friend Seiji Okuda, the film's associate producer, who came to visit his house each summer.[9] At the time, Miyazaki was developing two personal projects, but they were rejected. With a budget of US$19 million, production of Spirited Away began in 2000. Pixar animator John Lasseter, a fan and friend of Miyazaki, convinced Walt Disney Pictures to buy the film's North American distribution rights, and served as executive producer of its English-dubbed version.[10] Lasseter then hired Kirk Wise as director and Donald W. Ernst as producer, while screenwriters Cindy and Donald Hewitt wrote the English-language dialogue to match the characters' original Japanese-language lip movements.[11]
 Released in Japan on 20 July 2001, Spirited Away was widely acclaimed and commercially successful,[12] grossing $395.8 million at the worldwide box office.[a][13] Accordingly, it became the highest-grossing film in Japanese history with a total of ¥31.68 billion ($305 million).[14] It held the record for 19 years until it was surpassed by Demon Slayer: Kimetsu no Yaiba – The Movie: Mugen Train in 2020.[15]
 Spirited Away was a co-recipient of the Golden Bear with Bloody Sunday at the 2002 Berlin International Film Festival and became the first hand-drawn, Japanese anime and non-English-language animated film to win the Academy Award for Best Animated Feature at the 75th Academy Awards.[16] The film is regarded as one of the greatest films of all time and has been included in various ""best-of"" lists, including ranking fourth on BBC's 100 Greatest Films of the 21st Century.
 Ten-year-old Chihiro Ogino and her parents are traveling to their new home. Chihiro's father decides to take a shortcut. He stops in front of a tunnel leading to what appears to be an abandoned amusement park, which her mother insists on exploring over Chihiro's protestations. Upon finding a seemingly empty restaurant still stocked with food, Chihiro's parents immediately begin to eat. While exploring further, Chihiro finds an enormous bathhouse and meets a boy named Haku, who warns her to return across the riverbed before sunset. However, Chihiro discovers her parents have been transformed into pigs and she cannot cross the now-flooded river.
 Haku finds Chihiro and instructs her to ask for a job from the bathhouse's boiler-man, Kamaji, a yōkai commanding the susuwatari. Kamaji instead asks a worker named Lin to send Chihiro to Yubaba, the witch who runs the bathhouse and cursed her parents, as well as Haku's master. Yubaba tries to frighten Chihiro away, but eventually gives her a work contract. As Chihiro signs the contract with her name (千尋), Yubaba takes away the second kanji in her name, renaming her Sen (千). She soon forgets her real name, and Haku later explains that Yubaba controls people by taking their names; if she completely forgets hers like he once did, she will never be able to leave the spirit world.
 The other workers, except for Kamaji and Lin, frequently mock Sen. While working, she invites a silent creature named No-Face inside, believing him to be a customer. The spirit of a polluted river arrives as Sen's first customer. After she cleans him, he gives her a magic emetic dumpling as a token of gratitude. Meanwhile, No-Face demands food from the bathhouse workers, granting gold copied from the river spirit in exchange. However, when Sen declines the gold and leaves, he angrily swallows some workers.
 Sen sees paper shikigami attacking a dragon and recognizes the dragon as Haku metamorphosed. When the seriously injured Haku crashes into Yubaba's penthouse, Sen follows him upstairs. A shikigami that stowed away on her back shapeshifts into Yubaba's twin sister Zeniba, who turns Yubaba's son, Boh, into a mouse and creates a false copy of him. Zeniba tells Sen that Haku has stolen a magic golden seal from her that carries a deadly curse. Haku strikes the shikigami, causing Zeniba to vanish. Once he and Sen fall into the boiler room, she gives him part of the emetic dumpling to vomit up the seal and a slug that Sen disgustedly kills.
 Sen resolves to return the seal and apologize to Zeniba. She confronts an engorged No-Face and feeds him the rest of the dumpling to regurgitate the workers. No-Face follows Sen out of the bathhouse, and Lin helps them leave. Sen, No-Face, and Boh travel to see Zeniba with train tickets gifted by Kamaji. Meanwhile, Yubaba nearly orders Sen's parents' slaughtering, but Haku reveals Boh is missing and offers to retrieve him if Yubaba releases Sen and her parents. Yubaba complies, but only if Sen can pass a final test.
 Sen meets with Zeniba, who makes her a magic hairband and reveals that Yubaba used the slug to control Haku. Using his dragon form, Haku flies Sen and Boh back, while No-Face decides to stay with Zeniba. Mid-flight, Sen recalls falling into the Kohaku River years earlier and being washed safely ashore, correctly guessing Haku's real identity as the spirit of the Kohaku River (ニギハヤミ コハクヌシ, Nigihayami Kohakunushi). 
 When they arrive at the bathhouse, Yubaba tests Sen to identify her parents among a group of pigs to leave. After she answers correctly that none of the pigs are her parents, her contract disappears and she is given back her real name. Haku takes her to the now-dry riverbed and vows to meet her again. Chihiro crosses the riverbed to her restored parents. Shortly before leaving for her new home, Chihiro looks back at the tunnel with her hairband from Zeniba still intact.
 ""I created a heroine who is an ordinary girl, someone with whom the audience can sympathize [...]. [I]t's not a story in which the characters grow up, but a story in which they draw on something already inside them, brought out by the particular circumstances [...]. I want my young friends to live like that, and I think they, too, have such a wish.""
 —Hayao Miyazaki[17] During summers, Hayao Miyazaki spent his vacation at a mountain cabin with his family and five girls who were friends of the family. The idea for Spirited Away came about when he wanted to make a film for these friends. Miyazaki had previously directed films for small children and teenagers such as My Neighbor Totoro and Kiki's Delivery Service, but he had not created a film for ten-year-old girls. For inspiration, he read the shōjo manga magazines (like Nakayoshi and Ribon) that the girls had left at the cabin, but felt they only offered subjects on ""crushes"" and romance. Miyazaki felt this was not what these young friends ""held dear in their hearts"", and resolved to make the film about a young heroine whom they could look up to.[17]
 Miyazaki had wanted to produce a new film for years, but his two previous proposals—one based on the Japanese book Kiri no Mukō no Fushigi na Machi (霧のむこうのふしぎな町) by Sachiko Kashiwaba, and another about a teenage heroine—were rejected. His third proposal, which ended up becoming Spirited Away, was more successful. The three stories revolved around a bathhouse that was inspired by one in Miyazaki's hometown. He thought the bathhouse was a mysterious place, and there was a small door next to one of the bathtubs in the bath house. Miyazaki was always curious about what was behind it, and he made up several stories about it, one of which inspired the bathhouse setting of Spirited Away.[17]
 Production of Spirited Away commenced in February 2000 on a budget of ¥1.9 billion (US$15 million).[2] Walt Disney Pictures financed ten percent of the film's production cost for the right of first refusal for American distribution.[18][19] As with Princess Mononoke, Miyazaki and the Studio Ghibli staff experimented with computer animation. With the use of more computers and programs such as Softimage 3D, the staff learned the software, but used the technology carefully so that it enhanced the story, instead of ""stealing the show"". Each character was mostly hand-drawn, with Miyazaki working alongside his animators to see if they were getting it just right.[2] The biggest difficulty in making the film was to reduce its length. When production began, Miyazaki realized it would be more than three hours long if he made it according to his plot. He had to delete many scenes from the story, and tried to reduce the ""eye candy"" in the film because he wanted it to be simple. Miyazaki did not want to make the hero a ""pretty girl"". At the beginning, he was frustrated at how she looked ""dull"" and thought, ""She isn't cute. Isn't there something we can do?"" As the film neared the end, however, he was relieved to feel ""she will be a charming woman.""[17]
 During production, Miyazaki often sought inspiration by visiting the Edo-Tokyo Open Air Architectural Museum in Koganei, Tokyo. He based some of the buildings in the spirit world on the Pseudo-Western style buildings from the Meiji period that were available there. The museum made Miyazaki feel nostalgic, ""especially when I stand here alone in the evening, near closing time, and the sun is setting – tears well up in my eyes.""[17] Another major inspiration was the Notoya Ryokan (能登谷旅館), a traditional Japanese inn located in Yamagata Prefecture, famous for its exquisite architecture and ornamental features.[20] While some guidebooks and articles claim that the old gold town of Jiufen in Taiwan served as an inspirational model for the film, Miyazaki has denied this.[21] The Dōgo Onsen is also often said to be a key inspiration for the Spirited Away onsen/bathhouse.[22]
 Toshio Suzuki, the producer of the film, also cites European inspirations and influences in the production of Spirited Away. He specifically invokes the structure of the film as European-inspired due to Miyazaki's own influences by European films such as The Snow Queen and The Shepherdess and the Chimney Sweep.[23]
 The film score of Spirited Away was composed and conducted by Miyazaki's regular collaborator Joe Hisaishi, and performed by the New Japan Philharmonic.[24] The soundtrack received awards at the 56th Mainichi Film Competition Award for Best Music, the Tokyo International Anime Fair 2001 Best Music Award in the Theater Movie category, and the 17th Japan Gold Disk Award for Animation Album of the Year.[25][26][27] Later, Hisaishi added lyrics to ""One Summer's Day"" and named the new version of the song ""The Name of Life"" (いのちの名前, ""Inochi no Namae"") which was performed by Ayaka Hirahara.[28]
 The closing song, ""Always With Me"" (いつも何度でも, ""Itsumo Nando Demo"", lit. 'Always, No Matter How Many Times') was written and performed by Youmi Kimura, a composer and lyre-player from Osaka.[29] The lyrics were written by Kimura's friend Wakako Kaku. The song was intended to be used for Rin the Chimney Painter (煙突描きのリン, Entotsu-kaki no Rin), a different Miyazaki film which was never released.[29] In the special features of the Japanese DVD, Hayao Miyazaki explains how the song in fact inspired him to create Spirited Away.[29] The song itself would be recognized as Gold at the 43rd Japan Record Awards.[30]
 Besides the original soundtrack, there is also an image album, titled Spirited Away Image Album (千と千尋の神隠し　イメージアルバム, Sen to Chihiro no Kamikakushi Imēji Arubamu), that contains 10 tracks.[31]
 John Lasseter, Pixar animator and a fan and friend of Miyazaki, would often sit with his staff and watch Miyazaki's work when encountering story problems. After seeing Spirited Away Lasseter was ecstatic.[32] Upon hearing his reaction to the film, Disney CEO Michael Eisner asked Lasseter if he would be interested in introducing Spirited Away to an American audience. Lasseter obliged by agreeing to serve as the executive producer for the English adaptation. Following this, several others began to join the project: Beauty and the Beast co-director Kirk Wise and Aladdin co-producer Donald W. Ernst joined Lasseter as director and producer of Spirited Away, respectively.[32] Screenwriters Cindy Davis Hewitt and Donald H. Hewitt penned the English-language dialogue, which they wrote in order to match the characters' original Japanese-language lip movements.[11]
 The cast of the film consists of Daveigh Chase, Jason Marsden, Suzanne Pleshette (in her final film role before her death in January 2008), Michael Chiklis, Lauren Holly, Susan Egan, David Ogden Stiers and John Ratzenberger (a Pixar regular). Advertising was limited, with Spirited Away being mentioned in a small scrolling section of the film section of Disney.com; Disney had sidelined their official website for Spirited Away[32] and given the film a comparatively small promotional budget.[19] Marc Hairston writing for FPS Magazine argues that this was a justified response to Studio Ghibli's retention of the merchandising rights to the film and characters, which limited Disney's ability to properly market the film.[19]
 
The major themes of Spirited Away, heavily influenced by Japanese Shinto-Buddhist folklore, centre on the protagonist, Chihiro, and her liminal journey through the realm of spirits. The central location of the film is a Japanese bathhouse where a great variety of Japanese folklore creatures, including kami, come to bathe. Miyazaki cites the solstice rituals when villagers call forth their local kami and invite them into their baths.[7] Chihiro also encounters kami of animals and plants. Miyazaki says of this: In my grandparents' time, it was believed that kami existed everywhere – in trees, rivers, insects, wells, anything. My generation does not believe this, but I like the idea that we should all treasure everything because spirits might exist there, and we should treasure everything because there is a kind of life to everything.[7] Chihiro's archetypal entrance into another world changes her status as one somewhere between child and adult. Chihiro also stands outside societal boundaries in the supernatural setting. The use of the word kamikakushi (literally 'hidden by gods') within the Japanese title, and its associated folklore, reinforces this liminal passage: ""Kamikakushi is a verdict of 'social death' in this world, and coming back to this world from Kamikakushi meant 'social resurrection.'""[33]
 Additional themes are expressed through No-Face, who reflects the characters who surround him, learning by example and taking the traits of whomever he consumes. This nature results in No-Face's monstrous rampage through the bathhouse. After Chihiro saves No-Face with the emetic dumpling, he becomes timid once more. At the end of the film, Zeniba decides to take care of No-Face so he can develop without the negative influence of the bathhouse.[34]
 The film has been compared to Lewis Carroll's Alice's Adventures in Wonderland and Through the Looking Glass, as the stories are set in fantasy worlds, involve disturbances in logic and stability, and there are motifs such as food having metamorphic qualities; though other developments and themes are not shared.[35][36][37]
 Yubaba has many similarities to the Coachman from the 1940 film Pinocchio, in the sense that she mutates humans into pigs in a similar way that the boys of Pleasure Island were mutated into donkeys. Upon gaining employment at the bathhouse, Yubaba's seizure of Chihiro's true name symbolically kills the child,[38] who must then assume adulthood. She then undergoes a rite of passage according to the monomyth format; to recover continuity with her past, Chihiro must create a new identity.[38]
 Spirited Away contains critical commentary on modern Japanese society concerning generational conflicts and environmental issues.[39] Chihiro has been seen as a representation of the shōjo, whose roles and ideology had changed dramatically since post-war Japan.[39] Just as Chihiro seeks her past identity, Japan, in its anxiety over the economic downturn occurring during the release of the film in 2001, sought to reconnect to past values.[38] In an interview, Miyazaki has commented on this nostalgic element for an old Japan.[40]
 Japanese philosophy plays a huge role in Spirited Away, specifically through concepts like Kami and principles like Mottainai and On.[41] The concept of Kami, for instance, involves various spirits that each represent different elements and aspects of nature. The principle of Mottainai, which is deeply ingrained in Japanese culture, embodies a sense of regret towards waste, valuing the complete utilization of an object or resource. While the principle of On, a key tenet of Japanese ethics that signifies a sense of moral indebtedness, plays a significant role in Chihiro's character development.
 Similar to the Japanese concept of On, the film can be partly understood as an exploration of the effect of greediness and Western consumerism on traditional Japanese culture.[42] For instance, Yubaba is stylistically unique within the bathhouse, wearing a Western dress and living among European décor and furnishings, in contrast with the minimalist Japanese style of her employees' quarters, representing the Western capitalist influence over Japan in its Meiji period and beyond. Along with its function within the ostensible coming of age theme, Yubaba's act of taking Chihiro's name and replacing it with Sen (an alternate reading of chi, the first character in Chihiro's name, lit. 'one thousand') can be thought of as symbolic of capitalism's single-minded concern with value.[39]
 
The film's setting encapsulates Miyazaki's commentary on modern Japanese values and the erosion of cultural heritage. The bathhouse, situated within an abandoned theme park, symbolizes Japan's distorted cultural identity. This once-traditional locale is marred by neon signs and Westernization, exemplifying cultural degradation. Early scenes highlight economic concerns and consumerism. The film's visuals underscore the commercialization of Japanese culture. The failed theme park serves as a metaphor for the unsuccessful fusion of ideologies. The Meiji design of the park is the setting for Chihiro's parents' metamorphosis – the family arrives in an imported Audi car and the father wears a European-styled polo shirt, reassuring Chihiro that he has ""credit cards and cash"", before morphing into literal consumerist pigs because of their bad habits.[43] Miyazaki has stated: Chihiro's parents turning into pigs symbolizes how some humans become greedy. At the very moment Chihiro says there is something odd about this town, her parents turn into pigs. There were people that ""turned into pigs"" during Japan's bubble economy (consumer society) of the 1980s, and these people still haven't realized they've become pigs. Once someone becomes a pig, they don't return to being human but instead gradually start to have the ""body and soul of a pig"". These people are the ones saying, ""We are in a recession and don't have enough to eat."" This doesn't just apply to the fantasy world. Perhaps this isn't a coincidence and the food is actually (an analogy for) ""a trap to catch lost humans"".[42] The bathhouse of the spirits cannot be seen as a place free of ambiguity and darkness.[44] Many of the employees are rude to Chihiro because she is human, and corruption is ever-present;[39] it is a place of excess and greed, as depicted in the initial appearance of No-Face.[45] In stark contrast to the simplicity of Chihiro's journey and transformation is the constantly chaotic carnival in the background.[39]
 Commentators have often referred to environmental themes in the films of Miyazaki. In Spirited Away, two major instances of allusions to environmental issues have been noted. Pam Coats, for example, a Vice President of Walt Disney Feature Animation, describes Chihiro dealing with the ""stink spirit"", who, it turns out, is actually a river spirit but is so corrupted with filth that one cannot tell what it is at first glance. It only becomes clean again when Chihiro pulls out a huge amount of trash, including car tires, garbage, and a bicycle. This alludes to human pollution of the environment, and how people can carelessly toss away things without thinking of the consequences and of where the trash will go.[46]
 The second allusion is seen in Haku himself. Haku does not remember his name and lost his past, which is why he is stuck at the bathhouse. Eventually, Chihiro remembers that he used to be the spirit of the Kohaku River, which was destroyed and replaced with apartments. Because of humans' need for development, they destroyed a part of nature, causing Haku to lose his home and identity. This can be compared to deforestation and destruction of natural habitats; humans tear down nature, cause imbalance in the ecosystem, and demolish animals' homes to satisfy their want for more space (housing, malls, stores, etc.) but do not think about how it can affect other living things.[47][48]
 Spirited Away was released theatrically in Japan on 20 July 2001 by distributor Toho. It grossed a record ¥1.6 billion ($13.1 million) in its first three days, beating the previous record set by Princess Mononoke.[49] It was number one at the Japanese box office for its first eleven weeks and spent 16 weeks there in total.[50] After 22 weeks of release and after grossing $224 million in Japan, it started its international release, opening in Hong Kong on 13 December 2001.[51] It was the first film that had grossed more than $200 million at the worldwide box office excluding the United States.[52][53] It went on to gross ¥30.4 billion to become the highest-grossing film in Japanese history, according to the Motion Picture Producers Association of Japan.[54] It also set the all-time attendance record in Japan, surpassing the 16.8 million tickets sold by Titanic.[55] Its gross at the Japanese box office has since increased to ¥31.68 billion, as of 2020[update].[56][57]
 In February 2002, Wild Bunch, an international sales company that had recently spun off from its former parent StudioCanal, picked up the international sale rights for the film outside of Asia and France.[58] The company would then on-sell it to independent distributors across the world. On 13 April 2002, The Walt Disney Company acquired the Taiwanese, Singapore, Hong Kong, French and North American sale rights to the film, alongside Japanese Home Media rights.[59]
 Disney's English dub of the film, supervised by Lasseter, premiered at the Toronto International Film Festival on 7 September 2002[60] and was later released in the United States on 20 September 2002. The film grossed $450,000 in its opening weekend from 26 theatres. Spirited Away had very little marketing, less than Disney's other B-films, with a maximum of 151 theatres showing the film in 2002.[19] After the 2003 Oscars,[61] it expanded to 714 theatres. It ultimately grossed around $10 million by September 2003.[62] Outside of Japan and the United States, the movie was moderately successful in both South Korea and France where it grossed $11 million and $6 million, respectively.[63] In Argentina, it is in the top 10 anime films with the most tickets sold.[64]
 In the United Kingdom, then-independent based film distributor Optimum Releasing acquired the rights to the movie from Wild Bunch in January 2003.[65] The company then released it theatrically on 12 September 2003.[66][67] The movie grossed $244,437 on its opening weekend from 51 theatres, and by the end of its theatrical run in October, the movie has grossed $1,383,023 in the country.[68]
 About 18 years after its original release in Japan, Spirited Away had a theatrical release in China on 21 June 2019. It follows the theatrical China release of My Neighbour Totoro in December 2018.[69] The delayed theatrical release in China was due to long-standing political tensions between China and Japan, but many Chinese became familiar with Miyazaki's films due to rampant video piracy.[70] It topped the Chinese box office with a $28.8-million opening weekend, beating Toy Story 4 in China.[71] In its second weekend, Spirited Away grossed a cumulative $54.8 million in China, and was second only behind Spider-Man: Far From Home that weekend.[72] As of 16 July 2019[update], the film has grossed $70 million in China,[73] bringing its worldwide total box office to over $346 million as of 8 July 2019[update].[74]
 Spirited Away's worldwide box office total stands at US$395,802,070.[a]
 Spirited Away was first released on VHS and DVD formats in Japan by Buena Vista Home Entertainment on 19 July 2002.[75] The Japanese DVD releases include storyboards for the film and the special edition includes a Ghibli DVD player.[76] Spirited Away sold 5.5 million home video units in Japan by 2007,[77] and holds the record for most home video copies sold of all-time in the country as of 2014[update].[78] The movie was released on Blu-ray by Walt Disney Studios Japan on 14 July 2014, and DVD was also reissued on the same day with a new HD master, alongside several other Studio Ghibli movies.[79][80]
 In North America, the film was released on DVD and VHS formats by Walt Disney Home Entertainment on 15 April 2003.[81] The attention brought by the Oscar win resulted in the film becoming a strong seller.[82] The bonus features include Japanese trailers, a making-of documentary which originally aired on Nippon Television, interviews with the North American voice actors, a select storyboard-to-scene comparison and The Art of Spirited Away, a documentary narrated by actor Jason Marsden.[83] The movie was released on Blu-ray by and North America by Walt Disney Studios Home Entertainment on 16 June 2015.[84] GKIDS and Shout! Factory re-issued the film on Blu-ray and DVD on 17 October 2017 following the expiration of Disney's previous deal with Studio Ghibli in the country in North America.[85] On 12 November 2019, GKIDS and Shout! Factory issued a North-America-exclusive Spirited Away collector's edition, which includes the film on Blu-ray, and the film's soundtrack on CD, as well as a 40-page book with statements by Toshio Suzuki and Hayao Miyazaki, and essays by film critic Kenneth Turan and film historian Leonard Maltin.[86][87] Along with the rest of the Studio Ghibli films, Spirited Away was released on digital markets in the United States for the first time, on 17 December 2019.
 In the United Kingdom, the film was released on DVD and VHS as a rental release through independent distributor High Fliers Films PLC following the film's limited theatrical release. It was later officially released on DVD in the UK on 29 March 2004, with the distribution being done by Optimum Releasing themselves.[88] In 2006, the DVD was reissued as a single-disc release (without the second one) with packaging matching other releases in Optimum's ""The Studio Ghibli Collection"" range.[89] The then-renamed StudioCanal UK released the movie on Blu-ray on 24 November 2014, A British 20th Anniversary Collector's Edition, similar to other Studio Ghibli anniversary editions released in the UK, was released on 25 October 2021.[90]
 In the United States, the 2015 Blu-ray release grossed $9,925,660 from 557,613 physical units sold as of 21 February 2021[update].[91] In the United Kingdom, the film's Studio Ghibli anniversary release appeared several times on the annual lists of best-selling foreign language film on home video, ranking number six in 2015,[92] number five in 2016,[93] and number one in 2019.[94]
 The film was aired on Nippon TV (NTV) in Japan, on 24 January 2003. It became NTV's most-watched film of all time with a 46.9% audience rating, surpassing the 35.1% record previously set by Princess Mononoke in 1999.[95]
 In the United Kingdom, the film was watched by 670,000 viewers on BBC2 in 2010. This made it the year's most-watched foreign-language film on BBC, and the year's second highest foreign film on UK television (below the Indian Bollywood film Om Shanti Om).[96] Spirited Away was later watched by 300,000 UK viewers on BBC2 in 2011, making it the year's most-watched foreign-language film on BBC2.[97] Combined, the film drew a 970,000 UK television viewership on BBC2 between 2010 and 2011.
 Spirited Away received widespread acclaim. On review aggregator Rotten Tomatoes, the film holds a 96% approval rating based on 221 reviews, with an average rating of 8.6/10. The website's critics consensus reads, ""Spirited Away is a dazzling, enchanting, and gorgeously drawn fairy tale that will leave viewers a little more curious and fascinated by the world around them.""[98] Metacritic, which uses a weighted average, assigned the film a score of 96 out of 100 based on 41 critics, indicating ""universal acclaim"".[12]
 Roger Ebert of the Chicago Sun-Times gave the film a full four stars, praising the work and Miyazaki's direction. Ebert also said that Spirited Away was one of ""the year's best films"", as well as adding it to his ""Great Movies"" list.[99] Elvis Mitchell of The New York Times positively reviewed the film and praised the animation. Mitchell drew a favorable comparison to Lewis Carroll's Through the Looking-Glass, and wrote that Miyazaki's ""movies are as much about moodiness as mood"" and that ""the prospect of animated figures' not being what they seem – either spiritually or physically – heightens the tension"".[37] Derek Elley of Variety said that Spirited Away ""can be enjoyed by sprigs and adults alike"" and praised the animation and music.[100] Kenneth Turan of the Los Angeles Times praised Miyazaki's direction and the voice acting, as well as saying that the film is the ""product of a fierce and fearless imagination whose creations are unlike anything a person has seen before.""[101] Orlando Sentinel's critic Jay Boyar also praised Miyazaki's direction and said the film is ""the perfect choice for a child who has moved into a new home.""[102]
 In 2004, Cinefantastique listed the film as one of the ""10 Essential Animations"".[103] In 2005, Spirited Away was ranked by IGN as the 12th-best animated film of all time.[104] The film is also ranked number 9 of the highest-rated movies of all time on Metacritic, being the highest rated traditionally animated film on the site. The film ranked number 10 in Empire magazine's ""The 100 Best Films of World Cinema"" in 2010.[105] In 2010, Rotten Tomatoes ranked it as the 13th-best animated film on the site,[106] and in 2012, as the 17th.[107] In 2019, the site considered the film to be #1 among 140 essential animated movies to watch.[108] The film was ranked at number 46 on Time Out magazine's list of ""The 100 Best Movies of All Time"".[109] The film is listed within the top ten on the British Film Institute's list of ""Top 50 films for children up to the age of 14"".[110] In 2016, it was voted the fourth-best film of the 21st century by the BBC, as picked by 177 film critics from around the world, making it the highest-ranking animated film on the list.[111] In 2017, The New York Times ranked it as the second best film of the 21st Century so far.[112] In 2021, the Writers Guild of America ranked Spirited Away's screenplay the 67th greatest of the 21st century so far.[113] In 2022, the film was ranked number 75 on Sight & Sound's greatest films list, being one of two animated films to make the list (alongside Miyazaki's own My Neighbor Totoro).[114][115]
 In his book Otaku, Hiroki Azuma observed: ""Between 2001 and 2007, the otaku forms and markets quite rapidly won social recognition in Japan,"" and cites Miyazaki's win at the Academy Awards for Spirited Away among his examples.[116]
 Spirited Away is frequently regarded as one of the best films of the 21st century as well as one of the greatest animated films ever made.[122][123][124] Comic Book Resources wrote that the film ""set the bar extremely high for all anime movies that followed it – including Studio Ghibli's"" and further explained that ""It's a movie many people re-watch due to its comfort and nostalgia, and since Netflix brought the Ghibli movies to North America last year, it's become even more accessible"".[125] Swapnil Dhruv Bose from Far Out Magazine declared the film to be ""the greatest animated film of all time"" and explained that it ""resonated with audiences all over the world despite the existence of cultural barriers is because of its brilliantly devised universality"" and has the ability to ""generate fascinating multiplicities which morph according to the age of the viewer"". In another article detailing Hayao Miyazaki's wide impact to the film industry, he wrote ""The influence of Spirited Away can be easily observed in Disney productions like Brave and Frozen, thanks to John Lasseter's (the Chief Creative Officer of Pixar) efforts to introduce it to Western audiences"".[126][127] Vice also declared Spirited Away to be the all-time best animated film and wrote that the film ""showed how breathtaking, heartfelt, and serious animation can be"" that ""Pixar, Disney, and other mainstream animators have still failed to genuinely realize 15 years later"".[128]
 Film director Steven Spielberg said that Spirited Away might be ""better than any Disney films"" he has ever seen.[129] Rayna Denison, professor of film, television, and media studies, told Time that ""This is a film made by a master animator at the height of his powers and it is one where the quality of the animation really does set it apart from everything else around it. Nobody else was making films that looked like this or that were as inventive as this was at this time"".[130] The film has been cited as influence for various Disney and Pixar animated films. Production designer Harley Jessup said that he initially looked at Spirited Away and was inspired by the spiritual feelings elements to utilize them in Coco.[131] Co-writers Ken and Ryan Firpo cited the film as one of the influences that helps them explore ""ideas of morality and humanity"" in Eternals.[132] Turning Red's director Domee Shi named Spirited Away as one of her favorite animated films and one of the influences for her film.[133]
 According to Time, Spirited Away ""arrived at a time when animation was widely perceived as a genre solely for children, and when cultural differences often became barriers to the global distribution of animated works"" but it ""shattered preconceived notions about the art form and also proved that, as a film created in Japanese with elements of Japanese folklore central to its core, it could resonate deeply with audiences around the world"". Denison emphasized that John Lasseter and Disney ""boosted Spirited Away's visibility in America by heavily campaigning for the film to be considered for the Academy Awards"", and cited it as one of the reasons why it won Academy Award for Best Animated Feature.[134] Writer Jonathan Clements, whose published works revolve around East Asian culture, anime, and Japanese television dramas, emphasized that the film's Oscar win was ""a wake-up call for a lot of people in the film business who had been disregarding Japanese animation for years"".[135] Susan Napier, professor of Japanese studies at Tufts University, called Spirited Away's wins at major Western award shows ""a very big shot in the arm to the Japanese animation industry"". She further explained that cartoons in the West have often been seen as ""childish, vulgar, things that you didn't take seriously"" but after the film took home the Academy Award, people were starting to see animation as ""a real art form"".[136][page needed]
 A stage adaptation of Spirited Away was announced in February 2021 with a world premiere planned in Tokyo on 28 February 2022. It is written and directed by John Caird, with Toho as the production company, with Studio Ghibli's blessing. The role of Chihiro is played by both Kanna Hashimoto and Mone Kamishiraishi.[137][138] In August 2023, it was announced that the production would have its European premiere at the London Coliseum from April 2024,[139] with most of the cast reprising their roles.[140]
 On a limited time release from 11 November to 18 December in 2022,[141][142] the Imperial Theater performance of the play was available for rental in Japan in several streaming services such as Abema, Amazon Prime Video Japan, Docomo Anime Store, FOD, Hulu Japan and U-Next.[143]
 There were 2 versions of the play available for rental:",5949,"Main page; Contents; Current events; About Wikipedia; Help; Learn to edit; Community portal; Upload file; ; learn more; Article; Talk; Read; Read; Upload file; ; Spirit away; ; Kanji; Revised Hepburn; Hayao Miyazaki; Toshio Suzuki; Rumi Hiiragi; Miyu Irino; Mari Natsuki; Yasuko Sawaguchi; Tsunehiko Kamijō; Bunta Sugawara; Takeshi Seyama; Joe Hisaishi; Studio Ghibli; Toho; Japanese; Hepburn; animated; fantasy film; Hayao Miyazaki; kami; Shinto; bathhouse; Studio Ghibli; Tokuma Shoten; Nippon Television Network; Dentsu; Buena Vista Home Entertainment; Tohokushinsha Film; Mitsubishi; Toho; Pixar; John Lasseter; Walt Disney Pictures; Kirk Wise; Donald W. 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Princesse Mononoké,https://fr.wikipedia.org/wiki/Princesse_Mononoké,"Pour les articles homonymes, voir Mononoke.
  12 juillet 1997
 
 modifier  Princesse Mononoké (もののけ姫, Mononoke-hime?, litt. « Princesse des esprits ») est un film d'animation historique et de fantasy japonais de Hayao Miyazaki, sorti le 12 juillet 1997 et produit par le studio Ghibli.
 L'intrigue, qui se déroule à l'époque Muromachi, raconte l'histoire d'Ashitaka, un jeune archer Emishi, entraîné malgré lui au milieu d'une guerre opposant d'un côté San (la princesse Mononoké) et la forêt fantastique dans laquelle elle a été élevée et de l'autre dame Eboshi et son village des forges, dépendant de l'exploitation des ressources alentour.
 Le scénario, inscrit dans un univers animiste et empreint de références shintoïstes, conjugue des thématiques multiples portées par des personnages dont toute dimension manichéenne est exclue. En plus de la question du rapport entre l'humain et son environnement, différents thèmes sont en effet abordés dont les ravages de la guerre, la vengeance, l'escalade de la violence et de la haine qui en découle, la condition féminine, la tolérance ou encore la valeur travail[1],[2],[3].
 Le film, salué par la critique au Japon et dans le monde entier, confirme définitivement le statut de Hayao Miyazaki comme un maître de l'animation mondiale et attire sur lui l'attention des critiques dans le reste du monde. Princesse Mononoké est un très grand succès commercial au Japon, où il remporte notamment les prix Mainichi du meilleur film et du meilleur film d'animation en 1997 et le prix de l'Académie japonaise du meilleur film en 1998.
 L'histoire se déroule dans le Japon médiéval (ère Muromachi). Ashitaka, le prince de la tribu des Emishis, un peuple reclus au nord-est de Honshū, est frappé d'une malédiction après avoir tué Nago, un dieu sanglier devenu un démon : son bras est animé d'une force surnaturelle, mais est rongé par l'entité démoniaque. La chamane du village le dit condamné à mourir et lui conseille de quitter le village afin d'aller chercher à l'ouest la cause de la colère de la nature et l'espoir de trouver la raison de sa malédiction.
 Sur le chemin, Ashitaka sauve Jiko au détour d'un coup de main de la guerre civile qui ravage le pays. Moine vagabond très désireux de lui montrer sa gratitude, ce dernier conseille à Ashitaka de se rendre dans la forêt où vivent les esprits de la forêt, animaux gigantesques et doués de parole. Ashitaka découvre ensuite deux hommes originaires du village des forges, dirigé par Dame Eboshi. Ils ont été blessés lors d'une attaque menée par la déesse louve Moro, qui a elle-même été blessée par Dame Eboshi. Ashitaka aperçoit peu après San, la princesse considérée comme un « mononoké » (un esprit vengeur), une humaine élevée par Moro. Ashitaka ramène les deux hommes jusqu'au village des forges et est chaleureusement accueilli par les femmes du village.
 Il rencontre Dame Eboshi, issue de la noblesse et qui a pourtant décidé de sauver des femmes de leur ancienne condition, à une époque où les droits humains comme animaux n'étaient pas de mise. Femme forte, elle recueille tous les indigents, tels des lépreux à qui elle confie la tâche délicate de maintenir et améliorer l'artillerie du village. En effet, les habitants tirent leur subsistance du sol de la forêt et produisent du fer afin de pouvoir acheter vivres et autres nécessités loin de chez eux, mais ils doivent déforester pour pouvoir accéder aux minerais, ce qui excède et enrage les dieux de la forêt. Les lépreux fabriquent donc des armes à feu pour lutter contre les esprits de la forêt. Ashitaka apprend ainsi que Dame Eboshi, qui a tiré sur Nago, est responsable de la corruption l'ayant transformé en démon.
 Pendant la nuit, San pénètre dans le village pour tenter de tuer Dame Eboshi, mais Ashitaka s'interpose entre elles deux et les assomme. Il quitte ensuite le village en emportant San, mais est touché par une balle en partant. Quand San se réveille, elle s'apprête à tuer un Ashitaka affaibli, mais est déconcertée quand celui-ci lui dit qu'elle est belle. Elle se décide ensuite à lui faire confiance quand, après l'avoir déposé sur l’îlot central de l'étang de l'esprit de la forêt, le dieu-cerf soigne la blessure du garçon.
 Dame Eboshi et les villageois repoussent une attaque des samouraïs du seigneur Asano, qui cherche à s'emparer du village et des armes qui y sont produites. Dame Eboshi rencontre ensuite Jiko, qui travaille en réalité pour l'empereur et a été chargé de lui ramener la tête du dieu-cerf, censée accorder l'immortalité. Tous deux décident de s'allier dans cette tâche.
 Les sangliers dirigés par Okkoto (le dieu sanglier de l’île du sud) attaquent les forces de Jiko et de Dame Eboshi pour sauver la forêt, mais ils sont décimés. Okkoto est gravement blessé et San l'emmène jusqu'au dieu-cerf pour qu'il le guérisse, mais le vieux sanglier commence déjà à être corrompu et à se transformer en démon, comme Nago. San essaie alors de l'arrêter, aidée par Ashitaka et Moro, alors que Jiko et Dame Eboshi les suivent.
 Le dieu-cerf arrive et libère Okkoto de sa corruption, le privant, ainsi que Moro, de sa vie. Dame Eboshi le décapite peu après d'une balle d'arquebuse. Cet acte transforme le corps du dieu-cerf en une gigantesque forme visqueuse qui ôte la vie de tout ce qui la touche, humains, animaux et arbres. Moro, dans un dernier sursaut, se venge et arrache un bras à Dame Eboshi. Jiko s'empare alors de la tête du dieu-cerf et l'emporte avec ses hommes, alors que le corps de celui-ci, métamorphosé, submerge rapidement la totalité de la forêt.
 Après une course-poursuite avec Jiko et ses hommes, Ashitaka et San parviennent à récupérer la tête du dieu-cerf et à la lui restituer. Ce dernier guérit alors la forêt complètement dévastée, ainsi qu'Ashitaka.
 San, bien que très attachée à Ashitaka, ne peut pardonner aux humains et choisit de rester dans la forêt. Ashitaka décide d'aller vivre au village des forges d'où il pourra souvent aller voir San. Dame Eboshi, en reconnaissance de leurs actions, s'engage à repartir à zéro pour que son village cohabite davantage en harmonie avec la forêt, tandis que Jiko, fataliste, pense à prendre sa retraite et renonce à obtenir la tête du dieu-cerf.
  Sauf indication contraire ou complémentaire, les informations mentionnées dans cette section peuvent être confirmées par la base de données IMDb.
 Des thèmes et des dessins proches de Princesse Mononoke sont présents dans le manga Shuna no tabi (Le Voyage de Shuna, écrit par Hayao Miyazaki en 1983), comme le caractère droit des héros, l'apparence de Yakkuru (qui est un cobe) ou la forêt primitive[4]. C'est une visite dans l'ancienne forêt de Yakushima qui a donné l'inspiration à Miyazaki pour la forme finale du projet, l'histoire et les personnages ayant avant cela changé plusieurs fois lors de l'étape de préparation du film, qui a duré trois ans[5]. À l'origine, Hayao Miyazaki avait un autre projet en tête. Il avait écrit un scénario faisant écho au conte de fée La Belle et la Bête et reprenant des éléments du folklore japonais. Mais à la suite de cela, les studios Disney réalisèrent un dessin animé sur le même sujet. Miyazaki renonça donc à ce projet et s'inspira de la bête de son scénario d'origine pour créer deux nouvelles créatures à savoir Totoro et le Chat-bus que l'on retrouve dans le film Mon voisin Totoro. Ne voulant pas faire du recyclage d'idées, le réalisateur japonais décida de retravailler son scénario et de le transformer en un projet bien plus ambitieux, autrement dit Princesse Mononoké[6].
 Miyazaki s'est inspiré du maître de sabre et de calligraphie Akeji Sumiyoshi qui a redécouvert et remis au jour le terme médiéval ""mononoké"" (""l'esprit des choses""). Sa première exposition à Tokyo en 1970 s'intitulait ""Mononoké""[7].
 Les paysages du film ont été inspirés par les forêts de Yakushima et les montagnes de Shirakami-Sanchi[8],[9].
 La complexité et la profondeur des personnages les rendent atypiques vis-à-vis des œuvres précédant Princesse Mononoké. Ils figurent parmi les créations de Hayao Miyazaki ayant la lecture à la fois la plus complexe, la plus sombre et la plus riche.
 Miyazaki dit d'Ashitaka qu'il ne voulait pas en faire un héros typique : « Ashitaka n'est pas un garçon gai et insouciant. C'est un garçon mélancolique qui a une destinée. Je suis moi-même un peu comme cela mais, jusqu'ici, je n'avais pas fait d'histoire avec ce genre de personnage. Ashitaka a été maudit pour une raison absurde. Bien sûr, il a fait quelque chose qu'il n'aurait pas dû, il a tué le Tatari-gami, mais il avait une raison suffisante de le faire, du point de vue des humains. Néanmoins, il est affligé d'une malédiction mortelle. Je pense que c'est semblable aux vies actuelles des gens. Je pense que c'est une chose très absurde qui fait partie de la vie elle-même »[10].
 Le personnage de San est à l'image d'Ashitaka, une princesse atypique. En étant abandonnée par ses parents humains et recueillie par les loups, Miyazaki en fait une héroïne sauvage, presque effrayante puisque sa première apparition est lorsqu'Ashitaka l'aperçoit avec du sang plein le visage. Son nom, qui lui a été donné par sa mère adoptive, signifie ""trois"" en japonais. Elle s'appelle ainsi car aux yeux de Moro, San est le troisième petit de sa portée. Elle devient importante puisque le héros tombe plus ou moins explicitement amoureux d'elle, mais son dégoût envers les humains donne à réfléchir sur l'état de la conscience écologique de l'homme, et lui donne ainsi une place plus précise dans la réflexion de l’œuvre.
 Miyazaki a également déclaré que Dame Eboshi devait avoir eu un passé traumatisant, bien que ce ne soit pas mentionné dans l'animé. Elle a une forte personnalité et est sûre d'elle, comme le montre le fait qu'elle laisse Ashitaka vaquer à sa guise dans le village malgré ses motivations peu claires. Elle ne reconnaît également pas de vassalité vis-à-vis de la cour de l'empereur ou des daimyō (en particulier le seigneur Asano) ; et affiche une attitude tranchée, presque belliqueuse mais pragmatique, peu habituelle pour des femmes japonaises d'alors, allant jusqu'au sacrifice des siens ou d'elle-même, pourvu que ses rêves ou ses compromis et surtout son lot d'équité demeurent.
 En créant le personnage de Jiko Bou, Miyazaki hésitait à en faire un espion de l'empereur, un ninja, un membre d'un groupe religieux ou simplement quelqu'un de bien. Il a finalement décidé de mélanger tous ces éléments pour ce personnage.
 La plus grande partie des images de l'histoire ont été dessinées au dessin traditionnel, mais l'infographie a été utilisée pour quelques scènes, notamment celles où le bras d'Ashitaka le possède et les scènes montrant des vers démoniaques, qui mêlent infographie et dessin traditionnel[11]. Miyazaki a personnellement vérifié chacun des 144 000 cellulos de l'anime et en a redessinés environ 80 000.
 Les critiques ont été globalement très positives à l'égard du dessin animé, non seulement au Japon, mais aussi dans le reste du monde, où le film contribue fortement à attirer l'attention sur la qualité de l'animation japonaise[15].
 Au Japon, le film est un succès auprès de la critique et vaut à Miyazaki d'être comparé à un Kurosawa moderne.
 Aux États-Unis, le film recueille 94 % de critiques positives, avec un score moyen de 93/100 et sur la base de 107 critiques collectées, sur le site internet Rotten Tomatoes[13], et, sur le site Metacritic, il obtient une note de 76/100, sur la base de 29 critiques[14]. En 2008, dix ans après la sortie du film, le magazine Empire classe Princesse Mononoké à la 488e place dans sa liste des cinq cents meilleurs films de tous les temps[16].
 En France, les critiques saluent unanimement Princesse Mononoké. Le Figaroscope évoque « une fresque épique magistralement animée », Le Parisien un événement du cinéma d'animation « avec des dessins d'une rare beauté », L'Humanité « une formidable fable écologique » à la « richesse visuelle permanente », Libération « un conte d'une étourdissante invention visuelle »[17], Mad Movies « un chef-d'œuvre qui ne livrera jamais tous ses secrets » et « l'idéal esthétique et sémantique d'un homme marchant éveillé dans son rêve », Première une œuvre magique et « une leçon d'humilité »[18]. Dans Télérama, Bernard Génin évoque « une mise en scène éblouissante » et « une poésie sauvage », où il voit la confirmation d'un renouveau mondial du cinéma d'animation ; il rapproche le film du théâtre de Shakespeare (Le Songe d'une nuit d'été et Macbeth), et ne reproche au film que sa longueur et des graphismes qu'il juge « moins heureux dans les gros plans »[19],[20],[21].
 Princesse Mononoké est un très grand succès commercial au Japon et a rapporté plus de 159 millions de dollars dans le monde entier[22],[23]. Au Japon, le film bat tous les records au box office[24]. En France, Princesse Mononoké sort en salles le 12 janvier 2000 et réalise 757 870 entrées[25]. Aux États-Unis, le film cumule 467 344 entrées au cours de son exploitation en 1999, ce qui n'est pas un succès particulier ; les choix du distributeur américain du film, qui n'en fait la promotion qu'auprès du jeune public, nuisent probablement à sa carrière en salles[26].
 La musique du film est signée Joe Hisaishi. Il s'agit de la sixième collaboration entre le réalisateur et le compositeur.
 Le film est pour la première fois adapté au théâtre par la compagnie Whole Hog Theatre en collaboration avec le studio Ghibli. Le projet a été en développement pendant plus d'un an et est sorti en avril 2013 au New Diorama Theatre à Londres[27],[28].
 Une édition DVD uniquement disponible au Japon est sortie en 2004. Elle reprenait sur 3 DVDs uniquement le making-of du dessin animé scindé en 3 parties.
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/static/images/mobile/copyright/wikipedia-wordmark-fr.svg; /static/images/mobile/copyright/wikipedia-tagline-fr.svg; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/a9/Logo_disambig.svg/20px-Logo_disambig.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/a8/Princess_Mononoke_Logo_fr.svg/langfr-220px-Princess_Mononoke_Logo_fr.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/9/9e/Flag_of_Japan.svg/20px-Flag_of_Japan.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/3/38/Info_Simple.svg/12px-Info_Simple.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/3/38/Info_Simple.svg/12px-Info_Simple.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/9/9e/Flag_of_Japan.svg/20px-Flag_of_Japan.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/7/71/Mononoke_mori_Yakushima_07.jpg/220px-Mononoke_mori_Yakushima_07.jpg; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/4/40/Cosplayer_of_San%2C_Princess_Mononoke_at_FF22_20130727a.jpg/220px-Cosplayer_of_San%2C_Princess_Mononoke_at_FF22_20130727a.jpg; 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https://login.wikimedia.org/wiki/Special:CentralAutoLogin/start?type=1x1; /static/images/footer/wikimedia-button.svg; /w/resources/assets/poweredby_mediawiki.svg,https://en.wikipedia.org/wiki/Princess_Mononoke,Princess Mononoke,https://en.wikipedia.org/wiki/Princess_Mononoke,"Princess Mononoke (Japanese: もののけ姫, Hepburn: Mononoke-hime) is a 1997 Japanese animated epic historical fantasy film written and directed by Hayao Miyazaki and animated by Studio Ghibli for Tokuma Shoten, Nippon Television Network and Dentsu. The film stars the voices of Yōji Matsuda, Yuriko Ishida, Yūko Tanaka, Kaoru Kobayashi, Masahiko Nishimura, Tsunehiko Kamijo, Akihiro Miwa, Mitsuko Mori, and Hisaya Morishige.
 Set in the late Muromachi period of Japan (approximately 1336 to 1573 AD) and including fantasy elements, the story follows a young Emishi prince named Ashitaka, and his involvement in a struggle between the gods (kami) and spirits (yōkai) of a forest against the humans who consume its resources. The film deals with a recurrent theme in Studio Ghibli work: environmentalism as a reaction against over-industrialization within the context of Shintoism, animism, and folklore.[1][2][3]
 Princess Mononoke was released in Japan on July 12, 1997, by Toho, and in the United States on October 29, 1999. A critical and commercial success, the film became the highest-grossing film in Japan of 1997, and also held Japan's box office record for domestic films until 2001's Spirited Away, another Miyazaki film. It was dubbed into English with a script by Neil Gaiman and initially distributed in North America by Miramax, where it sold well on home media despite not performing strongly at the box office.[4] The film greatly increased Ghibli's popularity and influence outside Japan.[5][6]
 In Muromachi Japan, an Emishi village is attacked by a hideous demon. The last Emishi prince, Ashitaka, kills it before it reaches the village, but it grasps his arm and curses him before its death. The curse grants him superhuman strength, but it also causes him pain and it will eventually kill him. The villagers discover that the demon was a boar god, corrupted by an iron ball lodged in his body. The village's wise woman, Hī-sama, tells Ashitaka that he may find a cure in the western lands that the demon came from, and that he cannot return to his homeland.
 Heading west, Ashitaka meets Jigo, an opportunistic monk who tells Ashitaka he may find help from the Great Forest Spirit, a  deer-like animal god by day and a giant Nightwalker by night. Nearby, men on a cliffside herd oxen to their home of Iron Town, led by Lady Eboshi, and repel an attack by a wolf pack led by the wolf goddess Moro, whom Eboshi wounds with a gunshot. Riding one of the wolves is San, a human girl. Down below, Ashitaka encounters San and the wolves, who rebuff his greeting. He then rescues two of the men fallen from the cliff and transports them back through the forest, where he briefly glimpses the Great Forest Spirit.
 Ashitaka and the survivors arrive at Iron Town, where he is greeted with fascination. Iron Town is a refuge for outcasts and lepers employed to process iron and create firearms, such as hand cannons and matchlock muskets. Ashitaka learns that the town was built by clearcutting forests to mine the iron, leading to conflicts with Asano, a daimyō (kanrei[7]), and a giant boar god named Nago. Eboshi admits that she shot Nago, incidentally turning him into the demon that attacked Ashitaka's village. She also reveals that San — dubbed Princess Mononoke, a supernatural spirit of retribution — was raised by the wolves and hates humankind.
 San infiltrates Iron Town and fights Eboshi, but Ashitaka intervenes and subdues them both. Amidst the hysteria, a villager with a firearm shoots him, but the curse gives him strength to carry San out of the village. San wakes and tries killing the weakened Ashitaka, but hesitates when he compliments her beauty. She decides to trust him after the Forest Spirit heals his bullet wound that night. The next day, a boar clan led by the blind god Okkoto plans to attack Iron Town to save the forest. Eboshi sets out to kill the Forest Spirit with Jigo. Eboshi intends to give the god's head to the Emperor (who believes it will grant him immortality) in return for protection from Asano, while Jigo desires the large reward being offered.
 Ashitaka recovers and finds Iron Town besieged by Asano's samurai and jizamurai.[7] The boar clan has been annihilated in battle, and Okkoto is badly wounded. Jigo's men trick Okkoto into leading them to the Forest Spirit. San tries stopping Okkoto but is swept up as his pain corrupts him into a demon. As everyone clashes at the pool of the Forest Spirit, Ashitaka rescues San while the Forest Spirit euthanizes Moro and Okkoto. As it begins to transform into the Nightwalker Eboshi decapitates it. Jigo steals the head, while the Forest Spirit's body bleeds ooze that spreads over the land and kills anything it touches. The forest and its spirits begin to die. Moro's head briefly comes alive and bites off Eboshi's right arm, but she survives. An enraged San tries killing Eboshi, but is stopped by Ashitaka, who consoles her and encourages her not to give up.
 After Iron Town is evacuated, Ashitaka and San pursue Jigo and retrieve the head, returning it to the Forest Spirit. The Spirit dies but its form washes over the land, healing it and lifting Ashitaka's curse. Ashitaka stays to help rebuild Iron Town, but promises San he will visit her in the forest. Eboshi vows to build a better town and the forest begins to regrow.
 Miyazaki composed the preliminary ideas for what would become Princess Mononoke shortly after the release of his first film The Castle of Cagliostro (1979),[10] drawing sketches of a princess living in the woods with a beast.[11] After unsuccessfully proposing the project to several production companies, Miyazaki published his concepts in a 1983 book,[12] republished in 2014 as Princess Mononoke: The First Story.[13] While being set in Japan, the concept had strong similarities to the fairy tale ""Beauty and the Beast"" (1740). According to film scholar Rayna Denison, the differences that can be discerned between the original idea and the final film demonstrate the radical change of Miyazaki's filmmaking philosophies.[10] Upon the completion of his manga series Nausicaä of the Valley of the Wind (1994), Miyazaki began work on the project proposal for the film in April 1994.[14] However, encountering writer's block in December of that year, he decided to take a break from the production and direct the short film On Your Mark (1995) as a side project.[15] Miyazaki returned to the film and began working on the storyboards in April 1995.[16]
 To achieve the environmental depiction that he was seeking to portray, Miyazaki and four art directors visited the island of Yakushima in May 1995.[17] Additionally, art director Kazuo Oga went to the Shirakami-Sanchi mountains, which had already inspired some environments in Nausicaä of the Valley of the Wind.[18]
 Miyazaki did not want to create an accurate history of Medieval Japan, and wanted to ""portray the very beginnings of the seemingly insoluble conflict between the natural world and modern industrial civilization."" Despite being set during the Muromachi period, the actual time period of Princess Mononoke depicts a ""symbolic neverwhen clash of three proto-Japanese races (the Jomon, Yamato and Emishi).""[19]
 Princess Mononoke was produced with a budget of ¥2.35 billion (US$19.6 million; US$36.6 million in 2023), making it the most expensive Japanese animation at the time.[20] The film used 144,000 cels, 80,000 of them being key animation frames, more than any other Studio Ghibli film.[21] Miyazaki is estimated to have drawn or retouched nearly 80,000 cels himself.[22] The animation production commenced in July 1995.[16] The final storyboards were finished in June 1997.[16]
 Princess Mononoke was realized with a combination of hand-drawn animation and computer-generated imagery; approximately five minutes of the film were animated entirely using digital processes. A further ten minutes use digital ink and paint, a technique used in all subsequent Studio Ghibli films.[24] The company's hand-drawn methods were becoming outdated by the late 1990s,[25] and in a 1997 interview with members of the computer graphics team at Studio Ghibli, they felt that the adoption was made largely out of necessity.[26] While Studio Ghibli had already begun experimenting with digital techniques a few years prior on Pom Poko (1994), its computer graphics department was opened during the production of Princess Mononoke.[27]
 Miyazaki's distaste for digital animation techniques were well known in Japan before the film's release, so his use of computer graphics came as a surprise to audiences.[28] The decision to use computer graphics was made early in the production at his request, starting with the opening sequence with the demon god.[29] Certain sequences in the film were created using 3D tools, then processed to resemble a traditionally-animated sequence using a program called Toon Shader.[30] Some of this work was outsourced to the animation studio Toyo Links.[31] Three broad categories of digital techniques were applied to the animation: use of digital ink and paint to finish coloring hand-drawn frames, 3D rendering and digital compositing, which put the hand-drawn images in a three-dimensional environment to create more visual depth, and morphing and particle effects, which create additional detail and smoother transitions.[32] Yoshinori Sugano [ja], head of the computer graphics department, recalled that the most involved use of digital techniques were to mask the transitions between the digital and hand-drawn elements on screen. Some characters, particularly the gods, alternate being rendered with each approach between shots.[23]
 Environmentalism is a central theme of Princess Mononoke,[33] and the violent schism between the people of Irontown and the forest spirits are an allegory of the modern conflicts of human industry with the natural world.[34] In a 1998 interview at the Berlin International Film Festival, Miyazaki stated that he ""meant to state [his] objection to the way environmental issues are treated"",[35] referring to the general exclusion of humanity's role in environmental discourse in Japan.[36] Setting the film in the Muromachi period allowed him to depict the country before it had been deforested and altered by rice agriculture,[37] and positions the film within the moment of history when ""humankind pushed nature into submission"", according to the animation writers Jonathan Clements and Helen McCarthy.[19] The film scholars Colin Odell and Michelle Le Blanc wrote that the film simultaneously mounts a criticism of humanity's mistreatment of the natural world and ""grudgingly admits"" that some disputes are inevitable to facilitate technological progress.[38] The film presents several themes similarly to the manga Nausicaä of the Valley of the Wind, which Miyazaki had completed in 1994,[39] namely the ""environmental catastrophe, the role of technology and warfare, and human interactions with nonhuman species"", according to Napier.[40] The film scholar Raz Greenberg also found similarities with Miyazaki's earlier manga Shuna's Journey (1983), which he wrote created the ""narrative frame"" upon which Princess Mononoke's plot is built; both works feature the protagonists leaving their homes, witnessing the depravities of humanity, and entering the domain of gods.[41]
 Benjamin Thevenin, a media arts scholar, analyzed the film within the idiosyncratic context of melodrama and wrote that the ""nuanced environmental perspective"" that Miyazaki seeks to communicate is accomplished through an effective use of conventional techniques of the dramatic style.[34] For example, he noted the film presented novel and complex animation techniques with a focus on action sequences and drew a parallel to the use of spectacle as a device in conventional melodramatic works.[42] While Irontown is shown to be a haven for downtrodden members of society, who have the opportunity to live honest lives and enjoy fair treatment from Eboshi,[43] the conflict arises from the harm that the settlement causes to the surrounding environment. Greenberg identified this dynamic as a marked increase in complexity from Miyazaki's earlier works, which typically presented a utopian model as an answer to social issues.[44] Additionally, the film portrays internal strife within parties on both sides of the conflict: the different clans of spirits disagree on how to handle the conflict and the humans war amongst themselves for various reasons.[45] According to the film critic Roger Ebert, Princess Mononoke is not a ""simplistic tale of good and evil, but the story of how humans, forest animals, and nature gods all fight for their share of the new emerging order.""[46]
 Napier wrote that ""the sense of a broken heterogeneous world is stridently manifest"" within Princess Mononoke.[47] Although some aspects of the film's storytelling align with the tropes of melodrama, the complexity to which Miyazaki develops the characters and his eschewal of a definite narrative resolution stand in contrast to the typical approach to a melodramatic style, which may use stereotypes and straightforward morals in service of the allegorical plot.[42] In a speech in 2016, Miyazaki explained that he was inspired to portray people living with leprosy, ""said to be an incurable disease caused by bad karma"", after visiting the Tama Zenshoen Sanatorium near his home in Tokyo.[48] Miyazaki attributed this to his experience of making his previous film, Porco Rosso (1992), and the wars in the former Yugoslavia, which he cited as an example of humankind never learning, making it difficult for him to go back to making a film such as Kiki's Delivery Service (1989), where he explained: ""It felt like children were being born to this world without being blessed. How could we pretend to them that we're happy?""[49]
 Princess Mononoke marked the first time Miyazaki explored a jidaigeki style – a period drama focusing on the lives of historic Japanese peoples.[50] According to Napier, the film presents a much ""grimmer"" tone than his previous works, inspired by Japanese literary classic Hōjōki (1212).[51] The film also subverts many traditional elements of the jidaigeki genre, such as the portrayals of the Emperor and the samurai as sacred and noble.[52] Additionally, Miyazaki chooses not to follow typical depictions of the Muromachi period such as the development of high culture or Zen aesthetics in Kyoto,[53] opting to focus on the beauty and danger of the natural landscape.[54] Additionally, the film exaggerates the historical perspective in order to facilitate the narrative; Irontown, for example, is inspired primarily by metalworking settlements in China,[55] and the clothing of the girls in Ashitaka's village are influenced by styles from Bhutan and Thailand.[56] However, according to animation scholar Helen McCarthy, Miyazaki was drawn to the period as the Japanese people ""began to feel they could control nature, rather than placate or worship it"".[16]
 The promotional strategy was spearheaded by the film's producer, Toshio Suzuki, who by 1997 had already developed relationships within the media industry while promoting previous Studio Ghibli releases.[57] Napier noted that the marketing put the film under the Studio Ghibli brand for the first time – as opposed to previous works that were labeled primarily as Miyazaki films – which she felt reflected Suzuki's rising position as Ghibli's main producer.[58] According to Suzuki, three important elements of the campaign were the repeated use of a recognizable title logo, key imagery from the film, and a tagline.[59] The tagline underwent several iterations before, with Suzuki's input, the final phrase was chosen: ""Live.""[60] Suzuki also changed the title from the original intention of The Legend of Ashitaka,[a] without Miyazaki's initial approval, as he found it less interesting.[62] The budget allotted for the film's promotion was at least ¥2.6 billion, even higher than the production budget, making it the largest film advertisement campaign in Japan at the time.[63] The film scholar Shiro Yoshioka argued that the commercial success of Princess Mononoke was essential to make up the large production budget, and the scale of its campaign was significantly expanded from previous films'.[57] A number of preview screenings were organized before the release to advertise the film by word of mouth. 130 of them were originally scheduled and 70 were ultimately held, a number that the film scholar Seiji Kanō still found ""astonishing""; Miyazaki's previous film Porco Rosso had had only 23 screenings by comparison.[64]
 Following the distribution deal struck between Walt Disney Studios and Studio Ghibli's then–parent company Tokuma Shoten in 1997, the film would be the first among Miyazaki's works to receive a worldwide release. While the arrangement did extend the studio's reach to new regions, the announcement was made primarily to attract audiences locally.[65] Miyazaki also hinted that he might retire following the film's release, further piquing audience interest.[66] The film was marketed as a split between an anime and an art house film but avoided advertising in the mainstream ahead of its release.[67] Denison felt that this choice was indicative of the studio's initial lack of confidence in the film's commercial viability[68] and a perception of its financial riskiness.[69] Yasuyoshi Tokuma [ja], the head of Tokuma Shoten, said in an interview before the film's release that it would be a ""huge success"" just to make back the investments that had been put into the film.[70] Denison argued, however, that the scale of the marketing campaign that was organized revealed the studio's aim to achieve a commercial success;[68] she interpreted this approach to the release as a ""local equivalent of the 'calculated' blockbuster film.""[71]
 Princess Mononoke was released theatrically in Japan on July 12, 1997,[72] to immense public anticipation.[66] The film was screened at 260 of the country's 1800 cinemas,[73] many of which reported people queueing to purchase tickets in previously unseen numbers.[66] The Japanese specialist magazine Animage, which was published by Tokuma Shoten and had been closely associated with Studio Ghibli since the 1980s, released special issues for the film's release, as did several other publications.[74] These featured articles from critics and academics covering several aspects of the film's production as well as interviews with key staff.[75] According to Yoshioka, a variety of academics were attracted to write about the film as due to themes such as Japanese cultural history being relatively ""easy topics"" to cover, but also in response to Miyazaki's growing status as a public intellectual (bunkajin) in the Japanese society.[76] Newspapers began to refer to the film's release as the ""Mononoke phenomenon"",[66] as by the end of its first week, the film had brought in over a million viewers and earned ¥1.5 billion at the box office.[77] Advertising for the film labeled it a blockbuster (daihitto) and it increasingly competed with many high-profile films in the Japanese market, including Hollywood imports such as The Lost World: Jurassic Park (1997).[78] By November, it had surpassed ¥9.65 billion in distribution rental sales, breaking the national record previously held by E.T. the Extra-Terrestrial (1982).[77] 12 million people, a tenth of Japan's population at the time, had come to see the film in theaters during that period.[79] A year after the film's release, it had attracted over 14.2 million viewers[77] and earned ¥11.3 billion in gross revenue,[57] making it the all-time highest-grossing film in the country.[b]
 As part of the Disney–Tokuma deal, the film was handed over to Miramax Films, a Disney subsidiary at the time, to dub and distribute in the United States and other regions.[80] The dub was directed by Jack Fletcher, who had previously worked on the dubs of other Studio Ghibli films such as Kiki's Delivery Service (1989),[81] and its script was written by the fantasy author Neil Gaiman, who was an unusual choice for anime localizations at the time, according to Denison.[82] In an interview, Gaiman claimed that Harvey Weinstein, who was the head of Miramax at the time, initially offered the role to the film director Quentin Tarantino, who had then recommended Gaiman instead. He was intending to decline the offer before being impressed by a scene in the film in which a stone wets in the falling rain, saying ""I have never seen anything like this. This is real filmmaking.""[83] Steve Alpert, an executive at Studio Ghibli, provided assistance with the translation.[84]
 Denison wrote that Miramax's approach to the dub ""might be termed a project of indigenization"" motivated by an intent to form a new identity for the film outside of Japan.[85] The language scholar Jennifer E. Nicholson wrote that the differences between the English dub and the original create a product more closely approaching an adaptation than a translation.[86] Cultural differences between the United States and Japan, amplified by the film's discussion of specifically Japanese elements, resulted in a script that continually comingled the languages and cultures of the two.[87] Gaiman inserted dialog for off-screen characters, elucidating cultural concepts considered obscure for American audiences.[82] Humor in particular demanded significant alterations; Gaiman approached the issue by searching for an ""emotional equivalent"" for the lines instead of considering the reason the originals were humorous.[88] Gaiman recalled in later interviews that although he oversaw the writing process, alterations were sometimes made to the script without his knowledge. Several of the changes cut out terms that identified the setting of the film, such as substituting sake with wine, and removing mentions of Japan and China.[89] Nicholson felt these decisions to be clearly indicative of Miramax's intent to unfasten the film from its cultural context and divorce it from history entirely.[90] Gaiman also recalled his drafts receiving contradictory corrections from both Miramax and Studio Ghibli, to which he responded by writing two sets of revisions and asking them to ""go fight it out amongst [themselves].""[91]
 The English-language release was marketed primarily as an art house film,[82] and the media scholar Emma Pett felt that choosing to use the Miramax label, rather than the family film–oriented Buena Vista label, advertised the film towards a ""middlebrow, culturally sophisticated audience"".[92] By this time, Weinstein had developed a reputation of importing and cutting films from overseas to appeal to domestic audiences.[83] However, among the terms of the distribution deal were that Studio Ghibli would approve and have ultimate control of the translation, and that the film would not have any time cut.[84] Weinstein attempted to convince Miyazaki and Suzuki otherwise, but was unsuccessful.[c] Gaiman said that Miramax subsequently rolled back the planned marketing campaign and opened the film in a very limited number of screens.[83] The English dub was screened for the first time at the 48th Berlin International Film Festival on February 11, 1998,[81] and officially premiered at the Avery Fisher Hall in New York City on September 26.[97] It did not perform well in the American box office, earning only US$2.3 million.[83]
 In Japan, the film was released on VHS by Buena Vista Home Entertainment in 1997, as well as by Tokuma Shoten in 1998.[98] By 2007, Princess Mononoke sold 4.4 million DVD units in Japan.[99]
 The DVD release of Princess Mononoke in North America was not initially to include the Japanese audio track. Multiple online petitions were opened to retain it,[100] and the original August 2000 release was delayed as a result.[101] Miramax Home Entertainment released the DVD on December 19, 2000, with the original Japanese audio, the English dubbed audio and extras including a trailer and a documentary with interviews from the English dub voice actors.[102]
 Walt Disney Studios Home Entertainment released Princess Mononoke on Blu-ray on November 18, 2014. In its first week, it sold 21,860 units; by November 23, 2014, it had grossed US$502,332.[103] It was later included in Disney's ""The Collected Works of Hayao Miyazaki"" Blu-ray set, released on November 17, 2015.[104] GKIDS re-issued the film on Blu-ray and DVD on October 17, 2017.[105] As of October 2020[update], the film has grossed US$9.2 million from Blu-ray sales in the United States.[103]
 In the United Kingdom, the film's Studio Ghibli anniversary release appeared several times on the annual lists of bestselling foreign language film on home video, ranking number three in 2019, below Spirited Away (2001) and My Neighbor Totoro (1988).[106]
 On April 29, 2000, the English version of Princess Mononoke was released theatrically in Japan.[72] The film had earned a total of US$11 million outside Japan, bringing its worldwide total to US$159 million at the time. The film has been rescreened in several runs around the world, including at the annual Studio Ghibli Fest organized by Gkids.[107] As of 2020[update], the film has grossed US$194.3 million.[108]
 As with many of Miyazaki's previous films, the film's score was composed by Joe Hisaishi.[109] According to McCarthy, the development of the score involved a much closer collaboration between the two than on previous works.[110] Hisaishi first composed an image album – a collection of demos and musical sketches that serve as a precursor to the finished score – which he shared with Miyazaki and Suzuki.[110] The unused title The Legend of Ashitaka appears here as the title of the opening theme.[111] With their input, the demos were then worked into the final score, performed by the Tokyo City Philharmonic.[112] Tokuma Shoten released the image album in July 1996 and the soundtrack album in July 1997.[113] The vocal theme song performed by the countertenor singer Yoshikazu Mera was released as a single before the film's release and became popular with Japanese audiences.[114] A third version of the soundtrack, arranged for symphony orchestra and performed by the Czech Philharmonic, was released in 1998.[115]
 The vocal theme was re-recorded for the English dub by the American vocalist Sasha Lazard. Denison argued that this was a part of Miramax's efforts to remove Japanese elements from the film. However, she also acknowledged that the score deviates substantially from a typical Hollywood-style compositional approach. Leitmotifs, for example, which are commonly used to represent characters or settings, are instead used in transitional moments between more significant narrative events.[114] McCarthy also wrote that the film complements the scenes featuring music and dialog with a liberal use of silence and ambient sounds to augment the tension of certain moments, a significant departure from American scoring approaches.[116] Hisaishi also uses Japanese pentatonic scales in conjunction with Western tonalities.[110]
 On the review aggregator website Rotten Tomatoes, 93% of 117 critic reviews are positive, with an average rating of 8.1/10. The website's consensus reads, ""With its epic story and breathtaking visuals, Princess Mononoke is a landmark in the world of animation.""[119] On Metacritic, it has an average score of 76 out of 100 based on 29 reviews, indictating ""generally favorable reviews"".[120]
 The Daily Yomiuri's Aaron Gerow called the film a ""powerful compilation of Miyazaki's world, a cumulative statement of his moral and filmic concerns.""[121] Leonard Klady of Variety said that Princess Mononoke ""is not only more sharply drawn, it has an extremely complex and adult script"" and the film ""has the soul of a romantic epic, and its lush tones, elegant score by Joe Hisaishi and full-blooded characterizations give it the sweep of cinema's most grand canvases"".[122] Roger Ebert of the Chicago Sun-Times called Princess Mononoke ""a great achievement and a wonderful experience, and one of the best films of the year"", and awarded it a full four stars.[123] Ty Burr of Entertainment Weekly called the film ""a windswept pinnacle of its art"" and that it ""has the effect of making the average Disney film look like just another toy story"".[124] Kenneth Turan of the Los Angeles Times said that the film ""brings a very different sensibility to animation, a medium [Miyazaki] views as completely suitable for straight dramatic narrative and serious themes.""[125] In his review, Dave Smith from Gamers' Republic called it ""one of the greatest animated films ever created, and easily one of the best films of 1999"".[126]
 In 2001, Animage ranked Princess Mononoke 47th in their list of the 100 best anime.[127] It ranked 488th on Empire's list of the 500 greatest films.[128] Time Out ranked the film 26th on 50 greatest animated films.[129] It also ranked 26 on Total Film's list of 50 greatest animated films.[130]
 Princess Mononoke was submitted by Japan to be nominated for Best Foreign Language Film at the 70th Academy Awards but was ultimately unsuccessful.[131]
 According to Napier, Princess Mononoke is ""considered by many to be Miyazaki's most important work"".[40] The film's release was a ""cultural phenomenon"" in Japan,[146] breaking box office records previously held only by Hollywood films, which Denison feels was ""reflective of a general trend towards the globalization of anime"".[147] James Cameron cited Princess Mononoke as an influence on his 2009 film Avatar. He acknowledged that it shares themes with Princess Mononoke, including its clash between cultures and civilizations, and cited Princess Mononoke as an influence on the ecosystem of Pandora.[148]
 In 2012, it was announced that Studio Ghibli and British theater company Whole Hog Theatre would be bringing Princess Mononoke to the stage. It is the first stage adaptation of a Studio Ghibli work.[149] The contact between Whole Hog Theatre and Studio Ghibli was facilitated by Nick Park of Aardman Animations after he sent footage of Whole Hog performances to Studio Ghibli's Toshio Suzuki.[150] The play features large puppets made out of recycled and reclaimed materials.[151]
 The first performances were scheduled for London's New Diorama Theatre and sold out in 72 hours, a year in advance.[152][153] In March 2013, it was announced that the show would transfer to Japan after its first run of shows in London. A second series of performances followed in London after the return from Tokyo. The second run of London performances sold out in four and half hours.[154][155]",4806,"Main page; Contents; Current events; About Wikipedia; Help; Learn to edit; Community portal; Upload file; ; learn more; Article; Talk; Read; Read; Upload file; ; Kanji; Revised Hepburn; Hayao Miyazaki; Toshio Suzuki; Yōji Matsuda; Yuriko Ishida; Yūko Tanaka; Kaoru Kobayashi; Masahiko Nishimura; Tsunehiko Kamijō; Akihiro Miwa; Mitsuko Mori; Hisaya Morishige; Takeshi Seyama; Joe Hisaishi; Studio Ghibli; Toho; ¥; $; Japanese; Hepburn; Mononoke; hime; epic; historical; fantasy film; Hayao Miyazaki; Studio Ghibli; Tokuma Shoten; Nippon Television Network; Dentsu; Muromachi period; Emishi; kami; yōkai; environmentalism; over-industrialization; Shintoism; animism; folklore; Toho; Spirited Away; dubbed; Neil Gaiman; Miramax; Muromachi; Emishi; demon; boar god; Great Forest Spirit; deer-like animal god; Nightwalker; wolf goddess; lepers; hand cannons; matchlock muskets; clearcutting; daimyō; kanrei; Princess; Mononoke; Emperor; samurai; jizamurai; ; Billy Crudup; ; Claire Danes; Yōji Matsuda; Billy Crudup; Yuriko Ishida; Claire Danes; Yūko Tanaka; Minnie Driver; Kaoru Kobayashi; Billy Bob Thornton; Sumi Shimamoto; Jada Pinkett Smith; Masahiko Nishimura; John DeMita; Tsunehiko Kamijō; John DiMaggio; Akihiro Miwa; Gillian Anderson; Mitsuko Mori; Debi Derryberry; Hisaya Morishige; Keith David; ; Yakushima; The Castle of Cagliostro; Beauty and the Beast; Rayna Denison; manga; Nausicaä of the Valley of the Wind; writer's block; On Your Mark; Yakushima; Kazuo Oga; Shirakami-Sanchi; Medieval Japan; Jomon; Yamato; Emishi; cels; key animation; ; 3D rendering; digitally composited; hand-drawn; hand-drawn animation; computer-generated imagery; digital ink and paint; Pom Poko; 3D rendering; digital compositing; morphing; particle effects; Environmentalism; Berlin International Film Festival; Jonathan Clements; Helen McCarthy; Raz Greenberg; Shuna's Journey; melodrama; utopian; Roger Ebert; Tama Zenshoen Sanatorium; Porco Rosso; wars in the former Yugoslavia; Kiki's Delivery Service; jidaigeki; period drama; Hōjōki; Zen; Kyoto; Helen McCarthy; ; Hayao Miyazaki; ; Toshio Suzuki; Toshio Suzuki; Seiji Kanō; Walt Disney Studios; Tokuma Shoten; art house film; blockbuster; Animage; The Lost World: Jurassic Park; distribution rental; E.T. the Extra-Terrestrial; highest-grossing film in the country; ; Neil Gaiman; Miramax Films; Jack Fletcher; Kiki's Delivery Service; Neil Gaiman; Harvey Weinstein; Quentin Tarantino; Steve Alpert; sake; 48th Berlin International Film Festival; Avery Fisher Hall; VHS; Buena Vista Home Entertainment; Tokuma Shoten; Walt Disney Studios Home Entertainment; Blu-ray; GKIDS; foreign language film; home video; Spirited Away; My Neighbor Totoro; Gkids; Soundtrack album; Joe Hisaishi; Genre; Anime music; Label; Tokuma Japan Communications; Joe Hisaishi; ; Joe Hisaishi; Joe Hisaishi; image album; countertenor; Yoshikazu Mera; symphony orchestra; Czech Philharmonic; Leitmotifs; Japanese pentatonic scales; Rotten Tomatoes; Metacritic; Aaron Gerow; Variety; Roger Ebert; Chicago Sun-Times; Ty Burr; Entertainment Weekly; Kenneth Turan; Los Angeles Times; Animage; Empire; Time Out; Total Film; submitted by Japan; Best Foreign Language Film; 70th Academy Awards; Kinema Junpo; Hayao Miyazaki; Mainichi Film Awards; Best Film; Best Animation Film; Nikkan Sports Film Awards; Best Director; Hayao Miyazaki; Yūjirō Ishihara Award; Japan Media Arts Festival; Tokyo Sports Film Award; Best Director; Osaka Film Festival; Toshio Suzuki; 39th Japan Record Awards; Joe Hisaishi; Japan Academy Film Prize; Picture of the Year; Yoshikazu Mera; Blue Ribbon Awards; Special Award; Hochi Film Awards; Hayao Miyazaki; Elan d'or Awards; Special Prize; 28th Annie Awards; Hayao Miyazaki; 4th Golden Satellite Awards; Best Animated or Mixed Media Film; 27th Saturn Awards; Nebula Awards; Best Script; James Cameron; Avatar; Pandora; Nick Park; Aardman Animations; Toshio Suzuki; New Diorama Theatre; Japanese; Hepburn; Titanic; Miramax Films; The Guardian; Harvey Weinstein; Steve Alpert; Toshio Suzuki; Yoshikazu Mera; Toho; Sankei Shimbun; Alpert, Steve; Stone Bridge Press; ISBN; Clements, Jonathan; British Film Institute; ISBN; Clements, Jonathan; McCarthy, Helen; The Anime Encyclopedia: A Century of Japanese Animation; Stone Bridge Press; ISBN; Denison, Rayna; ISSN; Denison, Rayna; I.B. Tauris; ISBN; Denison, Rayna; Bloomsbury Academic; ISBN; Denison, Rayna; Denison, Rayna; Palgrave MacMillan; ISBN; Scarecrow Press; ISBN; Greenberg, Raz; Bloomsbury Academic; ISBN; Kanō, Seiji; 宮崎駿全書; ISBN; McCarthy, Helen; Hayao Miyazaki: Master of Japanese Animation; Stone Bridge Press; ISBN; Miyazaki, Hayao; Schilling, Mark; Hyperion; ISBN; Schilling, Mark; Miyazaki, Hayao; ISBN; Miyazaki, Hayao; Starting Point: 1979–1996; Schodt, Frederik L.; Viz Media; ISBN; Miyazaki, Hayao; Turning Point: 1997–2008; Schodt, Frederik L.; Viz Media; ISBN; Napier, Susan J.; Anime from Akira to Howl's Moving Castle: Experiencing Contemporary Japanese Animation; Palgrave Macmillan; ISBN; Napier, Susan J.; Miyazakiworld: A Life in Art; Yale University Press; ISBN; Studio Ghibli: The Films of Hayao Miyazaki and Isao Takahata; ISBN; Suzuki, Toshio; ISBN; Suzuki, Toshio; Shinchosha; ISBN; doi; Cinefantastique; The Guardian; Burr, Ty; Entertainment Weekly; Hypebeast; The Daily Telegraph; Ebert, Roger; Chicago Sun-Times; Ebert, Roger; Empire; Yomiuri Shimbun; Nausicaa.net; The Hollywood Reporter; Crunchyroll; Empire; BBC; Asahi Shimbun; Variety; Mainichi Shimbun; Polygon; Kinema Junpo; ISSN; Turan, Kenneth; Los Angeles Times; Yanagihara, Hanya; The New York Times; Academy of Motion Picture Arts and Sciences; Anime News Network; Anime News Network; Anime News Network; Anime News Network; Annie Awards; British Film Institute; Box Office Mojo; Hisaishi, Joe; International Press Academy; Japan Academy Film Prize; Japan Composer's Association; Anime News Network; Matsumoto, Hitoshi; Hamada, Masatoshi; RCC Broadcasting; TBS Television; Mera, Yoshikazu; Tokuma; Metacritic; Nikkei Business; Nausicaa.net; Nausicaa.net; Nausicaa.net; Nikkan Sports; The Numbers; Rotten Tomatoes; Saturn Awards; Science Fiction and Fantasy Writers of America; Sports Hochi; Time Out; Nausicaa.net; cite web; link; Total Film; doi; doi; JSTOR; S2CID; doi; S2CID; sister projects; IMDb; AllMovie; Box Office Mojo; Anime News Network; v; t; Hayao Miyazaki; Accolades; Bibliography; List of works; The Castle of Cagliostro; Nausicaä of the Valley of the Wind; Castle in the Sky; My Neighbor Totoro; Kiki's Delivery Service; Porco Rosso; Spirited Away; Howl's Moving Castle; Ponyo; The Wind Rises; The Boy and the Heron; Panda! 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Le Château ambulant,https://fr.wikipedia.org/wiki/Le_Château_ambulant,"Ne pas confondre avec Le Château dans le ciel, du même réalisateur.
 20 novembre 2004
 
 modifier  Le Château ambulant (ハウルの動く城, Hauru no ugoku shiro?) est un film d’animation fantastique japonais écrit et réalisé par Hayao Miyazaki, sorti en 2004. Il est librement inspiré du roman Le Château de Hurle de Diana Wynne Jones, publié en 1986. Le film a été produit par Toshio Suzuki, animé par le studio Ghibli et distribué par la Tōhō. Chieko Baishō et Takuya Kimura prêtent leurs voix aux personnages principaux, remplacés respectivement en français par Laura Préjean, Frédérique Cantrel et Rémi Bichet.
 Le film se déroule dans un royaume fictif où la magie et la technologie du début du vingtième siècle sont répandues, avec pour toile de fond une guerre avec un autre royaume. Il raconte l’histoire de Sophie, une jeune modiste qui est transformée en vieille femme par une sorcière qui entre dans sa boutique et la maudit. Elle rencontre un sorcier nommé Hauru et se retrouve engagée dans son combat pour le roi.
 Opposé à l’invasion de l’Irak par les États-Unis en 2003, Miyazaki livre un message pacifiste dans le film. Il était « furieux »[C 1] à propos de la guerre en Irak, ce qui l’a incité à réaliser un film qui serait mal reçu aux États-Unis. Le film, parfois décrit comme féministe, explore également les thèmes de la vieillesse et de la compassion.
 En 2013, Miyazaki a déclaré que Le Château ambulant était son œuvre préférée : « Je voulais faire passer le message que la vie vaut la peine d’être vécue, et je ne pense pas que cela ait changé »[C 2]. Le film est sensiblement différent du roman sur le plan thématique ; alors que le roman se concentre sur la remise en question des normes de classe et de genre, le film se concentre sur l’amour, la loyauté personnelle et les effets destructeurs de la guerre.
 Le Château ambulant est présenté en ouverture du 61e Festival international du film de Venise le 5 septembre 2004 puis sort au Japon le 20 novembre. Il rapporte 190 millions de dollars au Japon et 236 millions de dollars dans le monde, ce qui en fait l’un des films japonais les plus rentables de l’histoire. Le film est acclamé par la critique, qui salue particulièrement ses visuels et ses thèmes. Il est nommé pour l’Oscar du meilleur film d’animation lors de la 78e cérémonie des Oscars, prix finalement remporté par Wallace et Gromit : Le Mystère du lapin-garou, en 2006. Le film a remporté plusieurs autres prix, dont quatre Tokyo Anime Awards et un Prix Nebula du meilleur scénario.
 Sophie, une jeune modiste est l’aînée de trois sœurs, rencontre un magicien nommé Hauru alors qu’elle se rend chez sa sœur Lettie. En rentrant chez elle, elle rencontre la sorcière des Landes, qui la transforme en une femme de 90 ans. Cherchant à briser la malédiction, Sophie quitte la maison et part à travers la campagne. Elle rencontre un épouvantail vivant, qu’elle surnomme affectueusement Navet. Il la conduit au château ambulant de Hauru, où elle entre se réfugier, sans invitation. Elle y rencontre Marco, le jeune apprenti de Hauru, et un démon du feu nommé Calcifer, à l’origine de la magie et du mouvement du château. Calcifer conclut un marché avec Sophie, acceptant de briser sa malédiction si elle rompt son lien avec Hauru. Lorsque Hauru apparaît, Sophie annonce qu’elle est la nouvelle femme de ménage.
 Pendant ce temps, la nation de Sophie est prise dans une guerre avec un royaume voisin, qui est à la recherche de son prince disparu. Le roi convoque Hauru pour participer à la guerre. Cependant, Hauru décide d’envoyer Sophie parlementer à sa place, en prétextant qu’elle est sa mère, pour qu’elle dise qu’il refuse de se battre. Avant qu’elle ne parte, il donne à Sophie un anneau enchanté, qui la conduit à Calcifer et garantit sa sécurité. Sophie rencontre Madame Suliman, la sorcière en chef du roi, ainsi que la sorcière des Landes, que Madame Suliman punit en drainant tous ses pouvoirs et en la ramenant à son véritable âge, celui d’une vieille femme inoffensive. Madame Suliman prévient Sophie que Hauru connaîtra le même sort s’il ne se bat pas pour le roi. Hauru arrive alors pour sauver Sophie. Madame Suliman tente de le piéger en le transformant en monstre, mais avec l’aide de Sophie, il se souvient de lui-même et évite de justesse la mort. Le duo s’échappe avec l’ancienne sorcière des Landes et le chien de Madame Suliman, Hin. Pendant ce temps, des soldats de chaque royaume s’introduisent dans les maisons de Jenkins et de Pendragon (les pseudonymes de Hauru dans ces royaumes). Cependant, les hommes ne trouvent qu’une cour et un entrepôt vides, car la nature magique du château permet de voyager entre quatre résidences distinctes.
 Sophie apprend que la vie de Hauru est liée d’une manière ou d’une autre à celle de Calcifer et que Hauru s’est transformé en une créature semblable à un oiseau pour interférer avec les deux camps en guerre, mais que chaque transformation rend plus difficile son retour à la forme humaine. Hauru fait alors relier magiquement le château à la maison de Sophie, en garant le château lui-même à la périphérie de la ville. Quelques jours plus tard, la ville est bombardée par des avions ennemis et les sbires de Madame Suliman attaquent la maison et le magasin de chapeaux de Sophie. Hauru part protéger le groupe. Sophie fait alors sortir tout le monde de la maison et retire Calcifer de la cheminée, ce qui fait s’effondrer le château. La sorcière des Landes se rend compte que Calcifer a le cœur de Hauru et s’empare du démon du feu, s’enflammant elle-même. Sophie panique et verse de l’eau sur la sorcière, ce qui asperge Calcifer. Le reste du château se divise alors en deux ; Sophie tombe dans un gouffre et est séparée du groupe.
 En suivant l’anneau enchanté, Sophie se retrouve dans une scène du passé, où elle voit un jeune Hauru attraper une étoile filante, Calcifer, et lui donner son cœur. Sophie leur demande de la retrouver dans le futur alors qu’elle est téléportée. Elle revient dans le présent, trouve Hauru et ils se réunissent avec les autres. La sorcière rend le cœur de Hauru et Sophie le replace à l’intérieur de Hauru, le faisant revivre et libérant Calcifer, bien que celui-ci décide de rester. La malédiction de Sophie est brisée, mais ses cheveux restent blancs. Après qu’elle a embrassé Navet sur la joue, il reprend sa forme humaine et se révèle être Justin, le prince disparu du royaume ennemi. Il est révélé que seul le baiser d’une jeune amoureuse pouvait briser sa malédiction. Après avoir vu l’affection de Sophie pour Hauru, il s’empresse de rentrer chez lui pour mettre fin à la guerre, mais promet qu’il les reverra. Madame Suliman, qui observe la scène à travers les yeux de Hin, décide également de mettre fin à la guerre. Quelque temps plus tard, des bombardiers volent dans un ciel sombre au-dessus d’une campagne récupérée et verte en direction d’une autre guerre, tandis que Sophie, Hauru et les autres voyagent dans la direction opposée dans un nouveau château ambulant.
 Âgée de 18 ans, Sophie travaille dans une boutique de chapeaux. Après sa rencontre avec Hauru, la sorcière des landes la transforme en vieille dame de 90 ans. Elle décide donc de se faire embaucher comme femme de ménage dans le château ambulant et retrouvera peu à peu son véritable âge au cours du film.
 Hauru est un sorcier qui a donné son cœur au démon du feu nommé Calcifer pour le sauver. Il vit dans le château ambulant avec Marco puis accueille Sophie, la sorcière des landes et Hin. Il a été l’apprenti de Madame Suliman.
 Jeune homme à l’apparence fragile  et au visage androgyne, il contraste avec les codes de représentation des héros masculins des dessins-animés « occidentaux ». Il porte un manteau rose, des boucles d’oreille, ses cheveux sont longs et a des préoccupations parfois purement esthétiques (ainsi la scène durant laquelle ses cheveux blonds tournent à l’orange puis au noir, provoquant son désespoir et lui faisant dire « à quoi bon vivre si l’on n’est plus beau », ou encore les bains à répétition qu’il prend).
 C’est le démon du feu qui fait marcher le château ambulant et qui fait cuire les plats chauds tels que des œufs ou du bacon. Calcifer et Hauru sont liés par un pacte.
 Elle lance une malédiction à Sophie qui devient alors une vieille dame. C’est, d’après les habitants, la sorcière la plus puissante et elle les terrorise. Elle a des larbins, les « hommes caoutchouc ».
 C’est l’ancienne mentor de Hauru. Elle est aussi la conseillère en magie d’un des deux pays sur lesquels donne la porte du Château Ambulant.
 C’est le chien de Madame Sulliman. Constamment atteint de hoquet, il guidera Sophie jusqu’au palais.
 C’est un épouvantail à tête de navet que Sophie rencontre au début de son aventure et qui accompagnera le Château Ambulant au fil de l’histoire. C’est en fait le prince d’un royaume voisin victime du maléfice d’une sorcière.
 C’est un garçon recueilli par Hauru et vivant avec lui dans le château ambulant comme apprenti sorcier[1]. Il se présente aux visiteurs sous les traits d’un vieillard, grâce à un déguisement magique.
 En 2001, le Studio Ghibli annonce la production de deux films. Le premier devient Le Royaume des chats, réalisé par Hiroyuki Morita, qui sort en 2002, tandis que le second constitue une adaptation du roman Le Château de Hurle de Diana Wynne Jones[2]. Une rumeur persiste selon laquelle Hayao Miyazaki aurait eu l’idée de réaliser Le Château ambulant lors d’une visite du marché de Noël de Strasbourg[2]. Selon Toshio Suzuki, le producteur du film et président du studio, Miyazaki a eu l’idée de réaliser le film en lisant le roman de Jones, après avoir été frappé par l’image d’un château se déplaçant dans la campagne[3]. Le roman n’explique pas comment le château se déplace, ce qui a conduit Miyazaki à imaginer qu’il se tienne sur des pattes de poulet[4]. Le château complexe et mobile se transforme et se réorganise plusieurs fois au cours du film, en fonction de l’humeur de Hauru et des circonstances[2]. Il est composé de plus de 80 éléments, dont des tourelles, une langue remuante, des roues dentées et des pattes de poulet, qui ont été réalisés numériquement[2].
 Mamoru Hosoda, travaillant à l’époque chez Toei Animation, est choisi dans un premier temps pour réaliser le film, mais il quitte le projet après que les dirigeants du studio Ghibli ont rejeté plusieurs de ses idées[5]. Le départ d’Hosoda provoque la mise en pause du projet, jusqu’à ce qu’Hayao Miyazaki le reprenne en février 2003[2]. Le film est censé être terminé au printemps 2004 et sortir à l’été de la même année[5].
 Miyazaki se rend à Colmar et à Riquewihr en Alsace, en France, pour étudier l’architecture et l’environnement du décor du film[2]. Les dessins futuristes dans l’œuvre d’Albert Robida constituent une autre source d’inspiration[2]. Le style de Miyazaki aurait aussi été influencé par son penchant pour « l’art de l’illusion » de l’Europe du XIXe siècle[6]. Suzuki indique que, contrairement à de nombreux films occidentaux, dans lesquels l’imagerie va « du général [au] spécifique »[C 3],[4], Miyazaki a utilisé une approche typiquement japonaise, commençant souvent par une image très spécifique et progressant à partir de là[4]. Cependant, Le Château ambulant, et les films de Miyazaki en général, privilégient une imagerie réaliste, ce qui n’est pas le cas des autres films d’animation[4].
 Le film est réalisé numériquement, mais les arrière-plans originaux sont dessinés à la main et peints avant d’être numérisés, et les personnages sont aussi dessinés à la main avant d’être scannés par ordinateur[2]. Les 1 400 coupes du storyboard du film sont achevées le 16 janvier 2004[7]. Le 25 juin, les animations intermédiaires sont achevées, puis la vérification est terminée le 26 juin[8]. Le studio Ghibli utilise la technologie numérique pour exécuter de nombreuses copies des parties fixes d’une scène, un processus qui évite les incohérences entre les différentes images fixes, mais qui peut créer une impression d’artificialité[9]. Le studio a donc choisi de retoucher manuellement les images modifiées numériquement, recréant ainsi la « sensation »[C 4] d’une image dessinée à la main[9]. Comme pour les autres films du Studio Ghibli, le film est coproduit avec d’autres sociétés, à savoir Tokuma Shoten, Nippon Television Network, Dentsu, Buena Vista Home Entertainment, Mitsubishi et la Tōhō[10].
 La bande originale du film est composée et dirigée par Joe Hisaishi, et interprétée par le Nouvel orchestre philharmonique du Japon[11] ; il s’agit de la huitième collaboration entre Miyazaki et le compositeur[12]. La bande originale sort en CD le 19 novembre 2004 chez le label Tokuma Japan Communications[13]. Hisaishi a aussi composé et dirigé un album intitulé Image Symphonic Suite: Howl's Moving Castle (ハウルの動く城 イメージアルバム, Hauru no Ugoku Shiro Image Album?)[13]. L’image album, publié le 21 janvier 2004, comprend dix morceaux réarrangés de la bande originale. Hisaishi a également composé avec la chanteuse Yumi Kimura le Hauru no Ugoku Shiro CD Maxi-Single, un single sorti le 27 octobre 2004 qui comprend le thème principal du film, interprété par Chieko Baishō (la doubleuse japonaise de Sophie), sa version karaoké, et une version piano d’une autre chanson du film, The Merry-Go-Round of Life[14].
 Le Château ambulant est présenté en ouverture du 61e Festival international du film de Venise le 5 septembre 2004[15] puis sort au Japon le 20 novembre[16]. Le film rapporte 14,5 millions de dollars au cours de sa première semaine d’exploitation au Japon seulement[4]. Peu après sa sortie, il devient le troisième plus gros succès du box-office au Japon, derrière Titanic et Le Voyage de Chihiro[17], avec plus de quatorze millions de spectateurs et 190 millions de dollars de recettes[16],[18]. Il est distribué à l’échelle internationale par diverses sociétés et rapporte environ 45 millions de dollars supplémentaires dans le reste du monde, pour un total mondial de 235 184 110 dollars[16]. Le film est doublé en anglais sous la supervision de Pete Docter du studio d’animation Pixar, et sort aux États-Unis le 10 juin 2005, distribué par Walt Disney Pictures[16],[19]. Il s’agit de l’un des films japonais les plus rentables jamais réalisés[15].
 En France, Le Château ambulant attire 1,2 million de spectateurs[20].
 Le Château ambulant aborde des thèmes anti-guerre, inspirés par le dégoût de Miyazaki pour la guerre d’Irak de 2003[21],[22],[23]. Lorsqu’il reçoit un Oscar pour Le Voyage de Chihiro, il déclare « être furieux à propos de [la guerre]. [Il ressent] donc une légère hésitation quant à la récompense »[C 5],[21]. Miyazaki s’identifie en effet comme un pacifiste[22],[23],[24]. À la veille de la guerre en Irak, Miyazaki décide de réaliser un film qui, selon lui, sera mal reçu aux États-Unis. Malgré le succès du film dans ce pays, Dani Cavallaro estime que Miyazaki a réussi à « créer un film qui aurait dû, en principe, provoquer un certain malaise parmi le public américain »[C 6],[21]. Dans le film, Madame Suliman semble n’avoir que des motivations sadiques pour provoquer un conflit[21] et, bien qu’elle soit omnisciente, elle est incapable de reconnaître l’idiotie de la guerre jusqu’à la toute fin de l’histoire. Cela reflète le désir de Miyazaki de présenter les conflits du monde réel comme étant également quelque peu arbitraires et alimentés par des désirs capricieux[25]. Cavallaro précise que la représentation de la guerre a « un goût amer indéniable »[C 7],[21]. Elle écrit également que la présence militaire et la guerre sont mises en avant dans le film[26]. Dès les premières esquisses, les éléments militaires sont accentués, et lorsque le film présente le quartier commercial animé, les soldats en uniforme se démarquent intentionnellement[26].
 L’univers du Château ambulant ne comporte pas de héros ni de méchants clairement définis ; les personnages sont complexes et même ceux qui sont initialement dépeints sous un jour négatif, comme Hauru, sont capables de changer[4]. Matt Kimmich affirme néanmoins que le message simpliste du film est que « la guerre est mauvaise »[C 8],[24]. Une scène où Sophie se tient dans un magnifique champ de fleurs est interrompue par une machine de guerre, « une accusation contre l’empire, destructeur de la paix »[C 9],[24],[27]. Selon Andrew Osmond, « la position anti-guerre au cœur de Hauru est présentée comme un nihilisme sans alternative, alors qu’il combat les forces de chaque camp et devient la pire terreur de toutes »[C 10], sous la forme de l’oiseau monstrueux[24],[28]. En se transformant en oiseau, Hauru risque de perdre sa propre humanité ; le personnage de Calcifer fait ainsi remarquer à un moment donné qu’il ne pourra bientôt plus reprendre forme humaine[24]. En revanche, Ashitaka, le héros de Princesse Mononoké, combat la maladie démoniaque dont il est atteint et tente de négocier une paix entre les deux camps[24]. Osmond affirme que les deux films soulignent également les limites de la masculinité, comme le montrent Hauru et Ashitaka[24],[28].
 Comme plusieurs autres films de Miyazaki[4], Le Château ambulant reflète l’amour du réalisateur pour le vol et l’aviation[29]. Ainsi, des avions au design inventif apparaissent dans le film, et Hauru se transforme fréquemment en oiseau[29]. Miyazaki aborde le thème de l’aviation plus directement dans le film Le vent se lève[29]. Miyazaki explique qu’il était attiré par les avions militaires lorsqu’il était enfant, mais qu’il a fini par les détester à cause de l’objectif destructeur pour lequel ils sont créés[29]. Ainsi, Le Château ambulant contient à la fois des images d’avions présentés comme beaux et inoffensifs, et de grands vaisseaux militaires dépeints comme laids et destructeurs [29]. Cavallaro écrit que Miyazaki veut « présenter le vol comme un objet d’admiration et de fascination »[C 11], mais qu’il n’est pas « aveugle à son utilisation abusive par des stratèges et des dirigeants sans scrupules »[C 12],[29].
 La vision nuancée du vol fait partie de la critique plus large que Miyazaki fait de la société moderne et de la technologie. Margaret Talbot écrit qu’en personne, Miyazaki manifeste « une profonde insatisfaction à l’égard de la vie moderne »[C 13], en particulier des effets de la technologie et de la déconnexion de la nature[4]. Nombre de ses films dépeignent la prétention technologique comme l’une des racines du mal[17]. Les cuirassés que l’on voit se déplacer au-dessus du paysage « brillent de modernité et de vertu »[C 14],[30], mais se révèlent ensuite extrêmement dévastateurs[30]. En revanche, le château semi-organique illustre « la présentation taoïste de Miyazaki de l’industrialisation qui doit s’aligner sur la nature »[C 15], selon Carl et Garrath Wilson[30]. Antonio Lioi écrit que Miyazaki dépeint souvent des scènes magnifiques en contraste avec celles qui contiennent des symboles de la modernité, comme la scène où la rêverie de Sophie est interrompue par une machine de guerre. Ce contraste s’inscrit dans une critique écologique de la modernité, mais Miyazaki propose également une alternative, sous la forme de beaux paysages naturels[27].
 Un des aspects du Château ambulant qu’apprécie particulièrement Miyazaki est le regard positif qu’il porte sur la vieillesse[4]. Lorsque Sophie vieillit grâce au sort de la sorcière, elle se sent plus à même de dire ce qu’elle pense. Selon Miyazaki, les vieilles femmes ne sont que rarement autorisées à dominer l’écran comme dans Le Château ambulant, ce qui en faisait un concept risqué[4]. Elizabeth Parsons affirme que le film bouleverse le stéréotype du « manque d’attrait de la vieillesse »[C 16], lorsque Sophie, artificiellement vieillie, parvient à sauver deux hommes séduisants (qui finissent par l’aimer) et à mettre involontairement fin à la guerre dans son pays[31]. Les actions de Sophie sont celles que l’on associe habituellement aux grands-mères, comme la gentillesse et l’attention portée à ceux qui l’entourent, et les tâches ménagères ; cependant, ces actions sont dépeintes comme étant puissantes et héroïques[31]. Sophie est l’un des nombreux protagonistes féminins forts des films de Miyazaki[27]. Selon Parsons, cela confère également au film un aspect féministe[31]. De plus, même si Sophie parvient à rendre sa présence au château légitime en prétendant être une femme de ménage, le film montre ensuite que les tâches ménagères sont équitablement réparties, ce qui conforte son aspect féministe[31].
 En 2013, Miyazaki déclare que Le Château ambulant est son œuvre préférée : « Je voulais faire passer le message que la vie vaut la peine d’être vécue, et je ne pense pas que cela ait changé[C 2],[32]. » Dans le film, Sophie surmonte des défis extrêmes en apprenant à faire passer le bien-être de ceux qu’elle aime avant son propre intérêt, une qualité que Miyazaki qualifie de dévouement[32]. Plusieurs personnages des films de Miyazaki, comme Ashitaka et San dans Princesse Mononoké et Sheeta et Pazu dans Le Château dans le ciel, apprennent à survivre en suivant la même leçon[32]. Cavallaro affirme que Miyazaki diffuse cette morale dans tout le film, afin de montrer la capacité des êtres humains à faire preuve de compassion, comme lorsque l’épouvantail tient un parapluie au-dessus de la tête de Sophie lorsqu’il pleut[32]. Au cours du film, Hauru, le personnage le plus vaniteux et égoïste, apprend également à faire passer les autres avant lui[31]. Lorsque Madame Sulliman rend à la Sorcière des Landes sa vraie forme de vieille femme décrépite, Sophie la recueille et s’occupe d’elle, malgré le fait que la sorcière soit responsable de sa malédiction[31]. La sorcière manque de détruire Hauru à cause de son attitude égoïste, mais elle permet de sauver le château à la fin. Parsons écrit que « dans le numéro d’équilibriste de Miyazaki, les vieilles femmes peuvent être puissantes et faibles, positives et négatives, nourricières et égoïstes, calomnieuses et aimées ; en bref, elles ne peuvent pas être simplement catégorisées ou stéréotypées, et elles ne peuvent pas être rejetées comme des malfaiteurs fantastiques incarnés par des sorcières maléfiques »[C 17],[31]. Elles occupent également une place importante dans le film en tant que personnages actifs, ce qui n’est pas courant dans les films occidentaux[31].
 Le film présente plusieurs différences par rapport au roman dont il est adapté, en partie dues aux exigences différentes imposées par le cinéma d’animation. Le roman de Diana Wynne Jones comporte un très grand nombre de personnages et plusieurs intrigues trop complexes pour être transposées dans le film[33]. Par conséquent, des personnages tels que Martha, la deuxième sœur de Sophie, sont laissés de côté, tout comme l’intrigue impliquant Markl, qui la courtise ; dans le roman, le personnage s’appelle Michael et est décrit comme un adolescent plutôt que comme un jeune garçon[34]. Jones a discuté du film avec des représentants du studio Ghibli, mais n’a pas participé à la production du film[35]. Miyazaki s’est rendu en Angleterre au cours de l’été 2004 pour permettre à Jones de visionner en privé le film terminé[36]. Elle aurait déclaré : « C’est fantastique. Non, je n’ai rien à dire. J’écris des livres, pas des films. Oui, il sera différent du livre — en fait, il sera probablement très différent, mais c’est comme ça que ça doit être. Ce sera quand même un film fantastique »[C 18],[34].
 Dans le roman, le château de Hauru est décrit comme une grande tour de sorcier sombre et sinistre, très différente de la version plus complexe du film[34]. Le château du film peut être considéré comme une parodie des machines vues dans le film, animées à la fois par des moteurs à vapeur et par la magie[34]. Dans le film, il s’agit d’un « collage ronflant de cheminées, de toits, de tuyaux de vapeur et d’autres appendices bizarres, portés par des pattes d’oiseau mécanisées »[C 19] qui ressemble à la cabane de Baba Yaga dans le conte de fées du même nom[34]. Elle est vaguement organique et presque décrite comme une forme de vie[34]. De même, Calcifer est une figure démoniaque dans le livre, alors qu’il a une personnalité et une image « attachantes »[C 20] dans le film[34]. Le film et le roman tentent tous deux de faire passer des éléments fantastiques pour des choses banales et ordinaires. Bien qu’ils vivent dans un univers de fantasy, les personnages sont souvent montrés en train d’effectuer des tâches routinières, comme préparer le petit-déjeuner ou faire la vaisselle, ce qui contraste avec les actions héroïques typiques d’un univers fantastique[37]. Dans le roman, Jones bouleverse le cadre de l’univers fantastique en incluant des scènes dans lesquelles les personnages voyagent dans le monde réel du Pays de Galles. Le film, en revanche, évite cette digression et maintient un cadre constant[38].
 La principale contribution de Miyazaki à l’intrigue du livre concerne le rôle prépondérant de la guerre dans le film. Dans le livre, la guerre n’est évoquée que de manière indirecte ; le roi ordonne à Hauru de retrouver Justin, son frère disparu, car ses compétences militaires sont nécessaires pour la guerre qui se prépare[39]. Hauru disparaît régulièrement à cause de son penchant pour les femmes, ce qui pousse Sophie à le considérer comme une personne superficielle et lâche[39]. Dans le film, cependant, Hauru disparaît pour se transformer en oiseau géant et bouleverser les plans de bataille des deux armées[39].
 Les rôles de plusieurs personnages diffèrent également entre le roman et le film en raison de ce changement d’intrigue. La Sorcière des Landes est le principal antagoniste du livre, alors que dans le film, elle est réduite par la magie de Madame Suliman à une vieille femme finalement inoffensive qui suscite la sympathie du public et de Sophie[39]. De plus, le film réunit les deux personnages du roman, Madame Penstemmon et le sorcier Suliman, en Madame Suliman. Bien que Suliman se rapproche le plus d’une méchante traditionnelle dans le film, elle est présentée comme un personnage aux motivations ambiguës, et certains critiques considèrent que le véritable méchant du film est la guerre elle-même[39]. Hauru perd son aspect séducteur qui constitue un élément important de son personnage dans le roman[39]. Sophie devient une figure plus conventionnelle dans le film ; elle est moins irritable et franche, et démontre son amour pour Hauru plus tôt et de manière plus explicite[39]. L’intrigue du roman présentant Sophie comme une puissante sorcière à part entière est réduite dans le film, bien qu’elle soit toujours capable de contrôler sa malédiction[40].
 Les thèmes principaux de l’histoire diffèrent également entre le roman et le film. La critique Antonia Levi écrit que visionner le film s’apparente à la lecture d’une fanfiction de grande qualité ; si les personnages et le décor sont les mêmes, l’histoire est différente[40]. Bien que dans les deux cas, l’intrigue commence avec une Sophie prisonnière de sa situation et des normes sociales, les défis qu’elle doit relever sont légèrement différents. Selon Levi, « Jones utilise Sophie, Hauru et Calcifer dans un format de conte de fées pour raconter une histoire sur la remise en question des attentes en matière de classe et de genre, Miyazaki utilise les mêmes personnages pour raconter une histoire sur la loyauté personnelle, l’amour et la guerre »[C 21],[40].
 En 2019, la Cité internationale de la tapisserie à Aubusson, en France, passe un accord avec le studio Ghibli pour confectionner cinq tapisseries à partir d'œuvres de Hayao Miyazaki de 2019 à 2024. Deux d'entre elles montrent des scènes du Château ambulant : l'une montre le château, l'autre s'intitule La Peur de Hauru[41].
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O. Scott; Jefferson; Caroline du Nord; McFarland & Company; ISBN; 978-0-7864-2369-9; Jefferson; Caroline du Nord; McFarland & Company; DOI; DOI; Jefferson; Caroline du Nord; McFarland & Company; ISBN; 978-1-4766-1909-5; McFarland & Company; ISBN; 978-1-4766-2080-0; Le Château de Hurle; Hayao Miyazaki; Studio Ghibli; Notices d'autorité; v; Hayao Miyazaki; On Your Mark; La Chasse à la baleine; Mei to Konekobasu; Monomon l'araignée d'eau; Boro la petite chenille; Le Château de Cagliostro; Nausicaä de la Vallée du Vent; Le Château dans le ciel; Mon voisin Totoro; Kiki la petite sorcière; Porco Rosso; Princesse Mononoké; Le Voyage de Chihiro; Ponyo sur la falaise; Le vent se lève; Le Garçon et le Héron; Edgar de la Cambriole; Conan, le fils du futur; Edgar, le détective cambrioleur; Sherlock Holmes; Panda Petit Panda; Panda Petit Panda : Le Cirque sous la pluie; Si tu tends l’oreille; Arrietty : Le Petit Monde des Chapardeurs; La Colline aux coquelicots; Pompoko; Le Royaume des chats; Le Peuple du désert; 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Nausicaä de la Vallée du Vent (film d'animation),https://fr.wikipedia.org/wiki/Nausicaä_de_la_Vallée_du_Vent_(film_d%27animation),"Pour les articles homonymes, voir Nausicaä de la Vallée du Vent et Nausicaa (homonymie).
 11 mars 1984
 
 modifier  Nausicaä de la Vallée du Vent (風の谷のナウシカ, Kaze no Tani no Naushika?) est un film d'animation japonais d'aventure et de science fantasy post-apocalyptique, réalisé par Hayao Miyazaki, abordant notamment les thématiques de l'écologie et du pacifisme[2] par une approche non manichéenne habituelle à l'auteur. Sorti dans les salles japonaises en 1984, le film est salué par les critiques au Japon comme dans le reste du monde et est récompensé par le Prix Noburō Ōfuji la même année. Il s'agit de l'adaptation de la première partie du manga éponyme de Miyazaki publié entre février 1982 et mars 1994 dans le magazine japonais Animage monthly. Le film est souvent considéré comme faisant partie du studio Ghibli même s’il est antérieur à sa création. Il s'agit du second long métrage réalisé par Miyazaki après Le Château de Cagliostro, qui avait permis au réalisateur d’attirer l’attention du magazine Animage.
 L'intrigue du film se déroule sur Terre, dans un futur lointain, et présente un univers post-apocalyptique. Les êtres humains alors technologiquement avancés, se sont entretués lors d'un conflit mondial, baptisé Les Sept Jours de Feu, après avoir largement pollué la planète dans leur course au progrès. S'adaptant progressivement à ces nouvelles conditions, la biosphère a continué son évolution et la Terre est désormais dominée par des arthropodes géants (parmi lesquels les Ômus), des champignons et des plantes à spores. L'espèce humaine, dont les habitants de la petite Vallée du Vent, est au bord de l'extinction et tente de survivre à l’avancée de la forêt (la Fukai) devenue toxique pour eux, au milieu d'une guerre entre l'Empire tolmèque et la cité de Pejite. Princesse de la Vallée du Vent, Nausicaä est animée d’un grand amour pour la vie sous toutes ses formes et par-delà les apparences. Elle tente de ramener la paix entre les différentes factions ainsi qu'entre les humains et la nature.
 La grande première du film a eu lieu au Japon le 11 mars 1984. Le film est distribué dans le monde par Buena Vista Entertainment. En 1985, une première version tronquée, réorganisée et aux noms modifiés, est sortie aux États-Unis sous le titre Warriors of The Wind, exportée en France en 1987 sous le titre Le Vaisseau Fantôme, puis La Princesse des étoiles[3]. Les modifications effectuées par les distributeurs ont suscité d'importantes polémiques retardant les sorties ultérieures à l'international de plusieurs films du studio Ghibli.
 Mille ans se sont écoulés depuis la chute de la civilisation industrielle lors des « sept jours de feu », guerre planétaire d'une incommensurable violence. L'humanité survit tant bien que mal au sein de quelques enclaves menacées par la fukai (腐海?), gigantesque forêt qui ne cesse de gagner du terrain et dont les spores sont mortelles pour la majorité des êtres vivants. Cette jungle épaisse est protégée par des insectes géants qui se sont adaptés à cet environnement. Les « ômus » (王蟲, Ōmu?, litt. « insecte-roi ») en sont les principaux représentants, par leur taille et leur sensibilité.
 La Vallée du Vent est un petit royaume agricole, protégé des spores et de la fukai par des vents marins. Sa tranquillité se trouve perturbée par le naufrage d'un immense vaisseau de l'empire tolmèque pris pour cible par des insectes depuis une halte malheureuse dans la forêt toxique. Afin de récupérer la cargaison de ce vaisseau, les troupes tolmèques envahissent la vallée ; elles assassinent le vieux roi Jill par fusillade et font prisonnière sa fille Nausicaä.
 Il s'avère que cette cargaison, si précieuse aux yeux des Tolmèques, est un guerrier géant descendant des colosses ayant anéanti le monde lors des ""sept jours de feu"". Les Tolmèques veulent l'utiliser pour brûler la forêt toxique et cela au détriment des peuples voisins à qui ils font la guerre. Cet incendie risquerait de provoquer le courroux de milliers d'ômus et leur raz-de-marée serait dévastateur comme cela l'avait été dans le passé lorsqu'ils avaient provoqué l'anéantissement de nations entières.
 Nausicaä, parvenant à s'échapper, découvre que la fukai n'empoisonne pas l'environnement, mais qu'elle le purifie en drainant l'air et les sols pollués. Guidée par son amour de tous les êtres vivants et accompagnée de son familier Teto, elle va tenter par tous les moyens de faire taire la guerre, sauver l'humanité et rétablir un équilibre entre les êtres humains et la nature.
 La version tronquée réalisée aux États-Unis, Warriors of the Wind, est amputée de nombreux passages pour respecter le format de 1 h 30 et les noms des personnages sont modifiés. La version française reprend ensuite les modifications apportées dans ce montage et est diffusée sous le titre La Princesse des étoiles.
 Doublage réalisé par Dubbing Brothers.
 Plusieurs numéros spéciaux du magazine Animage, mensuel fondé en 1978 et spécialisé dans l'animation japonaise, ont été consacrés à une personnalité en particulier entre 1979 et 1981. Le journaliste Toshio Suzuki a déjà rencontré Hayao Miyazaki pour parler de Horus, Prince du Soleil[7] (太陽の王子 ホルスの大冒険, Taiyo no oji : Horusu no daiboken?) puis du film Le Château de Cagliostro (ルパン三世カリオストロの城, Rupan sansei: Kariosutoro no shiro?). Au vu de la reconnaissance dont commence à jouir l'auteur, lui consacrer un numéro est devenu envisageable : ainsi sort en août Le Magicien du dessin animé, Hayao Miyazaki - Un univers d'aventure et de rêve[8].
 L'équipe du magazine Animage, ayant pu découvrir certains des projets de Miyazaki lors de la préparation de son numéro, s'y intéresse vivement et cherche à l'aider à les mettre en œuvre. Elle présente ainsi en juillet une proposition de long-métrage, Sengoku Majô, à une commission de Tokuma Shoten (éditeur d'Animage), mais celle-ci la refuse. Un deuxième projet de film est alors mis sur pieds : une adaptation d'une bande dessinée de Richard Corben, Rolf, éditée par Rip Off Press en 1971. Elle raconte l'histoire de Maryara, fille du pays de Canis, dont le chien Rolf, transformé par un sorcier en être mi-humain, mi-animal, fait face à une invasion soudaine de troupes démoniaques[9],[10]. Rapidement, l'œuvre envisagée s'éloigne largement de l'œuvre originale, en intégrant des éléments comme la Vallée du Vent, des vers des sables, une Nausicaä en reine des goules, la fukai. Le projet est donc mis de côté par manque de fidélité. Le rédacteur en chef Hideo Ogata et l'équipe du magazine dans son ensemble encouragent pourtant Miyazaki à réaliser son propre manga, qui paraîtrait dans Animage et pourrait, à terme, être lui-même adapté en long-métrage[8].
 Miyazaki accepte, mais pose certaines conditions : d'abord, mettre en suspens le manga si un anime venait à être réalisé ; lui laisser un contrôle total sur son œuvre, et ne pas exiger du manga qu'il soit spécialement conçu pour être adapté en film. Le dessin de Kaze no Tani no Naushika est entamé en septembre[8], mais la progression est très lente et la parution de premier numéro repoussée d'un mois. À cela s'ajoute le travail de Miyazaki, depuis l'été 1981, sur la série nippo-italienne Sherlock Holmes (名探偵ホームズ) qui vient tout compromettre. Le premier épisode paraît tout de même en février 1982[11].
 Environ un an plus tard, les articles consacrés à Nausicaä se sont multipliés tant dans la presse spécialisée (Comic Box) que dans les grands quotidiens nationaux[12] (Yomiuri shinbun, Tokyo Shinbun). Eu égard à un tel engouement, Hideo Ogata propose de faire, à partir de la série, un film pilote d'environ cinq minutes, dont la projection est bientôt envisagée au Budokan lors de l'Anime Grand Prix du 23 avril 1983. Après avoir rendu visite à Hayao Miyazaki, on [Qui ?] décide de passer à dix minutes ; mais le poids des coûts de production mène finalement à l'abandon du projet[12].
 En novembre 1982, la toute récente société Tokuma Communications (filiale de Tokuma Shoten) propose de réaliser une original video animation[Note 2] de trente minutes, que Miyazaki fait porter à une heure dix. Le scénario serait alors centré sur l'enfance de Nausicaä, grandissant aux côtés de son mentor Yupa et d'un bébé ômu. À nouveau, les coûts de production paraissent trop importants : impossible de rentabiliser un projet de près de cent millions de yens quand le prix public de la vidéo est de 19800 yens (environ 125 euros en 2007). On décide alors de produire un véritable film[13].
 Au cours du mois de février 1983, le chef de la section publicité des éditions Tokuma Shoten prend contact avec l'agence de publicité Hakuhodo et un accord est rapidement conclu entre les deux sociétés qui s'engagent à coproduire le film. La distribution du film est confiée à la Tōei en avril, qui a l'intention de le faire sortir en mars 1983[14]. Hayao Miyazaki choisit Isao Takahata comme producteur[Note 3],[15]. Enfin, à la mi-mai, le studio Topcraft est désigné pour la réalisation. Miyazaki s'attelle à l'élaboration de croquis préparatoires, au nombre de trente, et notamment à la conception du personnage principal[16]. Une vingtaine de personnes se trouvent sollicitées par lui et Takahata, auxquelles s'ajoutent des animateurs connus de la rédaction d'Animage : s'engagent ainsi Kazuo Komatsubara, Mitsuki Nakamura, Yoshinori Kanada, Osamu Nabeshima[16] et Takashi Nakamura[17].
 Une première version du synopsis est finie fin mai. Elle se présente comme une succession de notes exposant brièvement le contenu de chaque scène et tient dans un premier temps sur cinq pages à peine. Il apparaît rapidement à Miyazaki, Takahata et Kazunori Itô — qui les assiste pour le scénario — qu'il y a pourtant trop de matière : pour ce dernier, si le premier synopsis est respecté, le film durerait près de trois heures. Itô en tire un scénario d'une dizaine de pages, mais Miyazaki ne peut l'examiner et donner des consignes pour sa finalisation car il doit commencer la réalisation des animations. Pour le storyboard, il se base donc sur un deuxième synopsis dont il est l'auteur[18]. Quoi qu'il en soit, des coupes drastiques sont effectuées entre le manga et le scénario du film.
 Dès les débuts du projet d'adaptation, Miyazaki est en effet placé dans une situation délicate : alors qu'il a déjà achevé seize chapitres du manga (sur cinquante-neuf) lorsqu'il commence à travailler sur l'animation, il doit créer une histoire cohérente sans interférer avec l'œuvre originale. Il finit par se concentrer, selon Helen McCarthy, sur l'invasion de la Vallée du Vent par les Tolmèques[19] ; lui-même déclare par ailleurs qu'il trouvait important de se concentrer sur la découverte, par Nausicaä, « du rôle réel, de la structure et de la signification de la fukai », omettant par conséquent de multiples aspects qui seront développés dans le manga[20].
 À la sortie du film en mars 1984, seuls 2 des 7 tomes sont achevés. Le scénario apparait donc comme une revisite habile de l'existant dans le manga, en vue de rendre le tout cohérent avec la progression et la durée d'un film.
 Le sauvetage du bébé Ohmu aux lacs acides, qui amène la fin du film, correspond d'ailleurs aux dernières pages du tome 2. Dans le manga ce sont les Dorks, grands absents nécessaires du film et non le royaume de Pejite, qui fomentent le stratagème du bébé Ohmu. L'univers Dork, encore peu développé à la sortie du film, le sera ensuite beaucoup plus au point de devenir majeur, voire principal, dans le scénario du manga.
 Du côté tolmèque, Il est question, à un moment donné[Quand ?], des problèmes politiques qui agitent le royaume, et qui sont évoqués à plusieurs reprises dans le manga : mais ils sont jugés trop complexes pour le film[17] et finalement, les tensions entre Kushana, son père et ses frères n'y seront que suggérées.
 En suivant l'ordre du film, on peut noter le fait que le vaisseau tolmèque qui se crashe au début de l'histoire correspond dans le manga à un vaisseau de réfugiés de Pejite, qui fuient la guerre. Ce vaisseau est découvert dans le manga par Nausicaä et Mito alors qu'ils survolent la Mer de la décomposition à bord du Gunship ; ils tentent de le guider tous deux[21]. Ensuite, le guerrier géant n'est plus entreposé à Pejite, mais dans la Vallée du Vent, après le crash du vaisseau tolmèque ; la pierre présente dans le manga, qui servirait à le faire revivre, est ignorée.
 Les vaisseaux tolmèques, dans le manga, ne font que se poser dans la Vallée du Vent ; mais cette intrusion déroge à toutes les règles de précaution élémentaires (comme la quarantaine bactériologique) et s'apparente à une véritable provocation : Nausicaä intervient alors en demandant le départ des troupes, et finit par affronter un soldat en duel singulier, avant l'interposition de Yupa[21]. Les troupes, menées par Kushana qui présente ses excuses, quittent la vallée ; le roi Jihl n'est pas encore mort — il décède à cause de la maladie dont il est affecté[21]. Intervient ensuite une divergence cruciale[21] : dans le manga, la Vallée du Vent correspond à un royaume vassal de l'empire tolmèque, alors que dans le film, celui-ci ne correspond qu'à un envahisseur extérieur, prétendument animé de nobles intentions. Le personnage de Kurotawa n'apparaît que plus tard dans le manga[21].
 Dans le manga, Nausicaä se rallie aux Tolmèques afin de participer à la guerre, en vertu de l'ancienne alliance qui lie les deux royaumes. Lorsque survient l'attaque de la flotte par Asbel, le vaisseau de Kushana continue sa route vers le sud, alors qu'elle se joint à Nausicaä et Mito dans le film afin d'échapper à l'explosion de sa nef[21]. Dans le manga, Nausicaä et Asbel, après s'être extirpés de la forêt toxique, sont capturés par des Dorks : ils rencontrent le Vénérable du clan Mani, puis Nausicaä parvient à s'enfuir avec l'aide d'Asbel — dans le film, Nausicaä est capturée par des survivants de Pejite, et s'échappe grâce à des réfugiées et, à nouveau, Asbel[21].
 Enfin, bien que Nausicaä soit hissée par ômus sur un tapis doré, elle n'est pas mise en danger, comme dans le film ; la « marche » des ômus ne s'arrête pas par ailleurs dès cet épisode, et le problème reste entier : Nausicaä poursuit la guerre, et la saga se poursuit sur près de 700 pages[21], jusqu'à ce qu'elle parvienne jusqu'au cœur de la ville sainte de Shuwa. Les personnages de Kushana et Kurotawa bénéficient d'un traitement psychologique bien plus important dans le manga[22], tandis que de nombreux personnages font leur apparition : on peut notamment citer l'empereur dork Namuris, Chalka, Chikuku, ou encore Selm et le gardien du jardin de Shuwa.
 D'un autre côté, Miyazaki décide de montrer plus en détail à quoi ressemble la vie quotidienne dans la Vallée du Vent, ce qu'il n'avait pas fait dans la première édition du manga[Note 4] afin de conserver une certaine intensité narrative[18].
 Les brouillons des trois premières parties du storyboard — qui doit en compter quatre — sont achevées fin juillet. La première d'entre elles est prête le 1er août[18] et permet à l'équipe, qui vient d'emménager dans les locaux du studio Topcraft, de se consacrer aux animations. Tsukasa Tannai, ayant déjà travaillé avec Miyazaki, vient rejoindre l'équipe le 1er novembre[24]. Cependant, la tension monte, le film étant loin d'être achevé ; plusieurs membres d'Animage viennent même donner un coup de main à partir de janvier. À la fin du mois, il ne reste toutefois plus que les animations-clefs de vingt plans sur 1 620. Les animateurs ont achevé leur part de travail début février ; le 6 du mois, la réalisation des intervalles est terminée[25].
 Le budget limité, les contraintes de temps et de personnel ont conduit Miyazaki à déléguer certains aspects de l'animation, ce qu'il cherchera toujours à éviter par la suite. François Prioux note un character design approximatif — le dessin de Nausicaä changeant par exemple de plan en plan —, un certain nombre d'animations en boucle, et quelques scènes bâclées[22].
 Début février, il reste encore à achever la colorisation de 25 000 cellulo. L'épouse d'Isao Takahata, autrefois coloriste chez Toei Animation, est mise à contribution. Miyazaki y participe également, en même temps qu'il s'occupe de peindre, à l'aquarelle, les motifs des six parties[26] de la tapisserie du générique d'ouverture, pour laquelle il dit s'être inspiré de la tapisserie de Bayeux et d'autres images tirées de livres sur l'histoire du monde[27],[25],[28].
 Une partie de la photographie est confiée à des studios externes comme Takahashi pro. Tout le personnel libre se relaie pour seconder l'équipe de prise de vue, afin que la machine de tournage soit en constante activité[25].
 Le film est réalisé en 10 mois — de mai 1983 à mars 1984 — avec un budget d'un million de dollars US. Le film a été projeté dans 90 salles de cinéma au Japon. Il rencontre un vif succès en salles, avec 914 767 entrées à sa sortie et 742 millions de yens[29] au box-office[7] (pour comparer[Note 5], cela équivaut à 3 301 446 $ ; en tête du box office américain en mars 1984 se trouvait alors Splash et ses 6 174 069 $ de recette). Son succès permit la création du studio Ghibli en collaboration avec Isao Takahata.
 À l'exportation, l'anime fut d’abord distribué par New World Pictures et diffusé à la télévision par Home Box Office dans les années 1980 aux États-Unis sous le titre Warriors of the Wind (litt. « Guerriers du vent »). Cette version doublée en anglais ampute trente-deux minutes au film original, le re-montage donnant la préférence à l'action. Les noms des personnages ont été modifiés, et l’histoire ainsi que la musique plus ou moins changées. Cette version adaptée par les américains s'exporta ensuite dans le monde entier et sortit en France en VHS sous le titre La Princesse des étoiles.
 De nombreux amateurs désapprouvent cette version, ainsi que Miyazaki lui-même[réf. nécessaire]. À la suite de cela le Studio Ghibli adopta une règle stricte interdisant toute coupure de ses œuvres lors de leur adaptation. L'incident a provoqué une longue période durant laquelle l'exportation des films du Studio Ghibli a été stoppée. Il est d'ailleurs possible de trouver un DVD de cette version, commercialisé avant que Buena Vista ne ressorte la version japonaise intégrale au cinéma, puis en DVD.
 La Walt Disney Company publie, le 22 février 2005 par le biais de sa filiale Buena Vista Entertainment, un DVD (zone 1) comportant la version intégrale du film, composé de la version originale sous-titrée et d'une version anglaise. Il existe deux versions DVD en France, une édition simple et une autre collector avec un DVD supplémentaire contenant une version storyboard du film.
 Nausicaä de la Vallée du Vent obtient un véritable triomphe critique au Japon et aux États-Unis.
 En France, le film est projeté pour la première fois en 2001 au festival Nouvelles Images du Japon à Paris en présence du réalisateur. Il ne sort dans les salles que le 23 août 2006, soit 22 ans après sa sortie japonaise. Il rencontre cependant un accueil très favorable.
 L'agrégateur du site Allociné calcule une moyenne de 4,5/5 sur une base de 26 critiques presse françaises[30]. Le site américain IMDB calcule pour sa part une moyenne de 8,1/10[31], tandis que l'agrégateur international Rotten Tomatoes lui décerne une note de 88 sur 100[32].
 Le film a reçu le Prix Noburō Ōfuji en 1984, qui récompense des œuvres d'animation d'auteurs en voie de reconnaissance.
 Warriors of the Wind fut projeté, en clôture du 14e Festival international du film fantastique et de science-fiction de Paris qui se tenait au grand Rex, du 22 novembre au 2 décembre 1984. Bien que l'anime n'ait pas été projeté en version française, Warriors of the Wind fut qualifié à l'époque de remarquable, reçut le Prix spécial du jury, et obtint la 3e place parmi les films favoris du public[33].
 Le film s'inspire de La princesse qui aimait les chenilles. La trame de cette nouvelle inspire le caractère singulier de l'héroïne de Miyazaki. En effet, Nausicaä porte une affection sans bornes aux Omus (chenilles géantes) et n'approuve pas de peur en leur présence. Nausicaä pense que les chenilles donnent avant tout l'impression d'une grande sagesse, d'une sensibilité rare et d'un raffinement incomparable[34].
 Il y également un parallèle avec Nausicaa de l'Odyssée d'Homère. En effet, Nausicaä de Miyazaki partage les mêmes qualités que Nausicaa de l'Odyssée : un caractère diplomatique plus affrimé pour faire dialoguer entre elles des puissances rivales. Également, un goût pour la nature et les animaux plus fort que Nausicaa de l'Odyssée et n'hésite pas à se sacrifer pour sa cause et le destin de son peuple[34]. 
 Le film fait l'objet d'une adaptation au théâtre sous la forme d'une pièce de kabuki au théâtre Shinbashi Enbujō de Tokyo en 2019[35].
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Les Enfants de la mer (film),https://fr.wikipedia.org/wiki/Les_Enfants_de_la_mer_(film),"Pour les articles homonymes, voir Les Enfants de la mer.
 
 Mana AshidaHiiro IshibashiSeishū Uragami
 
 Pour plus de détails, voir Fiche technique et Distribution. modifier  Les Enfants de la mer (海獣のこども, Kaijū no kodomo) est un film japonais réalisé par Ayumu Watanabe, sorti en 2019.
 Ruka, lycéenne, se fait exclure de son club de handball. Elle rend visite à son père à l'aquarium de la ville. Là-bas, elle rencontre Umi, qui semble pouvoir communiquer avec les animaux marins.
 Le film reçoit une note moyenne de 3,5 sur AlloCiné[1].
 La Croix affirme que le film « produit par l'un des meilleurs studios japonais, (…) est élégiaque sur la mer et ses mystères éblouit par sa mise en scène mais reste trop énigmatique »[2], France Info cite une « splendide animation japonaise écologiste et spirituelle pour tous »[3] et 20 minutes va également dans le même sens : « cette fable écologique plonge le spectateur dans un océan de sensations »[4].
 Le film reçoit le Prix Mainichi du meilleur film d'animation en 2019[5] et le Grand Prix du Japan Media Arts Festival 2020 dans la catégorie animation[6].",184,Accueil; Portails thématiques; Article au hasard; Contact; Débuter sur Wikipédia; Aide; Communauté; Modifications récentes; ; Rechercher; en savoir plus; Contributions; Discussion; Article; Discussion; Lire; Lire; Pages liées; Suivi des pages liées; Téléverser un fichier; Pages spéciales; ; Les Enfants de la mer; Ayumu Watanabe; Mana Ashida; Orix; Sankyo; Shōgakukan; Studio 4°C; Tōhō Animation; Wanda Pictures; ; Japon; ; Chine; ; Hong Kong; Animation; aventure; fantastique; 2019; ; film japonais; Ayumu Watanabe; 2019; handball; Ayumu Watanabe; Les Enfants de la mer; Joe Hisaishi; Orix; Sankyo; Shōgakukan; Studio 4°C; Tōhō Animation; Wanda Pictures; Eurozoom; ; Japon; ; Chine; ; Hong Kong; Animation; aventure; fantastique; ; Japon; 7; juin; 2019; ; France; 10; juillet; 2019; Mana Ashida; Steeve Brudey Nelson; Yū Aoi; Tōru Watanabe; 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Le Château dans le ciel,https://fr.wikipedia.org/wiki/Le_Château_dans_le_ciel,"Ne pas confondre avec Le Château ambulant, du même réalisateur.
 2 août 1986
 
 modifier  Le Château dans le ciel (天空の城ラピュタ, Tenkū no shiro Rapyuta?, litt. « Laputa, le château dans le ciel ») est un film d'animation japonais du studio Ghibli, réalisé par Hayao Miyazaki en 1986. C'est le premier film du studio depuis sa création en 1985 et le troisième du réalisateur.  
 En raison de la petite distribution que proposait le studio Ghibli à l'époque, puis du succès des nouveaux films (Le Voyage de Chihiro et Princesse Mononoké notamment), il n'est sorti en France qu'en 2003, soit dix-sept ans après sa sortie au Japon.
 Des pirates du ciel, la « bande de Dora », attaquent une forteresse volante ; ils recherchent une « pierre volante » appartenant à une jeune fille, Sheeta (ou Shiita), retenue prisonnière. Cette dernière arrive à s'enfuir pour atterrir chez Pazu, un garçon de son âge. Tous deux découvrent qu'ils ont un point commun : Laputa, une île légendaire flottant dans le ciel. Le père de Pazu l'avait vue de ses propres yeux mais personne ne l'avait cru, le laissant mourir de chagrin ; mais Sheeta a cette « pierre volante » qui conduit jusqu'à l'île. Poursuivis par les pirates et par Muska, un agent des services secrets épaulé par la flotte de l'armée, les deux enfants s'entraident pour y arriver avant eux. Muska veut se servir de la jeune fille pour parvenir à régner sur ces terres…
 Le mot « Laputa » (ラピュタ, Rapyuta?) n’était pas présent à l’origine dans les premiers titres proposés ; certains titres incluaient le nom du héros principal, Pazu, avec une référence aux châteaux volants, mais le besoin de trouver une accroche culturelle pour les bailleurs de fonds et les distributeurs a mené à mentionner le nom de la cité volante du roman Les Voyages de Gulliver de Jonathan Swift[2].
 Miyazaki s'est inspiré du troisième des Voyages de Gulliver de Jonathan Swift, « Voyage à Laputa »[3]. Dans ce récit, Laputa était le nom d'une île volante, dont les habitants ont perdu tout sens commun, à force d'abuser de philosophie spéculative[2].
 D’après Helen McCarthy, l’intérêt de Miyazaki pour la littérature apparaît clairement dans la quête du Château dans le ciel, où les deux héros sont arrachés de leur quiétude par des forces qui dépassent leur entendement et doivent évoluer et grandir pour prendre le contrôle de leur destinée, rappellent celui de L'Île au trésor[3].
 Pour la réalisation du Château dans le ciel, Miyazaki a été fortement influencé par un voyage effectué au Pays de Galles en 1985, peu après la période de grève des mineurs britanniques[3],[4]. Dans une interview de 1999, le réalisateur raconte son admiration pour la communauté des mineurs se battant jusqu’à la fin pour la sauvegarde de leur travail et de leurs communautés ; c’est pour ça qu’il a souhaité faire de son héros un jeune mineur intégré à une communauté soudée, peu avant la fermeture des mines[5]. Durant ce même voyage, il a été également impressionné par les restes d’une industrie abandonnée par l’homme, lui rappelant l’accident du LZ 129 Hindenburg[6]. Pour la conception du Château, Miyazaki s'est fortement inspiré du village français Cordes-sur-Ciel où, durant ses voyages, le village lui a donné l'impression qu'un « château volant flottait dans le ciel »[7],[8],[9].
 En ce qui concerne l'architecture de l'île volante, constituée d’une rangée de trois remparts de diamètres décroissants, d’une citadelle surmontée d’un gigantesque arbre, et d’un dôme retourné dessous, préservant les secrets les plus sombres de l’ancienne civilisation, Miyazaki a été influencé par la représentation de la Tour de Babel de 1563 par Pieter Brueghel l'Ancien, par les décors du film Metropolis de Fritz Lang, réalisé en 1927, et par les illustrations d’Alan Lee de la cité de Minas Tirith pour Le Seigneur des anneaux[10].
 Les robots, gardiens du château, sont directement inspirés de la machine dans Le Roi et l'Oiseau, film d'animation français dont Miyazaki a toujours été un grand admirateur. Miyazaki était plus particulièrement passionné par le « brouillon » du Roi et l'oiseau, à savoir La Bergère et le ramoneur, réalisé par Paul Grimault en 1952. L'une des scènes de ce film a probablement influencé la séquence du Château dans le ciel où le robot issu de la technologie de Laputa détruit la forteresse dans laquelle il est retenu prisonnier par Muska : il s'agit de la séquence où le robot géant programmé pour protéger la jeune fille, piloté par l'oiseau, réduit en cendres la cité du roi orgueilleux. À l'instar de ce qui arrive à Laputa, c'est le progrès technique et scientifique qui cause la perte du royaume. Chez Grimault comme chez Miyazaki, les robots permettent de témoigner d'une civilisation disparue et de prendre soin des espèces animales et végétales, loin de la mission destructrice pour laquelle ils avaient été programmés[11].
 Les machines volantes présentes dans le film (Goliath, « flaptères » des pirates de Dora, sans oublier le château lui-même et la débauche d'engins volants du générique d'entrée) sont une des marques de Miyazaki, grand passionné d'aéronautique. Son père était en effet directeur d'une société liée aux aéronefs : elle fabriquait des pièces de queue pour les chasseurs japonais de la Seconde Guerre mondiale, les fameux « Zéros ».
 La direction artistique du Château dans le ciel est assurée par Nizō Yamamoto, qui avait travaillé avec Miyazaki dès sa série animée Conan, le fils du futur en 1978 et avec Takahata pour Kié la petite peste en 1981[12].
 
 modifier  Ce film signe la deuxième collaboration entre Hayao Miyazaki à la réalisation et Joe Hisaishi pour la bande originale, après Nausicaä de la vallée du vent. La musique symphonique (accompagnée fréquemment d'un piano) de Hisaishi joue un rôle important dans le film, particulièrement dans certaines scènes : la découverte de Laputa, d'un calme immense après les scènes précédentes, plus mouvementées, doit sa sensation de plénitude au thème musical qui y est lié. La bande originale du film de 1986 dure environ 60 minutes, comprend quatorze pistes et inclut de la musique électronique.
 En 1998, pour préparer la version anglophone du film, les studios Disney demandent à Joe Hisaishi de composer une bande originale plus longue (90 minutes) et orchestrale, ce qu'il fait. Cette version symphonique comprend 23 pistes.
 Lorsque Disney a sorti une adaptation du film en 1999, s’est posée la question de la traduction du titre, notamment pour ne pas choquer la communauté hispanique et latino-américaine aux États-Unis[13]. Le problème a été résolu en ne gardant que la première partie du titre[2].
 
 Lors de sa sortie en salle au Japon, le film n’a pas fait aussi bien que son prédécesseur, Nausicaä de la vallée du vent, ne permettant de gagner qu’environs 2,5 millions de dollars[2]. Cependant, le film est loin d’avoir été un échec, ayant attiré 800 000 personnes et été le film d’animation ayant eu le plus de succès au Japon l’année de sa sortie[13]. Le mélange des thèmes action-aventure et techno-écologie a depuis permis à l’œuvre de gagner ses galons de film culte[2].
 Helen McCarthy remarque que Le Château dans le ciel est une illustration de la méfiance de Miyazaki envers la science et la technologie en tant que vecteurs de progrès ; dans ses productions, plus le niveau de contrôle sur la technologie est grand, plus la violence, la cupidité et l’injustice qui l’accompagnent sont présentes[15]. Cependant, il ne s’agit pas d’une critique de la technologie en elle-même, mais de l’incapacité pour l’homme à l’utiliser sagement[15].
 Le philosophe Éric Dufour, dans son ouvrage Le cinéma de science-fiction (paru chez Armand Colin en 2012), considère Le Château dans le ciel comme une illustration du style steampunk (le steampunk renvoie à un imaginaire visuel de l’Angleterre industrielle de la fin du XIXe siècle). Selon lui, le film de Miyazaki ne fait aucune référence à l’Histoire mais introduit Laputa, une île céleste fictive : il met en scène un futur tel qu’il a pu être conçu et rêvé dans l’imaginaire de la révolution industrielle[16]. Le Château dans le ciel s’ouvre sur des représentations de vieilles machines avant de faire apparaître l’usine d’extraction de charbon et ses machines à vapeur, et les premiers moyens de locomotion et de communication (le téléphone, l’automobile). Ces machines ont une caractéristique insolite, qui a pour conséquence que le monde duquel elles sont issues fait référence au nôtre mais avec une négation de sa technologie[17] : par exemple, quand les pirates de Dora s’envolent après qu’on les a vu remonter à la main leurs machines volantes, É. Dufour suggère l'étonnement dont peut faire preuve le spectateur devant la différence entre la technologie rudimentaire qu’ils utilisent et les performances de leurs machines. Le film de Miyazaki plonge le spectateur dans un monde où la technologie, aussi vieillotte qu’elle puisse être, n’en a pas moins des résultats comparables – voire meilleurs – à ceux d’une technologie plus moderne[17]. Ce que décrit ici le steampunk, ce sont donc les résultats impossibles et inconcevables d’une technologie qui n’en est pas moins présentée comme si elle pouvait les produire[18].
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//upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/8/83/Article_de_qualit%C3%A9.svg/14px-Article_de_qualit%C3%A9.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/7/74/Japan_film_clapperboard.svg/24px-Japan_film_clapperboard.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/9/92/Studio_Ghibli_wordmark.svg/48px-Studio_Ghibli_wordmark.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/d/d7/Nuvola_apps_konquest.svg/30px-Nuvola_apps_konquest.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/6/6b/Korrigan.png/27px-Korrigan.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/4/43/Rubik%27s_cube_almost_solved.svg/23px-Rubik%27s_cube_almost_solved.svg.png; https://login.wikimedia.org/wiki/Special:CentralAutoLogin/start?type=1x1; /static/images/footer/wikimedia-button.svg; /w/resources/assets/poweredby_mediawiki.svg,https://en.wikipedia.org/wiki/Castle_in_the_Sky,Castle in the Sky,https://en.wikipedia.org/wiki/Castle_in_the_Sky,"Castle in the Sky (Japanese: 天空の城ラピュタ, Hepburn: Tenkū no Shiro Rapyuta), also known as Laputa: Castle in the Sky, is a 1986 Japanese animated fantasy adventure film written and directed by Hayao Miyazaki. It was produced by Isao Takahata, animated by Studio Ghibli, and distributed by the Toei Company. In voice acting roles, the original Japanese version stars Mayumi Tanaka, Keiko Yokozawa, Kotoe Hatsui, and Minori Terada. The film follows orphans Sheeta and Pazu, who are pursued by government agent Muska, the army, and a group of pirates. They seek Sheeta's crystal necklace, the key to accessing Laputa, a legendary flying castle hosting advanced technology.
 Castle in the Sky is the first film to be animated by Studio Ghibli. Its production team included many of Miyazaki's longtime collaborators, who would continue to work with the studio for the following three decades. The film was partly inspired by Miyazaki's trips to Wales, where he witnessed the aftermath of the 1984–1985 coal miners' strike. The island of Laputa is used to highlight the theme of environmentalism, exploring the relationships between humanity, nature, and technology, a reflection of Miyazaki's ecological philosophy. The young protagonists also provide a unique perspective on the narrative, as a result of Miyazaki's desire to portray ""the honesty and goodness of children in [his] work.""[1] Many aspects of the film's retrofuturistic style – the flying machines in particular – are influenced by nineteenth-century approaches, which has earned the film a reputation in the modern steampunk genre.
 The film was released in Japanese theaters on August 2, 1986. It underperformed expectations at the box office, but later achieved commercial success through rereleases, earning over US$157 million as of 2021. An English dub commissioned by Tokuma Shoten in 1988 was distributed in North America by Streamline Pictures, and another dub was produced by Disney in 1998, released internationally by Buena Vista in 2003. The film's score was composed by Joe Hisaishi, who would become a close collaborator of Miyazaki's; Hisaishi also composed a reworked soundtrack for the 2003 English dub. The film was generally acclaimed by critics, though the English dubs received mixed reviews. It was well-received by audiences, being voted as one of the greatest animated films in polls conducted by the Agency for Cultural Affairs and Oricon. The film also received several notable accolades, including the Ōfuji Noburō Award at the Mainichi Film Awards and the Anime Grand Prix from Animage. Castle in the Sky has since earned ""cult status"",[2] and has influenced several notable artists working in multiple media.
 An airship carrying Sheeta – an orphan girl abducted by government agent Muska – is attacked by air pirate Dola and her gang, who seek Sheeta's crystal necklace. Attempting to escape, Sheeta falls from the airship but is saved by the magic of the now-glowing crystal, which lowers her gently. She is caught by Pazu, an orphan who works as a mechanic in a 19th-century mining town, and he takes her to his home to recover. The next morning, Pazu shows Sheeta a picture his father took of Laputa, a mythical castle on a flying island, which Pazu now seeks. Dola's gang and Muska's soldiers shortly arrive looking for Sheeta. After a chase through the town, Pazu and Sheeta fall into a mine shaft, but are saved again by the crystal. In the tunnels, they meet Uncle Pom, who shows them deposits of the glowing mineral Aetherium, the same material as Sheeta's crystal.
 Sheeta reveals to Pazu that she has a secret name tying her to Laputa, proving the myth is real. The two are captured by the army and imprisoned in a fortress. Muska shows Sheeta a dead robot that fell from the sky, bearing the same insignia as on Sheeta's crystal, and reveals she is the heiress to the Laputan throne. Muska releases Pazu under the condition that Sheeta guides the army to Laputa. Pazu returns home, but is captured by Dola's gang, who prepare to fly to the fortress and take the crystal. Pazu joins them in an attempt to save Sheeta. In the fortress, Sheeta recites an ancient phrase her mother taught her and inadvertently activates the magic of the crystal, reanimating the robot. The robot protects Sheeta from the army and destroys the fortress with its weapons, but is destroyed in turn by the military airship Goliath. In the chaos, Pazu and Dola fly in and rescue Sheeta. However, Sheeta's crystal is left behind, its magic still active, allowing Muska to use it to navigate to Laputa.
 Sheeta having seen the crystal's directions and being able to navigate to Laputa, she and Pazu convince Dola to take them there in exchange for temporarily joining her crew. In the middle of the night, Sheeta and Pazu keep watch from the crow's nest when Dola's airship is attacked by Goliath. Dola detaches the crow's nest, which also functions as a glider attached to the ship with a line. Pazu spots a massive storm, wherein he believes his father saw Laputa. Dola attempts to steer into the clouds, but is halted by violent winds. Goliath destroys Dola's airship, severing the line connecting it to the glider. Sheeta and Pazu pass through the turbulent lightning storm.
 They land safely on Laputa, which they find deserted but for some fauna and one peaceful robot. The castle is in ruins, and a giant tree now grows out of the top of the island. The army arrives and begins looting the castle, having taken Dola's gang captive. Muska and his accomplices betray the army, destroying their communication systems, and capture Sheeta, taking her into the core of the castle. Pazu frees Dola's gang from their bindings and pursues Muska. The castle's core is the center of Laputa's ancient knowledge and weapons, which Muska activates using Sheeta's crystal, revealing to her that he is also a descendant of the Laputan royal line. Muska demonstrates Laputa's power by causing a massive explosion over the ocean and by destroying Goliath, declaring his intention to destroy humanity using Laputa, believing them inferior to himself and Sheeta. Horrified, Sheeta takes back the crystal and flees, but is cornered by a pursuing Muska in Laputa's throne room.
 Pazu appears and bargains for a brief truce. Sheeta teaches Pazu another ancient phrase, the spell of destruction, which they recite, causing Laputa to begin to collapse. The light of the spell blinds Muska, who falls to his death, while Sheeta and Pazu are protected by the giant tree's roots. While Laputa's bottom falls out, the rest of the castle – along with Dola's glider – is preserved by the giant tree, and the island begins to rise into space. Sheeta, Pazu, and Dola's gang are able to escape, and briefly reunite before flying away.
 Following the commercial success of Miyazaki's previous film, Nausicaä of the Valley of the Wind (1984), Miyazaki was eager to begin work on an old-fashioned adventure film that would be a ""pleasure"" to watch.[7] His first proposal for an animated feature film was based on a research trip to Yanagawa, tentatively titled ""Blue Mountains"".[8] The film was never produced, but it inspired Miyazaki's longtime collaborator Isao Takahata to create The Story of Yanagawa's Canals (1987), a documentary on the environmental effects of industry on the local waterways.[9] As Miyazaki was financing the project in large part through his personal office,[10] Animage editor Toshio Suzuki recommended that he direct another film to recover the expense, to which Miyazaki immediately agreed. He quickly developed a concept for the film based on an idea he had in elementary school. In 2014, Suzuki reflected on the events, saying ""If Takahata had made his movie on schedule, [Castle in the Sky] wouldn't have been born.""[11]
 On June 15, 1985, Miyazaki and Takahata founded Studio Ghibli, with support from Suzuki and his publishing company Tokuma Shoten. Miyazaki chose the name himself,[12] referencing both the Arabic term for a warm wind from the Sahara, as well as the Caproni Ca.309 Ghibli, an aircraft used by the Italian military during the Second World War.[13] The intent behind the creation of the studio was to ""blow a whirlwind"" into a stagnating Japanese animation industry by creating original, high-quality feature films.[14] In a speech at the 1995 Annecy International Animation Film Festival, Suzuki said ""The idea was to dedicate full energy into each piece of work with sufficient budget and time, never compromising on the quality or content.""[15]
 Miyazaki first visited Wales on a research trip in 1985, when Castle in the Sky was in early stages of production. He decided to take inspiration from the architecture of the region, and as a result, some of the structures seen in the film resemble Welsh mining towns.[16] Miyazaki also witnessed the coal miners' strike in protest of mine closures in Britain. Their ultimate failure to preserve the industry left a lasting impact on Miyazaki, who viewed the event as an attack by those in power on the miners' way of life and the hard-working spirit of the people.[12] His experiences reflect in several supporting characters in the film, who despite laboring through poverty in the mines, enthusiastically protect the protagonists from multiple aggressors. Susan J. Napier argues that this depiction reveals Miyazaki's yearning for a simpler way of life, and a desire to create a story based on optimism.[14] Animation scholar Helen McCarthy writes ""It seems that Castle in the Sky also contains echoes of the struggle of the Welsh people for nationhood and freedom.""[17] Miyazaki would visit Wales once more in 1986, ahead of the release of the film. In 2005, he told The Guardian ""I admired those men, I admired the way they battled to save their way of life, just as the coal miners in Japan did. Many people of my generation see the miners as a symbol; a dying breed of fighting men. Now they are gone.""[18]
 Certain special effects from the film use a combination of cel and film techniques.[19] Takahata, who produced the film, insisted that the highest quality be maintained in spite of the production expense. Napier argues that the production of Castle in the Sky ""established a new industry standard"".[14] Miyazaki stated in the original project proposal that ""[Castle in the Sky] is a project to bring animation back to its roots.""[20]
 Many of Miyazaki's old colleagues as well as much of the production crew of Nausicaä of the Valley of the Wind were employed once again to work on Castle in the Sky at Studio Ghibli's inception.[12] The film had a reported production budget of ¥500 million, equivalent to US$8 million in 2023.[21] Several animation studios such as Doga Kobo and Oh! Production provided support for the in-between animation.[3]
 Castle in the Sky contains a strong theme of environmentalism, questioning humanity's relationship with nature and the role of technology.[22] McCarthy interprets the giant tree of Laputa as a ""metaphor for the reviving and life-giving power of nature.""[23] However, in contrast with the more optimistic conclusions of Miyazaki's previous works, Napier notes that the film ends with an ""unsettling view"" of the castle flying away, suggesting that humanity may not deserve to exist in the natural world.[24] Literary scholar Anthony Lioi interprets Laputa as an ecological utopia that demonstrates the peace that can be established between nature and advanced technology, but also serves as a criticism of modernity when ""[the] peace is shattered by human violence.""[25] Lioi notes that this outlook differs from dominant Western ideas, eschewing the extremes of capitalism and industrialism, as well as radical environmentalism and conservationism.[25]
 Critics note the philosophical ambiguity of the castle; while Laputa initially appears to be an ideal union of nature and technology, it is later revealed to have a much harsher and more oppressive underside;[23] Napier writes that Laputa is ""deeply paradoxical"".[26] Laputa itself takes direct inspiration from the island of the same name from Gulliver's Travels (1726),[27] and film scholar Cristina Cardia claims that, like its namesake, the island is introduced with benign intentions but is ultimately ""exploited for perverse ends, in this case war.""[28] Lioi argues that Laputa is used as a means to comment on the ethics of contemporary culture,[25] based on Ildney Cavalcanti's observation that such a utopia also ""must contain an overtly dystopian element, such that the implicit critique in utopian discourse becomes explicit.""[29] However, he interprets the ultimate destruction of the castle's weapons as a demonstration that ""violence is not the heart of the city"", and that the dystopic elements of modernity can be healed.[25]
 The film also presents an ambiguous view on the usage of technology.[30] The robots from Laputa provide an example of this view, as they are introduced in the film as a violent force capable of extreme destruction. However, when the protagonists next meet a robot, it is entirely peaceful, tending to the gardens and fauna on Laputa.[31] Lioi argues that the robots, as a representation of Laputan technology, are caretakers by default and only become destructive in response to human brutality.[25] McCarthy argues that ""this is not a comment on technology but on man's inability to use it wisely.""[32] Odell and Le Blanc conclude that ""technology ... is not necessarily a bad thing, but we must consider how it's used and to what extent.""[30] The duality of nature and technology is further explored in Miyazaki's later film Princess Mononoke (1997).[30]
 Like many other films by Miyazaki, Castle in the Sky features young children as protagonists.[33] Miyazaki values the portrayal of children as good-hearted, confident in their own agency, and resilient and upbeat in response to adversity.[34] He criticized reviewers of his television series Future Boy Conan (1978) who described the titular character as ""too much of a goody-two-shoes"", admitting he was tempted to retort ""So you want to see 'bad characters', you fool?""[35] Film critics Colin Odell and Michelle Le Blanc argue that creating a film with younger protagonists generates perspectives that an adult would not perceive, saying ""the children in Ghibli's films are a liberating force that allows anything to be possible.""[36]
 The lack of parental oversight of the protagonists is an element Miyazaki feels to be important in promoting children's independence. The protagonists of his films are, like Sheeta and Pazu, often orphaned, or in some way parted from their parents.[37] Miyazaki believes that ""one of the essential elements of most classical children's literature is that the children in the stories actually fend for themselves.""[38] The presence of parents, in his opinion, would stifle the children's autonomy.[39] The limitations that children have in their abilities are also explored in the film; for example, Pazu comes close to forsaking Sheeta and his quest for Laputa.[40] Additionally, unlike Miyazaki's previous works, the protagonists do not succeed at convincing the antagonists of their wrongdoing, which offers a more pessimistic view on children's ability to educate others.[40]
 Napier proposes that Miyazaki's insistence on showing the freedom of children in Castle in the Sky can be credited to the influence of Panda and the Magic Serpent (1958).[39] Miyazaki first watched the film at age 17, and it moved him to pursue a career in animation.[41] At a lecture given in 1982 at Waseda University, he said ""When I saw Panda and the Magic Serpent, it was as if the scales fell from my eyes; I realized that I should depict the honesty and goodness of children in my work."" He considers this a focal point in his endeavors.[1] The theme of innocence is explored further in Miyazaki's succeeding film My Neighbor Totoro (1988).[42]
 Miyazaki's affinity for flight is repeatedly displayed in Castle in the Sky, a motif that continues throughout the feature films of his career.[33] A variety of fictional flying machines appear across the film, including the island of Laputa, the airships, and the pirates' ornithopters; Sheeta's crystal also allows her to float through the air.[43] However, many of the other flying machines in the film are retrofuturistic, influenced by nineteenth-century stylistic approaches.[44] Additionally, Miyazaki was inspired by the literature of Jules Verne and Robert Louis Stevenson when considering the style of the film.[45]
 Another stylistic trait that Miyazaki drew from nineteenth-century influences is the depiction of machines that ""still possess the inherent warmth of handcrafted things.""[46] Literary scholars Jeff VanderMeer and S. J. Chambers argue that Pazu's enthusiasm to build and work with flying machines gives the film's airships ""a realistic physicality.""[47] Commenting on the mecha anime popular at the time, Miyazaki expressed his hatred for shows that glorified machines without portraying the characters struggling to build or maintain them.[48] Animation scholar Thomas Lamarre argues that the film provides an ""alternative to our received technologies"" and thus a critique of more contemporary technologies and society's perception of them.[49]
 Boyes felt that many of these elements subsequently influenced the steampunk genre.[50] Napier writes that Verne's impact on the film's style was instrumental in evoking imagined nostalgia for a time when ""machines were still fun"", in Miyazaki's words.[51] While the other machines are presented as joyful, Laputa's underside is used exclusively as an instrument of destruction.[52] Miyazaki stated that, as a child, he was attracted to the design and power of military planes, a view that has since been replaced with revulsion for the indiscriminate acts of violence that the machines have been used for.[53] Miyazaki further explores the beauty of flying machines as well as their innate destructive potential in his later film The Wind Rises (2013).[54]
 The film was released in Japan on August 2, 1986, by the Toei Company.[55] At the Japanese box office, the film sold about 775,000 tickets,[15] somewhat lower than the performance of Nausicaä of the Valley of the Wind.[56] Miyazaki and Suzuki expressed their disappointment with the film's box office figures.[57] The film was promoted with a tie-in fruit soda brand which animation scholar Rayna Denison described as an ""economic failure"".[58]
 The film later earned a significant additional amount through rereleases;[14] as of 2021, it has grossed approximately US$157 million in box office, home video, and soundtrack sales.[59] In the United Kingdom, it was 2019's eighth-best-selling foreign language film on home video, below five other Studio Ghibli films.[60] The film has sold approximately 1.1 million tickets in Europe as of 2023.[61] Multiple international theatrical rescreenings between 2003 and 2023 have earned the film approximately US$6.2 million.[62]
 The first English dub of Castle in the Sky was produced by an unknown party[note 1] commissioned by Tokuma Shoten in 1988 for viewing on international flights on Japan Airlines; this dub was licensed between 1989 and 1991 by the then-new Streamline Pictures for distribution in North American markets.[68] An edited version of this dub briefly aired on UK television.[note 2] In addition to distribution rights, Streamline would go on to dub two other Studio Ghibli films in-house: My Neighbor Totoro and Kiki's Delivery Service (1989).[70]
 The English dub produced by Disney was recorded in 1998 and planned for release on video in 1999, but the release was postponed after Princess Mononoke did not perform well in North American theaters.[64] The film premiered at the New York International Children's Film Festival on February 2, 2000.[3] It was released on home video in North America on April 15, 2003, alongside a rerelease of Kiki's Delivery Service and Spirited Away (2001).[71] Due to the possible confusion of the title with the Spanish phrase la puta – literally 'the whore' – the film was released as simply Castle in the Sky in North America.[72] The film was released by Buena Vista on Blu-ray in North America on May 22, 2012.[73] Shout! Factory and GKIDS re-issued the film on Blu-ray and DVD on October 31, 2017.[74] Both the original Japanese version and the 2003 English dub were made available for streaming when the rights to Studio Ghibli's filmography were acquired by Netflix in 2020.[75]
 As with Nausicaä of the Valley of the Wind, Joe Hisaishi composed the soundtrack of Castle in the Sky.[76] Miyazaki and Hisaishi went on to become close collaborators, and Hisaishi has since provided the music for all of Miyazaki's feature films.[77] Three months before the film's theatrical release, the image album – a collection of demos and musical sketches that serve as a precursor to the finished score – was published by Tokuma on compact disc. A third version of the soundtrack, rearranged for full symphony orchestra and recorded by the Tokyo City Philharmonic, released in 1987 on compact disc.[76]
 For the English dub produced by Disney in 1998, Hisaishi was called upon to rewrite the soundtrack to be more suitable for audiences in America. The new soundtrack was recorded by the Seattle Symphony and featured in the 2003 English dub released by Buena Vista.[78] Hisaishi was advised by Disney staff that non-Japanese audiences prefer comparatively more music in films. As a result, the American soundtrack is much longer, while the original Japanese version featured just an hour of music for a film exceeding two hours in length. Though Hisaishi felt that American film scores used an overly simplistic compositional approach, he commented ""But when I redid the music of Laputa this way, I learned a lot.""[79]
 The credits sequence of the film features an original vocal song titled ""Carrying You"" performed by Azumi Inoue, with music by Hisaishi and lyrics by Miyazaki. The song was released in 1988 as a compact disc single, featuring an additional chorus version performed by the Suginami Children's Choir.[80]
 Castle in the Sky has been generally acclaimed by film critics in the years since its release. In 2001, Animage ranked Castle in the Sky 44th in their list of top 100 anime.[81] Animation critic and writer Raz Greenberg calls Castle in the Sky ""one of the greatest adventure films ever made"",[82] and critic Manabu Murase names it ""quite possibly the most entertaining anime that Miyazaki ever made"".[83] On the review aggregator website Rotten Tomatoes, the film holds an approval rate of 96% from 28 critics, with an average rating of 7.6 out of 10. The site's critic consensus reads, ""With a storytelling palette as rich and brilliant as its animation, Castle in the Sky thrillingly encapsulates Studio Ghibli's unique strengths.""[84] At Metacritic, the film has a weighted average score of 78 out of 100 based on seven critics, indicating ""generally favorable reviews"".[85]
 While multiple reviewers felt that the film's two-hour runtime would turn audiences away,[86] The New York Times's Caryn James commenting that it is ""liable to strain patiences of adults and the attention spans of children"",[87] others argued that the film had the appeal to keep audiences entertained.[88] IGN's Jeremy Conrad felt the characters are ""so likable that you never get bored, you always want to see what adventure is next for them"".[4] Reviewers were split over the 1988 English dub,[89] with the Dayton Daily News's Terry Lawson calling it ""the film's weakest element"",[90] while The Cincinnati Post's David Lyman felt the dubbing into English had been done ""superbly"".[91] The 2003 dub similarly received mixed reviews, with The A.V. Club's Tasha Robinson calling Disney's recordings ""almost comically bland"",[92] and Conrad expressing his appreciation for Anna Paquin as Sheeta and Mark Hamill's performance as Muska.[4] Many critics also praised the animation,[93] the Asheville Times's Tom Sabulis considering it ""state-of-the-art""[94] and The Philadelphia Inquirer's Steven Rea naming it ""masterful"".[95] However, some felt the motions lacked fluidity,[96] with Lyman describing it as ""stiff-limbed"".[91]
 Most reviewers highlighted the imaginative capacity that Miyazaki displays in the film.[97] Slant's Chuck Bowen noted the subtle details included in the film, which he felt lends it ""texture and originality"".[98] A review in the Weekly Asahi highlighted the film's dynamism, favorably comparing its flying sequences with Peter Pan (1953).[99] Several reviewers praised the use of color, which made the film ""a joy to watch"" according to James.[100] A reviewer for City Road noted that the film could present themes that were critical of modern society while still maintaining a ""warm and caring"" view of humanity.[101] Several reviewers noted the film's strong ecological theme, with The Washington Post's Richard Harrington appreciating the ""moral duality"" of Laputa's technology,[102] and the Asahi Journal's Yomota Inuhiko praising the depiction of Laputa as a utopia which gradually developed dystopic elements.[103] Critics and scholars also noted the film's connections to Miyazaki's previous works; Greenberg felt that the film is ""deeply rooted within Miyazaki's filmography of the two decades that preceded it"",[40] and Denison called it a ""compendium of Miyazaki's previous interests as an animator"".[104]
 In a 2006 poll by Japan's Agency for Cultural Affairs conducted at the 2006 Japan Media Arts Festival, the film was rated the third-best animation of all time, after Nausicaä of the Valley of the Wind and Neon Genesis Evangelion (1995).[105] In a 2008 audience poll conducted by Oricon in Japan, Castle in the Sky was voted the best animation of all time.[106]
 Castle in the Sky is considered by some scholars and writers to be an important work in the modern steampunk and dieselpunk styles.[111] Along with Nausicaä of the Valley of the Wind, Philip Boyes of Eurogamer considers Castle in the Sky a major contributor to the genres' popularity in Japan, introducing audiences to stylistic features such as airships which were otherwise mostly prevalent in Europe.[50] According to McCarthy, ""its mix of epic action-adventure and techno-ecological theme has since earned [Castle in the Sky] cult status.""[2]
 Several notable artists in the anime and manga industries have cited Castle in the Sky as a major influence on their works. Nadia: The Secret of Blue Water (1990), by Neon Genesis Evangelion director Hideaki Anno, is noted for its similarities in premise with Castle in the Sky. Anno had previously worked with Miyazaki on the production of Nausicaä of the Valley of the Wind, and has stated that Nadia was based in part on one of Miyazaki's concepts.[112] D.Gray-man (2004) author Katsura Hoshino was moved to pursue a career in animation after watching the film, ultimately becoming a manga artist.[113] Ghost in the Shell (1995) director Mamoru Oshii[114] and Your Name (2016) director Makoto Shinkai named Castle in the Sky among their favorite animations.[115] Additionally, VanderMeer and Chambers argue that Castle in the Sky forms the stylistic foundation for several of Miyazaki's later films, including Porco Rosso (1992) and Howl's Moving Castle (2004).[47]
 John Lasseter, former chief creative officer at Pixar and Disney Animation, often cited Miyazaki and his works to be his ""greatest inspiration"".[116] When asked about some of his favorite films, Lasseter expressed his admiration for Castle in the Sky.[110] Lasseter has worked with Miyazaki on the English dubs of several of his films, and notes this as an influence on his work with his colleagues. At a speech delivered at the 2014 Tokyo International Film Festival, Lasseter said ""Whenever we get stuck at Pixar or Disney, I put on a Miyazaki film sequence or two, just to get us inspired again.""[117] Napier argues that the protagonist of Pixar's WALL-E (2008), a robot left to care for a world abandoned by humans, ""may have its roots in Laputa's nurturing robot.""[118]
 Castle in the Sky has influenced numerous video games, particularly in Japan, with its success leading to a wave of steampunk video games.[50] Game designer Hironobu Sakaguchi cited Castle in the Sky as an inspiration behind his Final Fantasy video game series, particularly citing it as an influence on the series' airships.[119] According to Boyes, Castle in the Sky also influenced the airships in the Mario and Civilization franchises.[50] The Iron Golem from Minecraft (2011) takes inspiration from the robots in the film.[120] Several games from The Legend of Zelda series are noted to have been influenced by Castle in the Sky, particularly Tears of the Kingdom (2023), which features a flying castle and several thematic parallels with the film.[121]
 On December 9, 2011, during an airing of Castle in the Sky on Japanese television, fans posting to Twitter set a new record for the platform by causing a peak of 25,088 tweets per second.[122] The record was later surpassed during another airing on August 2, 2013, with a figure of 143,199 per second.[123]",4663,"Main page; Contents; Current events; About Wikipedia; Help; Learn to edit; Community portal; Upload file; ; learn more; Article; Talk; Read; Read; Upload file; ; Castles in the Sky (disambiguation); ; Kanji; Revised Hepburn; Hayao Miyazaki; Isao Takahata; Mayumi Tanaka; Keiko Yokozawa; Minori Terada; Takeshi Seyama; Joe Hisaishi; Studio Ghibli; Toei Company; Japanese; Hepburn; animated; fantasy; adventure film; Hayao Miyazaki; Isao Takahata; Studio Ghibli; Toei Company; Mayumi Tanaka; Keiko Yokozawa; Minori Terada; 1984–1985 coal miners' strike; retrofuturistic; steampunk; Tokuma Shoten; Streamline Pictures; Disney; Buena Vista; Joe Hisaishi; Agency for Cultural Affairs; Oricon; Ōfuji Noburō Award; Mainichi Film Awards; Anime Grand Prix; Animage; cult status; ; Mayumi Tanaka; ; Mark Hamill; Tokuma; Streamline; Disney; Buena Vista; Mayumi Tanaka; Barbara Goodson; James Van Der Beek; Keiko Yokozawa; Anna Paquin; Debi Derryberry; Cloris Leachman; Minori Terada; Mark Hamill; Ichirō Nagai; Jim Cummings; Richard Dysart; Hiroshi Ito; John Hostetter; Michael McShane; Sukekiyo Kameyama; Eddie Frierson; Andy Dick; Yoshito Yasuhara; Mandy Patinkin; Machiko Washio; Tress MacNeille; Tarako Isono; Debi Derryberry; Ryūji Saikachi; Eddie Frierson; Tomomichi Nishimura; Matt K. 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Club; The Guardian; The Atlantic; Inverse; Asheville Times; Newspapers.com; CNET; Shūkan Bunshun; San Francisco Examiner; Newspapers.com; The Guardian; Newspapers.com; Anime News Network; The Seattle Times; Nausicaa.net; Wonderland; Screen Rant; Agency for Cultural Affairs; Animage; Box Office Mojo; British Film Institute; Frierson, Eddie; The New York Times; Hisaishi, Joe; Keyboard; ISSN; Lumiere; Macek, Carl; Anime News Network; cite interview; link; Mainichi Shimbun; Metacritic; YouTube; Nausicaa.net; Nausicaa.net; Oricon; Patten, Fred; Rogers, Tim; Edge; Rotten Tomatoes; Shueisha; Mojang Studios; Suzuki, Toshio; Nausicaa.net; Nausicaa.net; Twitter Engineering; sister projects; IMDb; Anime News Network; AllMovie; Rotten Tomatoes; Metacritic; Nausicaa.net; Japanese Movie Database; v; t; Hayao Miyazaki; Accolades; Bibliography; List of works; The Castle of Cagliostro; Nausicaä of the Valley of the Wind; My Neighbor Totoro; Kiki's Delivery Service; Porco Rosso; Princess Mononoke; Spirited Away; Howl's Moving Castle; Ponyo; The Wind Rises; The Boy and the Heron; Panda! 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Coraline,https://fr.wikipedia.org/wiki/Coraline,"Pour le film d'animation adapté du livre, voir Coraline.
 Pour les articles homonymes, voir Coraline.
 
 Coraline (titre original : Coraline) est un conte noir de l'écrivain britannique Neil Gaiman, publié en 2002 par Bloomsbury et Harper Collins. Il a été traduit en français par Hélène Collon et publié en 2003 aux éditions Albin Michel Jeunesse.
 Comparé à Alice au Pays des Merveilles de Lewis Carroll pour son surréalisme et par la présence de réalité alternative, il a remporté le prix Hugo du meilleur roman court 2003, le prix Nebula du meilleur roman court 2003, le prix Locus du meilleur roman pour jeunes adultes 2003, le prix British Science Fiction de la meilleure fiction courte 2002 et le prix Bram Stoker de la meilleure œuvre pour les jeunes lecteurs en 2002. Son adaptation en bande dessinée par P. Craig Russell a remporté le prix Eisner 2009 de la meilleure publication pour adolescents.
 Il a été également adapté en un long-métrage d'animation en volume, dirigé par Henry Selick qui a remporté le « Cristal du long métrage » au Festival international du film d'animation d'Annecy 2009.
 Coraline et ses parents viennent de déménager dans une maison partagée en plusieurs appartements. Le lendemain de son installation, Coraline part explorer son nouvel univers. Après avoir entendu des bruits étranges et vu une ombre détaler dans un couloir, elle ouvre une petite porte dérobée et se retrouve dans un appartement presque identique au sien. 
 Coraline découvre alors « l'autre mère » et son « autre père ». Chacun se montre très gentil, mais possède des boutons à la place des yeux. Coraline le remarque, mais la féerie du lieu le lui fait oublier. Cependant, quand l'autre mère lui propose de lui coudre des boutons à la place des yeux, Coraline prend peur et fuit vers le monde réel. Elle est soulagée, jusqu'à ce qu'elle se rende compte que ses parents ont été enlevés par l'autre mère. Furieuse, elle retourne dans l'autre monde et met au défi l'autre mère pour récupérer ses parents. Elle réussit et elle quitte l'autre monde avec ses parents.",347,"Accueil; Portails thématiques; Article au hasard; Contact; Débuter sur Wikipédia; Aide; Communauté; Modifications récentes; ; Rechercher; en savoir plus; Contributions; Discussion; Article; Discussion; Lire; Lire; Pages liées; Suivi des pages liées; Téléverser un fichier; Pages spéciales; ; Coraline; ; Coraline; Neil Gaiman; ; Royaume-Uni; Roman court; Conte; Anglais britannique; Bloomsbury; HarperCollins; 24; janvier; 2002; ISBN; 0-06-052188-0; Hélène Collon; Albin Michel Jeunesse; Wiz; Paris; 3; janvier; 2003; ISBN; 2-226-14019-0; ; conte; britannique; Neil Gaiman; 2002; Bloomsbury; Harper Collins; Hélène Collon; 2003; Albin Michel Jeunesse; Alice au Pays des Merveilles; Lewis Carroll; prix Hugo du meilleur roman court; 2003; prix Nebula du meilleur roman court; 2003; prix Locus du meilleur roman pour jeunes adultes; 2003; prix British Science Fiction de la meilleure fiction courte; 2002; prix Bram Stoker; 2002; P. Craig Russell; prix Eisner; adapté en un long-métrage; animation en volume; Henry Selick; Festival international du film d'animation d'Annecy; télétravaille; Bloomsbury Publishing; 24; janvier; 2002; ISBN; 0-06-052188-0; Éditions Albin Michel; Wiz; 3; janvier; 2003; Hélène Collon; ISBN; 2-226-14019-0; Albin Michel jeunesse; Wiz; 2009; Hélène Collon; ISBN; 978-2-226-19344-5; J'ai lu; 9; mai; 2012; Hélène Collon; ISBN; 978-2-290-04063-8; Coraline; bande dessinée; P. Craig Russell; Henry Selick; L'Étrange Noël de monsieur Jack; film d'animation homonyme; stop motion; 10; juin; 2009; Stephin Merritt; jeu vidéo; Nintendo DS; Wii; Playstation 2; Notices d'autorité; ; Vernor Vinge; Prix Hugo du meilleur roman court; 2003; Cookie Monster; Vernor Vinge; Prix Nebula du meilleur roman court; 2003; La Peste du léopard vert; Walter Jon Williams; Prix Locus du meilleur roman pour jeunes adultes; 2003; Les Ch'tits Hommes libres; Terry Pratchett; v; Prix Hugo du meilleur roman court; La Chose; John W. Campbell; Si ça arrivait; Robert A. Heinlein; Waldo; Robert A. Heinlein; Le Petit Prince; Antoine de Saint-Exupéry; Killdozer; Theodore Sturgeon; La Ferme des animaux; George Orwell; L'Homme qui vendit la Lune; Robert A. Heinlein; Un cas de conscience; James Blish; La Quête du Weyr; Anne McCaffrey; Philip José Farmer; Les Ailes de la nuit; Robert Silverberg; Fritz Leiber; Fritz Leiber; Poul Anderson; Le nom du monde est forêt; Ursula K. Le Guin; Une fille branchée; James Tiptree, Jr.; Chanson pour Lya; George R. R. Martin; Roger Zelazny; Spider Robinson; Houston, Houston, me recevez-vous ?; James Tiptree, Jr.; Spider Robinson; Jeanne Robinson; John Varley; Barry B. Longyear; Gordon R. Dickson; Poul Anderson; Âmes; Joanna Russ; Timothy Zahn; John Varley; Vingt-quatre vues du Mont Fuji, par Hokusai; Roger Zelazny; Robert Silverberg; Orson Scott Card; Le Dernier des Winnebago; Connie Willis; Les Montagnes du deuil; Lois McMaster Bujold; Le Vieil Homme et son double; Joe Haldeman; L'une rêve et l'autre pas; Nancy Kress; Lucius Shepard; Harry Turtledove; Mike Resnick; Allen Steele; George R. R. Martin; Allen Steele; Océanique; Greg Egan; Connie Willis; Jack Williamson; Vernor Vinge; Neil Gaiman; Cookie Monster; Vernor Vinge; Charles Stross; Connie Willis; Robert Reed; Connie Willis; Le Nexus du docteur Erdmann; Nancy Kress; Palimpseste; Charles Stross; Le Cycle de vie des objets logiciels; Ted Chiang; Un pont sur la brume; Kij Johnson; L'Âme de l'empereur; Brandon Sanderson; Charles Stross; Binti; Nnedi Okorafor; Les Portes perdues; Seanan McGuire; Défaillances systèmes; Martha Wells; Schémas artificiels; Martha Wells; Les Oiseaux du temps; Amal El-Mohtar; Max Gladstone; L'Impératrice du Sel et de la Fortune; Nghi Vo; Un psaume pour les recyclés sauvages; Becky Chambers; Seanan McGuire; v; Prix Locus du meilleur roman pour jeunes adultes; Neil Gaiman; Les Ch'tits Hommes libres; Terry Pratchett; Un chapeau de ciel; Terry Pratchett; Jane Yolen; L'Hiverrier; Terry Pratchett; Lombres; China Miéville; L'Étrange Vie de Nobody Owens; Neil Gaiman; Léviathan; Scott Westerfeld; Ferrailleurs des mers; Paolo Bacigalupi; La Fille qui navigua autour de Féérie dans un bateau construit de ses propres mains; Catherynne M. 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Gaiman started writing Coraline in 1990, and it was published in 2002 by Bloomsbury and HarperCollins. It was awarded the 2003 Hugo Award for Best Novella,[3] the 2003 Nebula Award for Best Novel,[4] and the 2002 Bram Stoker Award for Best Work for Young Readers.[5] The Guardian ranked Coraline #82 in its list of 100 Best Books of the 21st Century.[6] It was adapted as a 2009 stop-motion animated film, directed by Henry Selick under the same name.
 Coraline Jones and her parents move into an old house that has been divided into flats. The other tenants include Miss Spink and Miss Forcible, two elderly women retired from the stage, and Mr. Bobo (commonly referred as the ""Crazy Old Man Upstairs""), who claims to be training a mouse circus. The flat beside Coraline's, which lies behind a big brown door, remains empty.
 During a rainy day she discovers the locked door in the living room, which has been bricked up. As she goes to visit her neighbors, Mr. Bobo relates to her a message from the mice: Don't go through the door. At tea with Miss Spink and Miss Forcible, Miss Spink senses danger in Coraline’s future after reading her tea leaves and gives her a lucky adder stone. They then explain that it is ""good for bad things"". Despite these warnings, Coraline decides to unlock the door when she is home by herself and finds the brick wall behind the door gone. In its place is a long passageway, which leads to a flat identical to her own, inhabited by her Other Mother and Other Father, who are replicas of her real parents. They have button eyes and exaggerated features. In this “Other World”, Coraline finds everything to be better than her reality: her Other Parents are attentive, her toy box is filled with animate toys that can move and fly, and the Other Miss Spink and Miss Forcible forever perform a cabaret show in their flat. She even finds the feral Black Cat that wanders around the house in the real world can talk, however she learns he is not of the Other World; he only travels from one world to another and warns Coraline of the imminent danger, but Coraline pays him no heed.
 The Other Mother offers Coraline a chance to stay in the Other World forever, if Coraline will allow buttons to be sewn into her eyes. Coraline is horrified and returns back through the door to go home. Upon her return to her apartment, Coraline finds her real parents are missing. They do not return the next day, and the black cat wakes her and takes her to a mirror in her hallway, through which she can see her trapped parents. They signal to her by writing ""Help Us"" on the glass, from which Coraline deduces the Other Mother has kidnapped them. Though frightened of returning, Coraline goes back to the Other World to confront the Other Mother and rescue her parents. In the garden, Coraline is prompted by the Cat to challenge the Other Mother, as “her kind of thing loves games and challenges”. The Other Mother tries to convince Coraline to stay, but Coraline refuses, and is locked behind a mirror as punishment.
 In the darkness, she meets three ghost children, each from a different era, who had let the ""Beldam"" (the Other Mother) sew buttons in their eyes. They tell her how she eventually stopped loving them and cast their spirits aside. The ghost children implore Coraline to avoid their fate, and to help find their souls so that they can leave the Other World and pass on. After the Other Mother releases Coraline from the mirror, Coraline proposes a game in which she must find the ghost children’s souls and her parents, which lay hidden throughout the Other World. If Coraline wins, she, her parents and the ghost children may go free. If not, Coraline will let the Other Mother sew the buttons into her eyes.
 Coraline goes through the Other World, and overcomes all the Other Mother’s obstacles, using her wits and Miss Spink’s stone to locate the ghost children’s souls. At the close of the game, the ghost children warn her even if Coraline wins, the Other Mother will not let them go. Having deduced her parents are imprisoned in the snow globe on the mantle, Coraline tricks the Other Mother by saying her parents are behind the door in the drawing room. As the Other Mother opens the door, Coraline throws the cat at the Other Mother, grabs the snow globe, and escapes to the real world with the key. In doing so, she forces the door shut on the Other Mother's hand, severing it. Back in her home, Coraline finds her parents safe and with no memory of the events.
 That night, Coraline has a dream in which she meets the three children before they move on to the afterlife. They warn her that her task is still not done: the Other Mother's severed hand is in Coraline's world, attempting to steal the key which opens the door that connects the two worlds. Coraline goes to an old well in the woods by her house, luring the Other Mother’s hand there with the key by pretending to have a picnic with her dolls. By doing so, she casts both down the bottomless well. Coraline returns home, victorious, and prepares to go about the ordinary life she has come to accept and love.
 A graphic novel adaptation by P. Craig Russell, lettered by Todd Klein and colored by Lovern Kindzierski, was published in 2008.[7]
 With the help of the animation studio Laika, LLC, director Henry Selick released a stop motion film adaptation in 2009 that received much critical acclaim, and moderate box office success. At the 82nd Academy Awards, the film was nominated for Best Animated Feature but lost to Pixar's Up. Although the 2009 film has several differences (one example is the Beldam turning the Other Father into a pumpkin), it still manages to hold relatively strong to the original plot of the book. In the film, Coraline is depicted as having short blue hair and freckles. In the movie, there was an added new character named Wyborn ""Wybie"" Lovat, a boy about Coraline's age who frequently annoyed Coraline at first, but over time, they grow on each other. In the Other World, his copy cannot speak but is an ally to Coraline, and gets punished by the Other Mother when he helps Coraline escape the Other World. At the end of the film, Coraline reaches out to help Wybie tell his grandmother what is behind the little door. The sister of Wybie's grandmother was one of the ghost children lost to the Beldam.
 A theatrical adaptation, with music and lyrics by Stephin Merritt and book by David Greenspan, premiered on 6 May 2009, produced by MCC Theater and True Love Productions Off-Broadway at The Lucille Lortel Theatre.[8] Nine-year-old Coraline was played by an adult, Jayne Houdyshell, and the Other Mother was played by David Greenspan.[8]
 Another theatrical adaptation, a stage opera by Mark-Anthony Turnage based on the novella, made its world premiere at the Barbican Centre in London on 27 March 2018.
 On 22 May 2024, it was announced that a new musical adaptation, with music and lyrics by Louis Barabbas and book by Zinnie Harris, would premiere at the Leeds Playhouse on 11 April 2025, before embarking on a tour to the HOME (Manchester), the Birmingham Repertory Theatre, and the Royal Lyceum Theatre in Edinburgh.[9]
 A  2009 video game adaptation, based on the film, was published and developed by D3 Publisher of America. The game was released on 27 January 2009 for the PlayStation 2, Nintendo DS and Wii platforms and contains features such as playing as Coraline, interacting with other characters, and playing minigames. The game received mostly negative reviews, and little success.[10][11]
 Coraline inspired the ""Coralisa"" segment of The Simpsons episode ""Treehouse of Horror XXVIII"", which aired on 22 October 2017. Neil Gaiman provided the voice of the Simpsons' cat, Snowball V.[12]",1365,"Main page; Contents; Current events; About Wikipedia; Help; Learn to edit; Community portal; Upload file; ; learn more; Article; Talk; Read; Read; Upload file; Coraline (film); Coraline (disambiguation); ; Neil Gaiman; Dave McKean; Horror; Dark fantasy; Children's novel; Bloomsbury Publishing; HarperCollins; e-book; audiobook; ISBN; OCLC; Dewey Decimal; LC Class; /ˈkɒrəlaɪn/; dark fantasy; horror; children's; novella; Neil Gaiman; Bloomsbury; HarperCollins; Hugo Award for Best Novella; Nebula Award for Best Novel; Bram Stoker Award for Best Work for Young Readers; The Guardian; 2009 stop-motion animated film; Henry Selick; adder stone; sarcastic; grub; aging; Scotties; anthropomorphic; vampire bat; circus; rats; fairy; afterlife; P. Craig Russell; Todd Klein; Lovern Kindzierski; Coraline (film); Laika, LLC; Henry Selick; stop motion; 82nd Academy Awards; Best Animated Feature; Pixar; Up; pumpkin; Coraline (musical); Stephin Merritt; David Greenspan; MCC Theater; Off-Broadway; Jayne Houdyshell; Coraline (opera); Mark-Anthony Turnage; Barbican Centre; Coraline (2025 musical); Zinnie Harris; Leeds Playhouse; HOME (Manchester); Birmingham Repertory Theatre; Royal Lyceum Theatre; Coraline (video game); PlayStation 2; Nintendo DS; Wii; The Simpsons; Treehouse of Horror XXVIII; Snowball V; Coraline (given name); Coraline's Curious Cat Trail; YouTube; World Science Fiction Society; Science Fiction and Fantasy Writers of America; Horror Writers Association; TheGuardian.com; Newsarama; Blankenship, Mark; Metacritic; Internet Off-Broadway Database; v; t; Neil Gaiman; Coraline; soundtrack; 2009 musical; 2018 opera; 2025 musical; Video game; Coraline's Curious Cat Trail; Category; v; t; Neil Gaiman; bibliography; Good Omens; Neverwhere; Stardust; The Sandman: The Dream Hunters; American Gods; Anansi Boys; InterWorld; Odd and the Frost Giants; The Graveyard Book; The Silver Dream; The Ocean at the End of the Lane; Eternity's Wheel; Angels and Visitations; Smoke and Mirrors; Fragile Things; M Is for Magic; A Little Gold Book of Ghastly Stuff; Trigger Warning; The Day I Swapped My Dad for Two Goldfish; The Wolves in the Walls; Blueberry Girl; Crazy Hair; Murder Mysteries; We Can Get Them for You Wholesale; Snow, Glass, Apples; How to Talk to Girls at Parties; A Study in Emerald; I, Cthulhu; Violent Cases; Black Orchid; character; The Sandman; Signal to Noise; Marvelman; The Books of Magic; The Last Temptation; Angela; Death: The High Cost of Living; The Tragical Comedy or Comical Tragedy of Mr. Punch; Sandman Midnight Theatre; Lady Justice; Mr. Hero the Newmatic Man; Death: The Time of Your Life; Midnight Days; Green Lantern/Superman: Legend of the Green Flame; The Sandman: Endless Nights; Marvel 1602; Eternals; Batman: Whatever Happened to the Caped Crusader?; Neverwhere; Day of the Dead; A Short Film About John Bolton; MirrorMask; Stardust; Beowulf; Coraline; The Doctor's Wife; Nightmare in Silver; Lucifer; American Gods; How to Talk to Girls at Parties; Good Omens; The Sandman; Dead Boy Detectives; Anansi Boys; Ghastly Beyond Belief; Don't Panic: The Official Hitchhiker's Guide to the Galaxy Companion; The Sandman: Book of Dreams; A Walking Tour of the Shambles; Two Plays for Voices; Kirby: King of Comics; Neverwhere; 8in8; Where's Neil When You Need Him?; InterWorld series; Neil Gaiman: Dream Dangerously; Norse Mythology; v; t; BSFA Award; The Moment of Eclipse; Brian W. Aldiss; The Deathbird Stories; Harlan Ellison; Christopher Priest; The Brave Little Toaster; Thomas M. Disch; Mythago Wood; Robert Holdstock; Keith Roberts; Malcolm Edwards; ""The Unconquered Country""; Geoff Ryman; Cube Root; David Langford; Keith Roberts; ""Love Sickness""; Geoff Ryman; Dark Night in Toyland; Bob Shaw; Lisa Tuttle; Kim Newman; Ian McDonald; Robert Holdstock; Garry Kilworth; Paul di Filippo; Brian Stableford; Barrington J. Bayley; Stephen Baxter; Gwyneth Jones; Eric Brown; Peter F. Hamilton; Eric Brown; Neil Gaiman; The Wolves in the Walls; Neil Gaiman; Dave McKean; ""Mayflower II""; Stephen Baxter; Magic for Beginners; Kelly Link; The Djinn's Wife; Ian McDonald; Ken MacLeod; Exhalation; Ted Chiang; Ian Watson; Roberto Quaglia; Aliette de Bodard; Paul Cornell; Ian Sales; Nina Allan; Jaine Fenn; Anne Charnock; v; t; Nebula Award; Best Novella; The Saliva Tree; Brian W. Aldiss; He Who Shapes; Roger Zelazny; The Last Castle; Jack Vance; Behold the Man; Michael Moorcock; Dragonrider; Anne McCaffrey; A Boy and His Dog; Harlan Ellison; Ill Met in Lankhmar; Fritz Leiber; Katherine Maclean; A Meeting with Medusa; Arthur C. Clarke; The Death of Doctor Island; Gene Wolfe; Born with the Dead; Robert Silverberg; Home Is the Hangman; Roger Zelazny; Houston, Houston, Do You Read?; James Tiptree Jr.; Stardance; Spider Robinson; Jeanne Robinson; The Persistence of Vision; John Varley; Enemy Mine; Barry B. Longyear; Suzy McKee Charnas; The Saturn Game; Poul Anderson; John Kessel; Greg Bear; Press Enter; John Varley; Sailing to Byzantium; Robert Silverberg; Lucius Shepard; The Blind Geometer; Kim Stanley Robinson; The Last of the Winnebagos; Connie Willis; The Mountains of Mourning; Lois McMaster Bujold; The Hemingway Hoax; Joe Haldeman; Beggars in Spain; Nancy Kress; James Morrow; Jack Cady; Seven Views of Olduvai Gorge; Mike Resnick; Last Summer at Mars Hill; Elizabeth Hand; Jack Dann; Jerry Oltion; Sheila Finch; Story of Your Life; Ted Chiang; Linda Nagata; Jack Williamson; Richard Chwedyk; Neil Gaiman; The Green Leopard Plague; Walter Jon Williams; Magic for Beginners; Kelly Link; Burn; James Patrick Kelly; Fountain of Age; Nancy Kress; Catherine Asaro; Kage Baker; The Lady Who Plucked Red Flowers Beneath the Queen's Window; Rachel Swirsky; The Man Who Bridged the Mist; Kij Johnson; Nancy Kress; The Weight of the Sunrise; Vylar Kaftan; Nancy Kress; Binti; Nnedi Okorafor; Every Heart a Doorway; Seanan McGuire; All Systems Red; Martha Wells; The Tea Master and the Detective; Aliette de Bodard; This Is How You Lose the Time War; Amal El-Mohtar; Max Gladstone; Ring Shout; P. Djèlí Clark; And What Can We Offer You Tonight; Premee Mohamed; Even Though I Knew the End; C. L. Polk; Ai Jiang; v; t; Hugo Award; Best Novella; Retro Hugos; Who Goes There?; Don A. Stuart; If This Goes On—; Robert A. Heinlein; Waldo; Robert A. Heinlein; The Little Prince; Antoine de Saint-Exupéry; Killdozer!; Theodore Sturgeon; Animal Farm; George Orwell; The Man Who Sold the Moon; Robert A. Heinlein; A Case of Conscience; James Blish; Riders of the Purple Wage; Philip José Farmer; Weyr Search; Anne McCaffrey; Nightwings; Robert Silverberg; Fritz Leiber; Ill Met in Lankhmar; Fritz Leiber; The Queen of Air and Darkness; Poul Anderson; The Word for World Is Forest; Ursula K. Le Guin; The Girl Who Was Plugged In; James Tiptree Jr.; George R. R. Martin; Home Is the Hangman; Roger Zelazny; Spider Robinson; Houston, Houston, Do You Read?; James Tiptree Jr.; Stardance; Spider Robinson; Jeanne Robinson; The Persistence of Vision; John Varley; Enemy Mine; Barry B. Longyear; Lost Dorsai; Gordon R. Dickson; The Saturn Game; Poul Anderson; Souls; Joanna Russ; Timothy Zahn; Press Enter; John Varley; 24 Views of Mt. Fuji, by Hokusai; Roger Zelazny; Gilgamesh in the Outback; Robert Silverberg; Eye for Eye; Orson Scott Card; The Last of the Winnebagos; Connie Willis; The Mountains of Mourning; Lois McMaster Bujold; The Hemingway Hoax; Joe Haldeman; Beggars in Spain; Nancy Kress; Lucius Shepard; Down in the Bottomlands; Harry Turtledove; Seven Views of Olduvai Gorge; Mike Resnick; The Death of Captain Future; Allen Steele; Blood of the Dragon; George R. R. Martin; Allen Steele; Oceanic; Greg Egan; Connie Willis; Jack Williamson; Fast Times at Fairmont High; Vernor Vinge; Neil Gaiman; The Cookie Monster; Vernor Vinge; The Concrete Jungle; Charles Stross; Inside Job; Connie Willis; Robert Reed; All Seated on the Ground; Connie Willis; Nancy Kress; Palimpsest; Charles Stross; The Lifecycle of Software Objects; Ted Chiang; The Man Who Bridged the Mist; Kij Johnson; The Emperor's Soul; Brandon Sanderson; Charles Stross; Binti; Nnedi Okorafor; Every Heart a Doorway; Seanan McGuire; All Systems Red; Martha Wells; Artificial Condition; Martha Wells; This Is How You Lose the Time War; Amal El-Mohtar; Max Gladstone; The Empress of Salt and Fortune; Nghi Vo; A Psalm for the Wild-Built; Becky Chambers; Where the Drowned Girls Go; Seanan McGuire; Thornhedge; T. Kingfisher; v; t; Locus Award; Best Young Adult Book; Neil Gaiman; The Wee Free Men; Terry Pratchett; A Hat Full of Sky; Terry Pratchett; Jane Yolen; Adam Stemple; Wintersmith; Terry Pratchett; Un Lun Dun; China Miéville; The Graveyard Book; Neil Gaiman; Leviathan; Scott Westerfeld; Ship Breaker; Paolo Bacigalupi; The Girl Who Circumnavigated Fairyland in a Ship of Her Own Making; Catherynne M. Valente; Railsea; China Miéville; The Girl Who Soared Over Fairyland and Cut the Moon in Two; Catherynne M. Valente; Half a King; Joe Abercrombie; The Shepherd's Crown; Terry Pratchett; Revenger; Alastair Reynolds; Akata Warrior; Nnedi Okorafor; Justina Ireland; Dragon Pearl; Yoon Ha Lee; A Wizard's Guide to Defensive Baking; T. 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"Anastasia (film, 1997)","https://fr.wikipedia.org/wiki/Anastasia_(film,_1997)","Pour les articles homonymes, voir Anastasia.
 Meg RyanJohn CusackKelsey GrammerChristopher LloydHank Azaria
 
 Pour plus de détails, voir Fiche technique et Distribution. modifier  Anastasia est un film d'animation américain réalisé par Don Bluth et Gary Goldman, sorti en 1997.
 Le personnage principal est la grande-duchesse Anastasia Nikolaïevna de Russie, dite Anastasia, benjamine des Romanov dont le dernier monarque, le tsar Nicolas II, fut victime d'une révolution. La légendaire survie d’Anastasia, qui aurait fui l'assassinat des siens, est le ressort du drame. Dans le film, elle échappe aux bolchéviques mais tombe dans les filets de Raspoutine.
 Saint-Pétersbourg, 1916. La veille de la révolution qui va le briser, le tsar Nicolas II commémore le tricentenaire dynastique dans l'Empire russe. Sa mère, l'impératrice douairière Marie, se rend au palais pour rejoindre la fête. Elle appelle sa petite-fille cadette, la grande-duchesse Anastasia, et lui fait don d'une boîte à musique qui joue sa berceuse préférée, Loin du froid de décembre (ou Un beau jour de décembre au Québec). Pour consoler la fillette de 8 ans, qui l’a priée de ne pas retourner en France, la souveraine l'accompagne d'un collier qui dit Ensemble à Paris.
 L'ancien mage devenu sorcier maléfique Raspoutine, que la cour avait pris pour un saint avant de comprendre qu’il avait trahi la famille impériale, et qui fut donc banni, apparaît peu après. Le tsar le bannit en vain : Raspoutine appelle la malédiction sur les Romanov et les voue à l’éternelle condamnation pour leur faire payer son bannissement. Les pouvoirs de Raspoutine lui furent donnés après qu'il vendit son âme au diable, ce qui provoqua la révolution envahissant la Russie, les nobles fuyant alors la ville mise à sac. La cadette tente de suivre son frère et ses sœurs mais remarque qu’elle n’a pas sa boîte à musique. Suivie de sa grand-mère, elles reviennent sur leurs pas. Alors qu’elles essaient de trouver la boîte, le jeune servant Dimitri les aide à s’enfuir juste au moment où arrivent les bolcheviques. Au même moment, Anastasia entend les balles et comprend que, si elle avait suivi sa famille, elle aurait été abattue.
 Marie et Anastasia gagnent une cour pour échapper aux soldats. Raspoutine les y piège et se jette sur la fille quand la glace se lézarde : il se noie dans l’eau qui surgit sous ses pieds. La souveraine et la duchesse tentent alors de gagner un tramway. Marie y accède, mais sa petite-fille tombe et se heurte la tête sur les rails. Elle se perd dans la foule, et Marie s’endeuille.
 Dix ans plus tard, une rumeur se répand dans la nouvelle URSS : la cadette aurait fui. Sachant que la souveraine demeurée à Paris compte payer celui qui trouve Anastasia, Dimitri et son ami Vladimir trament une ruse. Ils veulent trouver quelqu'un qui ressemble à la grande-duchesse, faire croire à Marie qu’il s’agit d’Anastasia et gagner la prime. Dimitri veut jouer la souveraine en lui montrant la boîte, qu’il a recueillie au palais. La grande-duchesse disparue a passé dix ans à l’orphelinat ; devenue amnésique à la suite du choc lors de sa fuite avec sa grand-mère, elle a oublié son passé royal, mais comme son bijou lui dit Ensemble à Paris, elle compte retrouver ses proches en France. Depuis sa perte de mémoire, elle est prénommée Anya.
 Après avoir rencontré un chien qu'elle nomme Pooka en cours de route, Anya arrive à Saint-Pétersbourg, elle rencontre une vieille femme qui lui conseille d'aller voir au palais un certain Dimitri qui, d’après elle, pourra l’aider. Dans la salle de bal, de vagues souvenirs l’envahissent mais s’évaporent quand Dimitri l’apostrophe. Comme il voit chez elle une grande ressemblance avec la grande-duchesse disparue, il la convainc d’aller à Paris avec lui et Vladimir sans toutefois lui dire qu’ils veulent l’utiliser.
 Bartok, une chauve-souris qui avait servi Raspoutine, les écoute et déniche le reliquaire qui pourvoyait son maître en magie et qui l'entraîne subitement vers les tréfonds terrestres, là où vit désormais Raspoutine. Celui-ci comprend que sa malédiction a failli, et qu’il est prisonnier entre la vie et la mort. Mais comme Bartok lui a rapporté son reliquaire, il va finir ce qu’il avait commencé en maudissant la grande-duchesse et envoie ses démons la tuer.
 Durant le voyage à Paris, la jeune héroïne frôle la mort à plusieurs reprises : elle et les autres échappent de peu à un drame ferroviaire, puis Raspoutine l'ensorcelle en utilisant son frère et ses sœurs pour qu’elle saute dans la mer, tentative meurtrière que Dimitri contrarie. Ses échecs dépitent le mage à tel point qu’il part pour Paris pour tuer Anya en personne.
 C'est au même moment que Marie et sa cousine Sophie questionnent une jeune femme qui déclare à tort qu’elle est Anastasia. Toutes les jeunes femmes qui sont venues voir Marie ont menti sur leur identité, si bien que la souveraine se lasse de ces ruses et fait cesser les rencontres.
 Dimitri et Vladimir transmettent à Anya un grand savoir de la vie de la grande-duchesse pour qu'elle convainque Sophie et puisse voir Marie. Durant l’entretien avec Sophie, Anya répond correctement à une question imprévue, l’évasion des souverains pendant le soir de la révolution, dont Dimitri se souvient toujours, et dont le dernier réalise qu’elle est bel et bien Anastasia. Elle est reçue à l’épreuve et informée du refus de Marie, mais Sophie ajoute que la souveraine ira voir un ballet russe et leur conseille de l’y rejoindre.
 Le ballet achevé, Dimitri veut convaincre Marie de recevoir Anya, mais la souveraine s'y oppose, toujours agacée par les impostrices. Elle est au courant de ses efforts pour dépister une femme qui ressemble à sa petite-fille pour la récompense. Celle-ci les écoute et, de colère, quitte Dimitri.
 Le jeune homme enlève Marie et lui montre la boîte pour tenter de la convaincre une nouvelle fois. Elle accepte d'aller voir Anya malgré sa méfiance, mais quand la jeune femme ouvre la boîte pour chanter la berceuse, elle comprend qu’elle a trouvé la fille perdue. La mémoire de l’orpheline se débloque lorsqu’elle voit les photos de famille de Marie.
 La souveraine s'engage à payer Dimitri, mais l’escroc décline. Marie, qui reconnaît le garçon qui l’a sauvée des bolcheviques, comprend que le salut de la duchesse vaut plus que n’importe quelle prime aux yeux du jeune homme.
 Quelque temps après, la grande-duchesse cherche Pooka dans les parcs palatiaux. Elle est surprise par Raspoutine, qu'elle ne reconnaît que lorsqu’il mentionne le passé. Une bataille se déchaîne, et l’héroïne est quasi perdue quand Dimitri la sauve au péril de sa propre vie. Mais Pooka parvient à arracher le reliquaire magique des mains de Raspoutine, qui est ensuite détruit par Anya. La destruction du reliquaire détruit le mage à son tour.
 Dimitri et la duchesse se réconcilient et décident de vivre ensemble. Elle écrit à Marie pour lui dire qu'elles se reverront. « C’est un parfait commencement », constate la souveraine. Bartok, quant à lui, finit par trouver l’amour de sa vie, lui aussi.
 Anastasia, héroïne de l'histoire. Fille de 8 ans du tsar Nicolas II, elle perd la mémoire le soir de la révolution Russe en fuyant avec sa grand-mère. Orpheline, elle décide, 10 ans plus tard, de partir à la recherche de ses origines.
 À Paris apparaît Joséphine Baker et sa ceinture de bananes promenant une panthère, Claude Monet en train de peindre et Auguste Rodin.
 La bande originale du film sort en octobre 1997 en cassette audio et en CD.
 La version française de la bande originale n'ayant été éditée qu'une seule fois (lors de sa sortie initiale), ladite VF est considérée comme ""rare"" et n'est disponible qu'en cd d'occasion ou provenant de stocks non écoulés. 
 Un film dérivé, Bartok le magnifique, est réalisé par Don Bluth et Gary Goldman en 1999. Il sort directement en vidéo.
 Le film s'appuie sur la théorie de la survie d’Anastasia, née à cause de la négligence des bolcheviques qui auraient perdu son corps. Il emprunte aussi au mythe des talents occultes de Raspoutine, qui avait prédit la chute de l’Empire et la mort des Romanov peu après la sienne, ce que le film interprète comme une malédiction. Il aurait ainsi prédit à la tsarine Alexandra Feodorovna :
 « Je mourrai dans des souffrances atroces. Après ma mort, mon corps n'aura point de repos. Puis tu perdras ta couronne. Toi et ton fils vous serez massacrés ainsi que toute la famille. Après, le déluge terrible passera sur la Russie. Et elle tombera entre les mains du Diable. »
 D'après le site Allociné, « le personnage de Dimitri est inspiré d'un prince européen ayant confirmé qu’Anna Anderson était la véritable Anastasia. Celui-ci n’avait pourtant rencontré Anastasia Romanov qu’une seule fois, lorsqu’elle était enfant. Sa parole n'a donc pas été considérée comme crédible. Les créateurs du long-métrage animé se sont toutefois inspirés de celui-ci pour créer le personnage du jeune Dimitri »[5].
 Le compositeur musical du film est le fils d'Alfred Newman, qui a mis en musique le film Anastasia d’Anatole Litvak, également des studios de la Fox, avec Ingrid Bergman dans le rôle-titre. Vers la fin du dessin-animé, après avoir trouvé Marie, l’héroïne porte une garde-robe semblable à celle de Bergman dans le film d’antan.
 Le combat final a lieu sur un pont qui ressemble au pont Alexandre-III, emblème de l'amitié franco-russe. Alexandre III était le grand-père d’Anastasia et l’époux de Marie. La destruction de ce pont peut être vue comme suit : ses origines retrouvées, la princesse s’en éloigne pour rebâtir sa vie.
 « Plusieurs éléments historiques se trouvent dans le long-métrage animé de Don Bluth et Gary Goldman. Ainsi, le dessin que l'Impératrice Marie regarde lorsqu’elle pense à sa petite fille est un dessin que la véritable Anastasia avait fait pour son père l’empereur Nicolas II, en 1914. La reproduction du portrait de la famille d’Anastasia dans la salle de bal inclut un cocker ; le chien appartenait à Alexei, le frère d’Anastasia, et a été retrouvé vivant après le massacre de la famille Romanov. À la fin du film, la robe que porte Anastasia est la réplique d’une robe lui ayant véritablement appartenu »[5]
 Alors qu'on chante Paris, tu nous ouvres ton cœur, la totalité des scènes est enrobée dans un tableau : après l’évocation des Folies Bergère par Joséphine Baker portant autour de la taille une ceinture de bananes et promenant un léopard, on voit un peintre faire tournoyer son tableau pour le montrer au spectateur. C’est Claude Monet ; on le reconnaît à sa grande barbe blanche et à sa blouse de travail. Le spectateur entre alors dans le tableau en prenant place près du Moulin-Rouge. Le décor est peint, immobile et ponctué de coups de pinceau reconnaissables de Georges Seurat. Les personnages sont bien animés par-dessus le décor.
 À l'intérieur du Moulin-Rouge, les spectateurs au second plan sont à nouveau figés et peints.
 Plus tard, très brièvement mais à remarquer, on voit Auguste Rodin (reconnaissable à sa barbe blanche allongée) qui sculpte son Penseur. Le modèle du Penseur est par hasard Dimitri, qui s'afflige de voir la duchesse dans les bras d’un danseur. Quand les personnages gagnent le faîte de la tour Eiffel, on retrouve le décor du tableau d’autant plus visible quand la Lune surgit derrière Dimitri.
 Parmi les autres figures historiques : Gertrude Stein, Jean Patou, Charles Lindbergh, Maurice Chevalier, Isadora Duncan et Sigmund Freud. Apparaît également au début de la chanson le célèbre magasin de vêtements et cosmétiques Chanel fondé par Coco Chanel[6].
 Toutes ces caractéristiques proviennent de la culture parisienne des années folles en France.
 Dans le film de Walt Disney, on peut voir dans l'une des scènes la méchante reine descendre des escaliers en colimaçon, avec des corbeaux comme témoin de la scène. On peut remarquer un hommage au film pendant la chanson Au plus noir de la nuit : Raspoutine descend lui aussi un escalier en colimaçon mais les corbeaux ont été remplacés par des insectes.
 En 2017, le film a été adapté en comédie musicale par Lynn Ahrens et Stephen Flaherty, sur un livret de Terrence McNally. Le spectacle a débuté ses représentations le 12 mai 2016 à Broadway[7] sous le nom Anastasia.",2018,"Accueil; Portails thématiques; Article au hasard; Contact; Débuter sur Wikipédia; Aide; Communauté; Modifications récentes; ; Rechercher; en savoir plus; Contributions; Discussion; Article; Discussion; Lire; Lire; Pages liées; Suivi des pages liées; Téléverser un fichier; Pages spéciales; ; Anastasia; ; Don Bluth; Gary Goldman; Bruce Graham; Bob Tzudiker; Noni White; Meg Ryan; John Cusack; Kelsey Grammer; Christopher Lloyd; Hank Azaria; Fox Animation Studios; ; États-Unis; Animation; historique; aventure; drame; film musical; 1997; ; film d'animation; américain; Don Bluth; Gary Goldman; 1997; Anastasia Nikolaïevna de Russie; Romanov; tsar; Nicolas II; révolution; assassinat des siens; bolchéviques; Raspoutine; Saint-Pétersbourg; 1916; tsar; Nicolas II; dynastique; Empire russe; Marie; Anastasia; boîte à musique; sorcier; Raspoutine; vendit son âme au diable; révolution; bolcheviques; URSS; 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https://login.wikimedia.org/wiki/Special:CentralAutoLogin/start?type=1x1; /static/images/footer/wikimedia-button.svg; /w/resources/assets/poweredby_mediawiki.svg,https://en.wikipedia.org/wiki/Anastasia,Anastasia,https://en.wikipedia.org/wiki/Anastasia,"Anastasia (from Greek: Ἀναστασία, romanized: Anastasía) is a feminine given name of Greek origin, derived from the Greek word anástasis (ἀνάστασις), meaning ""resurrection"". It is a popular name in Eastern Europe.
 The name Anastasia originated during the early days of Christianity and was given to many Greek  girls born in December and around Easter.[1]  It was established as the female form (Greek: Ἀναστασία) of the male name Anastasius (Greek: Ἀναστάσιος Anastasios pronounced [anaˈstasi.os]),[2] and has the meaning of ""she/he of the resurrection"".[2][3]  It is the name of several early saints; including Anastasia of Sirmium, a central saint from the 3rd century who is commemorated during the first Mass on Christmas Dawn each year according to the traditional calendar of the Catholic Church[1] and on December 22 according to the Eastern Orthodox Church. Slavic diminutives  include Nastya,[2] Nastia or Nastja (Serbian, Slovenian) as well as various hypocoristics: Nastenka, Nastyusha, Nastyona, Nastasia, Nastunja.
 Anastasia is a very popular name for girls, especially in Europe, where most names have Christian associations.[2] Anastasia was the most popular name for girls for many years in Russia until 2008, when it was surpassed by the name Sophia.[4][5]  It remains one of the top ten names for Russian girls,[4][5] as well as for girls in Belarus,[3] Moldova,[3] Serbia,[6] Georgia,[7] and Montenegro.[8]",214,"Main page; Contents; Current events; About Wikipedia; Help; Learn to edit; Community portal; Upload file; ; learn more; Article; Talk; Read; Read; Upload file; Anastasia (disambiguation); /ˌænəˈsteɪʒə/; UK; /-ziə/; [anastaˈsi.a]; [ɐnəstɐˈsʲijə]; [ɐnɐstɐˈs⁽ʲ⁾ijɐ]; Greek; Russian; Ukrainian; Serbian Cyrillic; Bulgarian; Greece; Asya; Anastacia; Anastacio; Anastas; Anastase; Anastasie; Anastasiia; Anastasija; Anastasio; Anastasius; Anastasiya; Anastassia; Anastassiya; Annastacia; Annastasia; Anastasi; Anastasia; Anastasijević; v; t; Greek; romanized; given name; resurrection; Eastern Europe; early days of Christianity; Greek; Easter; Anastasius; [anaˈstasi.os]; Anastasia of Sirmium; Mass; Catholic Church; Eastern Orthodox Church; diminutives; Nastya; Nastja; hypocoristics; Europe; Russia; Sophia; Belarus; Moldova; Serbia; Georgia; Montenegro; ; Grand Duchess Anastasia Nikolaevna of Russia; Tsar Nicholas II; Anastasia (sister of Constantine I); Anastasia (wife of Constantine IV); Anastasia the Patrician; Princess Anastasia of Greece and Denmark; Princess Anastasia of Montenegro; Anastasia of Kiev; Anastasia of Sirmium; A.D.; Anastasia, Princess of Löwenstein-Wertheim-Rosenberg; Anastasia Abbagnato; Anastasia Avramidou; Anastasia Bachynska; Anastasia Bitsenko; Anastasia Carbonari; Anastasia Dogaru; Anastasia Dețiuc; Anastasia Elfman; Anastasia Gkatsou; Anastasia Gloushkov; Anastasia Gorbenko; Anastasia Griffith; Anastasia Karpova; Anastasia Kobekina; Anastasia Kozhevnikova; Nu Virgos; Anastasia Lapsui; Anastasia Markovych; Anastasia Martin; Anastasia Melnichenko; Anastasia Motaung; Anastasia Muñoz; Anastasia Ndereba; Anastasia Pagonis; Anastasia Pavlyuchenkova; Anastasia Phillips; Anastasia Potapova; Anastasia Prikhodko; Anastasia Radzinskaya; Anastasia Romanovna; Grand Duchess Anastasia Nikolaevna of Russia; Anastasia Rudnaya; Anastasia Shuppo; Anastasia Sinitsyna; Anastasia Skoptsova; Anastasia Soare; Anastasia Spyridonidou; Anastasia Syromyatnikova; Anastasia Tikhonova; Anastasia Zakharova; Anastasia Zavorotnyuk; Princess Anastasia Nikolaevna Romanov; the 1997 animated film of the same name; Grand Duchess Anastasia Nikolaevna of Russia; Cinderella; Re:Zero − Starting Life in Another World; Fifty Shades of Grey; Sant'Anastasia (disambiguation); Saint Anastasia (disambiguation); Anastasia of Russia (disambiguation); Anastasia (surname); Anastacia (given name); Anastasie; Anastasiia; Anastasija; Anastasiya; Anastassia; Anastatia (disambiguation); Annastasia; Antasia; Anastazia Wambura; United Kingdom; Oxford University; Serbia; Russia; The Moscow News; Russia; The Moscow Times; United Kingdom; Montenegro; Australia; Georgia; given name; Categories; Given names; Given names of Greek language origin; Greek feminine given names; Feminine given names; Romanian feminine given names; Russian feminine given names; Slavic feminine given names; Ukrainian feminine given names; Pages with Greek IPA; Pages with Russian IPA; Pages with Ukrainian IPA; Articles containing Greek-language text; Articles containing Russian-language text; Articles containing Ukrainian-language text; Articles containing Serbian-language text; Articles containing Bulgarian-language text; Pages using sidebar with the child parameter; Articles containing Ancient Greek (to 1453)-language text; CS1 Serbian-language sources (sr); CS1 foreign language sources (ISO 639-2); CS1 Georgian-language sources (ka); Articles with short description; Short description is different from Wikidata; All set index articles; Creative Commons Attribution-ShareAlike 4.0 License; About Wikipedia; Disclaimers",Categories; Given names; Given names of Greek language origin; Greek feminine given names; Feminine given names; Romanian feminine given names; Russian feminine given names; Slavic feminine given names; Ukrainian feminine given names,/static/images/icons/wikipedia.png; /static/images/mobile/copyright/wikipedia-wordmark-en.svg; /static/images/mobile/copyright/wikipedia-tagline-en.svg; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/2/25/Grand_Duchess_Anastasia_Nikolaevna_Crisco_edit_letters_removed.jpg/220px-Grand_Duchess_Anastasia_Nikolaevna_Crisco_edit_letters_removed.jpg; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/9/99/WPanthroponymy.svg/30px-WPanthroponymy.svg.png; https://login.wikimedia.org/wiki/Special:CentralAutoLogin/start?type=1x1; /static/images/footer/wikimedia-button.svg; /w/resources/assets/poweredby_mediawiki.svg
"Anastasia (film, 1997)","https://fr.wikipedia.org/wiki/Anastasia_(film,_1997)","Pour les articles homonymes, voir Anastasia.
 Meg RyanJohn CusackKelsey GrammerChristopher LloydHank Azaria
 
 Pour plus de détails, voir Fiche technique et Distribution. modifier  Anastasia est un film d'animation américain réalisé par Don Bluth et Gary Goldman, sorti en 1997.
 Le personnage principal est la grande-duchesse Anastasia Nikolaïevna de Russie, dite Anastasia, benjamine des Romanov dont le dernier monarque, le tsar Nicolas II, fut victime d'une révolution. La légendaire survie d’Anastasia, qui aurait fui l'assassinat des siens, est le ressort du drame. Dans le film, elle échappe aux bolchéviques mais tombe dans les filets de Raspoutine.
 Saint-Pétersbourg, 1916. La veille de la révolution qui va le briser, le tsar Nicolas II commémore le tricentenaire dynastique dans l'Empire russe. Sa mère, l'impératrice douairière Marie, se rend au palais pour rejoindre la fête. Elle appelle sa petite-fille cadette, la grande-duchesse Anastasia, et lui fait don d'une boîte à musique qui joue sa berceuse préférée, Loin du froid de décembre (ou Un beau jour de décembre au Québec). Pour consoler la fillette de 8 ans, qui l’a priée de ne pas retourner en France, la souveraine l'accompagne d'un collier qui dit Ensemble à Paris.
 L'ancien mage devenu sorcier maléfique Raspoutine, que la cour avait pris pour un saint avant de comprendre qu’il avait trahi la famille impériale, et qui fut donc banni, apparaît peu après. Le tsar le bannit en vain : Raspoutine appelle la malédiction sur les Romanov et les voue à l’éternelle condamnation pour leur faire payer son bannissement. Les pouvoirs de Raspoutine lui furent donnés après qu'il vendit son âme au diable, ce qui provoqua la révolution envahissant la Russie, les nobles fuyant alors la ville mise à sac. La cadette tente de suivre son frère et ses sœurs mais remarque qu’elle n’a pas sa boîte à musique. Suivie de sa grand-mère, elles reviennent sur leurs pas. Alors qu’elles essaient de trouver la boîte, le jeune servant Dimitri les aide à s’enfuir juste au moment où arrivent les bolcheviques. Au même moment, Anastasia entend les balles et comprend que, si elle avait suivi sa famille, elle aurait été abattue.
 Marie et Anastasia gagnent une cour pour échapper aux soldats. Raspoutine les y piège et se jette sur la fille quand la glace se lézarde : il se noie dans l’eau qui surgit sous ses pieds. La souveraine et la duchesse tentent alors de gagner un tramway. Marie y accède, mais sa petite-fille tombe et se heurte la tête sur les rails. Elle se perd dans la foule, et Marie s’endeuille.
 Dix ans plus tard, une rumeur se répand dans la nouvelle URSS : la cadette aurait fui. Sachant que la souveraine demeurée à Paris compte payer celui qui trouve Anastasia, Dimitri et son ami Vladimir trament une ruse. Ils veulent trouver quelqu'un qui ressemble à la grande-duchesse, faire croire à Marie qu’il s’agit d’Anastasia et gagner la prime. Dimitri veut jouer la souveraine en lui montrant la boîte, qu’il a recueillie au palais. La grande-duchesse disparue a passé dix ans à l’orphelinat ; devenue amnésique à la suite du choc lors de sa fuite avec sa grand-mère, elle a oublié son passé royal, mais comme son bijou lui dit Ensemble à Paris, elle compte retrouver ses proches en France. Depuis sa perte de mémoire, elle est prénommée Anya.
 Après avoir rencontré un chien qu'elle nomme Pooka en cours de route, Anya arrive à Saint-Pétersbourg, elle rencontre une vieille femme qui lui conseille d'aller voir au palais un certain Dimitri qui, d’après elle, pourra l’aider. Dans la salle de bal, de vagues souvenirs l’envahissent mais s’évaporent quand Dimitri l’apostrophe. Comme il voit chez elle une grande ressemblance avec la grande-duchesse disparue, il la convainc d’aller à Paris avec lui et Vladimir sans toutefois lui dire qu’ils veulent l’utiliser.
 Bartok, une chauve-souris qui avait servi Raspoutine, les écoute et déniche le reliquaire qui pourvoyait son maître en magie et qui l'entraîne subitement vers les tréfonds terrestres, là où vit désormais Raspoutine. Celui-ci comprend que sa malédiction a failli, et qu’il est prisonnier entre la vie et la mort. Mais comme Bartok lui a rapporté son reliquaire, il va finir ce qu’il avait commencé en maudissant la grande-duchesse et envoie ses démons la tuer.
 Durant le voyage à Paris, la jeune héroïne frôle la mort à plusieurs reprises : elle et les autres échappent de peu à un drame ferroviaire, puis Raspoutine l'ensorcelle en utilisant son frère et ses sœurs pour qu’elle saute dans la mer, tentative meurtrière que Dimitri contrarie. Ses échecs dépitent le mage à tel point qu’il part pour Paris pour tuer Anya en personne.
 C'est au même moment que Marie et sa cousine Sophie questionnent une jeune femme qui déclare à tort qu’elle est Anastasia. Toutes les jeunes femmes qui sont venues voir Marie ont menti sur leur identité, si bien que la souveraine se lasse de ces ruses et fait cesser les rencontres.
 Dimitri et Vladimir transmettent à Anya un grand savoir de la vie de la grande-duchesse pour qu'elle convainque Sophie et puisse voir Marie. Durant l’entretien avec Sophie, Anya répond correctement à une question imprévue, l’évasion des souverains pendant le soir de la révolution, dont Dimitri se souvient toujours, et dont le dernier réalise qu’elle est bel et bien Anastasia. Elle est reçue à l’épreuve et informée du refus de Marie, mais Sophie ajoute que la souveraine ira voir un ballet russe et leur conseille de l’y rejoindre.
 Le ballet achevé, Dimitri veut convaincre Marie de recevoir Anya, mais la souveraine s'y oppose, toujours agacée par les impostrices. Elle est au courant de ses efforts pour dépister une femme qui ressemble à sa petite-fille pour la récompense. Celle-ci les écoute et, de colère, quitte Dimitri.
 Le jeune homme enlève Marie et lui montre la boîte pour tenter de la convaincre une nouvelle fois. Elle accepte d'aller voir Anya malgré sa méfiance, mais quand la jeune femme ouvre la boîte pour chanter la berceuse, elle comprend qu’elle a trouvé la fille perdue. La mémoire de l’orpheline se débloque lorsqu’elle voit les photos de famille de Marie.
 La souveraine s'engage à payer Dimitri, mais l’escroc décline. Marie, qui reconnaît le garçon qui l’a sauvée des bolcheviques, comprend que le salut de la duchesse vaut plus que n’importe quelle prime aux yeux du jeune homme.
 Quelque temps après, la grande-duchesse cherche Pooka dans les parcs palatiaux. Elle est surprise par Raspoutine, qu'elle ne reconnaît que lorsqu’il mentionne le passé. Une bataille se déchaîne, et l’héroïne est quasi perdue quand Dimitri la sauve au péril de sa propre vie. Mais Pooka parvient à arracher le reliquaire magique des mains de Raspoutine, qui est ensuite détruit par Anya. La destruction du reliquaire détruit le mage à son tour.
 Dimitri et la duchesse se réconcilient et décident de vivre ensemble. Elle écrit à Marie pour lui dire qu'elles se reverront. « C’est un parfait commencement », constate la souveraine. Bartok, quant à lui, finit par trouver l’amour de sa vie, lui aussi.
 Anastasia, héroïne de l'histoire. Fille de 8 ans du tsar Nicolas II, elle perd la mémoire le soir de la révolution Russe en fuyant avec sa grand-mère. Orpheline, elle décide, 10 ans plus tard, de partir à la recherche de ses origines.
 À Paris apparaît Joséphine Baker et sa ceinture de bananes promenant une panthère, Claude Monet en train de peindre et Auguste Rodin.
 La bande originale du film sort en octobre 1997 en cassette audio et en CD.
 La version française de la bande originale n'ayant été éditée qu'une seule fois (lors de sa sortie initiale), ladite VF est considérée comme ""rare"" et n'est disponible qu'en cd d'occasion ou provenant de stocks non écoulés. 
 Un film dérivé, Bartok le magnifique, est réalisé par Don Bluth et Gary Goldman en 1999. Il sort directement en vidéo.
 Le film s'appuie sur la théorie de la survie d’Anastasia, née à cause de la négligence des bolcheviques qui auraient perdu son corps. Il emprunte aussi au mythe des talents occultes de Raspoutine, qui avait prédit la chute de l’Empire et la mort des Romanov peu après la sienne, ce que le film interprète comme une malédiction. Il aurait ainsi prédit à la tsarine Alexandra Feodorovna :
 « Je mourrai dans des souffrances atroces. Après ma mort, mon corps n'aura point de repos. Puis tu perdras ta couronne. Toi et ton fils vous serez massacrés ainsi que toute la famille. Après, le déluge terrible passera sur la Russie. Et elle tombera entre les mains du Diable. »
 D'après le site Allociné, « le personnage de Dimitri est inspiré d'un prince européen ayant confirmé qu’Anna Anderson était la véritable Anastasia. Celui-ci n’avait pourtant rencontré Anastasia Romanov qu’une seule fois, lorsqu’elle était enfant. Sa parole n'a donc pas été considérée comme crédible. Les créateurs du long-métrage animé se sont toutefois inspirés de celui-ci pour créer le personnage du jeune Dimitri »[5].
 Le compositeur musical du film est le fils d'Alfred Newman, qui a mis en musique le film Anastasia d’Anatole Litvak, également des studios de la Fox, avec Ingrid Bergman dans le rôle-titre. Vers la fin du dessin-animé, après avoir trouvé Marie, l’héroïne porte une garde-robe semblable à celle de Bergman dans le film d’antan.
 Le combat final a lieu sur un pont qui ressemble au pont Alexandre-III, emblème de l'amitié franco-russe. Alexandre III était le grand-père d’Anastasia et l’époux de Marie. La destruction de ce pont peut être vue comme suit : ses origines retrouvées, la princesse s’en éloigne pour rebâtir sa vie.
 « Plusieurs éléments historiques se trouvent dans le long-métrage animé de Don Bluth et Gary Goldman. Ainsi, le dessin que l'Impératrice Marie regarde lorsqu’elle pense à sa petite fille est un dessin que la véritable Anastasia avait fait pour son père l’empereur Nicolas II, en 1914. La reproduction du portrait de la famille d’Anastasia dans la salle de bal inclut un cocker ; le chien appartenait à Alexei, le frère d’Anastasia, et a été retrouvé vivant après le massacre de la famille Romanov. À la fin du film, la robe que porte Anastasia est la réplique d’une robe lui ayant véritablement appartenu »[5]
 Alors qu'on chante Paris, tu nous ouvres ton cœur, la totalité des scènes est enrobée dans un tableau : après l’évocation des Folies Bergère par Joséphine Baker portant autour de la taille une ceinture de bananes et promenant un léopard, on voit un peintre faire tournoyer son tableau pour le montrer au spectateur. C’est Claude Monet ; on le reconnaît à sa grande barbe blanche et à sa blouse de travail. Le spectateur entre alors dans le tableau en prenant place près du Moulin-Rouge. Le décor est peint, immobile et ponctué de coups de pinceau reconnaissables de Georges Seurat. Les personnages sont bien animés par-dessus le décor.
 À l'intérieur du Moulin-Rouge, les spectateurs au second plan sont à nouveau figés et peints.
 Plus tard, très brièvement mais à remarquer, on voit Auguste Rodin (reconnaissable à sa barbe blanche allongée) qui sculpte son Penseur. Le modèle du Penseur est par hasard Dimitri, qui s'afflige de voir la duchesse dans les bras d’un danseur. Quand les personnages gagnent le faîte de la tour Eiffel, on retrouve le décor du tableau d’autant plus visible quand la Lune surgit derrière Dimitri.
 Parmi les autres figures historiques : Gertrude Stein, Jean Patou, Charles Lindbergh, Maurice Chevalier, Isadora Duncan et Sigmund Freud. Apparaît également au début de la chanson le célèbre magasin de vêtements et cosmétiques Chanel fondé par Coco Chanel[6].
 Toutes ces caractéristiques proviennent de la culture parisienne des années folles en France.
 Dans le film de Walt Disney, on peut voir dans l'une des scènes la méchante reine descendre des escaliers en colimaçon, avec des corbeaux comme témoin de la scène. On peut remarquer un hommage au film pendant la chanson Au plus noir de la nuit : Raspoutine descend lui aussi un escalier en colimaçon mais les corbeaux ont été remplacés par des insectes.
 En 2017, le film a été adapté en comédie musicale par Lynn Ahrens et Stephen Flaherty, sur un livret de Terrence McNally. Le spectacle a débuté ses représentations le 12 mai 2016 à Broadway[7] sous le nom Anastasia.",2018,"Accueil; Portails thématiques; Article au hasard; Contact; Débuter sur Wikipédia; Aide; Communauté; Modifications récentes; ; Rechercher; en savoir plus; Contributions; Discussion; Article; Discussion; Lire; Lire; Pages liées; Suivi des pages liées; Téléverser un fichier; Pages spéciales; ; Anastasia; ; Don Bluth; Gary Goldman; Bruce Graham; Bob Tzudiker; Noni White; Meg Ryan; John Cusack; Kelsey Grammer; Christopher Lloyd; Hank Azaria; Fox Animation Studios; ; États-Unis; Animation; historique; aventure; drame; film musical; 1997; ; film d'animation; américain; Don Bluth; Gary Goldman; 1997; Anastasia Nikolaïevna de Russie; Romanov; tsar; Nicolas II; révolution; assassinat des siens; bolchéviques; Raspoutine; Saint-Pétersbourg; 1916; tsar; Nicolas II; dynastique; Empire russe; Marie; Anastasia; boîte à musique; sorcier; Raspoutine; vendit son âme au diable; révolution; bolcheviques; URSS; 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https://login.wikimedia.org/wiki/Special:CentralAutoLogin/start?type=1x1; /static/images/footer/wikimedia-button.svg; /w/resources/assets/poweredby_mediawiki.svg,https://en.wikipedia.org/wiki/Anastasia,Anastasia,https://en.wikipedia.org/wiki/Anastasia,"Anastasia (from Greek: Ἀναστασία, romanized: Anastasía) is a feminine given name of Greek origin, derived from the Greek word anástasis (ἀνάστασις), meaning ""resurrection"". It is a popular name in Eastern Europe.
 The name Anastasia originated during the early days of Christianity and was given to many Greek  girls born in December and around Easter.[1]  It was established as the female form (Greek: Ἀναστασία) of the male name Anastasius (Greek: Ἀναστάσιος Anastasios pronounced [anaˈstasi.os]),[2] and has the meaning of ""she/he of the resurrection"".[2][3]  It is the name of several early saints; including Anastasia of Sirmium, a central saint from the 3rd century who is commemorated during the first Mass on Christmas Dawn each year according to the traditional calendar of the Catholic Church[1] and on December 22 according to the Eastern Orthodox Church. Slavic diminutives  include Nastya,[2] Nastia or Nastja (Serbian, Slovenian) as well as various hypocoristics: Nastenka, Nastyusha, Nastyona, Nastasia, Nastunja.
 Anastasia is a very popular name for girls, especially in Europe, where most names have Christian associations.[2] Anastasia was the most popular name for girls for many years in Russia until 2008, when it was surpassed by the name Sophia.[4][5]  It remains one of the top ten names for Russian girls,[4][5] as well as for girls in Belarus,[3] Moldova,[3] Serbia,[6] Georgia,[7] and Montenegro.[8]",214,"Main page; Contents; Current events; About Wikipedia; Help; Learn to edit; Community portal; Upload file; ; learn more; Article; Talk; Read; Read; Upload file; Anastasia (disambiguation); /ˌænəˈsteɪʒə/; UK; /-ziə/; [anastaˈsi.a]; [ɐnəstɐˈsʲijə]; [ɐnɐstɐˈs⁽ʲ⁾ijɐ]; Greek; Russian; Ukrainian; Serbian Cyrillic; Bulgarian; Greece; Asya; Anastacia; Anastacio; Anastas; Anastase; Anastasie; Anastasiia; Anastasija; Anastasio; Anastasius; Anastasiya; Anastassia; Anastassiya; Annastacia; Annastasia; Anastasi; Anastasia; Anastasijević; v; t; Greek; romanized; given name; resurrection; Eastern Europe; early days of Christianity; Greek; Easter; Anastasius; [anaˈstasi.os]; Anastasia of Sirmium; Mass; Catholic Church; Eastern Orthodox Church; diminutives; Nastya; Nastja; hypocoristics; Europe; Russia; Sophia; Belarus; Moldova; Serbia; Georgia; Montenegro; ; Grand Duchess Anastasia Nikolaevna of Russia; Tsar Nicholas II; Anastasia (sister of Constantine I); Anastasia (wife of Constantine IV); Anastasia the Patrician; Princess Anastasia of Greece and Denmark; Princess Anastasia of Montenegro; Anastasia of Kiev; Anastasia of Sirmium; A.D.; Anastasia, Princess of Löwenstein-Wertheim-Rosenberg; Anastasia Abbagnato; Anastasia Avramidou; Anastasia Bachynska; Anastasia Bitsenko; Anastasia Carbonari; Anastasia Dogaru; Anastasia Dețiuc; Anastasia Elfman; Anastasia Gkatsou; Anastasia Gloushkov; Anastasia Gorbenko; Anastasia Griffith; Anastasia Karpova; Anastasia Kobekina; Anastasia Kozhevnikova; Nu Virgos; Anastasia Lapsui; Anastasia Markovych; Anastasia Martin; Anastasia Melnichenko; Anastasia Motaung; Anastasia Muñoz; Anastasia Ndereba; Anastasia Pagonis; Anastasia Pavlyuchenkova; Anastasia Phillips; Anastasia Potapova; Anastasia Prikhodko; Anastasia Radzinskaya; Anastasia Romanovna; Grand Duchess Anastasia Nikolaevna of Russia; Anastasia Rudnaya; Anastasia Shuppo; Anastasia Sinitsyna; Anastasia Skoptsova; Anastasia Soare; Anastasia Spyridonidou; Anastasia Syromyatnikova; Anastasia Tikhonova; Anastasia Zakharova; Anastasia Zavorotnyuk; Princess Anastasia Nikolaevna Romanov; the 1997 animated film of the same name; Grand Duchess Anastasia Nikolaevna of Russia; Cinderella; Re:Zero − Starting Life in Another World; Fifty Shades of Grey; Sant'Anastasia (disambiguation); Saint Anastasia (disambiguation); Anastasia of Russia (disambiguation); Anastasia (surname); Anastacia (given name); Anastasie; Anastasiia; Anastasija; Anastasiya; Anastassia; Anastatia (disambiguation); Annastasia; Antasia; Anastazia Wambura; United Kingdom; Oxford University; Serbia; Russia; The Moscow News; Russia; The Moscow Times; United Kingdom; Montenegro; Australia; Georgia; given name; Categories; Given names; Given names of Greek language origin; Greek feminine given names; Feminine given names; Romanian feminine given names; Russian feminine given names; Slavic feminine given names; Ukrainian feminine given names; Pages with Greek IPA; Pages with Russian IPA; Pages with Ukrainian IPA; Articles containing Greek-language text; Articles containing Russian-language text; Articles containing Ukrainian-language text; Articles containing Serbian-language text; Articles containing Bulgarian-language text; Pages using sidebar with the child parameter; Articles containing Ancient Greek (to 1453)-language text; CS1 Serbian-language sources (sr); CS1 foreign language sources (ISO 639-2); CS1 Georgian-language sources (ka); Articles with short description; Short description is different from Wikidata; All set index articles; Creative Commons Attribution-ShareAlike 4.0 License; About Wikipedia; Disclaimers",Categories; Given names; Given names of Greek language origin; Greek feminine given names; Feminine given names; Romanian feminine given names; Russian feminine given names; Slavic feminine given names; Ukrainian feminine given names,/static/images/icons/wikipedia.png; /static/images/mobile/copyright/wikipedia-wordmark-en.svg; /static/images/mobile/copyright/wikipedia-tagline-en.svg; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/2/25/Grand_Duchess_Anastasia_Nikolaevna_Crisco_edit_letters_removed.jpg/220px-Grand_Duchess_Anastasia_Nikolaevna_Crisco_edit_letters_removed.jpg; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/9/99/WPanthroponymy.svg/30px-WPanthroponymy.svg.png; https://login.wikimedia.org/wiki/Special:CentralAutoLogin/start?type=1x1; /static/images/footer/wikimedia-button.svg; /w/resources/assets/poweredby_mediawiki.svg
Ernest et Célestine,https://fr.wikipedia.org/wiki/Ernest_et_Célestine,"Pour le film d'animation, voir Ernest et Célestine (film).
 
Ernest et Célestine est une série de livres illustrés pour la jeunesse publiée par l'écrivaine et illustratrice belge Gabrielle Vincent entre 1981 et 2000, aux éditions Duculot puis chez Casterman ou L’École des loisirs. La série porte le nom de ses deux personnages principaux, l'ours Ernest et la souris Célestine. Les albums ont été adaptés plusieurs fois : au cinéma sous forme de longs-métrages d'animation, et sous la forme d'une série animée.
 Monique Martin choisit en 1981 de prendre comme pseudonyme Gabrielle Vincent. Cette même année est publié le premier ouvrage de la série : Ernest et Célestine ont perdu Siméon, qui remporte plusieurs prix[1]. 
 « Le gros ours tendre et la petite souris, devenus un couple de référence dans le monde des albums pour enfants, apportent à leur créatrice une reconnaissance internationale[1] », selon l’Encyclopædia Universalis.
 La date indiquée pour chaque album est celle de la première édition[2],[3].
 D'après Ernest et Célestine, long métrage d'animation sorti en 2012 :",169,"Accueil; Portails thématiques; Article au hasard; Contact; Débuter sur Wikipédia; Aide; Communauté; Modifications récentes; ; Rechercher; en savoir plus; Contributions; Discussion; Article; Discussion; Lire; Lire; Pages liées; Suivi des pages liées; Téléverser un fichier; Pages spéciales; ; Ernest et Célestine (film); pour la jeunesse; Gabrielle Vincent; Casterman; L’École des loisirs; Encyclopædia Universalis; ; ; ; ; New York Times; ; ; Prix Plantin Moretus; ; ; ; ; Prix Plantin Moretus; ; ; Foire du livre de jeunesse de Bologne; ; Ernest et Célestine; Daniel Pennac; Benjamin Renner; ; ; ; New York Times; ; ; ; ; ; ; ; Foire du livre de jeunesse de Bologne; ; ; 2011; 2012; Ernest et Célestine; Benjamin Renner; Stéphane Aubier; Vincent Patar; Daniel Pennac; Daniel Pennac; Casterman; Ernest et Célestine, la collection; France 5; Ernest et Célestine en hiver; Ernest et Célestine, la collection; Daniel Pennac; Karol Beffa; Orchestre philharmonique de Radio France; 2022; Ernest et Célestine : Le Voyage en Charabie; v; Gabrielle Vincent; Ernest et Célestine; Ernest et Célestine en hiver; Ernest et Célestine : Le Voyage en Charabie; Ernest et Célestine, la collection; ; Portail de la littérature d’enfance et de jeunesse; Catégories; Œuvre de littérature d'enfance et de jeunesse; Album illustré; Ours de fiction; Souris ou rat de fiction; Page utilisant un modèle Bases inactif; Article utilisant le modèle Dictionnaires inactif; Page utilisant le modèle Autorité inactif; Portail:Littérature d'enfance et de jeunesse/Articles liés; Portail:Littérature/Articles liés; Portail:Enfance/Articles liés; Droit d'auteur; crédits graphiques; comment citer les auteurs et mentionner la licence; 501(c)(3); À propos de Wikipédia; Avertissements",Catégories; Œuvre de littérature d'enfance et de jeunesse; Album illustré; Ours de fiction; Souris ou rat de fiction,/static/images/icons/wikipedia.png; /static/images/mobile/copyright/wikipedia-wordmark-fr.svg; 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//upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/2/20/Flag_of_the_Netherlands.svg/20px-Flag_of_the_Netherlands.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/9/92/Flag_of_Belgium_%28civil%29.svg/20px-Flag_of_Belgium_%28civil%29.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/9/9e/Flag_of_Japan.svg/20px-Flag_of_Japan.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/0/03/Flag_of_Italy.svg/20px-Flag_of_Italy.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/c/c3/Flag_of_France.svg/20px-Flag_of_France.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/a4/Flag_of_the_United_States.svg/20px-Flag_of_the_United_States.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/9/92/Flag_of_Belgium_%28civil%29.svg/20px-Flag_of_Belgium_%28civil%29.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/a4/Flag_of_the_United_States.svg/20px-Flag_of_the_United_States.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/c/c3/Flag_of_France.svg/20px-Flag_of_France.svg.png; 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/static/images/footer/wikimedia-button.svg; /w/resources/assets/poweredby_mediawiki.svg,https://en.wikipedia.org/wiki/Ernest_&_Celestine,Ernest & Celestine,https://en.wikipedia.org/wiki/Ernest_&_Celestine,"Ernest & Celestine (French: Ernest et Célestine) is a 2012 animated comedy-drama film directed by Stéphane Aubier, Vincent Patar and Benjamin Renner. The film is based on a series of children's books of the same name published by the Belgian author and illustrator Gabrielle Vincent. The film was selected to be screened in the Directors' Fortnight section at the 2012 Cannes Film Festival,[4][5] as part of the TIFF Kids programme at the 2012 Toronto International Film Festival[6] and at the 2013 Hong Kong International Film Festival.[7]
 It was selected for the grand competition at feature film edition of the 2013 World festival of animated film Animafest Zagreb and was screened as the opening film. The film was released in the United States in 2013 by GKIDS.[8] There is also an English dub that was released on 28 February 2014, with the voices of Forest Whitaker, Mackenzie Foy, Lauren Bacall, Paul Giamatti, William H. Macy, Megan Mullally, Nick Offerman and Jeffrey Wright.[9] The film received widespread acclaim, and became the first animated film to win the Magritte Award for Best Film.[10] It was nominated for Best Animated Feature at the 86th Academy Awards, but it lost to Walt Disney Animation Studios' animated musical Frozen.[11]
 A sequel, entitled Ernest & Celestine: A Trip to Gibberitia, was released in France on 14 December 2022.[12]
 Celestine is a young mouse who lives in the underground world of rodents. At the orphanage where she lives, the caretaker known as the Gray One tells scary stories about the evil nature of the bears that live in the outside world, though Celestine doubts that they are entirely true. She loves to draw but must soon study dentistry, since that's what all rodents do, and to prepare, she must travel above ground to collect the lost teeth of a cub from underneath pillows. On one such occasion, the bear family catches Celestine in the act and chases her into a trash can where she is trapped and spends the night. The next morning, a destitute and starving grizzly bear named Ernest discovers Celestine and attempts to eat her.  Celestine convinces him to let her go by helping him break into the basement of a candy shop, where he can eat his fill.  He is soon caught by the store's owner, however, and arrested.  Celestine, who is behind on her quota of collected teeth, agrees to free him from the police wagon if he will help her break into and rob the teeth from the office of the store owner's wife, who happens to be a dentist.
 Although the robbery initially seems successful, the pair soon find themselves being pursued by the police forces of both the rodent and bear cities.  They manage to evade capture by stealing a van, and escape to Ernest's remote cabin.  Ernest is initially reluctant to allow Celestine to stay with him, but they begin to bond after he discovers her love of art.  He reveals to her that his current destitution is a result of his rejection of his family's plan for him to go into law, like his ancestors, due to his desire to become an entertainer.  The two spend the winter happily together, though their joy is somewhat dampened by the constant radio broadcasts declaring that both police forces are still searching for them as well as how civil unrest has become rampant around both of their homes with the once submissive and complacent poor now rising up against their upper class oppressors.
 In the Spring, the police are able to track the stolen van to the cabin.  Ernest is arrested by the rodents, while Celestine is arrested by the bears.  Both are simultaneously put on trial, in the main floor and basement of the same courthouse. Though each of them protest their unfair treatment along with the government's bias and prejudice, as well as refusing to sell out their respective companion, the furious judges refuse to listen. Ernest and Celestine then call the judges and the rest of the higher class out on their cruelty to the lower class common folk. During the proceedings, a fire is accidentally started in the courthouse, and while the rest of the citizens flee despite the furious judges' demands to stay, Ernest and Celestine each stay behind to rescue their respective judges. The judges are both humiliated and broken that their people, the ones they thought they could always rule, have abandoned them to save their own lives while the ones they sought to wrongfully punish are their saviors. Having truly admitted defeat in their own hearts, the shameful judges drop the charges against them and have no other choice then to grant their wish to be able to remain living together. All the while, the judges express their inability to comprehend the concept of unconditional bonds; and can only watch along with the shaken populace of each place as the courthouses burn to the ground.
 Reunited in Ernest's cabin, the pair decide to write and illustrate a book, telling the story of their friendship, though with some embellishments after Celestine protests including the part of their meeting where Ernest attempted to eat her.
 Ernest & Celestine received acclaim from critics. The film review aggregator Rotten Tomatoes reports a 98% approval rating, based on 81 reviews with an average score of 8.20/10; the general consensus states: ""Sweet and visually charming, Ernest & Celestine offers old-fashioned delights for animation lovers of all ages.""[14] Metacritic assigns a score of 86 based on 22 critics, indicating ""universal acclaim"".[15] Andrew Chan of the Film Critics Circle of Australia writes, ""The result is a human story of two unlikely allies, a mouse living in harmony and befriending a bear. It is essentially that simple and it works just fine.""[16] Writing on Roger Ebert's website, Glenn Kenny of MSN awarded the film 3½ stars out of 4, praising it for its positive messages of friendship. Kenny wrote: ""Ernest and Celestine is the coziest movie you'll likely see all year. Every frame is suffused with a fireplace kind of warmth that, for me at least, cast an immediate spell that didn't let up.""[17]
 In June 2013, the film won the Award of the Hungarian National Student Jury at the 8th Festival of European Animated Feature Films and TV Specials.[18]
 A television series is adapted from the film, Ernest & Celestine, The Collection, made up of 52 episodes of 13 minutes[27][28] and broadcast on France 5 on 1 April 2017. Near the end of 2017, a selection of four episodes of the series was released in theatres under the title Ernest & Celestine in Winter.[29]
 In February 2022, StudioCanal announced that a sequel entitled Ernest & Celestine: A Trip to Gibberitia was in production, to be released on 14 December 2022. The film was directed by Julien Chheng and Jean-Christophe Roger.[12]",1139,"Main page; Contents; Current events; About Wikipedia; Help; Learn to edit; Community portal; Upload file; ; learn more; Article; Talk; Read; Read; Upload file; ; Stéphane Aubier; Vincent Patar; Benjamin Renner; Daniel Pennac; Gabrielle Vincent; Didier Brunner; Lambert Wilson; Vincent Courtois; Les Armateurs; Melusine Productions; StudioCanal; Cannes; €; French; animated; comedy-drama film; Stéphane Aubier; Vincent Patar; Benjamin Renner; Gabrielle Vincent; Directors' Fortnight; 2012 Cannes Film Festival; 2012 Toronto International Film Festival; Hong Kong International Film Festival; Animafest Zagreb; GKIDS; Forest Whitaker; Mackenzie Foy; Lauren Bacall; Paul Giamatti; William H. Macy; Megan Mullally; Nick Offerman; Jeffrey Wright; Magritte Award for Best Film; Best Animated Feature; 86th Academy Awards; Walt Disney Animation Studios; Frozen; Ernest & Celestine: A Trip to Gibberitia; mouse; grizzly bear; candy shop; Lambert Wilson; Forest Whitaker; Mackenzie Foy; Lauren Bacall; Paul Giamatti; William H. Macy; Megan Mullally; Nick Offerman; Féodor Atkine; Jeffrey Wright; Vincent Grass; David Boat; Rotten Tomatoes; average score; Metacritic; Film Critics Circle of Australia; Roger Ebert's; Glenn Kenny; MSN; Festival of European Animated Feature Films and TV Specials; Academy Awards; Best Animated Feature; Benjamin Renner; Didier Brunner; Amsterdam Cinekid Festival; citation needed; Annie Awards; Stéphane Aubier; Vincent Patar; Belgian Film Critics Association; Grand Prix; Cannes Film Festival; César Awards; Best Animated Film; Dubai International Film Festival; Galway Film Fleadh; Gijón International Film Festival; Los Angeles Film Critics Association Awards; Best Animated Feature; Magritte Awards; Best Film; Best Director; Best Sound; Portland International Film Festival; Satellite Awards; Satellite Award for Best Animated or Mixed Media Feature; Seattle International Film Festival; Toronto International Film Festival; France 5; Ernest & Celestine: A Trip to Gibberitia; StudioCanal; British Board of Film Classification; 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Paddington,https://fr.wikipedia.org/wiki/Paddington,"Pour les articles homonymes, voir Paddington (homonymie).
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 Paddington (prononcé en anglais : [pædɪŋtən]) est un quartier situé dans l'arrondissement de la Cité de Westminster. Avant 1965, il était le centre de son propre arrondissement.
 Paddington vient d'une locution du vieil anglais traduite par : « la ferme de Padda » :
 Le nom de Padington est mentionné à partir de 1056.",83,"Accueil; Portails thématiques; Article au hasard; Contact; Débuter sur Wikipédia; Aide; Communauté; Modifications récentes; ; Rechercher; en savoir plus; Contributions; Discussion; Article; Discussion; Lire; Lire; Pages liées; Suivi des pages liées; Téléverser un fichier; Pages spéciales; 51° 31′ 02″ nord, 0° 10′ 23″ ouest; ; Paddington (homonymie); ; ébauche; Londres; comment ?; projets correspondants; ; St Mary's Hospital; Pays; ; Royaume-Uni; Nation constitutive; Région; Comté; Comté cérémonial; Angleterre; Grand Londres; Grand Londres; Grand Londres; Comté traditionnel; Middlesex; Borough; Westminster; Parlement du Royaume-Uni; Cities of London and Westminster; Assemblée de Londres; Londres Central Ouest; Parlement européen; Londres; Code postal; Coordonnées; 51° 31′ 02″ nord, 0° 10′ 23″ ouest; Police; Pompier; Ambulance; Metropolitan Police Service; London Fire Brigade; London Ambulance Service; ITV franchise; BBC région; BBC Local Radio; ITV London; BBC London; BBC London; Grand Londres; ; ; Londres; ; ; ; anglais; [pædɪŋtən]; arrondissement; Cité de Westminster; Patrick; 1056; gare de Paddington; 1850; 1854; Isambard Kingdom Brunel; Matthew Digby Wyatt; St Mary's Hospital; IRA; 1991; église paroissiale Saint-James; Hellenic Centre; Athelstan Riley; Ours Paddington; ours de fiction; britannique; Michael Bond; Paddington; Michael Bond; 2014; Paul King; Paddington 2; Michael Bond; 2017; Paul King; Paddington; Notices d'autorité; v; Cité de Westminster; Bayswater; Belgravia; Covent Garden; Fitzrovia; Hyde Park; Knightsbridge; Little Venice; Maida Hill; Maida Vale; Mayfair; Marylebone; Pimlico; Queen's Park; St James's; St John's Wood; Soho; West End; Westminster; ; Portail de Londres; Catégorie; District dans la cité de Westminster; Wikipédia:ébauche Londres; Page avec coordonnées similaires sur Wikidata; Article géolocalisé au Royaume-Uni; Article utilisant une Infobox; Article géolocalisé sur Terre; Page utilisant P982; Page pointant vers des bases externes; Page pointant vers des bases relatives à la musique; Page utilisant P4342; Page pointant vers des dictionnaires ou encyclopédies généralistes; Article de Wikipédia avec notice d'autorité; Portail:Londres/Articles liés; Portail:Angleterre/Articles liés; Portail:Royaume-Uni/Articles liés; Portail:Europe/Articles liés; Page avec des cartes; Droit d'auteur; crédits graphiques; comment citer les auteurs et mentionner la licence; 501(c)(3); À propos de Wikipédia; Avertissements",Catégorie; District dans la cité de Westminster,/static/images/icons/wikipedia.png; /static/images/mobile/copyright/wikipedia-wordmark-fr.svg; /static/images/mobile/copyright/wikipedia-tagline-fr.svg; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/a9/Logo_disambig.svg/20px-Logo_disambig.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/7/7c/P_London_bus.png/38px-P_London_bus.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/4/45/St_Mary%27s_Hospital_old_section_2003-08-22.jpg/280px-St_Mary%27s_Hospital_old_section_2003-08-22.jpg; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/8/83/Flag_of_the_United_Kingdom_%283-5%29.svg/20px-Flag_of_the_United_Kingdom_%283-5%29.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/7/74/Greater_London_UK_location_map.svg/280px-Greater_London_UK_location_map.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/5/5d/City_locator_14.svg/16px-City_locator_14.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/4/4b/Open_street_map_central_london.svg/280px-Open_street_map_central_london.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/5/5d/City_locator_14.svg/16px-City_locator_14.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/3/38/Info_Simple.svg/12px-Info_Simple.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/7/73/Blue_pencil.svg/10px-Blue_pencil.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/7/73/Blue_pencil.svg/10px-Blue_pencil.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/7/73/Blue_pencil.svg/10px-Blue_pencil.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/c/ca/Underground_%28no_text%29.svg/30px-Underground_%28no_text%29.svg.png; https://login.wikimedia.org/wiki/Special:CentralAutoLogin/start?type=1x1; /static/images/footer/wikimedia-button.svg; /w/resources/assets/poweredby_mediawiki.svg,https://en.wikipedia.org/wiki/Paddington,Paddington,https://en.wikipedia.org/wiki/Paddington,"Paddington is an area in the City of Westminster, in central London, England.[1] A medieval parish then a metropolitan borough of the County of London, it was integrated with Westminster and Greater London in 1965. Paddington station, designed by the engineer Isambard Kingdom Brunel opened in 1847. It is also the site of St Mary's Hospital and the former Paddington Green Police Station.
 Paddington Waterside aims to regenerate former railway and canal land.  Districts within Paddington are Maida Vale, Westbourne and Bayswater including Lancaster Gate.
 The earliest extant references to Padington (or ""Padintun"", as in the Saxon Chartularies, 959[2]), historically a part of Middlesex, appear in documentation of purported tenth-century land grants to the monks of Westminster by Edgar the Peaceful as confirmed by Archbishop Dunstan. However, the documents' provenance is much later and likely to have been forged after the 1066 Norman conquest. There is no mention of the place (or Westbourne or Knightsbridge) in the Domesday Book of 1086.[3]
 It has been reasonably speculated that a Saxon settlement led by the followers of Padda, an Anglo-Saxon chieftain, was located around the intersection of the northern and western Roman roads, corresponding with the Edgware Road (Watling Street) and the Harrow and Uxbridge Roads.[4][5] From the tenth century, Paddington was owned by Westminster Abbey which was later confirmed by the Plantagenet kings in a charter from 1222. This charter mentions a chapel and a farm situated in the area.[5] While a 12th-century document cited by the cleric Isaac Maddox (1697–1759) establishes that part of the land was held by brothers ""Richard and William de Padinton"".[6] They and their descendants carried out activities in Paddington; these were known by records dating from 1168 to 1485. They were the earliest known tenant farmers of the land.[5]
 During King Henry VIII's dissolution, the property of Paddington was seized by the crown. However, King Edward VI granted the land to the Bishop of London in 1550. Successive bishops would later lease farmlands to tenants and city merchants. One such, in the 1540s was Thomas North who translated Plutarch's Parallel Lives into English in 1579. Shakespeare would later use this work and was said to have performed in taverns along Edgware Road.[5]
 In the later Elizabethan and early Stuart era, the rectory, manor and associated estate houses were occupied by the Small (or Smale) family. Nicholas Small was a clothworker who was sufficiently well connected to have Holbein paint a portrait of his wife, Jane Small. Nicholas died in 1565 and his wife married again, to Nicholas Parkinson of Paddington who became master of the Clothworkers' Company. Jane Small continued to live in Paddington after her second husband's death, and her manor house was big enough to have been let to Sir John Popham, the attorney general, in the 1580s. They let the building that became in this time Blowers Inn.[7]
 As the regional population grew in the 17th century, Paddington's ancient Hundred of Ossulstone was split into divisions; Holborn Division replaced the hundred for most administrative purposes.[8] A church, the predecessor of St Mary was built in Paddington in 1679.[9]
 In 1740, John Frederick leased the estate in Paddington and it is from his granddaughters and their families that many of Paddington's street names are derived.[5] The New Road was built in 1756–7 to link the villages of Paddington and Islington.[10]: 260  By 1773, a contemporary historian felt and wrote that ""London may now be said to include two cities (London and Westminster), one borough (Southwark) and forty six antient [ancient] villages [among which]... Paddington and [adjoining] Marybone (Marylebone).""[9]
During the 18th century, several French Huguenots called Paddington village home. These included jewellers, nobility and skilled craftsmen; and men such as Claudius Amyand (surgeon to King George II). The French nobility built magnificent gardens that lasted up until the 19th century.[5]
 
Roman roads formed the parish's northeastern and southern boundaries from Marble Arch: Watling Street (later Edgware Road) and; (the) Uxbridge road, known by the 1860s in this neighbourhood as Bayswater Road. They were toll roads in much of the 18th century, before and after the dismantling of the permanent Tyburn gallows ""tree"" at their junction in 1759 a junction now known as Marble Arch.[11]: p.174  The Tyburn gallows might have been a reason why expansion and urban development (from London) slowed in Paddington; as public execution was taking place there up until 1783.[5] Only in 1801 did major construction to Paddington occur. This happened when the bishops leased land to the Grand Junction Canal, where a direct trade link could now take place between London and the Midlands, bringing more employment to the area. The canal would remain dominant until Regent's Canal was built in 1820. Construction and building projects would take place from east to west and south to north throughout the 19th century; increasing its population in a rapid pace, overtaking the village scene of Paddington. This population increase would go from 1,881 to 46,305 between 1801 and 1851 respectively; with 10,000 new inhabitants added every decade thereafter.[5]
 Paddington station first opened in 1838, with the first underground line in 1863 (Metropolitan).[5] Paddington was one of the few districts in London that had a migrant majority population by 1881.[10]: 416  With a thriving Greek and Jewish community present in the mid-19th century. During the period, several Victorian churches were demolished owing to structural decay. Victorian housing developed into slums, giving the area an unsavoury reputation.
 However, in the 1930s massive rebuilding and improvements projects were made. However, even as late as the 1950s Paddington was a byword for overcrowding, poverty and vice. Between the 1960s and 1980s, the area would see vast improvements and redevelopments in city planning.[5]
 The southeast section of Tyburnia used to be a shanty-town in the 1790s before the Canal was built and brought much needed employment to its inhabitants. The area was built up during the course of the Napoleonic Wars.[5]
 In the 19th century the part of the parish most sandwiched between Edgware Road and Westbourne Terrace, Gloucester Terrace and Craven Hill, bounded to the south by Bayswater Road, was known as Tyburnia. The district formed the centrepiece of an 1824 masterplan by Samuel Pepys Cockerell to redevelop the Tyburn Estate (historic lands of the Bishop of London) into a residential area to rival Belgravia.[12]
 The area was laid out in the mid-1800s when grand squares and cream-stuccoed terraces started to fill the acres between Paddington station and Hyde Park; however, the plans were never realised in full. Despite this, Thackeray described the residential district of Tyburnia as ""the elegant, the prosperous, the polite Tyburnia, the most respectable district of the habitable globe.""[13]
 Derivation of the name is uncertain. Speculative explanations include Padre-ing-tun (explained as ""father's meadow village""), Pad-ing-tun (""pack-horse meadow village""),[14] and Pæding-tun (""village of the race of Pæd"")[15] the last being the cited suggestion of the Victorian Anglo-Saxon scholar John Mitchell Kemble.
 There is another Paddington in Surrey, recorded in the Domesday Book as ""Padendene""[16] and later as ""Paddingdon"", perhaps to be derived from Old English dene, denu ""valley"", whereas Paddington in Middlesex is commonly traced back to Old English tūn ""farm, homestead, town"". Both place names share the same first part, a personal name rendered as Pad(d)a, of uncertain origin, giving ""Padda's valley"" for the place in Surrey and ""homestead of Padda's people"" for the place in Middlesex.[2] That both place names would refer to the same individual or ancient family,[17] is pure speculation. A lord named Padda is named in the Domesday Book, associated with Brampton, Suffolk.[18]
 An 18th-century dictionary gives ""Paddington Fair Day. An execution day, Tyburn being in the parish or neighbourhood of Paddington. To dance the Paddington frisk; to be hanged.""[19] Public executions were abolished in England in 1868.[20]
 The Paddington district is centred around Paddington railway station.  The conventional recognised boundary of the district is much smaller than the longstanding pre-mid-19th century parish. That parish was virtually equal to the borough abolished in 1965.  It is divided from a northern offshoot Maida Vale by the Regent's Canal; its overlap is the artisan and touristic neighbourhood of Little Venice.  In the east of the district around Paddington Green it remains divided from Marylebone by Edgware Road (as commonly heard in spoken form, the Edgware Road).  In the south west it is bounded by its south and western offshoot Bayswater.  A final offshoot, Westbourne, rises to the north west.
 Paddington was part of the Metropolitan Borough of Paddington, the headquarters of which was at Paddington Town Hall, until 1965 when the area became part of the enlarged City of Westminster.[21]
 A lagoon created in the 1810s at the convergence of the Paddington Arm of the Grand Union Canal, the Regent's Canal and the Paddington Basin.  It is an important focal point of the Little Venice area.  It is reputedly named after Robert Browning, the poet.  More recently known as the ""Little Venice Lagoon"" it contains a small islet known as Browning's Island.  Although Browning was thought to have coined the name ""Little Venice"" for this spot there are strong arguments Lord Byron was responsible.[22]
 Paddington station is the iconic landmark associated with the area.  In the station are statues of its designer, Isambard Kingdom Brunel, and the children's fiction character Paddington Bear.
 The terminus of the Paddington Arm of the Grand Union Canal was originally known as the Paddington Basin and all the land to the south was developed into housing and commercial property and titled The Grand Junction Estate. The majority of the housing was bounded by Praed Street, Sussex Gardens, Edgware Road and Norfolk Place. Land and buildings not used for the canal undertaking remained after 1929 with the renamed Grand Junction Company, which functioned as a property company. While retaining its own name, it was taken over in 1972 by the Amalgamated Investment and Property Company, which went into liquidation in 1976. Prior to the liquidation the Welbeck Estate Securities Group acquired the entire estate comprising 525 houses 15 shops and the Royal Exchange public House in Sale Place.
 The surrounding area is now known as Merchant Square. A former transshipment facility, the surrounds of the canal basin named Merchant Square have been redeveloped to provide 2,000,000 sq ft (190,000 m2) of offices, homes, shops and leisure facilities.[23] The redeveloped basin has some innovative features including Heatherwicks Rolling Bridge, the Merchant Square Fan Bridge and the Floating Pocket Park.[24]
 Situated to the north of the railway as it enters Paddington station, and to the south of the Westway flyover and with the canal to the east the former railway goods yard has been developed into a modern complex with wellbeing, leisure, retail and leisure facilities.[25] The public area from the canal to Sheldon Square with the amphitheatre hosts leisure facilities and special events.[26]
 A green space and conservation area in the east of the Paddington district immediately to the north of the Westway and west of Edgware Road.  It includes St Mary on Paddington Green Church.  The Paddington Green campus of the City of Westminster College is adjacent to the Green.  Paddington Green Police Station is immediately to the north west of the intersection of Westway and Edgware Road.
 Paddington station is on the London Underground and National Rail networks. It is in London fare zone 1.[27]
 Great Western Railway services from Paddington run towards Slough, Maidenhead and Reading, with intercity services continuing towards destinations in South West England and South Wales, including Oxford, Worcester, Bristol, Cardiff, Exeter, Plymouth and Penzance.[28]
 The Elizabeth line, operated by Transport for London (TfL), runs a stopping service from Paddington to Reading, either as part of through-running services from the central and eastern parts of the Elizabeth line or starting from Paddington. These trains mostly depart from the deep-level Elizabeth line platforms underneath the western side of the mainline station. These deep-level Elizabeth line tracks emerge above ground adjacent to the mainline tracks just west of Royal Oak tube station and join them at that point, thereafter sharing the relief line tracks with some Great Western Railway stopping services as far as the Elizabeth line terminus at Reading. Elizabeth line services link the Paddington area both to destinations in west London and Berkshire and to the centre and eastern side of London.
 Trains to Heathrow Airport also depart from Paddington, operated both by the Elizabeth line (stopping services via Ealing Broadway) and the Heathrow Express (no intermediate stops).[27][28]
 There are two London Underground (tube) stations in the Paddington station complex.
 The Bakerloo, Circle and District lines call at the station on Praed Street (which, from the main concourse, is opposite platform 3). This links Paddington directly to destinations across Central and West London, including Baker Street, Earl's Court, Oxford Circus, South Kensington, Victoria, Waterloo, Westminster and Wimbledon.[27]
 The Circle and Hammersmith & City lines call at the station near the Paddington Basin (to the north of platform 12). Trains from this station link the area directly to Hammersmith via Shepherd's Bush to the west. Eastbound trains pass through Baker Street, King's Cross St Pancras, Liverpool Street in the City, Whitechapel and Barking.[27]
 Lancaster Gate tube station is also in the area, served by Central line trains.[27]
 Paddington station was designed by Isambard Kingdom Brunel. The permanent building opened in 1854.
 Paddington Bear was also named after the station; in Michael Bond's 1958 book A Bear Called Paddington, Paddington is found at the station by the Brown family. He is lost, having just arrived in London from ""darkest Peru.""
 London Buses 7, 23, 27, 36, 46, 205 and 332, and night buses N7 and N205 serve Paddington station. Buses 23, 27 and 36 operate 24 hours, daily.[29]
 Routes 94 and 148 serve Lancaster Gate station to the south of Paddington. Both routes operate 24 hours, daily, supplemented by route N207 at nights.[30]
 Several key routes pass through or around the Paddington area, including:
 Cycling infrastructure is provided in Paddington by Transport for London (TfL) and the Canal & River Trust.
 Several cycle routes pass through the area, including:
 Sustrans also propose that National Cycle Route 6 (NCR 6) will begin at Paddington and run northwest along the Grand Union Canal towpath. The route, when complete, will run signposted and unbroken to Keswick, Cumbria. Within the M25, the route will pass through Hayes, Uxbridge and Watford.[34]
 Santander Cycles, a London-wide bike sharing system, operates in Paddington, with several docking stations in the area.[35]
 The Paddington Arm of the Grand Union Canal runs from Paddington to Hayes, via Westbourne Park and Willesden. Beyond Hayes, onward destinations include Slough, the Colne Valley, and Aylesbury. The Paddington Basin is in the area, as is Little Venice. A towpath runs unbroken from Paddington to Hayes.[36]
 The Rolling Bridge at the Paddington Basin was designed by Thomas Heatherwick, who wanted to create a bridge that, instead of breaking apart to let boats through, would ""get out of the way"" instead. Heatherwick's website cites the  ""fluid, coiling tails of the animatronic dinosaurs of Jurassic Park"" as the initial influence behind the Bridge.[37]
 The Regent's Canal begins at Little Venice, heading east towards Maida Vale, Regent's Park, Camden Town, King's Cross, Old Street and Mile End en route to Limehouse. A towpath runs along the canal from Paddington to Limehouse, broken only by the Maida Hill and Islington tunnels.[38]
 Commercial traffic on the Grand Junction Canal (which became the Grand Union Canal in 1929) dwindled because of railway competition in the late-19th and early-20th centuries, and freight then moved from rail to road after World War II, leading to the abandonment of the goods yards in the early 1980s. The land lay derelict until the Paddington Waterside Partnership was established in 1998 to co-ordinate the regeneration of the area between the Westway, Praed Street and Westbourne Terrace. This includes major developments on the goods yard site (now branded Paddington Central) and around the canal (Paddington Basin).  As of October 2017[update] much of these developments have been completed and are in use.[39]
 PaddingtonNow BID put forward a renewal bid in 2017 covering the period April 2018 to March 2023, which would be supported by a levy on local businesses. Development schemes for St. Mary's Hospital and Paddington Square are likely to commence in this period, and the impact of the opening of the Elizabeth line in 2018 would be soon felt.[39]
 Paddington has a number of Anglican churches, including St James's, St Mary Magdalene, St David's Welsh Church and St Peter's. In addition, there is a large Muslim population in and around Paddington.
 Between 1805 and 1817, the great actress Sarah Siddons lived at Desborough House,[42] (which was demolished before 1853 to make way for the Great Western Railway) and was buried at Paddington Green, near the later graves of the eminent painters Benjamin Haydon and William Collins.[43]: p.183  Her brother Charles Kemble also built a house, Desborough Lodge, in the vicinity—in which she may have lived later.[11]: p.230  In later years, the actress Yootha Joyce, best known for her part in the classic television comedy George and Mildred, lived at 198 Sussex Gardens.[44]
 One of Napoleon's nephews, Prince Louis Lucien Bonaparte (1813–1891), a notable comparative linguist and dialectologist, who spent most of his adult life in England, had a house in Norfolk Terrace, Westbourne Park.[11]: p.200 
 The eccentric philanthropist Ann Thwaytes lived at 17 Hyde Park Gardens between 1840 and 1866.[45][46]
 The Victorian poet Robert Browning moved from No. 1 Chichester Road to Beauchamp Lodge, 19 Warwick Crescent, in 1862 and lived there until 1887.[11]: pp.199   He is reputed to have named that locality, on the junction of two canals, ""Little Venice"". But this has been disputed by Lord Kinross in 1966[47][22] and more recently by londoncanals.uk[48] who both assert that Lord Byron humorously coined the name. The name is now applied, more loosely, to a longer reach of the canal system.
 St Mary's Hospital in Praed Street is the site of several notable medical accomplishments. In 1874, C. R. Alder Wright synthesised heroin (diacetylmorphine). Also there, in 1928, Sir Alexander Fleming first isolated penicillin, earning the award of a Nobel Prize. The hospital has an Alexander Fleming Laboratory Museum[49] where visitors can see Fleming's laboratory, restored to its 1928 condition, and explore the story of Fleming and the discovery and development of penicillin through displays and video.
 Edward Wilson, physician, naturalist and ornithologist, who died in 1912 on Captain Robert Scott's ill-fated British Antarctic expedition, had earlier practised as a doctor in Paddington. The former Senior Street primary school was renamed the Edward Wilson School after him in 1951.[11]: pp.266 
 British painter Lucian Freud had his studio in Paddington, first at Delamere Terrace from 1943 to 1962, and then at 124 Clarendon Crescent from 1962 to 1977.[50]
 Timothy Forsyte of John Galsworthy's The Forsyte Saga and other relatives resided in Bayswater Road.[51]
 Paddington Bear, from ""deepest, darkest Peru"", emigrated to England via Paddington station.[52]",3146,"Main page; Contents; Current events; About Wikipedia; Help; Learn to edit; Community portal; Upload file; ; learn more; Article; Talk; Read; Read; Upload file; Coordinates; Paddington Bear; London Paddington station; Paddington (film); Paddington (disambiguation); ; St Mary's Hospital; ; Greater London; OS grid reference; London borough; Westminster; Ceremonial county; Greater London; Region; London; Country; England; Sovereign state; Post town; LONDON; Postcode district; W2, W9; Dialling code; 020; Police; Metropolitan; Fire; London; Ambulance; London; UK Parliament; Cities of London and Westminster; Westminster North; London Assembly; West Central; UK; England; London; area; City of Westminster; metropolitan borough; County of London; Greater London; Paddington station; Isambard Kingdom Brunel; St Mary's Hospital; Paddington Green Police Station; Paddington Waterside; Maida Vale; Westbourne; Bayswater; Lancaster Gate; ; historically; Middlesex; Edgar the Peaceful; Archbishop Dunstan; Norman conquest; Domesday Book; Edgware Road; Watling Street; Harrow; Uxbridge; Westminster Abbey; Plantagenet; Isaac Maddox; Henry VIII's; dissolution; Edward VI; Bishop of London; Thomas North; Parallel Lives; Elizabethan; Stuart; Holbein; Jane Small; Clothworkers' Company; Hundred; Ossulstone; Holborn Division; St Mary; ; St Mary on Paddington; New Road; contemporary historian; London; Westminster; Southwark; Marylebone; Huguenots; Claudius Amyand; George II; Marble Arch; Watling Street; Edgware Road; Bayswater Road; toll roads; Tyburn gallows ""tree""; ; Grand Junction Canal; Midlands; Regent's Canal; Paddington station; Metropolitan; Tyburnia; Napoleonic Wars; Westbourne Terrace; Gloucester Terrace; Craven Hill; Samuel Pepys Cockerell; Belgravia; stuccoed; John Mitchell Kemble; Surrey; Domesday Book; Old English; Brampton, Suffolk; Paddington railway station; Maida Vale; Regent's Canal; Little Venice; Paddington Green; Marylebone; Edgware; Bayswater; Westbourne; ; St Pancras; ; Paddington Town Hall; Metropolitan Borough of Paddington; Paddington Town Hall; City of Westminster; Paddington Arm; Grand Union Canal; Regent's Canal; Little Venice; Robert Browning; Lord Byron; London Paddington station; Paddington station; Isambard Kingdom Brunel; children's fiction; Paddington Bear; Paddington Basin; Sussex Gardens; transshipment; canal basin; Heatherwicks Rolling Bridge; Paddington Waterside § PaddingtonCentral; Paddington Green, London; Westway; St Mary on Paddington Green Church; City of Westminster College; Paddington Green Police Station; ; Paddington railway station; Paddington station; London Underground; National Rail; London fare zone 1; Great Western Railway; Slough; Maidenhead; Reading; South West England; South Wales; Oxford; Worcester; Bristol; Cardiff; Exeter; Plymouth; Penzance; Elizabeth line; Transport for London; Royal Oak tube station; Great Western Railway; 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T."") Heron; cine; William Rees Jeffreys; Alan Johnson; Paddington Tom Jones; Patrick Macnee; Norman Mischler; Rhona Mitra; Alfred Molina; Steve New; Hermione Norris; Paul Onwuanibe; George Osborne; Michael Page; William Page; Mark Pougatch; Seal; David Suchet; John Suchet; ITN; Kiefer Sutherland; Emma Thompson; Ferdinand Maurice Felix West; Victoria Cross; Alan Turing; Sarah Siddons; Paddington Green; Benjamin Haydon; William Collins; Charles Kemble; Yootha Joyce; George and Mildred; Napoleon; Louis Lucien Bonaparte; comparative linguist; dialectologist; Ann Thwaytes; Victorian; Robert Browning; Warwick Crescent; Little Venice; Lord Byron; St Mary's Hospital; Praed Street; C. R. 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Le Gruffalo,https://fr.wikipedia.org/wiki/Le_Gruffalo,"Le Gruffalo (The Gruffalo) est un court métrage d'animation britannique réalisé par Max Lang et Jakob Schuh, diffusé en Grande-Bretagne à la télévision sur la BBC le 25 décembre 2009[1]. Le film bénéficie d'une sortie au cinéma en France le 19 octobre 2011[2]. Le film est une adaptation de Gruffalo, livre illustré pour la jeunesse écrit par Julia Donaldson et illustré par Axel Scheffler.
 Alors que deux petits écureuils jouent sur une branche d'arbre près de leur hotte en attendant leur mère qui était partie chercher une noisette, un hibou passe. Les deux écureuils se réfugient dans leur hotte avec leur mère. Pour passer le temps, la mère raconte une histoire (voir partie II) et à la fin, elle va chercher la noisette qu'elle avait oubliée.
 Une souris se promène dans un bois, en cherchant désespérément une noisette. Elle continue à chercher lorsqu'elle voit un arbre plein de noisettes. La souris décide d'y aller. Mais elle croise un renard qui veut l'inviter dans son terrier. La souris pense qu'elle va se faire dévorer, alors elle dit qu'elle a rendez-vous avec un gruffalo, une bête imaginaire. Le décrivant comme une bête horrible, elle dit au renard que le plat préféré de la bête est un renard rôti. Le renard s'enfuit alors aussitôt.
 Continuant sa route, elle croise un hibou qui veut lui aussi l'inviter. La souris emploie alors la même ruse qu'avec le renard. Le hibou, bien sûr, s'enfuit.
 Puis la souris refait la même chose avec un serpent. Après avoir parcouru le chemin sans s'être fait dévorer, elle se trouve nez-à-nez avec une bête comme elle l'avait décrit, un gruffalo...
 Pour échapper au monstre, elle lui fait croire qu'elle est la terreur de la forêt. Pendant ce temps, les trois prédateurs qu'a croisés la souris comprennent qu'elle leur a menti et la cherchent pour la manger.
 Mais à chaque fois qu'elle passe devant un des animaux, le gruffalo, derrière la souris, fait fuir les animaux aussi vite que l'éclair. À la fin, la souris souffle dans l'oreille du gruffalo, que son plat préféré, c'est... du pâté au gruffalo. Le monstre s'enfuit à son tour. Puis la souris trouve une noisette et la mange sur un rocher.
 Source : Allodoublage[3]
 Source : Conta'm Doblatge
 En 2010, le film remporte le prix du meilleur programme pour la télévision au Festival international du film d'animation d'Annecy[4]. En 2011, le film est nommé pour l'Oscar du meilleur court métrage d'animation[5].",406,Accueil; Portails thématiques; Article au hasard; Contact; Débuter sur Wikipédia; Aide; Communauté; Modifications récentes; ; Rechercher; en savoir plus; Contributions; Discussion; Article; Discussion; Lire; Lire; Pages liées; Suivi des pages liées; Téléverser un fichier; Pages spéciales; court métrage; Gruffalo; Julia Donaldson; Axel Scheffler; écureuils; noisette; hibou; souris; renard; serpent; Julia Donaldson; Axel Scheffler; René Aubry; ; Royaume-Uni; anglais; animation; États-Unis; France; Helena Bonham Carter; James Corden; Tom Wilkinson; John Hurt; Rob Brydon; Robbie Coltrane; Zabou Breitman; Mélanie Dermont; Bernard Faure; Pascal Racan; Joan Francés Tisnèr; Le Petit Gruffalo; Notices d'autorité; ; Portail de la télévision britannique; ; Portail du cinéma britannique; ; Portail de l’animation; ; Portail des années 2000; ; Portail de la BBC; Catégories; Téléfilm britannique des années 2000; Téléfilm d'animation britannique; Téléfilm diffusé en 2009; Téléfilm de la BBC; Court métrage d'animation britannique; Adaptation d'une œuvre de jeunesse au cinéma; Téléfilm sorti au cinéma; Film se déroulant dans une forêt; Page utilisant P1562; Page utilisant P1265; Page utilisant P4438; Page utilisant P3203; Page utilisant P2639; Page utilisant P5032; Page utilisant P345; Page utilisant P4282; Page utilisant P3138; Page utilisant P1258; Page utilisant P4947; Page pointant vers des bases externes; Page pointant vers des bases relatives à l'audiovisuel; Article utilisant le modèle Dictionnaires inactif; Article de Wikipédia avec notice d'autorité; Portail:Télévision britannique/Articles liés; Portail:Télévision/Articles liés; Portail:Médias/Articles liés; Portail:Royaume-Uni/Articles liés; Portail:Europe/Articles liés; Portail:Cinéma britannique/Articles liés; Portail:Cinéma/Articles liés; Portail:Animation/Articles liés; Portail:Arts/Articles liés; Portail:Années 2000/Articles liés; Portail:XXIe siècle/Articles liés; Portail:Époque contemporaine/Articles liés; Portail:Histoire/Articles liés; Portail:BBC/Articles liés; Droit d'auteur; crédits graphiques; comment citer les auteurs et mentionner la licence; 501(c)(3); À propos de Wikipédia; Avertissements,Catégories; Téléfilm britannique des années 2000; Téléfilm d'animation britannique; Téléfilm diffusé en 2009; Téléfilm de la BBC; Court métrage d'animation britannique; Adaptation d'une œuvre de jeunesse au cinéma; Téléfilm sorti au cinéma; Film se déroulant dans une forêt,/static/images/icons/wikipedia.png; /static/images/mobile/copyright/wikipedia-wordmark-fr.svg; /static/images/mobile/copyright/wikipedia-tagline-fr.svg; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/8/83/Flag_of_the_United_Kingdom_%283-5%29.svg/20px-Flag_of_the_United_Kingdom_%283-5%29.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/7/73/Blue_pencil.svg/10px-Blue_pencil.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/7/73/Blue_pencil.svg/10px-Blue_pencil.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/a7/Union_flag_tv.svg/36px-Union_flag_tv.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/8/8c/United_Kingdom_film_clapperboard.svg/28px-United_Kingdom_film_clapperboard.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/d/da/Animation_disc.svg/26px-Animation_disc.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/c/c1/Blue_iPod_Nano.jpg/10px-Blue_iPod_Nano.jpg; //upload.wikimedia.org/wikipedia/fr/thumb/2/29/BBC_Portail.svg/44px-BBC_Portail.svg.png; https://login.wikimedia.org/wiki/Special:CentralAutoLogin/start?type=1x1; /static/images/footer/wikimedia-button.svg; /w/resources/assets/poweredby_mediawiki.svg,https://en.wikipedia.org/wiki/The_Gruffalo,The Gruffalo,https://en.wikipedia.org/wiki/The_Gruffalo,"The Gruffalo is a British children's picture book by author Julia Donaldson and illustrated by Axel Scheffler. It tells the story of a mouse taking a walk in the woods and deceiving different predators, including the Gruffalo. The Gruffalo was first published in 1999 in the United Kingdom by Macmillan Children's Books. It is about 700 words long and is written in rhyming couplets featuring repetitive verse. It is an example of a trickster story and was inspired by a Chinese folk tale called ""The Fox that Borrows the Terror of a Tiger"". The Gruffalo has sold over 13.5 million copies and has won several prizes for children's literature including the Nestlé Smarties Book Prize. 
 It has been adapted into plays and an Oscar-nominated animated film. The book has inspired a range of merchandise, a commemorative coin, a theme park ride in Chessington World of Adventures, and a series of woodland trails. In 2004, The Gruffalo was followed by a sequel—The Gruffalo's Child—also written by Donaldson and illustrated by Scheffler.
 Julia Donaldson is an author of children's books, the most famous of which being The Gruffalo.[1] Before writing The Gruffalo, Donaldson had a background in drama and performance.[2] She studied drama at the University of Bristol and then busked in Europe and the United States.[1] She began her career as a writer by writing children's songs for television programmes. In 1993, one of her songs that she sang and performed with her husband—""A Squash and Squeeze"", about an elderly lady with a small house[3]—was turned into a book, published by Methuen and illustrated by Axel Scheffler.[4][5] Scheffler was born and grew up in Germany before moving to the UK to study art. He first worked with Donaldson on A Squash and Squeeze, published in 1993.[3]
 In an interview in the book The Way We Write (2006), Donaldson writes that although ""It can take months or years for the germination of a book ... writing The Gruffalo probably took two weeks, with all the rewriting"".[6] She said that writing the second half of the book was difficult and almost forced her to stop altogether.[7] Donaldson said that she had admired Scheffler's illustrations for A Squash and Squeeze, and when her publisher did not suggest he would also be illustrating The Gruffalo, she sent him the text of the book herself. Scheffler showed the text to Macmillan, who were his publisher at the time and subsequently published the book.[8]
 A mouse walks through a wood and encounters three predators—first a fox, then an owl, & finally a snake. Each of these animals invites the mouse into their home for a meal, the implication being that they intend to eat the mouse. The mouse declines each offer, telling the predators that it plans to dine with a ""gruffalo"". The mouse then describes the gruffalo's frightening features, such as ""terrible tusks, terrible claws, and terrible teeth in his terrible jaws"".[9] The mouse tells each predator that the predator is the gruffalo's favourite food. Frightened that the gruffalo might eat them, each animal flees. Convinced the Gruffalo is fictional, the mouse says:
 After getting rid of the snake, the mouse is shocked to encounter a real Gruffalo, which has all the features the mouse thought that it was inventing. The Gruffalo threatens to eat the mouse. Instead, the mouse insists that the mouse is the scariest animal in the wood. Laughing, the Gruffalo agrees to follow the mouse. The two walk through the wood, encountering each of the three predators again. Each predator is terrified by the sight of the Gruffalo and escapes to its home, but the Gruffalo believes that they are actually scared of the mouse. Exploiting this, the mouse threatens to eat the Gruffalo in a “Gruffalo crumble”. The Gruffalo flees, leaving the mouse to eat a nut in peace.
 In an article titled ""Humour and the locus of control in 'The Gruffalo'"", Betsie van der Westhuizen identifies the following types of humour used in The Gruffalo: ""humour with regard to the narrative aspects, humour with regard to the poetic aspects, visual humour and humour and the performing arts"".[10] She writes that the most common use of humour in the story is incongruity, arising from the sense that ""everything is not as it should be"".[11] Some examples include the mouse averting the predators and the unusual descriptions of food, such as ""owl ice cream"" and ""scrambled snake"".[12] She writes that there are different experiences of humour among different ages of children who read The Gruffalo: three to five year olds will appreciate the elements of surprise and repetition in the story; six to eight year olds will enjoy the rhyme and rhythm of the text and the story's hyperbole.[10] As for visual representations of humour, van der Westhuizen writes that an example occurs when the mouse scares away the snake, accompanied by fragmented images of the imaginary gruffalo's features, then immediately afterwards comes across the real Gruffalo.[13]
 Mice often feature as the main character in stories for children, and one key characteristic of the animal in this context is humour.[14][10] Both Ghassan Fadhil Radhi and van der Westhuizen write that children relate to the character of the mouse who triumphs in difficult situations, along with the humour that is a key element of many mouse stories.[10][14]
 Donaldson has said that the story of The Gruffalo was inspired by a Chinese folk tale known as ""The Fox that Borrows the Terror of a Tiger""[15][16] (狐假虎威[17]). The folk tale is about a hungry tiger who tries to catch a fox. The fox is clever and tells the tiger that God has made the fox king of all animals. Whilst accompanying the fox, the tiger notices that other animals run away in fear. Not realising that they are actually running away from the tiger, the tiger believes that fox is indeed a feared king.[16] Donaldson was originally going to have the beast in her book be a tiger, but was unable to think of rhymes for ""tiger"" so instead invented a new word—""gruffalo"".[16]
 The Taiwanese translator of The Gruffalo recommended the book for publication in Taiwanese because he noticed the story bore resemblance to the traditional tale. Teachers have used this translated book to demonstrate a modern retelling of the Chinese folk tale. In an article on the traditional Chinese translation of The Gruffalo in Taiwan, Chen-Wei Yu writes that the ""resourcefulness"" of the mouse in Donaldson's story represents a Western association with ""individual autonomy"" and ""self-achievement"", whereas the fox in the original fable is to be looked down upon because it does not accept its correct place in society nor an individual's obligation to others.[16] This latter interpretation of the story has led the phrase ""The Fox that Borrows the Terror of a Tiger"" to mean someone who makes use of another person's power for their own gain.[16]
 The Gruffalo is a short children's story around 700 words long.[18] It is intended to be read aloud as it is written for a target audience of children who do not know or are learning how to read.[19] It is written in rhyming couplets in primarily dactylic tetrameter. This is a relatively uncommon metre, consisting of one stressed syllable followed by two unstressed syllables, for instance:[20]
 The rhythm of the text is broken at key points in the story. For example, when the mouse announces that he is going to meet the gruffalo ""here, by the rocks"", the pause on the word ""here"" lets the reader know the importance of the location and makes them more likely to remember it when the mouse and Gruffalo return there later in the story.[21] The rhythm is broken again after the mouse fools the predators and sees the Gruffalo for the first time, saying ""Oh, help! Oh, no! It's a gruffalo"".[22]
 To create a satisfying rhyming scheme for the story, Donaldson tried a few different names for the creature that would eventually become the Gruffalo.[23]
 So I had my plot, but I couldn't get any good couplet, like 'Silly old fox! You ought to know, you really should, / There aren't any tigers in this wood.' Something like that just didn't seem very strong. So then I thought if the mouse were going to meet some made-up creature, it would be much easier for me to write about it. I have just looked at my notes, and see that at first I thought the creature could be a 'snargle' or 'stroog' or 'tiglophant' (I must have been thinking at one stage of having it a cross between a tiger and an elephant). Then I finally thought of the lines, 'Silly old fox! Doesn't he know, / There's no such thing as a gruffalo?' I thought the word had to have three syllables, and end in 'o', and would sound fierce with 'gr' at the beginning, so gruffalo came. In Burke's view, the name is ""fittingly crafted by the author"".[24] The use of the Gr sound at the start of the name evokes negativity, harshness and discomfort, as it is a common consonant cluster in words with that connotation (for example: growl, groan, grumble). The first syllable in the name—gruff—is shared with the other children's literary characters of the Three Billy Goats Gruff.[24] The sound of the word ""Gruffalo"" is used to emphasise the first time the Gruffalo is seen in the story: the mouse begins saying the sentence ""Silly old snake, doesn't he know, there's no such thing as a Gruffal ..."", then the reader turns the page to see the picture of the Gruffalo and the mouse finishes its sentence with the exclamation ""Oh!"". Burke writes that this exclamation works particularly well when the text is read out loud.[25] Van der Westhuizen writes that there is some ""very subtle wordplay/manipulation of spelling"" when the real Gruffalo is first introduced to make him ""more specific, more substantial"": from that point on in the text, ""Gruffalo"" is spelled with a capital 'G'; up until in the story, it was spelled with a lower case 'g'.[26] There is typographic variation in the text, in that the Gruffalo's and predator's dialogue is written in italic font whereas the mouse's dialogue is not.[27]
 The text contains a mixture of predictable rhymes (such as mouse-house and wood-good) and unpredictable rhymes (such as toowhoo-flew). It utilises alliteration from the very start (such as ""deep, dark woods"" in the opening line), which gives more emphasis to the descriptions and helps children remember them easier.[15][22] The word ""terrible"" is repeated as an adjective to describe the Gruffalo's features (for example ""terrible tusks"", ""terrible claws""), which Burke writes may remind readers of Where the Wild Things Are—another children's book to use the word.[28] The Gruffalo mainly uses concrete nouns (such as ""lake"" and ""wood"") rather than abstract nouns.[15]
 When writing the story, Donaldson did not have an exact vision of what the Gruffalo would look like. She said that she imagined he would be ""more weird and less furry"" than Scheffler's final illustrations.[29] She read the story in schools prior to the book being published and invited the children to draw the Gruffalo, which resulted in creatures which she described as looking ""more like aliens and less like cuddly animals"".[29] In early sketches for the book, the Gruffalo was depicted as being humanoid, troll-like, and wearing a T-shirt and trousers. The book's editor, Alison Green, said that they instead decided that the Gruffalo would look more like a woodland creature and predator, and Donaldson said the resulting illustration is ""more natural looking"".[29][30] Scheffler's depiction of the creature relied on the physical descriptions within the text along with features which aren't mentioned, such as a pair of bovine horns. He created a version of the character which is cuddly and furry but still scary.[31] Donaldson describes the Gruffalo's appearance as a ""mixture of scary but stupid"".[30] Burke writes that the image of the Gruffalo has become ""iconic"".[19]
 When the Gruffalo first appears in the story, he takes up a large part of the visual space on the page with strong, contrasting colours.[32] He appears menacing with his arms raised in an attack stance, claws extended, and a drooling tongue.[25] The mouse in comparison looks threatened,[32] but the humorous grin of the Gruffalo—who looks directly at the audience rather than the mouse—alongside the playfulness of the text implies that the creature is less scary than he appears.[33] As the story progresses, the Gruffalo gradually appears less menacing and more frightened. Throughout the nine visual depictions of the Gruffalo in the book, he becomes, as Burke writes, more ""buffoon-like"".[34] In the penultimate picture of the Gruffalo, he holds his hand to his neck area which makes him look uncomfortable. The final picture is of the Gruffalo is him running away.[34]
 The Gruffalo is set in a forest. Scheffler was inspired by the forests in Hamburg when drawing rough initial sketches for the book.[31] The setting contains a footpath, stream, lake, mushrooms and other wildlife.[35] He depicts the ""deep dark wood"" with deep green and brown tones and dark outlines.[31] The darkness of the hues add to the feeling of suspense when reading the story.[36] Burke writes that the trees and tree roots are ""reminiscent of the Gruffalo itself, it is as if the forest has in part spawned the creature, and they serve in the story to foreshadow what is to come"".[19] Throughout the book, the setting doesn't change—the illustrations at the end of the book are a mirror image of the forest at the beginning.[35]
 The Gruffalo was published by Macmillan in 1999—a year after its completion.[37] An audiobook version, narrated by Imelda Staunton, was released in 2002[38] and a jigsaw book version was published in 2004.[39] The ""Gruffalo song"" was released with the audiobook on a musical CD with other songs from Donaldson's books.[40] Scheffler and Donaldson continued to work together in an author-illustrator partnership and as of 2022 have created over 20 best-selling books.[18] In 2019, 20 years after the publication of The Gruffalo, over 13.5 million copies had been sold.[41] It has been translated into more than 100 languages,[1] including Cornish,[42] multiple dialects of Scots[43][44] and Latin.[45] The sequel to the book by Donaldson and Scheffler—The Gruffalo's Child—was published in 2004.[46] It tells the story of the Gruffalo's daughter discovering the mouse after hearing stories about it from her father.[47] Allusions to the Gruffalo character appear in several other books by Donaldson and Scheffler.[48]
 The book has been adapted into a 30 minute animated film,[49] which was broadcast on BBC One in the UK on 25 December 2009.[50] This version features Robbie Coltrane in the title role, James Corden as the mouse, Helena Bonham Carter as the mother squirrel narrator, John Hurt as the Owl, Tom Wilkinson as the Fox and Rob Brydon as the Snake.[51] The production was animated at Studio Soi in Germany[52] and produced through Magic Light Pictures.[53] It was nominated for an Academy Award for Best Short Film (Animated) in 2011.[54] The film was nominated for a BAFTA in 2010.[55]
 The Gruffalo has been adapted for the stage by Tall Stories theatre company, premiering in 2001. The production has toured the West End, Broadway, and Sydney Opera House.[56] A review in The Scotsman says that the play ""develops Donaldson's words with perfect understanding"".[57] A review in British Theatre praises the ""dynamic movements in all the scenes"", including fourth wall breaks, but writes that the musical numbers and scenery are not as inspiring.[58] The Gruffalo has also been adapted for the stage by Dutch theatre company Meneer Monster.[59]
 A range of official The Gruffalo merchandise includes clothing, accessories, games, and soft toys.[60] A Gruffalo Woodland Trail was opened on 31 March 2012 at the Dean Heritage Centre in the Forest of Dean. The trail depicts scenes and characters from the book carved by chainsaw artists.[61] Other Gruffalo-themed woodland walks and trails have been established in Great Britain, including those at Kilmardinny Loch in Bearsden,[62] Mount Vernon Park in Glasgow,[63] Ardkinglas in Argyll,[64] Whinlatter Forest Park in Cumbria,[65] and several locations managed by Forestry England.[66] In 2017, Chessington World of Adventures opened The Gruffalo River Ride Adventure after securing a licensing deal with the studio Magic Light Pictures, which created The Gruffalo film. This ride replaced the park's Bubbleworks Ride.[67] Another ride based on Donaldson's book, and Magic Light Picture's film, Room on the Broom was also opened.[68]
 Sterling silver, gold, and UK 50p commemorative coins featuring ""The Gruffalo"" were issued in 2019 to mark the 20th anniversary of the book's publication. The coins were not introduced into general circulation, but were sold through the Royal Mint website. The 50p coins sold out within a day of being released.[69] The same year, characters from the book featured on a series of UK postage stamps issued by the Royal Mail.[70]
 The Gruffalo won the Nestlé Smarties Book Prize and Blue Peter Book Award's Best Book to Read Aloud.[71] In November 2009 the book was voted ""best bedtime story"" by listeners of BBC Radio 2.[72] In a 2010 survey by UK charity Booktime, the book came first in a list of children's favourite books.[73]",2857,"Main page; Contents; Current events; About Wikipedia; Help; Learn to edit; Community portal; Upload file; ; learn more; Article; Talk; Read; Read; Upload file; ; ; ; Julia Donaldson; Axel Scheffler; Children's; fantasy; Macmillan; ISBN; OCLC; The Gruffalo's Child; children's; picture book; Julia Donaldson; Axel Scheffler; Macmillan; trickster; Chinese folk tale; Nestlé Smarties Book Prize; animated film; commemorative coin; theme park ride; Chessington World of Adventures; The Gruffalo's Child; University of Bristol; busked; Methuen; Macmillan; crumble; Chinese folk tale; Western; rhyming couplets; dactylic tetrameter; consonant cluster; Three Billy Goats Gruff; typographic; italic; Where the Wild Things Are; concrete nouns; abstract nouns; bovine; Hamburg; ; audiobook; Imelda Staunton; jigsaw; Cornish; Scots; Latin; The Gruffalo's Child; The Gruffalo (film); adapted; BBC One; Robbie Coltrane; James Corden; Helena Bonham Carter; John Hurt; Tom Wilkinson; Rob Brydon; Magic Light Pictures; Academy Award; BAFTA; West End; Broadway; Sydney Opera House; The Scotsman; fourth wall; Dean Heritage Centre; Forest of Dean; Mount Vernon Park; Glasgow; Ardkinglas; Argyll; Whinlatter Forest Park; Cumbria; Forestry England; Chessington World of Adventures; The Gruffalo River Ride Adventure; Bubbleworks; Room on the Broom; Sterling silver; gold; commemorative coins; Royal Mint; series of UK postage stamps; Royal Mail; Nestlé Smarties Book Prize; Blue Peter Book Award; The Guardian; The Guardian; The Independent; ISBN; OCLC; ISBN; OCLC; OCLC; The Cornish Times; The Guardian; Scots Language Centre; The Hollywood Reporter; BAFTA; Forestry England; Surrey Live; Variety; Which?; BBC Radio 2; BBC News; Continuum; ISBN; Language and Literature; doi; S2CID; Royal Society; doi; PMC; PMID; The Conversation; Oxford University Press; ISBN; Donaldson, Julia; Macmillan Children's Books; ISBN; Inoue, Tetsujiro; Four Courts Press; ISBN; Karabuk University; eISSN; doi; ISSN; University of Toronto Press; doi; S2CID; The Ohio State University Press; doi; S2CID; Project MUSE; Children's literature portal; This audio file; Audio help; More spoken articles; ; v; t; Julia Donaldson; Axel Scheffler; The Gruffalo's Child; The Gruffalo; The Gruffalo's Child; The Gruffalo River Ride Adventure; Authority control databases; Categories; 1999 children's books; British picture books; Fantasy books; Children's books adapted into films; Children's books about foxes; Children's books about mice and rats; Children's books about monsters; Children's books about owls; Children's books about snakes; Children's books set in forests; Donaldson and Scheffler; Literary characters introduced in 1999; CS1 Dutch-language sources (nl); 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Max et les Maximonstres,https://fr.wikipedia.org/wiki/Max_et_les_Maximonstres,"Pour le film adapté du livre, voir Max et les Maximonstres (film).
 
 Max et les Maximonstres (en anglais : Where the Wild Things Are) est un album illustré pour enfants de Maurice Sendak, originellement publié chez Harper & Row en 1963, décrivant les aventures imaginaires d'un petit garçon nommé Max, furieux d'avoir été envoyé dans sa chambre sans dîner. Max porte dans ses aventures un déguisement de loup et rencontre plusieurs créatures. Traduit dans de très nombreux pays cet album est considéré comme un des plus grands classiques de la littérature de jeunesse illustrée américaine[1].
 En France, le livre est publié sous le titre Max et les Maximonstres[2] en 1967 par Delpire (dans une traduction de Bernard Noël) puis par l'École des loisirs et il est sans cesse ré-édité depuis. Il a reçu la Caldecott Medal en 1964[3] ainsi que le Boston Globe-Horn Book Award et fait partie des livres notables de l'American Library Association.
 Le livre raconte l'histoire de Max, qui joue un soir chez lui, « commettant des méfaits » dans un costume de loup (il pourchasse le chien avec une fourchette, etc.) Pour le punir, sa mère l'envoie au lit sans dîner. Dans sa chambre, une mystérieuse jungle surgit de son imagination, et Max part en voyage au pays des Maximonstres (en anglais : the Wild Things). Ce sont des monstres horribles à faire peur, mais Max les soumet de son regard effrayant, et il est fait roi des Maximonstres. Max organise alors « une fête épouvantable », qui dure plusieurs jours. Cependant, il se sent finalement seul, regrette sa maison, et retourne dans sa chambre. Il y trouve son souper qui l'attend, « encore tout chaud ».
 Cependant, seul Max est nommé dans le livre. Les autres noms proviennent de l'adaptation en opéra, et ont été repris par les figurines McFarlane Toys tirées du livre.
On y apprend également que Tzippy est le seul monstre femelle identifié.
 Le livre suit une structure symétrique tronquée et s'organise en dix-neuf doubles pages dans un format à l'italienne.
 Au début, les pages de gauche contiennent le texte (très bref) et les pages de droite contiennent les images. La taille des images croît progressivement, jusqu'à envahir la page de gauche, et finalement le texte bascule sous les images.
 Au point culminant du récit, trois doubles pages sans texte dépeignent la ""fête épouvantable"" que font les monstres sous la direction de Max. Puis la taille des images décroît progressivement, puis de façon brutale avec la chute qui ramène Max à la réalité.
 
 Au cinéma et à la télévision :
 En musique :
 À partir d'octobre 2000, McFarlane Toys a travaillé étroitement avec Maurice Sendak pour créer des séries de figurines fondées sur sept personnages de Where the Wild Things Are (Max, Goat Boy, Aaron, Bernard, Emil, Moishe, and Tzippy).
 - Dans One piece, œuvre d'Eichiiro Oda , il y a une théorie selon laquelle IMU SAMA ainsi que les cinq membres du Gorosei seraient inspirés de cette œuvre.",497,Accueil; Portails thématiques; Article au hasard; Contact; Débuter sur Wikipédia; Aide; Communauté; Modifications récentes; ; Rechercher; en savoir plus; Contributions; Discussion; Article; Discussion; Lire; Lire; Pages liées; Suivi des pages liées; Téléverser un fichier; Pages spéciales; ; Max et les Maximonstres (film); ; Maurice Sendak; ; États-Unis; Enfance; anglais; Harper & Row; 1963; ISBN; 0060254920; L'École des loisirs; 1967; Maurice Sendak; ISBN; 9782211028936; ; anglais; Maurice Sendak; Harper & Row; 1963; loup; 1967; Delpire; l'École des loisirs; Caldecott Medal; 1964; Boston Globe-Horn Book Award; American Library Association; anglais; McFarlane Toys; opéra; Oliver Knussen; Bruxelles; Glyndebourne; Londres; Saint Paul (Minnesota); dessin animé; Gene Deitch; 1973; musique concrète; 1982; Studios Disney; John Lasseter; Glen Keane; 1988; Peter Schickele; 1997; 2009; une adaptation cinématographique; Spike Jonze; Les Simpson; Voyage au bout de la peur; Buffy contre les vampires; La Maison hantée; caméo; Drawn Together; Griffin; South Park; Les Frères Scott; The Blind Side; Labyrinth; Jim Henson; Pawn Stars; Rick Harrison; Maurice Sendak; Metallica; Orelsan; Mad Sin; Alt-J (∆); Wooden Arms; Patrick Watson; Mac Miller; Fall Out Boy; Le Dieu dans l'ombre; Robin Hobb; McFarlane Toys; Bibliothèque du Congrès; ISBN; 9782211028936; Max et les Maximonstres; Spike Jonze; Maurice Sendak; L'École des loisirs; ; Portail de la littérature d’enfance et de jeunesse; ; Portail de la fantasy et du fantastique; ; Portail de la littérature américaine; Catégories; Œuvre de littérature d'enfance et de jeunesse; Album illustré; Livre sur les créatures imaginaires; Livre paru en 1963; Œuvre littéraire adaptée au cinéma; Œuvre littéraire à l'origine d'un livret d'opéra ou de ballet; Médaille Caldecott; Article utilisant une Infobox; Portail:Littérature d'enfance et de jeunesse/Articles liés; Portail:Littérature/Articles liés; Portail:Enfance/Articles liés; Portail:Fantasy et fantastique/Articles liés; Portail:Littérature américaine/Articles liés; Portail:États-Unis/Articles liés; Portail:Amérique/Articles liés; Portail:Culture américaine/Articles liés; Portail:Amérique du Nord/Articles liés; Droit d'auteur; crédits graphiques; comment citer les auteurs et mentionner la licence; 501(c)(3); À propos de Wikipédia; Avertissements,Catégories; Œuvre de littérature d'enfance et de jeunesse; Album illustré; Livre sur les créatures imaginaires; Livre paru en 1963; Œuvre littéraire adaptée au cinéma; Œuvre littéraire à l'origine d'un livret d'opéra ou de ballet; Médaille Caldecott,/static/images/icons/wikipedia.png; /static/images/mobile/copyright/wikipedia-wordmark-fr.svg; /static/images/mobile/copyright/wikipedia-tagline-fr.svg; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/a9/Logo_disambig.svg/20px-Logo_disambig.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/fr/thumb/f/f0/Logo_Max_et_les_maximonstres.png/250px-Logo_Max_et_les_maximonstres.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/a4/Flag_of_the_United_States.svg/20px-Flag_of_the_United_States.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/3/38/Info_Simple.svg/12px-Info_Simple.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/c/c5/Peter_Pan_by_nk.svg/13px-Peter_Pan_by_nk.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/6/6b/Korrigan.png/27px-Korrigan.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/0/0a/Quill_and_ink-US.svg/20px-Quill_and_ink-US.svg.png; https://login.wikimedia.org/wiki/Special:CentralAutoLogin/start?type=1x1; /static/images/footer/wikimedia-button.svg; /w/resources/assets/poweredby_mediawiki.svg,https://en.wikipedia.org/wiki/Where_the_Wild_Things_Are,Where the Wild Things Are,https://en.wikipedia.org/wiki/Where_the_Wild_Things_Are,"Where the Wild Things Are is a 1963 children's picture book written and illustrated by American author and illustrator, Maurice Sendak, originally published in hardcover by Harper & Row. The book has been adapted into other media several times, including an animated short film in 1973 (with an updated version in 1988); a 1980 opera; and a live-action 2009 feature-film adaptation. The book had sold over 19 million copies worldwide as of 2009, with 10 million of those being in the United States.[3]
 Sendak won the annual Caldecott Medal from the children's librarians in 1964, recognizing Wild Things as the previous year's ""most distinguished American picture book for children"".[4] It was voted the number one picture book in a 2012 survey of School Library Journal readers, not for the first time.[5]
 The story focuses on a young boy named Max who, after dressing in his wolf suit, wreaks such havoc through his household that he is sent to bed without his supper. Max's bedroom undergoes a mysterious transformation into a jungle environment, and he winds up sailing to an island inhabited by monsters, simply called the Wild Things. The Wild Things try to scare Max, but to no avail. After stopping and intimidating the creatures, Max is hailed as the king of the Wild Things and enjoys a playful romp with his subjects. Finally, he stops them and sends them to bed without their supper. However, to the Wild Things' dismay, he starts to feel lonely and decides to abdicate and return home. The creatures do not want him to go and throw themselves into fits of rage as Max calmly sails away home. Upon returning to his bedroom, Max discovers a hot supper waiting for him.
 Sendak began his career as an illustrator, but by the mid-1950s he had decided to start both writing and illustrating his own books.[6] In 1956, he published his first book for which he was the sole author, Kenny's Window (1956). Soon after, he began work on another solo effort. The story was supposed to be that of a child who, after a tantrum, is punished in his room and decides to escape to the place that gives the book its title, the ""land of wild horses"".[6] Shortly before starting the illustrations, Sendak realized he did not know how to draw horses and, at the suggestion of his editor, changed the wild horses to the more ambiguous ""Wild Things"", a term inspired by the Yiddish expression ""vilde chaya"" (""wild animals""), used to indicate boisterous children.[7]
 He replaced the horses with caricatures of his aunts and uncles, caricatures that he had originally drawn in his youth as an escape from their chaotic weekly visits, on Sunday afternoons, to his family's Brooklyn home. Sendak, as a child, had observed his relatives as being ""all crazy – crazy faces and wild eyes"", with blood-stained eyes and ""big and yellow"" teeth, who pinched his cheeks until they were red.[6][8][9] These relatives, like Sendak's parents, were poor Jewish immigrants from Poland, whose remaining family in Nazi-occupied Europe were killed during the Holocaust while Sendak was in his early teens. As a child, however, he saw them only as ""grotesques"".[9][10]
 When working on the 1983 opera adaptation of the book with Oliver Knussen, Sendak gave the monsters the names of his relatives: Tzippy, Moishe, Aaron, Emile, and Bernard.[11]
 In Selma G. Lanes's book The Art of Maurice Sendak, Sendak discusses Where the Wild Things Are along with his other books In the Night Kitchen and Outside Over There as a trilogy centered on children's growth, survival, and fury.[12][13] He indicated that the three books are ""all variations on the same theme: how children master various feelings – danger, boredom, fear, frustration, jealousy – and manage to come to grips with the realities of their lives"".[12] Fundamental to Sendak's work for over fifty years is his trust in the validity of children's emotions.[14]
 Dr. Kara Keeling and Dr. Scott Pollard, both English professors, assess the role that food plays in the book, arguing that food is a metaphor for Max's mother's love based on the idea that Max comes home to a ""still hot"" supper, which suggests that his mother ""loves him best"".[15] Going along with this, Mary Pols of Time magazine wrote that ""[w]hat makes Sendak's book so compelling is its grounding effect: Max has a tantrum and in a flight of fancy visits his wild side, but he is pulled back by a belief in parental love to a supper 'still hot', balancing the seesaw of fear and comfort"".[16]
 Where the Wild Things Are is a story that shows children's resilience through their ""spirit"" and ""pluck"".[17] Max is able to stand up to the Wild Things with their ""terrible teeth"" and ""terrible claws"" using ""the magic trick of staring into all their yellow eyes without blinking once"".[17]
 Professor Liam Heneghan describes Max's dream as one of mastering the wild, from which he also learns to master his ""inner tumult"".[18] It sets forth the unrestrained rowdiness of the Wild Things and enlightens the reader to the idea that one cannot live in the wild forever. In her words: ""In this notion of wilderness, there is a heightened reminder that after our fill of wilderness, one can, or perhaps even should, return, replenished, to the comforts of home"".[18] Heneghan concludes that ""the overarching thought is an old one: a human engages with Wild Things and in so doing comes into accord with the world and gains a measure of self-mastery"".[18]
 Where the Wild Things Are has received high critical acclaim. Francis Spufford suggests that the book is ""one of the very few picture books to make an entirely deliberate and beautiful use of the psychoanalytic story of anger"".[19] New York Times film critic Manohla Dargis noted that ""there are different ways to read the wild things, through a Freudian or colonialist prism, and probably as many ways to ruin this delicate story of a solitary child liberated by his imagination"".[20] Based on a 2007 online poll, the National Education Association listed the book as one of its ""Teachers' Top 100 Books for Children"".[21] Five years later, School Library Journal sponsored a survey of readers which identified Where the Wild Things Are as a top picture book.[5] Elizabeth Bird, the librarian from the New York Public Library who conducted the survey, observed that there was little doubt that it would be voted number one and highlighted its designation by one reader as a watershed, ""ushering in the modern age of picture books"". Another critic called it ""perfectly crafted, perfectly illustrated ... simply the epitome of a picture book"" and noted that Sendak ""rises above the rest in part because he is subversive"". President Barack Obama read it aloud for children who were attending the White House Easter Egg Roll in multiple years.[22]
 New York Times writer Bruce Handy brought up the idea that ""as a child myself, without benefit of personal insights subsequently gleaned from more than a decade of talk therapy, I had been left cold by Where the Wild Things Are"".[23] Deborah Stevenson, a writer for The Horn Book Magazine, talks about the effects the book had on a child who ""screamed, apparently not with delight, every time Where the Wild Things Are was read to him. It is quite possible for some young readers or listeners to be moved to alarm by a book, just as they can be moved to joy or excitement or boredom"".[24] Sendak responded to this criticism in an interview, asking: ""Did she hate her kid? Is that why she was tormenting her with this book?""[25]
 Despite the book's popularity, Sendak refused to produce a sequel; four months before his death in 2012, he told comedian Stephen Colbert that a sequel would be ""the most boring idea imaginable"".[26] Where the Wild Things Are was number four on the list of ""Top Check Outs OF ALL TIME"" by the New York Public Library.[27]
 An animated short adaptation which had taken five years to complete was released in 1973,[28] directed and animated by Gene Deitch and produced at Krátký film, Prague, for Weston Woods. It had narration by Allen Swift and a musique concrète score composed by Deitch himself; an updated version, which featured a new musical score and narration both by Peter Schickele, was released in 1988. This revised version was featured in a Children's Circle video titled The Maurice Sendak Library.
 In the 1980s, Sendak worked with British composer Oliver Knussen on a children's opera based upon the book.[11] The opera received its first (incomplete) performance in Brussels in 1980; the first complete performance of the final version was given by the Glyndebourne Touring Opera in London in 1984. This was followed by its first U.S. performance in Saint Paul, Minnesota, in 1985 and the New York City premiere by New York City Opera in 1987. A concert performance was given at The Proms in the Royal Albert Hall in London in 2002.[29] A concert production was produced by New York City Opera in spring 2011.[30]
 In 1981, the New England Dinosaur Dance Company turned the book into a dance piece with choreography by Toby Armour and music by Ezra Sims.[31] The piece debuted at Boston's Wilbur Theatre on December 22, 1981.[32]
 In 1983, Walt Disney Productions conducted a series of tests of computer-generated imagery created by Glen Keane and John Lasseter using as their subject Where the Wild Things Are.[33]
 In 1999, Isadar released a solo piano musical composition titled ""Where the Wild Things Are"" which appeared on his album Active Imagination, inspired by the Sendak book. The composition was revisited and re-recorded in 2012 on Isadar's album, Reconstructed, with Grammy winner and founder of Windham Hill Records, William Ackerman, producing.[34]
 The 2005 Simpsons episode, ""The Girl Who Slept Too Little"", features a spoof of Where the Wild Things Are entitled ""The Land of the Wild Beasts"".
 A live-action film version of the book was released on October 16, 2009.[35] Directed by Spike Jonze and co-produced by Sendak, the film stars Max Records as Max and features Catherine Keener as his mother, with Lauren Ambrose, Chris Cooper, Paul Dano, James Gandolfini, Catherine O'Hara and Forest Whitaker providing the voices of the principal Wild Things. The soundtrack was written and produced by Karen O and Carter Burwell. The screenplay was adapted by Jonze in collaboration with Dave Eggers, who also novelized the screenplay as The Wild Things, published in 2009.
 In 2012, indie rock quartet alt-J released the song ""Breezeblocks"", inspired in part by the book.[36] Alt-J keyboardist Gus Unger-Hamilton said the story and the song share similar ideas about parting with a loved one. ""Breezeblocks"" reached certified ARIA Gold status in Australia.[37]
 In 2016, Alessia Cara released her second single, ""Wild Things"", which charted at number fifty on the Billboard Hot 100. In an interview with ABC News Radio, Cara stated she took inspiration from Where the Wild Things Are, saying ""each 'Thing' represents an emotion and [the main character] kinda escapes into this world ... and that's kinda what I wanted to do"".[38]",1850,"Main page; Contents; Current events; About Wikipedia; Help; Learn to edit; Community portal; Upload file; ; learn more; Article; Talk; Read; Read; Upload file; Where the Wild Things Are (film); Where the Wild Things Are (disambiguation); ; Maurice Sendak; Children's; picture book; Harper & Row; ISBN; OCLC; LC Class; children's; picture book; Maurice Sendak; Harper & Row; 1980 opera; 2009 feature-film adaptation; Caldecott Medal; wolf; abdicate; illustrator; Kenny's Window; Yiddish; Nazi-occupied Europe; Holocaust; opera adaptation; Oliver Knussen; In the Night Kitchen; Outside Over There; trilogy; Time; Francis Spufford; New York Times; Manohla Dargis; Freudian; colonialist; National Education Association; School Library Journal; New York Public Library; Barack Obama; White House Easter Egg Roll; New York Times; The Horn Book Magazine; Stephen Colbert; Gene Deitch; Prague; Weston Woods; Allen Swift; musique concrète; Peter Schickele; Oliver Knussen; a children's opera based upon the book; Brussels; Glyndebourne Touring Opera; Saint Paul; New York City Opera; The Proms; Royal Albert Hall; Ezra Sims; Wilbur Theatre; Walt Disney Productions; computer-generated imagery; Glen Keane; John Lasseter; piano; Grammy; Windham Hill Records; William Ackerman; 2005; Simpsons; The Girl Who Slept Too Little; A live-action film version of the book; Spike Jonze; Catherine Keener; Lauren Ambrose; Chris Cooper; Paul Dano; James Gandolfini; Catherine O'Hara; Forest Whitaker; Karen O; Carter Burwell; Dave Eggers; The Wild Things; alt-J; Breezeblocks; ARIA Gold; Alessia Cara; Wild Things; Billboard Hot 100; ABC News Radio; Children's literature portal; ; Visual arts portal; 1963 in literature; List of children's books made into feature films; List of children's classic books; Los Angeles Times; Association for Library Service to Children; American Library Association; Association for Library Service to Children; American Library Association; School Library Journal; Los Angeles Times; The Boston Globe; Brockes, Emma; The Guardian; ISBN; OCLC; Lehmann-Haupt, Christopher; The New York Times; Psychoanalytic Study of the Child; doi; ISBN; PMID; S2CID; doi; S2CID; Time; ISBN; OCLC; Dargis, Manohla; The New York Times; School Library Journal; ISSN; The Hollywood Reporter; ISSN; The New York Times; Cartoon Brew; Entertainment Weekly; Seattle Weekly; Australian Recording Industry Association; Now on PBS; YouTube; The Snowy Day; Caldecott Medal recipient; May I Bring a Friend?; v; t; Maurice Sendak; Kenny's Window; In the Night Kitchen; Seven Little Monsters; Outside Over There; Mrs. Piggle-Wiggle's Farm; Betty MacDonald; The Wheel on the School; Meindert DeJong; Little Bear; Else Holmelund Minarik; Along Came a Dog; Meindert DeJong; Zlateh the Goat and Other Stories; Isaac Bashevis Singer; Really Rosie (musical); Seven Little Monsters (TV series); Where the Wild Things Are (film adaption); Higglety Pigglety Pop! or There Must Be More to Life; Tell Them Anything You Want: A Portrait of Maurice Sendak; Philip Sendak (father); Jack Sendak (brother); v; t; Caldecott Medal–winning works; Animals of the Bible; Mei Li; Abraham Lincoln; They Were Strong and Good; Make Way for Ducklings; The Little House; Many Moons; Prayer for a Child; The Rooster Crows; The Little Island; White Snow, Bright Snow; The Big Snow; Song of the Swallows; The Egg Tree; Finders Keepers; The Biggest Bear; Madeline's Rescue; Cinderella, or the Little Glass Slipper; Frog Went A-Courtin'; A Tree Is Nice; Time of Wonder; Chanticleer and the Fox; Nine Days to Christmas; Baboushka and the Three Kings; Once a Mouse; The Snowy Day; May I Bring a Friend?; Always Room for One More; Sam, Bangs & Moonshine; Drummer Hoff; The Fool of the World and the Flying Ship; Sylvester and the Magic Pebble; A Story, a Story; One Fine Day; The Funny Little Woman; Duffy and the Devil; Arrow to the Sun; Why Mosquitoes Buzz in People's Ears; Ashanti to Zulu; Noah's Ark; The Girl Who Loved Wild Horses; Ox-Cart Man; Fables; Jumanji; Shadow; The Glorious Flight; Saint George and the Dragon; The Polar Express; Hey, Al; Owl Moon; Song and Dance Man; Lon Po Po; Black and White; Tuesday; Mirette on the High Wire; Grandfather's Journey; Smoky Night; Officer Buckle and Gloria; Golem; Rapunzel; Snowflake Bentley; Joseph Had a Little Overcoat; So You Want to Be President?; The Three Pigs; My Friend Rabbit; The Man Who Walked Between the Towers; Kitten's First Full Moon; The Hello, Goodbye Window; Flotsam; The Invention of Hugo Cabret; The House in the Night; The Lion & the Mouse; A Sick Day for Amos McGee; A Ball for Daisy; This is Not My Hat; Locomotive; The Adventures of Beekle; Finding Winnie; Radiant Child; Wolf in the Snow; Hello Lighthouse; The Undefeated; We Are Water Protectors; Watercress; Hot Dog; v; t; Maurice Sendak; Where the Wild Things Are; Where the Wild Things Are; The Wild Things; Where the Wild Things Are; Wake Up; Young Wild Things Tour; Where the Wild Things Are: Motion Picture Soundtrack; All Is Love; Breezeblocks; Wild Things; Higglety Pigglety Pop! or There Must Be More to Life; Tell Them Anything You Want: A Portrait of Maurice Sendak; Authority control databases; Categories; 1963 children's books; American picture books; Children's books adapted into films; Books by Maurice Sendak; Caldecott Medal–winning works; Children's books about monsters; Fictional giants; Fictional humanoids; Harper & Row books; Picture books by Maurice Sendak; Articles with short description; Short description matches Wikidata; Use mdy dates from June 2019; Commons category link from Wikidata; Creative Commons Attribution-ShareAlike 4.0 License; About Wikipedia; Disclaimers",Categories; 1963 children's books; American picture books; Children's books adapted into films; Books by Maurice Sendak; Caldecott Medal–winning works; Children's books about monsters; Fictional giants; Fictional humanoids; Harper & Row books; Picture books by Maurice Sendak,/static/images/icons/wikipedia.png; /static/images/mobile/copyright/wikipedia-wordmark-en.svg; /static/images/mobile/copyright/wikipedia-tagline-en.svg; //upload.wikimedia.org/wikipedia/en/thumb/8/8d/Where_The_Wild_Things_Are_%28book%29_cover.jpg/280px-Where_The_Wild_Things_Are_%28book%29_cover.jpg; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/1/1d/Tom_Sawyer_1876_frontispiece.jpg/20px-Tom_Sawyer_1876_frontispiece.jpg; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/c/cd/WPVA-khamsa.svg/22px-WPVA-khamsa.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/en/thumb/4/4a/Commons-logo.svg/30px-Commons-logo.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/en/thumb/8/8a/OOjs_UI_icon_edit-ltr-progressive.svg/10px-OOjs_UI_icon_edit-ltr-progressive.svg.png; https://login.wikimedia.org/wiki/Special:CentralAutoLogin/start?type=1x1; /static/images/footer/wikimedia-button.svg; /w/resources/assets/poweredby_mediawiki.svg
Le Roi et l'Oiseau,https://fr.wikipedia.org/wiki/Le_Roi_et_l%27Oiseau,"Vous lisez un « article de qualité » labellisé en 2015.
 
 Pour plus de détails, voir Fiche technique et Distribution. modifier  Le Roi et l'Oiseau est un film d'animation français créé par Paul Grimault sur des textes de Jacques Prévert, d'après La Bergère et le Ramoneur de Hans Christian Andersen. Sorti en 1980, sa préparation a commencé dès 1946.
 Au sortir de la Seconde Guerre mondiale, les ambitions sont grandes pour le studio d'animation des Gémeaux : il se veut le premier du genre en Europe grâce au projet confié à Grimault qui doit aboutir au premier long métrage d'animation français. À la fin de la décennie, des désaccords financiers vont cependant mener l'équipe d'animation à sa perte : une partie est congédiée par les producteurs tandis que les membres restants se pressent d'achever ce qui est déjà accompli : Le Roi et l'Oiseau sort ainsi une première fois en mai 1953 dans une version intitulée La Bergère et le Ramoneur mais désavouée par Grimault et Prévert. Les « restes » de celle-ci sont néanmoins jugés impressionnants et le film remporte un prix au Festival de Venise ainsi que l'admiration de nombreux techniciens du monde de l'animation, dont les futurs fondateurs du Studio Ghibli.
 Des années plus tard, les droits du producteur du film sont rachetés par Grimault, qui se remet au travail malgré la dissolution entre-temps de l'équipe originale et la mort en 1977 de Prévert survenue lors des derniers préparatifs pour la mise en chantier de la nouvelle version. Définitive et intitulée Le Roi et l'Oiseau, celle-ci sort finalement au cinéma en mars 1980 où elle reçoit un accueil critique très favorable et de nombreuses récompenses — c'est notamment la première fois que le prix Louis-Delluc récompense un film d'animation. Le film est également ressorti en version remasterisée en 2003.
 Le Roi et l'Oiseau constitue un jalon dans l'histoire du dessin animé : premier long-métrage d'animation mis en chantier en France, il s'éloigne des canons du style de Walt Disney et veut proposer au-delà du public d'enfants et d'adolescents traditionnel des réflexions philosophiques grâce à une fable politique et sociale. Il est d'autre part une aventure humaine, le fruit de la collaboration étroite de très nombreux techniciens du monde de l'animation, formés en même temps que chaque version progresse. Le Roi et l'Oiseau est enfin le symbole d'une profonde complicité créative entre Grimault et Prévert, qui ne cesse qu'au décès du poète, alors que tous deux travaillent encore sur le film.
 Le roi Charles-V-et-trois-font-huit-et-huit-font-seize[n 1] règne en despote mégalomane sur le royaume de Takicardie. Toute la ville est remplie de sculptures à sa gloire, des formes canoniques où le visage anonyme est remplacé par celui du tyran dictatorial, et il élimine arbitrairement ceux qui le contrarient grâce à un système de trappes dissimulées dans le plancher du palais. Un peintre du roi l'apprend d'ailleurs à ses dépens lorsqu'il a l'audacieux professionnalisme de peindre le monarque tel qu'il est : avec son strabisme. Après avoir traité les affaires courantes, le roi se rend dans ses appartements secrets, dans la plus haute tourelle du palais, accessible uniquement par le biais d'un ascenseur privé. Là, il admire chaque soir un tableau représentant une belle bergère, et regarde avec mépris le petit ramoneur qui lui fait face.
 Le soir de l'acquisition de son nouveau portrait, le Roi en corrige lui-même le regard pour effacer la convergence des yeux, puis, faute de supporter de se voir tel qu'il est dans un miroir, brise celui-ci à coups de chandelier. La nuit venue, les personnages des tableaux et les sculptures dans les appartements prennent vie, comme à leur habitude. La Bergère et le Ramoneur, voisins depuis bien longtemps et liés par un amour qui ne fait que fortifier leurs velléités de rébellion, projettent de s'enfuir pour échapper à cette prison dorée et découvrir le monde. Mais la statue d'un cavalier antique leur oppose qu'ils ne sont pas faits l'un pour l'autre ; le nouveau portrait du Roi, celui-là même qui fut corrigé de son strabisme, s'anime alors à son tour et offre d'épouser la Bergère, approuvé en cela par le cavalier, qui rappelle que les bergères, dans les contes, épousent les rois ; il décide également que le mariage se fera le soir-même. La jeune fille entreprend alors avec le Ramoneur de s'enfuir des appartements par le conduit de la cheminée, tous deux quittant le cadre de leurs tableaux. Le trouble qui s'ensuit réveille le Roi qui dormait là ; le tyran se retrouve alors face à son double peint, sorti à son tour du cadre, et une lutte s'engage entre les deux représentants du pouvoir. Le double finit par se débarrasser de son modèle dans une trappe, puis lance sa police secrète à la poursuite des deux amoureux afin de capturer le « petit ramoneur de rien du tout » et épouser la belle bergère.
 De leur côté, les deux jeunes gens découvrent le monde, en l'occurrence les toits du gigantesque palais de Takicardie. Dans leur promenade émerveillée, ils vont apercevoir un oisillon en difficulté, pris au piège dans une cage au bord du vide ; l'agilité du Ramoneur lui permet de sauver le petit, qui s'avère être le rejeton le plus turbulent du non moins turbulent Oiseau. Celui-ci, dont l'épouse a été tuée dans un « accident de chasse » à attribuer au Roi, a l'habitude de narguer son ennemi depuis les cieux. Avec son aide, les deux amants parviennent à fuir la police, mais leur entreprise est mise à mal par les multiples pièges des agents du Roi. Séparés de l'Oiseau, la Bergère et le Ramoneur se perdent dans la ville basse, où ils suscitent la pitié et l'admiration des pauvres qui n'ont jamais vu la lumière du jour et ignorent à quoi ressemble un oiseau.
 Le Roi finit cependant par capturer la Bergère et prépare leur mariage public, qui sera célébré en grande pompe. Le Ramoneur et l'Oiseau, capturés par la police, sont envoyés à l'usine qui fabrique tous les objets destinés à la propagande royale pour travailler sur la chaîne de montage des bustes. Le Ramoneur reporte sa colère sur les représentations royales, qu'il barbouille ; las de ce travail aliénant, l'Oiseau s'amuse avec son jeune compagnon à maculer les statues d'une peinture insolente et de quelques plumes colorées. Ils sont ensuite jetés aux lions pour ce crime de lèse-majesté mais parviennent à s'en faire des alliés, grâce à l'aide d'un joueur d'orgue de barbarie aveugle, qui charme les fauves puis va les aider à s'échapper ; la population de la ville basse sort de l'ombre, attirée par cet étrange et joyeux cortège mené par l'Oiseau et le Ramoneur, et tous arrivent jusqu'au palais où ils empêchent le mariage.
 Le Roi s'enfuit néanmoins avec la Bergère sur son automate géant, qui devait servir à l'animation de la cérémonie, mais l'Oiseau parvient à en prendre le contrôle après avoir assommé le machiniste. Il démolit alors le palais avec le robot, d'abord maladroitement puis de plus en plus méthodiquement. Pendant ce temps, le Ramoneur affronte le Roi au sommet de l'Automate. Acculé, le Roi tente de poignarder le Ramoneur dans le dos, mais l'Oiseau l'en empêche en le saisissant avec la main de la machine puis active une soufflerie qui propulse le Roi loin dans les airs.
 Tous les habitants ont fui la ville, qui n'est plus qu'un monceau de gravats. Seul reste l'Automate abandonné, assis dans une posture pensive. Au petit jour, l'un des oisillons de l'Oiseau s'est encore fait piéger dans une cage, mais personne n'est plus là pour le libérer. L'Automate s'anime alors, sans machiniste, et, de sa propre volonté, libère l'oisillon, puis écrase la cage d'un coup de poing.
 « Nous sortions de la guerre et les espérances dans tous les domaines étaient grandes. »
 — Paul Grimault[6] Dans les années 1930, Paul Grimault apparaît comme l'un des précurseurs du dessin animé français — qui n'existe alors qu'à l'état de court métrage — quand il fonde dès 1936 avec André Sarrut la société de dessin animés Les Gémeaux, au 18, rue de Berri[7], qui va s'avérer être la première dans ce domaine à prétendre à une ampleur internationale. S'éloignant des cadres esthétiques qu'impose alors l'influence de Walt Disney, il est à l'origine d'une nouvelle école de dessin animé, qui propose une réflexion et des allégories, notamment philosophiques, à un public non exclusivement enfantin[8],[9]. L'époque est en effet celle de la mise en place de la suprématie de Disney, que Grimault va ponctuellement contrer par sa première collaboration avec le poète Jacques Prévert : leur court-métrage Le Petit Soldat (1947) reçoit en 1948 à la Mostra de Venise le Prix international ex æquo avec Mélodie Cocktail de Disney[10].
 L'idée du Roi et l'Oiseau, qui va connaître une première vie sous le titre La Bergère et le Ramoneur, émerge en 1945, lors de la préparation du Petit Soldat[11]. Prévert et Grimault sont alors amis depuis une quinzaine d'années : ils se sont rencontrés en 1930[12] ou 1931[13],[14], et projettent de réaliser à sa suite une autre adaptation d'un conte de Hans Christian Andersen puisque l'œuvre du conteur, sur laquelle ils travaillent alors, leur plait par son caractère inépuisable[15]. Ils savent d'ores et déjà qu'ils disposeront d'un appui financier conséquent car la période paraît opportune aux investisseurs[6]. Après avoir hésité sur Les Cygnes sauvages et La Reine des neiges plus particulièrement[15], leur choix se fixe sur La Bergère et le Ramoneur, conte susceptible de laisser de la place pour des développements personnels des poètes[6], dont ils ne gardent finalement que la substance des deux personnages principaux, deux bibelots qui veulent s'enfuir dans le vaste monde[16]. Tandis que Grimault achève le montage du Petit Soldat, Prévert se retire à Saint-Paul-de-Vence pour réfléchir sur le scénario[15] et retourne de temps à autre à Paris pour rejoindre son collègue, qui amorce entre-temps des études de personnages et des esquisses de décors[17].
 Le projet acquiert peu à peu une importance qui dépasse la simple ambition technique : les Gémeaux ont en effet décidé de se lancer dans un long-métrage d'animation, pari inédit en France, et les références en ce domaine sont bien maigres ; il n'y a en fait que Blanche-Neige et les Sept Nains (1937), sorti une dizaine d'années plus tôt, qui fait figure de modèle incontesté de long-métrage et cristallise alors l'admiration de toute la profession par son accomplissement technique[14]. L'enjeu est ainsi de réaliser le premier long-métrage d'animation français[n 2].
 Tout promet la réussite au projet : Grimault et Prévert sont pleins d'optimisme devant la richesse que permet un long-métrage par rapport à leurs courts habituels, et les producteurs confiants[11]. Grimault ne manque alors pas de moyens : le film est doté d'un budget hors normes, et l'équipe d'animation, qui part seulement d'une dizaine de personnes vouées à se former elles-mêmes au fur et à mesure du développement[11], atteint finalement en 1949 la centaine[18],[10], ce qui fait d'elle « probablement la plus importante d'Europe[11]. » Le nombre se justifie par la longueur du film prévu et les délais de réalisation qui ne sont pas censés excéder les durées habituelles ; l'équipe, recrutée en partie dans des écoles de dessin afin de pourvoir tous les postes que laisse présager une société grandissante comme Les Gémeaux, s'installe dans un vaste hôtel particulier à Neuilly-sur-Seine pour être plus à l'aise que dans le studio qui servit au Petit Soldat, désormais bien exigu pour tant de collaborateurs[15],[n 3],[18]. Seul garde-fou fixé initialement : la production ne devra pas excéder trois ans[n 4],[6].
 La Bergère et le Ramoneur est au départ conçu pour remporter l'adhésion de tous types de publics, et pas seulement celle des enfants auxquels s'adressait le Blanche-Neige et les Sept Nains de Disney. Mais comme le film est potentiellement exploitable aux États-Unis et que les studios hollywoodiens font à l'époque maints efforts pour éviter d'apeurer le public en bas âge, notamment en éradiquant les représentations de reptiles, une séquence mettant en scène un serpent de mer est supprimée du scénario. La précaution est finalement superflue, puisque le film n'est pas diffusé outre-Atlantique[19] et Grimault réfutera cette décision en reprenant le film des décennies plus tard : « Il s'était passé tellement de choses dans le monde depuis vingt-cinq ans qu'on n'avait plus besoin de prendre des gants. Toutes ces injustices, cette violence, ce racisme. Quand on voit autant de choses foulées aux pieds, partout, il n'y a pas de raison de baisser pudiquement les yeux sur tout ça. »[20]
 L'avantage d'une large équipe composée des plus prometteurs jeunes animateurs est, qu'une fois oubliées des perspectives de carrière plus attrayantes chez Disney, chacun apporte peu à peu une touche personnelle aux personnages ou aux scènes. Pierre Wattrin réussit ainsi du premier coup la scène où le cheval de pierre s'échappe dans la tapisserie[17]. Tel animateur à la vie familiale épanouie avec sa femme et ses filles est chargé d'animer la Bergère, avec ses sourires heureux ou ses moues boudeuses, quand tel autre à la mobilité réduite anime un Chef de la police en faible forme physique ou les personnages légers[2]. Cette époque faste de création dure de 1948 à 1950[6].
 La conception du film s'interrompt néanmoins brusquement pour des questions financières et créatives[21], en partie du fait d'une sous-estimation du devis initial[22], qui n'avait même pas incorporé le découpage définitif[2]. « Il n'y avait plus d'argent pour poursuivre », évoque un réalisateur qui doit faire face au licenciement d'une partie de son équipe en 1949, à des reproches de perfectionnisme excessif et à des procédés qu'il se refuse à soutenir : couper court aux scènes qu'il reste à terminer, aller achever certains celluloïds à Londres à partir de septembre 1949[23], ou monter sans souci de continuité les prises de vue[6]. Puis s'ensuit en 1950 l'éviction de Grimault lui-même, jugé trop exigeant[6]. Son associé des Gémeaux et producteur André Sarrut, pressé par les dépassements de budget, achève le film sans le soutien du réalisateur et de Prévert[13]. Le dessinateur Pierre Nicolas, alors engagé sur le projet, se souvient des temps troublés qui ont mené à cette rupture : « Ça n'allait pas si bien que ça, puisque deux ou trois ans plus tard Grimault jouait un peu les Pénélope. Je veux dire par là qu'après avoir fait travailler une équipe pendant plus d'un an sur un personnage animé, il arrivait et demandait à tout changer. C'était comme ça pour tout. Son meilleur ami [André Sarrut], qui finançait le film à l'époque, en eut assez et cessa de lui fournir de l'argent[24]. » Dans ses mémoires, le réalisateur lui-même note avec amertume le changement d'ambiance : « Nous ne voulions pas nous l'avouer, mais c'était déjà une usine »[25]. L'équipe d'animation finit par se scinder en deux ; l'une, loyale à Grimault et Prévert, préférant quitter le navire avec eux, et l'autre, loyale à Sarrut, choisissant de continuer et d'achever la réalisation du film[21].
 Présenté à la Biennale de Venise en 1952 où il reçoit le Grand Prix, probablement du fait de ses « beaux restes »[26], La Bergère et le Ramoneur sort en 1953, avec un montage non supervisé et désavoué par les deux auteurs. Deux déroulants accompagnant les projections stipulent que Grimault se dédouane des responsabilités sur ce film qu'il n'a pu achever selon son souhait[27], et l'exploitation commerciale du film est un échec qui va mener la société des Gémeaux à sa faillite[10].
 De son côté, Paul Grimault a momentanément délaissé l'univers des dessins animés. Il accepte l'offre que lui fait Henri Langlois de rejoindre la Cinémathèque française et ne réalise plus pour un temps que des films publicitaires, ce qui lui permet de fonder en 1951 sa propre société de production, Les Films Paul Grimault[6], pour laquelle il travaille dans un studio de la rue Bobillot[28].
 « On dit que j'ai mis trente-cinq ans pour faire Le Roi et l'Oiseau... En réalité, j'ai mis cinq ans (en deux fois) pour le réaliser et trente pour trouver le fric ! »
 — Paul Grimault[13] En 1967[29],[10],[21],[30], alors que Les Gémeaux ont fait faillite et que les droits du film sont parvenus à expiration[16], Paul Grimault les récupère en achetant au début de l'année 1967 le négatif du film[31],[27] auprès d'un des acquéreurs qui s'attachèrent au film après sa mise en vente aux enchères publiques. Grimault n'envisage cependant pas de reconduire les droits, ne reconnaissant pas La Bergère et le Ramoneur comme son œuvre[6]. Une mauvaise surprise guette cependant le réalisateur, qui s'aperçoit qu'une partie substantielle des négatifs correspondant à sa vision refusée de la première version a disparu et que son travail va être de l'ordre d'une « re-création totale[30] » : 
 « Personne ne savait ce qu'étaient devenus les dessins d'animation, les cellulos, les trois cents et quelque décors, les plans supprimés au montage, les chutes d'images et de son qui m'auraient permis de rétablir la version originale du film. Si je voulais montrer La Bergère et le Ramoneur, c'était la version Sarrut ou rien. [...] L'idée nous est venue de faire un nouveau film qui se rapprocherait davantage de l'esprit du scénario d'origine mais qui serait un film différent, comme peuvent être différentes deux toiles d'un même paysage peintes par le même peintre, l'une par temps gris et l'autre par beau temps. »
 — Paul Grimault[13],[32] Un autre problème majeur ralentit la reprise du projet pendant des années : trouver un budget. L'entreprise n'est pas aisée, car quand Grimault ne se voit pas rétorquer que « tout le monde a déjà vu ce film », on lui oppose qu'il vaudrait mieux en faire un court-métrage[6]. Pour financer cette nouvelle version, Grimault reçoit notamment des offres de compagnies américaines et soviétiques qui souhaiteraient le voir venir sur leur sol mais les refuse pour pouvoir conserver l'équipe à laquelle il tient ; une compagnie nippone lui propose également de venir réaliser un tout autre film au Japon[6] ; il s'en sort finalement grâce à une avance sur recettes d'un montant d'1 million de francs que lui concède le CNC en 1976. Le CNC exige cependant des gages de fiabilité qui poussent Grimault à demander l'aide de Robert Dorfmann[6], producteur de films audacieux comme Le Corniaud et Papillon. Grâce aux participations financières de celui-ci à travers Les Films Corona ainsi que d'Antenne 2, Grimault parvient à boucler son budget, mais ses moyens sont bien restreints par rapport à l'époque dorée de la conception de La Bergère et le Ramoneur[21],[6]. Il peut néanmoins compter sur la richesse de sa complicité avec Prévert, qui les mènera entre-temps à réaliser de nombreux courts-métrages ensemble, tels que La Faim dans le monde[6], Les Diamants et Le Chien mélomane[33].
 Grimault retrouve enfin Prévert en 1976 pour se pencher avec lui sur le scénario de la seconde version, mais le poète, malade, meurt en avril 1977, année où la réalisation a redémarré, alors que Grimault est encore à la recherche de fonds[34]. Jusqu'à la fin, les deux coauteurs ont l'habitude de se voir chez Prévert, à Omonville-la-Petite, en Normandie, et leurs promenades en bord de mer sont autant d'occasions de discuter du film, et notamment de la dernière scène que Prévert élaborera : le plan final, dans lequel l'automate libère le petit oiseau[25]. « Même à la fin, se sachant très malade, ce travail était en quelque sorte pour lui une survie. Il savait qu'il ne verrait pas le film, mais c'était une revanche qu'il prenait », se souvient Grimault[6]. Le cas de Prévert est symptomatique du défi de taille qui attend le film : Le Roi et l'Oiseau, qui va concilier des extraits de la première version avec de nouveaux sons et images, doit être poursuivi et achevé malgré la perte d'une partie de l'équipe initiale. Or, la fière équipe de la belle époque des Gémeaux n'existe plus. Quand ses animateurs talentueux ne sont pas disparus entre-temps, ils se sont dispersés dans nombre d'ateliers indépendants qui se font concurrence sur des projets moins prestigieux, comme dans le marché des films publicitaires, que Grimault a lui-même connu en quittant la Bergère et le Ramoneur[35]. Quant aux comédiens principaux, Serge Reggiani ne peut plus exprimer la jeunesse du Ramoneur et Pierre Brasseur est au nombre des disparus ; dans le rôle de l'Oiseau, qui avait été animé d'après ses enregistrements de voix, le comédien Jean Martin, issu de la compagnie Renaud-Barrault, le remplace sur la suggestion de Pierre Prévert[14]. L'entreprise est sans commune mesure avec le travail de création de voix dans l'animation en général : les nouveaux interprètes doivent coller très précisément à l'interprétation de leurs prédécesseurs[6]. Mais les nouveaux enregistrements sont également l'occasion d'améliorations, à l'image de Roger Blin, seul comédien ayant retrouvé son rôle, dont Grimault apprécie la voix qui se fait plus grave et émouvante[36].
 S'ensuivent de longues années de travail durant lesquelles le réalisateur va reprendre les scènes existantes et les « dégraisser » pour en tirer 40 minutes[6], dessiner 45 minutes[32] de nouvelles séquences et les remonter entièrement pour donner les 87 minutes du Roi et l'Oiseau face aux 63 minutes récupérées de La Bergère et le Ramoneur[30]. Les scènes qui sont les plus retravaillées sont notamment celles du mariage, des fauves, et celles se déroulant de nuit, du fait de diverses malfaçons inadéquates selon Grimault[30]. Heureusement pour ceux qui s'attèlent à reprendre des scènes de cette première version, sa production en Technicolor a permis de conserver les couleurs dans le temps, et à partir de celle-ci, des studios londoniens vont ensuite effectuer un négatif en Eastmancolor. Grimault a de plus conservé le souvenir précis de la palette de couleurs utilisée, ce qui facilite les raccords[6]. L'équipe compte alors une trentaine de personnes, en grande partie renouvelée, à l'image finalement de la structure inédite qu'aurait trouvée Grimault s'il était parti aux États-Unis. La continuité est néanmoins assurée par quelques anciens comme Pierre Prévert, le frère du poète disparu[6].
 Dans un article paru dans L'Écran fantastique, le jeune Christophe Gans relate le relatif anonymat de Paul Grimault durant ces années de silence : « Personne ne portait plus quelque attachement à ce poète aux yeux fatigués mais au coup de crayon vivace », « [lui qui] n'était plus qu'un nom dans les énormes et ingrates encyclopédies du septième art, ses dernières réalisations en court-métrage ayant été balayées par la déconsidération commerciale des « premières parties » »[33]. Le réalisateur travaille toujours rue Bobillot avec une nouvelle génération de collaborateurs qu'il « découvre » lui-même et qu'il contribue quelque temps à former avant de les laisser voler de leurs propres ailes, au nombre desquels se trouvent Jacques Colombat, Philippe Leclerc ou Jean-François Laguionie[27].
 À mesure que la seconde version avance, il devient évident que le scénario a tant évolué que les personnages principaux ont changé, et c'est tout naturellement que la Bergère et le Ramoneur laissent leur place dans le titre aux deux principaux antagonistes, le Roi et l'Oiseau[21]. Ce changement permet aussi d'éviter tout risque de confusion avec la première version[6]. Grimault s'occupe de monter l'image et la musique et laisse les modifications plus précises à ses associés, sans s'empêcher d'intervenir par moments auprès des comédiens, par exemple pour recommander à l'interprète de la chanson de l'Oiseau de ne pas maquiller sa voix s'il lui arrive de chanter faux[30]. Le film, achevé en novembre 1979[4] après cinq années de travail effectif[37], est dédié à Prévert[33], pour qui il a pu faire office de chant du cygne, puisque le poète a entre-temps été dégoûté du cinéma par l'échec des Portes de la nuit[37].
 Le premier compositeur des ambiances du royaume de Takicardie est le Hongrois Joseph Kosma. Lors de la réalisation de La Bergère et le Ramoneur, trois chansons (la chanson du mois de mai entendue dans une boîte à musique, la berceuse chantée par l'Oiseau à ses oisillons, et la chanson chantée par les oisillons) sont composées par lui, sur des paroles de Jacques Prévert[39] en plus des quelques chœurs initialement prévus pour donner de l'ampleur, et dont ne subsistera dans la première version qu'un chœur de courtisans[40].
 Il n'est cependant pas question que Kosma revienne pour la seconde version : Grimault, Prévert et lui se sont définitivement fâchés en 1950, le compositeur, malgré ses nombreuses associations précédentes avec Prévert, ayant refusé de se désolidariser de La Bergère et le Ramoneur. Kosma arguait qu'il avait déjà achevé son travail et ne pensait plus devoir être impliqué dans le conflit qui opposait les créateurs à Sarrut, et avait livré ses compositions à la production ; ceux-ci lui reprochaient son manque de loyauté pour ne pas les avoir suivis[40].
 
Selon Jean-Pierre Pagliano, « le comportement de Kosma avait étonné et scandalisé Prévert et Grimault : au lieu de se solidariser avec eux, il avait livré sa musique aux Gémeaux [studio de production du film] et estimé ne pas être impliqué dans l'affaire de La Bergère. Il reconnaît, dans une lettre à Prévert du 22 décembre 1952, ne l'avoir pas prise, cette affaire, suffisamment au sérieux. Il est évident que cela est grave, peut-être même impardonnable, mais plutôt bête que méchant. Ces regrets tardifs n'y changeront rien, la rupture est consommée[40] ». 
Au moment de retourner travailler sur la seconde version, Grimault, qui juge par ailleurs que la contribution de Kosma est très inégale et consiste majoritairement en du « remplissage » répétitif[41], quand les sons n'ont tout simplement pas été endommagés par les ans[6], approche Maurice Jarre, un associé de longue date de son ami Georges Franju, sans que cela n'aboutisse à une collaboration. La recherche d'un compositeur taraude les deux auteurs jusqu'à la disparition de Prévert[30] et Grimault fait finalement appel au compositeur polonais Wojciech Kilar, dont la partition sur La Terre de la grande promesse lui a fait grand effet. Kilar est francophile, grand admirateur de Prévert, et son contact avec Grimault tout à fait réussi dès leur première rencontre en octobre 1978[38]. Paul Grimault lui confie ce travail environ six mois après la mort de Prévert[42] et lui laisse une complète liberté dans ses choix musicaux[43]. Kilar refuse, par respect pour son prédécesseur, de remplacer les chansons composées par Joseph Kosma pour le premier film, et les intègre telles qu'elles furent composées à la bande originale du Roi et l'Oiseau[39]. Certaines séquences courtes, comme la danse du petit clown ou la marche nuptiale, sont composées et enregistrées avant la réalisation du film, ce qui permet à Paul Grimault de réaliser l'animation en fonction de la musique pour une synchronisation optimale ; pour le reste, la musique est enregistrée une fois l'animation terminée, sans même que Grimault n'écoute des échantillons du travail de Kilar[44],[45]. Les enregistrements ont lieu durant trois jours en Pologne et la musique est interprétée par le Grand Orchestre symphonique de la radio polonaise sous la direction de Stanislaw Wislocki[45]. Kilar remet la partition dont il juge le thème principal « très romantique, très polonais » à Grimault le 23 avril 1979 : le réalisateur va alors seulement l'entendre pour la première fois[38].
 « Paradoxalement, Paul et moi n’avons jamais parlé de musique. Je ne lui ai jamais soumis une seule maquette... À aucun moment, il m’a dit : Je souhaite tel type de musique, tel type d’orchestration... Il m’a simplement laissé ressentir le film de l’intérieur... Ce qui était la meilleure solution car, quoi qu’il arrive, les images du Roi et l’Oiseau appelaient d’elles-mêmes un certain climat, une certaine forme de musique. »
 — Wojciech Kilar[45] La bande originale du film, éditée en CD par FGL Productions en 2011, contient les pistes suivantes :
 Un Hymne de Takicardie a également été imaginé et son interprétation proposée à Henri Salvador. Paul Grimault avait en fait hérité de Prévert quelques couplets d'une chanson chargés d'onomatopées et censés se superposer sur la séquence de l'usine, en harmonie avec le travail des ouvriers. Début 1978, Grimault rend donc visite au chanteur, ravi qu'on le sollicite pour mettre en musique une œuvre du poète, mais il déchante en prenant connaissance des paroles. Le projet est abandonné de part et d'autre sans rancœur[47].
 Le film s'ouvre sur son thème musical principal, accompagnant le monologue introductif de l’Oiseau : 
 C’est une ballade romantique pour piano et accompagnement de cordes (2 violons, alto, violoncelle et contrebasse), dans la tonalité de Fa# mineur. Son ton mélancolique va de pair avec celui de l’introduction, présentant successivement les ruines du château de Takicardie, puis la tombe de la défunte épouse de l’Oiseau, « victime d’un accident de chasse ». Cette ballade sera reprise de façon assez récurrente au cours du film, sous différentes formes et tonalités.
 Le thème de la Bergère et du Ramoneur, autre thème musical important du film, en reprend la structure et la forme. La première partie, en La mineur, est un dialogue entre les deux instruments interprètes : le clavecin et le violon, jouant respectivement l’accompagnement et la mélodie principale. La seconde partie, en Mi mineur, repose toujours sur la même structure, mais cette fois-ci interprétée par un piano seul avec un tempo plus rapide. Le changement de tempo soudain au milieu du morceau correspond à un changement d’atmosphère : la première partie, lente et mélancolique est le dialogue amoureux entre les deux protagonistes, et la seconde, plus dramatique et rapide, leur évasion. Le morceau s’achève sur des accords arpégés évoquant les carillons, autre morceau inclus dans la bande originale.
 On retrouve encore le thème principal sous trois autres formes, à trois reprises (le générique final est identique à celui d’introduction) :
 La bande originale du film comprend d'autres compositions, certaines puisant leur source dans des formes musicales diverses. Ainsi La complainte de l'aveugle et La polka de lions se font écho, puisant leur inspiration dans le répertoire populaire d'orgue de Barbarie pour la première composition et, comme son nom l'indique, la polka pour la seconde.
 La Marche nuptiale est un pastiche intentionnellement grotesque de la marche nuptiale de la musique de scène le Songe d’une nuit d’été de Felix Mendelssohn et du chœur nuptial de l'opéra Lohengrin de Richard Wagner.
 « Pendant tout le temps que j'ai réalisé le film, je n'ai jamais pensé que c'était un propos qui s'adressait aux enfants. »
 — Paul Grimault[30] La première version du film, La Bergère et le Ramoneur, est primée à la Biennale de Venise en septembre 1952 et attire 1 363 935 spectateurs dans les salles après sa sortie le 29 mai 1953[48].
 Le 13 décembre 1979, Le Roi et l'Oiseau reçoit le prix Louis-Delluc alors même qu'il n'est même pas encore sorti en salles ; il reste de nos jours le seul dessin animé sacré par le Prix. Le film sort en salles le 19 mars 1980. Au 31 décembre 1980, il enregistre un total de 729 182 entrées[49]. Lors sa première exploitation au cinéma, il aurait fait 1 725 000 d'entrées[50] ou 1 840 428[51]. Grimault est globalement satisfait de ce résultat commercial[52]. Pour ses ressorties subséquentes à des restaurations, le film accueille 405 441 spectateurs sur 50 copies en 2003[53] et quelque 183 000[54] ou 188 062 spectateurs sur 119 copies à sa ressortie en salles en 2013[55]. Fin 2019, le film cumule 2 314 223 entrées depuis sa sortie[56].
 Les retours de la presse sont généralement très positifs, notamment en Angleterre[57]. En France, les critiques sont presque unanimes en leurs éloges et saluent le « travail de titan[37] » qui a permis d'aboutir à cette version. L'ensemble des reproches concerne plutôt l'harmonisation technique jugée parfois insuffisante entre les séquences de 1953 et celles de 1980[58]. Dans Positif, Jean-Philippe Domecq note ainsi la connivence réussie entre Prévert et Grimault, « en qui poésie visuelle et poésie verbale se sont admirablement intriquées[5] » et l'« émerveillement [...] envoûtant » du résultat. Il loue le sens de la caricature de Grimault mais remarque cependant dans les traits de la Bergère et du Ramoneur un « reste de convention qui [peut] surprendre dans un film aussi inventif », en admettant qu'« il est vrai que les fleurs bleues de l'amour sont peut-être irrémédiablement plus fades que l'hostilité qui les menace »[5]. Un an plus tard, de nouveau dans Positif, un journaliste voit dans le film, à l'occasion de sa présentation au festival d'Annecy, « l'apothéose de Grimault/Prévert enfin achevée conformément à la volonté des auteurs »[59].
 La critique la plus féroce provient des Cahiers du cinéma et estime que Le Roi et l'Oiseau est « un film à haïr »[57]. Bien que peu relayé, l'avis est frappant par sa virulence et peine profondément Grimault ; il dénonce notamment « les fantaisies poétiques [de Prévert, qui] n'ont jamais été bien assurées » et l'absence d'échappée poétique. S'il loue le soin apporté aux décors, le critique fustige cependant le reste des dessins, le scénario et le manque d'améliorations entre les deux versions, qui aboutissent à ce qu'il estime être un exemple de « cette terrible version poético-artisanale de la « qualité française » qu'on se surprend à haïr encore une fois. »[60],[61]. Les manquements du scénario sont également relevés par Michel Mardore dans Le Nouvel Observateur, selon qui « la matière est bien mince et le chant bien monotone ». Là résiderait selon lui la faiblesse du cinéma d'animation, « condamné par nature à toujours surprendre, éblouir, subjuguer », et qui « ne tolère pas les défaillances du cinéma ordinaire, à acteurs réels »[60],[62].
 Le bon accueil général reçu néanmoins par le film rassérène Grimault, « content d'avoir rempli [son] contrat avec un peu d'amertume tout de même devant tout ce temps écoulé, gâché par tout ce [qu'il veut] oublier maintenant », et prêt à se lancer sur un nouveau long-métrage, qui sera La Table tournante[35].
 Le Roi et l'Oiseau connaît une édition en cassette vidéo VHS, publiée par Citel en 1992, avec des prises différentes pour certains dialogues de l'Oiseau, également entendues sur les diffusions télévisées de l'époque[63].
 Un double DVD de la version restaurée du film sort en novembre 2003. Il contient entre autres Le Roi et l'Oiseau, le film La Table tournante qui met notamment en scène Paul Grimault, un documentaire sur le long-métrage d'animation et une interview de son réalisateur[64],[65]. Une édition prestige numérotée, limitée à 5 000 exemplaires, est sortie simultanément ; outre des DVD au contenu identique à celui de l'autre édition, elle contient un CD audio d'extraits de la bande originale du film, un livret d'images et cinq lithographies[66].
 Après la restauration de 2013, le film devient accessible au format Blu-ray à partir du 15 octobre 2013[63]. Une version « combo » Blu-ray + DVD de même contenu que la version double DVD est éditée et propose une version simple ou un coffret collector « prestige » avec livret, affiches et CD. Un DVD simple sort également en 2013, avec des témoignages croisés pour découvrir le film en sa complexité tout à fait artisanale[37]. En 2014 est édité un coffret double DVD réunissant : La Table Tournante ; le documentaire Paul Grimault image par image de Fabienne Isartel (2003) ; des témoignages de Wojciech Kilar, Jean-Pierre Pagliano, Philippe Leclerc et Pierre Tchernia sur la genèse du film ; et un témoignage de Lionel Charpy sur l'influence de La Bergère et le Ramoneur dans l'animation japonaise[67].
 La Bergère et le Ramoneur connaît un destin moins brillant et reste inaccessible au public, car marqué à jamais du désaveu de Grimault. D'aucuns, comme Isao Takahata, regrettent que les deux films n'aillent pas de pair et que l'on ne reconnaisse à chacun sa propre légitimité, mais Grimault refuse d'inclure la première version dans les éditions du Roi et l'Oiseau et tient à marquer la différence de propriété intellectuelle entre les deux œuvres : « Combien de fois m'a-t-on demandé, avec une pointe de reproche, pourquoi je laissais La Bergère et le Ramoneur dans une boîte et ne voulais pas le ressortir. C'est très simple : ce qu'il y a de meilleur dans La Bergère et le Ramoneur on le trouve dans Le Roi et l'Oiseau. C'est ce que nous avons fait jusqu'en 1950. Et comme je ne veux pas que le reste me soit attribué, je préfère laisser le film dans sa boîte. C'est mon film après tout. »[68]. Il n'est toutefois pas totalement disparu car on peut le trouver sur Internet ainsi qu'en DVD (mais uniquement en anglais) sous le titre The Curious Adventure of M. Wonderbird[69].
 Le Roi et l'Oiseau marque à plusieurs titres un jalon dans l'histoire du cinéma d'animation : il est certes annoncé techniquement comme le premier long-métrage du genre en France (voir plus haut), mais, surtout, le succès critique qu'il remporte le sacre comme l'un des dessins animés les plus loués aussi bien auprès des spectateurs que des professionnels du cinéma. Il est le seul dessin animé a à la fois avoir reçu le Prix Louis-Delluc et figurer (aux côtés de Blanche-Neige et les Sept Nains) dans le classement établi en 1999 des « cent films préférés des Français » (Le Monde/Fnac)[45].
 L'influence du film ne se mesure pas qu'aux prix reçus et aux carrières inspirées : la reconnaissance publique en France du Roi et l'Oiseau paraît marquer, au-delà du seul dessin animé, le genre de l'animation tout entier. « Ça a été bon pour toute la profession », estime vingt ans plus tard Grimault dans la biographie que Pagliano lui consacre. Bien souvent parents pauvres du cinéma, les animateurs viennent de réaliser une œuvre que le public estime comparable à un « vrai film »[18]. Telle est l'ambition de Grimault : en faire « un genre pauvre seulement sur le plan financier »[59].
 Dès la sortie de la seconde version, en 1980, la revue Jeune Cinéma estime qu'en matière de cinéma d'animation, « le public est prêt, le succès du Roi et l'Oiseau l'atteste ». En face des courts-métrages, les longs-métrages d'animation tel que ce dernier apparaissent enfin rentables et capables d'honorer financièrement les techniciens impliqués[30].
 Par la suite, le film est notamment présenté au Festival du film français du Portugal en 2004, au Festival du film français d'Israël en 2006, et au Festival du film français de Hong Kong en 2013[70].
 Le Roi et l'Oiseau exerce tout spécialement une influence sur le monde du dessin animé japonais, représenté par les fondateurs du Studio Ghibli, Hayao Miyazaki et Isao Takahata. Tous deux ont été très marqués par La Bergère et le Ramoneur, qu'ils voient à sa sortie au Japon dans les années 1950, et Takahata eut plus tard l'occasion de rencontrer Grimault lors d'une rétrospective au Palais de Tokyo, en mars 1992, et de lui faire dédicacer le catalogue de l'exposition[71]. Ils considèrent que la tradition du dessin animé japonais doit notamment à Grimault « sa science du mouvement et des changements de rythme »[72].
 Isao Takahata, diplômé de littérature française et notamment spécialiste de l'œuvre de Prévert, visionne La Bergère et le Ramoneur à ses vingt ans. L'étudiant d'alors parvient à emprunter chez le distributeur du film le script francophone qui servit à élaborer les sous-titres nippons[73]. Il voit dans son « merveilleux et mystérieux mélange de tension et de démesure », inédit aux films d'animation, des éléments proches des arts classiques japonais[71], et est frappé en particulier par ce que rend possible le cinéma d'animation : l'expression y repose notamment sur les décors, par le biais de jeux de perspective, et sur une caractérisation soignée des personnages, même des machines. Il rejoint en cela l'opinion de Yasuo Ōtsuka, son futur collègue du Studio Ghibli, qui y voit le « premier film d'animation qui ait décrit l'intériorité humaine »[73]. Un exemple de cette caractérisation admirée par les Japonais pourrait être la scène du portrait du Roi : lorsque le peintre présente au tyran sa représentation exacte — dépeignant jusqu'à son strabisme —, celui-ci semble tout d'abord ne pas lui en tenir rancune, puis, après l'avoir apparemment félicité et décoré d'une médaille, le fait tomber dans les oubliettes. Les changements subtils de traits et de comportements du Roi dénotent la complexité du personnage, de manière plus minutieuse que ce qui peut se faire dans l'animation américaine[74].
 « Ce qui est certain, c'est que l'influence de ce film fut pour moi décisive. Je peux affirmer que, sans sa découverte, je n'aurais jamais emprunté la voie du film d'animation. C'est dire l'intensité du choc que je reçus alors. »
 — Isao Takahata[73] L'influence de La Bergère et le Ramoneur (et non du Roi et l'Oiseau, sorti bien après les débuts de ses animateurs) se ressent dans les œuvres du Studio Ghibli à maintes reprises : Le Château de Cagliostro (1979) de même que Le Château dans le ciel (1986) d’Hayao Miyazaki y contiennent ainsi de nombreuses références. Dans celui-ci, le robot issu de la technologie de Laputa détruit la forteresse dans laquelle il est retenu prisonnier. Le progrès technique et scientifique a causé la perte du royaume, tout comme le palais du Roi dans Le Roi et l'Oiseau est finalement démoli par son automate. Chez Grimault comme chez Miyazaki, les robots témoignent d'une civilisation disparue et accomplissent un dessein éloigné de la mission destructrice pour laquelle ils avaient été programmés[75].
 En 2008, l'abbaye royale de Fontevraud accueille une exposition mettant en évidence la filiation artistique entre Grimault et les deux fondateurs de Ghibli, intitulée Mondes et merveilles du dessin animé : Paul Grimault, Isao Takahata, Hayao Miyazaki[76]. Son commissariat est assuré par Jean-Pierre Pagliano, biographe de Grimault ; bien que centrée autour de l'œuvre entière du cinéaste et non seulement du Roi et l'Oiseau, l'exposition abrite notamment une réplique du château du Roi[72].
 Au Japon, on considère souvent que La Bergère et le Ramoneur est supérieur au Roi et l'Oiseau, et de nombreux dessinateurs et animateurs, dont Osamu Tezuka, soutiennent cette opinion[77]. Dans les « 150 meilleures animations du monde et du Japon » en 2003 et les « 10 meilleures animations de tous les temps » en 2004, le film a été sélectionné sous le titre La Bergère et le Ramoneur[78],[79].
 En 2007, Takahata a écrit un livre comparant et évaluant les deux films, concluant[80] :
 « L'unité de l'œuvre, l'art des expressions poétiques et autres, ainsi que les compétences générales en matière d'animation, sont nettement supérieurs dans La Bergère et le Ramoneur. Je salue Le Roi et l'Oiseau comme un grand film, mais La Bergère et le Ramoneur est un film poétique et suprêmement charmant. »
 — Isao Takahata Devant la détérioration alarmante de la pellicule originale, un premier projet de restauration du film est lancé en janvier 2001 et s'achève en juillet 2003, supervisé par StudioCanal. Le nettoyage numérique des pellicules est réalisé par les laboratoires Éclair, puis la restauration photochimique et numérique du film et de sa bande sonore est réalisée par une équipe de StudioCanal menée par Béatrice Valbin[81],[82].
 La version restaurée du Roi et l'Oiseau est présentée en projection numérique haute définition au Festival de Cannes 2003[83] et son édition DVD reçoit le prix spécial du Jury DVD au Festival de Cannes 2004[63].
 Une autre restauration de type numérisation haute définition[37] lui permet de ressortir en salles le 3 juillet 2013[84].
 « Je suis content d'avoir fait Le Roi et l'Oiseau parce que ce qu'il raconte est salutaire pour tout le monde et le sera encore pendant des années. Ce n'est pas un film à message, mais il parle de la façon dont le monde vit depuis un temps — et où il a l'air de s'engager de plus en plus. »
 — Paul Grimault[57] Prévert, résumant l'histoire, définit ainsi ses personnages : « C’est l’histoire d’un roi très mauvais qui a des ennuis avec un oiseau très malin et plein d’expérience ; il y a aussi des animaux qui sont très gentils, deux amoureux et beaucoup de gens épouvantables[85]. »
 Le tyran Charles-V-et-trois-font-huit-et-huit-font-seize est le roi mégalomane et solitaire de Takicardie. Bien qu'il se croie épris de la Bergère, son intérêt envers elle n'a été piqué que du fait de l'amour qui liait déjà les deux jeunes gens[20]. Présenté par l'Oiseau comme un souverain qui « déteste tout le monde » et que « tout le monde dans le pays déteste aussi », son royaume porte le nom d'une anomalie (l'homonyme « tachycardie »). Il fait fabriquer à la chaine des statues et portraits à son effigie, imposant un véritable culte de la personnalité (il va jusqu'à retoucher lui-même le portrait qui incorpore son strabisme) et fait disparaître les sujets qui lui déplaisent dans ses oubliettes. Pire ennemi de l'Oiseau (qui le nargue, et dont il a tué l'épouse et menace les enfants), il aime la chasse alors même qu'il tire mal à cause de son strabisme... Jean-Pierre Pagliano voit en lui « la folie des grandeurs[86] », qui a d'après Jean-Philippe Domecq tourné à la « rage destructrice », un concept d'« envahisseur intérieur » anti-conformiste déconcertant pour un public enfantin[5]. Son pouvoir paraît cependant solide, impression que contribue à installer la voix acousmatique de l'ascenseur, qui décrit les étages d'un ton neutre participant à légitimer le régime établi et son contrôle en même temps qu'elle leur apporte une caution touristique, donc historique[87]. Cette scène est d'ailleurs montée spécialement par Grimault ; après avoir enregistré la prise du comédien qui s'essouffle sur la cadence du texte, le réalisateur la resserre encore davantage pour la faire paraître plus mécanique et monotone[30].
 Il hérite son nom pompeux d'un précédent roi imaginé par Prévert dans le sketch Un drame à la Cour : le souverain de Hongrie « cinq et trois font huit et huit font seize »[86]. Le Takicardien gagne le prénom Charles au passage, le seul donné à un personnage dans le film. Son rôle de persécuteur envers les deux amoureux évoque également la situation du Petit Soldat, mais ce personnage maléfique est commun dans l'œuvre de Prévert[88]. L'inspiration pour le personnage provient des officiers entourant Benito Mussolini : « des aristocrates de droite qui se faisaient toujours photographier avec des pistolets à la ceinture, un sabre qui les embarrassait et dont ils ne savaient pas se servir. La narine dilatée, portant beau, avec un peu de ventre, mais serré par une ceinture pour donner l'illusion qu'on possède des pectoraux[6]. » D'apparence angulaire et triste, ce dictateur est une référence aux régimes autoritaires qui sévissent alors en Europe de l'Est ; la verticalité de son château évoque les ambitions architecturales du Troisième Reich et du dirigeant roumain Nicolae Ceaușescu, et les uniformes de ses soldats ceux de la Stasi. L'univers mis en place est similaire à celui de la dystopie 1984 de George Orwell, avec haut-parleurs scandant la « pensée unique » souhaitée par le pouvoir, et police d'État présente à tout endroit[89].
 La menace que représente le Roi redouble lorsque celui-ci se fait remplacer par son propre portrait, dont les prétentions sur la Bergère sont d'autant plus justifiées qu'il émane du même monde, le monde de l'image. L'un de ses animateurs, Philippe Landrot, y voit la différence entre « le louchon et le bellâtre » : « Il y en a un dont la gestuelle est ridicule, l'autre a la même gestuelle mais elle est élégante. Le Roi peint, c'est l'autre abouti. Il est ce que le vrai Roi aurait voulu être. » Pagliano relève cependant que « dans cet univers du faux-semblant et de la méprise, la substitution passe inaperçue » : le Roi jeté aux oubliettes pâtit du régime qu'il a établi[90]. Paul Grimault admet d'autre part que chaque personnage comporte plusieurs faces plus ou moins reluisantes (à l'image de l'Oiseau, bienfaiteur des amoureux qui ne renie pas la pire démagogie) et se refuse à condamner définitivement le Roi : « Le Roi, on souffle dessus, il fout le camp dans les galaxies. Les autres disparaissent dans des trappes, peut-être qu'il y a des matelas en dessous qui les reçoivent et qu'ils passent leurs jours à jouer aux cartes ensemble. Ça n'est plus mon affaire[34]... »
 L’Oiseau est habitué à narguer et à ridiculiser le roi, dont il est le pire ennemi. Cet antagonisme pourrait être dû à la mort de son épouse, que l'image d'une tombe devant laquelle l'Oiseau se recueille paraît attribuer au Roi, dont les compétences à la chasse sont altérées par un strabisme. La tombe porte l'inscription suivante : « Ici repose ma chère épouse victime d'un malencontreux accident de chasse. » Sa lutte contre le Roi n'est qu'une ré-interprétation de celle de David contre Goliath, du « Bien » contre le « Mal », face auquel il lutte par un message d'amour et de poésie[89].
 Bien qu'hirondelle dans la première ébauche du scénario et corbeau si l'on en croit les yeux de certains critiques, l'Oiseau au nom vague se révèle finalement être un grand toucan, que l'on reconnait à la palette chatoyante de ses couleurs ; celle-ci ne se retrouve d'ailleurs en héritage, parmi les enfants du toucan moqueur, que chez celui qui prend des risques et se laisse emprisonner dans la cage. Les couleurs sont ainsi mises au service de l'action[91]. La morphologie du personnage est cependant plus délicate à établir, et Grimault fait nombre d'essais et de ratures avant d'aboutir à l'Oiseau final : tantôt trop proche d'un « nain de Blanche-Neige », tantôt trop caricatural et chargé, le chemin est long avant d'établir un personnage qui puisse apparaître harmonieux aux côtés de ses partenaires[92].
 Celui-ci est finalement conçu d'après deux personnalités : Jean Mollet, figure des cercles mondains et ancien secrétaire de Guillaume Apollinaire, dont Prévert s'inspira pour imaginer la silhouette et le style général du personnage, et qui fournit même au réalisateur quelques photos de lui ; et l'acteur Pierre Brasseur pour son énergie et sa verve. Notable interprète de Frédérick Lemaître dans Les Enfants du paradis, ce dernier va également doubler l'Oiseau dans La Bergère et le Ramoneur[93].
 Le caractère de l'Oiseau se fait le reflet de ces deux figures : c'est par son insolence que le personnage s'élève, héros d'origine populaire par ses paroles et sa manière d'être face au tyran reclus, pour finalement soulever la masse des gens de la ville basse et surplomber le roi dans ses envolées[94]. Sa capacité à fédérer se ressent dans son attitude : à ses envolées langagières correspond un large déploiement d'ailes qui, littéralement, déplace de l'air[5] et rend compte de son altruisme[27]. De tous les personnages du film, l'Oiseau est celui qui correspond le plus à une figure héroïque grâce à son combat contre le Roi ; sa démagogie et sa vantardise atténuent cependant la force du modèle[5].
 Les deux personnages, issus de tableaux mitoyens, ne peuvent être imaginés l'un sans l'autre et leur séparation ne fait dès lors qu'annoncer les scènes les plus dramatiques. Tous deux sont des figures de convention — le garçon maltraité au métier effrayant et la jeune fille douce et délicate — qui ne trouvent leur utilité, au début du film, que dans les sentiments qu'ils inspirent au Roi[95] et qui vont déclencher la suite de l'histoire : leur amour, transgressif, n'est qu'un « prétexte » dramatique[96]. À force de lui tenir tête par leur amour, ces deux archétypes vont gagner en profondeur et prendre l'initiative[95].
 L’Automate est une machine gigantesque construite par le roi et symbolisant sa puissance. Elle est détournée par l'oiseau qui en fait une machine de destruction monstrueuse, mais sa dernière scène paraît lui conférer une âme bienveillante. Il s'agit de l'une des premières apparitions de robot géant dans l'histoire du cinéma[97], et la brutalité qu'il symbolise fait débat à la sortie du film en 1953 auprès du critique Jean de Baroncelli, qui se demande s'il a sa place dans un dessin animé[98]. Son apparition sera retravaillée pour la seconde version ; la scène finale où le Robot libère le petit oiseau et écrase sa cage est d'ailleurs la dernière sur laquelle travaille Prévert avant son décès[21]. Son action rédemptrice de libération de l'oiseau « bouleverserait même un barreau de prison », note alors le Canard enchaîné[58], et le robot fait figure d'« anti-Goldorak », ce robot-vaisseau dépourvu de personnalité[98]. « Avec Jacques, c'est venu comme ça, un mot en entraîne un autre, et puis on avait envie que ce soit comme ça. [...] Ce robot, à la fin, n'est plus qu'une défroque de ferraille. Alors pourquoi ne pas intervenir à ce moment-là, nous autres, auteurs, inventeurs du personnage ? Dans le fond, ça devient notre vêtement à nous, c'est nous qui libérons l'oiseau, qui écrasons la cage ! Ce que je dis modestement, c'est qu'on n'invente guère, on découvre de temps en temps des choses qui existent », explique Grimault[30].
 Bien que masse inanimée, la machine finit par devenir le centre de l'action : sa paume se fait proscenium lorsque les personnages y convergent ou s'en font expulser (à l'image du Roi, projeté vers les étoiles), géographiquement placée à l'avant du décor qu'est le château, peut-être jusqu'au point de percer l'écran par la force acoustique de sa machinerie. Le robot devient alors même le point de centralisation des outils du cinéma : son projecteur frontal, sa bouche qui se fait soufflerie géante et l'orchestre qui se niche dans son corps et qui est dévoilé par des rideaux à l'italienne sont autant d'instruments du septième art, de même que ses bras articulés rappellent des perches télescopiques de caméra ou sa main la plate-forme mouvante sur laquelle se tient le réalisateur pour accompagner un mouvement de travelling[99].
 Au contraire des deux bibelots du conte d'Andersen, qui finissent par abandonner leurs velléités d'évasion, les protagonistes de Grimault vont jusqu'au bout de leur rêve audacieux et font même des émules sur leur chemin, « jusqu'à changer l'ordre du monde », selon Jean-Pierre Pagliano[100]. L'automate géant, qui délivre le petit oiseau puis écrase sa cage, fait partie de ces personnages conquis par un esprit de liberté et d'émancipation[1]. Michel Braudeau voit dans le film « un merveilleux, un tendre et cruel plaidoyer pour une anarchie heureuse[58] ».
 L'impertinence de ces personnages qui ne restent pas à leur place se perçoit également dans la scène de l'usine de portraits : lorsque l'Oiseau rompt le rythme de production et accélère le moteur, à l'image du Charlie Chaplin des Temps modernes, la rupture dans la cadence conduit à des défauts dans les bustes créés, qu'il s'agisse de taches de peinture anodines ou de graffiti volontairement dessinés par le Ramoneur et son comparse. Cette révolte à portée politique évoque également les audaces techniques du cinéma, comme la méthode prisée au temps du muet d'accélérer des courses burlesques en les faisant passer d'une fréquence de 18 images par seconde (au tournage) à 24 images (lors du défilement de la bande)[101].
 À ces personnages facétieux et audacieux s'opposent ceux qui assistent au mariage truqué du Roi, qui cautionnent son pouvoir, sa fausseté, et le laissent couler. Paul Grimault, à la sortie du film, commente notamment : « C'est pour ça que certains spectateurs font des réserves sur le film : ils se sentent un peu le nez dedans[30]. » Le Roi et l'Oiseau est particulièrement plus sombre que La Bergère et le Ramoneur, qui avait été conçu pour faire concurrence à l'animation américaine à destination des enfants : « Les choses ont évolué depuis 1940 et on s'est habitué à des choses plus raides, plus dures, qui trouvent leur place dans le Roi et l'Oiseau. Nous avions inventé le robot bien avant que le dessinateur de Goldorak soit né, nous avons développé son existence parce qu'elle était utile à notre nouveau scénario[30]. »
 La dichotomie entre le roi et le reste du monde est accentuée par la segmentation de son royaume : la population se raréfie à mesure que l'on monte vers les appartements privés du monarque[102], lui-même isolé dans les cimes d'une manière réminiscente de King Kong[33], et son environnement immédiat est finalement bien restreint par rapport à l'étendue de la ville. Celui-ci n'est qu'une tour d'ivoire qui l'isole de la ville basse, celle-là évoquant les banlieues ou même les cercles finis des Enfers de Dante. Le critique des Cahiers du cinéma André Bazin, témoin de la projection de La Bergère et le Ramoneur à la Mostra en 1952, estime qu' « il est troublant de constater par exemple la permanence d’un thème qu’on aurait pu croire inséparable du réalisme cinématographique, celui de la banlieue, et qui révèle ici sa véritable valeur métaphorique. À l’univers du roi méchant [...] s’opposent les quartiers souterrains où le soleil ne pénètre jamais mais où chante l’aveugle qui croit à la lumière. On pense à l’Aubervilliers du Jour se lève [...] et l’on comprend mieux quels symboles de la condition humaine Prévert poursuivait dans les cercles de l'Enfer suburbain[100]. » Si cette ville basse enfoncée dans la pénombre et la servitude par l'écrasante ville haute rappelle l'organisation sociale à l'œuvre dans Metropolis de Fritz Lang ou la géographie entassée du Cabinet du docteur Caligari de Robert Wiene[5], elle en diffère cependant par sa constitution, précise Grimault : « le Roi fait construire des palais dingues qu’il installe comme une cloche à fromages au-dessus d’un village. La “Ville Basse”, ce n’est pas une cave qui a été aménagée pour loger les gens, c’est un endroit qui existait, un petit village installé dans un paysage rural, et l'autre a planté son bazar là-dessus en se disant : Bon, ben maintenant je m'emmerde plus, j'ai la main-d'œuvre en dessous, j'ai qu'à descendre à la cave et je trouverai des cons pour fabriquer mes statues[103],[104]. »
 Prévert conçoit le palais du tyran mégalomane comme « une invraisemblable tour de Babel, dans un style abominablement disparate et d’un luxe éclaboussant : le style qu’on pourrait appeler style néo-Sacré-Cœur-Building-Kiosque à musique-Cathédrale de Chartres-Sainte-Sophie-Dufayel-Grand Palais-Galerie des Machines-Tour de Pise - et Trocadéro réunis[14] ». Cette vaste pièce-montée de château qui mélange majesté de monuments reconnus dans des styles classiques (telles les coupoles rococo[5]) et architecture futuriste est notamment illustrée lorsque le roi utilise son ascenseur privé et qu'une voix lui égrène les services disponibles à chaque étage de ce grand patchwork, une énumération faisant écho au poème Inventaire (Paroles) de Prévert[105].
 Le domaine du roi est conçu dans sa verticalité, tandis que l'horizontalité ne se définit que par sa stérilité : un espace qui s'étend jusqu'à l'horizon sans aucune présence, si ce n'est la tombe de l'épouse de l'Oiseau et quelques lumières au loin dans la nuit. Le vide du paysage rappelle notamment les peintures de Giorgio De Chirico, qui représentent des places vastes mais désertes[106]. Les mouvements horizontaux eux-mêmes se font rares, au profit des cavalcades dans les escaliers ou dans les airs, qui ne sont que des gains ou pertes d'altitude[104], de même que les jeux de trappes, qui rappellent par ailleurs la trappe d'Ubu d'Alfred Jarry[107]. Le Palais a néanmoins cette spécificité qu'il peut parfois apparaître comme tridimensionnel, grâce à des contre-plongées qui accentuent sa perspective fuyante[108].
 La ville haute se fait aussi l'expression du modernisme de la société française à la même époque : jetskis des gardes, auto-tamponneuse pour le trône du roi, ascenseur en forme de fusée et trappes automatiques sont autant de témoignages d'un certain matérialisme urbain, proche de celui évoqué par l'œuvre du réalisateur Jacques Tati. Le progrès en tant que tel n'est pas critiqué, mais les problèmes de dépendance qu'il peut soulever sont illustrés par le fait qu'aucune des machines du Roi ne parvient à rattraper les fuyards. Même l'Automate, allégorie des armes de destruction massive, n'est utilisé qu'à des fins d'extermination qui n'honorent pas sa perfection technologique ; son retournement contre son propre créateur peut d'ailleurs être lu comme un avertissement contre la bombe atomique[89].
 Le régime de monarchie absolue fait du roi le seul sujet d'art dans le royaume de Takicardie. Présidant sur une hiérarchie verticale qui segmente également la géographie de la ville, Charles V... monopolise les représentations et contrôle leur vérité. Il s'approprie les modèles d'art : Discobole grec, Penseur de Rodin ou encore Louis XIV de Rigaud sont autant d'œuvres fameuses dont il imite les poses[109] tandis que l'architecture du château rappelle en partie l'univers graphique de Giorgio De Chirico, ou celui de Salvador Dalí et notamment sa sculpture du Rhinocéros habillé en dentellière quasiment reproduit à l'identique dans la galerie du Roi. La propagande uniformise ses portraits, obligation que va apprendre malgré lui l'artiste qui a osé représenter son strabisme, et le magnifie par des postures glorieuses, telle celle de l'homme d'action à cheval, en usant de la contre-plongée pour accentuer la grandeur du despote[102]. Une idée plus tard abandonnée de Prévert consistait également à faire loucher servilement tous les courtisans dès lors que leur roi apparaissait[110]. De manière générale, c'est toute la population qui est soumise à une standardisation : les masses doivent se soumettre au même moule avilissant ou bien elles sont écrasées. De fait, le dessin de ces individus croisés par les protagonistes est volontairement dénué de personnalité, en leur faisant partager des costumes et expressions identiques. Sous ce régime d'oppression, les citoyens perdent leurs repères et en oublient même ce qu'est le soleil, ou confondent lions et oiseaux[89].
 L'exercice du pouvoir est à l'œuvre dans la séquence de l'usine, où les ouvriers sont constamment surveillés par une présence policière. Le décalage est frappant entre ces surveillants qui prennent le temps de manger avec nonchalance et les travailleurs qui peinent à la tâche. La reproduction en masse des portraits du roi, qui obéit à une logique de productivisme, apparaît quant à elle aliénante et stérile. La mise en scène se prête d'ailleurs à cette lecture, estime l'universitaire Benjamin Delmotte, par l'usage d'une musique aux « accents martiaux et militaires » et par la ressemblance des moules des sculptures avec des obus[102]. Et lorsque le Roi oppose à la demande de la Bergère, qui réclame la liberté de ses amis : « Le travail, ma belle, c'est la liberté ! », ses paroles évoquent de plus l'expression allemande « Arbeit macht frei » (« le travail rend libre ») tristement célèbre pour son utilisation dans les camps de concentration[10].
 Mais cette production à la chaîne illustre par ailleurs l'inconsistance du pouvoir du monarque : pour se présenter comme roi, il ne suffit plus finalement que d'apposer une couronne sur un buste sans cesse reproduit. L'envers des statues révèle également que leur intérieur est creux, sans fondement pour l'autorité royale[102]. C'est à l'obscénité de ce culte de la personnalité que le Ramoneur et l'Oiseau répliquent en saccageant de manière obscène les portraits du Roi[96].
 L'art est magnifié comme thérapie à la violence, notamment lors de la séquence où l'Oiseau demande au musicien de jouer de son instrument, pour hypnotiser les fauves qui tournent autour du Ramoneur. La même tentative de médiation par l'art est à l'œuvre lorsqu'un petit clown vient danser devant le Roi sur une mélodie fragile et légère, porté par l'espoir de l'attendrir[89].
 Comme vu plus haut, le robot dissimule en son sein les attributs techniques nécessaires à la création cinématographique, mais c'est en particulier la scène de l'usine qui fait office de paradigme de cette dernière, en témoignant de la « conscience filmante que l'œuvre a d'elle-même »[n 5],[111]. Les mécanismes de la création sont dénudés et sont exhibés aussi bien par le Ramoneur, chargé d'apposer de ses pinceaux les derniers détails de couleur, que par l'Oiseau qui actionne une roue à aube, tous deux esclaves contraints de contribuer à la création des effigies du Roi. L'Oiseau tente à un moment de causer une disruption dans la chaîne, et le Ramoneur préposé à son extrémité ne peut que constater l'emballement du passage des reproductions ; le premier, en voulant mettre fin à son surplace, semble à ce moment s'émanciper de la narration dont le rythme ne lui conviendrait pas[112]. Peut-être devient-il alors une sorte de délégué du démiurge, tout comme le Roi qui choisit de maquiller sur son portrait le strabisme qu'un peintre avait voulu représenter fidèlement, et le double du Roi, échappé de ce même tableau pour aller remplacer son modèle[113].
 L'échappée des deux jeunes protagonistes, qui fuient la toile de leurs tableaux respectifs, révèle par mise en abyme « l'animation » des images. Le spectateur se trouve face une « réalité piégée », note l'essayiste Jean-Philippe Domecq : les capacités d'invention de la réalité sont multiples et les nombreux mirages et pièges du palais sont autant d'embûches métaphoriques de ce que l'art permet[5].
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 Jean-Pierre Pagliano, Le Roi et l'Oiseau. Voyage au coeur du chef-d'oeuvre de Prévert et Grimault. Editions Capricci, 2024, 187 p.  (ISBN 979-10-239-0508-3)",10706,"Accueil; Portails thématiques; Article au hasard; Contact; Débuter sur Wikipédia; Aide; Communauté; Modifications récentes; ; Rechercher; en savoir plus; Contributions; Discussion; Article; Discussion; Lire; Lire; Pages liées; Suivi des pages liées; Téléverser un fichier; Pages spéciales; ; article de qualité; Paul Grimault; Jacques Prévert; Paul Grimault; La Bergère et le Ramoneur; Hans Christian Andersen; Les Films Paul Grimault; Les Films Gibé; Antenne 2; ; France; Animation; 1980; ; film d'animation; français; Paul Grimault; Jacques Prévert; La Bergère et le Ramoneur; Hans Christian Andersen; 1980; Seconde Guerre mondiale; animation; des Gémeaux; Europe; long métrage; mai 1953; Festival de Venise; Studio Ghibli; droits; 1977; mars 1980; prix Louis-Delluc; Walt Disney; ; La Cruche cassée; Jean-Baptiste Greuze; despote; mégalomane; dictatorial; bergère; ramoneur; ; Vilhelm Pedersen; propagande; bustes; lèse-majesté; orgue de barbarie; gravats; ; Anouk Aimée; 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//upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/4/43/Rubik%27s_cube_almost_solved.svg/23px-Rubik%27s_cube_almost_solved.svg.png; https://login.wikimedia.org/wiki/Special:CentralAutoLogin/start?type=1x1; /static/images/footer/wikimedia-button.svg; /w/resources/assets/poweredby_mediawiki.svg,https://en.wikipedia.org/wiki/The_King_and_the_Mockingbird,The King and the Mockingbird,https://en.wikipedia.org/wiki/The_King_and_the_Mockingbird,"The King and the Mockingbird (French: Le Roi et l'Oiseau, lit. 'The King and the Bird') is a traditionally-animated fantasy film directed by Paul Grimault. Prior to 2013, it was released in English as The King and Mister Bird.[1]
 Begun in 1948 as La Bergère et le Ramoneur (lit. ""The shepherdess and the chimney sweep"", loosely based on the fairy-tale of the same name by Hans Christian Andersen), the film was a collaboration between Grimault and popular French poet and screenwriter Jacques Prévert. However, the film suddenly stopped production and was released unfinished by its producer in 1952, without the approval of either Grimault or Prévert. Through the course of the 1960s and 1970s, Grimault obtained the rights to the film and was able to complete a new version as they originally intended. The film was completed over 30 years after production commenced.
 The film is today regarded as a masterpiece[2] of French animation and has been cited by the Japanese directors Hayao Miyazaki and Isao Takahata as an influence. It was released in the United Kingdom dubbed into English in cinemas in 1984[1] and subsequently on VHS, but then had poor availability in English until 2014. After being re-released in France in 2013,[3] it was re-released in cinemas in the United Kingdom,[4] and the first English-friendly DVD release was made there in April 2014.[5]
 While the completed version has not been released on home video in North America, it was available for streaming on The Criterion Channel.[6]
 A low-budget English-language release of the 1952 version, titled The Curious Adventures of Mr. Wonderbird, is in the public domain and available free online. In that version, Peter Ustinov narrates and voices the main role of the bird.
 The huge kingdom of Takicardia is ruled by a king under the unwieldy title of Charles V + III = VIII + VIII = XVI. He is a heartless ruler, hated by his people as much as he hates them. The King is fond of hunting, but is unfortunately cross-eyed – not that anyone would dare acknowledge this in front of him, as the numerous statues and paintings that adorn the palace and the land show him with regular eyes. Occasionally, the King does hit his target, though; notably, the wife of the bird. The bird, known only as l'Oiseau, is the narrator of the story and takes pleasure in taunting the king at every opportunity.
 In his secret apartment, the King dreams of the beautiful shepherdess whose painting he keeps on his wall, but the shepherdess is in love with the chimney sweep whose hated portrait is on the opposite wall. At night, the paintings come to life and attempt to escape from the palace, but are pursued by a non-cross-eyed painting of the king that also has come to life. He deposes the real king, takes his place, and orders the capture of the shepherdess and the sweep, but the bird is there to help when called upon.
 Later, the shepherdess and the chimney sweep find themselves in the lower city, where the inhabitants have never seen the light. Meanwhile, the King summons a robot built for him, and he attacks the village. He takes the shepherdess and captures the chimney sweep, the bird, and a blind organ-grinder from the village, putting the organ-grinder in a pen of lions and tigers. The King forces the shepherdess to agree to marry him, threatening to kill the chimney sweep if she does not accept. When she does, the King sends the chimney sweep and the bird to paint manufactured sculptures of his head on a conveyor belt. They begin to ruin the sculptures, and are sent to jail, where the lions and tigers have been listening to the organ-grinder playing. The bird convinces them to help the shepherdess, saying that her marriage to the King prevents her from tending to the sheep, which the animals eat. The animals break out of the jail and attack the interviewers and king in the chapel. The bird and his sons take control of the robot and start destroying the castle. Once the castle is in rubble, the King attacks the couple, but the robot grabs him and blows him into the distance. Sitting on the ruins of the castle the next morning, the robot sees one of the bird's sons trapped in a cage. After freeing the bird, the robot smashes the cage.
 Only the early scene in the secret apartment is based on ""The Shepherdess and the Chimney Sweep"", while the rest of the movie focuses much more on the king and the bird, hence the ultimate title. In Andersen's tale, the shepherdess and the chimney sweep are china figurines, rather than paintings, and a wooden (mahogany) satyr wishes to wed the shepherdess, supported by a Chinaman, rather than a king and a classical statue. In both tales, the Chinaman/statue breaks, and the duo escape up the chimney, and delight in celestial bodies, but in Andersen's tale the shepherdess is afraid of the wide world and the duo return; this is echoed in the movie where the statue predicts that they will return.
 The 1952 film ends with the bird taking a photo of the newly-wed shepherdess and chimney sweep along with the king's dog, all of the bird's sons, and others after the king is vanquished.[7]
 Additional voices
 Additional voices
 Originally titled La Bergère et le Ramoneur (lit. ""The shepherdess and the chimney sweep""), Grimault and Prévert began the film in 1948 (following their first collaboration, Le Petit soldat, lit. ""The little soldier"", also a Hans Christian Andersen adaptation), and it was highly anticipated, but in 1950, the film was taken out of their control, and subsequently the expense of the film caused the failure of the studio (Les Gémeaux). Grimault's partner André Sarrut (the producer) then released the film unfinished in 1952, against Grimault and Prévert's wishes, which caused a rift between partners, and they went their separate ways. In 1967, Grimault regained possession of the film, and spent the next decade trying to finance a new version under his supervision. By 1977 he had arranged financing,[8] and thus the film was completed over the two-year period of 1977–79. In 1980 the finished film was finally released under a new title, Le Roi et l'Oiseau – to make clear the distinction from the earlier version – and shortly after the death of Prévert, to whom the film is dedicated.
 The completed film uses 42 of the 62 minutes of the 1952 footage,[8] and, at 87 minutes, includes significant new animation, completely different music, and a very different, more symbolic ending. Some footage is cut, such as the bird taking over the role as announcer at the wedding and the original ending. The new footage includes both entirely new scenes, and changes to existing scenes. For example, in the completed film, the initial scenes of the king practicing target shooting and having his portrait painted are new, while the scene of the king shooting at the baby bird, which falls between these two, was from the 1952 footage. The differences between the old and new animation are visible at some points in a single scene, most noticeably in the lion pit, where the lions are drawn in two very different styles;[9] the simpler, more abstract lions are the new animation.
 The production of the music is unusual in that Grimault left it entirely in the hands of Wojciech Kilar – Grimault gave no instruction as to what music he desired, nor was there any back-and-forth, but simply shared the movie with Kilar, who studied it carefully, then went to Poland, recorded it, and returned with the completed score, which was accepted unchanged.[8] The score was made available on an album of music from the original soundtrack, but no official sheet music exists. However, Simon Bozonnet, an amateur musician and fan of the film, released a faithful transcription of the piano theme on his website.
 
The movie is rife with cultural references.[10][11] Most basically, the castle is similar to 19th century fairy-tale castles, the best known of which is Neuschwanstein Castle, while the best-known such model in France is the medieval town Carcassonne, which notably has a surrounding ville basse (lower city), as in the movie. The city, with its dark, industrial underbelly recalls Metropolis by Fritz Lang,[10] and the enslaved work recalls Modern Times of Charlie Chaplin.  The castle, presiding over a city, has been compared to a ""Neo-Sacré-Cœur"",[8] this basilica being the highest point of Paris, presiding over the city from the top of Montmartre. The visual style is painterly, with strong perspective, recalling surrealist artists, most notably Giorgio de Chirico, but also Yves Tanguy,[11] friend of Prévert's youth. See this article[12] for a sampling of scenes.
 There are extensive allusions to Germany, particularly connections between the king and Adolf Hitler, most obviously in the king's appearance on leaving water (mustache and hair strongly resembling Hitler's) and in the cult of personality, but also in the king's statement that ""work…is liberty"", alluding to the infamous ""Arbeit macht frei"" (work sets you free), written over the entrances to concentration camps, and also the iconic Stahlhelm (steel helmets) seen in places.
 The king's number alludes to Louis XVI of France, though visually the film recalls more the ""Sun King"" Louis XIV,[11] and parts of the castle resemble Venice, with the canals, gondola, and Bridge of Sighs. The mustached, bowler-hatted police recall Thomson and Thompson (Dupont et Dupond) from The Adventures of Tintin.[10]
 The robot's behavior recalls King Kong,[10] notably both in his chest-pounding and in his waving off the circling bird. He also rests in the figure of The Thinker, by Auguste Rodin.
 Some potentially unfamiliar phrases and concepts used in the movie include lettres de cachet, gallows birds (gibier de potence), lèse-majesté (Contempt of the Sovereign), and the Mayor of the Palace. The bird also mentions having seen Les Cloches de Corneville, having been to the Place d'Italie, and having attended the Neuilly festival (Neuilly-sur-Seine is the birthplace of both Prévert and Grimault). It also mentions dernières cartouches (Last Cartridges) which alludes to an episode in the Franco-Prussian War involving the Blue Division of the French marines, memorialized in a painting by that name by Alphonse-Marie-Adolphe de Neuville.
 Others see connection with Ubu Roi (King Ubu) of Alfred Jarry, Giovanni Battista Piranesi, and Magritte.[10]
 Grimault details some of the specific inspirations: for example, the bird was inspired by Jean Mollet (secretary of Guillaume Apollinaire) and by actor Pierre Brasseur, playing the character of Robert Macaire (via the character Frédérick Lemaître) in Les Enfants du paradis.[8]
 In the context of the principal authors' other works, it is notable that this is not the only Andersen adaptation that this pair animated – Grimault and Prévert also adapted ""The Steadfast Tin Soldier"" as Le Petit Soldat (The Little Soldier) (1947), which is included in La Table tournante (""The turning table"") on the deluxe edition of The King and the Mockingbird. In the early 1970s, Prévert and Grimault also made two dark animations, one apocalyptic – Le Chien mélomane (The Melomaniac Dog) (1973), which features a dog wielding a violin that caused destruction at a distance and leaves the world a gray waste (as in the end of Le Roi); both are collected in La Table tournante.
 Grimault did not directly reuse characters between his animations, but similar characters recur – the twin police officers in Voleur de paratonnerres (""The lightning rod thief"") are recalled by Le Sir de Massouf in La Flûte magique (""The magic flute""), then reappears as the chief of police in The King and the Mockingbird. Similarly, Gô from Passagers de La Grande Ourse (""Passengers of The Great Bear) is recalled by Niglo in Marchand de notes, then becomes the chimney sweep in The King and the Mockingbird.
 For Prévert's part, he had previously written a poem about the Neuilly festival, mentioned by the bird (""La Fête à Neuilly"", in Histoires, 1946), featuring lions, and a lion character features prominently in Children of Paradise, as do other bombastic characters, recalling and in fact inspiring the bird. He also wrote of birds in ""Pour faire le portrait d'un oiseau"" (To make [paint] a portrait of a bird) in Paroles (1945),[13] which, fittingly, given the long production of the movie, includes the lines ""Parfois l'oiseau arrive vite / mais il peut aussi bien mettre de longues années / avant de se décider"" (Often the bird arrives quickly / but he can also take many years / before he decides himself).
 The King and the Mockingbird has been called one of the greatest animated films produced in France.[14]
 The film had a profound influence on Hayao Miyazaki and Isao Takahata, who later founded Studio Ghibli.[6] Miyazaki states, inter alia, that ""We were formed by the films and filmmakers of the 1950s. At that time I started watching a lot of films. One filmmaker who really influenced me was the French animator Paul Grimault.""[15] and ""It was through watching Le Roi et l'Oiseau by Paul Grimault that I understood how it was necessary to use space in a vertical manner.""[16] For his part, Takahata states ""My admiration towards Paul Grimault and Le Roi et l'Oiseau has always been the same, probably because he achieved better than anyone else a union between literature and animation."" The influence is also visible in The Castle of Cagliostro, whose castle resembles the castle in The King and the Mockingbird. They discuss this at length in a documentary on the deluxe edition of the Japanese DVD, noting for example that they took frame-by-frame photographs of some sequences (such as the king elbowing the court painter aside) to be able to study how the animation was done.[17] The film would be dubbed into Japanese for the release and star the voice of Gorō Naya, the voice of Koichi Zenigata, who had reprised his role for The Castle of Cagliostro.
 It was also officially selected for the 2014 New York Film Festival.[18]
 The King and the Mockingbird has been released in various editions, in various languages. Beyond the fundamental distinction between editions based on the incomplete 1952 version and the 1980 version, the film has been dubbed in many languages, including Japanese and Dutch.
 In 1957, the 1952 version of the film was released in the United States and given an English-dubbed soundtrack under the title of The Adventures of Mr. Wonderbird.[19] Peter Ustinov narrates and provides the voice of the bird in this version. Since then, the Mr. Wonderbird version is now in the public domain and has been released as bargain video releases. Adventures of Mr. Wonderful was another name given to this version among many of its releases. Now Mr. Wonderbird is available for free online on the Internet Archive.
 The 1980 version of the film was also dubbed into English with a cast of France-based American voice actors, and released in the United Kingdom in 1984, in cinemas under the title The King and Mister Bird by the Institute of Contemporary Arts[1] and on VHS under the title Mr Bird to the Rescue by Entertainment in Video.[20]
 A Japanese-subtitled DVD version, titled Ō to Tori (王と鳥), is available through Ghibli Museum Library, and went on sale 4 April 2007, following a theatrical release in Japan starting 29 July 2006.[21]
 In 2013, the 2003 digital restoration of the film was re-released in French cinemas in the summer, this time as a Digital Cinema Package, by Sophie Dulac Distribution.[3] It was then released on DVD in Germany on September 5 and in France in both a standard DVD edition, a Blu-ray Disc edition, and a collector's box set on October 15.[3]
 The French deluxe version Blu-ray Disc and DVD includes a collection of Grimault's shorts and a 1988 documentary of Grimault and his work, La Table tournante, (""The turning table""), filmed by Jacques Demy, together with various shorts.
 It was re-released as a DCP in cinemas in the United Kingdom on April 11, 2014[22] by the Independent Cinema Office, both in French with English subtitles and in the King and Mister Bird dub,[4] and on DVD with English subtitles and this dub, for the first time in both cases, on April 28, 2014.[5] Previously, it was not available in the English-speaking world except by import of the French, Japanese and German editions. Although the film does not contain a lot of dialogue, fan-created English subtitles for the completed 1980 edition are available at this page at Open Subtitles. Rialto Pictures released the film in select theaters in the United States and Lionsgate made it available on Amazon Prime Video and on Vudu.",2778,"Main page; Contents; Current events; About Wikipedia; Help; Learn to edit; Community portal; Upload file; ; learn more; Article; Talk; Read; Read; Upload file; ; Paul Grimault; Jacques Prévert; Hans Christian Andersen; André Sarrut; Robert Dorfmann; Jean Martin; Pascal Mazzotti; Raymond Bussières; Joseph Kosma; Wojciech Kilar; Gaumont; Venice; French; traditionally-animated; fantasy film; Paul Grimault; Hans Christian Andersen; Jacques Prévert; masterpiece; French animation; Hayao Miyazaki; Isao Takahata; public domain; Peter Ustinov; Takicardia; cross-eyed; Pierre Brasseur; Peter Ustinov; Fernand Ledoux; Max Adrian; Anouk Aimée; Claire Bloom; Serge Reggiani; Denholm Elliott; Yves Deniaud; Philip Stainton; Félix Oudart; Etienne Decroux; Roger Blin; Alec Clunes; Harcourt Williams; Cecil Trouncer; Joan Heal; Frank Muir; Jean Martin; Pascal Mazzotti; Raymond Bussieres; Billy Kearns; Hubert Deschamps; Roger Blin; Billy Kearns; Claude Piéplu; André Sarrut; Wojciech Kilar; Neuschwanstein Castle; Carcassonne; Metropolis; Fritz Lang; Modern Times; Charlie Chaplin; ; Rue Foyatier; Montmartre; Sacré-Cœur; Montmartre; surrealist; Giorgio de Chirico; Yves Tanguy; Adolf Hitler; cult of personality; Arbeit macht frei; Stahlhelm; Louis XVI of France; Louis XIV; Venice; gondola; Bridge of Sighs; Thomson and Thompson; The Adventures of Tintin; King Kong; The Thinker; Auguste Rodin; lettres de cachet; lèse-majesté; Mayor of the Palace; Les Cloches de Corneville; Place d'Italie; Neuilly-sur-Seine; Franco-Prussian War; Blue Division; Alphonse-Marie-Adolphe de Neuville; Ubu Roi; Alfred Jarry; Giovanni Battista Piranesi; Magritte; Guillaume Apollinaire; Pierre Brasseur; Robert Macaire; Frédérick Lemaître; Les Enfants du paradis; The Steadfast Tin Soldier; Children of Paradise; Hayao Miyazaki; Isao Takahata; Studio Ghibli; The Castle of Cagliostro; Gorō Naya; 2014 New York Film Festival; Peter Ustinov; public domain; Internet Archive; Institute of Contemporary Arts; Entertainment in Video; Ghibli Museum Library; Blu-ray Disc; Jacques Demy; Rialto Pictures; Lionsgate; ; Animation portal; Film portal; History of French animation; List of animated feature films; The Thief and the Cobbler; The Overcoat; Yuri Norstein; Hoffmaniada; British Board of Film Classification; Wayback Machine; StudioCanal; Wayback Machine; Wayback Machine; Wayback Machine; Wayback Machine; Wayback Machine; Wayback Machine; Wayback Machine; Wayback Machine; Wayback Machine; ISBN; Wayback Machine; Paul Grimault; Éditions du Seuil; IMDb; IMDb; Internet Archive; v; t; Venice Film Festival Grand Jury Prize; A Streetcar Named Desire; Mandy; Executive Suite; The Lovers; La sfida; The Magician; Rocco and His Brothers; Peace to Him Who Enters; Vivre sa vie; The Fire Within; Introduction to Life; The Gospel According to St. Matthew; Hamlet; I Am Twenty; Modiga mindre män; Simon of the Desert; 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Kirikou et la Sorcière,https://fr.wikipedia.org/wiki/Kirikou_et_la_Sorcière,"Vous lisez un « bon article » labellisé en 2011.
 Série Kirikou et les Bêtes sauvages(2005) 
 Pour plus de détails, voir Fiche technique et Distribution. modifier  Kirikou et la Sorcière est un long métrage d'animation franco-belgo-luxembourgeois réalisé par Michel Ocelot et sorti en 1998. Adapté d'un conte africain, le film raconte les aventures de Kirikou, un garçon minuscule mais à l'intelligence et à la générosité hors du commun, dans sa lutte contre la sorcière Karaba, qui tyrannise les habitants du village à l'aide de ses pouvoirs maléfiques et d'une armée de fétiches. Par son scénario, ses graphismes, sa musique et ses doublages, Kirikou s'inspire au plus près des cultures de l'Afrique de l'Ouest.
 Premier long métrage de Michel Ocelot, Kirikou et la Sorcière remporte un succès critique et commercial inattendu, avec près d'un million d'entrées au cours de sa première exploitation en France. Ce succès exerce une influence très positive sur le développement de l'industrie de l'animation en France et sur le financement d'autres longs-métrages animés dans le pays au cours des années suivantes.
 Kirikou et la Sorcière a été suivi d'un deuxième film, Kirikou et les Bêtes sauvages, sorti en 2005, qui raconte d'autres aventures de Kirikou prenant place pendant les événements du premier film, puis d'un troisième film sur le même principe, Kirikou et les Hommes et les Femmes, fin 2012. Le personnage de Kirikou a également été décliné sur d'autres supports tels que des livres pour la jeunesse, un jeu vidéo et des films documentaires.
 L’histoire se déroule dans un village ouest-africain intemporel et conte les aventures de Kirikou, un petit garçon qui parle déjà dans le ventre de sa mère, Madela et qui s’enfante tout seul. Le village est frappé par la malédiction d'une puissante sorcière, Karaba, qui fait régner la terreur à l’aide d’une armée de fétiches animés. La source proche du village est asséchée et tous les hommes ont disparu. Kirikou veut savoir pourquoi Karaba est une sorcière tellement méchante et décide d’aider les villageois.
 Les hommes partis combattre Karaba ont disparu : la rumeur dit qu’elle les aurait mangés. À peine né, Kirikou commence par sauver son oncle, Apo, parti affronter la sorcière, en se cachant sous son chapeau pour le conseiller. Le petit garçon parvient à faire échanger ce que Karaba prend pour un chapeau magique contre la promesse de laisser le village en paix. Mais la sorcière finit par découvrir la ruse et poursuit ses menaces. Elle réclame le peu d’or qui reste aux femmes du village – celles-ci s'exécutent, mais Karaba envoie ensuite des fétiches inspecter les maisons, et, lorsqu’ils découvrent un bijou caché par l’une des femmes, ils brûlent sa maison devant les villageois impuissants car privés d’eau.
 Madela explique à son enfant que la source est maudite et ne donne plus d’eau, ce qui contraint les villageois à aller puiser au marigot, beaucoup plus loin. Ayant accompagné sa mère au marigot, Kirikou surveille les enfants qui jouent à la rivière. Karaba tente par deux fois de les enlever, d’abord à l’aide d’une pirogue ensorcelée, ensuite par le biais d’un arbre maléfique ; mais à chaque fois, Kirikou sauve les enfants. Il s’aventure ensuite jusqu’à la source maudite, et, grâce à sa taille minuscule, parvient à s’introduire dans le conduit asséché. Ayant découvert qu’une énorme créature a élu domicile dans la grotte et y boit toute l’eau, il la tue : l’eau afflue de nouveau, mais Kirikou manque de périr noyé.
 En discutant avec Kirikou, sa mère lui apprend que le seul homme capable de savoir pourquoi Karaba est méchante est le sage, son grand-père, qui vit dans la montagne interdite, derrière la case de Karaba. Mais la sorcière défend à quiconque de passer – d’autant plus que le fétiche guetteur est très vigilant et n’hésite pas à alerter sa maîtresse à tout moment.
 Kirikou, ayant mis au point une ruse avec l’aide de sa mère, passe par le sous-sol en empruntant les conduits de plusieurs terriers où il doit affronter une zorille, se lie d'amitié avec des rats palmistes, et parvient à atteindre la montagne sans être aperçu par le fétiche guetteur. Peu après, il voyage alors à travers la forêt puis sur la montagne, où il doit faire face à une huppe fasciée puis à un dangereux phacochère. En fin de compte, il atteint la grande termitière où séjourne le sage. Celui-ci apprend à Kirikou que Karaba doit sa méchanceté et ses pouvoirs maléfiques à une épine que des hommes lui ont enfoncée dans le dos, et qui la fait atrocement souffrir. Kirikou décide alors d’ôter l’épine à la sorcière.
 De retour près de la case de Karaba, Kirikou y pénètre en passant par le sous-sol pour reprendre plusieurs bijoux volés par la sorcière. Il part ensuite les enterrer dans la forêt près du village. Folle de rage, Karaba est résolue à tuer Kirikou. Après que sa vipère a échoué à atteindre l'enfant, elle sort de sa case et commence par aller déterrer les bijoux elle-même. Mais c’est une ruse : pendant qu’elle se penche, Kirikou saute sur son dos et lui enlève l’épine. Karaba hurle si fort qu'elle se fait entendre par les villageois interloqués.
 Libérée de la douleur et du maléfice, Karaba redevient elle-même. Kirikou, en remerciement, lui demande de l’épouser, mais Karaba lui objecte qu’il est trop jeune. Alors, il n’obtient qu’un baiser, mais ce baiser suffit à le faire grandir instantanément et à le rendre adulte.
 Aussitôt, Kirikou rentre au village accompagné de Karaba. Méconnaissable pour les villageois, il est finalement reconnu par sa mère. Les villageois, qui veulent venger les hommes du village que Karaba a fait disparaître, s’apprêtent à la tuer, lorsque soudain tous les hommes reviennent en cortège au son des tam-tam, accompagnés par le sage de la montagne. Celui-ci explique que Karaba ne mangeait pas les hommes, mais les changeait en « objets obéissants » pour les asservir ; Karaba a perdu ses pouvoirs et le sortilège est levé. Le village, de nouveau au grand complet, se réjouit du retour des disparus, et Kirikou embrasse Karaba.
 Kirikou et la Sorcière est un film à petit budget : l'un des producteurs, Didier Brunner, explique cela par le fait que le film fait figure de projet d'art et d'essai aux yeux des investisseurs, par distinction avec d'autres projets plus commerciaux (comme Le Château des singes de Jean-François Laguionie, plus proche des dessins animés grand public à la Disney)[6]. Le budget prévu, bien que petit, n'est pas facile à réunir, et son rassemblement prend du temps[6]. Les premiers fonds réunis sont une avance sur recettes du Centre national de la cinématographie de 2,2 millions de francs, et une participation de la chaîne Canal+ à hauteur de 3,5 millions de francs ; le reste du budget est rassemblé à l'international, ce qui a pour résultat d'éparpiller la production entre plusieurs pays (comme cela se fait plutôt pour les séries télévisées) et la rend plus compliquée[6]. Le film bénéficie largement des aides accordées par plusieurs institutions[6] : le CNC, le Fonds Eurimages du conseil de l'Europe, le Programme média de l'Union européenne, le Centre du cinéma et de l'audiovisuel de la Communauté française de Belgique, l'Agence de coopération culturelle et technique, le Fonds international de soutien à la production audiovisuelle du Luxembourg, et la Procirep[TK 1].
 Deux ans sont nécessaires au financement du film, et quatre ans à la fabrication proprement dite[TK 2]. Le budget final du film s'élève à 25 millions de francs d'alors, soit 3,8 millions d'euros[7],[TK 2].
 Michel Ocelot écrit le scénario en s'inspirant librement d'un conte africain[8]. Il trouve l'idée de départ dans un recueil de contes populaires d'Afrique occidentale recueillis par Equilbecq, un administrateur des colonies françaises, en 1912. Dans l'un des contes, un enfant parle alors qu'il est encore à l'intérieur du ventre de sa mère et réclame de naître ; celle-ci lui répond sans se départir de son calme, l'enfant naît tout seul, puis se lave tout seul, et va aussitôt affronter une sorcière qui menace le village[TK 3]. Cet enfant prodigieux qui inspire Kirikou est Izé Gani[9], rendu fameux par la version qu'en a donnée Boubou Hama[10]. Michel Ocelot conserve le début du conte, mais apporte beaucoup de modifications à la suite de l'histoire, de sorte que le scénario final est en grande partie son invention. Dans le conte original, l'enfant dispose d'autant de pouvoirs que la sorcière, qu'il finit par tuer purement et simplement ; et il n'est plus question de sa mère après sa naissance. Dans le film d'animation, en revanche, Kirikou se pose davantage de questions, et guérit la sorcière au lieu de la tuer ; la sorcière est décrite comme très puissante (elle est dite avoir dévoré tous les guerriers du village et asséché la source), et la mère de Kirikou garde un rôle après la naissance du héros[TK 4]. L'agression de Karaba par des hommes et l'épine qui lui donne ses pouvoirs magiques forment un autre élément propre au scénario du film ; de même pour le baiser qui, à la fin de l'histoire, transforme Kirikou en adulte, et qu'Ocelot a emprunté aux procédés narratifs des contes occidentaux[TK 5]. Les noms « Kirikou » et « Karaba » sont également des inventions d'Ocelot, et n'ont pas de signification particulière[TK 6] ; on peut toutefois rapprocher le nom de Karaba de celui de la fée Carabosse[11]. Ocelot tient à ce que Kirikou, contrairement à la sorcière, ne dispose d'aucun pouvoir particulier, ni de talisman magique[TK 7]. L'histoire est établie en une semaine, puis fait l'objet de nombreuses relectures[TK 2].
 Michel Ocelot consacre plusieurs mois à la conception visuelle des personnages et des principaux décors[TK 2]. La représentation graphique de l'Afrique pose un problème, car les arts africains disposent d'une riche tradition décorative, mais assez peu d'arts graphiques figuratifs ; Michel Ocelot s'inspire alors des tableaux du Douanier Rousseau pour concevoir l'univers visuel du film, et de l'art égyptien antique pour l'apparence des personnages[8].
 Pour les personnages, Michel Ocelot commence par réaliser des croquis et des esquisses, en s'aidant de photographies, puis en simplifie et en adapte le trait afin de parvenir à des modèles bien définis et répondant aux contraintes techniques de l'animation[TK 8]. Une première version du projet employait des silhouettes presque entièrement noires se déplaçant sur des décors colorés, dans un style proche du théâtre d'ombres, comme les courts métrages déjà réalisés par Ocelot (notamment ceux regroupés par la suite dans Princes et Princesses en 2000) ; mais Ocelot doit abandonner ces premiers visuels, ses conseillers craignant de ne pas pouvoir convaincre les investisseurs, et élabore alors un nouveau projet employant des dessins au trait coloriés, plus proches des dessins animés conventionnels[TK 9].
 Certains éléments de cette première version subsistent cependant dans la suite, comme l'apparence générale de la sorcière Karaba, dont les nombreux bijoux sur le cou, les bras et la poitrine permettaient de rendre ses gestes plus lisibles dans la version en ombres chinoises[TK 10]. Ces nombreuses parures, ainsi que la coiffure complexe de Karaba, la rendent plus difficile à animer par la suite, mais sont conservées car il s'agit d'un personnage central de l'histoire[TK 11]. Les autres personnages subissent de nombreuses retouches dues aux contraintes de l'animation : ainsi une tresse arrondie sur le front de la mère de Kirikou est supprimée[TK 12], et la coiffe du grand-père doit être simplifiée[TK 13]. La coiffe définitive du grand-père, proche des coiffes des pharaons de l'Égypte ancienne, s'inspire en réalité d'un bronze du Bénin datant du XVIe siècle ; de même, Ocelot s'inspire de statues d'Afrique noire et de photographies de vieillards pour l'arrangement particulier de sa barbiche[TK 13].
 Pour les fétiches animés qui sont aux ordres de la sorcière Karaba, Michel Ocelot s'inspire de fétiches de l'art africain traditionnel[TK 14], en empruntant à plusieurs styles et en y ajoutant une agressivité propre aux serviteurs d'une sorcière maléfique[TK 15]. Par exemple, l'apparence du « fétiche preneur » (chargé de rapporter des objets à Karaba) s'inspire du style moumouyé et celle du « fétiche parleur » (porte-parole de la sorcière) du style oyoni, tandis que d'autres, comme le « fétiche renifleur », sont de pures inventions visuelles[TK 15].
 Les décors sont conçus conjointement par Michel Ocelot et Anne-Lise Koehler, puis Thierry Million. Les consignes de Michel Ocelot quant à la représentation de la végétation sont d'allier l'exactitude botanique, qui impose une grande minutie de détail, à une stylisation inspirée de l'art égyptien et à des couleurs inspirées des tableaux du Douanier Rousseau[TK 16].
 Pour compléter l'identité africaine du film, les voix françaises sont assurées par des Sénégalais et le doublage anglais par des Sud-Africains noirs[13]. Les autres doublages, en revanche, ne contiennent pas d'accent particulier, Ocelot tenant à limiter l'accent africain aux langues occidentales effectivement parlées en Afrique (le français et l'anglais) sans tenter d'imiter un accent africain dans les autres[TK 17].
 Les voix du film sont enregistrées au Sénégal, à Dakar[14]. Ocelot et son équipe auditionnent des comédiens et des écoliers. Pour la voix de Kirikou enfant, Ocelot choisit Doudou Gueye Thiaw, dont l'accent n'est pas jugé comme très prononcé, mais qui s'avère le meilleur acteur de doublage[TK 17]. Le doublage anglais, quant à lui, est enregistré en Afrique du Sud, également sous la direction de Michel Ocelot[TK 17].
 La musique est également enregistrée en Afrique. L'équipe du film envoie le scénario de Kirikou au chanteur sénégalais Youssou N'Dour, qui accepte de composer la musique du film. Michel Ocelot lui impose plusieurs contraintes : l'emploi des mêmes comédiens pour les dialogues et pour les parties chantées, l'utilisation d'instruments traditionnels africains, et la restriction de l'emploi des tam-tam, instruments traditionnels des hommes, aux toutes dernières scènes du film, puisque les hommes du village de Kirikou, enlevés par Karaba, restent absents de l'histoire jusqu'au dénouement[TK 18]. La bande originale du film emploie des instruments comme la kora (pour la séquence de la naissance), la flûte tokoro (pour la scène où Kirikou s'aventure dans le terrier d'une zorille), le balafon ou encore la sanza (pour la scène de la source)[TK 18].
 Youssou N'Dour compose également la chanson du générique de fin, dont les paroles sont en wolof, la principale langue parlée au Sénégal[TK 17]. Au départ, il était convenu que Youssou N'dour devait interpréter la chanson lui-même, et l'enregistrement a bel et bien lieu à Dakar ; mais le label de Youssou N'Dour, Sony, interdit après coup l'emploi de cet enregistrement, en arguant qu'il ferait tort aux albums du chanteur[TK 19]. C'est finalement Mendy Boubacar, autre chanteur vivant à Dakar, qui interprète la chanson dans le film[TK 19].
 La production du film est éparpillée entre six studios situés dans cinq pays : Paris, Riga, Budapest, Bruxelles, Angoulême et Dakar[14]. Michel Ocelot se déplace constamment entre les différents studios pour guider les équipes et assurer la cohérence du projet[TK 20]. Dans son livre Tout sur Kirikou paru en 2003, il dit garder le souvenir d'une production mouvementée, marquée par des tensions entre les huit coproducteurs du film, dont la collaboration était due à l'origine aux contraintes économiques du financement et non à un projet artistique commun[TK 20]. La charge de travail d'Ocelot est encore alourdie par le fait qu'il mène de front la production de Kirikou et son poste de président de l'Association internationale du film d'animation[TK 21].
 Michel Ocelot réalise lui-même un premier scénarimage que les producteurs estiment trop indigent ; un second est réalisé sur commande par des professionnels, mais s'avère, à l'inverse, trop éloigné de la vision qu'Ocelot a de son histoire, et peu réalisable à cause d'effets d'ombre et de perspective incompatibles avec les contraintes économiques du projet ; c'est finalement le scénarimage d'Ocelot qui est utilisé[TK 22].
 Le scénarimage sert de base à l'équipe chargée de la mise en place du film[TK 8]. La mise en place consiste à réaliser, pour les 1 200 plans de Kirikou, le travail de préparation qui doit fournir aux animateurs tous les éléments nécessaires à l'exécution de l'animation. Chaque plan, numéroté, fait l'objet d'un dossier préparatoire complet, qui comprend principalement les indications de détection du son (qui permettent d'animer les personnages en fonction des dialogues enregistrés au préalable), les dessins des éléments de décor, le cadrage dans lequel est ensuite dessinée l'animation, les indications précises des mouvements de caméra, une feuille de tournage image par image, et les dessins des personnages à l'échelle à laquelle ils seront ensuite exécutés par les animateurs, avec toutes les indications sur leurs expressions, attitudes et gestes au cours de la scène, leurs tailles respectives, leurs distances les uns par rapport aux autres, etc. L'équipe de mise en place assure également la cohérence entre eux des plans du film[TK 8]. Cette équipe travaille à Angoulême, puis à Paris ; elle comprend notamment plusieurs dessinateurs qui réalisent de multiples dessins de décors, d'accessoires et de personnages secondaires[TK 8].
 À partir de ses recherches, Michel Ocelot réalise les modèles-rotations des personnages principaux, c'est-à-dire les dessins montrant chaque personnage de face, de dos, de profil, de trois-quarts, indiquant comment dessiner ses différentes expressions, ses principaux gestes, etc., pour servir ensuite de modèles de référence aux différentes équipes d'animateurs. Eric Serre dessine les modèles des personnages secondaires et de la plupart des animaux. Anne-Lise Koehler dessine les modèles des oiseaux. L'équipe de mise en place (Eric Serre, Christophe Lourdelet, Bénédicte Galup, Anne-Lise Koehler, Stéfane Sichère, Pascal Lemaire…), de son côté, se charge de réaliser les modèles des multiples objets et accessoires qui apparaissent dans le film[TK 8]. Comme souvent en animation, les dessinateurs utilisent parfois des modèles vivants improvisés (eux-mêmes ou leurs collègues) afin de dessiner gestes et expressions avec justesse[TK 23]. Les modèles sont réalisés à plusieurs échelles (grandeur 1, grandeur 2, grandeur 1/2, etc.) avec plusieurs niveaux de détail selon qu'ils sont destinés à des plans larges ou à des gros plans ; tous les dessins inclus dans les dossiers d'une même scène sont à la même grandeur, afin d'éviter les incohérences de taille au cours de l'animation[TK 24].
 Les décors du film sont d'abord dessinés au trait à partir des indications encore très générales du scénarimage, puis mis en couleur par les coloristes, parfois à la main (à l'aquarelle ou à la gouache), parfois à l'aide d'outils informatiques[TK 25]. Les décors complexes (comme les forêts) sont réalisés à l'aide d'une série d'éléments dessinés individuellement et que l'on assemble ensuite pour former le décor final.
 L'animation proprement dite de Kirikou a lieu dans deux studios d'Europe de l'Est : Exist Studio, situé à Budapest en Hongrie, et Rija Studio, basé à Riga en Lettonie[TK 1],[TK 26]. Le travail d'Exist Studio pose problème dans les premiers temps, car l'équipe est alors habituée à de petites commandes pour la télévision et est mal payée ; mais elle réalise quelques animations intégrées dans le film[TK 26]. De fait, le paiement du travail qu'elle fournit pour Kirikou pose également problème, car la société responsable du paiement de l'équipe fait faillite pendant la production, en ayant tenue secrète sa mauvaise situation financière : l'équipe est finalement payée, avec du retard[TK 26]. La majeure partie de l'animation est réalisée par les animatrices du studio de Riga ; Michel Ocelot passe une semaine par mois à Riga pour les vérifications et les corrections[TK 26]. Les dessins sont réalisés à la main, souvent avec un premier crayonné au crayon bleu, suivi d'un tracé définitif strict en ligne claire qui facilite l'animation et le coloriage[TK 27]. Les dessins sont alors scannés et l'animation est testée par ordinateur dans un rendu en basse définition, ce qui permet d'ajuster les placements des différents éléments d'une scène et les durées des animations[TK 26]. Le film ne contient aucun élément modélisé en images de synthèse mais uniquement des dessins plats agencés par couches[TK 28].
 Une fois les dessins réalisés, ils sont vérifiés et au besoin retouchés afin de peaufiner l'animation. En plus des vérificateurs des studios eux-mêmes[TK 1], Michel Ocelot réalise une première vérification des dessins à Riga[TK 27], puis l'équipe de vérification générale prend le relais en France[TK 29].
 Le tournage informatique du film a lieu dans deux studios : Les Armateurs, à Angoulême en France, et Odec Kid Cartoons, à Bruxelles en Belgique[TK 29],[TK 1]. Le tournage informatique consiste à assembler sur ordinateur tous les éléments terminés du film (décors, personnages, accessoires, etc.) en complétant d'éventuels oublis, en gérant les mouvements de caméras multiplanes et en ajoutant les effets spéciaux, afin de fabriquer les images définitives du long métrage telles qu'elles seront projetées au cinéma[TK 29]. Chaque image se compose de nombreux éléments : plusieurs couches de décors, des accessoires et des personnages plus ou moins nombreux, les personnages étant eux-mêmes composés de plusieurs niveaux de dessins[TK 29].
 La phase finale du film est la post-production, au cours de laquelle sont réalisés le montage de l'image et du son avec l'ajout des différentes pistes sonores (dialogues, musique, ambiance et bruitages) et leur mixage[TK 30].
 Le studio d'animation bruxellois Odec Kid Cartoons réalise un peu plus de la moitié du traitement informatique de Kirikou, ainsi que la postproduction, le montage et la sonorisation[15].
 Au cours de la production, les distributeurs européens et américains sont convaincus que le film ne se vendra pas bien. Le producteur du film, Didier Brunner, évoque en 2007[16] les inquiétude des conseillers commerciaux sur le moment : « Des conseillers parfaitement bien intentionnés m'avaient mis en garde : ce projet est impossible à animer et puis impossible à mettre sur le marché aussi, il ne montre que des Africains en plus. Les partenaires étaient gênés par la question de la nudité. Mais j'ai toujours été convaincu que ce serait un beau film. » Un autre argument invoqué par les distributeurs concerne la nudité du personnage principal et les scènes montrant des femmes les seins nus : ils réclament que Kirikou porte une culotte et les femmes des soutiens-gorges, mais Michel Ocelot s'y refuse, notamment parce qu'il tient à donner une vision de l'Afrique proche de ce qu'il a connu pendant son enfance en Guinée[13]. La question des seins nus manque de peu de faire couler le projet lorsque Les Armateurs doivent demander une rallonge budgétaire à la chaîne France 3 pour terminer le film, car le responsable d'alors impose de couvrir les seins comme condition sine qua non au financement. Par chance pour l'équipe du film, ce responsable quitte la chaîne peu après, et son remplaçant accepte de compléter le budget sans imposer l'ajout de soutiens-gorge[7].
 Le choix d'un distributeur pour la sortie française du film ne se fait finalement qu'assez peu de temps avant la sortie. Le producteur Didier Brunner passe contrat avec Gebeka Films, distributeur provincial alors récemment fondé, pour une sortie en salles au début du mois de décembre 1998[6]. La distribution reçoit par ailleurs l'aide de l'Association française des cinémas d'art et d'essai[6]. Les questions de nudité des personnages ne posent finalement aucun problème au moment de la réception du film en France[TK 31].
 La vente du film aux distributeurs étrangers ne pose pas de problème dans la majorité des cas ; lorsque le film ne sort pas en salles, il est projeté par les centres culturels français[TK 31]. Seule la distribution dans le monde anglo-saxon pose problème, les distributeurs n'acceptant pas la nudité de Kirikou et de plusieurs autres personnages. Aux États-Unis, Universal Pictures tente d'imposer l'ajout de culottes et de soutiens-gorge comme condition pour distribuer le film[TK 31],[7]. Le film est finalement distribué aux États-Unis par une petite compagnie franco-américaine, qui contourne le problème en choisissant de ne pas présenter Kirikou à la commission de classification, au risque de le rendre suspect ; elle décide tout de même de prévenir les parents de la nudité montrée dans le film en plaçant des affichettes à l'entrée des salles de projection[TK 31]. En Grande-Bretagne, la BBC déclare qu'il est impossible de montrer la « nudité frontale » de Kirikou ; le film ne trouve pas de distributeur en Grande-Bretagne avant 2003, année où l'intérêt des distributeurs est ranimé par le British Animation Award décerné au film[TK 31].
 Le film ne trouve pas de distributeur au Japon avant 2002 ; Michel Ocelot, alors invité à une rencontre à la Maison franco-japonaise de Tokyo, a l'occasion d'y rencontrer Isao Takahata. Celui-ci apprécie le film et en organise la sortie en salles au Japon par l'intermédiaire du studio Ghibli[TK 32]. Takahata, qui a étudié le français et connaît bien la culture française, traduit en japonais le roman d'Ocelot tiré de Kirikou, rédige les sous-titres japonais destinés aux projections en version originale, traduit les dialogues pour le doublage japonais et se charge de la distribution des rôles[TK 33]. La chanson thème de la sortie japonaise est ""Hadaka no Kiriku"" de Taeko Ōnuki[17].
 En 2007, le film est distribué au Mali, au Niger et au Bénin par le biais de l'association cinéma numérique ambulant[18], qui organise des projections itinérantes du film dans des quartiers populaires ou des villages[19]. Le public familial offre un bon accueil à ce film et aux suivants de Michel Ocelot[20].
 Lors de sa sortie en France, le film reçoit un accueil critique favorable dans la presse généraliste. Jacques Mandelbaum, dans Le Monde[21], souligne l'originalité de Kirikou, qui « se démarque des traditionnels mastodontes de Celluloïd débarquant à cette époque de l'année, tout simplement parce qu'en montrant les choses autrement, il dit autre chose, pense d'une autre façon, rêve d'une autre manière ». Bernard Génin, dans Télérama[22], juge le film « coloré, drôle et vif », « tout simple et très beau », et estime que l'histoire prend des « résonances intemporelles, en évitant pesanteur et didactisme ». Michel Roudevitch, dans Libération[14], indique que le film « regorge de réjouissantes péripéties et se distingue par l'originalité (et la joliesse) de sa facture, exempte de stéréotypes caricaturaux ». Michel Pascal, dans Le Point[23], signe une critique courte mais très positive, où il juge l'ensemble une « splendide réussite graphique, magnifiée par la musique de Youssou N'Dour » et y voit « une perle de l'animation européenne ».
 L'accueil de la presse spécialisée est également favorable. Gilles Ciment, dans Positif[24], donne au film un accueil dans l'ensemble favorable : il y voit une œuvre « ambitieuse » qui présente toutes les caractéristiques du conte, tout en s'ingéniant à échapper aux archétypes du genre. Tout en louant la splendeur des décors, des corps et des visages, il regrette une certaine raideur dans l'animation et « des facilités infographiques qui contrastent avec l'esthétique de l'ensemble ». Il voit dans Kirikou « une fable sur le sort de l'Afrique » qui contient aussi une réflexion sur les rapports entre les sexes. À l'été 2000, un peu plus d'un an après la sortie du film, la revue Ciné-Bulles lui consacre une critique détaillée[25], dans laquelle Yves Schaëffner analyse les subtilités du scénario et loue l'identité africaine du conte ainsi que son refus de s'en tenir aux standards établis par les studios Disney.
 En Belgique, où le film sort fin mars 1999, le journal Le Soir lui consacre une excellente critique : Fabienne Bradfer y est pleinement convaincue, tant par le scénario que par les graphismes, et juge que « la qualité du scénario original et de la mise en scène place ce film d'animation parmi les meilleurs de cette décennie »[26].
 Le film sort aux États-Unis en février 2000, à l'occasion du Mois de l'histoire des Noirs : il sort en salles à New York, puis à Chicago et Los Angeles[13]. Une projection en avant-première a lieu en décembre 1999 à l'occasion de l'African Diaspora Film Festival de New York[13]. Elvis Mitchell, dans le New York Times[27], donne un avis globalement positif sur le film, dont il souligne l'originalité par rapport aux productions américaines, la qualité de la bande-son et de la musique, et la cohérence des partis pris graphiques : « C'est une livraison d'animation de grande envergure, avec son propre impératif culturel »[28]. Mitchell rapproche notamment le style graphique des personnages des pictogrammes de l'artiste afro-américain Romare Bearden. Il estime toutefois que le film conserve « une échelle modeste qui limite sa puissance »[29], et conclut : « C'est davantage une œuvre à admirer qu'une œuvre où se plonger, mais il est facile d'imaginer les enfants hypnotisés par un héros encore plus petit qu'eux quand Kirikou restera continuellement dans le magnétoscope »[30].
 En Grande-Bretagne, où le film ne connaît une réelle sortie en salles qu'en 2003, Kirikou reçoit un accueil également favorable. Le critique de la BBC, Jamie Russell[31], souligne que les différents niveaux de signification de l'histoire la rendent accessible aux jeunes enfants comme aux adultes, et juge que le résultat est « l'un des films d'animation les plus enchanteurs depuis assez longtemps »[32]. Peter Bradshaw, dans The Guardian, signe l'une des critiques les plus négatives[33], et estime le film « raisonnable, mais peut-être seulement pour les très jeunes enfants »[34].
 Le succès de Kirikou et la Sorcière profite beaucoup au cinéma d'animation français au cours des années suivantes : en montrant qu'un long métrage d'animation français peut être très rentable, il incite les investisseurs à prendre plus au sérieux les projets en cours, alors que les réalisateurs avaient auparavant beaucoup de difficultés à les financer. Interviewé par Le Monde en décembre 2004, Stéphane Le Bars, délégué général du Syndicat des producteurs de films d'animation, indique : « On assiste, depuis, à une véritable relance de la production des longs métrages. (…) En 2003, cinq des sept dessins animés français ont fait partie des cinquante films les plus vus de l'année »[35].
 Le même article[35] nuance ce renouveau en précisant que le financement dans le domaine de l'animation reste délicat, mais cette période permet à plusieurs autres longs métrages de réunir plus facilement des budgets moins précaires que celui de Kirikou. Ainsi Michel Ocelot rencontre bien moins de difficultés pour réunir 8,5 millions d'euros afin de réaliser Azur et Asmar, qu'il peut de plus réaliser entièrement à Paris et non de manière dispersée comme l'avait été Kirikou[35]. Dans une interview en 2006[36], Michel Ocelot résume : « Tous les professionnels s’accordent sur le fait qu’il y a eu un avant et un après Kirikou et la Sorcière. En dépassant le million de spectateurs, j’ai montré qu’un film d’animation français pouvait rapporter de l’argent ». La même année, Jacques-Rémy Girerd, autre réalisateur de longs métrages d'animation, insiste de son côté sur le fait que Kirikou a aussi attiré l'attention du public : « il a fallu attendre Kirikou pour que le public renoue avec les films d’animation »[36]. Dans une interview en 2007, le producteur de films d'animation Philippe Alessandri parle d'un « effet Kirikou » qui a facilité le financement du film qu'il préparait en 1998, Les Enfants de la pluie, réalisé par Philippe Leclerc et sorti en 2003[37].
 Le succès de Kirikou et la Sorcière s'inscrit a posteriori dans une série de succès de films d'animation français comme Les Triplettes de Belleville de Sylvain Chomet (2003) puis Persepolis de Vincent Paronnaud et Marjane Satrapi (2007), qui remportent des succès à la fois critiques et commerciaux, autant en France qu'à l'étranger ; ces films valent au savoir-faire des animateurs français d'être reconnu au niveau international, et contribuent à représenter la culture française à l'étranger[38]. Un ouvrage sur l'animation française paru en 2017, près de vingt ans après la sortie du film, évoque les vingt années allant de 1998 à 2017 comme « un véritable petit âge d'or »[39] et évoque le rôle du succès de Kirikou en ces termes : « Légende ou réalité, le microcosme de l'animation française considère aujourd'hui que la renaissance du film d'animation français résulte du succès inattendu de Kirikou et la Sorcière de Michel Ocelot, preuve que cinéma d'auteur et succès commercial sont non seulement compatibles mais représentent même la spécificité et la force du cinéma d'animation européen »[39].
 En Afrique, le succès remporté par les aventures de Kirikou est considéré comme un bon signe pour la diffusion des cultures africaines à l'étranger et pour le développement d'une industrie d'animation propre au continent, qui disposait déjà de nombreux animateurs et réalisateurs, mais pas de studios entièrement africains[40]. Dans le même temps, il suscite une réaction d'émulation de la part de réalisateurs africains désireux de réaliser leurs propres films au sujet de leur culture[40]. L'animateur franco-camerounais Pierre Sauvalle, cofondateur en 1998 du studio d'animation sénégalais Pictoon, souhaite surmonter le paradoxe d'une Afrique représentée uniquement par des œuvres étrangères : « Notre richesse culturelle et notre imaginaire sont toute une part d’évasion dont la jeunesse a besoin. Quand on regarde le succès planétaire de Kirikou (réalisé par un Français, ndlr) ou du Roi lion — qui est d’ailleurs le dessin animé qui a rapporté le plus aux studios Disney — c'est assez révélateur. Il faut que nous sachions vendre notre culture ou d’autres s’en chargeront à notre place »[41].
 Kirikou et la Sorcière sort sur les écrans français en même temps que trois grosses productions américaines de fin d'année qui sont également des films d'animation : Mulan des studios Disney, Le Prince d'Égypte et Fourmiz, deux productions de Dreamworks. Kirikou est projeté dans une soixantaine de salles, n'est pas visible dans les multiplexes, et n'est diffusé que l'après-midi, mais rassemble néanmoins 50 025 entrées au cours de sa première semaine d'exploitation, une très bonne performance pour de telles conditions de diffusion[42].
 Le film est un succès commercial inattendu. Au 30 mars 1999, le film a recueilli plus de 683 500 entrées[3]. En juin 1999, Kirikou approche du million d'entrées[43], et, à l'issue de son exploitation en France, Kirikou a accumulé 1 400 000 entrées[7]. Dans le courant de l'année 1999, le film sort dans neuf autres pays d'Europe[44], et par la suite, en avril 2000, aux États-Unis, pays où les films étrangers sont habituellement peu diffusés[45]. En Europe, le film remporte des succès notables au cours de l'année 1999 en Italie (plus de 99 000 entrées entre sa sortie le 21 décembre et la fin de l'année) et en Allemagne (plus de 76 800 entrées entre sa sortie en octobre et la fin de l'année), mais rencontre moins de succès en Norvège (un peu plus de 73 000 entrées entre sa sortie en juillet et la fin de l'année) puis, en 2001, en Espagne (moins de 39 000 entrées entre sa sortie le 10 décembre et la fin de l'année)[44]. Entre 1998 et 2004, Kirikou et la Sorcière est distribué dans une quarantaine de pays et traduit en une trentaine de langues[46].
 Kirikou et la Sorcière remporte de nombreux prix. En France, le prix le plus important reçu par le film est le Grand prix du meilleur long métrage d'animation au Festival international du film d'animation d'Annecy en 1999. À l'étranger, Kirikou est primé dans de nombreux festivals internationaux consacrés au film d'animation en général ou aux films pour la jeunesse, en Europe, en Amérique, en Afrique et en Asie.
 En Europe, le film est notamment primé en 1999 aux Pays-Bas, où il remporte le Prix Cinékid au festival Cinékid d'Amsterdam[47]. En Suisse, il remporte deux prix, le Château d'argent et le prix « Environnement et santé », au Festival international du film pour la jeunesse « Castelli in aria »[47]. En Grande-Bretagne, Kirikou reçoit en 2002 le prix du meilleur long métrage d'animation européen aux British Animation Awards, ex æquo avec Chicken Run[47].
 Aux États-Unis, le film est primé deux fois en 1999 au Festival International du film pour enfants de Chicago (Chicago International Children's Film Festival), où il reçoit le premier prix de la part du jury enfants et du jury adultes[13]. Au Canada, le film remporte notamment le prix Animé TVA 1999 au Festival du cinéma international en Abitibi-Témiscamingue et le Prix spécial du jury pour un long métrage au Festival international du film pour enfants de Montréal en 2000. En Amérique du Sud, Kirikou remporte plusieurs prix, dont le Prix du meilleur film pour la jeunesse au Festival international du film de Carthagène, en Colombie, en 2000[47].
 La liste qui suit est donnée par Michel Ocelot dans son livre Tout sur Kirikou ; elle n'indique donc que les prix reçus entre 1998 et 2003[TK 1].
 Par ailleurs, le film fait partie de la Liste du BFI des 50 films à voir avant d'avoir 14 ans établie en 2005 par le British Film Institute[48].
 Par ses sources d'inspiration et par sa structure, Kirikou et la Sorcière se rattache au genre du conte, de même que plusieurs précédentes réalisations de Michel Ocelot (en particulier ses séries de courts métrages pour la télévision, La Princesse insensible en 1986 et Ciné Si en 1989). Les critiques de presse s'accordent à reconnaître dans l'histoire de Kirikou les caractéristiques du conte, tout en appréciant le fait que les archétypes mobilisés ne confinent pas le résultat à un manichéisme facile. Gilles Ciment, dans Positif, remarque que, si la quête de Kirikou relève du parcours initiatique (Kirikou cherche à comprendre « pourquoi Karaba est méchante ») et de la lutte contre les forces du mal (empêcher Karaba d'imposer son règne de terreur au village), l'univers du film échappe au schématisme et aux stéréotypes : tous les « anciens » ne sont pas des « sages », Kirikou lui-même n'est pas exempt de défauts, et la méchanceté de Karaba trouve son origine non pas dans une essence maléfique, mais dans la souffrance due au mal infligé par d'autres[24]. Yves Schaëffner, dans Ciné-Bulles, voit dans la quête de Kirikou un combat entre la superstition, représentée par le marabout du village, et la raison, incarnée d'un côté par l'intelligence de Kirikou lui-même et de l'autre par le sage de la montagne, qu'il s'agit de rejoindre, tandis que les agents de Karaba font tout pour empêcher les villageois d'accéder au savoir[25].
 Les rapports de genre sont un autre thème important du film. La féminité est associé aux formes rondes (cases du village, calebasses, seins, ventre de la mère) tandis que le monde masculin est caractérisé par des objets longs et tranchants (poignard, bâtons, etc)[49].
 Les rapports entre hommes et femmes sont soulignées en particulier par la relation entre Kirikou et Karaba. La sorcière Karaba, qui a kidnappé tous les hommes du village et les a changés en fétiches serviles, est elle-même à l'origine une victime : elle a été agressée par un groupe d'hommes qui lui ont enfoncé dans le dos une épine qui la fait terriblement souffrir, et qui lui donne ses pouvoirs magiques. Selon Gilles Ciment, l'histoire de Karaba autorise une lecture allégorique : les adultes peuvent l'interpréter comme le récit du traumatisme d'un viol collectif[24]. Cette lecture a été développée en psychothérapie[50]. Couverte de honte, Karaba a sans doute été chassée de son village par les siens[51]. L'expérience traumatisante de Karaba la pousse à se retourner contre ceux qui l'ont agressée et tous les habitants. À rebours de la figure traditionnelle de la sorcière, mauvaise par nature, Karaba est devenue méchante à cause de la violence des hommes[52]. Les habitants l'accusent de tous les malheurs qui touchent le village et en font une responsable toute trouvée, n'allant pas plus loin que leurs superstitions ou leurs croyances[52]. L'illustratrice féministe Sabbah Blanche ajoute que Karaba, couverte de honte, a sans doute été chassée de son village par les habitants, la poussant à vouloir se venger. L'histoire racontée dans Kirikou est ainsi, en filigrane, l'échec d'une communauté à protéger une victime de viol[51].
 Pour Sabbah Blanche, Karaba porte un trauma qu'elle ne peut guérir seule, à l'instar de nombreuses victimes de violences sexuelles. Véronique Cormon ajoute que Karaba vit en état de dissociation avec son corps : « Elle ne montre qu’une seule face de son corps et reste immobile, comme si celui-ci n’avait pas d’épaisseur. Elle est dissociée de son corps, siège des émotions, qui représente pour elle la cause de sa souffrance »[53]. En réaction, elle brise également les corps en transformant les hommes en fétiches et en faisant mourir les plantes partout où elle passe. Pour autant, elle refuse de révéler son secret, car retirer l'épine lui ferait revivre le traumatisme qu'elle a subi[53]. Il faut que Kirikou crève l'abcès, de même qu'il a percé le monstre qui buvait toute l'eau de la source, pour dénouer la situation[53]. Le cri que pousse Karaba lorsque l'épine lui est enlevée représente, pour Cormon, le symbole de la parole libérée, qui n'est plus prisonnière du silence imposé par les agresseurs à leur victime sur ce qu'elle a subi[53].
 Kirikou accède à l'âge adulte, et donc à la virilité, en ôtant l'épine du dos de Karaba, c'est-à-dire en rachetant le mal fait par d'autres hommes avec leur virilité[24]. À des relations violentes entre les sexes, caractérisées par une conception autoritaire de la virilité, et qui ont connu ensuite avec Karaba l'excès inverse de la terreur imposée par une femme, succède ainsi une réconciliation qui ouvre sur des relations apaisées entre les sexes. En cherchant la raison de la méchanceté de Karaba, Kirikou s'inscrit dans une démarche de réparation plutôt que de vengeance[52]. Catherine Lanone voit dans la métamorphose de Kirikou une perspective féministe : contrairement aux contes classiques, ce n'est pas un prince charmant qui réveille une princesse endormie, mais une femme qui fait d'un enfant un homme à travers un baiser[53]. Ce message « prône la résilience et l’autonomie, mais aussi l’ouverture à l’autre »
 Plusieurs critiques voient aussi dans le film une dimension politique liée à la situation contemporaine des pays africains. Gilles Ciment voit dans le parcours de Kirikou « l'aventure compliquée de l'émancipation de l'Afrique, qui doit cesser de subir et prendre son destin en main »[24]. Selon Yves Schaëffner, Ocelot, par le biais de ce conte, professerait « son malaise devant une Afrique toujours prisonnière d'une élite qui utilise mal son pouvoir et qui maintient les gens dans l'ignorance »[25].
 Les lectures religieuses du film, ou la recherche d'inspirations religieuses dans l'intrigue, ont été fréquentes parmi les remarques et les questions que Michel Ocelot rapporte avoir reçues dans différentes régions du monde : Kirikou était rapproché par exemple du christianisme, du bouddhisme ou de l'islam ; Ocelot indique ne s'être inspiré d'aucune religion en particulier[TK 34].
 Aucun droit dérivé du film n'est exploité au moment de la sortie de Kirikou ; ce n'est qu'avec le succès inattendu du film que des produits dérivés sont conçus peu à peu[TK 35]. Michel Ocelot surveille de près l'exploitation commerciale de Kirikou, qu'il dit avoir acceptée « parfois avec amusement, parfois avec réticence », d'une part afin de disposer de budgets moins restreints pour ses films suivants, d'autre part parce que certains objets réalisés autour de Kirikou lui paraissaient intéressants en eux-mêmes[TK 36]. Ocelot est amené à déposer le nom « Kirikou » comme marque afin d'en contrôler l'utilisation[TK 36].
 La musique du film n'est pas commercialisée dans son intégralité[54]. Seul un CD single est édité chez EMI Virgin Music en décembre 1998 ; il contient la chanson principale du film, écrite, composée et réalisée par Youssou N'Dour et interprétée par Mendy Boubacar, ainsi que la version instrumentale de la chanson[54]. Ce single est édité au Japon chez Toshiba en juin 2003[54]. Les deux versions de la chanson sont rééditées en 2003 dans la compilation Youssou N'Dour et ses amis éditée par Warner Music[54]. En 2003 paraît au Japon un autre single, consacré celui-ci à la chanson « Hadaka no Kiriku », version japonaise de « Kirikou, l'enfant nu », dans sa version chantée (interprétée par Toaeko Ônuki) et dans sa version instrumentale[54].
 Un roman racontant le film, écrit par Michel Ocelot, paraît au Livre de poche, suivi d'un livre illustré racontant le film, édité par Milan en 2001[TK 35]. Au cours des années suivantes, plusieurs livres illustrés pour enfants développant des aventures originales de Kirikou (Kirikou et la hyène noire, Kirikou et le buffle aux cornes d’or, Kirikou et le fétiche égaré) paraissent chez le même éditeur. Le succès en librairie de ces ouvrages est à l'origine de la conception d'un projet de nouvelles aventures de Kirikou en DVD, qui aboutit finalement au long métrage Kirikou et les Bêtes sauvages[TK 37]. Un livre illustré de Michel Ocelot racontant la conception de Kirikou et la Sorcière, Tout sur Kirikou, paraît en 2003 aux éditions du Seuil.
 Un jeu vidéo adapté du film, Kirikou, est conçu par Étranges Libellules et édité par Wanadoo Éditions en novembre 2001. C'est un jeu d'action sur CD-Rom pour PC, jouable en environnement Windows 95 98, Windows Me et Windows XP. Destiné aux jeunes enfants, il reprend l'histoire du film à travers huit niveaux dans lesquels le joueur incarne Kirikou[55].
 Le DVD de Kirikou et la Sorcière, édité par France Télévisions Distribution, paraît fin septembre 1999 ; il contient simplement le film, sans complément[56]. Une nouvelle édition paraît chez le même éditeur en décembre 2002 et inclut cette fois quelques compléments (la bande-annonce, des notes de production, des filmographies, un documentaire et un making of)[57]. Une nouvelle édition du DVD simple paraît, toujours chez France Télévisions, en avril 2005, et comprend cette fois des notes de production, la chanson du film, un quiz et une séance de questions-réponses avec Michel Ocelot[58].
 Une première édition collector en deux DVD paraît en octobre 2003 ; elle comprend un karaoké, une interview de Michel Ocelot, une scène en plusieurs langues, une comparaison entre le storyboard animé et la scène terminée, ainsi que des pistes DVD-Rom (jeux, coloriages, fonds d'écran et économiseur d'écran)[59]. Le film est ensuite réédité en octobre 2008 dans un coffret « Intégrale Kirikou » comprenant aussi le second film Kirikou et les Bêtes sauvages, la comédie musicale Kirikou et Karaba, un documentaire Kirikou présente les animaux d'Afrique et un livret de coloriage avec crayons de couleurs[60].
 Le film fait une bonne carrière en DVD : en décembre 2005, 700 000 exemplaires du DVD ont été vendus[61].
 Le film est édité en Blu-ray par France Télévisions en août 2008. Les compléments sont équivalents à ceux de l'édition du DVD simple de 2005, auxquels s'ajoutent une présentation des personnages, un lexique et une séance de questions d'enfants à Michel Ocelot[62].
 Le succès de Kirikou et la Sorcière entraîne tant les distributeurs que les spectateurs à réclamer de nouvelles aventures de Kirikou, et en particulier une suite. Michel Ocelot, à l'origine, ne pensait pas réemployer le personnage, car le premier film amène l'aventure de Kirikou à la conclusion qu'il recherchait : une suite prolongeant cette conclusion serait selon lui une fausseté[TK 37]. Il finit cependant par accepter de réaliser non pas une suite, mais des « souvenirs » de Kirikou, qui se déroulent chronologiquement pendant les événements du premier film[TK 37]. Ce sont tout d'abord des livres pour la jeunesse, puis une nouvelle série d'aventures de Kirikou, qui prend finalement la forme d'un second long métrage : Ocelot le coréalise avec Bénédicte Galup en même temps qu'il travaille à un autre long métrage sans lien avec Kirikou, Azur et Asmar[63]. Le deuxième long métrage consacré à Kirikou, Kirikou et les Bêtes sauvages, sort en décembre 2005 et relate quatre courtes aventures de Kirikou pendant sa lutte contre Karaba.
 En juillet 2010, un troisième long métrage mettant en scène Kirikou est annoncé[64] ; sa sortie, d'abord prévue pour décembre 2012[65], a finalement lieu dès octobre 2012. Intitulé Kirikou et les Hommes et les Femmes, ce troisième long métrage regroupe cinq histoires reliées les unes aux autres et racontées une nouvelle fois par le grand-père de Kirikou, sur le même principe que Kirikou et les Bêtes sauvages[66]. Ces histoires mettent cette fois en avant les villageois dans leurs relations entre eux ou avec des étrangers.
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Michel Ocelot; Bénédicte Galup; Azur et Asmar; Kirikou et les Bêtes sauvages; Kirikou et les Hommes et les Femmes; Seuil; AnimeLand; ISBN; 978-2-84832-085-4; ISSN; DOI; Dargaud; ISBN; 978-2-205-20418-6; Didier Brunner; ISBN; 978-2-330-08663-3; Armand Colin; ISBN; 978-2-200-34630-0; 2-200-34630-1; Michel Ocelot; Éditions du Seuil; ISBN; 2-02-062827-9; 978-2020628273; Histoire de l'animation française; Conte; Art africain traditionnel; Notices d'autorité; v; Cristal du long métrage; Daliás idők; Quand souffle le vent; Alice; Robinson et compagnie; Porco Rosso; Pompoko; James et la Pêche géante; L'Impitoyable Lune de miel !; Les Mutants de l'espace; Mari Iyagi; McDull dans les nuages; Oseam; Nyócker !; Renaissance; Libérez Jimmy; Sita chante le blues; Mary et Max; Coraline; Fantastic Mr. Fox; Le Chat du rabbin; Le Voyage de monsieur Crulic; Rio 2096 : Une histoire d'amour et de furie; Le Garçon et le Monde; Avril et le Monde truqué; Ma vie de Courgette; Lou et l'Île aux sirènes; Funan; J'ai perdu mon corps; 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https://login.wikimedia.org/wiki/Special:CentralAutoLogin/start?type=1x1; /static/images/footer/wikimedia-button.svg; /w/resources/assets/poweredby_mediawiki.svg,https://en.wikipedia.org/wiki/Kirikou_and_the_Sorceress,Kirikou and the Sorceress,https://en.wikipedia.org/wiki/Kirikou_and_the_Sorceress,"Kirikou and the Sorceress (French: Kirikou et la Sorcière, [kiʁiku e la sɔʁsjɛʁ]) is a 1998 French-language animated adventure fantasy film written and directed by Michel Ocelot. Drawn from elements of West African folk tales,[4] it depicts how a newborn boy, Kirikou, saves his village from the evil witch Karaba. The film was originally released on 9 December 1998.[5] It is a co-production between companies in France (Exposure, France 3 Cinema, Les Armateurs, Monipoly, Odec Kid Cartoons), Belgium (Radio-Télévision belge) and Luxembourg (Studio O, Trans Europe Film) and animated at Rija Films' studio in Latvia and Studio Exist in Hungary.[1][5]
 It was so successful that it was followed by Kirikou et les bêtes sauvages, released in 2005, and adapted into a stage musical, Kirikou et Karaba, first performed in 2007.[6] Another follow-up, Kirikou et les hommes et les femmes, was released in late 2012.[7]
 In a little West African village, an unusual boy named Kirikou is born, who can speak before birth and walk immediately after birth. After Kirikou's mother tells him that an evil sorceress, Karaba, has dried up their spring and eaten all the men of the village except for one, he decides to accompany the last warrior, his uncle, to visit her and try to stop her.
 Kirikou manages to trick the sorceress and save his uncle by waiting inside his uncle's hat and pretending that it is magic. Additionally, he saves the village's children from being kidnapped both by the sorceress's boat and tree, and kills the monster who was drinking all the village's water, gaining trust and stature in the eyes of the previously skeptical villagers. With the help of his mother and various animals, Kirikou then evades Karaba's watchmen and travels into a forbidden mountain to ask his wise old grandfather about the sorceress.
 His grandfather tells him that she is evil because she suffers from a poisoned thorn in her back, which causes her great pain and also gives her great power. After learning this, Kirikou manages to take the sorceress's stolen gold, thus luring her outside to where he can trick her and extract the poisoned thorn. As a result, the sorceress is cured of her suffering, and she kisses Kirikou, who then becomes an adult.
 When Kirikou and Karaba arrive back at the village, no one believes that the sorceress is cured until a procession of drummers arrive with Kirikou's grandfather. The drummers turn out to be the sorceress's watchmen and henchmen restored to their original human forms, the missing men of the village, whom she hadn't eaten after all.
 The film is a co-production of Les Armateurs, Trans Europe Film, Studio O, France 3 cinéma, RTBF and Exposure in France, Odec Kid Cartoons in Belgium and Monipoly in Luxembourg.[1] It was animated at Rija Films' animation studio in Latvia and Studio Exist in Hungary, with backgrounds painted at Les Armateurs and Paul Thiltges' animation studio, Tiramisu, in Luxembourg, digital ink and paint and compositing by Les Armateurs and Odec Kid Cartoons in Belgium and voices and music recorded in Senegal.[8]
 The original French voice acting was performed by a cast of West African actors and schoolchildren and recorded in Dakar. The English dubbing, also directed by Ocelot, was made in South Africa.[3] A dub of the film in the Swahili language was produced in Tanzania in 2009 through the help of the Danish Film Institute (DFI) and John Riber of Media for Development in Dar es Salaam.[9]
 The film contains many instances of nudity that reflect the non-sexualized view of the human body in the West African culture depicted. This was controversial enough in the U.S. and the U.K. to prevent its release.[10][11][12] Eventually, the British Film Institute gave the film a few screenings in the U.K., and in the U.S. specialist distributor Artmattan released it to a small but appreciative African-American audience.[10][12]",643,Main page; Contents; Current events; About Wikipedia; Help; Learn to edit; Community portal; Upload file; ; learn more; Article; Talk; Read; Read; Upload file; Kirikou (video game); ; Michel Ocelot; Michel Ocelot; Didier Brunner; Maimouna N'Diaye; Awa Sène Sarr; Youssou N'Dour; France 3 Cinéma; Les Armateurs; Studio O; €; French; [kiʁiku e la sɔʁsjɛʁ]; animated; adventure; fantasy film; Michel Ocelot; West African; France; Belgium; Luxembourg; Latvia; Hungary; Kirikou et les bêtes sauvages; musical; Kirikou et les hommes et les femmes; West African; ; cite; sources; adding citations to reliable sources; removed; Learn how and when to remove this message; Awa Sene Sarr; Maimouna N'Diaye; William Nadylam; Moustafa Diop; Fezile Mpela; Ryūnosuke Kamiki; Atsuko Asano; Kaori Yamagata; Fábio Lucindo; France 3; RTBF; Belgium; Luxembourg; animation studio; Latvia; Hungary; backgrounds painted; digital ink and paint; Senegal; Dakar; South Africa; Swahili language; British Film Institute; African-American; Annecy International Animation Film Festival; Cinekid Festival; Kecskemét Animation Film Festival; Oulu International Children's Film Festival; 18th; Ale Kino! International Young Audience Film Festival; 18th; Ale Kino! International Young Audience Film Festival; 18th; Ale Kino! 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Azur et Asmar,https://fr.wikipedia.org/wiki/Azur_et_Asmar,"Pour les articles homonymes, voir Azur et Asmar.
 
 Pour plus de détails, voir Fiche technique et Distribution. modifier  Azur et Asmar est un long métrage d'animation français, belge, italien et espagnol de Michel Ocelot sorti en 2006. 
 Réalisé en images de synthèse, le film aborde les sujets des inégalités sociales, de l'affection entre frères, de la découverte des langues et cultures étrangères et de l'accession à l'âge adulte.
 Dans la France du XVe siècle, Jenane est une femme venue de l’autre côté de la Méditerranée. Veuve, elle habite dans une maison adossée au château d’un homme riche, noble et arrogant. Déjà mère d’un enfant nommé Asmar (أَسْمَر (’Asmar), « brun »), elle est engagée comme nourrice pour Azur, le noble enfant du riche maître des terres. Les deux enfants sont frères de lait et se connaissent depuis leurs naissances. Jenane met un point d’honneur à s’occuper des deux garçons de manière égale, en restreignant les jalousies. Mais vient le temps où le père d’Azur décide de séparer les deux enfants afin de donner à son fils une éducation de qualité due à son rang, dont Asmar ne pourra profiter. Malgré la nouvelle vie d’Azur dans le château de son père, Asmar participe en cachette aux leçons données à Azur et profite de leçons d’équitation, de dialectique et de danse. Après une rixe pour se disputer l’amour maternel de Jenane, le père d’Azur décide d’engager un précepteur et d’envoyer Azur étudier en ville, dans une autre région, très loin du château. Asmar et Jenane regardent partir le convoi impuissants, sans avoir eu le temps de présenter leurs adieux à Azur. À partir du départ d’Azur, le châtelain congédie Jenane et lui confisque le peu de biens qu'elle possède.
 Dix ans après le départ de Jenane du château, Azur, alors adulte, annonce à son père qu’il souhaite traverser les mers pour délivrer et épouser la Fée des Djinns, une créature enchanteresse prisonnière d'une cage de cristal et dont ses légendes ont bercé l'enfance du jeune homme à travers les contes de Jenane. Mais lors d’une tempête, il échoue sur des rives inconnues. Rétabli de sa nuit sur les rives de la Méditerranée, il marche vers la ville, les yeux clos pour échapper au regard dédaigneux des habitants craignant « La malédiction des Yeux Bleus ». Au hasard de ces marches aveugles, il rencontre Crapoux, un loqueteux parlant sa langue. Ce dernier propose alors à Azur son aide en devenant son guide et son interprète.
 En utilisant son odorat et son tâtonnement, Azur se trouve dans un mausolée en ruine dont il trouve la clef chaude, puis dans un autre mausolée il obtient la clef parfumée. Arrivé devant le palais de Jenane, dont il reconnaît la voix, il frappe à la porte, faisant scandale dans les petites rues adjacentes du souk, et supplie Jenane de le laisser entrer. Au début Jenane ne le reconnaît pas, mais lorsqu’il entonne la chanson arabe qu’elle lui avait apprise lorsqu’ils étaient en Europe, elle se met à pleurer et tombe dans ses bras. Jenane est devenue une marchande riche, qui accepte de l’aider pour conquérir la Fée des Djinns. Mais Asmar, à la rencontre d'Azur, n’a pas oublié qu’il fût chassé d’Europe par le père de ce dernier et, empli de rancœur envers lui, désire qu'il quitte le palais de sa mère. Mais Jenane décide de soutenir Azur et finance son expédition vers la Fée des Djinns. Azur franchit tous les obstacles et arrive à obtenir audience avec la princesse Chamsous-Sabah et le sage Yadoah, venu des mêmes contrées que lui. La princesse lui confie des artefacts pour éloigner les gardiens de la Fée des Djinns, tandis que le sage lui indique comment délivrer la Fée des Djinns.
 Voix originales
 Voix anglophones
 Azur et Asmar sort en France le 25 octobre 2006, distribué par la société Diaphana. Il remporte un succès public en réunissant plus d'1,5 million de spectateurs pendant son exploitation en salles en 2006[3]. Le film est régulièrement repris pendant plusieurs années et, selon l'European Audiovisual Observatory, il compte deux millions d'entrées en France en 2024[4].
 Le film a fait l'objet d'une adaptation en jeu vidéo, également intitulée Azur et Asmar.
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It was released in theaters in North America as just Azur & Asmar.
 It is Ocelot's fourth feature, though his first wholly original creation since Kirikou and the Sorceress, and his first use of 3D computer graphics, albeit an atypical employment of this medium with two-dimensional, painted backgrounds and non-photorealistic rendering. Like most of his films, it is an original fairy tale, in this case, inspired by the folklore (such as the One Thousand and One Nights) and decorative art of Maghreb, Algeria and especially Morocco [1] and with an increased degree of characterisation relative to his previous works which push it into the genre of fairytale fantasy.
 The original-language version of the film has significant amounts of dialogue in both French and Arabic; however, the Arabic was not subtitled in the original French theatrical release and is not intended to be subtitled nor replaced for any other audiences.[2]
 Once upon a time, there were two children nursed by Jénane: Azur, a blond, blue-eyed son of a nobleman, and Asmar, the tan-skinned and dark-eyed child of Jénane. The nurse tells them the story of the Djinn-fairy waiting to be freed from her prison by a good and heroic prince. Brought up together, the two boys are as close as brothers until the day Azur's father cruelly separates them, banishing his nurse and Asmar from his home and sending Azur away to receive schooling from a personal tutor. Years later, Azur is haunted by memories of the legendary Djinn-fairy and takes it upon himself to journey all the way to Asmar's homeland to seek her out and marry her. Now reunited, he finds that Jénane has since become a successful and rich merchant, while Asmar is now a member of the Royal Guard. However, Asmar and Azur's separation has damaged their bond and Asmar also longs to find and marry the Djinn-fairy. They must learn to work together and get along again, but only one of the two princes can be successful in his quest.[1]
 Ocelot describes the visual style of Azur & Asmar, as distinct from his earlier works, as being influenced by French art and Early Netherlandish painting of the 15th century (in particular, Jean Fouquet, the Limbourg brothers and Jan van Eyck), Persian miniatures and Islamic civilization from the Middle Ages until the 15th century and 16th century Safavid art.[4]
 Azur & Asmar premièred on 21 May 2006 as part of the Directors' Fortnight of the 2006 Cannes Film Festival[1] and was released to French theatres nationwide on 25 October 2006.[5]
 An English-subtitled version was shown at numerous film festivals including the Montreal Film Festival for Children and Sprockets Toronto International Film Festival for Children – in both cases winning the festival's audience award. At the World Festival of Animated Film Zagreb - Animafest Zagreb the film won the Grand Prix - Best Feature Film award in 2007.
 The film was subsequently dubbed into English and distributed in the United Kingdom and Ireland by Soda Pictures (now known as Thunderbird Releasing) under the expanded title Azur & Asmar: The Princes' Quest, receiving a limited release which began on 8 February 2008[1] and lasted several months, most likely due to the small number of dubbed prints made (as of 27 June 2008, it was still showing at one cinema in Cleethorpes).[6] It was rated U by the British Board of Film Classification for ""mild fantasy violence""[7]
 The film was licensed for distribution in the United States by the Weinstein Company on 13 February 2007, during the European Film Market at the Berlin International Film Festival.[8] However, as of September 2008 – over a year later – no plans to release the film in the United States had been announced. Similarly, Seville Pictures announced that they would distribute the film to both English and French speakers in Canada, but as September 2008 they have only released a DVD with only the original French dialogue and no English subtitles.[9] Some commentators had theorised that a United States release would be impossible due to Jénane's nipples being visible during a breastfeeding scene early in the film (Kirikou and the Sorceress went unrated to avoid the PG-13 or higher rating it would have received from the Motion Picture Association of America despite the similarly non-sexual nature of the nudity in that film)[10] and the director's refusal to allow his films to be distributed in a censored version; the Weinsteins' apparent dropping of the title seemed attributable to this.[11] However, in early September 2008 it was revealed to have been submitted to the MPAA by Genius Products (a home media distributor then co-owned the Weinstein Company) and received only a PG rating for ""thematic material, some mild action and peril,"" with no explicit reference made to the nudity.[12]
 The British-dubbed version had its American première at IFC Center in New York City on 17 October 2008, and was distributed in theatres by GKIDS in collaboration with the Weinstein Company and under the shorter title of just Azur & Asmar. It was originally planned to run for one week in New York, before touring to other cities. However, due to the success of the first week (all screenings were sold out)[13] its residency was extended for a second week of screenings. When these too sold out, a ""third and final"" week was announced.[14] Cities it had toured to included Chicago, Columbus, Tucson, Hartford, Seattle, and Washington, D.C.[13] The film screened at the San Joaquin Children's Film Festival, in Stockton, California from January 16 to 18, 2009.[15]
 In the United Kingdom and Ireland, Soda Pictures followed their theatrical release with a region 2 DVD-Video release on 28 July 2008. Unlike the theatrical release, this DVD includes the French- and Arabic-language versions with English subtitles for the French as well as the English dub.Azur and Asmar - The Princes Quest
 The Japanese region 2 DVD and region A Blu-ray Disc was released on 19 December 2007, the South Korean region 3 DVD released on 17 July 2008 and all regional Blu-ray Discs released on January 29, 2014 all include English subtitles.
 As of February 2019, the film is not available in high definition with English subtitles or the English dub on Blu-ray Disc, download or streaming in the United Kingdom, Ireland, or the United States. However, it can be seen with English subtitles with either of the Japanese or South Korean Blu-ray Disc releases.[2][3][4][16]
 A platform game was released for the PlayStation 2 and Microsoft Windows, and was developed by OUAT Entertainment and Wizarbox SARL, and published by EMME Interactive.
 Music is by Lebanese-born composer Gabriel Yared with the exception of one short song composed and performed by Afida Tahri; Souad Massi an Algerian singer of kabylian ethnicity contributes vocals and lyrics to the Yared-composed ending theme ""La Chanson d'Azur et Asmar"".[17] The score was nominated for the César Award for Best Music Written for a Film at the César Awards 2007.",1191,"Main page; Contents; Current events; About Wikipedia; Help; Learn to edit; Community portal; Upload file; ; learn more; Article; Talk; Read; Read; Upload file; ; Michel Ocelot; Hiam Abbass; Patrick Timsit; Gabriel Yared; Directors' Fortnight; €; French; fairytale fantasy; Michel Ocelot; Mac Guff Ligne; Kirikou and the Sorceress; 3D computer graphics; non-photorealistic rendering; One Thousand and One Nights; decorative art; Djinn; prince; Nigel Pilkington; Hiam Abbass; Patrick Timsit; Imogen Bailey; Emma Tate; Sofia Boutella; Sean Barrett; Keith Wickham; Early Netherlandish painting; Jean Fouquet; Limbourg brothers; Jan van Eyck; Persian miniatures; Islamic civilization; Safavid art; Directors' Fortnight; 2006 Cannes Film Festival; Animafest Zagreb; Thunderbird Releasing; Cleethorpes; British Board of Film Classification; the Weinstein Company; Berlin International Film Festival; Seville Pictures; Kirikou and the Sorceress; Motion Picture Association of America; Genius Products; distributor; IFC Center; GKIDS; Chicago; Columbus; Tucson; Hartford; Seattle; Washington, D.C.; region 2; DVD-Video; Japanese; Blu-ray Disc; South Korean; PlayStation 2; Microsoft Windows; OUAT Entertainment; Lebanese; Gabriel Yared; Souad Massi; Algerian; kabylian; César Award for Best Music Written for a Film; César Awards 2007; Variety; Reed Business Information; Cartoon Brew; The Hollywood Reporter; Nielsen Company; YesAsia.com; Gabriel Yared; Naïve; cite AV media notes; link; Wayback Machine; AllMovie; IMDb; Rotten Tomatoes; v; t; Michel Ocelot; Kirikou and the Sorceress; Princes and Princesses; Kirikou and the Wild Beasts; 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L'Histoire sans fin (film),https://fr.wikipedia.org/wiki/L%27Histoire_sans_fin_(film),"Pour les articles homonymes, voir L'Histoire sans fin.
 
 Barret OliverNoah HathawayTami Stronach
 Série L'Histoire sans fin L'Histoire sans fin 2 : Un nouveau chapitre(1991) 
 Pour plus de détails, voir Fiche technique et Distribution. modifier  L’Histoire sans fin (Die unendliche Geschichte / The NeverEnding Story) est un film germano-américain réalisé par Wolfgang Petersen et sorti en 1984. Il s'agit de l'adaptation de la première moitié du roman L'Histoire sans fin de Michael Ende.
 Il connaît deux suites : L'Histoire sans fin 2 : Un nouveau chapitre de George Trumbull Miller (1990) et L'Histoire sans fin 3 : Retour à Fantasia de Peter MacDonald (1995).
 Bastien, un garçon d'une dizaine d'années, de nature introvertie et solitaire, a du mal à communiquer avec son père depuis la mort de sa mère. Un matin, avant de partir à l'école, son père lui demande d'arrêter d'être dans la lune, et d'avoir les pieds sur terre.
 Sur le chemin de l'école, il se fait poursuivre par trois garçons qui tentent de le racketter, puis le mettent dans une poubelle. En les fuyant, il trouve refuge dans une librairie. Le libraire lui tient des propos énigmatiques sur un livre intitulé L'Histoire sans fin, après que Bastien lui a confié son goût pour la lecture. Arrivé en retard à l'école et découvrant sa classe en plein contrôle de mathématiques, Bastien décide de se cacher dans le grenier de l'établissement et entame la lecture du livre.
 Celui-ci narre une histoire se déroulant dans le monde fantastique de Fantasia. Le Néant est apparu récemment et fait disparaître des morceaux de ce monde. Les habitants font appel à Atreyu, un guerrier qui a les traits d'un enfant et une allure d'Autochtone d'Amérique. Sa mission est de trouver un remède pour l'impératrice malade, ce qui permettra de sauver ce monde. Ailleurs sur Fantasia, Gmork, une créature de l'ombre qui ressemble à un énorme loup, se met sur sa piste.
 Atreyu parcourt Fantasia sans trouver de remède, et décide d'aller voir Morla la Vénérable, une tortue géante. Sur le chemin qui mène à Morla, Atreyu voit Artax son cheval mourir, emporté par les marécages de la mélancolie. Morla l'oriente vers l'Oracle sudérien, qui se trouve à des milliers de kilomètres. Il continue la route à pied à travers ces marécages, et finit par se retrouver immobilisé par sa vase. Juste avant d'être totalement englouti, le dragon porte-bonheur Falkor vient le sauver. Ayant perdu connaissance, Atreyu se réveille plusieurs jours plus tard. Falkor l'a mené à proximité de l'Oracle, chez Urgl et Engywook, une médecin et un scientifique. Engywook lui montre où se trouve l'Oracle sudérien, sujet de ses recherches. Atreyu doit franchir les épreuves pour se présenter à l'Oracle, et lui demande quel est le remède pour l'impératrice. L'Oracle lui répond qu'il faut qu'un enfant humain donne un nouveau nom à l'impératrice, ce qui rend Atreyu perplexe. L'Oracle lui dit qu'il faut chercher l'enfant au-delà des limites de Fantasia, et se désagrège peu après, victime du Néant.
 Chevauchant Falkor, il tente de se rendre aux confins de Fantasia. Il rencontre enfin Gmork qui lui apprend que Fantasia est le monde où s'épanouit la fantaisie de l'homme, et qu'il est en train d'être détruit parce que les gens ont commencé à perdre espoir et ont oublié leurs rêves. Il lui explique également que Fantasia, par définition, n'a pas de limites... Il lui révèle enfin qu'il est le serviteur du pouvoir derrière le Néant et qu'il est chargé de le tuer, pour éviter qu'il ne sauve Fantasia. Le but du Néant est de faire perdre l'espoir aux gens, afin de faciliter leur soumission. Atreyu révélant alors son identité, Gmork attaque Atreyu, qui se défend en plantant une pierre en forme de lame dans la créature.
 Fantasia se fragmente, et des parcelles de terre flottent dans l'espace. Atreyu retrouve la tour de l'impératrice, qu'il informe de son échec. L'impératrice lui révèle alors qu'elle savait déjà comment allait se finir sa quête et que le but était de rentrer en contact avec l'enfant humain, à travers L'Histoire sans fin. Elle dévoile par la même occasion, par mise en abîme, que Bastien aussi fait partie d'une histoire, ayant lui aussi des spectateurs. Elle s'adresse alors directement à Bastien, lui demandant de lui donner son nom qu'il est seul à connaitre. Bastien, repensant à sa discussion avec son père du matin, refuse d'abord, mais finit par prononcer le nom qu'il a choisi[N 1].
 Il se retrouve alors aux côtés de l'impératrice, qui lui présente un grain de sable, l'unique reste de Fantasia. Elle lui indique que Fantasia peut renaître selon ses vœux. Bastien recrée alors Fantasia, vœu après vœu ; il en profite également pour se venger des trois garçons.
 Le film est tourné en anglais et ses scènes sont principalement tournées aux studios de Bavaria Film de Grünwald dans la banlieue de Munich, mais aussi à Vancouver au Canada et en Espagne. Tourné en majeure partie en Allemagne durant l'été de l'année 1983, le plus chaud dans le pays depuis 25 ans, la production du film connait des complications. L'une des statues de la Tour d'Ivoire fond notamment sous l'effet de la chaleur, et les arrières-plans bleus sont plusieurs fois impossibles à utiliser[2].
 L'acteur Noah Hathaway qui incarne Atreyu joue de malchance durant la production du film. Il est légèrement piétiné par son destrier lorsqu'il apprend à monter à cheval. Lors du tournage de la séquence de la noyade d'Artax dans le marécage de la mélancolie, la jambe de l'acteur est prise dans un ascenseur, il est attiré dans l'eau et demeure inconscient jusqu'à ce qu'il soit ramené à la surface. Enfin il manque de perdre un œil lors du combat contre Gmork lorsque l'une des griffes de la bête heurte son visage accidentellement[réf. nécessaire].
 Dans le livre, le personnage d'Atreyu a la peau verte, mais les essais de maquillage s'avérant peu concluants, le personnage est alors présenté comme un garçon ordinaire dans le film[réf. nécessaire].
 Une créature motorisée de 13 mètres de long est fabriquée pour illustrer le dragon Falkor à l'écran. Elle est recouverte de 6 000 écailles en plastique et de fourrure rose[réf. nécessaire].
 Michael Ende, l'auteur du roman, n'apprécie pas le film, qui, selon lui, n'est pas fidèle au livre[3]. Il refuse que son nom apparaisse au générique de début, mais il est tout de même mentionné dans le générique de fin.
 À sa sortie, le film est le plus cher jamais produit en Allemagne, avoisinant 60 millions de marks.
 La bande originale du film est composée par Klaus Doldinger. La chanson The NeverEnding Story est composée par Giorgio Moroder et chantée par Limahl, ex-membre du groupe Kajagoogoo, et Ann Calvert[4]. La chanson deviendra un classique des années 1980. Elle a été remixée et reprise dans de nombreuses compilations[5]ce qui en fait le film le plus cher jamais produit dans l'Europe[6].
 Un album allemand est également édité.
 Le film connait un succès mitigé en Amérique du Nord, rapportant environ 20 158 000 $ au box-office dans cette partie du monde pour un budget de 27 millions de dollars[7]. En France, il réalise 739 766 entrées[1]. Il rentre cependant largement dans ses dépenses avec près de 100 000 000 $ au box-office mondial.
 Il reçoit un accueil critique favorable, recueillant 81 % de critiques positives, avec une note moyenne de 6,8/10 et sur la base de 31 critiques collectées, sur le site agrégateur de critiques Rotten Tomatoes[8].
 Noah Hathaway remporte le Saturn Award du meilleur jeune acteur. Le film est nommé pour le Saturn Award du meilleur film fantastique et le Saturn Award de la meilleure musique[9].
 Deux suites ont été réalisées :
 Une série télévisée d'animation, intitulée L'Histoire sans fin, a été réalisée par Mike Fallows en 1996. Elle compte vingt-six épisodes.
 L'Histoire sans fin est devenu un film culte[10]. La popularité de la chanson The NeverEnding Story est par ailleurs relancée par sa présence dans l'épisode final de la saison 3 de la série Stranger Things, dont l’intrigue se situe en 1985, deux protagonistes (Dustin et Suzy) interprètent la chanson[11].
 Une exposition consacrée au film s'est déroulée à la Bavaria Filmstadt, à Munich en Allemagne, à l'été 2022[12].",1355,Accueil; Portails thématiques; Article au hasard; Contact; Débuter sur Wikipédia; Aide; Communauté; Modifications récentes; ; Rechercher; en savoir plus; Contributions; Discussion; Article; Discussion; Lire; Lire; Pages liées; Suivi des pages liées; Téléverser un fichier; Pages spéciales; ; L'Histoire sans fin; Wolfgang Petersen; Wolfgang Petersen; Klaus Doldinger; Giorgio Moroder; Barret Oliver; Noah Hathaway; Tami Stronach; Constantin Film; ; Allemagne de l'Ouest; ; États-Unis; fantasy; 1984; L'Histoire sans fin; L'Histoire sans fin 2 : Un nouveau chapitre; ; film; germano; américain; Wolfgang Petersen; 1984; adaptation; L'Histoire sans fin; Michael Ende; L'Histoire sans fin 2 : Un nouveau chapitre; George Trumbull Miller; 1990; L'Histoire sans fin 3 : Retour à Fantasia; Peter MacDonald; 1995; ; sphinx; Bastien; Autochtone d'Amérique; mise en abîme; Wolfgang Petersen; Wolfgang Petersen; L'Histoire sans fin; Michael Ende; Klaus Doldinger; Giorgio Moroder; Rolf Zehetbauer; Jost Vacano; Jane Seitz; Brian Johnson; Bernd Eichinger; Constantin Film; Bavaria Film; Westdeutscher Rundfunk; Constantin Film; Warner Bros.; ; Allemagne de l'Ouest; ; États-Unis; anglais; fantasy; aventures; 6; avril; 1984; 20; juillet; 1984; 21; novembre; 1984; Barret Oliver; Guillaume Boisseau; Bastien; Gerald McRaney; Jean Roche; Thomas Hill; Jacques Dynam; Deep Roy; Marc François; Tilo Prückner; Roger Crouzet; Moses Gunn; Robert Liensol; Noah Hathaway; Damien Boisseau; Sydney Bromley; Maurice Chevit; Patricia Hayes; Monique Mélinand; Tami Stronach; Barbara Tissier; Alan Oppenheimer; Roland Ménard; golem; Alan Oppenheimer; Georges Atlas; Gmork; Alan Oppenheimer; Marc De Georgi; Raymond Gérôme; Falkor; Alan Oppenheimer; Georges Aminel; Bavaria Film; Grünwald; Munich; Vancouver; Canada; Espagne; Noah Hathaway; Gmork; [réf. nécessaire]; [réf. nécessaire]; Falkor; [réf. nécessaire]; Michael Ende; Allemagne; marks; Klaus Doldinger; The NeverEnding Story; Giorgio Moroder; Limahl; Kajagoogoo; années 1980; Europe; The NeverEnding Story; Amérique du Nord; box-office; France; box-office; ; Votre aide; Comment faire ?; Rotten Tomatoes; Noah Hathaway; Saturn Award du meilleur jeune acteur; Saturn Award du meilleur film fantastique; Saturn Award de la meilleure musique; L'Histoire sans fin (série de films); L'Histoire sans fin 2 : Un nouveau chapitre; 1990; George Trumbull Miller; Jonathan Brandis; L'Histoire sans fin 3 : Retour à Fantasia; 1995; Peter MacDonald; Jason James Richter; L'Histoire sans fin; Mike Fallows; 1996; ; Votre aide; Comment faire ?; film culte; The NeverEnding Story; Stranger Things; 1985; Munich; Allociné; Box Office Mojo; Rotten Tomatoes; France Inter; Notices d'autorité; v; L'Histoire sans fin; Michael Ende; Films; L'Histoire sans fin 2 : Un nouveau chapitre; L'Histoire sans fin 3 : Retour à Fantasia; L'Histoire sans fin; L'Histoire sans fin; Bastien Balthazar Bux; Fuchur; Gmork; The NeverEnding Story; v; Wolfgang Petersen; Einer von uns beiden; L'Amour fou; La Conséquence; L'Échiquier de la passion; Le Bateau; Enemy; Troubles; Dans la ligne de mire; Alerte !; Air Force One; En pleine tempête; Troie; Poséidon; Braquage à l'allemande; ; Portail du cinéma allemand; ; Portail du cinéma américain; ; Portail de la fantasy et du fantastique; ; Portail des années 1980; Catégories; L'Histoire sans fin; Film réalisé par Wolfgang Petersen; Film allemand sorti en 1984; Film américain sorti en 1984; Film de fantasy allemand; Film de fantasy américain; Film avec une musique composée par Klaus Doldinger; Film avec une musique composée par Giorgio Moroder; Adaptation d'un roman allemand au cinéma; Film se déroulant dans un pays fictif; Film inspiré de l'univers des contes et légendes; Film distribué par Warner Bros. 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The first English translation, by Ralph Manheim, was published in 1983. It was later adapted into a film series.
 The book centres on a boy, Bastian Balthazar Bux, an overweight and imaginative child who is neglected by his father after the death of Bastian's mother. While escaping from some bullies, Bastian bursts into the antiquarian book store of Carl Conrad Coreander, where he finds his interest held by a book called The Neverending Story. Unable to resist, he steals the book and hides in his school's attic, where he begins to read.
 The story Bastian reads is set in the magical land of Fantastica, a place of wonder ruled by the benevolent and mysterious Childlike Empress. A great delegation has come to the Empress to seek her help against a formless entity called ""The Nothing"". The delegates are shocked when the Empress's physician, a centaur named Cairon, informs them that the Empress is ill, and has chosen a boy warrior named Atreyu to find a cure. Upon finding Atreyu, Cairon gives him AURYN: a powerful amulet that protects him from all harm. At the advice of the giant turtle Morla the Aged One, Atreyu sets off in search of an invisible oracle known as Uyulala, who may know the Empress's cure. In reaching her, he is aided by a luckdragon named Falkor, whom he rescues from the shapeshifting creature Ygramul the Many. By Uyulala, he is told the only thing that can save the Empress is a new name given to her by a human, who can only be found beyond Fantastica's borders.
 Through reading the story, Bastian becomes increasingly disturbed by hints that the characters are somehow aware that he is reading their adventures, being able to hear or even see him at points. As Falkor and Atreyu search for the borders of Fantastica, Atreyu is flung from Falkor's back in a confrontation with the four Wind Giants and loses AURYN in the sea. Atreyu lands in the ruins of Spook City, the home of various creatures of darkness. Wandering the dangerous city, Atreyu finds the werewolf Gmork, chained and near death, who tells him that all the residents of the city have leapt voluntarily into The Nothing. There, thanks to the irresistible pull of the destructive phenomenon, the Fantasticans are becoming lies in the human world. The wolf also reveals that he is a servant of the force behind The Nothing and was sent to prevent the Empress's chosen hero from saving her. Gmork then reveals that when the princess of the city discovered his treachery against the Empress, she imprisoned him and left him to starve to death. When Atreyu announces that he is the hero Gmork has sought, the wolf laughs and succumbs to death. When approached, Gmork's body instinctively seizes Atreyu's leg in his jaws, preventing him from escaping The Nothing. Meanwhile, Falkor retrieves AURYN from the sea and arrives in time to save Atreyu from the rapid approach of The Nothing.
 Falkor and Atreyu go to the Childlike Empress, who assures them they have brought her rescuer to her; Bastian suspects that the Empress means him, but cannot bring himself to believe it. When Bastian refuses to speak the new name, to prompt him into fulfilling his role as savior, the Empress herself locates the Old Man of Wandering Mountain, who possesses a book also entitled The Neverending Story, which the Empress demands he read aloud. As he begins, Bastian is amazed to find the book he is reading is repeating itself, beginning once again whenever the Empress reaches the Old Man — only this time, the story begins with Bastian's meeting with Coreander, his theft of the book, and all his actions in the attic. Realizing that the story will repeat itself forever without his intervention, Bastian names the Empress ""Moon Child"", and appears with her in Fantastica, where he restores its existence through his own imagination. The Empress has also given him AURYN, on the back of which he finds the inscription ""Do What You Wish"".
 For each wish, Bastian loses a memory of his life as a human. Unaware of this at first, Bastian goes through Fantastica, having adventures and telling stories, while losing his memories. In spite of the warnings of Atreyu and Bastian's other friends, Bastian uses AURYN to create creatures and dangers for himself to conquer, which causes some negative side effects for the rest of Fantastica, such as the rampage of the dragon ""Smerg"" and the birth of the Shlamoofs, winged insane clown creatures. After being abetted by the wicked sorceress Xayide, and with the mysterious absence of the Childlike Empress, Bastian decides to take over Fantastica as emperor. During his coronation ceremony he is stopped by Atreyu, whom Bastian grievously wounds in a battle so fierce it results in the destruction of the Ivory Tower. Bastian then enters ""The City of Old Emperors"", inhabited by human beings who came to Fantastica earlier but could not find their way out, eking out a meaningless existence there. Ultimately, a repentant Bastian is reduced to two memories: that of his father, and of his own name. After more adventures, Bastian must give up the memory of his father to discover that his strongest wish is to be capable of love and to give love to others.
 After much searching, and having lost his final pre-Fantastican memory (his name and knowledge of himself), Bastian is unable to find the Water of Life with which to leave Fantastica with his memories. After an attack by the Shlamoofs he is rescued by Atreyu. Of his own volition, Bastian lays down AURYN at his friend's feet, and Atreyu and Falkor enter AURYN with him, where the Water of Life demands to know Bastian's name, and if Bastian has finished all the stories he began in his journey, which he has not. Only after Atreyu gives Bastian's name and promises to complete all the stories for him does the Water of Life allow Bastian to return to the human world, along with some of the mystical waters. After drinking the Water of Life, Bastian returns to his original form, and feels comfortable and happy with it. He returns to his father, where he tells the full tale of his adventures, and thus his father is restored from his grief. Afterward, Bastian confesses to Coreander about stealing his book and losing it, but Coreander denies ever owning such a book. He reveals he has also been to Fantastica, that the book has likely moved into the hands of someone else and that Bastian—like he did—will eventually show people the many ways to Fantastica.
 The Neverending Story was first published under the title Die unendliche Geschichte in 1979 by West German publisher Thienemann Verlag. It was number one on West Germany's highly respected Der Spiegel bestseller list for 113 weeks, and remained on the list for 332 weeks.[2] The original edition was printed using red and green text: red writing to represent the story lines which take place in the human world, and green writing to represent the events taking place in Fantastica. The illustrations by Roswitha Quadflieg that begin each chapter are drawn in both colors to illustrate how the two worlds intertwine.[3] It was initially only printed as a hardcover, not paperback, because Ende wanted the book to look as much as possible like the book that Bastian steals from Mr. Coreander in the story.[4]
 The English version, translated by Ralph Manheim, was published simultaneously in the United Kingdom and United States in 1983.[4] Several other English-language editions have since been published, with a variety of covers and lettering styles.[5] As of 2010, The Neverending Story has been translated into 36 languages, and sold more than eight million copies worldwide.[2]
 In 1998 Der Niemandsgarten (English: The No Man's Garden) was published. This anthology of Michael Ende's unpublished works includes insight on the creation of The Neverending Story and has been translated into Japanese but not English.[6] Also unavailable in English is Aber das ist eine andere Geschichte – Das große Michael Ende Lesebuch (English: But that is Another Story: The Big Michael Ende Reader), which contains the previously unpublished chapter ""Bastian erlernt die Zauberkunst"" (English: ""Bastian learns the art of magic"").[7]
 A survey conducted by German filmmaker Ulli Pfau found that The Neverending Story appeals particularly to readers aged 18–35. It remains most successful in Germany and Japan, while the 1984 film tends to be better-known among English-speaking audiences.[4]
 Early reviews of the English-language edition included positive reviews in Library Journal and Kirkus Reviews, the latter calling The Neverending Story an ""appealing, delicately wrought, engrossing adventure—for children of all ages"".[8][9] A less positive review in gaming magazine White Dwarf took issue with the appearance of the physical book, writing that ""despite plush production the artwork is grotty, while the promised 'shimmering copper-coloured silk' binding looks like plain red cloth to me. A good buy, though, unless you suffer from red/green colour blindness"".[10]
 In subsequent years the text of The Neverending Story has been analyzed from several different viewpoints. In The Rhetoric of Character in Children's Literature, literary critic Maria Nikolajeva states that ""the two parts of the novel repeat each other"" in that Bastian becomes a hero but then in the second half he ""acts not even as an antihero but as a false hero of the fairy tale"" and the characters of Bastian and Atreyu can also be seen as mirror halves.[11] Helmut Gronemann's Fantastica—the Realm of the Unconscious explores the novel from a Jungian point of view, identifying archetypes and symbols in the story.[4] Additionally, some religious groups have analyzed the text for occult messages and imagery.[4]
 The NeverEnding Story was the first film adaptation of the novel. It was released in 1984, directed by Wolfgang Petersen and starring Barret Oliver as Bastian, Noah Hathaway as Atreyu, and Tami Stronach as the Childlike Empress. It covers only the first half of the book, ending at the point where Bastian enters Fantastica (renamed ""Fantasia"" in the film), and features characters who look markedly different from how they are described in the book (most notably Bastian, who is very self-conscious about his weight in the book, but is depicted as slender in the film).[14] Ende, who was reportedly ""revolted"" by the film,[1] requested they halt production or change the film's name, as he felt it had ultimately and drastically deviated from his novel; when they did neither, he sued them and subsequently lost the case.[15]
 The NeverEnding Story II: The Next Chapter, directed by George T. Miller and starring Jonathan Brandis and Kenny Morrison, was released in 1990. It used plot elements primarily from the second half of Ende's novel, but told a new tale. Ende has dismissed both the 1984 film and its 1990 sequel as ""gigantic melodrama made of kitsch and commerce, plush and plastic"".[16]
 The NeverEnding Story III, directed by Peter MacDonald and starring Jason James Richter, Melody Kay and Jack Black, was released in 1994 in Germany. This film was primarily based only upon the characters from Ende's book but had an original story. The film was lambasted by film critics for its poor and laughable dialogue and special effects and was a box-office bomb. In addition, the US release went straight to video and received a limited theatrical run in 1996.[17]
 In March 2024, Michael Ende Productions, in association with See-Saw Films, announced plans for a series of films based on the book.[18]
 From 2003 to 2004, the German publishing house AVAinternational published six novels of different authors in a series called Legends of Fantastica, each using parts of the original plot and characters to compose an entirely new storyline:
 The world première of the stage production took place in 2012 in Brisbane, Australia, by the Harvest Rain Theatre Company.[19][20]
 In Germany, The Neverending Story has been variously adapted to a stage play, ballet and opera,[21] which premiered both at Trier and at Weimar Nationaltheater on 10 April 2004, and was subsequently staged at Linz Landestheater on 11 December. The scores to both the opera and the ballet versions were composed by Siegfried Matthus. The opera libretto was by Anton Perry.
 In Canada, the novel was adapted to stage for the Stratford Festival for the 2019 season adapted by David S. Craig with original music by Hawksley Workman.[22]
 The 1995 animated series was produced by Canadian animation studio Nelvana, under the title of The Neverending Story: The Animated Adventures of Bastian Balthazar Bux. The animated series ran for two years, and had a total of twenty-six episodes. Director duties were split between Marc Boreal and Mike Fallows. Each episode focused on Bastian's further adventures in Fantastica, largely different from his further adventures in the book, but occasionally containing elements of them.
 Tales from the Neverending Story, a one-season-only TV series that is loosely based on Ende's novel, was produced in Montreal, Quebec, Canada, through December 2000 to August 2002 and distributed by Muse Entertainment, airing on HBO in 2002. It was aired as four two-hour television movies in the US and as a TV series of 13 one-hour episodes in the United Kingdom. The series was released on DVD in 2001.
 On 1 September 2016, a Google Doodle created by Google artist Sophie Diao commemorated the first publication of the work, on the 37th anniversary.[23]
 Ocean Software released a text adventure in 1985 for the ZX Spectrum, Amstrad CPC, Commodore 64, and Atari 8-bit computers.[24]
 A video game based on the second film was released in 1990 by Merimpex Ltd under their Linel label and re-released by System 4 for the ZX Spectrum and Commodore 64.[25]
 The Ende-inspired video game AURYN Quest was released in 2002.[26]",2306,"Main page; Contents; Current events; About Wikipedia; Help; Learn to edit; Community portal; Upload file; ; learn more; Article; Talk; Read; Read; Upload file; The Neverending Story (disambiguation); ; Michael Ende; Ralph Manheim; Fantasy; ISBN; OCLC; LC Class; German; fantasy novel; Michael Ende; Ralph Manheim; a film series; Bastian Balthazar Bux; Carl Conrad Coreander; Childlike Empress; centaur; Atreyu; oracle; Falkor; Ygramul the Many; Gmork; Der Spiegel; hardcover; paperback; Ralph Manheim; film; Library Journal; Kirkus Reviews; White Dwarf; Maria Nikolajeva; Jungian; Listener; indie rock; Vetusta Morla; Auryn; metalcore; Atreyu; Bayside; self titled album; Homeboy Sandman; Limahl; the film; audioplay; Frank Duval; The NeverEnding Story (film series); The NeverEnding Story; Wolfgang Petersen; Barret Oliver; Noah Hathaway; Tami Stronach; The NeverEnding Story II: The Next Chapter; George T. Miller; Jonathan Brandis; Kenny Morrison; The NeverEnding Story III; Peter MacDonald; Jason James Richter; Melody Kay; Jack Black; box-office bomb; straight to video; See-Saw Films; Isau, Ralf; Freund, Peter; Brisbane; Australia; Harvest Rain Theatre Company; Siegfried Matthus; Stratford Festival; Hawksley Workman; 1995 animated series; Tales from the Neverending Story; Google Doodle; Ocean Software; text adventure; ZX Spectrum; Amstrad CPC; Commodore 64; Atari 8-bit computers; AURYN Quest; The Daily Telegraph; ISBN; ISBN; ISSN; Langford, Dave; White Dwarf; Games Workshop; ISBN; Variety; MobyGames; The Encyclopedia of Fantasy; Internet Speculative Fiction Database; IMDb; Wikidata; v; t; Michael Ende; Film series; The NeverEnding Story; The NeverEnding Story II: The Next Chapter; The NeverEnding Story III; Animated series; Tales from the Neverending Story; Characters; ""The NeverEnding Story"" (song); The Real Neverending Story Part 1: Auryn Quest; Auryn; Category; v; Michael Ende; Jim Button and Luke the Engine Driver; Momo; The Night of Wishes; Mirror in the Mirror; Der Goggolori; Authority control databases; Categories; The Neverending Story; 1979 children's books; 1979 fantasy novels; 1979 German novels; Anthroposophy; Novels about dragons; Children's fantasy novels; Fiction about giants; German children's novels; German fantasy novels; German novels adapted into films; German-language novels; High fantasy novels; Metafictional novels; Novels by Michael Ende; Children's books about witches; Children's books about dragons; CS1 German-language sources (de); Articles with short description; Short description is different from Wikidata; Use dmy dates from September 2020; Articles containing German-language text; Creative Commons Attribution-ShareAlike 4.0 License; About Wikipedia; Disclaimers",Categories; The Neverending Story; 1979 children's books; 1979 fantasy novels; 1979 German novels; Anthroposophy; Novels about dragons; Children's fantasy novels; Fiction about giants; German children's novels; German fantasy novels; German novels adapted into films; German-language novels; High fantasy novels; Metafictional novels; Novels by Michael Ende; Children's books about witches; Children's books about dragons,/static/images/icons/wikipedia.png; /static/images/mobile/copyright/wikipedia-wordmark-en.svg; /static/images/mobile/copyright/wikipedia-tagline-en.svg; //upload.wikimedia.org/wikipedia/en/thumb/b/b7/Die_unendliche_Geschichte.jpg/200px-Die_unendliche_Geschichte.jpg; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/f/fa/Wikiquote-logo.svg/34px-Wikiquote-logo.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/en/thumb/9/96/Symbol_category_class.svg/16px-Symbol_category_class.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/en/thumb/8/8a/OOjs_UI_icon_edit-ltr-progressive.svg/10px-OOjs_UI_icon_edit-ltr-progressive.svg.png; https://login.wikimedia.org/wiki/Special:CentralAutoLogin/start?type=1x1; /static/images/footer/wikimedia-button.svg; /w/resources/assets/poweredby_mediawiki.svg
La Fabuleuse Gilly Hopkins,https://fr.wikipedia.org/wiki/La_Fabuleuse_Gilly_Hopkins,"Cet article est une ébauche concernant un film américain.
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 Sophie NélisseKathy BatesGlenn Close
 
 Pour plus de détails, voir Fiche technique et Distribution. modifier  La Fabuleuse Gilly Hopkins est une comédie dramatique américaine réalisée par Stephen Herek et sortie en 2015. Il s'agit de l'adaptation du roman éponyme de Katherine Paterson.
 Depuis qu’elle a été abandonnée bébé par sa mère, Gilly Hopkins, une jeune fille de 12 ans au caractère irascible, a épuisé une à une toutes ses familles d’accueil. Assistants sociaux, enseignants, camarades de classe, familles d’accueil : Gilly n’a besoin de personne et elle le fait bien savoir. Mais sa rencontre et son recueil par Maime Trotter, une femme chaleureuse et bienveillante, va tout changer pour elle…",131,"Accueil; Portails thématiques; Article au hasard; Contact; Débuter sur Wikipédia; Aide; Communauté; Modifications récentes; ; Rechercher; en savoir plus; Contributions; Discussion; Article; Discussion; Lire; Lire; Pages liées; Suivi des pages liées; Téléverser un fichier; Pages spéciales; ; ; ébauche; film; comment ?; conventions filmographiques; Stephen Herek; Katherine Paterson; Sophie Nélisse; Kathy Bates; Glenn Close; ; États-Unis; Comédie dramatique; 2015; ; comédie dramatique; américaine; Stephen Herek; 2015; Katherine Paterson; Stephen Herek; Katherine Paterson; Mark Isham; Brian Kennedy; John Paterson; David Paterson; Matthew Myers; États-Unis; Comédie dramatique; ; Allemagne; 6; octobre; 2015; ; États-Unis; 19; février; 2016; ; France; 24; février; 2016; Sophie Nélisse; Kathy Bates; Sylvie Genty; Glenn Close; Evelyne Séléna; Bill Cobbs; Olivier Hémon; Octavia Spencer; Julia Stiles; Clare Foley; Billy Magnussen; v; Stephen Herek; Critters; L'Excellente Aventure de Bill et Ted; Panique chez les Crandell; Les Petits Champions; Les Trois Mousquetaires; Professeur Holland; Les 101 dalmatiens; Mister G.; Rock Star; 7 jours et une vie; Garde rapprochée; Picture This; Dead Like Me : Life After Death; Bleu d'enfer 2 : Le Récif; Duo de glace, duo de feu; Le Chaperon; Un after mortel; ; Portail du cinéma américain; ; Portail des années 2010; Catégories; Film américain sorti en 2015; Comédie américaine; Adaptation d'un roman américain au cinéma; Film réalisé par Stephen Herek; Wikipédia:ébauche film américain; Article utilisant une Infobox; Page utilisant P1562; Page utilisant P1265; Page utilisant P2755; Page utilisant P345; Page utilisant P4282; Page utilisant P3138; Page utilisant P1258; Page utilisant P4947; Page pointant vers des bases externes; Page pointant vers des bases relatives à l'audiovisuel; Page utilisant P1712; Page pointant vers des bases relatives à plusieurs domaines; Article contenant un appel à traduction en anglais; Portail:Cinéma américain/Articles liés; Portail:Cinéma/Articles liés; Portail:États-Unis/Articles liés; Portail:Amérique/Articles liés; Portail:Culture américaine/Articles liés; Portail:Amérique du Nord/Articles liés; Portail:Années 2010/Articles liés; Portail:XXIe siècle/Articles liés; Portail:Époque contemporaine/Articles liés; Droit d'auteur; crédits graphiques; comment citer les auteurs et mentionner la licence; 501(c)(3); À propos de Wikipédia; Avertissements",Catégories; Film américain sorti en 2015; Comédie américaine; Adaptation d'un roman américain au cinéma; Film réalisé par Stephen Herek,/static/images/icons/wikipedia.png; /static/images/mobile/copyright/wikipedia-wordmark-fr.svg; /static/images/mobile/copyright/wikipedia-tagline-fr.svg; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/aa/Circle-icons-filmreel.svg/35px-Circle-icons-filmreel.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/5/53/Nuvola_USA_flag.svg/35px-Nuvola_USA_flag.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/a4/Flag_of_the_United_States.svg/20px-Flag_of_the_United_States.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/3/38/Info_Simple.svg/12px-Info_Simple.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/b/ba/Flag_of_Germany.svg/20px-Flag_of_Germany.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/a4/Flag_of_the_United_States.svg/20px-Flag_of_the_United_States.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/c/c3/Flag_of_France.svg/20px-Flag_of_France.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/7/73/Blue_pencil.svg/10px-Blue_pencil.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/7/73/Blue_pencil.svg/10px-Blue_pencil.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/7/77/United_States_film_clapperboard.svg/27px-United_States_film_clapperboard.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/0/08/Nokia_Lumia_1020_Front.svg/13px-Nokia_Lumia_1020_Front.svg.png; https://login.wikimedia.org/wiki/Special:CentralAutoLogin/start?type=1x1; /static/images/footer/wikimedia-button.svg; /w/resources/assets/poweredby_mediawiki.svg,https://en.wikipedia.org/wiki/The_Great_Gilly_Hopkins,The Great Gilly Hopkins,https://en.wikipedia.org/wiki/The_Great_Gilly_Hopkins,"The Great Gilly Hopkins is a 1978 realistic children's novel by Katherine Paterson. It won the U.S. National Book Award in 1979.[2] In 2012 it was ranked number 63 among all-time children's novels in a survey published by School Library Journal – the third of three books by Paterson in the top 100.[3]
 A film adaptation starring Sophie Nélisse as Gilly Hopkins and Kathy Bates as Trotter was released in 2015.[4]
 The novel has been translated into Catalan, Chinese, Danish, Dutch, Finnish, French, German, Greek, Hungarian, Italian, Japanese, Korean, Lithuanian, Norwegian, Polish, Russian, Slovak, Spanish, and Swedish.[5][6] Árpád Göncz's Hungarian translation has been adapted into a radio play, with Zsófi Jávor playing Gilly and Márta Fónay playing Trotter.[7]
 Galadriel ""Gilly"" Hopkins is a mean, unfriendly 11-year-old girl who is headed for yet another foster home. She hates living with different people all the time and just wants to settle in with her birth mother, Courtney Rutherford Hopkins, whose photograph Gilly secretly treasures. Gilly doesn't like the look of her new foster mom, Mrs. Trotter, a ""fat hippo"", and decides she is going to hate her whole life.
 Gilly hatches a plan to escape from Trotter and steals the money she needs for it to work. She knows that her mother lives in San Francisco, California so she writes a letter to Courtney saying that her beloved Galadriel will be with her soon. When Gilly escapes the first time, she gets caught by police and Trotter immediately comes down to the station to retrieve her. Gilly's grandmother, Nonnie, comes to Trotter's house and tells her that she will take Gilly home. Nonnie was previously unaware that she had a granddaughter. By this time Gilly realizes that she really wants to be with Trotter. However, the law says that Gilly must go with Nonnie, so she goes to Nonnie's house.
 Then Gilly gets good news: her mother is coming. But when she goes to the airport, Courtney is not the woman in Gilly's photograph: she has stringy hair and a lot of other traits Gilly didn't expect, like being selfish. Gilly also finds out that her mother only came because Nonnie paid her, not because she wanted to come. She realizes for the first time how foolish she has been and that she actually loves Trotter. The story ends with Gilly on the phone, crying to Trotter to take her back. Trotter, in turn, gently convinces her that her home is with Nonnie.
 The Great Gilly Hopkins won various major accolades:
 The book has been a frequent target of censors; the novel appears on the American Library Association list of the 100 Most Frequently Challenged Books between 1990 and 1999 (20),[13] as well as between 2000 and 2009 (52).[14]
 On February 8, 2013, it was announced that Stephen Herek would direct a film adaptation of the book, with Kathy Bates as Trotter and Danny Glover in major roles.[15] On February 6, 2014, Sophie Nélisse as Gilly Hopkins, Glenn Close and Octavia Spencer joined the cast of the film.[16] On May 9, 2014, Julia Stiles and Bill Cobbs joined the cast of the film.[17] Principal photography began on April 9, 2014, and ended on June 15, 2014.[18][19] The film premiered at the SCHLINGEL International Film Festival October 6, 2015,[4] and was released by Lionsgate Premiere on October 7, 2016.[20]
 The novel was adapted as a children's stage musical in 1996 and is available for licensing through Samuel French.[21]
 The novel was adapted as a made-for-TV movie produced by Hanna-Barbera Productions was televised January 19, 1981, directed by Jeffrey Hayden and teleplay by Charles Pratt Jr. during CBS Afternoon Playhouse.[22]",606,"Main page; Contents; Current events; About Wikipedia; Help; Learn to edit; Community portal; Upload file; ; learn more; Article; Talk; Read; Read; Upload file; ; Katherine Paterson; Children's novel; Thomas Y. Crowell Co.; hardcover; paperback; ISBN; OCLC; LC Class; realistic; Katherine Paterson; National Book Award; School Library Journal; film adaptation; Sophie Nélisse; Kathy Bates; Árpád Göncz; Márta Fónay; foster home; San Francisco, California; foster care system's; social worker; blind; flower child; Vietnam War; Virginia; Lord of the Rings; Newbery Medal; National Book Award in category Children's Literature; Christopher Award; Jane Addams Award; American Library Association; Frequently Challenged Books; The Great Gilly Hopkins (film); Stephen Herek; film adaptation; Kathy Bates; Danny Glover; Sophie Nélisse; Glenn Close; Octavia Spencer; Julia Stiles; Bill Cobbs; Principal photography; SCHLINGEL International Film Festival; Lionsgate Premiere; musical; made-for-TV movie; Hanna-Barbera Productions; directed; Jeffrey Hayden; teleplay; Charles Pratt Jr.; CBS Afternoon Playhouse; Children's literature portal; National Book Foundation; School Library Journal; ISBN; ISBN; Deadline Hollywood; Deadline Hollywood; Screen Daily; ISBN; v; t; Novels; Katherine Paterson; The Sign of the Chrysanthemum; Of Nightingales That Weep; The Master Puppeteer; Bridge to Terabithia; Jacob Have I Loved; Rebels of the Heavenly Kingdom; Come Sing, Jimmy Jo; Park's Quest; Lyddie; Flip-Flop Girl; Jip, His Story; Preacher's Boy; The Same Stuff as Stars; Bread and Roses, Too; The Day of the Pelican; Categories; 1978 American novels; 1978 children's books; American children's novels; American novels adapted into films; Characters in children's literature; Child characters in literature; Children's books about racism; Children's books set in Maryland; Children's books set in Virginia; Fictional characters from Maryland; National Book Award for Young People's Literature–winning works; Newbery Honor–winning works; Novels about racism; Novels by Katherine Paterson; Novels set in Maryland; Novels set in Virginia; Thomas Y. Crowell Co. books; Articles with short description; Short description is different from Wikidata; Creative Commons Attribution-ShareAlike 4.0 License; About Wikipedia; Disclaimers",Categories; 1978 American novels; 1978 children's books; American children's novels; American novels adapted into films; Characters in children's literature; Child characters in literature; Children's books about racism; Children's books set in Maryland; Children's books set in Virginia; Fictional characters from Maryland; National Book Award for Young People's Literature–winning works; Newbery Honor–winning works; Novels about racism; Novels by Katherine Paterson; Novels set in Maryland; Novels set in Virginia; Thomas Y. Crowell Co. books,/static/images/icons/wikipedia.png; /static/images/mobile/copyright/wikipedia-wordmark-en.svg; /static/images/mobile/copyright/wikipedia-tagline-en.svg; //upload.wikimedia.org/wikipedia/en/thumb/b/b2/The_Great_Gilly_Hopkins_cover.jpg/220px-The_Great_Gilly_Hopkins_cover.jpg; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/1/1d/Tom_Sawyer_1876_frontispiece.jpg/20px-Tom_Sawyer_1876_frontispiece.jpg; https://login.wikimedia.org/wiki/Special:CentralAutoLogin/start?type=1x1; /static/images/footer/wikimedia-button.svg; /w/resources/assets/poweredby_mediawiki.svg
Un chant de Noël,https://fr.wikipedia.org/wiki/Un_Chant_de_Noël,"A Christmas Carol Vous lisez un « article de qualité » labellisé en 2013.
 Pour les articles homonymes, voir Chant de Noël (homonymie) et A Christmas Carol.
 
 Un chant de Noël (A Christmas Carol), également publié en français sous les titres Cantique de Noël, Chanson de Noël ou Conte de Noël, est le premier et le plus célèbre des contes écrits par Charles Dickens. Rédigé en même temps que Martin Chuzzlewit et paru en décembre 1843 chez Chapman & Hall avec des illustrations de John Leech, il est considéré comme « son œuvre la plus parfaite[2] ». Aussitôt, Thackeray le salue comme un « bienfait national[2] ». Acclamé par les critiques comme par le public, sa popularité n'a jamais faibli. Son protagoniste, Scrooge, reste sans doute le personnage dickensien le plus universellement connu et, grâce à ce livre, Dickens, incarné en une sorte de père Noël pour un monde anglo-saxon, a été décrit comme l'« inventeur » de la fête qui lui est associée[2].
 Pourtant, c'est d'abord une réponse qu'il a voulu apporter à des controverses d'ordre économique. Mais très vite, le conte s'est donné à lire comme affirmation des célébrations de Noël plutôt que pamphlet polémique, et, selon David Paroissien, qui lui attribue jusqu'au mérite d'avoir « sauvé les congés de fin d'année des griffes de sombres calvinistes », il a été promu au rang de « classique de la littérature de Noël des temps modernes[3] ».
 Les adaptations dont il a constamment fait l'objet depuis sa parution témoignent de l'universalité de son message. D'abord le théâtre, puis la scène du music-hall, la radio, la télévision et le cinéma, mais aussi la chanson de variété et la musique classique, le ballet comme la science-fiction, tous lui rendent hommage en une suite ininterrompue dont l'examen reflète l'évolution des goûts et des mentalités depuis le milieu du XIXe siècle[4].
 À la suite de la parution en 1822 de Some Ancient Christmas Carols de Davies Gilbert, en 1833 de Selection of Christmas Carols, Ancient and Modern par William Sandys, en 1837, enfin, de The Book of Christmas de Thomas Kibble Hervey, l'Angleterre victorienne s'est trouvée, au milieu du XIXe siècle, parcourue par la nostalgie des traditions de Noël d'avant l’ère puritaine de Cromwell. Cet intérêt s'est encore vu renforcé par l'influence du prince Albert, l'époux de la reine Victoria depuis 1841, qui a popularisé dans le royaume la tradition allemande des sapins et des cartes – la première datant, comme le livre de Dickens, de 1843 –, ainsi que des cantiques de Noël.
 Dickens n'est donc pas le premier écrivain à célébrer cette fête, il en est redevable aux essais publiés par Washington Irving dans son Sketch Book de 1820, décrivant l'ancien Noël anglais qu'il a vécu à Aston Hall et rassemblant contes de fées et comptines en même temps que pamphlets religieux et pages satiriques[5], mais c'est lui qui lui a « surimposé une approche séculaire[5] ». Dans son esprit, sentiment que renforce encore sa visite du 20 au 22 mars 1842 au pénitencier de Pittsburgh, en Pennsylvanie[6], où il partage des expériences de spiritualisme, contes de fées et comptines sont des histoires de conversion et de transformation[7]. Deux textes l'ont particulièrement fasciné : un essai de Douglas Jerrold, Les Beautés de la police, paru en 1843, qui expose sur le mode satirique et mélodramatique le sort d'un père séparé de son fils mis de force dans un hospice, et un autre du même auteur publié par Punch en 1841, qui lui aurait directement inspiré Scrooge, Comment Mr Chokepear fête joyeusement Noël[8].
 Robert Douglas-Fairhurst attribue sa force narrative au traumatisme, vécu à 12 ans, de son emploi forcé à la manufacture de cirage Warren, ainsi qu'à la compassion ressentie pour le sort des enfants pauvres lors du boom des années 1830 et 1840[7]. Au début de l'année 1843 il visite des mines en Cornouailles et, particulièrement bouleversé par le deuxième rapport de la commission sur le travail des enfants (Second Report of the Children's Employment Committee), il décide de « frapper un grand coup[8] ». En mai, il rédige un pamphlet intitulé Appel au peuple anglais sur le sort des enfants des familles pauvres, puis, reportant sa publication à la fin de l'année, écrit au Dr Southwood Smith, membre de la commission, pour lui demander de changer ses vues. Pour la première fois, il utilise l'expression « marteau-pilon » pour décrire ses intentions : « Vous sentirez à coup sûr qu'un marteau-pilon s'abattra vingt-cinq mille fois – vingt-cinq mille fois plus puissamment – si je suis ma première idée[9] ». Une visite à la Ragged School de Field Lane lui fait ajouter dans une lettre à Angela Burdett-Coutts « le cœur me va aux entrailles quand je me plonge dans ces scènes[10] ». Lors d'un discours prononcé à l’Athenæum de Manchester le 5 octobre 1843, Dickens conjure les ouvriers et les patrons de lutter main dans la main contre l'ignorance et pour une réforme du système éducatif, mais le peu d'écho que suscite sa démarche le convainc encore plus du pouvoir de la fiction : aucun sujet plus que celui de Noël, pense-t-il alors, ne saurait mieux parler au grand public. C'est donc lors de ces trois jours passés à Manchester qu'il conçoit Un chant de Noël[11], dont l'impact sera, il en est sûr, bien plus percutant que tous les traités du monde[12],[11].
 Noël et l'art du récit ont toujours été associés dans l'esprit de Dickens[2] : il avait déjà écrit A Christmas Dinner à la manière de Washington Irving dans les Esquisses de Boz en 1833, puis mis dans la bouche de Mr Wardle, en 1836-1837, l'histoire fantastique de Gabriel Grub, « le bedeau misanthrope volé par les lutins »[N 1], converti à la fin à une plus saine humanité, ce qui, d'après John Forster, lui avait procuré le « secret plaisir d'extrapoler ainsi sur une simple comptine[13],[N 2],[5] ». Au-delà de l'aspect purement narratif, cependant, Un chant de Noël est sous-tendu par le souci passionné qu'a Dickens des problèmes sociaux assaillant son pays[2]. Aussi son allégorie est-elle d'abord destinée à souligner que l'enfance est victime de l'indifférence générale, et que le personnage principal, comme le lecteur, « doivent ouvrir la porte close de leur cœur et considérer les gens comme des compagnons de voyage tous en route vers la tombe »[10].
 Un chant de Noël a été écrit en six semaines d'octobre à novembre 1843[14], « tâche bigrement ardue », écrit Dickens, à assumer en même temps que Martin Chuzzlewit, mais destinée à ouvrir des perspectives pour d'autres romans de grande envergure : « Quand je vois l'effet que produit un petit ensemble de cet acabit […], j'entrevois avec force l'immense effet que je produirais avec un livre de grand format »[15]. Les publications par Chapman & Hall, depuis la première le 19 décembre 1843, sous le titre A Christmas Carol in Prose. Being a Ghost Story of Christmas (« Un chant de Noël en prose, histoire de fantômes de Noël »), en 6 000 exemplaires, jusqu'à la septième en mai 1844, sont aussitôt épuisées[16], et Dickens en est d'emblée si ému qu'il passe « des larmes au rire et du rire aux larmes, et s'en voit retourné d'extraordinaire façon »[17].
 Pour autant, la publication a été laborieuse : les premiers tirages contiennent des pages de garde d'un vert olive que Dickens juge inacceptable, et Chapman & Hall les remplace en hâte par du jaune. Le résultat n'en est pas meilleur car il jure avec la page-titre, aussitôt refaite, et le produit final, relié de tissu rouge et à tranche dorée, n'est prêt que deux jours avant la date annoncée[18],[19]. Plus tard, Dickens fait relier en cuir rouge son manuscrit et l'offre à son avocat Thomas Mitton, qui le vend en 1875 au libraire Francis Harvey pour 50 £. Par la suite, le précieux document passe de main en main : le collectionneur Henry George Churchill en 1882, puis un libraire de Birmingham, un autre de Londres, puis Stuart M. Samuel, collectionneur spécialisé en Dickens, enfin J. P. Morgan qui le dépose à la Pierpont Morgan Library de New York, avec les quatre estampes en couleurs et les quatre gravures sur bois de John Leech[19].
 Le succès de l'œuvre n'a pas été sans répercussions financières et juridiques. Dickens espérait pouvoir éponger le débours de Chapman & Hall, mais la présentation luxueuse, les planches de couleur et les gravures sur bois ne lui ont laissé que 230 £[20]. En outre, le 6 février, paraît une version pirate qui l'oblige à poursuivre devant les tribunaux l'éditeur indélicat, Lee and Haddock. Le procès est gagné mais, alors que les dépens s'élèvent à 700 £, la partie adverse fait faillite, ce qui lui laisse un sentiment d'amertume et de rancœur qui s'ajoutera au ressentiment envers l'appareil judiciaire, dénoncé plus tard par la cour de la Chancellerie de La Maison d'Âpre-Vent[2].
 D'après Douglas-Fairhurst, si l'expérience de la manufacture de cirage vécue à 12 ans n'est pas directement décrite dans Un conte de Noël, l'ambiguïté de la relation entretenue par Dickens envers son père, adoré autant que diabolisé, se reflète dans la double personnalité du protagoniste, à la fois « prodigue à l'envers » et finalement généreux[21].
 Dès sa parution, le livre s'est trouvé presque unanimement acclamé par la critique. L’Athenaeum de Londres écrit qu'il y a là « matière à rire et à pleurer, à ouvrir mains et cœur à la charité même chez les moins charitables, un plat de choix à servir à la table d'un roi »[22]. Le poète-éditeur Thomas Hood ajoute que le nom même de l'auteur « prédispose à de meilleurs sentiments, et qu'il suffit d'un coup d'œil au frontispice pour esbaudir ses esprits animaux »[22]. Thackeray évoque dans le Fraser's Magazine de février « un bienfait national et, pour tout homme ou femme qui le lit, une faveur personnelle. Les deux dernières personnes que j'ai entendues en parler étaient des femmes qui ne se connaissaient pas et ignoraient qui en était l'auteur, et toutes les deux, pour toute critique, se sont écriées Que Dieu le bénisse ! », et il ajoute « Oui, QUE DIEU LE BÉNISSE !  [sic] Quel sentiment à inspirer pour un auteur et quelle récompense à glaner ! »[23]. Même Theodore Martin, l'un des rares à se montrer virulent envers Dickens, note que le conte témoigne de « finesse dans le sentiment et est adroitement conçu pour inciter au bien social »[24]. Quant à Chesterton, il estime que la bienveillance acquise de Scrooge est au centre de tout ce que Dickens a écrit[25], mais Edmund Wilson ne croit pas en une conversion aussi radicale du vieil avare, et il en tire argument pour extrapoler sur la personnalité divisée de son auteur[25]. John Butt, lui, y voit un conte délicieusement raconté, où structure et contenu sont ce qu'il appelle coterminous, c'est-à-dire ayant ensemble atteint l'ultime degré de l'achèvement[26].
 Les critiques ont surtout porté sur le coût du livre dont le luxe, paradoxalement, alors qu'il chante leur dignité, le rend inaccessible aux pauvres. La presse religieuse, après l'avoir boudé à sa parution, admet dans le Christian Remembrance de février 1844 que ce sujet « rebattu » se voit rajeuni par l'humour et la sentimentalité de l'auteur[27]. Dickens a noté plus tard qu'il a reçu quantité de lettres émanant des chaumières et lui racontant comment son Chant de Noël se lit en famille au coin de l'âtre, avant d'être rangé « sur une toute petite étagère à lui seul réservée »[28]. Margaret Oliphant, jamais tendre envers Dickens, déplore après sa mort qu'il y soit « essentiellement question de dinde et de pudding », mais admet que le conte est devenu comme « un nouveau testament » et qu'il « n'a pas son pareil pour inciter les gens à devenir meilleurs »[24]. Quant aux Américains, ils se sont d'abord montrés plus réticents, la féroce satire de leur pays dans les American Notes de 1842 et de la deuxième partie de Martin Chuzzlewit, tout aussi dénonciatrice, ayant profondément blessé leur amour-propre national. Au moment de la guerre de Sécession et après, cependant, le livre fait son chemin outre-Atlantique et la presse devient plus amène[29] : en 1863, le New York Times clame son enthousiasme et note que « le Noël d'antan et des vieux manoirs a pénétré dans le salon des familles pauvres[29] », et la North American Review en conclut que le génie de Dickens réside justement dans « sa compassion envers cette race  [sic] »[29]. Pour sa part, John Greenleaf Whittier discerne une similitude entre la rédemption de Scrooge et celle de sa nation déchirée par la guerre civile, et la charité du vieil homme repenti lui rappelle celle du peuple américain en lutte contre la pauvreté accablant son pays[30].
 À leur façon, les illustrateurs ont été nombreux à rendre hommage à Un chant de Noël. Depuis John Leech, illustrateur de l'édition originale, s'y sont intéressés, du vivant de Dickens ou peu après sa mort, Sol Eytinge, Fred Barnard, Arthur Rackam et C. E. Brock. Les interprétations modernes sont en particulier dues à Ronald Searle (1960), Michael Foreman (1983), Michael Cole (1985), Lisbeth Zwerger (1988), Roberto Innocenti (1990) et Ida Applebroog (1993)[31].
 Dickens divise le livre en cinq chapitres qu'il appelle staves, c'est-à-dire couplets de chant ou strophes de poème, chacun ayant un rapport avec le titre de l'ouvrage. La même technique est employée dans les deux contes de Noël suivants, les différentes parties portant, pour Les Carillons, des noms sonnant l'ordonnance du passage des heures, le carillon, les quarts, et pour Le Grillon du foyer, celui de chirps, les crissements de l'insecte.
 L'histoire[32] s'ouvre une veille de Noël brumeuse dans « un froid vif et perçant »[33], exactement sept années après la mort de Jacob Marley, l'associé d'Ebenezer Scrooge, ce « vieux pécheur […] avare qui savait saisir fortement, arracher, tordre, pressurer, gratter, ne point lâcher surtout ! Dur et tranchant comme une pierre à fusil dont jamais l’acier n’a fait jaillir une étincelle généreuse, secret, renfermé en lui-même et solitaire comme une huître »[33]. Scrooge ne connaît ni la bonté, ni la bienveillance, ni la charité, et il déteste Noël qu'il qualifie de « foutaise » (humbug). Toujours assis à son bureau, le feu réduit à quelques braises, il n'a cure du froid qui oblige pourtant son employé Bob Cratchit, aussi surmené que mal payé, à se réchauffer les doigts à la flamme de la bougie. Son allure glaciale frigorifie le pauvre commis plus que ne le font les éléments ; d'ailleurs, ne vient-il pas de refuser l'invitation à dîner de son neveu, de chasser un jeune garçon venu chanter un cantique à sa porte, puis de se débarrasser vertement de deux messieurs sollicitant un don pour une distribution de nourriture et de charbon aux pauvres, des inutiles, estime-t-il, qui feraient mieux de mourir pour régler le problème de la surpopulation. Le seul cadeau qu'il a maigrement consenti a été de donner un jour de congé à Bob Cratchit, et encore, se convainc-t-il, pour satisfaire à une inique convention sociale, une « pauvre excuse pour mettre la main dans la poche d’un homme tous les 25 décembre, dit-[il] en boutonnant sa redingote jusqu’au menton. Mais je suppose qu’il vous faut la journée tout entière ; tâchez au moins de m’en dédommager en venant de bonne heure après-demain matin[33] ». Bob se réjouit pourtant de cette misère car il entend dignement fêter Noël avec sa famille en puisant dans ses 15 shillings hebdomadaires[32].
 Scrooge dîne seul dans une taverne « mélancolique »[33], puis rentre chez lui par la nuit noire : « La cour était si obscure, que Scrooge lui-même, quoiqu’il en connût parfaitement chaque pavé, fut obligé de tâtonner avec les mains. Le brouillard et les frimas enveloppaient tellement la vieille porte sombre de la maison, qu’il semblait que le génie de l’hiver se tînt assis sur le seuil, absorbé dans ses tristes méditations[33] ». Mais voici qu'apparaît dans le marteau de la porte le visage de Jacob Marley, et que, quelques instants plus tard, la porte de la cave s'ouvre avec fracas. « Foutaises que tout cela », grommelle le vieillard, alors que résonnent des claquements de chaînes et des sonneries de cloches, et que se dresse bientôt devant lui le spectre tout entier. « Foutaises », se persuade-t-il sans grande conviction, car le fantôme est bien là : « Son corps était transparent, si bien que Scrooge, en l’observant et regardant à travers son gilet, pouvait voir les deux boutons cousus par derrière à la taille de son habit. Scrooge avait souvent entendu dire que Marley n’avait pas d’entrailles, mais il ne l’avait jamais cru jusqu’alors[33] ». Marley a un message à transmettre : que Scrooge change de comportement, sinon il vivra, comme lui, l'enfer de l'éternité. De toute façon, il va être hanté par trois esprits chargés de lui montrer comment quitter le mauvais chemin. Sur ce, le fantôme s'efface à travers la fenêtre pour rejoindre un groupe de congénères évoluant dans l'air de la nuit. Scrooge s'essaie à son « foutaises » habituel, mais ne peut en prononcer que la première syllabe, et il se met au lit[32].
 
Une heure sonne à l'horloge lorsque Scrooge remarque une vive lumière perçant l'obscurité, puis, alors que les rideaux de son lit sont violemment tirés par une main invisible, il discerne une « étrange silhouette, celle d’un enfant ; et néanmoins, pas aussi semblable à un enfant qu’à un vieillard vu au travers de quelque milieu surnaturel, qui lui donnait l’air de s’être éloigné à distance et d’avoir diminué jusqu’aux proportions d’un enfant[34] ». C'est l'esprit des Noëls passés qui invite Scrooge à revivre ces fêtes du temps jadis depuis son enfance : un 25 décembre dans la solitude d'un pensionnat, avec pour toute compagnie Les Mille et Une Nuits et Robinson Crusoé, un autre dans la même institution où sa sœur Fan est venue le chercher pour célébrer l'occasion en famille à Londres, une autre fois alors qu'apprenti chez le vieux et jovial Fezziwig, son ami Dick Wilkins et lui ont transformé l'entrepôt en salle de danse, enfin un dernier Noël quand Belle, sa fiancée, lui a rendu sa bague en lui reprochant de préférer l'argent à leur amour. De quoi émouvoir le vieil homme qui, mortifié de ce qu'il a perdu, prie l'esprit de bien vouloir lui épargner d'autres souvenirs. Rien n'y fait : alors, « Laissez-moi ! s’écria-t-il ; ramenez-moi, cessez de m’obséder !
 Dans la lutte, si toutefois c’était une lutte, car le spectre, sans aucune résistance apparente, ne pouvait être ébranlé par aucun effort de son adversaire, Scrooge observa que la lumière de sa tête brillait, de plus en plus éclatante. Rapprochant alors dans son esprit cette circonstance de l’influence que le fantôme exerçait sur lui, il saisit l’éteignoir et, par un mouvement soudain, le lui enfonça vivement sur la tête. L’esprit s’affaissa tellement sous ce chapeau fantastique, qu’il disparut presque en entier ; mais Scrooge avait beau peser sur lui de toutes ses forces, il ne pouvait venir à bout de cacher la lumière, qui s’échappait de dessous l’éteignoir et rayonnait autour de lui sur le sol. Il se sentit épuisé et dominé par un irrésistible besoin de dormir, puis bientôt il se trouva dans sa chambre à coucher. Alors il fit un dernier effort pour enfoncer encore davantage l’éteignoir, sa main se détendit, et il n’eut que le temps de rouler sur son lit avant de tomber dans un profond sommeil[34]. »
 
L'horloge sonne à nouveau une heure, mais Scrooge ne remarque aucun signe de l'arrivée d'un nouvel esprit. Une lumière, cependant, semble émaner de la pièce contiguë ; il en ouvre la porte et se trouve face à face avec un brasier triomphant dans l'âtre et un esprit gigantesque trônant au sommet d'une corne d'abondance ruisselant de gâteries de saison. C'est l'esprit du Noël présent qui conduit Scrooge le long des rues et dans les marchés où règnent l'abondance et la bonne volonté. Puis il l'emmène vers la maison de Bob Cratchit, où Mrs Cratchit et les enfants s'affairent à la préparation du dîner de fête. Bob revient de l'église avec son fils Tim[N 3]. La famille se régale des maigres portions allouées : chaque petit morceau d'oie rôtie, chaque parcelle de purée, de goutte de sauce à la pomme, de miette du pudding final se voient méticuleusement dévorés.  « Enfin, le dîner achevé, on enleva la nappe, un coup de balai fut donné au foyer et le feu ravivé. Le grog fabriqué par Bob ayant été goûté et trouvé parfait, on mit des pommes et des oranges sur la table et une grosse poignée de marrons sous les cendres. Alors toute la famille se rangea autour du foyer en cercle, comme disait Bob Cratchit, il voulait dire en demi-cercle : on mit près de Bob tous les cristaux de la famille, savoir : deux verres à boire et un petit verre à servir la crème dont l’anse était cassée. Qu’est-ce que cela fait ? Ils n’en contenaient pas moins la liqueur bouillante puisée dans le bol tout aussi bien que des gobelets d’or auraient pu le faire, et Bob la servit avec des yeux rayonnants de joie, tandis que les marrons se fendaient avec fracas et pétillaient sous la cendre. Alors Bob proposa ce toast :
« Un joyeux Noël pour nous tous, mes amis ! Que Dieu nous bénisse ! » La famille entière fit écho.
« Que Dieu bénisse chacun de nous ! », dit Tiny Tim le dernier de tous[34]. »
 Cette scène a, elle aussi, de quoi émouvoir le vieux Scrooge qui se préoccupe de savoir si Tiny Tim va vivre. La réponse de l'esprit est sibylline, mais ferme : « ― Si mon successeur ne change rien à ces images, qui sont l’avenir, reprit le fantôme, aucun autre de ma race ne le trouvera ici. Eh bien ! après ! s’il meurt, il diminuera le superflu de la population.
Scrooge baissa la tête lorsqu’il entendit l’esprit répéter ses propres paroles, et il se sentit pénétré de douleur et de repentir[34]. », d'autant qu'il assiste maintenant à une scène qui le sidère et l'éclaire tout à la fois : Bob partage avec les siens des histoires de Noël, tous chantent des cantiques, puis il lève son verre et, malgré une certaine hésitation de la part de Mrs Cratchit, chacun l'accompagne et lève le sien à la santé de… Mr Scrooge, « le mécène de notre petit gala[34]. »
 Le fantôme emmène Scrooge par les rues de la cité, dans la petite baraque d'un pauvre mineur, au sommet d'un phare solitaire et sur un navire en haute mer où se célèbrent les festivités de Noël. Puis Scrooge est conduit chez son neveu Fred où la fête bat son plein. Le vieil homme ressent soudain l'envie de se joindre aux chants et aux jeux de cette joyeuse compagnie, et même de participer au « Répondre par oui ou non » dont lui-même, Oncle Scrooge, est l'objet. Le fantôme vieillit, cependant, et se prépare à mettre un terme à « sa vie sur ce globe terrestre »[34], mais Scrooge remarque deux affreux gamins cachés sous son voile. Ce sont Ignorance et Besoin, un garçonnet et une fillette difformes exilés là comme des rebuts d'humanité. « Ce sont les enfants des hommes, dit l’esprit, laissant tomber sur eux un regard, et ils s’attachent à moi pour porter plainte contre leurs pères. Celui-là est l’ignorance ; celle-ci la misère. Gardez-vous de l’un et de l’autre et de toute leur descendance, mais surtout du premier, car sur son front je vois écrit : Condamnation[N 4]. Hâte-toi, Babylone, dit-il en étendant sa main vers la cité ; hâte-toi d’effacer ce mot, qui te condamne plus que lui, toi à ta ruine, comme lui au malheur. Ose dire que tu n’en es pas coupable ; calomnie même ceux qui t’accusent ! Cela peut servir au succès de tes desseins abominables. Mais gare la fin !
― N’ont-ils donc aucun refuge, aucune ressource ? s’écria Scrooge.
― N’y a-t-il pas des prisons ? dit l’esprit, lui renvoyant avec ironie pour la dernière fois ses propres paroles. N’y a-t-il pas des maisons de force ? »[34]. » L’horloge sonne minuit, et au sein de l'épais brouillard qui s'ajoute à la nuit, Scrooge aperçoit un fantôme « à l’aspect solennel, drapé dans une robe à capuchon et qui venait à lui glissant sur la terre comme une vapeur »[34].
 C'est le fantôme des Noëls à venir qui, d'emblée, le met en présence de quelques marchands de la City évoquant avec une parfaite indifférence la mort d'un de leurs collègues. Puis il le conduit chez un brocanteur où les biens du défunt sont vendus par ses propres serviteurs, enfin dans une chambre plongée dans la pénombre où gît un corps sur un lit. Scrooge hésite à soulever le drap pour reconnaître le mort et pose une question qui le taraude : n'y a-t-il au monde un seul être que ce décès émeuve ? Pour toute réponse, le fantôme lui montre un couple qui s'en réjouit, car il l'a libéré, au moins pour un temps, de ses dettes. La lugubre promenade se poursuit et, cette fois, c'est chez Bob Cratchit que se retrouve le vieux Scrooge, où la famille pleure le petit Tiny Tim qui vient de mourir. Scrooge se sent alors prêt à savoir l'identité du cadavre gisant seul dans la nuit, et le fantôme, exauçant son vœu, le conduit dans un cimetière où il découvre sa propre tombe avec, inscrit en grosses lettres noires, le nom « EBENEZER SCROOGE ». « Esprit, s’écria-t-il en se cramponnant à sa robe, écoutez-moi ! je ne suis plus l’homme que j’étais ; je ne serai plus l’homme que j’aurais été si je n’avais pas eu le bonheur de vous connaître. Pourquoi me montrer toutes ces choses, s’il n’y a plus aucun espoir pour moi ? 
Pour la première fois, la main parut faire un mouvement.
– Bon esprit, poursuivit Scrooge toujours prosterné à ses pieds, la face contre terre, vous intercéderez pour moi, vous aurez pitié de moi. Assurez-moi que je puis encore changer ces images que vous m’avez montrées, en changeant de vie[35] ! »
 Mais le fantôme s'évanouit dans le montant du lit et Scrooge est laissé seul à ses pensées.
 Il répète ses promesses, fait et refait ses prières. Jamais plus, ce qui eût pu être ne doit l'assaillir, cela il en est désormais sûr. Il se rue vers la fenêtre, ouvre tout grand les volets et découvre le glorieux matin. Le jeune garçon d'en bas lui apprend que c'est le jour de Noël et Scrooge exulte de n'avoir point manqué la fête. Il le dépêche aussitôt chez le volailler pour acheter la plus savoureuse des dindes qu'il destine aux Cratchit et sort de chez lui. Chaque personne qu'il rencontre est accueillie par un sonore « Joyeux Noël ! », les institutions charitables sont gratifiées de confortables sommes d'argent, la messe de Noël le reçoit parmi les fidèles, et la journée s'achève par l'arrivée chez le neveu où tout, victuailles, jeux, compagnie, bonheur, convivialité, tout, décidément, est parfait.
 Le lendemain matin, Scrooge est à son bureau de bonne heure et y attend Bob Cratchit qui, apeuré et confus, présente ses excuses pour son retard de dix-huit minutes, avec la promesse que jamais cette transgression ne se répétera. Et Scrooge de prendre sa voix sévère et son ton impérieux pour proclamer : « Fort bien ; mais je vous dirai, mon ami, […] que je ne puis laisser plus longtemps aller les choses comme cela. Par conséquent, poursuivit-il, en sautant à bas de son tabouret et en portant à Bob une telle botte dans le flanc qu’il le fit trébucher jusque dans sa citerne ; par conséquent, je vais augmenter vos appointements[36]! ». Et l'après-midi, maître et employé partagent une soupière de punch fumant.
 « Quant à Tiny Tim, qui ne mourut pas, Scrooge fut pour lui un second père. Il devint un aussi bon ami, un aussi bon maître, un aussi bon homme que le bourgeois de la bonne vieille Cité, ou de toute autre bonne vieille cité, ville ou bourg, dans le bon vieux monde. Quelques personnes rirent de son changement ; mais il les laissa rire et ne s’en soucia guère ; car il en savait assez pour ne pas ignorer que, sur notre globe, il n’est jamais rien arrivé de bon qui n’ait eu la chance de commencer par faire rire certaines gens. Puisqu’il faut que ces gens-là soient aveugles, il pensait qu’après tout il vaut tout autant que leur maladie se manifeste par les grimaces, qui leur rident les yeux à force de rire, au lieu de se produire sous une forme moins attrayante. Il riait lui-même au fond du cœur ; c’était toute sa vengeance.
 Il n’eut plus de commerce avec les esprits ; mais il en eut beaucoup plus avec les hommes, cultivant ses amis et sa famille tout le long de l’année pour bien se préparer à fêter Noël, et personne ne s’y entendait mieux que lui : tout le monde lui rendait cette justice.
 Puisse-t-on en dire autant de vous, de moi, de nous tous, et alors, comme disait Tiny Tim :
– Que Dieu nous bénisse, tous tant que nous sommes ![36] »
 Les personnages d'Un chant de Noël sont peu nombreux : Scrooge, Bob Cratchit, Tiny Tim, accessoirement Mrs Cratchit, sans prénom mais parfois nommée Emily dans certaines adaptations[N 5], le petit garçon des rues, le visiteur anonyme au ventre rebondi, la femme de ménage et la laveuse, des affairistes de la cité, quelques commerçants, le neveu Fred et sa mère Martha, le marchand Mr Fezziwig[37].
 Reste aussi un souvenir secret, celui de Belle, l'amour jamais oublié de Scrooge, celle qui, il y a si longtemps, l'a quitté tant elle a été horrifiée par son avidité[37]. Ainsi, cet homme d'acier recèle une faille secrète, révélée, comme tout son passé, par son voyage fantomatique, en fait un itinéraire intérieur. À ce titre, Un chant de Noël apparaît comme un roman d'apprentissage inversé, parcourant la vie à contresens, pratiquement de la mort à la naissance, avant d'aboutir à une renaissance. Si cette nouvelle aventure est possible, c'est que Scrooge possède un potentiel de régénération : ce n'est pas la peur qui lui fait changer de posture, mais l'accès, favorisé par la nostalgie amoureuse, à une sagesse, inhérente en lui mais toujours refoulée. Les digues du conformisme se sont rompues et le flot vital a repris son cours. Ainsi, si Scrooge s'affirme comme le protagoniste de l'histoire, il en est également l'antagoniste car il n'a eu nul autre ennemi que lui-même. D'ailleurs, ce rôle s'éteint automatiquement dès l'instant de sa conversion. Avant ce dramatique revirement, malgré des certitudes affichées, il est la victime de démons intérieurs, sans doute nourris, le narrateur le laisse entendre, par sa blessure inavouée, et s'il s'amende soudain de façon aussi radicale, c'est que ces démons se sont nommés et identifiés par l'intercession de ses guides dans le temps et dans l'espace, tels Virgile tenant Dante par la main à travers le dédale de l'Hadès, jusque dans les entrailles de son propre enfer[37].
 Parmi les fantômes, Jacob Marley tient une place à part, car il a bien été un homme, la copie conforme de Scrooge, et son statut d'esprit ne lui enlève en rien sa condition passée. Comme lui, il a connu l'obsession de l'argent, l'indifférence à autrui, sa condition présente n'étant que la réplique de son aliénation d'autrefois : les chaînes qui le retiennent aujourd'hui sont celles-là mêmes qui entravaient son cœur et bridaient ses employés ou ses débiteurs. À ce titre, il sert à la fois de repoussoir et de catalyseur.
Les autres esprits appartiennent au surnaturel : ils représentent des notions abstraites, le temps passé, le temps présent, le temps futur ; le premier, en réveillant les souvenirs enfouis, déclenche le revirement de Scrooge qui permet de redresser le deuxième et annihiler le troisième. En somme, si Marley ne reflète que lui-même et ses erreurs passées, et par jeu de miroir, celles de son ancien collègue, ses compères jouissent d'un statut bien supérieurs, ni hommes ni dieux, allégories morales douées de pédagogie, sachant doser leurs effets, monter en puissance et se relayer au moment crucial, alors que leur pseudo-victime, en fait un pécheur qu'ils ont mission de sauver, résiste de moins en moins et se révèle mûr pour l'assaut final[37].
 Restent les Cratchit, représentant l'humanité telle qu'elle devrait être, sortes d'allégories eux aussi, à la fois victimes et vainqueurs, triomphant des rigueurs sociales par la vertu de leur âme et l'amour qui les anime. Rien d'étonnant que Dickens ait bâti tout un échafaudage pathétique autour d'eux, façon de mettre en relief les anti-Scrooge et Marley qu'ils sont et de les proclamer héros de cette lutte entre le bien et le mal : incarnation du premier, ils triomphent du second comme passivement, sans lutter, par leur simple exemple. Si conte de fées il y a, c'est chez eux qu'il se déroule, les fantômes n'ayant servi que de révélateurs des vertus qu'ils portent[37].
 Pour autant, à se référer au stéréotype du conte de fées que représentent l’œuvre des frères Grimm, celles de Charles Perrault et de Hans Christian Andersen[38], Un chant de Noël, malgré ses aspects fantastiques et surnaturels, échappe à cette catégorie. Si les fantômes n'apparaissent et s'évanouissent que lorsque sonnent les heures à l'horloge, si le récit se termine bien, en particulier pour les enfants de l'histoire, Tiny Tim qui en est l'un des pivots et le petit garçon des rues promu au rang de protégé, il s'adresse essentiellement aux adultes, avec des acteurs âgés ou morts, des puissances surnaturelles restant sans substance, et il faut attendre la fin pour échapper à la terreur qu'engendre la rudesse de Scrooge et, par voie de conséquence, l'obséquiosité craintive de son employé[39].
 Cependant, le changement du vieil avare en un homme ouvert à la détresse d'autrui ne s'effectue pas en une démarche intérieure spontanée. Il y faut l'intervention de l'irrationnel, si bien que le monde réel est sans cesse remis en question par le monde surnaturel[40]. Dickens a conscience du danger que représente cette intrusion[40] et, dès l'incipit, il s'adresse au lecteur soupçonneux pour l'assurer que « Marley était mort, pour commencer. Là-dessus, pas l’ombre d’un doute », répétant avec insistance que « Marley était mort : ce point est hors de doute, et ceci doit être parfaitement compris ; autrement l’histoire que je vais raconter ne pourrait rien avoir de merveilleux »[33]. Ainsi, l'apparence de la tradition orale est conservée : une sorte de conversation s'installe entre lecteur et narrateur, avec des apostrophes telles que « Mind! » (« Vous comprenez ? »)[34] ou une question posée et une réponse apportée : « Scrooge savait-il qu’il fût mort ? Sans contredit. Comment aurait-il pu en être autrement[33] ? ».
 De plus, Dickens prend garde que Scrooge tente jusqu'au bout de s'expliquer en termes rationnels les étranges apparitions qui l'assaillent[40] : lorsque le visage de Marley se dessine dans le marteau de la porte, il n'est que « surpris » (startled), puis se débarrasse du problème avec un haussement d'épaules (Pooh, Pooh!) avant que, « se sentant un grand besoin de repos, soit par suite de l’émotion qu’il avait éprouvée, des fatigues de la journée, de cet aperçu du monde invisible, ou de la triste conversation du spectre, soit à cause de l’heure avancée, il alla droit à son lit, sans même se déshabiller, et s’endormit aussitôt »[33]. « Foutaises ! » reste à l'ordre du jour, répété neuf fois en une page[33], ce qui oblige le narrateur à feindre le désarroi : « Non, il n'y croyait toujours pas, même maintenant […] ce ne saurait être qu'un désordre des sens »[33]. Cette posture narrative, alignant le scepticisme supposé du lecteur sur le rationalisme du protagoniste, fait que l'histoire doit basculer, comme l'écrit Harry Stone, « de la tête vers le cœur »[39].
 
Dickens a écrit dans la préface de l'édition originale :  « Je me suis efforcé dans ce petit livre fantomatique, de soulever un fantôme d'idée qui ne mettra pas les lecteurs de mauvaise humeur, ni envers eux-mêmes, ni leurs proches, ni le temps de l'année, ni moi-même. Qu'elle hante plaisamment leur foyer et que personne ne songe à s'en débarrasser. Leur loyal serviteur et ami, C. D., décembre 1843. »
 L'accent est mis sur l'agréable, de pair avec la saison de l'année. Pourtant, le conte n'est pas essentiellement festif et pose de nombreuses questions tant de société que d'ordre personnel.
 Un chant de Noël a été écrit en même temps que Martin Chuzzlewit avec lequel il partage ses principaux thèmes, les deux œuvres traitant essentiellement de l'égoïsme[41]. Scrooge, comme Anthony et Jonas Chuzzlewit, est obsédé par l'argent, et la charité, d'abord absente du conte, n'est satiriquement incarnée dans le roman que par l'acariâtre fille de Seth Pecksniff[41]. La déférence dont témoigne Bob Cratchit envers son patron se voit caricaturée dans l'admiration aveugle que Tom Pinch porte à son usurpateur de maître. Les deux histoires concernent aussi un changement radical, la soudaine mutation de Scrooge en homme de bien et la longue avancée du jeune Martin vers l'identification et l'admission de son égocentrisme[41]. Toutefois, alors que la conversion de Scrooge le réintègre dans la communauté des hommes, dénouement éminemment positif, l'avenir du jeune Martin ne s'irradie pas de semblable lumière. Tout juste est-il, avec Mary Graham, autorisé à rejoindre le groupe amical mais limité de Tom Pinch et de sa sœur Ruth, qu'a intégré John Westlock, et en fin de compte le Chuzzlewit converti reste tout aussi égoïste qu'avant sa conversion. Dans l'un, l'intense jubilation de la réussite, dans l'autre la médiocrité du succès, le conteur offrant avec Noël « de lumineuses vacances au romancier englué dans les ténèbres »[41].
 La simplicité du récit, sa structure sans ramification en trois parties qu'encadrent un prologue et un épilogue, la soudaine conversion du protagoniste en une seule nuit, ce schématisme a incité certains critiques à déplorer le manque de réalisme du conte. Dans le vrai monde, disent-ils, Tiny Tim serait mort et Scrooge aurait pris son temps pour parvenir à une saine appréciation des choses. Tel n'est pas le but que poursuit Dickens, remarque Paul Davis, il a souhaité reprendre une vieille comptine et lui donner ce qu'il a appelé « un statut plus élevé ». À cette fin, il s'est coulé dans l'imaginaire du conte de fées et a rendu son histoire intemporelle, comme ancrée dans la culture populaire « à la manière de Cendrillon ou du Petit Chaperon rouge »[31], effet renforcé par le ton bonhomme (avuncular) du narrateur, évoquant la tradition orale des légendes ancestrales[31].
 Cependant, le conte n'est pas exempt d'ambiguïté et, même avant sa conversion, écrit Paul Davis, Scrooge se révèle être plus qu'un stéréotype d'avare[31]. C'est un homme disert, non sans humour, critiquant avec entrain les adeptes de la fête et affichant une indignation trop appuyée pour ne pas devenir suspecte : « Si je pouvais en faire à ma tête, […] tout imbécile qui court les rues avec un gai Noël sur les lèvres serait mis à bouillir dans la marmite avec son propre pouding et enterré avec une branche de houx au travers du cœur. C’est comme ça »[33]. Son ardeur empressée à discourir avec son neveu Fred, puis les deux représentants de l'association caritative, témoigne que, s'il paraît « fermé comme une huître », son passé n'est pas exempt de souffrance : la mort de sa sœur bien-aimée par exemple, la perte de son amour surtout[31]. Tout l'art de Dickens consiste à subvertir discrètement le commentaire du narrateur par le comportement même du personnage qui en est l'objet, épaississant ainsi progressivement sa psychologie et élaborant un regard virant peu à peu à la compassion. D'ailleurs, cette sympathie souterraine se confirme au grand jour lorsqu'il partage l'exultation d'un Scrooge cabriolant et pris d'« un rire splendide, un des rires les plus magnifiques, le père d’une longue, longue lignée de rires éclatants », ravi d'apprendre de la bouche du petit garçon des rues, désormais qualifié de « très intelligent »[42], qu'en définitive il n'a pas raté la fête[42],[31].
 
Un adjectif, répété à la fin en leitmotiv, résume l'attitude du protagoniste, la morale de l'intrigue et la nature même de l'histoire, c'est wonderful (« merveilleux ») : « Wonderful party, wonderful games, wonderful unanimity, won-der-ful happiness! »[N 6] : tout est merveilleux dans ce conte, le surnaturel, la révélation de Scrooge, sa rédemption, la fête qu'il célèbre désormais :  « Il n’eut plus de commerce avec les esprits ; mais il en eut beaucoup plus avec les hommes, cultivant ses amis et sa famille tout le long de l’année pour bien se préparer à fêter Noël, et personne ne s’y entendait mieux que lui : tout le monde lui rendait cette justice[36]. »
  « Merveilleux », ainsi, s'applique à la morale même de l'épilogue qui par là jure avec la convention du roman victorien distribuant bons et mauvais points. Si Tiny Tim vit et se régale d'une dinde deux fois grosse comme lui, si Bob Cratchit obtient une augmentation de ses appointements, si le petit garçon des rues se transforme en jeune ami, nul blâme infligé, nul prix à payer pour le responsable des maux de naguère : sans résistance, Scrooge se mue en grand-père ordinaire et généreux ; « Et pour Tiny Tim, qui ne mourut PAS  [sic], [il] fut pour lui un second père »[42], le vieil avare indifférent et brutal s'oblitérant de lui-même, ce qui n'est pas le moindre miracle de cette histoire.
 Au cœur du conte, en effet, Dickens a un message à faire passer[43] : une société dont les maîtres ne se préoccupent que de rentabilité sans se soucier du bien-être général est une société mortifère[41]. Scrooge ne sait rien de son employé, hormis le misérable salaire qu'il lui verse chaque semaine[31]. Cette indifférence le rend responsable du manque de soins dont souffre le petit Tim, puisque son père, qui travaille de longues heures chaque jour, n'a pas de quoi les payer[31]. Son obsession pour l'argent, écrit Paul Davis, l'a enchaîné au tiroir-caisse et a bardé les jambes de l'enfant d'un corset de fer, « quincaillerie objectifiant sa dureté »[31].
Avec le merveilleux, Dickens exprime ses préoccupations sociales concernant tous les petits Tim, ces milliers d'enfants vivant dans le dénuement, la saleté et la maladie, si bien que la moitié seulement atteint l'âge de 10 ans. Il a œuvré pour l'éducation et, en particulier, les Ragged Schools, gratuites et offrant un minimum d'instruction, y compris et à son regret, religieuse, le tout orienté vers l'acquisition d'un savoir-faire pratique[N 7],[44]. Ces enfants apparaissent sous la forme de deux allégories, le garçonnet « Ignorance », la fillette « Besoin », le premier portant sur son front le terrible mot « condamné » (doom). En effet, la mort programmée du jeune Tiny Tim est destinée à choquer autant qu'émouvoir : Michael Patrick Hearn rapporte qu'un spectateur bostonien avait remarqué en 1867 que le passage relatant cet événement avait « fait sortir tant de mouchoirs des poches qu'on eût dit une tempête de neige entrée sans billet dans la salle »[45].
 
Se pose aussi le problème du « sabbatarianisme », doctrine prêchant la stricte observance du dimanche réservé à la pratique religieuse[46]. Déjà en 1836, Dickens avait publié un pamphlet sur le sujet, Sunday Under Three Heads (« Dimanche sous trois têtes »)[47], sous le pseudonyme de Timothy Sparks, dénonçant un projet de loi visant à interdire toute récréation dominicale[N 8],[48]. Pour lui, il s'agit d'une nouvelle hypocrisie des classes dirigeantes, déguisée en piété pour accentuer leur domination sur les plus pauvres. Le dimanche, écrit-il en substance, est le seul jour où ils peuvent se divertir, ce que font leurs exploiteurs toute la semaine. Dans Un chant de Noël, cette préoccupation s'exprime par le dialogue de Scrooge avec l'Esprit du temps présent :  « Esprit, dit Scrooge après un instant de réflexion, je m’étonne alors que, parmi tous les êtres qui remplissent les mondes situés autour de nous, des esprits comme vous se soient chargés d’une commission aussi peu charitable : celle de priver ces pauvres gens des occasions qui s’offrent à eux de prendre un plaisir innocent […] Pardonnez-moi, si je me trompe. Cela se fait en votre nom ou, du moins, au nom de votre famille, dit Scrooge. ― Il y a, répondit l’esprit, sur cette terre où vous habitez, des hommes qui ont la prétention de nous connaître et qui, sous notre nom, ne font que servir leurs passions coupables, l’orgueil, la méchanceté, la haine, l’envie, la bigoterie et l’égoïsme ; mais ils sont aussi étrangers à nous et à toute notre famille que s’ils n’avaient jamais vu le jour. Rappelez-vous cela, et une autre fois rendez-les responsables de leurs actes, mais non pas nous[35]. »
 Pour autant, comme l'écrit Valerie Cunningham, Un chant de Noël s'inspire du message de l'Évangile : « La bonté devant habiter chacun, c'est, comme Jésus, se préoccuper discrètement du bien-être des hommes, en particulier, de ses voisins[49] ».
En cela, le conte adhère au schéma du Bildungsroman, fondé sur la rédemption du héros d'abord égaré[49]. Dans son récit autobiographique A Christmas Tree (« Le Sapin de Noël »), paru dans Household Words en décembre 1850, Dickens évoque le symbole de l'étoile de Noël : « Dans chaque tableau ou impression qu'inspire ce temps de l'année, que l'étoile brillant au faîte du toit des pauvres gens demeure l'étoile du monde chrétien tout entier […] que le cœur, la confiance de chaque enfant se tournent vers le Jésus de l'arbre de Noël […] et l'arbre nous dira les paroles eucharistiques du dernier souper […] : ceci commémore la loi de l'amour et de la bonté, de la pitié et de la compassion […][36]. » Célébrer Noël se fait donc sur ordre de Dieu, la fête annuelle étant érigée à la hauteur d'un véritable sacrement[50]. Même s'il s'agit d'un Noël, poursuit Valerie Cunningham, dont les agapes sont, elles aussi, une « obligation sacrée […] sacralisation sentant fort le terre-à-terre, nostalgie des bombances d'antan », la morale ultime reste que tout progrès, social ou personnel, passe par la mutation des esprits et des cœurs, l'accès individuel à la charité : alors, dans l'esprit de Dickens, « tel le Christ venu à Noël, le Ciel peut-il descendre sur la terre des hommes »[49].
 Stephen Skelton est même d'avis que le conte est souvent lu à contresens plutôt que le séculier, explique-t-il, c'est le sacré qu'il privilégie. Le livre est en effet serti d'allusions bibliques « désormais inaccessibles au lecteur moderne »[51] : d'abord son titre, loin de ritournelles comme Jingle Bells mais célébrant la naissance du Christ ; puis, lorsque Scrooge rappelle que Marley, transparent, n'a pas d'entrailles, il se réfère à l’Évangile selon Jean où il est question des « entrailles de la compassion », ce dont, évidemment, Marley est dépourvu ; de même, dans le nom « Cratchit », Dickens glisse cratch, antique appellation de la crèche ; enfin, Skelton divise le conte en quatre phases : le péché, le regret, le repentir, la rédemption, « voyage, précise-t-il, n'appartenant pas seulement à Scrooge, mais partage de tout un chacun »[51].
 Cette « philosophie de Noël », comme l'appelle Louis Cazamian[52] ou « philosophie du cantique », selon Dickens lui-même[53], s'est vue rappelée chaque Noël jusqu'en 1848, avec Les Carillons en 1844, Le Grillon du foyer en 1845, La Bataille de la vie en 1846 et L'homme hanté en 1848 : chaque fois, Dickens y célèbre les festivités, le repas, les danses, mimes et jeux, l'innocence enfantine, la nécessaire compassion envers autrui[52]. À ces nouvelles, se sont ajoutés, jusqu'en 1867, des numéros spéciaux de Household Words, puis de All the Year Round, les deux premiers relevant directement de Noël, les autres se focalisant plus sur le pouvoir de l'esprit à surmonter l'adversité et à retrouver l'espoir en la bonté, tous, cependant, « frappant l'accord de Noël » (striking the chord of Christmas), selon sa propre formulation lors de la préparation du numéro de 1852[54]. Noël a aussi occupé une place privilégiée dans nombre de ses romans : c'est chez les Wardle, lors d'une célébration de fin d'année digne des anciennes traditions que se ressourcent Mr Pickwick et ses hommes[55] ; la première rencontre de Pip avec Magwitch se situe juste avant le repas de Noël traditionnel de la famille Gargery[56] ; et Noël tient une place de choix dans le dernier roman pour accentuer le hiatus sévissant entre le sacré de l'occasion et le vide moral d'une société livrée à une parodie de célébration[57],[54].
 Catherine Waters écrit qu'Un chant de Noël a beaucoup contribué à cristalliser les vues de Dickens sur ce qu'elle appelle son « idéologie domestique »[58]. Son exaltation du « foyer » (hearth) comme valeur suprême se focalise autour d'un type de femme, retrouvée dans tous ses contes consacrés à Noël, celui de la petite ménagère se démenant pour offrir à sa famille le bonheur qu'elle attend : ainsi Dot Periwinkle dans Le Grillon du foyer, Mrs Cratchit dans Un chant de Noël, dont la gestion d'un logis plutôt exigu, mais rendu douillet par ses soins, illuminé par un âtre chaleureux et un souper alléchant, exalte sa vertu princeps[58]. D'ailleurs, lors de ses lectures du conte en public, Dickens, est-il rapporté, invitait ses auditeurs à se rassembler « autant que possible en un groupe d'amis pour écouter une histoire comme au coin du feu »[59]. Aussi s'est-il forgée toute une légende sur Dickens « l'apôtre de Noël »[60] et, le Noël suivant sa mort en 1870, toute la Grande-Bretagne s'est trouvée invitée à célébrer son conte « à la veillée, rideaux tirés, braises tisonnées, garçons et filles de retour de l'école réunis autour de l'âtre, et Père leur lisant cette petite légende enchanteresse »[61].
 « Merry Christmas! » (« Joyeux Noël ! ») ; c'est depuis la parution du Chant de Noël, écrit Cochrane, que le monde anglo-saxon se salue ainsi chaque 25 décembre en signe de ralliement[62]. D'après Standiford, le patronyme « Scrooge » s'est transformé en nom commun et l'exclamation « humbug » est devenue populaire[63]. Au printemps de 1844, The Gentleman's Magazine note une soudaine augmentation des dons aux institutions charitables, et Robert Lewis Stevenson, après avoir lu le conte en 1874, fait vœu de générosité. Thomas Carlyle, une fois le livre fermé, organise à l'instar de Scrooge deux dîners de fête pour des familles nécessiteuses[64]. Outre-Atlantique, un industriel nommé Fairhurst, après avoir assisté à une lecture publique à Boston en 1867, décide de fermer son usine chaque 25 décembre et de faire livrer une dinde à ses employés[65]. Au début du XXe siècle, la reine de Norvège envoie des cadeaux de Noël signés « Tiny Tim » aux petits londoniens handicapés, et selon Ruth Glancy, le conte se lit dans les tranchées de la Première Guerre mondiale[66].
 Ainsi, pour l'historien Ronald Hutton[67], la célébration de Noël telle qu'elle se pratique aujourd'hui doit beaucoup au renouveau enclenché par Dickens. Selon lui, le romancier a cherché à promouvoir la générosité personnelle aux dépens des admonitions de l'Église et de l'action communautaire des paroisses[67]. Sa vision d'ordre séculier, se surimposant à la pratique religieuse, a inauguré les rituels centrés autour du repas de fête, de la convivialité familiale et de l'échange de cadeaux[68]. À ce titre, Margaret Oliphant n'avait pas tort de souligner l'importance – mais elle le faisait de manière ironique – de la dinde, si abondamment distribuée après la conversion de Scrooge[69]. C'est ainsi qu'un simple conte, ne figurant pas parmi les meilleures œuvres de son auteur, d'abord écrit pour des raisons financières[69] et à l'origine conçu dans la tradition des morality tales des XVe siècle et XVIe siècle, offrant une allégorie de la rédemption mue par un pathos appuyé, en est venu à redéfinir l'esprit et l'importance d'une célébration de saison étouffée depuis l'emprise puritaine du XVIIe siècle[68].
 Comment expliquer cette longévité, s'interrogent toujours les critiques ? La réponse est simple, écrit Toby Young : inextricablement mêlé à la fête de Noël dans l'imaginaire collectif, le conte a survécu non par sa valeur intrinsèque mais en ce qu'il fait désormais partie, comme le single Merry Xmas Everybody! du groupe Slade, lancé en 1973[70], du rituel immuablement déroulé chaque 25 décembre[69]. En cela, il donne tort à George Orwell pour qui la longévité littéraire n'est pas un gage de mérite ; si une œuvre, même de médiocre envergure, écrit Toby Young, est promue au rang d'accessoire de fête populaire, de surcroît auréolée d'une connotation religieuse, elle se fraye un chemin à travers les rigueurs de la postérité et demeure en gloire[69].
 Lorsque Dickens entreprend Un chant de Noël, ce n'est plus un débutant. En 1843, s'il n'est âgé que de 31 ans, il a déjà publié, outre ses remarquables Esquisses de Boz (1833), Les Papiers posthumes du Pickwick Club d'avril 1836 à novembre 1837, Oliver Twist de février 1837 à avril 1839, Nicholas Nickleby d'avril 1838 à octobre 1839, Le Magasin d'antiquités d'avril 1840 à février 1841 et Barnaby Rudge du 13 février 1841 au 27 novembre 1841, tous romans considérés dès leur parution comme majeurs. Alors que le conte est en route, il poursuit Martin Chuzzlewit, autre œuvre d'envergure : c'est dire qu'il est déjà rompu à la technique du récit et qu'il s'est forgé une approche et un style romanesques bien à lui.
 En anglais, le titre original est : A Christmas Carol in Prose: Being a Ghost Story of Christmas (« Chant de Noël en prose : histoire de fantômes de Noël »). L'association de carol et de « prose » est en soi paradoxale : le genre appelle usuellement le vers avec ses cadences et ses rimes, le carol étant une chanson joyeuse traditionnelle destinée à la seule saison de Noël. Or, voilà un récit destiné à être lu et non récité, sans autre atour poétique que son découpage en couplets (staves). Et pourquoi le mélange « Noël » et « fantômes », d'autant qu'à l'époque la Nativité ne se déclinait pas en conte de fées ? Dickens, ici, signale d'emblée au lecteur que le propos est différent et qu'il lui faut s'attendre à une révélation inusitée[71].
 Le ton adopté par Dickens varie de scène en scène, passant de la férocité satirique lorsqu'il s'agit de Scrooge, au sentimentalisme appuyé chez les Cratchit. Deux exemples typiques sont l'entrevue entre l'avare et les deux messieurs venus demander une aumône, et le repas de Noël dans l'humble foyer de son employé.
 Dans la première, Dickens charge le vieil homme d'un raisonnement égoïste frisant l'imbécillité, les pauvres, selon lui, étant par nature destinés à l'hospice, la prison ou, mieux, la mort. Quoi qu'il arrive, la réponse ne varie pas : « Ce n’est pas ma besogne, répliqua Scrooge. Un homme a bien assez de faire ses propres affaires, sans se mêler de celles des autres. Les miennes prennent tout mon temps. Bonsoir, Messieurs. » Voyant clairement qu’il serait inutile de poursuivre leur requête, les deux étrangers se retirèrent[33]. » Le soin qu'apporte Dickens au choix des mots se détecte, par exemple, dans le contraste entre le simple « constat » (observation) du collecteur de fonds sur la condition des indigents et le conditionnel de Scrooge, would rather, signifiant que l'extinction de cette engeance parasite s'impose comme tout à fait souhaitable. Puis intervient le narrateur, entrant dans la conscience de l'avare, et, sans commentaire, le révélant « de plus en plus content de lui, et d’une humeur plus enjouée qu’à son ordinaire[33]. »[71].
 En revanche, la famille Cratchit semble idéalisée à l'extrême. Ici prévalent « le gentil, le beau, l'agréable » (nice), associés au « calme », au « succès », à la « perfection » en témoigne la scène du souper : ce cliché du bonheur familial, serti de commentaires en contraste du narrateur, quoique ancien, n'est pas ressenti comme excessif à l'époque victorienne ; au contraire, il est, au même titre que la satire ironique, un agent de révélation : le message est clair, les pauvres ne sont pas responsables de leur pauvreté, ce sont des êtres sensibles et sensés, capables de nobles sentiments. Le seul moyen de les comprendre et d'apprécier leurs vertus est de les fréquenter avec le respect dû à chaque être humain[71].
 S'impose d'emblée le choix des noms donnés aux personnages, peu nombreux ici : Scrooge, Bob et Tim Cratchit, Marley, les trois fantômes, le petit garçon des rues, quelques anonymes comme les deux messieurs venus quêter une aumône, le neveu Fred, enfin le maître de la fête, Mr Fezziwig. Chacun est choisi pour étiqueter celui qui le porte, par l'assemblage des syllabes, les connotations qu'elles appellent soit seules, soit en couple, les onomatopées, les allitérations et même le rythme du prénom et du nom associés[72].
 Ainsi, « Scrooge » ([skru:dʒ]) recèle « screw » qui, à l'époque, ne signifie que « visser » et le son [dʒ] qui accentue l'ampleur de ce monosyllabe n'en finissant pas de s'attarder. « Fred », le plus banal des prénoms, signale que son porteur n'est rien que naturel. « Cratchit » est plus complexe à analyser, ses deux composants étant très proches de mots signifiant « rebut », mais sans lui conférer pour autant ce statut, ce qui laisse à penser que, s'il l'est en effet pour les Scrooge de cette société, il n'en est rien en réalité : d'ailleurs, Tim, son petit garçon malade se voit nanti du qualificatif « Tiny » (« tout petit », « minuscule »), toujours accolé à son prénom et dont la connotation appelle la compassion et le soin protecteur offerts aux plus « petits » ; ainsi, ce prénom Tiny Tim se décline en trois syllabes, non seulement onomatopéiques, mais encadrées par deux toniques, la première, statique, sur Ti, la seconde, mélodique avec voix descendante, sur Tim, effet à la fois d'allongement et de repos, comme le retour à la tonique en musique après une échappée à la dominante. Appellation rassurante et même apaisante, en somme, signalant l'harmonie dont il est entouré et suggérant un destin moins cruel qu'il n'y paraît. De Marley, nom plutôt courant, il n'y a rien à dire sinon que, par sa banalité, il témoigne que même les plus insignifiants payent pour leurs erreurs passées, au même titre que les puissants, puisque ses chaînes l'entravent pour l'éternité. En revanche, Mr Fezziwig est une trouvaille de travestissement : il y a de la perruque (wig) en cet homme et quelque chose d'oriental (Fez) qui, en une période toujours portée vers les turqueries, ajoute à la somptuosité et l'allégresse des réjouissances dont il est le maître d'œuvre[72].
 Autre ressource dont Dickens a déjà éprouvé la vertu, la délégation d'autorité à un narrateur externe prêt à se délester lui-même d'une partie de ses prérogatives sur les trois fantômes de passage, chacun prenant tour à tour le récit en main sans que pour autant s'effacent complètement ni le conteur officiel ni l'auteur, tirant gentiment les ficelles et ne se privant pas de s'adresser au lecteur. Que l'omniscience siée aux esprits visiteurs va de soi puisque, naturellement doués d'ubiquité et de clairvoyance, ils convoquent le passé, le présent et même l'avenir, ce dernier restant virtuel à double titre, irréel par définition et, de par la conversion qu'entraîne son hypothèse, finalement remplacé par un présent à l'inverse du précédent. En fait, chacun d'eux joue le rôle de l'Asmodée de Lesage qui, dans Le Diable boiteux, soulève le toit des maisons pour y pénétrer et assister à ce qui s'y passe.
 Ainsi, Scrooge découvre ce que peut être la chaleur humaine d'un foyer chez les Cratchit célébrant la fête de la Nativité avec la simplicité qu'imposent leurs maigres ressources, mais dans la joie aimante d'une famille attentive et unie. Ses différents visiteurs le promènent beaucoup à travers les rues de la capitale, voyages au sein de la nuit striant le tohu-bohu, le va-et-vient, les cris et les senteurs[73]. Londres apparaît alors telle une planète inconnue : riches demeures jouxtant des îlots d'insigne pauvreté, luxe côtoyant la crasse, ciel noirci par les innombrables rejets des poêles à charbon, suie couvrant murs et trottoirs, égouts à ciel ouvert déversant leurs immondices dans le fleuve. Une foule bigarrée et bruyante, colporteurs, pickpockets, ivrognes, vagabonds, et partout la puanteur des corps mal lavés. Dans les maisons, l'ardeur du feu et la glace des pièces ; dehors, les voitures de louage, le bétail de passage, le fumier couvrant la chaussée[73]. Pour évoquer tout cela, Dickens emploie un vocabulaire précis, par exemple almshouse, à ne pas confondre avec workhouse, maisons de charité l'une et l'autre, mais la première privée et la seconde publique, blacking (« cirage »), constable (agent de la paix nommé par la paroisse), gammon (un commentaire sans queue ni tête), kith (le cercle des parents et amis), milliner (la modiste)[71].
 Outre les références historiques, celles aux hospices publics (workhouses)[33] ou à la New Poor Law (« Nouvelle loi sur les pauvres ») de 1834[33], Dickens appuie son récit sur des exemples littéraires ou relevant du patrimoine culturel national ou universel[71].
 Ainsi, il se réfère au premier couplet du cantique God Rest Ye Merry, Gentlemen[33], publié en Angleterre en 1823 dans Christmas Carols Ancient and Modern, compilation de William B. Sandys avec un incipit emprunté à William Hone dans Ancient Mysteries Described[74], dont voici le texte dans sa variante depuis la fin du XVIIIe siècle et sa traduction :
 Let nothing you dismay;
Remember Christ our Saviour,
Was born on Christmas-day;
To save our souls from Satan's power,
Which long time had gone astray:
 [74]. « Dieu vous garde gaillards, Gentlemen,
Ne laissez rien vous chagriner ;
Souvenez-vous que le Christ notre Sauveur
Est né le jour de Noël
Pour sauver nos âmes du pouvoir de Satan
Qui nous avait longtemps égarés :
Bonne nouvelle de réconfort et de joie ! »[75].
 En entendant l'hymne, Scrooge « saisit sa règle avec un geste si énergique que le chanteur s’enfuit épouvanté, abandonnant le trou de la serrure au brouillard et aux frimas »[34], plus sympathiques au goût de Scrooge.
 De même, au deuxième couplet, il évoque la danse Sir Roger de Coverley[76] que le vieux Fezziwig et sa dame exécutent gaillardement :
 « Mais le grand effet de la soirée, ce fut après le rôti et le bouilli, quand le ménétrier (un fin matois, remarquez bien, un diable d’homme qui connaissait bien son affaire : ce n’est ni vous ni moi qui aurions pu lui en remontrer !) commença à jouer « Sir Robert de Coverley ». Alors s’avança le vieux Fezziwig pour danser avec Mme Fezziwig. Ils se placèrent en tête de la danse. En voilà de la besogne ! vingt-trois ou vingt-quatre couples à conduire, et des gens avec lesquels il n’y avait pas à badiner, des gens qui voulaient danser et ne savaient ce que c’était que d’aller le pas[34]. »
 
Plusieurs des plus célèbres personnages des Mille et Une Nuits, un perroquet venu de Robinson Crusoé, les jumeaux abandonnés dans les bois, Valentin et Orson[77], l'un élevé en chevalier à la cour de Pépin le Bossu, l'autre grandissant dans une tanière d'ours avant d'être retrouvé par son frère, sont également mentionnés dans ce deuxième couplet, dévolu au passé de Scrooge, et plus particulièrement dans un passage lors d'une promenade aux rivages de l'enfance :  « Mais c’est Ali-Baba ! s’écria Scrooge en extase. C’est le bon vieil Ali-Baba, l’honnête homme ! Oui, oui, je le reconnais. C’est un jour de Noël que cet enfant là-bas avait été laissé ici tout seul, et que lui il vint, pour la première fois, précisément accoutré comme cela. Pauvre enfant ! Et Valentin, dit Scrooge, et son coquin de frère, Orson ; les voilà aussi. Et quel est son nom à celui-là, qui fut déposé tout endormi, presque nu, à la porte de Damas ; ne le voyez-vous pas ? Et le palefrenier du sultan renversé sens dessus dessous par les génies ; le voilà la tête en bas ! Bon ! traitez-le comme il le mérite ; j’en suis bien aise. Qu’avait-il besoin d’épouser la princesse ! »
Quelle surprise pour ses confrères de la Cité, s’ils avaient pu entendre Scrooge dépenser tout ce que sa nature avait d’ardeur et d’énergie à s’extasier sur de tels souvenirs, moitié riant, moitié pleurant, avec un son de voix des plus extraordinaires, et voir l’animation empreinte sur les traits de son visage ! « Voilà le perroquet ! continua-t-il ; le corps vert et la queue jaune, avec une huppe semblable à une laitue sur le haut de la tête ; le voilà ! « Pauvre Robinson Crusoé ! » lui criait-il quand il revint au logis, après avoir fait le tour de l’île en canot. « Pauvre Robinson Crusoé, où avez-vous été, Robinson Crusoé ? » L’homme, croyait rêver, mais non, il ne rêvait pas. C’était le perroquet, vous savez. Voilà Vendredi courant à la petite baie pour sauver sa vie ! Allons, vite, courage, houp[34] ! »
 Cette accumulation n'est assortie d'aucune explication, les lecteurs de Dickens étant familiers des œuvres citées, qu'ils soient hôtes des quartiers huppés ou des chaumières reculées. Voici Scrooge sous un jour nouveau : en l'ardeur de sa jeunesse revécue, il cite de mémoire des épisodes l'ayant à jamais imprégné : culture se donnant à voir comme populaire, habitants nommés d'après des personnages de légende, occurrences quotidiennes en décalque des œuvres du passé[78],[71].
 Paul Schlicke écrit que le personnage de Scrooge et son expression familière, Bah! Humbug! (« Bah, sottise ! »), sont universellement connus dans le monde anglo-saxon[25], et selon Philip Collins, l'histoire jouit d'un « statut institutionnel »[79]. Paul Davis évoque un « livre-culte » dont les très nombreuses adaptations successives reflètent l'évolution culturelle tant de la Grande-Bretagne que des États-Unis[4]. Pour une liste exhaustive des diverses adaptations dont a fait l'objet le conte de Dickens jusqu'en 2000, date de sa publication, se reporter à l'ouvrage de Fred Guida[80].
 Les adaptations ont été immédiates : en à peine plus de deux mois sont réalisées au moins huit mises en scène, celle d'Edward Stirling pour l'Adelphi, avec le célèbre acteur victorien O. Smith dans le rôle de Scrooge, présentée comme « ayant reçu l'aval de l'auteur »[81],[25]. Dickens lui-même en fait un « morceau de bravoure » de ses lectures publiques, inauguré à Birmingham fin décembre 1853 (trois heures de spectacle peu à peu réduites de moitié[25]) et encore repris lors de sa tournée d'adieu en 1870[82]. En dépit de cette pléthore de spectacles dès la parution, il n'en demeure pas moins, comme le note Philip Bolton, qu’Un chant de Noël est la seule œuvre de Dickens à avoir connu la plupart de ses adaptations au XXe siècle[83].
 Parmi les adaptations scéniques les plus remarquables, Paul Davis cite celles d'Edward Stirling (1843), de J. C. Buckstone (1901), de Bransby Williams (1928), de Maxwell Anderson (1954), de Barbara Fields (1977) et d'Israël Horovitz (1978)[31].
 Au cinéma se remarquent en particulier le film de 1935, Scrooge, la première version parlante, avec Sir Seymour Hicks, familier du rôle depuis de longues années au théâtre[N 9], ainsi que le magistral portrait d'un Scrooge tourmenté par Alastair Sim en 1951 dans un film de Brian Desmond Hurst, le Scrooge d'Albert Finney dans la version music-hall de 1970 (où Alec Guinness incarne Marley) et celui de George C. Scott dans la version télévisuelle de 1984. D'autres incarnations de Scrooge sont passées à la postérité, telles celles de Bransby Williams, de Lionel Barrymore, de Sir Ralph Richardson et de Patrick Stuart[80].
 L'histoire est si profondément ancrée dans la mémoire collective qu'elle ne cesse de faire l'objet d'adaptations, de transpositions, de pastiches, de parodies[31],[80].
 Le cinéma adapte l'histoire dès 1901 avec Scrooge; or Marley's Ghost de Walter R. Booth. Le cinéma muet transpose dès lors le conte à plusieurs reprises : A Christmas Carol en 1908 de la société Essanay, perdu, A Christmas Carol de J. Searle Dawley, Charles Kent et Ashley Miller en 1910, Scrooge de Leedham Bantock en 1913 et A Christmas Carol de Harold M. Shaw en 1914.
 La télévision s'intéresse à Un chant de Noël à partir de Noël 1947 et n'a pas cessé depuis[84]. De nombreuses séries télévisées en utilisent le canevas pour un épisode de Noël.
 Le court métrage A Christmas Carol réalisé en 1971 par Richard Williams a été récompensé par un Oscar du meilleur court métrage d'animation.
 En 1977, dans l'épisode 11 de la saison 4 de L'Homme qui valait trois milliards, intitulé Noël bionique (A Bionic Christmas Carol), le héros, Steve Austin (Lee Majors), se fait passer pour l'esprit du Noël futur auprès de Horton Budge (Ray Walston), afin de l'obliger à changer de comportement vis-à-vis de son entourage. En 1982, la société Burbank Films Australia produit un long métrage animé intitulé Un conte de Noël qui sort directement en vidéo. En 1983, le personnage de Scrooge, qui avait inspiré Carl Barks pour la création de Balthazar Picsou (Scrooge McDuck en anglais) en 1947, réapparaît dans le dessin animé Le Noël de Mickey (Mickey's Christmas Carol ), où l'oncle Picsou est Ebenezer Scrooge et Mickey Bob Cratchit[85],[86].
 On retrouve l'esprit de Dickens, dans la série télévisée Les Routes du Paradis (1984-1985), saison 1, épisode 13, sous le titre français On connaît la chanson, et sous le titre original Another Song for Christmas, avec comme acteurs principaux, Michael Landon, Victor French et Geoffrey Lewis. Dans cet épisode, on retrouve bien les trois esprits de Noël.
 En 1984 sont réalisés deux téléfilms. Le premier, au Royaume-Uni, A Christmas Carol, avec George C. Scott dans le rôle principal, est diffusé en novembre[87] ; l'autre, en France, Christmas Carol, adapté et mis en scène par Pierre Boutron, passe le 25 décembre sur TF1, avec Michel Bouquet dans le rôle d'Ebenezer Scrooge, pour lequel il reçoit un 7 d'or l'année suivante ; Pierre Clémenti est le fantôme des Noëls passés, Georges Wilson celui du Noël présent, Lisette Malidor celui du Noël futur, Pierre Olaf joue Bob Cratchit et Manuel Bonnet Scrooge jeune[88].
 En 1988, Fantômes en fête (Scrooged) est une comédie qui réadapte le conte à New York, à l'époque contemporaine, avec un côté méta : le Scrooge du film est un antipathique directeur de télévision voulant mettre en scène Un chant de noël à des fins commerciales[89],[80]. Dans un épisode de la série télévisée Code Quantum, Beckett se trouve opposé aux caprices d'un redoutable homme d'affaires qu'il compare à Scrooge. L'hologramme Al Calavicci décide alors de lui apparaître afin de jouer le rôle des trois fantômes et ainsi le faire changer.
En 1995, dans l'épisode L'Héritier de Burns de la série Les Simpson, Mr. Burns interpelle Bart dans la rue en lui demandant, comme dans Un chant de Noël, quel jour on est, et, toujours fidèle au conte, un enfant qui se croit interpellé répond qu'on est la veille de Noël. La série fit de nombreuses références au conte, la plus visible étant dans Père Noël sans frontières, où Lisa Simpson décrypte les thématiques du Chant de Noël et le fait que le conte est adapté dans tous les supports, même incongrus, tel Star Trek[90].
 Plusieurs programmes familiaux adaptent le conte : Noël chez les Muppets en 1992 avec les marionnettes du Muppet show et Michael Caine dans le rôle de Scrooge. Le film d'animation Charlie, le conte de Noël en 1998 (une aventure du chien Charlie)[31],[80]
 Dans la saison 2 de la série télévisée Xena, la princesse guerrière, l'épisode intitulé Solstice d'hiver (A Solstice Carol) en 1996 suit un scénario rappelant vaguement le conte de Dickens[85],[86].
 Dès le premier épisode (situé à Noël) de la série d'animation Futurama en 2000, apparaît un personnage récurrent, un enfant robot baptisé Tinny Tim, qui a une béquille, comme le vrai[85],[86]. Dans la série télévisée À la Maison-Blanche, la porte-parole du président Jed Bartlet, « CJ » Cregg, se compare à Ebenezer Scrooge, car elle a manqué la distribution des cadeaux.
 Le film d'animation, sorti directement en DVD en 2005, Bah, Humduck! A Looney Tunes Christmas met en scène Daffy Duck dans une histoire elle aussi inspirée par le conte[91].
 Le 8 décembre 2005, l'épisode 9 de la saison 5 de Smallville intitulé Lexmas (L'Esprit de Noël) donne à l'histoire d'Ebenezer Scrooge une conclusion différente de celle du conte : Lex Luthor, blessé par balles et tombé dans le coma, reçoit la visite du fantôme de sa mère. Elle lui montre un avenir où il s'est affranchi de l'influence de son père Lionel : il a épousé Lana et ils attendent un second enfant. C'est là une libre adaptation : il y a bien le fantôme, l'esprit de Noël (Clark distribue les cadeaux aux nécessiteux) et la décision du protagoniste de renoncer à ses ambitions pour écouter son cœur, mais seul le Noël à venir est visité, science-fiction oblige.
 En 2008, le téléfilm Barbie et la magie de Noël (Barbie in a Christmas Carol) reprend le conte, en transformant le vieil avare en jeune femme égoïste. Tous les personnages principaux sont féminisés : le fantôme de l'associé devient celui de feue la tante de l'héroïne, l'employé de Scrooge est sa costumière, les trois esprits sont trois femmes, Tiny Tim est une fillette malade rebaptisée « Tammy », mais le message reste identique[85],[86].
 En 2009, le film Hanté par ses ex (Ghosts of Girlfriends Past) avec Jennifer Garner et Matthew McConaughey s'inspire d'Un chant de Noël, mais en fait une comédie romantique. La même année, Catherine Tate réalise un sketch, Nan's Christmas Carol, où Joannie « Nan » Taylor (personnage provenant de son propre show The Catherine Tate Show) remplace Scrooge. Y apparaissent Ben Miller dans le rôle du fantôme du passé, David Tennant dans celui du présent et Roger Lloyd-Pack dans celui du futur.
 C'est en novembre de la même année que sort le long métrage d'animation, tourné en capture de mouvement 3D, Le Drôle de Noël de Scrooge, réalisé par Robert Zemeckis pour Disney, avec Jim Carrey dans huit rôles : Scrooge aux divers âges de sa vie et les trois esprits de Noël[92].
 L'épisode Le Fantôme des Noëls passés de la série britannique Doctor Who, diffusé le 25 décembre 2010 sur la BBC et le 24 décembre 2011 sur France 4, s'en inspire directement[93]. Dans cet épisode, c'est Kazran Sardick, interprété par Michael Gambon qui tient le rôle de Scrooge. Amy et Rory sont coincés sur un vaisseau dans une tempête nuageuse que génère une machine appartenant à Kazran. Le Docteur part à sa rencontre pour stopper la machine, mais comme Kazran refuse, il utilise le TARDIS pour se rendre dans son passé d'enfant et le lui fait revivre en vidéo, expérience qui modifie ses souvenirs. Amy y joue le fantôme du Noël présent et le Docteur celui du fantôme du Noël futur, présentant au jeune Kazran l'adulte qu'il deviendra. Dans l'épisode 15 de la troisième saison de La Vie de croisière de Zack et Cody, diffusée sur Disney Channel France, Le Conte de Noël de London (A London Carol)[94], l'arrogante London Tipton (Brenda Song) est déplacée dans le passé, le présent et le futur par le truchement de son miroir[85],[86].
 En 2012 est diffusé le téléfilm d'animation, mêlant images de synthèse et dessins traditionnels, Les Schtroumpfs, un chant de Noël ! avec le Schtroumpf grognon dans le rôle de Scrooge[95].
 L'épisode 8 de la saison 6 de la série d'animation My Little Pony : Les amies, c'est magique, La légende du feu chaleureux (A Hearth's Warming Tail), sorti en 2016, s'en inspire fortement ; on y voit Twilight Sparkle raconter à Starlight Glimmer un conte de Noël similaire au récit de Dickens. L'épisode entier est une réécriture de l'œuvre de Dickens, avec quelques adaptations et omissions, comme le personnage de Jacob Marley.
 Dans l'épisode 10 de la saison 2 de Trop cool, Scooby-Doo !, le titre est Scroogy Doo, d'après l'histoire, sauf que ce n'est pas Scrooge mais Véra qui découvre son passé, présent, futur ce qu'elle aurait pu faire si elle n'était pas dans la bande de Mystères Associés.
 En 2017, dans la série Glow, l'épisode « Joyeux GLOWël » (saison 3, épisode 10) montre un match de catch dont le thème est le conte de Dickens.
 En 2019, à l'occasion de Noël, la BBC diffuse la mini-série en 3 épisodes A Christmas Carol, basée sur le roman de Dickens et écrite par Steven Knight. Le rôle de Scrooge est interprété par Guy Pearce et celui de l'esprit des Noëls passés par Andy Serkis.
 En 2022, sort le film américain Spirited : L'Esprit de Noël, adaptation libre et modernisée. La même année, le film d'animation américano-britannique Scrooge : Un (mé)chant de Noël propose une nouvelle adaptation en images de synthèse.
 En 1890, Gustav Holst a composé une Suite pour chœur mixe et piano sur Un chant de Noël[96], et en 1910, il a repris le noël bien connu, God Rest Ye Merry, Gentlemen dans son Christmas Day - a choral fantasy on old carols[97], qui est mentionné au début du conte de Dickens lorsque, au premier couplet, Scrooge reçoit la visite inopportune d'un petit garçon venu chanter à sa porte.
 Deux opéras sont inspirés par Un chant de Noël, Mister Scrooge ou Shadows (Tiene) (1958–1959), du compositeur slovaque Ján Cikker, et A Christmas Carol (1978–1979) de Thea Musgrave[98].
 En 2002, Un chant de Noël est à nouveau adapté pour la scène par Rick Lombardo avec une chorégraphie spectaculaire de Ilyse Robbins sur une musique d'Anna Lackaff et Rick Lombardo[99],[100],[80].
 Le ballet Un chant de Noël est une adaptation en trois actes[101] de Christopher Gable sur une chorégraphie de Massimo Morricone et une musique de Carl Davis, en partie chantée par les danseurs. Le spectacle, avec Jeremy Kerridge, William Walker, Lorena Vidal, Royce Neagle, Steven Wheeler, le chœur du Northern Ballet Theatre, l'Orchestre philharmonique de la BBC sous la direction de John Pryce-Jones, est disponible en DVD[102]. Le Northern Ballet Theatre a repris le ballet en 2009, pour son quarantième anniversaire[103], et le rejoue à l'automne-hiver 2013[104].
 En 2008, le conte a été adapté en bande dessinée, sous le nom de Scrooge, aux éditions Delcourt dans leur collection « Jeunesse », avec Rodolphe comme scénariste et Estelle Meyrand comme dessinatrice. Le scénario est ainsi résumé : « Scrooge, un vieillard acariâtre, un vautour au cœur sec ignorant tout de l'humanité, reçoit le 24 décembre au soir la visite du fantôme de son défunt associé. Ce dernier lui fera vivre trois moments de sa vie, trois nuits de Noël – passée, présente et future – pour tenter de lui ouvrir les yeux et le cœur »[105].
 En 2008, dans la web-série française Noob, l'épisode 10 de la saison 1, épisode hors-série, s'appelle L'étrange noël de Dark Avenger, en référence à L'Étrange Noël de monsieur Jack. On y voit des joueurs en pères Noël, la petite fille aux allumettes, mais surtout, le Player Killer Dark Avenger rencontre trois PNJ qui sont les esprits de Noël et les suit dans une quête. Avec l'esprit des Noëls passés, il voit l'époque où, débutant, il subissait les moqueries des plus expérimentés ; avec celui du présent, il retrouve la terreur qu'il inspire aux autres à force de tuer pour se venger du tort qui lui a été fait ; l'esprit des Noëls à venir lui montre qu'il va causer la mort — en vrai — d'un joueur. À bout de tourment, ce joueur tombe à la renverse et se brise le cou. Mais, ici, l'expérience ne change pas Dark Avenger qui recommence à massacrer les avatars dès l'épisode suivant. 
 Un épisode de la web-série Epic Rap Battles of History fait s'affronter Donald Trump et Ebenezer Scrooge. Il s'agit en fait d'une adaptation du récit à la manière d'une rap battle, puisque Scrooge fait face ici à trois spectres : le premier représentant les hommes riches du passé, interprété par John Pierpont Morgan, le deuxième représentant des riches du présent, interprété par Jay-Z, et enfin le spectre des noëls futurs interprété par un personnage squelettique, probablement la mort elle-même.
 Les jeux vidéo s'emparent aussi du personnage de Scrooge.
Pour Noël 2006, les développeurs de Sony Online Entertainment intègrent à leur MMORPG EverQuest II un scénario de Noël (nommé Frostfell dans ce monde imaginaire), Frostfell 2006, reprenant les grandes lignes du conte, dans lequel chaque joueur devient, le temps de l'aventure, un équivalent local d'Ebenezer Scrooge.
 Dans son jeu vidéo Hunt: Showdown sorti en 2019, Crytek donnait la possibilité aux joueurs d'obtenir un personnage nommé Skinflint, inspiré de l'apparence d'Ebenezer Scrooge, en jouant l'évènement de Noël 2020.
 Publishing, coll. « The Nineteenth Century Series », 2008, 228 p. (ISBN 978-0-7546-6180-1).
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In Prose. Being a Ghost Story of Christmas, commonly known as A Christmas Carol, is a novella by Charles Dickens, first published in London by Chapman & Hall in 1843 and illustrated by John Leech. It recounts the story of Ebenezer Scrooge, an elderly miser who is visited by the ghost of his former business partner Jacob Marley and the spirits of Christmas Past, Present and Yet to Come. In the process, Scrooge is transformed into a kinder, gentler man.
 Dickens wrote A Christmas Carol during a period when the British were exploring and re-evaluating past Christmas traditions, including carols, and newer customs such as cards and Christmas trees. He was influenced by the experiences of his own youth and by the Christmas stories of other authors, including Washington Irving and Douglas Jerrold. Dickens had written three Christmas stories prior to the novella, and was inspired following a visit to the Field Lane Ragged School, one of several establishments for London's street children. The treatment of the poor and the ability of a selfish man to redeem himself by transforming into a more sympathetic character  are the key themes of the story. There is discussion among academics as to whether this is a fully secular story, or if it is a Christian allegory.
 Published on 19 December, the first edition sold out by Christmas Eve; by the end of 1844 thirteen editions had been released. Most critics reviewed the novella favourably. The story was illicitly copied in January 1844; Dickens took legal action against the publishers, who went bankrupt, further reducing Dickens's small profits from the publication. He subsequently wrote four other Christmas stories. In 1849 he began public readings of the story, which proved so successful he undertook 127 further performances until 1870, the year of his death. A Christmas Carol has never been out of print and has been translated into several languages; the story has been adapted many times for film, stage, opera and other media.
 A Christmas Carol captured the zeitgeist of the early Victorian revival of the Christmas holiday. Dickens acknowledged the influence of the modern Western observance of Christmas and later inspired several aspects of Christmas, including family gatherings, seasonal food and drink, dancing, games and a festive generosity of spirit.
 The book is divided into five chapters, which Dickens titled ""staves"".
 A Christmas Carol opens on a bleak, cold Christmas Eve in London, seven years after the death of Ebenezer Scrooge's business partner, Jacob Marley. Scrooge, an ageing miser, dislikes Christmas and refuses a dinner invitation from his nephew Fred. He turns away two men seeking a donation to provide food and heating for the poor and only grudgingly allows his overworked, underpaid clerk, Bob Cratchit, Christmas Day off with pay to conform to the social custom.
 That night Scrooge is visited at home by Marley's ghost, who wanders the Earth entwined by heavy chains and money boxes forged during a lifetime of greed and selfishness. Marley tells Scrooge that he has a single chance to avoid the same fate: he will be visited by three spirits and must listen or be cursed to carry much heavier chains of his own.
 The first spirit, the Ghost of Christmas Past, takes Scrooge to Christmas scenes of Scrooge's boyhood, reminding him of a time when he was more innocent. The scenes reveal Scrooge's lonely childhood at boarding school, his relationship with his beloved sister Fan, the long-dead mother of Fred, and a Christmas party hosted by his first employer, Mr Fezziwig, who treated him like a son. Scrooge's neglected fiancée Belle is shown ending their relationship, as she realises that he will never love her as much as he loves money. Finally, they visit a now-married Belle with her large, happy family on the Christmas Eve that Marley died. Scrooge, upset by hearing a description of the man that he has become, demands that the ghost remove him from the house.
 The second spirit, the Ghost of Christmas Present, takes Scrooge to a joyous market with people buying the makings of Christmas dinner and to celebrations of Christmas in a miner's cottage and in a lighthouse. Scrooge and the ghost also visit Fred's Christmas party. A major part of this stave is taken up with Bob Cratchit's family feast and introduces his youngest son, Tiny Tim, a happy boy who is seriously ill. The spirit informs Scrooge that Tiny Tim will die unless the course of events changes. Before disappearing, the spirit shows Scrooge two hideous, emaciated children named Ignorance and Want. He tells Scrooge to beware the former above all and mocks Scrooge's concern for their welfare.
 The third spirit, the Ghost of Christmas Yet to Come, shows Scrooge a Christmas Day in the future. The silent ghost reveals scenes involving the death of a disliked man whose funeral is attended by local businessmen only on condition that lunch is provided. His charwoman, laundress and the local undertaker steal his possessions to sell to a fence. When he asks the spirit to show a single person who feels emotion over his death, he is only given the pleasure of a poor couple who rejoice that his death gives them more time to put their finances in order. When Scrooge asks to see tenderness connected with any death, the ghost shows him Bob Cratchit and his family mourning the death of Tiny Tim. The ghost then allows Scrooge to see a neglected grave, with a tombstone bearing Scrooge's name. Sobbing, Scrooge pledges to change his ways.
 Scrooge awakens on Christmas morning a changed man. He makes a large donation to the charity he rejected the previous day, anonymously sends a large turkey to the Cratchit home for Christmas dinner and spends the afternoon at Fred's Christmas party. The following day he gives Cratchit an increase in pay, and begins to become a father figure to Tiny Tim. From then on Scrooge treats everyone with kindness, generosity and compassion, embodying the spirit of Christmas.
 The writer Charles Dickens was born to a middle-class family which got into financial difficulties as a result of the spendthrift nature of his father John. In 1824 John was committed to the Marshalsea, a debtors' prison in Southwark, London. Dickens, aged 12, was forced to pawn his collection of books, leave school and work at a dirty and rat-infested shoe-blacking factory. The change in circumstances gave him what his biographer, Michael Slater, describes as a ""deep personal and social outrage"", which heavily influenced his writing and outlook.[1]
 By the end of 1842 Dickens was a well-established author with six major works[n 1] as well as several short stories, novellas and other pieces.[2] On 31 December that year he began publishing his novel Martin Chuzzlewit as a monthly serial;[n 2] it was his favourite work, but sales were disappointing and he faced temporary financial difficulties.[3]
 Celebrating the Christmas season had been growing in popularity through the Victorian era.[4] The Christmas tree was introduced in Britain during the 18th century, and its use was popularised by Queen Victoria and Prince Albert.[5] In the early 19th century there had been a revival of interest in Christmas carols, following a decline in popularity over the previous hundred years. The publication of Davies Gilbert's 1823 work Some Ancient Christmas Carols, With the Tunes to Which They Were Formerly Sung in the West of England and William Sandys's 1833 collection Christmas Carols, Ancient and Modern led to a growth in the form's popularity in Britain.[6]
 Dickens had an interest in Christmas, and his first story on the subject was ""Christmas Festivities"", published in Bell's Weekly Messenger in 1835; the story was then published as ""A Christmas Dinner"" in Sketches by Boz (1836).[7] ""The Story of the Goblins Who Stole a Sexton"", another Christmas story, appeared in the 1836 novel The Pickwick Papers. In the episode, a Mr Wardle describes a misanthropic sexton, Gabriel Grub, who undergoes a Christmas conversion after being visited by goblins who show him the past and future.[8] Slater considers that ""the main elements of the Carol are present in the story"", but not yet in a firm form.[9] The story is followed by a passage about Christmas in Dickens's editorial Master Humphrey's Clock.[9] The professor of English literature Paul Davis writes that although the ""Goblins"" story appears to be a prototype of A Christmas Carol, all Dickens's earlier writings about Christmas influenced the story.[10]
 Dickens was not the first author to celebrate the Christmas season in literature.[11] Among earlier authors who influenced Dickens was Washington Irving, whose 1819–20 work The Sketch Book of Geoffrey Crayon, Gent. included four essays on old English Christmas traditions that he experienced while staying at Aston Hall near Birmingham.[12] The tales and essays attracted Dickens, and the two authors shared the belief that returning to Christmas traditions might promote a type of social connection that they felt had been lost in the modern world.[13]
 Several works may have had an influence on the writing of A Christmas Carol, including two Douglas Jerrold essays: one from an 1841 issue of Punch, ""How Mr. Chokepear Keeps a Merry Christmas"" and one from 1843, ""The Beauties of the Police"".[14] More broadly, Dickens was influenced by fairy tales and nursery stories, which he closely associated with Christmas, because he saw them as stories of conversion and transformation.[15]
 Dickens was touched by the lot of poor children in the middle decades of the 19th century.[16] In early 1843 he toured the Cornish tin mines, where he was angered by seeing children working in appalling conditions.[17] The suffering he witnessed there was reinforced by a visit to the Field Lane Ragged School, one of several London schools set up for the education of the capital's half-starved, illiterate street children.[18]
 In February 1843 the Second Report of the Children's Employment Commission was published. It was a parliamentary report exposing the effects of the Industrial Revolution upon working class children. Horrified by what he read, Dickens planned to publish an inexpensive political pamphlet tentatively titled, An Appeal to the People of England, on behalf of the Poor Man's Child, but changed his mind, deferring the pamphlet's production until the end of the year.[19] In March he wrote to Dr Southwood Smith, one of the four commissioners responsible for the Second Report, about his change in plans: ""you will certainly feel that a Sledge hammer has come down with twenty times the force—twenty thousand times the force—I could exert by following out my first idea"".[20]
 In a fundraising speech on 5 October 1843 at the Manchester Athenaeum, Dickens urged workers and employers to join together to combat ignorance with educational reform,[21] and realised in the days following that the most effective way to reach the broadest segment of the population with his social concerns about poverty and injustice was to write a deeply felt Christmas narrative rather than polemical pamphlets and essays.[22]
 By mid-1843 Dickens began to suffer from financial problems. Sales of Martin Chuzzlewit were falling off, and his wife, Catherine, was pregnant with their fifth child. Matters worsened when Chapman & Hall, his publishers, threatened to reduce his monthly income by £50 if sales dropped further.[23] He began A Christmas Carol in October 1843.[24] Michael Slater, Dickens's biographer, describes the book as being ""written at white heat""; it was completed in six weeks, the final pages being written in early December.[25] He built much of the work in his head while taking night-time walks of 15 to 20 miles (24 to 32 km) around London.[26] Dickens's sister-in-law wrote how he ""wept, and laughed, and wept again, and excited himself in a most extraordinary manner, in composition"".[27] Slater says that A Christmas Carol was
 intended to open its readers' hearts towards those struggling to survive on the lower rungs of the economic ladder and to encourage practical benevolence, but also to warn of the terrible danger to society created by the toleration of widespread ignorance and actual want among the poor.[16] George Cruikshank, the illustrator who had earlier worked with Dickens on Sketches by Boz (1836) and Oliver Twist (1838), introduced him to the caricaturist John Leech. By 24 October Dickens invited Leech to work on A Christmas Carol, and four hand-coloured etchings and four black-and-white wood engravings by the artist accompanied the text.[28] Dickens's hand-written manuscript of the story does not include the sentence in the penultimate paragraph ""... and to Tiny Tim, who did not die""; this was added later, during the printing process.[29][n 3]
 The central character of A Christmas Carol is Ebenezer Scrooge, a miserly London-based businessman,[30] described in the story as ""a squeezing, wrenching, grasping, scraping, clutching, covetous old sinner!""[31] Kelly writes that Scrooge may have been influenced by Dickens's conflicting feelings for his father, whom he both loved and demonised. This psychological conflict may be responsible for the two radically different Scrooges in the tale—one a cold, stingy and greedy semi-recluse, the other a benevolent, sociable man.[32] The professor of English literature Robert Douglas-Fairhurst considers that in the opening part of the book covering young Scrooge's lonely and unhappy childhood, and his aspiration for money to avoid poverty ""is something of a self-parody of Dickens's fears about himself""; the post-transformation parts of the book are how Dickens optimistically sees himself.[33]
 Scrooge could also be based on two misers: the eccentric John Elwes, MP,[34] or Jemmy Wood, the owner of the Gloucester Old Bank and also known as ""The Gloucester Miser"".[35] According to the sociologist Frank W. Elwell, Scrooge's views on the poor are a reflection of those of the demographer and political economist Thomas Malthus,[36] while the miser's questions ""Are there no prisons? ... And the Union workhouses? ... The treadmill and the Poor Law are in full vigour, then?"" are a reflection of a sarcastic question raised by the philosopher Thomas Carlyle, ""Are there not treadmills, gibbets; even hospitals, poor-rates, New Poor-Law?""[37][n 4]
 There are literary precursors for Scrooge in Dickens's own works. Peter Ackroyd, Dickens's biographer, sees similarities between the character and the elder Martin Chuzzlewit character, although the miser is ""a more fantastic image"" than the Chuzzlewit patriarch; Ackroyd observes that Chuzzlewit's transformation to a charitable figure is a parallel to that of the miser.[39] Douglas-Fairhurst sees that the minor character Gabriel Grub from The Pickwick Papers was also an influence when creating Scrooge.[40][n 5] It is possible that Scrooge's name came from a tombstone Dickens had seen on a visit to Edinburgh. The grave was for Ebenezer Lennox Scroggie, whose job was given as a meal man—a corn merchant; Dickens misread the inscription as ""mean man"".[42][n 6] This theory has been described as ""a probable Dickens hoax"" for which ""[n]o one could find any corroborating evidence"".[44]
 When Dickens was young he lived near a tradesman's premises with the sign ""Goodge and Marney"", which may have provided the name for Scrooge's former business partner.[45] For the chained Marley, Dickens drew on his memory of a visit to the Western Penitentiary in Pittsburgh, Pennsylvania, in March 1842, where he saw—and was affected by seeing—fettered prisoners.[37] For the character Tiny Tim, Dickens used his nephew Henry, a disabled boy who was five at the time A Christmas Carol was written.[46][n 7] The two figures of Want and Ignorance, sheltering in the robes of the Ghost of Christmas Present, were inspired by the children Dickens had seen on his visit to a ragged school in the East End of London.[18]
 The transformation of Scrooge is central to the story.[48] Davis considers Scrooge to be ""a protean figure always in process of reformation"";[49] Kelly writes that the transformation is reflected in the description of Scrooge, who begins as a two-dimensional character, but who then grows into one who ""possess[es] an emotional depth [and] a regret for lost opportunities"".[50] Some writers, including the Dickens scholar Grace Moore, consider that there is a Christian theme running through A Christmas Carol, and that the novella should be seen as an allegory of the Christian concept of redemption.[51][n 8] Dickens's biographer, Claire Tomalin, sees the conversion of Scrooge as carrying the Christian message that ""even the worst of sinners may repent and become a good man"".[54] Dickens's attitudes towards organised religion were complex;[n 9] he based his beliefs and principles on the New Testament.[53] His statement that Marley ""had no bowels"" is a reference to the ""bowels of compassion"" mentioned in the First Epistle of John, the reason for his eternal damnation.[57][n 10]
 Other writers, including Kelly, consider that Dickens put forward a ""secular vision of this sacred holiday"".[11] The Dickens scholar John O. Jordan argues that A Christmas Carol shows what Dickens referred to in a letter to his friend John Forster as his ""Carol philosophy, cheerful views, sharp anatomisation of humbug, jolly good temper ... and a vein of glowing, hearty, generous, mirthful, beaming reference in everything to Home and Fireside"".[58] From a secular viewpoint, the cultural historian Penne Restad suggests that Scrooge's redemption underscores ""the conservative, individualistic and patriarchal aspects"" of Dickens's ""Carol philosophy"" of charity and altruism.[59]
 Dickens wrote A Christmas Carol in response to British social attitudes towards poverty, particularly child poverty, and wished to use the novella as a means to put forward his arguments against it.[60] The story shows Scrooge as a paradigm for self-interest, and the possible repercussions of ignoring the poor, especially children—personified by the allegorical figures of Want and Ignorance.[61] The two figures were created to arouse sympathy with readers—as was Tiny Tim.[62] Douglas-Fairhurst observes that the use of such figures allowed Dickens to present his message of the need for charity without alienating his largely middle-class readership.[63]
 As the result of the disagreements with Chapman and Hall over the commercial failures of Martin Chuzzlewit,[64] Dickens arranged to pay for the publishing himself, in exchange for a percentage of the profits.[33] Production of A Christmas Carol was not without problems. The first printing was meant to have festive green endpapers, but they came out a dull olive colour. Dickens' publisher Chapman and Hall replaced these with yellow endpapers and reworked the title page in harmonising red and blue shades.[65] The final product was bound in red cloth with gilt-edged pages, completed only two days before the publication date of 19 December 1843.[66] Following publication, Dickens arranged for the manuscript to be bound in red Morocco leather and presented as a gift to his solicitor, Thomas Mitton.[67][n 11]
 Priced at five shillings (equal to £31 in 2024 pounds),[68] the first run of 6,000 copies sold out by Christmas Eve. Chapman and Hall issued second and third editions before the new year, and the book continued to sell well into 1844.[70] By the end of 1844 eleven more editions had been released.[71] Since its initial publication the book has been issued in numerous hardback and paperback editions, translated into several languages and has never been out of print.[72] It was Dickens's most popular book in the United States, and sold over two million copies in the hundred years following its first publication there.[52]
 The high production costs upon which Dickens insisted led to reduced profits, and the first edition brought him only £230 (equal to £29,000 in 2024 pounds)[68] rather than the £1,000 (equal to £124,000 in 2024 pounds)[68] he expected.[73] A year later, the profits were only £744, and Dickens was deeply disappointed.[64][n 12]
 According to Douglas-Fairhurst, contemporary reviews of A Christmas Carol ""were almost uniformly kind"".[75] The Illustrated London News described how the story's ""impressive eloquence ... its unfeigned lightness of heart—its playful and sparkling humour ... its gentle spirit of humanity"" all put the reader ""in good humour with ourselves, with each other, with the season and with the author"".[76] The critic from The Athenaeum, the literary magazine, considered it a ""tale to make the reader laugh and cry – to open his hands, and open his heart to charity even toward the uncharitable ... a dainty dish to set before a King.""[77] William Makepeace Thackeray, writing in Fraser's Magazine, described the book as ""a national benefit and to every man or woman who reads it, a personal kindness. The last two people I heard speak of it were women; neither knew the other, or the author, and both said, by way of criticism, 'God bless him!'""[74]
 The poet Thomas Hood, in his own journal, wrote that ""If Christmas, with its ancient and hospitable customs, its social and charitable observances, were ever in danger of decay, this is the book that would give them a new lease.""[78] The reviewer for Tait's Edinburgh Magazine—Theodore Martin, who was usually critical of Dickens's work[75]—spoke well of A Christmas Carol, noting it was ""a noble book, finely felt and calculated to work much social good"".[79] After Dickens's death, Margaret Oliphant deplored the turkey and plum pudding aspects of the book but admitted that in the days of its first publication it was regarded as ""a new gospel"", and noted that the book was unique in that it made people behave better.[75] The religious press generally ignored the tale but, in January 1844, Christian Remembrancer thought the tale's old and hackneyed subject was treated in an original way and praised the author's sense of humour and pathos.[80] The writer and social thinker John Ruskin told a friend that he thought Dickens had taken the religion from Christmas, and had imagined it as ""mistletoe and pudding – neither resurrection from the dead, nor rising of new stars, nor teaching of wise men, nor shepherds"".[81]
 There were critics of the book. The New Monthly Magazine praised the story, but thought the book's physical excesses—the gilt edges and expensive binding—kept the price high, making it unavailable to the poor. The review recommended that the tale should be printed on cheap paper and priced accordingly.[82] An unnamed writer for The Westminster Review mocked Dickens's grasp of economics, asking ""Who went without turkey and punch in order that Bob Cratchit might get them—for, unless there were turkeys and punch in surplus, someone must go without"".[83]
 Dickens had criticised the US in American Notes and Martin Chuzzlewit, making American readers reluctant to embrace his work, but by the end of the American Civil War, the book had gained wide recognition in American households.[84] In 1863 The New York Times published an enthusiastic review, noting that the author brought the ""old Christmas ... of bygone centuries and remote manor houses, into the living rooms of the poor of today"".[85]
 In January 1844 Parley's Illuminated Library published an unauthorised version of the story in a condensed form which they sold for twopence.[n 13] Dickens wrote to his solicitor
 I have not the least doubt that if these Vagabonds can be stopped they must. ... Let us be the sledge-hammer in this, or I shall be beset by hundreds of the same crew when I come out with a long story.[87] Two days after the release of the Parley version, Dickens sued on the basis of copyright infringement and won. The publishers declared themselves bankrupt and Dickens was left to pay £700 in costs.[88] The small profits Dickens earned from A Christmas Carol further strained his relationship with his publishers, and he broke with them in favour of Bradbury and Evans, who had been printing his works to that point.[16]
 Dickens returned to the tale several times during his life to amend the phrasing and punctuation. He capitalised on the success of the book by publishing other Christmas stories: The Chimes (1844), The Cricket on the Hearth (1845), The Battle of Life (1846) and The Haunted Man and the Ghost's Bargain (1848); these were secular conversion tales which acknowledged the progressive societal changes of the previous year, and highlighted those social problems which still needed to be addressed. While the public eagerly bought the later books, the reviewers were highly critical of the stories.[89]
 By 1849 Dickens was engaged with David Copperfield and had neither the time nor the inclination to produce another Christmas book.[90] He decided the best way to reach his audience with his ""Carol philosophy"" was by public readings.[91] During Christmas 1853 he gave a reading in Birmingham Town Hall to the Industrial and Literary Institute. He insisted that tickets be reserved for working-class attendees at quarter-price and the performance was a great success.[92][93][94] Thereafter, he read the tale in an abbreviated version 127 times, until 1870 (the year of his death), including at his farewell performance.[95]
 In the years following the book's publication, responses to the tale were published by W. M. Swepstone (Christmas Shadows, 1850), Horatio Alger (Job Warner's Christmas, 1863), Louisa May Alcott (A Christmas Dream, and How It Came True, 1882), and others who followed Scrooge's life as a reformed man – or some who thought Dickens had got it wrong and needed to be corrected.[96]
 The novella was adapted for the stage almost immediately. Three productions opened on 5 February 1844, one by Edward Stirling, A Christmas Carol; or, Past, Present, and Future, being sanctioned by Dickens and running for more than 40 nights.[97] By the close of February 1844 eight rival A Christmas Carol theatrical productions were playing in London.[75] The story has been adapted for film and television more than any of Dickens's other works.[98] In 1901 it was produced as Scrooge, or, Marley's Ghost, a silent black-and-white British film; it was one of the first known adaptations of a Dickens work on film, but it is now largely lost.[99] The story was adapted in 1923 for BBC radio.[100] It has been adapted to other media, including opera, ballet, animation, stage musicals and a BBC mime production starring Marcel Marceau.[101]
 Davis considers the adaptations have become better remembered than the original. Some of Dickens's scenes—such as visiting the miners and lighthouse keepers—have been forgotten by many, while other events often added—such as Scrooge visiting the Cratchits on Christmas Day—are now thought by many to be part of the original story. Accordingly, Davis distinguishes between the original text and the ""remembered version"".[102]
 The phrase ""Merry Christmas"" had been around for many years – the earliest known written use was in a letter in 1534 – but Dickens's use of the phrase in A Christmas Carol popularised it among the Victorian public.[103] The exclamation ""Bah! Humbug!"" entered popular use in the English language as a retort to anything sentimental or overly festive;[104] the name ""Scrooge"" became used as a designation for a miser and was added to the Oxford English Dictionary as such in 1982.[105]
 In the early 19th century the celebration of Christmas was associated in Britain with the countryside and peasant revels, disconnected to the increasing urbanisation and industrialisation taking place. Davis considers that in A Christmas Carol, Dickens showed that Christmas could be celebrated in towns and cities, despite increasing modernisation.[106] The modern observance of Christmas in English-speaking countries is largely the result of a Victorian-era revival of the holiday. The Oxford Movement of the 1830s and 1840s had produced a resurgence of the traditional rituals and religious observances associated with Christmastide and, with A Christmas Carol, Dickens captured the zeitgeist while he reflected and reinforced his vision of Christmas.[107]
 Dickens advocated a humanitarian focus of the holiday,[108] which influenced several aspects of Christmas that are still celebrated in Western culture, such as family gatherings, seasonal food and drink, dancing, games and a festive generosity of spirit.[109][n 14] The historian Ronald Hutton writes that Dickens ""linked worship and feasting, within a context of social reconciliation"".[110]
 The novelist William Dean Howells, analysing several of Dickens's Christmas stories, including A Christmas Carol, considered that by 1891 the ""pathos appears false and strained; the humor largely horseplay; the characters theatrical; the joviality pumped; the psychology commonplace; the sociology alone funny"".[111][112] The writer James Joyce considered that Dickens took a childish approach with A Christmas Carol, producing a gap between the naïve optimism of the story and the realities of life at the time.[112]
 Ruth Glancy, the professor of English literature, states that the largest impact of A Christmas Carol was the influence felt by individual readers.[113] In early 1844 The Gentleman's Magazine attributed a rise of charitable giving in Britain to Dickens's novella;[114] in 1874, Robert Louis Stevenson, after reading Dickens's Christmas books, vowed to give generously to those in need,[115] and Thomas Carlyle expressed a generous hospitality by hosting two Christmas dinners after reading the book.[116] In 1867 one American businessman was so moved by attending a reading that he closed his factory on Christmas Day and sent every employee a turkey,[75] while in the early years of the 20th century Maud of Wales – the Queen of Norway – sent gifts to London's crippled children signed ""With Tiny Tim's Love"".[117] On the novella, the author G. K. Chesterton wrote ""The beauty and blessing of the story ... lie in the great furnace of real happiness that glows through Scrooge and everything around him. ... Whether the Christmas visions would or would not convert Scrooge, they convert us.""[118]
 Analysing the changes made to adaptations over time, Davis sees changes to the focus of the story and its characters to reflect mainstream thinking of the period. While Dickens's Victorian audiences would have viewed the tale as a spiritual but secular parable, in the early 20th century it became a children's story, read by parents who remembered their parents reading it when they were younger. In the lead-up to and during the Great Depression, Davis suggests that while some saw the story as a ""denunciation of capitalism, ...most read it as a way to escape oppressive economic realities"".[119] The film versions of the 1930s were different in the UK and US. British-made films showed a traditional telling of the story, while US-made works showed Cratchit in a more central role, escaping the depression caused by European bankers and celebrating what Davis calls ""the Christmas of the common man"".[120] In the 1960s, Scrooge was sometimes portrayed as a Freudian figure wrestling with his past. By the 1980s he was again set in a world of depression and economic uncertainty.[120]
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Le Secret de la Petite Sirène,https://fr.wikipedia.org/wiki/Le_Secret_de_la_Petite_Sirène,"Pour les articles homonymes, voir La Petite Sirène (homonymie).
 Série La Petite Sirène La Petite Sirène 2 : Retour à l'océan(2000) 
 Pour plus de détails, voir Fiche technique et Distribution. modifier  Le Secret de la Petite Sirène ou La Petite Sirène : Ariel au commencement au Québec (The Little Mermaid: Ariel's Beginning) est le 109e long-métrage d'animation des studios Disney sorti en 2008.
 Il s'agit du troisième film d'une série comprenant La Petite Sirène (1989) et La Petite Sirène 2 : Retour à l'océan (2000), l'action se situe avant le premier film.
 Le Roi Triton, a interdit la musique du royaume à la suite de la mort de son épouse, la Reine Athéna. Mais Ariel, la plus jeune des sept filles du Roi Triton, se prend de passion pour les mélodies en tous genres. Elle tente alors de réhabiliter la musique au fond de l'océan.
 Le roi Triton et sa femme, la reine Athéna, règnent sur le royaume sous-marin d'Atlantica, rempli de musique et de rires. Ils ont sept jeunes filles : Attina, Alana, Adella, Aquata, Arista, Andrina et la plus jeune d'entre elles est Ariel. Un jour, alors que les sirènes se détendent dans un lagon au-dessus de la surface, Triton donne à sa femme Athéna une boîte à musique. Cependant, un navire pirate s'approche avec l'idée d’assassiner les sirènes. Tout le monde s'échappe, sauf Athéna, qui est tuée lorsqu'elle essaie de récupérer la boîte à musique. Triton est bouleversé par la mort de sa femme et jette la boîte à musique et interdit définitivement la musique à Atlantica.
 Dix ans plus tard, Ariel et ses sœurs vivent sous une routine stricte entretenue par leur gouvernante, Marina Del Ray et son assistant, Benjamin le lamantin. Marina déteste être la gouvernante des filles et aspire à être le conseiller de Triton, un emploi actuellement occupé par Sebastian le crabe. Ariel est frustrée par leur mode de vie actuel, ce qui l'amène à se disputer avec son père. Un jour, Ariel rencontre Polochon, un jeune poisson tropical qu'elle suit plus tard dans un club de musique clandestine. Elle est ravie de la présence de la musique et est choquée lorsqu'elle voit Sebastian se produire là-bas. Lorsque sa présence est révélée, tout le groupe arrête de jouer et se cache, croyant qu'Ariel en parlera à son père. Ariel chante une chanson expliquant son amour de la musique et le souvenir de sa mère, et elle rejoint le club avec un serment.
 Ariel retourne au palais et ses sœurs la confrontent à cause de sa disparition, elle explique où elle était et la nuit suivante, les filles vont au club pour s'amuser, Marina les trouve et elle rapporte l’existence du club de musique à Triton, qui détruit le club avec son trident. Sebastian, Polochon et le groupe sont envoyés en prison, tandis que Marina obtient le travail qu'elle veut. Les filles sont confinées au palais comme punition pour avoir écouté de la musique et Ariel dit que Triton n'aurait pas détesté la musique si sa mère était encore en vie. Elle nage dans la chambre, avec ses sœurs qui la suivent, et personne n'est heureux sauf Marina. Ce soir-là, Ariel libère ses amis et quitte Atlantica. Sébastien les conduit dans un endroit déserté loin du palais où Ariel trouve la boîte à musique d'Athéna, comme Sebastian l'espérait. Dans le royaume, Marina parle joyeusement à Triton de son nouveau travail, mais Attina informe Triton qu'Ariel à disparu et que Sebastian est parti aussi. Triton ordonne à ses gardes de trouver Ariel, ce qui met Marina en colère. Dans son repaire, Marina dit à Benjamin qu'elle libère ses anguilles électriques du donjon pour qu’ils tuent Sebastian et Ariel afin de garder son nouveau job. Ariel, Polochon et Sebastian décident de retourner à Atlantica pour apporter la boîte à musique à Triton, en espérant qu'il change d'avis, car il ne s'est pas souvenu de la façon d'être heureux après la mort d'Athéna.
 Avant qu'Ariel et ses amis ne retournent à Atlantica sur le chemin du retour, Marina et ses anguilles les trouve et essaye de les empêcher de restaurée la musique à Atlantica afin de conserver sa position au pouvoir, et une lutte s'ensuit. Polochon et Ariel sont sauvés des anguilles électriques de Marina par le groupe. Alors que Triton arrive à temps en voyant qu'Ariel a aidé le groupe à vaincre les anguilles en les faisant s'emmêler, Marina se dirige vers Sebastian et essaie de le tuer, mais Ariel bloque son chemin, se faisant frapper durant la manœuvre, et tombe, apparemment mort. Triton en est témoin et se blâme. Il chante les paroles de ""La chanson d'Athena"", et Ariel se relève. Triton s'excuse auprès d'Ariel de ne pas l'avoir écoutée et l'envoie chez elle au palais pendant que ses gardes arrêtent Marina pour les crimes qu'elle a commis. Le lendemain, grâce à Ariel, Triton restaure la musique à Atlantica et nomme Sebastian comme premier compositeur officiel de la cour d'Atlantica, pour le plus grand plaisir de tous. Tout le monde, y compris Ariel et ses sœurs et leurs amis Polochons et Sebastian, se réjouissent pendant que Marina se retrouve en prison.",856,"Accueil; Portails thématiques; Article au hasard; Contact; Débuter sur Wikipédia; Aide; Communauté; Modifications récentes; ; Rechercher; en savoir plus; Contributions; Discussion; Article; Discussion; Lire; Lire; Pages liées; Suivi des pages liées; Téléverser un fichier; Pages spéciales; ; La Petite Sirène (homonymie); ; Walt Disney Pictures; 2008; La Petite Sirène 2 : Retour à l'océan; ; Québec; long-métrage d'animation; studios Disney; La Petite Sirène; La Petite Sirène 2 : Retour à l'océan; James Michael Dooley; Walt Disney Pictures; DisneyToon Studios; Buena Vista Home Entertainment; anglais; États-Unis; Canada; 26; août; 2008; France; Belgique; 24; septembre; 2008; Jodi Benson; Sally Field; Samuel E. 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Originally published in 1837 as part of a collection of fairy tales for children, the story follows the journey of a young mermaid princess who is willing to give up her life in the sea as a mermaid to gain a human soul.
 The original story has been the subject of multiple analyses by scholars such as Jacob Bøggild and Pernille Heegaard, as well as the folklorist Maria Tatar. These analyses cover various aspects of the story, from interpreting the themes to discussing why Andersen chose to write a tragic story with a happy ending. It has been adapted to various media, including musical theatre, anime, ballet, opera, and film. There is also a statue portraying the mermaid in Copenhagen, Denmark, where the story was written and first published.
 The Little Mermaid lives in a Utopian underwater kingdom with her widowed father, the Sea King, her paternal grandmother, and her five older sisters, each one of them born a year apart. The Little Mermaid is fascinated by the world above the sea, and human beings, and keeps a statue of a human boy in her garden in the palace. Lonely and feeling isolated from her family, she yearns to explore the world above, and constantly asks her grandmother to tell her stories of humans.
 When a mermaid turns fifteen, she is permitted to swim to the surface for the first time to catch a glimpse of the world above. When the six mermaids become old enough, each of them visits the upper world one at a time every year. As each returns, the Little Mermaid listens longingly to their various descriptions of the world inhabited by human beings. The elder sisters, however, soon become jaded of the world above and are content to remain below the sea.
 When the Little Mermaid's turn comes, she rises up to the surface, watches a birthday celebration being held on a ship in honor of a handsome prince, and falls in love with him from a safe distance. A violent storm then hits, sinking the ship, and the Little Mermaid saves the prince from drowning. She delivers him unconscious to the shore near a temple. Here, the Little Mermaid waits until a young woman from the temple and her ladies-in-waiting find him. To her dismay, the prince never sees the Little Mermaid or even realizes that it was she who had originally saved his life.
 The Little Mermaid becomes melancholic and asks her grandmother if humans can live forever. Her grandmother explains that humans have a much shorter lifespan than mermaids (around 300 years), but that they have an eternal soul that lives on in heaven, while mermaids turn to sea foam at death and cease to exist.
 The Little Mermaid, longing for the prince and an eternal soul, visits the Sea Witch who lives in a dangerous part of the ocean, surrounded by a forest of polyps, mud, and whirlpools. Although the witch warns the Little Mermaid that her attempts to win the love of the prince are doomed, she willingly helps her by selling her a potion that gives her legs in exchange for her voice (her tongue), as the Little Mermaid has the most enchanting voice in the entire world. The witch warns the Little Mermaid that once she becomes a human, she will never be able to return to the sea. Consuming the potion will make her feel as if a sword is being passed through her body. When she recovers, she will have two human legs and will be able to dance as no human has ever danced before; however, the pain of losing her tail will never leave her: she will constantly feel as if she is walking on sharp knives, and her feet will bleed terribly. Moreover, she will obtain a soul only if she wins the love of the prince and marries him, for then a part of his soul will flow into her. Otherwise, at dawn on the first day after he marries someone else, the Little Mermaid will die with a broken heart and dissolve into sea foam upon the waves.
 After she agrees to the arrangement, the Little Mermaid swims up to the surface near the prince's castle and drinks the potion. The liquid feels like a sword piercing her body and she passes out on the shore, naked. She is found by the prince, who is mesmerized by her beauty and grace, even though he discovers that she is mute. Most of all, he likes to see her dance, and she dances for him despite suffering excruciating pain with every step. Soon, the Little Mermaid becomes the prince's favorite companion and accompanies him on many of his outings. As she is mute, he confides in her his deepest thoughts and feelings—but he does not fall in love with her at all: he regards her more as a pet than a person, and has her sleep on the floor outside his bedroom door.
 Despite the indifference of the prince and the agonising pain she constantly suffers, the Little Mermaid is happy. She loves exploring the world she was obsessed with for so long; every night she goes down to the seashore to bathe her tortured feet in the cold seawater. Her sisters come to her at night, along with their father and grandmother, and feel betrayed and heartbroken that she has left them. Although the Little Mermaid misses her family very much, she is happier in the human world than she was under the sea.
 When the prince's parents encourage him to marry the neighboring princess in an arranged marriage, the prince tells the Little Mermaid he will not because he does not love the princess. He goes on to say that he can only love the young woman from the temple, whom he believes rescued him. It turns out that the princess from the neighboring kingdom was the temple woman, as she was sent to the temple for her education. The prince declares his love for her, and the royal wedding is announced at once.
 The prince and princess celebrate their new marriage aboard a wedding ship, and the Little Mermaid's heart breaks. She thinks of all that she has sacrificed and of all the pain she has endured for the prince. She despairs, thinking of the death that awaits her, but before dawn, her sisters rise out of the water and bring her a dagger that the Sea Witch has given them in exchange for their long, beautiful hair. If the Little Mermaid kills the prince and lets his blood drip on her feet, she will become a mermaid once more, all her suffering will end, and she will live out her full life in the ocean with her family. However, the Little Mermaid cannot bring herself to kill the sleeping prince lying with his new wife, and she throws the dagger and herself off the ship into the water just as dawn breaks.
 Her body dissolves into foam, but instead of ceasing to exist, she feels the warm sun and discovers that she has turned into a luminous and ethereal earthbound spirit, a daughter of the air, and has regained the ability to speak. As the Little Mermaid ascends into the atmosphere, she is greeted by other daughters, who tell her she has become like them because she strove with all her heart to obtain an immortal soul.
 Because of the Little Mermaid's sacrifice, she is given a chance to do good deeds for all her lifespan (300 years like the merpeople) and she will receive her soul and rise up into Heaven when her lifespan ends.
 ""The Little Mermaid"" was written by Hans Christian Andersen in 1836 and first published by C.A. Reitzel in Copenhagen on 7 April 1837 in Fairy Tales Told for Children. First Collection. (Danish: Eventyr, fortalte for Børn. Første Samling.), a collection of nine fairy tales by Hans Christian Andersen.
 The story was republished on 18 December 1849 as a part of Fairy Tales. 1850 (Eventyr. 1850), and again on 15 December 1862 as a part of the first volume of Fairy Tales and Stories (Eventyr og Historier).[2]
 The ending with the mermaid's death and resurrection caused debate and critique. On the fact that children are told that their good behavior will help the mermaid earn her soul more quickly, but their bad behavior will add days to her time of service, P. L. Travers, author of Mary Poppins and noted folklore commentator, wrote, ""a year taken off when a child behaves; a tear shed and a day added whenever a child is naughty? Andersen, this is blackmail. And the children know it and say nothing. There's magnanimity for you.""[3][4]
 Other scholars like Jacob Bøggild and Pernille Heegaard notice the ending's shift away from tragedy as well. They point out that the events leading up to the mermaid's death should culminate in tragedy, but that the sudden twist allows the narrative to finish on a hopeful success. Bøggild and Heegaard argue that this disjointed ending was not the result of Andersen's sentimentality and religious beliefs—to which have been attributed his choice to stray from the tragic path in the rest of the narrative.  Rather, a conscious choice for ambiguity stemmed from Andersen's skepticism towards idealized physical and religious symbols.[5]
 However, other critics including Søren Baggesen and James Massengale have argued that the ending is not tacked on, but is a natural part of the story's structure as a religious narrative.[6] The working title of the story was ""Daughters of the Air"",[3] which are spirits who, as Andersen conceived them, can earn souls by doing three hundred years' worth of good deeds. At the end of the story, one of these spirits explains to the Little Mermaid that they do as many good things for humankind as they are able so that, at the end of those years, they can receive an immortal soul and ""take part in the happiness of mankind"".[7] The spirits also explain that because the Little Mermaid refused to kill the Prince and has spent so much time in pain while still doing good things for men, she has ""raised [herself] to the spirit-world"" and can participate in the three hundred years of good deeds alongside the Daughters of the Air.
 Andersen was influenced by Undine, another story of a mermaid gaining a soul through marriage, but felt that his ending was an improvement. In 1837, shortly after completing his manuscript, Andersen wrote to a friend, ""I have not, like de la Motte Fouqué in Undine, allowed the mermaid's acquiring of an immortal soul to depend upon an alien creature, upon the love of a human being. I'm sure that's wrong! It would depend rather much on chance, wouldn't it? I won't accept that sort of thing in this world. I have permitted my mermaid to follow a more natural, more divine path.""[8][9] Andersen was concerned that the story's meanings would appeal best to adults, but wrote in the foreword to Fairy Tales Told for Children, ""I dare presume, however, that the child will also enjoy it and that the denouement itself, plainly considered, will grip the child.""[10]
 In Maria Tatar's The Annotated Classic Fairy Tales, the transformation of the little mermaid from sea creature to mermaid in human form, and then to a creature of the air, is believed to reflect Andersen's constant engagement with mutability and changes in identity.[11] Tatar also suggests that the Little Mermaid did not give up everything for love alone. Tatar's interpretation of the tale is one that presents a rare heroine with an investigative curiosity which is shown through the mermaid's fascination with the unknown, the forbidden, and her intent on broadening her horizons from the start. Even before she sees the prince, she displays an intense longing to visit the world above the sea through her actions such as: arranging the flowers in her garden into the shape of the sun, listening to her grandmother and sisters' stories of the surface, and peeking in through the window of the prince's cabin during his birthday celebrations. Tatar argues that the mermaid wants, above all, to explore the world and discover things that are beyond what she already knows. The world above seems larger than her own and holds a greater range of possibilities to exercise her adventurous spirit. This is demonstrated in some versions of the story when the prince has a page boy's costume made for her so that she may ride on horseback and explore the land with him. Here, her willingness to cross-dress implies a willingness to transcend gender boundaries and take risks to be able to see the world. Tatar feels this also comments on Andersen's interests in changes in identity.[12]
 In her analysis, Virginia Borges concludes that the story contains a theme about love and self-sacrifice and the dangers of accepting abuse or inconsiderate treatment in the name of love.[13]
 Alienation, or feeling like an outsider , is also a theme of the tale. The Little Mermaid feels isolated throughout the story and struggles to find her place in the world. She feels that she does not belong in the world under the sea and is disconnected from her own people, but she does not feel that she belongs in the human world either, where she constantly suffers agonising pain and is treated as an animal or an amusement by the prince. [14][better source needed]
 The story could also be considered by whom?a cautionary tale, suggesting that  people should love what they already have, lest they lose it forever. The Little Mermaid has a beautiful home under the sea and a loving family, yet willingly abandons them to embark on an ill-fated quest to win the love of a man who never loves her in return. The Little Mermaid's endeavours to earn an immortal soul through the love of a prince are fraught with suffering from the beginning: she is constantly racked with horrific pain from losing her tail; the prince regards her as a plaything rather than a love interest; and on the evening of his wedding before the sun rises, the Little Mermaid laments the home and family she has left behind. She was warned by the Sea Witch that once she became a human, she would never be able to return to her home and she would die the day after the prince married someone else, but the Little Mermaid was heedless of the consequences and, thus, her home and family were lost to her as a result. [15][better source needed]
 Susan White interprets the story as the difficult liminal passage of the girl into the order of speech and social symbolism (power, politics, and agency) which is symbolically understood as masculine.[16]
 The artist Pen Dalton has made use of Laura Mulvey's interpretation of fetishism in art to link The Little Mermaid to the wearing of fetishistic clothes, and obsessive cosmetic surgery with masculine fears of loss.[17]
 The American writer Rictor Norton, in My Dear Boy: Gay Love Letters through the Centuries, and the German scholar Heinrich Detering, in Das offene Geheimnis (The Open Secret), theorize that The Little Mermaid was written as a love letter by Hans Christian Andersen to Edvard Collin.[18][19] This is based on a letter Andersen wrote to Collin, upon hearing of Collin's engagement to a young woman, around the same time that the Little Mermaid was written. Andersen wrote ""I languish for you as for a pretty Calabrian wench ... my sentiments for you are those of a woman. The femininity of my nature and our friendship must remain a mystery.""[20] Andersen also sent the original story to Collin.[21] Norton interprets the correspondence as a declaration of Andersen's homosexual love for Collin and describes The Little Mermaid as an allegory for Andersen's life.[22]
 In 1958, NBC began airing a new television show titled Shirley Temple's Storybook, an American children's anthology series that was hosted and narrated by actress Shirley Temple. The series features adaptations of fairy tales like Mother Goose and other family-oriented stories performed by well-known actors. The first season of sixteen black-and-white and colored episodes aired on NBC between 12 January 1958, and 21 December 1958, as Shirley Temple's Storybook. Thirteen episodes of the first season re-ran on ABC beginning on 12 January 1959.[23] The second season of twenty-five color episodes aired on NBC as The Shirley Temple Show between 18 September 1960, and 16 July 1961 in much the same format that it had under its original title.
 The show aired their adaptation of The Little Mermaid on 5 March 1961 as episode 22 during the show's second season. Shirley Temple herself played the mermaid. Unlike the original story, the mermaid does not give up her voice to become human, but she still fails to win the prince's heart when he falls in love with the princess who found him. In the end, when she cannot bring herself to kill the prince with the dagger, she prepares to throw herself into the sea. Neptune himself intervenes and says that for her selfless act, she has earned the right to become a mermaid again and rejoin her family, giving the story a happy ending.
 This 1976 Russian feature film was directed by Vladimir Bychkov and starred Viktoriya Novikova as the mermaid. The story is set in the 13th century. The mermaid saves the prince from drowning, after other mermaids mesmerize the sailors into crashing their ship onto the rocks. The prince is saved by a local princess under whose care he recovers. The mermaid seeks to marry the prince. A traveling handyman tries to help the mermaid in her love. He finds a local witch who changes her tail into legs in exchange for her hair. The prince marries the local princess and the mermaid is destined to die on the same day. The traveling handyman challenges the prince to a fight and is killed. His sacrifice spares the mermaid from death and her soul becomes eternal.
 Filmed in 1987, this installment of Shelley Duvall's Faerie Tale Theatre gives the Little Mermaid the name ""Pearl."" She lives under the sea with her father the king and her three older sisters.
 On her fifteenth birthday, she goes to the surface and sees a prince on a ship and falls in love with him while singing to him from the sea. Later, when the ship catches fire and the prince is thrown into the sea, Pearl rescues him and brings him to shore. There, she revives him and they kiss though he is not fully conscious and for him it is as a dream.  Pearl must return to the sea before he is fully awake.
 Pearl tells her family what happened and that she's in love with a mortal. They try to talk her out of it, but instead she goes to see the Sea Witch- who also tries to talk her out of it. Pearl is determined. She exchanges her voice for legs. If she cannot win the prince's love, she will turn into sea foam the morning after he weds another.
 Meanwhile the prince, still on the beach where Pearl brought him, is found by a princess of a neighboring kingdom, Amelia. The prince transfers his feelings of love for Pearl onto her, believing she is his rescuer, and they begin a courtship that they find each of their father's had hoped would happen so they could conjoin their kingdoms.
 The prince and Amelia are out walking when they come across Pearl, naked and newly-legged, on the shore. They bring her into the castle and learn she's mute, but charming.
 Pearl and the Prince kiss, but he apologizes. Eventually Amelia tells the Prince she knows Pearl is in love with him and asks him to speak to her. The Prince asks Pearl and she indicated to him it's true. The Prince tells her he loves her, but is not in love with her, and that he is marrying Amelia. Pearl is heartbroken.
 After The Prince weds Amelia, Pearl's sisters come to the surface and announce they've traded their hair to the sea witch in exchange for a dagger. Pearl must use it to kill the Prince and let his blood drip on her feet. Then, she will become a mermaid again and can go on living as she was.
 Pearl takes the dagger but cannot go through with it because she loves the Prince too much. Her body then disappears as expected but because she was pure of heart she did not disappear into sea foam but instead became a spirit of the air and watched over the royal couple for the rest of their long, happy lives.
 Disney's The Little Mermaid is a 1989 American animated musical fantasy romance film produced by Walt Disney Feature Animation and distributed by Buena Vista Pictures Distribution. Loosely based on the original tale, the 1989 Disney film tells the story of a mermaid princess named Ariel, who dreams of becoming human, especially after falling in love with a human prince named Eric. Written, produced, and directed by Ron Clements and John Musker, with music by Alan Menken and Howard Ashman (who also served as a co-producer), the film features the voices of Jodi Benson, Christopher Daniel Barnes, and Pat Carroll among others.
 The Little Mermaid was originally planned as part of one of Walt Disney's earliest feature films, a proposed package film featuring vignettes of Hans Christian Andersen tales.[24] Development started in the late 1930s but was delayed due to various circumstances.[25] In 1985, Ron Clements became interested in a film adaptation of The Little Mermaid while he was serving as a director on The Great Mouse Detective (1986).[26] Clements discovered the Hans Christian Andersen fairy tale while browsing through a bookstore.[27] Believing the story provided an ""ideal basis"" for an animated feature film and keen on creating a film that took place underwater,[26] Clements wrote and presented a two-page treatment of Mermaid to Disney CEO Jeffrey Katzenberg, who approved of the idea for possible development the next day. While in production in the 1980s, the staff by chance found the original story and visual development work done by Kay Nielsen for Disney's proposed 1930s Andersen feature.[24] Many of the changes made by the staff in the 1930s to Hans Christian Andersen's original story were coincidentally the same as the changes made by Disney writers in the 1980s.[27]
 In 2023, the 1989 film was adapted into a live-action remake.[28]
 A statue of The Little Mermaid sits on a rock in the Copenhagen harbor in Langelinie. This small and unimposing statue is a Copenhagen icon and tourist attraction.
 The statue was commissioned in 1909 by Carl Jacobsen, son of the founder of Carlsberg, after he had been fascinated by a ballet based on the fairy tale. The sculptor Edward Eriksen created the statue, which was unveiled on 23 August 1913. His wife, Eline Eriksen, was the model for the body. Ellen Price, the ballerina who danced the Little Mermaid in the 1909 Royal Danish Ballet production, was the model for the head and face.[29] The statue has been severely vandalized several times.[30]
 In May 2010, it was moved from its Copenhagen harbor emplacement for the first time ever, for transport to Expo 2010 in Shanghai, where it remained until 20 November 2010.[31]
 A statue of The Little Mermaid looks out over Larvotto beach in Monaco. She was created in 2000 by Kristian Dahlgard, with several layers of metal, in homage to the Danes who live in Monaco and for the late Prince Rainier III to mark the 50th year of his reign.",3975,"Main page; Contents; Current events; About Wikipedia; Help; Learn to edit; Community portal; Upload file; ; learn more; Article; Talk; Read; Read; Upload file; The Little Mermaid (1989 film); The Little Mermaid (2023 film); The Little Mermaid (disambiguation); Short story; Hans Christian Andersen; ; Edmund Dulac; Wikisource; Wikisource; Mary Howitt; Danish; fairy tale; Fairy Tales Told for Children. First Collection.; 7 April 1837; Danish; fairy tale; Hans Christian Andersen; mermaid; Maria Tatar; a statue; Copenhagen; Denmark; ; Utopian; underwater; human beings; garden; temple; ladies-in-waiting; soul; heaven; sea foam; Sea Witch; forest; polyps; mud; whirlpools; potion; mute; arranged marriage; ; dagger; spirit; daughter of the air; Copenhagen; Fairy Tales Told for Children. First Collection.; Danish; ; P. L. Travers; Mary Poppins; Undine; ; better source needed; cautionary tale; better source needed; Rictor Norton; Heinrich Detering; List of The Little Mermaid adaptations; Shirley Temple's Storybook; NBC; Shirley Temple's Storybook; children's; anthology series; Shirley Temple; re-ran; ABC; Neptune; The Little Mermaid (1976 Russian film); Faerie Tale Theatre; The Little Mermaid (1989 film); Disney's; animated; musical; fantasy; romance film; Walt Disney Feature Animation; Buena Vista Pictures Distribution; Ariel; Eric; Ron Clements; John Musker; Alan Menken; Howard Ashman; Jodi Benson; Christopher Daniel Barnes; Pat Carroll; Walt Disney; package film; The Great Mouse Detective; bookstore; treatment; Jeffrey Katzenberg; Kay Nielsen; a live-action remake; The Little Mermaid (statue); ; The Little Mermaid statue; Copenhagen; statue of The Little Mermaid; Langelinie; tourist attraction; Carl Jacobsen; Carlsberg; Edward Eriksen; Eline Eriksen; Ellen Price; Royal Danish Ballet; Expo 2010; Shanghai; Larvotto; Monaco; Prince Rainier III; Mermaids in popular culture; University of Southern Denmark; Libraries Unlimited; ISBN; ISBN; JSTOR; [usurped]; Laura Mulvey; ISBN; ISBN; Wikisource; Danish Royal Library; v; t; Hans Christian Andersen; Bibliography; Fairy Tales Told for Children. First Collection.; Fairy Tales Told for Children. New Collection; New Fairy Tales. 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Les Trois Brigands (film),https://fr.wikipedia.org/wiki/Les_Trois_Brigands_(film),"Pour les articles homonymes, voir Les Trois Brigands.
 
 Elena KreilJoachim KrólBela B.Charly HübnerKatharina Thalbach
 
 Pour plus de détails, voir Fiche technique et Distribution. modifier  Les Trois Brigands (Die drei Räuber) est un film d'animation allemand réalisé par Hayo Freitag, sorti en 2007.
 Il s'agit de l'adaptation de l'album jeunesse éponyme (Les Trois Brigands), écrit et illustré par Tomi Ungerer, publié en 1961. Le film a reçu le Prix du public du festival international du film d'animation d'Annecy en 2008.
 Dans un pays non nommé, trois brigands vêtus de noir sèment la terreur. Armés respectivement d'un tromblon, d'un soufflet rempli de poivre et d'une grande hache rouge, ils attaquent les diligences et en dévalisent les passagers. Mais un jour, ils attaquent une diligence qui ne contient qu'une unique passagère : Tiffany, une petite fille que l'on conduisait contre son gré à l'orphelinat.
 Pour échapper à son sort, elle fait croire aux trois brigands qu'elle est la fille d'un maharadja , et qu'ils gagneront donc beaucoup d'or à l'enlever. Ils emportent alors la jeune fille dans leur cachette et s'attachent rapidement à elle.
 Un court métrage d'animation de 5 minutes 50 secondes réalisé par Gene Deitch[1] qui se conformait fidèlement aux illustrations de Tomi Ungerer est sorti en 1972, film d'animation américain au titre original The Three Robbers. En France, il était disponible sur une VHS intitulée Les Trois Brigands et autres histoires pour avoir peur distribuée et édité par Gallimard Jeunesse en 1994[2].",242,Accueil; Portails thématiques; Article au hasard; Contact; Débuter sur Wikipédia; Aide; Communauté; Modifications récentes; ; Rechercher; en savoir plus; Contributions; Discussion; Article; Discussion; Lire; Lire; Pages liées; Suivi des pages liées; Téléverser un fichier; Pages spéciales; ; Les Trois Brigands; Hayo Freitag; Hayo Freitag; Achim von Borries; Tomi Ungerer; Joachim Król; Bela B.; Charly Hübner; Katharina Thalbach; ; Allemagne; animation; 2007; ; film d'animation; allemand; Hayo Freitag; 2007; l'album jeunesse; Les Trois Brigands; Tomi Ungerer; 1961; festival international du film d'animation d'Annecy; Hayo Freitag; Hayo Freitag; Achim von Borries; Tomi Ungerer; Hayo Freitag; Stefan Arndt; ; Allemagne; allemand; animation; Allemagne; 18; octobre; 2007; France; 19; décembre; 2007; France; Joachim Król; Bela B.; Charly Hübner; Katharina Thalbach; Tomi Ungerer; Tomi Ungerer; Saïd Amadis; Pascal Casanova; Jo Doumerg; Philippe Catoire; Gene Deitch; 1972; VHS; ; Portail du cinéma allemand; ; Portail de l’animation; ; Portail des années 2000; Catégories; Comédie allemande; Film allemand sorti en 2007; Film d'animation allemand; Adaptation d'une œuvre de jeunesse au cinéma; Tomi Ungerer; Article utilisant une Infobox; Page utilisant P1562; Page utilisant P1265; Page utilisant P2755; Page utilisant P4276; Page utilisant P2639; Page utilisant P5032; Page utilisant P345; Page utilisant P4282; Page utilisant P4947; Page pointant vers des bases externes; Page pointant vers des bases relatives à l'audiovisuel; Portail:Cinéma allemand/Articles liés; Portail:Cinéma/Articles liés; Portail:Allemagne/Articles liés; Portail:Europe/Articles liés; Portail:Animation/Articles liés; Portail:Arts/Articles liés; Portail:Années 2000/Articles liés; Portail:XXIe siècle/Articles liés; Portail:Époque contemporaine/Articles liés; Portail:Histoire/Articles liés; Droit d'auteur; crédits graphiques; comment citer les auteurs et mentionner la licence; 501(c)(3); À propos de Wikipédia; Avertissements,Catégories; Comédie allemande; Film allemand sorti en 2007; Film d'animation allemand; Adaptation d'une œuvre de jeunesse au cinéma; Tomi Ungerer,/static/images/icons/wikipedia.png; /static/images/mobile/copyright/wikipedia-wordmark-fr.svg; /static/images/mobile/copyright/wikipedia-tagline-fr.svg; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/a9/Logo_disambig.svg/20px-Logo_disambig.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/b/ba/Flag_of_Germany.svg/20px-Flag_of_Germany.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/3/38/Info_Simple.svg/12px-Info_Simple.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/b/ba/Flag_of_Germany.svg/20px-Flag_of_Germany.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/7/73/Blue_pencil.svg/10px-Blue_pencil.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/3/3e/Germany_film_clapperboard.svg/24px-Germany_film_clapperboard.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/d/da/Animation_disc.svg/26px-Animation_disc.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/c/c1/Blue_iPod_Nano.jpg/10px-Blue_iPod_Nano.jpg; https://login.wikimedia.org/wiki/Special:CentralAutoLogin/start?type=1x1; /static/images/footer/wikimedia-button.svg; /w/resources/assets/poweredby_mediawiki.svg,https://en.wikipedia.org/wiki/The_Three_Robbers,The Three Robbers,https://en.wikipedia.org/wiki/The_Three_Robbers,"The Three Robbers is a children's book by Tomi Ungerer. There was a 6-minute animated adaptation released in 1972 by Gene Deitch.
 Triplet brothers are very successful in their exploits as highwayman robbers: Dominik using his blunderbuss to intimidate coachmen and passengers, Felix using his pepper-blower to disorientate and blind the horses, while Maximus vandalizes and damages the carriage wheels with his red battle axe. But, one day the robbers intercept a carriage, only to find a lonely girl named Tiffany whose parents died and is being sent to live with a wicked aunt who runs an orphanage. Not wanting to go to the orphanage, Tiffany tricks the robbers into believing she was the daughter of a maharaja, and is carried off to their hideout. While Tiffany makes the robbers question what they intend to do with their amassed wealth, she helps them learn to read and write when they want to send a ransom letter. The robbers eventually learn Tiffany lied to them when they found her missing child poster. Tiffany is remorseful and leaves in shame to head to the orphanage.
 Tiffany encounters two runaway orphans along the way to the orphanage. From them she learns that Auntie places the children in mandatory child labor to harvest sugar beets and extract the sugar for her pastry-making machine to make her desserts. After secretly entering the orphanage while the runways are captured, Tiffany exposes Auntie's pastry hoard to the other orphans. Auntie was about to punish Tiffany when the robbers arrive, revealed to be runaway orphans themselves as they make amends with Tiffany. Auntie refuses to hand Tiffany over to the robbers before falling into her pastry-making vat in a fit of insanity and is turned into a cake which the orphans eat. The robbers then use their wealth to buy the orphanage, which becomes a haven for all uncared children; eventually growing into a large town with its residents revering the robbers.
 The book was adapted as a full-length feature film by Hayo Freitag, released in mid-2007 as Die Drei Rauber. This was adapted into a French version called Les Trois Brigands then an English one called Trick or Treaters, which removed the original narration by Tomi Ungerer along with cutting out some of the original movie to shorten it and added a Halloween theme with the new narrator.[1]
 The film received the second prize for Animated Feature Film or Video in the Adult Jury Prizes at the Chicago International Children's Film Festival in 2007,[2] and in 2008 and 2009 was awarded first prizes and audience awards at film festivals in Hamburg (Germany), Paris, Bordeaux, Annecy (France), Poznan (Poland), Bilbao (Spain), Brussels, Ghent (Belgium), Bucharest (Romania), and Toronto. It received the audience Award at the Annecy International Animated Film Festival, 2008. Trick or Treaters DVD was released on September 6, 2016 in United States.",476,Main page; Contents; Current events; About Wikipedia; Help; Learn to edit; Community portal; Upload file; ; learn more; Article; Talk; Read; Read; Upload file; ; verification; adding citations to reliable sources; Learn how and when to remove this message; Tomi Ungerer; Gene Deitch; highwayman; blunderbuss; pepper; blower; axe; maharaja; child labor; sugar beets; blunderbuss; Tomi Ungerer; Achim von Borries; Tomi Ungerer; Roger Jackson; Warner Bros. Pictures; Tomi Ungerer; Roger Jackson; Joachim Król; Bela B; Lex Lang; Charly Hübner; Michael Sorich; Katharina Thalbach; Erwin Leder; Chicago International Children's Film Festival; Annecy International Animated Film Festival; IMDb; IMDb; Children's literature portal; Categories; 2007 films; Children's novels; 1961 German novels; German animated films; 1972 films; German children's novels; German novels adapted into films; German children's films; 1961 children's books; French books; Fictional thieves; Male characters in literature; Male literary villains; 1970s German films; 2000s German films; Articles with short description; Short description is different from Wikidata; Articles needing additional references from August 2015; All articles needing additional references; Template film date with 1 release date; Creative Commons Attribution-ShareAlike 4.0 License; About Wikipedia; Disclaimers,Categories; 2007 films; Children's novels; 1961 German novels; German animated films; 1972 films; German children's novels; German novels adapted into films; German children's films; 1961 children's books; French books; Fictional thieves; Male characters in literature; Male literary villains; 1970s German films; 2000s German films,/static/images/icons/wikipedia.png; /static/images/mobile/copyright/wikipedia-wordmark-en.svg; /static/images/mobile/copyright/wikipedia-tagline-en.svg; //upload.wikimedia.org/wikipedia/en/thumb/9/99/Question_book-new.svg/50px-Question_book-new.svg.png; //upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/1/1d/Tom_Sawyer_1876_frontispiece.jpg/20px-Tom_Sawyer_1876_frontispiece.jpg; https://login.wikimedia.org/wiki/Special:CentralAutoLogin/start?type=1x1; /static/images/footer/wikimedia-button.svg; /w/resources/assets/poweredby_mediawiki.svg