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La fotografía corre a cargo de Emmanuel Lubezki, uno de los mexicanos más talentosos del ámbito del cine, quién nos tiene acostumbrados a imágenes hermosas, esta vez se encarga de retratar el caos, con toda la expresión de la palabra, recreada por un excelente diseño de producción, que detalla magistralmente, tanto la época como el estado anímico de la cinta; cada calle está atiborrada de basura, cada pared está rayada y a punto de desplomarse.

Una cinta que aporta algo nuevo a la ciencia ficción, demostrando que el género no solo está hecho para desplegar efectos especiales. Una obra maestra, futurista pero realista, dolorosa pero muy disfrutable.

Visiones fílmicas sobre el fin del mundo hay muchas y de todo tipo, desde catástrofes nucleares, epidemias mortales, hasta las mas improbables como invasiones extraterrestres y rebeliones robóticas. Pero la que se propone en Hijos del hombre, es una de las más realistas y escalofriantes que he visto en mucho tiempo? ¿Y qué tal si el hombre es su propio verdugo?¿Y que tal si un día la especie humana pierde la capacidad de reproducción? ¿Que tal que la persona mas joven del mundo tiene 18 años, no hay mas bebes ni niños a lo ancho del globo y las escuelas son edificios abandonados y cosa del pasado? ¿Que tal si vivieras en un mundo donde no existe la esperanza y sabes que cada día que vives la humanidad está agonizando? ¿Terrorífico no?Mucho mas si consideramos que la historia se desarrolla en el futuro cercano, el 2027, y el mundo está en crisis con brotes de violencia generalizada; un día como cualquier otro, la humanidad llora la muerte de Diego, la persona más joven del mundo, Theo (Clive Owen) camina desolado sin esperanza, hasta que su ex esposa se pone en contacto con él para pedirle un favor muy importante: que le ayude a conseguir un permiso para transportar a una joven hacia una ciudad en conflicto? una joven que milagrosamente está embarazada.Un guión conciso, directo, inteligente y brillante; nos adentra a éste panorama de desolación, concentrándose únicamente en el punto de vista humano, donde no aparecen científicos para explicarnos por que motivos las mujeres no pueden embarazarse, ni las pruebas que realizan para resolver la crisis, ni militares que nos expliquen por que la mayoría de las ciudades del mundo están envueltas en conflictos interminables. Por el contrario, vemos a través de los ojos de gente normal, como nosotros, que no les interesa escuchar explicaciones médicas, que prefieren evadir el tema y tratar de olvidarlo. Un guión exacto que por pequeñas dosis nos va revelando la situación completa en que se encuentra el mundo, que nos regala un momento de alegría antes de que, con una crueldad infinita, nos restriegue en la cara que ésta no es una película feliz.La fotografía corre a cargo de Emmanuel Lubezki, uno de los mexicanos más talentosos del ámbito del cine, quién nos tiene acostumbrados a imágenes hermosas, esta vez se encarga de retratar el caos, con toda la expresión de la palabra, recreada por un excelente diseño de producción, que detalla magistralmente, tanto la época como el estado anímico de la cinta; cada calle está atiborrada de basura, cada pared está rayada y a punto de desplomarse.Éste año, los tres directores mexicanos, más reconocidos en todo el mundo han estrenado una cinta, Guillermo del Toro (El Laberinto del Fauno), Guillermo Arriaga (Babel) y Alfonso Cuarón (Hijos del Hombre), y en base a éstas tres cintas, puedo asegurar, que el más talentoso de todos ellos es Cuarón, quien con esta excelente puesta en escena se reafirma como un director, quien a la par de los brillantes aspectos técnicos dota a sus cintas con una profundidad emotiva y temática. Realizando esta vez, una cinta que aporta algo nuevo a la ciencia ficción, demostrando que el género no solo está hecho para desplegar efectos especiales y que se pueden abordar temas tan serios como la esperanza perdida de la humanidad, simbolizada por la falta de niños en el mundo.Cuando yo era un niño, me enfermaba y me tenían que inyectar, mi Mamá me acercaba una almohada y me decía que la mordiera muy fuerte para que no sintiera tanto dolor, hubo varios momentos en esta cinta, en las que deseé tener una almohada para morderla, como en la pesadillesca y larga, larga secuencia, en la que los protagonistas tienen que cruzar una ciudad en guerra, en la que la cámara casi al ras del piso avanza, al igual que los personajes, ocultándose donde se pueda, donde incluso la sangre salpica la pantalla y lejos de "corregir" el detalle, las gotas de sangre se quedan ahí para hacernos mas dolorosa la vista.

Éste año, los tres directores mexicanos, más reconocidos en todo el mundo han estrenado una cinta, Guillermo del Toro (El Laberinto del Fauno), Guillermo Arriaga (Babel) y Alfonso Cuarón (Hijos del Hombre), y en base a éstas tres cintas, puedo asegurar, que el más talentoso de todos ellos es Cuarón, quien con esta excelente puesta en escena se reafirma como un director, quien a la par de los brillantes aspectos técnicos dota a sus cintas con una profundidad emotiva y temática.

Una cinta que aporta algo nuevo a la ciencia ficción, demostrando que el género no solo está hecho para desplegar efectos especiales. Una obra maestra, futurista pero realista, dolorosa pero muy disfrutable.

Visiones fílmicas sobre el fin del mundo hay muchas y de todo tipo, desde catástrofes nucleares, epidemias mortales, hasta las mas improbables como invasiones extraterrestres y rebeliones robóticas. Pero la que se propone en Hijos del hombre, es una de las más realistas y escalofriantes que he visto en mucho tiempo? ¿Y qué tal si el hombre es su propio verdugo?¿Y que tal si un día la especie humana pierde la capacidad de reproducción? ¿Que tal que la persona mas joven del mundo tiene 18 años, no hay mas bebes ni niños a lo ancho del globo y las escuelas son edificios abandonados y cosa del pasado? ¿Que tal si vivieras en un mundo donde no existe la esperanza y sabes que cada día que vives la humanidad está agonizando? ¿Terrorífico no?Mucho mas si consideramos que la historia se desarrolla en el futuro cercano, el 2027, y el mundo está en crisis con brotes de violencia generalizada; un día como cualquier otro, la humanidad llora la muerte de Diego, la persona más joven del mundo, Theo (Clive Owen) camina desolado sin esperanza, hasta que su ex esposa se pone en contacto con él para pedirle un favor muy importante: que le ayude a conseguir un permiso para transportar a una joven hacia una ciudad en conflicto? una joven que milagrosamente está embarazada.Un guión conciso, directo, inteligente y brillante; nos adentra a éste panorama de desolación, concentrándose únicamente en el punto de vista humano, donde no aparecen científicos para explicarnos por que motivos las mujeres no pueden embarazarse, ni las pruebas que realizan para resolver la crisis, ni militares que nos expliquen por que la mayoría de las ciudades del mundo están envueltas en conflictos interminables. Por el contrario, vemos a través de los ojos de gente normal, como nosotros, que no les interesa escuchar explicaciones médicas, que prefieren evadir el tema y tratar de olvidarlo. Un guión exacto que por pequeñas dosis nos va revelando la situación completa en que se encuentra el mundo, que nos regala un momento de alegría antes de que, con una crueldad infinita, nos restriegue en la cara que ésta no es una película feliz.La fotografía corre a cargo de Emmanuel Lubezki, uno de los mexicanos más talentosos del ámbito del cine, quién nos tiene acostumbrados a imágenes hermosas, esta vez se encarga de retratar el caos, con toda la expresión de la palabra, recreada por un excelente diseño de producción, que detalla magistralmente, tanto la época como el estado anímico de la cinta; cada calle está atiborrada de basura, cada pared está rayada y a punto de desplomarse.Éste año, los tres directores mexicanos, más reconocidos en todo el mundo han estrenado una cinta, Guillermo del Toro (El Laberinto del Fauno), Guillermo Arriaga (Babel) y Alfonso Cuarón (Hijos del Hombre), y en base a éstas tres cintas, puedo asegurar, que el más talentoso de todos ellos es Cuarón, quien con esta excelente puesta en escena se reafirma como un director, quien a la par de los brillantes aspectos técnicos dota a sus cintas con una profundidad emotiva y temática. Realizando esta vez, una cinta que aporta algo nuevo a la ciencia ficción, demostrando que el género no solo está hecho para desplegar efectos especiales y que se pueden abordar temas tan serios como la esperanza perdida de la humanidad, simbolizada por la falta de niños en el mundo.Cuando yo era un niño, me enfermaba y me tenían que inyectar, mi Mamá me acercaba una almohada y me decía que la mordiera muy fuerte para que no sintiera tanto dolor, hubo varios momentos en esta cinta, en las que deseé tener una almohada para morderla, como en la pesadillesca y larga, larga secuencia, en la que los protagonistas tienen que cruzar una ciudad en guerra, en la que la cámara casi al ras del piso avanza, al igual que los personajes, ocultándose donde se pueda, donde incluso la sangre salpica la pantalla y lejos de "corregir" el detalle, las gotas de sangre se quedan ahí para hacernos mas dolorosa la vista.

Realizando esta vez, una cinta que aporta algo nuevo a la ciencia ficción, demostrando que el género no solo está hecho para desplegar efectos especiales y que se pueden abordar temas tan serios como la esperanza perdida de la humanidad, simbolizada por la falta de niños en el mundo.

Una cinta que aporta algo nuevo a la ciencia ficción, demostrando que el género no solo está hecho para desplegar efectos especiales. Una obra maestra, futurista pero realista, dolorosa pero muy disfrutable.

Visiones fílmicas sobre el fin del mundo hay muchas y de todo tipo, desde catástrofes nucleares, epidemias mortales, hasta las mas improbables como invasiones extraterrestres y rebeliones robóticas. Pero la que se propone en Hijos del hombre, es una de las más realistas y escalofriantes que he visto en mucho tiempo? ¿Y qué tal si el hombre es su propio verdugo?¿Y que tal si un día la especie humana pierde la capacidad de reproducción? ¿Que tal que la persona mas joven del mundo tiene 18 años, no hay mas bebes ni niños a lo ancho del globo y las escuelas son edificios abandonados y cosa del pasado? ¿Que tal si vivieras en un mundo donde no existe la esperanza y sabes que cada día que vives la humanidad está agonizando? ¿Terrorífico no?Mucho mas si consideramos que la historia se desarrolla en el futuro cercano, el 2027, y el mundo está en crisis con brotes de violencia generalizada; un día como cualquier otro, la humanidad llora la muerte de Diego, la persona más joven del mundo, Theo (Clive Owen) camina desolado sin esperanza, hasta que su ex esposa se pone en contacto con él para pedirle un favor muy importante: que le ayude a conseguir un permiso para transportar a una joven hacia una ciudad en conflicto? una joven que milagrosamente está embarazada.Un guión conciso, directo, inteligente y brillante; nos adentra a éste panorama de desolación, concentrándose únicamente en el punto de vista humano, donde no aparecen científicos para explicarnos por que motivos las mujeres no pueden embarazarse, ni las pruebas que realizan para resolver la crisis, ni militares que nos expliquen por que la mayoría de las ciudades del mundo están envueltas en conflictos interminables. Por el contrario, vemos a través de los ojos de gente normal, como nosotros, que no les interesa escuchar explicaciones médicas, que prefieren evadir el tema y tratar de olvidarlo. Un guión exacto que por pequeñas dosis nos va revelando la situación completa en que se encuentra el mundo, que nos regala un momento de alegría antes de que, con una crueldad infinita, nos restriegue en la cara que ésta no es una película feliz.La fotografía corre a cargo de Emmanuel Lubezki, uno de los mexicanos más talentosos del ámbito del cine, quién nos tiene acostumbrados a imágenes hermosas, esta vez se encarga de retratar el caos, con toda la expresión de la palabra, recreada por un excelente diseño de producción, que detalla magistralmente, tanto la época como el estado anímico de la cinta; cada calle está atiborrada de basura, cada pared está rayada y a punto de desplomarse.Éste año, los tres directores mexicanos, más reconocidos en todo el mundo han estrenado una cinta, Guillermo del Toro (El Laberinto del Fauno), Guillermo Arriaga (Babel) y Alfonso Cuarón (Hijos del Hombre), y en base a éstas tres cintas, puedo asegurar, que el más talentoso de todos ellos es Cuarón, quien con esta excelente puesta en escena se reafirma como un director, quien a la par de los brillantes aspectos técnicos dota a sus cintas con una profundidad emotiva y temática. Realizando esta vez, una cinta que aporta algo nuevo a la ciencia ficción, demostrando que el género no solo está hecho para desplegar efectos especiales y que se pueden abordar temas tan serios como la esperanza perdida de la humanidad, simbolizada por la falta de niños en el mundo.Cuando yo era un niño, me enfermaba y me tenían que inyectar, mi Mamá me acercaba una almohada y me decía que la mordiera muy fuerte para que no sintiera tanto dolor, hubo varios momentos en esta cinta, en las que deseé tener una almohada para morderla, como en la pesadillesca y larga, larga secuencia, en la que los protagonistas tienen que cruzar una ciudad en guerra, en la que la cámara casi al ras del piso avanza, al igual que los personajes, ocultándose donde se pueda, donde incluso la sangre salpica la pantalla y lejos de "corregir" el detalle, las gotas de sangre se quedan ahí para hacernos mas dolorosa la vista.

Cuando yo era un niño, me enfermaba y me tenían que inyectar, mi Mamá me acercaba una almohada y me decía que la mordiera muy fuerte para que no sintiera tanto dolor, hubo varios momentos en esta cinta, en las que deseé tener una almohada para morderla, como en la pesadillesca y larga, larga secuencia, en la que los protagonistas tienen que cruzar una ciudad en guerra, en la que la cámara casi al ras del piso avanza, al igual que los personajes, ocultándose donde se pueda, donde incluso la sangre salpica la pantalla y lejos de "corregir" el detalle, las gotas de sangre se quedan ahí para hacernos mas dolorosa la vista.

Una cinta que aporta algo nuevo a la ciencia ficción, demostrando que el género no solo está hecho para desplegar efectos especiales. Una obra maestra, futurista pero realista, dolorosa pero muy disfrutable.

Visiones fílmicas sobre el fin del mundo hay muchas y de todo tipo, desde catástrofes nucleares, epidemias mortales, hasta las mas improbables como invasiones extraterrestres y rebeliones robóticas. Pero la que se propone en Hijos del hombre, es una de las más realistas y escalofriantes que he visto en mucho tiempo? ¿Y qué tal si el hombre es su propio verdugo?¿Y que tal si un día la especie humana pierde la capacidad de reproducción? ¿Que tal que la persona mas joven del mundo tiene 18 años, no hay mas bebes ni niños a lo ancho del globo y las escuelas son edificios abandonados y cosa del pasado? ¿Que tal si vivieras en un mundo donde no existe la esperanza y sabes que cada día que vives la humanidad está agonizando? ¿Terrorífico no?Mucho mas si consideramos que la historia se desarrolla en el futuro cercano, el 2027, y el mundo está en crisis con brotes de violencia generalizada; un día como cualquier otro, la humanidad llora la muerte de Diego, la persona más joven del mundo, Theo (Clive Owen) camina desolado sin esperanza, hasta que su ex esposa se pone en contacto con él para pedirle un favor muy importante: que le ayude a conseguir un permiso para transportar a una joven hacia una ciudad en conflicto? una joven que milagrosamente está embarazada.Un guión conciso, directo, inteligente y brillante; nos adentra a éste panorama de desolación, concentrándose únicamente en el punto de vista humano, donde no aparecen científicos para explicarnos por que motivos las mujeres no pueden embarazarse, ni las pruebas que realizan para resolver la crisis, ni militares que nos expliquen por que la mayoría de las ciudades del mundo están envueltas en conflictos interminables. Por el contrario, vemos a través de los ojos de gente normal, como nosotros, que no les interesa escuchar explicaciones médicas, que prefieren evadir el tema y tratar de olvidarlo. Un guión exacto que por pequeñas dosis nos va revelando la situación completa en que se encuentra el mundo, que nos regala un momento de alegría antes de que, con una crueldad infinita, nos restriegue en la cara que ésta no es una película feliz.La fotografía corre a cargo de Emmanuel Lubezki, uno de los mexicanos más talentosos del ámbito del cine, quién nos tiene acostumbrados a imágenes hermosas, esta vez se encarga de retratar el caos, con toda la expresión de la palabra, recreada por un excelente diseño de producción, que detalla magistralmente, tanto la época como el estado anímico de la cinta; cada calle está atiborrada de basura, cada pared está rayada y a punto de desplomarse.Éste año, los tres directores mexicanos, más reconocidos en todo el mundo han estrenado una cinta, Guillermo del Toro (El Laberinto del Fauno), Guillermo Arriaga (Babel) y Alfonso Cuarón (Hijos del Hombre), y en base a éstas tres cintas, puedo asegurar, que el más talentoso de todos ellos es Cuarón, quien con esta excelente puesta en escena se reafirma como un director, quien a la par de los brillantes aspectos técnicos dota a sus cintas con una profundidad emotiva y temática. Realizando esta vez, una cinta que aporta algo nuevo a la ciencia ficción, demostrando que el género no solo está hecho para desplegar efectos especiales y que se pueden abordar temas tan serios como la esperanza perdida de la humanidad, simbolizada por la falta de niños en el mundo.Cuando yo era un niño, me enfermaba y me tenían que inyectar, mi Mamá me acercaba una almohada y me decía que la mordiera muy fuerte para que no sintiera tanto dolor, hubo varios momentos en esta cinta, en las que deseé tener una almohada para morderla, como en la pesadillesca y larga, larga secuencia, en la que los protagonistas tienen que cruzar una ciudad en guerra, en la que la cámara casi al ras del piso avanza, al igual que los personajes, ocultándose donde se pueda, donde incluso la sangre salpica la pantalla y lejos de "corregir" el detalle, las gotas de sangre se quedan ahí para hacernos mas dolorosa la vista.

Si alguna vez le van a dar un premio Oscar a Martin Scorsese como Mejor Director, y reconocer por fin su excelente carrera, deberían dárselo de una vez, por su inmejorable trabajo en Los Infiltrados, la cinta que algunos la consideran ya, una obra maestra y un clásico de cine policíaco?

Una historia policiaca que Scorsese la transforma en una memorable muestra del genero.

Si alguna vez le van a dar un premio Oscar a Martin Scorsese como Mejor Director, y reconocer por fin su excelente carrera, deberían dárselo de una vez, por su inmejorable trabajo en Los Infiltrados, la cinta que algunos la consideran ya, una obra maestra y un clásico de cine policíaco? Y quizás esas aseveraciones no son tan aventuradas.En esta ocasión Scorsese, pone toda su maestría a la orden de una historia que transcurre en las calles de Boston, que podría ser una ciudad cualquiera, con lo que logra crear un dialogo directo con el público, que pocas veces se ve en su cine.Basada en la película taiwanesa Internal Affairs, la historia narra el ascenso de dos policías, uno (Di Caprio) infiltrado en las líneas de la sanguinaria mafia irlandesa, comandados ni más ni menos que por Costello (Jack Nicholson), y otro (Damon), cuya carrera en ascenso no es mas que con la intención de pasarle información a su propio jefe; Costello.A lo largo de la historia se narra como cada uno de los dos personajes se ven envueltos en las situaciones más complejas, llevándolos a vivir tratando de ocultar constantemente su verdadera identidad y jugándose el pellejo a cada minuto.El equipo de trabajo no podría ser inmejorable, Jack Nicholson, como el jefe omnipotente de la mafia, llenando a su personaje de un cinismo que raya en lo divertido, convirtiéndolo en toda una antitesis del Padrino de Marlon Brando. Leonardo Di Caprio realiza la mejor actuación de su carrera, muy por encima de su celebrado trabajo en El Aviador, convirtiéndose en el protagonista absoluto echándose al público a la bolsa con apenas unas cuantas escenas. Matt Damon, su contraparte, completa el trío y son respaldados por un muy buen reparto que incluye a Mark Wahlberg, Martin Shen, Alec Baldwin y la bella de la cinta, Vera Farmiga.La ciudad de Boston, sus calles, sus distintas locaciones, se convierten en un personaje mas, una atmósfera perfecta para que las acciones transcurran en el ambiente idóneo. Y es ahí en donde transcurre una de las escenas mas memorables, en un barrio chino, donde los personajes de Damon y Di Caprio, muy parecidos el uno del otro se persiguen mutuamente, tratando de descubrirse.Con esta cinta además, Scorsese vuelve a la habitual violencia que acostumbraba en sus primeras cintas, ese tipo de violencia en el que en menos de un minuto varios personajes han muerto con sus cabezas reventadas a balazos y esa violencia verbal con que permite que la palabra fuck se repita 236 veces. Y también es una de sus cintas con un ritmo desencadenado y una energía arrolladora, que parece ir dedicada a todos aquellos que creen que él es un director aburrido.El único detalle, que muchos podrían refutarle, es el final de la cinta, que seguramente divide al publico en dos, los que lo amaron y los que lo odiaron y que sin duda podría ser el tema de una larga discusión.En resumen, lo que parece ser una sencilla historia policíaca que algún día trasmitirán en el canal cinco un sábado por la noche, es en realidad un complicado, intenso e inteligente thriller, una cinta que sin duda será recordada por mucho tiempo, que en las manos de un director cualquiera pudo ser un refrito cualquiera, pero que en las manos de un artista experimentado y sabio, se vuelve en una obra imprescindible y memorable.

Y quizás esas aseveraciones no son tan aventuradas.

Una historia policiaca que Scorsese la transforma en una memorable muestra del genero.

Si alguna vez le van a dar un premio Oscar a Martin Scorsese como Mejor Director, y reconocer por fin su excelente carrera, deberían dárselo de una vez, por su inmejorable trabajo en Los Infiltrados, la cinta que algunos la consideran ya, una obra maestra y un clásico de cine policíaco? Y quizás esas aseveraciones no son tan aventuradas.En esta ocasión Scorsese, pone toda su maestría a la orden de una historia que transcurre en las calles de Boston, que podría ser una ciudad cualquiera, con lo que logra crear un dialogo directo con el público, que pocas veces se ve en su cine.Basada en la película taiwanesa Internal Affairs, la historia narra el ascenso de dos policías, uno (Di Caprio) infiltrado en las líneas de la sanguinaria mafia irlandesa, comandados ni más ni menos que por Costello (Jack Nicholson), y otro (Damon), cuya carrera en ascenso no es mas que con la intención de pasarle información a su propio jefe; Costello.A lo largo de la historia se narra como cada uno de los dos personajes se ven envueltos en las situaciones más complejas, llevándolos a vivir tratando de ocultar constantemente su verdadera identidad y jugándose el pellejo a cada minuto.El equipo de trabajo no podría ser inmejorable, Jack Nicholson, como el jefe omnipotente de la mafia, llenando a su personaje de un cinismo que raya en lo divertido, convirtiéndolo en toda una antitesis del Padrino de Marlon Brando. Leonardo Di Caprio realiza la mejor actuación de su carrera, muy por encima de su celebrado trabajo en El Aviador, convirtiéndose en el protagonista absoluto echándose al público a la bolsa con apenas unas cuantas escenas. Matt Damon, su contraparte, completa el trío y son respaldados por un muy buen reparto que incluye a Mark Wahlberg, Martin Shen, Alec Baldwin y la bella de la cinta, Vera Farmiga.La ciudad de Boston, sus calles, sus distintas locaciones, se convierten en un personaje mas, una atmósfera perfecta para que las acciones transcurran en el ambiente idóneo. Y es ahí en donde transcurre una de las escenas mas memorables, en un barrio chino, donde los personajes de Damon y Di Caprio, muy parecidos el uno del otro se persiguen mutuamente, tratando de descubrirse.Con esta cinta además, Scorsese vuelve a la habitual violencia que acostumbraba en sus primeras cintas, ese tipo de violencia en el que en menos de un minuto varios personajes han muerto con sus cabezas reventadas a balazos y esa violencia verbal con que permite que la palabra fuck se repita 236 veces. Y también es una de sus cintas con un ritmo desencadenado y una energía arrolladora, que parece ir dedicada a todos aquellos que creen que él es un director aburrido.El único detalle, que muchos podrían refutarle, es el final de la cinta, que seguramente divide al publico en dos, los que lo amaron y los que lo odiaron y que sin duda podría ser el tema de una larga discusión.En resumen, lo que parece ser una sencilla historia policíaca que algún día trasmitirán en el canal cinco un sábado por la noche, es en realidad un complicado, intenso e inteligente thriller, una cinta que sin duda será recordada por mucho tiempo, que en las manos de un director cualquiera pudo ser un refrito cualquiera, pero que en las manos de un artista experimentado y sabio, se vuelve en una obra imprescindible y memorable.

En esta ocasión Scorsese, pone toda su maestría a la orden de una historia que transcurre en las calles de Boston, que podría ser una ciudad cualquiera, con lo que logra crear un dialogo directo con el público, que pocas veces se ve en su cine.

Una historia policiaca que Scorsese la transforma en una memorable muestra del genero.

Si alguna vez le van a dar un premio Oscar a Martin Scorsese como Mejor Director, y reconocer por fin su excelente carrera, deberían dárselo de una vez, por su inmejorable trabajo en Los Infiltrados, la cinta que algunos la consideran ya, una obra maestra y un clásico de cine policíaco? Y quizás esas aseveraciones no son tan aventuradas.En esta ocasión Scorsese, pone toda su maestría a la orden de una historia que transcurre en las calles de Boston, que podría ser una ciudad cualquiera, con lo que logra crear un dialogo directo con el público, que pocas veces se ve en su cine.Basada en la película taiwanesa Internal Affairs, la historia narra el ascenso de dos policías, uno (Di Caprio) infiltrado en las líneas de la sanguinaria mafia irlandesa, comandados ni más ni menos que por Costello (Jack Nicholson), y otro (Damon), cuya carrera en ascenso no es mas que con la intención de pasarle información a su propio jefe; Costello.A lo largo de la historia se narra como cada uno de los dos personajes se ven envueltos en las situaciones más complejas, llevándolos a vivir tratando de ocultar constantemente su verdadera identidad y jugándose el pellejo a cada minuto.El equipo de trabajo no podría ser inmejorable, Jack Nicholson, como el jefe omnipotente de la mafia, llenando a su personaje de un cinismo que raya en lo divertido, convirtiéndolo en toda una antitesis del Padrino de Marlon Brando. Leonardo Di Caprio realiza la mejor actuación de su carrera, muy por encima de su celebrado trabajo en El Aviador, convirtiéndose en el protagonista absoluto echándose al público a la bolsa con apenas unas cuantas escenas. Matt Damon, su contraparte, completa el trío y son respaldados por un muy buen reparto que incluye a Mark Wahlberg, Martin Shen, Alec Baldwin y la bella de la cinta, Vera Farmiga.La ciudad de Boston, sus calles, sus distintas locaciones, se convierten en un personaje mas, una atmósfera perfecta para que las acciones transcurran en el ambiente idóneo. Y es ahí en donde transcurre una de las escenas mas memorables, en un barrio chino, donde los personajes de Damon y Di Caprio, muy parecidos el uno del otro se persiguen mutuamente, tratando de descubrirse.Con esta cinta además, Scorsese vuelve a la habitual violencia que acostumbraba en sus primeras cintas, ese tipo de violencia en el que en menos de un minuto varios personajes han muerto con sus cabezas reventadas a balazos y esa violencia verbal con que permite que la palabra fuck se repita 236 veces. Y también es una de sus cintas con un ritmo desencadenado y una energía arrolladora, que parece ir dedicada a todos aquellos que creen que él es un director aburrido.El único detalle, que muchos podrían refutarle, es el final de la cinta, que seguramente divide al publico en dos, los que lo amaron y los que lo odiaron y que sin duda podría ser el tema de una larga discusión.En resumen, lo que parece ser una sencilla historia policíaca que algún día trasmitirán en el canal cinco un sábado por la noche, es en realidad un complicado, intenso e inteligente thriller, una cinta que sin duda será recordada por mucho tiempo, que en las manos de un director cualquiera pudo ser un refrito cualquiera, pero que en las manos de un artista experimentado y sabio, se vuelve en una obra imprescindible y memorable.

Basada en la película taiwanesa Internal Affairs, la historia narra el ascenso de dos policías, uno (Di Caprio) infiltrado en las líneas de la sanguinaria mafia irlandesa, comandados ni más ni menos que por Costello (Jack Nicholson), y otro (Damon), cuya carrera en ascenso no es mas que con la intención de pasarle información a su propio jefe; Costello.

Una historia policiaca que Scorsese la transforma en una memorable muestra del genero.

Si alguna vez le van a dar un premio Oscar a Martin Scorsese como Mejor Director, y reconocer por fin su excelente carrera, deberían dárselo de una vez, por su inmejorable trabajo en Los Infiltrados, la cinta que algunos la consideran ya, una obra maestra y un clásico de cine policíaco? Y quizás esas aseveraciones no son tan aventuradas.En esta ocasión Scorsese, pone toda su maestría a la orden de una historia que transcurre en las calles de Boston, que podría ser una ciudad cualquiera, con lo que logra crear un dialogo directo con el público, que pocas veces se ve en su cine.Basada en la película taiwanesa Internal Affairs, la historia narra el ascenso de dos policías, uno (Di Caprio) infiltrado en las líneas de la sanguinaria mafia irlandesa, comandados ni más ni menos que por Costello (Jack Nicholson), y otro (Damon), cuya carrera en ascenso no es mas que con la intención de pasarle información a su propio jefe; Costello.A lo largo de la historia se narra como cada uno de los dos personajes se ven envueltos en las situaciones más complejas, llevándolos a vivir tratando de ocultar constantemente su verdadera identidad y jugándose el pellejo a cada minuto.El equipo de trabajo no podría ser inmejorable, Jack Nicholson, como el jefe omnipotente de la mafia, llenando a su personaje de un cinismo que raya en lo divertido, convirtiéndolo en toda una antitesis del Padrino de Marlon Brando. Leonardo Di Caprio realiza la mejor actuación de su carrera, muy por encima de su celebrado trabajo en El Aviador, convirtiéndose en el protagonista absoluto echándose al público a la bolsa con apenas unas cuantas escenas. Matt Damon, su contraparte, completa el trío y son respaldados por un muy buen reparto que incluye a Mark Wahlberg, Martin Shen, Alec Baldwin y la bella de la cinta, Vera Farmiga.La ciudad de Boston, sus calles, sus distintas locaciones, se convierten en un personaje mas, una atmósfera perfecta para que las acciones transcurran en el ambiente idóneo. Y es ahí en donde transcurre una de las escenas mas memorables, en un barrio chino, donde los personajes de Damon y Di Caprio, muy parecidos el uno del otro se persiguen mutuamente, tratando de descubrirse.Con esta cinta además, Scorsese vuelve a la habitual violencia que acostumbraba en sus primeras cintas, ese tipo de violencia en el que en menos de un minuto varios personajes han muerto con sus cabezas reventadas a balazos y esa violencia verbal con que permite que la palabra fuck se repita 236 veces. Y también es una de sus cintas con un ritmo desencadenado y una energía arrolladora, que parece ir dedicada a todos aquellos que creen que él es un director aburrido.El único detalle, que muchos podrían refutarle, es el final de la cinta, que seguramente divide al publico en dos, los que lo amaron y los que lo odiaron y que sin duda podría ser el tema de una larga discusión.En resumen, lo que parece ser una sencilla historia policíaca que algún día trasmitirán en el canal cinco un sábado por la noche, es en realidad un complicado, intenso e inteligente thriller, una cinta que sin duda será recordada por mucho tiempo, que en las manos de un director cualquiera pudo ser un refrito cualquiera, pero que en las manos de un artista experimentado y sabio, se vuelve en una obra imprescindible y memorable.

A lo largo de la historia se narra como cada uno de los dos personajes se ven envueltos en las situaciones más complejas, llevándolos a vivir tratando de ocultar constantemente su verdadera identidad y jugándose el pellejo a cada minuto.

Una historia policiaca que Scorsese la transforma en una memorable muestra del genero.

Si alguna vez le van a dar un premio Oscar a Martin Scorsese como Mejor Director, y reconocer por fin su excelente carrera, deberían dárselo de una vez, por su inmejorable trabajo en Los Infiltrados, la cinta que algunos la consideran ya, una obra maestra y un clásico de cine policíaco? Y quizás esas aseveraciones no son tan aventuradas.En esta ocasión Scorsese, pone toda su maestría a la orden de una historia que transcurre en las calles de Boston, que podría ser una ciudad cualquiera, con lo que logra crear un dialogo directo con el público, que pocas veces se ve en su cine.Basada en la película taiwanesa Internal Affairs, la historia narra el ascenso de dos policías, uno (Di Caprio) infiltrado en las líneas de la sanguinaria mafia irlandesa, comandados ni más ni menos que por Costello (Jack Nicholson), y otro (Damon), cuya carrera en ascenso no es mas que con la intención de pasarle información a su propio jefe; Costello.A lo largo de la historia se narra como cada uno de los dos personajes se ven envueltos en las situaciones más complejas, llevándolos a vivir tratando de ocultar constantemente su verdadera identidad y jugándose el pellejo a cada minuto.El equipo de trabajo no podría ser inmejorable, Jack Nicholson, como el jefe omnipotente de la mafia, llenando a su personaje de un cinismo que raya en lo divertido, convirtiéndolo en toda una antitesis del Padrino de Marlon Brando. Leonardo Di Caprio realiza la mejor actuación de su carrera, muy por encima de su celebrado trabajo en El Aviador, convirtiéndose en el protagonista absoluto echándose al público a la bolsa con apenas unas cuantas escenas. Matt Damon, su contraparte, completa el trío y son respaldados por un muy buen reparto que incluye a Mark Wahlberg, Martin Shen, Alec Baldwin y la bella de la cinta, Vera Farmiga.La ciudad de Boston, sus calles, sus distintas locaciones, se convierten en un personaje mas, una atmósfera perfecta para que las acciones transcurran en el ambiente idóneo. Y es ahí en donde transcurre una de las escenas mas memorables, en un barrio chino, donde los personajes de Damon y Di Caprio, muy parecidos el uno del otro se persiguen mutuamente, tratando de descubrirse.Con esta cinta además, Scorsese vuelve a la habitual violencia que acostumbraba en sus primeras cintas, ese tipo de violencia en el que en menos de un minuto varios personajes han muerto con sus cabezas reventadas a balazos y esa violencia verbal con que permite que la palabra fuck se repita 236 veces. Y también es una de sus cintas con un ritmo desencadenado y una energía arrolladora, que parece ir dedicada a todos aquellos que creen que él es un director aburrido.El único detalle, que muchos podrían refutarle, es el final de la cinta, que seguramente divide al publico en dos, los que lo amaron y los que lo odiaron y que sin duda podría ser el tema de una larga discusión.En resumen, lo que parece ser una sencilla historia policíaca que algún día trasmitirán en el canal cinco un sábado por la noche, es en realidad un complicado, intenso e inteligente thriller, una cinta que sin duda será recordada por mucho tiempo, que en las manos de un director cualquiera pudo ser un refrito cualquiera, pero que en las manos de un artista experimentado y sabio, se vuelve en una obra imprescindible y memorable.

El equipo de trabajo no podría ser inmejorable, Jack Nicholson, como el jefe omnipotente de la mafia, llenando a su personaje de un cinismo que raya en lo divertido, convirtiéndolo en toda una antitesis del Padrino de Marlon Brando.

Una historia policiaca que Scorsese la transforma en una memorable muestra del genero.

Si alguna vez le van a dar un premio Oscar a Martin Scorsese como Mejor Director, y reconocer por fin su excelente carrera, deberían dárselo de una vez, por su inmejorable trabajo en Los Infiltrados, la cinta que algunos la consideran ya, una obra maestra y un clásico de cine policíaco? Y quizás esas aseveraciones no son tan aventuradas.En esta ocasión Scorsese, pone toda su maestría a la orden de una historia que transcurre en las calles de Boston, que podría ser una ciudad cualquiera, con lo que logra crear un dialogo directo con el público, que pocas veces se ve en su cine.Basada en la película taiwanesa Internal Affairs, la historia narra el ascenso de dos policías, uno (Di Caprio) infiltrado en las líneas de la sanguinaria mafia irlandesa, comandados ni más ni menos que por Costello (Jack Nicholson), y otro (Damon), cuya carrera en ascenso no es mas que con la intención de pasarle información a su propio jefe; Costello.A lo largo de la historia se narra como cada uno de los dos personajes se ven envueltos en las situaciones más complejas, llevándolos a vivir tratando de ocultar constantemente su verdadera identidad y jugándose el pellejo a cada minuto.El equipo de trabajo no podría ser inmejorable, Jack Nicholson, como el jefe omnipotente de la mafia, llenando a su personaje de un cinismo que raya en lo divertido, convirtiéndolo en toda una antitesis del Padrino de Marlon Brando. Leonardo Di Caprio realiza la mejor actuación de su carrera, muy por encima de su celebrado trabajo en El Aviador, convirtiéndose en el protagonista absoluto echándose al público a la bolsa con apenas unas cuantas escenas. Matt Damon, su contraparte, completa el trío y son respaldados por un muy buen reparto que incluye a Mark Wahlberg, Martin Shen, Alec Baldwin y la bella de la cinta, Vera Farmiga.La ciudad de Boston, sus calles, sus distintas locaciones, se convierten en un personaje mas, una atmósfera perfecta para que las acciones transcurran en el ambiente idóneo. Y es ahí en donde transcurre una de las escenas mas memorables, en un barrio chino, donde los personajes de Damon y Di Caprio, muy parecidos el uno del otro se persiguen mutuamente, tratando de descubrirse.Con esta cinta además, Scorsese vuelve a la habitual violencia que acostumbraba en sus primeras cintas, ese tipo de violencia en el que en menos de un minuto varios personajes han muerto con sus cabezas reventadas a balazos y esa violencia verbal con que permite que la palabra fuck se repita 236 veces. Y también es una de sus cintas con un ritmo desencadenado y una energía arrolladora, que parece ir dedicada a todos aquellos que creen que él es un director aburrido.El único detalle, que muchos podrían refutarle, es el final de la cinta, que seguramente divide al publico en dos, los que lo amaron y los que lo odiaron y que sin duda podría ser el tema de una larga discusión.En resumen, lo que parece ser una sencilla historia policíaca que algún día trasmitirán en el canal cinco un sábado por la noche, es en realidad un complicado, intenso e inteligente thriller, una cinta que sin duda será recordada por mucho tiempo, que en las manos de un director cualquiera pudo ser un refrito cualquiera, pero que en las manos de un artista experimentado y sabio, se vuelve en una obra imprescindible y memorable.

Leonardo Di Caprio realiza la mejor actuación de su carrera, muy por encima de su celebrado trabajo en El Aviador, convirtiéndose en el protagonista absoluto echándose al público a la bolsa con apenas unas cuantas escenas.

Una historia policiaca que Scorsese la transforma en una memorable muestra del genero.

Si alguna vez le van a dar un premio Oscar a Martin Scorsese como Mejor Director, y reconocer por fin su excelente carrera, deberían dárselo de una vez, por su inmejorable trabajo en Los Infiltrados, la cinta que algunos la consideran ya, una obra maestra y un clásico de cine policíaco? Y quizás esas aseveraciones no son tan aventuradas.En esta ocasión Scorsese, pone toda su maestría a la orden de una historia que transcurre en las calles de Boston, que podría ser una ciudad cualquiera, con lo que logra crear un dialogo directo con el público, que pocas veces se ve en su cine.Basada en la película taiwanesa Internal Affairs, la historia narra el ascenso de dos policías, uno (Di Caprio) infiltrado en las líneas de la sanguinaria mafia irlandesa, comandados ni más ni menos que por Costello (Jack Nicholson), y otro (Damon), cuya carrera en ascenso no es mas que con la intención de pasarle información a su propio jefe; Costello.A lo largo de la historia se narra como cada uno de los dos personajes se ven envueltos en las situaciones más complejas, llevándolos a vivir tratando de ocultar constantemente su verdadera identidad y jugándose el pellejo a cada minuto.El equipo de trabajo no podría ser inmejorable, Jack Nicholson, como el jefe omnipotente de la mafia, llenando a su personaje de un cinismo que raya en lo divertido, convirtiéndolo en toda una antitesis del Padrino de Marlon Brando. Leonardo Di Caprio realiza la mejor actuación de su carrera, muy por encima de su celebrado trabajo en El Aviador, convirtiéndose en el protagonista absoluto echándose al público a la bolsa con apenas unas cuantas escenas. Matt Damon, su contraparte, completa el trío y son respaldados por un muy buen reparto que incluye a Mark Wahlberg, Martin Shen, Alec Baldwin y la bella de la cinta, Vera Farmiga.La ciudad de Boston, sus calles, sus distintas locaciones, se convierten en un personaje mas, una atmósfera perfecta para que las acciones transcurran en el ambiente idóneo. Y es ahí en donde transcurre una de las escenas mas memorables, en un barrio chino, donde los personajes de Damon y Di Caprio, muy parecidos el uno del otro se persiguen mutuamente, tratando de descubrirse.Con esta cinta además, Scorsese vuelve a la habitual violencia que acostumbraba en sus primeras cintas, ese tipo de violencia en el que en menos de un minuto varios personajes han muerto con sus cabezas reventadas a balazos y esa violencia verbal con que permite que la palabra fuck se repita 236 veces. Y también es una de sus cintas con un ritmo desencadenado y una energía arrolladora, que parece ir dedicada a todos aquellos que creen que él es un director aburrido.El único detalle, que muchos podrían refutarle, es el final de la cinta, que seguramente divide al publico en dos, los que lo amaron y los que lo odiaron y que sin duda podría ser el tema de una larga discusión.En resumen, lo que parece ser una sencilla historia policíaca que algún día trasmitirán en el canal cinco un sábado por la noche, es en realidad un complicado, intenso e inteligente thriller, una cinta que sin duda será recordada por mucho tiempo, que en las manos de un director cualquiera pudo ser un refrito cualquiera, pero que en las manos de un artista experimentado y sabio, se vuelve en una obra imprescindible y memorable.

Matt Damon, su contraparte, completa el trío y son respaldados por un muy buen reparto que incluye a Mark Wahlberg, Martin Shen, Alec Baldwin y la bella de la cinta, Vera Farmiga.

Una historia policiaca que Scorsese la transforma en una memorable muestra del genero.

Si alguna vez le van a dar un premio Oscar a Martin Scorsese como Mejor Director, y reconocer por fin su excelente carrera, deberían dárselo de una vez, por su inmejorable trabajo en Los Infiltrados, la cinta que algunos la consideran ya, una obra maestra y un clásico de cine policíaco? Y quizás esas aseveraciones no son tan aventuradas.En esta ocasión Scorsese, pone toda su maestría a la orden de una historia que transcurre en las calles de Boston, que podría ser una ciudad cualquiera, con lo que logra crear un dialogo directo con el público, que pocas veces se ve en su cine.Basada en la película taiwanesa Internal Affairs, la historia narra el ascenso de dos policías, uno (Di Caprio) infiltrado en las líneas de la sanguinaria mafia irlandesa, comandados ni más ni menos que por Costello (Jack Nicholson), y otro (Damon), cuya carrera en ascenso no es mas que con la intención de pasarle información a su propio jefe; Costello.A lo largo de la historia se narra como cada uno de los dos personajes se ven envueltos en las situaciones más complejas, llevándolos a vivir tratando de ocultar constantemente su verdadera identidad y jugándose el pellejo a cada minuto.El equipo de trabajo no podría ser inmejorable, Jack Nicholson, como el jefe omnipotente de la mafia, llenando a su personaje de un cinismo que raya en lo divertido, convirtiéndolo en toda una antitesis del Padrino de Marlon Brando. Leonardo Di Caprio realiza la mejor actuación de su carrera, muy por encima de su celebrado trabajo en El Aviador, convirtiéndose en el protagonista absoluto echándose al público a la bolsa con apenas unas cuantas escenas. Matt Damon, su contraparte, completa el trío y son respaldados por un muy buen reparto que incluye a Mark Wahlberg, Martin Shen, Alec Baldwin y la bella de la cinta, Vera Farmiga.La ciudad de Boston, sus calles, sus distintas locaciones, se convierten en un personaje mas, una atmósfera perfecta para que las acciones transcurran en el ambiente idóneo. Y es ahí en donde transcurre una de las escenas mas memorables, en un barrio chino, donde los personajes de Damon y Di Caprio, muy parecidos el uno del otro se persiguen mutuamente, tratando de descubrirse.Con esta cinta además, Scorsese vuelve a la habitual violencia que acostumbraba en sus primeras cintas, ese tipo de violencia en el que en menos de un minuto varios personajes han muerto con sus cabezas reventadas a balazos y esa violencia verbal con que permite que la palabra fuck se repita 236 veces. Y también es una de sus cintas con un ritmo desencadenado y una energía arrolladora, que parece ir dedicada a todos aquellos que creen que él es un director aburrido.El único detalle, que muchos podrían refutarle, es el final de la cinta, que seguramente divide al publico en dos, los que lo amaron y los que lo odiaron y que sin duda podría ser el tema de una larga discusión.En resumen, lo que parece ser una sencilla historia policíaca que algún día trasmitirán en el canal cinco un sábado por la noche, es en realidad un complicado, intenso e inteligente thriller, una cinta que sin duda será recordada por mucho tiempo, que en las manos de un director cualquiera pudo ser un refrito cualquiera, pero que en las manos de un artista experimentado y sabio, se vuelve en una obra imprescindible y memorable.

La ciudad de Boston, sus calles, sus distintas locaciones, se convierten en un personaje mas, una atmósfera perfecta para que las acciones transcurran en el ambiente idóneo.

Una historia policiaca que Scorsese la transforma en una memorable muestra del genero.

Si alguna vez le van a dar un premio Oscar a Martin Scorsese como Mejor Director, y reconocer por fin su excelente carrera, deberían dárselo de una vez, por su inmejorable trabajo en Los Infiltrados, la cinta que algunos la consideran ya, una obra maestra y un clásico de cine policíaco? Y quizás esas aseveraciones no son tan aventuradas.En esta ocasión Scorsese, pone toda su maestría a la orden de una historia que transcurre en las calles de Boston, que podría ser una ciudad cualquiera, con lo que logra crear un dialogo directo con el público, que pocas veces se ve en su cine.Basada en la película taiwanesa Internal Affairs, la historia narra el ascenso de dos policías, uno (Di Caprio) infiltrado en las líneas de la sanguinaria mafia irlandesa, comandados ni más ni menos que por Costello (Jack Nicholson), y otro (Damon), cuya carrera en ascenso no es mas que con la intención de pasarle información a su propio jefe; Costello.A lo largo de la historia se narra como cada uno de los dos personajes se ven envueltos en las situaciones más complejas, llevándolos a vivir tratando de ocultar constantemente su verdadera identidad y jugándose el pellejo a cada minuto.El equipo de trabajo no podría ser inmejorable, Jack Nicholson, como el jefe omnipotente de la mafia, llenando a su personaje de un cinismo que raya en lo divertido, convirtiéndolo en toda una antitesis del Padrino de Marlon Brando. Leonardo Di Caprio realiza la mejor actuación de su carrera, muy por encima de su celebrado trabajo en El Aviador, convirtiéndose en el protagonista absoluto echándose al público a la bolsa con apenas unas cuantas escenas. Matt Damon, su contraparte, completa el trío y son respaldados por un muy buen reparto que incluye a Mark Wahlberg, Martin Shen, Alec Baldwin y la bella de la cinta, Vera Farmiga.La ciudad de Boston, sus calles, sus distintas locaciones, se convierten en un personaje mas, una atmósfera perfecta para que las acciones transcurran en el ambiente idóneo. Y es ahí en donde transcurre una de las escenas mas memorables, en un barrio chino, donde los personajes de Damon y Di Caprio, muy parecidos el uno del otro se persiguen mutuamente, tratando de descubrirse.Con esta cinta además, Scorsese vuelve a la habitual violencia que acostumbraba en sus primeras cintas, ese tipo de violencia en el que en menos de un minuto varios personajes han muerto con sus cabezas reventadas a balazos y esa violencia verbal con que permite que la palabra fuck se repita 236 veces. Y también es una de sus cintas con un ritmo desencadenado y una energía arrolladora, que parece ir dedicada a todos aquellos que creen que él es un director aburrido.El único detalle, que muchos podrían refutarle, es el final de la cinta, que seguramente divide al publico en dos, los que lo amaron y los que lo odiaron y que sin duda podría ser el tema de una larga discusión.En resumen, lo que parece ser una sencilla historia policíaca que algún día trasmitirán en el canal cinco un sábado por la noche, es en realidad un complicado, intenso e inteligente thriller, una cinta que sin duda será recordada por mucho tiempo, que en las manos de un director cualquiera pudo ser un refrito cualquiera, pero que en las manos de un artista experimentado y sabio, se vuelve en una obra imprescindible y memorable.

Y es ahí en donde transcurre una de las escenas mas memorables, en un barrio chino, donde los personajes de Damon y Di Caprio, muy parecidos el uno del otro se persiguen mutuamente, tratando de descubrirse.

Una historia policiaca que Scorsese la transforma en una memorable muestra del genero.

Si alguna vez le van a dar un premio Oscar a Martin Scorsese como Mejor Director, y reconocer por fin su excelente carrera, deberían dárselo de una vez, por su inmejorable trabajo en Los Infiltrados, la cinta que algunos la consideran ya, una obra maestra y un clásico de cine policíaco? Y quizás esas aseveraciones no son tan aventuradas.En esta ocasión Scorsese, pone toda su maestría a la orden de una historia que transcurre en las calles de Boston, que podría ser una ciudad cualquiera, con lo que logra crear un dialogo directo con el público, que pocas veces se ve en su cine.Basada en la película taiwanesa Internal Affairs, la historia narra el ascenso de dos policías, uno (Di Caprio) infiltrado en las líneas de la sanguinaria mafia irlandesa, comandados ni más ni menos que por Costello (Jack Nicholson), y otro (Damon), cuya carrera en ascenso no es mas que con la intención de pasarle información a su propio jefe; Costello.A lo largo de la historia se narra como cada uno de los dos personajes se ven envueltos en las situaciones más complejas, llevándolos a vivir tratando de ocultar constantemente su verdadera identidad y jugándose el pellejo a cada minuto.El equipo de trabajo no podría ser inmejorable, Jack Nicholson, como el jefe omnipotente de la mafia, llenando a su personaje de un cinismo que raya en lo divertido, convirtiéndolo en toda una antitesis del Padrino de Marlon Brando. Leonardo Di Caprio realiza la mejor actuación de su carrera, muy por encima de su celebrado trabajo en El Aviador, convirtiéndose en el protagonista absoluto echándose al público a la bolsa con apenas unas cuantas escenas. Matt Damon, su contraparte, completa el trío y son respaldados por un muy buen reparto que incluye a Mark Wahlberg, Martin Shen, Alec Baldwin y la bella de la cinta, Vera Farmiga.La ciudad de Boston, sus calles, sus distintas locaciones, se convierten en un personaje mas, una atmósfera perfecta para que las acciones transcurran en el ambiente idóneo. Y es ahí en donde transcurre una de las escenas mas memorables, en un barrio chino, donde los personajes de Damon y Di Caprio, muy parecidos el uno del otro se persiguen mutuamente, tratando de descubrirse.Con esta cinta además, Scorsese vuelve a la habitual violencia que acostumbraba en sus primeras cintas, ese tipo de violencia en el que en menos de un minuto varios personajes han muerto con sus cabezas reventadas a balazos y esa violencia verbal con que permite que la palabra fuck se repita 236 veces. Y también es una de sus cintas con un ritmo desencadenado y una energía arrolladora, que parece ir dedicada a todos aquellos que creen que él es un director aburrido.El único detalle, que muchos podrían refutarle, es el final de la cinta, que seguramente divide al publico en dos, los que lo amaron y los que lo odiaron y que sin duda podría ser el tema de una larga discusión.En resumen, lo que parece ser una sencilla historia policíaca que algún día trasmitirán en el canal cinco un sábado por la noche, es en realidad un complicado, intenso e inteligente thriller, una cinta que sin duda será recordada por mucho tiempo, que en las manos de un director cualquiera pudo ser un refrito cualquiera, pero que en las manos de un artista experimentado y sabio, se vuelve en una obra imprescindible y memorable.

Con esta cinta además, Scorsese vuelve a la habitual violencia que acostumbraba en sus primeras cintas, ese tipo de violencia en el que en menos de un minuto varios personajes han muerto con sus cabezas reventadas a balazos y esa violencia verbal con que permite que la palabra fuck se repita 236 veces.

Una historia policiaca que Scorsese la transforma en una memorable muestra del genero.

Si alguna vez le van a dar un premio Oscar a Martin Scorsese como Mejor Director, y reconocer por fin su excelente carrera, deberían dárselo de una vez, por su inmejorable trabajo en Los Infiltrados, la cinta que algunos la consideran ya, una obra maestra y un clásico de cine policíaco? Y quizás esas aseveraciones no son tan aventuradas.En esta ocasión Scorsese, pone toda su maestría a la orden de una historia que transcurre en las calles de Boston, que podría ser una ciudad cualquiera, con lo que logra crear un dialogo directo con el público, que pocas veces se ve en su cine.Basada en la película taiwanesa Internal Affairs, la historia narra el ascenso de dos policías, uno (Di Caprio) infiltrado en las líneas de la sanguinaria mafia irlandesa, comandados ni más ni menos que por Costello (Jack Nicholson), y otro (Damon), cuya carrera en ascenso no es mas que con la intención de pasarle información a su propio jefe; Costello.A lo largo de la historia se narra como cada uno de los dos personajes se ven envueltos en las situaciones más complejas, llevándolos a vivir tratando de ocultar constantemente su verdadera identidad y jugándose el pellejo a cada minuto.El equipo de trabajo no podría ser inmejorable, Jack Nicholson, como el jefe omnipotente de la mafia, llenando a su personaje de un cinismo que raya en lo divertido, convirtiéndolo en toda una antitesis del Padrino de Marlon Brando. Leonardo Di Caprio realiza la mejor actuación de su carrera, muy por encima de su celebrado trabajo en El Aviador, convirtiéndose en el protagonista absoluto echándose al público a la bolsa con apenas unas cuantas escenas. Matt Damon, su contraparte, completa el trío y son respaldados por un muy buen reparto que incluye a Mark Wahlberg, Martin Shen, Alec Baldwin y la bella de la cinta, Vera Farmiga.La ciudad de Boston, sus calles, sus distintas locaciones, se convierten en un personaje mas, una atmósfera perfecta para que las acciones transcurran en el ambiente idóneo. Y es ahí en donde transcurre una de las escenas mas memorables, en un barrio chino, donde los personajes de Damon y Di Caprio, muy parecidos el uno del otro se persiguen mutuamente, tratando de descubrirse.Con esta cinta además, Scorsese vuelve a la habitual violencia que acostumbraba en sus primeras cintas, ese tipo de violencia en el que en menos de un minuto varios personajes han muerto con sus cabezas reventadas a balazos y esa violencia verbal con que permite que la palabra fuck se repita 236 veces. Y también es una de sus cintas con un ritmo desencadenado y una energía arrolladora, que parece ir dedicada a todos aquellos que creen que él es un director aburrido.El único detalle, que muchos podrían refutarle, es el final de la cinta, que seguramente divide al publico en dos, los que lo amaron y los que lo odiaron y que sin duda podría ser el tema de una larga discusión.En resumen, lo que parece ser una sencilla historia policíaca que algún día trasmitirán en el canal cinco un sábado por la noche, es en realidad un complicado, intenso e inteligente thriller, una cinta que sin duda será recordada por mucho tiempo, que en las manos de un director cualquiera pudo ser un refrito cualquiera, pero que en las manos de un artista experimentado y sabio, se vuelve en una obra imprescindible y memorable.

Y también es una de sus cintas con un ritmo desencadenado y una energía arrolladora, que parece ir dedicada a todos aquellos que creen que él es un director aburrido.

Una historia policiaca que Scorsese la transforma en una memorable muestra del genero.

Si alguna vez le van a dar un premio Oscar a Martin Scorsese como Mejor Director, y reconocer por fin su excelente carrera, deberían dárselo de una vez, por su inmejorable trabajo en Los Infiltrados, la cinta que algunos la consideran ya, una obra maestra y un clásico de cine policíaco? Y quizás esas aseveraciones no son tan aventuradas.En esta ocasión Scorsese, pone toda su maestría a la orden de una historia que transcurre en las calles de Boston, que podría ser una ciudad cualquiera, con lo que logra crear un dialogo directo con el público, que pocas veces se ve en su cine.Basada en la película taiwanesa Internal Affairs, la historia narra el ascenso de dos policías, uno (Di Caprio) infiltrado en las líneas de la sanguinaria mafia irlandesa, comandados ni más ni menos que por Costello (Jack Nicholson), y otro (Damon), cuya carrera en ascenso no es mas que con la intención de pasarle información a su propio jefe; Costello.A lo largo de la historia se narra como cada uno de los dos personajes se ven envueltos en las situaciones más complejas, llevándolos a vivir tratando de ocultar constantemente su verdadera identidad y jugándose el pellejo a cada minuto.El equipo de trabajo no podría ser inmejorable, Jack Nicholson, como el jefe omnipotente de la mafia, llenando a su personaje de un cinismo que raya en lo divertido, convirtiéndolo en toda una antitesis del Padrino de Marlon Brando. Leonardo Di Caprio realiza la mejor actuación de su carrera, muy por encima de su celebrado trabajo en El Aviador, convirtiéndose en el protagonista absoluto echándose al público a la bolsa con apenas unas cuantas escenas. Matt Damon, su contraparte, completa el trío y son respaldados por un muy buen reparto que incluye a Mark Wahlberg, Martin Shen, Alec Baldwin y la bella de la cinta, Vera Farmiga.La ciudad de Boston, sus calles, sus distintas locaciones, se convierten en un personaje mas, una atmósfera perfecta para que las acciones transcurran en el ambiente idóneo. Y es ahí en donde transcurre una de las escenas mas memorables, en un barrio chino, donde los personajes de Damon y Di Caprio, muy parecidos el uno del otro se persiguen mutuamente, tratando de descubrirse.Con esta cinta además, Scorsese vuelve a la habitual violencia que acostumbraba en sus primeras cintas, ese tipo de violencia en el que en menos de un minuto varios personajes han muerto con sus cabezas reventadas a balazos y esa violencia verbal con que permite que la palabra fuck se repita 236 veces. Y también es una de sus cintas con un ritmo desencadenado y una energía arrolladora, que parece ir dedicada a todos aquellos que creen que él es un director aburrido.El único detalle, que muchos podrían refutarle, es el final de la cinta, que seguramente divide al publico en dos, los que lo amaron y los que lo odiaron y que sin duda podría ser el tema de una larga discusión.En resumen, lo que parece ser una sencilla historia policíaca que algún día trasmitirán en el canal cinco un sábado por la noche, es en realidad un complicado, intenso e inteligente thriller, una cinta que sin duda será recordada por mucho tiempo, que en las manos de un director cualquiera pudo ser un refrito cualquiera, pero que en las manos de un artista experimentado y sabio, se vuelve en una obra imprescindible y memorable.

El único detalle, que muchos podrían refutarle, es el final de la cinta, que seguramente divide al publico en dos, los que lo amaron y los que lo odiaron y que sin duda podría ser el tema de una larga discusión.

Una historia policiaca que Scorsese la transforma en una memorable muestra del genero.

Si alguna vez le van a dar un premio Oscar a Martin Scorsese como Mejor Director, y reconocer por fin su excelente carrera, deberían dárselo de una vez, por su inmejorable trabajo en Los Infiltrados, la cinta que algunos la consideran ya, una obra maestra y un clásico de cine policíaco? Y quizás esas aseveraciones no son tan aventuradas.En esta ocasión Scorsese, pone toda su maestría a la orden de una historia que transcurre en las calles de Boston, que podría ser una ciudad cualquiera, con lo que logra crear un dialogo directo con el público, que pocas veces se ve en su cine.Basada en la película taiwanesa Internal Affairs, la historia narra el ascenso de dos policías, uno (Di Caprio) infiltrado en las líneas de la sanguinaria mafia irlandesa, comandados ni más ni menos que por Costello (Jack Nicholson), y otro (Damon), cuya carrera en ascenso no es mas que con la intención de pasarle información a su propio jefe; Costello.A lo largo de la historia se narra como cada uno de los dos personajes se ven envueltos en las situaciones más complejas, llevándolos a vivir tratando de ocultar constantemente su verdadera identidad y jugándose el pellejo a cada minuto.El equipo de trabajo no podría ser inmejorable, Jack Nicholson, como el jefe omnipotente de la mafia, llenando a su personaje de un cinismo que raya en lo divertido, convirtiéndolo en toda una antitesis del Padrino de Marlon Brando. Leonardo Di Caprio realiza la mejor actuación de su carrera, muy por encima de su celebrado trabajo en El Aviador, convirtiéndose en el protagonista absoluto echándose al público a la bolsa con apenas unas cuantas escenas. Matt Damon, su contraparte, completa el trío y son respaldados por un muy buen reparto que incluye a Mark Wahlberg, Martin Shen, Alec Baldwin y la bella de la cinta, Vera Farmiga.La ciudad de Boston, sus calles, sus distintas locaciones, se convierten en un personaje mas, una atmósfera perfecta para que las acciones transcurran en el ambiente idóneo. Y es ahí en donde transcurre una de las escenas mas memorables, en un barrio chino, donde los personajes de Damon y Di Caprio, muy parecidos el uno del otro se persiguen mutuamente, tratando de descubrirse.Con esta cinta además, Scorsese vuelve a la habitual violencia que acostumbraba en sus primeras cintas, ese tipo de violencia en el que en menos de un minuto varios personajes han muerto con sus cabezas reventadas a balazos y esa violencia verbal con que permite que la palabra fuck se repita 236 veces. Y también es una de sus cintas con un ritmo desencadenado y una energía arrolladora, que parece ir dedicada a todos aquellos que creen que él es un director aburrido.El único detalle, que muchos podrían refutarle, es el final de la cinta, que seguramente divide al publico en dos, los que lo amaron y los que lo odiaron y que sin duda podría ser el tema de una larga discusión.En resumen, lo que parece ser una sencilla historia policíaca que algún día trasmitirán en el canal cinco un sábado por la noche, es en realidad un complicado, intenso e inteligente thriller, una cinta que sin duda será recordada por mucho tiempo, que en las manos de un director cualquiera pudo ser un refrito cualquiera, pero que en las manos de un artista experimentado y sabio, se vuelve en una obra imprescindible y memorable.

En resumen, lo que parece ser una sencilla historia policíaca que algún día trasmitirán en el canal cinco un sábado por la noche, es en realidad un complicado, intenso e inteligente thriller, una cinta que sin duda será recordada por mucho tiempo, que en las manos de un director cualquiera pudo ser un refrito cualquiera, pero que en las manos de un artista experimentado y sabio, se vuelve en una obra imprescindible y memorable.

Una historia policiaca que Scorsese la transforma en una memorable muestra del genero.

Si alguna vez le van a dar un premio Oscar a Martin Scorsese como Mejor Director, y reconocer por fin su excelente carrera, deberían dárselo de una vez, por su inmejorable trabajo en Los Infiltrados, la cinta que algunos la consideran ya, una obra maestra y un clásico de cine policíaco? Y quizás esas aseveraciones no son tan aventuradas.En esta ocasión Scorsese, pone toda su maestría a la orden de una historia que transcurre en las calles de Boston, que podría ser una ciudad cualquiera, con lo que logra crear un dialogo directo con el público, que pocas veces se ve en su cine.Basada en la película taiwanesa Internal Affairs, la historia narra el ascenso de dos policías, uno (Di Caprio) infiltrado en las líneas de la sanguinaria mafia irlandesa, comandados ni más ni menos que por Costello (Jack Nicholson), y otro (Damon), cuya carrera en ascenso no es mas que con la intención de pasarle información a su propio jefe; Costello.A lo largo de la historia se narra como cada uno de los dos personajes se ven envueltos en las situaciones más complejas, llevándolos a vivir tratando de ocultar constantemente su verdadera identidad y jugándose el pellejo a cada minuto.El equipo de trabajo no podría ser inmejorable, Jack Nicholson, como el jefe omnipotente de la mafia, llenando a su personaje de un cinismo que raya en lo divertido, convirtiéndolo en toda una antitesis del Padrino de Marlon Brando. Leonardo Di Caprio realiza la mejor actuación de su carrera, muy por encima de su celebrado trabajo en El Aviador, convirtiéndose en el protagonista absoluto echándose al público a la bolsa con apenas unas cuantas escenas. Matt Damon, su contraparte, completa el trío y son respaldados por un muy buen reparto que incluye a Mark Wahlberg, Martin Shen, Alec Baldwin y la bella de la cinta, Vera Farmiga.La ciudad de Boston, sus calles, sus distintas locaciones, se convierten en un personaje mas, una atmósfera perfecta para que las acciones transcurran en el ambiente idóneo. Y es ahí en donde transcurre una de las escenas mas memorables, en un barrio chino, donde los personajes de Damon y Di Caprio, muy parecidos el uno del otro se persiguen mutuamente, tratando de descubrirse.Con esta cinta además, Scorsese vuelve a la habitual violencia que acostumbraba en sus primeras cintas, ese tipo de violencia en el que en menos de un minuto varios personajes han muerto con sus cabezas reventadas a balazos y esa violencia verbal con que permite que la palabra fuck se repita 236 veces. Y también es una de sus cintas con un ritmo desencadenado y una energía arrolladora, que parece ir dedicada a todos aquellos que creen que él es un director aburrido.El único detalle, que muchos podrían refutarle, es el final de la cinta, que seguramente divide al publico en dos, los que lo amaron y los que lo odiaron y que sin duda podría ser el tema de una larga discusión.En resumen, lo que parece ser una sencilla historia policíaca que algún día trasmitirán en el canal cinco un sábado por la noche, es en realidad un complicado, intenso e inteligente thriller, una cinta que sin duda será recordada por mucho tiempo, que en las manos de un director cualquiera pudo ser un refrito cualquiera, pero que en las manos de un artista experimentado y sabio, se vuelve en una obra imprescindible y memorable.

Una niñera mexicana a cargo de dos niños americanos tiene que decidir entre hacer su trabajo o asistir a la boda de su único hijo.

Una cinta espiritual que para darse a entender utiliza varias imagenes inolvidables.

Una niñera mexicana a cargo de dos niños americanos tiene que decidir entre hacer su trabajo o asistir a la boda de su único hijo. Una pareja de esposos norteamericanos que pasean por Marruecos sufren lo que parece ser un atentado terrorista. Un pastor marroquí trata de criar a sus hijos. Y una joven sordomuda japonesa se esfuerza por comunicarse con su padre y con su entorno, al mismo tiempo que trata desesperadamente de perder su virginidad.Todo esto aunque no lo parezca es parte de una sola cinta, se trata de Babel, la tercera cinta en colaboración entre el guionista Guillermo Arriaga y el director Alejandro González Iñárritu y que según amenazan será la última, argumentando diferencias creativas. Separación artística que le deja un gran reto a Iñárritu para sus próximos proyectos en solitario, sin contar ya con la profundidad, la fuerza y la emotividad de los guiones de Arriaga.Y mayor reto todavía, después de esta tercer cinta, en suma la más estilizada, más pulcra, más conmovedora y aunque suene raro decirlo, la más esperanzadora.Ambos cuentan estas historias como pretexto para hablar sobre la globalización y la creciente falta de entendimiento entre los americanos y los mexicanos, entre los americanos y los posibles terroristas, pero también entre marido y mujer, entre padre e hijo, entre hermano y hermano.Estas varias líneas narrativas que se van deslizando una entre la otra, a diferente ritmo y tiempo, mientras que la historia que la historia del hoy maduro actor Brad Pitt y la hermosa Cate Blanchett sucede en un par de horas, la de Adriana Barraza, en una de las actuaciones mas realistas que he visto en mucho tiempo y cuya clase es más fácil encontrarla en teatro y no en cine, sucede en 24 horas o más, pero esto no es ningún impedimento para que las historias puedan narrarse unas entre otras.Con un ritmo lento y pausado, saltamos de los desiertos marroquíes a los desiertos fronterizos entre México y Estados Unidos, para después dar un gran salto hacia las coloridas y ruidosas calles de Japón. Inundando la cinta con largas secuencias sin diálogos, pero intensas todas y conmovedoras, resaltado dos en particular, por medio de las cuales algunos personajes descubren algún paraje desconocido para ellos, como un par de niños que visitan por primera vez Tijuana y se sorprenden de las intensas imágenes que ven detrás de los cristales de sus autos, o como el grupo de turistas que llegan a un desolado pueblo de Marruecos, cuyas condiciones resultan muy alejadas de su cómodo vida.Y aunque se trata de una cinta accesible para todo tipo de público, este encuentre la historia demasiado lenta y menos caótica y climática que Amores Perros, estamos más ante una cinta contemplativa y artística, aunque en cierto modo, hay algunas partes innecesariamente largas en la parte japonesa, que aunque se pretenda sea la más sublime, es en realidad, la historia mas débil, concentrada en su artificiosa forma descuidando en parte su fondo, contrastando en gran medida con el resto de la cinta.La música de Santaolalla, la fotografía de Rodrigo Prieto y el diseño de arte de Brigitte Broch, usuales colaboradores de Iñárritu, hacen acto de aparición, con la difícil tarea de darle cohesión a esta desmenuzada cinta, retratando con bastante veracidad la forma de vida de diversas regiones del mundo, incluyendo sus rituales? ¿Alguien quiere saber cómo es una boda de pueblo mexicana? No tienen que buscar más, vean esta cinta y lo descubrirán.Y por si los diferentes idiomas hablados en la cinta no fueran suficientes, de repente cae el silencio entre sus personajes, de esos silencios intensos que incomodan, que duelen y conmueven, momentos que aprovecha muy bien el director mostrando que es dueño de una técnica impecable. Y declarando que, a veces, para realmente entendernos, no son necesarias las palabras.

Una pareja de esposos norteamericanos que pasean por Marruecos sufren lo que parece ser un atentado terrorista.

Una cinta espiritual que para darse a entender utiliza varias imagenes inolvidables.

Una niñera mexicana a cargo de dos niños americanos tiene que decidir entre hacer su trabajo o asistir a la boda de su único hijo. Una pareja de esposos norteamericanos que pasean por Marruecos sufren lo que parece ser un atentado terrorista. Un pastor marroquí trata de criar a sus hijos. Y una joven sordomuda japonesa se esfuerza por comunicarse con su padre y con su entorno, al mismo tiempo que trata desesperadamente de perder su virginidad.Todo esto aunque no lo parezca es parte de una sola cinta, se trata de Babel, la tercera cinta en colaboración entre el guionista Guillermo Arriaga y el director Alejandro González Iñárritu y que según amenazan será la última, argumentando diferencias creativas. Separación artística que le deja un gran reto a Iñárritu para sus próximos proyectos en solitario, sin contar ya con la profundidad, la fuerza y la emotividad de los guiones de Arriaga.Y mayor reto todavía, después de esta tercer cinta, en suma la más estilizada, más pulcra, más conmovedora y aunque suene raro decirlo, la más esperanzadora.Ambos cuentan estas historias como pretexto para hablar sobre la globalización y la creciente falta de entendimiento entre los americanos y los mexicanos, entre los americanos y los posibles terroristas, pero también entre marido y mujer, entre padre e hijo, entre hermano y hermano.Estas varias líneas narrativas que se van deslizando una entre la otra, a diferente ritmo y tiempo, mientras que la historia que la historia del hoy maduro actor Brad Pitt y la hermosa Cate Blanchett sucede en un par de horas, la de Adriana Barraza, en una de las actuaciones mas realistas que he visto en mucho tiempo y cuya clase es más fácil encontrarla en teatro y no en cine, sucede en 24 horas o más, pero esto no es ningún impedimento para que las historias puedan narrarse unas entre otras.Con un ritmo lento y pausado, saltamos de los desiertos marroquíes a los desiertos fronterizos entre México y Estados Unidos, para después dar un gran salto hacia las coloridas y ruidosas calles de Japón. Inundando la cinta con largas secuencias sin diálogos, pero intensas todas y conmovedoras, resaltado dos en particular, por medio de las cuales algunos personajes descubren algún paraje desconocido para ellos, como un par de niños que visitan por primera vez Tijuana y se sorprenden de las intensas imágenes que ven detrás de los cristales de sus autos, o como el grupo de turistas que llegan a un desolado pueblo de Marruecos, cuyas condiciones resultan muy alejadas de su cómodo vida.Y aunque se trata de una cinta accesible para todo tipo de público, este encuentre la historia demasiado lenta y menos caótica y climática que Amores Perros, estamos más ante una cinta contemplativa y artística, aunque en cierto modo, hay algunas partes innecesariamente largas en la parte japonesa, que aunque se pretenda sea la más sublime, es en realidad, la historia mas débil, concentrada en su artificiosa forma descuidando en parte su fondo, contrastando en gran medida con el resto de la cinta.La música de Santaolalla, la fotografía de Rodrigo Prieto y el diseño de arte de Brigitte Broch, usuales colaboradores de Iñárritu, hacen acto de aparición, con la difícil tarea de darle cohesión a esta desmenuzada cinta, retratando con bastante veracidad la forma de vida de diversas regiones del mundo, incluyendo sus rituales? ¿Alguien quiere saber cómo es una boda de pueblo mexicana? No tienen que buscar más, vean esta cinta y lo descubrirán.Y por si los diferentes idiomas hablados en la cinta no fueran suficientes, de repente cae el silencio entre sus personajes, de esos silencios intensos que incomodan, que duelen y conmueven, momentos que aprovecha muy bien el director mostrando que es dueño de una técnica impecable. Y declarando que, a veces, para realmente entendernos, no son necesarias las palabras.

Un pastor marroquí trata de criar a sus hijos.

Una cinta espiritual que para darse a entender utiliza varias imagenes inolvidables.

Una niñera mexicana a cargo de dos niños americanos tiene que decidir entre hacer su trabajo o asistir a la boda de su único hijo. Una pareja de esposos norteamericanos que pasean por Marruecos sufren lo que parece ser un atentado terrorista. Un pastor marroquí trata de criar a sus hijos. Y una joven sordomuda japonesa se esfuerza por comunicarse con su padre y con su entorno, al mismo tiempo que trata desesperadamente de perder su virginidad.Todo esto aunque no lo parezca es parte de una sola cinta, se trata de Babel, la tercera cinta en colaboración entre el guionista Guillermo Arriaga y el director Alejandro González Iñárritu y que según amenazan será la última, argumentando diferencias creativas. Separación artística que le deja un gran reto a Iñárritu para sus próximos proyectos en solitario, sin contar ya con la profundidad, la fuerza y la emotividad de los guiones de Arriaga.Y mayor reto todavía, después de esta tercer cinta, en suma la más estilizada, más pulcra, más conmovedora y aunque suene raro decirlo, la más esperanzadora.Ambos cuentan estas historias como pretexto para hablar sobre la globalización y la creciente falta de entendimiento entre los americanos y los mexicanos, entre los americanos y los posibles terroristas, pero también entre marido y mujer, entre padre e hijo, entre hermano y hermano.Estas varias líneas narrativas que se van deslizando una entre la otra, a diferente ritmo y tiempo, mientras que la historia que la historia del hoy maduro actor Brad Pitt y la hermosa Cate Blanchett sucede en un par de horas, la de Adriana Barraza, en una de las actuaciones mas realistas que he visto en mucho tiempo y cuya clase es más fácil encontrarla en teatro y no en cine, sucede en 24 horas o más, pero esto no es ningún impedimento para que las historias puedan narrarse unas entre otras.Con un ritmo lento y pausado, saltamos de los desiertos marroquíes a los desiertos fronterizos entre México y Estados Unidos, para después dar un gran salto hacia las coloridas y ruidosas calles de Japón. Inundando la cinta con largas secuencias sin diálogos, pero intensas todas y conmovedoras, resaltado dos en particular, por medio de las cuales algunos personajes descubren algún paraje desconocido para ellos, como un par de niños que visitan por primera vez Tijuana y se sorprenden de las intensas imágenes que ven detrás de los cristales de sus autos, o como el grupo de turistas que llegan a un desolado pueblo de Marruecos, cuyas condiciones resultan muy alejadas de su cómodo vida.Y aunque se trata de una cinta accesible para todo tipo de público, este encuentre la historia demasiado lenta y menos caótica y climática que Amores Perros, estamos más ante una cinta contemplativa y artística, aunque en cierto modo, hay algunas partes innecesariamente largas en la parte japonesa, que aunque se pretenda sea la más sublime, es en realidad, la historia mas débil, concentrada en su artificiosa forma descuidando en parte su fondo, contrastando en gran medida con el resto de la cinta.La música de Santaolalla, la fotografía de Rodrigo Prieto y el diseño de arte de Brigitte Broch, usuales colaboradores de Iñárritu, hacen acto de aparición, con la difícil tarea de darle cohesión a esta desmenuzada cinta, retratando con bastante veracidad la forma de vida de diversas regiones del mundo, incluyendo sus rituales? ¿Alguien quiere saber cómo es una boda de pueblo mexicana? No tienen que buscar más, vean esta cinta y lo descubrirán.Y por si los diferentes idiomas hablados en la cinta no fueran suficientes, de repente cae el silencio entre sus personajes, de esos silencios intensos que incomodan, que duelen y conmueven, momentos que aprovecha muy bien el director mostrando que es dueño de una técnica impecable. Y declarando que, a veces, para realmente entendernos, no son necesarias las palabras.

Y una joven sordomuda japonesa se esfuerza por comunicarse con su padre y con su entorno, al mismo tiempo que trata desesperadamente de perder su virginidad.

Una cinta espiritual que para darse a entender utiliza varias imagenes inolvidables.

Una niñera mexicana a cargo de dos niños americanos tiene que decidir entre hacer su trabajo o asistir a la boda de su único hijo. Una pareja de esposos norteamericanos que pasean por Marruecos sufren lo que parece ser un atentado terrorista. Un pastor marroquí trata de criar a sus hijos. Y una joven sordomuda japonesa se esfuerza por comunicarse con su padre y con su entorno, al mismo tiempo que trata desesperadamente de perder su virginidad.Todo esto aunque no lo parezca es parte de una sola cinta, se trata de Babel, la tercera cinta en colaboración entre el guionista Guillermo Arriaga y el director Alejandro González Iñárritu y que según amenazan será la última, argumentando diferencias creativas. Separación artística que le deja un gran reto a Iñárritu para sus próximos proyectos en solitario, sin contar ya con la profundidad, la fuerza y la emotividad de los guiones de Arriaga.Y mayor reto todavía, después de esta tercer cinta, en suma la más estilizada, más pulcra, más conmovedora y aunque suene raro decirlo, la más esperanzadora.Ambos cuentan estas historias como pretexto para hablar sobre la globalización y la creciente falta de entendimiento entre los americanos y los mexicanos, entre los americanos y los posibles terroristas, pero también entre marido y mujer, entre padre e hijo, entre hermano y hermano.Estas varias líneas narrativas que se van deslizando una entre la otra, a diferente ritmo y tiempo, mientras que la historia que la historia del hoy maduro actor Brad Pitt y la hermosa Cate Blanchett sucede en un par de horas, la de Adriana Barraza, en una de las actuaciones mas realistas que he visto en mucho tiempo y cuya clase es más fácil encontrarla en teatro y no en cine, sucede en 24 horas o más, pero esto no es ningún impedimento para que las historias puedan narrarse unas entre otras.Con un ritmo lento y pausado, saltamos de los desiertos marroquíes a los desiertos fronterizos entre México y Estados Unidos, para después dar un gran salto hacia las coloridas y ruidosas calles de Japón. Inundando la cinta con largas secuencias sin diálogos, pero intensas todas y conmovedoras, resaltado dos en particular, por medio de las cuales algunos personajes descubren algún paraje desconocido para ellos, como un par de niños que visitan por primera vez Tijuana y se sorprenden de las intensas imágenes que ven detrás de los cristales de sus autos, o como el grupo de turistas que llegan a un desolado pueblo de Marruecos, cuyas condiciones resultan muy alejadas de su cómodo vida.Y aunque se trata de una cinta accesible para todo tipo de público, este encuentre la historia demasiado lenta y menos caótica y climática que Amores Perros, estamos más ante una cinta contemplativa y artística, aunque en cierto modo, hay algunas partes innecesariamente largas en la parte japonesa, que aunque se pretenda sea la más sublime, es en realidad, la historia mas débil, concentrada en su artificiosa forma descuidando en parte su fondo, contrastando en gran medida con el resto de la cinta.La música de Santaolalla, la fotografía de Rodrigo Prieto y el diseño de arte de Brigitte Broch, usuales colaboradores de Iñárritu, hacen acto de aparición, con la difícil tarea de darle cohesión a esta desmenuzada cinta, retratando con bastante veracidad la forma de vida de diversas regiones del mundo, incluyendo sus rituales? ¿Alguien quiere saber cómo es una boda de pueblo mexicana? No tienen que buscar más, vean esta cinta y lo descubrirán.Y por si los diferentes idiomas hablados en la cinta no fueran suficientes, de repente cae el silencio entre sus personajes, de esos silencios intensos que incomodan, que duelen y conmueven, momentos que aprovecha muy bien el director mostrando que es dueño de una técnica impecable. Y declarando que, a veces, para realmente entendernos, no son necesarias las palabras.

Todo esto aunque no lo parezca es parte de una sola cinta, se trata de Babel, la tercera cinta en colaboración entre el guionista Guillermo Arriaga y el director Alejandro González Iñárritu y que según amenazan será la última, argumentando diferencias creativas.

Una cinta espiritual que para darse a entender utiliza varias imagenes inolvidables.

Una niñera mexicana a cargo de dos niños americanos tiene que decidir entre hacer su trabajo o asistir a la boda de su único hijo. Una pareja de esposos norteamericanos que pasean por Marruecos sufren lo que parece ser un atentado terrorista. Un pastor marroquí trata de criar a sus hijos. Y una joven sordomuda japonesa se esfuerza por comunicarse con su padre y con su entorno, al mismo tiempo que trata desesperadamente de perder su virginidad.Todo esto aunque no lo parezca es parte de una sola cinta, se trata de Babel, la tercera cinta en colaboración entre el guionista Guillermo Arriaga y el director Alejandro González Iñárritu y que según amenazan será la última, argumentando diferencias creativas. Separación artística que le deja un gran reto a Iñárritu para sus próximos proyectos en solitario, sin contar ya con la profundidad, la fuerza y la emotividad de los guiones de Arriaga.Y mayor reto todavía, después de esta tercer cinta, en suma la más estilizada, más pulcra, más conmovedora y aunque suene raro decirlo, la más esperanzadora.Ambos cuentan estas historias como pretexto para hablar sobre la globalización y la creciente falta de entendimiento entre los americanos y los mexicanos, entre los americanos y los posibles terroristas, pero también entre marido y mujer, entre padre e hijo, entre hermano y hermano.Estas varias líneas narrativas que se van deslizando una entre la otra, a diferente ritmo y tiempo, mientras que la historia que la historia del hoy maduro actor Brad Pitt y la hermosa Cate Blanchett sucede en un par de horas, la de Adriana Barraza, en una de las actuaciones mas realistas que he visto en mucho tiempo y cuya clase es más fácil encontrarla en teatro y no en cine, sucede en 24 horas o más, pero esto no es ningún impedimento para que las historias puedan narrarse unas entre otras.Con un ritmo lento y pausado, saltamos de los desiertos marroquíes a los desiertos fronterizos entre México y Estados Unidos, para después dar un gran salto hacia las coloridas y ruidosas calles de Japón. Inundando la cinta con largas secuencias sin diálogos, pero intensas todas y conmovedoras, resaltado dos en particular, por medio de las cuales algunos personajes descubren algún paraje desconocido para ellos, como un par de niños que visitan por primera vez Tijuana y se sorprenden de las intensas imágenes que ven detrás de los cristales de sus autos, o como el grupo de turistas que llegan a un desolado pueblo de Marruecos, cuyas condiciones resultan muy alejadas de su cómodo vida.Y aunque se trata de una cinta accesible para todo tipo de público, este encuentre la historia demasiado lenta y menos caótica y climática que Amores Perros, estamos más ante una cinta contemplativa y artística, aunque en cierto modo, hay algunas partes innecesariamente largas en la parte japonesa, que aunque se pretenda sea la más sublime, es en realidad, la historia mas débil, concentrada en su artificiosa forma descuidando en parte su fondo, contrastando en gran medida con el resto de la cinta.La música de Santaolalla, la fotografía de Rodrigo Prieto y el diseño de arte de Brigitte Broch, usuales colaboradores de Iñárritu, hacen acto de aparición, con la difícil tarea de darle cohesión a esta desmenuzada cinta, retratando con bastante veracidad la forma de vida de diversas regiones del mundo, incluyendo sus rituales? ¿Alguien quiere saber cómo es una boda de pueblo mexicana? No tienen que buscar más, vean esta cinta y lo descubrirán.Y por si los diferentes idiomas hablados en la cinta no fueran suficientes, de repente cae el silencio entre sus personajes, de esos silencios intensos que incomodan, que duelen y conmueven, momentos que aprovecha muy bien el director mostrando que es dueño de una técnica impecable. Y declarando que, a veces, para realmente entendernos, no son necesarias las palabras.

Separación artística que le deja un gran reto a Iñárritu para sus próximos proyectos en solitario, sin contar ya con la profundidad, la fuerza y la emotividad de los guiones de Arriaga.

Una cinta espiritual que para darse a entender utiliza varias imagenes inolvidables.

Una niñera mexicana a cargo de dos niños americanos tiene que decidir entre hacer su trabajo o asistir a la boda de su único hijo. Una pareja de esposos norteamericanos que pasean por Marruecos sufren lo que parece ser un atentado terrorista. Un pastor marroquí trata de criar a sus hijos. Y una joven sordomuda japonesa se esfuerza por comunicarse con su padre y con su entorno, al mismo tiempo que trata desesperadamente de perder su virginidad.Todo esto aunque no lo parezca es parte de una sola cinta, se trata de Babel, la tercera cinta en colaboración entre el guionista Guillermo Arriaga y el director Alejandro González Iñárritu y que según amenazan será la última, argumentando diferencias creativas. Separación artística que le deja un gran reto a Iñárritu para sus próximos proyectos en solitario, sin contar ya con la profundidad, la fuerza y la emotividad de los guiones de Arriaga.Y mayor reto todavía, después de esta tercer cinta, en suma la más estilizada, más pulcra, más conmovedora y aunque suene raro decirlo, la más esperanzadora.Ambos cuentan estas historias como pretexto para hablar sobre la globalización y la creciente falta de entendimiento entre los americanos y los mexicanos, entre los americanos y los posibles terroristas, pero también entre marido y mujer, entre padre e hijo, entre hermano y hermano.Estas varias líneas narrativas que se van deslizando una entre la otra, a diferente ritmo y tiempo, mientras que la historia que la historia del hoy maduro actor Brad Pitt y la hermosa Cate Blanchett sucede en un par de horas, la de Adriana Barraza, en una de las actuaciones mas realistas que he visto en mucho tiempo y cuya clase es más fácil encontrarla en teatro y no en cine, sucede en 24 horas o más, pero esto no es ningún impedimento para que las historias puedan narrarse unas entre otras.Con un ritmo lento y pausado, saltamos de los desiertos marroquíes a los desiertos fronterizos entre México y Estados Unidos, para después dar un gran salto hacia las coloridas y ruidosas calles de Japón. Inundando la cinta con largas secuencias sin diálogos, pero intensas todas y conmovedoras, resaltado dos en particular, por medio de las cuales algunos personajes descubren algún paraje desconocido para ellos, como un par de niños que visitan por primera vez Tijuana y se sorprenden de las intensas imágenes que ven detrás de los cristales de sus autos, o como el grupo de turistas que llegan a un desolado pueblo de Marruecos, cuyas condiciones resultan muy alejadas de su cómodo vida.Y aunque se trata de una cinta accesible para todo tipo de público, este encuentre la historia demasiado lenta y menos caótica y climática que Amores Perros, estamos más ante una cinta contemplativa y artística, aunque en cierto modo, hay algunas partes innecesariamente largas en la parte japonesa, que aunque se pretenda sea la más sublime, es en realidad, la historia mas débil, concentrada en su artificiosa forma descuidando en parte su fondo, contrastando en gran medida con el resto de la cinta.La música de Santaolalla, la fotografía de Rodrigo Prieto y el diseño de arte de Brigitte Broch, usuales colaboradores de Iñárritu, hacen acto de aparición, con la difícil tarea de darle cohesión a esta desmenuzada cinta, retratando con bastante veracidad la forma de vida de diversas regiones del mundo, incluyendo sus rituales? ¿Alguien quiere saber cómo es una boda de pueblo mexicana? No tienen que buscar más, vean esta cinta y lo descubrirán.Y por si los diferentes idiomas hablados en la cinta no fueran suficientes, de repente cae el silencio entre sus personajes, de esos silencios intensos que incomodan, que duelen y conmueven, momentos que aprovecha muy bien el director mostrando que es dueño de una técnica impecable. Y declarando que, a veces, para realmente entendernos, no son necesarias las palabras.

Y mayor reto todavía, después de esta tercer cinta, en suma la más estilizada, más pulcra, más conmovedora y aunque suene raro decirlo, la más esperanzadora.

Una cinta espiritual que para darse a entender utiliza varias imagenes inolvidables.

Una niñera mexicana a cargo de dos niños americanos tiene que decidir entre hacer su trabajo o asistir a la boda de su único hijo. Una pareja de esposos norteamericanos que pasean por Marruecos sufren lo que parece ser un atentado terrorista. Un pastor marroquí trata de criar a sus hijos. Y una joven sordomuda japonesa se esfuerza por comunicarse con su padre y con su entorno, al mismo tiempo que trata desesperadamente de perder su virginidad.Todo esto aunque no lo parezca es parte de una sola cinta, se trata de Babel, la tercera cinta en colaboración entre el guionista Guillermo Arriaga y el director Alejandro González Iñárritu y que según amenazan será la última, argumentando diferencias creativas. Separación artística que le deja un gran reto a Iñárritu para sus próximos proyectos en solitario, sin contar ya con la profundidad, la fuerza y la emotividad de los guiones de Arriaga.Y mayor reto todavía, después de esta tercer cinta, en suma la más estilizada, más pulcra, más conmovedora y aunque suene raro decirlo, la más esperanzadora.Ambos cuentan estas historias como pretexto para hablar sobre la globalización y la creciente falta de entendimiento entre los americanos y los mexicanos, entre los americanos y los posibles terroristas, pero también entre marido y mujer, entre padre e hijo, entre hermano y hermano.Estas varias líneas narrativas que se van deslizando una entre la otra, a diferente ritmo y tiempo, mientras que la historia que la historia del hoy maduro actor Brad Pitt y la hermosa Cate Blanchett sucede en un par de horas, la de Adriana Barraza, en una de las actuaciones mas realistas que he visto en mucho tiempo y cuya clase es más fácil encontrarla en teatro y no en cine, sucede en 24 horas o más, pero esto no es ningún impedimento para que las historias puedan narrarse unas entre otras.Con un ritmo lento y pausado, saltamos de los desiertos marroquíes a los desiertos fronterizos entre México y Estados Unidos, para después dar un gran salto hacia las coloridas y ruidosas calles de Japón. Inundando la cinta con largas secuencias sin diálogos, pero intensas todas y conmovedoras, resaltado dos en particular, por medio de las cuales algunos personajes descubren algún paraje desconocido para ellos, como un par de niños que visitan por primera vez Tijuana y se sorprenden de las intensas imágenes que ven detrás de los cristales de sus autos, o como el grupo de turistas que llegan a un desolado pueblo de Marruecos, cuyas condiciones resultan muy alejadas de su cómodo vida.Y aunque se trata de una cinta accesible para todo tipo de público, este encuentre la historia demasiado lenta y menos caótica y climática que Amores Perros, estamos más ante una cinta contemplativa y artística, aunque en cierto modo, hay algunas partes innecesariamente largas en la parte japonesa, que aunque se pretenda sea la más sublime, es en realidad, la historia mas débil, concentrada en su artificiosa forma descuidando en parte su fondo, contrastando en gran medida con el resto de la cinta.La música de Santaolalla, la fotografía de Rodrigo Prieto y el diseño de arte de Brigitte Broch, usuales colaboradores de Iñárritu, hacen acto de aparición, con la difícil tarea de darle cohesión a esta desmenuzada cinta, retratando con bastante veracidad la forma de vida de diversas regiones del mundo, incluyendo sus rituales? ¿Alguien quiere saber cómo es una boda de pueblo mexicana? No tienen que buscar más, vean esta cinta y lo descubrirán.Y por si los diferentes idiomas hablados en la cinta no fueran suficientes, de repente cae el silencio entre sus personajes, de esos silencios intensos que incomodan, que duelen y conmueven, momentos que aprovecha muy bien el director mostrando que es dueño de una técnica impecable. Y declarando que, a veces, para realmente entendernos, no son necesarias las palabras.

Ambos cuentan estas historias como pretexto para hablar sobre la globalización y la creciente falta de entendimiento entre los americanos y los mexicanos, entre los americanos y los posibles terroristas, pero también entre marido y mujer, entre padre e hijo, entre hermano y hermano.

Una cinta espiritual que para darse a entender utiliza varias imagenes inolvidables.

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Estas varias líneas narrativas que se van deslizando una entre la otra, a diferente ritmo y tiempo, mientras que la historia que la historia del hoy maduro actor Brad Pitt y la hermosa Cate Blanchett sucede en un par de horas, la de Adriana Barraza, en una de las actuaciones mas realistas que he visto en mucho tiempo y cuya clase es más fácil encontrarla en teatro y no en cine, sucede en 24 horas o más, pero esto no es ningún impedimento para que las historias puedan narrarse unas entre otras.

Una cinta espiritual que para darse a entender utiliza varias imagenes inolvidables.

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Con un ritmo lento y pausado, saltamos de los desiertos marroquíes a los desiertos fronterizos entre México y Estados Unidos, para después dar un gran salto hacia las coloridas y ruidosas calles de Japón.

Una cinta espiritual que para darse a entender utiliza varias imagenes inolvidables.

Una niñera mexicana a cargo de dos niños americanos tiene que decidir entre hacer su trabajo o asistir a la boda de su único hijo. Una pareja de esposos norteamericanos que pasean por Marruecos sufren lo que parece ser un atentado terrorista. Un pastor marroquí trata de criar a sus hijos. Y una joven sordomuda japonesa se esfuerza por comunicarse con su padre y con su entorno, al mismo tiempo que trata desesperadamente de perder su virginidad.Todo esto aunque no lo parezca es parte de una sola cinta, se trata de Babel, la tercera cinta en colaboración entre el guionista Guillermo Arriaga y el director Alejandro González Iñárritu y que según amenazan será la última, argumentando diferencias creativas. Separación artística que le deja un gran reto a Iñárritu para sus próximos proyectos en solitario, sin contar ya con la profundidad, la fuerza y la emotividad de los guiones de Arriaga.Y mayor reto todavía, después de esta tercer cinta, en suma la más estilizada, más pulcra, más conmovedora y aunque suene raro decirlo, la más esperanzadora.Ambos cuentan estas historias como pretexto para hablar sobre la globalización y la creciente falta de entendimiento entre los americanos y los mexicanos, entre los americanos y los posibles terroristas, pero también entre marido y mujer, entre padre e hijo, entre hermano y hermano.Estas varias líneas narrativas que se van deslizando una entre la otra, a diferente ritmo y tiempo, mientras que la historia que la historia del hoy maduro actor Brad Pitt y la hermosa Cate Blanchett sucede en un par de horas, la de Adriana Barraza, en una de las actuaciones mas realistas que he visto en mucho tiempo y cuya clase es más fácil encontrarla en teatro y no en cine, sucede en 24 horas o más, pero esto no es ningún impedimento para que las historias puedan narrarse unas entre otras.Con un ritmo lento y pausado, saltamos de los desiertos marroquíes a los desiertos fronterizos entre México y Estados Unidos, para después dar un gran salto hacia las coloridas y ruidosas calles de Japón. Inundando la cinta con largas secuencias sin diálogos, pero intensas todas y conmovedoras, resaltado dos en particular, por medio de las cuales algunos personajes descubren algún paraje desconocido para ellos, como un par de niños que visitan por primera vez Tijuana y se sorprenden de las intensas imágenes que ven detrás de los cristales de sus autos, o como el grupo de turistas que llegan a un desolado pueblo de Marruecos, cuyas condiciones resultan muy alejadas de su cómodo vida.Y aunque se trata de una cinta accesible para todo tipo de público, este encuentre la historia demasiado lenta y menos caótica y climática que Amores Perros, estamos más ante una cinta contemplativa y artística, aunque en cierto modo, hay algunas partes innecesariamente largas en la parte japonesa, que aunque se pretenda sea la más sublime, es en realidad, la historia mas débil, concentrada en su artificiosa forma descuidando en parte su fondo, contrastando en gran medida con el resto de la cinta.La música de Santaolalla, la fotografía de Rodrigo Prieto y el diseño de arte de Brigitte Broch, usuales colaboradores de Iñárritu, hacen acto de aparición, con la difícil tarea de darle cohesión a esta desmenuzada cinta, retratando con bastante veracidad la forma de vida de diversas regiones del mundo, incluyendo sus rituales? ¿Alguien quiere saber cómo es una boda de pueblo mexicana? No tienen que buscar más, vean esta cinta y lo descubrirán.Y por si los diferentes idiomas hablados en la cinta no fueran suficientes, de repente cae el silencio entre sus personajes, de esos silencios intensos que incomodan, que duelen y conmueven, momentos que aprovecha muy bien el director mostrando que es dueño de una técnica impecable. Y declarando que, a veces, para realmente entendernos, no son necesarias las palabras.

Inundando la cinta con largas secuencias sin diálogos, pero intensas todas y conmovedoras, resaltado dos en particular, por medio de las cuales algunos personajes descubren algún paraje desconocido para ellos, como un par de niños que visitan por primera vez Tijuana y se sorprenden de las intensas imágenes que ven detrás de los cristales de sus autos, o como el grupo de turistas que llegan a un desolado pueblo de Marruecos, cuyas condiciones resultan muy alejadas de su cómodo vida.

Una cinta espiritual que para darse a entender utiliza varias imagenes inolvidables.

Una niñera mexicana a cargo de dos niños americanos tiene que decidir entre hacer su trabajo o asistir a la boda de su único hijo. Una pareja de esposos norteamericanos que pasean por Marruecos sufren lo que parece ser un atentado terrorista. Un pastor marroquí trata de criar a sus hijos. Y una joven sordomuda japonesa se esfuerza por comunicarse con su padre y con su entorno, al mismo tiempo que trata desesperadamente de perder su virginidad.Todo esto aunque no lo parezca es parte de una sola cinta, se trata de Babel, la tercera cinta en colaboración entre el guionista Guillermo Arriaga y el director Alejandro González Iñárritu y que según amenazan será la última, argumentando diferencias creativas. Separación artística que le deja un gran reto a Iñárritu para sus próximos proyectos en solitario, sin contar ya con la profundidad, la fuerza y la emotividad de los guiones de Arriaga.Y mayor reto todavía, después de esta tercer cinta, en suma la más estilizada, más pulcra, más conmovedora y aunque suene raro decirlo, la más esperanzadora.Ambos cuentan estas historias como pretexto para hablar sobre la globalización y la creciente falta de entendimiento entre los americanos y los mexicanos, entre los americanos y los posibles terroristas, pero también entre marido y mujer, entre padre e hijo, entre hermano y hermano.Estas varias líneas narrativas que se van deslizando una entre la otra, a diferente ritmo y tiempo, mientras que la historia que la historia del hoy maduro actor Brad Pitt y la hermosa Cate Blanchett sucede en un par de horas, la de Adriana Barraza, en una de las actuaciones mas realistas que he visto en mucho tiempo y cuya clase es más fácil encontrarla en teatro y no en cine, sucede en 24 horas o más, pero esto no es ningún impedimento para que las historias puedan narrarse unas entre otras.Con un ritmo lento y pausado, saltamos de los desiertos marroquíes a los desiertos fronterizos entre México y Estados Unidos, para después dar un gran salto hacia las coloridas y ruidosas calles de Japón. Inundando la cinta con largas secuencias sin diálogos, pero intensas todas y conmovedoras, resaltado dos en particular, por medio de las cuales algunos personajes descubren algún paraje desconocido para ellos, como un par de niños que visitan por primera vez Tijuana y se sorprenden de las intensas imágenes que ven detrás de los cristales de sus autos, o como el grupo de turistas que llegan a un desolado pueblo de Marruecos, cuyas condiciones resultan muy alejadas de su cómodo vida.Y aunque se trata de una cinta accesible para todo tipo de público, este encuentre la historia demasiado lenta y menos caótica y climática que Amores Perros, estamos más ante una cinta contemplativa y artística, aunque en cierto modo, hay algunas partes innecesariamente largas en la parte japonesa, que aunque se pretenda sea la más sublime, es en realidad, la historia mas débil, concentrada en su artificiosa forma descuidando en parte su fondo, contrastando en gran medida con el resto de la cinta.La música de Santaolalla, la fotografía de Rodrigo Prieto y el diseño de arte de Brigitte Broch, usuales colaboradores de Iñárritu, hacen acto de aparición, con la difícil tarea de darle cohesión a esta desmenuzada cinta, retratando con bastante veracidad la forma de vida de diversas regiones del mundo, incluyendo sus rituales? ¿Alguien quiere saber cómo es una boda de pueblo mexicana? No tienen que buscar más, vean esta cinta y lo descubrirán.Y por si los diferentes idiomas hablados en la cinta no fueran suficientes, de repente cae el silencio entre sus personajes, de esos silencios intensos que incomodan, que duelen y conmueven, momentos que aprovecha muy bien el director mostrando que es dueño de una técnica impecable. Y declarando que, a veces, para realmente entendernos, no son necesarias las palabras.

Y aunque se trata de una cinta accesible para todo tipo de público, este encuentre la historia demasiado lenta y menos caótica y climática que Amores Perros, estamos más ante una cinta contemplativa y artística, aunque en cierto modo, hay algunas partes innecesariamente largas en la parte japonesa, que aunque se pretenda sea la más sublime, es en realidad, la historia mas débil, concentrada en su artificiosa forma descuidando en parte su fondo, contrastando en gran medida con el resto de la cinta.

Una cinta espiritual que para darse a entender utiliza varias imagenes inolvidables.

Una niñera mexicana a cargo de dos niños americanos tiene que decidir entre hacer su trabajo o asistir a la boda de su único hijo. Una pareja de esposos norteamericanos que pasean por Marruecos sufren lo que parece ser un atentado terrorista. Un pastor marroquí trata de criar a sus hijos. Y una joven sordomuda japonesa se esfuerza por comunicarse con su padre y con su entorno, al mismo tiempo que trata desesperadamente de perder su virginidad.Todo esto aunque no lo parezca es parte de una sola cinta, se trata de Babel, la tercera cinta en colaboración entre el guionista Guillermo Arriaga y el director Alejandro González Iñárritu y que según amenazan será la última, argumentando diferencias creativas. Separación artística que le deja un gran reto a Iñárritu para sus próximos proyectos en solitario, sin contar ya con la profundidad, la fuerza y la emotividad de los guiones de Arriaga.Y mayor reto todavía, después de esta tercer cinta, en suma la más estilizada, más pulcra, más conmovedora y aunque suene raro decirlo, la más esperanzadora.Ambos cuentan estas historias como pretexto para hablar sobre la globalización y la creciente falta de entendimiento entre los americanos y los mexicanos, entre los americanos y los posibles terroristas, pero también entre marido y mujer, entre padre e hijo, entre hermano y hermano.Estas varias líneas narrativas que se van deslizando una entre la otra, a diferente ritmo y tiempo, mientras que la historia que la historia del hoy maduro actor Brad Pitt y la hermosa Cate Blanchett sucede en un par de horas, la de Adriana Barraza, en una de las actuaciones mas realistas que he visto en mucho tiempo y cuya clase es más fácil encontrarla en teatro y no en cine, sucede en 24 horas o más, pero esto no es ningún impedimento para que las historias puedan narrarse unas entre otras.Con un ritmo lento y pausado, saltamos de los desiertos marroquíes a los desiertos fronterizos entre México y Estados Unidos, para después dar un gran salto hacia las coloridas y ruidosas calles de Japón. Inundando la cinta con largas secuencias sin diálogos, pero intensas todas y conmovedoras, resaltado dos en particular, por medio de las cuales algunos personajes descubren algún paraje desconocido para ellos, como un par de niños que visitan por primera vez Tijuana y se sorprenden de las intensas imágenes que ven detrás de los cristales de sus autos, o como el grupo de turistas que llegan a un desolado pueblo de Marruecos, cuyas condiciones resultan muy alejadas de su cómodo vida.Y aunque se trata de una cinta accesible para todo tipo de público, este encuentre la historia demasiado lenta y menos caótica y climática que Amores Perros, estamos más ante una cinta contemplativa y artística, aunque en cierto modo, hay algunas partes innecesariamente largas en la parte japonesa, que aunque se pretenda sea la más sublime, es en realidad, la historia mas débil, concentrada en su artificiosa forma descuidando en parte su fondo, contrastando en gran medida con el resto de la cinta.La música de Santaolalla, la fotografía de Rodrigo Prieto y el diseño de arte de Brigitte Broch, usuales colaboradores de Iñárritu, hacen acto de aparición, con la difícil tarea de darle cohesión a esta desmenuzada cinta, retratando con bastante veracidad la forma de vida de diversas regiones del mundo, incluyendo sus rituales? ¿Alguien quiere saber cómo es una boda de pueblo mexicana? No tienen que buscar más, vean esta cinta y lo descubrirán.Y por si los diferentes idiomas hablados en la cinta no fueran suficientes, de repente cae el silencio entre sus personajes, de esos silencios intensos que incomodan, que duelen y conmueven, momentos que aprovecha muy bien el director mostrando que es dueño de una técnica impecable. Y declarando que, a veces, para realmente entendernos, no son necesarias las palabras.

La música de Santaolalla, la fotografía de Rodrigo Prieto y el diseño de arte de Brigitte Broch, usuales colaboradores de Iñárritu, hacen acto de aparición, con la difícil tarea de darle cohesión a esta desmenuzada cinta, retratando con bastante veracidad la forma de vida de diversas regiones del mundo, incluyendo sus rituales?

Una cinta espiritual que para darse a entender utiliza varias imagenes inolvidables.

Una niñera mexicana a cargo de dos niños americanos tiene que decidir entre hacer su trabajo o asistir a la boda de su único hijo. Una pareja de esposos norteamericanos que pasean por Marruecos sufren lo que parece ser un atentado terrorista. Un pastor marroquí trata de criar a sus hijos. Y una joven sordomuda japonesa se esfuerza por comunicarse con su padre y con su entorno, al mismo tiempo que trata desesperadamente de perder su virginidad.Todo esto aunque no lo parezca es parte de una sola cinta, se trata de Babel, la tercera cinta en colaboración entre el guionista Guillermo Arriaga y el director Alejandro González Iñárritu y que según amenazan será la última, argumentando diferencias creativas. Separación artística que le deja un gran reto a Iñárritu para sus próximos proyectos en solitario, sin contar ya con la profundidad, la fuerza y la emotividad de los guiones de Arriaga.Y mayor reto todavía, después de esta tercer cinta, en suma la más estilizada, más pulcra, más conmovedora y aunque suene raro decirlo, la más esperanzadora.Ambos cuentan estas historias como pretexto para hablar sobre la globalización y la creciente falta de entendimiento entre los americanos y los mexicanos, entre los americanos y los posibles terroristas, pero también entre marido y mujer, entre padre e hijo, entre hermano y hermano.Estas varias líneas narrativas que se van deslizando una entre la otra, a diferente ritmo y tiempo, mientras que la historia que la historia del hoy maduro actor Brad Pitt y la hermosa Cate Blanchett sucede en un par de horas, la de Adriana Barraza, en una de las actuaciones mas realistas que he visto en mucho tiempo y cuya clase es más fácil encontrarla en teatro y no en cine, sucede en 24 horas o más, pero esto no es ningún impedimento para que las historias puedan narrarse unas entre otras.Con un ritmo lento y pausado, saltamos de los desiertos marroquíes a los desiertos fronterizos entre México y Estados Unidos, para después dar un gran salto hacia las coloridas y ruidosas calles de Japón. Inundando la cinta con largas secuencias sin diálogos, pero intensas todas y conmovedoras, resaltado dos en particular, por medio de las cuales algunos personajes descubren algún paraje desconocido para ellos, como un par de niños que visitan por primera vez Tijuana y se sorprenden de las intensas imágenes que ven detrás de los cristales de sus autos, o como el grupo de turistas que llegan a un desolado pueblo de Marruecos, cuyas condiciones resultan muy alejadas de su cómodo vida.Y aunque se trata de una cinta accesible para todo tipo de público, este encuentre la historia demasiado lenta y menos caótica y climática que Amores Perros, estamos más ante una cinta contemplativa y artística, aunque en cierto modo, hay algunas partes innecesariamente largas en la parte japonesa, que aunque se pretenda sea la más sublime, es en realidad, la historia mas débil, concentrada en su artificiosa forma descuidando en parte su fondo, contrastando en gran medida con el resto de la cinta.La música de Santaolalla, la fotografía de Rodrigo Prieto y el diseño de arte de Brigitte Broch, usuales colaboradores de Iñárritu, hacen acto de aparición, con la difícil tarea de darle cohesión a esta desmenuzada cinta, retratando con bastante veracidad la forma de vida de diversas regiones del mundo, incluyendo sus rituales? ¿Alguien quiere saber cómo es una boda de pueblo mexicana? No tienen que buscar más, vean esta cinta y lo descubrirán.Y por si los diferentes idiomas hablados en la cinta no fueran suficientes, de repente cae el silencio entre sus personajes, de esos silencios intensos que incomodan, que duelen y conmueven, momentos que aprovecha muy bien el director mostrando que es dueño de una técnica impecable. Y declarando que, a veces, para realmente entendernos, no son necesarias las palabras.

¿Alguien quiere saber cómo es una boda de pueblo mexicana?

Una cinta espiritual que para darse a entender utiliza varias imagenes inolvidables.

Una niñera mexicana a cargo de dos niños americanos tiene que decidir entre hacer su trabajo o asistir a la boda de su único hijo. Una pareja de esposos norteamericanos que pasean por Marruecos sufren lo que parece ser un atentado terrorista. Un pastor marroquí trata de criar a sus hijos. Y una joven sordomuda japonesa se esfuerza por comunicarse con su padre y con su entorno, al mismo tiempo que trata desesperadamente de perder su virginidad.Todo esto aunque no lo parezca es parte de una sola cinta, se trata de Babel, la tercera cinta en colaboración entre el guionista Guillermo Arriaga y el director Alejandro González Iñárritu y que según amenazan será la última, argumentando diferencias creativas. Separación artística que le deja un gran reto a Iñárritu para sus próximos proyectos en solitario, sin contar ya con la profundidad, la fuerza y la emotividad de los guiones de Arriaga.Y mayor reto todavía, después de esta tercer cinta, en suma la más estilizada, más pulcra, más conmovedora y aunque suene raro decirlo, la más esperanzadora.Ambos cuentan estas historias como pretexto para hablar sobre la globalización y la creciente falta de entendimiento entre los americanos y los mexicanos, entre los americanos y los posibles terroristas, pero también entre marido y mujer, entre padre e hijo, entre hermano y hermano.Estas varias líneas narrativas que se van deslizando una entre la otra, a diferente ritmo y tiempo, mientras que la historia que la historia del hoy maduro actor Brad Pitt y la hermosa Cate Blanchett sucede en un par de horas, la de Adriana Barraza, en una de las actuaciones mas realistas que he visto en mucho tiempo y cuya clase es más fácil encontrarla en teatro y no en cine, sucede en 24 horas o más, pero esto no es ningún impedimento para que las historias puedan narrarse unas entre otras.Con un ritmo lento y pausado, saltamos de los desiertos marroquíes a los desiertos fronterizos entre México y Estados Unidos, para después dar un gran salto hacia las coloridas y ruidosas calles de Japón. Inundando la cinta con largas secuencias sin diálogos, pero intensas todas y conmovedoras, resaltado dos en particular, por medio de las cuales algunos personajes descubren algún paraje desconocido para ellos, como un par de niños que visitan por primera vez Tijuana y se sorprenden de las intensas imágenes que ven detrás de los cristales de sus autos, o como el grupo de turistas que llegan a un desolado pueblo de Marruecos, cuyas condiciones resultan muy alejadas de su cómodo vida.Y aunque se trata de una cinta accesible para todo tipo de público, este encuentre la historia demasiado lenta y menos caótica y climática que Amores Perros, estamos más ante una cinta contemplativa y artística, aunque en cierto modo, hay algunas partes innecesariamente largas en la parte japonesa, que aunque se pretenda sea la más sublime, es en realidad, la historia mas débil, concentrada en su artificiosa forma descuidando en parte su fondo, contrastando en gran medida con el resto de la cinta.La música de Santaolalla, la fotografía de Rodrigo Prieto y el diseño de arte de Brigitte Broch, usuales colaboradores de Iñárritu, hacen acto de aparición, con la difícil tarea de darle cohesión a esta desmenuzada cinta, retratando con bastante veracidad la forma de vida de diversas regiones del mundo, incluyendo sus rituales? ¿Alguien quiere saber cómo es una boda de pueblo mexicana? No tienen que buscar más, vean esta cinta y lo descubrirán.Y por si los diferentes idiomas hablados en la cinta no fueran suficientes, de repente cae el silencio entre sus personajes, de esos silencios intensos que incomodan, que duelen y conmueven, momentos que aprovecha muy bien el director mostrando que es dueño de una técnica impecable. Y declarando que, a veces, para realmente entendernos, no son necesarias las palabras.

No tienen que buscar más, vean esta cinta y lo descubrirán.

Una cinta espiritual que para darse a entender utiliza varias imagenes inolvidables.

Una niñera mexicana a cargo de dos niños americanos tiene que decidir entre hacer su trabajo o asistir a la boda de su único hijo. Una pareja de esposos norteamericanos que pasean por Marruecos sufren lo que parece ser un atentado terrorista. Un pastor marroquí trata de criar a sus hijos. Y una joven sordomuda japonesa se esfuerza por comunicarse con su padre y con su entorno, al mismo tiempo que trata desesperadamente de perder su virginidad.Todo esto aunque no lo parezca es parte de una sola cinta, se trata de Babel, la tercera cinta en colaboración entre el guionista Guillermo Arriaga y el director Alejandro González Iñárritu y que según amenazan será la última, argumentando diferencias creativas. Separación artística que le deja un gran reto a Iñárritu para sus próximos proyectos en solitario, sin contar ya con la profundidad, la fuerza y la emotividad de los guiones de Arriaga.Y mayor reto todavía, después de esta tercer cinta, en suma la más estilizada, más pulcra, más conmovedora y aunque suene raro decirlo, la más esperanzadora.Ambos cuentan estas historias como pretexto para hablar sobre la globalización y la creciente falta de entendimiento entre los americanos y los mexicanos, entre los americanos y los posibles terroristas, pero también entre marido y mujer, entre padre e hijo, entre hermano y hermano.Estas varias líneas narrativas que se van deslizando una entre la otra, a diferente ritmo y tiempo, mientras que la historia que la historia del hoy maduro actor Brad Pitt y la hermosa Cate Blanchett sucede en un par de horas, la de Adriana Barraza, en una de las actuaciones mas realistas que he visto en mucho tiempo y cuya clase es más fácil encontrarla en teatro y no en cine, sucede en 24 horas o más, pero esto no es ningún impedimento para que las historias puedan narrarse unas entre otras.Con un ritmo lento y pausado, saltamos de los desiertos marroquíes a los desiertos fronterizos entre México y Estados Unidos, para después dar un gran salto hacia las coloridas y ruidosas calles de Japón. Inundando la cinta con largas secuencias sin diálogos, pero intensas todas y conmovedoras, resaltado dos en particular, por medio de las cuales algunos personajes descubren algún paraje desconocido para ellos, como un par de niños que visitan por primera vez Tijuana y se sorprenden de las intensas imágenes que ven detrás de los cristales de sus autos, o como el grupo de turistas que llegan a un desolado pueblo de Marruecos, cuyas condiciones resultan muy alejadas de su cómodo vida.Y aunque se trata de una cinta accesible para todo tipo de público, este encuentre la historia demasiado lenta y menos caótica y climática que Amores Perros, estamos más ante una cinta contemplativa y artística, aunque en cierto modo, hay algunas partes innecesariamente largas en la parte japonesa, que aunque se pretenda sea la más sublime, es en realidad, la historia mas débil, concentrada en su artificiosa forma descuidando en parte su fondo, contrastando en gran medida con el resto de la cinta.La música de Santaolalla, la fotografía de Rodrigo Prieto y el diseño de arte de Brigitte Broch, usuales colaboradores de Iñárritu, hacen acto de aparición, con la difícil tarea de darle cohesión a esta desmenuzada cinta, retratando con bastante veracidad la forma de vida de diversas regiones del mundo, incluyendo sus rituales? ¿Alguien quiere saber cómo es una boda de pueblo mexicana? No tienen que buscar más, vean esta cinta y lo descubrirán.Y por si los diferentes idiomas hablados en la cinta no fueran suficientes, de repente cae el silencio entre sus personajes, de esos silencios intensos que incomodan, que duelen y conmueven, momentos que aprovecha muy bien el director mostrando que es dueño de una técnica impecable. Y declarando que, a veces, para realmente entendernos, no son necesarias las palabras.

Y por si los diferentes idiomas hablados en la cinta no fueran suficientes, de repente cae el silencio entre sus personajes, de esos silencios intensos que incomodan, que duelen y conmueven, momentos que aprovecha muy bien el director mostrando que es dueño de una técnica impecable.

Una cinta espiritual que para darse a entender utiliza varias imagenes inolvidables.

Una niñera mexicana a cargo de dos niños americanos tiene que decidir entre hacer su trabajo o asistir a la boda de su único hijo. Una pareja de esposos norteamericanos que pasean por Marruecos sufren lo que parece ser un atentado terrorista. Un pastor marroquí trata de criar a sus hijos. Y una joven sordomuda japonesa se esfuerza por comunicarse con su padre y con su entorno, al mismo tiempo que trata desesperadamente de perder su virginidad.Todo esto aunque no lo parezca es parte de una sola cinta, se trata de Babel, la tercera cinta en colaboración entre el guionista Guillermo Arriaga y el director Alejandro González Iñárritu y que según amenazan será la última, argumentando diferencias creativas. Separación artística que le deja un gran reto a Iñárritu para sus próximos proyectos en solitario, sin contar ya con la profundidad, la fuerza y la emotividad de los guiones de Arriaga.Y mayor reto todavía, después de esta tercer cinta, en suma la más estilizada, más pulcra, más conmovedora y aunque suene raro decirlo, la más esperanzadora.Ambos cuentan estas historias como pretexto para hablar sobre la globalización y la creciente falta de entendimiento entre los americanos y los mexicanos, entre los americanos y los posibles terroristas, pero también entre marido y mujer, entre padre e hijo, entre hermano y hermano.Estas varias líneas narrativas que se van deslizando una entre la otra, a diferente ritmo y tiempo, mientras que la historia que la historia del hoy maduro actor Brad Pitt y la hermosa Cate Blanchett sucede en un par de horas, la de Adriana Barraza, en una de las actuaciones mas realistas que he visto en mucho tiempo y cuya clase es más fácil encontrarla en teatro y no en cine, sucede en 24 horas o más, pero esto no es ningún impedimento para que las historias puedan narrarse unas entre otras.Con un ritmo lento y pausado, saltamos de los desiertos marroquíes a los desiertos fronterizos entre México y Estados Unidos, para después dar un gran salto hacia las coloridas y ruidosas calles de Japón. Inundando la cinta con largas secuencias sin diálogos, pero intensas todas y conmovedoras, resaltado dos en particular, por medio de las cuales algunos personajes descubren algún paraje desconocido para ellos, como un par de niños que visitan por primera vez Tijuana y se sorprenden de las intensas imágenes que ven detrás de los cristales de sus autos, o como el grupo de turistas que llegan a un desolado pueblo de Marruecos, cuyas condiciones resultan muy alejadas de su cómodo vida.Y aunque se trata de una cinta accesible para todo tipo de público, este encuentre la historia demasiado lenta y menos caótica y climática que Amores Perros, estamos más ante una cinta contemplativa y artística, aunque en cierto modo, hay algunas partes innecesariamente largas en la parte japonesa, que aunque se pretenda sea la más sublime, es en realidad, la historia mas débil, concentrada en su artificiosa forma descuidando en parte su fondo, contrastando en gran medida con el resto de la cinta.La música de Santaolalla, la fotografía de Rodrigo Prieto y el diseño de arte de Brigitte Broch, usuales colaboradores de Iñárritu, hacen acto de aparición, con la difícil tarea de darle cohesión a esta desmenuzada cinta, retratando con bastante veracidad la forma de vida de diversas regiones del mundo, incluyendo sus rituales? ¿Alguien quiere saber cómo es una boda de pueblo mexicana? No tienen que buscar más, vean esta cinta y lo descubrirán.Y por si los diferentes idiomas hablados en la cinta no fueran suficientes, de repente cae el silencio entre sus personajes, de esos silencios intensos que incomodan, que duelen y conmueven, momentos que aprovecha muy bien el director mostrando que es dueño de una técnica impecable. Y declarando que, a veces, para realmente entendernos, no son necesarias las palabras.

Y declarando que, a veces, para realmente entendernos, no son necesarias las palabras.

Una cinta espiritual que para darse a entender utiliza varias imagenes inolvidables.

Una niñera mexicana a cargo de dos niños americanos tiene que decidir entre hacer su trabajo o asistir a la boda de su único hijo. Una pareja de esposos norteamericanos que pasean por Marruecos sufren lo que parece ser un atentado terrorista. Un pastor marroquí trata de criar a sus hijos. Y una joven sordomuda japonesa se esfuerza por comunicarse con su padre y con su entorno, al mismo tiempo que trata desesperadamente de perder su virginidad.Todo esto aunque no lo parezca es parte de una sola cinta, se trata de Babel, la tercera cinta en colaboración entre el guionista Guillermo Arriaga y el director Alejandro González Iñárritu y que según amenazan será la última, argumentando diferencias creativas. Separación artística que le deja un gran reto a Iñárritu para sus próximos proyectos en solitario, sin contar ya con la profundidad, la fuerza y la emotividad de los guiones de Arriaga.Y mayor reto todavía, después de esta tercer cinta, en suma la más estilizada, más pulcra, más conmovedora y aunque suene raro decirlo, la más esperanzadora.Ambos cuentan estas historias como pretexto para hablar sobre la globalización y la creciente falta de entendimiento entre los americanos y los mexicanos, entre los americanos y los posibles terroristas, pero también entre marido y mujer, entre padre e hijo, entre hermano y hermano.Estas varias líneas narrativas que se van deslizando una entre la otra, a diferente ritmo y tiempo, mientras que la historia que la historia del hoy maduro actor Brad Pitt y la hermosa Cate Blanchett sucede en un par de horas, la de Adriana Barraza, en una de las actuaciones mas realistas que he visto en mucho tiempo y cuya clase es más fácil encontrarla en teatro y no en cine, sucede en 24 horas o más, pero esto no es ningún impedimento para que las historias puedan narrarse unas entre otras.Con un ritmo lento y pausado, saltamos de los desiertos marroquíes a los desiertos fronterizos entre México y Estados Unidos, para después dar un gran salto hacia las coloridas y ruidosas calles de Japón. Inundando la cinta con largas secuencias sin diálogos, pero intensas todas y conmovedoras, resaltado dos en particular, por medio de las cuales algunos personajes descubren algún paraje desconocido para ellos, como un par de niños que visitan por primera vez Tijuana y se sorprenden de las intensas imágenes que ven detrás de los cristales de sus autos, o como el grupo de turistas que llegan a un desolado pueblo de Marruecos, cuyas condiciones resultan muy alejadas de su cómodo vida.Y aunque se trata de una cinta accesible para todo tipo de público, este encuentre la historia demasiado lenta y menos caótica y climática que Amores Perros, estamos más ante una cinta contemplativa y artística, aunque en cierto modo, hay algunas partes innecesariamente largas en la parte japonesa, que aunque se pretenda sea la más sublime, es en realidad, la historia mas débil, concentrada en su artificiosa forma descuidando en parte su fondo, contrastando en gran medida con el resto de la cinta.La música de Santaolalla, la fotografía de Rodrigo Prieto y el diseño de arte de Brigitte Broch, usuales colaboradores de Iñárritu, hacen acto de aparición, con la difícil tarea de darle cohesión a esta desmenuzada cinta, retratando con bastante veracidad la forma de vida de diversas regiones del mundo, incluyendo sus rituales? ¿Alguien quiere saber cómo es una boda de pueblo mexicana? No tienen que buscar más, vean esta cinta y lo descubrirán.Y por si los diferentes idiomas hablados en la cinta no fueran suficientes, de repente cae el silencio entre sus personajes, de esos silencios intensos que incomodan, que duelen y conmueven, momentos que aprovecha muy bien el director mostrando que es dueño de una técnica impecable. Y declarando que, a veces, para realmente entendernos, no son necesarias las palabras.

Debo admitir que Almodovar no es santo de mi devoción y que exceptuando "Hable con ella" la mayoría de las películas del director manchego me parecen "coñazos supinos", cortadas (Casi siempre) por el mismo patrón, y donde la intensidad y el ritmo narrativo se acaba llevando siempre a las mismas cotas dramáticas que por H o por B apelan a lo mismo en cada una de las muestras de su cinematografía; sin embargo, y como ya me pasó con la penúltima película de Peeeedroooo, (Como dijo Pé, que en esta cinta se convierte en su actriz fetíche), me ha hechizado de principio a fin, y es que, muchos son los años de mi infancia los que he pasado en verano en casa de mi abuela (en un pueblecito de Toledo) y donde las costumbres, modus-operandi, y extraños comportamientos femeninos, tan bien sabe plasmar Almodovar en esta, su última película.

Gran película, buen trabajo de Pedro Almodovar. Destacaría especialmente junto a Pé, (tremendamente atractiva en esta película), el papel de Carmen Maura y es que de principio a fin, consigue ponerte la carne de gallina, también Blanca Portillo.

Debo admitir que Almodovar no es santo de mi devoción y que exceptuando "Hable con ella" la mayoría de las películas del director manchego me parecen "coñazos supinos", cortadas (Casi siempre) por el mismo patrón, y donde la intensidad y el ritmo narrativo se acaba llevando siempre a las mismas cotas dramáticas que por H o por B apelan a lo mismo en cada una de las muestras de su cinematografía; sin embargo, y como ya me pasó con la penúltima película de Peeeedroooo, (Como dijo Pé, que en esta cinta se convierte en su actriz fetíche), me ha hechizado de principio a fin, y es que, muchos son los años de mi infancia los que he pasado en verano en casa de mi abuela (en un pueblecito de Toledo) y donde las costumbres, modus-operandi, y extraños comportamientos femeninos, tan bien sabe plasmar Almodovar en esta, su última película.Podría empezar a desvaratar en mil y una anécdotas, cosas que suceden en algunas escenas de la cinta y que me recuerdan a "mi pueblo", pero no, no lo voy a hacer, solo destaco esos "besos de ametralladora" que da el personaje de Blanca Portillo a toda aquella que se le acerca y que bien me recuerdan a mis tías y a mi abuela.Destacaría especialmente junto a Pé, (tremendamente atractiva en esta película), el papel de Carmen Maura y es que de principio a fin, consigue ponerte la carne de gallina, también Blanca Portillo, tal vez la más "cateta" de las mujeres que aparecen en pantalla, y es que "te crees" perfectamente su papel, Lola Dueñas (a la que ya intuí un brillante futuro en "Mar Adentro" de Amenabar) también lo hace bien, siendo esa tía despistada y curiosa que hay en toda familia, Johana Cobo bastante normalita, la verdad, tal vez en unos años y a base de papeles la criatura vaya madurando cinematográficamente.En fin, gran película, buen trabajo de Pedro Almodovar y envidia enorme que me da en el visionado ver volver a Carmen como Madre, ¡Lo que daría yo por que volviera la mía de repente a casa!

Podría empezar a desvaratar en mil y una anécdotas, cosas que suceden en algunas escenas de la cinta y que me recuerdan a "mi pueblo", pero no, no lo voy a hacer, solo destaco esos "besos de ametralladora" que da el personaje de Blanca Portillo a toda aquella que se le acerca y que bien me recuerdan a mis tías y a mi abuela.

Gran película, buen trabajo de Pedro Almodovar. Destacaría especialmente junto a Pé, (tremendamente atractiva en esta película), el papel de Carmen Maura y es que de principio a fin, consigue ponerte la carne de gallina, también Blanca Portillo.

Debo admitir que Almodovar no es santo de mi devoción y que exceptuando "Hable con ella" la mayoría de las películas del director manchego me parecen "coñazos supinos", cortadas (Casi siempre) por el mismo patrón, y donde la intensidad y el ritmo narrativo se acaba llevando siempre a las mismas cotas dramáticas que por H o por B apelan a lo mismo en cada una de las muestras de su cinematografía; sin embargo, y como ya me pasó con la penúltima película de Peeeedroooo, (Como dijo Pé, que en esta cinta se convierte en su actriz fetíche), me ha hechizado de principio a fin, y es que, muchos son los años de mi infancia los que he pasado en verano en casa de mi abuela (en un pueblecito de Toledo) y donde las costumbres, modus-operandi, y extraños comportamientos femeninos, tan bien sabe plasmar Almodovar en esta, su última película.Podría empezar a desvaratar en mil y una anécdotas, cosas que suceden en algunas escenas de la cinta y que me recuerdan a "mi pueblo", pero no, no lo voy a hacer, solo destaco esos "besos de ametralladora" que da el personaje de Blanca Portillo a toda aquella que se le acerca y que bien me recuerdan a mis tías y a mi abuela.Destacaría especialmente junto a Pé, (tremendamente atractiva en esta película), el papel de Carmen Maura y es que de principio a fin, consigue ponerte la carne de gallina, también Blanca Portillo, tal vez la más "cateta" de las mujeres que aparecen en pantalla, y es que "te crees" perfectamente su papel, Lola Dueñas (a la que ya intuí un brillante futuro en "Mar Adentro" de Amenabar) también lo hace bien, siendo esa tía despistada y curiosa que hay en toda familia, Johana Cobo bastante normalita, la verdad, tal vez en unos años y a base de papeles la criatura vaya madurando cinematográficamente.En fin, gran película, buen trabajo de Pedro Almodovar y envidia enorme que me da en el visionado ver volver a Carmen como Madre, ¡Lo que daría yo por que volviera la mía de repente a casa!

Destacaría especialmente junto a Pé, (tremendamente atractiva en esta película), el papel de Carmen Maura y es que de principio a fin, consigue ponerte la carne de gallina, también Blanca Portillo, tal vez la más "cateta" de las mujeres que aparecen en pantalla, y es que "te crees" perfectamente su papel, Lola Dueñas (a la que ya intuí un brillante futuro en "Mar Adentro" de Amenabar) también lo hace bien, siendo esa tía despistada y curiosa que hay en toda familia, Johana Cobo bastante normalita, la verdad, tal vez en unos años y a base de papeles la criatura vaya madurando cinematográficamente.

Gran película, buen trabajo de Pedro Almodovar. Destacaría especialmente junto a Pé, (tremendamente atractiva en esta película), el papel de Carmen Maura y es que de principio a fin, consigue ponerte la carne de gallina, también Blanca Portillo.

Debo admitir que Almodovar no es santo de mi devoción y que exceptuando "Hable con ella" la mayoría de las películas del director manchego me parecen "coñazos supinos", cortadas (Casi siempre) por el mismo patrón, y donde la intensidad y el ritmo narrativo se acaba llevando siempre a las mismas cotas dramáticas que por H o por B apelan a lo mismo en cada una de las muestras de su cinematografía; sin embargo, y como ya me pasó con la penúltima película de Peeeedroooo, (Como dijo Pé, que en esta cinta se convierte en su actriz fetíche), me ha hechizado de principio a fin, y es que, muchos son los años de mi infancia los que he pasado en verano en casa de mi abuela (en un pueblecito de Toledo) y donde las costumbres, modus-operandi, y extraños comportamientos femeninos, tan bien sabe plasmar Almodovar en esta, su última película.Podría empezar a desvaratar en mil y una anécdotas, cosas que suceden en algunas escenas de la cinta y que me recuerdan a "mi pueblo", pero no, no lo voy a hacer, solo destaco esos "besos de ametralladora" que da el personaje de Blanca Portillo a toda aquella que se le acerca y que bien me recuerdan a mis tías y a mi abuela.Destacaría especialmente junto a Pé, (tremendamente atractiva en esta película), el papel de Carmen Maura y es que de principio a fin, consigue ponerte la carne de gallina, también Blanca Portillo, tal vez la más "cateta" de las mujeres que aparecen en pantalla, y es que "te crees" perfectamente su papel, Lola Dueñas (a la que ya intuí un brillante futuro en "Mar Adentro" de Amenabar) también lo hace bien, siendo esa tía despistada y curiosa que hay en toda familia, Johana Cobo bastante normalita, la verdad, tal vez en unos años y a base de papeles la criatura vaya madurando cinematográficamente.En fin, gran película, buen trabajo de Pedro Almodovar y envidia enorme que me da en el visionado ver volver a Carmen como Madre, ¡Lo que daría yo por que volviera la mía de repente a casa!

En fin, gran película, buen trabajo de Pedro Almodovar y envidia enorme que me da en el visionado ver volver a Carmen como Madre, ¡Lo que daría yo por que volviera la mía de repente a casa!

Gran película, buen trabajo de Pedro Almodovar. Destacaría especialmente junto a Pé, (tremendamente atractiva en esta película), el papel de Carmen Maura y es que de principio a fin, consigue ponerte la carne de gallina, también Blanca Portillo.

Debo admitir que Almodovar no es santo de mi devoción y que exceptuando "Hable con ella" la mayoría de las películas del director manchego me parecen "coñazos supinos", cortadas (Casi siempre) por el mismo patrón, y donde la intensidad y el ritmo narrativo se acaba llevando siempre a las mismas cotas dramáticas que por H o por B apelan a lo mismo en cada una de las muestras de su cinematografía; sin embargo, y como ya me pasó con la penúltima película de Peeeedroooo, (Como dijo Pé, que en esta cinta se convierte en su actriz fetíche), me ha hechizado de principio a fin, y es que, muchos son los años de mi infancia los que he pasado en verano en casa de mi abuela (en un pueblecito de Toledo) y donde las costumbres, modus-operandi, y extraños comportamientos femeninos, tan bien sabe plasmar Almodovar en esta, su última película.Podría empezar a desvaratar en mil y una anécdotas, cosas que suceden en algunas escenas de la cinta y que me recuerdan a "mi pueblo", pero no, no lo voy a hacer, solo destaco esos "besos de ametralladora" que da el personaje de Blanca Portillo a toda aquella que se le acerca y que bien me recuerdan a mis tías y a mi abuela.Destacaría especialmente junto a Pé, (tremendamente atractiva en esta película), el papel de Carmen Maura y es que de principio a fin, consigue ponerte la carne de gallina, también Blanca Portillo, tal vez la más "cateta" de las mujeres que aparecen en pantalla, y es que "te crees" perfectamente su papel, Lola Dueñas (a la que ya intuí un brillante futuro en "Mar Adentro" de Amenabar) también lo hace bien, siendo esa tía despistada y curiosa que hay en toda familia, Johana Cobo bastante normalita, la verdad, tal vez en unos años y a base de papeles la criatura vaya madurando cinematográficamente.En fin, gran película, buen trabajo de Pedro Almodovar y envidia enorme que me da en el visionado ver volver a Carmen como Madre, ¡Lo que daría yo por que volviera la mía de repente a casa!

Película de Teen-terror que sin buscar muchas complicaciones bebe de mil fuentes, desde la película original (de la que esta es un remake) de Vincent Price, de la que esta coge el nombre para el villano de turno, la película en si es otra más del genero, donde unos jóvenes completamente ostiables van cayendo en manos del asesino del lugar.

Recomendada para todos aquellos fans del terror juvenil...

Película de Teen-terror que sin buscar muchas complicaciones bebe de mil fuentes, desde la película original (de la que esta es un remake) de Vincent Price, de la que esta coge el nombre para el villano de turno, la película en si es otra más del genero, donde unos jóvenes completamente ostiables van cayendo en manos del asesino del lugar. Tal vez lo "original" sea la manera de morir, y es que ahora no es el personaje de color el primero en morir.Elisha Cuthbert y Paris Hilton bastante bien ambas, luciendo palmito y Paris haciéndo algo de humor sobre "la razón por la que es famosa" (su famoso video en internet), en fin, que no hay que pedirle peras al olmo (impresionantes las de Cuthbert) .Recomendada para todos aquellos fans del terror juvenil.

Tal vez lo "original" sea la manera de morir, y es que ahora no es el personaje de color el primero en morir.

Recomendada para todos aquellos fans del terror juvenil...

Película de Teen-terror que sin buscar muchas complicaciones bebe de mil fuentes, desde la película original (de la que esta es un remake) de Vincent Price, de la que esta coge el nombre para el villano de turno, la película en si es otra más del genero, donde unos jóvenes completamente ostiables van cayendo en manos del asesino del lugar. Tal vez lo "original" sea la manera de morir, y es que ahora no es el personaje de color el primero en morir.Elisha Cuthbert y Paris Hilton bastante bien ambas, luciendo palmito y Paris haciéndo algo de humor sobre "la razón por la que es famosa" (su famoso video en internet), en fin, que no hay que pedirle peras al olmo (impresionantes las de Cuthbert) .Recomendada para todos aquellos fans del terror juvenil.

Elisha Cuthbert y Paris Hilton bastante bien ambas, luciendo palmito y Paris haciéndo algo de humor sobre "la razón por la que es famosa" (su famoso video en internet), en fin, que no hay que pedirle peras al olmo (impresionantes las de Cuthbert) .Recomendada para todos aquellos fans del terror juvenil.

Recomendada para todos aquellos fans del terror juvenil...

Película de Teen-terror que sin buscar muchas complicaciones bebe de mil fuentes, desde la película original (de la que esta es un remake) de Vincent Price, de la que esta coge el nombre para el villano de turno, la película en si es otra más del genero, donde unos jóvenes completamente ostiables van cayendo en manos del asesino del lugar. Tal vez lo "original" sea la manera de morir, y es que ahora no es el personaje de color el primero en morir.Elisha Cuthbert y Paris Hilton bastante bien ambas, luciendo palmito y Paris haciéndo algo de humor sobre "la razón por la que es famosa" (su famoso video en internet), en fin, que no hay que pedirle peras al olmo (impresionantes las de Cuthbert) .Recomendada para todos aquellos fans del terror juvenil.

El padre es un fracasado tratando de vender su fórmula para triunfar, el abuelo inhala cocaína y aconseja a su nieto ser promiscuo, el hijo quiere ser piloto aviador y como no se lo permiten ha jurado guardar silencio hasta lograrlo, el tío gay intentó suicidarse por culpa de un desamor, la hija pequeña y regordeta quiere ser reina de belleza infantil y la madre trata de poner el orden en todo este caos.

Una cinta independiente, brillante, que se debate entre la inteligente hilaridad y el mas honesto drama.

El padre es un fracasado tratando de vender su fórmula para triunfar, el abuelo inhala cocaína y aconseja a su nieto ser promiscuo, el hijo quiere ser piloto aviador y como no se lo permiten ha jurado guardar silencio hasta lograrlo, el tío gay intentó suicidarse por culpa de un desamor, la hija pequeña y regordeta quiere ser reina de belleza infantil y la madre trata de poner el orden en todo este caos. Y todos ellos se montan en un, igual de caótico viaje, a bordo de una vieja van Volks Wagen amarilla en una de las mejores y más divertidas películas del año.Y aunque regularmente insisto mucho en los guiones de las cintas que veo, en ésta ocasión tengo que detenerme a hablar de él más a fondo, ya que creo es uno de los más brillantes que he visto filmados en un buen tiempo, desde su sencillez, su exactitud y espontaneidad, al parecer, sin gran esfuerzo pasa de la risa destornillante, pero inteligente, sin caer en la típica comedia gringa y tonta, a momentos profundamente conmovedores, sin hacer grandes alardes dramáticos. Un guión que no se desperdicia, ni se malgasta, que le da su justo momento a cada personaje, su quiebre, y que van construyendo paso a paso un todo lleno de colores e intensidad.Pero para una película no basta con un excelente guión, hace falta una extraordinaria dirección, y esta corrió a cargo de los propios autores del script, se trata de Valerie Faris y Jonathan Dayton, los responsables de una impresionante cantidad de videoclips de grupos icónicos como Red Hot Chilli Peppers y R. E. M., ellos juntos, se encargaron de la realización sencilla pero justa de la cinta, de balancear acrobáticamente los varios tonos opuestos que tiene la historia.Pero sin duda el mayor acierto de su trabajo, es el ensamble actoral, al conseguir al actor y la actriz adecuado para cada personaje y además, ponerlos a trabajar formando un excelente equipo en pantalla, una verdadera familia, que pocas veces se ve en el cine. Desde Toni Collete como la madre, Greg Kinnear como el padre, Steve Carrell como el tío suicida, hasta el abuelo y los mas jóvenes, todos realizan un destacado trabajo actoral, resaltando siempre las diferencias irreconciliables entre cada uno de los integrantes de la familia y llevando al límite sus aventuras? ¡Y desventuras!De esta forma los directores erigen una historia sobre la naturaleza de la familia, la búsqueda de la autenticidad y al mismo tiempo una incisiva crítica de la vida yanqui que pretende convertir todo lo que toca en un concurso de belleza, como uno de los personajes lo grita; la vida es un concurso de belleza tras otro, la preparatoria, la universidad? Una vida en la que se supone todos deben de pelar por ser ganadores y un país que considera como perdedores y "freaks" a todos aquellos que no lo intenten. Pero conforme avanza el relato uno termina preguntándose: ¿quién es realmente normal o "freak"? ¿Quién es realmente un perdedor?Y aunque parezca complicada quizás la película completa podría resumirse a una sola escena, genial, divertida y significativa a la vez, aquella en la que, después de que el vehiculo en que viajan se descompone, todos tienen que empujarlo para echarlo a andar y uno a uno abordarlo entre brincos y carreras? ¿Qué de eso no se trata ser parte de una familia?

Y todos ellos se montan en un, igual de caótico viaje, a bordo de una vieja van Volks Wagen amarilla en una de las mejores y más divertidas películas del año.

Una cinta independiente, brillante, que se debate entre la inteligente hilaridad y el mas honesto drama.

El padre es un fracasado tratando de vender su fórmula para triunfar, el abuelo inhala cocaína y aconseja a su nieto ser promiscuo, el hijo quiere ser piloto aviador y como no se lo permiten ha jurado guardar silencio hasta lograrlo, el tío gay intentó suicidarse por culpa de un desamor, la hija pequeña y regordeta quiere ser reina de belleza infantil y la madre trata de poner el orden en todo este caos. Y todos ellos se montan en un, igual de caótico viaje, a bordo de una vieja van Volks Wagen amarilla en una de las mejores y más divertidas películas del año.Y aunque regularmente insisto mucho en los guiones de las cintas que veo, en ésta ocasión tengo que detenerme a hablar de él más a fondo, ya que creo es uno de los más brillantes que he visto filmados en un buen tiempo, desde su sencillez, su exactitud y espontaneidad, al parecer, sin gran esfuerzo pasa de la risa destornillante, pero inteligente, sin caer en la típica comedia gringa y tonta, a momentos profundamente conmovedores, sin hacer grandes alardes dramáticos. Un guión que no se desperdicia, ni se malgasta, que le da su justo momento a cada personaje, su quiebre, y que van construyendo paso a paso un todo lleno de colores e intensidad.Pero para una película no basta con un excelente guión, hace falta una extraordinaria dirección, y esta corrió a cargo de los propios autores del script, se trata de Valerie Faris y Jonathan Dayton, los responsables de una impresionante cantidad de videoclips de grupos icónicos como Red Hot Chilli Peppers y R. E. M., ellos juntos, se encargaron de la realización sencilla pero justa de la cinta, de balancear acrobáticamente los varios tonos opuestos que tiene la historia.Pero sin duda el mayor acierto de su trabajo, es el ensamble actoral, al conseguir al actor y la actriz adecuado para cada personaje y además, ponerlos a trabajar formando un excelente equipo en pantalla, una verdadera familia, que pocas veces se ve en el cine. Desde Toni Collete como la madre, Greg Kinnear como el padre, Steve Carrell como el tío suicida, hasta el abuelo y los mas jóvenes, todos realizan un destacado trabajo actoral, resaltando siempre las diferencias irreconciliables entre cada uno de los integrantes de la familia y llevando al límite sus aventuras? ¡Y desventuras!De esta forma los directores erigen una historia sobre la naturaleza de la familia, la búsqueda de la autenticidad y al mismo tiempo una incisiva crítica de la vida yanqui que pretende convertir todo lo que toca en un concurso de belleza, como uno de los personajes lo grita; la vida es un concurso de belleza tras otro, la preparatoria, la universidad? Una vida en la que se supone todos deben de pelar por ser ganadores y un país que considera como perdedores y "freaks" a todos aquellos que no lo intenten. Pero conforme avanza el relato uno termina preguntándose: ¿quién es realmente normal o "freak"? ¿Quién es realmente un perdedor?Y aunque parezca complicada quizás la película completa podría resumirse a una sola escena, genial, divertida y significativa a la vez, aquella en la que, después de que el vehiculo en que viajan se descompone, todos tienen que empujarlo para echarlo a andar y uno a uno abordarlo entre brincos y carreras? ¿Qué de eso no se trata ser parte de una familia?

Y aunque regularmente insisto mucho en los guiones de las cintas que veo, en ésta ocasión tengo que detenerme a hablar de él más a fondo, ya que creo es uno de los más brillantes que he visto filmados en un buen tiempo, desde su sencillez, su exactitud y espontaneidad, al parecer, sin gran esfuerzo pasa de la risa destornillante, pero inteligente, sin caer en la típica comedia gringa y tonta, a momentos profundamente conmovedores, sin hacer grandes alardes dramáticos.

Una cinta independiente, brillante, que se debate entre la inteligente hilaridad y el mas honesto drama.

El padre es un fracasado tratando de vender su fórmula para triunfar, el abuelo inhala cocaína y aconseja a su nieto ser promiscuo, el hijo quiere ser piloto aviador y como no se lo permiten ha jurado guardar silencio hasta lograrlo, el tío gay intentó suicidarse por culpa de un desamor, la hija pequeña y regordeta quiere ser reina de belleza infantil y la madre trata de poner el orden en todo este caos. Y todos ellos se montan en un, igual de caótico viaje, a bordo de una vieja van Volks Wagen amarilla en una de las mejores y más divertidas películas del año.Y aunque regularmente insisto mucho en los guiones de las cintas que veo, en ésta ocasión tengo que detenerme a hablar de él más a fondo, ya que creo es uno de los más brillantes que he visto filmados en un buen tiempo, desde su sencillez, su exactitud y espontaneidad, al parecer, sin gran esfuerzo pasa de la risa destornillante, pero inteligente, sin caer en la típica comedia gringa y tonta, a momentos profundamente conmovedores, sin hacer grandes alardes dramáticos. Un guión que no se desperdicia, ni se malgasta, que le da su justo momento a cada personaje, su quiebre, y que van construyendo paso a paso un todo lleno de colores e intensidad.Pero para una película no basta con un excelente guión, hace falta una extraordinaria dirección, y esta corrió a cargo de los propios autores del script, se trata de Valerie Faris y Jonathan Dayton, los responsables de una impresionante cantidad de videoclips de grupos icónicos como Red Hot Chilli Peppers y R. E. M., ellos juntos, se encargaron de la realización sencilla pero justa de la cinta, de balancear acrobáticamente los varios tonos opuestos que tiene la historia.Pero sin duda el mayor acierto de su trabajo, es el ensamble actoral, al conseguir al actor y la actriz adecuado para cada personaje y además, ponerlos a trabajar formando un excelente equipo en pantalla, una verdadera familia, que pocas veces se ve en el cine. Desde Toni Collete como la madre, Greg Kinnear como el padre, Steve Carrell como el tío suicida, hasta el abuelo y los mas jóvenes, todos realizan un destacado trabajo actoral, resaltando siempre las diferencias irreconciliables entre cada uno de los integrantes de la familia y llevando al límite sus aventuras? ¡Y desventuras!De esta forma los directores erigen una historia sobre la naturaleza de la familia, la búsqueda de la autenticidad y al mismo tiempo una incisiva crítica de la vida yanqui que pretende convertir todo lo que toca en un concurso de belleza, como uno de los personajes lo grita; la vida es un concurso de belleza tras otro, la preparatoria, la universidad? Una vida en la que se supone todos deben de pelar por ser ganadores y un país que considera como perdedores y "freaks" a todos aquellos que no lo intenten. Pero conforme avanza el relato uno termina preguntándose: ¿quién es realmente normal o "freak"? ¿Quién es realmente un perdedor?Y aunque parezca complicada quizás la película completa podría resumirse a una sola escena, genial, divertida y significativa a la vez, aquella en la que, después de que el vehiculo en que viajan se descompone, todos tienen que empujarlo para echarlo a andar y uno a uno abordarlo entre brincos y carreras? ¿Qué de eso no se trata ser parte de una familia?

Un guión que no se desperdicia, ni se malgasta, que le da su justo momento a cada personaje, su quiebre, y que van construyendo paso a paso un todo lleno de colores e intensidad.

Una cinta independiente, brillante, que se debate entre la inteligente hilaridad y el mas honesto drama.

El padre es un fracasado tratando de vender su fórmula para triunfar, el abuelo inhala cocaína y aconseja a su nieto ser promiscuo, el hijo quiere ser piloto aviador y como no se lo permiten ha jurado guardar silencio hasta lograrlo, el tío gay intentó suicidarse por culpa de un desamor, la hija pequeña y regordeta quiere ser reina de belleza infantil y la madre trata de poner el orden en todo este caos. Y todos ellos se montan en un, igual de caótico viaje, a bordo de una vieja van Volks Wagen amarilla en una de las mejores y más divertidas películas del año.Y aunque regularmente insisto mucho en los guiones de las cintas que veo, en ésta ocasión tengo que detenerme a hablar de él más a fondo, ya que creo es uno de los más brillantes que he visto filmados en un buen tiempo, desde su sencillez, su exactitud y espontaneidad, al parecer, sin gran esfuerzo pasa de la risa destornillante, pero inteligente, sin caer en la típica comedia gringa y tonta, a momentos profundamente conmovedores, sin hacer grandes alardes dramáticos. Un guión que no se desperdicia, ni se malgasta, que le da su justo momento a cada personaje, su quiebre, y que van construyendo paso a paso un todo lleno de colores e intensidad.Pero para una película no basta con un excelente guión, hace falta una extraordinaria dirección, y esta corrió a cargo de los propios autores del script, se trata de Valerie Faris y Jonathan Dayton, los responsables de una impresionante cantidad de videoclips de grupos icónicos como Red Hot Chilli Peppers y R. E. M., ellos juntos, se encargaron de la realización sencilla pero justa de la cinta, de balancear acrobáticamente los varios tonos opuestos que tiene la historia.Pero sin duda el mayor acierto de su trabajo, es el ensamble actoral, al conseguir al actor y la actriz adecuado para cada personaje y además, ponerlos a trabajar formando un excelente equipo en pantalla, una verdadera familia, que pocas veces se ve en el cine. Desde Toni Collete como la madre, Greg Kinnear como el padre, Steve Carrell como el tío suicida, hasta el abuelo y los mas jóvenes, todos realizan un destacado trabajo actoral, resaltando siempre las diferencias irreconciliables entre cada uno de los integrantes de la familia y llevando al límite sus aventuras? ¡Y desventuras!De esta forma los directores erigen una historia sobre la naturaleza de la familia, la búsqueda de la autenticidad y al mismo tiempo una incisiva crítica de la vida yanqui que pretende convertir todo lo que toca en un concurso de belleza, como uno de los personajes lo grita; la vida es un concurso de belleza tras otro, la preparatoria, la universidad? Una vida en la que se supone todos deben de pelar por ser ganadores y un país que considera como perdedores y "freaks" a todos aquellos que no lo intenten. Pero conforme avanza el relato uno termina preguntándose: ¿quién es realmente normal o "freak"? ¿Quién es realmente un perdedor?Y aunque parezca complicada quizás la película completa podría resumirse a una sola escena, genial, divertida y significativa a la vez, aquella en la que, después de que el vehiculo en que viajan se descompone, todos tienen que empujarlo para echarlo a andar y uno a uno abordarlo entre brincos y carreras? ¿Qué de eso no se trata ser parte de una familia?

Pero para una película no basta con un excelente guión, hace falta una extraordinaria dirección, y esta corrió a cargo de los propios autores del script, se trata de Valerie Faris y Jonathan Dayton, los responsables de una impresionante cantidad de videoclips de grupos icónicos como Red Hot Chilli Peppers y R. E. M., ellos juntos, se encargaron de la realización sencilla pero justa de la cinta, de balancear acrobáticamente los varios tonos opuestos que tiene la historia.

Una cinta independiente, brillante, que se debate entre la inteligente hilaridad y el mas honesto drama.

El padre es un fracasado tratando de vender su fórmula para triunfar, el abuelo inhala cocaína y aconseja a su nieto ser promiscuo, el hijo quiere ser piloto aviador y como no se lo permiten ha jurado guardar silencio hasta lograrlo, el tío gay intentó suicidarse por culpa de un desamor, la hija pequeña y regordeta quiere ser reina de belleza infantil y la madre trata de poner el orden en todo este caos. Y todos ellos se montan en un, igual de caótico viaje, a bordo de una vieja van Volks Wagen amarilla en una de las mejores y más divertidas películas del año.Y aunque regularmente insisto mucho en los guiones de las cintas que veo, en ésta ocasión tengo que detenerme a hablar de él más a fondo, ya que creo es uno de los más brillantes que he visto filmados en un buen tiempo, desde su sencillez, su exactitud y espontaneidad, al parecer, sin gran esfuerzo pasa de la risa destornillante, pero inteligente, sin caer en la típica comedia gringa y tonta, a momentos profundamente conmovedores, sin hacer grandes alardes dramáticos. Un guión que no se desperdicia, ni se malgasta, que le da su justo momento a cada personaje, su quiebre, y que van construyendo paso a paso un todo lleno de colores e intensidad.Pero para una película no basta con un excelente guión, hace falta una extraordinaria dirección, y esta corrió a cargo de los propios autores del script, se trata de Valerie Faris y Jonathan Dayton, los responsables de una impresionante cantidad de videoclips de grupos icónicos como Red Hot Chilli Peppers y R. E. M., ellos juntos, se encargaron de la realización sencilla pero justa de la cinta, de balancear acrobáticamente los varios tonos opuestos que tiene la historia.Pero sin duda el mayor acierto de su trabajo, es el ensamble actoral, al conseguir al actor y la actriz adecuado para cada personaje y además, ponerlos a trabajar formando un excelente equipo en pantalla, una verdadera familia, que pocas veces se ve en el cine. Desde Toni Collete como la madre, Greg Kinnear como el padre, Steve Carrell como el tío suicida, hasta el abuelo y los mas jóvenes, todos realizan un destacado trabajo actoral, resaltando siempre las diferencias irreconciliables entre cada uno de los integrantes de la familia y llevando al límite sus aventuras? ¡Y desventuras!De esta forma los directores erigen una historia sobre la naturaleza de la familia, la búsqueda de la autenticidad y al mismo tiempo una incisiva crítica de la vida yanqui que pretende convertir todo lo que toca en un concurso de belleza, como uno de los personajes lo grita; la vida es un concurso de belleza tras otro, la preparatoria, la universidad? Una vida en la que se supone todos deben de pelar por ser ganadores y un país que considera como perdedores y "freaks" a todos aquellos que no lo intenten. Pero conforme avanza el relato uno termina preguntándose: ¿quién es realmente normal o "freak"? ¿Quién es realmente un perdedor?Y aunque parezca complicada quizás la película completa podría resumirse a una sola escena, genial, divertida y significativa a la vez, aquella en la que, después de que el vehiculo en que viajan se descompone, todos tienen que empujarlo para echarlo a andar y uno a uno abordarlo entre brincos y carreras? ¿Qué de eso no se trata ser parte de una familia?

Pero sin duda el mayor acierto de su trabajo, es el ensamble actoral, al conseguir al actor y la actriz adecuado para cada personaje y además, ponerlos a trabajar formando un excelente equipo en pantalla, una verdadera familia, que pocas veces se ve en el cine.

Una cinta independiente, brillante, que se debate entre la inteligente hilaridad y el mas honesto drama.

El padre es un fracasado tratando de vender su fórmula para triunfar, el abuelo inhala cocaína y aconseja a su nieto ser promiscuo, el hijo quiere ser piloto aviador y como no se lo permiten ha jurado guardar silencio hasta lograrlo, el tío gay intentó suicidarse por culpa de un desamor, la hija pequeña y regordeta quiere ser reina de belleza infantil y la madre trata de poner el orden en todo este caos. Y todos ellos se montan en un, igual de caótico viaje, a bordo de una vieja van Volks Wagen amarilla en una de las mejores y más divertidas películas del año.Y aunque regularmente insisto mucho en los guiones de las cintas que veo, en ésta ocasión tengo que detenerme a hablar de él más a fondo, ya que creo es uno de los más brillantes que he visto filmados en un buen tiempo, desde su sencillez, su exactitud y espontaneidad, al parecer, sin gran esfuerzo pasa de la risa destornillante, pero inteligente, sin caer en la típica comedia gringa y tonta, a momentos profundamente conmovedores, sin hacer grandes alardes dramáticos. Un guión que no se desperdicia, ni se malgasta, que le da su justo momento a cada personaje, su quiebre, y que van construyendo paso a paso un todo lleno de colores e intensidad.Pero para una película no basta con un excelente guión, hace falta una extraordinaria dirección, y esta corrió a cargo de los propios autores del script, se trata de Valerie Faris y Jonathan Dayton, los responsables de una impresionante cantidad de videoclips de grupos icónicos como Red Hot Chilli Peppers y R. E. M., ellos juntos, se encargaron de la realización sencilla pero justa de la cinta, de balancear acrobáticamente los varios tonos opuestos que tiene la historia.Pero sin duda el mayor acierto de su trabajo, es el ensamble actoral, al conseguir al actor y la actriz adecuado para cada personaje y además, ponerlos a trabajar formando un excelente equipo en pantalla, una verdadera familia, que pocas veces se ve en el cine. Desde Toni Collete como la madre, Greg Kinnear como el padre, Steve Carrell como el tío suicida, hasta el abuelo y los mas jóvenes, todos realizan un destacado trabajo actoral, resaltando siempre las diferencias irreconciliables entre cada uno de los integrantes de la familia y llevando al límite sus aventuras? ¡Y desventuras!De esta forma los directores erigen una historia sobre la naturaleza de la familia, la búsqueda de la autenticidad y al mismo tiempo una incisiva crítica de la vida yanqui que pretende convertir todo lo que toca en un concurso de belleza, como uno de los personajes lo grita; la vida es un concurso de belleza tras otro, la preparatoria, la universidad? Una vida en la que se supone todos deben de pelar por ser ganadores y un país que considera como perdedores y "freaks" a todos aquellos que no lo intenten. Pero conforme avanza el relato uno termina preguntándose: ¿quién es realmente normal o "freak"? ¿Quién es realmente un perdedor?Y aunque parezca complicada quizás la película completa podría resumirse a una sola escena, genial, divertida y significativa a la vez, aquella en la que, después de que el vehiculo en que viajan se descompone, todos tienen que empujarlo para echarlo a andar y uno a uno abordarlo entre brincos y carreras? ¿Qué de eso no se trata ser parte de una familia?

Desde Toni Collete como la madre, Greg Kinnear como el padre, Steve Carrell como el tío suicida, hasta el abuelo y los mas jóvenes, todos realizan un destacado trabajo actoral, resaltando siempre las diferencias irreconciliables entre cada uno de los integrantes de la familia y llevando al límite sus aventuras?

Una cinta independiente, brillante, que se debate entre la inteligente hilaridad y el mas honesto drama.

El padre es un fracasado tratando de vender su fórmula para triunfar, el abuelo inhala cocaína y aconseja a su nieto ser promiscuo, el hijo quiere ser piloto aviador y como no se lo permiten ha jurado guardar silencio hasta lograrlo, el tío gay intentó suicidarse por culpa de un desamor, la hija pequeña y regordeta quiere ser reina de belleza infantil y la madre trata de poner el orden en todo este caos. Y todos ellos se montan en un, igual de caótico viaje, a bordo de una vieja van Volks Wagen amarilla en una de las mejores y más divertidas películas del año.Y aunque regularmente insisto mucho en los guiones de las cintas que veo, en ésta ocasión tengo que detenerme a hablar de él más a fondo, ya que creo es uno de los más brillantes que he visto filmados en un buen tiempo, desde su sencillez, su exactitud y espontaneidad, al parecer, sin gran esfuerzo pasa de la risa destornillante, pero inteligente, sin caer en la típica comedia gringa y tonta, a momentos profundamente conmovedores, sin hacer grandes alardes dramáticos. Un guión que no se desperdicia, ni se malgasta, que le da su justo momento a cada personaje, su quiebre, y que van construyendo paso a paso un todo lleno de colores e intensidad.Pero para una película no basta con un excelente guión, hace falta una extraordinaria dirección, y esta corrió a cargo de los propios autores del script, se trata de Valerie Faris y Jonathan Dayton, los responsables de una impresionante cantidad de videoclips de grupos icónicos como Red Hot Chilli Peppers y R. E. M., ellos juntos, se encargaron de la realización sencilla pero justa de la cinta, de balancear acrobáticamente los varios tonos opuestos que tiene la historia.Pero sin duda el mayor acierto de su trabajo, es el ensamble actoral, al conseguir al actor y la actriz adecuado para cada personaje y además, ponerlos a trabajar formando un excelente equipo en pantalla, una verdadera familia, que pocas veces se ve en el cine. Desde Toni Collete como la madre, Greg Kinnear como el padre, Steve Carrell como el tío suicida, hasta el abuelo y los mas jóvenes, todos realizan un destacado trabajo actoral, resaltando siempre las diferencias irreconciliables entre cada uno de los integrantes de la familia y llevando al límite sus aventuras? ¡Y desventuras!De esta forma los directores erigen una historia sobre la naturaleza de la familia, la búsqueda de la autenticidad y al mismo tiempo una incisiva crítica de la vida yanqui que pretende convertir todo lo que toca en un concurso de belleza, como uno de los personajes lo grita; la vida es un concurso de belleza tras otro, la preparatoria, la universidad? Una vida en la que se supone todos deben de pelar por ser ganadores y un país que considera como perdedores y "freaks" a todos aquellos que no lo intenten. Pero conforme avanza el relato uno termina preguntándose: ¿quién es realmente normal o "freak"? ¿Quién es realmente un perdedor?Y aunque parezca complicada quizás la película completa podría resumirse a una sola escena, genial, divertida y significativa a la vez, aquella en la que, después de que el vehiculo en que viajan se descompone, todos tienen que empujarlo para echarlo a andar y uno a uno abordarlo entre brincos y carreras? ¿Qué de eso no se trata ser parte de una familia?

¡Y desventuras!De esta forma los directores erigen una historia sobre la naturaleza de la familia, la búsqueda de la autenticidad y al mismo tiempo una incisiva crítica de la vida yanqui que pretende convertir todo lo que toca en un concurso de belleza, como uno de los personajes lo grita; la vida es un concurso de belleza tras otro, la preparatoria, la universidad?

Una cinta independiente, brillante, que se debate entre la inteligente hilaridad y el mas honesto drama.

El padre es un fracasado tratando de vender su fórmula para triunfar, el abuelo inhala cocaína y aconseja a su nieto ser promiscuo, el hijo quiere ser piloto aviador y como no se lo permiten ha jurado guardar silencio hasta lograrlo, el tío gay intentó suicidarse por culpa de un desamor, la hija pequeña y regordeta quiere ser reina de belleza infantil y la madre trata de poner el orden en todo este caos. Y todos ellos se montan en un, igual de caótico viaje, a bordo de una vieja van Volks Wagen amarilla en una de las mejores y más divertidas películas del año.Y aunque regularmente insisto mucho en los guiones de las cintas que veo, en ésta ocasión tengo que detenerme a hablar de él más a fondo, ya que creo es uno de los más brillantes que he visto filmados en un buen tiempo, desde su sencillez, su exactitud y espontaneidad, al parecer, sin gran esfuerzo pasa de la risa destornillante, pero inteligente, sin caer en la típica comedia gringa y tonta, a momentos profundamente conmovedores, sin hacer grandes alardes dramáticos. Un guión que no se desperdicia, ni se malgasta, que le da su justo momento a cada personaje, su quiebre, y que van construyendo paso a paso un todo lleno de colores e intensidad.Pero para una película no basta con un excelente guión, hace falta una extraordinaria dirección, y esta corrió a cargo de los propios autores del script, se trata de Valerie Faris y Jonathan Dayton, los responsables de una impresionante cantidad de videoclips de grupos icónicos como Red Hot Chilli Peppers y R. E. M., ellos juntos, se encargaron de la realización sencilla pero justa de la cinta, de balancear acrobáticamente los varios tonos opuestos que tiene la historia.Pero sin duda el mayor acierto de su trabajo, es el ensamble actoral, al conseguir al actor y la actriz adecuado para cada personaje y además, ponerlos a trabajar formando un excelente equipo en pantalla, una verdadera familia, que pocas veces se ve en el cine. Desde Toni Collete como la madre, Greg Kinnear como el padre, Steve Carrell como el tío suicida, hasta el abuelo y los mas jóvenes, todos realizan un destacado trabajo actoral, resaltando siempre las diferencias irreconciliables entre cada uno de los integrantes de la familia y llevando al límite sus aventuras? ¡Y desventuras!De esta forma los directores erigen una historia sobre la naturaleza de la familia, la búsqueda de la autenticidad y al mismo tiempo una incisiva crítica de la vida yanqui que pretende convertir todo lo que toca en un concurso de belleza, como uno de los personajes lo grita; la vida es un concurso de belleza tras otro, la preparatoria, la universidad? Una vida en la que se supone todos deben de pelar por ser ganadores y un país que considera como perdedores y "freaks" a todos aquellos que no lo intenten. Pero conforme avanza el relato uno termina preguntándose: ¿quién es realmente normal o "freak"? ¿Quién es realmente un perdedor?Y aunque parezca complicada quizás la película completa podría resumirse a una sola escena, genial, divertida y significativa a la vez, aquella en la que, después de que el vehiculo en que viajan se descompone, todos tienen que empujarlo para echarlo a andar y uno a uno abordarlo entre brincos y carreras? ¿Qué de eso no se trata ser parte de una familia?

Una vida en la que se supone todos deben de pelar por ser ganadores y un país que considera como perdedores y "freaks" a todos aquellos que no lo intenten.

Una cinta independiente, brillante, que se debate entre la inteligente hilaridad y el mas honesto drama.

El padre es un fracasado tratando de vender su fórmula para triunfar, el abuelo inhala cocaína y aconseja a su nieto ser promiscuo, el hijo quiere ser piloto aviador y como no se lo permiten ha jurado guardar silencio hasta lograrlo, el tío gay intentó suicidarse por culpa de un desamor, la hija pequeña y regordeta quiere ser reina de belleza infantil y la madre trata de poner el orden en todo este caos. Y todos ellos se montan en un, igual de caótico viaje, a bordo de una vieja van Volks Wagen amarilla en una de las mejores y más divertidas películas del año.Y aunque regularmente insisto mucho en los guiones de las cintas que veo, en ésta ocasión tengo que detenerme a hablar de él más a fondo, ya que creo es uno de los más brillantes que he visto filmados en un buen tiempo, desde su sencillez, su exactitud y espontaneidad, al parecer, sin gran esfuerzo pasa de la risa destornillante, pero inteligente, sin caer en la típica comedia gringa y tonta, a momentos profundamente conmovedores, sin hacer grandes alardes dramáticos. Un guión que no se desperdicia, ni se malgasta, que le da su justo momento a cada personaje, su quiebre, y que van construyendo paso a paso un todo lleno de colores e intensidad.Pero para una película no basta con un excelente guión, hace falta una extraordinaria dirección, y esta corrió a cargo de los propios autores del script, se trata de Valerie Faris y Jonathan Dayton, los responsables de una impresionante cantidad de videoclips de grupos icónicos como Red Hot Chilli Peppers y R. E. M., ellos juntos, se encargaron de la realización sencilla pero justa de la cinta, de balancear acrobáticamente los varios tonos opuestos que tiene la historia.Pero sin duda el mayor acierto de su trabajo, es el ensamble actoral, al conseguir al actor y la actriz adecuado para cada personaje y además, ponerlos a trabajar formando un excelente equipo en pantalla, una verdadera familia, que pocas veces se ve en el cine. Desde Toni Collete como la madre, Greg Kinnear como el padre, Steve Carrell como el tío suicida, hasta el abuelo y los mas jóvenes, todos realizan un destacado trabajo actoral, resaltando siempre las diferencias irreconciliables entre cada uno de los integrantes de la familia y llevando al límite sus aventuras? ¡Y desventuras!De esta forma los directores erigen una historia sobre la naturaleza de la familia, la búsqueda de la autenticidad y al mismo tiempo una incisiva crítica de la vida yanqui que pretende convertir todo lo que toca en un concurso de belleza, como uno de los personajes lo grita; la vida es un concurso de belleza tras otro, la preparatoria, la universidad? Una vida en la que se supone todos deben de pelar por ser ganadores y un país que considera como perdedores y "freaks" a todos aquellos que no lo intenten. Pero conforme avanza el relato uno termina preguntándose: ¿quién es realmente normal o "freak"? ¿Quién es realmente un perdedor?Y aunque parezca complicada quizás la película completa podría resumirse a una sola escena, genial, divertida y significativa a la vez, aquella en la que, después de que el vehiculo en que viajan se descompone, todos tienen que empujarlo para echarlo a andar y uno a uno abordarlo entre brincos y carreras? ¿Qué de eso no se trata ser parte de una familia?

Pero conforme avanza el relato uno termina preguntándose: ¿quién es realmente normal o "freak"?

Una cinta independiente, brillante, que se debate entre la inteligente hilaridad y el mas honesto drama.

El padre es un fracasado tratando de vender su fórmula para triunfar, el abuelo inhala cocaína y aconseja a su nieto ser promiscuo, el hijo quiere ser piloto aviador y como no se lo permiten ha jurado guardar silencio hasta lograrlo, el tío gay intentó suicidarse por culpa de un desamor, la hija pequeña y regordeta quiere ser reina de belleza infantil y la madre trata de poner el orden en todo este caos. Y todos ellos se montan en un, igual de caótico viaje, a bordo de una vieja van Volks Wagen amarilla en una de las mejores y más divertidas películas del año.Y aunque regularmente insisto mucho en los guiones de las cintas que veo, en ésta ocasión tengo que detenerme a hablar de él más a fondo, ya que creo es uno de los más brillantes que he visto filmados en un buen tiempo, desde su sencillez, su exactitud y espontaneidad, al parecer, sin gran esfuerzo pasa de la risa destornillante, pero inteligente, sin caer en la típica comedia gringa y tonta, a momentos profundamente conmovedores, sin hacer grandes alardes dramáticos. Un guión que no se desperdicia, ni se malgasta, que le da su justo momento a cada personaje, su quiebre, y que van construyendo paso a paso un todo lleno de colores e intensidad.Pero para una película no basta con un excelente guión, hace falta una extraordinaria dirección, y esta corrió a cargo de los propios autores del script, se trata de Valerie Faris y Jonathan Dayton, los responsables de una impresionante cantidad de videoclips de grupos icónicos como Red Hot Chilli Peppers y R. E. M., ellos juntos, se encargaron de la realización sencilla pero justa de la cinta, de balancear acrobáticamente los varios tonos opuestos que tiene la historia.Pero sin duda el mayor acierto de su trabajo, es el ensamble actoral, al conseguir al actor y la actriz adecuado para cada personaje y además, ponerlos a trabajar formando un excelente equipo en pantalla, una verdadera familia, que pocas veces se ve en el cine. Desde Toni Collete como la madre, Greg Kinnear como el padre, Steve Carrell como el tío suicida, hasta el abuelo y los mas jóvenes, todos realizan un destacado trabajo actoral, resaltando siempre las diferencias irreconciliables entre cada uno de los integrantes de la familia y llevando al límite sus aventuras? ¡Y desventuras!De esta forma los directores erigen una historia sobre la naturaleza de la familia, la búsqueda de la autenticidad y al mismo tiempo una incisiva crítica de la vida yanqui que pretende convertir todo lo que toca en un concurso de belleza, como uno de los personajes lo grita; la vida es un concurso de belleza tras otro, la preparatoria, la universidad? Una vida en la que se supone todos deben de pelar por ser ganadores y un país que considera como perdedores y "freaks" a todos aquellos que no lo intenten. Pero conforme avanza el relato uno termina preguntándose: ¿quién es realmente normal o "freak"? ¿Quién es realmente un perdedor?Y aunque parezca complicada quizás la película completa podría resumirse a una sola escena, genial, divertida y significativa a la vez, aquella en la que, después de que el vehiculo en que viajan se descompone, todos tienen que empujarlo para echarlo a andar y uno a uno abordarlo entre brincos y carreras? ¿Qué de eso no se trata ser parte de una familia?

¿Quién es realmente un perdedor?Y aunque parezca complicada quizás la película completa podría resumirse a una sola escena, genial, divertida y significativa a la vez, aquella en la que, después de que el vehiculo en que viajan se descompone, todos tienen que empujarlo para echarlo a andar y uno a uno abordarlo entre brincos y carreras?

Una cinta independiente, brillante, que se debate entre la inteligente hilaridad y el mas honesto drama.

El padre es un fracasado tratando de vender su fórmula para triunfar, el abuelo inhala cocaína y aconseja a su nieto ser promiscuo, el hijo quiere ser piloto aviador y como no se lo permiten ha jurado guardar silencio hasta lograrlo, el tío gay intentó suicidarse por culpa de un desamor, la hija pequeña y regordeta quiere ser reina de belleza infantil y la madre trata de poner el orden en todo este caos. Y todos ellos se montan en un, igual de caótico viaje, a bordo de una vieja van Volks Wagen amarilla en una de las mejores y más divertidas películas del año.Y aunque regularmente insisto mucho en los guiones de las cintas que veo, en ésta ocasión tengo que detenerme a hablar de él más a fondo, ya que creo es uno de los más brillantes que he visto filmados en un buen tiempo, desde su sencillez, su exactitud y espontaneidad, al parecer, sin gran esfuerzo pasa de la risa destornillante, pero inteligente, sin caer en la típica comedia gringa y tonta, a momentos profundamente conmovedores, sin hacer grandes alardes dramáticos. Un guión que no se desperdicia, ni se malgasta, que le da su justo momento a cada personaje, su quiebre, y que van construyendo paso a paso un todo lleno de colores e intensidad.Pero para una película no basta con un excelente guión, hace falta una extraordinaria dirección, y esta corrió a cargo de los propios autores del script, se trata de Valerie Faris y Jonathan Dayton, los responsables de una impresionante cantidad de videoclips de grupos icónicos como Red Hot Chilli Peppers y R. E. M., ellos juntos, se encargaron de la realización sencilla pero justa de la cinta, de balancear acrobáticamente los varios tonos opuestos que tiene la historia.Pero sin duda el mayor acierto de su trabajo, es el ensamble actoral, al conseguir al actor y la actriz adecuado para cada personaje y además, ponerlos a trabajar formando un excelente equipo en pantalla, una verdadera familia, que pocas veces se ve en el cine. Desde Toni Collete como la madre, Greg Kinnear como el padre, Steve Carrell como el tío suicida, hasta el abuelo y los mas jóvenes, todos realizan un destacado trabajo actoral, resaltando siempre las diferencias irreconciliables entre cada uno de los integrantes de la familia y llevando al límite sus aventuras? ¡Y desventuras!De esta forma los directores erigen una historia sobre la naturaleza de la familia, la búsqueda de la autenticidad y al mismo tiempo una incisiva crítica de la vida yanqui que pretende convertir todo lo que toca en un concurso de belleza, como uno de los personajes lo grita; la vida es un concurso de belleza tras otro, la preparatoria, la universidad? Una vida en la que se supone todos deben de pelar por ser ganadores y un país que considera como perdedores y "freaks" a todos aquellos que no lo intenten. Pero conforme avanza el relato uno termina preguntándose: ¿quién es realmente normal o "freak"? ¿Quién es realmente un perdedor?Y aunque parezca complicada quizás la película completa podría resumirse a una sola escena, genial, divertida y significativa a la vez, aquella en la que, después de que el vehiculo en que viajan se descompone, todos tienen que empujarlo para echarlo a andar y uno a uno abordarlo entre brincos y carreras? ¿Qué de eso no se trata ser parte de una familia?

¿Qué de eso no se trata ser parte de una familia?

Una cinta independiente, brillante, que se debate entre la inteligente hilaridad y el mas honesto drama.

El padre es un fracasado tratando de vender su fórmula para triunfar, el abuelo inhala cocaína y aconseja a su nieto ser promiscuo, el hijo quiere ser piloto aviador y como no se lo permiten ha jurado guardar silencio hasta lograrlo, el tío gay intentó suicidarse por culpa de un desamor, la hija pequeña y regordeta quiere ser reina de belleza infantil y la madre trata de poner el orden en todo este caos. Y todos ellos se montan en un, igual de caótico viaje, a bordo de una vieja van Volks Wagen amarilla en una de las mejores y más divertidas películas del año.Y aunque regularmente insisto mucho en los guiones de las cintas que veo, en ésta ocasión tengo que detenerme a hablar de él más a fondo, ya que creo es uno de los más brillantes que he visto filmados en un buen tiempo, desde su sencillez, su exactitud y espontaneidad, al parecer, sin gran esfuerzo pasa de la risa destornillante, pero inteligente, sin caer en la típica comedia gringa y tonta, a momentos profundamente conmovedores, sin hacer grandes alardes dramáticos. Un guión que no se desperdicia, ni se malgasta, que le da su justo momento a cada personaje, su quiebre, y que van construyendo paso a paso un todo lleno de colores e intensidad.Pero para una película no basta con un excelente guión, hace falta una extraordinaria dirección, y esta corrió a cargo de los propios autores del script, se trata de Valerie Faris y Jonathan Dayton, los responsables de una impresionante cantidad de videoclips de grupos icónicos como Red Hot Chilli Peppers y R. E. M., ellos juntos, se encargaron de la realización sencilla pero justa de la cinta, de balancear acrobáticamente los varios tonos opuestos que tiene la historia.Pero sin duda el mayor acierto de su trabajo, es el ensamble actoral, al conseguir al actor y la actriz adecuado para cada personaje y además, ponerlos a trabajar formando un excelente equipo en pantalla, una verdadera familia, que pocas veces se ve en el cine. Desde Toni Collete como la madre, Greg Kinnear como el padre, Steve Carrell como el tío suicida, hasta el abuelo y los mas jóvenes, todos realizan un destacado trabajo actoral, resaltando siempre las diferencias irreconciliables entre cada uno de los integrantes de la familia y llevando al límite sus aventuras? ¡Y desventuras!De esta forma los directores erigen una historia sobre la naturaleza de la familia, la búsqueda de la autenticidad y al mismo tiempo una incisiva crítica de la vida yanqui que pretende convertir todo lo que toca en un concurso de belleza, como uno de los personajes lo grita; la vida es un concurso de belleza tras otro, la preparatoria, la universidad? Una vida en la que se supone todos deben de pelar por ser ganadores y un país que considera como perdedores y "freaks" a todos aquellos que no lo intenten. Pero conforme avanza el relato uno termina preguntándose: ¿quién es realmente normal o "freak"? ¿Quién es realmente un perdedor?Y aunque parezca complicada quizás la película completa podría resumirse a una sola escena, genial, divertida y significativa a la vez, aquella en la que, después de que el vehiculo en que viajan se descompone, todos tienen que empujarlo para echarlo a andar y uno a uno abordarlo entre brincos y carreras? ¿Qué de eso no se trata ser parte de una familia?

Hoy voy de rollo cultural y os diré que esta película está basada en una saga de libros juveniles, por lo que se ha pretendido compararla con Harry Potter, Narnia y el señor de los Anillos.

Película dirigida a un público adolescente, con dragones, espadas, magos y magia, reyes tiranos y plebeyos descontentos, resistencia y ejercitos invencibles, heroes y villanos, etc. Algo facilito que ver entre polvorón y mazapán.

Hoy voy de rollo cultural y os diré que esta película está basada en una saga de libros juveniles, por lo que se ha pretendido compararla con Harry Potter, Narnia y el señor de los Anillos. Bien, a mí me parece que tiene diferencias muy sustanciales, primero esta está enfocada hacia un público juvenil como Harry Potter, no como Narnia que era más infantil (y para mí que peino canas) o el señor de los anillos que es más adulto. Por otro lado, es una película corta no como las otras. Quizá demasiado corta. Y la temática que aborda si es del estilo de las demás, magia y fantasía con un tipo que sin saber como le llega su momento en la vida. Su momentazo diría yo. En las comparaciones yo creo que es la más floja de las cuatro primeras partes, pero no está mal.La película trata de un chaval que de pronto le cae una gema como un melón gigante en las manos, así, sin más. Vive en una época difícil, en la que un rey tomó el mando del mundo (o del país, o de la región o que se yo) gracias a los dragones que luego destruyó para quedarse el como único poseedor de uno. Total, que resulta que la gema gigante no es una gema (era obvio) si no un huevo de dragón que le ha elegido a él para que lo galope. Así que a lomos de una dragona azul llamada Safira tiene que destruir al rey malvado aquel y a su poderoso ejercito de tios feos y magos malvados y oscuros. La repanocha, ¿no?Siendo el planteamiento bastante poco original, la película se hace amena. Ya sabemos que al final ganamos los buenos y pierden los malos, como en todas las de este estilo, pero tenemos que ver como lo hacen y los efectos especiales que emplean para llegar hasta ese fin. Las ambientaciones están bastante bien hechas, con paisajes de esos que ponen los pelos de punta. De efectos especiales no andamos demasiado sobrados y es que aparte del dragón (dragona, perdón) y la batalla final, hay poca cosa más. El actor protagonista es de darle de boinazos hasta expulsarle de la grabación, pero como es el eje de la historia, tenemos que aguantarnos. Como defecto a la película le pondría que el desarrollo es un poco precipitado, como si tratasen de meter muchas cosas en la hora y media que dura. Si hubiese sido más larga no hubiera pasado nada.Resumiendo, película dirigida a un público adolescente, con dragones, espadas, magos y magia, reyes tiranos y plebeyos descontentos, resistencia y ejercitos invencibles, heroes y villanos, etc. Algo facilito que ver entre polvorón y mazapán.

Bien, a mí me parece que tiene diferencias muy sustanciales, primero esta está enfocada hacia un público juvenil como Harry Potter, no como Narnia que era más infantil (y para mí que peino canas) o el señor de los anillos que es más adulto.

Película dirigida a un público adolescente, con dragones, espadas, magos y magia, reyes tiranos y plebeyos descontentos, resistencia y ejercitos invencibles, heroes y villanos, etc. Algo facilito que ver entre polvorón y mazapán.

Hoy voy de rollo cultural y os diré que esta película está basada en una saga de libros juveniles, por lo que se ha pretendido compararla con Harry Potter, Narnia y el señor de los Anillos. Bien, a mí me parece que tiene diferencias muy sustanciales, primero esta está enfocada hacia un público juvenil como Harry Potter, no como Narnia que era más infantil (y para mí que peino canas) o el señor de los anillos que es más adulto. Por otro lado, es una película corta no como las otras. Quizá demasiado corta. Y la temática que aborda si es del estilo de las demás, magia y fantasía con un tipo que sin saber como le llega su momento en la vida. Su momentazo diría yo. En las comparaciones yo creo que es la más floja de las cuatro primeras partes, pero no está mal.La película trata de un chaval que de pronto le cae una gema como un melón gigante en las manos, así, sin más. Vive en una época difícil, en la que un rey tomó el mando del mundo (o del país, o de la región o que se yo) gracias a los dragones que luego destruyó para quedarse el como único poseedor de uno. Total, que resulta que la gema gigante no es una gema (era obvio) si no un huevo de dragón que le ha elegido a él para que lo galope. Así que a lomos de una dragona azul llamada Safira tiene que destruir al rey malvado aquel y a su poderoso ejercito de tios feos y magos malvados y oscuros. La repanocha, ¿no?Siendo el planteamiento bastante poco original, la película se hace amena. Ya sabemos que al final ganamos los buenos y pierden los malos, como en todas las de este estilo, pero tenemos que ver como lo hacen y los efectos especiales que emplean para llegar hasta ese fin. Las ambientaciones están bastante bien hechas, con paisajes de esos que ponen los pelos de punta. De efectos especiales no andamos demasiado sobrados y es que aparte del dragón (dragona, perdón) y la batalla final, hay poca cosa más. El actor protagonista es de darle de boinazos hasta expulsarle de la grabación, pero como es el eje de la historia, tenemos que aguantarnos. Como defecto a la película le pondría que el desarrollo es un poco precipitado, como si tratasen de meter muchas cosas en la hora y media que dura. Si hubiese sido más larga no hubiera pasado nada.Resumiendo, película dirigida a un público adolescente, con dragones, espadas, magos y magia, reyes tiranos y plebeyos descontentos, resistencia y ejercitos invencibles, heroes y villanos, etc. Algo facilito que ver entre polvorón y mazapán.

Por otro lado, es una película corta no como las otras.

Película dirigida a un público adolescente, con dragones, espadas, magos y magia, reyes tiranos y plebeyos descontentos, resistencia y ejercitos invencibles, heroes y villanos, etc. Algo facilito que ver entre polvorón y mazapán.

Hoy voy de rollo cultural y os diré que esta película está basada en una saga de libros juveniles, por lo que se ha pretendido compararla con Harry Potter, Narnia y el señor de los Anillos. Bien, a mí me parece que tiene diferencias muy sustanciales, primero esta está enfocada hacia un público juvenil como Harry Potter, no como Narnia que era más infantil (y para mí que peino canas) o el señor de los anillos que es más adulto. Por otro lado, es una película corta no como las otras. Quizá demasiado corta. Y la temática que aborda si es del estilo de las demás, magia y fantasía con un tipo que sin saber como le llega su momento en la vida. Su momentazo diría yo. En las comparaciones yo creo que es la más floja de las cuatro primeras partes, pero no está mal.La película trata de un chaval que de pronto le cae una gema como un melón gigante en las manos, así, sin más. Vive en una época difícil, en la que un rey tomó el mando del mundo (o del país, o de la región o que se yo) gracias a los dragones que luego destruyó para quedarse el como único poseedor de uno. Total, que resulta que la gema gigante no es una gema (era obvio) si no un huevo de dragón que le ha elegido a él para que lo galope. Así que a lomos de una dragona azul llamada Safira tiene que destruir al rey malvado aquel y a su poderoso ejercito de tios feos y magos malvados y oscuros. La repanocha, ¿no?Siendo el planteamiento bastante poco original, la película se hace amena. Ya sabemos que al final ganamos los buenos y pierden los malos, como en todas las de este estilo, pero tenemos que ver como lo hacen y los efectos especiales que emplean para llegar hasta ese fin. Las ambientaciones están bastante bien hechas, con paisajes de esos que ponen los pelos de punta. De efectos especiales no andamos demasiado sobrados y es que aparte del dragón (dragona, perdón) y la batalla final, hay poca cosa más. El actor protagonista es de darle de boinazos hasta expulsarle de la grabación, pero como es el eje de la historia, tenemos que aguantarnos. Como defecto a la película le pondría que el desarrollo es un poco precipitado, como si tratasen de meter muchas cosas en la hora y media que dura. Si hubiese sido más larga no hubiera pasado nada.Resumiendo, película dirigida a un público adolescente, con dragones, espadas, magos y magia, reyes tiranos y plebeyos descontentos, resistencia y ejercitos invencibles, heroes y villanos, etc. Algo facilito que ver entre polvorón y mazapán.

Quizá demasiado corta.

Película dirigida a un público adolescente, con dragones, espadas, magos y magia, reyes tiranos y plebeyos descontentos, resistencia y ejercitos invencibles, heroes y villanos, etc. Algo facilito que ver entre polvorón y mazapán.

Hoy voy de rollo cultural y os diré que esta película está basada en una saga de libros juveniles, por lo que se ha pretendido compararla con Harry Potter, Narnia y el señor de los Anillos. Bien, a mí me parece que tiene diferencias muy sustanciales, primero esta está enfocada hacia un público juvenil como Harry Potter, no como Narnia que era más infantil (y para mí que peino canas) o el señor de los anillos que es más adulto. Por otro lado, es una película corta no como las otras. Quizá demasiado corta. Y la temática que aborda si es del estilo de las demás, magia y fantasía con un tipo que sin saber como le llega su momento en la vida. Su momentazo diría yo. En las comparaciones yo creo que es la más floja de las cuatro primeras partes, pero no está mal.La película trata de un chaval que de pronto le cae una gema como un melón gigante en las manos, así, sin más. Vive en una época difícil, en la que un rey tomó el mando del mundo (o del país, o de la región o que se yo) gracias a los dragones que luego destruyó para quedarse el como único poseedor de uno. Total, que resulta que la gema gigante no es una gema (era obvio) si no un huevo de dragón que le ha elegido a él para que lo galope. Así que a lomos de una dragona azul llamada Safira tiene que destruir al rey malvado aquel y a su poderoso ejercito de tios feos y magos malvados y oscuros. La repanocha, ¿no?Siendo el planteamiento bastante poco original, la película se hace amena. Ya sabemos que al final ganamos los buenos y pierden los malos, como en todas las de este estilo, pero tenemos que ver como lo hacen y los efectos especiales que emplean para llegar hasta ese fin. Las ambientaciones están bastante bien hechas, con paisajes de esos que ponen los pelos de punta. De efectos especiales no andamos demasiado sobrados y es que aparte del dragón (dragona, perdón) y la batalla final, hay poca cosa más. El actor protagonista es de darle de boinazos hasta expulsarle de la grabación, pero como es el eje de la historia, tenemos que aguantarnos. Como defecto a la película le pondría que el desarrollo es un poco precipitado, como si tratasen de meter muchas cosas en la hora y media que dura. Si hubiese sido más larga no hubiera pasado nada.Resumiendo, película dirigida a un público adolescente, con dragones, espadas, magos y magia, reyes tiranos y plebeyos descontentos, resistencia y ejercitos invencibles, heroes y villanos, etc. Algo facilito que ver entre polvorón y mazapán.

Y la temática que aborda si es del estilo de las demás, magia y fantasía con un tipo que sin saber como le llega su momento en la vida.

Película dirigida a un público adolescente, con dragones, espadas, magos y magia, reyes tiranos y plebeyos descontentos, resistencia y ejercitos invencibles, heroes y villanos, etc. Algo facilito que ver entre polvorón y mazapán.

Hoy voy de rollo cultural y os diré que esta película está basada en una saga de libros juveniles, por lo que se ha pretendido compararla con Harry Potter, Narnia y el señor de los Anillos. Bien, a mí me parece que tiene diferencias muy sustanciales, primero esta está enfocada hacia un público juvenil como Harry Potter, no como Narnia que era más infantil (y para mí que peino canas) o el señor de los anillos que es más adulto. Por otro lado, es una película corta no como las otras. Quizá demasiado corta. Y la temática que aborda si es del estilo de las demás, magia y fantasía con un tipo que sin saber como le llega su momento en la vida. Su momentazo diría yo. En las comparaciones yo creo que es la más floja de las cuatro primeras partes, pero no está mal.La película trata de un chaval que de pronto le cae una gema como un melón gigante en las manos, así, sin más. Vive en una época difícil, en la que un rey tomó el mando del mundo (o del país, o de la región o que se yo) gracias a los dragones que luego destruyó para quedarse el como único poseedor de uno. Total, que resulta que la gema gigante no es una gema (era obvio) si no un huevo de dragón que le ha elegido a él para que lo galope. Así que a lomos de una dragona azul llamada Safira tiene que destruir al rey malvado aquel y a su poderoso ejercito de tios feos y magos malvados y oscuros. La repanocha, ¿no?Siendo el planteamiento bastante poco original, la película se hace amena. Ya sabemos que al final ganamos los buenos y pierden los malos, como en todas las de este estilo, pero tenemos que ver como lo hacen y los efectos especiales que emplean para llegar hasta ese fin. Las ambientaciones están bastante bien hechas, con paisajes de esos que ponen los pelos de punta. De efectos especiales no andamos demasiado sobrados y es que aparte del dragón (dragona, perdón) y la batalla final, hay poca cosa más. El actor protagonista es de darle de boinazos hasta expulsarle de la grabación, pero como es el eje de la historia, tenemos que aguantarnos. Como defecto a la película le pondría que el desarrollo es un poco precipitado, como si tratasen de meter muchas cosas en la hora y media que dura. Si hubiese sido más larga no hubiera pasado nada.Resumiendo, película dirigida a un público adolescente, con dragones, espadas, magos y magia, reyes tiranos y plebeyos descontentos, resistencia y ejercitos invencibles, heroes y villanos, etc. Algo facilito que ver entre polvorón y mazapán.

Su momentazo diría yo.

Película dirigida a un público adolescente, con dragones, espadas, magos y magia, reyes tiranos y plebeyos descontentos, resistencia y ejercitos invencibles, heroes y villanos, etc. Algo facilito que ver entre polvorón y mazapán.

Hoy voy de rollo cultural y os diré que esta película está basada en una saga de libros juveniles, por lo que se ha pretendido compararla con Harry Potter, Narnia y el señor de los Anillos. Bien, a mí me parece que tiene diferencias muy sustanciales, primero esta está enfocada hacia un público juvenil como Harry Potter, no como Narnia que era más infantil (y para mí que peino canas) o el señor de los anillos que es más adulto. Por otro lado, es una película corta no como las otras. Quizá demasiado corta. Y la temática que aborda si es del estilo de las demás, magia y fantasía con un tipo que sin saber como le llega su momento en la vida. Su momentazo diría yo. En las comparaciones yo creo que es la más floja de las cuatro primeras partes, pero no está mal.La película trata de un chaval que de pronto le cae una gema como un melón gigante en las manos, así, sin más. Vive en una época difícil, en la que un rey tomó el mando del mundo (o del país, o de la región o que se yo) gracias a los dragones que luego destruyó para quedarse el como único poseedor de uno. Total, que resulta que la gema gigante no es una gema (era obvio) si no un huevo de dragón que le ha elegido a él para que lo galope. Así que a lomos de una dragona azul llamada Safira tiene que destruir al rey malvado aquel y a su poderoso ejercito de tios feos y magos malvados y oscuros. La repanocha, ¿no?Siendo el planteamiento bastante poco original, la película se hace amena. Ya sabemos que al final ganamos los buenos y pierden los malos, como en todas las de este estilo, pero tenemos que ver como lo hacen y los efectos especiales que emplean para llegar hasta ese fin. Las ambientaciones están bastante bien hechas, con paisajes de esos que ponen los pelos de punta. De efectos especiales no andamos demasiado sobrados y es que aparte del dragón (dragona, perdón) y la batalla final, hay poca cosa más. El actor protagonista es de darle de boinazos hasta expulsarle de la grabación, pero como es el eje de la historia, tenemos que aguantarnos. Como defecto a la película le pondría que el desarrollo es un poco precipitado, como si tratasen de meter muchas cosas en la hora y media que dura. Si hubiese sido más larga no hubiera pasado nada.Resumiendo, película dirigida a un público adolescente, con dragones, espadas, magos y magia, reyes tiranos y plebeyos descontentos, resistencia y ejercitos invencibles, heroes y villanos, etc. Algo facilito que ver entre polvorón y mazapán.

En las comparaciones yo creo que es la más floja de las cuatro primeras partes, pero no está mal.

Película dirigida a un público adolescente, con dragones, espadas, magos y magia, reyes tiranos y plebeyos descontentos, resistencia y ejercitos invencibles, heroes y villanos, etc. Algo facilito que ver entre polvorón y mazapán.

Hoy voy de rollo cultural y os diré que esta película está basada en una saga de libros juveniles, por lo que se ha pretendido compararla con Harry Potter, Narnia y el señor de los Anillos. Bien, a mí me parece que tiene diferencias muy sustanciales, primero esta está enfocada hacia un público juvenil como Harry Potter, no como Narnia que era más infantil (y para mí que peino canas) o el señor de los anillos que es más adulto. Por otro lado, es una película corta no como las otras. Quizá demasiado corta. Y la temática que aborda si es del estilo de las demás, magia y fantasía con un tipo que sin saber como le llega su momento en la vida. Su momentazo diría yo. En las comparaciones yo creo que es la más floja de las cuatro primeras partes, pero no está mal.La película trata de un chaval que de pronto le cae una gema como un melón gigante en las manos, así, sin más. Vive en una época difícil, en la que un rey tomó el mando del mundo (o del país, o de la región o que se yo) gracias a los dragones que luego destruyó para quedarse el como único poseedor de uno. Total, que resulta que la gema gigante no es una gema (era obvio) si no un huevo de dragón que le ha elegido a él para que lo galope. Así que a lomos de una dragona azul llamada Safira tiene que destruir al rey malvado aquel y a su poderoso ejercito de tios feos y magos malvados y oscuros. La repanocha, ¿no?Siendo el planteamiento bastante poco original, la película se hace amena. Ya sabemos que al final ganamos los buenos y pierden los malos, como en todas las de este estilo, pero tenemos que ver como lo hacen y los efectos especiales que emplean para llegar hasta ese fin. Las ambientaciones están bastante bien hechas, con paisajes de esos que ponen los pelos de punta. De efectos especiales no andamos demasiado sobrados y es que aparte del dragón (dragona, perdón) y la batalla final, hay poca cosa más. El actor protagonista es de darle de boinazos hasta expulsarle de la grabación, pero como es el eje de la historia, tenemos que aguantarnos. Como defecto a la película le pondría que el desarrollo es un poco precipitado, como si tratasen de meter muchas cosas en la hora y media que dura. Si hubiese sido más larga no hubiera pasado nada.Resumiendo, película dirigida a un público adolescente, con dragones, espadas, magos y magia, reyes tiranos y plebeyos descontentos, resistencia y ejercitos invencibles, heroes y villanos, etc. Algo facilito que ver entre polvorón y mazapán.

La película trata de un chaval que de pronto le cae una gema como un melón gigante en las manos, así, sin más.

Película dirigida a un público adolescente, con dragones, espadas, magos y magia, reyes tiranos y plebeyos descontentos, resistencia y ejercitos invencibles, heroes y villanos, etc. Algo facilito que ver entre polvorón y mazapán.

Hoy voy de rollo cultural y os diré que esta película está basada en una saga de libros juveniles, por lo que se ha pretendido compararla con Harry Potter, Narnia y el señor de los Anillos. Bien, a mí me parece que tiene diferencias muy sustanciales, primero esta está enfocada hacia un público juvenil como Harry Potter, no como Narnia que era más infantil (y para mí que peino canas) o el señor de los anillos que es más adulto. Por otro lado, es una película corta no como las otras. Quizá demasiado corta. Y la temática que aborda si es del estilo de las demás, magia y fantasía con un tipo que sin saber como le llega su momento en la vida. Su momentazo diría yo. En las comparaciones yo creo que es la más floja de las cuatro primeras partes, pero no está mal.La película trata de un chaval que de pronto le cae una gema como un melón gigante en las manos, así, sin más. Vive en una época difícil, en la que un rey tomó el mando del mundo (o del país, o de la región o que se yo) gracias a los dragones que luego destruyó para quedarse el como único poseedor de uno. Total, que resulta que la gema gigante no es una gema (era obvio) si no un huevo de dragón que le ha elegido a él para que lo galope. Así que a lomos de una dragona azul llamada Safira tiene que destruir al rey malvado aquel y a su poderoso ejercito de tios feos y magos malvados y oscuros. La repanocha, ¿no?Siendo el planteamiento bastante poco original, la película se hace amena. Ya sabemos que al final ganamos los buenos y pierden los malos, como en todas las de este estilo, pero tenemos que ver como lo hacen y los efectos especiales que emplean para llegar hasta ese fin. Las ambientaciones están bastante bien hechas, con paisajes de esos que ponen los pelos de punta. De efectos especiales no andamos demasiado sobrados y es que aparte del dragón (dragona, perdón) y la batalla final, hay poca cosa más. El actor protagonista es de darle de boinazos hasta expulsarle de la grabación, pero como es el eje de la historia, tenemos que aguantarnos. Como defecto a la película le pondría que el desarrollo es un poco precipitado, como si tratasen de meter muchas cosas en la hora y media que dura. Si hubiese sido más larga no hubiera pasado nada.Resumiendo, película dirigida a un público adolescente, con dragones, espadas, magos y magia, reyes tiranos y plebeyos descontentos, resistencia y ejercitos invencibles, heroes y villanos, etc. Algo facilito que ver entre polvorón y mazapán.

Vive en una época difícil, en la que un rey tomó el mando del mundo (o del país, o de la región o que se yo) gracias a los dragones que luego destruyó para quedarse el como único poseedor de uno.

Película dirigida a un público adolescente, con dragones, espadas, magos y magia, reyes tiranos y plebeyos descontentos, resistencia y ejercitos invencibles, heroes y villanos, etc. Algo facilito que ver entre polvorón y mazapán.

Hoy voy de rollo cultural y os diré que esta película está basada en una saga de libros juveniles, por lo que se ha pretendido compararla con Harry Potter, Narnia y el señor de los Anillos. Bien, a mí me parece que tiene diferencias muy sustanciales, primero esta está enfocada hacia un público juvenil como Harry Potter, no como Narnia que era más infantil (y para mí que peino canas) o el señor de los anillos que es más adulto. Por otro lado, es una película corta no como las otras. Quizá demasiado corta. Y la temática que aborda si es del estilo de las demás, magia y fantasía con un tipo que sin saber como le llega su momento en la vida. Su momentazo diría yo. En las comparaciones yo creo que es la más floja de las cuatro primeras partes, pero no está mal.La película trata de un chaval que de pronto le cae una gema como un melón gigante en las manos, así, sin más. Vive en una época difícil, en la que un rey tomó el mando del mundo (o del país, o de la región o que se yo) gracias a los dragones que luego destruyó para quedarse el como único poseedor de uno. Total, que resulta que la gema gigante no es una gema (era obvio) si no un huevo de dragón que le ha elegido a él para que lo galope. Así que a lomos de una dragona azul llamada Safira tiene que destruir al rey malvado aquel y a su poderoso ejercito de tios feos y magos malvados y oscuros. La repanocha, ¿no?Siendo el planteamiento bastante poco original, la película se hace amena. Ya sabemos que al final ganamos los buenos y pierden los malos, como en todas las de este estilo, pero tenemos que ver como lo hacen y los efectos especiales que emplean para llegar hasta ese fin. Las ambientaciones están bastante bien hechas, con paisajes de esos que ponen los pelos de punta. De efectos especiales no andamos demasiado sobrados y es que aparte del dragón (dragona, perdón) y la batalla final, hay poca cosa más. El actor protagonista es de darle de boinazos hasta expulsarle de la grabación, pero como es el eje de la historia, tenemos que aguantarnos. Como defecto a la película le pondría que el desarrollo es un poco precipitado, como si tratasen de meter muchas cosas en la hora y media que dura. Si hubiese sido más larga no hubiera pasado nada.Resumiendo, película dirigida a un público adolescente, con dragones, espadas, magos y magia, reyes tiranos y plebeyos descontentos, resistencia y ejercitos invencibles, heroes y villanos, etc. Algo facilito que ver entre polvorón y mazapán.

Total, que resulta que la gema gigante no es una gema (era obvio) si no un huevo de dragón que le ha elegido a él para que lo galope.

Película dirigida a un público adolescente, con dragones, espadas, magos y magia, reyes tiranos y plebeyos descontentos, resistencia y ejercitos invencibles, heroes y villanos, etc. Algo facilito que ver entre polvorón y mazapán.

Hoy voy de rollo cultural y os diré que esta película está basada en una saga de libros juveniles, por lo que se ha pretendido compararla con Harry Potter, Narnia y el señor de los Anillos. Bien, a mí me parece que tiene diferencias muy sustanciales, primero esta está enfocada hacia un público juvenil como Harry Potter, no como Narnia que era más infantil (y para mí que peino canas) o el señor de los anillos que es más adulto. Por otro lado, es una película corta no como las otras. Quizá demasiado corta. Y la temática que aborda si es del estilo de las demás, magia y fantasía con un tipo que sin saber como le llega su momento en la vida. Su momentazo diría yo. En las comparaciones yo creo que es la más floja de las cuatro primeras partes, pero no está mal.La película trata de un chaval que de pronto le cae una gema como un melón gigante en las manos, así, sin más. Vive en una época difícil, en la que un rey tomó el mando del mundo (o del país, o de la región o que se yo) gracias a los dragones que luego destruyó para quedarse el como único poseedor de uno. Total, que resulta que la gema gigante no es una gema (era obvio) si no un huevo de dragón que le ha elegido a él para que lo galope. Así que a lomos de una dragona azul llamada Safira tiene que destruir al rey malvado aquel y a su poderoso ejercito de tios feos y magos malvados y oscuros. La repanocha, ¿no?Siendo el planteamiento bastante poco original, la película se hace amena. Ya sabemos que al final ganamos los buenos y pierden los malos, como en todas las de este estilo, pero tenemos que ver como lo hacen y los efectos especiales que emplean para llegar hasta ese fin. Las ambientaciones están bastante bien hechas, con paisajes de esos que ponen los pelos de punta. De efectos especiales no andamos demasiado sobrados y es que aparte del dragón (dragona, perdón) y la batalla final, hay poca cosa más. El actor protagonista es de darle de boinazos hasta expulsarle de la grabación, pero como es el eje de la historia, tenemos que aguantarnos. Como defecto a la película le pondría que el desarrollo es un poco precipitado, como si tratasen de meter muchas cosas en la hora y media que dura. Si hubiese sido más larga no hubiera pasado nada.Resumiendo, película dirigida a un público adolescente, con dragones, espadas, magos y magia, reyes tiranos y plebeyos descontentos, resistencia y ejercitos invencibles, heroes y villanos, etc. Algo facilito que ver entre polvorón y mazapán.

Así que a lomos de una dragona azul llamada Safira tiene que destruir al rey malvado aquel y a su poderoso ejercito de tios feos y magos malvados y oscuros.

Película dirigida a un público adolescente, con dragones, espadas, magos y magia, reyes tiranos y plebeyos descontentos, resistencia y ejercitos invencibles, heroes y villanos, etc. Algo facilito que ver entre polvorón y mazapán.

Hoy voy de rollo cultural y os diré que esta película está basada en una saga de libros juveniles, por lo que se ha pretendido compararla con Harry Potter, Narnia y el señor de los Anillos. Bien, a mí me parece que tiene diferencias muy sustanciales, primero esta está enfocada hacia un público juvenil como Harry Potter, no como Narnia que era más infantil (y para mí que peino canas) o el señor de los anillos que es más adulto. Por otro lado, es una película corta no como las otras. Quizá demasiado corta. Y la temática que aborda si es del estilo de las demás, magia y fantasía con un tipo que sin saber como le llega su momento en la vida. Su momentazo diría yo. En las comparaciones yo creo que es la más floja de las cuatro primeras partes, pero no está mal.La película trata de un chaval que de pronto le cae una gema como un melón gigante en las manos, así, sin más. Vive en una época difícil, en la que un rey tomó el mando del mundo (o del país, o de la región o que se yo) gracias a los dragones que luego destruyó para quedarse el como único poseedor de uno. Total, que resulta que la gema gigante no es una gema (era obvio) si no un huevo de dragón que le ha elegido a él para que lo galope. Así que a lomos de una dragona azul llamada Safira tiene que destruir al rey malvado aquel y a su poderoso ejercito de tios feos y magos malvados y oscuros. La repanocha, ¿no?Siendo el planteamiento bastante poco original, la película se hace amena. Ya sabemos que al final ganamos los buenos y pierden los malos, como en todas las de este estilo, pero tenemos que ver como lo hacen y los efectos especiales que emplean para llegar hasta ese fin. Las ambientaciones están bastante bien hechas, con paisajes de esos que ponen los pelos de punta. De efectos especiales no andamos demasiado sobrados y es que aparte del dragón (dragona, perdón) y la batalla final, hay poca cosa más. El actor protagonista es de darle de boinazos hasta expulsarle de la grabación, pero como es el eje de la historia, tenemos que aguantarnos. Como defecto a la película le pondría que el desarrollo es un poco precipitado, como si tratasen de meter muchas cosas en la hora y media que dura. Si hubiese sido más larga no hubiera pasado nada.Resumiendo, película dirigida a un público adolescente, con dragones, espadas, magos y magia, reyes tiranos y plebeyos descontentos, resistencia y ejercitos invencibles, heroes y villanos, etc. Algo facilito que ver entre polvorón y mazapán.

La repanocha, ¿no?Siendo el planteamiento bastante poco original, la película se hace amena.

Película dirigida a un público adolescente, con dragones, espadas, magos y magia, reyes tiranos y plebeyos descontentos, resistencia y ejercitos invencibles, heroes y villanos, etc. Algo facilito que ver entre polvorón y mazapán.

Hoy voy de rollo cultural y os diré que esta película está basada en una saga de libros juveniles, por lo que se ha pretendido compararla con Harry Potter, Narnia y el señor de los Anillos. Bien, a mí me parece que tiene diferencias muy sustanciales, primero esta está enfocada hacia un público juvenil como Harry Potter, no como Narnia que era más infantil (y para mí que peino canas) o el señor de los anillos que es más adulto. Por otro lado, es una película corta no como las otras. Quizá demasiado corta. Y la temática que aborda si es del estilo de las demás, magia y fantasía con un tipo que sin saber como le llega su momento en la vida. Su momentazo diría yo. En las comparaciones yo creo que es la más floja de las cuatro primeras partes, pero no está mal.La película trata de un chaval que de pronto le cae una gema como un melón gigante en las manos, así, sin más. Vive en una época difícil, en la que un rey tomó el mando del mundo (o del país, o de la región o que se yo) gracias a los dragones que luego destruyó para quedarse el como único poseedor de uno. Total, que resulta que la gema gigante no es una gema (era obvio) si no un huevo de dragón que le ha elegido a él para que lo galope. Así que a lomos de una dragona azul llamada Safira tiene que destruir al rey malvado aquel y a su poderoso ejercito de tios feos y magos malvados y oscuros. La repanocha, ¿no?Siendo el planteamiento bastante poco original, la película se hace amena. Ya sabemos que al final ganamos los buenos y pierden los malos, como en todas las de este estilo, pero tenemos que ver como lo hacen y los efectos especiales que emplean para llegar hasta ese fin. Las ambientaciones están bastante bien hechas, con paisajes de esos que ponen los pelos de punta. De efectos especiales no andamos demasiado sobrados y es que aparte del dragón (dragona, perdón) y la batalla final, hay poca cosa más. El actor protagonista es de darle de boinazos hasta expulsarle de la grabación, pero como es el eje de la historia, tenemos que aguantarnos. Como defecto a la película le pondría que el desarrollo es un poco precipitado, como si tratasen de meter muchas cosas en la hora y media que dura. Si hubiese sido más larga no hubiera pasado nada.Resumiendo, película dirigida a un público adolescente, con dragones, espadas, magos y magia, reyes tiranos y plebeyos descontentos, resistencia y ejercitos invencibles, heroes y villanos, etc. Algo facilito que ver entre polvorón y mazapán.

Ya sabemos que al final ganamos los buenos y pierden los malos, como en todas las de este estilo, pero tenemos que ver como lo hacen y los efectos especiales que emplean para llegar hasta ese fin.

Película dirigida a un público adolescente, con dragones, espadas, magos y magia, reyes tiranos y plebeyos descontentos, resistencia y ejercitos invencibles, heroes y villanos, etc. Algo facilito que ver entre polvorón y mazapán.

Hoy voy de rollo cultural y os diré que esta película está basada en una saga de libros juveniles, por lo que se ha pretendido compararla con Harry Potter, Narnia y el señor de los Anillos. Bien, a mí me parece que tiene diferencias muy sustanciales, primero esta está enfocada hacia un público juvenil como Harry Potter, no como Narnia que era más infantil (y para mí que peino canas) o el señor de los anillos que es más adulto. Por otro lado, es una película corta no como las otras. Quizá demasiado corta. Y la temática que aborda si es del estilo de las demás, magia y fantasía con un tipo que sin saber como le llega su momento en la vida. Su momentazo diría yo. En las comparaciones yo creo que es la más floja de las cuatro primeras partes, pero no está mal.La película trata de un chaval que de pronto le cae una gema como un melón gigante en las manos, así, sin más. Vive en una época difícil, en la que un rey tomó el mando del mundo (o del país, o de la región o que se yo) gracias a los dragones que luego destruyó para quedarse el como único poseedor de uno. Total, que resulta que la gema gigante no es una gema (era obvio) si no un huevo de dragón que le ha elegido a él para que lo galope. Así que a lomos de una dragona azul llamada Safira tiene que destruir al rey malvado aquel y a su poderoso ejercito de tios feos y magos malvados y oscuros. La repanocha, ¿no?Siendo el planteamiento bastante poco original, la película se hace amena. Ya sabemos que al final ganamos los buenos y pierden los malos, como en todas las de este estilo, pero tenemos que ver como lo hacen y los efectos especiales que emplean para llegar hasta ese fin. Las ambientaciones están bastante bien hechas, con paisajes de esos que ponen los pelos de punta. De efectos especiales no andamos demasiado sobrados y es que aparte del dragón (dragona, perdón) y la batalla final, hay poca cosa más. El actor protagonista es de darle de boinazos hasta expulsarle de la grabación, pero como es el eje de la historia, tenemos que aguantarnos. Como defecto a la película le pondría que el desarrollo es un poco precipitado, como si tratasen de meter muchas cosas en la hora y media que dura. Si hubiese sido más larga no hubiera pasado nada.Resumiendo, película dirigida a un público adolescente, con dragones, espadas, magos y magia, reyes tiranos y plebeyos descontentos, resistencia y ejercitos invencibles, heroes y villanos, etc. Algo facilito que ver entre polvorón y mazapán.

Las ambientaciones están bastante bien hechas, con paisajes de esos que ponen los pelos de punta.

Película dirigida a un público adolescente, con dragones, espadas, magos y magia, reyes tiranos y plebeyos descontentos, resistencia y ejercitos invencibles, heroes y villanos, etc. Algo facilito que ver entre polvorón y mazapán.

Hoy voy de rollo cultural y os diré que esta película está basada en una saga de libros juveniles, por lo que se ha pretendido compararla con Harry Potter, Narnia y el señor de los Anillos. Bien, a mí me parece que tiene diferencias muy sustanciales, primero esta está enfocada hacia un público juvenil como Harry Potter, no como Narnia que era más infantil (y para mí que peino canas) o el señor de los anillos que es más adulto. Por otro lado, es una película corta no como las otras. Quizá demasiado corta. Y la temática que aborda si es del estilo de las demás, magia y fantasía con un tipo que sin saber como le llega su momento en la vida. Su momentazo diría yo. En las comparaciones yo creo que es la más floja de las cuatro primeras partes, pero no está mal.La película trata de un chaval que de pronto le cae una gema como un melón gigante en las manos, así, sin más. Vive en una época difícil, en la que un rey tomó el mando del mundo (o del país, o de la región o que se yo) gracias a los dragones que luego destruyó para quedarse el como único poseedor de uno. Total, que resulta que la gema gigante no es una gema (era obvio) si no un huevo de dragón que le ha elegido a él para que lo galope. Así que a lomos de una dragona azul llamada Safira tiene que destruir al rey malvado aquel y a su poderoso ejercito de tios feos y magos malvados y oscuros. La repanocha, ¿no?Siendo el planteamiento bastante poco original, la película se hace amena. Ya sabemos que al final ganamos los buenos y pierden los malos, como en todas las de este estilo, pero tenemos que ver como lo hacen y los efectos especiales que emplean para llegar hasta ese fin. Las ambientaciones están bastante bien hechas, con paisajes de esos que ponen los pelos de punta. De efectos especiales no andamos demasiado sobrados y es que aparte del dragón (dragona, perdón) y la batalla final, hay poca cosa más. El actor protagonista es de darle de boinazos hasta expulsarle de la grabación, pero como es el eje de la historia, tenemos que aguantarnos. Como defecto a la película le pondría que el desarrollo es un poco precipitado, como si tratasen de meter muchas cosas en la hora y media que dura. Si hubiese sido más larga no hubiera pasado nada.Resumiendo, película dirigida a un público adolescente, con dragones, espadas, magos y magia, reyes tiranos y plebeyos descontentos, resistencia y ejercitos invencibles, heroes y villanos, etc. Algo facilito que ver entre polvorón y mazapán.

De efectos especiales no andamos demasiado sobrados y es que aparte del dragón (dragona, perdón) y la batalla final, hay poca cosa más.

Película dirigida a un público adolescente, con dragones, espadas, magos y magia, reyes tiranos y plebeyos descontentos, resistencia y ejercitos invencibles, heroes y villanos, etc. Algo facilito que ver entre polvorón y mazapán.

Hoy voy de rollo cultural y os diré que esta película está basada en una saga de libros juveniles, por lo que se ha pretendido compararla con Harry Potter, Narnia y el señor de los Anillos. Bien, a mí me parece que tiene diferencias muy sustanciales, primero esta está enfocada hacia un público juvenil como Harry Potter, no como Narnia que era más infantil (y para mí que peino canas) o el señor de los anillos que es más adulto. Por otro lado, es una película corta no como las otras. Quizá demasiado corta. Y la temática que aborda si es del estilo de las demás, magia y fantasía con un tipo que sin saber como le llega su momento en la vida. Su momentazo diría yo. En las comparaciones yo creo que es la más floja de las cuatro primeras partes, pero no está mal.La película trata de un chaval que de pronto le cae una gema como un melón gigante en las manos, así, sin más. Vive en una época difícil, en la que un rey tomó el mando del mundo (o del país, o de la región o que se yo) gracias a los dragones que luego destruyó para quedarse el como único poseedor de uno. Total, que resulta que la gema gigante no es una gema (era obvio) si no un huevo de dragón que le ha elegido a él para que lo galope. Así que a lomos de una dragona azul llamada Safira tiene que destruir al rey malvado aquel y a su poderoso ejercito de tios feos y magos malvados y oscuros. La repanocha, ¿no?Siendo el planteamiento bastante poco original, la película se hace amena. Ya sabemos que al final ganamos los buenos y pierden los malos, como en todas las de este estilo, pero tenemos que ver como lo hacen y los efectos especiales que emplean para llegar hasta ese fin. Las ambientaciones están bastante bien hechas, con paisajes de esos que ponen los pelos de punta. De efectos especiales no andamos demasiado sobrados y es que aparte del dragón (dragona, perdón) y la batalla final, hay poca cosa más. El actor protagonista es de darle de boinazos hasta expulsarle de la grabación, pero como es el eje de la historia, tenemos que aguantarnos. Como defecto a la película le pondría que el desarrollo es un poco precipitado, como si tratasen de meter muchas cosas en la hora y media que dura. Si hubiese sido más larga no hubiera pasado nada.Resumiendo, película dirigida a un público adolescente, con dragones, espadas, magos y magia, reyes tiranos y plebeyos descontentos, resistencia y ejercitos invencibles, heroes y villanos, etc. Algo facilito que ver entre polvorón y mazapán.

El actor protagonista es de darle de boinazos hasta expulsarle de la grabación, pero como es el eje de la historia, tenemos que aguantarnos.

Película dirigida a un público adolescente, con dragones, espadas, magos y magia, reyes tiranos y plebeyos descontentos, resistencia y ejercitos invencibles, heroes y villanos, etc. Algo facilito que ver entre polvorón y mazapán.

Hoy voy de rollo cultural y os diré que esta película está basada en una saga de libros juveniles, por lo que se ha pretendido compararla con Harry Potter, Narnia y el señor de los Anillos. Bien, a mí me parece que tiene diferencias muy sustanciales, primero esta está enfocada hacia un público juvenil como Harry Potter, no como Narnia que era más infantil (y para mí que peino canas) o el señor de los anillos que es más adulto. Por otro lado, es una película corta no como las otras. Quizá demasiado corta. Y la temática que aborda si es del estilo de las demás, magia y fantasía con un tipo que sin saber como le llega su momento en la vida. Su momentazo diría yo. En las comparaciones yo creo que es la más floja de las cuatro primeras partes, pero no está mal.La película trata de un chaval que de pronto le cae una gema como un melón gigante en las manos, así, sin más. Vive en una época difícil, en la que un rey tomó el mando del mundo (o del país, o de la región o que se yo) gracias a los dragones que luego destruyó para quedarse el como único poseedor de uno. Total, que resulta que la gema gigante no es una gema (era obvio) si no un huevo de dragón que le ha elegido a él para que lo galope. Así que a lomos de una dragona azul llamada Safira tiene que destruir al rey malvado aquel y a su poderoso ejercito de tios feos y magos malvados y oscuros. La repanocha, ¿no?Siendo el planteamiento bastante poco original, la película se hace amena. Ya sabemos que al final ganamos los buenos y pierden los malos, como en todas las de este estilo, pero tenemos que ver como lo hacen y los efectos especiales que emplean para llegar hasta ese fin. Las ambientaciones están bastante bien hechas, con paisajes de esos que ponen los pelos de punta. De efectos especiales no andamos demasiado sobrados y es que aparte del dragón (dragona, perdón) y la batalla final, hay poca cosa más. El actor protagonista es de darle de boinazos hasta expulsarle de la grabación, pero como es el eje de la historia, tenemos que aguantarnos. Como defecto a la película le pondría que el desarrollo es un poco precipitado, como si tratasen de meter muchas cosas en la hora y media que dura. Si hubiese sido más larga no hubiera pasado nada.Resumiendo, película dirigida a un público adolescente, con dragones, espadas, magos y magia, reyes tiranos y plebeyos descontentos, resistencia y ejercitos invencibles, heroes y villanos, etc. Algo facilito que ver entre polvorón y mazapán.

Como defecto a la película le pondría que el desarrollo es un poco precipitado, como si tratasen de meter muchas cosas en la hora y media que dura.

Película dirigida a un público adolescente, con dragones, espadas, magos y magia, reyes tiranos y plebeyos descontentos, resistencia y ejercitos invencibles, heroes y villanos, etc. Algo facilito que ver entre polvorón y mazapán.

Hoy voy de rollo cultural y os diré que esta película está basada en una saga de libros juveniles, por lo que se ha pretendido compararla con Harry Potter, Narnia y el señor de los Anillos. Bien, a mí me parece que tiene diferencias muy sustanciales, primero esta está enfocada hacia un público juvenil como Harry Potter, no como Narnia que era más infantil (y para mí que peino canas) o el señor de los anillos que es más adulto. Por otro lado, es una película corta no como las otras. Quizá demasiado corta. Y la temática que aborda si es del estilo de las demás, magia y fantasía con un tipo que sin saber como le llega su momento en la vida. Su momentazo diría yo. En las comparaciones yo creo que es la más floja de las cuatro primeras partes, pero no está mal.La película trata de un chaval que de pronto le cae una gema como un melón gigante en las manos, así, sin más. Vive en una época difícil, en la que un rey tomó el mando del mundo (o del país, o de la región o que se yo) gracias a los dragones que luego destruyó para quedarse el como único poseedor de uno. Total, que resulta que la gema gigante no es una gema (era obvio) si no un huevo de dragón que le ha elegido a él para que lo galope. Así que a lomos de una dragona azul llamada Safira tiene que destruir al rey malvado aquel y a su poderoso ejercito de tios feos y magos malvados y oscuros. La repanocha, ¿no?Siendo el planteamiento bastante poco original, la película se hace amena. Ya sabemos que al final ganamos los buenos y pierden los malos, como en todas las de este estilo, pero tenemos que ver como lo hacen y los efectos especiales que emplean para llegar hasta ese fin. Las ambientaciones están bastante bien hechas, con paisajes de esos que ponen los pelos de punta. De efectos especiales no andamos demasiado sobrados y es que aparte del dragón (dragona, perdón) y la batalla final, hay poca cosa más. El actor protagonista es de darle de boinazos hasta expulsarle de la grabación, pero como es el eje de la historia, tenemos que aguantarnos. Como defecto a la película le pondría que el desarrollo es un poco precipitado, como si tratasen de meter muchas cosas en la hora y media que dura. Si hubiese sido más larga no hubiera pasado nada.Resumiendo, película dirigida a un público adolescente, con dragones, espadas, magos y magia, reyes tiranos y plebeyos descontentos, resistencia y ejercitos invencibles, heroes y villanos, etc. Algo facilito que ver entre polvorón y mazapán.

Si hubiese sido más larga no hubiera pasado nada.

Película dirigida a un público adolescente, con dragones, espadas, magos y magia, reyes tiranos y plebeyos descontentos, resistencia y ejercitos invencibles, heroes y villanos, etc. Algo facilito que ver entre polvorón y mazapán.

Hoy voy de rollo cultural y os diré que esta película está basada en una saga de libros juveniles, por lo que se ha pretendido compararla con Harry Potter, Narnia y el señor de los Anillos. Bien, a mí me parece que tiene diferencias muy sustanciales, primero esta está enfocada hacia un público juvenil como Harry Potter, no como Narnia que era más infantil (y para mí que peino canas) o el señor de los anillos que es más adulto. Por otro lado, es una película corta no como las otras. Quizá demasiado corta. Y la temática que aborda si es del estilo de las demás, magia y fantasía con un tipo que sin saber como le llega su momento en la vida. Su momentazo diría yo. En las comparaciones yo creo que es la más floja de las cuatro primeras partes, pero no está mal.La película trata de un chaval que de pronto le cae una gema como un melón gigante en las manos, así, sin más. Vive en una época difícil, en la que un rey tomó el mando del mundo (o del país, o de la región o que se yo) gracias a los dragones que luego destruyó para quedarse el como único poseedor de uno. Total, que resulta que la gema gigante no es una gema (era obvio) si no un huevo de dragón que le ha elegido a él para que lo galope. Así que a lomos de una dragona azul llamada Safira tiene que destruir al rey malvado aquel y a su poderoso ejercito de tios feos y magos malvados y oscuros. La repanocha, ¿no?Siendo el planteamiento bastante poco original, la película se hace amena. Ya sabemos que al final ganamos los buenos y pierden los malos, como en todas las de este estilo, pero tenemos que ver como lo hacen y los efectos especiales que emplean para llegar hasta ese fin. Las ambientaciones están bastante bien hechas, con paisajes de esos que ponen los pelos de punta. De efectos especiales no andamos demasiado sobrados y es que aparte del dragón (dragona, perdón) y la batalla final, hay poca cosa más. El actor protagonista es de darle de boinazos hasta expulsarle de la grabación, pero como es el eje de la historia, tenemos que aguantarnos. Como defecto a la película le pondría que el desarrollo es un poco precipitado, como si tratasen de meter muchas cosas en la hora y media que dura. Si hubiese sido más larga no hubiera pasado nada.Resumiendo, película dirigida a un público adolescente, con dragones, espadas, magos y magia, reyes tiranos y plebeyos descontentos, resistencia y ejercitos invencibles, heroes y villanos, etc. Algo facilito que ver entre polvorón y mazapán.

Resumiendo, película dirigida a un público adolescente, con dragones, espadas, magos y magia, reyes tiranos y plebeyos descontentos, resistencia y ejercitos invencibles, heroes y villanos, etc.

Película dirigida a un público adolescente, con dragones, espadas, magos y magia, reyes tiranos y plebeyos descontentos, resistencia y ejercitos invencibles, heroes y villanos, etc. Algo facilito que ver entre polvorón y mazapán.

Hoy voy de rollo cultural y os diré que esta película está basada en una saga de libros juveniles, por lo que se ha pretendido compararla con Harry Potter, Narnia y el señor de los Anillos. Bien, a mí me parece que tiene diferencias muy sustanciales, primero esta está enfocada hacia un público juvenil como Harry Potter, no como Narnia que era más infantil (y para mí que peino canas) o el señor de los anillos que es más adulto. Por otro lado, es una película corta no como las otras. Quizá demasiado corta. Y la temática que aborda si es del estilo de las demás, magia y fantasía con un tipo que sin saber como le llega su momento en la vida. Su momentazo diría yo. En las comparaciones yo creo que es la más floja de las cuatro primeras partes, pero no está mal.La película trata de un chaval que de pronto le cae una gema como un melón gigante en las manos, así, sin más. Vive en una época difícil, en la que un rey tomó el mando del mundo (o del país, o de la región o que se yo) gracias a los dragones que luego destruyó para quedarse el como único poseedor de uno. Total, que resulta que la gema gigante no es una gema (era obvio) si no un huevo de dragón que le ha elegido a él para que lo galope. Así que a lomos de una dragona azul llamada Safira tiene que destruir al rey malvado aquel y a su poderoso ejercito de tios feos y magos malvados y oscuros. La repanocha, ¿no?Siendo el planteamiento bastante poco original, la película se hace amena. Ya sabemos que al final ganamos los buenos y pierden los malos, como en todas las de este estilo, pero tenemos que ver como lo hacen y los efectos especiales que emplean para llegar hasta ese fin. Las ambientaciones están bastante bien hechas, con paisajes de esos que ponen los pelos de punta. De efectos especiales no andamos demasiado sobrados y es que aparte del dragón (dragona, perdón) y la batalla final, hay poca cosa más. El actor protagonista es de darle de boinazos hasta expulsarle de la grabación, pero como es el eje de la historia, tenemos que aguantarnos. Como defecto a la película le pondría que el desarrollo es un poco precipitado, como si tratasen de meter muchas cosas en la hora y media que dura. Si hubiese sido más larga no hubiera pasado nada.Resumiendo, película dirigida a un público adolescente, con dragones, espadas, magos y magia, reyes tiranos y plebeyos descontentos, resistencia y ejercitos invencibles, heroes y villanos, etc. Algo facilito que ver entre polvorón y mazapán.

Algo facilito que ver entre polvorón y mazapán.

Película dirigida a un público adolescente, con dragones, espadas, magos y magia, reyes tiranos y plebeyos descontentos, resistencia y ejercitos invencibles, heroes y villanos, etc. Algo facilito que ver entre polvorón y mazapán.

Hoy voy de rollo cultural y os diré que esta película está basada en una saga de libros juveniles, por lo que se ha pretendido compararla con Harry Potter, Narnia y el señor de los Anillos. Bien, a mí me parece que tiene diferencias muy sustanciales, primero esta está enfocada hacia un público juvenil como Harry Potter, no como Narnia que era más infantil (y para mí que peino canas) o el señor de los anillos que es más adulto. Por otro lado, es una película corta no como las otras. Quizá demasiado corta. Y la temática que aborda si es del estilo de las demás, magia y fantasía con un tipo que sin saber como le llega su momento en la vida. Su momentazo diría yo. En las comparaciones yo creo que es la más floja de las cuatro primeras partes, pero no está mal.La película trata de un chaval que de pronto le cae una gema como un melón gigante en las manos, así, sin más. Vive en una época difícil, en la que un rey tomó el mando del mundo (o del país, o de la región o que se yo) gracias a los dragones que luego destruyó para quedarse el como único poseedor de uno. Total, que resulta que la gema gigante no es una gema (era obvio) si no un huevo de dragón que le ha elegido a él para que lo galope. Así que a lomos de una dragona azul llamada Safira tiene que destruir al rey malvado aquel y a su poderoso ejercito de tios feos y magos malvados y oscuros. La repanocha, ¿no?Siendo el planteamiento bastante poco original, la película se hace amena. Ya sabemos que al final ganamos los buenos y pierden los malos, como en todas las de este estilo, pero tenemos que ver como lo hacen y los efectos especiales que emplean para llegar hasta ese fin. Las ambientaciones están bastante bien hechas, con paisajes de esos que ponen los pelos de punta. De efectos especiales no andamos demasiado sobrados y es que aparte del dragón (dragona, perdón) y la batalla final, hay poca cosa más. El actor protagonista es de darle de boinazos hasta expulsarle de la grabación, pero como es el eje de la historia, tenemos que aguantarnos. Como defecto a la película le pondría que el desarrollo es un poco precipitado, como si tratasen de meter muchas cosas en la hora y media que dura. Si hubiese sido más larga no hubiera pasado nada.Resumiendo, película dirigida a un público adolescente, con dragones, espadas, magos y magia, reyes tiranos y plebeyos descontentos, resistencia y ejercitos invencibles, heroes y villanos, etc. Algo facilito que ver entre polvorón y mazapán.

El día que me dispuse a ver "El Manantial de la doncella", de Ingmar Bergman estaba un poco asustado, como a la expectativa después de haber oído comentarios acerca de lo críptico del cine del genial sueco.

Bergman en estado puro. Duro a la par que sensible, críptico y desgarrador.

El día que me dispuse a ver "El Manantial de la doncella", de Ingmar Bergman estaba un poco asustado, como a la expectativa después de haber oído comentarios acerca de lo críptico del cine del genial sueco. Cuando terminó la proyección, me quedé un rato en silencio, reflexionando, y fue entonces cuando me decidí a continuar descubriendo la obra del director nórdico. "El séptimo sello" primero y después "Fresas salvajes", que es la película de la que tratan estas líneas.Fresas salvajes nos introduce de lleno en la mente de un médico que asiste a su jubilación y que a lo largo del viaje hasta la universidad donde se desarrollarán las honras (que decide a última hora realizar en coche tras un extraño sueño) hace un recorrido interior por lo que ha sido su vida. Una vida llena de claroscuros, como la de cualquier otra persona. Un gran hombre para la mayoría, pero no para su hijo, a quien siempre juzgó con dureza. Ni para su nuera, o incluso para la persona que parece más cercana a él, que es su ama de llaves. Bergman nos muestra el ocaso de un hombre soberbio, disciplinado y duro, pero que también evoca momentos de ternura de su juventud, en su casa de verano. Es una dualidad que probablemente se encuentra dentro de cada uno de nosotros, pero que es difícil retratar con la maestría y sensibilidad que Bergman lo hace aquí.Así, a caballo entre lo real y lo surrealista, nos muestra las debilidades de un hombre fuerte, severo, pero que a la vez contempla como se le ha escapado la vida de entre las manos sin haber demostrado que es una persona tan capaz de amar como cualquier otra. Todo ello adornado por una extraordinaria interpretación y un manejo magnífico de las sombras y las luces en una época en la que los medios, evidentemente, no eran los de ahora. Y para terminar, el final abierto, típico en el sueco. Aunque quizás le falte un poco de consistencia al guión en general. Como si se le quedasen cosas en el tintero. Algo que probablemente hiciera para que el espectador reflexionase sobre esas pequeñas lagunas que parecen existir.Al menos, esto es lo que me ha parecido a mí, aunque claro, seguro que se me escapan muchas cosas, porque, para qué negarlo, Bergman era un director al que costaba trabajo comprender en su totalidad.

Cuando terminó la proyección, me quedé un rato en silencio, reflexionando, y fue entonces cuando me decidí a continuar descubriendo la obra del director nórdico.

Bergman en estado puro. Duro a la par que sensible, críptico y desgarrador.

El día que me dispuse a ver "El Manantial de la doncella", de Ingmar Bergman estaba un poco asustado, como a la expectativa después de haber oído comentarios acerca de lo críptico del cine del genial sueco. Cuando terminó la proyección, me quedé un rato en silencio, reflexionando, y fue entonces cuando me decidí a continuar descubriendo la obra del director nórdico. "El séptimo sello" primero y después "Fresas salvajes", que es la película de la que tratan estas líneas.Fresas salvajes nos introduce de lleno en la mente de un médico que asiste a su jubilación y que a lo largo del viaje hasta la universidad donde se desarrollarán las honras (que decide a última hora realizar en coche tras un extraño sueño) hace un recorrido interior por lo que ha sido su vida. Una vida llena de claroscuros, como la de cualquier otra persona. Un gran hombre para la mayoría, pero no para su hijo, a quien siempre juzgó con dureza. Ni para su nuera, o incluso para la persona que parece más cercana a él, que es su ama de llaves. Bergman nos muestra el ocaso de un hombre soberbio, disciplinado y duro, pero que también evoca momentos de ternura de su juventud, en su casa de verano. Es una dualidad que probablemente se encuentra dentro de cada uno de nosotros, pero que es difícil retratar con la maestría y sensibilidad que Bergman lo hace aquí.Así, a caballo entre lo real y lo surrealista, nos muestra las debilidades de un hombre fuerte, severo, pero que a la vez contempla como se le ha escapado la vida de entre las manos sin haber demostrado que es una persona tan capaz de amar como cualquier otra. Todo ello adornado por una extraordinaria interpretación y un manejo magnífico de las sombras y las luces en una época en la que los medios, evidentemente, no eran los de ahora. Y para terminar, el final abierto, típico en el sueco. Aunque quizás le falte un poco de consistencia al guión en general. Como si se le quedasen cosas en el tintero. Algo que probablemente hiciera para que el espectador reflexionase sobre esas pequeñas lagunas que parecen existir.Al menos, esto es lo que me ha parecido a mí, aunque claro, seguro que se me escapan muchas cosas, porque, para qué negarlo, Bergman era un director al que costaba trabajo comprender en su totalidad.

"El séptimo sello" primero y después "Fresas salvajes", que es la película de la que tratan estas líneas.

Bergman en estado puro. Duro a la par que sensible, críptico y desgarrador.

El día que me dispuse a ver "El Manantial de la doncella", de Ingmar Bergman estaba un poco asustado, como a la expectativa después de haber oído comentarios acerca de lo críptico del cine del genial sueco. Cuando terminó la proyección, me quedé un rato en silencio, reflexionando, y fue entonces cuando me decidí a continuar descubriendo la obra del director nórdico. "El séptimo sello" primero y después "Fresas salvajes", que es la película de la que tratan estas líneas.Fresas salvajes nos introduce de lleno en la mente de un médico que asiste a su jubilación y que a lo largo del viaje hasta la universidad donde se desarrollarán las honras (que decide a última hora realizar en coche tras un extraño sueño) hace un recorrido interior por lo que ha sido su vida. Una vida llena de claroscuros, como la de cualquier otra persona. Un gran hombre para la mayoría, pero no para su hijo, a quien siempre juzgó con dureza. Ni para su nuera, o incluso para la persona que parece más cercana a él, que es su ama de llaves. Bergman nos muestra el ocaso de un hombre soberbio, disciplinado y duro, pero que también evoca momentos de ternura de su juventud, en su casa de verano. Es una dualidad que probablemente se encuentra dentro de cada uno de nosotros, pero que es difícil retratar con la maestría y sensibilidad que Bergman lo hace aquí.Así, a caballo entre lo real y lo surrealista, nos muestra las debilidades de un hombre fuerte, severo, pero que a la vez contempla como se le ha escapado la vida de entre las manos sin haber demostrado que es una persona tan capaz de amar como cualquier otra. Todo ello adornado por una extraordinaria interpretación y un manejo magnífico de las sombras y las luces en una época en la que los medios, evidentemente, no eran los de ahora. Y para terminar, el final abierto, típico en el sueco. Aunque quizás le falte un poco de consistencia al guión en general. Como si se le quedasen cosas en el tintero. Algo que probablemente hiciera para que el espectador reflexionase sobre esas pequeñas lagunas que parecen existir.Al menos, esto es lo que me ha parecido a mí, aunque claro, seguro que se me escapan muchas cosas, porque, para qué negarlo, Bergman era un director al que costaba trabajo comprender en su totalidad.

Fresas salvajes nos introduce de lleno en la mente de un médico que asiste a su jubilación y que a lo largo del viaje hasta la universidad donde se desarrollarán las honras (que decide a última hora realizar en coche tras un extraño sueño) hace un recorrido interior por lo que ha sido su vida.

Bergman en estado puro. Duro a la par que sensible, críptico y desgarrador.

El día que me dispuse a ver "El Manantial de la doncella", de Ingmar Bergman estaba un poco asustado, como a la expectativa después de haber oído comentarios acerca de lo críptico del cine del genial sueco. Cuando terminó la proyección, me quedé un rato en silencio, reflexionando, y fue entonces cuando me decidí a continuar descubriendo la obra del director nórdico. "El séptimo sello" primero y después "Fresas salvajes", que es la película de la que tratan estas líneas.Fresas salvajes nos introduce de lleno en la mente de un médico que asiste a su jubilación y que a lo largo del viaje hasta la universidad donde se desarrollarán las honras (que decide a última hora realizar en coche tras un extraño sueño) hace un recorrido interior por lo que ha sido su vida. Una vida llena de claroscuros, como la de cualquier otra persona. Un gran hombre para la mayoría, pero no para su hijo, a quien siempre juzgó con dureza. Ni para su nuera, o incluso para la persona que parece más cercana a él, que es su ama de llaves. Bergman nos muestra el ocaso de un hombre soberbio, disciplinado y duro, pero que también evoca momentos de ternura de su juventud, en su casa de verano. Es una dualidad que probablemente se encuentra dentro de cada uno de nosotros, pero que es difícil retratar con la maestría y sensibilidad que Bergman lo hace aquí.Así, a caballo entre lo real y lo surrealista, nos muestra las debilidades de un hombre fuerte, severo, pero que a la vez contempla como se le ha escapado la vida de entre las manos sin haber demostrado que es una persona tan capaz de amar como cualquier otra. Todo ello adornado por una extraordinaria interpretación y un manejo magnífico de las sombras y las luces en una época en la que los medios, evidentemente, no eran los de ahora. Y para terminar, el final abierto, típico en el sueco. Aunque quizás le falte un poco de consistencia al guión en general. Como si se le quedasen cosas en el tintero. Algo que probablemente hiciera para que el espectador reflexionase sobre esas pequeñas lagunas que parecen existir.Al menos, esto es lo que me ha parecido a mí, aunque claro, seguro que se me escapan muchas cosas, porque, para qué negarlo, Bergman era un director al que costaba trabajo comprender en su totalidad.

Una vida llena de claroscuros, como la de cualquier otra persona.

Bergman en estado puro. Duro a la par que sensible, críptico y desgarrador.

El día que me dispuse a ver "El Manantial de la doncella", de Ingmar Bergman estaba un poco asustado, como a la expectativa después de haber oído comentarios acerca de lo críptico del cine del genial sueco. Cuando terminó la proyección, me quedé un rato en silencio, reflexionando, y fue entonces cuando me decidí a continuar descubriendo la obra del director nórdico. "El séptimo sello" primero y después "Fresas salvajes", que es la película de la que tratan estas líneas.Fresas salvajes nos introduce de lleno en la mente de un médico que asiste a su jubilación y que a lo largo del viaje hasta la universidad donde se desarrollarán las honras (que decide a última hora realizar en coche tras un extraño sueño) hace un recorrido interior por lo que ha sido su vida. Una vida llena de claroscuros, como la de cualquier otra persona. Un gran hombre para la mayoría, pero no para su hijo, a quien siempre juzgó con dureza. Ni para su nuera, o incluso para la persona que parece más cercana a él, que es su ama de llaves. Bergman nos muestra el ocaso de un hombre soberbio, disciplinado y duro, pero que también evoca momentos de ternura de su juventud, en su casa de verano. Es una dualidad que probablemente se encuentra dentro de cada uno de nosotros, pero que es difícil retratar con la maestría y sensibilidad que Bergman lo hace aquí.Así, a caballo entre lo real y lo surrealista, nos muestra las debilidades de un hombre fuerte, severo, pero que a la vez contempla como se le ha escapado la vida de entre las manos sin haber demostrado que es una persona tan capaz de amar como cualquier otra. Todo ello adornado por una extraordinaria interpretación y un manejo magnífico de las sombras y las luces en una época en la que los medios, evidentemente, no eran los de ahora. Y para terminar, el final abierto, típico en el sueco. Aunque quizás le falte un poco de consistencia al guión en general. Como si se le quedasen cosas en el tintero. Algo que probablemente hiciera para que el espectador reflexionase sobre esas pequeñas lagunas que parecen existir.Al menos, esto es lo que me ha parecido a mí, aunque claro, seguro que se me escapan muchas cosas, porque, para qué negarlo, Bergman era un director al que costaba trabajo comprender en su totalidad.

Un gran hombre para la mayoría, pero no para su hijo, a quien siempre juzgó con dureza.

Bergman en estado puro. Duro a la par que sensible, críptico y desgarrador.

El día que me dispuse a ver "El Manantial de la doncella", de Ingmar Bergman estaba un poco asustado, como a la expectativa después de haber oído comentarios acerca de lo críptico del cine del genial sueco. Cuando terminó la proyección, me quedé un rato en silencio, reflexionando, y fue entonces cuando me decidí a continuar descubriendo la obra del director nórdico. "El séptimo sello" primero y después "Fresas salvajes", que es la película de la que tratan estas líneas.Fresas salvajes nos introduce de lleno en la mente de un médico que asiste a su jubilación y que a lo largo del viaje hasta la universidad donde se desarrollarán las honras (que decide a última hora realizar en coche tras un extraño sueño) hace un recorrido interior por lo que ha sido su vida. Una vida llena de claroscuros, como la de cualquier otra persona. Un gran hombre para la mayoría, pero no para su hijo, a quien siempre juzgó con dureza. Ni para su nuera, o incluso para la persona que parece más cercana a él, que es su ama de llaves. Bergman nos muestra el ocaso de un hombre soberbio, disciplinado y duro, pero que también evoca momentos de ternura de su juventud, en su casa de verano. Es una dualidad que probablemente se encuentra dentro de cada uno de nosotros, pero que es difícil retratar con la maestría y sensibilidad que Bergman lo hace aquí.Así, a caballo entre lo real y lo surrealista, nos muestra las debilidades de un hombre fuerte, severo, pero que a la vez contempla como se le ha escapado la vida de entre las manos sin haber demostrado que es una persona tan capaz de amar como cualquier otra. Todo ello adornado por una extraordinaria interpretación y un manejo magnífico de las sombras y las luces en una época en la que los medios, evidentemente, no eran los de ahora. Y para terminar, el final abierto, típico en el sueco. Aunque quizás le falte un poco de consistencia al guión en general. Como si se le quedasen cosas en el tintero. Algo que probablemente hiciera para que el espectador reflexionase sobre esas pequeñas lagunas que parecen existir.Al menos, esto es lo que me ha parecido a mí, aunque claro, seguro que se me escapan muchas cosas, porque, para qué negarlo, Bergman era un director al que costaba trabajo comprender en su totalidad.

Ni para su nuera, o incluso para la persona que parece más cercana a él, que es su ama de llaves.

Bergman en estado puro. Duro a la par que sensible, críptico y desgarrador.

El día que me dispuse a ver "El Manantial de la doncella", de Ingmar Bergman estaba un poco asustado, como a la expectativa después de haber oído comentarios acerca de lo críptico del cine del genial sueco. Cuando terminó la proyección, me quedé un rato en silencio, reflexionando, y fue entonces cuando me decidí a continuar descubriendo la obra del director nórdico. "El séptimo sello" primero y después "Fresas salvajes", que es la película de la que tratan estas líneas.Fresas salvajes nos introduce de lleno en la mente de un médico que asiste a su jubilación y que a lo largo del viaje hasta la universidad donde se desarrollarán las honras (que decide a última hora realizar en coche tras un extraño sueño) hace un recorrido interior por lo que ha sido su vida. Una vida llena de claroscuros, como la de cualquier otra persona. Un gran hombre para la mayoría, pero no para su hijo, a quien siempre juzgó con dureza. Ni para su nuera, o incluso para la persona que parece más cercana a él, que es su ama de llaves. Bergman nos muestra el ocaso de un hombre soberbio, disciplinado y duro, pero que también evoca momentos de ternura de su juventud, en su casa de verano. Es una dualidad que probablemente se encuentra dentro de cada uno de nosotros, pero que es difícil retratar con la maestría y sensibilidad que Bergman lo hace aquí.Así, a caballo entre lo real y lo surrealista, nos muestra las debilidades de un hombre fuerte, severo, pero que a la vez contempla como se le ha escapado la vida de entre las manos sin haber demostrado que es una persona tan capaz de amar como cualquier otra. Todo ello adornado por una extraordinaria interpretación y un manejo magnífico de las sombras y las luces en una época en la que los medios, evidentemente, no eran los de ahora. Y para terminar, el final abierto, típico en el sueco. Aunque quizás le falte un poco de consistencia al guión en general. Como si se le quedasen cosas en el tintero. Algo que probablemente hiciera para que el espectador reflexionase sobre esas pequeñas lagunas que parecen existir.Al menos, esto es lo que me ha parecido a mí, aunque claro, seguro que se me escapan muchas cosas, porque, para qué negarlo, Bergman era un director al que costaba trabajo comprender en su totalidad.

Bergman nos muestra el ocaso de un hombre soberbio, disciplinado y duro, pero que también evoca momentos de ternura de su juventud, en su casa de verano.

Bergman en estado puro. Duro a la par que sensible, críptico y desgarrador.

El día que me dispuse a ver "El Manantial de la doncella", de Ingmar Bergman estaba un poco asustado, como a la expectativa después de haber oído comentarios acerca de lo críptico del cine del genial sueco. Cuando terminó la proyección, me quedé un rato en silencio, reflexionando, y fue entonces cuando me decidí a continuar descubriendo la obra del director nórdico. "El séptimo sello" primero y después "Fresas salvajes", que es la película de la que tratan estas líneas.Fresas salvajes nos introduce de lleno en la mente de un médico que asiste a su jubilación y que a lo largo del viaje hasta la universidad donde se desarrollarán las honras (que decide a última hora realizar en coche tras un extraño sueño) hace un recorrido interior por lo que ha sido su vida. Una vida llena de claroscuros, como la de cualquier otra persona. Un gran hombre para la mayoría, pero no para su hijo, a quien siempre juzgó con dureza. Ni para su nuera, o incluso para la persona que parece más cercana a él, que es su ama de llaves. Bergman nos muestra el ocaso de un hombre soberbio, disciplinado y duro, pero que también evoca momentos de ternura de su juventud, en su casa de verano. Es una dualidad que probablemente se encuentra dentro de cada uno de nosotros, pero que es difícil retratar con la maestría y sensibilidad que Bergman lo hace aquí.Así, a caballo entre lo real y lo surrealista, nos muestra las debilidades de un hombre fuerte, severo, pero que a la vez contempla como se le ha escapado la vida de entre las manos sin haber demostrado que es una persona tan capaz de amar como cualquier otra. Todo ello adornado por una extraordinaria interpretación y un manejo magnífico de las sombras y las luces en una época en la que los medios, evidentemente, no eran los de ahora. Y para terminar, el final abierto, típico en el sueco. Aunque quizás le falte un poco de consistencia al guión en general. Como si se le quedasen cosas en el tintero. Algo que probablemente hiciera para que el espectador reflexionase sobre esas pequeñas lagunas que parecen existir.Al menos, esto es lo que me ha parecido a mí, aunque claro, seguro que se me escapan muchas cosas, porque, para qué negarlo, Bergman era un director al que costaba trabajo comprender en su totalidad.

Es una dualidad que probablemente se encuentra dentro de cada uno de nosotros, pero que es difícil retratar con la maestría y sensibilidad que Bergman lo hace aquí.

Bergman en estado puro. Duro a la par que sensible, críptico y desgarrador.

El día que me dispuse a ver "El Manantial de la doncella", de Ingmar Bergman estaba un poco asustado, como a la expectativa después de haber oído comentarios acerca de lo críptico del cine del genial sueco. Cuando terminó la proyección, me quedé un rato en silencio, reflexionando, y fue entonces cuando me decidí a continuar descubriendo la obra del director nórdico. "El séptimo sello" primero y después "Fresas salvajes", que es la película de la que tratan estas líneas.Fresas salvajes nos introduce de lleno en la mente de un médico que asiste a su jubilación y que a lo largo del viaje hasta la universidad donde se desarrollarán las honras (que decide a última hora realizar en coche tras un extraño sueño) hace un recorrido interior por lo que ha sido su vida. Una vida llena de claroscuros, como la de cualquier otra persona. Un gran hombre para la mayoría, pero no para su hijo, a quien siempre juzgó con dureza. Ni para su nuera, o incluso para la persona que parece más cercana a él, que es su ama de llaves. Bergman nos muestra el ocaso de un hombre soberbio, disciplinado y duro, pero que también evoca momentos de ternura de su juventud, en su casa de verano. Es una dualidad que probablemente se encuentra dentro de cada uno de nosotros, pero que es difícil retratar con la maestría y sensibilidad que Bergman lo hace aquí.Así, a caballo entre lo real y lo surrealista, nos muestra las debilidades de un hombre fuerte, severo, pero que a la vez contempla como se le ha escapado la vida de entre las manos sin haber demostrado que es una persona tan capaz de amar como cualquier otra. Todo ello adornado por una extraordinaria interpretación y un manejo magnífico de las sombras y las luces en una época en la que los medios, evidentemente, no eran los de ahora. Y para terminar, el final abierto, típico en el sueco. Aunque quizás le falte un poco de consistencia al guión en general. Como si se le quedasen cosas en el tintero. Algo que probablemente hiciera para que el espectador reflexionase sobre esas pequeñas lagunas que parecen existir.Al menos, esto es lo que me ha parecido a mí, aunque claro, seguro que se me escapan muchas cosas, porque, para qué negarlo, Bergman era un director al que costaba trabajo comprender en su totalidad.

Así, a caballo entre lo real y lo surrealista, nos muestra las debilidades de un hombre fuerte, severo, pero que a la vez contempla como se le ha escapado la vida de entre las manos sin haber demostrado que es una persona tan capaz de amar como cualquier otra.

Bergman en estado puro. Duro a la par que sensible, críptico y desgarrador.

El día que me dispuse a ver "El Manantial de la doncella", de Ingmar Bergman estaba un poco asustado, como a la expectativa después de haber oído comentarios acerca de lo críptico del cine del genial sueco. Cuando terminó la proyección, me quedé un rato en silencio, reflexionando, y fue entonces cuando me decidí a continuar descubriendo la obra del director nórdico. "El séptimo sello" primero y después "Fresas salvajes", que es la película de la que tratan estas líneas.Fresas salvajes nos introduce de lleno en la mente de un médico que asiste a su jubilación y que a lo largo del viaje hasta la universidad donde se desarrollarán las honras (que decide a última hora realizar en coche tras un extraño sueño) hace un recorrido interior por lo que ha sido su vida. Una vida llena de claroscuros, como la de cualquier otra persona. Un gran hombre para la mayoría, pero no para su hijo, a quien siempre juzgó con dureza. Ni para su nuera, o incluso para la persona que parece más cercana a él, que es su ama de llaves. Bergman nos muestra el ocaso de un hombre soberbio, disciplinado y duro, pero que también evoca momentos de ternura de su juventud, en su casa de verano. Es una dualidad que probablemente se encuentra dentro de cada uno de nosotros, pero que es difícil retratar con la maestría y sensibilidad que Bergman lo hace aquí.Así, a caballo entre lo real y lo surrealista, nos muestra las debilidades de un hombre fuerte, severo, pero que a la vez contempla como se le ha escapado la vida de entre las manos sin haber demostrado que es una persona tan capaz de amar como cualquier otra. Todo ello adornado por una extraordinaria interpretación y un manejo magnífico de las sombras y las luces en una época en la que los medios, evidentemente, no eran los de ahora. Y para terminar, el final abierto, típico en el sueco. Aunque quizás le falte un poco de consistencia al guión en general. Como si se le quedasen cosas en el tintero. Algo que probablemente hiciera para que el espectador reflexionase sobre esas pequeñas lagunas que parecen existir.Al menos, esto es lo que me ha parecido a mí, aunque claro, seguro que se me escapan muchas cosas, porque, para qué negarlo, Bergman era un director al que costaba trabajo comprender en su totalidad.

Todo ello adornado por una extraordinaria interpretación y un manejo magnífico de las sombras y las luces en una época en la que los medios, evidentemente, no eran los de ahora.

Bergman en estado puro. Duro a la par que sensible, críptico y desgarrador.

El día que me dispuse a ver "El Manantial de la doncella", de Ingmar Bergman estaba un poco asustado, como a la expectativa después de haber oído comentarios acerca de lo críptico del cine del genial sueco. Cuando terminó la proyección, me quedé un rato en silencio, reflexionando, y fue entonces cuando me decidí a continuar descubriendo la obra del director nórdico. "El séptimo sello" primero y después "Fresas salvajes", que es la película de la que tratan estas líneas.Fresas salvajes nos introduce de lleno en la mente de un médico que asiste a su jubilación y que a lo largo del viaje hasta la universidad donde se desarrollarán las honras (que decide a última hora realizar en coche tras un extraño sueño) hace un recorrido interior por lo que ha sido su vida. Una vida llena de claroscuros, como la de cualquier otra persona. Un gran hombre para la mayoría, pero no para su hijo, a quien siempre juzgó con dureza. Ni para su nuera, o incluso para la persona que parece más cercana a él, que es su ama de llaves. Bergman nos muestra el ocaso de un hombre soberbio, disciplinado y duro, pero que también evoca momentos de ternura de su juventud, en su casa de verano. Es una dualidad que probablemente se encuentra dentro de cada uno de nosotros, pero que es difícil retratar con la maestría y sensibilidad que Bergman lo hace aquí.Así, a caballo entre lo real y lo surrealista, nos muestra las debilidades de un hombre fuerte, severo, pero que a la vez contempla como se le ha escapado la vida de entre las manos sin haber demostrado que es una persona tan capaz de amar como cualquier otra. Todo ello adornado por una extraordinaria interpretación y un manejo magnífico de las sombras y las luces en una época en la que los medios, evidentemente, no eran los de ahora. Y para terminar, el final abierto, típico en el sueco. Aunque quizás le falte un poco de consistencia al guión en general. Como si se le quedasen cosas en el tintero. Algo que probablemente hiciera para que el espectador reflexionase sobre esas pequeñas lagunas que parecen existir.Al menos, esto es lo que me ha parecido a mí, aunque claro, seguro que se me escapan muchas cosas, porque, para qué negarlo, Bergman era un director al que costaba trabajo comprender en su totalidad.

Y para terminar, el final abierto, típico en el sueco.

Bergman en estado puro. Duro a la par que sensible, críptico y desgarrador.

El día que me dispuse a ver "El Manantial de la doncella", de Ingmar Bergman estaba un poco asustado, como a la expectativa después de haber oído comentarios acerca de lo críptico del cine del genial sueco. Cuando terminó la proyección, me quedé un rato en silencio, reflexionando, y fue entonces cuando me decidí a continuar descubriendo la obra del director nórdico. "El séptimo sello" primero y después "Fresas salvajes", que es la película de la que tratan estas líneas.Fresas salvajes nos introduce de lleno en la mente de un médico que asiste a su jubilación y que a lo largo del viaje hasta la universidad donde se desarrollarán las honras (que decide a última hora realizar en coche tras un extraño sueño) hace un recorrido interior por lo que ha sido su vida. Una vida llena de claroscuros, como la de cualquier otra persona. Un gran hombre para la mayoría, pero no para su hijo, a quien siempre juzgó con dureza. Ni para su nuera, o incluso para la persona que parece más cercana a él, que es su ama de llaves. Bergman nos muestra el ocaso de un hombre soberbio, disciplinado y duro, pero que también evoca momentos de ternura de su juventud, en su casa de verano. Es una dualidad que probablemente se encuentra dentro de cada uno de nosotros, pero que es difícil retratar con la maestría y sensibilidad que Bergman lo hace aquí.Así, a caballo entre lo real y lo surrealista, nos muestra las debilidades de un hombre fuerte, severo, pero que a la vez contempla como se le ha escapado la vida de entre las manos sin haber demostrado que es una persona tan capaz de amar como cualquier otra. Todo ello adornado por una extraordinaria interpretación y un manejo magnífico de las sombras y las luces en una época en la que los medios, evidentemente, no eran los de ahora. Y para terminar, el final abierto, típico en el sueco. Aunque quizás le falte un poco de consistencia al guión en general. Como si se le quedasen cosas en el tintero. Algo que probablemente hiciera para que el espectador reflexionase sobre esas pequeñas lagunas que parecen existir.Al menos, esto es lo que me ha parecido a mí, aunque claro, seguro que se me escapan muchas cosas, porque, para qué negarlo, Bergman era un director al que costaba trabajo comprender en su totalidad.

Aunque quizás le falte un poco de consistencia al guión en general.

Bergman en estado puro. Duro a la par que sensible, críptico y desgarrador.

El día que me dispuse a ver "El Manantial de la doncella", de Ingmar Bergman estaba un poco asustado, como a la expectativa después de haber oído comentarios acerca de lo críptico del cine del genial sueco. Cuando terminó la proyección, me quedé un rato en silencio, reflexionando, y fue entonces cuando me decidí a continuar descubriendo la obra del director nórdico. "El séptimo sello" primero y después "Fresas salvajes", que es la película de la que tratan estas líneas.Fresas salvajes nos introduce de lleno en la mente de un médico que asiste a su jubilación y que a lo largo del viaje hasta la universidad donde se desarrollarán las honras (que decide a última hora realizar en coche tras un extraño sueño) hace un recorrido interior por lo que ha sido su vida. Una vida llena de claroscuros, como la de cualquier otra persona. Un gran hombre para la mayoría, pero no para su hijo, a quien siempre juzgó con dureza. Ni para su nuera, o incluso para la persona que parece más cercana a él, que es su ama de llaves. Bergman nos muestra el ocaso de un hombre soberbio, disciplinado y duro, pero que también evoca momentos de ternura de su juventud, en su casa de verano. Es una dualidad que probablemente se encuentra dentro de cada uno de nosotros, pero que es difícil retratar con la maestría y sensibilidad que Bergman lo hace aquí.Así, a caballo entre lo real y lo surrealista, nos muestra las debilidades de un hombre fuerte, severo, pero que a la vez contempla como se le ha escapado la vida de entre las manos sin haber demostrado que es una persona tan capaz de amar como cualquier otra. Todo ello adornado por una extraordinaria interpretación y un manejo magnífico de las sombras y las luces en una época en la que los medios, evidentemente, no eran los de ahora. Y para terminar, el final abierto, típico en el sueco. Aunque quizás le falte un poco de consistencia al guión en general. Como si se le quedasen cosas en el tintero. Algo que probablemente hiciera para que el espectador reflexionase sobre esas pequeñas lagunas que parecen existir.Al menos, esto es lo que me ha parecido a mí, aunque claro, seguro que se me escapan muchas cosas, porque, para qué negarlo, Bergman era un director al que costaba trabajo comprender en su totalidad.

Como si se le quedasen cosas en el tintero.

Bergman en estado puro. Duro a la par que sensible, críptico y desgarrador.

El día que me dispuse a ver "El Manantial de la doncella", de Ingmar Bergman estaba un poco asustado, como a la expectativa después de haber oído comentarios acerca de lo críptico del cine del genial sueco. Cuando terminó la proyección, me quedé un rato en silencio, reflexionando, y fue entonces cuando me decidí a continuar descubriendo la obra del director nórdico. "El séptimo sello" primero y después "Fresas salvajes", que es la película de la que tratan estas líneas.Fresas salvajes nos introduce de lleno en la mente de un médico que asiste a su jubilación y que a lo largo del viaje hasta la universidad donde se desarrollarán las honras (que decide a última hora realizar en coche tras un extraño sueño) hace un recorrido interior por lo que ha sido su vida. Una vida llena de claroscuros, como la de cualquier otra persona. Un gran hombre para la mayoría, pero no para su hijo, a quien siempre juzgó con dureza. Ni para su nuera, o incluso para la persona que parece más cercana a él, que es su ama de llaves. Bergman nos muestra el ocaso de un hombre soberbio, disciplinado y duro, pero que también evoca momentos de ternura de su juventud, en su casa de verano. Es una dualidad que probablemente se encuentra dentro de cada uno de nosotros, pero que es difícil retratar con la maestría y sensibilidad que Bergman lo hace aquí.Así, a caballo entre lo real y lo surrealista, nos muestra las debilidades de un hombre fuerte, severo, pero que a la vez contempla como se le ha escapado la vida de entre las manos sin haber demostrado que es una persona tan capaz de amar como cualquier otra. Todo ello adornado por una extraordinaria interpretación y un manejo magnífico de las sombras y las luces en una época en la que los medios, evidentemente, no eran los de ahora. Y para terminar, el final abierto, típico en el sueco. Aunque quizás le falte un poco de consistencia al guión en general. Como si se le quedasen cosas en el tintero. Algo que probablemente hiciera para que el espectador reflexionase sobre esas pequeñas lagunas que parecen existir.Al menos, esto es lo que me ha parecido a mí, aunque claro, seguro que se me escapan muchas cosas, porque, para qué negarlo, Bergman era un director al que costaba trabajo comprender en su totalidad.

Algo que probablemente hiciera para que el espectador reflexionase sobre esas pequeñas lagunas que parecen existir.

Bergman en estado puro. Duro a la par que sensible, críptico y desgarrador.

El día que me dispuse a ver "El Manantial de la doncella", de Ingmar Bergman estaba un poco asustado, como a la expectativa después de haber oído comentarios acerca de lo críptico del cine del genial sueco. Cuando terminó la proyección, me quedé un rato en silencio, reflexionando, y fue entonces cuando me decidí a continuar descubriendo la obra del director nórdico. "El séptimo sello" primero y después "Fresas salvajes", que es la película de la que tratan estas líneas.Fresas salvajes nos introduce de lleno en la mente de un médico que asiste a su jubilación y que a lo largo del viaje hasta la universidad donde se desarrollarán las honras (que decide a última hora realizar en coche tras un extraño sueño) hace un recorrido interior por lo que ha sido su vida. Una vida llena de claroscuros, como la de cualquier otra persona. Un gran hombre para la mayoría, pero no para su hijo, a quien siempre juzgó con dureza. Ni para su nuera, o incluso para la persona que parece más cercana a él, que es su ama de llaves. Bergman nos muestra el ocaso de un hombre soberbio, disciplinado y duro, pero que también evoca momentos de ternura de su juventud, en su casa de verano. Es una dualidad que probablemente se encuentra dentro de cada uno de nosotros, pero que es difícil retratar con la maestría y sensibilidad que Bergman lo hace aquí.Así, a caballo entre lo real y lo surrealista, nos muestra las debilidades de un hombre fuerte, severo, pero que a la vez contempla como se le ha escapado la vida de entre las manos sin haber demostrado que es una persona tan capaz de amar como cualquier otra. Todo ello adornado por una extraordinaria interpretación y un manejo magnífico de las sombras y las luces en una época en la que los medios, evidentemente, no eran los de ahora. Y para terminar, el final abierto, típico en el sueco. Aunque quizás le falte un poco de consistencia al guión en general. Como si se le quedasen cosas en el tintero. Algo que probablemente hiciera para que el espectador reflexionase sobre esas pequeñas lagunas que parecen existir.Al menos, esto es lo que me ha parecido a mí, aunque claro, seguro que se me escapan muchas cosas, porque, para qué negarlo, Bergman era un director al que costaba trabajo comprender en su totalidad.

Al menos, esto es lo que me ha parecido a mí, aunque claro, seguro que se me escapan muchas cosas, porque, para qué negarlo, Bergman era un director al que costaba trabajo comprender en su totalidad.

Bergman en estado puro. Duro a la par que sensible, críptico y desgarrador.

El día que me dispuse a ver "El Manantial de la doncella", de Ingmar Bergman estaba un poco asustado, como a la expectativa después de haber oído comentarios acerca de lo críptico del cine del genial sueco. Cuando terminó la proyección, me quedé un rato en silencio, reflexionando, y fue entonces cuando me decidí a continuar descubriendo la obra del director nórdico. "El séptimo sello" primero y después "Fresas salvajes", que es la película de la que tratan estas líneas.Fresas salvajes nos introduce de lleno en la mente de un médico que asiste a su jubilación y que a lo largo del viaje hasta la universidad donde se desarrollarán las honras (que decide a última hora realizar en coche tras un extraño sueño) hace un recorrido interior por lo que ha sido su vida. Una vida llena de claroscuros, como la de cualquier otra persona. Un gran hombre para la mayoría, pero no para su hijo, a quien siempre juzgó con dureza. Ni para su nuera, o incluso para la persona que parece más cercana a él, que es su ama de llaves. Bergman nos muestra el ocaso de un hombre soberbio, disciplinado y duro, pero que también evoca momentos de ternura de su juventud, en su casa de verano. Es una dualidad que probablemente se encuentra dentro de cada uno de nosotros, pero que es difícil retratar con la maestría y sensibilidad que Bergman lo hace aquí.Así, a caballo entre lo real y lo surrealista, nos muestra las debilidades de un hombre fuerte, severo, pero que a la vez contempla como se le ha escapado la vida de entre las manos sin haber demostrado que es una persona tan capaz de amar como cualquier otra. Todo ello adornado por una extraordinaria interpretación y un manejo magnífico de las sombras y las luces en una época en la que los medios, evidentemente, no eran los de ahora. Y para terminar, el final abierto, típico en el sueco. Aunque quizás le falte un poco de consistencia al guión en general. Como si se le quedasen cosas en el tintero. Algo que probablemente hiciera para que el espectador reflexionase sobre esas pequeñas lagunas que parecen existir.Al menos, esto es lo que me ha parecido a mí, aunque claro, seguro que se me escapan muchas cosas, porque, para qué negarlo, Bergman era un director al que costaba trabajo comprender en su totalidad.

No es que no me guste, pero reconozco que siempre he pensado que Almodóvar es un director sobrevalorado.

Por fin vemos un Almodóvar que retrata escenas de la vida real, sin adornos, sin extrañezas. Una loa a la mujer de su casa que en el fondo son la columna vertebral de nuestra sociedad, le pese a quien le pese.

No es que no me guste, pero reconozco que siempre he pensado que Almodóvar es un director sobrevalorado. Particularmente disfruto más con Garci, Trueba o Julio Médem, pero como decía mi abuela, algo tendrá el agua cuando la bendicen. Y es que si hablamos de bendiciones cinematográficos, este manchego, casi tan universal como el queso, las tiene todas. Ninguno de los grandes festivales de cine de Europa o América ha pasado por alto su obra.La verdad es que Volver es la película que más me ha gustado de cuantas he visto de él, que han sido casi todas. Y creo que ha sido así porque en esta película presenta una visión más real del mundo. Es una historia que tiene mayores visos de verosimilitud, y en la que por fin se ha desprendido de personajes excesivamente histriónicos que suelen pulular pos sus filmes.Volver es una película llena de sensibilidad, donde las mujeres vuelven a ser los pilares de la obra que sacan arrestos para apechugar con la vida y salir adelante con todo. Es un homenaje a la mujer española de su casa. Ésa que no aspira a la portada de la revista Vogue ni a ser recibidas por Zapatero. Ésa mujer que es la que mantiene hogares, familias, que lucha el día a día y de la que parece avergonzarse mucho zagal reconvertido a yuppie desagradecido (y desgraciado).Desde el punto de vista técnico, impecable. Los silencios que hablan por si solos, los cambios de plano, los planos cortos y el juego de luces sutil donde los haya.Y de la interpretación, sólo elogios. En mi opinión Carmen Maura brilla por encima del resto, y posiblemente ella y Almodóvar lo sepan, aunque la Maura ya está de vuelta de todo y de cara a una posible candidatura al Oscar, Penélope Cruz vende más. Todo ello sin desmerecer un ápice la interpretación de esta última, que a pesar no de ser santa de mi devoción por su habitual inexpresividad, realiza una labor digna de encomio. Quizás sea éste el mayor mérito de Almodóvar: conseguir que Penélope Cruz resulte convincente. Chus Lampreave y Lola Dueñas parece que ni siquiera están actuando, de natural que les sale cada gesto, cada palabra, cada movimiento.Volver refleja la vida cotidiana. Esa vida de la que muchos desean huir desesperadamente pero a la que tarde o temprano acabamos deseando precisamente eso, Volver.

Particularmente disfruto más con Garci, Trueba o Julio Médem, pero como decía mi abuela, algo tendrá el agua cuando la bendicen.

Por fin vemos un Almodóvar que retrata escenas de la vida real, sin adornos, sin extrañezas. Una loa a la mujer de su casa que en el fondo son la columna vertebral de nuestra sociedad, le pese a quien le pese.

No es que no me guste, pero reconozco que siempre he pensado que Almodóvar es un director sobrevalorado. Particularmente disfruto más con Garci, Trueba o Julio Médem, pero como decía mi abuela, algo tendrá el agua cuando la bendicen. Y es que si hablamos de bendiciones cinematográficos, este manchego, casi tan universal como el queso, las tiene todas. Ninguno de los grandes festivales de cine de Europa o América ha pasado por alto su obra.La verdad es que Volver es la película que más me ha gustado de cuantas he visto de él, que han sido casi todas. Y creo que ha sido así porque en esta película presenta una visión más real del mundo. Es una historia que tiene mayores visos de verosimilitud, y en la que por fin se ha desprendido de personajes excesivamente histriónicos que suelen pulular pos sus filmes.Volver es una película llena de sensibilidad, donde las mujeres vuelven a ser los pilares de la obra que sacan arrestos para apechugar con la vida y salir adelante con todo. Es un homenaje a la mujer española de su casa. Ésa que no aspira a la portada de la revista Vogue ni a ser recibidas por Zapatero. Ésa mujer que es la que mantiene hogares, familias, que lucha el día a día y de la que parece avergonzarse mucho zagal reconvertido a yuppie desagradecido (y desgraciado).Desde el punto de vista técnico, impecable. Los silencios que hablan por si solos, los cambios de plano, los planos cortos y el juego de luces sutil donde los haya.Y de la interpretación, sólo elogios. En mi opinión Carmen Maura brilla por encima del resto, y posiblemente ella y Almodóvar lo sepan, aunque la Maura ya está de vuelta de todo y de cara a una posible candidatura al Oscar, Penélope Cruz vende más. Todo ello sin desmerecer un ápice la interpretación de esta última, que a pesar no de ser santa de mi devoción por su habitual inexpresividad, realiza una labor digna de encomio. Quizás sea éste el mayor mérito de Almodóvar: conseguir que Penélope Cruz resulte convincente. Chus Lampreave y Lola Dueñas parece que ni siquiera están actuando, de natural que les sale cada gesto, cada palabra, cada movimiento.Volver refleja la vida cotidiana. Esa vida de la que muchos desean huir desesperadamente pero a la que tarde o temprano acabamos deseando precisamente eso, Volver.

Y es que si hablamos de bendiciones cinematográficos, este manchego, casi tan universal como el queso, las tiene todas.

Por fin vemos un Almodóvar que retrata escenas de la vida real, sin adornos, sin extrañezas. Una loa a la mujer de su casa que en el fondo son la columna vertebral de nuestra sociedad, le pese a quien le pese.

No es que no me guste, pero reconozco que siempre he pensado que Almodóvar es un director sobrevalorado. Particularmente disfruto más con Garci, Trueba o Julio Médem, pero como decía mi abuela, algo tendrá el agua cuando la bendicen. Y es que si hablamos de bendiciones cinematográficos, este manchego, casi tan universal como el queso, las tiene todas. Ninguno de los grandes festivales de cine de Europa o América ha pasado por alto su obra.La verdad es que Volver es la película que más me ha gustado de cuantas he visto de él, que han sido casi todas. Y creo que ha sido así porque en esta película presenta una visión más real del mundo. Es una historia que tiene mayores visos de verosimilitud, y en la que por fin se ha desprendido de personajes excesivamente histriónicos que suelen pulular pos sus filmes.Volver es una película llena de sensibilidad, donde las mujeres vuelven a ser los pilares de la obra que sacan arrestos para apechugar con la vida y salir adelante con todo. Es un homenaje a la mujer española de su casa. Ésa que no aspira a la portada de la revista Vogue ni a ser recibidas por Zapatero. Ésa mujer que es la que mantiene hogares, familias, que lucha el día a día y de la que parece avergonzarse mucho zagal reconvertido a yuppie desagradecido (y desgraciado).Desde el punto de vista técnico, impecable. Los silencios que hablan por si solos, los cambios de plano, los planos cortos y el juego de luces sutil donde los haya.Y de la interpretación, sólo elogios. En mi opinión Carmen Maura brilla por encima del resto, y posiblemente ella y Almodóvar lo sepan, aunque la Maura ya está de vuelta de todo y de cara a una posible candidatura al Oscar, Penélope Cruz vende más. Todo ello sin desmerecer un ápice la interpretación de esta última, que a pesar no de ser santa de mi devoción por su habitual inexpresividad, realiza una labor digna de encomio. Quizás sea éste el mayor mérito de Almodóvar: conseguir que Penélope Cruz resulte convincente. Chus Lampreave y Lola Dueñas parece que ni siquiera están actuando, de natural que les sale cada gesto, cada palabra, cada movimiento.Volver refleja la vida cotidiana. Esa vida de la que muchos desean huir desesperadamente pero a la que tarde o temprano acabamos deseando precisamente eso, Volver.

Ninguno de los grandes festivales de cine de Europa o América ha pasado por alto su obra.

Por fin vemos un Almodóvar que retrata escenas de la vida real, sin adornos, sin extrañezas. Una loa a la mujer de su casa que en el fondo son la columna vertebral de nuestra sociedad, le pese a quien le pese.

No es que no me guste, pero reconozco que siempre he pensado que Almodóvar es un director sobrevalorado. Particularmente disfruto más con Garci, Trueba o Julio Médem, pero como decía mi abuela, algo tendrá el agua cuando la bendicen. Y es que si hablamos de bendiciones cinematográficos, este manchego, casi tan universal como el queso, las tiene todas. Ninguno de los grandes festivales de cine de Europa o América ha pasado por alto su obra.La verdad es que Volver es la película que más me ha gustado de cuantas he visto de él, que han sido casi todas. Y creo que ha sido así porque en esta película presenta una visión más real del mundo. Es una historia que tiene mayores visos de verosimilitud, y en la que por fin se ha desprendido de personajes excesivamente histriónicos que suelen pulular pos sus filmes.Volver es una película llena de sensibilidad, donde las mujeres vuelven a ser los pilares de la obra que sacan arrestos para apechugar con la vida y salir adelante con todo. Es un homenaje a la mujer española de su casa. Ésa que no aspira a la portada de la revista Vogue ni a ser recibidas por Zapatero. Ésa mujer que es la que mantiene hogares, familias, que lucha el día a día y de la que parece avergonzarse mucho zagal reconvertido a yuppie desagradecido (y desgraciado).Desde el punto de vista técnico, impecable. Los silencios que hablan por si solos, los cambios de plano, los planos cortos y el juego de luces sutil donde los haya.Y de la interpretación, sólo elogios. En mi opinión Carmen Maura brilla por encima del resto, y posiblemente ella y Almodóvar lo sepan, aunque la Maura ya está de vuelta de todo y de cara a una posible candidatura al Oscar, Penélope Cruz vende más. Todo ello sin desmerecer un ápice la interpretación de esta última, que a pesar no de ser santa de mi devoción por su habitual inexpresividad, realiza una labor digna de encomio. Quizás sea éste el mayor mérito de Almodóvar: conseguir que Penélope Cruz resulte convincente. Chus Lampreave y Lola Dueñas parece que ni siquiera están actuando, de natural que les sale cada gesto, cada palabra, cada movimiento.Volver refleja la vida cotidiana. Esa vida de la que muchos desean huir desesperadamente pero a la que tarde o temprano acabamos deseando precisamente eso, Volver.

La verdad es que Volver es la película que más me ha gustado de cuantas he visto de él, que han sido casi todas.

Por fin vemos un Almodóvar que retrata escenas de la vida real, sin adornos, sin extrañezas. Una loa a la mujer de su casa que en el fondo son la columna vertebral de nuestra sociedad, le pese a quien le pese.

No es que no me guste, pero reconozco que siempre he pensado que Almodóvar es un director sobrevalorado. Particularmente disfruto más con Garci, Trueba o Julio Médem, pero como decía mi abuela, algo tendrá el agua cuando la bendicen. Y es que si hablamos de bendiciones cinematográficos, este manchego, casi tan universal como el queso, las tiene todas. Ninguno de los grandes festivales de cine de Europa o América ha pasado por alto su obra.La verdad es que Volver es la película que más me ha gustado de cuantas he visto de él, que han sido casi todas. Y creo que ha sido así porque en esta película presenta una visión más real del mundo. Es una historia que tiene mayores visos de verosimilitud, y en la que por fin se ha desprendido de personajes excesivamente histriónicos que suelen pulular pos sus filmes.Volver es una película llena de sensibilidad, donde las mujeres vuelven a ser los pilares de la obra que sacan arrestos para apechugar con la vida y salir adelante con todo. Es un homenaje a la mujer española de su casa. Ésa que no aspira a la portada de la revista Vogue ni a ser recibidas por Zapatero. Ésa mujer que es la que mantiene hogares, familias, que lucha el día a día y de la que parece avergonzarse mucho zagal reconvertido a yuppie desagradecido (y desgraciado).Desde el punto de vista técnico, impecable. Los silencios que hablan por si solos, los cambios de plano, los planos cortos y el juego de luces sutil donde los haya.Y de la interpretación, sólo elogios. En mi opinión Carmen Maura brilla por encima del resto, y posiblemente ella y Almodóvar lo sepan, aunque la Maura ya está de vuelta de todo y de cara a una posible candidatura al Oscar, Penélope Cruz vende más. Todo ello sin desmerecer un ápice la interpretación de esta última, que a pesar no de ser santa de mi devoción por su habitual inexpresividad, realiza una labor digna de encomio. Quizás sea éste el mayor mérito de Almodóvar: conseguir que Penélope Cruz resulte convincente. Chus Lampreave y Lola Dueñas parece que ni siquiera están actuando, de natural que les sale cada gesto, cada palabra, cada movimiento.Volver refleja la vida cotidiana. Esa vida de la que muchos desean huir desesperadamente pero a la que tarde o temprano acabamos deseando precisamente eso, Volver.

Y creo que ha sido así porque en esta película presenta una visión más real del mundo.

Por fin vemos un Almodóvar que retrata escenas de la vida real, sin adornos, sin extrañezas. Una loa a la mujer de su casa que en el fondo son la columna vertebral de nuestra sociedad, le pese a quien le pese.

No es que no me guste, pero reconozco que siempre he pensado que Almodóvar es un director sobrevalorado. Particularmente disfruto más con Garci, Trueba o Julio Médem, pero como decía mi abuela, algo tendrá el agua cuando la bendicen. Y es que si hablamos de bendiciones cinematográficos, este manchego, casi tan universal como el queso, las tiene todas. Ninguno de los grandes festivales de cine de Europa o América ha pasado por alto su obra.La verdad es que Volver es la película que más me ha gustado de cuantas he visto de él, que han sido casi todas. Y creo que ha sido así porque en esta película presenta una visión más real del mundo. Es una historia que tiene mayores visos de verosimilitud, y en la que por fin se ha desprendido de personajes excesivamente histriónicos que suelen pulular pos sus filmes.Volver es una película llena de sensibilidad, donde las mujeres vuelven a ser los pilares de la obra que sacan arrestos para apechugar con la vida y salir adelante con todo. Es un homenaje a la mujer española de su casa. Ésa que no aspira a la portada de la revista Vogue ni a ser recibidas por Zapatero. Ésa mujer que es la que mantiene hogares, familias, que lucha el día a día y de la que parece avergonzarse mucho zagal reconvertido a yuppie desagradecido (y desgraciado).Desde el punto de vista técnico, impecable. Los silencios que hablan por si solos, los cambios de plano, los planos cortos y el juego de luces sutil donde los haya.Y de la interpretación, sólo elogios. En mi opinión Carmen Maura brilla por encima del resto, y posiblemente ella y Almodóvar lo sepan, aunque la Maura ya está de vuelta de todo y de cara a una posible candidatura al Oscar, Penélope Cruz vende más. Todo ello sin desmerecer un ápice la interpretación de esta última, que a pesar no de ser santa de mi devoción por su habitual inexpresividad, realiza una labor digna de encomio. Quizás sea éste el mayor mérito de Almodóvar: conseguir que Penélope Cruz resulte convincente. Chus Lampreave y Lola Dueñas parece que ni siquiera están actuando, de natural que les sale cada gesto, cada palabra, cada movimiento.Volver refleja la vida cotidiana. Esa vida de la que muchos desean huir desesperadamente pero a la que tarde o temprano acabamos deseando precisamente eso, Volver.

Es una historia que tiene mayores visos de verosimilitud, y en la que por fin se ha desprendido de personajes excesivamente histriónicos que suelen pulular pos sus filmes.

Por fin vemos un Almodóvar que retrata escenas de la vida real, sin adornos, sin extrañezas. Una loa a la mujer de su casa que en el fondo son la columna vertebral de nuestra sociedad, le pese a quien le pese.

No es que no me guste, pero reconozco que siempre he pensado que Almodóvar es un director sobrevalorado. Particularmente disfruto más con Garci, Trueba o Julio Médem, pero como decía mi abuela, algo tendrá el agua cuando la bendicen. Y es que si hablamos de bendiciones cinematográficos, este manchego, casi tan universal como el queso, las tiene todas. Ninguno de los grandes festivales de cine de Europa o América ha pasado por alto su obra.La verdad es que Volver es la película que más me ha gustado de cuantas he visto de él, que han sido casi todas. Y creo que ha sido así porque en esta película presenta una visión más real del mundo. Es una historia que tiene mayores visos de verosimilitud, y en la que por fin se ha desprendido de personajes excesivamente histriónicos que suelen pulular pos sus filmes.Volver es una película llena de sensibilidad, donde las mujeres vuelven a ser los pilares de la obra que sacan arrestos para apechugar con la vida y salir adelante con todo. Es un homenaje a la mujer española de su casa. Ésa que no aspira a la portada de la revista Vogue ni a ser recibidas por Zapatero. Ésa mujer que es la que mantiene hogares, familias, que lucha el día a día y de la que parece avergonzarse mucho zagal reconvertido a yuppie desagradecido (y desgraciado).Desde el punto de vista técnico, impecable. Los silencios que hablan por si solos, los cambios de plano, los planos cortos y el juego de luces sutil donde los haya.Y de la interpretación, sólo elogios. En mi opinión Carmen Maura brilla por encima del resto, y posiblemente ella y Almodóvar lo sepan, aunque la Maura ya está de vuelta de todo y de cara a una posible candidatura al Oscar, Penélope Cruz vende más. Todo ello sin desmerecer un ápice la interpretación de esta última, que a pesar no de ser santa de mi devoción por su habitual inexpresividad, realiza una labor digna de encomio. Quizás sea éste el mayor mérito de Almodóvar: conseguir que Penélope Cruz resulte convincente. Chus Lampreave y Lola Dueñas parece que ni siquiera están actuando, de natural que les sale cada gesto, cada palabra, cada movimiento.Volver refleja la vida cotidiana. Esa vida de la que muchos desean huir desesperadamente pero a la que tarde o temprano acabamos deseando precisamente eso, Volver.

Volver es una película llena de sensibilidad, donde las mujeres vuelven a ser los pilares de la obra que sacan arrestos para apechugar con la vida y salir adelante con todo.

Por fin vemos un Almodóvar que retrata escenas de la vida real, sin adornos, sin extrañezas. Una loa a la mujer de su casa que en el fondo son la columna vertebral de nuestra sociedad, le pese a quien le pese.

No es que no me guste, pero reconozco que siempre he pensado que Almodóvar es un director sobrevalorado. Particularmente disfruto más con Garci, Trueba o Julio Médem, pero como decía mi abuela, algo tendrá el agua cuando la bendicen. Y es que si hablamos de bendiciones cinematográficos, este manchego, casi tan universal como el queso, las tiene todas. Ninguno de los grandes festivales de cine de Europa o América ha pasado por alto su obra.La verdad es que Volver es la película que más me ha gustado de cuantas he visto de él, que han sido casi todas. Y creo que ha sido así porque en esta película presenta una visión más real del mundo. Es una historia que tiene mayores visos de verosimilitud, y en la que por fin se ha desprendido de personajes excesivamente histriónicos que suelen pulular pos sus filmes.Volver es una película llena de sensibilidad, donde las mujeres vuelven a ser los pilares de la obra que sacan arrestos para apechugar con la vida y salir adelante con todo. Es un homenaje a la mujer española de su casa. Ésa que no aspira a la portada de la revista Vogue ni a ser recibidas por Zapatero. Ésa mujer que es la que mantiene hogares, familias, que lucha el día a día y de la que parece avergonzarse mucho zagal reconvertido a yuppie desagradecido (y desgraciado).Desde el punto de vista técnico, impecable. Los silencios que hablan por si solos, los cambios de plano, los planos cortos y el juego de luces sutil donde los haya.Y de la interpretación, sólo elogios. En mi opinión Carmen Maura brilla por encima del resto, y posiblemente ella y Almodóvar lo sepan, aunque la Maura ya está de vuelta de todo y de cara a una posible candidatura al Oscar, Penélope Cruz vende más. Todo ello sin desmerecer un ápice la interpretación de esta última, que a pesar no de ser santa de mi devoción por su habitual inexpresividad, realiza una labor digna de encomio. Quizás sea éste el mayor mérito de Almodóvar: conseguir que Penélope Cruz resulte convincente. Chus Lampreave y Lola Dueñas parece que ni siquiera están actuando, de natural que les sale cada gesto, cada palabra, cada movimiento.Volver refleja la vida cotidiana. Esa vida de la que muchos desean huir desesperadamente pero a la que tarde o temprano acabamos deseando precisamente eso, Volver.

Es un homenaje a la mujer española de su casa.

Por fin vemos un Almodóvar que retrata escenas de la vida real, sin adornos, sin extrañezas. Una loa a la mujer de su casa que en el fondo son la columna vertebral de nuestra sociedad, le pese a quien le pese.

No es que no me guste, pero reconozco que siempre he pensado que Almodóvar es un director sobrevalorado. Particularmente disfruto más con Garci, Trueba o Julio Médem, pero como decía mi abuela, algo tendrá el agua cuando la bendicen. Y es que si hablamos de bendiciones cinematográficos, este manchego, casi tan universal como el queso, las tiene todas. Ninguno de los grandes festivales de cine de Europa o América ha pasado por alto su obra.La verdad es que Volver es la película que más me ha gustado de cuantas he visto de él, que han sido casi todas. Y creo que ha sido así porque en esta película presenta una visión más real del mundo. Es una historia que tiene mayores visos de verosimilitud, y en la que por fin se ha desprendido de personajes excesivamente histriónicos que suelen pulular pos sus filmes.Volver es una película llena de sensibilidad, donde las mujeres vuelven a ser los pilares de la obra que sacan arrestos para apechugar con la vida y salir adelante con todo. Es un homenaje a la mujer española de su casa. Ésa que no aspira a la portada de la revista Vogue ni a ser recibidas por Zapatero. Ésa mujer que es la que mantiene hogares, familias, que lucha el día a día y de la que parece avergonzarse mucho zagal reconvertido a yuppie desagradecido (y desgraciado).Desde el punto de vista técnico, impecable. Los silencios que hablan por si solos, los cambios de plano, los planos cortos y el juego de luces sutil donde los haya.Y de la interpretación, sólo elogios. En mi opinión Carmen Maura brilla por encima del resto, y posiblemente ella y Almodóvar lo sepan, aunque la Maura ya está de vuelta de todo y de cara a una posible candidatura al Oscar, Penélope Cruz vende más. Todo ello sin desmerecer un ápice la interpretación de esta última, que a pesar no de ser santa de mi devoción por su habitual inexpresividad, realiza una labor digna de encomio. Quizás sea éste el mayor mérito de Almodóvar: conseguir que Penélope Cruz resulte convincente. Chus Lampreave y Lola Dueñas parece que ni siquiera están actuando, de natural que les sale cada gesto, cada palabra, cada movimiento.Volver refleja la vida cotidiana. Esa vida de la que muchos desean huir desesperadamente pero a la que tarde o temprano acabamos deseando precisamente eso, Volver.

Ésa que no aspira a la portada de la revista Vogue ni a ser recibidas por Zapatero.

Por fin vemos un Almodóvar que retrata escenas de la vida real, sin adornos, sin extrañezas. Una loa a la mujer de su casa que en el fondo son la columna vertebral de nuestra sociedad, le pese a quien le pese.

No es que no me guste, pero reconozco que siempre he pensado que Almodóvar es un director sobrevalorado. Particularmente disfruto más con Garci, Trueba o Julio Médem, pero como decía mi abuela, algo tendrá el agua cuando la bendicen. Y es que si hablamos de bendiciones cinematográficos, este manchego, casi tan universal como el queso, las tiene todas. Ninguno de los grandes festivales de cine de Europa o América ha pasado por alto su obra.La verdad es que Volver es la película que más me ha gustado de cuantas he visto de él, que han sido casi todas. Y creo que ha sido así porque en esta película presenta una visión más real del mundo. Es una historia que tiene mayores visos de verosimilitud, y en la que por fin se ha desprendido de personajes excesivamente histriónicos que suelen pulular pos sus filmes.Volver es una película llena de sensibilidad, donde las mujeres vuelven a ser los pilares de la obra que sacan arrestos para apechugar con la vida y salir adelante con todo. Es un homenaje a la mujer española de su casa. Ésa que no aspira a la portada de la revista Vogue ni a ser recibidas por Zapatero. Ésa mujer que es la que mantiene hogares, familias, que lucha el día a día y de la que parece avergonzarse mucho zagal reconvertido a yuppie desagradecido (y desgraciado).Desde el punto de vista técnico, impecable. Los silencios que hablan por si solos, los cambios de plano, los planos cortos y el juego de luces sutil donde los haya.Y de la interpretación, sólo elogios. En mi opinión Carmen Maura brilla por encima del resto, y posiblemente ella y Almodóvar lo sepan, aunque la Maura ya está de vuelta de todo y de cara a una posible candidatura al Oscar, Penélope Cruz vende más. Todo ello sin desmerecer un ápice la interpretación de esta última, que a pesar no de ser santa de mi devoción por su habitual inexpresividad, realiza una labor digna de encomio. Quizás sea éste el mayor mérito de Almodóvar: conseguir que Penélope Cruz resulte convincente. Chus Lampreave y Lola Dueñas parece que ni siquiera están actuando, de natural que les sale cada gesto, cada palabra, cada movimiento.Volver refleja la vida cotidiana. Esa vida de la que muchos desean huir desesperadamente pero a la que tarde o temprano acabamos deseando precisamente eso, Volver.