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Por cierto, el siempre correcto y muy discreto David Shire firma la banda sonora de Zodiac (hasta ahora Fincher se fiaba de Shore), como ya lo hiciera con Todos los hombres del presidente, o La conversación (Coppola, 1974).Esa discreción narrativa y ese distanciamiento emotivo no quitan que el creador de Seven nos vuelva a encoger el estómago en esas excelentes escenas de los asesinatos, extraordinariamente planificadas con el fin de dejarnos sin aliento a la espera del (fatal) desenlace.
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En definitiva, "Michael Clayton" hará las delicias de los amantes de Clooney, de las buenas interpretaciones, de los abogados y de películas con un trasfondo y en las que las buenas intenciones y el honor vencen a las tentaciones.
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) estan normalitos, tirando a mediocres, a decir verdad; destacar además el compendio de efectos especiales, no podría ser de otra manera en este tipo de cintas, la terrorífica banda sonora del libanés Gabriel Yared, y la idea, que es buena, pero que no da para una cinta de 90 min.
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El guión claro esta, tampoco es nada del otro mundo, con situaciones graciosas si, pero bastante previsibles, y las interpretaciones de ambos, bastante bien para tratarse de un film americano.
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la chiquilla está bien (tanto en su interpretación como en el resto de cosas), pero no se me hace creíble, es demasiado jóven.
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Emmerich ayudando a Haley o Dillon ayudando a Newton), ya que todo el reparto resulta absolutamente creíble, sensacional, cercano.
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Y como muestra de que es su más ambiciosa propuesta, el director se ha decidido ha no hacer simplemente un cameo (que en mi opinión quedaba mejor) sino que aparece ya como actor secundario (y desde luego imprescindible en la trama).
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No había excusa posible, así que ayer, con cierta ilusión, nos sentamos a ver la ópera prima del gran Tim Burton, una película de encargo titulada "La gran aventura de Pee-Wee", la única del director que me quedaba por ver.
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Y ahora entraré a saco, y le pondré tres puntos más por, adaptando la novela Crímenes imperceptibles del argentino Guillermo Martínez, ofrecernos una película con trama de intriga que, si bien no pasará a los anales del género (¡otra cosa será lo que pueda suceder con el trasero de Leonor Watling!), o de la puesta en escena, resultar, resulta resultona y entretenida.
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Confinado adrede a un aparente papel secundario (quizá en el libro su personaje tiene más fuerza), Christian Bale cede buena parte del metraje y la actuación a un magnífico Hugh Jackman, quien no sólo es capaz de interpretar fugazmente un doble papel, sino que, cambiando su pose e imagino que levemente su físico, da la impresión de ser en efecto otra persona: habrá que esperar al DVD para escucharlo declamar a Enrique IV en su borrachera continua.
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Y es que probablemente esto sea lo mejor del cine de Allen: compaginar un buen guión con el aspecto visual.
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La banda sonora resulta además muy estimulante, siendo muchos de sus temas arreglos instrumentales de canciones conocidas que le añaden un punto loco y divertido.
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Narrada de una forma muy pausada, se podría decir que "Dos Hermanas" es una película que gusta y disgusta a partes iguales, teniendo detalles de verdadero genio que bajones en el guión inexplicables y que se podían haber resuelto fácilmente.
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Evidentemente, desde el punto de vista técnico, la película deja muchísimo que desear, aunque la historia no es mala y tiene cierto interés, por lo que no llega a ser tan decadente como las del subgénero Z. También contribuye a ello la destacada interpretación de Fernando Sancho, que junto con el resto del reparto contribuyen a paliar, en buena parte, la pobreza extrema de los efectos especiales.
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Me parece ingenua la afirmación de algunos críticos cuando se refieren a las escenas de los tiroteos como si se trataran de un "baile"; lo que el director pretendía era conseguir que las imágenes de la barbarie permanecieran en nuestras retinas -y en nuestra memoria- el máximo tiempo posible.
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No es que un servidor busque una trama tremendamente enrevesada, ni mucho menos unas interpretaciones de Óscar, pero sí diversión y acción trepidante, con efectos especiales elaborados e impactantes, tal y como otros productos actuales como La jungla 4.0 o incluso Shoot' em up sí nos ofrecen.
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Su experiencia se ilustra con un cóctel de efectos especiales, fotografía de gran calidad plástica y un sonido impecable ?
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Porque tiene una trama interesante.
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Pero esto no desmerece si tenemos en cuenta las reflexiones presentadas en escenas tan reveladoras como la entrevista al italoamericano (excelentemente interpretado por un envejecido Joe Pesci), en la que James Wilson revela que América es para los americanos (blancos y ricos, temerosos de Dios), y no para los inmigrantes, meros visitantes sin decisión (no olvidemos que el propio De Niro es de origen italiano).
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Es principalmente a través de estos diálogos (y alguno más que mantiene con demás secundarios) que entendemos la mentalidad del señor Brooks, hombre atormentado (por cierto, más que correcta la interpretación de Costner) que se reconoce adicto a los asesinatos.
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No voy a profundizar en la estúpida pareja de moteros que solo hace demostrar la torpeza narrativa de un guión que carece de sentido.
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En el certamen donostiarra se alzó con los galardones al Mejor Guión y a la Mejor Actriz para Blanca Portillo.
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Tiene muchos elementos positivos que hace de esta película una obra muy estimable, más teniendo en cuenta que es el primer trabajo de su joven director.
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Maria Antonieta es la historia de una joven caprichosa, inconstante, insegura e inconsciente, a quien la directora pretende justificar mostrando el sufrimiento de sus primeros años de vida en la corte de Versalles.
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Lo más llamativo es que Sam Raimi, director valiente y, a lo visto, productor de films de terror ya bien lanzado, haya visto algo bueno en este pastiche infumable, que no da miedo y que se pierde con descaro y falta de pudor en cientos, he dicho bien, de películas con similares ingredientes.
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Hacía tanto frío la noche de marzo en que se rodó que Mastroianni tuvo que ponerse bañador debajo del traje y beberse una botella de Vodka, su compañera de reparto pasó horas bajo los chorros de agua sin quejarse.
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En el resto de apartados la película es muy correcta desde su fría fotografía hasta su dirección artística, pasando por herrmanniana música de Roque Baños, con cameo incluido como director de orquesta (¡cómo no!).
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Esta semana que a nivel personal no lo estamos pasando demasiado bien, teníamos ganas de ir al cine a desconectar y tal vez la mejor manera de dejar por un rato las preocupaciones era una comedia musical, "Hairspray" tenía todas las papeletas para eso, para dejarnos disfrutar con su historia, su música y su reparto durante 90 min.
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El director Andreas Dresen consigue, con la ayuda de las dos actrices protagonistas, que el espectador llegue a interesarse por la vida de estas dos mujeres, que a la vez es la de tantas otras.
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Puede pasar que el director lo que haya querido sea darnos no ya tanto personajes sino arquetipos, signos de una realidad ( los sesenta, Franco, los cines oscuros de verbo fluido ) necesariamente constrictiva.
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Si el público fuera católico, el director hubiera llenado al protagonista de crucifijos.
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El maquillaje, fotografía, son de traca, no ayuda tampoco las pobres interpretaciones de un plantel voluntarioso pero realmente con nula calidad.
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Empezaré con Gonzalo F. Berridi, responsable de la fotografía.
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No se podía esperar menos del director de Crash y guionista de Million Dollar Baby, aunque si sólo la hubiera escrito él, supongo que Cartas desde Iwo Jima no hubiera tenido tantas referencias al cine japonés.
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Sin una gota de GORE, pues eso no es importante cuando un autor de enorme talento como demuestra WILSON quiere mostrar algo verídico, el no aprovecha el guión para el morbo fácil simplemente plantea unos hechos terribles con la dureza que ellos requieren.
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Pues bien: lo cierto es que los efectos no están mal, si bien tampoco es que sean maravillosos, pero el guión es desastroso.
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Mención aparte merece Johnny Depp, un grande de la interpretación capaz de actuaciones dramáticas, cómicas, contenidas o exageradas.
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A Tim Curry le costó machismo encontrar el tono de voz para interpretar al Dr Frank´n Furter, se dice que hasta que no se ponía las medias no podía pillar el tono adecuado.
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Un buen guión pocas veces es entretenido al leerlo, porque no está hecho para eso, está hecho para ser leido.
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Pues una vez vista, puedo corroborar mis sensaciones, ya que la propuesta de este director francés es una gran película que hará las delicias de los aficionados a este tipo de productos.
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El título de la ópera prima de Santiago Tabernero (director del popular programa Versión Española y coguionista del bodrio titulado Asfalto) hace referencia a una colección de cromos de los años 70 sobre animales, lugares exóticos, anatomía, etc?
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El reparto es muy potente, George Clooney y Brad Pitt aportan la elegancia y el carisma que les caracteriza, acompañados por un grupo de secundarios que ya quisieran muchas películas, con la excepción de Matt Damon, un actor de la hornada de Orlando Bloom y otros actores inexpresivos, que de una manera inexplicable han triunfado en el cine.
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Pero la situación en España a cambiado radicalmente, dándonos una adaptación del guión en la que McLane se vuelve mas socarrón y mal hablado que en todas las películas anteriores juntas, lo que es de agradecer, ya que gran parte de la personalidad perdida en la versión original es por culpa de su finura a la hora de hablar durante todo el metraje.
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Ese es un axioma evidente para todo director y conocedor del cine.
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Pero si hay algo que sobresale en esta película es la belleza de ciertos pasajes que permite la banda sonora del film.
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El guión clásico de Hollywood sabe que basta con concentrar la pólvora en tres momentos clave, los dos giros del primer y segundo acto, y el final.
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El Juego de los Idiotas es una estupenda película, con todas las virtudes de la mejor comedia francesa, y demuestra que para hacer reír no es necesario tener un reparto lleno de histriones ni de situaciones fantásticas.
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Estamos ante una de las películas más características del director neoyorkino.
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La trama de la niña hispana es inverosímil si uno la contrasta con la de un telediario, pero el cine tiene sus propias reglas, el cine sólo exige anticipación.
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Pareciera que se quedara a mitad de camino con relación a la interpretación de la vejez de Hughes, problema de su eterna cara de nene que no envejece ni con el desaliño y una espesa barba.
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Posiblemente haya que leer antes las declaraciones del director para poder centrarse.
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Aunque he de reconocer que me gustó más Vidas ajenas, el anterior trabajo del director, sin que fuera, tampoco, ninguna maravilla.
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Si alguien me dice que serian dos directores españoles que me parecían blanditos los que se encargarían después de mucho tiempo de servir una sobredosis de auténtico pánico, de un horror atroz en todo momento sin ningún tipo de adorno ni artificio.
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Y para colmo acompañada de un Fran Perea que no pega ni con cola y nos recuerda como no a "Los Serrano", un total pinchazo en una ficha artística que si no fuera por estos dos, podríamos calificar de PERFECTA.Menciones especiales para ese fabuloso actor, magno y regio Asier Etxeandía que protagoniza un momento estelar cuando interpreta el tema principal de la película en francés.
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A pesar, consecuentemente, de su desequilibrio entre forma y fondo, de un conjunto irregular que va desde la eficacia en momentos sublimes hasta el manierismo y los tópicos más vulgares, no se puede negar que existe una cierta coherencia entre la tonalidad y desarrollo del relato y la configuración expresiva en el uso de la fotografía y demás recursos plásticos.
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Haciendo caso de la frase del director "Últimamente nos acercamos al cine con demasiados datos, con la película vista de antemano, y nos falta eliminar el valor de los nombres, acercarse a las películas con los sentidos y no con la trayectoria de la gente, y juzgar más la película que los títulos de crédito", lo que escribiré sobre la película será esto: el film es una comedia urbana, laboral y filosófica.
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Heder debería empezar a seleccionar un poco sus papeles, porque si no le va a pasar lo mismo que a un Thornton que aquí parece interpretar el mismo papel que en la inminente Mr.
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La postura del director respecto al intervencionismo americano es muy clara, así como lo es también la visión de unas instituciones frágiles, corruptas y poco profesionales, que maquillan la realidad.
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El guión es lioso, aburrido, lento y poco real, cuando se supone que quiere plasmar realidad por los poros, pero no, no lo consigue, todo es tan fácilmente reconocible, que uno puede reconocer en la cinta mil y una películas similares (sin ir más lejos "Wonderland" que protagonizaba Val Kilmer.).El recurso de pantalla partida es inútil, puesto que la división apunta a lo mismo, y no aporta nada diferente, el visionarlo 2 veces, vamos, que queda "chuli" y la sobreimpresión del tiempo, testigos y tal es indiferente.
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Como no está el olmo para pedirle peras, quede éste en entretenimiento light, pero nuestra inquietud cinéfila no se alimenta con lobos y con abuelitas: prefiere drogas más duras, mucho más adictivas, perlas de Orson Welles con textos de Shakespeare, interpretaciones soberbias de Max Von Sydow en películas suecas de los sesenta, robos en hipódromos filmados por Kubrick, botellas que no tienen vino y que Hitchcock usaba para revivir el filón de la guerra fría y el resurgir nazi..
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Esta última parte se basa en el desencadenamiento de la trama, de una forma tan poco creíble que, en esta ocasión, te hace, por lo menos, entrar en el juego.
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Christian Bale le da mucha fuerza y credibilidad a su Dan Evans, un hombre en busca de reconseguir el respeto tanto suyo propio como el de su familia, hombre muy honesto e interpretación del actor galés que haces que también te identiques con él.
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También comentar que el niño que hace de Otto (Peru Medem) es hijo en la vida real del director Julio Medem.
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Dueño de una mirada personal demostrada en sus tres films, el director neocelandés Andrew Niccol es el responsable del guión de la famosa y lograda The Truman Show y el director y guionista de Gattaca, otro buen film con la pareja Thurman/Hawke.
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Aunque no vendría mal decir que Rachel Weisz está incluso mejor que él, en una interpretación compleja, arriesgada y con una esperanza, la de la inmortalidad, que pronto se desvanece (¡vaya spolier!).
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Un filme lleno de buenas intenciones aunque no de eso se hace cine de calidad, se encuentra lastrado por un guión mil veces visto, por situaciones poco creíbles por de nuevo una dirección sin fuerza del que firma y cierto aire a telefilme en su mediocre puesta en escena.
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Desde este ángulo, digamos que el trabajo de Kotcheff no esta a la altura de los contenidos, aunque la fotografía de Andrew Laszlo contribuye a crear una puesta en escena absorbente y la atmósfera hostil (niebla, tormentas) que caracteriza dos estratos de la escenografía y de la misma temática: naturaleza versus civilización, el salvaje contra los representantes de la ley y el orden.
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Por eso, con una base tan sumamente buena el director se dedica a ponerle un sello de ?
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Así es como vemos a todos los personajes de la farándula que retrata el estupendo guión del propio Anderson: desasidos de esperanza, destrozados, penosamente abocados a no alentar esperanza alguna, pero incluso en esa postura negativa, en esa deconstrucción firme y severa, Anderson procura humanizar a sus criaturas.
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En esta ocasión, en la que es su segunda película, un proyecto del que se hace cargo tras ser rechazado por el director Richard Eyre, se puede seguir apreciando su enorme talento tras las cámaras, para descubrir una serie de aspectos técnicos de especial relevancia, que no aparecían en su primer trabajo, y que le acercan a uno de los Grandes.
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Otra cosa que contribuye a que el guión no termine de cuajar es el hecho de dejar pasar la oportunidad de profundizar más en las motivaciones de Lyra y de los personajes que la ayudan para salvar a los niños y limitarse únicamente a dejar intuir las reflexiones metafísicas rozándolas en algunos detalles de la trama, centrándose en las aventuras y en la acción.
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A partir de esto, es lógico que los personajes, supuestamente importantes, aparezcan y desaparezcan de la trama sin venir a cuento o no sepamos muy bien donde nos quiere llevar la narración en ocasiones.
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Imperdible el clip que acompaña los créditos finales con Russell interpretando en playback a Elvis Presley -con todo el elenco haciendo morisquetas y bailando-, en una clara auto-parodia de su vieja actuación en el telefilm "Elvis"(1979) de John Carpenter.
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En el caso del actor alemán, decir que su interpretación es excelsa, es quedarse corto, en todo momento comedido, reprime (y se percibe) los sentimientos que afloran en el, con punto álgido en el momento de la ejecución, donde su sobrecogedora lección interpretativa es de levantarse y no dejar de aplaudir, porque deleita con uno de los momentos mas emotivos y sombríos instantes de todo el filme (y capaz de dejar a la audiencia en un mar de lagrimas).
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En definitiva, un film que sigue en la linea de grandes películas que nos muestra año tras año este extraordinario director, aunque en esta ocasión quizás algo más incomprendida probablemente por el espectador medio que anteriores películas, debido precisamente a la propia concepción del film y sus intenciones desde el principio, el argumento marca mucho y probablemente no sea apto para todos los públicos.
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Los únicos momentos de verdadera intriga son debidos a las apariciones del personaje de David Morse y su inquietante interpretación, muy superior a la de un pánfilo Shia LaBeouf.
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De nuevo las referencias al cine dentro del cine, la realidad y la ficción fundidas en la mente de una estrella de Hollywood que llega al final del viaje de la película realmente demacrada, una Laura Dern en una interpretación de lujo.
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Esta mezcla junto con otra fantástica interpretación de Jennifer Aniston (que ya me deslumbró en "The Good Girl" y nuevamente no me decepciona) hace que "Separados" sea una película con mucho gancho y que como única pega sería la utilización innecesaria en ocasiones de una cámara en mano que no deja seguir bien los diálogos de la escena y la situación de los personajes.
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Parece que quiere presumir de haber conseguido grabar a tan ilustres invitados, pero sólo revela su torpeza como director al no saber escoger fragmentos.
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Su papel, pese a contener sentimientos totalmente vacíos, está interpretado con maestría y sentido común.
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Como es de esperarse, la cosa trae problemas cuando los congéneres de Vivian deciden poner fin a este romance tan sui generis, ya que la chica no parece sentar cabeza (como si el hecho de prendarse de un dibujante de cómics no asegurase por sí solo un conflicto familiar a gran escala).Esta, a grandes trazos, es la trama de Blood and Chocolate (2007), una película que ha sido titulada en España con el dudoso título de La marca del lobo, añadiendo más a la confusión que se presta en cuanto a género, ya que no estamos hablando realmente de una película de terror, por mucho que en ella aparezcan licántropos ansiosos por hincar sus dientes en carne humana.
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Esperaba con curiosidad y ciertas ganas el estreno de la nueva película de Antonio Banderas como director.
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Como déficit el tímido y torpe Vincent no desperta la empatía que despertaba instantáneamente Jack, así como son insuperables las canciones de Danny Elfman -otro fetiche del director- de aquella película (en la que también era la voz de Jack).
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Finalmente, el propio Clooney, con su carisma habitual, establece un aire de complicidad importante entre su Fred Friendly y Edward Murrow, interpretado por David Strathairn.
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Un guionista que ha escrito el guión de "Amores perros" y "21 gramos" no puede contar una historia sin añadirle artificios que demuestren cuanto sabe.
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Si a ambos aspectos, les sumamos la espectacular banda sonora de Trevor Rabin, la fotografía perfecta de Henry Braham (sólo tenemos que recordar el reflejo del escuadrón en las aguas transparentes del río), sus inmejorables efectos de sonido, el buen trabajo en la interpretación de Martin Henderson, la aceptable dirección artística; y, además, tenemos en cuenta que el aire y los aviones de la Primera Guerra nunca lograron grandes obras de arte en cine, nos damos cuenta de que éste sí que pudo ser el gran homenaje que se merecía la noble Escuadrilla.
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Su interpretación no es mediocre, pero se requería más compromiso.
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Lo bueno de La jungla 4.0 es que, lejos de perder fuelle después de esos impactantes primeros minutos, mantiene el sentido del espectáculo hasta el final, aunque entre escena y escena de acción, los momentos que las unen son flojillos, por lo que se pierde el ritmo y deja de interesar lo que esta sucediendo, culpa también de tener en pantalla a un villano, interpretado por Tymothy Olyplath, que como tal deja un poco que desear, y no intimida lo más mínimo.
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Y su primera colaboración con Denzel Washington, actor que sigue demostrando sus amplias capacidades para interpretar casi cualquier papel.
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Las obras colectivas se convierten en refugio y muestra del talento concentrado de algunos directores.
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Además, no todos los personajes tienen la suficiente importancia en la trama.
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La dirección de Martin Campbell, cineasta ya curtido en los menesteres de 007, es eficaz, y lo último que se desea de un producto Bond es que sea el director, y no el personaje, quien imponga su universo y personalidad.
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Una comedia para toda la familia, con bastantes chistes y bastante humor de "golpe y porrazo" que arranca al pátio de butacas mas de una sonora carcajada, sin embargo la película se hace muy corta (hora y cuarto con títulos de crédito incluidos) y la sensación de que el guión se deja cosas en el tintero es la nota dominante en la platea una vez terminada la proyección.
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Los efectos especiales son interesantes y con una banda sonora competente.
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El director de la cinta expresa su deseo de llevar al espectador a un lugar remoto, como es Uganda, para ?suponemos- acercarle a la realidad sociopolítica de este país en la época de Idi Amín, "Dada".
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El público de hoy habla de cine con los mismos términos que un crítico, conoce los recursos cinematográficos y se queja de los detalles, de las interpretaciones, del ritmo.
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El director de "Hard Candy" no lo es.
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El mismo director nos comentó que había procurado prepararse antes de su puesta de largo cinematográfica.
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Por otro lado, Belén Rueda realiza una actuación notable, eirigiéndose como alma de la película, en gran medida porque el resto de interpretaciones no dejan de ser casi anecdóticas, como la de Géraldine Chaplin, que debe aparecer a lo sumo en diez minutos de metraje en una secuencia que, bromas aparte, parece extraída de Cuarto Milenio.
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No encontrarás en ésta película cansinos diálogos explicativos, ni flashbacks ofensivos, ni giros de guión espectaculares.
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