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Quelle chanteuse a remporté trois prix Ivor Novello en mai, dont celui d'auteur-compositeur de l'année pour son single à succès, The Fear ?

Lily Allen

"The Fear" est une chanson de l'artiste britannique Lily Allen tirée de son deuxième album studio, It's Not Me, It's You (2009). Écrit par Allen et Greg Kurstin, la chanson est sortie en tant que premier single de l'album. Initialement, "Everyone's at It" était annoncé comme étant le premier single de l'album. Cependant, il a finalement été décidé que "The Fear" sortirait le 26 janvier 2009 par Regal Recordings, tandis que la démo (qui s'intitulait alors "I Don't Know") a été divulguée sur Internet en avril 2008. La chanson intègre de l'électropop. la musique tandis que les paroles articulent les problèmes liés au mode de vie des célébrités et incluent des métaphores pour les tabloïds nationaux reconnus tels que The Sun. "The Fear" fait également référence, quoique indirectement, à la Grande Dépression des années 1930. Les critiques contemporaines ont complimenté la chanson et ses thèmes du consumérisme et de la condition postmoderne. "The Fear" a atteint la première place du UK Singles Chart, où il est resté pendant quatre semaines. Le single a également atteint un sommet dans le top 20 des charts de certains pays européens et d'Australie. Il s'agit également de la deuxième entrée d'Allen dans le Billboard Hot 100 américain. Le clip vidéo qui l'accompagnait présentait un thème fantastique, avec Allen dansant avec des cadeaux et des ballons géants emballés. Il a été tourné à Wrest Park dans le Bedfordshire et mettait également en vedette des danseurs habillés en majordomes ; les lieux étaient d'abord dans une caravane dans un parc, puis dans un manoir géant coloré, entouré de nuages ​​gris contrastés. La chanson a été interprétée en direct pour la première fois via The Scott Mills Show sur BBC Radio 1 et lors de la tournée de concerts d'Allen en 2009. "The Fear" a reçu le prix du meilleur morceau aux Q Awards 2009 et a également remporté à Allen deux Ivor Novello Awards en 2010, pour la meilleure chanson musicalement et lyriquement, et pour l'œuvre la plus interprétée. Contexte et composition Initialement, la chanson "Everyone's At It" a été annoncée comme étant le premier single de l'album, mais elle a finalement été choisie pour "The Fear". En discutant de It's Not Me, It's You, Allen a déclaré que son intention était de faire « des chansons plus grosses, plus éthérées, de vraies chansons. [...] Je pense que j'ai un peu grandi en tant que personne et j'espère que cela reflète que." Elle a publié une version démo de la chanson, qui s'appelait alors "I Don't Know", sur son compte MySpace, avec une autre chanson, "I Could Say", en avril 2008. La chanteuse a déclaré l'inspiration de la chanson. , qui a à voir avec le matérialisme et la pression d'être riche et célèbre : [Je vais] vous dire d'où vient l'inspiration. Je marchais dans cette rue, dans ce village au milieu de la campagne au Royaume-Uni, et il y avait cette petite fille qui devait avoir huit ou neuf ans, marchant dans la rue avec sa mère en short taille haute. et un petit haut court. Et j'ai juste pensé : « Ce n'est pas vraiment vrai. » Et je pouvais dire qu'elle était le genre de fille qui essaierait pour Pop Idol dans cinq ans et qui veut être célèbre quand elle sera grande. Et il y a certainement toute cette culture d’où je viens, et ce n’est pas nécessairement une culture que je pense particulièrement saine. Mais en même temps, je suis très conscient que je fais partie de cette culture – mais ce n’est pas quelque chose avec lequel je me sens particulièrement à l’aise. Musicalement, Allen adopte un groove électropop plus mature pour la chanson, qui a été décrit comme ayant « un support de danse électro palpitant et élégant et moderne », tout en traversant un « flot de synthés doux » et en étant « éminemment dansant et légèrement transe ». Il est réglé en temps commun et dans la tonalité de fa majeur et possède un métronome de 134 battements par minute. La voix d'Allen s'étend de F3 à A4. Au niveau des paroles, la chanson est une satire du matérialisme « chantée avec la voix d'une future starlette » et aborde le consumérisme sociétal et la chasse à la gloire du jour au lendemain. Il fait également référence, à travers la ligne "Je regarderai The Sun et je regarderai dans The Mirror", aux tabloïds nationaux britanniques quotidiens The Sun et Daily Mirror, qui font souvent des reportages sur Allen. Les parties du synthétiseur ont été écrites par Greg Kurstin à l'aide de Logic Studio d'Apple, en utilisant ses instruments intégrés. Réception critique Michael Menachem de Billboard a commenté la chanson, affirmant qu'elle "a un autre punch lyrique", tout en complimentant la voix d'Allen. La BBC a interprété la chanson dans laquelle Allen "s'excuse pour son avarice, accusant le système avec confiance", mais a également complimenté la production "exquise". Neil McCormick du Daily Telegraph a suggéré que la chanson confirme que « les capacités d'observation concises et la douce musicalité » de la chanteuse restent intactes, car elle a été un peu meurtrie par sa rencontre avec la célébrité du 21e siècle. La journaliste de Clash Natasha Arico a conclu que "The Fear" est quelque peu banal, bien que "terriblement accrocheur et convivial pour la danse", tandis que le magazine Rolling Stone n'a pas détecté le sarcasme de la chanson et a critiqué la chanson pour être un "cliché" livré par Allen "avec ricanement". . James Montgomery de MTV a donné une bonne critique, affirmant qu'il s'agit d'un réquisitoire relativement cinglant contre la « culture célèbre » d'aujourd'hui. Ryan Dombal de Pitchfork Media a décrit la chanson comme ayant une « vision en partie d'aveu, en partie de vantardise, en partie apocalyptique » et a suggéré que « pour presque n'importe quel autre artiste, les lignes seraient barbelées, sarcastiques et, en fin de compte, des réquisitoires hautains et fades. pas pour les grandes gueules [Allen]". D'autres critiques étaient également positives ; Sal Cinquemani de Slant Magazine a suggéré que "The Fear" est la preuve de la conscience de soi de la chanteuse pop, mais, compte tenu de son histoire personnelle dans les tabloïds, la chanson possède une trace d'ironie : "Je regarderai The Sun et je regarde dans The Mirror/Je suis sur la bonne voie, ouais, nous sommes sur un gagnant. " Leah Greenblatt de Entertainment Weekly a aimé la chanson, dans laquelle Allen se moque de sa propre identité de fille matérielle et a poursuivi en disant qu'il s'agissait en fait de « l'histoire de deux Lily : la postadolescente coquine dans le rétroviseur et la pleinement réalisée ». une femme qui arrive au tournant." Chris Buckle de The Skinny a donné trois étoiles à "The Fear", commentant que c'est "un rappel puissant qu'elle est plus que de la chair à ragots", mais il n'a pas non plus aimé quelques paroles, qui "en particulier [sont] une tentative maladroite de injectez de la politique parmi les célébrités qui regardent la marine", tandis qu'About.com a loué la chanson pour être un "chef-d'œuvre pop", les "paroles intelligentes et pleines d'esprit" d'Allen et l'a comparée aux "Stupid Girls" de Pink. Performances commerciales Au Royaume-Uni, "The Fear" a fait ses débuts au numéro 168 du UK Singles Chart le 25 janvier 2009 - pour la semaine se terminant le 31 janvier 2009. La semaine suivante, la chanson a grimpé de 167 places pour atteindre le numéro un, contrecarrant le "" de Lady Gaga. Just Dance" depuis le sommet du classement. Gaga a commenté cela en disant: "Je connais très bien la musique de Lily et bon travail Lily pour m'avoir fait tomber. Il mérite toujours d'être une femme au sommet et je ne veux pas être le seul à le faire. Je pense En général, la musique pop fait un énorme retour et je suis en fait très satisfait du nouvel album de Lily Allen car il est résolument pop". La chanson a réussi à rester au top pendant quatre semaines, tout au long du mois de février, jusqu'à ce qu'elle soit détrônée par "My Life Could Suck Without You" de Kelly Clarkson. Cela a ainsi valu à Allen le deuxième sommet des charts, depuis son premier single, "Smile", a réalisé l'exploit en juillet 2006. "The Fear" est également devenu le single qui a passé plus de semaines au sommet des charts de 2009 au Royaume-Uni. Au cours de la troisième semaine du single, son album parent, It's Not Me, It's You, est arrivé en tête du classement des albums britanniques, avec un doublé, ce à quoi Allen a déclaré: "C'est génial d'être au sommet des deux classements, en particulier dans le La même semaine où les Brit Awards célèbrent une fois de plus le meilleur de la musique britannique. » La chanson a connu un succès similaire en Australie, où elle a atteint la troisième place du ARIA Singles Chart et est restée huit semaines consécutives dans le top dix, et a été certifiée Platine par l'Australian Recording Industry Association. En Irlande, "The Fear" est entré à trente-neuf ans du classement des singles irlandais, faisant une lente ascension jusqu'au numéro cinq, où il est resté pendant une semaine après avoir descendu le classement. La chanson est devenue un succès en Europe, étant entrée dans le top 20 dans la plupart de ses pays, ce qui lui a valu un sommet de trois sur le Hot 100 européen. De plus, en Nouvelle-Zélande, Allen a marqué son quatrième succès dans le top 40 avec la chanson se plaçant à un sommet de quatorze sur le New Zealand Singles Chart. En Amérique du Nord, "The Fear" a partagé un succès modéré, se classant au numéro 80 du Billboard Hot 100, ce qui en fait la seule deuxième entrée d'Allen aux États-Unis. Malgré de faibles positions dans le classement principal, le single a réussi à devenir le premier Hot Dance Club du chanteur. Jouez le single numéro un, en tête pendant une semaine. Au Canada, il a fait ses débuts à la 57e place fin 2008, puis a quitté les charts pendant sept semaines ; il est revenu en 2009, culminant à 33. Il a été certifié Or par l'Association canadienne de l'industrie de l'enregistrement pour des expéditions de plus de 20 000 exemplaires. Clip musical Le clip a été principalement tourné à Wrest Park dans le Bedfordshire et réalisé par Nez. Il a été créé sur Channel 4 le 4 décembre 2008. Cela commence avec Allen chantant depuis la fenêtre d'une caravane, tandis qu'une corde à linge sur la droite contient des sous-vêtements et un ours en peluche qui y sont suspendus. En sortant, ses vêtements se révèlent être une robe smockée avec un gros nœud et des talons hauts ; en revenant par la porte de la caravane, l'intérieur se transforme en celui d'un luxueux manoir, en réalité un domaine de campagne anglais. Le refrain commence et elle marche dans le couloir, entourée de majordomes, faisant tous des mouvements synchronisés et démarrant une chorégraphie avec Allen. Ensuite, elle monte les escaliers et la caméra passe à la scène suivante, où elle est assise devant le miroir dans une chambre extravagante, avec des robes, des lampes, des jouets et des cupcakes. La scène change une fois de plus, avec Allen entrant dans une pièce avec des cadeaux géants aux couleurs vives. Ils se lèvent soudain, dotés de deux jambes humaines, et commencent à tourner sur eux-mêmes, accompagnés du chanteur. Après avoir descendu les escaliers et traversé le même hall dans lequel elle est entrée, elle quitte le domaine et la vidéo prend un ton plus sombre et plus sérieux, tandis que le verset « Oubliez les armes et oubliez les munitions/Parce que je les tue tous » ma propre petite mission/Maintenant, je ne suis pas un saint mais je ne suis pas un pécheur/Maintenant, tout va bien tant que je maigris" est chanté. Les effets visuels euphoriques réapparaissent peu après, alors que le refrain prend place. Allen descend les escaliers du domaine, entouré de ballons dansants, de majordomes sautillants et de brouillard coloré. La caméra effectue un zoom arrière montrant le domaine noué dans un ruban géant, mais aussi des nuages ​​gris et mélancoliques qui contrastent avec la joyeuse fête d'avant. Allen a déclaré qu'elle espérait que le clip transmettrait une partie du sarcasme de la chanson. La vidéo aurait coûté 50 000 £. Pendant le tournage, la vidéo a été documentée par MTV ; Dans l'interview, Allen a déclaré : Je voulais faire un numéro de danse, même si je ne fais pas vraiment de numéro de danse, d'autres personnes le font, mais j'en fais partie. Je pense que les gens sont plutôt habitués à ce que les filles de cette industrie soient vraiment capables de se déplacer devant la caméra, mais je suis tout simplement nul pour ce genre de choses. En fait, je trouve cette performance assez angoissante. Parce que lorsque vous écrivez des chansons, vous ne pensez pas vraiment à jouer dans une vidéo. Je pense que c'est assez amusant. Beaucoup de couleurs et de danse, et il s'agit en fait de faire quelque chose qui soit en accord avec la chanson. Spectacles en direct Alors qu'elle était invitée à l'émission de la BBC animée par Scott Mills, Allen a parlé de ses difficultés avec les paparazzi et a également créé la chanson en l'interprétant en direct. D'autres performances live de la chanson incluent le Sound sur BBC 2 avec Nick Grimshaw et Annie Mac, Friday Night avec Jonathan Ross, Orange unsignedAct et The Sunday Night Project. En février 2009, elle a été invitée au Today Show avec Matt Lauer, où elle a interprété la chanson après une interview. Le même mois, elle a fait une apparition au Ellen DeGeneres Show, et pendant qu'elle chantait, DeGeneres a distribué gratuitement des exemplaires de It's Not Me, It's You au public. Ensuite, Allen et DeGeneres ont interprété la chanson « Womanizer » de la chanteuse américaine Britney Spears. Allen a inclus la chanson sur sa setlist de sa tournée de concerts en 2009, dans le cadre du rappel. "The Fear" a également été interprété aux BRIT Awards 2010, comme chanson d'ouverture. Allen est arrivé sur scène assis sur une fusée hissée dans les airs, tout en portant une robe corset noire. Elle a ensuite été rejointe sur scène par des parachutistes vêtus de tenues militaires roses et des femmes portant des landaus Silver Cross. Apparitions dans les médias La chanson a été présentée dans le quatrième épisode de la troisième série de la série télévisée Skins et, également, une version instrumentale est utilisée comme musique d'accompagnement par Match of the Day 2 pendant le segment de critique montrant les objectifs. "The Fear" a été parodié par le personnage jouant Kevin Rudd dans l'émission télévisée Double Take, dans laquelle les paroles sont modifiées pour traiter de la campagne électorale pour le Premier ministre en Australie. La chanson a été reprise par JLS pour le segment "Live Lounge" de BBC Radio 1 de l'émission de Jo Whiley le 15 septembre 2009, avec une interpolation du hit de Beyoncé "Halo". Liste des pistes *Royaume-Uni CD1 (cartes) # "La peur" - 3:26 # "Fag Hag" - 2:57 *CD2 britannique (boîtier fin) # "La peur" - 3:26 # "La peur" (StoneBridge Radio Edit) — 3:26 # "La peur" (Wideboys Prime Time Radio Edit) — 3:56 # "La peur" (Dresde & Johnston Radio Edit) — 3:35 *Promo Royaume-Uni (cas standard) # "La peur" - 3:26 # "Fag Hag" - 2:57 *Disque d'images en édition limitée de 7 pouces # "La peur" - 3:26 # "Merde de Kaboul" — 3:45 *Téléchargement numérique # "La peur" - 3:26 # "La Peur" (Fearless Mix) - 5:18 # "La peur" (Runnin' Mix) - 4:03 # "Fag Hag" - 2:57 # "Merde de Kaboul" — 3:45 *Téléchargement numérique (2009) # "La peur" – 3:29 # "Fag Hag" - 2:55 # "Merde de Kaboul" – 3:45 # "Va te faire foutre" (Propre) – 3:40 Crédits et personnel *Chant principal - Lily Allen *Écrit par — Lily Allen et Greg Kurstin * Produit par — Greg Kurstin *Ingénieur adjoint – Alex Dromgode * Mixage audio — Greg Kurstin *Masterisé par Geoff Pesche *Autre direction — Todd Interland Graphiques et ventes Graphiques hebdomadaires Ventes et certifications Graphiques de fin d'année |-

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Quelle chanteuse américaine est née Eleanora Fagan ?

Billie Holiday

Eleanora Fagan (7 avril 1915 – 17 juillet 1959), connue professionnellement sous le nom de Billie Holiday, était une musicienne de jazz et auteur-compositeur-interprète américaine avec une carrière de près de trente ans. Surnommée « Lady Day » par son ami et partenaire musical Lester Young, Holiday a eu une influence déterminante sur la musique jazz et le chant pop. Son style vocal, fortement inspiré des instrumentistes de jazz, a ouvert la voie à une nouvelle façon de manipuler le phrasé et le tempo. Holiday était connue pour sa prestation vocale et ses compétences d'improvisation, qui compensaient sa gamme limitée et son manque d'éducation musicale formelle. Alors qu’il existait d’autres chanteuses de jazz au talent égal, Billie Holiday avait une voix qui captait l’attention de son public. Après une enfance mouvementée, Holiday commence à chanter dans les boîtes de nuit de Harlem. Après avoir été entendue par le producteur John Hammond, qui a loué sa voix, Holiday a signé chez Brunswick Records en 1935. Les collaborations avec Teddy Wilson ont donné le succès "What a Little Moonlight Can Do", qui deviendra plus tard un standard de jazz. Tout au long des années 1930 et 1940, Holiday a connu un succès grand public avec des labels tels que Columbia Records et Decca Records. À la fin des années 1940, cependant, Holiday était en proie à des problèmes juridiques et à la toxicomanie. Après une courte peine de prison, Holiday a donné un concert à guichets fermés au Carnegie Hall. Cependant, en raison de ses problèmes de drogue et d’alcool, sa réputation s’est détériorée. Bien qu'elle ait été une artiste de concert à succès tout au long des années 1950 avec deux autres spectacles à guichets fermés au Carnegie Hall, la mauvaise santé de Holiday, associée à une série de relations abusives et d'abus continu de drogues et d'alcool, a fait flétrir sa voix. Ses derniers enregistrements ont suscité des réactions mitigées en raison de sa voix endommagée, mais ont été de légers succès commerciaux. Son dernier album, Lady in Satin, est sorti en 1958. Holiday est décédée d'une cirrhose du foie en 1959. Un album posthume, Last Recording, est sorti après sa mort. Une grande partie du matériel de Holiday a été réédité depuis sa mort et elle est considérée comme une interprète légendaire ayant une influence continue sur la musique américaine. Holiday a reçu quatre Grammy Awards, tous à titre posthume pour le meilleur album historique. De plus, Holiday elle-même a été intronisée au Grammy Hall of Fame en 1973. Lady Sings the Blues, un film centré sur la vie de Holiday, mettant en vedette Diana Ross, est sorti en 1972. Elle est le personnage principal de la pièce et plus tard du film "Lady Day". At Emerson's Bar and Grill" Le rôle a été créé par Reenie Upchurch en 1986 et joué par Audra McDonald à Broadway (qui a remporté un Tony Award) et dans le film. vie et carrière 1915-1925 : Enfance Eleanora Fagan est née le 7 avril 1915 à Philadelphie, fille de Sarah Julia "Sadie" Fagan et de Clarence Holiday, un couple d'adolescents célibataires. Son père ne vivait pas avec sa mère. Peu de temps après la naissance de Holiday, Clarence a abandonné sa famille pour poursuivre une carrière de joueur de banjo de jazz et de guitariste. Sarah a déménagé à Philadelphie à l'âge de 19 ans, après avoir été expulsée du domicile de ses parents dans le quartier de Sandtown-Winchester à Baltimore, dans le Maryland, pour être tombée enceinte. Sans le soutien de ses parents, la mère de Holiday a fait en sorte que la jeune Holiday reste avec sa demi-sœur aînée mariée, Eva Miller, qui vivait à Baltimore. Holiday, qui était d'origine afro-américaine, aurait également eu des ancêtres irlandais grâce à l'héritage mixte de sa mère. Holiday a eu une enfance difficile. Sa mère occupait souvent ce qu'on appelait alors des « emplois dans le transport », travaillant sur les chemins de fer voyageurs. Holiday a été élevée en grande partie par la belle-mère d'Eva Miller, Martha Miller, et a souffert des absences de sa mère et a été laissée aux soins d'autrui pendant une grande partie des dix premières années de sa vie. L'autobiographie de Holiday, Lady Sings the Blues, publiée pour la première fois en 1956, était sommaire sur les détails de sa jeunesse, mais beaucoup de choses ont été confirmées par Stuart Nicholson dans sa biographie de la chanteuse en 1995. Certains historiens ont contesté la paternité de Holiday, car une copie de son acte de naissance dans les archives de Baltimore indique que le père est un homme nommé Frank DeViese. D'autres historiens considèrent qu'il s'agit d'une anomalie, probablement insérée par un hôpital ou un fonctionnaire. DeViese vivait à Philadelphie et Sadie Harris l'a peut-être connu grâce à son travail. Sadie Harris, alors connue sous le nom de Sadie Fagan, a épousé Philip Gough, mais le mariage a pris fin au bout de deux ans. Holiday s'est retrouvée à nouveau avec Martha Miller tandis que sa mère occupait d'autres emplois dans les transports. Holiday manquait fréquemment l'école et son absentéisme scolaire lui a valu d'être traduite devant le tribunal pour mineurs le 5 janvier 1925, alors qu'elle avait neuf ans. Elle a été envoyée à la Maison du Bon Pasteur, une école catholique réformée. Elle y fut baptisée le 19 mars 1925. Après neuf mois de placement, elle fut « libérée sur parole » le 3 octobre 1925 auprès de sa mère, qui avait ouvert un restaurant appelé East Side Grill, où elle et Holiday travaillaient de longues heures. À l'âge de 11 ans, Holiday avait abandonné l'école. 1926-1935 : tentatives de viol, prostitution et début de carrière La mère de Holiday retourna chez eux le 24 décembre 1926 pour découvrir un voisin, Wilbur Rich, qui tentait de violer Billie. Elle a riposté avec succès et Rich a été arrêté. Les autorités ont placé Billie sous protection à la Maison du Bon Pasteur en tant que témoin à charge dans l'affaire de viol. Holiday est sorti en février 1927, vers midi. Elle a trouvé un travail pour faire des courses dans un bordel. Pendant ce temps, Holiday entendit pour la première fois les disques de Louis Armstrong et Bessie Smith. À la fin de 1928, la mère de Holiday décida de tenter sa chance à Harlem, New York, et quitta à nouveau Holiday avec Martha Miller. Au début de 1929, Holiday rejoignit sa mère à Harlem. Leur logeuse était une femme bien habillée nommée Florence Williams, qui dirigeait un bordel au 151 West 140th Street. La mère de Holiday est devenue prostituée et, quelques jours après son arrivée à New York, Holiday, qui n'avait pas encore quatorze ans, s'est également prostituée pour 5 $ par client. Le 2 mai 1929, la maison fut perquisitionnée et Holiday et sa mère furent envoyées en prison. Après avoir passé quelque temps dans un workhouse, sa mère a été libérée en juillet, suivie de Holiday en octobre, à l'âge de 14 ans. À Harlem, elle a commencé à chanter dans diverses boîtes de nuit. Holiday a emprunté son pseudonyme professionnel à Billie Dove, une actrice qu'elle admirait, et au musicien Clarence Holiday, son père probable. Au début de sa carrière, elle a épelé son nom de famille « Halliday », le nom de naissance de son père, mais l'a finalement changé en « Holiday », son nom d'acteur. Le jeune chanteur a fait équipe avec un voisin, le saxophoniste ténor Kenneth Hollan. De 1929 à 1931, ils formaient une équipe se produisant dans des clubs tels que le Grey Dawn, le Pod's et le Jerry's sur la 133e rue et le Brooklyn Elks' Club. Benny Goodman se souvient avoir entendu Holiday en 1931 à The Bright Spot. Au fur et à mesure que sa réputation grandissait, Holiday a joué dans de nombreux clubs, notamment au Mexique et à l'Alhambra Bar and Grill, où Charles Linton, un chanteur qui a ensuite travaillé avec Chick Webb, l'a rencontrée pour la première fois. C'est également durant cette période qu'elle se lie d'amitié avec son père, qui jouait avec le groupe de Fletcher Henderson. Fin 1932, à l'âge de 17 ans, Billie Holiday remplaça la chanteuse Monette Moore dans un club appelé Covan's sur West 132nd Street. Le producteur John Hammond, qui aimait le chant de Monette Moore et était venu l'entendre, entendit Holiday pour la première fois au début de 1933. Hammond fit en sorte que Holiday fasse ses débuts en enregistrement, à 18 ans, en novembre 1933 avec Benny Goodman, chantant deux chansons : " Your Mother's Son-in-Law" et "Riffin' the Scotch", ce dernier étant son premier succès. "Son-in-Law" s'est vendu à 300 exemplaires, mais "Riffin' the Scotch", sorti le 11 novembre, s'est vendu à 5 000 exemplaires. Hammond a été impressionné par le style de chant de Holiday et a dit d'elle: "Son chant a presque changé mes goûts musicaux et ma vie musicale, car elle était la première chanteuse que j'ai rencontrée et qui chantait comme un génie du jazz improvisateur." Hammond a comparé Holiday favorablement à Armstrong et a déclaré qu'elle avait un bon sens du contenu des paroles à son jeune âge. En 1935, Billie Holiday a joué un petit rôle en tant que femme maltraitée par son amant dans le court métrage Symphony in Black: A Rhapsody of Negro Life de Duke Ellington. Dans sa scène, elle a chanté la chanson " Saddest Tale ". 1935-1938 : Enregistrements avec Teddy Wilson En 1935, Holiday fut signé chez Brunswick Records par John Hammond pour enregistrer des airs pop actuels avec Teddy Wilson dans le nouveau style « swing » pour le commerce croissant des juke-box. Ils ont eu carte blanche pour improviser le matériel. L'improvisation par Holiday de la ligne mélodique pour s'adapter à l'émotion était révolutionnaire. Leur première collaboration comprenait "What a Little Moonlight Can Do" et "Miss Brown to You". "What a Little Moonlight Can Do" de Billie Holiday était considéré comme son "titre de gloire". Brunswick n'était pas favorable à la session d'enregistrement, car les producteurs voulaient que Holiday ressemble davantage à Cleo Brown. Après le succès de "What a Little Moonlight Can Do", la société a commencé à considérer Holiday comme une artiste à part entière. Elle a commencé à enregistrer sous son propre nom un an plus tard (sur le label 35 cents Vocalion), produisant une série de performances extraordinaires avec des groupes comprenant les meilleurs musiciens de l'ère swing. Les sessions ont été coproduites par Hammond et Bernie Hanighen. Avec leurs arrangements, Wilson et Holiday ont pris des airs pop piétons, tels que "Twenty-Four Hours a Day" (#6 Pop) ou "Yankee Doodle Went To Town", et les ont transformés en classiques du jazz. La plupart des enregistrements de Holiday avec Wilson ou sous son propre nom dans les années 1930 et au début des années 1940 sont considérés comme des éléments importants de la bibliothèque vocale du jazz. Elle avait alors la vingtaine. Un autre accompagnateur fréquent était le saxophoniste ténor Lester Young, qui avait été pensionnaire chez sa mère en 1934 et avec qui Holiday entretenait une relation privilégiée. Il a déclaré: "Eh bien, je pense que vous pouvez entendre cela sur certains des vieux disques, vous savez. Parfois, je m'asseyais et je les écoutais moi-même, et cela ressemble à deux voix identiques, si vous ne le faites pas. " Je ne fais pas attention, vous savez, ni le même esprit, ou quelque chose comme ça. Young l'a surnommée "Lady Day", et elle, à son tour, l'a surnommé "Prez". Hammond a parlé de l'impact commercial des équipes Teddy Wilson-Billie Holiday de 1935 à 1938, les qualifiant de grand atout pour Brunswick. Le label, selon Hammond, était en faillite et incapable d'enregistrer de nombreux morceaux de jazz. Parce que Wilson, Holiday, Lester Young et d'autres musiciens entraient en studio sans aucun arrangement, ce qui coûtait de l'argent, et improvisaient le matériel au fur et à mesure, les disques qu'ils produisaient étaient très bon marché. Holiday n'a jamais reçu de redevances pour son travail, mais a plutôt reçu un montant forfaitaire, ce qui a permis à l'entreprise d'économiser de l'argent. Certains des disques produits connaissent un grand succès, comme "I Cried for You" qui se vend à 15 000 exemplaires. Hammond a déclaré à propos du disque: "15 000 ... était un succès géant pour Brunswick à l'époque. Je veux dire un succès géant. La plupart des disques qui rapportaient de l'argent se sont vendus entre trois et quatre mille." 1937-1938 : Travailler pour Count Basie et Artie Shaw À la fin de 1937, Holiday fit un bref passage en tant que chanteur de big band avec Count Basie. Les conditions de voyage du groupe étaient souvent médiocres et comprenaient de nombreuses nuits passées dans des clubs, se déplaçant de ville en ville avec peu de stabilité. Holiday a choisi les chansons qu'elle chantait et a participé aux arrangements, choisissant de la représenter puis développant le personnage d'une femme malchanceuse en amour. Ses morceaux comprenaient "I Must Have That Man", "Travelin' All Alone", "I Can't Get Started" et "Summertime", un succès pour Holiday en 1936, originaire de Porgy and Bess de George Gershwin quelques années plus tôt. . Count Basie s'était habitué à la forte implication de Holiday dans le groupe. Il a déclaré: "Quand elle répétait avec le groupe, c'était vraiment juste une question de faire en sorte que ses morceaux soient comme elle le voulait, parce qu'elle savait comment elle voulait sonner et on ne pouvait pas lui dire quoi faire." Holiday s'est retrouvée en concurrence directe avec la chanteuse populaire Ella Fitzgerald, avec qui Holiday deviendra plus tard amie. Fitzgerald était le chanteur du Chick Webb Band, qui était en concurrence avec Count Basie. Le 16 janvier 1938, le jour même où Benny Goodman donnait son légendaire concert de jazz au Carnegie Hall, les groupes Count Basie et Chick Webb s'affrontaient au Savoy Ballroom. Webb et Fitzgerald ont été déclarés gagnants par le magazine Metronome, tandis que le magazine Down Beat a déclaré Holiday et Basie gagnants. Un sondage d'opinion auprès du public a vu Fitzgerald gagner par une marge de trois contre un. Certains des morceaux interprétés par Holiday avec Basie ont été enregistrés. "I Can't Get Started", "Ils ne peuvent pas m'enlever ça" et "Swing It Brother Swing" sont tous disponibles dans le commerce. Bien que Holiday n'ait pas pu enregistrer en studio avec Count Basie, elle a inclus plusieurs de ses musiciens dans ses dates d'enregistrement avec Teddy Wilson. En février de la même année, Holiday ne chantait plus pour Basie. La raison invoquée pour son licenciement varie d'une personne à l'autre. Jimmy Rushing, le chanteur de Basie, l'a qualifiée de non professionnelle. Selon All Music Guide, Holiday a été officiellement licencié pour être « capricieux et peu fiable ». Holiday se plaignait des bas salaires et des mauvaises conditions de travail et aurait peut-être refusé de chanter les airs qu'on lui demandait ou de changer de style. Holiday a été embauché par Artie Shaw un mois après avoir été renvoyé du Count Basie Band. Cette association la place parmi les premières femmes noires à travailler avec un orchestre blanc, un arrangement inhabituel pour l'époque. De plus, c'était la première fois qu'une chanteuse noire employée à plein temps effectuait une tournée dans le sud des États-Unis, où règne la ségrégation, avec un chef d'orchestre blanc. Dans les situations où il y avait beaucoup de tension raciale, Shaw était connu pour défendre son chanteur. Dans son autobiographie, Holiday décrit un incident au cours duquel elle ne pouvait pas s'asseoir sur le kiosque à musique avec d'autres chanteurs parce qu'elle était noire. Shaw lui a dit: "Je te veux sur le stand du groupe comme Helen Forrest, Tony Pastor et tout le monde." Lors de sa tournée dans le Sud, Holiday était parfois chahuté par les membres du public. À Louisville, Kentucky, un homme l'a traitée de « fille nègre » et lui a demandé de chanter une autre chanson. Holiday s'est mise en colère et a dû être escortée hors de la scène. En mars 1938, Shaw et Holiday étaient diffusés sur la puissante station de radio WABC de New York (l'original WABC, maintenant WCBS). En raison de leur succès, ils ont bénéficié d'un créneau horaire supplémentaire pour diffuser en avril, ce qui a accru leur visibilité. Le New York Amsterdam News a examiné les émissions et a signalé une amélioration de la performance de Holiday. Metronome a rapporté que l'ajout de Holiday au groupe de Shaw le plaçait dans les « tranches supérieures ». Holiday ne pouvait pas chanter aussi souvent pendant les spectacles d'Artie Shaw que ceux de Basie; les chansons étaient plus instrumentales avec moins de voix. Shaw a également subi des pressions pour embaucher une chanteuse blanche, Nita Bradley, avec qui Holiday ne s'entendait pas mais devait partager un kiosque à musique. En mai 1938, Shaw remporta des batailles de groupe contre Tommy Dorsey et Red Norvo, le public étant favorable à Holiday. Bien que Shaw admirait le chant de Holiday dans son groupe, affirmant qu'elle avait une « oreille remarquable » et un « sens du temps remarquable », son temps dans le groupe touchait à sa fin. En novembre 1938, on demanda à Holiday d'utiliser l'ascenseur de service de l'hôtel Lincoln, au lieu de l'ascenseur pour passagers, parce que les clients blancs des hôtels se plaignaient. Cela a peut-être été la goutte d'eau qui a fait déborder le vase pour elle. Elle quitte le groupe peu de temps après. Holiday a parlé de l'incident des semaines plus tard, en disant: "Je n'ai jamais été autorisé à visiter le bar ou la salle à manger comme l'ont fait d'autres membres du groupe... [et] j'ai été obligé de sortir et d'entrer par la cuisine." Il n'existe aucun enregistrement live de Holiday avec le groupe d'Artie Shaw. Parce qu'elle était sous contrat avec un autre label et peut-être à cause de sa race, Holiday n'a pu enregistrer qu'un seul disque avec Shaw, "Any Old Time". Cependant, Artie Shaw joue de la clarinette dans quatre chansons enregistrées à New York le 10 juillet 1936 : « Did I Remember ? », « No Regrets », « Summertime » et « Billie's Blues ». À la fin des années 1930, Billie Holiday avait tourné avec Count Basie et Artie Shaw, enregistré une série de succès à la radio et dans le commerce de détail avec Teddy Wilson et était devenue une artiste établie dans l'industrie du disque. Ses chansons "What a Little Moonlight Can Do" et "Easy Living" étaient imitées par des chanteurs à travers l'Amérique et devenaient rapidement des standards du jazz. En 1938, le single "I'm Gonna Lock My Heart" de Holiday se classait au 6ème rang des chansons les plus jouées en septembre de la même année. Son label Vocalion a classé le single comme son quatrième best-seller pour le même mois, et il a culminé au numéro 2 des charts pop selon Pop Memories de Joel Whitburn : 1890-1954. 1939 : enregistrements Commodore et succès grand public Holiday enregistrait pour Columbia à la fin des années 1930 lorsqu'elle fut présentée à "Strange Fruit", une chanson basée sur un poème sur le lynchage écrit par Abel Meeropol, un professeur juif du Bronx. Meeropol a utilisé le pseudonyme de « Lewis Allan » pour le poème, qui a été mis en musique et interprété lors des réunions du syndicat des enseignants. Il a finalement été entendu par Barney Josephson, propriétaire de Café Society, une discothèque intégrée de Greenwich Village, qui l'a présenté à Holiday. Elle l'a interprété au club en 1939, avec une certaine appréhension, craignant d'éventuelles représailles. Holiday a déclaré plus tard que les images de "Strange Fruit" lui rappelaient la mort de son père et que cela avait joué un rôle dans sa résistance à l'interpréter. Lorsque les producteurs de Holiday à Columbia trouvèrent le sujet trop sensible, Milt Gabler accepta de l'enregistrer pour son label Commodore Records le 20 avril 1939, et "Strange Fruit" resta dans son répertoire pendant vingt ans. Elle l'a réenregistré pour Verve. Bien que la sortie de Commodore n'ait pas été diffusée, la chanson controversée s'est bien vendue, bien que Gabler l'attribue principalement à l'autre face du disque, "Fine and Mellow", qui était un succès de juke-box. "La version que j'ai enregistrée pour Commodore", a déclaré Holiday à propos de "Strange Fruit", "est devenue mon disque le plus vendu. "Strange Fruit" était l'équivalent d'un top vingt dans les années 1930. Pour sa performance de "Strange Fruit" au Café Society, elle a demandé aux serveurs de faire taire la foule au début de la chanson. Pendant la longue introduction de la chanson, les lumières se sont atténuées et tout mouvement a dû cesser. Alors que Holiday commençait à chanter, seul un petit projecteur illuminait son visage. Sur la note finale, toutes les lumières se sont éteintes et quand elles se sont rallumées, Holiday avait disparu. Holiday a déclaré que son père Clarence Holiday s'était vu refuser un traitement médical pour une maladie pulmonaire mortelle en raison de préjugés, et que chanter "Strange Fruit" lui avait rappelé l'incident. "Cela me rappelle comment Pop est mort, mais je dois continuer à la chanter, non seulement parce que les gens le demandent, mais parce que vingt ans après la mort de Pop, les choses qui l'ont tué se produisent toujours dans le Sud", a-t-elle déclaré dans son autobiographie. . La popularité de Holiday a augmenté après "Strange Fruit". Elle a reçu une mention dans le magazine Time. "J'ouvre Café Society en tant qu'inconnu", a déclaré Holiday. "Je suis parti deux ans plus tard en tant que star. J'avais besoin de prestige et de publicité, mais on ne peut pas payer un loyer avec." Holiday a demandé à son manager Joe Glaser de lui accorder une augmentation peu de temps après. Holiday est revenue chez Commodore en 1944, enregistrant des chansons qu'elle a composées avec Teddy Wilson dans les années 1930 comme "I Cover The Waterfront", "I'll Get By" et "He's Funny That Way". Elle a également enregistré de nouvelles chansons populaires à l'époque, notamment "My Old Flame", "How Am I To Know?", "I'm Yours" et "I'll Be Seeing You", un numéro de Bing Crosby. un coup. Elle a également enregistré sa version de "Embraceable You", qui sera plus tard intronisée au Grammy Hall of Fame en 2005. 1940-1947 : succès La mère de Holiday, Sadie Fagan, surnommée « La Duchesse », a ouvert un restaurant appelé Mom Holiday's. Elle a utilisé l'argent de sa fille en jouant aux dés avec les membres du groupe Count Basie, avec qui elle a tourné à la fin des années 1930. "Cela a gardé maman occupée et heureuse et l'a empêchée de s'inquiéter et de veiller sur moi", a déclaré Holiday. Fagan a commencé à emprunter de grosses sommes à Holiday pour soutenir le restaurant. Holiday a été obligée, mais elle a rapidement connu elle-même des moments difficiles. "Un soir, j'avais besoin d'argent et je savais que maman en aurait certainement", a-t-elle déclaré. "Alors je suis entré dans le restaurant comme un actionnaire et j'ai demandé. Maman m'a refusé catégoriquement. Elle ne m'a pas donné un centime." Les deux hommes se sont disputés et Holiday a crié avec colère : « Que Dieu bénisse l'enfant qui a le sien » et est parti en trombe. Avec Arthur Herzog, Jr., pianiste, elle a écrit une chanson basée sur la phrase « God Bless the Child » et a ajouté de la musique. "God Bless the Child" est devenu le disque le plus populaire et le plus repris de Holiday. Il a atteint la 25e place des charts en 1941 et la troisième place des chansons de l'année sur Billboard, vendant plus d'un million de disques. En 1976, la chanson a été ajoutée au Grammy Hall of Fame. Herzog a affirmé que Holiday n'avait contribué que quelques lignes aux paroles. Il a déclaré que Holiday avait inventé la phrase "Que Dieu bénisse l'enfant" à partir d'une conversation que les deux avaient eue lors d'un dîner. Le 24 juin 1942, Holiday enregistre "Trav'lin Light" avec Paul Whiteman pour un nouveau label, Capitol Records. Parce qu'elle était sous contrat avec Columbia, elle a utilisé le pseudonyme de « Lady Day ». La chanson a atteint le numéro 23 des charts pop et le numéro un des charts R&B, alors appelé Harlem Hit Parade. En septembre 1943, Life écrivait : « Elle a le style le plus distinct de tous les chanteurs populaires et est imitée par d'autres chanteurs. » Milt Gabler est devenu responsable A&R pour Decca Records et propriétaire de Commodore Records, et il a signé Holiday sur le label le 7 août 1944, alors qu'elle avait 29 ans. Son premier enregistrement Decca était "Lover Man" (#16 Pop, No. 5 R&B), l'un de ses plus grands succès. Le succès et la distribution de la chanson ont fait de Holiday un incontournable de la communauté pop, conduisant à des concerts en solo, rares pour les chanteurs de jazz à la fin des années 40. Gabler a déclaré: "J'ai fait de Billie une vraie chanteuse pop. C'était exactement en elle. Billie adorait ces chansons." Jimmy Davis et Roger "Ram" Ramirez, les auteurs-compositeurs de "Lover Man", avaient tenté d'intéresser Holiday à la chanson. En 1943, Willie Dukes, un flamboyant chanteur masculin, commença à chanter "Lover Man" sur la 52e rue. En raison de son succès, Holiday l'a ajouté à ses émissions. Le revers du disque était "No More", l'un de ses favoris. Holiday a demandé à Gabler des cordes sur l'enregistrement. De tels arrangements étaient associés à Frank Sinatra et Ella Fitzgerald. "Je me suis mis à genoux devant lui", a déclaré Holiday. "Je ne voulais pas le faire avec les six pièces ordinaires. J'ai supplié Milt et lui ai dit que je devais avoir des ficelles derrière moi." Le 4 octobre 1944, Holiday entra en studio pour enregistrer "Lover Man", vit l'ensemble à cordes et sortit. Le directeur musical, Toots Camarata, a déclaré que Billie était submergée de joie. Elle voulait peut-être aussi des cordes pour éviter les comparaisons entre ses premiers travaux commercialement réussis avec Teddy Wilson et tout ce qui a été produit par la suite. Ses enregistrements des années 1930 avec Wilson utilisaient un petit combo de jazz ; les enregistrements avec Decca impliquaient souvent des cordes. Un mois plus tard, en novembre, Holiday retourna à Decca pour enregistrer "That Ole Devil Called Love", "Big Stuff" et "Don't Explain". Elle a écrit "Don't Explain" après avoir surpris son mari, Jimmy Monroe, avec du rouge à lèvres sur le col. Holiday ne fit plus de disques jusqu'en août 1945, lorsqu'elle enregistra "Don't Explain" pour la deuxième fois, changeant les paroles "Je sais que tu élèves Caïn" en "Dites simplement que vous resterez" et "Vous avez mixé avec une dame" à "Qu'y a-t-il à gagner?" Les autres chansons enregistrées étaient "Big Stuff", "What Is This Thing Called Love?" et "You Better Go Now". Ella Fitzgerald a nommé "You Better Go Now" comme son enregistrement préféré des Fêtes. "Big Stuff" et "Don't Explain" ont été réenregistrés mais avec des cordes supplémentaires et un alto. En 1946, Holiday enregistra "Good Morning Heartache". Bien que la chanson n'ait pas réussi à figurer dans les charts, elle est restée dans ses concerts, avec trois enregistrements live connus. En septembre 1946, Holiday commença son seul grand film, La Nouvelle-Orléans. Elle a joué aux côtés de Louis Armstrong et Woody Herman. En proie au racisme et au maccarthysme, le producteur Jules Levey et le scénariste Herbert Biberman ont été poussés à réduire le rôle de Holiday et d'Armstrong pour éviter l'impression que les Noirs ont créé le jazz. Les tentatives ont échoué car en 1947, Biberman a été répertorié comme l'un des dix Hollywood et envoyé en prison. Plusieurs scènes ont été supprimées du film. "Ils avaient filmé des kilomètres de séquences de musique et de scènes", a déclaré Holiday, "[et] rien de tout cela n'a été laissé sur la photo. Et très peu de moi. Je sais que je portais une robe blanche pour un numéro que j'ai fait... . et cela a été supprimé de l’image. Elle a enregistré le morceau "The Blues Are Brewin'", pour la bande originale du film. Les autres chansons incluses dans le film sont "Do You Know What It Means to Miss New Orleans?" et "Adieu à Storyville". La toxicomanie de Holiday était un problème sur le plateau. Elle gagnait plus de mille dollars par semaine grâce à ses activités en club, mais dépensait la majeure partie en héroïne. Son amant Joe Guy s'est rendu à Hollywood pendant le tournage de Holiday et lui a fourni de la drogue. Lorsqu'il fut découvert par Joe Glaser, le manager de Holiday, Guy fut banni du plateau. À la fin des années 1940, Holiday avait commencé à enregistrer un certain nombre de ballades lentes et sentimentales. Metronome a exprimé ses inquiétudes en 1946 à propos de "Good Morning Heartache", affirmant "qu'il y a un danger que la formule actuelle de Billie s'use, mais jusqu'à présent, elle se porte bien". Le New York Herald Tribune a rapporté à propos d'un concert en 1946 que sa performance présentait peu de variations dans la mélodie et aucun changement dans le tempo. 1947-1952 : problèmes juridiques et concert au Carnegie Hall En 1947, Holiday était à son apogée commerciale, ayant gagné 250 000 $ au cours des trois années précédentes. Holiday est arrivée deuxième dans le sondage Down Beat pour 1946 et 1947, son classement le plus élevé dans ce sondage. Elle est arrivée cinquième le 6 juillet 1947 dans le sondage universitaire annuel Billboard sur les « chanteuses ». Jo Stafford est arrivée en premier. En 1946, Holiday remporta le sondage de popularité du Metronome Magazine. Le 16 mai 1947, elle est arrêtée pour possession de stupéfiants dans son appartement new-yorkais. Le 27 mai 1947, elle se présente au tribunal. "Cela s'appelait 'Les États-Unis d'Amérique contre Billie Holiday'. Et c'est exactement ce que nous avons ressenti", se souvient-elle. Au cours du procès, Holiday a appris que son avocat ne viendrait pas au procès pour la représenter. "En clair, cela signifiait que personne au monde n'était intéressé à veiller sur moi", a-t-elle déclaré. Déshydratée et incapable de retenir sa nourriture, elle a plaidé coupable et a demandé à être envoyée à l'hôpital. Le procureur de district a pris sa défense en disant : « Si votre honneur s'il vous plaît, il s'agit d'un cas de toxicomane, mais plus grave, cependant, que la plupart de nos cas, Miss Holiday est une artiste du spectacle professionnelle et parmi les plus élevées jusqu'à présent. en ce qui concerne le revenu. À la fin du procès, Holiday a été condamné au camp de prisonniers fédéral d'Alderson en Virginie occidentale. Holiday a été libéré tôt (le 16 mars 1948) en raison de son bon comportement. Lorsqu'elle est arrivée à Newark, son pianiste Bobby Tucker et son chien Mister l'attendaient. Le chien a bondi sur Holiday, lui a fait tomber son chapeau et l'a plaquée au sol. "Il a commencé à me laper et à m'aimer comme un fou", a-t-elle déclaré. Une femme pensait que le chien attaquait Holiday. Elle a crié, une foule s'est rassemblée et des journalistes sont arrivés. "J'aurais tout aussi bien pu me rendre à Penn Station et avoir une petite réunion tranquille avec Associated Press, United Press et International News Service", a-t-elle déclaré. Ed Fishman (qui s'est battu avec Joe Glaser pour devenir le manager de Holiday) a pensé à un concert de retour au Carnegie Hall. Holiday a hésité, incertaine que le public l'accepterait après son arrestation. Elle a cédé et a accepté de comparaître. Le 27 mars 1948, Holiday joua au Carnegie Hall devant une salle comble. Il y a eu 2 700 billets vendus à l'avance, un record à l'époque pour le lieu. Sa popularité était inhabituelle car elle n'avait pas de record de succès actuel. Son dernier succès fut "Lover Man" en 1945, son dernier dans les charts. Holiday a chanté 32 chansons au concert de Carnegie, dont "Night and Day" de Cole Porter et son tube des années 30, "Strange Fruit". Pendant le spectacle, quelqu'un a envoyé à Holiday une boîte de gardénias. "Mon ancienne marque de fabrique", a déclaré Holiday. "Je les ai sortis de la boîte et je les ai attachés sur le côté de ma tête sans même y regarder à deux fois." Il y avait une épingle à chapeau dans les gardénias et Holiday, sans le savoir, l'a enfoncée dans le côté de sa tête. "Je n'ai rien ressenti jusqu'à ce que le sang commence à couler dans mes yeux et mes oreilles", a-t-elle déclaré. Après le troisième rappel, elle s'est évanouie. Le 27 avril 1948, Bob Sylvester et son promoteur Al Wilde lui organisèrent un spectacle à Broadway. Intitulé Holiday on Broadway, il était épuisé. "Les critiques musicaux et dramatiques habituels sont venus nous traiter comme si nous étions légitimes", a-t-elle déclaré. Mais il a fermé au bout de trois semaines. Holiday fut de nouveau arrêtée le 22 janvier 1949 dans sa chambre de l'hôtel Mark Twain de San Francisco. Holiday a déclaré qu'elle avait commencé à consommer des drogues dures au début des années 1940. Elle épousa le tromboniste Jimmy Monroe le 25 août 1941. Alors qu'elle était encore mariée, elle s'impliqua avec le trompettiste Joe Guy, qui était son trafiquant de drogue. Elle a divorcé de Monroe en 1947 et s'est également séparée de Guy. En octobre 1949, Holiday enregistra "Crazy He Calls Me", qui fut intronisé au Grammy Hall of Fame en 2010. Gabler a déclaré que le hit était son enregistrement le plus réussi pour Decca après "Lover Man". Les charts des années 1940 ne répertoriaient pas les chansons en dehors du top 30, ce qui rendait impossible la reconnaissance des succès mineurs. À la fin des années 1940, malgré sa popularité et sa puissance de concert, ses singles étaient peu diffusés à la radio, peut-être à cause de sa réputation. La New York City Cabaret Card de Holiday a été révoquée en raison de sa condamnation en 1947, l'empêchant de travailler dans un endroit vendant de l'alcool pendant les 12 années restantes de sa vie. Le système Cabaret a débuté en 1940 et visait à empêcher les personnes de « mauvaise moralité » de travailler dans des locaux agréés. Un artiste devait renouveler sa licence tous les deux ans. Cela a duré jusqu'en 1967. Les clubs vendant de l'alcool à New York étaient parmi les mieux rémunérés du pays. Les propriétaires de clubs savaient que les artistes inscrits sur la liste noire avaient un travail limité et pouvaient offrir un salaire inférieur. Cela a réduit les revenus de Holiday. Elle n'avait pas reçu de redevances d'enregistrement appropriées jusqu'à ce qu'elle rejoigne Decca, son principal revenu était donc les concerts en club. Le problème s'est aggravé lorsque les disques de Holiday ont été épuisés dans les années 1950. Elle a rarement reçu des redevances au cours de ses dernières années. En 1958, elle reçut une redevance de seulement 11 $. Son avocat à la fin des années 1950, Earle Warren Zaidins, ne s'est pas inscrit auprès de BMI sur toutes les chansons qu'elle avait écrites ou co-écrites, sauf deux, ce qui lui a coûté des revenus. En 1948, Holiday joua au Ebony Club, ce qui, parce qu'elle avait perdu sa carte de cabaret, était contraire à la loi. Son manager, John Levy, était convaincu qu'il pouvait récupérer sa carte et lui a permis d'ouvrir sans en avoir une. "J'ai commencé effrayé", a déclaré Holiday, "[Je m'attendais] à ce que les flics arrivent en chœur et m'emmènent. Mais rien ne s'est produit. J'ai été un énorme succès." Holiday a enregistré "I Loves You, Porgy" de Gershwin en 1948. En 1950, Holiday est apparu dans le court métrage universel Sugar Chile Robinson, Billie Holiday, Count Basie and His Sextet, chantant "God Bless the Child" et "Now, Baby or Never". 1952-1959 : La Dame chante le blues Dans les années 1950, la toxicomanie, la consommation d'alcool et les relations avec des hommes violents de Holiday ont entraîné une détérioration de sa santé. Elle est apparue dans la série télé-réalité ABC The Comeback Story pour discuter des tentatives visant à surmonter ses malheurs. Ses enregistrements ultérieurs ont montré les effets du déclin de sa santé sur sa voix, à mesure qu'elle devenait grossière et ne projetait plus son dynamisme d'antan. Holiday fit sa première tournée en Europe en 1954 dans le cadre d'un forfait Leonard Feather. L'imprésario suédois Nils Hellström est à l'origine du "Jazz Club U.S.A." (après l'émission de radio Leonard Feather) tournée commençant à Stockholm en janvier 1954 puis en Allemagne, aux Pays-Bas, à Paris et en Suisse. Le groupe de tournée était composé de Holiday, Buddy DeFranco, Red Norvo, Carl Drinkard, Elaine Leighton, Sonny Clark, Berryl Booker, Jimmy Raney et Red Mitchell. Un enregistrement d'un live en Allemagne est sorti sous le nom de Lady Love – Billie Holiday. Les derniers enregistrements de Holiday sur Verve constituent environ un tiers de sa production commerciale et sont aussi populaires que ses précédents disques pour Columbia, Commodore et Decca. Au fil des années, sa voix est devenue plus fragile, mais elle n'a jamais perdu le tranchant qui l'avait toujours rendue si distinctive. L'autobiographie de Holiday, Lady Sings the Blues, a été écrite par William Dufty et publiée en 1956. Dufty, écrivain et éditeur du New York Post, alors marié à l'amie proche de Holiday, Maely Dufty, a rapidement écrit le livre à partir d'une série de conversations avec le chanteur dans le L'appartement de Dufty dans la 93ème rue. Il s'est également inspiré du travail des intervieweurs précédents et avait l'intention de laisser Holiday raconter son histoire à sa manière. Dans son étude de 2015, Billie Holiday : The Musician and the Myth, John Szwed affirme que Lady Sings the Blues est un récit généralement précis de sa vie, et

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Quelle femme célèbre de l’histoire possédait un cottage à Shottery dans le Warwickshire ?

Anne Hathaway

Shottery, autrefois un petit village situé à un mile à l'ouest du centre-ville de Stratford-upon-Avon, est considéré comme faisant partie de la ville tout en conservant le sentiment d'un village distinct. Histoire et commodités Le village possède une salle des fêtes, une école secondaire, Shottery Girls Grammar, et une petite école primaire, Shottery St Andrew's CofE Primary School, ouverte depuis le milieu du 19e siècle. L'école a été menacée de fermeture à plusieurs reprises en raison de réductions des dépenses locales, mais les habitants ont toujours réussi à réunir les fonds nécessaires pour maintenir l'école ouverte. Il y a un pub (The Bell Inn) et le restaurant de cuisine italienne Santa Lucia, en face du pub, désormais fermé. Ce dernier bâtiment a longtemps servi de restaurant et, à l'époque victorienne, était une soupe populaire du mouvement de tempérance. Il y avait un magasin et un bureau de poste du village de Shottery, mais il a fermé ses portes dans les années 1990 et est maintenant une maison privée. Le parc local, Shottery Fields, contient deux terrains de football et une aire de jeux pour enfants. Les champs conservent des ondulations distinctives de type « fossé et sillon », marquant les systèmes de champs médiévaux, et celles-ci peuvent être vues lorsque le soleil est bas sur les champs. Les Champs contiennent également un sentier menant au centre-ville. Le village possède un club de rugby, [http://www.shotteryrfc.com Shottery RFC], qui est maintenant basé sur le terrain de rugby de Stratford, Pearcecroft, sur Loxley Road, au sud de Stratford. Le club a été fondé par le révérend David Capron, vicaire de l'église St Andrew en 1984. Le club jouit d'une excellente réputation sur et en dehors du terrain de jeu. Shottery était la maison d'enfance d'Anne Hathaway, l'épouse de William Shakespeare, et c'est là que se trouve le bâtiment connu sous le nom de Anne Hathaway's Cottage, qui est une destination touristique très populaire. L'authenticité du bâtiment en tant que maison d'Anne Hathaway n'est cependant pas reconnue par les érudits de Shakespeare.

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Quelle mer se trouve entre l’Italie et l’ex-Yougoslavie ?

adriatique

Le Royaume d'Italie () était un État fondé en 1861 lorsque le roi Victor-Emmanuel II de Sardaigne fut proclamé roi d'Italie. L'État a été fondé à la suite de l'unification de l'Italie sous l'influence du Royaume de Sardaigne, qui peut être considéré comme son État prédécesseur légal. En 1943, l'Italie a connu un changement de régime, au cours duquel l'ensemble des dirigeants fascistes ont été destitués et l'ancien dictateur Benito Mussolini a été emprisonné, et le système de gouvernement fasciste a été éradiqué aux niveaux local et national. Dans les régions du nord, sous le contrôle des Allemands, le système fasciste fut maintenu sous le nom de République sociale italienne. C’était un régime fantoche dirigé par Mussolini (qui avait été sauvé par les Allemands), qui fut détruit en 1945. En 1946, l’Italie vota pour l’abolition de la monarchie et élira son chef d’État, faisant d’elle une république. L'Italie déclara la guerre à l'Autriche en alliance avec la Prusse en 1866 et reçut la région de la Vénétie après sa victoire. Les troupes italiennes sont entrées à Rome en 1870, mettant fin à plus de mille ans de pouvoir temporel papal. L'Italie a conclu une triple alliance avec l'Allemagne et l'Autriche-Hongrie en 1882, à la suite de profonds désaccords avec la France sur les expansions coloniales respectives. Cependant, même si les relations avec Berlin deviennent très amicales, l'alliance avec Vienne reste purement formelle, les Italiens souhaitant acquérir le Trentin et Trieste, parties de l'empire austro-hongrois peuplées d'Italiens. Ainsi, en 1915, l'Italie accepta l'invitation britannique à rejoindre les Alliés dans la Première Guerre mondiale parce que les alliés occidentaux promettaient une compensation territoriale (aux dépens de l'Autriche-Hongrie) pour une participation plus généreuse que l'offre de Vienne en échange de la neutralité italienne. La victoire dans la guerre a donné à l'Italie un siège permanent au Conseil de la Société des Nations. L'« Italie fasciste » est l'époque du parti national-fasciste de 1922 à 1943, avec Benito Mussolini comme chef du gouvernement. Les fascistes ont imposé un régime totalitaire et écrasé l’opposition politique et intellectuelle, tout en promouvant la modernisation économique, les valeurs sociales traditionnelles et un rapprochement avec l’Église catholique. Selon Payne (1996), « [le] régime fasciste est passé par plusieurs phases relativement distinctes ». La première phase (1923-1925) était théoriquement une continuation du système parlementaire, bien qu'avec une « dictature exécutive légalement organisée ». Vint ensuite la deuxième phase, « la construction de la dictature fasciste proprement dite de 1925 à 1929 ». La troisième phase, avec moins d’activisme, s’étend sur 1929-1934. La quatrième phase, 1935-1940, fut caractérisée par une politique étrangère agressive ; la guerre en Éthiopie, lancée depuis le Somaliland italien et l'Érythrée ; confrontations avec les sanctions de la Société des Nations ; une autarcie économique croissante ; et la semi-nazification. La guerre elle-même (1940-1943) était la cinquième phase avec ses désastres et ses défaites, tandis que le régime croupion de Salo sous contrôle allemand était la dernière étape (1943-1945). L'Italie était alliée à l'Allemagne nazie pendant la Seconde Guerre mondiale jusqu'en 1943. Elle a changé de camp pour les Alliés après avoir évincé Mussolini et fermé le parti fasciste dans les zones (au sud de Rome) contrôlées par les envahisseurs alliés. Le reste de l’État fasciste du nord de l’Italie qui a continué à lutter contre les Alliés était un État fantoche de l’Allemagne nazie, la « République sociale italienne », toujours dirigée par Mussolini et ses fascistes loyalistes. Peu après la guerre, le mécontentement civil a conduit au référendum constitutionnel de 1946 sur la question de savoir si l'Italie resterait une monarchie ou deviendrait une république. Les Italiens ont décidé d'abandonner la monarchie et de former la République italienne, qui est la forme actuelle de l'Italie. Territoire Le Royaume d'Italie revendiquait tout le territoire qui constitue l'Italie d'aujourd'hui. Le développement du territoire du Royaume s'est poursuivi sous la réunification italienne jusqu'en 1870. Pendant longtemps, l'État n'a pas inclus Trieste ni le Trentin-Haut-Adige/Südtirol, qui se trouvent aujourd'hui en Italie, et ne les a annexés qu'en 1919. L'Entente a promis d'accorder à l'Italie - si l'État rejoignait les puissances alliées pendant la Première Guerre mondiale - plusieurs territoires, dont l'ancien littoral autrichien, les parties occidentales de l'ancien duché de Carniole, la Dalmatie du Nord et notamment Zara (Zadar), Sebenico (Šibenik), et la plupart des îles dalmates (à l'exception de Krk et Rab), conformément au Pacte secret de Londres de 1915. Après que le compromis ait été annulé sous la pression du président Woodrow Wilson avec le Traité de Versailles qui annulait les revendications italiennes sur la Dalmatie du Nord, pendant la Seconde Guerre mondiale, le Royaume a gagné plus de territoire en Slovénie et plus de territoire en Dalmatie. Après la Seconde Guerre mondiale, les frontières de l’Italie actuelle sont établies et le Royaume abandonne ses revendications territoriales. Le Royaume d'Italie détenait des colonies et des protectorats, des occupations militaires et des États fantoches, tels que l'Érythrée italienne d'aujourd'hui, le Somaliland italien, la Libye, l'Éthiopie (occupée par l'Italie de 1936 à 1941), l'Albanie, le Somaliland britannique, la Grèce (occupée pendant la Seconde Guerre mondiale). ), la Croatie (État fantoche italien et allemand pendant la Seconde Guerre mondiale), le Kosovo (occupé pendant la Seconde Guerre mondiale) et le gouvernorat italien du Monténégro (occupé pendant la Seconde Guerre mondiale), ainsi qu'une petite section de 46 hectares de terre chinoise à Tianjin. (voir concession italienne à Tianjin). Gouvernement Le Royaume d'Italie était théoriquement une monarchie constitutionnelle. Le pouvoir exécutif appartenait au monarque, exercé par l'intermédiaire de ministres nommés. Deux chambres du Parlement limitaient le pouvoir du monarque : un Sénat nommé et une Chambre des députés élective. La constitution du royaume était le Statuto Albertino, l'ancien document constitutif du Royaume de Sardaigne. En théorie, les ministres étaient seuls responsables devant le roi. Cependant, dans la pratique, il était impossible pour un gouvernement italien de rester au pouvoir sans le soutien du Parlement. Les membres de la Chambre des députés ont été élus au scrutin majoritaire dans les circonscriptions uninominales. Un candidat avait besoin du soutien de 50 % des votants et de 25 % de tous les électeurs inscrits pour être élu au premier tour de scrutin. Si tous les sièges n'étaient pas pourvus au premier tour, un second tour a eu lieu peu de temps après pour les sièges restants. Après une brève expérimentation multinominale en 1882, la représentation proportionnelle dans de grandes circonscriptions électorales régionales à sièges multiples fut introduite après la Première Guerre mondiale. Les socialistes devinrent le parti majoritaire, mais ils furent incapables de former un gouvernement dans un parlement divisé en trois factions différentes. , avec des populistes chrétiens et des libéraux classiques. Des élections ont eu lieu en 1919, 1921 et 1924 : à cette dernière occasion, Mussolini a aboli le RP en le remplaçant par un système de vote en bloc sur des bases nationales, qui a donné au Parti fasciste la majorité absolue des sièges à la Chambre. Entre 1925 et 1943, l'Italie était une dictature fasciste quasi de jure, car la constitution restait formellement en vigueur sans modification par les fascistes, bien que la monarchie ait également formellement accepté les politiques et les institutions fascistes. Des changements politiques se sont produits, notamment la création du Grand Conseil du fascisme en tant qu'organisme gouvernemental en 1928, qui a pris le contrôle du système gouvernemental, et le remplacement de la Chambre des députés par la Chambre des fascistes et des sociétés à partir de 1939. Monarques Les monarques de la Maison de Savoie qui dirigèrent l'Italie étaient * Victor Emmanuel II (1861-1878) – Ancien roi de Sardaigne et premier roi de l'Italie unie. * Umberto I (1878-1900) – Approuva la Triple Alliance avec l'Allemagne et l'Autriche-Hongrie. Assassiné en 1900 par un anarchiste. * Victor Emmanuel III (1900-1946) – Roi d'Italie pendant la Première Guerre mondiale et sous le régime fasciste de Benito Mussolini. * Umberto II (1946) – Le dernier roi d'Italie qui a subi des pressions pour organiser un référendum sur le maintien de la monarchie en Italie ; Les Italiens ont voté pour devenir une république plutôt qu’une monarchie constitutionnelle. Histoire Processus d'unification (1848-1870) La création du Royaume d'Italie est le résultat des efforts concertés des nationalistes et monarchistes italiens fidèles à la Maison de Savoie pour établir un royaume-Uni englobant toute la péninsule italienne. Après les révolutions de 1848, le leader apparent du mouvement d’unification italien était le révolutionnaire italien Giuseppe Garibaldi, réputé pour ses partisans extrêmement loyaux. Garibaldi a dirigé la campagne républicaine italienne pour l'unification du sud de l'Italie, mais la monarchie du nord de l'Italie, la Maison de Savoie dans le Royaume de Sardaigne, un État piémontais de facto, dont le gouvernement était dirigé par Camillo Benso, comte de Cavour, avait également des ambitions de établir un État italien uni. Bien que le royaume n'ait aucun lien physique avec Rome (considérée par tous comme la capitale naturelle de l'Italie, mais toujours la capitale des États pontificaux), le royaume avait réussi à défier l'Autriche lors de la Seconde Guerre d'indépendance italienne, libérant la Lombardie-Vénétie de la domination autrichienne. . Le royaume avait également noué d'importantes alliances qui l'ont aidé à améliorer les possibilités d'unification italienne, comme la Grande-Bretagne et le Second Empire français lors de la guerre de Crimée. La Sardaigne dépendait de la volonté de la France de la protéger et en 1860, la Sardaigne fut contrainte de céder du territoire à la France pour maintenir des relations, y compris Nice, la ville natale de Garibaldi. Cavour a décidé de défier les efforts d'unification républicaine de Garibaldi en organisant des révoltes populaires dans les États pontificaux. Il a utilisé ces révoltes comme prétexte pour envahir le pays, même si l'invasion a provoqué la colère des catholiques, à qui il a dit que l'invasion était un effort pour protéger l'Église catholique romaine des républicains nationalistes laïcs anticléricaux de Garibaldi. Seule une petite partie des États pontificaux autour de Rome restait sous le contrôle du pape Pie IX. Malgré leurs divergences, Cavour accepta d'inclure l'Italie du Sud de Garibaldi, lui permettant ainsi de rejoindre l'union avec le Piémont-Sardaigne en 1860. Par la suite, le Parlement déclara la création du Royaume d'Italie le 18 février 1861 (le proclamant officiellement le 17 mars 1861). composé à la fois du nord de l'Italie et du sud de l'Italie. Le roi Victor-Emmanuel II du Piémont-Sardaigne de la Maison de Savoie fut alors déclaré roi d'Italie, bien qu'il ne se renumérote pas avec l'accession au nouveau titre. Ce titre était hors d'usage depuis l'abdication de Napoléon Ier de France le 6 avril 1814. Suite à l'unification de la majeure partie de l'Italie, des tensions ont éclaté entre les monarchistes et les républicains. En avril 1861, Garibaldi entra au parlement italien et défia la direction du gouvernement de Cavour, l'accusant de diviser l'Italie et évoqua la menace de guerre civile entre le royaume au nord et les forces de Garibaldi au sud. Le 6 juin 1861, l'homme fort du Royaume, Cavour, décède. Au cours de l’instabilité politique qui a suivi, Garibaldi et les républicains ont adopté un ton de plus en plus révolutionnaire. L'arrestation de Garibaldi en 1862 a déclenché une controverse mondiale. En 1866, Otto von Bismarck, ministre-président de Prusse, proposa à Victor-Emmanuel II une alliance avec le royaume de Prusse dans la guerre austro-prussienne. En échange, la Prusse permettrait à l’Italie d’annexer Venise sous contrôle autrichien. Le roi Emmanuel accepta l'alliance et la troisième guerre d'indépendance italienne commença. L'Italie s'en sort mal dans la guerre avec une armée mal organisée contre l'Autriche, mais la victoire de la Prusse permet à l'Italie d'annexer Venise. Le seul obstacle majeur à l’unité italienne restait Rome. En 1870, la Prusse entre en guerre contre la France, déclenchant la guerre franco-prussienne. Pour tenir à distance la grande armée prussienne, la France abandonna ses positions à Rome – qui protégeaient les restes des États pontificaux et de Pie IX – afin de combattre les Prussiens. L'Italie a bénéficié de la victoire de la Prusse contre la France en pouvant reprendre les États pontificaux à l'autorité française. Rome a été capturée par le royaume d'Italie après plusieurs batailles et une guérilla menée par les zouaves papaux et les troupes officielles du Saint-Siège contre les envahisseurs italiens. L'unification italienne fut achevée et peu de temps après, la capitale italienne fut transférée à Rome. Les conditions économiques dans l’Italie unie étaient mauvaises. Il n'y avait ni industrie ni moyens de transport, une pauvreté extrême (surtout dans le Mezzogiorno), un taux d'analphabétisme élevé et seul un petit pourcentage des Italiens riches avait le droit de vote. Le mouvement d’unification était largement tributaire du soutien des puissances étrangères et le resta par la suite. Après la prise de Rome en 1870 par les forces françaises de Napoléon III, les troupes papales et les zouaves, les relations entre l'Italie et le Vatican restèrent tendues pendant les soixante années suivantes, les papes se déclarant prisonniers au Vatican. L'Église catholique a fréquemment protesté contre les actions des gouvernements italiens laïcs et anticléricaux, a refusé de rencontrer les envoyés du roi et a exhorté les catholiques à ne pas voter aux élections italiennes. Il faudra attendre 1929 pour que des relations positives soient rétablies entre le Royaume d'Italie et le Vatican après la signature des Pactes du Latran. Culture et société La société italienne après l'unification et pendant la majeure partie de la période libérale était fortement divisée selon des critères de classe, linguistiques, régionaux et sociaux. église catholique Le 20 septembre 1870, les forces militaires du roi d'Italie renversèrent le peu qui restait des États pontificaux, s'emparant notamment de la ville de Rome. L'année suivante, la capitale fut transférée de Florence à Rome. Pendant les 59 années qui ont suivi, après 1870, l'Église a nié la légitimité du règne du roi italien sur Rome, qui, selon elle, appartenait de plein droit aux États pontificaux. En 1929, le différend fut réglé par le Traité du Latran, dans lequel le roi reconnut la Cité du Vatican comme État indépendant et paya une importante somme d'argent pour compenser l'Église de la perte des États pontificaux. Les gouvernements libéraux ont généralement suivi une politique visant à limiter le rôle de l'Église catholique et de son clergé ; l'État a confisqué les terres de l'Église. Des politiques similaires ont été soutenues par des mouvements anticléricaux et laïcs tels que le républicanisme, le socialisme, l'anarchisme, la franc-maçonnerie, le lazzarettisme et le protestantisme. Culture Les traits culturels communs en Italie à cette époque étaient de nature socialement conservatrice, notamment une forte croyance dans la famille en tant qu'institution et dans les valeurs patriarcales. Dans d’autres domaines, la culture italienne était divisée. Les aristocrates et les familles de la classe moyenne supérieure en Italie à cette époque étaient de nature très traditionnelle ; ils mettaient avant tout l'accent sur l'honneur, les défis d'honneur se terminant par des duels. Après l'unification, un certain nombre de descendants de l'ancienne noblesse royale sont devenus résidents de l'Italie, comprenant 7 400 familles nobles. De nombreux propriétaires terriens riches maintenaient un contrôle strict de type féodal sur « leurs » paysans. La société italienne de cette période restait très divisée entre des sous-sociétés régionales et locales qui entretenaient souvent des rivalités historiques entre elles. En 1860, l’Italie n’avait pas de langue nationale unique ; Le toscan (qui serait alors connu sous le nom d'italien) n'était utilisé qu'à Florence tandis qu'à l'extérieur, les langues régionales étaient dominantes. Même le premier roi du royaume, Victor Emmanuel II, était connu pour parler presque entièrement en piémontais et en français, même à ses ministres. L'analphabétisme était élevé, le recensement de 1871 indiquant que 61,9 pour cent des hommes italiens étaient analphabètes et 75,7 pour cent des femmes étaient analphabètes. Ce taux d'analphabétisme était bien plus élevé que celui des pays d'Europe occidentale à la même période. Aucune presse populaire nationale n'était possible en raison de la multiplicité des dialectes régionaux. L'Italie comptait très peu d'écoles publiques lors de l'unification. Le gouvernement italien de la période libérale a tenté d'accroître l'alphabétisation en créant des écoles financées par l'État pour enseigner la langue officielle italienne. Le niveau de vie était faible pendant la période libérale, en particulier dans le sud de l'Italie, en raison de diverses maladies telles que le paludisme et d'épidémies survenues pendant cette période. Dans l'ensemble, le taux de mortalité était initialement élevé en 1871, soit 30 décès pour 1 000 personnes, bien que ce chiffre soit réduit à 24,2 pour 1 000 dans les années 1890. En outre, le taux de mortalité des enfants mourant au cours de leur première année après leur naissance en 1871 était de 22,7 pour cent, tandis que le nombre d'enfants mourant avant d'atteindre leur cinquième anniversaire était très élevé, soit 50 pour cent. Le taux de mortalité des enfants mourant au cours de leur première année après la naissance a diminué pour atteindre une moyenne de 17,6 pour cent entre 1891 et 1900. Économie Sur l’ensemble de la période, Federico a soutenu que l’Italie n’était pas économiquement arriérée, car elle a connu un développement substantiel à plusieurs reprises entre 1860 et 1940. Contrairement à la plupart des nations modernes qui s’appuyaient sur de grandes entreprises, la croissance industrielle en Italie était le produit de l’entrepreneuriat. efforts de petites entreprises familiales qui ont réussi dans un environnement compétitif local. L'unification politique n'a pas automatiquement entraîné l'intégration économique, car l'Italie était confrontée à de graves problèmes économiques et à une division économique selon des critères politiques, sociaux et régionaux. Durant la période libérale, l'Italie restait économiquement très dépendante du commerce extérieur et des prix internationaux du charbon et des céréales. Lors de son unification, l'Italie avait une société à prédominance agraire puisque 60 pour cent de la population active travaillait dans l'agriculture. Les progrès technologiques, la vente de vastes domaines de l'Église, la concurrence étrangère ainsi que les opportunités d'exportation ont rapidement transformé le secteur agricole italien peu après l'unification. Cependant, ces développements n'ont pas profité à toute l'Italie au cours de cette période, car l'agriculture du sud de l'Italie a souffert d'étés chauds et de l'aridité qui a endommagé les cultures, tandis que la présence du paludisme a empêché la culture des zones de basse altitude le long de la côte adriatique italienne. L’attention massive portée à la politique étrangère a aliéné la communauté agricole italienne, en déclin depuis 1873. Les forces radicales et conservatrices du Parlement italien ont exigé que le gouvernement étudie les moyens d’améliorer l’agriculture en Italie. L'enquête, commencée en 1877 et publiée huit ans plus tard, montra que l'agriculture ne s'améliorait pas, que les propriétaires fonciers tiraient des revenus de leurs terres et ne contribuaient presque pas au développement de la terre. Les Italiens des classes inférieures ont été touchés par le morcellement des terres communales au profit des propriétaires. La plupart des ouvriers travaillant sur les terres agricoles n'étaient pas des paysans mais des ouvriers à court terme (« braccianti ») qui étaient employés au mieux pour un an. Les paysans sans revenus stables étaient contraints de vivre de maigres réserves alimentaires, la maladie se propageait rapidement, des épidémies étaient signalées, notamment une importante épidémie de choléra qui tuait au moins 55 000 personnes. Le gouvernement italien n’a pas pu gérer efficacement la situation en raison de dépenses excessives qui ont laissé l’Italie lourdement endettée. L'Italie a également souffert économiquement en raison de la surproduction de raisins dans ses vignobles. Dans les années 1870 et 1880, l'industrie viticole française souffrait de maladies de la vigne causées par les insectes. L'Italie a prospéré et est devenue le plus grand exportateur de vin d'Europe. Mais après la reprise de la France en 1888, le sud de l'Italie était en surproduction et dut réduire ses dépenses, ce qui provoqua une augmentation du chômage et des faillites. Le gouvernement italien a investi massivement dans le développement des chemins de fer dans les années 1870, doublant plus que la longueur de la ligne ferroviaire existante entre 1870 et 1890. Il Mezzogiorno (Italie du Sud) La population italienne reste gravement divisée entre élites riches et travailleurs pauvres, en particulier dans le sud. Un recensement de 1881 a révélé que plus d'un million de journaliers du Sud étaient chroniquement sous-employés et étaient très susceptibles de devenir des émigrants saisonniers afin de subvenir à leurs besoins économiques. Les paysans du Sud ainsi que les petits propriétaires terriens et locataires étaient souvent dans un état de conflit et de révolte tout au long du XIXe siècle. Il y avait des exceptions à la situation économique généralement mauvaise des travailleurs agricoles du sud, comme dans certaines régions proches de villes comme Naples et Palerme ainsi que le long de la côte tyrrhénienne. À partir des années 1870, des intellectuels, des universitaires et des hommes politiques ont examiné les conditions économiques et sociales du sud de l'Italie (« Il Mezzogiorno »), un mouvement appelé « Méridionalisme ». Par exemple, la Commission d’enquête sur le Sud de 1910 a indiqué que le gouvernement italien n’avait jusqu’à présent pas réussi à atténuer les graves différences économiques et que la limitation du droit de vote uniquement à ceux qui possédaient suffisamment de biens permettait aux riches propriétaires fonciers d’exploiter les pauvres. Ère politique libérale (1870-1914) Après l'unification, la politique italienne a favorisé le libéralisme : la droite libérale-conservatrice (Destra storica ou droite historique) était fragmentée au niveau régional, et le Premier ministre libéral-conservateur Marco Minghetti n'a conservé le pouvoir qu'en adoptant des politiques révolutionnaires et de gauche (telles que la nationalisation des chemins de fer) pour apaiser l’opposition. Déprétis En 1876, Minghetti fut évincé et remplacé par le libéral Agostino Depretis, qui commença la longue période libérale. La période libérale a été marquée par la corruption, l'instabilité gouvernementale, la pauvreté persistante dans le sud de l'Italie et le recours à des mesures autoritaires par le gouvernement italien. Depretis a commencé son mandat de Premier ministre en lançant une idée politique expérimentale appelée Trasformismo (transformisme). La théorie du transformisme était qu’un cabinet devait sélectionner une variété de politiciens modérés et compétents dans une perspective non partisane. Dans la pratique, le transformisme était autoritaire et corrompu, Depretis faisait pression sur les districts pour qu'ils votent pour ses candidats s'ils souhaitaient obtenir des concessions favorables de Depretis lorsqu'il était au pouvoir. Les résultats des élections générales italiennes de 1876 aboutirent à l'élection de seulement quatre représentants de droite, permettant au gouvernement d'être dominé par Depretis. On pense que les actions despotiques et corrompues sont le principal moyen par lequel Depretis a réussi à conserver son soutien dans le sud de l'Italie. Depretis a mis en œuvre des mesures autoritaires, telles que l'interdiction des réunions publiques, le placement d'individus « dangereux » en exil interne sur des îles pénales isolées à travers l'Italie et l'adoption de politiques militaristes. Depretis a promulgué des lois controversées à l'époque, telles que l'abolition de l'arrestation pour dettes, la création d'un enseignement primaire gratuit et obligatoire et la fin de l'enseignement religieux obligatoire dans les écoles élémentaires. En 1887, Francesco Crispi devient Premier ministre et commence à concentrer les efforts du gouvernement sur la politique étrangère. Crispi a travaillé pour faire de l'Italie une grande puissance mondiale en augmentant les dépenses militaires, en prônant l'expansionnisme et en essayant de gagner les faveurs de l'Empire allemand. L'Italie a rejoint la Triple Alliance qui comprenait à la fois l'Allemagne et l'Autriche-Hongrie en 1882 et qui est restée officiellement intacte jusqu'en 1915. Tout en aidant l'Italie à se développer stratégiquement, il a poursuivi le transformation et s'est montré autoritaire, suggérant un jour le recours à la loi martiale pour interdire les partis d'opposition. Bien qu'autoritaire, Crispi a mis en œuvre des politiques libérales telles que la loi sur la santé publique de 1888 et la création de tribunaux de recours contre les abus du gouvernement. Croustillant Francesco Crispi (1818-1901) fut Premier ministre pendant six ans au total, de 1887 à 1891, puis de 1893 à 1896. L'historien R.J.B. Bosworth dit de sa politique étrangère que Crispi : "... a mené une politique dont le caractère ouvertement agressif ne serait égalé qu'à l'époque du régime fasciste. Crispi a augmenté les dépenses militaires, a parlé joyeusement d'une conflagration européenne et a alarmé ses amis allemands ou britanniques avec ces suggestions d'attaques préventives contre ses ennemis. Sa politique fut ruineuse, à la fois pour le commerce de l'Italie avec la France et, plus humiliant, pour les ambitions coloniales de Crispi en Afrique de l'Est. La soif de territoire de Crispi fut contrecarrée lorsque, le 1er mars 1896, les armées de l'empereur éthiopien Ménélik mirent en déroute les forces italiennes à Adowa. ..un désastre sans précédent pour une armée moderne, Crispi, dont la vie privée (il était peut-être un trigame) et les finances personnelles... étaient l'objet d'un scandale éternel, a pris une retraite déshonorante. Il admirait beaucoup la Grande-Bretagne, mais ne parvint pas à obtenir l'aide britannique pour sa politique étrangère agressive et se tourna plutôt vers l'Allemagne. Crispi élargit l'armée et la marine et prôna l'expansionnisme. Il rechercha la faveur de l'Allemagne en rejoignant la Triple Alliance qui comprenait à la fois l'Allemagne et l'Autriche-Hongrie en 1882. Elle resta officiellement intacte jusqu'en 1915 et empêcha les hostilités entre l'Italie et l'Autriche, qui contrôlaient les districts frontaliers recherchés par l'Italie. Tout en aidant l’Italie à se développer stratégiquement, Crispi a poursuivi son transformationisme et s’est montré autoritaire, suggérant un jour le recours à la loi martiale pour interdire les partis d’opposition. Crispi a mis en œuvre des politiques libérales telles que la loi sur la santé publique de 1888 et la création de tribunaux de recours contre les abus du gouvernement. L’attention massive accordée à la politique étrangère a aliéné les éléments agricoles, dont le pouvoir était en déclin depuis 1873. Les forces radicales et conservatrices ont exigé que le gouvernement étudie les moyens d’améliorer l’agriculture en Italie. L'enquête, commencée en 1877 et rendue publique huit ans plus tard, montra que l'agriculture ne s'améliorait pas, que les propriétaires fonciers engloutissaient les revenus de leurs terres et ne contribuaient presque pas au développement de la terre. Les Italiens des classes inférieures ont aggravé le morcellement des terres communales qui ne bénéficiait qu'aux propriétaires. La plupart des ouvriers travaillant sur les terres agricoles n'étaient pas des paysans mais des ouvriers à court terme qui étaient employés au mieux pour un an. Les paysans sans revenus stables étaient contraints de vivre de maigres réserves alimentaires, la maladie se propageait rapidement, des épidémies étaient signalées, notamment une importante épidémie de choléra qui tuait au moins 55 000 personnes. Le gouvernement italien n’a pas pu gérer efficacement la situation en raison des dépenses excessives massives du gouvernement Depretis qui ont laissé l’Italie dans une énorme dette. L'Italie a également souffert économiquement en raison de la surproduction de raisins pour ses vignobles dans les années 1870 et 1880, lorsque l'industrie viticole française souffrait de maladies de la vigne causées par des insectes. À cette époque, l'Italie prospérait en tant que plus grand exportateur de vin d'Europe, mais après la reprise de la France en 1888, le sud de l'Italie était en surproduction et dut réduire ses dépenses, ce qui entraîna une augmentation du chômage et des faillites. Colonialisme À la fin du XIXe et au début du XXe siècle, l’Italie a imité les grandes puissances en acquérant des colonies, en particulier lors de la course au contrôle de l’Afrique qui a eu lieu dans les années 1870. L’Italie était cependant faible en ressources militaires et économiques par rapport à la Grande-Bretagne, à la France et à l’Allemagne. Cela s'est avéré difficile en raison de la résistance populaire et n'a pas été rentable en raison des coûts militaires élevés et de la moindre valeur économique des sphères d'influence restantes lorsque l'Italie a commencé à coloniser. La Grande-Bretagne, désireuse de bloquer l'influence française, a aidé l'Italie à gagner des territoires sur la mer Rouge. Un certain nombre de projets coloniaux ont été entrepris par le gouvernement. Ces mesures visaient à gagner le soutien des nationalistes et impérialistes italiens, qui voulaient reconstruire un empire romain. L'Italie possédait déjà de grandes colonies à Alexandrie, au Caire et à Tunis. L’Italie a d’abord tenté de conquérir des colonies en négociant avec d’autres puissances mondiales pour faire des concessions coloniales. Ces négociations ont échoué. L'Italie a également envoyé des missionnaires sur des terres non colonisées pour étudier le potentiel de colonisation italienne. Les plus prometteuses et les plus réalistes d’entre elles étaient celles de certaines régions d’Afrique. Les missionnaires italiens avaient déjà pris pied à Massawa (dans l’actuelle Érythrée) dans les années 1830 et s’étaient profondément enfoncés dans l’empire éthiopien. Le début du colonialisme a eu lieu en 1885, peu après la chute de la domination égyptienne à Khartoum. L'Italie a débarqué des soldats à Massawa en Afrique de l'Est. En 1888, l’Italie annexa Massawa par la force, créant ainsi la colonie de l’Érythrée italienne. Les ports érythréens de Massawa et Assab assuraient le commerce avec l'Italie et l'Éthiopie. Le commerce était favorisé par les faibles droits payés sur le commerce italien. L'Italie exportait des produits manufacturés et importait du café, de la cire d'abeille et des peaux. En 1895, l’Éthiopie dirigée par l’empereur Ménélik II abandonna un accord signé en 1889 pour suivre la politique étrangère italienne. L'Italie a utilisé cette renonciation comme prétexte pour envahir l'Éthiopie. L'Éthiopie a obtenu l'aide de l'Empire russe, dont les propres intérêts en Afrique de l'Est ont conduit le gouvernement de Nicolas II de Russie à envoyer de grandes quantités d'armes modernes aux Éthiopiens pour freiner une invasion italienne. En réponse, la Grande-Bretagne a décidé de soutenir les Italiens pour contester l’influence russe en Afrique et a déclaré que l’ensemble de l’Éthiopie relevait de la sphère d’intérêt italien. Au bord de la guerre, le militarisme et le nationalisme italiens ont atteint leur apogée, les Italiens affluant vers l'armée royale italienne, dans l'espoir de prendre part à la guerre à venir. L'armée italienne échoua sur le champ de bataille et fut submergée par une immense armée éthiopienne lors de la bataille d'Adwa. L'Italie a été contrainte de se retirer en Érythrée. L’échec de la campagne éthiopienne fut un embarras international pour l’Italie, car il s’agissait de l’une des rares victoires militaires majeures remportées par les Africains contre une puissance impériale à cette époque. Du 2 novembre 1899 au 7 septembre 1901, l'Italie a participé au sein des forces de l'Alliance des huit nations lors de la rébellion des Boxers en Chine. Le 7 septembre 1901, une concession à Tientsin fut cédée à l'Italie par la dynastie Qing. Le 7 juin 1902, la concession fut prise en possession italienne et administrée par un consul italien. En 1911, l’Italie déclare la guerre à l’Empire ottoman et envahit la Tripolitaine, le Fezzan et la Cyrénaïque. Ces provinces formèrent ensemble ce qui devint la Libye. La guerre n'a pris fin qu'un an plus tard, mais l'occupation a donné lieu à des actes de discrimination contre les Libyens, comme la déportation forcée des Libyens vers les îles Tremiti en octobre 1911. En 1912, un tiers de ces réfugiés libyens étaient morts faute de nourriture et de nourriture. abri. L'annexion de la Libye a conduit les nationalistes à prôner la domination de l'Italie sur la mer Méditerranée en occupant le Royaume de Grèce et la région côtière de l'Adriatique, la Dalmatie. Giovanni Giolitti En 1892, Giovanni Giolitti devient Premier ministre italien pour son premier mandat. Bien que son premier gouvernement se soit rapidement effondré un an plus tard, Giolitti revint en 1903 pour diriger le gouvernement italien pendant une période fragmentée qui dura jusqu'en 1914. Giolitti avait passé sa vie antérieure comme fonctionnaire, puis avait occupé des postes au sein des cabinets de Crispi. Giolitti a été le premier Premier ministre italien à exercer un long mandat depuis de nombreuses années, car il maîtrisait le concept politique du transformisme en manipulant, en contraignant et en soudoyant les fonctionnaires à ses côtés. Lors des élections sous le gouvernement de Giolitti, la fraude électorale était courante, et Giolitti a contribué à améliorer le vote uniquement dans les zones aisées et plus solidaires, tout en tentant d'isoler et d'intimider les zones pauvres où l'opposition était forte. Le sud de l'Italie était dans un état désastreux avant et pendant le mandat de Giolitti au poste de Premier ministre. Les quatre cinquièmes des Italiens du sud étaient analphabètes et la situation désastreuse y allait du problème d'un grand nombre de propriétaires absents à la rébellion et même à la famine. La corruption était un problème si important que Giolitti lui-même a admis qu'il y avait des endroits "où la loi ne fonctionne pas du tout". En 1911, le gouvernement de Giolitti envoya des forces occuper la Libye. Même si le succès de la guerre en Libye a amélioré le statut des nationalistes, il n’a pas aidé l’administration Giolitti dans son ensemble. Le gouvernement a tenté de décourager les critiques en parlant des réalisations stratégiques de l'Italie et de l'inventivité de son armée pendant la guerre : l'Italie a été le premier pays à utiliser le dirigeable à des fins militaires et a entrepris des bombardements aériens sur les forces ottomanes. La guerre a radicalisé le Parti socialiste italien : les révolutionnaires anti-guerre dirigés par le futur dictateur fasciste Benito Mussolini ont appelé à la violence pour renverser le gouvernement. Giolitti ne revint au poste de Premier ministre que brièvement en 1920, mais l'ère du libéralisme était effectivement révolue en Italie. Les élections de 1913 et 1919 ont vu des gains réalisés par les partis socialistes, catholiques et nationalistes aux dépens des libéraux et radicaux traditionnellement dominants, qui ont été de ce fait de plus en plus fracturés et affaiblis. Première Guerre mondiale et échec de l'État libéral (1915-1922) Prélude à la guerre, dilemme interne À l'approche de la Première Guerre mondiale, le Royaume d'Italie a été confronté à un certain nombre de problèmes à court et à long terme pour déterminer ses alliés et ses objectifs. Le récent succès de l'Italie dans l'occupation de la Libye à la suite de la guerre italo-turque avait suscité des tensions avec ses alliés de la Triple Alliance, l'Empire allemand et l'Autriche-Hongrie, parce que les deux pays cherchaient des relations plus étroites avec l'Empire turc ottoman. À Munich, l'allemand

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Dans quel pays se trouve la région Dalmatie ?

Croatie

La Dalmatie (, ; voir les noms dans d'autres langues) est l'une des quatre régions historiques de la Croatie, aux côtés de la Croatie proprement dite, de la Slavonie et de l'Istrie. La Dalmatie est une étroite ceinture de la côte est de la mer Adriatique, s'étendant de l'île de Rab au nord jusqu'à la baie de Kotor au sud. L'arrière-pays (Zagora dalmate) s'étend en largeur de cinquante kilomètres au nord à quelques kilomètres seulement au sud ; il est principalement couvert par les montagnes escarpées des Dinariques. 79 îles (et environ 500 îlots) sont parallèles à la côte, les plus grandes (en Dalmatie) étant Brač, Pag et Hvar. La plus grande ville est Split, suivie de Zadar, Dubrovnik et Šibenik. Le nom de la région vient d'une tribu illyrienne appelée les Dalmates, qui vivait dans la région dans l'Antiquité classique. Plus tard, elle est devenue une province romaine et, par conséquent, une culture romane a émergé, ainsi que la langue dalmate, aujourd'hui disparue, plus tard largement remplacée par le vénitien apparenté. Avec l'arrivée des Croates dans la région au 8ème siècle, qui occupaient la majeure partie de l'arrière-pays, les éléments croates et romans ont commencé à se mélanger dans la langue et la culture. Au Moyen Âge, ses villes furent souvent conquises ou changèrent d'allégeance aux royaumes de la région. Le règne le plus durable fut celui de la République de Venise, qui contrôla la majeure partie de la Dalmatie entre 1420 et 1797, à l'exception de la petite mais stable République de Raguse (1358-1808) dans le sud. Entre 1815 et 1918, c'était une province de l'Empire autrichien connue sous le nom de Royaume de Dalmatie. Après la défaite austro-hongroise lors de la Première Guerre mondiale, la Dalmatie fut divisée entre le Royaume des Serbes, Croates et Slovènes qui en contrôlait la majeure partie, et le Royaume d'Italie qui en détenait plusieurs parties plus petites. Après la Seconde Guerre mondiale, la RFS de Yougoslavie prit contrôle sur toute la zone. Nom Le nom Dalmatie dérive du nom de la tribu des Dalmates, qui est lié au mot illyrien delme signifiant « mouton » (albanais : delme). C'est La forme latine Dalmatie a donné naissance à son nom anglais actuel. En langue vénitienne, autrefois dominante dans la région, il s'écrit Dalmàssia, et en italien moderne Dalmazia. L'orthographe croate (croate) moderne est Dalmacija. La Dalmatie est mentionnée dans le Nouveau Testament et son nom a donc été traduit dans de nombreuses langues du monde. Définition Dans l'Antiquité, la province romaine de Dalmatie était beaucoup plus grande que l'actuel comté de Split-Dalmatie, s'étendant de l'Istrie au nord jusqu'à l'Albanie historique au sud. La Dalmatie ne signifiait pas seulement une unité géographique, mais était une entité basée sur des types de culture et d'établissement communs, une ceinture côtière étroite commune de l'Adriatique orientale, un climat méditerranéen, une végétation sclérophylle de la province illyrienne, une plate-forme carbonatée de l'Adriatique et une géomorphologie karstique. Quartier moderne La Dalmatie est aujourd'hui une région uniquement historique, non formellement instituée dans le droit croate. Son étendue exacte est donc incertaine et soumise à la perception du public. Selon Lena Mirošević et Josip Faričić de l'Université de Zadar : ; Département de géographie, Université de Zadar. ...la perception moderne de la Dalmatie repose principalement sur l'étendue territoriale du royaume autrichien de Dalmatie, à l'exception de l'île de Rab, qui est géographiquement liée à la région du Kvarner et fonctionnellement à la région du Littoral-Gorski Kotar, et avec la à l'exception de la baie de Kotor, qui a été annexée à un autre État (Monténégro) après la Première Guerre mondiale. Simultanément, la partie sud de la Lika et le haut Pounje, qui ne faisaient pas partie de la Dalmatie autrichienne, sont devenus une partie du comté de Zadar. Du point de vue administratif et territorial actuel, la Dalmatie comprend les quatre comtés côtiers croates avec des sièges à Zadar, Šibenik, Split et Dubrovnik. La « Dalmatie » est donc généralement perçue comme s'étendant approximativement jusqu'aux frontières du royaume autrichien de Dalmatie. Cependant, en raison des changements territoriaux et administratifs survenus au cours du siècle dernier, la perception semble avoir quelque peu changé à l'égard de certaines zones, et des sources sont contradictoires quant à leur appartenance à la région à l'époque moderne : *La région de la baie de Kotor au Monténégro. Avec la subdivision du Royaume de Yougoslavie en oblasts en 1922, l'ensemble de la baie de Kotor, de Sutorina à Sutomore, fut concédé à l'oblast de Zeta, de sorte que la frontière de la Dalmatie était formée à cet endroit par la frontière sud de l'ancienne République. de Raguse. L'Encyclopædia Britannica définit la Dalmatie comme s'étendant « jusqu'au détroit de Kotor » (c'est-à-dire la pointe la plus méridionale de la Croatie continentale, la péninsule de Prevlaka). Cependant, d'autres sources, telles que l'encyclopédie Treccani et le « Rough Guide to Croatia », incluent toujours la Baie comme faisant partie de la région. *L'île de Rab, ainsi que les petites îles de Sveti Grgur et Goli, faisaient partie du Royaume de Dalmatie et sont historiquement et culturellement liées à la région, mais sont aujourd'hui davantage associées au littoral croate, en raison de leur proximité géographique et opportunité administrative. *Municipalité de Gračac et nord de Pag. Un certain nombre de sources estiment que « du point de vue administratif moderne », l'étendue de la Dalmatie équivaut aux quatre comtés les plus méridionaux de la Croatie : Zadar, Šibenik-Knin, Split-Dalmatie et Dubrovnik-Neretva. Cette définition n'inclut pas la baie de Kotor, ni les îles de Rab, Sveti Grgur et Goli. Cela exclut également la partie nord de l'île de Pag, qui fait partie du comté de Lika-Senj. Cependant, elle comprend la municipalité de Gračac dans le comté de Zadar, qui ne faisait pas partie du royaume de Dalmatie et n'est pas traditionnellement associée à la région (mais plutôt à la région de Lika). Culture et ethnicité Les habitants de la Dalmatie sont culturellement subdivisés en deux ou trois groupes. Les familles urbaines des villes côtières, parfois connues sous le nom de Fetivi, s'apparentent culturellement aux habitants des îles dalmates (connues de manière péjorative sous le nom de Boduli). Les deux sont ensemble distincts, dans les aspects méditerranéens de leur culture, des habitants plus nombreux de Zagora, l'arrière-pays, appelés (parfois de manière péjorative) les Vlaji. Ces derniers sont historiquement plus influencés par la culture ottomane, fusionnant presque harmonieusement à la frontière avec les Croates d'Herzégovine et le sud de la Bosnie-Herzégovine en général. Les deux premiers groupes (habitants des îles et des villes) comprenaient historiquement de nombreux locuteurs vénitiens et italiens, dont beaucoup se sont identifiés comme Italiens (en particulier après l'unification de l'Italie). Leur présence, par rapport à celle des Croates, a considérablement diminué au cours du XIXe et de la première moitié du XXe siècle. Les italophones constituaient (selon le linguiste italien Bartoli) près d'un tiers des Dalmatiens dans la seconde moitié du XVIIIe siècle. Selon le recensement autrichien, il était tombé à 12,5 % en 1865 et à 3,1 % en 1890. Il subsiste cependant un fort héritage culturel et, en partie, ancestral parmi les autochtones des villes et des îles, qui s'identifient aujourd'hui presque exclusivement comme Croates, mais conservent un sentiment d'identité régionale. Géographie et climat La majeure partie de la zone est couverte par les chaînes de montagnes des Alpes Dinariques s'étendant du nord-ouest au sud-est. Sur les côtes, le climat est méditerranéen, tandis que plus à l'intérieur des terres, il est méditerranéen modéré. Dans les montagnes, les hivers sont glacials et enneigés, tandis que les étés sont chauds et secs. Au sud, les hivers sont plus doux. Au fil des siècles, de nombreuses forêts ont été abattues et remplacées par des buissons et des broussailles. Il y a une végétation à feuilles persistantes sur la côte. Les sols sont généralement pauvres, sauf dans les plaines où les zones d'herbe naturelle, les sols fertiles et les étés chauds offrent une opportunité de labour. Ailleurs, la culture des terres est généralement infructueuse en raison des montagnes, des étés chauds et des sols pauvres, même si les olives et les raisins prospèrent. Les ressources énergétiques sont rares. L'électricité est principalement produite par des centrales hydroélectriques. Il existe une quantité considérable de bauxite. Les plus grandes montagnes dalmates sont Dinara, Mosor, Svilaja, Biokovo, Moseć, Veliki Kozjak et Mali Kozjak. L'unité géographique régionale de la Dalmatie historique - la région côtière entre l'Istrie et le golfe de Kotor - comprend la montagne Orjen avec le plus haut sommet du Monténégro, 1894 m. Dans la Dalmatie actuelle, le plus haut sommet est le Dinara (1 913 m), qui n'est pas une montagne côtière, tandis que les plus hautes montagnes dinariques côtières se trouvent à Biokovo (Sv. Jure, 1 762 m) et à Velebit (Vaganski vrh, 1 757 m), bien que le Vaganski vrh lui-même soit situé dans le comté de Lika-Senj. Les plus grandes îles dalmates sont Brač, Korčula, Dugi Otok, Mljet, Vis, Hvar, Pag et Pašman. Les principaux fleuves sont la Zrmanja, la Krka, la Cetina et la Neretva. La haute qualité de l'eau de la mer Adriatique, ainsi que le grand nombre de criques, d'îles et de canaux, font de la Dalmatie un lieu attractif pour les courses nautiques, le tourisme nautique et le tourisme en général. La Dalmatie comprend également plusieurs parcs nationaux qui constituent des attractions touristiques : la rivière karstique Paklenica, l'archipel des Kornati, les rapides de la rivière Krka et l'île de Mljet. Division administrative La superficie de la Dalmatie correspond à peu près aux quatre comtés les plus méridionaux de la Croatie, répertoriés ici du nord au sud : Les autres grandes villes dalmates comprennent Biograd, Kaštela, Sinj, Solin, Omiš, Knin, Metković, Makarska, Trogir, Ploče et Imotski. Histoire Antiquité Le nom de la Dalmatie est dérivé du nom d'une tribu illyrienne appelée les Dalmates qui vivait dans la région de la côte orientale de l'Adriatique au 1er millénaire avant JC. Elle faisait partie du royaume illyrien entre le 4ème siècle avant JC et les guerres illyriennes (220, 168 avant JC) lorsque la République romaine établit son protectorat au sud de la rivière Neretva. Le nom « Dalmatie » était probablement utilisé depuis la seconde moitié du IIe siècle avant JC et certainement depuis la première moitié du Ier siècle avant JC, définissant une zone côtière de l'Adriatique orientale entre les rivières Krka et Neretva. Elle fut lentement incorporée aux possessions romaines jusqu'à ce que la province romaine d'Illyricum soit officiellement établie vers 32-27 av. En 9 après J.-C., les Dalmates soulevèrent la dernière d'une série de révoltes avec les Pannoniens, mais celle-ci fut finalement écrasée, et en 10 après J.-C., l'Illyrie fut divisée en deux provinces, la Pannonie et la Dalmatie, qui s'étendirent sur une zone plus vaste à l'intérieur des terres pour couvrir l'ensemble du territoire. Alpes Dinariques et la majeure partie de la côte adriatique orientale. L'historien Théodore Mommsen a écrit dans son livre Les provinces de l'Empire romain que toute la Dalmatie était entièrement romanisée au 4ème siècle après JC. Cependant, l’analyse du matériel archéologique de cette période a montré que le processus de romanisation était plutôt sélectif. Alors que les centres urbains, tant côtiers qu’intérieurs des terres, étaient presque entièrement romanisés, la situation dans les campagnes était complètement différente. Bien que les Illyriens aient été soumis à un fort processus d'acculturation, ils ont continué à parler leur langue maternelle, à adorer leurs propres dieux et traditions et à suivre leur propre organisation tribale socio-politique qui n'était adaptée à l'administration et à la structure politique romaine que dans certaines nécessités. L'effondrement de l'Empire romain d'Occident, avec le début de la période de migration, a laissé la région soumise aux dirigeants gothiques, Odoacre et Théodoric le Grand. Ils ont gouverné la Dalmatie de 480 à 535 après JC, date à laquelle elle a été restaurée dans l'Empire d'Orient (byzantin) par Justinien Ier. Moyen-âge Le Moyen Âge en Dalmatie fut une période d'intense rivalité entre les puissances voisines : l'Empire byzantin en déclin, le Royaume de Croatie (plus tard dans une union personnelle avec la Hongrie), le Royaume de Bosnie et la République de Venise. À l'époque, la Dalmatie était composée de villes côtières fonctionnant comme des cités-États, avec une large autonomie, mais en conflit mutuel et sans contrôle de l'arrière-pays rural (Zagora). Sur le plan ethnique, la Dalmatie a commencé comme une région romaine, avec une culture romane qui a commencé à se développer de manière indépendante, formant la langue dalmate, aujourd'hui disparue. Au début de la période médiévale, la Dalmatie byzantine a été ravagée par une invasion Avar qui a détruit sa capitale, Salona, ​​en 639 après JC, un événement qui a permis l'installation du palais voisin de Dioclétien à Spalatum (Split) par les Salonitans, augmentant considérablement l'importance de la ville. Les Avars furent suivis par les grandes migrations slaves du sud. Les Slaves, vaguement alliés aux Avars, se sont installés définitivement dans la région dans la première moitié du 7ème siècle après JC et sont restés depuis lors leur groupe ethnique prédominant. Les Croates formèrent bientôt leur propre royaume : la Principauté de Croatie dalmate dirigée par des princes indigènes d'origine gudusque. La signification du terme géographique « Dalmatie » se réduit désormais aux villes et à leur arrière-pays immédiat. Ces villes et villages sont restés influents car ils étaient bien fortifiés et maintenaient leur lien avec l'Empire byzantin. Les deux communautés étaient quelque peu hostiles au début, mais à mesure que les Croates se christianisèrent, cette tension s'apaisa de plus en plus. Un certain degré de mélange culturel s'est rapidement produit, dans certaines enclaves plus fort, dans d'autres plus faible, à mesure que l'influence et la culture slaves étaient plus accentuées à Raguse, Spalatum et Tragurium. Vers 925 après JC, le duc Tomislav fut couronné, établissant le royaume de Croatie et étendant son influence plus au sud jusqu'à Zachlumia. En tant qu'allié de l'Empire byzantin, le roi reçut le statut de protecteur de la Dalmatie et en devint de facto le dirigeant. Au Haut Moyen Âge, l'Empire byzantin n'était plus en mesure de maintenir son pouvoir de manière cohérente en Dalmatie et fut finalement rendu impuissant jusqu'à l'ouest par la Quatrième Croisade en 1204. La République de Venise, en revanche, était ascendante, tandis que le Royaume de Croatie devenait de plus en plus influencé par la Hongrie au nord, y étant absorbé via une union personnelle en 1102. Ainsi, ces deux factions se sont impliquées dans une lutte dans cette région, la contrôlant par intermittence à mesure que l'équilibre changeait. Sous le règne du roi Émeric, les villes dalmates se séparèrent de la Hongrie par un traité. Une période constante de domination hongroise en Dalmatie a pris fin avec l'invasion mongole de la Hongrie en 1241. Les Mongols ont gravement porté atteinte à l'État féodal, à tel point que la même année, le roi Béla IV a dû se réfugier en Dalmatie, aussi loin au sud que la Dalmatie. Forteresse de Klis. Les Mongols attaquèrent les villes dalmates au cours des années suivantes mais se retirèrent finalement sans succès majeur. En 1389, Tvrtko Ier, le fondateur du royaume de Bosnie, put contrôler le littoral adriatique entre Kotor et Šibenik, et revendiqua même le contrôle de la côte nord jusqu'à Rijeka et de son propre allié indépendant, Dubrovnik (Raguse). Ce n'était que temporaire, car la Hongrie et les Vénitiens poursuivaient leur lutte pour la Dalmatie après la mort de Tvrtko en 1391. À cette époque, l'ensemble du royaume hongrois et croate était confronté à des difficultés internes croissantes, alors qu'une guerre civile de 20 ans s'ensuivait entre la maison capétienne de Anjou du royaume de Naples et le roi Sigismond de la maison de Luxembourg. Pendant la guerre, le perdant, Ladislas de Naples, vendit ses « droits » sur la Dalmatie à la République de Venise pour seulement 100 000 ducats. La République, beaucoup plus centralisée, parvint à contrôler toute la Dalmatie en 1420 ; elle resta sous la domination vénitienne pendant 377 ans (1420-1797). Première période moderne (1420-1815) De 1420 à 1797, la République de Venise contrôlait la majeure partie de la Dalmatie, l'appelant Esclavonie au XVe siècle, l'enclave sud, la baie de Kotor, étant appelée Albanie Veneta. Le vénitien était la lingua franca commerciale de la Méditerranée à cette époque, et il a fortement influencé le dalmate et, dans une moindre mesure, le croate et l'albanais côtiers. La ville méridionale de Raguse (Dubrovnik) est devenue de facto indépendante en 1358 grâce au traité de Zadar lorsque Venise a renoncé à sa suzeraineté sur elle au profit de Louis Ier de Hongrie. En 1481, Raguse changea d’allégeance à l’Empire Ottoman. Cela donnait à ses commerçants des avantages tels que l'accès à la mer Noire, et la République de Raguse était le concurrent le plus féroce des marchands de Venise aux XVe et XVIe siècles. La République de Venise était également l'une des puissances les plus hostiles à l'expansion de l'Empire ottoman et participa à de nombreuses guerres contre celui-ci. Alors que les Ottomans prenaient le contrôle de l’arrière-pays, de nombreux chrétiens se réfugièrent dans les villes côtières de Dalmatie. La frontière entre l'arrière-pays dalmate et la Bosnie-Herzégovine ottomane a considérablement fluctué jusqu'à la guerre morée, lorsque la prise vénitienne de Knin et Sinj a fixé une grande partie de la frontière à sa position actuelle. Après la Grande Guerre turque et la paix de Passarowitz, des temps plus paisibles ont fait connaître à la Dalmatie une période de croissance économique et culturelle certaine au XVIIIe siècle, avec le rétablissement du commerce et des échanges avec l'arrière-pays. Cette période fut brusquement interrompue avec la chute de la République de Venise en 1797. Les troupes de Napoléon prirent d'assaut la région et mirent également fin à l'indépendance de la République de Raguse, tout en la sauvant de l'occupation par l'Empire russe et le Monténégro. En 1805, Napoléon crée son royaume d'Italie autour de la mer Adriatique, en y annexant l'ancienne Dalmatie vénitienne de l'Istrie à Kotor. En 1808, il annexa à ce royaume italien la République de Raguse qui venait d'être conquise. Un an plus tard, en 1809, il ôta la Dalmatie vénitienne de son royaume d'Italie et créa les provinces illyriennes, qui furent annexées à la France, et créa son maréchal Nicolas Soult duc de Dalmatie. Le règne de Napoléon en Dalmatie fut marqué par la guerre et des impôts élevés, qui provoquèrent plusieurs rébellions. D'autre part, la domination française a grandement contribué au réveil national croate (le premier journal en croate fut alors publié à Zadar, Il Regio Dalmata – Kraglski Dalmatin), le système juridique et l'infrastructure furent finalement quelque peu modernisés en Dalmatie, et le le système éducatif a prospéré. La domination française a apporté de nombreuses améliorations aux infrastructures ; de nombreuses routes ont été construites ou reconstruites. Napoléon lui-même a reproché au maréchal Auguste Marmont, gouverneur de la Dalmatie, de dépenser trop d'argent. Cependant, en 1813, les Habsbourg déclarent à nouveau la guerre à la France et, l'année suivante, reprennent le contrôle de la Dalmatie. XIXe siècle Lors du Congrès de Vienne en 1815, la Dalmatie fut concédée comme province à l'empereur d'Autriche. Il était officiellement connu sous le nom de Royaume de Dalmatie. En 1848, l'Assemblée croate (Sabor) publia les Requêtes du peuple, dans lesquelles elle demandait entre autres l'abolition du servage et l'unification de la Dalmatie et de la Croatie. La municipalité de Dubrovnik a été la plus ferme de toutes les communes dalmates dans son soutien à l'unification avec la Croatie. Une lettre a été envoyée de Dubrovnik à Zagreb avec l'engagement de travailler à cette idée. En 1849, Dubrovnik continuait à mener les villes dalmates dans la lutte pour l'unification. Une campagne à grande échelle a été lancée dans le journal de Dubrovnik L'Avvenire (L'Avenir), basée sur un programme clairement formulé : le système fédéral pour les territoires des Habsbourg, l'inclusion de la Dalmatie dans la Croatie et la confrérie slave. Le président du conseil du Royaume de Dalmatie était le politicien Baron Vlaho Getaldić. La même année, paraît le premier numéro de l'almanach de Dubrovnik, Fleur de la littérature nationale (Dubrovnik, cvijet narodnog književstva), dans lequel Petar Preradović publie son célèbre poème « À Dubrovnik ». Ce texte, ainsi que d'autres textes littéraires et journalistiques, qui ont continué à être publiés, ont contribué à l'éveil de la conscience nationale, qui s'est traduit par des efforts visant à introduire la langue croate dans les écoles et les bureaux et à promouvoir les livres croates. L'empereur François-Joseph a présenté la Constitution dite imposée, qui interdisait l'unification de la Dalmatie et de la Croatie ainsi que toute autre activité politique allant dans ce sens. La lutte politique de Dubrovnik pour l'unification avec la Croatie, qui fut intense tout au long de 1848-49, n'a pas abouti à cette époque. En 1861 eut lieu la réunion de la première Assemblée dalmate, avec des représentants de Dubrovnik. Des représentants de Kotor sont venus à Dubrovnik pour se joindre à la lutte pour l'unification avec la Croatie. Les citoyens de Dubrovnik leur ont réservé un accueil festif, en arborant des drapeaux croates sur les remparts et en arborant le slogan : Raguse avec Kotor. Les Kotorans élisent une délégation pour se rendre à Vienne ; Dubrovnik a nommé Niko Pucić, qui s'est rendu à Vienne pour exiger non seulement l'unification de la Dalmatie avec la Croatie, mais aussi l'unification de tous les territoires croates sous une seule Assemblée commune. À la fin de la Première Guerre mondiale, l'Empire autrichien se désintègre et la Dalmatie est de nouveau divisée entre le Royaume des Serbes, Croates et Slovènes (plus tard le Royaume de Yougoslavie) qui en contrôle la majeure partie, et le Royaume d'Italie qui en détient une petite partie. certaines parties du nord de la Dalmatie autour de Zadar et des îles de Cres, Lošinj et Lastovo. XXe siècle En 1905, un différend éclata au Reichsrat autrichien sur la question de savoir si l'Autriche devait payer pour la Dalmatie. Il a été avancé que dans la conclusion des soi-disant « lois d'avril » est écrit « donné par le comte Banus Keglevich de Buzin », qui explique l'affiliation historique de la Dalmatie à la Hongrie. Deux ans plus tard, la Dalmatie élisait des représentants au Reichsrat autrichien. La Dalmatie était une région stratégique pendant la Première Guerre mondiale que l'Italie et la Serbie avaient l'intention de conquérir à l'Autriche-Hongrie. L'Italie a rejoint les Alliés de la Triple Entente en 1915 après avoir accepté le Pacte de Londres qui garantissait à l'Italie le droit d'annexer une grande partie de la Dalmatie en échange de la participation de l'Italie du côté allié. Du 5 au 6 novembre 1918, les forces italiennes auraient atteint Lissa, Lagosta, Sebenico et d'autres localités de la côte dalmate. À la fin des hostilités en novembre 1918, l'armée italienne avait pris le contrôle de toute la partie de la Dalmatie garantie à l'Italie par le Pacte de Londres et, le 17 novembre, s'était également emparée de Rijeka. En 1918, l'amiral Enrico Millo se déclare gouverneur italien de la Dalmatie. Le célèbre nationaliste italien Gabriele d'Annunzio a soutenu la prise de la Dalmatie et s'est rendu à Zadar à bord d'un navire de guerre italien en décembre 1918. En 1922, le territoire de l'ancien royaume de Dalmatie a été divisé en deux provinces, le district de Split (oblast de Splitska), avec sa capitale à Split, et le district de Dubrovnik (oblast de Dubrovačka), avec sa capitale à Dubrovnik. En 1929, la Banovina du Littoral (Primorska Banovina), une province du Royaume de Yougoslavie, est créée. Sa capitale était Split et comprenait la majeure partie de la Dalmatie et certaines parties de l'actuelle Bosnie-Herzégovine. Les parties méridionales de la Dalmatie se trouvaient à Zeta Banovina, du golfe de Kotor à la péninsule de Pelješac, en passant par Dubrovnik. En 1939, Littoral Banovina fut jointe à Sava Banovina (et à de plus petites parties d'autres banovinas) pour former une nouvelle province nommée Banovina de Croatie. La même année, les zones ethniques croates de la Zeta Banovina du golfe de Kotor à Pelješac, y compris Dubrovnik, ont été fusionnées avec une nouvelle Banovina de Croatie. Pendant la Seconde Guerre mondiale, en 1941, l’Allemagne nazie, l’Italie fasciste, la Hongrie et la Bulgarie occupèrent la Yougoslavie, redessinant leurs frontières pour inclure les anciennes parties de l’État yougoslave. Un nouvel État fantoche nazi, l'État indépendant de Croatie (NDH), a été créé et l'Italie fasciste s'est vu attribuer certaines parties de la côte dalmate, notamment autour de Zadar et Split, ainsi que de nombreuses îles de la région. Les parties restantes de la Dalmatie sont devenues une partie de la NDH. De nombreux Croates ont quitté la zone occupée par l'Italie et se sont réfugiés dans l'État satellite de Croatie, qui est devenu le champ de bataille d'une guérilla entre l'Axe et les partisans yougoslaves. Après la capitulation de l'Italie en 1943, la majeure partie de la Dalmatie sous contrôle italien est revenue sous contrôle croate. Zadar a été rasée par les Alliés pendant la Seconde Guerre mondiale, déclenchant l'exode de sa population italienne. Après la Seconde Guerre mondiale, la Dalmatie est devenue une partie de la République populaire de Croatie, une partie de la RFS de Yougoslavie (alors appelée République populaire fédérative de Yougoslavie). Le territoire de l'ancien royaume de Dalmatie était divisé entre deux républiques fédérales de Yougoslavie et la majeure partie du territoire revenait à la Croatie, ne laissant que la baie de Kotor au Monténégro. Lors de la dissolution de la Yougoslavie en 1991, ces frontières ont été conservées et restent en vigueur. Pendant la guerre d'indépendance croate, la majeure partie de la Dalmatie était un champ de bataille entre le gouvernement croate et les rebelles serbes locaux, une grande partie de la région étant placée sous le contrôle des Serbes. La Croatie a effectivement récupéré les parties méridionales de ces territoires en 1992, mais n'a récupéré la totalité du territoire qu'en 1995. Galerie

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Comment Frances Gumm, l'actrice, est-elle plus connue ?

Judy Garland

Judy Garland (née Frances Ethel Gumm ; 10 juin 1922 – 22 juin 1969) était une chanteuse, actrice et vaudevillienne américaine. Elle était réputée pour sa voix de contralto et a atteint une célébrité internationale qui s'est poursuivie tout au long d'une carrière de plus de 40 ans en tant qu'actrice dans des rôles musicaux et dramatiques, en tant qu'artiste d'enregistrement et sur scènes de concert. Garland a commencé à jouer dans le vaudeville avec ses deux sœurs aînées et a signé avec Metro-Goldwyn-Mayer à l'adolescence. Là, elle réalise plus de deux douzaines de films, dont neuf avec Mickey Rooney et son rôle le plus emblématique de Dorothy dans Le Magicien d'Oz (1939). D'autres crédits notables à la MGM incluent Meet Me in St. Louis (1944), The Harvey Girls (1946) et Easter Parade (1948). Après 15 ans, elle a quitté le studio et a ensuite connu un nouveau succès grâce à des concerts record, une carrière d'enregistrement réussie et sa propre série télévisée nominée aux Emmy. Les apparitions au cinéma sont devenues moins nombreuses au cours de ses dernières années, mais ont inclus deux performances nominées aux Oscars dans A Star Is Born (1954) et Judgment at Nuremberg (1961). Respectée pour sa polyvalence, elle a reçu un Golden Globe Award, un Juvenile Academy Award, un Special Tony Award et, à 39 ans, elle est devenue la plus jeune récipiendaire du Cecil B. DeMille Award pour l'ensemble de sa carrière dans l'industrie du cinéma. Elle a été la première femme à remporter un Grammy pour l'album de l'année pour son enregistrement live de Judy au Carnegie Hall. En 1997, Garland a reçu à titre posthume un Grammy Lifetime Achievement Award. Plusieurs de ses enregistrements ont été intronisés au Grammy Hall of Fame. En 1999, l’American Film Institute la classe parmi les dix plus grandes stars féminines du cinéma américain classique. Garland est restée une artiste tout au long de sa vie, chantant et agissant jusqu'à sa mort en 1969 à l'âge de 47 ans. Elle est largement considérée comme l'une des « grands d'Hollywood » et sa performance de Over the Rainbow dans Le Magicien d'Oz est répertoriée comme la chanson numéro un du XXe siècle par le National Endowment for the Arts et l'American Film Institute. Début de la vie Garland est née Frances Ethel Gumm à Grand Rapids, Minnesota le 10 juin 1922, la plus jeune enfant d'Ethel Marion (Milne, 17 novembre 1893 - 5 janvier 1953) et de Francis Avent "Frank" Gumm (20 mars 1886 - novembre 1953). 17, 1935). Ses parents étaient des vaudevilliens qui se sont installés à Grand Rapids pour diriger une salle de cinéma présentant des numéros de vaudeville. Elle était d'ascendance anglaise, écossaise et irlandaise, portant le nom de ses deux parents et baptisée dans une église épiscopale locale. "Baby" (comme l'appelaient ses parents et ses sœurs) partageait le talent de sa famille pour le chant et la danse. Sa première apparition eut lieu à l'âge de deux ans et demi lorsqu'elle rejoignit ses sœurs aînées Mary Jane « Suzy/Suzanne » Gumm (1915-1964) et Dorothy Virginia « Jimmie » Gumm (1917-1977) sur la scène de cinéma de son père lors d'un spectacle de Noël et a chanté un refrain de "Jingle Bells". Les Gumm Sisters s'y produiront pendant les années suivantes, accompagnées de leur mère au piano. La famille a déménagé à Lancaster, en Californie, en juin 1926, à la suite de rumeurs selon lesquelles Frank Gumm aurait fait des avances sexuelles à des huissiers masculins. Frank a acheté et exploité un autre cinéma à Lancaster, et Ethel a commencé à gérer ses filles et à travailler pour qu'elles se lancent dans le cinéma. Garland a fréquenté le Hollywood High School et a ensuite obtenu son diplôme du University High School. Début de carrière Les sœurs Gumm En 1928, les Gumm Sisters s'inscrivent dans une école de danse dirigée par Ethel Meglin, propriétaire de la troupe de danse Meglin Kiddies. Ils sont apparus avec la troupe lors de son spectacle de Noël annuel. Grâce aux Meglin Kiddies, ils ont fait leurs débuts au cinéma dans un court métrage de 1929 intitulé The Big Revue, où ils ont interprété un numéro de chant et de danse intitulé "C'est le bon vieux sud ensoleillé". Cela a été suivi par des apparitions dans deux courts métrages Vitaphone l'année suivante : A Holiday in Storyland (avec le premier solo à l'écran de Garland) et The Wedding of Jack and Jill. Ils sont ensuite apparus ensemble dans Bubbles. Leur dernière apparition à l'écran eut lieu en 1935, dans un autre court métrage intitulé La Fiesta de Santa Barbara. Le trio parcourait le circuit du vaudeville sous le nom de "The Gumm Sisters" depuis de nombreuses années lorsqu'ils se produisirent à Chicago au Oriental Theatre avec George Jessel en 1934. Il encouragea le groupe à choisir un nom plus attrayant après que "Gumm" ait été accueilli par des rires. du public. Selon la légende du théâtre, leur numéro aurait été présenté par erreur dans un théâtre de Chicago sous le nom de "The Glum Sisters". Plusieurs histoires persistent concernant l'origine du nom « Garland ». La première est qu'il a été créé par Jessel d'après le personnage de Carole Lombard, Lily Garland, dans le film Twentieth Century, qui jouait alors à l'Oriental ; une autre est que les filles ont choisi le nom de famille d'après le critique dramatique Robert Garland. La fille de Garland, Lorna Luft, a déclaré que sa mère avait choisi le nom lorsque Jessel a annoncé que le trio "avait l'air plus joli qu'une guirlande de fleurs". Une émission spéciale a été tournée à Hollywood lors de la première de A Star Is Born au Pantages Theatre le 29 septembre 1954, dans laquelle Jessel a déclaré : "Je pense que je devrais dire aux gens que c'est moi qui ai nommé Judy Garland, Judy Garland. Cela n'aurait pas fait de différence – vous n'auriez pas pu cacher ce grand talent si vous l'aviez appelée ' Tel Aviv Windsor Shell', vous savez, mais quand je l'ai rencontrée pour la première fois, son nom était Frances Gumm et ce n'était pas le genre de nom qu'une grande actrice aussi sensible devrait avoir... et c'est pourquoi nous l'avons appelée Judy ; Garland, et je pense qu'elle est une combinaison d'Helen Hayes et d'Al Jolson, et peut-être de Jenny Lind et de Sarah Bernhardt." Une explication ultérieure a fait surface lorsque Jessel était invité à l'émission de télévision de Garland en 1963. Il a affirmé qu'il avait envoyé à l'actrice Judith Anderson un télégramme contenant le mot « guirlande » et que cela lui était resté à l'esprit. (Cependant, Garland demande à Jessel quelques instants plus tard si cette histoire est vraie, et il répond allègrement « Non ».) À la fin de 1934, les Gumm Sisters avaient changé leur nom pour Garland Sisters. Frances a changé son nom en « Judy » peu de temps après, inspirée par une chanson populaire de Hoagy Carmichael. Le groupe se sépara en août 1935, lorsque Suzanne Garland s'envola pour Reno, Nevada et épousa le musicien Lee Kahn, membre de l'orchestre Jimmy Davis jouant au Cal-Neva Lodge, Lake Tahoe. Signé à Métro-Goldwyn-Mayer En septembre 1935, Louis B. Mayer demanda à l'auteur-compositeur Burton Lane de se rendre au Orpheum Theatre du centre-ville de Los Angeles pour assister au numéro de vaudeville des Garland Sisters et de lui faire un rapport. Quelques jours plus tard, Judy et son père ont été amenés pour une audition impromptue aux studios Metro-Goldwyn-Mayer à Culver City. Garland a interprété "Zing! Went the Strings of My Heart" et "Eli, Eli", une chanson yiddish écrite en 1896 et très populaire dans le vaudeville. Garland a immédiatement signé un contrat avec la MGM, soi-disant sans test d'écran, bien qu'elle ait fait un test pour le studio plusieurs mois plus tôt. Le studio ne savait pas quoi faire d'elle car, à 13 ans, elle était plus âgée que l'enfant star traditionnelle mais trop jeune pour les rôles d'adulte. Son apparence physique a créé un dilemme pour la MGM. Elle ne mesurait que 4 pieds et son look « mignonne » ou « fille d'à côté » n'illustrait pas le personnage le plus glamour requis pour les grandes dames de l'époque. Elle était gênée et inquiète à propos de son apparence. "Judy est allée à l'école Metro avec Ava Gardner, Lana Turner, Elizabeth Taylor, de vraies beautés", a déclaré Charles Walters, qui l'a dirigée dans plusieurs films. "Judy était la grande femme qui gagnait de l'argent à l'époque, un grand succès, mais elle était le vilain petit canard ... Je pense que cela a eu un effet très dommageable sur elle émotionnellement pendant longtemps. Je pense que cela a duré pour toujours, vraiment." Son insécurité a été exacerbée par l'attitude du chef de studio Louis B. Mayer, qui la qualifiait de « petite bossue ». Au cours de ses premières années au studio, elle a été photographiée et vêtue de vêtements simples ou de robes et costumes juvéniles à froufrous pour correspondre à l'image de « fille d'à côté » créée pour elle. On lui a fait porter des capuchons amovibles sur les dents et des disques en caoutchouc pour remodeler son nez. Garland s'est produit lors de diverses réceptions en studio et a finalement été choisi aux côtés de Deanna Durbin dans le court métrage musical Every Sunday. Le film contrastait sa gamme vocale et son style swing avec la soprano d'opéra de Durbin et servait de test d'écran étendu pour le duo, alors que les dirigeants du studio remettaient en question la sagesse d'avoir deux chanteuses sur la liste. Mayer a finalement décidé de garder les deux actrices mais, à ce moment-là, l'option de Durbin était caduque et elle a été signée par Universal Studios. Le 16 novembre 1935, Garland apprit que son père avait été hospitalisé pour une méningite et que son état s'était aggravé, alors qu'elle était en train de se préparer pour une émission de radio sur Shell Chateau Hour. Frank Gumm est décédé le lendemain matin, la laissant dévastée. Sa chanson pour le Shell Chateau Hour était sa première interprétation professionnelle de "Zing! Went the Strings of My Heart", une chanson qui est devenue un standard dans plusieurs de ses concerts. Garland a ensuite attiré l'attention des dirigeants du studio en chantant un arrangement spécial de "You Made Me Love You (I Didn't Want to Do It)" à Clark Gable lors d'une fête d'anniversaire organisée par le studio pour l'acteur. Son interprétation était si appréciée qu'elle interpréta la chanson dans le spectacle extravagant des étoiles Broadway Melody de 1938 (1937), chantant sur une photo de lui. MGM a trouvé une formule gagnante en associant Garland à Mickey Rooney dans une série de ce que l'on appelait des « comédies musicales d'arrière-cour ». Le duo est apparu pour la première fois ensemble en tant que personnages secondaires dans le film B de 1937 Thoroughbreds Don't Cry. Garland a ensuite été placée dans le casting du quatrième des films de la famille Hardy en tant que fille d'à côté du personnage de Rooney, Andy Hardy, dans Love Finds Andy Hardy, bien que l'intérêt amoureux de Hardy ait été joué par Lana Turner. Ils ont fait équipe pour la première fois en tant que personnages principaux dans Babes in Arms, apparaissant finalement dans cinq films supplémentaires, dont les films de Hardy Andy Hardy Meets Debutante et Life Begins for Andy Hardy. Garland a affirmé qu'elle, Rooney et d'autres jeunes artistes se voyaient constamment prescrire des amphétamines pour rester éveillés afin de suivre le rythme effréné du tournage d'un film après l'autre, ainsi que des barbituriques à prendre avant de se coucher pour pouvoir dormir. Cette dose régulière de drogue, a-t-elle déclaré, a conduit à une dépendance et à un combat de toute une vie, et a contribué à sa disparition éventuelle. Plus tard, elle n'aimait pas le calendrier chargé et sentait que sa jeunesse avait été volée par la MGM. Garland avait un poids santé, mais le studio exigeait qu'elle suive un régime constant. Ils allèrent même jusqu'à ne lui servir qu'un bol de soupe et une assiette de laitue lorsqu'elle commandait un repas régulier. Elle a été en proie au doute tout au long de sa vie, malgré ses carrières réussies au cinéma et en enregistrement, ses récompenses, les éloges de la critique et sa capacité à remplir les salles de concert du monde entier, et elle avait constamment besoin d'être rassurée sur son talent et son attrait. Rooney, cependant, a nié que le studio de leur enfance était responsable de sa dépendance : "Judy Garland n'a jamais reçu de drogue de la part de Metro-Goldwyn-Mayer. M. Mayer n'a rien approuvé pour Judy. Personne sur ce terrain n'était responsable de Judy. La mort de Garland. Malheureusement, Judy a choisi cette voie". Le magicien d'Oz En 1938, elle incarna son rôle le plus mémorable, celui de la jeune Dorothy Gale dans Le Magicien d'Oz (1939), un film basé sur le livre pour enfants de L. Frank Baum. Dans ce film, elle chante la chanson avec laquelle elle sera à jamais identifiée, « Over the Rainbow ». Bien que les producteurs Arthur Freed et Mervyn LeRoy la voulaient depuis le début, le chef du studio Mayer a d'abord essayé d'emprunter Shirley Temple à la 20th Century Fox, mais ils ont refusé. Deanna Durbin a ensuite été sollicitée, mais n'était pas disponible, ce qui a entraîné le casting de Garland. Garland portait initialement une perruque blonde pour le rôle, mais Freed et LeRoy ont décidé de ne pas le faire peu de temps après le tournage. Sa robe bleue à carreaux vichy a été choisie pour son effet flou sur sa silhouette, qui la rajeunissait. Le tournage a commencé le 13 octobre 1938 et s'est terminé le 16 mars 1939, pour un coût final de plus de 2 millions de dollars américains. Une fois le tournage terminé, MGM a occupé Garland avec des tournées promotionnelles et le tournage de Babes in Arms, réalisé par Busby Berkeley. Rooney et elle ont été envoyées dans une tournée promotionnelle à travers le pays, culminant avec la première le 17 août à New York au Capitol Theatre, qui comprenait un programme d'apparitions de cinq spectacles par jour pour les deux stars. Le Magicien d'Oz a été un énorme succès critique, même si son budget élevé et ses coûts de promotion estimés à 4 millions de dollars (l'équivalent de millions de dollars en ), associés aux revenus inférieurs générés par les billets pour enfants, ont fait que le film n'a réalisé aucun bénéfice jusqu'à ce que il a été réédité dans les années 1940 et lors des rééditions ultérieures. Lors de la cérémonie des Oscars de 1939, Garland reçut son seul Oscar, un Juvenile Award pour ses performances en 1939, notamment Le Magicien d'Oz et Babes in Arms. Suite à cette reconnaissance, elle est devenue l'une des stars les plus rentables de la MGM. Célébrité adulte En 1940, elle joue dans trois films : Andy Hardy Meets Debutante, Strike Up the Band et Little Nellie Kelly. Dans ce dernier, elle joue son premier rôle adulte, un double rôle de mère et de fille. La petite Nellie Kelly a été achetée à George M. Cohan pour lui permettre de montrer à la fois son attrait auprès du public et son apparence physique. Le rôle était un défi pour elle, nécessitant l'utilisation d'un accent, son premier baiser adulte et la seule scène de mort de sa carrière. Le baiser a été considéré comme embarrassant par son coéquipier, George Murphy. Il a dit que c'était comme "un montagnard avec une petite épouse". Néanmoins, le succès de ces trois films et de trois autres films en 1941 lui assura une position importante à la MGM. Pendant ce temps, Garland a vécu ses premières romances sérieuses pour adultes. Le premier était avec le chef d’orchestre Artie Shaw. Elle lui était profondément dévouée et fut dévastée au début des années 1940 lorsqu'il s'enfuit avec Lana Turner. Garland a commencé une relation avec le musicien David Rose et, le jour de son 18e anniversaire, il lui a offert une bague de fiançailles. Le studio est intervenu car il était encore marié à l'époque à l'actrice et chanteuse Martha Raye. Ils convinrent d'attendre un an pour que son divorce devienne définitif et se marièrent le 27 juillet 1941. "Une vraie rareté", c'est ainsi que les médias l'appelèrent. Garland, qui avait avorté par lui en 1942, accepta une séparation provisoire en janvier 1943 et divorça en 1944. Elle était sensiblement plus mince dans son film suivant, For Me and My Gal, aux côtés de Gene Kelly lors de sa première apparition à l'écran. Elle figurait en tête du générique pour la première fois et a effectivement fait la transition de star adolescente à actrice adulte. À 21 ans, elle a reçu le « traitement glamour » dans Presenting Lily Mars, dans lequel elle était vêtue de robes « adultes ». Ses cheveux décolorés étaient également relevés de manière élégante. Cependant, aussi glamour ou belle qu'elle apparaisse à l'écran ou sur les photos, elle n'a jamais eu confiance en son apparence et n'a jamais échappé à l'image de « fille d'à côté » qui avait été créée pour elle. L'un des films les plus réussis de Garland pour MGM fut Meet Me in St. Louis (1944), dans lequel elle introduisit trois standards : « The Trolley Song », « The Boy Next Door » et « Have Yourself a Merry Little Christmas ». Vincente Minnelli a été chargé de la réalisation et il a demandé que la maquilleuse Dorothy Ponedel soit affectée à Garland. Ponedel a affiné son apparence de plusieurs manières, notamment en allongeant et en remodelant ses sourcils, en changeant la racine de ses cheveux, en modifiant le contour de ses lèvres et en retirant ses disques nasaux et ses capuchons dentaires. Elle a tellement apprécié les résultats que Ponedel a été inscrit dans son contrat pour toutes ses photos restantes à la MGM. À cette époque, Garland a eu une brève liaison avec le réalisateur Orson Welles, alors marié à Rita Hayworth. L'affaire se termina au début de 1945, même si ils restèrent ensuite en bons termes. Pendant le tournage de Meet Me in St. Louis, après un conflit initial entre eux, Garland et Minnelli ont noué une relation. Ils se sont mariés le 15 juin 1945 et le 12 mars 1946, leur fille Liza est née. Ils divorcèrent en 1951. The Clock (1945) fut le premier film dramatique direct de Garland, face à Robert Walker. Bien que le film ait été salué par la critique et ait généré des bénéfices, la plupart des cinéphiles s'attendaient à ce qu'elle chante. Il lui faudra de nombreuses années avant de jouer à nouveau un rôle dramatique sans chant. Les autres films de Garland des années 1940 incluent The Harvey Girls (1946), dans lequel elle présente la chanson primée aux Oscars "On the Atchison, Topeka, and the Santa Fe", et Till the Clouds Roll By (1946). Quitter la MGM Pendant le tournage de The Pirate en avril 1947, Garland souffrit d'une dépression nerveuse et fut placé dans un sanatorium privé. Elle a pu terminer le tournage, mais en juillet, elle a fait sa première tentative de suicide, se coupant légèrement le poignet avec un verre brisé. Durant cette période, elle a passé deux semaines en traitement au Austen Riggs Center, un hôpital psychiatrique de Stockbridge, Massachusetts. Le Pirate est sorti en 1948 et a été le premier film dans lequel Garland a joué depuis Le Magicien d'Oz à ne pas être rentable. Les principales raisons de son échec n'étaient pas seulement ses dépenses, mais aussi le coût croissant des retards de tournage alors que Garland était malade, ainsi que le fait que le grand public n'était pas encore disposé à l'accepter dans un véhicule sophistiqué. Suite à son travail sur The Pirate, elle a joué pour la première et unique fois avec Fred Astaire (qui a remplacé Gene Kelly après que Kelly se soit cassé la cheville) dans Easter Parade, qui est devenu son film le plus rentable à la MGM et a rapidement rétabli elle comme l'un des principaux atouts de MGM. Enthousiasmée par les énormes recettes au box-office de Easter Parade, MGM a immédiatement fait équipe avec Garland et Astaire dans The Barkleys of Broadway. Lors du tournage initial, Garland prenait des somnifères sur ordonnance ainsi que des pilules obtenues illégalement contenant de la morphine. À cette époque, elle a également développé un grave problème d’alcool. Ceux-ci, combinés à des migraines, l’ont amenée à manquer plusieurs jours de tournage consécutifs. Après avoir été informé par son médecin qu'elle ne pourrait travailler que par tranches de quatre à cinq jours avec des périodes de repos prolongées, Arthur Freed, directeur de la MGM, prit la décision de la suspendre le 18 juillet 1948. Elle fut remplacée par Ginger Rogers. . Une fois sa suspension terminée, elle a été rappelée au travail et a finalement interprété deux chansons en tant qu'invitée dans le biopic de Rodgers et Hart, Words and Music, qui était sa dernière apparition avec Mickey Rooney. Malgré un casting de stars, Words and Music a à peine atteint le seuil de rentabilité au box-office. Ayant retrouvé ses forces, ainsi qu'un peu de poids nécessaire pendant sa suspension, Garland se sentit beaucoup mieux et à l'automne 1948, elle retourna à la MGM pour remplacer June Allyson enceinte pour le film musical In the Good Old Summertime avec Van Johnson. . Même si elle est parfois arrivée en retard au studio lors de la réalisation de ce tableau, elle a réussi à le terminer cinq jours avant la date prévue. Sa fille Liza Minnelli a fait ses débuts au cinéma à l'âge de deux ans et demi à la fin du film. In The Good Old Summertime a connu un énorme succès au box-office. Garland a ensuite été choisi pour l'adaptation cinématographique d'Annie Get Your Gun dans le rôle titre d'Annie Oakley. Elle était nerveuse à l'idée d'assumer un rôle fortement identifié à celui d'Ethel Merman, inquiète à l'idée d'apparaître dans un rôle peu glamour après avoir rompu avec les rôles juvéniles pendant plusieurs années, et perturbée par le traitement qu'elle lui infligeait de la part du réalisateur Busby Berkeley. Berkeley mettait en scène tous les numéros musicaux et était sévère avec le manque d'effort, d'attitude et d'enthousiasme de Garland. Elle s'est plainte à Mayer, essayant de faire virer Berkeley du long métrage. Elle a commencé à arriver en retard sur le plateau et a parfois manqué de se présenter. À cette époque, elle suivait également une thérapie par électrochocs pour traiter la dépression. Elle a été suspendue du film le 10 mai 1949 et remplacée par Betty Hutton, qui est intervenue dans l'exécution de toutes les routines musicales mises en scène par Berkeley. Garland a subi un long séjour à l'hôpital Peter Bent Brigham de Boston, Massachusetts, au cours duquel elle a été sevrée de ses médicaments et, après un certain temps, a pu manger et dormir normalement. Garland revint à Los Angeles plus lourd et, à l'automne 1949, fut choisi aux côtés de Gene Kelly dans Summer Stock. Le film a duré six mois. Pour perdre du poids, Garland a recommencé à prendre des pilules et le schéma familier a refait surface. Elle a commencé à arriver en retard ou pas du tout. Lorsque le tournage principal de Summer Stock fut terminé au printemps 1950, il fut décidé que Garland avait besoin d'un numéro musical supplémentaire. Elle a accepté de le faire à condition que la chanson soit "Get Happy". De plus, elle a insisté pour que le réalisateur Charles Walters chorégraphie et mette en scène le numéro. À ce moment-là, Garland avait perdu 15 livres et paraissait plus mince. "Get Happy" était le dernier segment de Summer Stock à être filmé. C'était sa dernière photo pour MGM. Lors de sa sortie à l'automne 1950, Summer Stock attire de grandes foules et accumule des recettes au box-office très respectables, mais en raison des retards de tournage coûteux causés par Garland, le film enregistre une perte de 80 000 $ pour le studio. Garland fut ensuite choisie pour le film Royal Wedding avec Fred Astaire après que June Allyson soit tombée enceinte en 1950. Elle ne s'est pas présentée sur le plateau à plusieurs reprises et le studio a suspendu son contrat le 17 juin 1950. Elle a été remplacée par Jane Powell. Des biographies réputées après sa mort ont déclaré qu'après ce dernier licenciement, elle s'était légèrement écorché le cou avec un verre brisé, ne nécessitant qu'un pansement, mais à l'époque, le public a été informé qu'un Garland découragé lui avait tranché la gorge. "Tout ce que je pouvais voir, c'était davantage de confusion", a déclaré plus tard Garland à propos de cette tentative de suicide. "Je voulais occulter le futur ainsi que le passé. Je voulais me faire du mal ainsi qu'à tous ceux qui m'avaient blessé." En septembre 1950, après 15 ans au sein du studio, Garland et MGM se séparèrent. Carrière ultérieure Apparitions dans l'émission de radio de Bing Crosby Garland était un invité fréquent du Kraft Music Hall, animé par son ami Bing Crosby. Après la deuxième tentative de suicide de Garland, Crosby, sachant qu'elle était déprimée et à court d'argent, l'invita à son émission de radio – la première de la nouvelle saison, le 11 octobre 1950. Huit apparitions au cours de la saison 1950-1951 de The Bing Crosby – Chesterfield Show ont immédiatement revigoré sa carrière. Peu de temps après, elle part en tournée pendant quatre mois devant des foules à guichets fermés en Europe. Une célébrité renouvelée sur scène En 1951, Garland entame une tournée de concerts de quatre mois en Grande-Bretagne et en Irlande, où elle se produit devant un public à guichets fermés dans toute l'Angleterre, l'Écosse et l'Irlande. La tournée de concerts à succès a été le premier de ses nombreux retours, avec des performances centrées sur des chansons d'Al Jolson et une renaissance de la « tradition » vaudevillienne. Garland a donné des spectacles complets en hommage à Jolson lors de ses concerts au London Palladium en avril et au Palace Theatre de New York plus tard cette année-là. Garland a déclaré après le spectacle du Palladium : "J'ai soudain su que c'était le début d'une nouvelle vie... Hollywood pensait que j'en avais fini ; puis est venue la merveilleuse opportunité d'apparaître au London Palladium, où je peux honnêtement dire que Judy Garland était née de nouveau. ."Radano, Ronald M., éditeur, Musique et imagination raciale, Univ. de Chicago Press (2000) p. 135 Ses apparitions au Palladium ont duré quatre semaines, où elle a reçu des critiques élogieuses et une ovation décrite par le directeur du Palladium comme la plus forte qu'il ait jamais entendue. À New York en octobre 1951, l'engagement de Garland au Palace Theatre dépassa tous les records précédents pour le théâtre et pour Garland, il fut qualifié de "l'un des plus grands triomphes personnels de l'histoire du show business". Garland a été honorée pour sa contribution à la renaissance du vaudeville avec un Special Tony Award. La même année, elle divorce de Minnelli et, en 1952, elle épouse Sid Luft, son directeur de tournée et producteur, le 8 juin 1952, à Hollister, en Californie. Garland a donné naissance à Lorna Luft, elle-même future actrice et chanteuse, le 21 novembre 1952, et à Joey Luft le 29 mars 1955. Retour hollywoodien Garland a filmé un remake musical du film A Star is Born pour Warner Bros. en 1954. Garland et Sidney Luft, son mari d'alors, ont produit le film par l'intermédiaire de leur société de production, Transcona Enterprises, tandis que Warner Bros. a fourni les fonds et les installations de production. , et l'équipage. Réalisé par George Cukor et avec James Mason en vedette, ce fut une entreprise de grande envergure à laquelle elle se consacra initialement entièrement. Cependant, au fur et à mesure que le tournage avançait, elle commença à faire les mêmes plaidoyers de maladie qu'elle avait si souvent lancés lors de ses derniers films à la MGM. Les retards de production ont entraîné des dépassements de coûts et des confrontations violentes avec le directeur de Warner Bros., Jack L. Warner. Le tournage principal s'est terminé le 17 mars 1954. À la suggestion de Luft, le medley "Born in a Trunk" a été filmé comme une vitrine pour elle et inséré malgré les objections du réalisateur Cukor, qui craignait que la longueur supplémentaire n'entraîne des coupures dans d'autres domaines. Elle s'est achevée le 29 juillet. Lors de sa première mondiale le 29 septembre 1954, le film fut salué par la critique et le public. Avant sa sortie, il a été édité sur instruction de Jack Warner ; Les exploitants de salles, inquiets de perdre de l'argent parce qu'ils ne pouvaient diffuser le film que trois ou quatre représentations par jour au lieu de cinq ou six, ont fait pression sur le studio pour qu'il procède à des réductions supplémentaires. Environ 30 minutes de séquences ont été coupées, suscitant l'indignation des critiques et des cinéphiles. Bien qu'il soit toujours populaire, attirant des foules immenses et rapportant plus de 6 000 000 $ lors de sa première sortie, A Star is Born n'a pas récupéré son coût et a fini par perdre de l'argent. En conséquence, la situation financière sûre que Garland espérait grâce aux bénéfices ne s'est pas concrétisée. Transcona n'a plus fait de films avec Warner. Garland a été nominée pour l'Oscar de la meilleure actrice et, à l'approche de la 27e cérémonie des Oscars, on s'attendait généralement à ce qu'elle gagne. Elle n'a pas pu assister à la cérémonie car elle venait de donner naissance à son fils, Joseph Luft, donc une équipe de télévision était dans sa chambre d'hôpital avec des caméras et des fils pour diffuser son discours d'acceptation prévu. L'Oscar a cependant été remporté par Grace Kelly pour The Country Girl (1954). L’équipe de tournage faisait ses valises avant même que Kelly ne puisse atteindre la scène. Groucho Marx lui a envoyé un télégramme après la cérémonie de remise des prix, déclarant que sa perte était « le plus grand vol depuis Brinks ». TIME a qualifié sa performance de "à peu près le plus grand one-woman show de l'histoire du cinéma moderne". Garland a remporté le Golden Globe Award de la meilleure actrice dans une comédie musicale pour ce rôle. Les films de Garland après A Star Is Born incluent Jugement à Nuremberg (1961) (pour lequel elle fut nominée aux Oscars et aux Golden Globes de la meilleure actrice dans un second rôle), le long métrage d'animation Gay Purr-ee (1962) et A Child Is Waiting (1963). ) avec Burt Lancaster. Son dernier film fut I Could Go on Singing (1963), avec Dirk Bogarde. Télévision, concerts et Carnegie Hall Garland est apparu dans un certain nombre d'émissions spéciales télévisées à partir de 1955. La première était le premier épisode de Ford Star Jubilee en 1955 ; il s'agissait de la première diffusion couleur à grande échelle jamais diffusée sur CBS et ce fut un triomphe d'audience, obtenant une note Nielsen de 34,8. Elle a signé un contrat de 300 000 $ sur trois ans avec le réseau. Une seule émission spéciale supplémentaire a été diffusée en 1956, une édition de concert en direct du General Electric Theatre, avant que la relation entre les Lufts et CBS ne se rompe dans un différend sur le format prévu des émissions spéciales à venir. En 1956, Garland s'est produite pendant quatre semaines au New Frontier Hotel sur le Strip de Las Vegas pour un salaire de 55 000 $ par semaine, faisant d'elle l'artiste la mieux payée à travailler à Las Vegas. Malgré une brève crise de laryngite, ses performances là-bas ont été si réussies que sa course a été prolongée d'une semaine supplémentaire. Plus tard cette année-là, elle retourna au Palace Theatre, lieu de son triomphe deux fois par jour. Elle a ouvert ses portes en septembre, une fois de plus avec des critiques élogieuses et un succès populaire. En novembre 1959, Garland reçut un diagnostic d'hépatite aiguë et fut hospitalisé. Au cours des semaines suivantes, plusieurs litres de liquide ont été évacués de son corps jusqu'à ce qu'elle sorte de l'hôpital en janvier 1960, toujours dans un état faible. Les médecins lui ont dit qu'il lui restait probablement cinq ans ou moins à vivre et que, même si elle survivait, elle serait semi-invalide et ne chanterait plus jamais. Elle s'est d'abord sentie « grandement soulagée » après le diagnostic. "Je n'étais plus sous pression pour la première fois de ma vie." Cependant, elle s'est rétablie au cours des mois suivants et, en août de la même année, elle est revenue sur la scène du Palladium. Elle se sentit si chaleureusement accueillie par les Britanniques qu’elle annonça son intention de s’installer définitivement en Angleterre. Son concert au Carnegie Hall le 23 avril 1961 fut un moment fort, qualifié par beaucoup de « la plus grande soirée de l'histoire du show business ». L'album de deux disques Judy at Carnegie Hall a été certifié or, restant 95 semaines sur Billboard, dont 13 semaines au numéro un. Il a remporté quatre Grammy Awards, dont celui de l'album de l'année et de la meilleure voix féminine de l'année, et n'a jamais été épuisé. Le spectacle de Judy Garland En 1961, Garland et CBS réglèrent leurs différends contractuels avec l'aide de son nouvel agent, Freddie Fields, et négocièrent une nouvelle série d'offres spéciales. Le premier, intitulé The Judy Garland Show, a été diffusé en 1962 et mettait en vedette Frank Sinatra et Dean Martin. Suite à ce succès, CBS lui a fait une offre de 24 millions de dollars pour sa propre série télévisée hebdomadaire, également appelée The Judy Garland Show, qui était considérée à l'époque dans la presse comme "le plus gros contrat de talents de l'histoire de la télévision". . Même si elle avait déclaré dès 1955 qu'elle ne ferait jamais de série télévisée hebdomadaire, au début des années 1960, elle se trouvait dans une situation financière précaire. Elle avait une dette de plusieurs centaines de milliers de dollars envers l'Internal Revenue Service, n'ayant pas payé ses impôts en 1951 et 1952, et l'échec de A Star is Born signifiait qu'elle n'avait rien reçu de cet investissement. Une émission réussie à la télévision visait à assurer son avenir financier. Après une troisième émission spéciale, Judy Garland et ses invités Phil Silvers et Robert Goulet, la série hebdomadaire de Garland a débuté le 29 septembre 1963. Le Judy Garland Show a été salué par la critique, mais pour diverses raisons (y compris le fait d'être placé dans la tranche horaire en face de Bonanza sur NBC), la série n'a duré qu'une seule saison et a été annulée en 1964 après 26 épisodes. Malgré sa courte durée, la série a été nominée pour quatre Emmy Awards, dont celui de la meilleure série de variétés. La disparition du programme a été dévastatrice sur le plan personnel et financier pour Garland. Dernières années Garland a poursuivi Luft en divorce en 1963, invoquant la « cruauté » comme motif. Elle a également affirmé qu'il l'avait frappée à plusieurs reprises alors qu'il buvait et qu'il avait tenté de lui enlever leurs enfants par la force. Elle avait déjà demandé le divorce à Luft à plusieurs reprises, dès 1956, mais ils s'étaient réconciliés à chaque fois. Avec la disparition de sa série télévisée, Garland revient sur scène. Plus particulièrement, elle s'est produite au London Palladium avec sa fille Liza Minnelli, âgée de 18 ans, en novembre 1964. Le concert a également été diffusé sur la chaîne de télévision britannique ITV et a été l'une de ses dernières apparitions dans cette salle. Elle a fait des apparitions dans The Ed Sullivan Show et The Tonight Show. Garland a animé un épisode de The Hollywood Palace avec Vic Damone. Elle fut invitée à nouveau pour un deuxième épisode en 1966 avec Van Johnson comme invité. Des problèmes liés au comportement de Garland ont mis fin à ses apparitions au Hollywood Palace. Une tournée en Australie en 1964 fut largement désastreuse. Le premier concert de Garland à Sydney a eu lieu au Sydney Stadium car aucune salle de concert ne pouvait accueillir les foules qui voulaient la voir. Cela s'est bien passé et a reçu des critiques positives. Sa deuxième représentation, à Melbourne, a commencé avec une heure de retard. La foule de 7 000 personnes était irritée par son retard et la croyait ivre ; ils l'ont huée et chahuté, et elle a fui la scène après seulement 45 minutes. Elle a ensuite qualifié la foule de Melbourne de « brutale ». Un deuxième concert à Sydney s'est déroulé sans incident, mais la comparution à Melbourne lui a valu une mauvaise presse importante. Une partie de cette mauvaise presse a été détournée par l’annonce d’un épisode de pleurésie presque mortel. Le promoteur de la tournée de Garland, Mark Herron, a annoncé qu'ils s'étaient mariés à bord d'un cargo au large de Hong Kong ; cependant, elle n'était pas légalement divorcée de Luft au moment où la cérémonie a eu lieu. Le divorce est devenu définitif le 19 mai 1965 et Herron et elle ne se sont légalement mariés que le 14 novembre 1965 ; ils se séparent

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Qui a remporté l'Oscar de la meilleure actrice pour le film de 1988, L'Accusé ?

Jodie Foster

Le Golden Globe Award de la meilleure actrice dans un film dramatique a été décerné pour la première fois par la Hollywood Foreign Press Association dans une catégorie distincte en 1951. Auparavant, il n'y avait qu'un seul prix pour la « Meilleure actrice dans un film », mais la division permettait sa reconnaissance et la meilleure actrice – comédie ou comédie musicale. Le titre officiel a varié depuis sa création. En 2005, il a été officiellement intitulé : « Meilleure performance d'une actrice dans un film dramatique ». Depuis 2013, le libellé est « Meilleure actrice dans un film dramatique ». Remarques: * "†" indique une performance primée aux Oscars. * "‡" indique une nomination aux Oscars. * « § » indique une performance primée aux Golden Globe Awards qui n'a pas été nominée pour un Oscar. Gagnants et nominés années 1940 années 1950 années 1960 années 1970 années 1980 années 1990 années 2000 années 2010 Plusieurs nominés 2 candidatures *Annette Bening * Halle Berry * Sandra Bullock *Leslie Caron *Julie Christie *Jill Clayburgh *Glenn Close *Bette Davis *Olivia de Havilland * Scarlett Johansson * Angelina Jolie * Déborah Kerr *Anna Magnani *Rooney Mara * Marsha Mason *Mélina Mercouri *Sarah Miles * Lee Remick * Rosalind Russell * Kristin Scott Thomas * Simone Signoret * Maggie Smith * Sharon Stone * Barbra Streisand *Hilary Swank *Tilda Swinton * Charlize Theron * Uma Thurman *Emily Watson * Shelley Winters *Jane Wyman 3 nominations *Hélène Mirren *Julianne Moore *Vanessa Redgrave *Gena Rowlands *Jean Simmons * Sigourney Weaver * Debra Ailier *Natalie Wood 4 nominations *Ellen Burstyn *Judi Dench *Sally Field * Audrey Hepburn * Diane Keaton *Shirley MacLaine * Michelle Pfeiffer * Sissy Spacek *Elizabeth Taylor *Emma Thompson *Liv Ullmann * Kate Winslet 5 nominations *Anne Bancroft *Ingrid Bergman * Cate Blanchett *Jane Fonda *Jodie Foster * Glenda Jackson * Nicole Kidman *Jessica Lange * Susan Sarandon * Joanne Woodward 6 nominations *Faye Dunaway * Katharine Hepburn * Géraldine Page 13 nominations * Meryl Streep Plusieurs gagnants 3 victoires *Ingrid Bergman *Jane Fonda * Meryl Streep 2 victoires * Cate Blanchett *Sally Field *Jodie Foster *Shirley MacLaine * Géraldine Page (consécutive) * Rosalind Russell (consécutive) *Hilary Swank * Joanne Woodward *Jane Wyman

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Quelle rivière londonienne, qui coule désormais sous terre, prend sa source à Hampstead, traverse St. Pancras, descend Farringdon Street et entre dans la Tamise par le pont Blackfriars ?

flotte fluviale

Hampstead (ou), communément appelé Hampstead Village, est une zone de Londres, en Angleterre, à 6 km au nord-ouest de Charing Cross. Faisant partie du quartier londonien de Camden, il est connu pour ses associations intellectuelles, libérales, artistiques, musicales et littéraires et pour Hampstead Heath, une vaste étendue de parc vallonnée. On y trouve certains des logements les plus chers de la région de Londres. Le village de Hampstead compte plus de millionnaires sur son territoire que toute autre région du Royaume-Uni. Histoire Toponymie Le nom vient des mots anglo-saxons ham et stede, qui signifient et sont apparentés à l'anglais moderne « homestead ». Vers 1900 Les premières archives de Hampstead peuvent être trouvées dans une subvention du roi Ethelred le Non-prêt au monastère de Saint-Pierre à Westminster (986 après JC) et il est mentionné dans le Domesday Book (1086) comme étant dans la centaine d'Ossulstone. La croissance de Hampstead remonte généralement au 17e siècle. Les administrateurs du puits ont commencé à faire la publicité des qualités médicinales des eaux chalybeate (eau imprégnée de fer) en 1700. Bien que Hampstead Wells ait été initialement très prospère et à la mode, sa popularité a décliné dans les années 1800 en raison de la concurrence avec d'autres spas à la mode de Londres. Le spa a été démoli en 1882, mais une fontaine d'eau a été laissée sur place. Hampstead a commencé à se développer après l'ouverture du North London Railway dans les années 1860 (maintenant le London Overground avec des services de passagers exploités par Transport for London), et s'est encore développé après l'ouverture du Charing Cross, Euston & Hampstead Railway en 1907 (qui fait maintenant partie de Londres Ligne Nord du métro) et permettait de se rendre rapidement au centre de Londres. De nombreux logements luxueux ont été créés dans les années 1870 et 1880, dans la zone qui est aujourd'hui le quartier politique de Frognal & Fitzjohns. Une grande partie de ces logements subsiste à ce jour. 20ième siècle Au XXe siècle, un certain nombre de bâtiments remarquables ont été créés, notamment : * Station de métro Hampstead (1907), la station la plus profonde du réseau souterrain * Bâtiment Isokon (1932) * Cour Hillfield (1932) * 2, chemin Willow (1938) * Bibliothèque centrale Swiss Cottage (1964) * Hôpital Royal Free (milieu des années 1970) Les attractions culturelles de la région comprennent le musée Freud, la maison Keats, la maison Kenwood, la maison Fenton, le bâtiment Isokon, la maison Burgh (qui abrite également le musée Hampstead) et le centre des arts de Camden. La grande bibliothèque et l'hôtel de ville victoriens de Hampstead ont été récemment convertis et agrandis en centre des industries créatives. Le 14 août 1975, Hampstead est entré dans les records météorologiques du Royaume-Uni avec les précipitations totales les plus élevées sur 155 minutes, soit 169 mm. Depuis novembre 2008, ce record demeure. Politique Hampstead est devenu une partie du comté de Londres en 1889 et en 1899, l'arrondissement métropolitain de Hampstead a été formé. La mairie de l'arrondissement de Haverstock Hill, qui abritait également le bureau d'état civil, peut être vue dans des images d'actualités de nombreux mariages civils de célébrités. En 1965, l'arrondissement métropolitain a été aboli et sa zone a fusionné avec celle de l'arrondissement métropolitain de Holborn et de l'arrondissement métropolitain de St Pancras pour former l'arrondissement londonien moderne de Camden. Hampstead fait partie de la circonscription de Hampstead et Kilburn, formée lors des élections générales de 2010. Cela faisait autrefois partie de la circonscription de Hampstead et Highgate. De 1992 à 2015, la députée était l'ancienne actrice Glenda Jackson du Parti travailliste. Glenda Jackson a pris sa retraite aux élections générales de 2015. La région abrite également le magazine travailliste de gauche Tribune et le magazine satirique Hampstead Village Voice. Le journal local payant est le Hampstead and Highgate Express, connu localement sous le nom de « Ham & High ». Hampstead est également couvert par le Camden New Journal à l'échelle de l'arrondissement. Depuis mai 2015, la région est représentée au Conseil de Camden par les conseillers du Parti conservateur Tom Currie, Oliver Cooper et Stephen Stark. Le libéralisme de Hampstead La région a une tradition importante d'humanisme libéral instruit, souvent appelé (souvent de manière désobligeante) le « libéralisme de Hampstead ». Dans les années 1960, la figure du libéral de Hampstead a été notoirement satirisée par Peter Simple du Daily Telegraph dans le personnage de Lady Dutt-Pauker, une aristocratique socialiste immensément riche dont le manoir de Hampstead, Marxmount House, contenait une paire originale de fausses dents de Boukharine. exposer aux côtés de précieux vases Ming, de l'art néo-constructiviste et des écrits complets de Staline. Michael Idov du New Yorker a déclaré que la communauté « était la citadelle de l'intelligentsia libérale aisée, chic mais pas étouffante. » Idov, Michael. "[http://nymag.com/news/features/establishments/68506/ Le démon blogueur de Fleet Street]." Revue new-yorkaise. 26 septembre 2010. Récupéré 3 août 2014. Appliqué à un individu, le terme « libéral de Hampstead » n'est pas synonyme de « socialiste champagne » mais comporte certaines des mêmes connotations. Le terme est également plutôt trompeur. Depuis 2016, tous les quartiers composants de Hampstead (Swiss Cottage, Frognal et Fitzjohns, Hampstead Town et Belsize) élisent une liste complète de conseillers conservateurs. Alors que Swiss Cottage est un quartier marginal et compétitif entre les conservateurs et les travaillistes et que Belsize est un quartier marginal et compétitif entre les conservateurs et les libéraux-démocrates, la zone de Hampstead Village elle-même (Hampstead Town), ainsi que Frognal et Fitzjohns sont en sécurité. Quartiers conservateurs. Lieux d'intérêt Des sites Au nord et à l'est de Hampstead, et le séparant de Highgate, se trouve le plus grand parc ancien de Londres, Hampstead Heath, qui comprend la vue bien connue et légalement protégée de l'horizon de Londres depuis la Colline du Parlement. The Heath, lieu incontournable pour se promener et « prendre l'air » des Londoniens, dispose de trois étangs de baignade publics en plein air ; un pour les hommes, un pour les femmes et un pour les bains mixtes, qui étaient à l'origine des réservoirs d'eau potable et des sources de la flotte fluviale. Le pont illustré est connu localement sous le nom de « Les Arches Rouges » ou « Le Viaduc », construit en prévision infructueuse d'une construction résidentielle sur la Heath au 19e siècle. Les activités locales comprennent de grands concerts en plein air les samedis soirs d'été sur les pentes en contrebas de Kenwood House, des lectures de livres et de poésie, des fêtes foraines dans le cours inférieur de la Heath, des récitals de clavecin d'époque à Fenton House, à la Hampstead Scientific Society et à la Hampstead Photographic Society. Le plus grand employeur de Hampstead est l'hôpital Royal Free, Pond Street, mais de nombreuses petites entreprises basées dans la région ont une importance internationale. Les studios d'enregistrement AIR de George Martin, situés dans les locaux d'une église reconvertie à Lyndhurst Road, en sont un exemple actuel, tout comme le Creature Shop de Jim Henson, avant de déménager en Californie. Le quartier possède une architecture remarquable, comme le bâtiment Isokon à Lawn Road, une expérience de logement collectif classée Grade I, qui abritait autrefois Agatha Christie, Henry Moore, Ben Nicholson et Walter Gropius. Il a été récemment restauré par Notting Hill Housing Trust. Églises et synagogues *Christ Church – Place Hampstead, NW3 1AB *Église baptiste de Heath Street, Heath Street, NW3 1DN *St. Église réformée unie d'Andrew, Frognal Lane, NW3 7DY *St John-at-Hampstead – Church Row, NW3 6UU *St John's Downshire Hill – Downshire Hill, NW3 1NU *St Luke's – Kidderpore Avenue, NW3 7SU *Église St Mary – 4 Holly Place, NW3 6QU *Chapelle unitarienne de Rosslyn Hill – Pilgrim's Place, NW3 1NG *Village Shul, la seule synagogue de Hampstead, fondée en 2006 et occupant l'ancien New End Theatre. Musées *Fenton House – Hampstead Grove, Hampstead, Londres, NW3 6SP *Freud Museum – 20 Maresfield Gardens, Hampstead, Londres, NW3 5SX *Burgh House & Hampstead Museum – New End Square, Hampstead, Londres, NW3 1LT *Keats House Museum – Keats Grove, Hampstead, Londres, NW3 2RR *Kenwood House – Hampstead Lane, Hampstead, Londres, NW3 7JR Théâtres et cinémas *Everyman Cinema – 5 Holly Bush Vale, Hampstead, Londres, NW3 6TX *Hampstead Theatre – Eton Avenue, Swiss Cottage, Londres, NW3 3EU *New End Theatre – 27 New End, Hampstead, Londres, NW3 1JD, fermé en 2011 *Théâtre Pentameters – 28 Heath Street, Hampstead, Londres, NW3 6TE Maisons publiques Hampstead est bien connu pour ses pubs traditionnels, comme The Holly Bush, éclairé au gaz jusqu'à récemment ; le Spaniard's Inn, Spaniard's Road, où le bandit Dick Turpin s'est réfugié ; Le vieux Bull et Bush à North End ; et The Old White Bear (anciennement Ye Olde White Bear). Le château de Jack Straw, au bord de la Heath, près de l'étang Whitestone, au bord de la Heath, a maintenant été converti en appartements résidentiels. D'autres incluent : *The Flask – 14 Flask Walk, Hampstead, Londres, NW3 1HE *Armes des francs-maçons – 32 Downshire Hill, Hampstead, Londres, NW3 1NT *Le duc de Hamilton – 23-25 ​​New End, Hampstead, Londres, NW3 1JD *The Horseshoe (anciennement The Three Horseshoes) – 28 Heath Street, Hampstead, Londres, NW3 6TE *Roi Guillaume IV (alias KW4) – 77 Hampstead High Street, Hampstead, Londres, NW3 1RE *Le Magdala – 2a South Hill Park, Hampstead, Londres, NW3 2SB *The Garden Gate – 14 South End Road, Hampstead, Londres, NW3 2QE Restaurants Hampstead propose un mélange éclectique de restaurants allant du français au thaïlandais. Citons notamment La Gaffe, Gaucho Grill, Jin Kichi, Tip Top Thai, Villa Bianca et, en mai 2016, Patara. Après plus d'une décennie de controverses et de poursuites judiciaires de la part des résidents locaux, McDonald's a finalement été autorisé à ouvrir ses portes à Hampstead en 1992, après avoir obtenu gain de cause devant les tribunaux et accepté une refonte sans précédent de la devanture du magasin, réduisant ainsi la visibilité de son magasin. façade et logo, mais fermé en novembre 2013. Écoles Lieux de tournage L'atmosphère rurale de Hampstead se prête bien au cinéma ; un exemple notable est The Killing of Sister George (1968) avec Beryl Reid et Susannah York. La séquence d'ouverture montre le personnage de Reid, June, errant dans les rues et ruelles de Hampstead, à l'ouest de Heath Street, autour de The Mount Square. Le pub Marquis de Granby, dans lequel June boit à l'ouverture du film, était en fait The Holly Bush, au 22 Holly Mount. Un autre exemple est The Collector (1965), avec Terence Stamp et Samantha Eggar, où la séquence d'enlèvement se déroule à Mount Vernon. Certaines scènes de An American Werewolf in London (1981) sont tournées à Hampstead Heath, Well Walk et Haverstock Hill. Harry et Judith sont tués à Hampstead Heath, derrière les Pryors sur East Heath Road. Avant que David ne les tue, Harry et Judith descendent du taxi sur East Heath Road à Well Walk. Plus récemment, Kenwood House est le décor de la scène du « film dans le film » de Notting Hill (1999). Les scènes extérieures de The Wedding Date (2005), mettant en vedette Debra Messing, présentent les champs de la colline du Parlement sur la Heath, surplombant l'ouest de Londres. La Colline du Parlement figure également dans Notes sur un scandale (2006) avec les zones voisines de Gospel Oak et de Camden Town. Quatre mariages et un enterrement (1994) présente l'ancien hôtel de ville de Hampstead sur Haverstock Hill. Le film culte Scenes of a Sexual Nature (2006) a été entièrement tourné à Hampstead Heath, couvrant divers lieux pittoresques tels que les « jardins flottants » et Kenwood House. Une comédie musicale spécifiquement centrée sur la région, Les Bicyclettes de Belsize (1968), raconte l'histoire du voyage à vélo d'un jeune homme autour de Hampstead. Après s'être écrasé contre un panneau d'affichage, il tombe amoureux du mannequin qui y est représenté. Démographie Le recensement de 2011 a montré que la population du quartier de Hampstead Town était composée à 54 % de Blancs britanniques, les Blancs Autres étant la deuxième plus grande avec 24 %. La ville entière comptait 48 858 habitants en 2011 et comprend les quartiers de Frognal, Hampstead Town, Belsize et Swiss Cottage. Transport Hampstead possède un important terminus de bus connu sous le nom de Hampstead Heath, situé à South End Green. Son service le plus fréquent est la route 24 qui relie depuis plus de 100 ans cette zone au West End, Victoria et Grosvenor Road à Pimlico. Les lignes de bus qui desservent actuellement Hampstead sont : 24 46 168 210 268 603 C11 et N5. Stations de métro les plus proches Les stations de métro londoniennes les plus proches sont Hampstead et Belsize Park sur la ligne Northern et Swiss Cottage et Finchley Road sur la ligne Jubilee. Les stations se trouvent dans la zone 2 de Travelcard. Hampstead est la limite avec la zone 3 de Travelcard. La construction de la station de métro North End a commencé mais n'est pas terminée. Gare la plus proche La gare de Hampstead Heath est située près de South End Green tandis que la gare de Finchley Road & Frognal se trouve du côté ouest de Hampstead. Les deux stations font partie du réseau London Overground. Hôpital le plus proche *Hôpital Royal Gratuit Lieux les plus proches *Parc Belsize *Ferme de craie *Colline des enfants *Vert doré *Porte haute *Primrose Hill *Hampstead Sud *Bois de Saint-Jean *Chalet Suisse *Hampstead Ouest Résidents notables Hampstead est connu depuis longtemps comme la résidence de l'intelligentsia, composée d'écrivains, de compositeurs, de ballerines et d'intellectuels, d'acteurs, d'artistes et d'architectes – dont beaucoup ont créé une communauté bohème à la fin du XIXe siècle. Après 1917, puis à nouveau dans les années 1930, elle devint le siège d'une communauté d'artistes et d'écrivains d'avant-garde et accueillit un certain nombre d'émigrés et d'exilés de la Révolution russe et de l'Europe nazie. Plaques bleues Il y a au moins 60 plaques bleues du patrimoine anglais à Hampstead commémorant les nombreuses personnalités diverses qui y ont vécu. Références culturelles *Hampstead est mentionné dans la chanson « Young Conservateurs » de The Kinks et dans « Cross-Eyed Mary, « Mother Goose » et « A Small Cigar » de Jethro Tull. *Hampstead est référencé dans un sketch des Monty Python dans lequel un célèbre dramaturge (avec un accent du nord et un look ouvrier) remarque sarcastiquement à son fils (qui travaille dans une mine) : « Hampstead n'était pas assez bien pour toi, hein ? a dû aller à Barnsley". *Hampstead est le lieu fictif de la tombe de Lucy Westenra dans le roman Dracula de Bram Stoker. Lucy attirait les enfants à Hampstead Heath la nuit pour boire leur sang. Au cours de leur enquête, les Drs. Van Helsing et Seward ont dîné au château de Jack Straw et ont pris un taxi près du Spaniards Inn. *Dans la bande dessinée de Charles Dickens, The Pickwick Papers, Pickwick écrit un article scientifique « Spéculations sur la source des étangs de Hampstead », faisant référence aux étangs de Hampstead Heath. *Hampstead est mentionné dans le titre du livre Black Swine in the Sewers of Hampstead de Thomas Boyle. Le livre, publié en 1990, examine le développement du sensationnalisme et la couverture de la criminalité dans la presse et la littérature populaires de la Grande-Bretagne du milieu de l'époque victorienne, ainsi que sa nature et ses causes. *Dans la chanson "Middle of the Road" des Pretenders, Chrissie Hynde chante : "Au-delà des cabanes en tôle ondulée enfermées avec des enfants, mec, je ne parle pas d'une crèche de Hampstead." *23 Highgate Street Hampstead est l'emplacement de la maison du Dr Milena Gardosh dans Basic Instinct 2. *Hampstead a fait l'objet d'un jeu d'aventure informatique satirique, sorti en 1984. Journaux locaux Les journaux locaux, depuis 2014, sont le Camden New Journal gratuit et le Hampstead and Highgate Express.

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-La journée de 1944 a été la plus grande invasion maritime de l'histoire. Quel était le nom de code de l’opération ?

Opération Overlord

Les débarquements de Normandie (nom de code Opération Neptune) étaient les opérations de débarquement du mardi 6 juin 1944 (appelé jour J) de l'invasion alliée de la Normandie dans le cadre de l'opération Overlord pendant la Seconde Guerre mondiale. L'opération, la plus grande invasion maritime de l'histoire, a marqué le début de la libération du nord-ouest de l'Europe occupée par l'Allemagne du contrôle nazi et a contribué à la victoire des Alliés sur le front occidental. La planification de l'opération a commencé en 1943. Dans les mois qui ont précédé l'invasion, les Alliés ont mené une importante tromperie militaire, baptisée Opération Bodyguard, pour induire les Allemands en erreur quant à la date et au lieu des principaux débarquements alliés. La météo le jour J était loin d'être idéale, mais un report aurait entraîné un retard d'au moins deux semaines, car les planificateurs de l'invasion avaient des exigences concernant la phase de la lune, les marées et l'heure de la journée qui ne signifiaient que quelques les jours de chaque mois ont été jugés appropriés. Adolf Hitler a placé le maréchal allemand Erwin Rommel au commandement des forces allemandes et du développement des fortifications le long du mur de l'Atlantique en prévision d'une invasion alliée. Les débarquements amphibies ont été précédés par d'importants bombardements aériens et navals et par un assaut aéroporté : le débarquement de 24 000 soldats aéroportés américains, britanniques et canadiens peu après minuit. L'infanterie alliée et les divisions blindées ont commencé à débarquer sur les côtes françaises à 6h30. Le tronçon cible de la côte normande était divisé en cinq secteurs : Utah, Omaha, Gold, Juno et Sword Beach. Des vents violents ont poussé les péniches de débarquement à l'est de leurs positions prévues, en particulier à Utah et à Omaha. Les hommes ont débarqué sous le feu nourri des emplacements de canons surplombant les plages, et le rivage était miné et couvert d'obstacles tels que des pieux en bois, des trépieds métalliques et des barbelés, rendant le travail des équipes de nettoyage des plages difficile et dangereux. Les pertes furent les plus lourdes à Omaha, avec ses hautes falaises. À Gold, Juno et Sword, plusieurs villes fortifiées ont été nettoyées lors de combats de maison en maison, et deux emplacements de canons majeurs à Gold ont été désactivés à l'aide de chars spécialisés. Les Alliés n’ont réussi à atteindre aucun de leurs objectifs dès le premier jour. Carentan, Saint-Lô et Bayeux restent aux mains des Allemands et Caen, objectif majeur, n'est capturé que le 21 juillet. Seules deux des plages (Juno et Gold) ont été reliées le premier jour, et les cinq têtes de pont n'ont été reliées que le 12 juin ; Cependant, l'opération prit pied et les Alliés l'étendirent progressivement au cours des mois suivants. Les pertes allemandes le jour J s'élevaient à environ 1 000 hommes. Les pertes alliées s'élèvent à au moins 10 000, dont 4 414 morts confirmés. Les musées, mémoriaux et cimetières de guerre de la région accueillent de nombreux visiteurs chaque année. Arrière-plan Entre le 27 mai et le 4 juin 1940, plus de 338 000 soldats du Corps expéditionnaire britannique (BEF) et de l'armée française, coincés le long de la côte nord de la France, furent évacués lors de l'évacuation de Dunkerque. Après l’invasion de l’Union soviétique par l’armée allemande en juin 1941, le dirigeant soviétique Joseph Staline commença à faire pression pour la création d’un deuxième front en Europe occidentale. Fin mai 1942, l'Union soviétique et les États-Unis annonçaient conjointement qu'un "... accord complet avait été atteint concernant les tâches urgentes de création d'un deuxième front en Europe en 1942". Cependant, Churchill a persuadé Roosevelt de reporter l'invasion promise car, même avec l'aide américaine, les Alliés ne disposaient pas de forces suffisantes pour une telle frappe. Au lieu d’un retour immédiat en France, les Alliés occidentaux ont lancé des offensives sur le théâtre d’opérations méditerranéen, où les troupes britanniques étaient déjà stationnées. Au milieu de 1943, la campagne d’Afrique du Nord était gagnée. Les Alliés lancèrent ensuite l'invasion de la Sicile en juillet 1943, puis envahirent l'Italie en septembre 1943. À ce moment-là, les forces soviétiques étaient à l'offensive et avaient remporté une victoire majeure à la bataille de Stalingrad. La décision d'entreprendre une invasion transmanche au cours de l'année suivante fut prise lors de la Conférence Trident à Washington en mai 1943. La planification initiale était limitée par le nombre de péniches de débarquement disponibles, dont la plupart étaient déjà engagées en Méditerranée et dans le Pacifique. Lors de la Conférence de Téhéran en novembre 1943, Roosevelt et Churchill promirent à Staline qu’ils ouvriraient le deuxième front, longtemps retardé, en mai 1944. Quatre sites ont été envisagés pour le débarquement : la Bretagne, la presqu'île du Cotentin, la Normandie et le Pas de Calais. La Bretagne et le Cotentin étant des péninsules, il aurait été possible pour les Allemands de couper l'avancée alliée au niveau d'un isthme relativement étroit, ces sites furent donc rejetés. Comme le Pas de Calais est le point d'Europe continentale le plus proche de la Grande-Bretagne, les Allemands le considéraient comme la zone de débarquement initiale la plus probable, c'était donc la région la plus fortement fortifiée. Mais il offrait peu de possibilités d'expansion, car la zone est délimitée par de nombreux fleuves et canaux, alors qu'un débarquement sur un large front en Normandie permettrait des menaces simultanées contre le port de Cherbourg, les ports côtiers plus à l'ouest de Bretagne, et une attaque terrestre vers Paris. et finalement en Allemagne. La Normandie fut donc choisie comme site du débarquement. L'inconvénient le plus grave de la côte normande, le manque d'installations portuaires, serait surmonté grâce au développement des ports artificiels Mulberry. Une série de chars spécialisés, surnommés Hobart's Funnies, ont été créés pour faire face aux conditions attendues pendant la campagne de Normandie, telles que l'escalade des digues et le soutien rapproché sur la plage. Les Alliés prévoyaient de lancer l'invasion le 1er mai 1944. La première ébauche du plan fut acceptée lors de la Conférence de Québec en août 1943. Le général Dwight D. Eisenhower fut nommé commandant du quartier général suprême du Corps expéditionnaire allié (SHAEF). Le général Bernard Montgomery a été nommé commandant du 21e groupe d'armées, qui comprenait toutes les forces terrestres impliquées dans l'invasion. Le 31 décembre 1943, Eisenhower et Montgomery virent pour la première fois le plan, qui proposait des débarquements amphibies de trois divisions avec deux autres divisions en soutien. Les deux généraux insistent immédiatement pour que l'ampleur de l'invasion initiale soit étendue à cinq divisions, avec des descentes aéroportées de trois divisions supplémentaires, pour permettre des opérations sur un front plus large et accélérer la prise du port de Cherbourg. La nécessité d'acquérir ou de produire des péniches de débarquement supplémentaires pour l'opération élargie signifiait que l'invasion devait être reportée au mois de juin. Finalement, trente-neuf divisions alliées seraient engagées dans la bataille de Normandie : vingt-deux américaines, douze britanniques, trois canadiennes, une polonaise et une française, totalisant plus d'un million de soldats, tous sous commandement britannique. Opérations L'Opération Overlord était le nom attribué à l'établissement d'un campement à grande échelle sur le continent. La première phase, l’invasion amphibie et l’établissement d’une base sécurisée, portait le nom de code Opération Neptune. Pour obtenir la supériorité aérienne nécessaire au succès de l'invasion, les Alliés entreprirent une campagne de bombardement (nom de code Opération Pointblank) ciblant la production d'avions allemands, les approvisionnements en carburant et les aérodromes. Des tromperies élaborées, baptisées Opération Bodyguard, ont été entreprises dans les mois qui ont précédé l'invasion pour empêcher les Allemands de connaître le moment et le lieu de l'invasion. Les débarquements devaient être précédés d'atterrissages aéroportés près de Caen sur le flanc est pour sécuriser les ponts de l'Orne et au nord de Carentan sur le flanc ouest. Les Américains, chargés de débarquer à Utah Beach et Omaha Beach, devaient tenter de s'emparer de Carentan et de Saint-Lô le premier jour, puis de couper la presqu'île du Cotentin et enfin de s'emparer des installations portuaires de Cherbourg. Les Britanniques à Sword Beach et Gold Beach et les Canadiens à Juno Beach protégeraient le flanc américain et tenteraient d'établir des aérodromes près de Caen. Un emplacement sûr serait établi et une tentative serait faite pour tenir tout le territoire au nord de la ligne Avranches-Falaise au cours des trois premières semaines. Montgomery envisageait une bataille de quatre-vingt-dix jours, jusqu'à ce que toutes les forces alliées atteignent la Seine. Plans de tromperie Dans le cadre de l'opération Bodyguard, les Alliés ont mené plusieurs opérations subsidiaires destinées à induire les Allemands en erreur quant à la date et au lieu du débarquement allié. L'opération Fortitude comprenait Fortitude North, une campagne de désinformation utilisant de faux trafic radio pour amener les Allemands à s'attendre à une attaque contre la Norvège, et Fortitude South, une tromperie majeure impliquant la création d'un premier groupe d'armées américain fictif sous les ordres du lieutenant-général George S. Patton, soi-disant situé dans le Kent et le Sussex. Fortitude Sud visait à tromper les Allemands en leur faisant croire que l'attaque principale aurait lieu à Calais. De véritables messages radio du 21e groupe d'armées ont d'abord été acheminés vers le Kent via une ligne fixe, puis diffusés, pour donner aux Allemands l'impression que la plupart des troupes alliées y étaient stationnées. Patton resta stationné en Angleterre jusqu'au 6 juillet, continuant ainsi à tromper les Allemands en leur faisant croire qu'une deuxième attaque aurait lieu à Calais. De nombreuses stations radar allemandes sur la côte française ont été détruites en préparation du débarquement. De plus, la nuit précédant l'invasion, un petit groupe d'opérateurs du Special Air Service (SAS) a déployé des parachutistes factices au-dessus du Havre et d'Isigny. Ces mannequins ont amené les Allemands à croire qu'un atterrissage aéroporté supplémentaire avait eu lieu. Cette même nuit, lors de l'opération Taxable, le 617e Escadron de la RAF a largué des bandes de « fenêtre », une feuille métallique qui a provoqué un retour radar qui a été interprété à tort par les opérateurs radar allemands comme un convoi naval près du Havre. L'illusion était renforcée par un groupe de petites embarcations remorquant des ballons de barrage. Une déception similaire a été entreprise près de Boulogne-sur-Mer dans la région du Pas de Calais par le No. 218 Squadron RAF dans le cadre de l'opération Glimmer. Météo Les planificateurs de l’invasion ont déterminé un ensemble de conditions impliquant la phase de la lune, les marées et l’heure de la journée qui ne seraient satisfaites que quelques jours par mois. Une pleine lune était souhaitable, car elle fournirait un éclairage aux pilotes d’avion et aurait les marées les plus hautes. Les Alliés voulaient programmer les débarquements peu avant l'aube, à mi-chemin entre la marée basse et la marée haute, avec la marée montante. Cela améliorerait la visibilité des obstacles sur la plage, tout en minimisant le temps pendant lequel les hommes seraient exposés à l'air libre. . Eisenhower avait provisoirement choisi le 5 juin comme date de l'assaut. Cependant, le 4 juin, les conditions n'étaient pas propices à un atterrissage : des vents violents et une mer agitée rendaient impossible le lancement des péniches de débarquement, et des nuages ​​bas empêchaient les avions de trouver leurs cibles. Le capitaine de groupe James Stagg de la Royal Air Force (RAF) a rencontré Eisenhower dans la soirée du 4 juin. Lui et son équipe météorologique ont prédit que le temps s'améliorerait suffisamment pour que l'invasion puisse avoir lieu le 6 juin. Les prochaines dates disponibles avec les conditions de marée requises (mais sans la pleine lune souhaitable) seraient deux semaines plus tard, du 18 au 20 juin. Le report de l’invasion aurait nécessité le rappel des hommes et des navires déjà en position pour traverser la Manche, et aurait augmenté les chances que les plans d’invasion soient détectés. Après de longues discussions avec les autres commandants supérieurs, Eisenhower décida que l'invasion devait avoir lieu le 6. Une importante tempête s'abat sur les côtes normandes du 19 au 22 juin, ce qui aurait rendu impossible les débarquements sur la plage. Le contrôle allié de l'Atlantique signifiait que les météorologues allemands disposaient de moins d'informations que les Alliés sur les conditions météorologiques à venir. Alors que le centre météorologique de la Luftwaffe à Paris prévoyait deux semaines de temps orageux, de nombreux commandants de la Wehrmacht quittèrent leur poste pour assister aux exercices militaires à Rennes, et les hommes de nombreuses unités reçurent des congés. Le maréchal Erwin Rommel retourna en Allemagne pour l'anniversaire de sa femme et rencontra Hitler pour tenter d'obtenir plus de Panzers. Ordre de bataille allemand L'Allemagne nazie disposait de cinquante divisions en France et aux Pays-Bas, et dix-huit autres stationnées au Danemark et en Norvège. Quinze divisions étaient en cours de formation en Allemagne. Les pertes au combat tout au long de la guerre, en particulier sur le front de l’Est, signifiaient que les Allemands ne disposaient plus d’un bassin de jeunes hommes compétents dans lesquels puiser. Les soldats allemands avaient désormais en moyenne six ans de plus que leurs homologues alliés. Beaucoup dans la région normande étaient des Ostlegionen (légions de l'Est) – des conscrits et des volontaires venus de Russie, de Mongolie et d'ailleurs. Ils disposaient principalement d'équipements capturés peu fiables et manquaient de moyens de transport motorisés. De nombreuses unités allemandes étaient en sous-effectif. Commandant suprême allemand : Adolf Hitler * Commandant suprême Ouest (OB West) : Maréchal Gerd von Rundstedt *** (Groupe Panzer Ouest : Général Leo Geyr von Schweppenburg) ** Groupe d'armées B : maréchal Erwin Rommel *** 7ème Armée : Colonel-général Friedrich Dollmann **** LXXXIV Corps sous le commandement du général d'artillerie Erich Marcks Presqu'île du Cotentin Les forces alliées attaquant Utah Beach ont affronté les unités allemandes suivantes stationnées dans la péninsule du Cotentin : * La 709e Division d'infanterie statique sous le commandement du Generalleutnant Karl-Wilhelm von Schlieben comptait 12 320 hommes, dont beaucoup d'Oslegionen (conscrits non allemands recrutés parmi les prisonniers de guerre soviétiques, Géorgiens et Polonais). ** 729ème Régiment de Grenadiers ** 739ème Régiment de Grenadiers ** 919ème Régiment de Grenadiers Secteur Grandcamps Les Américains attaquant Omaha Beach affrontèrent les troupes suivantes : * 352e Division d'infanterie sous le commandement du Generalleutnant Dietrich Kraiss, une unité complète d'environ 12 000 hommes amenée par Rommel le 15 mars et renforcée par deux régiments supplémentaires. ** 914ème Régiment de Grenadiers ** 915th Grenadier Regiment (en réserve) ** 916ème Régiment de Grenadiers ** 726e Régiment d'infanterie (de la 716e Division d'infanterie) ** 352ème Régiment d'Artillerie Les forces alliées à Gold et Juno ont affronté les éléments suivants de la 352e division d'infanterie : *914ème Régiment de Grenadiers * 915ème Régiment de Grenadiers * 916ème Régiment de Grenadiers * 352ème Régiment d'Artillerie Forces autour de Caen Les forces alliées attaquant les plages Gold, Juno et Sword ont affronté les unités allemandes suivantes : * 716e Division d'infanterie statique sous le commandement du Generalleutnant Wilhelm Richter. Avec 7 000 hommes, la division manquait considérablement d'effectifs. ** 736ème Régiment d'infanterie ** 1716ème Régiment d'Artillerie * La 21e Panzer Division (au sud de Caen) dirigée par le général-major Edgar Feuchtinger comprenait 146 chars et 50 canons d'assaut, ainsi que de l'infanterie et de l'artillerie de soutien. ** 100ème Régiment Panzer ** 125ème Régiment de Panzergrenadiers ** 192e Régiment de Panzergrenadiers ** 155ème Régiment d'Artillerie Panzer Mur de l'Atlantique Alarmé par les raids de Saint-Nazaire et de Dieppe en 1942, Hitler avait ordonné la construction de fortifications tout le long de la côte atlantique, de l'Espagne à la Norvège, pour se protéger contre une invasion alliée attendue. Il envisageait 15 000 emplacements occupés par 300 000 soldats, mais le manque, notamment de béton et de main d'œuvre, signifiait que la plupart des points forts ne furent jamais construits. Comme il était prévu qu'il soit le site de l'invasion, le Pas de Calais fut fortement défendu. Dans la région normande, les meilleures fortifications étaient concentrées dans les installations portuaires de Cherbourg et de Saint-Malo. Rommel fut chargé de superviser la construction de nouvelles fortifications le long du front d'invasion prévu, qui s'étendait des Pays-Bas à Cherbourg, et reçut le commandement du groupe d'armées B nouvellement reformé, qui comprenait la 7e armée, la 15e armée et la forces gardant les Pays-Bas. Les réserves de ce groupe comprenaient les 2e, 21e et 116e divisions Panzer. Rommel pensait que la côte normande pourrait être un point de débarquement possible pour l'invasion. Il ordonna donc la construction de vastes ouvrages défensifs le long de cette côte. En plus des emplacements de canons en béton à des points stratégiques le long de la côte, il ordonna de placer des pieux en bois, des trépieds métalliques, des mines et de grands obstacles antichar sur les plages pour retarder l'approche des péniches de débarquement et entraver le mouvement des chars. S'attendant à ce que les Alliés débarquent à marée haute afin que l'infanterie passe moins de temps exposée sur la plage, il ordonna que bon nombre de ces obstacles soient placés à la laisse des hautes eaux. Des enchevêtrements de barbelés, des pièges et la suppression de la couverture végétale rendaient l'approche dangereuse pour l'infanterie. Sur ordre de Rommel, le nombre de mines le long de la côte fut triplé. L'offensive aérienne alliée sur l'Allemagne avait paralysé la Luftwaffe et établi la suprématie aérienne sur l'Europe occidentale. Rommel savait donc qu'il ne pouvait pas s'attendre à un soutien aérien efficace. La Luftwaffe ne pouvait rassembler que 815 avions au-dessus de la Normandie, contre 9 543 pour les Alliés. Rommel a fait en sorte que des piquets piégés connus sous le nom de Rommelspargel (asperges de Rommel) soient installés dans les prairies et les champs pour dissuader les atterrissages aériens. Réserves blindées Rommel pensait que la meilleure chance de l'Allemagne était d'arrêter l'invasion sur le rivage. Il demande que les réserves mobiles, notamment les chars, soient stationnées le plus près possible des côtes. Rundstedt, Geyr et d'autres commandants supérieurs s'y sont opposés. Ils pensaient que l’invasion ne pouvait être stoppée sur les plages. Geyr plaide pour une doctrine conventionnelle : maintenir les formations Panzer concentrées dans une position centrale autour de Paris et de Rouen et ne les déployer que lorsque la principale tête de pont alliée aura été identifiée. Il a également noté que, lors de la campagne d'Italie, les unités blindées stationnées près de la côte avaient été endommagées par les bombardements navals. L'opinion de Rommel était qu'en raison de la suprématie aérienne alliée, le mouvement à grande échelle des chars ne serait pas possible une fois l'invasion en cours. Hitler prit la décision finale, qui fut de laisser trois divisions Panzer sous le commandement de Geyr et de donner à Rommel le contrôle opérationnel de trois autres divisions en réserve. Hitler a pris le contrôle personnel de quatre divisions en tant que réserves stratégiques, à ne pas utiliser sans ses ordres directs. Ordre de bataille allié Commandant, SHAEF : Général Dwight D. Eisenhower Commandant du 21e groupe d'armées : général Bernard Montgomery zones américaines Commandant de la Première Armée (États-Unis) : lieutenant-général Omar Bradley Le contingent de la Première Armée comptait environ 73 000 hommes, dont 15 600 issus des divisions aéroportées. ;UtahPlage * VIIe Corps, commandé par le major général J. Lawton Collins ** 4e division d'infanterie : major général Raymond O. Barton ** 82e division aéroportée : major-général Matthew Ridgway ** 90e division d'infanterie : général de brigade Jay W. MacKelvie ** 101e Division aéroportée : Major-général Maxwell D. Taylor ;OmahaPlage * V Corps, commandé par le major-général Leonard T. Gerow, soit 34 250 hommes ** 1re Division d'infanterie : Major-général Clarence R. Huebner ** 29e division d'infanterie : major-général Charles H. Gerhardt Zones britanniques et canadiennes Commandant de la Deuxième Armée (Grande-Bretagne et Canada) : lieutenant-général Sir Miles Dempsey Au total, le contingent de la Deuxième Armée était composé de 83 115 hommes, dont 61 715 britanniques. Les unités de soutien aérien et naval nominalement britanniques comprenaient un grand nombre de membres du personnel des pays alliés, y compris plusieurs escadrons de la RAF composés presque exclusivement d'équipages aériens étrangers. Par exemple, la contribution australienne à l’opération comprenait un escadron régulier de la Royal Australian Air Force (RAAF), neuf escadrons Article XV et des centaines de personnes affectées dans des unités de la RAF et des navires de guerre de la RN. La RAF a fourni les deux tiers des avions impliqués dans l'invasion. ;Plage d'Or * XXX Corps, commandé par le lieutenant-général Gerard Bucknall ** 50e division d'infanterie (Northumbrian) : major général D.A.H. Graham ;Plage Juno * I Corps britannique, commandé par le lieutenant-général John Crocker ** 3e Division canadienne : Major-général Rod Keller ;Plage de l'épée * I Corps britannique, commandé par le lieutenant-général John Crocker ** 3e Division d'infanterie : général de division Tom Rennie ** 6ème Division Aéroportée : Major Général R.N. grand vent 79e Division blindée : le major général Percy Hobart a fourni des véhicules blindés spécialisés qui ont soutenu les débarquements sur toutes les plages du secteur de la Deuxième Armée. Coordination avec la Résistance française Par l'intermédiaire de l'État-major des Forces Françaises de l'Intérieur, basé à Londres, le Special Operations Executive britannique a orchestré une campagne massive de sabotage qui a été mise en œuvre par la Résistance française. Les Alliés ont élaboré quatre plans que la Résistance devait exécuter le jour J et les jours suivants : * Le Plan Vert était une opération de 15 jours visant à saboter le système ferroviaire. * Le Plan Bleu s'est occupé de la destruction des installations électriques. * Le Plan Tortue était une opération retardatrice visant les forces ennemies susceptibles de renforcer les forces de l'Axe en Normandie. * Le Plan Violet visait à couper les câbles souterrains de téléphone et de téléimprimeur. La résistance a été alertée pour accomplir ces tâches par des messages personnels transmis par le service français de la BBC depuis Londres. Plusieurs centaines de ces messages, qu'il s'agisse d'extraits de poésie, de citations littéraires ou de phrases aléatoires, étaient régulièrement transmis, masquant les quelques-uns qui étaient réellement significatifs. Dans les semaines précédant le débarquement, des listes de messages et leurs significations ont été distribuées aux groupes de résistance. Une augmentation de l'activité radio le 5 juin a été correctement interprétée par les services de renseignement allemands comme signifiant qu'une invasion était imminente ou en cours. Cependant, en raison du déluge de faux avertissements et de désinformations précédents, la plupart des unités ont ignoré l’avertissement. Un rapport de 1965 du Centre d'analyse de l'information contre-insurrectionnelle détaille les résultats des efforts de sabotage de la Résistance française : « Dans le sud-est, 52 locomotives ont été détruites le 6 juin et la voie ferrée coupée à plus de 500 endroits. La Normandie est isolée dès le 7. Juin." Activité navale Les opérations navales pour l'invasion ont été décrites par l'historien Correlli Barnett comme un « chef-d'œuvre de planification jamais surpassé ». Le commandement général était assuré par l'amiral britannique Sir Bertram Ramsay, qui avait servi comme officier général à Douvres lors de l'évacuation de Dunkerque quatre ans plus tôt. Il avait également été responsable de la planification navale de l'invasion de l'Afrique du Nord en 1942 et de l'une des deux flottes transportant des troupes pour l'invasion de la Sicile l'année suivante. La flotte d'invasion était composée de huit marines différentes, comprenant 6 939 navires : 1 213 navires de guerre, 4 126 péniches de débarquement de divers types, 736 péniches auxiliaires et 864 navires marchands. La majorité de la flotte était fournie par le Royaume-Uni, qui fournissait 892 navires de guerre et 3 261 péniches de débarquement. Il y avait 195 700 marins impliqués. La flotte d'invasion a été divisée en la Force opérationnelle navale de l'Ouest (sous la direction de l'amiral Alan G Kirk) soutenant les secteurs américains et la Force opérationnelle navale de l'Est (sous la direction de l'amiral Sir Philip Vian) dans les secteurs britannique et canadien. La flotte disposait de cinq cuirassés, vingt croiseurs, soixante-cinq destroyers et deux moniteurs. Les navires allemands dans la région le jour J comprenaient trois torpilleurs, vingt-neuf bateaux d'attaque rapide, trente-six bateaux R et trente-six dragueurs de mines et bateaux de patrouille. Les Allemands disposaient également de plusieurs sous-marins et toutes les approches avaient été fortement minées. Pertes navales À 05h10, quatre torpilleurs allemands atteignirent la Force opérationnelle de l'Est et lancèrent quinze torpilles, coulant le destroyer norvégien HNoMS Svenner au large de Sword Beach mais manquant les cuirassés HMS Warspite et Ramillies. Après avoir attaqué, les navires allemands se détournèrent et s'enfuirent vers l'est dans un écran de fumée posé par la RAF pour protéger la flotte de la batterie à longue portée du Havre. Les pertes alliées dues aux mines comprenaient l'USS Corry au large de l'Utah et l'USS PC-1261, un patrouilleur de 173 pieds. De plus, de nombreuses péniches de débarquement ont été perdues. Bombardement Le bombardement de la Normandie a commencé vers minuit avec plus de 2 200 bombardiers britanniques, canadiens et américains attaquant des cibles le long de la côte et plus à l'intérieur des terres. L'attaque de bombardement côtier a été largement inefficace à Omaha, car la faible couverture nuageuse rendait les cibles assignées difficiles à voir. Soucieux de causer des pertes à leurs propres troupes, de nombreux bombardiers ont retardé trop longtemps leurs attaques et n'ont pas réussi à toucher les défenses de la plage. Les Allemands avaient 570 avions stationnés en Normandie et aux Pays-Bas le jour J, et 964 autres en Allemagne. Les dragueurs de mines ont commencé à dégager les canaux pour la flotte d'invasion peu après minuit et ont terminé juste après l'aube sans rencontrer l'ennemi. La Force opérationnelle occidentale comprenait les cuirassés , , et , ainsi que huit croiseurs, vingt-huit destroyers et un moniteur. La Force opérationnelle de l'Est comprenait les cuirassés HMS Ramillies et Warspite et le moniteur HMS Roberts, douze croiseurs et trente-sept destroyers. Le bombardement naval des zones derrière la plage a commencé à 05h45, alors qu'il faisait encore nuit, les artilleurs se tournant vers des cibles pré-assignées sur la plage dès qu'il faisait suffisamment clair pour voir, à 05h50. Étant donné que les troupes devaient débarquer dans l'Utah et à Omaha à partir de 6 h 30 (une heure plus tôt que les plages britanniques), ces zones n'ont reçu qu'environ 40 minutes de bombardement naval avant que les troupes d'assaut ne commencent à débarquer sur le rivage. Certaines péniches de débarquement avaient été modifiées pour fournir un tir d'appui rapproché, et des chars amphibies automoteurs Duplex-Drive (chars DD), spécialement conçus pour le débarquement en Normandie, devaient atterrir peu avant l'infanterie pour assurer un tir de couverture. Cependant, peu d'entre eux arrivèrent avant l'infanterie et beaucoup coulèrent avant d'atteindre le rivage, notamment à Omaha. Les débarquements Opérations aéroportées Le succès des débarquements amphibies dépendait de l'établissement d'un emplacement sûr à partir duquel étendre la tête de pont pour permettre la constitution d'une force bien approvisionnée et capable d'éclater. Les forces amphibies étaient particulièrement vulnérables aux contre-attaques ennemies puissantes avant que la constitution de forces suffisantes sur la tête de pont puisse être réalisée. Pour ralentir ou éliminer la capacité de l'ennemi à organiser et lancer des contre-attaques pendant cette période critique, des opérations aéroportées ont été utilisées pour capturer des objectifs clés tels que des ponts, des passages routiers et des éléments de terrain, en particulier sur les flancs est et ouest des zones de débarquement. Les débarquements aéroportés à quelque distance derrière les plages visaient également à faciliter la sortie des forces amphibies hors des plages et, dans certains cas, à neutraliser les batteries de défense côtière allemandes et à étendre plus rapidement la zone de tête de pont. Les 82e et 101e divisions aéroportées américaines furent affectées à des objectifs à l'ouest d'Utah Beach, où elles espéraient capturer et contrôler les quelques chaussées étroites à travers un terrain intentionnellement inondé par les Allemands. Les rapports des services de renseignement alliés à la mi-mai sur l'arrivée de la 91e division d'infanterie allemande signifiaient que les zones de largage prévues devaient être déplacées vers l'est et le sud. La 6e division aéroportée britannique, sur le flanc est, fut chargée de capturer intacts les ponts sur le canal de Caen et l'Orne, de détruire cinq ponts sur la Dives à 10 km à l'est et de détruire la batterie de canons de Merville surplombant Sword Beach. Les parachutistes français libres de la Brigade SAS britannique ont été affectés à des objectifs en Bretagne du 5 juin au mois d'août dans le cadre des opérations Dingson, Samwest et Cooney. Le correspondant de guerre de la BBC, Robert Barr, a décrit la scène alors que les parachutistes se préparaient à monter à bord de leur avion : Atterrissages aéroportés américains Les atterrissages aéroportés américains ont commencé avec l'arrivée des éclaireurs à 00h15. La navigation était difficile en raison d'un banc de nuages ​​épais et, par conséquent, seule une des cinq zones de largage des parachutistes était marquée avec précision par des signaux radar et des lampes Aldis. Les parachutistes des 82e et 101e divisions aéroportées américaines, au nombre de plus de 13 000 hommes, ont été livrés par des Douglas C-47 Skytrains du IX Troop Carrier Command. Pour éviter de survoler la flotte d'invasion, les avions arrivaient par l'ouest au-dessus de la presqu'île du Cotentin et ressortaient au-dessus d'Utah Beach. Les parachutistes de la 101e Airborne ont été largués vers 1 h 30, chargés de contrôler les chaussées derrière Utah Beach et de détruire les ponts routiers et ferroviaires sur la rivière Douve. Les C-47 ne pouvaient pas voler en formation serrée en raison de l'épaisse couverture nuageuse, et de nombreux parachutistes ont été largués loin de leurs zones d'atterrissage prévues. De nombreux avions sont arrivés si bas qu'ils ont été la cible de tirs de flak et de mitrailleuses. Certains parachutistes ont été tués sur le coup, leurs parachutes n'ayant pas eu le temps de s'ouvrir, et d'autres se sont noyés dans les champs inondés. Le regroupement en unités combattantes était rendu difficile par le manque de radios et par le bocage, avec ses haies, ses murs de pierre et ses marais. Certaines unités ne sont arrivées à leurs cibles que dans l'après-midi, date à laquelle plusieurs des chaussées avaient déjà été dégagées par des membres de la 4e division d'infanterie remontant de la plage. Les troupes de la 82e Airborne ont commencé à arriver vers 02h30, avec pour objectif principal de capturer deux ponts sur la rivière Merderet et de détruire deux ponts sur la Douve. Sur la rive est de la rivière, 75 pour cent des parachutistes ont atterri dans ou à proximité de leur zone de largage et, en deux heures, ils ont capturé l'important carrefour de Sainte-Mère-Église (la première ville libérée lors de l'invasion) et ont commencé à travailler pour protéger le flanc ouest. En raison de l'incapacité des éclaireurs à marquer avec précision leur zone de largage, les deux régiments largués sur le côté ouest du Merderet étaient extrêmement dispersés, avec seulement 4 % d'atterrissage dans la zone cible. Beaucoup ont atterri dans les marécages voisins, faisant de nombreuses victimes. Les parachutistes se sont regroupés en petits groupes, généralement une combinaison d'hommes de différents rangs provenant de différentes unités, et ont tenté de se concentrer sur des objectifs proches. Ils capturèrent mais ne parvinrent pas à tenir le pont de la rivière Merderet à La Fière, et les combats pour le passage se poursuivirent pendant plusieurs jours. Les renforts sont arrivés par planeur vers 04h00 (Mission Chicago et Mission Detroit) et 21h00 (Mission Keokuk et Mission Elmira), apportant des troupes supplémentaires et du matériel lourd. Comme les parachutistes, beaucoup ont atterri loin de leur zone de largage. Même ceux qui ont atterri sur la cible ont rencontré des difficultés, avec des charges lourdes telles que des Jeeps se déplaçant pendant l'atterrissage, s'écrasant à travers le fuselage en bois et, dans certains cas, écrasant le personnel à bord. Au bout de 24 heures, seuls 2 500 hommes de la 101e et 2 000 de la 82e Airborne étaient sous le contrôle de leurs divisions, environ un tiers des effectifs largués. Cette large dispersion a eu pour effet de dérouter les Allemands et de fragmenter leur réponse. La 7e armée a reçu une notification des parachutages à 01h20, mais Rundstedt ne croyait pas au départ qu'une invasion majeure était en cours. La destruction des stations radar le long de la côte normande dans la semaine précédant l'invasion a fait que les Allemands n'ont détecté la flotte en approche qu'à 02h00. Atterrissages aéroportés britanniques et canadiens La première action alliée du jour J fut l'opération Deadstick, un assaut de planeurs à 00 h 16 sur le pont Pegasus au-dessus du canal de Caen et sur le pont (renommé depuis pont Horsa) sur l'Orne, à 800 mètres à l'est. Les deux ponts ont été rapidement capturés intacts, avec de légères pertes, par des membres de la 5e brigade de parachutistes et du 7e bataillon de parachutistes (d'infanterie légère). Les cinq ponts sur les Dives ont été détruits sans difficulté par la 3e brigade parachutiste. Pendant ce temps, les éclaireurs chargés d'installer des balises radar et des lumières pour d'autres parachutistes (qui devaient commencer à arriver à 00h50 pour dégager la zone d'atterrissage au nord de Ranville) ont dévié de leur trajectoire et ont dû installer les aides à la navigation trop à l'est. De nombreux parachutistes, également poussés trop à l'est, ont atterri loin de leurs zones de largage prévues ; certains ont mis des heures, voire des jours, pour retrouver leurs unités. Le major-général Richard Gale est arrivé dans la troisième vague de planeurs à 03h30, avec du matériel, tel que des canons antichar et des jeeps, et davantage de troupes pour aider à sécuriser la zone contre les contre-attaques, qui étaient initialement organisées uniquement par les troupes dans l'immédiat. proximité des débarcadères. À 02h00, le commandant de la 716e division d'infanterie allemande a ordonné à Feuchtinger de mettre sa 21e Panzer Division en position pour contre-attaquer. Cependant, comme la division faisait partie de la réserve blindée, Feuchtinger fut obligé de demander l'autorisation de l'OKW avant de pouvoir engager sa formation. Feuchtinger n'a reçu d'ordres que vers 9 heures du matin, mais entre-temps, de sa propre initiative, il a constitué un groupement tactique (comprenant des chars) pour combattre les forces britanniques à l'est de l'Orne. Seuls 160 hommes sur les 600 membres du 9e bataillon chargé d'éliminer la batterie ennemie de Merville arrivent au point de rendez-vous. Le lieutenant-colonel Terence Otway, en charge de l'opération, décide de continuer malgré tout, car l'emplacement doit être détruit avant 06h00 pour éviter qu'il ne tire sur la flotte d'invasion et les troupes arrivant sur Sword Beach. je

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Sur quelle île se trouvent les Cuillin Hills ?

l'île de Skye

Le Cuillin (gaélique écossais : An Cuilthionn ou An Cuiltheann) est une chaîne de montagnes rocheuses située sur l'île de Skye en Écosse. Le vrai Cuillin est également connu sous le nom de Black Cuillin pour le distinguer du Red Cuilin (na Beanntan Dearga, connu localement sous le nom de Red Hills) à travers Glen Sligachan. Les collines de Red Cuilin sont plus basses et, étant moins rocheuses, comportent moins de difficultés ou de montées. Le point culminant du Cuillin et de l'île de Skye est Sgùrr Alasdair dans le Cuillin noir à 992 m (3 255 pi). Le Cuillin est l'une des 40 zones panoramiques nationales d'Écosse. Cuillin Noir Les sommets du Cuillin Noir sont principalement composés de gabbro, une roche ignée noire très rugueuse qui offre une superbe adhérence aux alpinistes, et de basalte, qui peut être très glissant lorsqu'elle est mouillée. Les sommets du Cuillin sont des roches nues, aux contours déchiquetés et avec des falaises abruptes et des corries et ravins profonds. Douze pics Black Cuillin sont répertoriés comme Munros, bien que l'un d'eux, Blaven, fasse partie d'un groupe de valeurs aberrantes séparées de la crête principale par Glen Sligachan. Le brouilleur peut accéder à la plupart des sommets individuels par les itinéraires les plus faciles. Seul l'Inaccessible Pinnacle est une escalade graduée (modérée) par sa ligne la plus simple, mais plusieurs des autres sommets nécessitent des compétences en matière de brouillage. Il n'y a pas de sources naturelles d'eau sur la crête (sauf les neiges hivernales et l'eau de fonte) : toute l'eau doit être transportée par le visiteur. Ascension de la Traversée Black Cuillin En plus de gravir des sommets individuels, il y a le défi d'une traversée complète de la crête. Bien que d'une longueur de seulement sept miles, la traversée moyenne prendra probablement 15 à 20 heures du niveau de la mer à Glenbrittle jusqu'au bar de l'hôtel Sligachan en raison de la difficulté du terrain et des problèmes de recherche d'itinéraire. La première traversée enregistrée en moins de 24 heures a eu lieu en 1911 par L Shadbolt et A McLaren. Le record de la traversée complète, établi par Finlay Wild en octobre 2013, s'élève à 2 heures, 59 minutes et 22 secondes (bien que ce temps soit de Gars-bheinn à Sgùrr nan Gillean et n'inclut pas l'ascension initiale depuis Glenbrittle ni la finale). descente vers Sligachan). Une traversée plus longue du Black Cuillin (y compris tous les Skye Munros, bien qu'en omettant certaines valeurs aberrantes du gabbro) est la Greater Traverse ; cela implique de continuer vers Clach Glas et Blaven. Cette traversée a été effectuée pour la première fois indépendamment par deux groupes, à l'été 1939, I Charleson et W Forde revendiquant la préséance sur W. H. Murray et R G Donaldon quelques semaines plus tard. - (voir le livre de W. H. Murray pour les détails de sa traversée). Certains pensent que l'expérience d'alpinisme ultime au Royaume-Uni est la traversée complète de la crête de Cuillin, en particulier dans des conditions hivernales. La position de l'île de Skye dans le chaud Gulf Stream rend les conditions hivernales véritables rares, et les journées d'hiver très courtes rendent probablement une traversée de 24 heures peu pratique. Le premier enregistré, sur deux jours, remonte à 1965 par D Crabbe, B Robertson, T Patey et H MacInnes. Le Cuillin est peut-être la seule chaîne du Royaume-Uni à approcher de manière abrupte (mais pas bien sûr en hauteur) l'expérience montagnarde de chaînes telles que les Alpes ou les Rocheuses. Collines rouges (Cuillin rouge) Les Red Hills (Na Beanntan Dearga en gaélique) sont parfois connues sous le nom de Red Cuillin. Ils sont principalement composés de granite qui est plus pâle que le gabbro (avec une teinte rougeâtre sous certains angles sous certaines lumières) et s'est altéré en collines plus arrondies avec une couverture végétale jusqu'au sommet et de longues pentes d'éboulis sur leurs flancs. Le point culminant des collines est Glamaig, l'un des deux seuls Corbetts de Skye (l'autre étant Garbh-bheinn, qui fait partie du petit groupe de valeurs aberrantes de gabbro entourant Blà Bheinn). Principaux sommets Voici une liste des Munros, Corbetts et Grahams des Cuillin. Cette liste exclut les sommets tels que Clach Glas qui, en termes de randonnée/alpinisme, sont considérés comme importants. Histoire La bataille de Coire Na Creiche s'est déroulée sur les pentes en contrebas de Bruach na Frìthe en 1601. Ce fut la dernière bataille de clans écossais menée à Skye, au cours de laquelle le clan MacDonald de Sleat a vaincu le clan MacLeod après une amère querelle. En 2000, les Cuillin ont été mis en vente pour 10 millions de livres sterling par les Laird dans le cadre d'un projet de terrain en échange de réparations au château de Dunvegan. À la suite d'un différend sur la propriété, un accord fut conclu pour que la propriété soit offerte en échange de réparations au château du clan. Il existe une légende selon laquelle les Cuillin sont hantés par le fantôme d'un hors-la-loi appelé MacRaing. Références culturelles * Le Cuillin est un dispositif thématique clé dans le film familial en langue gaélique Seachd : The Inaccessible Pinnacle. * L'un des poèmes les plus connus de Sorley MacLean est l'épopée The Cuillin. * Le groupe Runrig a enregistré la chanson "Nightfall on Marsco". * Selon la légende, les Cuillin tirent leur nom du héros gaélique Cúchulainn, bien qu'il s'agisse probablement d'une étymologie populaire. La légende raconte que Cúchulainn a appris les arts martiaux auprès de la guerrière Scáthach, qui aurait une école à Skye. * La chanson The Road to the Isles mentionne les Cuillin dans le premier couplet et dans chaque refrain. * Le roman policier sur le meurtre Wildfire at Midnight de Mary Stewart se déroule dans et autour du Cuillin. * Le roman d'espionnage Mr. Standfast de John Buchan comporte un chapitre autour des Cuillin ("Coolins" dans le livre). * The Inaccessible Pinnacle est la scène d'une mort dans "Trick of the Dark" de Val McDermid. * Brave contient une chanson qui fait référence à un ours légendaire étant « plus gros qu'un Cuillin ». * Dans la chanson « Broadford Bazaar » de Jethro Tull, il est fait référence aux « petits Cuillins en plastique ». * Le Black Cuillin Traverse est présenté dans l'épisode 2 de Running Wild With Bear Grylls. * Le cycliste de trial Danny MacAskill, qui a grandi sur l'île de Skye, a filmé sa dernière vidéo The Ridge on the Cuillin * La vérité est une grotte dans les Montagnes Noires, une nouvelle illustrée de Neil Gaiman et Eddie Campbell, présente une grotte d'or légendaire dans le Black Cuillin. Galerie Image : North Cuillin depuis Portree.jpg | Le North Cuillin vu depuis Portree. Image : Glen Sligachan.jpg|Glen Sligachan entouré par le Black Cuillin et Marsco du sud de Bla Bheinn. Image : Marsco Blaven.jpg | Marsco (à gauche), Clach Glas et Bla Bheinn du chemin Allt Dearg Mòr. Fichier : Île de Skye A863 The Cuillins.jpg | Vues des montagnes Cuillin sur l'A863 en direction de Sligachan sur l'île de Skye, en Écosse.

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Quel danseur n'a qu'une seule apparition notable dans un film, apparaissant avec Sean Connery dans le film de 1979 The First Great Train Robbery, pénétrant par effraction dans un bureau de gare surveillé.

Wayne Sleep

The First Great Train Robbery – connu aux États-Unis sous le nom de The Great Train Robbery – est un film de 1979 réalisé par Michael Crichton, qui a également écrit le scénario basé sur son roman The Great Train Robbery. Le film met en vedette Sean Connery, Donald Sutherland et Lesley-Anne Down. Parcelle En 1854, Edward Pierce (Sean Connery), membre charismatique de la haute société londonienne, est secrètement un maître voleur. Il envisage de voler une cargaison mensuelle d'or du train Londres-Folkestone, destinée à payer les troupes britanniques combattant dans la guerre de Crimée. L'or est lourdement gardé dans deux lourds coffres-forts dans le fourgon à bagages, chacun étant doté de deux serrures, nécessitant un total de quatre clés. Pierce recrute Robert Agar (Donald Sutherland), un pickpocket et un vissier. La maîtresse de Pierce, Miriam (Lesley-Anne Down) et son chauffeur Barlow (George Downing) se joignent au complot, et un garde de train, Burgess (Michael Elphick), est soudoyé pour participer. Les dirigeants de la banque qui organisent le transport de l'or, le gérant M. Henry Fowler (Malcolm Terris) et le président M. Edgar Trent (Alan Webb), possèdent chacun une clé ; les deux autres sont enfermés dans une armoire dans les bureaux de la South Eastern Railway à la gare de London Bridge. Afin de cacher les intentions des voleurs, des empreintes de cire doivent être réalisées sur chacune des clés. Pierce s'attire les bonnes grâces de Trent en feignant un intérêt commun pour le ratage. Il commence également à courtiser la fille célibataire de Trent, Elizabeth (Gabrielle Lloyd), pour connaître l'emplacement de la clé de son père. Pierce et Agar ont réussi à s'introduire par effraction dans la maison de Trent la nuit et à faire une impression de cire de la clé avant de s'enfuir proprement malgré un appel rapproché avec le majordome. Pierce cible Fowler à cause de son faible pour les prostituées. Miriam se fait passer à contrecœur pour "Madame Lucienne", une pute de grande classe dans un bordel exclusif. Miriam rencontre Fowler et lui demande de se déshabiller, le forçant à retirer la clé qu'il porte autour du cou. Pendant que Fowler est distrait par Miriam, Agar fait une impression de sa clé. Pierce organise alors une fausse descente de police pour sauver Miriam, forçant Fowler à fuir pour éviter un scandale. Les clés de la gare s'avèrent un défi bien plus difficile. Après qu'une tactique de diversion avec un enfant pickpocket n'ait pas réussi à distraire les gardes, Pierce décide d'utiliser le cambrioleur chat Clean Willy (Wayne Sleep) pour descendre du plafond et ouvrir les portes du bureau de l'intérieur. Parce que Clean Willy est incarcéré à la prison de Newgate, Pierce et Agar doivent d'abord l'évader, en utilisant une exécution publique comme distraction. Avec l'aide de Willy, les criminels réussissent à prendre des empreintes de cire sur les clés lorsque le gardien de nuit prend une pause prévue aux toilettes. Clean Willy est ensuite arrêté suite à une tentative de vol à la tire ratée et informe Pierce. La police utilise Willy pour attirer Pierce dans un piège, mais le maître du crack échappe facilement à la capture. Clean Willy échappe à ses ravisseurs mais est assassiné par Barlow sur ordre de Pierce. Les autorités, conscientes de l'imminence du braquage, renforcent la sécurité en faisant cadenasser le fourgon à bagages de l'extérieur jusqu'à l'arrivée du train à destination et en interdisant aux passagers de voyager dans le fourgon du gardien. Tout conteneur suffisamment grand pour contenir un homme doit être ouvert et inspecté avant d'être chargé dans le train. Pierce fait entrer clandestinement Agar dans le fourgon à bagages déguisé en cadavre dans un cercueil. Pierce prévoit d'atteindre la voiture à travers les toits des autocars pendant que le train est en route, mais lui et Miriam rencontrent Fowler, qui prend le train pour Folkestone pour surveiller la cargaison. Après avoir fait en sorte que Miriam voyage dans le même compartiment que Fowler pour détourner son attention, Pierce traverse le toit du train et déverrouille la porte du fourgon à bagages de l'extérieur. Lui et Agar remplacent l'or par des lingots de plomb et jettent les sacs d'or hors du train à un moment convenu à l'avance. Cependant, la suie provenant de la fumée du moteur a taché les vêtements de Pierce et il est obligé d'emprunter le costume d'Agar, qui est beaucoup trop petit pour lui. La veste se fend dans le dos lorsqu'il débarque à Folkstone. Très vite, les policiers se méfient et l'arrêtent avant qu'il ne puisse rejoindre ses complices. Pierce est reconnu coupable du vol. À sa sortie du palais de justice, il reçoit l'adulation des masses britanniques les plus pauvres, qui le considèrent comme un héros populaire pour son acte audacieux. Dans le tumulte, Miriam déguisée l'embrasse tout en lui glissant la clé de ses menottes. Agar est également présent, déguisé en chauffeur de fourgon de police. Alors que Pierce est sur le point d'être poussé dans le wagon, il se libère et lui et Agar s'échappent, à la jubilation de la foule et au grand dam de la police. Casting *Sean Connery dans le rôle d'Edward Pierce *Donald Sutherland dans le rôle d'Agar * Lesley-Anne Down dans le rôle de Miriam * Alan Webb dans le rôle de Trent * Malcolm Terris dans le rôle d'Henry Fowler * Robert Lang dans le rôle de Sharp *Michael Elphick dans le rôle de Burgess * Wayne Sleep dans le rôle de Clean Willy * Pamela Salem dans le rôle d'Emily Trent * Gabrielle Lloyd dans le rôle d'Elizabeth Trent * George Downing dans le rôle de Barlow *James Cossins dans le rôle d'Harranby *André Morell comme juge Production Les droits cinématographiques du roman ont été achetés en 1975 par Dino de Laurentiis. En 1977, il fut annoncé que le film serait réalisé en Irlande par American International Pictures avec Sean Connery et Jacqueline Bisset. Crichton a délibérément modifié le film de son livre. Il a dit que "le livre était direct, factuel mais le film va être proche de la farce". Sean Connery a initialement refusé le film après avoir lu le scénario, le jugeant « trop lourd ». On lui a demandé de reconsidérer sa décision, de lire le roman original, de rencontrer Crichton et de changer d'avis. Sean Connery a réalisé la plupart de ses propres cascades dans le film, y compris la longue séquence au sommet du train en marche. Le train était composé d'une locomotive originale de 1855 et de voitures fabriquées pour le film à partir de wagons plats. Connery a appris que le train roulerait à seulement 20 miles par heure pendant son séjour au sommet des wagons. Cependant, l'équipe du train a utilisé un moyen inexact pour évaluer la vitesse du train. Le train roulait en réalité à des vitesses de 40 à 50 miles par heure. Connery portait des chaussures à semelles en caoutchouc souple et les toits des voitures étaient recouverts d'une surface sablonneuse et graveleuse. Connery a en fait glissé et a failli tomber du train lors d'un saut entre deux wagons, et a eu du mal à garder ses yeux exempts de fumée et de cendres de la locomotive. Une erreur peut être constatée dans la séquence du beffroi de Bateson. Lorsque le couvercle est arraché du cercueil et que Lesley-Anne Down se penche pour en sortir son « frère », les yeux de Donald Sutherland se contractent de gauche à droite. Origines de l'intrigue L'intrigue du film est vaguement basée sur le grand vol d'or de 1855, dans lequel un crackman nommé William Pierce a organisé le vol d'un train d'or expédié à l'armée britannique pendant la guerre de Crimée. La cargaison d'or de 12 000 £ (soit 1 281 550 £ aujourd'hui, soit 930 143 €) en pièces d'or et en lingots provenant du train de voyageurs Londres-Folkestone a été volée par Pierce et ses complices, un employé des bureaux des chemins de fer nommé Tester, et un vissier qualifié nommé Agar. Le vol était planifié depuis un an et impliquait la fabrication de jeux de clés en double à partir d'empreintes de cire pour les serrures des coffres-forts et la corruption du garde du train, un homme appelé Burgess. Crichton, l'auteur du livre et du scénario, s'est inspiré du livre de Kellow Chesney de 1970, The Victorian Underworld, qui est un examen complet des aspects les plus sordides de la société victorienne. Dans son scénario, Crichton a basé son personnage "Clean Willy" Williams sur un autre personnage réel du livre de Chesney, un cambrioleur nommé Williams (ou Whitehead) qui, condamné à mort dans la prison de Newgate, s'est évadé de prison en escaladant les 15 mètres (50 -ft.) de hauts murs de granit à pic, se faufilant à travers les pointes de fer tournantes au sommet et escaladant les pointes acérées saillantes vers l'intérieur au-dessus d'eux avant de s'échapper par les toits. Le seul personnage entièrement fictif du film est Miriam (Lesley-Anne Down). Lieux de tournage Bien que se déroulant à Londres et dans le Kent, la majeure partie du tournage a eu lieu en Irlande. En particulier, les scènes finales ont été tournées au Trinity College de Dublin et à la gare de Kent à Cork. Les scènes du train en marche ont été filmées sur la ligne ferroviaire Mullingar-Athlone (maintenant fermée) autour de la région d'Athlone/Moate. Le conducteur du train était John Byrne de Mullingar (aujourd'hui décédé). Musique La bande originale somptueuse et énergique du film a été écrite par le compositeur oscarisé Jerry Goldsmith. La partition marquait sa troisième collaboration avec le scénariste/réalisateur Michael Crichton après Pursuit (1972) et Coma (1978). La musique pour deux pianos, jouée par les personnages Elizabeth (Gabrielle Lloyd) et Emily Trent (Pamela Salem), est issue du troisième mouvement de la Sonate pour deux pianos en ré majeur de Mozart, K. 448 Molto Allegro. Réception Le grand vol de train a une note critique de 78 pour cent sur Rotten Tomatoes. Les critiques du site ont loué le ton comique du film, les séquences d'action et les détails victoriens. Variety a écrit que "le film de Crichton s'éternise en dialogues, mais triomphe lorsque l'action prend le dessus". Roger Ebert du Chicago Sun-Times a distingué Connery, écrivant que l'acteur "est l'un des meilleurs comédiens légers du cinéma, et ce depuis l'époque lointaine où il était James Bond". Vincent Canby du New York Times a salué « l'amplitude du réalisateur Crichton... dans cette pièce d'époque visuellement éblouissante » et que « le vol culminant de l'or, avec M. Connery grimpant au sommet des wagons en mouvement, se faufilant sous les ponts juste avant un décapitation possible, est une merveilleuse séquence d'action qui réussit à être très drôle car à couper le souffle. " Distinctions * Prix Edgar du meilleur scénario de film, 1980 — Michael Crichton

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Dans quel film de 1969 Michael Caine est-il apparu avec son frère Stanley.

The Italian Job

Sir Michael Caine (né Maurice Joseph Micklewhite le 14 mars 1933) est un acteur et auteur anglais. Réputé pour son accent cockney distinctif de la classe ouvrière, Caine est apparu dans plus de 115 films et est considéré comme une icône du cinéma britannique. Il a fait sa percée dans les années 1960 avec des rôles principaux dans un certain nombre de films britanniques acclamés, dont Zulu (1964), The Ipcress File (1965), Alfie (1966), pour lequel il a été nominé pour un Oscar, The Italian Job ( 1969) et Bataille d'Angleterre (1969). Ses rôles les plus remarquables dans les années 1970 incluent Get Carter (1971), The Last Valley, Sleuth (1972), pour lequel il a obtenu sa deuxième nomination aux Oscars, The Man Who Should Be King (1975) et A Bridge Too Far (1977). ). Il a obtenu certains de ses plus grands succès critiques dans les années 1980, avec Educating Rita (1983), qui lui a valu le BAFTA et le Golden Globe Award du meilleur acteur. En 1986, il reçoit l'Oscar du meilleur acteur dans un second rôle pour son interprétation dans Hannah and Her Sisters de Woody Allen. Caine a joué Ebenezer Scrooge dans The Muppet Christmas Carol (1992). Ayant alors pratiquement pris sa retraite du cinéma, il a connu un regain de carrière à la fin des années 1990, recevant son deuxième Golden Globe Award pour sa performance dans Little Voice en 1998 et recevant son deuxième Oscar du meilleur acteur dans un second rôle pour The Cider. Règlement intérieur l'année suivante. Caine a joué Nigel Powers dans la parodie Austin Powers de 2002 dans Goldmember, et Alfred Pennyworth dans la trilogie The Dark Knight de Christopher Nolan. Il est apparu dans plusieurs autres films de Nolan, dont The Prestige (2006), Inception (2010) et Interstellar (2014). Il est également apparu comme personnage secondaire dans Children of Men d'Alfonso Cuarón et dans le film Cars 2 de Pixar en 2011. En 2015, les films dans lesquels il a joué ont rapporté plus de 7,4 milliards de dollars dans le monde. Caine est classée neuvième star du box-office la plus rentable. Caine est l'un des deux seuls acteurs nominés pour un Oscar pour son rôle d'acteur au cours de chaque décennie, des années 1960 aux années 2000 (l'autre étant Jack Nicholson ; Laurence Olivier a également été nominée pour un Oscar d'acteur au cours de cinq décennies différentes, commençant en 1939 et se terminant en 1978). En 2000, Caine a été fait chevalier par la reine Elizabeth II en reconnaissance de sa contribution au cinéma. Début de la vie Caine est né à l'hôpital St Olave de Rotherhithe, Londres, fils de Maurice Joseph Micklewhite (1899-1957), porteur du marché aux poissons, et d'Ellen Frances Marie Burchell (19 mai 1900 - vers décembre 1989), cuisinière et femme de ménage. Son père avait des ancêtres anglais, irlandais et, semble-t-il, des voyageurs irlandais et était catholique. Il a été élevé dans la religion protestante de sa mère. Caine avait un demi-frère maternel, David William Burchell (11 juillet 1925 - mars 1992) et un propre frère, Stanley Micklewhite (1936-2013). Caine a grandi à Southwark, à Londres, et pendant la Seconde Guerre mondiale, il a été évacué vers North Runcton, près de King's Lynn dans le Norfolk. Après la guerre, son père fut démobilisé et la famille fut relogée par le conseil à Marshall Gardens à Elephant and Castle dans une maison préfabriquée fabriquée au Canada, car une grande partie du parc immobilier de Londres avait été endommagée lors du Blitz de 1940. 41. Les préfabriqués, comme on les appelait, étaient destinés à être des logements temporaires pendant la reconstruction de Londres, mais nous avons fini par y vivre pendant dix-huit ans et pour nous, après un appartement exigu avec des toilettes extérieures, c'était du luxe. En 1944, il réussit son examen de onze ans et remporta une bourse à la Hackney Downs School (anciennement The Grocers' Company's School). Pour un récit de son évacuation et de ses premières années scolaires, envoyé à Jerry Pam, un autre élève de Hackney Downs qu'il rencontra. dans les années 1950, qui était de 6 ans son aîné et qui est devenu son publiciste pendant « plus de 50 ans » — voir « MC » [Michael Caine], « A Message from Evacuee Maurice Micklewhite », The Clove's Lines : The Newsletter of The Clove Club : The Old Boys of Hackney Downs School 3.2 (mars 2009) : 16. Après un an là-bas, il a déménagé à la Wilson's Grammar School à Camberwell (maintenant la Wilson's School à Wallington, dans le sud de Londres), qu'il a quittée à seize ans après avoir obtenu une école. Certificat dans six matières. Il a ensuite travaillé brièvement comme commis au classement et messager pour une société cinématographique de Victoria Street et pour le producteur de films Jay Lewis de Wardour Street. À partir du 28 avril 1952, date à laquelle il fut appelé pour effectuer son service national jusqu'en 1954, il servit dans les Royal Fusiliers de l'armée britannique, d'abord au QG BAOR à Iserlohn, en Allemagne, puis en service actif pendant la guerre de Corée. Il était parti en Corée avec un sentiment de sympathie pour le communisme, venant d'une famille pauvre, mais cette expérience l'a définitivement repoussé. Il a vécu une situation où il savait qu'il allait mourir, dont le souvenir lui est resté et a façonné son caractère ; il a dit plus tard: "Le reste de ma vie, j'ai vécu chaque moment sanglant depuis le moment où je me réveille jusqu'au moment où je m'endors." Caine aimerait voir le retour du service national pour aider à lutter contre la violence chez les jeunes, déclarant : « Je dis juste, mettez-les dans l'armée pendant six mois. Vous êtes là pour apprendre à défendre votre pays. Vous appartenez à l'armée. Ensuite, quand vous sortez, vous ressentez un sentiment d'appartenance plutôt qu'un sentiment de violence". Carrière années 1950 La carrière d'acteur de Caine a commencé à l'âge de 20 ans à Horsham, dans le Sussex, lorsqu'il a répondu à une annonce dans The Stage pour un régisseur adjoint qui jouerait également de petits rôles pour la Westminster Repertory Company, basée à Horsham, qui se produisait au Théâtre électrique Carfax. Adoptant le nom de scène "Michael Scott", en juillet 1953, il fut choisi pour incarner l'ivrogne Hindley dans la production de la société Wuthering Heights. Il a rejoint la Lowestoft Repertory Company dans le Suffolk pendant un an à l'âge de 22 ans. C'est ici qu'il a rencontré sa première femme. Il a décrit les neuf premières années de sa carrière comme « vraiment, vraiment brutales ». Lorsque sa carrière l'amène à Londres en 1954, après son apprentissage provincial, son agent l'informe qu'il y a déjà un Michael Scott qui joue comme acteur à Londres et qu'il doit immédiatement trouver un nouveau nom. S'adressant à son agent depuis une cabine téléphonique de Leicester Square, à Londres, il a cherché l'inspiration autour de lui, a noté que The Caine Mutiny était projeté au cinéma Odeon en 1954 et a décidé de changer son nom en "Michael Caine". Il a plaisanté à la télévision en 1987 en disant que si un arbre lui bloquait en partie la vue à quelques mètres sur la gauche, il aurait pu être appelé "Michael Mutiny". (Humphrey Bogart était son « idole du cinéma » et il jouera plus tard le rôle initialement prévu pour Bogart dans L'Homme qui voulait être roi de John Huston.) Il a également plaisanté plus tard dans des interviews en disant que s'il avait détourné le regard, il aurait fini par comme "Michael cent un Dalmatiens". En 1959, il était la doublure de Peter O'Toole dans la mise en scène de Lindsay Anderson dans le West End de The Long and the Short and the Tall de Willis Hall. Il a repris le rôle lorsque O'Toole est parti pour faire Lawrence d'Arabie et a poursuivi une tournée de quatre mois en Grande-Bretagne et en Irlande. Le premier rôle au cinéma de Michael Caine était celui d'un des soldats du peloton de George Baker dans le film de 1956 A Hill in Korea. Les stars du film étaient George Baker, Stanley Baker, Harry Andrews et Michael Medwin, avec Stephen Boyd et Ronald Lewis, et Robert Shaw avait également un petit rôle. Il apparaît régulièrement à la télévision dans de petits rôles. Son premier rôle crédité à la BBC fut « Boudousse » dans la pièce de Jean Anouilh The Lark en 1956. D'autres rôles comprenaient trois rôles dans Dixon of Dock Green en 1957, 1958 et 1959, la série de prisonniers de guerre Escape (1957), le crime / thriller dramatique Mister Charlesworth et, ironiquement, un infirmier du tribunal dans The Caine Mutiny Court Martial (1958). années 1960 Caine a continué à apparaître à la télévision, dans les séries The Golden Girl et No Wreath for the General, mais a ensuite été choisi pour la pièce The Compartment, écrite par Johnny Speight, un film à deux avec également Frank Finlay. Cela a été suivi par des rôles principaux dans d'autres pièces, notamment Somewhere for the Night, une pièce du dimanche soir écrite par Bill Naughton, une autre pièce à deux de Johnny Speight, The Playmates, et deux éditions des pièces de la BBC, First Night, Funny Noises with Their. Mouths et The Way avec Reggie (tous deux en 1963). Il a également joué dans des pièces radiophoniques, notamment Looking for Frankie de Bill Naughton sur le BBC Home Service (1963) et Ping Pong sur le BBC Third Program (1964). Une grande rupture est survenue pour Caine lorsqu'il a été choisi pour incarner Meff dans la comédie Cockney de James Saunders La prochaine fois que je chanterai pour toi, lorsque cette pièce a été présentée au New Arts Theatre de Londres le 23 janvier 1963. Des scènes de la représentation de la pièce ont été présenté dans le numéro d'avril 1963 du magazine Theatre World. Lorsque cette pièce a été déplacée au Criterion à Piccadilly sous la mise en scène de Michael Codron, il a reçu la visite dans les coulisses de Stanley Baker, l'une des quatre stars du premier film de Caine, A Hill in Korea, qui lui a parlé du rôle d'un soldat de Cockney dans son prochain film. film Zulu, un film que Baker produisait et dans lequel il jouait. Baker a dit à Caine de rencontrer le réalisateur, Cy Endfield, qui l'a informé qu'il avait déjà donné le rôle à James Booth, un compatriote Cockney qui était l'ami de Caine, parce qu'il ressemblait plus à Cockney. que Caine. Endfield a ensuite dit à Caine de 6'2" qu'il ne ressemblait pas à un Cockney mais à un officier, et lui a proposé un test d'écran pour le rôle d'un officier snob de la classe supérieure après que Caine lui ait assuré qu'il pouvait faire un accent chic. Caine pense qu'Endfield lui a proposé, à lui un Cockney, le rôle d'un aristocrate parce que, étant américain, il n'avait pas les préjugés de classe britanniques endémiques. Bien qu'il ait mal passé ses tests, Endfield lui a donné le rôle qui ferait de lui une star de cinéma. Le tournage de Zulu a eu lieu à Natal, en Afrique du Sud, pendant 14 semaines en 1963. Selon son autobiographie de 2011 The Elephant to Hollywood, Caine avait signé un contrat de sept ans avec Joseph E. Levine, dont Embassy Films distribuait Zulu. . Après le retour des acteurs en Angleterre et l'achèvement du film, Levine l'a libéré du contrat en lui disant: "Je sais que tu ne l'es pas, mais tu dois faire face au fait que tu ressembles à un pédé à l'écran." Levine a donné son contrat à sa co-star zouloue, James Booth. Par la suite, l'agent de Caine l'a engagé dans la production de la BBC Hamlet à Elseneur (1964) dans le rôle d'Horatio, en soutien à Hamlet de Christopher Plummer. Horatio était le seul rôle classique que Caine, qui n'avait jamais reçu de formation dramatique, jouerait un jour. Caine a écrit : "... J'ai décidé que si mon apparence à l'écran devait être un problème, alors je l'utiliserais pour faire ressortir toute la sexualité ambiguë d'Horatio." Les rôles de Caine en tant qu'aristocrates d'apparence dépouillée devaient contraster avec ses projets suivants, dans lesquels il devait se faire remarquer par l'utilisation d'un accent régional, plutôt que de la prononciation reçue jusqu'ici considérée comme appropriée pour les acteurs de cinéma. À l'époque, le Cockney ouvrier de Caine, tout comme les accents Liverpudliens des Beatles, se démarquaient aussi bien du public américain que britannique. Zulu a été suivi de près par deux de ses rôles les plus connus : l'espion Harry Palmer dans The Ipcress File (1965) et le personnage principal coureur de jupons dans Alfie (1966). Il a ensuite joué Palmer dans quatre autres films, Funeral in Berlin (1966), Billion Dollar Brain (1967), Bullet to Beijing (1995) et Minuit à Saint-Pétersbourg (1995). Caine réalise son premier film aux États-Unis en 1966, après une invitation de Shirley MacLaine à jouer avec elle dans Gambit. Au cours des deux premières semaines, alors qu'il séjournait au Beverly Hills Hotel, il rencontra des amis de longue date, John Wayne et l'agent "Swifty" Lazar. années 1970 Après avoir travaillé sur The Italian Job avec Noël Coward et un solide rôle de pilote de chasse de la RAF, Squadron Leader Canfield dans le casting de stars de Battle of Britain (tous deux en 1969), Caine a joué le rôle principal dans Get Carter (1971), un gangster britannique. film. Caine était occupé avec des succès, notamment Sleuth (1972) face à Laurence Olivier, et The Man Who Could Be King (1975) de John Huston avec Sean Connery qui a été largement acclamé. Le Times a applaudi le « joli double acte de Caine et Connery, faisant le clown jusqu'à leur perte », tandis que Huston a rendu hommage à l'improvisation de Caine en tant qu'acteur : « Michael est l'un des hommes les plus intelligents parmi les artistes que j'ai connus. Je n’aime pas particulièrement lancer la balle à un acteur et le laisser improviser, mais avec Michael, c’est différent, je le laisse faire. » En 1976, il est apparu dans l'adaptation cinématographique par Tom Mankiewicz du roman de Jack Higgins, The Eagle Has Landed, dans le rôle de l'Oberst (colonel) Kurt Steiner, le commandant d'une unité de parachutistes de la Luftwaffe déguisé en parachutistes polonais, dont la mission était de kidnapper ou de tuer les parachutistes de l'époque. Le Premier ministre britannique Winston Churchill, aux côtés de ses co-stars Donald Sutherland, Robert Duvall, Jenny Agutter et Donald Pleasence. Par la suite, en 1978, il a joué dans The Silver Bears, une adaptation du roman du même nom de Paul Erdman (1974). Caine faisait également partie d'un casting de stars dans A Bridge Too Far (1977). années 1980 À la fin de la décennie, il avait déménagé aux États-Unis, mais ses choix de rôles ultérieurs ont été fréquemment critiqués, ce à quoi il a fait référence avec des commentaires autodérision sur le fait de prendre des rôles uniquement pour l'argent. Caine tournait alors en moyenne deux films par an, mais ceux-ci incluaient des échecs tels que The Magus (1968), nominé aux BAFTA Awards, The Swarm (1978), nominé aux Oscars, Ashanti (1979) (qu'il prétendait être ses trois pires films) , Beyond the Poseidon Adventure (1979), The Island (1980), The Hand (1981) et des retrouvailles avec sa co-star Sleuth Laurence Olivier dans The Jigsaw Man (1982). Bien que Caine ait également assumé de meilleurs rôles, notamment un rôle primé aux BAFTA dans Educating Rita (1983), un Oscar dans Hannah and Her Sisters (1986) et un rôle nominé aux Golden Globes dans Dirty Rotten Scoundrels (1988), il a continué à apparaître dans des films mal reçus tels que Blame It on Rio, la comédie Water de Dick Clement et Ian La Frenais, le flop critique-commercial Jaws: The Revenge (1987) (au sujet duquel il avait des sentiments mitigés concernant la production et le montage final). ), et Bullseye ! (1990). Sur Jaws: The Revenge, Caine a déclaré : « Je n'ai jamais vu le film, mais de l'avis de tous, il était terrible. Cependant, j'ai vu la maison qu'il a construite et elle est formidable. Ses autres films à succès (sur le plan critique ou financier) étaient California Suite, lauréat d'un Oscar en 1978, le film slasher nominé aux Golden Globes en 1980 Dressed to Kill, le film de guerre de 1981 Escape to Victory mettant en vedette Sylvester Stallone et des footballeurs des années 1960 et 1970, dont Pelé et Bobby Moore, le film Deathtrap de 1982 et Mona Lisa, nominée aux Oscars en 1986. En 1987, Caine a raconté Hero, le film officiel de la Coupe du Monde de la FIFA 1986. Il a également joué dans Without a Clue, incarnant Sherlock Holmes et a également agi en tant qu'inspecteur en chef. Frederick Abberline dans la série télévisée "Jack l'Éventreur" de 1988. années 1990 Dans les années 1990, il avait plus de mal à trouver de bons rôles. Il a joué le mystérieux barman Mike dans Mr. Destiny en 1990. Un moment fort est survenu lorsqu'il a joué Ebenezer Scrooge dans le film acclamé par la critique The Muppet Christmas Carol (1992). Il a joué le metteur en scène assiégé Lloyd Fellowes dans l'adaptation cinématographique de Noises Off (1992). Il a également joué un méchant dans le film de Steven Seagal On Deadly Ground (1994). Il était dans deux films consécutifs pour filmer les suites de Harry Palmer et quelques téléfilms. Cependant, la réputation de Caine en tant qu'icône pop était toujours intacte, grâce à ses rôles dans des films tels que The Italian Job et Get Carter. Sa performance dans Little Voice (1998) a été considérée comme une sorte de retour à la forme et lui a valu un Golden Globe Award. De meilleurs rôles ont suivi, notamment The Cider House Rules (1999), pour lequel il a remporté son deuxième Oscar du meilleur acteur dans un second rôle. années 2000 Dans les années 2000, Caine est apparu dans Miss Congeniality (2000), Last Orders (2001), The Quiet American (2002), pour lequel il a été nominé aux Oscars, et d'autres. Plusieurs des films classiques de Caine ont été refaits, notamment The Italian Job, Get Carter, Alfie et Sleuth. Dans le remake de Sleuth de 2007, Caine a repris le rôle joué par Laurence Olivier dans la version de 1972 et Jude Law a joué le rôle original de Caine. Dans une interview avec CNN, Law a parlé de son admiration pour Caine : « J'ai tellement appris rien qu'en regardant comment il surveillait ses performances, et aussi combien il avait peu à faire. C'est un maître technicien et parfois il faisait des choses que je faisais. » Je ne pouvais pas m'inscrire. J'y retournais et je le regardais sur le moniteur, c'était comme "Oh mon Dieu, la quantité de variété qu'il a mise là-dedans est à couper le souffle". Caine a également joué dans Austin Powers dans Goldmember (2002) dans le rôle du père d'Austin et en 2003, il a partagé la vedette avec Robert Duvall dans Secondhand Lions. Caine a joué l'aîné de la famille Henry Lair dans le film de 2004, Around the Bend. En 2005, il incarne Alfred Pennyworth, le majordome de Bruce Wayne, dans la première production de la nouvelle série de films Batman, Batman Begins. En 2006, il apparaît dans les films Children of Men et The Prestige. En 2007, il est apparu dans Flawless, et en 2008 et 2012, il a repris son rôle d'Alfred dans les suites Batman acclamées par la critique de Christopher Nolan, The Dark Knight et The Dark Knight Rises, ainsi que dans le drame britannique Is Anybody There ?, qui explore le derniers jours de la vie. Le magazine Empire a rapporté que Caine avait déclaré que Harry Brown (sorti le 13 novembre 2009) serait son dernier rôle principal. Caine a déclaré plus tard (dans le Daily Mirror) qu'il avait été mal cité par le magazine. années 2010 Caine est apparu dans le thriller de science-fiction de Christopher Nolan Inception dans le rôle du professeur Stephen Miles, mentor et beau-père de Cobb (Leonardo DiCaprio). Il a interprété Finn McMissile dans le film Cars 2 de Pixar en 2011 et a également interprété un rôle de soutien dans l'animation Gnomeo & Juliet. Il a également joué dans le film Journey 2: The Mysterious Island de 2012, dans le rôle du grand-père du personnage de Josh Hutcherson ; le film mettait également en vedette Dwayne Johnson et Vanessa Hudgens. Caine a repris son rôle d'Alfred Pennyworth dans la suite de Batman, The Dark Knight Rises, sortie en juillet 2012. Il est apparu dans le film de science-fiction de Christopher Nolan en 2014, Interstellar dans le rôle du Dr Brand. Caine a joué dans Kingsman : Services secrets (2015), du réalisateur Matthew Vaughn. Il est également apparu dans le rôle principal du compositeur à la retraite Fred Ballinger dans la comédie dramatique Youth, pour laquelle il a été largement acclamé. En octobre 2015, Caine a lu « Little Claus and Big Claus » de Hans Christian Andersen pour l'application de contes de fées pour enfants GivingTales au profit de l'UNICEF, avec Sir Roger Moore, Stephen Fry, Ewan McGregor, Dame Joan Collins, Joanna Lumley, David Walliams, Charlotte. Rampling et Paul McKenna. Prix ​​et distinctions Caine a été nominé six fois aux Oscars, remportant son premier Oscar pour le film Hannah and Her Sisters en 1986, et son deuxième en 1999 pour The Cider House Rules, dans les deux cas en tant qu'acteur de soutien. Sa performance dans Educating Rita en 1983 lui a valu le BAFTA et le Golden Globe Award du meilleur acteur. Il a été nommé Commandeur de l'Ordre de l'Empire britannique (CBE) lors des honneurs de l'anniversaire de la reine en 1992, et lors des honneurs de l'anniversaire de 2000, il a été fait chevalier sous le nom de Sir Maurice Micklewhite CBE par Elizabeth II au palais de Buckingham. En hommage à ses origines, il a déclaré : "J'ai été nommé d'après mon père et j'ai été fait chevalier en son nom parce que j'aime mon père. J'ai toujours gardé mon vrai nom - je suis une personne très privée et axée sur la famille." En 2000, il a reçu un BAFTA Academy Fellowship Award. En 2008, Caine a reçu le prix de la contribution exceptionnelle au showbusiness aux Variety Club Awards. Le 5 janvier 2011, il a été nommé Commandeur de l'Ordre des Arts et des Lettres par le ministre français de la Culture, Frédéric Mitterrand. En mai 2012, Caine a reçu la liberté honorifique de l'arrondissement londonien de Southwark en tant que personne de distinction et d'éminence de l'arrondissement. Dans la culture populaire Caine est considéré comme une icône culturelle britannique, Mairi Mackay de CNN déclarant : « Michael Caine incarne le cool britannique depuis les années soixante. Il a donné vie à certains des personnages les plus emblématiques du cinéma britannique et a présenté son propre cockney décontracté. gangster dans la culture pop. Il a obstinément conservé un accent régional à une époque où les tons prunes de la prononciation reçue étaient considérés comme obligatoires. C'est une douce ironie que son accent soit devenu sa carte de visite. Avec sa voix et sa manière de parler distinctives, Caine est un sujet populaire pour les imitateurs et les imitateurs. La plupart des impressions de Caine incluent le slogan « Peu de gens le savent. » Le slogan émane de l’habitude de Caine d’informer les gens des « faits intéressants » obscurs qu’il a collectés. Se référant à Caine comme ayant « le plus grand esprit d'informations inutiles », Peter Sellers a lancé le slogan lorsqu'il est apparu dans l'émission Parkinson de BBC1 le 28 octobre 1972 et a déclaré : Peu de gens le savent. C'est mon impression de Michael Caine. Vous voyez, Mike cite toujours le Livre Guinness des Records. En un rien de temps, il en sortira un. "Saviez-vous qu'il faut cinq secondes et demie à un homme en costume de tweed pour tomber du sommet de Big Ben jusqu'au sol ?" Maintenant, peu de gens le savent ! Au fil des années, Caine lui-même avait parodié le phénomène, à la fois dans son slogan et dans ses « faits intéressants », et avait imité les impressions des autres à son sujet. Dans une interview avec Michael Parkinson en 2007, Caine a commenté les imitations de sa voix : "Je peux le faire. 'Bonjour. Je m'appelle Michael Caine. Peu de gens le savent." J'ai l'air d'un foutu crétin. Tu sais où ils m'ont mis maintenant ? Sur les cartes d'anniversaire. "C'est ton anniversaire aujourd'hui. Peu de gens le savent". Maintenant, ils m'ont mis sur la navigation par satellite. la deuxième à droite, et tu te retrouveras dans la merde. En 1983, Caine a utilisé sa phrase « peu de gens le savent » comme une blague dans le film Educating Rita. L'émission de sketchs comiques britanniques, Harry Enfield's Television Programme, comprenait une série de sketchs dans lesquels Paul Whitehouse jouait un personnage appelé Michael Paine ; un amalgame d'impressions précédentes de Michael Caine, qui, en référence à The Ipcress File, porte des lunettes surdimensionnées à monture épaisse et un trench-coat. Il se présente avec la phrase "Je m'appelle Michael Paine et je suis un voisin curieux" et, dans une parodie de surveillance au début de The Ipcress File, raconte à la caméra le comportement "suspect" banal de ses voisins, avant de dire : « Peu de gens savent que je le sais ». Une parodie de Michael Caine apparaît également dans la série animée Ugly Americans, dans l'épisode "The Dork Knight", qui parodie également le film The Dark Knight. Dans l'épisode, Caine apparaît comme lui-même, représenté à la lumière de son interprétation d'Alfred Pennyworth, et agace constamment les protagonistes avec d'interminables anecdotes sur sa carrière. La série télévisée de 2010 The Trip, mettant en vedette Rob Brydon et Steve Coogan, présentait des scènes improvisées dans lesquelles les deux protagonistes se disputent pour savoir qui peut faire la meilleure impression de Michael Caine. Parmi les phrases qu'ils répètent dans leurs tentatives de se surpasser, il y a : "Vous étiez seulement censé faire sauter ces foutues portes !" et "Elle n'avait que seize ans" - respectivement de The Italian Job et Get Carter. Craig Ferguson a diffusé des segments de son émission dans lesquels il parodie Caine, généralement en portant une combinaison spatiale. Dans une interview accordée au Telegraph en 2010, Caine a parlé des usurpations d'identité et de la façon dont tous ceux qu'il rencontre lui citent des lignes, au point qu'il les cite en le citant. Lorsqu'on lui demande s'il s'est déjà lassé de raconter ses anecdotes, Caine répond : « J'aime faire rire les gens. Le truc, c'est de les critiquer. Si vous vous louez, vos histoires ne sont pas drôles. » Vie privée Caine vit à Leatherhead, Surrey, et est le parrain du Leatherhead Drama Festival. Il a également vécu à North Stoke, Oxfordshire, Clewer près de Windsor, Berkshire, Lowestoft dans le Suffolk et Chelsea Harbour à Londres. De plus, Caine possède un appartement à l'Apogee à Miami Beach, en Floride. Il possède toujours un petit appartement près de l'endroit où il a grandi, dans le sud-est de Londres. Caine a publié deux volumes de mémoires, What's It All About ? en 1992 et L'Éléphant à Hollywood en 2010. Il a été marié à l'actrice Patricia Haines de 1955 à 1962. Ils ont une fille, Dominique (qui doit son nom à l'héroïne du roman The Fountainhead d'Ayn Rand). Il est sorti avec Bianca Jagger en 1968. Caine est marié à l'actrice et mannequin Shakira Baksh depuis le 8 janvier 1973. Ils se sont rencontrés après que Caine l'a vue apparaître dans une publicité pour un café de Maxwell House et qu'un ami lui a donné son numéro de téléphone. Ils ont une fille, Natasha Haleema. En tant que chrétien marié à une musulmane, il affirme qu'« aucune question ou problème n'a jamais été soulevé » et décrit les croyances de sa femme comme « très inoffensives ». Fier de ses racines ouvrières, Caine a évoqué les opportunités que sa carrière cinématographique lui a offertes : "J'ai pu jouer au football avec Pelé, pour l'amour de Dieu. Et j'ai dansé avec Bob Fosse." Il est également devenu un ami proche de John Lennon, déclarant : « Avec John et moi, c'était un cas de lien parce que nous étions tous les deux de la classe ouvrière et que nous partagions un sens de l'humour. Nous faisions comme si nous n'étions pas ce que les gens pensaient que nous étions. Ses amis les plus proches incluent aujourd'hui deux anciens James Bonds, Sean Connery et Roger Moore. Caine a abandonné sa consommation de 80 cigarettes par jour au début des années 1970 après une conférence de Tony Curtis. Caine est un fan du sport du cricket. Gary Oldman, qui a joué avec Caine dans Dark Knight Rises, y a fait allusion lorsqu'il parle des méthodes d'acteur de Caine : "C'est : 'Prenez-en un'. Il l'a eu. 'Prenez-en deux', j'ai compris. 'Prenez-en trois'. , j'ai compris. Il est juste sur l'argent… Il ne fait pas de bêtises parce qu'il veut retourner au cricket. Quelque temps après la mort de sa mère, Caine et son jeune frère, Stanley, ont appris qu'ils avaient un demi-frère aîné, nommé David. Il souffrait d'épilepsie sévère et avait été hospitalisé toute sa vie à l'hôpital psychiatrique de Cane Hill. Même si leur mère rendait régulièrement visite à son premier fils à l'hôpital, même son mari ignorait l'existence de l'enfant. David est décédé en 1992. Les livres de quiz écrits par Caine incluent Not Many People Know That !, And Not Many People Know This Soit !, Moving Picture Show de Michael Caine et Not Beaucoup de gens le savent, c'est 1988. Les bénéfices des livres ont été reversés à la National Playing Fields Association, une organisation caritative britannique dont Caine a été vice-président, qui vise à protéger et à promouvoir les espaces ouverts pour le sport et les loisirs dans les villes britanniques. En juillet 2016, Caine a changé son nom par acte de vote en son nom de scène de longue date afin de simplifier les contrôles de sécurité dans les aéroports. "[Un agent de sécurité] disait : 'Salut Michael Caine', et tout d'un coup, je lui donnais un passeport avec un nom différent dessus [Maurice Joseph Micklewhite]. Je pouvais rester là pendant une heure. Alors j'ai changé de nom. ". Politique Caine a souvent exprimé ouvertement ses opinions politiques. Il a quitté le Royaume-Uni pour les États-Unis à la fin des années 1970, invoquant l'impôt sur le revenu prélevé sur les plus hauts revenus par le gouvernement travailliste de James Callaghan, mais est revenu au Royaume-Uni huit ans plus tard après que les impôts aient été réduits par le gouvernement conservateur de Margaret Thatcher. : Après le lancement de son film Harry Brown, Caine a appelé à la réintroduction du service national au Royaume-Uni pour donner aux jeunes « un sentiment d'appartenance plutôt qu'un sentiment de violence ». En 2009, Caine a publiquement critiqué le gouvernement travailliste de Gordon Brown pour avoir réintroduit un taux d'imposition sur le revenu de 50 pour cent pour les hauts revenus et a menacé de retourner aux États-Unis si ses impôts étaient encore augmentés. Durant la période précédant les élections générales de 2010, Caine a publiquement soutenu le Parti conservateur et est apparu avec le chef du parti David Cameron pour le lancement d'un « service national » civil non obligatoire pour les jeunes de 16 ans, bien qu'il ait affirmé qu'il avait auparavant soutenu le parti. New Labour sous la direction de Tony Blair en 1997. En juillet 2014, Caine aurait été un investisseur célèbre dans un stratagème d'évasion fiscale appelé Liberty. S'exprimant en janvier 2016 au sujet du référendum sur l'adhésion du Royaume-Uni à l'Union européenne, Caine a déclaré qu'il était « à peu près certain » que le Royaume-Uni devrait quitter l'UE. Carrière musicale Caine est un fan de musique chill-out et a sorti une compilation intitulée Cained en 2007 sur le label UMTV. Il a rencontré Elton John et discutait de ses goûts musicaux, lorsque Caine a affirmé qu'il créait des mix tapes chillout en amateur depuis des années. Toujours dans la musique, Caine a fourni des échantillons vocaux pour le groupe de ska-pop Madness pour leur hit de 1984 "Michael Caine" car sa fille en était fan. Il a également chanté dans des rôles au cinéma, notamment Little Voice et pour le film musical de 1992 The Muppet Christmas Carol. Filmographie Oscars

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En 1969, un homme est poignardé à mort par un membre des Hell's Angels lors d'un concert des Rolling Stones. Où a eu lieu le concert ?

Altamont

Les Rolling Stones sont un groupe de rock anglais formé à Londres en 1962. Le premier line-up établi était composé de Brian Jones (guitare, harmonica), Ian Stewart (piano), Mick Jagger (chant, harmonica), Keith Richards (guitare). , Bill Wyman (basse) et Charlie Watts (batterie). Stewart a été retiré du line-up officiel en 1963 mais a continué comme pianiste occasionnel jusqu'à sa mort en 1985. Jones a quitté le groupe moins d'un mois avant sa mort en 1969, après avoir déjà été remplacé par Mick Taylor, qui est resté jusqu'en 1975. Par la suite, Ronnie Wood s'est mis à la guitare en tandem avec Richards. Après le départ de Wyman en 1993, Darryl Jones est devenu le bassiste principal. Parmi les autres claviéristes notables du groupe figurent Nicky Hopkins, actif de 1967 à 1982 ; Billy Preston jusqu'au milieu des années 1970 (le plus important sur Black and Blue) et Chuck Leavell, actif depuis 1982. Le groupe a d'abord été dirigé par Jones, mais après avoir fait équipe en tant qu'auteurs-compositeurs du groupe, Jagger et Richards ont assumé le leadership de facto. Les Rolling Stones étaient à l’avant-garde de l’invasion britannique des groupes devenus populaires aux États-Unis en 1964-1965. D'abord remarqué pour leurs cheveux longs autant que pour leur musique, le groupe s'identifie à la contre-culture jeune et rebelle des années 1960. Le critique Sean Egan déclare que moins d'un an après la sortie de leur premier album en 1964, ils « étaient perçus par la jeunesse britannique, puis par le monde entier, comme des représentants de l'opposition à un ordre ancien et cruel – l'antidote à un ordre de classe, culture autoritaire. » Ils ont contribué à faire du blues une partie majeure du rock and roll et à changer l'orientation internationale de la culture du blues vers le blues moins sophistiqué caractérisé par des artistes de Chess Records tels que Muddy Waters - auteur de "Rollin' Stone", après quoi le groupe est nommé. Après une courte période d'expérimentation musicale qui culmine avec l'album mal reçu et largement psychédélique Their Satanic Majesties Request (1967), le groupe revient à ses racines bluesy avec Beggars' Banquet (1968) qui, avec ses suites, Let It Bleed (1969), Sticky Fingers (1971) et Exile on Main St. (1972) sont généralement considérés comme les meilleurs travaux du groupe et sont considérés comme « l'âge d'or » des Rolling Stones. C'est à cette période que le groupe a été présenté pour la première fois sur scène sous le nom de « le plus grand groupe de rock and roll du monde ». Le musicologue Robert Palmer a attribué « l'endurance remarquable » des Rolling Stones à leur « enracinement dans les vérités traditionnelles, dans le rythme et le blues et la musique soul », tandis que « des modes pop plus éphémères sont passées et disparues ». Le groupe a continué à sortir des disques à succès commercial dans les années 1970 et a vendu de nombreux albums, Some Girls (1978) et Tattoo You (1981) étant leurs deux albums les plus vendus dans le monde. Dans les années 1980, une querelle entre Jagger et Richards au sujet de la direction musicale du groupe a failli provoquer la séparation du groupe, mais ils ont réussi à réparer leur relation et ont fait un grand retour avec Steel Wheels (1989), suivi d'un grand stade et d'une arène. tournée. Depuis les années 1990, les nouveaux enregistrements du groupe sont de moins en moins bien accueillis et moins fréquents. Malgré cela, les Rolling Stones ont continué à être une énorme attraction sur le circuit live, avec de grandes tournées de stades dans les années 1990 et 2000. En 2007, le groupe avait réalisé ce qui était alors quatre des cinq tournées de concerts les plus rentables de tous les temps (Voodoo Lounge Tour (1994-95), Bridges to Babylon Tour (1997-99), Licks Tour (2002-03). et Une tournée Bigger Bang (2005-07). Les Rolling Stones ont été intronisés au Rock and Roll Hall of Fame en 1989 et au UK Music Hall of Fame en 2004. Le magazine Rolling Stone les a classés quatrième sur la liste des « 100 plus grands artistes de tous les temps », et leurs ventes d'albums estimées sont de au-dessus de 250 millions. Ils ont sorti vingt-neuf albums studio, dix-huit albums live et de nombreuses compilations. Let It Bleed (1969) fut le premier de cinq albums consécutifs numéro un en studio et live au Royaume-Uni. Sticky Fingers (1971) fut le premier des huit albums studio consécutifs numéro un aux États-Unis. En 2008, le groupe s'est classé 10e dans le classement Billboard Hot 100 All-Time Top Artists. En 2012, le groupe a célébré son 50e anniversaire. Histoire Histoire ancienne Keith Richards et Mick Jagger étaient amis d'enfance et camarades de classe à Dartford, dans le Kent, jusqu'à ce que les Jaggers déménagent à Wilmington. Jagger avait formé un groupe de garage avec Dick Taylor, jouant principalement du matériel de Muddy Waters, Chuck Berry, Little Richard, Howlin' Wolf et Bo Diddley. Jagger a renoué avec Keith Richards en 1960 à la gare de Dartford. Les disques de Chuck Berry et Muddy Waters que Jagger transportait révélaient un intérêt commun qui a motivé leur partenariat musical. Richards a rejoint Jagger et Taylor lors de réunions fréquentes chez Jagger. Les réunions se sont déroulées dans la maison de Taylor à la fin de 1961, où les trois ont été rejoints par Alan Etherington et Bob Beckwith. Ils s'appelaient eux-mêmes les Blue Boys. En mars 1962, les Blue Boys ont entendu parler du Ealing Jazz Club dans le journal Jazz News et ont visité les lieux le 7 avril 1962. Les membres du groupe y ont rencontré Brian Jones, alors qu'il jouait de la guitare slide avec le groupe londonien de rythme et de blues d'Alexis Korner. , Blues Incorporated, le groupe qui comptait également les futurs membres des Rolling Stones, Ian Stewart et Charlie Watts. Avant de se rendre au Ealing Jazz Club, les Blue Boys avaient envoyé une cassette de leurs meilleurs enregistrements à Alexis Korner, qui avait été impressionné. Après une rencontre avec Korner, Jagger et Richards ont commencé à jouer avec Blues Incorporated. Brian Jones a fait de la publicité pour des camarades de groupe dans le Jazz News et Ian Stewart a trouvé un espace de pratique et s'est joint à Jones pour créer un groupe de rythme et de blues jouant du Chicago blues. Peu de temps après, Jagger, Taylor et Richards quittent Blues Incorporated pour rejoindre Jones et Stewart dans leurs efforts. Lors de la première répétition se trouvaient également le guitariste Geoff Bradford et le chanteur Brian Knight, qui ont tous deux refusé de rejoindre le groupe, invoquant des objections à la lecture des chansons de Chuck Berry et Bo Diddley préférées par Jagger et Richards. En juin 1962, le line-up était : Jagger, Jones, Richards, Stewart, Taylor et le batteur Tony Chapman. Selon Richards, Jones a baptisé le groupe lors d'un appel téléphonique à Jazz News. Lorsqu'on lui a demandé le nom du groupe, Jones a vu un LP de Muddy Waters posé sur le sol. L'un des morceaux du LP était "Rollin' Stone". 1962-1964 : créer une communauté Jagger, Richards et Jones avec Stewart et Dick Taylor à la basse, présentés sous le nom de "The Rollin' Stones", ont joué leur premier concert le 12 juillet 1962, au Marquee Club, 165 Oxford Street, Londres. Leur matériel comprenait le blues de Chicago ainsi que les chansons de Chuck Berry et Bo Diddley. Le bassiste Bill Wyman les rejoint en décembre 1962 et le batteur Charlie Watts en janvier 1963 suivant pour former la section rythmique de longue date du groupe. Giorgio Gomelsky, alors manager par intérim des Rolling Stones, a obtenu une résidence dimanche après-midi au Crawdaddy Club de Richmond, ce qui, selon Gomelsky, a déclenché une "renaissance internationale du blues" et a été une facette fondamentale de l'avènement du Swinging London. Les Rolling Stones ont signé le manager Andrew Loog Oldham, un publiciste qui avait été dirigé vers le groupe par d'anciens clients, les Beatles. Parce qu'Oldham n'avait pas atteint la majorité – il avait dix-neuf ans et plus jeune que n'importe quel membre du groupe – il ne pouvait pas obtenir de licence d'agent ni signer de contrat sans que sa mère ne le signe également. Par nécessité, il s'est joint à l'agent de réservation Eric Easton. Gomelsky n'avait aucun accord écrit avec le groupe et n'a pas été consulté. Oldham a apporté plusieurs changements au groupe. Il a changé l'orthographe du nom du groupe de « The Rollin' Stones » à « The Rolling Stones ». Il a supprimé le s du nom de famille de Richards en disant qu'il "avait l'air plus pop". Oldham a également retiré Stewart de l'alignement. Wyman a déclaré que Stewart ne correspondait pas au moule d'Oldham de "garçons jolis, minces et aux cheveux longs". Stewart est resté directeur de la tournée, jouant du piano sur de nombreux morceaux en studio et sur scène jusqu'à sa mort en 1985. Decca Records, qui avait renoncé à signer les Beatles, a accordé aux Rolling Stones un contrat d'enregistrement à des conditions très avantageuses. Ils ont obtenu trois fois le taux de redevance typique d'un nouvel acte, un contrôle artistique total sur les enregistrements et la propriété des masters d'enregistrement. L'accord permet également au groupe d'utiliser des studios d'enregistrement non Decca. Regent Sound Studios, une installation mono équipée de boîtes à œufs au plafond pour le traitement sonore, est devenue l'installation préférée. Oldham, qui n'avait aucune expérience en enregistrement mais s'est fait producteur du groupe, a déclaré que Regent avait un son qui "fuit d'un instrument à l'autre, de la bonne manière", créant un "mur de bruit" qui fonctionnait bien pour le groupe. En raison des faibles tarifs de Regent, le groupe pouvait enregistrer pendant des périodes prolongées plutôt que les blocs habituels de trois heures alors répandus dans d'autres studios. Tous les morceaux du premier album des Rolling Stones UK ont été enregistrés chez Regent. Oldham a comparé l'indépendance des Rolling Stones à l'obligation des Beatles d'enregistrer dans les studios d'EMI, affirmant que cela les faisait apparaître comme "de simples mortels... transpirant en studio pour l'homme". Oldham a présenté les Rolling Stones comme les méchants opposés des Beatles en faisant poser le groupe sans sourire sur la couverture du premier album britannique. Il a également encouragé la presse à utiliser des titres provocateurs tels que "Laisseriez-vous votre fille épouser un Rolling Stone ?" Bien qu'Oldham ait initialement habillé le groupe avec des costumes uniformes, le groupe est revenu à porter des vêtements de tous les jours pour les apparitions publiques. Selon Wyman : « Notre réputation et notre image de Bad Boys sont venues plus tard, complètement là, par accident. Andrew ne l'a jamais conçu. Il l'a simplement exploité de manière exhaustive ». "Nous avons été le premier groupe pop à rompre avec tout le truc de Cliff Richard où les groupes faisaient de petits pas de danse, portaient des uniformes identiques et avaient des rythmes vifs". – Bill Wyman Une reprise de " Come On " de Chuck Berry fut le premier single des Rolling Stones, sorti le 7 juin 1963. Les Rolling Stones refusèrent de le jouer lors de concerts live et Decca n'acheta qu'une seule publicité pour promouvoir le single. Sous la direction d'Oldham, les membres du fan-club en ont acheté des exemplaires dans les magasins de disques interrogés par les charts, aidant "Come On" à se hisser au 21e rang des charts britanniques. Le fait d'avoir un single dans les charts a permis au groupe de jouer en dehors de Londres, en commençant par une réservation au Outlook Club de Middlesbrough le 13 juillet, partageant la facturation avec les Hollies. Dans le livre de Bill Wyman, "Rolling With The Stones", il dit à tort que le groupe a joué au club Alcove ce soir-là. Plus tard dans l'année, Oldham et Easton ont organisé la première grande tournée de concerts du groupe au Royaume-Uni en soutien à des stars américaines telles que Bo Diddley, Little Richard et The Everly Brothers. Cette tournée de l'automne 1963 devient un « terrain d'entraînement » pour la scénographie du jeune groupe. Au cours de cette tournée, les Rolling Stones ont enregistré leur deuxième single, un numéro écrit par Lennon-McCartney intitulé "I Wanna Be Your Man"; il a atteint la 12e place des charts britanniques. Leur troisième single, "Not Fade Away" de Buddy Holly, lui-même basé sur le style de Bo Diddley, sort en février 1964 et atteint la troisième place. Oldham voyait peu d'avenir pour un groupe qui perdait d'importantes redevances d'écriture en jouant des chansons de « noirs d'âge moyen », limitant ainsi son attrait auprès du public adolescent. À la demande d'Oldham, Jagger et Richards ont co-écrit des chansons, dont il a décrit le premier lot comme « moche et imitatif ». Parce que l'écriture de chansons s'est développée lentement, les chansons du premier album du groupe, The Rolling Stones (publié aux États-Unis sous le nom de England's Newest Hit Makers), étaient principalement des reprises, avec un seul original de Jagger/Richards - "Tell Me (You're Coming Back)" - et deux numéros attribués à Nanker Phelge, le pseudonyme des chansons écrites par l'ensemble du groupe. La première tournée américaine des Rolling Stones, en juin 1964, fut, selon les mots de Bill Wyman, « un désastre ». "Quand nous sommes arrivés, nous n'avions pas de hit [là-bas] ni rien d'autre pour nous." Lorsque le groupe est apparu dans l'émission de variétés The Hollywood Palace, l'animateur invité de cette semaine, Dean Martin, s'est moqué de leurs cheveux et de leur performance. Au cours de la tournée, ils ont enregistré pendant deux jours aux Chess Studios de Chicago, rencontrant plusieurs de leurs influences les plus importantes, dont Muddy Waters. Ces sessions comprenaient ce qui allait devenir le premier hit numéro 1 des Rolling Stones au Royaume-Uni : leur reprise de "It's All Over Now" de Bobby et Shirley Womack. "The Stones" a suivi James Brown & The Famous Flames dans la sortie en salles filmée de The TAMI Show, qui présentait des artistes américains avec des artistes de British Invasion. Selon Jagger en 2003, "Nous ne suivions pas vraiment James Brown car il y avait un temps considérable entre le tournage de chaque section. Néanmoins, il était toujours très ennuyé ..." Le 25 octobre, le groupe est également apparu sur The Spectacle Ed Sullivan. En raison du chaos initial causé par les Rolling Stones, Sullivan a banni le groupe de son spectacle, bien qu'ils aient été réservés pour des apparitions ultérieures dans les années suivantes. Leur deuxième LP – le 12 X 5 uniquement aux États-Unis – est sorti lors de cette tournée. Le cinquième single britannique des Rolling Stones – une reprise de « Little Red Rooster » de Willie Dixon soutenu par « Off the Hook » crédité à Nanker Phelge – est sorti en novembre 1964 et est devenu leur deuxième hit n°1 au Royaume-Uni – un exploit sans précédent. pour un numéro de blues. Les distributeurs américains du groupe (London Records) ont refusé de sortir "Little Red Rooster" en single là-bas. En décembre 1964, London Records sort le premier single du groupe avec les originaux de Jagger/Richards des deux côtés : « Heart of Stone » accompagné de « What a Shame » ; "Heart of Stone" a atteint la 19e place aux États-Unis. 1965-1967 : sommet de la gloire Le deuxième LP britannique du groupe – The Rolling Stones No. 2, sorti en janvier 1965, s'est classé numéro 1 en tant qu'album, et la version américaine, sortie en février sous le nom de The Rolling Stones, Now !, a atteint le numéro 5. L'album a été enregistré aux Chess Studios à Chicago et aux RCA Studios à Los Angeles. En janvier/février 1965, le groupe donna 34 concerts devant environ 100 000 personnes en Australie et en Nouvelle-Zélande. La première composition de Jagger/Richards à atteindre la première place des charts britanniques fut « The Last Time » (sortie en février 1965). il est passé au numéro 9 aux États-Unis. Cela a également été identifié plus tard par Richards comme "le pont vers la réflexion sur l'écriture pour les Stones. Cela nous a donné un niveau de confiance; une voie sur la façon de le faire." Leur premier succès international numéro 1 fut "(I Can't Get No) Satisfaction", enregistré en mai 1965 lors de la troisième tournée nord-américaine du groupe. En enregistrant le riff de guitare avec la fuzzbox qui anime la chanson, Richards l'avait imaginé comme une piste de scratch pour guider une section de cuivres. En désaccord, Oldham a sorti "Satisfaction" sans les overdubs de klaxon prévus. Sorti à l'été 1965, c'était leur quatrième n°1 au Royaume-Uni et leur premier n°1 aux États-Unis où il a passé quatre semaines au sommet du Billboard Hot 100, établissant les Rolling Stones comme un groupe de premier plan mondial. La version américaine du LP Out of Our Heads (sortie en juillet 1965) est également passée au numéro 1 ; il comprenait sept chansons originales (trois numéros de Jagger/Richards et quatre crédités à Nanker Phelge). Leur deuxième single numéro 1 international, "Get Off of My Cloud", est sorti à l'automne 1965, suivi d'un autre LP uniquement américain : December's Children. Aftermath (numéro 1 au Royaume-Uni ; numéro 2 aux États-Unis), sorti à la fin du printemps 1966, fut le premier album des Rolling Stones à être entièrement composé de chansons de Jagger/Richards. Sur cet album, les contributions de Jones s'étendent au-delà de la guitare et de l'harmonica. Au "Paint It, Black", influencé par le Moyen-Orient, il a ajouté du sitar, à la ballade "Lady Jane", il a ajouté du dulcimer et à "Under My Thumb", il a ajouté des marimbas. Aftermath était également remarquable pour le long "Goin' Home" de près de 12 minutes. Le succès des Stones dans les charts britanniques et américains a culminé en 1966. "19th Nervous Breakdown" (février 1966, numéro 2 au Royaume-Uni, numéro 2 aux États-Unis) a été suivi de leur hit transatlantique numéro 1 "Paint It, Black". (Mai 1966). "Mother's Little Helper" (juin 1966) atteint le numéro 8 aux États-Unis ; c'était l'une des premières chansons pop à aborder le problème de l'abus de médicaments sur ordonnance. Le single de septembre 1966 "Avez-vous vu votre mère, bébé, debout dans l'ombre?" (numéro 5 au Royaume-Uni, numéro 9 aux États-Unis) était remarquable à plusieurs égards : il s'agissait du premier enregistrement des Stones à comporter des cuivres, la (maintenant célèbre) photo de couverture arrière de la pochette originale américaine représentait le groupe habillé de manière satirique en travesti, et la chanson était accompagnée de l'un des premiers extraits de films promotionnels (clips vidéo), réalisé par Peter Whitehead. Janvier 1967 voit la sortie de Between the Buttons (numéro 3 au Royaume-Uni ; 2 aux États-Unis) ; l'album était la dernière aventure d'Andrew Oldham en tant que producteur des Rolling Stones (son rôle de manager du groupe avait été repris par Allen Klein en 1965). La version américaine comprenait le double single "Let's Spend the Night Together" et "Ruby Tuesday", qui sont passés au numéro 1 aux États-Unis et au numéro 3 au Royaume-Uni. Lorsque le groupe s'est rendu à New York pour interpréter les numéros du Ed Sullivan Show, ils ont reçu l'ordre de changer les paroles du refrain en "passons du temps ensemble". Au début de 1967, Jagger, Richards et Jones ont commencé à être traqués par les autorités pour leur consommation de drogues à des fins récréatives, après que News of the World ait diffusé un reportage en trois parties intitulé "Pop Stars and Drugs: Facts That Will Shock You". La série décrivait de prétendues soirées LSD organisées par The Moody Blues et auxquelles assistaient de grandes stars, dont Pete Townshend de The Who et Ginger Baker de Cream, ainsi que des aveux présumés de consommation de drogue par de grands musiciens pop. Le premier article visait Donovan (qui a été perquisitionné et inculpé peu de temps après) ; le deuxième volet (publié le 5 février) visait les Rolling Stones. Un journaliste qui a contribué à l'histoire a passé une soirée au club londonien exclusif Blaise's, où un membre des Rolling Stones aurait pris plusieurs comprimés de benzédrine, exposé un morceau de haschisch et invité ses compagnons à revenir dans son appartement pour "une cigarette". L'article prétendait qu'il s'agissait de Mick Jagger, mais il s'est avéré qu'il s'agissait d'une erreur d'identité : le journaliste avait en fait écouté Brian Jones. Le soir de la publication de l'article, Jagger est apparu sur l'émission de discussion d'Eamonn Andrews et a annoncé qu'il déposait une plainte pour diffamation contre le journal. Une semaine plus tard, le dimanche 12 février, la police du Sussex, prévenue par le News of the World, qui à son tour a été prévenue par le chauffeur de Richards, a fait une descente lors d'une fête au domicile de Keith Richards, à Redlands. Aucune arrestation n'a été effectuée à l'époque, mais Jagger, Richards et leur ami Robert Fraser (un marchand d'art) ont ensuite été accusés de délits liés à la drogue. Richards a déclaré en 2003 : « Quand nous avons été arrêtés à Redlands, cela nous a soudainement fait réaliser que c'était un tout autre jeu de balle et que c'est à ce moment-là que le plaisir s'est arrêté. Jusque-là, c'était comme si Londres existait dans un espace magnifique où vous tu pouvais faire tout ce que tu voulais." Concernant le traitement réservé à l'homme responsable du raid, il a ajouté plus tard : "D'après ce que j'ai entendu, il n'a plus jamais marché de la même manière." En mars, en attendant les conséquences de la descente de police, Jagger, Richards et Jones ont fait un court voyage au Maroc, accompagnés de Marianne Faithfull, de la petite amie de Jones, Anita Pallenberg, et d'autres amis. Au cours de ce voyage, les relations houleuses entre Jones et Pallenberg se détériorent au point que Pallenberg quitte le Maroc avec Richards. Richards a déclaré plus tard: "C'était le dernier clou dans le cercueil entre moi et Brian. Il ne me pardonnerait jamais ça et je ne lui en veux pas, mais bon sang, des merdes arrivent." Richards et Pallenberg resteront en couple pendant douze ans. Malgré ces complications, les Rolling Stones effectuent une tournée en Europe en mars et avril 1967. La tournée comprend les premières représentations du groupe en Pologne, en Grèce et en Italie. Le 10 mai 1967, le jour même où Jagger, Richards et Fraser étaient traduits en justice dans le cadre des accusations portées contre Redlands, la police a perquisitionné la maison de Brian Jones et il a été arrêté et accusé de possession de cannabis. Trois Rolling Stones sur cinq font désormais face à des accusations en matière de drogue. Jagger et Richards ont été jugés fin juin. Le 29 juin, Jagger a été condamné à trois mois d'emprisonnement pour possession de quatre comprimés d'amphétamine ; Richards a été reconnu coupable d'avoir permis de fumer du cannabis sur sa propriété et condamné à un an de prison. Jagger et Richards ont été emprisonnés à ce moment-là, mais ont été libérés sous caution le lendemain en attendant leur appel. Le Times a publié le célèbre éditorial intitulé « Qui brise un papillon sur une roue ? » dans lequel le rédacteur conservateur William Rees-Mogg a surpris ses lecteurs par son discours inhabituellement critique sur la condamnation, soulignant que Jagger avait été traité beaucoup plus durement pour une première infraction mineure que « n'importe quel jeune homme purement anonyme ». En attendant les audiences en appel, le groupe a enregistré un nouveau single, "We Love You", en guise de remerciement pour la fidélité de ses fans. Cela a commencé avec le bruit des portes de la prison qui se fermaient, et le clip vidéo qui l'accompagnait comprenait des allusions au procès d'Oscar Wilde. Le 31 juillet, la cour d'appel a annulé la condamnation de Richards et la peine de Jagger a été réduite à une libération conditionnelle. Le procès de Brian Jones a eu lieu en novembre 1967 ; en décembre, après avoir fait appel de la peine de prison initiale, Jones a été condamné à une amende de 1 000 £, à trois ans de probation et à demander l'aide d'un professionnel. Décembre 1967 voit également la sortie de Their Satanic Majesties Request (Royaume-Uni numéro 3; US 2), sorti peu de temps après le Sgt. Groupe du Pepper's Lonely Hearts Club. Les majestés sataniques avaient été enregistrées dans des circonstances difficiles pendant que Jagger, Richards et Jones s'occupaient de leurs procès. Le groupe s'est séparé du producteur Andrew Oldham pendant les sessions. La séparation a été amicale, du moins publiquement, mais en 2003, Jagger a déclaré : « La raison pour laquelle Andrew est parti était parce qu'il pensait que nous n'étions pas concentrés et que nous étions enfantins. Ce n'était pas vraiment un grand moment – ​​et j'aurais pensé que nous n'étions pas concentrés et que nous étions des enfants. ce n'était pas non plus un grand moment pour Andrew. Il y avait beaucoup de distractions et il fallait toujours quelqu'un pour se concentrer à ce moment-là, c'était le travail d'Andrew. Satanic Majesties devient ainsi le premier album que les Rolling Stones produisent seuls. Son son psychédélique était complété par la pochette, qui présentait une photo 3D de Michael Cooper, qui avait également photographié la couverture de Sgt. Poivre. Bill Wyman a écrit et chanté un morceau sur l'album : "In Another Land", qui est également sorti en single, le premier sur lequel Jagger n'a pas chanté le chant principal. 1968-1972 : « L'âge d'or » Le groupe passe les premiers mois de 1968 à travailler sur le matériel de leur prochain album. Ces sessions ont abouti à la chanson "Jumpin' Jack Flash", sortie en single en mai. La chanson et l'album qui a suivi, Beggars Banquet (numéro 3 au Royaume-Uni ; US 5), un mélange éclectique de airs inspirés de la country et du blues, ont marqué le retour du groupe à ses racines et le début de sa collaboration avec le producteur Jimmy Miller. Il présentait le premier single "Street Fighting Man" (qui traitait des bouleversements politiques de mai 1968) et "Sympathy for the Devil". Beggars Banquet a été bien accueilli au moment de sa sortie. Richards a déclaré: "Il y a un changement entre le matériel sur les majestés sataniques et le banquet des mendiants. J'en étais malade à mort de toute cette merde de gourou Maharishi et des perles et des cloches. Qui sait d'où viennent ces choses, mais je suppose que [la musique ] était une réaction à ce que nous avions fait pendant notre temps libre et aussi à cette forte dose de réalité ; un passage en prison ... vous donnera certainement matière à réflexion ... J'étais putain d'énervé d'avoir été arrêté. , 'Bien, nous allons démonter cette chose.' Il y a beaucoup de colère dans la musique de cette période. » Richards a commencé à utiliser des accordages ouverts pour les parties rythmiques (souvent en conjonction avec un capodastre), principalement un accordage open-E ou open-D en 1968. À partir de 1969, il a souvent utilisé un accordage open-G à 5 cordes (avec la 6ème inférieure). chaîne retirée), comme on l'entend sur le single "Honky Tonk Women", "Brown Sugar" (Sticky Fingers, 1971), "Tumbling Dice" (capo IV), "Happy" (capo IV) (Exile on Main St., 1972), et "Start Me Up" (Tattoo You, 1981). La fin de l'année 1968 voit le tournage du film Rock and Roll Circus des Rolling Stones. Il mettait en vedette John Lennon, Yoko Ono, The Dirty Mac, The Who, Jethro Tull, Marianne Faithfull et Taj Mahal. Les images ont été mises de côté pendant vingt-huit ans, mais ont finalement été officiellement diffusées en 1996, avec une version DVD sortie en octobre 2004. À la sortie de Beggars Banquet, Brian Jones était de plus en plus troublé et ne contribuait que sporadiquement au groupe. Jagger a déclaré que Jones n'était "pas psychologiquement adapté à ce mode de vie". Sa consommation de drogue était devenue un obstacle et il ne pouvait pas obtenir de visa américain. Richards a rapporté que, lors d'une réunion en juin avec Jagger, Richards et Watts chez Jones, Jones a admis qu'il était incapable de « reprendre la route ». Richards a déclaré que tous étaient d'accord pour laisser Jones "... dire 'Je suis parti et si je le veux, je peux revenir'". Le 3 juillet 1969, moins d'un mois plus tard, Jones se noie dans la piscine dans des circonstances mystérieuses chez lui, Cotchford Farm, à Hartfield, East Sussex. Les Rolling Stones devaient jouer lors d'un concert gratuit pour Blackhill Enterprises à Hyde Park à Londres, deux jours après la mort de Brian Jones ; ils ont décidé de continuer le spectacle en hommage à Jones. Le concert, leur premier avec Mick Taylor, a été donné devant environ 250 000 fans. La performance a été filmée par une équipe de production de Granada Television et a été diffusée à la télévision britannique sous le titre The Stones in the Park. Jagger a lu un extrait du poème Adonaïs de Shelley, une élégie écrite à l'occasion de la mort de son ami John Keats, et ils ont relâché des milliers de papillons en mémoire de Jones avant d'ouvrir leur set avec "I'm Yours and I'm Hers", un Johnny Numéro d'hiver. "Midnight Rambler" et "Love in Vain" de leur prochain album Let It Bleed (sorti en décembre 1969) et "Give Me A Drink" qui sont finalement apparus sur Exile on Main St (sorti en décembre 1969) ont également été interprétés, mais auparavant inédits par le public. mai 1972). Le spectacle comprenait également le premier concert de "Honky Tonk Women", que le groupe venait de sortir la veille. Le régisseur de Blackhill Enterprises, Sam Cutler, les a présentés comme « le plus grand groupe de rock & roll du monde », une description qu'il a répétée tout au long de leur tournée américaine de 1969, et qui est restée jusqu'à ce jour (Cutler a quitté Blackhill Enterprises pour devenir le groupe de route des Stones). manager après le concert de Hyde Park). La sortie de Let It Bleed (numéro 1 au Royaume-Uni ; 3 aux États-Unis) a eu lieu en décembre. Leur dernier album des années soixante, Let It Bleed, présentait "Gimme Shelter". La chanteuse principale – et célèbre solo – de « Gimme Shelter » est interprétée par la chanteuse Merry Clayton (soeur de Sam Clayton, du groupe de rock américain Little Feat). D'autres morceaux incluent "You Can't Always Get What You Want" (avec accompagnement du London Bach Choir, qui a initialement demandé que son nom soit retiré du générique de l'album après avoir été apparemment "horrifié" par le contenu de certains de ses autres morceaux. matériel, mais a ensuite retiré cette demande), "Midnight Rambler" ainsi qu'une reprise de "Love in Vain" de Robert Johnson. Jones et Taylor figurent chacun sur deux morceaux. Juste après la tournée, le groupe s'est produit au concert gratuit d'Altamont à l'Altamont Speedway, à environ 50 miles à l'est de San Francisco. Le gang de motards Hells Angels assurait la sécurité et un fan, Meredith Hunter, a été poignardé et battu à mort par les Angels après avoir réalisé qu'il était armé. Une partie de la tournée et du concert d'Altamont ont été documentés dans le film Gimme Shelter d'Albert et David Maysles. En réponse à la popularité croissante des enregistrements bootleg (en particulier le toujours très recherché Live'r Than You'll Ever Be), l'album Get Yer Ya-Yas Out! (UK 1 ; US 6) est sorti en 1970 ; il a été déclaré par le critique Lester Bangs comme le meilleur album live de tous les temps. Au tournant de la décennie, le groupe est apparu dans la revue très appréciée de la BBC sur la scène musicale des années 60 Pop Go the Sixties, interprétant "Gimme Shelter" dans l'émission, diffusée en direct le 31 décembre 1969. En 1970, les contrats du groupe avec les deux Allen Klein et Decca Records ont pris fin (cf. "Schoolboy Blues"), et au milieu de différends contractuels avec Klein, ils ont formé leur propre maison de disques, Rolling Stones Records. Sticky Fingers (numéro 1 au Royaume-Uni ; US 1), sorti en mars 1971, le premier album du groupe sur son propre label, présentait une couverture élaborée d'Andy Warhol. Le catalogue Decca des Stones appartient actuellement au label ABKCO de Klein. Sticky Fingers a été le premier à présenter le logo de Rolling Stones Records, qui est effectivement devenu le logo du groupe. Il s’agissait d’une paire de lèvres avec une langue qui clapotait. Le designer John Pasche a créé le logo suite à une suggestion de Jagger de copier la langue sortie de la déesse hindoue Kali. Le critique Sean Egan a déclaré à propos du logo : « Sans utiliser le nom des Stones, il les évoque instantanément, ou du moins Jagger, ainsi qu'une certaine lascivité qui est propre aux Stones... Il est rapidement et à juste titre devenu le logo le plus célèbre. logo dans l'histoire de la musique populaire. Le design de la langue et des lèvres faisait partie d'un ensemble que, en 2003, VH1 a nommé « la plus grande couverture d'album n°1 » de tous les temps. L'album contient l'un de leurs succès les plus connus, "Brown Sugar", et "Dead Flowers", aux influences country. Les deux ont été enregistrés au Muscle Shoals Sound Studio de l'Alabama lors de la tournée américaine de 1969. L'album poursuit l'immersion du groupe dans des compositions fortement influencées par le blues. L'album est connu pour son « ambiance détendue et délabrée » et marque la première sortie complète de Mick Taylor avec le groupe. Parties publiées sur Suite à la sortie de Sticky Fingers, les Rolling Stones ont quitté l'Angleterre après avoir reçu des conseils financiers. Ils ont déménagé dans le sud de la France, où Richards a loué la Villa Nellcôte et sous-loué les chambres aux membres du groupe et à leur entourage. À l'aide du studio mobile des Rolling Stones, ils ont organisé des sessions d'enregistrement au sous-sol ; ils ont complété les morceaux résultants, ainsi que du matériel remontant à 1969, aux Sunset Studios à Los Angeles. Le double album qui en résulte, Exile on Main St. (numéro 1 au Royaume-Uni ; 1 aux États-Unis), est sorti en mai 1972. Noté A+ par le critique Robert Christgau et décrié par Lester Bangs – qui a changé d'avis en quelques mois – Exile est désormais accepté. comme l'un des meilleurs albums des Stones. Les films Cocksucker Blues (jamais officiellement sorti) et Ladies and Gentlemen: The Rolling Stones (sorti en 1974) documentent la tournée nord-américaine (« STP ») très médiatisée qui a suivi en 1972. La double compilation du groupe, Hot Rocks 1964-1971, est sortie en 1972. La compilation est certifiée Diamond aux États-Unis après avoir vendu plus de 12 millions d'exemplaires et a passé plus de 250 semaines dans le palmarès des albums Billboard. 1973-1977 : milieu des années 70 En novembre 1972, le groupe commence des sessions à Kingston, en Jamaïque, pour leur suivi d'Exile, Goats Head Soup (UK 1; US ​​1) (1973). L'album a donné naissance au succès mondial "Angie", mais s'est avéré le premier d'une série d'albums studio à succès commercial mais tièdement reçus. Les sessions de Goats Head Soup ont conduit à un certain nombre d'extraits, notamment une première version de la ballade populaire "Waiting on a Friend", qui n'a été publiée que Tattoo You huit ans plus tard. La réalisation du disque a été interrompue par une autre bataille juridique autour de la drogue, remontant à leur séjour en France ; un mandat d'arrêt contre Richards avait été émis et les autres membres du groupe ont dû retourner brièvement en France pour être interrogés. Ceci, ainsi que les condamnations de Jagger pour drogue (en 1967 et 1970), compliquèrent les plans du groupe pour leur tournée dans le Pacifique au début de 1973 : ils se virent refuser l'autorisation de jouer au Japon et furent presque bannis d'Australie. Cela a été suivi d'une tournée européenne (en contournant la France) en septembre/octobre 1973 – avant laquelle Richards avait de nouveau été arrêté pour trafic de drogue, cette fois en Angleterre. Le groupe s'est rendu aux studios Musicland à Munich pour enregistrer leur prochain album, It's Only Rock 'n' Roll de 1974 (UK 2; US 1), mais Jimmy Miller, qui avait des problèmes de toxicomanie, n'était plus producteur. Au lieu de cela, Jagger et Richards ont assumé les tâches de production et ont été crédités comme « les Glimmer Twins ». L'album et le single du même nom ont été des succès. Vers la fin de 1974, Taylor commença à perdre patience. La situation du groupe a rendu le fonctionnement normal compliqué, avec des membres du groupe vivant dans différents pays et des barrières juridiques limitant les endroits où ils pouvaient tourner. De plus, la consommation de drogues affectait la créativité et la productivité de Richards, et Taylor sentait que certaines de ses propres contributions créatives n'étaient pas reconnues. Fin 1974, alors qu'une session d'enregistrement était déjà réservée à Munich pour enregistrer un autre album, Taylor quitta les Rolling Stones. Taylor a déclaré en 1980 : "J'en avais un peu marre. Je voulais élargir mon champ d'action en tant que guitariste et faire autre chose ... Je ne composais pas vraiment de chansons ni n'écrivais à cette époque. Je commençais tout juste à écrire, et cela a influencé ma décision

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Quelle entreprise était responsable de la production du Spitfire ?

Supermarin

Le Supermarine Spitfire est un avion de combat monoplace britannique utilisé par la Royal Air Force et de nombreux autres pays alliés avant, pendant et après la Seconde Guerre mondiale. Le Spitfire a été construit dans de nombreuses variantes, utilisant plusieurs configurations d'ailes, et a été produit en plus grand nombre que tout autre avion britannique. C'était également le seul chasseur britannique à être en production continue tout au long de la guerre. Le Spitfire continue d'être populaire parmi les passionnés, avec environ 54 Spitfire en état de navigabilité, tandis que de nombreux autres sont exposés statiquement dans les musées de l'aviation du monde entier. Le Spitfire a été conçu comme un avion intercepteur à courte portée et haute performance par R. J. Mitchell, concepteur en chef chez Supermarine Aviation Works, qui opérait en tant que filiale de Vickers-Armstrong à partir de 1928. Conformément à son rôle d'intercepteur, Mitchell a soutenu le développement de l'aile elliptique distinctive du Spitfire (conçue par B. Shenstone) pour avoir la section transversale la plus fine possible ; cela a permis au Spitfire d'avoir une vitesse de pointe plus élevée que plusieurs chasseurs contemporains, dont le Hawker Hurricane. Mitchell a continué à peaufiner le design jusqu'à sa mort en 1937, après quoi son collègue Joseph Smith a pris la relève en tant que concepteur en chef, supervisant le développement du Spitfire à travers sa multitude de variantes. Au cours de la bataille d'Angleterre, de juillet à octobre 1940, le Spitfire était perçu par le public comme le chasseur de la RAF, même si les Hawker Hurricane, plus nombreux, assumèrent une plus grande proportion du fardeau contre l'armée de l'air allemande nazie, la Luftwaffe. Les unités Spitfire, cependant, avaient un taux d'attrition plus faible et un rapport victoire/défaite plus élevé que celles pilotant des Hurricanes en raison de leurs performances plus élevées. Les Spitfire en général étaient chargés d'engager les chasseurs de la Luftwaffe (principalement des avions de la série Messerschmitt Bf 109E qui étaient un match serré pour les Spitfire) pendant la bataille. Après la bataille d'Angleterre, le Spitfire a remplacé le Hurricane pour devenir l'épine dorsale du RAF Fighter Command et a été utilisé sur les théâtres d'Europe, de la Méditerranée, du Pacifique et de l'Asie du Sud-Est. Très apprécié de ses pilotes, le Spitfire a joué plusieurs rôles, notamment celui d'intercepteur, de photo-reconnaissance, de chasseur-bombardier et d'entraînement, et il a continué à remplir ces rôles jusque dans les années 1950. Le Seafire était une adaptation embarquée du Spitfire qui a servi dans la Fleet Air Arm de 1942 jusqu'au milieu des années 1950. Bien que la cellule d'origine ait été conçue pour être propulsée par un moteur Rolls-Royce Merlin produisant 1 030 ch (768 kW), elle était suffisamment solide et adaptable pour utiliser des Merlins de plus en plus puissants et, dans les marques ultérieures, des moteurs Rolls-Royce Griffon produisant jusqu'à 2 340 ch (1 745 kW) ; en conséquence, les performances et les capacités du Spitfire se sont améliorées au cours de sa vie. Développement et production Origines La conception de R. J. Mitchell de 1931 pour répondre à la spécification F7/30 du ministère de l'Air pour un nouveau chasseur moderne capable d'atteindre 250 mph, le Supermarine Type 224, était un monoplan à cockpit ouvert avec des ailes de mouette volumineuses et un grand train d'atterrissage fixe et craché propulsé par le 600. Moteur Rolls-Royce Goshawk refroidi par évaporation. Celui-ci effectua son premier vol en février 1934. Parmi les sept modèles proposés au F7/30, le biplan Gloster Gladiator fut accepté pour le service. Le Type 224 a été une grande déception pour Mitchell et son équipe de conception, qui se sont immédiatement lancés dans une série de conceptions « nettoyées », en utilisant leur expérience avec les hydravions Schneider Trophy comme point de départ. Cela a conduit au Type 300, avec un train d'atterrissage rétractable et une envergure réduite de 6 pieds. Celui-ci a été soumis au ministère de l'Air en juillet 1934, mais n'a pas été accepté. La conception a ensuite subi une série de changements, notamment l'incorporation d'un cockpit caréné et fermé, d'un appareil respiratoire à oxygène, d'ailes plus petites et plus fines, et du nouveau moteur Rolls-Royce PV-XII V-12 plus puissant, plus tard nommé le "Merlin". En novembre 1934, Mitchell, avec le soutien du propriétaire de Supermarine, Vickers-Armstrong, commença les travaux de conception détaillée de cette version raffinée du Type 300. Le 1er décembre 1934, le ministère de l'Air a émis le contrat AM 361140/34, prévoyant 10 000 £ pour la construction du modèle amélioré F7/30 de Mitchell. Le 3 janvier 1935, ils formalisèrent le contrat avec une nouvelle spécification, F10/35, rédigée autour de l'avion. En avril 1935, l'armement passa de deux mitrailleuses Vickers de 0,303 pouces (7,7 mm) dans chaque aile à quatre mitrailleuses Browning de 0,303 pouces (7,7 mm), suite à une recommandation du chef d'escadron Ralph Sorley de la section des exigences opérationnelles de l'Air. Ministère. Le 5 mars 1936, pendant de nombreuses années, il y eut un débat considérable sur la date du premier vol qui était le 5 ou le 6 mars. De nombreux documents de Supermarine de cette époque ont été détruits lors d'un bombardement en 1940, et aucun des documents survivants ne semble le confirmer. Cette question a reçu une réponse presque concluante en 1985 par l'auteur de l'aviation Alfred Price, qui a reçu une feuille de compte avec une note manuscrite écrite par Mitchell mettant à jour une ligne de « Pas encore volé » à « Volé le 5 mars 36 ». Voir Spitfire : une histoire complète des combats, 1991, p. 165-166. le prototype (K5054) a décollé pour son premier vol depuis l'aérodrome d'Eastleigh (plus tard l'aéroport de Southampton). Aux commandes se trouvait le capitaine Joseph "Mutt" Summers, pilote d'essai en chef pour Vickers, qui aurait déclaré "Ne touchez à rien" à l'atterrissage. Ce vol de huit minutes a eu lieu quatre mois après le vol inaugural du Hurricane contemporain. Le K5054 était équipé d'une nouvelle hélice et Summers pilota l'avion le 10 mars 1936 ; lors de ce vol, le train d'atterrissage a été rétracté pour la première fois. Après le quatrième vol, un nouveau moteur a été installé et Summers a laissé le vol d'essai à ses assistants, Jeffrey Quill et George Pickering. Ils découvrirent bientôt que le Spitfire était un très bon avion, mais pas parfait. Le gouvernail était trop sensible et la vitesse de pointe n'était que de 330 mph (528 km/h), soit un peu plus rapide que le nouveau Hurricane propulsé par Merlin de Sydney Camm. Une nouvelle hélice en bois de meilleure forme a permis au Spitfire d'atteindre 348 mph (557 km/h) en vol en palier à la mi-mai, lorsque Summers a piloté le K5054 vers la RAF Martlesham Heath et a remis l'avion au chef d'escadron Anderson de l'avion et Établissement expérimental d'armement (A&AEE). Ici, le Flight Lieutenant Humphrey Edwardes-Jones a repris le prototype de la RAF. Il avait reçu l'ordre de piloter l'avion puis de faire son rapport au ministère de l'Air à l'atterrissage. Le rapport d'Edwardes-Jones était positif ; sa seule demande était que le Spitfire soit équipé d'un indicateur de position du train d'atterrissage. Une semaine plus tard, le 3 juin 1936, le ministère de l'Air passa une commande de 310 Spitfire, avant qu'un rapport officiel n'ait été publié par l'A&AEE ; des rapports intérimaires ont ensuite été publiés au coup par coup. Production initiale Le public britannique a vu pour la première fois le Spitfire lors de l'exposition aérienne de la RAF Hendon le samedi 27 juin 1936. Bien que la production à grande échelle était censée commencer immédiatement, de nombreux problèmes n'ont pas pu être surmontés avant un certain temps et la première production du Spitfire, le K9787 , n'est sorti de la chaîne de montage de Woolston, Southampton qu'au milieu de 1938. Le premier et le plus immédiat problème était que la principale usine Supermarine de Woolston fonctionnait déjà à pleine capacité pour répondre aux commandes d'hydravions Walrus et Stranraer. Même si des entrepreneurs extérieurs étaient censés être impliqués dans la fabrication de nombreux composants importants du Spitfire, en particulier les ailes, Vickers-Armstrong (la société mère) était réticente à voir le Spitfire être fabriqué par des entreprises extérieures et a mis du temps à publier les plans et sous-composants nécessaires. En raison des retards dans la mise en production complète du Spitfire, le ministère de l'Air a présenté un plan selon lequel la production du Spitfire serait arrêtée après la commande initiale de 310, après quoi Supermarine construirait des Bristol Beaufighters. Les directions de Supermarine et Vickers réussirent à convaincre le ministère de l'Air que les problèmes pouvaient être surmontés et d'autres commandes furent passées pour 200 Spitfire le 24 mars 1938, les deux commandes couvrant les numéros de série des préfixes K, L et N. En février 1936, le directeur de Vickers-Armstrongs, Sir Robert MacLean, garantissait la production de cinq avions par semaine, à compter de 15 mois après la passation d'une commande. Le 3 juin 1936, le ministère de l'Air passa une commande de 310 avions, pour un prix de 1 395 000 £. La production à grande échelle du Spitfire a commencé dans les installations de Supermarine à Woolston, Southampton, mais il est rapidement devenu évident que la commande ne pourrait pas être finalisée dans les 15 mois promis. Supermarine était une petite entreprise, déjà occupée à construire des hydravions Walrus et Stranraer, et Vickers était occupé à construire les Wellington. La solution initiale était de sous-traiter les travaux. Le premier Spitfire de production est sorti de la chaîne de montage au milieu de l'année 1938 et a été piloté par Jeffrey Quill le 15 mai 1938, près de 24 mois après la commande initiale. Le coût final des 310 premiers avions, après retards et augmentation des coûts du programme, s'est élevé à 1 870 242 £, soit 1 533 £ de plus par avion que ce qui était initialement estimé. Les avions de production coûtent environ 9 500 £. Les composants les plus chers étaient le fuselage fabriqué et fini à la main à environ 2 500 £, puis le moteur Rolls-Royce Merlin à 2 000 £, suivi par les ailes à 1 800 £ la paire, les canons et le train d'atterrissage, tous deux à 800 £ chacun, et le hélice à 350 £. Fabrication à Castle Bromwich, Birmingham En 1935, le ministère de l'Air a contacté Morris Motors Limited pour lui demander à quelle vitesse son usine de Cowley pourrait être transformée en production d'avions. En 1936, cette demande informelle d'installations de fabrication majeures fut transformée en un plan formel visant à augmenter la capacité de production d'avions britanniques sous la direction d'Herbert Austin, connu sous le nom de plan d'usine Shadow. Austin a été chargé de construire neuf nouvelles usines et de compléter l'industrie automobile britannique existante, soit en augmentant la capacité globale, soit en augmentant le potentiel de réorganisation pour produire des avions et leurs moteurs. Dans le cadre de ce plan, le 12 juillet 1938, le ministère de l'Air acheta un site composé de champs agricoles et d'une station d'épuration à côté de l'aérodrome de Castle Bromwich à Birmingham. Cette usine fantôme compléterait les usines originales de Supermarine à Southampton pour la construction du Spitfire. L'usine aéronautique de Castle Bromwich a commandé les machines-outils les plus modernes alors disponibles, qui ont été installées deux mois après le début des travaux sur le site. Bien que Morris Motors, dirigé par Lord Nuffield (un expert en construction de véhicules automobiles de masse), ait d'abord géré et équipé l'usine, celle-ci a été financée par l'argent du gouvernement. Lorsque le projet fut évoqué pour la première fois, on estimait que l'usine serait construite pour 2 000 000 £. Cependant, au début de 1939, ce coût avait doublé pour atteindre plus de 4 000 000 £. La construction à peau tendue du Spitfire nécessitait des compétences et des techniques d'ingénierie de précision en dehors de l'expérience de la main-d'œuvre locale, dont la formation prenait un certain temps. Cependant, alors même que les premiers Spitfire étaient construits en juin 1940, l'usine était encore incomplète et il y avait de nombreux problèmes avec la direction de l'usine, qui ignorait les outils et les dessins fournis par Supermarine au profit d'outils et de dessins de ses propres conceptions, et avec la main-d'œuvre qui, sans arrêter complètement la production, menaçait continuellement de faire grève ou de « ralentir » jusqu'à ce que ses revendications de taux de rémunération supérieurs à la moyenne soient satisfaites. En mai 1940, Castle Bromwich n'avait pas encore construit son premier Spitfire, malgré les promesses selon lesquelles l'usine en produirait 60 par semaine à partir d'avril. Le 17 mai, Lord Beaverbrook, ministre de la Production aéronautique, téléphona à Lord Nuffield et le poussa à céder le contrôle de l'usine de Castle Bromwich au ministère de Beaverbook. Beaverbrook a immédiatement envoyé du personnel de direction et des ouvriers expérimentés de Supermarine et a cédé le contrôle de l'usine à Vickers-Armstrong. Bien qu'il faille un certain temps pour résoudre les problèmes, en juin 1940, 10 Mk II furent construits ; 23 ont été déployés en juillet, 37 en août et 56 en septembre. À la fin de la production à Castle Bromwich en juin 1945, un total de 12 129 Spitfire (921 Mk II, 4 489 Mk V, 5 665 Mk IX et 1 054 Mk XVI) avaient été construits. La CBAF est devenue l'usine la plus grande et la plus prospère de ce type pendant le conflit de 1939-1945. En tant que plus grande usine de Spitfire au Royaume-Uni, avec une production maximale de 320 avions par mois, elle a construit plus de la moitié des quelque 20 000 avions de ce type. Dispersion de la production Pendant la bataille d'Angleterre, des efforts concertés furent déployés par la Luftwaffe pour détruire les principales usines de fabrication de Woolston et Itchen, près de Southampton. Le premier bombardement, qui manqua les usines, eut lieu le 23 août 1940. Au cours du mois suivant, d'autres raids furent organisés jusqu'à ce que, le 26 septembre 1940, les deux usines soient complètement détruites, avec 92 personnes tuées et un grand nombre blessées ; la plupart des victimes étaient des ouvriers expérimentés de la production aéronautique. Heureusement pour l'avenir du Spitfire, de nombreux gabarits de production et machines-outils avaient déjà été déplacés le 20 septembre et des mesures étaient prises pour disperser la production dans de petites installations dans toute la région de Southampton. À cette fin, le gouvernement britannique a réquisitionné des sociétés comme Vincent's Garage à Station Square Reading, qui se spécialisera plus tard dans la fabrication de fuselages de Spitfire, et Anna Valley Motors, à Salisbury, qui deviendra l'unique producteur des réservoirs de carburant de pointe des ailes pour les photos. -des Spitfire de reconnaissance, ainsi que la production d'autres composants. Une usine spécialement conçue, spécialisée dans la fabrication de fuselages et l'installation de moteurs, a été construite à Star Road, Caversham à Reading. Le bureau de dessin dans lequel tous les modèles de Spitfire ont été dessinés a été transféré à Hursley Park, près de Southampton. Ce site disposait également d'un hangar d'assemblage d'avions où de nombreux prototypes et Spitfire expérimentaux étaient assemblés, mais comme il n'avait pas d'aérodrome associé, aucun Spitfire n'a jamais volé depuis Hursley. Quatre villes et leurs aérodromes satellites ont été choisis pour être les points focaux de ces ateliers : * Aéroports de Southampton et d'Eastleigh * Salisbury avec les aérodromes High Post et Chattis Hill * Trowbridge avec l'aérodrome de Keevil * Lecture avec les aérodromes Henley et Aldermaston. * Une usine expérimentale à Newbury a fait l'objet d'un raid de jour de la Luftwaffe, mais tous ont raté leur cible et ont bombardé une école voisine. Les Spitfire terminés ont été livrés aux aérodromes sur de grands camions articulés surbaissés Commer « Queen Mary », pour y être entièrement assemblés, testés, puis transmis à la RAF. Essais en vol Tous les Spitfire de production ont été testés en vol avant la livraison. Pendant la Seconde Guerre mondiale, Jeffrey Quill était le pilote d'essai en chef de Vickers Supermarine, chargé des essais en vol de tous les types d'avions construits par Vickers Supermarine ; il a également supervisé un groupe de 10 à 12 pilotes chargés de tester tous les Spitfire de développement et de production construits par l'entreprise dans la région de Southampton. Quill avait également conçu les procédures de test standard qui, avec des variations pour des conceptions d'avions spécifiques, étaient en vigueur à partir de 1938. [http://www.spitfireperformance.com/spittest.html Spitfire Testing]. Récupéré le 9 septembre 2008. Alex Henshaw, pilote d'essai en chef à Castle Bromwich à partir de 1940, a été chargé de tester tous les Spitfire construits dans cette usine, coordonnant une équipe de 25 pilotes ; il a également évalué tous les développements du Spitfire. Entre 1940 et 1946, Henshaw a piloté un total de 2 360 Spitfire et Seafire, soit plus de 10 % de la production totale. Henshaw a écrit à propos des essais en vol des Spitfire : Après une vérification minutieuse avant vol, je décollais et, une fois à la hauteur du circuit, je compensais l'avion et j'essayais de le faire voler droit et à niveau sans les mains sur le manche ... Une fois que le trim était satisfaisant, je prenais le volant. Lancez le Spitfire dans une montée à plein régime à 2 850 r/min jusqu'à l'altitude nominale de l'un ou des deux ventilateurs du compresseur. Ensuite, je vérifiais soigneusement la puissance de sortie du moteur, calibrée en fonction de la hauteur et de la température ... Si tout semblait satisfaisant, je la mettais ensuite en plongée à pleine puissance et à 3 000 rpm, et la réduisais pour qu'elle vole avec les mains et les pieds. éteint à 460 mph IAS (vitesse aérienne indiquée). Personnellement, je n'ai jamais autorisé un Spitfire sans avoir effectué quelques tests de voltige aérienne pour déterminer à quel point il était bon ou mauvais. Le test de production était généralement assez rapide : le circuit initial durait moins de dix minutes et le vol principal durait entre vingt et trente minutes. L'avion a ensuite été examiné une dernière fois par nos mécaniciens au sol, tous les défauts ont été corrigés et le Spitfire était prêt à être récupéré. J'ai adoré le Spitfire dans toutes ses nombreuses versions. Mais je dois admettre que les dernières marques, même si elles étaient plus rapides que les précédentes, étaient également beaucoup plus lourdes et ne se comportaient donc pas aussi bien. Vous n’aviez pas un tel contrôle positif sur eux. Un test de maniabilité consistait à la lancer dans un flick-roll et à voir combien de fois elle roulait. Avec le Mark II ou le Mark V, on obtenait deux rouleaux et demi, mais le Mark IX était plus lourd et vous n'en aviez qu'un et demi. Avec les versions plus récentes et encore plus lourdes, on obtenait encore moins. L’essence de la conception d’un avion est le compromis, et une amélioration à une extrémité de l’enveloppe de performances est rarement obtenue sans une détérioration ailleurs. Lorsque le dernier Spitfire fut lancé en février 1948, un total de 20 351 exemplaires de toutes les variantes avaient été construits, y compris des avions d'entraînement biplaces, certains Spitfire restant en service jusque dans les années 1950. Le Spitfire était le seul avion de combat britannique à être en production continue avant, pendant et après la Seconde Guerre mondiale. Conception Cellule Au milieu des années 1930, les équipes de conception aéronautique du monde entier ont commencé à développer une nouvelle génération d’avions de combat entièrement métalliques à ailes basses. Le Dewoitine D.520 français et le Messerschmitt Bf 109 allemand, par exemple, ont été conçus pour tirer parti des nouvelles techniques de construction monocoque et de la disponibilité de nouveaux moteurs d'avion en ligne de grande puissance, refroidis par liquide. Ils présentaient également des raffinements tels que des trains d'atterrissage rétractables, des cockpits entièrement fermés et des ailes entièrement métalliques à faible traînée (tous introduits sur les avions de ligne civils des années auparavant, mais lents à être adoptés par l'armée, qui privilégiait la simplicité et la maniabilité du biplan). Les objectifs de conception de Mitchell étaient de créer un bombardier intercepteur et un avion de combat bien équilibré et performant, capable d'exploiter pleinement la puissance du moteur Merlin, tout en étant relativement facile à piloter. À l'époque, avec la France comme alliée et l'Allemagne considérée comme son futur adversaire le plus probable, aucun chasseur ennemi n'était prévu au-dessus de la Grande-Bretagne, les bombardiers ennemis seraient obligés de voler vers le Royaume-Uni au-dessus de la mer du Nord et aucun avion à moteur unique n'apparaîtrait au-dessus de la Grande-Bretagne. Le chasseur de l'époque avait la portée nécessaire pour accompagner les bombardiers et réussir à regagner ses propres aérodromes amis ; pour mener à bien la mission de défense intérieure, la conception était destinée à grimper rapidement pour rencontrer les bombardiers ennemis. Bodie 1991, p. 20. La cellule du Spitfire était complexe : le fuselage profilé en duralumin semi-monocoque présentait un grand nombre de courbes composées construites à partir d'un squelette de 19 formes, également connu sous le nom de cadres, à partir du cadre numéro un, immédiatement derrière l'hélice, jusqu'à la queue. cadre de fixation de l'unité. Les quatre premiers cadres supportaient le réservoir collecteur de glycol et les capots du moteur. Le châssis 5, auquel étaient fixés les supports moteur, supportait le poids du moteur et des accessoires, ainsi que les charges imposées par le moteur : il s'agissait d'un double châssis renforcé qui incorporait également la cloison coupe-feu et, dans les versions ultérieures du Spitfire, le cuve à mazout. Ce cadre attachait également les quatre longerons principaux du fuselage au reste de la cellule. Derrière la cloison se trouvaient cinq demi-châssis en forme de « U » qui abritaient les réservoirs de carburant et le cockpit. Le fuselage arrière commençait au onzième cadre, auquel le siège du pilote et (plus tard) le blindage étaient fixés, et se terminait au dix-neuvième, qui était monté légèrement vers l'avant, juste en avant de l'aileron. Chacun de ces neuf cadres étaient ovales, diminuant de taille vers la queue, et comportaient plusieurs trous d'allégement pour réduire au maximum leur poids sans les affaiblir. Le cadre en forme de U 20 était le dernier cadre du fuselage proprement dit et le cadre auquel l'empennage était fixé. Les cadres 21, 22 et 23 formaient l'aileron ; le cadre 22 incorporait l'ouverture de la roue arrière et le cadre 23 était le poteau de gouvernail. Avant d'être fixés au fuselage principal, les cadres de l'empennage étaient maintenus dans un gabarit et les huit supports d'empennage horizontaux y étaient rivetés. Une combinaison de 14 longerons longitudinaux et de quatre longerons principaux fixés aux cadres a contribué à former une structure légère mais rigide à laquelle étaient fixées des feuilles de revêtement alclad stressé. Le placage du fuselage était de calibre 24, 20 et 18 par ordre d'épaisseur vers la queue, tandis que la structure de l'aileron était complétée à l'aide de longerons courts des cadres 20 à 23, avant d'être recouverte d'un placage de calibre 22. Les revêtements du fuselage, des ailes et de l'empennage étaient fixés par des rivets et dans les zones critiques telles que l'aile à l'avant du longeron principal où un flux d'air ininterrompu était requis, avec des rivets affleurants ; le fuselage utilisait des rivetages à tête bombée standard. À partir de février 1943, des rivets affleurants furent utilisés sur le fuselage, affectant toutes les variantes du Spitfire. Dans certaines zones, comme à l'arrière de l'aile et sur les revêtements inférieurs de l'empennage, le dessus était riveté et le dessous fixé par des vis en laiton qui taraudaient dans des bandes d'épicéa boulonnées aux nervures inférieures. Les extrémités des ailes amovibles étaient constituées de formes en épicéa à peau de duralumin. Au début, les ailerons, les gouvernes de profondeur et le gouvernail étaient recouverts de tissu. Lorsque l'expérience de combat a montré que les ailerons recouverts de tissu étaient impossibles à utiliser à grande vitesse, un alliage léger a remplacé le tissu, améliorant ainsi le contrôle sur toute la plage de vitesse. Conception d'aile elliptique En 1934, Mitchell et l'équipe de conception décidèrent d'utiliser une forme d'aile semi-elliptique pour résoudre deux exigences contradictoires ; l'aile devait être mince, pour éviter de créer trop de traînée, tout en pouvant accueillir un train d'atterrissage rétractable, ainsi que de l'armement et des munitions. Une forme de plan elliptique est la forme aérodynamique la plus efficace pour une aile non tordue, conduisant à la plus faible quantité de traînée induite. L'ellipse était inclinée de sorte que le centre de pression, qui se produit à la position du quart de corde, soit aligné avec le longeron principal, empêchant ainsi les ailes de se tordre. Mitchell a parfois été accusé d'avoir copié la forme de l'aile du Heinkel He 70, qui a volé pour la première fois en 1932 ; mais comme l'expliquait Beverley Shenstone, l'aérodynamicien de l'équipe de Mitchell : « Notre aile était beaucoup plus fine et avait une section assez différente de celle du Heinkel. conçu dans un but totalement différent. La section d'aile utilisée appartenait à la série NACA 2200, qui avait été adaptée pour créer un rapport épaisseur/corde de 13 % à l'emplanture, réduisant à 9,4 % à l'extrémité. Un dièdre de six degrés a été adopté pour accroître la stabilité latérale. Une caractéristique de l'aile qui a grandement contribué à son succès était une conception innovante de flèche de longeron, composée de cinq tubes carrés emboîtés les uns dans les autres. Au fur et à mesure que l'aile s'amincissait le long de son envergure, les tubes étaient progressivement coupés de la même manière qu'un ressort à lames ; deux de ces flèches étaient reliées entre elles par une âme en alliage, créant un longeron principal léger et très solide. Les jambes du train d'atterrissage étaient fixées à des points de pivotement intégrés dans la section intérieure arrière du longeron principal et rétractées vers l'extérieur et légèrement vers l'arrière dans les puits de la structure de l'aile non porteuse. La voie étroite du train d'atterrissage qui en résulte a été considérée comme un compromis acceptable car elle réduisait les charges de flexion sur le longeron principal lors de l'atterrissage. Devant le longeron, le bord d'attaque à peau épaisse de l'aile formait une boîte solide et rigide en forme de D, qui supportait la plupart des charges alaires. Au moment de la conception de l'aile, ce bord d'attaque en forme de D était destiné à abriter les condenseurs de vapeur du système de refroidissement par évaporation destiné au PV-XII. Des problèmes constants avec le système d'évaporation de l'Autour des palombes ont conduit à l'adoption d'un système de refroidissement utilisant 100 % de glycol. Les radiateurs étaient logés dans un nouveau conduit de radiateur conçu par Fredrick Meredith du RAE à Farnborough ; cela utilisait l'air de refroidissement pour générer une poussée, réduisant considérablement la traînée nette produite par les radiateurs. À son tour, la structure de pointe a perdu sa fonction de condenseur, mais elle a ensuite été adaptée pour abriter des réservoirs de carburant intégrés de différentes tailles, une fonctionnalité brevetée par Vickers-Supermarine en 1938. Une autre caractéristique de l'aile était son délavage. Le bord de fuite de l'aile s'est légèrement tordu vers le haut le long de son envergure, l'angle d'incidence diminuant de +2° à son emplanture à -½° à son extrémité. Cela a provoqué le décrochage des racines des ailes avant les pointes, réduisant ainsi le décrochage qui aurait autrement pu entraîner une chute de l'aile, conduisant souvent à une vrille. Lorsque les racines des ailes ont commencé à décrocher, le flux d'air de séparation a commencé à secouer (à vibrer) l'avion, avertissant le pilote et permettant ainsi à même des pilotes relativement inexpérimentés de piloter l'avion jusqu'aux limites de ses performances. Ce délavage a été présenté pour la première fois dans l'aile du Type 224 et est devenu une caractéristique constante dans les conceptions ultérieures menant au Spitfire. La complexité de la conception de l'aile, en particulier la précision requise pour fabriquer le longeron vital et les structures de pointe, a d'abord causé des retards majeurs dans la production du Spitfire. Les problèmes se sont accrus lorsque les travaux ont été confiés à des sous-traitants, dont la plupart n'avaient jamais eu affaire à des avions à grande vitesse à structure métallique. En juin 1939, la plupart de ces problèmes avaient été résolus et la production n'était plus freinée par le manque d'ailes. Toutes les commandes de vol principales étaient à l'origine des structures métalliques recouvertes de tissu. Les concepteurs et les pilotes estimaient qu'avoir des ailerons trop lourds à déplacer (en termes d'effort et non de masse) à grande vitesse éviterait une éventuelle inversion des ailerons, empêchant ainsi les pilotes de lancer l'avion. autour et en retirant les ailes. On pensait également que les combats aériens se dérouleraient à une vitesse relativement faible et que les manœuvres à grande vitesse seraient physiquement impossibles. Au cours de la bataille d'Angleterre, les pilotes ont constaté que les ailerons du Spitfire étaient beaucoup trop lourds à grande vitesse, ce qui limitait considérablement les manœuvres latérales telles que les roulis et les virages à grande vitesse, qui étaient encore une caractéristique du combat air-air. Les essais en vol ont montré que le revêtement en tissu des ailerons "gonflait" à grande vitesse, affectant négativement l'aérodynamisme. Le remplacement du revêtement en tissu par un alliage léger a considérablement amélioré les ailerons à grande vitesse. Le Spitfire avait des extrémités d'ailes amovibles qui étaient fixées par deux points de montage à l'extrémité de chaque aile principale : lorsque le Spitfire a assumé le rôle de chasseur à haute altitude (Marks VI et VII et certains premiers Mk VIII), les extrémités d'ailes standard ont été remplacés par des pointes allongées et « pointues » qui ont augmenté l'envergure de 36 pi 10 po (11,23 m) à 40 pi 2 po (12,3 m). L'autre variante du bout d'aile, utilisée par plusieurs variantes de Spitfire, était l'aile « coupée » ; les extrémités des ailes standard ont été remplacées par des carénages en bois qui ont réduit la portée à 32 pi 6 po (9,9 m). Les extrémités des ailes utilisaient des formes en épicéa pour la majeure partie de la structure interne avec une peau en alliage léger fixée à l'aide de vis en laiton. Le flux d'air à travers le radiateur principal était contrôlé par des volets de sortie pneumatiques. Dans les premières marques de Spitfire (Mk I à Mk VI), le volet unique était actionné manuellement à l'aide d'un levier situé à gauche du siège du pilote. Lorsque le Merlin à deux étages a été introduit dans le Spitfire Mk IX, les radiateurs ont été divisés pour faire place à un radiateur de refroidisseur intermédiaire ; le radiateur sous l'aile tribord a été réduit de moitié et le radiateur du refroidisseur intermédiaire a été logé à côté. Sous l'aile bâbord, un nouveau carénage de radiateur abritait un refroidisseur d'huile carré à côté de l'autre demi-radiateur. Les deux volets de radiateur étaient désormais commandés automatiquement via un thermostat. Les volets divisés en alliage léger situés au bord de fuite de l'aile étaient également actionnés pneumatiquement via un levier sur le tableau de bord. Seulement deux postes étaient disponibles ; complètement vers le haut ou complètement vers le bas (85°). Les volets n'étaient normalement sortis que lors de l'approche finale et de l'atterrissage, et le pilote devait les rentrer avant de rouler au sol. L'ellipse a également servi de base de conception pour l'ensemble aileron et empennage du Spitfire, exploitant une fois de plus les caractéristiques aérodynamiques favorables de la forme. Les gouvernes de profondeur et le gouvernail ont été façonnés de manière à ce que leur centre de masse soit déplacé vers l'avant, réduisant ainsi le flottement des gouvernes. Les nez plus longs et le plus grand souffle d'hélice résultant des moteurs plus gros dans les modèles ultérieurs ont nécessité des surfaces de queue verticales et, plus tard, horizontales de plus en plus grandes pour compenser l'aérodynamisme modifié, culminant avec celles de la série Mk 22/24 qui étaient 25 % plus grandes en superficie. que ceux du Mk I. Conceptions améliorées des ailes tardives À mesure que le Spitfire gagnait en puissance et était capable de manœuvrer à des vitesses plus élevées, la possibilité que les pilotes soient confrontés à une inversion des ailerons augmentait, et l'équipe de conception du Supermarine entreprit de repenser les ailes pour contrer cela. La conception originale de l'aile avait une vitesse théorique d'inversion des ailerons de 580 mph, ce qui était légèrement inférieur à celui de certains chasseurs contemporains. Le Royal Aircraft establishment a noté qu'à 400 mi/h IAS, environ 65 % de l'efficacité des ailerons était perdue en raison de la torsion de l'aile. La nouvelle aile du Spitfire F Mk 21 et de ses successeurs a été conçue pour contribuer à atténuer ce problème ; la rigidité de l'aile a été augmentée de 47 %, et une nouvelle conception d'aileron utilisant des charnières à piano et des volets compensateurs à engrenages signifiait que la vitesse théorique d'inversion des ailerons a été augmentée à 825 mph. Parallèlement à l'aile redessinée, Supermarine a également expérimenté l'aile d'origine, en rehaussant le bord d'attaque d'un pouce (2,54 cm), dans l'espoir d'améliorer la vue du pilote et de réduire la traînée. Cette aile a été testée sur un F Mk 21 modifié, également appelé F Mk 23 (parfois appelé « Valiant » plutôt que « Spitfire »). L'augmentation des performances était minime et cette expérience a été abandonnée. Supermarine a développé une nouvelle aile à flux laminaire basée sur de nouveaux profils d'aile développés par NACA aux États-Unis, dans le but de réduire la traînée et d'améliorer les performances. Ces profils à flux laminaire étaient le Supermarine 371-I utilisé à la racine et le 371-II utilisé à la pointe. Supermarine a estimé que la nouvelle aile pourrait donner une augmentation de vitesse de 55 mph (89 km/h) par rapport au Spitfire Mk 21. La nouvelle aile était initialement installée sur un Spitfire Mk XIV ; plus tard, un nouveau fuselage fut conçu, le nouveau chasseur devenant le Supermarine Spiteful. De manière assez surprenante, la nouvelle aile trapézoïdale avait un nombre de Mach critique inférieur à celui de l'ancienne aile elliptique, ce qui a amené l'un des pilotes d'essai qui ont piloté le "jet Spiteful" (le Supermarine Attacker) à faire remarquer que l'aile d'origine aurait dû être conservée sur le jet. Carburation versus injection de carburant Au début de son développement, le manque d'injection de carburant du moteur Merlin signifiait que les Spitfire et les Hurricanes, contrairement au Bf 109E, étaient incapables de simplement piquer du nez dans une plongée abrupte. Cela signifiait qu'un chasseur de la Luftwaffe pouvait simplement « se lancer » dans une plongée à haute puissance pour échapper à une attaque, laissant le Spitfire derrière lui, car son carburant était expulsé du carburateur par un « g » négatif. Les pilotes de chasse de la RAF ont vite appris à « faire rouler à moitié » leur avion avant de plonger pour poursuivre leurs adversaires. Les carburateurs ont été adoptés parce que, comme l'expliquait Sir Stanley Hooker, le carburateur "augmentait les performances du compresseur et augmentait ainsi la puissance du moteur". En mars 1941, un disque métallique percé d'un trou fut installé dans la conduite de carburant, limitant le débit de carburant au maximum que le moteur pouvait consommer. Bien que cela n'ait pas résolu le problème du manque de carburant initial lors d'une plongée, cela a réduit le problème plus grave du carburateur inondé de carburant par les pompes à carburant sous un « g » négatif. Il est devenu connu sous le nom de « l'orifice de Miss Shilling » car il a été inventé par Beatrice « Tilly » Shilling. D'autres améliorations ont été introduites dans toute la série Merlin, avec des carburateurs à pression fabriqués par Bendix, conçus pour permettre au carburant de s'écouler dans toutes les attitudes de vol, introduits en 1942. Armement En raison d'une pénurie de Browning, qui avaient été sélectionnés comme nouvelle mitrailleuse de calibre standard pour la RAF en 1934, les premiers Spitfire n'étaient équipés que de quatre canons, les quatre autres étant installés plus tard. Premiers tests

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Quel bâtiment en Écosse est censé abriter le Saint Graal et figure en bonne place à la fin du Da Vinci Code ?

chapelle de Rosslyn

Le Saint Graal est un plat, une assiette, une pierre ou une coupe qui fait partie d'un thème important de la littérature arthurienne. Selon la légende, il possède des pouvoirs spéciaux et est conçu pour apporter le bonheur, la jeunesse éternelle et une nourriture en abondance infinie. Un Graal, merveilleux mais pas explicitement saint, apparaît pour la première fois dans Perceval le Gallois, roman inachevé de Chrétien de Troyes. Il s'agit d'un plateau de procession utilisé lors d'une fête. L'histoire de Chrétien a attiré de nombreux continuateurs, traducteurs et interprètes à la fin du XIIe et au début du XIIIe siècle, notamment Wolfram von Eschenbach, qui percevait le Graal comme une grande pierre précieuse tombée du ciel. La légende du Graal s'est mêlée aux légendes du Saint Calice. Le lien avec Joseph d'Arimathie et avec les vases associés à la Dernière Cène et à la crucifixion de Jésus date de Joseph d'Arimathie de Robert de Boron (fin du XIIe siècle) dans lequel Joseph reçoit le Graal d'une apparition de Jésus et l'envoie avec ses disciples à Grande Bretagne. S'appuyant sur ce thème, des écrivains ultérieurs ont raconté comment Joseph a utilisé le Graal pour récupérer le sang du Christ lors de son enterrement et comment il a fondé une lignée de gardiens pour le garder en sécurité en Grande-Bretagne. La légende peut combiner une tradition chrétienne avec un mythe celtique d'un chaudron doté de pouvoirs spéciaux. Origines Le mot graal, tel qu'il est orthographié le plus tôt, vient du vieux français graal ou greal, apparenté au vieux provençal grazal et au vieux catalan gresal, signifiant « une tasse ou un bol de terre, de bois ou de métal » (ou d'autres types de récipients dans différents dialectes occitans). L'étymologie la plus communément acceptée le dérive du latin gradalis ou gradale via une forme antérieure, cratalis, un dérivé de cratère ou cratus, qui a été, à son tour, emprunté au grec cratère (κρατήρ, un grand récipient pour mélanger le vin). Des suggestions alternatives incluent un dérivé de cratis, un nom pour un type de panier tressé qui en est venu à faire référence à un plat, ou un dérivé du latin gradus signifiant « « par degré », « par étapes », appliqué à un plat apporté à la table. dans différentes étapes ou services au cours d'un repas". Le Graal était considéré comme un bol ou un plat lors de sa première description par Chrétien de Troyes. Hélinand de Froidmont a décrit le Graal comme une « soucoupe large et profonde » (scutella lata et aliquantulum profunda) ; d'autres auteurs avaient leurs propres idées. Robert de Boron l'a représenté comme le vaisseau de la Cène. Le roman gallois Peredur n'avait pas de Graal en soi, présentant au héros un plateau contenant la tête coupée et ensanglantée de son parent. Dans Parzival, Wolfram von Eschenbach, citant l'autorité d'un certain (probablement fictif) Kyot le Provençal, affirmait que le Graal était une pierre (appelée lapis exillis) tombée du ciel et qui avait été le sanctuaire des anges neutres qui ne prenaient aucun parti. pendant la rébellion de Lucifer. Les auteurs du Cycle de la Vulgate ont utilisé le Graal comme symbole de la grâce divine. Galahad, fils illégitime de Lancelot et d'Elaine, le plus grand chevalier du monde et porteur du Graal au château de Corbenic, est destiné à atteindre le Graal, sa pureté spirituelle faisant de lui un plus grand guerrier que même son illustre père. Galahad et l'interprétation du Graal qui l'implique ont été repris au XVe siècle par Sir Thomas Malory dans Le Morte d'Arthur et restent populaires aujourd'hui. Selon l'Encyclopédie catholique, après que le cycle des romans du Graal ait été bien établi, les écrivains de la fin du Moyen Âge ont proposé une fausse étymologie pour sangréal, un nom alternatif pour « Saint Graal ». En vieux français, san graal ou san gréal signifie « Saint Graal » et sang réal signifie « sang royal » ; les écrivains ultérieurs ont joué sur ce jeu de mots. Depuis, « Sang real » est parfois employé pour donner un air médiévaux en référence au Saint Graal. Ce lien avec le sang royal a porté ses fruits dans un best-seller moderne reliant de nombreuses théories historiques du complot (voir ci-dessous). Les débuts en littérature Chrétien de Troyes Le Graal est présenté pour la première fois dans Perceval, le Conte du Graal de Chrétien de Troyes, qui prétend travailler à partir d'un livre source que lui a donné son patron, le comte Philippe de Flandre. Dans ce poème incomplet, daté entre 1180 et 1191, l'objet n'a pas encore acquis les implications de sainteté qu'il aurait dans les œuvres ultérieures. En dînant dans la demeure magique du Roi Pêcheur, Perceval assiste à une merveilleuse procession au cours de laquelle des jeunes transportent de magnifiques objets d'une chambre à l'autre, passant devant lui à chaque plat du repas. Vient d’abord un jeune homme portant une lance sanglante, puis deux garçons portant des candélabres. Enfin, une belle jeune fille émerge portant un graal, ou "Graal", richement décoré. Chrétien se réfère à cet objet non pas comme « Le Graal » mais comme « un graal » (un graal), montrant que le mot était utilisé, dans son premier contexte littéraire, comme nom commun. Pour Chrétien, un Graal était un plat ou un bol large et quelque peu profond, intéressant car il contenait non pas un brochet, un saumon ou une lamproie, comme le public aurait pu s'y attendre pour un tel récipient, mais une seule hostie de masse qui servait de nourriture au roi pêcheur. père infirme. Perceval, à qui on avait prévenu de ne pas trop parler, reste silencieux pendant tout cela et se réveille seul le lendemain matin. Il apprend plus tard que s'il avait posé les questions appropriées sur ce qu'il a vu, il aurait guéri son hôte mutilé, tout à son honneur. L’histoire du jeûne mystique du roi blessé n’est pas unique ; plusieurs saints auraient vécu sans nourriture autre que la communion, par exemple sainte Catherine de Gênes. Cela peut impliquer que Chrétien voulait que l'hostie de messe soit la partie importante du rituel et que le Graal soit un simple accessoire. Robert de Boron Bien que le récit de Chrétien soit le plus ancien et le plus influent de tous les textes du Graal, c'est dans l'œuvre de Robert de Boron que le Graal est véritablement devenu le « Saint Graal » et a pris la forme la plus familière aux lecteurs modernes. Dans son roman en vers Joseph d'Arimathie, composé entre 1191 et 1202, Robert raconte l'histoire de Joseph d'Arimathie acquérant le calice de la Dernière Cène pour recueillir le sang du Christ lors de sa dépose de la croix. Joseph est jeté en prison, où le Christ lui rend visite et lui explique les mystères de la coupe bénie. À sa libération, Joseph rassemble sa belle-famille et d'autres disciples et voyage vers l'ouest et fonde une dynastie de gardiens du Graal qui comprend finalement Perceval. Autre littérature ancienne Après ce point, la littérature du Graal se divise en deux classes. Le premier concerne les chevaliers du roi Arthur visitant le château du Graal ou en quête de l'objet. La seconde concerne l'histoire du Graal au temps de Joseph d'Arimathie. Les neuf œuvres les plus importantes du premier groupe sont : * Le Perceval de Chrétien de Troyes. * Quatre suites du poème de Chrétien, écrites par des auteurs de vision et de talent différents, conçues pour conclure l'histoire. * Le Parzival allemand de Wolfram von Eschenbach, qui a adapté au moins la sainteté du Graal de Robert dans le cadre du récit de Chrétien. * Le Didot Perceval, du nom de l'ancien propriétaire du manuscrit, et serait une prosification de la suite de Robert de Boron à Joseph d'Arimathie. * Le roman gallois Peredur, généralement inclus dans le Mabinogion, probablement au moins indirectement fondé sur le poème de Chrétien mais comportant des différences très frappantes avec celui-ci, préservant des éléments de traditions préchrétiennes comme le culte celtique de la tête. * Perlesvaus, appelé le roman du Graal « le moins canonique » en raison de son caractère très différent. * L'allemand Diu Crône (La Couronne), dans lequel Gauvain, plutôt que Perceval, atteint le Graal. * La section Lancelot du vaste Cycle de la Vulgate, qui présente le nouveau héros du Graal, Galahad. * La Queste del Saint Graal, autre partie du Cycle de la Vulgate, concernant les aventures de Galahad et sa réalisation du Graal. De la deuxième classe il y a : *Joseph d'Arimathie de Robert de Boron, * L'Estoire del Saint Graal, la première partie du Cycle de la Vulgate (mais écrite après Lancelot et la Queste), basée sur le conte de Robert mais l'élargissant considérablement avec de nombreux détails nouveaux. * Vers de Rigaut de Barbezieux, troubador provençal de la fin du XIIe ou du début du XIIIe siècle, où il est fait mention de Perceval, de la lance et du Graal ("Comme Perceval de son vivant, qui restait étonné dans la contemplation, de sorte qu'il était tout à fait incapable demander à quoi servaient la lance et le Graal » - « Attressi con Persavaus el temps que vivia, que s'esbait d'esgarder tant qu'anc non saup demandar de que servia la lansa ni-l grazaus »). Premières formes Il existe deux courants de pensée concernant l'origine du Graal. Le premier, défendu par Roger Sherman Loomis, Alfred Nutt et Jessie Weston, soutient qu'il dérive des premiers mythes et folklores celtiques. Loomis a tracé un certain nombre de parallèles entre la littérature galloise médiévale et le matériel irlandais et les romans du Graal, y compris des similitudes entre le Mabinogion Bran le Bienheureux et le roi pêcheur arthurien, et entre le chaudron réparateur de vie de Bran et le Graal. D’un autre côté, certains chercheurs pensent que le Graal était à l’origine un symbole purement chrétien. Par exemple, Joseph Goering de l'Université de Toronto a identifié des sources d'images du Graal dans des peintures murales du XIIe siècle provenant d'églises des Pyrénées catalanes (maintenant en grande partie transférées au Musée national d'art de Catalogne, Barcelone, Espagne), qui présentent des icônes uniques. images de la Vierge Marie tenant un bol qui irradie des langues de feu, images antérieures au premier récit littéraire de Chrétien de Troyes. Goering soutient qu’ils ont été l’inspiration originale de la légende du Graal. Une autre théorie récente soutient que les premiers récits présentant le Graal sous un jour chrétien visaient à promouvoir le sacrement catholique romain de la Sainte Communion. Bien que la pratique de la Sainte Communion ait été évoquée pour la première fois dans la Bible chrétienne et définie par les théologiens au 1er siècle après JC, c'est à l'époque de l'apparition de la première littérature christianisée du Graal que l'Église romaine commençait à ajouter davantage de cérémonies et de mysticisme. autour de ce sacrement particulier. Ainsi, les premiers récits du Graal pourraient avoir été des célébrations d’un renouveau de ce sacrement traditionnel. Cette théorie repose en partie sur le fait que les légendes du Graal sont un phénomène de l’Église occidentale. Dans plusieurs articles, Daniel Scavone, professeur émérite d'histoire à l'Université de Southern Indiana, avance une hypothèse qui identifie le Suaire de Turin comme l'objet réel qui inspire les romans du Saint Graal. La plupart des érudits d'aujourd'hui acceptent que les traditions chrétiennes et celtiques ont contribué au développement de la légende, bien que bon nombre des premiers arguments basés sur celtiques soient largement discrédités (Loomis lui-même en est venu à rejeter une grande partie du travail de Weston et Nutt). L'opinion générale est que le thème central du Graal est chrétien, même s'il n'est pas explicitement religieux, mais qu'une grande partie du décor et des images des premiers romans est tirée du matériel celtique. Légende ultérieure La croyance au Graal et l’intérêt pour sa localisation potentielle n’ont jamais cessé. La propriété a été attribuée à divers groupes (y compris les Templiers, probablement parce qu'ils étaient au sommet de leur influence à l'époque où les histoires du Graal ont commencé à circuler aux XIIe et XIIIe siècles). Il y a des coupes considérées comme le Graal dans plusieurs églises, par exemple l'église d'O Cebreiro en Galice, en Espagne, ou la cathédrale Sainte-Marie de Valence, qui contient un artefact, le calice de Valence, qui aurait été emporté par saint Pierre à Rome au 1er siècle. siècle, puis à Huesca en Espagne par Saint-Laurent au IIIe siècle. Selon la légende, le monastère de San Juan de la Peña, situé au sud-ouest de Jaca, dans la province de Huesca, en Espagne, protégeait le calice de la Cène des envahisseurs islamiques de la péninsule ibérique. Antonio Beltrán dit que l'artefact est un récipient en pierre du Moyen-Orient du 1er siècle, probablement originaire d'Antioche, en Syrie (aujourd'hui Turquie) ; son histoire remonte au XIe siècle et il repose désormais sur une tige et une base ornées, fabriquées à l'époque médiévale en albâtre, en or et en pierres précieuses. C'était le calice papal officiel de nombreux papes et a été utilisé par beaucoup d'autres, le plus récemment par le pape Benoît XVI, le 9 juillet 2006. Le calice d'émeraude de Gênes, obtenu à grand prix lors des croisades à Césarée maritime, est moins défendu comme le Saint Graal depuis qu'un accident de la route, alors qu'il revenait de Paris après la chute de Napoléon, révéla que l'émeraude était du verre vert. Selon Wolfram von Eschenbach, le Graal était gardé en sécurité au château de Munsalvaesche (mons salutis), confié à Titurel, le premier roi du Graal. Certains, notamment les moines bénédictins de Montserrat, ont identifié le château avec le véritable sanctuaire de Montserrat en Catalogne, en Espagne. D'autres histoires prétendent que le Graal est enterré sous la chapelle de Rosslyn ou se trouve au fond de la source de Glastonbury Tor. D'autres histoires encore affirment qu'une lignée secrète de protecteurs héréditaires garde le Graal, ou qu'il a été caché par les Templiers à Oak Island, le célèbre « Money Pit » de la Nouvelle-Écosse, tandis que le folklore local d'Accokeek, dans le Maryland, dit qu'il a été amené dans la ville. par un prêtre enfermé à bord du navire du capitaine John Smith. Des récits du début du siècle indiquent que les partisans irlandais du clan Dhuir (O'Dwyer, Dwyer) ont transporté le Graal aux États-Unis au cours du 19e siècle et que le Graal a été gardé par leurs descendants en secret dans une petite abbaye du le haut-nord-ouest (on pense maintenant qu'il s'agit du sud du Minnesota). En mars 2014, Margarita Torres et José Ortega del Río ont présenté à León, en Espagne, un livre co-écrit, Los Reyes del Grial (Les Rois du Graal), qui décrit comment un arabisant et historien espagnol, le docteur Gustavo Turienzo, a trouvé deux documents égyptiens médiévaux au Caire, rédigés en arabe, suggérant que le Saint Graal avait été pris par les troupes égyptiennes à la suite de l'invasion de Jérusalem et du pillage de l'église du Saint-Sépulcre. Ce calice fut ensuite offert par l'émir d'Égypte à l'émir de Dénia, qui à son tour le remit aux rois de Léon afin qu'ils épargnent sa ville de la prochaine invasion chrétienne (Reconquista). Cela s'est produit au 11ème siècle. Ils affirment que le calice de Doña Urraca dans la basilique de San Isidoro a été très tôt considéré comme le Saint Graal. Interprétations modernes L'histoire du Graal et de la quête pour le trouver est devenue de plus en plus populaire au XIXe siècle, évoquée dans la littérature comme Alfred, le cycle arthurien de Lord Tennyson, les Idylles du roi. Une interprétation sexualisée du Graal, désormais identifié aux organes génitaux féminins, est apparue en 1870 dans le livre de Hargrave Jennings, The Rosicrucians, Their Rites and Mysteries. La combinaison de révérence feutrée, d'harmonies chromatiques et d'images sexualisées dans le dernier opéra Parsifal de Richard Wagner, créé en 1882, a développé ce thème, associant le Graal – produisant désormais périodiquement du sang – directement à la fertilité féminine. Le grand sérieux du sujet a également été incarné dans le tableau (illustré) de Dante Gabriel Rossetti, dans lequel une femme modelée par Alexa Wilding tient le Graal d'une main, tout en adoptant un geste de bénédiction de l'autre. Une importante série de peintures murales illustrant la quête du Saint Graal a été réalisée par l'artiste Edwin Austin Abbey au cours de la première décennie du XXe siècle pour la bibliothèque publique de Boston. D'autres artistes, dont George Frederic Watts et William Dyce, ont également représenté des sujets du Graal. Le Graal est apparu plus tard dans les films ; il a fait ses débuts dans un Parsifal muet. Dans The Light of Faith (1922), Lon Chaney tenta de le voler. Le Calice d'argent, un roman sur le Graal de Thomas B. Costain, a été adapté au cinéma en 1954. Lancelot du Lac (1974) a été réalisé par Robert Bresson. Monty Python et le Saint Graal (1975) (adapté en 2004 sous le nom de production scénique Spamalot) était une adaptation comique. John Boorman, dans son film Excalibur, a tenté de restaurer une représentation héroïque plus traditionnelle d'un conte arthurien, dans lequel le Graal se révèle comme un moyen mystique pour revitaliser Arthur et la terre aride à laquelle sa maladie dépressive est liée. Indiana Jones et la Dernière Croisade et Le Roi Pêcheur sont des adaptations plus récentes. Le Graal a été utilisé comme thème dans la fantasy, la fiction historique et la science-fiction ; une quête du Graal apparaît dans la série de livres de Bernard Cornwell, The Grail Quest, qui se déroule pendant la guerre de Cent Ans. Le roman fantastique de Michael Moorcock, The War Hound and the World's Pain, dépeint une quête surnaturelle du Graal se déroulant à l'époque de la guerre de Trente Ans. Les Brumes d'Avalon de Marion Zimmer Bradley présente le Graal comme un symbole de l'eau, faisant partie d'un ensemble d'objets représentant les quatre éléments classiques. Le Graal figure en bonne place dans les romans de la trilogie Knight de Peter David, qui représentent le roi Arthur réapparaissant dans la ville de New York d'aujourd'hui. Le Graal est au centre de nombreuses œuvres arthuriennes modernes, notamment le roman War in Heaven de Charles Williams et ses deux recueils de poèmes sur Taliessin, Taliessin Through Logres et Region of the Summer Stars, et dans l'Enfant du Saint Graal de l'auteure féministe Rosalind Miles. Le Graal figure également en bonne place dans le roman Baudolino d'Umberto Eco de 2000. Dans Fate/stay night, un roman visuel de Type-Moon, ainsi que dans ses adaptations successives, le Saint Graal est un objet magique tout-puissant capable d'exaucer des vœux et même d'invoquer des héros du passé, du présent ou du futur pour les faire combattre dans ce qui se passe. est connue sous le nom de guerre du Saint Graal, une bataille entre mages de la série afin d'utiliser le pouvoir du Graal d'exaucer un souhait au vainqueur. La science-fiction a emmené la Quête dans l'espace interstellaire, au sens figuré dans le roman Nova de Samuel R. Delany de 1968, et littéralement dans les émissions de télévision Babylon 5 et Stargate SG-1 (sous le nom de "Sangraal"). Bien que l'utilisation du terme « Graal » dans la série Riverworld de Philip Jose Farmer pour désigner les seaux de repas fournis à chacun des ressuscités fasse référence à la capacité réputée du Saint Graal à accorder l'immortalité, le Graal lui-même ne joue aucun rôle dans l'immortalité. scénario. Le Graal a également été traité dans des œuvres non romanesques, qui cherchent généralement à interpréter sa signification de manière nouvelle. Les psychologues Emma Jung et Marie-Louise von Franz ont utilisé la psychologie analytique pour interpréter le Graal comme une série de symboles dans leur livre The Grail Legend. Barber, 248-252. Cela développait les interprétations de Carl Jung, qui furent ensuite invoquées par Joseph Campbell. D’autres travaux tentent de relier le Graal aux théories du complot et aux traditions ésotériques. Dans Le Signe et le Sceau, Graham Hancock affirme que l'histoire du Graal est une description codée de l'Arche d'Alliance. Pour les auteurs de Saint Sang, Saint Graal, qui affirment que Jésus a survécu à la croix pour engendrer des enfants avec Marie-Madeleine, le Graal est une référence à la lignée mérovingienne comme réceptacle de la lignée de Jésus. De telles théories ont inspiré un certain nombre de romans de fiction modernes populaires. Le plus connu est le roman à succès de Dan Brown, The Da Vinci Code, qui, comme Holy Blood, Holy Grail, est basé sur l'idée que le véritable Graal n'est pas une coupe mais le sein maternel et plus tard les restes terrestres de Marie-Madeleine (à nouveau interprétée comme l'épouse de Jésus), ainsi qu'un ensemble de documents anciens prétendant raconter la véritable histoire de Jésus, de ses enseignements et de ses descendants. Dans le roman de Brown, il est laissé entendre que ce Graal a longtemps été enterré sous la chapelle de Rosslyn en Écosse, mais qu'au cours des dernières décennies, ses gardiens l'ont fait déplacer dans une chambre secrète encastrée dans le sol sous la pyramide inversée à l'entrée du musée du Louvre.

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Dans quelle sitcom Penelope Wilton a-t-elle joué l'épouse de Richard Briers ?

Cercles toujours décroissants

Une sitcom britannique est une émission de comédie de situation produite pour la télévision britannique. Bien que les styles des sitcoms aient changé au fil des années, ils ont tendance à être basés sur la famille, le lieu de travail ou une autre institution, où le même groupe de personnages contrastés est réuni dans chaque épisode. Les sitcoms britanniques sont généralement produites en une ou plusieurs séries de six épisodes. La plupart de ces séries sont conçues et développées par un ou deux écrivains. La majorité des sitcoms britanniques durent 30 minutes et sont enregistrées en studio dans une configuration à plusieurs caméras. Un sous-ensemble de la comédie britannique évite consciemment les thèmes et les intrigues traditionnels des comédies de situation pour se diversifier vers des sujets ou des méthodes narratives plus inhabituelles. Blackadder (1983-1989) et Oui Ministre/Oui Premier Ministre (1980-1988, 2013) ont déplacé ce qui est souvent un genre domestique ou professionnel dans les couloirs du pouvoir. Un développement ultérieur a été le faux documentaire dans des séries telles que The Office (2001-3). Histoire Premières années La première sitcom télévisée britannique fut Pinwright's Progress, diffusée par la BBC de 1946 à 1947, mais la forme n'a décollé qu'avec le transfert de Hancock's Half Hour de la radio BBC en 1956. Le biographe de Hancock, John Fisher, date la première utilisation du terme " comédie de situation »dans la diffusion britannique à un mémo de la BBC daté du 31 mars 1953 écrit par le producteur Peter Eton, suggérant le format comme véhicule idéal pour le style comique de Hancock. "Le personnage de Hancock, un perdant pompeux et débordé dans une société incompréhensible, influence encore de nombreux programmes aujourd'hui", selon Phil Wickham. Certains des scénarios écrits pour Hancock par Ray Galton et Alan Simpson ont presque complètement répudié toute structure narrative et tenté de reproduire un environnement quotidien avec l'intention d'en reproduire également la comédie. La sitcom la plus réussie d'ITV de cette période était probablement The Army Game (1957-1961), mettant en vedette certains des comédiens qui apparaîtraient bientôt dans la série de films Carry On. Dans les années 1960, la BBC a produit la première des comédies domestiques de Richard Waring, Marriage Lines (1961-66), avec Richard Briers et Prunella Scales, et une comédie alors rare sur le lieu de travail avec The Rag Trade (1961-63, 1977-78). Deux séries de longue durée ont commencé à cette époque, Steptoe and Son (1962-1965, 1970-1974) et Till Death Us Do Part (1965-1968, 1972-1975), cette dernière critiquée par Mary Whitehouse, militante de Clean-Up TV, pour c'est un mauvais langage. Avec Steptoe (et The Likely Lads, 1964-1966), les producteurs ont commencé à recruter des acteurs hétérosexuels, plutôt que des comédiens, autour desquels des séries antérieures comme Whack-O ! (1956-60, 1971-72), avec Jimmy Edwards, ou ceux mettant en vedette Hancock, avaient été construits. Une douce moquerie de « l'heure la plus belle » de la Grande-Bretagne s'est produite avec la comédie de la garde intérieure Dad's Army (1968-1977) et de l'église avec All Gas and Gaiters (1966-1971). Les femmes avaient généralement des rôles très secondaires à cette époque, même si diverses séries avec Wendy Craig dans le rôle principal et celles développées par la scénariste Carla Lane, la première écrivaine à succès du genre, constituaient des défis à cette situation. La carrière de Lane a commencé en collaboration avec d'autres écrivains sur The Liver Birds (1969-1979, 1996). Les années 1970 Les années 1970 sont souvent considérées comme l’âge d’or de la sitcom britannique. Les séries bien connues incluent la farce Fawlty Towers de John Cleese et Connie Booth (1975, 1979), la comédie sur l'autosuffisance de John Esmonde et Bob Larbey, The Good Life (1975-1978). Qu’est-il arrivé aux gars probables ? (1973-1974), une suite de la série précédente, a surpassé l'original, tandis que les mêmes scénaristes (Dick Clement et Ian La Frenais) ont fourni à Ronnie Barker son véhicule de sitcom le plus réussi, Porridge (1974-1977). Barker a également joué (avec David Jason) dans le très populaire Open All Hours (1973, 1976-1985), écrit par Roy Clarke. La longue série Last of the Summer Wine de Clarke a débuté en 1973 et s'est terminée en 2010, devenant ainsi la sitcom la plus ancienne au monde. La station commerciale ITV a connu des succès populaires avec Rising Damp (1974-1978, parfois appelée la meilleure de toutes les sitcoms ITV), Man About the House (1973-1976) et George and Mildred (1976-1979). La star de Rising Damps, Leonard Rossiter, a également joué le rôle principal dans le très populaire film de la BBC, The Fall and Rise of Reginald Perrin (1976-1979). La baisse de la fréquentation des cinémas à cette époque fait que nombre de ces séries sont transformées en films de cinéma ; la première version cinématographique de On the Buses (1969-1973) fut le plus gros succès au box-office britannique en 1971. Selon Jeff Evans, On the Buses est une « comédie joyeusement vulgaire » dans laquelle « les regards moqueurs et les insinuations dominent ». Certains des autres succès d'audience de la chaîne à cette époque sont désormais également « politiquement incorrects ». Des séries telles que Love Thy Neighbour (1972-1976) et Mind Your Language (1977-1979, 1986), qui tentaient de trouver de l'humour dans les conflits et les malentendus raciaux ou ethniques, ont été de plus en plus critiquées au fil du temps. La relaxation croissante en ce qui concerne la discussion sur le sexe a fait que la farce est devenue une forme familière dans les années 1970, utilisée dans des séries comme Up Pompeii ! (1969-1970, 1975, 1991) et Êtes-vous servi ? (1972, 1973-1985). Les années 1980 Dans les années 1980, les comédiens alternatifs émergents ont commencé à empiéter sur les sitcoms britanniques, en partie en réponse à des séries telles que Terry et June (1979-1987) perçues comme contenant « une noblesse complaisante, des attitudes sociales dépassées et des sensibilités bourgeoises ». L’incursion alternative a commencé avec The Young Ones (1982-1984), écrit par Rik Mayall, Ben Elton et d’autres, et s’est poursuivie avec Blackadder (1983-1989). Mayall était également la star de The New Statesman (1987-92), une série créée par Maurice Gran et Laurence Marks, dont le plus grand succès, Birds of a Feather (1989-98, 2014-), s'écartait également de la pratique britannique en matière de scénario. par une équipe d'écrivains. Only Fools and Horses, l'une des sitcoms britanniques les plus réussies, a débuté en 1981 et a été la plus durable de plusieurs séries écrites et créées par John Sullivan. D'autres succès incluent la satire politique Oui Ministre (1980-1984) et sa suite Oui, Premier Ministre (1986-1988), la sitcom de banlieue d'Esmonde et Larbey Cercles toujours décroissants (1984-1989) et la comédie de science-fiction Nain rouge (1988). –). D'autres émissions telles que 'Allo' Allo! (1984-1992) rappelaient les sitcoms des années 1970 telles que Are You Being Served ? et l'armée de papa. Depuis 1990 La nouvelle Channel 4 a commencé à produire des comédies de situation de longue durée avec succès. Desmond's (1989-1994) fut la première sitcom britannique avec un casting noir se déroulant sur le lieu de travail, et Drop the Dead Donkey (1990-1998) apporta de l'actualité à la forme car elle fut enregistrée à proximité de la transmission. Certains des plus grands succès des années 1990 étaient Father Ted, Men Behaving Badly, Absolutely Fabulous, I'm Alan Partridge, Keeping Up Appearances, Goodnight Sweetheart, The Vicar of Dibley et One Foot in the Grave. (BBC Worldwide a confirmé en février 2016 que Keeping Up Appearances est le programme télévisé le plus exporté de la société, vendu près de 1 000 fois à des diffuseurs étrangers.) Des exemples ultérieurs de l'approche hyperréaliste lancée par Galton et Simpson dans certains de leurs scénarios Hancock incluent The Royle Family. , Early Doors, Gavin & Stacey et The Office, ainsi que de nombreuses comédies dramatiques britanniques. La BBC a également commencé à utiliser ses chaînes numériques BBC Three et BBC Four pour créer une audience pour des séries décalées comme The Thick of It. Channel 4 a récemment connu des succès avec Spaced, Phoenix Nights, Black Books, Green Wing, Peep Show et The Inbetweeners. La sitcom conventionnelle a perdu de son importance dans les grilles au fil du temps (souvent remplacée par un mélange de comédie et de drame dans des séries dramatiques telles que Doc Martin et Hamish Macbeth), bien que cette forme ne soit pas éteinte. Certaines sitcoms populaires au Royaume-Uni au cours des dix dernières années incluent Outnumbered ; Deux pintes de bière blonde et un paquet de chips, qui a terminé sa neuvième série en 2011 ; et La foule informatique (2006-2013). À la BBC, la fin des années 2000 et le début des années 2010 ont vu une résurgence majeure des sitcoms de style traditionnel filmées devant un public en studio et comportant une piste de rire, comme Not Going Out, Miranda, Reggie Perrin (un remake de la série des années 1970 La chute et l'ascension de Reginald Perrin), Big Top, Mrs Brown's Boys et In with the Flynns. Sitcoms britanniques à l'étranger États-Unis Les sitcoms britanniques sont souvent diffusées sur le service de radiodiffusion publique, généralement grâce aux efforts du WGBH, et de plus en plus sur la télévision par câble, notamment BBC America et Comedy Central. Are You Being Served ?, Keeping up Appearances et As Time Goes By sont devenus des succès dormants lors de leur diffusion sur le service de radiodiffusion publique, tandis qu'Absolutely Fabulous a bénéficié d'un public important lors de sa diffusion sur Comedy Central, et The Office a remporté un Golden Globe Award en 2004. pour la "Meilleure série télévisée - musicale ou comique", battant les favoris américains populaires tels que Sex and the City de HBO et Will & Grace de NBC. La plupart des stations PBS appellent affectueusement les sitcoms britanniques « Britcoms ». Plusieurs sitcoms britanniques ont été refaites avec succès pour le marché américain. Des exemples notables incluent Steptoe and Son qui est devenu Sanford and Son, Till Death Us Do Part, qui est devenu All in the Family sur CBS et The Office qui a été refait en une série américaine du même nom. Plus récemment, des émissions comme The Inbetweeners ont été adaptées ainsi que Misfits. Il convient toutefois de noter qu'un grand nombre d'adaptations américaines finissent par être annulées prématurément ou ne sont pas mises en service après la création de leurs pilotes. Une autre différence notable, qui a été à la fois positive et négative en fonction des compétences des acteurs et des scénaristes, est la culture médiatique américaine de plus de 20 saisons d'épisodes, par opposition à la culture britannique qui compte généralement moins de 10 épisodes par série. Australie et Nouvelle-Zélande En Australie, de nombreuses séries comiques britanniques sont diffusées sur ABC, qui est l'équivalent australien de la BBC. Des émissions britanniques sont également parfois diffusées sur les trois réseaux de télévision commerciaux en Australie ; en particulier, Network Seven a projeté de nombreuses sitcoms britanniques populaires dans les années 1970. En Nouvelle-Zélande, la télévision publique néo-zélandaise a également diffusé de nombreuses séries britanniques populaires. La majorité des comédies britanniques sont désormais diffusées dans les deux pays sur les chaînes par abonnement The Comedy Channel et UKTV. Les chaînes de télévision commerciales australiennes ont créé leurs propres versions de comédies britanniques populaires dans les années 1970, en utilisant souvent des membres des acteurs originaux. Ceux-ci comprenaient : Êtes-vous servi ?, Père, cher père, docteur en bas, aimez votre prochain. Dans les deux pays, les sitcoms écrites et réalisées localement ont souvent été fortement influencées par la structure des sitcoms britanniques (comme dans la sitcom néo-zélandaise Gliding On). Inde Dans les années 1980, les stations nationales indiennes Doordarshan ont diffusé Fawlty Towers, Yes, Ministry et Mind Your Language.

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Qui joue le rôle de Bubble dans Absolutely Fabulous ?

Jane Horrocks

Absolutely Fabulous, également connue sous le nom d'Ab Fab, est une sitcom télévisée de la BBC créée, écrite et mettant en vedette Jennifer Saunders. Il est basé sur un croquis French & Saunders de 1990 créé par Saunders et Dawn French. La série présente Saunders dans le rôle d'Edina Monsoon, une agente de relations publiques toxicomane et alcoolique qui passe son temps à courir après des modes bizarres dans une tentative désespérée de rester jeune et « branchée ». Edina est rejointe dans sa quête par la rédactrice en chef du magazine Patsy Stone (interprétée par Joanna Lumley), sa meilleure amie et complice, dont la toxicomanie, la consommation d'alcool et la promiscuité éclipsent de loin le comportement autodestructeur relativement doux d'Edina. Bien qu'elle soit une femme de carrière d'âge moyen, divorcée deux fois, Edina dépend du soutien de sa fille Saffron (Julia Sawalha), une élève du secondaire (et plus tard étudiante à l'université) dont les soins constants envers sa mère l'ont laissée un cynique amer. . La série met également en vedette June Whitfield dans le rôle de la mère sarcastique et voleuse d'Edina, et Jane Horrocks dans le rôle de l'assistante personnelle sans cervelle d'Edina. Absolutely Fabulous est revenu pour trois épisodes spéciaux initialement diffusés le 25 décembre 2011, le 1er janvier 2012 et le 23 juillet 2012 pour marquer le 20e anniversaire de la série. L'épisode diffusé le 23 juillet 2012 présentait les Jeux olympiques d'été de 2012 qui se tenaient à Londres cette semaine-là. Un film basé sur la série est sorti en salles le 1er juillet 2016. Production L'émission a eu une diffusion prolongée et sporadique. Les trois premières séries ont été diffusées sur la BBC de 1992 à 1995, suivies d'une finale de la série sous la forme d'un téléfilm en deux parties intitulé The Last Shout en 1996. La créatrice Jennifer Saunders a relancé la série pour une quatrième série en 2001, après après avoir écrit et soumis un pilote intitulé Mirrorball, qui a recruté la quasi-totalité du casting original dans de nouveaux rôles. Le pilote était destiné à être transformé en une série d'épisodes. Cependant, Saunders a estimé que les personnages étaient beaucoup trop riches et intéressants pour être mis de côté, et qu'ils étaient bien mieux adaptés à ses nouvelles idées d'histoire. Au lieu de Mirrorball, une nouvelle série d'Absolument Fabuleux a été proposée à la BBC, qui a ensuite commandé la quatrième série en 2001. De 2001 à 2004, deux séries complètes ont été produites, ainsi que trois émissions spéciales ponctuelles d'une heure ; Gay (rebaptisé et publié sous le titre Absolutely Fabulous à New York pour les États-Unis) en 2002, Cold Turkey, une émission spéciale de Noël en 2003, et White Box (une autre finale de la série), diffusée en 2004. Un sketch Comic Relief a été diffusé en 2005. . En août 2011, Lumley a confirmé le tournage prévu de trois nouveaux épisodes. En 2011, les projets de renaissance du 20e anniversaire ont été salués dans The Guardian, qui a salué le spectacle comme étant « prophétique ». La première nouvelle émission spéciale a été diffusée le 25 décembre et le deuxième épisode a été diffusé le 1er janvier 2012. La troisième et dernière émission spéciale a coïncidé avec les Jeux olympiques d'été de 2012, avec Stella McCartney apparaissant dans un rôle de camée. Une version cinématographique de la série est sortie à l'été 2016. Aux États-Unis, la première des trois nouvelles émissions spéciales du 20e anniversaire a été diffusée en janvier 2012 et diffusée à la fois par BBC America et Logo Channel. Les deux chaînes ont également coproduit les épisodes du 20e anniversaire, bien que Logo ait supprimé certaines scènes pour ses diffusions. BBC America l'a diffusé dans son intégralité. Les deux chaînes ont diffusé l'épisode par blocs de 40 minutes pour permettre les interruptions commerciales. Absolutely Fabulous est classée 17ème plus grande émission de télévision britannique de tous les temps par le British Film Institute. Une scène de l'émission a été incluse dans le programme 100 Greatest TV Moments diffusé par Channel 4. En 1997, l'épisode pilote, "Fashion", a été classé 47e sur la liste des "100 plus grands épisodes de tous les temps" de TV Guide. En 2004 et 2007, la série a été classée 24e et 29e sur la liste des meilleures émissions cultes de tous les temps du TV Guide. Arrière-plan Absolutely Fabulous a évolué à partir d'un sketch de French & Saunders intitulé "Modern Mother and Daughter" (de l'épisode 6 de la série 3), qui mettait en vedette Saunders dans le rôle de la mère (nommée "Adrianna") et French dans le rôle de la fille, déjà nommée Saffron. Le sketch tournait autour d'une mère célibataire d'âge moyen qui se comportait comme une adolescente et dépendait du soutien émotionnel et financier de sa fille adolescente, qui se comportait comme une femme d'âge moyen. Il n'a aucun lien, autre que le nom du personnage, avec le film précédent Eddie Monsoon : A Life ?, une comédie écrite par le mari de Saunders, Adrian Edmondson en 1984 pour la série télévisée The Comic Strip Presents.... Le nom "Edina Monsoon" est dérivé du nom d'Edmondson et "Eddy Monsoon" est son surnom. Selon un article publié dans The Times, le personnage d'Edina était basé sur Lynne Franks. Franks pensait que Saunders l'avait observée, elle et ses enfants, en détail après les avoir rejoints en vacances en famille. Josh Howie, le fils de Franks, a rapporté que sa mère était bouleversée parce qu'un de ses meilleurs amis "l'avait énervée" dans une émission télévisée. Saunders a révélé en 2012 qu'elle était également inspirée par le groupe pop Bananarama avec qui elle et Dawn French étaient devenues amies après leur collaboration avec Comic Relief en 1989. "Les nuits avec Bananarama étaient parmi les meilleures nuits de ma vie, et j'ai eu beaucoup de choses à faire." de gags de Bananarama parce qu'ils étaient de grands buveurs de vodka... quand j'ai commencé à faire AbFab, je me suis souvenu de toutes les chutes que j'ai vu faire à Bananarama. J'ai vu un jour l'un d'eux sortir le premier du fond d'un taxi et prendre la route, et. J'ai pensé que "c'est la classe". Bien qu'Ab Fab ait été produit par Saunders et la société de production de French, Dawn French n'est apparue dans la série qu'une seule fois, dans une apparition dans l'épisode de la première série "Magazine". Trois nouvelles émissions spéciales ont été annoncées pour célébrer le 20e anniversaire de la série, la première spéciale, "Identity", étant diffusée le 25 décembre 2011. Jon Ploughman, producteur exécutif et producteur original de la série, a déclaré : "Les téléspectateurs ont été incroyablement fidèles dans leur dévouement envers notre nous sommes donc vraiment ravis de vous annoncer qu'il revient pour trois nouveaux spectacles pour célébrer notre 20e anniversaire. Tous les originaux qui sont de nouveau réunis sont toujours absolument fabuleux et les nouvelles aventures d'Edina, Patsy, Saffy, Bubble. et Mère, ainsi que quelques invités surprenants, seront un véritable régal pour les téléspectateurs." Saunders a annoncé en novembre 2011 qu'elle avait commencé à travailler sur une version cinématographique de la série. Parcelle Edina "Eddy" Monsoon (Saunders) et Patsy Stone (Lumley) sont deux femmes de grande carrière sur la scène de la mode londonienne. Eddy dirige sa propre société de relations publiques et Patsy occupe un poste de sinécure dans un grand magazine de mode britannique. Les deux femmes utilisent leurs ressources financières considérables pour s'adonner à l'alcool, aux drogues récréatives et à la poursuite des dernières modes dans le but de préserver leur jeunesse et de retrouver leurs jours de gloire en tant que Mods dans le Swinging London. En 2011, ils fument encore à la chaîne. Le partenariat est en grande partie dirigé par Patsy, qui est à la fois codépendante et habilitante d'Eddy. Leur style de vie conduit inévitablement à diverses crises personnelles, qui sont invariablement résolues par la fille d'Eddy, Saffron Monsoon (Julia Sawalha), dont l'implication constante dans leurs exploits la rend de plus en plus amère et cynique. Casting et personnages Principal Récurrent Épisodes Absolutely Fabulous a été diffusé pour la première fois le 12 novembre 1992 et a duré trois séries, jusqu'au 4 mai 1995, date à laquelle le sixième épisode de la série 3 a été présenté comme le dernier épisode de l'histoire. Cependant, l'année suivante, en novembre 1996, deux émissions spéciales intitulées "Le dernier cri" ont été diffusées et ont également été présentées comme les derniers épisodes de l'histoire. Les deux épisodes comportaient des séquences de fin avec des flashs vers le futur. Cependant, après avoir écrit Mirrorball, Jennifer Saunders a décidé qu'elle avait plus d'idées, ce qui a conduit à une quatrième série, créée le 31 août 2001. Une cinquième série et trois émissions spéciales ont suivi, dont la dernière a été diffusée le 25 décembre 2004. court spécial pour Comic Relief en mars 2005. En juillet 2005, Saunders a annoncé qu'elle n'écrirait plus ni ne jouerait plus Edina, déclarant "Les appels de 6 heures du matin pour se maquiller et tout le travail promotionnel vous épuisent. J'aimerais écrire et direct, ce serait ma joie". Cependant, en novembre 2010, Lumley a révélé au magazine Playbill qu'elle avait récemment parlé à Saunders de la possibilité de tourner une nouvelle série. Lumley et Saunders se sont réunis pour la publicité de Noël M&S en 2009, aux côtés d'autres stars telles que Twiggy et Stephen Fry. Le 29 août 2011, il a été annoncé qu'une nouvelle série de trois programmes était en cours pour célébrer le 20e anniversaire de la production originale. Le premier d'entre eux, "Identity", a été diffusé le jour de Noël 2011 et le second, "Job", a été diffusé le jour de l'An 2012. Le dernier, intitulé "Olympics", a été diffusé le 23 juillet 2012. Les épisodes ont été co -produit par Logo et BBC America aux États-Unis. Le 3 janvier 2012, suite au succès des spéciaux du 20e anniversaire, la rumeur disait que Saunders était sur le point d'écrire un autre spécial de Noël pour 2012. La BBC l'aurait également exhortée à écrire une sixième série pour 2013. Saunders a nié les informations. d'épisodes supplémentaires via son compte Twitter. Film En 2011, avant la sortie des nouveaux épisodes 2011/2012, Deadline.com a rapporté que Saunders prévoyait de commencer à écrire un scénario pour un film d'Absolument Fabuleux en 2012. Le film commencerait avec Edina et Patsy se réveillant sur le sommeil d'un oligarque. yacht déserté, dérivant dans l'océan. Saunders a déclaré plus tard que le film se déroulerait sur la Côte d'Azur. En mars 2012, Saunders a confirmé qu'elle travaillait sur le scénario. Elle a dit à propos de l'intrigue du film : Saunders a également déclaré que maintenant qu'elle avait annoncé son projet de long métrage, il n'y avait plus de retour en arrière. Elle ne le ferait pour aucune autre raison que de voir son alter ego et Patsy fouler le tapis rouge lors de la première du film. En avril 2013, Saunders a déclaré dans l'émission Alan Carr Chatty Man qu'elle avait des doutes sur le film car elle estimait que les acteurs étaient "trop ​​vieux". Elle se sentait obligée de l'écrire et ne voulait pas s'y engager à ce stade précoce. Le 4 janvier 2014, lors de son apparition dans The Jonathan Ross Show, Saunders a officiellement confirmé que le film se produirait définitivement, car elle se sentait obligée d'écrire un scénario pour une adaptation cinématographique après l'avoir menacé pendant si longtemps. Saunders aurait déclaré : « Joanna Lumley n'arrêtait pas de l'annoncer et de dire : « Oui, elle va le faire », puis Dawn French, dans notre émission de radio de Noël, a déclaré : « Je parie 100 000 £ que vous ne l'écrivez pas ». alors maintenant je dois l'écrire, sinon je dois lui payer 100 000 £'". En avril 2014, Saunders a de nouveau confirmé sur BBC Breakfast qu'elle était en train d'écrire le film et a donné une date de sortie prévue courant 2015. Le tournage principal du film a débuté le 12 octobre 2015 dans le sud de la France. Invités spéciaux De nombreuses célébrités, principalement britanniques ou américaines, sont apparues dans la série, la plupart dans leur propre rôle. Ils comprennent: *Sylvia Anderson *Christophe Biggins * Crispin Bonham Carter * Helena Bonham Carter * Jo Marque * Fougère Britton *Simon Brodkin *Emma Bunton * Naomi Campbell *Linford Christie *Nicky Clarke * Terence Conran *Richard Curtis *Carl Davis *Daniela Denby-Ashe * Marcella Détroit *Sacha Distel * Pilote Minnie * Lindsay Duncan *Adrian Edmondson *Britt Ekland *Idris Elba * Marianne Faithfull * Jesse Tyler Ferguson * Aube française * Mariella Frostrup * Stephen Gately * Jean Paul Gaultier * Whoopi Goldberg * Sofie Gråbøl * Richard E Grant * Germaine Greer * Tanni Grey-Thompson * Debbie Harry * Miranda Hart * David Haye * Tom Hollander *Kelly Holmes *Colin Jackson * Elton John * Mark Kermode * La Roux * Christian Lacroix * Nathan Lane *Leigh Lawson *Robert Lindsay *Lulu * Stella McCartney * Suzy Ministre de la Santé *Laurie Metcalf * Kate Moss *Graham Norton *Erin O'Connor *Bruce Oldfield * Kate O'Mara *Anita Pallenberg *Suzi Quatro *Zandra Rhodes * Mandy Rice-Davies * Richard et Judy *Miranda Richardson * Kristin Scott Thomas * Écharpe Meera *Brindille *Rufus Wainwright * Kirsty Wark * Cire de rubis *Dale Winton * Katy Wix *Clarissa Dickson Wright Chanson du thème La chanson thème d'Absolutely Fabulous est "This Wheel's on Fire", écrite par Bob Dylan et Rick Danko et interprétée par Julie Driscoll et le mari de Saunders, Adrian Edmondson. La chanson a également été chantée par Marianne Faithfull et P. P. Arnold pour le spécial "Last Shout" en 1996. Hermine Demoriane a chanté une version française de la chanson thème au générique de clôture de l'épisode "Paris". A la fin de l'épisode "Anniversaire", Edina et Patsy ont chanté la chanson ensemble à l'aide d'une machine à karaoké. Plus récemment, il a été chanté par Debbie Harry, qui a également joué dans le spécial de Noël 2002 "Gay". Pour la quatrième série, une réplique chantée par David Bowie, "Ziggy a joué de la guitare", tirée de la chanson "Ziggy Stardust" jouée à la fin de chaque épisode. En raison de problèmes de droits d'auteur, la chanson thème est absente de nombreux DVD de la région 1 des États-Unis, étant remplacée par une version instrumentale de la chanson. Le numéro musical de Chicago interprété par Horrocks, Gaffney et Ryan, lors d'une séquence de rêve dans l'épisode de la série 5 "Birthin'", est également supprimé de la sortie DVD américaine. En plus de la chanson thème officielle, en 1994, Pet Shop Boys a enregistré une chanson pour Comic Relief en utilisant des extraits de dialogues de la série mis en musique de danse. Le single n'était pas officiellement une sortie des Pet Shop Boys : l'artiste était simplement qualifié de "Absolument Fabuleux". Il a culminé au numéro 6 du UK Singles Chart en juillet 1994. Le clip présentait des extraits de l'émission et des images spécialement enregistrées des Pet Shop Boys avec Patsy et Edina. Le 10 juin 2016, Kylie Minogue a sorti sa version de « This Wheel's on Fire » pour Absolutely Fabulous : The Movie, avant la sortie du film en juillet 2016. Autres pays Aux États-Unis, Absolutely Fabulous a été diffusé sur Comedy Central, certaines chaînes de télévision publiques, mais pas dans le cadre des offres de programmes PBS, BBC America, Oxygen Network et, depuis 2011, Logo, une chaîne à vocation gay. Au Canada, l'émission a été diffusée sur BBC Canada, CBC et The Comedy Network. En Australie, toutes les séries ont été initialement diffusées sur ABC et sur le câble sur UK.TV, et ont été transférées sur The Comedy Channel en 2007. Des rediffusions des trois premières séries ont également été diffusées sur le réseau Seven. L'ABC continue de le diffuser sporadiquement et diffuse des émissions spéciales de Noël et des répétitions occasionnelles des épisodes de la série 5. ABC2 diffuse également des rediffusions de l'émission. En Nouvelle-Zélande, les cinq séries ont été diffusées sur TVNZ. En Inde, les cinq séries, y compris les émissions spéciales, ont été diffusées sur BBC Entertainment. Au Portugal, Ab Fab a été diffusé sur RTP2. En Serbie, la première série a été diffusée en 1998, via un réseau de chaînes de télévision locales. En 2004, la série a été diffusée dans son intégralité sur B92, tandis qu'en République tchèque, tous les épisodes ont été diffusés. En République de Macédoine, tous les épisodes ont été diffusés plusieurs fois sur Sitel. Aux Pays-Bas et en Flandre, la série est populaire, étant toujours régulièrement rediffusée respectivement par VPRO et Canvas. En Suède, tous les épisodes ont d'abord été diffusés par SVT, mais des rediffusions sont ensuite apparues sur d'autres chaînes. En Allemagne, l'émission a été diffusée par la chaîne de télévision franco-allemande Arte et la chaîne gay TIMM. En France, avant d'être rediffusée sur la télévision terrestre Arte, elle a été successivement diffusée sur la chaîne payante Canal +, sur la chaîne câblée Jimmy, et est désormais diffusée sur France 4. En Finlande, la série a été diffusée par YLE TV1. En Estonie, la série a été diffusée par ETV. Au Brésil, il a été diffusé sur GNT. En Pologne, deux séries ont été diffusées par Wizja Jeden, puis par TVP3, TVN7 et BBC Entertainment. Adaptations et spectacles associés Absolutely Fabulous a inspiré un long métrage français, intitulé Absolument fabuleux, en 2001. Il a été écrit et réalisé par Gabriel Aghion et mettait en vedette Josiane Balasko dans le rôle d'Eddy et Nathalie Baye dans le rôle de Patsy. Saunders a fait une petite apparition aux côtés de Catherine Deneuve en tant que spectatrice lors d'un défilé de mode. Amanda Lear a été invitée à jouer le rôle de Patsy, mais elle a refusé en riant, affirmant qu'elle l'avait "déjà vécu". Un projet de remake américain qui aurait mis en vedette Carrie Fisher et Barbara Carrera a été lancé par Roseanne Barr mais n'a jamais démarré. Cependant, Barr a incorporé de nombreux éléments de la série dans la dernière saison de sa série éponyme Roseanne, dans laquelle son personnage gagne à la loterie : Saunders et Lumley ont repris leurs personnages Edina et Patsy, et Mo Gaffney est également apparu dans l'épisode, mais pas en tant que tel. son personnage Bo. Il a été annoncé le 7 octobre 2008 qu'une version américaine de la série était en préparation. La série devait être transférée à Los Angeles. L'écrivain de Saturday Night Live, Christine Zander, a travaillé sur les nouveaux scripts et aurait été productrice exécutive aux côtés de Saunders et Ian Moffitt de BBC Worldwide. Sony Pictures Television, BBC Worldwide et la société indépendante Tantamount produisaient la nouvelle série pour Fox, ce qui a donné le feu vert au pilote comme entrée possible à l'automne 2009 avec Kathryn Hahn dans le rôle d'Eddy et Kristen Johnston dans le rôle de Patsy. En mai 2009, Fox a décidé de ne pas commander de série complète. La scène de la cuisine d'Ab Fab sert désormais de scène au magasin dans la comédie britannique Miranda. Miranda Hart, créatrice de la série, était déjà apparue dans Absolutely Fabulous. Boule à facettes Mirrorball était un pilote se déroulant sur la scène théâtrale londonienne, mettant en vedette les acteurs d'Absolutely Fabulous comme personnages alternatifs. Lors de l'écriture et du tournage de la série, Saunders a eu l'idée de relancer Absolutely Fabulous pour une quatrième série, ce qui l'a amenée à abandonner Mirrorball. Il a finalement été diffusé sous forme d'émission spéciale télévisée et est inclus en tant que reportage spécial sur le DVD de la quatrième saison. Sorties vidéo à domicile Absolutely Fabulous a été initialement publié en VHS au Royaume-Uni par BBC Video et s'est terminé par le coffret de 8 VHS séries 1 à 4 en novembre 2002. Tous les épisodes ont ensuite été publiés sur DVD, y compris un coffret de cinq DVD intitulé The Complete DVD Collection : Séries 1 à 4 en 2002. Toutes les versions ont été distribuées par BBC Video et 2 Entertain (après 2004), à l'exception de The Last Shout qui a été publié par Vision Video et Universal Studios. L'intégralité de la série est également disponible à la demande sur iTunes. Lorsque les trois premières séries ont été rééditées sur DVD, elles n'incluaient pas de photographie de couverture correspondante à leur série : la série 1 comprenait une image de l'épisode de la série 3 "Jealous", la série 2 avait une image de l'épisode de la série 3 "Poignée de porte" et La série 3 est issue de l'épisode de la série 2 « Pauvre ». Toutes les autres versions incluaient des images de la série correcte, tout comme les versions VHS originales. En Amérique du Nord, tous les épisodes ont été diffusés sur DVD par BBC Video et Warner Home Video, y compris une collection complète nommée Absolutely Everything. The Last Shout et Gay (qui sont sortis individuellement au Royaume-Uni) ont été publiés sous la forme d'une collection intitulée Absolutely Special en 2003. Un autre long métrage spécial White Box a été publié exclusivement sur le marché américain. Il est finalement sorti au Royaume-Uni le 15 novembre 2010 avec son inclusion dans le coffret Absolutely Everything. D'autres versions incluent Absolutely Not, une collection de bêtisiers et d'extraits, et Absolutely Fabulous : A Life, un faux documentaire comprenant 15 minutes de nouveau matériel entrecoupées d'extraits de la série. Les deux ne sont sortis qu'en VHS au Royaume-Uni ; ce dernier a également été publié en tant que fonctionnalité spéciale sur la sortie du coffret Absolutely Everything in America. Sorties au Royaume-Uni ;VHS Au Royaume-Uni, les versions VHS ont été distribuées par BBC Video, à l'exception de The Last Shout qui a été publiée par Vision Video, la version finale datant de 2002. ; DVD Tous les épisodes sont désormais sortis sur DVD au Royaume-Uni. "White Box", sorti en Amérique du Nord, n'a jamais été disponible individuellement au Royaume-Uni et n'était pas disponible jusqu'à son inclusion dans le coffret 2010 Absolutely Fabulous: Absolutely Everything. La version nord-américaine Absolutely Special est sortie au Royaume-Uni sous la forme de deux versions distinctes : The Last Shout et Gay. Toutes les sorties au Royaume-Uni ont été distribuées par BBC Video, à l'exception de The Last Shout qui a été publiée par Vision Video. Sorties nord-américaines En Amérique du Nord, chaque épisode de la série est sorti. Toutes les versions sont distribuées par BBC Video et Warner Home Video. ; DVD Sorties australiennes ; DVD Notes

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Quel détective privé cockney, co-créé par Terry Venables, a été interprété à la télévision par Nicholas Ball ?

James Hazell

Nicholas Ball (né le 11 avril 1946) est un acteur anglais. Il est surtout connu pour avoir joué le rôle titre de James Hazell dans la série télévisée Hazell. Il a incarné le gangster violent Terry Bates dans EastEnders entre 2007 et 2009. Il a joué Garry Ryan dans la cinquième série de Footballers' Wives et dans les deux séries de son programme dérivé Footballers' Wives: Extra Time. La voix de Nicholas Ball peut également être entendue sur divers livres audio proposés via Internet ; il a raconté des livres d'auteurs tels que Christopher Hitchens et James Maybrick. On peut actuellement le voir dans une publicité pour Premier Inn, jouant le rôle du manager de Lenny Henry. Vie privée Il était marié à la psychologue et ancienne actrice/comédienne Pamela Stephenson jusqu'à sa liaison et sa fuite éventuelle avec Billy Connolly. Dans une interview pour le Mail on Sunday en 2010, il a admis avoir été "un peu sauvage" lors de sa relation avec Stephenson et avoir aimé les filles frappées par la star. Rôles sélectionnés à la télévision et au cinéma * Holby City (série télévisée) Barry Copeland (2015) * Hustle (série télévisée) Frank Rice (2009) * Fraternité (2008) *EastEnders (2007, 2008, 2009) * Épouses de footballeurs, série 5 (2006) * Épouses de footballeurs : séries supplémentaires 1–2 (2005–06) * Jonathan Creek Série 3 ; Épisode 5 (1999) en tant que Vince Rees * Croupier (1998) * "Justice" (1991) Red Dwarf, Série 4" comme simulateur * "Heartbeat (série télévisée britannique) série 7 ; épisode 7 (1997) : comme Charlie Fenton * Le sandwich de Colin, série 2 (1989) * Force vitale (1985) * Hélas Smith et Jones, au moins une apparition. Épisode 1 (janvier 1984) * Bergerac (série TV) Deux apparitions : Série 2 ; Épisode 7 (1983); Spécial Noël (1988) * The Young Ones (série télévisée) Série 1 ; Épisode : Intéressant (1982) * La maison qui saignait à mort (1980) (TV) dans la série Hammer House of Horror * Hazell (1978-1979) * Qui tue les grands chefs d'Europe ? (1978) * Mâle voyou (1976) *Le Crezz (1976) * Suzerain (1975)

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Quel lanceur rapide sud-africain portait le surnom de White Lightning

Allan Donald

Allan Anthony Donald (né le 20 octobre 1966) est un ancien joueur de cricket sud-africain et l'un de leurs quilleurs les plus titrés. À son apogée, il était l'un des meilleurs quilleurs rapides jamais vus dans le test de cricket, atteignant le sommet du classement du test ICC en 1998 et culminant avec un classement ICC de 895 points l'année suivante, le 25e meilleur classement de tous les temps. Dans les ODI, il a atteint 794 points en 1998, deuxième place derrière son coéquipier Shaun Pollock, le 28e meilleur classement de tous les temps. Au début des années 1990, il était sans doute le seul quilleur de classe mondiale de l'équipe sud-africaine, jusqu'à l'émergence de Pollock, avec qui il a noué un partenariat sain avec le nouveau ballon depuis la tournée 1996/1997 en Inde jusqu'à sa retraite en 2002. Il a fait ses débuts au test le 18 avril 1992 lors du premier test de l'Afrique du Sud depuis son retour au sport mondial après l'abolition de l'apartheid. L'Afrique du Sud a perdu contre les Antilles à la Barbade par 52 points, mais Donald a remporté 2-67 et 4-77, y compris le précieux guichet de Brian Lara. Connu sous le nom de « White Lightning », on se souvient de lui comme d'un redoutable lanceur rapide, renfrogné et agressif, avec une zone circulaire blanche de crème de zinc sur ses joues et son nez. Lorsqu'il a pris sa retraite, il était le recordman d'Afrique du Sud avec 330 guichets d'essai à une moyenne de 22,25 et a remporté 272 guichets One Day International à une moyenne de 21,78. Ces deux records ont désormais été dépassés par Shaun Pollock. Incidents Coupe du monde de cricket 1992 Le premier match de l'Afrique du Sud lors de la Coupe du monde de cricket 1992 s'est déroulé contre l'Australie. Dès sa première balle, Donald a pris un avantage notable sur Geoff Marsh jusqu'au gardien, mais l'arbitre Brian Aldridge n'a pas donné de décision. Allégations de racisme de 1997 En 1997, il a fait l'objet d'un examen minutieux de la part des médias internationaux de cricket après avoir été accusé d'avoir utilisé des propos racistes contre l'Indien Rahul Dravid lors de la finale d'une série d'une journée. Allan Donald a mentionné cet incident dans son autobiographie, White Lightning : "Au milieu d'une atmosphère bruyante et partisane, alors que la finale était en jeu, ... j'ai été impliqué dans un incident qui m'a depuis causé beaucoup de chagrin et m'a conduit à être accusé de racisme. "J'étais vraiment excité au moment où Tendulkar et Dravid se sont réunis, mais ils m'ont vite poursuivi. Tendulkar m'a tiré pour un flat six au milieu du guichet, un tir magnifique... mais quand Dravid m'a écrasé pour six et quatre, je me suis laissé emporter. Je me suis approché de lui, face à face, et j'ai grondé : « Ce n'est pas un putain de jeu si facile » et les caméras de télévision m'ont vu en gros plan, tandis que tout le monde lisait mes mots sur les lèvres. Les yeux de Dravid se sont illuminés lorsqu'il m'a vu me tenir si près, et la foule de Durban a vraiment adoré." Il continue: "En fin de compte, ils [les Indiens] se sont couchés, nous avons gagné la finale après avoir regardé dehors, et je n'y ai plus pensé, pour moi, c'était juste une période de match à indice d'octane élevé que nous voulions désespérément gagner, et nous l'avons fait parce que nous avions la bouteille pour le faire. Juste après, je suis allé voir Dravid et lui ai dit que mes paroles n'étaient pas censées être personnelles, que tout cela était dans le feu de l'action, que cela devait rester au milieu. et cela ne devrait pas être un problème entre nous. Il m'a regardé durement et en est resté là. Match test de 1998 à Trent Bridge Donald a eu un duel désormais célèbre avec le batteur anglais Mike Atherton lors du Trent Bridge Test Match de 1998. Ce duel est depuis considéré comme l'une des périodes les plus électrisantes et les plus intenses de Test Match Cricket de l'histoire. L'Afrique du Sud a frappé en premier, marquant 374 lors de sa première manche. L'Angleterre a répondu avec 336, Donald prenant 5 guichets, donnant à l'Afrique du Sud une mince avance de 38 points. Lors de leur deuxième manche, l'Afrique du Sud a été défaite par l'attaque des quilles anglaises, marquant 208 points, Angus Fraser prenant cinq guichets. Cela a laissé à l'Angleterre un objectif de 247 pour remporter le match. A noter que l'Angleterre n'avait pas réussi à traquer une cible aussi grosse en 4e manche à domicile pour remporter un match depuis 1902. Les dernières manches du match ont commencé le quatrième jour, 12 overs avant le thé. Butcher a marqué 22 avant de tomber face à Shaun Pollock avec un score de 40-1, et Atherton a été rejoint par Nasser Hussain. Hussain et Atherton ont négocié confortablement les autres quilleurs, Elworthy, Cronje et Kallis, et Pollock n'a pas pu donner suite à son succès antérieur. Donald, sentant que le match était en jeu, commença à lancer un sort rapide et redoutable. En jouant depuis l'extrémité du terrain du Pavillon, il a cherché à extraire le rebond supplémentaire qu'Angus Fraser avait utilisé. Une livraison vers Atherton a semblé attraper le gant alors qu'il passait devant sa poitrine ; les Sud-Africains ont lancé un appel pour être pris en retard, soutenu par les commentateurs de la télévision, qui a été rejeté par l'arbitre. Donald était furieux, qualifiant Atherton de "putain de tricheur", augmentant encore la tension. Donald a lancé trois videurs autour du guichet, à près de 90 mph, mais Atherton était immobile. Les deux joueurs de cricket ont décrit cette vignette dans leurs autobiographies respectives, Donald's White Lightning et Atherton's Opening Up, et tous deux la considèrent comme l'une des périodes les plus intenses de Test Match Cricket auxquelles ils ont jamais joué. Donald parle de l'atmosphère électrique de la foule qui l'envahit. Atherton mentionne que le ballon est flou, mais il joue bien. Dans le tour suivant, Donald a continué de la même manière jusqu'à Atherton, qui l'a finalement devancé juste au-dessus de Paul Adams au match carré. Peu de temps après, le moment crucial arriva. Donald a attiré un avantage de Hussain pour donner une capture apparemment simple au gardien, Mark Boucher. Donald et les joueurs de champ à proximité avaient commencé à célébrer lorsqu'ils entendirent le bord. Cependant, le ballon a rebondi hors des gants de Boucher et Kallis, en fête, était dans une mauvaise position pour prendre le rebond. Boucher semblait désemparé et Donald était furieux. Avec un peu de chance, l'Angleterre a terminé la journée en tête. Le lendemain, Pollock et Donald ont de nouveau tiré. Pollock a eu quelques occasions mais les bords n'ont pas atteint le gardien. Donald a eu une autre tentative pour faire rebondir Atherton autour du guichet, mais n'a pas pu faire la percée. Bien que Hussain ait été licencié peu de temps après le déjeuner, le nouveau batteur Alec Stewart a frappé de manière agressive et a ramené l'Angleterre à la maison par 8 guichets, Atherton terminant sur 98. Cette période de jeu intense, qui a captivé le public sur le terrain et à la télévision, reste dans le folklore du Test Match. Néanmoins, à la fin de la journée, les protagonistes partageaient une bière dans la loge. Plusieurs années plus tard, Atherton a donné à Donald les gants qu'il portait à cette occasion pour la vente aux enchères de l'année-bénéfice de Donald. Selon l'autobiographie d'Atherton, la marque rouge où la balle a frappé était clairement visible, qu'il a dûment encerclée et dédicacée. Demi-finale de la Coupe du monde de cricket 1999 Dans ce qui est souvent appelé « le plus grand match de cricket d'une journée », entre l'Afrique du Sud et l'Australie, Donald était le dernier batteur de l'équipe sud-africaine et est souvent tenu pour responsable de sa sortie du tournoi. Bien que le match se soit techniquement terminé par un match nul, l'Afrique du Sud avait déjà perdu contre l'Australie lors de la phase Super-Six et devait gagner purement et simplement pour se qualifier pour la finale. Avec l'Australie au bâton en premier, Donald et Pollock ont ​​été les quilleurs les plus titrés de l'équipe sud-africaine et ont limité l'Australie à 213, Donald prenant 4-32 et Pollock 5-36. Donald a ramassé le guichet de Ponting avec sa première balle, au 14e, et un autre guichet avec la dernière balle du même, Darren Lehmann a attrapé en essayant de faire face à un videur. Dans l'avant-dernier, Donald a battu Paul Reiffel et Damien Fleming, l'Australie passant de 207-6 à 213. La réponse de l'Afrique du Sud a bien commencé, passant à 48-0 sur 12 overs. L'introduction de Shane Warne a eu un effet immédiat, puisque l'Afrique du Sud a glissé à 61-4, Warne prenant 3 guichets. Kallis et Rhodes ont porté le score à 145-4, avant que tous deux ne tombent en l'espace de quelques overs. À 183-6 avec 4 overs restants, chassant 214 pour gagner, l'Afrique du Sud semblait légèrement en tête. Cependant, un bon bowling et un bon alignement ont limité l'Afrique du Sud, et avec l'épuisement de Steve Elworthy, ils ont dû marquer 16 des 8 dernières balles pour gagner sans perdre un guichet, avec Lance Klusener et Allan Donald dans le pli. Klusener a frappé McGrath en l'air vers Paul Reiffel à la limite, qui l'a malheureusement paré pour 6, et a réussi un simple sur le dernier ballon pour garder la frappe pour la finale. Klusener a frappé Damien Fleming à quatre reprises consécutives sur les deux premières balles du dernier over. Avec un score égal et quatre balles à jouer, il semblait que l'Afrique du Sud serait victorieuse, n'ayant besoin que d'un simple pour gagner. Klusener a mal frappé la balle suivante à Lehmann à mi-parcours, et Donald, qui avait "reculé" dans le territoire, a échappé de peu à l'épuisement alors qu'il se retournait pour revenir en arrière. La balle suivante, Klusener a frappé la balle directement dans le guichet et est partie immédiatement, en supposant probablement que Donald reculerait. Au lieu de cela, Donald regardait le ballon et a raté l'appel à courir. Les deux batteurs étaient du côté du quilleur avant que Donald ne commence à courir, après avoir laissé tomber sa batte. La balle a été lancée au quilleur, puis à Gilchrist, qui a cassé les moignons à l'autre bout, alors que Donald n'était qu'à mi-chemin du terrain. En dehors du cricket international Dans le cricket du comté anglais, Donald a connu une longue et très réussie carrière dans le Warwickshire. Il a également joué un seul match pour le Worcestershire en 2002. Ayant pris sa retraite, il commente désormais pour la South African Broadcast Corporation (SABC) dans leur couverture des tests à domicile de l'Afrique du Sud, aux côtés de son ancien coéquipier Daryll Cullinan. En mai 2007, Allan Donald a été nommé consultant temporaire en bowling pour l'équipe de cricket d'Angleterre. Son implication en a impressionné plus d’un et a été saluée par plusieurs joueurs. Le bref contrat initial de Donald a été prolongé jusqu'en septembre 2007. Donald a décidé de ne pas continuer son rôle d'entraîneur fin septembre 2007, invoquant la tension des tournées et son souhait d'être avec sa famille. Donald était entraîneur au Warwickshire County Cricket Club et, en partenariat avec son collègue entraîneur Ashley Giles, a aidé le comté à remporter la deuxième division du championnat du comté en 2008. Allan Donald a entraîné les champions nationaux en titre, les Mountaineers, (une équipe de franchise) au Zimbabwe et est l'entraîneur de bowling de l'équipe de cricket de Nouvelle-Zélande pour la série ODI contre le Pakistan et la Coupe du monde de cricket 2011. L'équipe néo-zélandaise a battu l'Afrique du Sud en quart de finale de la Coupe du monde. En juillet 2011, Allan Donald a été enrôlé dans l'équipe d'entraîneurs de Gary Kirsten en tant qu'entraîneur de bowling de l'équipe sud-africaine de cricket. Kirsten a quitté son poste en mai 2013 et Russell Domingo a été nommé pour le remplacer. Donald était l'entraîneur de bowling de l'Afrique du Sud, sous la direction de l'entraîneur-chef Domingo, il a depuis été remplacé par Charl Langeveldt. Donald est également l'entraîneur de la franchise Royal Challengers Bangalore dans la Premier League indienne.

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Un autre nom pour les guerres saintes entre les États chrétiens d'Europe contre les Sarrasins.

Croisades

Une guerre de religion ou guerre sainte () est une guerre principalement causée ou justifiée par des différences de religion. Le récit de la conquête de Canaan par les Israélites dans le Livre de Josué, les conquêtes musulmanes des VIIe et VIIIe siècles, ainsi que les croisades chrétiennes (XIe au XIIIe siècles) et les guerres de religion (XVIe et XVIIe siècles) sont généralement classés comme suit : exemples d'une telle activité. Un aspect religieux fait partie de la guerre dans certaines cultures dès les batailles des cités-États mésopotamiennes. À l’époque moderne, les débats sont fréquents sur la prédominance des aspects religieux, économiques ou ethniques d’un conflit dans une guerre donnée. Certains soutiennent que le concept même de religion est une invention moderne et n’était pas universel dans le passé dans diverses cultures et langues. Dans plusieurs conflits en cours, notamment le conflit israélo-palestinien, la guerre civile syrienne et les guerres en Afghanistan et en Irak, les arguments religieux sont ouvertement présents mais diversement décrits comme du fondamentalisme ou de l'extrémisme religieux selon les sympathies de l'observateur. Histoire du concept de religion Le mot moderne religion vient du mot latin religio. Dans le monde antique et médiéval, la racine étymologique latine religio était comprise comme une vertu individuelle de culte, jamais comme une doctrine, une pratique ou une véritable source de connaissance. Le concept moderne de « religion » en tant qu'abstraction qui implique des ensembles distincts de croyances ou de doctrines est une invention récente de la langue anglaise puisque cet usage a commencé avec des textes du XVIIe siècle en raison de la division de la chrétienté pendant la Réforme protestante et d'une colonisation plus répandue. ou la mondialisation à l'ère de l'exploration qui impliquait le contact avec de nombreuses cultures étrangères et autochtones parlant des langues non européennes. C'est au XVIIe siècle que le concept de « religion » a reçu sa forme moderne malgré le fait que les textes anciens comme la Bible, le Coran et d'autres textes sacrés anciens n'avaient pas de concept de religion dans les langues originales et que les langues originales non plus. les personnes ou les cultures dans lesquelles ces textes sacrés ont été écrits. Par exemple, le mot grec threskeia, qui a été utilisé par des écrivains grecs tels qu'Hérodote et Josèphe et que l'on retrouve dans des textes comme le Nouveau Testament, est parfois traduit par « religion » aujourd'hui. Cependant, le terme a été compris comme « culte » bien avant. la période médiévale. Dans le Coran, le mot arabe din est souvent traduit par « religion » dans les traductions modernes, mais jusqu'au milieu des années 1600, les traducteurs exprimaient din par « loi ». Même au 1er siècle après JC, Josèphe avait utilisé le terme grec ioudaismos, que certains traduisent aujourd'hui par « judaïsme », même s'il l'utilisait comme un terme ethnique et non lié aux concepts abstraits modernes de la religion en tant qu'ensemble de croyances. C’est au XIXe siècle que les termes « bouddhisme », « hindouisme », « taoïsme » et « confucianisme » sont apparus pour la première fois. Tout au long de sa longue histoire, le Japon n'a eu aucune notion de « religion » puisqu'il n'y avait pas de mot japonais correspondant, ni rien qui se rapproche de sa signification, mais lorsque des navires de guerre américains sont apparus au large des côtes japonaises en 1853 et ont forcé le gouvernement japonais à signer des traités exigeant, Entre autres choses, la liberté de religion, le pays a dû composer avec cette idée occidentale. Selon le philologue Max Müller, au XIXe siècle, la racine du mot anglais « religion », le latin religio, était à l'origine utilisée pour signifier uniquement « le respect de Dieu ou des dieux, une réflexion attentive sur les choses divines, la piété » (ce que Cicéron dérivé en outre pour signifier « diligence »). Max Müller a caractérisé de nombreuses autres cultures à travers le monde, notamment l’Égypte, la Perse et l’Inde, comme ayant une structure de pouvoir similaire à ce stade de l’histoire. Ce qu’on appelle aujourd’hui religion ancienne, ils l’auraient simplement appelé « loi ». Certaines langues ont des mots qui peuvent être traduits par « religion », mais elles peuvent les utiliser d'une manière très différente, et certaines n'ont aucun mot pour désigner la religion. Par exemple, le mot sanscrit dharma, parfois traduit par « religion », signifie également loi. Dans toute l'Asie du Sud classique, l'étude du droit comprenait des concepts tels que la pénitence par la piété et les cérémonies ainsi que des traditions pratiques. Le Japon médiéval avait au début une union similaire entre la « loi impériale » et la « loi universelle » de Bouddha, mais celles-ci devinrent plus tard des sources de pouvoir indépendantes. Il n’existe pas d’équivalent précis du mot « religion » en hébreu, et le judaïsme ne fait pas de distinction claire entre les identités religieuses, nationales, raciales ou ethniques. L'un de ses concepts centraux est la « halakha », qui signifie « marche » ou « chemin » parfois traduit par « loi », qui guide la pratique et la croyance religieuses ainsi que de nombreux aspects de la vie quotidienne. Critères de classement La guerre européenne contre l’expansion musulmane a été reconnue dès le début comme une « guerre de religion » ou bellum sacrum. Les premières guerres modernes contre l’Empire ottoman étaient considérées par les contemporains comme une continuation sans faille de ce conflit. Le terme « guerre de religion » a été utilisé pour décrire, de manière controversée à l'époque, ce que l'on appelle aujourd'hui les guerres de religion européennes, et en particulier la guerre de Sept Ans, alors en cours, depuis au moins le milieu du XVIIIe siècle. Israël Mauduit, Considérations sur la guerre allemande actuelle, 1760, [https://books.google.com/books?idlrBJAAAAcAAJ&pg PA25p. 25]. John Entick, L'histoire générale de la dernière guerre, volume 3, 1763, [https://books.google.com/books?id21pSAAAAcAAJ&pg PA110&dq%22religieux+guerre%22&hl fr&saX&ei COoAUrOGNoGJ4ASK14HYAQ&redir_escy#v onepage&q%22religieux%20war%22&f faux p. 110]. Dans leur Encyclopédie des guerres, les auteurs Charles Phillips et Alan Axelrod tentent de dresser une liste complète des guerres de l'histoire. Ils documentent 1 763 guerres au total, dont 123 (7 %) ont été identifiées et répertoriées comme étant principalement motivées par la religion. Parmi celles-ci, les guerres de religion représentent moins de 2 % de toutes les personnes tuées au cours des guerres. Cela comprend 3 millions pendant les Croisades et 3 000 pendant l'Inquisition. L'Encyclopedia of War, éditée par Gordon Martel, utilisant le critère selon lequel le conflit armé doit impliquer une action religieuse manifeste, conclut que 6 % des guerres répertoriées dans leur encyclopédie peuvent être qualifiées de guerres de religion. William T. Cavanaugh, dans son Myth of Religious Violence (2009), soutient que ce que l'on appelle les « guerres de religion » est une dichotomie largement « occidentale » et une invention moderne, arguant que toutes les guerres classées comme « religieuses » ont des conséquences laïques (économiques ou économiques). ramifications politiques). Des opinions similaires ont été exprimées dès les années 1760, pendant la guerre de Sept Ans, largement reconnues comme étant « religieuses » dans leur motivation, notant que les factions en guerre n'étaient pas nécessairement divisées selon des lignes confessionnelles autant que selon des intérêts laïques. Il est évident que la religion, en tant qu'aspect du patrimoine culturel d'un peuple, peut servir de marqueur culturel ou de rationalisation idéologique pour un conflit caractérisé par des différences ethniques et culturelles plus profondes. Cela a été spécifiquement avancé dans le cas des troubles en Irlande du Nord, souvent décrits comme un conflit religieux entre une faction catholique et une faction protestante, alors que la cause la plus fondamentale du conflit était en fait de nature ethnique ou nationaliste plutôt que religieuse. Étant donné que les Irlandais d'origine étaient pour la plupart catholiques et que les immigrants ultérieurs parrainés par les Britanniques étaient principalement protestants, les termes deviennent un raccourci pour les deux cultures, mais il est inexact de décrire le conflit comme un conflit religieux. Liste des grandes guerres de religion Ces chiffres incluent les morts de civils dues à la maladie, à la famine, etc., ainsi que les morts de soldats au combat et d'éventuels massacres et génocides. Le concept de « guerre sainte » dans certaines traditions religieuses Guerre ancienne Dans l'Antiquité classique se développe la notion de panthéon avec une « division du travail » divine. Or, Ares était « la guerre personnifiée », mais alors qu'Ares recevait des sacrifices occasionnels de la part des armées partant en guerre, il n'y avait qu'un « culte d'Ares » très limité. Alors que les premiers empires pouvaient être décrits comme hénothéistes, c'est-à-dire dominés par un dieu unique de l'élite dirigeante (comme Marduk dans l'empire babylonien, Assur dans l'empire assyrien, etc.), ou plus directement par la définition du souverain dans un culte impérial, le Le concept de « Guerre Sainte » entre dans une nouvelle phase avec le développement du monothéisme. Christianisme Avant le XIe siècle, aucun chrétien n’avait développé une doctrine selon laquelle le fait de se battre pouvait être considéré comme un acte pénitentiel et spirituellement méritoire. Au début du christianisme, la justification de saint Augustin concernant la légitimité de la guerre sous certaines conditions spécifiées était largement acceptée, cependant, la guerre n'était pas considérée comme une activité vertueuse. L'expression du souci du salut de ceux qui tuaient des ennemis au combat, quelle que soit la cause pour laquelle ils combattaient, était courante. Au cours des IXe et Xe siècles, de multiples invasions ont eu lieu qui ont conduit certaines régions à constituer leurs propres armées pour se défendre, ce qui a lentement conduit à l'émergence des croisades, du concept de « guerre sainte » et d'une terminologie telle que « ennemis de Dieu ». au 11ème siècle. À l'époque des Croisades, certains de ceux qui combattaient au nom de Dieu étaient reconnus comme les Milites Christi, soldats ou chevaliers du Christ. Les croisades étaient une série de campagnes militaires qui ont eu lieu du XIe au XIIIe siècle contre les conquêtes musulmanes. À l’origine, l’objectif était de reprendre Jérusalem et la Terre Sainte aux musulmans, et de soutenir l’Empire byzantin chrétien assiégé contre l’expansion musulmane seldjoukide en Asie Mineure et en Europe proprement dite. Plus tard, des croisades furent lancées contre d'autres cibles, soit pour des raisons religieuses, comme la croisade des Albigeois, les croisades du Nord, soit à cause de conflits politiques, comme la croisade aragonaise. En 1095, au concile de Clermont, le pape Urbain II élève le niveau de la guerre de bellum iustum (« guerre juste ») à bellum sacrum (« guerre sainte »). Au XVIe siècle, en France, il y a eu une succession de guerres entre catholiques romains et protestants (Hugenots principalement), connues sous le nom de guerres de religion françaises. Dans la première moitié du XVIIe siècle, les États allemands, la Scandinavie (principalement la Suède) et la Pologne ont été en proie à une guerre de religion lors de la guerre de Trente Ans. Le catholicisme romain et le protestantisme figuraient dans les camps opposés de ce conflit, même si la France catholique prenait le parti des protestants, mais pour des raisons purement politiques. La bataille de Las Navas de Tolosa, connue dans l'histoire arabe sous le nom de bataille d'Al-Uqab (معركة العقاب), a eu lieu le 16 juillet 1212 et a été un tournant important dans la Reconquista et dans l'histoire médiévale de l'Espagne. Les forces du roi Alphonse VIII de Castille furent rejointes par les armées de ses rivaux chrétiens, Sanche VII de Navarre, Pierre II d'Aragon et Afonso II du Portugal dans la bataille contre les conquérants berbères musulmans almohades de la moitié sud de la péninsule ibérique. Islam Les conquêtes musulmanes ont constitué une expansion militaire d’une ampleur sans précédent, commençant du vivant de Mahomet et s’étendant sur des siècles, jusqu’aux guerres ottomanes en Europe. Jusqu'au XIIIe siècle, les conquêtes musulmanes furent celles d'un empire plus ou moins cohérent, le Califat, mais après les invasions mongoles, l'expansion se poursuivit sur tous les fronts (sauf l'Ibérie perdue lors de la Reconquista) pendant encore un demi-millénaire jusqu'à la finale. effondrement de l’Empire moghol à l’est et de l’Empire ottoman à l’ouest avec le début de la période moderne. Il y a eu également un certain nombre de périodes de luttes intestines entre musulmans ; ceux-ci sont connus sous le terme Fitna et concernent principalement la première période de l'Islam, du VIIe au XIe siècle, c'est-à-dire avant l'effondrement du califat et l'émergence des différents empires islamiques ultérieurs. Même si techniquement, le millénaire de conquêtes musulmanes pourrait être qualifié de « guerre de religion », l’applicabilité du terme a été remise en question. La raison en est que la notion même de « guerre de religion » par opposition à « guerre laïque » est le résultat du concept occidental de séparation de l’Église et de l’État. Aucune division de ce type n’a jamais existé dans le monde islamique et, par conséquent, il ne peut y avoir de véritable division entre les guerres « religieuses » et celles « non religieuses ». L’Islam n’a pas de tradition normative de pacifisme et la guerre fait partie intégrante de l’histoire islamique, tant pour la défense que pour la propagation de la foi, depuis l’époque de Mahomet. Cela a été formalisé dans la définition juridique de la guerre dans l’Islam, qui continue de détenir un pouvoir normatif dans l’Islam contemporain, liant inextricablement la justification politique et religieuse de la guerre. Ce concept normatif est connu sous le nom de Jihad, un mot arabe signifiant « lutter ; lutter » (c'est-à-dire « dans la voie de Dieu »), qui inclut l'aspect de la lutte « par l'épée ». Le Jihad est parfois compris comme La guerre sainte et les djihads ont été appelés à convertir d’autres États non musulmans à l’islam ou à des fins de défense. Les premières formes de Jihad militaire se sont produites après la migration (hijra) de Mahomet et de son petit groupe de partisans de La Mecque à Médine et la conversion de plusieurs habitants de la ville à l'islam. La première révélation concernant la lutte contre les Mecquois était la sourate 22, versets 39-40 : Cela s'est produit à plusieurs reprises au cours de l'histoire, à commencer par les batailles de Mahomet contre les Arabes polythéistes, notamment la bataille de Badr (624) et les batailles d'Uhud (625), de Khandaq (627), de La Mecque (630) et de Hunayn (630). judaïsme Dans la religion juive, l'expression Milkhemet Mitzvah (hébreu : מלחמת מצווה, « guerre des commandements ») fait référence à une guerre obligatoire pour tous les Juifs (hommes et femmes). De telles guerres étaient limitées aux territoires situés à l’intérieur des frontières de la terre d’Israël. Les limites géographiques d'Israël et les conflits avec les nations environnantes sont détaillés dans le Tanakh, la Bible hébraïque, notamment dans Nombres 34 :1-15 et Ézéchiel 47 :13-20. Le concept de guerre de religion a été absent de la pensée juive pendant environ 2 000 ans, bien qu’il ait réapparu dans certaines factions du mouvement sioniste, en particulier dans le sionisme révisionniste. "Dès les premiers jours de l'existence d'Israël en tant que peuple, la guerre sainte était une institution sacrée, entreprise comme un acte cultuel d'une communauté religieuse. Selon Reuven Firestone, « la guerre sainte » est un concept occidental faisant référence à une guerre menée pour la religion, contre les adeptes d'autres religions, souvent dans le but de promouvoir la religion par la conversion, et sans limitation géographique spécifique. Ce concept n'existe pas. dans la Bible hébraïque, dont les guerres ne sont pas menées pour la religion ou pour la promouvoir, mais plutôt pour préserver la religion et un peuple religieusement unique par rapport à une géographie spécifique et limitée. Conflit religieux à l'époque moderne Palestine et Israël Le conflit israélo-palestinien peut être considéré comme un conflit ethnique, mais des éléments des deux côtés le considèrent également comme une guerre religieuse. En 1929, les tensions religieuses autour du Mur des Lamentations ont conduit aux émeutes palestiniennes de 1929, notamment aux massacres d'Hébron et de Safed. En 1947, l'ONU a décidé de diviser le mandat de la Palestine, ce qui a conduit à la création de l'État d'Israël. Depuis lors, la région est en proie à un conflit. L'exode palestinien de 1948, également connu sous le nom de Nakba (), s'est produit lorsqu'environ 711 000 à 726 000 Arabes palestiniens ont fui ou ont été expulsés de leurs foyers, pendant la guerre israélo-arabe de 1948 et la guerre civile qui l'a précédée. Le nombre exact de réfugiés est un sujet de controverse, même si le nombre de réfugiés palestiniens enregistrés auprès de l'UNRWA dépasse 4,3 millions. Les causes restent l’objet de désaccords fondamentaux entre Palestiniens et Israéliens. Les Juifs revendiquent la terre sur un plan religieux et historique, et les Palestiniens font des revendications historiques, religieuses et ethniques sur la terre. Le Pakistan et l'Inde La Ligue musulmane de toute l'Inde (AIML) a été créée à Dhaka en 1906 par des musulmans qui se méfiaient du Congrès national indien à majorité hindoue. Ils se plaignaient du fait que les membres musulmans n’avaient pas les mêmes droits que les membres hindous. Un certain nombre de scénarios différents ont été proposés à différents moments, alimentés par la politique britannique du « diviser pour régner », qu'ils ont essayé d'appliquer à chaque situation politique. L’écrivain et philosophe Allama Iqbal fut l’un des premiers à revendiquer un État séparé. Dans son discours présidentiel à la convention de 1930 de la Ligue musulmane, il déclara qu’une nation distincte pour les musulmans était essentielle dans un sous-continent par ailleurs dominé par les hindous. Après la dissolution du Raj britannique en 1947, deux nouvelles nations souveraines furent formées : l'Union de l'Inde et le Dominion du Pakistan. La partition ultérieure de l'ancienne Inde britannique a entraîné le déplacement de jusqu'à 12,5 millions de personnes, les estimations des pertes en vies humaines variant entre plusieurs centaines de milliers et un million. L’Inde est devenue une nation laïque à majorité hindoue, tandis que le Pakistan a été établi comme une république islamique à majorité musulmane. Abyssinie – Somalie La guerre Abyssin-Adal était un conflit militaire entre les Abyssins et le sultanat d'Adal de 1529 à 1559. L'imam Ahmad ibn Ibrahim al-Ghazi (surnommé Gurey en somali et Gragn en amharique (ግራኝ Graññ), tous deux signifiant « le gaucher » ") a failli éteindre l'ancien royaume d'Abyssinie et convertir de force tous ses sujets survivants à l'Islam ; l'intervention de l'Européen Cristóvão da Gama, fils du célèbre navigateur Vasco da Gama, tenta d'aider à empêcher cette issue mais fut tué par al-Ghazi. Cependant, les deux régimes politiques ont épuisé leurs ressources et leur main-d'œuvre dans ce conflit, permettant la migration vers le nord des Oromo vers leurs terres d'origine actuelles au nord et à l'ouest d'Addis-Abeba. De nombreux historiens font remonter les origines de l’hostilité entre la Somalie et l’Éthiopie à cette guerre. Certains historiens soutiennent également que ce conflit a prouvé, par leur utilisation des deux côtés, la valeur des armes à feu telles que le mousquet à mèche, les canons et l'arquebuse par rapport aux armes traditionnelles. Conflit nigérian Le conflit interethnique au Nigeria comporte généralement un élément religieux. Les émeutes contre les Igbo en 1953 et dans les années 1960 dans le nord auraient été déclenchées par un conflit religieux. Les émeutes contre les Igbo dans le nord en 1966 auraient été inspirées par des reportages radiophoniques faisant état de mauvais traitements infligés aux musulmans dans le sud. Un coup d'État militaire mené par des officiers de rang inférieur et intermédiaire, dont certains étaient des Igbo, a renversé le gouvernement dominé par le NPC-NCNC. Le Premier ministre Balewa ainsi que d’autres responsables gouvernementaux du Nord et de l’Ouest ont été assassinés lors du coup d’État. Le coup d’État a été considéré comme un complot igbo visant à renverser le gouvernement dominé par le nord. Un contre-coup d'État a été lancé par les troupes principalement du Nord. Entre juin et juillet, il y a eu un exode massif des Ibo du nord et de l'ouest. Plus de 1,3 million d'Ibo ont fui les régions voisines pour échapper aux persécutions alors que les émeutes anti-Ibo se multipliaient. Les conséquences des émeutes anti-Ibo ont amené beaucoup de gens à croire que la sécurité ne pouvait être assurée qu'en se séparant du Nord. Dans les années 1980, de graves affrontements entre chrétiens et musulmans se sont produits à Kafanchan, dans le sud de l’État de Kaduna, dans une zone frontalière entre les deux religions. Les émeutes de Jos en 2010 ont vu des affrontements entre éleveurs musulmans et agriculteurs chrétiens près de la ville instable de Jos, faisant des centaines de victimes. Les autorités estiment que 500 personnes ont été massacrées lors d'attaques nocturnes menées par des gangs musulmans déchaînés. soulèvement bouddhiste Sous le règne du catholique Ngo Dinh Diem au Sud-Vietnam, la discrimination contre la population majoritairement bouddhiste a généré la croissance des institutions bouddhistes alors qu'elles cherchaient à participer à la politique nationale et à obtenir un meilleur traitement. Le soulèvement bouddhiste de 1966 fut une période de troubles civils et militaires au Sud-Vietnam, largement concentrés dans la zone du I Corps, au nord du pays, au centre du Vietnam. Dans un pays où la majorité bouddhiste était estimée entre 70 et 90 pour cent, Diem gouvernait avec un fort préjugé religieux. En tant que membre de la minorité catholique vietnamienne, il a mené une politique pro-catholique qui a contrarié de nombreux bouddhistes. Conflit chinois La révolte des Dungan (1862-1877) et la rébellion du Panthay (1856-1873) par les Hui ont également été déclenchées par l'antagonisme racial et la guerre des classes, plutôt que par l'hypothèse erronée selon laquelle c'était entièrement dû à l'Islam que les rébellions ont éclaté. Lors de la révolte de Dungan, des combats ont éclaté entre les Ouïghours et les Hui. En 1936, après que Sheng Shicai ait expulsé 20 000 Kazakhs du Xinjiang vers le Qinghai, les Hui dirigés par le général Ma Bufang massacrèrent leurs compatriotes musulmans, les Kazakhs, jusqu'à ce qu'il n'en reste plus que 135. Les tensions avec les Ouïghours et les Hui sont apparues parce que les Qing et les autorités républicaines chinoises ont utilisé les troupes et les fonctionnaires des Hui pour dominer les Ouïghours et écraser les révoltes ouïghoures. La population Hui du Xinjiang a augmenté de plus de 520 pour cent entre 1940 et 1982, soit un taux de croissance annuel moyen de 4,4 pour cent, tandis que la population ouïghoure n'a augmenté que de 1,7 pour cent. Cette augmentation spectaculaire de la population Hui a inévitablement conduit à des tensions importantes entre les populations musulmanes Hui et Ouïghoure. Certains vieux Ouïghours de Kashgar se souviennent que l'armée Hui lors de la bataille de Kashgar (1934) a massacré entre 2 000 et 8 000 Ouïghours, ce qui a provoqué des tensions à mesure que de plus en plus de Hui s'installaient à Kashgar en provenance d'autres régions de Chine. Certains Hui critiquent le séparatisme ouïghour et ne souhaitent généralement pas s'impliquer dans des conflits dans d'autres pays à propos de l'islam, de peur d'être perçus comme radicaux. Les Hui et les Ouïghours vivent séparés les uns des autres, priant séparément et fréquentant des mosquées différentes. Guerre civile libanaise Il n’existe pas de consensus parmi les chercheurs sur ce qui a déclenché la guerre civile libanaise. Cependant, la militarisation de la population réfugiée palestinienne, avec l’arrivée des forces de guérilla de l’OLP, a déclenché une course aux armements entre les différentes factions politiques libanaises. Cependant, le conflit s'est déroulé selon trois lignes religieuses, musulmane sunnite, libanaise chrétienne et musulmane chiite, les Druzes étant considérés parmi les musulmans chiites. Il a été avancé que les antécédents de la guerre remontent aux conflits et aux compromis politiques conclus après la fin de l'administration du Liban par l'Empire ottoman. La guerre froide a eu un puissant effet désintégrateur sur le Liban, étroitement lié à la polarisation qui a précédé la crise politique de 1958. Au cours de la guerre israélo-arabe de 1948, un exode de réfugiés palestiniens ayant fui les combats ou expulsés de leurs foyers est arrivé au Liban. Les Palestiniens en sont venus à jouer un rôle très important dans les futurs conflits civils libanais, tandis que l’établissement d’Israël a radicalement modifié l’environnement local dans lequel se trouvait le Liban. L'indépendance du Liban fut promise et le 22 novembre 1943 elle fut obtenue. Les troupes françaises, qui avaient envahi le Liban en 1941 pour débarrasser Beyrouth des forces de Vichy, quittèrent le pays en 1946. Les chrétiens prirent le pouvoir sur le pays et l'économie. Un parlement confessionnel a été créé, où les musulmans et les chrétiens se sont vu attribuer des quotas de sièges au parlement. De plus, le président devait être un chrétien, le premier ministre un musulman sunnite et le président du Parlement un musulman chiite. En mars 1991, le Parlement a adopté une loi d'amnistie qui pardonnait tous les crimes politiques avant son adoption. L'amnistie n'a pas été étendue aux crimes perpétrés contre des diplomates étrangers ni à certains crimes déférés par le gouvernement au Conseil supérieur de la magistrature. En mai 1991, les milices (à l'exception importante du Hezbollah) furent dissoutes et les Forces armées libanaises commencèrent lentement à se reconstruire pour devenir la seule grande institution non sectaire du Liban. Certaines violences ont encore eu lieu. Fin décembre 1991, une voiture piégée (qui transportait, selon les estimations, 220 livres de TNT) a explosé dans le quartier musulman de Basta. Au moins trente personnes ont été tuées et 120 blessées, dont l'ancien Premier ministre Shafik Wazzan, qui se trouvait à bord d'une voiture pare-balles. Guerres yougoslaves La guerre de Croatie (1991-1995) et la guerre de Bosnie (1992-1995) ont été considérées comme des guerres de religion entre les populations orthodoxes, catholiques et musulmanes de l'ex-Yougoslavie, c'est-à-dire les Serbes, les Croates et les Bosniaques.

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Film de 1986 mettant en vedette Goldie Hawn dans le rôle d'un entraîneur de football au lycée.

Wildcats

Goldie Jeanne Hawn (née le 21 novembre 1945) est une actrice, réalisatrice, productrice et chanteuse occasionnelle américaine. Hawn est devenue célèbre dans la série télévisée Rowan & Martin's Laugh-In et a remporté l'Oscar de la meilleure actrice dans un second rôle pour sa performance dans le film de 1969, Cactus Flower, conservant ainsi son statut de star bancable pendant plus de trois décennies. D'autres films incluent : There's a Girl in My Soup (1970), Butterflies Are Free (1972), The Sugarland Express (1974), Shampoo (1975), Foul Play (1978), Private Benjamin (1980), Semble comme au bon vieux temps ( 1980), Best Friends (1982), Overboard (1987), Bird on a Wire (1990), Death Becomes Her (1992), Housesitter (1992), The First Wives Club (1996) et The Banger Sisters (2002). Hawn est la mère des acteurs Oliver Hudson, Kate Hudson et Wyatt Russell. Hawn est en couple avec l'acteur Kurt Russell depuis 1983. Début de la vie Hawn est née à Washington, DC, fille de Laura (née Steinhoff; 27 novembre 1913 - 27 novembre 1993), propriétaire d'une bijouterie/école de danse, et d'Edward Rutledge Hawn (28 septembre 1908 - 7 juin 1982) , un musicien de groupe qui a joué lors d'événements majeurs à Washington. Elle porte le nom de la tante de sa mère.Déclaré dans l'interview de Hawn sur Inside the Actors Studio, 2008. Son père était presbytérien et d'origine allemande et anglaise, tandis que sa mère était juive. Hawn a eu une éducation juive. Hawn est souvent considéré comme un descendant direct d'Edward Rutledge, le plus jeune signataire de la Déclaration d'indépendance ; cependant, des recherches généalogiques ont montré que Rutledge n'est pas un ancêtre de Hawn. Hawn a commencé à prendre des cours de ballet et de claquettes à l'âge de trois ans et a dansé dans le chœur de la production du Ballet Russe de Monte Carlo de Casse-Noisette en 1955. Elle a fait ses débuts sur scène en 1961, jouant Juliette dans une production du Virginia Shakespeare Festival de Roméo et Juliette. En 1964, elle dirigeait et enseignait dans une école de ballet, après avoir abandonné ses études à l'American University, où elle se spécialisait en art dramatique. En 1964, Hawn fait ses débuts en danse professionnelle dans une production de Can-Can au Pavillon du Texas de l'Exposition universelle de New York. Elle a commencé à travailler comme danseuse professionnelle un an plus tard et est apparue comme danseuse go-go à New York. Carrière années 1960 Hawn a commencé sa carrière d'actrice en tant que membre du casting de la comédie de situation éphémère Good Morning, World au cours de la saison télévisée 1967-1968, son rôle étant celui de la petite amie d'un disc-jockey de radio, avec une personnalité stéréotypée de « blonde stupide ». Son rôle suivant, qui l'a amenée à l'attention internationale, était celui de l'un des membres réguliers de la distribution de la série de sketchs humoristiques de 1968 à 1973, Rowan & Martin's Laugh-In. Dans l'émission, elle éclatait souvent de rire aigu au milieu d'une blague et livrait une performance soignée un instant après. Remarquée aussi bien pour son attitude débridée que pour son bikini et son corps peint, Hawn était considérée comme une sorte de "It girl" des années 1960. Son personnage de Laugh-In a été transformé en trois apparitions dans des films populaires à la fin des années 1960 et au début des années 1970 : Fleur de cactus, Il y a une fille dans ma soupe et Les papillons sont libres. Hawn avait fait ses débuts au cinéma dans un petit rôle de danseuse rieuse dans le film de 1968 The One and Only, Genuine, Original Family Band, dans lequel elle était présentée comme "Goldie Jeanne", mais dans son premier grand rôle au cinéma, dans Cactus Flower (1969), elle remporte l'Oscar de la meilleure actrice dans un second rôle dans le rôle de la fiancée suicidaire de Walter Matthau. années 1970 Après la victoire de Hawn aux Oscars, sa carrière cinématographique a décollé. Elle a joué dans une série de comédies à succès au-dessus de la moyenne, en commençant par There's a Girl in My Soup (1970), $ (1971) et Butterflies Are Free (1972). Elle a continué à faire ses preuves dans la ligue dramatique avec les drames satiriques de 1974 The Girl from Petrovka et The Sugarland Express, et Shampoo en 1975. Elle a également animé deux émissions spéciales télévisées : Pure Goldie en 1971 et The Goldie Hawn Special en 1978. Cette dernière était une une sorte de retour pour Hawn, qui était restée à l'écart des projecteurs pendant deux ans depuis la sortie en 1976 de La Duchesse et le Renard de Dirtwater, alors qu'elle se concentrait sur son mariage et la naissance de son fils. Lors de l'émission spéciale, elle a interprété des airs de spectacle et des morceaux de comédie aux côtés de la légende de la bande dessinée George Burns, de l'idole des adolescents en matinée Shaun Cassidy, de la star de la télévision John Ritter (pendant ses jours dans Three's Company) et même des Harlem Globetrotters l'ont rejoint pour un montage. La spéciale a ensuite été nominée pour un Emmy aux heures de grande écoute. Quatre mois plus tard, le film Foul Play (avec Chevy Chase) sort et devient un succès au box-office, relançant la carrière cinématographique de Hawn. L'intrigue est centrée sur une femme innocente de San Francisco qui se retrouve mêlée à un complot de meurtre. Le film suivant de Hawn, Lovers and Liars (1979) de Mario Monicelli, fut une bombe au box-office. En 1972, Hawn a enregistré et sorti un LP country solo pour Warner Brothers, intitulé Goldie. Il a été enregistré avec l'aide de Dolly Parton et Buck Owens. AllMusic donne à l'album une critique favorable, le qualifiant de "disque pop intermédiaire doucement attachant teinté de country". années 1980 La popularité de Hawn s'est poursuivie dans les années 1980, en commençant par une autre émission spéciale de variétés aux heures de grande écoute aux côtés de l'actrice et chanteuse Liza Minnelli, Goldie et Liza Together (1980), qui a été nominée pour quatre Emmy Awards. La même année, Hawn tient le rôle principal dans Private Benjamin, une comédie qu'elle produit. Private Benjamin, qui met également en vedette Eileen Brennan et Armand Assante, a valu à Hawn sa deuxième nomination aux Oscars, cette fois pour la meilleure actrice. Le succès de Hawn au box-office s'est poursuivi avec des comédies comme Semble comme du bon vieux temps (1980), Protocole (1984) et Wildcats (1986) — Hawn a également été producteur exécutif sur ces deux dernières — et des drames comme Meilleurs amis (1982) et Swing Shift ( 1984). À l'âge de trente-neuf ans, Hawn a posé pour la couverture du numéro de janvier 1985 de Playboy. Hawn a posé dans un verre à martini géant vêtu uniquement d'une chemise à col blanc, d'une cravate noire desserrée, de bas résille et d'une paire de talons aiguilles rouges. Son dernier film des années 1980 était son partenaire opposé Kurt Russell pour la troisième fois dans la comédie Overboard (1987). années 1990 La carrière de Hawn a ralenti après avoir quitté Hollywood à la fin des années 1980, mais a repris quelque peu en 1990 avec la comédie d'action Bird on a Wire, un film critiqué mais à succès commercial qui associait Hawn à Mel Gibson. Hawn a connu un succès mitigé au début des années 1990, avec le thriller Deceived (1991), le drame CrissCross et face à Bruce Willis et Meryl Streep dans Death Becomes Her (tous deux en 1992). Plus tôt cette année-là, elle a joué dans Housesitter, une comédie loufoque avec Steve Martin, qui fut un succès commercial et critique. Hawn a de nouveau été absente des écrans pendant quatre ans alors qu'elle s'occupait de sa mère décédée d'un cancer en 1994. Hawn a fait son retour au cinéma en tant que productrice de la comédie satirique Something to Talk About avec Julia Roberts et Dennis Quaid, ainsi que en réalisant ses débuts en tant que réalisatrice dans le téléfilm Hope (1997) avec Christine Lahti et Jena Malone. Hawn est revenue à l'écran en 1996 dans le rôle de l'actrice vieillissante et alcoolique Elise Elliot dans le succès financier et critique The First Wives Club, aux côtés de Bette Midler et Diane Keaton, avec qui elle a repris le hit de Lesley Gore "You Don't Own Me". pour la bande originale du film. Hawn a également interprété une reprise de la chanson des Beatles, "A Hard Day's Night", sur l'album de George Martin de 1998, In My Life. Elle a poursuivi son mandat dans les années 1990 avec la comédie musicale de Woody Allen Tout le monde dit que je t'aime (1996) et a retrouvé Steve Martin pour la comédie The Out-of-Towners (1999), un remake du hit de Neil Simon de 1970. Le film a été critiqué et n'a pas connu de succès au box-office. En 1997, Hawn, ainsi que ses co-stars du First Wives Club, Diane Keaton et Bette Midler, ont reçu les Women in Film Crystal Awards. En 1999, elle a reçu le prix Hasty Pudding Woman of the Year. années 2000 En 2001, Hawn retrouve ses anciennes co-stars Warren Beatty (sa co-star dans $ et Shampoo) et Diane Keaton pour la comédie Town & Country, un fiasco critique et financier. D'un budget estimé à 90 millions de dollars américains, le film a été ouvert sans grande publicité et n'a rapporté que 7 millions de dollars lors de sa sortie en salles en Amérique du Nord. En 2002, elle a joué dans The Banger Sisters, aux côtés de Susan Sarandon et Geoffrey Rush, son dernier film d'action en direct à ce jour. En 2005, l'autobiographie de Hawn, A Lotus Grows in the Mud, a été publiée. années 2010 En 2013, Hawn a joué, aux côtés de Gordon Ramsay, dans un épisode de Phineas and Ferb, dans lequel elle a fourni la voix de sa voisine Peggy McGee. Hawn fera son retour sur grand écran pour la première fois depuis 2002, dans lequel elle incarnera la mère du personnage d'Amy Schumer dans la prochaine comédie Mother/Daughter. Vie privée Hawn a étudié la méditation. Dans une interview en 2012, elle a déclaré : « Je ne me considère pas comme bouddhiste. Je suis née juive et je considère que c'est ma religion. Elle a également déclaré : « Ce n'est pas l'idée d'une religion particulière qui est importante ; c'est le développement d'une vie spirituelle. » Hawn est un partisan de la communauté LGBT. S'exprimant au sujet de pays comme le Nigeria et d'autres qui ont criminalisé les homosexuels, elle a dénoncé ces lois, déclarant : « C'est une inhumanité de premier ordre de l'homme envers l'homme ». Relations et famille Le premier mari de Hawn était le danseur (plus tard réalisateur) Gus Trikonis, qui est apparu comme un requin dans West Side Story ; sa sœur Gina jouait Graziella, la petite amie de Riff. Ils se sont mariés le 16 mai 1969 à Honolulu, Hawaï et se sont séparés le 9 avril 1973. Hawn est ensuite sorti avec le cascadeur Ted Grossman et l'acteur suédois Bruno Wintzell, mais n'a demandé le divorce de Trikonis qu'au réveillon du Nouvel An 1975, après s'être fiancé au musicien. Bill Hudson des Hudson Brothers, qu'elle a rencontré l'été précédent sur un vol de première classe de New York à Los Angeles. Hawn a obtenu le divorce en juin 1976 et a épousé Hudson le 3 juillet 1976 à Takoma Park, Maryland. Ils ont eu deux enfants, l'acteur Oliver et l'actrice Kate. Hudson a demandé le divorce le 15 août 1980. Le divorce d'avec Hudson a été finalisé en mars 1982. Hawn entretient une relation avec l'acteur Kurt Russell depuis le début de 1983. Le couple s'est rencontré pour la première fois lors du tournage de The One and Only, Genuine, Original Family Band (1968), mais s'est impliqué après s'être rencontré sur le tournage de Swing Shift. Ils ont un fils, Wyatt (né le 10 juillet 1986). Ils possèdent également une maison à Palm Desert, en Californie. Hawn est également la belle-mère de facto du fils de Kurt Russell, Boston. La Fondation Hawn Hawn a fondé la Fondation Hawn, une organisation à but non lucratif qui propose des programmes d'éducation aux jeunes destinés à améliorer les résultats scolaires grâce à des « stratégies d'amélioration de la vie pour le bien-être ». La Fondation Hawn a soutenu des études de recherche menées par des chercheurs externes pour évaluer l'efficacité de son programme éducatif destiné aux enfants, appelé MindUP. Filmographie ;Film ;Télévision ;Crédits supplémentaires * Private Benjamin (1980) (a également été producteur exécutif) * Protocol (1984) (a également servi de producteur exécutif) * Wildcats (1986) (a également été producteur exécutif) * My Blue Heaven (1990) (producteur exécutif) * Quelque chose à dire (1995) (producteur exécutif) * Hope (téléfilm de 1997) (réalisateur et producteur exécutif) * Quand Billie Beat Bobby (téléfilm 2001) (producteur exécutif) * The Matthew Shepard Story (2002) (producteur exécutif) * Hot Flash Havoc (documentaire 2016) (narrateur) Discographie Albums * 1972, Goldie, Reprise Records : MS 2061 Simple *1972, "Pitta Patta", Reprise Records : REP 1126 (réalisé par Van Dyke Parks) *1997, "You Don't Own Me", Columbia Records : XPCD842 (avec Bette Midler et Diane Keaton) Récompenses et nominations

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Qui était le chef du gang dont les membres comprenaient Benny the Ball, Brain et Choo Choo ?

Top Cat.

Top Cat est une série télévisée d'animation réalisée par les studios Hanna-Barbera qui a été diffusée pour la première fois du 27 septembre 1961 au 18 avril 1962 pour une série de 30 épisodes sur le réseau ABC. Histoire Initialement diffusé le mercredi (de 20 h 30 à 21 h, heure de l'Est), Top Cat était co-sponsorisé par Kellogg's et Bristol-Myers (Bufferin). Le personnage central, Top Cat (appelé T.C. par des amis proches, « pour que ce soit digne » selon les paroles de la chanson thème) est le chef d'un gang de chats de gouttière de Manhattan vivant dans Hoagy's Alley : Fancy-Fancy. , Spook, Benny le ballon, Brain et Choo Choo. Top Cat et sa bande se sont inspirés des personnages des films de série B populaires des années 1940, "The East Side Kids", mais beaucoup suggèrent que cela dérive de The Phil Silvers Show, une comédie militaire de la fin des années 1950 dont le protagoniste était un escroc rusé. Maurice Gosfield, qui a joué le soldat Duane Doberman dans The Phil Silvers Show, a également fourni la voix de Benny the Ball dans Top Cat (l'apparence ronde de Benny était également basée sur Gosfield). La voix d'Arnold Stang de Top Cat ressemblait même fortement à la voix de Phil Silvers. D'autres sources possibles incluent Guys and Dolls où l'acteur Stubby Kaye a joué un petit et gros joueur de rue et un prototype virtuel de Benny the Ball. Enfin, un concurrent improbable (car il provenait également de Hanna Barbera) était le personnage de Hokey Wolf dans The Huckleberry Hound Show, dont le segment était également parallèle à The Phil Silvers Show. Une intrigue fréquente tournait autour du flic local Charles "Charlie" Dibble et de ses tentatives inefficaces pour expulser le gang de la ruelle car ils tentaient constamment de gagner de l'argent rapidement (généralement par le biais d'une arnaque illégale). L'apparence de Dibble a été calquée sur celle de son doubleur, Allen Jenkins. Le mot plantoir n'était auparavant utilisé que pour désigner un outil permettant de faire des trous pour planter des graines, mais a acquis un deuxième sens dans la langue vernaculaire en tant qu'argot pour les policiers. Analyse L'historien de l'animation Christopher P. Lehman dit que la série peut être considérée comme un commentaire social. Les chats peuvent représenter des personnes privées de leurs droits, confinées à vivre dans un environnement pauvre. Les programmes pour devenir riche rapidement de Top Cat sont des efforts pour échapper à une vie meilleure. Le gang fait face à un policier humain qui contrecarre leurs efforts et les maintient piégés dans la ruelle. Ce respect de l'ordre social par la police garantit que les chats n'échapperont pas à leurs conditions de vie actuelles. Personnages Épisodes Distribution de voix Voix principales : * Arnold Stang comme Top Cat * Maurice Gosfield dans le rôle de Benny le bal * Allen Jenkins dans le rôle de l'officier Dibble * Marvin Kaplan dans le rôle de Choo-Choo * Léo De Lyon dans le rôle de Brain, Spook * John Stephenson dans le rôle de Fancy-Fancy Voix supplémentaires : Béa Benaderet, Herschel Bernardi, Daws Butler, Paul libère, Sally Jones, Don Messick, Ge Ge Pearson, Gigi Perreau, Jean Vander Pyl Communiqués de presse à domicile Aux États-Unis, un coffret contenant les 30 épisodes est sorti en . Au Royaume-Uni, le coffret complet de la série est sorti en 2007, initialement en exclusivité HMV jusqu'en 2008. Alternativement, cinq volumes DVD uniques, contenant chacun 6 épisodes, ont été publiés. Les couvertures provenaient à l'origine de l'édition américaine, mais ont ensuite été rééditées avec un nouveau design. Chaque volume montre une photo de groupe de Top Cat utilisant le téléphone de Dibble avec sa bande à ses côtés, mais le code couleur est le suivant : * Volume 1 : Primevère (épisodes 1 à 6) – Top Cat * Volume 2 : Vert (épisodes 7 à 12) – Choo-Choo * Volume 3 : Rouge (épisodes 13 à 18) – Fancy Fancy * Volume 4 : Bleu (épisodes 19 à 24) – Benny * Volume 5 : Orange (épisodes 25 à 30) – Spook Les DVD ont depuis été mis en vente chez d’autres détaillants à travers le Royaume-Uni. Top camées de Cat Autres personnages apparaissant dans Top Cat D'autres personnages de Hanna-Barbera font des apparitions au cours de la série. *Dans l'épisode « King for a Day », Brain et Spook lisent des bandes dessinées. Les bandes dessinées de Yogi Bear et Huckleberry Hound sont visibles dans le coin inférieur droit de la scène. *Dans l'épisode "Rafeefleas", le gang se promène la nuit dans un musée lorsqu'il tombe sur un groupe de statues étiquetées "Homme préhistorique". Choo-Choo insiste sur le fait qu'il a déjà vu les chiffres, peut-être à la télévision, mais TC l'ignore. Les statues sont inspirées de Fred Flintstone et Barney Rubble. *Dans l'épisode "A Visit from Mother", le graffiti "El Kabong" (l'alter ego de Quick Draw McGraw) est visible sur le mur en arrière-plan. Apparition de Top Cat dans d'autres émissions *Dans un épisode de Gomer Pyle, U.S.M.C., Gomer est vu dans un restaurant en train de lire une bande dessinée Top Cat. *Top Cat a également fait une apparition dans l'un des courts métrages de What-a-Cartoon intitulé "Achetez-en un, obtenez-en un gratuitement" dans une scène de fête. *Top Cat a fait une apparition dans une publicité MetLife de 2012 intitulée "Everyone". *Le thème de Top Cat est présenté dans l'épisode "Surfin Fred" des Flintstones lorsque Barney et Betty découvrent que Jimmy Darrock n'est en fait pas un sauveteur. *L'officier Dibble fait une apparition dans l'épisode "Time Machine" des Flintstones, en tant que policier du futur. Renvoyant ainsi la faveur faite dans l'épisode "The Rafeefleas" lorsque T.C et le gang ont trouvé deux statues de l'homme des cavernes (Fred et Barney) dans un musée d'art, alors qu'ils cherchaient la vitrine de bijoux. *Top Cat et sa bande sont apparus dans Yogi's Ark Lark. Alors que les autres n'ont pas de dialogue, Top Cat a été exprimé par Daws Butler tandis que Benny the Ball a été exprimé par John Stephenson. On présumait qu'Arnold Stang n'était pas disponible à l'époque alors que Maurice Gosfield était déjà mort en 1964. *En 1985, Top Cat est apparu dans la chasse au trésor de Yogi avec Yogi Bear et d'autres stars de Hanna-Barbera en tant que responsable de la chasse au trésor. L'officier Dibble a fait une apparition à la fin de l'épisode de la série, "Yogi's Beanstalk", exprimé par John Stephenson depuis la mort d'Allen Jenkins en 1974. *En 1987, Hanna-Barbera a produit un long métrage télévisé basé sur la série intitulée Top Cat and the Beverly Hills Cats (qui fait partie de la série de films Hanna-Barbera Superstars 10), dans lequel le gang aide une jeune fille à réclamer son héritage. . Pendant ce temps, John Stephenson a repris l'officier Dibble tandis que Benny the Ball était exprimé par Avery Schreiber. *Dans le segment Fender Bender 500 de Wake, Rattle and Roll, Top Cat et Choo Choo étaient l'un des coureurs au volant d'un camion monstre modèle poubelle appelé Alley Cat. *Dans Yo Yogi !, Top Cat était un chat adolescent exprimé par Arte Johnson. Même ici, il vit toujours dans une poubelle. *Top Cat a été vu dans un rap de Cartoon Network en 1995. *Dans l'épisode "K-9 Quarry" des Duck Dodgers, Top Cat faisait partie des personnages braconnés sur le navire d'Alien Hunter. *Top Cat, Benny et Brain ont fait une apparition à la fin de l'épisode "Catastrophe" des Powerpuff Girls. Ils peuvent être vus dans le coin inférieur gauche de l'écran (bien qu'au lieu de son chapeau, Top Cat ait une tache de bave sur la tête). *Top Cat a été vu brièvement au volant d'une moto dans l'épisode "Cheese a go-go" de Foster's Home for Imaginary Friends. *Dans l'épisode Futurama « That Darn Katz ! », une photo de Top Cat est vue. *Un extrait de la série apparaît dans le film Cat People de 1982. *Top Cat, Benny et le reste du gang font une apparition dans une publicité de 2016 pour la banque britannique Halifax. Top des apparitions de Cat dans les bandes dessinées *Top Cat et son gang (à l'exception de Brain) sont apparus dans le strip du 10 mars 2016 de Heathcliff. Dans d'autres médias Bandes dessinées Les aventures du gang se sont poursuivies hors écran dans les bandes dessinées alors que Dell (devenu Gold Key) a publié 31 numéros de 1961 à 1970. Charlton Comics a publié 20 autres numéros de 1970 à 1973. Au Mexique, La Coleccion Primavera a présenté Don Gato en 1968. Livres Little Golden Books et Durabooks ont tous deux produit des livres pour enfants à couverture rigide mettant en vedette Top Cat. Au Royaume-Uni, World Distributors a publié dans les années 1960 des annuaires tirés des bandes dessinées Dell. BrownWatson a publié plus tard un ouvrage annuel de 1978 intitulé The Great Grape Ape and Boss Cat. Vue-Master T.C. et des amis sont apparus sur trois bobines View-Master en 1962. Celles-ci étaient intitulées "Medal for Meddling", "Zoo-Operation" et "No Cat Fishing". Musique La bande originale de la télévision a été publiée par Colpix Records en 1962, composée de versions légèrement éditées de "The Unscratchables" et "Top Cat Falls in Love". En 1965, Hanna-Barbera Records sort un LP intitulé Robin des Bois avec Top Cat. T.C. et le gang était représenté comme des hommes joyeux sur la couverture. Les chansons incluaient "Top Cat", "M-O-N-E-Y", "Dibble", "Robin Hood" et "Buddies". Il a été réédité en 1977 sur le label Special Products de Columbia Records. Un arrangement jazzy du thème Top Cat peut être entendu la plupart des semaines au générique de fin de Theme Time Radio Hour de Bob Dylan. Publicité En 2016, Halifax a commencé à utiliser Top Cat pour promouvoir sa banque au Royaume-Uni. Longs métrages Un long métrage basé sur la série télévisée est sorti le 16 septembre 2011 dans les salles 2D et 3D. Le film a été produit par les studios mexicains Ánima Estudios et Illusion Studios en Argentine et a été distribué par la branche latino-américaine de Warner Bros. (dont la société mère, Time Warner, possède Turner Entertainment, qui a acquis Hanna-Barbera en 1990). Intitulé Don Gato y su Pandilla (le nom utilisé pour le doublage espagnol de la série), le film a été un succès majeur au box-office mexicain et a été l'une des sorties les plus réussies d'une production mexicaine. Le film a ensuite eu une sortie en salles limitée aux États-Unis le 2 août 2013, avec les voix de Rob Schneider dans le rôle de Lou Strickland et de Danny Trejo dans le rôle de Griswald. Préquelle animée CGI de la série, Top Cat Begins a été réalisé par le même studio mexicain que le film de 2011. Il raconte comment T.C. j'ai rencontré Benny et comment le gang s'est formé. Il est sorti au Mexique en octobre 2015 et sortira au Royaume-Uni en mai 2016. Diffuser États-Unis *ABC (27 septembre 1961 – 18 avril 1962) *NBC (1965-1969) *Syndicat télévisé (1970-1993) *Cartoon Network (1er octobre 1992 – 31 mars 2000) *Boomerang (1er avril 2000 – 2011 ; 28 juillet 2012 – 1er septembre 2013) l'Amérique latine *Réseau de dessins animés *Boomerang (2001-2008 ; 2015-) *Tooncast (2008–) Canada *CTV *Télétoon Rétro (2009-2014) Mexique *Canal 5 (années 1970) Sri Lanka *Rupavahini Inde *Réseau de dessins animés Bangladesh *Réseau de dessins animés Asie du sud est *Réseau de dessins animés *Boomerang Pakistan *Réseau de dessins animés *NTM Japon *TV Asahi (1963-1964) *Société de radiodiffusion Asahi *Réseau de dessins animés Danemark *Réseau de dessins animés (1995-2002) *Boomerang (2002-2015) France *TF1 *Antenne 2 *Cartoon Network *Boomerang Allemagne *ARD * Boomerang Italie *Télémontecarlo *Réseau de dessins animés *Boomerang *Boing *Italie 1 République tchèque *Famille Prima Macédoine *Radio-Télévision macédonienne Pologne *TVP2 *Réseau de dessins animés *Boomerang Hongrie Doublé: *Télévision hongroise (1985-1990) *TV2 (1997-1999) *Boomerang (2012-2015) Moyen-Orient et Afrique : *Réseau de dessins animés (1999-2001) *Boomerang (2005-2015) Russie *Boomerang (2013-2015) Espagne *TVE *Antenne 3 *Réseau de dessins animés *TVG (en doublage galicien) *Boing Suède *TV3 (Suède) *Réseau de dessins animés *Boomerang Pays-Bas *Pays-Bas 1 *Réseau de dessins animés Norvège *Boomerang (2002-2015) Royaume-Uni *BBC One, anciennement renommé Boss Cat (voir ci-dessous) *Boomerang (2000-2015) *Réseau de dessins animés *Cartoon Network aussi (2006-2007 ; 2010) Australie *Boomerang *Réseau de dessins animés *ALLER! *Réseau neuf *Réseau Sept Nouvelle-Zélande *Réseau de dessins animés Argentine *Canal 13 Brésil *Rede Globo *SBT Costa Rica *Télétique le Chili *Chilevision (1987-1989, 1991-1992 ; 1993-1994) *Chaîne 13 (1975-1986 ; 1995-1998) *Télécanal (2009) *Liv TV (2009) Uruguay *Télévision nationale Uruguay Venezuela *NCtv Carabobo *Venevision Canada Top Cat a été parmi les premières émissions diffusées sur CTV. La première chaîne de télévision privée du pays a commencé ses émissions en octobre 1961. Ibéro-Amérique Malgré le succès modeste de la série aux États-Unis, la série a connu un énorme succès au Mexique, au Chili, au Pérou et en Argentine, où elle est reconnue comme l'un des personnages d'Hanna Barbera les plus célèbres de tous les temps, étant aussi populaire que Les Pierrafeu. . Au Mexique, la série est diffusée sous le nom de Don Gato y su pandilla (littéralement M. Chat et sa bande) et les personnages principaux ont adopté des accents différents. Outre Top Cat, tous les autres personnages de la série étaient très célèbres, et leur popularité est généralement attribuée à l'excellent doublage et au doublage : Benny a été rebaptisé Benito B. Bodoque y B. et a reçu une voix plus enfantine que ce n'était le cas dans le doublage original, Choo Choo a été renommé Cucho et parlait avec un accent mexicain-yucatan, Fancy-Fancy était Panza (ventre), Spook renommé comme la traduction approximative du mot Espanto, The Brain s'appelait Demóstenes (en hommage à l'homme d'État grec Démosthène, avec qui il partage un trouble d'élocution) et l'agent Dibble renommé Oficial Carlitos Matute. Ce nom, « matute », était utilisé en Argentine et en Uruguay comme référence en argot pour les policiers. Top Cat est encore rediffusé toutes les quelques années. Les principaux doubleurs étaient Julio Lucena (voix de Top Cat), Jorge Arvizu (voix de Benny et Choo Choo), Víctor Alcocer (voix de Dibble), David Reynoso entre autres. Au Brésil, le personnage est connu sous le nom de Manda-Chuva (portugais brésilien pour gros plan) et a été exprimé par l'acteur Lima Duarte. De plus, la ville de New York a été remplacée par Brasília (capitale fédérale) dans la version brésilienne. Royaume-Uni Il a fait ses débuts le 16 mai 1962, sous son nom d'origine, mais a été rebaptisé The Boss Cat le 13 juin 1962. Il a été raccourci le 22 février 1967 en Boss Cat. Ce changement de nom rapide a été effectué parce que Top Cat était également le nom d'une marque britannique d'aliments pour chats alors populaire, et que le dessin animé a été diffusé sur la BBC qui ne contient pas de publicité. Le dialogue et le thème faisaient toujours référence au personnage par son nom d'origine, mais une petite coupure a été faite à l'apogée du générique d'ouverture (entraînant un léger saut dans le film) et une carte de titre ajoutée avant l'épisode proprement dit. De même, le nom de Top Cat a été modifié à partir de la dernière section du générique de clôture de la série, provoquant un autre léger saut (alors que Top Cat met ses lunettes et se prépare à dormir dans sa poubelle). La diffusion de la BBC ne comprenait que 26 des 30 épisodes originaux, avec des omissions notables, notamment Choo-Choo Goes Ga-Ga, avec ses scènes répétées de Choo-Choo tentant de se suicider. Cette sélection de 26 épisodes a été reprise sur la BBC de 1962 à 1989. Malgré la carte de titre Boss Cat, l'utilisation continue du nom Top Cat (et des initiales T.C.) tout au long de la bande originale diffusée au Royaume-Uni signifiait que le personnage était toujours communément appelé Top Cat par chaque génération de téléspectateurs britanniques. La carte de titre Boss Cat a été utilisée pour la dernière fois pour une répétition en 1989 ; au moment où la série a été diffusée ensuite en 1999, la marque alimentaire Top Cat avait été abandonnée au Royaume-Uni, tout comme les inquiétudes concernant la reproduction d'un tel nom de marque même si elle existait, permettant ainsi l'utilisation du titre original. Cela continue d'être le cas dans les émissions contemporaines sur Boomerang et BBC Two. "Dibble" est un nom parfois utilisé comme terme d'argot pour la police, du nom de l'officier Dibble. L'utilisation de cette expression est plus répandue dans le nord-ouest de l'Angleterre. En 2016, les personnages de chats de dessins animés ont été utilisés dans le cadre d'une campagne publicitaire télévisée pour la Banque d'Halifax. Hongrie Top Cat (Turpi úrfi) a été l'un des premiers dessins animés américains diffusés en première sur les chaînes de télévision hongroises en 1969. Il a également été diffusé plus tard avec The Huckleberry Hound Show, Tom and Jerry, Looney Tunes, The Flintstones et The Jetsons sur Magyar Televízió de 1985 à 1990. , et tv2 de 1997 à 1999 (avec Wacky Races, Scooby-Doo, où es-tu ! et Scooby-Doo et Scrappy-Doo). Depuis 2012, Boomerang le diffuse en hongrois. Inde Top Cat était l'un des premiers favoris de Cartoon Network. Il a été diffusé en Inde dans les années 1990. Top Cat a été diffusé à nouveau en 2003 jusqu'en 2004. Sri Lanka Top Cat (Cinghalais : Pissu Poosa (පිස්සු පූසා) littéralement Crazy Cat) était l'une des émissions de dessins animés les plus populaires au Sri Lanka et elle a été répétée plusieurs fois sur la même chaîne de télévision. Nom dans différentes langues *Portugais brésilien : Manda-Chuva (voix de Lima Duarte) * (Top Ket) *Canadien français : meilleurs chats *Tchèque : Gang de chats *Danois : Top Cat *Néerlandais : Top Cat *Finnois : Topi-katti *Français : Le Chat *Allemand : Superkatt *Hongrois : Turppi Yurfi (Mr.Meanace) dans la série et Főmacska (Main Cat) dans la spéciale. *Italien : Top Gattini *Japonais : (lit. « Stray Cat Boss ») * (Tosho Machorot) *Norvégien : Top Katt *Polonais : Kocia Ferajna (lit. Catfellas) et traduction antérieure Kot Tip Top (lit. Tippy Cat), avec une bien meilleure traduction de l'original, les bobines de cette version ont été perdues ou enregistrées. *Portugais : Top Cat *roumain : Super pisik *Russe : GlavKot * *(chat fou) *Espagnol : Don Gato y su pandilla (M. Chat et sa bande) *Suédois : Top Cat (voix de Per Sandborgh) Crédits de production 1961-62 *Créé, produit et réalisé par : William Hanna, Joseph Barbera *Écrit par : Kin Platt *Réalisateur : Paul Sommer *Producteur associé : Alan Dinehart *Directeur musical : Hoyt Curtin *Avec la voix de : Arnold Stang, avec : Allen Jenkins, Maurice Gosfield, Marvin Kaplan, Leo De Lyon, John Stephenson, Paul Frees *Animation : Kenneth Muse, Jerry Hathcock *Direction de l'animation : Charles A. Nichols *Supervision de la production : Howard Hanson *Mise en page : Jack Huber *Titres : Lawrence Goble *Parcours : Montalegre *Caméra : Roy Wade, Norman Stainback, Frank Paiker, Charles Flekal *Montage du film : Greg Watson, Warner Leighton *Top Cat Copyright MCMLXI Hanna-Barbera Productions *Une production Hanna-Barbera *Une présentation du film Screen Gems ** Filiale de télévision : Columbia Pictures Corporation Version DVD 2004 * Produit et réalisé par : William Hanna et Joseph Barbera *Écrit par Kin Platt, Joanna Lee, Michael Maltese, Barry Blitzer, Tony Benedict, Ray Allen, Larry Markes, Harvey Bullock, Harvey Marshall *Réalisation de l'histoire : Alex Lovy, Lewis Marshall, Paul Sommer *Producteur associé : Alan Dinehart *Direction musicale : Hoyt Curtin *Avec la voix de : Arnold Stang Avec : Maurice Gosfield, Allen Jenkins, Marvin Kaplan, Leo De Lyon, John Stephenson *Voix supplémentaires : Bea Benaderet, Daws Butler, Herschel Bernardi, Walker Edmiston, Paul Frees, Sally Jones, Don Messick, Ge Ge Pearson, Hal Smith, Jean Vander Pyl, Herb Vigran *Animation : Ed Aardal, George Goepper, Jerry Hathcock, Harry Holt, Ed Love, Tony Love, Dick Lundy, Kenneth Muse, Don Patterson, Irv Spence, Carlo Vinci, Don Williams *Direction de l'animation : Charles A. Nichols *Supervision de la production : Howard Hanson *Mise en page : Dick Bickenbach, Jack Huber, Walter Clinton, Dan Noonan *Titres : Lawrence Goble *Contexte : Art Lozzi, Montealegre, Robert Gentle, Neenah Maxwell, Anthony Rizzo, Richard H. Thomas *Caméra : Charles Flekal, Roy Wade, Norman Stainback, Frank Paiker *Montage du film : Greg Watson, Warner Leighton, Zachary Zeiger, Kenneth Spears, Joseph Ruby, Donald A. Douglas *Une production Hanna-Barbera

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Quel résident célèbre réside à Highgrove House ?

le prince de Galles

Highgrove House est la résidence familiale de Charles, prince de Galles, et de Camilla, duchesse de Cornouailles, située au sud-ouest de Tetbury dans le Gloucestershire, en Angleterre. Construits à la fin du XVIIIe siècle, Highgrove et son domaine appartenaient à diverses familles jusqu'à ce qu'ils soient achetés en 1980 par le duché de Cornouailles à Maurice Macmillan. Charles a rénové la maison géorgienne avec des ajouts néoclassiques en 1987. Le duché gère le domaine et la Duchy Home Farm située à proximité. La maison se distingue par ses vastes jardins qui reçoivent plus de 30 000 visiteurs par an. La maison et les jardins sont gérés selon les principes environnementaux de Charles et ont fait l'objet de plusieurs livres et programmes télévisés. Charles organise fréquemment divers événements caritatifs à la maison. Emplacement Highgrove House est située à Doughton, près de Tetbury, dans le comté de Gloucestershire, dans le sud-ouest de l'Angleterre. Gatcombe Park, la résidence de campagne de la sœur de Charles, Anne, princesse royale, se trouve à six miles entre les villages de Minchinhampton et Avening. En plus d'Anne, le cousin de Charles, le prince Michael de Kent, a acheté le manoir Nether Lypiatt à proximité peu de temps après que le duché ait acheté Highgrove, bien qu'il l'ait vendu en 2006. En tant que résidence de campagne de l'héritier du trône, Highgrove House est bien protégée par la sécurité. La maison est l'un des nombreux sites désignés interdits en vertu de la loi de 2005 sur la criminalité organisée et la police qui sont protégés par la loi contre les intrusions criminelles. Un haut mur de pierre entoure le domaine et le duché et le chef de la police du Gloucestershire ont soutenu le déplacement de deux personnes publiques. des sentiers piétonniers qui passaient à proximité de la maison pour des raisons de sécurité en 1983. Plusieurs personnes ont été arrêtées dans les environs de Highgrove depuis l'occupation de Charles, dont deux journalistes français et un photographe du Sun. Une zone d'exclusion aérienne de 1,5 mille marin pour les avions civils et les ULM a été imposée au-dessus de Highgrove en 1991. Histoire La baronnet Crawley-Boevey (à l'origine baronnet de Barrow), appelée « de Highgrove dans le comté de Gloucester », fut créée le 22 janvier 1784. La famille avait hérité de l'abbaye de Flaxley en 1727, qui fut leur siège jusqu'en 1960. Highgrove House a été construite en 1796 à 1798 par Jean-Paul Paul et aurait été conçu par l'architecte Anthony Keck. Le domaine lui-même est venu à la famille grâce au mariage en 1771 de Josiah Paul Tippetts plus tard Paul (le nom de famille de sa mère, qu'il a adopté selon les termes du testament de son oncle, son frère) avec Mary Clark, dont le père Robert était le local écuyer. Il appartenait aux descendants de Paul jusqu'en 1860. En 1850, sa petite-fille Mary Elizabeth Paul mourut après que sa robe ait pris feu lors d'une soirée organisée pour son frère dans la salle de bal. La maison fut de nouveau revendue en 1864 à un avocat, William Yatman. Pendant son séjour à Highgrove, Yatman a été décrit comme l'un des « principaux conservateurs des renards » dans une discussion de 1872 sur les chiens du duc de Beaufort. Yatman a reconstruit la flèche médiévale de l'église de Tetbury en l'honneur de son fils et a financé la remise en place des cloches de l'église en 1891. Yatman a quitté Highgrove à la suite d'un incendie en 1893 qui a détruit une grande partie de l'intérieur de la maison. La maison a été reconstruite au coût de 6 000 £ par Arthur Mitchell, dont le fils, le lieutenant-colonel Francis Mitchell, commandant du Royal Gloucestershire Hussars, vivait à proximité de Doughton Manor. Les Mitchell ont vendu Highgrove après la Seconde Guerre mondiale au lieutenant-colonel Gwyn Morgan. Le domaine avait été acheté par la famille Macmillan en 1956 pour 89 000 £ et mis en vente par le politicien et homme d'affaires conservateur Maurice Macmillan, fils de l'ancien Premier ministre Harold Macmillan, pour 730 000 £ en 1980. Macmillan a vendu Highgrove pour pouvoir passer plus de temps à Birch Grove, la maison de son père dans le Sussex. Au moment de sa vente, Highgrove était décrite comme une « maison géorgienne distinguée située dans un superbe parc dans la chasse du duc de Beaufort » et possédant 347 acres, avec neuf chambres et six salles de bains. Ezard, John. "Le prince Charles obtient sa maison de campagne", The Guardian, Londres, 7 août 1980. En août 1980, le domaine de Highgrove a été acheté par le duché de Cornouailles pour un montant estimé entre 800 000 £ et 1 000 000 £ avec des fonds collectés pour son achat par la vente de trois propriétés des propriétés du duché, dont une partie du village de Daglingworth. Le duc de Cornouailles, Charles, prince de Galles, fut par la suite nommé locataire à vie de Highgrove par le duché. Des réparations essentielles ont été effectuées à la maison lors de son achat, et l'intérieur a été démonté avec des pièces peintes en blanc, en vue de leur redécoration. La piscine de Highgrove a été offerte à Charles et Diana comme cadeau de mariage par l'armée britannique. Charles avait auparavant occupé Chevening dans le Kent, une maison qui lui avait été léguée par le 7e comte Stanhope en 1967. Charles trouvait le trajet de Chevening au palais de Buckingham peu pratique en raison des embouteillages dans le sud de Londres, et il était également très loin. du Pays de Galles et du duché de Cornouailles. Le domaine était également géré par un conseil d'administration, nommé par le gouvernement, ce qui était considéré comme un désavantage pour tout changement futur que Charles souhaitait apporter. Comme 1 million de livres sterling de rénovations avaient été effectuées à Chevening avant l'occupation de Charles, l'achat de Highgrove a été critiqué par le député travailliste Reg Race, qui a déclaré que c'était "... sanglantement scandaleux un jour où le gouvernement réduit les prestations de sécurité sociale pour des millions de personnes". Un porte-parole du duché a déclaré : « C'est une coïncidence si ce domaine abrite une maison qui convient au prince de Galles. La famille royale manque plutôt de résidences et le prince ne dispose que d'un ensemble de chambres au palais de Buckingham et à Windsor. Un château qu'il peut utiliser... quand tu as 31 ans, tu veux avoir ton propre logement". Charles avait examiné un certain nombre de propriétés dans différents comtés avant que le duché n'achète Highgrove. Charles a rejeté les maisons de Stoke Climsand en Cornouailles et d'Orchardleigh dans le Somerset. Charles était attiré par le Gloucestershire car il était à égale distance entre Londres et Cornwall et il connaissait la localité autour de Badminton depuis son enfance, chassant souvent avec la chasse du duc de Beaufort. Les propriétés locales du duché ont été élargies après l'achat de Highgrove, avec l'ajout de Broadfield Farm, une ferme de 420 acres de l'autre côté de Tetbury et d'autres propriétés pour atteindre un total de 1 112 acres en 1993. En 1981, la modéliste Rosalind Hudson a réalisé une maquette de Highgrove comme cadeau de mariage pour Charles et Diana. Hudson a ensuite modifié le modèle tout comme Highgrove. Highgrove était initialement occupée le week-end par Charles et Diana, princesse de Galles, après leur mariage en 1981, et leurs deux enfants, le prince William et le prince Harry, ont passé une grande partie de leur enfance dans la maison. Deux anciens membres du personnel de Highgrove, le majordome Paul Burrell et la gouvernante Wendy Berry, ont raconté leur séjour à la maison. Le livre de Burrell, A Royal Duty, a été publié en 2003 et couvre son séjour à Highgrove depuis l'achat de la maison par Charles jusqu'au départ de Burrell avec Diana en 1995. Le livre de Berry de 1995, A Housekeeper's Diary, détaillait son séjour à Highgrove de 1984 à 1993 et ​​c'était le fait l'objet d'une interdiction de publication mondiale de la Haute Cour. Conception Highgrove House a été construite entre 1796 et 1798 ; on pensait qu'il avait été conçu par l'architecte Anthony Keck. La maison est un bâtiment rectangulaire indépendant de trois étages en blocs de pierre de taille avec un toit en pierre et en ardoise. L'extérieur de la maison présente des décorations néoclassiques. Dans sa liste de 1985 pour la maison, English Heritage a décrit sa conception comme « Bloc principal, rectangulaire de cinq travées sur trois et de 3 étages. Pilastres aux étages supérieurs, corniche et parapet. La façade du jardin (sud-ouest) de 5 travées avec une baie centrale inclinée de 2 étages Milieu C19. Châssis à 12 carreaux au sud-est placés dans des niches cintrées. La maison comprend quatre salles de réception, neuf chambres principales, une aile de crèche et des logements pour le personnel. En 1893, un incendie causa de graves dommages à la maison et elle fut reconstruite selon son aspect antérieur en 1894 par l'architecte de Bristol, John Hart. L'incendie a ravagé l'intérieur et endommagé la façade ouest, où une fenêtre s'est effondrée sur la terrasse, faisant tomber le mur au-dessus. Un porche a été ajouté à la façade sud-est en 1894. Une aile de bureaux au nord-ouest de la maison a été démolie en 1966. À la demande de Charles, l'artiste Felix Kelly a créé une impression d'artiste d'un Highgrove rénové avec des ajouts néoclassiques. Kelly avait déjà peint une vision de Henbury Hall à Henbury, Cheshire, basée sur la Villa Rotonda d'Andrea Palladio. Les œuvres de Kelly avaient servi de base à la construction de Henbury Hall, et une peinture similaire de Highgrove a ensuite servi de base à un remodelage de la maison en décembre 1987, entrepris par l'architecte Peter Falconer. Le remodelage a vu l'extérieur agrémenté d'une nouvelle balustrade, d'un fronton et de pilastres classiques. Une nouvelle annexe pour le personnel de plain-pied a également été ajoutée. "Highgrove House, la maison du prince de Galles dans le Gloucestershire...", The Times, Londres, 16 décembre 1987. Les ajouts ont été salués par le groupe géorgien. D'autres bâtiments construits par Charles à Highgrove comprennent des pavillons de ruches et un enclos à bœufs conçu par Willie Bertram, construit en pierre traditionnelle des Cotswolds. Quatre cottages mitoyens surnommés « les maisons du conseil » par Charles ont également été rénovés. Highgrove House a obtenu le statut de catégorie II en mars 1985. En plus de la maison principale, le Coach House au nord-ouest et Lodge and Gate Piers à l'est ont également reçu le statut de catégorie II. Après le mariage de Charles et Diana en 1981, les chambres de Highgrove furent décorées par Dudley Poplak, qui considérait cette commande comme « la mission la plus importante que j'aie jamais eue ». La nécrologie de Poplak dans le Times décrit plus tard ses décorations pour Highgrove comme "... une variante jeune du look de maison de campagne chintzy qui a été vue partout cette année-là..." avec une palette de couleurs fraîches et propres - beaucoup de vert lime et aigue-marine - il a créé une ambiance douce et détendue sans envolées de fantaisie autre que l'étrange expérience avec des textures intéressantes". "Dudley Poplak", The Times, Londres, 29 mars 2005 Poplak a également décoré les appartements de Charles et Diana au palais de Kensington. Après le départ de Diana de Highgrove, les créations de Poplak ont ​​été remplacées par celles de Robert Kime à la demande de Camilla. En 2003, Kime a décoré les chambres de la résidence londonienne de Charles, Clarence House, après le décès de la reine mère. Les convictions environnementales de Charles se sont reflétées dans les changements apportés à Highgrove. Des panneaux solaires ont été installés sur la ferme et la maison est chauffée par une chaudière à copeaux de bois. De plus, les déchets de la maison sont filtrés par un système d'égouts naturel et l'utilisation d'aérosols a été interdite dans la maison dans les années 1980. Les lumières de Highgrove ont été éteintes pour Earth Hour en 2008. Jardins Charles a créé un jardin sauvage, un jardin à la française et un potager clos à Highgrove. Il a également planté de nombreux arbres sur le terrain et détient la collection nationale de hêtres du NCCPG. Les caractéristiques individuelles des jardins comprennent le jardin de tapis, le jardin de l'hémisphère sud, le jardin clos, la promenade d'automne, le jardin du cadran solaire et un jardin boisé comprenant deux temples classiques en chêne vert et une souche. Charles a décrit ses efforts comme représentant « ... une toute petite tentative de guérir les effroyables dommages à courte vue causés au sol, au paysage et à nos propres âmes » et a écrit que « Certains n'apprécieront peut-être pas cela, d'autres peuvent s'en moquer. ce n'est pas dans le « monde réel » ou c'est simplement une indulgence coûteuse. Quoi qu'il en soit, mon espoir éternel est que ceux qui visitent le jardin trouveront quelque chose pour les inspirer, les exciter, les fasciner ou les apaiser. En 1980, le prince de Galles était particulièrement attiré par le cèdre Highgrove du Liban, vieux de 200 ans, à l'ouest de la maison. Après que l'arbre malade ait dû être abattu en 2007 pour des raisons de sécurité, un nouveau pavillon en chêne avec une flèche en forme d'église a été construit au pied de l'arbre. Le design organique de Mark Hoare présente un cadre rustique sur des pierres de staddle des Cotswolds. Le jardinier en chef est Debs Goodenough, qui a remplacé en juillet 2008 David Howard. Charles a d'abord été assisté dans sa création des jardins de Highgrove par Miriam Rothschild. Il fut en outre aidé par Lady Salisbury, qui avait restauré les jardins de Hatfield House, et par Rosemary Verey. Le domaine Highgrove se compose d'un parc bordé de bois entourant Highgrove House, d'un certain nombre de bâtiments agricoles et d'environ 900 acres (364 ha) de terres cultivées par le duché de Cornouailles – la Home Farm. Le troupeau de boucherie basé à Highgrove comprend des femelles et des yearlings de race Aberdeen-Angus, des taureaux Angus et des vaches frisons croisées Angus. Le troupeau de moutons Masham et Mule partage le pâturage permanent avec le troupeau de bœuf. Le domaine est adossé au terrain de l'arboretum de Westonbirt. En 1985, l'agriculture biologique a été introduite sur trois parcelles de terrain dans le cadre d'une évolution vers ce que l'on appelle une agriculture biologiquement durable liée à la conservation. Le passage au statut biologique complet sur l'ensemble du domaine s'est achevé en 1996. Des visites des jardins sur réservation sont proposées aux particuliers et aux groupes, entre avril et mi-octobre. Plus de 30 000 personnes visitent les jardins chaque année. Les jardins ont été la source d'inspiration du compositeur britannique Patrick Hawes lorsqu'on lui a demandé d'écrire une pièce musicale pour le 60e anniversaire de Charles en 2008. La pièce qui en a résulté, intitulée Goddess of the Woods, a été jouée pour la première fois le jour de l'anniversaire du prince dans la salle florale. du Royal Opera House. Trois autres mouvements ont suivi pour créer la « Suite Highgrove », chacun représentant différentes zones des jardins de Highgrove. La suite a été créée à Highgrove le 8 juin 2010 avec la harpiste royale Claire Jones et l'orchestre Philharmonia. Le jardin du cadran solaire fut le premier jardin de Highgrove créé par Charles et était autrefois connu sous le nom de jardin sud. Il doit son nom au cadran solaire en pierre en son centre, sculpté par Walter Crang, cadeau de mariage offert à Charles et Diane par le duc de Beaufort et le personnel extérieur et les jardiniers. Le jardin est orienté plein sud et son agencement est resté quasiment inchangé depuis sa création. Le jardin du cadran solaire était à l'origine planté de roses, et a été brièvement planté comme un « jardin en noir et blanc ». Le jardin est actuellement planté de plantes herbacées roses, bleues et violettes, et entouré d'une grande haie d'ifs plantée à l'hiver 1982. Une partie du jardin contient des bustes de personnes admirées par Charles, notamment Debo Devonshire, le compositeur John Tavener, la naturaliste Dame Miriam Rothschild, la poète Kathleen Raine, la militante Vandana Shiva et l'évêque de Londres, Richard Chartres. Parmi les autres personnes honorées par les bustes dans le jardin figurent l'ancien directeur du musée et historien de l'art qui a contribué à la conception des jardins de Highgrove, Sir Roy Strong, et Léon Krier, qui a créé Poundbury, un village construit selon les principes architecturaux de Charles dans le Dorset. Les bustes de l'ancien propriétaire de Highgrove, Maurice Macmillan (sculpté par Angela Conner), de l'explorateur et confident de Charles, Sir Laurens van der Post (sculpté par Frances Baruch) et du pilote et psychiatre Alan McGlashan sont situés dans le Cottage Garden de Highgrove, à recoins dans une haie d'ifs. Un chemin de pavés quitte le Cottage Garden, avant d'entourer un obélisque en pierre portant l'inscription « York, Weymouth et Bath », offert à Charles pour son 60e anniversaire par les collèges de maçonnerie en pierre. Boutiques de Highgrove House En 1992, Charles a ouvert les magasins de détail Highgrove qui vendent des produits pour la maison et le jardin. Les magasins sont situés à Tetbury et à Londres où les produits sont disponibles chez Fortnum & Mason. Un magasin à Bath a fermé ses portes en 2014. Tous les bénéfices de la vente des produits sont reversés à la Fondation caritative du Prince de Galles. En 2014, les magasins ont commencé à vendre des produits en ligne.

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Combien d’avenues rayonnent depuis l’Arc de Triomphe ?

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L'Arc de Triomphe de l'Étoile (Arc de Triomphe de l'Étoile) est l'un des monuments les plus célèbres de Paris. Il se dresse au centre de la place Charles de Gaulle (à l'origine nommée place de l'Étoile), à ​​l'extrémité ouest des Champs-Élysées. Il ne faut pas le confondre avec un arc plus petit, l'Arc de Triomphe du Carrousel, qui se dresse à l'ouest du Louvre. L'Arc de Triomphe rend hommage à ceux qui ont combattu et sont morts pour la France pendant la Révolution française et les guerres napoléoniennes, avec les noms de toutes les victoires et généraux français inscrits sur ses surfaces intérieures et extérieures. Sous sa voûte se trouve la Tombe du Soldat inconnu de la Première Guerre mondiale. L'Arc de Triomphe est le pivot de l'Axe historique, une séquence de monuments et de grandes artères sur un parcours qui va de la cour du Louvre à la Grande Arche de la Défense. Le monument a été conçu par Jean Chalgrin en 1806 et son programme iconographique oppose héroïquement de jeunes Français nus à des guerriers germaniques barbus en cotte de mailles. Il donne le ton aux monuments publics aux messages patriotiques triomphants. Le monument se dresse en hauteur, en largeur et en profondeur. La grande voûte est haute et large. La petite voûte est haute et large. Son design s'inspire de l'Arc romain de Titus. L'Arc de Triomphe est construit à une telle échelle que, trois semaines après le défilé de la victoire de Paris en 1919 (marquant la fin des hostilités de la Première Guerre mondiale), Charles Godefroy l'a traversé avec son biplan Nieuport, l'événement étant filmé en actualités. C'était l'arc de triomphe le plus haut existant jusqu'à l'achèvement du Monumento a la Revolución à Mexico en 1938, ce qui est élevé. L'Arc de Triomphe de Pyongyang, achevé en 1982, est calqué sur l'Arc de Triomphe et est légèrement plus haut. Histoire L'Arc est situé sur la rive droite de la Seine au centre d'une configuration dodécagonale de douze avenues rayonnantes. Il fut mis en service en 1806 après la victoire d'Austerlitz par l'empereur Napoléon au sommet de sa fortune. La pose des fondations à elle seule prit deux ans et, en 1810, lorsque Napoléon entra à Paris par l'ouest avec son épouse l'archiduchesse Marie-Louise d'Autriche, il fit construire une maquette en bois de l'arc achevé. L'architecte Jean Chalgrin décède en 1811 et les travaux sont repris par Jean-Nicolas Huyot. Sous la Restauration des Bourbons, la construction fut interrompue et elle ne sera achevée que sous le règne du roi Louis-Philippe, entre 1833 et 1836, par les architectes Goust, puis Huyot, sous la direction d'Héricart de Thury. Le 15 décembre 1840, ramenée en France de Sainte-Hélène, la dépouille de Napoléon y passa en route vers la dernière demeure de l'Empereur aux Invalides. Avant son inhumation au Panthéon, le corps de Victor Hugo est exposé sous l'Arc dans la nuit du 22 mai 1885. L'épée portée par la République dans le relief marseillaise s'est brisée le jour, dit-on, du début de la bataille de Verdun en 1916. Le relief a été immédiatement masqué par des bâches pour dissimuler l'accident et éviter toute interprétation inquiétante et inquiétante. Le 7 août 1919, Charles Godefroy fait voler avec succès son biplan sous l'Arc. Jean Navarre était le pilote chargé d'effectuer le vol, mais il décéda le 10 juillet 1919 dans un accident près de Villacoublay alors qu'il s'entraînait au vol. Après sa construction, l'Arc de Triomphe est devenu le point de ralliement des troupes françaises qui défilaient après des campagnes militaires réussies et pour le défilé militaire annuel du 14 juillet. Des marches de victoire célèbres autour ou sous l'Arc ont inclus les Allemands en 1871, les Français en 1919, les Allemands en 1940, ainsi que les Français et leurs Alliés en 1944 et 1945. Un timbre-poste américain de 1945 montre l'Arc de Triomphe en arrière-plan. alors que les troupes américaines victorieuses défilent sur les Champs-Élysées et que des avions américains survolent les Champs-Élysées le 29 août 1944. Après l'inhumation du Soldat inconnu, cependant, tous les défilés militaires (y compris celui d'après 1919 susmentionné) ont évité de traverser l'arche elle-même. Le parcours emprunté monte jusqu'à l'arc puis contourne son côté, par respect pour le tombeau et sa symbolique. Hitler en 1940 et de Gaulle en 1944 ont observé cette coutume. Au début des années 1960, le monument était devenu très noirci à cause de la suie de charbon et des gaz d'échappement des automobiles, et en 1965-1966, il a été nettoyé par blanchiment. Dans le prolongement de l'avenue des Champs-Élysées, une nouvelle arche, la Grande Arche de la Défense, a été construite en 1982, complétant l'alignement monumental qui forme l'Axe historique de Paris. Après l'Arc de Triomphe du Carrousel et l'Arc de Triomphe de l'Étoile, la Grande Arche est le troisième arc construit sur la même perspective. En 1995, le Groupe islamique armé d'Algérie a posé une bombe près de l'Arc de Triomphe qui a blessé 17 personnes dans le cadre d'une campagne d'attentats à la bombe. Conception La conception de l'astylar est de Jean Chalgrin (1739-1811), dans la version néoclassique de l'architecture romaine antique (voir, par exemple, l'Arc de Triomphe de Titus). De grands sculpteurs académiques de France sont représentés dans la sculpture de l'Arc de Triomphe : Jean-Pierre Cortot ; François Rude ; Antoine Étex ; James Pradier et Philippe Joseph Henri Lemaire. Les sculptures principales ne sont pas des frises intégrales mais sont traitées comme des trophées indépendants appliqués aux vastes masses de maçonnerie en pierre de taille, un peu comme les appliques en bronze doré des meubles Empire. Les quatre groupes sculpturaux à la base de l'Arc sont Le Triomphe de 1810 (Cortot), Résistance et Paix (tous deux d'Antoine Étex) et le plus célèbre d'entre eux, Départ des Volontaires de 1792 communément appelé La Marseillaise (François Rude). . Le visage de la représentation allégorique de la France appelant son peuple sur cette dernière servait de boucle de ceinture au grade honorifique de Maréchal de France. Depuis la chute de Napoléon (1815), la sculpture représentant la Paix est interprétée comme commémorant la Paix de 1815. Dans le grenier au-dessus de la frise de soldats richement sculptée se trouvent 30 boucliers gravés avec les noms des principales victoires françaises de la Révolution française et des guerres napoléoniennes. Les murs intérieurs du monument portent les noms de 660 personnes, parmi lesquels 558 généraux français du Premier Empire français ; Les noms des généraux tués au combat sont soulignés. Sur les côtés les plus courts des quatre colonnes de support sont également inscrits les noms des principales victoires françaises des guerres napoléoniennes. Les batailles qui ont eu lieu entre le départ de Napoléon de l'île d'Elbe et sa défaite finale à Waterloo ne sont pas incluses. Pendant quatre ans, de 1882 à 1886, une sculpture monumentale d'Alexandre Falguière surmonte l'arc. Intitulé « Le triomphe de la Révolution », il représentait un char tiré par des chevaux se préparant « à écraser l'anarchie et le despotisme ». Il n'y resta que quatre ans avant de tomber en ruines. A l'intérieur du monument, une exposition permanente conçue par l'artiste Maurice Benayoun et l'architecte Christophe Girault a été inaugurée en février 2007. L'installation en acier et nouveaux médias interroge la symbolique du monument national, interrogeant l'équilibre de son message symbolique au cours des deux derniers siècles, oscillant entre guerre et paix. Tombe du Soldat inconnu Sous l'Arc se trouve la Tombe du Soldat inconnu de la Première Guerre mondiale. Inhumée le jour de l'Armistice de 1920, elle possède la première flamme éternelle allumée en Europe occidentale et orientale depuis l'extinction du feu des Vestales au IVe siècle. Il brûle à la mémoire des morts qui n'ont jamais été identifiés (actuellement lors des deux guerres mondiales). Une cérémonie a lieu sur la Tombe du Soldat inconnu chaque 11 novembre, jour anniversaire de l'armistice signé par les puissances de l'Entente et l'Allemagne en 1918. Il a été initialement décidé le 12 novembre 1919 d'enterrer la dépouille du Soldat inconnu au Panthéon, mais un Une campagne publique de rédaction de lettres a conduit à la décision de l'enterrer sous l'Arc de Triomphe. Le cercueil fut déposé dans la chapelle du premier étage de l'Arc le 10 novembre 1920 et mis à sa dernière demeure le 28 janvier 1921. La dalle du dessus porte l'inscription ICI REPOSE UN SOLDAT FRANÇAIS MORT POUR LA PATRIE 1914–1918 (« Ici repose un soldat français mort pour la patrie 1914-1918 »). En 1961, le président américain John F. Kennedy et la première dame Jacqueline Kennedy ont rendu hommage à la Tombe du Soldat inconnu, accompagnés du président français Charles de Gaulle. Après l'assassinat du président Kennedy en 1963, Mme Kennedy s'est souvenue de la flamme éternelle de l'Arc de Triomphe et a demandé qu'une flamme éternelle soit placée à côté de la tombe de son mari au cimetière national d'Arlington en Virginie. Le président Charles de Gaulle s'est rendu à Washington pour assister aux funérailles nationales et a vu Jacqueline Kennedy allumer la flamme éternelle inspirée par sa visite en France. Détails * Les quatre principaux groupes sculpturaux sur chacun des piliers de l'Arc sont : ** Le Départ de 1792 (ou La Marseillaise), de François Rude. Le groupe sculptural célèbre la cause de la Première République française lors du soulèvement du 10 août. Au-dessus des volontaires se trouve la personnification ailée de la Liberté. Ce groupe servit d'outil de recrutement dans les premiers mois de la Première Guerre mondiale et encouragea les Français à investir dans des emprunts de guerre en 1915-1916. ** Le Triomphe de 1810, de Jean-Pierre Cortot célèbre le Traité de Schönbrunn. Ce groupe met en scène Napoléon, couronné par la déesse de la Victoire. ** La Résistance de 1814, d'Antoine Étex commémore la résistance française aux armées alliées lors de la guerre de la Sixième Coalition. ** La Paix de 1815, d'Antoine Étex commémore le Traité de Paris, conclu cette année-là. Fichier:Le Départ des Volontaires (La Marseillaise) par Rude, Arc de Triomphe Etoile Paris.jpg|Le Départ de 1792 (La Marseillaise) Fichier:Le triomphe de 1810, Jean-Pierre Cortot, Arc triomphe Paris.jpg|Le Triomphe de 1810 Fichier:Arc de Triomphe, la Résistance de 1814, Antoine Etex.jpg|La Résistance de 1814 Fichier:Arc de Triomphe Etoile, Antoine Etex, la Paix de 1815.jpg|La Paix de 1815 * Six reliefs sculptés sur les façades de l'Arc, représentant des moments importants de la Révolution française et de l'époque napoléonienne comprennent : ** Les funérailles du général Marceau, par P. H. Lamaire (façade SUD, à droite), ** La bataille d'Aboukir, de Bernard Seurre (façade SUD, à gauche), ** La bataille de Jemappes, de Carlo Marochetti (façade EST), ** Le passage du pont d'Arcole, de J. J. Feuchère (façade NORD, à droite), ** La prise d'Alexandrie, de J. E. Chaponnière (façade NORD, à gauche), ** La bataille d'Austerlitz, de J. F. T. Gechter (façade OUEST), Image:Paris Arc de Triomphe Mort de Marceau.jpg|Les funérailles du général Marceau, 20 septembre 1796 Image:Paris Arc de Triomphe Bataille d'Aboukir.jpg|La bataille d'Aboukir,25 juillet 1799 Image:Bas-Relief Jemmapes.jpg|La bataille de Jemmappes, 6 novembre 1792 Image:Paris Arc de Triomphe 05.jpg|Le passage du pont d'Arcole, 15 novembre 1796 Image:Paris Arc de Triomphe 04.jpg|La prise d'Alexandrie, 3 juillet 1798 Image:Bas-Relief Austerlitz.jpg|La bataille d'Austerlitz, 2 décembre 1805 * Les noms de quelques grandes batailles de la Révolution française et des guerres napoléoniennes sont gravés sur le grenier, dont * Une liste des victoires françaises est gravée sous les grandes arcades des façades intérieures du monument. * Sur les façades intérieures des petites arches sont gravés les noms des chefs militaires de la Révolution française et de l'Empire. Les noms de ceux qui sont morts sur le champ de bataille sont soulignés. Image : Inscriptions de l'Arc de Triomphe de Paris 2.jpg | Pilier NORD Image : Inscriptions de l'Arc de Triomphe de Paris 7.jpg | Pilier SUD Image : Inscriptions de l'Arc de Triomphe de Paris 3.jpg | Pilier EST Image : Inscriptions de l'Arc de Triomphe de Paris 6.jpg | Pilier OUEST * Les grandes arcades sont ornées de figures allégoriques représentant des personnages de la mythologie romaine (par J. Pradier). Image:Paris Arc de Triomphe 06.jpg| Image:Paris Arc de Triomphe 07B.jpg| Image:Figure allégorique 2 grande arche.jpg| Image:Figure allégorique 1 grande arche.jpg| * Le plafond avec 21 roses sculptées Fichier:Paris juillet 2011-11a.jpg * Intérieur de l'Arc de Triomphe Fichier:Paris (75), arc de Triomphe, soldat d'un monument aux morts à l'intérieur 5.jpg|Monument de la Première Guerre mondiale Fichier:DecorSculpteMB.jpg|Exposition permanente sur la conception de l'Arche Accéder L'Arc de Triomphe est accessible par le RER et le Métro, avec sortie à la station Charles de Gaulle—Étoile. En raison de la forte circulation sur le rond-point dont l'Arc est le centre, il est recommandé aux piétons d'emprunter l'un des deux passages souterrains situés aux Champs Élysées et à l'avenue de la Grande Armée. Un ascenseur emmènera les visiteurs presque jusqu'au sommet – jusqu'au grenier, où se trouve un petit musée qui contient de grandes maquettes de l'Arc et raconte son histoire depuis sa construction. Il reste encore 46 marches à gravir pour atteindre le sommet, la terrasse, d'où l'on peut profiter d'une vue panoramique sur Paris.

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Dans quel pays se trouve Dubrovnik ?

Croatie

Dubrovnik (; également connue sous d'autres noms) est une ville croate située au bord de la mer Adriatique, dans la région de la Dalmatie. C'est l'une des destinations touristiques les plus importantes de la mer Méditerranée, un port maritime et le centre du comté de Dubrovnik-Neretva. Sa population totale est de 42 615 habitants (recensement de 2011). En 1979, la ville de Dubrovnik a rejoint la liste du patrimoine mondial de l'UNESCO. La prospérité de la ville reposait historiquement sur le commerce maritime ; en tant que capitale de la République maritime de Raguse, elle atteint un haut niveau de développement, en particulier au cours des XVe et XVIe siècles, car elle se distingue par sa richesse et son talent diplomatique. Le début du tourisme moderne est associé à la construction de l'Hôtel Imperial à Dubrovnik en 1897. Bien qu'il ait été démilitarisé dans les années 1970 pour le protéger de la guerre, en 1991, après l'éclatement de la Yougoslavie, il fut assiégé par les soldats serbes et monténégrins. rassemblés dans l'Armée populaire yougoslave (JNA) pendant sept mois et ont subi des dégâts importants dus aux bombardements.[http://news.bbc.co.uk/2/hi/europe/1196879.stm BBC News | EUROPE | Accusations liées à l'attentat à la bombe de Dubrovnik][http://www.justdubrovnik.com/2013/10/anniversary-of-attack-on-dubrovnik/5624/ Anniversaire de l'attaque de Dubrovnik – Dubrovnik seulement] [http://community.seattletimes. nwsource.com/archive/?date19920527&slug 1493982 Entreprises | Les Serbes battent en retraite et relâchent leur emprise sur Dubrovnik – mais l'attaque de Sarajevo continue ; 20 tués | Journal du Seattle Times] Nom Le nom de la ville est dérivé de dubrava, qui signifie « chênaie ». Dub signifie « chêne » en croate. Le nom historique latin et dalmate de Dubrovnik est ', ou ' sous sa forme ancienne. Le nom latin, italien et dalmate Ragusa tire son nom de Lausa (du grec ξαυ : xau, « précipice ») ; il a ensuite été modifié en Rausium (Appendini dit que jusqu'après 1100 après JC, la mer passait sur le site de Ragusa moderne, si c'était le cas, elle ne pouvait être que sur la Placa ou Stradun) ou Rausia (même Lavusa, Labusa, Raugia et Rachusa ) et enfin à Raguse. Il pourrait également être lié au mot albanais rrush signifiant raisin. Le nom actuel a été officiellement adopté en 1918 après la chute de l’Empire austro-hongrois, mais était utilisé dès le Moyen Âge. Elle est également appelée Dubrovnik dans la Charte de Ban Kulin de 1189. Voir aussi : Autres noms de Dubrovnik. Histoire Origines La tradition historique indique que Dubrovnik a été fondée au 7ème siècle sur une île rocheuse nommée Laus, qui aurait servi d'abri aux réfugiés de la ville voisine d'Epidaurum. Les réfugiés d'Epidaurum romain ont construit leur nouvelle colonie sur la petite île (certaines sources disent péninsule) de Lausa au large de la côte tandis que d'autres populations (principalement des Croates) se sont installées le long de la côte au cours des siècles suivants, directement de l'autre côté du chenal étroit, et ont nommé leur colonie. Dubrovnik. Au départ, les populations étaient sceptiques les unes envers les autres. Au fil du temps, ils se sont rapprochés et finalement, au XIIe siècle, les deux colonies ont fusionné. Le canal qui divisait la ville a été comblé, créant ainsi l'actuelle rue principale (le Stradun) qui est devenue le centre-ville. Ainsi, Dubrovnik est devenue le nom croate de la ville unie. Une autre théorie est apparue en 2007, basée sur de nouvelles fouilles archéologiques. De nouvelles découvertes (une basilique byzantine du VIIIe siècle et des parties des remparts de la ville) contredisent la théorie traditionnelle. La taille de l'ancienne basilique indique clairement qu'il y avait à l'époque une colonie assez importante. La communauté scientifique soutient également de plus en plus la théorie selon laquelle des constructions majeures à Dubrovnik ont ​​eu lieu avant l'ère commune. Cette « théorie grecque » a été renforcée par les découvertes récentes de nombreux objets grecs lors de fouilles dans le port de Dubrovnik. En outre, le forage sous la route principale de la ville a révélé du sable naturel, contredisant la théorie de l'île de Laus (Lausa). Le Dr Antun Ničetić, dans son livre ' (), expose la théorie selon laquelle Dubrovnik a été fondée par des marins grecs. Un élément clé de cette théorie est le fait que les navires dans les temps anciens voyageaient environ 45 fois par jour et avaient besoin d'une côte sablonneuse pour sortir de l'eau pendant la période de repos pendant la nuit. Le site de repos idéal serait doté de sources d’eau douce à proximité. Dubrovnik possède les deux et est située à peu près à mi-chemin entre les deux colonies grecques connues de Budva et Korčula, à 95 milles marins l'une de l'autre. République de Raguse Après la chute du royaume ostrogoth, la ville passe sous la protection de l’empire byzantin. Dubrovnik, au cours de ces siècles médiévaux, avait une population romaine. Après les Croisades, Dubrovnik passe sous la souveraineté de Venise (1205-1358), qui cédera ses institutions à la ville dalmate. Après qu'un incendie ait détruit presque toute la ville dans la nuit du 16 août 1296, un nouveau plan d'urbanisme fut élaboré. Par le traité de paix de Zadar en 1358, Dubrovnik obtint une relative indépendance en tant qu'État vassal du royaume de Hongrie. Entre le XIVe siècle et 1808, Dubrovnik s'est gouvernée comme un État libre, bien qu'elle ait été vassale de l'Empire ottoman de 1382 à 1804 et qu'elle ait payé un tribut annuel à son sultan. La République atteint son apogée aux XVe et XVIe siècles, lorsque sa thalassocratie rivalise avec celle de la République de Venise et d'autres républiques maritimes italiennes. Pendant des siècles, Dubrovnik a été l'alliée d'Ancône, l'autre république maritime de l'Adriatique rivale de Venise, qui était le principal rival de l'Empire ottoman pour le contrôle de l'Adriatique. Cette alliance a permis aux deux villes situées sur les rives opposées de l'Adriatique de résister aux tentatives des Vénitiens de faire de l'Adriatique une « baie vénitienne », contrôlant également directement ou indirectement tous les ports de l'Adriatique. Ancône et Dubrovnik développèrent une route commerciale alternative à la vénitienne (Venise-Autriche-Allemagne) : partant de Dubrovnik, elle se dirigeait vers Ancône, passait par Florence et se terminait en Flandre, comme le montre cette carte. La République de Raguse a reçu ses propres Statuts dès 1272, statuts qui, entre autres, codifiaient la pratique romaine et les coutumes locales. Les statuts comprenaient des prescriptions en matière d'urbanisme et de réglementation de la quarantaine (pour des raisons sanitaires). La République a été l'une des premières à adopter ce qui est aujourd'hui considéré comme des lois et des institutions modernes : un service médical a été créé en 1301, la première pharmacie, toujours en activité aujourd'hui, a été ouverte en 1317. Un hospice a été ouvert en 1347 et le le premier hôpital de quarantaine (Lazarete) a été créé en 1377. La traite des esclaves a été abolie en 1418 et un orphelinat ouvert en 1432. Un système d'approvisionnement en eau de 20 km, au lieu d'une citerne, a été construit en 1438 par l'architecte et ingénieur napolitain Onofrio della Cava. . Il complète l'aqueduc avec deux fontaines publiques. Il construisit également plusieurs moulins le long d'une de ses branches. La ville était dirigée par l'aristocratie locale d'origine latino-dalmate et formait deux conseils municipaux. Comme d'habitude à l'époque, ils maintenaient un système strict de classes sociales. La république a aboli la traite des esclaves au début du XVe siècle et accordait une grande valeur à la liberté. La ville a réussi à équilibrer sa souveraineté entre les intérêts de Venise et de l’Empire ottoman pendant des siècles. Les langues parlées par la population étaient le dalmate roman et le croate commun. Ce dernier a commencé à remplacer le dalmatien petit à petit à partir du XIe siècle parmi le peuple qui habitait la ville. L'italien et le vénitien deviendraient des langues importantes dans la culture et le commerce de Dubrovnik. Dans le même temps, Dubrovnik devient le berceau de la littérature croate. La richesse économique de la République résulte en partie du territoire qu'elle développe, mais surtout du commerce maritime. Grâce à une diplomatie habile, les marchands de Dubrovnik parcouraient librement les terres et sur la mer, la ville disposait d'une immense flotte de navires marchands (argosy) qui voyageaient dans le monde entier. De ces voyages, ils ont fondé des colonies, de l’Inde à l’Amérique, et ont ramené chez eux une partie de leur culture et de leur flore. L’une des clés de son succès n’était pas la conquête, mais le commerce et la navigation sous un drapeau blanc sur lequel le mot (liberté) était bien en évidence. Le drapeau a été adopté lors de l’abolition de la traite négrière en 1418. De nombreux Conversos, juifs d’Espagne et du Portugal, furent attirés par la ville. En mai 1544, un navire y débarqua, rempli exclusivement de réfugiés portugais, comme le rapporta Balthasar de Faria au roi Jean. Pendant ce temps travaillait dans la ville l'un des fondeurs de canons et de cloches les plus célèbres de son temps : Ivan Rabljanin (Magister Johannes Baptista Arbensis de la Tolle). Déjà en 1571, Dubrovnik vendit à la France et à Venise son protectorat sur certaines colonies chrétiennes situées dans d'autres parties de l'Empire ottoman. A cette époque il y avait aussi une colonie de Dubrovnik à Fès au Maroc. L'évêque de Dubrovnik était cardinal protecteur en 1571. A cette époque, il n'y avait que 16 autres pays qui avaient des cardinaux protecteurs ; il s'agit de la France, de l'Espagne, de l'Autriche, du Portugal, de la Pologne, de l'Angleterre, de l'Écosse, de l'Irlande, de Naples, de la Sicile, de la Sardaigne, de la Savoie, de Lucques, de la Grèce, de l'Illyrie, de l'Arménie et du Liban. La République a progressivement décliné en raison de la combinaison d'une crise maritime en Méditerranée et du tremblement de terre catastrophique de 1667 qui a tué plus de 5 000 citoyens et rasé la plupart des bâtiments publics, et a par conséquent eu un impact négatif sur l'ensemble du bien-être de la République. En 1699, la République fut contrainte de vendre deux parcelles de son territoire aux Ottomans afin d'éviter d'être prise dans l'affrontement avec l'avancée des forces vénitiennes. Aujourd'hui, cette bande de terre appartient à la Bosnie-Herzégovine et constitue le seul accès direct de ce pays à l'Adriatique. L'un des moments forts de la diplomatie de Dubrovnik a été l'implication dans la Révolution américaine. En 1806, la ville se rend à l'armée napoléonienne, seul moyen de mettre fin à un mois de siège des flottes russo-monténégrines (au cours duquel 3 000 boulets de canon tombèrent sur la ville). Dans un premier temps, Napoléon n'exigeait que le libre passage de ses troupes, promettant de ne pas occuper le territoire et soulignant que les Français étaient amis de Dubrovnik. Cependant, plus tard, les forces françaises bloquèrent les ports, forçant le gouvernement à céder et à laisser les troupes françaises entrer dans la ville. Ce jour-là, tous les drapeaux et armoiries au-dessus des murs de la ville étaient peints en noir en signe de deuil. En 1808, le maréchal Auguste de Marmont abolit la république et intègre son territoire d'abord au royaume d'Italie de Napoléon, puis aux provinces illyriennes sous domination française. Cela dura jusqu'au 28 janvier 1814, date à laquelle la ville se rendit au capitaine Sir William Hoste, à la tête d'un corps de troupes britanniques et autrichiennes qui assiégeaient la forteresse. Langues La langue officielle jusqu'en 1472 était le latin. Plus tard, le Sénat de la République a décidé que la langue officielle de la République serait le dialecte de Dubrovnik de la langue romane dalmate et a interdit l'utilisation de la langue croate dans les débats sénatoriaux. Les Gospari (l'aristocratie) ont conservé leur langue pendant de nombreux siècles, jusqu'à ce qu'elle disparaisse lentement. La langue italienne parlée dans la république était fortement influencée par la langue vénitienne et le dialecte toscan. L'italien a pris racine parmi les classes supérieures marchandes dalmates de langue romane, en raison de l'influence vénitienne. domination autrichienne Lorsque l'Empire des Habsbourg annexa ces provinces après le Congrès de Vienne de 1815, les nouvelles autorités mirent en place une administration bureaucratique, établirent le Royaume de Dalmatie, qui possédait son propre Sabor (Diète) ou Parlement, basé dans la ville de Zadar, et des partis politiques tels que comme le Parti Autonomiste et le Parti Populaire. Ils introduisirent une série de modifications destinées à centraliser lentement la structure bureaucratique, fiscale, religieuse, éducative et commerciale. Malheureusement pour les habitants, ces mesures ont largement échoué, malgré l'intention de stimuler l'économie. Et une fois les dégâts personnels, politiques et économiques des guerres napoléoniennes surmontés, de nouveaux mouvements commencèrent à se former dans la région, appelant à une réorganisation politique de l'Adriatique selon des lignes nationales. La combinaison de ces deux forces – un système administratif imparfait des Habsbourg et un nouveau mouvement national revendiquant l’ethnicité comme élément fondateur d’une communauté – posait un problème particulièrement déroutant ; puisque la Dalmatie était une province gouvernée par la monarchie germanophone des Habsbourg, avec des élites bilingues (croate et italophone) qui dominaient la population générale composée d'une majorité catholique croate (et d'une minorité orthodoxe slave). En 1815, l'ancien gouvernement de Dubrovnik (sa noble assemblée) s'est réuni pour la dernière fois à Ljetnikovac à Mokošica. Une fois de plus, des mesures extrêmes furent prises pour rétablir la République, mais en vain. Après la chute de la République, la majeure partie de l'aristocratie fut reconnue par l'Empire autrichien. En 1832, le baron Šišmundo Getaldić-Gundulić (Sigismondo Ghetaldi-Gondola) (1795-1860) fut élu maire de Dubrovnik, pour 13 ans ; le gouvernement autrichien lui accorde le titre de « Baron ». Le comte Rafael Pucić (Raffaele Pozza), Dr Jur., (1828-1890) fut élu pour la première fois podestat de Dubrovnik en 1869 après avoir été réélu en 1872, 1875, 1882, 1884) et élu deux fois au sein du Conseil dalmate, 1870, 1876. La victoire des nationalistes à Split en 1882 a eu de fortes répercussions dans les régions de Korčula et de Dubrovnik. Elle a été saluée par le maire (podestà) de Dubrovnik Rafael Pucić, le Club national de lecture de Dubrovnik, l'Association des travailleurs de Dubrovnik et la revue « Slovinac » ; par les communautés de Kuna et Orebić, cette dernière ayant obtenu le gouvernement nationaliste avant même Split. En 1889, le cercle serbe-catholique a soutenu le baron Francesco Ghetaldi-Gondola, candidat du Parti autonome, contre le candidat du Parti populaire Vlaho de Giulli, aux élections de 1890 à la Diète dalmate. L'année suivante, lors des élections locales, le Parti autonome remporte la réélection municipale avec Francesco Gondola, décédé au pouvoir en 1899. L'alliance remporte à nouveau les élections le 27 mai 1894. Frano Getaldić-Gundulić fonde la Société de Philatélie le 27 mai 1894. 4 décembre 1890. En 1905, le Comité pour la création du service de tramway électrique, dirigé par m. Luko Bunić – certainement l'une des personnes les plus méritantes qui ont contribué à la réalisation du projet – a été créé. Les autres membres du Comité étaient : Ivo Papi, Dr Miho Papi, Dr Artur Saraka, Mato Šarić, Dr Antun Pugliesi, Dr Mato Gracić, Dr Ivo Degiulli, Ernest Katić et Antun Milić. Pero Čingrija (1837-1921), l'un des dirigeants du Parti populaire de Dalmatie, a joué le rôle principal dans la fusion du Parti populaire et du Parti du droit en un seul parti croate en 1905. 1918-1991 Avec la chute de l'Autriche-Hongrie en 1918, la ville fut incorporée au nouveau Royaume des Serbes, Croates et Slovènes (plus tard le Royaume de Yougoslavie). Dubrovnik est devenue l'un des 33 oblasts du Royaume. Lorsqu'en 1929 la Yougoslavie fut divisée entre 9 Banovina, la ville devint une partie de la Zeta Banovina. En 1939, Dubrovnik est devenue une partie de la Banovina de Croatie nouvellement créée. Pendant la Seconde Guerre mondiale, Dubrovnik est devenue une partie de l'État indépendant de Croatie, fantoche des nazis, occupée d'abord par l'armée italienne, puis par l'armée allemande après le 8 septembre 1943. En octobre 1944, les partisans yougoslaves ont occupé Dubrovnik, arrêtant plus de 300 citoyens et exécutant 53 sans procès ; cet événement est devenu connu, du nom de la petite île sur laquelle il s'est produit, sous le nom de massacre de Daksa. Au cours des années suivantes, les dirigeants communistes ont poursuivi leurs poursuites politiques, qui ont culminé le 12 avril 1947 avec la capture et l'emprisonnement de plus de 90 citoyens de Dubrovnik. Sous le communisme, Dubrovnik est devenue une partie de la République socialiste de Croatie et de la République fédérative socialiste de Yougoslavie. En 1979, la ville rejoint la liste du patrimoine mondial de l'UNESCO. Éclatement de la Yougoslavie En 1991, la Croatie et la Slovénie, qui étaient alors des républiques au sein de la République fédérative socialiste de Yougoslavie, ont déclaré leur indépendance. Lors de cet événement, la République socialiste de Croatie a été rebaptisée République de Croatie. Malgré la démilitarisation de la vieille ville au début des années 1970 pour tenter d'éviter qu'elle ne devienne une victime de la guerre, après l'indépendance de la Croatie en 1991, l'Armée populaire yougoslave (JNA), alors composée principalement de Serbes, a attaqué la ville. Le nouveau gouvernement croate a installé un avant-poste militaire dans la ville même. Le Monténégro, dirigé par le président Momir Bulatović et le Premier ministre Milo Đukanović, arrivés au pouvoir lors de la révolution antibureaucratique et allié de Slobodan Milošević en Serbie, a déclaré que Dubrovnik ne resterait pas en Croatie parce qu'ils affirmaient qu'elle n'avait historiquement jamais fait partie de la Croatie. . Et ce malgré la grande majorité croate de la ville et le fait que très peu de Monténégrins y résidaient, bien que les Serbes représentaient 6,8 pour cent de la population. Le 1er octobre 1991, Dubrovnik fut attaquée par la JNA et le siège dura sept mois. L'attaque d'artillerie la plus lourde a eu lieu le 6 décembre avec 19 morts et 60 blessés. Selon la Croix-Rouge croate, le nombre de victimes du conflit s'élève à 114 civils, parmi lesquels le poète Milan Milišić. Les journaux étrangers ont été critiqués pour avoir accordé plus d'attention aux dégâts subis par la vieille ville qu'aux pertes humaines. Néanmoins, les attaques d'artillerie sur Dubrovnik ont ​​endommagé dans une certaine mesure 56 % de ses bâtiments, la ville historique fortifiée, classée au patrimoine mondial de l'UNESCO, ayant subi 650 tirs d'artillerie. L'armée croate a levé le siège en mai 1992 et a libéré les environs de Dubrovnik à la fin du mois d'octobre, mais le danger d'attaques soudaines de la JNA a duré encore trois ans. Après la fin de la guerre, les dégâts causés par les bombardements de la vieille ville ont été réparés. Conformément aux directives de l'UNESCO, les réparations ont été effectuées dans le style original. La plupart des travaux de reconstruction ont été réalisés entre 1995 et 1999. Les dégâts infligés sont visibles sur une carte près de la porte de la ville, montrant tous les tirs d'artillerie pendant le siège, et sont clairement visibles depuis les points élevés autour de la ville sous la forme de plus de nouveaux toits aux couleurs vives. Des actes d'accusation du TPIY ont été émis contre les généraux et officiers de la JNA impliqués dans l'attentat à la bombe. Le général Pavle Strugar, qui a coordonné l'attaque contre la ville, a été condamné à sept ans et demi de prison par le Tribunal pénal international pour l'ex-Yougoslavie pour son rôle dans l'attaque. Le crash du CT-43 de l'USAF en Croatie en 1996, près de l'aéroport de Dubrovnik, a tué tout le monde à bord d'un avion à réaction de l'armée de l'air américaine, avec le secrétaire américain au Commerce Ron Brown, le chef du bureau de Francfort du New York Times Nathaniel C. Nash et 33 autres personnes. Patrimoine Le festival d'été annuel de Dubrovnik est un événement culturel de 45 jours avec des pièces de théâtre, des concerts et des jeux. Il a reçu un Trophée International d'Or pour la Qualité (2007) décerné par la rédaction en collaboration avec le Trade Leaders Club. Le saint patron de la ville est Sveti Vlaho (Saint Blaise), dont les statues sont visibles dans toute la ville. Il a une importance semblable à celle de saint Marc l'Évangéliste à Venise. L'une des plus grandes églises de la ville porte le nom de Saint Blaise. Le 3 février est la fête de Sveti Vlaho (Saint Blaise), saint patron de la ville. Chaque année, la ville de Dubrovnik célèbre cette fête avec des messes, des défilés et des festivités qui durent plusieurs jours. La vieille ville de Dubrovnik est représentée au revers du billet croate de 50 kuna, émis en 1993 et ​​2002. La ville possède de nombreux bâtiments anciens, comme l'Arboretum Trsteno, le plus ancien arboretum du monde, datant d'avant 1492. En outre, la troisième plus ancienne pharmacie européenne se trouve dans la ville, qui remonte à 1317 (et est la seule dont un encore en activité aujourd'hui). Il est situé au monastère des Petits Frères à Dubrovnik. Au cours de l'histoire, de nombreux Conversos (Marranos) ont été attirés par Dubrovnik, autrefois un port maritime considérable. En mai 1544, un navire y débarqua, rempli exclusivement de réfugiés portugais, comme le rapporta Balthasar de Faria au roi Jean. Un autre admirateur de Dubrovnik, George Bernard Shaw, visita la ville en 1929 et déclara : « Si vous voulez voir le paradis sur terre, venez à Dubrovnik ». Dans la baie de Dubrovnik se trouve l'île boisée de Lokrum, qui s'étend sur 72 hectares, où, selon la légende, Richard Cœur de Lion aurait été jeté à terre après avoir fait naufrage en 1192. L'île comprend une forteresse, un jardin botanique, un monastère et une plage naturiste. Parmi les nombreuses destinations touristiques figurent quelques plages. Banje, la principale plage publique de Dubrovnik, abrite le Eastwest Beach Club. Il y a aussi la plage de Copacabana, une plage de galets située sur la péninsule de Lapad, du nom de la plage populaire de Rio de Janeiro. Dubrovnik a également été mentionnée dans le cinéma et le théâtre populaires. Dans le film 20 000 lieues sous les mers avec Michael Caine, l'un des personnages aurait rêvé d'une fée de Dubrovnik (motif connu des légendes et de la littérature locales). Monuments importants Peu de bâtiments Renaissance de Dubrovnik ont ​​survécu au tremblement de terre de 1667, mais ils sont heureusement restés suffisamment nombreux pour donner une idée du patrimoine architectural de la ville. Le plus beau point culminant de la Renaissance est le palais Sponza, qui date du XVIe siècle et abrite actuellement les Archives nationales. Le Palais du Recteur est une structure gothique-Renaissance qui présente des chapiteaux finement sculptés et un escalier orné. Il abrite aujourd'hui un musée. Sa façade est représentée au revers du billet croate de 50 kuna, émis en 1993 et ​​2002. L'église Saint-Sauveur est un autre vestige de la période de la Renaissance, à côté de l'église et du monastère franciscains très visités. La bibliothèque du monastère franciscain possède 30 000 volumes, 216 incunables et 1 500 documents manuscrits précieux. Les expositions comprennent une croix en vermeil et un thurible en argent du XVe siècle, ainsi qu'un crucifix du XVIIIe siècle provenant de Jérusalem, un martyrologe (1541) de Bemardin Gucetic et des psautiers enluminés. L'église la plus appréciée de Dubrovnik est l'église Saint-Blaise, construite au XVIIIe siècle en l'honneur du saint patron de Dubrovnik. La cathédrale baroque de Dubrovnik a été construite au XVIIIe siècle et abrite un impressionnant trésor avec des reliques de Saint Blaise. Le monastère dominicain de la ville ressemble à une forteresse à l'extérieur mais l'intérieur contient un musée d'art et une église gothique-romane. Un trésor particulier du monastère dominicain est sa bibliothèque avec 216 incunables, de nombreux manuscrits illustrés, de riches archives contenant des manuscrits et des documents précieux et une vaste collection d'art. L'architecte et ingénieur napolitain Onofrio della Cava a complété l'aqueduc avec deux fontaines publiques, toutes deux construites en 1438. Près de la Porte Pile se dresse la Fontaine du Grand Onofrio au milieu d'une petite place. Il se peut qu'il ait été inspiré par l'ancien baptistère roman de l'ancienne cathédrale de la place Bunić. Les éléments sculpturaux furent perdus lors du tremblement de terre de 1667. Des jets d'eau jaillissent de la bouche des seize mascarons. La fontaine du Petit Onofrio se trouve du côté est de la place et alimente en eau le marché de la place Luža. Les sculptures sont réalisées par l'artiste milanais Pietro di Martino (qui a également sculpté les ornements du Palais du Recteur et réalisé une statue – aujourd'hui perdue – pour l'église franciscaine). Le clocher de 31 m, construit en 1444, est l'un des symboles de la ville libre de Raguse. Il a été construit par les architectes locaux Grubačević, Utišenović et Radončić. Il a été reconstruit en 1929 car il avait perdu sa stabilité à cause d'un tremblement de terre et risquait de s'effondrer. Le cadran en laiton de l'horloge affiche les phases de la lune. Deux figures humaines sonnent la cloche toutes les heures. La tour se dresse à côté de la Maison de la Garde Principale, également construite dans un style gothique. C'était la résidence de l'amiral, commandant en chef de l'armée. Le portail baroque a été construit entre 1706 et 1708 par l'architecte vénitien Marino Gropelli (qui a également construit l'église Saint-Blaise). La République de Raguse, comme on l'appelait alors Dubrovnik, érigea en 1418 la statue de Roland (Ital. Orlando) comme symbole de loyauté envers Sigismond de Luxembourg (1368-1437), roi de Hongrie et de Croatie (à partir de 1387), prince -Électeur de Brandebourg (entre 1378 et 1388 puis entre 1411 et 1415), roi d'Allemagne (à partir de 1411), roi de Bohême (à partir de 1419) et empereur du Saint-Empire romain germanique (à partir de 1433), aidé par un alliance de guerre réussie contre Venise pour conserver l'indépendance de Raguse. Il se dresse au milieu de la place Luža. Les statues de Roland étaient des symboles typiques de l'autonomie ou de l'indépendance de la ville, souvent érigées sous Sigismond dans son électorat de Brandebourg. En 1419, le sculpteur Bonino de Milan, avec l'aide d'artisans locaux, remplaça le premier Roland par l'actuelle statue gothique. Son avant-bras fut longtemps l'unité de mesure à Dubrovnik : une aune de Dubrovnik équivaut à . Murs de Dubrovnik Une particularité de Dubrovnik réside dans ses remparts (992 000 visiteurs en 2015) qui s'étendent sur près de 2 km autour de la ville. Les murs ont une épaisseur de 4 à (-) du côté terre mais sont beaucoup plus minces du côté mer. Le système de tourelles et de tours était destiné à protéger la ville vulnérable. Les murs de Dubrovnik ont ​​également été un site de tournage populaire pour la ville fictive de King's Landing dans la série télévisée HBO Game of Thrones. Données démographiques La population totale de la ville est de 42 615 habitants (recensement de 2011), répartis dans les agglomérations suivantes : *Bosanka, 139 habitants *Brsečine, 96 habitants *Čajkovica, 160 habitants *Čajkovići, 26 habitants *Donje Obuljeno, 210 habitants *Dubravica, 37 habitants *Dubrovnik, 28 434 habitants *Gornje Obuljeno, 124 habitants *Gromaca, 146 habitants *Klishevo, 54 habitants *Knežica, 133 habitants *Koločep, 163 habitants *Komolac, 320 habitants *Lopud, 249 habitants *Lozica, 146 habitants *Ljubac, 69 habitants *Mokosica, 1 924 habitants *Mravinjac, 88 habitants *Mrčevo, 90 habitants *Nova Mokošica, 6 016 habitants *Orašac, 631 habitants *Osojnik, 301 habitants *Petrovo Selo, 23 habitants *Côtier, population 118 *Prijevor, 453 habitants *Rožat, 340 habitants *Suđurađ, 207 habitants *Sustjepan, 323 habitants *Šipanska Luka, 211 habitants *Sumet, 176 habitants *Trsteno, 222 habitants *Zaton, 985 habitants La population était de 42 615 habitants en 2011, contre 49 728 en 1991. Lors du recensement de 2011, 90,34 % de la population était croate. Transport Dubrovnik possède son propre aéroport international. Il est situé à environ 20 km au sud-est du centre-ville de Dubrovnik, près de Čilipi. Des bus relient l'aéroport à l'ancienne gare routière principale de Dubrovnik, à Gruž. De plus, un réseau de bus locaux modernes relie tous les quartiers de Dubrovnik et circule fréquemment de l'aube à minuit. Cependant, Dubrovnik, contrairement aux autres grands centres croates, n'est pas accessible par chemin de fer ; jusqu'en 1975, Dubrovnik était reliée à Mostar et Sarajevo par un chemin de fer à voie étroite (760 mm) construit pendant la domination austro-hongroise de la Bosnie. L'autoroute A1, utilisée entre Zagreb et Ploče, devrait être prolongée jusqu'à Dubrovnik. La zone autour de la ville étant déconnectée du reste du territoire croate, l'autoroute traversera soit le pont de Pelješac dont la construction est actuellement au point mort, soit traversera Neum en Bosnie-Herzégovine et continuera jusqu'à Dubrovnik. Éducation Dubrovnik compte un certain nombre d'établissements d'enseignement. Il s'agit notamment de l'Université internationale de Dubrovnik, de l'Université de Dubrovnik, d'un Collège nautique, d'un Collège de tourisme, d'un Centre universitaire d'études supérieures de l'Université de Zagreb, de l'American College of Management and Technology, du Gymnase classique diocésain « Ruđer Bošković » à Dubrovnik et d'un Institut. d'histoire de l'Académie croate des sciences et des arts. Climat Dubrovnik a un climat à la limite du subtropical humide (Cfa) et du climat méditerranéen (Csa) dans la classification climatique de Köppen, puisque seulement deux mois d'été ont moins de 40 mm de précipitations, ce qui l'empêche d'être classé comme uniquement subtropical humide ou méditerranéen. Il a des étés chauds et modérément secs et des hivers doux et humides. Le vent de Bura souffle des rafales froides sur la côte Adriatique entre octobre et avril, et les orages sont fréquents toute l'année, même en été, lorsqu'ils interrompent les journées chaudes et ensoleillées. Les températures de l'air peuvent légèrement varier selon la zone ou la région. Généralement, en juillet et août, les températures diurnes maximales atteignent 28 °C et la nuit descendent à environ 23 °C. Au printemps et en automne, les températures maximales se situent généralement entre 20 °C et 28 °C. *Température de l'air **moyenne annuelle :**moyenne de la période la plus froide=janvier :10 °C **moyenne de la période la plus chaude=août : *Température de la mer **moyenne de mai à septembre *Salinité* **environ 38 ‰ (parties pour mille) *Précipitation **moyenne annuelle 1 020,8 millimètres **jours de pluie annuels moyens 109.2 *Soleil **moyenne annuelle 2629 heures **heures journalières moyennes 7,2 heures Relations internationales Villes jumelles – villes sœurs Dubrovnik est jumelée avec : Galerie Port de Dubrovnik1.jpg Port de Dubrovnik2.jpg Port de Dubrovnik3.jpg Mer Adriatique Dubrovnik.jpg Port de Dubrovnik4.jpg Rue principale de Dubrovnik.jpg Cour à Dubrovnik.jpg Façade de Dubrovnik.jpg Rue et façade de Dubrovnik.jpg Coucher de soleil de Dubrownik.jpg Mer Adriatique depuis le mur de Dubrovnik.jpg Dubrovnik Sous la forteresse.jpg Sculpture d'Orlando.jpg Fontaine d'eau à Dubrovnik.jpg Murs de Dubrovnik.jpg Rue de Dubrovnik, Croatie.jpg Rue de Dubrovnik, Croatie1.jpg Vagues de Dubrovnik.jpg 2011 Dubrovnik, Vue du vieux port jusqu'à la côte (06).jpg Panorama Dans la culture populaire La série HBO Game of Thrones a utilisé Dubrovnik comme lieu de tournage, représentant les villes de King's Landing et de Qarth. Les lieux utilisés pour le tournage comprennent l'Arboretum Trsteno, la rue Saint-Dominique, l'île de Lokrum, les palais Knežev dvor et Sponza, Lovrijenac, le fort Bokar et la tour Minčeta. Certaines parties de Star Wars : Épisode VIII ont été tournées à Dubrovnik en mars 2016. Dubrovnik était l'un des sites européens utilisés dans le film Bollywood Fan mettant en vedette Shah Rukh Khan.

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Le Rallye Dakar (anciennement connu sous le nom de rallye Paris Dakar) est un événement annuel, mais de quel pays Dakar est-elle la capitale ?

Sénégal

Le Rallye Dakar (ou simplement « Le Dakar » ; anciennement connu sous le nom de « Rallye Paris-Dakar ») est un rallye-raid annuel organisé par l'Amaury Sport Organisation. La plupart des événements depuis leur création en 1978 se sont déroulés de Paris, en France, à Dakar, au Sénégal, mais en raison des menaces de sécurité en Mauritanie, qui ont conduit à l'annulation du rallye de 2008, les courses depuis 2009 ont eu lieu en Amérique du Sud. La course est ouverte aux inscriptions amateurs et professionnelles, les amateurs représentant généralement environ quatre-vingts pour cent des participants. La course est une épreuve d'endurance tout-terrain. Le terrain parcouru par les concurrents est beaucoup plus difficile que celui utilisé dans le rallye conventionnel, et les véhicules utilisés sont de véritables véhicules tout-terrain plutôt que des véhicules routiers modifiés. La plupart des sections spéciales compétitives sont en tout-terrain, traversant des dunes, de la boue, de l'herbe à chameaux, des rochers et des ergs entre autres. Les distances parcourues pour chaque étape varient de courtes distances jusqu'à 800 - par jour. Histoire La course est née en décembre 1978, un an après que Thierry Sabine s'est perdu dans le désert du Ténéré alors qu'il participait au rallye Abidjan-Nice et a décidé que le désert serait un bon endroit pour un rallye régulier. 182 véhicules ont pris le départ du rallye inaugural à Paris, dont 74 ont survécu au voyage jusqu'à Dakar, la capitale sénégalaise. Cyril Neveu a la distinction d'être le premier vainqueur de l'événement, au volant d'une moto Yamaha. L'événement gagne rapidement en popularité, avec 216 véhicules au départ en 1980 et 291 en 1981. Neveu remporte l'épreuve une deuxième fois en 1980, Hubert Auriol remporte les honneurs en 1981 pour BMW. À ce stade, le rallye avait déjà commencé à attirer la participation de noms célèbres du sport automobile, comme Henri Pescarolo et Jacky Ickx. Comptant désormais 382 concurrents, soit plus du double du nombre de participants au départ en 1979, Neveu remporte l'épreuve pour la troisième fois en 1982, cette fois au volant d'une moto Honda, tandis que la victoire dans la catégorie automobile revient aux frères Marreau, au volant d'une moto privée. engageait la Renault 20, dont les exploits de boucanier semblaient parfaitement capturer l'esprit des premières années du rallye. Auriol a remporté sa deuxième victoire dans la catégorie motos en 1983, la première année où le constructeur japonais Mitsubishi participait au rallye, créant ainsi une association qui durera jusqu'en 2009. À la demande du vainqueur de la catégorie automobile en 1983, Jacky Ickx, Porsche a participé au Dakar en 1984, avec un nombre total d'engagés désormais de 427. La marque allemande a remporté l'épreuve dès sa première tentative grâce à René Metge, qui avait déjà gagné en voiture. catégorie en 1981, tandis qu'Ickx termine sixième. Gaston Rahier poursuit quant à lui les succès de BMW dans la catégorie moto avec des victoires consécutives en 1984 et 1985, année de la première victoire de Mitsubishi sur 12 dans la catégorie auto, Patrick Zaniroli remportant le trophée. L'épreuve de 1986, remportée par Metge et Neveu, a été marquée par la mort de la fondatrice de l'épreuve, Sabine, dans un accident d'hélicoptère, son père Gilbert ayant repris l'organisation du rallye. Domination Peugeot-Citroën Le rallye de 1987 a marqué le début d'une ère de participation officielle accrue des usines dans la catégorie automobile, lorsque le constructeur français Peugeot est arrivé et a remporté l'épreuve avec l'ancien champion du monde des rallyes Ari Vatanen. L'événement de 1987 a également été marqué par un duel féroce entre Neveu et Auriol dans la catégorie moto, le premier remportant sa cinquième victoire après qu'Auriol ait été contraint d'abandonner le rallye après s'être cassé les deux chevilles lors d'une chute. L'épreuve de 1988 atteint son apogée en termes de nombre d'inscrits, avec 603 partants. La défense du titre de Vatanen a déraillé lorsque sa Peugeot a été volée à l'aire d'assistance de Bamako. Bien que cela ait été découvert plus tard, Vatanen a ensuite été disqualifié de l'événement, la victoire revenant à son compatriote et coéquipier Juha Kankkunen. Peugeot et Vatanen ont renoué avec la victoire en 1989 et 1990, cette dernière marquant la dernière année de compétition de rallye pour Peugeot avant de passer au Championnat du monde des voitures de sport. La marque sœur Citroën prend la place de Peugeot, Vatanen remportant une troisième victoire consécutive en 1991. L'épreuve de 1991 voit également Stéphane Peterhansel remporter son premier titre dans la catégorie moto avec Yamaha, marquant le début d'une ère de domination du Français. Pour l'événement de 1992, la ligne d'arrivée s'est déplacée au Cap, en Afrique du Sud, afin de lutter contre le nombre décroissant de concurrents, où la technologie GPS a été utilisée pour la première fois. Auriol est devenu le premier pilote à remporter plusieurs catégories après avoir remporté la deuxième victoire de Mitsubishi dans la catégorie automobile, tandis que Peterhansel a défendu avec succès son titre dans la catégorie moto. La liste des engagés du rallye 1993 s'effondre à 153 concurrents, soit environ la moitié du chiffre de l'année précédente et environ un quart de celui de 1988. L'épreuve est la dernière organisée par Gilbert Sabine et l'Amaury Sport Organisation prend le relais l'année suivante. Avec la ligne d'arrivée désormais revenue à son emplacement traditionnel du Dakar, Bruno Saby a remporté un troisième titre pour Mitsubishi et Peterhansel a remporté un troisième succès consécutif dans la catégorie moto. L'événement de 1994 est revenu à Paris après avoir atteint Dakar, ce qui a donné lieu à un événement particulièrement éprouvant. Pierre Lartigue a remporté la deuxième victoire de Citroën dans des circonstances acrimonieuses, les pilotes de pointe de Mitsubishi ayant été contraints à l'abandon d'épuisement après avoir traversé des dunes de sable particulièrement exigeantes dans le désert mauritanien que les équipages Citroën avaient choisi de sauter. Peterhansel n'a pas concouru en raison d'un désaccord entre Yamaha et les organisateurs de la course sur le règlement. Edi Orioli a remporté un troisième titre dans la catégorie motos. Les épreuves de 1995 et 1996 débutent dans la ville espagnole de Grenade, avec Lartigue accumulant des victoires pour Citroën ces deux années. Peterhansel est revenu pour remporter une quatrième victoire dans la catégorie motos en 1995, mais a perdu contre Orioli en 1996 en raison de problèmes de ravitaillement. Mitsubishi en pleine ascension Le rallye de 1997 s'est déroulé pour la première fois exclusivement en Afrique, avec un parcours allant de Dakar à Agadez, au Niger et retour à Dakar. L'abandon de Citroën en raison d'un changement de règlement a permis à Mitsubishi de remporter une quatrième victoire. Le Japonais Kenjiro Shinozuka est devenu le premier non-européen à remporter l'épreuve. Peterhansel a égalé le record de Neveu de cinq victoires dans la catégorie moto en 1997, avant de faire mieux en 1998, lorsque l'épreuve a repris son parcours traditionnel Paris-Dakar. En 1998, Jean-Pierre Fontenay, vétéran du Dakar, a remporté une autre victoire pour Mitsubishi dans la catégorie auto. L'année 1999 a commencé à Grenade et a été un premier succès pour l'ancien pilote de Formule 1 et de voitures de sport Jean-Louis Schlesser, qui construisait ses propres buggys depuis 1992. Avec l'aide de Renault, Schlesser a vaincu les équipages d'usine Mitsubishi et Nissan pour gagner, tandis que La décision de Peterhansel de passer à la catégorie automobile a permis à Richard Sainct de remporter le premier titre de BMW dans la catégorie moto depuis 1985. Schlesser et Sainct ont tous deux défendu avec succès leurs titres en 2000, parcourant la route de Dakar à la capitale égyptienne du Caire. 2001 était la dernière fois que le rallye empruntait l'itinéraire familier du Paris-Dakar, et était remarquable pour Jutta Kleinschmidt de Mitsubishi, car elle était la première femme à remporter le rallye - mais seulement après que Schlesser ait été pénalisée d'une heure pour conduite antisportive. Fabrizio Meoni a remporté la première victoire du constructeur autrichien KTM sur le Dakar, entamant une séquence de victoires qui dure jusqu'à aujourd'hui. L'année 2002 a commencé dans la ville française d'Arras et Hiroshi Masuoka, participant de longue date au Dakar, a remporté l'épreuve pour Mitsubishi (Masouka avait mené une grande partie du rallye de l'année précédente.) Le rallye de 2003 comportait un parcours peu orthodoxe de Marseille à Charm el-Cheikh. Masuoka défend son titre après que son coéquipier et leader de longue date Peterhansel ait été en proie à des problèmes mécaniques dans l'avant-dernière étape. Sainct a quant à lui remporté les honneurs dans la catégorie moto, le troisième titre pour lui et KTM. Le Dakar à son apogée Le milieu des années 2000 a vu le Rallye Dakar atteindre l’apogée de sa popularité. La liste des engagés en 2004 est passée à 595, contre 358 en 2001, avec un record de 688 concurrents à partir de 2005. Aux côtés de Mitsubishi et Nissan, Volkswagen peut désormais se targuer d'un effort d'usine complet, tandis que les buggys à moteur Ford de Schlesser et les BMW de l'allemand X- L'équipe Raid s'est avérée une épine dans le pied des équipes de travaux à gros budget. Le parcours 2004 allait de Clermont-Ferrand à Dakar, et c'était l'année où Peterhansel a imité l'exploit d'Hubert Auriol en remportant le rallye sur deux et quatre roues. Le Français a défendu son titre en 2005, lorsque le rallye a débuté pour la première fois à Barcelone. Chez les motos, KTM poursuit ses succès avec Nani Roma en 2004, qui passe en auto l'année suivante, et Cyril Despres en 2005. L'événement de 2006 s'est déplacé à Lisbonne. Nissan s'est retiré faute d'avoir réussi à s'opposer efficacement à Mitsubishi, qui a remporté une sixième victoire consécutive, cette fois avec l'ancien champion de ski Luc Alphand après que Peterhansel ait commis une série d'erreurs en fin de rallye. Peterhansel a toutefois fait amende honorable en 2007, remportant son troisième titre dans la catégorie automobile pour Mitsubishi après une lutte serrée avec Alphand après l'abandon des Volkswagen, de plus en plus compétitives, en raison de problèmes mécaniques. Dans ce qui sera la dernière épreuve africaine du Dakar, Despres remporte son deuxième titre dans la catégorie motos, après avoir concédé la victoire en 2006 à Marc Coma après s'être blessé. L'événement de 2008, qui devait quitter Lisbonne comme les deux années précédentes, a été annulé le 4 janvier 2008 en raison des craintes d'attentats terroristes en Mauritanie, suscitant de sérieux doutes sur l'avenir du rallye. Le Chili et l'Argentine ont proposé d'accueillir des événements ultérieurs, une offre acceptée par la suite par l'ASO. L'ASO a également décidé de créer la compétition Dakar Series, dont la première épreuve était le Rallye d'Europe centrale 2008, organisé en Hongrie et en Roumanie, qui remplaçait l'édition 2008 annulée du Dakar. Amérique du Sud L'événement de 2009, le premier organisé en Amérique du Sud avec un nombre respectable de 501 participants, a finalement vu Volkswagen remporter sa première victoire au Dakar en tant que participant d'usine grâce à Giniel de Villiers. Son coéquipier et ancien champion du WRC, Carlos Sainz, menait confortablement jusqu'à sa chute, mais a saisi l'opportunité de remporter l'épreuve en 2010. Après une mauvaise performance en 2009, Mitsubishi s'est retiré de la compétition et a laissé Volkswagen comme seul participant d'usine. La marque allemande a remporté la course pour la troisième fois en 2011, cette fois avec Nasser Al-Attiyah, avant de se retirer pour se concentrer sur sa prochaine participation en WRC et de quitter le Dakar sans aucun participant d'usine dans la catégorie automobile. En moto, Despres et Coma ont prolongé l'incroyable série de succès ininterrompus de KTM. Tous deux étaient à égalité avec trois victoires chacun après la troisième victoire de Coma en 2011. Lors du rallye 2012, l'équipe X-Raid s'est imposée, utilisant désormais des Mini à la place des BMW. Peterhansel avait rejoint l'équipe en 2010 après le départ de Mitsubishi, mais n'avait pas pu rivaliser avec les pilotes Volkswagen. Après l'abandon de Volkswagen, Peterhansel a pu remporter sa quatrième victoire dans la catégorie auto et sa dixième au total, son principal adversaire venant de sa propre équipe. Peterhansel a défendu avec succès son titre en 2013 alors que les buggys Damen Jefferies de Sainz et Al-Attiyah n'ont pas réussi à tenir la distance. Despres a également remporté deux autres victoires pour KTM dans la catégorie motos en 2012 et 2013, portant son total à cinq, aidé par l'absence de Coma en raison d'une blessure cette dernière année. Coma a riposté à son retour sur le Dakar en 2014, remportant un quatrième titre confortable et un 13ème consécutif pour KTM, tandis que Nani Roma a imité Auriol et Peterhansel en remportant son premier titre en auto dix ans après sa victoire sur deux roues. - mais seulement après que les ordres de l'équipe de X-Raid aient ralenti Peterhansel. Peugeot est revenu pour l'événement 2015 avec un tout nouveau concurrent à deux roues motrices à moteur diesel, mais n'a pas réussi à avoir un impact alors que les Minis de X-Raid ont une fois de plus dominé. Al-Attiyah a remporté l'épreuve dès sa deuxième année dans l'équipe, tandis que Coma a décroché un cinquième titre en moto après la défection de son rival de longue date Despres vers la catégorie auto et Peugeot. Véhicules et classes Les quatre grands groupes compétitifs du Dakar sont les motos, les quads, la catégorie des voitures (qui vont des buggies aux petits SUV) et la catégorie des camions. De nombreux constructeurs automobiles exploitent l'environnement difficile qu'offre le rallye comme terrain d'essai et par conséquent pour démontrer la durabilité de leurs véhicules, bien que la plupart des véhicules soient fortement modifiés ou construits à cet effet. Motos Depuis 2011, la cylindrée maximale de toutes les motos participant au Rallye Dakar est de 450 cm3. Les moteurs peuvent être monocylindres ou bicylindres. Les coureurs sont divisés en deux groupes, "Élite" (Groupe 1) et Non-Élite (Groupe 2), ce dernier étant subdivisé en deux autres groupes - les classes "Super Production" (Groupe 2.1) et "Marathon" (Groupe 2.2). . Les concurrents du "Marathon" ne sont pas autorisés à modifier des composants clés tels que le moteur (y compris le carter moteur, les cylindres et les culasses), le cadre, la fourche ou le bras oscillant, alors que ceux des classes "Super Production" et "Elite" peuvent remplacer ces composants. KTM a dominé la catégorie moto ces dernières années, bien que Honda, Yamaha, Sherco et Gas Gas soient également en compétition actuellement. BMW et Cagiva ont également connu du succès dans le passé. Quads Avant 2009, les Quads étaient une subdivision de la catégorie moto, mais ils ont obtenu leur propre classification distincte en 2009 et sont désignés Groupe 3 dans la réglementation actuelle. Ils sont divisés en deux sous-groupes : le groupe 3.1, qui comprend les quads à deux roues motrices avec un moteur monocylindre d'une cylindrée maximale de 750 cm3, et le groupe 3.2, qui autorise les quads à quatre roues motrices avec une cylindrée maximale de 900 cm3, dans l'un ou l'autre. disposition monocylindre ou bicylindre. Yamaha est invaincu dans la catégorie Quad depuis 2009, sa principale opposition actuelle étant assurée par Honda et Can-Am. Voitures La classe des voitures est composée de véhicules pesant moins de 3 500 kg, qui sont subdivisés en plusieurs catégories. Le groupe T1 est composé de « Véhicules tout-terrain améliorés », subdivisés selon le type de moteur (essence ou diesel) et le type de transmission (deux ou quatre roues motrices). Le groupe T2 est composé des « Véhicules de production de série tout-terrain », qui sont subdivisés en catégories essence et diesel, tandis que le groupe T3 est constitué de « Véhicules légers ». Il existe également une catégorie « Open » destinée aux véhicules conformes à la réglementation SCORE. Mini a été la marque la plus titrée dans la catégorie automobile ces dernières années, grâce aux efforts de l'équipe X-Raid hors usine, avec une implication limitée de la part de Toyota, Ford et Haval. Plusieurs constructeurs produisent également des buggies sur mesure pour l'événement, notamment SMG et Damen Jefferies. Mitsubishi est historiquement le constructeur le plus titré dans la catégorie automobile, Volkswagen, Citroën, Peugeot et Porsche ayant tous connu le succès dans le passé avec des équipes d'usine. Jean-Louis Schlesser a également remporté l'épreuve à deux reprises avec ses buggys soutenus par Renault. Les équipes d'usine de Nissan et SEAT ont également remporté des étapes, tout comme BMW, grâce à l'équipe X-Raid. Camions La classe Camions (T4), créée pour la première fois en tant que catégorie distincte en 1980, est composée de véhicules pesant plus de 3 500 kg. Les camions participant à la compétition sont subdivisés en camions « Production en série » (T4.1) et camions « Modifiés » (T4.2), tandis que les camions du groupe T4.3 (anciennement T5) sont des camions d'assistance au rallye, c'est-à-dire qu'ils voyagent de bivouac à bivouac pour accompagner les véhicules de compétition. Ceux-ci ont été introduits dans le rallye en 1998. L'épreuve de camions n'a pas eu lieu en 1989 après qu'il a été décidé que les véhicules, à ce stade équipés de moteurs jumeaux générant plus de 1 000 chevaux, étaient trop dangereux après la mort d'un membre de l'équipage DAF dans un accident. accident lors du rallye de 1988. Kamaz domine la catégorie des camions depuis le début du siècle, même s'il subit la pression croissante de concurrents tels qu'Iveco, MAN, Renault et Tatra, qui ont connu beaucoup de succès dans les années 1990. Hino, DAF, Perlini et Mercedes-Benz figuraient également parmi les gagnants par le passé. Liste des gagnants Source: Vainqueurs d'étape Mise à jour : après le Rallye Dakar 2016 Le gras désigne les concurrents actuels (à partir de 2016). Par catégorie Combiné Source : Notes : La source omet de mentionner Kenjiro Shinozuka, 21 fois vainqueur d'étape, tout en incluant également les victoires de Chagin en tant que navigateur de Viktor Moskovskikh lors de l'épreuve de 1999. et inclut également à tort Cyril Despres comme vainqueur de l'étape 9 du Dakar 2010 (c'était Marc Coma) Couverture télévisée Plus de 190 pays différents diffusent le fil international de l'événement avec un résumé de chaque journée transformé en un programme de 26 minutes. Cela a été commenté par Toby Moody depuis dix ans, et plus récemment par Ben Constanduros. Les organisateurs mettent à disposition 20 stations de montage permettant à différents pays de produire leurs propres programmes. Il y a quatre hélicoptères de télévision, six caméras de scène et trois équipes de bivouac pour réaliser plus de 1 000 heures de télévision sur une période de deux semaines. Aux États-Unis, la couverture peut être vue sur NBC Sports Network. Un documentaire télévisé de 2006 Race to Dakar a décrit les expériences d'une équipe, dont l'acteur anglais Charley Boorman, en préparation et en entrée au Rallye Dakar 2006. Selon Gert Vermersch, la couverture médiatique du Dakar, notamment en Europe, est en diminution. Cela est dû au fait que la nouvelle édition sud-américaine de la course s'est révélée moins spectaculaire, du moins en ce qui concerne les paysages, que l'édition originale. Incidents En 1982, Mark Thatcher, fils de Margaret Thatcher, alors Premier ministre britannique, ainsi que sa copilote française Anne-Charlotte Verney et leur mécanicien, ont disparu pendant six jours. Le 9 janvier, le trio a été séparé d'un convoi de véhicules après s'être arrêté pour réparer un bras de direction défectueux. Ils ont été portés disparus le 12 janvier ; après une recherche à grande échelle, un avion de recherche Lockheed L100 de l'armée algérienne a repéré leur Peugeot 504 blanche à environ 50 km de sa trajectoire. Thatcher, Verney et le mécanicien sont tous indemnes. L'organisateur du rassemblement, Thierry Sabine, a été tué dans le crash de son hélicoptère Ecureuil ("Ecurrel-copter") à 19h30. le mardi 14 janvier 1986, dans une dune au Mali lors d'une soudaine tempête de sable. L'auteur-compositeur-interprète Daniel Balavoine, le pilote d'hélicoptère François-Xavier Bagnoud, la journaliste Nathalie Odent et Jean-Paul Lefur, ingénieur radiophonique pour RTL, ont également été tués à bord. Six personnes ont été tuées lors de la course de 1988, trois participants et trois riverains. Lors d'un incident, Baye Sibi, une fillette malienne de 10 ans, a été tuée par un coureur alors qu'elle traversait une route. Le véhicule d'une équipe de tournage a tué une mère et sa fille en Mauritanie le dernier jour de la course. Les participants à la course tués, dans trois accidents distincts, étaient un navigateur néerlandais de l'équipe DAF Trucks, un corsaire français et un pilote français. Les coureurs ont également été accusés d'avoir déclenché un incendie de forêt qui a provoqué la panique dans un train circulant entre Dakar et Bamako, où trois autres personnes ont été tuées. En 2003, le pilote français Daniel Nebot a roulé et écrasé sa Toyota à grande vitesse, tuant son copilote Bruno Cauvy. En 2005, le motocycliste espagnol José Manuel Pérez est décédé lundi 10 janvier dans un hôpital espagnol après une chute la semaine précédente sur la 7e étape. Le motocycliste italien Fabrizio Meoni, double vainqueur de l'épreuve, est devenu le deuxième pilote du Rallye Dakar à mourir en deux jours, après Pérez le 11 janvier lors de l'étape 11. Meoni était le 11e motocycliste et la 45e personne au total à mourir dans l'histoire. de la course. Le 13 janvier, une petite Sénégalaise de cinq ans a été heurtée et tuée par un camion de service après avoir erré sur une route principale, portant le nombre total de morts à cinq. En 2006, Andy Caldecott, motocycliste australien KTM âgé de 41 ans, qui participait pour la troisième fois au Dakar, est décédé le 9 janvier des suites de blessures au cou subies lors d'un accident à environ 250 km de la 9e étape, entre Nouakchott et Kiffa, quelques-uns seulement. kilomètres (miles) de l'endroit où Meoni a eu son accident mortel l'année précédente. Il a remporté la troisième étape de l'épreuve de 2006 entre Nador et Er Rachidia quelques jours seulement avant sa mort. Le décès est survenu malgré les efforts déployés par les organisateurs de l'événement pour améliorer la sécurité des concurrents, notamment en limitant la vitesse, le repos obligatoire aux arrêts de ravitaillement et en réduisant les exigences en matière de capacité de carburant pour les classes de vélo. Le 13 janvier, un garçon de 10 ans est décédé alors qu'il traversait le parcours après avoir été heurté par une voiture conduite par le Letton Māris Saukāns, tandis que le 14 janvier, un garçon de 12 ans a été tué après avoir été heurté par un camion de soutien. En 2007, le pilote automobile sud-africain Elmer Symons, âgé de 29 ans, est décédé des suites de ses blessures subies dans un accident lors de la quatrième étape du rallye. Symons s'est écrasé avec son vélo dans le désert entre Er Rachidia et Ouarzazate, au Maroc. Un autre décès est survenu le 20 janvier, la veille de l'arrivée de la course, lorsque le motocycliste Eric Aubijoux, 42 ans, est décédé subitement. On pensait initialement que la cause du décès était une crise cardiaque, mais il a été suggéré plus tard qu'Aubijoux était décédé des suites de blessures internes subies lors d'un accident plus tôt dans la journée alors qu'il participait à la 14e étape de la course. Le Rallye Dakar 2008 a été annulé pour des raisons de sécurité après le meurtre par al-Qaïda de quatre touristes français la veille de Noël en décembre 2007 en Mauritanie (pays dans lequel le rassemblement s'est déroulé huit jours), diverses accusations contre le rassemblement le qualifiant de « néocolonialiste ». ", et les accusations d'Al-Qaïda contre la Mauritanie la qualifiant de partisan des "croisés, des apostats et des infidèles". L'organisation sportive Amaury, basée en France, responsable du rallye de 6 000 km, a déclaré dans un communiqué que le gouvernement français lui avait conseillé d'annuler la course, qui devait prendre le départ le 5 janvier 2008 depuis Lisbonne. Ils ont déclaré que des menaces directes avaient également été proférées contre l'événement par des organisations liées à Al-Qaïda. Omar Oussama ben Laden, le fils d'Oussama ben Laden, a attiré l'attention des médias en 2008 en se présentant comme un « ambassadeur de la paix » et en proposant une course hippique de 3 000 milles à travers l'Afrique du Nord en remplacement du rallye Dakar, avec l'argent des sponsors. pour soutenir les enfants victimes de la guerre, déclarant : « J'ai entendu dire que le rassemblement avait été arrêté à cause d'Al-Qaida. Je ne pense pas qu'ils vont m'arrêter. Le 7 janvier 2009, le corps du motocycliste français Pascal Terry, âgé de 49 ans, a été retrouvé. Il était porté disparu depuis trois jours et son corps gisait dans un endroit reculé de la deuxième étape entre Santa Rosa de la Pampa et Puerto Madryn. Le 4 janvier 2010, une femme qui regardait le Rallye Dakar a été tuée lorsqu'un véhicule participant à la course a quitté le parcours et l'a heurtée lors de la première étape. Le 1er janvier 2012, le motocycliste argentin Jorge Martinez Boero est décédé des suites d'un arrêt cardiaque suite à une chute. Il a été soigné par le personnel médical dans les cinq minutes suivant l'accident, mais est décédé sur le chemin de l'hôpital. Le 7 janvier 2015, le motocycliste Michal Hernik est décédé de circonstances inconnues lors de la troisième étape du rallye 2015. Au total, 70 personnes, dont 28 concurrents, sont mortes lors du Rallye Dakar. Critique Lorsque la course s'est déroulée en Afrique, elle a fait l'objet de critiques de plusieurs sources, se concentrant généralement sur l'impact de la course sur les habitants des pays africains traversés. Certains résidents africains présents sur le parcours de la course les années précédentes ont déclaré avoir vu des avantages limités de la course ; que les participants à la course ont dépensé peu d'argent pour les biens et services que les résidents locaux peuvent offrir. Les coureurs ont produit d'importantes quantités de poussière tout au long du parcours et ont été accusés d'avoir heurté et tué du bétail, en plus d'avoir occasionnellement blessé ou tué des personnes. Après la course de 1988, lorsque trois Africains ont été tués dans des collisions avec des véhicules impliqués dans la course, la PANA, une agence de presse basée à Dakar, a écrit que ces morts étaient "insignifiantes pour les organisateurs [de la course]". Le journal de la Cité du Vatican, L'Osservatore Romano, a qualifié cette course de « démonstration vulgaire de pouvoir et de richesse dans des endroits où les hommes continuent de mourir de faim et de soif ». Lors d'une manifestation en 2002 au départ de la course à Arras, en France, une déclaration du Parti Vert français a décrit la course comme « un colonialisme qui doit être éradiqué ». L'impact environnemental de la course a été un autre sujet de critique. Cette critique de la course est notamment le thème de la chanson « 500 connards sur la ligne de départ », sur l'album Marchand de cailloux de 1991 du chanteur français Renaud. Selon les chiffres récents fournis par le Rallye Dakar, les émissions de carbone de la course de deux semaines sont à peu près équivalentes à celles d'une seule course de Formule 1. Galerie

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Dans quelle ville américaine la Miller Brewing Company a-t-elle vu le jour ?

Milwaukee, Wisconsin

La Miller Brewing Company est une société brassicole américaine dont le siège est à Milwaukee, Wisconsin, propriété de SABMiller. La société possède des installations de brasserie à Albany, en Géorgie ; Chutes Chippewa, Wisconsin ; Eden, Caroline du Nord ; Fort Worth, Texas ; Irwindale, Californie ; Milwaukee, Wisconsin; et Trenton, Ohio. Le 1er juillet 2008, Miller a formé MillerCoors, une coentreprise avec son rival Molson Coors pour consolider la production et la distribution de ses produits aux États-Unis, les opérations d'entreprise et les opérations internationales de chaque société mère restant séparées et indépendantes de la coentreprise. Le symbole boursier est SAB.L. Histoire Miller Brewing Company a été fondée en 1855 par Frederick Miller lorsqu'il a acheté la petite brasserie Plank Road. L'emplacement de la brasserie dans la Miller Valley à Milwaukee offrait un accès facile aux matières premières produites dans les fermes voisines. L'entreprise reste dans la famille jusqu'en 1966. En 1966, le conglomérat W. R. Grace and Company rachète Miller à Mme Lorraine John Mulberger (la petite-fille de Frederick Miller, opposée à l'alcool) et à sa famille. En 1969, Philip Morris (aujourd'hui Altria) rachète Miller à W.R. Grace pour 130 millions de dollars, surenchérissant sur PepsiCo. En 2002, South African Breweries a acheté Miller à Philip Morris pour 3,6 milliards de dollars d'actions et 2 milliards de dollars de dette pour former SABMiller, Philip Morris conservant 36 % des parts et 24,99 % des droits de vote. En 2006, Miller Brewing a acheté les marques Sparks et Steel Reserve à McKenzie River Corporation pour 215 millions de dollars en espèces. Miller produisait les deux marques avant cet achat. En 2007, SABMiller et Molson Coors ont regroupé leurs activités aux États-Unis dans une coentreprise appelée MillerCoors. SABMiller détient 58 % de l'unité, qui opère aux États-Unis mais pas au Canada, où Molson Coors est la plus forte. Molson Coors possède le reste de la coentreprise, mais les sociétés disposent de droits de vote égaux. Marques actuelles Bières Miller *Miller Lite : Une bière légère de type pilsner. Il est de 4,2% ABV (4% au Canada). *Miller Véritable Draft : surnommé MGD. Introduite en 1985 avec l'affirmation d'un goût de bière pression, basée sur le fait que la bière est filtrée à froid et non pasteurisée. MGD a reçu la médaille d'or dans la catégorie Premium Lager de style américain à la Coupe du monde de la bière 1999. Elle a également reçu la médaille d'argent au Great American Beer Festival 2003. Le concept du Miller Genuine Draft filtré à froid a été développé par le consultant produit Calle & Company. Martin Calle a fait évoluer le concept à partir des efforts de Miller's New Ventures pour lancer une nouvelle bière sèche à un moment où Miller Brewing risquait de devenir un fabricant de bière légère très cloné. Initialement présenté sous le nom de « Miller High Life Genuine Draft », la partie « High Life » du nom a rapidement été abandonnée. Le MGD est en fait fabriqué à partir de la même recette que Miller High Life mais avec un traitement différent. Il a été développé pour essayer de reproduire la saveur de fût non pasteurisé de High Life dans une canette ou une bouteille. En 2007, Genuine Draft détenait une part de 1,5 % du marché américain ; en 2012, sa part de marché était tombée à 0,7 %, ce qui représente une baisse de 1,7 million de barils. Il a 4,7% abv. *Miller 64— (anciennement Miller Genuine Draft 64) Une version plus légère du Miller Genuine Draft Light ordinaire avec un abv de 2,8 %, également connu sous le nom de « MGD 64 ». Il contient 64 Cal/12USoz(mL) par portion. Jusqu'à récemment, aucune autre bière sur le marché n'avait moins d'énergie alimentaire, bien que la Beck's Premier Light contienne également 64 calories par portion de 12 fl oz US. À la fin de l'été 2009, Budweiser a lancé la Budweiser Select 55 en réponse à la populaire MGD 64 de Miller. Miller a lancé cette bière à l'été 2007 à Madison, dans le Wisconsin. Il a été accueilli favorablement et les tests ont été étendus à l'Arizona, à San Diego et à Sacramento. *' : Cette bière a été mise sur le marché en 1903 et est la plus ancienne marque de Miller Brewing. High Life est regroupée dans la catégorie des bières pilsner et contient 4,6 % ABV. Le slogan dominant sur les emballages actuels est « Le Champagne des Bières », une adaptation de son slogan de longue date « Le Champagne des Bières en Bouteille ». Ainsi, cette bière se distingue par son haut niveau de carbonatation, ce qui en fait une boisson très bouillonnante, comme le champagne. Elle était à l'origine disponible dans des bouteilles de champagne miniatures et fut pendant de nombreuses années l'une des premières bières haut de gamme du pays. Aujourd'hui, elles sont populaires dans 7 bouteilles U.S.floz pony, introduites en 1972. À l'exception d'une brève période dans les années 1990, les bouteilles High Life ont toujours été assez distinctives, car elles portent une étiquette dorée brillante et sont constituées d'un verre transparent qui a un col effilé comme une bouteille de champagne. High Life a ramené son logo "Girl in the Moon", qui représente une jeune femme modestement habillée qui, selon la légende, est la petite-fille du fondateur de l'entreprise, Frederick Miller. Le logo « Girl in the Moon » a été peint à l'origine au début des années 1900 par un artiste inconnu et a depuis été repeint par l'artiste du Nebraska Mike Hagel, qui y a ajouté sa propre touche unique. High Life a battu 17 autres concurrents pour remporter la médaille d'or dans la catégorie « American-style Lagers » à la Coupe du monde de la bière 2002. High Life a récemment connu une résurgence, grâce à sa campagne humoristique « Take Back the High Life », qui met en scène un livreur faisant preuve de bon sens (interprété par Windell Middlebrooks) retirant la bière des « emplacements non High Life » (tels que les restaurants servant 11,50 $). hamburgers) pour positionner la marque comme « une bonne bière honnête à un prix savoureux ». *Miller High Life Light : Introduit en 1994. Il contient 4,1 % ABV. *Miller Chill : Une bière blonde pâle de style chelada à 4,2 % d'alcool brassée avec du citron vert et du sel. Introduite avec succès en 2007, les ventes ont chuté en 2008 après le lancement de son rival Bud Light Lime. En réponse, MillerCoors a réorganisé sa recette d'une bière de style « chelada » à une bière légère au citron vert, a créé un nouvel emballage incluant le passage d'une bouteille verte à une bouteille transparente et a lancé une nouvelle campagne publicitaire centrée autour du slogan « Comment une bière légère avec un goût de citron vert devrait goûter". *Miller Fortune : Un ajout récent à la gamme. 6,9 % ABV Fortune est une bière blonde dorée brassée en partie avec du houblon Cascade pour lui donner une touche d'agrumes et du malt caramel pour lui donner une teinte ambrée. Destinée aux hommes âgés de 21 à 27 ans, selon la brasserie, "la saveur est modérément amère avec des notes sucrées, se situant quelque part entre une bière artisanale corsée et une bière blonde légère". La brasserie affirme en outre que Fortune a « une saveur maltée et complexe faisant allusion au bourbon, la bière ambrée sera distribuée plus largement et plus rapidement que n'importe quelle bière que MillerCoors a introduite depuis la création de l'entreprise Molson Coors Brewing (TAP) et SABMiller (SAB : LN). En 2008." *Miller Midnight : selon la brasserie, "Cette bière combine des malts torréfiés foncés et des malts cristallins clairs avec une saveur de caramel. Trouver cet équilibre a été une partie importante du processus de développement de deux ans, dirigé par Ronda Dannenberg et Jackie Lauman, spécialistes chez Miller's. brasserie phare de Milwaukee. La couleur, l'arôme, le goût et la finition ont tous été soigneusement étudiés. Elle est disponible en bouteilles de 330 ml et 500 ml. Sortie en novembre 2008, cette bière est disponible uniquement en Russie. Il contient 5,2% ABV. *Sharp's : bière sans alcool Miller's. *Frederick Miller Classic Chocolate Lager : Une bière pour la période des fêtes commercialisée d'octobre à décembre dans le Wisconsin, Chicago, Minneapolis, Cleveland, Indianapolis et le nord-ouest de l'Indiana. Elle est brassée avec six malts différents, dont des malts de chocolat et de chocolat noir. *Mickey's : Mickey's est la "Fine Malt Liquor" de Miller. Il est de 5,6% abv. *Olde English 800 : Liqueur de malt également connue sous le nom de « OE ». Il est de 5,9 % abv dans l’est des États-Unis, de 7,5 % abv dans la plupart des États de l’ouest des États-Unis et de 8,0 % abv au Canada. *Milwaukee's Best : label économique de Miller. Il contient 4,3 % d'alcoolémie et est communément appelé "The Beast", "Milwaukee's Beast", "Milwaukee's Worst" ou "Milly B". *Milwaukee's Best Light : label d'économie légère de Miller. C'était également le sponsor principal des World Series of Poker 2008. Il est de 4,1% ABV. et communément appelé « Beast Light » *Milwaukee's Best Ice : bière économique "Ice" de Miller. Il est de 5,9% ABV. et communément appelé « Beast Ice » ou « le Yéti ». Marques retraitées *Miller Lite Ice : Une bière glacée à distribution limitée avec une teneur en alcool naturellement plus élevée, 5,5 %. Sous cette forme, on ne le trouve désormais que sur certains marchés du Michigan. *Miller Gold : une version en édition limitée de Miller Genuine Draft contenant 5,7 % abv. *Miller 1855 Celebration Lager : La 1855 Celebration Lager a été lancée en novembre 2005 pour reconnaître le 150e anniversaire de Miller Brewing. Il n'était disponible que pour une durée limitée. *Miller : Une recette éphémère de 1996 à 1998, vendue dans une canette à dominante rouge (d'où, alias "Miller Red"). *Southpaw Light : Southpaw est étiquetée comme une bière légère mais a la teneur en alcool d'une bière ordinaire. Elle a une forte saveur de houblon par rapport aux autres bières légères de style Pilsner. Il dispose également d’un étiquetage et d’un marketing uniques. Southpaw Light a été abandonné par Miller Brewing Company depuis mars 2013, en raison du manque de demande des consommateurs. Les bières de Hamm Miller a acheté les droits des marques de la brasserie Hamm. *Hamm's Beer : Gagnant de la médaille d'or 2007 pour la bière blonde de style américain et de la médaille d'or 2010 pour la bière blonde de spécialité de style américain ou la Cream Ale ou la Lager au Great American Beer Festival *Le projet d'or de Hamm *Lumière spéciale de Hamm Bières de la brasserie Plank Road Cette division doit son nom au XIXe siècle au nom de West State Street à Milwaukee (anciennement connue pour toute sa longueur à l'extérieur de Milwaukee sous le nom de Watertown Plank Road), où se trouve la principale brasserie Miller depuis sa fondation. *Icehouse : Icehouse est une bière blonde glacée (5,5 % d'alcool par volume) et a remporté les médailles d'or 2003 et 2007 pour la Specialty Lager de style américain au Great American Beer Festival, et a également remporté la Ice Lager Gold Cup de style américain. des compétitions de la Coupe du monde de la bière de 1996 et 1998. *Icehouse EDGE' : Icehouse EDGE est une bière blonde glacée/liqueur de malt (8,0 % d'alcool par volume) et a été introduite en juin 2012. *Red Dog : Bien que populaire entre le milieu et la fin des années 1990, Red Dog est tombé dans l'obscurité au début du 21e siècle. Cependant, depuis 2005, il revient dans les magasins. Parrainages Miller est sponsor du sport automobile depuis les années 1980. Dans les CART World Series, la société a sponsorisé des pilotes tels que Al Unser (1984), Danny Sullivan (1985-1989, 1991), Roberto Guerrero (1990), Bobby Rahal (1992-1998) et Kenny Bräck (2003). Elle a également sponsorisé la course Miller 200 à Mid-Ohio. Dans la NASCAR Cup Series, Miller a sponsorisé Bobby Allison de 1983 à 1988, Rusty Wallace de 1990 à 2005, Kurt Busch de 2006 à 2010 et Brad Keselowski depuis 2011. Allison a remporté la NASCAR Winston Cup Series 1983 et Keselowski a remporté la NASCAR 2012. Série Coupe Sprint. En outre, la société a parrainé les courses Miller High Life 500, Miller 500, Miller High Life 400, Miller 400, Miller 300, Miller 200 et Miller 150. Au sein de la NHRA, Miller a parrainé Larry Dixon pendant 11 ans, mettant fin à leur relation en 2007.

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En quelle année s'est produit le tsunami asiatique ou tsunami du lendemain de Noël qui a frappé la Thaïlande, l'Indonésie et de nombreux autres pays ?

2004

Le tremblement de terre de 2004 dans l'océan Indien s'est produit à 00:58:53 UTC le 26 décembre avec l'épicentre au large de la côte ouest de Sumatra, en Indonésie. Le choc avait une magnitude de moment de 9,1 à 9,3 et une intensité Mercalli maximale de IX (Violent). Le méga-séisme sous-marin a été provoqué lorsque la plaque indienne a été subductée par la plaque birmane et a déclenché une série de tsunamis dévastateurs le long des côtes de la plupart des masses continentales bordant l'océan Indien, tuant 230 000 personnes dans 14 pays et inondant les communautés côtières de vagues allant jusqu'à 30. m de haut. Il s’agit de l’une des catastrophes naturelles les plus meurtrières de l’histoire. L'Indonésie a été le pays le plus durement touché, suivie du Sri Lanka, de l'Inde et de la Thaïlande. Il s'agit du troisième plus grand séisme jamais enregistré par un sismographe et la durée de faille la plus longue jamais observée, entre 8,3 et 10 minutes. Cela a fait vibrer la planète entière jusqu’à 1 cm et a déclenché d’autres tremblements de terre jusqu’en Alaska. Son épicentre se trouvait entre Simeulue et l'Indonésie continentale. Le sort des personnes et des pays touchés a suscité une réponse humanitaire mondiale. Au total, la communauté mondiale a fait don de plus de 14 milliards de dollars américains (2004) en aide humanitaire. L'événement est connu par la communauté scientifique sous le nom de tremblement de terre de Sumatra-Andaman. Le tsunami qui en a résulté a reçu divers noms, notamment le tsunami de l'océan Indien de 2004, le tsunami d'Asie du Sud, le tsunami indonésien, le tsunami de Noël et le tsunami du lendemain de Noël. Caractéristiques sismiques Le tremblement de terre a été initialement documenté avec une magnitude de moment de 8,8. En février 2005, les scientifiques ont révisé l'estimation de la magnitude à 9,0. Bien que le Centre d'alerte aux tsunamis du Pacifique ait accepté ces nouveaux chiffres, l'United States Geological Survey n'a jusqu'à présent pas modifié son estimation de 9,1. Les études les plus récentes en 2006 ont obtenu une magnitude de Mw 9,1 à 9,3. Le Dr Hiroo Kanamori du California Institute of Technology estime que Mw 9,2 est une bonne valeur représentative de l'ampleur de ce grand tremblement de terre. L'hypocentre du séisme principal se trouvait à environ 160 km au large de la côte ouest du nord de Sumatra, dans l'océan Indien, juste au nord de l'île de Simeulue, à une profondeur de 30 km sous le niveau moyen de la mer (initialement signalé comme étant de 10 km). La section nord de la méga-poussée de la Sonde s'est rompue sur une longueur de 1 300 km. Le séisme (suivi du tsunami) a été ressenti simultanément au Bangladesh, en Inde, en Malaisie, au Myanmar, en Thaïlande, à Singapour et aux Maldives. Les failles évasées, ou « pop-up failles » secondaires, ont fait apparaître des parties longues et étroites du fond marin en quelques secondes. Cela a rapidement élevé la hauteur et augmenté la vitesse des vagues, provoquant la destruction complète de la ville indonésienne voisine de Lhoknga. L'Indonésie se situe entre la ceinture de feu du Pacifique, le long des îles du nord-est adjacentes à la Nouvelle-Guinée, et la ceinture des Alpides qui s'étend au sud et à l'ouest de Sumatra, Java, Bali, Flores jusqu'au Timor. Les grands tremblements de terre tels que l’événement Sumatra-Andaman, qui sont invariablement associés à des événements de méga-poussée dans les zones de subduction, ont des moments sismiques qui peuvent représenter une fraction significative du moment sismique global sur des périodes séculaires. De tout le moment sismique déclenché par les tremblements de terre au cours des 100 années allant de 1906 à 2005, environ un huitième était dû à l'événement Sumatra-Andaman. Ce séisme, ainsi que celui du Vendredi Saint (Alaska, 1964) et le grand tremblement de terre chilien (1960), représentent près de la moitié du moment total. Le tremblement de terre de San Francisco de 1906, beaucoup plus petit mais néanmoins catastrophique, est inclus dans le diagramme à titre de perspective. Mw désigne la magnitude d'un séisme sur l'échelle de magnitude du moment. Depuis 1900, les seuls tremblements de terre enregistrés avec une plus grande magnitude ont été le grand tremblement de terre chilien de 1960 (magnitude 9,5) et le tremblement de terre du Vendredi saint de 1964 dans le détroit de Prince William (9,2). Les seuls autres tremblements de terre enregistrés de magnitude 9,0 ou plus ont eu lieu au large du Kamtchatka, en Russie, le 4 novembre 1952 (magnitude 9,0) et à Tōhoku, au Japon (magnitude 9,0) en mars 2011. Chacun de ces méga-séismes de poussée a également engendré des tsunamis dans l'océan Pacifique. Cependant, le nombre de morts était nettement inférieur, principalement en raison de la plus faible densité de population le long des côtes à proximité des zones touchées et des distances beaucoup plus grandes par rapport aux côtes plus peuplées, ainsi que de la qualité supérieure des infrastructures et des systèmes d'alerte dans les MEDC (pays plus économiquement développés). ) comme le Japon. D'autres méga-séismes de très grande ampleur se sont produits en 1868 (Pérou, plaque de Nazca et plaque sud-américaine) ; 1827 (Colombie, plaque de Nazca et plaque sud-américaine) ; 1812 (Venezuela, plaque caribéenne et plaque sud-américaine) et 1700 (ouest de l'Amérique du Nord, plaque Juan de Fuca et plaque nord-américaine). On pense qu’ils sont tous supérieurs à la magnitude 9, mais aucune mesure précise n’était disponible à l’époque. Pré-choc On pense que le tremblement de terre de Sumatra en 2002 a été un choc préliminaire, précédant de plus de deux ans l’événement principal. Plaques tectoniques Le méga-séisme a été d'une ampleur inhabituelle en termes d'étendue géographique et géologique. On estime que 1 600 km de surface de faille ont glissé (ou se sont rompus) d'environ 15 m le long de la zone de subduction où la plaque indienne glisse (ou subducte) sous la plaque dominante de Birmanie. Le dérapage ne s’est pas produit instantanément mais s’est déroulé en deux phases étalées sur plusieurs minutes : * Les données sismographiques et acoustiques indiquent que la première phase impliquait une rupture d'environ 400 km de long et 100 km de large, située à 30 km sous le fond marin – la plus grande rupture jamais connue ayant été provoquée par un tremblement de terre. La rupture s'est produite à une vitesse d'environ (10 000 km/h), commençant au large des côtes d'Aceh et se dirigeant vers le nord-ouest sur une période d'environ 100 secondes. * Une pause d'environ 100 secondes supplémentaires a eu lieu avant que la rupture ne se poursuive vers le nord en direction des îles Andaman et Nicobar. Cependant, la rupture au nord s'est produite plus lentement qu'au sud, à environ (7 500 km/h), se poursuivant vers le nord pendant encore cinq minutes jusqu'à une limite de plaque où le type de faille passe de la subduction au décrochement (les deux plaques glissent au-delà d'une un autre dans des directions opposées). La plaque indienne fait partie de la grande plaque indo-australienne, qui sous-tend l'océan Indien et le golfe du Bengale, et dérive vers le nord-est à une vitesse moyenne de 6 centimètres par an (6 cm pouces par an). La plaque indienne rencontre la plaque birmane (qui est considérée comme une partie de la grande plaque eurasienne) au niveau de la tranchée de la Sonde. À ce stade, la plaque indienne passe sous la plaque birmane, qui porte les îles Nicobar, les îles Andaman et le nord de Sumatra. La plaque indienne s'enfonce de plus en plus profondément sous la plaque birmane jusqu'à ce que la température et la pression croissantes chassent les substances volatiles de la plaque subductrice. Ces matières volatiles remontent dans la plaque sus-jacente provoquant une fusion partielle et la formation de magma. Le magma ascendant s'introduit dans la croûte située au-dessus et sort de la croûte terrestre à travers les volcans sous la forme d'un arc volcanique. L'activité volcanique qui résulte de la subduction de la plaque indo-australienne par la plaque eurasienne a créé l'Arc de la Sonde. Outre le mouvement latéral entre les plaques, on estime que le fond marin s'est élevé de plusieurs mètres, déplaçant environ 30 km3 d'eau et déclenchant des vagues de tsunami dévastatrices. Les ondes ne provenaient pas d'une source ponctuelle, comme cela était représenté de manière inexacte dans certaines illustrations de leurs trajectoires de déplacement, mais plutôt rayonnaient vers l'extérieur sur toute la longueur de 1 600 km de la rupture (agissant comme une source linéaire). Cela a considérablement augmenté la zone géographique sur laquelle les vagues ont été observées, atteignant le Mexique, le Chili et l'Arctique. L’élévation du fond marin a considérablement réduit la capacité de l’océan Indien, entraînant une élévation permanente du niveau mondial de la mer d’environ 1 000 tonnes. Répliques et autres tremblements de terre De nombreuses répliques ont été signalées au large des îles Andaman, des îles Nicobar et de la région de l'épicentre initial dans les heures et les jours qui ont suivi. Le séisme de magnitude 8,7 de Nias-Simeulue en 2005, qui a pris naissance au large de l'île de Nias à Sumatra, n'est pas considéré comme une réplique, malgré sa proximité avec l'épicentre, et a très probablement été déclenché par des changements de stress associés à l'événement de 2004. Ce tremblement de terre a été si important qu'il a produit ses propres répliques (certaines d'une magnitude allant jusqu'à 6,1) et se classe actuellement au 7e rang des tremblements de terre les plus importants jamais enregistrés depuis 1900. D'autres répliques, d'une magnitude allant jusqu'à 6,6, ont continué à secouer quotidiennement la région pendant trois ou quatre mois. En plus des répliques continues, l'énergie libérée par le séisme initial a continué à faire sentir sa présence bien après l'événement. Une semaine après le séisme, ses réverbérations pouvaient encore être mesurées, fournissant ainsi de précieuses données scientifiques sur l'intérieur de la Terre. Le tremblement de terre de 2004 dans l'océan Indien s'est produit trois jours seulement après un séisme de magnitude 8,1 dans une région inhabitée à l'ouest des îles subantarctiques d'Auckland en Nouvelle-Zélande et au nord de l'île Macquarie en Australie. Ceci est inhabituel, car les tremblements de terre de magnitude 8 ou plus ne se produisent en moyenne qu'une fois par an. Cependant, l'US Geological Survey ne voit aucune preuve d'une relation causale entre ces événements. On pense que le tremblement de terre de décembre a déclenché l'activité des monts Leuser et Talang, volcans de la province d'Aceh situés le long de la même chaîne de sommets, tandis que le tremblement de terre de Nias-Simeulue en 2005 avait déclenché l'activité du lac Toba, un ancien cratère de Sumatra. Énergie libérée L'énergie libérée à la surface de la Terre uniquement (ME, qui est le potentiel sismique de dommage) par le tremblement de terre et le tsunami de 2004 dans l'océan Indien a été estimée à 1,1 × 1017 joules, soit 26 mégatonnes de TNT. Cette énergie équivaut à plus de 1 500 fois celle de la bombe atomique d’Hiroshima, mais inférieure à celle de Tsar Bomba, la plus grosse arme nucléaire jamais explosée. Cependant, le travail total effectué en MW (et donc en énergie) par ce séisme était de 4,0 × 1022 joules (4,0 × 1029 ergs), la grande majorité sous terre. C'est plus de 360 ​​000 fois plus que son ME, équivalent à 9 600 gigatonnes d'équivalent TNT (550 millions de fois celui d'Hiroshima) ou environ 370 ans de consommation d'énergie aux États-Unis aux niveaux de 2005 de 1,08 × 1020 J. Les seuls tremblements de terre enregistrés avec un MW plus important étaient les tremblements de terre chiliens de 1960 et de l'Alaska de 1964, avec respectivement 2,5 × 1 023 joules (250 ZJ) et 7,5 × 1 022 joules (75 ZJ). Le tremblement de terre a généré une oscillation sismique de la surface de la Terre allant jusqu'à 20 -, équivalente à l'effet des forces de marée provoquées par le Soleil et la Lune. Les ondes de choc du tremblement de terre ont été ressenties à travers la planète ; jusqu'à l'État américain de l'Oklahoma, où des mouvements verticaux de 3 mm ont été enregistrés. En février 2005, les effets du tremblement de terre étaient encore détectables sous la forme d'une oscillation harmonique complexe de 20 µm de la surface de la Terre, qui a progressivement diminué et fusionné avec l'oscillation libre incessante de la Terre plus de 4 mois après le tremblement de terre. En raison de son énorme libération d'énergie et de sa faible profondeur de rupture, le séisme a généré des mouvements sismiques remarquables autour du globe, notamment en raison d'énormes ondes élastiques de Rayleigh (surface) qui dépassaient 1 cm d'amplitude verticale partout sur Terre. Le tracé de la section d'enregistrement affiche les déplacements verticaux de la surface de la Terre enregistrés par les sismomètres du réseau sismographique mondial IRIS/USGS, tracés par rapport au temps (depuis le déclenchement du séisme) sur l'axe horizontal, et les déplacements verticaux de la Terre sur l'axe vertical (remarque la barre d'échelle de 1 cm en bas pour l'échelle). Les sismogrammes sont disposés verticalement en fonction de la distance à l'épicentre en degrés. Le signal le plus précoce, de plus faible amplitude, est celui de l'onde de compression (P), qui met environ 22 minutes pour atteindre l'autre côté de la planète (l'antipode ; dans ce cas, près de l'Équateur). Les signaux de plus grande amplitude sont des ondes sismiques de surface qui atteignent l'antipode après environ 100 minutes. On peut clairement voir que les ondes de surface se renforcent près de l'antipode (avec les stations sismiques les plus proches en Équateur), puis encerclent la planète pour revenir dans la région épicentrale après environ 200 minutes. Une réplique majeure (magnitude 7,1) peut être observée dans les stations les plus proches, juste après 200 minutes. Cette réplique serait considérée comme un tremblement de terre majeur dans des circonstances normales, mais elle est éclipsée par la secousse principale. Le déplacement de masse et la libération massive d'énergie ont très légèrement modifié la rotation de la Terre. Le montant exact n'est pas encore connu, mais les modèles théoriques suggèrent que le séisme a raccourci la durée d'une journée de 2,68 microsecondes, en raison d'une diminution de l'aplatissement de la Terre. Cela a également provoqué une légère « oscillation » de la Terre sur son axe jusqu'à dans la direction de 145° de longitude est, ou peut-être jusqu'à 5 ou. Cependant, en raison des effets de marée de la Lune, la durée d'un jour augmente en moyenne de 15 µs par an, de sorte que tout changement de rotation dû au tremblement de terre sera rapidement perdu. De même, l'oscillation naturelle de la Terre à Chandler, qui dans certains cas peut atteindre 15 m, finira par compenser l'oscillation mineure produite par le tremblement de terre. De manière plus spectaculaire, il y a eu un mouvement de 10 m latéralement et de 4 m verticalement le long de la ligne de faille. Les premières spéculations étaient que certaines des plus petites îles au sud-ouest de Sumatra, qui se trouvent sur la plaque de Birmanie (les régions du sud se trouvent sur la plaque de la Sonde), auraient pu se déplacer vers le sud-ouest jusqu'à 36 m, mais des données plus précises ont été publiées. Plus d'un mois après le tremblement de terre, le mouvement était d'environ 20 cm. Le mouvement étant à la fois vertical et latéral, certaines zones côtières peuvent avoir été déplacées sous le niveau de la mer. Les îles Andaman et Nicobar semblent s'être déplacées d'environ 1 m vers le sud-ouest et avoir coulé d'un mètre. En février 2005, le navire de la Royal Navy HMS Scott a étudié les fonds marins autour de la zone sismique, dont la profondeur varie entre 1 000 et 1 000 pieds. L'enquête, menée à l'aide d'un système sonar multifaisceau à haute résolution, a révélé que le séisme avait eu un impact considérable sur la topographie des fonds marins. Des crêtes de poussée de 1 500 m créées par l'activité géologique antérieure le long de la faille s'étaient effondrées, générant des glissements de terrain de plusieurs kilomètres de large. L'un de ces glissements de terrain consistait en un seul bloc de roche d'environ 100 m de haut et 2 km de long (300 pieds sur 1,25 mi). L'élan de l'eau déplacé par le soulèvement tectonique avait également entraîné d'énormes blocs de roche, pesant chacun des millions de tonnes, jusqu'à 10 km à travers le fond marin. Une tranchée océanique de plusieurs kilomètres de large a été découverte dans la zone du séisme. Les satellites TOPEX/Poséidon et Jason-1 sont passés au-dessus du tsunami alors qu'il traversait l'océan. Ces satellites embarquent des radars qui mesurent précisément la hauteur de la surface de l'eau ; des anomalies de l'ordre de 50 cm ont été mesurées. Les mesures de ces satellites peuvent s'avérer inestimables pour la compréhension du tremblement de terre et du tsunami. Contrairement aux données des marégraphes installés sur les côtes, les mesures obtenues au milieu de l'océan peuvent être utilisées pour calculer les paramètres du séisme source sans avoir à compenser les façons complexes dont la proximité de la côte modifie la taille et la forme d'un séisme. vague. Tsunami La soudaine élévation verticale des fonds marins de plusieurs mètres lors du séisme a déplacé d’énormes volumes d’eau, provoquant un tsunami qui a frappé les côtes de l’océan Indien. Un tsunami qui cause des dégâts loin de sa source est parfois appelé télétsunami et est beaucoup plus susceptible d'être produit par un mouvement vertical du fond marin que par un mouvement horizontal. Le tsunami, comme tous les autres, s’est comporté très différemment en eaux profondes et en eaux peu profondes. Dans les eaux profondes des océans, les vagues du tsunami ne forment qu'une petite bosse, à peine perceptible et inoffensive, qui se déplace généralement à une vitesse très élevée de 500 to ; dans les eaux peu profondes près des côtes, un tsunami ralentit à seulement quelques dizaines de kilomètres par heure mais, ce faisant, forme de grandes vagues destructrices. Les scientifiques enquêtant sur les dégâts à Aceh ont trouvé des preuves que la vague atteignait une hauteur de 24 m lorsqu'elle arrivait sur de grandes parties du littoral, s'élevant jusqu'à 30 m dans certaines zones lorsqu'elle se déplaçait à l'intérieur des terres. Les satellites radar ont enregistré la hauteur des vagues du tsunami en eau profonde : deux heures après le séisme, la hauteur maximale était de 60 cm. Ce sont les premières observations de ce type jamais réalisées. Malheureusement, ces observations n’ont pas pu être utilisées pour émettre un avertissement, car les satellites n’étaient pas construits à cet effet et l’analyse des données prenait des heures. Selon Tad Murty, vice-président de la Tsunami Society, l'énergie totale des vagues du tsunami équivalait à environ cinq mégatonnes de TNT (20 pétajoules). Cela représente plus de deux fois l’énergie explosive totale utilisée pendant toute la Seconde Guerre mondiale (y compris les deux bombes atomiques), mais reste néanmoins quelques ordres de grandeur inférieurs à l’énergie libérée lors du tremblement de terre lui-même. Dans de nombreux endroits, les vagues atteignaient jusqu'à 2 km à l'intérieur des terres. Étant donné que la faille de 1 600 km affectée par le séisme était orientée presque nord-sud, la plus grande force des vagues du tsunami était dans la direction est-ouest. Le Bangladesh, situé à l'extrémité nord du golfe du Bengale, a eu très peu de victimes bien qu'il s'agisse d'un pays de basse altitude relativement proche de l'épicentre. Il a également bénéficié du fait que le séisme s'est déroulé plus lentement dans la zone de rupture nord, réduisant considérablement l'énergie des déplacements d'eau dans cette région. Les côtes qui ont une masse continentale entre elles et le lieu d'origine du tsunami sont généralement sûres ; cependant, les vagues de tsunami peuvent parfois diffracter autour de ces masses continentales. Ainsi, l’État du Kerala a été touché par le tsunami bien qu’il se trouve sur la côte ouest de l’Inde, et la côte ouest du Sri Lanka a subi des impacts considérables. La distance à elle seule ne constitue pas une garantie de sécurité, car la Somalie a été plus durement touchée que le Bangladesh, bien qu'elle soit beaucoup plus éloignée. En raison des distances à parcourir, le tsunami a mis entre quinze minutes et sept heures pour atteindre les côtes. Les régions du nord de l'île indonésienne de Sumatra ont été touchées très rapidement, tandis que le Sri Lanka et la côte est de l'Inde ont été touchés environ 90 minutes à deux heures plus tard. La Thaïlande a été frappée environ deux heures plus tard, bien qu'elle soit plus proche de l'épicentre, car le tsunami s'est propagé plus lentement dans la mer d'Andaman, peu profonde, au large de sa côte ouest. Le tsunami a été observé jusqu'à Struisbaai en Afrique du Sud, à environ 8 500 km de là, où une marée haute a déferlé sur le rivage environ 16 heures après le séisme. Il a fallu un temps relativement long pour atteindre cet endroit situé à l'extrême sud de l'Afrique, probablement en raison du large plateau continental au large de l'Afrique du Sud et parce que le tsunami aurait suivi la côte sud-africaine d'est en ouest. Le tsunami a également atteint l'Antarctique, où les marégraphes de la base japonaise Showa ont enregistré des oscillations allant jusqu'à un mètre (1 m), avec des perturbations durant quelques jours. Une partie de l'énergie du tsunami s'est échappée dans l'océan Pacifique, où elle a produit des tsunamis petits mais mesurables le long des côtes occidentales de l'Amérique du Nord et du Sud, généralement autour de 20 °C. À Manzanillo, au Mexique, un tsunami de la crête au creux a été mesuré. De plus, le tsunami était suffisamment important pour être détecté à Vancouver, en Colombie-Britannique, au Canada. Cela a intrigué de nombreux scientifiques, car les tsunamis mesurés dans certaines parties de l'Amérique du Sud étaient plus importants que ceux mesurés dans certaines parties de l'océan Indien. Il a été émis l'hypothèse que les tsunamis étaient concentrés et dirigés sur de longues distances par les dorsales médio-océaniques qui longent les marges des plaques continentales. Signes et avertissements Malgré un décalage de plusieurs heures entre le séisme et l'impact du tsunami, presque toutes les victimes ont été complètement prises par surprise. Il n’existait aucun système d’alerte aux tsunamis dans l’océan Indien pour détecter les tsunamis ou pour avertir la population vivant autour de l’océan. La détection des tsunamis n'est pas facile car, même si un tsunami se produit en eau profonde, il a peu de hauteur et un réseau de capteurs est nécessaire pour le détecter. La mise en place d’une infrastructure de communication permettant d’émettre des alertes en temps opportun constitue un problème encore plus important, en particulier dans une région relativement pauvre du monde. Les tsunamis sont beaucoup plus fréquents dans l'océan Pacifique en raison des tremblements de terre dans la « Ceinture de feu », et un système d'alerte aux tsunamis efficace y est depuis longtemps en place. Bien que l’extrême ouest de la Ceinture de feu s’étende jusqu’à l’océan Indien (le point où ce séisme a frappé), aucun système d’alerte n’existe dans cet océan. Les tsunamis y sont relativement rares, bien que les tremblements de terre soient relativement fréquents en Indonésie. Le dernier tsunami majeur a été provoqué par l'éruption du Krakatoa en 1883. Il convient de noter que tous les tremblements de terre ne produisent pas de grands tsunamis ; le 28 mars 2005, un séisme de magnitude 8,7 a frappé à peu près la même zone de l'océan Indien, mais n'a pas provoqué de tsunami majeur. Le premier signe avant-coureur d’un éventuel tsunami est le tremblement de terre lui-même. Cependant, les tsunamis peuvent frapper des milliers de kilomètres, là où le tremblement de terre n'est que faiblement ressenti, voire pas du tout. En outre, dans les minutes qui précèdent un tsunami, la mer se retire souvent temporairement de la côte. Cela a été observé sur le côté est de la zone de rupture du séisme, notamment autour des côtes de la province d'Aceh, de l'île de Phuket et de la région de Khao Lak en Thaïlande, de l'île de Penang en Malaisie et des îles d'Andaman et Nicobar. Autour de l'océan Indien, ce spectacle rare aurait incité les gens, en particulier les enfants, à se rendre sur la côte pour enquêter et collecter des poissons échoués sur 2,5 km (1,6 mi) de plage exposée, avec des conséquences fatales. Cependant, tous les tsunamis ne provoquent pas cet effet de « disparition de la mer ». Dans certains cas, il n'y a aucun signe d'avertissement : la mer gonfle soudainement sans reculer, surprenant de nombreuses personnes et ne leur laissant que peu de temps pour fuir. L'une des rares zones côtières à avoir été évacuée avant le tsunami se trouvait sur l'île indonésienne de Simeulue, tout près de l'épicentre. Le folklore insulaire raconte un tremblement de terre et un tsunami en 1907, et les insulaires ont fui vers les collines de l'intérieur des terres après la secousse initiale et avant que le tsunami ne frappe. Ces contes et folklore oral des générations précédentes ont peut-être contribué à la survie des habitants. Sur la plage de Maikhao, au nord de Phuket, en Thaïlande, un touriste britannique de 10 ans nommé Tilly Smith avait étudié la géographie des tsunamis à l'école et avait reconnu les signes avant-coureurs du retrait de l'océan et des bulles mousseuses. Elle et ses parents ont prévenu les autres personnes présentes sur la plage, qui a été évacuée en toute sécurité. John Chroston, un professeur de biologie écossais, a également reconnu les panneaux indiquant la baie de Kamala, au nord de Phuket, emmenant un bus rempli de vacanciers et d'habitants locaux en sécurité sur un terrain plus élevé. Les anthropologues s'attendaient initialement à ce que la population aborigène des îles Andaman soit gravement touchée par le tsunami et craignaient même que la tribu Onge, déjà dépeuplée, ne soit anéantie. De nombreuses tribus autochtones ont été évacuées et ont subi moins de pertes. Les traditions orales développées à la suite des tremblements de terre précédents ont aidé les tribus aborigènes à échapper au tsunami. Par exemple, le folklore des Onges parle d'« un énorme tremblement de terre suivi d'un haut mur d'eau ». Presque tous les Onge semblaient avoir survécu au tsunami. Province d'Aceh, Sumatra, Indonésie Le tsunami a d'abord frappé les côtes ouest et nord du nord de Sumatra, en Indonésie, en particulier dans la province d'Aceh, tôt le matin. Le glissement le plus important, de 30 m, a été estimé sur la faille secondaire située au large de la côte ouest de la province d'Aceh. Les affaissements observés ont été plus importants à Banda Aceh qu'à Peukan Bada, et plus qu'à Lhoknga et Leupung. Selon des témoins oculaires locaux à Ulee Lheue à Banda Aceh, le premier tsunami a atteint le rivage 15 à 20 minutes après le tremblement de terre, l'intervalle de temps entre le premier et le deuxième tsunami était de 15 à 20 minutes et le second était plus grand que le premier. Le témoignage oculaire selon lequel le second était plus grand que le premier est le même que celui de Khao Lak et de l'île de Phuket, dans le sud de la Thaïlande. Un habitant de Banda Aceh déclare que la vague géante était « plus haute que ma maison ». Un autre habitant vivant à 2 km près de la côte, à la périphérie de la ville, a déclaré que le tsunami était « comme un mur, de couleur très noire » et qu'il avait un « son distinct » qui devenait de plus en plus fort à mesure qu'il s'approchait de la côte. La hauteur maximale du tsunami a été mesurée à Leupung, situé sur la côte ouest de la pointe nord de Sumatra, près de Banda Aceh, et a atteint plus de 30 m. En gros, les hauteurs des tsunamis sur les autres côtes étaient de 15 à 30 m (49 à 98 pieds) sur la côte ouest, de 6 à 12 m (19,7 à 39,4 pieds) sur la côte de Banda Aceh, et d'environ 6 m (19,7 pieds) sur la côte ouest. la côte de Krueng Raya – où 3 réservoirs de pétrole flottaient – et à environ 5 m (16,4 pieds) sur la côte de Sigli. Les hauteurs du tsunami sur l'île de Weh étaient de 3 à 6 m (9,8 pieds à 19,7 pieds) sur la côte nord, directement face à la source du tsunami, et d'environ 3 m (9,8 pieds) du côté opposé de la côte. La hauteur du tsunami sur la côte de Banda Aceh est inférieure de moitié à celle de la côte ouest. Même sur la côte de Banda Aceh, la hauteur du tsunami a été réduite de moitié, passant de 12 m (39,4 pi) à Ulee Lheue à 6 m (19,7 pi) à 8 km (4,97 miles) plus au nord-est. L'une des raisons semble être qu'il existe un archipel entre Lhoknga et Banda Aceh. Le tsunami a avancé d'environ 4 km (2,49 miles) à l'intérieur des terres, à Banda Aceh. Dans un rayon de 2 à 3 km (1,24 à 1,86 miles) du rivage, les maisons, à l'exception de celles en béton armé solidement construites avec des murs en briques, qui semblaient avoir été partiellement endommagées par le tremblement de terre avant l'attaque du tsunami, ont été complètement emportées ou détruites. par le tsunami. À Lhoknga, une ville du district du même nom, dans la régence d'Aceh Besar, région spéciale d'Aceh, en Indonésie, située à l'ouest de l'île de Sumatra, à 13 km (8,08 miles) au sud-ouest de Banda Aceh, a été complètement rasée et détruite. par le tsunami du lendemain de Noël de 2004, où sa population est passée de 7 500 à 400 habitants. Des vagues de tsunami suite à des témoignages oculaires ont été enregistrées mesurant 35 m (114,8 pieds) de hauteur (vagues frappant la terre à une hauteur de 35 m), le plus haut tsunami connu. vague connue à ce jour. La mer près de la plage de Lampuuk s'est retirée avant que la première vague ne frappe et elle avait une forme caractéristique de vague de surf semblable à celle d'un cobra et la dernière vague « domine les plus hauts cocotiers » et était « comme une montagne ». En conséquence, le tsunami a également bloqué des cargos et des barges et détruit une cimenterie près de la côte de Lampuuk. Des vagues aussi hautes et rapides provenant de l'épicentre d'un méga-séisme se sont avérées plus tard être dues à des failles d'évasement, des failles secondaires résultant de la fissuration du fond marin qui fait saillie vers le haut en quelques secondes, provoquant une augmentation de la vitesse et de la hauteur des vagues. De plus, les zones étudiées par les scientifiques montrent des hauteurs de jet supérieures à 20 m (65,6 pieds) sur la côte nord-ouest de Sumatra, dans la province d'Aceh, avec un jet de jet maximum de 51 m (167,3 pieds). Parmi les autres villes de la côte ouest d'Aceh touchées par la catastrophe figurent Leupung, Lamno, Patek, Calang, Teunom, Meulaboh et l'île de Simeulue. Les villes touchées ou détruites sur les côtes nord et est de la région étaient Pidie Regency, Samalanga et Lhokseumawe. Îles Andaman et Nicobar, Inde L'intensité des secousses a été enregistrée à VI-VII sur l'échelle d'intensité MSK, les principales îles touchées par le tsunami se trouvaient dans les îles Andaman du Sud, du Centre et du Nord. Le tsunami est arrivé sur les îles Andaman et Nicobar entre 40 et 50 minutes après le séisme et a provoqué d'importants dégâts dans l'environnement des îles. Des témoins oculaires à Port Blair rappellent que l'eau s'est retirée avant la première vague et que la troisième vague était la plus haute et a causé le plus de dégâts. Cependant, des personnes à Hut Bay, Malacca et Campbell Bay – des endroits très au sud de Port Blair – ont signalé que le niveau d'eau avait augmenté d'environ 1 à 2 m (3,3 pi à 6,6 pi) par rapport au niveau normal de la mer et y est resté avant la première vague. s'est écrasé à terre. Des témoignages oculaires indiquent que la plus haute des vagues atteint environ 8 m (26,2 pieds) de hauteur à Campbell Bay (sur l'île Great Nicobar), environ 10 à 12 m (32,8 pieds à 39,4 pieds) de hauteur à Malacca (sur l'île de Car Nicobar) et à Hut Bay (dans la petite île d'Andaman) et environ 3 m (9,8 pieds) de haut à Port Blair (dans le sud de l'île d'Andaman). Le blindage important de Port Blair et de Campbell Bay par des affleurements montagneux abrupts peut avoir contribué aux hauteurs de vagues relativement faibles à ces endroits, tandis que le terrain ouvert le long de la côte est à Malacca et à Hut Bay a probablement contribué à la grande hauteur des vagues du tsunami. Sri Lanka Le tsunami est arrivé d'abord sur la côte est et s'est ensuite réfracté autour de la pointe sud du Sri Lanka (Dondra Head). Les vagues réfractées du tsunami ont inondé la partie sud-ouest du Sri Lanka après qu'une partie de son énergie ait été réfléchie par l'impact avec les Maldives. Le Sri Lanka est situé à 1 700 km (1 056,33 miles) de l'épicentre et de la source du tsunami. Personne n'a donc senti le sol trembler et le tsunami a frappé tout le littoral du Sri Lanka environ 2 heures après le séisme. Les premières vagues du tsunami avaient initialement provoqué une petite inondation (onde positive) en frappant la côte sri lankaise. Quelques instants plus tard, le fond de l'océan a été exposé jusqu'à 1 km (0,62 mile) par endroits en raison d'un inconvénient (onde négative). Cela a été suivi par une deuxième vague massive de tsunami, qui prend la forme d’une inondation. La plus grande montée en flèche mesurée était de 12,5 m (41 pieds) et la plus grande distance d'inondation de 390 m (0,242 milles) à Yala. À Hambantota, les run-ups du tsunami sont mesurés à 11 m (36,1 pi), une hauteur de vague de 8,71 m (28,6 pi) a été enregistrée à Nonagama et les mesures du run-up du tsunami le long des côtes sri-lankaises sont de 2,4 à 11 m (7,87 pieds). pi-36,1 pi). L'heure d'arrivée du tsunami dans la région de Kalmunai a été signalée à 8h30, heure du Sri Lanka (3h00 GMT), à Hambantota à 8h45 (3h15 GMT) et au port de Galle à 9h25 (3h00 GMT). 55 GMT) respectivement. Dans d'autres districts, l'heure d'arrivée du premier tsunami a été estimée par des témoins oculaires à 9 h 30 dans le district de Moratuwa et à 9 h 45 dans les districts de Kahawa et de Beruwala. Le tremblement de terre s'est produit à 6 h 58, heure du Sri Lanka, de sorte que le tsunami a atteint la côte ouest du Sri Lanka une heure et demie plus tard. Cependant, la deuxième ou la troisième vague du tsunami aurait été la plus importante dans de nombreux endroits ; par exemple, l'heure d'arrivée déclarée était 10 h 30 dans le district de Kahawa et 11 h 05 dans le district de Moratuwa. Le Sumudra Devi, un train de voyageurs en provenance de Colombo, a déraillé et renversé par le tsunami. Le tsunami a provoqué la catastrophe ferroviaire du tsunami au Sri Lanka en 2004, qui a coûté la vie à au moins 1 700 personnes, ce qui en fait la plus grande catastrophe ferroviaire de l'histoire du monde en termes de nombre de morts. Les estimations basées sur l'état du littoral et la ligne des hautes eaux sur un bâtiment voisin placent le tsunami entre 7,5 et 9 m (24,6 pieds à 29,5 pieds) au-dessus du niveau de la mer et 2 à 3 m (6,6 pieds à 9,8 pieds) plus haut que le niveau de la mer. en haut du train. Au Sri Lanka, les pertes civiles étaient juste derrière celles de l'Indonésie. Les rapports varient quant au nombre de décès, car de nombreuses personnes sont toujours portées disparues et le pays manque de communications adéquates. Au 1er mars 2005, on estime que 36 603 personnes ont péri dans les mois qui ont suivi le tsunami. 800 000 autres personnes vivant sur les côtes du Sri Lanka ont été directement touchées. Les côtes orientales du Sri Lanka ont été les plus durement touchées puisqu'elles se trouvaient face à l'épicentre du séisme. Les côtes sud-ouest ont été touchées plus tard, mais le bilan des victimes a été tout aussi grave. Les côtes sud-ouest sont un haut lieu pour les touristes ainsi que pour l’économie de la pêche. Les industries du tourisme et de la pêche ont créé de fortes densités de population le long de la côte. Le mode de vie côtier des habitants et la dégradation de l'environnement naturel au Sri Lanka ont contribué au nombre élevé de morts. Outre le nombre élevé de morts, environ 90 000 bâtiments ont été détruits. Les maisons étaient facilement détruites car elles étaient construites principalement en bois. Thaïlande Le tsunami a frappé la côte sud-ouest du sud de la Thaïlande, à environ 500 km (310,69 miles) de l'épicentre. Comme la région compte des stations balnéaires comme l'île de Phuket et que le tsunami a frappé à marée haute, ses effets ont été graves. Environ 5 400 personnes ont été tuées et 3 100 personnes sont portées disparues en Thaïlande. Les endroits où le tsunami a frappé étaient Khao Lak, l'île de Phuket, les îles Phi Phi, Koh Racha Yai, Koh Lanta Yai et Ao Nang de la province de Krabi, ainsi que les îles au large comme les îles Surin et les îles Similan, les plus dévastées étant Khao. Lak et l'île de Phuket. Les hauteurs du tsunami étaient de 6 à 10 m (19,7 pieds à 32,8 pieds) à Khao Lak, de 3 à 6 m (9,84 pieds à 19,7 pieds) le long de la côte ouest, de 3 m (9,84 pieds) le long de la côte sud, de 2 m (6,6 ft) le long de la côte est de l'île Phi Phi et 4 à 6 m (13,12 pi à 19,7 pi) o

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À la suite du budget d'avril de cette année-là, l'échevin Sir Cuthbert Ackroyd, qui devint plus tard lord-maire de Londres, acheta le premier quoi le 1er novembre 1956 ?

Premium Bond

Une obligation à prime est une obligation de loterie émise par l'agence nationale d'épargne et d'investissement du gouvernement du Royaume-Uni. Les obligations sont inscrites à un tirage au sort régulier et le gouvernement s'engage à les racheter, sur demande, à leur prix initial. Les obligations ont été introduites par Harold Macmillan en 1956. Le gouvernement paie des intérêts sur l'obligation (1,25 % par an en juillet 2016). Les intérêts sont versés dans un fonds à partir duquel une loterie mensuelle distribue des prix non imposables aux détenteurs d'obligations dont les numéros sont sélectionnés au hasard. La machine qui génère les nombres est ERNIE, pour Electronic Random Number Indicator Equipment. Les prix vont de 25 £ à 1 000 000 £. Entre 2005 et 2009, il y avait deux prix d'un million de livres sterling chaque mois et le prix minimum était de 50 £, mais les prix ont été réduits après la baisse des taux d'intérêt de 2009. Un deuxième prix d'un million de livres sterling a été réintroduit en août 2014. Les investisseurs peuvent acheter des obligations à tout moment ; ils doivent être détenus pendant un mois civil avant de pouvoir prétendre à un prix. Des numéros sont inscrits au tirage au sort chaque mois, avec une chance égale de gagner, jusqu'à ce que le bon soit encaissé. Les gagnants du jackpot sont annoncés le premier jour ouvrable du mois, bien que la date réelle du tirage varie. L'outil de recherche de prix en ligne est mis à jour le troisième ou le quatrième jour ouvrable du mois. À partir du 1er janvier 2009, les chances de gagner un prix pour chaque 1 £ d'obligation étaient de 36 000 contre 1. En octobre 2009, les chances sont revenues à 24 000 contre 1 avec l'augmentation du taux d'intérêt du fonds de récompense. Les chances atteignaient 26 000 contre 1 en octobre 2013. Environ 23 millions de personnes possèdent des obligations à prime, soit plus d'un tiers de la population britannique. Depuis juillet 2016, chaque personne peut détenir des obligations jusqu'à 50 000 £. Les obligations peuvent être achetées par unités de 1 £ après les premiers 100 £, avec une valeur de 1 £ par obligation et un achat minimum de 100 obligations (ou 50 obligations en cas de paiement par ordre permanent). Lorsqu'ils furent introduits en 1957, ils étaient populaires – les seuls autres jeux similaires étaient les pools de football ; la Loterie nationale n'a existé qu'en 1994. En Irlande, le Prize Bond a vu le jour au début de 1957. Histoire Les obligations à prime ont été introduites par Harold Macmillan dans son budget du 17 avril 1956, pour contrôler l'inflation et encourager les gens à épargner. Le 1er novembre 1956, devant le Royal Exchange de la City de Londres, le lord-maire de Londres, l'échevin Sir Cuthbert Ackroyd, acheta la première obligation au ministre des Postes, le Dr Charles Hill, pour 1 £. Le conseiller William Crook, maire de Lytham St Anne's, a acheté le deuxième. Le bureau de Premium Bonds était basé à St Annes-on-Sea jusqu'à ce qu'il déménage à Blackpool en 1978. Cotes des obligations à prime En décembre 2008, NS&I a baissé le taux d'intérêt (et donc les chances de gagner) en raison de la baisse du taux de base de la Banque d'Angleterre pendant la crise du crédit, ce qui a suscité les critiques des députés, des experts financiers et des détenteurs d'obligations ; beaucoup affirmaient que les obligations à prime étaient désormais « sans valeur » et qu'une personne avec 30 000 £ investis et « une chance moyenne » ne gagnerait que 10 prix par an, contre 15 l'année précédente. Les investisseurs disposant de sommes modestes mais significatives ne gagneraient probablement rien. Sur la base d'une cote de 1/26 000, le nombre attendu de prix pour un maximum de 50 000 £ d'obligations est de 23 par an. Le calcul est de 1/26 000 x 12 (tirages par an) x 50 000 (nombre d'obligations détenues). Selon le calculateur de probabilité d'obligations à prime sur MoneySavingExpert.com, qui met à jour les cotes chaque mois, les chances d'obtenir un prix sont : * Détenez 100 £ sur un an et les chances de gagner quoi que ce soit sont de 4,51 %. * Détenez 1 000 £ sur un an et les chances de gagner quoi que ce soit sont de 37 %. * Détenez 10 000 £ sur un an et les chances de gagner quoi que ce soit sont de 99 %. Distribution des fonds des prix Le fonds du prix est égal à un mois d'intérêt sur toutes les obligations éligibles au tirage. L'intérêt annuel est fixé par NS&I et était de 1,25 %. Le tableau suivant répertorie la répartition des prix offerts lors du tirage au sort. ERNIE ERNIE est un générateur matériel de nombres aléatoires. Le premier ERNIE a été construit à la station de recherche du bureau de poste par une équipe dirigée par Sidney Broadhurst. Les concepteurs étaient Tommy Flowers et Harry Fensom et il est basé sur Colossus, le premier ordinateur numérique au monde. Il a été introduit en 1957 et générait des nombres de liaisons basés sur le bruit de signal créé par les tubes au néon. ERNIE 1 est exposé au Musée des Sciences depuis 2008. ERNIE est l'acronyme de « Electronic Random Number Indicator Equipment ». ERNIE 2 a remplacé le premier ERNIE en 1972. ERNIE 3 en 1988 avait la taille d'un ordinateur personnel ; à la fin de sa vie, il lui fallait cinq heures et demie pour réaliser son tirage mensuel. En août 2004, ERNIE 4 a été mis en service en prévision d'une augmentation des prix chaque mois à partir de septembre 2004. Développé par LogicaCMG, il est 500 fois plus rapide que l'original et génère un million de numéros par heure ; celles-ci sont vérifiées par rapport à une liste de liaisons valides. En comparaison, l'ERNIE original générait 2 000 numéros par heure et avait la taille d'une camionnette. ERNIE 4 utilise le bruit thermique dans les transistors comme source d'aléatoire pour générer de vrais nombres aléatoires ; l'ERNIE original utilisait une diode néon à gaz. En revanche, les nombres pseudo-aléatoires, bien que parfois simplement appelés aléatoires, sont produits de manière déterministe par l’algorithme utilisé pour les générer. Le caractère aléatoire des nombres d'ERNIE découle de fluctuations statistiques aléatoires dans les processus physiques impliqués. Les résultats d'ERNIE sont testés de manière indépendante chaque mois par le département de l'actuaire du gouvernement, et le tirage n'est valable que s'il est certifié statistiquement cohérent avec le caractère aléatoire. ERNIE, anthropomorphisé dans les premières publicités, reçoit des cartes de Saint-Valentin, des cartes de Noël et des lettres du public. C'est le sujet de la chanson "E.R.N.I.E." de Madness, de l'album Absolutely de 1980. Obligations à prime dans d'autres pays Les obligations à prime sous différents noms existent ou ont existé dans divers pays. Les variations courantes par rapport aux obligations à prime britanniques comprennent : * Dans certains pays, les obligations à prime ont une date de fin officielle 5, 10, 30 ans ou plus après l'émission, date à laquelle le principal sera remboursé par le débiteur (gouvernement), d'ici là, l'obligation peut être achetée et vendue comme n'importe quel titre liquide. par l'intermédiaire des banques et des bourses. Certains pays ont « prolongé » la date de fin, généralement en proposant aux détenteurs d'obligations de choisir de récupérer le principal ou de le laisser courir pendant une période supplémentaire de 10 ans. * Dans certains pays, les prix et les chances, et donc le taux d'intérêt moyen, sont une propriété fixe de l'obligation depuis son émission jusqu'à son remboursement, ce qui les rend plus prévisibles en tant qu'investissements. Lorsque les prix et les chances de chaque obligation sont fixés, les obligations rachetées restent dans la loterie, mais l'émetteur conserve les prix tirés sur les obligations rachetées ou invendues. * Dans certains systèmes, les détenteurs d'obligations portant des numéros de série consécutifs ont la garantie de gagner au moins un prix pour chaque N obligations. L'une des différentes façons d'y parvenir est, par exemple, que le prix le plus bas au cours d'un mois donné puisse être tiré au sort pour toutes les obligations dont les numéros de série se terminent par 42 ou 92, de sorte que toute personne possédant 50 obligations consécutives reçoive un prix. Cette méthode simplifie également le tirage lui-même puisqu'il suffit de tirer un seul numéro pour distribuer des milliers de petits prix. * Dans certains pays, les paiements ne sont pas exonérés d'impôt ou sont imposés à un taux réduit par rapport au revenu régulier. Notes sur des pays spécifiques : * Au Royaume-Uni, les obligations à prime fonctionnent comme décrit dans la suite de cet article. * En République d'Irlande, ils sont appelés Prize Bonds et ont également été créés au début de 1957. * En Suède, ils sont appelés "Premieobligationer", ils durent généralement 5 ans et sont négociés au Nasdaq OMX Stockholm, l'unité (une obligation) est généralement de 1 000 SKr. ou 5 000 SKr. Les détenteurs de 10 ou 50 obligations consécutives commençant à 1 + N * 10 ou 50 ont la garantie d'un gain par an. L'encours des obligations actuellement (septembre 2013) s'élève à environ 28,9 milliards de couronnes suédoises. * Au Danemark, ils étaient également appelés "Premieobligationer" et duraient généralement 5 ou 10 ans avec un palmarès fixe imprimé sur les liens physiques. Il s'agissait d'obligations au porteur physique et la plupart des séries étaient prolongées une ou plusieurs fois de 5 ou 10 ans supplémentaires. Les dernières séries d'obligations danoises à prime sont désormais terminées et doivent être rachetées contre leur principal en espèces dans les 10 ans suivant les dates de fin définitives. Les obligations danoises à prime étaient généralement identifiées par leur couleur, par exemple les obligations à prime bleues ont été émises en 1948 et remboursées en 1998 (10 ans + 4 x 10 ans d'extension). Les premiers 200 DKr. de chaque prix était exonéré d'impôt, le reste étant imposé à seulement 15 % (contre 30 % ou plus pour le revenu régulier). * Une image d'une obligation indienne à prime est présentée plus haut dans l'article. Preuve scientifique Deux économistes financiers, Lobe et Hoelzl, ont analysé les principaux facteurs déterminants de l'immense succès commercial des obligations à prime. Un Britannique sur trois investit dans des obligations à prime. Le plaisir du jeu est considérablement accru par l'amélioration de l'asymétrie de la distribution des prix. Cependant, en utilisant les données collectées au cours des cinquante dernières années, ils ont constaté que l'obligation comporte un risque relativement faible par rapport à de nombreux autres investissements. Aaron Brown compare les obligations à prime avec les obligations liées aux actions, aux matières premières et à d'autres obligations à « risque supplémentaire ». Sa conclusion est que peu de différence, que ce soit pour un investisseur de détail ou du point de vue de la finance théorique, que le risque supplémentaire provienne d'un générateur de nombres aléatoires ou des fluctuations des marchés financiers. Gagnant Les détenteurs d'obligations peuvent vérifier s'ils ont gagné des prix sur le site Web National Savings & Investment Premium Bond Prize Checker, qui fournit des listes des numéros d'obligations gagnants au cours des 6 derniers mois. Les numéros gagnants plus anciens (datant de plus de 18 mois) peuvent également être vérifiés dans le supplément aux prix non réclamés des London Gazette Premium Bonds.

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Produit entre 1970 et 1974, qu'est-ce qu'un Bond Bug ?

Car

Le Bond Bug est une petite automobile britannique à deux places et à trois roues qui a été construite de 1970 à 1974, initialement par Bond Cars Ltd, puis par Reliant Motor Company. Il s'agit d'une microvoiture en forme de coin, avec un auvent relevable et des écrans latéraux au lieu des portes conventionnelles. Histoire Fondation et premières années Suite à l'achat de Bond Cars Ltd., Reliant a chargé Tom Karen d'Ogle Design de concevoir une voiture amusante. Le Bond Bug était basé sur le châssis nouvellement conçu par l'ingénieur en chef John Crosthwaite et sur certains trains roulants Reliant Regal. Le concept original a été exploré en abattant un véhicule Regal de série, l'arrière de la voiture étant raccourci pour se terminer sur l'essieu arrière. Ce prototype pouvait être vu de nombreuses années plus tard, languissant dans la cour à l'arrière de l'usine, par quiconque souhaitait regarder à travers la clôture grillagée depuis le chemin de halage du canal. Le moteur est le quatre cylindres Reliant en alliage léger de 700 cc monté à l'avant (plus tard porté à 750 cc), développé à partir de l'Austin 7 et qui dépassait dans l'habitacle des passagers. Au lancement, il s'agissait des modèles 700 et 700E les moins chers. Le 700ES, plus haut de gamme, intègre une culasse redessinée qui a permis d'augmenter le taux de compression de 7,35:1 à 8,4:1. Cela a fourni une augmentation de puissance ainsi qu'un couple amélioré pour le 700ES, alors haut de gamme. Le Bond Bug 700ES offre également plus de sièges offrant un meilleur soutien ainsi qu'un plus grand rembourrage sur le capot moteur, des garde-boue doubles, un cendrier, un pare-chocs avant en caoutchouc et une roue de secours. Lancement et production La voiture a connu un lancement optimiste, au cours duquel Ray Wiggin de Reliant a déclaré : « Le fait qu'elle ait trois roues est tout à fait accessoire. C'est une nouvelle forme de transport. Alors maintenant, en fait, nous pensons qu'elle va plaire à une section beaucoup plus large de le marché que nous l'avions initialement envisagé. Le Bug était disponible dans une couleur orange vif mandarine, bien que six Bugs blancs aient été produits pour une promotion de cigarettes Rothmans - dont l'un a également été utilisé dans une publicité pour les fruits du Cap et qu'à l'heure actuelle, un Bug Dulux Bond serait en commande. Seuls trois bogues Rothmans sont connus. Sa renommée a été facilitée par une voiture jouet moulée sous pression distinctive de Corgi Toys. Bien que sa production ait été assez courte (1970-1974), elle a aujourd'hui un public dévoué. Contrairement à l'image des Reliants à trois roues comme étant lentes, le Bond Bug était capable de rouler à 76 mph (122 km/h), au-delà de la limite de vitesse nationale britannique (70 mph/112,6 km/h), et comparable à les petites berlines telles que la Mini de base de 850 cc (116 km/h) et la Hillman Imp (128 km/h). Cependant, elle ne pouvait pas égaler la vitesse de la Mini Cooper S (154 km/h) ou des berlines plus grandes telles que la Ford Cortina Mark III (167 km/h dans la variante la plus puissante), ni même des modèles vieillissants de voitures de sport biplaces, comme la MG MGB (103 mph/165,7 km/h) ou la Lotus Seven, où en 1970, même la version la plus basse de la S4 pouvait atteindre 108 mph/173,8 km/h. Le Bond Bug était vendu comme étant amusant à conduire, avec la position assise basse donnant une impression de vitesse exagérée similaire à celle d'un kart à pédales, tandis que la vitesse réelle était similaire à celle atteinte par les voitures hautes performances quelques années plus tôt (en effet , les versions antérieures de la Lotus 7 avaient une vitesse de pointe de 76 mph/122 km/h jusqu'en 1968, et leur niveau de finition, par exemple des rideaux latéraux au lieu de fenêtres, était également similaire). La Bug n’était cependant pas moins chère que des voitures plus pratiques. Il coûtait 629 £, tandis qu'une Mini de base de 850 cc, une voiture à quatre places beaucoup plus rapide dans les virages mais avec une accélération considérablement inférieure, coûtait 620 £. De plus, alors qu'une Lotus Seven de base (avec une accélération beaucoup plus rapide et de bons virages) coûtait 945 £ en 1970, elle était également disponible sous forme de kit complet démonté à un prix beaucoup plus bas, en partie à cause d'un traitement fiscal plus favorable. La culture populaire Tom Karen a supervisé la conception et la production du landspeeder de Luke Skywalker dans Star Wars (1977) : l'un des modèles a été construit sur le châssis d'un Bond Bug - les roues cachées par des miroirs inclinés à 45° par rapport au sol. Le programme télévisé Wheeler Dealers a acheté et restauré un Bond Bug 700ES et, une fois terminé, l'a revendu pour réaliser un profit. Depuis lors, le Bug a été exposé au NEC Classic Car Show 2011 à Birmingham, où les présentateurs de Wheeler Dealers, Mike Brewer, Edd China et l'assistant mécanicien/technique Paul Brackley, se sont réunis et ont signé le Bug. Un Bond Bug a été présenté dans certains des épisodes précédents de Hollyoaks en tant que véhicule appartenant à Jambo Bolton. La voiture est également apparue dans le clip de la chanson "Millennium" de Robbie Williams et dans les 118 publicités. Galerie

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Quel était le laboratoire océanographique mobile de Jacques Cousteau.

Calypso

Jacques-Yves Cousteau (communément connu en anglais sous le nom de Jacques Cousteau ; 11 juin 1910 – 25 juin 1997) était un officier de marine français, explorateur, défenseur de l'environnement, cinéaste, innovateur, scientifique, photographe, auteur et chercheur qui a étudié la mer et toutes ses formes. de la vie dans l'eau. Il a co-développé l'Aqua-lung, été un pionnier de la conservation marine et a été membre de l'Académie française. Cousteau a décrit ses recherches sur le monde sous-marin dans une série de livres, le plus réussi étant peut-être son premier livre, The Silent World: A Story of Undersea Discovery and Adventure, publié en 1953. Cousteau a également réalisé des films, notamment l'adaptation documentaire du livre. , Le Monde silencieux, qui remporte une Palme d'or au Festival de Cannes 1956. Il est resté le seul à remporter une Palme d'Or pour un film documentaire, jusqu'à ce que Michael Moore remporte le prix en 2004 pour Fahrenheit 9/11. Biographie Premières années Cousteau est né le 11 juin 1910, à Saint-André-de-Cubzac, Gironde, France de Daniel et Élisabeth Cousteau. Il avait un frère, Pierre-Antoine. Cousteau a terminé ses études préparatoires au Collège Stanislas à Paris. En 1930, il entre à l'École Navale et obtient le diplôme d'officier canonnier. Après qu'un accident d'automobile ait interrompu sa carrière dans l'aéronavale, Cousteau s'est laissé aller à la mer. L'accident lui a causé une fracture des deux bras et aurait même pu le tuer. Cela a obligé Cousteau à modifier ses projets pour devenir pilote naval, mais cela a finalement fonctionné grâce à sa passion pour l'océan. A Toulon, où il sert sur le Condorcet, Cousteau réalise ses premières expériences sous-marines, grâce à son ami Philippe Tailliez qui lui prête en 1936 des lunettes sous-marines Fernez, prédécesseurs des lunettes de natation modernes. Cousteau appartient également au service de renseignement de la Marine française et est envoyé en mission à Shanghai, au Japon (1935-1938) et en URSS (1939). Le 12 juillet 1937, il épouse Simone Melchior, avec qui il aura deux fils, Jean-Michel (né en 1938) et Philippe (1940-1979). Ses fils participèrent aux aventures de la Calypso. En 1991, un an après le décès de sa femme Simone des suites d'un cancer, il épouse Francine Triplet. Ils avaient déjà une fille Diane Cousteau (née en 1980) et un fils Pierre-Yves Cousteau (né en 1982), né lors du mariage de Cousteau avec sa première femme. Début des années 1940 : innovation de la plongée sous-marine moderne Les années de la Seconde Guerre mondiale furent décisives pour l’histoire de la plongée. Après l'armistice de 1940, la famille de Simone et Jacques-Yves Cousteau se réfugie à Megève, où il se lie d'amitié avec la famille Ichac qui y réside également. Jacques-Yves Cousteau et Marcel Ichac partageaient la même envie de révéler au grand public des lieux méconnus et inaccessibles : pour Cousteau le monde sous-marin et pour Ichac la haute montagne. Les deux voisins remportent le premier prix ex-aequo du Congrès du film documentaire en 1943, pour le premier film sous-marin français : Par dix-huit mètres de fond, réalisé sans appareil respiratoire l'année précédente dans les îles des Embiez. (Var) avec Philippe Tailliez et Frédéric Dumas, à l'aide d'un boîtier de caméra résistant à la pression en profondeur développé par l'ingénieur mécanicien Léon Vèche (ingénieur des Arts et Métiers et de l'Ecole Navale). En 1943, ils réalisent le film Épaves, dans lequel ils utilisent deux des tout premiers prototypes Aqua-Lung. Ces prototypes ont été réalisés à Boulogne-Billancourt par la société Air Liquide, selon les instructions de Cousteau et d'Émile Gagnan. Lors de la réalisation des Épaves, Cousteau n'a pas pu trouver les bobines vierges nécessaires de film cinématographique, mais a dû acheter des centaines de petites bobines de film pour appareil photo fixe de la même largeur, destinées à une marque d'appareil photo pour enfant, et les a cimentées ensemble pour en faire de longues bobines. Ayant gardé des liens avec les anglophones (il a passé une partie de son enfance aux Etats-Unis et parlait habituellement anglais) et avec les soldats français en Afrique du Nord (sous l'amiral Lemonnier), Jacques-Yves Cousteau (dont la villa "Baobab" à Sanary (Var ) se trouvait face à la villa « Reine » de l'amiral Darlan, aida la Marine française à rejoindre les Alliés ; il organisa une opération commando contre les services d'espionnage italiens en France et reçut plusieurs décorations militaires pour ses actes. A cette époque, il prend ses distances avec son frère Pierre-Antoine Cousteau, un « antisémite de plume » qui écrivait le journal collaborationniste Je suis partout et qui fut condamné à mort en 1946. Mais ce fut plus tard. commuée en peine d'emprisonnement à perpétuité et Pierre-Antoine est libéré en 1954. Au cours des années 1940, on attribue à Cousteau l'amélioration de la conception de l'aqua-poumon qui a donné naissance à la technologie de plongée en circuit ouvert utilisée aujourd'hui. Selon son premier livre, The Silent World: A Story of Undersea Discovery and Adventure (1953), Cousteau a commencé à plonger avec des lunettes Fernez en 1936 et a utilisé en 1939 l'appareil respiratoire sous-marin autonome inventé en 1926 par le commandant Yves le Prieur. Cousteau n'était pas satisfait de la durée qu'il pouvait passer sous l'eau avec l'appareil Le Prieur. Il l'a donc amélioré pour prolonger la durée sous l'eau en ajoutant un régulateur à la demande, inventé en 1942 par Émile Gagnan. En 1943, Cousteau testa le premier prototype d'aqua-poumon qui rendit enfin possible une exploration sous-marine étendue. Fin des années 40 : le GERS et Élie Monnier En 1946, Cousteau et Tailliez présentent le film "Épaves" à l'amiral Lemonnier, et celui-ci leur confie la responsabilité de créer le Groupement de Recherches Sous-marines (GRS) de la Marine nationale française à Toulon. Il devient un peu plus tard le GERS (Groupe d'Études et de Recherches Sous-Marines), puis le COMISMER ("COMmandement des Interventions Sous la MER", "Undersea Interventions Command"), et enfin plus récemment le CEPHISMER. En 1947, le premier maître Maurice Fargues devient le premier plongeur à mourir en plongée sous-marine alors qu'il tentait un nouveau record de profondeur avec le GERS près de Toulon. En 1948, entre missions de déminage, d'exploration sous-marine et d'essais technologiques et physiologiques, Cousteau entreprend une première campagne en Méditerranée à bord du sloop Élie Monnier, avec Philippe Tailliez, Frédéric Dumas, Jean Alinat et le cinéaste Marcel Ichac. La petite équipe a également entrepris l'exploration de l'épave romaine de Mahdia (Tunisie). Il s’agit de la première opération d’archéologie sous-marine utilisant la plongée autonome, ouvrant la voie à l’archéologie scientifique sous-marine. Cousteau et Marcel Ichac en ont rapporté le film plongeant Les Carnets (présenté et précédé au Festival de Cannes 1951). Cousteau et Élie Monnier participent ensuite au sauvetage du bathyscaphe du professeur Jacques Piccard, le FNRS-2, lors de l'expédition de 1949 à Dakar. Grâce à ce sauvetage, la Marine nationale a pu réutiliser la sphère du bathyscaphe pour construire le FNRS-3. Les aventures de cette période sont racontées dans les deux livres Le Monde silencieux (1953, de Cousteau et Dumas) et Plongées sans câble (1954, de Philippe Tailliez). 1950-1970 En 1949, Cousteau quitte la Marine nationale. En 1950, il fonde les Campagnes océanographiques françaises (FOC) et loue à Thomas Loel Guinness un navire appelé Calypso pour la somme symbolique d'un franc par an. Cousteau a réaménagé le Calypso en laboratoire mobile pour les recherches sur le terrain et en navire principal pour la plongée et le tournage. Il réalise également des fouilles archéologiques sous-marines en Méditerranée, notamment au Grand-Congloué (1952). Avec la publication de son premier livre en 1953, The Silent World, il prédit correctement l'existence des capacités d'écholocation des marsouins. Il rapporte que son navire de recherche, l'Élie Monier, se dirigeait vers le détroit de Gibraltar et a remarqué un groupe de marsouins qui les suivaient. Cousteau a changé de cap à quelques degrés du cap optimal vers le centre du détroit, et les marsouins l'ont suivi pendant quelques minutes, puis ont divergé à nouveau vers le milieu du chenal. Il était évident qu’ils savaient où se trouvait la voie optimale, même si les humains ne le savaient pas. Cousteau a conclu que les cétacés possédaient quelque chose comme un sonar, une fonctionnalité relativement nouvelle sur les sous-marins. Cousteau remporte la Palme d'Or au Festival de Cannes en 1956 pour Le Monde silencieux coproduit avec Louis Malle. En 1957, Cousteau prend la direction du Musée océanographique de Monaco. Par la suite, avec l'aide de Jean Mollard, il réalise une « soucoupe plongeante » SP-350, un engin sous-marin expérimental pouvant atteindre une profondeur de 350 mètres. L'expérience réussie fut rapidement répétée en 1965 avec deux véhicules atteignant 500 mètres. En 1957, il est élu directeur du Musée océanographique de Monaco. Il réalise Précontinent, sur les expériences de plongée en saturation (immersion de longue durée, maisons sous la mer), et est admis à la National Academy of Sciences des États-Unis. Il a participé à la création de la Confédération Mondiale des Activités Subaquatiques et en a été le premier président de 1959 à 1973. Cousteau a également participé à l'invention de la « soucoupe de plongée », qui était une invention idéale pour explorer les fonds marins, car elle permettait d'explorer sur un sol solide. En octobre 1960, une grande quantité de déchets radioactifs allait être rejetée en mer Méditerranée par le Commissariat à l'énergie atomique (CEA). Le CEA a fait valoir que les décharges étaient de nature expérimentale et que des océanographes français comme Vsevelod Romanovsky les avaient recommandées. Romanovsky et d'autres scientifiques français, dont Louis Fage et Jacques Cousteau, ont rejeté cette affirmation, affirmant que Romanovsky avait en tête un montant bien inférieur. Le CEA affirme qu'il y a peu de circulation (et donc peu d'inquiétudes) sur la décharge située entre Nice et la Corse, mais l'opinion publique française se range du côté des océanographes plutôt que du côté des scientifiques de l'énergie atomique du CEA. Le président du CEA, Francis Perrin, a décidé de reporter la décharge. Cousteau a organisé une campagne publicitaire qui, en moins de deux semaines, a obtenu un large soutien populaire. Le train transportant les déchets a été arrêté par des femmes et des enfants assis sur la voie ferrée et il a été renvoyé à son point d'origine. Une rencontre avec les sociétés de télévision américaines (ABC, Métromédia, NBC) donne naissance à la série Le Monde sous-marin de Jacques Cousteau, avec le personnage du commandant au bonnet rouge hérité de la tenue de plongée standard destinée à donner aux films un style « aventure personnalisée ». Cette série télévisée documentaire a duré dix ans, de 1966 à 1976. Une deuxième série documentaire, L'Odyssée Cousteau, a été diffusée de 1977 à 1982, entre autres. En 1970, il écrit le livre Le Requin : Splendid sauvage de la mer avec son fils Philippe. Dans ce livre, Cousteau décrit le requin océanique comme « le plus dangereux de tous les requins ». En 1973, avec ses deux fils et Frederick Hyman, il crée la Société Cousteau pour la protection de la vie océanique, Frederick Hyman en étant le premier président ; elle compte aujourd'hui plus de 300 000 membres. En 1975, John Denver a sorti la chanson hommage « Calypso » sur son album « Windsong » et sur la face B de sa chanson à succès « I'm Sorry ». "Calypso" est devenu un succès en soi et a ensuite été considéré comme la nouvelle face A, atteignant la deuxième place des charts. En décembre 1975, deux ans après la dernière éruption du volcan, la Société Cousteau tournait Voyage au bout du monde sur l'île de la Déception, en Antarctique, lorsque Michel Laval, commandant en second de Calypsos, fut heurté et tué par un rotor de l'hélicoptère qui transportait entre Calypso et l'île. En 1976, Cousteau découvre l'épave du HMHS Britannic. Il a également découvert l'épave du navire de ligne français La Thérèse du XVIIe siècle dans les eaux côtières de Crète. En 1977, il reçoit avec Peter Scott le prix international de l'environnement des Nations Unies. Le 28 juin 1979, alors que la Calypso était en expédition au Portugal, son deuxième fils Philippe, son successeur préféré et désigné et avec qui il avait coproduit tous ses films depuis 1969, décède dans un accident d'hydravion PBY Catalina dans le Tage. rivière près de Lisbonne. Cousteau en fut profondément affecté. Il appelle à ses côtés son fils aîné d'alors, l'architecte Jean-Michel. Cette collaboration a duré 14 ans. 1980-1990 De 1980 à 1981, il était un habitué de l'émission de téléréalité animalière These Amazing Animals, aux côtés de Burgess Meredith, Priscilla Presley et Jim Stafford. En 1980, Cousteau se rend au Canada pour réaliser deux films sur le fleuve Saint-Laurent et les Grands Lacs, Cris des profondeurs et Saint-Laurent : escalier vers la mer. En 1985, il reçoit la Médaille présidentielle de la liberté des mains de Ronald Reagan. Le 24 novembre 1988, il est élu à l'Académie française, chaise 17, succédant à Jean Delay. Sa réception officielle sous la coupole a lieu le 22 juin 1989, la réponse à son discours de réception étant donnée par Bertrand Poirot-Delpech. Après son décès, il est remplacé par Érik Orsenna le 28 mai 1998. En juin 1990, le compositeur Jean Michel Jarre rend hommage au commandant en intitulant son nouvel album En attendant Cousteau. Il a également composé la musique du documentaire de Cousteau « Palawan, le dernier refuge ». Le 2 décembre 1990, son épouse Simone Cousteau décède des suites d'un cancer. En juin 1991, à Paris, Jacques-Yves Cousteau se remarie avec Francine Triplet, avec qui il a eu (avant ce mariage) deux enfants, Diane et Pierre-Yves. Francine Cousteau poursuit actuellement le travail de son mari à la tête de la Fondation Cousteau et de la Cousteau Society. À partir de ce moment, les relations entre Jacques-Yves et son fils aîné se dégradent. En novembre 1991, Cousteau a accordé une interview au Courrier de l'UNESCO, dans laquelle il s'est déclaré favorable au contrôle de la population humaine et à sa diminution. Ces deux paragraphes de l'interview sont largement cités sur Internet : « Que devrions-nous faire pour éliminer la souffrance et la maladie ? C'est une idée merveilleuse, mais peut-être pas tout à fait bénéfique à long terme. Si nous essayons de la mettre en œuvre, nous risquons de mettre en péril le l'avenir de notre espèce... C'est terrible de devoir dire cela. La population mondiale doit être stabilisée et pour cela, nous devons éliminer 350 000 personnes par jour. C'est tellement horrible à envisager qu'il ne faut même pas le dire. La situation dans laquelle nous nous trouvons est lamentable". En 1992, il est invité à Rio de Janeiro, au Brésil, pour la Conférence internationale des Nations Unies sur l'environnement et le développement, puis devient consultant régulier auprès de l'ONU et de la Banque mondiale. En 1996, il poursuit en justice son fils qui souhaite ouvrir un centre de vacances nommé « Cousteau » aux îles Fidji. Le 11 janvier 1996, le Calypso a été percuté et coulé dans le port de Singapour par une barge. La Calypso a été renflouée et remorquée jusqu'en France. La mort Jacques-Yves Cousteau est décédé d'une crise cardiaque le 25 juin 1997 à Paris, à l'âge de 87 ans. Malgré des rumeurs persistantes, encouragées par certaines publications et sites Internet islamiques, Cousteau ne s'est pas converti à l'islam et, à sa mort, il a été enterré dans une demeure chrétienne catholique. funérailles. Il a été enterré dans le caveau familial à Saint-André-de-Cubzac en France. Un hommage lui a été rendu par la ville par l'inauguration d'une "rue du Commandant Cousteau", rue qui débouche sur sa maison natale, où une plaque commémorative a été apposée. Honneurs De son vivant, Jacques-Yves Cousteau a reçu ces distinctions : * Croix de guerre 1939-1945 (1945) * Médaille d'or spéciale de la National Geographic Society en 1961 * Commandeur de la Légion d'honneur (1972) * Officier de l'Ordre du Mérite Maritime (1980) * Grand Croix de l'Ordre National du Mérite (1985) * Médaille présidentielle américaine de la liberté (1985) * Intronisation au Temple de la renommée de la télévision (1987) * Commandeur de l'Ordre des Arts et des Lettres * Compagnon honoraire de l'Ordre d'Australie (26 janvier 1990) Héritage L'héritage de Cousteau comprend plus de 120 documentaires télévisés, plus de 50 livres et une fondation de protection de l'environnement comptant 300 000 membres. Cousteau aimait se qualifier de « technicien océanographique ». Il était en réalité un showman sophistiqué, un enseignant et un amoureux de la nature. Ses travaux ont permis à de nombreuses personnes d'explorer les ressources des océans. Ses travaux ont également créé un nouveau type de communication scientifique, critiqué à l’époque par certains universitaires. Le soi-disant « divulgationnisme », une manière simple de partager des concepts scientifiques, a rapidement été utilisé dans d'autres disciplines et est devenu l'une des caractéristiques les plus importantes de la radiodiffusion télévisuelle moderne. La Société Cousteau et son homologue française, l'Équipe Cousteau, toutes deux fondées par Jacques-Yves Cousteau, sont toujours actives aujourd'hui. La Société tente actuellement de transformer le Calypso original en musée et collecte des fonds pour construire un navire successeur, le Calypso II. Au cours de ses dernières années, après s'être remarié, Cousteau s'est retrouvé impliqué dans une bataille juridique avec son fils Jean-Michel au sujet de l'autorisation accordée par Jean-Michel au nom Cousteau pour une station balnéaire du Pacifique Sud, ce qui a valu à Jean-Michel Cousteau de recevoir l'ordre du tribunal de ne pas encourager confusion entre son entreprise à but lucratif et les activités à but non lucratif de son père. En 2007, l'International Watch Company a présenté l'édition spéciale IWC Aquatimer Chronograph "Cousteau Divers". La montre incorporait un éclat de bois provenant de l'intérieur du navire de recherche Calypso de Cousteau. Après avoir développé la montre de plongée, IWC a offert son soutien à la Cousteau Society. Les bénéfices de la vente des garde-temps ont été en partie reversés à l'organisation à but non lucratif impliquée dans la conservation de la vie marine et la préservation des récifs coralliens tropicaux. Opinions religieuses Bien qu'il ne soit pas particulièrement un homme religieux, Cousteau pensait que les enseignements des différentes grandes religions fournissaient des idéaux et des réflexions précieux pour protéger l'environnement. Dans un chapitre intitulé « Les Saintes Écritures et l'environnement » de l'ouvrage posthume L'Homme, l'Orchidée et la Poulpe, il est cité comme déclarant que « La gloire de la nature fournit la preuve que Dieu existe ». Filmographie Remarques * S = court métrage ; * F = long métrage ; * les autres films durent 45 minutes ; * * = le film n'existe pas sur la filmographie officielle ; * ** = l'année du film est supérieure d'un à celle de la filmographie officielle. Bibliographie Livres de Cousteau * Le Monde silencieux (1953, avec Frédéric Dumas) * Trésor sous-marin du Capitaine Cousteau (1959, avec James Dugan) * La Mer vivante (1963, avec James Dugan) * Monde sans soleil (1965) * Les Découvertes sous-marines de Jacques-Yves Cousteau (1970-1975, 8 volumes, avec Philippe Diolé) ** Le Requin : Splendide Sauvage des Mers (1970) ** Plongée pour un trésor englouti (1971) ** La vie et la mort dans une mer de corail (1971) ** La baleine : puissant monarque des mers (1972) ** Poulpe et calmar : l'intelligence douce (1973) ** Trois aventures : Galápagos, Titicaca, les Trous Bleus (1973) ** Compagnons de plongée : Otarie, Éléphant de mer, Morse (1974) ** Dauphins (1975) * Le monde océanique de Jacques Cousteau (1973-1978, 21 volumes) ** Oasis dans l'espace (vol 1) ** L'acte de vie (vol 2) ** Quête de nourriture (vol 3) ** Fenêtre sur la mer (vol 4) ** L'art du mouvement (vol 5) ** Attaque et défense (vol 6) ** Messages invisibles (vol 7) ** Instinct et intelligence (vol 8) ** Pharaons de la mer (vol 9) ** Mammifères dans la mer (vol 10) ** Provinces de la Mer (vol 11) ** L'homme rentre dans la mer (vol 12) ** Une mer de légendes (vol 13) ** Aventure de la vie (vol 14) ** Espace extérieur et intérieur (vol 15) ** Les Whitecaps (vol 16) ** Richesses de la mer (vol 17) ** Défis de la Mer (vol 18) ** La mer en danger (vol 19) ** Guide de la Mer et Index (vol 20) ** Calypso (1978, vol 21) * Une déclaration des droits pour les générations futures (1979) * La vie au fond du monde (1980) * L'Almanach Cousteau de l'environnement des États-Unis (1981, alias L'Almanach Cousteau de l'environnement : un inventaire de la vie sur une planète aquatique) * Calypso de Jacques Cousteau (1983, avec Alexis Sivirine) * La vie marine des Caraïbes (1984, avec James Cribb et Thomas H. Suchanek) * Le Voyage en Amazonie de Jacques Cousteau (1984, avec Mose Richards) *Jacques Cousteau : Le Monde Océan (1985) * La Baleine (1987, avec Philippe Diolé) * Jacques Cousteau : Baleines (1988, avec Yves Paccalet) * L'humain, l'orchidée et la pieuvre (et Susan Schiefelbein, co-auteur ; Bloomsbury 2007) Livres sur Cousteau * Undersea Explorer : L'histoire du capitaine Cousteau (1957) de James Dugan * Jacques Cousteau et le monde sous-marin (2000) de Roger King * Jacques-Yves Cousteau : Son histoire sous la mer (2002) de John Bankston * Jacques Cousteau : Une vie sous la mer (2008) de Kathleen Olmstead

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Quelle reine consort d'Angleterre est associée au château de Hever dans le Kent ?

Anne Boleyn

Le château de Hever est situé dans le village de Hever, dans le Kent, près d'Edenbridge, à 48 km au sud-est de Londres, en Angleterre. C'était à l'origine une maison de campagne construite au XIIIe siècle. De 1462 à 1539, c'était le siège de la famille Boleyn, à l'origine « Bullen ». Anne Boleyn, deuxième reine consort du roi Henri VIII d'Angleterre, y passa sa petite enfance, après que son père, Thomas Boleyn, en eut hérité en 1505. Il y était né en 1477 et le château lui passa à la mort de son père, Sir William Boleyn. Il devint plus tard la possession de la quatrième épouse du roi Henri, Anne de Clèves. Au XXIe siècle, le château est une attraction touristique. Histoire Il y a eu trois périodes principales dans la construction de ce château historique. La partie la plus ancienne du château date de 1270 et se composait de la guérite et d'une cour fortifiée. La deuxième période fut celle où le château, alors ayant besoin de réparations, fut transformé en manoir en 1462 par Geoffrey Boleyn, frère cadet de Thomas Boleyn, maître de Gonville Hall, Cambridge. Il a ajouté une demeure Tudor à l'intérieur des murs. La troisième période de réparation et de rénovation a eu lieu au XXe siècle, lorsqu'elle a été acquise par William Waldorf Astor. Le petit-fils de Geoffrey, Thomas Boleyn, hérita du château en 1505. Il y vécut avec son épouse Lady Elizabeth Howard et leurs enfants George, Mary et Anne (la future épouse d'Henri VIII). On ne sait pas si Anne est née à Hever (l'année de sa naissance n'est pas certaine) mais elle y vécut jusqu'à ce qu'elle soit envoyée aux Pays-Bas en 1513 pour recevoir une éducation à la cour de l'archiduchesse Marguerite. Henri VIII utilisait souvent le château voisin de Bolebroke pour faire la cour à Anne. La propriété est entrée en possession d'Henri VIII après la mort du père d'Anne, Thomas Boleyn, en 1539. Il l'a cédée à Anne de Clèves en 1540 dans le cadre du règlement suite à l'annulation de leur mariage. Le château de Hever possède toujours l'une des serrures privées d'Henri, qu'il emportait avec lui lors de ses diverses visites dans les maisons de nobles et qu'il installait sur chaque porte pour sa sécurité. Le bâtiment passa ensuite entre plusieurs propriétaires, dont la famille Waldegrave en 1557 et la famille Meade Waldo de 1749 à 1903. Au cours de cette dernière période de propriété, le château tomba en mauvais état, période pendant laquelle il fut loué à divers locataires privés. . En 1903, elle fut acquise et restaurée par le millionnaire américain William Waldorf Astor, qui l'utilisa comme résidence familiale. Il a ajouté le jardin italien pour exposer sa collection de statues et d'ornements. Depuis 1983, le château appartient à Broadland Properties Limited. Le domaine est désormais géré comme centre de conférence, mais le château et le parc sont ouverts au public. Attractions pour les touristes Le château de Hever est aujourd'hui une attraction touristique, s'appuyant sur ses liens avec Anne Boleyn et Henri VIII, ses labyrinthes, ses jardins et son lac. Il existe un programme d'événements annuel avec des événements variés, notamment des tournois de joutes et des démonstrations de tir à l'arc pendant les mois d'été et une exposition annuelle de patchwork et de courtepointe en septembre. Le château est également devenu le lieu d'un triathlon. L'exposition Castles to Country Houses contient une collection de maquettes de maisons à l'échelle 1/12 allant de la période médiévale à la période victorienne. Le château offre trois étages contenant des meubles anciens, des livres de prières d'Anne Boleyn, des instruments de torture et une grande collection de peintures Tudor. Il y a aussi un musée du Kent Yeomanry. Les restes de la charpente d'origine de la maison de campagne sont encore visibles dans les murs en pierre de la fortification, tandis que la guérite est la seule partie originale du château. Il possède la plus ancienne herse originale en état de marche en Angleterre. Le parc du château comprend un labyrinthe d'ifs, planté en 1904. Il existe également un labyrinthe d'eau, ouvert en 1999, dont le but est d'accéder à la folie du centre sans se mouiller, tandis que dans l'aire de jeux pour enfants, il y a un labyrinthe de tours. Les jardins du château contiennent un large éventail d'éléments, notamment un jardin à l'italienne (y compris Fernery), des roseraies, un jardin d'herbes aromatiques et des topiaires. Galerie Image:Château de Hever 12.JPG|Château de Hever Image:Vue latérale du château de Hever.jpg|Château de Hever - vue latérale Image : Labyrinthe aquatique du château de Hever.jpg | Le labyrinthe aquatique Image : Pont du château de Hever sur le lac Long.JPG | Un pont sur le lac Image:Roseraie du château de Hever avec fontaine.JPG|Une des roseraies Image :Statue sur le terrain du château de Hever.jpg |Statue dans le parc du château Image : Statue2 sur le terrain du château de Hever.jpg | Une autre statue dans le parc du château Image:Chalets du château de Hever près des douves.JPG|Chalets près du château Image : Jardins italiens du château de Hever2 (20/06/2014).JPG | Jardins italiens Image : Loggia du château de Hever1(20/06/2014).JPG|Loggia avec fontaine

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Quelle était la capitale des États-Unis entre 1785 et 1790 ??

New York

Les États-Unis d'Amérique (USA), communément appelés États-Unis (États-Unis) ou Amérique, sont une république fédérale composée de 50 États, du district fédéral de Washington, D.C., de cinq principaux territoires autonomes et de diverses possessions. Les 48 États et districts fédéraux contigus se trouvent au centre de l'Amérique du Nord, entre le Canada et le Mexique, l'État de l'Alaska se trouvant dans la partie nord-ouest de l'Amérique du Nord et l'État d'Hawaï comprenant un archipel au milieu du Pacifique. Les territoires sont dispersés autour de l'océan Pacifique et de la mer des Caraïbes. Avec une superficie de 3,8 millions de miles carrés (9,8 millions de km2) et une population de plus de 320 millions d'habitants, les États-Unis sont le troisième plus grand pays du monde en termes de superficie totale (et le quatrième en termes de superficie) et le troisième plus peuplé. C'est l'une des nations les plus diversifiées sur le plan ethnique et multiculturelle au monde, fruit d'une immigration à grande échelle en provenance de nombreux autres pays. La géographie et le climat sont également extrêmement diversifiés et le pays abrite une faune sauvage très variée. Les Paléo-Indiens ont migré d'Asie vers le continent nord-américain il y a au moins 15 000 ans, la colonisation européenne ayant débuté au XVIe siècle. Les États-Unis sont issus de 13 colonies britanniques situées le long de la côte Est. De nombreux conflits entre la Grande-Bretagne et les colonies ont conduit à la Révolution américaine, qui a débuté en 1775. Le 4 juillet 1776, alors que les colonies combattaient la Grande-Bretagne dans le cadre de la guerre d'indépendance américaine, les délégués des 13 colonies ont adopté à l'unanimité la Déclaration d'indépendance. La guerre prit fin en 1783 avec la reconnaissance de l'indépendance des États-Unis par la Grande-Bretagne et fut la première guerre d'indépendance réussie contre un empire colonial européen.Greene, Jack P. ; Pole, J.R., éd. (2008). Un compagnon de la Révolution américaine. pp. 352-361. La constitution actuelle a été adoptée en 1788, après que les articles de la Confédération, adoptés en 1781, aient été jugés insuffisants pour accorder des pouvoirs fédéraux. Les dix premiers amendements, collectivement appelés Déclaration des droits, ont été ratifiés en 1791 et conçus pour garantir de nombreuses libertés civiles fondamentales. Les États-Unis se sont lancés dans une expansion vigoureuse à travers l'Amérique du Nord tout au long du XIXe siècle, déplaçant les tribus amérindiennes, acquérant de nouveaux territoires et admettant progressivement de nouveaux États jusqu'à ce qu'ils s'étendent sur le continent en 1848. Au cours de la seconde moitié du XIXe siècle, l'American Civil La guerre a conduit à la fin de l'esclavage légal dans le pays. À la fin de ce siècle, les États-Unis s’étendaient jusqu’à l’océan Pacifique et leur économie, tirée en grande partie par la révolution industrielle, commençait à prendre son essor. La guerre hispano-américaine a confirmé le statut du pays en tant que puissance militaire mondiale. Les États-Unis sont devenus une superpuissance mondiale, le premier pays à développer des armes nucléaires, le seul pays à les utiliser dans des guerres et un membre permanent du Conseil de sécurité des Nations Unies. La fin de la guerre froide et la dissolution de l’Union soviétique en 1991 ont fait des États-Unis la seule superpuissance mondiale. Les États-Unis sont un pays très développé, avec la plus grande économie du monde en termes de PIB nominal et réel. Il se classe parmi les meilleurs dans plusieurs mesures de performance socio-économique, notamment le salaire moyen, le développement humain, le PIB par habitant et la productivité par personne. Alors que l’économie américaine est considérée comme post-industrielle, caractérisée par la domination des services, le secteur manufacturier reste le deuxième au monde. Bien que leur population ne représente que 4,4 % de la population mondiale, les États-Unis représentent près d'un quart du PIB mondial et près d'un tiers des dépenses militaires mondiales, ce qui en fait la première puissance militaire et économique du monde. Les États-Unis sont une force politique et culturelle de premier plan au niveau international et un leader en matière de recherche scientifique et d'innovations technologiques. Cohen, 2004 : History and the HyperpowerBBC, avril 2008 : Country Profile : United States of America Étymologie En 1507, le cartographe allemand Martin Waldseemüller a produit une carte du monde sur laquelle il a nommé les terres de l'hémisphère occidental « Amérique » en l'honneur de l'explorateur et cartographe italien Amerigo Vespucci (latin : Americus Vespucius). La première preuve de l'expression « États-Unis d'Amérique » se trouve dans une lettre du 2 janvier 1776, du bureau du général George Washington, qui exprimait son souhait d'apporter « les pleins et amples pouvoirs des États-Unis d'Amérique » à l'Espagne. pour contribuer à l’effort de guerre révolutionnaire. La première publication connue de l'expression « États-Unis d'Amérique » était dans un essai anonyme paru dans le journal The Virginia Gazette à Williamsburg, en Virginie, le 6 avril 1776. La deuxième ébauche des articles de la Confédération, préparée par John Dickinson et complétée par Le 17 juin 1776 au plus tard, il fut déclaré : « Le nom de cette Confédération sera les « États-Unis d'Amérique ». » La version finale des articles envoyés aux États pour ratification à la fin de 1777 contient la phrase « Le style de cette La Confédération sera « Les États-Unis d'Amérique ». En juin 1776, Thomas Jefferson a écrit l'expression « ÉTATS-UNIS D'AMÉRIQUE » en majuscules dans le titre de son « avant-projet original » de la Déclaration d'indépendance. n'a fait surface que le 21 juin 1776, et il n'est pas clair s'il a été écrit avant ou après que Dickinson ait utilisé le terme dans son projet du 17 juin des articles de la Confédération. Dans la version finale de la Déclaration du 4 juillet, le titre a été modifié. lire : "La Déclaration unanime des treize États-Unis d'Amérique". Le préambule de la Constitution stipule « ... établit cette Constitution pour les États-Unis d'Amérique ». La forme abrégée « États-Unis » est également standard. D'autres formes courantes sont les « États-Unis », les « États-Unis » et « l'Amérique ». Les noms familiers sont les « États-Unis d'Amérique ». et, au niveau international, les « États ». « Columbia », un nom populaire dans la poésie et les chansons de la fin des années 1700, tire son origine de Christophe Colomb ; il apparaît sous le nom « District de Columbia ». Dans les langues non anglaises, le nom est souvent la traduction des « États-Unis » ou des « États-Unis d'Amérique », et familièrement par « Amérique ». De plus, une abréviation (par exemple USA) est parfois utilisée. L'expression « États-Unis » était à l'origine au pluriel, une description d'un ensemble d'États indépendants – par exemple « les États-Unis sont » – y compris dans le treizième amendement à la Constitution des États-Unis, ratifié en 1865. La forme singulière – par exemple « les États-Unis sont » les États-Unis sont »- est devenu populaire après la fin de la guerre civile américaine. La forme singulière est désormais standard ; la forme plurielle est conservée dans l'idiome « ​​ces États-Unis ». La différence est plus significative que l’usage ; c'est une différence entre une collection d'états et une unité. Un citoyen des États-Unis est un « Américain ». "États-Unis", "Américain" et "U.S." faire référence au pays par un adjectif (« valeurs américaines », « forces américaines »). « Américain » fait rarement référence à des sujets qui ne sont pas liés aux États-Unis. Histoire Contact autochtone et européen Les premiers habitants de l'Amérique du Nord ont émigré de Sibérie via le pont terrestre de Béring et sont arrivés il y a au moins 15 000 ans, bien que de plus en plus de preuves suggèrent une arrivée encore plus précoce. Certaines, comme la culture mississippienne précolombienne, ont développé une agriculture avancée, une grande architecture et des sociétés au niveau de l'État. Après les premiers contacts des conquistadors espagnols, la population indigène a décliné pour diverses raisons, principalement à cause de maladies telles que la variole et la rougeole. La violence n'a pas été un facteur significatif dans le déclin global des Amérindiens, même si les conflits entre eux et avec les Européens ont affecté des tribus spécifiques et diverses colonies. Dans les îles hawaïennes, les premiers habitants indigènes sont arrivés vers 1 après JC en provenance de Polynésie. Les Européens dirigés par l'explorateur britannique, le capitaine James Cook, sont arrivés dans les îles hawaïennes en 1778. Au début de la colonisation, de nombreux colons européens ont été victimes de pénuries alimentaires, de maladies et d'attaques de la part des Amérindiens. Les Amérindiens étaient également souvent en guerre contre les tribus voisines et alliés aux Européens dans leurs guerres coloniales. Cependant, dans le même temps, de nombreux autochtones et colons en sont venus à dépendre les uns des autres. Les colons faisaient du commerce contre de la nourriture et des peaux d'animaux, les autochtones contre des armes, des munitions et d'autres marchandises européennes. Les autochtones ont enseigné à de nombreux colons où, quand et comment cultiver le maïs, les haricots et les courges. Les missionnaires européens et d'autres estimaient qu'il était important de « civiliser » les Amérindiens et les exhortaient à adopter les techniques agricoles et les modes de vie européens. Règlements Après que l'Espagne ait envoyé Colomb faire son premier voyage vers le Nouveau Monde en 1492, d'autres explorateurs ont suivi. Les Espagnols établirent de petites colonies au Nouveau-Mexique et en Floride. La France comptait plusieurs petites colonies le long du fleuve Mississippi. La colonisation anglaise réussie sur la côte est de l'Amérique du Nord a commencé avec la colonie de Virginie en 1607 à Jamestown et la colonie des pèlerins de Plymouth en 1620. Les premières expériences de vie en communauté ont échoué jusqu'à l'introduction des exploitations agricoles privées. De nombreux colons étaient des groupes chrétiens dissidents venus chercher la liberté religieuse. La première assemblée législative élue du continent, la Chambre des Bourgeois de Virginie créée en 1619, et le Mayflower Compact, signé par les pèlerins avant leur débarquement, ont établi des précédents pour le modèle d'autonomie représentative et de constitutionnalisme qui se développerait dans toutes les colonies américaines. La plupart des colons de chaque colonie étaient de petits agriculteurs, mais d'autres industries se sont développées en quelques décennies, aussi variées que les colonies. Les cultures commerciales comprenaient le tabac, le riz et le blé. Les industries d'extraction se sont développées dans les domaines des fourrures, de la pêche et du bois. Les fabricants produisaient du rhum et des navires et, à la fin de la période coloniale, les Américains produisaient un septième de la production mondiale de fer. Les villes ont finalement parsemé la côte pour soutenir les économies locales et servir de pôles commerciaux. Les colons anglais ont été complétés par des vagues de groupes écossais-irlandais et autres. À mesure que les terres côtières devenaient de plus en plus chères, les serviteurs sous contrat libérés poussèrent plus à l'ouest. La culture de rente par les esclaves a commencé avec les Espagnols dans les années 1500 et a été adoptée par les Anglais, mais l'espérance de vie était beaucoup plus élevée en Amérique du Nord en raison de la diminution des maladies et de l'amélioration de la nourriture et des traitements, ce qui a entraîné une augmentation rapide du nombre d'esclaves. La société coloniale était largement divisée sur les implications religieuses et morales de l'esclavage et les colonies ont adopté des lois pour et contre cette pratique. Lien, 1913, p. 522Davis, 1996, p. 7 Mais au tournant du XVIIIe siècle, les esclaves africains remplaçaient les serviteurs sous contrat pour le travail dans les cultures de rente, en particulier dans les régions du sud. Avec la colonisation britannique de la Géorgie en 1732, les 13 colonies qui allaient devenir les États-Unis d'Amérique furent établies. Tous avaient des gouvernements locaux avec des élections ouvertes à la plupart des hommes libres, avec un dévouement croissant aux anciens droits des Anglais et un sentiment d'autonomie stimulant le soutien au républicanisme. Avec des taux de natalité extrêmement élevés, de faibles taux de mortalité et une installation stable, la population coloniale a augmenté rapidement. Des populations amérindiennes relativement petites ont été éclipsées. Le mouvement de renouveau chrétien des années 1730 et 1740, connu sous le nom de Grand Réveil, a alimenté l’intérêt pour la religion et la liberté religieuse. Lors de la guerre française et indienne, les forces britanniques ont pris le Canada aux mains des Français, mais la population francophone est restée politiquement isolée des colonies du sud. En excluant les Amérindiens, qui étaient conquis et déplacés, ces 13 colonies comptaient plus de 2,1 millions d'habitants en 1770, soit environ un tiers de celle de la Grande-Bretagne. Malgré l’arrivée continue de nouveaux arrivants, le taux d’accroissement naturel était tel que dans les années 1770, seule une petite minorité d’Américains était née à l’étranger. L'éloignement des colonies de la Grande-Bretagne avait permis le développement de l'autonomie gouvernementale, mais leur succès incitait les monarques à chercher périodiquement à réaffirmer l'autorité royale. Indépendance et expansion (1776-1865) La guerre d’indépendance américaine a été la première guerre d’indépendance coloniale réussie contre une puissance européenne. Les Américains avaient développé une idéologie de « républicanisme » affirmant que le gouvernement reposait sur la volonté du peuple exprimée dans leurs législatures locales. Ils réclamaient leurs droits en tant qu'Anglais, « pas d'impôt sans représentation ». Les Britanniques ont insisté pour administrer l’empire par l’intermédiaire du Parlement, et le conflit a dégénéré en guerre. Suite à l'adoption de la résolution Lee, le 2 juillet 1776, qui constituait le véritable vote pour l'indépendance, le deuxième congrès continental adopta le 4 juillet la Déclaration d'indépendance, qui proclamait, dans un long préambule, que l'humanité est créée égale dans leurs droits inaliénables et que ces droits n'étaient pas protégés par la Grande-Bretagne, et déclara, selon les termes de la résolution, que les Treize Colonies étaient des États indépendants et n'avaient aucune allégeance à la couronne britannique aux États-Unis. Le quatrième jour du mois de juillet est célébré chaque année comme le Jour de l'Indépendance. En 1777, les articles de la Confédération établissent un gouvernement faible qui fonctionnera jusqu'en 1789. La Grande-Bretagne a reconnu l'indépendance des États-Unis après leur défaite à Yorktown. Dans le traité de paix de 1783, la souveraineté américaine a été reconnue depuis la côte atlantique jusqu’au fleuve Mississippi. Les nationalistes ont dirigé la Convention de Philadelphie de 1787 en rédigeant la Constitution des États-Unis, ratifiée dans les conventions des États en 1788. Le gouvernement fédéral a été réorganisé en trois branches, sur le principe de la création de freins et contrepoids salutaires, en 1789. George Washington, qui avait dirigé la Convention de Philadelphie de 1787. armée révolutionnaire à la victoire, fut le premier président élu selon la nouvelle constitution. La Déclaration des droits, interdisant la restriction fédérale des libertés individuelles et garantissant une série de protections juridiques, a été adoptée en 1791. Bien que le gouvernement fédéral ait criminalisé la traite internationale des esclaves en 1808, après 1820, la culture du coton, très rentable, a explosé dans le Grand Sud, et avec elle, la population esclave. Le Deuxième Grand Réveil, qui commença vers 1800, convertit des millions de personnes au protestantisme évangélique. Dans le Nord, il a dynamisé de multiples mouvements de réforme sociale, notamment l’abolitionnisme ; dans le Sud, méthodistes et baptistes faisaient du prosélytisme auprès des populations esclaves. L'empressement des Américains à s'étendre vers l'ouest a provoqué une longue série de guerres amérindiennes. L'achat par la Louisiane du territoire revendiqué par les Français en 1803 a presque doublé la taille de la nation. La guerre de 1812, déclarée contre la Grande-Bretagne à la suite de divers griefs et menée sur un score nul, a renforcé le nationalisme américain. Une série d'incursions militaires américaines en Floride a conduit l'Espagne à la céder ainsi que d'autres territoires de la côte du Golfe en 1819. L'expansion a été favorisée par la puissance de la vapeur, lorsque les bateaux à vapeur ont commencé à voyager le long des grands systèmes d'eau américains, qui étaient reliés par de nouveaux canaux, tels que l'Érié et l'Érié. l'I&M ; puis, des chemins de fer encore plus rapides ont commencé à s'étendre à travers le pays. De 1820 à 1850, la démocratie jacksonienne a entamé une série de réformes qui comprenaient un suffrage masculin plus large ; cela a conduit à la montée du système du deuxième parti composé de démocrates et de whigs en tant que partis dominants de 1828 à 1854. La piste des larmes dans les années 1830 illustre la politique d'expulsion des Indiens qui a déplacé les Indiens vers l'ouest vers leurs propres réserves. Les États-Unis ont annexé la République du Texas en 1845, au cours d’une période de destinée expansionniste manifeste. Le traité de l’Oregon de 1846 avec la Grande-Bretagne a conduit les États-Unis à prendre le contrôle de l’actuel nord-ouest américain. La victoire dans la guerre américano-mexicaine a abouti à la cession mexicaine de la Californie en 1848 et d'une grande partie du sud-ouest américain actuel. La ruée vers l'or en Californie de 1848 à 1849 a stimulé la migration vers l'ouest et la création d'États occidentaux supplémentaires. Après la guerre civile américaine, les nouveaux chemins de fer transcontinentaux ont facilité la réinstallation des colons, élargi le commerce intérieur et accru les conflits avec les Amérindiens. Pendant un demi-siècle, la perte du bison d'Amérique (parfois appelé « buffle ») a été un coup existentiel pour de nombreuses cultures des Indiens des Plaines. En 1869, une nouvelle politique de paix visait à protéger les Amérindiens contre les abus, à éviter de nouvelles guerres et à garantir leur éventuelle citoyenneté américaine, bien que des conflits, y compris plusieurs des plus grandes guerres indiennes, se soient poursuivis dans tout l'Occident jusque dans les années 1900. Smith (2001) , Subvention, pp. 523-526 Guerre civile et époque de reconstruction Les différences d'opinion et d'ordre social entre les États du nord et du sud au début de la société américaine, en particulier en ce qui concerne l'esclavage des Noirs, ont finalement conduit les États-Unis à entrer dans la guerre civile américaine. Initialement, les États entrant dans l'Union alternaient entre États esclaves et États libres, gardant un équilibre sectoriel au Sénat, tandis que les États libres devançaient les États esclavagistes en termes de population et à la Chambre des représentants. Mais avec l’ajout de territoires occidentaux et davantage d’États libres, les tensions entre États esclaves et États libres se sont intensifiées avec des disputes sur le fédéralisme et la répartition des territoires, sur l’opportunité et la manière d’étendre ou de restreindre l’esclavage. Avec l'élection en 1860 d'Abraham Lincoln, premier président du Parti républicain largement anti-esclavagiste, les conventions de treize États esclavagistes ont finalement déclaré la sécession et formé les États confédérés d'Amérique, tandis que le gouvernement américain maintenait que la sécession était illégale. La guerre qui s'ensuivit fut d'abord pour l'Union, puis après 1863, alors que les pertes augmentaient et que Lincoln délivrait sa proclamation d'émancipation, un deuxième objectif de guerre devint l'abolition de l'esclavage. Cette guerre reste le conflit militaire le plus meurtrier de l’histoire américaine, entraînant la mort d’environ 618 000 soldats ainsi que de nombreux civils. Après la victoire de l’Union en 1865, trois amendements à la Constitution américaine interdisèrent l’esclavage, accordèrent la citoyenneté américaine aux près de quatre millions d’Afro-Américains qui avaient été esclaves et leur promirent le droit de vote. La guerre et sa résolution ont conduit à une augmentation substantielle du pouvoir fédéral visant à réintégrer et à reconstruire les États du Sud tout en garantissant les droits des esclaves nouvellement libérés. Après l’ère de la reconstruction, dans tout le Sud, les lois Jim Crow ont rapidement privé de leurs droits la plupart des Noirs et certains Blancs pauvres. Au cours des décennies suivantes, tant au Nord qu’au Sud, les Noirs et certains Blancs ont été confrontés à une discrimination systémique, notamment à la ségrégation raciale et à des violences occasionnelles d’autodéfense, déclenchant des mouvements nationaux contre ces abus. Industrialisation Au Nord, l'urbanisation et un afflux sans précédent d'immigrants en provenance de l'Europe du Sud et de l'Est ont fourni un excédent de main-d'œuvre pour l'industrialisation du pays et transformé sa culture. Les infrastructures nationales, notamment le télégraphe et les chemins de fer transcontinentaux, ont stimulé la croissance économique et une plus grande colonisation et développement du vieil ouest américain. L’invention ultérieure de la lumière électrique et du téléphone affectera également la communication et la vie urbaine. La fin des guerres indiennes a encore élargi les superficies cultivées mécaniquement, augmentant ainsi les excédents pour les marchés internationaux. L'expansion du continent a été achevée par l'achat de l'Alaska à la Russie en 1867. En 1893, des éléments pro-américains à Hawaï ont renversé la monarchie et formé la République d'Hawaï, que les États-Unis ont annexée en 1898. Porto Rico, Guam et les Philippines ont été cédées. par l'Espagne la même année, à la suite de la guerre hispano-américaine. Le développement économique rapide de la fin du XIXe siècle a donné naissance à de nombreux industriels de premier plan et l’économie américaine est devenue la plus grande du monde. Des changements dramatiques se sont accompagnés de troubles sociaux et de la montée de mouvements populistes, socialistes et anarchistes. Cette période s'est finalement terminée avec l'avènement de l'ère progressiste, qui a vu des réformes significatives dans de nombreux domaines sociétaux, notamment le droit de vote des femmes, l'interdiction de l'alcool, la réglementation des biens de consommation, des mesures antitrust plus strictes pour garantir la concurrence et l'attention portée aux conditions des travailleurs. Première Guerre mondiale, Grande Dépression et Seconde Guerre mondiale Les États-Unis sont restés neutres depuis le déclenchement de la Première Guerre mondiale, en 1914, jusqu'en 1917, date à laquelle ils ont rejoint la guerre en tant que « puissance associée », aux côtés des Alliés officiels de la Première Guerre mondiale, contribuant ainsi à inverser la tendance contre les puissances centrales. En 1919, le président Woodrow Wilson a joué un rôle diplomatique de premier plan lors de la Conférence de paix de Paris et a fortement plaidé pour que les États-Unis rejoignent la Société des Nations. Cependant, le Sénat a refusé d'approuver cette proposition et n'a pas ratifié le Traité de Versailles qui a établi la Société des Nations. En 1920, le mouvement pour les droits des femmes a obtenu l'adoption d'un amendement constitutionnel accordant le droit de vote aux femmes. Les années 1920 et 1930 ont vu l’essor de la radio pour la communication de masse et l’invention de la première télévision. La prospérité des années folles a pris fin avec le krach de Wall Street de 1929 et le début de la Grande Dépression. Après son élection à la présidence en 1932, Franklin D. Roosevelt a répondu avec le New Deal, qui comprenait la création du système de sécurité sociale. La grande migration de millions d’Afro-Américains hors du Sud des États-Unis a commencé avant la Première Guerre mondiale et s’est étendue jusqu’aux années 1960 ; tandis que le Dust Bowl du milieu des années 1930 a appauvri de nombreuses communautés agricoles et stimulé une nouvelle vague de migration vers l’ouest. Au début, effectivement neutres pendant la Seconde Guerre mondiale, alors que l'Allemagne conquérait une grande partie de l'Europe continentale, les États-Unis commencèrent à fournir du matériel aux Alliés en mars 1941 dans le cadre du programme de prêt-bail. Le 7 décembre 1941, l’Empire du Japon lance une attaque surprise sur Pearl Harbor, incitant les États-Unis à rejoindre les Alliés contre les puissances de l’Axe. Pendant la guerre, les États-Unis étaient considérés comme l’un des « quatre policiers » de la puissance alliée qui se sont réunis pour planifier le monde d’après-guerre, aux côtés de la Grande-Bretagne, de l’Union soviétique et de la Chine. Bien que la nation ait perdu plus de 400 000 soldats, elle est sortie relativement indemne de la guerre, avec une influence économique et militaire encore plus grande. Les États-Unis ont joué un rôle de premier plan dans les conférences de Bretton Woods et de Yalta avec le Royaume-Uni, l'Union soviétique et d'autres alliés, qui ont signé des accords sur de nouvelles institutions financières internationales et sur la réorganisation de l'Europe d'après-guerre. Alors qu’une victoire alliée était remportée en Europe, une conférence internationale tenue à San Francisco en 1945 a produit la Charte des Nations Unies, qui est entrée en vigueur après la guerre. Les États-Unis ont développé les premières armes nucléaires et les ont utilisées contre le Japon ; les Japonais se rendirent le 2 septembre, mettant fin à la Seconde Guerre mondiale. L'ère de la guerre froide et des droits civiques Après la Seconde Guerre mondiale, les États-Unis et l'Union soviétique se sont affrontés pour le pouvoir au cours de ce que l'on appelle la guerre froide, motivés par une division idéologique entre le capitalisme et le communisme et, selon l'école de géopolitique, une division entre l'Atlantique maritime et le continent. Camps eurasiens. Ils dominaient les affaires militaires de l’Europe, avec les États-Unis et leurs alliés de l’OTAN d’un côté et l’URSS et leurs alliés du Pacte de Varsovie de l’autre. Les États-Unis ont développé une politique d’endiguement face à l’expansion de l’influence communiste. Alors que les États-Unis et l’Union soviétique se livraient à des guerres par procuration et développaient de puissants arsenaux nucléaires, les deux pays évitaient un conflit militaire direct. Les États-Unis se sont souvent opposés aux mouvements du tiers-monde qu’ils considéraient comme parrainés par les Soviétiques. Les troupes américaines ont combattu les forces communistes chinoises et nord-coréennes pendant la guerre de Corée de 1950-1953. Le lancement par l'Union soviétique du premier satellite artificiel en 1957 et le lancement en 1961 du premier vol spatial habité ont déclenché une « course à l'espace » dans laquelle les États-Unis sont devenus le premier pays à poser un homme sur la Lune en 1969. Une guerre par procuration en Asie du Sud-Est a finalement évolué vers une participation américaine à part entière, comme la guerre du Vietnam. Sur le plan intérieur, les États-Unis ont connu une expansion économique soutenue et une croissance rapide de leur population et de leur classe moyenne. La construction d'un réseau routier interétatique a transformé l'infrastructure du pays au cours des décennies suivantes. Des millions de personnes ont quitté les fermes et les centres-villes pour s'installer dans de grands lotissements de banlieue. En 1959, Hawaï est devenu le 50e et dernier État américain ajouté au pays. Un mouvement croissant pour les droits civiques a utilisé la non-violence pour lutter contre la ségrégation et la discrimination, Martin Luther King Jr. devenant un leader et une figure de proue de premier plan. Une combinaison de décisions de justice et de législation, aboutissant à la loi sur les droits civils de 1964, visait à mettre fin à la discrimination raciale. Pendant ce temps, un mouvement de contre-culture s’est développé, alimenté par l’opposition à la guerre du Vietnam, au nationalisme noir et à la révolution sexuelle. Le lancement d'une « guerre contre la pauvreté » a élargi les droits sociaux et les dépenses sociales. Les années 1970 et le début des années 1980 ont vu le début de la stagflation. Après son élection en 1980, le président Ronald Reagan a répondu à la stagnation économique par des réformes orientées vers le libre marché. Après l’effondrement de la détente, il a abandonné le « confinement » et a lancé la stratégie plus agressive de « retour en arrière » à l’égard de l’URSS. Après une forte augmentation de la participation des femmes au marché du travail au cours de la décennie précédente, en 1985, la majorité des femmes âgées de 16 ans et plus étaient employées. La fin des années 1980 a marqué un « dégel » dans les relations avec l’URSS, et son effondrement en 1991 a finalement mis fin à la guerre froide. Cela a entraîné une unipolarité, les États-Unis étant incontestés en tant que superpuissance dominante du monde. Le concept de Pax Americana, apparu après la Seconde Guerre mondiale, a gagné en popularité en tant que terme désignant le nouvel ordre mondial de l’après-guerre froide. Histoire contemporaine Après la guerre froide, les années 1990 ont été marquées par la plus longue expansion économique de l'histoire moderne des États-Unis, qui s'est terminée en 2001. Né dans les réseaux de défense américains, Internet s'est étendu aux réseaux universitaires internationaux, puis au public dans les années 1990, affectant ainsi grandement l'économie mondiale. la société et la culture. Le 11 septembre 2001, des terroristes d'Al-Qaïda ont frappé le World Trade Center à New York et le Pentagone près de Washington, D.C., tuant près de 3 000 personnes. En réponse, les États-Unis ont lancé la guerre contre le terrorisme, qui comprenait la guerre en Afghanistan et la guerre en Irak de 2003 à 2011. À partir de 1994, les États-Unis ont signé l’Accord de libre-échange nord-américain (ALENA), reliant 450 millions de personnes produisant pour 17 000 milliards de dollars de biens et de services. L'objectif de l'accord était d'éliminer les barrières commerciales et d'investissement entre les États-Unis, le Canada et le Mexique d'ici le 1er janvier 2008 ; les échanges commerciaux entre les partenaires ont grimpé en flèche depuis l'entrée en vigueur de l'accord. Accord (ALENA)"] Bureau du représentant commercial des États-Unis. Récupéré le 11 janvier 2015. Barack Obama, le premier président afro-américain et multiracial, a été élu en 2008 au milieu de la Grande Récession, qui a débuté en décembre 2007 et s'est terminée en juin 2009. Géographie, climat et environnement La superficie des États-Unis contigus est de 2959064 milles carrés. L'Alaska, séparé des États-Unis contigus par le Canada, est le plus grand État avec une superficie de 663 268 milles carrés. Hawaï, occupant un archipel du Pacifique central, au sud-ouest de l'Amérique du Nord, a une superficie de 10 931 milles carrés. Les territoires peuplés de Porto Rico, des Samoa américaines, de Guam, des îles Mariannes du Nord et des îles Vierges américaines couvrent ensemble 9 185 milles carrés. Les États-Unis sont le troisième ou le quatrième pays du monde en termes de superficie totale (terres et eaux), derrière la Russie et le Canada et juste au-dessus ou en dessous de la Chine. Le classement varie en fonction de la manière dont sont comptés les deux territoires disputés par la Chine et l'Inde et de la façon dont la taille totale des États-Unis est mesurée : les calculs vont de 3 676 486 milles carrés à 3 717 813 milles carrés, en passant par 3 796 742 milles carrés et 3 805 927 milles carrés (9,9 Mm2). En termes de superficie, les États-Unis occupent la troisième place derrière la Russie et la Chine, juste devant le Canada. La plaine côtière de la côte atlantique cède la place, plus à l'intérieur des terres, aux forêts de feuillus et aux collines du Piémont. Les Appalaches séparent la côte est des Grands Lacs et des prairies du Midwest. Le fleuve Mississippi-Missouri, le quatrième plus long système fluvial du monde, s'étend principalement du nord au sud à travers le cœur du pays. La prairie plate et fertile des Grandes Plaines s'étend à l'ouest, interrompue par une région de hautes terres au sud-est. Les montagnes Rocheuses, à l'extrémité ouest des Grandes Plaines, s'étendent du nord au sud à travers le pays, atteignant des altitudes supérieures à 14 000 pieds dans le Colorado. Plus à l'ouest se trouvent le Grand Bassin rocheux et les déserts tels que celui de Chihuahua et de Mojave. Les chaînes de montagnes de la Sierra Nevada et des Cascades s'étendent à proximité de la côte du Pacifique, les deux chaînes atteignant des altitudes supérieures à 14 000 pieds. Les points les plus bas et les plus élevés des États-Unis contigus se trouvent dans l'État de Californie et ne sont distants que d'environ 84 milles. À une altitude de 20 310 pieds, le Denali (mont McKinley) en Alaska est le plus haut sommet du pays et d'Amérique du Nord. Les volcans actifs sont courants dans toutes les îles Alexandre et Aléoutiennes de l'Alaska, et Hawaï est constitué d'îles volcaniques. Le supervolcan sous-jacent au parc national de Yellowstone, dans les Rocheuses, est la plus grande formation volcanique du continent. Les États-Unis, avec leur grande taille et leur diversité géographique, comprennent la plupart des types de climat. À l’est du 100e méridien, le climat varie du continental humide au nord au subtropical humide au sud. Les grandes plaines à l'ouest du 100e méridien sont semi-arides. Une grande partie des montagnes occidentales ont un climat alpin. Le climat est aride dans le Grand Bassin, désertique dans le sud-ouest, méditerranéen sur la côte californienne et océanique sur la côte de l'Oregon, de l'État de Washington et du sud de l'Alaska. La majeure partie de l'Alaska est subarctique ou polaire. Hawaï et la pointe sud de la Floride sont des régions tropicales, tout comme les territoires peuplés des Caraïbes et du Pacifique. Les conditions météorologiques extrêmes ne sont pas rares : les États bordant le golfe du Mexique sont sujets aux ouragans, et la plupart des tornades du monde se produisent à l'intérieur du pays, principalement dans les zones de Tornado Alley, dans le Midwest et le Sud. Faune L’écologie des États-Unis est très diversifiée : environ 17 000 espèces de plantes vasculaires sont présentes dans les États contigus des États-Unis et en Alaska, et plus de 1 800 espèces de plantes à fleurs se trouvent à Hawaï, dont quelques-unes se trouvent sur le continent. Les États-Unis abritent 428 espèces de mammifères, 784 espèces d'oiseaux, 311 espèces de reptiles et 295 espèces d'amphibiens. Environ 91 000 espèces d'insectes ont été décrites. Le pygargue à tête blanche est à la fois l'oiseau et l'animal national des États-Unis, et constitue un symbole durable du pays lui-même. Il existe 58 parcs nationaux et des centaines d’autres parcs, forêts et zones sauvages gérés par le gouvernement fédéral. Au total, le gouvernement possède environ 28 % de la superficie du pays. La majeure partie est protégée, bien qu'une partie soit louée pour le forage pétrolier et gazier, l'exploitation minière, l'exploitation forestière ou l'élevage de bétail ; environ 0,86 % est utilisé à des fins militaires. Les questions environnementales sont à l'ordre du jour national depuis 1970. Les controverses environnementales comprennent des débats sur le pétrole et l'énergie nucléaire, la pollution de l'air et de l'eau, les coûts économiques de la protection de la faune, de l'exploitation forestière et de la déforestation, ainsi que les réponses internationales au réchauffement climatique. De nombreuses agences fédérales et étatiques sont impliquées. La plus importante est l’Environmental Protection Agency (EPA), créée par décret présidentiel en 1970. La notion de nature sauvage a façonné la gestion des terres publiques depuis 1964, avec le Wilderness Act. La loi sur les espèces menacées de 1973 vise à protéger les espèces menacées et en voie de disparition ainsi que leurs habitats, qui sont surveillés par le Fish and Wildlife Service des États-Unis. Données démographiques Population Le Bureau du recensement des États-Unis a estimé la population du pays à 323 425 550 habitants au 25 avril 2016, et à 1 personne supplémentaire (gain net) toutes les 13 secondes, soit environ 6 646 personnes par jour. La population américaine a presque quadruplé au cours du XXe siècle, passant d'environ 76 millions d'habitants en 1900. Troisième pays le plus peuplé du monde, après la Chine et l'Inde, les États-Unis sont le seul grand pays industrialisé dans lequel de fortes augmentations démographiques sont prévues. Dans les années 1800, une femme moyenne avait 7,04 enfants ; dans les années 1900, ce nombre était tombé à 3,56. Depuis le début des années 1970, le taux de natalité est inférieur au taux de remplacement de 2,1, avec 1,86 enfants par femme en 2014. L'immigration née à l'étranger a entraîné une croissance rapide de la population américaine, la population née à l'étranger ayant doublé, passant de près de 20 millions en 1990 à plus de 20 millions. 40 millions en 2010, soit un tiers de l’augmentation de la population. La population née à l'étranger a atteint 45 millions en 2015. L'ONU

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Qui a joué le personnage de Mr Chips dans l'adaptation télévisée de 2002 de Goodbye Mr Chips

Martin Clunes

Au revoir, M. Chips est une nouvelle sur la vie d'un professeur d'école, M. Chipping, écrite par l'écrivain anglais James Hilton et publiée pour la première fois par Hodder & Stoughton en octobre 1934. Le roman a été adapté en deux films et deux adaptations télévisées. Histoire L'histoire a été initialement publiée en 1933, en supplément du British Weekly, un journal évangélique ; mais il a pris de l'importance lorsqu'il a été réimprimé comme article principal du numéro d'avril 1934 de The Atlantic. Le succès de la publication Atlantic Monthly a incité l'auteur à conclure un contrat de livre avec l'éditeur américain Little, Brown and Company, qui a publié l'histoire sous forme de livre pour la première fois en juin 1934. La Grande Dépression a accru les risques commerciaux pour la plupart des maisons d'édition. , et Little, Brown ne faisaient pas exception. Ils ont prudemment publié un petit premier tirage. La demande du public pour davantage a été immédiate et Little, Brown a procédé à une réimpression presque immédiate le même mois. La demande du public est restée forte et Little, Brown a continué à réimprimer le livre par lots prudents pendant plusieurs mois, avec au moins deux réimpressions par mois. La première édition britannique fut mise sous presse en octobre 1934. Les éditeurs étaient Hodder & Stoughton, qui avait observé le succès du livre aux États-Unis, et ils publièrent un premier tirage beaucoup plus important. Mais ils se sont rapidement retrouvés à procéder à des réimpressions car la demande du public de lecture pour le livre s'est révélée insatiable. Grâce à l’énorme succès de ce livre, James Hilton est devenu un auteur à succès. Résumé de l'intrigue La nouvelle raconte l'histoire d'un professeur bien-aimé, M. Chipping, et de ses quarante-trois ans à la Brookfield Grammar School, un internat public fictif pour garçons britanniques de second ordre situé dans le village fictif de Brookfield, dans les Fenlands. M. Chips, comme l'appellent les garçons, a des convictions conventionnelles et exerce une discipline ferme en classe. Ses opinions s'élargissent et ses manières pédagogiques se relâchent après son mariage avec Katherine, une jeune femme qu'il rencontre en vacances dans la région des Lacs. Katherine charme le professeur et le directeur de Brookfield et gagne rapidement les faveurs des étudiants de Brookfield. Malgré les références médiocres de Chipping et son opinion selon laquelle le grec et le latin (ses matières académiques) sont des langues mortes, il est un enseignant efficace qui devient très apprécié des étudiants et des directeurs de l'école. Dans ses dernières années, il développe un sens de l'humour qui plaît à tout le monde. Bien que le livre soit sans vergogne sentimental, il dépeint également les changements sociaux radicaux que Chips connaît tout au long de sa vie : il commence son mandat à Brookfield en septembre 1870, à l'âge de 22 ans, alors que la guerre franco-prussienne éclate ; il repose sur son lit de mort à l'âge de 85 ans en novembre 1933, peu après l'arrivée au pouvoir d'Adolf Hitler. Inspiration Le décor de Goodbye Mr. Chips est probablement basé sur la Leys School de Cambridge, où James Hilton était élève (1915-18). Hilton aurait déclaré que l'inspiration du protagoniste, M. Chips, provenait de nombreuses sources, notamment de son père, qui était directeur de l'école Chapel End. Il est également probable que M. Chips s'inspire de W. H. Balgarnie, l'un des maîtres des Leys (1900-1930), qui était responsable du Leys Quinzaine (dans lequel les premières nouvelles et essais de Hilton furent publiés). Au fil des années, de vieux garçons écrivirent à Geoffery Houghton, maître des Leys depuis plusieurs années et historien de l'école, confirmant les liens entre Chipping et Balgarnie, décédé finalement à Porthmadog à l'âge de 82 ans. lié à l'école pendant 51 ans et a passé ses dernières années dans un modeste logement à proximité. Comme M. Chips, Balgarnie était un disciplinaire strict, mais il invitait également les garçons à lui rendre visite pour du thé et des biscuits. Hilton a écrit à la mort de Balgarnie que « Balgarnie était, je suppose, le modèle principal de mon histoire. Quand je lis tant d'autres histoires sur la vie des écoles publiques, je suis frappé par le fait que je n'ai pas subi un purgatoire comme leurs auteurs l'ont apparemment fait, et une grande partie de ce miracle était due à Balgarnie. Les moustaches de côtelette de mouton de l'un des maîtres des Leys lui ont valu le surnom de « Chops », une source d'inspiration probable pour le nom de M. Chips. Dans le dernier roman de Hilton, Time and Time Again (1953), le protagoniste Charles Anderson présente des similitudes biographiques évidentes avec Hilton lui-même. Au début du roman, Anderson se souvient brièvement d'avoir fréquenté Brookfield et de connaître "Chips". Adaptations Film de 1939 Cette version met en vedette Robert Donat, Greer Garson, Terry Kilburn, John Mills et Paul Henreid. Donat a remporté l'Oscar du meilleur acteur pour sa performance dans le rôle principal, battant Clark Gable, James Stewart, Laurence Olivier et Mickey Rooney. Même si certains des incidents décrits dans les différentes adaptations cinématographiques n'apparaissent pas dans le livre, ce film est généralement fidèle à l'histoire originale. Les extérieurs des bâtiments de la Brookfield School fictive ont été filmés à la Repton School, une école indépendante (au moment du tournage, réservée aux garçons), située dans le village de Repton, dans le Derbyshire, dans la région des Midlands en Angleterre, tandis que le les intérieurs, les cours et les annexes des écoles, y compris les plans soi-disant extérieurs des montagnes du Tyrol autrichien, ont été filmés aux Denham Film Studios, près du village de Denham dans le Buckinghamshire. Environ 200 garçons de l'école Repton sont restés pendant les vacances scolaires pour pouvoir apparaître dans le film. radio de 1939 Une adaptation radiophonique de l'histoire en 1939, mettant en vedette Laurence Olivier et Edna Best, a été présentée par Cecil B. DeMille au Lux Radio Theatre, à Hollywood. Film de 1969 En 1969, une version cinématographique musicale est apparue, mettant en vedette Peter O'Toole et Petula Clark, avec des chansons de Leslie Bricusse et un soulignement de John Williams. Dans cette version, le personnage de Katherine est considérablement élargi et le cadre temporel de l'histoire est avancé de plusieurs décennies, la carrière de Chips commençant au début du 20e siècle et sa carrière ultérieure couvrant la Seconde Guerre mondiale, plutôt que la Première Guerre mondiale. Les performances de Toole et Clark ont ​​été largement saluées. Lors de la 42e cérémonie des Oscars, O'Toole a été nominé pour l'Oscar du meilleur acteur et il a remporté le Golden Globe Award du meilleur acteur dans une comédie musicale ou une comédie. comédie musicale de 1982 Une comédie musicale basée sur le roman original, mais utilisant la majeure partie de la partition vocale de Leslie Bricusse du film de 1969, a été montée au Festival de Chichester et inaugurée le 11 août 1982. Le livre était de Roland Starke et la production a été dirigée par Patrick Garland. et Christophe Selbie. Parmi les acteurs du Festival de Chichester se trouvaient John Mills dans le rôle de Mr. Chips, Colette Gleeson dans le rôle de Kathie, Nigel Stock dans le rôle de Max, Michael Sadler et Robert Meadmore dans les seconds rôles, et 20 écoliers locaux, dont Kevin Farrar qui a été sélectionné par Bricusse pour chanter la finale. couplet de l'emblématique "School Song", qui figure sur l'album original du casting qui a été enregistré sur le label 'That's Entertainment Records' TER 1025 aux studios Abbey Roads à Londres les 17 et 18 août 1982. JAY-jay Records a également sorti il. Série 1984 En 1984, il a été adapté en série télévisée par la BBC. Il mettait en vedette Roy Marsden et Jill Meager et a duré six épisodes d'une demi-heure. De nombreuses scènes ont été tournées à la Repton School, dans le Derbyshire, dans le but de rester fidèles au film original. Téléfilm de 2002 Une adaptation cinématographique télévisée a été produite par STV Productions (alors connue sous le nom de « SMG TV Productions ») en 2002. Elle a été diffusée sur le réseau ITV en Grande-Bretagne et sur le Masterpiece Theatre de PBS aux États-Unis. Il mettait en vedette Martin Clunes et Victoria Hamilton avec Henry Cavill, William Moseley, Oliver Rokison et Harry Lloyd.

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Quelle zone de prévisions de navigation se trouve directement au nord de German Bight ?

Fisher

The Shipping Forecast est une diffusion radio de la BBC de bulletins météorologiques et de prévisions pour les mers autour des côtes des îles britanniques. Il est produit par le Met Office et diffusé par BBC Radio 4 pour le compte de la Maritime and Coastguard Agency. Les prévisions envoyées via le système Navtex utilisent un format similaire et les mêmes zones maritimes. Les eaux autour des îles britanniques sont divisées en 31 zones maritimes, également appelées zones météorologiques (voir la carte ci-dessous). Il y a quatre émissions par jour aux heures suivantes (locales au Royaume-Uni) : * 0048 – transmis sur FM et LW. Comprend des rapports météorologiques provenant d'une liste étendue de stations côtières à 00 h 52 et une prévision des eaux côtières à 0 h 55 et se termine par de brèves perspectives météorologiques au Royaume-Uni pour la journée à venir. La diffusion se termine vers 00h58. * 0520 – transmis sur FM et LW. Comprend des rapports météorologiques des stations côtières à 05h25 et une prévision des eaux côtières à 05h27. * 1201 – normalement transmis sur LW uniquement. * 1754 – transmis uniquement sur LW en semaine, en guise de désinscription du programme PM, mais le week-end, transmis à la fois sur FM et LW. Le son unique et distinctif de ces émissions leur a permis d'attirer un public bien plus large que celui directement intéressé par les conditions météorologiques maritimes. De nombreux auditeurs trouvent la répétition des noms des zones maritimes presque hypnotique, en particulier lors de l'émission nocturne à 00h48, heure du Royaume-Uni. Histoire En octobre 1859, le clipper à vapeur Royal Charter fit naufrage lors d'une forte tempête au large d'Anglesey ; 450 personnes ont perdu la vie. En raison de cette perte, le vice-amiral Robert FitzRoy introduisit un service d'avertissement pour la navigation en février 1861, utilisant les communications télégraphiques. Cela est resté la responsabilité principale du Met Office du Royaume-Uni pendant un certain temps par la suite. En 1911, le Met Office a commencé à émettre des prévisions météorologiques maritimes comprenant des avertissements de coups de vent et de tempêtes par transmission radio pour les zones autour de la Grande-Bretagne. Ce service fut interrompu pendant et après la Première Guerre mondiale, entre 1914 et juin 1921, puis de nouveau pendant la Seconde Guerre mondiale, entre 1939 et 1945. Aujourd'hui, même si la plupart des navires disposent d'une technologie embarquée pour fournir les informations des prévisions, ils l'utilisent toujours pour vérifier leurs données. Le vendredi 30 mai 2014, pour la première fois depuis plus de 90 ans, la BBC n'a pas diffusé le Shipping Forecast à 5h20. Le personnel de Broadcasting House était en train de lire le rapport mais il n'a pas été transmis. Les auditeurs ont plutôt entendu BBC World Service. Noms de régions Les 31 zones maritimes couvrant les eaux autour des îles britanniques sont telles que définies par la carte présentée ici : *Vikings * Utsire Nord * Sud de l'Utsire * La quarantaine * Cromarty * En avant *Tyne * Chien * Pêcheur * Baie allemande *Humber * Tamise * Douvres * Poids *Portland *Plymouth * Biscaye *Trafalgar * FitzRoy * Seul *Lundy * Téléphone fixe * Mer irlandaise *Shannon *Rockall *Mali * Hébrides *Bailey * Fair Isle * Féroé * Sud-est de l'Islande En 1949, les zones étaient déjà à peu près telles qu'énumérées ci-dessus. Les modifications ultérieures incluent l'introduction de Fisher en 1955, lorsque Dogger a été divisé en deux. Helgoland a été rebaptisé German Bight un an plus tard. Vers 1983, la zone maritime de Minches fut fusionnée avec les Hébrides. En 1984, les zones de la mer du Nord ont été coordonnées avec celles des pays voisins, introduisant l'Utsire du Nord et l'Utsire du Sud et réduisant la taille des Vikings. Finisterre a été rebaptisé FitzRoy en 2002, pour éviter toute confusion avec la (plus petite) zone maritime du même nom utilisée dans les prévisions maritimes produites par les services météorologiques français et espagnols. Certains noms diffèrent encore ; par exemple, le KNMI néerlandais nomme la zone équivalente à Forties d'après le banc de Fladen, tandis que Météo-France appelle les zones maritimes de la Manche Douvres, Wight, Portland et Plymouth respectivement Pas de Calais, Antifer, Casquets et Ouessant. Dans les prévisions, les zones sont nommées dans le sens des aiguilles d’une montre, en suivant strictement l’ordre ci-dessus. Cependant, une prévision pour Trafalgar ne figure que dans la prévision de 00 h 48 – d'autres prévisions signalent cependant quand il y a des avertissements de coups de vent à Trafalgar. Origine des noms * Viking, Forties, Dogger, Fisher, Sole et Bailey portent le nom de bancs de sable. * Cromarty, Forth, Tyne, Humber, Thames et Shannon portent le nom d'estuaires. * Wight, Lundy, Fair Isle, Faeroes, Portland, Hébrides, le sud-est de l'Islande et Utsire portent le nom d'îles. * La German Bight est une échancrure sur le littoral nord-européen. * Douvres et Plymouth portent le nom de villes. * Rockall et Fastnet portent tous deux le nom d'îlots. * Malin doit son nom à Malin Head, le point le plus septentrional de l'Irlande. * La Biscaye doit son nom au golfe de Gascogne et Trafalgar au nom du cap Trafalgar. * FitzRoy doit son nom à Robert FitzRoy, premier météorologue professionnel, capitaine du HMS Beagle et fondateur du Met Office. Stations météorologiques côtières Les stations météorologiques côtières nommées dans les prévisions de navigation (et numérotées sur la carte) sont : * Pneu automatique (1) * Stornoway (2) *Lerwick (3) * Mèche automatique (0048 uniquement) * Aberdeen (0048 uniquement) *Leuchars (4) * Boulmer (0048 seulement) * Bridlington (5) * Navire léger Sandettie automatique (6) * Navire léger Greenwich automatique (7) * St. Catherine's Point Automatique (0048 seulement) * Maillot (8) * Navire léger à canal automatique (9) * Scilly Automatique (10) * Milford Haven (0048 seulement) * Aberporth (0048 uniquement) * Vallée (0048 seulement) * Liverpool Crosby (0048 seulement) * Valentia (11) *Ronaldsway (12) * Tête Malin (13) * Machrihanish automatique (0048 uniquement) Eaux côtières Les prévisions maritimes comprennent une mise à jour de la « situation générale » pour les îles britanniques, suivie d'une prévision pour les eaux côtières du Royaume-Uni, divisée par zone. Ces domaines sont : #Cape Wrath – Rattray Head incluant Orkney #Tête de Rattray – Berwick-upon-Tweed #Berwick-upon-Tweed – Whitby #Whitby – Pointe de Gibraltar #Gibraltar Point – Avant-pays nord #Foreland du Nord – Selsey Bill #Selsey Bill – Lyme Régis #Lyme Regis – Land's End incluant les îles Scilly #Land's End – St David's Head, y compris le canal de Bristol #St David's Head – Great Orme Head, y compris le canal St George's # Great Orme Head – Mull of Galloway #Île de Man #Lough Foyle – Carlingford Lough (couvre tout le littoral de l'Irlande du Nord) #Mull of Galloway – Mull of Kintyre incluant le Firth of Clyde et le North Channel #Mull de Kintyre – Pointe Ardnamurchan #Ardnamurchan Point – Cap Wrath #Îles Shetland Format de diffusion La prévision, à l'exclusion de la ligne d'en-tête, est limitée à 370 mots et a un format très strict. Cela commence par "Et maintenant les prévisions d'expédition, publiées par le Met Office au nom de l'Agence maritime et des garde-côtes à xxxx aujourd'hui." Ce format est suivi de manière assez stricte, bien que certains annonceurs de continuité lisent la date réelle d'émission par opposition au mot « aujourd'hui ». Avertissements de coups de vent (vents de force 8 ou plus, sur l'échelle de Beaufort), le cas échéant (par exemple « Il y a des avertissements de coups de vent à Rockall, Malin, Hébrides, Bailey et Fair Isle »). Cela suit parfois le format opposé (par exemple « Il y a des avertissements de coups de vent dans toutes les régions sauf la Biscaye, Trafalgar et FitzRoy »). Le synopsis général suit, donnant la position, la pression (en millibars) et la trace des zones de pression (par exemple "Faible, Rockall, 987, se approfondissant rapidement, Fair Isle 964 attendu à 07h00 demain"). Les prévisions de chaque zone sont ensuite lues. Plusieurs zones peuvent être combinées en une seule prévision où les conditions devraient être similaires. La direction du vent est indiquée en premier, puis la force (sur l'échelle de Beaufort), suivie par les précipitations, le cas échéant, et (généralement) enfin la visibilité. Le changement de direction du vent est indiqué par un « virement » (changement dans le sens des aiguilles d'une montre) ou un « recul » (changement dans le sens inverse des aiguilles d'une montre). Les vents de force 8 ou supérieure sont également décrits par leur nom pour plus d'emphase, c'est-à-dire coup de vent 8, coup de vent sévère 9, tempête 10, tempête violente 11 et ouragan force 12. Le mot « force » n'est officiellement utilisé que pour annoncer des vents de force 12. La visibilité est donnée au format « Bonne », c'est-à-dire que la visibilité est supérieure à 5 milles marins ; « Modérée », lorsque la visibilité est comprise entre 2 et milles marins ; « Mauvaise », où la visibilité est comprise entre 1 000 mètres et 2 milles marins et « Brouillard », où la visibilité est inférieure à 1 000 m. Lorsque le froid hivernal rigoureux se combine avec des vents forts et une mer froide, du givrage peut se produire, normalement uniquement dans la zone maritime du sud-est de l'Islande ; si prévu, des avertissements de givrage (léger, modéré ou sévère) sont émis en dernier élément de chaque prévision de zone maritime. Exemples de prévisions de zone : *"Humber, Thames. Sud-est virant au sud-ouest 4 ou 5, parfois 6 plus tard. Averses orageuses. Modérées ou bonnes, parfois mauvaises." *"Tyne, Dogger. Nord-est 3 ou 4. Pluie occasionnelle. Modérée ou faible." *"Rockall, Malin, Hébrides. Coup de vent du sud-ouest 8 à tempête 10, virant à l'ouest, violent coup de vent 9 à violente tempête 11. Pluie, puis averses à grains. Mauvais, devenant modéré." *"Sud-est de l'Islande. Nord 7 à fort coup de vent 9. Fortes averses de neige. Bonnes, devenant faibles en averses. Givrage modéré." Et le plus spectaculaire, le 10 janvier 1993, lorsqu'une dépression record dans l'Atlantique Nord de 914 mb a été enregistrée : *"Rockall, Malin, Hébrides, Bailey. Ouragan du sud-ouest de force 12 ou plus." Avec les informations fournies dans les prévisions de navigation, il est parfaitement possible de compiler (puis d'interpréter) une carte de pression pour les côtes du nord-ouest de l'Europe. Les prévisions de navigation étendues (0520 et 0048) incluent également des rapports météorologiques provenant d'une liste de stations côtières supplémentaires et de stations d'enregistrement météo automatiques, connues sous leurs noms, tels que « Channel Light Vessel Automatic » ; ce sont les stations météorologiques côtières. Ces informations supplémentaires ne relèvent pas de la restriction de 370 mots. (RTÉ Radio 1 diffuse des reportages côtiers similaires pour l'Irlande). La prévision à long terme comprend également une prévision des eaux côtières. Avertissements de coups de vent De plus, des avertissements de coups de vent sont diffusés à d'autres moments entre les programmes et après les informations ; Par exemple "C'était la nouvelle, et maintenant 'attention à tous les navires', en particulier dans les zones maritimes de German Bight et de Humber : le Met Office a émis l'avertissement de coup de vent suivant à la navigation à 22 h 06 aujourd'hui. German Bight, vent d'ouest ou nord-ouest de 8 à tempête 10, attendu imminent. Humber, coup de vent d'ouest 8 ou coup de vent violent 9, attendu bientôt. Cela complète l'avertissement de coup de vent. Lorsqu'il donne un avertissement de coup de vent, le Met Office indiquera un intervalle de temps pendant lequel il s'attend à ce que le coup de vent se produise. « Imminent » signifie qu'un coup de vent est attendu dans les 6 heures, « Attendu bientôt » qu'un coup de vent est attendu dans les 6 à 12 heures et « Plus tard » dans plus de 12 heures. Fréquences Les prévisions de navigation sont diffusées sur BBC Radio 4 car son signal à ondes longues peut être reçu clairement en mer tout autour des îles britanniques, quelle que soit l'heure de la journée ou les conditions radio. Pour la même raison, le Shipping Forecast a été diffusé dans le programme national de la BBC jusqu'en septembre 1939, puis après la Seconde Guerre mondiale sur le programme Light de la BBC (plus tard BBC Radio 2) jusqu'en novembre 1978 : ces services étaient tous diffusés sur ondes longues. Lorsque BBC Radio 4 a repris la fréquence à ondes longues de Radio 2 le 23 novembre 1978, les prévisions d'expédition ont été transférées à Radio 4. Avant la fermeture La dernière diffusion du Shipping Forecast à 00h48 chaque jour est traditionnellement précédée de la lecture de "Sailing By", une pièce orchestrale légère de Ronald Binge. Ceci n'est que très rarement omis, généralement lorsque le planning est en retard. Bien qu'elle soit parfois jouée dans son intégralité, il est courant que seule une section de la pièce soit diffusée ; cette section étant la longueur nécessaire pour combler l'écart entre la fin du programme précédent et le début de la prévision à 00h48 précisément. Plus important encore, "Sailing By" sert d'outil d'identification essentiel - il est distinctif et, en tant que tel, aide quiconque tente de syntoniser Les prévisions sont ensuite suivies de l'hymne national et de la fermeture de la station pour la journée, le BBC World Service reprenant les fréquences après les pépins du signal horaire de Greenwich à 01h00. Prévisions maritimes « mini », sécurité maritime Les prévisions de navigation ne doivent pas être confondues avec des émissions similaires diffusées par les garde-côtes de HM aux navires en mer branchés sur les fréquences radio marines VHF et MF. Les émissions de HM Coastguard ne peuvent être entendues que par les navires ou les personnes utilisant ou branchées sur les fréquences radio marines VHF et MF, tandis que les prévisions de navigation peuvent être entendues par toute personne branchée sur BBC Radio 4. Les émissions des garde-côtes suivent le même format que les prévisions de navigation en utilisant la même terminologie et le même style, mais les informations ne s'appliquent normalement qu'au secteur ou à la région couvert par ce centre de coordination des garde-côtes particulier (comme le canal de Bristol, par exemple). Les annonces des émissions en attente par HMCG sont diffusées sur le canal maritime 16 VHF et sont normalement annoncées dans le sens de "Toutes les stations. Ici les garde-côtes de Portland... Les informations sur la sécurité maritime seront désormais diffusées sur le canal 23... Garde-côtes de Portland." Une diffusion similaire sur MF est initialement annoncée sur 2 182 kHz, avec une fréquence supplémentaire spécifiée, par ex. 1 770 kHz. Il convient de noter ici que la portée optimale VHF est d'environ 30 milles marins (NM), effectivement en visibilité directe, tandis que la portée MF est beaucoup plus grande à environ 150 NM, permettant aux navires dans l'océan Atlantique et la mer du Nord de recevoir la diffusion. Comme pour les prévisions maritimes, de nombreuses personnes issues de milieux non maritimes ont été fascinées par ce service peu connu et très important, au point qu'elles ont acheté des radios maritimes portables à dessein pour écouter les annonces des garde-côtes en matière de sécurité et de météo. C’est probablement pour les mêmes raisons évoquées plus loin dans cet article sur les principales prévisions d’expédition qu’il dispose d’une base de fans aussi engagée. Livraison vocale Les prévisions d'expédition sont destinées à être lues dans une diction claire et à un rythme lent et mesuré pour aider ceux qui souhaitent noter les informations. Parfois, des erreurs se produisent. Par exemple, le vendredi 17 août 2007, les prévisions et les données de 05h20, telles que lues par Philip Avery, étaient en fait celles de la veille, et une lecture spéciale de l'émission correcte du jour a été émise à 07h00 sur ondes longues de 198 kHz, avant rejoindre la programmation FM normale. En 2010, la présentatrice Susan Powell a lu une prévision déjà diffusée 24 heures plus tôt. Cela s'est produit à d'autres occasions et, lorsqu'elle est remarquée, une prévision répétée est généralement transmise en détournement du programme annoncé. Une version corrigée du Synopsis général a été publiée pour la prévision de 1 750 le 9 décembre 2015, telle que publiée par le Met Office sur son flux de données brutes de 1 500. De même, une prévision corrigée a été émise pour la prévision de 05h20 le 27 décembre 2015, pour les zones maritimes de Cromarty, Forth, Tyne et Dogger, à 05h05 ce matin-là. De même, un synopsis général corrigé a été publié pour la prévision du 2 avril 2016 à 12h00. Télévision Le 18 décembre 1993, dans le cadre de l'Arena Radio Night, BBC Radio 4 et BBC 2 ont collaboré à une émission simultanée afin que les prévisions de navigation – lues ce soir-là par Laurie Macmillan – puissent être vues et entendues. À ce jour, c'est la seule fois où il est diffusé à la télévision. En outre, une prévision limitée des expéditions a été incluse dans le cadre des procédures de fermeture des anciennes sociétés ITV pour le sud-ouest de l'Angleterre, Westward Television et dernièrement Television South West, jusqu'à la fin des années 1980. Influences sur la culture populaire Le Shipping Forecast est extrêmement populaire auprès du public britannique ; il attire quotidiennement des centaines de milliers d’auditeurs – bien plus que ce qui est réellement nécessaire. En 1995, un projet visant à décaler la diffusion de fin de soirée de 12 minutes a déclenché des éditoriaux de journaux et des débats en colère au Parlement britannique et a finalement été abandonné. Un tollé similaire a accueilli la décision du Met Office de renommer « Finisterre » « FitzRoy », mais dans ce cas, la décision a été appliquée. Peter Jefferson, qui a lu le Forecast pendant 40 ans jusqu'en 2009, dit avoir reçu des lettres d'auditeurs à travers le Royaume-Uni disant que l'émission 0048 les avait aidés à s'endormir après une longue journée. Le contrôleur de BBC Radio 4, Mark Damazer, a tenté d'expliquer sa popularité : Zeb Soanes, un lecteur régulier de Shipping Forecast, l'a décrit ainsi : Une autre lectrice régulière du Forecast, Kathy Clugston, l'a décrit comme "presque comme une berceuse". Musique The Shipping Forecast a inspiré un certain nombre de chansons et de poèmes. *"Mercy" sur l'album Chairs Missing de Wire de 1978 comprend les paroles : *"This Is a Low" sur l'album Parklife de Blur comprend les paroles : La chanson contient également des références à Biscaye, Dogger, Thames ("Frapper le trafic sur la rive Dogger / Remonter la Tamise pour trouver une station de taxis") et Malin Head, l'une des gares côtières. Le premier film de la tournée de Blur, Starformed, utilise également des extraits de Shipping Forecast pendant le générique d'ouverture et de clôture. *Radiohead a utilisé des paroles relatives aux prévisions d'expédition dans leur chanson "In Limbo" pour représenter le thème de la perte : Cette chanson apparaît sur l'album Kid A, dont la sortie vinyle porte les noms de plusieurs zones maritimes prévues gravés dans l'espace de ruissellement. *La chanson de Dry the River « New Ceremony » sur l'album Shallow Bed comprend les paroles : *Lors de la cérémonie d'ouverture des Jeux Olympiques de 2012 à Londres, les prévisions maritimes ont été jouées dans la partie d'ouverture de la production avec le Nimrod d'Elgar pour représenter l'héritage maritime britannique. *The Young Punx a échantillonné les prévisions d'expédition lues par le présentateur de la BBC Alan Smith pour leur morceau "Rockall". Les prévisions d'expédition constituent l'intégralité des paroles du morceau, toutes deux utilisées dans leur forme originale (mais rimées et numérisées), par ex. "Tyne, Dogger, German Bight. Humber, Thames, Dover, Wight" et aussi avec les mots réédités dans de nouveaux ordres pour former de nouvelles significations et de nouveaux jeux de mots tels que "on s'attend à, Rock All, d'ici minuit ce soir". *D'autres artistes populaires qui ont utilisé des échantillons de Shipping Forecast incluent Andy White qui a ajouté la prévision au morceau "The Whole Love Story" pour créer un son très nostalgique, confortable et soporifique, très évocateur des îles britanniques ; Tears for Fears, dont le titre « Pharaohs » (un jeu sur le nom de la zone maritime « Faeroes ») est un écrin de prévision sur un mélange de musique douce et d'effets sonores ; et Thomas Dolby, qui a inclus une prévision d'expédition lue par John Marsh de la BBC sur le morceau "Windpower". "The Good Ship Lifestyle", un morceau de l'album Tubthumper de Chumbawamba, commence par une liste des zones maritimes, mais dans le mauvais ordre. *L'album Wreckage du DJ britannique Rob Overseer contient un dernier morceau intitulé "Heligoland", où les prévisions d'expédition alternent de manière surréaliste entre le rapport sur la météo et les états émotionnels d'un individu. *Le groupe British Sea Power a intitulé une face B de leur single « Please Stand Up » « Gales Warnings in Viking North ». *Beck inclut un extrait de 27 secondes cinq minutes après le début du morceau « The Horrible Fanfare/Landslide/Exoskeleton » sur l'album The Information. *Le musicien électronique expérimental Robin Storey, enregistrant sous le nom de Rapoon, a échantillonné les prévisions d'expédition du morceau "Falling More Slowly" de l'album Easterly 6 ou 7. *The Prodigy a échantillonné une courte section des prévisions d'expédition dans leur chanson "Weather Experience" sur leur album Experience. *Le Earth Band de Manfred Mann a largement utilisé des échantillons de prévisions d'expédition dans le cadre de la piste d'accompagnement de "Stranded", de leur album de 1980, Chance. *L'album Stormwatch de Jethro Tull présente les prévisions d'expédition entre les couplets de "North Sea Oil". Il est lu par Francis Wilson, un météorologue de télévision qui lit également l'introduction de "Dun Ringill" sur le même album. *Silly Wizard inclut un extrait d'un avertissement de coup de vent provenant des prévisions de navigation dans l'instrument de clôture de "The Fishermen's Song", qui raconte la perte d'un bateau de pêche dans une tempête en mer du Nord. *Shipping Forecast de la compositrice Cecilia McDowall a été commandé par le Portsmouth Festival Choir et dirigé par Andrew Cleary. Elle a été créée pour la première fois en juin 2011. L'œuvre combine la poésie de Seán Street, le Psaume 107 et les paroles de la prévision maritime elle-même. *Il existe une méthode de changement de sonnerie à trois cloches nommée « Shipping Forecast Singles ». Il a été composé par Sam Austin et a retenti en 2004 à St John the Baptist à Middleton, Warwickshire. D'autres méthodes à trois cloches du même compositeur portent le nom de diverses zones d'expédition. *Justin Sullivan, chanteur principal et membre fondateur de New Model Army, a sorti un album solo en 2003 intitulé Navigating by the Stars. Présentant un thème nautique, l'album échantillonne une partie de Shipping Forecast sur le morceau "Ocean Rising". *En 1966, quatre chanteurs anglais se faisant appeler The Master Singers ont sorti un disque de « The Weather Forecast », qui était une prévision maritime typique chantée dans un chant anglican. *La chanson de l'artiste sous licence Creative Commons Cakeflap "[https://www.jamendo.com/album/16995/the-bakery-is-open?lingual=en The Bakery Is Open]" contient une version simulée des prévisions d'expédition, avec plusieurs zones et conditions météorologiques modifiées. Art et littérature The Shipping Forecast a également inspiré des collections d'écriture, de peinture et de photographie, y compris des collections telles que Attention All Shipping: A Journey Round The Shipping Forecast de Charlie Connelly, Mark Power (de la renommée Magnum Photos) et The Shipping Forecast de David Chandler, Geoff Saunders' Reports from Stations côtières et Rain Later de Peter Collyer, bien. Leur succès critique et commercial est un hommage à la fois au temps et à l'énergie que les gens sont prêts à investir dans des projets artistiques inspirés par les prévisions de navigation, et à la chaleur avec laquelle le public considère cette annonce radiophonique régulière. Seamus Heaney a écrit un sonnet, « The Shipping Forecast », dont une strophe s'ouvre : Le poème « Prière » de Carol Ann Duffy se termine par les vers : L'auteur Peter James, dans son roman Looking Good Dead, a un personnage (surnommé "The Weatherman"), du type connaisseur en informatique, qui mémorise les prévisions d'expédition quatre fois par jour. Lors de rencontres avec d'autres personnages, lorsqu'il ne trouve pas de réponse appropriée, il récite les prévisions d'expédition actuelles. Dans le roman A Kestrel for a Knave et son adaptation cinématographique Kes, le personnage principal Billy Casper appelle German Bight après que l'enseignant ait lu le nom d'un élève appelé Fisher lors de l'appel de la classe. L'auteur Barry Hines demande alors à Billy de dire à tort que Cromarty suit German Bight. Radio Frank Muir et Denis Norden ont parodié Shipping Forecast dans une chanson écrite pour un épisode de Take It From Here : "A Man in a Room, Gambling" (1997) de Gavin Bryars a été écrit sur commande de BBC Radio 3. Les dix courtes œuvres ont été diffusées sur Radio 3 sans aucune annonce d'introduction, et Bryars aurait déclaré qu'il espérait qu'elles le feraient. apparaissent à l'auditeur d'une manière similaire aux prévisions de navigation, à la fois mystérieuses et acceptées sans contestation. La musique de Bryars s'entend sous des monologues dans le même format que les prévisions. Dead Ringers a parodié les prévisions d'expédition en utilisant Brian Perkins rappant les prévisions (Dogger, Fisher, German Bight – devenant assez cyclonique. Des averses occasionnelles vous font sentir cat-atatatatatata-tonic...). De nombreuses autres versions ont été utilisées, notamment un "Dale Warning" pour avertir où Dale Winton pourrait se trouver au cours de la période à venir, et une parodie dans laquelle les marins sont avertis des galions fantomatiques et d'autres apparitions cauchemardesques. Stephen Fry, dans son émission de radio Saturday Night Fry de 1988, a publié les « prévisions d'expédition » suivantes dans le premier épisode de l'émission : L'émission de croquis monologue de BBC Radio 4 One présente un certain nombre de parodies de Shipping Forecast, écrites par David Quantick et Daniel Maier, telles que la suivante, diffusée à l'origine sur BBC Radio 4 le jeudi 21 février 2008 : Dans un épisode de la série Live on Arrival de la BBC Radio 4, Steve Punt lit les prévisions d'achat, dans lesquelles les régions sont remplacées par des noms de supermarchés, par ex. "Tesco, tarifs fins, Sainsbury". Le sketch se termine par l'information "le kilométrage de la blague diminue, la fin du spectacle est imminente". Lors de l'émission à 00 h 48 le samedi 19 mars 2011, les prévisions de zone ont été diffusées par John Prescott pour sensibiliser le public au Red Nose Day 2011, un événement caritatif organisé par Comic Relief. Le format est ensuite revenu à l'annonceuse de continuité de la BBC, Alice Arnold, pour les reportages sur les zones côtières. En présentant les prévisions de zone pour Humber, Prescott (qui avait représenté la circonscription parlementaire de Hull East pendant près de 40 ans avant de prendre sa retraite) a délibérément glissé dans son accent distinctif du Yorkshire de l'Est - "'Umber - sans le 'H', comme nous le disons. là". la comédienne Marti Caine a répertorié Shipping Forecast comme l'un de ses huit disques lors de sa deuxième apparition sur Desert Island Discs le 24 mars 1991. Cinéma et télévision Le film Distant Voices, Still Lives de Terence Davies, un récit en grande partie autobiographique de son enfance à Liverpool dans les années 1940 et 1950, s'ouvre sur une prévision des expéditions de cette période. Dans un épisode de la sitcom de la BBC Keeping Up Appearances, un Hyacinth Bucket qui va bientôt naviguer appelle par téléphone pour obtenir des prévisions d'expédition à l'avance, même si le yacht qu'elle et son mari Richard doivent visiter est amarré sur la Tamise près d'Oxford. . Dans un épisode de la sitcom de la BBC Ever Decreasing Circles, Howard et Hilda quittent tôt la fête chez leur voisin Paul, expliquant qu'ils doivent revenir pour écouter les prévisions d'expédition. Paul demande pourquoi, puisqu'ils n'ont jamais possédé de bateau. Howard explique : « Eh bien, cela nous emmène bien dans l'actualité. » Mentionné brièvement dans le film Kes (voir la section Art et littérature ci-dessus). Un enregistrement d'une partie des prévisions est diffusé sur le générique d'ouverture et de clôture de la série télévisée 2000 de Rick Stein, Rick Stein's Seafood Lover's Guide. Dans un épisode de la série télévisée Black Books de Channel 4, le personnage Fran Katzenjammer écoute les prévisions d'expédition parce qu'une amie de son université les lit. Elle trouve sa voix excitante. Dans la sitcom de la BBC As Time Goes By, le personnage de Mme Bale est obsédé et mentionne constamment The Shipping Forecast au grand désarroi des autres personnages. De nombreux personnages du dessin animé pour enfants de 1983, Les Aventures de Portland Bill, portent le nom de caractéristiques mentionnées dans les prévisions d'expédition. Jeux vidéo Dans le jeu de rôle en ligne massivement multijoueur de Funcom, The Secret World, les prévisions d'expédition sont diffusées à la radio dans une station de métro de Londres, ajoutant à la saveur britannique distinguant le décor des autres lieux du monde présentés dans le jeu. En ligne Les prévisions de navigation sont publiées en ligne par le [http://www.metoffice.gov.uk/weather/marine/shipping_forecast.html Met Office] et le [http://news.bbc.co.uk/weather/coast_and_sea/ shipping_forecast/BBC]. Les prévisions quotidiennes de 0048 sont disponibles en ligne via [http://www.bbc.co.uk/programmes/b006qfvv BBC iPlayer]. En 2009, un [http://twitter.com/shipforecast fil Twitter non officiel] a été créé (qui n'a pas été mis à jour depuis 2014).

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Sous quel nom Samuel Langhorne Clemens a-t-il publié ses romans ?

Mark Twain

Samuel Langhorne Clemens (30 novembre 1835 - 21 avril 1910), mieux connu sous son pseudonyme Mark Twain, était un écrivain américain. Parmi ses romans figurent Les Aventures de Tom Sawyer (1876) et sa suite, Les Aventures de Huckleberry Finn (1885), ce dernier souvent appelé « Le grand roman américain ». Twain a grandi à Hannibal, dans le Missouri, qui a ensuite servi de décor à Tom Sawyer et Huckleberry Finn. Après un apprentissage chez un imprimeur, Twain a travaillé comme compositeur et a rédigé des articles dans le journal de son frère aîné, Orion Clemens. Il devint plus tard pilote de bateau fluvial sur le fleuve Mississippi avant de se diriger vers l'ouest pour rejoindre Orion dans le Nevada. Il a évoqué avec humour son manque de succès dans le secteur minier et s'est tourné vers le journalisme pour la Virginia City Territorial Enterprise. En 1865, son histoire humoristique, "La célèbre grenouille sauteuse du comté de Calaveras", a été publiée, basée sur une histoire qu'il a entendue à l'hôtel Angels à Angels Camp, en Californie, où il avait passé quelque temps comme mineur. La nouvelle a attiré l'attention internationale et a même été traduite en grec classique. Son esprit et sa satire, en prose et dans ses discours, lui ont valu les éloges des critiques et de ses pairs, et il était l'ami des présidents, des artistes, des industriels et de la royauté européenne. Bien que Twain ait gagné beaucoup d'argent grâce à ses écrits et ses conférences, il a investi dans des entreprises qui ont perdu beaucoup d'argent, notamment le Paige Compositor, un compositeur mécanique, qui a échoué en raison de sa complexité et de son imprécision. À la suite de ces revers financiers, il a déposé une demande de protection contre ses créanciers via la faillite et, avec l'aide d'Henry Huttleston Rogers, a finalement surmonté ses problèmes financiers. Twain a choisi de payer intégralement tous ses créanciers avant la faillite, bien qu'il n'ait aucune responsabilité légale de le faire. Twain est né peu de temps après la visite de la comète de Halley, et il a prédit qu'il "sortirait avec elle" aussi. Il est mort le lendemain du retour de la comète. Il a été salué comme le « plus grand humoriste américain de son époque », et William Faulkner a qualifié Twain de « père de la littérature américaine ». Biographie Début de la vie Samuel Langhorne Clemens est né en Floride, Missouri, le 30 novembre 1835. Il était le fils de Jane (née Lampton ; 1803-1890), originaire du Kentucky, et de John Marshall Clemens (1798-1847), originaire de Virginie. Ses parents se sont rencontrés lorsque son père a déménagé dans le Missouri et se sont mariés en 1823. Twain était le sixième de sept enfants, mais seuls trois de ses frères et sœurs ont survécu à l'enfance : Orion (1825-1897) ; Henri (1838-1858) ; et Pamela (1827-1904). Sa sœur Margaret (1833-1839) mourut quand il avait trois ans et son frère Benjamin (1832-1842) mourut trois ans plus tard. Un autre frère, Pleasant (1828-1829), mourut à six mois. Twain est né deux semaines après l'approche la plus proche de la Terre de la comète de Halley. Ses ancêtres étaient d'origine écossaise-irlandaise, anglaise et cornique. Quand il avait quatre ans, la famille de Twain a déménagé à Hannibal, dans le Missouri, une ville portuaire sur le fleuve Mississippi qui a inspiré la ville fictive de Saint-Pétersbourg dans Les Aventures de Tom Sawyer et Les Aventures de Huckleberry Finn. L'esclavage, alors légal dans le Missouri, était un thème que Twain explorerait dans ces écrits. En 1847, alors que Twain avait 11 ans, son père, alors avocat et juge, mourut d'une pneumonie. L'année suivante, Twain quitta l'école après la cinquième année pour devenir apprenti imprimeur. En 1851, il commença à travailler comme compositeur et contributeur d'articles et de croquis humoristiques pour le Hannibal Journal, un journal appartenant à Orion. À l'âge de 18 ans, il quitte Hannibal et travaille comme imprimeur à New York, Philadelphie, Saint-Louis et Cincinnati. Il a rejoint la nouvelle Union typographique internationale, le syndicat des imprimeurs, et s'est formé le soir dans les bibliothèques publiques, trouvant plus d'informations que dans une école conventionnelle. Twain décrit dans Life on the Mississippi comment, lorsqu'il était enfant, « il n'y avait qu'une seule ambition permanente » parmi ses camarades : devenir bateau à vapeur. "Le poste de pilote était le poste le plus prestigieux de tous. Le pilote, même à l'époque où les salaires étaient dérisoires, avait un salaire princier - de cent cinquante à deux cent cinquante dollars par mois, et aucune pension à payer." Comme le décrit Twain, le prestige du pilote dépassait celui du capitaine. Le pilote devait « faire une connaissance personnelle et chaleureuse de chaque vieux chicot, peuplier à une branche et de chaque obscur tas de bois qui orne les rives de cette rivière sur douze cents milles ; et plus encore, il devait... réellement savoir où ces les choses sont dans le noir..." Le pilote de bateau à vapeur Horace E. Bixby a engagé Twain comme pilote de "petit" pour lui apprendre la rivière entre la Nouvelle-Orléans et Saint-Louis pour 500 $, payables sur le premier salaire de Twain après avoir obtenu son diplôme. Twain a étudié le Mississippi, apprenant ses repères, comment naviguer efficacement dans ses courants et comment « lire le fleuve » et ses canaux, récifs, chicots et rochers submergés en constante évolution qui « arracheraient la vie au navire le plus solide qui ait jamais flotté ». ". Il a fallu plus de deux ans avant qu'il obtienne sa licence de pilote. Le pilotage lui a donné son nom de plume, Mark Twain, de « mark twain », le cri du chef de file pour une profondeur de rivière mesurée de deux brasses (12 pieds), qui était une eau sûre pour un bateau à vapeur. Pendant son entraînement, Samuel a convaincu son jeune frère Henry de travailler avec lui. Henry fut tué le 21 juin 1858, lorsque le bateau à vapeur sur lequel il travaillait, le Pennsylvania, explosa. Twain avait prévu cette mort dans un rêve un mois plus tôt, ce qui lui inspira son intérêt pour la parapsychologie ; il fut l'un des premiers membres de la Society for Psychical Research. Twain était culpabilisé et se tenait responsable du reste de sa vie. Twain a continué à travailler sur le fleuve et a été pilote fluvial jusqu'à ce que la guerre civile américaine éclate en 1861 et que le trafic le long du Mississippi soit réduit. Au début des hostilités, Twain s'enrôla brièvement dans une unité locale confédérée. Twain a écrit plus tard un croquis, "L'histoire privée d'une campagne qui a échoué", qui racontait comment lui et ses amis avaient été volontaires confédérés pendant deux semaines avant de se dissoudre. Il part ensuite au Nevada pour travailler pour Orion, qui était secrétaire du territoire du Nevada. Twain décrit l'épisode dans son livre Roughing It. Voyages Twain rejoignit Orion, qui devint en 1861 secrétaire de James W. Nye, le gouverneur du territoire du Nevada, et se dirigea vers l'ouest. Twain et son frère ont voyagé plus de deux semaines en diligence à travers les grandes plaines et les montagnes Rocheuses, visitant la communauté mormone de Salt Lake City. Le voyage de Twain s'est terminé dans la ville minière d'argent de Virginia City, dans le Nevada, où il est devenu mineur sur le Comstock Lode. Twain a échoué en tant que mineur et a travaillé dans un journal de Virginia City, le Territorial Enterprise. Travaillant sous la direction de l'écrivain et ami Dan DeQuille, il utilisa ici pour la première fois le nom de plume qui allait devenir célèbre ; le 3 février 1863, il signa un récit de voyage humoristique, « Lettre de Carson – concernant Joe Goodman ; fête chez le gouverneur Johnson ; musique », avec « Mark Twain ». (Pour plus d'informations, voir Mark Twain au Nevada.) Ses expériences dans l'Ouest américain ont inspiré Roughing It (écrit entre 1870 et 1871 et publié en 1872) et ses expériences à Angels Camp, en Californie, dans le comté de Calaveras, ont fourni du matériel pour « La célèbre grenouille sauteuse du comté de Calaveras » (1865). Twain s'installe à San Francisco en 1864, toujours en tant que journaliste, et rencontre des écrivains tels que Bret Harte et Artemus Ward. La jeune poète Ina Coolbrith l'a peut-être romancé. Son premier succès en tant qu'écrivain est survenu lorsque son grand conte humoristique, "La célèbre grenouille sauteuse du comté de Calaveras", a été publié dans un hebdomadaire new-yorkais, The Saturday Press, le 18 novembre 1865. Cela lui a attiré l'attention nationale. Un an plus tard, il se rend aux îles Sandwich (aujourd'hui Hawaï) en tant que journaliste pour l'Union de Sacramento. Ses lettres à l'Union étaient populaires et devinrent la base de ses premières conférences. En 1867, un journal local finance un voyage en Méditerranée. Au cours de sa tournée en Europe et au Moyen-Orient, il écrivit un recueil populaire de lettres de voyage, qui furent plus tard compilées sous le titre The Innocents Abroad (1869). C'est lors de ce voyage qu'il rencontre son futur beau-frère, Charles Langdon. Tous deux étaient passagers à bord du Quaker City en route vers la Terre Sainte. Langdon a montré une photo de sa sœur Olivia à Twain, qui a affirmé être tombé amoureux au premier regard. À son retour aux États-Unis, Twain se vit offrir en 1868 le statut de membre honoraire de la société secrète Scroll and Key de l'Université de Yale. Son dévouement à « la camaraderie, au perfectionnement moral et littéraire et à la charité » lui convenait bien. Mariage et enfants Tout au long de 1868, Twain et Olivia Langdon correspondirent. Bien qu’elle ait rejeté sa première demande en mariage, deux mois plus tard, ils étaient fiancés. En février 1870, Twain et Langdon se marièrent à Elmira, New York, où il la courtisa et réussit à surmonter la réticence initiale de son père. Elle venait d'une « famille riche mais libérale », et grâce à elle, il a rencontré des abolitionnistes, « des socialistes, des athées de principe et des militants pour les droits des femmes et l'égalité sociale », dont Harriet Beecher Stowe (sa voisine d'à côté à Hartford, Connecticut), Frederick Douglass, et l'écrivain et socialiste utopiste William Dean Howells, qui est devenu un ami de longue date. Le couple a vécu à Buffalo, New York, de 1869 à 1871. Twain possédait une participation dans le journal Buffalo Express et travaillait comme rédacteur et écrivain. Alors qu'ils vivaient à Buffalo, leur fils Langdon est décédé de la diphtérie à l'âge de 19 mois. Ils eurent trois filles : Susy (1872-1896), Clara (1874-1962) et Jean (1880-1909). Le mariage du couple a duré 34 ans, jusqu'à la mort d'Olivia en 1904. Tous les membres de la famille Clemens sont enterrés au cimetière Woodlawn d'Elmira. Twain a déménagé sa famille à Hartford, Connecticut, où, à partir de 1873, il a organisé la construction d'une maison. Dans les années 1870 et 1880, Twain et sa famille passaient l'été à Quarry Farm à Elmira, la maison de la sœur d'Olivia, Susan Crane. En 1874, Susan fit construire un bureau séparé de la maison principale afin que son beau-frère dispose d'un endroit calme pour écrire. De plus, Twain fumait constamment la pipe et Susan Crane ne souhaitait pas qu'il le fasse dans sa maison. Au cours de ses 17 années à Hartford (1874-1891) et de plus de 20 étés à Quarry Farm, Twain a écrit plusieurs de ses romans classiques, parmi lesquels Les Aventures de Tom Sawyer (1876), Le Prince et le Pauvre (1881), La Vie sur le Mississippi (1883), Les Aventures de Huckleberry Finn (1885) et Un Yankee du Connecticut à la cour du roi Arthur (1889). Twain fit une deuxième tournée en Europe, décrite dans le livre A Tramp Abroad (1880). Sa tournée comprenait un séjour à Heidelberg du 6 mai au 23 juillet 1878 et une visite à Londres. Amour de la science et de la technologie Twain était fasciné par la science et la recherche scientifique. Il a développé une amitié étroite et durable avec Nikola Tesla, et les deux ont passé beaucoup de temps ensemble dans le laboratoire de Tesla. Twain a breveté trois inventions, dont une « Amélioration des bretelles réglables et détachables pour les vêtements » (pour remplacer les bretelles) et un jeu-questionnaire sur l'histoire. Le plus grand succès commercial a été un album auto-collant ; un adhésif séché sur les pages devait seulement être humidifié avant utilisation. Plus de 25 000 exemplaires ont été vendus. Le roman de Twain A Connecticut Yankee in King Arthur's Court (1889) met en scène un voyageur temporel des États-Unis contemporains, utilisant ses connaissances scientifiques pour introduire la technologie moderne dans l'Angleterre arthurienne. Ce type de scénario deviendra plus tard une caractéristique commune d'un sous-genre de science-fiction, l'histoire alternative. En 1909, Thomas Edison rendit visite à Twain chez lui à Redding, dans le Connecticut, et le filma. Une partie des images a été utilisée dans Le Prince et le Pauvre (1909), un court métrage à deux bobines. On dit que c'est la seule séquence cinématographique connue de Twain. Problèmes financiers Twain a gagné beaucoup d'argent grâce à ses écrits, mais il a perdu beaucoup d'argent en investissant, principalement dans de nouvelles inventions et technologies, en particulier la machine à composer Paige. C’était une merveille mécanique magnifiquement conçue qui étonnait les téléspectateurs lorsqu’elle fonctionnait, mais elle était sujette aux pannes. Twain a dépensé 300 000 $ (l'équivalent de $ en termes corrigés de l'inflation) entre 1880 et 1894, mais avant qu'il puisse être perfectionné, il a été rendu obsolète par le Linotype. Il perdit non seulement la majeure partie des bénéfices de ses livres, mais aussi une partie substantielle de l'héritage de sa femme. Twain a également perdu de l'argent grâce à sa maison d'édition, Charles L. Webster and Company, qui a connu un premier succès en vendant les mémoires d'Ulysses S. Grant, mais a fait faillite peu de temps après, perdant de l'argent sur une biographie du pape Léon XIII. Moins de 200 exemplaires ont été vendus. En réaction à la diminution de leurs revenus, Twain et sa famille fermèrent leur chère maison de Hartford et s'installèrent en Europe en juin 1891. William M. Laffan du New York Sun et du McClure Newspaper Syndicate proposèrent à Twain la publication d'une série de six lettres européennes. Compte tenu des problèmes de santé qui préoccupaient Twain, sa femme et leur fille Susy, on pensait qu'il serait bénéfique de visiter les bains européens. Jusqu'en mai 1895, la famille séjourna principalement en France, en Allemagne et en Italie, avec des séjours plus longs à Berlin (hiver 1891/92), Florence (automne et hiver 1892/93) et Paris (hivers et printemps 1893/94 et 1894/94). 95). Au cours de cette période, Twain est retourné quatre fois à New York en raison de ses problèmes commerciaux persistants. Arrivé en septembre 1893, il prit « une chambre bon marché », à 1,50 $ par jour, au Players Club, qu'il dut conserver jusqu'en mars 1894, et devint entre-temps « La Belle de New York ». Les écrits et les conférences de Twain, combinés à l'aide d'un nouvel ami, lui ont permis de se rétablir financièrement. À l'automne 1893, il entame une amitié de 15 ans avec le financier Henry Huttleston Rogers, l'un des dirigeants de Standard Oil. Rogers a d'abord demandé à Twain de déclarer faillite en avril 1894. Rogers a ensuite demandé à Twain de transférer les droits d'auteur sur ses œuvres écrites à sa femme pour empêcher les créanciers d'en prendre possession. Finalement, Rogers prit entièrement en charge l'argent de Twain jusqu'à ce que tous les créanciers soient payés. Twain a accepté une offre de Robert Sparrow Smythe et entreprit une tournée de conférences d'un an à travers le monde en juillet 1895 pour rembourser intégralement ses créanciers, bien qu'il n'ait plus aucune obligation légale de le faire. Ce serait un voyage long et ardu, et il était malade la plupart du temps, principalement à cause d'un rhume et d'un anthrax. La première partie de l'itinéraire, jusqu'à la seconde moitié du mois d'août, l'a conduit à travers l'Amérique du Nord jusqu'en Colombie-Britannique, au Canada. Pour la deuxième partie, il a traversé l’océan Pacifique à la voile. Sa conférence prévue à Honolulu, Hawaï, a dû être annulée en raison d'une épidémie de choléra. Twain s'est ensuite rendu aux Fidji, en Australie, en Nouvelle-Zélande, au Sri Lanka, en Inde, à Maurice et en Afrique du Sud. Les trois mois passés par Twain en Inde sont devenus la pièce maîtresse de son livre de 712 pages, Follow the Equator. Dans la seconde moitié de juillet 1896, il retourna en Angleterre, achevant son tour du monde commencé quatorze mois auparavant. Twain et sa famille passèrent encore quatre années en Europe, principalement en Angleterre et en Autriche (d'octobre 1897 à mai 1899), avec des séjours plus longs à Londres et à Vienne. Clara avait souhaité étudier le piano auprès de Theodor Leschetizky à Vienne. Malheureusement, la santé de Jean n'a pas bénéficié d'une consultation auprès de spécialistes à Vienne, la « Cité des médecins ». Suivant l'exemple de Poultney Bigelow, la famille Clemens s'installe à Londres au printemps 1899. Bigelow avait eu une bonne expérience en étant soigné par le Dr , un ostéopathe suédois ayant un cabinet à Belgravia. Là, ils ont été persuadés de passer l'été au sanatorium de Kellgren au bord du lac dans le village suédois de Sanna. De retour à l'automne, ils poursuivirent le traitement à Londres, jusqu'à ce que Twain soit convaincu par de longues enquêtes en Amérique qu'une expertise ostéopathique similaire y était disponible. Au milieu des années 1900, il était l'invité du propriétaire du journal Hugh Gilzean-Reid à Dollis Hill House, située au nord de Londres. Twain a écrit qu'il n'avait « jamais vu un endroit aussi bien situé, avec ses arbres nobles et ses étendues de campagne, et tout ce qui rendait la vie délicieuse, et le tout à un jet de biscuit de la métropole du monde ». Il retourna ensuite en Amérique en octobre 1900, après avoir gagné suffisamment pour rembourser ses dettes. Au cours de l'hiver 1900/01, Twain devint le plus éminent opposant à l'impérialisme de son pays, soulevant la question dans ses discours, ses interviews et ses écrits. En janvier 1901, il devient vice-président de la Ligue anti-impérialiste de New York. Allocutions Twain était très demandé en tant que conférencier vedette, effectuant des conférences humoristiques en solo, similaires à ce qui allait devenir plus tard une comédie stand-up. Il a donné des conférences rémunérées dans de nombreux clubs d'hommes, notamment le Authors' Club, le Beefsteak Club, les Vagabonds, les White Friars et le Monday Evening Club de Hartford. À la fin des années 1890, il s'exprima au Savage Club de Londres et fut élu membre honoraire. Lorsqu'on lui a dit que seuls trois hommes avaient été ainsi honorés, dont le prince de Galles, il a répondu : "Eh bien, cela doit faire en sorte que le prince se sente très bien." Il visita Sydney en 1895 dans le cadre d'une tournée mondiale de conférences. En 1897, Twain s'exprima au Concordia Press Club de Vienne en tant qu'invité spécial, à la suite du diplomate Charlemagne Tower, Jr. En allemand, au grand amusement de l'assemblée, Twain prononça le discours "Die Schrecken der deutschen Sprache" ("Les horreurs de la langue allemande"). En 1901, Twain fut invité à prendre la parole à la Cliosophic Literary Society de l'Université de Princeton, où il fut nommé membre honoraire. Vie et mort ultérieures Twain a traversé une période de profonde dépression qui a commencé en 1896 lorsque sa fille, Susy, est décédée d'une méningite. La mort d'Olivia en 1904 et celle de Jean le 24 décembre 1909 aggravent sa tristesse. Le 20 mai 1909, son ami proche Henry Rogers décède subitement. En 1906, Twain commença son autobiographie dans la North American Review. En avril, Twain a appris que son amie Ina Coolbrith avait perdu presque tout ce qu'elle possédait lors du tremblement de terre de San Francisco en 1906, et il a proposé quelques portraits dédicacés à vendre à son profit. Pour aider davantage Coolbrith, George Wharton James a rendu visite à Twain à New York et a organisé une nouvelle séance de portraits. Initialement résistant, Twain a admis que quatre des images obtenues étaient les plus belles jamais prises de lui. Twain a formé un club en 1906 pour les filles qu'il considérait comme des petites-filles de substitution, l'Angel Fish and Aquarium Club. La douzaine de membres étaient âgés de 10 à 16 ans. Twain échangeait des lettres avec ses filles « Angel Fish » et les invitait à des concerts, au théâtre et à jouer à des jeux. Twain a écrit en 1908 que le club était « le principal plaisir de sa vie ». En 1907, Twain rencontra Dorothy Quick (alors âgée de 11 ans) lors d'une traversée transatlantique, commençant « une amitié qui devait durer jusqu'au jour même de sa mort ». L'Université d'Oxford a décerné à Twain un doctorat honorifique en lettres (D.Litt.) en 1907. En 1909, Twain disait : Sa prédiction était exacte : Twain est décédé d'une crise cardiaque le 21 avril 1910 à Redding, dans le Connecticut, un jour après que la comète se soit rapprochée de la Terre. En apprenant la mort de Twain, le président William Howard Taft a déclaré : Les funérailles de Twain ont eu lieu à l'église presbytérienne « Old Brick » à New York. Il est enterré dans le terrain familial de sa femme au cimetière Woodlawn à Elmira, New York. Le terrain de la famille Langdon où il est enterré est marqué par un monument de 12 pieds (deux brasses, ou "mark twain"), placé là par sa fille survivante, Clara. Il y a aussi une plus petite pierre tombale. Même s'il exprime une préférence pour la crémation (par exemple dans Life on the Mississippi), il reconnaît que sa famille survivante aura le dernier mot. Les autorités du Connecticut et de New York ont ​​estimé la valeur de la succession de Twain à 471 000 $ (aujourd'hui). En écrivant Aperçu Twain a commencé sa carrière en écrivant des vers légers et humoristiques, mais a évolué pour devenir un chroniqueur des vanités, des hypocrisies et des actes meurtriers de l'humanité. À mi-carrière, avec Huckleberry Finn, il combinait humour riche, narration solide et critique sociale. Twain était passé maître dans l'art de rendre un discours familier et a contribué à créer et à populariser une littérature américaine distinctive construite sur des thèmes et un langage américains. De nombreuses œuvres de Twain ont parfois été supprimées pour diverses raisons. Les aventures de Huckleberry Finn ont été restreintes à plusieurs reprises dans les lycées américains, notamment en raison de l'utilisation fréquente du mot « nègre », qui était d'usage courant dans la période d'avant la guerre civile au cours de laquelle le roman se déroulait. Une bibliographie complète de ses œuvres est presque impossible à compiler en raison du grand nombre d'articles écrits par Twain (souvent dans des journaux obscurs) et de son utilisation de plusieurs noms de plume différents. De plus, une grande partie de ses discours et conférences ont été perdus ou n’ont pas été écrits ; ainsi, la collection des œuvres de Twain est un processus continu. Les chercheurs ont redécouvert des documents publiés par Twain aussi récemment que 1995 et 2015. Premier journalisme et récits de voyage Alors qu'il écrivait pour le journal de Virginia City, The Territorial Enterprise en 1863, Clemens rencontra l'avocat Tom Fitch, rédacteur en chef du journal concurrent Virginia Daily Union et connu comme « l'orateur à la langue d'argent du Pacifique ». Il a crédité Fitch de lui avoir donné sa « première leçon vraiment rentable » d'écriture. En 1866, Clemens présenta sa conférence sur les îles Sandwich devant une foule à Washoe City, dans le Nevada. Clemens a commenté: "Quand j'ai commencé à donner des conférences, et dans mes écrits antérieurs, ma seule idée était de tirer un capital comique de tout ce que je voyais et entendais". Fitch lui dit : "Clemens, votre conférence était magnifique. Elle était éloquente, émouvante, sincère. Jamais de toute ma vie je n'ai écouté un morceau de narration descriptif aussi magnifique. Mais vous avez commis un péché impardonnable – le péché impardonnable. C'est un péché que vous ne devez plus jamais commettre. Vous avez terminé une description des plus éloquentes, par laquelle vous aviez excité votre auditoire au plus haut degré d'intérêt, par un morceau d'atroce dénouement qui annulait tout le très bel effet que vous aviez produit. " C'est à cette époque que Twain devint un écrivain de l'école Sagebrush et fut plus tard connu comme le plus remarquable de ce genre littéraire. Le premier ouvrage important de Twain, "The Celebrated Jumping Frog of Calaveras County", a été publié pour la première fois dans le New York Saturday Press le 18 novembre 1865. La seule raison pour laquelle il a été publié là-bas était que son histoire est arrivée trop tard pour être incluse dans un livre. Artemus Ward compilait des croquis de l'Ouest américain. Après cet élan de popularité, l'Union de Sacramento a chargé Twain d'écrire des lettres sur ses expériences de voyage. Le premier voyage qu'il entreprit pour ce poste fut de monter à bord du bateau à vapeur Ajax lors de son voyage inaugural vers Hawaï, appelées à l'époque les îles Sandwich. Ces lettres humoristiques sont à l'origine de sa collaboration avec le journal San Francisco Alta California, qui le désigne comme correspondant itinérant pour un voyage de San Francisco à New York via l'isthme de Panama. Pendant ce temps, Twain écrivait des lettres destinées à être publiées, racontant ses expériences avec son humour burlesque. Le 8 juin 1867, Twain embarqua sur le croiseur de plaisance Quaker City pour cinq mois. Ce voyage a abouti à The Innocents Abroad ou The New Pilgrims' Progress. En 1872, Twain publia un deuxième ouvrage de voyage, Roughing It, comme semi-suite d'Innocents. Roughing It est un récit semi-autobiographique du voyage de Twain du Missouri au Nevada, de sa vie ultérieure dans l'Ouest américain et de sa visite à Hawaï. Le livre critique la société américaine et occidentale de la même manière qu’Innocents critiquait les différents pays d’Europe et du Moyen-Orient. L'œuvre suivante de Twain a continué à se concentrer sur la société américaine, mais davantage sur les événements de l'époque. Intitulé The Gilded Age: A Tale of Today, ce n'était pas un article de voyage, comme l'avaient été ses deux livres précédents, et c'était sa première tentative d'écrire un roman. Le livre est également remarquable car il s'agit de la seule collaboration de Twain ; il a été écrit avec son voisin, Charles Dudley Warner. Les deux œuvres suivantes de Twain s'inspirent de ses expériences sur le fleuve Mississippi. Old Times on the Mississippi, une série de croquis publiés dans l'Atlantic Monthly en 1875, mettait en lumière la désillusion de Twain à l'égard du romantisme. Old Times est finalement devenu le point de départ de Life on the Mississippi. Tom Sawyer et Huckleberry Finn La prochaine publication majeure de Twain fut Les Aventures de Tom Sawyer, qui s'inspirait de sa jeunesse dans Hannibal. Tom Sawyer a été modelé sur Twain lorsqu'il était enfant, avec des traces de deux camarades de classe, John Briggs et Will Bowen. Le livre présente également, dans un second rôle, Huckleberry Finn, basé sur l'ami d'enfance de Twain, Tom Blankenship. Le Prince et le Pauvre, malgré une intrigue aujourd'hui omniprésente dans le cinéma et la littérature, n'a pas été aussi bien accueilli. Racontant l'histoire de deux garçons nés le même jour et physiquement identiques, le livre agit comme un commentaire social alors que le prince et le pauvre changent de place. Pauper était la première tentative de fiction historique de Twain, et ses défauts sont généralement imputés à Twain pour ne pas avoir été suffisamment expérimenté dans la société anglaise, et aussi sur le fait qu'il a été produit après un énorme succès. Entre l'écriture de Pauper, Twain avait commencé Adventures of Huckleberry Finn (qu'il avait constamment du mal à terminer) et avait commencé et terminé un autre livre de voyage, A Tramp Abroad, qui suit Twain alors qu'il voyageait à travers l'Europe centrale et méridionale. Le prochain ouvrage majeur publié de Twain, Adventures of Huckleberry Finn, le consolida en tant qu'écrivain américain remarquable. Certains l'ont appelé le premier grand roman américain, et le livre est devenu une lecture obligatoire dans de nombreuses écoles à travers les États-Unis. Huckleberry Finn était une émanation de Tom Sawyer et avait un ton plus sérieux que son prédécesseur. La prémisse principale derrière Huckleberry Finn est la croyance du jeune garçon dans la bonne chose à faire, même si la plupart pensaient que c'était mal. Quatre cents pages manuscrites de Huckleberry Finn ont été écrites au milieu de 1876, juste après la publication de Tom Sawyer. Certains récits montrent que Twain prend sept ans de congé après son premier élan de créativité, pour finalement terminer le livre en 1883. D'autres récits montrent que Twain travaille sur Huckleberry Finn en tandem avec Le Prince et le Pauvre et d'autres œuvres en 1880 et d'autres années. Le dernier cinquième de Huckleberry Finn fait l'objet de nombreuses controverses. Certains disent que Twain a connu, comme le dit le critique Leo Marx, une « panne de courage ». Ernest Hemingway a dit un jour à propos de Huckleberry Finn : Si vous le lisez, vous devez vous arrêter là où le Nigger Jim est volé aux garçons. C'est la vraie fin. Le reste n'est que de la triche. Hemingway a également écrit dans le même essai : Toute la littérature américaine moderne provient d’un livre de Mark Twain intitulé Huckleberry Finn. Près de la fin de Huckleberry Finn, Twain a écrit Life on the Mississippi, qui aurait fortement influencé le premier livre. L'œuvre raconte les souvenirs et les nouvelles expériences de Twain après une absence de 22 ans du Mississippi. Dans ce document, il déclare également que « Mark Twain » était l'appel émis lorsque le bateau était dans des eaux sûres – deux brasses (12 pieds). Écriture ultérieure Après son excellent travail, Twain a commencé à se tourner vers ses efforts commerciaux pour les maintenir à flot et pour éviter les difficultés croissantes qu'il rencontrait du fait de ses projets d'écriture. Twain s'est concentré sur les Mémoires du président Ulysses S. Grant pour sa toute jeune maison d'édition, trouvant entre-temps du temps pour écrire « L'histoire privée d'une campagne qui a échoué » pour The Century Magazine. Cet article détaille son passage de deux semaines dans une milice confédérée pendant la guerre civile. Le nom de sa maison d'édition était Charles L. Webster & Company, qu'il possédait avec Charles L. Webster, son neveu par alliance. Twain s'est ensuite concentré sur A Connecticut Yankee in King Arthur's Court, dans lequel il faisait sa première grande déclaration de déception à l'égard de la politique. Écrit dans le même style de fiction historique que Le Prince et le Pauvre, A Connecticut Yankee a montré les absurdités des normes politiques et sociales en les plaçant à la cour du roi Arthur. Le livre a été commencé en décembre 1885, puis mis de côté quelques mois plus tard jusqu'à l'été 1887, et finalement terminé au printemps 1889. Pour payer les factures et maintenir ses projets commerciaux à flot, Twain avait commencé à écrire des articles et des commentaires avec fureur, avec des rendements décroissants, mais cela ne suffisait pas. Il dépose le bilan en 1894. Son œuvre suivante à grande échelle, Pudd'nhead Wilson, fut écrite rapidement, alors que Twain essayait désespérément d'éviter la faillite. Du 12 novembre au 14 décembre 1893, Twain écrivit 60 000 mots pour le roman. Les critiques ont souligné cet achèvement précipité comme la cause de l'organisation difficile du roman et de la perturbation constante de l'intrigue continue. Il y avait des parallèles entre ce travail et les échecs financiers de Twain, notamment son désir d'échapper à ses contraintes actuelles et de devenir une personne différente. Comme Le Prince et le Pauvre, ce roman contient également l'histoire de deux garçons nés le même jour qui changent de position dans la vie. Compte tenu des circonstances de la naissance de Twain et de la comète de Halley, ainsi que de sa forte croyance dans le paranormal, il n'est pas surprenant que ces liens « mystiques » reviennent tout au long de ses écrits. Le titre réel n’est pas clairement établi. Il a été publié pour la première fois en série dans Century Magazine, et lorsqu'il a finalement été publié sous forme de livre, Pudd'nhead Wilson est apparu comme titre principal ; cependant, les « sous-titres » contestés font lire le titre entier : La tragédie de Pudd'nhead Wilson et la comédie des jumeaux extraordinaires. L'entreprise suivante de Twain était une œuvre de fiction pure et simple qu'il appela Souvenirs personnels de Jeanne d'Arc et dédiée à sa femme. Twain disait depuis longtemps que c'était le travail dont il était le plus fier, malgré les critiques qu'il avait reçues à son sujet. Ce livre était un de ses rêves depuis son enfance. Il affirmait avoir trouvé un manuscrit détaillant la vie de Jeanne d'Arc lorsqu'il était adolescent. C'était une autre pièce dont Twain était convaincu qu'elle sauverait sa maison d'édition. Son conseiller financier, Henry Huttleston Rogers, a rejeté cette idée et a complètement retiré Twain de cette activité, mais le livre a néanmoins été publié. Pendant cette période de difficultés financières désastreuses, Twain a publié plusieurs critiques littéraires dans les journaux pour aider à joindre les deux bouts. Il s'est moqué de James Fenimore Cooper dans son article détaillant les « infractions littéraires » de Cooper. Il est devenu un critique extrêmement virulent non seulement d'autres auteurs, mais aussi d'autres critiques, suggérant qu'avant de faire l'éloge du travail de Cooper, Thomas Lounsbury, Brander Matthews et Wilkie Collins « auraient dû en lire une partie ».Twain, Mark. [http://etext.virginia.edu/railton/projects/rissetto/offense.html Les infractions littéraires de Fenimore Cooper]. Tiré de contes, croquis, discours et essais rassemblés, de 1891 à 1910. Edité par Louis J. Budd. New York : Bibliothèque d'Amérique, 1992. D'autres auteurs qui tombèrent sous les attaques de Twain au cours de cette période (depuis 1890 environ jusqu'à sa mort) furent George Eliot, Jane Austen et Robert Louis Stevenson. En plus de fournir une source pour le style de critique littéraire « dents et griffes », Twain décrit dans plusieurs lettres et essais ce qu'il considère comme une « écriture de qualité ». Il met l'accent sur la concision, l'utilité du choix des mots et le réalisme (il se plaint que Deerslayer de Cooper prétend être réaliste mais présente plusieurs défauts). Ironiquement, plusieurs de ses œuvres furent par la suite critiquées pour leur manque de continuité (Les Aventures de Huckleberry Finn) et d'organisation (Pudd'nhead Wilson). L'épouse de Twain est décédée en 1904 alors que le couple séjournait à la Villa di Quarto à Florence ; et, après un laps de temps approprié, Twain s'autorisa à publier certains ouvrages que sa femme, éditrice et censrice de facto toute sa vie, avait méprisée. Parmi ces œuvres, Le Mystérieux Étranger, illustrant diverses visites de Satan sur Terre, est peut-être la plus connue. Cet ouvrage particulier n'a pas été publié du vivant de Twain. Il y avait trois versions trouvées dans ses manuscrits, réalisés entre 1897 et 1905 : les versions Hannibal, Eseldorf et Print Shop. La confusion entre les versions a conduit à une publication approfondie d'une version confuse, et ce n'est que récemment que les versions originales telles que Twain les a écrites sont devenues disponibles. Le dernier ouvrage de Twain était son autobiographie, qu'il dictait et pensait qu'elle serait très divertissante s'il partait sur des caprices et des tangentes dans un ordre non chronologique. Certains archivistes et compilateurs ont réorganisé la biographie sous des formes plus conventionnelles, éliminant ainsi une partie de l'humour de Twain et le flux du livre. Le premier volume d'autobiographie, de plus de 736 pages, a été publié par l'Université de Californie en novembre 2010, 100 ans

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Qui a écrit le roman Rasselas en une seule semaine en 1759 pour payer les funérailles de sa mère ?

Samuel Johnson

L'Histoire de Rasselas, prince d'Abissinia, initialement intitulée Le Prince d'Abissinia : un conte, bien que souvent abrégé en Rasselas, est un apologue sur le bonheur par Samuel Johnson. Le titre provisoire original du livre était « Le choix de la vie ». Il a écrit la pièce en seulement une semaine pour aider à payer les frais des funérailles de sa mère, avec l'intention de l'achever le 22 janvier 1759 (la veille du décès de sa mère). Le livre a été publié pour la première fois en avril 1759 en Angleterre. Johnson aurait reçu un total de 75 £ pour les droits d'auteur. La première édition américaine suivit en 1768. La page de titre de cette édition portait une citation, insérée par l'éditeur Robert Bell, de La Rochefoucauld : « Le travail ou exercice du corps libère l'homme des douleurs de l'esprit ; et cela constitue le bonheur des pauvres". Johnson a été influencé par la vogue des lieux exotiques. Il avait traduit Un Voyage en Abyssinie de Jerónimo Lobo en 1735 et l'avait utilisé comme base pour un « roman philosophique ». Dix ans avant d'écrire Rasselas, il publia « La vanité des désirs humains » dans lequel il décrit l'inévitable défaite de l'ambition mondaine. Les premiers lecteurs considéraient Rasselas comme une œuvre d'importance philosophique et pratique et les critiques remarquent souvent la difficulté de la classer comme roman. Johnson était un farouche opposant à l’esclavage, vénéré par les abolitionnistes, et Rasselas est devenu un nom adopté par les esclaves émancipés. Aperçu Bien que l'histoire soit thématiquement similaire à celle de Candide de Voltaire, également publiée au début de 1759 – toutes deux concernent des jeunes hommes voyageant en compagnie d'enseignants honorés, rencontrant et examinant la souffrance humaine pour tenter de déterminer la racine du bonheur – leurs préoccupations fondamentales sont nettement différentes. . Voltaire faisait très directement la satire de l'ouvrage philosophique largement lu de Gottfried Leibniz, en particulier du Théodicée, dans lequel Leibniz affirme que le monde, quelle que soit la manière dont nous pouvons le percevoir, est nécessairement « le meilleur de tous les mondes possibles ». En revanche, la question à laquelle Rasselas est le plus directement confronté est de savoir si l’humanité est essentiellement capable d’atteindre le bonheur. Écrivant en chrétien fervent, Johnson ne lance à travers ses personnages aucune attaque générale sur la viabilité d'une réponse religieuse à cette question, comme le fait Voltaire, et bien que l'histoire soit par endroits légère et humoristique, ce n'est pas une satire, comme c'est le cas. Candide. Parcelle L'intrigue est simple à l'extrême. Rasselas, fils du roi d'Abyssinie (aujourd'hui Éthiopie), est enfermé dans une belle vallée, "jusqu'à ce que l'ordre de succession l'appelle au trône". Il se lasse des divertissements factices du lieu et, après de nombreuses réflexions, s'échappe avec sa sœur Nekayah, son serviteur Pekuah et son ami poète Imlac. Ils doivent voir le monde et rechercher le bonheur, mais après un séjour en Égypte, où ils rencontrent diverses classes de la société et vivent quelques aventures douces, ils réalisent la futilité de leur recherche et retournent brusquement en Abyssinie. La couleur locale est quasiment inexistante et les éléments épisodiques, par ex. l'histoire d'Imlac et celle de l'astronome fou abondent. Il y a peu d'incidents, pas de rapports amoureux, avec peu d'efforts pour charmer l'imagination et avec une légère reconnaissance des prétentions du sentiment. Influences Irvin Ehrenpreis voit un Johnson âgé réfléchir à sa jeunesse perdue dans le personnage de Rasselas, exilé de Happy Valley. Rasselas a également été considéré comme le reflet de la mélancolie de Johnson projetée sur le monde plus large, en particulier au moment de la mort de sa mère. Hester Piozzi voyait en partie Johnson dans le personnage d'Imlac qui est rejeté dans ses fréquentations par un supérieur social conscient de sa classe. Thomas Keymer voit au-delà des interprétations conventionnelles du roman à clé pour qualifier cet ouvrage de reflet du monde géopolitique plus large de l'année de sa publication (1759) : l'année où « la Grande-Bretagne est devenue maître du monde ». Rasselas semble exprimer son hostilité à l'égard de l'impérialisme montant de son époque et rejeter les points de vue « orientalistes » stéréotypés qui justifiaient le colonialisme. Johnson lui-même était considéré comme un prophète opposé à l’impérialisme et décrivait la guerre anglo-française pour l’Amérique comme une dispute entre deux voleurs à propos du produit d’un vol. Bien que beaucoup aient soutenu que le livre Rasselas n'avait rien à voir avec l'Abyssinie et que Samuel Johnson avait choisi l'Abyssinie comme lieu pour la seule raison de vouloir écrire un fantasme anti-orientaliste, certains ont commencé à affirmer que le livre a un lien profond avec l'Abyssinie. à la pensée éthiopienne en raison de la traduction par Johnson d'Un voyage en Abyssinie et de son intérêt de toujours pour le christianisme. D'autres chercheurs ont soutenu que Johnson avait été influencé, au moins en partie, par d'autres textes, notamment des œuvres d'Hérodote et de Paradise Lost. Adaptation radiophonique Une adaptation radiophonique de Rasselas de Jonathan Holloway a été diffusée par BBC Radio 4 le 24 mai 2015, avec Ashley Zhangazha dans le rôle de Rasselas, Jeff Rawle dans le rôle de Samuel Johnson et Lucian Msamati dans le rôle du poète Imlac. Cynthia Erivo a fait ses débuts dans un drame radiophonique de la BBC dans le rôle de la princesse Nekayah. Le drame a été enregistré à la Maison du Dr Johnson, 17 Gough Square, dans la ville de Londres, où Johnson a compilé son célèbre dictionnaire, A Dictionary of the English Language, puis, en janvier 1759, a écrit son best-seller instantané Rasselas. La conception sonore a été réalisée par David Chilton et le drame a été introduit par Celine Luppo McDaid, conservatrice de la Dr Johnson's House. Il a été produit et réalisé par Amber Barnfather. Casting *Samuel Johnson-Jeff Rawle *Arthur Murphy – Kevin Trainor *Gouvernante / Pekuah – Adjoa Andoh *Princesse Nekayah – Cynthia Erivo *Prince Rasselas – Ashley Zhangazha *Imlac – Lucian Msamati *Aéronaute – Richard Cordery *AJ – Gabriel Mokaké *Ahmed – Amir El-Masry *Mohammed / Homme du renseignement – ​​Zubin Varla Héritage Suite Rasselas était un point de départ populaire pour les continuations à la fin du XVIIIe siècle : * Dinarbas (1790) de Cornelia Knight. * La deuxième partie de l'histoire de Rasselas (1835) par Elizabeth Pope Whately, épouse de Richard Whately. Littérature Rasselas est mentionné à plusieurs reprises dans la littérature notable ultérieure : * Mansfield Park (1814) de Jane Austen – Fanny Price fait référence au célèbre jugement du Dr Johnson lorsqu'elle compare Mansfield Park et Portsmouth. * Jane Eyre (1847) de Charlotte Brontë – Helen Burns la lit. * Cranford (1851) d'Elizabeth Gaskell – Le capitaine Brown (qui lit « The Pickwick Papers ») dénigre Rasselas, offensant ainsi Miss Jenkyns (qui est une grande admiratrice de Johnson). * La Maison aux Sept Pignons (1851) de Nathaniel Hawthorne – Rasselas est lu par Hepzibah Pyncheon. * The Mill on the Floss (1860) de George Eliot – Maggie le lit. * Little Women (1868) de Louisa May Alcott – le livre est laissé tomber par terre par Jo March alors qu'elle parle à M. Laurence de la farce de son petit-fils Laurie. * Middlemarch (1871) de George Eliot – le livre est apprécié par Lydgate lorsqu'il était enfant, aux côtés des Voyages de Gulliver, du dictionnaire et de la Bible. * Rasselas a été lu par l'explorateur Henry Stanley alors qu'il était un jeune homme récemment libéré d'un workhouse victorien, travaillant comme enseignant au Pays de Galles. Ceci est enregistré dans la biographie de Tim Jeal, Stanley – La vie impossible du plus grand explorateur d'Afrique. * Les Montagnes de Rasselas par Thomas Pakenham – Le titre du récit de Pakhenham sur l'exploration de l'Éthiopie pour trouver les prisons royales originales au sommet des montagnes fait allusion au travail de Johnson. Pakenham mentionne explicitement le travail de Johnson dans ce livre. * Sirak Heruy, fils de l'intellectuel éthiopien Heruy Welde Sellase, a traduit le Rasselas en amharique, l'une des principales langues d'Éthiopie. (Publié en 1946/47.) * C.S. Lewis mentionne Rasselas dans une note de bas de page de la deuxième de ses conférences Riddell Memorial sur les valeurs et la loi naturelle, publiée plus tard sous le titre The Abolition of Man : « Espérons que Rasselas, chap. 22, donne une image correcte de ce que [le Dr. La philosophie de C. H. Waddington se résume à l'action. (« Le philosophe, supposant que les autres étaient vaincus, se leva et partit avec l'air d'un homme qui avait coopéré avec le système actuel. ») » * Rasselas est mentionné de manière significative dans deux romans d'Ursula Dubosarsky – Zizzy Zing et Abyssinia. *Dans The Book of Sequels de Henry Beard, Christopher Cerf, Sarah Durkee et Sean Kelly, « Wrassle-Ass » apparaît dans une section intitulée « Adult Sequels ». La description de Happy Valley est très similaire au poème « Kubla Kahn » écrit par Samuel Taylor Coleridge environ un siècle plus tard. Emplacements La communauté de Rasselas, en Pennsylvanie, située dans le comté d'Elk, doit son nom à Rasselas Wilcox Brown, dont le père, Isaac Brown, Jr., aimait l'histoire de Johnson. Une vallée (ou vallée) nommée d'après Rasselas est située en Tasmanie dans le parc national Franklin-Gordon Wild Rivers Latitude (DMS) : 42° 34' 60 S Longitude (DMS) : 146° 19' 60 E.

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Qui a peint La Fille à la perle ?

Johannes Vermeer

La Jeune Fille à la Perle (Fille à la Boucle d'Oreille) est une peinture à l'huile du peintre hollandais du XVIIe siècle Johannes Vermeer. C'est une tronie de fille avec un foulard et une boucle d'oreille en perle. Le tableau fait partie de la collection du Mauritshuis de La Haye depuis 1902. Description Le tableau est un tronie, la description hollandaise du XVIIe siècle d'une « tête » qui n'était pas censée être un portrait. Il représente une jeune fille européenne portant une robe exotique, un turban oriental et une boucle d'oreille en perles d'une taille improbable. En 2014, l'astrophysicien néerlandais Vincent Icke a émis des doutes sur le matériau de la boucle d'oreille et a fait valoir qu'elle ressemblait plus à de l'étain poli qu'à une perle en raison du reflet spéculaire, de la forme de poire et de la grande taille de la boucle d'oreille. L'œuvre est une huile sur toile et mesure 39 cm de hauteur. Il est signé « IVMeer » mais non daté. On estime qu'il a été peint vers 1665. Après la restauration la plus récente du tableau en 1994, la subtile palette de couleurs et l'intimité du regard de la jeune fille vers le spectateur ont été grandement améliorées. Lors de la restauration, il a été découvert que le fond sombre, aujourd'hui quelque peu marbré, était initialement prévu par le peintre pour être d'un vert profond semblable à de l'émail. Cet effet a été obtenu en appliquant une fine couche transparente de peinture, appelée glaçage, sur le fond noir actuel. Cependant, les deux pigments organiques de l'émail vert, l'indigo et la soudure, se sont estompés. Propriété et affichage Sur les conseils de Victor de Stuers, qui essaya pendant des années d'empêcher que les œuvres rares de Vermeer soient vendues à des particuliers à l'étranger, Arnoldus Andries des Tombe acheta l'œuvre lors d'une vente aux enchères à La Haye en 1881, pour seulement deux florins avec une prime d'achat de trente cents. (environ 24 € au pouvoir d'achat actuel). A l’époque, il était en mauvais état. Des Tombe n'avait pas d'héritiers et fit don de ce tableau ainsi que d'autres tableaux au Mauritshuis en 1902. En 2012, dans le cadre d'une exposition itinérante alors que le Mauritshuis était en cours de rénovation et d'agrandissement, le tableau a été exposé au Japon au Musée national de l'art occidental de Tokyo et en 2013-2014 aux États-Unis, où il a été exposé au High Museum à Atlanta, au De Young Museum à San Francisco et à New York à la Frick Collection. Plus tard en 2014, il a été exposé à Bologne, en Italie. En juin 2014, il a été restitué au musée Mauritshuis et il a été déclaré que le tableau ne quitterait plus le musée à l'avenir. Impact culturel Tracy Chevalier a écrit un roman historique, également intitulé La Fille à la perle (1999), romançant les circonstances de la création du tableau. Dans le roman, Johannes Vermeer se rapproche d'une servante fictive nommée Griet (basée sur l'amie proche de Chevalier, Georgia Kendall), qu'il engage comme assistante et qu'il a posée pour lui comme modèle de peinture tout en portant les boucles d'oreilles en perles de sa femme. Le roman a inspiré un film de 2003 et une pièce de théâtre du même nom en 2008. Le film de 2003 met en vedette Scarlett Johansson dans le rôle de Griet, la fille à la boucle d'oreille en perle. Johansson a été nominée pour divers prix, dont un Golden Globe Award et un BAFTA Award de la meilleure actrice dans un rôle principal. Le tableau apparaît également dans le film St Trinian's de 2007, lorsqu'un groupe d'écolières indisciplinées le vole pour collecter des fonds pour sauver leur école. L'artiste de rue anglais Banksy a recréé le tableau sous forme de peinture murale à Bristol, en remplaçant la boucle d'oreille en perle par une boîte d'alarme et en intitulant l'œuvre "La Fille au tympan percé".

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Qui a eu des succès avec Go Now et Nights in White Satin ?

Moody Blues

"Go Now" est une chanson composée par Larry Banks et Milton Bennett. Il a été enregistré pour la première fois en janvier 1964 par Bessie Banks, puis est devenu associé à The Moody Blues. Version Bessie Banks La chanson a été enregistrée pour la première fois par l'ex-épouse de Larry Banks, Bessie Banks. Un enregistrement démo de la chanson réalisé par Bessie en 1962 a été entendu par les auteurs-compositeurs et producteurs de disques Jerry Leiber et Mike Stoller, qui l'ont réenregistré et l'ont sorti pour la première fois au début de 1964 sur leur label Tiger, puis l'ont réédité sur le label Blue Cat, le Empreinte R&B/soul de Red Bird. Sa version a atteint la 40e place du classement des singles Cashbox R&B. Bessie Banks a commenté plus tard : Je me souviens qu'en 1963, Kennedy a été assassiné ; cela a été annoncé à la radio. A cette époque, je répétais dans le bureau de Leiber et Stoller. Nous avons mis un terme à cette journée. Tout le monde était en larmes. "Revenez la semaine prochaine et nous serons prêts à enregistrer 'Go Now'" ; et nous l'avons fait. J’étais heureux et excité à l’idée que peut-être cette fois j’y arriverai. "Go Now" est sorti en janvier 1964 et a immédiatement été élu Pick Hit of the Week sur W.I.N.S. Radio. Cela signifie que votre disque est joué pendant sept jours. Quatre jours se sont écoulés, j'étais tellement excitée. Le cinquième jour, quand j’ai entendu la première phrase, j’ai pensé que c’était moi, mais tout d’un coup, j’ai réalisé que ce n’était pas le cas. À la fin de la chanson, il était annoncé : "The Moody Blues chantant 'Go Now'." J'étais trop dépassé. C’était l’époque de l’invasion anglaise et la fin de la carrière de Bessie Banks, du moins le pensais-je. Les DJ américains ont cessé de promouvoir les artistes américains. Les souvenirs de Banks sont discutables, car son single est sorti aux États-Unis en janvier 1964 et la version de The Moody Blues n'est sortie qu'en novembre 1964 (au Royaume-Uni) et en janvier 1965 aux États-Unis. La version Moody Blues "Allez maintenant!" a été rendu populaire à l'échelle internationale plus tard en 1964 lorsqu'un groupe de beat anglais de Birmingham nommé The Moody Blues l'a enregistré, avec Denny Laine à la guitare et au chant. Lorsque Denny Laine a entendu pour la première fois la version de Bessie Banks, il a immédiatement dit au reste du groupe qu'ils devaient enregistrer la chanson. Contrairement aux autres chansons de leur premier album The Magnificent Moodies, "Go Now!" contenait de nombreux premiers éléments de ce qui allait devenir plus tard le rock progressif, tels que l'instrumentation luxuriante, les variations innovantes de la Progression des années 50, ainsi que de forts éléments baroques qui deviendront plus tard les caractéristiques du rock progressif. Promotion et succès dans les charts Au moment de la sortie du single, il était promu à la télévision avec l'un des premiers films promotionnels spécialement conçus à l'ère pop, produit et réalisé par leur co-manager Alex Wharton (qui est le père du DJ international Sonny Wharton). . Le court métrage utilisé pour promouvoir le single a un style visuel saisissant qui est antérieur d'une décennie à la vidéo similaire "Bohemian Rhapsody" de Queen. C'est également antérieur à ce que les Beatles ont fait avec les films promotionnels de leurs singles "Rain" et "Paperback Writer", tous deux sortis en 1966. Mais les Beatles avaient réalisé de nombreux films promotionnels en 1964 et 1965. La chanson atteint la première place du UK Singles Chart fin janvier 1965. Aux États-Unis, "Go Now!" n'est entré dans le Billboard Hot 100 qu'à la mi-février 1965; il a culminé au 10e rang. Les prochains succès des Moody Blues seront avec "Nights in White Satin" et "Tuesday Afternoon" en 1968. Performances ultérieures Les Moody Blues ont eu peu de succès avec les singles après "Go Now!" au milieu des années 1960, ce qui a conduit au départ de Laine du groupe, remplacé plus tard par Justin Hayward. Le bassiste Clint Warwick avait déjà quitté le groupe à cette époque. Rodney Clark l'avait remplacé pendant un certain temps avant de recruter John Lodge. Avec la nouvelle programmation, The Moody Blues a continué à interpréter "Go Now!" pendant une courte période, jusqu'à ce qu'ils commencent à écrire leur propre matériel. Hayward a chanté la chanson au cours de sa première année avec le groupe, et Ray Thomas a tenté de la chanter lui-même plusieurs fois. Laine a continué à interpréter la chanson en concert pendant ses années dans Wings. Du 21 au 23 juin 1976, au Forum d'Inglewood, en Californie, Laine a interprété "Go Now!" avec le groupe Wings s'accompagnant au piano, avec Paul McCartney à la basse et au chant, Linda McCartney au chant, Jimmy McCulloch à la guitare solo et Joe English à la batterie. Ce La version de "Go Now" apparaît sur l'album live Wings Over America. Il a également chanté la chanson au Birmingham Heart Beat Charity Concert 1986, collectant des fonds pour l'hôpital pour enfants local. En janvier 1997, "Go Now" est sorti sur The Very Best of the Moody Blues ; sa sortie sur cet album était la première fois qu'il sortait sur un album de compilation Moody Blues. "Allez maintenant!" est également sorti sur l'album de compilation de deux disques Moody Blues Anthology. Laine a ensuite repris "Go Now" en 2007 sur son album Performs the Hits of Wings. "Allez maintenant!" a été interprété par Denny Laine avec The Fab Faux le 11 décembre 2010 au Terminal 5 de New York et le 26 février 2011 au State Theatre d'Easton, en Pennsylvanie. Graphiques Crédits * Denny Laine : guitare, chant principal * Clint Warwick : guitare basse, choeurs * Mike Pinder : piano, choeurs * Ray Thomas : choeur * Graeme Edge : batterie, choeurs Autres versions Il a été enregistré par David Cassidy sur son album de 1972 Rock Me Baby. "Go Now" a ensuite été enregistré par Ozzy Osbourne en 2005 pour son album Under Cover et par Simply Red en 2008 pour leur compilation Simply Red 25: The Greatest Hits. La chanson est également dans la comédie musicale Return to the Forbidden Planet. Chanson dans la culture populaire *La version originale de Bessie Banks de « Go Now » figurait sur la bande originale du film Stonewall. *La version Moody Blues est jouée au générique après la scène de danse finale de l'anniversaire avec Charlotte Rampling et Tom Courtney dans le film 45 Years. *La version de The Moody Blues a été utilisée dans l'émission de télévision satirique britannique Spitting Image dans une scène concernant le Premier ministre de l'époque, Margaret Thatcher.

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Que reste-t-il dans la boîte de Pandore une fois que tout le mal s'est échappé ?

Espoir

La boîte de Pandore est un artefact de la mythologie grecque, tiré du mythe de la création de Pandore dans les Œuvres et les Jours d'Hésiode. La « boîte » était en fait un grand pot (πίθος pithos) donné à Pandore (Πανδώρα, « tout-doué », « tout-donnant »), qui contenait tous les maux du monde. Pandora ouvrit le pot et tous les maux s'envolèrent, ne laissant que "Espoir" à l'intérieur une fois qu'elle l'eut refermé. Aujourd’hui, l’expression « ouvrir la boîte de Pandore » signifie accomplir une action qui peut paraître insignifiante ou innocente, mais qui s’avère avoir des conséquences négatives très préjudiciables et de grande portée. Dans la mythologie Dans la mythologie grecque classique, Pandore fut la première femme sur Terre. Zeus ordonna à Héphaïstos de la créer. C'est ce qu'il a fait, en utilisant de l'eau et de la terre. Les dieux l'ont dotée de nombreux dons : Athéna l'a vêtue, Aphrodite lui a donné sa beauté, Apollon lui a donné ses capacités musicales et Hermès lui a donné la parole. Selon Hésiode, lorsque Prométhée vola le feu du ciel, Zeus se vengea en présentant Pandore au frère de Prométhée, Épiméthée. Pandora ouvre un pot contenant la mort et de nombreux autres maux qui ont été libérés dans le monde. Elle s'empressa de fermer le récipient, mais tout le contenu s'était échappé, à l'exception d'une chose qui se trouvait au fond : Elpis (généralement traduit par « Espoir », bien que cela puisse aussi signifier « Attente »). Étymologie de la « boîte » Le mot grec original était « pithos », qui est un grand pot, parfois aussi grand qu'une petite personne (Diogène de Sinope aurait dormi dans un). Il était utilisé pour stocker du vin, de l'huile, des céréales ou d'autres provisions, ou, rituellement, comme récipient pour l'enterrement d'un corps humain. Dans le cas de Pandore, ce pot peut avoir été fait d'argile pour servir de stockage comme dans le sens habituel du terme, ou de métal, comme le bronze, comme prison incassable. L'erreur de traduction de pithos est généralement attribuée à l'humaniste Erasmus de Rotterdam du XVIe siècle qui a traduit le conte de Pandore d'Hésiode en latin. Erasmus a rendu pithos par le grec pyxis, signifiant « boîte ». L’expression « boîte de Pandore » est restée depuis toujours. Cette idée fausse a été encore renforcée par le tableau Pandora de Dante Gabriel Rossetti. Pandore dans l'art Voir également Catégorie : Pandora sur Wikimedia Commons. Fichier:Pandora-1879.jpg|Pandora de Rosetti (1879) Fichier:Pandora - John William Waterhouse.jpg|Waterhouse's, Pandora, 1896) Fichier:Alaux, Jean - Pandore enlevée par Mercure.jpg|Jean Alaux, Pandore enlevée par Mercure, 18e ou 19e siècle Fichier : Pandora ouvrant sa boîte par James Gillray.jpg|thumb|Caricature politique de James Gillray, utilisant l'image de Pandora.

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Quelle est la capitale de l'État de Floride ?

Tallahassee

Tallahassee est la capitale de l'État américain de Floride. C'est le siège du comté et la seule municipalité constituée en société dans le comté de Leon, et c'est la 126e plus grande ville des États-Unis. Tallahassee est devenue la capitale de la Floride, puis le territoire de la Floride, en 1824. En 2010, la population était de 181 376 habitants et la zone métropolitaine de Tallahassee comptait 375 751 habitants en 2014. Tallahassee est la plus grande ville de la région du nord-ouest de la Floride. Tallahassee est le principal centre commercial et agricole de la région de Florida Big Bend et du sud-ouest de la Géorgie. Tallahassee abrite l'Université d'État de Floride, classée quarante-troisième meilleure université publique du pays par U.S. News & World Report. Elle abrite également la Florida A&M University, l'une des plus grandes universités historiquement noires du pays en termes d'inscriptions totales. Le Tallahassee Community College est un grand collège communautaire qui sert principalement d'école d'alimentation à l'État de Floride et à Florida A&M. Tallahassee est considérée comme une ville universitaire importante avec une population étudiante de plus de 70 000 habitants. Tallahassee abrite le Capitole de l'État de Floride, la Cour suprême de Floride, le manoir du gouverneur de Floride et près de 30 sièges d'agences d'État. La ville est également connue pour son grand nombre de cabinets d'avocats, d'organisations de lobbying, d'associations commerciales et d'associations professionnelles, notamment le Florida Bar et la Florida Chamber of Commerce. C'est également un centre régional reconnu pour la recherche scientifique et abrite le Laboratoire national des champs magnétiques élevés. En 2015, Tallahassee a reçu pour la deuxième fois le All-American City Award de la National Civic League. Tallahassee est actuellement classée 18e meilleure ville universitaire du pays par Best College Reviews. Histoire Au XVIIe siècle, plusieurs missions espagnoles furent établies sur le territoire des Apalachee pour fournir de la nourriture et de la main-d'œuvre pour la colonie de Saint-Augustin. La plus grande, la Mission San Luis de Apalachee, a été partiellement reconstruite par l'État de Floride. Le nom « Tallahassee » est un mot indien muskogéen souvent traduit par « vieux champs » ou « vieille ville », et il provient probablement des Indiens Creek (appelés plus tard Seminole) qui ont émigré de Géorgie et d'Alabama vers cette région à la fin du 18e et début du 19ème siècle. Ils ont découvert de vastes zones de terres défrichées auparavant occupées par la tribu Apalachee. Auparavant, les Indiens du Mississippi avaient construit des monticules près du lac Jackson vers 1200 après JC, qui survivent aujourd'hui dans le parc archéologique d'État du lac Jackson. L'expédition de Pánfilo de Narváez rencontra les Apalachees, bien qu'elle n'atteignit pas le site de Tallahassee. Hernando de Soto et son expédition occupèrent la ville apalachee d'Anhaica, dans l'actuelle Tallahassee, au cours de l'hiver 1538-1539. D'après les fouilles archéologiques, on sait maintenant que ce site est situé à peu près à l'est de l'actuel Capitole de l'État de Floride. On pense que le campement DeSoto est le premier endroit où Noël a été célébré dans la zone continentale des États-Unis. Au cours de la première guerre séminole, le général Andrew Jackson a mené deux escarmouches distinctes à Tallahassee et dans ses environs. La première bataille eut lieu le 12 novembre 1817. Le chef Neamathla, du village de Fowltown, juste à l'ouest de l'actuelle Tallahassee, avait refusé les ordres de déménager de Jackson. Jackson a répondu en entrant dans le village, en le brûlant et en chassant ses occupants. Les Indiens ont ensuite riposté en tuant 50 soldats et civils. Jackson rentra en Floride en mars 1818. Selon l'adjudant de Jackson, le colonel Robert Butler, ils « avancèrent vers le village indien appelé Tallahasse (sic) [où] deux ennemis furent faits prisonniers ». Capitale de l'Etat Tallahassee est devenue la capitale de la Floride lors de la deuxième session législative. Elle a été choisie car elle se trouvait à peu près à égale distance de Saint-Augustin et de Pensacola, qui étaient les capitales des territoires espagnols de la Floride orientale et de la Floride occidentale. La première session du Conseil législatif de Floride, en tant que territoire des États-Unis, s'est réunie le 22 juillet 1822 à Pensacola et les membres de Saint-Augustin ont voyagé cinquante-neuf jours par bateau pour y assister. La deuxième session s'est déroulée à Saint-Augustin et a obligé les délégués occidentaux à voyager dangereusement autour de la péninsule au cours d'un périple de vingt-huit jours. Au cours de cette séance, il a été décidé que les prochaines réunions se tiendraient à mi-parcours. Deux commissaires nommés ont choisi Tallahassee, à l'époque une colonie abandonnée d'Apalachee, comme point à mi-chemin. En 1824, la troisième session législative s'y réunit dans un bâtiment du Capitole en rondins rudimentaires. De 1821 à 1845, la capitale frontalière grossièrement taillée s'est progressivement transformée en une ville pendant la période territoriale de la Floride. Le marquis de Lafayette, héros français de la Révolution américaine, revint faire une tournée aux États-Unis en 1824. Le Congrès américain vota pour lui donner 200 000 dollars (le même montant qu'il avait donné aux colonies en 1778), la citoyenneté américaine et le prix Lafayette. Land Grant, 36 milles carrés de terrain qui comprend aujourd'hui de grandes parties de Tallahassee. En 1845, une structure en maçonnerie de style néo-grec fut érigée en tant que bâtiment du Capitole à temps pour la création d'un État. Aujourd'hui connu sous le nom de « vieux Capitole », il se dresse en face du bâtiment de grande hauteur du Capitole construit dans les années 1970. Tallahassee était au cœur de la ceinture cotonnière de Floride – le comté de Leon était le leader de l'État en matière de production de coton – et était le centre de la traite des esclaves en Floride. Pendant la guerre civile américaine, Tallahassee était la seule capitale de l'État confédéré à l'est du Mississippi à ne pas être capturée par les forces de l'Union et la seule à ne pas être incendiée. Un petit engagement, la bataille de Natural Bridge, a eu lieu au sud de la ville le 6 mars 1865, juste un mois avant la fin de la guerre. Au cours du XIXe siècle, les institutions qui deviendront finalement l'actuelle Florida State University furent établies à Tallahassee, cimentant ainsi fermement ses fondations en tant que ville universitaire. Il s'agissait notamment de la Tallahassee Female Academy (fondée en 1843) et du Florida Institute (fondée en 1854). En 1851, la législature de Floride a décrété la construction de deux séminaires de chaque côté de la rivière Suwanee, le East Florida Seminary et le West Florida Seminary. En 1855, le séminaire de West Florida fut transféré dans le bâtiment du Florida Institute (qui avait été créé pour inciter l'État à installer le séminaire à Tallahassee). En 1858, le séminaire absorba la Tallahassee Female Academy et devint mixte. Son bâtiment principal était situé près de l'angle nord-ouest des rues South Copeland et West Jefferson, à peu près là où se trouve aujourd'hui le bâtiment Westcott de la FSU. En 1887, le Collège Normal des Étudiants de Couleur, ancêtre de l'actuelle FAMU, ouvre ses portes. Le législateur a décidé que Tallahassee était le meilleur endroit en Floride pour un collège accueillant des étudiants noirs. Quatre ans plus tard, son nom a été changé pour devenir Collège normal et industriel d'État pour étudiants de couleur. Après la guerre civile, une grande partie de l'industrie de la Floride s'est déplacée vers le sud et l'est, une tendance qui se poursuit aujourd'hui. La fin de l'esclavage a entravé le commerce du coton et du tabac, et les principales industries de l'État se sont tournées vers les agrumes, le bois, les magasins navals, l'élevage de bétail et le tourisme. La période qui a suivi la guerre civile a également été celle où de nombreuses anciennes plantations de la région de Tallahassee ont été achetées par de riches habitants du Nord pour les utiliser comme réserves de chasse hivernale. Cela comprenait la réserve de chasse d'Henry L. Beadel, qui a légué ses terres pour l'étude des effets des incendies sur l'habitat faunique. Aujourd'hui, la réserve est connue sous le nom de Tall Timbers Research Station and Land Conservancy, reconnue à l'échelle nationale pour ses recherches sur l'écologie des incendies et l'utilisation du brûlage dirigé. 1900-présent Jusqu'à la Seconde Guerre mondiale, Tallahassee restait une petite ville du sud dont la quasi-totalité de la population vivait à moins de 1,6 km du Capitole. Les principaux moteurs économiques étaient les universités et le gouvernement de l’État, où les politiciens se réunissaient pour discuter des dépenses consacrées à de grands projets d’amélioration publique destinés à répondre à la croissance dans des endroits comme Miami et Tampa Bay, à des centaines de kilomètres de la capitale. Dans les années 1960, il y eut un mouvement visant à transférer la capitale à Orlando, plus proche des centres de population croissants de l'État. Cette motion a été rejetée et les années 1970 ont vu un engagement à long terme de l'État envers la capitale avec la construction du nouveau complexe du Capitole et la préservation de l'ancien bâtiment du Capitole de l'État de Floride. En 1970, le Bureau du recensement a rapporté que la population de la ville était de 74,0 % de blancs et 25,4 % de noirs. En 1977, un bâtiment du Capitole de 22 étages conçu par l'architecte Edward Durell Stone a été achevé, qui est aujourd'hui le troisième plus haut bâtiment du Capitole des États-Unis. En 1978, l'ancienne capitale, juste en face de la nouvelle, devait être démolie, mais les autorités de l'État ont décidé de conserver l'ancienne capitale comme musée. Tallahassee a été au centre de l'attention mondiale pendant six semaines lors du recomptage des élections présidentielles américaines de 2000, qui a impliqué de nombreuses décisions du secrétaire d'État de Floride et de la Cour suprême de Floride. Géographie Tallahassee a une superficie de , dont 2,59 % de terres et 2,59 % d'eau. Le terrain de Tallahassee est vallonné selon les normes de la Floride, étant situé à l'extrémité sud de la région de Red Hills, juste au-dessus du Cody Scarp. L'élévation varie du niveau de la mer à un peu plus de 200 pieds, la capitale de l'État étant située sur l'une des plus hautes collines de la ville. La ville comprend deux grands bassins lacustres, le lac Jackson et le lac Lafayette, et borde l'extrémité nord de la forêt nationale d'Apalachicola. La flore et la faune sont similaires à celles trouvées dans les régions du centre-sud et des basses terres de la Caroline du Sud et de la Géorgie. Les palmiers sont les variétés les plus résistantes au froid, comme l'arbre national, le palmier nain Sabal. Les pins, les magnolias, les caryers et une variété de chênes sont les arbres dominants. Le Southern Live Oak est peut-être le plus emblématique de la ville. Climat Tallahassee a un climat subtropical humide (Köppen Cfa), avec des étés longs et des hivers courts et doux, ainsi que des printemps et des automnes plus secs. Les étés ici sont plus chauds que dans la péninsule de Floride et c'est l'une des rares villes de l'État à enregistrer occasionnellement des températures supérieures à 100 °F, en moyenne 2,4 jours par an. Le record de 105 °F a été établi le 15 juin 2011. L'été est caractérisé par de brèves averses intenses et des orages qui se forment le long de la brise marine de l'après-midi venant du golfe du Mexique. La température moyenne quotidienne en juillet, le mois le plus chaud, est de . À l'inverse, la ville est nettement plus fraîche en hiver, avec une température moyenne quotidienne de janvier. De plus, comme Tallahassee chevauche la limite entre les zones de rusticité USDA 8B et 9A, la température la plus froide de la saison se situe généralement autour de 20 °F. Au cours du grand blizzard de 1899, la ville a atteint , la seule valeur Fahrenheit inférieure à zéro enregistrée en Floride. La neige et la glace sont rares à Tallahassee. Néanmoins, au cours des 100 dernières années, la ville a enregistré quelques chutes de neige accumulées ; le plus lourd a eu lieu le 13 février 1958. Un Noël blanc a eu lieu en 1989, et pendant la « super tempête » de l'est des États-Unis du 13 au 14 mars 1993, il y avait des vents violents et des traces de neige. Historiquement, la ville enregistre généralement au moins des averses de neige tous les trois à quatre ans, mais en moyenne, des quantités mesurables de neige ne se produisent qu'une fois tous les 17 ans. La dernière chute de neige mesurable a eu lieu les 22 et 23 décembre 1989. La limite naturelle des neiges (chutes de neige annuelles régulières) se termine à 200 km au nord à Macon, en Géorgie, mais la ville passe en moyenne 32 nuits pendant lesquelles la température descend en dessous de zéro et, en moyenne. , le premier gel a lieu le 20 novembre, le dernier le 22 mars. Bien que plusieurs ouragans aient balayé Tallahassee de leurs bandes extérieures de pluie et de vent, ces dernières années, seul l'ouragan Kate, en 1985, a frappé directement Tallahassee. La région de Big Bend, dans le nord de la Floride, connaît plusieurs tornades chaque année au cours de la saison, mais elles sont généralement faibles, causent peu de dégâts structurels et frappent rarement directement la ville. La tornade la plus récente à avoir frappé Tallahassee s'est produite le 19 avril 2015. La tornade a été classée EF1 et a créé un chemin aussi large que 350 mètres sur près de 5 miles près de Maclay Gardens. Les dommages comprenaient de nombreuses branches d'arbres abattues et une voiture écrasée par la chute d'un arbre. Lors de pluies extrêmement fortes, certaines parties basses de Tallahassee peuvent être inondées, notamment la zone du boulevard Franklin adjacente au centre-ville et la subdivision Killearn Lakes (qui ne se trouve pas dans les limites de la ville proprement dite) du côté nord. Villes et banlieues voisines *Crawfordville *La Havane *Lamont *Lloyd *À mi-chemin *Monticello *Quincy *Woodville *Capitole Quartiers Tallahassee compte de nombreux quartiers à l'intérieur des limites de la ville. Certains des plus connus et définis incluent All Saints, Apalachee Ridge, Betton Hills, Callen, Frenchtown (le plus ancien quartier historiquement noir de l'État), Killearn Estates, Lafayette Park, Levy Park, Los Robles, Midtown, Holly Hills, Jake Gaither. /University Park, Indian Head Acres, Myers Park, Smokey Hollow, SouthWood, Seminole Manor et Woodland Drives. Données démographiques Lors du recensement de 2010, la population de Tallahassee était estimée à 181 376 habitants. Il y avait 74 815 ménages, dont 21,3 % avaient des enfants de moins de 18 ans. 27,7 % étaient des couples mariés vivant ensemble, 14,4 % avaient une femme au foyer sans mari et 53,7 % n'étaient pas des familles. 34,1 % de tous les ménages étaient composés de personnes vivant seules et 6,7 % comptaient une personne vivant seule âgée de 65 ans ou plus. La taille moyenne des ménages était de 2,23 et la taille moyenne des familles était de 2,88. Les enfants de moins de 5 ans représentaient 5,5 % de la population, les personnes de moins de 18 ans 17,2 % et les personnes de 65 ans ou plus 8,1 %. L'âge médian était de 26 ans. Pour 100 femmes, il y avait 89,5 hommes. Pour 100 femmes âgées de 18 ans et plus, il y avait 86,7 hommes. 57,4 % de la population était blanche, 35,0 % noire, 3,7 % asiatique, 0,2 % amérindienne et autochtone de l'Alaska, 0,1 % autochtone hawaïenne et autre insulaire du Pacifique, 1,3 % une autre race et 2,3 % deux races ou plus. 6,3 % étaient hispaniques ou latinos de n’importe quelle race, et 53,3 % étaient blancs non hispaniques. Pour la période 2009-2013, le revenu médian estimé des ménages était de 39 524 dollars et le revenu par habitant de 23 778 dollars. Le nombre de personnes en dessous du seuil de pauvreté a été estimé à 30,2%. Sur le plan éducatif, la population du comté de Leon est la population la plus instruite de Floride avec 49,9 % des résidents titulaires d'un baccalauréat, d'une maîtrise, d'un diplôme professionnel ou d'un doctorat. La moyenne de la Floride est de 22,4 % et la moyenne nationale est de 24,4 %. Malheureusement, la plupart d'entre eux doivent être considérés comme de récents diplômés du système universitaire. Langues En 2000, 91,99 % des résidents parlaient l'anglais comme langue maternelle, tandis que 4,11 % parlaient l'espagnol, 0,63 % parlaient le français et 0,59 % parlaient l'allemand comme langue maternelle. Au total, 8,00 % de la population totale parlait des langues autres que l'anglais. Récompenses de la ville *1988 : Money Magazines présente les trois principales villes de taille moyenne où vivre dans le Sud-Est. *1992 : Récompensé par Tree City USA par la National Arbor Day Foundation *1999 : Récompensé par le All-America City Award de la National Civic League *2003 : Récompensé par Tree Line USA par la National Arbor Day Foundation. *2006 : Récompensé par la National Recreation and Park Association pour les parcs et loisirs « meilleurs d'Amérique ». *2007 : Reconnue par le magazine Kiplinger's Personal Finance comme l'une des « dix meilleures villes universitaires pour adultes » (au deuxième rang, derrière Chapel Hill, Caroline du Nord) *2007 : Classée deuxième dans la classe « ville de taille moyenne » sur la liste des villes universitaires d'Epodunk. *2015 : Récompensé par le All-America City Award de la National Civic League Gouvernement et politique Tallahassee est traditionnellement une ville démocrate et l'une des rares villes du Sud connue pour son activisme progressiste. Il y a eu un maire noir et un représentant de l’État noir. La ville a voté démocrate tout au long de son histoire avec un taux de participation élevé. En avril 2007, il y avait 85 343 démocrates et 42 230 républicains dans le comté de Leon. Les autres affiliations représentaient 22 284 électeurs. Ion Sancho est le superviseur des élections pour le comté de Leon, en Floride. En poste depuis janvier 1989, il a été réélu pour cinq mandats supplémentaires. L'un des trois seuls (sur 67) superviseurs des élections en Floride sans affiliation à un parti, sous son administration, le pourcentage de participation électorale du comté de Leon s'est régulièrement classé parmi les plus élevés des 67 comtés de Floride, avec un taux de participation record de 86 % aux élections générales de novembre 2008. . Consolidation Les électeurs du comté de Leon se sont rendus aux urnes quatre fois pour voter sur la consolidation des gouvernements de Tallahassee et du comté de Leon en une seule juridiction combinant la police et d'autres services municipaux avec les pompiers de Tallahassee déjà partagés (consolidés) et les services médicaux d'urgence du comté de Leon. Les limites de la ville de Tallahassee passeraient de 702 milles carrés. Environ 36 pour cent des 265 714 habitants du comté de Leon vivent en dehors des limites de la ville de Tallahassee. Les partisans de la consolidation ont déclaré que la nouvelle juridiction attirerait les entreprises par sa taille. La fusion des gouvernements réduirait le gaspillage gouvernemental, la duplication des services, etc. Le professeur Richard Feiock du Département d'administration publique de l'Université de Corée et de l'Askew School of Public Administration and Policy de l'Université d'État de Floride déclare qu'il n'existe aucune relation perceptible entre la consolidation et l'économie locale. . A chaque fois, la mesure a été rejetée : 1968 : 10.381 (41,32%) | 14.740 (58,68%) ; 1973 : 11 056 (46,23 %)| 12 859 (53,77 %) ; 1976 : 20 336 (45,01 %) | 24 855 (54,99 %) ; 1992 : 37 062 (39,8 %) | 56 070 (60,2 %). Représentation et offices fédéraux Tallahassee fait partie du 2e district du Congrès de Floride. Le service postal des États-Unis exploite des bureaux de poste à Tallahassee. Le bureau de poste principal de Tallahassee est situé au 2800 South Adams Street. Les autres bureaux de poste situés dans les limites de la ville comprennent la station Centreville, la station Leon, la station Park Avenue et la station Westside. La National Oceanographic and Atmospheric Administration gère un service météorologique national à Tallahassee. Leur zone d'avertissement de couverture comprend l'est de la Floride et les eaux adjacentes du golfe du Mexique, la péninsule du centre-nord de la Floride et certaines parties du sud-est de l'Alabama et du sud-ouest de la Géorgie. Le 81e Commandement du soutien régional (USAR) de la Réserve de l'armée américaine a ouvert un centre de réserve de l'armée au 4307 Jackson Bluff Rd. Le Centre de soutien opérationnel de la Marine de réserve des États-Unis à Tallahassee (NOSC Tallahassee) est situé au 2910 Roberts Ave. Drapeau Le drapeau de Tallahassee ressemble vaguement au drapeau de Floride, un sautoir blanc sur fond bleu, avec les armoiries de la ville, représentant la coupole de l'ancien bâtiment du Capitole, au centre. Urbanisme et expansion Le premier plan pour le Capitol Center était le plan Taylor de 1947, qui regroupait plusieurs bâtiments gouvernementaux dans un seul centre-ville. En 1974, la Commission de planification du Capitol Center de la ville de Tallahassee, en Floride, a répondu à la croissance de son centre urbain avec un plan conceptuel pour l'agrandissement de son Capitol Center. Hisham Ashkouri, travaillant pour The Architects' Collaborative, a dirigé les efforts de planification et de conception urbaines. Estimant la croissance et le développement connexe pour environ les 25 prochaines années, le programme prévoyait le besoin de 2,3 millions de pieds carrés (214 000 m2) de nouvelles installations gouvernementales dans le centre-ville, avec 3 500 unités d'habitation, 100 acres de nouveaux espaces publics ouverts, des commerces de détail et espace de bureau privé et autres espaces auxiliaires. La participation de la communauté faisait partie intégrante de l'examen de la conception, invitant les résidents de Tallahassee à apporter leur contribution ainsi que les groupes de citoyens et les agences gouvernementales, ce qui a abouti à la création de six alternatives de conception distinctes. Les meilleurs éléments de ces différentes conceptions ont été combinés pour développer la conception conceptuelle finale, qui a ensuite été intégrée à la zone existante du Capitole et aux zones adjacentes. Fichier:TallaLandUse.jpg|Utilisation des terres Fichier:AdamsStMall.jpg|Adams Street Mall Fichier:TopoTallahassee.jpg|Carte topographique Bâtiments les plus hauts Éducation Primaire et secondaire Tallahassee est le point d'ancrage du district scolaire du comté de Leon. Depuis l'année scolaire 2009, les écoles du comté de Leon comptaient environ 32 796 élèves, 2 209 enseignants et 2 100 membres du personnel administratif et de soutien. L'actuel surintendant des écoles est Jackie Pons. Les inscriptions dans les écoles publiques du comté de Leon continuent de croître régulièrement (en hausse d'environ 1 % par an depuis l'année scolaire 1990-91). Le taux d'abandon scolaire de la 9e à la 12e année s'est amélioré pour atteindre 2,2 % au cours de l'année scolaire 2007-2008, c'est la troisième fois au cours des quatre dernières années que le taux d'abandon est inférieur à 3 %. Pour évaluer les performances, l'État de Floride évalue toutes les écoles publiques en fonction des résultats des élèves au Florida Comprehensive Assessment Test (FCAT). Soixante-dix-neuf pour cent des écoles publiques du comté de Leon ont reçu une note A ou B au cours de l'année scolaire 2008-2009. La note globale du district attribuée aux écoles du comté de Leon est « A ». Les élèves du district scolaire du comté de Leon ont continué à obtenir des résultats favorables par rapport aux moyennes de Floride et nationales aux tests d'évaluation des élèves SAT et ACT. Le district scolaire du comté de Leon a toujours obtenu des scores égaux ou supérieurs à la moyenne des districts de l'État en termes de scores composites moyens totaux ACT et SAT. Liste des collèges Liste des lycées L'enseignement supérieur Université d'État de Floride La Florida State University (communément appelée Florida State ou FSU) est une université publique américaine de recherche sur les subventions spatiales et maritimes. L'État de Floride est situé sur un campus de 1 391,54 acres (5,631 km2) dans la capitale de l'État de Tallahassee, en Floride, aux États-Unis. C'est un membre senior du système universitaire d'État de Floride. Fondé en 1851, il est situé sur le plus ancien site continu d'enseignement supérieur de l'État de Floride. L'université est classée comme université de recherche à très haut niveau de recherche par la Fondation Carnegie pour l'avancement de l'enseignement. L'université comprend 16 collèges distincts et plus de 110 centres, installations, laboratoires et instituts qui proposent plus de 360 ​​​​programmes d'études, y compris des programmes d'écoles professionnelles. L'université dispose d'un budget annuel de plus de 1,7 milliard de dollars. L'État de Floride abrite le seul laboratoire national de Floride, le Laboratoire national des champs magnétiques élevés, et est le berceau du médicament anticancéreux commercialement viable Taxol. La Florida State University gère également le John & Mable Ringling Museum of Art, le State Art Museum of Florida et l'un des plus grands complexes musées/universités du pays. L'université est accréditée par la Southern Association of Colleges and Schools (SACS). La Florida State University abrite des programmes classés au niveau national dans de nombreux domaines académiques, notamment le droit, les affaires, l'ingénierie, la médecine, la politique sociale, le cinéma, la musique, le théâtre, la danse, les arts visuels, les sciences politiques, la psychologie, le travail social et les sciences. La Florida State University est en tête de la Floride dans quatre des huit domaines de financement externe pour les disciplines STEM (sciences, technologie, ingénierie et mathématiques). L'université est classée 43e au classement général parmi toutes les universités nationales publiques dans le classement actuel 2015 du US News & World Report. Le gouverneur de Floride, Rick Scott, et la législature de l'État ont désigné la Florida State University comme l'une des deux universités d'État « prééminentes » au printemps 2013 parmi les douze universités du système universitaire d'État de Floride. Les équipes sportives intercollégiales de la FSU, communément connues sous leur surnom de « Florida State Seminoles », participent à la division I de la National Collegiate Athletic Association (NCAA) et à l'Atlantic Coast Conference (ACC). Le programme d'athlétisme des Florida State Seminoles est le favori des étudiants, fans et anciens élèves passionnés à travers les États-Unis, en particulier lorsqu'il est dirigé par les Marching Chiefs du Florida State University College of Music. Au cours de leurs 113 années d'histoire, les équipes sportives universitaires de l'État de Floride ont remporté 20 championnats nationaux d'athlétisme et les athlètes Seminole ont remporté 78 championnats nationaux individuels de la NCAA. Université A&M de Floride Fondée le 3 octobre 1887, la Florida A&M University (FAMU) est une université publique historiquement noire qui fait partie du système universitaire d'État de Floride et est entièrement accréditée par la Southern Association of Colleges and Schools. Le campus principal de la FAMU comprend 156 bâtiments répartis sur 422 acres au sommet de la plus haute des sept collines de Tallahassee. L'université dispose également de plusieurs campus satellites, dont un site à Orlando où se trouve sa faculté de droit et des sites à Miami, Jacksonville et Tampa pour son programme de pharmacie. La Florida A&M University propose 62 diplômes de licence et 39 diplômes de maîtrise. L'université compte 13 écoles et collèges et un institut. La FAMU compte 11 programmes de doctorat dont 10 doctorats. programmes : génie chimique ; Génie civil; ingénierie électrique; génie mécanique; ingénieur industriel; génie biomédical; la physique; Sciences pharmaceutiques; leadership pédagogique; et les sciences de l'environnement. Les meilleurs programmes de premier cycle sont l'architecture ; journalisme; sciences de l'information informatique et psychologie. Les meilleurs programmes d'études supérieures de la FAMU comprennent les sciences pharmaceutiques ainsi que la santé publique ; thérapie physique; ingénierie; la physique; maîtrise en sciences sociales appliquées (notamment histoire et administration publique) ; affaires et sociologie. Collège communautaire de Tallahassee Le Tallahassee Community College (TCC) est un collège d'État américain et est membre du Florida College System. Le Tallahassee Community College est accrédité par le ministère de l'Éducation de Floride et la Southern Association of Colleges and Schools. Son campus principal est situé sur un campus de 270 acres (1,092 km2) à Tallahassee, en Floride, aux États-Unis. L'institution a été fondée en 1966 par la législature de Floride. TCC propose actuellement des diplômes d'associé en sciences, d'associé en arts et d'associé en sciences appliquées. En 2013, le Tallahassee Community College a été classé premier du pays parmi les étudiants diplômés des AA. degrés. TCC est également l'école de transfert n°1 du pays vers la Florida State University. À l'automne 2015, TCC comptait 20 228 étudiants. En partenariat avec la Florida State University, le Tallahassee Community College propose le programme TCC2FSU. Ce programme offre une admission garantie à la Florida State University pour les diplômés du TCC Associate in Arts. Liste des autres collèges * École d'éducation des adultes et de formation continue de l'Université Barry – Campus de Tallahassee * Université aéronautique Embry-Riddle * Flagler College – Campus de Tallahassee * Institut Technique ITT * Université Keizer – Tallahassee * École professionnelle et technique Lewis M. Lively Area * Université Saint Leo — Campus de Tallahassee La sécurité publique Créé en 1826, le département de police de Tallahassee revendique la distinction d'être le plus ancien service de police du sud des États-Unis et le deuxième plus ancien des États-Unis, précédé uniquement par le département de police de Philadelphie (créé en 1758). Le service de police de Boston a été créé en 1838 et les plus grandes villes de la côte Est ont suivi, avec New York et Baltimore en 1845. Il y a plus de 800 agents chargés de l'application des lois à Tallahassee. Les services d'application de la loi sont fournis par le département de police de Tallahassee, le bureau du shérif du comté de Leon, le département d'application de la loi de Floride, la police du Capitole de Floride, le département de police de l'université d'État de Floride, le département de police de l'université A&M de Floride, le département de police du Tallahassee Community College, la Florida Highway. Patrol et la Florida Fish and Wildlife Conservation Commission La Division d'inspection des bâtiments de Tallahassee Growth Management est chargée de délivrer les permis et d'effectuer des inspections des bâtiments publics et privés dans les limites de la ville. Ces tâches comprennent l'application des codes du bâtiment de Floride et des codes de protection contre les incendies de Floride. Ces normes sont présentes pour protéger la vie et les biens. Le département du bâtiment de Tallahassee est l'un des 13 départements du bâtiment actuellement accrédités aux États-Unis. Le Federal Bureau of Investigation, le United States Marshals Service, l'Immigration and Customs Enforcement, le Bureau of Alcohol, Tobacco, Firearms and Explosives, le Secret Service et la Drug Enforcement Administration ont des bureaux à Tallahassee. Le bureau du procureur américain pour le nord de la Floride est basé à Tallahassee. Les services d'incendie et de secours sont fournis par le service d'incendie de Tallahassee et les services médicaux d'urgence du comté de Leon. Les hôpitaux de la région comprennent Tallahassee Memorial Healthcare, le centre médical régional de la capitale et l'hôpital de réadaptation HealthSouth de Tallahassee. Lieux d'intérêt * Parc d'État Alfred B. Maclay Gardens * Bibliothèque Carnegie de la FAMU * Centre d'apprentissage Challenger * College Town à l'Université d'État de Floride * Stade Doak-Campbell * Parc Elinor Klapp-Phipps * Manoir du gouverneur de Floride * Capitole de l'État de Floride * Cour suprême de Floride * Galerie des beaux-arts Foster Tanner de la Florida A&M University * Musée et jardins de Goodwood * Parc d'innovation * Centre John G. Riley/Musée d'histoire et de culture afro-américaines (Musée Riley) * Musée de la maison Knott * Lac Ella * Parc archéologique d'État de Lake Jackson Mounds * Parc du sentier du patrimoine Lafayette * Centre LeMoyne pour les arts visuels * Mission Saint-Louis d'Apalachee * Musée des Beaux-Arts de l'Université d'État de Floride * Musée d'histoire de Floride * Laboratoire national des champs magnétiques élevés * Parc des expositions du nord de la Floride * Place du chemin de fer * Centre de recherche et musée des archives noires de la région du sud-est * Musée de l'automobile de Tallahassee * Musée de Tallahassee * Bâtiment James D. Westcott et Auditorium Ruby Diamond de la Florida State University Fêtes et événements * Downtown Getdown (Florida State Seminoles Pep Rally) *Experience Tallahassee Festival (festival d'accueil pour les étudiants FSU, TCC et FAMU) *Festivals du premier vendredi à Railroad Square *Festival de la cuisine grecque *Oktoberfest *[http://openingnights.fsu.edu Opening Nights Performing Arts] à la Florida State University *Essais équestres de Red Hills *Festival de musique montante du Sud *Tallahassee au printemps *Festival du film de Tallahassee *Marathon et semi-marathon de Tallahassee *Festival du vin et de la gastronomie de Tallahassee * Extravagance d'apprentissage tout au long de la vie du Tallahassee Senior Center - L3X *Fête d'hiver *[http://hackfsu.com/ HackFSU de l'Université d'État de Floride] Des sports * Les Eagles du Tallahassee Community College participent à la Panhandle Conference en basketball masculin et féminin, baseball et softball. * Le Tallahassee Rugby Football Club est un club de rugby de division III qui participe à la Florida Rugby Union. * Le centre civique du comté de Tallahassee-Leon a accueilli les premier et deuxième tours du tournoi de basket-ball masculin de la division I de la NCAA en 1995. Transport Aviation *Aéroport international de Tallahassee (KTLH) Aéroports défunts * Dale Mabry Field (fermé en 1961) *Aéroport commercial de Tallahassee (fermé en 2011) Le transport en commun * StarMetro propose un service de bus dans toute la ville. Autobus interurbain * Greyhound et Megabus basés au centre-ville de Tallahassee. Chemins de fer * CSX exploite une ligne de fret principale à travers la ville. Chemins de fer défunts *Tallahassee Railroad, maintenant un sentier national. *Chemin de fer Carrabelle, Tallahassee et Géorgie. *Sunset Limited d'Amtrak a fermé ses portes en 2005 Grandes autoroutes * L'Interstate 10 s'étend d'est en ouest à travers le côté nord de la ville. Tallahassee est desservie par cinq sorties, dont : la sortie 192 (US 90), la sortie 196 (Capital Circle NW), la sortie 199 (US 27/Monroe St.), la sortie 203 (US 319/Thomasville Road et Capital Circle NE) et la sortie 209 (États-Unis 90/Mahan Dr.) * La route américaine 27 entre dans la ville par le nord-ouest avant de tourner vers le sud et d'entrer dans le centre-ville. Cette partie de l'US 27 est connue localement sous le nom de Monroe Street. Devant le bâtiment historique du Capitole, l'US 27 tourne vers l'est et suit Apalachee Parkway hors de la ville. * La route américaine 90 traverse Tallahassee d'est en ouest. Elle est connue localement sous le nom de Tennessee Street à l'ouest de Magnolia Drive et Mahan Drive à l'est de Magnolia. * La route américaine 319 s'étend du nord au sud le long du côté est de la ville en utilisant Thomasville Road, Capital Circle NE, Capital Circle SE et Crawfordville Road. * Route nationale 20 * Route nationale 61 * Route nationale 363 Économie Les entreprises basées à Tallahassee comprennent : Citizens Property Insurance Corporation, la Municipal Code Corporation, le State Board of Administration of Florida (SBA) et United Solutions Company. Meilleurs employeurs Selon le rapport financier annuel complet 2014 de Tallahassee, les principaux employeurs de la région sont : Médias Journal * Quotidien démocrate de Tallahassee *FSView et Florida Flambeau couvrant FSU *Le Talon couvrant TCC *Le Famuan couvrant FAMU Télévision *WCTV (CBS) canal 6.1 (Decades/My Network TV) canal 6.2 *WFSU (PBS) canal 11.1 (Florida Channel) canal 11.2 (Créer) canal 11.3 *WTLH (METV) canal 49.1 (CW) canal 49.2 (Comet) 49.3 *WTWC (NBC) canal 40.1 (Fox) canal 40.2 (Get TV) canal 40.3 *WTXL (A

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Qui a été limogé du poste de batteur des Beatles et remplacé par Ringo Starr ?

Pete Best

Les Beatles étaient un groupe de rock anglais formé à Liverpool en 1960. Avec les membres John Lennon, Paul McCartney, George Harrison et Ringo Starr, ils sont devenus largement considérés comme le groupe le plus important et le plus influent de l'ère du rock. Enracinés dans le skiffle, le beat et le rock and roll des années 1950, les Beatles ont ensuite expérimenté plusieurs styles musicaux, allant des ballades pop et de la musique indienne au psychédélisme et au hard rock, incorporant souvent des éléments classiques de manière innovante. Au début des années 1960, leur énorme popularité est apparue pour la première fois sous le nom de « Beatlemania », mais à mesure que la musique du groupe devenait plus sophistiquée, dirigée par les principaux auteurs-compositeurs Lennon et McCartney, ils en sont venus à être perçus comme une incarnation des idéaux partagés par la contre-culture des années 1960. . Les Beatles ont bâti leur réputation en jouant dans des clubs de Liverpool et de Hambourg sur une période de trois ans à partir de 1960, Stuart Sutcliffe étant initialement bassiste. Le noyau de Lennon, McCartney et Harrison est passé par une succession de batteurs, notamment Pete Best, avant de demander à Starr de les rejoindre. Le manager Brian Epstein les a façonnés pour en faire un groupe professionnel, et le producteur George Martin a guidé et développé leurs enregistrements, augmentant considérablement leur popularité au Royaume-Uni après leur premier tube, " Love Me Do ", à la fin de 1962. Ils ont acquis le surnom de " the Fab ". Four", alors que la Beatlemania grandissait en Grande-Bretagne l'année suivante et, au début de 1964, devenait des stars internationales, menant "l'invasion britannique" du marché pop américain. À partir de 1965, les Beatles produisent des enregistrements de plus en plus innovants, notamment les albums très influents Rubber Soul (1965), Revolver (1966), Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band (1967), The Beatles (communément appelé White Album, 1968) et Abbey Road (1969). Après leur séparation en 1970, ils ont chacun connu une carrière musicale réussie, de durée variable. McCartney et Starr, les membres survivants, restent musicalement actifs. Lennon a été tué par balle en décembre 1980 et Harrison est décédé d'un cancer du poumon en novembre 2001. Selon la RIAA, les Beatles sont les artistes musicaux les plus vendus aux États-Unis, avec 178 millions d'unités certifiées. Ils ont eu plus d'albums numéro un dans les charts britanniques et ont vendu plus de singles au Royaume-Uni que tout autre groupe. En 2008, le groupe était en tête de la liste du magazine Billboard des artistes « Hot 100 » les plus titrés de tous les temps ; , ils détiennent le record du plus grand nombre de succès numéro un du classement Hot 100 avec vingt. Ils ont reçu dix Grammy Awards, un Oscar pour la meilleure musique originale et quinze Ivor Novello Awards. Collectivement inclus dans la compilation du magazine Time des 100 personnes les plus influentes du XXe siècle, ils constituent le groupe le plus vendu de l'histoire, avec des ventes estimées à plus de 600 millions de disques dans le monde. Le groupe a été intronisé au Rock and Roll Hall of Fame en 1988, et tous les quatre ont été intronisés individuellement de 1994 à 2015. Histoire 1957-1962 : formation, Hambourg et popularité au Royaume-Uni En mars 1957, John Lennon, alors âgé de seize ans, forme un groupe de skiffle avec plusieurs amis de l'école de Quarry Bank. Ils se sont brièvement appelés les Blackjacks, avant de changer leur nom pour les Quarrymen après avoir découvert qu'un groupe local respecté utilisait déjà l'autre nom. Paul McCartney, 15 ans, a rejoint le groupe en tant que guitariste rythmique peu de temps après sa rencontre avec Lennon en juillet. En février 1958, McCartney invita son ami George Harrison à regarder le groupe. Le jeune homme de quatorze ans a auditionné pour Lennon, l'impressionnant par son jeu, mais Lennon a d'abord pensé qu'Harrison était trop jeune pour les rejoindre. Après un mois de persévérance de Harrison, ils l'ont enrôlé comme guitariste principal. En janvier 1959, les amis de Lennon's Quarry Bank avaient quitté le groupe et il commença des études au Liverpool College of Art. Les trois guitaristes, se présentant au moins trois fois comme Johnny and the Moondogs, jouaient du rock and roll dès qu'ils pouvaient trouver un batteur. Stuart Sutcliffe, un ami de l'école d'art de Lennon, qui avait récemment vendu un de ses tableaux et avait été persuadé d'acheter une guitare basse, le rejoignit en janvier 1960, et c'est lui qui suggéra de changer le nom du groupe en Beatals, en hommage à Buddy Holly et au Grillons. Ils ont utilisé ce nom jusqu'en mai, lorsqu'ils sont devenus les Silver Beetles, avant d'entreprendre une brève tournée en Écosse en tant que groupe d'accompagnement du chanteur pop et compatriote de Liverpudlian Johnny Gentle. Début juillet, ils avaient changé leur nom pour les Silver Beatles et à la mi-août pour les Beatles. Allan Williams, le manager officieux des Beatles, leur organisa une résidence à Hambourg, mais faute d'un batteur à plein temps, ils auditionnèrent et embauchèrent Pete Best à la mi-août 1960. Le groupe, désormais composé de cinq musiciens, partit quatre jours plus tard, sous contrat avec le propriétaire du club Bruno Koschmider pour ce qui serait une résidence de 3 mois et demi. L'historien des Beatles Mark Lewisohn écrit : « Ils sont arrivés à Hambourg au crépuscule le 17 août, le moment où la zone rouge s'anime... des néons clignotants criaient les différents divertissements proposés, tandis que des femmes légèrement vêtues étaient assises sans vergogne dans le magasin. des fenêtres en attente d'opportunités commerciales. Koschmider avait transformé quelques clubs de strip-tease du quartier en salles de concert et il a d'abord placé les Beatles à l'Indra Club. Après avoir fermé l'Indra en raison de plaintes concernant le bruit, il les a transférés au Kaiserkeller en octobre. Lorsqu'il apprit qu'ils s'étaient produits au club rival Top Ten en violation de leur contrat, il donna au groupe un préavis de résiliation d'un mois et dénonça le mineur Harrison, qui avait obtenu la permission de rester à Hambourg en mentant aux autorités allemandes au sujet de son âge. Les autorités ont organisé l'expulsion d'Harrison fin novembre. Une semaine plus tard, Koschmider a fait arrêter McCartney et Best pour incendie criminel après avoir mis le feu à un préservatif dans un couloir en béton ; les autorités les ont expulsés. Lennon est retourné à Liverpool début décembre, tandis que Sutcliffe est resté à Hambourg jusqu'à fin février avec sa fiancée allemande Astrid Kirchherr, qui a pris les premières photos semi-professionnelles des Beatles. Au cours des deux années suivantes, les Beatles résidèrent pendant des périodes à Hambourg, où ils utilisèrent Preludin à la fois à des fins récréatives et pour maintenir leur énergie lors de performances nocturnes. En 1961, lors de leur deuxième engagement à Hambourg, Kirchherr coupa les cheveux de Sutcliffe dans le style « exi » (existentialiste), adopté plus tard par les autres Beatles. Lorsque Sutcliffe décide de quitter le groupe au début de l'année et de reprendre ses études d'art en Allemagne, McCartney se met à la basse. Le producteur Bert Kaempfert a engagé ce qui était maintenant un groupe de quatre musiciens jusqu'en juin 1962, et il les a utilisés comme groupe d'accompagnement de Tony Sheridan sur une série d'enregistrements pour Polydor Records. Dans le cadre des sessions, les Beatles ont signé chez Polydor pour un an. Crédité à "Tony Sheridan & the Beat Brothers", le single "My Bonnie", enregistré en juin 1961 et sorti quatre mois plus tard, atteint la 32e place du classement Musikmarkt. Après que les Beatles aient terminé leur deuxième résidence à Hambourg, ils jouissent d'une popularité croissante à Liverpool avec le mouvement grandissant Merseybeat. Cependant, ils commençaient également à se lasser de la monotonie des nombreuses apparitions dans les mêmes clubs soir après soir. En novembre 1961, lors d'une des fréquentes représentations du groupe au Cavern Club, ils rencontrèrent Brian Epstein, propriétaire d'un magasin de disques local et chroniqueur musical. Il se souvient plus tard : « J'ai immédiatement aimé ce que j'ai entendu. Ils étaient frais et honnêtes, et ils avaient ce que je pensais être une sorte de présence ... [une] qualité de star. Epstein courtisa le groupe au cours des deux mois suivants et ils le nommèrent manager en janvier 1962. Au début et au milieu de 1962, Epstein chercha à libérer les Beatles de leurs obligations contractuelles envers Bert Kaempfert Productions. Il a finalement négocié une libération anticipée d'un mois de leur contrat en échange d'une dernière session d'enregistrement à Hambourg. La tragédie les a accueillis à leur retour en Allemagne en avril, lorsqu'un Kirchherr désemparé les a accueillis à l'aéroport avec la nouvelle de la mort de Sutcliffe la veille, suite à ce qui sera plus tard déterminé comme étant une hémorragie cérébrale. Epstein a entamé des négociations avec des maisons de disques pour un contrat d'enregistrement. Afin d'obtenir un contrat d'enregistrement au Royaume-Uni, Epstein a négocié une fin anticipée du contrat du groupe avec Polydor, en échange de davantage d'enregistrements avec Tony Sheridan. Après une audition pour le Nouvel An, Decca Records a rejeté le groupe avec le commentaire "Les groupes de guitares sont sur le point de disparaître, M. Epstein". Cependant, trois mois plus tard, le producteur George Martin a signé les Beatles sur le label Parlophone d'EMI. La première session d'enregistrement de Martin avec les Beatles a eu lieu aux studios Abbey Road d'EMI à Londres le 6 juin 1962. Martin s'est immédiatement plaint à Epstein de la mauvaise batterie de Best et a suggéré qu'ils utilisent un batteur de session à sa place. Envisageant déjà le licenciement de Best, les Beatles l'ont remplacé à la mi-août par Ringo Starr, qui a quitté Rory Storm et les Hurricanes pour les rejoindre. Une session du 4 septembre à EMI a donné lieu à un enregistrement de "Love Me Do" avec Starr à la batterie, mais Martin, insatisfait, a embauché le batteur Andy White pour la troisième session du groupe une semaine plus tard, qui a produit des enregistrements de "Love Me Do", " Please Please Moi" et "P.S. Je t'aime". Martin a initialement sélectionné la version Starr de "Love Me Do" pour le premier single du groupe, bien que les rééditions ultérieures présentaient la version White, avec Starr au tambourin. Sorti début octobre, "Love Me Do" a atteint la dix-septième place du classement Record Retailer. Leurs débuts à la télévision ont eu lieu plus tard ce mois-là avec une performance en direct dans le programme d'information régional People and Places. Après que Martin ait suggéré de réenregistrer « Please Please Me » à un tempo plus rapide, une session en studio fin novembre a donné cet enregistrement, dont Martin a prédit avec précision : « Vous venez de faire votre premier numéro 1 ». En décembre 1962, les Beatles concluent leur cinquième et dernière résidence à Hambourg. En 1963, ils avaient convenu que les quatre membres du groupe contribueraient au chant de leurs albums – y compris Starr, malgré sa gamme vocale restreinte, pour valider sa position dans le groupe. Lennon et McCartney avaient établi un partenariat pour l'écriture de chansons et, à mesure que le succès du groupe grandissait, leur collaboration dominante limitait les opportunités d'Harrison en tant que chanteur principal. Epstein, dans un effort pour maximiser le potentiel commercial des Beatles, les a encouragés à adopter une approche professionnelle de leurs performances. Lennon se souvient de lui avoir dit : "Écoutez, si vous voulez vraiment entrer dans ces endroits plus grands, vous allez devoir changer – arrêter de manger sur scène, arrêter de jurer, arrêter de fumer..." Lennon a déclaré : "Nous avions l'habitude de nous habiller comme nous aimions, sur et en dehors de la scène. Il nous disait que les jeans n'étaient pas particulièrement élégants et que nous pourrions éventuellement porter des pantalons convenables, mais il ne voulait pas que nous ayons soudainement l'air carrés. Il nous laissait faire notre propre idée. de l'individualité. » 1963-1966 : Beatlemania et années de tournée S'il vous plaît, faites-moi plaisir et avec les Beatles Le 11 février 1963, les Beatles enregistrent dix chansons au cours d'une seule session en studio pour leur premier album, Please Please Me. L'album a été complété par les quatre titres déjà sortis sur leurs deux premiers singles. Martin envisageait à l'origine d'enregistrer le premier album des Beatles en direct au Cavern Club, mais après avoir décidé que l'acoustique du bâtiment était inadéquate, il a choisi de simuler un album « live » avec une production minimale dans « une seule session marathon à Abbey Road ». Après le succès modéré de « Love Me Do », le single « Please Please Me » rencontre un accueil plus catégorique. Sortie en janvier 1963, deux mois avant l'album du même nom, la chanson atteint la première place de tous les charts de Londres, à l'exception de Record Retailer, où elle stagne à la deuxième place. Rappelant comment les Beatles "se sont précipités pour livrer un premier album, dénigrant Please Please Me en un jour", Stephen Thomas Erlewine d'AllMusic commente: "Des décennies après sa sortie, l'album sonne toujours frais, précisément en raison de ses origines intenses." Lennon a déclaré que la composition était peu réfléchie à l'époque; Lui et McCartney « écrivaient simplement des chansons à la Everly Brothers, à la Buddy Holly, des chansons pop sans plus y penser – pour créer un son. Et les mots n'étaient presque pas pertinents. Sorti en mars 1963, l'album initie une série au cours de laquelle onze de leurs douze albums studio sortis au Royaume-Uni jusqu'en 1970 atteignent le numéro un. Le troisième single du groupe, "From Me to You", est sorti en avril et a également été un succès en tête des charts, démarrant une série presque ininterrompue de dix-sept singles britanniques numéro un pour les Beatles, dont tous sauf un sur les dix-huit qu'ils ont sortis. au cours des six prochaines années. Sorti en août, le quatrième single du groupe, "She Loves You", a réalisé les ventes les plus rapides de tous les disques au Royaume-Uni jusqu'à cette époque, vendant trois quarts de million d'exemplaires en moins de quatre semaines. Il est devenu leur premier single à se vendre à un million d'exemplaires et est resté le disque le plus vendu au Royaume-Uni jusqu'en 1978, lorsque "Mull of Kintyre", du groupe post-Beatles de McCartney, Wings, l'a dépassé en termes de ventes. Leur succès commercial leur a valu une exposition médiatique accrue, à laquelle les Beatles ont répondu avec une attitude irrévérencieuse et comique qui a défié les attentes des musiciens pop de l'époque, suscitant encore plus d'intérêt. Le groupe a effectué trois tournées au Royaume-Uni au cours du premier semestre : une tournée de quatre semaines qui a débuté en février, la première des Beatles à l'échelle nationale, a précédé des tournées de trois semaines en mars et mai-juin. Au fur et à mesure que leur popularité se répandait, une adulation frénétique du groupe s’installa. Accueilli avec un enthousiasme débordant par des fans hurlants, la presse a surnommé le phénomène « Beatlemania ». Bien qu'ils ne soient pas présentés comme chefs de tournée, les Beatles ont éclipsé les groupes américains Tommy Roe et Chris Montez lors des engagements de février et ont assumé la première place "à la demande du public", ce qu'aucun groupe britannique n'avait accompli auparavant lors d'une tournée avec des artistes américains. Une situation similaire s'est produite lors de leur tournée de mai à juin avec Roy Orbison. Fin octobre, les Beatles ont entamé une tournée de cinq jours en Suède, leur première fois à l'étranger depuis le dernier engagement à Hambourg en décembre 1962. À leur retour au Royaume-Uni le 31 octobre, selon Lewisohn, « plusieurs centaines de fans hurlants » les ont accueillis. sous de fortes pluies à l'aéroport d'Heathrow. Environ 50 à 100 journalistes et photographes ainsi que des représentants de la BBC ont également participé à l'accueil de l'aéroport, le premier d'une série de plus de 100 événements de ce type. Le lendemain, le groupe entame sa quatrième tournée en Grande-Bretagne en neuf mois, celle-ci étant prévue sur six semaines. À la mi-novembre, alors que la Beatlemania s'intensifiait, la police a eu recours à des jets d'eau à haute pression pour contrôler la foule avant un concert à Plymouth. Please Please Me a maintenu la première position du classement Record Retailer pendant 30 semaines, pour ensuite être déplacé par son suivi, With the Beatles. Le 22 novembre, EMI a sorti With the Beatles pour enregistrer des commandes anticipées de 270 000 exemplaires, et le LP a dépassé le demi-million d'albums vendus en une semaine. Enregistré entre juillet et octobre, With the Beatles a mieux utilisé les techniques de production en studio que son prédécesseur. Il a occupé la première place pendant 21 semaines avec une durée de vie de 40 semaines. Erlewine a décrit le LP comme "une suite du plus haut niveau - une qui surpasse l'original". Dans un renversement de la pratique courante de l'époque, EMI a sorti l'album avant le single imminent "I Want to Hold Your Hand", avec la chanson exclue pour maximiser les ventes du single. L'album a attiré l'attention du critique musical William Mann du Times, qui a suggéré que Lennon et McCartney étaient « les compositeurs anglais exceptionnels de 1963 ». Le journal a publié une série d'articles dans lesquels Mann proposait des analyses détaillées de la musique, lui conférant ainsi une respectabilité. Avec les Beatles, il est devenu le deuxième album de l'histoire des charts britanniques à se vendre à un million d'exemplaires, un chiffre atteint auparavant uniquement par la bande originale de 1958 du Pacifique Sud. Lors de l'écriture des notes de pochette de l'album, l'attaché de presse du groupe, Tony Barrow, a utilisé le superlatif le « fabuleux quatuor », que les médias ont largement adopté sous le nom de « les Fab Four ». "Invasion britannique" La filiale américaine d'EMI, Capitol Records, a entravé les sorties des Beatles aux États-Unis pendant plus d'un an en refusant dans un premier temps de publier leur musique, y compris leurs trois premiers singles. Des négociations parallèles avec le label américain indépendant Vee-Jay conduisirent à la sortie de certaines chansons en 1963, mais pas de la totalité. Vee-Jay a terminé la préparation de l'album Introducing... The Beatles, extrait de la plupart des chansons de Please Please Me de Parlophone, mais un remaniement de la direction a conduit à la non-sortie de l'album. Puis, lorsqu'il est apparu que le label ne déclarait pas de redevances sur ses ventes, la licence signée par Vee-Jay avec EMI a été annulée. Une nouvelle licence a été accordée au label Swan pour le single "She Loves You", mais des problèmes juridiques concernant les redevances et les droits d'édition se sont avérés un obstacle au succès de la commercialisation du groupe aux États-Unis. Le succès des charts américains a commencé après qu'Epstein ait organisé une campagne de marketing de 40 000 $ américains et obtenu le soutien du disc-jockey Carrol James, qui a joué les disques du groupe pour la première fois à la mi-décembre 1963. À la fin du même mois, les Beatles ont été introduits dans la région de Tidewater en Virginie. par Gene Loving de la station de radio WGH, accompagné d'une campagne marketing complète, comprenant des cadeaux de chemises des Beatles. En quelques jours, presque toutes les autres chansons diffusées sur la station étaient un enregistrement des Beatles. Ce n'est qu'à la fin de la première semaine de janvier 1964 que leurs disques furent joués à New York (également accompagnés d'une campagne marketing majeure et avec une fréquence de diffusion similaire), puis dans le reste du pays, initiant ainsi la diffusion de leur musique à travers les États-Unis. radio. Cela a provoqué une augmentation de la demande, ce qui a conduit Capitol à publier en toute hâte "I Want to Hold Your Hand" plus tard dans le mois. Sorti le 26 décembre 1963, alors que les débuts du groupe étaient prévus dans quelques semaines, "I Want to Hold Your Hand" s'est vendu à un million d'exemplaires, devenant un hit numéro un aux États-Unis à la mi-janvier. Dans son sillage, Vee-Jay a sorti Introducing... The Beatles pour accompagner le premier album de Capitol, Meet the Beatles !, tandis que Swan a réactivé la production de "She Loves You". Le 7 février 1964, les Beatles quittent le Royaume-Uni avec environ 4 000 fans rassemblés à Heathrow, saluant et criant tandis que l'avion décolle. À l'atterrissage à l'aéroport John F. Kennedy de New York, une foule bruyante estimée à 3 000 personnes les a accueillis. Ils ont donné leur première représentation en direct à la télévision américaine deux jours plus tard, au Ed Sullivan Show, regardé par environ 73 millions de téléspectateurs dans plus de 23 millions de foyers, soit 34 pour cent de la population américaine. Le biographe Jonathan Gould écrit que, selon le service de notation Nielsen, il s'agissait de "la plus grande audience jamais enregistrée pour une télévision américaine". Le lendemain matin, les Beatles se sont réveillés avec un consensus critique négatif aux États-Unis, mais le lendemain, leur premier concert aux États-Unis a vu la Beatlemania éclater au Washington Coliseum. De retour à New York le lendemain, les Beatles rencontrent à nouveau un fort accueil lors de deux concerts au Carnegie Hall. Le groupe s'est ensuite envolé pour la Floride et est apparu une deuxième fois à l'émission hebdomadaire Ed Sullivan Show, devant 70 millions de téléspectateurs supplémentaires, avant de retourner au Royaume-Uni le 22 février. Nuit d'une dure journée Le manque d'intérêt de Capitol Records tout au long de l'année 1963 n'était pas passé inaperçu et un concurrent, United Artists Records, encouragea sa division cinématographique à proposer au groupe un contrat de trois films, principalement pour le potentiel commercial des bandes sonores. Réalisé par Richard Lester, A Hard Day's Night a impliqué le groupe pendant six semaines en mars-avril 1964 alors qu'ils jouaient eux-mêmes dans un faux documentaire. Le film a été présenté en première à Londres et à New York respectivement en juillet et août et a été un succès international, certains critiques établissant une comparaison avec les Marx Brothers. Selon Erlewine, l'album de la bande originale qui l'accompagne, A Hard Day's Night, les a vu « vraiment s'imposer en tant que groupe. Toutes les influences disparates de leurs deux premiers albums s'étaient fusionnées en un son brillant, joyeux et original, rempli de résonances. des guitares et des mélodies irrésistibles. Ce son de « guitare qui sonne » était principalement le produit de la Rickenbacker électrique à 12 cordes d'Harrison, un prototype qui lui avait été offert par le fabricant, qui a fait ses débuts sur le disque. Au cours de la semaine du 4 avril 1964, les Beatles occupaient douze positions dans le classement des singles Billboard Hot 100, dont les cinq premiers. Leur popularité a généré un intérêt sans précédent pour la musique britannique, et un certain nombre d'autres groupes britanniques ont ensuite fait leurs propres débuts aux États-Unis, effectuant des tournées avec succès au cours des trois années suivantes dans ce qu'on a appelé l'invasion britannique. Leur coiffure, inhabituellement longue pour l’époque et moquée par de nombreux adultes, est devenue un emblème de rébellion face à la culture des jeunes en plein essor. En tournée internationale en juin et juillet, les Beatles ont donné 37 concerts sur 27 jours au Danemark, aux Pays-Bas, à Hong Kong, en Australie et en Nouvelle-Zélande. En août, ils retournent aux États-Unis avec une tournée de 30 concerts dans 23 villes. Suscitant une fois de plus un vif intérêt, la tournée d'un mois a attiré entre 10 000 et 20 000 fans à chaque représentation de 30 minutes dans des villes allant de San Francisco à New York. En août, le journaliste Al Aronowitz a organisé une rencontre entre les Beatles et Bob Dylan. En rendant visite au groupe dans leur suite d'hôtel à New York, Dylan leur a fait découvrir le cannabis. Gould souligne l'importance musicale et culturelle de cette rencontre, avant laquelle les fans respectifs des musiciens étaient « perçus comme habitant deux mondes sous-culturels distincts » : le public de Dylan composé « d'étudiants ayant des tendances artistiques ou intellectuelles, un idéalisme politique et social naissant, et un style légèrement bohème » contrastant avec leurs fans, « de véritables « teenyboppers » – des enfants du lycée ou de l'école primaire dont la vie était totalement absorbée par la culture populaire commercialisée de la télévision, de la radio, des disques pop, des magazines de fans et de la mode pour adolescents. étaient considérés comme des idolâtres et non comme des idéalistes. Dans les six mois suivant la réunion, écrit Gould, "Lennon ferait des disques sur lesquels il imitait ouvertement le bourdonnement nasal de Dylan, son grattement cassant et sa personnalité vocale introspective". En un an, Dylan « procéderait, avec l'aide d'un groupe de cinq musiciens et d'une guitare électrique Fender Stratocaster, à se débarrasser définitivement du singe de l'authenticité folk... les distinctions entre le public folk et rock auraient presque s'est évaporé [et le public du groupe] ... [montrait] des signes de croissance. " Beatles à vendre, au secours ! et âme en caoutchouc Selon Gould, Beatles for Sale, le quatrième album studio des Beatles, témoigne d'un conflit croissant entre les pressions commerciales de leur succès mondial et leurs ambitions créatives. Ils avaient prévu que l'album, enregistré entre août et octobre 1964, continue le format établi par A Hard Day's Night qui, contrairement aux deux premiers LP du groupe, ne contenait que des chansons originales. Cependant, le groupe avait presque épuisé son arriéré de chansons sur l'album précédent, et étant donné les défis que les tournées internationales constantes posaient à leurs efforts d'écriture, Lennon a admis que "le matériel devient un sacré problème". En conséquence, six reprises de leur vaste répertoire ont été choisies pour compléter l'album. Sorties début décembre, ses huit compositions originales se sont démarquées, démontrant la maturité croissante du partenariat d'écriture de chansons Lennon-McCartney. Au début de 1965, alors qu'ils étaient ses invités pour le dîner, le dentiste de Lennon et Harrison ajouta secrètement du LSD à leur café. Lennon a décrit l'expérience : "C'était tout simplement terrifiant, mais c'était fantastique. J'ai été assez abasourdi pendant un mois ou deux." Lui et Harrison sont ensuite devenus des utilisateurs réguliers de la drogue, rejoints par Starr au moins une fois. McCartney était initialement réticent à l'essayer, mais il l'a finalement fait à la fin de 1966. Il est devenu le premier Beatle à discuter publiquement du LSD, déclarant dans une interview à un magazine que "cela m'a ouvert les yeux" et "a fait de moi un meilleur, plus honnête, plus tolérant". membre de la société ». La controverse a éclaté en juin 1965 lorsque la reine Elizabeth II a nommé les quatre Beatles membres de l'Ordre de l'Empire britannique (MBE) après que le Premier ministre Harold Wilson les ait nommés pour ce prix. En signe de protestation – cet honneur était à l’époque principalement accordé aux anciens combattants et aux dirigeants civiques – certains récipiendaires conservateurs du MBE ont rendu leurs propres insignes. Sorti en juillet, le deuxième film des Beatles, Help !, a de nouveau été réalisé par Lester. Décrit comme "principalement une parodie implacable de Bond", il a inspiré une réponse mitigée parmi les critiques et le groupe. McCartney a déclaré : "L'aide ! était géniale mais ce n'était pas notre film – nous étions en quelque sorte des stars invitées. C'était amusant, mais au fond, en tant qu'idée de film, c'était un peu faux." La bande originale était dominée par Lennon, qui a écrit et chanté la plupart de ses chansons, y compris les deux singles : "Help!" et "Ticket to Ride". L'album qui l'accompagne, le cinquième LP studio du groupe, contenait tout le matériel original à l'exception de deux reprises, « Act Naturally » et « Dizzy Miss Lizzy » ; c'étaient les dernières reprises que le groupe inclurait sur un album, à l'exception de la brève interprétation de Let It Be de la chanson folk traditionnelle de Liverpool "Maggie Mae". Le groupe a étendu son utilisation des overdubs vocaux sur Help! et incorporé des instruments classiques dans certains arrangements, notamment un quatuor à cordes sur la ballade pop "Yesterday". Composé par McCartney, « Yesterday » inspirerait les reprises les plus enregistrées de toutes les chansons jamais écrites. La troisième tournée américaine du groupe s'ouvre par une performance devant une foule record de 55 600 personnes au Shea Stadium de New York le 15 août 1965 – « peut-être le plus célèbre de tous les concerts des Beatles », selon la description de Lewisohn. Neuf autres concerts à succès ont suivi dans d'autres villes américaines. Lors d'un concert à Atlanta, les Beatles ont donné l'un des premiers concerts à utiliser un système de haut-parleurs de retour sur scène. Vers la fin de la tournée, ils ont rencontré Elvis Presley, une influence musicale fondamentale sur le groupe, qui les a invités chez lui à Beverly Hills. Septembre a vu le lancement d'une série de dessins animés américains du samedi matin, The Beatles, qui faisait écho aux bouffonneries burlesques de A Hard Day's Night au cours de sa diffusion originale de deux ans. La série a marqué une étape historique en tant que première série télévisée hebdomadaire à présenter des versions animées de personnes réelles et vivantes. À la mi-octobre 1965, les Beatles entrent en studio d’enregistrement ; pour la première fois lors de la réalisation d'un album, ils ont eu une période prolongée sans autres engagements majeurs. Jusqu'à cette époque, selon George Martin, "nous faisions des albums plutôt comme une collection de singles. Maintenant, nous commençons vraiment à considérer les albums comme une œuvre d'art à part entière". Sorti en décembre, Rubber Soul a été salué par la critique comme une avancée majeure dans la maturité et la complexité de la musique du groupe. Leur portée thématique commençait à s'étendre à mesure qu'ils embrassaient des aspects plus profonds de la romance et de la philosophie. Les biographes Peter Brown et Steven Gaines attribuent la nouvelle direction musicale à « l'usage désormais habituel de la marijuana par les Beatles », une affirmation confirmée par le groupe – Lennon l'a appelé « l'album du pot », et Starr a déclaré : « Grass était vraiment influent. dans beaucoup de nos changements, en particulier avec les scénaristes. Et parce qu’ils écrivaient des morceaux différents, nous jouions différemment. » Après l'incursion de Help! dans le monde de la musique classique avec des flûtes et des cordes, l'introduction par Harrison d'un sitar sur "Norwegian Wood (This Bird Has Flown)" a marqué une nouvelle progression en dehors des frontières traditionnelles de la musique populaire. À mesure que leurs paroles devenaient plus astucieuses, les fans ont commencé à les étudier pour en découvrir une signification plus profonde. À propos de "Norwegian Wood", Lennon a commenté: "J'essayais d'être sophistiqué en écrivant sur une affaire ... mais d'une manière tellement écran de fumée qu'on ne pouvait pas le dire." Alors que de nombreuses chansons les plus remarquables de Rubber Souls étaient le produit de l'écriture collaborative de Lennon et McCartney, elles présentaient également des compositions distinctes de chacun, même si elles continuaient à partager le crédit officiel. La chanson "In My Life", dont chacun revendique plus tard la paternité principale, est considérée comme l'un des points forts de l'ensemble du catalogue Lennon-McCartney. Harrison a qualifié Rubber Soul de « son album préféré » et Starr l'a qualifié de « disque de départ ». McCartney a déclaré : "Nous avions eu notre belle période, et maintenant il était temps de nous développer." Cependant, l'ingénieur du son Norman Smith a déclaré plus tard que les sessions en studio révélaient des signes de conflit croissant au sein du groupe - "le conflit entre John et Paul devenait évident", a-t-il écrit, et "en ce qui concerne Paul, George ne pouvait rien faire de bien". ". En 2003, Rolling Stone a classé Rubber Soul au cinquième rang des « 500 plus grands albums de tous les temps », et Richie Unterberger d'AllMusic le décrit comme « l'un des disques folk-rock classiques ». 1966-1970 : controverse, années de studio et rupture Événements menant à la tournée finale Capitol Records, à partir de décembre 1963, date à laquelle il a commencé à publier des enregistrements des Beatles pour le marché américain, a exercé un contrôle total sur le format, compilant des albums américains distincts à partir des enregistrements du groupe et publiant les chansons de leur choix en tant que singles. Ce n'est que lorsque le Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band en 1967, qu'un album des Beatles est sorti avec des listes de morceaux identiques au Royaume-Uni et aux États-Unis. En juin 1966, Yesterday and Today, l'une des compilations de Capitol, provoqua un tollé avec sa pochette, qui représentait les Beatles souriants vêtus d'une salopette de boucher, accompagnés de viande crue et de poupées en plastique mutilées. Il a été suggéré à tort qu'il s'agissait d'une réponse satirique à la façon dont Capitol avait « massacré » les versions américaines de leurs albums. Des milliers de copies du LP avaient une nouvelle couverture collée sur l'original ; un exemplaire non décollé du « premier état » s'est vendu 10 500 $ lors d'une vente aux enchères en décembre 2005. Entre-temps, en Angleterre, Harrison rencontre le maestro du sitar Ravi Shankar, qui accepte de le former sur cet instrument. Au cours d'une tournée aux Philippines le mois qui a suivi la fureur d'Hier et d'aujourd'hui, les Beatles ont involontairement snobé la première dame du pays, Imelda Marcos, qui s'attendait à ce qu'ils assistent à un petit-déjeuner au palais présidentiel. Lorsqu'on lui a présenté l'invitation, Epstein a poliment décliné au nom des membres du groupe, car il n'avait jamais eu pour politique d'accepter de telles invitations officielles. Ils se sont vite rendu compte que le régime de Marcos n’était pas habitué à accepter un non comme réponse. Les émeutes qui en ont résulté ont mis le groupe en danger et ils ont difficilement quitté le pays. Immédiatement après, les membres du groupe se sont rendus en Inde pour la première fois. Presque aussitôt rentrés chez eux, les Beatles ont été confrontés à une violente réaction de la part des conservateurs religieux et sociaux américains (ainsi que du Ku Klux Klan) suite à un commentaire que Lennon avait fait dans une interview en mars avec la journaliste britannique Maureen Cleave. "Le christianisme disparaîtra", avait dit Lennon. "Il va disparaître et rétrécir. Je n'ai pas besoin de discuter à ce sujet ; j'ai raison et j'aurai raison. Nous sommes plus populaires que Jésus maintenant ; je ne sais pas lequel passera en premier, le rock'n'roll. ou le christianisme. Jésus allait bien mais ses disciples étaient épais et ordinaires. Ce sont eux qui le déforment qui gâchent tout pour moi. Le commentaire est passé pratiquement inaperçu en Angleterre, mais lorsque le magazine américain pour adolescents Datebook l'a publié cinq mois plus tard – à la veille de la tournée américaine du groupe en août – il a déclenché une controverse parmi les chrétiens de la « Bible Belt » américaine. Le Vatican a émis une protestation et des interdictions sur les disques des Beatles ont été imposées par les stations espagnoles et néerlandaises ainsi que par le service national de radiodiffusion sud-africain. Epstein a accusé Datebook d'avoir pris les propos de Lennon hors de leur contexte ; lors d'une conférence de presse, Lennon a souligné : « Si j'avais dit que la télévision était plus populaire que Jésus, j'aurais peut-être pu m'en tirer. » Lennon a affirmé qu'il faisait référence à la façon dont d'autres personnes percevaient leur succès, mais à la demande des journalistes, il a conclu : "Si vous voulez que je m'excuse, si cela vous rend heureux, alors d'accord, je suis désolé." Alors que se préparaient la tournée américaine, les Beatles savaient que leur musique serait à peine entendue. Ayant initialement utilisé des amplificateurs Vox AC30, ils ont ensuite acquis des amplificateurs plus puissants de 100 watts, spécialement conçus par Vox pour eux lors de leur déménagement dans des salles plus grandes en 1964, mais ceux-ci étaient encore insuffisants. Luttant pour rivaliser avec le volume sonore généré par les fans hurlants, le groupe s'ennuyait de plus en plus de la routine des concerts. Conscients que leurs spectacles n'étaient plus axés sur la musique, ils ont décidé de faire de la tournée d'août leur dernière. Revolver et le sergent. Groupe du Pepper's Lonely Hearts Club Rubber Soul avait marqué un grand pas en avant ; Revolver, sorti en août 1966, une semaine avant la dernière tournée des Beatles, en marqua une autre. Scott Plagenhoef de Pitchfork l'identifie comme "le son d'un groupe devenant un confi suprême".

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Dans quelle pièce de Shakespeare se trouvent les derniers mots du personnage principal, le reste n'est que silence ?

Hamlet

William Shakespeare (; 26 avril 1564 (baptisé) - 23 avril 1616) était un poète, dramaturge et acteur anglais, largement considéré comme le plus grand écrivain de langue anglaise et le dramaturge le plus éminent au monde. ; . Il est souvent appelé le poète national anglais et le « barde d'Avon ». Ses œuvres existantes, y compris ses collaborations, comprennent environ 38 pièces de théâtre, 154 sonnets, deux longs poèmes narratifs et quelques autres vers, certains dont la paternité est incertaine. Ses pièces ont été traduites dans toutes les principales langues vivantes et sont jouées plus souvent que celles de tout autre dramaturge. Shakespeare est né et a grandi à Stratford-upon-Avon, dans le Warwickshire. À l'âge de 18 ans, il épouse Anne Hathaway, avec qui il a trois enfants : Susanna et les jumeaux Hamnet et Judith. Entre 1585 et 1592, il entame une carrière réussie à Londres en tant qu'acteur, écrivain et copropriétaire d'une compagnie de théâtre appelée Lord Chamberlain's Men, plus tard connue sous le nom de King's Men. Il semble avoir pris sa retraite à Stratford vers 1613, à l'âge de 49 ans, où il mourut trois ans plus tard. Peu de documents sur la vie privée de Shakespeare ont survécu, ce qui a suscité de nombreuses spéculations sur des sujets tels que son apparence physique, sa sexualité et ses croyances religieuses, ainsi que sur la question de savoir si les œuvres qui lui sont attribuées ont été écrites par d'autres. Shakespeare a produit la plupart de ses œuvres connues entre 1589 et 1613. Ses premières pièces étaient principalement des comédies et des histoires, et celles-ci sont considérées comme parmi les meilleures œuvres jamais produites dans ces genres. Il écrivit ensuite principalement des tragédies jusque vers 1608, notamment Hamlet, Othello, King Lear et Macbeth, considérées comme certaines des plus belles œuvres de langue anglaise. Dans sa dernière phase, il écrit des tragi-comédies, également connues sous le nom de romances, et collabore avec d'autres dramaturges. Beaucoup de ses pièces ont été publiées dans des éditions de qualité et d'exactitude variables au cours de sa vie. En 1623, cependant, John Heminges et Henry Condell, deux amis et collègues acteurs de Shakespeare, publièrent un texte plus définitif connu sous le nom de First Folio, une édition posthume de ses œuvres dramatiques qui comprenait toutes les pièces sauf deux maintenant reconnues comme les pièces de Shakespeare. . Il était précédé d'un poème de Ben Jonson, dans lequel Shakespeare est salué, avec prescience, comme "pas d'un âge, mais pour tous les temps". . 1168 Aux XXe et XXIe siècles, ses œuvres ont été adaptées et redécouvertes à plusieurs reprises par de nouveaux mouvements d'érudition et de performance. Ses pièces restent très populaires et sont constamment étudiées, jouées et réinterprétées dans divers contextes culturels et politiques à travers le monde. Vie Début de la vie William Shakespeare était le fils de John Shakespeare, un échevin et gantier à succès originaire de Snitterfield, et de Mary Arden, la fille d'un riche agriculteur propriétaire. Il est né à Stratford-upon-Avon et y a été baptisé le 26 avril 1564. Sa date de naissance réelle reste inconnue, mais est traditionnellement observée le 23 avril, jour de la Saint-Georges. Cette date, qui remonte à une erreur d'un érudit du XVIIIe siècle, s'est avérée attrayante pour les biographes, car Shakespeare est décédé le 23 avril 1616. Il était le troisième enfant de huit et le fils aîné survivant. Bien qu'aucun relevé de fréquentation de cette période n'ait survécu, la plupart des biographes conviennent que Shakespeare a probablement fait ses études à la King's New School de Stratford, une école gratuite créée en 1553, à environ 400 m de son domicile. Les lycées variaient en qualité au cours de l'ère élisabéthaine, mais les programmes des lycées étaient largement similaires : le texte latin de base était standardisé par décret royal, et l'école aurait dispensé un enseignement intensif en grammaire basé sur des auteurs classiques latins. À l'âge de 18 ans, Shakespeare a épousé Anne Hathaway, 26 ans. Le tribunal du consistoire du diocèse de Worcester délivra une licence de mariage le 27 novembre 1582. Le lendemain, deux des voisins de Hathaway déposèrent des cautions garantissant qu'aucune réclamation légale n'empêchait le mariage. La cérémonie a peut-être été organisée à la hâte, puisque le chancelier de Worcester a autorisé la lecture des bans de mariage une fois au lieu des trois fois habituelles, et six mois après le mariage, Anne a donné naissance à une fille, Susanna, baptisée le 26 mai 1583. , son fils Hamnet et sa fille Judith, suivirent près de deux ans plus tard et furent baptisés le 2 février 1585. Hamnet mourut de causes inconnues à l'âge de 11 ans et fut enterré le 11 août 1596. Après la naissance des jumeaux, Shakespeare a laissé peu de traces historiques jusqu'à ce qu'il soit mentionné comme faisant partie de la scène théâtrale de Londres en 1592. L'exception est l'apparition de son nom dans le « projet de loi des plaintes » d'un procès devant le tribunal du Banc de la Reine à Westminster date de la Saint-Michel 1588 et du 9 octobre 1589. Les érudits se réfèrent aux années entre 1585 et 1592 comme les « années perdues » de Shakespeare. Les biographes tentant de rendre compte de cette période ont rapporté de nombreuses histoires apocryphes. Nicholas Rowe, le premier biographe de Shakespeare, a raconté une légende de Stratford selon laquelle Shakespeare aurait fui la ville pour Londres pour échapper aux poursuites pour braconnage de cerfs dans la propriété de l'écuyer local Thomas Lucy. Shakespeare aurait également pris sa revanche sur Lucy en écrivant une ballade calomnieuse à son sujet. Une autre histoire du XVIIIe siècle raconte que Shakespeare a commencé sa carrière théâtrale en s'occupant des chevaux des clients du théâtre de Londres. John Aubrey a rapporté que Shakespeare avait été un maître d'école de campagne. Certains érudits du XXe siècle ont suggéré que Shakespeare aurait pu être employé comme maître d'école par Alexander Hoghton du Lancashire, un propriétaire foncier catholique qui a nommé un certain « William Shake Shafte » dans son testament. Peu de preuves étayent de telles histoires autres que les ouï-dire recueillis après sa mort, et Shake Shafte était un nom commun dans la région du Lancashire. Londres et carrière théâtrale On ne sait pas avec certitude quand Shakespeare a commencé à écrire, mais des allusions contemporaines et des enregistrements de représentations montrent que plusieurs de ses pièces étaient sur la scène londonienne en 1592. À cette époque, il était suffisamment connu à Londres pour être attaqué sous forme imprimée par le dramaturge Robert Greene. dans son Groats-Worth of Wit : ... il y a un Corbeau parvenu, embelli par nos plumes, qui, avec son cœur de Tigre enveloppé dans la peau d'un Joueur, suppose qu'il est aussi capable de bombarder un vers blanc que le meilleur d'entre vous : et étant un Johannes factotum absolu, est, selon lui, la seule scène de Shake dans un pays. Les chercheurs diffèrent sur la signification exacte des mots de Greene ; . mais la plupart conviennent que Greene accuse Shakespeare d'aller au-dessus de son rang en essayant d'égaler des écrivains universitaires tels que Christopher Marlowe, Thomas Nashe et Greene lui-même (les soi-disant « esprits universitaires »). La phrase en italique parodiant la phrase « Oh, le cœur de tigre enveloppé dans la peau d'une femme » de Henry VI, partie 3 de Shakespeare, ainsi que le jeu de mots « Shake-scene », identifient clairement Shakespeare comme la cible de Greene. Tel qu'utilisé ici, Johannes Factotum (« Jack of all trades ») fait référence à un bricoleur de second ordre avec le travail des autres, plutôt qu'au « génie universel » plus commun. L'attaque de Greene est la première mention survivante de l'œuvre de Shakespeare au théâtre. Les biographes suggèrent que sa carrière a pu commencer à tout moment entre le milieu des années 1580, juste avant les remarques de Greene. Après 1594, les pièces de Shakespeare furent jouées uniquement par les Lord Chamberlain's Men, une compagnie appartenant à un groupe d'acteurs, dont Shakespeare, qui devint rapidement la principale compagnie de théâtre de Londres. Après la mort de la reine Elizabeth en 1603, l'entreprise reçut un brevet royal du nouveau roi Jacques Ier et changea son nom pour King's Men. En 1599, un partenariat composé de membres de la compagnie construisit leur propre théâtre sur la rive sud de la Tamise, qu'ils baptisèrent le Globe. En 1608, le partenariat reprit également le théâtre couvert de Blackfriars. Les archives existantes des achats de propriétés et des investissements de Shakespeare indiquent que son association avec l'entreprise a fait de lui un homme riche et, en 1597, il acheta la deuxième plus grande maison de Stratford, New Place, et en 1605, investit dans une part des dîmes de la paroisse en Stratford. Certaines pièces de Shakespeare furent publiées dans des éditions in-quarto à partir de 1594 et, en 1598, son nom était devenu un argument de vente et commençait à apparaître sur les pages de titre. Shakespeare a continué à jouer dans ses propres pièces et dans d’autres après son succès en tant que dramaturge. L'édition 1616 des Œuvres de Ben Jonson le nomme sur les listes de distribution de Every Man in His Humor (1598) et Sejanus His Fall (1603). L'absence de son nom dans la liste des acteurs de 1605 pour Volpone de Jonson est considérée par certains chercheurs comme un signe que sa carrière d'acteur touchait à sa fin. Le premier folio de 1623, cependant, répertorie Shakespeare comme l'un des « acteurs principaux de toutes ces pièces », dont certaines ont été mises en scène pour la première fois après Volpone, bien que nous ne puissions pas savoir avec certitude quels rôles il a joué. En 1610, John Davies de Hereford écrivait que la « bonne volonté » jouait un rôle « royal ». En 1709, Rowe a transmis une tradition selon laquelle Shakespeare jouait le fantôme du père de Hamlet. Les traditions ultérieures soutiennent qu'il a également joué Adam dans As You Like It et le Chœur dans Henry V, bien que les érudits doutent des sources de cette information. Tout au long de sa carrière, Shakespeare a partagé son temps entre Londres et Stratford. En 1596, l'année avant d'acheter New Place comme maison familiale à Stratford, Shakespeare vivait dans la paroisse de St. Helen's, Bishopsgate, au nord de la Tamise. Il a traversé la rivière jusqu'à Southwark en 1599, la même année où sa compagnie y a construit le Globe Theatre. En 1604, il s'était de nouveau déplacé au nord de la rivière, dans une zone au nord de la cathédrale Saint-Paul avec de nombreuses belles maisons. Là, il loua des chambres à un huguenot français nommé Christopher Mountjoy, fabricant de perruques pour dames et autres couvre-chefs. Les années suivantes et la mort Rowe fut le premier biographe à enregistrer la tradition, répétée par Johnson, selon laquelle Shakespeare se retira à Stratford « quelques années avant sa mort ». Il travaillait encore comme acteur à Londres en 1608 ; dans une réponse à la pétition des partageurs en 1635, Cuthbert Burbage déclara qu'après avoir acheté le bail du Blackfriars Theatre en 1608 à Henry Evans, les King's Men "y placèrent des hommes", "qui étaient Heminges, Condell, Shakespeare, etc." . Cependant, il est peut-être pertinent que la peste bubonique ait fait rage à Londres tout au long de 1609. Les théâtres publics de Londres ont été fermés à plusieurs reprises lors d'épidémies prolongées de peste (un total de plus de 60 mois de fermeture entre mai 1603 et février 1610), ce qui signifiait qu'il n'y avait souvent aucun travail d'acteur. La retraite de tout travail était rare à cette époque. Shakespeare a continué à visiter Londres au cours des années 1611-1614. En 1612, il fut appelé comme témoin dans Bellott c. Mountjoy, une affaire judiciaire concernant le règlement du mariage de la fille de Mountjoy, Mary. En mars 1613, il acheta une guérite dans l'ancien prieuré de Blackfriars ; et à partir de novembre 1614, il resta plusieurs semaines à Londres avec son gendre, John Hall. Après 1610, Shakespeare écrivit moins de pièces et aucune ne lui fut attribuée après 1613. Ses trois dernières pièces étaient des collaborations, probablement avec John Fletcher, qui lui succéda en tant que dramaturge maison des King's Men. Shakespeare est décédé le 23 avril 1616, à l'âge de 52 ans. Il est décédé moins d'un mois après avoir signé son testament, document dans lequel il commence par se décrire comme étant en « parfaite santé ». Aucune source contemporaine existante n'explique comment ou pourquoi il est mort. Un demi-siècle plus tard, John Ward, vicaire de Stratford, écrivait dans son carnet : « Shakespeare, Drayton et Ben Jonson ont eu une joyeuse rencontre et, semble-t-il, ont trop bu, car Shakespeare est mort d'une fièvre contractée là-bas », pas un scénario impossible, puisque Shakespeare connaissait Jonson et Drayton. Parmi les hommages d'autres auteurs, l'un fait référence à sa mort relativement soudaine : « Nous nous demandions, Shakespeare, que tu sois parti si tôt/De la scène du monde à la salle fatigante de la tombe. Il laisse dans le deuil sa femme et ses deux filles. Susanna avait épousé un médecin, John Hall, en 1607, et Judith avait épousé Thomas Quiney, vigneron, deux mois avant la mort de Shakespeare. Shakespeare a signé son dernier testament le 25 mars 1616 ; le lendemain, son nouveau gendre, Thomas Quiney, fut reconnu coupable d'avoir engendré un fils illégitime de Margaret Wheeler, décédée en couches. Le tribunal de l'église a ordonné à Thomas de faire pénitence publique, ce qui aurait causé beaucoup de honte et d'embarras à la famille Shakespeare. Shakespeare a légué la majeure partie de son vaste domaine à sa fille aînée Susanna, à condition qu'elle le transmette intact au « premier fils de son corps ». Les Quiney ont eu trois enfants, qui sont tous morts sans se marier. Les Halls ont eu un enfant, Elizabeth, qui s'est mariée deux fois mais est décédée sans enfants en 1670, mettant ainsi fin à la lignée directe de Shakespeare. Le testament de Shakespeare mentionne à peine son épouse, Anne, qui avait probablement automatiquement droit à un tiers de sa succession. Il a cependant tenu à lui laisser « mon deuxième meilleur lit », un héritage qui a donné lieu à de nombreuses spéculations. Certains chercheurs voient le legs comme une insulte à Anne, tandis que d'autres estiment que le lit de deuxième choix aurait été le lit matrimonial et donc riche de signification. Shakespeare a été enterré dans le chœur de l'église Holy Trinity deux jours après sa mort. L'épitaphe gravée dans la dalle de pierre recouvrant sa tombe comprend une malédiction interdisant de déplacer ses os, ce qui a été soigneusement évité lors de la restauration de l'église en 2008 : Bon ami, pour l'amour d'Iesv, abstenez-vous, Pour creuser le dvst ci-joint. Béni soit l’homme qui épargne ces pierres, Et c'est justement lui qui bouge mes os. (Orthographe moderne : Bon ami, pour l’amour de Jésus, abstiens-toi, / De creuser la poussière enfermée ici. / Béni soit l’homme qui épargne ces pierres, / Et maudit soit celui qui bouge mes os.) Quelque temps avant 1623, un monument funéraire fut érigé à sa mémoire sur le mur nord, avec une demi-effigie de lui en train d'écrire. Sa plaque le compare à Nestor, Socrate et Virgile. En 1623, parallèlement à la publication du Premier Folio, la gravure de Droeshout fut publiée. Shakespeare a été commémoré dans de nombreuses statues et monuments commémoratifs à travers le monde, notamment dans les monuments funéraires de la cathédrale de Southwark et dans le coin des poètes de l'abbaye de Westminster. Pièces La plupart des dramaturges de l'époque ont généralement collaboré avec d'autres à un moment donné, et les critiques conviennent que Shakespeare a fait de même, principalement au début et à la fin de sa carrière. Certaines attributions, telles que Titus Andronicus et les premières pièces d'histoire, restent controversées, tandis que Les Deux Nobles Parents et le Cardenio perdu disposent d'une documentation contemporaine bien attestée. Les preuves textuelles soutiennent également l'idée selon laquelle plusieurs des pièces ont été révisées par d'autres écrivains après leur composition originale. Les premières œuvres enregistrées de Shakespeare sont Richard III et les trois parties d'Henri VI, écrites au début des années 1590 lors d'une vogue du drame historique. Les pièces de Shakespeare sont cependant difficiles à dater et l'étude des textes suggère que Titus Andronicus, La Comédie des erreurs, La Mégère apprivoisée et Les Deux messieurs de Vérone pourraient également appartenir à la première période de Shakespeare. Ses premières histoires, qui s'inspirent largement de l'édition de 1587 des Chroniques d'Angleterre, d'Écosse et d'Irlande de Raphael Holinshed, dramatisent les résultats destructeurs d'un gouvernement faible ou corrompu et ont été interprétées comme une justification des origines de la dynastie Tudor. Les premières pièces ont été influencées par les œuvres d'autres dramaturges élisabéthains, notamment Thomas Kyd et Christopher Marlowe, par les traditions du drame médiéval et par les pièces de Sénèque. La Comédie des erreurs était également basée sur des modèles classiques, mais aucune source pour La Mégère apprivoisée n'a été trouvée, bien qu'elle soit liée à une pièce distincte du même nom et puisse dériver d'une histoire populaire. Comme Les Deux Gentilshommes de Vérone, dans lequel deux amis semblent approuver le viol, l'histoire de la Mégère sur l'apprivoisement de l'esprit indépendant d'une femme par un homme trouble parfois les critiques et les réalisateurs modernes. Les premières comédies classiques et italiennes de Shakespeare, contenant des intrigues doubles serrées et des séquences comiques précises, cèdent la place au milieu des années 1590 à l'atmosphère romantique de ses comédies les plus acclamées. Le Songe d'une nuit d'été est un mélange plein d'esprit de romance, de magie féerique et de scènes comiques de bas-fond. La comédie suivante de Shakespeare, le tout aussi romantique Marchand de Venise, contient un portrait du prêteur juif vengeur Shylock, qui reflète les vues élisabéthaines mais peut paraître désobligeant au public moderne. L'esprit et les jeux de mots de Beaucoup de bruit pour rien, le charmant décor rural de Comme il vous plaira et les réjouissances animées de Douzième Nuit complètent la séquence des grandes comédies de Shakespeare. Après le lyrique Richard II, écrit presque entièrement en vers, Shakespeare a introduit la comédie en prose dans les histoires de la fin des années 1590, Henri IV, parties 1 et 2, et Henri V. Ses personnages deviennent plus complexes et plus tendres à mesure qu'il bascule adroitement entre le comique et le roman. des scènes sérieuses, de la prose et de la poésie, et atteint la variété narrative de son œuvre de maturité. Cette période commence et se termine par deux tragédies : Roméo et Juliette, la célèbre tragédie romantique de l'adolescence, de l'amour et de la mort sexuellement chargées ; et Jules César, basé sur la traduction de 1579 de Sir Thomas North des Vies parallèles de Plutarque, qui a introduit un nouveau type de drame. Selon l'érudit shakespearien James Shapiro, dans Jules César, « les différents aspects de la politique, du caractère, de l'intériorité, des événements contemporains, et même les propres réflexions de Shakespeare sur l'acte d'écrire, ont commencé à s'infuser ». Au début du XVIIe siècle, Shakespeare a écrit les « pièces à problèmes » Mesure pour mesure, Troilus et Cressida, et Tout est bien qui finit bien ainsi qu'un certain nombre de ses tragédies les plus connues. De nombreux critiques estiment que les plus grandes tragédies de Shakespeare représentent l'apogée de son art. Le héros titulaire de l'une des tragédies les plus célèbres de Shakespeare, Hamlet, a probablement été plus évoqué que tout autre personnage shakespearien, notamment pour son célèbre soliloque qui commence par « Être ou ne pas être ; telle est la question ». Contrairement à l'introverti Hamlet, dont le défaut fatal est l'hésitation, les héros des tragédies qui ont suivi, Othello et le roi Lear, sont défaits par des erreurs de jugement hâtives. Les intrigues des tragédies de Shakespeare reposent souvent sur des erreurs ou des défauts fatals, qui bouleversent l'ordre et détruisent le héros et ceux qu'il aime. Dans Othello, le méchant Iago attise la jalousie sexuelle d'Othello au point qu'il assassine la femme innocente qui l'aime. Dans Le Roi Lear, le vieux roi commet l'erreur tragique d'abandonner ses pouvoirs, déclenchant les événements qui conduisent à la torture et à l'aveuglement du comte de Gloucester et au meurtre de Cordelia, la plus jeune fille de Lear. Selon le critique Frank Kermode, "la pièce n'offre ni à ses bons personnages ni à son public aucun soulagement à sa cruauté". Dans Macbeth, la tragédie la plus courte et la plus compressée de Shakespeare, une ambition incontrôlable incite Macbeth et son épouse, Lady Macbeth, à assassiner le roi légitime et à usurper le trône, jusqu'à ce que leur propre culpabilité les détruise à leur tour. Dans cette pièce, Shakespeare ajoute un élément surnaturel à la structure tragique. Ses dernières tragédies majeures, Antoine et Cléopâtre et Coriolan, contiennent certaines des plus belles poésies de Shakespeare et ont été considérées comme ses tragédies les plus réussies par le poète et critique T. S. Eliot. Dans sa dernière période, Shakespeare se tourna vers la romance ou la tragi-comédie et termina trois autres pièces majeures : Cymbeline, Le Conte d'hiver et La Tempête, ainsi que la collaboration Périclès, prince de Tyr. Moins sombres que les tragédies, ces quatre pièces ont un ton plus grave que les comédies des années 1590, mais elles se terminent par la réconciliation et le pardon des erreurs potentiellement tragiques. Certains commentateurs ont vu dans ce changement d'humeur la preuve d'une vision plus sereine de la vie de la part de Shakespeare, mais il se peut qu'il reflète simplement la mode théâtrale de l'époque. Shakespeare a collaboré à deux autres pièces survivantes, Henry VIII et The Two Noble Kinsmen, probablement avec John Fletcher. Les performances On ne sait pas exactement pour quelles compagnies Shakespeare a écrit ses premières pièces. La page de titre de l'édition de 1594 de Titus Andronicus révèle que la pièce avait été jouée par trois troupes différentes. Après les épidémies de 1592-1593, les pièces de Shakespeare furent jouées par sa propre compagnie au Theatre and the Curtain à Shoreditch, au nord de la Tamise. Les Londoniens y affluèrent pour voir la première partie d'Henri IV, enregistrement de Leonard Digges, "Laissez venir Falstaff, Hal, Poins, le reste ... et vous aurez à peine une chambre". Lorsque la société s'est retrouvée en conflit avec son propriétaire, elle a démoli le théâtre et a utilisé le bois pour construire le Globe Theatre, la première salle de théâtre construite par des acteurs pour des acteurs, sur la rive sud de la Tamise à Southwark. Le Globe a ouvert ses portes à l'automne 1599, avec Jules César l'une des premières pièces mises en scène. La plupart des plus grandes pièces de Shakespeare postérieures à 1599 ont été écrites pour le Globe, notamment Hamlet, Othello et King Lear. Après que les Lord Chamberlain's Men aient été rebaptisés King's Men en 1603, ils entrèrent dans une relation privilégiée avec le nouveau King James. Bien que les records de performances soient inégaux, les King's Men ont interprété sept pièces de Shakespeare à la cour entre le 1er novembre 1604 et le 31 octobre 1605, dont deux représentations du Marchand de Venise. Après 1608, ils se produisirent au Blackfriars Theatre en salle pendant l'hiver et au Globe pendant l'été. Le décor intérieur, combiné à la mode jacobéenne des masques somptueusement mis en scène, a permis à Shakespeare d'introduire des dispositifs scéniques plus élaborés. Dans Cymbeline, par exemple, Jupiter descend « dans le tonnerre et les éclairs, assis sur un aigle : il lance la foudre. Les fantômes tombent à genoux ». Les acteurs de la compagnie de Shakespeare comprenaient les célèbres Richard Burbage, William Kempe, Henry Condell et John Heminges. Burbage a joué le rôle principal dans les premières représentations de nombreuses pièces de Shakespeare, notamment Richard III, Hamlet, Othello et Le Roi Lear. L'acteur comique populaire Will Kempe a joué, entre autres personnages, le serviteur Peter dans Roméo et Juliette et Dogberry dans Beaucoup de bruit pour rien. Il fut remplacé vers 1600 par Robert Armin, qui incarna des rôles tels que Touchstone dans Comme il vous plaira et le fou dans Le Roi Lear. En 1613, Sir Henry Wotton rapporta qu'Henri VIII « fut présenté dans de nombreuses circonstances extraordinaires de pompe et de cérémonie ». Le 29 juin, cependant, un canon met le feu au chaume du Globe et brûle entièrement le théâtre, un événement qui situe avec une rare précision la date d'une pièce de Shakespeare. Sources textuelles En 1623, John Heminges et Henry Condell, deux amis de Shakespeare des King's Men, publièrent le First Folio, une édition complète des pièces de Shakespeare. Il contenait 36 ​​textes, dont 18 imprimés pour la première fois. De nombreuses pièces de théâtre étaient déjà parues en versions in-quarto, des livres fragiles fabriqués à partir de feuilles de papier pliées en deux pour former quatre feuillets. Aucune preuve ne suggère que Shakespeare ait approuvé ces éditions, que le premier folio décrit comme des « copies volées et clandestines ». Shakespeare n’avait pas non plus prévu ni prévu que ses œuvres survivent sous quelque forme que ce soit ; ces œuvres seraient probablement tombées dans l'oubli sans l'idée spontanée de ses amis, après sa mort, de créer et de publier le Premier Folio. Alfred Pollard a qualifié certaines des versions antérieures à 1623 de « mauvais quartos » en raison de leurs textes adaptés, paraphrasés ou tronqués, qui peuvent par endroits avoir été reconstruits de mémoire. Là où plusieurs versions d’une pièce survivent, chacune diffère de l’autre. Les différences peuvent provenir d'erreurs de copie ou d'impression, de notes d'acteurs ou de membres du public, ou des propres papiers de Shakespeare. Dans certains cas, par exemple Hamlet, Troilus et Cressida et Othello, Shakespeare aurait pu réviser les textes entre les éditions in-quarto et in-folio. Dans le cas du Roi Lear, cependant, alors que la plupart des éditions modernes les confondent, la version in-folio de 1623 est si différente du in-quarto de 1608 que l'Oxford Shakespeare les imprime toutes les deux, arguant qu'elles ne peuvent pas être confondues sans confusion. Poèmes En 1593 et ​​1594, alors que les théâtres étaient fermés à cause de la peste, Shakespeare publia deux poèmes narratifs sur des thèmes érotiques, Vénus et Adonis et Le Viol de Lucrèce. Il les dédia à Henry Wriothesley, comte de Southampton. Dans Vénus et Adonis, un Adonis innocent rejette les avances sexuelles de Vénus ; tandis que dans Le Viol de Lucrèce, la vertueuse épouse Lucrèce est violée par le lubrique Tarquin. Influencés par les Métamorphoses d'Ovide, les poèmes montrent la culpabilité et la confusion morale qui résultent d'une luxure incontrôlée. Les deux se sont révélés populaires et ont été souvent réimprimés du vivant de Shakespeare. Un troisième poème narratif, A Lover's Complaint, dans lequel une jeune femme déplore sa séduction par un prétendant persuasif, a été imprimé dans la première édition des Sonnets en 1609. La plupart des chercheurs acceptent maintenant que Shakespeare a écrit A Lover's Complaint. Les critiques considèrent que ses belles qualités sont gâchées par des effets plombés. Le Phénix et la Tortue, imprimés dans Love's Martyr de Robert Chester en 1601, pleurent la mort du légendaire phénix et de son amant, la fidèle tourterelle. En 1599, deux premières versions des sonnets 138 et 144 parurent dans The Passionate Pilgrim, publié sous le nom de Shakespeare mais sans sa permission. Sonnets Publiés en 1609, les Sonnets furent les dernières œuvres non dramatiques de Shakespeare à être imprimées. Les chercheurs ne savent pas avec certitude quand chacun des 154 sonnets a été composé, mais les preuves suggèrent que Shakespeare a écrit des sonnets tout au long de sa carrière pour un lectorat privé. Même avant que les deux sonnets non autorisés n'apparaissent dans Le Pèlerin passionné en 1599, Francis Meres avait fait référence en 1598 aux « Sonnets sucrés de Shakespeare parmi ses amis privés ». Peu d'analystes pensent que le recueil publié suit la séquence prévue par Shakespeare. Il semble avoir prévu deux séries contrastées : l'une sur la convoitise incontrôlable pour une femme mariée au teint foncé (la « dame noire »), et l'autre sur l'amour conflictuel pour un jeune homme blond (la « jeunesse blonde »). On ne sait pas si ces personnages représentent de vrais individus, ou si le « je » d'auteur qui s'adresse à eux représente Shakespeare lui-même, bien que Wordsworth pense qu'avec les sonnets, « Shakespeare a déverrouillé son cœur ». L'édition de 1609 était dédiée à un « M. W.H. », crédité comme « le seul engendrant » des poèmes. On ne sait pas si cela a été écrit par Shakespeare lui-même ou par l'éditeur Thomas Thorpe, dont les initiales figurent au bas de la page de dédicace ; on ne sait pas non plus qui M. W.H. l'était, malgré de nombreuses théories, ou si Shakespeare avait même autorisé la publication. Les critiques louent les Sonnets comme une profonde méditation sur la nature de l'amour, de la passion sexuelle, de la procréation, de la mort et du temps. Style Les premières pièces de Shakespeare ont été écrites dans le style conventionnel de l’époque. Il les a écrits dans un langage stylisé qui ne découle pas toujours naturellement des besoins des personnages ou du drame. La poésie dépend de métaphores et de concepts étendus, parfois élaborés, et le langage est souvent rhétorique – écrit pour que les acteurs puissent déclamer plutôt que parler. Les grands discours de Titus Andronicus, de l'avis de certains critiques, retardent souvent l'action, par exemple ; et le vers des Deux Gentilshommes de Vérone a été décrit comme guindé. Bientôt, cependant, Shakespeare commença à adapter les styles traditionnels à ses propres objectifs. Le monologue d'ouverture de Richard III trouve ses racines dans l'auto-déclaration du Vice dans le drame médiéval. Dans le même temps, la conscience de soi vive de Richard attend avec impatience les soliloques des pièces de la maturité de Shakespeare. Aucune pièce ne marque un changement du style traditionnel au style plus libre. Shakespeare a combiné les deux tout au long de sa carrière, Roméo et Juliette étant peut-être le meilleur exemple du mélange des styles. À l'époque de Roméo et Juliette, de Richard II et du Songe d'une nuit d'été, au milieu des années 1590, Shakespeare avait commencé à écrire une poésie plus naturelle. Il adaptait de plus en plus ses métaphores et ses images aux besoins du drame lui-même. La forme poétique standard de Shakespeare était le vers blanc, composé en pentamètre iambique. Dans la pratique, cela signifiait que ses vers étaient généralement sans rimes et se composaient de dix syllabes par vers, prononcées avec un accent sur une syllabe sur deux. Les vers blancs de ses premières pièces sont très différents de ceux de ses dernières pièces. Il est souvent beau, mais ses phrases ont tendance à commencer, s'arrêter et se terminer en fin de vers, avec un risque de monotonie. Une fois que Shakespeare a maîtrisé le vers blanc traditionnel, il a commencé à interrompre et à varier son flux. Cette technique libère la nouvelle puissance et la flexibilité de la poésie dans des pièces comme Jules César et Hamlet. Shakespeare l'utilise, par exemple, pour exprimer l'agitation dans l'esprit d'Hamlet :. Après Hamlet, Shakespeare a encore varié son style poétique, en particulier dans les passages les plus émouvants des dernières tragédies. Le critique littéraire A. C. Bradley a décrit ce style comme « plus concentré, rapide, varié et, dans sa construction, moins régulier, souvent tordu ou elliptique ». Dans la dernière phase de sa carrière, Shakespeare a adopté de nombreuses techniques pour obtenir ces effets. Ceux-ci comprenaient des lignes continues, des pauses et des arrêts irréguliers et des variations extrêmes dans la structure et la longueur des phrases. Dans Macbeth, par exemple, le langage passe d'une métaphore ou d'une comparaison sans rapport à une autre : « L'espoir était-il ivre/Dans quoi vous vêtiez-vous ? (1.7.35-38) ; "... pitié, comme un nouveau-né nu / Enjambant le souffle, ou les chérubins du ciel, hors d'état / Sur les messagers aveugles de l'air ..." (1.7.21-25). La personne qui écoute doit compléter le sens. Les romans tardifs, avec leurs décalages dans le temps et leurs rebondissements surprenants, ont inspiré un dernier style poétique dans lequel des phrases longues et courtes s'opposent, les clauses s'empilent, le sujet et l'objet sont inversés et les mots sont omis, créant un effet de spontanéité. Shakespeare combinait le génie poétique avec un sens pratique du théâtre. Comme tous les dramaturges de l'époque, il a dramatisé des histoires provenant de sources telles que Plutarque et Holinshed. Il a remodelé chaque intrigue pour créer plusieurs centres d’intérêt et montrer autant de facettes d’un récit que possible au public. Cette force de conception garantit qu'une pièce de Shakespeare peut survivre à la traduction, au découpage et à une large interprétation sans perte de son drame principal. Au fur et à mesure que la maîtrise de Shakespeare grandissait, il donna à ses personnages des motivations plus claires et plus variées et des modèles de discours distinctifs. Il a cependant conservé des aspects de son style antérieur dans les pièces ultérieures. Dans les dernières romances de Shakespeare, il revient délibérément à un style plus artificiel, qui met l'accent sur l'illusion du théâtre. Influence L'œuvre de Shakespeare a laissé une impression durable sur le théâtre et la littérature ultérieurs. Il a notamment élargi le potentiel dramatique de la caractérisation, de l’intrigue, du langage et du genre. Jusqu’à Roméo et Juliette, par exemple, la romance n’était pas considérée comme un sujet digne d’une tragédie. Les soliloques étaient principalement utilisés pour transmettre des informations sur des personnages ou des événements ; mais Shakespeare les a utilisés pour explorer l'esprit des personnages. Son œuvre a fortement influencé la poésie ultérieure. Les poètes romantiques ont tenté de faire revivre le drame en vers shakespearien, mais avec peu de succès. Le critique George Steiner a décrit tous les drames en vers anglais, de Coleridge à Tennyson, comme de « faibles variations sur des thèmes shakespeariens ». Shakespeare a influencé des romanciers tels que Thomas Hardy, William Faulkner et Charles Dickens. Les soliloques du romancier américain Herman Melville doivent beaucoup à Shakespeare ; son capitaine Achab dans Moby-Dick est un héros tragique classique, inspiré du roi Lear. Les chercheurs ont identifié 20 000 morceaux de musique liés aux œuvres de Shakespeare. Il s'agit notamment de deux opéras de Giuseppe Verdi, Otello et Falstaff, dont la réputation critique se compare à celle des pièces sources. Shakespeare a également inspiré de nombreux peintres, notamment les romantiques et les préraphaélites. L'artiste romantique suisse Henry Fuseli, ami de William Blake, a même traduit Macbeth en allemand. Le psychanalyste Sigmund Freud s'est inspiré de la psychologie shakespearienne, notamment celle de Hamlet, pour ses théories sur la nature humaine. À l'époque de Shakespeare, la grammaire, l'orthographe et la prononciation anglaises étaient moins standardisées qu'aujourd'hui, et son utilisation de la langue a contribué à façonner l'anglais moderne. Samuel Johnson l'a cité plus souvent que tout autre auteur dans son A Dictionary of the English Language, le premier ouvrage sérieux de ce type. Des expressions telles que "avec le souffle coupé

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Le tsar Nicolas Ier a abdiqué en 1917, qui a été l'autre monarque à abdiquer pendant cette période ?

Constantin Ier de Grèce

Nicolas II ( Nikolay Vtoroy ; 1868 – 17 juillet 1918) fut le dernier empereur de Russie, régnant du 1er novembre 1894 jusqu'à son abdication forcée le 15 mars 1917. Son règne vit la chute de l'Empire russe, qui était alors l'une des plus grandes puissances. du monde à l’effondrement économique et militaire. En raison de la tragédie de Khodynka, des pogroms antisémites, du dimanche sanglant, de la violente répression de la révolution de 1905, de l'exécution d'opposants politiques et de sa responsabilité présumée dans la guerre russo-japonaise, ses ennemis politiques lui ont donné le surnom de Nicolas le Sanglant. . La Russie a subi une défaite décisive dans la guerre russo-japonaise, qui a vu l'anéantissement de la flotte russe de la Baltique lors de la bataille de Tsushima, la perte de l'influence russe sur la Mandchourie et la Corée et l'annexion japonaise du sud de Sakhaline. L’Entente anglo-russe, conçue pour contrer les tentatives allemandes de gagner de l’influence au Moyen-Orient, a mis fin au Grand Jeu entre la Russie et le Royaume-Uni. En tant que chef de l'État, Nicolas approuva la mobilisation russe fin juillet 1914, ce qui conduisit l'Allemagne à déclarer la guerre à la Russie le 1er août. On estime qu'environ 3,3 millions de Russes ont été tués pendant la Première Guerre mondiale. Les lourdes pertes de l'armée impériale et la gestion incompétente des efforts de guerre par le haut commandement, ainsi que le manque de nourriture et d'autres fournitures sur le front intérieur, ont été les principales causes de cette guerre. la chute de la dynastie des Romanov. Après la révolution de février 1917, Nicolas abdiqua en son nom et en celui de son fils, et lui et sa famille furent emprisonnés. Au printemps 1918, Nicolas fut remis au soviet local de l'Oural ; avec l'approbation de Lénine, Nicolas et sa famille furent finalement exécutés par les bolcheviks dans la nuit du 16 au 17 juillet 1918. Les restes retrouvés de la famille impériale furent finalement inhumés à Saint-Pétersbourg en 1998. En 1981, Nicolas, sa femme et leurs enfants ont été canonisés comme martyrs par l’Église orthodoxe russe hors de Russie, située à New York. Le 15 août 2000, Nicolas et sa famille ont été canonisés comme porteurs de la passion, titre commémorant les croyants qui affrontent la mort à la manière du Christ, par l'Église orthodoxe russe en Russie. Antécédents familiaux Nicolas est né au palais Alexandre, à Saint-Pétersbourg, dans l'Empire russe, fils aîné de l'empereur Alexandre III et de l'impératrice Maria Feodorovna de Russie (anciennement princesse Dagmar du Danemark). Il avait cinq frères et sœurs plus jeunes : Alexander (1869-1870), George (1871-1899), Xenia (1875-1960), Michael (1878-1918) et Olga (1882-1960). Nicholas faisait souvent référence à son père avec nostalgie dans ses lettres après la mort d'Alexandre en 1894. Il était également très proche de sa mère, comme le révélaient leurs lettres publiées entre eux. Ses grands-parents paternels étaient l'empereur Alexandre II et l'impératrice Maria Alexandrovna de Russie (née princesse Marie de Hesse et du Rhin). Ses grands-parents maternels étaient le roi Christian IX et la reine Louise du Danemark. Nicolas était principalement d'origine allemande et danoise, son dernier ancêtre d'origine russe étant Pierre le Grand. Nicolas était apparenté à plusieurs monarques en Europe. Les frères et sœurs de sa mère comprenaient les rois Frederik VIII du Danemark et George Ier de Grèce, ainsi que la reine Alexandra du Royaume-Uni (épouse du roi Édouard VII). Nicolas, son épouse Alexandra et l'empereur Guillaume II d'Allemagne étaient tous cousins ​​germains du roi George V du Royaume-Uni. Nicolas était également le cousin germain du roi Haakon VII et de la reine Maud de Norvège, ainsi que du roi Constantin Ier de Grèce. Nicolas et Guillaume II étaient à leur tour cousins ​​au second degré, car chacun descendait du roi Frédéric-Guillaume III de Prusse, ainsi que cousins ​​au troisième degré, car ils étaient tous deux arrière-arrière-petits-fils du tsar Paul Ier de Russie. En plus d'être cousins ​​​​germains par descendance de Louis II, grand-duc de Hesse et du Rhin et de son épouse Wilhelmine de Bade, Nicolas et Alexandra étaient également cousins ​​​​au troisième degré une fois éloignés, car ils étaient tous deux descendants du roi Frédéric-Guillaume II de Prusse. Dans son enfance, Nicolas, ses parents et ses frères et sœurs se rendaient chaque année aux palais royaux danois de Fredensborg et de Bernstorff pour rendre visite à ses grands-parents, le roi et la reine. Les visites servaient également de réunions de famille, puisque les frères et sœurs de sa mère viendraient également d'Angleterre, d'Allemagne et de Grèce avec leurs familles respectives. C'est là, en 1883, qu'il flirte avec l'une de ses cousines germaines anglaises, la princesse Victoria. En 1873, Nicholas accompagna également ses parents et son jeune frère, George, deux ans, lors d'une visite semi-officielle de deux mois en Angleterre. À Londres, Nicholas et sa famille ont séjourné à Marlborough House, en tant qu'invités de son « oncle Bertie » et de sa « tante Alix », le prince et la princesse de Galles, où il a été gâté par son oncle. Tsésarévitch Le 1er mars 1881, à la suite de l'assassinat de son grand-père, le tsar Alexandre II, Nicolas devint héritier présumé de l'ascension de son père sous le nom d'Alexandre III. Nicolas et les autres membres de sa famille ont été témoins de la mort d'Alexandre II, ayant été présents au Palais d'Hiver de Saint-Pétersbourg, où il a été amené après l'attentat. Pour des raisons de sécurité, le nouveau tsar et sa famille ont déménagé leur résidence principale au palais de Gatchina, à l'extérieur de la ville, n'entrant dans la capitale que pour diverses fonctions cérémonielles. À de telles occasions, Alexandre III et sa famille occupaient le palais Anitchkov, situé à proximité. En 1884, la cérémonie de passage à l'âge adulte de Nicolas a eu lieu au Palais d'Hiver, où il a juré sa loyauté envers son père. Plus tard cette année-là, l'oncle de Nicolas, le grand-duc Sergueï Alexandrovitch, épousa la princesse Elizabeth, fille de Louis IV, grand-duc de Hesse et du Rhin et de sa défunte épouse, la princesse Alice du Royaume-Uni (décédée en 1878), et petite-fille de La reine victoria. Lors du mariage à Saint-Pétersbourg, le tsésarévitch, âgé de seize ans, a rencontré et admiré la plus jeune sœur survivante de la mariée, la princesse Alix, douze ans. Ces sentiments d'admiration se sont transformés en amour après sa visite à Saint-Pétersbourg cinq ans plus tard, en 1889. Alix avait à son tour des sentiments pour lui, mais elle était une fervente luthérienne qui refusait de se convertir à l'orthodoxie russe et écrivit finalement à Nicolas en 1893 pour le dire. lui qu'ils ne pouvaient pas se marier. Finalement, en 1890, Nicolas, son jeune frère George et leur cousin le prince George de Grèce entreprirent un tour du monde, bien que le grand-duc George tomba malade et fut renvoyé chez lui à mi-chemin du voyage. Nicholas s'est rendu en Égypte, en Inde, à Singapour et à Bangkok, recevant les honneurs en tant qu'invité de marque dans chaque pays. En avril 1891, alors qu'il traversait la ville d'Otsu, au Japon, Nicolas fut victime d'une tentative d'assassinat. L'incident a écourté son voyage, mais il était présent aux cérémonies à Vladivostok commémorant le début des travaux du Transsibérien. En 1893, Nicholas se rend à Londres au nom de ses parents pour assister au mariage de son cousin, George, duc d'York, avec Mary de Teck. La reine Victoria a été frappée par la ressemblance physique entre les deux cousins, et leurs apparences en ont dérouté certains lors du mariage. Pendant ce temps, Nicolas a eu une liaison avec la ballerine de Saint-Pétersbourg Mathilde Kschessinska. Bien qu'il soit héritier du trône, le père de Nicolas n'a pas réussi à le préparer à son futur rôle de tsar. Il a assisté aux réunions du Conseil d'État; cependant, comme son père n'avait que la quarantaine, on s'attendait à ce qu'il faudra plusieurs années avant que Nicolas accède au trône. Sergei Witte, le ministre russe des Finances, a vu les choses différemment et a suggéré au tsar que Nicolas soit nommé au Comité des chemins de fer sibériens. Alexander a fait valoir que Nicolas n'était pas assez mûr pour assumer de sérieuses responsabilités, ce à quoi Witte a répondu que s'il n'était pas initié aux affaires de l'État, Nicolas ne serait jamais prêt à les comprendre. Les hypothèses d'Alexandre selon lesquelles vivre une longue vie et avoir des années pour préparer Nicolas à devenir tsar se révéleraient fausses, car en 1894, Alexandre III souffrait de problèmes de santé. Fiançailles, accession et mariage En avril 1894, Nicolas rejoignit son oncle Sergueï et sa tante Elizabeth lors d'un voyage à Cobourg, en Allemagne, pour le mariage du frère d'Elizabeth et d'Alix, Ernest Louis, grand-duc de Hesse, avec leur cousine commune, la princesse Victoria Melita de Saxe-Cobourg et Gotha. . Parmi les autres invités figuraient la reine Victoria, l'empereur Guillaume II, l'impératrice Frédéric (mère de l'empereur Guillaume et fille aînée de la reine Victoria), l'oncle de Nicolas, le prince de Galles, et les parents de la mariée, le duc et la duchesse de Saxe-Cobourg et Gotha. Peu de temps après son arrivée à Cobourg, Nicolas a proposé à Alix, et elle a rejeté sa proposition au motif qu'elle ne pouvait pas se convertir à l'orthodoxie. Après le mariage, cependant, le Kaiser la prit à part, lui disant que c'était son devoir d'épouser Nicolas et de se convertir, tout comme Elizabeth, qui se convertit volontairement à l'Orthodoxie en 1892. Après que Nicolas ait proposé à Alix une seconde fois, les deux sont devenus officiellement fiancés le 8 avril 1894. De leur côté, les parents de Nicolas étaient réticents à donner leur bénédiction aux fiançailles, car Alix avait fait mauvaise impression lors de ses visites en Russie et n'ont donné leur consentement qu'après qu'il soit devenu clair que la santé du tsar Alexandre se détériorait. La reine Victoria avait également été initialement opposée au match, car même si elle n'avait aucune objection contre Nicolas personnellement, elle n'aimait pas la Russie. Cet été-là, Nicholas se rendit en Angleterre pour rendre visite à Alix et à la reine. La visite a coïncidé avec la naissance du premier enfant du duc et de la duchesse d'York, le futur roi Édouard VIII. En plus d'être présents au baptême, Nicolas et Alix figuraient parmi les parrains et marraines de l'enfant. Après plusieurs semaines en Angleterre, Nicolas rentra chez lui pour le mariage de sa sœur Xenia avec un cousin, le grand-duc Alexandre Mikhaïlovitch (« Sandro »). Cet automne-là, Alexandre III était mourant. Apprenant qu'il pourrait au moins survivre pendant quinze jours, le tsar demanda à Nicolas de convoquer Alix au palais impérial de Livadia. Alix arrive le 22 octobre et le tsar insiste pour la recevoir en grand uniforme. Dix jours plus tard, Alexandre III mourut à l'âge de quarante-neuf ans, laissant Nicolas, vingt-six ans, comme empereur de Russie. Ce soir-là, Nicolas fut consacré par le prêtre de son père sous le nom de tsar Nicolas II et, le lendemain, Alix fut reçue dans l'Église orthodoxe russe, prenant le nom d'Alexandra Feodorovna avec le titre de Grande-Duchesse et le style d'Altesse Impériale. Nicolas ne s'est peut-être pas senti préparé aux devoirs de la couronne, demandant à son cousin et beau-frère, le grand-duc Alexandre : « Que va-t-il m'arriver, à moi et à toute la Russie ? Bien que peut-être sous-préparé et peu qualifié, Nicolas n’était pas totalement dépourvu de formation pour ses fonctions de tsar. Tout au long de son règne, Nicolas choisit de maintenir la politique conservatrice favorisée par son père. Alors qu'Alexandre III s'était concentré sur la formulation de la politique générale, Nicolas accordait beaucoup plus d'attention aux détails de l'administration. En quittant Livadia le 7 novembre, le cortège funèbre du tsar Alexandre, qui comprenait la tante paternelle de Nicolas, la reine Olga de Grèce, ainsi que le prince et la princesse de Galles, est arrivé à Moscou. Après avoir été exposé au Kremlin, le corps du tsar a été transporté à Saint-Pétersbourg, où les funérailles ont eu lieu le 19 novembre. Le mariage de Nicolas et Alix était initialement prévu pour le printemps 1895, mais il fut avancé sur l'insistance de Nicolas. Titubant sous le poids de sa nouvelle fonction, il n'avait pas l'intention de laisser partir celui qui lui donnait confiance. Au lieu de cela, le mariage de Nicolas avec Alix a eu lieu le 26 novembre 1894, jour de l'anniversaire de l'impératrice douairière Marie Feodorovna, et le deuil de la cour a pu être légèrement assoupli. Alexandra portait la robe traditionnelle des épouses Romanov et Nicolas un uniforme de hussard. Nicolas et Alexandra, chacun tenant une bougie allumée, faisaient face au curé du palais ; quelques minutes avant une heure de l'après-midi, ils se marièrent. Règne Malgré une visite au Royaume-Uni en 1893, où il a observé la Chambre des communes en débat et apparemment impressionné par le mécanisme de la démocratie, ainsi qu'une évaluation positive similaire du Congrès américain lors d'une visite officielle aux États-Unis en tant que Tsesarevich, Nicolas a tourné le dos à toute idée de céder le moindre pouvoir aux représentants élus en Russie. Peu de temps après son accession au trône, une députation de paysans et d'ouvriers des assemblées locales (zemstvos) de diverses villes se rendit au Palais d'Hiver pour proposer des réformes judiciaires, telles que l'adoption d'une monarchie constitutionnelle, et des réformes qui amélioreraient la situation politique et économique. vie de la paysannerie, dans le discours de Tver. Bien que les adresses qu'ils avaient envoyées au préalable aient été formulées en termes doux et loyaux, Nicolas était en colère et a ignoré les conseils d'un conseil de famille impérial en leur disant : "... j'ai appris qu'au cours des derniers mois il y a eu J'ai entendu dans certaines assemblées des zemstvos les voix de ceux qui se sont livrés au rêve insensé que les zemstvos soient appelés à participer au gouvernement du pays. Je veux que tout le monde sache que je consacrerai toutes mes forces à maintenir, pour le pays. le bien de la nation entière, le principe de l’autocratie absolue, aussi fermement et aussi fortement que le faisait mon regretté père. » Le 26 mai 1896, le couronnement officiel de Nicolas en tant que tsar eut lieu dans la cathédrale Ouspenski située au Kremlin. Pour célébrer le 27 mai 1896, un grand festival avec de la nourriture, de la bière gratuite et des coupes souvenirs a eu lieu sur le terrain de Khodynka, à l'extérieur de Moscou. Khodynka a été choisie comme emplacement car c'était le seul endroit près de Moscou suffisamment grand pour accueillir tous les citoyens de Moscou. La couronne impériale de soie de Russie a été utilisée comme cadeau de couronnement officiel de l'Empire russe. Nicolas II fut le premier et le seul monarque à recevoir un cadeau de couronnement aussi monumental. Il ne s'agissait pas d'un insigne de cérémonie, mais d'une propriété impériale privée, un souvenir de son couronnement. Khodynka était principalement utilisée comme terrain d'entraînement militaire et le terrain était inégal et marqué de tranchées. Avant que la nourriture et les boissons ne soient distribuées, des rumeurs circulaient selon lesquelles il n’y en aurait pas assez pour tout le monde. En conséquence, la foule s'est précipitée pour récupérer sa part et des individus ont été trébuchés et piétinés, étouffés dans la terre du terrain. Sur les quelque 100 000 personnes présentes, on estime que 1 389 personnes sont mortes et environ 1 300 ont été blessées. La tragédie de Khodynka était considérée comme un mauvais présage et Nicolas eut du mal à gagner la confiance du peuple dès le début de son règne. Le gala de l'ambassadeur de France était prévu ce soir-là. Le tsar voulait rester dans ses appartements et prier pour les vies perdues, mais ses oncles pensaient que son absence au bal mettrait à rude épreuve les relations avec la France, en particulier avec l'Alliance franco-russe de 1894. Nicolas assista donc à la fête ; en conséquence, la population en deuil considérait Nicolas comme frivole et indifférent. Durant l'automne qui suivit le couronnement, Nicolas et Alexandra firent une tournée en Europe. Après avoir rendu visite à l'empereur et à l'impératrice d'Autriche-Hongrie, au Kaiser d'Allemagne ainsi qu'aux grands-parents et proches danois de Nicolas, Nicolas et Alexandra prirent possession de leur nouveau yacht, le Standart, construit au Danemark. De là, ils se rendirent en Écosse pour passer du temps avec la reine Victoria au château de Balmoral. Tandis qu'Alexandra profitait des retrouvailles avec sa grand-mère, Nicholas se plaignait dans une lettre à sa mère d'être obligé d'aller chasser avec son oncle, le prince de Galles, par mauvais temps et souffrait d'un grave mal de dents. Les premières années de son règne ne virent guère plus que la poursuite et le développement de la politique menée par Alexandre III. Nicolas a alloué de l'argent pour l'exposition panrusse de 1896. En 1897, le rétablissement de l'étalon-or par Sergueï Witte, ministre des Finances, a complété la série de réformes financières initiées quinze ans plus tôt. En 1902, le chemin de fer transsibérien était en voie d’achèvement ; cela a aidé les Russes à faire du commerce en Extrême-Orient, mais le chemin de fer nécessitait encore d'énormes quantités de travail. Initiatives en matière d'affaires étrangères En matière de relations étrangères, Nicolas a suivi la politique de son père, renforçant l'alliance franco-russe et poursuivant une politique de pacification européenne générale, qui a abouti à la célèbre conférence de paix de La Haye. Cette conférence, suggérée et promue par Nicolas II, a été convoquée dans le but de mettre fin à la course aux armements et de mettre en place un mécanisme de règlement pacifique des différends internationaux. Les résultats de la conférence ont été moins bons que prévu en raison de la méfiance mutuelle existant entre les grandes puissances. Néanmoins, les Conventions de La Haye furent parmi les premières déclarations formelles du droit de la guerre. En 1901, Nicolas II (et le célèbre diplomate russe Friedrich Martens) furent nominés pour le prix Nobel de la paix, pour avoir pris l'initiative de convoquer la Conférence de paix de La Haye et contribué à sa mise en œuvre. Affaires ecclésiastiques En 1903, Nicolas se lança dans une crise ecclésiastique concernant la canonisation des Séraphins de Sarov. L'année précédente, il avait été suggéré que s'il était canonisé, le couple impérial engendrerait un fils et héritier du trône. Alors qu'Alexandra exigeait en juillet 1902 que Séraphin soit canonisé dans moins d'une semaine, Nicolas exigeait qu'il soit canonisé dans un délai d'un an. Malgré un tollé général, l'Église céda à l'intense pression impériale, déclarant les Séraphins dignes de canonisation en janvier 1903. Cet été-là, la famille impériale se rendit à Sarov pour la canonisation. Guerre russo-japonaise Un affrontement entre la Russie et l’Empire du Japon était presque inévitable au tournant du XXe siècle. La Russie s'était développée en Extrême-Orient, et la croissance de ses ambitions territoriales et de colonisation, alors que sa route vers le sud vers les Balkans était contrariée, était en conflit avec les propres ambitions territoriales du Japon sur le continent chinois et asiatique. Nicolas a mené une politique étrangère agressive à l'égard de la Mandchourie et de la Corée et a fermement soutenu le projet de concessions forestières dans ces régions tel que développé par le groupe Bezobazov. La guerre a commencé en 1904 avec une attaque préventive japonaise contre la flotte russe à Port Arthur, avant une déclaration officielle de guerre. La flotte russe d'Extrême-Orient étant piégée à Port Arthur, la seule autre flotte russe était la flotte baltique ; c'était à l'autre bout du monde, mais la décision fut prise d'envoyer la flotte pour un voyage de neuf mois vers l'Est. Le Royaume-Uni n'a pas permis à la marine russe d'utiliser le canal de Suez, en raison de son alliance avec l'Empire du Japon et de l'incident de Dogger Bank au cours duquel la flotte baltique a tiré par erreur sur des bateaux de pêche britanniques en mer du Nord. La flotte russe de la Baltique a traversé le monde pour lever le blocus de Port Arthur, mais après de nombreuses mésaventures en chemin, elle a été presque anéantie par les Japonais lors de la bataille du détroit de Tsushima. Sur terre, l'armée impériale russe a connu des problèmes logistiques. Alors que les commandements et les ravitaillements venaient de Saint-Pétersbourg, les combats ont eu lieu dans les ports d'Asie de l'Est avec uniquement le chemin de fer transsibérien pour le transport des ravitaillements ainsi que des troupes dans les deux sens. La ligne ferroviaire de 6 000 milles entre Saint-Pétersbourg et Port Arthur était à voie unique, sans voie autour du lac Baïkal, ce qui ne permettait qu'une accumulation progressive des forces sur le front. Port Arthur assiégé tomba aux mains des Japonais, après neuf mois de résistance. La position de Nicolas sur la guerre en a déconcerté beaucoup. Il abordait la guerre avec confiance et y voyait une opportunité de rehausser le moral et le patriotisme de la Russie, prêtant peu d'attention aux répercussions financières d'une guerre à longue distance. Peu avant l’attaque japonaise sur Port Arthur, Nicolas restait convaincu qu’il n’y aurait pas de guerre. Malgré le début de la guerre et les nombreuses défaites subies par la Russie, Nicolas croyait toujours et espérait une victoire finale, entretenant une image d'infériorité raciale et de faiblesse militaire des Japonais. Alors que la Russie faisait face à une défaite imminente face aux Japonais, l’appel à la paix s’est accru. La propre mère de Nicolas, ainsi que son cousin, l'empereur Guillaume II, ont exhorté Nicolas à ouvrir des négociations de paix. Malgré les efforts de paix, Nicolas resta évasif, envoyant un télégramme au Kaiser le 10 octobre indiquant qu'il avait l'intention de continuer à se battre jusqu'à ce que les Japonais soient chassés de Mandchourie. Ce n'est que les 27 et 28 mai 1905, après l'anéantissement de la flotte russe par les Japonais, que Nicolas décida finalement de demander la paix. Nicolas II a accepté la médiation américaine et a nommé Sergei Witte plénipotentiaire en chef pour les pourparlers de paix. La guerre prit fin avec la signature du traité de Portsmouth. Pogroms anti-juifs de 1903 à 1906 Le journal Kishinev Bessarabets, qui a publié des documents antisémites, a reçu des fonds de Viacheslav Plehve, ministre de l'Intérieur. Ces publications ont servi à alimenter le pogrom (émeutes) de Kishinev. Le gouvernement de Nicolas II a formellement condamné les émeutes et démis le gouverneur régional, les auteurs étant arrêtés et punis par le tribunal. Les dirigeants de l’Église orthodoxe russe ont également condamné les pogroms antisémites. Des appels aux fidèles condamnant les pogroms ont été lus publiquement dans toutes les églises de Russie. Cependant, en privé, Nicolas a exprimé son admiration pour les foules, considérant l'antisémitisme comme un outil utile pour unifier le peuple derrière son régime. Dimanche sanglant (1905) Quelques jours avant le Dimanche sanglant (9 (22) janvier 1905), le prêtre et leader syndical George Gapon informa le gouvernement de la prochaine procession jusqu'au Palais d'Hiver pour remettre une pétition des travailleurs au tsar. Le samedi 8 (21) janvier, les ministres se sont réunis pour examiner la situation. On n'a jamais pensé que le tsar, qui avait quitté la capitale pour Tsarskoïe Selo sur l'avis des ministres, rencontrerait réellement Gapone ; la suggestion qu'un autre membre de la famille impériale reçoive la pétition fut rejetée. Finalement informés par le préfet de police qu'il lui manquait les hommes nécessaires pour choisir Gapon parmi ses partisans et le mettre en état d'arrestation, le nouveau ministre de l'Intérieur, le prince Sviatopolk-Mirsky, et ses collègues décidèrent d'envoyer des troupes supplémentaires pour renforcer la ville. . Ce soir-là, Nicolas écrit dans son journal : « Des troupes ont été amenées des faubourgs pour renforcer la garnison. Jusqu'à présent, les ouvriers sont restés calmes. Leur nombre est estimé à 120 000. A la tête de leur syndicat se trouve une sorte de curé socialiste nommé Gapone. Mirsky est venu ce soir présenter son rapport sur les mesures prises. Le dimanche 9 (22) janvier 1905, Gapon commença sa marche. Les bras croisés, les travailleurs ont défilé pacifiquement dans les rues. Certains portaient des icônes et des bannières religieuses, ainsi que des drapeaux nationaux et des portraits du tsar. Tout en marchant, ils chantaient des hymnes et l'hymne impérial « God Save The Tsar ». A 14 heures, tous les cortèges convergents devaient arriver au Palais d'Hiver. Il n’y a pas eu une seule confrontation avec les troupes. Dans toute la ville, sur les ponts des boulevards stratégiques, les marcheurs se sont retrouvés bloqués par des lignes d'infanterie, soutenues par des cosaques et des hussards ; et les soldats ont ouvert le feu sur la foule. Le bilan officiel s'élève à 92 morts et plusieurs centaines de blessés. Gapone disparut et les autres chefs de la marche furent capturés. Expulsés de la capitale, ils circulèrent à travers l'empire, augmentant les pertes. Alors que les balles criblaient leurs icônes, leurs bannières et leurs portraits de Nicolas, le peuple criait : « Le tsar ne nous aidera pas ! ». Hors de Russie, le futur Premier ministre travailliste britannique Ramsay MacDonald a attaqué le tsar, le qualifiant de « créature tachée de sang et de meurtrier ordinaire ». Ce soir-là, Nicolas écrivit dans son journal : La grande-duchesse Olga Alexandrovna (la sœur de Nicolas) a écrit par la suite : Depuis sa cachette, Gapone a publié une lettre dans laquelle il déclarait : « Nicolas Romanov, ancien tsar et aujourd'hui meurtrier de l'âme de l'empire russe. Le sang innocent des travailleurs, de leurs femmes et de leurs enfants est à jamais entre vous et le peuple russe... Que tous le sang qui doit être versé tombera sur vous, bourreau. J'appelle tous les partis socialistes de Russie à s'entendre immédiatement et à déclencher un soulèvement armé contre le tsarisme. Révolution de 1905 Avec la défaite de la Russie face à une puissance non occidentale, le prestige et l’autorité du régime autocratique ont considérablement chuté. La défaite fut un coup dur et le gouvernement impérial s’effondra lors des flambées révolutionnaires de 1905-1906. Dans l'espoir d'écourter la rébellion, de nombreux manifestants ont été abattus alors qu'ils tentaient de marcher vers le Palais d'Hiver à Saint-Pétersbourg ; L'oncle de l'empereur, le grand-duc Sergueï, fut tué par une bombe révolutionnaire à Moscou alors qu'il quittait le Kremlin. La flotte de la mer Noire se mutine et une grève des chemins de fer se transforme en grève générale qui paralyse le pays. Le tsar Nicolas II, surpris par les événements, réagit avec colère et perplexité. Il écrit à sa mère après des mois de désordre : Le 1er novembre 1905, (O.S.) Milica du Monténégro présenta Grigori Raspoutine au tsar Nicolas et à son épouse au palais de Peterhof. Avant sa rencontre avec Raspoutine, le tsar a dû faire face à la guerre russo-japonaise, au dimanche sanglant, à la révolution de 1905, aux bombes et à une grève nationale des chemins de fer. Dans une ville sans électricité, l'empereur et autocrate de toutes les Russies fut contraint par Sergueï Witte de signer le Manifeste d'Octobre, d'accepter la création de la Douma impériale et de renoncer à une partie de son autocratie illimitée. Pendant les six mois suivants, Witte fut Premier ministre, même si le véritable dirigeant du pays semble avoir été le général Dmitri Trepoff. Relation avec la Douma Sous la pression de la tentative de révolution russe de 1905, Nicolas II publia le 5 août de la même année un manifeste sur la convocation de la Douma d'État, initialement considérée comme un organe consultatif. Dans le Manifeste d'octobre, le tsar s'est engagé à introduire les libertés civiles fondamentales, à assurer une large participation à la Douma d'État et à doter la Douma de pouvoirs législatifs et de contrôle. Il était cependant déterminé à préserver son autocratie même dans le contexte de réformes. Cela a été signalé dans le texte de la constitution de 1906. Il était toujours décrit comme un autocrate et conservait de vastes pouvoirs exécutifs. Par exemple, les ministres n’étaient responsables que devant lui. Les relations de Nicolas avec la Douma étaient mauvaises. La Première Douma, à majorité cadette, entra presque immédiatement en conflit avec lui. A peine les 524 membres étaient-ils assis au palais de Tauride qu'ils formulaient une « adresse au trône ». Il exigeait le suffrage universel, une réforme agraire radicale, la libération de tous les prisonniers politiques et la destitution des ministres nommés par le tsar en faveur de ministres acceptables à la Douma. La grande-duchesse Olga Alexandrovna, la sœur cadette de Nicolas II, a écrit : « Il y avait une telle tristesse à Tsarskoïe Selo. Je ne comprenais rien à la politique. Je sentais simplement que tout allait mal dans le pays et chez nous tous. La Constitution d'octobre a Cela ne semblait satisfaire personne. Je suis allé avec ma mère à la première Douma. Je me souviens du grand groupe de députés parmi les paysans et les ouvriers. Mais les ouvriers étaient pires : ils avaient l'air de nous détester. souviens-toi de la détresse dans les yeux d'Alicky. Le ministre de la Cour, le comte Vladimir Frederiks, a commenté : « Les députés donnent l'impression d'une bande de criminels qui n'attendent que le signal pour se jeter sur les ministres et leur trancher la gorge. Je ne remettrai plus jamais les pieds parmi ces gens-là. ". L'impératrice douairière a remarqué « une haine incompréhensible ». Bien que Nicolas ait initialement eu de bonnes relations avec son premier ministre, Sergueï Witte, Alexandra se méfiait de lui car il avait lancé une enquête sur Grigori Raspoutine et, alors que la situation politique se détériorait, Nicolas dissout la Douma. La Douma était peuplée de radicaux, dont beaucoup souhaitaient faire adopter une législation qui abolirait, entre autres, la propriété privée. Witte, incapable de comprendre les problèmes apparemment insurmontables de la réforme de la Russie et de la monarchie, écrivit à Nicolas le 14 avril 1906 pour démissionner de ses fonctions (cependant, d'autres récits ont indiqué que Witte avait été contraint de démissionner par l'empereur). Nicolas n'a pas manqué de grâce envers Witte et un rescrit impérial a été publié le 22 avril, créant Witte chevalier de l'ordre de Saint Alexandre Nevski avec des diamants (les deux derniers mots ont été écrits de la main de l'empereur, suivis de « Je reste inaltérablement bien disposé ». à toi et sincèrement reconnaissant, pour toujours Nicolas."). Une deuxième Douma s'est réunie pour la première fois en février 1907. Les partis de gauche, dont les sociaux-démocrates et les sociaux-révolutionnaires, qui avaient boycotté la Première Douma, avaient remporté 200 sièges à la Deuxième Douma, soit plus d'un tiers des membres. Nicolas attendait à nouveau avec impatience de se débarrasser de la Douma. Dans deux lettres à sa mère, il laisse couler son amertume : « Une députation grotesque vient d'Angleterre pour voir les membres libéraux de la Douma. "liberté", bien sûr. Quelle colère ils seraient si une députation de notre part se rendait auprès des Irlandais pour leur souhaiter du succès dans leur lutte contre leur gouvernement. Peu de temps après, Nicolas écrivait : « Tout irait bien si tout ce qui se dit à la Douma restait entre ses murs. Mais chaque mot prononcé paraît dans les journaux du lendemain, qui sont lus avidement par tout le monde. Ils recommencent à parler de terre et attendent de voir ce que la Douma va dire sur la question. Je reçois des télégrammes de partout me demandant d'ordonner la dissolution, mais il est trop tôt pour cela. il faut les laisser faire quelque chose de manifestement stupide ou méchant, puis – gifler ! » Après que la Deuxième Douma ait entraîné des problèmes similaires, le nouveau Premier ministre Piotr Stolypine (que Witte a qualifié de « réactionnaire ») l'a dissoute unilatéralement et a modifié les lois électorales pour permettre à la future Douma d'avoir un contenu plus conservateur et d'être dominée par le parti libéral-conservateur octobriste d'Alexandre Goutchkov. Stolypine, un homme politique habile, avait des projets de réforme ambitieux. Il s'agissait notamment d'accorder des prêts aux classes inférieures pour leur permettre d'acheter des terres, dans le but de former une classe agricole fidèle à la couronne. Néanmoins, lorsque la Douma restait hostile, Stolypine n'hésitait pas à invoquer l'article 87 des Lois fondamentales, qui autorisait le tsar à émettre des décrets d'urgence « urgents et extraordinaires » « pendant les vacances de la Douma d'État ». L'acte législatif le plus célèbre de Stolypine, la modification du régime foncier paysan, a été promulgué en vertu de l'article 87. La troisième Douma est restée un organe indépendant. Cette fois, les membres ont procédé avec prudence. Au lieu de se jeter sur le gouvernement, les partis opposés au sein de la Douma ont travaillé au développement de l’institution dans son ensemble. À la manière classique du Parlement britannique, la Douma s’est emparée du pouvoir en s’emparant des cordons de la bourse nationale. La Douma avait le droit d'interroger à huis clos les ministres sur leurs projets de dépenses. Ces séances, approuvées par Stolypine, furent éducatives pour les deux parties et, avec le temps, l'antagonisme mutuel fut remplacé par le respect mutuel. Même dans le domaine sensible des dépenses militaires, où le Manifeste d’Octobre réservait clairement les décisions au trône, une commission de la Douma commença à fonctionner. Composée de patriotes agressifs non moins soucieux que Nicolas de restaurer l’honneur déchu des armes russes, la commission de la Douma recommandait fréquemment des dépenses encore plus importantes que celles proposées. Au fil du temps, Nicolas a également commencé à avoir confiance dans la Douma. "On ne peut pas reprocher à cette Douma une tentative de prise du pouvoir et il n'y a aucune raison de la contester", disait-il à Stolypine en 1909. Malheureusement, les projets de Stolypine ont été contrecarrés par les conservateurs à la cour. Les réactionnaires comme le prince Vladimir Orlov ne se lassaient pas de dire au tsar que l’existence même de la Douma était une tache sur l’autocratie, à laquelle la tsarine Alexandra avait toujours cru de toute façon. Stolypine, murmuraient-ils, était un traître et un révolutionnaire secret qui était de connivence avec la Douma pour voler les prérogatives assignées au tsar par Dieu. Witte s'est également engagé dans une intrigue constante contre Stolypine. Même si Stolypine n'avait rien à voir avec la chute de Witte, Witte lui en voulait. Stolypine avait involontairement irrité la tsarine. Il avait ordonné une enquête sur Raspoutine et présenté

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Quel empereur romain aurait été tué par son épouse, Agrippine, en 54 après JC ?

Claude

L'Empire romain (; Koine et grec médiéval : Βασιλεία τῶν Ῥωμαίων, tr.) était la période post-République romaine de l'ancienne civilisation romaine, caractérisée par un gouvernement dirigé par des empereurs et de vastes possessions territoriales autour de la mer Méditerranée en Europe, en Afrique et en Asie. . La ville de Rome était la plus grande ville du monde avant J.-C., Constantinople (Nouvelle Rome) devenant la plus grande vers 500 après J.-C., et la population de l'Empire s'est accrue pour atteindre environ 50 à 90 millions d'habitants (environ 20 % de la population mondiale à l'époque). temps). La république vieille de 500 ans qui l'a précédée a été gravement déstabilisée par une série de guerres civiles et de conflits politiques, au cours desquels Jules César a été nommé dictateur perpétuel puis assassiné en 44 av. Les guerres civiles et les exécutions se sont poursuivies, culminant avec la victoire d'Octave, le fils adoptif de César, sur Marc Antoine et Cléopâtre à la bataille d'Actium en 31 avant JC et l'annexion de l'Égypte. Le pouvoir d'Octave était alors inattaquable et en 27 avant JC, le Sénat romain lui accorda officiellement le pouvoir suprême et le nouveau titre d'Auguste, marquant ainsi la fin de la République romaine. Le successeur impérial de la république dura environ 1 400 ans. Les deux premiers siècles de l'existence de l'empire furent une période de stabilité politique et de prospérité sans précédent, connue sous le nom de Pax Romana, ou « Paix romaine ». Après la victoire d'Octave, la taille de l'empire s'accroît considérablement. Après l'assassinat de Caligula en 41, le Sénat envisagea brièvement de restaurer la république, mais la Garde prétorienne proclama Claude empereur à la place. Sous Claude, l'empire envahit la Bretagne, sa première expansion majeure depuis Auguste. Après le suicide du successeur de Claude, Néron, en 68, l'empire connut une période de brèves guerres civiles, ainsi qu'une rébellion majeure en Judée, au cours de laquelle quatre généraux légionnaires différents furent proclamés empereur. Vespasien sortit triomphant en 69, fondant la dynastie des Flaviens, avant d'être remplacé par son fils Titus, qui ouvrit le Colisée peu après l'éruption du Vésuve. Son court règne fut suivi du long règne de son frère Domitien, qui fut finalement assassiné. Le Sénat nomma alors le premier des cinq bons empereurs. L'empire atteint son apogée sous Trajan, le deuxième de cette lignée. Une période de troubles et de déclin croissants commença avec le règne de Commode. L'assassinat de Commode en 192 déclencha l'Année des Cinq Empereurs, dont Septime Sévère sortit vainqueur. L'assassinat d'Alexandre Sévère en 235 a conduit à la crise du troisième siècle au cours de laquelle 26 hommes ont été déclarés empereurs par le Sénat romain sur une période de cinquante ans. Ce n'est que sous le règne de Dioclétien que l'empire fut pleinement stabilisé avec l'introduction de la Tétrarchie, qui vit quatre empereurs gouverner l'empire à la fois. Cet arrangement échoua finalement, conduisant à une guerre civile qui fut finalement terminée par Constantin Ier, qui vainquit ses rivaux et devint le seul dirigeant de l'empire. Constantin transféra ensuite la capitale à Byzance, qui fut rebaptisée « Constantinople » en son honneur. Elle resta la capitale de l'Est jusqu'à sa disparition. Constantin a également adopté le christianisme qui est devenu plus tard la religion officielle de l'empire. Cette partie orientale de l'empire (connue plus tard sous le nom d'« Empire byzantin ») est restée l'une des principales puissances mondiales aux côtés de son principal rival, l'Empire sassanide, qui avait hérité d'un conflit romano-perse vieux de plusieurs siècles de son prédécesseur les Parthes. . Après la mort de Théodose Ier, le dernier empereur à diriger un Empire romain uni, la domination de l'empire fut progressivement érodée par les abus de pouvoir, les guerres civiles, les migrations et invasions barbares, les réformes militaires et la dépression économique. Le sac de Rome en 410 par les Wisigoths, puis de nouveau en 455 par les Vandales, accéléra le déclin de l'Empire d'Occident, tandis que la déposition de l'empereur Romulus Augustule, en 476 par Odoacre, est généralement acceptée comme marquant la fin de l'empire d'Occident. . Cependant, Augustule n'a jamais été reconnu par son collègue oriental, et une domination distincte dans la partie occidentale de l'empire n'a cessé d'exister qu'à la mort de Julius Nepos, en 480. L'Empire romain d'Orient a duré un autre millénaire, pour finalement tomber aux mains des Turcs ottomans. en 1453. L’Empire romain comptait à son époque parmi les forces économiques, culturelles, politiques et militaires les plus puissantes du monde. C’était le plus grand empire de l’époque de l’histoire ancienne et l’un des plus grands empires de l’histoire du monde. A son apogée sous Trajan, elle couvrait 5 millions de kilomètres carrés, un territoire composé de 48 nations au XXIe siècle. Il régnait sur environ 70 millions de personnes, soit à l'époque 21 % de la population mondiale totale. La longévité et la vaste étendue de l'empire ont assuré l'influence durable de la langue, de la culture, de la religion, des inventions, de l'architecture, de la philosophie, du droit et des formes de gouvernement latins et grecs sur les descendants de l'empire. Tout au long de la période médiévale européenne, des tentatives ont même été faites pour établir des successeurs à l'Empire romain, notamment l'Empire de Roumanie, un État croisé et le Saint-Empire romain germanique. Grâce au colonialisme européen qui a suivi la Renaissance et à ses États descendants, la culture gréco-romaine s'est exportée à l'échelle mondiale, jouant un rôle crucial dans le développement du monde moderne. Histoire Rome avait commencé à s'étendre peu de temps après la fondation de la république au 6ème siècle avant JC, bien qu'elle ne se soit développée en dehors de la péninsule italienne qu'au 3ème siècle avant JC. Ensuite, c’était un « empire » bien avant d’avoir un empereur. La République romaine n'était pas un État-nation au sens moderne du terme, mais un réseau de villes laissées à elles-mêmes (bien qu'avec des degrés divers d'indépendance par rapport au Sénat romain) et de provinces administrées par des commandants militaires. Elle était gouvernée non pas par des empereurs, mais par des magistrats élus chaque année (surtout des consuls romains) en collaboration avec le Sénat. Pour diverses raisons, le 1er siècle avant JC fut une période de bouleversements politiques et militaires, qui conduisirent finalement au règne des empereurs. Le pouvoir militaire des consuls reposait sur le concept juridique romain d'imperium, qui signifie littéralement « commandement » (bien que typiquement dans un sens militaire). Parfois, les consuls qui réussissaient recevaient le titre honorifique d'imperator (commandant), et c'est l'origine du mot empereur (et empire) puisque ce titre (entre autres) était toujours accordé aux premiers empereurs lors de leur accession. Rome a connu une longue série de conflits internes, de conspirations et de guerres civiles à partir de la fin du IIe siècle avant JC, tout en étendant considérablement sa puissance au-delà de l'Italie. C'était la période de la crise de la République romaine. Vers la fin de cette période, en 44 avant JC, Jules César fut brièvement dictateur perpétuel avant d'être assassiné. La faction de ses assassins fut chassée de Rome et vaincue à la bataille de Philippes en 42 avant JC par une armée dirigée par Marc Antoine et le fils adoptif de César, Octave. La division du monde romain entre Antoine et Octave n'a pas duré et les forces d'Octave ont vaincu celles d'Antoine et Cléopâtre à la bataille d'Actium en 31 avant JC. En 27 avant JC, le Sénat et le peuple de Rome nommèrent le princeps octavien (« premier citoyen ») avec un imperium proconsulaire, commençant ainsi le Principat (la première époque de l'histoire impériale romaine, généralement datée de 27 avant JC à 284 après JC), et lui donnèrent le nom "Auguste" ("le vénéré"). Bien que l’ancien mécanisme constitutionnel soit resté en place, Auguste en est venu à le prédominer. Même si la république existait de nom, les contemporains d'Auguste savaient qu'elle n'était qu'un voile et qu'Auguste détenait toute autorité significative à Rome. Depuis que son règne a mis fin à un siècle de guerres civiles et amorcé une période de paix et de prospérité sans précédent, il était tellement aimé qu'il en est venu à détenir le pouvoir d'un monarque de facto, sinon de jure. Au cours des années de son règne, un nouvel ordre constitutionnel a émergé (en partie de manière organique et en partie à dessein), de sorte qu'à sa mort, ce nouvel ordre constitutionnel a fonctionné comme avant lorsque Tibère a été accepté comme nouvel empereur. Les 200 années qui ont commencé avec le règne d'Auguste sont traditionnellement considérées comme la Pax Romana (« Paix romaine »). Au cours de cette période, la cohésion de l’empire fut renforcée par un degré de stabilité sociale et de prospérité économique que Rome n’avait jamais connu auparavant. Les soulèvements dans les provinces étaient peu fréquents, mais réprimés « sans pitié et rapidement » lorsqu'ils se produisaient. Les soixante années de guerres judéo-romaines de la seconde moitié du Ier siècle et de la première moitié du IIe siècle furent exceptionnelles par leur durée et leur violence. Le succès d'Auguste dans l'établissement des principes de succession dynastique fut limité par le fait qu'il survécut à un certain nombre d'héritiers potentiels talentueux. La dynastie julio-claudienne a duré quatre autres empereurs – Tibère, Caligula, Claude et Néron – avant de céder en 69 après JC à l’Année des quatre empereurs déchirée par les conflits, dont Vespasien est sorti vainqueur. Vespasien est devenu le fondateur de la brève dynastie Flavienne, suivie par la dynastie Nerva-Antonine qui a produit les « cinq bons empereurs » : Nerva, Trajan, Hadrien, Antonin le Pieux et Marc Aurèle, à tendance philosophique. Pour l'historien grec Dion Cassius, observateur contemporain, l'avènement de l'empereur Commode en 180 ap. Edward Gibbon, pour considérer le règne de Commode comme le début du déclin de l'Empire romain. En 212, sous le règne de Caracalla, la citoyenneté romaine fut accordée à tous les habitants nés libres de l'empire. Mais malgré ce geste d'universalité, la dynastie Sévère fut tumultueuse – le règne d'un empereur se terminait systématiquement par son assassinat ou son exécution – et, après son effondrement, l'Empire romain fut englouti par la crise du IIIe siècle, une période d'invasions civiles. conflits, désordres économiques et peste. Dans la définition des époques historiques, cette crise est parfois considérée comme marquant le passage de l’Antiquité classique à l’Antiquité tardive. Aurélien (règne 270-275) ramena l'empire du gouffre et le stabilisa. Dioclétien acheva le travail de restauration complète de l'empire, mais déclina le rôle de princeps et devint le premier empereur à être régulièrement traité de dominateur, de « maître » ou de « seigneur ». Cela marqua la fin du Principat et le début du Dominé. Le règne de Dioclétien a également apporté l'effort le plus concerté de l'empire contre la menace perçue du christianisme, la « Grande Persécution ». L’état de monarchie absolue qui a commencé avec Dioclétien a duré jusqu’à la chute de l’Empire romain d’Orient en 1453. Dioclétien a divisé l'empire en quatre régions, chacune gouvernée par un empereur distinct, la Tétrarchie. Confiant d'avoir résolu les désordres qui sévissaient à Rome, il abdiqua avec son co-empereur, et la Tétrarchie s'effondra bientôt. L'ordre fut finalement rétabli par Constantin le Grand, qui devint le premier empereur à se convertir au christianisme et qui fit de Constantinople la nouvelle capitale de l'empire d'Orient. Au cours des décennies des dynasties constantinienne et valentinienne, l'empire était divisé le long d'un axe est-ouest, avec deux centres de pouvoir à Constantinople et à Rome. Le règne de Julien, qui tenta de restaurer la religion romaine classique et hellénistique, n'interrompit que brièvement la succession des empereurs chrétiens. Théodose Ier, le dernier empereur à avoir régné à la fois sur l'Orient et l'Occident, mourut en 395 après JC après avoir fait du christianisme la religion officielle de l'empire. L'Empire romain d'Occident a commencé à se désintégrer au début du Ve siècle, alors que les migrations et les invasions germaniques ont dépassé la capacité de l'Empire à assimiler les migrants et à combattre les envahisseurs. Les Romains ont réussi à repousser tous les envahisseurs, le plus célèbre Attila, même si l'empire avait assimilé tellement de peuples germaniques d'une loyauté douteuse envers Rome que l'empire a commencé à se démembrer. La plupart des chronologies placent la fin de l'Empire romain d'Occident en 476, lorsque Romulus Augustulus fut contraint d'abdiquer au profit du seigneur de guerre germanique Odoacre. En se plaçant sous le règne de l'empereur d'Orient, plutôt que de se nommer empereur (comme d'autres chefs germaniques l'avaient fait après avoir déposé les empereurs passés), Odoacre a mis fin à l'empire d'Occident en mettant fin à la lignée des empereurs d'Occident. L’empire d’Orient – ​​souvent connu sous le nom d’Empire byzantin, mais appelé à son époque Empire romain ou sous divers autres noms – a connu un destin différent. Il a survécu pendant près d’un millénaire après la chute de son homologue occidental et est devenu le royaume chrétien le plus stable du Moyen Âge. Au VIe siècle, Justinien Ier reconquiert l'Afrique du Nord et l'Italie. Mais quelques années après la mort de Justinien, les possessions byzantines en Italie furent considérablement réduites par les Lombards installés dans la péninsule. À l'est, en partie à cause de la peste destructrice de Justinien, les Romains furent menacés par la montée de l'Islam, dont les adeptes conquirent rapidement les territoires de la Syrie, de l'Arménie et de l'Égypte pendant les guerres byzantines-arabes, et représentèrent bientôt une menace directe pour Constantinople. . Au siècle suivant, les Arabes s'emparèrent également du sud de l'Italie et de la Sicile. Les populations slaves ont également pu pénétrer profondément dans les Balkans. Les Romains réussirent cependant à stopper l’expansion islamique sur leurs terres au cours du VIIIe siècle et, à partir du IXe siècle, récupérèrent une partie des terres conquises. En 1000 AD, l’Empire d’Orient est à son apogée : Basile II reconquiert la Bulgarie et l’Arménie, la culture et le commerce prospèrent. Cependant, peu de temps après, l'expansion fut brusquement stoppée en 1071 avec la défaite byzantine lors de la bataille de Manzikert. Les conséquences de cette bataille importante ont plongé l’empire dans une longue période de déclin. Deux décennies de conflits internes et d'invasions turques ont finalement permis à l'empereur Alexios Ier Comnène d'envoyer un appel à l'aide aux royaumes d'Europe occidentale en 1095. L'Occident a répondu par les croisades, aboutissant finalement au sac de Constantinople par les participants à la quatrième croisade. La conquête de Constantinople en 1204 a fragmenté ce qui restait de l’Empire en États successeurs, le vainqueur final étant celui de Nicée. Après la reconquête de Constantinople par les forces impériales, l’Empire n’était plus qu’un État grec confiné à la côte égéenne. L’Empire romain s’effondre finalement lorsque Mehmed le Conquérant conquiert Constantinople le 29 mai 1453. Géographie et démographie L'Empire romain était l'un des plus grands de l'histoire, avec des territoires contigus à travers l'Europe, l'Afrique du Nord et le Moyen-Orient. L'expression latine imperium sine fine (« empire sans fin ») exprimait l'idéologie selon laquelle ni le temps ni l'espace ne limitaient l'Empire. Dans le poème épique de Virgile, l'Énéide, un empire illimité serait accordé aux Romains par leur divinité suprême Jupiter. Cette revendication de domination universelle fut renouvelée et perpétuée lorsque l'Empire passa sous domination chrétienne au IVe siècle. En réalité, l’expansion romaine s’est principalement réalisée sous la République, bien que certaines parties de l’Europe du Nord aient été conquises au 1er siècle après JC, lorsque le contrôle romain en Europe, en Afrique et en Asie a été renforcé. Sous le règne d'Auguste, une « carte globale du monde connu » fut exposée pour la première fois en public à Rome, coïncidant avec la composition de l'ouvrage le plus complet sur la géographie politique qui ait survécu de l'Antiquité, la Géographie de l'écrivain grec pontique. Strabon. À la mort d'Auguste, le récit commémoratif de ses réalisations (Res Gestae) mettait en évidence le catalogage géographique des peuples et des lieux de l'Empire. La géographie, le recensement et la conservation méticuleuse des documents écrits étaient des préoccupations centrales de l'administration impériale romaine. L'Empire a atteint sa plus grande étendue sous Trajan (règne 98-117), englobant une superficie de 5 millions de kilomètres carrés qui, à partir de 2009, était divisée entre quarante pays modernes différents. L'estimation traditionnelle de la population représentait entre un sixième et un quart de la population totale mondiale et en faisait la population la plus importante de toutes les entités politiques unifiées d'Occident jusqu'au milieu du XIXe siècle. Des études démographiques récentes plaident en faveur d'un pic de population compris entre et plus de . Chacune des trois plus grandes villes de l’Empire – Rome, Alexandrie et Antioche – était presque deux fois plus grande qu’une ville européenne au début du XVIIe siècle. Comme l’a décrit l’historien Christopher Kelly : Le successeur de Trajan, Hadrien, a adopté une politique de maintien plutôt que d'expansion de l'empire. Les frontières (amendes) étaient marquées et les frontières (limites) patrouillées. Les frontières les plus fortement fortifiées étaient les plus instables. Le mur d'Hadrien, qui séparait le monde romain de ce qui était perçu comme une menace barbare omniprésente, est le principal monument survivant de cet effort. Langues La langue des Romains était le latin, que Virgile souligne comme une source d'unité et de tradition romaine. Jusqu'à l'époque d'Alexandre Sévère (règne 222-235), les actes de naissance et les testaments des citoyens romains devaient être rédigés en latin. Le latin était la langue des tribunaux d'Occident et de la langue militaire dans tout l'Empire, mais il n'était pas imposé officiellement aux peuples soumis à la domination romaine. Cette politique contraste avec celle d’Alexandre le Grand, qui visait à imposer le grec comme langue officielle dans tout son empire. À la suite des conquêtes d'Alexandre, le grec koine était devenu la langue partagée autour de la Méditerranée orientale et en Asie Mineure. La « frontière linguistique » séparant l’Occident latin et l’Orient grec passait par la péninsule balkanique. Les Romains qui ont reçu une éducation d’élite étudiaient le grec comme langue littéraire, et la plupart des hommes des classes dirigeantes parlaient grec. Les empereurs julio-claudiens encourageaient des normes élevées de latin correct (Latinitas), un mouvement linguistique identifié en termes modernes comme le latin classique, et favorisaient le latin pour la conduite des affaires officielles. Claude essaya de limiter l'usage du grec et révoqua parfois la citoyenneté de ceux qui ne parlaient pas de latin, mais même au Sénat, il tira parti de son propre bilinguisme pour communiquer avec les ambassadeurs parlant grec. Suétone le cite en faisant référence à « nos deux langues ». Dans l’Empire d’Orient, les lois et les documents officiels étaient régulièrement traduits du latin vers le grec. L'interpénétration quotidienne des deux langues est attestée par des inscriptions bilingues, qui oscillent même parfois entre le grec et le latin. Après que tous les habitants nés libres de l'empire aient été universellement affranchis en 212 après JC, un grand nombre de citoyens romains auraient manqué de latin, même s'ils étaient censés acquérir au moins une connaissance symbolique, et le latin est resté un marqueur de « romanité ». Entre autres réformes, l'empereur Dioclétien (règne 284-305) chercha à renouveler l'autorité du latin, et l'expression grecque hē kratousa dialektos atteste du statut continu du latin en tant que « langue du pouvoir ». Au début du VIe siècle, l’empereur Justinien s’est engagé dans un effort chimérique pour réaffirmer le statut du latin comme langue de droit, même si à son époque le latin n’avait plus aucune valeur en tant que langue vivante en Orient. Langues locales et héritage linguistique Les références aux interprètes indiquent l'utilisation continue de langues locales autres que le grec et le latin, en particulier en Égypte, où le copte prédominait, et dans les contextes militaires le long du Rhin et du Danube. Les juristes romains se soucient également des langues locales telles que le punique, le gaulois et l'araméen en garantissant la compréhension et l'application correctes des lois et des serments. Dans la province d'Afrique, les libyco-berbères et les puniques étaient utilisés dans les inscriptions et pour les légendes sur les monnaies à l'époque de Tibère (1er siècle après JC). Des inscriptions libyco-berbères et puniques apparaissent sur les édifices publics jusqu'au IIe siècle, certaines bilingues avec le latin. En Syrie, les soldats palmyrènes utilisaient même leur dialecte araméen pour leurs inscriptions, ce qui constitue une exception frappante à la règle selon laquelle le latin était la langue militaire. Les archives Babatha sont un exemple évocateur du multilinguisme dans l’Empire. Ces papyrus, du nom d'une femme juive de la province d'Arabie et datant de 93 à 132 après JC, emploient pour la plupart l'araméen, la langue locale, écrite en caractères grecs avec des influences sémitiques et latines ; cependant, une pétition adressée au gouverneur romain était rédigée en grec. La domination du latin parmi l’élite alphabétisée peut obscurcir la continuité des langues parlées, puisque toutes les cultures de l’Empire romain étaient majoritairement orales. En Occident, le latin, appelé sous sa forme parlée latin vulgaire, a progressivement remplacé les langues celtiques et italiques qui lui étaient liées par une origine indo-européenne commune. Les points communs dans la syntaxe et le vocabulaire ont facilité l'adoption du latin. Après la décentralisation du pouvoir politique dans l'Antiquité tardive, le latin s'est développé localement en branches qui sont devenues les langues romanes, comme l'espagnol, le portugais, le français, l'italien et le roumain, ainsi qu'un grand nombre de langues et dialectes mineurs. Aujourd’hui, plus de 900 millions de personnes sont des locuteurs natifs dans le monde. En tant que langue internationale d'apprentissage et de littérature, le latin lui-même est resté un moyen d'expression actif pour la diplomatie et pour les développements intellectuels identifiés à l'humanisme de la Renaissance jusqu'au XVIIe siècle, ainsi que pour le droit et l'Église catholique romaine jusqu'à nos jours. Bien que le grec soit resté la langue de l’Empire byzantin, la répartition linguistique en Orient était plus complexe. Une majorité de langue grecque vivait dans la péninsule et les îles grecques, dans l'ouest de l'Anatolie, dans les grandes villes et dans certaines zones côtières. Comme le grec et le latin, la langue thrace était d'origine indo-européenne, tout comme plusieurs langues aujourd'hui disparues d'Anatolie, attestées par des inscriptions de l'époque impériale. L'albanais est souvent considéré comme le descendant de l'illyrien, bien que cette hypothèse ait été contestée par certains linguistes, qui soutiennent qu'il dérive du dace ou du thrace. (L'illyrien, le dace et le thrace, cependant, peuvent avoir formé un sous-groupe ou un Sprachbund ; voir Thraco-illyrien.) Diverses langues afroasiatiques, principalement le copte en Égypte et l'araméen en Syrie et en Mésopotamie, n'ont jamais été remplacées par le grec. L'usage international du grec a cependant été un facteur permettant la diffusion du christianisme, comme l'indique par exemple l'utilisation du grec pour les épîtres de Paul. Société L'Empire romain était remarquablement multiculturel, avec « une capacité de cohésion plutôt étonnante » à créer un sentiment d'identité partagée tout en englobant divers peuples au sein de son système politique sur une longue période de temps. L'attention romaine à la création de monuments publics et d'espaces communs ouverts à tous, tels que des forums, des amphithéâtres, des hippodromes et des bains, a contribué à favoriser un sentiment de « romanité ». La société romaine avait de multiples hiérarchies sociales qui se chevauchaient et que les concepts modernes de « classe » en anglais ne représentent peut-être pas avec précision. Les deux décennies de guerre civile à l’issue desquelles Auguste accéda au pouvoir unique laissèrent la société traditionnelle romaine dans un état de confusion et de bouleversement, mais n’entraînèrent pas une redistribution immédiate des richesses et du pouvoir social. Du point de vue des classes inférieures, un sommet a simplement été ajouté à la pyramide sociale. Les relations personnelles – patronage, amitié (amicitia), famille, mariage – ont continué à influencer le fonctionnement de la politique et du gouvernement, comme elles l'avaient fait sous la République. À l'époque de Néron, cependant, il n'était pas rare de trouver un ancien esclave plus riche qu'un citoyen né libre, ou un cavalier exerçant un plus grand pouvoir qu'un sénateur. Le brouillage ou la diffusion des hiérarchies plus rigides de la République ont conduit à une mobilité sociale accrue sous l'Empire, tant vers le haut que vers le bas, dans une mesure qui dépassait celle de toutes les autres sociétés anciennes bien documentées. Les femmes, les affranchis et les esclaves avaient la possibilité de tirer profit et d’exercer une influence par des moyens qui leur étaient auparavant moins accessibles. La vie sociale dans l'Empire, en particulier pour ceux dont les ressources personnelles étaient limitées, était en outre favorisée par une prolifération d'associations bénévoles et de confréries (collegia et sodalitates) constituées à des fins diverses : corporations professionnelles et commerciales, groupes d'anciens combattants, congrégations religieuses, boissons et clubs de restauration, troupes d'arts du spectacle et sociétés funéraires. L'infanticide a été enregistré dans l'Empire romain et pourrait avoir été répandu. Statut légal Selon le juriste Gaius, la distinction essentielle dans le « droit des personnes » romain était que tous les êtres humains étaient soit libres (liberi), soit esclaves (servi). Le statut juridique des personnes libres pourrait être davantage défini par leur citoyenneté. La plupart des citoyens détenaient des droits limités (tels que le ius Latinum, « droit latin »), mais avaient droit à des protections juridiques et à des privilèges dont ne jouissaient pas ceux qui n'avaient pas la citoyenneté. Les personnes libres, non considérées comme des citoyens, mais vivant dans le monde romain, avaient le statut de peregrini, non-Romains. En 212 après JC, au moyen de l'édit connu sous le nom de Constitutio Antoniniana, l'empereur Caracalla étendit la citoyenneté à tous les habitants nés libres de l'empire. Cet égalitarisme juridique aurait nécessité une révision en profondeur des lois existantes qui distinguaient les citoyens des non-citoyens. Les femmes en droit romain Les femmes romaines nées libres étaient considérées comme des citoyennes dans toute la République et l'Empire, mais ne votaient pas, n'occupaient pas de fonctions politiques ni ne servaient dans l'armée. Le statut de citoyenne d'une mère déterminait celui de ses enfants, comme l'indique l'expression ex duobus civibus Romanis natos (« enfants nés de deux citoyens romains »). Une femme romaine gardait son propre nom de famille (nomen) toute sa vie. Les enfants prenaient le plus souvent le nom de leur père, mais à l'époque impériale, le nom de leur mère était parfois intégré au leur, voire même utilisé à sa place. La forme archaïque du mariage manus dans lequel la femme était soumise à l'autorité de son mari fut largement abandonnée à l'époque impériale, et une femme mariée conservait la propriété de tous les biens qu'elle apportait dans le cadre du mariage. Techniquement, elle est restée sous l'autorité légale de son père, même si elle a emménagé dans la maison de son mari, mais à la mort de son père, elle a été légalement émancipée. Cet arrangement était l'un des facteurs déterminants du degré d'indépendance dont jouissaient les femmes romaines par rapport à celles de nombreuses autres cultures anciennes et jusqu'à la période moderne : même si elle devait répondre à son père en matière juridique, elle était libre de son contrôle direct dans les affaires juridiques. sa vie quotidienne et son mari n'avait aucun pouvoir légal sur elle. Même si c'était une fierté d'être une « femme d'un seul homme » (univira) qui ne s'était mariée qu'une seule fois, le divorce était peu stigmatisé, ni le remariage rapide après la perte d'un mari par décès ou divorce. Les filles avaient les mêmes droits à l'héritage que les garçons si leur père décédait sans laisser de testament. Le droit d'une mère romaine de posséder des biens et d'en disposer comme elle l'entendait, y compris en fixant les termes de son propre testament, lui conférait une énorme influence sur ses fils, même lorsqu'ils étaient adultes. Dans le cadre du programme augustéen visant à restaurer la moralité traditionnelle et l'ordre social, la législation morale tentait de réglementer la conduite des hommes et des femmes comme moyen de promouvoir les « valeurs familiales ». L'adultère, qui était une affaire familiale privée sous la République, était criminalisé et défini au sens large comme un acte sexuel illicite (stuprum) survenu entre un citoyen de sexe masculin et une femme mariée, ou entre une femme mariée et tout homme autre que son mari. . La procréation était encouragée par l'État : une femme qui avait donné naissance à trois enfants se voyait accorder des honneurs symboliques et une plus grande liberté juridique (le ius trium liberorum). En raison de leur statut juridique de citoyennes et du degré auquel elles pouvaient s'émanciper, les femmes pouvaient posséder des biens, conclure des contrats et se lancer dans des affaires, notamment dans le transport maritime, la fabrication et le prêt d'argent. Les inscriptions dans tout l'Empire honorent les femmes en tant que bienfaitrices du financement des travaux publics, indication qu'elles pouvaient acquérir et disposer de fortunes considérables ; par exemple, l'Arc des Sergii a été financé par Salvia Postuma, une femme membre de la famille honorée, et le plus grand bâtiment du forum de Pompéi a été financé par Eumachia, une prêtresse de Vénus. Les esclaves et la loi À l'époque d'Auguste, jusqu'à 35 % de la population italienne était esclave, ce qui faisait de Rome l'une des cinq « sociétés esclavagistes » historiques dans lesquelles les esclaves constituaient au moins un cinquième de la population et jouaient un rôle majeur dans l'économie. L’esclavage était une institution complexe qui soutenait les structures sociales romaines traditionnelles tout en contribuant à l’utilité économique. En milieu urbain, les esclaves peuvent être des professionnels tels que des enseignants, des médecins, des chefs et des comptables, en plus de la majorité des esclaves qui fournissent une main-d'œuvre qualifiée ou non qualifiée dans les ménages ou sur les lieux de travail. L'agriculture et l'industrie, comme la meunerie et l'exploitation minière, reposaient sur l'exploitation des esclaves. En dehors de l'Italie, les esclaves représentaient en moyenne entre 10 et 20 pour cent de la population, rares dans l'Égypte romaine mais plus concentrés dans certaines régions grecques. L'expansion de la propriété romaine des terres arables et des industries aurait affecté les pratiques d'esclavage préexistantes dans les provinces. Même si l’institution de l’esclavage a souvent été considérée comme en déclin aux IIIe et IVe siècles, elle est restée partie intégrante de la société romaine jusqu’au Ve siècle. L'esclavage a progressivement cessé aux VIe et VIIe siècles, parallèlement au déclin des centres urbains de l'Ouest et à la désintégration de l'économie impériale complexe qui en avait créé la demande. Les lois relatives à l'esclavage étaient « extrêmement complexes ». En droit romain, les esclaves étaient considérés comme des biens et n’avaient pas de personnalité juridique. Ils pourraient être soumis à des formes de châtiments corporels qui ne sont normalement pas exercés sur les citoyens, à l'exploitation sexuelle, à la torture et à l'exécution sommaire. En droit, un esclave ne pouvait pas être violé, puisque le viol ne pouvait être commis que contre des personnes libres ; le violeur d'un esclave devait être poursuivi par le propriétaire pour dommages matériels en vertu de la loi Aquilien. Les esclaves n'avaient pas droit à la forme de mariage légal appelée conubium, mais leurs unions étaient parfois reconnues et si tous deux étaient libérés, ils pouvaient se marier. À la suite des guerres serviles de la République, la législation sous Auguste et ses successeurs montre un souci majeur de contrôler les menaces de rébellions en limitant la taille des groupes de travail et de traquer les esclaves fugitifs. Techniquement, un esclave ne pouvait pas posséder de propriété, mais un esclave qui dirigeait une entreprise pouvait avoir accès à un compte ou à un fonds individuel (peculium) qu'il pouvait utiliser comme s'il s'agissait du sien. Les termes de ce compte variaient en fonction du degré de confiance et de coopération entre le propriétaire et l'esclave : un esclave doté d'aptitudes pour les affaires pouvait bénéficier d'une marge de manœuvre considérable pour générer des profits et pouvait être autorisé à léguer le péculium qu'il gérait à d'autres esclaves. de sa maisonnée. Au sein d'un foyer ou d'un lieu de travail, une hiérarchie d'esclaves peut exister, un esclave agissant en fait comme le maître des autres esclaves. Au fil du temps, les esclaves ont acquis une protection juridique accrue, notamment le droit de porter plainte contre leurs maîtres. Un acte de vente peut contenir une clause stipulant que l'esclave ne peut pas être employé à des fins de prostitution, car les prostituées de la Rome antique étaient souvent des esclaves. Le commerce florissant des esclaves eunuques à la fin du 1er siècle après JC a donné lieu à une législation interdisant la castration d'un esclave contre sa volonté « pour la luxure ou le gain ». L'esclavage romain n'était pas fondé sur la race. Les esclaves provenaient de toute l'Europe et de la Méditerranée, notamment de la Gaule, de l'Hispanie, de l'Allemagne, de la Bretagne, des Balkans, de la Grèce... Généralement, les esclaves en Italie étaient des Italiens indigènes, avec une minorité d'étrangers (y compris des esclaves et des affranchis) nés en dehors du pays. L'Italie les estimait à 5% du total dans la capitale à son apogée, où leur nombre était le plus important. Ceux venus de l'extérieur de l'Europe étaient majoritairement d'origine grecque, tandis que les Juifs ne se sont jamais pleinement assimilés à la société romaine, restant une minorité identifiable. Ces esclaves (surtout les étrangers) avaient des taux de mortalité plus élevés et des taux de natalité inférieurs à ceux des autochtones, et étaient parfois même soumis à des expulsions massives. L'âge moyen au décès enregistré pour les esclaves de la ville de Rome était extraordinairement bas : dix-sept ans et demi (17,2 ans pour les hommes ; 17,9 ans pour les femmes). Durant la période d’expansionnisme républicain, lorsque l’esclavage était devenu omniprésent, les captifs de guerre constituaient la principale source d’esclaves. La diversité ethnique des esclaves reflétait dans une certaine mesure celle des

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Mel Gibson (1990) et Kenneth Branagh (1996) ont tous deux joué quel personnage au cinéma ?

Hamlet

Mel Colmcille Gerard Gibson (né le 3 janvier 1956) est un acteur et cinéaste américain (scénariste, producteur et réalisateur). Gibson est né à Peekskill, New York, et a déménagé avec ses parents à Sydney, en Australie, à l'âge de 12 ans. Gibson est surtout connu en tant que héros d'action, pour des rôles tels que Martin Riggs dans la série de films de copains policiers Lethal Weapon, et Max Rockatansky dans les trois premiers films de la série d'action post-apocalyptique Mad Max. Gibson a étudié le théâtre à l'Institut national australien d'art dramatique. Dans les années 1980, Gibson a fondé Icon Entertainment, une société de production que le réalisateur indépendant Atom Egoyan a qualifiée d'« alternative au système des studios ». Le réalisateur Peter Weir a choisi Gibson comme l'un des protagonistes du drame acclamé par la critique sur la Première Guerre mondiale, Gallipoli (1981), qui a valu à Gibson le prix du meilleur acteur de l'Australian Film Institute. Le film a également contribué à faire de Gibson la réputation d'un acteur sérieux et polyvalent. En 1995, Gibson a produit, réalisé et joué dans le film dramatique historique épique Braveheart, pour lequel il a remporté le Golden Globe et l'Oscar du meilleur réalisateur, ainsi que l'Oscar du meilleur film. En 2004, Gibson a réalisé et produit le film dramatique biblique controversé et à succès financier La Passion du Christ. Gibson a reçu d'autres critiques pour son travail de réalisateur du film d'action-aventure Apocalypto de 2006, qui se déroule en Mésoamérique au début du XVIe siècle. Début de la vie Gibson est né à Peekskill, New York, sixième de onze enfants et deuxième fils de Hutton Gibson, écrivain, et d'Anne Patricia (née Reilly, décédée en 1990), d'origine irlandaise. La grand-mère paternelle de Gibson était la contralto d'opéra Eva Mylott (1875-1920), née en Australie de parents irlandais, tandis que son grand-père paternel, John Hutton Gibson, était un homme d'affaires millionnaire du tabac du sud des États-Unis. L'un des jeunes frères de Gibson, Donal, est également acteur. Le prénom de Gibson est dérivé de Saint Mel, saint irlandais du Ve siècle et fondateur du diocèse natal de la mère de Gibson, Ardagh, tandis que son deuxième nom, Colmcille, est également partagé par un saint irlandais et est le nom de la paroisse d'Aughnacliffe dans le comté de Longford. où la mère de Gibson est née et a grandi. En raison de sa mère et de la mère de son père qui ont immigré d'Irlande en Australie, Gibson conserve la double nationalité irlandaise et américaine. Le père de Gibson a reçu 145 000 $ US dans le cadre d'un procès pour accident du travail contre le New York Central Railroad le 14 février 1968 et a déménagé peu après avec sa famille à West Pymble, Sydney, Australie. Mel Gibson avait alors 12 ans. Le déménagement vers l'Australie natale de sa grand-mère était motivé par des raisons économiques et par l'espoir de son père que les forces de défense australiennes rejetteraient son fils aîné pour la conscription pendant la guerre du Vietnam. Gibson a été éduqué par des membres de la Congrégation des Frères Chrétiens au St Leo's Catholic College de Wahroonga, en Nouvelle-Galles du Sud, pendant ses années de lycée. Carrière Aperçu Gibson a reçu des avis très favorables de la part des critiques de cinéma lors de son entrée sur la scène cinématographique, ainsi que des comparaisons avec plusieurs stars de cinéma classiques. En 1982, Vincent Canby écrivait : « M. Gibson rappelle le jeune Steve McQueen... Je ne peux pas définir la « qualité de star », mais quoi qu'il en soit, M. Gibson l'a. Gibson a également été comparé à « une combinaison de Clark Gable et Humphrey Bogart ». Les rôles de Gibson dans la série de films Mad Max, Gallipoli de Peter Weir et la série de films Lethal Weapon lui ont valu le label de « héros d'action ». Plus tard, Gibson s'est lancé dans une variété de projets d'acteur, notamment des drames humains tels que Hamlet et des rôles comiques tels que ceux de Maverick et What Women Want. Il s'est étendu au-delà du jeu d'acteur pour se lancer dans la réalisation et la production, avec : L'Homme sans visage, en 1993 ; Cœur courageux, en 1995 ; La Passion du Christ, en 2004 ; et Apocalypto, en 2006. Jess Cagle de Time a comparé Gibson à Cary Grant, Sean Connery et Robert Redford. Connery a un jour suggéré à Gibson de jouer le prochain James Bond de M. Gibson de Connery. Il a refusé le rôle, apparemment parce qu'il craignait d'être catalogué. Scène Gibson a étudié à l'Institut national d'art dramatique (NIDA) à Sydney. Les étudiants du NIDA ont reçu une formation classique dans la tradition du théâtre britannique plutôt que dans une préparation au cinéma. En tant qu'étudiants, Gibson et l'actrice Judy Davis ont joué les rôles principaux dans Roméo et Juliette, et Gibson a joué le rôle de la reine Titania dans une production expérimentale de Le Songe d'une nuit d'été. Après avoir obtenu son diplôme en 1977, Gibson a immédiatement commencé à travailler sur le tournage de Mad Max, mais a continué à travailler comme acteur de théâtre et a rejoint la State Theatre Company of South Australia à Adélaïde. Les crédits théâtraux de Gibson incluent le personnage d'Estragon (en face de Geoffrey Rush) dans En attendant Godot et le rôle de Biff Loman dans une production de 1982 de Mort d'un vendeur à Sydney. La représentation théâtrale la plus récente de Gibson, face à Sissy Spacek, était la production de 1993 de Love Letters d'AR Gurney, à Telluride, Colorado. Télévision et cinéma australiens Alors qu'il était étudiant au NIDA, Gibson a fait ses débuts au cinéma dans le film Summer City de 1977, pour lequel il a été payé 400 $. Gibson a ensuite joué le personnage principal du film Mad Max (1979). Il a reçu 15 000 $ pour ce rôle. Peu de temps après avoir réalisé le film, il a fait une saison avec la South Australian Theatre Company. Pendant cette période, il partageait un appartement à 30 $ par semaine à Adélaïde avec sa future épouse Robyn. Après Mad Max, Gibson a également joué un jeune mentalement lent dans le film Tim. Au cours de cette période, Gibson est également apparu dans des rôles invités dans des séries télévisées australiennes. Il est apparu dans la série The Sullivans en tant que lieutenant de marine Ray Henderson, dans la procédure policière Cop Shop et dans l'épisode pilote de la série carcérale Punishment qui a été produit en 1980, projeté en 1981. Gibson a rejoint le casting du film d'action sur la Seconde Guerre mondiale Attack Force Z, qui n'est sorti qu'en 1982, lorsque Gibson était devenu une plus grande star. Le réalisateur Peter Weir a choisi Gibson comme l'un des protagonistes du drame acclamé par la critique sur la Première Guerre mondiale, Gallipoli, qui a valu à Gibson un autre prix du meilleur acteur de l'Australian Film Institute. Le film Gallipoli a également contribué à faire de Gibson la réputation d'un acteur sérieux et polyvalent et lui a valu l'agent hollywoodien Ed Limato. La suite Mad Max 2 a été son premier succès en Amérique (publié sous le nom de The Road Warrior). En 1982, Gibson fut de nouveau acclamé par la critique dans le thriller romantique de Peter Weir, The Year of Living Dangerously. Après une interruption d'un an après la naissance de ses jumeaux, Gibson a endossé le rôle de Fletcher Christian dans The Bounty en 1984. Gibson a gagné son premier million de dollars en incarnant Max Rockatansky pour la troisième fois, dans Mad Max Beyond Thunderdome. en 1985. Hollywood Les premières années hollywoodiennes Le premier film américain de Mel Gibson était le drame de Mark Rydell de 1984, The River, dans lequel lui et Sissy Spacek incarnaient des agriculteurs du Tennessee en difficulté. Gibson a ensuite joué dans la romance gothique Mrs. Soffel pour la réalisatrice australienne Gillian Armstrong. Lui et Matthew Modine ont joué des frères condamnés face à Diane Keaton dans le rôle de l'épouse du directeur qui leur rend visite pour lire la Bible. En 1985, après avoir travaillé sur quatre films d'affilée, Gibson a pris près de deux ans de congé dans son élevage de bovins australien. Il revient pour jouer le rôle de Martin Riggs dans Lethal Weapon, un film qui contribue à consolider son statut d'« homme de premier plan » d'Hollywood. Le film suivant de Gibson était Tequila Sunrise de Robert Towne, suivi de Lethal Weapon 2, en 1989. Gibson a ensuite joué dans trois films consécutifs : Bird on a Wire, Air America et Hamlet ; tous ont été libérés en 1990. années 1990 Au cours des années 1990, Gibson alterne projets commerciaux et personnels. Ses films de la première moitié de la décennie étaient Forever Young, Lethal Weapon 3, Maverick et Braveheart. Il a ensuite joué dans Ransom, Conspiracy Theory, Lethal Weapon 4 et Payback. Gibson a également servi de voix parlante et chantante à John Smith dans Pocahontas de Disney. Après 2000 En 2000, Gibson a joué dans trois films qui ont chacun rapporté plus de 100 millions de dollars : The Patriot, Chicken Run et What Women Want. En 2002, Gibson est apparu dans le drame sur la guerre du Vietnam We Were Soldiers et Signs de M. Night Shyamalan, qui est devenu le film le plus rentable de la carrière d'acteur de Gibson. Lors de la promotion de Signs, Gibson a déclaré qu'il ne voulait plus être une star de cinéma et qu'il ne jouerait à nouveau dans un film que si le scénario était vraiment extraordinaire. En 2010, Gibson est apparu dans Edge of Darkness, qui marquait son premier rôle principal depuis 2002 et était une adaptation de la mini-série de la BBC, Edge of Darkness. En 2010, à la suite d'une explosion rendue publique contre son ex-petite amie, Gibson a été exclu de l'agence artistique William Morris Endeavour. Gibson a récemment joué deux méchants : Voz dans Machete Kills en 2013, face à Danny Trejo, et Conrad Stonebanks dans The Expendables 3 face à Sylvester Stallone en 2014. Producteur Après son succès à Hollywood avec la série Lethal Weapon, Gibson a commencé à se lancer dans la production et la réalisation. Avec son partenaire Bruce Davey, Gibson a formé Icon Productions en 1989 afin de réaliser Hamlet. En plus de produire ou de coproduire de nombreux véhicules vedettes de Gibson, Icon a réalisé de nombreux autres petits films, allant d'Immortal Beloved à An Ideal Husband. Gibson a joué des rôles de soutien dans certains de ces films, tels que The Million Dollar Hotel et The Singing Detective. Gibson a également produit un certain nombre de projets pour la télévision, notamment un biopic sur Les Trois Stooges et le documentaire PBS 2008 Carrier. Icon est passée du statut de simple société de production à celui de société de distribution internationale et d'exploitation de films en Australie et en Nouvelle-Zélande. En juin 2010, Gibson était à Brownsville, au Texas, pour filmer des scènes du film Comment j'ai passé mes vacances d'été, sur un criminel de carrière emprisonné dans une prison difficile au Mexique. En octobre 2010, il a été rapporté que Gibson jouerait un petit rôle dans The Hangover: Part II, mais il a été retiré du film après que les acteurs et l'équipe se soient opposés à son implication. Directeur Mel Gibson a crédité ses réalisateurs, en particulier George Miller, Peter Weir et Richard Donner, de lui avoir enseigné le métier de cinéaste et de l'avoir influencé en tant que réalisateur. Selon Robert Downey Jr., les dirigeants du studio ont encouragé Gibson en 1989 à essayer la réalisation, une idée qu'il a rejetée à l'époque. Gibson a fait ses débuts en tant que réalisateur en 1993 avec L'Homme sans visage, suivi deux ans plus tard par Braveheart, qui a valu à Gibson l'Oscar du meilleur réalisateur. Gibson avait depuis longtemps prévu de réaliser un remake de Fahrenheit 451, mais en 1999, le projet a été reporté sine die en raison de conflits d'horaire. Gibson devait diriger Robert Downey, Jr. dans une production scénique de Hamlet à Los Angeles en janvier 2001, mais la rechute de drogue de Downey a mis fin au projet. En 2002, alors qu'il faisait la promotion de We Were Soldiers et Signs auprès de la presse, Gibson a mentionné qu'il prévoyait de réduire son activité d'acteur et de revenir à la réalisation. En septembre 2002, Gibson a annoncé qu'il réaliserait un film intitulé La Passion en araméen et en latin sans sous-titres parce qu'il espérait « transcender les barrières linguistiques avec une narration filmique ». En 2004, il sort le film controversé La Passion du Christ, sous-titré, qu'il a co-écrit, coproduit et réalisé. Le film est devenu le film R le plus rentable de tous les temps avec 370 782 930 $ de ventes au box-office américain. Gibson a réalisé quelques épisodes de Complete Savages pour le réseau ABC. En 2006, il réalise le film d'action-aventure Apocalypto, son deuxième film présentant des dialogues clairsemés dans une langue autre que l'anglais. Travail cinématographique La carrière d'acteur de Gibson a débuté en 1976, avec un rôle dans la série télévisée australienne The Sullivans. Au cours de sa carrière, Gibson est apparu dans 43 films, dont les séries de films Mad Max et Lethal Weapon. En plus d'agir, Gibson a également réalisé quatre films, dont Braveheart et La Passion du Christ ; produit 11 films; et écrit deux films. Les films mettant en vedette ou réalisés par Mel Gibson ont rapporté plus de 2,5 milliards de dollars, rien qu'aux États-Unis. La filmographie de Gibson comprend des séries télévisées, des longs métrages, des téléfilms et des films d'animation. Série Mad Max Gibson a obtenu son rôle révolutionnaire en tant que survivant post-apocalyptique vêtu de cuir dans Mad Max de George Miller. Ce blockbuster financé de manière indépendante a contribué à faire de lui une star internationale. Aux États-Unis, les accents australiens des acteurs étaient doublés d'accents américains. Le film original a donné naissance à deux suites : Mad Max 2 (connu en Amérique du Nord sous le nom de The Road Warrior) et Mad Max 3 (connu en Amérique du Nord sous le nom de Mad Max Beyond Thunderdome). Un quatrième film, Mad Max : Fury Road (2015), a été réalisé avec Tom Hardy dans le rôle titre. Gallipoli Le film de Peter Weir de 1981, Gallipoli, raconte l'histoire d'un groupe de jeunes hommes de l'Australie occidentale rurale qui s'enrôlent dans la force impériale australienne pendant la Première Guerre mondiale. Ils sont envoyés pour envahir l'Empire ottoman, où ils participent à la campagne de Gallipoli de 1915. Au cours du film, les jeunes hommes perdent peu à peu leur innocence face à la guerre. Le point culminant du film est centré sur l’offensive catastrophique de l’AIF connue sous le nom de Bataille du Nek. Peter Weir a choisi Gibson dans le rôle de Frank Dunne, un vagabond irlandais-australien avec un cynisme intense à l'égard de la lutte pour l'Empire britannique. Le nouveau venu Mark Lee a été recruté pour incarner l'idéaliste Archy Hamilton après avoir participé à une séance photo pour le réalisateur. Gibson a rappelé plus tard : "J'avais auditionné pour un film précédent et il m'a dit d'emblée : 'Je ne vais pas te choisir pour ce rôle. Tu n'es pas assez vieux. Mais merci d'être venu, je voulais juste te rencontrer.' ' Il m'a dit qu'il me voulait pour Gallipoli quelques années plus tard parce que je n'étais pas l'Australien par excellence. Il avait Mark Lee, l'enfant australien idéal à l'allure angélique, et il voulait quelque chose d'une sensibilité moderne. quelqu'un avec qui s'identifier à son époque." Gibson a déclaré plus tard que Gallipoli n'était "pas vraiment un film de guerre. C'est juste la toile de fond. C'est vraiment l'histoire de deux jeunes hommes." Le film acclamé par la critique a contribué à lancer davantage la carrière de Gibson. Il a remporté le prix du meilleur acteur dans un rôle principal de l'Australian Film Institute. L’année de la vie dangereuse Gibson a joué un journaliste naïf mais ambitieux face à Sigourney Weaver et Linda Hunt dans le film atmosphérique de Peter Weir de 1982, The Year of Living Dangerously, basé sur le roman du même nom de Christopher Koch. Le film a été un succès à la fois critique et commercial, et le futur acteur australien a été largement commercialisé par le studio MGM. Dans sa critique du film, Vincent Canby du New York Times a écrit : « Si ce film ne fait pas de M. Gibson une star internationale, alors rien ne le fera. Il possède à la fois le talent nécessaire et la présence à l'écran. Selon John Hiscock du Daily Telegraph, le film a effectivement fait de Gibson un talent international. Gibson était initialement réticent à accepter le rôle de Guy Hamilton. "Je ne considérais pas nécessairement mon rôle comme un grand défi. Mon personnage était, comme le film le suggère, une marionnette. Et j'ai accepté. Ce n'était pas une star, même s'ils l'avaient annoncé de cette façon." Gibson a vu certaines similitudes entre lui et le personnage de Guy. "Ce n'est pas un diable à la langue argentée. Il est plutôt immature et il a quelques aspérités et je suppose que vous pourriez dire la même chose de moi." Gibson a cité cette performance à l'écran comme sa préférée. La prime Gibson a suivi les traces d'Errol Flynn, Clark Gable et Marlon Brando en incarnant Fletcher Christian dans un récit cinématographique de la mutinerie du Bounty. Le film The Bounty, sorti en 1984, est considéré comme la version la plus précise historiquement. Cependant, Gibson a exprimé sa conviction que le révisionnisme du film n'allait pas assez loin. Il a déclaré que son personnage aurait dû être présenté comme l'antagoniste du film. Il a en outre salué la performance d'Anthony Hopkins dans le rôle du lieutenant William Bligh comme le meilleur aspect du film. Série d'armes mortelles Gibson s'est lancé dans le cinéma commercial plus traditionnel avec la populaire série de copains policiers Lethal Weapon, qui a commencé avec l'original de 1987. Dans les films, il incarnait le détective du LAPD Martin Riggs, un vétéran du Vietnam récemment veuf avec un désir de mort et un penchant pour la violence et les coups de feu. Dans les films, il est associé à un père de famille réservé nommé Roger Murtaugh (Danny Glover). Suite au succès de Lethal Weapon, le réalisateur Richard Donner et les acteurs principaux ont revisité les personnages dans trois suites, Lethal Weapon 2 (1989), Lethal Weapon 3 (1993) et Lethal Weapon 4 (1998). Avec son quatrième opus, la série Lethal Weapon incarnait « la quintessence de la photo de copain policier ». Hamlet Gibson a fait la transition inhabituelle de l'action au drame classique, en incarnant le prince danois de William Shakespeare dans Hamlet de Franco Zeffirelli. Gibson a été choisi aux côtés des acteurs shakespeariens expérimentés Ian Holm, Alan Bates et Paul Scofield. Il a comparé travailler avec Scofield au fait d'être "jeté sur le ring avec Mike Tyson". Scofield a dit de Gibson "Pas le genre d'acteur dont on pourrait penser qu'il ferait un Hamlet idéal, mais il avait une intégrité et une intelligence énormes." Un cœur brave En 1995, Mel Gibson a réalisé, produit et joué dans Braveheart, un film biographique de Sir William Wallace, un nationaliste écossais exécuté en 1305 pour « haute trahison » contre le roi Édouard Ier d'Angleterre. Gibson a reçu deux Oscars, celui du meilleur réalisateur et du meilleur film, pour son deuxième film. En remportant l'Oscar du meilleur réalisateur, Gibson est devenu le sixième acteur devenu cinéaste à remporter cet honneur. Braveheart a influencé le mouvement nationaliste écossais et a contribué à relancer le genre cinématographique de l'épopée historique ; la séquence de la bataille de Stirling Bridge est considérée par les critiques comme l'une des scènes de bataille les mieux réalisées de tous les temps. La représentation dans le film du prince de Galles comme un homosexuel efféminé a provoqué l'attaque du film par la Gay Alliance. La Gay Alliance a été particulièrement enragée par une scène dans laquelle le roi Édouard Ier assassine l'amant de son fils en le jetant par la fenêtre d'un château. Gibson, qui avait déjà fait plusieurs déclarations homophobes, a maintenant répondu : "Le fait que le roi Edward jette ce personnage par la fenêtre n'a rien à voir avec le fait qu'il soit gay... Il est terrible envers son fils, envers tout le monde." Gibson a affirmé que la raison pour laquelle le roi Édouard Ier tue l'amant de son fils est parce que le roi est un « psychopathe ». Gibson a également exprimé sa perplexité face au fait que certains cinéphiles se soient moqués de ce meurtre : La passion du Christ Gibson a réalisé, produit, co-écrit et financé le film de 2004 La Passion du Christ, qui racontait la passion et la mort de Jésus (Jim Caviezel). Le film a été tourné exclusivement en araméen, latin et hébreu. Bien que Gibson avait initialement prévu de sortir le film sans sous-titres ; il a finalement cédé pour une exposition théâtrale. Le film a suscité des critiques divergentes, allant des éloges aux critiques sur la violence. L'Anti-Defamation League a accusé Gibson d'antisémitisme à cause de la représentation peu flatteuse de Caïphe et du Sanhédrin dans le film. Dans The Nation, la critique Katha Pollitt a déclaré : « Gibson a violé à peu près tous les préceptes des « critères » de 1988 de la conférence (de la Conférence des évêques catholiques des États-Unis) pour la représentation des Juifs dans les dramatisations de la Passion (pas de Juifs assoiffés de sang, pas de canaille). , aucune utilisation de l'Écriture qui renforce les stéréotypes négatifs sur les Juifs, etc.) ... Les prêtres ont un gros nez et des visages noueux, des corps bosselés, des dents jaunes ; Hérode Antipas et sa cour sont une bizarre collection de pervers épicènes aux cheveux gras. Les « bons juifs » ressemblent à des stars de cinéma italiennes (le sex-symbol italien Monica Bellucci est Mary Magdalene, qui aurait eu environ 50 ans et paraissait 70 ans, pourrait passer pour une adulte de 35 ans) ; Parmi ceux qui défendaient Gibson figuraient le rabbin juif orthodoxe Daniel Lapin et la personnalité de la radio Michael Medved. Faisant référence au directeur national de l'ADL, Abraham Foxman, le rabbin Lapin a déclaré qu'en qualifiant La Passion du Christ d'antisémite, « ce qu'il dit, c'est que la seule façon (pour les chrétiens) d'échapper à la colère de Foxman est de répudier (la leur) foi." Dans une entrevue avec le Globe and Mail, Gibson a déclaré : « Si quelqu'un a déformé des passages de l'Évangile pour rationaliser la cruauté envers les Juifs ou envers quiconque, c'est au mépris de la condamnation papale répétée. La papauté a condamné le racisme sous toutes ses formes... Jésus est mort pour le péchés de tous les temps, et je serai le premier à être accusé de culpabilité". Finalement, les attaques médiatiques continues ont commencé à irriter Gibson. Après que le négationnisme de son père ait été vivement critiqué par l'écrivain du New York Times Frank Rich, Gibson a rétorqué : "Je veux le tuer. Je veux ses intestins sur un bâton... Je veux tuer son chien." L'éducation catholique traditionaliste de Gibson a également été la cible de critiques. Dans une interview accordée en 2006 à Diane Sawyer, Gibson a déclaré qu'il estimait que ses « droits humains avaient été violés » par les attaques souvent au vitriol contre sa personne, sa famille et ses croyances religieuses déclenchées par La Passion. Le film a rapporté 611 899 420 $ US dans le monde et 370 782 930 $ rien qu'aux États-Unis, dépassant ainsi n'importe quel film mettant en vedette Gibson. melgibson.htm Mel Gibson Movie Box Office Results] Au box-office américain, il est devenu le huitième (à l'époque) film le plus rentable de l'histoire et le film R le mieux noté de tous les temps. Le film a été nominé pour trois Oscars et a remporté le People's Choice Award du film dramatique préféré. Apocalypto Gibson a reçu de nouvelles critiques élogieuses pour sa réalisation du film d'action-aventure de 2006 Apocalypto. Le quatrième effort de mise en scène de Gibson se déroule en Méso-Amérique au début du XVIe siècle, dans le contexte de la fin turbulente de la civilisation maya. Le dialogue clairsemé est parlé dans la langue maya du Yucatèque par un groupe d'origine amérindienne. Gibson lui-même a déclaré que le film est une tentative de faire valoir délibérément les grandes civilisations et ce qui les pousse à décliner et à se désintégrer. Gibson a déclaré : « Les gens pensent que l'homme moderne est si éclairé, mais nous sommes sensibles aux mêmes forces – et nous sommes également capables du même héroïsme et de la même transcendance. » Ce thème est approfondi par une citation de Will Durant, superposée au tout début du film : « Une grande civilisation n'est pas conquise de l'extérieur tant qu'elle ne s'est pas détruite de l'intérieur. » Le castor Gibson a joué dans The Beaver, un drame domestique sur un alcoolique déprimé réalisé par l'ancienne co-star de Maverick Jodie Foster. The Beaver a été créé au South by Southwest Festival à Austin, Texas, le 16 mars 2011. Le week-end d'ouverture dans 22 salles a été considéré comme un échec : il a rapporté 104 000 $, soit une moyenne par salle de 4 745 $. Le distributeur du film, Summit Entertainment, avait initialement prévu une large diffusion de The Beaver pour le week-end du 20 mai, mais après les premiers retours au box-office du film, la société a changé de cap et a décidé de donner au film une "sortie limitée". course d'art et d'essai". Michael Cieply du New York Times a observé le 5 juin 2011 que le film avait rapporté environ 1 million de dollars, ce qui en faisait un « flop » certifié. La réalisatrice Jodie Foster a estimé que le film n'avait pas bien plu au public américain parce qu'il s'agissait d'une comédie dramatique et que "très souvent, les Américains ne sont pas à l'aise avec [ça]". Avant sa sortie, une grande partie de la couverture médiatique était centrée sur l'association inévitable entre les problèmes du protagoniste et les problèmes personnels et juridiques très médiatisés de Mel Gibson (voir ), y compris une condamnation pour coups et blessures de son ex-petite amie. A écrit le magazine Time : "The Beaver est un drame domestique sombre et triste mettant en scène un alcoolique en crise aiguë... Il est difficile de séparer l'histoire vraie de Gibson de ce qui se passe à l'écran." Films potentiels À partir de 2013, les projets annulés de Gibson comprenaient un film sur l'écriture de l'Oxford English Dictionary (OED) et un film réalisé par Richard Donner avec le titre provisoire Sam et George. Lorsqu'on lui a demandé en 2007 s'il prévoyait de revenir au métier d'acteur et plus particulièrement aux rôles d'action, Gibson a répondu : "Je pense que je suis trop vieux pour ça, mais on ne sait jamais. J'aime juste raconter des histoires. Le divertissement est valable et je suppose que je le ferai. je le referai probablement avant que ce soit fini. Vous savez, faites quelque chose pour lequel les gens ne se fâcheront pas contre moi. Il a également exprimé son intention de réaliser un film se déroulant à l'époque viking, avec Leonardo DiCaprio. Comme La Passion du Christ et Apocalypto, il souhaite que ce film spéculatif mette en scène des dialogues dans des langues d'époque. Cependant, DiCaprio s'est finalement retiré du projet. Dans une interview en 2012, Gibson a annoncé que le projet, qu'il a intitulé Berserker, était toujours en cours. En 2011, il a été annoncé que Gibson avait commandé un scénario à Joe Eszterhas sur les Macchabées. Le film sera distribué par Warner Brothers Pictures. L'annonce a suscité une importante controverse. En avril 2012, Eszterhas a écrit une lettre à Gibson l'accusant d'avoir saboté leur film sur les Maccabées parce qu'il « déteste les Juifs », et citant une série d'incidents privés au cours desquels il aurait entendu Gibson exprimer des opinions extrêmement racistes. Bien qu’écrite sous forme de lettre privée, elle a ensuite été publiée sur un site Internet de l’industrie cinématographique. En réponse, Gibson a déclaré qu'il avait toujours l'intention de faire le film, mais qu'il ne le baserait pas sur le scénario d'Eszterhas, qu'il a qualifié de médiocre. Eszterhas a ensuite affirmé que son fils avait secrètement enregistré un certain nombre de prétendues « diatribes haineuses » de Gibson. Dans une interview en 2012, Gibson a expliqué que le film Maccabées était toujours en préparation. Il a expliqué qu'il avait été attiré par le récit biblique du soulèvement en raison de sa similitude avec le genre du Far West américain. En juin 2016, il a été annoncé que Gibson retrouverait le scénariste de Braveheart Randall Wallace pour faire une suite à La Passion du Christ, axée sur la résurrection de Jésus-Christ. Vie privée Famille Gibson a rencontré Robyn Denise Moore à la fin des années 1970, peu après le tournage de Mad Max, à Adélaïde. À l’époque, Robyn était infirmière dentaire et Mel était un acteur inconnu travaillant pour la South Australian Theatre Company. Le 7 juin 1980, Mel et Robyn Gibson se sont mariés dans une église catholique romaine à Forestville, en Nouvelle-Galles du Sud. Ils ont une fille, Hannah (née en 1980), et six fils : Edward (né en 1982), Christian (né en 1982), William (né en 1985), Louis (né en 1988), Milo (né en 1990) , Thomas (né en 1999) ; et trois petits-enfants. Après 26 ans de mariage, Mel et Robyn Gibson se sont séparés le 29 juillet 2006. Dans une interview en 2011, Gibson a déclaré que la séparation avait commencé le lendemain de son arrestation pour conduite en état d'ébriété à Malibu. Robyn Gibson a demandé le divorce le 13 avril 2009, invoquant des différences irréconciliables. Dans une déclaration commune, les Gibson ont déclaré : "Tout au long de notre mariage et de notre séparation, nous nous sommes toujours efforcés de préserver la vie privée et l'intégrité de notre famille et continuerons de le faire." La demande de divorce faisait suite à la publication en mars 2009 de photographies semblant le montrer sur une plage en train d'embrasser la pianiste russe Oksana Grigorieva. Le divorce de Gibson a été finalisé le 23 décembre 2011 et le règlement avec son ex-femme serait le plus élevé de l'histoire d'Hollywood, avec plus de 400 millions de dollars. Le 28 avril 2009, Gibson a fait une apparition sur le tapis rouge avec Grigorieva. Grigorieva, qui avait déjà eu un fils avec l'acteur Timothy Dalton, a donné naissance à la fille de Gibson, Lucia, le 30 octobre 2009. En avril 2010, il a été rendu public que Gibson et Grigorieva s'étaient séparés. Le 21 juin 2010, Grigorieva a déposé une ordonnance d'interdiction contre Gibson pour l'éloigner d'elle et de leur enfant. L'ordonnance de non-communication a été modifiée le lendemain concernant les contacts de Gibson avec leur enfant. Gibson a obtenu une ordonnance d'interdiction contre Grigorieva le 25 juin 2010. En réponse aux affirmations de Grigorieva selon lesquelles un incident de violence domestique s'était produit en janvier 2010, le département du shérif du comté de Los Angeles a lancé une enquête sur la violence domestique en juillet 2010. Le 9 juillet 2010, certains enregistrements audio présumés de Gibson ont été publiés sur Internet. Le même jour, Gibson a été licencié par son agence, William Morris Endeavour. Les militants des droits civiques ont affirmé que Gibson avait fait preuve de racisme, de sexisme et d'antisémitisme et ont appelé au boycott des films de Gibson. L'ex-épouse de Gibson, Robyn Gibson, a déposé une déclaration au tribunal déclarant qu'elle n'avait jamais subi d'abus de la part de Gibson, tandis que des experts légistes ont remis en question la validité de certaines des bandes. En mars 2011, Mel Gibson a accepté de ne pas contester une charge de batterie délictuelle. En avril 2011, Gibson a finalement rompu son silence sur l'incident en question. Dans une interview avec Deadline.com, Gibson a exprimé sa gratitude envers ses amis de longue date Whoopi Goldberg et Jodie Foster, qui avaient tous deux pris publiquement leur défense. À propos des enregistrements, Gibson a déclaré : Dans la même interview, Gibson a déclaré : En août 2011, Gibson s'est installée avec Grigorieva et elle a obtenu 750 000 $, une garde légale conjointe et une maison à Sherman Oaks, en Californie, jusqu'à ce que leur fille de trois ans, Lucia, ait 18 ans. En 2013, Grigorieva a poursuivi ses avocats en justice, les accusant de lui avoir conseillé de signer un mauvais accord, dont un avec Gibson qui la maintient en justice, compromettrait son règlement financier. Investissements Gibson est un investisseur immobilier qui possède plusieurs propriétés à Malibu, en Californie, plusieurs sites au Costa Rica, une île privée aux Fidji et des propriétés en Australie. En décembre 2004, Gibson a vendu sa ferme australienne de 300 acres située dans la vallée de Kiewa pour 6 millions de dollars. Également en décembre 2004, Gibson a acheté l'île Mago aux Fidji à Tokyu Corporation du Japon pour 15 millions de dollars. Les descendants des premiers habitants indigènes de Mago, déplacés dans les années 1860, ont protesté contre cet achat. Gibson a déclaré que son intention était de conserver l'environnement vierge de l'île sous-développée. Début 2005, il a vendu son ranch de 45 000 acres dans le Montana à un voisin. En avril 2007, il a acheté un ranch de 400 acres au Costa Rica pour 26 millions de dollars, et en juillet 2007, il a vendu son domaine Tudor de 76 acres dans le Connecticut (qu'il a acheté en 1994 pour 9 millions de dollars) pour 40 millions de dollars à un acheteur anonyme. Ce mois-là également, il a vendu pour 30 millions de dollars une propriété de Malibu qu'il avait achetée pour 24 millions de dollars deux ans auparavant. En 2008, il achète la maison de Malibu de David Duchovny et Téa Leoni. Farceur Gibson a la réputation de faire des farces, des jeux de mots, des comédies physiques inspirées de Stooge et de faire des choses scandaleuses pour choquer les gens. En tant que réalisateur, il brise parfois la tension sur le plateau en faisant jouer des scènes sérieuses à ses acteurs portant un nez de clown rouge. Helena Bonham Carter, qui est apparue à ses côtés dans Hamlet, a dit de lui : "Il a un sens de l'humour très basique. C'est un peu lavicole et pas très sophistiqué." Pendant le tournage de Hamlet, Gibson soulageait la pression sur le plateau en interrogeant les acteurs et l'équipe, immédiatement après une scène sérieuse. Gibson a inséré une seule image de lui-même fumant une cigarette dans la bande-annonce de 2005 d'Apocalypto. Philanthropie Gibson et son ex-épouse ont versé une somme d'argent importante à diverses œuvres caritatives, dont Healing the Children. Selon Cris Embleton, l'un des fondateurs, les Gibson ont donné des millions pour fournir des soins médicaux vitaux aux enfants dans le besoin dans le monde entier. Ils ont également soutenu la restauration d’œuvres d’art de la Renaissance et ont donné des millions de dollars au NIDA. Gibson a fait don de 500 000 $ au projet du bassin El Mirador pour protéger la dernière étendue de forêt tropicale vierge d'Amérique centrale et pour financer des fouilles archéologiques dans le « berceau de la civilisation maya ». En juillet 2007, Gibson s'est de nouveau rendu en Amérique centrale pour organiser des dons à la population indigène. Gibson a rencontré le président costaricien Óscar Arias pour discuter de la manière de « canaliser les fonds ». Au cours du même mois, Gibson s'est engagé à apporter une aide financière à une société malaisienne nommée Green Rubber Global pour une usine de recyclage de pneus située à Gallup, au Nouveau-Mexique. Lors d'un voyage d'affaires à Singapour en septembre 2007, Gibson a fait un don à un organisme de bienfaisance local en faveur des enfants atteints de maladies chroniques et en phase terminale. Gibson soutient également Angels at Risk, une organisation à but non lucratif axée sur l'éducation sur l'abus de drogues et d'alcool chez les adolescents. Dans une interview en 2011, Gibson a déclaré à propos de ses œuvres philanthropiques : « Cela vous donne du recul. C'est l'un de mes défauts, vous avez tendance à vous concentrer beaucoup sur vous-même. Ce qui n'est pas toujours le cas.

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Le studio de cinéma original United Artists a été fondé en 1919 par D.W. Griffith, Mary Pickford, Douglas Fairbanks et qui d'autre ?

Charlie Chaplin

United Artists (UA) est un studio américain de divertissement cinématographique et télévisuel. Le studio a été fondé en 1919 par D. W. Griffith, Charlie Chaplin, Mary Pickford et Douglas Fairbanks avec l'intention de contrôler leurs propres intérêts plutôt que de dépendre des puissants studios commerciaux. Une incarnation de United Artists a été créée en novembre 2006 dans le cadre d'un partenariat entre le producteur/acteur Tom Cruise et sa partenaire de production, Paula Wagner, et Metro-Goldwyn-Mayer. Paula Wagner a quitté le studio le 14 août 2008. Cruise détenait une petite participation dans le studio jusqu'à fin 2011. En 2014, MGM a acquis une participation majoritaire dans les sociétés de divertissement de Mark Burnett et Roma Downey, One Three Media et Lightworkers Media, puis les a fusionnées pour relancer l'unité de production télévisée d'United Artists sous le nom de United Artists Media Group (UAMG). Le 14 décembre 2015, MGM a acquis la participation de 45 % dans UAMG qu'elle ne possédait pas et l'a intégrée à MGM Television. Histoire Les jeunes années UA a été constituée en coentreprise le 5 février 1919 par quatre des principales personnalités des débuts d'Hollywood : Mary Pickford, Charlie Chaplin, Douglas Fairbanks et D. W. Griffith. Chacun détenait une participation de 20 %, les 20 % restants étant détenus par l'avocat William Gibbs McAdoo. L'idée de cette entreprise est née un an plus tôt avec Fairbanks, Chaplin, Pickford et la star du cow-boy William S. Hart, alors qu'ils voyageaient à travers les États-Unis pour vendre des obligations Liberty pour aider les États-Unis dans les efforts de la Première Guerre mondiale. Déjà vétérans d'Hollywood, les quatre stars de cinéma ont commencé à parler de créer leur propre entreprise pour mieux contrôler leur propre travail ainsi que leur avenir. Ils ont été stimulés par les producteurs et distributeurs hollywoodiens établis qui resserraient leur contrôle sur les salaires des acteurs et les décisions créatives, un processus qui a évolué vers un système de studio rigide. Avec l'ajout de Griffith, la planification a commencé, mais Hart s'est retiré avant que quoi que ce soit ne soit officialisé. Lorsqu'il a entendu parler de leur projet, Richard A. Rowland, directeur de Metro Pictures, aurait observé : « Les détenus s'emparent de l'asile ». Les quatre associés, avec les conseils de McAdoo (gendre et ancien secrétaire au Trésor du président de l'époque Woodrow Wilson), ont créé leur société de distribution, avec Hiram Abrams comme premier directeur général. Son siège social a été établi au 729 Seventh Avenue à New York. Les termes initiaux prévoyaient que Pickford, Fairbanks, Griffith et Chaplin produisaient cinq films chaque année de manière indépendante. Mais au moment où la société était créée et opérationnelle en 1920-1921, les longs métrages devenaient de plus en plus chers et raffinés, et les durées de diffusion s'étaient établies à environ quatre-vingt-dix minutes (ou huit bobines). On pensait que personne, aussi populaire soit-il, ne pouvait produire et jouer dans cinq longs métrages de qualité par an. Le premier film d'UA (His Majesty, the American de et avec Fairbanks) fut un succès. À l’époque, les financements pour les films étaient limités. Sans vendre de stock au public, comme les autres studios de l’époque, United n’avait qu’à travailler avec des versements hebdomadaires anticipés des propriétaires de cinéma pour les films à venir. En conséquence, la production était lente et la société distribuait en moyenne cinq films par an au cours des cinq premières années de son existence. En 1924, Griffith avait abandonné et l'entreprise était confrontée à une crise : soit faire appel à d'autres pour l'aider à soutenir un système de distribution coûteux, soit admettre sa défaite. Le producteur vétéran Joseph Schenck a été embauché comme président. Non seulement il produisait des films depuis une décennie, mais il s'engageait également dans des films mettant en vedette sa femme, Norma Talmadge, sa belle-sœur, Constance Talmadge, et son beau-frère, Buster Keaton. Des contrats ont été signés avec un certain nombre de producteurs indépendants, notamment Samuel Goldwyn et Howard Hughes. En 1933, Schenck créa une nouvelle société avec Darryl F. Zanuck, Twentieth Century Pictures, qui fournit bientôt quatre films par an au programme de l'UA, soit la moitié du programme. Schenck a également formé un partenariat distinct avec Pickford et Chaplin pour acheter et construire des théâtres sous le nom de United Artists. Ils débutent également leurs activités internationales, d'abord au Canada, puis au Mexique, et à la fin des années 1930, United Artists est représenté dans plus de 40 pays. Lorsqu'on lui refusa une part de propriété en 1935, Schenck démissionna. Il a organisé la fusion de 20th Century Pictures avec Fox Film Corporation pour former 20th Century Fox. Al Lichtman a succédé à Schenck à la présidence de l'entreprise. Un certain nombre d'autres producteurs indépendants distribués via United Artists dans les années 1930, notamment : Walt Disney Productions, Alexander Korda, Hal Roach, David O. Selznick et Walter Wanger. Au fil des années et de l'évolution de la dynamique de l'entreprise, ces « partenaires de production » se sont éloignés, Samuel Goldwyn Productions et Disney vers RKO, et Wanger vers Universal Pictures. À la fin des années 1930, l’UA a effectivement réalisé des bénéfices. Samuel Goldwyn Productions assurait la majeure partie de la production destinée à la distribution. Goldwyn a poursuivi United à plusieurs reprises pour une indemnisation contestée, ce qui a conduit Goldwyn Productions à partir. Le hit de MGM de 1939 Autant en emporte le vent, le plus grand producteur d'argent de tous les temps, était censé être une sortie UA, sauf que Selznick voulait que Clark Gable, qui était sous contrat avec MGM, joue Rhett Butler. Cette année-là également, Fairbanks mourut. UA a de nouveau été impliqué dans des poursuites judiciaires avec son principal producteur, Selznick, au sujet de la distribution de certains films via RKO. Selznick, a jugé le fonctionnement d'UA bâclé et est parti créer sa propre branche de distribution. Dans les années 1940, United Artists perdait de l'argent à cause de la mauvaise qualité des images, et la fréquentation des cinémas continuait de baisser à mesure que la télévision devenait plus populaire auprès des téléspectateurs. Elle a vendu sa division de diffusion mexicaine au Crédito Cinematográfico Mexicano, une société locale. Société des producteurs indépendants de films (années 1940 et 1950) La Society of Independent Motion Picture Producers a été fondée en 1941 par Mary Pickford, Charlie Chaplin, Walt Disney, Orson Welles, Samuel Goldwyn, David O. Selznick, Alexander Korda et Walter Wanger – plusieurs des mêmes personnes qui étaient membres d'United Artists. . Les membres ultérieurs comprenaient Hunt Stromberg, William Cagney, Sol Lesser et Hal Roach. La Société visait à promouvoir les intérêts des producteurs indépendants dans une industrie largement contrôlée par le système des studios. Le SIMPP s'est également battu pour mettre fin aux pratiques apparemment anticoncurrentielles des sept grands studios de cinéma – Loew's, Columbia Pictures, Paramount Pictures, Universal Pictures, RKO Radio Pictures, 20th Century Fox et Warner Bros./First National – qui contrôlaient la production et la distribution. , et exposition de films. En 1942, le SIMPP a intenté une action antitrust contre les United Detroit Theatres de Paramount. La plainte accusait Paramount de complot visant à contrôler les cinémas en première diffusion et en diffusion ultérieure à Détroit. Il s'agissait de la première action antitrust intentée par des producteurs contre des exploitants, alléguant un monopole et des restrictions commerciales. En 1948, la décision Paramount de la Cour suprême des États-Unis a ordonné aux grands studios de cinéma hollywoodiens – Loew's/MGM, Paramount, Warner Bros./First National, 20th Century Fox et RKO – de vendre leurs chaînes de cinéma et d'éliminer certaines pratiques anticoncurrentielles. Cela a effectivement mis fin au système de studio. En 1958, bon nombre des objectifs ayant mené à la création du SIMPP avaient été atteints et le SIMPP ferma ses bureaux. Les années 1950 et 1960 Ayant besoin d'un revirement, Pickford et Chaplin ont embauché Paul V. McNutt, ancien gouverneur de l'Indiana, comme président et Frank L. McNamee comme président. McNutt n'avait pas les compétences nécessaires pour résoudre les problèmes financiers d'UA et le duo fut remplacé en quelques mois par une nouvelle équipe de direction. Le 16 février 1951, les avocats devenus producteurs Arthur Krim (de Eagle-Lion Films) et Robert Benjamin approchèrent Pickford et Chaplin avec une idée folle : les laisser reprendre United Artists pour dix ans. Si, à la fin de ces années, UA était rentable, on lui donnerait la moitié de l’entreprise. Le président de Fox Film Corporation, Spyros Skouras, a accordé à United Artist un prêt de 3 millions de dollars grâce aux efforts de Krim et Benjamin. En reprenant UA, Krim et Benjamin créent le premier studio sans véritable « studio ». Agissant principalement comme banquiers, ils offraient de l’argent aux producteurs indépendants. UA louait un espace au Pickford/Fairbanks Studio, mais ne possédait pas de studio en tant que tel. Ainsi, UA n'avait pas les frais généraux, la maintenance ou le personnel de production coûteux qui faisaient grimper les coûts dans d'autres studios. Ils ont eu deux succès, The African Queen et High Noon, et ont ainsi réalisé des bénéfices dès leur première année. Parmi leurs premiers clients figuraient Sam Spiegel et John Huston, dont Horizon Productions donna à UA un succès majeur, The African Queen (1951) et un succès substantiel, Moulin Rouge (1952), basé sur la vie de Toulouse-Lautrec. D'autres suivirent, parmi lesquels Stanley Kramer, Otto Preminger, Hecht-Hill-Lancaster Productions et un certain nombre d'acteurs, nouvellement libérés de leurs contrats de studio et désireux de produire ou de réaliser leurs propres films. Avec l'instabilité de l'industrie cinématographique due au désinvestissement des cinémas, l'entreprise était considérée comme risquée. De plus, en 1955, la fréquentation des cinémas a atteint son plus bas niveau depuis 1923. Chaplin a vendu sa part de 25 % pendant cette crise à Krim et Benjamin pour 1,1 million de dollars, suivi un an plus tard par Pickford qui a vendu sa part pour 3 millions de dollars. Entreprise publique United Artists est devenu public en 1957 avec une offre d'actions et d'obligations de 17 millions de dollars. La société produisait en moyenne 50 films par an. En 1958, l'UA acquiert la Lopert Pictures Corporation d'Ilya Lopert, qui diffuse aux États-Unis des films étrangers qui peuvent avoir suscité des critiques ou avoir des problèmes de censure. En 1957, United Artists Records Corporation et United Artists Music Corporation ont été créées après que UA n'ait pas réussi à acheter une maison de disques. En 1968, UA Records a fusionné avec Liberty Records, ainsi que leurs nombreuses filiales telles que Imperial Records et Dolton Records. En 1972, le groupe est regroupé en une seule entité sous le nom de United Artists Records. Il a ensuite été repris par EMI et géré par Capitol Records qui continue aujourd'hui de contrôler le catalogue. En 1959, après avoir échoué à vendre plusieurs pilotes au cours des années précédentes, United Artists a proposé sa toute première série télévisée - The Troubleshooters, une aventure/drame sur NBC mettant en vedette Keenan Wynn et Bob Mathias en tant qu'employés d'une entreprise de construction internationale. United Artists aura plus tard sa première sitcom The Dennis O'Keefe Show, qui ne fut pas un grand succès d'audience. Dans les années 1960, les studios grand public tombèrent en déclin et certains furent rachetés ou diversifiés. UA a prospéré en remportant 11 Oscars, dont cinq pour le meilleur film, ajoutant des relations avec les frères Mirisch, Billy Wilder, Joseph E. Levine et d'autres. En 1961, United Artists sort West Side Story, une adaptation de la comédie musicale de Leonard Bernstein-Stephen Sondheim, qui remporte un nombre record de dix Oscars (dont celui du meilleur film). En 1960, United Artists acheta Ziv Television Programs et, utilisant l'idée d'un soutien financier pour la télévision, la division télévision d'UA était responsable d'émissions telles que Gilligan's Island de CBS et de trois programmes ABC, The Fugitive avec David Janssen, Outer Limits, une série de science-fiction. , et la comédie de situation The Patty Duke Show avec Patty Duke et William Schallert. L'unité de télévision avait également commencé à constituer une bibliothèque de location importante et rentable, après avoir acheté Associated Artists Productions, les propriétaires de Warner Bros. avant 1950 WB ont conservé deux longs métrages de 1949 qu'ils se sont contentés de distribuer, et tous les courts sujets diffusés sur ou après le 1er septembre 1948, en plus de tous les dessins animés sortis en août 1948, des longs métrages, courts métrages et dessins animés et des 231 courts métrages de dessins animés Popeye achetés à Paramount Pictures, devenant en 1958 United Artists Associated, sa division de distribution. (Voir la note ci-dessous dans les archives cinématographiques pour en savoir plus à ce sujet.) En 1963, United Artists a sorti deux films de Stanley Kramer, la comédie épique It's A Mad, Mad, Mad, Mad World et le drame A Child is Waiting. En 1964, UA a présenté les Beatles au public américain en sortant A Hard Day's Night (1964) et Help! du producteur Walter Shenson. (1965). (Le groupe avait déjà fait des apparitions télévisées très réussies dans The Ed Sullivan Show.) Dans le même temps, il a soutenu deux Nord-Américains expatriés en Grande-Bretagne, qui avaient acquis les droits d'écran des romans de James Bond de Ian Fleming. Pour 1 million de dollars, UA a soutenu Dr. No de Harry Saltzman et Albert Broccoli (qui a fait sensation en 1963) et a lancé la série James Bond. La franchise a survécu à l'époque d'UA en tant que studio majeur, et est toujours en activité un demi-siècle plus tard. Parmi les autres projets à succès soutenus au cours de cette période, citons la série Pink Panther de Blake Edwards, qui a débuté en 1964, et les Westerns Spaghetti de Sergio Leone, qui ont fait de Clint Eastwood une star. En 1964, la filiale française Les Productions Artistes Associés sort sa première production That Man from Rio. Filiale de la Transamerica Corporation Sur la base de sa fantastique série de succès cinématographiques et télévisuels dans les années 1960, la société était une propriété attrayante et, en 1967, 98 % des actions d'UA ont été achetées par le géant de l'assurance basé à San Francisco, la Transamerica Corporation. La Transamerica a choisi David et Arnold Picker pour diriger son studio nouvellement acquis. UA a lancé un nouveau logo intégrant l'emblème en T rayé de la société mère et le slogan « Entertainment from Transamerica Corporation ». Cette formulation sera plus tard simplifiée en « Une société Transamerica ». UA a sorti un autre lauréat de l'Oscar du meilleur film en 1967, In the Heat of the Night, avec Sidney Poitier et Rod Steiger, et nominé pour le meilleur film, The Graduate, une production Embassy que UA a distribuée à l'étranger. En 1970, l’AU a perdu 35 millions de dollars ; ainsi les Pickers furent écartés pour le retour d'Arthur Krim et de Robert Benjamin. Pendant un certain temps, le flot de films à succès s'est poursuivi, notamment la version cinématographique de 1971 de Un violon sur le toit. Cependant, la version cinématographique de 1972 de Man of La Mancha fut un échec. De nouveaux talents ont été encouragés, notamment Woody Allen, Robert Altman, Sylvester Stallone, Saul Zaentz, Miloš Forman et Brian De Palma. En 1973, UA a repris les ventes et la distribution des films de MGM en Anglo-Amérique pendant 10 ans, tandis que Cinema International Corporation a repris les droits de distribution internationale. En 1975, Harry Saltzman vend à UA sa participation de 50 % dans Danjaq, la société holding des films Bond. UA devait rester un partenaire silencieux, apportant de l'argent, tandis qu'Albert Broccoli s'attribuait le crédit du producteur. Depuis lors, Danjaq et UA sont restés les co-détenteurs publics des droits d'auteur de la série Bond, et la version 2006 de Casino Royale partage les droits d'auteur avec Columbia Pictures. Vol au-dessus d'un nid de coucou a été publié par UA en 1975. Il a remporté l'Oscar du meilleur film et a rapporté 56 millions de dollars. UA a suivi avec les lauréats de l'Oscar du meilleur film des deux années suivantes, Annie Hall de Rocky et Woody Allen. Cependant, la Transamerica n'était pas satisfaite des sorties fréquentes par UA de films tels que Midnight Cowboy et Last Tango in Paris classés X par la Motion Picture Association of America. Dans ces cas-là, la Transamerica a exigé que la signature « A Transamerica Company » soit supprimée du logo UA sur les impressions et dans toutes les publicités. À un moment donné, la société mère a exprimé son désir de supprimer progressivement le nom UA et de le remplacer par Transamerica Films. Arthur Krim a tenté de convaincre la Transamerica de scinder United Artists, mais lui et le président de la Transamerica n'ont pas réussi à parvenir à un accord. Finalement, en 1978, à la suite d'un différend avec le chef de la Transamerica, John R. Beckett, au sujet des dépenses administratives, les hauts dirigeants de l'UA, dont le président Krim, le président Eric Pleskow, Benjamin et d'autres dirigeants clés, se sont retirés. Quelques jours plus tard, ils annonçaient la création d'Orion Pictures, avec le soutien de Warner. Les départs de Krim, Pleskow et Benjamin ont tellement inquiété plusieurs personnalités d'Hollywood qu'elles ont publié une annonce dans un journal spécialisé avertissant la Transamerica qu'elle avait commis une erreur fatale en les laissant partir. La Transamerica a nommé Andy Albeck comme président de l'UA. United a connu son année la plus réussie avec quatre films à succès en 1979 : Rocky II, Manhattan, Moonraker et The Black Stallion. La nouvelle direction de l'UA a accepté de soutenir Heaven's Gate, le projet favori du réalisateur Michael Cimino qui a dépassé son budget et a coûté 44 millions de dollars. Cela a conduit à la démission d'Albeck qui a été remplacé par Norbert Auerbach. United Artists a enregistré une perte importante pour l'année, due presque entièrement au fiasco de Heaven's Gate. Pour la Transamerica, ce n’était qu’un incident sur un bilan de plusieurs milliards de dollars, mais cela a détérioré la relation pour toujours. Pour l’ensemble de la communauté hollywoodienne, cela signifiait également que UA était une entreprise qui ne pouvait plus produire de films rentables. Le fiasco de Heaven's Gate a peut-être sauvé le nom d'United Artists, puisque le dernier directeur d'UA avant la vente, Steven Bach, a écrit dans son livre Final Cut qu'il était question de renommer United Artists en Transamerica Pictures. En 1980, les dirigeants de la Transamerica ont décidé que la société devait se retirer du secteur cinématographique et United Artists a été mis en vente. Tracinda Corp. de Kirk Kerkorian a acheté l'entreprise. Tracinda possédait également Metro-Goldwyn-Mayer, qui a acquis United Artists en 1981. Classiques des artistes unis En 1981, United Artists Classics, qui était autrefois une division de la société qui rééditait des titres de bibliothèque, a été transformée en distributeur de films d'art de première diffusion par Nathaniel T. Kwit Jr. Tom Bernard a été embauché comme responsable des ventes de la division. et Ira Deutchman en tant que responsable du marketing. Plus tard, la division a ajouté Michael Barker et Donna Gigliotti. Deutchman est parti pour former Cinecom, et Barker et Bernard ont ensuite formé Orion Classics et Sony Pictures Classics. Le label a principalement sorti des films étrangers et indépendants tels que Ticket to Heaven et The Grey Fox, et des rééditions occasionnelles en première diffusion de la bibliothèque UA, telles que des coupes de réalisateur de Head Over Heels de Joan Micklin Silver et Cutter's Way d'Ivan Passer. Lorsque Barker et Bernard sont partis pour former Orion, le label a été brièvement rebaptisé MGM/UA Classics avant d'être finalement fermé à la fin des années 1980. Société de divertissement MGM/UA Les sociétés fusionnées sont devenues MGM/UA Entertainment Company et ont commencé en 1982 à lancer de nouvelles filiales : le MGM/UA Home Entertainment Group, MGM/UA Classics et le MGM/UA Television Group. Kerkorian a également fait une offre sur les actions publiques restantes, mais a abandonné son offre après une résistance sous la forme de poursuites judiciaires et d'une opposition virulente. Après le rachat d'United Artists, les fonctions de David Begelman ont été transférées de MGM à MGM/UA. Sous Begelman, MGM/UA a produit un certain nombre de films sans succès, et il a été licencié en juillet 1982. Sur les 11 films qu'il a mis en production, au moment de son licenciement, un seul film, Poltergeist, s'est avéré être un franc succès. Dans le cadre de la consolidation, en 1983, MGM a fermé et mis en vente le siège social de longue date d'United Artists au 729 Seventh Avenue à New York. Au début des années 1980, WarGames et Octopussy ont réalisé des bénéfices pour la nouvelle MGM/UA, mais cela n'a pas été suffisant pour Kerkorian. Une restructuration en 1985 a conduit à la création d'unités de production indépendantes MGM et UA, les dirigeants des studios combinés étant chacun chargés d'une seule unité. Les spéculations des analystes étaient que l'un des studios, très probablement UA, serait vendu pour financer le rachat d'actions de l'autre (MGM) afin de privatiser ce studio. Cependant, peu de temps après, le chef d'une unité a été licencié et le directeur restant, Alan Ladd, Jr., a pris en charge les deux. Tourneur Le 7 août 1985, il a été annoncé que Turner Broadcasting System de Ted Turner achèterait MGM/UA. Alors que les licences de films pour la télévision devenaient plus compliquées, Turner comprit l'intérêt d'acquérir la cinémathèque de MGM pour sa superstation WTBS. Selon les termes de l'accord, Turner revendrait immédiatement United Artists à Kerkorian. En prévision de la vente de MGM, Kerkorian a nommé le producteur de films Jerry Weintraub au poste de président-directeur général de United Artists Corporation en novembre 1985. Anthony Thomopoulos, ancien dirigeant de l'American Broadcasting Company, a été recruté comme président de l'UA. Le mandat de Weintraub à l'UA a été bref; il a quitté le studio en avril 1986 et son vide a ensuite été comblé par l'ancien cadre de Lorimar, Lee Rich. Le 25 mars 1986, l'acquisition de MGM/UA par Ted Turner a été finalisée dans le cadre d'une transaction en espèces pour 1,5 milliard de dollars et a été rebaptisée « MGM Entertainment Co. ». Kerkorian a ensuite racheté United Artists pour environ 480 millions de dollars. Société de communication MGM/UA En raison des inquiétudes de la communauté financière concernant le niveau d'endettement de ses entreprises, Ted Turner a été contraint de vendre les actifs de production et de distribution de MGM à United Artists pour 300 millions de dollars le 26 août 1986. Le lot et les installations de laboratoire de MGM ont été vendus à Lorimar-Telepictures. . Turner a conservé la bibliothèque de films et de télévision MGM d'avant mai 1986, ainsi que la bibliothèque d'Associated Artists Productions, Gilligan's Island et ses spin-offs animés, ainsi que les films RKO Pictures que United Artists avait précédemment achetés. United Artists a été rebaptisée MGM/UA Communications Company (MUCC) et organisée en trois unités principales : une production télévisuelle et deux unités cinématographiques. David Gerber dirigeait l'unité TV avec Anthony Thomopoulous chez UA et Alan Ladd, Jr. chez MGM. Malgré une résurgence au box-office en 1987 avec Spaceballs, The Living Daylights et Moonstruck, MUCC a perdu 88 millions de dollars. En avril 1988, les 82 % de Kerkorian dans MUCC étaient à vendre, MGM et UA étant séparés en juillet. Finalement, 25 % de MGM ont été offerts à Burt Sugarman et aux producteurs Jon Peters et Peter Guber, mais le plan a échoué. Rich, Ladd, Thomopoulous et d'autres dirigeants se lassèrent des actions inexplicables de Kerkorian et commencèrent à quitter l'entreprise. Néanmoins, le studio a réussi à gérer des succès au box-office tels que Rain Man (lauréat de l'Oscar du meilleur film en 1988), Baby Boom et The Living Daylights. Cependant, durant cette période, la fortune de l'entreprise s'est considérablement dégradée, perdant de l'argent tandis que sa part de marché tombait à 8 % à la fin des années 1980. À l’été 1988, l’exode massif des cadres commença à affecter les productions, avec de nombreuses annulations de films. La vente en 1989 de MGM/UA à la société australienne Qintex/Australian Television Network (propriétaires de la bibliothèque Hal Roach distribuée par MGM et UA dans les années 1930) a également échoué en raison de la faillite de la société plus tard dans l'année. Le 29 novembre 1989, Turner Broadcasting System (les propriétaires de la bibliothèque MGM d'avant mai 1986) a tenté d'acheter des actifs de divertissement à Tracinda Corporation, notamment MGM/UA Communications Co. (qui comprenait également United Artists, MGM/UA Home Video, et MGM/UA Television Productions), mais a échoué. L’UA était essentiellement en sommeil après 1990, ne sortant aucun film pendant plusieurs années. Les années 1990 Finalement, en 1990, vint la vente au promoteur italien Giancarlo Parretti, qui avait tenté d'acheter Pathé l'année précédente. Parretti avait acheté une société plus petite et l'avait rebaptisée Pathé Communications, espérant un achat réussi de la société française d'origine, mais sa tentative échoua. Il fusionna donc MGM/UA avec son ancienne société, ce qui donna naissance à MGM-Pathé Communications Co. Après avoir acheté MGM/ UA en surestimant sa propre situation financière, Parretti avait fait défaut en moins d'un an à sa banque principale, le Crédit Lyonnais, qui avait saisi le studio en 1992, entraînant également la vente ou la fermeture de la chaîne de cinémas américains de MGM/UA. Le 2 juillet 1992, MGM-Pathé Communications Co. fut de nouveau nommée Metro-Goldwyn-Mayer, Inc. Dans le but de rendre MGM/UA commercialisable, le Crédit Lyonnais accéléra la production et convainquit John Calley de diriger UA. Sous sa supervision, Calley a relancé deux franchises de longue date, les films Pink Panther et James Bond, et a abordé un aspect du passé d'UA en donnant la plus large diffusion jamais réalisée à un film classé NC-17, le controversé de Paul Verhoeven et Joe Eszterhas. Showgirls. MGM a été vendue par le Crédit Lyonnais en 1996, toujours à Tracinda de Kirk Kerkorian, entraînant le départ de Calley du poste de président de l'UA. En 1999, le cinéaste Francis Ford Coppola a tenté de racheter UA à Kerkorian. L'accord a été rejeté, mais Coppola a plutôt signé un accord de production avec le studio. Les années 2000 à aujourd'hui En 1999, UA a été repositionné en tant que studio spécialisé. MGM venait d'acquérir The Samuel Goldwyn Company, qui était l'un des principaux distributeurs de films d'art et d'essai, et après le retrait de ce nom, MGM a intégré UA dans Metro-Goldwyn-Mayer Pictures. G2 Films, successeur de Goldwyn, a été rebaptisé United Artists. La distribution, la marque et les droits d'auteur des principales franchises d'UA (James Bond, Pink Panther et Rocky) ont été transférés à MGM, bien que certaines versions de MGM (notamment la franchise James Bond co-détenue avec Danjaq, LLC et le remake d'Amityville Horror) portent un droit d'auteur de United Artists. Le premier film d'art et essai à porter le nom d'UA était Things You Can Tell Just by Looking at Her. UA (rebaptisé United Artists Films) a embauché Bingham Ray, ancien fondateur d'October Films, pour diriger la société en 2000. Sous sa direction, elle a produit et distribué de nombreux films "art et essai", parmi lesquels : Bowling for Columbine de Michael Moore. ; Nicholas Nickleby en 2002 et le lauréat de l'Oscar du meilleur film en langue étrangère cette année-là, No Man's Land ; et Undertow en 2004, réalisé par David Gordon Green, et Hotel Rwanda de Terry George, une coproduction de UA et Lions Gate Entertainment. En 2005, un partenariat réunissant Comcast, Sony et plusieurs banques d'affaires a racheté United Artists et sa société mère, MGM, pour un total de 4,8 milliards de dollars. Bien qu'il ne s'agisse que d'un investisseur minoritaire, Sony a fermé le système de distribution de MGM et a intégré la plupart de son personnel dans son propre studio, et les films que UA avait terminés et dont la sortie était prévue - Capote, Art School Confidential, The Woods et Romance and Cigarettes - ont été réaffectés à Classiques de Sony Pictures. En mars 2006, MGM a annoncé qu'elle reviendrait en tant que société de distribution au niveau national. Grâce à des accords de distribution frappants avec The Weinstein Company, Lakeshore Entertainment, Bauer Martinez Entertainment et d'autres studios indépendants, MGM a distribué des films de ces sociétés. MGM continue de financer et de coproduire des projets qui sont publiés en collaboration avec le Columbia TriStar Motion Picture Group de Sony sur une base limitée et produit des « tentpoles » pour sa propre société de distribution, MGM Distribution. Sony détenait une participation minoritaire dans MGM, mais sinon, MGM et UA opéraient sous la direction de Stephen Cooper (PDG de MGM et lui-même propriétaire minoritaire). Divertissement des artistes unis Le 2 novembre 2006, MGM a annoncé que l'acteur Tom Cruise et sa partenaire de production de longue date Paula Wagner ressuscitaient UA. Cette annonce est intervenue après que le duo ait été libéré d'une relation de production de quatorze ans chez Paramount Pictures, propriété de Viacom, plus tôt cette année-là. Cruise, Wagner et MGM Studios ont créé United Artists Entertainment LLC et le producteur/acteur et son partenaire détenaient une participation de 30 % dans le studio, avec l'approbation du consortium de propriétaires de MGM. L'accord leur a donné le contrôle de la production et du développement des films. Wagner a été nommé PDG de United Artists, qui s'est vu attribuer une liste annuelle de quatre films avec différentes fourchettes de budget, tandis que Cruise a été producteur pour le studio réorganisé ainsi que star occasionnelle. UA est devenu le premier studio de cinéma à bénéficier d'une dérogation WGA en janvier 2008 lors de la grève des écrivains. Le 14 août 2008, MGM a annoncé que Paula Wagner quitterait United Artists pour produire des films de manière indépendante. Sa production à la tête de l'UA était composée de deux films, tous deux mettant en vedette Cruise, Lions for Lambs et Valkyrie qui, malgré des critiques mitigées, ont connu un succès au box-office grâce à 117 millions de dollars de recettes étrangères. Le départ de Wagner a laissé penser qu'une refonte chez United Artists était imminente. Depuis lors, United Artists a simplement servi de coproducteur avec MGM pour deux sorties : le remake de 2009 de Fame et Hot Tub Time Machine. Tout au long de 2010, en raison de problèmes persistants de dette et de crédit pour MGM Holdings, Inc., la société mère d'United Artists avait laissé le doute sur l'avenir de MGM et d'UA jusqu'à ce que le problème soit résolu vers la fin de l'année. Un rapport financier de 2011 a révélé que MGM avait racheté sa participation de 100 % dans United Artists. MGM a déclaré qu'elle pourrait continuer à réaliser de nouveaux films sous la marque UA. Groupe de médias d'artistes unis Le 22 septembre 2014, MGM a acquis une participation de 55 % dans One Three Media et Lightworkers Media, toutes deux exploitées par les producteurs hollywoodiens mariés Mark Burnett et l'actrice Roma Downey et détenues en partie par Hearst Entertainment. Les deux sociétés ont été regroupées en une nouvelle société de télévision, United Artists Media Group, une renaissance de la marque UA. Burnett est devenu PDG de l'UAMG et Downey est devenu président de Lightworkers Media, la famille et la division religieuse de l'UAMG. UAMG est devenu le studio de distribution des programmes de Mark Burnett Productions tels que Survivor. L’UAMG formera également une chaîne confessionnelle over-the-top. Le 14 décembre 2015, MGM a annoncé qu'elle avait acquis les 45 % restants d'UAMG qu'elle ne possédait pas déjà et a intégré UAMG dans MGM Television. Hearst, Downey et Burnett ont reçu des participations dans MGM évaluées collectivement à 233 millions de dollars. De plus, Burnett a été promu PDG de MGM TV, en remplacement du Roma Khanna sortant. Le service religieux exagéré prévu est devenu une entité distincte appartenant à MGM, Burnett, Downey et Hearst. Avec ce changement, l’UA est redevenue inactive. Aujourd'hui, UA continue d'exister en tant que marque pour le matériel interne que la société mère MGM distribue actuellement. Bibliothèque et liste historique des films La majorité de la bibliothèque d'UA post-1952 appartient désormais à MGM, tandis que les films d'avant 1952 (à quelques exceptions près) appartiennent désormais à d'autres sociétés ou appartiennent au domaine public. Cependant, tout au long de l'histoire du studio en matière de sortie de ses films, UA a agi davantage comme un distributeur que comme un studio de cinéma, attribuant les droits d'auteur à la société de production responsable. Cela explique pourquoi certaines versions d'UA, telles que High Noon (1952) et The Final Countdown (1980), sont toujours sous copyright mais n'appartiennent pas à MGM. Films UA en vidéo À l'origine, UA a loué les droits de vidéo domestique sur ses films (y compris les classiques de Warner Bros. d'avant 1950 qu'ils possédaient à l'époque) à Magnetic Video, la première société de vidéo domestique. Magnetic a été acheté par 20th Century Fox en 1981 et a été renommé 20th Century-Fox Video cette année-là. En 1982, 20th Century-Fox Video a fusionné avec CBS Video Enterprises (qui avait fusionné avec MGM/CBS Home Video après la fusion de MGM avec UA), donnant naissance à CBS/Fox Video. Bien que MGM possédait UA à cette époque, l'accord de licence de ce dernier studio avec CBS/Fox était toujours en vigueur ; cependant, la nouvelle société MGM/UA Home Video a commencé à sortir certains produits UA, y compris des films UA initialement sortis au milieu des années 80. Avant l'achat de MGM, UA avait concédé sous licence les droits vidéo étrangers à Warner Bros. acheté par Ted Turner après sa propriété éphémère de MGM/UA, et par conséquent CBS/Fox a perdu les droits de vidéo domestique sur les films WB d'avant 1950 au profit de MGM/UA Home Video. Lorsque l'accord avec CBS/Fox (hérité de Magnetic Video) a expiré en 1989, les films UA ont commencé à être diffusés via MGM/UA Home Video. Avant les accords avec Magnetic Video et Warner Home Video ; en 1980, United Artists avait des contacts de location exclusifs avec un petit label vidéo appelé VidAmerica aux États-Unis et un autre petit label appelé Intervision Video au Royaume-Uni pour la sortie vidéo personnelle de 20 titres de la bibliothèque UA (par exemple The Great Escape, Some Like It Hot et Hair, ainsi que quelques titres WB d'avant 1950). En 1988, United Artists a concédé sous licence les sorties vidéo de ses titres les plus obscurs à un petit distributeur vidéo spécialisé appelé Wood Knapp Video. Cet accord a duré jusqu'en 1995. Diffusion des artistes unis United Artists possédait et exploitait deux chaînes de télévision entre 1968 et 1977. Les pièces d'identité légales de la société indiquaient généralement « United Artists Broadcasting : un service de divertissement de Transamerica Corporation », ainsi que le logo « T » de Transamerica. De plus, United Artists Broadcasting détenait également le permis de KUAB-TV à Houston, au Texas, qui aurait peut-être été lancé vers 1969 sur la chaîne 20 ; la station serait finalement lancée en 1982 sous un propriétaire différent sous le nom de KTXH. United Artists possédait également une station de radio, WWSH à Philadelphie, de 1970 à 1977. UAB/Transamerica a quitté le secteur de la radiodiffusion en 1977 en vendant WUAB à Gaylord Broadcasting Company et WWSH à Cox Enterprises.

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Quel film préféré des Fêtes mettait en vedette un personnage appelé Kevin McCallister ?

Seul à la maison

Home Alone est une série de comédies familiales réalisées par Chris Columbus (1 & 2), Raja Gosnell (3), Rod Daniel (4) et Peter Hewitt (5). Les deux premiers films, Home Alone (1990) et Home Alone 2 : Lost in New York (1992), suivent les aventures d'un garçon nommé Kevin McCallister (Macaulay Culkin) qui, au cours du film, attrape les cambrioleurs Harry (Joe Pesci) et Marv (Daniel Stern) arrêtés à l'aide de pièges. Le troisième film, Home Alone 3 (1997), a une intrigue similaire mais avec un nouveau protagoniste, Alex Pruitt (Alex D. Linz), et davantage sur le thème de l'espionnage. Un téléfilm, Home Alone 4, a été créé sur ABC le 3 novembre 2002. Ce film présente certains des mêmes personnages présentés dans les deux premiers films, dont le protagoniste Kevin McCallister, mais avec un nouveau casting et un scénario qui ne tombe pas dans le la même continuité. Un deuxième téléfilm, Home Alone: ​​The Holiday Heist, a été créé sur ABC Family le 25 novembre 2012, dans le cadre du bloc de programmation spécial du réseau Compte à rebours jusqu'aux 25 jours de Noël. Comme Home Alone 3, le film ne tourne pas autour de Kevin, mais du nouveau protagoniste de dix ans, Finn Baxter (Christian Martyn). Série de films Seul à la maison (1990) Home Alone est avant tout une histoire de passage à l'âge adulte sur un garçon de 9 ans nommé Kevin McCallister. Il est le plus jeune d'une famille de cinq enfants et est fréquemment tourmenté par ses frères et sœurs aînés. Après que des événements se soient produits entre lui et sa famille, il souhaite ne pas avoir de famille alors que sa mère le punit pour ce qu'il considère comme des raisons injustifiées. Elle l'avertit de faire attention à ce qu'il souhaite et il l'ignore. Il se réveille le lendemain et découvre qu'il est le seul qui reste dans la maison. Il pense que son souhait s'est réalisé et qu'il est enfin seul sans sa famille odieuse. En réalité, il a été laissé chez lui par erreur. Sa famille est en route vers la France pour un voyage de vacances. Alors que ses parents réalisent leur erreur et se précipitent pour rentrer aux États-Unis, Harry et Marv, un couple de voleurs connus sous le nom de "Wet Bandits", tentent de cambrioler la maison et Kevin doit les déjouer avec une collection de pièges faits maison. Ils sont arrêtés à la fin du film. Le film est devenu le film le plus rentable de 1990, avec 476 684 675 $ de recettes mondiales. Malgré un accueil mitigé de la part des critiques, il a été apprécié du public et est considéré comme un film culte depuis sa sortie. Il a également été nominé pour deux Oscars ; Meilleure musique originale pour John Williams et meilleure chanson originale pour "Somewhere in My Memory", musique de Williams et paroles de Leslie Bricusse, perdant respectivement contre Dances with Wolves et Dick Tracy. La performance de Macaulay Culkin lui a valu une nomination au Golden Globe Award du meilleur acteur – film musical ou comédie, mais a perdu face à Gérard Depardieu pour sa performance dans Green Card. Seul à la maison 2 : Perdu à New York (1992) Après que le jeune sarcastique Kevin McCallister (Macaulay Culkin) ait perdu la trace de son père à l'aéroport, il monte par erreur dans un avion à destination de New York, tandis que le reste des McCallister s'envole pour la Floride. Désormais seul dans la Big Apple, Kevin se fraye un chemin dans une chambre de l'hôtel Plaza et commence ses pitreries habituelles. Mais lorsque Kevin découvre que les Sticky Bandits (Joe Pesci, Daniel Stern) sont en liberté, il lutte pour les empêcher de cambrioler le magasin de jouets d'un homme âgé juste avant Noël. Seul à la maison 3 (1997) Ce film ne tourne pas autour de Kevin, mais se concentre sur Alex Pruitt, un jeune garçon seul à la maison avec la varicelle, mais qui se rétablit rapidement. Au même moment, quatre cambrioleurs travaillant pour un groupe terroriste nord-coréen sont envoyés par leur patron pour récupérer une puce électronique top secrète pouvant servir de dispositif de camouflage pour un missile. Ils réussissent à le récupérer et à le cacher dans une voiture télécommandée, mais en raison d'une confusion dans les bagages à l'aéroport avec la voisine des Pruitt, Mme Hess, la voiture atterrit entre les mains d'Alex, qui reçoit la voiture pour pelleter. la neige dans son allée. Les cambrioleurs commencent à fouiller systématiquement toutes les maisons de sa rue. Une fois qu'ils réalisent qu'il possède la puce, ils se préparent à envahir sa maison. Il conçoit des pièges élaborés et embrouille les quatre escrocs avec l'aide de son rat de compagnie, du perroquet de son frère et de quelques fils-pièges complexes, tout en les surveillant avec une caméra vidéo sur la voiture de course. Le film a été nominé pour un Golden Raspberry Award pour le pire remake ou suite, perdant finalement le prix au profit de Speed ​​2: Cruise Control. Home Alone 4 : Reprendre la maison (2002) Le quatrième volet a été réalisé par Rod Daniel et créé en tant que téléfilm sur ABC le 3 novembre 2002. Ce film revient au personnage principal de l'original, Kevin (joué par Mike Weinberg), et à l'un des deux Sticky Bandits, Marv (joué par Mike Weinberg). par French Stewart). Les parents de Kevin ont divorcé et il vit avec sa mère. Il décide d'aller passer Noël avec son père et sa riche petite amie, Natalie, mais se retrouve confronté à son ancien ennemi Marv et à sa nouvelle épouse, Vera (jouée par Missi Pyle), qui remplace Harry depuis que lui et Marv ont mis leur partenariat prend fin. Il est sorti sur DVD de la région 1 le 20 octobre 2003. Le tournage a commencé le 29 juillet à Melbourne. Home Alone 4 : Taking Back the House est le premier film de la série à ne pas être sorti en salles. Seul à la maison 5 : Le braquage des vacances (2012) Le 15 mars 2012, ABC Family a annoncé le développement du cinquième opus de la série Home Alone. Il a été créé exclusivement sur le compte à rebours des 25 jours de Noël d'ABC Family le 25 novembre 2012. Le film met en vedette Christian Martyn, Jodelle Ferland, Malcolm McDowell, Debi Mazar et Eddie Steeples. L'histoire est centrée sur le déménagement de la famille de Californie vers le Maine, où Finn devient convaincu que sa nouvelle maison est hantée. Lorsque ses parents se retrouvent bloqués à l'autre bout de la ville, Finn tend des pièges pour attraper les fantômes de sa nouvelle maison, mais s'avère plutôt gênant pour un groupe de trois voleurs (McDowell, Mazar et Steeples). Casting Jeux vidéo Seul à la maison (1991) Home Alone est sorti en 1991 sur Super Nintendo Entertainment System, Sega Master System, Sega Genesis, Sega Game Gear, Amiga, MS-DOS, Nintendo Entertainment System et Game Boy. Le but du jeu est d'échapper aux Wet Bandits tout en ramenant toute la fortune des McCallister de la maison jusqu'au coffre-fort du sous-sol. Une fois que tous les objets ont été envoyés dans la goulotte jusqu'au sous-sol, Kevin doit surmonter les rats, les chauves-souris et les fantômes qu'il rencontre dans le sous-sol, puis combattre le roi araignée afin qu'il puisse se rendre dans le coffre-fort pour enfermer toutes les richesses de sa famille. . Dans le jeu Home Alone pour PC, le joueur doit installer des pièges pour blesser les Wet Bandits. Dans le titre Home Alone pour la NES, le joueur doit éviter de se faire attraper par les Wet Bandits pendant 20 minutes. Pendant ce temps, il peut installer divers pièges en utilisant des objets dans la maison, chacun avec une force correspondante différente et permettant au bandit qui les fait trébucher de rester inconscient plus longtemps. Kevin peut également se cacher derrière certaines parties de la maison, mais seulement pendant deux tours consécutifs ; toute autre passe simultanée entraînera la fin de la partie. Chaque version du jeu est un exemple du genre trap-em-up, qui comprend également des jeux comme Heiankyo Alien, Space Panic et Lode Runner. Les titres Home Alone Genesis et Game Gear adoptent une approche différente de l'histoire ; alors que l’intrigue tourne toujours autour de la bataille de Kevin contre les Wet Bandits, il doit plutôt protéger plusieurs maisons de son quartier en attendant 20 minutes l’arrivée de la police (40 en difficulté plus élevée). Pendant le jeu, les Wet Bandits parcourent le quartier dans leur camionnette indescriptible jusqu'à ce qu'ils décident d'entrer dans la maison. Kevin peut voyager en traîneau (dans un format vue de dessus) jusqu'aux différentes maisons et se battre avec les bandits alors qu'ils procèdent au vol de la maison dans laquelle ils se trouvent (dans un format plate-forme 2D/à défilement latéral). Lorsque cela se produit, Kevin doit les combattre avec différentes armes et fusils afin de remplir un Pain Meter vide ; lorsqu'il le fera, il aura sauvé cette maison particulière et fait battre en retraite les bandits. Pendant ce temps, cependant, un autre compteur sera rempli en fonction de la quantité volée par les bandits, et si Kevin ne parvient pas à les arrêter (remplissant ainsi ce compteur particulier), la maison deviendra « gelée » et il ne pourra plus y entrer. encore la maison. Si toutes les maisons sont gelées, la partie est terminée. Kevin commence avec un simple pistolet BB, mais il trouve également différents objets qu'il peut combiner pour fabriquer diverses armes à feu qui produisent des effets différents en fonction de la munition (colle, neige, ampoules, ondes sonores, charbons, etc.) et du type d'arme (fusil). : vole le plus loin et le plus rapidement ; bazooka : vole plus lentement et à une distance plus courte ; lancement : tire avec l'arme sur un arc petit et court ; mortier : tire avec l'arme sur un arc élevé mais court.) Chaque arme a une quantité spécifique de tir. munitions, mais la collecte d'autres munitions après l'achèvement de certaines armes permettra de reconstituer la réserve de munitions. Si Kevin entre dans une maison avant les bandits, il peut poser plusieurs pièges dans toute la maison (en accord avec le thème du film du jeu) pour aider à augmenter le Pain Meter et faciliter la protection de la maison. Si l'un des bandits finit par capturer Kevin, il sera pendu à un mur pendant qu'ils continuent de cambrioler la maison, mais il peut s'agiter et tomber du mur pour continuer à défendre la maison. Le jeu commence avec un niveau de difficulté, mais un niveau plus difficile peut être débloqué. Dans la difficulté difficile, Kevin doit attendre 40 minutes pour que la police arrive et la camionnette des bandits roulera plus vite de maison en maison, mais il pourra créer des armes plus récentes et plus puissantes pour les combattre. Seul à la maison 2 : perdu à New York (1992-1993) Home Alone 2 : Lost in New York est sorti sur Super NES, NES et Game Boy en 1992, et sur PC, Sega Genesis et NES en 1993. Bien qu'il soit basé sur le film en termes d'intrigue et de dialogues supplémentaires, le jeu était différent du film. Le portage NES utilise les effets sonores des jeux Simpsons du début des années 1990 ; Bart contre les Space Mutants par exemple. La version Super NES, tout en bénéficiant d'une bande-son avec le synthétiseur d'instruments au son traditionnellement réaliste de la Super NES, a souffert de graphismes et d'effets sonores légèrement post-8 bits, ainsi que d'une sensation disjointe d'incontinuité entre les étapes. La version NES comporte quatre niveaux différents, dont le premier est le Plaza Hotel. Kevin parcourt différents étages et pièces en collectant des power-ups et en évitant le personnel de l'hôtel, les invités fous et les aspirateurs et valises en fuite. Cependant, avant de pouvoir s'échapper, il doit faire face à deux patrons : le toujours persistant détective de la maison et le maître cuisinier. Le niveau suivant se déroule à Central Park et est similaire à l'hôtel Plaza : Kevin récupère ses friandises tout en évitant les rats, les chauves-souris et les voyous divers. Le troisième niveau se déroule dans la maison de ville à trois étages de l'oncle de Kevin. Cette fois, Kevin doit éviter Harry et Marv et installe plusieurs pièges pour tenir à distance les Sticky Bandits (Marv change de nom dans le film). Ce faisant, Kevin doit également trouver les clés qui lui permettront de s'échapper vers l'étage suivant, et finalement vers le toit. Une fois sur le toit, Kevin s'enfuit dans les rues de New York avec les bandits à ses trousses, jusqu'à ce qu'il atteigne l'arbre de Noël géant du Rockefeller Center. C'est ici qu'il reçoit l'aide de la Pigeon Lady pour vaincre Harry et Marv, les renvoyer en prison et enfin retrouver sa famille. Le jeu a reçu un accueil négatif de la part d'Electronic Gaming Monthly. Seul à la maison (2006) Home Alone est sorti uniquement en Europe. Le but du jeu est de traverser cinq zones et d'éliminer les cambrioleurs tout en verrouillant toutes les portes et fenêtres pour empêcher d'autres d'entrer. Le joueur peut collecter des pommes de terre et utiliser des outils pour fermer les entrées, ainsi que des pièges pour attraper les cambrioleurs. . À moins que le joueur ne verrouille toutes les entrées du niveau, vaincre un cambrioleur signifie simplement qu'un autre prend sa place. Home Alone '06 est sorti sur PlayStation 2. Réception Performance au box-office Réaction critique et publique

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Qui est l'auteur de Pygmalion' ?

George Bernard Shaw

Pygmalion est une pièce de George Bernard Shaw, du nom d'un personnage mythologique grec. Il a été présenté pour la première fois sur scène au public en 1913. Le professeur de phonétique Henry Higgins fait le pari qu'il peut entraîner une demoiselle d'honneur Cockney débraillée, Eliza Doolittle, à se faire passer pour une duchesse lors d'une garden-party d'un ambassadeur en lui apprenant à assumer un vernis de noblesse, dont l'élément le plus important, selon lui. , est un discours impeccable. La pièce est une critique acerbe du système de classes britannique rigide de l'époque et un commentaire sur l'indépendance des femmes. Dans la mythologie grecque antique, Pygmalion tomba amoureux d’une de ses sculptures, qui prit alors vie. L'idée générale de ce mythe était un sujet populaire pour les dramaturges anglais de l'époque victorienne, y compris l'une des influences de Shaw, W. S. Gilbert, qui a écrit une pièce à succès basée sur l'histoire intitulée Pygmalion et Galatée, présentée pour la première fois en 1871. Shaw aurait également été familier avec la version burlesque, Galatée, ou Pygmalion inversé. La pièce de Shaw a été adaptée à de nombreuses reprises, notamment sous la forme de la comédie musicale My Fair Lady et du film du même nom. Shaw mentionne que le personnage du professeur Henry Higgins a été inspiré par plusieurs professeurs britanniques de phonétique : Alexander Melville Bell, Alexander J. Ellis, Tito Pagliardini, mais surtout l'acariâtre Henry Sweet. Premières productions Shaw a écrit la pièce au début de 1912 et l'a lue à la célèbre actrice Mme Patrick Campbell en juin. Elle a rejoint le groupe presque immédiatement, mais sa légère dépression nerveuse a contribué au retard d'une production londonienne. Pygmalion a été créé au Théâtre Hofburg de Vienne le 16 octobre 1913, dans une traduction allemande de l'agent littéraire et acolyte viennois de Shaw, Siegfried Trebitsch. Sa première production new-yorkaise a débuté le 24 mars 1914 au Irving Place Theatre de langue allemande. Il a ouvert ses portes à Londres le 11 avril 1914, au His Majesty's Theatre de Sir Herbert Beerbohm Tree et mettait en vedette Mme Campbell dans le rôle d'Eliza et Tree dans le rôle de Higgins, pour 118 représentations. Shaw a dirigé les acteurs à travers des répétitions tumultueuses, souvent rythmées par au moins l'un des deux sortant en trombe du théâtre en colère. Parcelle Shaw était conscient des difficultés liées à la mise en scène d'une représentation complète de la pièce. Reconnaissant dans une "note aux techniciens" qu'une telle chose ne serait possible que "sur un écran de cinéma ou sur des scènes dotées d'une machinerie exceptionnellement élaborée", il a marqué certaines scènes comme susceptibles d'être supprimées si nécessaire. Parmi celles-ci, une courte scène à la fin du premier acte dans laquelle Eliza rentre chez elle, et une scène du deuxième acte dans laquelle Eliza ne veut pas se déshabiller pour prendre son bain, ne sont pas décrites ici. Les autres sont la scène du bal de l'ambassade dans l'acte trois et la scène avec Eliza et Freddy dans l'acte quatre. Ni l'édition Gutenberg référencée tout au long de cette page ni le texte Wikisource lié ci-dessous ne contiennent ces séquences. acte Un 'Portique de l'église Saint-Paul (pas la cathédrale Wren mais l'église Inigo Jones du marché aux légumes de Covent Garden)' – 23h15. Un groupe de personnes s'abrite de la pluie. Parmi eux se trouvent les Eynsford-Hills, des grimpeurs sociaux superficiels qui survivent dans une « pauvreté distinguée », composés initialement de Mme Eynsford-Hill et de sa fille Clara. Le frère de Clara, Freddy, entre après avoir été envoyé plus tôt pour leur trouver un taxi (qu'ils ne peuvent pas se permettre), mais étant plutôt timide et pusillanime, il n'a pas réussi à le faire. Alors qu'il repart à la recherche d'un taxi, il tombe sur une bouquetière, Eliza. Ses fleurs tombent dans la boue de Covent Garden, les fleurs dont elle a besoin pour survivre dans son monde pauvre. Peu de temps après, ils sont rejoints par un gentleman, le colonel Pickering. Tandis qu'Eliza tente de vendre des fleurs au colonel, un passant l'informe qu'un homme est en train d'écrire tout ce qu'elle dit. L'homme est Henry Higgins, professeur de phonétique. Eliza craint que Higgins soit un policier et ne se calmera pas tant que Higgins ne se présentera pas. Il devient vite évident que lui et le colonel Pickering ont un intérêt commun pour la phonétique ; en effet, Pickering est venu d'Inde pour rencontrer Higgins, et Higgins prévoyait d'aller en Inde pour rencontrer Pickering. Higgins dit à Pickering qu'il pourrait faire passer la bouquetière pour une duchesse simplement en lui apprenant à parler correctement. Ces paroles de bravade suscitent l'intérêt d'Eliza, qui aimerait changer sa vie et devenir plus polie, même si, pour elle, cela signifie simplement travailler dans un magasin de fleurs. À la fin de l'acte, Freddy revient après avoir trouvé un taxi, pour découvrir que sa mère et sa sœur sont parties et l'ont laissé avec le taxi. Eliza, une streetwise, lui prend le taxi, utilisant l'argent que Higgins lui a jeté, le laissant seul. Acte deux Higgins – Le lendemain. Alors que Higgins démontre sa phonétique à Pickering, la gouvernante, Mme Pearce, lui dit qu'une jeune fille veut le voir. Eliza est venue parce qu'elle souhaite parler comme une dame dans un magasin de fleurs. Elle dit à Higgins qu'elle paiera les cours. Il ne montre aucun intérêt, mais elle lui rappelle sa vantardise de la veille. Higgins a affirmé qu'il pouvait la faire passer pour une duchesse. Pickering fait un pari avec lui sur sa réclamation et dit qu'il paiera ses cours si Higgins réussit. Elle est envoyée prendre un bain. Mme Pearce dit à Higgins qu'il doit se comporter correctement en présence de la jeune fille. Il doit arrêter de jurer et améliorer ses manières à table. Il ne comprend pas pourquoi elle devrait lui reprocher quelque chose. Alfred Doolittle, le père d'Eliza, apparaît dans le seul but de soutirer de l'argent à Higgins. Il n'a aucun intérêt paternel dans le bien-être de sa fille. Il se considère comme un membre des pauvres indignes et entend continuer à l’être. Doté d'un esprit intelligent et indompté par l'éducation, il a une vision excentrique de la vie. Il est également agressif, et quand Eliza, à son retour, lui tire la langue, il va la frapper, mais en est empêché par Pickering. La scène se termine avec Higgins disant à Pickering qu’ils ont vraiment un travail difficile à accomplir. Acte trois Le salon de Mme Higgins. Higgins fait irruption et dit à sa mère qu'il a choisi une "fille aux fleurs commune" à qui il a enseigné. Mme Higgins n'est pas très impressionnée par les tentatives de son fils pour gagner son approbation, car c'est son jour « à la maison » et elle reçoit des visiteurs. Les visiteurs sont les Eynsford-Hills. Higgins est impoli avec eux à leur arrivée. Eliza entre et se met bientôt à parler de la météo et de sa famille. Même si elle est désormais capable de parler avec des tons magnifiquement modulés, la substance de ce qu'elle dit reste inchangée par rapport au caniveau. Elle confie ses soupçons selon lesquels sa tante a été tuée par des proches, et mentionne que le gin avait été "le lait maternel" pour cette tante, et que le propre père d'Eliza était toujours plus joyeux après une bonne quantité de gin. Higgins fait passer ses remarques comme "la nouvelle bavardage", et Freddy est ravi. Lorsqu'elle part, il lui demande si elle va traverser le parc à pied, ce à quoi elle répond : « Marcher ? Pas très probable ! (Il s'agit de la réplique la plus célèbre de la pièce et, pendant de nombreuses années après les débuts de la pièce, l'utilisation du mot « sanglant » était connue comme un pygmalion ; Mme Campbell était considérée comme ayant risqué sa carrière en prononçant cette réplique sur scène. ) Après son départ avec les Eynsford-Hills, Henry demande l'avis de sa mère. Elle dit que la fille n'est pas présentable et est très inquiète de ce qui va lui arriver, mais ni Higgins ni Pickering ne comprennent ses pensées sur l'avenir d'Eliza et repartent confiants et enthousiasmés quant à la façon dont Eliza s'en sortira. Cela laisse Mme Higgins exaspérée et s'exclamant : "Hommes ! Hommes !! Hommes !!!" Acte quatre La maison de Higgins – Il est minuit et Higgins, Pickering et Eliza sont revenus du bal. Une Eliza fatiguée reste inaperçue, maussade et silencieuse, tandis que Pickering félicite Higgins d'avoir remporté le pari. Higgins se moque et déclare la soirée une "sottise idiote", remerciant Dieu que ce soit fini et disant qu'il en avait marre de tout cela depuis deux mois. Reconnaissant à peine Eliza au-delà de lui demander de laisser un mot à Mme Pearce concernant le café, les deux se couchent. Higgins retourne dans la pièce, à la recherche de ses pantoufles, et Eliza les lui lance. Higgins est déconcerté et est d'abord complètement incapable de comprendre la préoccupation d'Eliza, qui en plus d'être ignorée après son triomphe, est la question de savoir ce qu'elle doit faire maintenant. Quand Higgins comprend, il prend la chose à la légère, disant qu'elle pourrait se marier, mais Eliza interprète cela comme se vendant comme une prostituée. "Nous étions au-dessus, au coin de Tottenham Court Road." Finalement elle rend ses bijoux à Higgins, dont la bague qu'il lui avait offerte, qu'il jette dans la cheminée avec une violence qui effraie Eliza. Furieux contre lui-même pour s'être mis en colère, il maudit Mme Pearce, le café puis Eliza, et enfin lui-même, pour avoir « prodigué » ses connaissances et son « respect et son intimité » à un « guttersnipe sans cœur », et se retire en grand idiot. Eliza fouille dans la cheminée et récupère la bague. Acte cinq Le salon de Mme Higgins, le lendemain matin. Higgins et Pickering, perturbés par la découverte qu'Eliza les a abandonnés, demandent à Mme Higgins d'appeler la police. Higgins est particulièrement distrait, puisqu'Eliza avait assumé la responsabilité de tenir son journal et de garder une trace de ses biens, ce qui amène Mme Higgins à dénoncer leur appel à la police comme si Eliza était « un parapluie perdu ». Doolittle est annoncé ; il en ressort vêtu d'une splendide tenue de mariage et est furieux contre Higgins, qui, après leur précédente rencontre, avait été tellement fasciné par l'éthique peu orthodoxe de Doolittle qu'il l'avait recommandé comme « le moraliste le plus original d'Angleterre » à un riche américain fondateur de sociétés de réforme morale ; l'Américain avait par la suite laissé à Doolittle une pension d'une valeur de trois mille livres par an, ce qui a intimidé Doolittle de rejoindre la classe moyenne et d'épouser sa femme. Mme Higgins observe que cela règle au moins le problème de savoir qui devra subvenir aux besoins d'Eliza, ce à quoi Higgins s'oppose – après tout, il a payé cinq livres à Doolittle pour elle. Mme Higgins informe son fils qu'Eliza est à l'étage et explique les circonstances de son arrivée, faisant allusion à la façon dont Eliza s'est sentie marginalisée et négligée la nuit précédente. Higgins est incapable d'apprécier cela et boude lorsqu'on lui dit qu'il doit se comporter si Eliza veut les rejoindre. Doolittle est invité à attendre dehors. Eliza entre, à l'aise et sûre d'elle. Higgins fanfaronne mais Eliza n'est pas ébranlée et parle exclusivement à Pickering. Lui renvoyant les insultes précédentes de Higgins ("Oh, je ne suis qu'une feuille de chou écrasée"), Eliza remarque que ce n'est que par l'exemple de Pickering qu'elle a appris à être une dame, ce qui laisse Higgins sans voix. Eliza continue en disant qu'elle a complètement laissé derrière elle la fille aux fleurs qu'elle était et qu'elle ne pourrait émettre aucun de ses anciens sons si elle essayait – à ce moment-là, Doolittle émerge du balcon, provoquant une rechute totale d'Eliza dans sa gouttière. discours. Higgins jubile, saute et chante dessus. Doolittle explique sa situation et demande si Eliza l'accompagnera à son mariage. Pickering et Mme Higgins acceptent également d'y aller et partent avec Doolittle et Eliza pour les suivre. La scène se termine par une autre confrontation entre Higgins et Eliza. Higgins demande si Eliza est satisfaite de la vengeance qu'elle a apportée jusqu'à présent et si elle va maintenant revenir, mais elle refuse. Higgins se défend de l'accusation antérieure d'Eliza en affirmant qu'il traite tout le monde de la même manière et qu'elle ne devrait donc pas se sentir exclue. Eliza répond qu'elle veut juste un peu de gentillesse, et que comme il ne cessera jamais de lui montrer ça, elle ne reviendra pas, mais épousera Freddy. Higgins la gronde pour ses ambitions si basses : il en a fait « une épouse pour un roi ». Lorsqu'elle menace d'enseigner la phonétique et de se proposer comme assistante de Nepomuck, Higgins s'emporte à nouveau et promet de lui tordre le cou si elle le fait. Eliza se rend compte que cette dernière menace frappe Higgins en plein cœur et qu'elle lui donne du pouvoir sur lui ; Higgins, pour sa part, est ravi de voir une étincelle de combat chez Eliza plutôt que de l'inquiéter et de l'inquiéter autrefois. Il remarque "Je t'aime comme ça" et la qualifie de "pilier de force". Mme Higgins revient et elle et Eliza partent pour le mariage. Alors qu'ils partent, Higgins donne incorrigiblement à Eliza un certain nombre de courses à faire, comme si leur récente conversation n'avait pas eu lieu. Eliza explique avec dédain pourquoi ils sont inutiles et se demande ce que Higgins va faire sans elle (dans une autre version, Eliza lui dit avec dédain de faire les courses elle-même ; Mme Higgins dit qu'elle obtiendra les objets, mais Higgins lui dit joyeusement que Eliza le fera après tout). Higgins se moque de lui-même à l'idée qu'Eliza épouse Freddy à la fin de la pièce. Fin Pygmalion était la pièce la plus attrayante de toutes les pièces de Shaw. Mais le public populaire, à la recherche d'un divertissement agréable avec de grandes stars dans une salle du West End, souhaitait une « fin heureuse » pour les personnages qu'ils aimaient tant, tout comme certains critiques. Au cours de l'édition 1914, à l'exaspération de Shaw mais pas à sa surprise, Tree chercha à adoucir la fin de Shaw pour plaire à lui-même et à ses maisons de disques. "Du point de vue d'un dramaturge", de Bernard Shaw, recueilli dans Herbert Beerbohm Tree, Some Souvenirs de lui et de son art, rassemblés par Max Beerbohm (1919). Londres : Hutchinson. [https://archive.org/details/herbertbeerbohmt00beer Versions at Text Archive] [https://archive.org/about/about.php Internet Archive] Shaw est revenu pour la 100e représentation et a regardé Higgins, debout à la fenêtre, lancer un bouquet à Eliza. "Ma fin rapporte de l'argent ; vous devriez être reconnaissant", a protesté Tree, ce à quoi Shaw a répondu "Votre fin est maudite ; vous devriez être abattu." Shaw est resté suffisamment irrité pour ajouter un essai post-scriptum, « Que s'est-il passé ensuite », à l'édition imprimée de 1916 pour l'inclure dans les éditions ultérieures, dans lequel il expliquait précisément pourquoi il était impossible que l'histoire se termine avec le mariage de Higgins et Eliza. Il a continué à protéger ce qu'il considérait comme l'intégrité de la pièce et d'Eliza en protégeant la dernière scène. Pour au moins certaines représentations lors de la reprise de 1920, Shaw a ajusté la fin de manière à souligner le message shavien. Dans une note non datée adressée à Mme Campbell, il écrit : Quand Eliza s’émancipe – quand Galatée prend vie – elle ne doit pas rechuter. Elle doit conserver sa fierté et son triomphe jusqu'au bout. Lorsque Higgins prend le bras sur le « cuirassé consort », vous devez instantanément le rejeter avec une fierté implacable ; et c'est la note jusqu'au final « Achetez-les vous-même ». Il sortira au balcon pour assister à votre départ ; revenez triomphalement dans la pièce ; s'exclamer « Galatée ! (ce qui signifie que la statue a enfin pris vie) ; et – un rideau. Ainsi, il a le dernier mot ; et vous l'obtenez aussi. (Cette fin, cependant, n'est incluse dans aucune version imprimée de la pièce.) Shaw s'est battu contre un couple Higgins-Eliza jusqu'en 1938. Il a envoyé au producteur de la version cinématographique de 1938, Gabriel Pascal, une séquence finale qui, selon lui, offrait un juste compromis : une tendre scène d'adieu entre Higgins et Eliza, suivie d'une autre. montrant Freddy et Eliza heureux dans leur magasin de légumes et de fleurs. Ce n'est qu'à l'avant-première qu'il a appris que Pascal avait peaufiné la question de l'avenir d'Eliza avec une scène finale légèrement ambiguë dans laquelle Eliza retourne dans la maison d'un Higgins tristement rêveur et cite avec autodérision son ancien moi en annonçant "Je me suis lavé le visage et mains avant de venir, je l'ai fait". Différentes versions Différentes versions imprimées de la pièce omettent ou ajoutent certaines lignes. La version du Projet Gutenberg publiée en ligne, par exemple, omet la célèbre déclaration de Higgins à Eliza : « Oui, vous avez écrasé une feuille de chou, vous déshonorez la noble architecture de ces colonnes, vous incarnez l'insulte à la langue anglaise ! Je pourrais vous faire passer pour comme la reine de Saba ! » – une réplique si célèbre qu'elle est désormais conservée dans presque toutes les productions de la pièce, y compris la version cinématographique de 1938 de Pygmalion ainsi que dans les versions scéniques et cinématographiques de My Fair Lady. Le co-réalisateur du film de 1938, Anthony Asquith, avait vu Mme Campbell dans la reprise de Pygmalion en 1920 et avait remarqué qu'elle prononçait la phrase suivante : « Je crois que c'est la façon dont ils ont tué la vieille femme. » Il savait que « comme comment » ne figurait pas dans le texte de Shaw, mais il sentait que cela ajoutait de la couleur et du rythme au discours d'Eliza, et aimait penser que Mme Campbell l'avait elle-même improvisée. Dix-huit ans plus tard, il l'ajouta à la réplique de Wendy Hiller dans le film. Dans la pièce originale, le test d'Eliza se déroule lors d'une garden-party d'un ambassadeur, en coulisses. Pour le film de 1938, Shaw et ses co-scénaristes ont remplacé cette exposition par une scène lors d'un bal de l'ambassade ; Nepommuck, le traducteur chanteur dont on parle dans la pièce, est enfin vu, mais son nom est mis à jour pour Aristid Karpathy – ainsi nommé par Gabriel Pascal, le producteur hongrois du film, qui a également veillé à ce que Karpathy confonde Eliza avec une princesse hongroise. Dans My Fair Lady, il est devenu Zoltan Karpathy. (Le changement de nom évitait probablement d’offenser la sensibilité des catholiques romains, car saint Jean Népommuck était, ironiquement, un martyr catholique qui refusait de divulguer les secrets du confessionnal.) Le film de 1938 présentait également les célèbres exercices de prononciation « la pluie en Espagne reste principalement dans la plaine » et « à Hertford, Hereford et Hampshire, les ouragans ne se produisent presque jamais ». Aucun de ces éléments n’apparaît dans la pièce originale. La version cinématographique de la pièce de Shaw ainsi qu'une nouvelle version imprimée incorporant les nouvelles séquences qu'il avait ajoutées pour le scénario du film furent publiées en 1941. Les scènes qu'il avait notées dans "Note for Technicians" sont ajoutées. Influence Pygmalion reste la pièce la plus populaire de Shaw. Le public le plus large de la pièce la connaît comme l'inspiration de la comédie musicale hautement romancée de 1956 et du film de 1964 My Fair Lady. Pygmalion a transcendé les barrières culturelles et linguistiques depuis sa première production. Le British Museum contient « des images de la production polonaise... ; une série de clichés d'Higgins et d'Eliza merveilleusement francisés dans la première production française à Paris en 1923 ; un décor fascinant pour une production russe des années 1930. Il n'y avait aucun pays qui n'avait pas sa propre « vision » des sujets de division de classe et de mobilité sociale, et il est aussi agréable de voir ces différences subtiles dans les décors et les costumes que d'imaginer des traducteurs se creusant la cervelle pour leur propre équivalent de « Not bloody ». probablement'."[http://www.independent.co.uk/opinion/commentators/anne-summers-the-lesson-of-a-polish-production-of-pygmalion-676377.html "La leçon d'un polonais production de 'Pygmalion.'"] The Independent le dimanche 3 juillet 2001. [http://www.independent.co.uk/ The Independent] Joseph Weizenbaum a nommé son programme informatique d'intelligence artificielle ELIZA d'après le personnage d'Eliza Doolittle. Productions notables *1945 : Raymond Massey et Gertrude Lawrence au Théâtre Ethel Barrymore *1974 : Diana Rigg au Théâtre Albery *1984 : Peter O'Toole et Jackie Smith-Wood au Shaftesbury Theatre *1997 : Roy Marsden, Carli Norris (qui a remplacé Emily Lloyd au début des répétitions) et Michael Elphick, mis en scène par Ray Cooney au Albery Theatre *2007 : Tim Pigott-Smith et Michelle Dockery. Directeur Peter Hall. Théâtre Old Vic, Londres. *2007 : Jefferson Mays et Claire Danes dans une reprise à Broadway *2011 : Rupert Everett (plus tard Alistair McGowan) et Kara Tointon au Garrick Theatre, Londres *2011 : Risteárd Cooper et Charlie Murphy à l'Abbey Theatre de Dublin Adaptations ;Scène * My Fair Lady (1956), la comédie musicale de Broadway de Lerner et Loewe (basée sur le film de 1938), avec Rex Harrison dans le rôle de Higgins et Julie Andrews dans le rôle d'Eliza. * Pygmalion (2013) pièce de théâtre australienne ;Film * Pygmalion (1935), une adaptation cinématographique allemande de Shaw et d'autres, avec Gustaf Gründgens dans le rôle de Higgins et Jenny Jugo dans le rôle d'Eliza. Réalisé par Erich Engel. * Pygmalion (1937), une adaptation cinématographique néerlandaise, avec Johan De Meester dans le rôle de Higgins et Lily Bouwmeester dans le rôle d'Elisa. Réalisé par Ludwig Berger. * Pygmalion (1938), une adaptation cinématographique de Shaw et d'autres, avec Leslie Howard dans le rôle de Higgins et Wendy Hiller dans le rôle d'Eliza * My Fair Lady (1964), une version cinématographique de la comédie musicale avec Audrey Hepburn dans le rôle d'Eliza et Rex Harrison dans le rôle de Higgins * The Opening of Misty Beethoven (1976), un film pornographique hardcore américain avec Constance Money et Jamie Gillis. * She's All That (1999) : une version moderne et adolescente de Pygmalion * The Duff (2015) : basé sur le roman du même nom de Kody Keplinger, qui est à son tour une adaptation moderne pour adolescents de Pygmalion. ;Télévision * Une production Hallmark Hall of Fame de Pygmalion de 1963, avec Julie Harris dans le rôle d'Eliza et James Donald dans le rôle de Higgins. * Pygmalion (1973), une version BBC Play of the Month avec James Villiers dans le rôle de Higgins et Lynn Redgrave dans le rôle d'Eliza * Pygmalion (1981), une version cinématographique avec Twiggy dans le rôle d'Eliza et Robert Powell dans le rôle de Higgins * Pygmalion (1983), une adaptation avec Peter O'Toole dans le rôle de Higgins et Margot Kidder dans le rôle d'Eliza * The Makeover, une adaptation moderne de Pygmalion du Hallmark Hall of Fame de 2013, avec Julia Stiles et David Walton et réalisée par John Gray. * Selfie, une sitcom télévisée de 2014 sur ABC, avec Karen Gillan et John Cho. * Classic Alice, une websérie, a diffusé une adaptation de 10 épisodes sur YouTube, avec Kate Hackett et Tony Noto en 2014. * Totalmente Demais, une telenovela brésilienne de 2015, avec Juliana Paes, Marina Ruy Barbosa et Fábio Assunção. ;Langue autre que l'anglais * Ti Phulrani, une adaptation de Pu La Deshpande en marathi. L'intrigue suit de près Pygmalion mais les fonctionnalités linguistiques sont basées sur le marathi. * Santu Rangeeli, une adaptation de Madhu Rye et Pravin Joshi en gujarati. * Une pièce télévisée de 1996 en polonais, traduite par Kazimierz Piotrowski, mise en scène par Maciej Wojtyszko et jouée au Teatr Telewizji (studio de télévision polonaise à Varsovie) par certains des meilleurs acteurs polonais de l'époque. Il a été diffusé à plusieurs reprises à la télévision nationale depuis sa première télévision en 1998. * Une adaptation de 2007 d'Aka Morchiladze et Levan Tsuladze en géorgien jouée au Théâtre Marjanishvili de Tbilissi * Man Pasand, un film hindi de 1980 réalisé par Basu Chatterjee * Ogo Bodhu Shundori, une comédie bengali de 1981 avec Uttam Kumar réalisée par Salil Dutta * Laiza Porko Sushi, une adaptation Papiamento de l'écrivain et artiste May Henriquez * Gönülcelen, une série turque avec Tuba Büyüküstün et Cansel Elcin * Δύο Ξένοι, une série grecque avec Nikos Sergianopoulos et Evelina Papoulia Dans la culture populaire ;Cinéma * Hoi Polloi (1935), une adaptation cinématographique des Trois Stooges. * La comédie scénique de Willy Russell de 1980, Educating Rita, et l'adaptation cinématographique qui a suivi sont similaires dans l'intrigue à Pygmalion. [http://www.willyrussell.com/page2intro.html Willy Russell – Introduction] * La Première Nuit de Pygmalion (1972), une pièce illustrant les tensions dans les coulisses de la première production britannique. * Trading Places (1983), un film avec Eddie Murphy et Dan Aykroyd. * Confessions of a Teenage Drama Queen (2004), un film mettant en vedette Lindsay Lohan où elle auditionne pour une version musicale modernisée de Pygmalion appelée "Eliza Rocks". ;Télévision * L'épisode de la deuxième saison de Moonlighting "My Fair David" (1985) est inspiré du film My Fair Lady, dans une intrigue où Maddie Hayes fait un pari avec David Addison consistant à le rendre plus doux et plus sérieux dans son travail. Elle est son Henry Higgins, alors qu'il est mis dans la position d'Eliza Doolittle, comme la partie drôle, maladroite et mal élevée de la relation. * L'épisode de la troisième saison de L'Homme de l'U.N.C.L.E. "L'Affaire Galatea" (1966) est une parodie de My Fair Lady. Une artiste de bar grossière (Joan Collins) apprend à se comporter comme une dame. Noel Harrison, fils de Rex Harrison, star du film My Fair Lady, est la star invitée. * Dans l'épisode "Pygmalion et Elly" de The Beverly Hillbillies, Sonny reprend sa cour de grande classe avec Elly May en jouant Jules César et Pygmalion. *Dans l'épisode de la saison 4 de The Andy Griffith Show "My Fair Ernest T. Bass", Andy et Barney tentent de transformer Ernest T. Bass sans manières en un gentleman présentable. Les références à « Pygmalion » abondent : les manières de Bass sont testées lors d'une réunion sociale, où l'hôtesse suppose qu'il est un homme du nord. Plusieurs personnages commentent "si vous écriviez cela dans une pièce, personne ne le croirait". * Dans Doctor Who, le personnage de Leela est vaguement basé sur Eliza Doolittle. Elle était une habituée du programme de 1977 à 1978, puis reprise dans des drames audio de 2003 à aujourd'hui. Dans Ghost Light, le personnage de Control est fortement basé sur Eliza Doolittle, avec Redvers Fenn-Cooper dans un rôle similaire à Henry Higgins ; l'histoire fait également référence à la comptine « Rain in Spain » et au Docteur se référant à son compagnon Ace comme « Eliza ». * Dans l'épisode de la saison 2 de Remington Steele "My Fair Steele", Laura et Steele transforment une serveuse de relais routier en mondaine pour débusquer un ravisseur. Steele fait référence au film Pygmalion et My Fair Lady de 1938 et à la manière dont Laura l'a « moulé » dans sa création fictive. * Dans le Magnum, P.I. épisode "Professeur Jonathan Higgins" de la saison 5, Jonathan Higgins tente de transformer son cousin punk rocker en un mondain de la haute société. Higgins fait même référence à Pygmalion dans l'épisode. * L'épisode de Family Guy One If By Clam, Two If By Sea implique une intrigue secondaire avec Stewie essayant de transformer Eliza Pinchley, sa nouvelle voisine à l'accent cockney, en une vraie jeune femme. Il fait le pari avec Brian qu'il pourra améliorer le vocabulaire d'Eliza et lui faire parler sans son accent avant sa fête d'anniversaire. Comprend "The Life of the Wife", une parodie de la chanson "The Rain in Spain" (de My Fair Lady). La voix de Stewie était en fait basée à l'origine sur celle de Rex Harrison. * L'intrigue de l'épisode "Quelqu'un pour veiller sur moi" de Star Trek : Voyager est vaguement basée sur Pygmalion. * Pygmalion est l'inspiration de l'épisode des Simpsons intitulé "Pygmoelian", dans lequel le personnage tristement laid Moe, de Moe's Tavern, fait peau neuve. Il a également été parodié dans une plus large mesure dans l'épisode "My Fair Laddy", où le personnage en cours de changement est le grossier gardien de terrain écossais Willie. * Dans l'épisode "Turnaround" de Boy Meets World, Cory et Shawn découvrent "Pygmalion" en classe, mettant en parallèle leur tentative avec le rendez-vous pas cool de Cory à la danse. * L'épisode iCarly "iMake Sam Girlier" est vaguement basé sur Pygmalion. * L'épisode "Pigmalian" de King of the Hill de la saison 7 décrit un magnat du cochon local déséquilibré qui tente de transformer Luanne en la femme idéalisée des anciennes publicités de son entreprise. * Dans l'épisode "Gambling N'Diction" de The King of Queens, Carrie tente de perdre son accent pour obtenir une promotion en suivant les cours de Spence. L'épisode a été renommé "Carrie Doolittle" en Allemagne. * En 2014, ABC a lancé une comédie situationnelle romantique intitulée Selfie, avec Karen Gillan et John Cho. Il s'agit d'une adaptation moderne qui tourne autour d'une femme obsédée par l'image nommée Eliza Dooley (Gillan) qui est sous la direction sociale du gourou de l'image marketing Henry Higgs (Cho).

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Qui fut le troisième président des États-Unis, après George Washington et John Adams était également célèbre pour ses nombreuses inventions ?

Thomas Jefferson

Le président des États-Unis d'Amérique (POTUS) est le chef d'État et chef du gouvernement élu des États-Unis. Le président dirige le pouvoir exécutif du gouvernement fédéral et est le commandant en chef des forces armées américaines. Le président des États-Unis est considéré comme l’une des personnes les plus puissantes du monde, à la tête de la seule superpuissance mondiale contemporaine. Le rôle consiste notamment à être le commandant en chef de l'armée la plus coûteuse du monde, dotée du plus grand arsenal nucléaire, et à diriger le pays doté de la plus grande économie en termes de PIB réel et nominal. La fonction présidentielle détient un pouvoir dur et doux important, tant aux États-Unis qu’à l’étranger. L'article II de la Constitution américaine confère le pouvoir exécutif des États-Unis au président. Ce pouvoir comprend l'exécution de la loi fédérale, ainsi que la responsabilité de nommer les responsables fédéraux de l'exécutif, de la diplomatie, de la réglementation et de la justice, ainsi que de conclure des traités avec des puissances étrangères avec l'avis et le consentement du Sénat. Le président est en outre habilité à accorder des grâces et des sursis fédéraux, ainsi qu'à convoquer et ajourner l'une ou les deux chambres du Congrès dans des circonstances extraordinaires. Le président est en grande partie chargé de dicter le programme législatif du parti auquel il est inscrit. Le président dirige également la politique étrangère et intérieure des États-Unis. Depuis la création des États-Unis, le pouvoir du président et du gouvernement fédéral s’est considérablement accru. Le président est élu indirectement par le peuple par le biais du collège électoral pour un mandat de quatre ans et est l'un des deux seuls officiers fédéraux élus au niveau national, l'autre étant le vice-président des États-Unis. Le vingt-deuxième amendement, adopté en 1951, interdit à quiconque d'être élu à la présidence pour un troisième mandat complet. Il interdit également à une personne d'être élue à la présidence plus d'une fois si elle a déjà occupé le poste de président, ou de président par intérim, pendant plus de deux ans du mandat d'une autre personne en tant que président. Au total, 43 personnes ont exercé 44 présidences (en comptant séparément les deux mandats non consécutifs de Cleveland) s'étendant sur 56 mandats complets de quatre ans. Le 20 janvier 2009, Barack Obama est devenu le 44e et actuel président. Le 6 novembre 2012, il a été réélu et exerce actuellement son 57e mandat. La prochaine élection présidentielle est prévue pour le 8 novembre 2016 ; le 20 janvier 2017, le président nouvellement élu prendra ses fonctions. Origine En 1776, les Treize Colonies, agissant par l’intermédiaire du Deuxième Congrès Continental, ont déclaré leur indépendance politique de la Grande-Bretagne pendant la Révolution américaine. Les nouveaux États, bien qu’indépendants les uns des autres en tant qu’États-nations, reconnaissaient la nécessité de coordonner étroitement leurs efforts contre les Britanniques. Désireux d'éviter tout ce qui ressemblait de loin à une monarchie, le Congrès a négocié les articles de la Confédération pour établir une alliance faible entre les États. En tant qu'autorité centrale, le Congrès, en vertu des Articles, était dépourvu de tout pouvoir législatif ; il pouvait prendre ses propres résolutions, déterminations et règlements, mais pas de lois, ni de taxes ou de réglementations commerciales locales opposables aux citoyens. Cette conception institutionnelle reflétait la conception selon laquelle les Américains pensaient que le système britannique déchu de la Couronne et du Parlement aurait dû fonctionner par rapport à la domination royale : un organe de surveillance des affaires qui concernaient l'empire tout entier. Hors de toute monarchie, les États ont attribué certaines prérogatives autrefois royales (par exemple, faire la guerre, recevoir des ambassadeurs, etc.) au Congrès, tout en hébergeant individuellement le reste au sein de leurs propres gouvernements d'État respectifs. Ce n'est qu'après que tous les États se sont mis d'accord sur une résolution réglant les revendications territoriales concurrentes de l'Ouest que les articles sont entrés en vigueur le 1er mars 1781, lorsque le Maryland est devenu le dernier État à les ratifier. En 1783, le Traité de Paris assure l'indépendance de chacune des anciennes colonies. La paix étant proche, les États se tournèrent chacun vers leurs propres affaires intérieures. En 1786, les Américains trouvèrent leurs frontières continentales assiégées et faibles, leurs économies respectives en crise alors que les États voisins agitaient les rivalités commerciales les uns avec les autres, voyaient leurs devises fortes affluer sur les marchés étrangers pour payer les importations, leur commerce méditerranéen la proie des pirates nord-africains, et leurs dettes de guerre révolutionnaire financées par l’étranger, impayées et portant intérêts. Des troubles civils et politiques menaçaient. Après la résolution réussie des différends commerciaux et de pêche entre la Virginie et le Maryland lors de la conférence de Mount Vernon en 1785, la Virginie a appelé à une conférence commerciale entre tous les États, prévue pour septembre 1786 à Annapolis, dans le Maryland, dans le but de résoudre les conflits interétatiques de plus grande envergure. antagonismes commerciaux. Lorsque la convention échoua faute de participation en raison des suspicions de la plupart des autres États, les délégués d'Annapolis appelèrent à une convention pour proposer des révisions aux articles, qui se tiendrait au printemps prochain à Philadelphie. Les perspectives pour la prochaine convention semblaient sombres jusqu'à ce que James Madison et Edmund Randolph réussissent à obtenir la présence de George Washington à Philadelphie en tant que délégué pour la Virginie. Lorsque la Convention constitutionnelle s'est réunie en mai 1787, les 12 délégations d'État présentes (le Rhode Island n'a pas envoyé de délégués) ont apporté avec elles une expérience accumulée sur un ensemble diversifié d'arrangements institutionnels entre les pouvoirs législatif et exécutif au sein de leurs gouvernements d'État respectifs. La plupart des États ont maintenu un pouvoir exécutif faible, sans veto ni pouvoir de nomination, élu chaque année par le corps législatif pour un seul mandat, partageant le pouvoir avec un conseil exécutif et contré par un corps législatif fort. New York offrait la plus grande exception, avec un gouverneur unitaire fort avec droit de veto et pouvoir de nomination, élu pour un mandat de trois ans et rééligible pour un nombre indéfini de mandats par la suite. C’est grâce aux négociations à huis clos de Philadelphie que la présidence inscrite dans la Constitution américaine a émergé. Pouvoirs et devoirs Rôle législatif de l'article I Le premier pouvoir que la Constitution confère au président est le veto. La clause de présentation exige que tout projet de loi adopté par le Congrès soit présenté au président avant de pouvoir devenir loi. Une fois le projet de loi présenté, le président dispose de trois options : # Signer la législation ; le projet de loi devient alors loi. # opposer son veto à la législation et la renvoyer au Congrès, en exprimant ses éventuelles objections ; le projet de loi ne devient pas loi, à moins que chaque chambre du Congrès ne vote pour annuler le veto à la majorité des deux tiers. # Ne pas agir. Dans ce cas, le président ne signe ni n’oppose son veto à la législation. Au bout de 10 jours, sans compter les dimanches, deux issues possibles se dessinent : #* Si le Congrès est toujours convoqué, le projet de loi devient loi. #* Si le Congrès s'est ajourné, empêchant ainsi le retour de la législation, le projet de loi ne devient pas loi. Ce dernier résultat est connu sous le nom de veto de poche. En 1996, le Congrès a tenté de renforcer le pouvoir de veto du président avec le Line Item Veto Act. La législation autorise le président à signer tout projet de loi de dépenses tout en supprimant simultanément certains postes de dépenses du projet de loi, en particulier toute nouvelle dépense, tout montant de dépense discrétionnaire ou tout nouvel avantage fiscal limité. Le Congrès pourrait alors revoir ce point particulier. Si le président opposait son veto à la nouvelle législation, le Congrès pourrait annuler ce veto par ses moyens ordinaires, un vote à la majorité des deux tiers dans les deux chambres. Dans l'affaire Clinton c. Ville de New York, la Cour suprême des États-Unis a jugé inconstitutionnelle une telle modification législative du droit de veto. Pouvoirs exécutifs de l'article II Pouvoirs de guerre et des affaires étrangères Le plus important de tous les pouvoirs présidentiels est peut-être le commandement des forces armées américaines en tant que commandant en chef. Même si le pouvoir de déclarer la guerre est constitutionnellement conféré au Congrès, le président a la responsabilité ultime de la direction et de la disposition de l'armée. Le commandement opérationnel actuel des forces armées (appartenant au ministère de la Défense) est normalement exercé par l'intermédiaire du secrétaire à la Défense, avec l'assistance du président des chefs d'état-major interarmées, auprès des commandements des combattants, comme indiqué dans le décret présidentiel approuvé. Plan de commandement unifié (UCP). Les rédacteurs de la Constitution ont pris soin de limiter les pouvoirs du président en matière militaire ; Alexander Hamilton l’explique dans le Federalist n°69 : le Congrès, conformément à la résolution sur les pouvoirs de guerre, doit autoriser tout déploiement de troupes d’une durée supérieure à 60 jours, bien que ce processus repose sur des mécanismes de déclenchement qui n’ont jamais été utilisés, ce qui le rend inefficace. De plus, le Congrès constitue un frein au pouvoir militaire présidentiel grâce à son contrôle sur les dépenses et la réglementation militaires. Alors qu'historiquement, les présidents ont lancé le processus d'entrée en guerre, les critiques ont accusé plusieurs conflits dans lesquels les présidents n'ont pas obtenu de déclarations officielles, notamment l'intervention militaire de Theodore Roosevelt au Panama en 1903, la guerre de Corée, la guerre du Vietnam et les invasions. de Grenade en 1983 et du Panama en 1990. Aux côtés des forces armées, le président dirige également la politique étrangère américaine. Par l'intermédiaire du Département d'État et du Département de la Défense, le président est responsable de la protection des Américains à l'étranger et des ressortissants étrangers aux États-Unis. Le président décide de reconnaître ou non de nouvelles nations et de nouveaux gouvernements, et négocie des traités avec d'autres nations, qui deviennent contraignants pour les États-Unis lorsqu'ils sont approuvés par les deux tiers des voix du Sénat. Bien que cela ne soit pas prévu par la Constitution, les présidents ont aussi parfois recours à des « accords exécutifs » dans les relations extérieures. Ces accords portent fréquemment sur des choix de politique administrative relevant du pouvoir exécutif ; par exemple, la mesure dans laquelle l'un ou l'autre pays présente une présence armée dans une zone donnée, la manière dont chaque pays appliquera les traités sur le droit d'auteur ou la manière dont chaque pays traitera le courrier étranger. Cependant, le XXe siècle a été témoin d’une vaste expansion du recours aux accords exécutifs, et les critiques ont contesté l’ampleur de ce recours en supplantant le processus de traité et en supprimant les freins et contrepoids constitutionnellement prescrits sur l’exécutif dans les relations étrangères. Les partisans rétorquent que les accords offrent une solution pragmatique lorsque le besoin d’une action rapide, secrète et/ou concertée se fait sentir. Pouvoirs administratifs Le président est le chef du pouvoir exécutif du gouvernement fédéral et est tenu par la Constitution de « veiller à ce que les lois soient fidèlement exécutées ». Le pouvoir exécutif compte plus de quatre millions d’employés, dont des militaires. Les présidents procèdent à de nombreuses nominations au sein du pouvoir exécutif : un nouveau président peut en nommer jusqu'à 6 000 avant de prendre ses fonctions et 8 000 de plus pendant son mandat. Les ambassadeurs, membres du Cabinet et autres agents fédéraux sont tous nommés par un président avec « l'avis et le consentement » de la majorité du Sénat. Lorsque le Sénat est en vacances pendant au moins dix jours, le président peut procéder à des nominations pour les vacances. Les nominations pour les vacances sont temporaires et expirent à la fin de la prochaine session du Sénat. Le pouvoir d’un président de licencier des responsables exécutifs est depuis longtemps une question politique controversée. En règle générale, un président peut révoquer à sa guise les fonctionnaires purement exécutifs. Cependant, le Congrès peut restreindre et restreindre le pouvoir d'un président de licencier les commissaires des agences de régulation indépendantes et certains dirigeants exécutifs inférieurs par la loi. Le président possède en outre la capacité de diriger une grande partie du pouvoir exécutif par le biais de décrets fondés sur la loi fédérale ou sur un pouvoir exécutif constitutionnellement accordé. Les décrets sont révisables par les tribunaux fédéraux et peuvent être remplacés par une législation fédérale. Pour gérer la bureaucratie fédérale croissante, les présidents se sont progressivement entourés de plusieurs niveaux de personnel, qui ont finalement été organisés au sein du bureau exécutif du président des États-Unis. Au sein du bureau exécutif, la couche la plus interne des collaborateurs du président (et leurs assistants) se trouve au bureau de la Maison Blanche. Pouvoirs juridiques Le président a également le pouvoir de nommer les juges fédéraux, notamment les membres des cours d'appel des États-Unis et de la Cour suprême des États-Unis. Cependant, ces nominations nécessitent la confirmation du Sénat. Obtenir l’approbation du Sénat peut constituer un obstacle majeur pour les présidents qui souhaitent orienter le système judiciaire fédéral vers une position idéologique particulière. Lorsqu’ils nomment des juges dans les tribunaux de district des États-Unis, les présidents respectent souvent la longue tradition de courtoisie sénatoriale. Les présidents peuvent également accorder des grâces et des sursis, comme cela se fait souvent juste avant la fin d'un mandat présidentiel, non sans controverse. Historiquement, deux doctrines concernant le pouvoir exécutif se sont développées et permettent au président d'exercer le pouvoir exécutif avec un certain degré d'autonomie. Le premier est le privilège exécutif, qui permet au président de ne pas divulguer toute communication faite directement au président dans l'exercice de ses fonctions exécutives. George Washington a invoqué pour la première fois le privilège lorsque le Congrès a demandé à voir les notes du juge en chef John Jay sur une négociation de traité impopulaire avec la Grande-Bretagne. Bien qu’elle ne soit pas inscrite dans la Constitution ou dans toute autre loi, l’action de Washington a créé un précédent pour ce privilège. Lorsque Richard Nixon a tenté d'utiliser le privilège exécutif comme raison pour ne pas remettre au Congrès les preuves assignées à comparaître lors du scandale du Watergate, la Cour suprême a statué dans l'affaire États-Unis c. Nixon, que le privilège exécutif ne s'appliquait pas dans les cas où un président tentait de éviter des poursuites pénales. Lorsque le président Bill Clinton a tenté d'utiliser le privilège exécutif concernant le scandale Lewinsky, la Cour suprême a statué dans l'affaire Clinton contre Jones, que ce privilège ne pouvait pas non plus être utilisé dans des poursuites civiles. Ces affaires ont établi un précédent juridique selon lequel le privilège exécutif est valide, même si l'étendue exacte de ce privilège n'a pas encore été clairement définie. De plus, les tribunaux fédéraux ont permis à ce privilège de rayonner vers l’extérieur et de protéger d’autres employés du pouvoir exécutif, mais ont affaibli cette protection pour les communications du pouvoir exécutif qui n’impliquent pas le président. Le privilège des secrets d’État permet au président et au pouvoir exécutif de dissimuler des informations ou des documents lors de procédures judiciaires si une telle divulgation risque de nuire à la sécurité nationale. Un précédent en faveur de ce privilège est apparu au début du XIXe siècle lorsque Thomas Jefferson a refusé de divulguer des documents militaires lors du procès pour trahison d'Aaron Burr et de nouveau dans l'affaire Totten c. États-Unis, lorsque la Cour suprême a rejeté une affaire intentée par un ancien espion de l'Union. Cependant, ce privilège n'a pas été formellement reconnu par la Cour suprême des États-Unis jusqu'à l'affaire United States v. Reynolds, où il a été considéré comme un privilège de preuve de common law. Avant les attentats du 11 septembre, le recours à ce privilège était rare, mais de plus en plus fréquent. Depuis 2001, le gouvernement a fait valoir ce privilège dans un plus grand nombre de cas et à des stades antérieurs du litige, entraînant ainsi dans certains cas le rejet des poursuites avant d'avoir atteint le fond des réclamations, comme dans la décision du neuvième circuit dans l'affaire Mohamed c. Jeppesen Dataplan, Inc. Les critiques du privilège affirment que son utilisation est devenue un outil permettant au gouvernement de dissimuler des actions gouvernementales illégales ou embarrassantes. Facilitateur législatif La clause d'inéligibilité de la Constitution empêche le président (et tous les autres dirigeants) d'être simultanément membre du Congrès. Par conséquent, le président ne peut pas présenter directement des propositions législatives pour examen au Congrès. Cependant, le président peut jouer un rôle indirect dans l'élaboration de la législation, en particulier si son parti politique détient la majorité dans l'une ou les deux chambres du Congrès. Par exemple, le président ou d'autres responsables du pouvoir exécutif peuvent rédiger un projet de loi, puis demander aux sénateurs ou aux représentants de présenter ces projets au Congrès. Le président peut influencer davantage le pouvoir législatif par le biais de rapports périodiques mandatés par la Constitution au Congrès. Ces rapports peuvent être écrits ou oraux, mais sont aujourd'hui présentés sous forme de discours sur l'état de l'Union, qui présente souvent les propositions législatives du président pour l'année à venir. De plus, le président peut tenter de convaincre le Congrès de modifier la législation proposée en menaçant d'y opposer son veto à moins que les modifications demandées ne soient apportées. Au XXe siècle, les critiques ont commencé à accuser trop de pouvoirs législatifs et budgétaires de tomber entre les mains de présidents qui devraient appartenir au Congrès. En tant que chef du pouvoir exécutif, les présidents contrôlent un large éventail d’agences qui peuvent émettre des réglementations avec peu de contrôle de la part du Congrès. Un critique a accusé les présidents de nommer une « armée virtuelle de « tsars » – chacun n’ayant aucun compte à rendre au Congrès, mais chargé de diriger les efforts politiques majeurs pour la Maison Blanche ». Les présidents ont été critiqués pour avoir fait des déclarations lors de la signature d'une loi du Congrès sur la façon dont ils comprennent un projet de loi ou envisagent de l'exécuter. Cette pratique a été critiquée par l'American Bar Association comme étant inconstitutionnelle. Le commentateur conservateur George Will a parlé d'un « pouvoir exécutif de plus en plus gonflé » et de « l'éclipse du Congrès ». Selon l'article II, section 3, clause 2 de la Constitution, le président peut convoquer l'une ou les deux chambres du Congrès. Si les deux chambres ne parviennent pas à s'entendre sur une date d'ajournement, le président peut fixer une date d'ajournement du Congrès. Rôles cérémoniels En tant que chef de l’État, le président peut respecter les traditions établies par les présidents précédents. William Howard Taft a lancé la tradition de lancer le premier lancer de cérémonie en 1910 au Griffith Stadium, à Washington, D.C., le jour de l'ouverture des sénateurs de Washington. Tous les présidents depuis Taft, à l'exception de Jimmy Carter, ont lancé au moins un premier ballon ou lancer de cérémonie pour la journée d'ouverture, le All-Star Game ou les World Series, généralement en grande pompe. Le président des États-Unis est président d'honneur des Boy Scouts of America depuis la fondation de l'organisation. D'autres traditions présidentielles sont associées aux fêtes américaines. Rutherford B. Hayes a lancé en 1878 le premier roulage d'œufs à la Maison Blanche pour les enfants de la région. À partir de 1947, sous l'administration Harry S. Truman, chaque année de Thanksgiving, le président reçoit une dinde domestique vivante lors de la présentation annuelle de la dinde de Thanksgiving nationale qui a lieu à la Maison Blanche. Depuis 1989, date à laquelle George H. W. Bush a officialisé la coutume de « pardonner » la dinde, la dinde a été emmenée dans une ferme où elle vivra le reste de sa vie naturelle. Les traditions présidentielles impliquent également le rôle du président en tant que chef du gouvernement. De nombreux présidents sortants depuis James Buchanan donnent traditionnellement des conseils à leur successeur lors de la transition présidentielle. Ronald Reagan et ses successeurs ont également laissé un message privé sur le bureau du bureau ovale le jour de l'investiture du nouveau président. Lors d'une visite d'État d'un chef d'État étranger, le président organise généralement une cérémonie d'arrivée d'État sur la pelouse sud, une coutume lancée par John F. Kennedy en 1961. Elle est suivie d'un dîner d'État offert par le président qui a lieu dans la salle à manger d'État plus tard dans la soirée. La présidence moderne considère le président comme l’une des principales célébrités du pays. Certains soutiennent que les images de la présidence ont tendance à être manipulées par les responsables des relations publiques de l'administration ainsi que par les présidents eux-mêmes. Un critique a décrit la présidence comme un « leadership faisant la propagande » qui exerce un « pouvoir fascinant autour du bureau ». Les responsables des relations publiques de l'administration ont organisé des séances de photos soigneusement conçues de présidents souriants avec des foules souriantes devant les caméras de télévision. Un critique a écrit que l'image de John F. Kennedy était décrite comme étant soigneusement encadrée « avec de riches détails » qui « s'appuyaient sur le pouvoir du mythe » concernant l'incident du PT 109 et a écrit que Kennedy comprenait comment utiliser les images pour promouvoir ses ambitions présidentielles. En conséquence, certains commentateurs politiques ont estimé que les électeurs américains ont des attentes irréalistes à l'égard des présidents : les électeurs s'attendent à ce qu'un président « dirige l'économie, vainc les ennemis, dirige le monde libre, réconforte les victimes de la tornade, guérisse l'âme nationale et protège les emprunteurs du crédit caché. -frais de carte." Critiques de l'évolution de la présidence La plupart des pères fondateurs de la nation s'attendaient à ce que le Congrès, qui était la première branche du gouvernement décrite dans la Constitution, soit la branche dominante du gouvernement ; ils ne s’attendaient pas à un exécutif fort. Cependant, le pouvoir présidentiel a évolué au fil du temps, ce qui a donné lieu à des affirmations selon lesquelles la présidence moderne est devenue trop puissante, incontrôlée, déséquilibrée et de nature « monarchiste ». La critique Dana D. Nelson estime que les présidents des trente dernières années ont œuvré en faveur d'un « contrôle présidentiel indivis du pouvoir exécutif et de ses agences ». Elle critique les partisans de l'exécutif unitaire pour avoir élargi « les nombreux pouvoirs exécutifs incontrôlables existants – tels que les décrets, les décrets, les mémorandums, les proclamations, les directives de sécurité nationale et les déclarations de signature législatives – qui permettent déjà aux présidents d'adopter une grande partie de la politique étrangère et intérieure. sans aide, ingérence ou consentement du Congrès. Le militant Bill Wilson a estimé que la présidence élargie était « la plus grande menace jamais vue pour la liberté individuelle et le régime démocratique ». Processus de sélection Admissibilité L'article II, section 1, clause 5 de la Constitution fixe les qualifications suivantes pour exercer la présidence : * être un citoyen américain de naissance ; les citoyens américains nés à l'étranger qui remplissaient les conditions d'âge et de résidence au moment de l'adoption de la Constitution étaient également éligibles à la présidence. Cependant, cette allocation est depuis devenue obsolète. * être âgé d'au moins trente-cinq ans ; * être résident des États-Unis depuis au moins quatorze ans. Le douzième amendement interdit à toute personne inéligible au poste de président de devenir vice-président. Une personne qui répond aux qualifications ci-dessus est toujours inhabile à occuper le poste de président dans l'une des conditions suivantes : * En vertu du vingt-deuxième amendement, personne ne peut être élu président plus de deux fois. L'amendement précise également que si une personne éligible exerce les fonctions de président ou de président par intérim pendant plus de deux ans d'un mandat pour lequel une autre personne éligible a été élue président, la première ne peut être élue président qu'une seule fois. Les chercheurs ne sont pas d'accord sur la question de savoir si une personne exclue par le vingt-deuxième amendement d'être élue présidente est également empêchée d'être vice-présidente. * En vertu de l'article I, section 3, clause 7, en cas de condamnation dans des affaires de destitution, le Sénat a la possibilité de disqualifier les personnes reconnues coupables d'exercer des fonctions fédérales, y compris celles de président. * En vertu de l'article 3 du quatorzième amendement, aucune personne ayant prêté serment de soutenir la Constitution et s'étant ensuite rebellée contre les États-Unis ne peut devenir président. Toutefois, cette disqualification peut être levée par un vote des deux tiers de chaque chambre du Congrès. Campagnes et nomination La campagne présidentielle moderne commence avant les élections primaires, que les deux principaux partis politiques utilisent pour vider le champ des candidats avant leurs conventions nationales de nomination, où le candidat le plus vainqueur est nommé candidat du parti à la présidence. Généralement, le candidat du parti à la présidentielle choisit un candidat à la vice-présidence, et ce choix est approuvé sans discussion par la convention. La profession antérieure la plus courante des présidents américains est celle d’avocat. Les candidats participent à des débats télévisés à l'échelle nationale et, bien que les débats soient généralement limités aux candidats démocrates et républicains, des candidats tiers peuvent être invités, comme Ross Perot lors des débats de 1992. Les candidats font campagne à travers le pays pour expliquer leurs points de vue, convaincre les électeurs et solliciter des contributions. Une grande partie du processus électoral moderne consiste à remporter des États charnières grâce à des visites fréquentes et à des campagnes publicitaires dans les médias de masse. Élection et serment Le président est élu au suffrage indirect. Un certain nombre d'électeurs, collectivement connus sous le nom de Collège électoral, choisissent officiellement le président. Le jour du scrutin, les électeurs de chacun des États et du District de Columbia ont voté pour ces électeurs. Chaque État se voit attribuer un nombre d’électeurs égal à la taille de sa délégation dans les deux chambres du Congrès réunies. Généralement, le ticket qui remporte le plus de voix dans un État remporte tous les votes électoraux de cet État et voit donc sa liste d'électeurs choisie pour voter au Collège électoral. La liste électorale gagnante se réunit dans la capitale de l'État le premier lundi après le deuxième mercredi de décembre, environ six semaines après l'élection, pour voter. Ils envoient ensuite un compte rendu de ce vote au Congrès. Le vote des électeurs est ouvert par le vice-président en exercice – agissant en qualité de président du Sénat – et lu à haute voix lors d'une session conjointe du nouveau Congrès, qui a été élu en même temps que le président. Conformément au vingtième amendement, le mandat du président commence à midi le 20 janvier de l'année suivant l'élection. Cette date, connue sous le nom de Jour d'Inauguration, marque le début des mandats de quatre ans du président et du vice-président. Avant d'exercer les pouvoirs de sa fonction, un président est constitutionnellement tenu de prêter le serment présidentiel : Bien que cela ne soit pas obligatoire, les présidents ont traditionnellement tenu une Bible dans la main tout en prêtant serment et ont ajouté : « Alors, aide-moi, Dieu ! jusqu'à la fin du serment. En outre, bien que le serment puisse être administré par toute personne autorisée par la loi à faire prêter serment, les présidents prêtent traditionnellement serment par le juge en chef des États-Unis. Mandat et limites de mandat La durée du mandat du président et du vice-président est de quatre ans. George Washington, le premier président, a créé un précédent officieux en ne remplissant que deux mandats, que les présidents suivants ont suivis jusqu'en 1940. Avant Franklin D. Roosevelt, les tentatives d'un troisième mandat étaient encouragées par les partisans d'Ulysses S. Grant et de Theodore Roosevelt ; aucune de ces tentatives n’a réussi. En 1940, Franklin D. Roosevelt a refusé de briguer un troisième mandat, mais a permis à son parti politique de le « désigner » comme candidat à la présidentielle et a ensuite été élu pour un troisième mandat. En 1941, les États-Unis sont entrés dans la Seconde Guerre mondiale, ce qui a conduit les électeurs à élire Roosevelt pour un quatrième mandat en 1944. Mais Roosevelt est décédé seulement 82 jours après avoir pris ses fonctions pour un quatrième mandat, le 12 avril 1945. Après la guerre, et en réponse à l'élection de Roosevelt pour les troisième et quatrième mandats, le vingt-deuxième amendement fut adopté. L'amendement interdit à quiconque d'être élu président plus de deux fois, ou une fois si cette personne a accompli plus de la moitié du mandat d'un autre président. Harry S. Truman, président au moment de l'adoption de cet amendement, fut exempté de ses limitations et brigua brièvement un troisième (un deuxième mandat complet) avant de se retirer des élections de 1952. Depuis l'adoption de l'amendement, quatre présidents ont accompli deux mandats complets : Dwight D. Eisenhower, Ronald Reagan, Bill Clinton et George W. Bush. Barack Obama a été élu pour un second mandat et achèvera son mandat le 20 janvier 2017, s'il ne décède pas ou ne démissionne pas avant cette date. Jimmy Carter et George H. W. Bush ont brigué un second mandat, mais ont été vaincus. Richard Nixon a été élu pour un second mandat, mais a démissionné avant de le terminer. Lyndon B. Johnson était le seul président en vertu de l'amendement à être éligible pour remplir plus de deux mandats au total, après avoir servi seulement quatorze mois après l'assassinat de John F. Kennedy. Cependant, Johnson s'est retiré de la Primaire démocrate de 1968, surprenant de nombreux Américains. Gerald Ford a brigué un mandat complet, après avoir purgé les deux dernières années et cinq mois du deuxième mandat de Nixon, mais n'a pas été élu. Poste vacant ou handicap Des vacances au poste de Président peuvent survenir dans plusieurs circonstances possibles : décès, démission et destitution. L'article II, section 4 de la Constitution autorise la Chambre des représentants à destituer de hauts fonctionnaires fédéraux, y compris le président, pour « trahison, corruption ou autres crimes et délits graves ». L'article I, section 3, clause 6 donne au Sénat le pouvoir de révoquer les fonctionnaires mis en accusation, moyennant un vote des deux tiers pour les condamner. La Chambre a jusqu'à présent mis en accusation deux présidents : Andrew Johnson en 1868 et Bill Clinton en 1998. Aucun des deux n'a été condamné par le Sénat ; cependant, Johnson a été acquitté par une seule voix. En vertu de l'article 3 du vingt-cinquième amendement, le président peut transférer les pouvoirs et fonctions présidentielles au vice-président, qui devient alors président par intérim, en transmettant une déclaration au président de la Chambre et au président pro tempore du Sénat indiquant le raisons du transfert. Le président reprend l'exercice des pouvoirs et devoirs présidentiels après avoir transmis à ces deux responsables une déclaration écrite constatant cette reprise. Ce transfert de pouvoir peut avoir lieu pour toute raison que le président juge appropriée ; en 2002, puis à nouveau en 2007, le président George W. Bush a brièvement transféré le pouvoir présidentiel au vice-président Dick Cheney. Dans les deux cas, cela a été fait pour accommoder une procédure médicale qui nécessitait que Bush soit mis sous sédation ; à chaque fois, Bush a repris ses fonctions plus tard le même jour. En vertu de l'article 4 du vingt-cinquième amendement, le vice-président, en conjonction avec une majorité du Cabinet, peut transférer les pouvoirs et fonctions présidentiels du président au vice-président en transmettant une déclaration écrite au président de la Chambre et au président pro tempore du Sénat que le président est incapable de s'acquitter de ses pouvoirs et devoirs présidentiels. Si cela se produit, le vice-président assumera les pouvoirs et fonctions présidentiels en tant que président par intérim ; cependant, le président peut déclarer qu'une telle incapacité n'existe pas et reprendre l'exercice des pouvoirs et devoirs présidentiels. Si le vice-président et le Cabinet contestent cette affirmation, il appartient au Congrès, qui doit se réunir dans les deux jours s'il n'est pas déjà en session, de décider du bien-fondé de la réclamation. La Constitution des États-Unis mentionne la démission du président, mais ne réglemente pas sa forme ni les conditions de sa validité. Conformément à la loi fédérale, la seule preuve valable de la démission du président est un instrument écrit à cet effet, signé par le président et remis au bureau du secrétaire d'État. Cela ne s’est produit qu’une seule fois, lorsque Richard Nixon a remis une lettre à Henry Kissinger dans ce sens. L'article 1 du vingt-cinquième amendement stipule que le vice-président devient président en cas de destitution, de décès ou de démission du président précédent. La loi sur la succession présidentielle de 1947 prévoit que si les postes de président et de vice-président sont vacants ou occupés par une personne handicapée, le prochain officier dans la ligne de succession présidentielle, le président de la Chambre, devient président par intérim. La ligne s'étend ensuite au président pro tempore du Sénat, suivi de tous les membres du Cabinet. Ces personnes doivent remplir toutes les conditions d'éligibilité au poste de président pour pouvoir devenir président par intérim ; les personnes inéligibles sont ignorées. Il n'y a jamais eu d'élection spéciale pour le poste de président. Compensation Depuis 2001, le président gagne un salaire annuel de 400 000 $, ainsi qu'un compte de dépenses annuel de 50 000 $, un compte de voyage non imposable de 100 000 $ et 19 000 $ pour ses divertissements. La plus récente augmentation de salaire a été approuvée par le Congrès et le président Bill Clinton en 1999 et est entrée en vigueur en 2001. La Maison Blanche à Washington, D.C., sert de lieu de résidence officielle du président. Outre l'accès au personnel de la Maison Blanche, les installations dont dispose le président comprennent des soins médicaux, des loisirs, des services d'entretien ménager et de sécurité. Le gouvernement finance les dîners d'État et autres réceptions officielles, mais le président paie le nettoyage à sec et la nourriture du personnel, de la famille et des invités ; la facture alimentaire élevée surprend souvent les nouveaux résidents. L'installation de soutien naval Thurmont, populairement connue sous le nom de Camp David, est un camp militaire basé en montagne dans le comté de Frederick, Maryland, utilisé comme retraite de campagne et pour la protection d'alerte élevée du président et du gu

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Quel est l’âge minimum pour se porter candidat au poste de président des États-Unis ?

35 ans

Il s'agit d'une liste de qualifications que les candidats potentiels doivent posséder pour pouvoir se présenter aux élections présidentielles d'un pays. Afghanistan L'article 62 de la Constitution afghane de 2004 stipule qu'un candidat au poste de président ou de vice-président doit : *être un citoyen musulman d'Afghanistan, né de parents afghans ; *ne pas être citoyen d'un autre pays ; *avoir au moins quarante ans au moment de déclarer sa candidature ; *ne pas avoir été reconnu coupable de crimes contre l'humanité, d'un acte criminel ou privé de ses droits civils par un tribunal ; *ne pas avoir exercé plus de deux mandats de président auparavant. Albanie La Constitution de 1998, article 86, section 2 "Seul un citoyen albanais de naissance qui réside en Albanie depuis au moins 10 ans et qui a atteint l'âge de 40 ans peut être élu président. " Algérie L'article 73, alinéa 1 de la Constitution de 1996 dispose que « Pour être éligible à la Présidence de la République, le candidat doit : avoir, uniquement, la nationalité algérienne d'origine ; être musulman ; être âgé de plus de quarante (40) ans ». - âgé le jour de l'élection ; jouir de la plénitude des droits civils et politiques ; justifier de la nationalité algérienne du conjoint (s'il est né avant juillet 1942) justifier de sa participation à la Révolution du 1er novembre 1954 ; la non-implication des parents du candidat dans des actions hostiles à la Révolution du 1er novembre 1954" ; présenter une déclaration publique de ses biens personnels et immobiliers existant soit en Algérie, soit à l'étranger. L'article 2 prévoit que "D'autres conditions sont prescrites par le loi." Angola L'article 58 de la Constitution de 1992 dispose que "sont éligibles au poste de Président de la République les citoyens angolais de naissance, âgés de plus de 35 ans et jouissant de tous leurs droits civils et politiques". doit être africain d'origine, d'origine ethnique et doit également avoir une solide formation et présenter les documents appropriés Argentine L'article 89 de la Constitution argentine dispose que « Pour être élu président ou vice-président de la Nation, il faut être né sur le territoire argentin, ou être le fils d'un citoyen né dans le pays s'il est né dans un pays étranger ; et pour avoir les autres qualifications requises pour être élu sénateur, l'article 55 exige que pour être élu sénateur, il faut « avoir atteint l'âge de 30 ans » ; « avoir été citoyen de la Nation pendant six ans » et « avoir un revenu annuel de deux mille pesos forts ou revenus similaires". Arménie Article 50 de la Constitution de 1995 : « Toute personne âgée de trente-cinq ans révolus, ayant été citoyen de la République d'Arménie au cours des dix années précédentes, ayant résidé de manière permanente dans la République au cours des dix années précédentes et ayant le droit de Le vote est éligible à la présidence. doit être réélu tous les quatre ans L'Autriche L'article 60, paragraphe (3) de la Constitution de 1983 dispose : « Seule une personne bénéficiant du droit de vote à la Chambre des représentants et âgée de trente-cinq ans avant le premier janvier de l'année au cours de laquelle l'élection a lieu peut être élue président fédéral. » Les membres des maisons régnantes ou des familles anciennement régnantes étaient exclus de l'éligibilité jusqu'en 2011. Azerbaïdjan L'article 100 de la Constitution stipule qu'il faut avoir au moins 35 ans, résider de manière permanente en Azerbaïdjan depuis 10 ans, posséder le droit de vote, ne pas avoir été reconnu coupable d'un crime, n'avoir aucune responsabilité dans d'autres États, être titulaire d'un diplôme universitaire, et ne pas avoir la double nationalité pour devenir président. Bangladesh L'article 48, section 5 de la Constitution prévoit trois facteurs qui disqualifient une personne à la présidence : être âgé de moins de 35 ans, ne pas être qualifié pour être élu au Parlement et avoir déjà été destitué en vertu de la Constitution actuelle. Pour être élu au parlement, il faut être citoyen et avoir au moins 25 ans (ce qui est remplacé par l'exigence présidentielle de 35 ans). En outre, une personne peut être disqualifiée des élections parlementaires pour les raisons suivantes : *Être déclaré aliéné par un tribunal. *Être un insolvable sous-facturé. *Acquérir la citoyenneté ou l'allégeance à un autre État. *Avoir été reconnu coupable d'un crime passible d'une peine de prison de deux ans ou plus au cours des cinq dernières années. *Détient certains postes lucratifs sous le gouvernement. *Est par ailleurs disqualifié par la loi. Biélorussie L'article 80 de la Constitution de la Biélorussie stipule que tout citoyen biélorusse âgé de 35 ans, éligible au vote et résidant en Biélorussie depuis 10 ans peut être élu président. Brésil L'article 14, section III (3) de la Constitution exige qu'un candidat soit : * De nationalité brésilienne. * Admissible à voter. * Inscrit pour voter. * Habiter dans la circonscription électorale. *Membre d'un parti politique. *Âge minimum de 35 ans Colombie L'article 191 de la Constitution colombienne exige que pour être président, il faut être Colombien de naissance ("colombiano por nacimiento"), avoir la pleine citoyenneté ("ciudadano en ejercicio") et avoir plus de 30 ans ("mayor de treinta años"). Estonie Tout citoyen estonien de naissance âgé de quarante ans révolus peut être nommé candidat à la présidence de la République. Une personne qui exerce la fonction de Président de la République pour un deuxième mandat consécutif ne peut pas être candidate à la présidence de la République. Une personne en service actif dans les Forces de Défense ne peut être présentée comme candidate à la présidence de la République. France Les qualifications personnelles requises pour être candidat à l'élection présidentielle sont les mêmes que celles pour toute autre élection officielle, telles que définies dans le Code électoral français. Pour être candidat à une élection, il faut être citoyen, avoir 18 ans révolus, être habilité à voter, ne pas être inéligible en raison d'une condamnation pénale ou d'une décision judiciaire et disposer d'un compte bancaire. La loi n° 62-1292 du 6 novembre 1962 relative à l'élection du Président au suffrage universel (Loi n°62-1292 du 6 novembre 1962 relative à l'élection du Président de la République au suffrage universel) impose en outre aux candidats à la présidentielle d'être nommés par au moins cinq cents élus qualifiés, tels que des députés et des maires. Nouvelle loi a modifié dans son article #20 le deuxième alinéa de l'article #154 du Code électoral français pour abaisser à 18 ans au lieu de 21 l'âge minimum pour postuler, en 1974.[http://www.legifrance. gouv.fr/affichTexte.do?cidTexte=JORFTEXT000000700039 Loi n°74-631 du 5 juillet 1974 FIXANT A 18 ANS L'AGE DE LA MAJORITE | Légifrance] Allemagne L'article 54, paragraphe 1, de la Constitution allemande stipule que « tout Allemand ayant le droit de voter aux élections du Bundestag et ayant atteint l'âge de quarante ans peut être élu ». L'article 116, paragraphe 1, définit « Allemand » comme « une personne qui possède la citoyenneté allemande ou qui a été admise sur le territoire du Reich allemand dans les limites du 31 décembre 1937 en tant que réfugié ou expulsé d'origine ethnique allemande ou en tant que conjoint ou descendant de cette personne. Inde L'article 58 de la Constitution fixe les principales conditions à remplir pour être éligible au poste de président. Un président doit être :. * un citoyen indien. * de 35 ans ou plus * qualifié pour devenir membre du Lok Sabha Une personne ne sera pas éligible à l'élection présidentielle si elle occupe une fonction lucrative auprès du gouvernement de l'Inde ou du gouvernement d'un État ou auprès de toute autorité locale ou autre soumise au contrôle de l'un desdits gouvernements. Certains titulaires de fonctions sont toutefois autorisés à se présenter comme candidats à la présidence. Ceux-ci sont: * L'actuel vice-président. * Le gouverneur de n'importe quel État. * Un ministre de l'Union ou de tout État (y compris le Premier ministre et les ministres en chef). Dans le cas où le vice-président, un gouverneur d'État ou un ministre est élu président, ils sont considérés comme ayant quitté leur poste précédent à la date à laquelle ils commencent à exercer leurs fonctions de président. Mexique La constitution du Mexique exige que le candidat soit un citoyen mexicain de naissance et qu'au moins un parent soit un citoyen mexicain de naissance. La personne doit être âgée d'au moins 35 ans et avoir résidé au Mexique pendant au moins 20 ans au cours de sa vie et pendant toute l'année précédant l'élection. La personne ne doit pas être secrétaire ou sous-secrétaire d'État, procureur général ou gouverneur d'un État au moins 6 mois avant l'élection. Philippines L'article VII, section 2 de la Constitution de 1987 prévoit que nul ne peut être élu président s'il n'est un citoyen philippin de naissance, un électeur inscrit, capable de lire et d'écrire, âgé d'au moins quarante ans le jour de l'élection. élection et résident des Philippines depuis au moins dix ans immédiatement avant cette élection. Le président des Philippines (philippin : Pangulo ng Pilipinas ; espagnol : Presidente) est à la fois chef d'État et chef du gouvernement de la république. Il est chef du pouvoir exécutif et commandant en chef des forces armées des Philippines. Turquie L'article 101 de la Constitution turque précise que le président turc doit avoir terminé ses études supérieures, être âgé d'au moins quarante ans et être membre de la Grande Assemblée nationale turque ou citoyen turc éligible pour être député. Les conditions requises pour ce dernier sont énoncées à l'article 76 et excluent, entre autres, les personnes qui n'ont pas accompli leur service militaire obligatoire et celles qui ont été condamnées pour des délits déshonorants. Les juges, les fonctionnaires et les membres des forces armées ne sont éligibles que s'ils démissionnent de leurs fonctions. les états-unis d'Amérique La personne doit être un citoyen américain de naissance et doit avoir été un résident permanent des États-Unis d'Amérique depuis au moins 14 ans. Chaque candidat doit être âgé d'au moins 35 ans.

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L'Angleterre a remporté la Coupe du monde 1966 en battant l'Allemagne 4-2. Hurst a marqué 3 des buts de l'Angleterre, qui a marqué l'autre ?

Martin Peters

La Coupe du Monde de la FIFA 1966, huitième édition de la Coupe du Monde, s'est déroulée en Angleterre du 11 au 30 juillet. L'Angleterre a battu l'Allemagne de l'Ouest 4-2 en finale, remportant le Trophée Jules Rimet. Avec cette victoire, l'Angleterre remporte son premier titre en Coupe du Monde de la FIFA et devient le troisième hôte de la Coupe du Monde à remporter le tournoi après l'Uruguay en 1930 et l'Italie en 1934. La finale de 1966, organisée au stade de Wembley, fut la dernière à être retransmise en noir et blanc. Le tournoi détenait un record de la FIFA depuis 28 ans pour la plus grande fréquentation moyenne jusqu'à ce qu'il soit dépassé par les États-Unis en 1994. Sélection de l'hôte L'Angleterre a été choisie comme hôte de la Coupe du monde 1966 à Rome, en Italie, le 22 août 1960, face à l'opposition de l'Allemagne de l'Ouest et de l'Espagne. Qualification Malgré l'absence des Africains, un nouveau record d'inscriptions a été enregistré pour le tournoi de qualification, avec la participation de 70 nations. Après tous ces débats, la FIFA a finalement décidé que dix équipes d'Europe seraient qualifiées, ainsi que quatre d'Amérique du Sud, une d'Asie et une d'Amérique du Nord et d'Amérique centrale. Le Portugal et la Corée du Nord se sont qualifiés pour la première fois. Le Portugal ne se qualifiera à nouveau qu'en 1986, tandis que la prochaine apparition de la Corée du Nord aura lieu au tournoi de 2010. C'était également la dernière finale de Coupe du monde de la Suisse jusqu'en 1994. Parmi les absents notables de ce tournoi figuraient la Yougoslavie, demi-finaliste de 1962, et la Tchécoslovaquie, finaliste de 1962. Boycott africain Seize nations africaines ont boycotté le tournoi pour protester contre une décision de la FIFA de 1964 qui obligeait les trois vainqueurs du deuxième tour de la zone africaine à participer à un tour de barrage contre les vainqueurs de la zone asiatique afin de remporter une place en finale. Les Africains ont estimé que remporter leur zone était suffisant en soi pour mériter une qualification pour la finale. Ils protestèrent également contre la réadmission de l'Afrique du Sud à la FIFA en 1963, malgré son expulsion de la CAF en raison du régime de l'apartheid. L'Afrique du Sud a ensuite été affectée au groupe de qualification pour l'Asie et l'Océanie, avant d'être à nouveau suspendue sous la pression d'autres pays africains en octobre 1964. Malgré cela, toutes les équipes africaines ont quand même décidé de se retirer de la Coupe du monde jusqu'à ce qu'au moins une équipe africaine ait une place. assuré lors de la Coupe du Monde, ce qui a été mis en place pour la Coupe du Monde de la FIFA 1970 et toutes les finales de Coupe du Monde ultérieures. Format Le format de la compétition de 1966 est resté le même qu'en 1962 : 16 équipes qualifiées ont été réparties en quatre groupes de quatre. Chaque groupe a joué un format de tournoi à la ronde. Deux points étaient attribués pour une victoire et un point pour un match nul, la moyenne des buts étant utilisée pour séparer les équipes à égalité de points. Les deux meilleures équipes de chaque groupe se qualifient pour la phase à élimination directe. Dans les matchs à élimination directe, si les équipes étaient à égalité après 90 minutes, 30 minutes de prolongation étaient jouées. Pour tout match autre que la finale, si les équipes étaient toujours à égalité après prolongation, un tirage au sort serait effectué pour déterminer le vainqueur. La finale aurait été rejouée en cas d'égalité après prolongation. Dans l'événement, aucune rediffusion ni tirage au sort n'a été nécessaire. Résumé La Coupe du monde de 1966 avait un héros plutôt inhabituel en dehors du terrain, un chien appelé Pickles. Lors de la préparation du tournoi, le trophée Jules Rimet a été volé dans une exposition. Une chasse à l’icône à l’échelle nationale s’ensuivit. Il a ensuite été découvert enveloppé dans du papier journal alors que le chien reniflait sous des buissons à Londres. La FA a commandé une réplique de la coupe au cas où la coupe originale ne serait pas retrouvée à temps. Cette réplique est conservée au English National Football Museum de Manchester, où elle est exposée. Le tirage au sort de la phase finale, qui a eu lieu le 6 janvier 1966 au Royal Garden Hotel de Londres, a été le premier à être télévisé, avec l'Angleterre, l'Allemagne de l'Ouest, le Brésil et l'Italie comme têtes de série. Premier tour 1966 a été une Coupe du Monde avec peu de buts car les équipes ont commencé à jouer de manière beaucoup plus tactique et défensive. Cela a été illustré par l'Angleterre d'Alf Ramsey qui a terminé en tête du Groupe 1 avec seulement quatre buts, mais sans aucun but marqué contre elle. Ils sont également devenus la première équipe vainqueur de la Coupe du monde à ne pas remporter son premier match du tournoi. L'Uruguay était l'autre équipe à se qualifier dans ce groupe aux dépens du Mexique et de la France. Tous les matches du groupe se sont déroulés au stade de Wembley, à l'exception du match entre l'Uruguay et la France qui s'est déroulé au White City Stadium. Dans le groupe 2, l'Allemagne de l'Ouest et l'Argentine se sont qualifiées facilement puisqu'elles ont toutes deux terminé le groupe avec 5 points, l'Espagne en a réussi 2, tandis que la Suisse a quitté la compétition après avoir perdu les trois matches de groupe. La FIFA a averti l'Argentine pour son style violent lors des matchs de groupe, en particulier lors du match nul sans but contre l'Allemagne de l'Ouest, qui a vu l'Argentin Rafael Albrecht être expulsé et suspendu pour le prochain match. Dans le nord-ouest de l'Angleterre, Old Trafford et Goodison Park ont ​​accueilli le Groupe 3 qui a vu le Brésil, double champion en titre, terminer à la troisième place derrière le Portugal et la Hongrie, et être éliminé avec la Bulgarie. Le Brésil a été battu 3-1 par la Hongrie dans une rencontre classique avant de s'incliner sur le même score face au Portugal dans un match controversé ; c'était la pire performance du Brésil dans une Coupe du monde. Le Portugal est apparu en finale pour la première fois et a eu un impact considérable. Ils ont remporté leurs trois matchs de la phase de groupes, grâce à l'aide de leur remarquable attaquant Eusébio, dont les neuf buts ont fait de lui le meilleur buteur du tournoi. Le groupe 4, cependant, a constitué la plus grande surprise lorsque la Corée du Nord a battu l'Italie 1-0 à Ayresome Park, Middlesbrough et a terminé au-dessus d'eux, remportant ainsi la qualification pour le tour suivant avec l'Union soviétique. C’était la première fois qu’une nation extérieure à l’Europe ou aux Amériques sortait de la première étape d’une Coupe du monde : la suivante serait le Maroc en 1986. Quarts de finale, demi-finales et match pour la troisième place Les quarts de finale ont offert une victoire controversée à l'Allemagne de l'Ouest alors qu'elle battait l'Uruguay 4-0 ; les Sud-Américains ont affirmé que cela s'était produit seulement après que l'arbitre (qui était Jim Finney, d'Angleterre) n'avait pas reconnu un handball de Schnellinger sur la ligne de but et avait ensuite expulsé deux joueurs uruguayens : Horacio Troche et Héctor Silva. Il semblait que le paquet surprise de la Corée du Nord allait remporter une autre surprise majeure lors de son match contre le Portugal lorsqu'après 22 minutes, elle menait 3-0. Il revient à l'une des plus grandes stars du tournoi, Eusébio, de changer cela. Il a marqué quatre buts dans le match et José Augusto en a ajouté un cinquième à la 78e minute pour permettre au Portugal de remporter une victoire 5-3. Pendant ce temps, lors des deux autres matchs, le but tardif de Ferenc Bene pour la Hongrie contre l'Union soviétique, dirigé par le gardien stellaire de Lev Yashin, ne s'est avéré guère plus qu'une consolation alors qu'ils se sont écrasés 2-1, et le seul but entre l'Argentine et l'Angleterre. est venu grâce à l'Anglais Geoff Hurst. Au cours de ce match controversé (pour plus de détails, voir Rivalité footballistique entre l'Argentine et l'Angleterre), l'Argentin Antonio Rattín est devenu le premier joueur à être expulsé lors d'un match de football international senior à Wembley. Rattín a d'abord refusé de quitter le terrain et a finalement dû être escorté par plusieurs policiers. Après 30 minutes, l'Angleterre a marqué le seul but du match. Ce jeu est appelé el robo del siglo (le vol du siècle) en Argentine. Tous les demi-finalistes venaient d'Europe. Le lieu de la première demi-finale entre l'Angleterre et le Portugal a été modifié de Goodison Park à Liverpool à Wembley, en raison de la plus grande capacité de Wembley. Cette plus grande capacité était particulièrement significative à une époque où les revenus des billets étaient d'une importance cruciale. Bobby Charlton a marqué les deux buts lors de la victoire de l'Angleterre, le but du Portugal venant d'un penalty à la 82e minute après un handball de Jack Charlton sur la ligne de but. L'autre demi-finale s'est également terminée 2-1 : Franz Beckenbauer a marqué le but vainqueur d'un tir du pied gauche depuis le bord de la surface pour l'Allemagne de l'Ouest alors qu'elle battait l'Union soviétique. Le Portugal a ensuite battu l'Union soviétique 2-1 pour prendre la troisième place. La troisième place du Portugal reste le meilleur résultat d'une équipe faisant ses débuts en Coupe du monde depuis 1934. Elle a ensuite été égalée par la Croatie lors du tournoi de 1998. Final Le stade de Wembley à Londres a accueilli la finale et 98 000 personnes y ont assisté. Après 12 minutes et 32 ​​secondes, Helmut Haller donnait l'avantage à l'Allemagne de l'Ouest, mais le score était égalisé par Geoff Hurst quatre minutes plus tard. Martin Peters a donné l'avantage à l'Angleterre à la 78e minute ; L'Angleterre semblait prête à remporter le titre lorsque l'arbitre a accordé un coup franc à l'Allemagne de l'Ouest à une minute de la fin. Le ballon a été lancé vers le but et Wolfgang Weber a marqué, l'Angleterre faisant appel en vain au handball alors que le ballon traversait la surface de réparation bondée. Avec un score de 2-2 au bout de 90 minutes, le match s'est prolongé en prolongation. À la 98e minute, Hurst se retrouve à nouveau sur la feuille de match ; son tir a touché la barre transversale, a rebondi sur la ligne de but et a été accordé comme but. Le débat fait depuis longtemps rage sur la question de savoir si le ballon a franchi la ligne, ce but faisant désormais partie de l'histoire de la Coupe du Monde ; Ian Reid et Andrew Zisserman prétendent prouver que le ballon n'a pas franchi la ligne. Le dernier but de l'Angleterre a été à nouveau marqué par Hurst, alors qu'une invasion festive du terrain commençait. Cela fait de Geoff Hurst le seul joueur à avoir marqué trois fois lors d'une finale de Coupe du monde. La description des derniers instants du match par le commentateur de la BBC Kenneth Wolstenholme est entrée dans l'histoire : "Certaines personnes sont sur le terrain. Ils pensent que tout est fini... [Hurst marque] C'est maintenant !". Le total de onze buts marqués par l'Angleterre en six matchs a établi un nouveau record pour la moyenne de buts marqués par match par une équipe vainqueur de la Coupe du monde. Le record a duré jusqu'en 1982, date à laquelle il a été dépassé par les douze buts de l'Italie en sept matchs ; en 2010, ce record a été encore abaissé par l'Espagne, remportant la Coupe avec huit buts en sept matchs. Le total de trois buts encaissés par l'Angleterre constitue également un niveau record pour la moyenne de buts par match encaissés par une équipe vainqueur de la Coupe du monde. Ce record a tenu jusqu'en 1994, date à laquelle il a été dépassé par les trois buts du Brésil en sept matches. L'Espagne a de nouveau abaissé le record à deux buts en les encaissant lors de la phase de groupes, puis en blanchissant ses quatre adversaires en phase à élimination directe par 1-0. L'Angleterre a reçu le trophée Jules Rimet récupéré des mains d'Elizabeth II et a été couronnée vainqueur de la Coupe du monde pour la première fois. Dans cette édition de la Coupe du monde, les hymnes nationaux n'ont été joués qu'en finale. Ils n'ont pas été joués lors des matches précédents car les organisateurs (Fifa et FA) craignaient que la présence de la Corée du Nord - un pays socialiste non reconnu par le Royaume-Uni - à la Coupe du monde ne cause des problèmes avec la Corée du Sud. Une note du ministère des Affaires étrangères quelques mois avant la finale indiquait que la solution serait de « refuser les visas aux joueurs nord-coréens ». Mascotte Coupe du monde Willie, la mascotte de la compétition de 1966, fut la première mascotte de la Coupe du monde et l'une des premières mascottes à être associée à une compétition sportive majeure. Willie est un lion, symbole typique du Royaume-Uni, portant un maillot du drapeau de l'Union arborant les mots « COUPE DU MONDE ». Lieux Huit sites ont été utilisés pour cette Coupe du monde. Le stade le plus jeune et le plus grand utilisé était le stade de Wembley, à l'ouest de Londres, qui avait 43 ans en 1966. Comme c'était souvent le cas lors de la Coupe du monde, les groupes jouaient dans deux sites proches l'un de l'autre. Les matches du Groupe 1 (qui incluait les hôtes) ont tous été disputés à Londres : cinq à Wembley, qui était le stade national de l'Angleterre et était considéré comme le stade de football le plus important au monde ; et un au White City Stadium, à l’ouest de Londres, qui a été utilisé comme remplacement temporaire du Wembley voisin. Le match de la phase de groupes Uruguay-France disputé au White City Stadium (construit à l'origine pour les Jeux olympiques d'été de 1908) était prévu un vendredi, le même jour que les courses de lévriers régulièrement programmées à Wembley. Le propriétaire de Wembley ayant refusé d'annuler cela, le match a dû être déplacé vers un autre lieu à Londres. Les matchs du groupe 2 ont été joués au stade Hillsborough du Sheffield Wednesday FC à Sheffield et au Villa Park d'Aston Villa à Birmingham, les matchs du groupe 3 ont été joués au stade Old Trafford de Manchester United à Manchester et au Goodison Park d'Everton FC à Liverpool ; et les matchs du Groupe 4 ont été disputés à l'Ayresome Park du Middlesbrough F.C. à Middlesbrough et au Roker Park du Sunderland A.F.C. à Sunderland ; tous deux situés dans le nord de l’Angleterre. Le lieu le plus utilisé était Wembley, qui a été utilisé pour neuf matches, dont les six matches de l'Angleterre, la finale et le match pour la troisième place. Goodison Park a été utilisé pour cinq matches ; Roker Park et Hillsborough ont tous deux accueilli quatre matches. Old Trafford, Villa Park et Ayresome Park ont ​​chacun accueilli 3 matchs et n'ont accueilli aucun match à élimination directe. Officiels de match ;Afrique *Ali Kandil ;Asie * Menahem Ashkenazi ;Amérique du Nord *Arturo Yamasaki ;Amérique du Sud *José María Codesal * Roberto Goicoechea * Armando Marques ;Europe *John Adair * Tofiq Bahramov * Léo Callaghan *Joaquim Campos *Ken Dagnall * Service Gottfried *Jim Finney *Karol Galba *Juan Gardeazabal Garay * Rudolf Kreitlein *Concept Lo Bello *Bertil Lööw * George McCabe *Hugh Phillips * Dimitar Rumentchev *Pierre Schwinte *Kurt Tschenscher * Konstantin Zečević * Zsolt István Semis Equipes Pour une liste de toutes les équipes ayant participé à la phase finale, voir Équipes de la Coupe du Monde de la FIFA 1966. Résultats Phase de groupes Groupe 1 ---- ---- ---- ---- ---- Groupe 2 *L'Allemagne de l'Ouest a été classée première grâce à une moyenne de buts supérieure. ---- ---- ---- ---- ---- Groupe 3 ---- ---- ---- ---- ---- Groupe 4 ---- ---- ---- ---- ---- Phase à élimination directe Quarts de finale ---- ---- ---- Demi finales ---- Match pour la troisième place Final Buteurs Avec neuf buts, Eusébio a été le meilleur buteur du tournoi. Au total, 89 buts ont été marqués par 47 joueurs différents, dont deux ont été crédités comme buts contre son camp. ;9 buts * Eusébio ;6 buts *Helmut Haller ;4 buts *Geoff Hurst *Ferenc Béné * Valéri Porkujan * Franz Beckenbauer ;3 buts *Luis Artime *Bobby Charlton *Roger Hunt * José Augusto *José Torres *Edouard Malofeyev ;2 buts * Rubén Marcos * Kálmán Mészöly * Parc Seung-jin * Igor Chislenko *Uwe Seeler 1 but *Ermindo Onega *Garrincha * Peau *Rildo * Penny * Georgi Asparuhov *Martin Peters * Héctor De Bourgoing * Gérard Hausser * János Farkas * Paolo Barison * Sandro Mazzola *Enrique Borja * Li Dong-woon * Prenez Doo-ik * Yang Seung-kook *Anthony Simons * Anatoly Banishevsky *Amance * Josep Maria Fusté * Pyrrhus * Manuel Sanchis * René-Pierre Quentin * Julio César Cortés * Pedro Rocha * Lothar Emmerich * Sigfried Tenu *Wolfgang Weber Buts contre son camp * Ivan Davidov (contre la Hongrie) * Ivan Vutsov (contre le Portugal) Équipe d'étoiles Classement rétrospectif FIFA En 1986, la FIFA a publié un rapport classant toutes les équipes de chaque Coupe du Monde jusqu'en 1986 inclusivement, sur la base des progrès réalisés dans la compétition, des résultats globaux et de la qualité de l'opposition. Le classement du tournoi de 1966 était le suivant :

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De quel film de science-fiction des années 1960 la sensation pop des années 1980, Duran Duran, a-t-elle tiré son nom d'un personnage du film ?

Barbarella

Duran Duran est un groupe anglais de new wave/synthpop formé à Birmingham en 1978. C'était un groupe à succès des années 1980 et un groupe leader dans la « Seconde invasion britannique » des États-Unis pilotée par MTV. Depuis les années 1980, ils ont placé 14 singles dans le Top 10 du UK Singles Chart et 21 dans le Billboard Hot 100, et ont vendu plus de 70 millions de disques. Alors qu'ils étaient généralement considérés comme faisant partie de la scène du Nouveau Romantique, aux côtés de groupes tels que Spandau Ballet, lors de leur première apparition, le groupe a ensuite abandonné cette image. Le groupe a travaillé avec des créateurs de mode pour créer une image nette et élégante. Le groupe a remporté de nombreux prix tout au long de sa carrière : deux Brit Awards, dont le prix 2004 pour sa contribution exceptionnelle à la musique, deux Grammy Awards et un MTV Video Music Award pour l'ensemble de sa carrière. Ils ont également reçu une étoile sur le Hollywood Walk of Fame. Les vidéos controversées du groupe, qui comprenaient de la nudité partielle et des suggestions de sexualité, sont devenues populaires au début des années 1980 sur la nouvelle chaîne de vidéoclips de l'époque, MTV. Duran Duran a été parmi les premiers groupes à faire tourner leurs vidéos par des réalisateurs professionnels avec des caméras 35 mm, ce qui donnait à leurs vidéos un aspect beaucoup plus soigné que ce qui était standard à l'époque. En 1984, le groupe a été l'un des premiers innovateurs en matière de technologie vidéo dans leurs spectacles en direct dans les stades. Le groupe a été formé par le claviériste Nick Rhodes et le bassiste John Taylor, avec l'ajout ultérieur du batteur Roger Taylor, et après de nombreux changements de personnel, le guitariste Andy Taylor et le chanteur Simon Le Bon. Ces cinq membres figuraient dans leur line-up le plus réussi commercialement. Le groupe ne s'est jamais dissous, mais après la séparation d'Andy Taylor en 1986, le line-up a changé pour inclure l'ancien guitariste américain de Missing Persons, Warren Cuccirullo, de 1989 à 2001, et le batteur américain Sterling Campbell, de 1989 à 1991. Les membres du groupe au début des années 2000 ont fait sensation parmi les fans du groupe et les médias musicaux. Malins (2006), pp. 271-272. Andy Taylor a de nouveau quitté le groupe à la mi-2006, et le guitariste Dom Brown travaille depuis avec le groupe en tant que musicien de session et membre en tournée. Histoire 1978-1980 : Formation et premières années John Taylor et Nick Rhodes ont formé Duran Duran à Birmingham, en Angleterre, en 1978, où ils sont devenus le groupe résident de la discothèque Rum Runner de la ville. Au club, ils faisaient des travaux comme John travaillant à la porte et avec Nick comme DJ pour 10 £ la nuit. Ils ont commencé à répéter et à jouer régulièrement sur place. Il y avait de nombreuses boîtes de nuit à proximité, et la seule « importante », où des groupes tels que les Sex Pistols et The Clash jouaient des concerts, s'appelait Barbarella's. Ils donneront ensuite au groupe le nom d'un personnage de Barbarella, le film de science-fiction français de Roger Vadim. Le personnage, interprété par Milo O'Shea, s'appelle "Dr Durand Durand". Le premier chanteur du groupe fut Stephen Duffy. Simon Colley rejoignit bientôt Taylor, Rhodes et Duffy. Colley était le bassiste original du groupe, tout comme John Taylor était le guitariste à ce stade. C'était la première formation complète du groupe à jouer des concerts. Pour la batterie et les percussions, une boîte à rythmes électronique appartenant à Rhodes a été utilisée. Colley a quitté le groupe avant l'ajout d'Andy Taylor. Quelques guitaristes furent ensuite auditionnés (pour la plupart, sans succès) ainsi qu'une poignée de chanteurs après que Duffy quitta Duran Duran au début de 1979. Parmi la poignée de chanteurs qu'ils avaient avant Simon Le Bon se trouvait Andy Wickett, qui avait un diplôme majeur. participé à l'écriture de "Girls on Film" pendant son mandat avec le groupe, selon l'autobiographie d'Andy Taylor. (Wickett figure également sur certaines des démos présentées à EMI.) Selon les sites Web de Wickett et de John Taylor, Wickett a co-écrit une première version de la chanson connue sous le nom de "Rio". Après le départ de Colley et Wickett, le groupe recrute le chanteur Jeff Thomas et le guitariste Alan Curtis, chacun pour une période relativement brève, avant de finalement s'installer sur Andy Taylor à la guitare solo et Le Bon au chant en 1980. La rencontre du batteur Roger Taylor en 1979 avec John Taylor, Rhodes et Wickett lors d'une soirée, ainsi que le départ de Colley, amènent John Taylor à passer à la basse. Roger Taylor est alors devenu leur premier batteur (humain). C'est ce line-up (John Taylor à la basse et à la guitare avec Rhodes, Wickett et Roger Taylor) qui a réalisé les toutes premières démos du studio Duran Duran. En avril 1980, le guitariste Andy Taylor est venu de Newcastle pour auditionner après avoir répondu à une annonce dans Melody Maker. En mai 1980, le chanteur londonien Simon Le Bon a été recommandé au groupe par une ex-petite amie qui travaillait au Rum Runner. Les propriétaires du club, les frères Paul et Michael Berrow, sont devenus la direction du groupe, les payant pour travailler comme portiers, disc-jockeys et busboys lorsqu'ils ne répétaient pas. Le groupe était généralement considéré comme faisant partie de la scène du Nouveau Romantique, avec d'autres groupes de style et de danse tels que Spandau Ballet, Japan et ABC. En 1980, ils enregistrent deux cassettes démo et se produisent dans des clubs autour de Birmingham et de Londres. À la fin des années 1980, lors d'une tournée en première partie de Hazel O'Connor, le groupe attire l'attention de la critique, ce qui entraîne une guerre d'enchères entre les maisons de disques EMI et Phonogram Records. Malins (2006), p. 60 « Un certain patriotisme » envers le label des Beatles les a amenés à signer avec EMI en décembre ; Duran Duran a été parmi les premiers groupes à travailler sur leurs propres remixes. Avant l'époque des synthétiseurs numériques et de l'échantillonnage audio simple, ils créaient des arrangements multicouches de leurs singles, enregistrant parfois des performances étendues entièrement différentes des chansons en studio. Ces "versions nocturnes" n'étaient généralement disponibles que sur vinyle sous forme de faces B de singles 45 tours ou de singles club 12 pouces jusqu'à la sortie de la compilation Night Versions: The Essential Duran Duran en 1999. Dès le début de leur carrière commune, tous les membres du groupe avaient un sens aigu du style visuel. Ils ont travaillé avec le styliste Perry Haines et des créateurs de mode tels que Kahn & Bell et Antony Price pour créer une image nette et élégante, dépassant bientôt les volants et les écharpes du premier look New Romantic à saveur de pirate qui avait été popularisé par Adam et les fourmis pendant 1980-81. Ils ont continué à présenter la mode comme faisant partie de leur offre tout au long de leur carrière. Dans les années 1990, ils ont travaillé avec Vivienne Westwood et dans les années 2000 avec Giorgio Armani. Le groupe a conservé le contrôle créatif de leur présentation visuelle et a travaillé en étroite collaboration avec le graphiste Malcolm Garrett et bien d'autres au fil des années pour créer des pochettes d'album, des programmes de tournée et d'autres supports. Les cinq membres du groupe étaient photogéniques. Les magazines pour adolescents et musicaux du Royaume-Uni se sont rapidement rendu compte de leur beauté, et les États-Unis ont rapidement suivi. C'était un mois rare au début des années 1980 où il n'y avait pas au moins une photo des membres du groupe dans les magazines pour adolescents tels que Smash Hits ou Tiger Beat. John Taylor a fait remarquer un jour que le groupe était « comme une boîte de chocolats Quality Street ; tout le monde est le préféré de quelqu'un ». Duran Duran en est venu plus tard à regretter cette première exposition de pin-up, mais à l'époque, cela a contribué à attirer l'attention nationale. Dans une interview avec Rock Fever Superstars Magazine au début de 1988, John Taylor a déclaré : Nous étions un nom très chi-chi en 1979, mais ensuite le battage médiatique des Fab Five a commencé et quelque chose s'est mal passé. Quelque chose s'est vraiment mal passé. Ce n'était pas ce que je voulais. [...] Non pas que je n'aimais pas qu'on me crie dessus. À un moment donné, je l'ai vraiment fait." 1981-1982 : premier album Le premier album du groupe, Duran Duran, est sorti sur le label EMI en 1981. Le premier single, "Planet Earth", a atteint le top 20 du Royaume-Uni au numéro 12. Un suivi, "Careless Memories", est resté au numéro 37. Cependant, c'est leur troisième single, "Girls on Film", qui a le plus attiré l'attention. La chanson est allée au numéro 5 au Royaume-Uni. La vidéo, mettant en vedette des femmes seins nus se battant dans la boue, des combats d'oreillers et des représentations stylisées d'autres fétiches sexuels, a été réalisée avec le duo de réalisateurs Godley & Creme en août. La vidéo a été tournée deux semaines seulement après le lancement de MTV aux États-Unis. Malins (2006), pp. 77-79. Le groupe s'attendait à ce que la vidéo "Girls on Film" soit diffusée dans les boîtes de nuit les plus récentes dotées d'écrans vidéo ou sur des chaînes de télévision payantes comme la chaîne Playboy. Kevin Godley a expliqué la réflexion derrière cela : La direction de Duran Duran nous a demandé très explicitement de réaliser une pièce très sensationnelle et érotique qui serait destinée aux clubs, où elle serait diffusée sans censure juste pour que les gens le remarquent et en parlent. La vidéo a été fortement éditée pour MTV. L'album a atteint un sommet dans le top 20 britannique au numéro 3. Plus tard en 1981, le groupe s'est lancé dans sa première tournée de clubs aux États-Unis, suivie d'autres dates en Allemagne et au Royaume-Uni. Cette deuxième tournée en Grande-Bretagne a coïncidé avec une vague d'émeutes déclenchées par le chômage et les tensions raciales, notamment celles de Moss Side et de Toxteth. Le groupe a joué à Birmingham le lendemain des émeutes de Handsworth. Duran Duran a commencé à acquérir une reconnaissance mondiale en 1982. En mai, ils ont sorti leur deuxième album, Rio, qui a marqué quatre singles du Top Twenty britannique avec "My Own Way", "Hungry Like the Wolf", "Save a Prayer" et le titre chanson "Rio". Une tournée en tête d'affiche en Australie, au Japon et aux États-Unis a été suivie d'un passage en première partie de Blondie lors de la dernière tournée américaine de ce groupe. Diana, princesse de Galles, a déclaré Duran Duran son groupe préféré, et le groupe a été surnommé « The Fab Five » par la presse britannique, en les comparant aux Beatles dont le surnom était The Fab Four. Malins (2006), p. 118. Au début, l’album Rio n’a pas bien marché aux États-Unis. EMI au Royaume-Uni avait promu Duran Duran en tant que groupe New Romantic, mais le mouvement New Romantic était à peine connu aux États-Unis et la filiale américaine d'EMI, Capitol Records, ne savait pas comment les vendre. Après Carnival, un EP des remixes dance de Rio est devenu populaire auprès des DJ à l'automne, le groupe s'est arrangé pour que la majeure partie de l'album soit remixée par David Kershenbaum. En juin 1982, Duran Duran est apparu pour la première fois à la télévision américaine, interprétant "Hungry Like the Wolf" et "Rio" sur Dancin' On Air, le précurseur de l'émission nationale à succès Dance Party USA. Désormais présenté comme un album dance, Rio a été réédité aux États-Unis en novembre et a commencé à grimper dans les charts américains six mois après son succès européen. MTV a placé "Hungry Like the Wolf" et plusieurs autres vidéos de Duran Duran en rotation importante, propulsant le single et l'album dans le top 20 américain au début de 1983. La ballade "Save a Prayer" a également bien marché. "Le groupe était naturel pour la télévision musicale", a noté le magazine Rolling Stone. "Ils pourraient être le premier groupe de rock à surfer sur la vague vidéo." L'album a finalement atteint la sixième place aux États-Unis et y est resté dans les charts pendant 129 semaines. En 2003, Rio figurait au 65e rang de la liste NME des 100 plus grands albums de tous les temps. 1983-1985 : Les « Fab Five » Le groupe débute l'année 1983 en jouant au MTV New Year's Eve Rock 'n' Roll Ball avec "Hungry Like the Wolf" qui grimpe toujours dans les charts aux États-Unis, et la réédition américaine du single "Rio" suivra en mars. Pour satisfaire l'appétit des Américains pour leur musique, le groupe a réédité son premier album éponyme aux États-Unis au milieu de l'année avec l'ajout du nouveau single "Is There Something I Should Know?". À sa sortie, cette chanson est entrée dans les charts au numéro 1 au Royaume-Uni (une rareté à l'époque et leur premier sommet dans leur pays d'origine) et a atteint le numéro 4 des charts américains. Lors de la promotion de cet album, Rhodes et Le Bon étaient des VJ invités de MTV pour un show, au cours duquel l'artiste et admirateur Andy Warhol est venu les saluer. "Nos premiers concerts aux États-Unis étaient fous et cultes", a déclaré Rhodes plus tard, "Mais quand nous sommes revenus après que 'Hungry' soit devenu un succès, c'était le chaos. C'était la Beatlemania. Nous faisions une signature de 'Girls on". Filmez la vidéo dans un magasin de Times Square. Nous ne pouvions pas sortir du magasin. Les flics ont bouclé les rues. Également en 1983, le claviériste Nick Rhodes a produit le hit numéro 1 britannique et numéro 5 américain "Too Shy" pour le groupe anglais Kajagoogoo et Andy Taylor est devenu le premier membre de Duran Duran à se marier. Le groupe a passé l'année suivante en exil fiscal, écrivant des chansons dans un château en France où The Tube avec Jools Holland a filmé un documentaire avec le groupe en mai 1983 avant de s'envoler pour Montserrat puis Sydney pour enregistrer et mixer leur troisième album. Au cours de l'été, ils sont retournés au Royaume-Uni pour donner deux concerts, le premier le 20 juillet devant le prince et la princesse de Galles au Dominion Theatre, et le second, un concert de charité au domicile d'Aston Villa. Le groupe était sous pression pour donner suite au succès de Rio, et le processus d'enregistrement a duré plus de six mois alors que différents membres du groupe traversaient des crises de perfectionnisme et d'insécurité. Un mode de vie nouvellement décadent et des problèmes de toxicomanie pour certains membres ont ajouté des complications. Dans le film documentaire Extraordinary World, tourné une décennie plus tard, Rhodes a décrit l'effet sur leur son comme « une hystérie à peine contrôlée, grattant sous la surface ». Film documentaire Extraordinary World, Picture Music International, Royaume-Uni 1993. (PMI MVN4911463) Le nouvel album, Seven and the Ragged Tiger, comprenait le hit de la fin de 1983 "Union of the Snake" (avec le solo de sax soprano d'Andy Hamilton). Avec "Hungry Like the Wolf", "Rio", "Save a Prayer" et "Is There Something I Should Know?", Duran Duran comptait désormais cinq succès dans le Top 20 américain sur trois albums différents en une seule année. Le groupe a fait la une des journaux musicaux en décidant de diffuser la vidéo "Union of the Snake" sur MTV une semaine complète avant la sortie du single à la radio, à un moment où l'industrie craignait que la vidéo ne tue réellement la star de la radio. Ils ont enchaîné avec "New Moon on Monday", qui a atteint le numéro 9 au Royaume-Uni. Leur prochain single "The Reflex", tiré de Seven and the Ragged Tiger et remanié par Nile Rodgers de Chic Fame, est devenu leur premier succès numéro un aux États-Unis. "The Reflex" était également leur deuxième et dernier numéro un au Royaume-Uni et a connu du succès dans de nombreux autres pays à travers le monde. Le groupe se lance dans une tournée mondiale qui se poursuit tout au long des quatre premiers mois de 1984, y compris leurs premières grandes dates dans des stades américains. Une équipe de tournage dirigée par le réalisateur Russell Mulcahy a suivi le groupe de près, menant au film documentaire Sing Blue Silver et au film de concert Arena qui l'accompagne. L'album live Arena a également été enregistré pendant la tournée et est sorti avec le nouveau single studio "The Wild Boys", qui est passé au numéro 2 des deux côtés de l'Atlantique. En février 1984, le groupe fait la couverture du magazine Rolling Stone et remporte deux Grammy Awards dans les toutes nouvelles catégories de vidéoclips Long Form et Short Form. Pendant ce temps, "Save a Prayer" a pris de l'ampleur en Amérique du Nord et un remix américain spécial de la chanson est devenu un single en janvier 1985. Il a culminé à la 16e place du Billboard Hot 100 en mars. Une version live de la chanson a été utilisée pour la face B du single, tirée de la séquence vidéo du concert d'Arena / As the Lights Go Down. Durant cette période, tous les membres du groupe sont devenus des idoles pour beaucoup de leurs jeunes fans adolescents. Après la tournée, Roger Taylor s'est marié à Naples, en Italie, et Nick Rhodes s'est marié à Londres, vêtu d'un smoking en velours rose et d'un haut-de-forme. À la fin de 1984, le groupe figurait sur le single-bénéfice Band Aid "Do They Know It's Christmas?" avec d'autres groupes musicaux britanniques populaires. Simon Le Bon a chanté entre les contributions de George Michael et Sting. 1985 : Projets parallèles et Live Aid Même avec Duran Duran en attente, les membres du groupe furent bientôt impatients d'enregistrer de la nouvelle musique, ce qui conduisit à une scission soi-disant temporaire en deux projets parallèles. John et Andy Taylor voulaient rompre avec le son Duran Duran et s'intéresser au hard rock ; ils ont collaboré avec Robert Palmer et Tony Thompson pour former le supergroupe rock/funk The Power Station, qui a sorti deux singles dans le Top 10. Simon Le Bon et Nick Rhodes, quant à eux, voulaient explorer davantage l'aspect atmosphérique de Duran Duran et formèrent Arcadia, qui sortit un LP (So Red the Rose) à partir duquel est sorti le single "Election Day". Les contributeurs à cet album comprenaient le guitariste Masami Tsuchiya, le bassiste Mark Egan, le percussionniste David Van Tieghem, le batteur Steve Jordan, Sting, Herbie Hancock et David Gilmour. Roger Taylor était également batteur pour Arcadia, mais a également contribué aux percussions de l'album Power Station. Duran Duran n'était plus le même après cette pause. Selon Rhodes, les deux projets parallèles "étaient des suicides commerciaux... Mais nous avons toujours été bons dans ce domaine". Le groupe était encore déséquilibré lorsqu'ils se sont regroupés pour contribuer "A View to a Kill" au film de James Bond du même nom de 1985. Ce single a été le premier thème de Bond à atteindre le numéro 1 des charts américains, et était à l'époque le thème de Bond le mieux placé dans les charts britanniques où il a atteint le numéro 2. C'était le dernier single que le groupe a enregistré en tant qu'original. cinq pièces pendant près de vingt ans. Dans le prolongement du single Band Aid de Noël 1984, Duran Duran s'est produit devant 90 000 personnes (et environ 1,5 milliard de téléspectateurs) lors du concert caritatif Live Aid au stade John F. Kennedy de Philadelphie, en Pennsylvanie, le 13 juillet. 1985 alors que leur chanson Bond occupait la première place des charts américains. Ce n'était pas destiné à être une performance d'adieu - le groupe prévoyait seulement de faire une pause après quatre ans de tournées ininterrompues et d'apparitions publiques - mais les cinq originaux n'ont rejoué ensemble qu'en juillet 2003. Leur set Live Aid est devenu tristement célèbre. pour Le Bon frappant par inadvertance une fausse note de fausset dans le refrain de "A View to a Kill", une erreur qui a été claironnée par de nombreux médias sous le nom de "The Bum Note Heard Round the World" (contrairement à "Note" de Freddie Mercury Heard Round the World" lors du spectacle Live Aid du stade de Wembley). Le Bon a décrit plus tard ce moment comme le plus embarrassant de sa carrière.Malins (2006), p. 172. 1986-1989 : trio Le Bon, Rhodes et John Taylor Après avoir sorti trois albums studio et un album live en cinq ans, chacun accompagné d'une forte promotion médiatique et de longues tournées de concerts, le groupe a perdu deux de ses principaux membres à cause de la fatigue et de la tension en 1986. Après Live Aid et Arcadia, le batteur Roger Taylor a pris sa retraite pour la campagne anglaise, souffrant d'épuisement.Malins (2006), p. 181. Cela avait été initialement annoncé comme un an sabbatique, mais il est vite devenu clair qu'il ne reviendrait pas dans le groupe. Un communiqué de presse officiel fut publié en avril 1986 confirmant son départ. Dans une interview accordée à Live Daily en 2004, Roger Taylor a confirmé les raisons de son départ : "J'étais épuisé. Je pense que j'étais juste épuisé. Ce furent cinq années très intenses. Nous ne nous sommes pas arrêtés. C'était une tournée constante, une écriture constante. , l'enregistrement. Nous avons également rompu à l'international - instantanément, c'est un programme non-stop, vraiment, je m'étais perdu quelque part. Le guitariste Andy Taylor, quant à lui, a laissé croire aux membres restants qu'il retournerait travailler sur un nouvel album de Duran Duran alors même qu'il signait un contrat d'enregistrement solo à Los Angeles (il a finalement sorti un album solo en 1986, Thunder). . Le groupe a eu recours à des mesures légales pour le faire entrer en studio, mais après de nombreux retards, ils l'ont finalement relâché. Il n'a joué que sur quelques chansons de l'album suivant pendant que les désaccords étaient en cours de règlement. Malins (2006), pp. 187-190. Sans guitariste ni batteur, les trois membres restants, Le Bon, Rhodes et John Taylor ont demandé au producteur (et ancien guitariste de Chic) Nile Rodgers de jouer quelques morceaux à la guitare et ont embauché Steve Ferrone pour jouer de la batterie pendant qu'ils cherchaient des remplaçants. Finalement, en septembre 1986, Warren Cuccirullo (anciennement de Missing Persons et du groupe en tournée de Frank Zappa) fut embauché comme guitariste de session. Avec Le Bon, Rhodes et Taylor, il enregistre le reste de l'album Notorious, sorti en octobre 1986. Le film documentaire en noir et blanc Three to Get Ready raconte l'enregistrement de l'album, les tensions juridiques et les préparatifs de l'album. le tour. Bien que la chanson "Notorious" soit devenue numéro 2 aux États-Unis et numéro 7 au Royaume-Uni et que les ventes d'albums aient été fortes, le groupe a constaté qu'il avait perdu une grande partie de l'élan et de l'hystérie qu'il avait laissés derrière lui en 1985. Après la sortie de Seven and the Ragged Tiger et Notorious, beaucoup de leurs fans adolescents avaient grandi et la musique était plus funky, plus mature et moins « pop », compte tenu de l'expérience supplémentaire de leur travail sur Arcadia et Power Station et avec d'autres. les musiciens. "Skin Trade" et "Meet El Presidente", les deux singles suivants, figuraient dans les charts mais s'en sortaient mal par rapport aux succès précédents du groupe. Finalement, fin 1987, Sterling Campbell est embauché comme batteur de session. Par la suite, Duran Duran a eu du mal à échapper à l'image de l'idole des adolescents et à gagner le respect des critiques avec une musique plus complexe. La nouvelle image sérieuse n’a pas été acceptée au début et leur popularité a commencé à décliner. Rolling Stone a déclaré : « Dans leur recherche de maturité musicale, les Durans survivants ont perdu une grande partie de leur identité. » Un autre facteur a été le licenciement par le groupe des premiers managers, les frères Berrow. Les raisons de cette décision n'ont pas été annoncées, mais des désaccords sur l'argent et l'implication des frères dans les aventures nautiques de Le Bon (ils étaient copropriétaires de Drum) auraient joué un rôle.Malins (2006), p. 174. Quelle qu'en soit la raison, Duran Duran a changé fréquemment de manager et a entrepris des périodes d'autogestion dans les dernières étapes de sa carrière. De plus, EMI (qui a licencié son président et a subi une restructuration majeure cet été-là) semblait avoir perdu tout intérêt à promouvoir le groupe. Malins (2006), p. 186. L'album suivant Big Thing (1988) a produit les singles " I Don't Want Your Love " (numéro 4 aux États-Unis) et " All She Wants Is " (le dernier hit du top dix au Royaume-Uni jusqu'en 1993). Le disque était expérimental, mélangeant des influences de la house music et de la rave music avec la synthpop atmosphérique de Duran et le travail créatif de guitare de Cuccurullo (maintenant membre à part entière du groupe), ainsi que des paroles plus matures. 1989-1991 : Cinq encore, Décennie et Liberté À la fin de 1989 et au début des années 1990, la popularité de la synthpop s'estompait un peu et perdait des fans au profit d'autres genres musicaux en plein essor à l'époque, comme le hip hop, la techno et le rock alternatif. Une fois la tournée de l'album terminée, le groupe a retrouvé un groupe de cinq membres alors que le guitariste Warren Cuccirullo et le batteur de tournée Sterling Campbell sont devenus membres à part entière de Duran Duran. L'album de compilation Decade: Greatest Hits est sorti fin 1989, avec le single mégamix "Burning the Ground", composé d'extraits tissés des succès du groupe des dix années précédentes. Le single allait et venait sans grande fanfare, mais l'album est devenu un autre vendeur majeur pour le groupe. Cependant, la tiède sortie de 1990, Liberty (un retrait de l'expérimentation de Big Thing), n'a pas réussi à capitaliser sur l'élan retrouvé. L'album est entré dans le top dix du classement des albums britanniques, mais s'est rapidement évanoui. Les singles "Violence of Summer (Love's Taking Over)" et "Serious" n'ont connu qu'un succès mitigé, et le soft rock de l'album n'a pas bien résisté face à des contemporains comme Alice in Chains et Jane's Addiction, tandis que Nirvana, Pearl Jam et la révolution grunge ont été juste au coin. Pour la première fois, Duran Duran n'a pas fait de tournée pour soutenir un album, se produisant uniquement dans une poignée de dates de clubs et d'émissions de télévision. Sterling Campbell a quitté le groupe au début de 1991 et a ensuite travaillé avec Soul Asylum et David Bowie. Le quatuor composé de Le Bon, Rhodes, Taylor et Cuccurullo restera intact pendant encore six ans. En décembre 1991, John Taylor (alors âgé de 31 ans) a épousé la mannequin/actrice Amanda De Cadenet, âgée de 19 ans, et elle a donné naissance à sa fille en mars 1992. 1992-1996 : formation du quatuor et bref retour En 1993, le groupe sort un deuxième album éponyme : cet album de Duran Duran est connu sous le nom de The Wedding Album (pour la pochette de Nick Egan présentant les photos de mariage des parents des membres du groupe) pour le distinguer de la sortie de 1981. La sortie de ce premier album "de retour" a été retardée, le manager de l'époque chez Left Bank, Tommy Manzi, déclarant plus tard à HitQuarters que cela était dû à la résistance de l'industrie à la renaissance du groupe, qui, selon lui, préférerait se concentrer sur "le prochain album branché". groupe". La demande des auditeurs pour le single "Ordinary World" divulgué l'a forcé à figurer sur les listes de lecture radio des mois plus tôt que prévu ; il a atteint le numéro 3 du classement américain et le numéro 6 au Royaume-Uni et a remporté un prestigieux prix Ivor Novello pour l'écriture de chansons. "Come Undone", principalement écrit par Cuccurullo, avec des paroles de Le Bon, a été numéro 7 aux États-Unis et numéro 13 au Royaume-Uni. Le groupe et le label semblent surpris par le succès critique et commercial de l'album (n°4 au Royaume-Uni, n°7 aux États-Unis). Le bassiste John Taylor envisageait de quitter le groupe mais a changé d'avis. La plus grande tournée jamais réalisée par le groupe, qui comprenait des escales au Moyen-Orient, en Afrique du Sud, récemment levée de l'embargo, et en Amérique du Sud, a été interrompue après sept mois lorsque Le Bon a souffert de cordes vocales tendues. Après six semaines de récupération, le groupe s'est produit par intermittence pendant cinq mois supplémentaires, y compris des apparitions en Israël, en Thaïlande et en Indonésie. En 1995, le groupe sort l'album de reprise Merci. Les chansons de Thank You comprenaient des reprises de "Perfect Day" de Lou Reed et "White Lines (Don't Don't Do It)" de Melle Mel (avec les chœurs des artistes originaux). L'album marque également le retour temporaire de l'ancien batteur Roger Taylor, qui rejoint le groupe en studio pour jouer de la batterie sur "Watching the Detectives" et "Perfect Day" (ainsi qu'une reprise de "Jeepster" de T. Rex qui n'a pas eu lieu. figurent sur l'album). Dans une interview vidéo fournie avec le dossier de presse électronique de l'album, Reed a déclaré qu'il considérait la version de Duran Duran comme la meilleure reprise jamais réalisée d'une de ses chansons, et ils ont reçu les éloges de Robert Plant et Jimmy Page pour leur reprise de "Thank You" de Led Zeppelin. . 1997-2000 : départ de John Taylor et deuxième trio Une fois la tournée promotionnelle de Thank You terminée, John Taylor a cofondé le label B5 Records, enregistré un album solo, fondé et tourné avec le supergroupe Neurotic Outsiders et réuni la Power Station, bien que le projet se soit déroulé sans lui lorsqu'il a dû le faire. se retirer pour régler son divorce avec De Cadenet. Finalement, après avoir lutté pendant des mois pour enregistrer le prochain album, Medazzaland, en janvier 1997, Taylor annonça lors de la convention des fans de DuranCon qu'il quittait le groupe « pour de bon ». Son départ réduit le groupe à deux membres de longue date (Le Bon et Rhodes) et Cuccurullo, qui décide de continuer à enregistrer sous le nom de Duran Duran. Libéré de certains conflits d'écriture internes, le groupe est retourné en studio pour réécrire et réenregistrer de nombreuses chansons de Medazzaland. (Le travail de Taylor ne reste que sur quatre titres.) Cet album a marqué un retour à l'expérimentation en couches de Big Thing, avec des textures de guitare complexes et des voix traitées. Le morceau "Out of My Mind" a été utilisé comme chanson thème du film The Saint, mais le seul vrai single sorti aux États-Unis était l'excentrique "Electric Barbarella", qui a été le premier single jamais vendu en ligne. . La vidéo de ce single, mettant en vedette un robot sexy acheté et joué par les membres du groupe, a dû être censurée avant d'être diffusée sur MTV, mais il y avait peu de controverse qui avait entouré "Girls on Film". "Barbarella" a atteint la 52e place aux États-Unis en octobre 1997. Bien que Medazzaland soit sorti aux États-Unis en octobre 1997, l'album n'est jamais sorti au Royaume-Uni. "Barbarella" est ensuite sorti au Royaume-Uni en tant que single de l'album de compilation Greatest de 1998 et a culminé à la 23e place du classement britannique en janvier 1999. Le groupe a joué un set au Princess Diana Tribute Concert le 27 juin 1998 sur demande spéciale. de sa famille. Duran Duran s'est séparé de Capitol/EMI en 1999, bien que le label ait depuis utilisé le catalogue de Duran Duran pour sortir plusieurs compilations de remix et de rares faces B uniquement en vinyle. Le groupe a ensuite signé ce qui était censé être un contrat de trois albums avec Disney's Hollywood Records, mais cela n'a duré que jusqu'à l'album Pop Trash de 2000, mal reçu. Cet album lent et lourd semblait en décalage avec le matériel précédent du groupe. La production complexe de Rhodes, l'écriture de chansons et l'expérimentation de Cuccurullo avec les sons de guitare et les signatures rythmiques n'ont pas suffi à accrocher le public, et l'album n'a pas bien fonctionné. Le single de rêve "Someone Else Not Me" est resté à peine deux semaines à la radio, même si sa vidéo a été considérée comme la première à être entièrement réalisée avec une animation Flash. Tout en soutenant Medazzaland et Pop Trash, Duran Duran a tourné avec le bassiste Wes Wehmiller et le batteur Joe Travers. 2001-2006 : Réunion En 2000, Le Bon a contacté John Taylor avec une proposition visant à réformer le line-up classique de Duran Duran. Ils ont accepté de se séparer de Cuccurullo après avoir terminé la tournée Pop Trash. Cuccurullo a ensuite annoncé sur son site Internet qu'il quittait Duran Duran pour reprendre le travail avec son groupe des années 1980, Missing Persons. Cette annonce a été confirmée le lendemain par le site Internet de Duran Duran, suivie un jour plus tard par la nouvelle du retour de John, Roger et Andy Taylor. Pour remplir ses obligations contractuelles, Cuccurullo a donné trois concerts de Duran Duran au Japon en juin 2001, mettant ainsi fin à son mandat dans le groupe. Tout au long de 2001, 2002 et 2003, le groupe a travaillé sur l'écriture de nouveaux morceaux, louant initialement une maison à Saint-Tropez où l'ingénieur du son Mark Tinley a construit un studio d'enregistrement pour leur première session d'écriture sérieuse. Ils sont ensuite retournés à Londres pour faire un travail autofinancé avec divers producteurs (dont un vieil ami Nile Rodgers) et rechercher un nouveau contrat d'enregistrement. Il s'est avéré difficile de trouver un label prêt à parier sur le retour du groupe, alors Duran Duran est parti en tournée pour prouver le pouvoir d'attraction du groupe réuni. La réponse des fans et des médias a dépassé les attentes. Le groupe a joué une poignée de dates pour le 25e anniversaire en 2003, en commençant par deux dates dans des arènes de Tokyo remplies à pleine capacité. Les billets se sont vendus pour chaque spectacle en quelques minutes et des célébrités sont venues en masse aux dates de retrouvailles. Parmi ceux-ci figuraient un certain nombre de concerts dans des salles plus petites que le groupe avait joué des deux côtés de l'étang lors de leur première rencontre au début des années 80. En août, le groupe a été retenu comme présentateur aux MTV Video Music Awards 2003, pour ensuite être surpris par un Lifetime Achievement Award. Ils ont également reçu un prix pour l'ensemble de leur carrière du magazine Q en octobre, ainsi que le prix équivalent pour contribution exceptionnelle aux BRIT Awards en février 2004. Le rythme s'accélère avec une tournée à guichets fermés en Amérique, en Australie et en Nouvelle-Zélande. Le groupe a donné un concert complet lors d'une soirée privée au Super Bowl XXXVIII, leur performance de "The Wild Boys" a été diffusée à des millions de personnes lors de l'émission d'avant-match. Un remix du nouveau morceau "(Reach Up for the) Sunrise" est sorti dans de nombreuses émissions de télévision en février tandis que les magazines ont salué Duran Duran (le "Fab Five" moderne) comme l'un des plus grands groupes de tous les temps. Duran Duran a ensuite célébré son retour au Royaume-Uni avec quatorze dates dans des stades en avril 2004, dont cinq soirées à guichets fermés à la Wembley Arena. La presse britannique, traditionnellement hostile au groupe, a réservé aux concerts des critiques très chaleureuses. Duran Duran a amené le groupe Goldfrapp et les Scissor Sisters en première partie en alternance pour cette tournée. Les deux derniers spectacles ont été filmés, ce qui a donné lieu au DVD du concert Duran Duran : Live from London, sorti en novembre. Finalement, avec plus de trente-cinq chansons terminées, le groupe a signé un contrat de deux albums avec Epic Records en juin et a terminé le nouvel album, désormais intitulé Astronaut. L'album est sorti en octobre 2004 et est entré dans les charts britanniques au numéro 3 et dans les charts américains au numéro 17. Le premier single était "(Reach Up for the) Sunrise", qui a atteint le numéro 1 du classement Billboard US Dance en novembre et a atteint la cinquième place du UK Singles Chart, la position la plus élevée de Duran Duran depuis "A View to a Kill" en 1985. Un deuxième single, "What Happens Tomorrow", a fait ses débuts à la 11e place du classement britannique en février. Un mix 5.1 d'Astronaut a été créé par Jeremy Wheatley pour la sortie sur double disque d'Astronaut. La face CD contient l'album tel quel et la face DVD contient le mix 5.1 de l'album au format DVD Audio ainsi que des séquences et des vidéos DVD. Après une tournée mondiale début 2005, Duran Duran a reçu le prix The PRS Outstanding Contribution to British Music aux Ivor Novello Awards 2005. La Performing Right Society et la British Academy of Composers and Songwriters ont le grand plaisir de remettre à Duran Duran le PRS Outstanding

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La mer Rouge est reliée à l'océan Indien par quel golfe ?

golfe d'Aden.

La mer Rouge (également mer Érythrée) est une baie d'eau de mer de l'océan Indien, située entre l'Afrique et l'Asie. La connexion avec l'océan se fait au sud par le détroit de Bab el Mandeb et le golfe d'Aden. Au nord se trouvent la péninsule du Sinaï, le golfe d'Aqaba et le golfe de Suez (menant au canal de Suez). La mer Rouge est une écorégion du Global 200. La mer repose sur le rift de la mer Rouge, qui fait partie de la vallée du Grand Rift. La mer Rouge a une superficie d'environ 438 000 km2 (169 100 mi2), est longue d'environ 2 250 km (1 398 mi) et, à son point le plus large, 355 km (220,6 mi) de largeur. Il a une profondeur maximale de 2 211 m (7 254 pi) dans la tranchée médiane centrale et une profondeur moyenne de 490 m (1 608 pi). Cependant, il existe également de vastes plateaux peu profonds, réputés pour leur vie marine et leurs coraux. La mer abrite plus de 1 000 espèces d'invertébrés et 200 coraux mous et durs. C'est la mer tropicale la plus septentrionale du monde. Étendue L'Organisation hydrographique internationale définit les limites de la mer Rouge comme suit : :Au Nord. La limite sud des golfes de Suez [Une ligne allant de Ràs Muhammed (27°43'N) jusqu'à la pointe sud de l'île Shadwan (34°02'E) et de là vers l'ouest sur un parallèle (27°27'N) jusqu'à la côte de l'Afrique] et Aqaba [Une ligne allant de Ràs al Fasma vers le sud-ouest jusqu'à l'île Requin () en passant par l'île de Tiran jusqu'à sa pointe sud-ouest et de là vers l'ouest sur un parallèle (27°54'N) jusqu'à la côte de la péninsule du Sinaï] . :Au sud. Une lignée joignant Husn Murad () et Ras Siyyan (). Nom La mer Rouge est une traduction directe du grec Erythra Thalassa () et du latin Mare Rubrum (alternativement Sinus Arabicus, littéralement « Golfe Arabique »), de l'arabe Al-Baḥr Al-Aḥmar (mer Rouge) ou Baḥr Al-Qulzum (mer Rouge). , English Sea Cas et English Sea Cass (Mer Rouge). Le nom de la mer peut signifier la floraison saisonnière du Trichodesmium erythraeum de couleur rouge près de la surface de l'eau. Une théorie favorisée par certains érudits modernes est que le nom rouge fait référence à la direction sud, tout comme le nom de la mer Noire peut faire référence au nord. La base de cette théorie est que certaines langues asiatiques utilisaient des mots de couleur pour désigner les directions cardinales. Hérodote utilise à une occasion la mer Rouge et la mer du Sud de manière interchangeable. Historiquement, les géographes occidentaux l'appelaient également Mare Mecca (mer de la Mecque) et Sinus Arabicus (golfe d'Arabie). Certains géographes anciens appelaient la mer Rouge le golfe Persique ou le golfe d'Arabie. L'association de la mer Rouge avec le récit biblique des Israélites traversant la mer Rouge est ancienne et a été rendue explicite dans la traduction des Septante du Livre de l'Exode de l'hébreu au grec koine vers le troisième siècle avant JC. Dans cette version, l'hébreu Yam Suph (ים סוף) est traduit par Erythra Thalassa (Mer Rouge). (Voir aussi la suggestion plus récente selon laquelle le Yam Suph de l'Exode fait référence à une mer de roseaux). La mer Rouge est l'une des quatre mers nommées en anglais d'après des termes de couleur courants, les autres étant la mer Noire, la mer Blanche et la mer Jaune. L'interprétation directe du grec Erythra thalassa en latin par Mare Erythraeum fait référence à la partie nord-ouest de l'océan Indien, ainsi qu'à une région de Mars. Histoire Ère antique La première exploration connue de la mer Rouge a été menée par les anciens Égyptiens, alors qu'ils tentaient d'établir des routes commerciales vers Pount. Une de ces expéditions a eu lieu vers 2 500 avant JC et une autre vers 1 500 avant JC (par Hatshepsout). Les deux impliquaient de longs voyages sur la mer Rouge. Historiquement, les chercheurs se demandaient si ces voyages étaient possibles. Le livre biblique de l'Exode raconte l'histoire de la traversée par les Israélites d'un plan d'eau, que le texte hébreu appelle Yam Suph (). Yam Suph était traditionnellement identifiée comme la mer Rouge. Le rabbin Saadia Gaon (882‒942 CE), dans sa traduction judéo-arabe du Pentateuque, identifie le lieu de passage de la mer Rouge comme étant Baḥar al-Qulzum, signifiant le golfe de Suez. (L'histoire fait partie de la tradition biblique plus large sur l'exode des Israélites sous Moïse). Yam Suph peut également être traduit par Mer de Roseaux. Au 6ème siècle avant JC, Darius le Grand de Perse envoya des missions de reconnaissance dans la mer Rouge, améliorant et étendant la navigation en localisant de nombreux rochers et courants dangereux. Un canal a été construit entre le Nil et l'extrémité nord de la mer Rouge, à Suez. À la fin du IVe siècle avant JC, Alexandre le Grand envoya des expéditions navales grecques le long de la mer Rouge jusqu'à l'océan Indien. Les navigateurs grecs ont continué à explorer et à compiler des données sur la mer Rouge. Agatharchides a collecté des informations sur la mer au IIe siècle avant JC. Le Périple de la mer Érythrée (« Périple de la mer Rouge »), un périple grec écrit par un auteur inconnu vers le 1er siècle après JC, contient une description détaillée des ports et des routes maritimes de la mer Rouge. Le Périple décrit également comment Hippalus a découvert pour la première fois la route directe de la mer Rouge vers l'Inde. La mer Rouge était privilégiée pour le commerce romain avec l'Inde à partir du règne d'Auguste, lorsque l'Empire romain prit le contrôle de la Méditerranée, de l'Égypte et du nord de la mer Rouge. La route avait été utilisée par les États précédents, mais son volume de trafic a augmenté sous les Romains. Depuis les ports indiens, les marchandises en provenance de Chine ont été introduites dans le monde romain. Le contact entre Rome et la Chine dépendait de la mer Rouge, mais la route fut interrompue par l'empire aksoumite vers le IIIe siècle après JC. Moyen Âge et époque moderne Au Moyen Âge, la mer Rouge constituait une partie importante de la route commerciale des épices. En 1513, essayant de sécuriser ce canal vers le Portugal, Afonso de Albuquerque assiégea Aden mais fut contraint de battre en retraite. Ils ont navigué sur la mer Rouge à l'intérieur du Bab al-Mandab, en tant que première flotte européenne à avoir navigué dans ces eaux. En 1798, la France ordonna au général Napoléon d’envahir l’Égypte et de prendre le contrôle de la mer Rouge. Bien qu'ayant échoué dans sa mission, l'ingénieur Jean-Baptiste Lepère, qui y participa, redynamise le projet de canal envisagé sous le règne des Pharaons. Plusieurs canaux ont été construits dans l'Antiquité, du Nil à la mer Rouge, le long ou à proximité de l'actuel canal d'Eau Douce, mais aucun n'a duré longtemps. Le canal de Suez a été ouvert en novembre 1869. À l'époque, les Britanniques, les Français et les Italiens se partageaient les postes de traite. Les postes furent progressivement démantelés après la Première Guerre mondiale. Après la Seconde Guerre mondiale, les Américains et les Soviétiques exercent leur influence tandis que le trafic pétrolier s’intensifie. Mais la guerre des Six Jours culmine avec la fermeture du canal de Suez de 1967 à 1975. Aujourd'hui, malgré les patrouilles des grandes flottes maritimes dans les eaux de la mer Rouge, le canal de Suez n'a jamais retrouvé sa suprématie sur la route du Cap. , qui est considéré comme moins vulnérable. Océanographie La mer Rouge se situe entre terres arides, désert et semi-désert. Les systèmes récifaux sont mieux développés le long de la mer Rouge, principalement en raison de ses plus grandes profondeurs et d’un modèle de circulation d’eau efficace. L'eau de la mer Rouge échange massivement son eau avec la mer d'Oman et l'océan Indien via le golfe d'Aden. Ces facteurs physiques réduisent l'effet de la salinité élevée provoquée par l'évaporation au nord et l'eau relativement chaude au sud. Le climat de la mer Rouge est le résultat de deux saisons de mousson ; une mousson de nord-est et une mousson de sud-ouest. Les vents de mousson se produisent en raison du réchauffement différentiel entre la terre et la mer. Des températures de surface très élevées et des salinités élevées en font l’une des masses d’eau de mer les plus chaudes et les plus salées au monde. La température moyenne de l'eau de surface de la mer Rouge pendant l'été est d'environ 26 °C au nord et 30 °C au sud, avec une variation d'environ 2 °C (3,6 °F) seulement pendant les mois d'hiver. La température moyenne globale de l'eau est de 22 °C. La température et la visibilité restent bonnes jusqu'à environ 200 m (656 pi). La mer est connue pour ses vents forts et ses courants locaux imprévisibles. Les précipitations sur la mer Rouge et ses côtes sont extrêmement faibles, en moyenne annuelle. La pluie se compose principalement de courtes averses, souvent accompagnées d'orages et parfois de tempêtes de poussière. La rareté des précipitations et l'absence de source majeure d'eau douce dans la mer Rouge entraînent une évaporation excessive pouvant atteindre 205 cm par an et une salinité élevée avec des variations saisonnières minimes. Une récente expédition sous-marine dans la mer Rouge, au large du Soudan et de l'Érythrée, a révélé que la température de l'eau de surface était de 28 ° C en hiver et jusqu'à 34 ° C en été. Malgré cette chaleur extrême, le corail était en bonne santé, avec beaucoup de poissons et très peu de signes de blanchissement des coraux, dont seulement 9 % sont infectés par Thalassomonas loyana, l'agent de la « peste blanche ». Le corail Favia favus y abrite un virus, BA3, qui tue T.loyana. Des plans sont en cours pour utiliser des échantillons d'algues commensales apparemment adaptées à la chaleur de ces coraux pour récupérer les coraux blanchis ailleurs. Salinité La mer Rouge est l'une des étendues d'eau les plus salées au monde, en raison de sa forte évaporation. La salinité varie entre ~36 ‰ dans la partie sud en raison de l'effet des eaux du golfe d'Aden et atteint 41 ‰ dans la partie nord, en raison principalement des eaux du golfe de Suez et de la forte évaporation. La salinité moyenne est de 40 ‰. (La salinité moyenne de l'eau de mer dans le monde est d'environ 35 ‰ sur l'échelle pratique de salinité, ou PPS ; cela se traduit par 3,5 % de sels dissous réels.) La salinité de la mer Rouge est supérieure à la moyenne mondiale, soit environ 4 pour cent. Cela est dû à plusieurs facteurs : # Taux d'évaporation élevé et très peu de précipitations. # Absence de rivières ou de ruisseaux importants se jetant dans la mer. # Connexion limitée avec l'océan Indien, dont la salinité de l'eau est plus faible. Marée En général, la marée oscille entre au nord, près de l'embouchure du golfe de Suez et au sud, près du golfe d'Aden, mais elle fluctue entre et en s'éloignant du point nodal. Le centre de la mer Rouge (région de Djeddah) est donc presque sans marée et, de ce fait, les changements annuels du niveau de l'eau sont plus importants. En raison du faible marnage, l'eau à marée haute inonde les sabkhas côtières sous la forme d'une fine nappe d'eau pouvant atteindre quelques centaines de mètres plutôt que d'inonder les sabkhas à travers un réseau de canaux. Cependant, au sud de Djeddah, dans la région de Shoiaba, l'eau de la lagune peut recouvrir les sabkhas adjacentes jusqu'à 3 km, tandis qu'au nord de Djeddah, dans la région d'Al-Kharrar, les sabkhas sont recouvertes d'une fine nappe d'eau jusqu'à 2 km. km. Les vents dominants du nord et du nord-est influencent le mouvement de l'eau dans les criques côtières vers les sabkhas adjacentes, en particulier lors des tempêtes. Le niveau moyen de la mer en hiver est plus élevé qu’en été. Les vitesses des marées traversant les étranglements causés par les récifs, les bancs de sable et les îles basses dépassent généralement 1 à 2 m/s (3 à 6,5 pieds/s). Les récifs coralliens de la mer Rouge se trouvent à proximité de l'Égypte, de l'Érythrée, d'Israël, de l'Arabie saoudite et du Soudan. Actuel Dans la mer Rouge, les données détaillées sur les courants font défaut, en partie parce qu’elles sont faibles et variables à la fois spatialement et temporellement. La variation temporelle et spatiale des courants est aussi faible que le vent et est entièrement régie par le vent. Pendant l'été, les vents du nord-ouest poussent les eaux de surface vers le sud pendant environ quatre mois à une vitesse de 15 à 20 cm/s (6 à 8 po/s), tandis qu'en hiver, le flux est inversé, ce qui entraîne l'afflux d'eau du golfe de Aden dans la Mer Rouge. La valeur nette de ces dernières prédomine, ce qui entraîne une dérive globale vers l'extrémité nord de la mer Rouge. Généralement, la vitesse du courant de marée se situe entre 50 et 60 cm/s (20 et 23,6 in/s) avec un maximum de 1 m/s à l'embouchure de la lagune d'al-Kharrar. Cependant, la portée du courant nord-nord-est le long de la côte saoudienne est de 8 à 29 cm/s (3 à 11,4 po/s). Régime des vents La partie nord de la mer Rouge est dominée par des vents persistants du nord-ouest, avec des vitesses comprises entre 7 km/h et 12 km/h. Le reste de la mer Rouge et le golfe d'Aden sont soumis à des vents réguliers et saisonnièrement réversibles. Le régime des vents est caractérisé par des variations saisonnières et régionales de vitesse et de direction, la vitesse moyenne augmentant généralement vers le nord. Le vent est la force motrice dans la mer Rouge pour transporter les matériaux sous forme de suspension ou de charriage. Les courants induits par le vent jouent un rôle important dans la mer Rouge en remettant en suspension les sédiments du fond et en transférant les matériaux des sites de déversement vers les sites d'enfouissement dans un environnement de dépôt calme. La mesure des courants générés par le vent est donc importante afin de déterminer le modèle de dispersion des sédiments et son rôle dans l'érosion et l'accrétion des affleurements rocheux côtiers et des lits de coraux submergés. Géologie La mer Rouge a été formée par la séparation de la péninsule arabique de la Corne de l'Afrique par le mouvement du rift de la mer Rouge. Cette scission a commencé à l'Éocène et s'est accélérée au cours de l'Oligocène. La mer continue de s’élargir et on considère qu’elle deviendra un océan avec le temps (comme le propose le modèle de John Tuzo Wilson). En 1949, une étude en eaux profondes a signalé des saumures anormalement chaudes dans la partie centrale de la mer Rouge. Des travaux ultérieurs dans les années 1960 ont confirmé la présence de saumures salines chaudes à 60 °C (140 °F) et de boues métallifères associées. Les solutions chaudes émanaient d’une faille sous-marine active. La forte salinité des eaux n’était pas hospitalière pour les organismes vivants. Au cours de la période tertiaire, Bab el Mandeb a fermé ses portes et la mer Rouge s'est évaporée pour devenir un évier vide, chaud et sec, au sol salé. Les effets provoquant cela auraient été : *Une « course » entre l'élargissement de la mer Rouge et l'éruption de l'île de Perim remplissant Bab el Mandeb de lave. *L'abaissement du niveau mondial de la mer pendant les périodes glaciaires en raison de la grande quantité d'eau emprisonnée dans les calottes glaciaires. Un certain nombre d'îles volcaniques s'élèvent au centre de la mer. La plupart sont en sommeil. Cependant, en 2007, l’île de Jabal al-Tair, dans le détroit de Bab el Mandeb, est entrée en violente éruption. Deux nouvelles îles ont été formées en 2011 et 2013 dans l'archipel de Zubair, une petite chaîne d'îles appartenant au Yémen. La première île nommée Sholan Island a émergé lors d'une éruption en décembre 2011, la deuxième île nommée Jadid a émergé en septembre 2013. Ressources minérales En termes de ressources minérales, les principaux constituants des sédiments de la mer Rouge sont les suivants : *Constituants biogéniques : Nanofossiles, foraminifères, ptéropodes, fossiles siliceux *Constituants volcanogènes : Tuffites, cendres volcaniques, montmorillonite, cristobalite, zéolites *Constituants terrigènes : Quartz, feldspaths, fragments de roches, mica, minéraux lourds, minéraux argileux *Minéraux authigènes : Minéraux sulfurés, aragonite, Mg-calcite, protodolomite, dolomite, quartz, calcédoine. *Minéraux évaporites : Magnésite, gypse, anhydrite, halite, polyhalite *Précipité de saumure : Fe-montmorillonite, goethite, hématite, sidérite, rhodochrosite, pyrite, sphalérite, anhydrite. Ressources vivantes La mer Rouge est un écosystème riche et diversifié. Plus de 1 200 espèces de poissons ont été recensées dans la mer Rouge, et environ 10 % d’entre elles ne se trouvent nulle part ailleurs. Cela comprend également 42 espèces de poissons d'eau profonde. La riche diversité est en partie due aux 2 000 km de récifs coralliens qui s'étendent le long de son littoral ; ces récifs frangeants ont entre 5 000 et 7 000 ans et sont en grande partie formés de coraux pierreux acropora et porites. Les récifs forment des plates-formes et parfois des lagons le long de la côte et occasionnellement d'autres éléments tels que des cylindres (comme le Blue Hole (mer Rouge) à Dahab). Ces récifs côtiers sont également visités par des espèces pélagiques de poissons de la mer Rouge, dont certaines des 44 espèces de requins. La mer Rouge contient également de nombreux récifs au large, dont plusieurs véritables atolls. De nombreuses formations récifales inhabituelles au large défient les systèmes classiques (c'est-à-dire darwiniens) de classification des récifs coralliens et sont généralement attribuées aux niveaux élevés d'activité tectonique qui caractérisent la région. La biodiversité particulière de la région est reconnue par le gouvernement égyptien, qui a créé le parc national Ras Mohammed en 1983. Les règles et réglementations régissant cette zone protègent la vie marine locale, qui est devenue un attrait majeur pour les amateurs de plongée. Les plongeurs et les plongeurs avec tuba doivent savoir que même si la plupart des espèces de la mer Rouge sont inoffensives, quelques-unes sont dangereuses pour les humains : voir Espèces de la mer Rouge dangereuses pour les humains. Les autres habitats marins comprennent les herbiers marins, les marais salants, les mangroves et les marais salants. Usines de dessalement Il existe une forte demande en eau dessalée pour répondre aux besoins de la population et des industries situées le long de la mer Rouge. Il existe au moins 18 usines de dessalement le long de la côte de la mer Rouge en Arabie Saoudite, qui rejettent de la saumure chaude et des produits chimiques de traitement (chlore et antitartre) qui blanchissent et tuent les coraux et provoquent des maladies chez les poissons. Ce phénomène n’est que localisé, mais il peut s’intensifier avec le temps et avoir un impact profond sur l’industrie de la pêche. L’eau de la mer Rouge est également utilisée par les raffineries de pétrole et les cimenteries pour le refroidissement. Les eaux usées rejetées dans les zones côtières peuvent nuire à l'environnement littoral de la mer Rouge. Sécurité La mer Rouge fait partie des routes maritimes entre l’Europe, le golfe Persique et l’Asie de l’Est et, à ce titre, connaît un trafic maritime important. Les organismes gouvernementaux chargés de surveiller la zone de la mer Rouge comprennent l'Autorité portuaire de Port-Saïd, l'Autorité du canal de Suez et l'Autorité égyptienne des ports de la mer Rouge, l'Autorité maritime de Jordanie, l'Autorité portuaire israélienne, l'Autorité portuaire saoudienne et la Société des ports maritimes du Soudan. Faits et chiffres * Longueur : ~2 250 km - 79 % de l'est de la Mer Rouge avec de nombreuses criques côtières * Largeur maximale : ~ 306 à 355 km (190 à 220 mi) – Massawa (Érythrée) * Largeur minimale : ~ 26 à 29 km (16 à 18 mi) - Détroit de Bab el Mandeb (Yémen) * Largeur moyenne : ~ 280 km * Profondeur moyenne : ~ 490 m * Profondeur maximale : ~2211 m * Superficie : 438 à 450 x 102 km2 (16 900 à 17 400 milles carrés) * Volume : 215 à 251 x 103 km3 (51 600 à 60 200 cu mi) * Environ 40 % de la mer Rouge est assez peu profonde (moins de 100 m/330 pieds) et environ 25 % a moins de 50 m de profondeur. * Environ 15 % de la mer Rouge se trouve à plus de 1 000 m de profondeur et forme un profond creux axial. * Les ruptures de plateau sont marquées par des récifs coralliens * Le talus continental a un profil irrégulier (série de marches descendant jusqu'à ~500 m) * Le centre de la mer Rouge présente un creux étroit (~ 1 000 m ; certaines profondeurs peuvent dépasser 2 500 m) Tourisme La mer est connue pour ses spectaculaires sites de plongée récréative, tels que Ras Mohammed, SS Thistlegorm (épave), Elphinstone Reef, The Brothers, Daedalus Reef, St.John's Reef, Rocky Island en Égypte[http://www.dive-the -world.com/diving-sites-red-sea.php Plongée sous-marine en Égypte - La mer Rouge : vacances à Sharm El Sheikh, Hurghada, The Brothers, Daedalus Reef et St. John's - Croisière et excursions d'une journée] et sites moins connus au Soudan comme Sanganeb, Abington, Angarosh et Shaab Rumi. La mer Rouge est devenue une destination de plongée prisée après les expéditions de Hans Hass dans les années 1950, puis de Jacques-Yves Cousteau. Les stations touristiques populaires comprennent El Gouna, Hurghada, Safaga, Marsa Alam, sur la rive ouest de la mer Rouge, et Charm-el-Cheikh, Dahab et Taba du côté égyptien du Sinaï, ainsi qu'Aqaba en Jordanie et Eilat en Israël dans une zone connue sous le nom de Riviera de la mer Rouge. La plage touristique populaire de Charm el-Cheikh a été fermée à toute baignade en décembre 2010 en raison de plusieurs graves attaques de requins, dont une mortelle. Depuis décembre 2010, les scientifiques enquêtent sur les attaques et ont identifié, mais non vérifié, plusieurs causes possibles, notamment la surpêche qui pousse les grands requins à chasser plus près du rivage, les exploitants de bateaux touristiques qui se rendent au large pour prendre des photos de requins, et des rapports de les navires jettent du bétail mort par-dessus bord. L'étroitesse de la mer, sa profondeur importante et ses dénivelés abrupts se combinent pour former une géographie où les grands requins des eaux profondes peuvent se déplacer dans des centaines de mètres d'eau, tout en se trouvant à moins de cent mètres des zones de baignade. Pays frontaliers La mer Rouge peut être géographiquement divisée en trois sections : la mer Rouge proprement dite et, au nord, le golfe d'Aqaba et le golfe de Suez. Les six pays bordant la mer Rouge proprement dite sont : * Rive Est : ** ** * Rive ouest : ** ** ** ** Le golfe de Suez est entièrement bordé par l'Égypte. Le golfe d'Aqaba borde l'Égypte, Israël, la Jordanie et l'Arabie saoudite. Outre la définition géographique standard des six pays riverains de la mer Rouge citée ci-dessus, des zones telles que la Somalie sont parfois également décrites comme territoires de la mer Rouge. Cela est principalement dû à leur proximité et à leurs similitudes géologiques avec les nations faisant face à la mer Rouge et/ou à leurs liens politiques avec ces zones. Villes et cités Les villes et villages de la côte de la mer Rouge (y compris les côtes des golfes d'Aqaba et de Suez) comprennent : * Al Hudaydah (الحديدة) *Al Lith * Al Qunfudhah (Al Qunfudhah) * Al-Qusair (le court métrage) * Al Wajh (Le visage) *Aqaba (Aqaba) * Asseb (ዓሳብ) *Dahab (Dahab) *Duba (Duba) * Eilat (אילת, Eilat) *El Gouna *El Suweis (Suez) */ Hala'ib (Hala'ib) (contesté) * Haql (sagesse) * Hirgigo (Hrgigo) *Hurghada (Al-Hurghada) * Djeddah (Djeddah) * Jizan * Marsa Alam (Marsa Alam) * Massawa (ምጽዋ) * Moulhoule (Moulhoulé, Centre commercial de Haula) * Nuweiba (Nuweiba) *Port de Safaga * Port-Soudan * Rabigh (Rabigh) * Charm el-Cheikh (Charm El Cheikh) * Baie de Soma * Suakin (Suakin) *Taba * Thuwal (Thulé) * Yanbu (tiges)

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Quelle est la capitale de l'État américain du Connecticut ?

Hartford.

Le Connecticut ( ) est l'État le plus méridional de la région de la Nouvelle-Angleterre aux États-Unis. Le Connecticut est également souvent regroupé avec New York et le New Jersey dans la région des trois États. Il est bordé par le Rhode Island à l'est, le Massachusetts au nord, New York à l'ouest et le Long Island Sound au sud. Sa capitale est Hartford et sa ville la plus peuplée est Bridgeport. L'État doit son nom au fleuve Connecticut, un fleuve majeur des États-Unis qui traverse approximativement l'État en deux. Le mot « Connecticut » est dérivé de diverses orthographes anglicisées d'un mot algonquien signifiant « longue rivière à marée ». Le Connecticut est le troisième plus petit État en termes de superficie, le 29e plus peuplé et le quatrième le plus densément peuplé des 50 États des États-Unis. Il est connu sous le nom d'« État de Constitution », d'« État de la noix de muscade », d'« État des provisions » et de « Terre des habitudes stables ». Il a joué un rôle important dans le développement du gouvernement fédéral des États-Unis. Une grande partie du sud et de l'ouest du Connecticut (avec la majorité de la population de l'État) fait partie de la zone métropolitaine de New York : trois des huit comtés du Connecticut sont statistiquement inclus dans la zone statistique combinée de la ville de New York, largement appelée Tri -Zone d'État. Le centre de la population du Connecticut se trouve dans le Cheshire, dans le comté de New Haven, qui est également situé dans la région des trois États. Les premiers colons européens du Connecticut étaient des Néerlandais. Ils ont établi une petite colonie de courte durée dans l'actuel Hartford, au confluent des rivières Park et Connecticut, appelée Huys de Goede Hoop. Initialement, la moitié du Connecticut faisait partie de la colonie hollandaise, New Netherland, qui comprenait une grande partie des terres situées entre les rivières Connecticut et Delaware. Les premières colonies majeures furent établies dans les années 1630 par l’Angleterre. Thomas Hooker a dirigé un groupe de partisans par voie terrestre depuis la colonie de la baie du Massachusetts et a fondé ce qui allait devenir la colonie du Connecticut ; d'autres colons du Massachusetts fondèrent la colonie de Saybrook et la colonie de New Haven. Les colonies du Connecticut et de New Haven ont établi des documents d'ordres fondamentaux, considérés comme les premières constitutions d'Amérique du Nord. En 1662, les trois colonies furent fusionnées sous une charte royale, faisant du Connecticut une colonie de la couronne. Cette colonie était l’une des treize colonies qui se sont révoltées contre la domination britannique lors de la Révolution américaine. La rivière Connecticut, la rivière Thames et les ports le long du détroit de Long Island ont donné au Connecticut une forte tradition maritime, qui se perpétue aujourd'hui. L'État héberge également depuis longtemps le secteur des services financiers, notamment les compagnies d'assurance de Hartford et les fonds spéculatifs du comté de Fairfield. Depuis le recensement de 2010, le Connecticut présente le revenu par habitant, l'indice de développement humain (0,962) et le revenu médian des ménages les plus élevés des États-Unis. Géographie Le Connecticut est bordé au sud par Long Island Sound, à l'ouest par New York, au nord par le Massachusetts et à l'est par Rhode Island. La capitale de l'État et la troisième plus grande ville est Hartford, et les autres grandes villes (par population) comprennent Bridgeport, New Haven, Stamford, Waterbury, Norwalk, Danbury, New Britain, Greenwich et Bristol. Le Connecticut est légèrement plus grand que le Monténégro. Il y a 169 villes constituées dans le Connecticut. Le plus haut sommet du Connecticut est Bear Mountain à Salisbury, dans le coin nord-ouest de l'État. Le point culminant se trouve juste à l'est du point de rencontre du Connecticut, du Massachusetts et de New York (42° 3' N ; 73° 29' W), sur le versant sud du mont Frissell, dont le sommet se trouve à proximité dans le Massachusetts. À l’extrême opposé, de nombreuses villes côtières ont des zones situées à moins de 20 pieds au-dessus du niveau de la mer. Bien que le Connecticut ait une longue histoire maritime et une réputation basée sur cette histoire, le Connecticut n'a pas de front de mer direct. La côte du Connecticut s'étend sur le détroit de Long Island et son estuaire. L'accès du Connecticut à l'océan Atlantique se fait à la fois à l'est (vers New York) et à l'ouest (vers la « course » près de Rhode Island). Offrir un port sûr contre les tempêtes océaniques est l’une des principales raisons pour lesquelles il existe une si grande communauté de plaisanciers le long de la côte du Connecticut. De nombreux navires transatlantiques cherchent l'ancre dans le détroit de Long Island lorsque des cyclones tropicaux passent au large de la haute côte Est. La rivière Connecticut traverse le centre de l'État et se jette dans le détroit de Long Island. La région métropolitaine la plus peuplée centrée au sein de l'État se trouve dans la vallée de la rivière Connecticut. Malgré la taille relativement petite du Connecticut, son paysage présente de grandes variations régionales ; par exemple, dans le nord-ouest de Litchfield Hills, il présente des montagnes vallonnées et des fermes équestres, tandis que dans les zones à l'est de New Haven, le long de la côte, le paysage comprend des marais côtiers, des plages et des activités maritimes à grande échelle. Les zones rurales et les petites villes du Connecticut dans les coins nord-est et nord-ouest de l'État contrastent fortement avec ses villes industrielles telles que Stamford, Bridgeport et New Haven, situées le long des autoroutes côtières depuis la frontière de New York jusqu'à New London, puis vers le nord jusqu'au Connecticut. Rivière jusqu'à Hartford. De nombreuses villes du nord-est et du nord-ouest du Connecticut se concentrent autour d'un « vert », comme Litchfield Green, Lebanon Green (le plus grand de l'État) et Wethersfield Green (le plus ancien de l'État). Près du green se trouvent généralement des symboles visuels historiques des villes de la Nouvelle-Angleterre, tels qu'une église blanche, une maison de réunion coloniale, une taverne coloniale ou "inne", plusieurs maisons coloniales, etc., établissant une apparence historique pittoresque préservée à la fois pour la préservation historique et le tourisme. De nombreuses régions du sud et de la côte du Connecticut ont été construites et reconstruites au fil des ans et ressemblent moins visuellement à la Nouvelle-Angleterre. Le Connecticut se compose de forêts tempérées de feuillus et mixtes composées de divers chênes, hêtres, caryers et érables qui couvrent une grande partie de l'État. Dans la partie nord-ouest de l'État, celles-ci cèdent la place aux forêts acadiennes de Nouvelle-Angleterre des montagnes Taconic. La frontière nord de l'État avec le Massachusetts est marquée par le Southwick Jog ou Granby Notch, un détour à peu près carré vers le Connecticut. L'origine réelle de cette anomalie est clairement établie dans une longue série de différends et d'accords temporaires qui furent finalement conclus en 1804, lorsque le sud de Southwick, dont les habitants cherchaient à quitter le Massachusetts, fut divisé en deux. La frontière sud-ouest du Connecticut, là où il jouxte l'État de New York, est marquée par une enclave dans le comté de Fairfield, contenant les villes de Greenwich, Stamford, New Canaan, Darien et des parties de Norwalk et Wilton. Cette irrégularité dans la frontière est le résultat de conflits territoriaux à la fin du XVIIe siècle, culminant avec l'abandon par New York de ses prétentions sur la région, dont les habitants se considéraient comme faisant partie du Connecticut, en échange d'une zone équivalente s'étendant vers le nord de Ridgefield jusqu'à la frontière du Massachusetts ainsi que d'une revendication incontestée sur Rye. , New York. Les zones entretenues par le Service des parcs nationaux comprennent le sentier panoramique national des Appalaches, le corridor du patrimoine national de Quinebaug et Shetucket Rivers Valley et le lieu historique national de Weir Farm. Climat Une grande partie du Connecticut a un climat continental humide, avec des hivers froids et des étés chauds et humides. L'extrême sud et la côte du Connecticut ont un climat tempéré humide plus doux avec des extrêmes saisonniers tempérés par la proximité de l'océan Atlantique, des hivers plus chauds et une saison sans gel plus longue. La majeure partie du Connecticut connaît un régime de précipitations assez uniforme, avec des précipitations et des chutes de neige réparties sur 12 mois. Le Connecticut bénéficie en moyenne de 56 % d'ensoleillement possible (plus élevé que la moyenne des États-Unis), soit en moyenne 2 400 heures d'ensoleillement par an. Les hivers sont généralement frais à froids du sud au nord dans le Connecticut, avec des températures moyennes en janvier allant de 38 F dans les basses terres côtières à 29 F dans les parties intérieures et nord de l'État. Les chutes de neige annuelles moyennes s'étendent des altitudes les plus élevées de la partie nord de l'État jusqu'au seul long de la côte sud-est du Connecticut. Généralement, n'importe quel endroit au nord ou à l'ouest de l'Interstate 84 reçoit le plus de neige, pendant une tempête et tout au long de la saison. Le début du printemps (avril) peut varier de frais à chaud, tandis que le milieu et la fin du printemps (mai/début juin) sont chauds à chauds. L'été est chaud et souvent humide dans tout l'État, avec des températures moyennes maximales à New London de 81 F et 87 F à Windsor Locks. Bien que les étés soient ensoleillés dans le Connecticut, les orages d'été entraînent souvent des averses rapides accompagnées de tonnerre et d'éclairs. Les orages sont plus fréquents en été, se produisant en moyenne 30 fois par an. Ces tempêtes peuvent être violentes et l’État connaît généralement en moyenne une tornade par an. Pendant la saison des ouragans, des cyclones tropicaux affectent occasionnellement la région. Les mois d'automne sont doux et apportent un feuillage coloré dans les régions du nord de l'État (les zones du sud et la côte comptent plus de chênes et de caryers et moins d'érables) en octobre et novembre. La température la plus chaude du Connecticut est de 106 F, survenue à Danbury le 15 juillet 1995 ; la température la plus froide est celle survenue à Falls Village le 16 février 1943 et à Coventry le 22 janvier 1961. Histoire Exploration et colonisation précoce Le nom Connecticut est dérivé des versions anglicisées du mot algonquien qui a été traduit par « longue rivière à marée » et « sur la longue rivière ». La région du Connecticut était habitée par plusieurs tribus amérindiennes avant la colonisation et la colonisation européennes, notamment les Mohegans, les Pequots et les Paugusetts. Le premier explorateur européen dans le Connecticut fut l'explorateur néerlandais Adriaen Block. Après avoir exploré cette région en 1614, les commerçants de fourrures hollandais remontèrent la rivière Connecticut (alors connue par les Néerlandais sous le nom de Versche Rivier – « rivière fraîche ») et construisirent un fort à Dutch Point dans l'actuel Hartford, qu'ils appelèrent « Maison de l'Espoir" (). John Winthrop, alors du Massachusetts, reçut une commission pour créer une nouvelle colonie à Old Saybrook, à l'embouchure de la rivière Connecticut, en 1635. Ce fut la première des trois colonies distinctes qui seraient plus tard combinées pour former le Connecticut. La colonie de Saybrook constituait un défi direct aux revendications néerlandaises. La colonie n’était qu’un petit avant-poste et n’a jamais atteint sa maturité. En 1644, la colonie Saybrook fusionna avec la colonie du Connecticut. Les premiers colons anglais arrivèrent en 1633 et s'installèrent à Windsor, puis à Wethersfield l'année suivante. Cependant, le corps principal des colons est venu en un grand groupe en 1636. Les colons étaient des puritains du Massachusetts, dirigés par Thomas Hooker. Hooker avait joué un rôle important en Angleterre et était professeur de théologie à Cambridge. Il fut également un écrivain politique important et apporta une contribution significative à la théorie constitutionnelle. Il rompit avec les dirigeants politiques du Massachusetts et, tout comme Roger Williams créait un nouveau régime politique dans le Rhode Island, Hooker et sa cohorte firent de même et fondèrent la colonie du Connecticut à Hartford en 1636. Ce fut la deuxième des trois colonies. La troisième colonie a été fondée en mars 1638. La colonie de New Haven (à l'origine connue sous le nom de colonie de Quinnipiack) a été établie par John Davenport, Theophilus Eaton et d'autres à New Haven. La colonie de New Haven avait sa propre constitution, « L'Accord fondamental de la colonie de New Haven », qui fut signée le 4 juin 1639. Les Néerlandais étant dépassés en nombre par le flot de colons anglais venus du Massachusetts, ils quittèrent leur fort en 1654. Ni la création de la colonie du Connecticut ni celle de la colonie de Quinnipiack n'ont été réalisées avec la sanction de la Couronne anglaise, et elles étaient des entités politiques indépendantes. Ils étaient naturellement présumés anglais, mais d'un point de vue juridique, ils n'étaient que des avant-postes sécessionnistes de la baie du Massachusetts. En 1662, Winthrop profita de ce vide dans les affaires politiques et obtint en Angleterre la charte par laquelle les colonies du Connecticut et de Quinnipiack étaient unies de la part de Charles II nouvellement restauré, qui accorda des conditions politiques libérales. Bien que la charte de Winthrop favorisait la colonie du Connecticut, New Haven resta un siège du gouvernement avec Hartford jusqu'après la Révolution américaine. Les colonies coloniales historiquement importantes comprenaient Windsor (1633), Wethersfield (1634), Saybrook (1635), Hartford (1636), New Haven (1638), Fairfield (1639), Guilford (1639), Milford (1639), Stratford (1639). , Farmington (1640), Stamford (1641) et New London (1646). La guerre Pequot a marqué le premier affrontement majeur entre les colons européens et les Amérindiens en Nouvelle-Angleterre. Alors que le peuple Pequot réagissait de plus en plus agressivement aux colons européens empiétant sur leur territoire, les colons ont répondu en 1636 par un raid sur un village Pequot sur Block Island. Les Pequots assiégèrent la garnison de la colonie de Saybrook cet automne-là, puis au printemps 1637 attaquèrent Wethersfield. Les colons y ont déclaré la guerre aux Pequots, ont organisé une bande de milices et d'Amérindiens et ont attaqué un village Pequot sur la rivière Mystic, avec un bilan de morts estimé entre 300 et 700 Pequots. Après avoir subi une autre perte majeure lors d'une bataille à Fairfield, les Pequot ont demandé une trêve et des conditions de paix. Connecticut colonial Le Connecticut a développé une élite conservatrice qui dominerait les affaires coloniales dans les années qui ont précédé la Révolution américaine. Les forces du libéralisme et de la démocratie ont émergé lentement, encouragées par l’esprit d’entreprise du monde des affaires et par la nouvelle liberté religieuse stimulée par le Premier Grand Réveil. Avec la création du Yale College en 1701, le Connecticut disposait d'une institution importante pour former le clergé et les dirigeants civils. Tout comme Yale dominait la vie intellectuelle du Connecticut, l'Église congrégationaliste dominait la vie religieuse de la colonie et, par extension, les affaires municipales dans de nombreuses régions. Les limites ouest du Connecticut ont changé au fil du temps. Selon le traité de Hartford avec les Néerlandais, signé le 19 septembre 1650, mais jamais ratifié par les Britanniques, la frontière ouest du Connecticut s'étendait au nord de la baie de Greenwich sur une distance de 20 milles. "à condition que ladite ligne ne se trouve pas à moins de 10 milles de la rivière Hudson. Cet accord a été observé par les deux parties jusqu'à ce que la guerre éclate entre l'Angleterre et les Pays-Bas en 1652. Aucune autre limite n'a été trouvée. Le conflit sur les limites coloniales incertaines s'est poursuivi jusqu'à ce que le duc d'York capture La Nouvelle-Hollande en 1664." D'un autre côté, la charte originale du Connecticut de 1662 lui accordait toutes les terres de la « mer du Sud », c'est-à-dire l'océan Pacifique. La plupart des subventions royales coloniales concernaient de longues bandes est-ouest. Le Connecticut a pris sa subvention au sérieux et a créé un neuvième comté entre les rivières Susquehanna et Delaware, nommé comté de Westmoreland. Cela a abouti aux brèves guerres pennamites avec la Pennsylvanie. La Révolution américaine Le Connecticut a désigné quatre délégués au deuxième congrès continental qui signeraient la déclaration d'indépendance : Samuel Huntington, Roger Sherman, William Williams et Oliver Wolcott. En 1775, à la suite des affrontements entre les réguliers britanniques et la milice du Massachusetts à Lexington et Concord, la législature du Connecticut autorisa l'équipement de six nouveaux régiments, avec quelque 1 200 soldats du Connecticut présents à la bataille de Bunker Hill en juin 1775. Ayant appris en 1777 l'existence de fournitures de l'armée continentale à Danbury, les Britanniques débarquèrent un corps expéditionnaire de quelque 2 000 soldats à Westport, qui marchèrent vers Danbury et détruisirent une grande partie du dépôt ainsi que des maisons à Danbury. Lors de la marche du retour, les troupes et la milice de l'armée continentale dirigées par le général David Wooster et le général Benedict Arnold engageèrent les Britanniques à Ridgefield en 1777. Pour l'hiver 1778-1779, le général George Washington décida de diviser l'armée continentale en trois divisions encerclant New York, où le général britannique Sir Henry Clinton avait pris ses quartiers d'hiver. Le major-général Israel Putnam a choisi Redding comme campement d'hiver pour quelque 3 000 réguliers et miliciens sous son commandement. Le campement de Redding a permis aux soldats de Putnam de garder le dépôt de ravitaillement réapprovisionné à Danbury et de soutenir toutes les opérations le long du détroit de Long Island et de la vallée de la rivière Hudson. Certains des hommes étaient des vétérans du campement d'hiver à Valley Forge, en Pennsylvanie, l'hiver précédent. Les soldats du camp de Redding ont enduré des pénuries d'approvisionnement, des températures froides et de fortes chutes de neige, certains historiens surnommant le campement « Connecticut's Valley Forge ». L'État a également été le point de départ d'un certain nombre de raids contre Long Island orchestrés par Samuel Holden Parsons et Benjamin Tallmadge, et a fourni des hommes et du matériel pour l'effort de guerre, en particulier à l'armée de Washington à l'extérieur de New York. Le général William Tryon attaqua la côte du Connecticut en juillet 1779, se concentrant sur New Haven, Norwalk et Fairfield. New London et Groton Heights furent attaqués en septembre 1781 par Arnold, qui s'était alors tourné vers les Britanniques. Début de la période nationale et révolution industrielle Le 9 janvier 1788, le Connecticut ratifie la Constitution américaine, devenant ainsi le cinquième État. Le Connecticut a prospéré au cours de la période qui a suivi la Révolution américaine, alors que des moulins et des usines textiles étaient construits et que les ports maritimes prospéraient grâce au commerce et à la pêche. En 1786, le Connecticut a cédé au gouvernement américain un territoire qui est devenu une partie du Territoire du Nord-Ouest. Le Connecticut a conservé des terres s'étendant à travers la partie nord de l'Ohio actuel, appelée la réserve occidentale du Connecticut. La section de la réserve occidentale a été colonisée en grande partie par des habitants du Connecticut, et ils ont apporté les noms de lieux du Connecticut à l'Ohio. Les accords avec la Pennsylvanie et New York ont ​​éteint les revendications territoriales du Connecticut sur ses voisins, créant ainsi le Connecticut Panhandle. Le Connecticut a cédé la réserve occidentale en 1800 au gouvernement fédéral, ce qui a ramené l'État à ses frontières actuelles, à l'exception d'ajustements mineurs avec le Massachusetts. Le blocus britannique pendant la guerre de 1812 a nui aux exportations et renforcé l’influence des fédéralistes opposés à la guerre. L'arrêt des importations en provenance de Grande-Bretagne a stimulé la construction d'usines pour fabriquer des textiles et des machines. En partie grâce aux inventions d'Eli Whitney et d'autres innovateurs de la révolution industrielle, le Connecticut allait devenir un centre majeur de fabrication. L'État était connu pour son conservatisme politique, caractérisé par son parti fédéraliste et le Yale College de Timothy Dwight. Les plus grands intellectuels étaient Dwight et Noah Webster, qui ont compilé son grand dictionnaire à New Haven. Les tensions religieuses ont polarisé l'État, alors que l'Église congrégationaliste établie, en alliance avec les fédéralistes, tentait de maintenir son emprise sur le pouvoir. L'échec de la Convention de Hartford en 1814 a nui à la cause fédéraliste, le Parti républicain prenant le contrôle du pays en 1817. Gouverné sous les « Ordres Fondamentaux » depuis 1639, le Connecticut a adopté en 1818 une nouvelle constitution. Période de la guerre civile Les fabricants du Connecticut ont joué un rôle majeur dans l'approvisionnement des forces de l'Union en armes et en fournitures pendant la guerre civile. L'État fournit 55 000 hommes. Ils ont été formés en trente régiments complets d'infanterie, dont deux dans les troupes de couleur américaines, plusieurs hommes du Connecticut devenant généraux. La Marine attirait 250 officiers et 2 100 hommes, et Gideon Welles était secrétaire de la Marine. James H. Ward de Hartford fut le premier officier de la marine américaine tué pendant la guerre civile. Les victimes du Connecticut comprenaient 2 088 morts au combat, 2 801 morts de maladie et 689 morts dans les camps de prisonniers confédérés. Un élan d'unité nationale en 1861 a amené des milliers de personnes à affluer sous les couleurs de chaque ville et cité. Cependant, alors que la guerre devenait une croisade pour mettre fin à l’esclavage, de nombreux démocrates (en particulier les catholiques irlandais) se sont retirés. Les démocrates ont adopté une position de paix et comprenaient de nombreux Copperheads prêts à laisser le Sud faire sécession. L'élection du gouverneur de 1863, intensément disputée, fut remportée de justesse par les républicains. Deuxième révolution industrielle La vaste industrie du Connecticut, sa population dense, son terrain plat et sa richesse ont encouragé la construction de chemins de fer à partir de 1839. En 1840, 102 milles de ligne étaient en service, passant à 402 milles en 1850 et 601 milles en 1860. Le New York, New Haven and Hartford Railroad, appelé New Haven ou « The Consolidated », est devenu la compagnie ferroviaire dominante du Connecticut après 1872. À partir des années 1890, J. P. Morgan a commencé à financer les grands chemins de fer de la Nouvelle-Angleterre et à diviser le territoire afin qu'ils ne le soient pas. rivaliser. Le New Haven a acheté 50 petites entreprises, y compris des lignes de bateaux à vapeur, et a construit un réseau de trains légers sur rails (chariots électrifiés) qui assuraient le transport interurbain pour tout le sud de la Nouvelle-Angleterre. En 1912, New Haven exploitait plus de 2 000 milles de voies ferrées et employait 120 000 employés. En 1875, le premier central téléphonique au monde fut établi à New Haven. Première Guerre mondiale Lorsque la Première Guerre mondiale éclata en 1914, le Connecticut devint l’un des principaux fournisseurs d’armes de l’armée américaine ; en 1918, 80 % des industries de l’État produisaient des biens destinés à l’effort de guerre. Remington Arms à Bridgeport a produit la moitié des cartouches pour armes légères utilisées par l'armée américaine ; avec d'autres fournisseurs majeurs, dont Winchester à New Haven et Colt à Hartford. Le Connecticut était également un important fournisseur de la marine américaine, avec Electric Boat recevant des commandes pour 85 sous-marins, Lake Torpedo Boat construisant plus de 20 sous-marins et Groton Iron Works construisant des cargos. Le 21 juin 1916, la marine américaine a fait de Groton le site de sa base sous-marine et de son école sur la côte Est. L'État a soutenu avec enthousiasme l'effort de guerre américain en 1917 et 1918, avec d'importants achats d'obligations de guerre et une nouvelle expansion de l'industrie de guerre, et en mettant l'accent sur l'augmentation de la production alimentaire dans les fermes. Des milliers de groupes étatiques, locaux et bénévoles se sont mobilisés pour l’effort de guerre et ont été coordonnés par le Conseil de défense de l’État du Connecticut. Les fabricants étaient aux prises avec des pénuries de main-d’œuvre ; Alors qu'American Brass and Manufacturing fonctionnait à moitié de sa capacité, le gouvernement fédéral a accepté de mettre des soldats en congé pour rejoindre la société Waterbury. Entre-deux-guerres En 1919, J. Henry Roraback a fondé la Connecticut Light & Power Co., qui allait devenir le principal service public d'électricité de l'État. En 1925, Frederick Rentschler stimule la création de Pratt & Whitney à Hartford pour développer des moteurs pour avions ; l'entreprise deviendra un fournisseur militaire important pendant la Seconde Guerre mondiale et, à terme, l'un des trois principaux fabricants de moteurs à réaction au monde. Le 21 septembre 1938, la tempête la plus destructrice de l’histoire de la Nouvelle-Angleterre frappe l’est du Connecticut, tuant des centaines de personnes. L'œil du « Long Island Express » est passé juste à l'ouest de New Haven et a dévasté le littoral du Connecticut entre Old Saybrook et Stonington, qui ne disposait pas de la protection partielle fournie par Long Island, dans l'État de New York, aux points à l'ouest de la pleine force du vent et des vagues. L'ouragan a causé d'importants dégâts aux infrastructures, aux habitations et aux entreprises. À New London, un voilier de 500 pieds a été enfoncé dans un complexe d'entrepôts, provoquant un incendie majeur. De fortes pluies ont provoqué l'inondation de la rivière Connecticut dans le centre-ville de Hartford et East Hartford. On estime que 50 000 arbres sont tombés sur les routes. La Seconde Guerre mondiale L'avènement du prêt-bail en soutien à la Grande-Bretagne a contribué à sortir le Connecticut de la Grande Dépression, l'État étant devenu un centre de production majeur d'armes et de fournitures utilisées pendant la Seconde Guerre mondiale. Le Connecticut a fabriqué 4,1 % du total des armements militaires américains produits pendant la Seconde Guerre mondiale, se classant neuvième parmi les 48 États, avec des usines majeures comme Colt pour les armes à feu, Pratt & Whitney pour les moteurs d'avions, Chance Vought pour les avions de combat, Hamilton Standard pour les hélices et Electric. Bateau pour sous-marins et bateaux PT. À Bridgeport, General Electric produirait une nouvelle arme importante pour contrer les chars adverses : le bazooka. Le 13 mai 1940, Igor Sikorsky effectua un vol autonome de ce qui fut le premier hélicoptère fonctionnel. Alors que l'hélicoptère ne connaîtrait qu'une utilisation limitée pendant la Seconde Guerre mondiale, la future production militaire ferait de l'usine de Stratford de Sikorsky Aircraft le plus grand site de fabrication du Connecticut d'ici le début du 21e siècle. Expansion économique après la Seconde Guerre mondiale Alors que le Connecticut a vu la perte de certaines usines de guerre après la fin des hostilités, l'État a participé à une expansion générale d'après-guerre qui comprenait la construction d'autoroutes, entraînant une croissance de la classe moyenne dans les zones suburbaines. Prescott Bush a représenté le Connecticut au Sénat américain de 1952 à 1963 ; son fils George H.W. Bush et son petit-fils George W. Bush deviendraient tous deux présidents des États-Unis. En 1965, le Connecticut a ratifié sa constitution actuelle, remplaçant le document en vigueur depuis 1818. En 1968, l'exploitation commerciale de la centrale nucléaire Connecticut Yankee à East Haddam a commencé ; en 1970, la centrale nucléaire de Millstone entrerait en activité à Waterford. En 1974, le Connecticut a élu gouverneur la démocrate Ella T. Grasso, qui est devenue la première femme d'un État à être élue gouverneur à part entière. Fin du 20e siècle La dépendance du Connecticut à l'égard de l'industrie de défense a constitué un défi économique à la fin de la guerre froide. La crise budgétaire qui en a résulté a permis d'élire Lowell Weicker comme gouverneur sur une liste de tiers en 1990. Le remède de Weicker, un impôt sur le revenu de l'État, s'est avéré efficace pour équilibrer le budget, mais seulement à court terme, et en partie à cause de cet impopulaire politique. décision, Weicker ne s'est pas présenté pour un second mandat. En 1992, la construction initiale du casino Foxwoods a été achevée dans la réserve de Mashantucket Pequots, dans l'est du Connecticut, qui allait devenir le plus grand casino de l'hémisphère occidental. Mohegan Sun le suivra quatre ans plus tard. Début du 21e siècle En 2000, le candidat à la présidentielle Al Gore a choisi comme candidat à la vice-présidence le sénateur Joe Lieberman, marquant la première fois qu'un candidat d'un grand parti à la présidentielle incluait une personne de confession juive. Gore et Lieberman ont perdu cinq voix devant George W. Bush et Dick Cheney au Collège électoral. Lors des attentats terroristes du 11 septembre 2001, 65 résidents de l'État ont été tués, pour la plupart des résidents du comté de Fairfield qui travaillaient au World Trade Center. En 2004, le gouverneur républicain John G. Rowland a démissionné lors d'une enquête pour corruption, plaidant ensuite coupable des accusations fédérales. En 2011 et 2012, le Connecticut a été frappé par trois tempêtes majeures en un peu plus de 14 mois, toutes trois causant d'importants dégâts matériels et des pannes d'électricité. L'ouragan Irene a frappé le Connecticut le 28 août et les dégâts ont totalisé 235 millions de dollars. Deux mois plus tard, fin octobre, le « Halloween nor'easter » a déversé d'abondantes chutes de neige sur les arbres, provoquant des branches et des troncs cassés qui ont endommagé les lignes électriques, l'électricité n'étant pas rétablie dans certaines zones pendant 11 jours. L'ouragan Sandy a eu des vents de force tempête tropicale lorsqu'il a atteint le Connecticut le 29 octobre 2012. Les vents de Sandy ont provoqué des ondes de tempête dans les rues et ont coupé l'électricité dans 98 % des foyers et des entreprises, causant ainsi plus de 360 ​​millions de dollars de dégâts. Le 14 décembre 2012, Adam Lanza a tué par balle 26 personnes à l'école primaire Sandy Hook à Newtown, dans le Connecticut, puis s'est suicidé. Le massacre a incité les militants à redoubler d’efforts pour renforcer les lois sur la possession d’armes à feu à l’échelle nationale. Données démographiques Le Bureau du recensement des États-Unis estime que la population du Connecticut était de 3 590 886 habitants au 1er juillet 2015, soit une augmentation de 0,47 % depuis le recensement des États-Unis de 2010. En 2015, le Connecticut avait une population estimée à 3 590 886 habitants, ce qui représente une diminution de 5 791, ou -0,16 %, par rapport à l'année précédente et une augmentation de 16 789, ou 0,47 %, depuis l'année 2010. Cela inclut une augmentation naturelle depuis le dernier recensement de 67 427 personnes (soit 222 222 naissances moins 154 795 décès) et une augmentation due à une migration nette de 41 718 personnes vers l'État. L'immigration en provenance de l'extérieur des États-Unis a entraîné une augmentation nette de 75 991 personnes, et la migration à l'intérieur du pays a entraîné une perte nette de 34 273 personnes. Selon les estimations de 2005, le Connecticut passe du 29e au 30e rang des États les plus peuplés. 6,6 % de sa population avait moins de 5 ans, 24,7 % avait moins de 18 ans et 13,8 % avait 65 ans ou plus. Les femmes représentaient environ 51,6 % de la population, dont 48,4 % d'hommes. En 1790, 97 % de la population du Connecticut était classée comme « rurale ». Le premier recensement au cours duquel moins de la moitié de la population était classée comme rurale remonte à 1890. Lors du recensement de 2000, seulement 12,3 % de la population était considérée comme rurale. La majeure partie de l'ouest et du sud du Connecticut (en particulier la Gold Coast) est fortement associée à la ville de New York ; cette zone est la région la plus riche et la plus peuplée de l’État et a des coûts immobiliers et des revenus élevés. Le centre de population du Connecticut est situé dans la ville de Cheshire. Race, ascendance et langue Selon le recensement américain de 2010, les pourcentages raciaux et ethniques du Connecticut étaient les suivants : * 77,6 % de Blancs (71,2 % de Blancs non hispaniques, 6,4 % de Blancs hispaniques) * 10,1 % noirs ou afro-américains * 0,3 % d'Indiens d'Amérique et d'Autochtones de l'Alaska * 3,8% asiatique * 0,0 % d'Hawaïens et d'autres insulaires du Pacifique * 5,6 % d'une autre race * 2,6% Deux courses ou plus La même année, les Hispaniques et les Latinos de toutes races représentaient 13,4 % de la population. Le groupe ethnique le plus peuplé de l'État, les Blancs non hispaniques, est passé de 98 % en 1940 à 71 % en 2010. En 2004, 11,4 % de la population (400 000 personnes) était née à l'étranger. En 1870, les Américains nés dans le pays représentaient 75 % de la population de l'État, mais ce chiffre était tombé à 35 % en 1918. En 2000, 81,69 % des résidents du Connecticut âgés de 5 ans et plus parlaient anglais à la maison et 8,42 % parlaient espagnol, suivis de l'italien à 1,59 %, du français à 1,31 % et du polonais à 1,20 %. Les plus grands groupes d'ascendance européens sont : * 19,3% italien * 17,9% irlandais * 10,7% anglais * 10,4% allemand * 8,6% polonais * 6,6% français * 3,0% Canadien français * 2,7% américain * 2,0% écossais * 1,4% irlandais écossais Le Connecticut compte d'importantes populations italo-américaines, irlandaises-américaines et anglo-américaines, ainsi que des populations germano-américaines et polonaises-américaines, la population italo-américaine ayant le deuxième pourcentage le plus élevé de tous les États, derrière le Rhode Island (19,3 %). Les Italiens constituent le groupe d'ascendance le plus important dans cinq des comtés de l'État, tandis que les Irlandais constituent le groupe le plus important dans le comté de Tolland et les Canadiens français le groupe le plus important dans le comté de Windham. Le Connecticut a le pourcentage le plus élevé de Portoricains de tous les États. Les Afro-Américains et les Hispaniques (principalement des Portoricains) sont nombreux dans les zones urbaines de l'État. Le Connecticut est également connu pour sa population hongroise-américaine relativement importante, dont la majorité vit dans et autour de Fairfield, Stamford, Naugatuck et Bridgeport. Le Connecticut compte également une importante population polonaise américaine, la Nouvelle-Bretagne contenant la plus grande population polonaise américaine de l'État. Les populations immigrées plus récentes comprennent celles de la Jamaïque, du Guatemala, d'Haïti, de la République dominicaine, du Mexique, de l'Inde, des Philippines, du Laos, du Vietnam, de la Thaïlande, de l'Indonésie, du Brésil, du Panama, du Cap-Vert et des anciens pays soviétiques. En 2011, 46,1 % de la population du Connecticut de moins d'un an appartenait à des minorités. Religion Les affiliations religieuses des habitants du Connecticut en 2014 : *Chrétien : 70% **Protestant évangélique : 13 % ***Baptiste : 5% ***Restaurateur : 1 % ***Pentecôtiste : 3 % ***Presbytérien: L'immigration récente a amené d'autres religions non chrétiennes dans l'État, mais le nombre d'adeptes d'autres religions est encore faible. Le Connecticut abrite également la plus grande église protestante de la Nouvelle-Angleterre : la première cathédrale de Bloomfield, dans le Connecticut, située dans le comté de Hartford. Hartford est le siège de l'archidiocèse catholique romain de Hartford, qui est souverain sur le diocèse de Bridgeport et le diocèse de Norwich. Économie Le produit brut total de l'État pour 2012 était de 229,3 milliards de dollars, contre 225,4 milliards de dollars en 2011. Le revenu personnel par habitant du Connecticut en 2013 était estimé à 60 847 dollars, le plus élevé de tous les États. Il existe cependant une grande disparité des revenus à travers l’État ; Après New York, le Connecticut avait le deuxième plus grand écart à l'échelle nationale entre les revenus moyens des 1 pour cent les plus riches et les revenus moyens des 99 pour cent les plus pauvres. Selon une étude réalisée en 2013 par Phoenix Marketing International, le Connecticut comptait le troisième plus grand nombre de millionnaires par habitant aux États-Unis, avec un ratio de 7,32 %. New Canaan est la ville la plus riche du Connecticut, avec un revenu par habitant de 85 459 $. Darien, Greenwich, Weston, Westport et Wilton ont également un revenu par habitant supérieur à 65 000 dollars. Hartford est la municipalité la plus pauvre du Connecticut, avec un par

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Qu'est-ce qui a été fondé par Ferdinand II d'Aragon et Isabelle I de Castille pour maintenir l'orthodoxie catholique comme religion majeure de leurs royaumes ?

l'Inquisition espagnole

Ferdinand II d'Aragon (10 mars 1452 – 23 janvier 1516), dit le catholique, fut roi de Sicile à partir de 1468 et roi d'Aragon de 1479 jusqu'à sa mort. À la suite de son mariage avec Isabelle Ier, il fut roi de Castille jure uxoris sous le nom de Ferdinand V de 1474 jusqu'à sa mort en 1504. Il fut reconnu comme régent de Castille pour sa fille et héritière, Joanna, de 1508 jusqu'à sa propre mort. En 1504, après une guerre avec la France, il devient roi de Naples sous le nom de Ferdinand III, réunissant définitivement Naples à la Sicile et pour la première fois depuis 1458. En 1512, il devient roi de Navarre par conquête. Ferdinand est aujourd'hui surtout connu pour son rôle dans l'inauguration de la découverte du Nouveau Monde, puisque lui et Isabelle ont parrainé le premier voyage de Christophe Colomb en 1492. Cette année-là, il a également mené la guerre finale avec Grenade qui a effacé le dernier État islamique sur le sol ibérique. , mettant ainsi fin à la Reconquista qui a duré plusieurs siècles. À sa mort, Joanna lui succéda, qui régna avec son fils Charles Quint sur tous les royaumes ibériques, à l'exception du Portugal. Biographie Acquérir des titres et des pouvoirs Ferdinand est né au Palais Sada, Sos del Rey Católico, Royaume d'Aragon, en tant que fils de Jean II d'Aragon (dont la famille était une branche cadette de la Maison de Trastámara) par sa seconde épouse, Juana Enríquez. Il épousa l'infante Isabelle, demi-sœur et héritière d'Henri IV de Castille, le 19 octobre 1469 à Valladolid, royaume de Castille et Léon. Isabelle appartenait également à la maison royale de Trastámara, et les deux étaient cousins ​​par descendance de Jean Ier de Castille. Ils se sont mariés avec un accord prénuptial clair sur le partage du pouvoir et sous la devise commune « tanto monta, monta tanto ». Il devint jure uxoris roi de Castille lorsqu'Isabelle succéda à son frère décédé en 1474 pour être couronnée reine Isabelle I de Castille. Les deux jeunes monarques furent d'abord obligés de mener une guerre civile contre Jeanne de Castille (également connue sous le nom de Juana la Beltraneja), la prétendue fille d'Henri IV, et réussirent rapidement. Lorsque Ferdinand succéda à son père comme roi d'Aragon en 1479, la couronne de Castille et les différents territoires de la couronne d'Aragon furent unis dans une union personnelle. Pour la première fois depuis le VIIIe siècle, cette union a créé une unité politique unique appelée España (Espagne), dont la racine est l'ancien nom Hispania. Les différents États n'étaient pas formellement administrés comme une unité unique, mais comme des unités politiques distinctes relevant de la même Couronne. (La fusion légale de l'Aragon et de la Castille en une seule Espagne a eu lieu sous Philippe V en 1707-1715.) Les premières années du règne conjoint de Ferdinand et Isabelle ont vu la conquête espagnole de la dynastie nasride de l'émirat de Grenade (royaume maure de Grenade), la dernière entité islamique al-Andalus de la péninsule ibérique, achevée en 1492. L'achèvement de la Reconquista n'était pas le seul acte important accompli par Ferdinand et Isabelle cette année-là. En mars 1492, les monarques publièrent l'édit d'expulsion des Juifs, également appelé décret de l'Alhambra, un document qui ordonnait à tous les Juifs soit de se faire baptiser et de se convertir au christianisme, soit de quitter le pays. Ce document a été signé avec l'émir maure vaincu de Grenade, Mohammed XII, qui avait négocié pour que les musulmans d'Espagne soient laissés tranquilles. Il a permis aux Maures mudéjars (islamiques) et aux Juifs converso marranes de rester, tout en expulsant tous les Juifs non convertis de Castille et d'Aragon (la plupart des Juifs se sont convertis ou ont déménagé vers les terres islamiques d'Afrique du Nord et de l'Empire ottoman). 1492 est également l'année où les monarques chargent Christophe Colomb de trouver une route maritime vers l'ouest pour accéder à l'Asie, ce qui aboutit à l'arrivée des Espagnols dans les Amériques. En 1494, le Traité de Tordesillas divisa le monde entier au-delà de l'Europe entre le Portugal et la Castille (Espagne) à des fins de conquête et de domination – par une ligne nord-sud tracée le long de l'océan Atlantique. Conversions forcées Ferdinand a violé le traité de paix du décret de l'Alhambra de 1492 en rejetant la liberté religieuse clairement garantie aux musulmans mudéjars. Ferdinand a forcé tous les musulmans de Castille et d'Aragon à se convertir, converso Moriscos, au catholicisme, sous peine d'être expulsés. Certains des musulmans restés étaient des artisans mudéjars, capables de concevoir et de construire dans le style mauresque. Cela a également été pratiqué par les inquisiteurs espagnols sur la population juive marrane converso d'Espagne. Le principal architecte derrière l'Inquisition espagnole était le roi Ferdinand II, qui était ironiquement d'origine converso (ou peut-être à cause de cela, il a peut-être été aigri d'être l'arrière-petit-fils de la maîtresse de Fadrique). Ferdinand a détruit plus de dix mille manuscrits arabes rien qu'à Grenade, les brûlant. La dernière partie de la vie de Ferdinand fut largement occupée par des conflits avec les rois de France successifs sur le contrôle de l'Italie, les soi-disant guerres italiennes. En 1494, Charles VIII de France envahit l'Italie et expulsa du trône de Naples Alphonse II, qui était le cousin germain de Ferdinand et le beau-fils de la sœur de Ferdinand. Ferdinand s'allia à divers princes italiens et à l'empereur Maximilien Ier pour expulser les Français en 1496 et installer le fils d'Alphonse, Ferdinand, sur le trône napolitain. En 1501, après la mort de Ferdinand II de Naples et l'avènement de son oncle Frédéric, Ferdinand signe un accord avec le successeur de Charles VIII, Louis XII, qui vient de faire valoir avec succès ses prétentions sur le duché de Milan, pour partager Naples entre eux, avec La Campanie et les Abruzzes, y compris Naples elle-même, passent aux Français et Ferdinand prend les Pouilles et la Calabre. L'accord s'est rapidement effondré et, au cours des années suivantes, le grand général de Ferdinand, Gonzalo Fernández de Córdoba, s'est battu pour prendre Naples aux Français, y parvenant finalement en 1504. Après Isabelle Après la mort d'Isabelle I en 1504, son royaume revint à leur fille Joanna. Ferdinand II fut le régent de cette dernière pendant son absence aux Pays-Bas, dirigés par son mari l'archiduc Philippe. Ferdinand tenta de conserver la régence de façon permanente, mais fut repoussé par la noblesse castillane et remplacé par le mari de Joanna, qui devint Philippe Ier de Castille. Après la mort de Philippe en 1506, alors que Joanna était censée être mentalement instable, et qu'elle et le fils de Philippe, le futur empereur Charles Quint, n'avaient que six ans, Ferdinand reprit la régence, régnant par l'intermédiaire de Francisco Jiménez de Cisneros, le chancelier du royaume. Charles Ier (qui deviendra plus tard l'empereur du Saint-Empire Charles V) devint roi d'Aragon en 1516, avec sa mère Joanna comme reine de nom, à la mort de Ferdinand. Ferdinand n'était pas d'accord avec la politique et l'étrangeté de Philippe I. Ferdinand se remaria avec Germaine de Foix le 19 octobre 1505 à Blois, Royaume de France, petite-fille de sa demi-sœur la reine Aliénor de Navarre et nièce de Louis XII de France. Son espoir d'engendrer un nouvel héritier de l'Aragon, la séparant de la Castille, ne s'est pas réalisé. Cela aurait refusé à son gendre Philippe Ier et à son petit-fils Charles Ier d'hériter de la couronne et du gouvernement d'Aragon. Un fils, Jean, prince de Gérone, naquit le 3 mai 1509, mais mourut quelques heures plus tard. Jean a été enterré au couvent de Saint Paul à Valladolid, royaume de Castille et Léon, puis transféré au monastère de Poblet, Vimbodí i Poblet, Catalogne, royaume d'Aragon, lieu de sépulture traditionnel des rois d'Aragon. Ferdinand eut également des enfants de sa maîtresse, Aldonza Ruiz de Iborre y Alemany de Cervera. Il eut un fils, Alonso de Aragón (né en 1469), qui devint plus tard archevêque de Saragosse, et une fille Joanna (née en 1471), qui épousa Bernardino Fernández de Velasco, 1er duc de Frías. Au XVIe siècle, son fils Alonso de Aragón découvrit sous le palais de Ferdinand un bureau caché contenant plus de 400 documents écrits par Ferdinand. Dans ces documents, Ferdinand expliquait sa vision générale du pouvoir politique et les véritables objectifs derrière toutes ses décisions au cours de sa vie en tant que roi de Castille et d'Aragon. Également à travers ces documents, Ferdinand a écrit que « pendant les périodes de prise de décision très compliquées, il se bandait les yeux pour se concentrer sur la véritable question d'une situation et ne pas laisser d'autres choses « obscurcir son jugement » ». En 1508, la guerre reprit en Italie, cette fois contre la République de Venise, contre laquelle toutes les autres puissances ayant des intérêts dans la péninsule italienne, dont Louis XII, Ferdinand II, Maximilien et le pape Jules II, s'unirent sous le nom de « Ligue de Cambrai ». . Bien que les Français aient été victorieux contre Venise à la bataille d'Agnadel, la Ligue de Cambrai s'est rapidement effondrée, le pape et Ferdinand II se méfiant des intentions françaises. Au lieu de cela, la « Sainte Ligue » fut créée, dans laquelle désormais toutes les puissances s'unirent contre Louis XII et la France. En novembre 1511, Ferdinand II et son gendre, le roi Henri VIII d'Angleterre, signèrent le traité de Westminster, s'engageant à s'entraider contre la Navarre et la France avant l'invasion castillane de la Navarre en juillet 1512. Après la chute de Grenade en 1492, il avait manœuvré pendant des années pour s'emparer du trône du royaume basque, dirigé par la reine Catherine de Navarre et le roi Jean III de Navarre, également seigneurs du Béarn et d'autres territoires importants des Pyrénées et de la Gascogne occidentale. Ferdinand annexa la Navarre d'abord à la couronne d'Aragon, puis, sous la pression des nobles castillans, à la couronne de Castille. La Sainte Ligue a généralement réussi en Italie également, chassant les Français de Milan, qui a été restituée à ses ducs Sforza par le traité de paix de 1513. Les Français ont cependant réussi à reconquérir Milan deux ans plus tard. Ferdinand II est décédé le 23 janvier 1516 à Madrigalejo, Estrémadure, Royaume de Castille et Léon. Il est enterré à Capilla Real, Grenade, Royaume de Castille et Léon. Isabelle I, Joanna I et Philip I sont à ses côtés. Héritage et succession Ferdinand et Isabelle ont établi une souveraineté très efficace dans des conditions égales. Ils ont utilisé un accord prénuptial pour fixer leurs conditions. Pendant leur règne, ils se soutenèrent efficacement conformément à sa devise commune d'égalité : « Tanto monta (ou monta tanto), Isabel como Fernando », (« Ils sont pareils, Isabel et Ferdinand »). Les réalisations d'Isabelle et de Ferdinand furent remarquables : l'Espagne était unie, ou du moins plus unie qu'elle ne l'a jamais été, le pouvoir de la couronne était centralisé, au moins en nom, la reconquista était conclue avec succès, les bases de la machine militaire la plus dominante du siècle prochain. et demi a été posé, un cadre juridique a été créé, l'église s'est réformée. Même sans le bénéfice de l’expansion américaine, l’Espagne aurait été une puissance européenne majeure. La découverte de Colomb a mis le pays sur la voie de la première puissance mondiale moderne. Sous le règne de Ferdinand et d'Isabelle, l'Espagne a conclu des alliances par mariage avec le Portugal, l'Autriche des Habsbourg et la Bourgogne. Leur fille aînée Isabella était mariée à Alphonse du Portugal et leur fils aîné John était marié à Marguerite d'Autriche. Cependant, la mort de ces enfants et la mort d'Isabelle ont modifié le plan de succession, forçant Ferdinand à céder le gouvernement de Castille à Philippe de Habsbourg, le mari de sa deuxième fille Joanna. En 1502, les membres des Cortes aragonaises réunis à Saragosse et les Parlements du Royaume de Valence et de la Principauté de Catalogne à Barcelone, en tant que membres de la Couronne d'Aragon, prêtèrent serment de fidélité à leur fille Joanna comme héritière, mais Alonso de Aragón, archevêque de Saragosse, déclara fermement que ce serment était invalide et ne modifiait pas le droit de la succession, ce qui ne pouvait se faire que par une législation formelle des Cortès avec le roi. Ainsi, à la mort du roi Ferdinand le 23 janvier 1516, sa fille Joanna hérita de la couronne d'Aragon et son petit-fils Charles devint gouverneur général (régent). Néanmoins, les Flamands souhaitaient que Charles assume le titre royal, et cela fut soutenu par son grand-père paternel, l'empereur du Saint-Empire Maximilien Ier et par le pape Léon X. Par conséquent, après les funérailles de Ferdinand II le 14 mars 1516, Charles Ier fut proclamé roi de Castille. et d'Aragon conjointement avec sa mère. Finalement, le régent castillan, le cardinal Jiménez de Cisneros, accepta le fait accompli et les Cortes castillanes et aragonaises lui rendirent hommage en tant que roi d'Aragon conjointement avec sa mère. Le petit-fils et successeur de Ferdinand, Charles, devait hériter non seulement des terres espagnoles de ses grands-parents maternels, mais aussi des terres habsbourgeoises et bourguignonnes de sa famille paternelle, ce qui ferait de ses héritiers les dirigeants les plus puissants du continent et, avec les découvertes et les conquêtes de les Amériques et ailleurs, du premier empire véritablement mondial. Problème Avec son épouse Isabelle I la Catholique (qu'il épousa le 19 octobre 1469), le roi Ferdinand eut 7 enfants : # Isabelle (1470-1498), princesse des Asturies (1497-1498). Elle épousa d'abord le prince Afonso, prince du Portugal, mais après sa mort, elle épousa son cousin le prince Manuel, futur roi Emmanuel Ier du Portugal. Elle est décédée en couches en donnant naissance à son fils Miguel da Paz (Michel de la Paix), prince héritier du Portugal et de l'Espagne, qui, à son tour, est décédé en bas âge. # Un fils a fait une fausse couche le 31 mai 1475 à Cebreros # Jean (1478-1497), prince des Asturies (1478-1497). Il épousa Marguerite de Habsbourg (fille du roi Maximilien Ier). Il est mort de tuberculose et son enfant posthume avec Margaret était mort-né. # Jeanne I (1479-1555), princesse des Asturies (1500-1504), reine de Castille (1504-1555), reine d'Aragon (1516-1555). Elle épousa Philippe Ier (Philippe le beau) (fils de l'empereur Maximilien Ier) ; et était la mère du roi Charles Ier d'Espagne (également connu sous le nom de Charles V en tant qu'empereur du Saint-Empire). Ferdinand l'a fait passer pour une personne mentalement instable et a été incarcérée par son père, puis par son fils, à Tordesillas pendant plus de 50 ans. Son petit-fils, Philippe II d'Espagne, fut couronné en 1556. # Marie (1482-1517). Elle épousa le roi Emmanuel Ier du Portugal, veuf de sa sœur aînée Isabelle, et était la mère du roi Jean III du Portugal et du cardinal-roi Henri Ier du Portugal. # Une fille mort-née, jumelle de Maria. Né le 1er juillet 1482 à l'aube. # Catalina, plus tard connue sous le nom de Catherine d'Aragon, reine d'Angleterre (1485-1536). Elle épousa d'abord Arthur, prince de Galles, fils et héritier du roi Henri VII d'Angleterre et, après la mort du prince Arthur, elle épousa son frère Henry, duc d'York, qui devint également prince de Galles puis roi Henri VIII. Elle devient ainsi reine d'Angleterre et est la mère de la reine Mary I. Avec sa seconde épouse, Germaine de Foix, nièce de Louis XII de France (qu'il épousa le 19 octobre 1505 à Blois, Royaume de France) Le roi Ferdinand eut un fils : * Jean, prince de Gérone, décédé quelques heures après sa naissance le 3 mai 1509. Il a également laissé plusieurs enfants illégitimes : Avec Aldonza Ruiz de Iborre y Alemany, noble catalane de Cervera, il eut : * Alonso d'Aragon (1470 – 1520). Archevêque de Saragosse et vice-roi d'Aragon. * Jeanne d'Aragon (1471 – avant 1522). Elle épousa Bernardino Fernández de Velasco, 1er duc de Frias. Avec Toda de Larrea : * María Esperanza de Aragón (1477 – 1543). Abbesse de Santa María la Real de Las Huelgas. Avec Beatriz de Pereira : * María Blanca de Aragón (1483 – 1550). Religieuse au Madrigal de las Altas Torres. Ascendance Héraldique

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Quel chanteur a joué le roi gobelin Jareth dans le film « Labyrinthe » ?

David Bowie

Un gobelin est un démon ou un monstre légendaire, maléfique ou grotesque, ressemblant à un nain, apparu dans les histoires et les récits européens au Moyen Âge. On leur attribue diverses capacités, tempéraments et apparences (parfois contradictoires) selon l'histoire et le pays d'origine. Dans certains cas, les gobelins sont de petites créatures liées au brownie et au gnome. Ils sont généralement petits, parfois seulement quelques centimètres de haut, parfois de la taille d'un nain, et ont des capacités magiques ; ils sont avides, surtout d’or et de bijoux. Nom Les orthographes alternatives incluent gobblin, gobeline, gobling, goblyn et gobbelin. Le gobelin anglais est enregistré pour la première fois au 14ème siècle et est probablement issu d'un gobelin anglo-normand non attesté, semblable au vieux gobelin français, déjà attesté vers 1195 dans la Guerre sainte d'Ambroise de Normandie, et au gobelinus latin médiéval dans Orderic Vitalis avant 1141, qui était le nom d'un diable ou d'un démon qui hante le pays d'Évreux, en Normandie. Il peut être lié à la fois au kobold allemand et au latin médiéval cabalus, ou *gobalus, lui-même du grec κόβαλος (kobalos), « voyou », « valet », « lutin », « gobelin ». Alternativement, il peut s'agir d'un diminutif ou d'un autre dérivé du nom propre français Gobel, plus souvent Gobeau, formes diminutives Gobelet, Goblin, Goblot, mais leur signification est probablement "quelqu'un qui vend des gobelets, des béchers ou des tasses". D'ailleurs, ces noms propres ne sont pas originaires de Normandie, où le mot gobelin, gobelinus apparaît pour la première fois dans les documents anciens. L'allemand Kobold contient la racine germanique kov- (moyen allemand Kobe "refuge, cavité", "creux dans un rocher", Dial. Anglais crique "creux dans un rocher", anglais "recoin abrité sur une côte", vieux norrois kofi "hutte , hangar") qui signifie à l'origine un "creux dans la terre". Le mot est probablement lié à Dial. Gobe ​​normand "creux dans une falaise", avec suffixe simple -lin ou double suffixation -el-in (cf. patronymes normands Beuzelin, Gosselin, Étancelin, etc.) Le coblyn gallois, un type de heurtoir, dérive du vieux gobelin français en passant par le gobelin anglais. Folklore européen et contes populaires rassemblés * Le Gobelin Bienveillant, de Gesta Romanorum (Angleterre) * Erlking est un gobelin malveillant issu de la légende allemande. * Le Poney Gobelin, tiré du Livre de la Fée Grise (conte de fées français) * Les Gobelins aux Bains (Estonie), tiré de A Book of Ghosts and Goblins (1969) * Les gobelins transformés en pierre (conte de fées néerlandais). * Gwyn ap Nudd était le dirigeant de la tribu des gobelins. (folklore gallois) * King Gobb (conte populaire tzigane moldave) Créatures ressemblant à des gobelins dans d'autres cultures De nombreuses créatures lagyts asiatiques ont été comparées ou traduites par des gobelins. Quelques exemples pour ceux-ci : * Goules et gobelins chinois (Angleterre 1928) * Le Gobelin d'Adachigahara (conte de fées japonais) * Le Rat Gobelin, tiré du Garçon qui dessinait des chats (conte de fées japonais) * Vingt-deux gobelins (conte de fées indien) * En Corée du Sud, les gobelins sont connus sous le nom de Dokkaebi (도깨비). Ce sont des créatures mythiques particulièrement importantes dans le folklore coréen. Ils apparaissent généralement dans les livres pour enfants. Noms de lieux liés aux gobelins * 'The Gap of Goeblin', un trou et un tunnel souterrain à Croxteth sous la résidence Green où Daniel Green réside en se nourrissant d'os et d'ectoplasme d'enfants pour survivre. * Goblin Combe, dans le nord du Somerset, Royaume-Uni * Parc d'État de Goblin Valley, Utah, États-Unis * Goblin Crescent, Bryndwr, Christchurch, Nouvelle-Zélande * Château de Yester (également connu sous le nom de « Goblin Hall ») East Lothian, Écosse * Goblin Bay, île Beausoleil, Ontario, Canada * Cowcaddens et Cowlairs, Glasgow, Écosse. « Vache » est un vieux mot écossais pour Gobelin, tandis que « cad » signifie « méchant ». « Dens » et « repaires » font référence aux maisons des gobelins. Dans la culture populaire * The Goblins, une comédie de Sir John Suckling (1638 en Angleterre ; le titre fait allusion aux voleurs plutôt qu'aux véritables gobelins) * Goblin Market, un poème de Christina Rossetti (1859 Angleterre) * La Princesse et le Gobelin de George MacDonald (1872) dépeint les Gobelins comme des humanoïdes grotesques, vulnérables à la lumière du soleil, aux chants et à la pression exercée sur leurs pieds. * Davy et le gobelin de Charles E. Carryl (1884) * J. R. R. Tolkien utilisait généralement les termes gobelin et orc comme synonymes dans Le Hobbit et Le Seigneur des Anneaux. Ces œuvres, mettant en scène des gobelins de stature presque humaine, ont généralement éclairé la représentation des gobelins dans les fictions et les jeux ultérieurs. William Thompson écrit : « Dans Le Hobbit – dont le personnage principal ressemble au hobgobelin traditionnel, à peine déguisé par son nom et son rôle – les gobelins de Tolkien, bien que méchants, conservent un soupçon de représentations antérieures de coquins, avec leurs efforts maladroits, ponctués de chants bruyants et doggerel. , ce qui représente peu de menace pour les héros de l'histoire et reflète peut-être le jeune public visé par le roman. Pourtant, dans les notes du roman, il reconnaît une dette envers MacDonald, et même si ses gobelins peuvent paraître burlesques, ils sont aussi grotesques, sales et méchants. s'attaquant aux voyageurs depuis leurs repaires souterrains. Thompson ajoute que, dans Le Seigneur des Anneaux, Tolkien a « abandonné toute prétention de représenter les gobelins sous un jour comique, les présentant plutôt comme la grande race maléfique de la Terre du Milieu… » * Les gobelins sont représentés comme étant environ la moitié de la taille des humains adultes en tant que personnages non-joueurs dans le jeu de rôle sur table Dungeons & Dragons, qui a influencé la plupart des représentations ultérieures, notamment les jeux Akalabeth, Ultima, Tibia, RuneScape et World of Warcraft (ils devenir une race jouable dans l'extension WoW World of Warcraft: Cataclysm) et dans le décor Warhammer Fantasy, où ils possèdent la peau verte et souvent les yeux rouges. Les gobelins sont également présents en tant que créature de premier niveau de la faction Orc dans Heroes of Might and Magic V : Tribes of the East. * Les gobelins sont des ennemis mineurs récurrents dans la franchise Final Fantasy, où ils apparaissent généralement au début de chaque jeu et ne représentent que peu ou pas de menace pour le joueur. Ils utilisent souvent une technique appelée Goblin Punch qui inflige des dégâts accrus aux ennemis du même niveau d'expérience. Les entrées MMORPG de la série ont réinventé les gobelins comme une race nomade de bandits et de bricoleurs avec une grande affinité pour les machines qui ne sont jamais vues sans leurs masques à gaz en cuir de marque et parlent dans leur propre dialecte caractéristique. * Les gobelins sont représentés dans Magic : The Gathering comme une espèce de créatures à prédominance rouge, généralement organisées en diverses tribus, et sont généralement décrites comme féroces et bellicistes, mais d'une intelligence comiquement faible. La plupart sont similaires à d'autres représentations de gobelins, à l'exception de celles de la race Akki, qui portent des coquilles chitineuses sur le dos. * Le film Don't Be Afraid of the Dark de 1973 dépeint une maison infestée de gobelins ; il a été refait en 2011. Dans les deux versions, les gobelins sont de petites créatures intelligentes, agiles et maléfiques avec un penchant pour s'attaquer aux enfants. Ils se nourrissent de dents humaines et ont peur de la lumière. * Dans le film Labyrinth de Jim Henson Productions, les gobelins sont dirigés par Jareth le roi gobelin (joué par David Bowie). Les gobelins de ce film mesurent entre quelques centimètres et plusieurs pieds de hauteur. Certains gobelins ont de petits yeux, certains gobelins ont de grands yeux, certains gobelins ont des yeux saillants, certains gobelins ont des cornes, certains gobelins ont des cheveux et certains gobelins sont glabres. Jareth a laissé entendre que les gobelins étaient autrefois des enfants humains. * Les gobelins jouent un rôle important dans la série Harry Potter de J. K. Rowling. Ils gardent la banque des sorciers Gringotts et sont décrits comme intelligents, arrogants, cupides et grossiers. * La trilogie Hollow Kingdom de Clare B. Dunkle présente une réimagination créative des gobelins, des elfes et des nains. * L'Encyclopédie complète des elfes, gobelins et autres petites créatures les décrit comme originaires des îles britanniques, d'où ils se sont répandus par bateau dans toute l'Europe continentale. Ils n'ont pas de maison, étant des vagabonds, habitant temporairement dans les fissures moussues des rochers et des racines des arbres. * Les gobelins sont généralement les principaux adversaires de Dwarf Fortress. Ils sont décrits comme des créatures maléfiques à la peau verte et aux yeux rouges brillants. Ils kidnappent souvent les enfants des autres races et les élèvent comme des gobelins. * La musique du groupe Nekrogoblikon est centrée sur les gobelins. * Alex Jones parle de gobelins dans son rapport sur les démêlés de Donald Trump avec le Parti républicain. Les fonctionnalités gobelines mentionnées incluent "le vomi de gobelin", Trump "embrasser des gobelins" et "attraper Trump au lit avec un gobelin".

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Qui a joué « Aunty Entity » dans le film « Mad Max Beyond the Thunderdome » ?

Tina Turner

Mad Max Beyond Thunderdome (également connu sous le nom de Mad Max 3 : Beyond Thunderdome ou simplement Mad Max 3 ou Thunderdome) est un film d'action-aventure post-apocalyptique australien de 1985 réalisé par George Miller et George Ogilvie, distribué par Warner Bros. et écrit par Miller. et Terry Hayes. Dans cette suite de Mad Max 2 : The Road Warrior, Max (Mel Gibson) est exilé dans le désert par la dirigeante corrompue de Bartertown, Aunty Entity (Tina Turner), et y rencontre un culte du fret isolé centré sur un Boeing 747 écrasé et son capitaine décédé. Troisième volet de la série de films Mad Max et dernier à présenter Gibson dans le rôle de Max, il a été suivi en 2015 par Mad Max : Fury Road avec Tom Hardy dans le rôle principal. Parcelle Alors que le climat mondial est transformé en un été nucléaire desséché, Max Rockatansky traverse le désert australien dans un wagon tiré par des chameaux lorsqu'il est attaqué par un pilote nommé Jedediah et son fils dans un Transavia PL-12 Airtruk, volant son wagon et ses affaires. En continuant à pied, Max suit leur trace jusqu'à la communauté miteuse de Bartertown. Bien qu'on lui ait d'abord refusé l'entrée, Max est amené devant le fondateur et dirigeant de Bartertown, l'impitoyable Aunty Entity. Elle propose de réapprovisionner son véhicule et son équipement s'il accomplit une tâche à sa place. Tante explique que Bartertown dépend d'une raffinerie de méthane brut alimentée par des excréments de porc, qui est dirigée par un nain appelé Master et son garde du corps géant Blaster. "Master Blaster" conclut une trêve difficile avec Aunty pour le contrôle de Bartertown ; cependant, le Maître a commencé à remettre en question le leadership de Tante. Tante demande à Max de provoquer une confrontation avec Blaster au Thunderdome, une arène de gladiateurs où les conflits sont résolus par un duel à mort. Max entre dans la raffinerie pour évaluer Master Blaster et se lie d'amitié avec Pig Killer, un condamné au travail pour avoir abattu un cochon pour nourrir sa famille. Max retrouve son véhicule volé en possession de Master Blaster et aide à désarmer son moteur piégé pour converser avec lui. Ici, il découvre que Blaster est exceptionnellement fort mais extrêmement sensible aux bruits aigus. Max affronte ensuite Blaster dans le Thunderdome et utilise sa faiblesse pour prendre le dessus. Il refuse de le tuer après avoir découvert qu'il a une déficience intellectuelle et qu'il a la mentalité fonctionnelle d'un enfant, disant à tante que cela ne faisait pas partie de leur accord, révélant ainsi son complot. Maître, qui n'était pas au courant de cet accord secret visant à tuer Blaster, est furieux et jure de fermer la raffinerie et, par extension, Bartertown. Une tante enragée fait exécuter Blaster, emprisonner Maître et Max exilé, ligoté, masqué et envoyé à cheval dans une direction aléatoire vers le désert. Alors que son cheval périt dans un gouffre, Max se libère et continue son chemin. Près de la mort, Max est retrouvé par une habitante du désert nommée Savannah Nix, qui le ramène chez elle, une communauté primitive d'enfants et d'adolescents vivant dans une oasis. Les enfants, survivants du crash d'un Boeing 747, ont été abandonnés par leurs parents partis à la recherche de la civilisation. Ils croient que Max est le capitaine de vol, qu'il est revenu pour réparer l'avion et les emmener vers la civilisation. Max nie cela et insiste sur le fait qu'ils restent dans la sécurité relative de l'oasis, sachant que la seule « civilisation » à leur portée est Bartertown. Certains des enfants, menés par Savannah, partent quand même, déterminés à trouver la « Terre de demain » prophétisée. Max les arrête de force, mais un autre membre de la tribu, connu sous le nom de Scrooloos, les libère pendant la nuit et part avec eux. Leur chef, Slake M'Thirst, demande à Max de les poursuivre, et il accepte, emmenant quelques enfants avec lui pour l'aider. Ils trouvent le groupe de Savannah en danger mais sont incapables de sauver l'un des enfants d'un gouffre. Sans provisions, ils sont obligés de se diriger vers Bartertown. Le groupe se faufile via le métro et, avec l'aide de Pig Killer, libère Maître et s'échappe dans un camion, détruisant ainsi la raffinerie de méthane de Bartertown. Tante mène les habitants à sa poursuite, rattrapant le train. Le groupe de Max les ralentit tandis que Scrooloos détourne l'un des véhicules qui les poursuivent, qui se trouve être le véhicule volé de Max. Le groupe rencontre Jedediah et son fils, et Max contraint Jedediah à aider son groupe à s'échapper avec leur avion. Max utilise son véhicule pour se frayer un chemin à travers les hommes de Tante, permettant à l'avion de décoller et de s'échapper, le laissant à la merci de Tante. Tante lui épargne la vie, étant venue à le respecter ; elle dit sardoniquement: "Eh bien, ne sommes-nous pas un couple, homme en haillons? Au revoir, soldat.", et part probablement pour tenir son vœu de reconstruire Bartertown. Jedediah emmène les enfants vers la côte, où ils découvrent les ruines de Sydney. Des années plus tard, les enfants ont fondé une petite société composée d'eux-mêmes et d'autres vagabonds perdus dans les ruines. Savannah, désormais chef du groupe, récite chaque soir une histoire de leur voyage et de l'homme qui les a sauvés, tandis que Max, toujours en vie dans le désert, erre vers des lieux inconnus. Casting * Mel Gibson dans le rôle de "Mad" Max Rockatansky, ancien officier du MFP et guerrier solitaire. Max parcourt le désert sans but, son existence étant entièrement basée sur la survie personnelle. * Tina Turner dans le rôle d'Aunty Entity, la dirigeante impitoyable et déterminée de Bartertown. Entity est une figure glamour, semblable à celle d'Amazon, qui reconnaît une force de caractère chez Max et espère l'exploiter pour obtenir le contrôle exclusif de Bartertown auprès de Master. Malgré sa brutalité et le chaos de Bartertown, Entity est une femme intelligente et cultivée, qui espère un jour reconstruire la société à son ancienne gloire. À propos du personnage, Miller a déclaré : « Nous avions besoin de quelqu'un dont la vitalité et l'intelligence rendraient crédible son contrôle sur Bartertown. Elle devait être un personnage positif plutôt qu'un « méchant » maléfique conventionnel. Nous avions travaillé sur le scénario en pensant à [Turner], mais nous ne savions pas si elle serait intéressée. » * Bruce Spence dans le rôle de Jedediah the Pilot, un pilote en maraude qui échange des biens volés à Bartertown. Spence a déjà joué le rôle du Gyro Captain dans Mad Max 2. "Ils étaient déjà bien engagés dans le tournage lorsqu'ils m'ont proposé un rôle décrit comme 'pas le Gyro Captain mais un peu comme le Gyro Captain !'", a déclaré Spence. "Ils ont dit qu'il y avait une sorte de reflet de lui et qu'ils avaient des difficultés à choisir le rôle, alors ils se sont dit : 'Pourquoi pas Bruce !'" * Adam Cockburn dans le rôle de Jedediah Jr., le fils de Jedediah, qui aide souvent son père à voler des fournitures, pilotant l'avion de son père pendant que Jedediah se procure les marchandises. * Frank Thring dans le rôle du collectionneur, chef du réseau commercial et d'échange de Bartertown. * Angelo Rossitto dans le rôle de Master, un ancien ingénieur de petite taille, qui met à profit son expertise technique dans la construction de l'extracteur de méthane responsable de l'électricité de Bartertown. Lorsque le film commence, Maître est devenu fou de pouvoir sous la protection de Blaster et le respect qu'il reçoit des habitants de Bartertown. Il humilie fréquemment Entity en lui faisant reconnaître son pouvoir sur elle. Cependant, lorsque Blaster est tué, Maître devient un personnage beaucoup plus discret et humble et finit par s'échapper avec l'aide de Max, Pig Killer et des enfants. * Paul Larsson dans le rôle de Blaster, le garde du corps silencieux et déficient mental du Maître. * Angry Anderson dans le rôle d'Ironbar Bassey, chef de la sécurité de Bartertown et homme de main numéro un d'Aunty Entity. Malgré sa petite taille, il est une figure de guerrier féroce, portant une tête de poupée sur le dos, qui en vient à détester Max de plus en plus à mesure que le film avance. Après plusieurs incidents de mort imminente où sa survie devient de plus en plus improbable, il est vraisemblablement tué dans la poursuite culminante du film, vu pour la dernière fois en train de donner le majeur aux héros en fuite. * Robert Grubb dans le rôle de Pig Killer, un condamné à Bartertown condamné à travailler dans la raffinerie de méthane, à pelleter des excréments de porc. Il se lie d'amitié avec Max, et quand Max et les enfants reviennent pour sauver Maître, Pig Killer s'échappe pour les aider. * Helen Buday dans le rôle de Savannah Nix, chef d'une tribu d'enfants survivants (ou des enfants de ces survivants) d'un 747 écrasé. Savannah est celle qui veille à ce que la tribu se souvienne de son passé à travers les « racontes » et agit comme une figure maternelle de substitution. à beaucoup d'entre eux. Elle est également la partenaire de Slake. * Tom Jennings dans le rôle de Slake M'Thirst, le chef masculin de la tribu des enfants. * Edwin Hodgeman dans le rôle du Dr Dealgood, le flamboyant maître de cérémonie et commissaire-priseur en chef de Bartertown. *Rod Zuanic dans le rôle de Scrooloos Production Mad Max Beyond Thunderdome a été le premier film Mad Max réalisé sans le producteur Byron Kennedy, qui a été tué dans un accident d'hélicoptère en 1983 alors qu'il repérait le tournage du film. Alors que le film était en développement avant la mort de Kennedy, le réalisateur George Miller hésitait à continuer sans son partenaire producteur. "J'étais réticent à aller de l'avant", a déclaré Miller. "Et puis il y avait une sorte de besoin de faire quelque chose juste pour surmonter le choc et le chagrin de tout cela." Une carte de titre à la fin du film indique : "...Pour Byron". Miller a fini par co-réaliser le film avec George Ogilvie, avec qui il avait travaillé sur la mini-série de 1983 The Dismissal. "J'avais beaucoup de pain sur la planche", a déclaré Miller. "J'ai demandé à mon ami George Ogilvie, qui travaillait sur la mini-série : 'Pourrais-tu venir m'aider ?' Mais je ne me souviens pas de cette expérience parce que je la faisais juste pour... Vous savez, j'étais en deuil." Ensemble, Miller et Ogilvie ont utilisé une technique de répétition d'atelier de groupe qu'ils avaient développée. Le tournage en extérieur a eu lieu principalement dans la ville minière de Coober Pedy, avec le décor de Bartertown construit dans une ancienne briqueterie (le Brickpit) à Homebush Bay dans la banlieue ouest de Sydney et le camp d'enfants tourné dans les Blue Mountains. "Mad Max Beyond Thunderdome s'est avéré bien plus difficile que The Road Warrior", a déclaré le directeur de la photographie Dean Semler. "Nous avions affaire à des environnements plus variés qu'auparavant et il était essentiel que chacun des mondes créés pour le film ait un aspect nettement différent." Musique La musique de Mad Max Beyond Thunderdome a été composée par Maurice Jarre, en remplacement de Brian May, qui a composé la musique des deux films précédents. Le film présente également deux chansons interprétées par Tina Turner, "We Don't Need Another Hero (Thunderdome)" et "One of the Living", cette dernière remplaçant la musique du titre d'ouverture de Jarre. Un album de bande originale a été initialement publié par Capitol Records en 1985. Il comprend "We Don't Need Another Hero (Thunderdome)" de Turner, qui a atteint le n°1 au Canada, le n°2 aux États-Unis et le n°3 dans les charts britanniques ; il joue sur le générique de fin. "One of the Living" a été réenregistré pour un single et a atteint la 15e place au Canada et aux États-Unis, mais seulement la 55e place en Grande-Bretagne. Un double CD contenant uniquement la musique originale de Jarre a été publié en 2010 sur Tadlow Music/Silva Screen Records. Libérer Même si le budget du film était plus extravagant que celui de ses prédécesseurs, son rendement au box-office n'était que modeste en comparaison. Beyond Thunderdome a rapporté 4 272 802 $ AU au box-office en Australie. Réception critique La réaction critique au film a été généralement positive ; il détient une note de 81% sur Rotten Tomatoes sur la base de 47 critiques avec un consensus "Au-delà de Thunderdome approfondit le personnage de Mad Max sans sacrifier l'incroyable chorégraphie des véhicules et les cascades qui ont rendu les originaux mémorables", bien que les critiques ne soient pas d'accord quant à savoir s'ils considéraient le film comme le point le plus haut ou le plus bas de la trilogie Mad Max. La plupart des critiques portaient sur les enfants de la seconde moitié du film, que beaucoup trouvaient trop semblables aux Garçons Perdus de l'histoire de Peter Pan. colonnes Mad Max Beyond Thunderdome – Critiques de films, bandes-annonces, photos – Rotten Tomatoes] Bien que non crédité, Robert C. Cumbow de Slant Magazine identifie « des idées, des thèmes et des caractérisations entières » adoptés de Riddley Walker, un roman post-apocalyptique de 1980 de Russell Hoban. D'un autre côté, les critiques ont particulièrement loué la scène du Thunderdome ; Le critique de cinéma Roger Ebert du Chicago Sun-Times a qualifié le Thunderdome de "première idée de film vraiment originale sur la façon de mettre en scène un combat depuis que nous avons eu les premiers films de karaté" et a salué le combat entre Max et Blaster comme "l'une des grandes actions créatives". scènes de films". Ebert a attribué au film 4 étoiles sur 4 et a ensuite placé le film sur sa liste des 10 meilleurs films de 1985. Variety a écrit que le film "s'ouvre en force" et a un bon jeu d'acteur de Gibson, Turner et des enfants. Malgré des critiques majoritairement positives, certains fans de la série ont critiqué le film pour être "hollywoodien" et avoir un ton plus léger que ses prédécesseurs. L'American Film Institute répertorie : * 100 ans d'AFI... 100 chansons : ** "Nous n'avons pas besoin d'un autre héros (Thunderdome)" - Nominé * Top 10 de l'AFI – Film de science-fiction nominé Héritage Comme pour les précédents volets de la série Mad Max, Mad Max Beyond Thunderdome a influencé la culture populaire à divers égards. Le terme « Thunderdome » est désormais utilisé dans divers contextes dans lesquels sa signification est similaire à celle dans laquelle il apparaît dans le film. Le cinéaste Chris Weitz a cité le film comme une influence.

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Nommez le film fantastique réalisé par Terry Gilliam, dans lequel 6 nains ont volé une carte.

Time Bandits

Les films fantastiques sont des films appartenant au genre fantastique avec des thèmes fantastiques, impliquant généralement la magie, des événements surnaturels, la mythologie, le folklore ou des mondes fantastiques exotiques. Le genre est considéré comme une forme de fiction spéculative aux côtés des films de science-fiction et des films d'horreur, bien que les genres se chevauchent. Les films fantastiques contiennent souvent un élément de magie, de mythe, d'émerveillement, d'évasion et d'extraordinaire.[http://www.filmsite.org/fantasyfilms.html Films fantastiques] Sous-genres Plusieurs sous-catégories de films fantastiques peuvent être identifiées, bien que les démarcations entre ces sous-genres, tout comme dans la littérature fantastique, soient quelque peu fluides. Les sous-genres fantastiques les plus courants représentés dans les films sont la High Fantasy et l'Épée et la Sorcellerie. Les deux catégories emploient généralement des décors quasi médiévaux, des sorciers, des créatures magiques et d’autres éléments communément associés aux histoires fantastiques. Les films de haute fantaisie ont tendance à présenter un monde fantastique plus richement développé et peuvent également être plus axés sur les personnages ou plus complexes sur le plan thématique. Souvent, ils mettent en scène un héros aux origines modestes et une distinction claire entre le bien et le mal opposés dans une lutte épique. De nombreux chercheurs citent le roman Le Seigneur des Anneaux de J. R. R. Tolkien comme l'exemple moderne prototypique de la High Fantasy dans la littérature, et la récente adaptation cinématographique des livres par Peter Jackson est un bon exemple du sous-genre High Fantasy sur grand écran. Les films d'épée et de sorcellerie ont tendance à être plus axés sur l'intrigue que sur la haute fantaisie et se concentrent fortement sur des séquences d'action, opposant souvent un guerrier physiquement puissant mais peu sophistiqué à un sorcier maléfique ou à un autre ennemi doté de pouvoirs surnaturels. Bien que les films d'Épée et de Sorcellerie décrivent parfois une bataille épique entre le bien et le mal, semblable à celles trouvées dans de nombreux films de High Fantasy, ils peuvent alternativement présenter le héros comme ayant des motivations plus immédiates, comme la nécessité de protéger une jeune fille ou un village vulnérable, ou même étant animé par un désir de vengeance. L'adaptation cinématographique de 1982 de Conan le Barbare de Robert E. Howard, par exemple, est une histoire personnelle (non épique) concernant la quête de vengeance du héros et ses efforts pour contrecarrer un seul mégalomane, tout en sauvant une belle princesse dans le processus. Certains critiques font référence à ces films par le terme Sword and Sandal plutôt que Sword and Sorcery, bien que d'autres soutiennent que le label Sword and Sandal devrait être réservé uniquement au sous-ensemble des films fantastiques se déroulant dans les temps anciens sur la planète Terre, et d'autres encore. élargirait le terme pour englober les films qui ne contiennent aucun élément fantastique. Pour certains, le terme Sword and Sandal a des connotations péjoratives, désignant un film avec un scénario de mauvaise qualité, un mauvais jeu d'acteurs et de mauvaises valeurs de production. Un autre sous-genre important des films fantastiques qui est devenu plus populaire ces dernières années est la fantasy contemporaine. De tels films présentent des effets magiques ou des événements surnaturels se produisant dans le monde « réel » d’aujourd’hui. Les films d'action et d'animation en direct tels que Mary Poppins de Disney, Pete's Dragon, Enchanted et le film de Robert Zemeckis Who Framed Roger Rabbit sont également des films fantastiques, bien qu'ils soient plus souvent appelés hybrides action en direct/animation (2 d'entre eux sont également classés comme comédies musicales). ). Les films fantastiques se déroulant dans l'au-delà, appelés Bangsian Fantasy, sont moins courants, bien que des films tels que la comédie d'Albert Brooks de 1991, Defending Your Life, seraient probablement admissibles. D'autres sous-genres rares incluent la fantaisie historique et la fantaisie romantique, bien que Pirates des Caraïbes : La Malédiction du Black Pearl de 2003 ait incorporé avec succès des éléments des deux. Comme indiqué ci-dessus, les films de super-héros et les films de contes de fées pourraient chacun être considérés comme des sous-genres des films fantastiques, bien que la plupart les classeraient comme des genres cinématographiques totalement distincts. Films fantastiques et industrie cinématographique En tant que genre cinématographique, la fantasy n'a traditionnellement pas été considérée aussi haut que le genre connexe du film de science-fiction. Sans aucun doute, le fait que jusqu'à récemment les films fantastiques souffraient souvent des afflictions de « Épée et sandale » : des valeurs de production inférieures, un jeu d'acteur exagéré et des effets spéciaux décidément médiocres était un facteur important dans la faible estime du film fantastique. Depuis la fin des années 1990, cependant, le genre a acquis une nouvelle respectabilité, principalement grâce aux adaptations réussies de J.R.R. Le Seigneur des Anneaux de Tolkien et J.K. La série Harry Potter de Rowling. La trilogie Le Seigneur des Anneaux de Jackson se distingue par sa portée ambitieuse, son ton sérieux et sa complexité thématique. Ces films ont connu un succès commercial et critique phénoménal, et le troisième volet de la trilogie est devenu le premier film fantastique à remporter l'Oscar du meilleur film. La série Harry Potter a connu un énorme succès financier, a été acclamée par la critique et compte une base de fans énorme et fidèle. Suite au succès de ces projets, les studios hollywoodiens ont donné leur feu vert à d’autres productions à gros budget du genre. Il s'agit notamment d'adaptations des premier, deuxième et troisième livres de la série Les Chroniques de Narnia de C. S. Lewis et du roman pour adolescents Eragon, ainsi que des adaptations de The Dark Is Rising de Susan Cooper, Inkheart de Cornelia Funke, The Golden Compass de Philip Pullman, The Spiderwick Chronicles de Holly Black, l'émission télévisée de Nickolodeon Avatar : The Last Airbender et le segment Fantasia (avec le poème original de Johann Wolfgang von Goethe) L'apprenti sorcier Les films fantastiques de ces dernières années, tels que les films du Seigneur des Anneaux, les première et troisième adaptations de Narnia et les première, deuxième, quatrième et septième adaptations de Harry Potter, sont le plus souvent sortis en novembre et décembre. Cela contraste avec les films de science-fiction, qui sortent souvent pendant l'été dans l'hémisphère nord (de juin à août). Cependant, les trois volets des films fantastiques Pirates des Caraïbes sont sortis respectivement en juillet 2003, juillet 2006 et mai 2007, et les dernières sorties de la série Harry Potter sont sorties en juillet 2007 et juillet 2009. L'énorme succès commercial L'une de ces images pourrait indiquer un changement dans l'approche d'Hollywood en matière de sorties de films fantastiques à gros budget. Histoire Les films fantastiques ont une histoire presque aussi ancienne que le média lui-même. Cependant, les films fantastiques étaient relativement rares jusque dans les années 1980, lorsque les techniques cinématographiques de haute technologie et l'intérêt accru du public ont permis au genre de prospérer. Ce qui suit sont quelques films fantastiques notables. Pour une liste plus complète voir : Liste des films fantastiques 1900-1920 À l'ère du cinéma muet, les premiers films fantastiques étaient ceux réalisés par le pionnier du cinéma français Georges Méliès à partir de 1903. Le plus célèbre d'entre eux était Un voyage sur la Lune de 1902. À l'âge d'or du cinéma muet (1918-1926), les films fantastiques les plus remarquables étaient Le Voleur de Bagdad (1924) de Douglas Fairbanks et Die Nibelungen (1924) et Destiny (1921) de Fritz Lang. d'autres notables du genre étaient l'histoire romantique de fantômes de F.W. Murnau, Fantôme, Tarzan des singes avec Elmo Lincoln et Les Douleurs de Satan de D. W. Griffith. années 1930 Suite à l’avènement des films sonores, le public de tous âges a découvert Le Magicien d’Oz de 1939. Également remarquable de l'époque, le film emblématique de 1933, King Kong, emprunte beaucoup au sous-genre de fiction fantastique du Monde Perdu, tout comme l'adaptation de 1935 du roman de H. Rider Haggard, She, sur une expédition africaine qui découvre une reine immortelle connue sous le nom d'Ayesha. Celle à qui il faut obéir". Le film Lost Horizon de Frank Capra de 1937 a transporté le public dans le royaume fantastique himalayen de Shangri-La, où les habitants ne vieillissent jamais comme par magie. Parmi les autres films fantastiques remarquables des années 30, citons Tarzan l'homme singe en 1932 avec Johnny Weissmuller qui lance une série à succès de films parlants basés sur les romans d'aventure fantastique d'Edgar Rice Burroughs et le réalisateur de G. W. Pabst La Maîtresse de l'Atlantide de 1932. 1932 a vu le sortie du film monstre d'Universal Studios La Momie qui combinait l'horreur avec une touche fantastique romantique. les affaires plus légères et comiques de la décennie incluent des films comme le film dramatique romantique de 1934 Death Takes a Holiday où Fredric March joue Death qui prend un corps humain pour expérimenter la vie pendant trois jours, et Topper de 1937 où un homme est hanté par deux amoureux du plaisir. des fantômes qui essaient de rendre sa vie un peu plus excitante. années 1940 Les années 1940 virent ensuite plusieurs films fantastiques en couleur produits par Alexander Korda, dont Le Voleur de Bagdad (1940), un film comparable au Magicien d'Oz, et Le Livre de la Jungle (1942). En 1946, l'adaptation classique de La Belle et la Bête de Jean Cocteau a été saluée pour ses éléments surréalistes et pour avoir transcendé les frontières du genre des contes de fées. Sinbad the Sailor (1947), avec Douglas Fairbanks Jr., a la sensation d'un film fantastique même s'il ne contient en réalité aucun élément fantastique. À l'inverse, C'est une vie merveilleuse et Une question de vie ou de mort, tous deux datant de 1946, ne ressemblent pas à des films fantastiques, mais ils comportent tous deux des éléments surnaturels et ce dernier film pourrait raisonnablement être cité comme exemple de fantaisie bangsienne. Plusieurs autres images présentant des rencontres surnaturelles et des aspects de la fantaisie bangsienne ont été produites dans les années 1940 pendant la Seconde Guerre mondiale. Il s'agit notamment de Beyond Tomorrow, The Devil et Daniel Webster, et Here Comes Mr. Jordan, tous de 1941, Heaven Can Wait, la comédie musicale Cabin in the Sky (1943), la comédie The Horn Blows at Midnight et des romances telles que The Ghost and Mrs. . Muir (1947), One Touch of Venus et Portrait de Jennie, tous deux de 1948. Bien qu'il ne soit pas classé comme un film fantastique, Anchors Aweigh de Gene Kelly avait une séquence fantastique intitulée "Le roi qui ne pouvait pas danser" dans laquelle Gene a fait une chanson et un numéro de danse avec Jerry Mouse de Tom et Jerry. Parce que ces films ne présentent pas d'éléments communs aux images de haute fantaisie ou d'épée et de sorcellerie, certains critiques modernes ne les considèrent pas comme des exemples du genre fantastique. années 1950 Dans les années 1950, il y eut quelques films fantastiques majeurs, dont Darby O'Gill and the Little People et Les 5 000 doigts du Dr T, ce dernier écrit par le Dr Seuss. La Trilogie Orphique de Jean Cocteau, commencée en 1930 et achevée en 1959, est basée sur la mythologie grecque et pourrait être classée soit comme un film fantastique, soit comme un film surréaliste, selon la manière dont sont tracées les frontières entre ces genres. Le réalisateur fantastique russe Alexandre Ptouchko a créé trois épopées mythologiques à partir de contes de fées russes, Sadko (1953), Ilya Muromets (1956) et Sampo (1959). Le film Ugetsu Monogatari du réalisateur japonais Kenji Mizoguchi de 1953 s'inspire des histoires de fantômes classiques japonaises sur l'amour et la trahison. D'autres images notables des années 1950 qui comportent des éléments fantastiques et sont parfois classées comme fantastiques sont : Harvey (1950), représentant une púca de la mythologie celtique ; Scrooge, l'adaptation de 1951 de A Christmas Carol de Charles Dickens ; et le chef-d'œuvre d'Ingmar Bergman de 1957, Le Septième Sceau. Le film d'animation Disney de 1951, Alice au pays des merveilles, est également un classique fantastique. Il y avait également un certain nombre de fantasmes à petit budget produits dans les années 1950, généralement basés sur des légendes grecques ou arabes. Le plus remarquable d'entre eux est peut-être Le 7e voyage de Sinbad de 1958, avec des effets spéciaux de Ray Harryhausen et une musique de Bernard Herrmann. années 1960 Harryhausen a travaillé sur une série de films fantastiques dans les années 1960, notamment Jason et les Argonautes (1963). De nombreux critiques ont identifié ce film comme le chef-d'œuvre de Harryhausen pour ses statues, squelettes, harpies, hydres et autres créatures mythologiques animées en stop-motion. Parmi les autres collaborations fantastiques et scientifiques de Harryhausen de la décennie, citons l'adaptation de 1961 de L'Île mystérieuse de Jules Verne, le film critiqué Un million d'années avant JC. avec Raquel Welch et La Vallée de Gwangi (1969). Capitalisant sur le succès du genre épée et sandale, plusieurs films B italiens basés sur le mythe classique ont été réalisés, dont la série Maciste. Par ailleurs, les années 1960 étaient presque entièrement dépourvues de films fantastiques. Le film fantastique 7 visages du Dr Lao, dans lequel Tony Randall incarnait plusieurs personnages de la mythologie grecque, est sorti en 1964. Mais l'adaptation de 1967 de la comédie musicale Camelot de Broadway a supprimé la plupart des éléments fantastiques du classique de T. H. White, The Once and Future King. , sur lequel la comédie musicale était basée. Les années 1960 ont également vu une nouvelle adaptation de She de Haggard en 1965 mettant en vedette Ursula Andress dans le rôle de l'immortelle "Elle à qui il faut obéir" et a été suivie d'une suite en 1968 The Vengeance of She basée vaguement sur le roman Ayesha: The Return of She tous deux produits. par Hammer Film Productions, 1968 a également vu la sortie de Chitty Chitty Bang Bang basé sur une histoire de Ian Fleming avec un scénario de Roald Dahl. années 1970 Des éléments fantastiques de la légende arthurienne ont de nouveau été présentés, bien que de manière absurde, dans Monty Python et le Saint Graal de 1975. Harryhausen est également revenu au grand écran dans les années 1970 avec deux autres fantasmes de Sinbad, Le Voyage d'or de Sinbad (1974) et Sinbad et l'Œil du tigre (1977). Le film d'animation Wizards (1977) connut un succès limité au box-office mais accéda au statut de film culte. Il y a aussi The Noah (1975), qui n'est jamais sorti en salles mais est devenu un film culte lorsqu'il est finalement sorti en DVD en 2006. Certains considéreraient Oh God ! de 1977, avec George Burns, comme un film fantastique, et Heaven Can Wait ( 1978) était un remake fantastique bangsien réussi de Here Comes Mr. Jordan de 1941 (et non de Heaven Can Wait de 1943). Quelques films à petit budget du "Monde perdu" ont été réalisés dans les années 1970, comme The Land That Time Forgot de 1975. Sinon, le genre fantastique était largement absent des films grand public de cette décennie, même si les films Bedknobs and Broomsticks et Willy Wonka & the Chocolate Factory de 1971 étaient deux images fantastiques aux yeux du public, le premier étant principalement de la même équipe qui a fait Mary Poppins, le second. étant de Roald Dahl à la fois dans le scénario et dans le roman. années 1980 \ La tradition arthurienne est revenue à l'écran dans Excalibur de John Boorman en 1981, tandis que des films tels que Legend de Ridley Scott en 1985 et la trilogie d'épopées fantastiques de Terry Gilliam en 1981-1986 (Time Bandits, Brazil et The Adventures of Baron Munchausen) exploraient une nouvelle approche axée sur les artistes. style mettant en vedette des images surréalistes et des intrigues stimulantes. Le boom moderne de l'épée et de la sorcellerie a commencé à peu près à la même époque avec Conan le Barbare en 1982, suivi de Krull et Fire and Ice en 1983, ainsi qu'un boom des films fantastiques de type conte de fées tels que Ladyhawke (1985), The Princess Bride (1987). ), et Willow (1988). Les années 80 ont également lancé une tendance consistant à mélanger des décors modernes et des effets de films d'action avec des concepts exotiques de type fantastique. Big Trouble in Little China (1986), réalisé par John Carpenter et mettant en vedette Kurt Russell, combinait humour, arts martiaux et folklore chinois classique dans un décor moderne de Chinatown. Highlander, un film sur les épéistes immortels écossais, est sorti la même année. Jim Henson a produit deux films fantastiques emblématiques dans les années 80, le solennel The Dark Crystal et le plus fantaisiste et noble Labyrinth. Pendant ce temps, Robert Zemeckis a dirigé Who Framed Roger Rabbit, mettant en vedette divers personnages de dessins animés célèbres de « l'âge d'or » de l'animation, notamment Mickey Mouse, Minnie Mouse, Donald Duck, Bugs Bunny, Daffy Duck, Droopy, Wile E. Coyote et Road Runner, Sylvester le Cat, Tweety Pie et Jiminy Cricket, entre autres. années 1990 Dracula de Bram Stoker Edward Scissorhands Fantôme dans la machine La ligne verte jour de la marmotte L'Indien dans le placard Crochet Cœur de dragon Jumanji Rencontrez Joe Black Race nocturne Princesse Mononoké (Mononoke Hime) Le vent dans les saules (La chevauchée sauvage de M. Toad) Kazam Mathilde Histoire de jouet années 2000 17 Encore une fois (2009) 300 (2006) Alvin et les Chipmunks (2007/2009/2011) Gros poisson (2003) Pont vers Terabithia (2007) Les frères Grimm (2005) Les Chroniques de Narnia (2005/2008/2010) Coraline (2009) La fiancée cadavre (2005) Tigre accroupi, dragon caché (2000) L'Etrange histoire de Benjamin Button (2008) Guerre D (2007) Elfe (2003) Enchanté (2007) Éragon (2006) Gros Albert (2004) La Boussole d'Or (2007) Harry Potter (2001-11) L'Hexer (2001) Comment le Grinch a volé Noël (2000) Le château ambulant de Howl (2004) L'Imaginarium du Docteur Parnassus (2009) Imaginez ça (2009) Au nom du roi : un conte de siège de donjon (2007) Coeur d'encre (2008) L'invention du mensonge (2009) King Kong (2005) Dame à l'eau (2006) Une série d'événements malheureux de Lemony Snicket (2004) Looney Tunes : De retour en action (2003) Le Seigneur des Anneaux (2001-03) Les beaux os (2008) Monstres Inc. (2001/2013) Nounou McPhee (2005) Ronde de nuit (2004) Le Labyrinthe de Pan (2006) Pirates des Caraïbes (2003/2006/2007/2011) Course à la Montagne des Sorcières (2009) La science du sommeil (2006) Le chercheur (2007) Le maître du déguisement (2002) Shrek (2001/2004/2007/2010) Les Chroniques de Spiderwick (2008) Pointe (2008) Le Voyage de Chihiro (2002) Poussière d'étoiles (2007) Crépuscule (2008-12) Monde souterrain (2003/2006/2009/2012) Là où sont les choses sauvages (2009) Dorian Gray (2009) années 2010 Abraham Lincoln : chasseur de vampires (2012) Alice au pays des merveilles (2010) Alice au pays des merveilles 2 : De l'autre côté du miroir (2016) Les Muppets (2011) Cendrillon (2015) Chair de poule (2015) Le pic cramoisi (2015) Harry Potter et les reliques de la mort - Partie 1 (2010) Harry Potter et les reliques de la mort - Partie 2 (2011) Courageux (2012) Le Choc des Titans (2010) et sa suite de 2012, La Colère des Titans Conan le barbare (2011) Ombres sombres (2012) Congelé (2013) Les voyages de Gulliver (2010) Houblon (2011) Comment dresser votre dragon (2010) Comment dresser votre dragon 2 (2014) Immortels (2011) John Carter (2012) Jack le tueur de géants (2010) Le dernier maître de l'air (2010) La vie de Pi (2012) Le Lorax (2012) Maléfique (2014) Honte maximale (2010) Minuit à Paris (2011) Miroir Miroir (2012) Oz : le grand et le puissant (2013) Paddington (2014) Poêle (2015) Percy Jackson et les Olympiens : La Mer des Monstres (2013) Percy Jackson et les Olympiens : Le voleur de foudre (2010) Prince of Persia : Les Sables du Temps (2010) Scott Pilgrim contre le monde (2010) Blanche-Neige et le chasseur (2012) Chant de la mer (2014) L'apprenti sorcier (2010) Coup de poing (2011) Le Hobbit : un voyage inattendu (2012) Le Hobbit : La Désolation de Smaug (2013) Le Hobbit : La Bataille des Cinq Armées (2014) Le Livre de la Jungle (2016) Thor (2011) Votre Altesse (2011) Baahubali : Le début (2014) Sardar Ji (2015) (pendjabi)

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Quelle comédie télévisée avait les personnages McLaren, Blanco et Warren ?

Porridge

Sir David John White (né le 2 février 1940), mieux connu sous son nom de scène David Jason, est un acteur et comédien anglais. Il a joué Derek "Del Boy" Trotter dans la longue série comique de la BBC Only Fools and Horses, et l'inspecteur-détective Jack Frost dans le drame policier d'ITV A Touch of Frost. D'autres rôles télévisés de haut niveau étaient ceux de Granville dans la sitcom Open All Hours et Pa Larkin dans la comédie dramatique The Darling Buds of May ainsi que les voix de M. Toad dans The Wind in the Willows, Danger Mouse et Count Duckula. Sa dernière apparition originale en tant que Del Boy remonte à 2014, tandis que Jason a retiré son rôle de Frost en 2010. Jason a été nommé Officier de l'Ordre de l'Empire britannique (OBE) en 1993 et ​​fait chevalier en 2005, tous deux pour services rendus au théâtre. Jason a remporté quatre British Academy Television Awards (BAFTA) (1988, 1991, 1997, 2003), quatre British Comedy Awards (1990, 1992, 1997, 2001) et six National Television Awards (1997, 2001, 2002 à deux reprises, 2003, 2011). Il s'agit notamment du British Comedy Awards Lifetime Achievement Award en 2001 et du BAFTA Academy Fellowship Award en 2003. En septembre 2006, Jason est arrivé en tête du classement des 50 plus grandes stars de la télévision, dans le cadre des célébrations du 50e anniversaire d'ITV. Début de la vie Le père de Jason, Arthur R White, était porteur au marché aux poissons de Billingsgate, et sa mère d'origine galloise, Olwen Jones, travaillait comme femme de ménage. Elle a donné naissance à des jumeaux à Edmonton, Middlesex en février 1940, mais le frère jumeau de Jason est décédé pendant l'accouchement. C'est un mythe urbain qu'il ait choisi le nom de Jason en hommage à son jumeau décédé : David Jason lui-même l'a nié. En 1984, lors d'une interview à TV-am, David Jason a admis que le nom de David Jason était tiré de celui de Jason et des Argonauts, car le nom de scène David White avait déjà été pris. Le frère aîné de Jason est l'acteur Arthur White, né en 1933. Les deux sont apparus ensemble dans le drame policier A Touch of Frost, avec Arthur dans le rôle de l'archiviste de la police Ernie Trigg ; et encore en 2008, dans la bande dessinée fantastique, The Color of Magic, où Arthur a joué le rôle d'un personnage appelé "Rerpf". Il est également apparu brièvement avec son frère dans un épisode de The Darling Buds of May. À la sortie de l'école, Jason voulait suivre les traces de son frère en tant qu'acteur, mais leur père a insisté pour qu'il obtienne d'abord un métier. Ainsi, pendant six ans, il suit une formation d'électricien, avant d'abandonner sa petite amie de l'époque, et de devenir comédien en jobbing. Carrière à la radio et à la télévision Premières années Jason a commencé sa carrière à la télévision en 1964 en jouant le rôle de Bert Bradshaw dans Crossroads. En 1967, il incarna le super-héros Captain Fantastic, entre autres rôles, dans la série comique pour enfants Do Not Adjust Your Set (Rediffusion London/ITV) avec Eric Idle, Terry Jones, Denise Coffey et Michael Palin. Humphrey Barclay, qui a recruté Jason pour apparaître dans Do Not Adjust Your Set (en partie pour compenser le style plutôt intellectuel d'Idle, Jones et Palin), a admiré son sens du timing. Le programme s'est terminé en 1969 et le personnage est ensuite apparu pendant un certain temps dans l'émission pour enfants Magpie de Thames Television. Jason allait jouer le rôle du caporal suppléant Jones dans la comédie de Jimmy Perry et David Croft de la BBC, Dad's Army. Croft avait été très impressionné par l'acteur et savait qu'il avait la capacité de jouer un homme beaucoup plus âgé que son âge réel. Cependant, Bill Cotton l'a annulé et a choisi Clive Dunn. Jason est apparu dans la série comique de la BBC Hugh and I, qui mettait en vedette Hugh Lloyd et Terry Scott dans le rôle de deux amis vivant ensemble dans le sud de Londres. Il est apparu dans Randall et Hopkirk ("That's How Murder Snowballs", 1969) dans le rôle d'Abel, un artiste encadré dans un grand théâtre de Londres. Dans les années 1970, il a également joué dans des comédies radiophoniques, notamment la satire hebdomadaire d'actualité Week Ending (dans laquelle il incarnait régulièrement des personnalités telles que le ministre britannique des Affaires étrangères de l'époque, le Dr David Owen) et The Hitchhiker's Guide to the Galaxy (dans le rôle du "B Ark Captain". dans le sixième épisode, dans une référence en plaisantant à son rôle d'Owen dans Week Ending). Jason est également apparu dans The Next Program Follows Almost Immédiatement et a fait des apparitions dans des jeux de société tels que The Impressionists ainsi que dans sa propre série, The Jason Explanation. Au début des années 1970, il apparaît dans Mostly Monkhouse. Jason est apparu dans des émissions de variétés en soutien à des stars telles que Dick Emery et ses performances ont attiré l'attention de Ronnie Barker. Jason a été recruté pour apparaître dans Hark at Barker (LWT, 1969), avec Barker dans le rôle de Lord Rustless, dans le rôle de Dithers, le jardinier centenaire. Il y eut aussi une suite, His Lordship Entertains (1972) pour la BBC. Jason a joué le rôle de l'employé junior Granville dans le premier programme de l'anthologie comique Seven of One (1973), intitulé Open All Hours (BBC) et mettant en vedette Barker dans le rôle de l'avare propriétaire d'un magasin du coin. Quatre séries d'Open All Hours ont été réalisées de 1976 à 1985. Il a joué dans Barker's Porridge (BBC), une comédie basée sur la prison, dans le rôle du vieux Blanco dans trois épisodes. Jason est également apparu avec Barker sous divers déguisements dans The Two Ronnies. Jason a joué dans Lucky Feller (1975-1976) de London Weekend Television, écrit par Terence Frisby et produit par Humphrey Barclay. A propos de deux frères du sud-est de Londres, la série était à bien des égards un précurseur de Only Fools And Horses, seul Jason jouait le rôle le plus stupide de "Rodders", Peter Armitage jouant le plus intelligent des deux. Les frères se déplaçaient dans une voiture bulle comique, précurseur de la célèbre camionnette des Trotters ; et il y avait même le gag où, alors qu'il essayait d'impressionner la fille (Cheryl Hall), Jason s'appuya nonchalamment contre le bar, sans qu'il sache que le barman venait de le soulever derrière son dos et de tomber. Cette situation a été reconstituée dans Only Fools And Horses. Il a joué le rôle principal dans la sitcom ATV A Sharp Intake of Breath (1977-1981). En 1979, il apparaît dans le rôle de Buttons dans la pantomime Cendrillon au Theatre Royal de Newcastle, avec Leah Bell et Bobby Thompson, produite par Michael Grayson et mise en scène par John Blackmore. Télévision pour enfants Dans les années 1980, Jason a développé une relation avec Cosgrove Hall et a été doubleur pour un certain nombre de productions télévisées pour enfants. Cela comprenait des voix pour Danger Mouse avec Terry Scott, The BFG, Count Duckula, Hugo de Victor et Hugo et Toad de The Wind in the Willows, tous produits par Cosgrove Hall pour Thames Television/ITV. Il a fourni la voix du Père Noël dans Le Père Noël et le renne disparu, Rola Polar dans Les Aventures de Dawdle l'âne, Angelmouse et a fait des voix dans des films d'animation dont Wombling Free et The Water Babies. Maturité et réussite en tant qu'homme de premier plan En 1981, Jason trouve son rôle le plus populaire, Del Boy Trotter, dans la comédie de situation de la BBC Only Fools and Horses, créée par John Sullivan. Del-Boy est un garçon large qui gagne sa vie de manière douteuse à Peckham, dans le sud de Londres, en faisant le commerce de produits de mauvaise qualité, volés et contrefaits. Il est assisté de son frère Rodney (joué par Nicholas Lyndhurst) et de son grand-père (joué par Lennard Pearce) et, dans les épisodes ultérieurs, de son oncle Albert (joué par Buster Merryfield). En 1999, Jason a joué le rôle du capitaine Frank Beck dans le long métrage dramatique de la BBC All the King's Men sur le régiment de Sandringham perdu pendant la Première Guerre mondiale. Il a été acclamé pour une série de rôles hétérosexuels. Ceux-ci incluent Skullion dans Porterhouse Blue (pour Channel 4), Sidney « Pop » Larkin dans l'idylle rurale The Darling Buds of May (Yorkshire Television/ITV) et basé sur le roman de H. E. Bates, qui mettait en vedette Catherine Zeta-Jones dans un premier rôle. . En 1992, las du manque d'investissement à la BBC, il a signé un contrat de menottes en or avec ITV pour jouer le rôle de l'inspecteur-détective Jack Frost dans la longue série télévisée A Touch of Frost (Yorkshire Television/ITV). En septembre 2006, il a été élu n°1 par le grand public dans le sondage ITV des plus grandes stars de la télévision. En décembre 2006, il a joué dans Hogfather de Terry Pratchett sur Sky1 dans le rôle d'Albert. Début 2007, il a joué dans Diamond Geezer (Granada Television/ITV). Cette série a duré 3 épisodes de 90 minutes chacun. Il y a eu un pilote en 2005. En mars 2008, il a joué le rôle de Rincewind dans The Color of Magic de Terry Pratchett et dans le drame en deux parties d'ITV Ghostboat. Le 16 septembre 2008, Jason a annoncé qu'il retirerait son rôle de Jack Frost après 16 ans. Trois nouveaux épisodes de la série ont été diffusés à l'automne 2008, suivis d'une finale en deux parties en 2010. Approché par le contrôleur de la BBC1, Danny Cohen, début 2011, il a lu trois scénarios et a accepté de tourner un pilote pour The Royal Bodyguard, qui a été projeté au Festival du film d'Édimbourg. L'épisode pilote a été diffusé sur la BBC le lendemain de Noël mais a reçu une mauvaise réponse critique. La série a été supprimée après six épisodes. Honneurs En 1993, Jason a été nommé Officier de l'Ordre de l'Empire britannique (OBE) et douze ans plus tard, dans la liste des honneurs de l'anniversaire de la reine de 2005, il a été fait chevalier pour services rendus au théâtre et à la comédie. L'octroi du titre de chevalier a été bien accueilli par le public. Le jour de l'annonce, de nombreux journaux britanniques ont titré "Lève-toi Sir Del Boy" ou similaire, en référence à son rôle le plus célèbre. Après avoir reçu le titre de chevalier des mains de la reine Elizabeth II au palais de Buckingham le 1er décembre 2005, il s'est dit « honoré » par ce « hommage fantastique ». Vie privée Jason a vécu avec sa petite amie de longue date, l'actrice galloise Myfanwy Talog, pendant dix-huit ans et l'a soignée contre un cancer du sein jusqu'à sa mort en 1995. Cette expérience l'a inspiré à organiser sa propre association caritative, The David Jason Trust, pour les enfants en phase terminale. Le 26 février 2001, Jason est devenu père pour la première fois à l'âge de 61 ans lorsque sa petite amie, Gill Hinchcliffe, 41 ans, a donné naissance à une petite fille, née à l'hôpital Stoke Mandeville d'Aylesbury. Jason et Hinchcliffe se sont mariés le 30 novembre 2005, le jour de la Saint-André. Jason est un mécène du Shark Trust, un organisme de bienfaisance enregistré au Royaume-Uni qui œuvre pour faire progresser la conservation des requins dans le monde entier par la science, l'éducation, l'influence et l'action. Il est également vice-patron honoraire du Royal International Air Tattoo depuis 1999 et, le 29 mai 2014, a présenté un chèque de 125 000 £ au nom du RAF Charitable Trust, basé à Fairford, à la British RAF Air Cadet Organisation, pour financer des simulateurs de vol. pour les cadets de l'Air. Jason est un pilote d'hélicoptère qualifié. En octobre 2013, Jason a publié son autobiographie intitulée David Jason : My Life. Il a été sélectionné pour les Specsavers National Book Awards 2013 « Meilleur livre de l'année ». Filmographie Télévision Films Animation Radio Récompenses et nominations Jason a remporté un total de vingt-trois prix entre 1986 et 2003. Son émission humoristique à succès, Only Fools and Horses, a remporté de nombreux prix. Son drame policier, A Touch of Frost, a également remporté et été nominé à plusieurs reprises. Porterhouse Blue, The Second Quest, All the King's Men et A Bit of a Do ont valu à David Jason un prix chacun.

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À qui revient la découverte du tombeau du roi Toutankhamon en 1922 ?

Howard Carter

KV62 est la désignation égyptologique standard du tombeau du jeune pharaon Toutankhamon dans la Vallée des Rois, aujourd'hui réputé pour la richesse des antiquités précieuses qu'il contenait. Le tombeau a été découvert en 1922 par Howard Carter, sous les restes de cabanes d'ouvriers construites à l'époque ramesside ; cela explique pourquoi il a été largement épargné par la profanation et par les fouilles des tombes à la fin de la 20e dynastie, bien que la tombe ait été pillée et refermée à deux reprises au cours de la période qui a suivi son achèvement. La tombe était densément remplie d'objets en grand désordre, en partie à cause de sa petite taille, des deux vols et de la nature apparemment précipitée de sa construction. En raison de l'état de la tombe et de la technique d'enregistrement méticuleuse de Carter, la tombe a mis huit ans à se vider, le contenu étant entièrement transporté au Musée égyptien du Caire. La tombe de Toutankhamon avait été visitée au moins deux fois, peu de temps après son enterrement et bien avant la découverte de Carter. Les portes les plus extérieures des sanctuaires renfermant les cercueils emboîtés du roi n'étaient pas scellées, bien que les deux sanctuaires intérieurs (trois et quatre) soient restés intacts et scellés. Découverte du tombeau En 1907, juste avant sa découverte du tombeau d'Horemheb, l'équipe de Theodore M. Davis a découvert un petit site contenant des objets funéraires portant le nom de Toutankhamon et quelques pièces d'embaumement. En supposant que ce site, finalement numéroté KV54, était la tombe complète de Toutankhamon, Davis a conclu les fouilles. Les détails des deux découvertes sont documentés dans la publication de Davis de 1912, Les Tombes d'Harmhabi et de Touatânkhamanou ; le livre se termine par le commentaire : « Je crains que la Vallée des Rois ne soit désormais épuisée ». Mais Davis devait se tromper de façon spectaculaire. L'égyptologue britannique Howard Carter (employé de Lord Carnarvon) a embauché une équipe pour l'aider à fouiller le site de KV62. Carter retourna dans une rangée de huttes qu'il avait abandonnée quelques saisons plus tôt. Après avoir dégagé les cabanes et les débris rocheux en dessous, ils ont trouvé une marche en pierre creusée dans le substrat rocheux. Une volée de marches a été partiellement découverte, menant au sommet d'une porte enduite de boue et frappée de sceaux ovales indistincts, appelés cartouches. Carter a ordonné que l'escalier soit rempli et a envoyé un télégramme à Carnarvon, qui est arrivé deux semaines et demie plus tard, le 23 novembre, avec sa fille de 21 ans, Lady Evelyn Herbert. Les fouilleurs ont entièrement dégagé l'escalier, ce qui a permis de lire des sceaux plus clairs plus bas sur la porte, sceaux portant le nom de Toutankhamon. Cependant, un examen plus approfondi a montré que le blocage de la porte avait été brisé et refermé à au moins deux reprises. L'élimination du blocage menait à un couloir descendant entièrement obstrué par des gravillons de calcaire compactés, à travers lequel un tunnel de voleurs avait été creusé et remblayé autrefois. Au bout du tunnel se trouvait une deuxième porte scellée qui avait été brisée et refermée dans l'Antiquité. Carter a ensuite fait un trou dans la porte et a utilisé une bougie pour vérifier la présence de gaz nauséabonds avant de regarder à l'intérieur. « Au début, je ne pouvais rien voir », écrira-t-il plus tard, « l'air chaud s'échappant de la chambre faisant vaciller la flamme de la bougie, mais bientôt, à mesure que mes yeux s'habituaient à la lumière, des détails de la pièce à l'intérieur émergeaient lentement du champ de vision. brume, animaux étranges, statues et or - partout l'éclat de l'or ». Enquête La première marche de l'escalier a été découverte le 4 novembre 1922. Le lendemain, un escalier complet a été découvert. La fin du mois de novembre voit l'accès à l'antichambre et la découverte de l'annexe, puis de la chambre funéraire et du trésor. Le 29 novembre, la tombe a été inaugurée, et la première annonce et conférence de presse ont suivi le lendemain. Le premier objet a été retiré de la tombe le 27 décembre. Le 16 février 1923, la chambre funéraire fut ouverte et le 5 avril, Lord Carnarvon mourut. Le 12 février 1924, le couvercle en granit du sarcophage est relevé. En avril, Carter s'est disputé avec le Service des Antiquités et a quitté les fouilles pour les États-Unis. En janvier 1925, Carter reprit ses activités dans la tombe et le 13 octobre, il ôta le couvercle du premier sarcophage ; le 23 octobre, il ôte le couvercle du deuxième sarcophage ; le 28 octobre, l'équipe a retiré le couvercle du dernier sarcophage et a exposé la momie ; et le 11 novembre, l'examen de la dépouille de Toutankhamon a commencé. Les travaux commencèrent au trésor le 24 octobre 1926 et entre le 30 octobre et le 15 décembre 1927, l'annexe fut vidée et examinée. Le 10 novembre 1930, huit ans après la découverte, les derniers objets sont retirés de la tombe. Disposition de la tombe De par sa conception, le tombeau semble avoir été initialement destiné à un particulier et non à la royauté. Certaines preuves suggèrent que la tombe a été adaptée pour un occupant royal lors de ses fouilles. Cela peut être confirmé par le fait que seuls les murs des chambres funéraires étaient décorés, contrairement aux tombeaux royaux dans lesquels presque tous les murs étaient peints de scènes du Livre des Morts. Escalier À partir d'une petite plate-forme plane, 16 marches descendent jusqu'à la première porte, qui a été scellée et plâtrée – bien qu'elle ait été pénétrée par des pilleurs de tombes au moins deux fois dans l'Antiquité. Couloir d'entrée Au-delà de la première porte, un couloir descendant mène à la deuxième porte scellée et à la pièce que Carter a décrite comme l'antichambre. Celui-ci était utilisé à l'origine pour contenir les restes des funérailles et le matériel associé à l'embaumement du roi. Après un premier vol, ces matériaux ont été déplacés soit dans la tombe proprement dite, soit vers KV54, et le couloir a été scellé avec des gravillons de calcaire compactés qui recouvraient certains débris du premier vol. Un vol ultérieur a percé la porte extérieure et creusé un tunnel à travers les graviers jusqu'à la deuxième porte. Le vol a été découvert et la deuxième porte a été refermée, le tunnel rempli à nouveau et la porte extérieure à nouveau scellée. Antichambre L'antichambre non décorée s'est avérée être dans un état de « chaos organisé », en partie dû aux pillages lors des vols, et contenait environ 700 objets (articles 14 à 171 du catalogue Carter) parmi lesquels trois lits funéraires, dont un décoré du têtes de lions (la Déesse Mehet), une avec des têtes de bétail tacheté (représentant le grand déluge, ou Mehet-Uret) et une autre représentant un animal composite avec le corps d'un lion, la queue d'un hippopotame et la tête de un crocodile (représentant le dévoreur de cadavres Ammit). L'objet le plus remarquable de cette salle était peut-être les composants, empilés, de quatre chars dont un était peut-être utilisé pour la chasse, un pour la « guerre » et deux autres pour les défilés. Chambre funéraire Décoration C'est la seule chambre décorée du tombeau, avec des scènes de la cérémonie d'ouverture de la bouche (montrant Ay, le successeur de Toutankhamon agissant comme le fils du roi, bien qu'il soit plus âgé que lui) et Toutankhamon avec la déesse Nout sur le mur nord, la première heure d'Amduat (sur le mur ouest), épeler l'un des Livres des Morts (sur le mur est) et des représentations du roi avec diverses divinités (Anubis, Isis, Hathor et d'autres aujourd'hui détruites) sur le mur sud. Le mur nord montre Toutankhamon suivi de son Ka, accueilli aux enfers par Osiris. Certains des trésors de la tombe de Toutankhamon sont connus pour leur apparente différence par rapport aux représentations traditionnelles de l'enfant roi. Certains cartouches où devait figurer le nom d'un roi ont été modifiés, comme pour réutiliser la propriété d'un pharaon précédent, ce qui s'est souvent produit. Cependant, cet exemple peut simplement être le produit d'une « mise à jour » des artefacts pour refléter le passage de Toutankhaton à Toutankhamon. D'autres différences sont moins faciles à expliquer, comme les traits faciaux plus anciens et plus anguleux du cercueil central et des cercueils canopes. La théorie la plus largement acceptée pour ces dernières variantes est que les objets étaient initialement destinés à Smenkhkare, qui peut ou non être la mystérieuse momie KV55. Cette momie, selon les examens craniologiques, entretient une relation frappante de premier ordre (père-fils, frère-frère) avec Toutankhamon. Contenu La chambre entière était occupée par quatre sanctuaires en bois doré qui entouraient le sarcophage du roi. Le sanctuaire extérieur ([1] dans la coupe transversale) mesurait 5,08 x 3,28 x 2,75 m et 32 mm d'épaisseur, remplissant presque entièrement la pièce, avec seulement 60 cm à chaque extrémité et moins de 30 cm sur les côtés. À l'extérieur des sanctuaires se trouvaient 11 pagaies pour le « bateau solaire », des récipients pour les parfums et des lampes décorées d'images du dieu Hapi. Le quatrième et dernier sanctuaire ([4]) mesurait 2,90 m de long et 1,48 m de large. Les décorations murales représentent le cortège funèbre du roi, et Nout a été peinte au plafond, « embrassant » le sarcophage avec ses ailes. Ce sarcophage a été construit en granit ([a] dans la coupe transversale). Chaque coin du corps principal et du couvercle étaient sculptés dans des pierres de couleurs différentes. Il semble avoir été construit pour un autre propriétaire, puis redessiné pour Toutankhamon ; l'identité du propriétaire d'origine n'est pas préservée. Dans chaque coin une déesse protectrice (Isis, Nephthys, Serket et Neith) garde le corps. À l'intérieur, le corps du roi était placé dans trois cercueils momiformes, les deux extérieurs en bois doré tandis que le plus intérieur était composé de 110,4 kg d'or pur. La momie elle-même était ornée d'un masque en or, d'anneaux de momie et d'autres objets funéraires. Le masque funéraire est en or, incrusté de lapis-lazuli, de cornaline, de quartz, d'obsidienne, de turquoise et de verre et faïence, et pèse 11 kg. Trésorerie Le trésor était la seule pièce latérale de la chambre funéraire et était accessible par une porte non bloquée. Il contenait plus de 5 000 objets catalogués, pour la plupart de nature funéraire et rituelle. Dans la chambre se trouvaient également trente-six jarres à vin contenant les résidus de vins millésimés. Les deux plus grands objets trouvés dans cette pièce étaient le coffre à canope élaboré du roi et une grande statue d'Anubis. D'autres objets comprenaient de nombreux sanctuaires contenant des statuettes dorées du roi et des divinités, des maquettes de bateaux et deux autres chars. Cette pièce abritait également deux momies de fœtus que certains considèrent comme des enfants mort-nés du roi. Annexe L'« annexe », utilisée à l'origine pour stocker des huiles, des onguents, des parfums, des aliments et du vin, fut la dernière pièce à être libérée, de la fin octobre 1927 au printemps 1928. Bien qu'assez petite en taille, elle contenait environ 280 groupes. d'objets, totalisant plus de 2 000 pièces individuelles. Vols Au cours des fouilles, il est rapidement apparu que la tombe avait été pillée au moins deux fois. Les première et deuxième portes avaient toutes deux été brisées dans le coin supérieur gauche, puis refermées au moins deux fois. Le couloir descendant avait été rempli d'un tas de graviers de calcaire, probablement après le premier vol, car la porte intérieure en plâtre n'était pas marquée par les graviers, et ce remplissage avait été creusé lors d'un vol ultérieur, ou d'une série de vols. Les vols avaient été découverts à un moment donné, les portes extérieures avaient été refermées et le tunnel des voleurs avait été rempli. Les éclats de calcaire dans le tunnel descendant recouvraient également certains fragments d'objets pillés, notamment des couvercles de bocaux, des rasoirs et des fragments de bois qui avaient vraisemblablement été retirés de l'antichambre et stockés dans le tunnel lors du premier vol. Certains restes semblent provenir d'un repas funéraire, découvert par Davis dans des bocaux du KV54, ce qui indique que le KV54 a peut-être été utilisé comme magasin pour les objets récupérés après la première refermeture de la tombe. L'Annexe a probablement été la plus touchée par le premier vol. La pièce était petite et remplie d'objets densément entassés, qui avaient été saccagés par un voleur qui était entré par un petit trou dans la porte extérieure. Le voleur a rapidement perturbé le contenu de l'annexe, vidé des cartons et emporté des objets. Le ou les voleurs semblent avoir recherché des métaux, du verre (alors une denrée précieuse), des tissus, des huiles et des cosmétiques. Le vol d'huiles et de cosmétiques laisse penser que le braquage était assez contemporain de l'enterrement, la durée de vie de ces objets ayant été limitée. Après la découverte de ce vol, les portes ont été refermées et il est probable que le tunnel descendant ait été rempli de gravillons de calcaire compactés pour dissuader de futurs vols. Le deuxième vol a nécessité beaucoup plus d'organisation pour dégager le couloir descendant : un tunnel a été creusé dans le coin supérieur gauche du tunnel et la porte extérieure a été traversée par un grand trou dans le blocage. Carter a estimé qu'il aurait fallu environ huit heures à une équipe d'hommes pour creuser le tunnel en ramenant des paniers de gravats. Le deuxième vol a pénétré toute la tombe et Carter a estimé qu'environ 60 % des bijoux du Trésor avaient été pillés, ainsi que des métaux précieux. À un moment donné, une écharpe nouée contenant un certain nombre d'anneaux pillés fut déposée dans une boîte dans l'antichambre, ce qui conduisit Carter à la conclusion que le vol avait peut-être été découvert alors qu'il était en cours, ou que les voleurs avaient été poursuivis et attrapé. La tombe a peut-être été refermée à la hâte (peut-être pour éviter d'attirer l'attention sur la tombe) par le fonctionnaire Maya, car la signature de son assistant Djehutymose a été trouvée par Carter sur un support de calcite dans l'annexe. Lors de la refermeture de la tombe, les première et deuxième refermetures étaient marquées du même sceau, portant le dessin d'un chacal sur neuf captifs liés, ce qui peut indiquer qu'elles ont toutes deux eu lieu dans un court intervalle de temps après la fermeture de la tombe. Chambres non découvertes possibles Les recherches menées par l'éminent égyptologue Nicholas Reeves (attaché à l'Université de l'Arizona) ont suggéré, en 2015, qu'il pourrait y avoir des zones de la tombe méritant une analyse plus approfondie. Reeves a enquêté sur des numérisations numériques haute résolution de la tombe prises par la société madrilène Factum Arte et utilisées dans le processus de création d'un fac-similé de la tombe. Reeves a noté des marques dans le plâtre de la chambre funéraire qui semblaient suggérer la possibilité d'une petite porte dans le mur ouest de la chambre funéraire, des mêmes dimensions que la porte de l'annexe. Selon Reeves, les marques sur le mur nord pourraient également suggérer que le mur lui-même pourrait être en partie un mur de blocage recouvrant un vide, indiquant peut-être que « l'antichambre » continue comme un couloir au-delà du mur nord. Bien que les "portes" puissent simplement être des travaux de construction inachevés, une possibilité qui a été suggérée est que Toutankhamon soit en fait enterré dans la partie extérieure d'un complexe funéraire plus grand (semblable à celui d'Amenhotep III) qui a été bouclé par le nord. mur, et qu'une autre sépulture (peut-être celle de Néfertiti) peut exister ailleurs dans des zones non découvertes de la tombe. Pour le moment, il ne s’agit que de spéculations non confirmées, bien que Reeves ait suggéré que des travaux futurs, tels que l’utilisation d’un radar pénétrant dans le sol, pourraient confirmer si d’autres zones de la tombe restent à découvrir. En mars 2016, un balayage radar a révélé deux espaces vides et ce qui semble être des matériaux organiques et métalliques à l'intérieur. Dague de météorite En juin 2016, un rapport a été publié attribuant le poignard enterré avec le pharaon Toutankhamon à une météorite de fer, avec des proportions de métaux similaires (fer, nickel et cobalt) à celle découverte à proximité et nommée d'après l'oasis de Kharga. Le métal du poignard provenait probablement de la même pluie de météores. Aujourd'hui Le tombeau est ouvert aux visiteurs, moyennant un supplément supérieur à celui de l'accès général à la Vallée des Rois. Le nombre de visiteurs était limité à 400 par jour en 2008. En 2010, le tombeau a été fermé au public pendant que des travaux de restauration étaient entrepris par le Getty Conservation Institute, et a été de nouveau ouvert au public en 2013. Le tombeau devrait être définitivement fermé au public dans un avenir proche, mais une reproduction sera sera placé à proximité de la Vallée des Rois et sera accessible au public.

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The King of Wishful Thinking était une chanson à succès utilisée lors du générique d'ouverture du film Pretty Woman. Qui l'a chanté ?

Go West

" King of Wishful Thinking " est une chanson de 1990 du groupe pop britannique Go West . Il a été présenté dans le film Pretty Woman et est apparu sur sa bande originale. Il a ensuite été présenté sur le quatrième album studio de Go West, Indian Summer, en 1992. La chanson a été écrite par Peter Cox, Richard Drummie et Martin Page. Positions dans le graphique Positions de pointe Graphiques de fin d'année Couvertures La chanson a été reprise par le groupe New Found Glory dans leur album de 2007 From the Screen to Your Stereo Part II.

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Quel plat, particulièrement populaire dans certaines parties du Pays de Galles et des Midlands anglais, est traditionnellement préparé à partir de cœur de porc, de foie et de viande grasse de ventre ou de bacon hachés ensemble, avec des herbes ajoutées pour aromatiser et parfois de la chapelure.

les pédés

Les fagots sont un plat traditionnel au Royaume-Uni, en particulier dans le sud et le centre du Pays de Galles et dans les Midlands d'Angleterre. Il est fabriqué à partir de chutes et d'abats de viande, notamment de porc. Un fagot est traditionnellement fabriqué à partir de cœur de porc, de foie et de viande de ventre gras ou de bacon hachés ensemble, avec des herbes ajoutées pour aromatiser et parfois de la chapelure. Les fagots sont à l'origine un aliment traditionnel bon marché des gens ordinaires des campagnes de l'ouest de l'Angleterre, en particulier de l'ouest du Wiltshire et des West Midlands. Leur popularité s'est répandue à partir de là, en particulier dans le sud du Pays de Galles au milieu du XIXe siècle, lorsque de nombreux ouvriers agricoles ont quitté la terre pour travailler dans l'industrie et les mines en pleine expansion de cette région. Les fagots sont également connus sous le nom de « canards » dans le Yorkshire, le Lincolnshire et le Lancashire, souvent sous le nom de « canards savoureux ». La première utilisation du terme sous forme imprimée fut dans le Manchester Courier and Lancashire General Advertiser du samedi 3 juin 1843, un reportage sur un homme glouton qui en mangea vingt. La première utilisation imprimée citée dans l'Oxford English Dictionary remonte à 1851, par Henry Mayhew, où il décrit un plat identique au produit moderne avec du foie haché et des lumières dans un emballage extérieur de calfeutrage. C'était à Londres. Préparation et service Généralement, le fagot se compose de foie et de cœur de porc hachés, enveloppés dans du bacon, avec de l'oignon et de la chapelure. Souvent, le fagot est cuit dans une cocotte avec de la sauce et servi avec des petits pois et de la purée de pommes de terre. Le mélange est façonné à la main en petites boules, enveloppées de graisse de chou (la membrane de l'omentum de l'abdomen du porc) et cuite au four. Une autre variante du fagot est le frit de porc enveloppé dans de la calotte de porc : le frit de porc et les oignons bouillis sont émincés (broyés) ensemble, puis mélangés avec de la chapelure ou des pommes de terre bouillies froides, assaisonnés de sauge, d'herbes mélangées et de poivre, le tout battu ensemble puis enveloppé dans petits morceaux de calfeutrage pour former une boule. Ils sont ensuite cuits au four et sont généralement servis froids. Production Le plat a gagné en popularité pendant le rationnement de la Seconde Guerre mondiale, bien que sa popularité ait diminué ces dernières années. Les fagots sont souvent faits maison et se trouvent dans les boucheries traditionnelles et les étals des marchés, bien que les grands supermarchés proposent généralement la marque Mr Brain's, une fagot produite en série. Il s'agit d'un produit alimentaire surgelé disponible en Grande-Bretagne, composé de foie et d'oignons roulés en boulettes de viande et servis dans une sauce. Ceux-ci diffèrent considérablement des fagots traditionnels, qui ont une texture plus grossière et contiennent beaucoup moins d'eau. Les fagots et les pois sont un plat populaire. Cette combinaison est courante dans la région du Black Country des West Midlands. Il est encore courant de voir des petites boucheries du quartier vendre à bas prix des fagots, fabriqués selon leur propre recette. Double sens L'utilisation du mot « pédé » a suscité une controverse en raison de sa signification supplémentaire en tant que terme péjoratif pour un homme homosexuel en anglais américain. En 2004, une publicité radiophonique pour la chaîne de supermarchés britannique Somerfield, dans laquelle un Américain rejette le dîner suggéré par sa femme en disant : « Je n'ai rien contre les pédés, je ne les aime tout simplement pas » a été jugée avoir enfreint les règles de publicité et de parrainage. Code et a été interdit par le régulateur de l'industrie Ofcom. En novembre 2013, il a été signalé que des utilisateurs britanniques de Facebook avaient été temporairement bloqués pour avoir utilisé le mot, dans son sens culinaire, sur le site Web. Facebook a déclaré que le mot avait été « mal interprété ».

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Quelle est la deuxième plus grande ville du Royaume-Uni ?

Birmingham

La deuxième ville du Royaume-Uni est une revendication non officielle formulée à plusieurs reprises par plusieurs villes depuis la création du Royaume-Uni en 1801. Généralement, la deuxième ville d'un pays est la ville considérée comme la deuxième plus importante, généralement après la capitale ou première ville selon des critères tels que la taille de la population, l'importance économique et la contribution culturelle. Historiquement, plusieurs villes ont été considérées comme la « deuxième ville de l'Empire britannique ». Glasgow et Liverpool étaient toutes deux des villes industrielles majeures en plein essor tout au long du XIXe siècle, avec des prétentions concurrentes pour être les ports les plus actifs au monde pour la construction navale et le transport de marchandises. Calcutta a également établi la revendication d'aussi loin que l'Inde comme ville la plus peuplée tandis qu'en 1911, le rédacteur en chef de l'Irish Times a revendiqué Dublin lors d'une visite cérémonielle de George V. Depuis la création du Commonwealth en 1949, plusieurs villes ont revendiqué être la « deuxième ville du Commonwealth » (avec souvent une référence particulière à l'importance des Jeux du Commonwealth), notamment Manchester en 2000 et Glasgow à nouveau en 2012. En revanche, pendant une grande partie des 20e et 21e siècles, Birmingham a généralement été considérée comme la deuxième ville du Royaume-Uni en termes de population et de PIB, tandis qu'Édimbourg a été promue comme la deuxième ville en tant que capitale de l'Écosse. Des réclamations moins faisant autorité ont été faites au nom de Cardiff et de Belfast en raison de leur statut de capitales respectives du Pays de Galles et de l'Irlande du Nord. Histoire Depuis la formation du Royaume-Uni, plusieurs endroits ont été décrits comme la « deuxième ville ». Dublin était la deuxième ville la plus peuplée au moment de la formation du Royaume-Uni de Grande-Bretagne et d'Irlande en 1801, bien qu'elle ait perdu cette position plus tard au XIXe siècle à mesure que d'autres villes se développaient grâce à une industrialisation plus rapide. À ce titre, elle était souvent décrite comme la deuxième ville du Royaume-Uni. Dublin et le reste de la République d’Irlande sont devenus indépendants du Royaume-Uni dans les années 1920. Le titre de Deuxième Ville de l'Empire ou Deuxième Ville de l'Empire britannique a été revendiqué par un certain nombre de villes aux XVIIIe, XIXe et début du XXe siècles. La ville commerciale de Liverpool était considérée comme détenant ce titre avec son port massif, sa flotte marchande et ses liens commerciaux à l'échelle mondiale. [http://www.nottingham.ac.uk/home/ahzsh1/Empire/Project.htm Untitled Document] Liverpool était constamment surnommée le New York de l'Europe. D'autres comprenaient Dublin, Glasgow (qui continue d'utiliser le titre comme slogan marketing) et (en dehors du Royaume-Uni) Calcutta et Philadelphie. Avant l'union avec l'Écosse en 1707, de la guerre civile anglaise jusqu'au XVIIIe siècle, Norwich était la deuxième plus grande ville d'Angleterre, étant un centre commercial majeur, la ville provinciale la plus riche de Grande-Bretagne et le chef-lieu du comté de Norfolk, à cette époque le plus riche. comté peuplé d’Angleterre. Bristol était la deuxième ville la plus riche d'Angleterre au XVIe siècle ; et au XVIIIe siècle, Bristol était souvent décrite comme la deuxième ville d'Angleterre. Au cours du XIXe siècle, des revendications furent formulées pour Manchester, Liverpool et York. York avait également été désignée comme la deuxième ville au cours des siècles précédents. Au début du XIXe siècle, Glasgow était souvent considérée comme la deuxième ville ; et pendant une grande partie du XXe siècle, elle comptait plus d'un million d'habitants, soit plus que celle de Birmingham jusqu'au recensement de 1951. Par exemple, la population du recensement officiel de Glasgow était de 0,784 million en avril 1911 ; 1,034 million en avril 1921 ; 1,088 million en avril 1931 et 1,090 million en avril 1951. Cependant, la suppression des bidonvilles dans les années 1960 a conduit au déplacement des habitants du centre-ville vers de nouvelles communautés situées en dehors des limites de la ville. Ceci, associé à la réorganisation du gouvernement local, a entraîné une forte baisse de la population officielle de Glasgow. La zone du conseil municipal de Glasgow compte actuellement 600 000 habitants, bien que l'agglomération environnante du Grand Glasgow compte 1 199 629 habitants. En revanche, la population de la ville de Birmingham est restée stable autour de la barre du million ; sa population centrale a diminué comme celle de Glasgow, mais les limites de la ville ont été étendues à plusieurs reprises au début du XXe siècle. Des réclamations occasionnelles ont été faites pour Liverpool, Birmingham et Manchester. Points de vue modernes Depuis la Première Guerre mondiale et jusqu'au début du XXIe siècle, Birmingham était considérée par beaucoup comme la deuxième ville, mais de récents sondages et références médiatiques ont indiqué que Manchester est désormais considérée comme la deuxième ville du Royaume-Uni. Sur la base de la population à l'intérieur des limites réelles de la ville, la ville de Birmingham, le district d'administration locale le plus peuplé d'Europe, est nettement plus grande que la ville de Manchester, qui est la cinquième plus grande du Royaume-Uni (estimations de 2006, voir Liste des districts anglais par population) . Cependant, la plupart des sources n’utilisent pas les limites formelles des villes comme seul critère de comparaison de la population. Les agglomérations environnantes et les zones qui peuvent être considérées de manière informelle comme faisant partie de chaque ville sont difficiles à définir. Cependant, après la réorganisation du gouvernement local en 1974 et la création de comtés métropolitains, la ville de Birmingham a été incluse avec la ville de Coventry et cinq autres arrondissements métropolitains (dont Wolverhampton a obtenu le statut de ville en 2000) dans un nouveau comté des West Midlands. La ville de Manchester s'est jointe à la ville voisine de Salford et à huit autres arrondissements métropolitains du comté du Grand Manchester. Alors que le statut de « deuxième ville » d'un pays est déterminé en fonction d'une variété d'indices économiques ou culturels, Birmingham et Manchester ont montré un avantage dans chacun d'eux au fil des années. Par exemple, en 2010, le centre-ville de Manchester est devenu le deuxième centre commercial derrière Londres pour la demande en nouveaux immeubles de bureaux, avec près d'un million de pieds carrés (86 400 m2) occupés dans l'année, tandis que les éloges pour l'architecture moderne et saisissante de Birmingham ont été cités comme confirmation de sa prétention à statut de deuxième ville.[http://www.eurocheapo.com/blog/birmingham-britain's-second-city.html Birmingham : deuxième ville de Grande-Bretagne | Conseils de voyage d'EuroCheapo] Sondages d'opinion publique Comme la Deuxième Ville est un titre non officiel et un titre d'opinion subjective, un certain nombre de sondages ont été menés au fil des ans. Bien que Birmingham soit considérée comme la deuxième ville traditionnelle, les sondages publics ont montré une préférence constante pour Manchester depuis 2000. Ce changement a été attribué au changement de marque de Manchester et de la région du Grand Manchester, notamment après l'attentat de Manchester en 1996 et l'accueil réussi. des Jeux du Commonwealth de 2002 : *Dans une enquête de 2002 menée par Ipsos MORI, commandée par « Visit Manchester » (département du tourisme de Manchester), Manchester a reçu la réponse la plus élevée pour la catégorie de deuxième ville avec 34 %, contre Birmingham avec 29 % ; et dans le même sondage, Manchester a eu la réponse la plus élevée pour la catégorie de troisième ville avec 27% des voix, 6% de plus que les 21% de Birmingham. Seulement 85 % des personnes interrogées placent Londres en première ville. *Une enquête menée en 2007 par GfK et commandée par la BBC en décembre 2006 sur le sujet de la « deuxième ville » d'Angleterre (par opposition au Royaume-Uni dans son ensemble), 48 % des 1 000 personnes ont placé Manchester, et 40 % ont choisi Birmingham. *Une enquête réalisée en 2015 par YouGov a montré que 30 % pensaient que Manchester était la deuxième ville, 20 % pensaient Birmingham et 12 % pensaient Édimbourg. Déclarations ministérielles Depuis un certain temps, diverses déclarations et opinions ministérielles ont été formulées sur le sujet. Ceux-ci inclus: * En février 2015, le Premier ministre britannique David Cameron a déclaré : « Birmingham est la deuxième ville de Grande-Bretagne, c'est une centrale électrique. » Le 16 février 2016, il a souligné que « nous reconnaissons le statut de Birmingham en tant que deuxième ville de Grande-Bretagne ». Il a réitéré cette affirmation le 16 mars 2016 en déclarant : « Birmingham est la deuxième ville de notre pays » lors des questions du Premier ministre. * David Miliband, ancien secrétaire d'État aux Affaires étrangères et du Commonwealth et ancien secrétaire d'État fantôme aux Affaires étrangères, a déclaré : "Cependant, si vous regardez Birmingham, je pense que beaucoup de gens diraient que c'est une ville, la deuxième ville de Grande-Bretagne..." * Digby Jones, baron Jones de Birmingham (né et élevé à Birmingham), ancien ministre d'État au ministère du Commerce, des Entreprises et de la Réforme de la réglementation et au ministère des Affaires étrangères (ancien directeur général de la Confédération de l'industrie britannique (CBI) a déclaré " Birmingham est naturellement la deuxième ville la plus importante de Grande-Bretagne après Londres en raison de l'endroit où elle se trouve et de l'importance qu'elle occupe à ce carrefour. " Jones a déclaré plus tard : " En tant que Brummie, ce n'est pas facile à dire, mais je ne trouve pas de meilleur endroit. que le nord-ouest en termes de base de production diversifiée, qu'il s'agisse de la fabrication d'ingénierie chez Rolls-Royce, de la fabrication automobile chez Bentley ou de la fabrication de produits pharmaceutiques chez AstraZeneca. " Ce qui contredit ce qu'il a dit selon lequel Birmingham était la base la plus importante en dehors de Londres. Il a également a salué « l'université « mondiale de première classe » de Manchester, les connaissances et les infrastructures de transport étaient les deux facteurs clés qui ont déterminé le succès d'une ville ou d'une région. » En 2011, Jones a déclaré que Birmingham risquait désormais de perdre son titre officieux face à Manchester. * John Prescott (né au Pays de Galles et élevé dans le Cheshire), ancien vice-premier ministre et député de la circonscription de Hull East, aurait également déclaré "Manchester – notre deuxième ville", mais cela a ensuite été minimisé par son département. , affirmant qu'ils ont été réalisés dans un "contexte léger". * Graham Stringer (né et élevé à Manchester et représentant actuellement), député de Blackley et Broughton, a répondu : « Manchester a toujours été la deuxième ville après la capitale, à bien des égards, c'est la première. Birmingham n'a jamais vraiment été dans la compétition. ". * Sandra White (née et élevée et représentante de Glasgow), députée du Parti national écossais pour Glasgow, a affirmé que « Glasgow a toujours été considérée comme la deuxième ville de l'Empire, et Glasgow est toujours la deuxième ville britannique. Manchester est probablement la deuxième ville. en Angleterre après Londres. * Phil Woolas (né à Scunthorpe, Lincolnshire, vivant à Lees, Grand Manchester et représentant la circonscription d'Oldham East et Saddleworth), ancien ministre d'État chargé de l'Environnement – ​​« Et, bien sûr, moi et mes collègues de Manchester, sommes heureux de voir ses projets très sensés de déménager à Manchester – la troisième ville de Grande-Bretagne. »

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Qui était la seconde épouse d'Henri VIII ?

Anne Boleyn

Henri VIII (28 juin 1491 - 28 janvier 1547) fut roi d'Angleterre du 21 avril 1509 jusqu'à sa mort. Il fut le premier roi anglais d'Irlande et continua la revendication nominale des monarques anglais sur le royaume de France. Henri fut le deuxième monarque de la dynastie Tudor, succédant à son père, Henri VII. Henry est connu pour son rôle important dans la séparation de l'Église d'Angleterre de l'Église catholique romaine, outre ses six mariages et ses nombreuses relations extraconjugales, ainsi que pour ses efforts pour obtenir l'annulation de son mariage avec Catherine d'Aragon, ce qui a conduit à conflit avec le pape. Ses désaccords avec le pape ont conduit Henri à séparer l'Église d'Angleterre de l'autorité papale, avec lui-même comme roi et chef suprême de l'Église d'Angleterre ; les différends ont également conduit à la dissolution des monastères. Son principal différend concernait l'autorité papale plutôt que des questions doctrinales, et il restait croyant aux enseignements théologiques catholiques fondamentaux malgré son excommunication de l'Église catholique romaine. Henry a supervisé l'union légale de l'Angleterre et du Pays de Galles avec les lois du Pays de Galles de 1535 et 1542. Il est également bien connu pour sa longue rivalité personnelle avec François Ier de France et l'empereur romain germanique Charles Quint, avec qui il faisait fréquemment la guerre. Au niveau national, Henry est connu pour ses changements radicaux à la Constitution anglaise, ouvrant la voie à la théorie du droit divin des rois sur l'Angleterre. En plus d'affirmer la suprématie du souverain sur l'Église d'Angleterre, initiant ainsi la Réforme anglaise, il élargit considérablement le pouvoir royal. Les accusations de trahison et d'hérésie étaient couramment utilisées pour réprimer la dissidence, et les accusés étaient souvent exécutés sans procès formel, au moyen de projets de loi. Il a atteint bon nombre de ses objectifs politiques grâce au travail de ses principaux ministres, dont certains ont été bannis ou exécutés lorsqu'ils sont tombés en disgrâce. Des personnes telles que Thomas Wolsey, Thomas More, Thomas Cromwell, Richard Rich et Thomas Cranmer figuraient en bonne place dans l'administration de Henry. Il était un dépensier extravagant et utilisait le produit de la dissolution des monastères et des actes du Parlement de Réforme pour convertir l'argent en revenus royaux qui étaient autrefois versés à Rome. Malgré l'afflux d'argent provenant de ces sources, Henri était continuellement au bord de la ruine financière en raison de son extravagance personnelle ainsi que de ses nombreuses guerres continentales coûteuses. Ses contemporains considéraient Henri à son apogée comme un roi attrayant, instruit et accompli, et il a été décrit comme « l'un des dirigeants les plus charismatiques à siéger sur le trône anglais ». En plus de gouverner avec un pouvoir considérable, il était également auteur et compositeur. Son désir de donner à l'Angleterre un héritier mâle provenait en partie de sa vanité personnelle et en partie de sa conviction qu'une fille serait incapable de consolider le pouvoir des Tudor et de maintenir la paix fragile qui existait après la guerre des Deux-Roses. Cela a conduit aux deux choses pour lesquelles on se souvient le plus d'Henri : ses six mariages et sa rupture avec le pape (qui ne permettait pas l'annulation du premier mariage d'Henri). En vieillissant, Henry devint gravement obèse et sa santé en pâtit, contribuant à sa mort en 1547. Il est fréquemment caractérisé plus tard dans sa vie comme un roi lubrique, égoïste, dur et peu sûr de lui. Son fils Édouard VI lui succéda. Premières années Né le 28 juin 1491 au palais de Placentia à Greenwich, Londres, Henry Tudor était le troisième enfant et le deuxième fils d'Henri VII et d'Elizabeth d'York. Des six frères et sœurs du jeune Henry, trois seulement : Arthur, prince de Galles ; Marguerite ; et Mary - a survécu à l'enfance. Il a été baptisé par Richard Fox, l'évêque d'Exeter, dans une église des franciscains observants près du palais. En 1493, à l'âge de deux ans, Henry fut nommé connétable du château de Douvres et seigneur gardien des Cinque Ports. Il fut ensuite nommé comte maréchal d'Angleterre et Lord lieutenant d'Irlande à l'âge de trois ans, et fut intronisé dans l'Ordre du Bain peu après. Le lendemain de la cérémonie, il fut créé duc d'York et, environ un mois plus tard, directeur des marches écossaises. En mai 1495, il fut nommé à l'Ordre de la Jarretière. Henry a reçu une éducation de premier ordre dispensée par des tuteurs de premier plan, maîtrisant couramment le latin et le français et apprenant au moins un peu d'italien. On ne sait pas grand-chose de sa jeunesse – à l’exception de ses nominations – car on ne s’attendait pas à ce qu’il devienne roi. En novembre 1501, Henri joua également un rôle considérable dans les cérémonies entourant le mariage de son frère, le prince Arthur, avec Catherine d'Aragon, la plus jeune enfant survivante du roi Ferdinand II d'Aragon et de la reine Isabelle I de Castille. En tant que duc d'York, Henri utilisait les armes de son père en tant que roi, différenciées par une étiquette à trois pointes d'hermine. En 1502, Arthur mourut à l'âge de 15 ans des suites de la transpiration, 20 semaines seulement après son mariage avec Catherine. La mort d'Arthur a confié toutes ses fonctions à son jeune frère, Henry, 10 ans. Après un petit débat, Henry devint le nouveau duc de Cornouailles en octobre 1502, et le nouveau prince de Galles et comte de Chester en février 1503. Henri VII confia peu de tâches au garçon. Le jeune Henry était strictement surveillé et n'apparaissait pas en public. En conséquence, le jeune Henri montera plus tard sur le trône « sans formation à l’art exigeant de la royauté ». Henri VII renouvelle ses efforts pour sceller une alliance conjugale entre l'Angleterre et l'Espagne, en offrant son deuxième fils en mariage à la veuve d'Arthur, Catherine. Isabelle et Henri VII étaient tous deux enthousiastes à l'idée, née très peu de temps après la mort d'Arthur. Le 23 juin 1503, un traité fut signé pour leur mariage et ils se fiancèrent deux jours plus tard. Une dispense papale n'était nécessaire que pour « empêchement à l'honnêteté publique » si le mariage n'avait pas été consommé comme le prétendaient Catherine et sa duègne, mais Henri VII et l'ambassadeur d'Espagne cherchèrent plutôt à obtenir une dispense pour « affinité », qui tenait compte de la possibilité de consommation. L'âge du jeune Henry, onze ans seulement, empêchait la cohabitation. La mort d'Isabelle en 1504 et les problèmes de succession qui en résultèrent en Castille compliquèrent les choses. Son père préférait qu'elle reste en Angleterre, mais les relations d'Henri VII avec Ferdinand s'étaient détériorées. Catherine fut donc laissée dans les limbes pendant un certain temps, aboutissant au rejet du mariage par le prince Henry dès qu'il le put, à l'âge de 14 ans. La solution de Ferdinand fut de nommer sa fille ambassadrice, lui permettant de rester indéfiniment en Angleterre. Pieuse, elle commença à croire que c'était la volonté de Dieu qu'elle épouse le prince malgré son opposition. Début du règne Henri VII mourut le 21 avril 1509 et Henri, âgé de 17 ans, lui succéda comme roi. Peu de temps après l'enterrement de son père le 10 mai, Henri déclara soudainement qu'il épouserait effectivement Catherine, laissant en suspens plusieurs questions concernant la dispense papale et une partie manquante de la part du mariage. Le nouveau roi a soutenu que le dernier souhait de son père était d'épouser Catherine. Que cela soit vrai ou non, c’était certainement pratique. L'empereur romain germanique Maximilien Ier avait tenté de marier sa petite-fille (et la nièce de Catherine) Eleanor à Henry ; elle avait maintenant été abandonnée. Le mariage d'Henri avec Catherine est resté discret et a eu lieu à l'église du frère de Greenwich le 11 juin 1509. Le 23 juin 1509, Henry a conduit Catherine, aujourd'hui âgée de 23 ans, de la Tour de Londres à l'abbaye de Westminster pour leur couronnement, qui a eu lieu le lendemain. C'était une grande affaire : le passage du roi était tapissé de tapisseries et recouvert de draps fins. Après la cérémonie, un grand banquet a eu lieu à Westminster Hall. Comme Catherine l'écrivait à son père, « notre temps se passe en fête continue ». Deux jours après le couronnement d'Henry, il arrêta les deux ministres les plus impopulaires de son père, Sir Richard Empson et Edmund Dudley. Ils furent accusés de haute trahison et exécutés en 1510. L'historien Ian Crofton a soutenu que de telles exécutions deviendraient la principale tactique d'Henri pour traiter ceux qui se mettaient en travers de son chemin ; les deux exécutions n'étaient certainement pas les dernières. Henry a également restitué au public une partie de l'argent prétendument extorqué par les deux ministres. En revanche, l'opinion d'Henri sur la maison d'York – des prétendants rivaux potentiels au trône – était plus modérée que celle de son père. Plusieurs personnes emprisonnées par son père, dont le marquis de Dorset, furent graciées. D'autres (notamment Edmond de la Pole) ne se sont pas réconciliés ; de la Pole fut finalement décapité en 1513, une exécution provoquée par le fait que son frère Richard se rangeait du côté du roi. Peu de temps après, Catherine conçut, mais l'enfant, une fille, était mort-née le 31 janvier 1510. Environ quatre mois plus tard, Catherine tomba de nouveau enceinte. Le jour du Nouvel An 1511, l'enfant – Henry – est né. Après le chagrin de perdre leur premier enfant, le couple était heureux d'avoir un garçon et il y avait des festivités à célébrer, notamment un tournoi de joute. Cependant, l'enfant est décédé sept semaines plus tard. Catherine eut deux fils mort-nés en 1514 et 1515, mais donna naissance en février 1516 à une fille, Mary. Les relations entre Henry et Catherine avaient été tendues, mais elles se sont légèrement améliorées après la naissance de Mary. Bien que le mariage d'Henri avec Catherine ait depuis été décrit comme « exceptionnellement bon », on sait qu'Henri a pris des maîtresses. Il fut révélé en 1510 qu'Henri avait eu une liaison avec l'une des sœurs d'Edward Stafford, 3e duc de Buckingham, soit Elizabeth, soit Anne Hastings, comtesse de Huntingdon. La maîtresse la plus importante pendant environ trois ans, à partir de 1516, fut Elizabeth Blount. Blount est l'une des deux seules maîtresses totalement incontestées, peu nombreuses pour un jeune roi viril. Le nombre exact d'Henry est contesté : David Loades pense qu'Henry n'avait de maîtresses « que dans une mesure très limitée », tandis qu'Alison Weir pense qu'il y avait de nombreuses autres liaisons. Catherine ne protesta pas et, en 1518, tomba de nouveau enceinte d'une autre fille, également mort-née. Blount donna naissance en juin 1519 au fils illégitime d'Henry, Henry FitzRoy. Le jeune garçon fut nommé duc de Richmond en juin 1525, ce que certains pensaient être une étape sur la voie de son éventuelle légitimation. En 1533, FitzRoy épousa Mary Howard, mais mourut sans enfant trois ans plus tard. Au moment de la mort de Richmond en juin 1536, le Parlement promulguait le deuxième acte de succession, qui aurait pu lui permettre de devenir roi. La France et les Habsbourg En 1510, la France, forte d’une alliance fragile avec le Saint-Empire romain germanique dans la Ligue de Cambrai, gagnait une guerre contre Venise. Henri renouvelle l'amitié de son père avec Louis XII de France, une question qui divise son conseil. Il est certain qu’une guerre avec la puissance combinée des deux puissances aurait été extrêmement difficile. Cependant, peu de temps après, Henri signa également un pacte avec Ferdinand. Après la création de la Sainte Ligue anti-française par le pape Jules II en octobre 1511, Henri, suivant l'exemple de Ferdinand, fit entrer l'Angleterre dans la Ligue. Une première attaque conjointe anglo-espagnole sur l'Aquitaine était prévue au printemps pour la récupérer au profit de l'Angleterre. Cela semblait être le début de la réalisation du rêve d’Henri de diriger la France. L'attaque, suite à une déclaration formelle de guerre en avril 1512, ne fut pas dirigée par Henry personnellement et fut un échec considérable ; Ferdinand l'a utilisé simplement pour servir ses propres objectifs, et cela a mis à rude épreuve l'alliance anglo-espagnole. Néanmoins, les Français furent chassés d'Italie peu de temps après, et l'alliance survécut, les deux parties étant désireuses de remporter de nouvelles victoires sur les Français. Henri réussit alors un coup d'État diplomatique en convainquant l'empereur de rejoindre la Sainte Ligue. Remarquablement, Henri avait également obtenu le titre promis de «roi le plus chrétien de France», et peut-être le couronnement par le pape lui-même à Paris, si seulement Louis pouvait être vaincu. Le 30 juin 1513, Henri envahit la France et ses troupes vainquirent une armée française à la bataille des Spurs – un résultat relativement mineur, mais qui fut exploité par les Anglais à des fins de propagande. Peu de temps après, les Anglais prennent Thérouanne et la remettent à Maximillien ; Tournai, une colonie plus importante, suivit. Henry avait dirigé l'armée personnellement, avec un large entourage. Son absence du pays avait cependant incité son beau-frère, Jacques IV d'Écosse, à envahir l'Angleterre à la demande de Louis. Néanmoins, l'armée anglaise, supervisée par la reine Catherine, battit de manière décisive les Écossais à la bataille de Flodden le 9 septembre 1513. Parmi les morts se trouvait le roi écossais, mettant ainsi fin à la brève implication de l'Écosse dans la guerre. Ces campagnes avaient donné à Henri un avant-goût du succès militaire qu'il désirait tant. Cependant, malgré les premières indications selon lesquelles il poursuivrait une campagne de 1514, Henri décida de ne pas prendre une telle décision. Il avait soutenu financièrement Ferdinand et Maximilien pendant la campagne, mais n'avait guère récupéré ; Les caisses de l’Angleterre étaient désormais vides. Avec le remplacement de Jules par le pape Léon X, qui était enclin à négocier la paix avec la France, Henri signa son propre traité avec Louis : sa sœur Marie deviendrait l'épouse de Louis, après avoir été promise au jeune Charles, et la paix fut assurée. pendant huit ans, une période remarquablement longue. Après la mort de ses grands-pères, Ferdinand et Maximilien, respectivement en 1516 et 1519, Charles d'Autriche monta sur les trônes d'Espagne et du Saint-Empire romain germanique. De même, François Ier devint roi de France à la mort de Louis en 1515, laissant trois dirigeants relativement jeunes et une opportunité de repartir à zéro. La diplomatie prudente du cardinal Thomas Wolsey avait abouti au Traité de Londres en 1518, visant à unifier les royaumes d'Europe occidentale à la suite d'une nouvelle menace ottomane, et il semblait que la paix pouvait être assurée. Henri rencontra François Ier le 7 juin 1520 au Champ du Drap d'Or près de Calais pour une quinzaine de divertissements somptueux. Tous deux espéraient des relations amicales en lieu et place des guerres de la décennie précédente. Cependant, le fort air de concurrence anéantit tout espoir de renouvellement du Traité de Londres et le conflit était inévitable. Henry avait plus en commun avec Charles, qu'il avait rencontré une fois avant et une fois après François. Charles entra en guerre avec la France en 1521 ; Henry a proposé de servir de médiateur, mais peu de résultats ont été obtenus et à la fin de l'année, Henry avait aligné l'Angleterre avec Charles. Il s'accrochait toujours à son objectif antérieur de restaurer les terres anglaises en France, mais aussi à garantir une alliance avec la Bourgogne et le soutien continu de Charles. Une petite attaque anglaise dans le nord de la France a rattrapé peu de terrain. Charles battit et captura François à Pavie et put dicter la paix ; mais il croyait ne rien devoir à Henry. Sentant cela, Henri décide de sortir l'Angleterre de la guerre avant son allié, en signant le Traité du More le 30 août 1525. Annulation de Catherine Lors de son premier mariage avec Catherine d'Aragon, Henri eut une liaison avec Mary Boleyn, la dame d'honneur de Catherine. Il y a eu des spéculations selon lesquelles les deux enfants de Mary, Henry et Catherine Carey, auraient été engendrés par Henry, mais cela n'a jamais été prouvé et le roi ne les a jamais reconnus comme il l'a fait avec Henry FitzRoy. En 1525, alors qu'Henri s'impatientait face à l'incapacité de Catherine à produire l'héritier mâle qu'il désirait, il devint amoureux de la sœur de Mary, Anne, alors jeune femme charismatique de 25 ans dans l'entourage de la reine. Anne, cependant, a résisté à ses tentatives de la séduire et a refusé de devenir sa maîtresse comme l'avait fait sa sœur Mary Boleyn. C'est dans ce contexte qu'Henri envisagea ses trois options pour trouver un successeur dynastique et résoudre ainsi ce qui fut décrit à la cour comme la « grande affaire » du roi. Ces options légitimaient Henry FitzRoy, qui nécessiterait l'intervention du pape et serait susceptible d'être contesté ; marier Mary le plus tôt possible et espérer qu'un petit-fils hérite directement, mais il était peu probable que Mary conçoive avant la mort d'Henry; ou d'une manière ou d'une autre, rejeter Catherine et épouser quelqu'un d'autre en âge de procréer. Voyant probablement la possibilité d'épouser Anne, la troisième était finalement la possibilité la plus attrayante pour Henry, âgé de 34 ans, et cela devint bientôt le désir absorbant du roi d'annuler son mariage avec Catherine, aujourd'hui âgée de 40 ans. C'était une décision qui verrait Henri rejeter l'autorité papale et lancer la Réforme anglaise. Les motivations et les intentions précises d'Henry pour les années à venir ne font pas l'objet d'un large consensus. Henri lui-même, au moins au début de son règne, était un catholique fervent et bien informé dans la mesure où sa publication de 1521 Assertio Septem Sacramentorum (« Défense des Sept Sacrements ») lui valut le titre de Fidei Defensor (Défenseur de la Foi) du pape Léon X. L'ouvrage représentait une défense acharnée de la suprématie papale, bien que formulée en termes quelque peu contingents. On ne sait pas exactement quand Henry a changé d'avis sur la question alors qu'il était de plus en plus déterminé à un second mariage. Certes, en 1527, il s'était convaincu qu'en épousant Catherine, la femme de son frère, il avait agi contrairement à Lévitique 20 :21, même si Henri aurait lu le verset sous sa forme latine (vulgate), la traduction utilisée dans le King James de 1604. La Bible est instructive : « Et si un homme prend la femme de son frère, c'est une chose impure : s'il découvre la nudité de son frère, ils seront sans enfants ». un obstacle dont le Pape n’avait jamais eu (il le croyait maintenant) le pouvoir de s’en passer. C'est cet argument qu'Henri présenta au pape Clément VII en 1527 dans l'espoir de faire annuler son mariage avec Catherine, renonçant à au moins une ligne d'attaque moins ouvertement provocante. En le rendant public, tout espoir de tenter Catherine de se retirer dans un couvent ou de rester silencieuse a été perdu. Henry envoya son secrétaire, William Knight, faire appel directement au Saint-Siège au moyen d'un projet de bulle papale formulé de manière trompeuse. Knight n'a pas réussi; le Pape ne pouvait pas être induit en erreur si facilement. D'autres missions se sont concentrées sur l'organisation d'une réunion d'un tribunal ecclésiastique en Angleterre, avec un représentant de Clément VII. Bien que Clément ait accepté la création d'un tel tribunal, il n'a jamais eu l'intention de donner à son légat, Lorenzo Campeggio, le pouvoir de trancher en faveur d'Henri. Ce parti pris était peut-être le résultat de la pression de Charles Quint, le neveu de Catherine, même s'il n'est pas clair dans quelle mesure cela a influencé Campeggio ou le pape. Après moins de deux mois d'audition des témoignages, Clément rappela l'affaire à Rome en juillet 1529, d'où il était clair qu'elle ne réapparaîtrait jamais. Avec la chance d'une annulation perdue et la place de l'Angleterre en Europe perdue, Wolsey en portait la responsabilité. Il fut accusé de praemunire en octobre 1529 et sa disgrâce fut « soudaine et totale ». Brièvement réconcilié avec Henri (et officiellement gracié) dans la première moitié de 1530, il fut de nouveau inculpé en novembre 1530, cette fois pour trahison, mais mourut en attendant son procès. Après une courte période au cours de laquelle Henry a pris le gouvernement sur ses propres épaules, Sir Thomas More a assumé le rôle de Lord Chancelier et ministre en chef. Intelligent et capable, mais aussi fervent catholique et opposant à l'annulation, More a d'abord coopéré avec la nouvelle politique du roi, dénonçant Wolsey au Parlement. Un an plus tard, Catherine est bannie de la cour et sa chambre est donnée à Anne. Anne était une femme inhabituellement instruite et intellectuelle pour son époque, et était profondément absorbée et engagée dans les idées des réformateurs protestants, bien que la mesure dans laquelle elle était elle-même une protestante engagée soit très débattue. À la mort de l'archevêque de Cantorbéry William Warham, l'influence d'Anne et la nécessité de trouver un partisan digne de confiance de l'annulation ont amené Thomas Cranmer à nommer au poste vacant. Cela fut approuvé par le pape, ignorant les projets naissants du roi pour l'Église. Mariage avec Anne Boleyn Au cours de l'hiver 1532, Henri rencontra François Ier à Calais et obtint le soutien du roi de France pour son nouveau mariage. Immédiatement après leur retour à Douvres en Angleterre, Henry, aujourd'hui âgé de 41 ans, et Anne, aujourd'hui âgée de 32 ans, ont assisté à un service de mariage secret. Elle tomba bientôt enceinte et il y eut un deuxième service de mariage à Londres le 25 janvier 1533. Le 23 mai 1533, Cranmer, siégeant en jugement devant un tribunal spécial convoqué au Prieuré de Dunstable pour se prononcer sur la validité du mariage du roi avec Catherine d'Aragon. , déclare nul et non avenu le mariage d'Henri et Catherine. Cinq jours plus tard, le 28 mai 1533, Cranmer déclara valide le mariage d'Henry et d'Anne. Catherine fut officiellement déchue de son titre de reine, devenant à la place « princesse douairière » en tant que veuve d'Arthur. À sa place, Anne fut couronnée reine consort le 1er juin 1533. La reine donna naissance à une fille légèrement prématurée le 7 septembre 1533. L'enfant fut baptisée Elizabeth, en l'honneur de la mère d'Henri, Elizabeth d'York. Après le mariage, il y a eu une période de consolidation prenant la forme d'une série de statuts du Parlement de Réforme visant à trouver des solutions à tous les problèmes restants, tout en protégeant les nouvelles réformes contre toute contestation, en convainquant le public de leur légitimité et en exposant et en traitant. avec des adversaires. Bien que le droit canonique ait été longuement traité par Cranmer et d'autres, ces actes ont été avancés par Thomas Cromwell, Thomas Audley et le duc de Norfolk et même par Henry lui-même. Une fois ce processus terminé, en mai 1532, More démissionna de son poste de Lord Chancelier, laissant Cromwell comme ministre en chef d'Henry. Avec l'Acte de Succession de 1533, la fille de Catherine, Mary, fut déclarée illégitime ; Le mariage d'Henry avec Anne fut déclaré légitime ; et il a été décidé que la question d'Anne serait la suivante dans la ligne de succession. Avec les Acts of Supremacy de 1534, le Parlement reconnut également le statut du roi en tant que chef de l'Église en Angleterre et, avec l'Act in Restraint of Appeals de 1532, abolit le droit de faire appel à Rome. Ce n’est qu’à ce moment-là que le pape Clément prit la décision d’excommunier Henri et Thomas Cranmer, bien que l’excommunication ne fut officialisée que quelque temps plus tard. Le roi et la reine n'étaient pas satisfaits de la vie conjugale. Le couple royal connaît des périodes de calme et d'affection, mais Anne refuse de jouer le rôle soumis qu'on attend d'elle. La vivacité et l'esprit opiniâtre qui l'avaient rendue si attirante en tant qu'amante illicite la rendaient trop indépendante pour le rôle largement cérémonial d'épouse royale et lui faisaient de nombreux ennemis. Pour sa part, Henry n'aimait pas l'irritabilité constante et le caractère violent d'Anne. Après une fausse grossesse ou une fausse couche en 1534, il considéra son échec à lui donner un fils comme une trahison. Dès Noël 1534, Henry discutait avec Cranmer et Cromwell des chances de quitter Anne sans avoir à retourner auprès de Catherine. On pense traditionnellement qu'Henry a eu une liaison avec Margaret ("Madge") Shelton en 1535, bien que l'historienne Antonia Fraser affirme qu'Henry a en fait eu une liaison avec sa sœur Mary Shelton. L'opposition à la politique religieuse d'Henri fut rapidement réprimée en Angleterre. Un certain nombre de moines dissidents, dont les premiers martyrs chartreux, furent exécutés et bien d'autres mis au pilori. Les résistants les plus éminents comprenaient John Fisher, évêque de Rochester, et Sir Thomas More, qui refusèrent tous deux de prêter serment au roi. Ni Henry ni Cromwell n'ont cherché à faire exécuter les hommes ; ils espéraient plutôt que les deux pourraient changer d’avis et se sauver. Fisher a ouvertement rejeté Henry comme chef suprême de l'Église, mais More a pris soin d'éviter d'enfreindre ouvertement la loi sur la trahison, qui (contrairement aux actes ultérieurs) n'interdisait pas le simple silence. Cependant, les deux hommes ont ensuite été reconnus coupables de haute trahison – plus sur la preuve d'une seule conversation avec Richard Rich, le solliciteur général. Tous deux furent dûment exécutés à l'été 1535. Ces suppressions, ainsi que la loi sur la dissolution des petits monastères de 1536, contribuèrent à leur tour à une résistance plus générale aux réformes d'Henri, notamment lors du pèlerinage de la grâce, un grand soulèvement dans le nord de l'Angleterre en octobre 1536. Quelque 20 000 à 40 000 rebelles étaient dirigés par Robert Aske, avec une partie de la noblesse du nord. Henri VIII a promis aux rebelles qu'il leur pardonnerait et les a remerciés d'avoir soulevé la question. Aske a déclaré aux rebelles qu'ils avaient réussi et qu'ils pouvaient se disperser et rentrer chez eux. Henri considérait les rebelles comme des traîtres et ne se sentait pas obligé de tenir ses promesses envers eux. Ainsi, lorsque de nouvelles violences se produisirent après l'offre de grâce d'Henri, il fut prompt à rompre sa promesse de clémence. Les dirigeants, dont Aske, ont été arrêtés et exécutés pour trahison. Au total, environ 200 rebelles ont été exécutés et les troubles ont pris fin. Exécution d'Anne Boleyn Le 8 janvier 1536, la nouvelle parvint au roi et à la reine de la mort de Catherine d'Aragon. Henry a appelé à des manifestations publiques de joie concernant la mort de Catherine. La reine était de nouveau enceinte et elle était consciente des conséquences si elle ne parvenait pas à donner naissance à un fils. Plus tard ce mois-là, le roi fut désarçonné lors d'un tournoi et fut grièvement blessé et il sembla pendant un certain temps que la vie du roi était en danger. Lorsque la nouvelle de cet accident parvint à la reine, elle fut mise en état de choc et fit une fausse couche d'un enfant mâle âgé d'environ 15 semaines, le jour des funérailles de Catherine, le 29 janvier 1536. Pour la plupart des observateurs, cette perte personnelle fut le début de la fin. du mariage royal. Compte tenu du désir désespéré du roi d’avoir un fils, la séquence des grossesses d’Anne a suscité beaucoup d’intérêt. L'auteur Mike Ashley a émis l'hypothèse qu'Anne avait eu deux enfants mort-nés après la naissance d'Elizabeth et avant la naissance de l'enfant mâle qu'elle avait fait une fausse couche en 1536. La plupart des sources attestent uniquement de la naissance d'Elizabeth en septembre 1533, d'une possible fausse couche au cours de l'été 1534 et du fausse couche d'un enfant mâle, de près de quatre mois de gestation, en janvier 1536. Bien que la famille Boleyn occupe toujours des postes importants au Conseil privé, Anne avait de nombreux ennemis, dont le duc de Suffolk. Même son propre oncle, le duc de Norfolk, en était venu à ressentir du ressentiment envers son attitude à l'égard de son pouvoir. Les Boleyn préféraient la France à l'empereur comme allié potentiel, et la faveur du roi s'était tournée vers ce dernier (en partie à cause de Cromwell), nuisant à l'influence de la famille. S'opposaient également à Anne les partisans de la réconciliation avec la princesse Mary (parmi eux les anciens partisans de Catherine), qui avait atteint la maturité. Une seconde annulation était désormais une possibilité réelle, même si l'on croit généralement que c'est l'influence anti-Boleyn de Cromwell qui a conduit les opposants à chercher un moyen de la faire exécuter. La chute d'Anne est survenue peu de temps après qu'elle se soit remise de sa dernière fausse couche. La question de savoir si cela était principalement le résultat d'allégations de complot, d'adultère ou de sorcellerie reste un sujet de débat parmi les historiens. Les premiers signes d'une disgrâce comprenaient le déménagement de la nouvelle maîtresse du roi, Jane Seymour, 28 ans, dans de nouveaux quartiers, et le frère d'Anne, George Boleyn, qui s'est vu refuser l'Ordre de la Jarretière, qui a été remis à Nicholas Carew. . Entre le 30 avril et le 2 mai, cinq hommes, dont le frère d'Anne, ont été arrêtés pour trahison et adultère et accusés d'avoir eu des relations sexuelles avec la reine. Anne a également été arrêtée, accusée d'adultère et d'inceste. Bien que les preuves retenues contre eux n'aient pas été convaincantes, les accusés ont été reconnus coupables et condamnés à mort. George Boleyn et les autres accusés furent exécutés le 17 mai 1536. Le 19 mai 1536, à 8 heures du matin, Anne, âgée de 36 ans, fut exécutée à Tower Green. Mariage avec Jane Seymour; affaires intérieures et étrangères Le lendemain de l'exécution d'Anne en 1536, Henry, âgé de 45 ans, se fiança à Seymour, qui avait été l'une des dames d'honneur de la reine. Ils se sont mariés dix jours plus tard. Le 12 octobre 1537, Jane donne naissance à un fils, le prince Edward, futur Édouard VI. L'accouchement fut difficile et la reine mourut le 24 octobre 1537 des suites d'une infection et fut enterrée à Windsor. L'euphorie qui avait accompagné la naissance d'Edward s'est transformée en chagrin, mais ce n'est qu'avec le temps qu'Henry a commencé à avoir envie de sa femme. À l’époque, Henry s’est rapidement remis du choc. Des mesures furent immédiatement mises en place pour trouver une autre épouse à Henry, qui, sur l'insistance de Cromwell et de la cour, se concentraient sur le continent européen. Alors que Charles Quint était distrait par la politique intérieure de ses nombreux royaumes et les menaces extérieures, et qu'Henri et François étaient en relativement bons termes, les questions de politique intérieure et non étrangère avaient été la priorité d'Henri dans la première moitié des années 1530. En 1536, par exemple, Henry a donné son accord à la loi de 1535 sur les lois du Pays de Galles, qui annexait légalement le Pays de Galles, unissant l'Angleterre et le Pays de Galles en une seule nation. Cela a été suivi par le deuxième acte de succession (l'acte de succession de 1536), qui a déclaré que les enfants de Henry et de Jane étaient les prochains dans la ligne de succession et a déclaré Mary et Elizabeth illégitimes, les excluant ainsi du trône. Le roi a également obtenu le pouvoir de déterminer davantage la ligne de succession dans son testament, s'il n'avait plus d'autres problèmes. Cependant, lorsque Charles et François conclurent la paix en janvier 1539, Henri devint de plus en plus paranoïaque, peut-être en raison de la réception d'une liste constante de menaces contre le royaume (réelles ou imaginaires, mineures ou sérieuses) fournies par Cromwell dans son rôle de maître-espion. Enrichi par la dissolution des monastères, Henri utilisa une partie de ses réserves financières pour construire une série de défenses côtières et en réserva une partie en cas d'invasion franco-allemande. Mariage avec Anne de Clèves Après avoir réfléchi à la question, Cromwell, aujourd'hui comte d'Essex, suggéra Anne, la sœur de 25 ans du duc de Clèves, qui était considérée comme un allié important en cas d'attaque catholique contre l'Angleterre, car le duc se trouvait entre Luthéranisme et catholicisme. Hans Holbein le Jeune fut envoyé à Clèves pour peindre un portrait d'Anne pour le roi. Malgré les spéculations selon lesquelles Holbein l'a peinte sous un jour trop flatteur, il est plus probable que le portrait soit exact ; Holbein est resté en faveur à la cour. Après avoir vu le portrait de Holbein et poussé par la description élogieuse d'Anne donnée par ses courtisans, le roi de 49 ans a accepté d'épouser Anne. Cependant, il ne fallut pas longtemps avant qu'Henry souhaite annuler le mariage afin de pouvoir en épouser une autre. Anne n'a pas contesté et a confirmé que le mariage n'avait jamais été consommé. Les précédentes fiançailles d'Anne avec le fils du duc de Lorraine constituaient un motif supplémentaire d'annulation. Le mariage fut par la suite dissous et Anne reçut le titre de « la sœur du roi », deux maisons et une généreuse allocation. Il devint vite clair qu'Henry était tombé amoureux de Catherine Howard, 17 ans, la nièce du duc de Norfolk, dont la politique inquiétait Cromwell, car Norfolk était un opposant politique. Peu de temps après, les réformateurs religieux (et protégés de Cromwell) Robert Barnes, William Jerome et Thomas Garret furent brûlés comme hérétiques. Cromwell, quant à lui, est tombé en disgrâce, même si on ne sait pas exactement pourquoi, car il y a peu de preuves de différences de politique intérieure ou étrangère. Malgré son rôle, il n'a jamais été formellement accusé d'être responsable de l'échec du mariage d'Henry. Cromwell était désormais entouré d'ennemis à la cour, Norfolk pouvant également s'appuyer sur la position de sa nièce. Cromwell a été accusé de trahison, de vente de licences d'exportation, d'octroi de passeports et de rédaction de commissions sans autorisation, et peut également avoir été blâmé pour l'échec de la politique étrangère qui a accompagné la tentative de mariage avec Anne. Il a ensuite été arrêté et décapité. Mariage avec Catherine Howard Le 28 juillet 1540 (le jour même de l'exécution de Cromwell), Henry épousa la jeune Catherine Howard, cousine germaine et dame d'honneur d'Anne Boleyn. Il fut absolument ravi de sa nouvelle reine et lui accorda les terres de Cromwell et une vaste gamme de bijoux. Cependant, peu de temps après le mariage, la reine Catherine eut une liaison avec le courtisan Thomas Culpeper. Elle a également employé Francis Dereham, qui avait déjà été fiancé de manière informelle avec elle et avait eu une liaison avec elle avant son mariage, comme secrétaire. Le tribunal a été informé de sa liaison avec Dereham pendant qu'Henry était absent ; ils ont envoyé Thomas Cranmer pour enquêter, qui a porté à la connaissance du roi des preuves de la précédente liaison de la reine Catherine avec Dereham. Bien qu'Henry ait initialement refusé de croire les allégations, Dereham a avoué. Il fallut cependant une autre réunion du conseil avant qu'Henry ne croie aux accusations portées contre Dereham et ne se mette en colère, accusant le conseil avant de se consoler en chassant. Interrogée, la reine aurait pu admettre un contrat antérieur pour épouser Dereham, ce qui aurait rendu son mariage ultérieur avec

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Quel acteur réalise l'interview dans « Entretien avec un vampire » ?

Christian Slater

Entretien avec le vampire est un premier roman gothique d'horreur et de vampire de l'auteure américaine Anne Rice, publié en 1976. Basé sur une nouvelle que Rice a écrite vers 1968, le roman est centré sur le vampire Louis de Pointe du Lac, qui raconte l'histoire de sa vie. à un journaliste. Rice a composé le roman peu de temps après la mort de sa jeune fille Michelle, qui a inspiré le personnage d'enfant-vampire Claudia. Bien qu'ayant initialement fait l'objet d'un accueil critique mitigé, le livre a été suivi par un grand nombre de suites très populaires, collectivement connues sous le nom de The Vampire Chronicles. Une adaptation cinématographique est sortie en 1994, avec Brad Pitt et Tom Cruise, et le roman a été adapté trois fois en bande dessinée. Résumé de l'intrigue Un vampire nommé Louis raconte l'histoire de sa vie de 200 ans à un journaliste simplement appelé « le garçon » (le nom du personnage se révèle être Daniel Molloy dans La Reine des Damnés). En 1791, Louis est un jeune propriétaire d'une plantation d'indigo vivant au sud de la Nouvelle-Orléans. Affolé par la mort de son pieux frère, il cherche la mort par tous les moyens possibles. Louis est approché par un vampire nommé Lestat de Lioncourt, qui désire la compagnie de Louis. Lestat transforme Louis en vampire et les deux deviennent des compagnons immortels. Lestat passe du temps à se nourrir des esclaves des plantations locales tandis que Louis, qui trouve moralement répugnant de tuer des humains pour survivre, se nourrit d'animaux. Louis et Lestat sont contraints de partir lorsque les esclaves de Louis commencent à craindre les monstres avec lesquels ils vivent et déclenchent un soulèvement. Louis met le feu à sa propre plantation ; lui et Lestat exterminent les esclaves des plantations pour empêcher la rumeur de se répandre sur les vampires vivant en Louisiane. Peu à peu, Louis se plie sous l'influence de Lestat et commence à se nourrir des humains. Il accepte lentement sa nature de vampire, mais devient également de plus en plus repoussé par ce qu'il perçoit comme le manque total de compassion de Lestat pour les humains dont il se nourrit. Fuyant à la Nouvelle-Orléans, Louis se nourrit d'une jeune fille de cinq ans pesteuse, qu'il retrouve à côté du cadavre de sa mère. Louis commence à penser à quitter Lestat et à suivre sa propre voie. Craignant cela, Lestat transforme alors la fille en une « fille » vampire pour eux, pour donner à Louis une raison de rester. On lui donne alors le nom de Claudia. Louis est d'abord horrifié que Lestat ait transformé un enfant en vampire, mais commence bientôt à s'occuper de Claudia. Claudia se met facilement à tuer, mais elle commence à réaliser qu'avec le temps, elle ne pourra jamais grandir ; son esprit mûrit pour devenir celui d'une femme intelligente et affirmée, mais son corps reste celui d'une jeune fille. Claudia blâme Lestat pour son état et, après 60 ans de vie avec lui, elle élabore un complot pour tuer Lestat en l'empoisonnant et en lui coupant la gorge. Claudia et Louis jettent ensuite son corps dans un marais voisin. Alors que Louis et Claudia se préparent à fuir vers l'Europe, Lestat apparaît, s'étant remis de l'attaque de Claudia, et les attaque à son tour. Louis met le feu à leur maison et s'échappe de justesse avec Claudia, laissant un Lestat furieux consumé par les flammes. En arrivant en Europe, Louis et Claudia recherchent d'autres personnes de leur espèce. Ils voyagent d'abord à travers l'Europe de l'Est et rencontrent effectivement des vampires, mais ces vampires ne semblent être rien de plus que des cadavres animés et stupides. Ce n'est que lorsqu'ils atteignent Paris qu'ils rencontrent des vampires comme eux, notamment le vampire Armand, âgé de 400 ans, et son clan au Théâtre des Vampires. Habitant un théâtre antique, Armand et son clan de vampires se déguisent en humains et se nourrissent d'humains vivants et terrifiés dans des simulations devant un public humain en direct (qui pense que les meurtres sont simplement une performance très réaliste). Claudia est repoussée par ces vampires et ce qu'elle considère comme leur théâtre bon marché, mais Louis et Armand sont attirés l'un par l'autre. Convaincue que Louis la quittera pour Armand, Claudia convainc Louis de transformer une fabrique de poupées parisienne, Madeleine, en vampire pour lui servir de compagne de remplacement. Louis, Madeleine et Claudia vivent ensemble pendant une brève période, mais tous trois sont enlevés une nuit par les vampires du Théâtre. Lestat est arrivé, après avoir survécu à l'incendie de la Nouvelle-Orléans. Ses accusations contre Louis et Claudia aboutissent à ce que Louis soit enfermé dans un cercueil pour mourir de faim, tandis que Claudia et Madeleine sont enfermées dans une cour ouverte. Armand arrive et libère Louis du cercueil, mais Madeleine et Claudia sont brûlées vives par le soleil levant. Un Louis dévasté retrouve les restes cendrés de Claudia et de Madeleine. Il retourne au théâtre tard dans la nuit suivante, le brûlant entièrement et tuant tous les vampires à l'intérieur, partant avec Armand. Ensemble, les deux voyagent à travers l'Europe pendant plusieurs années, mais Louis ne se remet jamais complètement de la mort de Claudia et le lien émotionnel entre lui et Armand se dissout rapidement. Las du Vieux Monde, Louis retourne à la Nouvelle-Orléans au début du XXe siècle. Vivant solitaire, il se nourrit de tous les humains qui croisent son chemin, mais vit dans l'ombre, ne se créant jamais d'autre compagnon. En racontant au garçon une dernière rencontre avec Lestat à la Nouvelle-Orléans dans les années 1920, Louis termine son récit ; après 200 ans, il est las de l'immortalité et de toutes les douleurs et souffrances dont il a dû témoigner. Le garçon, cependant, ne voyant que les grands pouvoirs accordés à un vampire, supplie de devenir lui-même un vampire. En colère que son intervieweur n'ait rien appris de son histoire, Louis refuse, attaquant le garçon et disparaissant sans laisser de trace. Le garçon part alors à la recherche de Lestat dans l'espoir qu'il puisse lui donner l'immortalité. Contexte et publication En 1970, alors qu'Anne Rice suivait un programme d'études supérieures en écriture créative à l'Université d'État de San Francisco, sa fille Michelle, alors âgée d'environ quatre ans, reçut un diagnostic de leucémie granulocytaire aiguë. Michelle est décédée de la maladie environ deux ans plus tard et Rice est tombée dans une profonde dépression, se tournant vers l'alcool pour faire face. Les critiques et commentateurs ultérieurs ont identifié Michelle comme une source d'inspiration pour le personnage de Claudia. En 1973, alors qu'elle pleurait toujours la perte de sa fille, Rice a commencé à retravailler une nouvelle écrite précédemment, qu'elle avait écrite en 1968 ou 1969. Longue de trente pages, la nouvelle a été écrite du point de vue de l'intervieweur. Elle a décidé d'étendre "Entretien avec le vampire" en un roman sous les encouragements de l'un des étudiants de son mari, qui aimait son écriture. Il lui a fallu cinq semaines pour terminer le roman de 338 pages : elle faisait des recherches sur les vampires pendant la journée et écrivait souvent pendant la nuit. Après avoir terminé le roman et suite à de nombreux refus des éditeurs, Rice a développé un trouble obsessionnel-compulsif (TOC). Elle est devenue obsédée par les germes, pensant qu'elle contaminait tout ce qu'elle touchait, se lavait les mains fréquemment et de manière obsessionnelle et vérifiait de manière obsessionnelle les serrures des fenêtres et des portes. À propos de cette période, Rice dit : « Ce que vous voyez quand vous êtes dans cet état, ce sont tous les défauts de notre hygiène et vous ne pouvez pas les contrôler et vous devenez fou. » En août 1974, Rice a assisté à la conférence des écrivains de Squaw Valley à Squaw Valley, dirigée par l'écrivain Ray Nelson. Lors de la conférence, elle a rencontré sa future agent littéraire, Phyllis Seidel. En octobre 1974, Seidel vendit les droits de publication d'Entretien avec le vampire à Alfred A. Knopf pour une avance de 12 000 $ sur les droits de couverture rigide, à une époque où la plupart des nouveaux auteurs recevaient des avances de 2 000 $. Interview with the Vampire a été publié en mai 1976. En 1977, les Rice se sont rendus pour la première fois en Europe et en Égypte. À sa sortie, Interview with the Vampire a reçu des critiques mitigées de la part des critiques. Un critique du St. Louis Post-Dispatch a donné au livre une critique positive, décrivant la prose comme « d'un ton hypnotiquement poétique, riche en images sensorielles », tandis que d'autres critiques étaient plus négatives. "Prétendre qu'il a un but au-delà de l'érotisme maternel est une pure hypocrisie", a écrit Edith Milton de The New Republic. , le roman s'était vendu à 8 millions d'exemplaires dans le monde. Le livre a donné naissance à un total de dix suites, connues collectivement sous le nom de The Vampire Chronicles, et à la série dérivée New Tales of the Vampires. La première suite, The Vampire Lestat, a été publiée en 1985 et s'est vendue à plus de 75 000 exemplaires lors de sa première impression, recueillant des critiques largement favorables. La Reine des Damnés de 1988 a amélioré les chiffres de Lestats, recevant un premier tirage relié de 405 000 exemplaires et en tête de la liste des meilleures ventes du New York Times. Les livres de Rice sur les vampires partagent un univers fictif avec sa série Lives of the Mayfair Witches et le roman The Mummy, or Ramses the Damned. Adaptations Film Les droits cinématographiques d'Interview étaient parfois contrôlés par Paramount Pictures, Lorimar et Warner Bros., le distributeur du film, avant que The Geffen Film Company n'en acquière les droits. Le réalisateur Neil Jordan a réécrit la première ébauche du scénario de Rice, même si elle a reçu le seul crédit. Brad Pitt a joué le rôle de Louis, Tom Cruise a joué le rôle de Lestat, Antonio Banderas a joué le rôle d'Armand, tout comme la jeune Kirsten Dunst dans le rôle de l'enfant vampire Claudia. La majeure partie du tournage du film était terminée en octobre 1993, et il ne restait que les quelques scènes impliquant l'intervieweur qui seraient ensuite insérées à différents moments du film. La production de ces scènes a été suspendue pendant quelques semaines pendant que River Phoenix, qui avait été choisi comme intervieweur, finissait de travailler sur le film Dark Blood. Phoenix est mort d'une overdose plus tard ce mois-là, et Christian Slater a ensuite été choisi pour incarner l'intervieweur Molloy. Slater a fait don de l'intégralité de son salaire à Earth Save et Earth Trust, deux des œuvres caritatives préférées de Phoenix. Le film est sorti en novembre 1994 avec une réaction critique généralement positive et a reçu des nominations aux Oscars pour la meilleure direction artistique et la meilleure musique originale. Dunst a été nominée pour le Golden Globe de la meilleure actrice dans un second rôle pour son rôle dans le film. Rice avait initialement exprimé ses objections au casting de Cruise dans le rôle de Lestat, préférant Rutger Hauer pour le rôle. Après avoir vu le film, cependant, elle a exprimé son soutien au film, en disant: "Le fait que Tom ait fait fonctionner Lestat était quelque chose que je ne pouvais pas voir dans une boule de cristal. C'est à son honneur qu'il m'a prouvé le contraire." En août 2014, Universal Pictures et Imagine Entertainment ont acquis les droits cinématographiques de l'intégralité de la série Vampire Chronicles, les producteurs Alex Kurtzman et Roberto Orci ayant signé pour diriger la franchise cinématographique potentielle. L'accord comprenait également un scénario pour The Tale of the Body Thief (1992) adapté par Christopher Rice. En mai 2016, le scénariste-réalisateur Josh Boone a publié sur Instagram une photo de la couverture d'un scénario écrit par lui et Jill Killington. Intitulé Entretien avec le vampire, il est basé sur le roman du même nom et sa suite, Le Vampire Lestat. Des bandes dessinées Innovation Comics a publié une adaptation de bande dessinée en douze numéros de Interview with the Vampire en 1992, faisant suite aux adaptations de The Vampire Lestat et The Queen of the Damned. Une adaptation manga japonaise d'Udou Shinohara a été publiée en 1994 par Tokuma Shoten. Il a également été publié en série dans les magazines Animage et Chara. En 2012, le roman graphique Interview with the Vampire: Claudia's Story a été publié par Yen Press, racontant une grande partie du roman original du point de vue de l'enfant vampire Claudia. Références et notes ;Remarques ;Les références

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Quelle est la ville la plus au sud des États-Unis

Honolulu

Il s'agit d'une liste des points extrêmes des États-Unis, les points qui sont plus au nord, au sud, à l'est ou à l'ouest que tout autre endroit du pays. Sont également inclus les points extrêmes d'altitude, les distances extrêmes et d'autres points d'intérêt géographique particulier. Points les plus au nord *Point Barrow, Alaska – point le plus septentrional de tout le territoire américain *Barrow, Alaska – lieu constitué le plus au nord de tout le territoire américain, avec une population d'environ 4 000 habitants. *Fairbanks, Alaska – ville la plus au nord de plus de 20 000 habitants et ville la plus au nord avec accès par la voie publique *Anchorage, Alaska – ville la plus au nord de plus de 250 000 habitants *Northwest Angle Inlet dans le lac des Bois, Minnesota – point le plus septentrional des 48 États contigus (en raison d'informations incomplètes au moment du Traité de Paris (1783) réglant la guerre d'indépendance américaine) *Sumas, Washington – lieu constitué le plus au nord des 48 États contigus (en raison d'une inexactitude de l'enquête du 19e siècle plaçant ici la frontière internationale légèrement au nord du 49e parallèle.) *Lynden, Washington – ville la plus septentrionale de plus de 10 000 habitants dans les 48 États contigus *Bellingham, Washington – ville la plus septentrionale de plus de 50 000 habitants dans les 48 États contigus *Everett, Washington – ville la plus au nord de plus de 100 000 habitants dans les 48 États contigus *Spokane, Washington – ville la plus au nord de plus de 200 000 habitants dans les 48 États contigus *Seattle, Washington – ville la plus septentrionale des États-Unis avec plus de 500 000 habitants. *L'Alaska possède le centre géographique le plus septentrional de tous les États. Le Dakota du Nord possède le centre géographique le plus septentrional des 48 États contigus. Notez que les cartes des 48 États affichées dans une projection non cylindrique (c'est-à-dire des lignes courbes de latitude) peuvent donner l'impression que l'État du Maine s'étend plus au nord qu'il ne le fait réellement. Le point le plus septentrional du Maine se trouve à environ 47,46 degrés de latitude nord. Cette ligne de latitude traverse la banlieue sud de Seattle. De là, il se trouve à environ 100 milles au nord du 49e parallèle. Une vaste étendue de territoire au sein des 48 États (englobant des parties de Washington, de l’Idaho, du Montana, du Dakota du Nord et du Minnesota) est donc plus au nord que n’importe quel endroit du Maine. Cette zone comprend des endroits tels que Spokane, Washington ; Coeur d'Alene, Idaho ; Great Falls, Montana ; Minot et Grand Forks, Dakota du Nord ; et Bemidji, Minnesota. Même l'Isle Royale et certaines parties de la péninsule supérieure du Michigan (comme la péninsule de Keweenaw) sont plus au nord que n'importe où dans le Maine. À titre de comparaison, la terre la plus méridionale du Canada, l'île Middle, en Ontario, à une latitude de 41°40'53" nord, se trouve entièrement au sud de 12 des États contigus - Washington, Idaho, Minnesota, Montana, Dakota du Nord, Michigan et Maine. , le Wisconsin, l'Oregon, le Dakota du Sud, le New Hampshire et le Vermont - et au sud de la frontière la plus septentrionale de 14 autres États contigus. Points les plus au sud *Station Amundsen-Scott du pôle Sud, Antarctique () – point le plus au sud sous la juridiction des États-Unis *Rose Atoll, Samoa américaines () – point le plus au sud de tout le territoire contrôlé par les États-Unis *Atoll de Palmyra – point le plus au sud de tout le territoire incorporé aux États-Unis *Ka Lae, Hawaï () – point le plus au sud des 50 États *Nā'ālehu, Hawaï () – ville la plus au sud des 50 États *Hilo, Hawaï () - endroit le plus au sud avec une population de plus de 25 000 habitants dans les 50 États *Ville et comté d'Honolulu, Hawaï – lieu constitué le plus au sud des 50 États (le seul lieu constitué à Hawaï) *Western Dry Rocks, Floride () – Dans les Florida Keys – point le plus au sud des 48 États contigus, parfois au-dessus de l'eau à marée basse. *Ballast Key, Floride () – point le plus au sud des 48 États contigus continuellement au-dessus de l'eau. *Key West, Floride () – lieu constitué le plus au sud des 48 États contigus *Cape Sable, Floride () – point le plus au sud du continent américain *Florida City, Floride – Municipalité la plus au sud de la zone continentale des États-Unis *Miami, Floride – la grande ville métropolitaine la plus méridionale des 48 États contigus. *Comté de Cameron, Texas – Point le plus au sud de la frontière entre le Mexique et les États-Unis. *Hawaï possède le centre géographique le plus méridional de tous les États. La Floride est le centre géographique le plus méridional des 48 États contigus. Notez que les cartes des 48 États affichées dans une projection à zone égale peuvent donner l’impression que l’État du Texas s’étend plus au sud qu’il ne le fait réellement. Le point le plus au sud du Texas (juste au sud-est de Brownsville) se trouve à environ 25°50′ de latitude nord. Cette ligne de latitude traverse les quartiers nord de Miami, en Floride. Points les plus à l'est *Point Udall, Sainte-Croix, îles Vierges américaines – point le plus à l'est de tout le territoire américain, par sens de déplacement *Christiansted, Îles Vierges américaines – ville la plus à l'est de tout le territoire américain, par sens de déplacement *Sail Rock, juste au large de West Quoddy Head, dans le Maine – point le plus à l'est des 50 États, par sens de déplacement *West Quoddy Head, Maine – point le plus à l'est du continent américain *Lubec, Maine – lieu constitué le plus à l'est des 50 États *Eastport, Maine – ville constituée la plus à l'est des 50 États *Calais, Maine – ville la plus à l'est de plus de 2 500 habitants répartis dans les 50 États *Houlton, Maine – ville la plus à l'est de plus de 5 000 habitants répartis dans les 50 États. *Bangor, Maine – ville la plus à l'est de plus de 20 000 habitants répartis dans les 50 États. *Portland, Maine – ville la plus à l'est de plus de 50 000 habitants répartis dans les 50 États. *Boston, Massachusetts – grande ville américaine la plus à l'est (plus de 500 000 habitants) *Pochnoi Point, île Semisopochnoi, Alaska - point le plus à l'est de tout le territoire américain par longitude - ironiquement, dans les îles Aléoutiennes de l'Alaska "à l'ouest" du point le plus à l'ouest des États-Unis par longitude (île Amatignak) en raison de l'interposition de 180° de longitude, ce qui divise conventionnellement « l'ouest » de « l'est » en termes géographiques. *Peacock Point, Wake Island – premier lever de soleil (à l'équinoxe) sur tout le territoire américain *Municipalité des îles du Nord, îles Mariannes du Nord – municipalité la plus à l'est de tout le territoire des États-Unis, par longitude *Le Maine possède le centre géographique le plus à l'est parmi les 50 États. Notez que les cartes des 48 États affichées dans une projection à zone égale peuvent donner l’impression que l’État de Floride s’étend plus à l’est qu’il ne le fait réellement. Le point le plus à l’est de la Floride (Palm Beach Shores) se trouve à environ 80,03 degrés de longitude ouest. Cette ligne de longitude traverse (ou à proximité) des endroits tels que Charleston, Caroline du Sud ; High Point, Caroline du Nord ; Salem, Virginie ; Morgantown, Virginie-Occidentale ; et Pittsburgh et Erie, en Pennsylvanie – plus à l'ouest que l'ensemble de New York, du New Jersey, du Maryland, du Delaware et de tous les États de la Nouvelle-Angleterre. Points les plus à l'ouest *Point Udall, Guam () – point le plus à l'ouest de tout le territoire américain, par sens de déplacement * Peaked Island, au large du cap Wrangell, Attu Island, Alaska – point le plus à l'ouest des 50 États par sens de déplacement et dernier coucher de soleil (à l'équinoxe) sur tout le territoire américain. À l'ouest de celle-ci passe la ligne de date internationale, après quoi viennent les îles territoriales russes. *Île Amatignak, Alaska – techniquement, le point le plus occidental de tout le territoire américain en termes de longitude, mais pas le point le plus occidental des îles Aléoutiennes des États-Unis. Il possède la longitude ouest la plus élevée (179°8'55"W) avant 180° de longitude, qui passe à l'ouest de lui. Après 180°, la longitude est appelée "est" et diminue numériquement. *Adak, Alaska – ville constituée la plus à l'ouest des 50 États *Unalaska, Alaska - ville la plus à l'ouest de plus de 2 500 habitants répartis dans 50 États *Cap Prince-de-Galles, Alaska – point le plus occidental du continent nord-américain *Anchor Point, Alaska () – Point le plus à l'ouest du système routier continu d'Amérique du Nord *Umatilla Reef, au large du cap Alava, Washington () – point le plus à l'ouest des 48 États contigus, parfois au-dessus de l'eau à marée basse. *Îles Bodelteh, au large du cap Alava, Washington – point le plus à l'ouest des 48 États contigus continuellement au-dessus de l'eau. *Cape Alava, Washington () – point le plus à l'ouest du continent américain (contigu) *Ozette, Washington – ville la plus à l'ouest des 48 États contigus *Port Orford, Oregon – lieu constitué le plus à l'ouest des 48 États contigus *Brookings, Oregon – ville la plus à l'ouest de plus de 5 000 habitants dans les 48 États contigus *Coos Bay, Oregon – ville la plus à l'ouest de plus de 10 000 habitants dans les 48 États contigus *Eureka, Californie – ville la plus à l'ouest de plus de 25 000 habitants répartis dans 48 États contigus. *Corvallis, Oregon – ville la plus à l'ouest de plus de 50 000 habitants dans les 48 États contigus *Eugene, Oregon – ville la plus à l'ouest de plus de 100 000 habitants dans les 48 États contigus *Portland, Oregon – ville la plus à l'ouest de plus de 500 000 habitants répartis dans 48 États contigus. *Hawaï possède le centre géographique le plus occidental de tous les États. L'Oregon possède le centre géographique le plus à l'ouest des 48 États contigus. Notez que les cartes des 48 États affichées dans une projection à zone égale peuvent donner l’impression que l’État de Californie s’étend plus à l’ouest qu’il ne le fait réellement. Le point le plus à l'ouest de la Californie (Cape Mendocino) se trouve à environ sept milles à l'est du point le plus à l'ouest de l'Oregon (Cape Blanco) et à environ 14 milles à l'est du point le plus à l'ouest de Washington (Cape Alava). Interprétation de l'extrême est et de l'extrême ouest Il existe trois méthodes pour calculer les extrémités est et ouest des États-Unis. Une méthode consiste à utiliser le premier méridien comme ligne de démarcation entre l’est et l’ouest. Ce méridien qui traverse Greenwich, à Londres, est défini comme étant de zéro degré de longitude et pourrait être appelé l'endroit le moins oriental et le moins occidental du monde. Le 180ème méridien, à l'opposé du globe, est donc l'endroit le plus oriental et le plus occidental du monde. Une autre méthode consiste à utiliser la ligne de date internationale comme extrême est-ouest. À l’équinoxe, l’endroit le plus à l’est serait l’endroit où le jour commence pour la première fois, et l’endroit le plus à l’ouest serait l’endroit où le jour se termine. Une autre méthode encore consiste à déterminer d'abord le centre géographique du pays et à partir de là, à mesurer la distance la plus courte jusqu'à tout autre point. L'ensemble du territoire américain s'étend sur moins de 180° de longitude, donc depuis n'importe quel endroit des États-Unis, il est plus direct d'atteindre Point Udall, dans les îles Vierges américaines, en voyageant vers l'est qu'en voyageant vers l'ouest. De même, il n’existe pas un seul point sur le territoire américain à partir duquel se diriger vers l’est serait une route plus courte jusqu’à Point Udall, à Guam, que ne le serait une direction vers l’ouest, même en tenant compte des routes circumpolaires. Les deux Udalls pour lesquels les deux Points portent le nom étaient des frères, Mo Udall à Guam et Stewart Udall dans les îles Vierges. Points les plus élevés *Denali (Mont McKinley), Alaska, États-Unis – plus haut sommet des États-Unis, de tous les territoires américains et d'Amérique du Nord à *Mont Whitney, Le sommet du mont Whitney est le point culminant de la Sierra Nevada, de l'État de Californie et des États-Unis contigus. Californie – point culminant des 48 États contigus à 14 505 pieds *Mont Elbert, Le sommet du mont Elbert est le point culminant du Front Range et de la ligne de partage des eaux continentales de l'Amérique du Nord. – point culminant de la ligne de partage des eaux continentales de l'Amérique du Nord à 14 440 pieds *Mauna Kea, Le sommet du Mauna Kea est le point culminant de l'île d'Hawaï, de l'État d'Hawaï et de tout l'océan Pacifique. Le Mauna Kea est également la plus haute montagne du monde, mesurée de la base au sommet. Le volcan bouclier se trouve au fond de l’océan à une profondeur de 5 998 m pour une hauteur totale de 10 203 m. Hawaï - le plus haut sommet de l'île de tout le territoire américain et de tout l'océan Pacifique à 13 796 pieds *Taos Ski Valley, Nouveau-Mexique – limites de village les plus élevées de tout le territoire américain à (aucun résident de Taos Ski Valley n'habite au-dessus) *Winter Park, Colorado – limites de ville les plus élevées de tout le territoire américain à 12 060 pieds (aucun résident de Winter Park ne vit au-dessus de 9 550 pieds) *Comté de San Juan, Colorado – le plus haut comté des États-Unis basé sur une altitude moyenne (11 240 pieds) *Alma, Colorado – la plus haute ville de tout le territoire américain à ; les zones résidentielles contiguës s'étendent jusqu'à 11 680 pieds. *Leadville, Colorado – la ville la plus haute de tout le territoire américain à 10 152 pieds (aucun habitant de Leadville ne vit au-dessus de 10 360 pieds) *Aéroport de Lake County, Colorado – aérodrome le plus haut de tout le territoire américain et d'Amérique du Nord : 9 927 pieds *Capitole de l'État du Nouveau-Mexique, Santa Fe – la plus haute capitale de l'État des États-Unis à 7 005 pieds *État du Colorado – État le plus élevé des États-Unis, basé sur une altitude moyenne de 6 800 pieds. *Mont Mitchell, Caroline du Nord – point culminant de l'est des États-Unis à 6 684 pieds *Mont Washington, New Hampshire – point culminant du nord-est des États-Unis à 6 288 pieds *Rivière Arikaree, comté de Yuma, Colorado, à la frontière de l'État du Kansas – point le plus bas de l'État des États-Unis à 3 317 pieds. *Beech Mountain, en Caroline du Nord, est la communauté constituée en société la plus haute, à une altitude de 5 506 pieds (1 678 m) à l'est du fleuve Mississippi. *Boone, en Caroline du Nord, possède l'altitude la plus élevée (3 333 pieds, 1 015,9 m) de toutes les villes de sa taille (plus de 10 000 habitants) à l'est du fleuve Mississippi. *Le tunnel Eisenhower à l'ouest de Denver, au Colorado, est le point culminant du réseau routier inter-États à 11 158 pieds. Points les plus bas *Badwater Basin, Death Valley, Californie – point de surface le plus bas de tout le territoire américain et de l'Amérique du Nord à * Mer de Salton, Californie – lac le plus bas de tout le territoire américain et de l'Amérique du Nord à *Aéroport de Furnace Creek, Californie – aérodrome le plus bas de tout le territoire américain et de l'hémisphère occidental à *Furnace Creek, Californie – établissement le plus bas de tout le territoire américain et de l'hémisphère occidental à *Calipatria, Californie – ville la plus basse de tout le territoire américain et de l'hémisphère occidental à *Neuvième quartier de la Nouvelle-Orléans, Louisiane – point de surface le plus bas de l'est des États-Unis à *La Nouvelle-Orléans, Louisiane – ville la plus basse de plus de 250 000 habitants de tout le territoire américain et de l'hémisphère occidental avec une altitude moyenne de *État du Delaware – État le plus bas des États-Unis avec une altitude moyenne de 60 pieds. *Britton Hill, Floride – point culminant le plus bas de l'État américain à 345 pieds *Fond du lac Supérieur, Michigan – point d'eau douce le plus bas de tout le territoire américain à *Fond du Puget Sound, Washington – point d'eau de mer le plus bas de l'intérieur des États-Unis à Autres points *Point le plus éloigné des 50 États : rivière Ipnavik, réserve nationale de pétrole – Alaska, ; 120 km de l'habitation la plus proche *Centre géographique des 50 États : environ 20 km au nord de Belle Fourche, Dakota du Sud, *Centre géographique des 48 États contigus : environ 6 km à l'ouest du Liban, Kansas, *La plus proche de l'équateur : l'île Baker est située à . *Le centre géographique du continent nord-américain est situé à environ 10 km à l'ouest de Balta, dans le comté de Pierce, dans le Dakota du Nord. *Le pôle nord-américain d'inaccessibilité est situé à environ 18 km au sud-est de la ville de Kyle, dans la réserve indienne de Pine Ridge, dans le comté de Bennett, dans le Dakota du Sud, à 1 600 km des côtes les plus proches. îles *Île d'Hawaï, Hawaï – l'île la plus vaste de tout le territoire américain avec 4 028 km² et l'île la plus haute de tout le territoire américain et de tout l'océan Pacifique avec *Île Kodiak, Alaska – la plus vaste île du golfe d'Alaska à *Île de Porto Rico, Porto Rico – la plus vaste île du territoire des Caraïbes des États-Unis à *Île du Prince-de-Galles, Alaska – île la plus étendue de l'archipel d'Alexandre avec 2 577 km² *Île Saint-Laurent, Alaska – la plus vaste île de la mer de Béring à *Île Unimak, Alaska – île Aléoutienne la plus étendue au monde *Long Island, New York – l'île la plus étendue de la côte atlantique des États-Unis à *Padre Island, Texas – la plus vaste île du golfe du Mexique avec 209 km² et la plus longue île-barrière sur Terre avec 183 km *Isle Royale dans le lac Supérieur, Michigan – l'île la plus étendue dans un lac de tout le territoire américain à *Whidbey Island, Washington – l'île la plus étendue de Puget Sound à *Île de Santa Cruz, Californie – la plus vaste des îles anglo-normandes de Californie avec 97 milles carrés des lacs *Lac Supérieur – le plus grand lac d'eau douce au monde en termes de superficie, et le lac d'eau douce le plus volumineux des États-Unis. *Grand Lac Salé, Utah – le lac endoréique le plus étendu au monde *Crater Lake, Oregon – lac le plus profond à Rivières * Fleuve Mississippi – le bassin fluvial le plus étendu au monde *Rivières Mississippi-Missouri-Jefferson – le plus long réseau fluvial à * Fleuve Missouri – le cours principal du fleuve le plus long à * Fleuve Mississippi – le plus long fleuve principal du golfe du Mexique à * Fleuve Yukon – le plus long fleuve principal de la mer de Béring à * Fleuve Colorado – le plus long fleuve principal du golfe de Californie à * Fleuve Columbia – le plus long cours d'eau principal de l'océan Pacifique à *Fleuve Saint-Laurent – le plus long fleuve principal de l'océan Atlantique à 600 milles *Bear River – la rivière principale du bassin endoréique la plus longue à 491 miles Distances extrêmes *Plus grande distance est-ouest dans les 48 États contigus : 2 800 miles (4 500 km) *Plus grande distance nord-sud dans les 48 États contigus : 1 650 miles (2 660 km). *Plus grande distance entre deux points quelconques sur le territoire américain : de Point Udall, Guam à Point Udall, Sainte-Croix, îles Vierges américaines (anciennement connues sous le nom d'Orote Point et East Point, respectivement).http://egsc.usgs.gov/ isb/pubs/booklets/elvadist/elvadist.html#Extreme *Plus grande distance entre deux points parmi les 50 États : de Kure Atoll, Hawaï à Log Point, Elliott Key, Floride. *Plus grande distance entre deux points quelconques dans les 48 États contigus : de North Farallon Island, en Californie, à Sail Rock, à l'est de West Quoddy Head, dans le Maine. *La plus grande distance entre deux points du continent dans les 48 États contigus : de Point Arena, en Californie, à West Quoddy Head, dans le Maine. *Plus grande distance entre deux points sur la même latitude : de Kure Atoll, Hawaï à Riviera Beach, Floride. Notez que certaines projections cartographiques font apparaître les lignes diagonales plus longues qu’elles ne le sont en réalité. Cependant, la ligne diagonale allant de l'atoll de Kure, à Hawaï, à West Quoddy Head, dans le Maine, est seulement et la diagonale du cap Wrangell, sur l'île Attu, en Alaska, à Log Point sur Elliott Key, en Floride, n'est que de .

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Dans quelle série de films comptez-vous filmer Katniss Everdeen et Peeta Mellark ?

The Hunger Games

Katniss Everdeen est un personnage fictif et protagoniste de la trilogie The Hunger Games de Suzanne Collins. Son nom vient d'une plante comestible appelée Sagittaria (Katniss), du Sagittaire l'Archer, dont le nom signifie Celui qui lance des flèches en latin. Elle est interprétée par Jennifer Lawrence dans les adaptations cinématographiques The Hunger Games, The Hunger Games : Catching Fire, The Hunger Games : Mockingjay – Part 1 et The Hunger Games : Mockingjay – Part 2. Katniss et sa famille viennent du district 12, un district minier qui est le district le plus pauvre et le moins peuplé de la nation autocratique fictive dystopique de Panem. Au cours du premier livre, The Hunger Games, Katniss se porte volontaire pour remplacer sa sœur, Primrose "Prim" Everdeen, après qu'elle ait été choisie pour participer aux Hunger Games, un combat télévisé à mort. Katniss, suite à une alliance avec Rue, un jeune hommage du District 11 qui a rappelé à Katniss Prim mais est mort dans l'arène, rejoint son compatriote Peeta Mellark, hommage du District 12. Les deux hommes participent ensemble aux Jeux. Katniss utilise ses connaissances en matière de chasse et de tir à l'arc pour survivre, et les deux deviennent vainqueurs après avoir défié la tentative du Capitole de forcer l'un à tuer l'autre. Tout au long des deux romans suivants, Catching Fire et Mockingjay, Katniss devient un symbole galvanisant de rébellion contre le Capitole oppressif. Origines L'idée de la trilogie repose en partie sur le mythe de Thésée et du Minotaure, dans lequel chaque année sept garçons et sept filles d'Athènes sont envoyés en Crète en hommage à cette terre pour être dévorée par le Minotaure, un cycle qui se poursuit jusqu'à Thésée tue le Minotaure. Collins, qui a entendu l'histoire quand elle avait huit ans, a été perturbée par sa cruauté et sa cruauté. Collins a déclaré: "À sa manière, Katniss est un Thésée futuriste." Collins a également caractérisé les romans avec les sensations effrayantes qu'elle a ressenties lorsque son père combattait pendant la guerre du Vietnam. Dans les romans, Katniss possède une connaissance approfondie des techniques de recherche de nourriture, de faune, de chasse et de survie. Collins connaissait une partie de ce passé grâce à son père, qui a grandi pendant la Grande Dépression et a été obligé de chasser pour augmenter ses maigres réserves alimentaires, bien que Collins ait également vu son père rapporter de la nourriture sauvage à la maison au cours de sa propre enfance. De plus, Collins a étudié le sujet à l’aide d’une grande pile de guides de survie en milieu sauvage. Katniss et les autres hommages sont, avant de participer à leurs Hunger Games, obligés de rivaliser pour conquérir le cœur des sponsors qui donnent de l'argent qui peut être utilisé pour acheter des fournitures vitales pour eux lorsqu'ils sont dans l'arène. Le concept selon lequel le public possède presque autant de force que les personnages réels est basé sur la façon dont, dans la télé-réalité et dans les jeux romains, le public peut à la fois « réagir avec beaucoup d'enthousiasme ou jouer un rôle dans votre élimination », comme l'a dit Collins. Nom Le prénom de Katniss vient d'une plante appelée sagittaire ou pointe de flèche, qui est une plante tuberculée, généralement trouvée dans l'eau ; un autre nom pour cette plante est Katniss. La racine de cette plante peut être mangée, comme le fait Katniss dans le livre. Son père a dit un jour : « Tant que tu parviens à te retrouver, tu ne mourras jamais de faim. » La plante partage également son nom avec une constellation du zodiaque appelée Sagittaire, ou « L'Archer », qui peut également faire référence aux compétences de Katniss en tir à l'arc. Son nom de famille vient de Bathsheba Everdene, le personnage féminin central de Loin de la foule déchaînée de Thomas Hardy. Selon Collins, "Les deux sont très différents, mais tous deux ont du mal à connaître leur cœur". Dans les livres Les jeux de la faim Les Hunger Games se déroulent dans les ruines de l'Amérique du Nord : un pays appelé Panem, composé du Capitole et de 12 districts inféodés. Lors de la « Récolte » annuelle des hommages pour les Hunger Games de type gladiateur, la sœur cadette de Katniss, Prim, est sélectionnée comme hommage féminin du District 12 lors d'une loterie publique. Katniss se porte volontaire pour prendre sa place. Parlant de "gagner la récolte", la responsable du district de Hunger Games, Effie Trinket, demande une salve d'applaudissements pour Katniss, mais tout le monde reste silencieux. Beaucoup dans la foule pressent leurs trois doigts contre leur bouche et le lui tendent. Katniss décrit cela comme un signe ancien pour dire « admiration », « au revoir à quelqu'un que vous aimez » et « respect ». Une fois Katniss acceptée, Effie choisit l'hommage masculin pour les Jeux. Peeta Mellark est choisie et Katniss se souvient de quelque chose qu'il a fait pour l'aider alors qu'ils n'avaient que onze ans. Peu de temps après la mort du père de Katniss dans un accident minier, la famille de Katniss mourait lentement de faim. Un jour, Katniss a emporté certains vêtements de bébé de Prim dans la rue pour les vendre à toutes les personnes qui le voulaient. Personne ne les a achetés. Katniss était triste et très faible, car elle ne pouvait pas ramener de nourriture à la maison pour sa famille. Sur le chemin du retour, elle passa devant la boulangerie du père de Peeta. Katniss se sentit étourdie lorsqu'elle inhala l'odeur du pain cuit. Puis, elle a eu l'idée de chercher quelque chose, n'importe quoi, dans les poubelles des gens les plus riches du district 12. Alors qu'elle vérifiait les poubelles de la boulangerie, la mère de Peeta l'a rattrapée et lui a crié dessus. Peeta a vu cela et a volontairement brûlé du pain dans la boulangerie. Sa mère lui a crié dessus et l'a frappé à la joue, le blessant. Elle lui dit de jeter le pain brûlé à leur cochon, mais il le donna discrètement à Katniss. À partir de ce moment, elle a retrouvé l’espoir et la force de maintenir sa famille en vie. Le lendemain, elle a eu le courage de s'aventurer dans les bois, où elle a ensuite fait équipe avec Gale pour chasser de la nourriture pour leurs familles. Une fois que Katniss et Peeta ont été sélectionnés et ont dit au revoir à leurs familles, ils sont emmenés par Haymitch Abernathy (un ancien vainqueur du district 12, ivrogne extrême et leur mentor) et Effie vers le train à grande vitesse qui les attend. Dans le train, ils sont stupéfaits par la vitesse à laquelle il se déplace. Lorsqu'ils arrivent au Capitole, Katniss et Peeta ne peuvent s'empêcher de rester bouche bée devant tous les sites incroyables que le District 12 n'a pas pu montrer. Katniss est ensuite accueillie par son équipe de préparation, Flavius, Octavia et Venia, et sa styliste, Cinna, qui préparent Katniss pour les cérémonies d'ouverture. Tous les hommages portent quelque chose qui représente l'industrie de leur district. Venant du District 12, Katniss et Peeta s'attendent à être habillés en costumes miniers. Cinna, cependant, décide de les habiller d'une combinaison noire unie et de bottes à lacets brillantes qui brûlent avec de fausses flammes lorsqu'elles sont allumées. Katniss et Peeta sont d'abord inquiets face à cet arrangement, mais leurs inquiétudes les rapprochent. Juste avant le défilé, Cinna allume leurs coiffes et à la surprise et au soulagement de Katniss et Peeta, cela ne brûle pas. De plus, Cinna suggère également qu'ils se tiennent la main pour les présenter comme « ensemble et une équipe ». Cela distingue Katniss et Peeta du reste des hommages, non seulement parce qu'ils ont de meilleurs costumes, mais aussi parce qu'ils sont chaleureux et relativement amicaux l'un envers l'autre par rapport aux autres hommages, qui sont restés froids et raides les uns envers les autres. Avec ce nouveau développement, les deux attirent l’attention (et l’attraction) des sponsors du Capitole, et les deux sont inoubliables. À partir de ce moment, Katniss est connue sous le nom de « The Girl On Fire ». Pendant les Jeux, Katniss forme une alliance avec Rue, l'hommage féminin du district 11, jusqu'à ce que Rue soit tuée par l'hommage masculin du district 1, Marvel. Plus tard, les règles sont modifiées de sorte que si les deux tributs restants proviennent du même district, ils deviendront tous deux vainqueurs. Katniss se dépêche de retrouver Peeta et ils reprennent leur réputation d'« amants maudits », gagnant la sympathie des sponsors. Tandis que Katniss essaie de maintenir la ruse (incertaine si elle est réelle pour Peeta), elle commence à se demander si elle ressent quelque chose pour lui ; s'étant toujours concentrée sur sa survie, elle n'a jamais envisagé la romance et ne sait pas si elle a des sentiments amoureux pour Gale. Ils survivent aux autres hommages et le changement de règle est révoqué, ce qui signifie qu'il ne peut y avoir qu'un seul vainqueur des Hunger Games. En supposant que les Gamemakers préfèrent avoir deux vainqueurs plutôt que rien, elle suggère qu'ils se suicident tous les deux en mangeant des baies venimeuses de Nightlock. Le stratagème fonctionne et Katniss et Peeta sont tous deux déclarés vainqueurs des 74e Hunger Games. Cependant, Haymitch la prévient que ses actions lors des Jeux pourraient revenir la hanter, tout en réalisant que les sentiments de Peeta pour elle sont authentiques. Prendre feu Katniss et Peeta participent au Victory Tour, qui consiste en une visite de chaque quartier par les gagnants, stratégiquement placés entre chaque Hunger Games. Katniss prend conscience que des soulèvements éclatent. De plus, le chef de la nation, le président Snow, fait en sorte que Katniss convainque la nation qu'elle est vraiment amoureuse de Peeta et que son pacte de suicide était un acte d'amour plutôt que de défi, afin de réprimer la dissidence. Gale a été présentée à la nation comme sa cousine, mais le président Snow laisse entendre qu'il sait que Katniss a des sentiments pour lui et menace de le faire tuer pour obtenir un effet de levier. Afin de sauver sa famille et ses amis, Katniss accepte de suivre l'agenda du Capitole. Peeta fait de même lorsqu'il réalise ce qui est en jeu. Peeta lui propose même de se marier, et elle accepte, mais même à ce stade, le président Snow lui fait comprendre que ses actions sont insuffisantes. Katniss se rend compte que la rébellion dans les districts n'est pas en son pouvoir de réprimer, ce qui lui rend impossible de satisfaire les demandes du président Snow. Katniss est également confuse quant à la nature de ses sentiments pour Gale et Peeta, qui sont tous deux compliqués par ses craintes pour l'avenir et son refus d'avoir des enfants qui pourraient eux-mêmes être soumis aux Hunger Games. Lorsque le Quarter Quell – un Hunger Games spécial qui a lieu tous les 25 ans et qui comporte un ensemble de règles spéciales – est annoncé, il est proclamé que tous les hommages de l'année en cours seront sélectionnés parmi le groupe des vainqueurs précédents des Hunger Games. Le District 12 ne compte que trois vainqueurs vivants : Katniss, Peeta et Haymitch Abernathy, qui ont remporté les 50e Jeux et ont encadré avec succès Katniss l'année précédente. Comme Katniss est la seule femme victorieuse vivante du district 12, elle est le seul hommage féminin possible, et Peeta se porte volontaire pour prendre la place d'Haymitch lorsque Haymitch est sélectionné. Katniss et Peeta retournent dans l'arène, travaillant en étroite collaboration pour survivre et formant des alliances et des amitiés étroites, en particulier avec Finnick Odair, qui a ressuscité Peeta dans l'arène. Katniss est emmenée hors de l'arène et découvre que les hommages de nombreux districts, dont ses alliés Finnick et Johanna Mason, avaient coordonné un plan d'évacuation et utilisé un aéroglisseur volé pour se rendre au district 13, qui n'a pas été détruit comme le prétendait le Capitole. Cependant, lors de l'évasion, Peeta est capturée par le Capitole et ensuite, Gale informe Katniss que le District 12 a été bombardé et détruit mais que sa famille est en sécurité. geai moqueur À Mockingjay, Katniss visite la civilisation souterraine du district 13 et rencontre les gens et leur chef, le président Alma Coin, après avoir été emmené voir les restes du district 12. Un triangle amoureux entre Katniss, Peeta et Gale se dévoile lentement, forçant Katniss pour décider avec qui elle veut vraiment être – une situation compliquée par le fait que Peeta est actuellement torturé au Capitole pendant que Gale est aux côtés de Katniss. Katniss noue également un lien d'amitié avec Finnick, qui traverse la même douleur qu'elle et est capable de comprendre sa situation. Katniss accepte d'être le chef symbolique de leur rébellion : "le Geai moqueur", le visage des rebelles. Elle découvre que Cinna a été tuée par le Capitole, mais que le reste de son équipe de préparation a survécu en captivité dans le District 13 ; ils préparent Katniss pour les caméras lorsqu'elle accepte de commencer à faire des pièces de propagande pour les rebelles. Katniss devient de plus en plus instable émotionnellement à cause des horreurs dont elle est témoin : massacres de masse, destruction de la seule maison qu'elle ait jamais connue avec 90 % des citoyens du district 12 morts, de nombreux amis tués en raison de leur association avec elle et Peeta battu. télévision en direct. Après une mission de sauvetage au cours de laquelle une équipe du district 13 ramène Peeta, elle découvre que ses souvenirs ont été déformés par le venin du tracker jacker, une méthode de torture par contrôle mental appelée « détournement ». Il déteste et veut maintenant tuer Katniss, croyant qu'elle est une mutation créée par le Capitole. Katniss devient encore plus déterminée à tuer Snow après cela. Elle, avec un groupe de tireurs d'élite comprenant Gale, Finnick, et plus tard rejoints par Peeta (au grand désarroi de Katniss), se faufilent dans le Capitole au prix de plusieurs de leurs propres vies pour tenter de tuer Snow. En chemin, ils rencontrent des pièges sadiques créés par les créateurs de jeux pour se moquer de leur mort, et à une occasion, le combat de mutations de Finnick et Katnis, qui commencent à décapiter Finnick, conduisant Katniss à faire exploser le Holo pour permettre à son amie une mort rapide. Alors que l'équipe restante se rapproche du manoir présidentiel, une série de bombes sont larguées depuis un aéroglisseur, seules quelques-unes explosant, tuant les enfants réfugiés du Capitole sur lesquels elles ont été larguées. Les médecins rebelles, dont Prim, se précipitent pour aider les enfants, mais à leur arrivée, le reste des bombes explose. Prim est tué devant Katniss, tandis que le corps de Katniss est gravement brûlé. Bien qu'elle se rétablisse physiquement remarquablement, Katniss perd temporairement la capacité de parler, traumatisée par la mort de sa sœur. Il est possible que Gale ait été impliqué dans la fabrication des bombes qui ont tué Prim. Pendant ce temps, le président Snow est arrêté, reconnu coupable de ses crimes contre la population de Panem et condamné à mort. À la demande de Katniss, elle est désignée comme son bourreau. Avant l'exécution, Snow dit à Katniss que les bombes n'étaient pas les siennes mais le moyen des rebelles de gagner la sympathie du Capitole pour leur cause, la faisant ressembler à l'œuvre de Snow. Bien qu'elle refuse d'abord de croire Snow, Katniss se rend compte que la méthode d'attaque était identique à un piège que Gale et son compatriote Quarter Quell, Beetee, avaient conçu. Finalement, Katniss se rend compte que quelqu'un de haut rang des rebelles aurait dû ordonner que Prim soit en première ligne, malgré son âge, et en vient à soupçonner que Coin a ordonné l'attaque des enfants afin de tromper les citoyens du Capitole. en pensant que le gouvernement avait tué leurs enfants, gagnant ainsi la loyauté des citoyens du Capitole et que Prim était là uniquement pour maîtriser et déstabiliser Katniss. De plus, Coin suggère qu'il y aura un dernier Hunger Games où les enfants du Capitole seront récoltés. Elle demande l'approbation des vainqueurs survivants avant de rendre ces jeux officiels, et Katniss vote oui pour gagner la confiance de Coin. Lors de l'exécution supposée de Snow, elle tire à la place sur Coin, car elle est responsable de la mort de Prim. Elle tente alors de se suicider avec la pilule suicide attachée à son uniforme, mais Peeta l'arrête. Elle est ensuite arrêtée et placée à l'isolement, où elle tente de se suicider en s'affamant et en faisant une overdose. Cependant, elle est finalement libérée au motif qu'elle n'était pas bien mentalement au moment de l'assassinat et est renvoyée dans le district 12. Katniss, accompagnée de Haymitch, retourne chez elle dans le village de Victor et est placée sous garde. Poussée dans une profonde dépression, Katniss refuse de quitter sa maison jusqu'à ce que Peeta (qui s'est alors largement remis de son lavage de cerveau) revienne dans le district 12 pour planter des primevères à l'extérieur, à la mémoire de sa sœur. Katniss commence à retrouver sa santé mentale, et elle et Peeta gèrent leurs sentiments en créant un livre composé d'informations sur les hommages, les amis et la famille décédés (finalement, Haymitch les rejoint dans ce projet). La mère de Katniss, qui a choisi de ne pas retourner dans le district 12 en raison de tous les souvenirs douloureux de son mari et de sa fille décédés, décide de travailler dans le district 4 en tant que personnel médical. Gale a obtenu un « travail de luxe » dans le district 2 et est régulièrement vu à la télévision. Annie, la femme de Finnick, a leur fils. Quelques centaines de survivants du District 12 rentrent chez eux et le reconstruisent, où ils n'exploitent plus de charbon, mais produisent de la nourriture et fabriquent des médicaments. Le roman se termine avec Katniss admettant qu'elle aime effectivement Peeta. Épilogue Dans l'épilogue, Katniss et Peeta sont mariés et ont deux enfants. Leur premier enfant, une fille, a les cheveux noirs de Katniss et les yeux bleus de Peeta ; leur deuxième enfant, un garçon, a les yeux gris de Katniss et les boucles blondes de Peeta. Katniss se réveille encore la nuit en criant et s'inquiète de raconter à ses enfants les cauchemars impliquant la contribution de leurs parents aux Jeux et à la rébellion. Elle ne trouve parfois aucun plaisir dans la vie parce qu'elle sait que tout pourrait lui être enlevé d'un seul coup. Pour apaiser son psychisme traumatisé, Katniss dresse dans son esprit une liste de tous les actes de gentillesse qu'elle a jamais vus, une obsession dont elle réalise qu'elle est simplement un "jeu répétitif" pour éloigner les pensées les plus sombres. Dans les derniers mots de la série, Katniss fait une dernière observation : "Mais il y a des jeux bien pires à jouer." Caractérisation Arrière-plan Katniss et sa famille vivent dans la nation futuriste de Panem, située sur le continent autrefois connu sous le nom d'Amérique du Nord, qui a été détruit lors d'une catastrophe mondiale. Panem est dirigé par une ville toute-puissante appelée le Capitole, située dans les montagnes Rocheuses, entourée de 12 districts, chacun ayant un objectif spécifique : fournir quelque chose au Capitole. L'histoire commence dans le district 12, la maison de Katniss, le district minier. Le district 12 est le plus pauvre des districts et Katniss vit avec sa mère et sa sœur dans la partie la plus pauvre de la ville, connue sous le nom de Seam. Le père de Katniss, un mineur de charbon, a été tué dans l'explosion d'une mine alors que Katniss avait 11 ans. Après sa mort, la mère de Katniss est tombée dans une profonde dépression et a été incapable de prendre soin de ses enfants. Au bord de la famine, quelques semaines avant son douzième anniversaire, Katniss errait dans les quartiers les plus riches de la ville, dans l'espoir de voler quelques restes dans les poubelles de riches marchands. Le fils du boulanger, Peeta, qu'elle ne connaissait pas, a été battu par sa mère pour avoir intentionnellement brûlé deux miches de pain, sachant qu'on lui dirait de les jeter. On lui a dit de donner les deux miches de pain au cochon, mais il les a plutôt données à Katniss. Katniss les a ramenés chez elle, dans sa famille, qui n'avait pas mangé depuis des jours. Le pain leur a donné de l'espoir et les a gardés motivés, laissant Katniss se sentir profondément redevable envers Peeta. Quelques jours après l'incident avec le pain, Katniss a décidé de se rendre dans les bois entourant son district pour chasser illégalement et cueillir des plantes à manger, ce qui était la façon dont son père avait obtenu la majeure partie de la nourriture de la famille avant de mourir. Là, elle a rencontré un garçon nommé Gale Hawthorne. Ensemble, ils subviennent aux besoins de leurs deux familles et développent une solide amitié. La mère de Katniss sort lentement de sa dépression et est capable de reprendre son travail d'apothicaire, et Katniss fait un effort pour lui pardonner. Cependant, malgré sa relation réparatrice avec sa mère, sa forte amitié avec Gale et les affections de plus en plus fortes qu'elle éprouve pour Peeta, Katniss reste catégorique sur le fait que Prim, sa sœur cadette, est "la seule personne qu'elle est certaine d'aimer". Personnalité Collins a décrit Katniss comme étant un survivant indépendant et fort, mortel, mais doué pour sortir des sentiers battus. Les difficultés passées de Katniss (la mort de son père, la dépression de sa mère et la quasi-famine) ont fait d'elle une survivante, et elle endurera des difficultés et un travail acharné pour préserver sa propre vie et celle de sa famille. Elle déclare elle-même que les gens gentils sont les plus dangereux parce qu'ils pénètrent en elle et qu'ils pourraient la blesser gravement au moment où elle s'y attend le moins. Elle a montré qu'elle protégerait ceux qu'elle aime, quel qu'en soit le prix, comme lorsqu'elle se porte volontaire pour les Jeux pour sauver sa petite sœur Prim, lorsqu'elle protège Gale pour l'empêcher d'être fouetté, même si cela signifie un coup de fouet. elle-même, et lorsqu'elle décide stoïquement lors de ses deuxièmes Jeux de mourir pour sauver Peeta. Parce que la majorité de son temps avant les Jeux était consacrée à sa survie et à celle de sa famille, elle ne comprend pas beaucoup de signaux sociaux et ignore souvent les émotions des autres, comme lorsqu'elle ne reconnaît pas les allusions de Gale à son affection croissante pour elle. , ou lorsqu'elle ne réalise pas qu'elle et Madge Undersee sont en réalité des amis proches. Elle n'a aucune expérience en matière de romance ou d'amour autre que celle de sa famille et ne croit pas qu'elle le veuille. Elle ne comprend jamais réellement que Peeta disait la vérité lorsqu'il lui a déclaré son amour lors de l'interview d'avant-match jusqu'après les matchs eux-mêmes. Elle a également de gros problèmes de confiance et ne fait confiance à personne. Elle prévoit de ne jamais se marier ni d'avoir d'enfants qui grandiraient soumis à la Moisson. Elle s'adapte rapidement à la philosophie des jeux « tuer ou être tuée » et réfléchit froidement à la manière dont elle tuera ses camarades concurrents lors des premiers Jeux, rationalisant à un moment donné qu'elle est déjà une tueuse en raison de son expérience de chasse, bien qu'elle soit brièvement perturbée après son premier meurtre direct, Marvel. À la fin des premiers Jeux, elle est prête à tirer sur Cato et tente de le faire pour être interrompue par Peeta attaqué par les mutations. Malgré son sang-froid, elle n'en est pas moins extrêmement soulagée de ne pas avoir à tuer ses alliés Rue et Peeta. Au fur et à mesure que la série progresse, cependant, elle devient de plus en plus froide, au point où elle discute objectivement de la façon de tuer toutes les personnes (sauf Peeta) impliquées dans ses deuxièmes Hunger Games dans Catching Fire (même si elle ne doit finalement tuer qu'un seul combattant). et dans le troisième roman, il est décrit en train de tuer une civile non armée au cours d'une mission, avec des remords apparents. Dans Catching Fire, Katniss a du mal à comprendre les problèmes politiques de Panem car elle a très peu d'éducation ou d'expérience en politique. Elle réalise aussi progressivement qu'il y a des choses plus importantes que la survie et décide qu'elle est prête à mourir pour Peeta et la rébellion. Compétences Katniss est une archère, une chasseuse et une trappeuse hautement qualifiée, ayant appris ces choses de son père et de Gale, perfectionnée pour empêcher sa famille de mourir de faim. Elle utilise ses compétences en tir à l'arc lors du jugement d'avant-match et reçoit une note de 11 (sur 12 possibles). Elle a reçu une bonne éducation sur les plantes comestibles, médicinales et vénéneuses du District 12. De plus, elle a une voix si belle que les oiseaux restent silencieux pour écouter, également de la part de son père, même si elle est réticente à chanter depuis sa mort. (elle prétend que c'est parce que la musique est inutile pour la survie pratique, mais elle soupçonne que c'est en fait parce que la musique lui rappelle trop lui). Katniss est une grimpeuse d'arbres expérimentée, ce qui lui a été utile lors de la chasse et des Jeux. Elle est généralement très logique, sauf dans les moments où ses émotions la gênent. Peeta mentionne qu'elle a un effet sur les gens autour d'elle, l'image qu'elle projette, et il l'admire pour cela. Apparence physique Katniss est décrit comme ayant « des cheveux noirs raides, une peau olive et des yeux gris », qui sont des caractéristiques typiques de la Couture ; la zone la plus pauvre du district 12. Katniss porte normalement ses cheveux en une longue tresse dans le dos. Elle est mince et pas très grande, mais elle est forte pour sa taille car elle chassait pour nourrir sa famille dans les bois à l'extérieur du district 12. Katniss a seize ans lors des 74èmes Hunger Games et 17-18 ans lors du Quarter Quell et du Rébellion. Elle porte également une épinglette représentant un geai moqueur pendant les jeux pour représenter la chance. Réception critique Katniss a reçu des critiques majoritairement positives. Dans une critique de The Hunger Games, Stephen King a déclaré qu'elle était une "enfant cool" avec un "nom boiteux", avant d'ajouter: "Une fois que j'ai surmonté [son] nom... je l'ai beaucoup aimé." Francisca Goldsmith dans Booklist a déclaré: "Bien que Katniss soit douée avec un arc et des flèches et adepte de l'analyse des prochains mouvements de ses adversaires, elle a beaucoup à apprendre sur ses sentiments personnels, en particulier les siens." Publishers Weekly dit: "C'est grâce aux compétences de Collins en matière de caractérisation que Katniss, comme un nouveau Thésée, est froide, calculatrice et toujours sympathique." Le Cleveland Plain Dealer a déclaré dans une critique de Catching Fire que "Katniss, d'humeur pensive, semble en décalage avec l'assassin à coups de pied", avant d'ajouter que sa loyauté et sa gentillesse étaient appréciées. John Green, dans le New York Times, a qualifié Katniss d '«héroïne mémorablement complexe et fascinante». Toujours dans le New York Times, Katie Roiphe a déclaré que Katniss dans Mockingjay était "un grand personnage sans être vraiment sympathique. [Elle] est autoritaire, maussade, braillarde, exigeante, piquante", et a commenté que c'est ce qui fait de nombreuses héroïnes de la littérature récente. sympathique. Entertainment Weekly a comparé Katniss à Bella Swan de la saga Twilight et a déclaré que "contrairement à Bella passive et angoissée de Twilight, Katniss est une jeune femme sûre d'elle-même qui fait preuve à parts égales de compassion et d'intrépidité." Laura Miller de Salon.com trouve Katniss trop vertueuse et sans motivation, contrastant négativement Katniss avec Bella de Twilight, en disant : « À certains égards, Katniss est plus passive que Bella, autorisée à avoir toutes sortes de cadeaux mais seulement si elle démontre sa vertu. en ne les voulant pas vraiment en premier lieu, » et « Malgré tous ses défauts irritants, Bella, au moins, a le courage de son désir, de quoi, à part une vengeance bien méritée, Katniss Everdeen a-t-elle vraiment faim ? Cependant, Miller pensait qu'elle était "à bien des égards une amélioration par rapport à... Bella". Cependant, le Daily Telegraph David Gritten l'a qualifiée de "grand modèle pour les filles" qui "a des intérêts amoureux, mais ne se morfond pas passivement sur les garçons". Adaptation cinématographique Les actrices Lyndsy Fonseca et Kaya Scodelario ont exprimé leur intérêt pour le film et ont reçu les scénarios en octobre 2010, tandis que l'actrice nominée aux Oscars Hailee Steinfeld a rencontré le réalisateur Gary Ross. Chloë Grace Moretz, Malese Jow et Jodelle Ferland ont publiquement exprimé leur intérêt à jouer Katniss. Lionsgate a confirmé en mars 2011 qu'environ 30 actrices les avaient rencontrées ou lues pour le rôle, dont Jennifer Lawrence, Abigail Breslin, Emma Roberts, Saoirse Ronan, Emily Browning et Shailene Woodley, ainsi que Steinfeld, Moretz, Fonseca et Scodelario. . Le 16 mars 2011, il a été annoncé que Jennifer Lawrence de Winter's Bone avait décroché le rôle convoité de Katniss Everdeen. Lawrence avait 20 ans à l'époque, un peu plus âgé que le personnage. Cependant, l'auteur Suzanne Collins a déclaré que l'actrice qui joue Katniss doit avoir "une certaine maturité et un certain pouvoir" et a déclaré qu'elle préférerait que l'actrice soit plus âgée que plus jeune. Collins déclare que Lawrence était « la seule à vraiment capturer le personnage que j'ai écrit dans le livre » et qu'elle possédait « toutes les qualités essentielles nécessaires pour jouer Katniss ».

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Louis Smith a remporté une médaille d'argent individuelle en gymnastique aux Jeux olympiques de Londres en 2012. Pour quelle discipline ?

Cheval d'arçons

Louis Antoine Smith, MBE (né le 22 avril 1989) est un gymnaste artistique britannique spécialisé dans le cheval d'arçons. Il a reçu une médaille de bronze et une médaille d'argent au cheval d'arçons respectivement aux Jeux olympiques de Pékin en 2008 et aux Jeux olympiques de Londres en 2012, la première marquant la première fois qu'un gymnaste britannique se classait dans une épreuve olympique depuis 1928. Smith faisait partie du Grand Équipe britannique qui a remporté la médaille de bronze au concours général artistique par équipe masculine aux Jeux olympiques de Londres de 2012. En 2015, il devient champion d'Europe au cheval d'arçons. Smith est membre du Huntingdon Gymnastics Club et s'entraîne aux côtés de son coéquipier Daniel Keatings sous la direction de l'entraîneur Paul Hall. Il a fait partie de l'équipe masculine de Grande-Bretagne qui a remporté la médaille d'or européenne en 2012, champion des Jeux du Commonwealth de 2010, et est également quatre fois médaillé d'argent européen. En dehors du gymnase, la grande visibilité médiatique de Smith lui a offert un certain nombre d'opportunités télévisées dans son pays d'origine. Il a également remporté la série 2012 de Strictly Come Dancing. Début de la vie Smith est né en Angleterre de sa mère anglaise, Elaine, qui s'est séparée de son père d'origine jamaïcaine, Claude, quand il avait trois ans. On lui a diagnostiqué un trouble déficitaire de l'attention avec hyperactivité en 1995 et il a pris du Ritalin de l'âge de six ans à onze ans. Sa mère a commenté qu'il s'agissait de « courir autour de la maison et grimper partout ou aller dans un endroit plus structuré ». Gymnaste-olympique-12072012.htm Cambridge News | Sports | VIDÉO : Mon fils le gymnaste olympique] Parmi ses amis locaux figurait Aston Merrygold, plus tard membre du boys band JLS. À l'âge de sept ans, Smith s'est vu offrir une bourse de chant choral, mais a plutôt choisi de se concentrer sur la gymnastique. Il a d'abord appris à utiliser le pommeau en mettant ses pieds dans un seau attaché à une corde et suspendu au plafond. Il a fréquenté l'Arthur Mellows Village College à Glinton, Cambridgeshire. Smith a depuis décrit son enfance en disant : « Ma mère m'a emmené pratiquer divers sports, mais dès mon plus jeune âge, c'est la gymnastique qui a retenu mon attention et dans laquelle je voulais vraiment progresser. J'ai dû sacrifier beaucoup de choses dans mon sport. vie sociale, et je n'ai pas non plus fait de baccalauréat car je voulais me concentrer sur le sport" Carrière 2004-08 : avant Pékin En tant que junior, Smith a été deux fois champion d'Europe au cheval d'arçons, remportant le titre en 2004 et 2006. En 2006, il a pris la 5e place de la finale de la Coupe du monde. Il a remporté l'or au cheval d'arçons pour l'Angleterre aux Jeux du Commonwealth de 2006 à Melbourne, en Australie, en battant Prashanth Sellathurai. En 2007, il termine quatrième de la finale du cheval d'arçons aux Championnats d'Europe. Il a assisté à ses premiers Championnats du monde en compétition pour la Grande-Bretagne aux Championnats du monde de gymnastique artistique 2007 à Stuttgart, en Allemagne. Là, il remporte une médaille de bronze lors de la finale du cheval d'arçons. Il a également remporté une médaille d'argent au cheval d'arçons lors de la Coupe du monde à Gand la même année. En 2008, Smith a remporté une médaille d'argent au cheval d'arçons lors de la Coupe du monde à Moscou. Jeux olympiques d'été de 2008 Le 9 août 2008, Smith s'est qualifié à la cinquième place pour la finale olympique du cheval d'arçons masculin et le 17 août, il a remporté une médaille de bronze en finale, devenant ainsi le premier Britannique à remporter une médaille en gymnastique individuelle aux Jeux Olympiques depuis. Walter Tysall a remporté une médaille d'argent en 1908 et est le premier Britannique à remporter une médaille en gymnastique aux Jeux Olympiques depuis que l'équipe féminine a remporté une médaille de bronze en 1928. Il est également le deuxième gymnaste noir à remporter une médaille dans une compétition olympique. . Le premier fut l'Américain Jair Lynch en 1996, médaillé d'argent aux barres parallèles. 2009-2011 En 2009, il remporte sa première médaille d'argent aux Championnats d'Europe au cheval d'arçons en senior. En 2010, Smith a aidé l'équipe masculine britannique à remporter l'argent aux Championnats d'Europe et a de nouveau remporté la médaille d'argent au cheval d'arçons. Il a ensuite participé aux Championnats du monde de gymnastique artistique 2010 à Rotterdam où il a de nouveau battu Prashanth Sellathurai pour remporter la médaille d'argent. En 2011, il atteint la finale du Cheval d'arçons mais ne réalise pas une performance optimale et termine 6ème aux Championnats d'Europe à Berlin. En octobre, il a été choisi pour faire partie de l'équipe britannique pour les Championnats du monde de gymnastique artistique 2011 à Tokyo. L'équipe masculine devait se qualifier facilement pour les finales par équipe, mais a connu une mauvaise performance lors des tours préliminaires. Louis n'a été choisi que pour performer au cheval d'arçons où il a bien performé, se qualifiant pour la finale du cheval d'arçons en se classant 2e derrière le champion du monde 2010, Krisztián Berki. Le 14 octobre, il a exécuté la routine la plus difficile de tous les finalistes, mais est tombé lors de sa descente, abaissant son score d'exécution. Malgré cela, il s'est toujours classé 3e derrière Krisztián Berki et Cyril Tommasone pour remporter la médaille de bronze - la seule médaille remportée par les hommes et les femmes britanniques à ces championnats. 2012 En 2012, Smith a remporté la médaille d'argent lors de la finale du cheval d'arçons aux Championnats d'Europe de gymnastique artistique masculine. Smith faisait partie de l'équipe de Grande-Bretagne aux Jeux olympiques de Londres. L'équipe a remporté une médaille de bronze au concours multiple artistique masculin par équipe le 30 juillet 2012, marquant la première médaille par équipe pour une équipe olympique britannique de gymnastique en 100 ans. Smith a également remporté la médaille d'argent dans la finale du cheval d'arçons masculin, recevant le même score que le Hongrois Krisztián Berki ; Berki, cependant, a reçu la médaille d'or grâce à un score d'exécution plus élevé. Cela a été particulièrement écrasant pour le pays d'origine, car cela aurait pu être la toute première médaille d'or olympique de la Grande-Bretagne en gymnastique, mais Smith a déclaré: "J'ai décidé de faire la meilleure routine de ma vie et je l'ai réalisé, donc je dois être satisfait". Après les Jeux olympiques de Londres 2012 Smith a été nommé membre de l'Ordre de l'Empire britannique (MBE) lors des honneurs du Nouvel An 2013 pour services rendus à la gymnastique. Smith a pris sa retraite en 2013 et n'a pas concouru cette année-là, mais a annoncé début janvier 2014 qu'il était de retour à l'entraînement en salle de sport dans le but de revenir à la compétition internationale aux Jeux du Commonwealth de 2014 à Glasgow, en Écosse. Smith a remporté le bronze lors de la finale du cheval d'arçons aux Jeux du Commonwealth de 2014 derrière ses coéquipiers britanniques Daniel Keatings, qui concourait pour l'Écosse et Max Whitlock. En 2015, il a obtenu une place dans l'équipe britannique participant aux Championnats d'Europe de gymnastique artistique 2015 à Montpellier, en France. Le samedi 18 avril, il a remporté la médaille d'or au cheval d'arçons - son premier titre européen individuel - avec une note de 15,800. Autres entreprises Dans le but de raviver son intérêt pour le chant, Smith a auditionné sans succès pour le concours musical télévisé britannique The X Factor en 2008. Smith a révélé qu'il ne chante désormais que sous la douche et dans la voiture. Smith a déclaré qu'après avoir pris sa retraite de la gymnastique, il espère créer sa propre ligne de vêtements. En 2013, Smith a été nommé ambassadeur de Rays of Sunshine, un organisme de bienfaisance qui exauce les vœux d'enfants malades et en phase terminale. Il est également apparu sur The Cube et a gagné 50 000 £, qu'il a reversés à son gymnase, le Huntingdon Gymnastics Club. Viens strictement danser Le 10 septembre 2012, il a été annoncé que Smith participerait à la série 2012 de Strictly Come Dancing. Le 15 septembre, l'émission de lancement révélait que sa partenaire professionnelle était Flavia Cacace. Des semaines 1 à 8, ses performances ont reçu des critiques mitigées à positives de la part des juges, jusqu'aux semaines 9 à 12, lorsque les critiques sont devenues plus positives et l'ont placé dans la moitié supérieure du classement. Il est arrivé en tête du classement pour la première fois lors de la semaine d'Halloween avec son Tango, puis à nouveau au cours de la semaine 9 avec son Charleston, mais son meilleur et parfait score est arrivé lors de la grande finale avec son Showdance, pour lequel il a obtenu un score parfait de 40. Le 22 décembre, lors de la grande finale, Smith et Cacace ont été annoncés vainqueurs de la série. Smith a déclaré: "C'était génial. L'entraînement était plus difficile que la gymnastique car tout était un nouveau défi. Je ne m'attendais pas à gagner - je sortais juste chaque semaine dans le but de faire de mon mieux." En 2014, Smith a participé à l'émission spéciale de Noël avec la pro invitée, Aliona Vilani. Le couple a gagné après avoir dansé un Quickstep qui a obtenu la note parfaite de 10 de la part de tous les juges.

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Quel ancien Premier ministre est apparu dans l'émission Morecambe and Wise Christmas Special en 1978 ?

Harold Wilson

Le Premier ministre du Royaume-Uni de Grande-Bretagne et d'Irlande du Nord est le chef du gouvernement de Sa Majesté au Royaume-Uni. Le Premier ministre (abréviation informelle : PM) et le Cabinet (composé de tous les ministres les plus hauts placés, dont la plupart sont des chefs de département du gouvernement) sont collectivement responsables de leurs politiques et de leurs actions devant le monarque, le Parlement, leur parti politique et, en fin de compte, devant l'électorat. Theresa May, chef du Parti conservateur, a été nommée par la reine le 13 juillet 2016. Le poste n'est établi par aucune constitution ou loi mais existe uniquement par une convention établie de longue date, qui stipule que le monarque doit nommer comme premier ministre la personne la plus susceptible de mériter la confiance de la Chambre des communes ; cette personne est généralement le chef du parti politique ou de la coalition de partis qui détient le plus grand nombre de sièges dans cette chambre. Le poste de Premier ministre n'a pas été créé ; il a évolué lentement et de manière irrégulière sur trois cents ans en raison de nombreuses lois du Parlement, des développements politiques et des accidents de l’histoire. Le bureau est donc mieux compris dans une perspective historique. Les origines de cette position se trouvent dans les changements constitutionnels survenus pendant la colonisation révolutionnaire (1688-1720) et dans le transfert du pouvoir politique du souverain au Parlement qui en a résulté. Bien que le Souverain ne soit pas déchu de ses anciennes prérogatives et reste légalement chef du gouvernement, il devient progressivement nécessaire, sur le plan politique, de gouverner par l'intermédiaire d'un Premier ministre pouvant disposer d'une majorité au Parlement. Dans les années 1830, le système de gouvernement de Westminster (ou gouvernement de cabinet) avait émergé ; le Premier ministre était devenu primus inter pares ou le premier parmi ses pairs du Cabinet et le chef du gouvernement du Royaume-Uni. La position politique du Premier ministre a été renforcée par le développement de partis politiques modernes, l'introduction de la communication de masse (journaux bon marché, radio, télévision et Internet) et de la photographie. Au début du XXe siècle, le premier ministre moderne était apparu ; cette fonction était devenue la position prééminente dans la hiérarchie constitutionnelle vis-à-vis du Souverain, du Parlement et du Cabinet. Avant 1902, le Premier ministre était parfois issu de la Chambre des Lords, à condition que son gouvernement puisse former une majorité aux Communes. Cependant, à mesure que le pouvoir de l'aristocratie diminuait au cours du XIXe siècle, la convention s'est développée selon laquelle le Premier ministre devrait toujours siéger à la chambre basse. En tant que leader de la Chambre des communes, l'autorité du Premier ministre a été encore renforcée par la loi sur le Parlement de 1911, qui a marginalisé l'influence de la Chambre des Lords dans le processus législatif. Le Premier ministre est également d'office Premier Lord du Trésor et ministre de la Fonction publique. Certains privilèges, comme la résidence au 10 Downing Street, sont accordés aux Premiers ministres en vertu de leur position de Premier Lord du Trésor. Autorité En tant que « chef du gouvernement de Sa Majesté », le Premier ministre moderne dirige le Cabinet (l'exécutif). En outre, le Premier ministre dirige un parti politique majeur et détient généralement la majorité à la Chambre des communes (la chambre basse du corps législatif). À ce titre, le titulaire exerce à la fois des pouvoirs législatifs et exécutifs. Dans le système britannique, il existe une unité des pouvoirs plutôt qu'une séparation. À la Chambre des communes, le premier ministre guide le processus législatif dans le but de mettre en œuvre le programme législatif de son parti politique. À titre exécutif, le Premier ministre nomme (et peut révoquer) tous les autres membres du cabinet et ministres, et coordonne les politiques et les activités de tous les départements gouvernementaux ainsi que le personnel de la fonction publique. Le Premier ministre agit également comme le « visage » et la « voix » publique du gouvernement de Sa Majesté, tant au pays qu'à l'étranger. Uniquement sur l'avis du Premier ministre, le souverain exerce de nombreux pouvoirs statutaires et prérogatifs, y compris les nominations judiciaires, politiques, officielles et ecclésiastiques de l'Église d'Angleterre ; l'attribution de pairies, de chevaleries, de décorations et d'autres honneurs. Même s’ils semblent parfois fortement sous l’influence de leurs collaborateurs, en réalité, c’est le Premier ministre qui contrôle la situation. Contexte constitutionnel Le système de gouvernement britannique repose sur une constitution non codifiée, ce qui signifie qu’elle n’est énoncée dans aucun document unique. La Constitution britannique se compose de nombreux documents et, surtout pour l'évolution de la fonction de Premier ministre, elle est basée sur des coutumes connues sous le nom de conventions constitutionnelles qui sont devenues une pratique acceptée. En 1928, le Premier ministre H. H. Asquith décrit cette caractéristique de la constitution britannique dans ses mémoires : Dans ce pays, nous vivons... sous une Constitution non écrite. Il est vrai que nous avons dans nos Statuts de grands instruments comme la Magna Carta, la Pétition des Droits et la Déclaration des Droits qui définissent et garantissent bon nombre de nos droits et privilèges ; mais la grande majorité de nos libertés constitutionnelles et... de nos pratiques constitutionnelles ne tirent leur validité et leur sanction d'aucun projet de loi qui a reçu l'assentiment formel du roi, des lords et des communes. Ils reposent sur des usages, des coutumes, des conventions, souvent de croissance lente à leurs débuts, pas toujours uniformes, mais qui, au cours du temps, ont reçu une observance et un respect universels. Les relations entre le Premier ministre et le souverain, le Parlement et le Cabinet sont définies en grande partie par ces conventions non écrites de la constitution. Bon nombre des pouvoirs exécutifs et législatifs du Premier ministre sont en réalité des prérogatives royales qui restent formellement dévolues au Souverain, qui reste le chef de l'État. Malgré sa domination croissante dans la hiérarchie constitutionnelle, la Premiership n'a reçu que peu de reconnaissance formelle jusqu'au XXe siècle ; on soutenait la fiction juridique selon laquelle le souverain gouvernait toujours directement. Le poste n'a été mentionné pour la première fois dans la loi qu'en 1917, dans l'annexe du Checkers Estate Act. De plus en plus au cours du XXe siècle, la fonction et le rôle du Premier ministre figuraient dans la loi et les documents officiels ; cependant, les pouvoirs du Premier ministre et ses relations avec d'autres institutions continuent en grande partie de découler d'anciennes prérogatives royales et de conventions constitutionnelles historiques et modernes. Les Premiers ministres continuent d'occuper le poste de Premier Lord du Trésor et, depuis novembre 1968, celui de ministre de la Fonction publique, cette dernière leur donnant autorité sur la fonction publique. Dans le cadre de cet arrangement, la Grande-Bretagne pourrait apparaître comme ayant deux dirigeants : le Premier ministre et le souverain. Le concept de « Couronne » résout ce paradoxe. La Couronne symbolise l'autorité de l'État pour gouverner : légiférer et les exécuter, imposer des impôts et les percevoir, déclarer la guerre et faire la paix. Avant la « Glorieuse Révolution » de 1688, le Souverain exerçait exclusivement les pouvoirs de la Couronne ; par la suite, le Parlement a progressivement contraint les monarques à adopter une position politique neutre. Le Parlement a effectivement dispersé les pouvoirs de la Couronne, confiant son autorité à des ministres responsables (le Premier ministre et le Cabinet), responsables de leurs politiques et de leurs actions devant le Parlement, en particulier devant la Chambre des communes élue. Bien que de nombreux pouvoirs de prérogative du souverain soient encore légalement intacts, les pouvoirs de prérogative du souverain sont parfois appelés pouvoirs de réserve. Ils comprennent le pouvoir exclusif de destituer un premier ministre et le gouvernement en place dans des circonstances extrêmement rares et exceptionnelles, ainsi que d'autres pouvoirs essentiels (tels que le refus de la sanction royale et la convocation et la prorogation du Parlement) pour préserver la stabilité de la nation. Ces pouvoirs de réserve peuvent être exercés sans l'accord du Parlement. Les pouvoirs de réserve, dans la pratique, constituent le tribunal de dernier recours absolu pour résoudre des situations qui menacent fondamentalement la sécurité et la stabilité de la nation dans son ensemble et ne sont presque jamais utilisés. les conventions constitutionnelles ont soustrait le monarque à la gouvernance quotidienne, les ministres exerçant les prérogatives royales, laissant en pratique au monarque trois droits constitutionnels : être tenu informé, conseiller et avertir. Fondements de la fonction de Premier ministre Règlement révolutionnaire Parce que la Premiership n’a pas été créée intentionnellement, il n’y a pas de date exacte à laquelle son évolution a commencé. Un point de départ significatif, cependant, est l'année 1688-1689, lorsque Jacques II a fui l'Angleterre et que le Parlement d'Angleterre a confirmé Guillaume et Marie comme monarques constitutionnels conjoints, promulguant une législation qui limitait leur autorité et celle de leurs successeurs : la Déclaration des droits (1689), le projet de loi sur la mutinerie (1689), le projet de loi triennal (1694), le loi sur la trahison (1696) et l'acte de règlement (1701). Connus collectivement sous le nom de Règlement révolutionnaire, ces actes ont transformé la constitution, déplaçant l'équilibre des pouvoirs du souverain vers le Parlement. Ils ont également servi de base à l’évolution de la fonction de Premier ministre, qui n’existait pas à l’époque. Banc du Trésor Le règlement révolutionnaire a donné aux Communes le contrôle des finances et de la législation et a modifié les relations entre l'exécutif et le législatif. Faute d'argent, les souverains devaient convoquer le Parlement chaque année et ne pouvaient plus le dissoudre ou le proroger sans son avis et son consentement. Le Parlement est devenu un élément permanent de la vie politique. Le veto est tombé en désuétude parce que les souverains craignaient que s'ils refusaient la législation, le Parlement leur refuserait de l'argent. Aucun souverain n'a refusé la sanction royale depuis que la reine Anne a opposé son veto au projet de loi sur la milice écossaise en 1708. Des fonctionnaires du Trésor et d'autres chefs de département ont été attirés au Parlement pour servir de liaison entre celui-ci et le souverain. Les ministres devaient présenter les politiques du gouvernement et négocier avec les députés pour obtenir le soutien de la majorité ; ils devaient expliquer les besoins financiers du gouvernement, suggérer des moyens d'y répondre et rendre compte de la manière dont l'argent avait été dépensé. Les représentants du souverain assistaient si régulièrement aux séances des Communes qu'ils se voyaient attribuer des sièges réservés à l'avant, connus sous le nom de Banc du Trésor. C'est le début de « l'unité des pouvoirs » : les ministres du Souverain (l'Exécutif) deviennent des membres dirigeants du Parlement (le Législatif). Aujourd'hui, le Premier ministre (Premier Lord du Trésor), le Chancelier de l'Échiquier (responsable du budget) et d'autres hauts membres du Cabinet siègent au Trésor et présentent des politiques à peu près de la même manière que les ministres le faisaient à la fin du XVIIe siècle. . Article 66 du Règlement Après la Révolution, il y avait une menace constante que des députés non gouvernementaux ruinent les finances du pays en proposant des projets de loi de finances irréfléchis. En lice pour le contrôle afin d'éviter le chaos, les ministres de la Couronne ont obtenu un avantage en 1706, lorsque les Communes ont déclaré de manière informelle : « Que cette Chambre ne recevra aucune pétition concernant une somme d'argent relative à la fonction publique, sauf celle recommandée par la Couronne. » Le 11 juin 1713, cette règle non contraignante est devenue l'article 66 du Règlement : « les Communes ne voteront d'argent à aucune fin, sauf sur motion d'un ministre de la Couronne ». L'article 66 du Règlement reste en vigueur aujourd'hui (bien qu'il soit renuméroté numéro 48), essentiellement inchangé depuis trois cents ans. Donner aux ministres le pouvoir d’initiative financière exclusive a eu un impact immédiat et durable. En plus d’atteindre son objectif – stabiliser le processus budgétaire – il a donné à la Couronne un rôle de leadership au sein des Communes ; et le Lord Trésorier a assumé une position de leader parmi les ministres. Le pouvoir d’initiative financière n’est cependant pas absolu. Seuls les ministres pouvaient proposer des projets de loi de finances, mais le Parlement les examinait désormais et les acceptait. L’article 66 du Règlement représente donc le début de la responsabilité ministérielle. Le terme « Premier ministre » apparaît à cette époque comme un titre non officiel pour le chef du gouvernement, généralement le chef du Trésor. Jonathan Swift, par exemple, a écrit en 1713 sur « ceux qui sont maintenant communément appelés Premier ministre parmi nous », faisant référence à Sidney Godolphin, 1er comte de Godolphin et à Robert Harley, lord trésoriers et ministres en chef de la reine Anne. Depuis 1721, tous les chefs du gouvernement du Souverain – à une exception au XVIIIe siècle (Guillaume Pitt l'Ancien) et un au XIXe (Lord Salisbury) – sont Premier Lord du Trésor. Les débuts de la direction du parti du Premier ministre Les partis politiques sont apparus pour la première fois lors de la crise d’exclusion de 1678-1681. Les Whigs, qui croyaient en une monarchie limitée, voulaient exclure James Stuart de l'accès au trône parce qu'il était catholique. Les conservateurs, qui croyaient au « droit divin des rois », défendirent la revendication héréditaire de James. Ces partis ont dominé la politique britannique pendant plus de 150 ans, les Whigs évoluant vers le Parti libéral et les conservateurs vers le Parti conservateur. Même aujourd'hui, les conservateurs sont souvent qualifiés de « conservateurs ». Les partis politiques n'étaient ni bien organisés ni disciplinés au XVIIe siècle. Ils ressemblaient davantage à des factions dont les « membres » allaient et venaient, collaborant temporairement sur des questions lorsque cela était à leur avantage, puis se dissolvant lorsque ce n'était pas le cas. L'idée selon laquelle il ne pouvait y avoir qu'un seul « Parti du Roi » et s'y opposer serait déloyale, voire traître, constituait un obstacle majeur au développement de partis opposés. Cette idée persista tout au long du XVIIIe siècle. Néanmoins, il est devenu possible à la fin du XVIIe siècle d'identifier les parlements et les ministères comme étant soit « whigs », soit « conservateurs » dans leur composition. Armoire Le Premier ministre moderne est également le chef du Cabinet. Convention de la constitution, le Cabinet moderne est un groupe de ministres qui formulent des politiques. En tant que chefs politiques des départements gouvernementaux, les ministres veillent à ce que les politiques soient mises en œuvre par des fonctionnaires permanents. Bien que le Premier ministre moderne sélectionne les ministres, la nomination appartient toujours au souverain. Avec le Premier ministre comme chef, le Cabinet forme le pouvoir exécutif du gouvernement. Le terme « Cabinet » apparaît pour la première fois après la colonisation révolutionnaire pour décrire les ministres qui conféraient en privé avec le souverain. La croissance du Cabinet a rencontré de nombreuses plaintes et oppositions parce que ses réunions se tenaient souvent en secret et qu'il excluait l'ancien Conseil privé (dont le Cabinet est formellement un comité) du cercle des conseillers du souverain, le réduisant à un corps honoraire. Le premier Cabinet, comme celui d'aujourd'hui, comprenait le trésorier et d'autres chefs de département qui siégeaient au Trésor. Cependant, cela pourrait également inclure des personnes qui n'étaient pas membres du Parlement, telles que des officiers de maison (par exemple le maître du cheval) et des membres de la famille royale. L'exclusion des non-membres du Parlement du Cabinet était essentielle au développement de la responsabilité ministérielle. William et Anne ont tous deux nommé et révoqué les membres du Cabinet, assisté aux réunions, pris des décisions et assuré le suivi des actions. Soulager le souverain de ces responsabilités et prendre le contrôle de la composition du Cabinet constituait une partie essentielle de l'évolution du Premier ministre. Ce processus a commencé après la succession hanovrienne. Bien que George Ier (1714-1727) ait d'abord assisté aux réunions du Cabinet, il s'est retiré après 1717 parce qu'il ne parlait pas couramment l'anglais et qu'il s'ennuyait des discussions. George II (1727-1760) présidait occasionnellement les réunions du Cabinet, mais on sait que son petit-fils, George III (1760-1820), n'en a assisté qu'à deux au cours de ses 60 ans de règne. Ainsi, la convention selon laquelle les souverains n’assistent pas aux réunions du Cabinet a été établie principalement par l’indifférence royale à l’égard des tâches quotidiennes de gouvernance. Le premier ministre est devenu responsable de convoquer les réunions, de présider, de prendre des notes et de faire rapport au souverain. Ces simples tâches exécutives donnaient naturellement au Premier ministre un ascendant sur ses collègues du Cabinet. Bien que les trois premiers Hanovriens assistaient rarement aux réunions du Cabinet, ils insistaient sur leurs prérogatives de nommer et de révoquer les ministres et de diriger la politique, même depuis l'extérieur du Cabinet. Ce n'est qu'à la fin du XVIIIe siècle que les premiers ministres ont pris le contrôle de la composition du Cabinet (voir la section Émergence du gouvernement de Cabinet ci-dessous). "Gouvernement à parti unique" Les gouvernements (ou ministères) britanniques sont généralement formés par un seul parti. Le Premier ministre et le Cabinet sont généralement tous membres du même parti politique, presque toujours celui qui détient la majorité des sièges à la Chambre des communes. Les gouvernements de coalition (un ministère composé de représentants de deux partis ou plus) et les gouvernements minoritaires (un ministère à parti unique formé par un parti qui ne détient pas la majorité à la Chambre des communes) sont relativement rares. Le « gouvernement de parti unique », comme on appelle parfois ce système, est la règle générale depuis près de trois cents ans. Au début de son règne, Guillaume III (1689-1702) préférait les « ministères mixtes » (ou coalitions) composés à la fois de conservateurs et de whigs. William pensait que cette composition diluerait le pouvoir de n'importe quel parti et lui donnerait également le bénéfice de points de vue différents. Cependant, cette approche n’a pas bien fonctionné car les membres ne parvenaient pas à s’entendre sur un leader ou sur des politiques et travaillaient souvent en désaccord les uns avec les autres. En 1697, William forma un ministère whig homogène. Connu sous le nom de Junto, ce gouvernement est souvent cité comme le premier véritable Cabinet car ses membres étaient tous Whigs, reflétant la composition majoritaire des Communes. Anne (1702-1714) suivit ce modèle mais préféra les cabinets conservateurs. Cette approche a bien fonctionné tant que le Parlement était également majoritairement conservateur. Cependant, en 1708, lorsque les Whigs obtinrent la majorité, Anne ne les appela pas à former un gouvernement, refusant d'accepter l'idée que les hommes politiques puissent s'imposer à elle simplement parce que leur parti détenait la majorité. Elle ne s'est jamais séparée d'un ministère entier ni n'en a accepté un entièrement nouveau, quels que soient les résultats d'une élection. Anne a préféré conserver un gouvernement minoritaire plutôt que de se laisser dicter par le Parlement. Par conséquent, ses ministres en chef Sidney Godolphin, 1er comte de Godolphin et Robert Harley, que certains appelaient « Premier ministre », ont eu du mal à exécuter leur politique face à un Parlement hostile. Les expériences de William et Anne sur la composition politique du Cabinet ont illustré les forces d'un gouvernement à parti unique et les faiblesses des gouvernements de coalition et minoritaires. Néanmoins, ce n'est que dans les années 1830 qu'a été établie la convention constitutionnelle selon laquelle le souverain doit choisir le premier ministre (et le Cabinet) parmi le parti dont les opinions reflètent celles de la majorité au Parlement. Depuis lors, la plupart des ministères ont reflété cette règle du parti unique. Malgré la convention du « parti unique », les premiers ministres peuvent toujours être appelés à diriger des gouvernements minoritaires ou de coalition. Un gouvernement minoritaire peut être formé à la suite d'un « parlement sans majorité » dans lequel aucun parti ne détient la majorité à la Chambre des communes après des élections générales ou le décès, la démission ou la défection de membres existants. Par convention, le Premier ministre en exercice a la première occasion de parvenir à des accords qui lui permettront de survivre à un vote de confiance à la Chambre et de continuer à gouverner. Le dernier gouvernement minoritaire a été dirigé par le Premier ministre travailliste Harold Wilson pendant huit mois après que les élections générales de février 1974 aient produit un Parlement sans majorité. Aux élections générales d'octobre 1974, le Parti travailliste remporta 18 sièges, donnant à Wilson une majorité de trois. Un parlement sans majorité peut également conduire à la formation d'un gouvernement de coalition dans lequel deux partis ou plus négocient un programme commun pour obtenir la majorité à la Chambre des Communes. Des coalitions se sont également formées en période de crise nationale comme la guerre. Dans de telles circonstances, les partis conviennent de mettre temporairement de côté leurs divergences politiques et de s’unir pour faire face à la crise nationale. Les coalitions sont rares : depuis 1721, il y en a eu moins d’une douzaine. Lorsque les élections générales de 2010 ont abouti à un parlement sans majorité, les partis conservateur et libéral-démocrate ont convenu de former le premier ministère Cameron, la première coalition depuis soixante-dix ans. La coalition précédente au Royaume-Uni avant 2010 était dirigée par le Premier ministre conservateur Winston Churchill pendant la majeure partie de la Seconde Guerre mondiale, de mai 1940 à mai 1945. Clement Attlee, le chef du Parti travailliste, était vice-Premier ministre. Après les élections générales de 2015, le pays est revenu à un gouvernement de parti unique après que les conservateurs ont remporté une majorité absolue. Commission du Trésor Le poste de Premier ministre est encore en grande partie une convention de la constitution ; son autorité légale découle principalement du fait que le Premier ministre est également Premier Lord du Trésor. La connexion de ces deux fonctions – l'une de convention, l'autre de fonction juridique – a commencé avec la succession de Hanovre en 1714. Lorsque George Ier accéda au trône britannique en 1714, ses ministres allemands lui conseillèrent de laisser vacant le poste de Lord High Trésorier, car ceux qui l'avaient occupé ces dernières années étaient devenus trop puissants, remplaçant ainsi le souverain à la tête du gouvernement. . Ils craignaient également qu'un Lord High Trésorier ne sape leur propre influence auprès du nouveau roi. Ils lui ont donc proposé de placer le bureau en « commission », c'est-à-dire qu'un comité de cinq ministres exercerait ensemble ses fonctions. Théoriquement, cette dilution de l’autorité empêcherait l’un d’entre eux de prétendre être le chef du gouvernement. Le roi accepta et créa la Commission du Trésor composée du Premier Lord du Trésor, du Second Lord et de trois Junior Lords. Personne n'a été nommé Lord High Trésorier depuis 1714 ; il est resté en service pendant trois cents ans. La Commission du Trésor a cessé de se réunir à la fin du XVIIIe siècle mais a survécu, bien qu'avec des fonctions très différentes : le Premier Lord du Trésor est désormais le Premier Ministre, le Second Lord est le Chancelier de l'Échiquier (et est en fait en charge du Trésor). ), et les Junior Lords sont les whips du gouvernement qui maintiennent la discipline de parti à la Chambre des communes ; ils n'ont plus de fonctions liées au Trésor, bien que lorsque la législation subordonnée exige le consentement du Trésor, ce sont toujours deux des Junior Lords qui signent en son nom. Voir par ex. les différents arrêtés prescrivant les honoraires à percevoir dans les offices publics Premiers premiers ministres "Premier" Premier ministre Étant donné que le bureau a évolué plutôt que d’être créé instantanément, il n’est peut-être pas tout à fait clair qui a été le premier Premier ministre. Cependant, cette appellation est traditionnellement donnée à Sir Robert Walpole qui devint Premier Lord du Trésor en 1721. En 1720, la Compagnie des Mers du Sud, créée pour le commerce du coton, des produits agricoles et des esclaves, s'effondre, provoquant la ruine financière de milliers d'investisseurs et de lourdes pertes pour beaucoup d'autres, dont des membres de la famille royale. Le roi George Ier a fait appel à Robert Walpole, bien connu pour son sens politique et financier, pour gérer l'urgence. Avec beaucoup d’habileté et un peu de chance, Walpole a agi rapidement pour restaurer le crédit et la confiance du public et a sorti le pays de la crise. Un an plus tard, le roi le nomme Premier Lord du Trésor, Chancelier de l'Échiquier et Leader de la Chambre des communes, faisant de lui le ministre le plus puissant du gouvernement. Impitoyable, grossier et travailleur, il avait un « sens des affaires avisé » et était un superbe gestionnaire d'hommes. À la tête des affaires pendant les deux décennies suivantes, Walpole stabilisa les finances du pays, le maintint en paix, le rendit prospère et assura la succession de Hanovre. Walpole a démontré pour la première fois comment un ministre en chef – un Premier ministre – pouvait être le véritable chef du gouvernement dans le nouveau cadre constitutionnel. Premièrement, reconnaissant que le Souverain ne pouvait plus gouverner directement mais qu'il était toujours le chef nominal du gouvernement, il a insisté sur le fait qu'il n'était rien de plus que le « Serviteur du Roi ». Deuxièmement, reconnaissant que le pouvoir était transféré aux Communes, il y dirigeait les affaires de la nation et en faisait une domination sur les seigneurs dans tous les domaines. Troisièmement, reconnaissant que le Cabinet était devenu l'exécutif et devait être uni, il a dominé les autres membres et a exigé leur soutien total à sa politique. Quatrièmement, reconnaissant que les partis politiques étaient la source de la force ministérielle, il dirigea le parti Whig et maintint la discipline. Aux Communes, il a insisté sur le soutien de tous les membres whigs, en particulier de ceux qui occupaient des fonctions. Enfin, il donne l'exemple aux futurs Premiers ministres en démissionnant de ses fonctions en 1742 après un vote de confiance, qu'il remporte par seulement 3 voix. La minceur de cette majorité mine son pouvoir, même s'il conserve la confiance du Souverain. Ambivalence et déni Malgré toutes ses contributions, Walpole n’était pas un Premier ministre au sens moderne du terme. C'est le roi – et non le Parlement – ​​qui l'a choisi ; et le roi – et non Walpole – a choisi le Cabinet. Walpole a donné l’exemple, pas un précédent, et peu ont suivi son exemple. Pendant plus de 40 ans après la chute de Walpole en 1742, la position était largement ambivalente. Dans certains cas, le Premier ministre était une figure de proue dont le pouvoir était exercé par d’autres individus ; dans d'autres, il y a eu un retour au modèle du « ministre en chef » d'autrefois, dans lequel le souverain gouvernait réellement. À d’autres moments, il semblait y avoir deux premiers ministres. Pendant la participation de la Grande-Bretagne à la guerre de Sept Ans, par exemple, les pouvoirs gouvernementaux étaient partagés à parts égales entre le duc de Newcastle et William Pitt, 1er comte de Chatham, ce qui leur a valu d'être décrits alternativement comme Premier ministre. Par ailleurs, plusieurs pensaient que le titre de « Premier ministre » usurpait la position constitutionnelle du Souverain de « chef du gouvernement » et que c'était un affront aux autres ministres car ils étaient tous nommés par le Souverain et également responsables envers lui. C'est pour ces raisons que l'on a hésité à utiliser ce titre. Bien que Walpole soit désormais appelé le « premier » Premier ministre, le titre n'était pas couramment utilisé pendant son mandat. Walpole lui-même l'a nié. En 1741, lors de l'attaque qui conduisit à la chute de Walpole, Samuel Sandys déclara que « selon notre Constitution, nous ne pouvons avoir ni unique ni premier ministre ». Pour sa défense, Walpole a déclaré : « Je nie sans équivoque que je suis l'unique ou Premier ministre et que toutes les affaires du gouvernement doivent être attribuées à mon influence et à ma direction. George Grenville, premier ministre dans les années 1760, a déclaré que c'était « un titre odieux » et ne l'a jamais utilisé. Lord North, le chef réticent du gouvernement du roi pendant la guerre d'indépendance américaine, « ne se permettrait jamais d'être appelé Premier ministre, car il s'agissait d'une fonction inconnue de la Constitution ». L’ambivalence du XVIIIe siècle pose problème aux chercheurs qui tentent d’identifier qui était Premier ministre et qui ne l’était pas. Chaque liste de Premiers ministres peut omettre certains hommes politiques. Par exemple, les tentatives infructueuses de formation de ministères – comme le gouvernement de deux jours formé par le comte de Bath en 1746, souvent qualifié de « petit ministère idiot » – peuvent être incluses dans une liste ou omises, selon les critères choisis. Les déni de l'existence légale de la Premiership se sont poursuivis tout au long du XIXe siècle. En 1806, par exemple, un député déclarait : « la Constitution abhorre l'idée d'un premier ministre ». En 1829, Lord Lansdowne déclarait : « Rien ne pourrait être plus malicieux ou inconstitutionnel que de reconnaître par une loi du Parlement l'existence d'une telle fonction ». Au tournant du XXe siècle, le poste de Premier ministre était devenu, par convention, le poste le plus important dans la hiérarchie constitutionnelle. Pourtant, il n’existait aucun document juridique décrivant ses pouvoirs ou reconnaissant son existence. La première reconnaissance officielle accordée à cette fonction n'a eu lieu que dans le Traité de Berlin en 1878, lorsque Disraeli a signé en tant que « Premier Lord du Trésor et Premier ministre de sa Majesté britannique ». Les titulaires n’avaient aucune autorité statutaire à part entière. En 1904 encore, Arthur Balfour expliquait le statut de sa fonction dans un discours à Haddington : « Le Premier ministre n'a aucun salaire en tant que Premier ministre. Il n'a aucune fonction statutaire en tant que Premier ministre, son nom n'apparaît dans aucune loi du Parlement, et bien que occupant la place la plus importante dans la hiérarchie constitutionnelle, il n'a aucune place qui soit reconnue par les lois de son pays. C'est un étrange paradoxe. En 1905, le poste reçut une certaine reconnaissance officielle lorsque le « Premier ministre » fut nommé dans l'ordre de préséance, surclassé, parmi les non-royaux, uniquement par les archevêques de Cantorbéry et d'York, le modérateur de l'Assemblée générale de l'Église d'Écosse. et le Lord Chancelier. La première loi du Parlement à mentionner le poste de Premier ministre – bien que dans une annexe – fut la Checkers Estate Act du 20 décembre 1917. Cette loi conférait le domaine Checkers appartenant à Sir Arthur et Lady Lee, comme un cadeau à la Couronne pour une utilisation en tant que pays. maison pour les futurs premiers ministres. Une reconnaissance juridique sans équivoque a été accordée dans la loi de 1937 sur les ministres de la Couronne, qui prévoyait le paiement d'un salaire à la personne qui est à la fois « le Premier Lord du Trésor et le Premier ministre ». Reconnaissant explicitement deux cents ans d'ambivalence, la loi déclare qu'elle entendait « conférer une reconnaissance statutaire à l'existence du poste de Premier ministre et au lien historique entre le poste de Premier ministre et la fonction de Premier Lord du Trésor, en prévoyant en ce qui concerne ce poste et cette fonction, un salaire de… » La loi faisait une distinction entre le « poste » (Premier ministre) et le « poste » (Premier Lord du Trésor), soulignant le caractère politique unique du premier. Néanmoins, la plaque de laiton sur la porte de la maison du Premier ministre, 10 Downing Street, porte toujours le titre de « Premier Lord du Trésor », comme c'est le cas depuis le XVIIIe siècle. "Premier parmi ses pairs" Émergence du gouvernement de cabinet Malgré la réticence à reconnaître légalement la Premiership, l’ambivalence à son égard s’est atténuée dans les années 1780. Au cours des 20 premières années de son règne, George III (1760-1820) tenta d'être son propre « premier ministre » en contrôlant la politique depuis l'extérieur du Cabinet, en nommant et en révoquant les ministres, en rencontrant en privé chaque ministre et en leur donnant des instructions. Ces pratiques ont semé la confusion et les dissensions lors des réunions du Cabinet ; L'expérience du roi George en matière de gouvernement personnel fut généralement un échec. Après l'échec du ministère de Lord North (1770-1782) en mars 1782 en raison de la défaite de la Grande-Bretagne dans la guerre d'indépendance américaine et du vote de censure du Parlement qui a suivi, le marquis de Rockingham a réaffirmé le contrôle du Premier ministre sur le Cabinet. Rockingham a assumé le poste de Premier ministre « étant entendu clairement que les mesures devaient être modifiées ainsi que les hommes ; et que les mesures pour lesquelles le nouveau ministère exigeait le consentement royal étaient les mesures qu'ils avaient préconisées, lorsqu'ils étaient dans l'opposition ». Lui et son Cabinet étaient unis dans leur politique et resteraient ou tomberaient ensemble ; ils ont également refusé d'accepter quiconque dans le Cabinet n'était pas d'accord. Cet événement marque également le début de la responsabilité collective du Cabinet. Ce principe stipule que les décisions prises par un membre du Cabinet deviennent la responsabilité de l'ensemble du Cabinet. Le roi George a menacé d'abdiquer mais a finalement accepté à contrecœur, par nécessité : il lui fallait un gouvernement. À partir de cette époque, le poste de Premier ministre fut de plus en plus accepté et le titre fut plus couramment utilisé, ne serait-ce que de manière officieuse. Associés au départ aux Whigs, les Tories ont commencé à l'accepter. Lord North, par exemple, qui avait déclaré que cette fonction était « inconnue de la constitution », se renversa en 1783 lorsqu'il déclara : « Dans ce pays, un homme ou un groupe d'hommes, comme un cabinet, devrait gouverner l'ensemble et diriger chaque mesure. ". En 1803, William Pitt le Jeune, également conservateur, suggéra à un ami que « cette personne généralement appelée premier ministre » était une nécessité absolue pour qu'un gouvernement fonctionne, et exprima sa conviction que cette personne devrait être le ministre chargé de les finances. La conversion massive des Tories a commencé lorsque Pitt a été confirmé comme Premier ministre lors de l'élection de 1784. Pendant les 17 années suivantes jusqu'en 1801 (et de nouveau de 1804 à 1806), Pitt, le Tory, fut Premier ministre dans le même sens que Walpole, le Whig, l'avait été plus tôt. Leur conversion fut renforcée après 1810. Cette année-là, George III, qui avait s

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Où se déroule la fameuse course de ski alpin « Streif » ?

Kitzbühel

Le Hahnenkamm est une montagne d'Autriche, directement au sud de Kitzbühel, dans les Alpes de Kitzbühel. L'altitude de son sommet est de 1712 m au-dessus du niveau de la mer. Le Hahnenkamm (allemand : crête de coq) fait partie de la station de ski de Kitzbühel et accueille chaque année les courses de ski alpin de la Coupe du monde, les Hahnenkammrennen. La piste la plus célèbre du Hahnenkamm est la piste de descente classique, la Streif (streak ou bande), considérée comme la piste de course la plus exigeante du circuit de la Coupe du monde. Le parcours comporte des virages très techniques et « escamotables » (inclinaison inversée), dont beaucoup avec une visibilité limitée. Il contient également plusieurs sections de glisse plates, immédiatement précédées de virages difficiles, mettant l'accent à la fois sur les compétences techniques et de glisse. Une piste sur la face nord de la montagne, le parcours Streif, est principalement ombragée en janvier. Le temps est généralement couvert et accompagné de brouillard, ce qui donne un éclairage « plat » qui aggrave la difficulté du parcours. Course du Hahnenkamm Les Hahnenkammrennen sont des courses annuelles organisées depuis 1931 et faisant partie intégrante de la Coupe du monde masculine depuis sa création lors de la saison 1967. Les courses avaient initialement lieu en mars, et parfois début février (1949 et 1951). Depuis 1953, les courses de Kitzbühel ont lieu entre la mi et la fin janvier, souvent la semaine qui suit le Lauberhorn à Wengen, en Suisse, une autre descente classique. Depuis 1959, la course est retransmise à la télévision autrichienne. En 2009 comme en 2008, le montant total des prix s'élevait à 550 000 €. Les courses du Hahnenkamm se déroulent actuellement dans les disciplines suivantes : * Super-G sur le Streifalm, vendredi * Descente sur la Streif, le samedi * Slalom sur le Ganslernhang, dimanche Traditionnellement, le vainqueur de la course du Hahnenkamm était déterminé par les résultats combinés des compétitions de descente et de slalom. À l'époque de la Coupe du monde, l'homme le plus susceptible d'être appelé Hahnenkammsieger (champion) est le vainqueur de la prestigieuse course de descente. Le Super-G a fait ses débuts à Kitzbühel en 1995, et est revenu comme épreuve régulière en 2000, programmée la veille de la descente. En raison des conditions météorologiques difficiles en janvier au sommet de la montagne, la descente n'est souvent pas effectuée dans son intégralité. Au cours de la décennie 2000-2009, le cours complet Streif n'a été dispensé que quatre années sur dix (2001, 2002, 2004 et 2009). Malheureusement, cela élimine souvent l'un des sauts les plus excitants du ski de compétition, le Mausefalle (piège à souris), à quelques secondes du haut du parcours. Les concurrents atteignent rapidement des vitesses élevées dès la porte de départ sur le Startschuss et volent jusqu'à 80 m du saut raide. À l'atterrissage, les coureurs subissent une compression sévère immédiatement suivie d'un virage serré à gauche, souvent négocié sans succès. Les vitesses entrant dans le virage sont de 75 -. En 2006, le brouillard matinal au sommet du parcours a contraint les organisateurs de la course à abaisser le départ de 115 m jusqu'au milieu du Karusell, en contrebas de la Mausefalle. Cela a raccourci la longueur du parcours de 347 m. La course de descente a été annulée en 2005 et 2007. En 2008, de forts vents contraires à Mausefalle ont amené les responsables de la course à abaisser le départ de 50 m, raccourcissant ainsi le parcours de 100 m. Cela a éliminé la majeure partie du Startschuss et sa vitesse instantanée ; la Mausefalle a donc été modifiée en une hauteur induisant la vitesse, plutôt qu'en un formidable saut et une compression. Bien que Didier Cuche ait remporté la course, l'édition 2008 est probablement mieux connue pour la chute à grande vitesse de Scott Macartney sur le Zielsprung, quelques secondes avant l'arrivée, ainsi que pour Bode Miller, à égalité au deuxième rang avec Mario Scheiber après avoir franchi la barrière de sécurité dans la course. Section Steilhang. Le parcours complet est revenu en 2009, pour la première fois en cinq ans, avec le Suisse Didier Défago remportant la course. En plus d'avoir réalisé le meilleur temps, il avait également la vitesse la plus élevée sur le Zielschuss à . C'était la deuxième victoire consécutive en descente pour Défago ; il a remporté la descente du Lauberhorn la semaine précédente à Wengen pour rejoindre une poignée de skieurs pour remporter les deux courses classiques plusieurs semaines consécutives. L'Autrichien Stephan Eberharter l'a accompli pour la dernière fois en 2002 et cela faisait 17 ans qu'un coureur suisse n'avait pas remporté les deux (1992 - Franz Heinzer). La dernière séance d'entraînement de jeudi a été marquée par la grave chute du pilote suisse Daniel Albrecht, toujours au Zielsprung. Cela a abouti à un coma de trois semaines et à l'absence d'Albrecht du circuit de la Coupe du monde pour le reste de la saison 2009 et toute la saison 2010. Le parcours complet s'est déroulé en 2010 sous un ciel dégagé et une nouvelle fois remporté par Didier Cuche, qui avait également remporté le Super-G la veille. La seule chute significative a été celle de l'ancien champion Michael Walchhofer, qui s'est tordu dans la clôture du filet lors du dernier virage à gauche, à moins de 20 secondes de l'arrivée ; il fut rapidement de nouveau sur pied. La victoire de Cuche en descente était sa troisième sur la Streif, sa première remonte à 1998 lors d'une course "extra" du vendredi. Le Zielsprung a été considérablement modéré en 2010 en raison des graves accidents des deux années précédentes. En 2011, Didier Cuche remporte pour la quatrième fois la descente du Hahnenkamm, égalant ainsi le record avec Franz Klammer. Un an plus tard, et deux jours après avoir annoncé sa retraite à la fin de la saison, Cuche remporte sa troisième victoire consécutive en descente à Kitzbühel et un cinquième total record. Dominik Paris a remporté le titre en 2013, devenant ainsi le deuxième vainqueur italien et le premier en quinze ans. Faute de neige en 2014, le parcours inférieur a été modifié. La traversée spectaculaire du Querfahrt et le Zielschuss induisant de la vitesse ont été contournés ; les coureurs ont fait un détour vers la piste de slalom de Ganslern, puis ont rejoint le parcours pour le Rasmusleitn final. Cela a allongé la longueur totale de 182 m et réduit la vitesse d'arrivée. Hannes Reichelt a été le premier lauréat autrichien en huit ans. En 2015, le brouillard des hautes montagnes a forcé le départ du saut de Seidlalm, le plus bas de l'histoire. Le Norvégien Kjetil Jansrud a gagné en moins d'une minute sur les 50 % inférieurs du parcours. Sections du cours Les sections du parcours de descente du Streif comprennent : * Protection de démarrage * Mausefalle (piège à souris) - saut et compression * Karusell (carrousel) - Virages en S * Steilhang - (pente raide) - entrée technique des appartements * Brückenschuss & Gschöss - plans planeurs * Alte Schneise (ancien couloir) * Seidlalmsprung (saut à Seidlalm) - introduit en 1994 * Lärchenschuss - glisse parmi les mélèzes * Hausberg (montagne locale) - saut & virage serré * Querfahrt (traverse) - un versant rugueux de glace flagrante * Zielschuss (avec compression et saut) - vitesses supérieures à 140 km/h * Rasmusleitn jusqu'à l'arrivée (Ziel). Faits et chiffres * La durée du cours Streif est de . * La porte de départ se trouve à une altitude de 1665 m au-dessus du niveau de la mer ; la Streif descend verticalement de 860 m jusqu'à l'arrivée à 805 m. * La note moyenne du cours est de 27 pour cent (15,1 degrés). * La note maximale est de 85% (40,4°) à la Mausefalle ; le minimum est de 2% (1,1°) * Le record du parcours complet de 3,3 km a été établi en 1997 par l'Autrichien Fritz Strobl avec un temps de 1 : 51,58, une vitesse moyenne de et un taux de descente verticale moyen de 7,7 m/s (25,3 pi/s). * Le premier non-européen à remporter une course de descente à Kitzbühel à l'époque de la Coupe du monde fut Ken Read du Canada en 1980. Auparavant, le seul champion non européen était Buddy Werner des États-Unis, qui a gagné en 1959 à 22 ans. a remporté des courses quatre années consécutives de 1980 à 1983 ; Le seul vainqueur non européen depuis 1983 est l'Américain Daron Rahlves, qui s'est imposé lors d'un parcours abrégé en raison du brouillard en 2003. * Quatre victoires sont allées aux Scandinaves, tous norvégiens. Atle Skårdal a été le premier en 1990 et Lasse Kjus a gagné deux fois, en 1999 et 2004. Les deux victoires de Kjus étaient des courses « supplémentaires », organisées respectivement vendredi et jeudi. Kjetil Jansrud s'est imposé sur un parcours raccourci en 2015. * Le parcours Streif était l'un des nombreux parcours présentés dans le film Downhill Racer de 1969, avec Robert Redford et Gene Hackman. Il a été présenté comme lui-même et plus tard comme le parcours olympique. * Le parcours Streif a été utilisé pour la première fois en 1937 ; huit années sans courses au Hahnenkamm suivirent (1938-1945) jusqu'au retour en 1946. * Depuis leur retour en 1946, les courses de descente ont été organisées toutes les années sauf huit : 1952, 1964, 1970, 1971, 1988, 1993, 2005 et 2007. Champions de descente Voici une liste des gagnants de la descente du Hahnenkamm, avec leurs temps gagnants : * ère pré-Coupe du Monde Le nom de chaque champion de descente est apposé sur une télécabine du téléphérique du Hahnenkammbahn, qui s'étend de la base de Kitzbühel jusqu'au sommet du Hahnenkamm. Vidéos *[http://www.streif-movie.com STREIF - One Hell of a Ride] - 2015 Documentaire sur la course de descente du Streif *[http://www.youtube.com/watch?v=EmeZ23aOQHw Vidéo YouTube] - Course de 1981 en direct - 18 janvier 1981 **[http://www.youtube.com/watch?v=dvL46APZzMY Vidéo YouTube] - Course de 1981 - crashs uniquement * [http://www.youtube.com/watch?v=Lr2dFOazJ1Q Vidéo YouTube] - Franz Klammer, 30 ans, remporte son 4e Hahnenkamm sur parcours complet - 21 janvier 1984 * [http://www.youtube.com/watch?v=4rxFpXb5hyc Vidéo YouTube] - chute mettant fin à la carrière de Todd Brooker, vainqueur en 1983, au sommet du Zielschuss, entraînement du vendredi - 24 janvier 1987 * [http://www.youtube.com/watch?v=LWDqF1fG89A Vidéo YouTube] - Kristian Ghedina en parcours complet - aigles écartés à Zielsprung - 6ème place - 24 janvier 2004 * [http://www.youtube.com/watch?v=CpqBosmuxGI Vidéo YouTube] - Hermann Maier en cours complet - 9ème place - 24 janvier 2004 * [http://www.youtube.com/watch?v=mjgF6ydTMDc Vidéo YouTube] - Couverture de la course 2004 par ORF (Austrian Broadcasting) - 24 janvier 2004 * [http://www.youtube.com/watch?v=oA0QzVsOmg0 Vidéo YouTube] - Bode Miller skie sur la clôture à la sortie de Steilhang et prend la 2e place - 19 janvier 2008 * [http://www.youtube.com/watch?v=0DsjocfcUtA Vidéo YouTube] - crash de Scott Macartney à Zielsprung, prend la 33ème place - 19 janvier 2008 * [http://www.youtube.com/watch?v=yqQUtJY_BVE Vidéo YouTube] - crash de Daniel Albrecht à Zielsprung - entraînement du jeudi - 22 janvier 2009 * [http://www.youtube.com/watch?v=7i7nCtp-Z7g Vidéo YouTube] - Didier Défago remporte le Hahnenkamm 2009 sur parcours complet - 24 janvier 2009 * [http://www.youtube.com/watch?v=FT-n09BuL7Q Vidéo YouTube] - crash de Hans Grugger à Mausefalle - entraînement du jeudi - 20 janvier 2011 Divers - Vertical vers le haut À l'aube du 25 février 2011, la première course Streif VerticalUp avec départ groupé a eu lieu. Pas de règles, juste le parcours de la course à ski, mais en "classe sac à dos" sur la piste de ski familiale la moins raide. 79 en classe vitesse et 116 avec sac à dos atteignent l'objectif : le stand de départ de la course de ski. Sur des chaussures à crampons, avec des pics ou des bâtons de ski, des raquettes à neige, des skis de randonnée ou de fond, peu importe. L'homme le plus rapide (Urban Zemmer (ITA) 0h32:52) et le deuxième plus rapide ainsi que la femme la plus rapide (Barbara Exenberger (AUT) - 0h54:47) ont tous été dans la sous-classe "over40" et ont utilisé des skis de randonnée. Voir http://www.verticalup.at/ . Notes et références

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Combien de vers y a-t-il dans un sonnet ?

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Un sonnet est une forme poétique originaire d’Italie ; Giacomo Da Lentini est crédité de son invention. Le terme sonnet est dérivé du mot italien sonetto (du vieux provençal sonet un petit poème, de son chanson, du latin sonus un son). Au XIIIe siècle, cela signifiait un poème de quatorze vers qui suivait un schéma de rimes strict et une structure spécifique. Les conventions associées au sonnet ont évolué au cours de son histoire. Les auteurs de sonnets sont parfois appelés « sonnetaires », bien que le terme puisse être utilisé avec dérision. Sonnet de Pétrarque Le sonnet a été créé par Giacomo da Lentini, directeur de l'école sicilienne sous l'empereur Frédéric II. Guittone d'Arezzo le redécouvre et l'apporte en Toscane où il l'adapte à sa langue en fondant l'école néo-sicilienne (1235-1294). Il a écrit près de 250 sonnets. D'autres poètes italiens de l'époque, dont Dante Alighieri (1265-1321) et Guido Cavalcanti (vers 1250-1300), ont écrit des sonnets, mais le premier sonnete le plus célèbre était Petrarca (connu en anglais sous le nom de Pétrarque). D'autres beaux exemples ont été écrits par Michel-Ange. La structure d'un sonnet italien typique de l'époque comprenait deux parties qui formaient ensemble une forme compacte d'« argument ». Tout d'abord, l'octave (deux quatrains) forme la « proposition », qui décrit un « problème » ou une « question », suivie d'un sestet (deux tercets), qui propose une « résolution ». Généralement, la neuvième ligne initie ce qu'on appelle le « tour » ou « volta », qui signale le passage de la proposition à la résolution. Même dans les sonnets qui ne suivent pas strictement la structure problème/résolution, le neuvième vers marque encore souvent un « tournant » en signalant un changement dans le ton, l'ambiance ou la position du poème. Plus tard, le modèle abba, abba est devenu la norme pour les sonnets italiens. Pour le sestet, il y avait deux possibilités différentes : cde, cde et cdc, cdc. Au fil du temps, d'autres variantes de ce schéma de rimes ont été introduites, comme cdcdcd. Pétrarque utilisait généralement un modèle abba, abba pour l'octave, suivi de rimes cde, cde ou cdc, cdc dans le sestet. (Les symétries (abba vs cdc) de ces schémas de rimes ont également été rendues dans la structure musicale dans la composition de la fin du XXe siècle Scrivo in Vento inspirée du Sonnet 212 de Pétrarque, Beato in Sogno.) En anglais, le sonnet anglais ou shakespearien et le sonnet italien de Pétrarque sont traditionnellement écrits en pentamètre iambique. Les premiers sonnets connus en anglais, écrits par Sir Thomas Wyatt et Henry Howard, comte de Surrey, utilisaient la forme italienne Petrarchan, tout comme les sonnets de poètes anglais ultérieurs, notamment John Milton, Thomas Gray, William Wordsworth et Elizabeth Barrett Browning. La poète américaine du début du XXe siècle, Edna St. Vincent Millay, a également écrit principalement des sonnets de Pétrarque. Sur His Blindness de Milton, donne une idée du schéma de rimes pétrarque : Quand je considère comment ma lumière est dépensée (a) Avant la moitié de mes jours, dans ce monde sombre et vaste, (b) Et ce talent qu'est la mort à cacher, (b) Logé chez moi inutile, même si mon âme est plus courbée (a) Pour servir avec cela mon Créateur et présenter (a) Mon vrai récit, de peur qu'il ne revienne gronder ; (b) "Dieu exige-t-il un travail journalier, la lumière étant refusée ?" (b) Je demande affectueusement ; mais Patience pour éviter (a) Ce murmure répond bientôt : "Dieu n'a pas besoin (c) Soit le travail de l'homme, soit ses propres dons ; qui est le meilleur (d) Supportez son joug doux, ils lui servent le mieux. Son état (e) Est royal. Des milliers à sa vitesse d'enchère (c) Et postez sur terre et sur océan sans repos ; (d) Ils servent aussi ceux qui se contentent de rester debout et d'attendre. » (e) La variante de Dante La plupart des sonnets de La Vita Nuova de Dante sont des Pétrarques. Le chapitre VII donne le sonnet "O voi che per la via", avec deux setets (AABAAB AABAAB) et deux quatrains (CDDC CDDC), et Ch. VIII, "Morte villana", avec deux sestets (AABBBA AABBBA) et deux quatrains (CDDC CDDC). Sonnet occitan Le seul sonnet survivant confirmé en langue occitane est daté avec certitude de 1284 et n'est conservé que dans le manuscrit troubadour P, un chansonnier italien de 1310, aujourd'hui XLI.42 à la Biblioteca Laurenziana de Florence. Bertoni, 119. Il a été écrit par Paolo Lanfranchi da Pistoia et est adressée à Pierre III d'Aragon. Il utilise le schéma de rimes a-b-a-b, a-b-a-b, c-d-c-d-c-d. Ce poème est historiquement intéressant pour ses informations sur les perspectives du nord de l'Italie concernant la guerre des Vêpres siciliennes, le conflit entre les Angevins et les Aragonais pour la Sicile. Pierre III et la cause aragonaise étaient alors populaires dans le nord de l'Italie et le sonnet de Paolo célèbre sa victoire sur les Angevins et les Capétiens lors de la croisade aragonaise : Un sonnet occitan, daté de 1321 et attribué à un certain "Guillaume d'Almarichi", se trouve chez Jean de Nostredame et cité dans l'Istoria della volgar poesia de Giovanni Mario Crescimbeni. Il félicite Robert de Naples pour sa récente victoire. Son authenticité est douteuse. Il existe également deux sonnets mal considérés de l'Italien Dante de Maiano. Sonnet en France Au XVIe siècle, autour de Ronsard (1524 – 1585)), Joachim du Bellay (1522 – 1560) et Jean Antoine de Baïf (1532 – 1589), se forme un groupe de jeunes poètes nobles radicaux de la cour (généralement connus aujourd'hui sous le nom de La Pléiade, bien que l'usage de ce terme soit controversé), qui commença à écrire, entre autres formes de poésie, le cycle de sonnets de Pétrarque (développé autour d'une rencontre amoureuse ou d'une femme idéalisée). Le caractère du programme littéraire de La Pléiade a été donné dans le manifeste de Du Bellay, « Défense et illustration de la langue française » (1549), qui soutenait que le français (comme le toscan de Pétrarque et de Dante) était une langue digne d'expression littéraire et qui promulgué un programme de production linguistique et littéraire (y compris l'imitation des genres latins et grecs) et de purification. À la fin du XVIIe siècle, les poètes s'appuyaient de plus en plus sur des formes de strophes incorporant des distiques rimés, et au XVIIIe siècle, les poèmes de forme fixe – et, en particulier, le sonnet – étaient largement évités. La versification qui en résulte – moins contrainte par les modèles de mètres et de rimes que la poésie de la Renaissance – reflète plus fidèlement la prose. Les romantiques furent à l'origine du retour (et parfois d'une modification) de nombreux poèmes de forme fixe utilisés aux XVe et XVIe siècles, ainsi que de la création de nouvelles formes. Le sonnet fut cependant peu utilisé jusqu'à ce que les Parnassiens le ramènent en faveur, et le sonnet trouvera par la suite son praticien le plus important en Charles Baudelaire (1821 – 1867). La forme traditionnelle du sonnet français a cependant été considérablement modifiée par Baudelaire, qui a utilisé avec beaucoup d'effet 32 ​​formes différentes de sonnet avec des motifs de rimes non traditionnels dans ses Fleurs du mal. Sonnet en Angleterre Renaissance Lorsque les sonnets anglais furent introduits par Thomas Wyatt (1503 – 1542) au début du XVIe siècle, ses sonnets et ceux de son contemporain le comte de Surrey étaient principalement des traductions de l'italien de Pétrarque et du français de Ronsard et d'autres. Alors que Wyatt a introduit le sonnet en anglais, c'est Surrey qui a développé le système de rimes – abab cdcd efef gg – qui caractérise désormais le sonnet anglais. Ayant auparavant circulé uniquement sous forme de manuscrits, les sonnets des deux poètes ont été publiés pour la première fois dans Songes and Sonnetts de Richard Tottel, mieux connu sous le nom de Tottel's Miscellany (1557). C'est cependant la séquence Astrophel et Stella (1591) de Sir Philip Sidney qui a lancé la vogue anglaise des séquences de sonnets. Les deux décennies suivantes ont vu des séquences de sonnets de William Shakespeare, Edmund Spenser, Michael Drayton, Samuel Daniel, Fulke Greville, William Drummond of Hawthornden et bien d'autres. Ces sonnets sont tous essentiellement inspirés de la tradition pétrarquienne et traitent généralement de l'amour du poète pour une femme, à l'exception de la séquence de 154 sonnets de Shakespeare. La forme porte souvent le nom de Shakespeare, non pas parce qu'il a été le premier à écrire sous cette forme, mais parce qu'il en est devenu le praticien le plus célèbre. La forme se compose de quatorze vers structurés en trois quatrains et un distique. Le troisième quatrain introduit généralement un «tournant» thématique ou imagiste inattendu, la volta. Dans les sonnets de Shakespeare, cependant, la volta apparaît généralement dans le couplet et résume généralement le thème du poème ou introduit un nouveau regard sur le thème. À de rares exceptions près, le mètre est un pentamètre iambique. Cet exemple, le « Sonnet 116 » de Shakespeare, illustre la forme (avec quelques variations typiques auxquelles on peut s'attendre en lisant un sonnet de l'ère élisabéthaine avec des yeux modernes) : Ne me laisse pas aller au mariage des vrais esprits (a) Admettez les obstacles, l'amour n'est pas l'amour (b)* Ce qui change quand il y a une altération, (a) Ou se plie avec le dissolvant pour l'enlever. (b)* O non, c'est une marque toujours fixe (c)** Celui qui regarde les tempêtes et n'est jamais ébranlé ; (d)*** C'est la star de chaque aboiement de baguette magique, (c)** Dont la valeur est inconnue bien que sa taille soit prise. (d)*** L'amour n'est pas un imbécile, même si les lèvres et les joues sont roses (e) Dans la boussole de sa faucille courbée, viens, (f)* L'amour ne change pas avec ses brèves heures et semaines, (e) Mais cela tient même jusqu'au bord du malheur : (f)* Si c'est une erreur et que cela m'a été prouvé, (g)* Je n’ai jamais écrit, et aucun homme n’a jamais aimé. (g)* * PRONONCIATION/RIMÉE : notez les changements de prononciation depuis la composition. ** PRONONCIATION/MÈTRE : "Fixed" prononcé en deux syllabes, "fixed". *** RYME/MÈTRE : Alternative de onze syllabes à fin de rime féminine. Le prologue de Roméo et Juliette est également un sonnet, tout comme le premier échange de Roméo et Juliette dans le premier acte, scène cinq, lignes 104 à 117, commençant par « Si je profane de ma main la plus indigne » (104) et se terminant par « Alors bouge pas pendant que je prends l'effet de ma prière" (117). L'épilogue d'Henri V se présente également sous la forme d'un sonnet. Sonnet spensérien Une variante de la forme anglaise est le sonnet spenserien, nommé d'après Edmund Spenser (c.1552-1599), dans lequel le schéma de rimes est abab, bcbc, cdcd, ee. Les rimes liées de ses quatrains suggèrent les rimes liées de formes italiennes telles que terza rima. Cet exemple est tiré d'Amoretti : Heureux votre départ ! alors que ces mains de lys Heureux que vous partiez. alors que ces mains de lys, (a) Qui retiennent ma vie dans leur puissance morte, (b) Je te gérerai et tiendrai les douces bandes de l'amour, (a) Comme des captifs tremblants à la vue du vainqueur. (b) Et des lignes heureuses sur lesquelles, avec une lumière étoilée, (b) Ces yeux brillants daigneront parfois regarder, (c) Et lis les chagrins de mon lutin mourant, (b) Écrit avec des larmes dans le livre qui saigne au cœur. (c) Et des rimes joyeuses ! baigné dans le ruisseau sacré (c) De Helicon, d'où elle dérive, (d) Quand vous voyez le regard béni de cet ange, (c) Mon âme a longtemps manqué de nourriture, mon bonheur céleste. (d) Les feuilles, les lignes et les rimes la cherchent pour plaire seule, (e) Qui, s'il vous plaît, je ne me soucie d'aucun autre. (e) 17ème siècle Au XVIIe siècle, le sonnet a été adapté à d'autres fins, avec John Donne et George Herbert écrivant des sonnets religieux (voir les Holy Sonnets de John Donne) et John Milton utilisant le sonnet comme poème méditatif général. Le sonnet le plus célèbre de Milton est probablement « Quand je considère comment ma lumière est dépensée », intitulé par un éditeur ultérieur « Sur sa cécité ». Les systèmes de rimes shakespearienne et pétrarquienne étaient populaires tout au long de cette période, ainsi que de nombreuses variantes. 19ème siècle La mode du sonnet s'est éteinte avec la Restauration, et pratiquement aucun sonnet n'a été écrit entre 1670 et l'époque de Wordsworth. Cependant, les sonnets reviennent en force avec la Révolution française. Wordsworth lui-même a écrit des centaines de sonnets, parmi lesquels parmi les plus connus figurent « Upon Westminster Bridge », « Le monde est trop avec nous » et « Londres, 1802 » adressé à Milton ; ses sonnets étaient essentiellement calqués sur ceux de Milton. Keats et Shelley ont également écrit des sonnets majeurs ; Les sonnets de Keats utilisaient des modèles formels et rhétoriques inspirés en partie par Shakespeare, et Shelley innovait radicalement, créant son propre schéma de rimes pour le sonnet « Ozymandias ». Des sonnets ont été écrits tout au long du XIXe siècle, mais, à part les Sonnets portugais d'Elizabeth Barrett Browning et les sonnets de Dante Gabriel Rossetti, il y a eu peu de sonnets traditionnels très réussis. Modern Love (1862) de George Meredith est un recueil de cinquante sonnets de 16 vers sur l'échec de son premier mariage. Gerard Manley Hopkins a écrit plusieurs sonnets majeurs, souvent au rythme sauté, comme "The Windhover", ainsi que plusieurs variantes de sonnet telles que le sonnet court de 10 lignes "Pied Beauty" et le sonnet caudé de 24 lignes "That Nature is a Heraclitean". Feu". La poésie de Hopkin ne fut cependant publiée qu'en 1918. À la fin du XIXe siècle, le sonnet avait été adapté en une forme générale d'une grande flexibilité. Au Canada, au cours des dernières décennies du siècle, les poètes de la Confédération, et particulièrement Archibald Lampman, étaient connus pour leurs sonnets, principalement sur des thèmes pastoraux. 20ième siècle Cette flexibilité s'est encore étendue au XXe siècle. Parmi les poètes majeurs du début de la période moderniste, Robert Frost, Edna St. Vincent Millay et E. E. Cummings utilisaient tous régulièrement le sonnet. William Butler Yeats a écrit le sonnet majeur "Leda and the Swan", qui utilise des demi-rimes. Le sonnet de Wilfred Owen « Anthem for Doomed Youth » est un autre sonnet du début du 20e siècle. L'Espagnol Federico García Lorca a également écrit des sonnets. W. H. Auden a écrit deux séquences de sonnets et plusieurs autres sonnets tout au long de sa carrière, et a considérablement élargi la gamme des schémas de rimes utilisés. Auden a également écrit l'un des premiers sonnets sans rimes en anglais, "The Secret Agent" (1928). Robert Lowell a écrit cinq livres de « sonnets américains » sans rimes, dont son volume The Dolphin (1973), lauréat du prix Pulitzer. Les sonnets à moitié rimés, sans rimes et même non métriques sont très populaires depuis 1950 ; Les meilleures œuvres du genre sont peut-être les Glanmore Sonnets and Clearances de Seamus Heaney, qui utilisent tous deux des demi-rimes, et la séquence de mi-période de Geoffrey Hill « An Apology for the Revival of Christian Architecture in England ». Les années 1990 ont cependant vu une sorte de renouveau formaliste et plusieurs sonnets traditionnels ont été écrits au cours de la dernière décennie. D'autres poètes modernes, dont Don Paterson, Joan Brossa et Paul Muldoon, ont utilisé cette forme. Le poème « Stress » de Wendy Cope est un sonnet. Le « Sonnet » inversé d'Elizabeth Bishop fut l'un de ses derniers poèmes. Le livre de Ted Berrigan, The Sonnets, est une vision saisissante et curieuse de la forme. Paul Muldoon expérimente souvent avec 14 vers et des rimes de sonnet, mais sans compteur de sonnet régulier. L'avènement du mouvement du Nouveau Formalisme aux États-Unis a également contribué à l'intérêt contemporain pour le sonnet. Cela inclut l'invention du mot sonnet, qui sont des poèmes de quatorze vers, avec un mot par vers. Souvent allusifs et imagés, ils peuvent aussi être irrévérencieux et ludiques. Le poète canadien Seymour Mayne a publié quelques recueils de sonnets de mots et est l'un des principaux innovateurs de cette forme. Les sonnets de mots contemporains combinent une variation de styles souvent considérés comme mutuellement exclusifs à des genres distincts, comme le démontrent des œuvres telles que « An Ode to Mary ». En allemand Paulus Melissus (1539 – 1602) fut le premier à utiliser le sonnet et la terza rima dans les paroles allemandes. De son vivant, il fut reconnu comme un auteur parfaitement versé dans la poésie amoureuse latine. Les Sonnets à Orphée sont un cycle de 55 sonnets écrits en 1922 par le poète bohémien-autrichien Rainer Maria Rilke (1875-1926). Il a été publié pour la première fois l'année suivante. Rilke, qui est « largement reconnu comme l'un des poètes de langue allemande les plus intenses sur le plan lyrique », a écrit le cycle en trois semaines, traversant ce qu'il a décrit comme une « tempête créatrice sauvage ». Inspiré par la nouvelle de la mort de Wera Ouckama Knoop (1900-1919), une camarade de jeu de Ruth, la fille de Rilke, il les dédia comme mémorial, ou ' (littéralement « pierre tombale »), à sa mémoire. Sonnet ourdou Dans le sous-continent indien, des sonnets ont été écrits en langues assamais, bengali, dogri, anglais, gujarati, hindi, cachemirien, malayalam, manipuri, marathi, népalais, oriya, sindhi et ourdou. Les poètes ourdous, également influencés par les poètes anglais et européens, se sont mis assez tard à écrire des sonnets en langue ourdou. Azmatullah Khan (1887-1923) aurait introduit ce format dans la littérature ourdou au tout début du XXe siècle. Les autres poètes ourdous renommés qui ont écrit des sonnets étaient Akhtar Junagarhi, Akhtar Sheerani, Noon Meem Rashid, Mehr Lal Soni Zia Fatehabadi, Salaam Machhalishahari et Wazir Agha. Cet exemple, un sonnet de Zia Fatehabadi tiré de sa collection Meri Tasveer, est dans le schéma de rimes habituel du sonnet anglais (Shakespearien). "Dubkani" Près de ce rideau, quelqu'un a interrompu le rassemblement de mes désirs. J'ai vu quelque chose comme ça, j'ai vu quelque chose comme ça (B) Donne le soupir du ballon au miroir du coeur (A) J'ai regardé chaque visage vide, je l'ai regardé avec admiration (b) Je regarde cette vue que je désire (c) De nombreuses fouilles ont été faites dans le gulshan, dans les montagnes, dans les colonies (d) Munnawar Le monde a changé du jour à la nuit (c) du soir au soir ou au mois. Mais nous sommes tous dans ce groupe et nos personnalités sont (d) Qui a rendu le cœur et l'âme heureux (e) La profondeur de mes sentiments est remplie de chagrin (f) Après avoir détruit mon corps, qui a adopté mon âme (e) Les jeunes sont toujours tristes et tristes (f) Brisez le cycle du hijabat e nazar et venez aussi (c) Montre-moi ton charme coloré juste une fois. (G) Sonnet Pouchkine (Russie) Le roman en vers d'Alexandre Pouchkine Eugène Onéguine se compose presque entièrement de 389 strophes de tétramètre iambique avec le schéma de rimes inhabituel "AbAbCCddEffEgg", où les lettres majuscules représentent des rimes féminines tandis que les lettres minuscules représentent des rimes masculines. Cette forme est connue sous le nom de « strophe Onéguine » ou de « sonnet Pouchkine ». Contrairement à d'autres formes traditionnelles, telles que le sonnet de Pétrarque ou le sonnet shakespearien, la strophe d'Onéguine ne se divise pas de manière évidente en strophes plus petites de quatre ou deux vers. Il existe de nombreuses façons différentes de diviser ce sonnet. Dans la poésie russe post-Pouchkine, la forme a été utilisée par des auteurs aussi divers que Mikhaïl Lermontov, Vyacheslav Ivanov, Jurgis Baltrušaitis et Valery Pereleshin, dans des genres allant de la pièce lyrique à une strophe à l'autobiographie volumineuse. Néanmoins, la strophe d'Onéguine, facilement reconnaissable, est fortement identifiée comme appartenant à son créateur. "Les Illusionnistes" de John Fuller en 1980 et "Casse-Noisette" de Jon Stallworthy en 1987 ont utilisé cette forme de strophe, et le roman de Vikram Seth de 1986, Le Golden Gate, est entièrement écrit en strophes d'Onéguine. En polonais Le sonnet a été introduit dans la littérature polonaise au XVIe siècle par Jan Kochanowski, Mikołaj Sęp-Szarzyński et Sebastian Grabowiecki. Plus tard en 1826, Adam Mickiewicz a écrit une série connue sous le nom de Sonnets de Crimée, qui ont été traduits en anglais par Edna Worthley Underwood. Des sonnets ont également été écrits par Adam Asnyk, Jan Kasprowicz et Leopold Staff. Kasprowicz a utilisé un schéma de rimes shelleyan : aba bcb cdc ded ee.

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Quel a été le premier film des Beatles ?

A Hard Day's Night

Les Beatles sont apparus dans cinq films, dont la plupart ont été très bien accueillis. L'exception était le téléfilm (pour la plupart non scénarisé) Magical Mystery Tour qui a été critiqué tant par la critique que par le public. Chacun de leurs films portait le même nom que leur album de bande originale associé et une chanson de cet album. Films mettant en vedette les Beatles Nuit d'une dure journée Les Beatles ont eu une carrière cinématographique réussie, à commencer par A Hard Day's Night (1964), une farce comique au scénario vague, parfois comparée au style des Marx Brothers. Film en noir et blanc, il se concentrait sur la Beatlemania et le style de vie trépidant du groupe en tournée et a été réalisé par le jeune Richard Lester, connu pour avoir réalisé une version télévisée de la série radiophonique à succès de la BBC The Goon Show dans le rôle de ainsi que le court métrage décalé The Running, Jumping and Standing Still Film, avec Peter Sellers et Spike Milligan. A Hard Day's Night est un faux documentaire sur les quatre membres alors qu'ils se dirigent vers une émission de télévision londonienne. Le film, sorti au plus fort de la Beatlemania, a été bien accueilli par la critique et reste l'une des comédies musicales de juke-box les plus influentes. Aide! En 1965 est venu Help ! ; une extravagance Eastmancolour, également dirigée par Lester. Le film a été tourné dans des lieux exotiques (comme la plaine de Salisbury, avec Stonehenge visible en arrière-plan ; les Bahamas ; Salzbourg et les Alpes autrichiennes) dans le style d'une parodie de M. Magoo avec encore plus de folie à la Marx Brothers : par exemple , le film est dédié « à Elias Howe, qui, en 1846, inventa la machine à coudre ». C'était le premier film des Beatles tourné en couleur. Visite mystère magique Le film Magical Mystery Tour était essentiellement l'idée de McCartney, qui a été imaginée alors qu'il revenait d'un voyage aux États-Unis à la fin du printemps 1967, et a été vaguement inspirée par la couverture médiatique que McCartney avait lue sur le film américain alimenté au LSD de Ken Kesey. l'odyssée des autobus. McCartney s'est senti inspiré pour reprendre cette idée et la mélanger avec la tradition ouvrière particulièrement anglaise des visites mystères charabanc, dans lesquelles les enfants faisaient des promenades en bus chaperonnées à travers la campagne anglaise, vers une destination inconnue. Le film a été critiqué lors de sa diffusion sur le premier réseau de télévision de la BBC, BBC-1, le lendemain de Noël – une journée principalement consacrée au « divertissement familial et convivial » traditionnel. Bien que le film ait une importance historique en tant que première avancée dans l’ère du vidéoclip, à l’époque, de nombreux téléspectateurs le trouvaient sans intrigue et déroutant. Ce choc culturel était aggravé par le fait que le film était réalisé en couleur et utilisait des filtres de couleur pour certaines scènes - en particulier dans une séquence de "Blue Jay Way" - mais en décembre 1967, pratiquement personne au Royaume-Uni ne possédait un récepteur couleur, le service ayant démarré seulement quelques mois plus tôt. Sous-marin jaune L'animation Yellow Submarine a suivi en 1968, mais a eu peu de contribution directe des Beatles, à l'exception d'un épilogue en direct et de la contribution de cinq nouvelles chansons (dont "Only a Northern Song", un morceau inédit des sessions de Sgt. Pepper) . Il a été plébiscité pour son style graphique audacieusement innovant. Les Beatles auraient été satisfaits du résultat et auraient assisté à la première très médiatisée du film à Londres. Qu'il en soit ainsi Let It Be était un documentaire malheureux sur le groupe qui a été tourné sur une période de quatre semaines en janvier 1969. Le documentaire — qui se voulait à l'origine être simplement une chronique de l'évolution d'un album et de l'éventuel retour du groupe sur scène performances - a capturé les tensions dominantes entre les membres du groupe et, à cet égard, il est devenu involontairement un document du début de leur rupture. Le groupe a initialement rejeté à la fois le film et l'album, enregistrant et publiant à la place l'album Abbey Road. Mais avec autant d'argent dépensé pour le projet, il fut décidé de terminer et de sortir le film et l'album (ce dernier avec une post-production considérable de Phil Spector) au printemps 1970. Lorsque le film parut finalement, il C'était après l'annonce de la rupture, ce qui a donné à la description du film de l'acrimonie du groupe et aux tentatives de retrouver l'esprit du groupe un caractère poignant. Projets individuels À la fin de 1966, John Lennon a pris un congé pour jouer un personnage secondaire, Gripweed, dans un film intitulé Comment j'ai gagné la guerre, également réalisé par Lester. C'était une satire des films de la Seconde Guerre mondiale, et son humour britannique sec et ironique n'a pas été bien accueilli par le public américain. Il produira plus tard des films d'avant-garde avec sa seconde épouse Yoko Ono, comme Rape, produit pour la chaîne de télévision autrichienne ORF. En 1969, Ringo Starr succède à Peter Sellers dans la comédie satirique The Magic Christian, dans un rôle écrit spécialement pour lui. En 1971, Starr a joué le rôle de Frank Zappa dans le film culte épique de Zappa sur un groupe de rock and roll en tournée, intitulé 200 Motels. En 1973, Ringo a joué le rôle de Mike dans That'll Be The Day avec David Essex dans le rôle de Jim MacLaine. En 1974, Ringo a joué avec le musicien Harry Nilsson dans le film Son of Dracula et en 1981, dans le film Caveman avec Shelley Long. Starr s'est ensuite lancé dans une carrière irrégulière dans les films de comédie au début des années 1980, et son intérêt pour le sujet l'a amené à être le plus actif du groupe dans la division cinéma d'Apple Corps, même si c'est Harrison qui obtiendra le plus de succès en tant que un producteur de films (La vie de Brian, Mona Lisa, Time Bandits, Shanghai Surprise, Withnail et moi) et a même fait des apparitions dans certains d'entre eux (y compris un journaliste dans All You Need Is Cash). Paul McCartney est apparu dans un rôle de camée dans le film Eat the Rich de Peter Richardson en 1987 et a sorti son propre film Give My Regards to Broad Street en 1984 dans lequel Ringo Starr a joué. Films non réalisés Au cours des années 1960, de nombreuses idées de films ont été proposées, mais celles-ci ont été soit rejetées, soit n'ont jamais vu le jour ; ces projets comprenaient A Talent for Loving, un western écrit par Richard Condon ; Nuances d'une personnalité ; des versions cinématographiques du Seigneur des Anneaux et des Trois Mousquetaires mettant en vedette le groupe (bien que Richard Lester, qui a réalisé les deux premiers films du groupe, ait ensuite réalisé sa propre version des Trois Mousquetaires en 1973), et un scénario du dramaturge Joe Orton appelé Up Against It. Documentaires Les Beatles ont fait l'objet de nombreux films documentaires. * Les Beatles au Shea Stadium * Les Beatles complets * Les Beatles : la première visite aux États-Unis * L'anthologie des Beatles * Tous ensemble maintenant * Good Ol' Freda (3 décembre 2013) Documentaire sur Freda Kelly, secrétaire de Brian Epstein et du Fan Club des Beatles et sa vie proche des Fab Four pendant 11 ans. *Les Beatles : huit jours par semaine Films promotionnels * "Pluie" * "Écrivain de livres de poche" * "Champs de fraises pour toujours" * "Penny Lane" * "Un jour dans la vie" * "Bonjour au revoir" * "Dame Madone" * "Hé Jude" * "Révolution" * "Quelque chose" Beatles fictifs * Naissance des Beatles (1979), axé sur la période allant de ca. 1957 à l'école des beaux-arts jusqu'au premier numéro un à Hambourg * Beatlemania (1981), une version cinématographique mal reçue du spectacle de Broadway du même nom * The Hours and Times (1991), spéculation sur le week-end que Brian Epstein et John Lennon ont passé ensemble à Barcelone en 1963 * Backbeat (1994), l'histoire de Stuart Sutcliffe * The Linda McCartney Story (2000), un téléfilm couvrant la relation entre Paul McCartney et Linda Eastman. * Two of Us (2000), couvrant une rencontre au milieu des années 1970 entre Paul McCartney et John Lennon * In His Life : The John Lennon Story (2000), axé sur la période de 1957 à 1964. * Nowhere Boy (2009), un biopic de John Lennon, axé sur son adolescence * Lennon Naked (2010), un téléfilm basé sur la vie de Lennon de 1967 à 1971 avec Christopher Eccleston dans le rôle de John Lennon Inspiré des Beatles Plusieurs films de fiction ne représentant pas les Beatles ont été entièrement basés sur des thèmes et des chansons des Beatles. *Pinoy Beatles (1964), une comédie musicale tagalog réalisée aux Philippines. Il est sorti 3 mois après A Hard Day's Night *The Girls on the Beach (1965), un film de fête sur la plage dans lequel des étudiantes croient à tort que les Beatles vont se produire lors de la collecte de fonds de leur sororité. *All This and World War II (1976), documentaire sur la Seconde Guerre mondiale utilisant la musique des Beatles *Sergent. Pepper's Lonely Hearts Club Band (1978), une comédie musicale basée sur l'album du même nom des Beatles *Je veux te tenir la main (1978), un film sur le passage à l'âge adulte sur la Beatlemania *All You Need Is Cash (1978), faux documentaire télévisé mettant en vedette The Rutles, une parodie des Beatles *Secrets (1992), un drame sur cinq adolescents australiens enfermés dans le sous-sol d'un hôtel où séjournent les Beatles *I Am Sam (2001), un drame sur l'histoire d'un père handicapé intellectuel qui aime les Beatles et ses efforts pour conserver la garde de sa fille *The Rutles 2 : Can't Buy Me Lunch (2005), faux documentaire mettant en vedette The Rutles *Across the Universe (2007), une comédie musicale *Beatles (2014) Film norvégien basé sur les Beatles (roman) écrit par Lars Saabye Christensen. Il s'agit d'environ cinq garçons en septième année, ils vivent dans la partie ouest d'Oslo, ils sont tous de grands fans du groupe "The Beatles". Autre * Le film autobiographique de Howard Kaylan, My Dinner with Jimi, de 2003, raconte l'histoire de la première tournée de Kaylan et de son groupe The Turtles en Angleterre, où ils ont rencontré de nombreuses stars du rock britannique, dont les Beatles. John Lennon a été interprété par Brian Groh ; Paul McCartney, de Quinton Flynn ; George Harrison, de Nate Dushku et Ringo Starr, de Ben Bodé. * Dans le film biopic simulé de 2007 Walk Hard: The Dewey Cox Story, Dewey Cox et ses camarades du groupe se rendent en Inde pour prier avec le Maharishi. Là, ils rencontrent les Beatles intentionnellement mal interprétés avec Paul Rudd, Jack Black, Justin Long et Jason Schwartzman dans le rôle de John, Paul, George et Ringo, respectivement. * Les vautours du film Le Livre de la Jungle de 1967 sont considérés comme des caricatures des Beatles. Les Beatles devaient initialement les exprimer, mais ont ensuite refusé en raison de conflits d'horaire.

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Combien d’États américains portent le préfixe New ?

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Les États-Unis d'Amérique (USA), communément appelés États-Unis (États-Unis) ou Amérique, sont une république fédérale composée de 50 États, du district fédéral de Washington, D.C., de cinq principaux territoires autonomes et de diverses possessions. Les 48 États et districts fédéraux contigus se trouvent au centre de l'Amérique du Nord, entre le Canada et le Mexique, l'État de l'Alaska se trouvant dans la partie nord-ouest de l'Amérique du Nord et l'État d'Hawaï comprenant un archipel au milieu du Pacifique. Les territoires sont dispersés autour de l'océan Pacifique et de la mer des Caraïbes. Avec une superficie de 3,8 millions de miles carrés (9,8 millions de km2) et une population de plus de 320 millions d'habitants, les États-Unis sont le troisième plus grand pays du monde en termes de superficie totale (et le quatrième en termes de superficie) et le troisième plus peuplé. C'est l'une des nations les plus diversifiées sur le plan ethnique et multiculturelle au monde, fruit d'une immigration à grande échelle en provenance de nombreux autres pays. La géographie et le climat sont également extrêmement diversifiés et le pays abrite une faune sauvage très variée. Les Paléo-Indiens ont migré d'Asie vers le continent nord-américain il y a au moins 15 000 ans, la colonisation européenne ayant débuté au XVIe siècle. Les États-Unis sont issus de 13 colonies britanniques situées le long de la côte Est. De nombreux conflits entre la Grande-Bretagne et les colonies ont conduit à la Révolution américaine, qui a débuté en 1775. Le 4 juillet 1776, alors que les colonies combattaient la Grande-Bretagne dans le cadre de la guerre d'indépendance américaine, les délégués des 13 colonies ont adopté à l'unanimité la Déclaration d'indépendance. La guerre prit fin en 1783 avec la reconnaissance de l'indépendance des États-Unis par la Grande-Bretagne et fut la première guerre d'indépendance réussie contre un empire colonial européen.Greene, Jack P. ; Pole, J.R., éd. (2008). Un compagnon de la Révolution américaine. pp. 352-361. La constitution actuelle a été adoptée en 1788, après que les articles de la Confédération, adoptés en 1781, aient été jugés insuffisants pour accorder des pouvoirs fédéraux. Les dix premiers amendements, collectivement appelés Déclaration des droits, ont été ratifiés en 1791 et conçus pour garantir de nombreuses libertés civiles fondamentales. Les États-Unis se sont lancés dans une expansion vigoureuse à travers l'Amérique du Nord tout au long du XIXe siècle, déplaçant les tribus amérindiennes, acquérant de nouveaux territoires et admettant progressivement de nouveaux États jusqu'à ce qu'ils s'étendent sur le continent en 1848. Au cours de la seconde moitié du XIXe siècle, l'American Civil La guerre a conduit à la fin de l'esclavage légal dans le pays. À la fin de ce siècle, les États-Unis s’étendaient jusqu’à l’océan Pacifique et leur économie, tirée en grande partie par la révolution industrielle, commençait à prendre son essor. La guerre hispano-américaine a confirmé le statut du pays en tant que puissance militaire mondiale. Les États-Unis sont devenus une superpuissance mondiale, le premier pays à développer des armes nucléaires, le seul pays à les utiliser dans des guerres et un membre permanent du Conseil de sécurité des Nations Unies. La fin de la guerre froide et la dissolution de l’Union soviétique en 1991 ont fait des États-Unis la seule superpuissance mondiale. Les États-Unis sont un pays très développé, avec la plus grande économie du monde en termes de PIB nominal et réel. Il se classe parmi les meilleurs dans plusieurs mesures de performance socio-économique, notamment le salaire moyen, le développement humain, le PIB par habitant et la productivité par personne. Alors que l’économie américaine est considérée comme post-industrielle, caractérisée par la domination des services, le secteur manufacturier reste le deuxième au monde. Bien que leur population ne représente que 4,4 % de la population mondiale, les États-Unis représentent près d'un quart du PIB mondial et près d'un tiers des dépenses militaires mondiales, ce qui en fait la première puissance militaire et économique du monde. Les États-Unis sont une force politique et culturelle de premier plan au niveau international et un leader en matière de recherche scientifique et d'innovations technologiques. Cohen, 2004 : History and the HyperpowerBBC, avril 2008 : Country Profile : United States of America Étymologie En 1507, le cartographe allemand Martin Waldseemüller a produit une carte du monde sur laquelle il a nommé les terres de l'hémisphère occidental « Amérique » en l'honneur de l'explorateur et cartographe italien Amerigo Vespucci (latin : Americus Vespucius). La première preuve de l'expression « États-Unis d'Amérique » se trouve dans une lettre du 2 janvier 1776, du bureau du général George Washington, qui exprimait son souhait d'apporter « les pleins et amples pouvoirs des États-Unis d'Amérique » à l'Espagne. pour contribuer à l’effort de guerre révolutionnaire. La première publication connue de l'expression « États-Unis d'Amérique » était dans un essai anonyme paru dans le journal The Virginia Gazette à Williamsburg, en Virginie, le 6 avril 1776. La deuxième ébauche des articles de la Confédération, préparée par John Dickinson et complétée par Le 17 juin 1776 au plus tard, il fut déclaré : « Le nom de cette Confédération sera les « États-Unis d'Amérique ». » La version finale des articles envoyés aux États pour ratification à la fin de 1777 contient la phrase « Le style de cette La Confédération sera « Les États-Unis d'Amérique ». En juin 1776, Thomas Jefferson a écrit l'expression « ÉTATS-UNIS D'AMÉRIQUE » en majuscules dans le titre de son « avant-projet original » de la Déclaration d'indépendance. n'a fait surface que le 21 juin 1776, et il n'est pas clair s'il a été écrit avant ou après que Dickinson ait utilisé le terme dans son projet du 17 juin des articles de la Confédération. Dans la version finale de la Déclaration du 4 juillet, le titre a été modifié. lire : "La Déclaration unanime des treize États-Unis d'Amérique". Le préambule de la Constitution stipule « ... établit cette Constitution pour les États-Unis d'Amérique ». La forme abrégée « États-Unis » est également standard. D'autres formes courantes sont les « États-Unis », les « États-Unis » et « l'Amérique ». Les noms familiers sont les « États-Unis d'Amérique ». et, au niveau international, les « États ». « Columbia », un nom populaire dans la poésie et les chansons de la fin des années 1700, tire son origine de Christophe Colomb ; il apparaît sous le nom « District de Columbia ». Dans les langues non anglaises, le nom est souvent la traduction des « États-Unis » ou des « États-Unis d'Amérique », et familièrement par « Amérique ». De plus, une abréviation (par exemple USA) est parfois utilisée. L'expression « États-Unis » était à l'origine au pluriel, une description d'un ensemble d'États indépendants – par exemple « les États-Unis sont » – y compris dans le treizième amendement à la Constitution des États-Unis, ratifié en 1865. La forme singulière – par exemple « les États-Unis sont » les États-Unis sont »- est devenu populaire après la fin de la guerre civile américaine. La forme singulière est désormais standard ; la forme plurielle est conservée dans l'idiome « ​​ces États-Unis ». La différence est plus significative que l’usage ; c'est une différence entre une collection d'états et une unité. Un citoyen des États-Unis est un « Américain ». "États-Unis", "Américain" et "U.S." faire référence au pays par un adjectif (« valeurs américaines », « forces américaines »). « Américain » fait rarement référence à des sujets qui ne sont pas liés aux États-Unis. Histoire Contact autochtone et européen Les premiers habitants de l'Amérique du Nord ont émigré de Sibérie via le pont terrestre de Béring et sont arrivés il y a au moins 15 000 ans, bien que de plus en plus de preuves suggèrent une arrivée encore plus précoce. Certaines, comme la culture mississippienne précolombienne, ont développé une agriculture avancée, une grande architecture et des sociétés au niveau de l'État. Après les premiers contacts des conquistadors espagnols, la population indigène a décliné pour diverses raisons, principalement à cause de maladies telles que la variole et la rougeole. La violence n'a pas été un facteur significatif dans le déclin global des Amérindiens, même si les conflits entre eux et avec les Européens ont affecté des tribus spécifiques et diverses colonies. Dans les îles hawaïennes, les premiers habitants indigènes sont arrivés vers 1 après JC en provenance de Polynésie. Les Européens dirigés par l'explorateur britannique, le capitaine James Cook, sont arrivés dans les îles hawaïennes en 1778. Au début de la colonisation, de nombreux colons européens ont été victimes de pénuries alimentaires, de maladies et d'attaques de la part des Amérindiens. Les Amérindiens étaient également souvent en guerre contre les tribus voisines et alliés aux Européens dans leurs guerres coloniales. Cependant, dans le même temps, de nombreux autochtones et colons en sont venus à dépendre les uns des autres. Les colons faisaient du commerce contre de la nourriture et des peaux d'animaux, les autochtones contre des armes, des munitions et d'autres marchandises européennes. Les autochtones ont enseigné à de nombreux colons où, quand et comment cultiver le maïs, les haricots et les courges. Les missionnaires européens et d'autres estimaient qu'il était important de « civiliser » les Amérindiens et les exhortaient à adopter les techniques agricoles et les modes de vie européens. Règlements Après que l'Espagne ait envoyé Colomb faire son premier voyage vers le Nouveau Monde en 1492, d'autres explorateurs ont suivi. Les Espagnols établirent de petites colonies au Nouveau-Mexique et en Floride. La France comptait plusieurs petites colonies le long du fleuve Mississippi. La colonisation anglaise réussie sur la côte est de l'Amérique du Nord a commencé avec la colonie de Virginie en 1607 à Jamestown et la colonie des pèlerins de Plymouth en 1620. Les premières expériences de vie en communauté ont échoué jusqu'à l'introduction des exploitations agricoles privées. De nombreux colons étaient des groupes chrétiens dissidents venus chercher la liberté religieuse. La première assemblée législative élue du continent, la Chambre des Bourgeois de Virginie créée en 1619, et le Mayflower Compact, signé par les pèlerins avant leur débarquement, ont établi des précédents pour le modèle d'autonomie représentative et de constitutionnalisme qui se développerait dans toutes les colonies américaines. La plupart des colons de chaque colonie étaient de petits agriculteurs, mais d'autres industries se sont développées en quelques décennies, aussi variées que les colonies. Les cultures commerciales comprenaient le tabac, le riz et le blé. Les industries d'extraction se sont développées dans les domaines des fourrures, de la pêche et du bois. Les fabricants produisaient du rhum et des navires et, à la fin de la période coloniale, les Américains produisaient un septième de la production mondiale de fer. Les villes ont finalement parsemé la côte pour soutenir les économies locales et servir de pôles commerciaux. Les colons anglais ont été complétés par des vagues de groupes écossais-irlandais et autres. À mesure que les terres côtières devenaient de plus en plus chères, les serviteurs sous contrat libérés poussèrent plus à l'ouest. La culture de rente par les esclaves a commencé avec les Espagnols dans les années 1500 et a été adoptée par les Anglais, mais l'espérance de vie était beaucoup plus élevée en Amérique du Nord en raison de la diminution des maladies et de l'amélioration de la nourriture et des traitements, ce qui a entraîné une augmentation rapide du nombre d'esclaves. La société coloniale était largement divisée sur les implications religieuses et morales de l'esclavage et les colonies ont adopté des lois pour et contre cette pratique. Lien, 1913, p. 522Davis, 1996, p. 7 Mais au tournant du XVIIIe siècle, les esclaves africains remplaçaient les serviteurs sous contrat pour le travail dans les cultures de rente, en particulier dans les régions du sud. Avec la colonisation britannique de la Géorgie en 1732, les 13 colonies qui allaient devenir les États-Unis d'Amérique furent établies. Tous avaient des gouvernements locaux avec des élections ouvertes à la plupart des hommes libres, avec un dévouement croissant aux anciens droits des Anglais et un sentiment d'autonomie stimulant le soutien au républicanisme. Avec des taux de natalité extrêmement élevés, de faibles taux de mortalité et une installation stable, la population coloniale a augmenté rapidement. Des populations amérindiennes relativement petites ont été éclipsées. Le mouvement de renouveau chrétien des années 1730 et 1740, connu sous le nom de Grand Réveil, a alimenté l’intérêt pour la religion et la liberté religieuse. Lors de la guerre française et indienne, les forces britanniques ont pris le Canada aux mains des Français, mais la population francophone est restée politiquement isolée des colonies du sud. En excluant les Amérindiens, qui étaient conquis et déplacés, ces 13 colonies comptaient plus de 2,1 millions d'habitants en 1770, soit environ un tiers de celle de la Grande-Bretagne. Malgré l’arrivée continue de nouveaux arrivants, le taux d’accroissement naturel était tel que dans les années 1770, seule une petite minorité d’Américains était née à l’étranger. L'éloignement des colonies de la Grande-Bretagne avait permis le développement de l'autonomie gouvernementale, mais leur succès incitait les monarques à chercher périodiquement à réaffirmer l'autorité royale. Indépendance et expansion (1776-1865) La guerre d’indépendance américaine a été la première guerre d’indépendance coloniale réussie contre une puissance européenne. Les Américains avaient développé une idéologie de « républicanisme » affirmant que le gouvernement reposait sur la volonté du peuple exprimée dans leurs législatures locales. Ils réclamaient leurs droits en tant qu'Anglais, « pas d'impôt sans représentation ». Les Britanniques ont insisté pour administrer l’empire par l’intermédiaire du Parlement, et le conflit a dégénéré en guerre. Suite à l'adoption de la résolution Lee, le 2 juillet 1776, qui constituait le véritable vote pour l'indépendance, le deuxième congrès continental adopta le 4 juillet la Déclaration d'indépendance, qui proclamait, dans un long préambule, que l'humanité est créée égale dans leurs droits inaliénables et que ces droits n'étaient pas protégés par la Grande-Bretagne, et déclara, selon les termes de la résolution, que les Treize Colonies étaient des États indépendants et n'avaient aucune allégeance à la couronne britannique aux États-Unis. Le quatrième jour du mois de juillet est célébré chaque année comme le Jour de l'Indépendance. En 1777, les articles de la Confédération établissent un gouvernement faible qui fonctionnera jusqu'en 1789. La Grande-Bretagne a reconnu l'indépendance des États-Unis après leur défaite à Yorktown. Dans le traité de paix de 1783, la souveraineté américaine a été reconnue depuis la côte atlantique jusqu’au fleuve Mississippi. Les nationalistes ont dirigé la Convention de Philadelphie de 1787 en rédigeant la Constitution des États-Unis, ratifiée dans les conventions des États en 1788. Le gouvernement fédéral a été réorganisé en trois branches, sur le principe de la création de freins et contrepoids salutaires, en 1789. George Washington, qui avait dirigé la Convention de Philadelphie de 1787. armée révolutionnaire à la victoire, fut le premier président élu selon la nouvelle constitution. La Déclaration des droits, interdisant la restriction fédérale des libertés individuelles et garantissant une série de protections juridiques, a été adoptée en 1791. Bien que le gouvernement fédéral ait criminalisé la traite internationale des esclaves en 1808, après 1820, la culture du coton, très rentable, a explosé dans le Grand Sud, et avec elle, la population esclave. Le Deuxième Grand Réveil, qui commença vers 1800, convertit des millions de personnes au protestantisme évangélique. Dans le Nord, il a dynamisé de multiples mouvements de réforme sociale, notamment l’abolitionnisme ; dans le Sud, méthodistes et baptistes faisaient du prosélytisme auprès des populations esclaves. L'empressement des Américains à s'étendre vers l'ouest a provoqué une longue série de guerres amérindiennes. L'achat par la Louisiane du territoire revendiqué par les Français en 1803 a presque doublé la taille de la nation. La guerre de 1812, déclarée contre la Grande-Bretagne à la suite de divers griefs et menée sur un score nul, a renforcé le nationalisme américain. Une série d'incursions militaires américaines en Floride a conduit l'Espagne à la céder ainsi que d'autres territoires de la côte du Golfe en 1819. L'expansion a été favorisée par la puissance de la vapeur, lorsque les bateaux à vapeur ont commencé à voyager le long des grands systèmes d'eau américains, qui étaient reliés par de nouveaux canaux, tels que l'Érié et l'Érié. l'I&M ; puis, des chemins de fer encore plus rapides ont commencé à s'étendre à travers le pays. De 1820 à 1850, la démocratie jacksonienne a entamé une série de réformes qui comprenaient un suffrage masculin plus large ; cela a conduit à la montée du système du deuxième parti composé de démocrates et de whigs en tant que partis dominants de 1828 à 1854. La piste des larmes dans les années 1830 illustre la politique d'expulsion des Indiens qui a déplacé les Indiens vers l'ouest vers leurs propres réserves. Les États-Unis ont annexé la République du Texas en 1845, au cours d’une période de destinée expansionniste manifeste. Le traité de l’Oregon de 1846 avec la Grande-Bretagne a conduit les États-Unis à prendre le contrôle de l’actuel nord-ouest américain. La victoire dans la guerre américano-mexicaine a abouti à la cession mexicaine de la Californie en 1848 et d'une grande partie du sud-ouest américain actuel. La ruée vers l'or en Californie de 1848 à 1849 a stimulé la migration vers l'ouest et la création d'États occidentaux supplémentaires. Après la guerre civile américaine, les nouveaux chemins de fer transcontinentaux ont facilité la réinstallation des colons, élargi le commerce intérieur et accru les conflits avec les Amérindiens. Pendant un demi-siècle, la perte du bison d'Amérique (parfois appelé « buffle ») a été un coup existentiel pour de nombreuses cultures des Indiens des Plaines. En 1869, une nouvelle politique de paix visait à protéger les Amérindiens contre les abus, à éviter de nouvelles guerres et à garantir leur éventuelle citoyenneté américaine, bien que des conflits, y compris plusieurs des plus grandes guerres indiennes, se soient poursuivis dans tout l'Occident jusque dans les années 1900. Smith (2001) , Subvention, pp. 523-526 Guerre civile et époque de reconstruction Les différences d'opinion et d'ordre social entre les États du nord et du sud au début de la société américaine, en particulier en ce qui concerne l'esclavage des Noirs, ont finalement conduit les États-Unis à entrer dans la guerre civile américaine. Initialement, les États entrant dans l'Union alternaient entre États esclaves et États libres, gardant un équilibre sectoriel au Sénat, tandis que les États libres devançaient les États esclavagistes en termes de population et à la Chambre des représentants. Mais avec l’ajout de territoires occidentaux et davantage d’États libres, les tensions entre États esclaves et États libres se sont intensifiées avec des disputes sur le fédéralisme et la répartition des territoires, sur l’opportunité et la manière d’étendre ou de restreindre l’esclavage. Avec l'élection en 1860 d'Abraham Lincoln, premier président du Parti républicain largement anti-esclavagiste, les conventions de treize États esclavagistes ont finalement déclaré la sécession et formé les États confédérés d'Amérique, tandis que le gouvernement américain maintenait que la sécession était illégale. La guerre qui s'ensuivit fut d'abord pour l'Union, puis après 1863, alors que les pertes augmentaient et que Lincoln délivrait sa proclamation d'émancipation, un deuxième objectif de guerre devint l'abolition de l'esclavage. Cette guerre reste le conflit militaire le plus meurtrier de l’histoire américaine, entraînant la mort d’environ 618 000 soldats ainsi que de nombreux civils. Après la victoire de l’Union en 1865, trois amendements à la Constitution américaine interdisèrent l’esclavage, accordèrent la citoyenneté américaine aux près de quatre millions d’Afro-Américains qui avaient été esclaves et leur promirent le droit de vote. La guerre et sa résolution ont conduit à une augmentation substantielle du pouvoir fédéral visant à réintégrer et à reconstruire les États du Sud tout en garantissant les droits des esclaves nouvellement libérés. Après l’ère de la reconstruction, dans tout le Sud, les lois Jim Crow ont rapidement privé de leurs droits la plupart des Noirs et certains Blancs pauvres. Au cours des décennies suivantes, tant au Nord qu’au Sud, les Noirs et certains Blancs ont été confrontés à une discrimination systémique, notamment à la ségrégation raciale et à des violences occasionnelles d’autodéfense, déclenchant des mouvements nationaux contre ces abus. Industrialisation Au Nord, l'urbanisation et un afflux sans précédent d'immigrants en provenance de l'Europe du Sud et de l'Est ont fourni un excédent de main-d'œuvre pour l'industrialisation du pays et transformé sa culture. Les infrastructures nationales, notamment le télégraphe et les chemins de fer transcontinentaux, ont stimulé la croissance économique et une plus grande colonisation et développement du vieil ouest américain. L’invention ultérieure de la lumière électrique et du téléphone affectera également la communication et la vie urbaine. La fin des guerres indiennes a encore élargi les superficies cultivées mécaniquement, augmentant ainsi les excédents pour les marchés internationaux. L'expansion du continent a été achevée par l'achat de l'Alaska à la Russie en 1867. En 1893, des éléments pro-américains à Hawaï ont renversé la monarchie et formé la République d'Hawaï, que les États-Unis ont annexée en 1898. Porto Rico, Guam et les Philippines ont été cédées. par l'Espagne la même année, à la suite de la guerre hispano-américaine. Le développement économique rapide de la fin du XIXe siècle a donné naissance à de nombreux industriels de premier plan et l’économie américaine est devenue la plus grande du monde. Des changements dramatiques se sont accompagnés de troubles sociaux et de la montée de mouvements populistes, socialistes et anarchistes. Cette période s'est finalement terminée avec l'avènement de l'ère progressiste, qui a vu des réformes significatives dans de nombreux domaines sociétaux, notamment le droit de vote des femmes, l'interdiction de l'alcool, la réglementation des biens de consommation, des mesures antitrust plus strictes pour garantir la concurrence et l'attention portée aux conditions des travailleurs. Première Guerre mondiale, Grande Dépression et Seconde Guerre mondiale Les États-Unis sont restés neutres depuis le déclenchement de la Première Guerre mondiale, en 1914, jusqu'en 1917, date à laquelle ils ont rejoint la guerre en tant que « puissance associée », aux côtés des Alliés officiels de la Première Guerre mondiale, contribuant ainsi à inverser la tendance contre les puissances centrales. En 1919, le président Woodrow Wilson a joué un rôle diplomatique de premier plan lors de la Conférence de paix de Paris et a fortement plaidé pour que les États-Unis rejoignent la Société des Nations. Cependant, le Sénat a refusé d'approuver cette proposition et n'a pas ratifié le Traité de Versailles qui a établi la Société des Nations. En 1920, le mouvement pour les droits des femmes a obtenu l'adoption d'un amendement constitutionnel accordant le droit de vote aux femmes. Les années 1920 et 1930 ont vu l’essor de la radio pour la communication de masse et l’invention de la première télévision. La prospérité des années folles a pris fin avec le krach de Wall Street de 1929 et le début de la Grande Dépression. Après son élection à la présidence en 1932, Franklin D. Roosevelt a répondu avec le New Deal, qui comprenait la création du système de sécurité sociale. La grande migration de millions d’Afro-Américains hors du Sud des États-Unis a commencé avant la Première Guerre mondiale et s’est étendue jusqu’aux années 1960 ; tandis que le Dust Bowl du milieu des années 1930 a appauvri de nombreuses communautés agricoles et stimulé une nouvelle vague de migration vers l’ouest. Au début, effectivement neutres pendant la Seconde Guerre mondiale, alors que l'Allemagne conquérait une grande partie de l'Europe continentale, les États-Unis commencèrent à fournir du matériel aux Alliés en mars 1941 dans le cadre du programme de prêt-bail. Le 7 décembre 1941, l’Empire du Japon lance une attaque surprise sur Pearl Harbor, incitant les États-Unis à rejoindre les Alliés contre les puissances de l’Axe. Pendant la guerre, les États-Unis étaient considérés comme l’un des « quatre policiers » de la puissance alliée qui se sont réunis pour planifier le monde d’après-guerre, aux côtés de la Grande-Bretagne, de l’Union soviétique et de la Chine. Bien que la nation ait perdu plus de 400 000 soldats, elle est sortie relativement indemne de la guerre, avec une influence économique et militaire encore plus grande. Les États-Unis ont joué un rôle de premier plan dans les conférences de Bretton Woods et de Yalta avec le Royaume-Uni, l'Union soviétique et d'autres alliés, qui ont signé des accords sur de nouvelles institutions financières internationales et sur la réorganisation de l'Europe d'après-guerre. Alors qu’une victoire alliée était remportée en Europe, une conférence internationale tenue à San Francisco en 1945 a produit la Charte des Nations Unies, qui est entrée en vigueur après la guerre. Les États-Unis ont développé les premières armes nucléaires et les ont utilisées contre le Japon ; les Japonais se rendirent le 2 septembre, mettant fin à la Seconde Guerre mondiale. L'ère de la guerre froide et des droits civiques Après la Seconde Guerre mondiale, les États-Unis et l'Union soviétique se sont affrontés pour le pouvoir au cours de ce que l'on appelle la guerre froide, motivés par une division idéologique entre le capitalisme et le communisme et, selon l'école de géopolitique, une division entre l'Atlantique maritime et le continent. Camps eurasiens. Ils dominaient les affaires militaires de l’Europe, avec les États-Unis et leurs alliés de l’OTAN d’un côté et l’URSS et leurs alliés du Pacte de Varsovie de l’autre. Les États-Unis ont développé une politique d’endiguement face à l’expansion de l’influence communiste. Alors que les États-Unis et l’Union soviétique se livraient à des guerres par procuration et développaient de puissants arsenaux nucléaires, les deux pays évitaient un conflit militaire direct. Les États-Unis se sont souvent opposés aux mouvements du tiers-monde qu’ils considéraient comme parrainés par les Soviétiques. Les troupes américaines ont combattu les forces communistes chinoises et nord-coréennes pendant la guerre de Corée de 1950-1953. Le lancement par l'Union soviétique du premier satellite artificiel en 1957 et le lancement en 1961 du premier vol spatial habité ont déclenché une « course à l'espace » dans laquelle les États-Unis sont devenus le premier pays à poser un homme sur la Lune en 1969. Une guerre par procuration en Asie du Sud-Est a finalement évolué vers une participation américaine à part entière, comme la guerre du Vietnam. Sur le plan intérieur, les États-Unis ont connu une expansion économique soutenue et une croissance rapide de leur population et de leur classe moyenne. La construction d'un réseau routier interétatique a transformé l'infrastructure du pays au cours des décennies suivantes. Des millions de personnes ont quitté les fermes et les centres-villes pour s'installer dans de grands lotissements de banlieue. En 1959, Hawaï est devenu le 50e et dernier État américain ajouté au pays. Un mouvement croissant pour les droits civiques a utilisé la non-violence pour lutter contre la ségrégation et la discrimination, Martin Luther King Jr. devenant un leader et une figure de proue de premier plan. Une combinaison de décisions de justice et de législation, aboutissant à la loi sur les droits civils de 1964, visait à mettre fin à la discrimination raciale. Pendant ce temps, un mouvement de contre-culture s’est développé, alimenté par l’opposition à la guerre du Vietnam, au nationalisme noir et à la révolution sexuelle. Le lancement d'une « guerre contre la pauvreté » a élargi les droits sociaux et les dépenses sociales. Les années 1970 et le début des années 1980 ont vu le début de la stagflation. Après son élection en 1980, le président Ronald Reagan a répondu à la stagnation économique par des réformes orientées vers le libre marché. Après l’effondrement de la détente, il a abandonné le « confinement » et a lancé la stratégie plus agressive de « retour en arrière » à l’égard de l’URSS. Après une forte augmentation de la participation des femmes au marché du travail au cours de la décennie précédente, en 1985, la majorité des femmes âgées de 16 ans et plus étaient employées. La fin des années 1980 a marqué un « dégel » dans les relations avec l’URSS, et son effondrement en 1991 a finalement mis fin à la guerre froide. Cela a entraîné une unipolarité, les États-Unis étant incontestés en tant que superpuissance dominante du monde. Le concept de Pax Americana, apparu après la Seconde Guerre mondiale, a gagné en popularité en tant que terme désignant le nouvel ordre mondial de l’après-guerre froide. Histoire contemporaine Après la guerre froide, les années 1990 ont été marquées par la plus longue expansion économique de l'histoire moderne des États-Unis, qui s'est terminée en 2001. Né dans les réseaux de défense américains, Internet s'est étendu aux réseaux universitaires internationaux, puis au public dans les années 1990, affectant ainsi grandement l'économie mondiale. la société et la culture. Le 11 septembre 2001, des terroristes d'Al-Qaïda ont frappé le World Trade Center à New York et le Pentagone près de Washington, D.C., tuant près de 3 000 personnes. En réponse, les États-Unis ont lancé la guerre contre le terrorisme, qui comprenait la guerre en Afghanistan et la guerre en Irak de 2003 à 2011. À partir de 1994, les États-Unis ont signé l’Accord de libre-échange nord-américain (ALENA), reliant 450 millions de personnes produisant pour 17 000 milliards de dollars de biens et de services. L'objectif de l'accord était d'éliminer les barrières commerciales et d'investissement entre les États-Unis, le Canada et le Mexique d'ici le 1er janvier 2008 ; les échanges commerciaux entre les partenaires ont grimpé en flèche depuis l'entrée en vigueur de l'accord. Accord (ALENA)"] Bureau du représentant commercial des États-Unis. Récupéré le 11 janvier 2015. Barack Obama, le premier président afro-américain et multiracial, a été élu en 2008 au milieu de la Grande Récession, qui a débuté en décembre 2007 et s'est terminée en juin 2009. Géographie, climat et environnement La superficie des États-Unis contigus est de 2959064 milles carrés. L'Alaska, séparé des États-Unis contigus par le Canada, est le plus grand État avec une superficie de 663 268 milles carrés. Hawaï, occupant un archipel du Pacifique central, au sud-ouest de l'Amérique du Nord, a une superficie de 10 931 milles carrés. Les territoires peuplés de Porto Rico, des Samoa américaines, de Guam, des îles Mariannes du Nord et des îles Vierges américaines couvrent ensemble 9 185 milles carrés. Les États-Unis sont le troisième ou le quatrième pays du monde en termes de superficie totale (terres et eaux), derrière la Russie et le Canada et juste au-dessus ou en dessous de la Chine. Le classement varie en fonction de la manière dont sont comptés les deux territoires disputés par la Chine et l'Inde et de la façon dont la taille totale des États-Unis est mesurée : les calculs vont de 3 676 486 milles carrés à 3 717 813 milles carrés, en passant par 3 796 742 milles carrés et 3 805 927 milles carrés (9,9 Mm2). En termes de superficie, les États-Unis occupent la troisième place derrière la Russie et la Chine, juste devant le Canada. La plaine côtière de la côte atlantique cède la place, plus à l'intérieur des terres, aux forêts de feuillus et aux collines du Piémont. Les Appalaches séparent la côte est des Grands Lacs et des prairies du Midwest. Le fleuve Mississippi-Missouri, le quatrième plus long système fluvial du monde, s'étend principalement du nord au sud à travers le cœur du pays. La prairie plate et fertile des Grandes Plaines s'étend à l'ouest, interrompue par une région de hautes terres au sud-est. Les montagnes Rocheuses, à l'extrémité ouest des Grandes Plaines, s'étendent du nord au sud à travers le pays, atteignant des altitudes supérieures à 14 000 pieds dans le Colorado. Plus à l'ouest se trouvent le Grand Bassin rocheux et les déserts tels que celui de Chihuahua et de Mojave. Les chaînes de montagnes de la Sierra Nevada et des Cascades s'étendent à proximité de la côte du Pacifique, les deux chaînes atteignant des altitudes supérieures à 14 000 pieds. Les points les plus bas et les plus élevés des États-Unis contigus se trouvent dans l'État de Californie et ne sont distants que d'environ 84 milles. À une altitude de 20 310 pieds, le Denali (mont McKinley) en Alaska est le plus haut sommet du pays et d'Amérique du Nord. Les volcans actifs sont courants dans toutes les îles Alexandre et Aléoutiennes de l'Alaska, et Hawaï est constitué d'îles volcaniques. Le supervolcan sous-jacent au parc national de Yellowstone, dans les Rocheuses, est la plus grande formation volcanique du continent. Les États-Unis, avec leur grande taille et leur diversité géographique, comprennent la plupart des types de climat. À l’est du 100e méridien, le climat varie du continental humide au nord au subtropical humide au sud. Les grandes plaines à l'ouest du 100e méridien sont semi-arides. Une grande partie des montagnes occidentales ont un climat alpin. Le climat est aride dans le Grand Bassin, désertique dans le sud-ouest, méditerranéen sur la côte californienne et océanique sur la côte de l'Oregon, de l'État de Washington et du sud de l'Alaska. La majeure partie de l'Alaska est subarctique ou polaire. Hawaï et la pointe sud de la Floride sont des régions tropicales, tout comme les territoires peuplés des Caraïbes et du Pacifique. Les conditions météorologiques extrêmes ne sont pas rares : les États bordant le golfe du Mexique sont sujets aux ouragans, et la plupart des tornades du monde se produisent à l'intérieur du pays, principalement dans les zones de Tornado Alley, dans le Midwest et le Sud. Faune L’écologie des États-Unis est très diversifiée : environ 17 000 espèces de plantes vasculaires sont présentes dans les États contigus des États-Unis et en Alaska, et plus de 1 800 espèces de plantes à fleurs se trouvent à Hawaï, dont quelques-unes se trouvent sur le continent. Les États-Unis abritent 428 espèces de mammifères, 784 espèces d'oiseaux, 311 espèces de reptiles et 295 espèces d'amphibiens. Environ 91 000 espèces d'insectes ont été décrites. Le pygargue à tête blanche est à la fois l'oiseau et l'animal national des États-Unis, et constitue un symbole durable du pays lui-même. Il existe 58 parcs nationaux et des centaines d’autres parcs, forêts et zones sauvages gérés par le gouvernement fédéral. Au total, le gouvernement possède environ 28 % de la superficie du pays. La majeure partie est protégée, bien qu'une partie soit louée pour le forage pétrolier et gazier, l'exploitation minière, l'exploitation forestière ou l'élevage de bétail ; environ 0,86 % est utilisé à des fins militaires. Les questions environnementales sont à l'ordre du jour national depuis 1970. Les controverses environnementales comprennent des débats sur le pétrole et l'énergie nucléaire, la pollution de l'air et de l'eau, les coûts économiques de la protection de la faune, de l'exploitation forestière et de la déforestation, ainsi que les réponses internationales au réchauffement climatique. De nombreuses agences fédérales et étatiques sont impliquées. La plus importante est l’Environmental Protection Agency (EPA), créée par décret présidentiel en 1970. La notion de nature sauvage a façonné la gestion des terres publiques depuis 1964, avec le Wilderness Act. La loi sur les espèces menacées de 1973 vise à protéger les espèces menacées et en voie de disparition ainsi que leurs habitats, qui sont surveillés par le Fish and Wildlife Service des États-Unis. Données démographiques Population Le Bureau du recensement des États-Unis a estimé la population du pays à 323 425 550 habitants au 25 avril 2016, et à 1 personne supplémentaire (gain net) toutes les 13 secondes, soit environ 6 646 personnes par jour. La population américaine a presque quadruplé au cours du XXe siècle, passant d'environ 76 millions d'habitants en 1900. Troisième pays le plus peuplé du monde, après la Chine et l'Inde, les États-Unis sont le seul grand pays industrialisé dans lequel de fortes augmentations démographiques sont prévues. Dans les années 1800, une femme moyenne avait 7,04 enfants ; dans les années 1900, ce nombre était tombé à 3,56. Depuis le début des années 1970, le taux de natalité est inférieur au taux de remplacement de 2,1, avec 1,86 enfants par femme en 2014. L'immigration née à l'étranger a entraîné une croissance rapide de la population américaine, la population née à l'étranger ayant doublé, passant de près de 20 millions en 1990 à plus de 20 millions. 40 millions en 2010, soit un tiers de l’augmentation de la population. La population née à l'étranger a atteint 45 millions en 2015. L'ONU

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Bien qu'il n'ait jamais remporté l'Oscar du meilleur réalisateur, l'un des films d'Hitchcock a remporté l'Oscar du meilleur film. Quel était le film ?

Rebecca

Sir Alfred Joseph Hitchcock, KBE (13 août 1899 – 29 avril 1980) est un réalisateur et producteur anglais, parfois surnommé « le maître du suspense ». Il a été le pionnier de nombreux éléments des genres du suspense et du thriller psychologique. Il a eu une carrière réussie dans le cinéma britannique avec à la fois des films muets et des premiers films parlants et est devenu reconnu comme le meilleur réalisateur d'Angleterre. Hitchcock s'installe à Hollywood en 1939 et devient citoyen américain en 1955. Au cours d’une carrière de plus d’un demi-siècle, Hitchcock s’est forgé un style de mise en scène reconnaissable. Ses marques stylistiques incluent l'utilisation de mouvements de caméra qui imitent le regard d'une personne, obligeant les spectateurs à se livrer à une forme de voyeurisme. De plus, il a cadré les plans pour maximiser l’anxiété, la peur ou l’empathie et a utilisé des formes innovantes de montage cinématographique. Son travail met souvent en scène des fugitifs en fuite aux côtés de personnages féminins « blonds glacés ». De nombreux films d'Hitchcock ont ​​des fins inattendues et des intrigues palpitantes mettant en scène des meurtres et d'autres violences. De nombreux mystères, cependant, sont utilisés comme leurres ou « MacGuffins » qui servent les thèmes des films et les examens psychologiques de leurs personnages. Les films d'Hitchcock empruntent également de nombreux thèmes à la psychanalyse et comportent parfois de fortes connotations sexuelles. Hitchcock est devenu une personnalité publique très visible grâce à des interviews, des bandes-annonces de films, des apparitions dans ses propres films et les dix années au cours desquelles il a animé l'émission télévisée Alfred Hitchcock Presents. En 1978, le critique de cinéma John Russell Taylor a décrit Hitchcock comme « la personne la plus universellement reconnaissable au monde » et « un Anglais simple de la classe moyenne qui se trouvait être un génie artistique ». Hitchcock a réalisé plus de cinquante longs métrages au cours d'une carrière de six décennies et est souvent considéré comme le plus grand cinéaste britannique. Il est arrivé premier dans un sondage réalisé en 2007 auprès des critiques de cinéma du Daily Telegraph britannique, qui a déclaré : « Sans aucun doute le plus grand cinéaste à émerger de ces îles, Hitchcock a fait plus que n'importe quel réalisateur pour façonner le cinéma moderne, qui serait complètement différent sans lui. était destiné à la narration, cachant cruellement des informations cruciales (à ses personnages et aux téléspectateurs) et engageant les émotions du public comme personne d'autre. Avant 1980, on parlait depuis longtemps de faire chevalier Hitchcock pour sa contribution au cinéma. Le critique Roger Ebert a écrit : « D'autres réalisateurs britanniques comme Sir Carol Reed et Sir Charlie Chaplin ont été anoblis il y a des années, tandis qu'Hitchcock, universellement considéré par les étudiants en cinéma comme l'un des plus grands cinéastes de tous les temps, a été ignoré ». Hitchcock devait plus tard recevoir son titre de chevalier des mains de la reine Elizabeth II lors des honneurs du Nouvel An 1980. En 2002, le magazine MovieMaker a désigné Hitchcock comme le cinéaste le plus influent de tous les temps. Début de la vie Alfred Hitchcock est né le 13 août 1899 à Leytonstone, qui faisait alors partie de l'Essex. Il était le deuxième fils et le plus jeune des trois enfants de William Hitchcock (1862-1914), marchand de légumes et volailler, et d'Emma Jane Hitchcock (née Whelan ; 1863-1942). Il porte le nom du frère de son père. Hitchcock a été élevé dans la religion catholique et a été envoyé au Salesian College et à l'école jésuite classique St Ignatius' College à Stamford Hill, Londres. Ses parents étaient tous deux d'ascendance mi-anglaise et mi-irlandaise. Il a souvent décrit une enfance solitaire et protégée, aggravée par son obésité. Vers l'âge de cinq ans, Hitchcock a déclaré que son père l'avait envoyé au poste de police local avec une note demandant au policier de l'enfermer pendant cinq minutes en guise de punition pour son mauvais comportement. Cet incident a fait naître chez Hitchcock une peur permanente des policiers, et des traitements aussi durs et des accusations injustifiées sont des thèmes fréquents dans ses films. Quand Hitchcock avait 15 ans, son père mourut. La même année, il quitte St. Ignatius pour étudier à la London County Council School of Engineering and Navigation à Poplar, Londres. Après son départ, il est devenu dessinateur et concepteur publicitaire pour une entreprise de câblodistribution appelée Henley's. Pendant la Première Guerre mondiale, Hitchcock est appelé à servir dans l’armée britannique. Il a été dispensé du service militaire avec une classification « C3 » en raison de sa taille, de sa taille ou d'un problème de santé non précisé, mais il était « capable de supporter les conditions de service dans les garnisons de son pays ». Hitchcock s'est enrôlé dans un régiment de cadets des Royal Engineers en 1917. Son passage militaire était limité ; il a reçu des séances d'information théoriques, des exercices et des exercices le week-end. Hitchcock marchait autour de Hyde Park à Londres et devait porter des puttees, bien qu'il n'ait jamais maîtrisé comment les envelopper correctement. Alors qu'il travaillait chez Henley's, Hitchcock a commencé à faire preuve de créativité. La publication interne de la société, The Henley Telegraph, a été fondée en 1919. Il soumettait souvent de courts articles et devint finalement l'un de ses contributeurs les plus prolifiques. Son premier article fut "Gas" (1919), publié dans le premier numéro, dans lequel une jeune femme s'imagine être agressée une nuit à Londres – pour ensuite révéler que ce n'était qu'une hallucination dans le fauteuil du dentiste. induite par l’anesthésique. La deuxième pièce d'Hitchcock était "The Woman's Part" (1919), qui implique les émotions conflictuelles qu'un mari ressent lorsqu'il regarde sa femme actrice jouer sur scène. "Sordid" (1920) entoure une tentative d'achat d'une épée chez un antiquaire, avec une autre tournure finale. La nouvelle « And There Was No Rainbow » (1920) est le premier contact d'Hitchcock avec du matériel potentiellement censurable. Un jeune homme part à la recherche d'un bordel et tombe par hasard sur la maison de la petite amie de son meilleur ami. "Qu'est-ce qui est qui ?" (1920) semble à première vue être un précurseur de « Who's on First ? » d'Abbott et Costello. routine. Il s'agit d'une pièce de dialogue très courte qui ressemble un peu au dialogue antique d'un sketch de music-hall. Il capture la confusion loufoque qui se produit lorsqu'un groupe d'acteurs décide de monter un sketch dans lequel ils se feront passer pour eux-mêmes. Dans les 40 phrases de l’histoire, confusion autour des questions « Qui est moi ? » et "Qui es-tu?" atteint des sommets émotionnels comiques. "L'histoire de la consommation de pois" (1920) est une dissertation satirique sur les diverses tentatives que les gens ont faites au fil des siècles pour manger des pois avec succès. Sa dernière pièce, "Fedora" (1921), est sa plus courte. et la plus énigmatique, il donne également une description étonnamment précise de sa future épouse Alma Reville, qu'il n'avait pas encore rencontrée. Carrière britannique de l'entre-deux-guerres Films muets Hitchcock est devenu intrigué par la photographie et a commencé à travailler dans la production cinématographique, en tant que concepteur de cartes de titre pour la succursale londonienne de ce qui est devenu Paramount Pictures. En 1920, il obtient un poste à temps plein pour concevoir les titres de films muets aux studios d'Islington avec son propriétaire américain Famous Players-Lasky et leur successeur britannique Gainsborough Pictures. Son ascension de concepteur de titres à réalisateur a duré cinq ans. Durant cette période, il devient une combinaison inhabituelle de scénariste, directeur artistique et assistant réalisateur sur une série de cinq films pour le producteur Michael Balcon et le réalisateur Graham Cutts : Woman to Woman (1923), The White Shadow (1924), The Passionate Adventure. (1924), The Blackguard (1925) et The Prude's Fall (1925). L'avant-dernière collaboration d'Hitchcock avec Cutts, The Blackguard (allemand : Die Prinzessin und der Geiger, 1925), a été produite aux studios Babelsberg à Potsdam, où Hitchcock a observé une partie du tournage du film de F. W. Murnau, The Last Laugh (1924). Il a été très impressionné par le travail de Murnau et a ensuite utilisé de nombreuses techniques pour la scénographie de ses propres productions. Dans une interview de François Truffaut, Hitchcock a également déclaré qu'il avait été influencé par le film Destin (1921) de Fritz Lang. Il a également été influencé par d'autres cinéastes étrangers dont il a absorbé le travail en tant que l'un des premiers membres de la London Film Society « séminale », créée en 1925. Les premiers films d’Hitchcock ont ​​été confrontés à une série de malchance. Son premier projet de réalisation eut lieu en 1922 avec le bien intitulé Numéro 13, tourné à Londres. La production a été annulée en raison de problèmes financiers ; les quelques scènes terminées à ce moment-là ont été perdues. Michael Balcon a donné à Hitchcock une autre opportunité de réaliser un crédit avec The Pleasure Garden (1925), une coproduction de Gainsborough et de la société allemande Emelka, qu'il a réalisée au studio Geiselgasteig près de Munich à l'été 1925. Le film était un film commercial. fiasco. Ensuite, Hitchcock a réalisé un drame intitulé The Mountain Eagle (1926), peut-être sorti sous le titre Fear o' God, aux États-Unis. Ce film est perdu. La chance d'Hitchcock a tourné avec son premier thriller, The Lodger: A Story of the London Fog (1927), un film à suspense sur la chasse à un tueur en série du type Jack l'Éventreur à Londres. Sorti en janvier 1927, ce fut un succès commercial et critique majeur au Royaume-Uni. Comme beaucoup de ses œuvres antérieures, ce film a été influencé par les techniques expressionnistes dont Hitchcock avait été témoin en Allemagne. Certains commentateurs considèrent cette pièce comme le premier film véritablement « hitchcockien », incorporant des thèmes tels que « le mauvais homme ». Suite au succès de The Lodger, Hitchcock a embauché un publiciste pour l'aider à renforcer sa réputation grandissante. Le 2 décembre 1926, Hitchcock épousa sa directrice adjointe, Alma Reville, au Brompton Oratory de South Kensington, Londres. Leur fille unique, Patricia, est née le 7 juillet 1928. Alma allait devenir la plus proche collaboratrice d'Hitchcock, mais Hitchcock ne discuterait de ses contributions à ses films (dont certains étaient crédités à l'écran) qu'en privé, car elle tenait à éviter l'attention du publique. Premiers films sonores Hitchcock a commencé à travailler sur son dixième film Blackmail (1929) lorsque sa société de production British International Pictures (BIP) a décidé de convertir ses installations d'Elstree au son et d'utiliser cette nouvelle technologie dans Blackmail. C'était l'un des premiers « films parlants », souvent cité par les historiens du cinéma comme un film marquant, et est souvent considéré comme le premier long métrage sonore britannique. Le chantage a lancé la tradition hitchcockienne consistant à utiliser des monuments célèbres comme toile de fond pour des séquences de suspense, le point culminant du film se déroulant sur le dôme du British Museum. Il présente également l'une de ses plus longues apparitions, qui le montre dérangé par un petit garçon alors qu'il lit un livre dans le métro de Londres. Dans la série PBS The Men Who Made The Movies, Hitchcock a expliqué comment il a utilisé les premiers enregistrements sonores comme élément spécial du film, en insistant sur le mot « couteau » dans une conversation avec la femme soupçonnée de meurtre. Au cours de cette période, Hitchcock a réalisé des segments pour une revue de films musicaux du BIP, Elstree Calling (1930), et a réalisé un court métrage mettant en vedette deux boursiers du Film Weekly intitulé An Elastic Affair (1930). Une autre revue musicale du BIP, Harmony Heaven (1929), aurait eu une contribution mineure de Hitchcock, mais son nom n'apparaît pas au générique. En 1933, Hitchcock travaille à nouveau pour Michael Balcon chez Gaumont British. Son premier film pour la société The Man Who Knew Too Much (1934) fut un succès et son deuxième The 39 Steps (1935) est souvent considéré comme l'un des meilleurs films de ses débuts, le British Film Institute le classant au quatrième rang. Film britannique du 20e siècle. Le film a été acclamé en Grande-Bretagne, a fait d'Hitchcock une star aux États-Unis et a établi la quintessence de la « blonde hitchcockienne » anglaise, Madeleine Carroll, comme modèle pour sa succession de grandes dames glaciales et élégantes. Ce film fut également l'un des premiers à présenter le "MacGuffin". Dans Les 39 Étapes, le MacGuffin est un ensemble de plans de conception volés. Hitchcock a déclaré au réalisateur français François Truffaut : Il y a deux hommes assis dans un train en direction de l'Écosse et l'un dit à l'autre : "Excusez-moi, monsieur, mais quel est cet étrange colis que vous avez sur le porte-bagages au-dessus de vous ?", "Oh", dit l'autre, "C'est un Macguffin.", "Eh bien", dit le premier homme, "c'est quoi un Macguffin ?", L'autre répond : "C'est un appareil pour piéger les lions dans les Highlands écossais.", "Mais", dit le premier homme, "Il n'y a pas de lions dans les Highlands écossais.", "Eh bien", dit l'autre, "alors ce n'est pas Macguffin." Le prochain grand succès d'Hitchcock fut The Lady Vanishes (1938), un film au rythme effréné sur la recherche de la gentille vieille Anglaise Miss Froy (Dame May Whitty) qui disparaît à bord d'un train dans le pays fictif de Bandrika. Le Guardian a qualifié le film de "l'un des plus grands films de train de l'âge d'or du genre" et de prétendant au "titre du meilleur thriller comique jamais réalisé". En 1939, Hitchcock reçut le New York Film Critics Circle Award du meilleur réalisateur, la seule fois où il reçut un prix pour sa réalisation. Hitchcock a été salué en Grande-Bretagne, où il a été surnommé « Alfred le Grand » par le magazine Picturegoer, et sa réputation commençait à monter en flèche à l'étranger à la fin des années 1930, un journaliste du New York Times déclarant : « Trois institutions uniques et précieuses que Les Britanniques ont ce que nous n'avons pas en Amérique, la Magna Carta, le Tower Bridge et Alfred Hitchcock, le plus grand réalisateur de mélodrames au monde. » Le magazine Variety l'a qualifié de « probablement le meilleur réalisateur natif d'Angleterre ». Hollywood Contrat Selznick David O. Selznick signa à Hitchcock un contrat de sept ans commençant en mars 1939, et les Hitchcock déménagèrent à Hollywood. Le suspense et l'humour noir qui étaient devenus la marque de fabrique d'Hitchcock dans ses films continuent d'apparaître dans ses productions américaines. Les modalités de travail avec Selznick étaient loin d’être idéales. Selznick souffrait de problèmes financiers constants et Hitchcock était souvent mécontent du contrôle créatif de Selznick sur ses films. Dans une interview ultérieure, Hitchcock a commenté : [Selznick] était le grand producteur. ... Le producteur était roi. La chose la plus flatteuse que M. Selznick ait jamais dite à mon sujet - et cela vous montre le degré de contrôle - il a dit que j'étais le "seul réalisateur" à qui il "ferait confiance pour un film". Selznick prêtait Hitchcock aux grands studios plus souvent qu'il ne produisait lui-même les films d'Hitchcock. Selznick ne réalisait que quelques films chaque année, tout comme son collègue producteur indépendant Samuel Goldwyn, il n'avait donc pas toujours de projets à diriger pour Hitchcock. Goldwyn avait également négocié avec Hitchcock un éventuel contrat, mais Selznick avait surenchéri. Hitchcock fut rapidement impressionné par les ressources supérieures des studios américains par rapport aux limites financières auxquelles il avait souvent été confronté en Grande-Bretagne. Le film de Selznick Rebecca (1940) fut le premier film américain d'Hitchcock, se déroulant dans une version hollywoodienne des Cornouailles anglaises et basé sur un roman de la romancière anglaise Daphné du Maurier. Le film met en vedette Laurence Olivier et Joan Fontaine. L'histoire concerne une jeune femme naïve (et anonyme) qui épouse un aristocrate veuf. Elle va vivre dans son immense maison de campagne anglaise et lutte contre la réputation persistante de la première épouse élégante et mondaine, dont le nom était Rebecca et qui est décédée dans des circonstances mystérieuses. Le film a remporté l'Oscar du meilleur film de 1940. La statuette a été remise à Selznick, en tant que producteur du film. Hitchcock a été nominé pour le prix du meilleur réalisateur, sa première de cinq nominations, mais n'a pas gagné. Il y avait des problèmes supplémentaires entre Selznick et Hitchcock, Selznick étant connu pour imposer des règles restrictives à Hitchcock. Dans le même temps, Selznick se plaignait du « foutu découpage au puzzle » d'Hitchcock, qui signifiait que le producteur n'avait pas vraiment la latitude nécessaire pour créer son propre film comme il l'entendait, mais devait suivre la vision d'Hitchcock du produit fini. Le deuxième film américain de Hitchcock fut le thriller européen Foreign Correspondent (1940), basé sur l'histoire personnelle de Vincent Sheean et produit par Walter Wanger. Il a été nominé pour le meilleur film cette année-là. Hitchcock et d'autres sujets britanniques se sentaient mal à l'aise de vivre et de travailler à Hollywood alors que leur pays était en guerre ; son inquiétude a donné lieu à un film qui soutenait ouvertement l’effort de guerre britannique. Le film a été tourné au cours de la première année de la Seconde Guerre mondiale et a été inspiré par l'évolution rapide des événements en Europe, tels que rapportés de manière fictive par un journaliste américain interprété par Joel McCrea. Le film mélangeait des images de scènes européennes avec des scènes filmées dans un arrière-plan hollywoodien. Il a évité les références directes au nazisme, à l'Allemagne et aux Allemands pour se conformer à la censure du Code de production d'Hollywood. Les premières années de guerre Les films d'Hitchcock étaient divers au cours des années 1940, allant de la comédie romantique Mr. & Mrs. Smith (1941), au drame judiciaire The Paradine Case (1947), en passant par le film noir sombre et inquiétant Shadow of a Doubt (1943). En septembre 1940, les Hitchcock achetèrent le Cornwall Ranch de 200 acres près de Scotts Valley, dans les montagnes de Santa Cruz. Le ranch est devenu la maison de vacances des Hitchcock. Leur résidence principale était une maison de style anglais à Bel Air qui fut achetée en 1942. Suspicion (1941) marque le premier film d'Hitchcock en tant que producteur et réalisateur. L'action se déroule en Angleterre et Hitchcock a utilisé la côte nord de Santa Cruz, en Californie, pour la séquence du littoral anglais. Ce film est le premier des quatre projets sur lesquels Cary Grant a travaillé avec Hitchcock, et c'est l'une des rares occasions où Grant joue un rôle sinistre. Joan Fontaine a remporté l'Oscar de la meilleure actrice pour son interprétation. Grant incarne un escroc anglais irresponsable dont les actions suscitent suspicion et anxiété chez sa timide jeune épouse anglaise (Fontaine). Dans une scène, Hitchcock utilise une ampoule pour éclairer ce qui pourrait être un verre de lait mortel que Grant apporte à sa femme. Le personnage que Grant joue dans le film est un tueur dans le livre sur lequel le film est basé, Before the Fact de Francis Iles, mais Hitchcock et le studio ont estimé que l'image de Grant en serait ternie. Hitchcock s’est donc contenté d’un final ambigu, même si, comme il l’a déclaré à François Truffaut, un meurtre lui aurait mieux convenu. Saboteur (1942) est le premier des deux films réalisés par Hitchcock pour Universal au cours de la décennie. Hitchcock a été contraint d'utiliser le joueur sous contrat d'Universal, Robert Cummings et Priscilla Lane (une pigiste qui a signé un contrat pour un film avec Universal), tous deux connus pour leur travail dans des comédies et des drames légers. Rompant avec les conventions hollywoodiennes de l'époque, Hitchcock a réalisé de nombreux tournages en extérieur, notamment à New York, et a dépeint une confrontation entre un saboteur présumé (Cummings) et un véritable saboteur (Norman Lloyd) au sommet de la Statue de la Liberté. Cette année-là, il réalise également Have You Heard ?, une dramatisation photographique des dangers des rumeurs en temps de guerre, pour le magazine Life. L'Ombre d'un doute (1943) était le film préféré d'Hitchcock et le deuxième des premiers films d'Universal. Il s'agit de la jeune Charlotte "Charlie" Newton (Teresa Wright), qui soupçonne son oncle bien-aimé Charlie Oakley (Joseph Cotten) d'être un meurtrier en série. Hitchcock a de nouveau tourné de manière intensive sur place, cette fois dans la ville de Santa Rosa, en Californie du Nord, au cours de l'été 1942. Le réalisateur a montré sa fascination personnelle pour le crime et les criminels lorsqu'il a demandé à deux de ses personnages de discuter de diverses façons de tuer des gens, à l'évidence. agacement de Charlotte. Travaillant à la 20th Century Fox, Hitchcock a adapté un scénario de John Steinbeck, qui enregistrait les expériences des survivants d'une attaque de sous-marin allemand dans le film Lifeboat (1944). Les séquences d'action ont été tournées dans un petit bateau dans le réservoir d'eau du studio. Le lieu a posé des problèmes pour l'apparition traditionnelle d'Hitchcock. Ce problème a été résolu en faisant apparaître l'image d'Hitchcock dans un journal que William Bendix lit dans le bateau, montrant le réalisateur dans une publicité avant-après pour "Reduco-Obesity Slayer". Alors qu'il était chez Fox, Hitchcock envisageait sérieusement de réaliser la version cinématographique du roman d'A. J. Cronin sur un prêtre catholique en Chine, Les Clés du Royaume, mais les plans en ce sens ont échoué. John M. Stahl a fini par réaliser le film de 1944, produit par Joseph L. Mankiewicz et mettant en vedette Gregory Peck. Films non-fictionnels sur la guerre Hitchcock retourna au Royaume-Uni pour une visite prolongée à la fin de 1943 et au début de 1944. Là-bas, il réalisa deux courts métrages pour le ministère britannique de l'Information : Bon Voyage et Aventure Malgache. Les deux films de propagande britannique réalisés pour la France libre étaient les seuls films réalisés par Hitchcock en langue française, et ils « comportent des touches typiquement hitchcockiennes ». Concernant sa motivation pour réaliser ces films, Hitchcock a déclaré : « J'ai ressenti le besoin d'apporter une petite contribution à l'effort de guerre, et j'étais à la fois en surpoids et en âge de faire le service militaire. Je savais que si je ne faisais rien, je le ferais. je le regretterai pour le reste de ma vie." De fin juin à fin juillet 1945, Hitchcock servit de « conseiller en traitement » sur un documentaire sur l'Holocauste utilisant des images fournies par les forces alliées. Il a été réalisé par Sidney Bernstein du ministère britannique de l'Information et assemblé à Londres. Bernstein a recruté son futur partenaire de production de 1948-1949, Hitchcock, en tant que consultant pour le processus de montage de films pour le ministère britannique de l'Information et l'Office of War Information américain. Les cinéastes ont été chargés de fournir des preuves irréfutables des crimes nazis, et le film a retracé la libération des camps de concentration nazis. Il a été transféré en 1952 des coffres-forts du British War Office à l'Imperial War Museum de Londres et est resté inédit jusqu'en 1985, date à laquelle une version éditée a été diffusée sous forme d'épisode de la série du réseau PBS Frontline sous le titre que l'Imperial War Museum lui avait donné : Mémoire des camps. La version complète du film German Concentration Camps Factual Survey a été achevée en 2014 et restaurée par des spécialistes du cinéma de l'Imperial War Museum. Films ultérieurs de Selznick Hitchcock a de nouveau travaillé pour Selznick lorsqu'il a réalisé Spellbound (1945), qui explore la psychanalyse et présente une séquence de rêve conçue par Salvador Dalí. Gregory Peck incarne le Dr Anthony Edwardes, amnésique, sous le traitement de l'analyste Dr Peterson (Ingrid Bergman), qui tombe amoureuse de lui tout en essayant de débloquer son passé refoulé. La séquence de rêve telle qu'elle apparaît dans le film est dix minutes plus courte que ce qui était initialement envisagé, ayant été montée par Selznick pour la rendre plus efficace. Deux prises de vue en point de vue ont été réalisées en construisant une grande main en bois (qui semble appartenir au personnage dont la caméra a pris le point de vue) et des accessoires surdimensionnés pour la tenir : un verre de lait de la taille d'un seau et un gros pistolet en bois. Pour plus de nouveauté et d'impact, le coup de feu culminant était colorié en rouge à la main sur certaines copies du film en noir et blanc. La partition musicale originale de Miklós Rózsa utilise le thérémine, et une partie a ensuite été adaptée par le compositeur en un concerto pour piano de concert. Notorious (1946) suivit Spellbound. Hitchcock a accordé une interview à François Truffaut, dans laquelle il a déclaré que Selznick avait vendu le réalisateur, les deux stars (Grant et Bergman) et le scénario (de Ben Hecht) à RKO Radio Pictures comme un « package » pour 500 000 $. en raison de dépassements de coûts sur Duel in the Sun de Selznick (1946). Le célèbre film met en vedette Ingrid Bergman et Cary Grant, des habitués d'Hitchcock, et présente une intrigue sur les nazis, l'uranium et l'Amérique du Sud. Son utilisation prémonitoire de l'uranium comme outil de complot a conduit Hitchcock à être brièvement sous surveillance du FBI. McGilligan écrit qu'Hitchcock a consulté le Dr Robert Millikan de Caltech au sujet du développement d'une bombe atomique. Selznick s'est plaint que cette notion relevait de la « science-fiction », pour ensuite être confronté aux reportages sur l'explosion de deux bombes atomiques sur Hiroshima et Nagasaki au Japon en août 1945. Son dernier film dans le cadre de son contrat avec Selznick fut L'Affaire Paradine (1947), un drame judiciaire dont les critiques pensaient qu'il avait perdu de son élan parce qu'il durait apparemment trop longtemps et épuisait ses ressources d'idées. Sidney Bernstein et les photos transatlantiques Hitchcock a formé une société de production indépendante avec son ami Sidney Bernstein appelée Transatlantic Pictures, à travers laquelle il a réalisé deux films, son premier en couleur et utilisant de longs plans. Avec Rope (1948), Hitchcock expérimente la gestion du suspense dans un environnement confiné, comme il l'avait fait plus tôt avec Lifeboat (1944). Le film semble avoir été tourné en une seule prise, mais il a en fait été tourné en 10 prises allant de 4 ½ à 10 minutes chacune, une durée de film de 10 minutes étant le maximum que pouvait contenir le chargeur de film d'un appareil photo à l'époque. . Certaines transitions entre les rouleaux étaient masquées par un objet sombre remplissant tout l'écran pendant un moment. Hitchcock a utilisé ces points pour cacher la coupure et a commencé la prise suivante avec la caméra au même endroit. Il met en vedette James Stewart dans le rôle principal et est le premier des quatre films réalisés par Stewart avec Hitchcock. Il s’inspire de l’affaire Léopold et Loeb des années 1920. Under Capricorn (1949), qui se déroule dans l'Australie du XIXe siècle, utilise également la technique éphémère des plans longs, mais dans une mesure plus limitée. Il utilise à nouveau le Technicolor dans cette production, puis revient aux films en noir et blanc pendant plusieurs années. Transatlantic Pictures est devenue inactive après ces deux films infructueux. Mais Hitchcock a continué à produire ses propres films pour le reste de sa vie. Années 1950 : années de pointe Hitchcock a filmé Stage Fright (1950) dans les studios d'Elstree, en Angleterre, où il avait travaillé pendant son contrat avec British International Pictures plusieurs années auparavant. Il correspondait à celui de Warner Bros. les stars les plus populaires, Jane Wyman, avec l'actrice allemande expatriée Marlene Dietrich et ont fait appel à plusieurs acteurs britanniques de premier plan, dont Michael Wilding, Richard Todd et Alastair Sim. Il s'agissait de la première véritable production d'Hitchcock pour Warner Bros., qui avait distribué Rope et Under Capricorn, car Transatlantic Pictures connaissait des difficultés financières. Son film Étrangers dans un train (1951) était basé sur le roman de Patricia Highsmith. Hitchcock y combine de nombreux éléments de ses films précédents. Il contacte Dashiell Hammett pour écrire les dialogues, mais Raymond Chandler prend le relais, puis laisse de côté ses désaccords avec le réalisateur. Dans le film, deux hommes se rencontrent par hasard, dont l'un spécule sur une méthode de meurtre infaillible ; il suggère que deux personnes, chacune souhaitant se débarrasser de quelqu'un, commettent chacune le meurtre de l'autre. Le rôle de Farley Granger était celui de la victime innocente du stratagème, tandis que Robert Walker, auparavant connu pour ses rôles de "garçon d'à côté", jouait le méchant. I Confess (1953) se déroule au Québec avec Montgomery Clift en tant que prêtre catholique. Il a été suivi de trois films couleur populaires mettant en vedette Grace Kelly. Dial M for Murder (1954) a été adapté de la pièce de théâtre de Frederick Knott. Ray Milland incarne le méchant intrigant, un ancien professionnel du tennis qui tente d'assassiner sa femme infidèle (Kelly) pour son argent. Elle tue le tueur à gages en état de légitime défense, alors Milland manipule les preuves pour faire croire à un meurtre prémédité commis par sa femme. Son amant Mark Halliday (Robert Cummings) et l'inspecteur de police Hubbard (John Williams) travaillent d'urgence pour la sauver de l'exécution. Avec Dial M, Hitchcock a expérimenté la cinématographie 3D, le film étant désormais disponible au format 3D sur Blu-ray. Hitchcock a ensuite déménagé chez Paramount Pictures et a filmé Fenêtre sur cour (1954), avec à nouveau James Stewart et Kelly, ainsi que Thelma Ritter et Raymond Burr. Le personnage de Stewart est un photographe (basé sur Robert Capa) qui doit temporairement utiliser un fauteuil roulant. Par ennui, il commence à observer ses voisins de l'autre côté de la cour, puis devient convaincu que l'un d'eux (Raymond Burr) a assassiné sa femme. Stewart essaie de convaincre à la fois son copain policier (Wendell Corey) et sa petite amie modèle glamour (Kelly, que le scénariste John Michael Hayes a basé sur sa propre femme), et finalement il réussit. Comme dans Lifeboat and Rope, les personnages principaux sont confinés, en l'occurrence dans le petit studio de Stewart donnant sur une grande cour. Hitchcock utilise des gros plans du visage de Stewart pour montrer les réactions de son personnage à tout ce qu'il voit, "du voyeurisme comique dirigé contre ses voisins à sa terreur impuissante en regardant Kelly et Burr dans l'appartement du méchant". En 1955, Hitchcock devient citoyen américain. Son troisième film de Grace Kelly, To Catch a Thief (1955), se déroule sur la Côte d'Azur et la met en couple avec Cary Grant. Il incarne le voleur à la retraite John Robie, qui devient le principal suspect d'une série de vols sur la Riviera. Une héritière américaine en quête de sensations fortes, interprétée par Kelly, devine sa véritable identité et tente de le séduire. "Malgré la disparité d'âge évidente entre Grant et Kelly et une intrigue légère, le scénario plein d'esprit (chargé de doubles sens) et le jeu d'acteur bon enfant se sont avérés un succès commercial." C'était le dernier film d'Hitchcock avec Kelly. Elle épouse le prince Rainier de Monaco en 1956 et met fin à sa carrière cinématographique. Hitchcock a refait son propre film de 1934, L'Homme qui en savait trop, en 1956. Cette fois, le film mettait en vedette James Stewart et Doris Day, qui ont chanté la chanson thème "Que Sera, Sera", qui a remporté l'Oscar de la meilleure chanson originale et est devenue une gros coup de coeur pour elle. Ils incarnent un couple dont le fils est kidnappé pour les empêcher de perturber un assassinat. Comme dans le film de 1934, le point culminant a lieu au Royal Albert Hall de Londres. The Wrong Man (1957), le dernier film d'Hitchcock pour Warner Bros., est une production discrète en noir et blanc basée sur un cas réel d'erreur d'identité rapporté dans le magazine Life en 1953. C'était le seul film d'Hitchcock avec Henry Fonda, qui incarne un musicien du Stork Club pris pour un voleur de magasin d'alcool qui est arrêté et jugé pour vol, tandis que sa femme (Vera Miles) s'effondre émotionnellement sous la tension. Hitchcock a déclaré à Truffaut que sa peur de la police l'avait attiré vers le sujet et qu'elle était ancrée dans de nombreuses scènes. Vertigo (1958) mettait à nouveau en vedette James Stewart, cette fois avec Kim Novak et Barbara Bel Geddes. Stewart incarne "Scottie", un ancien enquêteur de police souffrant d'acrophobie, qui développe une obsession pour une femme qu'il suit (Novak). L'obsession de Scottie mène à la tragédie, et cette fois Hitchcock n'opte pas pour une fin heureuse. Certains critiques, dont Donald Spoto et Roger Ebert, s'accordent à dire que Vertigo représente le film le plus personnel et le plus révélateur du réalisateur, traitant des obsessions d'un homme qui façonne une femme pour en faire la femme qu'il désire. Vertigo explore plus franchement et plus longuement son intérêt pour la relation entre le sexe et la mort que tout autre film de sa filmographie. Le film contient une technique de caméra développée par Irmin Roberts qui a été copiée à plusieurs reprises par les cinéastes, communément appelée zoom Dolly. Il a été présenté en première au Festival international du film de Saint-Sébastien, où Hitchcock a remporté un Coquillage d'argent. Vertigo est aujourd'hui considéré comme un classique, mais il a rencontré des critiques négatives et de mauvaises recettes au box-office lors de sa sortie, et a été la dernière collaboration entre Stewart et Hitchcock. Il avait auparavant été classé juste derrière Citizen Kane (1941) dans les sondages précédents de la décennie Sight and Sound, mais il a été élu meilleur film de tous les temps dans le sondage des critiques Sight & Sound de 2012. À cette époque, Hitchcock avait tourné dans de nombreuses régions des États-Unis. Il suivit Vertigo avec trois autres films à succès, qui sont également reconnus comme parmi ses meilleurs films : North by Northwest (1959), Psycho (1960) et The Birds (1963). Dans North by Northwest, Cary Grant incarne Roger Thornhill, un publicitaire de Madison Avenue qui est pris pour un agent secret du gouvernement. Il est vivement poursuivi à travers les États-Unis par des agents ennemis, parmi lesquels apparemment Eve Kendall (Eva Marie Saint), qui travaille en réalité sous couverture. 1960 : Psycho Psycho est sans doute le film le plus connu d'Hitchcock. Produit avec un budget limité de 800 000 $, le film a été tourné en noir et blanc sur un plateau de rechange en utilisant les membres de l'équipe de son émission de télévision Alfred Hitchcock Presents. La violence sans précédent de la scène de la douche, la mort prématurée de l'héroïne et les vies innocentes éteintes par un meurtrier perturbé sont devenues les caractéristiques d'un nouveau genre de film d'horreur et ont été copiées par de nombreux auteurs de films ultérieurs. Le public a adoré le film, avec des files d'attente s'étendant à l'extérieur des cinémas alors que les gens devaient attendre la prochaine projection. Il a battu des records au box-office au Royaume-Uni, en France, en Amérique du Sud, aux États-Unis et au Canada et a connu un succès modéré en Australie pendant une brève période. Ce fut le film le plus rentable de la carrière d'Hitchcock ; Hitchcock a personnellement gagné plus de 15 millions de dollars. Il a ensuite échangé ses droits sur Psycho et son anthologie télévisée contre 150 000 actions de MCA, faisant de lui le troisième actionnaire de MCA Inc. et de son propre patron un

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Dans quel quartier de New York trouveriez-vous Hell’s Kitchen ?

Manhattan

La ville de New York, souvent appelée New York City ou simplement New York, est la ville la plus peuplée des États-Unis. Située à la pointe sud de l’État de New York, la ville est le centre de la zone métropolitaine de New York, l’une des agglomérations urbaines les plus peuplées au monde. Avec une population estimée à 8 550 405 habitants en 2015 par le Bureau du recensement des États-Unis, répartie sur une superficie de seulement 305 milles carrés, New York est également la grande ville la plus densément peuplée des États-Unis. Ville puissante à l'échelle mondiale, New York exerce un impact significatif sur le commerce, la finance, les médias, l'art, la mode, la recherche, la technologie, l'éducation et le divertissement, son rythme rapide définissant le terme « minute new-yorkaise ». Abritant le siège des Nations Unies, New York est un centre important pour la diplomatie internationale et a été décrite comme la capitale culturelle et financière du monde. Située sur l'un des plus grands ports naturels du monde, la ville de New York se compose de cinq arrondissements, chacun étant un comté distinct de l'État de New York. Les cinq arrondissements – Brooklyn, Queens, Manhattan, Bronx et Staten Island – ont été regroupés en une seule ville en 1898. La ville et sa zone métropolitaine constituent la première porte d'entrée pour l'immigration légale aux États-Unis, et jusqu'à 800 langues sont parlées. sont parlés à New York, ce qui en fait la ville la plus linguistiquement diversifiée au monde. Selon les estimations de 2015, la région métropolitaine de New York reste de loin la plus peuplée des États-Unis, telle que définie à la fois par la zone statistique métropolitaine (20,2 millions d'habitants) et la zone statistique combinée (23,7 millions d'habitants). En 2013, le MSA a produit un produit métropolitain brut (BPF) de près de 1,39 billion de dollars américains, tandis qu'en 2012, le CSA a généré un PNB de plus de 1,55 billions de dollars américains, tous deux se classant largement au premier rang national et derrière le PIB de seulement douze et respectivement onze pays. La ville de New York trouve son origine dans sa fondation en 1624 dans le Lower Manhattan en tant que comptoir commercial par les colons de la République néerlandaise et fut nommée Nouvelle Amsterdam en 1626. La ville et ses environs passèrent sous contrôle anglais en 1664. New York fut la capitale de aux États-Unis de 1785 à 1790. C'est la plus grande ville du pays depuis 1790. La Statue de la Liberté a accueilli des millions d'immigrants lorsqu'ils arrivaient par bateau vers les Amériques à la fin du 19e et au début du 20e siècle et est un symbole des États-Unis. et sa démocratie. Au 21e siècle, New York est devenue un pôle mondial de créativité et d’entrepreneuriat, de tolérance sociale et de durabilité environnementale. De nombreux quartiers et monuments de la ville de New York sont devenus bien connus et la ville a accueilli un record de près de 60 millions de touristes en 2015, accueillant trois des dix attractions touristiques les plus visitées au monde en 2013. Plusieurs sources ont classé New York comme la ville la plus photographiée. dans le monde. Times Square, emblématique comme le « cœur » du monde et son « carrefour », est le centre illuminé du quartier des théâtres de Broadway, l'un des carrefours piétonniers les plus fréquentés au monde et un centre majeur de l'industrie mondiale du divertissement. Les noms de nombreux ponts, gratte-ciel et parcs de la ville sont connus dans le monde entier. Ancrée à Wall Street dans le quartier financier de Lower Manhattan, la ville de New York est considérée à la fois comme la ville la plus puissante économiquement et comme le premier centre financier du monde, et la ville abrite les deux plus grandes bourses du monde en termes de capitalisation boursière totale. la Bourse de New York et le NASDAQ. Le marché immobilier de Manhattan est parmi les plus chers au monde. Le quartier chinois de Manhattan abrite la plus forte concentration de Chinois de l'hémisphère occidental, avec plusieurs quartiers chinois emblématiques se développant à travers la ville. Offrant un service continu 24h/24 et 7j/7, le métro de New York est l'un des systèmes de métro les plus étendus au monde, avec des stations en service. Le réseau d'enseignement supérieur de la ville de New York comprend plus de 120 collèges et universités, dont l'Université Columbia, l'Université de New York et l'Université Rockefeller, qui ont été classées parmi les 35 meilleures au monde. Histoire Étymologie et histoire ancienne Pendant la glaciation du Wisconsinien, la région de la ville de New York était située au bord d'une grande calotte glaciaire de plus de 1 000 pieds de profondeur. La calotte glaciaire a gratté de grandes quantités de terre, laissant le substrat rocheux qui sert aujourd'hui de fondation géologique à une grande partie de la ville de New York. Plus tard, le mouvement de la calotte glaciaire contribuerait à la séparation de ce qui est aujourd’hui Long Island et Staten Island. À l'époque précoloniale, la région de l'actuelle ville de New York était habitée par diverses bandes de tribus algonquiennes d'Amérindiens, notamment les Lenape, dont la patrie, connue sous le nom de Lenapehoking, comprenait Staten Island ; la partie ouest de Long Island, y compris la zone qui allait devenir Brooklyn et Queens ; Manhattan; le Bronx; et la basse vallée de l'Hudson. La première visite documentée d'un Européen remonte à 1524 par Giovanni da Verrazzano, un explorateur florentin au service de la couronne française, qui a fait naviguer son navire La Dauphine dans le port de New York. Il revendique la région pour la France et la nomme « Nouvelle Angoulême » (Nouvelle Angoulême). Une expédition espagnole dirigée par le capitaine Estêvão Gomes, un Portugais naviguant pour l'empereur Charles V, arriva dans le port de New York en janvier 1525 à bord de la caravelle spécialement construite La Anunciada et cartographia l'embouchure du fleuve Hudson, qu'il nomma Rio de San Antonio. Les glaces épaisses l'ont empêché de poursuivre ses explorations et il est retourné en Espagne en août. Le Padrón Real de 1527, la première carte scientifique montrant en continu la côte est de l'Amérique du Nord, a été informé par l'expédition de Gomes et a étiqueté le nord-est des États-Unis comme Tierra de Esteban Gómez en son honneur. En 1609, l'explorateur anglais Henry Hudson redécouvrit la région lorsqu'il fit naviguer son navire le Halve Maen (« Demi-lune » en néerlandais) dans le port de New York alors qu'il cherchait le passage du Nord-Ouest vers l'Orient pour la Compagnie néerlandaise des Indes orientales. Il a ensuite remonté ce que les Néerlandais appelleraient la rivière du Nord (aujourd'hui la rivière Hudson), nommée d'abord par Hudson sous le nom de Maurice en l'honneur de Maurice, prince d'Orange. Le premier lieutenant d'Hudson a décrit le port comme « un très bon port pour tous les vents » et la rivière comme « un mile de large » et « pleine de poissons ». Hudson a navigué environ 150 milles vers le nord, au-delà du site de l'Albany actuelle, dans la conviction qu'il pourrait s'agir d'un affluent océanique avant que la rivière ne devienne trop peu profonde pour continuer. Il a effectué une exploration de la région pendant dix jours et a revendiqué la région pour le compte de la Compagnie néerlandaise des Indes orientales. En 1614, la zone située entre Cape Cod et la baie du Delaware sera revendiquée par les Pays-Bas et appelée Nieuw-Nederland (Nouveau Pays-Bas). Le premier habitant non amérindien de ce qui allait devenir la ville de New York était le commerçant dominicain Juan Rodriguez (translittéré en néerlandais par Jan Rodrigues). Né à Saint-Domingue d'origine portugaise et africaine, il arriva à Manhattan au cours de l'hiver 1613-1614, traçant des peaux et faisant du commerce avec la population locale en tant que représentant des Néerlandais. Broadway, de la 159e rue à la 218e rue, est nommé Juan Rodriguez Way en son honneur. Une présence européenne permanente en Nouvelle-Hollande a commencé en 1624 – faisant de New York la 12ème colonie européenne la plus ancienne occupée de manière continue sur la zone continentale des États-Unis – avec la fondation d'une colonie hollandaise de traite des fourrures sur Governors Island. En 1625, la construction d'une citadelle et d'un fort Amsterdam sur l'île de Manhattan, appelée plus tard New Amsterdam (Nieuw Amsterdam), commença. [http://tolerancepark.org/_wsn/page5.html Tolerance Park Historic New Amsterdam sur Governors Island], Tolerance Park. Consulté le 12 mai 2007. Voir les résolutions législatives du Sénat n° 5476 et de l'Assemblée n° 2708. La colonie de New Amsterdam était centrée sur le site qui allait devenir Lower Manhattan. En 1626, le directeur général colonial néerlandais Peter Minuit, agissant à la demande de la Compagnie néerlandaise des Indes occidentales, acheta l'île de Manhattan aux Canarsie, une petite bande de Lenape, pour 60 florins (environ 1 000 dollars en 2006). Une légende réfutée prétend que Manhattan a été acheté pour 24 $ en perles de verre. Suite à l'achat, New Amsterdam s'est développée lentement. Pour attirer les colons, les Néerlandais ont institué le système des patrons en 1628, selon lequel les riches Néerlandais (« patrons » ou mécènes) qui amenaient 50 colons en Nouvelle-Hollande se verraient attribuer des parcelles de terre en Nouvelle-Hollande, ainsi qu'une autonomie politique locale et des droits de participation. dans le lucratif commerce des fourrures. Ce programme a eu peu de succès. Depuis 1621, la Compagnie néerlandaise des Indes occidentales opérait comme un monopole en Nouvelle-Hollande, sous l'autorité accordée par les États généraux néerlandais. En 1639-1640, dans le but de stimuler la croissance économique, la Compagnie néerlandaise des Indes occidentales abandonna son monopole sur le commerce des fourrures en Nouvelle-Hollande, ce qui entraîna une croissance de la production et du commerce de nourriture, de bois, de tabac et d'esclaves (en particulier avec la Antilles néerlandaises). En 1647, Peter Stuyvesant commença son mandat en tant que dernier directeur général de la Nouvelle-Hollande. Au cours de son mandat, la population de la Nouvelle-Amsterdam est passée de 2 000 à 8 000 habitants, et Stuyvesant a été reconnu pour avoir amélioré l'ordre public dans la colonie. Cependant, Stuyvesant a également acquis une réputation de leader despotique. Il a institué des réglementations sur la vente d'alcool, a tenté d'affirmer son contrôle sur l'Église réformée néerlandaise et a empêché d'autres groupes religieux (dont les quakers, les juifs et les luthériens) d'établir des lieux de culte. La Compagnie néerlandaise des Indes occidentales tenterait finalement d'apaiser les tensions entre Stuyvesant et les habitants de New Amsterdam. En 1664, incapable de susciter une résistance significative, Stuyvesant céda la Nouvelle-Amsterdam aux troupes anglaises dirigées par le colonel Richard Nicolls sans effusion de sang. Les termes de la capitulation permettaient aux résidents néerlandais de rester dans la colonie et permettaient la liberté religieuse. Les Anglais ont rapidement rebaptisé la ville naissante « New York » en l'honneur du duc d'York (le futur roi Jacques II d'Angleterre). Le transfert fut confirmé en 1667 par le traité de Breda, qui concluait la Seconde Guerre anglo-néerlandaise. Le 24 août 1673, pendant la troisième guerre anglo-néerlandaise, le capitaine néerlandais Anthony Colve s'empare de la colonie de New York à l'Angleterre à la demande de Cornelis Evertsen le Jeune et la rebaptise « New Orange » en l'honneur de Guillaume III, prince d'Orange. Cependant, les Néerlandais restitueront bientôt l'île à l'Angleterre en vertu du traité de Westminster de novembre 1674. Plusieurs guerres intertribales entre les Amérindiens et certaines épidémies provoquées par le contact avec les Européens ont causé des pertes de population considérables chez les Lenape entre les années 1660 et 1670. En 1700, la population Lenape était tombée à 200 habitants. New York a connu plusieurs épidémies de fièvre jaune au XVIIIe siècle, perdant dix pour cent de sa population à cause de la maladie en 1702. New York a gagné en importance en tant que port de commerce sous la domination britannique au début des années 1700. Elle est également devenue un centre d'esclavage, avec 42 % des ménages détenant des esclaves en 1730, plus que toute autre ville autre que Charleston, en Caroline du Sud. La plupart des propriétaires d'esclaves possédaient quelques ou plusieurs esclaves domestiques, mais d'autres les louaient pour travailler. L'esclavage est devenu intégralement lié à l'économie de New York grâce au travail des esclaves dans tout le port, ainsi qu'aux banques et aux transports maritimes liés au sud des États-Unis. La découverte du cimetière africain dans les années 1990, lors de la construction d'un nouveau palais de justice fédéral près de Foley Square, a révélé que des dizaines de milliers d'Africains avaient été enterrés dans la région au cours des années coloniales. Le procès et l'acquittement en 1735 à Manhattan de John Peter Zenger, accusé de diffamation séditieuse après avoir critiqué le gouverneur colonial William Cosby, ont contribué à établir la liberté de la presse en Amérique du Nord. En 1754, l'Université de Columbia a été fondée par le roi George II sous le nom de King's College dans le Lower Manhattan. Le Congrès du Stamp Act s'est réuni à New York en octobre 1765 alors que les Fils de la Liberté s'organisaient dans la ville, affrontant au cours des dix années suivantes les troupes britanniques stationnées là-bas. La bataille de Long Island, la plus grande bataille de la guerre d'indépendance américaine, s'est déroulée en août 1776 entièrement dans l'arrondissement moderne de Brooklyn. Après la bataille, au cours de laquelle les Américains furent vaincus, les Britanniques firent de la ville leur base d'opérations militaire et politique en Amérique du Nord. La ville était un refuge pour les réfugiés loyalistes, ainsi que pour les esclaves en fuite qui rejoignirent les lignes britanniques pour la liberté nouvellement promise par la Couronne à tous les combattants. Jusqu'à 10 000 esclaves en fuite se sont rassemblés dans la ville pendant l'occupation britannique. Lorsque les forces britanniques ont évacué à la fin de la guerre en 1783, elles ont transporté 3 000 affranchis pour les réinstaller en Nouvelle-Écosse. Ils réinstallèrent d'autres affranchis en Angleterre et dans les Caraïbes. La seule tentative de solution pacifique à la guerre eut lieu à la Conference House de Staten Island entre des délégués américains, dont Benjamin Franklin, et le général britannique Lord Howe, le 11 septembre 1776. Peu de temps après le début de l'occupation britannique, le grand incendie de New York York s'est produit, un grand incendie dans le côté ouest du Lower Manhattan, qui a détruit environ un quart des bâtiments de la ville, y compris l'église de la Trinité. En 1785, l'assemblée du Congrès de la Confédération fit de New York la capitale nationale peu après la guerre. New York était la dernière capitale des États-Unis selon les articles de la Confédération et la première capitale selon la Constitution des États-Unis. En 1789, le premier président des États-Unis, George Washington, est investi ; le premier Congrès des États-Unis et la Cour suprême des États-Unis se sont réunis chacun pour la première fois, et la Déclaration des droits des États-Unis a été rédigée, le tout au Federal Hall de Wall Street. En 1790, New York dépassait Philadelphie en tant que plus grande ville des États-Unis. En vertu de la loi d'abolition progressive de l'État de New York de 1799, les enfants de mères esclaves naissaient pour être finalement libérés, mais étaient maintenus en servitude sous contrat jusqu'au milieu ou à la fin de la vingtaine. Avec les esclaves libérés par leurs maîtres après la guerre d'indépendance et les esclaves en fuite, une importante population noire libre s'est progressivement développée à Manhattan. Sous la direction de fondateurs américains aussi influents qu'Alexander Hamilton et John Jay, la New York Manumission Society a travaillé en faveur de l'abolition et a créé l'African Free School pour éduquer les enfants noirs. Ce n’est qu’en 1827 que l’esclavage fut complètement aboli dans l’État, et les Noirs libres furent ensuite confrontés à la discrimination. L’activisme abolitionniste interracial à New York s’est poursuivi ; parmi ses dirigeants se trouvaient des diplômés de l’African Free School. La population noire de la ville atteignait plus de 16 000 personnes en 1840. Au XIXe siècle, la ville est transformée par le développement lié à son statut de centre commercial, ainsi que par l'immigration européenne. La ville a adopté le plan des commissaires de 1811, qui a élargi le réseau de rues de la ville pour englober l'ensemble de Manhattan. L'achèvement en 1825 du canal Érié traversant le centre de l'État de New York reliait le port de l'Atlantique aux marchés agricoles et aux produits de base de l'intérieur de l'Amérique du Nord via le fleuve Hudson et les Grands Lacs. La politique locale est devenue dominée par Tammany Hall, une machine politique soutenue par des immigrants irlandais et allemands. Plusieurs personnalités littéraires américaines de premier plan ont vécu à New York dans les années 1830 et 1840, notamment William Cullen Bryant, Washington Irving, Herman Melville, Rufus Wilmot Griswold, John Keese, Nathaniel Parker Willis et Edgar Allan Poe. Les membres de l'élite économique contemporaine soucieux du public ont fait pression pour la création de Central Park, qui est devenu en 1857 le premier parc paysager d'une ville américaine. Histoire moderne La grande famine irlandaise a provoqué un afflux massif d’immigrants irlandais. Plus de 200 000 personnes vivaient à New York en 1860, soit plus d'un quart de la population de la ville. Il y avait également une immigration importante en provenance des provinces allemandes, où les révolutions avaient bouleversé les sociétés, et les Allemands représentaient 25 % supplémentaires de la population de New York en 1860. Les candidats du Parti démocrate ont été systématiquement élus aux bureaux locaux, renforçant ainsi les liens de la ville avec le Sud et son parti dominant. En 1861, le maire Fernando Wood a appelé les échevins à déclarer leur indépendance d'Albany et des États-Unis après la sécession du Sud, mais sa proposition n'a pas été mise en œuvre. La colère face aux nouvelles lois sur la conscription militaire pendant la guerre civile américaine (1861-1865), qui épargnaient les hommes les plus riches qui pouvaient se permettre de payer des frais de commutation de 300 $ () pour embaucher un remplaçant, a conduit aux émeutes de 1863, dont les participants les plus visibles étaient classe ouvrière d’origine irlandaise. La situation s'est détériorée avec des attaques contre l'élite new-yorkaise, suivies par des attaques contre les New-Yorkais noirs et leurs biens après une concurrence féroce pendant une décennie entre les immigrants irlandais et les noirs pour le travail. Les émeutiers ont entièrement incendié l'asile des orphelins de couleur, mais plus de 200 enfants ont échappé à tout danger grâce aux efforts de la police de la ville de New York, composée principalement d'immigrants irlandais. Selon l'historien James M. McPherson (2001), au moins 120 personnes ont été tuées. Au total, onze hommes noirs ont été lynchés en cinq jours et les émeutes ont forcé des centaines de noirs à fuir la ville pour Williamsburg, Brooklyn ainsi que le New Jersey ; la population noire de Manhattan est tombée en dessous de 10 000 habitants en 1865, ce qu'elle était pour la dernière fois en 1820. La classe ouvrière blanche avait établi sa domination. La violence des débardeurs contre les hommes noirs était particulièrement féroce dans la zone des quais. Ce fut l’un des pires troubles civils de l’histoire américaine. En 1898, la ville moderne de New York a été formée avec la consolidation de Brooklyn (jusqu'alors une ville distincte), du comté de New York (qui comprenait alors des parties du Bronx), du comté de Richmond et de la partie ouest du Bronx. Comté de Queens. L'ouverture du métro en 1904, construit d'abord comme des systèmes privés séparés, a contribué à relier la nouvelle ville. Tout au long de la première moitié du XXe siècle, la ville est devenue un centre mondial de l’industrie, du commerce et des communications. En 1904, le navire à vapeur General Slocum prend feu dans l’East River, tuant 1 021 personnes à son bord. En 1911, l'incendie de l'usine Triangle Shirtwaist, la pire catastrophe industrielle de la ville, a coûté la vie à 146 ouvriers du vêtement et a stimulé la croissance du Syndicat international des travailleurs du vêtement féminin et des améliorations majeures des normes de sécurité dans les usines. La population non blanche de New York était de 36 620 habitants en 1890. La ville de New York était une destination de choix au début du XXe siècle pour les Afro-Américains lors de la Grande Migration en provenance du Sud des États-Unis, et en 1916, la ville de New York abritait la plus grande diaspora urbaine africaine. en Amérique du Nord. La Renaissance de Harlem de la vie littéraire et culturelle a prospéré à l’époque de la Prohibition. Le boom économique plus important a généré la construction de gratte-ciel rivalisant en hauteur et créant une ligne d’horizon identifiable. New York est devenue la zone urbanisée la plus peuplée du monde au début des années 1920, dépassant Londres. La zone métropolitaine a dépassé la barre des 10 millions d’habitants au début des années 1930, devenant ainsi la première mégapole de l’histoire de l’humanité. Les années difficiles de la Grande Dépression ont vu l'élection du réformateur Fiorello La Guardia comme maire et la chute de Tammany Hall après quatre-vingts ans de domination politique. Le retour des anciens combattants de la Seconde Guerre mondiale a créé un boom économique d'après-guerre et le développement de vastes lotissements dans l'est du Queens. New York est sortie indemne de la guerre en tant que première ville du monde, avec Wall Street en tête de l'Amérique en tant que puissance économique dominante du monde. Le siège des Nations Unies a été achevé en 1952, renforçant ainsi l'influence géopolitique mondiale de New York, et la montée de l'expressionnisme abstrait dans la ville a précipité le déplacement de Paris par New York en tant que centre du monde de l'art. Les émeutes de Stonewall étaient une série de manifestations spontanées et violentes de membres de la communauté gay contre une descente de police qui a eu lieu tôt le matin du 28 juin 1969 au Stonewall Inn, dans le quartier de Greenwich Village, dans le Lower Manhattan. Ils sont largement considérés comme l’événement le plus important ayant conduit au mouvement de libération gay et à la lutte moderne pour les droits LGBT aux États-Unis. Dans les années 1970, les pertes d'emplois dues à la restructuration industrielle ont causé à New York des problèmes économiques et une augmentation du taux de criminalité. Alors que la résurgence du secteur financier a grandement amélioré la santé économique de la ville dans les années 1980, le taux de criminalité à New York a continué d'augmenter tout au long de cette décennie et jusqu'au début des années 1990. Au milieu des années 1990, les taux de criminalité ont commencé à chuter de façon spectaculaire en raison de la révision des stratégies policières, de l'amélioration des opportunités économiques, de la gentrification et de l'arrivée de nouveaux résidents, tant américains que de nouveaux immigrants d'Asie et d'Amérique latine. De nouveaux secteurs importants, tels que Silicon Alley, ont émergé dans l'économie de la ville. La population de New York a atteint des sommets sans précédent lors du recensement de 2000, puis de nouveau lors du recensement de 2010. La ville et ses environs ont subi l'essentiel des dégâts économiques et les plus grandes pertes en vies humaines à la suite des attentats du 11 septembre 2001, lorsque 10 des 19 terroristes associés à Al-Qaïda ont piloté le vol 11 d'American Airlines dans la tour nord de la ville. World Trade Center et le vol 175 d'United Airlines dans la tour sud du World Trade Center, puis les ont détruits, tuant 2 192 civils, 343 pompiers et 71 agents des forces de l'ordre qui se trouvaient dans les tours et dans les environs. La reconstruction de la zone a donné lieu à la création d'un nouveau One World Trade Center, d'un mémorial et d'un musée du 11 septembre, ainsi que d'autres nouveaux bâtiments et infrastructures. La station PATH du World Trade Center, ouverte le 19 juillet 1909 sous le nom de Hudson Terminal, a également été détruite lors de l'attaque. Une gare temporaire a été construite et ouverte le 23 novembre 2003. Une gare permanente, le World Trade Center Transportation Hub, est actuellement en construction. Le nouveau One World Trade Center est le plus haut gratte-ciel de l'hémisphère occidental et le quatrième plus haut bâtiment du monde en termes de hauteur, avec sa flèche atteignant 1 776 pieds symbolique en référence à l'année de l'indépendance américaine. Les manifestations Occupy Wall Street à Zuccotti Park dans le quartier financier de Lower Manhattan ont débuté le 17 septembre 2011, attirant l'attention du monde entier et donnant naissance au mouvement Occupy contre les inégalités sociales et économiques dans le monde entier. Géographie La ville de New York est située au nord-est des États-Unis, dans le sud-est de l'État de New York, à peu près à mi-chemin entre Washington, D.C. et Boston. L'emplacement à l'embouchure de la rivière Hudson, qui se jette dans un port naturellement abrité puis dans l'océan Atlantique, a aidé la ville à prendre de l'importance en tant que port de commerce. La majeure partie de la ville de New York est construite sur les trois îles de Long Island, Manhattan et Staten Island. La rivière Hudson traverse la vallée de l'Hudson jusqu'à la baie de New York. Entre New York et Troy, New York, le fleuve est un estuaire. Le fleuve Hudson sépare la ville de l’État américain du New Jersey. L'East River, un détroit de marée, coule du Long Island Sound et sépare le Bronx et Manhattan de Long Island. La rivière Harlem, un autre détroit de marée entre les rivières Est et Hudson, sépare la majeure partie de Manhattan du Bronx. La rivière Bronx, qui traverse le Bronx et le comté de Westchester, est la seule rivière entièrement d'eau douce de la ville. Le territoire de la ville a été considérablement modifié par l'intervention humaine, avec une remise en état considérable des terres le long des fronts de mer depuis l'époque coloniale néerlandaise ; la remise en état est plus importante dans le Lower Manhattan, avec des développements tels que Battery Park City dans les années 1970 et 1980. Une partie du relief naturel de la topographie a été égalisée, notamment à Manhattan. La superficie totale de la ville est de . c'est de l'eau et de la terre. Le point culminant de la ville est Todt Hill sur Staten Island, qui, au-dessus du niveau de la mer, est le point culminant de la côte est, au sud du Maine. Le sommet de la crête est principalement couvert de forêts faisant partie de la ceinture verte de Staten Island. Paysage urbain Architecture New York possède des bâtiments architecturalement remarquables dans un large éventail de styles et d'époques distinctes, de la maison Pieter Claesen Wyckoff de style boîte à sel à Brooklyn, dont la partie la plus ancienne date de 1656, au moderne One World Trade Center, le gratte-ciel de Ground Zéro dans le Lower Manhattan et la tour de bureaux la plus chère au monde en termes de coût de construction. L'horizon de Manhattan, avec ses nombreux gratte-ciel, est universellement reconnu et la ville abrite plusieurs des bâtiments les plus hauts du monde. , la ville de New York comptait 5 937 immeubles de grande hauteur, dont 550 structures achevées mesuraient au moins 330 pieds de haut, tous deux deuxièmes au monde après Hong Kong, avec plus de 50 gratte-ciel achevés de plus de 656 pieds de haut. Il s'agit notamment du Woolworth Building (1913) , un gratte-ciel néo-gothique construit avec des détails gothiques à grande échelle. La résolution de zonage de 1916 exigeait des retraits dans les nouveaux bâtiments et limitait les tours à un pourcentage de la taille du terrain, pour permettre à la lumière du soleil d'atteindre les rues en contrebas. Le style Art déco du Chrysler Building (1930) et de l'Empire State Building (1931), avec leurs sommets effilés et leurs flèches en acier, reflétait les exigences de zonage. Les bâtiments présentent des ornements distinctifs, comme les aigles aux coins du 61e étage du Chrysler Building, et sont considérés comme l'un des plus beaux exemples du style Art déco. Un exemple très influent du style international aux États-Unis est le Seagram Building (1957), qui se distingue par sa façade utilisant des poutres en I visibles de couleur bronze pour évoquer la structure du bâtiment. Le Condé Nast Building (2000) est un exemple marquant de conception écologique parmi les gratte-ciel américains et a reçu un prix de l'American Institute of Architects ainsi que de l'AIA New York State pour sa conception. Le caractère des grands quartiers résidentiels de New York est souvent défini par les élégantes maisons en rangée et en pierre brune et les immeubles délabrés qui ont été construits au cours d'une période d'expansion rapide de 1870 à 1930. En revanche, la ville de New York compte également des quartiers moins densément peuplés et comportent des logements indépendants. Dans des quartiers tels que Riverdale (dans le Bronx), Ditmas Park (à Brooklyn) et Douglaston (dans le Queens), les grandes maisons unifamiliales sont courantes dans divers styles architecturaux tels que Tudor Revival et Victorian. La pierre et la brique sont devenues les matériaux de construction de choix de la ville après que la construction de maisons à ossature de bois ait été limitée à la suite du grand incendie de 1835. Une caractéristique distinctive de nombreux bâtiments de la ville sont les châteaux d'eau en bois montés sur le toit. Dans les années 1800, la ville exigeait leur installation sur les bâtiments de plus de six étages pour éviter d'avoir recours à des pressions d'eau trop élevées à des altitudes plus basses, ce qui pourrait briser les conduites d'eau municipales. Les appartements avec jardin sont devenus populaires dans les années 1920 dans les zones périphériques, comme Jackson Heights. Selon le United States Geological Survey, une analyse mise à jour du risque sismique réalisée en juillet 2014 a révélé un « risque légèrement plus faible pour les immeubles de grande hauteur » à New York que ce qui avait été évalué précédemment. Les scientifiques ont estimé ce risque moindre en se basant sur une probabilité plus faible que prévu de secousses lentes à proximité de la ville, ce qui serait plus susceptible de causer des dommages aux structures plus hautes en cas de tremblement de terre à proximité de la ville. Arrondissements La ville de New York est souvent appelée collectivement les cinq arrondissements, et à leur tour, il existe des centaines de quartiers distincts à travers les arrondissements, dont beaucoup ont une histoire et un caractère définissables qui leur sont propres. Si les arrondissements étaient chacun des villes indépendantes, quatre d'entre eux (Brooklyn, Queens, Manhattan et Bronx) feraient partie des dix villes les plus peuplées des États-Unis (Staten Island serait classée 37ème) ; ces mêmes arrondissements coïncident avec les quatre comtés les plus densément peuplés des États-Unis (New York [Manhattan], Kings [Brooklyn], Bronx et Queens). * Manhattan (comté de New York) est géographiquement le quartier le plus petit et le plus densément peuplé et abrite Central Park et la plupart des gratte-ciel de la ville. La densité de population de Manhattan (comté de New York) de 72 033 habitants par mile carré (27 812/km²) en 2015 en fait la plus élevée de tous les comtés des États-Unis et supérieure à la densité de n'importe quelle ville américaine individuelle. Manhattan est le centre culturel, administratif et financier de la ville de New York et abrite le siège de nombreuses grandes sociétés multinationales, le siège des Nations Unies, Wall Street et un certain nombre d'universités importantes. Manhattan est souvent décrit comme le centre financier et culturel du monde. La majeure partie de l'arrondissement est située sur l'île de Manhattan, à l'embouchure du fleuve Hudson. Plusieurs petites îles font également partie de l'arrondissement de Manhattan, notamment Randall's Island, Wards Island et Roosevelt Island dans l'East River, ainsi que Governors Island et Liberty Island au sud dans le port de New York. L'île de Manhattan est vaguement divisée en régions Lower, Midtown et Uptown. Uptown Manhattan est divisé par Central Park en Upper East Side et Upper West Side, et au-dessus du parc se trouve Harlem. L'arrondissement comprend également un petit quartier sur le continent américain, appelé Marble Hill, qui est contigu au Bronx. Les quatre arrondissements restants de la ville de New York sont collectivement appelés les arrondissements extérieurs. * Brooklyn (comté de Kings), à l'extrémité ouest de Long Island, est l'arrondissement le plus peuplé de la ville. Brooklyn est connue pour sa diversité culturelle, sociale et ethnique, sa scène artistique indépendante, ses quartiers distincts et son patrimoine architectural distinctif. Le centre-ville de Brooklyn est le seul quartier central des arrondissements extérieurs. L'arrondissement possède un long littoral en bord de mer, notamment Coney Island, créé dans les années 1870 comme l'un des premiers terrains de divertissement du pays. Marine Park et Prospect Park sont les deux plus grands parcs de Brooklyn. * Queens (comté de Queens), sur Long Island, au nord et à l'est de Brooklyn, est géographiquement le plus grand arrondissement, le comté le plus ethniquement diversifié des États-Unis, ainsi que la zone urbaine la plus ethniquement diversifiée au monde. Historiquement un ensemble de petites villes et villages fondés par les Néerlandais, l'arrondissement a depuis développé une importance à la fois commerciale et résidentielle. Le Queens est le site du Citi Field, le stade de baseball des Mets de New York, et accueille le tournoi de tennis annuel de l'US Open à Flushing Meadows-Corona Park. De plus, deux des trois aéroports les plus fréquentés desservant la région métropolitaine de New York, l'aéroport international John F. Kennedy et l'aéroport LaGuardia, sont situés dans le Queens. (Le troisième est l'aéroport international Newark Liberty à Newark, New Jersey.) * Staten Island (comté de Richmond) est le plus suburbain des cinq arrondissements. Staten Island est reliée à Brooklyn par le pont Verrazano-Narrows et à Manhattan par le ferry gratuit de Staten Island, un ferry de banlieue quotidien et une attraction touristique populaire qui offre une vue imprenable sur la Statue de la Liberté, Ellis Island et Lower Manhattan. Dans le centre de Staten Island, la ceinture de verdure de Staten Island s'étend sur environ 2 500 acres, dont 45 km de sentiers pédestres et l'une des dernières forêts intactes de la ville. Désignée en 1984 pour protéger les terres naturelles de l'île, la Ceinture de verdure comprend sept parcs urbains. * Le Bronx (comté du Bronx) est l'arrondissement le plus au nord de la ville de New York et le seul arrondissement de la ville de New York dont la majorité fait partie du continent américain. C'est l'emplacement du Yankee Stadium, le terrain de baseball des Yankees de New York, et le plus grand complexe d'habitations coopératif des États-Unis, Co-op City. Il abrite également le zoo du Bronx, le plus grand zoo métropolitain du monde, qui s'étend sur 265 acres et abrite plus de 6 000 animaux. Le Bronx est aussi le berceau de la culture rap et hip hop. Pelham Bay Park est le plus grand parc de New York, à . Climat Selon la classification climatique de Köppen, la ville de New York présente un climat subtropical humide (Cfa) et est donc la grande ville la plus septentrionale du continent nord-américain avec cette catégorisation. Les banlieues situées immédiatement au nord et à l'ouest se situent dans la zone de transition entre les climats subtropicaux humides et continentaux humides. La ville compte en moyenne 234 jours avec au moins un peu de soleil par an et 57 % d'ensoleillement possible en moyenne.

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De quel pays d'Amérique du Sud Buenos Aires est la capitale ?

Argentine

Buenos Aires (ou, ) est la capitale et la plus grande ville de l'Argentine. La ville est située sur la rive ouest de l'estuaire du Río de la Plata, sur la côte sud-est du continent. La signification de Buenos Aires est l’air pur ou le bon air. L'agglomération du Grand Buenos Aires, qui comprend également plusieurs districts de la province de Buenos Aires, constitue la troisième agglomération d'Amérique latine, avec une population d'environ dix-sept millions d'habitants. La ville de Buenos Aires ne fait ni partie de la province de Buenos Aires ni la capitale de la province ; c'est plutôt un district autonome. En 1880, après des décennies de luttes politiques internes, Buenos Aires fut fédéralisée et retirée de la province de Buenos Aires. Les limites de la ville ont été élargies pour inclure les villes de Belgrano et Flores ; les deux sont désormais des quartiers de la ville. L'amendement constitutionnel de 1994 a accordé l'autonomie à la ville, d'où son nom officiel : Ciudad Autónoma de Buenos Aires (Ville autonome de Buenos Aires). Ses citoyens ont élu pour la première fois un chef de gouvernement (c'est-à-dire un maire) en 1996 ; auparavant, le maire était directement nommé par le Président de la République. Buenos Aires est, avec Mexico et São Paulo, l'une des trois villes latino-américaines considérées comme « ville alpha » par l'étude GaWC5. La qualité de vie de Buenos Aires était classée 81e au monde et l'une des meilleures d'Amérique latine en 2012, avec un revenu par habitant parmi les trois plus élevés de la région. C'est la ville la plus visitée d'Amérique du Sud (devant Rio de Janeiro) et la deuxième ville la plus visitée d'Amérique latine (derrière Mexico). Buenos Aires est une destination touristique de premier plan et est connue pour son architecture de style européen et sa riche vie culturelle. Buenos Aires a accueilli les premiers Jeux panaméricains en 1951 et a également accueilli deux sites lors de la Coupe du Monde de la FIFA 1978. Buenos Aires accueillera les Jeux olympiques de la jeunesse d'été de 2018 et le sommet du G20 de 2018. Buenos Aires se définit comme une ville multiculturelle, abritant de multiples groupes ethniques et religieux. En outre, plusieurs langues sont parlées dans la ville en plus de l'espagnol, contribuant ainsi à sa culture et au dialecte parlé dans la ville et dans certaines autres régions du pays. En effet, au cours des 150 dernières années, la ville, et le pays en général, a été un important pays d'accueil pour des millions d'immigrants du monde entier, ce qui en fait un creuset où cohabitent plusieurs groupes ethniques et est considérée comme l'un des villes les plus diversifiées d’Amérique latine. Étymologie Il est rapporté dans les archives aragonaises que les missionnaires catalans et les jésuites arrivés à Cagliari (Sardaigne) sous la couronne espagnole, après sa prise aux Pisans en 1324, établirent leur quartier général au sommet d'une colline qui surplombait la ville. La colline était connue sous le nom de Buen Ayre (ou "Bonaria" en langue sarde), car elle était exempte de l'odeur nauséabonde qui régnait dans la vieille ville (la zone du château), qui jouxte les marécages. Pendant le siège de Cagliari, les Aragonais construisirent un sanctuaire à la Vierge Marie au sommet de la colline. En 1335, le roi Alphonse le Doux fit don de l'église aux Mercédaires, qui construisirent une abbaye qui existe encore aujourd'hui. Dans les années qui ont suivi, une histoire a circulé, affirmant qu'une statue de la Vierge Marie avait été récupérée de la mer après avoir miraculeusement contribué à calmer une tempête en mer Méditerranée. La statue a été placée dans l'abbaye. Les marins espagnols, notamment andalous, vénéraient cette image et invoquaient fréquemment les « bons vents » pour les aider dans leur navigation et éviter les naufrages. Un sanctuaire à la Vierge de Buen Ayre sera ensuite érigé à Séville. Lors de la première fondation de Buenos Aires, les marins espagnols arrivèrent avec reconnaissance dans le fleuve de la Plata grâce à la bénédiction de la "Santa Maria de los Buenos Aires", la "Sainte Vierge Marie des Bons Vents" qui leur aurait donné le de bons vents pour atteindre la côte de ce qui est aujourd'hui la ville moderne de Buenos Aires. Pedro de Mendoza a appelé la ville "Sainte Marie des Bons Vents", un nom suggéré par l'aumônier de l'expédition de Mendoza - un dévot de la Vierge de Buen Ayre - d'après la "Madonna de Bonaria" sarde (qui est encore aujourd'hui la patronne de la Sardaigne). La colonie de Mendoza fut bientôt attaquée par les indigènes et fut abandonnée en 1541. Pendant de nombreuses années, le nom a été attribué à un certain Sancho del Campo, qui se serait exclamé : « Comme les vents de cette terre sont beaux ! », à son arrivée. Mais Eduardo Madero, en 1882, après avoir mené des recherches approfondies dans les archives espagnoles, conclut finalement que le nom était effectivement étroitement lié à la dévotion des marins à Notre-Dame de Bon Ayre. Une deuxième colonie (et permanente) a été établie en 1580 par Juan de Garay, qui a descendu le fleuve Paraná depuis Asunción (aujourd'hui la capitale du Paraguay). Garay a conservé le nom initialement choisi par Mendoza, appelant la ville Ciudad de la Santísima Trinidad y Puerto de Santa María del Buen Aire (« Ville de la Très Sainte Trinité et Port de Sainte Marie des Bons Vents »). La forme abrégée « Buenos Aires » est devenue d'usage courant au XVIIe siècle. L'abréviation habituelle de Buenos Aires en espagnol est Bs.As. Il est également courant de l'appeler « B.A. » ou "BA" ). Alors que « BA » est utilisé couramment et davantage par les expatriés qui résident dans la ville, les locaux utilisent plus souvent l'abréviation « Baires », en un mot. Histoire L'époque coloniale Le marin Juan Díaz de Solís, naviguant au nom de l'Espagne, fut le premier Européen à atteindre le Río de la Plata en 1516. Son expédition fut interrompue lorsqu'il fut tué lors d'une attaque de la tribu indigène Charrúa dans l'actuel Uruguay. La ville de Buenos Aires a été créée pour la première fois sous le nom de Ciudad de Nuestra Señora Santa María del Buen Ayre (littéralement « Ville de Notre-Dame Sainte Marie des Bons Vents ») en l'honneur de Notre-Dame de Bonaria (Sainte Patronne de la Sardaigne) le 2 février 1536 par un Expédition espagnole dirigée par Pedro de Mendoza. La colonie fondée par Mendoza était située dans l'actuel quartier de San Telmo à Buenos Aires, au sud du centre-ville. D'autres attaques de la part des autochtones ont forcé les colons à partir et en 1542, le site a été abandonné. Une deuxième colonie (et permanente) fut établie le 11 juin 1580 par Juan de Garay, arrivé en descendant le fleuve Paraná depuis Asunción (aujourd'hui la capitale du Paraguay). Il a surnommé la colonie « Santísima Trinidad » et son port est devenu « Puerto de Santa María de los Buenos Aires ». Dès ses débuts, Buenos Aires dépendait principalement du commerce. Pendant la majeure partie des XVIIe et XVIIIe siècles, les navires espagnols étaient menacés par les pirates. Ils ont donc développé un système complexe selon lequel des navires bénéficiant d'une protection militaire étaient envoyés en Amérique centrale, traversaient les terres, de là jusqu'à Lima, au Pérou, et de là vers les centres-villes. de la vice-royauté. Pour cette raison, les produits mettaient beaucoup de temps à arriver à Buenos Aires et les taxes générées par le transport les rendaient prohibitives. Ce projet a frustré les commerçants de Buenos Aires et une industrie de contrebande florissante s'est développée. Cela a également suscité un profond ressentiment chez les porteños envers les autorités espagnoles. Sentant ces sentiments, Charles III d'Espagne assouplit progressivement les restrictions commerciales et déclara finalement Buenos Aires port ouvert à la fin du XVIIIe siècle. La prise de Porto Bello par les forces britanniques a également alimenté la nécessité de favoriser le commerce via la route de l’Atlantique, au détriment du commerce basé à Lima. L'une de ses décisions était de séparer une région de la vice-royauté du Pérou et de créer à la place la vice-royauté du Río de la Plata, avec Buenos Aires comme capitale. Cependant, les actions apaisantes de Charles n'eurent pas l'effet escompté et les porteños, dont certains étaient versés dans l'idéologie de la Révolution française, devinrent encore plus convaincus de la nécessité de l'indépendance vis-à-vis de l'Espagne. Guerre d'indépendance Lors des invasions britanniques du Río de la Plata, les forces britanniques ont attaqué Buenos Aires à deux reprises. En 1806, les Britanniques envahirent Buenos Aires avec succès, mais une armée de Montevideo dirigée par Santiago de Liniers les vainquit. Durant la brève période de domination britannique, le vice-roi Rafael Sobremonte réussit à s'enfuir à Cordoue et désigna cette ville comme capitale. Buenos Aires redevint la capitale après sa libération, mais Sobremonte ne put reprendre ses fonctions de vice-roi. Santiago de Liniers, choisi comme nouveau vice-roi, prépara la ville contre une éventuelle nouvelle attaque britannique et repoussa la tentative d'invasion de 1807. La militarisation générée dans la société modifia l'équilibre des pouvoirs favorablement aux criollos (contrairement aux péninsulaires), ainsi qu'aux le développement de la guerre péninsulaire en Espagne. Une tentative du marchand péninsulaire Martín de Álzaga de destituer Liniers et de le remplacer par une junte fut vaincue par les armées criollos. Cependant, en 1810, ce seraient ces mêmes armées qui soutiendraient une nouvelle tentative révolutionnaire, réussissant à destituer le nouveau vice-roi Baltasar Hidalgo de Cisneros. C’est ce qu’on appelle la Révolution de Mai, qui est désormais célébrée comme fête nationale. Cet événement déclencha la guerre d'indépendance argentine et de nombreuses armées quittèrent Buenos Aires pour combattre les divers bastions de la résistance royaliste, avec plus ou moins de succès. Le gouvernement était exercé d'abord par deux juntes composées de nombreux membres, puis par deux triumvirats et enfin par une fonction unipersonnelle, le directeur suprême. L'indépendance formelle de l'Espagne a été déclarée en 1816, lors du Congrès de Tucumán. Buenos Aires a réussi à supporter toutes les guerres d'indépendance hispano-américaines sans retomber sous le régime royaliste. Historiquement, Buenos Aires a été le principal lieu d'expression des idées libérales, de libre-échange et étrangères en Argentine, tandis que de nombreuses provinces, notamment au nord-ouest, préconisaient une approche plus nationaliste et catholique des questions politiques et sociales. Une grande partie des tensions internes de l'histoire de l'Argentine, à commencer par les conflits centralistes-fédéralistes du XIXe siècle, trouvent leur origine dans ces points de vue contrastés. Dans les mois qui ont immédiatement suivi la Révolution du 25 mai, Buenos Aires a envoyé un certain nombre d'envoyés militaires dans les provinces avec l'intention d'obtenir leur approbation. Beaucoup de ces missions se sont soldées par de violents affrontements, et l’entreprise a alimenté les tensions entre la capitale et les provinces. Au XIXe siècle, la ville fut bloquée à deux reprises par les forces navales : par les Français de 1838 à 1840, puis par une expédition anglo-française de 1845 à 1848. Les deux blocus n'ont pas réussi à forcer la ville à se soumettre et les puissances étrangères ont finalement renoncé. de leurs revendications. Histoire moderne Durant la majeure partie du XIXe siècle, le statut politique de la ville reste un sujet sensible. Elle était déjà capitale de la province de Buenos Aires et, entre 1853 et 1860, capitale de l'État sécessionniste de Buenos Aires. La question a été débattue plus d'une fois sur le champ de bataille, jusqu'à ce que l'affaire soit finalement réglée en 1880 lorsque la ville fut fédéralisée et devint le siège du gouvernement, avec un maire nommé par le président. La Casa Rosada est devenue le siège du président. Les conditions sanitaires dans les zones pauvres étaient négatives, avec des taux élevés de tuberculose. Les médecins de la santé publique et les politiciens accusaient généralement les pauvres eux-mêmes et leurs immeubles d'habitation délabrés (conventillos) d'être responsables de la propagation de la redoutable maladie. Les gens ont ignoré les campagnes de santé publique visant à limiter la propagation des maladies contagieuses, telles que l’interdiction de cracher dans la rue, les directives strictes concernant les soins aux nourrissons et aux jeunes enfants et les quarantaines qui séparaient les familles des proches malades. Outre la richesse générée par les douanes de Buenos Aires et la pampa fertile, le développement ferroviaire dans la seconde moitié du XIXe siècle a accru la puissance économique de Buenos Aires grâce à l'afflux de matières premières dans ses usines. Destination privilégiée des immigrants venus d'Europe, notamment d'Italie et d'Espagne, Buenos Aires devient de 1880 à 1930 une ville multiculturelle qui se classe parmi les grandes capitales européennes. Le Théâtre Colón est devenu l'une des plus grandes salles d'opéra au monde et la ville est devenue la capitale régionale de la radio, de la télévision, du cinéma et du théâtre. Les principales avenues de la ville ont été construites au cours de ces années et, à l'aube du XXe siècle, les bâtiments les plus hauts d'Amérique du Sud et le premier système souterrain ont été construits. Un deuxième boom de la construction, de 1945 à 1980, a remodelé le centre-ville et une grande partie de la ville. Buenos Aires a également attiré des migrants des provinces argentines et des pays voisins. Les bidonvilles (villas miseria) ont commencé à se développer autour des zones industrielles de la ville dans les années 1930, entraînant des problèmes sociaux omniprésents et des contrastes sociaux avec la population de Buenos Aires en grande partie ascendante. Ces ouvriers sont devenus la base politique du péronisme, qui a émergé à Buenos Aires lors de la manifestation charnière du 17 octobre 1945, sur la Place de Mai. Les ouvriers industriels de la ceinture industrielle du Grand Buenos Aires constituent depuis lors la principale base de soutien du péronisme, et la Plaza de Mayo est devenue le lieu de manifestations et de nombreux événements politiques du pays ; le 16 juin 1955, cependant, une faction dissidente de la marine bombarda la zone de la Plaza de Mayo, tuant 364 civils (voir Bombardement de la Plaza de Mayo). Ce fut la seule fois où la ville fut attaquée depuis les airs, et l'événement fut suivi d'un soulèvement militaire qui renversa le président Perón, trois mois plus tard (voir Revolución Libertadora). Dans les années 1970, la ville a souffert des combats entre les mouvements révolutionnaires de gauche (Montoneros, E.R.P. et F.A.R.) et le groupe paramilitaire de droite Triple A, soutenu par Isabel Perón, devenue présidente de l'Argentine en 1974 après la mort de Juan Perón. Le coup d’État de mars 1976, dirigé par le général Jorge Videla, n’a fait qu’intensifier ce conflit ; la « sale guerre » a entraîné la mort de 30 000 desaparecidos (personnes kidnappées et tuées par l'armée pendant les années de la junte). Les marches silencieuses de leurs mères (Mères de la Place de Mai) sont une image bien connue de la souffrance des Argentins à cette époque. Le maire nommé par la dictature, Osvaldo Cacciatore, a également élaboré des plans pour un réseau d'autoroutes destiné à désengorger la ville. Le plan, cependant, appelait à la destruction apparemment aveugle des zones résidentielles et, bien que seulement trois des huit prévus aient été construits à l'époque, il s'agissait pour la plupart d'autoroutes surélevées envahissantes qui continuent à ce jour de détruire un certain nombre de quartiers autrefois confortables. La ville a été visitée par le pape Jean-Paul II à deux reprises : en 1982, et une deuxième visite en 1987, qui a rassemblé certaines des plus grandes foules de l'histoire de la ville. Le retour de la démocratie en 1983 a coïncidé avec un renouveau culturel, et les années 1990 ont été marquées par un renouveau économique, notamment dans les secteurs de la construction et de la finance. Le 17 mars 1992, une bombe a explosé dans l'ambassade israélienne, tuant 29 personnes et en blessant 242 autres. Une autre explosion, le 18 juillet 1994, détruisit un bâtiment abritant plusieurs organisations juives, tuant 85 personnes et en blessant de nombreuses autres. Ces incidents marquèrent le début du terrorisme au Moyen-Orient. Amérique du Sud. Suite à un accord de 1993, la Constitution argentine a été amendée pour donner à Buenos Aires l'autonomie et supprimer, entre autres choses, le droit du président de nommer le maire de la ville (comme c'était le cas depuis 1880). Le 30 juin 1996, les électeurs de Buenos Aires ont élu leur premier maire élu (chef du gouvernement). Le 30 décembre 2004, un incendie dans la discothèque República Cromagnon a tué près de 200 personnes, l'une des plus grandes tragédies non naturelles de l'histoire de l'Argentine. Le 22 février 2012, un train s'est écrasé à la gare d'Once. Cinquante et une personnes ont été tuées et plus de 700 blessées ; les morts et les blessés graves se trouvaient dans les deux premiers wagons, remplis de personnes qui s'étaient déplacées vers l'avant du train pour se trouver près de la sortie de la gare à l'arrivée. Gouvernement et politique Structure gouvernementale L'exécutif est détenu par le chef du gouvernement (), élu pour un mandat de quatre ans, ainsi qu'un chef adjoint du gouvernement, qui préside le corps législatif de la ville de Buenos Aires, composé de 60 membres. Chaque membre de l'Assemblée législative est élu pour un mandat de quatre ans ; la moitié du corps législatif est renouvelée tous les deux ans. Les élections utilisent la méthode D'Hondt de représentation proportionnelle. Le pouvoir judiciaire est composé de la Cour suprême de justice (Tribunal Superior de Justicia), du Conseil de la magistrature (Consejo de la Magistratura), du ministère public et d'autres tribunaux municipaux. L'article 61 de la Constitution de la ville de Buenos Aires de 1996 stipule que « le suffrage est libre, égal, secret, universel, obligatoire et non cumulatif. Les étrangers résidents jouissent de ce même droit, avec les obligations correspondantes, sur un pied d'égalité avec les citoyens argentins. enregistré dans le district, dans les conditions fixées par la loi. Juridiquement, la ville a moins d'autonomie que les provinces. En juin 1996, peu avant la tenue des premières élections exécutives de la ville, le Congrès national argentin a promulgué la loi nationale 24.588 (connue sous le nom de Ley Cafiero, du nom du sénateur qui a défendu le projet) par laquelle l'autorité sur la police fédérale argentine, forte de 25 000 hommes, et la responsabilité des institutions fédérales résidant dans la ville (par exemple, les bâtiments de la Cour suprême nationale de justice) ne serait pas transférée du gouvernement national au gouvernement de la ville autonome jusqu'à ce qu'un nouveau consensus puisse être atteint au Congrès national. En outre, il a déclaré que le port de Buenos Aires, ainsi que d'autres lieux, resteraient sous l'autorité fédérale constituée. , le déploiement de la Police Métropolitaine de Buenos Aires se poursuit. À partir de 2007, la ville s'est lancée dans un nouveau programme de décentralisation, créant de nouvelles communes (comunas) qui doivent être gérées par des comités élus de sept membres chacun. Histoire politique récente En 1996, à la suite de la réforme de la Constitution argentine de 1994, la ville a tenu ses premières élections municipales selon les nouveaux statuts, le titre du maire étant officiellement changé en « Chef du gouvernement ». Le vainqueur fut Fernando de la Rúa, qui deviendra plus tard président de l'Argentine de 1999 à 2001. Le successeur de De la Rúa, Aníbal Ibarra, a remporté deux élections populaires, mais a été destitué (et finalement destitué le 6 mars 2006) à la suite de l'incendie de la discothèque República Cromagnon. Jorge Telerman, qui avait été maire par intérim, a été investi de cette fonction. Lors des élections de 2007, Mauricio Macri, du parti Proposition républicaine (PRO), a remporté le deuxième tour face à Daniel Filmus, du parti Frente para la Victoria (FPV), qui a pris ses fonctions le 9 décembre 2007. En 2011, les élections se sont déroulées à un second tour avec 60,96% des voix pour PRO, contre 39,04% pour FPV, réélu Macri comme maire de la ville avec María Eugenia Vidal comme maire adjointe. Les élections de 2015 ont été les premières à utiliser un système de vote électronique dans la ville, similaire à celui utilisé dans la province de Salta. Lors de ces élections du 5 juillet 2015, Macri a démissionné de son poste de maire et a poursuivi sa candidature à la présidentielle et Horacio Rodríguez Larreta a pris sa place en tant que candidat à la mairie pour PRO. Au premier tour de scrutin, Mariano Recalde du FPV a obtenu 21,78% des voix, tandis que Martín Lousteau du parti ECO a obtenu 25,59% et Larreta 45,55%, ce qui signifie que les élections ont eu lieu au deuxième tour puisque PRO n'a pas réussi à obtenir la majorité. nécessaire à la victoire. Le deuxième tour a eu lieu le 19 juillet 2015 et Larreta a obtenu 51,6 % des voix, suivi de près par Lousteau avec 48,4 %, PRO a ainsi remporté les élections pour un troisième mandat avec Larreta comme maire et Diego Santilli comme adjoint. Lors de ces élections, le PRO était plus fort dans les quartiers les plus riches du nord de Buenos Aires, tandis que l'ECO était plus fort dans le sud de la ville. Représentation nationale Buenos Aires est représentée au Sénat argentin par trois sénateurs (Federico Pinedo, Marta Varela et Pino Solanas). Les habitants de Buenos Aires élisent également 25 députés nationaux à la Chambre des députés argentine. Données démographiques Données du recensement Lors du recensement de 2010, 2 891 082 personnes résidaient dans la ville. La population du Grand Buenos Aires était de 13 147 638 habitants selon les données du recensement de 2010. La densité de population à Buenos Aires proprement dite était de 13 680 habitants par kilomètre carré (34 800 par mi2), mais seulement d'environ 2 400 par km2 (6 100 par mi2) dans les banlieues. La population de Buenos Aires proprement dite oscille autour de 3 millions d'habitants depuis 1947, en raison du faible taux de natalité et d'une lente migration vers les banlieues. Les districts environnants ont toutefois quintuplé depuis lors (pour atteindre environ 10 millions). Le recensement de 2001 a montré une population relativement âgée : avec 17 % de moins de quinze ans et 22 % de plus de soixante ans, les habitants de Buenos Aires ont une structure d'âge similaire à celle de la plupart des villes européennes. Ils sont plus âgés que l'ensemble des Argentins (dont 28 % avaient moins de 15 ans et 14 % avaient plus de 60 ans). Les deux tiers des habitants de la ville vivent dans des immeubles d'habitation et 30 % dans des maisons unifamiliales ; 4% vivent dans des logements insalubres. Mesuré en termes de revenus, le taux de pauvreté de la ville était de 8,4 % en 2007 et, en incluant la zone métropolitaine, de 20,6 %. D'autres études estiment que 4 millions de personnes dans la région métropolitaine de Buenos Aires vivent dans la pauvreté. La population active résidente de la ville, qui comptait 1,2 million de personnes en 2001, était principalement employée dans le secteur des services, en particulier les services sociaux (25 %), le commerce et le tourisme (20 %) et les services commerciaux et financiers (17 %) ; malgré le rôle de la ville en tant que capitale de l'Argentine, l'administration publique n'en employait que 6 %. Le secteur manufacturier employait encore 10 %. Les quartiers La ville est divisée en barrios (quartiers) à des fins administratives, une division basée à l'origine sur les parroquias (paroisses) catholiques. Une expression courante est celle des Cien barrios porteños (« Cent quartiers porteño »), faisant référence à une composition rendue populaire dans les années 1940 par le chanteur de tango Alberto Castillo ; cependant, Buenos Aires ne compte que 48 quartiers officiels. Il existe plusieurs subdivisions de ces quartiers, certaines avec une longue histoire et d'autres qui sont le produit d'une invention immobilière. Un exemple notable est Palermo – le plus grand quartier de la ville – qui a été subdivisé en plusieurs quartiers, dont Palermo Soho, Palermo Hollywood, Las Cañitas et Palermo Viejo, entre autres. Un projet plus récent a divisé la ville en 15 comunas (communes). Origine de la population La majorité des porteños sont d'origine européenne, principalement des régions calabraise, ligure, piémontaise, lombarde, sicilienne et campanie en Italie et des régions andalouse, galicienne, asturienne et basque d'Espagne. Les vagues d'immigrants européens sans restriction vers l'Argentine à partir du milieu du XIXe siècle ont considérablement augmenté la population du pays, faisant même tripler le nombre de porteños entre 1887 et 1915, passant de 500 000 à 1,5 million. D'autres origines européennes importantes sont l'allemand, l'écossais, le norvégien, le polonais, le français, le portugais, le suédois, le grec, le tchèque, le croate, le néerlandais, le russe, le serbe, l'anglais, le hongrois et le bulgare. Dans les années 1980 et 1990, il y a eu une petite vague d’immigration en provenance de Roumanie et d’Ukraine. Il existe une minorité de citoyens criollos, remontant à l'époque coloniale espagnole. La population criollo et aborigène espagnole (métisse) de la ville a augmenté principalement en raison de l'immigration en provenance des provinces intérieures et d'autres pays tels que la Bolivie, le Paraguay, le Chili et le Pérou voisins, depuis la seconde moitié du XXe siècle. La communauté juive du Grand Buenos Aires compte environ 250 000 personnes et est la plus grande d'Amérique latine. La plupart sont d'origine ashkénaze d'Europe du Nord, de l'Ouest, centrale et de l'Est, principalement des Juifs suédois, néerlandais, polonais, allemands et russes, avec une importante minorité séfarade, principalement composée de Juifs syriens et de Juifs libanais. D'importantes communautés libanaises, géorgiennes, syriennes et arméniennes sont très présentes dans le commerce et la vie civique depuis le début du XXe siècle. La majeure partie de l'immigration est-asiatique à Buenos Aires vient de Chine. L'immigration chinoise est la quatrième en importance en Argentine, la grande majorité d'entre eux vivant à Buenos Aires et dans sa zone métropolitaine. Dans les années 1980, la plupart d’entre eux étaient originaires de Taiwan, mais depuis les années 1990, la majorité des immigrants chinois viennent de la province continentale du Fujian. Les Chinois du continent venus du Fujian installaient principalement des supermarchés dans toute la ville et les banlieues ; ces supermarchés sont si courants qu'il y en a en moyenne un tous les deux pâtés de maisons et demi et sont simplement appelés el chino (« les Chinois »). Les immigrants japonais viennent pour la plupart de la préfecture d'Okinawa. Ils ont lancé une entreprise de nettoyage à sec en Argentine, une activité considérée comme particulière aux immigrants japonais de Buenos Aires. L'immigration coréenne a eu lieu après la division de la Corée ; ils se sont principalement installés à Flores et Once. En , 2,1% de la population, soit 61 876 personnes, se déclarent Amérindiens ou descendants de première génération d'Amérindiens de Buenos Aires (sans compter les 24 Partidos adjacents qui composent le Grand Buenos Aires). Parmi les 61 876 personnes d'origine indigène, 15,9% sont Quechua, 15,9% Guaraní, 15,5% Aymara et 11% Mapuche. Au sein des 24 Partidos adjacents, 186 640 personnes, soit 1,9 % de la population totale, se sont déclarées Amérindiennes. Parmi les 186 640 personnes d'origine indigène, 21,2% sont Guaraní, 19% Toba, 11,3% Mapuche, 10,5% Quechua et 7,6% Diaguita. Dans la ville, 15 764 personnes se sont identifiées comme afro-argentines lors du recensement de 2010. Religion La plupart des habitants sont catholiques, même si des études menées au cours des dernières décennies ont révélé que moins de 20 % d'entre eux sont pratiquants. Buenos Aires est le siège d'un archevêque métropolitain catholique romain (le primat catholique d'Argentine), actuellement l'archevêque Mario Poli. Son prédécesseur, le cardinal Jorge Bergoglio, a été élu pape François le 13 mars 2013. Il existe des minorités protestantes, chrétiennes orthodoxes, musulmanes, juives, témoins de Jéhovah, mormones et bouddhistes. La ville abrite la plus grande mosquée d'Amérique du Sud. En outre, l'irréligion à Buenos Aires est plus élevée que dans d'autres régions du pays, avec environ 18,0 % des porteños se déclarant athées ou agnostiques. Problèmes urbains Les villas miserias vont de petits groupes de maisons précaires à des communautés plus grandes et plus organisées comptant des milliers d'habitants. Dans les zones rurales, les maisons des villas miserias peuvent être faites de terre et de bois. Les villas miseria se trouvent autour et à l’intérieur des grandes villes de Buenos Aires, Rosario, Cordoue et Mendoza, entre autres. Les villas attirent des personnes de différents horizons. Certains sont des citoyens locaux qui se sont retrouvés dans une situation économique déjà précaire. Dans la plupart des cas, une villa miseria est peuplée par les enfants et petits-enfants des premiers colons, qui n'ont pas pu améliorer leur situation économique. De plus, Buenos Aires ne dispose pas de suffisamment d’espaces verts. Elle compte en moyenne moins de 2 m² d'espace vert par personne, soit dix fois moins que New York, sept fois moins que Madrid et cinq fois moins que Paris. L'Organisation Mondiale de la Santé (OMS), dans son souci de santé publique, a réalisé un document sur le sujet affirmant que chaque ville devrait disposer d'un minimum de 9 m² d'espace vert par personne. Une quantité optimale se situerait entre 10 et 15 m² par personne. Géographie Les limites de Buenos Aires proprement dites sont déterminées à l'est et au nord-est par le Rio de la Plata, au sud et au sud-est par le Riachuelo et au nord-ouest, à l'ouest et au sud-ouest par l'avenue General Paz, une autoroute longue de 24 km. qui sépare la province de Buenos Aires des 203 km2 qui composent la ville. La ville de Buenos Aires se trouve dans la région de la pampa, à l'exception de certaines zones comme la réserve écologique de Buenos Aires, la « ville sportive » du club Boca Juniors (football), l'aéroport Jorge Newbery, le quartier de Puerto Madero et le port principal lui-même ; ils ont tous été construits sur des terres récupérées le long des côtes du Rio de la Plata (le fleuve le plus large du monde). La région était autrefois traversée par différents ruisseaux et lagunes, certaines remblayées et d'autres tubées. Parmi les criques les plus importantes figurent Maldonado, Vega, Medrano, Cildañez et White. En 1908, de nombreux ruisseaux furent canalisés et rectifiés, les inondations endommageant les infrastructures de la ville. À partir de 1919, la plupart des ruisseaux étaient fermés. Notamment, le Maldonado a été tubé en 1954 et passe sous l'avenue Juan B. Justo. Climat Buenos Aires a un climat subtropical humide (Köppen Cfa), avec des étés très chauds et humides et des hivers doux. Le mois le plus chaud est janvier, avec une moyenne quotidienne de . La plupart des jours, les températures se situent entre 28 et 16 et les nuits. Les vagues de chaleur en provenance du Brésil peuvent pousser les températures au-dessus de 35 °C, mais la ville est soumise à des fronts froids qui apportent de courtes périodes de temps agréable et des nuits fraîches. L'humidité relative est de 64 à 70 % en été, l'indice de chaleur est donc supérieur à la température réelle de l'air. La température la plus élevée jamais enregistrée a été enregistrée le 29 janvier 1957. Le printemps (de septembre à la mi-décembre) et l'automne (de la mi-mars à la mi-juin) sont généralement doux et instables, avec des températures moyennes d'environ 17 °C et des orages fréquents, surtout au printemps. Les hivers sont tempérés, bien que les zones suburbaines connaissent souvent des gelées de mai à août, contrairement au centre-ville de Buenos Aires, qui ne connaît ce phénomène que quelques fois par saison. L'humidité relative se situe en moyenne dans les 70 % supérieurs, ce qui signifie que la ville est connue pour ses brouillards modérés à épais en automne et en hiver. Juillet est le mois le plus frais, avec une température moyenne de . Des vagues de froid provenant de l'Antarctique se produisent presque chaque année et, combinées à l'humidité hivernale élevée, les conditions hivernales peuvent sembler beaucoup plus fraîches que la température mesurée. La plupart des jours, le pic atteint 12 heures et descend à 3 heures la nuit. Les vents du sud peuvent maintenir les températures en dessous de 10 °C pendant quelques jours, tandis que les vents du nord peuvent amener les températures au-dessus de 20 °C pendant quelques jours ; ces variations sont normales. La température la plus basse jamais enregistrée dans le centre de Buenos Aires (Observatoire central de Buenos Aires) a eu lieu le 9 juillet 1918. La neige est très rare dans la ville : la dernière chute de neige a eu lieu le 9 juillet 2007 lorsque, pendant l'hiver le plus froid que l'Argentine ait connu depuis près de 30 ans, De fortes chutes de neige et des blizzards ont frappé le pays. Il s'agit de la première chute de neige importante dans la ville depuis 89 ans. Le 17 juillet 2010, au milieu d'un autre hiver froid, des averses de neige ont frappé le sud de Buenos Aires, mais pas le centre comme cela s'est produit en 2007 ou 1918. Le printemps est très venteux et variable : il peut y avoir des canicules avec des températures jusqu'à 35 °C même début octobre. De violents orages sont probables entre septembre et décembre. La ville reçoit des précipitations par an. On peut s'attendre à de la pluie à tout moment de l'année et les tempêtes de grêle ne sont pas rares. Économie Buenos Aires est le centre financier, industriel et commercial de l'Argentine. L'économie de la ville proprement dite, mesurée par le produit intérieur brut (ajusté au pouvoir d'achat), a totalisé 375,8 milliards de dollars américains (38 900 dollars américains par habitant) en 2016, ce qui représente près d'un quart de celle de l'Argentine dans son ensemble. La métropole de Buenos Aires, selon une étude bien citée, constitue la 12e économie parmi les villes du monde. L'indice de développement humain de Buenos Aires (0,879 en 2015) est également élevé par rapport aux normes internationales. Port Le port de Buenos Aires est l'un des plus fréquentés d'Amérique du Sud ; des rivières navigables via le Rio de la Plata relient le port au nord-est de l'Argentine, du Brésil, de l'Uruguay et du Paraguay. En conséquence, elle sert de plaque tournante de distribution pour une vaste zone de la région sud-est du continent. Le port de Buenos Aires traite plus de 11 millions de tonnes commerciales par an, et Dock Sud, juste au sud de la ville proprement dite, en traite 17 millions de tonnes supplémentaires. La collecte des taxes liées au port a causé de nombreux problèmes politiques dans le passé, notamment un conflit en 2008 qui a conduit à des manifestations et à une grève dans le secteur agricole après que le gouvernement a augmenté les tarifs d'exportation. Prestations de service Le secteur des services de la ville est diversifié et bien développé par rapport aux normes internationales et représente 76 % de son économie (contre 59 % pour l'ensemble de l'Argentine). La publicité, en particulier, joue un rôle de premier plan dans l’exportation de services dans le pays et à l’étranger. Le secteur des services financiers et immobiliers est cependant le plus important et contribue à 31 % de l'économie de la ville. La finance (environ un tiers de cette somme) à Buenos Aires est particulièrement importante pour le système bancaire argentin, représentant près de la moitié des dépôts bancaires et des prêts du pays. Près de 300 hôtels et 300 autres auberges et chambres d'hôtes sont agréés pour le tourisme à Buenos Aires, et près de la moitié des chambres disponibles se trouvaient dans des établissements quatre étoiles ou plus. Fabrication Cible

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L'apiculture, c'est l'élevage et le soin de quelles créatures ?

Les abeilles

L'apiculture (de « abeille ») est le maintien de colonies d'abeilles mellifères, généralement dans des ruches, par les humains. Un apiculteur (ou apiculteur) élève des abeilles afin de récolter leur miel et d'autres produits produits par la ruche (notamment la cire d'abeille, la propolis, le pollen et la gelée royale), de polliniser les cultures ou de produire des abeilles destinées à la vente à d'autres apiculteurs. Un endroit où les abeilles sont gardées est appelé rucher ou « rucher ». Les représentations d’humains récoltant le miel d’abeilles sauvages datent d’il y a 15 000 ans. L'apiculture dans des récipients en poterie a commencé il y a environ 9 000 ans en Afrique du Nord. La domestication est représentée dans l’art égyptien d’il y a environ 4 500 ans. De simples ruches et de la fumée étaient utilisées et le miel était stocké dans des pots, dont certains ont été trouvés dans les tombes de pharaons comme Toutankhamon. Ce n'est qu'au XVIIIe siècle que la compréhension européenne des colonies et de la biologie des abeilles a permis la construction de ruches à rayons mobiles afin que le miel puisse être récolté sans détruire la colonie entière. Histoire de l'apiculture À un moment donné, les humains ont commencé à tenter de domestiquer les abeilles sauvages dans des ruches artificielles fabriquées à partir de rondins creux, de caisses en bois, de récipients en poterie et de paniers en paille tressée ou « skeps ». Des traces de cire d'abeille ont été trouvées dans des tessons de pot partout au Moyen-Orient à partir d'environ 7 000 avant notre ère. Les abeilles domestiques étaient élevées en Égypte depuis l'Antiquité. Sur les murs du temple solaire de Nyuserre Ini de la Cinquième Dynastie, avant 2422 avant notre ère, des ouvriers sont représentés soufflant de la fumée dans les ruches pendant qu'ils enlèvent les nids d'abeilles. Des inscriptions détaillant la production de miel se trouvent sur la tombe de Pabasa de la vingt-sixième dynastie (vers 650 avant notre ère), représentant le versement de miel dans des bocaux et des ruches cylindriques. Des pots de miel scellés ont été trouvés dans les objets funéraires de pharaons tels que Toutankhamon. Il y a eu une tentative documentée d'introduire des abeilles dans les zones sèches de Mésopotamie au 8ème siècle avant notre ère par Shamash-resh-ușur, le gouverneur de Mari et Suhu. Ses plans étaient détaillés dans une stèle de 760 avant notre ère : Dans la Grèce préhistorique (Crète et Mycènes), il existait un système d'apiculture de haut niveau, comme le montrent les découvertes de ruches, de pots de fumage, d'extracteurs de miel et d'autres accessoires apicoles à Cnossos. L'apiculture était considérée comme une industrie très appréciée, contrôlée par des surveillants apicoles, propriétaires d'anneaux en or représentant des scènes apicoles plutôt que des scènes religieuses telles qu'elles ont été réinterprétées récemment, contrairement à Sir Arthur Evans. Des découvertes archéologiques liées à l'apiculture ont été découvertes à Rehov, un site archéologique de l'âge du bronze et du fer dans la vallée du Jourdain, en Israël. Trente ruches intactes, faites de paille et d'argile non cuite, ont été découvertes par l'archéologue Amihai Mazar dans les ruines de la ville, datant d'environ 900 avant notre ère. Les ruches ont été trouvées en rangées ordonnées, sur trois hauteurs, de manière à pouvoir accueillir environ 100 ruches, contenir plus d'un million d'abeilles et avoir un rendement annuel potentiel de 500 kilogrammes de miel et 70 kilogrammes de cire d'abeille, selon Mazar, et sont la preuve qu'une industrie du miel avancée existait dans l'ancien Israël il y a 3 000 ans. Dans la Grèce antique, Aristote discute longuement de certains aspects de la vie des abeilles et de l’apiculture. L'apiculture a également été documentée par les écrivains romains Virgile, Gaius Julius Hyginus, Varro et Columelle. L’apiculture est également pratiquée dans la Chine ancienne depuis l’Antiquité. Dans le livre "Les règles d'or du succès commercial" écrit par Fan Li (ou Tao Zhu Gong) pendant la période du printemps et de l'automne, il y a des sections décrivant l'art de l'apiculture, soulignant l'importance de la qualité de la caisse en bois utilisée et comment celle-ci peut affecter la qualité du miel. Les anciens Mayas domestiquaient une espèce distincte d’abeille sans dard. L'utilisation d'abeilles sans dard est appelée méliponiculture, du nom des abeilles de la tribu Meliponini, comme Melipona quadrifasciata au Brésil. Cette variante de l’apiculture est encore présente aujourd’hui dans le monde entier. Par exemple, en Australie, l'abeille sans dard Tetragonula carbonaria est élevée pour la production de son miel. Origines Il existe plus de 20 000 espèces d'abeilles sauvages. De nombreuses espèces sont solitaires (par exemple, les abeilles maçonnes, les abeilles coupeuses de feuilles (Megachilidae), les abeilles charpentières et autres abeilles nichant au sol). Beaucoup d’autres élèvent leurs petits dans des terriers et de petites colonies (par exemple les bourdons et les abeilles sans dard). Certaines abeilles mellifères sont sauvages, par ex. la petite abeille (Apis florea), l'abeille géante (Apis dorsata) et l'abeille des rochers (Apis laboriosa). L'apiculture, ou apiculture, concerne la gestion pratique des espèces sociales d'abeilles mellifères, qui vivent en grandes colonies comptant jusqu'à 100 000 individus. En Europe et en Amérique, l'espèce universellement gérée par les apiculteurs est l'abeille domestique occidentale (Apis mellifera). Cette espèce compte plusieurs sous-espèces ou variétés régionales, comme l'abeille italienne (Apis mellifera ligustica), l'abeille noire européenne (Apis mellifera mellifera) et l'abeille carniolienne (Apis mellifera carnica). Sous les tropiques, d’autres espèces d’abeilles sociales sont cultivées pour la production de miel, notamment l’abeille asiatique (Apis cerana). Toutes les sous-espèces d’Apis mellifera sont capables de se croiser et de s’hybrider. De nombreuses entreprises de sélection d’abeilles s’efforcent de sélectionner et d’hybrider des variétés pour produire des qualités souhaitables : résistance aux maladies et aux parasites, bonne production de miel, réduction du comportement d’essaimage, sélection prolifique et caractère doux. Certains de ces hybrides sont commercialisés sous des marques spécifiques, telles que Buckfast Bee ou Midnite Bee. Les avantages des premiers hybrides F1 produits par ces croisements comprennent : la vigueur hybride, une productivité accrue en miel et une plus grande résistance aux maladies. L’inconvénient est que dans les générations suivantes, ces avantages peuvent disparaître et les hybrides ont tendance à être très défensifs et agressifs. Récolte du miel sauvage La récolte du miel dans les colonies d'abeilles sauvages est l'une des activités humaines les plus anciennes et est encore pratiquée par les sociétés aborigènes dans certaines parties d'Afrique, d'Asie, d'Australie et d'Amérique du Sud. En Afrique, les oiseaux guides de miel ont développé une relation mutualiste avec les humains, les conduisant vers les ruches et participant au festin. Cela suggère que la récolte du miel par les humains pourrait être très ancienne. Certaines des premières preuves de la collecte de miel dans des colonies sauvages proviennent de peintures rupestres datant du Paléolithique supérieur (13 000 avant notre ère). La récolte du miel des colonies d'abeilles sauvages se fait généralement en soumettant les abeilles avec de la fumée et en brisant l'arbre ou les rochers où se trouve la colonie, ce qui entraîne souvent la destruction physique du nid. Etude des abeilles mellifères Ce n’est qu’au XVIIIe siècle que les philosophes naturels européens entreprirent l’étude scientifique des colonies d’abeilles et commencèrent à comprendre le monde complexe et caché de la biologie des abeilles. Parmi ces pionniers scientifiques figuraient Swammerdam, René Antoine Ferchault de Réaumur, Charles Bonnet et François Huber. Swammerdam et Réaumur ont été parmi les premiers à utiliser un microscope et une dissection pour comprendre la biologie interne des abeilles domestiques. Réaumur a été parmi les premiers à construire une ruche d'observation aux parois de verre pour mieux observer les activités au sein des ruches. Il a observé des reines pondre dans des cellules ouvertes, mais n'avait toujours aucune idée de la manière dont une reine était fécondée ; personne n'avait jamais été témoin de l'accouplement d'une reine et d'un faux-bourdon et de nombreuses théories soutenaient que les reines étaient « autofertiles », tandis que d'autres pensaient qu'une vapeur ou un « miasme » émanant des faux-bourdons fécondait les reines sans contact physique direct. Huber a été le premier à prouver par l'observation et l'expérience que les reines sont physiquement inséminées par des faux-bourdons en dehors des limites des ruches, généralement très éloignées. Suivant le projet de Réaumur, Huber a construit des ruches d'observation améliorées à parois de verre et des ruches sectionnelles qui pouvaient s'ouvrir comme les feuilles d'un livre. Cela a permis d’inspecter les rayons de cire individuels et d’améliorer considérablement l’observation directe de l’activité de la ruche. Bien qu'il soit devenu aveugle avant l'âge de vingt ans, Huber a employé un secrétaire, François Burnens, pour faire des observations quotidiennes, mener des expériences minutieuses et prendre des notes précises pendant plus de vingt ans. Huber a confirmé qu'une ruche se compose d'une reine qui est la mère de toutes les ouvrières et faux-bourdons mâles de la colonie. Il fut également le premier à confirmer que l'accouplement avec les faux-bourdons s'effectue en dehors des ruches et que les reines sont inséminées par plusieurs accouplements successifs avec des faux-bourdons mâles, dans les airs, à grande distance de leur ruche. Ensemble, lui et Burnens ont disséqué les abeilles au microscope et ont été parmi les premiers à décrire les ovaires et la spermathèque, ou réserve de sperme, des reines ainsi que le pénis des faux-bourdons. Huber est universellement considéré comme « le père de la science apicole moderne » et ses « Nouvelles Observations sur Les Abeilles » ont révélé toutes les vérités scientifiques fondamentales sur la biologie et l’écologie des abeilles. Invention de la ruche à rayons mobiles Les premières formes de collecte de miel entraînaient la destruction de la colonie entière lors de la récolte du miel. La ruche sauvage a été grossièrement cambriolée, en utilisant la fumée pour supprimer les abeilles, les rayons de miel ont été arrachés et brisés, ainsi que les œufs, les larves et le miel qu'ils contenaient. Le miel liquide du nid à couvain détruit était filtré à travers un tamis ou un panier. C'était destructeur et peu hygiénique, mais pour les sociétés de chasseurs-cueilleurs, cela n'avait pas d'importance, puisque le miel était généralement consommé immédiatement et qu'il y avait toujours plus de colonies sauvages à exploiter. Mais dans les sociétés sédentaires, la destruction de la colonie d’abeilles signifiait la perte d’une ressource précieuse ; cet inconvénient rendait l'apiculture à la fois inefficace et une sorte d'activité « stop and start ». Il ne pouvait y avoir aucune continuité de production et aucune possibilité d'élevage sélectif, puisque chaque colonie d'abeilles était détruite au moment de la récolte, ainsi que sa précieuse reine. À l'époque médiévale, les abbayes et les monastères étaient des centres d'apiculture, car la cire d'abeille était très appréciée pour les bougies et le miel fermenté était utilisé pour fabriquer de l'hydromel alcoolisé dans les régions d'Europe où la vigne ne poussait pas. Les XVIIIe et XIXe siècles voient se succéder les étapes d'une révolution de l'apiculture, qui permet de préserver les abeilles elles-mêmes au moment de la récolte. Des étapes intermédiaires dans la transition de l'ancienne apiculture à la nouvelle ont été enregistrées par exemple par Thomas Wildman en 1768/1770, qui a décrit les progrès par rapport à l'ancienne apiculture destructrice basée sur le skep, de sorte qu'il n'était plus nécessaire de tuer les abeilles pour récolter le miel. Wildman, par exemple, a fixé un ensemble parallèle de barres de bois sur le dessus d'une ruche ou d'un Skep en paille (avec un dessus de paille séparé qui sera fixé plus tard) "de sorte qu'il y ait sept barres de deal" en tout" [dans une ruche de 10 pouces] "sur lequel les abeilles fixent leurs rayons." Il a également décrit l'utilisation de telles ruches dans une configuration à plusieurs étages, préfigurant l'utilisation moderne des hausses : il a décrit l'ajout (au moment opportun) de ruches de paille successives en dessous, et éventuellement le retrait de celles du dessus lorsqu'elles sont exemptes de couvain et remplies de miel, ainsi que les abeilles pourraient être conservées séparément lors de la récolte pour une saison suivante. Wildman a également décrit un développement ultérieur, utilisant des ruches avec des « cadres coulissants » pour que les abeilles construisent leur rayon, préfigurant des utilisations plus modernes des ruches à rayons mobiles. Le livre de Wildman reconnaissait les progrès réalisés dans la connaissance des abeilles par Swammerdam, Maraldi et de Réaumur - il incluait une longue traduction du récit de Réaumur sur l'histoire naturelle des abeilles - et il décrivait également les initiatives d'autres personnes dans la conception de ruches pour la préservation des abeilles. la vie des abeilles lors de la récolte, citant notamment des rapports bretons datant des années 1750, dus au comte de la Bourdonnaye. Cependant, les précurseurs des ruches modernes à cadres mobiles qui sont principalement utilisées aujourd'hui sont considérées comme les ruches traditionnelles à barres supérieures (à rayons mobiles) de Grèce, connues sous le nom de « ruches grecques ». Le témoignage le plus ancien sur leur utilisation remonte à 1669 même s'il est probable que leur utilisation remonte à plus de 3000 ans. Le XIXe siècle voit cette révolution dans la pratique apicole s'achever grâce au perfectionnement de la ruche à rayons mobiles par l'Américain Lorenzo Lorraine Langstroth. Langstroth a été le premier à utiliser de manière pratique la découverte antérieure de Huber selon laquelle il existait une mesure spatiale spécifique entre les rayons de cire, appelée plus tard espace des abeilles, que les abeilles ne bloquent pas avec de la cire, mais la conservent comme un passage libre. Après avoir déterminé cet espace pour les abeilles (entre 5 et 8 mm, ou 1/4 à 3/8"), Langstroth a ensuite conçu une série de cadres en bois à l'intérieur d'une boîte de ruche rectangulaire, en maintenant soigneusement l'espace correct entre les cadres successifs, et a constaté que les abeilles construiraient des nids d'abeilles parallèles dans la boîte sans les coller les uns aux autres ni aux parois de la ruche. Cela permet à l'apiculteur de faire glisser n'importe quel cadre hors de la ruche pour inspection, sans nuire aux abeilles ou au rayon, protégeant ainsi les œufs, les larves et les pupes. contenus dans les cellules. Cela signifiait également que les rayons contenant du miel pouvaient être retirés en douceur et que le miel était extrait sans détruire le rayon. Les rayons de miel vidés pouvaient ensuite être rendus intacts aux abeilles pour être remplis à nouveau. publié en 1853, décrit sa redécouverte de l'espace apicole et le développement de sa ruche brevetée à rayons mobiles. L'invention et le développement de la ruche à rayons mobiles ont favorisé la croissance de la production commerciale de miel à grande échelle en Europe et aux États-Unis (voir aussi L'apiculture aux États-Unis). Evolution des conceptions de ruches La conception de Langstroth pour les ruches à rayons mobiles a été reprise par les apiculteurs et les inventeurs des deux côtés de l'Atlantique et une large gamme de ruches à rayons mobiles ont été conçues et perfectionnées en Angleterre, en France, en Allemagne et aux États-Unis. Les modèles classiques ont évolué dans chaque pays : les ruches Dadant et Langstroth dominent toujours aux États-Unis ; en France, la ruche en auge De-Layens est devenue populaire et au Royaume-Uni, une ruche nationale britannique est devenue la norme jusque dans les années 1930, bien qu'en Écosse, la plus petite ruche Smith soit toujours populaire. Dans certains pays scandinaves et en Russie, la ruche traditionnelle en auge a persisté jusqu'à la fin du XXe siècle et est encore conservée dans certaines régions. Cependant, les modèles Langstroth et Dadant restent omniprésents aux États-Unis et dans de nombreuses régions d'Europe, bien que la Suède, le Danemark, l'Allemagne, la France et l'Italie aient tous leurs propres modèles de ruches nationaux. Les variations régionales de la ruche ont évolué pour refléter le climat, la productivité florale et les caractéristiques reproductives des différentes sous-espèces d'abeilles domestiques indigènes dans chaque biorégion. Les différences de dimensions des ruches sont insignifiantes par rapport aux facteurs communs à toutes ces ruches : elles sont toutes carrées ou rectangulaires ; ils utilisent tous des cadres mobiles en bois ; ils se composent tous d'un plancher, d'une boîte à couvain, d'une hausse à miel, d'une planche de couronne et d'un toit. Les ruches sont traditionnellement construites en bois de cèdre, de pin ou de cyprès, mais ces dernières années, les ruches en polystyrène dense moulé par injection sont devenues de plus en plus importantes. Les ruches utilisent également des grilles à reine entre le nichoir et les hausses à miel pour empêcher la reine de pondre dans des cellules à côté de celles contenant du miel destiné à la consommation. De plus, avec l'avènement des acariens nuisibles au XXe siècle, les sols des ruches sont souvent remplacés pendant une partie (ou toute) l'année par un treillis métallique et un plateau amovible. Pionniers de l’apiculture pratique et commerciale Le XIXe siècle a produit une explosion d'innovateurs et d'inventeurs qui ont perfectionné la conception et la production de ruches, les systèmes de gestion et d'élevage, l'amélioration du cheptel par l'élevage sélectif, l'extraction et la commercialisation du miel. Parmi ces innovateurs, les plus importants étaient : Petro Prokopovych utilisait des cadres avec des canaux sur le côté des boiseries, ceux-ci étaient emballés côte à côte dans des boîtes empilées les unes sur les autres. Les abeilles voyagent de cadre en cadre et de boîte en boîte via les canaux. Les canaux étaient semblables aux découpes pratiquées sur les côtés des profilés en bois modernes (1814). Jan Dzierżon était le père de l'apiologie et de l'apiculture modernes. Toutes les ruches modernes sont les descendantes de sa conception. L. L. Langstroth, vénéré comme le « père de l'apiculture américaine », aucun autre individu n'a autant influencé la pratique apicole moderne que Lorenzo Lorraine Langstroth. Son livre classique La ruche et l'abeille a été publié en 1853. Moses Quinby, souvent qualifié de « père de l'apiculture commerciale aux États-Unis », auteur de Mysteries of Bee-Keeping Explained. Amos Root, auteur de l'A B C of Bee Culture, qui a été continuellement révisé et reste imprimé. Root a été le pionnier de la fabrication de ruches et de la distribution de paquets d'abeilles aux États-Unis. A. J. Cook, auteur du Guide des apiculteurs ; ou Manuel du rucher, 1876. Dr C.C. Miller a été l’un des premiers entrepreneurs à vivre de l’apiculture. En 1878, il fit de l’apiculture sa seule activité commerciale. Son livre, Cinquante ans parmi les abeilles, reste un classique et son influence sur la gestion des abeilles persiste encore aujourd'hui. Le major Francesco De Hruschka était un officier militaire italien qui a réalisé une invention cruciale qui a catalysé l'industrie commerciale du miel. En 1865, il inventa une machine simple pour extraire le miel des rayons au moyen de la force centrifuge. Son idée originale était simplement de soutenir les rayons dans un cadre métallique, puis de les faire tourner dans un récipient pour recueillir le miel projeté par la force centrifuge. Cela signifiait que les nids d'abeilles pouvaient être renvoyés dans une ruche intacts mais vides, économisant ainsi aux abeilles une grande quantité de travail, de temps et de matériaux. Cette seule invention a grandement amélioré l’efficacité de la récolte du miel et a catalysé l’industrie moderne du miel. Walter T. Kelley était un pionnier américain de l'apiculture moderne au début et au milieu du 20e siècle. Il a grandement amélioré l'équipement et les vêtements apicoles et a continué à fabriquer ces articles ainsi que d'autres équipements. Son entreprise vendait par catalogue dans le monde entier et son livre, Comment garder les abeilles et vendre du miel, un livre d'introduction à l'apiculture et au marketing, a permis un boom de l'apiculture après la Seconde Guerre mondiale. Au Royaume-Uni, l'apiculture pratique était dirigée au début du XXe siècle par quelques hommes, principalement frère Adam et son abeille Buckfast et R.O.B. Manley, auteur de nombreux titres, dont Honey Production in the British Isles et inventeur du cadre Manley, toujours universellement populaire au Royaume-Uni. Parmi les autres pionniers britanniques notables figurent William Herrod-Hempsall et Gale. Le Dr Ahmed Zaky Abushady (1892-1955) était un poète, médecin, bactériologiste et spécialiste des abeilles égyptien, actif en Angleterre et en Égypte au début du XXe siècle. En 1919, Abushady a breveté un nid d'abeilles en aluminium standardisé et amovible. En 1919, il fonda également l'Apis Club à Benson, Oxfordshire, et son périodique Bee World, qui devait être édité par Annie D. Betts et plus tard par le Dr Eva Crane. L'Apis Club a été transféré à l'International Bee Research Association (IBRA). Ses archives sont conservées à la Bibliothèque nationale du Pays de Galles. En Égypte, dans les années 1930, Abushady a créé la Bee Kingdom League et son organe, The Bee Kingdom. En Inde, R. N. Mattoo a été le pionnier de l’apiculture avec l’abeille indienne (Apis cerana indica) au début des années 1930. L'apiculture avec l'abeille européenne (Apis mellifera) a été lancée par le Dr A. S. Atwal et les membres de son équipe, O. P. Sharma et N. P. Goyal au Pendjab au début des années 1960. Elle est restée confinée au Pendjab et à l'Himachal Pradesh jusqu'à la fin des années 1970. Plus tard, en 1982, le Dr R. C. Sihag, travaillant à l'Université agricole d'Haryana, Hisar (Haryana), a introduit et établi cette abeille domestique dans l'Haryana et a standardisé ses pratiques de gestion pour les climats semi-arides et subtropicaux. Sur la base de ces pratiques, l'apiculture avec cette abeille pourrait être étendue au reste du pays. Aujourd'hui, l'apiculture à Apis mellifera prédomine en Inde. Apiculture traditionnelle Ruches à rayons fixes Une ruche à rayons fixes est une ruche dans laquelle les rayons ne peuvent pas être retirés ou manipulés à des fins de gestion ou de récolte sans endommager de façon permanente les rayons. Presque n'importe quelle structure creuse peut être utilisée à cette fin, comme une bûche de gomme, une benne, une caisse en bois ou un pot ou un tube en argile. Les ruches à rayons fixes ne sont plus couramment utilisées dans les pays industrialisés et sont illégales dans les endroits qui nécessitent des rayons mobiles pour inspecter des problèmes tels que le varroa et la loque américaine. Dans de nombreux pays en développement, les ruches à rayons fixes sont largement utilisées et, comme elles peuvent être fabriquées à partir de n'importe quel matériau disponible localement, elles sont très peu coûteuses. L’apiculture utilisant des ruches à rayons fixes constitue un élément essentiel des moyens de subsistance de nombreuses communautés dans les pays pauvres. L’association caritative Bees for Development reconnaît que les compétences locales pour gérer les abeilles dans des ruches à rayons fixes sont répandues en Afrique, en Asie et en Amérique du Sud. La taille interne des ruches à rayons fixes varie de 32,7 litres (2 000 pouces cubes) typiques des ruches en tube d'argile utilisées en Égypte à 282 litres (17 209 pouces cubes) pour la ruche Perone. Les pailles, les gommes d'abeille et les ruches sans cadre sont illégales dans la plupart des États américains, car les rayons et le couvain ne peuvent pas être inspectés pour détecter la présence de maladies. Cependant, les amateurs au Royaume-Uni utilisent toujours les skeps pour collecter des essaims, avant de les déplacer dans des ruches standard. Quinby utilisait des ruches pour produire tellement de miel qu'il a saturé le marché de New York dans les années 1860. Ses écrits contiennent d'excellents conseils pour la gestion des abeilles dans les ruches à rayons fixes. Apiculture moderne Ruches à barre supérieure Les ruches à barres supérieures ont été largement adoptées en Afrique où elles sont utilisées pour conserver des écotypes d’abeilles tropicales. Leurs avantages sont d’être légers, adaptables, faciles à récolter et moins stressants pour les abeilles. Les inconvénients incluent les rayons qui sont fragiles et ne peuvent généralement pas être extraits et rendus aux abeilles pour être remplis et qu'ils ne peuvent pas être facilement agrandis pour un stockage supplémentaire de miel. Un nombre croissant d’apiculteurs amateurs adoptent diverses ruches à barre supérieure semblables à celles que l’on trouve couramment en Afrique. Les ruches à barres supérieures étaient à l'origine utilisées comme méthode apicole traditionnelle en Grèce et au Vietnam, avec une histoire remontant à plus de 2000 ans. Ces ruches sont dépourvues de cadres et le rayon rempli de miel n'est pas restitué après extraction. Pour cette raison, la production de miel sera probablement légèrement inférieure à celle d'une ruche à cadre et à super-base telle que Langstroth ou Dadant. Les ruches à barres supérieures sont principalement entretenues par des personnes plus intéressées par la présence d'abeilles dans leur jardin que par la production de miel en soi. Certains des modèles de ruches à barres supérieures les plus connues sont la ruche kenyane à barres supérieures avec des côtés inclinés, la ruche tanzanienne à barres supérieures avec des côtés droits et les ruches verticales à barres supérieures, telles que la Warre ou "People's Hive" conçue par Abbe Warre en le milieu des années 1900. Les coûts initiaux et les besoins en équipement sont généralement bien inférieurs à ceux des autres modèles de ruches. Des chutes de bois ou des pins n°2 ou n°3 peuvent souvent être utilisés pour construire une belle ruche. Les ruches à barres supérieures offrent également certains avantages pour interagir avec les abeilles et la quantité de poids à soulever est considérablement réduite. Les ruches à barres supérieures sont largement utilisées dans les pays en développement d'Afrique et d'Asie grâce au programme Bees for Development. Depuis 2011, un nombre croissant d'apiculteurs aux États-Unis utilisent diverses ruches à barres supérieures. Ruches à cadre horizontal La ruche De-Layens, la ruche horizontale Jackson et diverses ruches à coffre sont largement utilisées en Espagne, en France, en Ukraine, en Biélorussie, en Afrique et dans certaines parties de la Russie. Elles constituent une avancée par rapport aux ruches à rayons fixes et à barres supérieures car elles ont des cadres mobiles qui peuvent être extraits. Leur limitation réside principalement dans le fait que le volume est fixe et difficilement extensible. Le miel doit être retiré une image à la fois, extrait ou broyé, et les images vides sont renvoyées pour être remplies. Diverses ruches horizontales ont été adaptées et largement utilisées pour l’apiculture migratrice commerciale. La Jackson Horizontal Hive est particulièrement bien adaptée à l’agriculture tropicale. La ruche De-Layens est populaire dans certaines régions d'Espagne. Ruches à cadre empilables verticales Aux États-Unis, la ruche Langstroth est couramment utilisée. La Langstroth a été la première ruche ouverte sur le dessus avec des cadres mobiles. De nombreuses autres conceptions de ruches sont basées sur le principe de l’espace pour les abeilles décrit pour la première fois par Langstroth. La ruche Langstroth est une descendante des modèles de ruches polonaises de Jan Dzierzon. Au Royaume-Uni, le type de ruche le plus répandu est la British National, qui peut contenir des cadres Hoffman, British Standard ou Manley. Il n'est pas rare de voir d'autres sortes de ruches (Smith, Commercial, WBC, Langstroth et Rose). Les ruches Dadant et Dadant modifié sont largement utilisées en France et en Italie où leur grande taille constitue un avantage. Les ruches Dadant carrées - souvent appelées ruches Dadant à 12 cadres ou ruches Brother Adam - sont utilisées dans une grande partie de l'Allemagne et d'autres régions d'Europe par les apiculteurs commerciaux. La ruche Rose est une conception moderne qui tente de remédier à de nombreux défauts et limites des autres ruches à cadre mobile. La seule faiblesse importante de la conception Rose est qu'elle nécessite 2 ou 3 boîtes comme nid à couvain, ce qui implique un grand nombre de cadres à travailler lors de la gestion des abeilles. Le principal avantage partagé par ces conceptions est qu’un espace supplémentaire de stockage du couvain et du miel peut être ajouté via des boîtes de cadres ajoutées à la ruche. Cela simplifie également la collecte du miel puisqu'une boîte entière de miel peut être retirée au lieu de retirer un cadre à la fois. Vêtements de protection La plupart des apiculteurs portent également des vêtements de protection. Les apiculteurs débutants portent généralement des gants et une combinaison à capuche ou un chapeau et un voile. Les apiculteurs expérimentés choisissent parfois de ne pas utiliser de gants car ils gênent les manipulations délicates. Le visage et le cou sont les zones les plus importantes à protéger, c'est pourquoi la plupart des apiculteurs portent au moins un voile. Les abeilles défensives sont attirées par la respiration, et une piqûre sur le visage peut entraîner beaucoup plus de douleur et d'enflure qu'une piqûre ailleurs, tandis qu'une piqûre sur une main nue peut généralement être rapidement éliminée en grattant l'ongle pour réduire la quantité de venin injectée. Les vêtements de protection sont généralement de couleur claire (mais pas colorés) et d'une matière lisse. Cela permet une différenciation maximale des prédateurs naturels de la colonie (tels que les ours et les mouffettes) qui ont tendance à être de couleur foncée et à fourrure. Les « piqûres » retenues dans le tissu des vêtements continuent de produire une phéromone d'alarme qui attire une action agressive et d'autres attaques piquantes. Laver régulièrement les costumes et rincer les mains gantées avec du vinaigre minimise l’attraction. Fumeur La fumée est la troisième ligne de défense de l'apiculteur. La plupart des apiculteurs utilisent un « fumeur », un appareil conçu pour générer de la fumée provenant de la combustion incomplète de divers carburants. La fumée calme les abeilles ; il initie une réponse alimentaire en prévision d'un éventuel abandon de la ruche en raison d'un incendie. La fumée masque également les phéromones d'alarme libérées par les abeilles de garde ou lorsque les abeilles sont écrasées lors d'une inspection. La confusion qui s’ensuit donne à l’apiculteur la possibilité d’ouvrir la ruche et de travailler sans déclencher de réaction défensive. De plus, lorsqu'une abeille consomme du miel, son abdomen se distend, ce qui rendrait difficile la réalisation des flexions nécessaires pour piquer, bien que cela n'ait pas été testé scientifiquement. La fumée est d'une utilité discutable avec un essaim, car les essaims n'ont pas de réserves de miel pour se nourrir en réponse. Habituellement, la fumée n'est pas nécessaire, car les essaims ont tendance à être moins défensifs, car ils n'ont ni réserves ni couvain à défendre, et un essaim frais s'est bien nourri de la ruche. De nombreux types de carburant peuvent être utilisés chez un fumeur à condition qu’ils soient naturels et non contaminés par des substances nocives. Ces combustibles comprennent la toile de jute, la ficelle, la toile de jute, les aiguilles de pin, le carton ondulé et principalement le bois pourri ou punky. Les apiculteurs indiens, en particulier au Kerala, utilisent souvent des fibres de coco car elles sont facilement disponibles, sûres et d'un coût négligeable. Certaines sources d'approvisionnement pour l'apiculture vendent également des carburants commerciaux comme du papier en pâte et du coton comprimé, ou même des bombes aérosols de fumée. D'autres apiculteurs utilisent le sumac comme combustible car il dégage beaucoup de fumée et n'a pas d'odeur. Certains apiculteurs utilisent la « fumée liquide » comme alternative plus sûre et plus pratique. Il s’agit d’une solution à base d’eau qui est pulvérisée sur les abeilles à partir d’un flacon pulvérisateur en plastique. La torpeur peut également être provoquée par l'introduction d'air réfrigéré dans la ruche, tandis que le dioxyde de carbone réfrigéré peut avoir des effets nocifs à long terme. Effets des piqûres et des mesures de protection Certains apiculteurs pensent que plus un apiculteur reçoit de piqûres, moins chacune provoque d'irritation, et ils considèrent qu'il est important pour la sécurité de l'apiculteur de se faire piquer plusieurs fois par saison. Les apiculteurs présentent des taux élevés d’anticorps (principalement des IgG) réagissant contre l’antigène majeur du venin d’abeille, la phospholipase A2 (PLA). Les anticorps sont en corrélation avec la fréquence des piqûres d'abeilles. L'entrée du venin dans le corps provenant des piqûres d'abeilles peut également être entravée et réduite par des vêtements de protection qui permettent à l'utilisateur d'enlever les piqûres et les sacs à venin d'une simple traction sur les vêtements. Bien que le dard soit barbelé, une abeille ouvrière est moins susceptible de se loger dans les vêtements que dans la peau humaine. Si un apiculteur est piqué par une abeille, de nombreuses mesures de protection doivent être prises afin de garantir que la zone touchée ne devienne pas trop irritée. La première mesure de précaution à prendre après une piqûre d’abeille consiste à retirer le dard sans presser les glandes à venin qui y sont attachées. Un grattage rapide avec un ongle est efficace et intuitif. Cette étape est efficace pour garantir que le venin injecté ne se propage pas, afin que les effets secondaires de la piqûre disparaissent plus tôt. Laver la zone touchée avec de l’eau et du savon est également un bon moyen d’arrêter la propagation du venin. La dernière étape à suivre consiste à appliquer de la glace ou une compresse froide sur la zone piquée. Apiculture naturelle Le mouvement de l’apiculture naturelle estime que les pratiques apicoles et agricoles modernes, telles que la pulvérisation des cultures, les déplacements des ruches, les inspections fréquentes des ruches, l’insémination artificielle des reines, les médicaments de routine et l’alimentation en eau sucrée, affaiblissent les ruches. Les praticiens de « l'apiculture naturelle » ont tendance à utiliser des variantes de la ruche à barres supérieures, qui est une conception simple qui conserve le concept de rayon mobile sans utiliser de cadres ou de fondations. La ruche horizontale à barres supérieures, défendue par Marty Hardison, Michael Bush, Philip Chandler, Dennis Murrell et d'autres, peut être considérée comme une modernisation des ruches en rondins creux, avec l'ajout de barres de bois d'une largeur spécifique auxquelles les abeilles suspendent leurs rayons. . Son adoption généralisée ces dernières années peut être attribuée à la publication en 2007 de The Barefoot Beekeeper par Philip Chandler, qui remettait en question de nombreux aspects de l'apiculture moderne et proposait la ruche à barres supérieures horizontales comme une alternative viable à l'omniprésente ruche à cadre mobile de style Langstroth. ruche. La ruche à barres supérieures verticales la plus populaire est probablement la ruche Warré, basée sur une conception du prêtre français Abbé Émile Warré (1867-1951) et popularisée par le Dr David Heaf dans sa traduction anglaise du livre de Warré L'Apiculture pour Tous comme L'apiculture pour tous. Apiculture urbaine ou de basse-cour Liée à l'apiculture naturelle, l'apiculture urbaine est une tentative de revenir à une méthode moins industrialisée d'obtention de miel en utilisant des colonies à petite échelle qui pollinisent les jardins urbains. L’apiculture urbaine a connu une renaissance au cours de la première décennie du 21e siècle, et beaucoup considèrent l’apiculture urbaine comme une tendance croissante. Certains ont découvert que les « abeilles urbaines » sont en réalité en meilleure santé que les « abeilles rurales » car elles contiennent moins de pesticides et une plus grande biodiversité. Cependant, les abeilles urbaines peuvent ne pas trouver de fourrage et les propriétaires peuvent utiliser leurs paysages pour aider à nourrir les populations d'abeilles locales en plantant des fleurs qui fournissent du nectar et du pollen. Un environnement de floraison ininterrompue toute l’année crée un environnement idéal pour la reproduction des colonies. Colonies d'abeilles Castes Une colonie d'abeilles se compose de trois castes d'abeilles : *une reine des abeilles, qui est normalement la seule femelle reproductrice de la colonie ; *un grand nombre d'abeilles ouvrières, généralement entre 30 000 et 50 000 ; *un certain nombre de faux-bourdons mâles, allant de milliers dans une ruche forte au printemps à très peu en période de disette ou de saison froide. La reine est la seule femelle sexuellement mature de la ruche et toutes les ouvrières et les faux-bourdons mâles sont sa progéniture. La reine peut vivre jusqu'à trois ans ou plus et être capable de pondre un demi-million d'œufs ou plus au cours de sa vie. Au plus fort de la saison de reproduction, de la fin du printemps à l'été, une bonne reine peut être capable de pondre 3 000 œufs en une journée, soit plus que son propre poids corporel. Ce serait cependant exceptionnel ; une reine prolifique pourrait culminer à 2 000 œufs par jour, mais une reine plus moyenne pourrait pondre seulement 1 500 œufs par jour. La reine est élevée à partir d’un œuf ouvrier normal, mais reçoit une plus grande quantité de gelée royale qu’une abeille ouvrière normale, ce qui entraîne une croissance et une métamorphose radicalement différentes. La reine infl

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Quelle est la capitale de l'Indonésie ?

Jakarta

L'Indonésie (ou ; indonésien :), officiellement la République d'Indonésie (), est un pays d'Asie du Sud-Est. Situé entre les océans Indien et Pacifique, c'est le plus grand pays insulaire du monde, avec plus de treize mille îles. Sa population est estimée à plus de 258 millions d'habitants et est le quatrième pays le plus peuplé du monde ainsi que le pays à majorité musulmane le plus peuplé. Java, l'île la plus peuplée du monde, abrite plus de la moitié de la population du pays. La forme républicaine de gouvernement indonésienne comprend un corps législatif et un président élus. L'Indonésie compte 34 provinces, dont cinq ont un statut administratif spécial. Sa capitale et ville la plus peuplée est Jakarta. Le pays partage des frontières terrestres avec la Papouasie-Nouvelle-Guinée, le Timor oriental et la Malaisie. Les autres pays voisins comprennent Singapour, les Philippines, l'Australie, les Palaos et le territoire indien des îles Andaman et Nicobar. L'Indonésie est un membre fondateur de l'ASEAN et membre des principales économies du G-20. L'économie indonésienne est la 16e au monde en termes de PIB nominal et la 8e en termes de PIB en PPA. L'archipel indonésien est une région commerciale importante depuis au moins le 7ème siècle, lorsque Srivijaya, puis plus tard Majapahit, commerçaient avec la Chine et l'Inde. Les dirigeants locaux ont progressivement absorbé les modèles culturels, religieux et politiques étrangers des premiers siècles de notre ère, et les royaumes hindous et bouddhistes ont prospéré. L’histoire de l’Indonésie a été influencée par les puissances étrangères attirées par ses ressources naturelles. Les commerçants musulmans et les érudits soufis ont apporté l’islam désormais dominant, tandis que les puissances européennes ont apporté le christianisme et se sont battues pour monopoliser le commerce dans les îles aux épices des Moluques à l’ère des découvertes. Après trois siècles et demi de colonialisme néerlandais à partir d'Amboina et Batavia, et finalement de tout l'archipel, y compris le Timor et la Papouasie occidentale, parfois interrompu par la domination portugaise, française et britannique, l'Indonésie a obtenu son indépendance après la Seconde Guerre mondiale. L'histoire de l'Indonésie a depuis été mouvementée, avec les défis posés par les catastrophes naturelles, les massacres, la corruption, le séparatisme, le processus de démocratisation et les périodes de changement économique rapide. L'Indonésie se compose de centaines de groupes ethniques et linguistiques autochtones distincts. Le groupe ethnique le plus important – et politiquement dominant – est celui des Javanais. Une identité partagée s’est développée, définie par une langue nationale, la diversité ethnique, le pluralisme religieux au sein d’une population à majorité musulmane et une histoire de colonialisme et de rébellion contre celui-ci. La devise nationale indonésienne, « Bhinneka Tunggal Ika » (« Unité dans la diversité » littéralement « plusieurs, mais un »), exprime la diversité qui façonne le pays. Malgré sa grande population et ses régions densément peuplées, l'Indonésie possède de vastes zones de nature sauvage qui abritent le deuxième plus haut niveau de biodiversité au monde. Le pays possède d’abondantes ressources naturelles comme le pétrole et le gaz naturel, l’étain, le cuivre et l’or. L'agriculture produit principalement du riz, du thé, du café, des épices et du caoutchouc. Les principaux partenaires commerciaux de l'Indonésie sont le Japon, les États-Unis et les pays voisins de Singapour, de la Malaisie et de l'Australie. Étymologie Le nom Indonésie dérive de la traduction grecque du fleuve Indus et du mot nèsos, signifiant « île indienne ». Le nom date du XVIIIe siècle, bien avant la formation de l’Indonésie indépendante. En 1850, George Windsor Earl, un ethnologue anglais, proposa les termes Indunesiens — et, sa préférence, Malayunesiens — pour les habitants de « l'archipel indien ou archipel malais ». Dans la même publication, un étudiant d'Earl, James Richardson Logan, a utilisé l'Indonésie comme synonyme d'archipel indien. Cependant, les universitaires néerlandais écrivant dans des publications des Indes orientales étaient réticents à utiliser l'Indonésie. Au lieu de cela, ils ont utilisé les termes archipel malais (archipel Maleische) ; les Indes orientales néerlandaises (Nederlandsch Oost Indië), populairement Indië ; l'Est (de Oost) ; et l'insuline. Après 1900, le nom Indonésie est devenu plus courant dans les cercles universitaires en dehors des Pays-Bas et les groupes nationalistes indonésiens l'ont adopté pour exprimer leur politique. Adolf Bastian, de l'Université de Berlin, a popularisé le nom à travers son livre Indonesien oder die Inseln des Malayischen Archipels, 1884-1894. Le premier érudit indonésien à utiliser ce nom fut Suwardi Suryaningrat (Ki Hajar Dewantara), lorsqu'il créa un bureau de presse aux Pays-Bas sous le nom d'Indonesisch Pers-bureau en 1913. Histoire Histoire ancienne Des fossiles et des restes d'outils montrent que l'archipel indonésien était habité par Homo erectus, communément appelé « l'Homme de Java », il y a entre 1,5 million d'années et 35 000 ans. Homo sapiens a atteint la région il y a environ 45 000 ans. Les peuples austronésiens, qui constituent la majorité de la population moderne, ont émigré de Taiwan vers l’Asie du Sud-Est. Ils sont arrivés en Indonésie vers 2 000 avant notre ère et, au fur et à mesure de leur propagation à travers l'archipel, ont confiné les peuples autochtones mélanésiens aux régions d'Extrême-Orient. Des conditions agricoles idéales et la maîtrise de la culture du riz en champ humide dès le VIIIe siècle avant notre ère ont permis aux villages, villes et petits royaumes de prospérer dès le 1er siècle de notre ère. La position stratégique de l'Indonésie sur la voie maritime a favorisé le commerce inter-insulaire et international, notamment les liens avec les royaumes indiens et la Chine, établis plusieurs siècles avant notre ère. Depuis lors, le commerce a fondamentalement façonné l’histoire indonésienne. À partir du 7ème siècle de notre ère, le puissant royaume naval de Srivijaya a prospéré grâce au commerce et aux influences de l'hindouisme et du bouddhisme qui ont été importées avec lui. Entre le VIIIe et le Xe siècle de notre ère, les dynasties agricoles bouddhistes Sailendra et hindoues Mataram ont prospéré et décliné dans l'intérieur de Java, laissant de grands monuments religieux tels que Borobudur, Sewu et Prambanan. Cette période marque une renaissance de l’art hindou-bouddhiste dans l’ancienne Java. Vers le premier quart du Xe siècle, le centre du royaume a été déplacé de la région de Mataram, dans le centre de Java, vers la vallée de la rivière Brantas, à l'est de Java, par Mpu Sindok, qui a fondé la dynastie Isyana. Par la suite, une série de régimes politiques hindous-bouddhistes javanais montent et descendent, du royaume de Kahuripan dirigé par Airlangga à Kadiri et Singhasari. À Java occidental, le royaume de la Sonde a été rétabli vers 1030 selon l'inscription de Sanghyang Tapak. À Bali, les Warmadewas ont établi leur domination sur le Royaume de Bali au 10ème siècle. Le royaume hindou Majapahit a été fondé dans l’est de Java à la fin du XIIIe siècle et, sous Gajah Mada, son influence s’étendait sur une grande partie de l’Indonésie. Ère coloniale Bien que les commerçants musulmans aient d’abord voyagé à travers l’Asie du Sud-Est au début de l’ère islamique, les premières traces de populations islamisées en Indonésie remontent au XIIIe siècle, dans le nord de Sumatra. D'autres régions indonésiennes ont progressivement adopté l'islam, qui était la religion dominante à Java et à Sumatra à la fin du XVIe siècle. Pour l’essentiel, l’Islam s’est superposé et s’est mélangé aux influences culturelles et religieuses existantes, qui ont façonné la forme prédominante de l’Islam en Indonésie, en particulier à Java. Les premiers contacts réguliers entre les Européens et les peuples d'Indonésie ont commencé en 1512, lorsque des commerçants portugais dirigés par Francisco Serrão cherchaient à monopoliser les sources de muscade, de clou de girofle et de poivre cubèbe aux Moluques. Les commerçants néerlandais et britanniques suivirent. En 1602, les Néerlandais fondèrent la Compagnie néerlandaise des Indes orientales (VOC) et, au cours des décennies suivantes, ils prirent pied à Batavia et à Amboina. Tout au long des XVIIe et XVIIIe siècles, la Compagnie devient la puissance européenne dominante dans l'archipel. Après la faillite, la VOC fut officiellement dissoute en 1800 et le gouvernement des Pays-Bas créa les Indes néerlandaises en tant que colonie nationalisée. Pendant la majeure partie de la période coloniale, le contrôle néerlandais sur l'archipel était ténu en dehors des bastions côtiers ; Ce n'est qu'au début du XXe siècle que la domination néerlandaise s'est étendue jusqu'à ce qui allait devenir les frontières actuelles de l'Indonésie. Malgré d’importantes divisions politiques, sociales et sectaires internes au cours de la Révolution nationale, les Indonésiens, dans l’ensemble, ont trouvé l’unité dans leur lutte pour l’indépendance. L'occupation japonaise pendant la Seconde Guerre mondiale a mis fin à la domination néerlandaise et a encouragé le mouvement indépendantiste indonésien, précédemment réprimé. Ère moderne Un rapport ultérieur de l'ONU a déclaré que quatre millions de personnes étaient mortes en Indonésie à cause de la famine et du travail forcé pendant l'occupation japonaise. Deux jours après la capitulation du Japon en août 1945, Sukarno, un dirigeant nationaliste influent, déclara son indépendance et fut nommé président. Les Pays-Bas tentèrent de rétablir leur domination et une lutte armée et diplomatique prit fin en décembre 1949 lorsque, face à la pression internationale, les Néerlandais reconnurent formellement l'indépendance de l'Indonésie (à l'exception du territoire néerlandais de Nouvelle-Guinée occidentale, qui fut incorporé à l'Indonésie). Indonésie à la suite de l’Accord de New York de 1962 et de la Loi sur le libre choix de 1969 mandatée par l’ONU). Sukarno a fait passer l'Indonésie de la démocratie à l'autoritarisme et a maintenu sa base de pouvoir en équilibrant les forces opposées de l'armée et du Parti communiste indonésien (Partai Komunis Indonesia, PKI). Une tentative de coup d'État du 30 septembre 1965 a été contrée par l'armée, qui a mené une violente purge anticommuniste, au cours de laquelle le PKI a été accusé du coup d'État et effectivement détruit. Des meurtres à grande échelle ont eu lieu, ciblant des communistes, des Chinois de souche et des gauchistes présumés. Les estimations les plus largement acceptées estiment qu'entre 500 000 et un million de personnes ont été tuées, certaines estimations allant jusqu'à deux à trois millions. Le chef de l’armée, le général Suharto, déjoua les manœuvres de Sukarno, politiquement affaibli, et fut officiellement nommé président en mars 1968. Son administration de l’Ordre Nouvel fut soutenue par le gouvernement américain et encouragea les investissements directs étrangers en Indonésie, ce qui fut un facteur majeur dans la transition ultérieure. trois décennies de croissance économique substantielle. Cependant, le « Nouvel Ordre » autoritaire a été largement accusé de corruption et de répression de l’opposition politique. L’Indonésie a été le pays le plus durement touché par la crise financière asiatique de la fin des années 1990. Cela a accru le mécontentement populaire à l’égard du Nouvel Ordre et a conduit à des protestations populaires dans tout le pays. Suharto a démissionné le 21 mai 1998. En 1999, le Timor oriental a voté en faveur de sa sécession de l'Indonésie, après vingt-cinq ans d'occupation militaire marquée par la condamnation internationale de la répression contre les Timorais de l'Est. Depuis la démission de Suharto, le renforcement des processus démocratiques s'est accompagné d'un programme d'autonomie régionale et de la première élection présidentielle directe en 2004, remportée par Susilo Bambang Yudhoyono, qui a remporté un second mandat en 2009. les troubles, la corruption et le terrorisme ont ralenti les progrès ; cependant, au cours des cinq dernières années, l’économie a enregistré de solides performances. Bien que les relations entre les différents groupes religieux et ethniques soient largement harmonieuses, le mécontentement sectaire et la violence persistent. Un règlement politique du conflit séparatiste armé à Aceh a été obtenu en 2005. Gouvernement et politique L'Indonésie est une république avec un système présidentiel. En tant qu’État unitaire, le pouvoir est concentré entre les mains du gouvernement central. Après la démission du président Suharto en 1998, les structures politiques et gouvernementales indonésiennes ont connu d'importantes réformes. Quatre amendements à la Constitution indonésienne de 1945 ont réorganisé les pouvoirs exécutif, judiciaire et législatif. Le président de l'Indonésie est le chef de l'État et du gouvernement, commandant en chef des forces armées nationales indonésiennes et directeur de la gouvernance intérieure, de l'élaboration des politiques et des affaires étrangères. Le président nomme un conseil des ministres, qui ne sont pas tenus d'être des membres élus de la législature. L'élection présidentielle de 2004 a été la première au cours de laquelle le peuple a élu directement le président et le vice-président. Le président peut exercer un maximum de deux mandats consécutifs de cinq ans. L'organe représentatif le plus élevé au niveau national est le Majelis Permusyawaratan Rakyat (Assemblée consultative du peuple) ou MPR. Ses principales fonctions consistent à soutenir et à modifier la constitution, à inaugurer le président et à formaliser les grandes lignes de la politique de l'État. Il a le pouvoir de destituer le président. Le MPR comprend deux maisons ; Dewan Perwakilan Rakyat (Conseil représentatif du peuple) ou DPR, avec 560 membres, et Dewan Perwakilan Daerah (Conseil représentatif régional) ou DPD, avec 132 membres. Le DPR adopte des lois et surveille le pouvoir exécutif ; les membres alignés sur un parti sont élus pour un mandat de cinq ans au scrutin proportionnel. Les réformes entreprises depuis 1998 ont considérablement accru le rôle du DPR dans la gouvernance nationale. La DPD est une nouvelle chambre pour les questions de gestion régionale. La plupart des litiges civils sont portés devant le Pengadilan Negeri (tribunal d'État) ; les appels sont entendus devant Pengadilan Tinggi (Haute Cour). Mahkamah Agung est le plus haut tribunal du pays. Il entend les appels en cessation finale et procède à l'examen des cas. D'autres tribunaux comprennent le tribunal de commerce, qui traite de la faillite et de l'insolvabilité ; Pengadilan Tata Negara (tribunal administratif de l'État) pour entendre les affaires de droit administratif contre le gouvernement ; Mahkamah Konstitusi (Cour constitutionnelle) pour entendre les litiges concernant la légalité de la loi, les élections générales, la dissolution des partis politiques et l'étendue de l'autorité des institutions de l'État ; et Pengadilan Agama (tribunal religieux) pour traiter les affaires codifiées de la charia. Politique Depuis 1999, l'Indonésie est dotée d'un système multipartite. Lors des deux élections législatives depuis la chute du régime de l’Ordre Nouveau, aucun parti politique n’est parvenu à remporter la majorité globale des sièges, ce qui a donné lieu à des gouvernements de coalition. Le Parti démocratique indonésien de lutte est le parti de Joko Widodo, le président indonésien. Le Parti du mouvement de la Grande Indonésie est le troisième parti politique en importance. Relations étrangères Contrairement à l'antipathie anti-impérialiste de Sukarno envers les puissances occidentales et aux tensions avec la Malaisie, les relations étrangères de l'Indonésie depuis l'ère de l'Ordre Nouveau sont basées sur la coopération économique et politique avec le monde occidental. L'Indonésie entretient des relations étroites avec ses voisins asiatiques et est membre fondateur de l'ASEAN et du Sommet de l'Asie de l'Est. Le pays a rétabli ses relations avec la République populaire de Chine en 1990, après un gel en place depuis les purges anticommunistes du début de l'ère Suharto. L'Indonésie est membre des Nations Unies depuis 1950 et a été l'un des fondateurs du Mouvement des non-alignés (NAM) et de l'Organisation de la Conférence islamique (OCI). L'Indonésie est signataire de l'accord de libre-échange de l'ASEAN, du Groupe de Cairns et de l'Organisation mondiale du commerce (OMC), et membre de l'OPEP. L'Indonésie reçoit depuis 1966 une aide humanitaire et une aide au développement, notamment de la part des États-Unis, de l'Europe occidentale, de l'Australie et du Japon. Le gouvernement indonésien a travaillé avec d'autres pays pour appréhender et poursuivre en justice les auteurs d'attentats majeurs liés à l'islamisme militant et à Al-Qaïda. L'attentat à la bombe le plus meurtrier a tué 202 personnes (dont 164 touristes internationaux) dans la station balnéaire de Kuta, à Bali, en 2002. Les attaques, ainsi que les avertissements aux voyageurs émis par d'autres pays, ont gravement porté atteinte à l'industrie touristique indonésienne et aux perspectives d'investissement étranger. Militaire Les forces armées indonésiennes (TNI) comprennent l'armée (TNI-AD), la marine (TNI-AL, qui comprend le Corps des Marines) et l'armée de l'air (TNI-AU). L'armée compte environ 400 000 militaires en service actif. Les dépenses de défense inscrites au budget national représentaient 4 % du PIB en 2006 et sont complétées, de manière controversée, par les revenus provenant d'intérêts commerciaux militaires et de fondations. L'une des réformes suite à la démission de Suharto en 1998 a été la suppression de la représentation formelle du TNI au Parlement ; néanmoins, son influence politique reste étendue. Les mouvements séparatistes dans les provinces d’Aceh et de Papouasie ont conduit à un conflit armé et à des allégations de violations des droits humains et de brutalités de toutes parts. À la suite d'une guérilla sporadique de trente ans entre le Gerakan Aceh Merdeka (GAM) et l'armée indonésienne, un accord de cessez-le-feu a été conclu en 2005. En Papouasie, il y a eu une mise en œuvre significative, bien qu'imparfaite, des lois sur l'autonomie régionale et une baisse des niveaux de violence et de violations des droits de l'homme depuis la présidence de Susilo Bambang Yudhoyono. divisions administratives Sur le plan administratif, l'Indonésie se compose de 34 provinces, dont cinq ont un statut spécial. Chaque province a sa propre législature et son propre gouverneur. Les provinces sont subdivisées en régences (kabupaten) et villes (kota), elles-mêmes subdivisées en districts (kecamatan ou distrik en Papouasie et en Papouasie occidentale), puis en villages administratifs (desa, kelurahan, kampung, nagari à l'ouest de Sumatra, ou gampong à Aceh). Le village est le niveau le plus bas de l'administration gouvernementale d'Indonésie. En outre, un village est divisé en plusieurs groupes communautaires (rukun warga (RW)), eux-mêmes divisés en groupes de quartier (rukun tetangga (RT)). À Java, le desa (village) est divisé en unités plus petites appelées dusun ou dukuh (hameaux), ces unités sont les mêmes que les rukun warga. Suite à la mise en œuvre de mesures d'autonomie régionale en 2001, les régences et les villes sont devenues les principales unités administratives, chargées de fournir la plupart des services gouvernementaux. Le niveau d'administration du village est le plus influent sur la vie quotidienne des citoyens et gère les affaires d'un village ou d'un quartier par l'intermédiaire d'un lurah ou kepala desa (chef de village) élu. Les provinces d'Aceh, Jakarta, Yogyakarta, Papouasie et Papouasie occidentale disposent de privilèges législatifs plus importants et d'un degré d'autonomie plus élevé par rapport au gouvernement central que les autres provinces. Le gouvernement d'Aceh, par exemple, a le droit de créer certains éléments d'un système juridique indépendant. En 2003, il a institué une forme de charia (loi islamique). Yogyakarta a obtenu le statut de région spéciale en reconnaissance de son rôle central dans le soutien aux républicains indonésiens pendant la révolution indonésienne et de sa volonté de rejoindre l'Indonésie en tant que république. La Papouasie, anciennement connue sous le nom d'Irian Jaya, a obtenu un statut d'autonomie spéciale en 2001 et a été divisée en Papouasie et Papouasie occidentale en février 2003. Jakarta est la région spéciale de la capitale du pays. ;Provinces indonésiennes et leurs capitales, classées par région Le nom indonésien est entre parenthèses s'il est différent de l'anglais.* indique les provinces à statut spécial Sumatra * Aceh (Nanggroe Aceh Darussalam) * – Banda Aceh * Sumatra du Nord (Sumatra du Nord) – Medan * Sumatra occidental (Sumatra occidental) – Padang * Riau – Pekanbaru * Îles Riau (Îles Riau) – Tanjung Pinang * Jambi – Ville de Jambi * Sud de Sumatra (Sud de Sumatra) – Palembang * Îles Bangka-Belitung (Îles Bangka-Belitung) – Pangkal Pinang * Bengkulu – Ville de Bengkulu * Lampung – Bandar Lampung Java * Région de la capitale spéciale de Jakarta* (Région de la capitale spéciale de Jakarta) – Jakarta * Banten – Attaque * Java occidental (Java occidental) – Bandung * Java central (Java central) – Semarang * Région spéciale de Yogyakarta* (Région spéciale de Yogyakarta) – Yogyakarta (ville) * Java oriental (Java oriental) – Surabaya Petites îles de la Sonde *Bali – Denpasar * Nusa Tenggara Ouest (Nusa Tenggara Ouest) – Mataram * Nusa Tenggara Est (Nusa Tenggara Est) – Kupang Kalimantan * Kalimantan occidental (Kalimantan occidental) – Pontianak * Kalimantan central (Kalimantan central) – Palangkaraya * Kalimantan du Sud (Kalimantan du Sud) – Banjarmasin * Kalimantan oriental (Kalimantan oriental) – Samarinda * Kalimantan du Nord (Kalimantan du Nord) – Tanjung Selor Sulawesi * Sulawesi du Nord (Sulawesi du Nord) – Manado * Gorontalo – Ville de Gorontalo * Sulawesi central (Sulawesi central) – Palu * Sulawesi occidental (Sulawesi occidental) – Mamuju * Sulawesi du Sud (Sulawesi du Sud) – Makassar * Sulawesi du Sud-Est (Sulawesi du Sud-Est) – Kendari Îles Moluques * Moluques – Ambon * Moluques du Nord (Maluque du Nord) – Sofifi Nouvelle-Guinée occidentale * Papouasie occidentale* (Papouasie occidentale) – Manokwari * Papouasie* – Jayapura Géographie L’Indonésie se situe entre les latitudes 11°S et 6°N et les longitudes 95°E et 141°E. C'est le plus grand pays archipélagique du monde, s'étendant sur 5 120 km d'est en ouest et 1 760 km du nord au sud. Selon une enquête géospatiale menée entre 2007 et 2010 par l'Agence nationale de coordination des enquêtes et de la cartographie (Bakosurtanal), l'Indonésie compte 13 466 îles, dont environ 6 000 sont habitées. Ceux-ci sont dispersés des deux côtés de l’équateur. Les plus grands sont Java, Sumatra, Bornéo (partagé avec Brunei et la Malaisie), la Nouvelle-Guinée (partagée avec la Papouasie-Nouvelle-Guinée) et Sulawesi. L'Indonésie partage des frontières terrestres avec la Malaisie à Bornéo, la Papouasie-Nouvelle-Guinée sur l'île de Nouvelle-Guinée et le Timor oriental sur l'île de Timor. L'Indonésie partage des frontières maritimes à travers d'étroits détroits avec Singapour, la Malaisie, les Philippines et Palau au nord, et avec l'Australie au sud. La capitale, Jakarta, se trouve sur Java et est la plus grande ville du pays, suivie de Surabaya, Bandung, Medan et Semarang. Avec une superficie de 1 919 440 kilomètres carrés (741 050 milles carrés), l'Indonésie est le 15e plus grand pays du monde en termes de superficie et le 7e plus grand pays du monde en termes de superficie combinée maritime et terrestre. Sa densité de population moyenne est de 134 personnes par kilomètre carré (347 par mille carré), la 79e au monde, bien que Java, l'île la plus peuplée du monde, ait une densité de population de 940 personnes par kilomètre carré (2 435 par mille carré). À 4 884 m, le Puncak Jaya en Papouasie est le plus haut sommet d'Indonésie et le lac Toba à Sumatra son plus grand lac, avec une superficie de 1 145 kilomètres carrés (442 milles carrés). Les plus grands fleuves d'Indonésie se trouvent au Kalimantan et comprennent le Mahakam et le Barito ; ces rivières constituent des liaisons de communication et de transport entre les colonies fluviales de l'île. La situation de l'Indonésie aux confins des plaques tectoniques Pacifique, Eurasienne et Australienne en fait le site de nombreux volcans et de fréquents tremblements de terre. L'Indonésie compte au moins 150 volcans actifs, dont le Krakatoa et le Tambora, tous deux célèbres pour leurs éruptions dévastatrices au XIXe siècle. L'éruption du supervolcan Toba, il y a environ 70 000 ans, a été l'une des plus grandes éruptions jamais vues et une catastrophe mondiale. Les catastrophes récentes dues à l'activité sismique incluent le tsunami de 2004 qui a tué environ 167 736 personnes dans le nord de Sumatra et le tremblement de terre de Yogyakarta en 2006. Cependant, les cendres volcaniques contribuent largement à la forte fertilité agricole qui a historiquement soutenu les fortes densités de population de Java et Bali. Située le long de l'équateur, l'Indonésie a un climat tropical, avec deux saisons de mousson distinctes, humide et sèche. Les précipitations annuelles moyennes dans les basses terres varient de , et jusqu'à dans les régions montagneuses. Les zones montagneuses – en particulier sur la côte ouest de Sumatra, Java occidental, Kalimantan, Sulawesi et Papouasie – reçoivent les précipitations les plus élevées. L'humidité est généralement élevée, atteignant en moyenne environ 80 %. Les températures varient peu tout au long de l'année ; la plage de température quotidienne moyenne à Jakarta est de 26 –. Biodiversité La taille de l'Indonésie, son climat tropical et sa géographie archipélagique soutiennent le deuxième plus haut niveau de biodiversité au monde après le Brésil. Sa flore et sa faune sont un mélange d'espèces asiatiques et australasiennes. Les îles du plateau de la Sonde (Sumatra, Java, Bornéo et Bali) étaient autrefois reliées au continent asiatique et abritent une riche faune asiatique. Les grandes espèces telles que le tigre, le rhinocéros, l'orang-outan, l'éléphant et le léopard étaient autrefois abondantes jusqu'à Bali, mais leur nombre et leur répartition ont considérablement diminué. Les forêts couvrent environ 60 % du pays. À Sumatra et au Kalimantan, il s’agit principalement d’espèces asiatiques. Cependant, les forêts de Java, plus petite et plus densément peuplée, ont été en grande partie supprimées pour l'habitation humaine et l'agriculture. Sulawesi, Nusa Tenggara et Maluku – longtemps séparées des masses continentales – ont développé leur propre flore et faune. La Papouasie faisait partie de la masse continentale australienne et abrite une faune et une flore uniques étroitement liées à celles de l'Australie, comprenant plus de 600 espèces d'oiseaux. L'Indonésie est juste derrière l'Australie en termes de nombre total d'espèces endémiques, avec 36 % de ses 1 531 espèces d'oiseaux et 39 % de ses 515 espèces de mammifères étant endémiques. Les côtes indonésiennes sont entourées de mers tropicales qui contribuent au niveau élevé de biodiversité du pays. L'Indonésie possède une gamme d'écosystèmes marins et côtiers, notamment des plages, des dunes de sable, des estuaires, des mangroves, des récifs coralliens, des herbiers marins, des vasières côtières, des vasières, des lits d'algues et des écosystèmes de petites îles. L'Indonésie est l'un des pays du Triangle de Corail avec la plus grande diversité de poissons de récif corallien au monde, avec plus de 1 650 espèces uniquement dans l'est de l'Indonésie. Le naturaliste britannique Alfred Russel Wallace a décrit une ligne de démarcation entre la répartition des espèces asiatiques et australasiennes d'Indonésie. Connue sous le nom de ligne Wallace, elle s'étend à peu près du nord au sud le long du bord du plateau de la Sonde, entre Kalimantan et Sulawesi, et le long du profond détroit de Lombok, entre Lombok et Bali. À l’ouest de la frontière, la flore et la faune sont plus asiatiques – à l’est de Lombok, elles sont de plus en plus australiennes. Dans son livre de 1869, The Malay Archipelago, Wallace décrit de nombreuses espèces uniques à la région. La région des îles située entre sa ligne et la Nouvelle-Guinée s'appelle désormais Wallacea. Environnement La forte population indonésienne et l'industrialisation rapide posent de graves problèmes environnementaux, qui sont souvent moins prioritaires en raison des niveaux de pauvreté élevés et d'une gouvernance faible et sous-financée. Les problèmes incluent la déforestation à grande échelle (en grande partie illégale) et les incendies de forêt qui en résultent, provoquant un épais smog sur certaines parties de l'ouest de l'Indonésie, de la Malaisie et de Singapour ; surexploitation des ressources marines; et les problèmes environnementaux associés à une urbanisation rapide et au développement économique, notamment la pollution de l'air, les embouteillages, la gestion des déchets et des services fiables d'approvisionnement en eau et de traitement des eaux usées. La déforestation et la destruction des tourbières font de l’Indonésie le troisième émetteur mondial de gaz à effet de serre. La destruction de l'habitat menace la survie des espèces indigènes et endémiques, notamment 140 espèces de mammifères identifiées par l'Union internationale pour la conservation de la nature (UICN) comme menacées, et 15 espèces identifiées comme étant en danger critique d'extinction, notamment l'étourneau sansonnet de Bali, l'orang-outan de Sumatra et le rhinocéros de Java. Une grande partie de la déforestation en Indonésie est causée par le défrichement des forêts au profit de l'industrie de l'huile de palme, qui a défriché 18 millions d'hectares de forêt pour l'expansion de l'huile de palme. L’expansion de l’huile de palme nécessite une réaffectation des terres ainsi que des changements dans les écosystèmes locaux et naturels. L’expansion de l’huile de palme peut générer de la richesse pour les communautés locales, mais elle peut également dégrader les écosystèmes et causer des problèmes sociaux. Économie L'Indonésie a une économie mixte dans laquelle le secteur privé et le gouvernement jouent un rôle important. Le pays est la plus grande économie d’Asie du Sud-Est et membre des principales économies du G20. Le produit intérieur brut (nominal) estimé de l'Indonésie, en 2014, était de 887 milliards de dollars américains, tandis que le PIB en termes de PPA est de 2,685 billions de dollars américains. C'est la seizième économie mondiale en termes de PIB nominal et la huitième en termes de PIB (PPA). En 2014, le PIB par habitant en PPA était de 10 651 dollars américains (dollars internationaux), tandis que le PIB nominal par habitant était de 3 518 dollars américains. Le taux d'endettement par rapport au PIB est de 26 %. Le secteur industriel est le plus important de l'économie et représente 46,4 % du PIB (2012), suivi par les services (38,6 %) et l'agriculture (14,4 %). Depuis 2012, le secteur des services a employé plus de personnes que les autres secteurs, représentant 47,9 % de la population active totale, suivi par l'agriculture (38,9 %) et l'industrie (13,2 %). Toutefois, l'agriculture est depuis des siècles le principal employeur du pays. L'Indonésie était le 27ème pays exportateur mondial en 2010, gagnant trois places par rapport à l'année précédente. Les principaux marchés d'exportation de l'Indonésie (2009) sont le Japon (17,28 %), Singapour (11,29 %), les États-Unis (10,81 %) et la Chine (7,62 %). Les principaux fournisseurs d'importations de l'Indonésie sont Singapour (24,96 %), la Chine (12,52 %) et le Japon (8,92 %). En 2014, l'Indonésie a enregistré un déficit commercial avec des recettes d'exportation de 176 milliards de dollars et des dépenses d'importation de 178,2 milliards de dollars. L'Indonésie possède d'importantes ressources naturelles, notamment du pétrole brut, du gaz naturel, de l'étain, du cuivre et de l'or. Les principales importations de l'Indonésie comprennent les machines et équipements, les produits chimiques, les carburants et les produits alimentaires, et les principaux produits d'exportation du pays comprennent le pétrole et le gaz, les appareils électriques, le contreplaqué, le caoutchouc et les textiles. Dans le but de stimuler l'industrie nationale de transformation des minéraux et d'encourager les exportations de produits minéraux à plus forte valeur ajoutée, le gouvernement indonésien a mis en place une interdiction sur les exportations de minerais non transformés en 2014. La production d'huile de palme est importante pour l'économie indonésienne, car le pays est le plus grand producteur et consommateur mondial de cette matière première, fournissant environ la moitié de l'approvisionnement mondial. Les plantations de palmiers à huile s'étendent sur 6 millions d'hectares (soit environ deux fois la superficie de la Belgique). L'Indonésie prévoit d'ici 2015 d'ajouter 4 millions d'hectares supplémentaires à la production de biocarburants à base de palmier à huile. Depuis 2012, l'Indonésie produit 35 pour cent de l'huile de palme certifiée durable (CSPO) dans le monde. Le secteur du tourisme contribue à environ 10,1 milliards de dollars américains de devises en 2013 et se classe au 4e rang parmi les secteurs d'exportation de biens et de services. Singapour, la Malaisie, l'Australie, la Chine et le Japon sont les cinq principales sources de visiteurs en Indonésie. La corruption est un problème persistant. Transparency International, par exemple, a depuis classé l’Indonésie en dessous de 100 dans son indice de perception de la corruption. Cependant, depuis 2007, grâce à l’amélioration du secteur bancaire et de la consommation intérieure, la croissance économique nationale s’est accélérée pour atteindre plus de 6 % par an, ce qui a aidé l’Indonésie à surmonter la Grande Récession de 2008-2009. L'économie indonésienne a connu de solides performances lors de la crise financière de 2007-2008 et en 2012, son PIB a augmenté de plus de 6 %. L'Indonésie a retrouvé sa notation Investment Grade fin 2011 après l'avoir perdue en 1997. En 2014, 11 % de la population vivait en dessous du seuil de pauvreté et le taux de chômage officiel était de 5,9 %. L'Indonésie possède une industrie automobile importante, qui a produit près de 1,3 million de véhicules automobiles en 2014, se classant au 15e rang des producteurs mondiaux. Les constructeurs automobiles indonésiens sont en mesure de produire des voitures avec un pourcentage élevé de contenu local (80 à 90 %). Avec une production culminant à 14,5 milliards de paquets en 2011, l'Indonésie est le deuxième producteur de nouilles instantanées après la Chine qui produit 42,5 milliards de paquets par an. Indofood est le plus grand producteur de nouilles instantanées au monde. La marque Indomie d'Indofood est l'une des marques mondiales les plus connues d'Indonésie. Parmi les 500 plus grandes entreprises mondiales mesurées par leur chiffre d'affaires en 2014, selon le Fortune Global 500, deux ont leur siège en Indonésie, à savoir Pertamina et Perusahaan Listrik Negara. Transport Le transport routier est prédominant, avec une longueur totale du système de 437 759 km en 2008. De nombreuses villes et villages proposent également des moyens de transport à louer, tels que des taxis. Il existe généralement également des services de bus de divers types, tels que les bus Kopaja et le système de transport en commun rapide par bus TransJakarta, plus sophistiqué, à Jakarta. Le TransJakarta est le plus grand système de transport en commun rapide par bus au monde, s'étendant sur quelque 194 km et transportant plus de 300 000 passagers par jour. De plus, des systèmes BRT existent à Yogyakarta, Palembang, Bandung, Denpasar, Pekanbaru, Semarang, Makassar et Padang sans voie séparée. De nombreuses villes disposent également de pousse-pousse motorisés (bajaj) de toutes sortes. Les pousse-pousse à vélo, appelés becak en Indonésie, sont fréquents sur les routes de la ville et constituent un moyen de transport peu coûteux. Le système de transport ferroviaire compte quatre réseaux non connectés à Java et à Sumatra, principalement dédiés au transport de marchandises en vrac et au trafic de passagers sur de longues distances. Le réseau ferroviaire interurbain de Java est complété par des services ferroviaires de banlieue locaux dans la zone métropolitaine de Jakarta (KA Commuter Jabodetabek), Surabaya, Medan et Bandung. À Jakarta, les services ferroviaires de banlieue transportent 700 000 passagers par jour. En outre, des systèmes de transport en commun rapide et de transport léger sur rail sont en construction à Jakarta et Palembang. Le transport maritime est extrêmement important pour l’intégration économique et pour le commerce intérieur et extérieur. Elle est bien développée, chacune des principales îles possédant au moins une ville portuaire importante. Parce que dans

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Sur quelle île écossaise se trouve la ville de Tobermory ?

Mull

Tobermory (; ) est la capitale et le seul bourg de l'île de Mull dans les Hébrides intérieures écossaises. Il est situé dans la partie nord-est de l'île, près de l'entrée nord du Sound of Mull. Avec une population actuelle d'environ 700 habitants, la ville a été fondée comme port de pêche en 1788, son agencement étant basé sur les conceptions de l'ingénieur du Dumfriesshire Thomas Telford. Étymologie Le nom Tobermory est dérivé du gaélique Tobar Mhoire, qui signifie « le puits de Marie ». Le nom fait référence à un puits situé à proximité et dédié autrefois à la Vierge Marie. Histoire La légende raconte que l'épave d'un galion espagnol, chargé d'or, repose quelque part dans la boue au fond de la baie de Tobermory – bien que la véritable identité du navire et sa cargaison soient controversées. Selon certains témoignages, le Florencia (ou Florida, ou San Francisco), membre de l'Armada espagnole vaincue fuyant la flotte anglaise en 1588, a jeté l'ancre à Tobermory pour prendre des provisions. À la suite d'un différend concernant le paiement (ou peut-être, selon le folklore local, d'un sort lancé par la sorcière Dòideag), le navire a pris feu et la poudrière a explosé, coulant le navire. Dans sa cale, il semblerait qu'il y ait 300 000 GBP de lingots d'or. D'autres sources affirment que le navire était le San Juan de Sicilia (ou San Juan de Baptista), qui, selon les archives, transportait des troupes et non des trésors. Quelle que soit la véritable histoire, aucun trésor important n'a jamais été découvert dans la baie de Tobermory. La plus grande tentative faite pour localiser le galion a eu lieu en 1950, lorsque le duc d'Argyll de l'époque a signé un contrat avec l'Amirauté britannique pour localiser le galion. Cette tentative n'a abouti à rien, à part le développement d'équipements encore utilisés aujourd'hui pour localiser d'anciens navires coulés. En raison des similitudes dans les conditions de navigation, au milieu des années 1800, des marins émigrants ont créé la communauté de Tobermory, située en Ontario, au Canada. Cette ville du même nom possède des ports jumeaux, connus localement sous le nom de « Big Tub » et « Little Tub », qui abritaient les navires des violentes tempêtes du lac Huron. Big Tub Harbour est le plus grand port naturel d'eau douce du Canada. Il y a de nombreuses épaves à proximité, c'est donc une destination de plongée sous-marine florissante. Pendant la Seconde Guerre mondiale, Tobermory abritait la base d'entraînement de la Royal Navy HMS Western Isles sous le commandement du légendaire vice-amiral Sir Gilbert Stephenson. La biographie dite de La Terreur de Tobermory a été écrite par le diffuseur Richard Baker, qui a suivi sa formation. Attractions De nombreux bâtiments de la rue Main, principalement des magasins et des restaurants, sont peints en diverses couleurs vives, ce qui en fait un lieu populaire pour les programmes télévisés, comme l'émission pour enfants Balamory. Le bourg abrite le musée Mull, la distillerie de whisky Tobermory, la brasserie de l'île de Mull, ainsi que l'aquarium de Mull, le premier aquarium de capture et de remise à l'eau d'Europe. La tour de l'horloge sur le mur du port est un monument remarquable. La ville contient également un centre artistique An Tobar, dont la direction a fusionné avec le Mull Theatre en 2012 pour former l'organisation artistique faîtière Comar. Le théâtre reste basé juste à l'extérieur de Tobermory à Drumfin et est utilisé par des groupes de danse et de théâtre pour jeunes et adultes, accueillant une grande variété de spectacles. 71 % des résidents de Tobermory sont nés en Écosse, 23 % en Angleterre et 6 % ailleurs. La tobermorite, un silicate de calcium hydraté découvert près de Tobermory en 1880, doit son nom à la ville. Résidents notables L'expatrié le plus remarquable de Tobermory est sans doute Gordon Buchanan, célèbre caméraman et présentateur animalier. Les nombreux autres fils et filles célèbres de la ville incluent Duncan MacGilp et Janet MacDonald, tous deux anciens lauréats de la médaille d'or au Royal National Mòd d'Écosse. Trois générations de la famille MacIntyre de la ville ont atteint l'éminence : Colin MacIntyre est un auteur-compositeur-interprète. Son frère est Kenny Macintyre de BBC Scotland Sport, et son défunt père, également appelé Kenny, était correspondant politique de BBC Scotland tandis que son grand-père était le soi-disant barde de Mull, le poète Angus MacIntyre. Le regretté accordéoniste Bobby McLeod a vécu dans la ville depuis sa naissance en 1925 jusqu'à sa mort en 1991 et était propriétaire de l'hôtel Mishnish. Un autre natif de Tobermory était Donald McLean (1805-1864), qui a émigré au Canada avant l'âge de vingt ans et est devenu commerçant de fourrures et explorateur pour la Compagnie de la Baie d'Hudson dans les districts de la Nouvelle-Calédonie et du département de Columbia, accédant au poste de commerçant en chef à Thompson's River Post (Fort Kamloops) dans ce qui était alors la colonie de la Colombie-Britannique. Il fut la dernière victime de la guerre de Chilcotin en 1864 ; ses fils métis étaient connus sous le nom de Wild McLean Boys et furent jugés et pendus pour meurtre. Événements annuels La visite du compositeur Felix Mendelssohn en 1829, en route vers Staffa, est commémorée lors du festival annuel Mendelssohn on Mull début juillet. Parmi les autres moments forts du calendrier de la ville, citons un festival annuel de musique traditionnelle organisé le dernier week-end d'avril, le Mòd local, qui a lieu le deuxième samedi de septembre et s'est imposé comme l'un des meilleurs Mòds locaux du circuit, le Mull Le Fiddler's Rally a également lieu en septembre et les traditionnels Mull Highland Games ont lieu chaque été. Associations littéraires La ville fictive de Torbay dans le roman d'Alistair MacLean When Eight Bells Toll était basée sur Tobermory, et une grande partie du film de 1971 a été tournée dans la ville et dans d'autres quartiers de Mull. L'écrivain Saki a donné le nom à un chat qui parle dans l'une de ses nouvelles les plus célèbres et deux séries télévisées pour enfants très appréciées ont utilisé le nom de la ville. Elisabeth Beresford a appelé l'un des Wombles Tobermory et, plus récemment, la ville a accueilli son presque homonyme Balamory pendant 3 ans (2002-2005). D'autres films réalisés dans la région incluent le classique de Powell et Pressburger de 1945, Je sais où je vais !. Dans le film d'animation pour enfants, Nocturna, le chat fidèle du Chat Berger, s'appelle Tobermory. Transport Des ferries naviguent entre Tobermory et le continent jusqu'à Kilchoan sur la péninsule d'Ardnamurchan, mais le principal accès à l'île se fait par ferry entre Oban et Craignure. Craignure se trouve à environ 22 milles de Tobermory. C'est la route principale pour les visiteurs de l'île. Une route de ferry supplémentaire relie Lochaline sur le continent à Fishnish.

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Dans le roman « Les Hauts de Hurlevent » d'Emily Brontë, le père de Catherine a trouvé Heathcliffe dans les rues de quelle ville anglaise ?

Liverpool

Les Hauts de Hurlevent est le seul roman d'Emily Brontë. Écrit entre octobre 1845 et juin 1846, Wuthering Heights fut publié en 1847 sous le pseudonyme de « Ellis Bell » ; Brontë décède l'année suivante, à l'âge de 30 ans. Les Hauts de Hurlevent et Agnes Gray d'Anne Brontë sont acceptés par l'éditeur Thomas Newby avant le succès du roman de leur sœur Charlotte, Jane Eyre. Après la mort d'Emily, Charlotte a édité le manuscrit de Wuthering Heights et a fait en sorte que la version éditée soit publiée comme une deuxième édition posthume en 1850. Bien que Wuthering Heights soit désormais largement considéré comme un classique de la littérature anglaise, les critiques contemporaines du roman étaient profondément polarisées ; il était considéré comme controversé parce que sa représentation de la cruauté mentale et physique était inhabituellement crue et qu'il remettait en question les idéaux victoriens stricts de l'époque, notamment l'hypocrisie religieuse, la moralité, les classes sociales et l'inégalité entre les sexes. Le poète et peintre anglais Dante Gabriel Rossetti l'a qualifié de « un démon d'un livre – un monstre incroyable  [...] L'action se déroule en enfer – seulement il semble que des lieux et des gens y portent des noms anglais. » Dans la seconde moitié du XIXe siècle, Jane Eyre de Charlotte Brontë était considérée comme la meilleure des œuvres des sœurs Brontë, mais suite à une réévaluation ultérieure, les critiques ont commencé à affirmer que Wuthering Heights était supérieur. Le livre a inspiré des adaptations, notamment des dramatisations cinématographiques, radiophoniques et télévisées, une comédie musicale de Bernard J. Taylor, un ballet, des opéras (de Bernard Herrmann, Carlisle Floyd et Frédéric Chaslin), un jeu de rôle et une chanson de 1978 de Kate Bush. Parcelle Ouverture (Chapitres 1 à 3) En 1801, Lockwood, un homme riche du sud de l'Angleterre en quête de paix et de récupération, loue Thrushcross Grange dans le Yorkshire. Il rend visite à son propriétaire, Heathcliff, qui vit dans une ferme isolée des landes, Wuthering Heights. Là, Lockwood trouve un étrange assemblage : Heathcliff semble être un gentleman, mais ses manières sont grossières ; la maîtresse de maison réservée est au milieu de l'adolescence ; et un jeune homme semble être un membre de la famille, mais s'habille et parle comme s'il était un serviteur. Enneigé, Lockwood est autorisé à rester à contrecœur et est conduit dans une chambre où il remarque des livres et des graffitis laissés par une ancienne habitante nommée Catherine. Il s'endort et fait un cauchemar dans lequel il voit la fantomatique Catherine tenter d'entrer par la fenêtre. Il crie de peur, réveillant Heathcliff, qui se précipite dans la pièce. Lockwood est convaincu que ce qu'il a vu était réel. Heathcliff, croyant que Lockwood avait raison, examine la fenêtre et l'ouvre, dans l'espoir de permettre à l'esprit de Catherine d'entrer. Quand rien ne se passe, Heathcliff montre Lockwood dans sa propre chambre et revient surveiller la fenêtre. Au lever du soleil, Heathcliff escorte Lockwood jusqu'à Thrushcross Grange. Lockwood interroge la gouvernante, Nelly Dean, sur la famille des Hauts de Hurlevent, et elle lui raconte l'histoire. L'enfance de Heathcliff (chapitres 4 à 17) Trente ans plus tôt, le propriétaire des Hauts de Hurlevent est M. Earnshaw, qui vit avec son fils adolescent Hindley et sa fille Catherine. Lors d'un voyage à Liverpool, Earnshaw rencontre un garçon sans-abri, décrit comme un « aspect gitan à la peau foncée ». Il adopte le garçon et le nomme Heathcliff. Hindley sent que Heathcliff l'a supplanté dans les affections de son père et devient amèrement jaloux. Catherine et Heathcliff deviennent amis et passent des heures chaque jour à jouer dans les landes. Ils se rapprochent. Hindley est envoyé à l'université. Trois ans plus tard, Earnshaw meurt et Hindley devient propriétaire foncier ; il est désormais maître des Hauts de Hurlevent. Il retourne y vivre avec sa nouvelle épouse, Frances. Il permet à Heathcliff de rester mais uniquement en tant que serviteur. Quelques mois après le retour de Hindley, Heathcliff et Catherine se rendent à Thrushcross Grange pour espionner les Linton, qui y vivent. Après avoir été découverts, ils tentent de s'enfuir mais sont rattrapés. Catherine est blessée par le chien des Linton et emmenée dans la maison pour récupérer, tandis que Heathcliff est renvoyé chez lui. Catherine reste avec les Linton. Les Linton sont des nobles terriens et Catherine est influencée par leur belle apparence et leurs manières distinguées. Lorsqu'elle revient aux Hauts de Hurlevent, son apparence et ses manières sont plus féminines, et elle se moque de l'apparence négligée de Heathcliff. Le lendemain, sachant que les Linton doivent leur rendre visite, Heathcliff essaie de se déguiser, dans le but d'impressionner Catherine, mais lui et Edgar Linton se disputent et Hindley humilie Heathcliff en l'enfermant dans le grenier. Catherine essaie de réconforter Heathcliff, mais il jure de se venger d'Hindley. L'année suivante, Frances Earnshaw donne naissance à un fils, prénommé Hareton, mais elle décède quelques mois plus tard. Hindley sombre dans l'ivresse. Deux années supplémentaires s'écoulent et Catherine et Edgar Linton deviennent amis, tandis qu'elle s'éloigne de Heathcliff. Edgar rend visite à Catherine pendant que Hindley est absent et ils se déclarent amants peu de temps après. Catherine avoue à Nelly qu'Edgar a proposé le mariage et qu'elle a accepté, même si son amour pour Edgar n'est pas comparable à son amour pour Heathcliff, qu'elle ne peut épouser en raison de son faible statut social et de son manque d'éducation. Elle espère utiliser sa position d'épouse d'Edgar pour élever la réputation de Heathcliff. Heathcliff l'entend dire que cela la « dégraderait » de l'épouser (mais pas à quel point elle l'aime), et il s'enfuit et disparaît sans laisser de trace. Désemparée par le départ de Heathcliff, Catherine se rend malade. Nelly et Edgar commencent à répondre à tous ses caprices pour l'empêcher de retomber malade. Trois ans passent. Edgar et Catherine se marient et partent vivre ensemble à Thrushcross Grange où elle aime être « dame du manoir ». Six mois plus tard, Heathcliff revient, désormais un riche gentleman. Catherine est ravie, mais pas Edgar. La sœur d'Edgar, Isabella, tombe bientôt amoureuse de Heathcliff, qui la méprise, mais encourage cet engouement comme moyen de vengeance. Un jour, il embrasse Isabella, ce qui conduit à une dispute avec Edgar. Bouleversée, Catherine s'enferme dans sa chambre et recommence à se rendre malade. Heathcliff s'installe à Wuthering Heights et passe son temps à jouer avec Hindley et à enseigner les mauvaises habitudes à Hareton. Hindley dissipe sa richesse et hypothèque la ferme à Heathcliff pour payer ses dettes. Heathcliff s'enfuit avec Isabella Linton. Deux mois plus tard, ils retournent à Wuthering Heights. Heathcliff apprend que Catherine est malade et, avec l'aide de Nelly, lui rend visite en secret. Cependant, Catherine est enceinte. Le lendemain, elle donne naissance à une fille, Cathy, peu avant de mourir. Après les funérailles de Catherine, Isabella quitte Heathcliff, se réfugie dans le sud de l'Angleterre et donne naissance à un fils, Linton. Hindley meurt six mois après Catherine, et Heathcliff se retrouve ainsi maître des Hauts de Hurlevent. La maturité de Heathcliff (Chapitres 18 à 31) Douze années passent. Cathy, la fille de Catherine, est devenue une belle fille pleine d'entrain. Edgar apprend que sa sœur Isabella est mourante, alors il part chercher son fils Linton afin de l'adopter et de l'éduquer. Cathy, qui a rarement quitté la maison, profite de l'absence de son père pour s'aventurer plus loin. Elle traverse les landes jusqu'à Wuthering Heights et découvre qu'elle n'a pas un mais deux cousins ​​: Hareton en plus de Linton. Elle fait également savoir que son père est allé chercher Linton. Quand Edgar revient avec Linton, un garçon faible et maladif, Heathcliff insiste pour qu'il vive à Wuthering Heights. Trois ans passent. En marchant dans les landes, Nelly et Cathy rencontrent Heathcliff, qui les emmène à Wuthering Heights pour voir Linton et Hareton. Heathcliff espère que Linton et Cathy se marieront, afin que Linton devienne l'héritier de Thrushcross Grange. Linton et Cathy entament une amitié secrète, faisant écho à l'amitié d'enfance entre leurs parents respectifs, Heathcliff et Catherine. L'année suivante, Edgar tombe très malade et empire pendant que Nelly et Cathy sont dans les landes, où Heathcliff et Linton les incitent à entrer dans les Hauts de Hurlevent. Heathcliff les garde captifs pour permettre le mariage de Cathy et Linton. Après cinq jours, Nelly est libérée et plus tard, avec l'aide de Linton, Cathy s'échappe. Elle retourne à la Grange pour voir son père peu de temps avant sa mort. Désormais maître des Hauts de Hurlevent et de Thrushcross Grange, le beau-père de Cathy, Heathcliff insiste pour qu'elle retourne vivre à Les Hauts de Hurlevent. Peu de temps après son arrivée, Linton meurt. Hareton essaie d'être gentil avec Cathy, mais elle se retire du monde. À ce stade, le récit de Nelly rattrape son retard jusqu'à nos jours (1801). Le temps passe et, après avoir été malade pendant un certain temps, Lockwood se lasse des landes et informe Heathcliff qu'il quittera Thrushcross Grange. Fin (Chapitres 32 à 34) Huit mois plus tard, Lockwood revient dans la région par hasard. Étant donné que sa location à Thrushcross Grange est toujours valable, il décide d'y rester à nouveau. Il trouve Nelly vivant à Wuthering Heights et demande ce qui s'est passé depuis son départ. Elle explique qu'elle a déménagé aux Hauts de Hurlevent pour remplacer la gouvernante, Zillah, qui était partie. Hareton a eu un accident et a été confiné à la ferme. Pendant sa convalescence, Cathy et lui ont surmonté leur antipathie mutuelle et sont devenus proches. Tandis que leur amitié se développait, Heathcliff commença à se comporter étrangement et eut des visions de Catherine. Il a arrêté de manger et, au bout de quatre jours, a été retrouvé mort dans l'ancienne chambre de Catherine. Il a été enterré à côté de Catherine. Lockwood apprend que Hareton et Cathy envisagent de se marier le jour du Nouvel An. Alors qu'il s'apprête à partir, il passe devant les tombes de Catherine, Edgar et Heathcliff, et s'arrête pour contempler le calme des landes. Personnages * Heathcliff : retrouvé, vraisemblablement orphelin, dans les rues de Liverpool et emmené par M. Earnshaw à Wuthering Heights, où il est pris en charge à contrecœur par la famille. Lui et Catherine se rapprochent et leur amour est le thème central du premier tome. Sa vengeance contre l'homme qu'elle choisit d'épouser et ses conséquences sont le thème central du deuxième tome. Heathcliff a été considéré comme un héros byronique, mais les critiques ont souligné qu'il se réinvente à différents moments, ce qui rend son personnage difficile à intégrer dans un type unique. En raison de sa position ambiguë dans la société et de son manque de statut, souligné par le fait que « Heathcliff » est à la fois son prénom et son nom de famille, son personnage a été un sujet favori de la critique marxiste. * Catherine Earnshaw : présentée pour la première fois au lecteur après sa mort, grâce à la découverte par Lockwood de son journal et de ses sculptures. La description de sa vie se limite presque entièrement au premier volume. Elle ne semble pas sûre si elle ressemble davantage à Heathcliff ou si elle aspire à ressembler davantage à Edgar. Certains critiques ont fait valoir que sa décision d'épouser Edgar Linton est allégoriquement un rejet de la nature et un abandon à la culture, un choix aux conséquences fatidiques pour tous les autres personnages. Les critiques littéraires ont examiné son personnage sous de nombreux angles différents, notamment ceux de la théorie psychanalytique et de la théorie féministe. * Edgar Linton : Introduit comme un enfant dans la famille Linton, il réside à Thrushcross Grange. Le style et les manières d'Edgar contrastent fortement avec ceux de Heathcliff, qui ne l'aime pas instantanément, et de Catherine, qui est attirée par lui. Catherine l'épouse à la place d'Heathcliff en raison de son statut social plus élevé, avec des résultats désastreux. Du point de vue de la théorie féministe, cela illustre les problèmes inhérents à une structure sociale dans laquelle les femmes ne peuvent acquérir du prestige et une sécurité financière que par le mariage. * Nelly Dean : La narratrice principale du roman, Nelly est la servante de trois générations des Earnshaw et de deux de la famille Linton. Humblement née, elle se considère néanmoins comme la sœur adoptive de Hindley (ils ont le même âge et sa mère est sa nourrice). Elle vit et travaille parmi les habitants rudes des Hauts de Hurlevent, mais est instruite et elle fait également l'expérience des manières plus distinguées de Thrushcross Grange. Elle est appelée Ellen, son prénom, pour montrer son respect, et Nelly parmi ses proches. Les critiques ont discuté de la mesure dans laquelle ses actions en tant que spectateur apparent affectent les autres personnages et dans quelle mesure on peut se fier à son récit. * Isabella Linton : Isabella n'est vue qu'en relation avec les autres personnages. Elle voit Heathcliff de manière romantique, malgré les avertissements de Catherine, et devient un participant involontaire à son complot de vengeance contre Edgar. Heathcliff l'épouse, mais la traite de manière abusive. Enceinte, elle s'enfuit à Londres et donne naissance à un fils, Linton. Parce qu'elle subit de tels abus de la part de son mari et finit par y échapper, certains critiques, notamment féministes, considèrent Isabella comme la véritable héroïne (conventionnelle) « tragico-romantique » de Wuthering Heights. * Hindley Earnshaw : le frère aîné de Catherine, Hindley méprise immédiatement Heathcliff et l'intimide tout au long de leur enfance avant que son père ne l'envoie à l'université. Hindley revient avec sa femme, Frances, après la mort de M. Earnshaw. Il est plus mature, mais sa haine envers Heathcliff reste la même. Après la mort de Frances, Hindley est prise dans une spirale descendante de comportements destructeurs et ruine la famille Earnshaw en buvant et en jouant à l'excès. Heathcliff bat Hindley à un moment donné alors qu'il tente de le tuer avec un pistolet. * Hareton Earnshaw : Le fils de Hindley et Frances, élevé d'abord par Nelly mais bientôt par Heathcliff. Nelly s'efforce d'inculquer un sentiment de fierté dans l'héritage d'Earnshaw (même si Hareton n'héritera pas de la propriété d'Earnshaw, car Hindley l'a hypothéquée à Heathcliff). Heathcliff, en revanche, lui enseigne des vulgarités, pour se venger d'Hindley. Hareton parle avec un accent similaire à celui de Joseph et occupe une position similaire à celle d'un serviteur à Wuthering Heights, ignorant comment il a été retiré de son héritage. En apparence, il rappelle à Heathcliff sa tante, Catherine. * Cathy Linton : La fille de Catherine Earnshaw et d'Edgar Linton, une fille pleine d'entrain et volontaire qui ignore l'histoire de ses parents. Edgar est très protecteur envers elle et par conséquent elle a hâte de découvrir ce qui se trouve au-delà des limites de la Grange. Bien qu'elle soit l'un des personnages les plus sympathiques du roman, elle est aussi quelque peu snob envers Hareton et son manque d'éducation. * Linton Heathcliff : Le fils de Heathcliff et Isabella. Enfant faible, il passe ses premières années avec sa mère dans le sud de l'Angleterre. Il n'apprend l'identité et l'existence de son père qu'après la mort de sa mère, alors qu'il a douze ans. Dans son égoïsme et sa capacité de cruauté, il ressemble à Heathcliff, mais il semble lui manquer la seule caractéristique rédemptrice de son père : la capacité d'aimer. Il épouse Cathy Linton parce que son père, qui le terrifie, lui ordonne de le faire, et meurt peu après d'une maladie débilitante associée à la tuberculose et à l'onanisme. * Joseph : Un serviteur des Hauts de Hurlevent depuis 60 ans, un chrétien rigide et bien-pensant, mais dépourvu de toute trace de véritable gentillesse ou d'humanité. Il parle un large dialecte du Yorkshire et déteste presque tout le monde dans le roman. * M. Lockwood : Le premier narrateur, il loue Thrushcross Grange pour échapper à la société, mais décide finalement que la société est préférable. Il raconte le livre jusqu'au chapitre 4, lorsque la narratrice principale, Nelly, reprend l'histoire. * Frances : épouse malade de Hindley et mère de Hareton Earnshaw. Elle est décrite comme quelque peu idiote et est visiblement issue d'un milieu familial modeste. * M. et Mme Earnshaw : le père de Catherine et Hindley, M. Earnshaw est le maître des Hauts de Hurlevent au début de l'histoire de Nelly et est décrit comme un homme irascible mais aimant et bienveillant. Il a une étrange obsession pour son fils adoptif Heathcliff, ce qui cause des problèmes dans la famille. En revanche, sa femme se méfie de l'enfant Heathcliff dès leur première rencontre. * M. et Mme Linton : les parents d'Edgar et Isabella, ils éduquent leurs enfants de manière sage et sophistiquée. M. Linton est également magistrat de Gimmerton, comme son fils plus tard. * Dr Kenneth : Le médecin de longue date de Gimmerton et un ami de Hindley qui est présent aux cas de maladie pendant le roman. Bien que l'on ne sache pas grand-chose de son caractère, il semble être une personne dure mais honnête. * Zillah : Une servante de Heathcliff à Wuthering Heights pendant la période qui a suivi la mort de Catherine. Bien qu'elle soit gentille avec Lockwood, elle n'aime ni n'aide Cathy à Wuthering Heights à cause de l'arrogance de Cathy et des instructions de Heathcliff. * M. Green : l'avocat corruptible d'Edgar qui devrait modifier son testament et empêcher Heathcliff de gagner Thrushcross Grange. Mais Green change de camp et aide Heathcliff à hériter de Grange comme propriété. Carte des relations Clé: * ligne noire : fils ou fille de ; s'il est en pointillé, cela signifie l'adoption *ligne rouge : mariage ; si double, cela signifie un deuxième mariage *ligne rose : Relation *ligne bleue : affection *ligne verte : haine * zone jaune clair : personnages clés de l'intrigue * zone violette : observateurs externes Chronologie Thèmes L'auteur Joyce Carol Oates voit le roman comme « une démonstration assurée de la nature finie et tragiquement auto-dévorante de la « passion ». » [http://www.usfca.edu/jco/magnanimityofwutheringheights/ Oates, Joyce Carol. "La magnanimité des Hauts de Hurlevent", Enquête critique, 1983] roman gothique Ellen Moers, dans Literary Women, a développé une théorie féministe qui relie les femmes écrivains, dont Emily Brontë, à la fiction gothique. Catherine Earnshaw a été identifiée par certains critiques comme un type de démon gothique, car elle « change de forme » pour épouser Edgar Linton, en assumant une vie domestique contraire à sa vraie nature. Il a également été suggéré que la relation de Catherine avec Heathcliff est conforme à la « dynamique du roman gothique, dans le sens où la femme devient la proie des instincts plus ou moins démoniaques de son amant, souffre de la violence de ses sentiments et, à la fin, est empêtré dans sa passion contrariée. Publication édition 1847 Le texte original, tel que publié par Thomas Cautley Newby en 1847, est disponible en ligne en deux parties. Le roman a été publié pour la première fois avec Agnes Gray d'Anne Brontë dans un format en trois volumes : Wuthering Heights occupait les deux premiers volumes, tandis qu'Agnes Gray composait le troisième. édition 1850 En 1850, alors qu'une deuxième édition des Hauts de Hurlevent était prévue, Charlotte Brontë édita le texte original, modifiant la ponctuation, corrigeant les fautes d'orthographe et rendant l'épais dialecte du Yorkshire de Joseph moins opaque. Écrivant à son éditeur, W.S. Williams, elle a mentionné : « Il me semble conseillé de modifier l'orthographe des discours du vieux serviteur Joseph ; car bien que, dans l'état actuel, il rende exactement le dialecte du Yorkshire à une oreille du Yorkshire, je suis sûr que les Sudistes doivent le trouver inintelligible ; et ainsi l'un des personnages les plus graphiques du livre leur échappe." Un essai écrit par Irene Wiltshire sur le dialecte et la parole dans le roman examine certains des changements apportés par Charlotte. Inspiration pour les lieux Il existe plusieurs théories sur le ou les bâtiments réels (le cas échéant) qui auraient pu inspirer Wuthering Heights. Un candidat commun est Top Withens, une ferme en ruine située dans une zone isolée près du Haworth Parsonage, bien que sa structure ne corresponde pas à celle de la ferme décrite dans le roman. Top Withens a été suggéré pour la première fois comme modèle par Ellen Nussey, une amie de Charlotte Brontë, à Edward Morison Wimperis, un artiste chargé d'illustrer les romans des sœurs Brontë en 1872. La deuxième possibilité est High Sunderland Hall, près d'Halifax, aujourd'hui démoli. Cet édifice gothique était situé près de Law Hill, où Emily travailla brièvement comme gouvernante en 1838. Même s'il était peut-être plus grandiose que les Hauts de Hurlevent, la salle présentait des embellissements grotesques de griffons et d'hommes nus difformes semblables à ceux décrits par Lockwood dans le chapitre 1 du roman. L'inspiration pour Thrushcross Grange vient depuis longtemps de Ponden Hall, près de Haworth, qui est très petit. Shibden Hall, près d'Halifax, est peut-être plus probable. La Thrushcross Grange décrite par Emily est plutôt inhabituelle. Il se trouve dans un immense parc, tout comme Shibden Hall. À titre de comparaison, le parc de Chatsworth (la maison du duc de Devonshire) mesure plus de 3,2 km de long mais, comme la maison se trouve près du milieu, elle n'est qu'à 2,4 km de le lodge à la maison. Considérant qu’Edgar Linton n’a apparemment même pas de titre, cela semble peu probable. Il n'y a aucun bâtiment à proximité de Haworth qui possède un parc de cette taille, mais il y a quelques maisons qui auraient pu inspirer certains éléments. Shibden Hall présente plusieurs caractéristiques qui correspondent aux descriptions du roman. Réponse critique Premières critiques (1847-1848) Les premières critiques de Wuthering Heights étaient mitigées dans leur évaluation. Alors que la plupart des critiques de l'époque reconnaissaient la puissance et l'imagination du roman, ils étaient également déconcertés par le scénario et trouvaient les personnages extrêmement avant-gardistes et décomplexés. Emily Brontë a sauvegardé des sections de cinq critiques de la version 1847 des Hauts de Hurlevent, dont quatre ont été publiées. été identifié comme ayant paru dans les numéros de janvier 1848 de l'Atlas, du journal hebdomadaire de Douglas Jerrold, de l'Examiner et du Britannia. Le cinquième n'a ni date ni source. Publié en 1847, à une époque où l'histoire de l'auteur était considérée comme ayant un impact important sur l'histoire elle-même, de nombreux critiques étaient également intrigués par la paternité des romans. Les Hauts de Hurlevent a été publié aux côtés d'Agnes Gray sous les pseudonymes « Acton et Ellis Bell" (respectivement Anne et Emily). Wuthering Heights comprenait les deux premières parties du volume et Agnes Gray la troisième : « Le troisième volume du livre est constitué d'un conte distinct relatif à la fortune d'une gouvernante. » (Britannia (1848)) Henry Chorley de l'Athenæum a dit que c'était une « histoire désagréable » et que les « Cloches » (Brontës) « semblent toucher des sujets douloureux et exceptionnels ». La revue Atlas l'a qualifié d'« histoire étrange et inartistique », mais a commenté que chaque chapitre semble contenir une « sorte de pouvoir robuste ». Atlas a résumé le roman en écrivant : « Nous ne savons rien dans toute la gamme de notre littérature fictive qui présente des images aussi choquantes des pires formes de l'humanité. Il n'y a pas dans l'ensemble du dramatis persona, un seul personnage qui ne soit totalement haineux ou complètement haineux. méprisables... Même les personnages féminins suscitent quelque chose de dégoût et beaucoup de mépris. Beaux et aimables dans leur enfance, ils, pour employer une expression vulgaire, « tournent mal ». Graham's Lady Magazine a écrit : « Comment un être humain aurait pu essayer un livre comme celui-ci sans se suicider avant d'avoir terminé une douzaine de chapitres, est un mystère. C'est un composé de dépravation vulgaire et d'horreurs contre nature. L'American Whig Review a écrit : « En ce qui concerne un livre aussi original que celui-ci et écrit avec autant de puissance d'imagination, il est naturel qu'il y ait de nombreuses opinions. En effet, sa puissance est si prédominante qu'il n'est pas facile, après une lecture hâtive, de analyser ses impressions pour parler avec confiance de ses mérites et de ses démérites. Nous avons été emmenés et transportés dans une région nouvelle, un désert mélancolique, avec ici et là des parcelles de beauté, mis en contact avec des passions féroces, avec des extrêmes ; l'amour et la haine, et avec une tristesse que seuls ceux qui ont souffert peuvent comprendre. Cela n'a pas été accompli avec facilité, mais avec un mépris mal élevé pour les décences du langage et dans un style qui pourrait ressembler à celui d'un fermier du Yorkshire. qui aurait dû s'efforcer d'éradiquer son provincialisme en prenant des leçons auprès d'un valet de pied de Londres. Nous avons eu de nombreux contusions et chutes tristes au cours de notre voyage, mais c'était intéressant, et enfin nous sommes arrivés en toute sécurité à une heureuse conclusion. Le journal hebdomadaire de Douglas Jerrold a écrit : « Les Hauts de Hurlevent est une sorte de livre étrange, déroutant toute critique régulière ; pourtant, il est impossible de le commencer et de ne pas le terminer ; et tout aussi impossible de le mettre de côté ensuite et de ne rien dire. le lecteur est choqué, dégoûté, presque écoeuré par des détails de cruauté, d'inhumanité, de haine et de vengeance les plus diaboliques, et bientôt viennent des passages de témoignages puissants du pouvoir suprême de l'amour – même sur les démons sous forme humaine. Le livre est d'une étrange nature diabolique-angélique, alléchante et terrible, et les hommes sont indescriptibles en dehors du livre lui-même. Pourtant, vers la fin de l'histoire se produit l'image jolie et douce suivante, qui apparaît comme l'arc-en-ciel après une tempête. ... Nous recommandons fortement à tous nos lecteurs qui aiment la nouveauté de se procurer cette histoire, car nous pouvons leur promettre qu'ils n'ont jamais rien lu de pareil auparavant. Elle est très déroutante et très intéressante, et si nous avions de la place, nous y consacrerions volontiers une. un peu plus de temps pour l'analyse de cette histoire remarquable, mais nous devons laisser à nos lecteurs le soin de décider de quel genre de livre il s'agit. Le New Monthly Magazine a écrit : « Wuthering Heights, d'Ellis Bell, est une histoire formidable, associée à un endroit tout aussi effrayant et répugnant ... Notre expérience de lecture romanesque ne nous permet pas de faire référence à quoi que ce soit de comparable aux personnages qui nous sont présentés. dans cet endroit désolé – un paradis pour un parfait misanthrope. Le magazine d'Édimbourg de Tait a écrit : « Ce roman contient sans aucun doute des écrits puissants, et pourtant il semble avoir été jeté. M. Ellis Bell, avant de construire le roman, aurait dû savoir que les mariages forcés, sous menace et en détention sont illégaux, et que les fêtes y contribuent. peuvent être punis. Et deuxièmement, les testaments rédigés par des jeunes filles mineures sont invalides. Les volumes sont des témoignages puissamment écrits de méchanceté et ils ont une morale : ils montrent ce que Satan pourrait faire avec la loi d'Entail. Examiner a écrit : « C'est un livre étrange. Il n'est pas sans preuves d'une puissance considérable : mais, dans son ensemble, il est sauvage, confus, décousu et improbable ; et les gens qui composent le drame, qui est assez tragique dans son conséquences, les sauvages sont plus grossiers que ceux qui ont vécu avant les jours d’Homère. » Literary World a écrit : « Dans toute l'histoire, aucun trait de caractère n'est évoqué qui puisse forcer notre admiration, aucun des beaux sentiments de notre nature ne semble avoir fait partie de la composition de ses principaux acteurs. la grossièreté d'une grande partie des dialogues et les invraisemblances d'une grande partie de l'intrigue, nous sommes envoûtés. Britannia l'a qualifié de livre « étrangement original » qui dépeint « l'humanité dans cet état sauvage ». Bien que pour la plupart hostile, il note que le livre est « éclairé par quelques lueurs de soleil vers la fin qui servent à jeter une lumière reconnaissante sur le triste chemin que nous avons parcouru ». Références en culture Adaptations La première adaptation cinématographique connue des Hauts de Hurlevent a été tournée en Angleterre et réalisée par A. V. Bramble. On ne sait pas si des empreintes existent encore. Le plus célèbre était Wuthering Heights de 1939, avec Laurence Olivier et Merle Oberon et réalisé par William Wyler. Cette adaptation acclamée, comme beaucoup d'autres, a éliminé l'histoire de la deuxième génération (les jeunes Cathy, Linton et Hareton) et est plutôt inexacte en tant qu'adaptation littéraire. Il a remporté le New York Film Critics Circle Award du meilleur film en 1939 et a été nominé pour l'Oscar du meilleur film en 1939. En 1967, la BBC a produit une dramatisation mettant en vedette Ian McShane et Angela Scoular. Le film de 1970 avec Timothy Dalton dans le rôle de Heathcliff est la première version couleur du roman et a été accepté au fil des ans, même s'il a été initialement mal reçu. Le personnage de Hindley est décrit avec beaucoup plus de sympathie et son arc narratif est modifié. Cela suggère également subtilement que Heathcliff pourrait être le demi-frère illégitime de Cathy. En 1978, la BBC a produit une sérialisation télévisée en cinq parties du livre mettant en vedette Ken Hutchinson, Kay Adshead et John Duttine avec une musique de Carl Davis ; elle est considérée comme l'une des adaptations les plus fidèles de l'histoire d'Emily Brontë. Il existe également une adaptation cinématographique française de 1985 Hurlevent de Jacques Rivette. Le film de 1992 Les Hauts de Hurlevent d'Emily Brontë avec Ralph Fiennes et Juliette Binoche est remarquable pour inclure l'histoire souvent omise de la deuxième génération des enfants de Cathy, Hindley et Heathcliff. Les adaptations cinématographiques ou télévisées plus récentes incluent la série dramatique en deux parties d'ITV de 2009 avec Tom Hardy, Charlotte Riley, Sarah Lancashire et Andrew Lincoln, le film de 2011 avec Kaya Scodelario et James Howson et réalisé par Andrea Arnold ; et le prochain film 2016/17, réalisé par Elisaveta Abrahall et mettant en vedette Paul Eryk Atlas et Sha'ori Morris, dans une version incluant les deux générations et actuellement en tournage au Royaume-Uni. Les adaptations qui réinitialisent l'histoire dans un nouveau décor incluent l'adaptation de 1954 intitulée Abismos de Pasion réalisée par le cinéaste espagnol Luis Buñuel qui se déroule dans le Mexique catholique, avec Heathcliff et Cathy renommés Alejandro et Catalina. Dans la version de Buñuel, Heathcliff/Alejandro prétend être devenu riche en concluant un accord avec Satan. Le New York Times a considéré une réédition de ce film comme « un exemple presque magique de la façon dont un artiste de génie peut prendre l'œuvre classique de quelqu'un d'autre et la façonner pour l'adapter à son propre tempérament sans vraiment le violer », notant que le film était complètement Espagnol et catholique dans son ton tout en restant très fidèle à Brontë. L'adaptation de Yoshishige Yoshida en 1988 présente également un décor transposé, cette fois dans le Japon médiéval. Dans la version de Yoshida, le personnage de Heathcliff, Onimaru, est élevé dans une communauté voisine de prêtres qui adorent un dieu du feu local. En 2003, MTV a produit une version mal révisée se déroulant dans un lycée moderne de Californie. Le film indien de 1966 Dil Diya Dard Liya est basé sur ce roman. Le film est réalisé par Abdul Rashid Kardar et Dilip Kumar. Le film met en vedette le comédien Dilip Kumar, Waheeda Rehman, Pran, Rehman, Shyama et Johnny Walker. La musique est du légendaire compositeur Naushad. Bien qu'il n'ait pas été aussi performant que les autres films de Dilip Kumar, il a été bien accueilli par la critique. Le roman a été populaire à l'opéra et au théâtre, notamment dans les opéras écrits par Bernard Herrmann, Carlisle Floyd et Frédéric Chaslin (la plupart ne couvrent que la première moitié du livre) et dans une comédie musicale de Bernard J. Taylor. En 2011, une version roman graphique a été publiée par Classical Comics et reste proche du roman original. Il a été adapté par l'écrivain écossais Sean Michael Wilson et peint à la main par l'artiste vétéran de la bande dessinée John M Burns. Cette version a reçu une nomination pour les Stan Lee Excelsior Awards, votés par les élèves de 170 écoles du Royaume-Uni. Des œuvres inspirées La chanson « Wuthering Heights » de Kate Bush est probablement l’œuvre créative la plus connue inspirée de l’histoire de Brontë qui n’est pas à proprement parler une « adaptation ». Bush a écrit et sorti la chanson quand elle avait dix-huit ans et l'a choisie comme premier single de son premier album (bien que la maison de disques ait préféré un autre morceau comme premier single). Il s'inspire principalement de la version cinématographique d'Olivier-Obéron qui a profondément marqué Bush pendant son adolescence. La chanson est chantée du point de vue de Catherine alors qu'elle plaide à la fenêtre de Heathcliff pour être admise. Il utilise des citations de Catherine, à la fois dans le refrain (« Laissez-moi entrer ! J'ai si froid ! ») et dans les couplets, Catherine admettant qu'elle avait « de mauvais rêves dans la nuit ». La critique Sheila Whiteley a écrit que la qualité éthérée de la voix résonne avec la démence de Cathy et que le registre aigu de Bush a à la fois « des qualités enfantines dans sa pureté de ton » et un « érotisme sous-jacent dans ses contours érotiques sinueux ». Pat Benatar a repris cette chanson sur son album de 1980 Crimes of Passion, tout comme Angra lors de leur premier album de 1993, Angels Cry. L'album Wind and Wuthering de 1976, du groupe de rock progressif britannique Genesis, fait allusion au roman de Brontë non seulement dans le titre de l'album mais aussi dans les titres des morceaux 7 ("Unquiet Slumbers for the Sleepers ...") et 8 ("". .. Dans cette terre tranquille"), qui sont dérivés de la phrase finale du roman : "Je m'attardais autour d'eux, sous ce ciel bénin : je regardais les papillons de nuit voleter parmi les bruyères et les campanules, j'écoutais le vent doux souffler dans l'herbe, et Je me demandais comment quelqu'un pouvait imaginer un sommeil agité pour les dormeurs sur cette terre tranquille. Wuthering Heights a également inspiré un jeu de rôle. Le jeu est distribué gratuitement sur Internet par l'auteur français Philippe Tromeur. Le jeu est mentionné dans l'introduction de l'édition 2007 de Broadview Press de Wuthering Heights et dans une note de bas de page du numéro 2005 (Volume 33) du périodique Littérature et culture victoriennes. La chanson "Cath" du groupe de rock indépendant Death Cab for Cutie a été inspirée par Wuthering Heights. Le film hindi

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De quel instrument de musique la députée britannique Diane Abbott a-t-elle appris à jouer dans la série télévisée « Play It Again » ?

piano

Diane Julie Abbott (née le 27 septembre 1953) est une politicienne britannique du Parti travailliste et actuelle secrétaire fantôme à la Santé. Elle a été élue pour la première fois députée de Hackney North et Stoke Newington lors des élections générales de 1987, lorsqu'elle est devenue la première femme noire à occuper un siège à la Chambre des communes. Jeunesse et carrière Abbott est née d'immigrants jamaïcains à Londres en 1953. Son père était soudeur et sa mère infirmière. Elle a fréquenté le Harrow County Grammar School for Girls, puis le Newnham College de Cambridge, où elle a étudié l'histoire. À Cambridge, elle a été formée par l'historien Simon Schama. Depuis, elle a déclaré que Cambridge était sa création. Après l'université, elle devient stagiaire en administration au ministère de l'Intérieur (1976 à 1978), puis chargée des relations raciales au Conseil national des libertés civiles (1978 à 1980). Abbott a été chercheur et reporter à Thames Television de 1980 à 1983, puis chercheur et reporter à la société de télévision pour le petit-déjeuner TV-am de 1983 à 1985. Abbott a été attaché de presse au Conseil du Grand Londres sous la direction de Ken Livingstone de 1985 à 1986 et Responsable de la presse et des relations publiques au Lambeth Council de 1986 à 1987. Carrière politique La carrière politique d'Abbott a commencé en 1982 lorsqu'elle a été élue au conseil municipal de Westminster jusqu'en 1986. En 1985, elle s'est battue sans succès pour être sélectionnée dans Brent East, perdant face à Ken Livingstone. En 1987, elle a été élue à la Chambre des communes, remplaçant le député travailliste désélectionné Ernest Roberts en tant que député de Hackney North et Stoke Newington. Élue avec Keith Vaz, Bernie Grant et Paul Boateng, elle a été la première femme issue d'un milieu afro-antillais à devenir députée. Abbott a l'habitude de s'écarter de la politique de certains partis, se décrivant comme la « seule candidate qui a écouté et voté contre la guerre en Irak », s'opposant aux cartes d'identité et faisant campagne contre le renouvellement des armes nucléaires britanniques Trident. Le discours d'Abbott sur les libertés civiles, lors du débat sur le projet de loi antiterroriste de 2008, a remporté le prix du « Discours parlementaire de l'année » du magazine The Spectator et une reconnaissance supplémentaire lors des prix des droits de l'homme 2008. Bien qu'Abbott n'ait jamais occupé de poste ministériel au sein du gouvernement, elle a siégé à plusieurs commissions parlementaires sur des questions sociales et internationales. Pendant la majeure partie des années 1990, elle a également siégé au Comité spécial du Trésor de la Chambre des communes. Elle a ensuite siégé au comité restreint des affaires étrangères. Abbott préside le groupe parlementaire multipartite britannique-antillais et le groupe multipartite sur la drépanocytose et la thalassémie. Abbott est le fondateur des London Schools et de l'initiative Black Child, qui vise à élever les niveaux de réussite scolaire des enfants noirs. En mai 2010, elle a été réélue dans sa circonscription de Hackney North et Stoke Newington, avec une majorité doublée grâce à une participation accrue. Elle a de nouveau été réélue en 2015 avec 62 % des voix. À Goldsmiths, Université de Londres, le 26 octobre 2012, une célébration du jubilé a eu lieu pour honorer les 25 ans d'Abbott au parlement, avec une série de concerts de Linton Kwesi Johnson, Kadija Sesay et d'autres. Stonewall lui a attribué un score de 79 % sur la base de la façon dont elle a voté sur toutes les lois pro-homosexuelles devant le Parlement entre 2005 et 2010. Élection à la direction de 2010 et rôle de premier plan Le 20 mai 2010, Abbott a annoncé son intention de se présenter à la course à la direction du parti travailliste. Elle a obtenu les 33 nominations nécessaires le 9 juin, aidée par le retrait du candidat de gauche John McDonnell et le soutien inattendu de David Miliband. Le samedi 25 septembre 2010, Ed Miliband a été annoncé comme nouveau chef du Parti travailliste, Abbott étant éliminé au premier tour après avoir obtenu 7,24 % des voix. Abbott a ensuite été nommé ministre fantôme de la Santé publique par Ed Miliband, assumant la responsabilité fantôme d'une série de questions, notamment la santé des enfants, les services de maternité, la santé sexuelle, le tabac, les soins infirmiers, l'obésité et l'abus d'alcool. Sur la question de l’avortement, Abbott est devenu un fervent partisan « pro-choix », s’opposant aux tentatives visant à modifier la politique de conseil en matière d’avortement et à réduire le délai d’avortement. Abbott a démissionné d'un groupe multipartite sur le conseil en avortement, affirmant qu'il ne s'agissait que d'une façade pour faire avancer un programme anti-avortement sans débat au Parlement. Après son passage à la première banquette, le Telegraph a déclaré le 27 septembre 2011 qu'Abbott était "devenue l'un des meilleurs interprètes du parti travailliste". Le 8 octobre 2013, la carrière politique d'Abbott a pris fin brusquement lorsqu'elle a été limogée de son poste de ministre fantôme de la Santé publique par le leader travailliste Ed Miliband, et remplacée en tant que ministre fantôme de la Santé publique par Luciana Berger. Le 5 février 2013, la députée Diane Abbott a voté en faveur lors du vote en deuxième lecture de la Chambre des communes sur le mariage homosexuel en Grande-Bretagne. Développements ultérieurs et retour au premier rang Le 23 juin 2014, Abbott avait déclaré qu'elle envisagerait de se présenter à l'élection du maire de Londres en 2016 en tant que maire de Londres. Le 30 novembre 2014, Abbott a annoncé son intention de se présenter pour devenir la candidate travailliste aux élections à la mairie de Londres en 2016. Elle n'a pas réussi à se présenter à l'élection du maire de Londres en 2015 par les travaillistes. Elle était l'un des 16 signataires d'une lettre ouverte adressée à Ed Miliband en janvier 2015 appelant le parti à s'engager à s'opposer à une nouvelle austérité, à ramener les franchises ferroviaires dans la propriété publique et à renforcer les accords de négociation collective. Allié de Jeremy Corbyn, Abbott était l'un des 36 députés travaillistes à le présenter comme candidat aux élections à la direction du parti travailliste de 2015. Après l'élection de Corbyn à la tête du parti travailliste, Abbott a été nommé au poste de secrétaire d'État fantôme au Développement international. Le 27 juin 2016, après la démission de nombreux membres de l'équipe ministérielle travailliste, dont Heidi Alexander, à la suite du Brexit, Abbott a été promu au poste de secrétaire fantôme à la Santé. Travail médiatique Abbott a acquis une grande visibilité médiatique. Jusqu'à sa nomination en tant que ministre fantôme en octobre 2010, Abbott est apparue aux côtés de l'ancien homme politique conservateur et personnalité médiatique Michael Portillo dans le résumé politique hebdomadaire de la BBC This Week. Abbott et Portillo se connaissent depuis l'école, lorsqu'ils sont apparus dans des productions scolaires communes de Roméo et Juliette (mais pas dans les rôles-titres) et de Macbeth dans le rôle de Lady Macduff et Macduff respectivement. En août 2012, le BBC Trust a statué que les paiements versés à Abbott pour ses apparitions dans This Week avaient été effectués en violation des directives de la BBC qui interdisaient les paiements aux députés représentant leurs partis politiques. De son côté, Abbott avait correctement déclaré les paiements dans le registre parlementaire des intérêts des députés. Le Trust a également déclaré qu'Abbott était apparu trop souvent dans l'émission. Abbott est un orateur public fréquent, un contributeur de journaux et un interprète de télévision, apparaissant dans des programmes tels que Have I Got News for You, Celebrity Come Dine with Me et Cash in the Celebrity Attic. Abbott a été présélectionnée pour le Grassroot Diplomat Initiative Award en 2015 pour son travail sur les écoles de Londres et l'enfant noir, et reste dans l'annuaire de la publication Grassroot Diplomat Who's Who. Positions politiques Arabie Saoudite Abbott a critiqué le gouvernement de David Cameron pour son soutien continu à l'intervention militaire menée par l'Arabie saoudite au Yémen. En mars 2016, Abbott écrivait : « Au cours de la seule année écoulée, la Grande-Bretagne a vendu pour environ 6 milliards de livres sterling d'armes à l'Arabie saoudite, dont la campagne au Yémen cible des civils – 191 attaques de ce type ont été collectivement signalées par l'ONU, HRW et Amnesty. " Controverses politiques Éducation du fils d'Abbott La décision d'Abbott en 2003 d'envoyer son fils à l'école privée de la City de Londres après avoir critiqué ses collègues pour avoir envoyé leurs enfants dans des écoles sélectives, qu'elle a elle-même qualifiée d'« indéfendable » et « intellectuellement incohérente », a suscité controverses et critiques. Son fils a contacté une radio pour dire que sa mère suivait ses propres souhaits : "Elle n'est pas une hypocrite, elle a juste mis ce que je voulais en premier au lieu de ce que les gens pensaient", a-t-il déclaré à LBC. Il a ajouté qu'il avait voulu devenir privé plutôt que de fréquenter une école publique locale dans la circonscription d'Abbott à Hackney. Défaut de déclaration des gains En 2004, à la suite d'une plainte déposée par le député Andrew Rosindell, Abbott a fait l'objet d'une enquête de la Commission des normes et privilèges concernant le paiement qu'elle avait reçu de la BBC. Ils ont découvert qu'elle n'avait pas déclaré un revenu de 17 300 £ dans le registre des intérêts des membres reçu pour des apparitions dans l'émission télévisée This Week. Le Comité a retenu la plainte et a demandé à Abbott de s'excuser auprès de la Chambre. Commentaires sur la course En 1988, Abbott affirmait, lors d'une conférence sur les études noires à Philadelphie, que « les Britanniques avaient inventé le racisme ». En 1996, Abbott a suscité de nombreuses critiques lorsqu'elle a affirmé que dans son hôpital local, "les filles finlandaises blondes aux yeux bleus" ne convenaient pas comme infirmières parce qu'elles n'avaient "jamais rencontré de personne noire auparavant". Les excuses d'Abbott sont intervenues alors que Marc Wadsworth, membre exécutif de l'Alliance antiraciste, lui-même à moitié finlandais, a souligné que l'actuelle Miss Finlande, Lola Odusoga, est noire, d'origine nigériane et finlandaise. "C'est une Finlandaise noire comme moi", a-t-il déclaré. La position d'Abbott a été soutenue par son collègue député travailliste Bernie Grant : « Faire venir ici quelqu'un de Finlande qui n'a jamais vu de personne noire auparavant et s'attendre à ce qu'il ait une certaine empathie avec les Noirs est un non-sens. Les Scandinaves ne connaissent pas les Noirs – ils je ne sais probablement pas comment prendre leur température". Le 4 janvier 2012, Abbott a tweeté que : « Les Blancs adorent jouer à « diviser pour régner ». Nous ne devrions pas jouer à leur jeu », ce qui a de nouveau conduit à de nombreuses critiques, notamment des accusations de racisme. Ce n'est qu'après avoir été informée par la direction du Parti travailliste que ce commentaire était inacceptable qu'elle s'est excusée pour "toute offense causée", affirmant qu'elle n'avait pas l'intention de "faire des généralisations sur les Blancs". Le vice-Premier ministre Nick Clegg a qualifié ses propos de « généralisation stupide et grossière ». Nadhim Zahawi, député conservateur, a déclaré : "C'est du racisme. Si c'était un député blanc disant que tous les Noirs veulent nous faire du mal, il aurait démissionné dans l'heure ou aurait été limogé." Des citoyens ont porté plainte, mais la police métropolitaine a déclaré qu'aucune enquête ne serait ouverte et qu'aucune accusation ne serait portée contre elle, affirmant qu'elle "n'avait pas commis d'infraction pénale". En janvier 2012, Abbott a suggéré que les chauffeurs de taxi pratiquaient une discrimination raciale, tweetant qu'elle « doutait que les Noirs prétendent qu'ils n'ont jamais été victimes de racisme. Avez-vous déjà essayé d'appeler un taxi, je me le demande toujours ? Vie privée Abbott a eu une brève relation avec l'actuel leader travailliste Jeremy Corbyn lorsqu'il était conseiller municipal dans le nord de Londres à la fin des années 1970, avant d'épouser Richard Thompson, un architecte ghanéen, en 1991. Ils ont eu un fils ensemble avant de divorcer en 1993. Abbott a choisi son parti conservateur. Le couple votant du député Jonathan Aitken est le parrain de son fils. En 2007, Abbott a commencé à apprendre le piano sous la tutelle de Paul Roberts, professeur de piano à la Guildhall School of Music and Drama, pour le programme télévisé Play It Again. Elle a interprété le Prélude n°4 en mi mineur de Chopin devant un public.

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De quel pays d'Amérique du Sud Cristina Fernandez de Kirchner est devenue présidente en décembre 2007 ?

Argentine

Cristina Elisabet Fernández de Kirchner (née le 19 février 1953), connue sous le nom de Cristina Kirchner et souvent désignée par ses initiales CFK, est une avocate et homme politique argentine. Elle a été présidente de l'Argentine de 2007 à 2015 et est la veuve de l'ancien président Néstor Kirchner. Elle a été la deuxième femme à occuper le poste de présidente de l'Argentine (après Isabel Martínez de Perón, 1974-1976), la première femme présidente élue au suffrage direct et la première femme réélue. Membre du Parti justicialiste, Fernández a exercé un mandat de député national et trois mandats de sénateur national pour les provinces de Santa Cruz et de Buenos Aires. Né à La Plata, province de Buenos Aires, Fernández est diplômé de l'Université nationale de La Plata. Elle a rencontré son mari pendant ses études et ils ont déménagé à Santa Cruz pour travailler comme avocats. En mai 1991, elle a été élue à l'Assemblée législative provinciale. Entre 1995 et 2007, elle a été élue à plusieurs reprises au Congrès national argentin, à la fois en tant que députée nationale et sénatrice nationale. Pendant la présidence de Néstor Kirchner (2003-2007), elle a été Première Dame. Fernández a été choisi comme candidat présidentiel du Front pour la Victoire en 2007. Aux élections générales d'octobre 2007, elle a obtenu 45,3 % des voix et une avance de 22 points de pourcentage sur son plus proche rival, évitant ainsi un second tour. Elle a été investie le 10 décembre 2007 et a été réélue pour un second mandat au premier tour des élections générales d'octobre 2011, avec 54,1 % et 37,3 points de pourcentage sur le candidat suivant, Hermes Binner. Les critiques et les opposants politiques de Fernández de Kirchner ont affirmé que son administration avait présenté de nombreux cas de corruption, de capitalisme de copinage, de falsification des statistiques publiques, de harcèlement des médias indépendants argentins, d'utilisation de l'agence fiscale comme outil de censure et d'utilisation de fonds publics pour attaquer des opposants politiques. . L'élection de l'homme politique de droite et ancien homme d'affaires Mauricio Macri en novembre 2015 à la présidence de l'Argentine aurait mis fin au mouvement Kirchnerismo dans le pays ; néanmoins, la popularité du Kirchnerismo reste généralement forte, ainsi que celle de Fernández de Kirchner elle-même. Première vie et éducation Fernández est né le 19 février 1953 à Tolosa, une banlieue à l'ouest de La Plata, dans la province de Buenos Aires. Elle est la fille d'Eduardo Fernandez (1925-1981), chauffeur de bus, et d'Ofelia Esther Wilhelm (1930) ; ses 4 grands-parents sont nés en Europe : 3 dans le nord de l'Espagne (plus précisément en Galice et dans les Asturies) et 1 en Allemagne. Elle a étudié le droit à l'Université nationale de La Plata dans les années 1970 et est devenue active au sein de la jeunesse péroniste. Certains prétendent qu'elle n'a jamais obtenu son diplôme et qu'elle aurait pu travailler comme avocate sans diplôme. Cette idée a été proposée par le constitutionnaliste Daniel Sabsay, et alimentée par la réticence de l'UNLP à libérer son diplôme. Elle s'est inscrite au "Tribunal Superior de Justicia" de Santa Cruz en 1980, à la chambre d'appel du Comodoro Rivadavia en 1985 et a travaillé comme avocate à la PJ en 1983. Il existe également des registres d'affaires mineures dans lesquelles elle a également travaillé comme avocate. . L'affaire a été jugée à quatre reprises et les juges Norberto Oyarbide, Ariel Lijo, Sergio Torres et Claudio Bonadio ont tous jugé qu'elle était diplômée. Aux côtés de l'ancien président et mari Néstor Kirchner, Cristina a sympathisé avec la jeunesse péroniste pendant ses études universitaires. Cependant, les deux hommes n'ont jamais rejoint les Montoneros (une organisation de guérilla ayant des liens étroits avec la jeunesse péroniste au cours de la période 1970-1976), ni engagés dans un quelconque activisme politique notable pendant cette période. Lorsqu'Isabel Perón fut destituée par le coup d'État argentin de 1976, ils quittèrent La Plata pour Río Gallegos et travaillèrent comme avocats. Cristina a commencé sa carrière politique à la fin des années 1980 lorsqu'elle a été élue à l'Assemblée législative provinciale de Santa Cruz en 1989, poste auquel elle a été réélue en 1993. Carrière politique En 1995, Fernández a été élu pour représenter Santa Cruz au Sénat. Elle a été élue à la Chambre des députés en 1997 et est revenue au Sénat en 2001. Fernández a contribué au succès de la campagne présidentielle de son mari en 2003, mais sans faire d'apparitions publiques communes. Au premier tour de l'élection présidentielle du 27 avril 2003, l'ancien président Carlos Saúl Menem a remporté le plus grand nombre de voix (25 %), mais n'a pas réussi à obtenir la majorité absolue. Un second tour entre Menem et son vice-président Néstor Kirchner était prévu le 18 mai. Cependant, alors que les sondages montraient que Kirchner remporterait le second tour avec une écrasante majorité, Menem s'est retiré du second tour, faisant ainsi automatiquement de Kirchner le nouveau président, avec 22 % des voix - le pourcentage le plus bas pour un candidat présidentiel gagnant dans l'histoire de l'Argentine. Pendant le mandat de son mari, Fernández de Kirchner était Première Dame du pays. Dans ce rôle, elle a travaillé comme ambassadrice itinérante de son gouvernement. Son style de discours très combatif a polarisé la politique argentine, rappelant le style d'Eva Perón. Bien qu'elle ait ensuite rejeté à plusieurs reprises la comparaison, Fernández de Kirchner a déclaré un jour dans une interview qu'elle s'identifiait "à l'Evita aux cheveux en chignon et au poing fermé devant un microphone" (l'image typique d'Eva Perón lors d'un discours public). qu'avec la "miraculeuse Eva" du temps de sa mère, venue "apporter du travail et le droit de vote aux femmes". Aux élections législatives d'octobre 2005, Fernández de Kirchner était la principale candidate de son parti au poste de sénateur de la province de Buenos Aires. Elle a mené une campagne houleuse contre Hilda González de Duhalde ; elles étaient les épouses du président en exercice Néstor Kirchner et de l'ancien président Eduardo Duhalde. Campagnes présidentielles Campagne présidentielle de 2007 Fernández étant largement en tête de tous les sondages pré-électoraux, ses adversaires se sont efforcés de la forcer à se présenter au second tour. Un candidat a besoin soit de plus de 45 % des suffrages, soit de 40 % des suffrages et d'une avance de plus de 10 points de pourcentage sur son finaliste, pour gagner en un seul tour. Cependant, avec 13 challengers se partageant les voix, Fernández a remporté l'élection de manière décisive dès le premier tour avec un peu plus de 45% des voix, suivi de 23% pour Elisa Carrió (candidat de la Coalition Civique) et de 17% pour l'ancien ministre de l'Économie Roberto Lavagna. . Kirchner était populaire parmi la classe ouvrière des banlieues et les ruraux pauvres, tandis que Carrió et Lavagna recevaient tous deux davantage de soutien de la classe moyenne urbaine. Kirchner a perdu les élections dans les grandes villes de Buenos Aires et Rosario. Le 14 novembre, la présidente élue a annoncé les noms de son nouveau cabinet, qui a prêté serment le 10 décembre. Sur les douze ministres nommés, sept étaient ministres du gouvernement de Néstor Kirchner, tandis que les cinq autres prenaient leurs fonctions pour la première fois. Les sélections anticipaient la poursuite de la politique mise en œuvre par Néstor Kirchner. Elle a entamé un mandat de quatre ans le 10 décembre 2007, confrontée à des défis tels que l'inflation, une sécurité publique médiocre, une crédibilité internationale, une infrastructure énergétique défectueuse et les protestations des secteurs agricoles contre une augmentation de près de 30 % des taxes à l'exportation. Kirchner était la deuxième femme présidente de l'Argentine, après Isabel Martínez de Perón mais, contrairement à Perón, Kirchner a été élue au poste, tandis qu'Isabel Perón a été élue vice-présidente de Juan Perón et a automatiquement assumé la présidence à sa mort. La transition de Néstor Kirchner à Cristina Fernández de Kirchner était également la première fois qu'un chef d'État démocrate était remplacé par son épouse sans que ni l'un ni l'autre ne décède. Néstor Kirchner est resté actif en politique bien qu'il n'ait pas été président et a travaillé aux côtés de son épouse, Cristina. La presse a développé le terme « mariage présidentiel » pour faire référence aux deux à la fois. Certains analystes politiques comme Pablo Mendelevich ont comparé ce type de gouvernement à une diarchie. Campagne présidentielle de 2011 Lorsque Néstor Kirchner a refusé de se présenter aux élections en 2007 et a proposé Cristina Kirchner à la place, la rumeur a couru que le couple pourrait tenter de se présenter à la présidence à des périodes alternées, pour contourner la limite constitutionnelle d'une seule réélection. La mort de Néstor Kirchner en 2010 a fait dérailler ce projet. Elle avait une image faiblement positive, inférieure à 30 %. Le 21 juin 2011, Cristina Kirchner a annoncé qu'elle briguerait un second mandat à la présidence. Quelques jours plus tard, elle a annoncé que son ministre de l'économie, Amado Boudou, se présenterait à la vice-présidence sur sa liste. Cette sélection était inattendue, car Boudou se comporte généralement comme une rock star plutôt que comme un politicien. Elle a personnellement choisi la plupart des candidats députés au Congrès, en privilégiant les membres de la Cámpora. Les élections ont eu lieu le 23 octobre. Elle a été réélue avec 54% des voix, suivie par le socialiste Hermes Binner, 37 points derrière elle. L'opposition était divisée en plusieurs candidats, et la prospérité économique perçue prédominait parmi les préoccupations des électeurs concernant la corruption et le copinage. Il s'agit de la plus grande victoire aux élections nationales depuis 1983. Le parti péroniste a également remporté huit des neuf élections de gouverneur organisées ce jour-là, augmenté le nombre de sénateurs et obtenu la majorité à la Chambre des députés, y compris le nombre de législateurs requis pour le quorum. Les Kirchner avaient perdu cette majorité lors des élections de 2009. Elle a invité les enfants sur scène pendant les célébrations et le vice-président Amado Boudou jouait de la guitare électrique. Comme en 2007, elle a prononcé un discours conciliant. Présidence (2007-2015) Politique intérieure Politique économique Le 29 octobre 2009, elle a lancé un plan universel d'allocations familiales () comme moyen de lutter contre la pauvreté dans le but d'atteindre environ cinq millions d'enfants et de jeunes. Depuis sa création, le programme a été salué pour avoir augmenté les taux de fréquentation scolaire et réduit la pauvreté parmi les familles. L'année 2010 a commencé avec une controverse autour de l'ordre du président d'ouvrir un compte séquestre de 6,7 milliards de dollars à la Banque centrale dans le but de rembourser les obligations à taux d'intérêt élevé, dont le principal est lié à l'inflation. Cette décision s'est heurtée à l'opposition du président de la Banque centrale, Martín Redrado, qui a refusé de la mettre en œuvre et, suite à une impasse, il a été démis de ses fonctions par décret présidentiel le 7 janvier 2010. Redrado a refusé de se conformer au décret initial le retirant de la présidence de la Banque centrale. La Banque centrale a cependant demandé un pouvoir judiciaire pour le maintenir en fonction. En conséquence, le président a promulgué un autre décret de destitution, invoquant une mauvaise conduite de la part de Redrado. La légitimité de ce nouveau décret a également été remise en question, car son licenciement priverait Redrado d'une procédure régulière. Le Congrès était alors en période de vacances, mais la plupart des membres de l'opposition envisageaient de revenir pour annuler les décrets par le biais d'une session extraordinaire. La session est également devenue une source de controverse : Kirchner a estimé que, selon l'article 63e de la Constitution, seul le Président peut convoquer une session extraordinaire pendant que le Congrès est en vacances. Cobos a répondu à la place que tous les règlements concernant les décrets nécessitent l'avis et le consentement immédiats du Congrès, que les statuts de l'organisme (56 et 57) autorisent des sessions extraordinaires convoquées par n'importe quel membre, et que la commission formée à cet effet fonctionne à tout moment, même pendant la récré. L'utilisation prévue des réserves de change au moyen d'un décret de nécessité et d'urgence a elle-même été remise en question par plusieurs personnalités de l'opposition, qui ont fait valoir qu'un tel décret pourrait ne pas atteindre le seuil de « nécessité » et d'« urgence » requis par la Constitution argentine pour sa promulgation. La juge María José Sarmiento a rendu un jugement interdisant cette utilisation des réserves, et le gouvernement a réagi en faisant appel de ce jugement. Le président Kirchner a défendu cette politique comme une manœuvre d'économie, par laquelle les obligations d'État payant un intérêt de 15 pour cent seraient retirées du marché. Cette décision a cependant également fourni à de nombreux fonds vautours (les récalcitrants à la restructuration de la dette de 2005 qui avaient eu recours aux tribunaux pour obtenir des rendements plus élevés sur leurs obligations en défaut) un argument juridique contre l'indépendance de la banque centrale, facilitant ainsi un privilège de jugement le 12. janvier contre un compte en banque centrale à New York. Le juge Sarmiento a également annulé le décret qui a destitué Redrado et l'a réintégré à la présidence de la Banque centrale le lendemain. La décision réfute les allégations de mauvaise conduite citées par la présidente Cristina Kirchner pour justifier sa destitution. Les médias internationaux ont qualifié la tentative de destitution de Redrado d'autoritaire, tout en critiquant l'utilisation prévue des réserves pour le remboursement de la dette, ainsi que l'accélération de la croissance des dépenses, comme étant budgétairement irresponsables. La députée de l'opposition Elisa Carrió, candidate à la campagne présidentielle de 2011, a évoqué la possibilité d'une procédure de destitution contre Cristina Kirchner. Début février 2010, l'un des évaluateurs privés de Fernández de Kirchner a démissionné de son poste en raison d'allégations de « gain illicite ». Deux semaines plus tard, un autre de ses évaluateurs privés, Julio Daniel Álvarez, a démissionné pour la même raison. En juin 2010, son administration a achevé l'échange de dette (qui avait été lancé par l'ancien président Néstor Kirchner en 2005), effaçant 92 % des créances douteuses laissées par le défaut souverain de 2001. La dette extérieure de l'Argentine représentait désormais 30 % du PIB du pays, tandis que les réserves de change de la Banque centrale ont atteint 49 milliards de dollars, soit plus que le montant disponible lorsque la décision de rembourser la dette extérieure a été prise plus tôt dans l'année. Également en juin 2010, elle a prononcé un discours lors du sommet mondial de la Confédération syndicale internationale (CSI), tenu à Vancouver, au Canada, où elle a affirmé que « de nombreux pays de la zone euro ont aujourd'hui appliqué les mêmes politiques qui ont conduit l'Argentine au désastre (en 2001). )", déclarant que "c'est une responsabilité inéluctable du gouvernement d'intervenir dans le système financier". Après le décès de son mari, Cristina Fernández de Kirchner a repris ses activités et s'est rendue en Asie pour le sommet du G20 à Séoul. À son retour, elle a annoncé que le Club de Paris avait accepté des négociations sur la dette sans l'intervention du Fonds monétaire international comme l'avait proposé l'Argentine depuis 2008. Ces négociations ont réglé la dernière partie de la crise de la dette souveraine de 2001 qui subsistait après la restructuration des dettes en 2005 et 2009. En novembre, elle a participé au sommet de l'UNASUR en Guyane, puis a accueilli le XXe sommet ibéro-américain à Mar del Plata. En 2012, le gouvernement a renforcé le contrôle des changes, autorisant l’accès aux autres devises uniquement aux personnes voyageant à l’extérieur du pays. Le blocus des autres monnaies a affecté les activités financières et a conduit à un marché noir des devises. Le 15 mai, le gouverneur de la province de Buenos Aires, Daniel Scioli, a annoncé son intention de se présenter à la présidence en 2015. Le 11 juillet, Fernández a critiqué l'administration de la province de Buenos Aires parce que le gouvernement provincial n'avait pas d'argent pour payer ses travailleurs. salaires. La province a demandé un transfert de fonds au gouvernement fédéral, mais le président a d'abord refusé. Le 20 juillet, le gouvernement fédéral a accepté de transférer des fonds à la province. Moyano a affirmé que le refus de transférer des fonds visait à nuire à l'image de Scioli, car Scioli a le taux d'approbation le plus élevé de tous les gouverneurs du pays. Une démarche similaire a été entreprise avec Mauricio Macri, en refusant d'agir comme médiateur lors d'une grève du métro qui a duré dix jours, générant d'énormes retards dans la circulation à Buenos Aires. Cristina a reculé devant les deux actions après avoir remarqué qu'elles lui avaient fait plus de mal que Scioli et Macri. Politique énergétique Dans le cadre du programme de réactivation de l'énergie nucléaire civile de 2006, Fernández de Kirchner a rouvert l'usine d'enrichissement d'uranium de Pilcaniyeu, suspendue dans les années 1990 en raison de pénuries de gaz naturel. Fernández a également soutenu la nationalisation de YPF. Conflit avec le secteur agricole En mars 2008, Kirchner a introduit un nouveau système de taxation à échelle mobile pour les exportations agricoles, augmentant effectivement les prélèvements sur les exportations de soja de 35 % à 44 % au moment de l'annonce. Cela a conduit à un lock-out national des associations agricoles, à partir du 12 mars, dans le but de forcer le gouvernement à revenir sur le nouveau système fiscal. Ils ont été rejoints le 25 mars par des milliers de manifestants massés autour de l'obélisque de Buenos Aires et devant le palais présidentiel. Les protestations se sont étendues à tout le pays. À Buenos Aires, des incidents violents ont eu lieu entre partisans et opposants du gouvernement, sur lesquels la police a été accusée de fermer volontairement les yeux. Les médias ont sévèrement critiqué Luis D'Elía, un ancien responsable du gouvernement qui a participé aux incidents, tandis que certaines sources médiatiques et des membres de l'opposition (notamment Elisa Carrió), affirmant que lui et ses partisans avaient perturbé la manifestation conformément à l'ordre du gouvernement. ordres. Le 1er avril, une manifestation organisée par le gouvernement a réuni des milliers de manifestants pro-gouvernementaux, qui ont défilé dans le centre-ville de Buenos Aires pour soutenir le projet de loi augmentant les taxes à l'exportation de l'Argentine sur la base d'une échelle mobile. Les larges majorités du Congrès argentin détenues par le Front pour la Victoire (FPV) n'ont pas pu garantir un chèque en blanc législatif : le 16 juillet 2008, le projet de loi parrainé par le président s'est retrouvé dans une impasse et a finalement été rejeté par le vote négatif décisif de vice-président Julio Cobos. La controverse a coûté au FPV 16 membres du Congrès et 4 sénateurs en raison de défections. Cela a mis fin au conflit entre le gouvernement argentin et le secteur agricole en 2008, même si cela a coûté à Cobos son influence au sein de l'administration Kirchner. Malgré la relation froide entre Cobos et Cristina depuis cet événement, il a terminé son mandat de vice-président. Un résultat d'un sondage publié dans El País, le quotidien espagnol le plus diffusé, a révélé qu'à la suite des manifestations, la cote de popularité de Fernández avait « chuté », passant de 57,8 % au début de son mandat à un taux sans précédent de 23 %. Une fois remis du conflit avec les intérêts agraires, la cote de popularité de Fernández de Kirchner a augmenté de 30 % (Poliarquía, 22 août 2008). Sa gestion inflexible des manifestations et sa réticence à revoir les politiques qui ont déclenché la protestation ont conduit à des spéculations selon lesquelles son défunt mari, prédécesseur au pouvoir et chef du parti justicialiste, Néstor Kirchner, contrôlait son administration. Selon l'hebdomadaire britannique The Economist, Kirchner "paye le prix de l'entêtement de son mari". Le 20 octobre 2008, Fernández a proposé le transfert de près de 30 milliards de dollars de fonds de pension privés vers le système de sécurité sociale, une loi qui a été adoptée par le Congrès fin novembre 2008. La présidente Cristina Kirchner est membre du Conseil des femmes leaders mondiales, un réseau international de femmes présidentes et premiers ministres, actuelles et anciennes, dont la mission est de mobiliser les femmes leaders de plus haut niveau dans le monde pour une action collective sur des questions d'importance cruciale pour les femmes et le développement équitable. Autres manifestations En 2012, le leader syndical et secrétaire général de la CGT Hugo Moyano a organisé une manifestation sur la Plaza de Mayo, avec 30 000 personnes, pour demander la suppression de l'impôt sur les plus-values. Plusieurs autres scandales politiques ont éclaté en 2012, tels que la libération de prisonniers condamnés pour des manifestations organisées par le gouvernement, le plaidoyer politique de La Cámpora dans les écoles primaires et secondaires et la création d'unités paramilitaires à Jujuy, dirigées par Milagro Sala. Plus de 200 000 personnes dans de nombreuses villes du pays ont participé à une manifestation contre Kirchner en septembre 2012 ; la manifestation a été suivie d'une protestation de la gendarmerie et d'une autre du CTA. La plus grande manifestation a été la 8N, qui a eu lieu le 8 novembre. Buenos Aires et La Plata ont subi des inondations en avril, faisant plus de 70 morts. Le maire Mauricio Macri a souligné que le gouvernement national empêche la ville de contracter des emprunts internationaux, ce qui ne permet pas d'améliorer les infrastructures. Une semaine plus tard, Kirchner a annoncé un amendement au système judiciaire argentin. Trois projets de loi ont été controversés : le premier propose de limiter les injonctions contre l'État, le deuxième d'inclure les personnes sélectionnées lors des élections nationales dans l'organisme qui nomme ou accuse les juges, et le troisième de créer un nouveau tribunal qui limiterait le nombre d'affaires traitées. par la Cour suprême. L'opposition considère que ces projets de loi tentent de contrôler le pouvoir judiciaire. La saison 2013 du programme de journalisme d'investigation Periodismo para todos a révélé un cas de corruption politique en cours, nommé « La route du K-Money », qui a généré une énorme controverse politique. Ces deux événements ont conduit à un énorme cacerolazo le 18 avril, connu sous le nom de 18A. Scandales de corruption Au cours des premiers jours de la présidence de Fernández, les relations de l'Argentine avec les États-Unis se sont détériorées à la suite d'allégations formulées par un procureur adjoint des États-Unis concernant des contributions illégales à la campagne, dans une affaire connue sous le nom de maletinazo (scandale de la valise). Selon ces allégations, des agents vénézuéliens auraient tenté de faire pression sur le citoyen vénézuélien américain Guido Antonini Wilson pour qu'il mente sur l'origine des 790 550 dollars américains en espèces trouvés dans sa valise le 4 août 2007 à l'aéroport de Buenos Aires. Les procureurs américains affirment que l'argent a été envoyé pour aider la campagne présidentielle de Kirchner. Fernández de Kirchner et le président vénézuélien Hugo Chávez ont qualifié ces allégations d'« opération de destruction » et de complot orchestré par les États-Unis pour diviser les nations d'Amérique latine. Le 19 décembre 2007, elle a restreint les activités de l'ambassadeur américain et limité ses rencontres aux responsables du ministère des Affaires étrangères ; un traitement réservé aux pays hostiles, selon l'avis d'un ancien secrétaire d'État adjoint américain. Cependant, le 31 janvier, lors d'une réunion spéciale avec Kirchner, l'ambassadeur des États-Unis en Argentine, Earl Anthony Wayne, a précisé que ces allégations "n'ont jamais été faites par le gouvernement des États-Unis", affirmant que les procureurs qui portent les accusations font partie du système judiciaire indépendant. branche du gouvernement américain, et le conflit s'est apaisé. Elisa Carrió et María Estenssoro, toutes deux membres de haut rang des principaux partis d'opposition, ont affirmé que la réponse du gouvernement argentin aux allégations et ses critiques à l'égard des États-Unis n'étaient qu'un « écran de fumée » ; que l’implication des États-Unis dans cette affaire n’était que symptomatique et que la cause profonde du scandale est la corruption au sein des gouvernements argentin et vénézuélien. Les allégations d'irrégularités ont contribué de plus en plus au déclin de l'approbation des Kirchner. La dernière déclaration financière fédérale du couple, en juillet 2009, a révélé que leur patrimoine personnel avait été multiplié par sept depuis l'investiture de Néstor Kirchner en 2003. Cette augmentation était en partie le produit de transactions foncières à El Calafate, une ville pittoresque de la province de Santa Cruz où le couple passait de longues vacances et possédait une propriété (dont 450 acres de terrain et deux hôtels). Suite aux accusations de détournement de fonds déposées le 29 octobre par l'avocat local Enrique Piragini, le juge fédéral Norberto Oyarbide a ordonné à un expert comptable d'enquêter sur l'origine de la fortune des Kirchner. Les archives publiques montrent que depuis leur arrivée au pouvoir en 2003, les avoirs déclarés des Kirchner ont augmenté de 572 %. Un rapport préliminaire d'enquête de l'Office argentin de lutte contre la corruption (OA) a établi que les chiffres officiels fournis par les Kirchner "ne correspondent pas". L'enquête a été suspendue par le juge Oyarbide le 30 décembre, mais une semaine plus tard, Piragini a fait appel de la décision. Le vice-président Amado Boudou a été impliqué dans un scandale politique, soupçonné de favoriser l'activité d'impression monétaire Ciccone. L’augmentation de la valeur nette de Fernández a fait l’objet de controverses. Elle affirme que sa valeur nette a été influencée par son cabinet d'avocats prospère. La valeur nette de Fernandez a chuté en 2010 parce que 50 pour cent des actifs de Kirchner ont été hérités par ses fils après la mort de Nestor. La société Hotesur, qui appartient à Cristina Kirchner, gère ses hôtels à El Calafate. La députée Margarita Stolbizer a souligné qu'elle n'avait pas payé d'impôts depuis des années, qu'il n'y avait personne à son adresse légale et qu'elle n'avait pas communiqué ses bilans annuels ni ses autorités actuelles à l'IGJ comme toutes les entreprises de ce type sont censées le faire. Ces hôtels sont loués par l'homme d'affaires Lázaro Báez, qui réalise des travaux publics, mais les chambres restent vides la plupart du temps. Báez est, à son tour, accusé de blanchiment d'argent dans le scandale La Route du K-Money. L'IGJ n'avait pas demandé à Hotesur de remédier à sa situation, et refuse depuis 2012 de fournir des informations à ce sujet à la presse. Droits humains Le 17 octobre 2009, Fernández de Kirchner a proposé la présentation obligatoire d'échantillons d'ADN dans les cas liés à la sale guerre, une démarche saluée par les grands-mères de la Place de Mai, mais critiquée par les personnalités de l'opposition comme une mesure politique contre la présidente du groupe de médias Clarín, Ernestina. Herrera de Noble, qui est en litige dans l'affaire des frères et sœurs Noble et dont les relations cordiales avec le Kirchnérisme s'étaient récemment détériorées. Relation avec les médias On estime que le gouvernement Kirchner contrôlait près de 80 % des médias argentins, directement ou indirectement. TV Pública Digital, la chaîne de télévision publique, est devenue un véhicule de propagande gouvernementale. La diffusion du football a été nationalisée dans le programme Fútbol para todos, puis remplie de publicités pro-gouvernementales. En revanche, le groupe Clarín édite le journal Clarín, le plus vendu du pays, qui ne lui correspond pas. Le gouvernement Kirchner a mené une campagne contre le groupe Clarín, qui a comporté plus de 450 actes de harcèlement juridiques et administratifs, comme le rapporte le Global Editors Network. L’une de ces actions consistait en une utilisation sélective de la publicité d’État, au profit des médias alignés sur le gouvernement. Le gouvernement tente de faire appliquer une loi controversée sur les médias qui obligerait Clarín à vendre la plupart de ses actifs et à perdre ses licences. La loi a été initialement sanctionnée comme une loi sur la concurrence pour les médias, mais les critiques soulignent qu'elle n'est utilisée que pour promouvoir la campagne contre Clarín. Le gouvernement avait peu d'intérêt à appliquer des mesures de loi qui n'étaient pas liées à Clarín. Clarín a lancé un recours constitutionnel contre certains articles de la loi auprès du pouvoir judiciaire ; et le gouvernement a publié une publicité contre Clarín, affirmant qu'ils refusaient d'obéir à la loi et qu'ils pourraient renverser la démocratie. Le conflit a même conduit à des conflits avec le système judiciaire, le ministre Julio Alak ayant déclaré que le fait de bénéficier à Clarín d'une injonction prolongée pendant le procès serait une insurrection, et la rumeur courait que les juges qui ne statuaient pas comme le voulait le gouvernement pourraient être mis en accusation. Cristina Kirchner affirme que l'objectivité journalistique n'existe pas et que tous les journalistes agissent au nom de certains intérêts. Elle a également justifié le manque de conférences de presse, arguant que ce n'était pas important pour son administration. Anthony Mills, directeur adjoint de l'Institut international de la presse, a comparé le harcèlement contre la presse en Argentine avec les cas du Venezuela et de l'Équateur. Il a jugé regrettable que le président ait dénigré le journalisme et a souligné que la liberté de la presse pourrait être en déclin en Argentine. Élections de mi-mandat de 2009 À la suite des élections de mi-mandat du 28 juin 2009, la liste du parti au pouvoir, le FPV, a perdu sa majorité absolue dans les deux chambres du Congrès, perdant 24 sièges supplémentaires à la Chambre basse (y compris ses alliés) et 4 au Sénat. Ils ont perdu dans les quatre circonscriptions électorales les plus importantes (qui abritent 60 % des Argentins), et parmi celles-ci, la perte a été étroite uniquement dans la province de Buenos Aires. Le FPV a obtenu une victoire globale très serrée, en pourcentage des voix nationales, et a conservé sa pluralité au Congrès, ce qui s'est reflété dans des alliances d'opposition renforcées, notamment l'Unión Pro de centre-droit, la Coalition civique centriste et le Proyecto de gauche. Sur, lorsque les candidats élus dans les deux chambres ont pris leurs fonctions le 11 décembre 2009. Élections de mi-mandat de 2013 Le Front pour la Victoire envisageait une nouvelle réélection de Cristina Kirchner en 2015, ce qui nécessiterait un amendement à la constitution argentine. Cristina Kirchner n'a jamais commenté elle-même ces projets, qui étaient toujours proposés par d'autres hommes politiques de son parti. Même si le Front pour la Victoire disposait de la majorité dans les deux chambres du Congrès depuis 2011, il ne disposait pas de la majorité qualifiée requise pour un tel amendement. Sergio Massa, maire de Tigre et ancien chef de cabinet de Cristina Kirchner, était la principale figure de l'opposition. L'Argentine manquait d'un grand parti d'opposition depuis l'effondrement de l'Union civique radicale en 2001 ; Massa a créé à la place un parti alternatif qui défendait également le péronisme. Police étrangère Elle a déclaré dans un discours aux Nations Unies que l'État islamique d'Irak et le groupe djihadiste du Levant pourraient tenter de la tuer, et plus tard qu'il pourrait y avoir une conspiration contre elle menée par les États-Unis ; Elisa Carrió a qualifié ces menaces de simples théories du complot. Dans son discours, elle a accusé les « fonds vautours » de déstabiliser l'économie des pays et les a qualifiés de « terroristes économiques ». l'Amérique latine En mars 2010, Fernández de Kirchner a effectué un voyage historique au Pérou pour se faire pardonner, un pays avec lequel les relations avaient été affectées suite à la vente illégale d'armes à l'Équateur par l'administration de Carlos Menem dans les années 1990. Le 19 avril, elle a été invitée aux célébrations du bicentenaire de l'indépendance du Venezuela, où elle a été la principale oratrice devant l'Assemblée nationale. Elle a signé 25 accords commerciaux avec le Venezuela dans les domaines de l'alimentation, de la technologie et de l'énergie. Le 30 septembre, elle a accueilli le sommet d'urgence des présidents de l'UNASUR à Buenos Aires en raison de la crise équatorienne. Elle entame ensuite dès le lendemain une visite officielle en Allemagne afin de participer en tant qu'invitée d'honneur à la Foire du livre de Francfort et de rencontrer la chancelière Angela Merkel. En octobre, elle a inauguré le Congrès mondial des trois agences de presse, tenu à Bariloche. États-Unis Fernández a reçu la visite de la secrétaire d'État américaine Hillary Clinton à Buenos Aires, où elle a reçu un grand soutien pour la manière dont son administration gérait la dette extérieure et a souligné les relations positives entre les deux pays, ce qui n'a pas été rapporté par les principaux médias locaux. Elle a également eu un différend majeur avec les États-Unis après avoir saisi un avion militaire américain, accusant les États-Unis de faire entrer clandestinement des armes à feu, du matériel de surveillance et de la morphine non déclarés pour des arrière-pensées. Royaume-Uni Le , l'explorateur pétrolier britannique Desire Petroleum a commencé à forer des puits d'exploration à environ 60 milles au nord des îles Falkland contestées, malgré la forte opposition de l'Argentine qui a porté la question au sommet des présidents d'Amérique latine et des Caraïbes où elle a reçu un soutien unanime. Selon des études géologiques réalisées en 1998, il pourrait y avoir 60 Goilbbl de pétrole dans la zone autour des îles, mais les premiers forages de 2010 ont donné de mauvais résultats. En conséquence, le cours de l'action de Desire a chuté et la société a annoncé que de nouveaux forages pourraient commencer plus tard en 2010. Moyen-Orient Son administration a cherché à accroître les relations bilatérales avec l'Angola et l'Iran. Depuis qu'une implication iranienne est soupçonnée dans l'attentat à la bombe contre l'AMIA en 1994, les relations de Kirchner avec la communauté juive argentine se sont détériorées. Fernández a prononcé son discours à l'Assemblée générale des Nations Unies dans lequel elle a de nouveau critiqué la Grande-Bretagne sur la question des Malouines et l'Iran pour l'attentat à la bombe de l'AMIA en 1994, tout en apportant son soutien à un dialogue israélo-palestinien et à un éventuel État palestinien. L'Argentine a signé un protocole d'accord avec l'Iran concernant l'attentat à la bombe contre Amia. Selon lui, les suspects iraniens seront interrogés en Iran, conformément à la loi iranienne. Tous les suspects ne seraient pas interrogés, mais uniquement ceux bénéficiant d'un ordre d'arrestation "alerte rouge" d'Interpol. Cet accord a été rejeté par les partis d'opposition et la communauté juive, qui l'ont jugé inconstitutionnel. En 2004, Alberto Nisman a été nommé procureur spécial chargé de l'enquête sur l'attentat à la bombe de l'AMIA, au cours de laquelle 85 personnes ont été tuées. Il a présenté un acte d’accusation contre sept responsables iraniens, dont un ancien président iranien et haut commandant militaire du Hezbollah. En 2013, Kirchner a signé un accord établissant une « commission vérité » permettant aux juges argentins de se rendre à Téhéran et d’interroger les suspects. Le 14 janvier 2015, Nisman a accusé le président de s'être engagé dans une conspiration criminelle pour enterrer l'affaire AMIA. Le 18 janvier 2015, Nisman est décédé. Initialement, Kirchner a déclaré sa mort comme étant un s

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Dans quel océan se trouvent les îles Marquises ?

Pacifique

Les îles Marquises (ou Archipel des Marquises ou Marquises ; Marquisiens : Te Henua (K)enana (Marquisien du Nord) et Te Fenua `Enata (Marquisien du Sud), tous deux signifiant « La Terre des Hommes ») sont un groupe d'îles volcaniques en Polynésie française, une collectivité d'outre-mer de la France située dans le sud de l'océan Pacifique. Les Marquises sont situées à 9° 00S, 139° 30W. Le point culminant est le sommet du mont Oave (français : Mont Oave) sur l'île d'Ua Pu, à 1 230 m (4 035 pi) au-dessus du niveau de la mer. Sur la base d'études de 2010, de nouvelles recherches suggèrent que les îles ont été colonisées rapidement en deux vagues par des colons indigènes de Polynésie occidentale, à partir d'environ 1025-1120 après JC, conduisant au développement d'une « culture, d'une biologie humaine et d'un langage remarquablement uniformes ». Au XXIe siècle, les îles Marquises forment l'une des cinq divisions administratives (subdivisions administratives) de la Polynésie française. La capitale de la subdivision administrative des îles Marquises est la colonie de Taiohae sur l'île de Nuku Hiva. La population des îles Marquises était de 9 264 habitants au recensement d'août 2012. Histoire Les premiers colons enregistrés aux Marquises étaient des Polynésiens qui, d'après des preuves archéologiques, ont longtemps été considérés par les érudits comme étant arrivés de Polynésie occidentale avant 100 AD ; d'autres estimations concernaient un règlement à partir de 600 après JC. Cependant, une étude de 2010 utilisant une datation au radiocarbone révisée et de haute précision basée sur des échantillons plus fiables a établi que la période de colonisation de la Polynésie orientale a eu lieu beaucoup plus tard, sur une période plus courte de deux vagues : la « plus ancienne dans les îles de la Société après J.-C. ∼ " On pense que cette colonisation rapide explique « la remarquable uniformité de la culture, de la biologie et de la langue de la Polynésie orientale ». Les nouvelles informations nécessiteront une refonte majeure des connaissances sur le développement de la linguistique et de la culture dans les îles. Les preuves ethnologiques et linguistiques suggèrent qu'ils ont probablement migré de la région de Polynésie occidentale des Samoa. Culture L'environnement riche des îles faisait vivre une importante population. Ils vivaient de la pêche et mangeaient du poisson et des crustacés. Ils utilisaient le fruit à pain et cultivaient d’autres aliments. Contact européen Les premiers Européens à atteindre les Marquises furent peut-être l'équipage du San Lesmes, un navire espagnol disparu dans une tempête en juin 1526 ; il faisait partie d'une expédition dirigée par García Jofre de Loaísa. Les îles ont reçu leur nom de l'explorateur espagnol Álvaro de Mendaña, qui les atteignit soixante-dix ans plus tard, le 21 juillet 1595. Il leur donna le nom de son patron, García Hurtado de Mendoza, 5e marquis de Cañete (espagnol : Marqués de Cañete), qui était Vice-roi du Pérou à l'époque. Mendaña a d'abord visité Fatu Hiva puis Tahuata avant de continuer vers les îles Salomon. Son expédition a cartographié les quatre Marquises les plus méridionales : Magdalena (Fatu Hiva), Dominique (Hiva Oa), San Pedro (Moho Tani) et Santa Cristina (Tahuata). À la fin du XVIe siècle, les explorateurs européens estimaient la population à plus de 100 000 habitants. Les Européens et les Américains ont été impressionnés par la simplicité de la vie dans ces îles, qui possédaient un habitat et un environnement riches. En 1791, le commerçant de fourrures maritime américain Joseph Ingraham visita pour la première fois le nord des Marquises alors qu'il commandait le brick Hope. Il les a nommés îles Washington. En 1813, le commodore David Porter a revendiqué Nuku Hiva pour les États-Unis, mais le Congrès américain n'a jamais ratifié cette revendication. En 1842, la France mena avec succès une opération militaire au nom du chef indigène Iotete, qui prétendait être le roi de toute l'île de Tahuata. Le gouvernement a revendiqué l'ensemble du groupe et a établi une colonie à Nuku Hiva. Cette colonie a été abandonnée en 1857, mais la France a rétabli le contrôle du groupe en 1870. Elle a ensuite incorporé les Marquises à la Polynésie française. De tous les grands groupes d'îles du Pacifique, les Marquises ont subi le plus grand déclin démographique de Polynésie à cause des maladies endémiques véhiculées par les explorateurs occidentaux. Les populations indigènes ont connu des taux de mortalité élevés, car elles n'étaient pas immunisées contre les nouvelles maladies. Des maladies infectieuses telles que la variole, la rougeole et d’autres ont réduit la population de plus de 78 000 habitants au XVIIIe siècle à environ 20 000 au milieu du XIXe siècle. Au tournant du XXe siècle, la population des îles était réduite à un peu plus de 4 000 habitants. Au cours du XXe siècle, la population a augmenté, atteignant 8 548 habitants au recensement de novembre 2002, sans compter la communauté marquisienne résidant à Tahiti. Elle n'a cessé d'augmenter, atteignant 9 264 habitants au recensement d'août 2012. Gouvernement et politique Au XXIe siècle, les îles Marquises forment l'une des cinq divisions administratives (subdivisions administratives) de la Polynésie française. Le français et le tahitien sont les langues officielles du gouvernement. La capitale de la subdivision administrative des îles Marquises est la colonie de Taiohae sur l'île de Nuku Hiva. Les îles Marquises, peu peuplées, sont situées à 1371 km de Tahiti. Avec 183 645 habitants (recensement de 2012), Tahiti est l'île la plus peuplée de Polynésie française, contenant 68,5 % de la population totale de l'ensemble. Les habitants des Marquises sont irrités par la domination écrasante de Tahiti, se plaignant de la négligence des hommes politiques basés à Tahiti, et les dirigeants ont suggéré de développer une relation directe avec la métropole, le gouvernement de Paris, au lieu de dépendre de Papeete. Alors que le sentiment d'indépendance vis-à-vis de la France grandissait à Tahiti au XXIe siècle, plusieurs dirigeants politiques marquisiens de premier plan ont lancé en 2007 l'idée que les îles Marquises se séparent de la Polynésie française tout en restant au sein de la République française. /2007/12/23/polemique-a-tahiti-les-marquises-veulent-se-rapprocher-de-paris?page0 Polémique à Tahiti : les marquises veulent se rapprocher de Paris], Rue 89, 23 décembre 2007 Cela a généré controverses à Tahiti, où les dirigeants indépendantistes tahitiens ont accusé le gouvernement central français d'encourager la séparation des îles Marquises de la Polynésie française. Géographie Le groupe des îles Marquises est l'un des plus isolés au monde, situé à environ 1 371 km au nord-est de Tahiti et à environ 4 800 km de la côte ouest du Mexique, la masse continentale la plus proche. Elles se répartissent naturellement en deux divisions géographiques : le groupe nord, composé d'Eiao, Hatutu (Hatutaa), Motu One, et les îles centrées sur la grande île de Nuku Hiva : Motu Iti (Hatu Iti), Ua Pu, Motu Oa et Ua. Huka et le groupe sud de Fatu Uku, Tahuata, Moho Tani (Motane), Terihi, Fatu Hiva et Motu Nao (Thomasset Rock), regroupés autour de l'île principale de Hiva `Oa. Avec une superficie totale de 1 049 km², les Marquises font partie des plus grands groupes d'îles de Polynésie française découverts à l'origine par les flottes de galions espagnols en route vers Manille, Nuku Hiva étant la deuxième plus grande île de tout le territoire, après Tahiti. A l'exception de Motu One, toutes les îles des Marquises sont d'origine volcanique. Contrairement à la tendance à associer la Polynésie à une végétation tropicale luxuriante, les Marquises sont des îles remarquablement sèches. Bien que les îles se trouvent sous les tropiques, elles constituent la première rupture majeure dans les vents dominants d’est qui proviennent du courant de Humboldt extraordinairement sec (d’un point de vue atmosphérique). Pour cette raison, les îles sont soumises à des conditions de sécheresse fréquentes, et seules celles qui atteignent le plus haut niveau des nuages ​​(généralement au-dessus d'environ 750 m/2 500 pieds au-dessus du niveau de la mer) reçoivent des précipitations fiables. Cela a conduit à des fluctuations historiques de l’approvisionnement en eau, qui ont joué un rôle crucial dans la durabilité des populations humaines dans certaines parties des différentes îles de l’archipel. Cela est particulièrement évident dans la faible population historique d'Ua Huka (altitude maximale de 857 m/2 812 pieds) et dans l'habitabilité intermittente d'Eiao (altitude maximale de 576 m/1 890 pieds). On pense que les îles Marquises se sont formées par un centre de remontée de magma appelé point chaud des Marquises. Îles des Marquises Marquises du Nord *Non *Étude *Petites îles *Île au trésor *Île 1 *Nuku Hiva *Ua Huka *Ua Pou Marquises du Sud *Fathu Hiva *Fathu Huku *Hiva Oa *Candidat Tani *Île de Nao *Tahuata *Térihi Monts sous-marins Il existe également un certain nombre de monts sous-marins ou de hauts-fonds, situés principalement dans la zone du nord des Marquises. Parmi ceux-ci figurent : *Banque Clark *Banque Hinakura *Banque Lawson *Banque Jean Goguel Climat Les températures aux Marquises sont stables toute l’année, mais les précipitations sont très variables. Les précipitations sont beaucoup plus importantes dans les parties nord et est (sous le vent) des îles que dans les parties ouest (sous le vent). Les précipitations annuelles moyennes peuvent varier de plus de 100 pouces sur les côtes et les montagnes au vent jusqu'à 20 pouces dans la région « désertique » de Nuku Hiva. Les sécheresses, qui durent parfois plusieurs années, sont fréquentes et semblent associées au phénomène El Niño. Les statistiques de la station météo d'Atuona sur Hiva Oa sont représentatives du climat moyen au niveau de la mer des Marquises. Illustrant la variabilité des précipitations, les précipitations annuelles les plus élevées enregistrées à Atuona sont ; le plus bas est de 22 pouces. Géologie La majeure partie des îles Marquises est d'origine volcanique, créée par le point chaud des Marquises qui sous-tend la plaque Pacifique. Les îles Marquises se situent au-dessus du plateau volcanique sous-marin du même nom. On pense généralement que le plateau, comme les îles, a moins de 5 millions d'années, bien qu'une hypothèse considère que le plateau (et non les îles) est beaucoup plus ancien et qu'il aurait une image miroir, le plateau inca, subduisant sous le nord du Pérou. A l'exception de Motu One, toutes les Marquises sont des îles hautes. Motu One est une île basse, composée de deux petits bancs de sable inondés par une barrière de corail. Contrairement à la majorité des îles de Polynésie française, les Marquises ne sont pas entourées de récifs frangeants protecteurs. Hormis Motu One, et dans les baies et autres zones protégées, le seul autre corail des Marquises se trouve dans un endroit assez étrange : au sommet de l'île de Fatu Huku. Le courant équatorial sud fouette impitoyablement les îles, ce qui a donné naissance à des grottes marines parsemant leurs côtes. Sauf là où les vallées se jettent dans de petites baies, les îles sont remarquables par leurs crêtes montagneuses qui se terminent brusquement en falaises à l'endroit où elles rencontrent la mer. On estime que l'âge des îles varie de la plus jeune, Fatu Hiva (1,3 ma), à la plus âgée, Eiao (6 ma). Administration Les îles Marquises ne disposent pas d'assemblée provinciale ou régionale. Sur le plan administratif, ils forment une subdivision déconcentrée à la fois de l'État central français et du gouvernement de la Polynésie française. En tant que subdivision déconcentrée de l'État central français, les îles Marquises forment la subdivision administrative des Marquises (français : subdivision administrative des Marquises), l'une des cinq subdivisions administratives de Polynésie française. Le chef de la subdivision administrative des Marquises est l'administrateur d'État (« administrateur de l'État »), généralement simplement appelé administrateur, aussi parfois appelé chef de la subdivision administrative (« chef de la subdivision administrative »). L'administrateur est un fonctionnaire placé sous l'autorité du Haut-Commissariat de la République française en Polynésie française à Papeete. L'administrateur et son équipe siègent à Taiohae, sur l'île de Nuku Hiva, devenue la capitale administrative des îles Marquises, après avoir remplacé Atuona sur l'île de Hiva Oa, qui en était auparavant la capitale. Agissant en tant que représentant de l'État central français et délégué du Haut-Commissaire de Papeete, l'administrateur des Marquises est chargé de : *Offrir des conseils juridiques aux communes (municipalités) des Marquises et vérifier la légalité des décisions prises par les communes *Délivrance des documents officiels (cartes d'identité, permis de conduire, etc.), application des règles d'immigration, organisation des élections *Gérer la sécurité (coordination des forces de gendarmerie, gestion des crises majeures telles que catastrophes naturelles, etc.) *Superviser les services publics de l'État central français aux Marquises (comme l'établissement correctionnel de Nuku Hiva) En tant que subdivision déconcentrée du gouvernement de la Polynésie française, les îles Marquises forment la circonscription des Marquises (« district des Marquises »), l'une des quatre circonscriptions (« districts ») de Polynésie française créées en 2000 par l'Assemblée de Polynésie française pour servir en tant que subdivisions déconcentrées du gouvernement de la Polynésie française dans les îles éloignées de Tahiti et Moorea. Le chef de la circonscription des Marquises est le tavana hau, connu sous le nom d'administrateur territorial en français (anglais : « administrateur territorial »), mais le titre tahitien tavana hau est le plus souvent utilisé. Le tavana hau est le représentant direct du président du gouvernement de Polynésie française qui le nomme. Le tavana hau et son équipe siègent à Taiohae à Nuku Hiva, au même titre que l'administrateur de l'État. Le tavana hau est chargé de : *Coordonner le travail des administrations polynésiennes françaises aux Marquises (telles que les administrations polynésiennes en charge des routes, de la pêche, etc.) *Assurer l'exécution des actes votés par l'Assemblée de Polynésie française et des décisions prises par le gouvernement de Polynésie française *Évaluer les performances des fonctionnaires polynésiens et envoyer les évaluations aux ministères responsables à Papeete *Agir comme agent de liaison entre la population locale et le gouvernement de Polynésie française à Papeete Les îles Marquises forment également la circonscription électorale des îles Marquises, l'une des six circonscriptions électorales de Polynésie française pour l'Assemblée de Polynésie française (voir aussi Politique de la Polynésie française). Les îles Marquises sont subdivisées en six communes (communes). Dans chacune des six communes, les habitants élisent un conseil municipal et un maire chargé de gérer les affaires locales de la commune. Trois communes (Nuku-Hiva, Ua-Pou et Hiva-Oa) sont subdivisées en communes associées en raison de leur plus grande population. Les communes et communes associées sont les seuls conseils élus aux Marquises puisqu'il n'existe pas d'assemblée provinciale ou régionale pour l'ensemble de l'archipel. Les élections municipales ont lieu tous les six ans, le même jour que les élections municipales dans le reste de la France (voir élections municipales françaises de 2014 pour les dernières élections municipales). Le recensement de 2012 a montré le recensement suivant : * Nuku-Hiva (388 km²) 2,9 * Ua-Pou (106 km²) 2,1 * Ua-Huka (83 km²) 621 * Hiva-Oa (327 km²) 2 190 * Tahuata (61 km²) 703 * Fatu-Hiva (85 km²) * Totaux (1 049 km²) 9,2 Langue Le français et le tahitien sont les seules langues officielles de toute la Polynésie française, mais les langues marquisiennes, sous leurs diverses formes, restent le principal moyen de communication entre les habitants de cet archipel. Le marquisien est un ensemble de dialectes polynésiens du centre-est, du groupe marquisien, parlés dans les îles Marquises de la Polynésie française. Ils sont généralement classés en deux groupes, le Nord Marquisien et le Sud Marquisien, correspondant à peu près selon des lignes géographiques. Les dialectes marquisiens du nord sont parlés sur les îles de Ua Pu et Nuku Hiva, et les dialectes marquisiens du sud sur les îles de Hiva `Oa, Tahuata et Fatu Hiva. Les dialectes d'Ua Huka sont souvent classés à tort comme marquisiens du nord ; ils sont plutôt transitoires. Si l'île fait partie du groupe nord des Marquises, les dialectes présentent davantage d'affinités morphologiques et phonologiques avec le sud marquisien. Les dialectes nord-marquisiens sont parfois considérés comme deux langues distinctes : le marquisien du nord et le marquisien Tai Pi, ce dernier étant parlé dans les vallées du tiers oriental de l'île de Nuku Hiva, dans l'ancienne province du Tai Pi. La caractéristique la plus frappante des langues marquisiennes est leur remplacement presque universel du ou des autres langues polynésiennes par un (arrêt de glotte). Comme les autres langues polynésiennes, la phonologie des langues marquisiennes se caractérise par une rareté de consonnes et une abondance relative de voyelles. Données linguistiques du recensement de 2007 Lors du recensement de 2007, 94,1 % de la population âgée de 15 ans et plus a déclaré pouvoir parler français. 90,2 % ont déclaré qu’ils pouvaient également le lire et l’écrire. Seulement 4,4 % de la population âgée de 15 ans et plus ne connaissait aucune connaissance du français. Lors du même recensement, 67,8 % de la population âgée de 15 ans et plus ont déclaré que la langue qu'ils parlaient le plus à la maison était le marquisien. 30,1 % ont déclaré que le français était la langue qu'ils parlaient le plus à la maison. 1,4 % ont déclaré le tahitien et 0,7 % une autre langue. 7,2% de la population âgée de 15 ans et plus ont déclaré ne connaître aucune langue polynésienne lors du recensement de 2007, tandis que 92,8% ont déclaré avoir une certaine forme de connaissance d'au moins une langue polynésienne. Données démographiques Population historique Migrations Les lieux de naissance des 8 632 habitants des îles Marquises au recensement de 2007 étaient les suivants : *70,5% sont nés aux îles Marquises *20,9% à Tahiti *4,5% en France métropolitaine *3,0% en Polynésie française (hors Marquises et Tahiti) *0,6% à l'étranger *0,5% dans les DOM-TOM (hors Polynésie française) Communications Aéroports Il existe quatre aéroports aux Marquises, un sur chacune des îles de Nuku Hiva, Ua Pu, Ua Huka et Hiva Oa. Le relief de Tahuata est trop irrégulier pour permettre la construction d'une piste d'atterrissage sans investissement important, et bien que le plateau du centre de Fatu Hiva soit suffisamment grand pour permettre la construction d'une piste d'atterrissage, la minuscule population de l'île rend un tel exercice douteux. avantage. Télécommunications Les Marquises sont desservies par le téléphone ainsi que par la radio et la télévision, principalement depuis Tahiti. Les ajouts récents incluent le « Vini », un service de téléphonie mobile qui, en six ans environ, s'est étendu pour couvrir la plupart des îles peuplées. Il existe également "Mana", un serveur Internet avec haut débit DSL qui s'étend également avec des stations Wifi. Culture Les îles Marquises étaient autrefois un centre majeur de la civilisation polynésienne orientale. L'artisanat du bois et de la pierre et le tatouage sont des pratiques courantes parmi les habitants. La biologie L'écosystème des Marquises a été dévasté dans certaines zones par les activités de l'élevage sauvage. Première étape vers la préservation de ce qui reste, les Réserves Naturelles Marquisiennes ont été créées en 1992. Représentation dans la culture * Le célèbre peintre français Paul Gauguin et le chanteur belge Jacques Brel ont passé les dernières années de leur vie aux Marquises et y sont enterrés. Brel a composé une chanson, "Les Marquises", sur les îles Marquises, sa dernière demeure. * Les Marquises ont inspiré le romancier américain Herman Melville, dont les expériences aux Marquises ont servi de base à son roman Typee. (Malgré certaines sources, Omoo se déroule dans les îles de la Société, pas aux Marquises.) * Robert Louis Stevenson a visité les Marquises en 1888 et a écrit sur ses expériences et impressions là-bas en 1900, dans un livre intitulé In the South Seas. * Frederick O'Brien a écrit son livre de voyage, le roman White Shadows in the South Seas (1919), basé sur ses expériences aux Marquises. Ce livre a été vaguement adapté et dramatisé comme un film MGM de 1928 du même nom. * Dans le roman Le Meilleur des Mondes (1932) d'Aldous Huxley, les îles Marquises sont utilisées comme lieu d'exil pour des personnes pensant de manière indépendante et identifiées comme dangereuses par l'État mondial. * L'explorateur du XXe siècle Thor Heyerdahl a écrit son livre Fatu Hiva lors d'un séjour d'un an sur l'île. * Le groupe d'îles est mentionné au passage dans la chanson de Crosby, Stills & Nash « Southern Cross » : « au vent sur ce cap se trouvent les Marquises ». * Dans l'épisode de Gilligan's Island "X Marks the Spot", le professeur donne les coordonnées de l'île imaginaire des naufragés qui la placeraient aux marges extérieures du groupe des Marquises. * Les îles Marquises ont été présentées aux États-Unis lors du tournage de l'émission de télé-réalité Survivor : Marquesas à Nuku Hiva. C'était le quatrième volet de la série télévisée Survivor. * Nathaniel Philbrick dans son livre In the Heart of the Sea: The Tragedy of the Whaleship Essex (2001), a noté que les Marquises étaient la terre la plus proche de l'endroit où le baleinier Essex a été coulé par une baleine au 19ème siècle. Mais l'équipage aurait craint des rumeurs de cannibalisme sur les îles et aurait tenté de rejoindre l'Amérique du Sud ; la plupart sont morts dans le processus. * Les îles Marquises constituent un décor majeur dans la série de livres The Virtual War de Gloria Skurzynski. Les livres appellent ces îles les îles de Hiva, décrites comme les seules terres non contaminées restantes après une apocalypse nucléaire. La majeure partie du deuxième roman se déroule à Nuku Hiva et une partie du dernier roman se déroule à Hiva Oa. * Dans L'Adieu au langage de Jean-Luc Godard (2014), une voix off décrit la chienne Roxy comme « rêvant des Marquises ».

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Keflavik est le principal aéroport international de quel pays ?

Islande

L'aéroport international de Keflavík (), également connu sous le nom d'aéroport de Reykjavík-Keflavík, est le plus grand aéroport d'Islande et la principale plaque tournante du transport international du pays. L'aéroport est situé à l'ouest de Keflavík et à 50 km au sud-ouest de Reykjavík. L'aéroport dispose de trois pistes, dont deux sont en service, et la superficie de l'aéroport s'étend sur environ 25 km2. La plupart des voyages internationaux à destination ou en provenance de l'Islande passent par cet aéroport. Les principaux transporteurs à Keflavík sont Icelandair et WOW air, chacun ayant l'aéroport comme hub principal. L'aéroport est presque exclusivement utilisé pour les vols internationaux ; la plupart des vols intérieurs utilisent l'aéroport de Reykjavík, situé à 3 km du centre-ville de Reykjavík, bien que des vols saisonniers au départ d'Akureyri desservent Keflavík. L'aéroport de Keflavík est exploité par Isavia, une entreprise gouvernementale. Histoire Premières années À l'origine, l'aéroport a été construit par l'armée américaine pendant la Seconde Guerre mondiale et a ouvert ses portes le 23 mars 1943. Les États-Unis l'ont nommé Meeks Field en l'honneur d'un jeune pilote, George Meeks, décédé sur l'aérodrome de Reykjavík. Après la guerre, l'aéroport et la base ont été remis sous le contrôle de l'Islande et ont été renommés en l'honneur de la ville voisine de Keflavik. En 1951, l'armée américaine est revenue à l'aéroport dans le cadre d'un accord de défense entre l'Islande et les États-Unis. Plus tard, l'Islande a rejoint l'OTAN. Développement depuis les années 1950 Avec le rétablissement de la base aérienne militaire de Keflavík dans les années 1950, l'aérogare s'est retrouvée au milieu d'une zone militaire sécurisée. Les voyageurs devaient passer par des points de contrôle militaires pour rejoindre leurs vols, jusqu'en 1987, date à laquelle le terminal civil a été déplacé... La présence de forces militaires étrangères en Islande dans le cadre du partenariat Islande-États-Unis parrainé par l'OTAN. L'accord de défense de 1951 était controversé en Islande, qui ne disposait d'aucune force militaire indigène autre que la Garde côtière islandaise. Au cours des années 1960 et 1970, des rassemblements ont eu lieu pour protester contre la présence militaire américaine en Islande (et en particulier à Keflavík), et chaque année, les manifestants parcouraient la route de 50 km reliant Reykjavík à Keflavík et scandaient « Ísland úr NATO, herinn burt » (littéralement : l'Islande hors de l'OTAN, l'armée absente). Les protestations n'ont pas été efficaces. L'une des participantes était Vigdís Finnbogadóttir, qui devint plus tard la première femme présidente d'Islande. L'ancienne zone militaire agréée de Keflavík a été rebaptisée « Zone aéroportuaire, de sécurité et de développement » sous la supervision de la Keflavík International Airport Ltd. (créée le 1er janvier 2009), de la Garde côtière islandaise et de la Keflavík Airport Development Corporation (Kadeco), respectivement. La Garde côtière entretient des hangars pour les avions militaires ainsi que des dépôts de munitions, des radars de défense aérienne et d'autres équipements militaires pour la défense nationale. L'ancienne zone de campement militaire (US Naval Air Station Keflavik) en cours de développement par Kadeco a été nommée Ásbrú pour refléter son nouveau rôle. L'aéroport se trouve dans le petit village de Sandgerði, mais la piste mène à Keflavík. Les pistes de 10 000 pieds et 200 pieds sont suffisamment longues pour supporter la navette spatiale de la NASA ainsi que l'Antonov An-225. Le 29 juin 1999, le Concorde G-BOAA a volé de l'aéroport d'Heathrow à Reykjavík (aéroport de Keflavík). Le Concorde était là. Installations L'aéroport porte le nom de Leifur Eiríksson, premier Européen à découvrir l'Amérique du Nord. Air Terminal (), du nom de Leif Ericson. Il a été inauguré le 6 avril 1987 et séparait le trafic civil de l'aéroport de la base militaire. Il a ensuite été agrandi avec l'ouverture du bâtiment sud en 2001 (et non un terminal séparé) pour se conformer aux exigences de l'accord de Schengen. Le bâtiment Nord a ensuite été agrandi et achevé en 2007. Le terminal dispose de boutiques hors taxes dans les salles de départ et d'arrivée. En 2016, le terminal actuel a été agrandi. L'agrandissement a ajouté 7 portes. Il est également prévu d'ajouter une troisième piste. Compagnies aériennes et destinations Bien que la population de l'Islande ne compte qu'environ 300 000 habitants, il existe des vols réguliers à destination et en provenance de nombreux endroits en Amérique du Nord et en Europe. Le plus grand transporteur opérant à partir de Keflavík est Icelandair. Le 23 octobre 2012, WOW air a acquis Islande Express, ce qui en fait le deuxième plus grand transporteur islandais et le deuxième à Keflavík. L'aéroport n'accepte que les vols internationaux (à l'exception des vols vers Akureyri en relation avec certains vols d'Air Islande vers le Groenland) ; les vols intérieurs et les vols vers le Groenland et les îles Féroé sont opérés à partir de l'aéroport national de Reykjavík. Passager Cargaison Statistiques Nombre de passagers Meilleures destinations Transport terrestre Le transport entre l'aéroport et la ville de Reykjavik se fait uniquement par la route. La distance est de 50 km. Une nouvelle route à deux voies (route 41) a été ouverte en 2008. Les bus sont exploités par Airport Express, Flybus et Straeto (la société de transport en commun de Reykjavik) à destination de Reykjavik. Des taxis sont disponibles à l'extérieur du terminal. Des voitures de location sont disponibles auprès de diverses sociétés. Accidents et incidents * Le 21 juillet 2013, un avion de ligne russe Sukhoi Superjet 100, prototype d'avion 97005, a effectué un atterrissage sur le ventre lors d'un vol d'essai. La cause était une erreur de l'équipage due à la fatigue. Ils ont piloté l'avion manuellement afin de simuler des pannes.

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Parmi les œuvres de quel artiste britannique figure « The First Real Target » ?

Peter Blake

Sir Peter Thomas Blake, CBE, RDI, RA (né le 25 juin 1932) est un artiste pop anglais, surtout connu pour avoir co-créé la pochette de l'album des Beatles Sgt. Groupe du Pepper's Lonely Hearts Club. Vie précoce et personnelle Né à Dartford, le 25 juin 1932, dans le Kent, il a fait ses études à l'école d'art du Gravesend Technical College et au Royal College of Art. Blake vit à Chiswick, Londres. Carrière À la fin des années 1950, Blake devient l’un des artistes pop britanniques les plus connus. Ses peintures de cette époque comprenaient des images de publicités, de divertissements de music-hall et de lutteurs, comprenant souvent des éléments de collage. Blake a participé à des expositions collectives à l'Institute of Contemporary Arts et a eu sa première exposition personnelle en 1960. Dans l'exposition « Young Contemporaries » de 1961 dans laquelle il a exposé aux côtés de David Hockney et R.B. Kitaj, il a été identifié pour la première fois avec la pop britannique émergente. Mouvement artistique. Blake a remporté le prix junior John Moores (1961) pour Autoportrait avec badges. Il a attiré l'attention du grand public lorsque, avec Pauline Boty, Derek Boshier et Peter Phillips, il a figuré dans le film Monitor de Ken Russell sur le pop art, Pop Goes the Easel, diffusé à la télévision de la BBC en 1962. À partir de 1963, Blake était représenté par Robert Fraser. le plaçant au centre du Londres swing et le met en contact avec des personnalités de la culture populaire. Travail On the Balcony (1955-1957) est une des premières œuvres importantes qui reste une œuvre emblématique du Pop Art britannique, démontrant l'intérêt de Blake pour la combinaison d'images de la culture pop avec les beaux-arts. L'œuvre, qui ressemble à un collage mais est entièrement peinte, montre, entre autres, un garçon à gauche de la composition tenant Le Balcon d'Édouard Manet, des insignes et des magazines. Il s'inspire d'un tableau d'Honoré Sharrer représentant des ouvriers tenant des tableaux célèbres, Ouvriers et tableaux. Blake a fait référence à plusieurs reprises au travail d’autres artistes. Un autre exemple, The First Real Target (1961), une cible de tir à l'arc standard avec le titre écrit en haut, est une pièce de théâtre sur les peintures de cibles de Kenneth Noland et Jasper Johns. Blake a peint plusieurs pochettes d'album. Il a conçu la pochette pour le Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band avec sa femme Jann Haworth, l'artiste d'origine américaine qu'il a épousée en 1963 et dont il a divorcé en 1979. Le Sgt. La manche de Pepper est devenue une œuvre emblématique du pop art, très imitée et l'œuvre la plus connue de Blake. La réalisation du collage a nécessité la construction d'un décor de photographies découpées et d'objets, comme des fleurs, centré sur un tambour (vendu aux enchères en 2008) portant le titre de l'album. Blake s'est ensuite plaint des honoraires uniques qu'il a reçus pour le design (200 £), sans redevances ultérieures. Blake a réalisé les pochettes du single Band Aid, "Do They Know It's Christmas?" (1984), Stanley Road de Paul Weller (1995) et l'album hommage à Ian Dury Brand New Boots and Panties (2001 ; Blake était le tuteur de Dury au Royal College of Art au milieu des années 60). Il a conçu les pochettes de Sweet Child et The Who's Face Dances de Pentangle (1981), qui présentent des portraits du groupe par un certain nombre d'artistes. En 1969, Blake quitte Londres pour vivre près de Bath. Son travail a changé de direction pour présenter des scènes basées sur le folklore anglais et des personnages de Shakespeare. Au début des années 1970, il réalise une série d'aquarelles pour illustrer De l'autre côté du miroir de Lewis Carroll en utilisant une jeune artiste, Celia Wanless, comme modèle pour Alice et en 1975, il est l'un des fondateurs de la Confrérie des ruraux. Blake est retourné à Londres en 1979 et son travail est revenu à des références antérieures à la culture populaire. En 1990 et 1991, Blake a peint les illustrations de l'album live d'Eric Clapton, 24 Nights, vendu à des millions d'exemplaires en 1991. Un album contenant tous les dessins de Blake a ensuite été publié. En janvier 1992, Blake est apparu dans le documentaire acclamé "Arena" Masters of the Canvas de la BBC2 et a peint le portrait du lutteur Kendo Nagasaki. En juin 2006, alors que The Who revenait jouer à l'Université de Leeds 36 ans après avoir enregistré leur album phare Live at Leeds en 1970, Blake a dévoilé une œuvre d'art Live at Leeds 2 pour commémorer l'événement. L'artiste et Pete Townshend du Who's ont signé une édition qui rejoindra la collection de la galerie. Plus récemment, Blake a créé des éditions d'artiste pour l'ouverture de la Pallant House Gallery qui abrite les collections de ses peintures les plus célèbres. Les œuvres sont des hommages à son travail antérieur sur la couverture de l'album Stanley Road et aux tirages Babe Rainbow. Il a conçu une série de transats. En 2006, Blake a conçu la pochette de l'album des plus grands succès d'Oasis, Stop the Clocks. Selon Blake, il a choisi tous les objets de la photo au hasard, mais les manches du Sgt. Pepper's et Definitely Maybe étaient dans un coin de son esprit. Il affirme : "Il utilise le mystère de Definitely Maybe et s'enfuit avec." Les icônes culturelles familières visibles sur la couverture incluent Dorothy du Magicien d'Oz, Charles Manson (remplaçant l'image originale de Marilyn Monroe, qui n'a pas pu être utilisée pour des raisons juridiques) et les sept nains de Blanche-Neige et les Sept Nains. Blake a révélé que la couverture finale n'était pas l'originale qui présentait une image de la boutique « Granny Takes A Trip » sur Kings Road à Chelsea, Londres. Blake a créé une version mise à jour de Sgt. Pepper, avec des personnages célèbres de l'histoire de Liverpool, pour la campagne visant à faire de Liverpool la capitale européenne de la culture en 2008, et a créé une série de gravures pour célébrer le statut de Liverpool. En 2008, Blake a peint un cochon pour l'événement d'art public [http://www.kingbladudspigs.org/pigs/showpig.php?pig_id=66 King Bladud's Pigs In Bath] dans la ville de Bath. Fan du Chelsea Football Club, Blake a conçu un collage pour promouvoir le maillot domicile de l'équipe en 2010. Il a également conçu un sac shopping pour la société Lucky Brand Jeans pour la période des fêtes. Dans le cadre de la « Grande chasse aux œufs » de février 2012, Sir Peter Blake a conçu un œuf au nom de Dorchester Collection. Blake a créé le tapis qui traverse le bâtiment Middlesex Guildhall de la Cour suprême du Royaume-Uni. À l'approche de son 80e anniversaire, il entreprend un projet visant à recréer le Sgt. Couverture de Pepper's Lonely Hearts Club Band avec des images d'amis et de "personnes formidables", cette fois en utilisant un logiciel d'édition de bureau plutôt que des images découpées en contreplaqué comme celles utilisées dans l'ensemble créé pour la couverture originale de l'album. Pour marquer son 80e anniversaire, une exposition a eu lieu à la Pallant House Gallery de Chichester pour célébrer les longues associations de l'artiste avec la musique intitulée [Peter Blake and Pop Music] (23 juin au 7 octobre 2012). En 2014, il expose ses illustrations inspirées de Under Milk Wood au National Museum Cardiff. En 2016, Blake a conçu les illustrations de l'album studio d'Eric Clapton, I Still Do. Honneurs Blake est devenu académicien royal en 1981 et CBE en 1983 : en 2002, il a été fait chevalier en tant que Knight Bachelor pour ses services rendus à l'art. Des rétrospectives du travail de Blake ont eu lieu à la Tate en 1983 et à la Tate Liverpool en 2008. En février 2005, la Sir Peter Blake Music Art Gallery, située à l'École de musique de l'Université de Leeds, a été inaugurée par l'artiste. L'exposition permanente présente 20 exemples de pochettes d'album de Blake, y compris la seule présentation publique d'une copie signée de son Sgt. L'œuvre de Pepper. En mars 2011, Blake a reçu un DMus honoraire de l'Université de Leeds et a été marqué par le dévoilement public de ses illustrations pour l'album Boogie For Stu. Le 18 juillet 2011, Blake a reçu un doctorat honorifique en art de l'Université de Nottingham Trent. En 2014, il a été nommé académicien honoraire de la Royal West of England Academy de Bristol. Bibliographie * 1991 : 24 nuits d'Eric Clapton – album de Peter Blake (Genesis Publications) * 2009 : That Lucky Old Sun de Brian Wilson – 12 tirages en édition limitée de Peter Blake (Genesis Publications) * 2011 : A Museum for Myself de Peter Blake - Publié par Holburne Museum pour accompagner une exposition organisée du 14 mai au 4 septembre 2011

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Quel roi d'Angleterre a vendu Dunkerque à Louis XIV de France ?

Charles II

Le Royaume d'Angleterre était un État souverain sur l'île de Grande-Bretagne depuis le Xe siècle, lorsqu'il émergea de divers royaumes anglo-saxons, jusqu'en 1707, date à laquelle il s'unit à l'Écosse pour former le Royaume de Grande-Bretagne. Au début du XIe siècle, les royaumes anglo-saxons, unis par Æthelstan (r. 927-939), devinrent une partie de l'empire de la mer du Nord de Cnut le Grand, une union personnelle entre l'Angleterre, le Danemark et la Norvège. La conquête normande de l'Angleterre en 1066 a conduit au transfert de la capitale anglaise et principale résidence royale de la capitale anglo-saxonne de Winchester à Westminster, et la ville de Londres s'est rapidement imposée comme le plus grand et principal centre commercial d'Angleterre. Les histoires du royaume d'Angleterre depuis la conquête normande de 1066 distinguent conventionnellement les périodes nommées d'après les dynasties dirigeantes successives : Normand 1066-1154, Plantagenêt 1154-1485, Tudor 1485-1603 et Stuart 1603-1714 (interrompu par l'Interrègne de 1649-1660) . D'un point de vue dynastique, tous les monarques anglais après 1066 prétendent finalement descendre des Normands ; la distinction des Plantagenêts est purement conventionnelle, à commencer par Henri II (règne 1154-1189) car à partir de cette époque, les rois angevins deviennent « de nature plus anglaise » ; les maisons de Lancaster et York sont toutes deux des branches de cadets Plantagenêt, la dynastie Tudor revendiquait une descendance d'Édouard III via John Beaufort et James VI et moi de la maison Stuart revendiquions une descendance d'Henri VII via Margaret Tudor. L'achèvement de la conquête du Pays de Galles par Édouard Ier en 1284 plaça le Pays de Galles sous le contrôle de la couronne anglaise. Édouard III (règne de 1327 à 1377) transforma le royaume d'Angleterre en l'une des puissances militaires les plus redoutables d'Europe ; son règne a également vu des développements vitaux dans la législation et le gouvernement, en particulier l'évolution du parlement anglais. À partir des années 1340, les rois d'Angleterre revendiquèrent également la couronne de France, mais après la guerre de Cent Ans et le déclenchement de la guerre des Deux-Roses en 1455, les Anglais n'étaient plus en mesure de poursuivre leurs revendications françaises et perdirent toutes leurs terres sur le continent, à l'exception de Calais. Après les troubles de la Guerre des Deux-Roses, la dynastie Tudor régna pendant la Renaissance anglaise et étendit de nouveau le pouvoir monarchique anglais au-delà de l'Angleterre proprement dite, réalisant l'union complète de l'Angleterre et de la Principauté de Galles en 1542. Henri VIII supervisa la Réforme anglaise et sa fille Elizabeth I (règne de 1558 à 1603) la colonie religieuse élisabéthaine, établissant entre-temps l'Angleterre comme une grande puissance et jetant les bases de l'Empire britannique en revendiquant des possessions dans le Nouveau Monde. Depuis l'avènement de Jacques Ier en 1603, la dynastie Stuart dirigea l'Angleterre en union personnelle avec l'Écosse et l'Irlande. Sous les Stuarts, le royaume plongea dans la guerre civile, qui culmina avec l'exécution de Charles Ier en 1649. La monarchie revint en 1660, mais la guerre civile établit le précédent selon lequel un monarque anglais ne peut gouverner sans le consentement du Parlement, bien que ce concept n’a été légalement établie que dans le cadre de la Glorieuse Révolution de 1688. À partir de cette époque, le royaume d'Angleterre, ainsi que son État successeur, le Royaume-Uni, fonctionnèrent en fait comme une monarchie constitutionnelle. La Constitution du Royaume-Uni, avec la réserve qu'elle est « non codifiée », est considérée comme fondée sur le Déclaration des droits de 1689. Le 1er mai 1707, aux termes des Actes d'Union de 1707, les royaumes d'Angleterre et d'Écosse s'unirent pour former le Royaume de Grande-Bretagne. Nom Les Anglo-Saxons se désignaient eux-mêmes sous le nom d'Engle ou d'Angelcynn, à l'origine noms des Angles. Ils appelèrent leur terre Engla Land, ce qui signifie « terre des Anglais ». par Æthelweard Anglia latinisée, à partir d'un Anglia vetus original, la prétendue patrie des Angles (appelée Angulus par Bede). Le nom Engla land est devenu Angleterre par haplologie pendant la période du moyen anglais (Engle-land, Engelond). Le nom latin était Anglia ou Anglorum terra, en vieux français et anglo-normand Angleterre. Au 14e siècle, le terme anglais était également utilisé pour désigner l'ensemble de l'île de Grande-Bretagne. Le titre standard pour tous les monarques depuis Æthelstan jusqu'à l'époque du roi Jean était « » (« Roi des Anglais »). Canut le Grand, un Danois, fut le premier roi à se faire appeler « roi d'Angleterre ». À l'époque normande, « restait la norme, avec une utilisation occasionnelle de » (« Roi d'Angleterre »). L'impératrice Mathilde s'appelait '("Dame des Anglais"). À partir de l'époque du roi Jean, tous les autres titres ont été évités au profit de « ou ». En 1604, Jacques Ier, qui avait hérité du trône anglais l'année précédente, adopta le titre (maintenant généralement rendu en anglais plutôt qu'en latin) de roi de Grande-Bretagne. Les parlements anglais et écossais n'ont cependant reconnu ce titre qu'avec les Actes d'Union de 1707. Histoire Angleterre anglo-saxonne Le royaume d'Angleterre est né de l'unification progressive des royaumes anglo-saxons du début du Moyen Âge connus sous le nom d'Heptarchie : East Anglia, Mercie, Northumbrie, Kent, Essex, Sussex et Wessex. Les invasions vikings du IXe siècle ont bouleversé l’équilibre des pouvoirs entre les royaumes anglais et la vie anglo-saxonne en général. Les terres anglaises furent unifiées au Xe siècle lors d'une reconquête achevée par le roi Æthelstan en 927. Au cours de l'Heptarchie, le roi le plus puissant parmi les royaumes anglo-saxons pourrait être reconnu comme Bretwalda, un roi supérieur aux autres rois. Le déclin de la Mercie permit au Wessex de devenir plus puissant. Elle absorba les royaumes de Kent et de Sussex en 825. Les rois de Wessex devinrent de plus en plus dominants sur les autres royaumes d'Angleterre au cours du IXe siècle. En 827, la Northumbrie se soumit à Egbert de Wessex à Dore. Ainsi, Egbert devint brièvement le premier roi à régner sur une Angleterre unie. En 886, Alfred le Grand reprend Londres, ce qu'il considère apparemment comme un tournant dans son règne. La Chronique anglo-saxonne dit que « tous les Anglais (tous les Angelcyn) non soumis aux Danois se sont soumis au roi Alfred ». Saxon Chronicle] Version sous licence gratuite sur Gutenberg Project. Remarque : Cette édition électronique est une compilation de documents provenant de neuf versions existantes de la Chronique. Il contient principalement la traduction du révérend James Ingram, telle que publiée dans l'édition Everyman. Asser a ajouté qu '"Alfred, roi des Anglo-Saxons, a magnifiquement restauré la ville de Londres... et l'a rendue à nouveau habitable". La « restauration » d'Alfred impliquait la réoccupation et la rénovation de la ville fortifiée romaine presque déserte, la construction de quais le long de la Tamise et l'établissement d'un nouveau plan des rues de la ville. C'est probablement à ce moment-là qu'Alfred adopta le nouveau style royal de « roi des Anglo-Saxons ». Au cours des années suivantes, la Northumbrie changea à plusieurs reprises de mains entre les rois anglais et les envahisseurs norvégiens, mais fut définitivement placée sous contrôle anglais par Eadred en 954, achevant ainsi l'unification de l'Angleterre. À peu près à cette époque, Lothian, la partie nord de la Northumbrie (Bernicie romaine), fut cédée au royaume d'Écosse. Le 12 juillet 927, les monarques britanniques se réunirent à Eamont en Cumbrie pour reconnaître Æthelstan comme roi des Anglais. Cette date peut être considérée comme la « date de fondation » de l'Angleterre, même si le processus d'unification a duré près de 100 ans. Depuis lors, l’Angleterre est restée dans l’unité politique. Sous le règne d'Æthelred le Non-prêt (978-1016), une nouvelle vague d'invasions danoises fut orchestrée par Sweyn Ier du Danemark, culminant après un quart de siècle de guerre avec la conquête danoise de l'Angleterre en 1013. Mais Sweyn mourut le 2 février. 1014, et Æthelred fut rétabli sur le trône. En 1015, le fils de Sweyn, Cnut le Grand, lança une nouvelle invasion. La guerre qui a suivi s'est terminée par un accord en 1016 entre Canute et le successeur d'Æthelred, Edmund Ironside, pour partager l'Angleterre entre eux, mais la mort d'Edmund le 30 novembre de la même année a laissé l'Angleterre unie sous la domination danoise. Cela dura pendant 26 ans jusqu'à la mort d'Harthacnut en juin 1042. Il était le fils de Canut et d'Emma de Normandie (la veuve d'Æthelred le Non-prêt) et n'avait pas d'héritiers propres ; il fut remplacé par son demi-frère, le fils d'Æthelred, Édouard le Confesseur. Le Royaume d'Angleterre était à nouveau indépendant. Conquête normande La paix dura jusqu'à la mort d'Édouard sans enfant en janvier 1066. Son beau-frère fut couronné roi Harold, mais son cousin Guillaume le Conquérant, duc de Normandie, revendique immédiatement le trône. Guillaume lança une invasion de l'Angleterre et débarqua dans le Sussex le 28 septembre 1066. Harold et son armée étaient à York après leur victoire contre les Norvégiens à la bataille de Stamford Bridge (25 septembre 1066) lorsque la nouvelle lui parvint. Il décida de partir sans délai et d'affronter l'armée normande dans le Sussex et marcha immédiatement vers le sud, bien que l'armée ne soit pas correctement reposée après la bataille avec les Norvégiens. Les armées d'Harold et de Guillaume s'affrontèrent lors de la bataille d'Hastings (14 octobre 1066), au cours de laquelle l'armée anglaise, ou Fyrd, fut vaincue, Harold et ses deux frères furent tués et Guillaume sortit vainqueur. Guillaume fut alors capable de conquérir l'Angleterre sans plus d'opposition. Il n'envisageait cependant pas d'absorber le Royaume dans le duché de Normandie. En tant que simple duc, Guillaume devait allégeance à Philippe Ier de France, alors que dans le royaume indépendant d'Angleterre, il pouvait gouverner sans ingérence. Il fut couronné le 25 décembre 1066 à l'abbaye de Westminster, à Londres. Haut Moyen Âge En 1092, Guillaume II mena une invasion de Strathclyde, un royaume celtique situé dans ce qui est aujourd'hui le sud-ouest de l'Écosse et de la Cumbrie. Ce faisant, il annexa ce qui est aujourd'hui le comté de Cumbria à l'Angleterre ; cette annexion définitive a établi ce qui allait devenir les frontières traditionnelles de l'Angleterre, qui sont restées largement inchangées depuis lors (à l'exception de changements occasionnels et temporaires). En 1124, Henri Ier céda ce qui est aujourd'hui le sud-est de l'Écosse (appelé Lothian) au Royaume d'Écosse, en échange de la loyauté du roi d'Écosse. Cette zone de terre était anglaise depuis sa fondation en 927 après JC et faisait auparavant partie du royaume anglien de Northumbrie. Lothian contenait ce qui deviendra plus tard la capitale écossaise, Édimbourg. Cet arrangement fut finalisé plus tard en 1237 par le Traité d'York. Le duché d'Aquitaine est entré en union personnelle avec le royaume d'Angleterre lors de l'avènement d'Henri II, qui avait épousé Aliénor, duchesse d'Aquitaine. Le royaume d'Angleterre et le duché de Normandie sont restés en union personnelle jusqu'à ce que Jean sans Terre, fils d'Henri II et descendant de cinquième génération de Guillaume Ier, perde les possessions continentales du duché au profit de Philippe II de France en 1204. Quelques vestiges de la Normandie, y compris les îles anglo-normandes, restèrent en possession de Jean, ainsi que la majeure partie du duché d'Aquitaine. Jusqu'à la conquête normande de l'Angleterre, le Pays de Galles était resté pour l'essentiel indépendant des royaumes anglo-saxons, même si certains rois gallois reconnaissaient parfois le Bretwalda. Cependant, peu après la conquête normande de l'Angleterre, certains seigneurs normands commencèrent à attaquer le Pays de Galles. Ils en ont conquis et gouverné certaines parties, reconnaissant la suzeraineté des rois normands d'Angleterre mais avec une indépendance locale considérable. Au fil des années, ces « Marcher Lords » ont conquis de plus en plus de pays de Galles, contre une résistance considérable menée par divers princes gallois, qui reconnaissaient aussi souvent la suzeraineté des rois normands d'Angleterre. Édouard Ier battit Llywelyn ap Gruffudd et conquit ainsi efficacement le Pays de Galles en 1282. Il créa le titre de prince de Galles pour son fils aîné, le futur Édouard II, en 1301. La conquête d'Édouard Ier fut brutale et la répression qui suivit considérable, comme le magnifique Des châteaux gallois tels que Conwy, Harlech et Caernarfon en témoignent ; mais cet événement a réuni sous un seul dirigeant les terres de la Grande-Bretagne romaine pour la première fois depuis l'établissement du royaume des Jutes dans le Kent au 5ème siècle, quelque 700 ans auparavant. Il s’agit donc d’un moment très significatif dans l’histoire de l’Angleterre médiévale, car il rétablit les liens avec le passé pré-saxon. Ces liens furent exploités à des fins politiques pour unir les peuples du royaume, dont les Anglo-Normands, en vulgarisant les légendes galloises. La langue galloise, dérivée de la langue britannique, avec d'importantes influences latines, a continué à être parlée par la majorité de la population du Pays de Galles pendant au moins 500 ans et est toujours une langue majoritaire dans certaines parties du pays. Fin du Moyen Âge Édouard III fut le premier roi anglais à prétendre au trône de France. Sa poursuite de la revendication aboutit à la guerre de Cent Ans (1337-1453), qui opposa cinq rois d'Angleterre de la maison Plantagenêt à cinq rois de France de la maison capétienne des Valois. Même si les Anglais remportèrent de nombreuses victoires, ils furent incapables de vaincre la supériorité numérique des Français et leur utilisation stratégique des armes à poudre. L'Angleterre fut vaincue à la bataille de Formigny en 1450 et enfin à la bataille de Castillon en 1453, ne conservant qu'une seule ville de France, Calais. Pendant la guerre de Cent Ans, une identité anglaise commença à se développer à la place de la division précédente entre les seigneurs normands et leurs sujets anglo-saxons. C'était une conséquence d'une hostilité soutenue envers les Français de plus en plus nationalistes, dont les rois et d'autres dirigeants (notamment la charismatique Jeanne d'Arc) utilisaient un sentiment d'identité française en développement pour attirer les gens vers leur cause. Les Anglo-Normands se sont séparés de leurs cousins ​​qui possédaient des terres principalement en France, qui se moquaient des premiers pour leur français parlé archaïque et bâtard. L'anglais est également devenu la langue des tribunaux au cours de cette période. Le royaume eut peu de temps pour se remettre avant d'entrer dans la Guerre des Deux-Roses (1455-1487), une série de guerres civiles pour la possession du trône entre la maison de Lancastre (dont le symbole héraldique était la rose rouge) et la maison d'York ( dont le symbole était la rose blanche), chacune dirigée par différentes branches des descendants d'Édouard III. La fin de ces guerres retrouva le trône occupé par le descendant d'un membre initialement illégitime de la maison de Lancastre, marié à la fille aînée de la maison d'York : Henri VII et Elizabeth d'York. Ils furent les fondateurs de la dynastie Tudor, qui dirigea le royaume de 1485 à 1603. Période Tudor Le Pays de Galles avait conservé un système juridique et administratif distinct, établi par Édouard Ier à la fin du XIIIe siècle. Le pays était divisé entre les Marcher Lords qui devaient une allégeance féodale à la couronne et à la Principauté de Galles. Sous la monarchie Tudor, Henri VIII a remplacé les lois du Pays de Galles par celles de l'Angleterre (en vertu des Laws in Wales Acts 1535-1542). Le Pays de Galles était désormais incorporé au Royaume d'Angleterre et était désormais représenté au Parlement d'Angleterre. Au cours des années 1530, Henri VIII renversa le pouvoir de l'Église catholique romaine au sein du royaume, remplaçant le pape à la tête de l'Église anglaise et s'emparant des terres de l'Église, facilitant ainsi la création d'une nouvelle religion protestante. Cela a eu pour effet d’aligner l’Angleterre sur l’Écosse, qui a elle aussi progressivement adopté une religion protestante, tandis que les puissances continentales les plus importantes, la France et l’Espagne, sont restées catholiques. En 1541, sous le règne d'Henri VIII, le Parlement irlandais le proclama roi d'Irlande, amenant ainsi le royaume d'Irlande à une union personnelle avec le royaume d'Angleterre. Calais, dernière possession continentale du royaume, fut perdue en 1558, sous le règne de Philippe et Marie Ier. Leur successeur, Elizabeth Ier, consolida la nouvelle Église protestante d'Angleterre. Elle commença également à renforcer la force navale du Royaume, sur les bases posées par Henri VIII. En 1588, sa nouvelle marine était suffisamment forte pour vaincre l'Armada espagnole, qui cherchait à envahir l'Angleterre afin de mettre un monarque catholique sur le trône à sa place. Histoire moderne La maison Tudor a pris fin avec la mort d'Elizabeth I le 24 mars 1603. Jacques Ier est monté sur le trône d'Angleterre et l'a amené à une union personnelle avec le royaume d'Écosse. Malgré l'union des couronnes, les royaumes restèrent des États séparés et indépendants : une situation qui dura plus d'un siècle. Guerre civile et interrègne Les rois Stuart ont surestimé le pouvoir de la monarchie anglaise et ont été renversés par le Parlement en 1645 et 1688. Dans un premier temps, l'introduction par Charles Ier de nouvelles formes d'imposition au mépris du Parlement a conduit à la guerre civile anglaise (1641-1645). , au cours de laquelle le roi fut vaincu, et à l'abolition de la monarchie sous Oliver Cromwell pendant l'interrègne de 1649-1660. Désormais, le monarque ne pouvait régner que selon la volonté du Parlement. Après le procès et l'exécution de Charles Ier en janvier 1649, le Parlement croupion adopta une loi déclarant l'Angleterre Commonwealth le 19 mai 1649. La monarchie et la Chambre des Lords furent abolies et la Chambre des communes devint ainsi une chambre législative unitaire. avec un nouvel organe, le Conseil d'État devenant l'exécutif. Cependant, l'armée reste l'institution dominante dans la nouvelle république et le général le plus éminent était Oliver Cromwell. Le Commonwealth a mené des guerres en Irlande et en Écosse qui ont été maîtrisées et placées sous occupation militaire du Commonwealth. En avril 1653, Cromwell et les autres grands de la New Model Army, frustrés par les membres du Parlement croupion qui ne voulaient pas adopter une loi pour dissoudre le Parlement croupion et permettre l'élection d'un nouveau parlement plus représentatif, interrompirent la session du Parlement croupion par la force de armes et déclara le Croupion dissous. Après une expérience avec une assemblée désignée (le Parlement de Barebone), les grands de l'armée, par l'intermédiaire du Conseil d'État, ont imposé un nouvel arrangement constitutionnel dans le cadre d'une constitution écrite appelée Instrument de gouvernement. En vertu de l'instrument du gouvernement, le pouvoir exécutif reposait sur un Lord Protector (un poste devait être exercé à vie par le titulaire) et il devait y avoir des parlements triennaux, chacun siégeant pendant au moins cinq mois. L'article 23 de l'instrument de gouvernement stipulait qu'Oliver Cromwell devait être le premier Lord Protector. L'instrument de gouvernement a été remplacé par une deuxième constitution (l'humble pétition et conseils) en vertu de laquelle le Lord Protector pouvait nommer son successeur. Cromwell nomma son fils Richard qui devint Lord Protecteur à la mort d'Oliver le 3 septembre 1658. Restauration et Glorieuse Révolution Richard s'est avéré trop inefficace et incapable de maintenir son règne. Il a renoncé à son titre et s'est retiré dans l'obscurité. Le Parlement croupion a été révoqué et il y a eu une deuxième période où le pouvoir exécutif appartenait au Conseil d'État. Mais cette restauration du régime du Commonwealth, semblable à celle d'avant le protectorat, s'est avérée instable et le prétendant exilé, Charles II, a été rétabli sur le trône en 1660. Après la restauration de la monarchie en 1660, une tentative de Jacques II de réintroduire le catholicisme romain – un siècle après sa suppression par les Tudors – conduisit à la Glorieuse Révolution de 1688, au cours de laquelle il fut destitué par le Parlement. La couronne a ensuite été offerte par le Parlement à la fille protestante et au gendre/neveu de Jacques II, Guillaume III et Marie II. Union avec l'Écosse Dans le cas écossais, les attraits étaient en partie financiers et en partie liés à la suppression des sanctions commerciales anglaises mises en place par le biais de l'Alien Act 1705. Les Anglais étaient plus inquiets au sujet de la succession royale. La mort de Guillaume III en 1702 avait conduit à l'accession de sa belle-sœur Anne aux trônes d'Angleterre et d'Écosse, mais son seul enfant survivant était décédé en 1700 et l'Act of Settlement anglais de 1701 avait donné la succession à la couronne anglaise à la maison protestante de Hanovre. Assurer la même succession en Écosse est devenu l'objet principal de la réflexion stratégique anglaise envers l'Écosse. En 1704, l'Union des Couronnes était en crise, le Scottish Act of Security permettant au Parlement écossais de choisir un monarque différent, ce qui pourrait à son tour conduire à une politique étrangère indépendante pendant une guerre européenne majeure. L'establishment anglais ne souhaitait pas risquer un Stuart sur le trône écossais, ni la possibilité d'une alliance militaire écossaise avec une autre puissance. Un traité d'Union fut conclu le 22 juillet 1706 et, à la suite des Actes d'Union de 1707, qui créèrent le Royaume de Grande-Bretagne, l'indépendance des royaumes d'Angleterre et d'Écosse prit fin le 1er mai 1707. a créé une union douanière et une union monétaire et a prévu que toutes les « lois et statuts » qui étaient « contraires ou incompatibles avec les termes » des lois « cesseraient et deviendraient nuls ». Les parlements anglais et écossais ont été fusionnés pour former le Parlement de Grande-Bretagne, situé à Westminster, à Londres. À ce stade, l’Angleterre a cessé d’exister en tant qu’entité politique distincte et n’a depuis lors plus eu de gouvernement national. Les lois de l'Angleterre n'ont pas été affectées, la juridiction juridique restant celle de l'Angleterre et du Pays de Galles, tandis que l'Écosse a continué à avoir ses propres lois et tribunaux. Cela s'est poursuivi après l'union de 1801 entre les royaumes de Grande-Bretagne et d'Irlande, formant le Royaume-Uni de Grande-Bretagne et d'Irlande. En 1922, l’État libre d’Irlande fait sécession du Royaume-Uni, ce qui conduit ce dernier à être rebaptisé Royaume-Uni de Grande-Bretagne et d’Irlande du Nord. Divisions territoriales Les comtés d'Angleterre ont été créés pour être administrés par les Normands, dans la plupart des cas sur la base de comtés antérieurs établis par les Anglo-Saxons. Ils ne cessèrent d'être utilisés à des fins administratives qu'avec la création des comtés administratifs en 1889. Contrairement aux arrondissements partiellement autonomes qui couvraient les zones urbaines, les comtés de l'Angleterre médiévale existaient principalement comme un moyen de renforcer le pouvoir du gouvernement central, permettant aux monarques d'exercer un contrôle sur les zones locales par l'intermédiaire de leurs représentants choisis – à l'origine les shérifs et plus tard les Lord Lieutenants – et leurs juges de paix subordonnés. Les comtés étaient initialement utilisés pour l'administration de la justice, la collecte des impôts et l'organisation de l'armée, puis pour le gouvernement local et l'élection de la représentation parlementaire. Bien que toute l'Angleterre ait été divisée en comtés au moment de la conquête normande, certains comtés ont été formés beaucoup plus tard, jusqu'au XVIe siècle. En raison de leurs origines différentes, les comtés variaient considérablement en taille. Les limites des comtés étaient assez statiques entre les lois du XVIe siècle au Pays de Galles et la loi sur le gouvernement local de 1888. Cen_Guide&c_id19&show TOUS Vision de la Grande-Bretagne] — Géographies de recensement. Récupéré le 19 octobre 2006. Chaque comté était chargé de collecter les impôts pour le gouvernement central ; pour la défense locale; et pour la justice, à travers les cours d'assises. Le pouvoir des barons féodaux de contrôler leurs propriétés foncières fut considérablement affaibli en 1290 par le statut de Quia Emptores. Les baronnies féodales sont peut-être devenues obsolètes (mais pas éteintes) avec l'abolition de la tenure féodale pendant la guerre civile, comme le confirme la loi sur l'abolition des tenures de 1660 adoptée sous la Restauration qui a supprimé le service des chevaliers et d'autres droits légaux. La tenure des chevaliers a été abolie et supprimée et les terres couvertes par ces tenures, y compris les baronnies autrefois féodales, étaient désormais détenues par socage (c'est-à-dire en échange de rentes monétaires). L'affaire Fitzwalter anglaise de 1670 a statué que la baronnie par tenure avait été interrompue pendant de nombreuses années et que toute revendication d'une pairie sur une telle base, c'est-à-dire un droit de siéger à la Chambre des Lords, ne devait pas être rétablie, ni aucun droit de succession fondé sur une telle base. sur eux. Le Statut de Rhuddlan en 1284 suivit la conquête du Pays de Galles par Édouard Ier d'Angleterre. Il a assumé les terres détenues par les princes de Gwynedd sous le titre de « Prince de Galles » comme faisant légalement partie des terres d'Angleterre et a établi des comtés de comté sur le modèle anglais sur ces zones. Les Marcher Lords furent progressivement liés aux rois anglais par l'octroi de terres et de seigneuries en Angleterre. Le Conseil du Pays de Galles et des Marches, administré depuis le château de Ludlow, a été initialement créé en 1472 par Édouard IV d'Angleterre pour gouverner les terres détenues sous la Principauté de Galles. William Searle Holdsworth, « A History of English Law », Little, Brown, et compagnie, 1912, p. 502 En vertu des lois du Pays de Galles, les lois 1535-1542 introduites sous Henri VIII, la juridiction des seigneurs marcheurs fut abolie en 1536. Les lois eurent pour effet d'annexer le Pays de Galles à l'Angleterre et de créer un État et une juridiction juridique uniques, communément appelés Angleterre. et au Pays de Galles.

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Quel était le deuxième prénom de l'acteur américain James Dean ?

Byron

James Byron Dean (8 février 1931 - 30 septembre 1955) était un acteur américain. Il est une icône culturelle de la désillusion et de l'éloignement social chez les adolescents, comme l'exprime le titre de son film le plus célèbre, Rebel Without a Cause (1955), dans lequel il incarne l'adolescent en difficulté Jim Stark. Les deux autres rôles qui ont défini sa célébrité étaient le solitaire Cal Trask dans East of Eden (1955) et le ranch revêche Jett Rink dans Giant (1956). La mort prématurée de Dean dans un accident de voiture a consolidé son statut légendaire. Il est devenu le premier acteur à recevoir une nomination à titre posthume aux Oscars du meilleur acteur et reste le seul acteur à avoir reçu deux nominations d'acteur à titre posthume. En 1999, l'American Film Institute l'a classé 18e meilleure star de cinéma masculine de l'âge d'or d'Hollywood dans la liste 100 Years... 100 Stars de l'AFI. Début de la vie James Dean est né dans l'immeuble Seven Gables au coin de la 4e rue et de la rue McClure à Marion, Indiana, fils de Winton Dean (17 janvier 1907 - 21 février 1995) et de Mildred Marie Wilson (15 septembre 1910 - 14 juillet 1940). Ses parents étaient principalement d'ascendance anglaise, avec de plus petites quantités d'origine écossaise, allemande, irlandaise et galloise. Six ans après que son père ait quitté l'agriculture pour devenir prothésiste dentaire, Dean et sa famille ont déménagé à Santa Monica, en Californie. Il a été inscrit à la Brentwood Public School dans le quartier de Brentwood à Los Angeles, mais a été transféré peu de temps après à l'école élémentaire McKinley. La famille y a passé plusieurs années et, de toute évidence, le jeune Dean était très proche de sa mère. Selon Michael DeAngelis, elle était « la seule personne capable de le comprendre ». En 1938, elle fut soudainement frappée de douleurs aiguës à l’estomac et commença à perdre du poids rapidement. Elle est décédée d'un cancer de l'utérus quand Dean avait neuf ans. Incapable de s'occuper de son fils, le père de Dean l'a envoyé vivre avec sa sœur Ortense et son mari, Marcus Winslow, dans une ferme à Fairmount, Indiana, où il a grandi dans leur maison Quaker. Winton a servi pendant la Seconde Guerre mondiale et s'est remarié plus tard. Durant son adolescence, Dean a recherché les conseils et l'amitié d'un pasteur méthodiste local, le révérend James DeWeerd. DeWeerd semble avoir eu une influence formatrice sur Dean, en particulier sur ses intérêts futurs pour la corrida, les courses automobiles et le théâtre. Selon Billy J. Harbin, Dean avait « une relation intime avec son pasteur, qui a commencé dès sa dernière année de lycée et a duré de nombreuses années ». Leur relation sexuelle présumée a été suggérée plus tôt dans le livre de 1994 Boulevard of Broken Dreams: The Life, Times, and Legend of James Dean de Paul Alexander. En 2011, il aurait confié à Elizabeth Taylor qu'il avait été agressé sexuellement par un ministre environ deux ans après la mort de sa mère. D'autres rapports sur la vie de Dean suggèrent également qu'il a été soit abusé sexuellement par DeWeerd lorsqu'il était enfant, soit qu'il a eu une relation sexuelle avec lui à la fin de son adolescence. Ses résultats scolaires étaient exceptionnels et il était également considéré comme un élève populaire. Il a joué dans des équipes de baseball et de basket-ball universitaires, a étudié l'art dramatique et a pris la parole en public par l'intermédiaire de l'Indiana High School Forensic Association. Après avoir obtenu son diplôme de Fairmount High School en mai 1949, Dean est retourné en Californie avec son chien Max pour vivre avec son père et sa belle-mère. Il s'est inscrit au Santa Monica College (SMC) et s'est spécialisé en pré-droit. Il a été transféré à l'UCLA pendant un semestre et a changé sa spécialisation en art dramatique, ce qui l'a éloigné de son père. Il s'est engagé à la fraternité Sigma Nu mais n'a jamais été initié. À l'UCLA, Dean a été choisi parmi un groupe de 350 acteurs pour incarner Malcolm dans Macbeth. A cette époque, il commence également à jouer dans l'atelier de James Whitmore. En janvier 1951, il abandonna ses études à l'UCLA pour poursuivre une carrière d'acteur à plein temps. Carrière d'acteur La première apparition télévisée de Dean a eu lieu dans une publicité télévisée pour Pepsi Cola. Il a quitté l'université pour jouer à temps plein et a été choisi pour son premier rôle, celui de Jean le disciple bien-aimé dans Hill Number One, une émission spéciale de Pâques dramatisant la résurrection de Jésus. Dean a travaillé au Iverson Movie Ranch, largement filmé, à Chatsworth, en Californie, pendant la production du programme, pour lequel une réplique du tombeau de Jésus a été construite sur place au ranch. Dean a ensuite obtenu trois rôles dans des films : en tant que soldat dans Fixed Bayonets !, en tant que cornerman de boxe dans Sailor Beware, une comédie de Paramount mettant en vedette Dean Martin et Jerry Lewis, et en tant que jeune dans Has Anybody Seen My Gal ? Tout en luttant pour trouver un emploi à Hollywood, Dean a également travaillé comme gardien de parking aux studios CBS, période pendant laquelle il a rencontré Rogers Brackett, directeur de radio pour une agence de publicité, qui lui a également proposé une aide et des conseils professionnels dans la carrière qu'il avait choisie. comme lieu de séjour. En octobre 1951, suite aux encouragements de l'acteur James Whitmore et aux conseils de son mentor Rogers Brackett, Dean s'installe à New York. Là, il a travaillé comme testeur de cascades pour le jeu télévisé Beat the Clock, mais a ensuite été licencié pour avoir prétendument effectué les tâches trop rapidement. Il est également apparu dans des épisodes de plusieurs séries télévisées de CBS, The Web, Studio One et Lux Video Theatre, avant d'être admis au légendaire Actors Studio pour étudier la méthode du jeu sous la direction de Lee Strasberg. Fier de cet accomplissement, Dean a qualifié le Studio dans une lettre à sa famille de 1952 de « la plus grande école de théâtre. Elle abrite des gens formidables comme Marlon Brando, Julie Harris, Arthur Kennedy, Mildred Dunnock. … Très peu d'entre eux y entrent. ça... C'est la meilleure chose qui puisse arriver à un acteur. Je suis l'un des plus jeunes à en faire partie. Là, il était camarade de classe et ami proche de Carroll Baker, avec qui il finira par jouer dans Giant (1956). La carrière de Dean a repris et il a joué dans d'autres épisodes d'émissions de télévision du début des années 1950 telles que Kraft Television Theatre, Robert Montgomery Presents, The United States Steel Hour, Danger et General Electric Theatre. Un des premiers rôles, pour la série CBS Omnibus dans l'épisode "Glory in the Flower", a vu Dean incarner le type de jeunesse mécontent qu'il incarnerait plus tard dans Rebel Without a Cause. (Ce programme de l'été 1953 était également remarquable pour la chanson "Crazy Man, Crazy", l'un des premiers programmes télévisés dramatiques à présenter du rock and roll.) Critiques positives pour le rôle théâtral de Dean en 1954 dans le rôle de "Bachir", un domestique nord-africain complaisant. , dans une adaptation du livre d'André Gide L'Immoraliste, suscite des appels d'Hollywood. Est de Eden En 1953, le réalisateur Elia Kazan recherchait un acteur important pour jouer le rôle émotionnellement complexe de « Cal Trask », pour l'adaptation par le scénariste Paul Osborn du roman de John Steinbeck de 1952, East of Eden. Le long roman traite de l'histoire des familles Trask et Hamilton au cours de trois générations, en se concentrant particulièrement sur la vie des deux dernières générations à Salinas Valley, en Californie, du milieu du XIXe siècle aux années 1910. Contrairement au livre, le scénario du film se concentre sur la dernière partie de l'histoire, principalement avec le personnage de Cal. Bien qu'il semble au départ plus distant et émotionnellement troublé que son frère jumeau Aron, Cal se révèle bientôt plus mondain, plus averti en affaires et même plus sagace que leur père pieux et constamment désapprobateur (joué par Raymond Massey) qui cherche à inventer une réfrigération à légumes. processus. Cal est dérangé par le mystère de leur mère soi-disant morte et découvre qu'elle est toujours en vie et qu'elle est une « madame » qui tient un bordel ; le rôle a été joué par l'actrice Jo Van Fleet. Avant de choisir Cal, Elia Kazan a déclaré qu'il voulait "un Brando" pour le rôle et Osborn a suggéré le jeune acteur relativement inconnu, James Dean. Dean a rencontré Steinbeck, qui n'aimait pas personnellement le jeune homme maussade et complexe, mais le pensait parfait pour le rôle. Dean fut choisi pour le rôle et, le 8 avril 1954, quitta New York et se dirigea vers Los Angeles pour commencer le tournage. Une grande partie de la performance de Dean dans le film n'est pas scénarisée, y compris sa danse dans le champ de haricots et sa posture fœtale alors qu'il montait au sommet d'un wagon couvert (après avoir recherché sa mère dans la ville voisine de Monterey). L'improvisation la plus célèbre du film se produit lorsque le père de Cal rejette son cadeau de 5 000 $, argent que Cal avait gagné en spéculant sur les haricots avant que les États-Unis ne soient impliqués dans la Première Guerre mondiale. Au lieu de fuir son père comme le scénario l'exigeait, Dean s'est instinctivement tourné vers à Massey et dans un geste d'extrême émotion, il se précipita en avant et l'attrapa dans une pleine étreinte en pleurant. Kazan a gardé cela ainsi que la réaction choquée de Massey dans le film. La performance de Dean dans le film préfigurait son rôle de Jim Stark dans Rebel Without A Cause. Les deux personnages sont des protagonistes angoissés et des parias incompris, qui ont désespérément besoin de l’approbation d’une figure paternelle. En reconnaissance de sa performance dans East of Eden, Dean a été nominé à titre posthume pour les Oscars de 1956 en tant que meilleur acteur dans un rôle principal de 1955, la première nomination officielle d'acteur à titre posthume dans l'histoire des Oscars. (Jeanne Eagels a été nominée pour la meilleure actrice en 1929, alors que les règles de sélection du gagnant étaient différentes.) East of Eden était le seul film mettant en vedette Dean qu'il verrait sortir de son vivant. Rebelle sans cause Dean a rapidement enchaîné son rôle dans Eden avec le rôle principal de Jim Stark dans Rebel Without a Cause, un film qui s'est avéré extrêmement populaire auprès des adolescents. Le film a été cité comme une représentation fidèle de l'angoisse des adolescents. Il mettait en vedette les acteurs adolescents Natalie Wood, Sal Mineo et Dennis Hopper et a été réalisé par Nicholas Ray. Géant Giant, sorti à titre posthume en 1956, a vu Dean jouer un rôle de soutien auprès d'Elizabeth Taylor et de Rock Hudson. Cela était dû à son désir d'éviter d'être catalogué comme un adolescent rebelle comme Cal Trask ou Jim Stark. Dans le film, il incarne Jett Rink, un employé de ranch texan qui découvre du pétrole et devient riche. Son rôle était remarquable dans la mesure où, afin de représenter une version plus ancienne de son personnage dans les scènes ultérieures du film, Dean a teint ses cheveux en gris et en a rasé une partie pour se donner une racine des cheveux dégarnie. Giant serait le dernier film de Dean. À la fin du film, Dean était censé faire un discours ivre lors d'un banquet ; celle-ci est surnommée la « Cène » car c'était la dernière scène avant sa mort subite. Dean a tellement marmonné à cause de son désir de rendre la scène plus réaliste en étant en état d'ébriété pour la prise que le réalisateur George Stevens a décidé que la scène devait être doublée par Nick Adams, qui avait un petit rôle dans le film, parce que Dean était mort avant. le film a été monté. Dean a reçu sa deuxième nomination posthume aux Oscars du meilleur acteur pour son rôle dans Giant lors de la 29e cérémonie des Oscars en 1957 pour les films sortis en 1956. Vie privée Le scénariste William Bast était l'un des amis les plus proches de Dean, un fait reconnu par la famille de Dean. Selon Bast, qui fut également le premier biographe de Dean (1956), il était le colocataire de Dean à l'UCLA et plus tard à New York, et a connu Dean au cours des cinq dernières années de sa vie. Cinquante ans après la mort de Dean, il a déclaré que leur amitié comprenait une certaine intimité sexuelle. À l'UCLA, Dean est sorti avec Beverly Wills, une actrice de CBS, et Jeanette Lewis, une camarade de classe. Bast et Dean sortaient souvent en double avec eux. Wills a commencé à sortir avec Dean seul, puis a dit à Bast : "Bill, il y a quelque chose que nous devons te dire. C'est Jimmy et moi. Je veux dire, nous sommes amoureux." Dalton, David. James Dean : Le roi mutant : une biographie, Chicago Review Press (1974) p. 151 Ils se sont séparés après que Dean ait « explosé » lorsqu'un autre homme lui a demandé de danser alors qu'ils étaient à une réception : « Jimmy a vu rouge. Il a attrapé l'homme par le col et a menacé de lui noircir les deux yeux », a-t-elle déclaré. Dean était également resté en contact avec sa petite amie à New York, Barbara Glenn, avec qui il est sorti pendant deux ans. Leurs lettres d'amour ont été vendues aux enchères en 2011 pour 36 000 $. Au début de la carrière de Dean, après que Dean ait signé son contrat avec Warner Brothers, le service des relations publiques du studio a commencé à générer des histoires sur les liaisons de Dean avec diverses jeunes actrices qui étaient pour la plupart issues de la clientèle de l'agent hollywoodien de Dean, Dick Clayton. Les communiqués de presse du studio regroupaient également Dean avec deux autres acteurs, Rock Hudson et Tab Hunter, identifiant chacun des hommes comme un « célibataire éligible » qui n'a pas encore trouvé le temps de s'engager avec une seule femme : « Ils disent que leurs répétitions de film sont en conflit avec leurs répétitions de mariage. La relation la plus mémorable de Dean était avec la jeune actrice italienne Pier Angeli, qu'il a rencontré pendant qu'Angeli tournait The Silver Chalice (sorti en 1955) sur un terrain Warner voisin, et avec qui il a échangé des bijoux en guise de gages d'amour. Angeli, lors d'une interview quatorze ans après la fin de leur relation, a décrit leurs moments passés ensemble : Dans son autobiographie, East of Eden, le réalisateur Elia Kazan a rejeté l'idée selon laquelle Dean aurait pu avoir du succès auprès des femmes, bien qu'il se souvienne d'avoir entendu Dean et Angeli faire l'amour bruyamment dans la loge de Dean. Kazan aurait déclaré à propos de Dean : « Il a toujours eu des relations incertaines avec ses petites amies. » Ceux qui pensaient que Dean et Angeli étaient profondément amoureux affirment qu'un certain nombre de forces les ont séparés. La mère d'Angeli désapprouvait la tenue décontractée de Dean et ce qui constituait, du moins pour elle, des traits de comportement radicaux : sa tenue en T-shirt, ses rendez-vous tardifs, ses voitures rapides et le fait qu'il n'était pas catholique. Sa mère a déclaré qu'un tel comportement n'était pas acceptable en Italie. De plus, Warner Bros., où il travaillait, a essayé de le dissuader de se marier et il a lui-même dit à Angeli qu'il ne voulait pas se marier. Richard Davalos, co-star de Dean à l'Est d'Eden, a affirmé que Dean voulait épouser Angeli et était prêt à permettre à leurs enfants d'être élevés dans la religion catholique. Après avoir terminé son rôle dans East of Eden, il fit un bref voyage à New York en octobre 1954. Pendant son absence, Angeli annonça de manière inattendue ses fiançailles avec le chanteur italo-américain Vic Damone. La presse a été choquée et Dean a exprimé son irritation. Angeli a épousé Damone le mois suivant. Les chroniqueurs de potins ont rapporté que Dean avait regardé le mariage de l'autre côté de la route sur sa moto, allumant même le moteur pendant la cérémonie, bien que Dean ait nié plus tard avoir fait quelque chose d'aussi "stupide". Certains, comme Bast et Paul Alexander, pensent que cette relation n’était qu’un simple coup publicitaire. Esme Chandlee, la publiciste du home studio d'Angeli, Metro-Goldwyn-Mayer, qui avait gardé secrète la nouvelle de son histoire d'amour avec Kirk Douglas, pensait qu'Angeli avait été plus amoureuse de Kirk que de Jimmy Dean. Pier Angeli n'a parlé qu'une seule fois de la relation qu'elle a eue plus tard dans sa vie dans une interview, donnant des descriptions vivantes de rencontres romantiques à la plage. Le biographe de Dean, John Howlett, a déclaré que ceux-ci se lisaient comme des fantasmes pieux, comme Bast le prétend. Hyams, dans sa biographie de Dean de 1992, affirme qu'il a rendu visite à Dean au moment même où Angeli, alors mariée à Damone, quittait son domicile. Dean pleurait et aurait dit à Hyams qu'elle était enceinte, Hyams concluant que Dean pensait que l'enfant pourrait être le sien. Angeli, qui a divorcé de Damone puis de son deuxième mari, le compositeur de films italien Armando Trovajoli, a déclaré à ses amis au cours des dernières années de sa vie que Dean était l'amour de sa vie. Elle est décédée d'une overdose de barbituriques en 1971, à l'âge de 39 ans. En 1997, le téléfilm Race with Destiny a été produit, un récit vrai de l'histoire d'amour entre Dean et Pier Angeli. Il a été tourné sur place « là où il vivait et aimait » jusqu'à sa mort. Brris, George. Barris TV et Movie Cars, MotorBooks International (1996) p. 112 L'actrice Liz Sheridan détaille sa relation avec Dean à New York en 1952. Parlant de leur relation en 1996, elle a déclaré que c'était "un peu magique. C'était notre premier amour tous les deux". Sheridan a publié ses mémoires, Dizzy & Jimmy : My Life with James Dean ; Une histoire d'amour en 2000. Dean est également sorti avec l'actrice suisse Ursula Andress. "Elle a été vue en train de parcourir Hollywood à l'arrière de la moto de James", écrit le biographe Darwin Porter. Elle a également été vue avec Dean dans ses voitures de sport et était avec lui le jour où il a acheté la voiture dans laquelle il est mort. Porter, Darwin. Brando décompressé, Blood Moon Productions, Ltd, (2006) p. 484 À l'époque, Andress sortait également avec Marlon Brando. La mort Passe-temps de course automobile En 1954, Dean s’est intéressé à développer une carrière dans la course automobile. Il a acheté divers véhicules après la fin du tournage d'East of Eden, notamment une Triumph Tiger T110 et une Porsche 356. Wasef et Leno (2007) pp. 13-19. Juste avant le début du tournage de Rebel Without a Cause, il a participé à sa première épreuve professionnelle aux Palm Springs Road Races, qui ont eu lieu à Palm Springs, en Californie, les 26 et 27 mars 1955. Dean a obtenu la première place dans la classe novice et deuxième place à l'événement principal. Sa course s'est poursuivie à Bakersfield un mois plus tard, où il a terminé premier de sa catégorie et troisième au classement général. Dean espérait participer aux 500 milles d'Indianapolis, mais son emploi du temps chargé rendait cette vision impossible. La dernière course de Dean a eu lieu à Santa Barbara le Memorial Day, le 30 mai 1955. Il n'a pas pu terminer la compétition en raison d'un piston grillé. Raskin (2005) pp. 47-48 ; 68-71 ; 73-74 ; 78-81 ; 83-86 Sa brève carrière fut suspendue lorsque Warner Brothers lui interdisa toute course pendant la production de Giant. Dean avait fini de tourner ses scènes et le film était en post-production lorsqu'il a décidé de courir à nouveau. Accident et conséquences Désireux de revenir aux « perspectives libératrices » de la course automobile, Dean devait participer à un événement de course à Salinas, en Californie, le 30 septembre 1955. L'acteur était accompagné à cette occasion par le coordinateur des cascades Bill Hickman, le photographe de Collier, Sanford Roth, et Rolf Wütherich, le mécanicien allemand de l'usine Porsche qui entretenait la voiture Porsche 550 Spyder « Little Bastard » de Dean. Perry (2012) pp. Wütherich, qui avait encouragé Dean à conduire la voiture de Los Angeles à Salinas pour la roder, accompagnait Dean dans la Porsche. À 15h30 Dean a reçu une contravention pour excès de vitesse, tout comme Hickman qui le suivait dans une autre voiture. Alors que le groupe se rendait à l'événement via la route américaine 466 (actuellement SR 33) vers 17 h 15. une Ford Tudor de 1950 traversait une intersection en tournant, devant la Porsche. Dean, incapable de s'arrêter à temps, a percuté le côté conducteur de la Ford, ce qui a fait rebondir la voiture de Dean sur le trottoir et sur le bord de l'autoroute. Le passager de Dean, Wütherich, a été éjecté de la Porsche, tandis que Dean était coincé dans la voiture et a subi de nombreuses blessures mortelles, notamment une fracture du cou. Perry (2012) pp. 14-15. Le conducteur de la Ford, Donald Turnupseed, est sorti de son véhicule endommagé avec des blessures légères. De nombreux passants ont été témoins de l'accident et se sont arrêtés pour apporter leur aide. Une femme ayant une expérience en soins infirmiers s'est occupée de Dean et a détecté un pouls faible, mais "la mort semble avoir été instantanée". Dean a été déclaré mort à son arrivée peu de temps après son arrivée en ambulance à l'hôpital Paso Robles War Memorial à 18 h 20. Bien qu'ils aient d'abord tardé à parvenir aux journaux de l'est des États-Unis, les détails de la mort de Dean se sont rapidement répandus à la radio et à la télévision. Le 2 octobre, sa mort avait reçu une couverture importante de la part des médias nationaux et étrangers. Perry (2012) pp. 194-95 Les funérailles de Dean ont eu lieu le 8 octobre 1955 à l'église des amis de Fairmount à Fairmount, Indiana. Le cercueil est resté fermé pour cacher ses graves blessures. Environ 600 personnes en deuil étaient présentes, tandis que 2 400 autres fans se sont rassemblés à l'extérieur du bâtiment pendant le cortège. Une enquête sur la mort de Dean a eu lieu trois jours plus tard à l'hôtel de ville de Paso Robles, où un jury du coroner a rendu un verdict selon lequel il était entièrement fautif en raison d'un excès de vitesse et que Turnupseed était innocent de tout acte criminel. Cependant, selon un article du Los Angeles Times du 1er octobre 2005, un ancien officier de la California Highway Patrol qui avait été appelé sur les lieux, Ron Nelson, a déclaré que « l'épave et la position du corps de Dean indiquaient sa vitesse à ce moment-là ». de l'accident était plutôt de l'ordre de 55 mph". Héritage et statut d'icône Dans la culture et les médias Les adolescents américains du milieu des années 1950, époque où furent réalisés les grands films de James Dean, s'identifiaient à Dean et aux rôles qu'il jouait, notamment celui de Jim Stark dans Rebel Without a Cause. Le film dépeint le dilemme d'un adolescent typique de l'époque, qui sent que personne, pas même ses pairs, ne peut le comprendre. Humphrey Bogart a commenté après la mort de Dean à propos de son image publique et de son héritage : « Dean est mort juste au bon moment. Il a laissé derrière lui une légende. S'il avait vécu, il n'aurait jamais été à la hauteur de sa publicité. Joe Hyams dit que Dean était "l'une des rares stars, comme Rock Hudson et Montgomery Clift, que les hommes et les femmes trouvent sexy". Selon Marjorie Garber, cette qualité est « le plus indéfinissable qui fait une star ». L'attrait emblématique de Dean a été attribué au besoin du public de voir quelqu'un défendre les jeunes privés de droits de l'époque et à l'air androgyne qu'il projetait à l'écran. "La tendresse aimante de Dean envers l'épris de Sal Mineo dans Rebel Without a Cause continue de toucher et d'exciter le public gay par son honnêteté. Les Gay Times Readers' Awards l'ont cité comme l'icône gay masculine de tous les temps." Garry Wotherspoon et Robert F. Aldrich , Who's Who dans l'histoire des gays et des lesbiennes : de l'Antiquité à la Seconde Guerre mondiale (Routledge, 2001), p.105. Sa succession rapporte toujours environ 5 000 000 $ par an, selon le magazine Forbes. Dean est mentionné ou présenté dans diverses chansons. Les Eagles lui ont rendu hommage avec leur chanson "James Dean", qui déclare que l'acteur était "trop ​​rapide pour vivre, trop jeune pour mourir". Le groupe américain Skid Row le mentionne dans leur chanson "Forever" : "While lightin' cigarettes, like James Dean". Le refrain de l'original "Rock On" de David Essex comprend le refrain "Jimmy Dean. James Dean". Dean est mentionné dans la chanson Infamous Route 66 de Rob Zarro : "Je vois des choses vraiment cool, des photos de Marilyn et James Dean." Le groupe X Ambassadors a également mentionné Dean dans leur chanson Magnifique : « comme des renégats, comme James Dean ». La chanson des Eagles nommée d'après Dean explore son style de vie rapide et dangereux. Il y a une chanson de Sleeping With Sirens intitulée « If I'm James Dean, You "Nous sommes Audrey Hepburn". John Mellencamp mentionne James Dean dans les paroles de "Jack & Diane". Lana del Rey a déclaré à plusieurs reprises qu'elle aimait "le genre de gars de James Dean" et a consacré l'une de ses chansons les plus acclamées "Blue Jeans" à un ancien petit ami qui lui rappelle l'acteur. Phil Ochs a une chanson intitulée Jim Dean of Indiana Dans la chanson Storyline de Hunter Hayes, une phrase dans le premier couplet dit "nous avons une voiture rapide, un esprit James Dean et une Norma Jean". coeur". Il est également mentionné par Madonna dans sa chanson « Vogue » : « Greta Garbo et Monroe, Dietrich et DiMaggio, Marlon Brando, Jimmy Dean -- sur la couverture d'un magazine. » Également, la chanson de Madonna « Jimmy Jimmy » de son troisième album studio True Blue, 1986, a une influence pop du début des années 60 et les paroles sont un hommage à James Dean. Plus récemment, Scouting for Girls a utilisé le refrain « Nous voulons tous, nous voulons être célèbres/Nous voulons tous être comme James Dean » dans leur chanson Famous. La chanteuse Halsey mentionne James Dean avec les paroles "Young James Dean, some say he looks just like his Father, But he could never love Someone's Daughter" dans sa chanson New Americana. * Il est mentionné dans la chanson de Bruce Springsteen, Cadillac Ranch "James Dean in his Merc'ry '49..." De plus, Dean a souvent été remarqué dans des émissions de télévision, des films, des livres et des romans. Le film du 30 septembre 1955 dépeint la façon dont divers personnages d'une petite ville réagissent à la mort de Dean. La pièce Come Back to the Five and Dime, Jimmy Dean, Jimmy Dean (et son adaptation cinématographique ultérieure) dépeint une réunion de fans de Dean à l'occasion du 20e anniversaire de sa mort. Dans un épisode de Degrassi : The Next Generation, le personnage de Liberty compare le rebelle et antisocial Sean Cameron à James Dean. Dans la sitcom Happy Days, Fonzie a une photo de Dean dans son placard à côté de son miroir. Une photo de Dean apparaît également sur le mur de Rizzo dans le film Grease. Dans la version américaine de la série télévisée Queer as Folk, le personnage principal Brian Kinney mentionne James Dean avec Kurt Cobain et Jimi Hendrix en disant : « Ce sont tous des légendes. Ils seront toujours jeunes et toujours beaux. ". Dans le livre d'histoire alternative Homeward Bound de Harry Turtledove, Dean ne serait pas mort dans un accident de voiture et aurait réalisé plusieurs autres films, dont Rescuing Private Ranfall, basé sur Saving Private Ryan. Dean est référencé dans la chanson "Speechless" de Lady Gaga en 2009, tirée de son album The Fame Monster, dans le premier couplet : "Je n'arrive pas à croire comment tu m'as regardé avec tes yeux brillants de James Dean". La chanson de Beyoncé "Rather Die Young" de son album 4 James Dean est mentionnée "Tu es mon James Dean, tu me donnes l'impression d'avoir dix-sept ans". "Style", une chanson de Taylor Swift, fait également référence à l'acteur, en utilisant la phrase "Vous avez ce regard de rêverie de James Dean dans vos yeux...". L'artiste folk-punk Frank Turner mentionne également Dean dans sa chanson "Josephine", en disant "Allez maintenant Joséphine, faisons comme si c'était Halloween - tu viens comme un accident de voiture, je viendrai comme James Dean". "Ghost Town", d'Adam Lambert fait également référence à Dean, en utilisant la phrase "J'ai essayé de croire en Dieu et en James Dean, mais Hollywood s'est vendu". Le 20 avril 2010, un long épisode live « perdu » du General Electric Theatre intitulé « The Dark, Dark Hours » mettant en vedette James Dean dans une performance avec Ronald Reagan a été découvert par l'écrivain de NBC Wayne Federman alors qu'il travaillait sur une rétrospective télévisée de Ronald Reagan. . L'épisode, initialement diffusé le 12 décembre 1954, a attiré l'attention internationale et les faits saillants ont été présentés dans de nombreux médias nationaux, notamment : CBS Evening News, NBC Nightly News et Good Morning America. Il a été révélé plus tard que certaines images de l'épisode avaient été présentées pour la première fois dans le documentaire de 2005, James Dean : Forever Young. L'orientation sexuelle débattue Aujourd'hui, Dean est souvent considéré comme une icône en raison de sa vision « expérimentale » de la vie, qui incluait sa sexualité ambivalente. Il y a eu plusieurs allégations selon lesquelles Dean aurait eu des relations sexuelles avec des hommes et des femmes. Interrogé sur son orientation sexuelle, il aurait répondu : « Non, je ne suis pas homosexuel. Mais je ne vais pas non plus traverser la vie avec une main attachée dans le dos ». Au 21e siècle, Dean était considéré par beaucoup comme bisexuel. En 2005, Germaine Greer écrivait : « En repensant à plus d'un demi-siècle de la carrière fulgurante de James Dean, la seule chose qui semble désormais évidente est que le garçon était aussi bizarre qu'un foulque. » Elle a fondé son opinion en partie sur les nouvelles révélations de William Bast, l'un des amis les plus proches de Dean. Bast, le premier biographe de Dean avec James Dean : A Biography (1956), publia par la suite une mise à jour révélatrice de son premier livre, dans laquelle, après des années passées à éluder avec succès la question de savoir si lui et Dean étaient sexuellement impliqués, il déclara finalement qu'ils expérimenté. Dans ce deuxième livre, Surviving James Dean (2006), Bast décrit les circonstances difficiles de leur implication et aborde également franchement certaines des autres relations homosexuelles signalées par Dean, notamment l'amitié de l'acteur avec Rogers Brackett, l'influent producteur de dramatiques radiophoniques qui a encouragé Dean dans sa carrière et lui a fourni des contacts professionnels utiles. Bast documente également les connaissances de Dean sur les bars et les coutumes gays. Robert Aldrich et Garry Wotherspoon incluent une entrée sur James Dean dans leur livre sur l'histoire des gays et des lesbiennes, tandis que le journaliste Joe Hyams suggère que toute activité gay dans laquelle Dean aurait pu être impliqué semble avoir été strictement « à des fins commerciales », comme moyen de progresser. sa carrière. Val Holley note que, selon le biographe hollywoodien Lawrence J. Quirk, le chroniqueur gay hollywoodien Mike Connolly « mettrait l'accent sur les jeunes acteurs les plus en vue, dont Robert Francis, Guy Madison, Anthony Perkins, Nick Adams et James Dean ». Cependant, la notion de « commerce uniquement » est débattue par Bast et d'autres biographes de Dean. Outre le récit de Bast sur sa propre relation avec Dean, John Gilmore, un autre motard de Dean et membre de "Night Watch", affirme que lui et Dean ont "expérimenté" des actes gays à une occasion à New York, et il est difficile de voir comment Dean, alors déjà dans la vingtaine, aurait considéré cela comme un moyen « professionnel » de faire progresser sa carrière. James Bellah, le fils de James Warner Bellah qui était un ami de Dean à l'UCLA, a déclaré : "Dean était un consommateur. Je ne pense pas qu'il était homosexuel. Mais s'il pouvait obtenir quelque chose en accomplissant un acte..." Le scénariste Gavin Lambert, lui-même gay et membre des cercles gays hollywoodiens des années 1950 et 1960, a décrit Dean comme étant gay. Le réalisateur rebelle Nicholas Ray a déclaré publiquement que Dean était gay, tandis que l'auteur John Howlett pense que Dean était "certainement bisexuel". La biographie de George Perry réduit ces aspects rapportés de la sexualité de Dean à « l'expérimentation ». Scène Broadway *Voir la Jaguar (1952) * L'Immoraliste (1954) – d'après le livre d'André Gide Hors Broadway * La Métamorphose (1952) – d'après la nouvelle de Franz Kafka * L'Épouvantail (1954) * Femmes de Trachis (1954) – traduction d'Ezra Pound Filmographie Film Télévision Films biographiques * James Dean également connu sous le nom de James Dean : Portrait d'un ami (1976) avec Stephen McHattie dans le rôle de James Dean * James Dean : The First American Teenager (1976), une biographie télévisée qui comprend des entretiens avec Sal Mineo, Natalie Wood et Nicholas Ray. * Sense Memories (biographie télévisée PBS American Masters) (2005) *Pour toujours James Dean (1988), Warner Home Video (1995) * James Dean (film biographique télévisé fictif) (2001) avec James Franco dans le rôle de James Dean * James Dean – Kleiner Prinz, Little Bastard alias James Dean – Little Prince, Little Bastard, biographie télévisée allemande, comprend des entretiens avec William Bast, Marcus Winslow Jr, Robert Heller (2005) * James Dean : The Final Day présente des entretiens avec William Bast, Liz Sheridan et Maila Nurmi. La bisexualité de Dean est ouvertement discutée. Épisode de la mini-série télévisée Naked Hollywood produite par The Oxford Film Company en association avec la BBC, diffusée aux États-Unis sur A&E Network, 1991. * James Dean : Race with Destiny (1997) réalisé par Mardi Rustam, avec Casper Van Dien dans le rôle de James Dean. * Living Famously : James Dean, biographie télévisée australienne comprenant des entretiens avec Martin Landau, Betsy Palmer, William Bast et Bob Hinkle (2003, 2006). * James Dean – Mit Vollgas durchs Leben, biographie télévisée autrichienne comprenant des entretiens avec Rolf Weutherich et William Bast (2005). * James Dean – Outside the Lines (2002), épisode de Biography, documentaire télévisé américain comprenant des entretiens avec Rod Steiger, William Bast et Martin Landau (2002). * Joshua Tree, 1951 : un portrait de James Dean (2012). * Deux fantômes amicaux (2012) * Vie (2015). Réalisé par Anton Corbijn, avec Dane DeHaan dans le rôle de James Dean.

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Quel auteur français a écrit les contes de fées « Le Petit Chaperon rouge », « La Belle au bois dormant » et « Le Chat Botté » ?

Charles Perrault

Un conte de fées (prononcé /ˈfeəriˌteɪl/) est un type de nouvelle qui présente généralement des personnages fantastiques folkloriques, tels que des nains, des elfes, des fées, des géants, des gnomes, des gobelins, des sirènes, des trolls ou des sorcières, et généralement de la magie ou des enchantements. Les contes de fées peuvent être distingués des autres récits populaires tels que les légendes (qui impliquent généralement la croyance en la véracité des événements décrits) et les contes explicitement moraux, y compris les fables de bêtes. Le terme est principalement utilisé pour des histoires dont les origines proviennent de la tradition européenne et, au moins au cours des derniers siècles, se rapporte principalement à la littérature pour enfants. Dans des contextes moins techniques, le terme est également utilisé pour décrire quelque chose doté d'un bonheur inhabituel, comme dans « fin de conte de fées » (une fin heureuse) ou « romance de conte de fées » (bien que tous les contes de fées ne se terminent pas bien). Familièrement, un « conte de fées » ou un « conte de fées » peut également signifier n'importe quelle histoire tirée par les cheveux ou un grand conte ; il est utilisé en particulier pour toute histoire qui non seulement n'est pas vraie, mais qui ne pourrait pas l'être. Les légendes sont perçues comme réelles ; les contes de fées peuvent se fondre dans les légendes, où le récit est perçu à la fois par le conteur et par les auditeurs comme étant fondé sur la vérité historique. Cependant, contrairement aux légendes et aux épopées, elles ne contiennent généralement que des références superficielles à la religion et à des lieux, des personnes et des événements réels ; ils ont lieu une fois pour toutes plutôt qu'à des moments réels. Les contes de fées se présentent sous forme orale et littéraire ; le nom de « conte de fées » leur fut attribué pour la première fois par Madame d'Aulnoy à la fin du XVIIe siècle. De nombreux contes de fées d'aujourd'hui sont issus d'histoires vieilles de plusieurs siècles qui sont apparues, avec des variations, dans de multiples cultures à travers le monde. L’histoire du conte de fées est particulièrement difficile à retracer car seules les formes littéraires peuvent survivre. Pourtant, selon des chercheurs des universités de Durham et de Lisbonne, de telles histoires pourraient remonter à des milliers d'années, certaines à l'âge du bronze, il y a plus de 6 000 ans. Les contes de fées et les œuvres dérivées des contes de fées sont encore écrits aujourd’hui. Les folkloristes ont classé les contes de fées de différentes manières. Le système de classification d'Aarne-Thompson et l'analyse morphologique de Vladimir Propp sont parmi les plus remarquables. D'autres folkloristes ont interprété la signification des contes, mais aucune école n'a été définitivement établie sur le sens des contes. Terminologie Certains folkloristes préfèrent utiliser le terme allemand Märchen ou « conte merveilleux » pour désigner le genre plutôt que le conte de fées, une pratique renforcée par la définition de Thompson dans son édition de 1977 [1946] de The Folktale : « un conte d'une certaine longueur impliquant une succession de motifs ou d'épisodes. Il se déroule dans un monde irréel sans localité définie ni créatures définies et est rempli de merveilleux. Dans ce pays jamais imaginé, d'humbles héros tuent des adversaires, succèdent à des royaumes et épousent des princesses. Les personnages et les motifs des contes de fées sont simples et archétypaux : princesses et filles-oies ; les plus jeunes fils et les vaillants princes ; ogres, géants, dragons et trolls ; de méchantes belles-mères et de faux héros ; des fées marraines et autres aides magiques, souvent des chevaux, des renards ou des oiseaux qui parlent ; montagnes de verre; et les interdictions et la violation des interdictions. Un conte de fées avec une fin tragique plutôt qu'heureuse est appelé un anti-conte de fées. Définition Bien que le conte de fées soit un genre distinct au sein de la catégorie plus large des contes populaires, la définition qui qualifie une œuvre de conte de fées est une source de controverses considérables. Un point universellement reconnu est que les contes de fées n’ont pas besoin de fées. (Le terme lui-même vient de la traduction du conte de fées de Madame D'Aulnoy, utilisé pour la première fois dans sa collection en 1697.) Le langage courant confond les contes de fées avec les fables des bêtes et d'autres contes populaires, et les érudits diffèrent sur la mesure dans laquelle la présence des fées et/ou des êtres mythiques similaires (par exemple, des elfes, des gobelins, des trolls, des géants, d'énormes monstres) doivent être considérés comme un différenciateur. Vladimir Propp, dans sa Morphologie du conte populaire, a critiqué la distinction courante entre « contes de fées » et « contes d'animaux » au motif que de nombreux contes contenaient à la fois des éléments fantastiques et des animaux. Néanmoins, pour sélectionner les œuvres à analyser, Propp a utilisé tous les contes populaires russes classés comme folklore Aarne-Thompson 300-749 – dans un système de catalogage qui faisait une telle distinction – pour obtenir un ensemble clair de contes. Sa propre analyse a identifié les contes de fées par leurs éléments d'intrigue, mais cela en soi a été critiqué, car l'analyse ne se prête pas facilement aux contes qui n'impliquent pas de quête, et de plus, les mêmes éléments d'intrigue se retrouvent dans des contes non féeriques. travaux. Comme le souligne Stith Thompson, les animaux qui parlent et la présence de magie semblent être plus courants dans les contes de fées que les fées elles-mêmes. Cependant, la simple présence d'animaux qui parlent ne fait pas d'un conte un conte de fées, surtout lorsque l'animal est clairement un masque sur un visage humain, comme dans les fables. Tolkien, p. 15. Dans son essai « Sur les contes de fées », J. R. R. Tolkien était d'accord avec l'exclusion des « fées » de la définition, définissant les contes de fées comme des histoires sur les aventures des hommes en Faërie, le pays des fées, des princes de contes de fées et des fées. des princesses, des nains, des elfes, et non seulement d'autres espèces magiques mais bien d'autres merveilles. Cependant, le même essai exclut les contes qui sont souvent considérés comme des contes de fées, citant comme exemple The Monkey's Heart, qu'Andrew Lang a inclus dans The Lilac Fairy Book. Steven Swann Jones a identifié la présence de magie comme la caractéristique par laquelle les contes de fées peuvent être distingués des autres types de contes populaires. Davidson et Chaudri identifient la « transformation » comme l'élément clé du genre. Un compagnon du conte de fées. Par Hilda Ellis Davidson, Anna Chaudhri. Boydell et Brewer 2006. p. 39. D'un point de vue psychologique, Jean Chiriac a défendu la nécessité du fantastique dans ces récits. En termes de valeurs esthétiques, Italo Calvino a cité le conte de fées comme un excellent exemple de « rapidité » en littérature, en raison de l'économie et de la concision des contes. Histoire du genre À l’origine, les histoires qui seraient considérées à l’époque comme des contes de fées n’étaient pas considérées comme un genre distinct. Le terme allemand « Märchen » vient du vieux mot allemand « Mär », qui signifie histoire ou conte. Le mot « Märchen » est le diminutif du mot « Mär », il signifie donc « petite histoire ». Avec le début commun "il était une fois", cela signifie qu'un conte de fées ou un märchen était à l'origine une petite histoire d'il y a longtemps, lorsque le monde était encore magique. (En effet, une ouverture allemande de moins régulière est "Dans les temps anciens, quand les souhaits étaient encore efficaces".) Le terme anglais « conte de fées » vient du fait que les contes français incluaient souvent des fées. Les racines du genre proviennent de différentes histoires orales transmises dans les cultures européennes. Le genre a été marqué pour la première fois par des écrivains de la Renaissance, tels que Giovanni Francesco Straparola et Giambattista Basile, et stabilisé grâce aux œuvres de collectionneurs ultérieurs tels que Charles Perrault et les frères Grimm. Dans cette évolution, le nom a été inventé lorsque les précieuses se sont mises à écrire des histoires littéraires ; Madame d'Aulnoy a inventé le terme conte de fée à la fin du XVIIe siècle. Avant la définition du genre fantastique, de nombreuses œuvres qui seraient désormais classées comme fantastiques étaient appelées « contes de fées », notamment Le Hobbit de Tolkien, La Ferme des animaux de George Orwell et Le merveilleux magicien d'Oz de L. Frank Baum. En effet, « Les contes de fées » de Tolkien inclut des discussions sur la construction du monde et est considéré comme un élément essentiel de la critique fantastique. Bien que la fantasy, en particulier le sous-genre des contes de fées, s'inspire largement des motifs des contes de fées, les genres sont désormais considérés comme distincts. Folklorique et littéraire Le conte de fées, raconté oralement, est une sous-classe du conte populaire. De nombreux écrivains ont écrit sous la forme du conte de fées. Ce sont les contes de fées littéraires, ou Kunstmärchen. Les formes les plus anciennes, du Panchatantra au Pentamerone, présentent des remaniements considérables à partir de la forme orale. Les frères Grimm furent parmi les premiers à tenter de conserver les caractéristiques des contes oraux. Pourtant, les histoires imprimées sous le nom de Grimm ont été considérablement retravaillées pour s'adapter à la forme écrite. Les contes de fées littéraires et les contes de fées oraux échangeaient librement des intrigues, des motifs et des éléments entre eux et avec les contes de pays étrangers. Le conte de fées littéraire est devenu à la mode au XVIIe siècle, développé par les femmes aristocratiques comme jeu de société. Cela a contribué à maintenir la tradition orale. Selon Jack Zipes, « le sujet des conversations était la littérature, les mœurs, le goût et l'étiquette, les orateurs s'efforçant tous de décrire des situations idéales dans le style oratoire le plus efficace qui aurait progressivement un effet majeur sur les formes littéraires. » De nombreux folkloristes du XVIIIe siècle ont tenté de récupérer le conte populaire « pur », non contaminé par des versions littéraires. Pourtant, même si les contes de fées oraux ont probablement existé des milliers d’années avant les formes littéraires, il n’existe pas de conte populaire pur, et chaque conte de fées littéraire s’inspire des traditions populaires, ne serait-ce que sous forme de parodie. Il est donc impossible de retracer les formes de transmission d'un conte de fées. On sait que les conteurs oraux lisent des contes de fées littéraires pour augmenter leur propre stock d'histoires et de traitements. Histoire La tradition orale du conte de fées est apparue bien avant la page écrite. Les contes étaient racontés ou mis en scène de manière dramatique, plutôt que écrits, et transmis de génération en génération. De ce fait, l’histoire de leur développement est nécessairement obscure et floue. Les contes de fées apparaissent de temps en temps dans la littérature écrite à travers les cultures lettrées, comme dans L'Âne d'or, qui comprend Cupidon et Psyché (Romain, 100-200 après J.-C.), ou le Panchatantra (Inde, 3e siècle avant notre ère), mais il est inconnu. dans quelle mesure ceux-ci reflètent les contes populaires réels, même de leur propre époque. Les preuves stylistiques indiquent que ces recueils, ainsi que de nombreux recueils ultérieurs, ont transformé les contes populaires en formes littéraires. Ce qu’ils montrent, c’est que le conte de fées a des racines anciennes, plus anciennes que la collection de contes magiques des Mille et Une Nuits (compilée vers 1500 après JC), tels que Vikram et le vampire et Bel et le dragon. Outre ces recueils et contes individuels, en Chine, des philosophes taoïstes tels que Liezi et Zhuangzi ont raconté des contes de fées dans leurs œuvres philosophiques. Moss Roberts, "Introduction", p. XVIII, Contes de fées et fantasmes chinois. ISBN0-394-73994-9. Dans la définition plus large du genre, les premiers contes de fées occidentaux célèbres sont ceux d'Ésope (VIe siècle avant JC) dans la Grèce antique. Jack Zipes écrit dans When Dreams Came True : « Il y a des éléments de conte de fées dans Les Contes de Canterbury de Chaucer, The Faerie Queene d'Edmund Spenser et ... dans de nombreuses pièces de William Shakespeare. » Le Roi Lear peut être considéré comme une variante littéraire de contes de fées tels que L'Eau et le Sel et Cap O' Rushes. Le conte lui-même refait surface dans la littérature occidentale aux XVIe et XVIIe siècles, avec Les Nuits facétieuses de Straparola de Giovanni Francesco Straparola (Italie, 1550 et 1553), qui contient de nombreux contes de fées dans ses récits en hors-texte, et les contes napolitains de Giambattista Basile ( Naples, 1634-1636), qui sont tous des contes de fées. Carlo Gozzi a utilisé de nombreux motifs de contes de fées dans ses scénarios de la Commedia dell'Arte, dont un basé sur L'Amour des trois oranges (1761). Simultanément, Pu Songling, en Chine, a inclus de nombreux contes de fées dans son recueil, Strange Stories from a Chinese Studio (publié à titre posthume, 1766). Le conte de fées lui-même devint populaire parmi les précieux de la haute France (1690-1710), et parmi les contes racontés à cette époque figuraient ceux de La Fontaine et des Contes de Charles Perrault (1697), qui fixèrent les formes de Dormir. La Belle et Cendrillon. Bien que les recueils de Straparola, Basile et Perrault contiennent les formes connues les plus anciennes de divers contes de fées, d'après les preuves stylistiques, tous les écrivains ont réécrit les contes pour obtenir un effet littéraire. L’ère des salons Au milieu du XVIIe siècle, une vogue des contes magiques apparaît parmi les intellectuels qui fréquentent les salons parisiens. Ces salons étaient des rassemblements réguliers organisés par d'éminentes femmes de l'aristocratie, où femmes et hommes pouvaient se réunir pour discuter des problèmes du jour. Dans les années 1630, les femmes aristocratiques commencèrent à se réunir dans leurs propres salons, afin de discuter des sujets de leur choix : arts et lettres, politique et questions sociales intéressant immédiatement les femmes de leur classe : mariage, amour, l'indépendance financière et physique et l'accès à l'éducation. C’était une époque où les femmes n’avaient pas accès à une éducation formelle. Certaines des écrivaines les plus douées de l'époque sont issues de ces premiers salons (comme Madeleine de Scudéry et Madame de Lafayette), qui encourageaient l'indépendance des femmes et s'opposaient aux barrières de genre qui définissaient leur vie. Les salonnières défendaient particulièrement la compatibilité amoureuse et intellectuelle entre les sexes, s'opposant au système des mariages arrangés. Au milieu du XVIIe siècle, une passion pour les jeux de société conversationnels basés sur les intrigues de vieux contes populaires envahit les salons. Chaque salonnière était appelée à raconter un vieux conte ou à retravailler un vieux thème, en filant de nouvelles histoires intelligentes qui non seulement mettaient en valeur l'agilité verbale et l'imagination, mais commentaient aussi sournoisement les conditions de la vie aristocratique. Une grande importance a été accordée à un mode de prestation qui semblait naturel et spontané. Le langage décoratif des contes de fées remplissait une fonction importante : dissimuler le sous-texte rebelle des histoires et les faire passer devant les censeurs de la cour. Les critiques de la vie de cour (et même du roi) étaient ancrées dans des récits extravagants et sombres et résolument dystopiques. Il n'est pas surprenant que les contes féminins mettent souvent en scène de jeunes filles aristocratiques (mais intelligentes) dont la vie était contrôlée par les caprices arbitraires des pères, des rois et des vieilles fées méchantes, ainsi que des contes dans lesquels des groupes de fées sages (c'est-à-dire intelligentes, indépendantes) femmes) sont intervenues et ont tout remis en ordre. Les contes de salon tels qu'ils ont été initialement écrits et publiés ont été conservés dans un ouvrage monumental appelé Le Cabinet des Fées, un énorme recueil de contes des XVIIe et XVIIIe siècles. Travaux ultérieurs Les premiers collectionneurs à tenter de préserver non seulement l'intrigue et les personnages du conte, mais aussi le style dans lequel ils étaient racontés, furent les frères Grimm, collectionnant des contes de fées allemands ; ironiquement, cela signifiait que même si leur première édition (1812 et 1815) restait un trésor pour les folkloristes, ils réécrivirent les contes dans les éditions ultérieures pour les rendre plus acceptables, ce qui assura leurs ventes et la popularité ultérieure de leur œuvre. De telles formes littéraires ne s’inspiraient pas seulement du conte populaire, mais influençaient également les contes populaires. Les frères Grimm rejetèrent plusieurs contes pour leur recueil, bien que racontés oralement par des Allemands, parce que les contes dérivaient de Perrault, et ils conclurent qu'il s'agissait par là de contes français et non allemands ; une version orale de Barbe Bleue fut donc rejetée, et le conte de Petite Briar Rose, clairement lié à La Belle au bois dormant de Perrault, fut inclus uniquement parce que Jacob Grimm convainquit son frère que la figure de Brynhildr, issue de la mythologie nordique bien antérieure, prouvait que l'être endormi princesse était un folklore authentiquement germanique. Cette réflexion sur l'opportunité de conserver la Belle au bois dormant reflétait une croyance commune parmi les folkloristes du XIXe siècle : selon laquelle la tradition populaire préservait les contes de fées sous des formes de la préhistoire, sauf lorsqu'ils étaient « contaminés » par de telles formes littéraires, amenant les gens à raconter des contes inauthentiques. Les paysans ruraux, illettrés et sans instruction, s'ils étaient convenablement isolés, constituaient le peuple et racontaient de pures histoires populaires. Parfois, ils considéraient les contes de fées comme une forme de fossile, les restes d’un conte autrefois parfait. Cependant, des recherches plus approfondies ont conclu que les contes de fées n'avaient jamais eu de forme fixe et que, quelle que soit l'influence littéraire, les conteurs les modifiaient constamment pour leurs propres besoins. Le travail des frères Grimm a influencé d'autres collectionneurs, les incitant à collectionner des contes et les amenant à croire également, dans un esprit de nationalisme romantique, que les contes de fées d'un pays en étaient particulièrement représentatifs, au mépris des différences culturelles. influence. Parmi les personnes influencées figuraient le Russe Alexander Afanasyev (publié pour la première fois en 1866), les Norvégiens Peter Christen Asbjørnsen et Jørgen Moe (publié pour la première fois en 1845), le Roumain Petre Ispirescu (publié pour la première fois en 1874), l'Anglais Joseph Jacobs (publié pour la première fois en 1890). ), et Jeremiah Curtin, un Américain qui collectionnait des contes irlandais (publiés pour la première fois en 1890). Les ethnographes ont collecté des contes de fées à travers le monde et ont trouvé des contes similaires en Afrique, dans les Amériques et en Australie ; Andrew Lang a pu s'appuyer non seulement sur les contes écrits d'Europe et d'Asie, mais aussi sur ceux rassemblés par les ethnographes, pour remplir sa série de livres de fées « colorés ». Ils encouragent également d'autres collectionneurs de contes de fées, comme lorsque Yei Theodora Ozaki crée une collection, Contes de fées japonais (1908), après les encouragements de Lang. Simultanément, des écrivains tels que Hans Christian Andersen et George MacDonald perpétuent la tradition des contes de fées littéraires. Le travail d'Andersen s'inspire parfois de vieux contes populaires, mais déploie le plus souvent des motifs et des intrigues de contes de fées dans de nouveaux contes. MacDonald a incorporé des motifs de contes de fées à la fois dans de nouveaux contes de fées littéraires, tels que The Light Princess, et dans des œuvres du genre qui deviendraient fantastiques, comme dans La Princesse et le gobelin ou Lilith. Transmission interculturelle Deux théories des origines ont tenté d'expliquer les éléments communs aux contes de fées répartis sur les continents. La première est qu’un point d’origine unique a généré un conte donné, qui s’est ensuite répandu au fil des siècles ; l’autre est que ces contes de fées proviennent d’une expérience humaine commune et peuvent donc apparaître séparément dans de nombreuses origines différentes. Les contes de fées avec des intrigues, des personnages et des motifs très similaires se retrouvent répartis dans de nombreuses cultures différentes. De nombreux chercheurs pensent que cela est dû à la diffusion de telles histoires, car les gens répètent des histoires qu'ils ont entendues dans des pays étrangers, bien que la nature orale rende impossible de retracer l'itinéraire autrement que par déduction. Les folkloristes ont tenté de déterminer l'origine par des preuves internes, qui ne peuvent pas toujours être claires ; Joseph Jacobs, comparant le conte écossais Le Cavalier des énigmes avec la version recueillie par les frères Grimm, L'Énigme, a noté que dans Le Cavalier des énigmes, un héros finit par se marier polygame, ce qui pourrait indiquer une coutume ancienne, mais dans L'Énigme, l’énigme la plus simple pourrait faire valoir une plus grande antiquité. Les folkloristes de l'école « finlandaise » (ou historique-géographique) ont tenté de situer les contes de fées à leur origine, avec des résultats peu concluants. Parfois, l'influence, surtout dans un espace et dans un temps limités, est plus nette, comme lorsqu'on considère l'influence des contes de Perrault sur ceux recueillis par les frères Grimm. Little Briar-Rose semble provenir de La Belle au bois dormant de Perrault, car le conte des Grimms semble être la seule variante allemande indépendante. De même, l'accord étroit entre l'ouverture de la version des Grimms du Petit Chaperon Rouge et le conte de Perrault indique une influence, bien que la version des Grimms ajoute une fin différente (peut-être dérivée du Loup et des sept jeunes enfants). Les contes de fées ont tendance à prendre la couleur du lieu, à travers le choix des motifs, le style dans lequel ils sont racontés et la représentation des personnages et des couleurs locales. Les frères Grimm croyaient que les contes de fées européens dérivaient de l’histoire culturelle partagée par tous les peuples indo-européens et étaient donc anciens, bien plus anciens que les documents écrits. Ce point de vue est étayé par les recherches de l'anthropologue Jamie Tehrani et de la folkloriste Sara Graca Da Silva utilisant l'analyse phylogénétique, une technique développée par les biologistes évolutionnistes pour retracer la relation entre les espèces vivantes et fossiles. Parmi les contes analysés figuraient Jack et le haricot magique, qui remontent à l'époque de la scission de l'Indo-européen oriental et occidental, il y a plus de 5 000 ans. La Belle et la Bête et Rumpelstiltskin semblent avoir été créés il y a environ 4 000 ans. L’histoire du Forgeron et du Diable (Deal with the Devil) semble dater de l’âge du bronze, il y a environ 6 000 ans. Association avec des enfants À l’origine, les adultes étaient aussi souvent le public des contes de fées que les enfants. Les contes de fées littéraires sont apparus dans des œuvres destinées aux adultes, mais aux XIXe et XXe siècles, le conte de fées est devenu associé à la littérature pour enfants. Les précieuses, dont Madame d'Aulnoy, destinaient leurs œuvres aux adultes, mais considéraient leur source comme les contes que les domestiques, ou d'autres femmes des classes inférieures, racontaient aux enfants. En effet, un roman de l'époque, représentant le prétendant d'une comtesse proposant de raconter une telle histoire, fait s'exclamer la comtesse qu'elle aime les contes de fées comme si elle était encore une enfant. Parmi les défuntes précieuses, Jeanne-Marie Le Prince de Beaumont a rédigé une version pour enfants de La Belle et la Bête, et c'est son conte qui est aujourd'hui le plus connu. Les frères Grimm ont intitulé leur recueil Contes pour enfants et ménages et ont réécrit leurs contes après des plaintes selon lesquelles ils ne convenaient pas aux enfants. À l’ère moderne, les contes de fées ont été modifiés pour pouvoir être lus aux enfants. Les frères Grimm se concentraient principalement sur les références sexuelles ; Raiponce, dans la première édition, révélait les visites du prince en demandant pourquoi ses vêtements étaient devenus serrés, laissant ainsi la sorcière en déduire qu'elle était enceinte, mais dans les éditions suivantes, elle révéla négligemment qu'il était plus facile de tirer le prince que la sorcière. D’un autre côté, à bien des égards, la violence, en particulier lorsqu’il s’agissait de punir les méchants, s’est accrue. D’autres révisions, ultérieures, ont supprimé la violence ; J.R.R. Tolkien a noté que Le Genévrier avait souvent son ragoût cannibale découpé dans une version destinée aux enfants. La tendance moralisatrice de l’ère victorienne a modifié les contes classiques pour enseigner des leçons, comme lorsque George Cruikshank a réécrit Cendrillon en 1854 pour y inclure des thèmes de tempérance. Sa connaissance Charles Dickens a protesté : « À une époque utilitaire, comme à toute autre époque, il est de la plus haute importance que les contes de fées soient respectés. » Des psychanalystes comme Bruno Bettelheim, qui considérait la cruauté des contes de fées plus anciens comme révélateurs de conflits psychologiques, ont vivement critiqué cette expurgation, car elle affaiblissait leur utilité tant pour les enfants que pour les adultes en tant que moyen de résoudre symboliquement les problèmes. L'adaptation des contes de fées pour enfants se poursuit. L'influent Blanche-Neige et les Sept Nains de Walt Disney était en grande partie (mais certainement pas uniquement) destiné au marché des enfants. L'anime Magical Princess Minky Momo s'inspire du conte de fées Momotarō. Jack Zipes a passé de nombreuses années à travailler pour rendre les anciennes histoires traditionnelles accessibles aux lecteurs modernes et à leurs enfants. Contes contemporains Littéraire Dans la littérature contemporaine, de nombreux auteurs ont utilisé la forme des contes de fées pour diverses raisons, par exemple pour examiner la condition humaine à partir du cadre simple fourni par un conte de fées. Certains auteurs cherchent à recréer un sens du fantastique dans un discours contemporain. Certains écrivains utilisent des formes de contes de fées pour des problèmes modernes ; cela peut inclure l'utilisation des drames psychologiques implicites dans l'histoire, comme lorsque Robin McKinley a raconté Donkeyskin dans le roman Deerskin, en mettant l'accent sur le traitement abusif que le père du conte a infligé à sa fille. Parfois, en particulier dans la littérature jeunesse, les contes de fées sont racontés avec une touche simplement pour un effet comique, comme The Stinky Cheese Man de Jon Scieszka et The ASBO Fairy Tales de Chris Pilbeam. Un motif courant dans la bande dessinée est un monde où se déroulent tous les contes de fées et où les personnages sont conscients de leur rôle dans l'histoire, comme dans la série de films Shrek. D’autres auteurs peuvent avoir des motivations spécifiques, telles que des réévaluations multiculturelles ou féministes de contes de fées à prédominance eurocentrique et dominée par les hommes, impliquant une critique de récits plus anciens. La figure de la demoiselle en détresse a été particulièrement attaquée par de nombreuses critiques féministes. Des exemples de renversements narratifs rejetant cette figure incluent The Paperbag Princess de Robert Munsch, un livre d'images destiné aux enfants dans lequel une princesse sauve un prince, et The Bloody Chamber d'Angela Carter, qui raconte un certain nombre de contes de fées d'un point de vue féminin. Il existe également de nombreux récits érotiques contemporains de contes de fées, qui s'appuient explicitement sur l'esprit original des contes et sont spécifiquement destinés aux adultes. Les récits modernes se concentrent sur l'exploration du conte à travers l'utilisation de l'érotisme, de la sexualité explicite, des thèmes sombres et/ou comiques, de l'autonomisation des femmes, du fétichisme et du BDSM, des personnages multiculturels, hétérosexuels et LGBT. Cleis Press, éditeur indépendant de livres dans les domaines de la sexualité, de l'érotisme, du féminisme, des études gays et lesbiennes, des études de genre, de la fiction et des droits de l'homme, a publié plusieurs anthologies érotiques sur le thème des contes de fées, notamment Fairy Tale Lust, Lustfully Ever After et Une princesse liée. Il peut être difficile d'établir la règle entre les contes de fées et les fantaisies qui utilisent des motifs de contes de fées, voire des intrigues entières, mais la distinction est généralement faite, même au sein des œuvres d'un seul auteur : Lilith et Phantastes de George MacDonald sont considérés comme des fantaisies. , tandis que ses "La Princesse Lumineuse", "La Clé d'Or" et "La Femme Sage" sont communément appelés contes de fées. La distinction la plus notable est que les fantasmes de contes de fées, comme d’autres fantasmes, utilisent des conventions d’écriture romanesque en matière de prose, de caractérisation ou de décor. Film Les contes de fées ont été mis en scène de manière dramatique ; il en existe des traces dans la commedia dell'arte, et plus tard dans la pantomime. L'avènement du cinéma a permis de présenter de telles histoires de manière plus plausible, grâce à l'utilisation d'effets spéciaux et d'animations. La Walt Disney Company a eu un impact significatif sur l’évolution du film de conte de fées. Certains des premiers courts métrages muets du studio Disney étaient basés sur des contes de fées, et certains contes de fées ont été adaptés en courts métrages dans la série de comédie musicale "Silly Symphonies", comme Three Little Pigs. Le premier long métrage de Walt Disney, Blanche-Neige et les Sept Nains, sorti en 1937, était un film révolutionnaire pour les contes de fées et, bien sûr, pour la fantasy en général. Disney et ses successeurs créatifs sont revenus à de nombreuses reprises aux contes de fées traditionnels et littéraires avec des films tels que Cendrillon (1950), La Belle au bois dormant (1959) et La Belle et la Bête (1991). L'influence de Disney a contribué à établir le genre des contes de fées en tant que genre destiné aux enfants et a été accusé par certains de dénaturer le naturalisme brut – et les fins parfois malheureuses – de nombreux contes de fées populaires. Cependant, d’autres notent que l’adoucissement des contes de fées s’est produit bien avant Disney. De nombreux contes de fées filmés ont été réalisés principalement pour les enfants, depuis les œuvres ultérieures de Disney jusqu'au récit d'Alexandr Rou de Vasilissa la Belle, le premier film soviétique à utiliser des contes populaires russes dans un long métrage à gros budget. D'autres ont utilisé les conventions des contes de fées pour créer de nouvelles histoires avec des sentiments plus pertinents pour la vie contemporaine, comme dans Labyrinthe, Mon voisin Totoro, Happily N'Ever After et les films de Michel Ocelot. D'autres œuvres ont raconté des contes de fées familiers dans une variante plus sombre, plus horrifique ou psychologique, destinée principalement aux adultes. Des exemples notables sont La Belle et la Bête de Jean Cocteau et La Compagnie des loups, basés sur le récit d'Angela Carter du Petit Chaperon rouge. De même, Princess Mononoke, Pan's Labyrinth, Suspiria et Spike créent de nouvelles histoires dans ce genre à partir de motifs de contes de fées et de folklore. Dans les bandes dessinées et les séries télévisées d'animation, The Sandman, Revolutionary Girl Utena, Princess Tutu, Fables et MÄR utilisent tous des éléments de conte de fées standards à des degrés divers, mais sont plus précisément classés comme fantastiques de conte de fées en raison des lieux et des personnages définis qu'un récit plus long a besoin. Un conte de fées cinématographique plus moderne serait Le Notti Bianche de Luchino Visconti, avec Marcello Mastroianni avant qu'il ne devienne une superstar. Il implique de nombreuses conventions romantiques des contes de fées, mais il se déroule dans l'Italie de l'après-Seconde Guerre mondiale et se termine Motifs Toute comparaison des contes de fées révèle rapidement que de nombreux contes de fées ont des caractéristiques communes les uns avec les autres. Deux des classifications les plus influentes sont celles d'Antti Aarne, telles que révisées par Stith Thompson dans le système de classification Aarne-Thompson, et Morphology of the Folk Tale de Vladimir Propp. Aarne-Thompson Ce système regroupe les contes de fées et populaires selon leur intrigue globale. Les caractéristiques communes et identificatoires sont sélectionnées pour décider quels contes sont regroupés. Beaucoup dépend donc des caractéristiques considérées comme décisives. Par exemple, des contes comme Cendrillon – dans lesquels une héroïne persécutée, avec l'aide de la fée marraine ou d'un assistant magique similaire, assiste à un événement (ou trois) au cours duquel elle gagne l'amour d'un prince et est identifiée comme sa véritable épouse, sont classés comme type 510, l'héroïne persécutée. Certains de ces contes sont The Wonderful Birch ; Aschenputtel; Manteau en bois Katie ; L'histoire de Tam et Cam ; Ye Xian ; Cap O' Rushes; Peau de chat ; Juste, marron et tremblant ; Finette Cendron; Allerleirauh. Une analyse plus approfondie des contes montre que dans Cendrillon, Le Merveilleux Bouleau, L'Histoire de Tam et Cam, Ye Xian et Aschenputtel, l'héroïne est persécutée par sa belle-mère et se voit refuser la permission d'aller au bal ou à un autre événement, et dans Fair, Brown et Trembling et Finette Cendron par ses sœurs et autres figures féminines, regroupées en 510A ; tandis qu'à Cap O'Rushes, Catskin et Allerleirauh, l'héroïne est chassée de chez elle par les persécutions de son père et doit travailler dans une cuisine ailleurs, et celles-ci sont regroupées sous le numéro 510B. Mais dans Katie Woodencloak, elle est chassée de chez elle par les persécutions de sa belle-mère et doit prendre du service dans une cuisine ailleurs, et dans Tattercoats, son grand-père lui refuse la permission d'aller au bal. Compte tenu de ces caractéristiques communes aux deux types de 510, Katie Woodencloak est classée comme 510A parce que le méchant est la belle-mère, et Tattercoats comme 510B parce que le grand-père remplit le rôle du père. Ce système a ses faiblesses dans la difficulté de ne pas pouvoir classer les sous-parties d'un conte comme motifs. Raiponce est de type 310 (La jeune fille dans la tour), mais elle s'ouvre sur un enfant exigé en échange de nourriture volée, tout comme Puddocky ; mais Puddocky n'est pas un conte de Maiden in the Tower, alors que Le Prince des Canaries, qui s'ouvre sur une belle-mère jalouse, l'est. Il se prête également à mettre l’accent sur les éléments communs, dans la mesure où le folkloriste décrit Le Taureau Noir de Norroway comme la même histoire que la Belle et la Bête. Cela peut être utile comme raccourci, mais peut également effacer la coloration et les détails d’une histoire. Morphologie Vladimir Propp a spécifiquement étudié une collection de contes de fées russes, mais son analyse s'est avérée utile pour les contes d'autres pays. Après avoir critiqué l'analyse de type Aarne-Thompson pour ignorer l'action des motifs dans les histoires, et parce que les motifs utilisés n'étaient pas clairement distincts, il a analysé les contes pour la fonction que remplissait chaque personnage et chaque action et a conclu qu'un conte était composé de trente et un éléments. « fonctions ») et sept personnages ou « sphères d'action » (« la princesse et son père » forment une seule sphère). Même si les éléments n'étaient pas tous requis pour tous les contes, lorsqu'ils apparaissaient, ils le faisaient dans un ordre invariant – sauf que chaque élément individuel pouvait être nié deux fois, de sorte qu'il apparaissait trois fois, comme lorsque, dans Frère et Sœur, le frère résiste deux fois à boire aux ruisseaux enchantés, de sorte que c'est le troisième qui l'enchante. Les 31 fonctions de Propp s'inscrivent également dans six « étapes » (préparation, complication, transfert, lutte, retour, reconnaissance), et une étape peut également être répétée, ce qui peut affecter l'ordre perçu des éléments. L'un de ces éléments est le donateur qui apporte une assistance magique au héros, souvent après l'avoir testé. Dans L'Oiseau d'Or, le renard qui parle teste le héros en le mettant en garde contre l'entrée dans une auberge et, après avoir réussi, l'aide à trouver l'objet de sa quête ; dans Le Garçon qui dessinait des chats, le prêtre conseillait au héros de rester la nuit dans de petits endroits, ce qui le protège d'un mauvais esprit ; dans Cendrillon, la fée marraine donne à Cendrillon les robes dont elle a besoin pour assister au bal, comme le font les esprits de leurs mères dans Bawang Putih Bawang Merah et The Wonderful Birch ; dans The Fox Sister, un moine bouddhiste donne aux frères des bouteilles magiques pour se protéger de l'esprit du renard. Les rôles peuvent être plus compliqués. Dans L'Ettin Rouge, le rôle

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Auteur J.R.R. Tolkien est né dans quel pays ?

Afrique du Sud

John Ronald Reuel Tolkien (; Tolkien a prononcé son nom de famille, voir sa transcription phonétique publiée sur l'illustration dans Le Retour de l'Ombre : L'Histoire du Seigneur des Anneaux, Première Partie. [Édité par] Christopher Tolkien. Londres : Unwin Hyman, [25 août] 1988. (L'histoire de la Terre du Milieu ; 6) ISBN 0-04-440162-0. En général américain, le nom de famille est également prononcé par analogie avec des mots tels que péage et polka, ou. parce que les locuteurs américains généraux se rendent compte que, tout en entendant souvent le britannique comme ; ainsi ou l'américain général deviennent l'approximation la plus proche possible de la prononciation reçue pour de nombreux locuteurs américains. Wells, John 1990. Dictionnaire de prononciation Longman : Longman, ISBN 0-582-. 05383-8 (3 janvier 1892 – 2 septembre 1973), connu sous son nom de plume J. R. R. Tolkien, était un écrivain, poète, philologue et professeur d'université anglais, surtout connu comme l'auteur des œuvres classiques de haute fantaisie Le Hobbit, Le Le Seigneur des Anneaux et Le Silmarillion. Il a été professeur Rawlinson et Bosworth d'anglo-saxon et membre du Pembroke College d'Oxford de 1925 à 1945 et professeur Merton de langue et littérature anglaises et membre du Merton College d'Oxford de 1945 à 1959. Il a été à une époque un ami proche de C. S. Lewis ; ils étaient tous deux membres du groupe de discussion littéraire informel connu sous le nom de Inklings. Tolkien a été nommé Commandeur de l'Ordre de l'Empire britannique par la reine Elizabeth II le 28 mars 1972. Après la mort de Tolkien, son fils Christopher a publié une série d'ouvrages basés sur les nombreuses notes et manuscrits inédits de son père, dont Le Silmarillion. Ceux-ci, avec Le Hobbit et Le Seigneur des Anneaux, forment un ensemble connecté de contes, de poèmes, d'histoires fictives, de langues inventées et d'essais littéraires sur un monde fantastique appelé Arda, et la Terre du Milieu "Terre du Milieu" est dérivée de la Terre du Milieu. Anglais 'de', un anglo-saxon apparenté au vieux norrois, la terre habitée par les humains dans la mythologie nordique. à l'intérieur. Entre 1951 et 1955, Tolkien appliqua le terme légendaire à la plupart de ces écrits. Alors que de nombreux autres auteurs avaient publié des œuvres fantastiques avant Tolkien, le grand succès du Hobbit et du Seigneur des Anneaux a directement conduit à une résurgence populaire du genre. Cela a amené Tolkien à être communément identifié comme le « père » de la littérature fantastique moderne – ou, plus précisément, de la haute fantasy. En 2008, le Times l'a classé sixième sur une liste des « 50 plus grands écrivains britanniques depuis 1945 ». Forbes l'a classé au cinquième rang des « célébrités mortes » les mieux rémunérées en 2009. Biographie Origines familiales Les ancêtres paternels de Tolkien étaient des artisans de la classe moyenne qui fabriquaient et vendaient des horloges, des montres et des pianos à Londres et à Birmingham. La famille Tolkien avait émigré d'Allemagne au XVIIIe siècle mais était devenue « rapidement et intensément anglaise ». Les histoires racontées par sa tante, Grace Tolkien, prétendaient avoir une relation avec la maison Hohenzollern. Des membres « plus prosaïques » de la famille ont déclaré que les Tolkiens étaient arrivés en Angleterre en 1756, en tant que réfugiés de l'invasion de l'électorat de Saxe par Frédéric le Grand pendant la guerre de Sept Ans. Plusieurs familles portant le nom de famille Tolkien ou une orthographe similaire vivent dans le nord-ouest de l'Allemagne, principalement en Basse-Saxe et à Hambourg. Tolkien croyait que son nom de famille dérivait du mot allemand tollkühn, signifiant « téméraire », et s'est inséré en plaisantant en tant que « camée » dans The Notion Club Papers sous le nom littéralement traduit Rashbold. Cependant, cette origine du nom n’a pas été prouvée. Un écrivain allemand a suggéré que le nom proviendrait probablement du village de Tolkynen près de Rastenburg, en Prusse orientale (maintenant en Pologne et connu sous le nom de Tołkiny). Bien que ce village soit éloigné de la Basse-Saxe, son nom dérive de la vieille langue prussienne, aujourd'hui disparue. Enfance John Ronald Reuel Tolkien est né le 3 janvier 1892 à Bloemfontein dans l'État libre d'Orange (aujourd'hui province de l'État libre d'Afrique du Sud) d'Arthur Reuel Tolkien (1857-1896), directeur de banque anglais, et de son épouse Mabel, née Suffield (1870). –1904). Le couple avait quitté l'Angleterre lorsqu'Arthur fut promu à la tête du bureau de Bloemfontein de la banque britannique pour laquelle il travaillait. Tolkien avait un frère cadet, Hilary Arthur Reuel, né le 17 février 1894. Lorsqu'il était enfant, il a été mordu par une grande araignée babouin dans le jardin, un événement que certains pensent plus tard repris dans ses histoires, bien que Tolkien n'ait admis aucun souvenir réel de l'événement et aucune haine particulière envers les araignées à l'âge adulte. Lors d'un autre incident, un jeune domestique de la famille, qui pensait que Tolkien était un bel enfant, emmena le bébé dans son kraal pour le montrer et le ramena le lendemain matin. Quand il avait trois ans, il est allé en Angleterre avec sa mère et son frère pour ce qui était censé être une longue visite familiale. Son père, cependant, est mort en Afrique du Sud d'un rhumatisme articulaire aigu avant qu'il puisse les rejoindre. Cela a laissé la famille sans revenu, alors la mère de Tolkien l'a emmené vivre avec ses parents à Kings Heath, Birmingham. Peu de temps après, en 1896, ils ont déménagé à Sarehole (maintenant à Hall Green), alors village du Worcestershire, plus tard annexé à Birmingham. Il aimait explorer Sarehole Mill et Moseley Bog ainsi que les collines Clent, Lickey et Malvern, qui inspireraient plus tard des scènes dans ses livres, ainsi que les villes et villages voisins tels que Bromsgrove, Alcester et Alvechurch et des lieux tels que la ferme de Bag de sa tante Jane. Fin, dont il a utilisé le nom dans sa fiction. Mabel Tolkien a enseigné à ses deux enfants à la maison. Ronald, comme on l'appelait dans la famille, était un élève passionné. Elle lui a appris beaucoup de botanique et a éveillé en lui le plaisir de l'apparence et du toucher des plantes. Le jeune Tolkien aimait dessiner des paysages et des arbres, mais ses cours favoris étaient ceux concernant les langues, et sa mère lui apprit très tôt les rudiments du latin. Il savait lire à l’âge de quatre ans et écrire couramment peu de temps après. Sa mère lui a permis de lire de nombreux livres. Il n'aimait pas Treasure Island et The Pied Piper et pensait que Alice's Adventures in Wonderland de Lewis Carroll était "amusant mais dérangeant". Il aimait les histoires sur les « Indiens rouges » (Amérindiens) et les œuvres fantastiques de George MacDonald. De plus, les « Livres de Fées » d'Andrew Lang étaient particulièrement importants pour lui et leur influence est apparente dans certains de ses écrits ultérieurs. Mabel Tolkien fut reçue dans l'Église catholique romaine en 1900 malgré les protestations véhémentes de sa famille baptiste, qui cessa toute aide financière en sa faveur. En 1904, lorsque J.R.R. Tolkien avait 12 ans, sa mère est décédée d'un diabète aigu au Fern Cottage à Rednal, qu'elle louait. Elle avait alors environ 34 ans, soit à peu près l’âge qu’une personne atteinte de diabète sucré de type 1 pouvait vivre sans traitement – ​​l’insuline ne serait découverte que deux décennies plus tard. Neuf ans après sa mort, Tolkien écrivait : « Ma chère mère était en effet une martyre, et ce n'est pas à tout le monde que Dieu accorde une voie aussi facile à ses grands dons qu'il l'a fait à Hilary et à moi-même, en nous donnant une mère qui a tué elle-même avec du travail et des ennuis pour nous assurer de garder la foi. Avant sa mort, Mabel Tolkien avait confié la tutelle de ses fils à son ami proche, le Père. Francis Xavier Morgan de l'Oratoire de Birmingham, chargé de les élever comme de bons catholiques. Dans une lettre de 1965 à son fils Michael, Tolkien a rappelé l'influence de celui qu'il a toujours appelé « Père Francis » : « C'était un conservateur gallois-espagnol de la classe supérieure, et il semblait à certains qu'un vieux potin. et il ne l'était pas. J'ai d'abord appris la charité et le pardon auprès de lui ; et à la lumière de cela, j'ai percé même les ténèbres « libérales » d'où je suis sorti, en sachant plus [c'est-à-dire que Tolkien a grandi en sachant plus] sur « Bloody Mary » que la Mère de Jésus - qui n'a jamais été mentionnée sauf comme objet de culte méchant par les Romains. Après la mort de sa mère, Tolkien a grandi dans le quartier d'Edgbaston à Birmingham et a fréquenté la King Edward's School de Birmingham, puis la St. Philip's School. En 1903, il remporte une bourse de la Fondation et retourne à King Edward's. Alors qu'il était élève là-bas, Tolkien était l'un des cadets du Corps de formation des officiers de l'école qui a aidé à « tracer la route » pour le défilé du couronnement du roi George V en 1910. Comme les autres cadets de King Edward's, Tolkien était posté juste devant les portes de Palais de Buckingham. Lettres, non. 306. À Edgbaston, Tolkien y vivait à l'ombre de la Folie de Perrott et de la tour victorienne d'Edgbaston Waterworks, ce qui a peut-être influencé les images des tours sombres dans ses œuvres. Une autre forte influence fut les peintures médiévistes romantiques d'Edward Burne-Jones et de la Confrérie préraphaélite ; le Birmingham Museum and Art Gallery possédait une grande collection d’œuvres exposées au public. Jeunesse Au début de son adolescence, Tolkien a eu sa première rencontre avec un langage construit, Animalic, une invention de ses cousines, Mary et Marjorie Incledon. A cette époque, il étudiait le latin et l’anglo-saxon. L'intérêt pour cette langue s'est rapidement éteint, mais Mary et d'autres, dont Tolkien lui-même, ont inventé une langue nouvelle et plus complexe appelée Nevbosh. Le prochain langage construit avec lequel il travaillera, le naffarin, serait sa propre création. En 1911, alors qu'ils étaient à la King Edward's School de Birmingham, Tolkien et trois amis, Rob Gilson, Geoffrey Bache Smith et Christopher Wiseman, formèrent une société semi-secrète qu'ils appelèrent la T.C.B.S. Les initiales signifiaient Tea Club et Barrovian Society, faisant allusion à leur penchant pour boire du thé dans les magasins Barrow près de l'école et, secrètement, dans la bibliothèque de l'école. Après avoir quitté l'école, les membres sont restés en contact et, en décembre 1914, ils ont tenu un « conseil » à Londres, chez Wiseman. Pour Tolkien, le résultat de cette rencontre fut un fort dévouement à l’écriture de poésie. En 1911, Tolkien partit en vacances d'été en Suisse, un voyage dont il se souvient très bien dans une lettre de 1968, notant que le voyage de Bilbo à travers les Montagnes Brumeuses (« y compris la glissade sur les pierres glissantes dans les forêts de pins ») est directement basé sur ses aventures alors que leur groupe de 12 personnes marchait d'Interlaken à Lauterbrunnen et campait dans les moraines au-delà de Mürren. Cinquante-sept ans plus tard, Tolkien se souvenait de son regret d'avoir quitté la vue sur les neiges éternelles de la Jungfrau et du Silberhorn (« le Silvertine (Celebdil) de mes rêves »). Ils traversèrent la Kleine Scheidegg jusqu'à Grindelwald et traversèrent la Grosse Scheidegg jusqu'à Meiringen. Ils ont continué à travers le col du Grimsel, à travers le Haut-Valais jusqu'à Brigue, puis jusqu'au glacier d'Aletsch et à Zermatt. En octobre de la même année, Tolkien commença ses études à l'Exeter College d'Oxford. Il a d'abord étudié les lettres classiques, mais a changé son cursus en 1913 pour la langue et la littérature anglaises, obtenant son diplôme en 1915 avec les honneurs de première classe à ses examens finaux. Cours et mariage A l'âge de 16 ans, J.R.R. Tolkien a rencontré Edith Mary Bratt, qui avait trois ans son aînée, lorsque lui et son frère Hilary ont emménagé dans la pension où elle vivait à Duchess Road, à Edgbaston. Selon Humphrey Carpenter, Son tuteur, le père Morgan, considérait Edith comme la raison pour laquelle Tolkien avait « raté » ses examens et considérait qu'il était « totalement malheureux » que son fils de substitution ait eu une relation amoureuse avec une femme protestante plus âgée. Il lui interdit de la rencontrer, de lui parler ou même de correspondre avec elle jusqu'à l'âge de 21 ans. Il obéit à cette interdiction à la lettre, à une exception notable près, à propos de laquelle le père Morgan menaça d'interrompre sa carrière universitaire s'il ne s'arrêtait pas. Dans une lettre de 1941 à son fils Michael, Tolkien rappelle : Le soir de son 21e anniversaire, Tolkien écrivit à Edith, qui vivait avec un ami de la famille C.H. Jessop à Cheltenham. Il déclara qu'il n'avait jamais cessé de l'aimer et lui demanda de l'épouser. Edith a répondu qu'elle avait déjà accepté la proposition de George Field, le frère d'un de ses plus proches camarades d'école. Edith a cependant déclaré qu'elle avait accepté d'épouser Field uniquement parce qu'elle se sentait « sur le plateau » et qu'elle avait commencé à douter que Tolkien se souciait toujours d'elle. Elle expliqua que, grâce à la lettre de Tolkien, tout avait changé. Le 8 janvier 1913, Tolkien prit le train pour Cheltenham et fut accueilli sur le quai par Edith. Les deux hommes se sont promenés dans la campagne, se sont assis sous un viaduc ferroviaire et ont discuté. À la fin de la journée, Edith avait accepté la proposition de Tolkien. Elle a écrit à Field et lui a rendu sa bague de fiançailles. Field était « terriblement bouleversé au début » et la famille Field était « insultée et en colère ». En apprenant les nouveaux projets d'Edith, Jessop écrivit à son tuteur : « Je n'ai rien à dire contre Tolkien, c'est un gentleman cultivé, mais ses perspectives sont extrêmement médiocres, et quand il sera en mesure de se marier, je ne peux pas imaginer . S'il avait adopté un métier, cela aurait été différent. Suite à leurs fiançailles, Edith annonça à contrecœur qu'elle se convertissait au catholicisme sur l'insistance de Tolkien. Jessop, "comme beaucoup d'autres de son âge et de sa classe... fortement anti-catholique", était furieux et il ordonna à Edith de trouver un autre logement. Edith Bratt et Ronald Tolkien se sont officiellement fiancés à Birmingham en janvier 1913 et se sont mariés à l'église catholique romaine St. Mary Immaculate, Warwick, le 22 mars 1916. Dans sa lettre de 1941 à Michael, Tolkien a exprimé son admiration pour la volonté de sa femme d'épouser un homme. sans emploi, avec peu d'argent et sans perspectives, sauf la probabilité d'être tué pendant la Grande Guerre. Première Guerre mondiale En août 1914, le Royaume-Uni entre dans la Première Guerre mondiale. Les proches de Tolkien ont été choqués lorsqu'il a choisi de ne pas se porter immédiatement volontaire pour l'armée britannique. Dans une lettre de 1941 à son fils Michael, Tolkien se souvient : « À cette époque, les gars se regroupaient ou étaient publiquement méprisés. C'était une vilaine fracture pour un jeune homme avec trop d'imagination et peu de courage physique. » Au lieu de cela, Tolkien « a enduré l'opprobre » et est entré dans un programme dans lequel il a retardé son enrôlement jusqu'à ce qu'il obtienne son diplôme. Au moment où il passa son examen final en juillet 1915, Tolkien se rappela que les allusions « devenaient franches de la part de ses proches ». Il fut ensuite nommé sous-lieutenant temporaire dans les Fusiliers du Lancashire le 15 juillet 1915. Il s'entraîna avec le 13e bataillon (de réserve) à Cannock Chase, Staffordshire, pendant onze mois. Dans une lettre à Edith, Tolkien se plaignait : « Les gentlemen sont rares parmi les supérieurs, et même les êtres humains sont rares. » Après leur mariage, le lieutenant et Mme Tolkien ont emménagé près du camp d'entraînement. Le 2 juin 1916, Tolkien reçut un télégramme le convoquant à Folkestone pour être transporté en France. Les Tolkiens passèrent la nuit avant son départ dans une chambre de l'hôtel Plough & Harrow à Birmingham. Il écrivit plus tard : « Des officiers subalternes étaient tués, une douzaine par minute. Se séparer de ma femme à ce moment-là... c'était comme une mort. France Le 5 juin 1916, Tolkien monta à bord d'un transport de troupes pour un voyage de nuit à Calais. Comme d'autres soldats arrivant pour la première fois, le lieutenant Tolkien fut envoyé au dépôt de la base du Corps expéditionnaire britannique (BEF) à Étaples. Le 7 juin, Tolkien fut informé qu'il avait été affecté comme officier des transmissions au 11e bataillon (de service), Lancashire Fusiliers. Le bataillon faisait partie de la 74e brigade, 25e division. En attendant d'être convoqué dans son nouveau régiment, Tolkien sombra dans l'ennui. Pour passer le temps, il compose un poème intitulé L'île solitaire, inspiré de ses sentiments lors de la traversée maritime vers Calais. Pour échapper à la censure postale de l'armée britannique, Tolkien a également passé le temps en développant un code de points avec lequel Edith pourrait suivre ses mouvements. Le lieutenant Tolkien quitte Étaples le 27 juin 1916 et rejoint sa nouvelle unité à Rubempré, près d'Amiens. Tolkien s'est retrouvé à commander des hommes enrôlés qui provenaient principalement des villes minières, meunières et tisserandes du Lancashire. Selon John Garth, Tolkien « ressentait une affinité pour ces hommes de la classe ouvrière », mais le protocole militaire lui interdisait de développer des amitiés avec « d'autres rangs ». Au lieu de cela, il était chargé de « les prendre en charge, de les discipliner, de les former et probablement de censurer leurs lettres… Si possible, il était censé inspirer leur amour et leur loyauté ». Tolkien déplora plus tard : « Le travail le plus inapproprié pour un homme... est de diriger d'autres hommes. Pas un sur un million n'est apte à le faire, et encore moins ceux qui recherchent l'opportunité. » Bataille de la Somme Tolkien arriva dans la Somme début juillet 1916. Entre deux mandats derrière les lignes de Bouzincourt, il participa aux assauts de la redoute de Schwaben et du saillant de Leipzig. D'après les mémoires du révérend Mervyn S. Evers, aumônier anglican des Fusiliers du Lancashire : Le temps de combat de Tolkien était un stress terrible pour Edith, qui craignait que chaque coup à la porte puisse apporter la nouvelle de la mort de son mari. Pour contourner la censure postale de l'armée britannique, les Tolkiens ont développé un code secret pour ses lettres à son domicile. En utilisant le code, Edith pouvait suivre les mouvements de son mari sur une carte du front occidental. Le 27 octobre 1916, alors que son bataillon attaquait la tranchée Regina, Tolkien fut atteint de la fièvre des tranchées, une maladie véhiculée par les poux, courants dans les abris. Tolkien fut invalidé en Angleterre le 8 novembre 1916. Beaucoup de ses plus chers camarades d'école furent tués pendant la guerre. Parmi eux se trouvait Rob Gilson du Tea Club et de la Barrovian Society, qui fut tué le premier jour de la Somme alors qu'il menait ses hommes à l'assaut de Beaumont Hamel. Fellow T.C.B.S. Geoffrey Smith a été tué au cours de la même bataille lorsqu'un obus d'artillerie allemand a atterri sur un poste de premiers secours. Le bataillon de Tolkien fut presque complètement anéanti après son retour en Angleterre. Tolkien aurait très bien pu être tué lui-même, mais il avait souffert de problèmes de santé et avait été retiré du combat à plusieurs reprises. Selon John Garth : Plus tard, Tolkien déclara avec indignation que ceux qui cherchaient dans ses œuvres des parallèles avec la Seconde Guerre mondiale se trompaient totalement : Front intérieur Tolkien, faible et émacié, passa le reste de la guerre à alterner entre les hôpitaux et les tâches de garnison, étant jugé médicalement inapte au service général. Au cours de sa convalescence dans un cottage de Little Haywood, dans le Staffordshire, il a commencé à travailler sur ce qu'il a appelé Le Livre des Contes Perdus, en commençant par La Chute de Gondolin. Les Contes Perdus représentaient la tentative de Tolkien de créer une mythologie pour l'Angleterre, un projet qu'il abandonnerait sans jamais l'achever. Tout au long des années 1917 et 1918, sa maladie réapparut, mais il s'était suffisamment rétabli pour effectuer du service à domicile dans divers camps. C'est à cette époque qu'Edith donne naissance à leur premier enfant, John Francis Reuel Tolkien. Dans une lettre de 1941, Tolkien décrit son fils John comme « (conçu et porté pendant l'année de famine de 1917 et la grande campagne des sous-marins) aux alentours de la bataille de Cambrai, alors que la fin de la guerre semblait aussi lointaine qu'elle pouvait l'être. le fait maintenant". Tolkien fut promu au grade temporaire de lieutenant le 6 janvier 1918. Lorsqu'il était en poste à Kingston upon Hull, lui et Edith allèrent se promener dans les bois à proximité de Roos, et Edith commença à danser pour lui dans une clairière parmi les pruches en fleurs. Après la mort de sa femme en 1971, se souvient Tolkien, je n'ai jamais appelé Edith Luthien – mais elle était la source de l'histoire qui, avec le temps, est devenue la partie principale du Silmarillion. Il a été conçu pour la première fois dans une petite clairière boisée remplie de pruches à Roos dans le Yorkshire (où j'ai été pendant une brève période aux commandes d'un avant-poste de la garnison de Humber en 1917, et elle a pu vivre avec moi pendant un certain temps). À cette époque, ses cheveux étaient corbeau, sa peau claire, ses yeux plus brillants que vous ne les avez vus, et elle pouvait chanter – et danser. Mais l'histoire est devenue tordue, et je me retrouve, et je ne peux pas plaider devant l'inexorable Mandos. Cet incident a inspiré le récit de la rencontre de Beren et Lúthien. Carrière académique et littéraire Le 3 novembre 1920, Tolkien est démobilisé et quitte l'armée, conservant son grade de lieutenant. Son premier emploi civil après la Première Guerre mondiale fut à l'Oxford English Dictionary, où il travailla principalement sur l'histoire et l'étymologie des mots d'origine germanique commençant par la lettre W. En 1920, il occupa un poste de lecteur en langue anglaise à l'Oxford English Dictionary. Université de Leeds, et y devient le plus jeune professeur. À Leeds, il a produit A Middle English Vocabulary et une édition définitive de Sir Gawain and the Green Knight avec E. V. Gordon, tous deux devenant des ouvrages académiques standards pendant plusieurs décennies. Il a également traduit Sir Gawain, Pearl et Sir Orfeo. En 1925, il retourne à Oxford en tant que professeur Rawlinson et Bosworth d'anglo-saxon, avec une bourse au Pembroke College. Pendant son séjour au Pembroke College, Tolkien a écrit Le Hobbit et les deux premiers volumes du Seigneur des Anneaux, alors qu'il vivait au 20 Northmoor Road à North Oxford (où une plaque bleue a été placée en 2002). Il a également publié un essai philologique en 1932 sur le nom « Nodens », à la suite de la découverte par Sir Mortimer Wheeler d'un Asclépéion romain à Lydney Park, Gloucestershire, en 1928. Beowulf Dans les années 1920, Tolkien entreprit une traduction de Beowulf, qu'il termina en 1926. Il ne la publia jamais. Il a finalement été édité par son fils et publié en 2014, plus de quarante ans après la mort de Tolkien et près de 90 ans après son achèvement. Dix ans après avoir terminé sa traduction, Tolkien a donné une conférence très acclamée sur l'ouvrage, intitulée « Beowulf : Les monstres et les critiques », qui a eu une influence durable sur les recherches sur Beowulf. Lewis E. Nicholson a déclaré que l'article que Tolkien a écrit sur Beowulf est « largement reconnu comme un tournant dans la critique beowulfienne », notant que Tolkien a établi la primauté de la nature poétique de l'œuvre par opposition à ses éléments purement linguistiques. À l'époque, le consensus universitaire dévalorisait Beowulf parce qu'il s'occupait de batailles enfantines avec des monstres plutôt que de guerre tribale réaliste ; Tolkien a soutenu que l'auteur de Beowulf abordait le destin humain en général, sans se limiter à des politiques tribales particulières, et que les monstres étaient donc essentiels au poème. Là où Beowulf traite de luttes tribales spécifiques, comme à Finnsburg, Tolkien s'est fermement opposé à la lecture d'éléments fantastiques. Dans l'essai, Tolkien révèle également à quel point il accorde une grande importance à Beowulf : « Beowulf est l'une de mes sources les plus précieuses », et cette influence peut être observée dans tout son légendaire de la Terre du Milieu. Selon Humphrey Carpenter, Tolkien avait un moyen ingénieux de commencer sa série de conférences sur Beowulf : il entrait silencieusement dans la pièce, fixait l'auditoire de son regard et commençait soudain à déclamer d'une voix retentissante les premières lignes du poème en l'original anglo-saxon, commençant par un grand cri de Hwæt ! (Le premier mot de ce poème et de plusieurs autres poèmes en vieil anglais), que certains étudiants de premier cycle considéraient comme « Quiet ! » Il ne s'agissait pas tant d'une récitation que d'une représentation dramatique, d'une imitation d'un barde anglo-saxon dans une salle à hydromel, et cela a impressionné des générations d'étudiants car cela leur a fait comprendre que Beowulf n'était pas simplement un texte fixe à lire pour le public. à des fins d'examen, mais un morceau puissant de poésie dramatique. Carpenter, Biographie, page 133. Des décennies plus tard, W.H. Auden a écrit à son ancien professeur : « Je ne pense pas vous avoir jamais dit à quel point ce fut une expérience inoubliable pour moi en tant qu'étudiant de premier cycle de vous entendre réciter Beowulf. La voix était la voix de Gandalf. Deuxième Guerre mondiale À l’approche de la Seconde Guerre mondiale, Tolkien était considéré comme un décrypteur. En janvier 1939, on lui demanda s'il serait prêt à servir dans le département cryptographique du ministère des Affaires étrangères en cas d'urgence nationale. Il a répondu par l'affirmative et, à partir du 27 mars, a suivi un cours au siège londonien de la Government Code and Cypher School. Un enregistrement de sa formation a été trouvé qui comprenait la notation « passionné » à côté de son nom, bien que l'érudit de Tolkien Anders Stenström ait suggéré que « selon toute vraisemblance, ce n'est pas un enregistrement de l'intérêt de Tolkien, mais une note sur la façon de prononcer le nom. " Il a été informé en octobre que ses services ne seraient pas requis. En 1945, Tolkien a déménagé au Merton College d'Oxford, devenant professeur Merton de langue et de littérature anglaises, poste qu'il est resté jusqu'à sa retraite en 1959. Il a été examinateur externe à l'University College de Dublin pendant de nombreuses années. En 1954, Tolkien reçut un diplôme honorifique de l'Université nationale d'Irlande (dont l'UCD était un collège constituant). Tolkien a terminé Le Seigneur des Anneaux en 1948, près d'une décennie après les premières esquisses. Tolkien a également traduit le Livre de Jonas pour la Bible de Jérusalem, publié en 1966. Famille Les Tolkien ont eu quatre enfants : John Francis Reuel Tolkien (17 novembre 1917 – 22 janvier 2003), Michael Hilary Reuel Tolkien (22 octobre 1920 – 27 février 1984), Christopher John Reuel Tolkien (né le 21 novembre 1924) et Priscilla Mary Anne Reuel Tolkien. (né le 18 juin 1929). Tolkien était très dévoué à ses enfants et leur envoyait des lettres illustrées du Père Noël lorsqu'ils étaient jeunes. Chaque année, de nouveaux personnages étaient ajoutés, tels que l'ours polaire du Nord (l'assistant du Père Noël), le bonhomme de neige (son jardinier), l'elfe Ilbereth (sa secrétaire) et divers autres personnages mineurs. Les personnages principaux racontaient les combats du Père Noël contre les gobelins chevauchant des chauves-souris et les diverses farces commises par l'ours polaire du Nord. Retraite et années ultérieures Au cours de sa vie à la retraite, de 1959 jusqu'à sa mort en 1973, Tolkien a reçu une attention publique et une renommée littéraire de plus en plus grandes. Les ventes de ses livres étaient si rentables qu'il regrettait de ne pas avoir choisi une retraite anticipée. Au début, il écrivait des réponses enthousiastes aux demandes des lecteurs, mais il devint de plus en plus mécontent de la popularité soudaine de ses livres auprès du mouvement contre-culturel des années 1960. Dans une lettre de 1972, il déplorait d'être devenu un personnage culte, mais admettait que "même le nez d'une idole très modeste... ne peut pas rester entièrement insensible à la douce odeur de l'encens !" L'attention des fans est devenue si intense que Tolkien a dû retirer son numéro de téléphone de l'annuaire public, et finalement lui et Edith ont déménagé à Bournemouth, qui était alors une station balnéaire fréquentée par la classe moyenne supérieure britannique. Le statut de Tolkien en tant qu'auteur à succès leur a permis d'entrer facilement dans la société polie, mais la compagnie de ses camarades Inklings manquait profondément à Tolkien. Edith, cependant, était ravie de jouer le rôle d'hôtesse de la société, ce qui avait été la raison pour laquelle Tolkien avait choisi Bournemouth en premier lieu. Selon Humphrey Carpenter, les amis qui ont connu Ronald et Edith Tolkien au fil des années n'ont jamais douté de la profonde affection qui les unissait. On pouvait voir dans les petites choses, le degré presque absurde avec lequel chacun se préoccupait de la santé de l'autre et le soin avec lequel ils choisissaient et emballaient mutuellement leurs cadeaux d'anniversaire » ; et dans les grandes affaires, la manière dont Ronald a volontairement abandonné une si grande partie de sa vie à la retraite pour donner à Edith les dernières années à Bournemouth qu'il estimait qu'elle méritait, et la mesure dans laquelle elle s'est montrée fière de sa renommée d'auteur. . Pour eux, la principale source de bonheur était leur amour commun pour leur famille. Cela les a liés jusqu’à la fin de leur vie, et c’était peut-être la force la plus puissante du mariage. Ils étaient ravis de discuter et de réfléchir à chaque détail de la vie de leurs enfants, puis de leurs petits-enfants. Dernières années Edith Tolkien est décédée le 29 novembre 1971, à l'âge de 82 ans. Selon Simon Tolkien : "Ma grand-mère est décédée deux ans avant mon grand-père et il est revenu vivre à Oxford. Merton College lui a donné des chambres juste à côté de High Street. J'y allais fréquemment et il m'emmenait déjeuner à l'hôtel Eastgate. Ces déjeuners étaient plutôt C'était merveilleux pour un garçon de 12 ans de passer du temps avec son grand-père, mais parfois il avait l'air triste. Lors d'une visite, il m'a dit à quel point ma grand-mère lui manquait. Cela devait être très étrange pour lui d'être seul après leur départ. marié depuis plus de 50 ans. Tolkien a été nommé Commandeur de l'Ordre de l'Empire britannique par la reine Elizabeth II lors des honneurs du Nouvel An 1972 et a reçu l'insigne de l'Ordre au palais de Buckingham le 28 mars 1972. La même année, l'Université d'Oxford lui a décerné un doctorat honorifique en Des lettres. Tolkien fit graver le nom de Lúthien sur la pierre tombale d'Edith au cimetière de Wolvercote, à Oxford. Lorsque Tolkien mourut 21 mois plus tard, le 2 septembre 1973, à l'âge de 81 ans, il fut enterré dans la même tombe, avec Beren ajouté à son nom. Les gravures disent : Dans le légendaire de la Terre du Milieu de Tolkien, Lúthien était la plus belle de tous les enfants d'Ilúvatar et a abandonné son immortalité pour son amour pour le guerrier mortel Beren. Après que Beren ait été capturé par les forces du Seigneur des Ténèbres Morgoth, Lúthien est allé à son secours sur le chien-loup parlant Huan. Finalement, lorsque Beren fut tué au combat contre le loup démoniaque Carcharoth, Lúthien, comme Orphée, s'approcha des Valar, l'ordre angélique des êtres chargés du monde par Eru (Dieu), et les persuada de redonner vie à son bien-aimé. Vues Tolkien était un fervent catholique romain, et dans ses opinions religieuses et politiques, il était principalement un modéré traditionaliste, avec des tendances libertaires, distributistes et monarchistes, dans le sens de favoriser les conventions et orthodoxies établies plutôt que l'innovation et la modernisation, tout en fustigeant la bureaucratie gouvernementale ; en 1943, il écrivit : « Mes opinions politiques penchent de plus en plus vers l'anarchie (entendue philosophiquement, signifiant l'abolition du contrôle et non vers des hommes à moustaches avec des bombes) – ou vers une monarchie « anticonstitutionnelle ». Bien qu’il n’en ait pas souvent écrit ou parlé, Tolkien prônait le démantèlement de l’Empire britannique et même du Royaume-Uni. Dans une lettre de 1936 adressée à une ancienne étudiante, la linguiste belge Simonne d'Ardenne, il écrit : « La situation politique est épouvantable... J'ai la plus grande sympathie pour la Belgique – qui a à peu près la taille de n'importe quel pays ! étaient encore délimités par les mers de la Tweed et les murs du Pays de Galles... nous, les gens, savons au moins quelque chose sur la mortalité et l'éternité et quand Hitler (ou un Français) dit "L'Allemagne (ou la France) doit vivre éternellement", nous savons que Il ment." Tolkien avait une haine intense pour les effets secondaires de l’industrialisation, qu’il considérait comme dévorant la campagne anglaise et une vie plus simple. Pendant la majeure partie de sa vie d’adulte, il a dédaigné les voitures, préférant faire du vélo. Cette attitude peut être vue dans son travail, notamment dans la représentation de « l’industrialisation » forcée de la Comté dans Le Seigneur des Anneaux. De nombreux commentateurs ont remarqué un certain nombre de parallèles potentiels entre la saga de la Terre du Milieu et les événements survenus du vivant de Tolkien. On pense souvent que le Seigneur des Anneaux représente l’Angleterre pendant et immédiatement après la Seconde Guerre mondiale. Tolkien a ardemment rejeté cette opinion dans l'avant-propos de la deuxième édition du roman, déclarant qu'il préférait l'applicabilité à l'allégorie. Ce thème est repris plus en détail dans son essai « Sur les contes de fées », où il soutient que les contes de fées sont si appropriés parce qu'ils sont cohérents à la fois en eux-mêmes et avec certaines vérités sur la réalité. Il conclut que le christianisme lui-même suit ce modèle de cohérence intérieure et de vérité extérieure. Sa croyance dans les vérités fondamentales du christianisme amène les commentateurs à trouver des thèmes chrétiens dans Le Seigneur des Anneaux. Tolkien s'opposait fortement à l'utilisation par C. S. Lewis de références religieuses dans ses histoires, qui étaient souvent ouvertement allégoriques. Cependant, Tolkien a écrit que la scène du Mont Doom illustre des lignes du Notre Père. Son amour des mythes et sa foi pieuse se sont réunis dans son affirmation selon laquelle il croyait que la mythologie était l'écho divin de « la Vérité ». Ce point de vue a été exprimé dans son poème et essai intitulé Mythopoeia. Sa théorie selon laquelle les mythes détiennent des « vérités fondamentales » est devenue un thème central des Inklings en général. Religion La fervente foi catholique romaine de Tolkien a été un facteur important dans la conversion de C. S. Lewis de l'athéisme au christianisme, bien que Tolkien ait été consterné que Lewis ait choisi de rejoindre l'Église d'Angleterre. Selon son petit-fils Simon Tolkien, Tolkien a été déçu dans les dernières années de sa vie par certaines des réformes liturgiques et des changements mis en œuvre après le Concile Vatican II : Je me souviens très bien d'être allé à l'église avec lui à Bournemouth. C'était un fervent catholique romain et c'est peu de temps après que l'Église eut changé la liturgie du latin à l'anglais. Mon grand-père ne l'a évidemment pas fait

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Qui fut le premier roi de Hanovre d'Angleterre ?

George I

Hanovre ou Hanovre (; ,), sur la rivière Leine, est la capitale de l'État fédéral de Basse-Saxe (Niedersachsen), en Allemagne et était autrefois par union personnelle le siège familial des rois hanovriens de Grande-Bretagne, sous leur titre de ducs de Brunswick-Lunebourg (décrit plus tard comme l'électeur de Hanovre). A la fin des guerres napoléoniennes, l'électorat est élargi pour devenir la capitale du royaume de Hanovre. De 1868 à 1946, Hanovre était la capitale de la province prussienne de Hanovre et également de la région administrative de Hanovre jusqu'à sa suppression en 2005. Elle est aujourd'hui la capitale du Land de Basse-Saxe. Depuis 2001, elle fait partie du district de Hanovre (Region Hannover), qui est un organisme municipal composé de l'ancien district (Landkreis Hannover) et de la ville de Hanovre (remarque : bien que Région et Landkreis soient traduits par district, ils ne sont pas le même). Avec une population de 518 000 habitants, Hanovre est un centre majeur du nord de l'Allemagne et la treizième plus grande ville du pays. Hanovre accueille également des salons commerciaux annuels tels que la Foire de Hanovre et le CeBIT. Chaque année, Hanovre accueille le Schützenfest Hannover, le plus grand festival de tireurs d'élite au monde, et l'Oktoberfest Hannover, le deuxième plus grand festival de ce type en Allemagne. En 2000, Hanovre a accueilli l'exposition universelle Expo 2000. Le parc des expositions de Hanovre, grâce à de nombreuses extensions, notamment pour l'Expo 2000, est le plus grand du monde. Hanovre revêt une importance nationale en raison de ses universités et de sa faculté de médecine, de son aéroport international et de son grand zoo. La ville est également un point de passage majeur des lignes ferroviaires et des autoroutes (Autobahnen), reliant les principales lignes européennes dans les directions est-ouest (région Berlin-Ruhr) et nord-sud (Hambourg-Munich, etc.). "Hanover" est l'orthographe anglaise traditionnelle. L'orthographe allemande (avec un double n) devient de plus en plus populaire en anglais ; les éditions récentes d'encyclopédies préfèrent l'orthographe allemande, et le gouvernement local utilise l'orthographe allemande sur les sites Web anglais. La prononciation anglaise, avec un accent sur la première syllabe et une deuxième syllabe réduite, s'applique à la fois aux orthographes allemande et anglaise, ce qui est différent de la prononciation allemande, avec un accent sur la deuxième syllabe et une deuxième voyelle longue. L'orthographe anglaise traditionnelle est encore utilisée dans des contextes historiques, notamment lorsqu'il s'agit de la Maison britannique de Hanovre. Histoire Hanovre a été fondée à l'époque médiévale sur la rive est de la rivière Leine. Son nom d'origine Honovere peut signifier « haute rive du fleuve », bien que cela soit débattu (cf. das Hohe Ufer). Hanovre était un petit village de passeurs et de pêcheurs qui devint une ville relativement grande au XIIIe siècle en raison de sa position à un carrefour naturel. Les déplacements terrestres étant relativement difficiles, sa position sur le cours supérieur navigable du fleuve l'a aidé à se développer en augmentant le commerce. Elle était reliée à la ville hanséatique de Brême par la Leine et était située près de la limite sud de la vaste plaine de l'Allemagne du Nord et au nord-ouest des montagnes du Harz, de sorte que le trafic est-ouest, comme les trains muletiers, la traversait. Hanovre était ainsi une porte d'entrée vers les vallées fluviales du Rhin, de la Ruhr et de la Sarre, leurs zones industrielles qui s'étendaient au sud-ouest et les régions de plaines à l'est et au nord, pour le trafic terrestre longeant le Harz entre les Pays-Bas et la Saxe ou la Thuringe. Au 14ème siècle, les principales églises de Hanovre furent construites, ainsi qu'un mur d'enceinte avec trois portes. Le début de l'industrialisation en Allemagne a conduit au commerce du fer et de l'argent en provenance du nord des montagnes du Harz, ce qui a accru l'importance de la ville. En 1636, Georges, duc de Brunswick-Lunebourg, souverain de la principauté de Brunswick-Lunebourg de Calenberg, déménagea sa résidence à Hanovre. Les ducs de Brunswick-Lunebourg furent élevés par l'empereur du Saint-Empire au rang de prince-électeur en 1692, et cette élévation fut confirmée par la Diète impériale en 1708. Ainsi, la principauté fut élevée au rang d'électorat de Brunswick-Lunebourg, familièrement connu comme l'électorat de Hanovre après la capitale de Calenberg (voir aussi : Maison de Hanovre). Ses électeurs deviendront plus tard monarques de Grande-Bretagne (et à partir de 1801, du Royaume-Uni de Grande-Bretagne et d’Irlande). Le premier d'entre eux fut George Ier Louis, qui accéda au trône britannique en 1714. Le dernier monarque britannique à régner à Hanovre fut Guillaume IV. La loi semi-salique, qui exigeait si possible la succession par la lignée masculine, interdisait l'adhésion de la reine Victoria à Hanovre. En tant que descendante masculine de George Ier, la reine Victoria était elle-même membre de la maison de Hanovre. Ses descendants portaient cependant le nom titulaire de son mari, Saxe-Coburg-Gotha. Trois rois de Grande-Bretagne, ou du Royaume-Uni, étaient simultanément princes électoraux de Hanovre. À l'époque de l'union personnelle des couronnes du Royaume-Uni et de Hanovre (1714-1837), les monarques visitaient rarement la ville. En fait, sous les règnes des trois derniers dirigeants conjoints (1760-1837), il n'y eut qu'une seule courte visite, celle de George IV en 1821. De 1816 à 1837, le vice-roi Adolphus représenta le monarque à Hanovre. Pendant la guerre de Sept Ans, la bataille d'Hastenbeck eut lieu près de la ville le 26 juillet 1757. L'armée française vainquit l'armée d'observation hanovrienne, conduisant à l'occupation de la ville dans le cadre de l'invasion de Hanovre. Elle fut reprise par les forces anglo-allemandes dirigées par Ferdinand de Brunswick l'année suivante. 19ème siècle Après que Napoléon ait imposé la Convention d'Artlenburg (Convention de l'Elbe) le 5 juillet 1803, environ 30 000 soldats français occupèrent Hanovre. La Convention exigeait également la dissolution de l'armée de Hanovre. Cependant, George III n'a pas reconnu la Convention de l'Elbe. Cela a abouti à l'émigration d'un grand nombre de soldats de Hanovre vers la Grande-Bretagne, où la Légion allemande du roi a été formée. Elle fut la seule armée allemande à combattre la France tout au long des guerres napoléoniennes. La Légion joua plus tard un rôle important dans la bataille de Waterloo en 1815. Le Congrès de Vienne de 1815 éleva l'électorat au rang de royaume de Hanovre. La capitale Hanovre s'est étendue jusqu'à la rive ouest de la Leine et s'est depuis lors considérablement développée. En 1837, l'union personnelle du Royaume-Uni et de Hanovre prit fin parce que l'héritière de Guillaume IV au Royaume-Uni était une femme (la reine Victoria). Hanovre ne pouvait être hérité que par les héritiers mâles. Ainsi, Hanovre passa au frère de Guillaume IV, Ernest Auguste, et resta un royaume jusqu'en 1866, date à laquelle il fut annexé par la Prusse lors de la guerre austro-prussienne. Bien qu'on s'attende à vaincre la Prusse à la bataille de Langensalza, la Prusse a utilisé l'ordre de bataille Kesselschlacht de Moltke l'Ancien pour détruire l'armée hanovrienne. La ville de Hanovre devient la capitale de la province prussienne de Hanovre. Après l'annexion, la population de Hanovre s'est généralement opposée au gouvernement prussien. Pour l'industrie de Hanovre, cependant, la nouvelle connexion avec la Prusse signifiait une amélioration des affaires. L'introduction du libre-échange a favorisé la croissance économique et a conduit à la reprise du Gründerzeit (l'ère des fondateurs). Entre 1871 et 1912, la population de Hanovre est passée de 87 600 à 313 400 habitants. En 1872, le premier chemin de fer à chevaux fut inauguré et à partir de 1893 un tramway électrique fut installé. En 1887, Emile Berliner, de Hanovre, invente le disque et le gramophone. Allemagne nazie Après 1937, le maire et les commissaires d'État de Hanovre étaient membres du NSDAP (parti nazi). Une importante population juive existait alors à Hanovre. En octobre 1938, 484 Juifs hanovriens d'origine polonaise furent expulsés vers la Pologne, dont la famille Grynszpan. Cependant, la Pologne a refusé de les accepter, les laissant bloqués à la frontière avec des milliers d’autres déportés juifs polonais, nourris seulement par intermittence par la Croix-Rouge polonaise et les organisations caritatives juives. Le fils des Gryszpan, Herschel Grynszpan, était alors à Paris. Lorsqu'il a appris ce qui se passait, il s'est rendu en voiture à l'ambassade d'Allemagne à Paris et a abattu le diplomate allemand Eduard Ernst vom Rath, décédé peu de temps après. Les nazis ont pris cet acte comme prétexte pour organiser un pogrom national connu sous le nom de Kristallnacht. C'est à Hanovre, le 9 novembre 1938, que la synagogue, conçue en 1870 par Edwin Oppler dans un style néo-romantique, fut incendiée par les nazis. En septembre 1941, grâce au plan « Action Lauterbacher », une ghettoïsation des familles juives hanovriennes restantes commença. Avant même la Conférence de Wannsee, le 15 décembre 1941, les premiers Juifs de Hanovre furent déportés à Riga. Au total, 2 400 personnes ont été déportées, et très peu ont survécu. Pendant la guerre, sept camps de concentration furent construits à Hanovre, dans lesquels de nombreux Juifs furent enfermés. Sur les quelque 4 800 Juifs qui vivaient à Hanovre en 1938, moins de 100 étaient encore dans la ville lorsque les troupes de l'armée américaine arrivèrent le 10 avril 1945 pour occuper Hanovre à la fin de la guerre. Aujourd'hui, un mémorial sur la place de l'Opéra rappelle la persécution des Juifs à Hanovre. Après la guerre, un groupe important de survivants juifs orthodoxes du camp de concentration voisin de Bergen-Belsen s'est installé à Hanovre. La Seconde Guerre mondiale En tant que carrefour ferroviaire et routier important et centre de production, Hanovre était une cible majeure des bombardements stratégiques pendant la Seconde Guerre mondiale, y compris la campagne pétrolière. Parmi les cibles figuraient l'AFA (Stöcken), la raffinerie Deurag-Nerag (Misburg), les usines Continental (Vahrenwald et Limmer), les usines de métaux légers United (VLW) à Ricklingen et Laatzen (aujourd'hui parc des expositions de Hanovre), l'usine de valorisation du caoutchouc de Hanovre/Limmer. usine, l'usine Hanomag (Linden) et l'usine de réservoirs M.N.H. Maschinenfabrik Niedersachsen (Badenstedt). Des travailleurs forcés du camp secondaire de Hanovre-Misburg du camp de concentration de Neuengamme étaient parfois utilisés. Des zones résidentielles ont également été ciblées et plus de 6 000 civils ont été tués par les bombardements alliés. Plus de 90 % du centre-ville a été détruit lors de 88 bombardements au total. Après la guerre, l'Aegidienkirche n'a pas été reconstruite et ses ruines ont été laissées comme monument aux morts. L'avancée terrestre alliée en Allemagne atteint Hanovre en avril 1945. La 84e division d'infanterie américaine s'empare de la ville le 10 avril 1945. Hanovre se trouvait dans la zone d'occupation britannique de l'Allemagne et est devenue partie intégrante du nouvel État (Land) de Basse-Saxe en 1946. Aujourd'hui, Hanovre est vice-présidente de la Ville des Maires pour la Paix, une organisation internationale de maires qui mobilise les villes et les citoyens du monde entier pour abolir et éliminer les armes nucléaires d'ici 2020. Développement démographique Géographie Climat Hanovre connaît un climat océanique (classification climatique de Köppen Cfb). Subdivisions Les quartiers # Milieu # Liste Vahrenwald # Bothfeld-Vahrenheide # Champ de trèfle de Buchholz # Misburg-Anderten # Kirchrode-Bemerode-Wülferode # Südstadt-Bult # Cubes de Döhren # Ricklingen # Linden-Limmer # Ahlem-Badenstedt-Davenstedt # Herrenhausen-Stöcken # Nord Quartiers * Ville du Nord * Ville du Sud * Ville de l'Est * Zoo (pour le zoo lui-même, voir Zoo de Hanovre) * Herrenhausen * Kronsberg Principaux sites touristiques L'un des sites les plus célèbres est les jardins royaux de Herrenhausen : Le Grand Jardin est un important jardin baroque européen. Le palais lui-même a cependant été en grande partie détruit par les bombardements alliés mais est actuellement en reconstruction. Certains points d'intérêt sont la Grotte (l'intérieur a été conçu par l'artiste française Niki de Saint-Phalle), le bâtiment de la Galerie, l'Orangerie et les deux pavillons de Rémy de la Fosse. Le Grand Jardin se compose de plusieurs parties. Les plus populaires sont le Grand Terrain et le Nouveau Jardin. Au centre du Nouveau Jardin se trouve la plus haute fontaine de jardin d'Europe. Le théâtre historique du jardin a notamment accueilli les comédies musicales du musicien de rock allemand Heinz Rudolf Kunze. Le Berggarten est un important jardin botanique européen. Certains points d'intérêt sont la Maison Tropicale, la Maison des Cactus, la Maison des Canaries et la Maison des Orchidées, qui abrite l'une des plus grandes collections d'orchidées au monde, ainsi que des oiseaux et des papillons en vol libre. Près de l'entrée du Berggarten se trouve le pavillon historique de la bibliothèque. Le mausolée des Guelfes se trouve également dans le Berggarten. Comme le Grand Jardin, le Berggarten se compose également de plusieurs parties, par exemple les Paradies et le Jardin des Prairies. Il y a aussi le Sea Life Center Hanover, qui est le premier aquarium tropical d'Allemagne. Le Georgengarten est un jardin paysager anglais. Le temple Leibniz et le palais Georgen y sont deux points d'intérêt. L'emblème de Hanovre est le nouvel hôtel de ville (Neues Rathaus). À l’intérieur du bâtiment se trouvent quatre maquettes de la ville. Un ascenseur diagonal/arche unique au monde monte le grand dôme jusqu'à une plate-forme d'observation. Le zoo de Hanovre est l'un des zoos les plus spectaculaires et les meilleurs d'Europe. Le zoo a reçu le Park Scout Award pour la quatrième année consécutive en 2009/10, ce qui le place parmi les meilleurs zoos d'Allemagne. Le zoo se compose de plusieurs zones thématiques : Sambesi, Meyers Farm, Gorilla-Mountain, Jungle-Palace et Mullewapp. Certaines zones plus petites sont l'Australie, la zone boisée des loups et la zone de baignade avec de nombreux oiseaux marins. Il y a aussi une maison tropicale, une maison dans la jungle et une arène de spectacle. La nouvelle zone à thème canadien, Yukon Bay, a ouvert ses portes en 2010. En 2010, le zoo de Hanovre a accueilli plus de 1,6 million de visiteurs. Un autre point d'intérêt est la vieille ville. Au centre se trouvent la grande Marktkirche (église Saint-Georgii et Jacobi, lieu de prédication de l'évêque de la Landeskirche luthérienne de Hanovre) et l'ancien hôtel de ville. A proximité se trouvent la Maison Leibniz, la Maison Nolte et la Tour Béguine. Un quartier très agréable de la vieille ville est le quartier de l'église Kreuz, autour de l'église Kreuz, avec de nombreuses petites ruelles sympas. A proximité se trouve l'ancienne salle de sport royale, aujourd'hui appelée théâtre Ballhof. Aux abords de la vieille ville se trouvent les halles du marché, le palais Leine et les ruines de l'église Aegidien qui est aujourd'hui un monument aux victimes de la guerre et de la violence. Par la porte Marstall, vous arrivez au bord de la rivière Leine, où se trouvent les célèbres Nanas de Niki de Saint-Phalle. Ils font partie du Mile of Sculptures, qui part de la Trammplatz, longe la rive du fleuve, traverse la place Königsworther et se termine à l'entrée du Georgengarten. Près de la vieille ville se trouve le quartier de Calenberger Neustadt où se trouvent la basilique mineure catholique de Saint-Clément, l'église réformée et la Neustädter Hof- und Stadtkirche luthérienne de Saint-Johannis. Parmi les autres sites touristiques populaires figurent la colonne de Waterloo, la maison Laves, le palais de Wangenheim, les archives de l'État de Basse-Saxe, le théâtre de Hanovre, l'horloge Kröpcke, la tour Anzeiger, le bâtiment administratif du NORD/LB, la salle à coupole du Centre des congrès, le Stock de Basse-Saxe, le ministère des Finances, l'église Garten, l'église Luther, la tour Gehry (conçue par l'architecte américain Frank O. Gehry), les arrêts de bus spécialement conçus, l'opéra, la gare centrale, le lac Maschsee et la forêt urbaine d'Eilenriede, l'une des plus grandes d'Europe. Avec environ 40 parcs, forêts et jardins, quelques lacs, deux rivières et un canal, Hanovre offre une grande variété d'activités de loisirs. Depuis 2007, les lettres historiques de Leibniz, visibles à la bibliothèque Gottfried Wilhelm Leibniz, sont inscrites au registre de la Mémoire du monde de l'UNESCO. En dehors du centre-ville se trouve l'EXPO-Park, l'ancien site de l'EXPO 2000. Certains points d'intérêt sont le Planet M., l'ancien pavillon allemand, les pavillons vacants de certaines nations, l'Expowale, l'EXPO-Plaza et l'EXPO-Jardins. (Parc Agricole, EXPO-Parc Sud et les Jardins du changement). Le parc des expositions est accessible par l'Exponale, l'un des plus grands ponts piétonniers d'Europe. Le parc des expositions de Hanovre est le plus grand parc des expositions au monde. Il offre 496 000 mètres carrés d'espace intérieur couvert, 58 000 mètres carrés d'espace en plein air, 27 halls et pavillons. De nombreux halls du parc des expositions sont des joyaux architecturaux. Il propose en outre le Palais des Congrès avec ses 35 salles de réception, ses espaces vitrés entre les halls, ses zones de loisirs herbeuses aux allures de parc et son propre héliport. Deux sites importants du parc des expositions sont la tour Hermès (88,8 mètres de haut) et le toit EXPO, le plus grand toit en bois du monde. Dans le quartier d'Anderten se trouve le Centre européen du fromage, le seul centre d'expérience du fromage en Europe. Un autre site touristique d'Anderten est l'écluse de Hindenburg, qui était la plus grande écluse d'Europe au moment de sa construction en 1928. Le Tiergarten (littéralement le « jardin des animaux ») dans le quartier de Kirchrode est une grande forêt utilisée à l'origine pour les cerfs. et autre jeu pour la table du roi. Dans le quartier de Groß-Buchholz se trouve le Telemax, haut de 282 mètres, qui est le plus haut bâtiment de Basse-Saxe et la plus haute tour de télévision du nord de l'Allemagne. D'autres tours remarquables sont la tour VW au centre-ville et les anciennes tours de l'ancienne ceinture de défense du Moyen-Âge : la tour Döhrener, la tour Lister et la tour des chevaux. Les 36 sites les plus importants du centre-ville sont reliés par une longue ligne rouge peinte sur le trottoir. Ce soi-disant fil rouge jalonne une promenade qui commence à l'Office du tourisme et se termine sur la place Ernst-August, devant la gare centrale. Il existe également une visite guidée en bus touristique à travers la ville. Société et culture Musées et galeries Le musée historique décrit l'histoire de Hanovre, depuis la colonie médiévale "Honovere" jusqu'à la célèbre ville des expositions d'aujourd'hui. Le musée se concentre sur la période de 1714 à 1834, lorsque Hanovre entretenait des relations étroites avec la maison royale britannique. Avec plus de 4 000 membres, la Kestnergesellschaft est la plus grande société artistique d'Allemagne. Le musée accueille des expositions allant de l'art moderniste classique à l'art contemporain. L'accent est mis sur le cinéma, la vidéo, la musique et l'architecture contemporaines, les salles et les grandes présentations de peintures, sculptures et art vidéo contemporains. Le musée Kestner est situé dans la maison aux 5 000 fenêtres. Le musée porte le nom d'August Kestner et expose 6 000 ans d'art appliqué dans quatre domaines : les cultures anciennes, l'Égypte ancienne, l'art appliqué et une précieuse collection de pièces de monnaie historiques. Le KUBUS est un forum d'art contemporain. Il présente principalement des expositions et des projets d'artistes célèbres et importants de Hanovre. La Kunstverein Hannover (Art Society Hanover) présente de l'art contemporain et a été créée en 1832 comme l'une des premières sociétés d'art d'Allemagne. Il est situé dans la Künstlerhaus (Maison des artistes). Il y a environ 7 expositions internationales monographiques et thématiques en un an. Le Musée national de Basse-Saxe est le plus grand musée de Hanovre. La State Gallery présente l'art européen du XIe au XXe siècle, le département Nature présente la zoologie, la géologie, la botanique, la géologie et un vivarium avec des poissons, des insectes, des reptiles et des amphibiens. Le département des origines présente l'histoire primitive de la Basse-Saxe et le département du folklore présente les cultures du monde entier. Le musée Sprengel présente l'art du XXe siècle. C'est l'un des musées d'art les plus remarquables d'Allemagne. L'accent est mis sur l'art moderniste classique avec la collection de Kurt Schwitters, les œuvres de l'expressionnisme allemand et du cubisme français, le cabinet des résumés, le graphisme et le département de photographie et médias. Le musée présente également les œuvres célèbres de l'artiste française Niki de Saint-Phalle. Le Musée du Théâtre présente une exposition sur l'histoire du théâtre de Hanovre du XVIIe siècle à nos jours : opéra, concert, théâtre et ballet. Le musée accueille également plusieurs expositions itinérantes au cours de l'année. Le musée Wilhelm Busch est le musée allemand de la caricature et des arts graphiques critiques. La collection des œuvres de Wilhelm Busch et la vaste collection de dessins animés et de graphiques critiques constituent ce musée unique en Allemagne. De plus, le musée accueille plusieurs expositions d'artistes nationaux et internationaux au cours de l'année. Un cabinet de monnaies est le Münzkabinett der TUI-AG. Le Polizeigeschichtliche Sammlung Niedersachsen est le plus grand musée de la police d'Allemagne. Des textiles du monde entier peuvent être visités au Musée d'art textile. L'EXPOseeum est le musée de l'exposition universelle "EXPO 2000 Hannover". Des tapis et objets d'Orient peuvent être visités au Musée du Tapis d'Orient. Le musée de l'aveugle est une rareté en Allemagne, il n'en existe un autre qu'à Berlin. Le Musée de la médecine vétérinaire est unique en Allemagne. Le Musée de l'histoire de l'énergie décrit les 150 ans d'histoire de l'application de l'énergie. Le Home Museum Ahlem présente l'histoire du quartier d'Ahlem. Le Mahn- und Gedenkstätte Ahlem décrit l'histoire du peuple juif de Hanovre et la Stiftung Ahlers Pro Arte / Kestner Pro Arte présente de l'art moderne. L'art moderne est également le thème principal de la Kunsthalle Faust, de la Nord/LB Art Gellery et du Foro Artistico / Eisfabrik. Certains événements artistiques majeurs à Hanovre sont la Longue Nuit des musées et le Zinnober Kunstvolkslauf qui rassemble toutes les galeries de Hanovre. Les personnes intéressées par l'astronomie devraient visiter l'observatoire Geschwister Herrschel sur le mont Lindener ou le petit planétarium à l'intérieur de l'école Bismarck. Théâtre, cabaret et comédie musicale Hanovre compte environ 40 théâtres. L'Opéra, le Schauspielhaus, les Ballhofeins, le Ballhofzwei et la Cumberlandsche Galerie appartiennent au Théâtre national de Basse-Saxe. Le Theater am Aegi est le grand théâtre de Hanovre proposant des comédies musicales, des spectacles et des spectacles invités. Le Neues Theater (Nouveau Théâtre) est le Théâtre des Boulevards de Hanovre. Le Theater für Niedersachsen est un autre grand théâtre de Hanovre, qui possède également sa propre compagnie musicale. Parmi les productions musicales les plus importantes figurent les comédies musicales rock du musicien rock allemand Heinz Rudolph Kunze, qui se déroulent au Jardin-Théâtre du Grand Jardin. Parmi les événements théâtraux importants figurent le Tanztheater International, la Longue Nuit des Théâtres, le Festival Theaterformen et le Concours International de Chorégraphes. La principale scène de cabaret de Hanovre est le théâtre de variétés GOP, situé dans le palais Georgs. D'autres scènes de cabaret célèbres sont le Variety Marlene, le Uhu-Theatre. le théâtre Die Hinterbühne, le Rampenlich Variety et la revue-scène TAK. L'événement de cabaret le plus important est le Kleines Fest im Großen Garten (Petit festival dans le grand jardin), qui est le festival de cabaret le plus réussi d'Allemagne. Il présente des artistes du monde entier. D'autres événements importants sont les semaines du cabaret Calenberger, le festival du cabaret de Hanovre et le Wintervariety. Musique Musique classique Hanovre compte deux orchestres symphoniques : l'Orchestre d'État de Basse-Saxe de Hanovre et l'Orchestre philharmonique de la radio d'Allemagne du Nord (NDR Radiophilharmonie). Deux chœurs notables ont leur domicile à Hanovre : le Chœur de Filles de Hanovre (Mädchenchor Hannover) et le Chœur de Garçons de Hanovre (Knabenchor Hannover). Il y a/y avait deux grands concours internationaux de musique classique à Hanovre : * Concours International de Violon de Hanovre (depuis 1991) * Concours international de musique Classica Nova (1997) (l'association à but non lucratif Classica Nova existe à Hanovre dans le but de poursuivre le concours Classica Nova). Musique populaire Les groupes de rock Scorpions et Fury in the Slaughterhouse sont originaires de Hanovre. Le célèbre DJ Mousse T possède également son principal studio d'enregistrement dans la région. Rick J. Jordan, membre du groupe Scooter, est né ici en 1968. La gagnante du concours Eurovision de la chanson 2010, Lena (Lena Meyer-Landrut), est également originaire de Hanovre. sport Hanovre 96 (surnom Die Roten ou « Les Rouges ») est la meilleure équipe de football locale qui joue dans la première division de la Bundesliga. Les matchs à domicile se jouent à la HDI-Arena, qui a accueilli les matchs des Coupes du monde 1974 et 2006 et de l'Euro 1988. Leur équipe réserve Hannover 96 II joue en quatrième division. Leurs matchs à domicile se sont déroulés dans le stade traditionnel d'Eilenriedestadium jusqu'à ce qu'ils déménagent à la HDI Arena en raison des directives du DFL. Arminia Hannover est une autre équipe de football très traditionnelle de Hanovre qui joue dans la première ligue depuis des années et joue maintenant dans la Niedersachsen-West Liga (Ligue de Basse-Saxe Ouest). Les matchs à domicile se jouent au stade Rudolf-Kalweit. Les Indiens de Hanovre sont l'équipe locale de hockey sur glace. Ils jouent en troisième division. Leurs matchs à domicile se jouent au traditionnel Eisstadion am Pferdeturm. Les Scorpions de Hanovre ont joué à Hanovre dans la première ligue allemande jusqu'en 2013, date à laquelle ils ont vendu leur licence et ont déménagé à Langenhagen. Hanovre est l'une des capitales du rugby à XV en Allemagne. La première équipe allemande de rugby a été fondée à Hanovre en 1878. Les équipes basées à Hanovre ont longtemps dominé la scène allemande du rugby. Le DRC Hannover joue en première division, le SV Odin von 1905 ainsi que le SG 78/08 Hannover jouent en deuxième division. Le premier club d'escrime allemand a été fondé à Hanovre en 1862. Il existe aujourd'hui trois autres clubs d'escrime à Hanovre. Les Korbjäger de Hanovre sont la meilleure équipe de basket-ball de la ville. Ils jouent leurs matchs à domicile à l'IGS Linden. Hanovre est un centre de sports nautiques. Grâce au lac Maschsee, aux rivières Ihme et Leine et au canal Mittellandkanal, Hanovre accueille des écoles de voile, des écoles de yacht, des clubs de ski nautique, des clubs d'aviron, des clubs de canoë et des clubs de paddle. L'équipe de water-polo WASPO W98 évolue en première division. Les Hannover Regents jouent dans la troisième division de Bundesliga (baseball). Les Hannover Grizzlies sont l'équipe locale de football américain. Le marathon de Hanovre est le plus grand événement de course à pied de Hanovre avec plus de 11 000 participants et généralement environ 200 000 spectateurs. D'autres événements de course importants sont le Gilde Stadtstaffel (relais), le Sport-Check Nachtlauf (course de nuit), le Herrenhäuser Team-Challenge, le Hannoversche Firmenlauf (course d'entreprise) et le Silvesterlauf (course de Sylvestre). Hanovre accueille également une importante course cycliste internationale : la Nacht von Hannover (nuit de Hanovre). La course se déroule autour des Halles du Marché. Le lac Maschsee accueille les courses internationales de bateaux-dragons et le tournoi de canoë et de polo. De nombreuses régates ont lieu au cours de l'année. La tête de la Leine est l'une des plus grandes régates d'aviron de Hanovre. L'une des équipes de bateaux-dragons les plus titrées d'Allemagne, la All Sports Team Hannover, qui a remporté depuis sa fondation en 2000 plus de 100 médailles lors de compétitions nationales et internationales, s'entraîne sur le lac Maschsee, au cœur de Hanovre. L'équipe All Sports a reçu le prix "Équipe de l'année 2013" en Basse-Saxe Parmi les autres événements sportifs importants figurent le tournoi de beach-volley de Basse-Saxe, le concours hippique international German Classics et le tournoi international de hockey sur glace de la Coupe des Nations. Événements réguliers Hanovre est l'une des principales villes d'exposition au monde. Chaque année, Hanovre accueille plus de 60 expositions internationales et nationales. Les plus populaires sont le CeBIT, la Foire de Hanovre, le Domotex, la Ligna, l'IAA Nutzfahrzeuge et l'Agritechnica. Hanovre accueille également un grand nombre de congrès et de symposiums comme le Symposium international sur la société et la gestion des ressources. Mais Hanovre n'est pas seulement l'une des villes d'expositions les plus importantes au monde, c'est aussi l'une des capitales allemandes des tireurs d'élite. Le Schützenfest Hannover est la plus grande fête foraine de tireurs d'élite au monde et a lieu une fois par an (de fin juin à début juillet) (2014 - du 4 au 13 juillet).[http://www.hannover.de HANNOVER.DE - Portal der Landeshauptstadt und der Region Hannover] Il comprend plus de 260 manèges et auberges, cinq grandes tentes à bière et un vaste programme de divertissement. Le point culminant de cette fête foraine est le défilé des tireurs d'élite, long de 12 km, avec plus de 12 000 participants du monde entier, parmi lesquels environ 5 000 tireurs d'élite, 128 fanfares et plus de 70 wagons, calèches et grands véhicules de festival. C'est la plus longue procession d'Europe. Environ 2 millions de personnes visitent cette fête foraine chaque année. Le point de repère de cette Fête Foraine est la plus grande grande roue transportable du monde (60 m de haut). Les origines de cette fête foraine se situent en 1529. Hanovre accueille également l'une des deux plus grandes fêtes du printemps d'Europe avec environ 180 manèges et auberges, 2 grandes tentes à bière et environ 1,5 million de visiteurs chaque année. L'Oktoberfest de Hanovre est la deuxième plus grande Oktoberfest au monde avec environ 160 manèges et auberges, deux grandes tentes à bière et environ 1 million de visiteurs chaque année. Le festival Maschsee se déroule autour du lac Maschsee. Chaque année, environ 2 millions de visiteurs viennent profiter de concerts, de comédies, de cabaret et bien plus encore. Il s'agit du plus grand Volksfest de ce type dans le nord de l'Allemagne. Le Grand Jardin accueille chaque année le concours international de feux d'artifice et les semaines du festival international de Herrenhausen avec beaucoup de musique et de cabaret. Le cortège du carnaval s'étend sur environ 3 km de long et se compose de 3 000 participants, d'une trentaine de véhicules de festival et d'une vingtaine de fanfares et a lieu chaque année. D'autres festivals sont par exemple le Festival Feuer und Flamme (Feu et Flammes), le Gartenfestival (Fête des jardins), le Herbstfestival (Fête d'automne), les Harley Days, le Steintor Festival (Steintor est une zone de fête dans le centre-ville) et le Lister-Meile-Festival (Lister Meile est une grande zone piétonne). Hanovre accueille également des festivals gastronomiques, par exemple le festival du vin et le festival gastronomique. De plus, Hanovre accueille des marchés spéciaux. Le marché aux puces de la vieille ville est le plus ancien marché aux puces d'Allemagne et le marché de l'art et du commerce jouit d'une grande réputation. Parmi les autres grands marchés figurent bien sûr les marchés de Noël de la ville de Hanovre, dans la vieille ville et le centre-ville, ainsi que le Lister Meile. Transport Rail La gare centrale de la ville, Hannover Hauptbahnhof, est une plaque tournante du réseau allemand à grande vitesse ICE. C'est le point de départ de la ligne à grande vitesse Hanovre-Wurtzbourg et également la plaque tournante du S-Bahn de Hanovre. Il offre de nombreuses connexions internationales et nationales. Air Hanovre et sa région sont desservis par l'aéroport international de Hanovre/Langenhagen (code IATA : HAJ ; code OACI : EDDV) Route Hanovre est également une plaque tournante importante du réseau d'autoroutes allemand ; la jonction de deux autoroutes majeures, l'A2 et l'A7, se trouve à Kreuz Hannover-Ost, à la limite nord-est de la ville. Les autoroutes locales sont l'A 352 (un raccourci entre l'A7 (nord) et l'A2 (ouest), également connue sous le nom d'autoroute de l'aéroport car elle passe par l'aéroport de Hanovre) et l'A 37. Le système Schnellweg (en : autoroute), un certain nombre de routes de la Bundesstraße, forme avec l'A2 et l'A7 une structure ressemblant vaguement à un grand périphérique. Les routes sont la B 3, la B 6 et la B 65, appelées Westschnellweg (B6 dans la partie nord, B3 dans la partie sud), Messeschnellweg (B3, devient A37 près de Burgdorf, traverse l'A2, redevient B3, devient B6 à Seelhorster Kreuz , puis passe devant le parc des expositions de Hanovre sous le nom de B6 et redevient l'A37 avant de fusionner avec l'A7) et Südschnellweg (commence par la B65, devient B3/B6/B65 en traversant le Westschnellweg, puis redevient la B65 à Seelhorster Kreuz). Bus et tramway Hanovre dispose d'un vaste système de Stadtbahn et de bus, exploité par üstra. La ville est célèbre pour ses bus et tramways design, les tramways TW 6000 et TW 2000 en étant les exemples les plus connus. Vélo Les pistes cyclables sont très répandues dans le centre-ville. Aux heures creuses, vous êtes autorisé à prendre votre vélo dans un tram ou un bus. Économie Diverses entreprises industrielles sont implantées à Hanovre. L'usine Volkswagen Commercial Vehicles Transporter (VWN) de Hanovre-Stöcken est le plus grand employeur de la région et exploite une immense usine à la limite nord de la ville, à côté du Mittellandkanal et de l'autoroute A2. En collaboration avec une usine du fabricant allemand de pneus et de pièces automobiles Continental AG, ils disposent d'une centrale électrique au charbon. Continental AG, fondée à Hanovre en 1871, est l'une des principales entreprises de la ville, tout comme Sennheiser. Depuis 2008, une reprise est en cours : le groupe Schaeffler de Herzogenaurach (Bavière) détient la majorité des actions mais a été contraint, en raison de la crise financière, de déposer les options sous forme de titres auprès des banques. TUI AG a son siège social à Hanovre. Hanovre abrite de nombreuses compagnies d'assurance, dont beaucoup opèrent uniquement en Allemagne. Hannover Re, dont le siège social se trouve à l'est du centre-ville, est l'une des principales sociétés de réassurance mondiale. Liste des plus grands employeurs de Hanovre Chiffres clés En 2012, la ville a généré un PIB de 29,5 milliards d'euros, ce qui équivaut à 74 822 euros par employé. La valeur brute de la production en 2012 était de 26,4 milliards d'euros, ce qui équivaut à 66,82 euros.

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Quel groupe a sorti un album en 1986 intitulé « The Queen is Dead » ?

The Smiths

The Queen Is Dead est le troisième album studio du groupe de rock anglais The Smiths. Il est sorti le 16 juin 1986 au Royaume-Uni par Rough Trade Records et aux États-Unis le 23 juin 1986 via Sire Records. L'album a passé vingt-deux semaines sur le UK Albums Chart, culminant à la deuxième place. De l'autre côté de l'Atlantique, il atteint le numéro 28 au Canada sur le palmarès des albums RPM 100 et le numéro 70 sur le palmarès Billboard 200, et a été certifié Or par la RIAA à la fin de 1990. Il s'est toujours bien vendu depuis et a été acclamé par la critique unanime. NME le classant comme le meilleur album de tous les temps en 2013. Écriture de chansons Le guitariste Johnny Marr a écrit plusieurs chansons qui apparaîtront plus tard sur The Queen Is Dead pendant que les Smiths effectuaient une tournée en Grande-Bretagne au début de 1985, élaborant des arrangements de chansons avec le bassiste Andy Rourke et le batteur Mike Joyce pendant les balances. Le titre de l'album est tiré du roman "Last Exit to Brooklyn" de l'auteur Hubert Selby, Jr.. Le titre de l'album pourrait être une référence à la scène de Macbeth où Seyton informe le personnage principal du meurtre de sa femme (" La reine, mon Seigneur, est morte"). Le titre pourrait également faire référence à une scène de Cymbeline où Corneille, le médecin, informe Cymbeline, le roi : « La reine est morte ». "The Boy with the Thorn in His Side" était, selon Marr, "un morceau de musique sans effort" et a été écrit en tournée au printemps 1985. Les paroles de la chanson font référence allégoriquement à l'expérience du groupe de l'industrie musicale qui a échoué. pour l'apprécier. En 2003, Morrissey l'a désigné comme sa chanson préférée des Smiths. Une démo de la musique de "Some Girls Are Bigger Than Others" a été publiée par Marr via la boîte aux lettres de Morrissey à l'été 1985. Morrissey a ensuite complété la chanson en ajoutant des paroles. Marr a déclaré qu'il "préférait la musique aux paroles". "Frankly, Mr. Shankly", "I Know It's Over" et "There Is a Light That Never Goes Out" ont été écrits par Morrissey et Marr lors d'une séance d'écriture "marathon" à la fin de l'été 1985 au domicile de Marr à Bowdon, Grand Manchester. Le premier d'entre eux aurait été adressé à Geoff Travis, directeur du label des Smiths, Rough Trade. Travis l'a depuis décrit comme "des paroles drôles" sur "le désir de Morrissey d'être ailleurs", reconnaissant qu'une ligne de la chanson sur "une poésie sanglante et horrible" était une référence à un poème qu'il avait écrit pour Morrissey. "There Is a Light That Never Goes Out" présente des paroles tirées de "Lonely Planet Boy" des New York Dolls. Selon Marr : "Quand nous l'avons joué pour la première fois, j'ai pensé que c'était la meilleure chanson que j'aie jamais entendue". La partie de guitare de "There Is a Light That Never Goes Out" s'inspire de la reprise des Rolling Stones de "Hitch Hike" de Marvin Gaye, une chanson qui, elle-même, a été une source d'inspiration pour "There She Goes Again" du Velvet Underground. La musique de "Never Had No One Ever", achevée en août 1985, était basée sur une démo que Marr avait enregistrée en décembre 1984, elle-même basée sur "I Need Somebody" des Stooges. Selon Marr : "L'atmosphère de ce morceau résume assez bien tout l'album et ce que c'était que de l'enregistrer." Les paroles de la chanson reflètent le sentiment d'insécurité de Morrissey et, étant issu d'une famille d'immigrants, il n'est pas chez lui dans les rues de Manchester. "The Boy with the Thorn in His Side", "Bigmouth Strikes Again" et "Frankly, Mr. Shankly" ont fait leurs débuts en live lors d'une tournée en Écosse en septembre et octobre, au cours de laquelle "The Queen Is Dead" et "There Is a Light That Never Goes Out" ont été vérifiés. "The Queen is Dead" était basé sur une chanson que Marr a commencé à écrire à l'adolescence. "Cemetry Gates" (sic) était un ajout tardif à l'album. Marr ne pensait pas que la partie de guitare était suffisamment intéressante pour être transformée en chanson, mais Morrissey n'était pas d'accord lorsqu'il entendit Marr la jouer. Enregistrement L'album a été produit par Morrissey et Marr, travaillant principalement avec l'ingénieur Stephen Street, qui avait conçu l'album du groupe en 1985, Meat Is Murder. Street se souvient : « Morrissey, Johnny et moi avions une très bonne relation de travail – nous avions tous à peu près le même âge et pratiquions le même genre de choses, donc tout le monde se sentait assez détendu en studio ». A l'époque, le groupe rencontrait des difficultés avec son label Rough Trade. Cependant, selon Street, "cela n'a pas gêné l'enregistrement car l'atmosphère dans le studio était très, très constructive". La première chanson de l'album à être enregistrée, en juillet 1985, était "The Boy with the Thorn in His Side". L'enregistrement, réalisé avec l'ingénieur Stephen Street dans un petit studio de Manchester et initialement prévu comme une démo, a été considéré par le groupe comme suffisamment bon pour être sorti en single. Il a été mis en vente le 16 septembre 1985 et s'est classé 23e dans le UK Singles Chart. En août 1985, "Bigmouth Strikes Again" et "Some Girls Are Bigger Than Others" ont été enregistrés aux RAK Studios à Londres, avec les faces B de "The Boy with the Thorn in His Side", "Asleep" et "Rubber". Anneau". Kirsty MacColl a chanté une voix d'accompagnement pour "Bigmouth Strikes Again", mais elle a été considérée comme "vraiment bizarre" par Marr et a été remplacée par une voix accélérée de Morrissey dans le mix final, pour lequel il est crédité sous le nom d'Ann Coates sur la pochette. de La Reine est morte. "Certaines filles sont plus grandes que d'autres" comprend un faux fondu près du début, destiné par Street à donner l'impression d'une porte qui se ferme et s'ouvre à nouveau. Au cours de la même session, une première version de "Never Had No-one Ever" a été enregistrée. La majeure partie de l'album a été enregistrée à l'hiver 1985 aux Jacob Studios à Farnham, sous le titre provisoire "Margaret on the Guillotine". "Franchement, M. Shankly" était une tentative de recréer "l'ambiance" de "Yesterday's Man" de Sandie Shaw, même si "ça n'a pas vraiment fonctionné de cette façon", selon Marr. Linda McCartney a été invitée à jouer du piano sur le morceau, mais a refusé, et une première prise mettant en vedette un trompettiste a été abandonnée. La version initialement prévue pour être incluse sur The Queen Is Dead a été ruinée par un problème technique sur la bande, et la chanson a donc été réenregistrée avec John Porter aux Wessex Studios à Londres. "The Queen Is Dead" était parmi les dernières chansons enregistrées. Sa boucle de tam-tam distinctive a été créée par Mike Joyce et Stephen Street à l'aide d'un échantillonneur. Une ligne de retour de guitare a été jouée par Marr via une pédale wah-wah tout au long de la chanson. Couverture de l'album La couverture de l'album, conçue par Morrissey, présente Alain Delon du film L'Insoumis de 1964. Libérer The Queen Is Dead est finalement apparu en juin 1986 et a été présenté en avant-première par la sortie du single en mai de " Bigmouth Strikes Again ", le seul single extrait de l'album. Beaucoup ont encouragé le groupe à sortir "There Is a Light That Never Goes Out" en single, mais Johnny Marr aurait voulu un single explosif et brûlant, dans la lignée de "Jumpin' Jack Flash" des Rolling Stones, pour annoncer que les Smiths étaient revenus d'une pause. Il ne s'est pas comporté aussi bien que prévu, se classant au 26e rang des charts britanniques. L'album est généralement considéré comme le meilleur album des Smith. Son mélange de jangle pop, British Invasion, music hall, rockabilly et punk rock est rapidement devenu une sensation britannique et a établi The Smiths comme l'un des plus grands groupes de leur époque. Morrissey et Marr ne sont cependant pas d'accord, citant son successeur de 1987 (et de manière inattendue le dernier album de Smiths), Strangeways, Here We Come, comme leur apogée. Réception The Queen Is Dead a été acclamé par la critique et est considéré comme un album déterminant des années 1980, ainsi que l'un des plus grands albums de tous les temps. Dans une critique contemporaine de l'album, Mark Coleman de Rolling Stone a remarqué le sens de l'humour de Morrissey et a souligné la performance du chanteur sur "Cemetry Gates" comme un moment fort, concluant que "qu'on le veuille ou non, ce type va être là pendant un certain temps". alors que." Écrivant dans le magazine pop Smash Hits, Tom Hibbert a donné une critique favorable, déclarant que "les guitares sont géniales, certains mots sont merveilleux, d'autres comme des rayures sur un bureau de Fifth Form", et décrivant Morrissey comme "moitié génie, moitié bouffon". ". Robert Christgau de The Village Voice a écrit que malgré son aversion pour les albums précédents des Smiths, il avait une "attirance instantanée" pour The Queen Is Dead, où il a découvert que "Morrissey porte son esprit sur sa manche, traitant la reine comme Johnny Rotten". ne l'a jamais fait et embrasser un patron de jour qui n'est pas M. Sellack", ce qui " facilite ses escapades plus lunaires ". Pitchfork Media a classé The Queen Is Dead comme le sixième meilleur album des années 1980. En 2003, The Queen Is Dead était classé 216e sur la liste des Rolling Stones des 500 plus grands albums de tous les temps. En 2006, il a été nommé deuxième meilleur album britannique de tous les temps par le NME. En 2006, le magazine Q a placé l'album au troisième rang de sa liste des « 40 meilleurs albums des années 80 ». Le magazine britannique Clash a ajouté The Queen Is Dead à son « Temple de la renommée de l'album classique » dans son numéro de juin 2011, affirmant que « c'est un album dans lequel se perdre ; il a de la profondeur, de la concentration et de superbes morceaux. C'est facile à voir. pourquoi l'album est tenu en si haute estime par les fanatiques des Smiths et pourquoi, une décennie plus tard, il est devenu une influence clé pour tout ce qui concerne la Britpop. » En 2012, Slant Magazine a classé l'album au 16e rang de sa liste des « meilleurs albums des années 1980 » et a déclaré : « Il n'y aura peut-être plus jamais d'album indie-rock aussi bon que The Queen Is Dead ». En 2013, The Queen Is Dead a été classé meilleur disque de tous les temps sur la liste des plus grands albums de tous les temps du NME. Chez Rolling Stone, Gavin Edwards a donné une rétrospective contemporaine à l'album en lui attribuant cinq étoiles parfaites, écrivant qu '"il a fait l'un des albums rock les plus drôles de tous les temps", et si même la reine n'était pas satisfaite de l'album "alors elle était le seul." Musique La chanson "There Is a Light That Never Goes Out", était en lice pour le premier single de l'album, mais a été ignorée au profit de "Bigmouth Strikes Again". (Plus tard en 1986, il est sorti en single de 7 pouces seulement en France.) Il a reçu une sortie tardive en 1992, lorsqu'il est devenu l'un des singles de WEA dans un programme visant à promouvoir les rééditions de Smiths (voir l'entrée sur... Best II). En 1990, la chanson a été élue numéro 1 sur la liste des plus grandes chansons de tous les temps par les lecteurs du magazine SPIN aux États-Unis. "Cemetry Gates" était la réponse directe de Morrissey aux critiques qui avaient crié au scandale sur son utilisation de textes écrits par certains de ses auteurs préférés, notamment Shelagh Delaney et Elizabeth Smart. Oscar Wilde, qui a également été accusé de plagiat, figure comme un saint patron de Morrissey dans les paroles de la chanson. Une citation de Wilde, "Talent emprunte, génie vole", était gravée dans les grooves du vinyle du premier single de l'album, "Bigmouth Strikes Again". Ces gravures apparaissent presque exclusivement sur les versions britanniques (indiquées par les préfixes RT et RTT sur le numéro de catalogue). "The Queen Is Dead", qui ouvre l'album et est notamment devenu un clip expressionniste réalisé par Derek Jarman, commence par un extrait sonore du film britannique de Bryan Forbes de 1962, The L-Shaped Room. Autre exemple de la fascination de Morrissey pour le cinéma britannique des années 60, le film présentait des performances de Pat Phoenix (qui était déjà apparue en couverture du single "Shakespeare's Sister" de 1985) et de Cicely Courtneidge dans le rôle d'une vieille lesbienne vétéran des music-halls. L'extrait sonore est le personnage de Courtneidge chantant avec nostalgie la chanson de la Première Guerre mondiale "Take Me Back to Dear Old Blighty". L'actrice était également apparue dans un gala pour le jubilé d'argent d'Elizabeth II intitulé "God Save the Queen" et est décédée en 1980. Quelques chansons, dont "The Queen Is Dead" et "Bigmouth Strikes Again", présentent des chœurs décalés de Morrissey. Morrissey aimait expérimenter des effets sur sa voix, alors Street a fait passer sa voix à travers un harmoniseur pour les pistes d'accompagnement. Street se souvient: "À cette époque, à part l'harmoniseur, il ne faisait pas beaucoup de travail de chœur ou d'harmonie - il l'a fait davantage sur des albums récents - mais il aimait expérimenter". Les chœurs sont attribués à "Ann Coates" sur la pochette du disque (Ancoats est un quartier de Manchester, juste au nord-est du centre-ville). Liste des pistes Personnel ;Les Smith * Morrissey – chant * Johnny Marr – guitares, harmonium, instruments à cordes synthétisés et arrangements pour flûte * Andy Rourke – basse * Mike Joyce – batterie ;Personnel de production * Morrissey et Johnny Marr – producteurs * Stephen Street – ingénieur * John Porter – ingénieur sur "Frankly, Mr. Shankly" Graphiques Album

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Quel fluide corporel est collecté dans un lacrymatoire ?

Larmes

Larmoiement, larmoiement ou larmoiement () est la sécrétion de larmes, qui sert souvent à nettoyer et lubrifier les yeux en réponse à une irritation des yeux. Les larmes formées par les pleurs sont associées à de fortes émotions internes, telles que le chagrin, l'exaltation, l'émotion, l'amour, la crainte ou le plaisir. Rire ou bâiller peut également entraîner la production de larmes. Physiologie Chez l’homme, le film lacrymal recouvrant l’œil, appelé film précornéen, comporte trois couches distinctes, depuis la surface la plus externe : Avoir un mince film lacrymal peut empêcher une personne de porter des lentilles de contact, car la quantité d'oxygène nécessaire est supérieure à la normale et les lentilles de contact empêchent l'oxygène de pénétrer dans l'œil. Les yeux avec un mince film lacrymal se dessècheront lors du port de lentilles de contact. Des gouttes oculaires spéciales sont disponibles pour les porteurs de lentilles de contact. Certains types de lentilles de contact sont conçues pour laisser passer plus d’oxygène jusqu’aux yeux. Drainage du film lacrymal Les glandes lacrymales sécrètent du liquide lacrymal qui s'écoule à travers les principaux canaux excréteurs dans l'espace situé entre le globe oculaire et les paupières. Lorsque les yeux clignent, le liquide lacrymal se répand sur toute la surface de l’œil. Le liquide lacrymal s'accumule dans le lac lacrymal et est aspiré dans le point lacrymal par action capillaire, puis s'écoule à travers les canalicules lacrymaux au coin interne des paupières, entrant dans le sac lacrymal, puis dans le canal lacrymo-nasal et enfin dans la cavité nasale. Un excès de larmes, comme lors d'une émotion forte, peut ainsi faire couler le nez. [http://www.academy.org.uk/tutorials/dilate3.jpg] Les types Il existe trois types de larmes très fondamentaux : Aspects neuronaux Le nerf trijumeau V1 (cinquième crânien) porte la voie sensorielle des réflexes lacrymaux. Lorsque le nerf trijumeau est coupé, les larmes dues aux réflexes s’arrêtent, mais pas les larmes émotionnelles. De même, l'application de cocaïne à la surface de l'œil, en raison de son effet paralysant sur les terminaisons nerveuses sensorielles, inhibe le réflexe même en cas d'exposition à de puissants gaz lacrymogènes. La voie motrice est autonome (involontaire) et, en général, utilise la voie du nerf facial (septième) dans la division parasympathique. Chez les imitateurs parasympathiques (tels que l'acétylcholine), davantage de larmes sont produites et un médicament anticholinergique comme l'atropine inhibe la production de larmes. Un nouveau-né a un développement insuffisant du contrôle nerveux, donc il « pleure sans pleurer ». Si la glande lacrymale fonctionne mal ou est endommagée (par exemple par une opération chirurgicale), mais ne provoque pas de dessèchement important de la cornée, ce n'est pas grave, car les glandes accessoires suffisent à la sécrétion générale. Dans les situations réflexes, des larmes abondantes se produisent principalement en cas d'urgence. Maladies et troubles La qualité de la vision est affectée par la stabilité du film lacrymal. Le « syndrome des larmes de crocodile », également connu sous le nom de syndrome de Bogorad, est une conséquence rare de la régénération nerveuse consécutive à la paralysie de Bell ou à d'autres lésions du nerf facial dans lesquelles les fibres efférentes du noyau salivaire supérieur se connectent incorrectement aux axones nerveux se projetant vers les glandes lacrymales. , provoquant le versement de larmes (lacrimation) pendant la salivation en sentant des aliments ou en mangeant. On suppose que l'on salive également en pleurant en raison de la mauvaise connexion inverse du noyau lacrymal aux glandes salivaires, mais cela serait moins perceptible. La kératoconjonctivite sèche, connue sous le nom de sécheresse oculaire, est une maladie très courante du film lacrymal. Cependant, les patients peuvent ressentir des larmoiements, qui sont en fait une réponse à une irritation provoquée par le déficit initial du film lacrymal. Le manque de sécrétion des glandes de Meibomius peut signifier que les larmes ne sont pas enveloppées dans un film hydrophobe, ce qui entraîne des larmes qui coulent sur le visage. La dysautonomie familiale est une maladie génétique qui peut être associée à un manque de larmes de débordement (alacrima) lors des pleurs émotionnels. L'obstruction du point lacrymal, du canal lacrymo-nasal ou du canal lacrymo-nasal peut faire déborder même des niveaux normaux de déchirure basale sur le visage (épiphora), donnant l'apparence d'un larmoiement psychique constant. Cela peut avoir des conséquences sociales importantes. Aspects sociaux Dans presque toutes les cultures, pleurer est considéré comme un acte spécifique associé à des larmes coulant sur les joues et accompagné de sanglots caractéristiques. Les déclencheurs émotionnels sont le plus souvent la tristesse et le chagrin, mais les pleurs peuvent également être déclenchés par la colère, le bonheur, la peur, le rire ou l'humour, la frustration, les remords ou d'autres émotions fortes et intenses. Dans de nombreuses cultures, les pleurs sont associés aux bébés et aux enfants. Certaines cultures considèrent que pleurer est indigne et infantile, dénigrant ceux qui pleurent en public, sauf si cela est dû au décès d'un ami proche ou d'un parent. Dans la plupart des cultures, il est socialement plus acceptable que les femmes et les enfants pleurent que les hommes. Dans certaines régions latines, pleurer entre hommes est acceptable. Certains mouvements thérapeutiques modernes tels que le conseil de réévaluation enseignent que pleurer est bénéfique pour la santé et le bien-être mental, les encourageant positivement. Une démonstration peu sincère de chagrin ou de remords malhonnêtes est parfois appelée larmes de crocodile en référence à une anecdote de la Grèce antique selon laquelle les crocodiles faisaient semblant de pleurer tout en attirant ou en dévorant leur proie. htm World Wide Words: Larmes de crocodile] De plus, en termes médicaux, on dit que quelqu'un souffre du syndrome des larmes de crocodile, conséquence rare de la guérison de la paralysie de Bell, dans laquelle une régénération défectueuse du nerf facial fait verser des larmes en mangeant. Des produits chimiques en larmes Selon une étude menée par l'Institut des sciences Weizmann à Rehovot, en Israël, il a été démontré que les larmes émotionnelles des femmes réduisent l'excitation sexuelle chez les hommes. De plus, les larmes émotionnelles sont constituées d’un composant chimique différent de ceux évoqués par les irritants oculaires et peuvent transmettre des messages chimiques aux autres. Le changement dans la libido pourrait être attribué à une baisse de testostérone provoquée par les produits chimiques lacrymaux, réduisant ainsi l'agressivité. Dans le monde animal, il a été constaté que certains rats-taupes aveugles se frottent des larmes sur tout le corps comme stratégie pour éloigner les rats-taupes agressifs. La composition des larmes varie selon les types de larmes. Les larmes sont principalement composées d'eau, de sels, d'anticorps et de lysozymes (enzymes antibactériennes). Selon une découverte du Dr William H. Frey II, biochimiste du centre médical St. Paul Ramsey au Minnesota, la composition des larmes provoquées par l'émotion diffère de celle des larmes en réaction à des irritations, telles que les vapeurs d'oignon, poussière ou allergie. Les larmes émotionnelles sont composées d'hormones davantage basées sur les protéines, telles que la prolactine, l'adrénocorticotrope et la leucine enképhaline (un analgésique naturel), qui sont suggérées comme étant le mécanisme derrière l'expérience des pleurs d'émotion permettant à un individu de se sentir mieux.

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Quel chanteur britannique a joué Jareth le roi gobelin dans le film « Labyrinth » de 1986 ?

David Bowie

Jareth, le roi gobelin est un personnage fictif et le principal antagoniste du film fantastique de 1986 Labyrinthe. Jareth (David Bowie) est une créature puissante et mystérieuse qui entretient une relation antagoniste mais étrangement coquette avec Sarah (Jennifer Connelly), la protagoniste du film. Il apparaît également dans les adaptations du film, notamment les bandes dessinées Marvel, le livre d'histoires, le roman graphique, la romanisation, le jeu vidéo, les livres de coloriage et l'album photo. Biographie Jareth est le roi gobelin du Labyrinthe, un vaste royaume dans un autre royaume. Bien qu'il soit le monarque des gobelins, Jareth n'est pas lui-même un gobelin, et il semble humain et plutôt beau selon la plupart des standards humains, bien qu'il puisse aussi être un fae. Cependant, dans la première version du scénario, il s'est transformé en gobelin lorsque Sarah l'a rejeté, suggérant ainsi qu'il était déjà un gobelin. Ses pouvoirs incluent la capacité de former des orbes de cristal dans ses mains, ce qui peut créer des illusions de tous types ou voir les choses à distance. Jareth utilise ses cristaux magiques pour montrer des rêves et offre les cristaux à Sarah comme symbole des rêves. Une autre source d'inspiration pour l'idée des cristaux magiques de Jareth est Hand with Reflecting Sphere de M.C. Escher, c'est-à-dire l'inspiration pour les propriétés miroir des cristaux et leur pouvoir de montrer les reflets des rêves. Jareth est également un maître du déguisement. Il peut se transformer en chouette effraie. Dans le film, il se déguise en mendiant aveugle. Jareth n'aime pas sa position de roi gobelin et aspire à une vie différente, probablement quelque part à Soho selon la légende du rock David Bowie, qui a interprété Jareth pour la première fois en 1986. Il a beaucoup d'angoisse qui ne fait que croître lorsqu'il tombe amoureux de Labyrinth. protagoniste, Sarah, comme le révèlent les chansons de David Bowie du film et du manga Return to Labyrinth. D'après le clip d'Underground et Return to Labyrinth et évoqué dans la romanisation de Labyrinth, Jareth a un alter ego humain (dans Return to Labyrinth, il utilise le pseudonyme de Jareth Quinn). Dans la romanisation du Labyrinthe, Jeremy (qui ressemble à Jareth) est un acteur avec qui la mère biologique de Sarah, une actrice, s'était enfuie des années plus tôt, après avoir joué ensemble dans une série. Jeremy est aussi l'homme qui a donné à Sarah sa boîte à musique, qui dans le livre joue "Greensleeves" et dans le film joue "As the World Falls Down", la même chanson que Jareth utilise pour montrer son affection pour Sarah dans son Labyrinthe. . Dans la romanisation et selon la chanson "Within You", une partie de ce que Jareth attend de Sarah, c'est qu'elle croie en lui. Bien que Sarah renonce au pouvoir que Jareth exerce sur elle, il semble qu'elle lui donne réellement ce qu'il veut. La phrase "Je demande si peu. Craignez-moi, aimez-moi, faites ce que je dis et je serai votre esclave", incarne ce que Jareth ressent pour la jeune Sarah Williams. Autres apparitions Jareth dans les vidéoclips Bowie a dépeint Jareth dans deux vidéoclips. Un pour la chanson "Underground" et un pour la chanson "As the World Falls Down", les deux musiques disponibles sur la cassette VHS The Bowie Video Collection et sur le coffret DVD de deux disques The Best of Bowie. Les vidéos présentent de nouvelles images de Bowie (dans son rôle lui-même), des apparitions de Hoggle et des images de Bowie dans le rôle du roi gobelin tirées du film. Jareth dans Retour au Labyrinthe On sait peu de choses sur la vie personnelle ou l'histoire de Jareth. Comme le révèle le volume 2 du manga original en anglais, Jareth a eu à un moment ou à un autre une longue relation amoureuse avec Mizumi, la reine de Moraine. Cependant, la relation a échoué lorsque Jareth a révélé qu'il trouvait Mizumi trop superficielle et ennuyeuse pour l'aimer, même si Mizumi l'aimait complètement. Il lui a donné une chance de retrouver son cœur, qui était caché quelque part dans le Labyrinthe. Mizumi a échoué après de nombreuses années de recherche et se languit toujours de Jareth. Selon la série Return to Labyrinth, Jareth dirige le Labyrinthe depuis 1 300 ans. Dans le manga, Mizumi l'appelle un sorcier (bien que même les fae puissent être qualifiés de sorciers). Il ne semble pas vieillir entre le film et les événements de Return to Labyrinth, qui se produisent plusieurs années plus tard, confirmant ainsi encore davantage son immortalité. Dans le manga, Jareth établit Toby, le frère alors adolescent de Sarah, comme son héritier, le laissant responsable du Labyrinthe pendant une période plutôt délicate. L'histoire développe également l'obsession de Jareth pour Sarah, embellissant son désir tordu à la fois de son amour et de sa vengeance contre elle, bien que cela pâlisse considérablement en comparaison de son désir de l'avoir comme son amour et sa reine. Dans une section du deuxième tome de Return to Labyrinth, cela pourrait être interprété comme l'intention de Jareth de faire de Sarah sa reine (une idée qui était également incluse dans la première ébauche originale du scénario). Figurines NECA a sorti trois figurines Jareth : une poupée parlante de 12 pouces, vêtue de noir, parlant des répliques du film, et deux versions de 7 pouces, dont l'une est accompagnée d'une figurine de Hoggle.

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Dans quel pays le golfeur Ernie Els est-il né ?

Afrique du Sud

Theodore Ernest "Ernie" Els (né le 17 octobre 1969) est un golfeur professionnel sud-africain. Ancien numéro 1 mondial, il est surnommé « The Big Easy » en raison de sa stature physique imposante (il se tient debout) et de son swing de golf fluide. Parmi ses 71 victoires en carrière figurent quatre championnats majeurs : l'US Open en 1994 à Oakmont et en 1997 au Congressional, et l'Open Championship en 2002 à Muirfield et en 2012 à Royal Lytham & St Annes. Il est l'un des six golfeurs à avoir remporté deux fois l'US Open et l'Open Championship. Parmi les autres faits marquants de la carrière d'Els, citons la tête de l'Ordre du mérite de la tournée européenne de 2003 et 2004 (liste d'argent) et la victoire au Championnat du monde de match play à sept reprises, un record. Il a été le principal gagnant d'argent en carrière sur le circuit européen jusqu'à ce qu'il soit dépassé par Lee Westwood en 2011, et a été le premier membre du circuit à gagner plus de 25 millions d'euros grâce aux événements du circuit européen. Il occupe la première place du classement officiel mondial du golf et, jusqu'en 2013, détenait le record du nombre de semaines classé dans le top dix avec 788. Els s'est hissé au 15e rang du classement mondial après avoir remporté l'Open Championship 2012. Il a été élu au World Golf Hall of Fame en 2010, dès sa première participation au scrutin, et a été intronisé en mai 2011. Lorsqu'elle ne joue pas, Els gère une entreprise de conception de terrains de golf, une fondation caritative qui soutient le golf parmi les jeunes défavorisés d'Afrique du Sud et une entreprise viticole très réputée. Il rédige depuis plusieurs années une chronique pédagogique sur le golf dans le magazine Golf Digest. Contexte et famille Ayant grandi juste à l'est de Johannesburg, à Kempton Park, en Afrique du Sud, il a joué au rugby, au cricket, au tennis et, dès l'âge de 8 ans, au golf. Il était un joueur de tennis junior talentueux et a remporté les championnats juniors de l'Est du Transvaal à l'âge de 13 ans. Els a appris le golf pour la première fois auprès de son père Neels, un dirigeant de camionnage, au Kempton Park Country Club. Il joua bientôt mieux que son père (et son frère aîné, Dirk), et à l'âge de 14 ans, il était déjà handicapé. C'est à cette époque qu'il décide de se consacrer exclusivement au golf. Els s'est fait connaître pour la première fois en 1984, lorsqu'il a remporté le Championnat du monde de golf junior dans la catégorie Garçons 13-14 ans. Phil Mickelson était deuxième derrière Els cette année-là. Els a remporté le championnat amateur sud-africain quelques mois après son 17e anniversaire, devenant ainsi le plus jeune vainqueur de cet événement, battant le record détenu par Gary Player. Els a épousé sa femme Liezl en 1998 au Cap et ils ont deux enfants, Samantha et Ben. En 2008, après qu'Els ait commencé à afficher le logo « Autism Speaks » sur son sac de golf, il a été annoncé que leur fils alors âgé de cinq ans était autiste. Leur résidence principale se trouve au Wentworth Estate, près du Wentworth Golf Club, dans le sud de l'Angleterre. Cependant, ils partagent également leur temps entre l'Afrique du Sud et leur maison familiale à Jupiter, en Floride, afin d'obtenir un meilleur traitement pour l'autisme de Ben. Carrière professionnelle 1989-1996 : premières années et première victoire majeure En 1989, Els a remporté le championnat sud-africain amateur de Stroke Play et est devenue professionnelle la même année. Els a remporté son premier tournoi professionnel en 1991 sur le Southern Africa Tour (aujourd'hui le Sunshine Tour). Il a remporté l'Ordre du mérite du Sunshine Tour au cours des saisons 1991/92 et 1994/95. En 1993, Els remporte son premier tournoi hors d'Afrique du Sud au Dunlop Phoenix au Japon. En 1994, Els a remporté son premier championnat majeur à l'US Open. Els était à égalité avec Colin Montgomerie et Loren Roberts après 72 trous et ils se sont rendus à des séries éliminatoires de 18 trous le lendemain. Malgré le début du bogey-triple bogey des séries éliminatoires, Els a réussi à égaler le score de Roberts de 74. Els a réussi un birdie au deuxième trou de mort subite pour remporter son premier titre à l'US Open. Els a amené son jeu partout dans le monde au cours de sa jeune carrière en remportant la Dubai Desert Classic sur le circuit européen et le Toyota World Match Play Championship en battant une fois de plus Colin Montgomerie 4 & 2. L'année suivante, Els a défendu son championnat du monde Match Play, battant Steve Elkington 3 & 1. Els a remporté le GTE Byron Nelson Classic aux États-Unis, puis est rentré chez lui en Afrique du Sud et a gagné deux fois de plus. En 1996, Els a remporté son troisième championnat du monde Match Play consécutif à Wentworth, battant Vijay Singh en finale 3 & 2. Aucun joueur de l'histoire n'avait jamais réussi à remporter trois titres successifs dans un tournoi en tête-à-tête. Els a terminé l'année avec une victoire lors de son tournoi à domicile à l'Open d'Afrique du Sud. 1997-2002 : années de carrière et championnats multi-majeurs 1997 a été une année de carrière pour Els, remportant pour la première fois son deuxième US Open (encore une fois contre Colin Montgomerie) cette fois au Congressional Country Club, faisant de lui le premier joueur étranger depuis Alex Smith (1906, 1910) à remporter l'US Open à deux reprises. Il a défendu son titre de Buick Classic et a ajouté la Johnnie Walker Classic à sa liste de victoires. Els a failli remporter le Championnat du monde Match Play pour une quatrième année consécutive, mais a perdu contre Vijay Singh en finale. 1998 et 1999 ont continué à être des années de succès pour Els avec 4 victoires sur les circuits PGA et européen. L'année 2000 a commencé de manière historique pour qu'Els reçoive un honneur spécial de la part du conseil d'administration de l'European Tour, lui décernant le titre de membre honoraire à vie de l'European Tour en raison de ses deux titres à l'US Open et à ses trois titres mondiaux en Match Play. 2000 a été l'année de la deuxième place d'Els ; avec trois deuxièmes places dans les Majors (Masters, US Open et The Open Championship) et sept deuxièmes places dans des tournois mondiaux. Els a connu une saison 2001 décevante, échouant à remporter un événement du circuit US PGA pour la première fois depuis 1994, bien qu'il ait terminé l'année avec neuf deuxièmes places. 2002 a sans doute été la meilleure année d'Els, qui a débuté par une victoire à la Heineken Classic au Royal Melbourne Golf Club. Il est ensuite allé en Amérique et a battu le numéro un mondial Tiger Woods pour remporter le titre de champion Genuity. Le premier moment de la saison a sûrement été son triomphe en Open Championship dans des conditions très difficiles à Muirfield. Els a surmonté les séries éliminatoires à quatre pour remporter le célèbre trophée Claret Jug pour la première fois, apaisant également ses critiques sur sa force mentale. Le Sud-Africain a également remporté son quatrième titre mondial en Match Play, ainsi que son troisième Nedbank Challenge au cours des quatre dernières années, dominant un peloton de classe mondiale et gagnant par 8 tirs. 2003-2005 : les cinq grands En 2003, Els obtient son premier Ordre du mérite de la tournée européenne. Bien qu'il ait disputé moins d'épreuves que ses concurrents, Els a remporté quatre fois et a terminé trois fois deuxième. Il a également bien performé aux États-Unis avec des victoires consécutives au Championnat Mercedes – où il a établi le record de tous les temps sur 72 trous du PGA Tour pour le plus grand nombre de coups sous le par à 31 sous – et au Sony Open et a atteint le top 20 en les quatre tournois majeurs, y compris une cinquième place à l'US Open et une sixième place au Masters et au PGA Championship. Pour couronner la saison, Els a remporté le titre mondial en Match Play pour la cinquième fois, un record. En 2003, il a été élu 37e parmi les Grands Sud-Africains de la SABC3. 2004 a été une autre année réussie puisqu'Els a gagné 6 fois sur les deux tournées, y compris de grosses victoires au Memorial, au Championnat WGC-American Express et à son sixième Championnat du Monde Match Play, un nouveau record. Son succès ne s'arrête pas là. Els a fait preuve d'une régularité remarquable dans les Majors mais a perdu contre Phil Mickelson au Masters lorsque Mickelson a réussi un birdie au 18e pour le titre, a terminé neuvième à l'US Open après avoir joué dans le groupe final avec son ami et compatriote Retief Goosen et a étonnamment perdu en séries éliminatoires en l'Open à Todd Hamilton, alors inconnu. Els a réussi un putt de 14 pieds pour un birdie sur le dernier trou réglementaire de l'Open à Royal Troon, mais il a raté le putt et a perdu en séries éliminatoires. Els a terminé la saison majeure avec une quatrième place au championnat de la PGA, où un trois putts au 72e trou lui coûterait une place en séries éliminatoires. Au total, Els a terminé 16 fois parmi les 10 premiers, un deuxième titre consécutif de l'Ordre du mérite européen et une deuxième place sur la liste d'argent des États-Unis. 2004 a marqué le début de la « Big Five Era », utilisée pour décrire l'ère du golf où Tiger Woods, Vijay Singh, Ernie Els, Retief Goosen et Phil Mickelson dominaient le golf. Les cinq ont alterné entre les cinq premières positions du classement mondial du golf ; notamment le déraillement de Vijay Singh de Tiger Woods en tant que meilleur golfeur du monde. Les cinq sont restés, pour la plupart, parmi les cinq premiers de 2004 jusqu'au début de 2007. Neuf tournois majeurs ont été remportés à eux deux, beaucoup s'affrontant face à face. En juillet 2005, Els s'est blessé au genou gauche alors qu'il naviguait avec sa famille en Méditerranée. Bien qu'il ait raté plusieurs mois de la saison 2005 en raison d'une blessure, Els a remporté la deuxième épreuve à son retour, le Dunhill Championship. 2006-2011 : reprise et retour progressifs Au début de la saison 2007, Ernie Els a présenté un plan de bataille sur trois ans pour défier Tiger Woods en tant que numéro un mondial. "Je vois 2007 comme le début d'un plan sur trois ans au cours duquel je me consacrerai totalement au jeu", a déclaré Els sur son site officiel. Lorsqu'il a raté le cut de deux coups lors du Tournoi des Masters 2007, Els a mis fin à des séquences consécutives de cut en tête du circuit sur le PGA Tour et le European Tour. Sur le circuit de la PGA, sa séquence a débuté au Players Championship 2004 (46 événements) et sur le circuit européen, elle a commencé au Johnnie Walker Classic 2000 (82 événements). Els a souvent été comparée à Greg Norman dans le sens où l’on pouvait revenir sur la carrière des deux hommes et réfléchir à ce qui aurait pu être. Bien que tous deux soient plusieurs vainqueurs de championnats majeurs, ils ont tous deux partagé leur déception dans les tournois majeurs. Leurs déceptions allaient de la nervosité à la malchance en passant par le simple fait d'être dominé. 1996 a été l'année où Norman s'est effondré au Masters et en Els au Championnat PGA. Els a terminé deuxième dans six tournois majeurs. Il a terminé deuxième derrière Tiger Woods plus que tout autre golfeur et a souvent été décrit comme ayant le bon jeu pour enfin être le golfeur à battre Woods dans un tournoi majeur. Le 2 mars 2008, Els a remporté la Honda Classic disputée au PGA National's Championship Course à Palm Beach Gardens, en Floride. Els a réussi un tour final de 67 dans des conditions venteuses difficiles, ce qui a suffi à lui donner la victoire d'un coup sur Luke Donald. Cette victoire a marqué la fin d’une séquence de trois ans et demi sans victoire sur le PGA Tour pour Els. Cette victoire était également sa 16e victoire sur le PGA Tour. Le 8 avril 2008, Els a officiellement annoncé qu'il changeait d'entraîneur de swing de David Leadbetter (avec qui Els travaillait depuis 1990) au célèbre entraîneur de swing Butch Harmon. Lors de la conférence de presse d'Els 2008 Masters, Els a déclaré que le changement visait à resserrer son swing, à le raccourcir et à avoir une nouvelle perspective. Le 8 novembre 2009, Els a presque mis fin à son année de récession en établissant un record d'égalité de 9 sous 63 lors de la ronde finale des Champions WGC-HSBC pour terminer à 16 sous par 272, un coup derrière Phil Mickelson qui a terminé avec un total de 271 de moins de 17, y compris un tour final de 69 de moins de 3. Els a finalement mis fin à sa séquence sans victoire en remportant le championnat WGC-CA à Doral en 2010, s'imposant par quatre coups sur son compatriote Charl Schwartzel. C'était le deuxième titre d'Els en tournoi WGC. La victoire a également vu Els dépasser Colin Montgomerie pour devenir le leader financier en carrière sur le circuit européen. Els a ensuite remporté l'Arnold Palmer Invitational à Bay Hill deux semaines plus tard. Il s’agissait de sa 18e victoire sur le PGA Tour et de sa deuxième en autant de départs. La victoire à Bay Hill a également propulsé Els au sommet du classement de la FedEx Cup. Il a occupé la première place pendant 22 semaines consécutives. En juin, Els a presque remporté son troisième titre à l’US Open à Pebble Beach. Els a brièvement détenu une part de l'avance après avoir réussi un birdie au sixième trou, mais a déraillé par une séquence de bogey, double bogey, bogey sur 9, 10 et 11. Els a terminé le tournoi en solo 3e. Els a couronné son année en remportant le Grand Chelem de golf de la PGA en octobre, avec une victoire d'un coup sur David Toms, et en remportant également le titre de l'Open d'Afrique du Sud en battant Retief Goosen d'un seul coup. Après sa saison 2010 réussie, Els a eu du mal à retrouver sa forme en 2011. Il a finalement abandonné le top 50 du classement officiel mondial du golf pour la première fois depuis 1993. 2012-présent : quatrième championnat majeur et volatilité de la carrière Els a débuté la saison 2012 dans son pays d'origine aux Volvo Golf Champions où il a terminé à égalité pour la deuxième place après que lui et Retief Goosen aient perdu en séries éliminatoires contre Branden Grace. Els était le prochain en lice au Transitions Championship, où il avait besoin d'une victoire pour se qualifier pour le Masters 2012. Els a mené le tournoi pendant la majeure partie du tour final et a mené jusqu'au 16e trou. Cependant, il a terminé le tournoi bogey-bogey en manquant un court trois pieds sur le dernier trou pour se qualifier pour les séries éliminatoires. Le tournoi a finalement été remporté par Luke Donald. En avril, Els n'a pas réussi à se qualifier pour le Masters pour la première fois depuis 1993. Il était classé 58e mondial avant le tournoi (les 50 premiers reçoivent des invitations automatiques). En fin de compte, les tentatives infructueuses d'Els pour se qualifier pour le Masters ont été considérées comme la fin probable de sa compétitivité sur le PGA Tour. Els a surpris le monde du golf en remportant l'Open Championship 2012 en juillet en réussissant un birdie au 72e trou. Adam Scott menait par quatre coups après un birdie au 14e trou, mais a commis un bogey sur les quatre derniers trous pour rater les séries éliminatoires avec Els d'un coup. La victoire d'Els a rajeuni sa carrière et lui a valu des exemptions de 5 ans pour les 3 autres majors. Els est devenu le huitième joueur à remporter des tournois majeurs au cours de trois décennies différentes, rejoignant ses compatriotes Gary Player, Jack Nicklaus, Lee Trevino, Billy Casper, Raymond Floyd, John Henry Taylor et Harry Vardon. La victoire d'Els a également marqué le troisième champion majeur parmi les quatre championnats majeurs précédents à remporter avec un type de putter long. Sa victoire a relancé la controverse sur la légalité des putters longs ou ancrés au golf. En juin 2013, Els a gagné pour la première fois depuis l'Open Championship 2012 au BMW International Open à Munich, en Allemagne. Il a remporté une victoire fil à fil avec une victoire d'un coup sur Thomas Bjørn pour son 28e titre sur le circuit européen. Els est passée de la 20e à la 14e place du classement mondial après cette victoire. Els a eu du mal à retrouver sa forme tout au long de la saison 2014. Il a terminé 4e au WGC-Accenture Match Play Championship en février, 5e au Barclays et 7e au PGA Championship, mais a eu du mal avec des cuts manqués, y compris un cut manqué au Masters en avril. Les difficultés d'Els se sont poursuivies en 2015, alors qu'il n'a effectué que 10 coupures sur le circuit de la PGA. Il a terminé 173e de la FedEx Cup et n'a pas réussi à se qualifier pour les séries éliminatoires. En préparation de l'interdiction des putters ancrés en 2016, Els est revenue au putter court fin 2015. Les difficultés d'Els avec les putts courts, ou les « yips », ont attiré l'attention des médias au début de 2016. Lors du Tournoi des Maîtres 2016 , le putting d'Els a de nouveau été la source d'une publicité négative lorsqu'il a réussi un putt de six à 3 pieds lors de son premier trou. Els a enregistré un 9 sur le trou et a fini par tirer 80-73 et rater le cut. Après le Masters, Els a remercié ses fans sur son site Internet pour leur soutien et a certes été gêné par sa performance au putting. Autres entreprises Des parcours de golf conçus par Els *Parcours de golf Anahita – Beau Champ, Maurice *Mission Hills Golf Club (The Savannah Course) – Shenzhen, Chine *Whiskey Creek – Ijamsville, Maryland, États-Unis *Oubaai – Garden Route, Afrique du Sud *The Els Club – Dubaï, Émirats Arabes Unis Els est également responsable du raffinement et de la modernisation du West Course, Wentworth-Virginia Water, en Angleterre, qui a eu lieu en 2006. Les cours en construction comprennent : *Datai Bay Golf Club - Langkawi, Malaisie *Hoakalei Country Club au Hoakalei Resort – Ewa Beach, Hawaï *Jardinier Ross Golf and Country Estate – Gauteng, Afrique du Sud *Albany – New Providence, Bahamas *Parcours de golf Durrat Al Bahreïn – Durrat Al Bahreïn, Bahreïn Internationalisation du golf Contrairement à la plupart de ses contemporains, Els est connu pour sa volonté de participer à des tournois partout dans le monde, ayant régulièrement participé à des événements sanctionnés par le circuit européen en Asie, en Australasie et dans son pays natal, l'Afrique du Sud. Il dit que son programme de voyage autour du monde témoigne de la nature mondiale du golf. Cela a provoqué quelques frictions avec le PGA Tour, une organisation qui préférerait qu'Els joue davantage de tournois aux États-Unis. Fin 2004, Tim Finchem, le directeur du PGA Tour, a écrit une lettre assez ferme à Els pour lui demander de le faire, mais Els a rendu public et rejeté cette demande. L'attitude du PGA Tour a provoqué une offense considérable dans le monde du golf en dehors de l'Amérique du Nord. Fondation La Fondation Ernie Els et Fancourt a été créée en 1999. Elle a pour objectif d'identifier des jeunes issus de milieux défavorisés qui font preuve de talent et de potentiel dans le golf. Il fournit une aide éducative, entre autres, une aide morale et financière afin que ces jeunes puissent atteindre leur plein potentiel. La première Friendship Cup a eu lieu en 2006. Il s'agit d'une compétition de match play, jouée dans un format de type Ryder Cup. Dans la coupe, la fondation d'Els joue contre la fondation de Tiger Woods. La fondation Els a gagné 12,5 points contre 3,5 points. Els a également participé à plusieurs reprises à la série d'événements de golf caritatifs Gary Player Invitational, pour aider Player à collecter des fonds importants pour les enfants défavorisés du monde entier. Activités liées à l'autisme Depuis le diagnostic d'autisme de son fils, Els et sa femme sont actifs dans des œuvres caritatives consacrées à cette maladie. Cette implication s'est accrue à mesure que Ben a atteint l'âge scolaire. En 2009, Els a lancé un événement de golf caritatif annuel, l'Els for Autism Pro-Am, organisé au PGA National Resort & Spa à Palm Beach Gardens, près de sa résidence du sud de la Floride, lors du passage du PGA Tour en mars dans la région. Le premier événement, auquel participaient de nombreux golfeurs du PGA Tour et du Champions Tour, a permis de récolter 725 000 $ pour le Renaissance Learning Center, une école à charte à but non lucratif située dans la région pour les enfants autistes. Le couple a également créé le Centre d'excellence Els, qui a commencé comme une initiative visant à construire un nouveau campus pour l'école susmentionnée, mais s'est depuis transformé en un plan de 30 millions de dollars visant à combiner l'école avec un centre de recherche. Citations Sur sa technique : —Els à propos de l'autisme de son fils : Victoires amateurs (4) *Championnats du monde juniors de golf 1984 (division garçons 13-14) *1986 Championnat sud-africain des garçons, Championnat amateur sud-africain * Championnat sud-africain amateur de Stroke Play de 1989 Victoires professionnelles (71) Victoires du PGA Tour (19) Record des séries éliminatoires du PGA Tour (4–4) Victoires du Tour européen (28) 1 Co-sanctionné par le Sunshine Tour 2 Co-sanctionné par l'Asian Tour 3 Les victoires d'Els dans les tournois majeurs et WGC comptent comme des victoires à la fois sur le PGA Tour et sur l'European Tour. Record des séries éliminatoires du circuit européen (2-5) Victoires du Sunshine Tour (16) 1 Co-sanctionné par l'European Tour Victoires du Japan Golf Tour (1) Autres victoires (19) *1990 (1) Spoornet SA Classique *1994 (3) Championnat du monde Match Play Toyota (événement non officiel du circuit européen en argent), Sarazen World Open, Championnat du monde de golf Johnnie Walker *1995 (1) Championnat du monde Match Play Toyota (événement non officiel du circuit européen en argent) *1996 (4) Championnat du monde Match Play Toyota (événement non officiel du circuit européen en argent), Coupe du monde de golf (titres individuels et par équipe), événement Johnnie Walker Super Tour *1997 (1) PGA Grand Slam of Golf (événement non officiel du PGA Tour) *1999 (1) Nedbank Million Dollar Challenge (événement non officiel du Sunshine Tour) *2000 (1) Nedbank Golf Challenge (événement non officiel du Sunshine Tour) *2001 (1) Coupe du monde de golf *2002 (2) Nedbank Golf Challenge (événement non officiel du Sunshine Tour en argent), Cisco World Match Play Championship (événement non officiel du Money European Tour) *2003 (1) HSBC World Match Play Championship (événement non officiel du circuit européen en argent) *2004 (1) Nelson Mandela Invitational (événement non officiel du Money Sunshine Tour ; avec Vincent Tshabalala) *2008 (1) Trophée Hassan II du Golf *2010 (1) PGA Grand Slam of Golf (événement non officiel du PGA Tour en argent) Championnats majeurs Victoires (4) 1 A battu Montgomerie en séries éliminatoires de 18 trous et Roberts en mort subite : Els (74-4-4), Roberts (74-4-5), Montgomerie (78) 2 A battu Appleby et Elkington en séries éliminatoires de 4 trous et Levet en mort subite : Els (4-3-5-4-par), Appleby (4-3-5-5), Elkington (5-3-4-5 ), Levet (4-2-5-5-bogey) Chronologie des résultats DNP = n'a pas joué CUT = raté la coupe à mi-chemin "T" = à égalité Fond vert pour les victoires. Fond jaune pour le top-10. Résumé *La plupart des coupes consécutives effectuées – 27 (Masters 2000 – PGA 2006) *Plus longue séquence de top-10 – 5 (2003 PGA – 2004 PGA) Championnats du monde de golf Victoires (2) Chronologie des résultats 1Annulé en raison du 11 septembre DNP = N'a pas joué QF, R16, R32, R64 = Tour au cours duquel le joueur a perdu en match play "T" = à égalité WD = retiré NT = Pas de tournoi Fond vert pour les victoires. Fond jaune pour le top-10. Notez que les HSBC Champions ne sont devenus un événement WGC qu’en 2009. Résumé de carrière de la PGA et du circuit européen * Au 22 novembre 2015. Ces chiffres proviennent des sites officiels des tournées respectives. Notez qu'il y a un double comptage de l'argent gagné (et des victoires) dans les tournois majeurs et les Championnats du monde de golf depuis qu'ils sont devenus des événements officiels sur les deux circuits. Apparitions en équipe Professionnel *Coupe Alfred Dunhill (représentant l'Afrique du Sud) : 1992, 1993, 1994, 1995, 1996, 1997 (vainqueurs), 1998 (gagnants), 1999, 2000 *Coupe du monde (représentant l'Afrique du Sud) : 1992, 1993, 1996 (vainqueurs individuels et par équipe), 1997, 2001 (vainqueurs) *Coupe des Présidents (équipe internationale) : 1996, 1998 (vainqueurs), 2000, 2003 (égalité), 2007, 2009, 2011, 2013

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L'Aconcagua est la plus haute montagne de quelle chaîne de montagnes ?

Andes

L'Aconcagua est la plus haute montagne en dehors de l'Asie, culminant à 6 961 m, et par extension le point culminant de l'hémisphère occidental et de l'hémisphère sud. Il est situé dans la cordillère des Andes, dans la province de Mendoza, en Argentine, et à 112 kilomètres (70 mi) au nord-ouest de sa capitale, la ville de Mendoza. Le sommet est également situé à environ 5 kilomètres de la province de San Juan et à 15 kilomètres de la frontière internationale avec le Chili ; son voisin supérieur le plus proche est Tirich Mir dans l'Hindu Kush, à 16 520 km. C'est l'un des Sept Sommets. L'Aconcagua est délimitée par la Valle de las Vacas au nord et à l'est et par la Valle de los Horcones Inferior à l'ouest et au sud. La montagne et ses environs font partie du parc provincial de l'Aconcagua. La montagne possède un certain nombre de glaciers. Le plus grand glacier est le Ventisquero Horcones Inferior, long d'environ 10 km, qui descend de la face sud jusqu'à environ 3 600 m d'altitude près du camp de Confluencia. Deux autres grands systèmes glaciaires sont le système Ventisquero de las Vacas Sur et Glaciar Este/Ventisquero Relinchos, longs d'environ 5 km. Le plus connu est le glacier du nord-est ou polonais, car il s'agit d'une voie d'ascension courante. La montagne a été créée par la subduction de la plaque de Nazca sous la plaque sud-américaine au cours de l'orogenèse andine géologiquement récente ; mais ce n'est pas un volcan. L'origine du nom est contestée ; il est soit du Mapuche Aconca-Hue, qui fait référence au fleuve Aconcagua et signifie « vient de l'autre côté », du Quechua Ackon Cahuak, signifiant « 'Sentinelle de Pierre », ou du Quechua Anco Cahuac, « Sentinelle Blanche » ou la Aymara Janq'u Q'awa, "Ravin Blanc", "Ruisseau Blanc". Escalade En termes d'alpinisme, l'Aconcagua est techniquement une montagne facile si on l'approche par le nord, via la route normale. L'Aconcagua est sans doute la plus haute montagne non technique du monde, puisque la route du nord ne nécessite absolument pas de cordes, de haches et de quilles. Bien que les effets de l’altitude soient graves (la pression atmosphérique représente 40 % du niveau de la mer au sommet), l’utilisation d’un supplément d’oxygène n’est pas courante. Le mal des montagnes affectera la plupart des grimpeurs dans une certaine mesure, en fonction du degré d'acclimatation. Même si l'ascension normale est techniquement facile, sur cette montagne (rien qu'en janvier 2009, cinq alpinistes sont morts). Cela est dû au grand nombre d'alpinistes qui s'y lancent et au fait que beaucoup d'alpinistes sous-estiment les risques objectifs de l'altitude et du froid, qui constituent le véritable défi de cette montagne. Compte tenu des conditions météorologiques proches du sommet, les blessures dues au froid sont très fréquentes. L'itinéraire de la traversée du glacier polonais, également connu sous le nom d'itinéraire "Falso de los Polacos", traverse la vallée de Vacas, monte jusqu'à la base du glacier polonais, puis traverse la route normale pour l'ascension finale vers le sommet. Le troisième itinéraire le plus populaire passe par le glacier polonais lui-même. Aucun enregistrement précis n'est conservé sur les ascensions de l'Aconcagua, mais le parc provincial rapporte un taux de réussite d'environ 60 % des alpinistes qui tentent la montagne. Environ 75 % des grimpeurs sont étrangers et 25 % sont argentins. Parmi les étrangers, les États-Unis sont en tête du nombre de grimpeurs, suivis par l'Allemagne et le Royaume-Uni. Environ 54 % des grimpeurs empruntent la voie normale, 43 % la route polonaise des glaciers et les 3 % restants empruntent d'autres voies. Les itinéraires vers le sommet depuis les crêtes sud et sud-ouest sont plus exigeants et la montée de la face sud est considérée comme assez difficile. Les campings sur l'itinéraire normal sont listés ci-dessous (les altitudes sont approximatives). * Puente del Inca, 2740 m : Un petit village sur la route principale, avec des installations dont un lodge. * Confluencia, 3380 m : Un camping à quelques heures du parc national. * Plaza de Mulas, 4370 m : Camp de base, considéré comme le deuxième plus grand au monde (après l'Everest). Il y a plusieurs tentes repas, des douches et un accès Internet. Il y a un lodge à env. A 1 km du camping principal, face au glacier. Lors de ce camp, les grimpeurs sont examinés par une équipe médicale pour vérifier s'ils sont suffisamment en forme pour continuer l'ascension. * Camp Canada, 5050 m : Une grande corniche surplombant la Plaza de Mulas. * Camp Alaska, 5200 m : Appelé « changement de pente » en espagnol, un petit site alors que la pente de la Plaza de Mulas au Nido de Cóndores diminue. Pas couramment utilisé. * Nido de Cóndores, 5570 m : Un grand plateau avec de belles vues. Il y a généralement un garde-parc qui campe ici. * Camp Berlín, 5940 m : Le camp d'altitude classique, offrant une protection raisonnable contre le vent. * Camp Colera, 6000 m : Un camp plus grand, bien que légèrement plus exposé, situé directement sur la crête nord près du Camp Berlín, avec une popularité croissante. En janvier 2011, un refuge a été ouvert au Camp Colera à usage exclusif en cas d'urgence. Le refuge porte le nom d'Elena en hommage à l'alpiniste italienne Elena Senin, décédée en janvier 2009 peu après avoir atteint le sommet et dont la famille a fait don du refuge. * Plusieurs sites possibles pour camper ou bivouac, dont Piedras Blancas (~6 100 m) et Independencia (~6 350 m), sont situés au-dessus de Colera ; cependant, ils sont rarement utilisés et offrent peu de protection. Les tentatives de sommet sont généralement faites depuis un camp élevé à Berlin ou Colera, ou depuis le camp inférieur de Nido de Cóndores. Tous les camps sont fréquemment utilisés, à savoir la Plaza de Mulas et Nido de Cóndores. Histoire La première tentative d'un Européen pour atteindre le sommet de l'Aconcagua a été réalisée en 1883 par un groupe dirigé par le géologue et explorateur allemand Paul Güssfeldt. Corrompant les porteurs avec l'histoire du trésor sur la montagne, il s'approcha de la montagne via le volcan Rio, faisant deux tentatives sur le sommet par la crête nord-ouest et atteignant une altitude de 6 500 m. L'itinéraire qu'il a prospecté est désormais l'itinéraire normal pour gravir la montagne. La première ascension enregistrée a eu lieu en 1897 par une expédition européenne dirigée par l'alpiniste britannique Edward FitzGerald. FitzGerald n'a pas réussi à atteindre le sommet lui-même au cours de huit tentatives entre décembre 1896 et février 1897, mais le guide (suisse) de l'expédition, Matthias Zurbriggen, a atteint le sommet le 14 janvier. Lors de la dernière tentative un mois plus tard, deux autres membres de l'expédition, Stuart Vines et Nicola Lanti ont atteint le sommet le 13 février. Le côté est de l'Aconcagua a été escaladé pour la première fois par une expédition polonaise, avec Konstanty Narkiewicz-Jodko, Stefan Daszyński, Wiktor Ostrowski et Stefan Osiecki au sommet le 9 mars 1934 sur ce qui est maintenant connu sous le nom de glacier polonais. Un itinéraire sur la crête sud-ouest a été lancé pendant sept jours en janvier 1953 par l'équipe suisse-argentine composée de Frederico et Dorly Marmillod, Francisco Ibanez et Fernando Grajales. La célèbre et difficile face Sud a été conquise par une équipe française dirigée par . Pierre Lesueur, Adrien Dagory, Robert Paragot, Edmond Denis, Lucien Berardini et Guy Poulet atteignent le sommet après un mois d'efforts le 25 février 1954. Le plus jeune à avoir atteint le sommet de l'Aconcagua était le Californien Tyler Armstrong. Il avait neuf ans lorsqu'il a atteint le sommet le 24 décembre 2013. La personne la plus âgée à l'avoir gravi était Scott Lewis, qui a atteint le sommet le 26 novembre 2007 à l'âge de 87 ans. Dans le camp de base Plaza de Mulas (à 4300 mètres d'altitude) se trouve la plus haute tente de galerie d'art contemporain appelée "Nautilus" du peintre argentin Miguel Doura. En 2014, Kilian Jornet a établi un record d'ascension et de descente de l'Aconcagua depuis Horcones en 12 heures et 49 minutes. Le record a été battu moins de deux mois plus tard par l'Équatorien-Suisse Karl Egloff, en 11 heures 52 minutes, soit près d'une heure plus rapide que Kilian Jornet. La culture populaire La montagne a une apparition dans un dessin animé Disney de 1942 appelé Pedro. Le dessin animé met en vedette un petit avion anthropomorphe nommé Pedro qui fait passer un courrier aérien au-dessus des Andes et a une rencontre presque désastreuse avec l'Aconcagua (dépeint dans le film comme une menace anthropomorphe). La montagne figurait dans une illustration utilisée lorsque l'histoire a été rassemblée dans un livre d'anthologie Disney. Il a également été mentionné comme la bonne réponse à une question de quiz dans le film Disney de 1969 L'ordinateur portait des chaussures de tennis.

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Le film « Cry Freedom » de 1987 est un drame biographique sur quel leader sud-africain des droits civiques ?

Steve Biko

Cry Freedom est un film dramatique épique britannique de 1987 réalisé par Richard Attenborough, qui se déroule à la fin des années 1970, à l'époque de l'apartheid, en Afrique du Sud. Le scénario a été écrit par John Briley sur la base de deux livres du journaliste Donald Woods. Le film se concentre sur les événements réels impliquant le militant noir Steve Biko et son ami Donald Woods, qui le trouve au départ destructeur, et tente de comprendre son mode de vie. Denzel Washington incarne Biko, tandis que l'acteur Kevin Kline incarne Woods. Cry Freedom explore les idées de discrimination, de corruption politique et les répercussions de la violence. Le film a été principalement tourné au Zimbabwe et au Kenya en raison des troubles politiques en Afrique du Sud au moment de la production. En tant que film projeté principalement en version cinématographique limitée, il a été nominé pour plusieurs prix, notamment aux Oscars pour le meilleur acteur dans un second rôle, la meilleure musique originale et la meilleure chanson originale. Il a également remporté de nombreux prix, notamment ceux du Festival international du film de Berlin et des British Academy Film Awards. Un effort collectif conjoint pour s'engager dans la production du film a été réalisé par Universal Pictures et Marble Arch Productions. Il a été distribué commercialement par Universal Pictures en cinéma et par MCA Home Video pour les médias domestiques. Cry Freedom a été créé dans les cinémas de tout le pays aux États-Unis le 6 novembre 1987, rapportant 5 899 797 $ de recettes de billets nationaux. Le film a connu sa diffusion la plus large dans 479 cinémas à travers le pays. Il a généralement reçu des critiques positives avant sa première projection en salles. Parcelle À la suite d'un reportage décrivant la démolition d'un bidonville de l'Est de Londres, en Afrique du Sud, le journaliste Donald Woods (Kevin Kline) cherche plus d'informations sur l'incident et s'aventure à la rencontre du militant noir Steve Biko (Denzel Washington). Biko a été officiellement interdit par le gouvernement sud-africain et n'est pas autorisé à quitter sa zone d'interdiction définie à King William's Town. Woods est formellement contre l'interdiction de Biko, mais reste critique à l'égard de ses opinions politiques. Biko invite Woods à visiter un township noir pour constater les conditions de pauvreté et être témoin de l'effet des restrictions imposées par le gouvernement, qui constituent le système d'apartheid. Woods commence à être d'accord avec le désir de Biko d'une Afrique du Sud où les Noirs auraient les mêmes opportunités et libertés que celles dont jouit la population blanche. Au fur et à mesure que Woods comprend le point de vue de Biko, une amitié se développe lentement entre eux. Après avoir été arrêté pour avoir pris la parole lors d'un rassemblement de Sud-Africains noirs à l'extérieur de sa zone de bannissement, Biko est arrêté et interrogé par les forces de sécurité sud-africaines. Suite à cela, il est traduit en justice afin d'expliquer son message adressé au gouvernement sud-africain. Après qu'il s'est exprimé avec éloquence devant le tribunal et a prôné la non-violence, les agents de sécurité qui l'ont interrogé se rendent dans son église et vandalisent la propriété. Woods assure à Biko qu'il rencontrera un représentant du gouvernement pour discuter de la question. Woods rencontre ensuite Jimmy Kruger (John Thaw), le ministre sud-africain de la Justice dans sa maison de Pretoria pour tenter d'empêcher de nouveaux abus de la part des forces de sécurité. Kruger exprime d'abord son mécontentement face aux actions des forces de sécurité, mais Woods est ensuite harcelé par les forces de sécurité à son domicile. Les agents de sécurité qui harcèlent Woods insinuent que leurs ordres de visiter Woods provenaient directement de Kruger. Plus tard, Biko décide de se rendre au Cap pour prendre la parole lors d'une réunion organisée par les étudiants. En route, les forces de sécurité arrêtent sa voiture et l'arrêtent. Il est détenu dans des conditions difficiles et battu, provoquant de graves lésions cérébrales. Un médecin recommande de consulter un spécialiste à proximité afin de soigner au mieux ses blessures, mais la police refuse par crainte qu'il ne s'échappe. Les forces de sécurité décident plutôt de l'emmener dans un hôpital de la police à Pretoria, à environ 1 020 km du Cap. Il est jeté à l'arrière d'un fourgon de prison et conduit sur une route cahoteuse, ce qui a aggravé ses lésions cérébrales et entraîné sa mort. Woods s'efforce ensuite de dénoncer la complicité de la police dans la mort de Biko. Il tente d'exposer des photographies du corps de Biko qui contredisent les rapports de police selon lesquels il est mort à la suite d'une grève de la faim, mais il en est empêché juste avant de monter dans un avion pour partir et informé qu'il est désormais interdit, donc incapable de quitter le pays. Woods et sa famille sont la cible d'une campagne de harcèlement de la part de la police de sécurité. Il décide plus tard de demander l'asile en Angleterre pour dénoncer le caractère corrompu et raciste des autorités sud-africaines. Après un long voyage, Woods parvient finalement à s'échapper vers le royaume du Lesotho, déguisé en prêtre. Son épouse Wendy (Penelope Wilton) et leur famille le rejoignent plus tard. Avec l'aide du journaliste australien Bruce Haigh (John Hargreaves), du haut-commissariat britannique à Maseru et du gouvernement du Lesotho, ils sont transportés par avion sous passeport des Nations Unies et avec un responsable du Lesotho au-dessus du territoire sud-africain, via le Botswana jusqu'à Londres, où ils ont obtenu l'asile politique. L'épilogue du film présente un graphique détaillant une longue liste de militants anti-apartheid (dont Biko), décédés dans des circonstances suspectes alors qu'ils étaient emprisonnés par le gouvernement. Contrairement à la croyance populaire, les dates indiquées dans le graphique se sont arrêtées en juin 1987, quelques mois avant la sortie du film, alors que le gouvernement de l'apartheid a cessé de publier les « explications officielles » de plus en plus fausses sur les décès en détention. Casting *Denzel Washington-Steve Biko *Juanita Waterman - Ntsiki Biko, la femme de Steve Biko *Kevin Kline-Donald Woods *Pénélope Wilton - Wendy Woods *Kevin McNally - Ken, photographe chez Daily Dispatch *Timothy West - Capitaine de Wet *John Hargreaves-Bruce Haigh *Miles Anderson-Lemick *Morgan Sheppard - Policier *Mawa Makondo-Jason *Wabei Slyolwe - Tenjy *Tommy Buson - Tami *Jim Findley-Peter Jones *Alec McCowen – Haut-commissaire britannique par intérim *Zakes Mokae - Père Kani *John Matshikiza - Mapetla *Ian Richardson - Procureur d'État *Josette Simon - Dr Mamphela Ramphele *Louis Mahoney - Fonctionnaire du gouvernement du Lesotho *Joseph Marcell - Moïse, postier du Lesotho *Sophie Mgcina - Evalina, femme de chambre de la famille Wood *John Paul - Le beau-père de Wendy *Gwen Watford – La mère de Wendy *Nick Tate - Ritchie, aviateur privé qui a emmené la famille Woods du Lesotho au Botswana *Garrick Hagon - McElrea, aviateur privé *John Thaw - Jimmy Kruger, ministre de la Justice *Michael Turner - Juge Boshoff *Graeme Taylor - Dillon Woods, fils aîné de la famille Woods *Kate Hardie - Jane Woods, fille aînée de la famille Woods *Adam Stuart Walker - Duncan Woods, fils de Donald et Wendy Woods *Hamish Stuart Walker - Gavin Woods, fils de Donald et Wendy Woods *Spring Stuart Walker - Mary Woods, fille de Donald et Wendy Woods *Munyaradzi Kanaventi - Samora Biko *George Lovell - Nkosinathi Biko Production Développement La prémisse de Cry Freedom est basée sur l'histoire vraie de Steve Biko, le leader charismatique sud-africain du Black Consciousness Movement qui tente de sensibiliser à l'injustice de l'apartheid ; et Donald Woods, le rédacteur blanc libéral du journal Daily Dispatch qui lutte pour faire de même après l'assassinat de Biko. En 1972, Biko était l'un des fondateurs de la Convention du peuple noir, travaillant sur des projets d'amélioration sociale autour de Durban. Le BPC a rassemblé près de 70 groupes et associations différents de conscience noire, tels que le Mouvement des étudiants sud-africains (SASM), qui a joué un rôle important dans les soulèvements de 1976, et le Black Workers Project qui soutenait les travailleurs noirs dont les syndicats n'étaient pas reconnus par la loi. Régime d'apartheid. Les activités politiques de Biko ont finalement attiré l’attention du gouvernement sud-africain qui l’a souvent harcelé, arrêté et détenu. Ces situations lui ont valu son interdiction en 1973. L'interdiction empêchait Biko de parler à plus d'une personne à la fois, dans le but de réprimer le mouvement politique anti-apartheid montant. Suite à une violation de son interdiction, Biko a été arrêté puis tué alors qu'il était en garde à vue. Les circonstances qui ont conduit à la mort de Biko ont provoqué la colère du monde entier, car il est devenu un martyr et un symbole de la résistance noire. En conséquence, le gouvernement sud-africain a interdit un certain nombre d’individus (dont Donald Woods) et d’organisations, en particulier celles étroitement associées à Biko. Le Conseil de sécurité des Nations Unies a réagi rapidement à cet assassinat en imposant ensuite un embargo sur les armes à l'Afrique du Sud. Après une période de harcèlement systématique contre sa famille par les autorités et craignant pour sa vie, Woods a fui le pays après avoir été assigné à résidence par le gouvernement sud-africain. onthisday/hi/dates/stories/january/1/newsid_2459000/2459845.stm 1978 : le rédacteur en chef du journal fuit l'Afrique du Sud]. BBC. Récupéré le 20 juin 2010. Woods a ensuite écrit un livre en 1978 intitulé : Biko, exposant la complicité de la police dans sa mort. Ce livre, ainsi que l'autobiographie de Woods Asking For Trouble, tous deux publiés au Royaume-Uni, sont devenus la base du film. Tournage Le tournage principal a eu lieu principalement en République du Zimbabwe en raison de la situation politique tendue en Afrique du Sud au moment du tournage. D'autres lieux de tournage comprenaient le Kenya, ainsi que des studios de cinéma à Shepperton et Middlesex, en Angleterre. Le film comprend une représentation dramatisée du soulèvement de Soweto qui a eu lieu le 16 juin 1976. Des tirs aveugles de la police ont tué et blessé des centaines d'écoliers africains lors d'une marche de protestation. Bande sonore La bande originale du film Cry Freedom a été publiée par MCA Records le 25 octobre 1990. Elle présente des chansons composées par des musiciens chevronnés George Fenton, Jonas Gwangwa et Thuli Dumakude. Lors des funérailles de Biko, ils chantent l'hymne Nkosi Sikelel' iAfrika. Jonathan Bates a édité la musique du film. Réception Réponse critique Parmi les critiques grand public aux États-Unis, le film a reçu des critiques majoritairement positives. Rotten Tomatoes a rapporté que 81 % des 21 critiques échantillonnés ont donné au film une critique positive, avec une note moyenne de 6,4 sur 10. Rita Kempley, écrivant dans le Washington Post, a déclaré que l'acteur Washington avait donné "une performance zélée, digne d'un Oscar, dans le rôle de ce messie africain, reconnu comme l'une des principales voix politiques de l'Afrique du Sud alors qu'il n'avait que 25 ans". Écrivant également pour le Washington Post, Desson Howe pensait que le film "aurait pu aller plus loin" et estimait que l'histoire centrée sur le personnage de Woods était "son principal défaut". Il considérait les objectifs du réalisateur Attenborough comme « plus académiques et politiques que dramatiques ». Dans l'ensemble, il a exprimé sa déception en s'exclamant : « Dans un pays plus occupé que le Chili par l'oppression, la violence et l'assujettissement, l'histoire du lent réveil de Woods n'est certainement pas la plus excitante, ni la plus révélatrice. » Roger Ebert dans le Chicago Sun-Times a offert une critique mitigée le qualifiant de "film sincère et précieux" tout en s'exclamant: "Des choses intéressantes se passaient, les performances étaient bonnes et il est toujours passionnant de voir comment vivent les autres." Mais sur un plan négatif, il a noté que le film « promet d'être un récit honnête des troubles en Afrique du Sud, mais se transforme en un suspense de routine sur la fuite du rédacteur à travers la frontière. C'est une sorte de version yuppie libérale de ce Disney ». film où la courageuse famille est-allemande construit une montgolfière et flotte vers la liberté. Janet Maslin, écrivant dans le New York Times, a vu le film comme « déroutant à certains moments et inefficace à d'autres », mais a souligné qu'« il n'est pas ennuyeux. Son style franchement grandiose est transportant à sa manière, tout comme l'histoire elle-même, même sous cette forme édulcorée. Elle a également complimenté le paysage africain, notant que "Cry Freedom peut également être admiré pour la cinématographie pittoresque de Ronnie Taylor". L'équipe de Variety a estimé que Washington avait fait "un travail remarquable en se transformant en un leader nationaliste noir articulé et fascinant, dont le refus de garder le silence a conduit à sa mort en garde à vue et à une dissimulation ultérieure". Lors de la performance de Kline, ils ont remarqué à quel point sa "présence discrète à l'écran lui a bien servi dans son portrait du journaliste volontaire mais d'humeur égale". Le critique de cinéma Gene Siskel du Chicago Tribune a donné une critique positive au film, le qualifiant de "frais" et d'"aventure solide" tout en commentant "ses images restent dans l'esprit... J'admire beaucoup ce film". Il pensait que les représentations de Washington et de Kline étaient « efficaces » et « plutôt bonnes ». De même, Michael Price, écrivant dans le Fort Worth Press, considérait Cry Freedom comme souvent « déchirant et naturaliste, mais finalement suffisant dans sa mise en accusation de la politique d'un État policier ». Mark Salisbury de TimeOut s'est vanté des mérites du film en déclarant que le jeu principal était "excellent" et les scènes de foule "étonnantes", tout en observant également à quel point le point culminant était "vraiment angoissant". Il l'a qualifié de "œuvre implacable d'autorité et de compassion, Cry Freedom est le cinéma politique à son meilleur". James Sanford cependant, écrivant pour la Kalamazoo Gazette, n'a pas apprécié les qualités durables du film, le qualifiant de « blanchiment hollywoodien d'une histoire potentiellement explosive ». Notant le film avec 3 étoiles, le critique Leonard Maltin a écrit que le film était un "film radical et compatissant". Il a cependant noté que le film "perd de son élan car il consacre trop de temps à la fuite de Kline et de sa famille d'Afrique du Sud". Mais dans un suivi positif, il a souligné qu'il "injecte astucieusement des flashbacks de Biko pour le remettre sur la bonne voie". Distinctions Le film a été nominé et a remporté plusieurs prix en 1987-1988. Parmi les prix remportés figurent la British Academy of Film and Television Arts, le Festival international du film de Berlin et la Political Film Society. Box-office Le film a été présenté en première dans les cinémas le 6 novembre 1987 en sortie limitée à travers les États-Unis. Au cours de son week-end d'ouverture, le film a débuté à une lointaine 19e place et a rapporté 318 723 $ en projection dans 27 cinémas. Le film Fatal Attraction a débuté en première place avec une projection de 7 089 680 $ dans 1 351 salles. Les revenus du film ont chuté de 10,6 % au cours de sa deuxième semaine de sortie, gagnant 284 853 $. Pour ce week-end-là, le film est tombé à la 25ème place dans 19 cinémas. Le film The Running Man a renversé Fatal Attraction et a ouvert la première place avec 8 117 465 $ de recettes au box-office diffusé dans 1 692 cinémas. Cry Freedom a eu une semaine de diffusion plus large à partir du week-end du 19 au 21 février 1988. Le film a débuté à la 14e place dans 479 cinémas, rapportant 802 235 $ de recettes au box-office. Le film a ensuite atteint un total de 5 899 797 $ de ventes de billets au niveau national au cours d'une diffusion cinématographique de 4 semaines. Pour l’ensemble de l’année 1987, le film se classerait cumulativement à la 103e place au box-office. Médias domestiques Après sa sortie cinématographique, le film est sorti au format vidéo VHS le 5 mai 1998. L'édition grand écran Region 1 Code du film est sortie sur DVD aux États-Unis le 23 février 1999. Les fonctionnalités spéciales du DVD incluent : notes de production, biographies des acteurs et des cinéastes, faits saillants du film, liens Web et cinématique théâtrale. Actuellement, aucune date de sortie n'est prévue pour une future version Blu-ray Disc du film, bien qu'elle soit disponible dans d'autres formats multimédias tels que la vidéo à la demande.

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Quelle actrice britannique a joué Valérie dans le film « Nil By Mouth » de 1997 ?

Kathy Burke

Nil by Mouth est un film dramatique franco-britannique de 1997 mettant en scène une famille de personnages vivant dans le sud-est de Londres. C'était les débuts de Gary Oldman en tant qu'écrivain et réalisateur ; le film a été produit par Douglas Urbanski et Luc Besson. Il met en vedette Ray Winstone dans le rôle de Raymond, le mari violent de Valérie (Kathy Burke). Le film fut un succès critique et remporta de nombreux prix. Time Out considérait Nil by Mouth comme le 21e meilleur film britannique. Parcelle Dans un quartier ouvrier de Londres vivent Raymond, sa femme Valérie, son frère Billy, la mère de Billy, Janet, et leur grand-mère Kathy. Billy est un toxicomane que Raymond expulse lorsqu'il vole lui-même de la drogue à Ray. Billy traîne avec ses amis héroïnomanes et ils se shootent ensemble. La famille est dysfonctionnelle, principalement à cause du caractère fougueux et des explosions de violence de Raymond. Casting * Ray Winstone dans le rôle de Raymond "Ray" * Kathy Burke dans le rôle de Valérie "Val" * Charlie Creed-Miles dans le rôle de Billy * Laila Morse dans le rôle de Janet *Edna Doré dans le rôle de Kath * Chrissie Cotterill dans le rôle de Paula * Jon Morrison dans le rôle d'Angus * Jamie Foreman dans le rôle de Mark *Steve Sweeney dans le rôle de Danny Production Le film dépeint l'environnement dont Oldman a été témoin en grandissant dans un domaine municipal du sud-est de Londres. La sœur d'Oldman, Laila Morse, joue Janet et sa mère interprète une chanson dans le film. Le titre est une instruction médicale (littéralement « rien par la bouche »), signifiant qu'un patient ne doit ni prendre de nourriture ni d'eau. Il est réglé sur la bande originale "Peculiar Groove" de Frances Ashman. Libérer En 2001, le Mind The Gap Theatre a réalisé une adaptation scénique à New York dans le cadre du UKwithNYC sponsorisé par British Airways. Le scénario, introduit par Douglas Urbanski, a été publié en 1997 par ScreenPress Books. Un journal photo de la production du film, contenant des photos de Jack English, a été publié en 1998 par ScreenPress Books. Réception Nil by Mouth a reçu des critiques généralement positives, détenant actuellement une note « fraîche » de 65 % sur Rotten Tomatoes. Roger Ebert a attribué au film 3,5/4 étoiles, en écrivant : « Le portrait du film de la vie dans les rues du sud de Londres est sans faille et observateur. Le film a rapporté 266 130 $ dans 18 cinémas en Amérique du Nord. Nil by Mouth présente le mot « chatte » 82 fois, plus que tout autre film de l'histoire. Il présente également environ 428 utilisations du mot « putain », plus que n'importe quel film à l'époque jusqu'à ce que Summer of Sam le batte 2 ans plus tard ; depuis 2014, le record de la plupart des utilisations du mot F dans un film dramatique est actuellement détenu par Swearnet : The Movie, qui compte 934 énoncés de cette obscénité. Récompenses et nominations *Festival de Cannes 1997 : ** Gagnante : Meilleure actrice (Kathy Burke) ** Nominé : Palme d'Or * Festival international du film d'Édimbourg 1997 : ** Gagnant : Prix du réalisateur de Channel 4 (Gary Oldman) * Prix du cinéma européen 1997 : ** Nominé : Meilleur directeur de la photographie (Ray Fortunato) *Prix BAFTA 1997 : ** Lauréat : Prix Alexander Korda du meilleur film britannique (Luc Besson, Gary Oldman, Douglas Urbanski) ** Gagnant : BAFTA Award du meilleur scénario original (Gary Oldman) ** Nominé : Meilleure performance d'un acteur dans un rôle principal (Ray Winstone) ** Nominé : Meilleure performance féminine dans un rôle principal (Kathy Burke) * Prix du cinéma indépendant britannique 1998 : ** Gagnant : Meilleure performance d'un acteur britannique dans un film indépendant (Ray Winstone) ** Gagnant : Meilleure performance d'une actrice britannique dans un film indépendant (Kathy Burke) ** Gagnant : nouveau venu le plus prometteur dans toutes les catégories (Laila Morse) ** Nominé : Meilleur réalisateur britannique d'un film indépendant (Gary Oldman) ** Nominé : Meilleur film indépendant britannique ** Nominé : Meilleur scénario original d'un scénariste britannique pour un film indépendant produit (Gary Oldman) *Prix Empire 1998 : ** Gagnant : Meilleur début (Gary Oldman) * 1997 Royal Variety Club de Grande-Bretagne ** Gagnante : Meilleure actrice de cinéma (Kathy Burke) * 1997 : Prix Grenouille d'Or : ** Nominé : Cinématographie (Ron Fortunato)

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À part l’anglais, quelle est la langue officielle du Canada ?

français

L'anglais est une langue germanique occidentale qui a été parlée pour la première fois au début de l'Angleterre médiévale et qui est aujourd'hui une lingua franca mondiale. L'anglais est soit la langue officielle, soit une langue officielle dans près de 60 États souverains. C'est la langue la plus parlée au Royaume-Uni, aux États-Unis, au Canada, en Australie, en Irlande et en Nouvelle-Zélande, et elle est largement parlée dans certaines régions des Caraïbes, d'Afrique et d'Asie du Sud. C’est la troisième langue maternelle la plus répandue au monde, après le mandarin et l’espagnol. C'est la deuxième langue la plus largement apprise et une langue officielle des Nations Unies, de l'Union européenne et de nombreuses autres organisations internationales mondiales et régionales. L'anglais s'est développé au cours de plus de 1 400 ans. Les premières formes d'anglais, un ensemble de dialectes anglo-frisons introduits en Grande-Bretagne par les colons anglo-saxons au cinquième siècle, sont appelées vieil anglais. Le moyen anglais a commencé à la fin du XIe siècle avec la conquête normande de l'Angleterre. L'anglais moderne a commencé à la fin du XVe siècle avec l'introduction de l'imprimerie à Londres et de la Bible King James, ainsi que le début du Grand Changement de Voyelles. Grâce à l'influence mondiale de l'Empire britannique, l'anglais moderne s'est répandu dans le monde entier du XVIIe au milieu du XXe siècle. Grâce à tous les types de médias imprimés et électroniques, ainsi qu'à l'émergence des États-Unis en tant que superpuissance mondiale, l'anglais est devenu la langue principale du discours international et la lingua franca dans de nombreuses régions et dans des contextes professionnels tels que la science, la navigation et loi. L'anglais moderne a peu d'inflexion par rapport à de nombreuses autres langues et s'appuie davantage sur les verbes auxiliaires et l'ordre des mots pour l'expression des temps, des aspects et des modes complexes, ainsi que sur les constructions passives, les interrogatifs et certaines négations. Malgré des variations notables entre les accents et les dialectes de l'anglais utilisés dans différents pays et régions – en termes de phonétique et de phonologie, et parfois aussi de vocabulaire, de grammaire et d'orthographe – les anglophones du monde entier sont capables de communiquer entre eux avec une relative facilité. . Classification L'anglais est une langue indo-européenne et appartient au groupe germanique occidental des langues germaniques. Les langues frisonnes sont les plus étroitement liées à l'anglais, et l'anglais et le frison forment le sous-groupe anglo-frison au sein du germanique occidental. Le vieux saxon et ses langues descendantes du bas allemand sont également étroitement liées, et parfois le bas allemand, l'anglais et le frison sont regroupés sous le nom de langues ingvaeoniques ou germaniques de la mer du Nord. L’anglais moderne descend du moyen anglais, qui à son tour descend du vieil anglais. Des dialectes particuliers de l'ancien et du moyen anglais se sont également développés dans un certain nombre d'autres langues anglaises (angliques), notamment l'écossais et les dialectes éteints Fingallian et Forth et Bargy (Yola) d'Irlande. L'anglais est classé comme langue germanique car il partage de nouvelles caractéristiques linguistiques (différentes des autres langues indo-européennes) avec d'autres langues germaniques telles que le néerlandais, l'allemand et le suédois. Ces innovations partagées montrent que les langues descendent d’un seul ancêtre commun, que les linguistes appellent proto-germanique. Certaines caractéristiques communes des langues germaniques sont l'utilisation de verbes modaux, la division des verbes en classes fortes et faibles et les changements sonores affectant les consonnes proto-indo-européennes, connues sous le nom de lois de Grimm et de Verner. Selon la loi de Grimm, le mot pour pied commence par dans les langues germaniques, mais ses équivalents dans d'autres langues indo-européennes commencent par. L'anglais est classé comme langue anglo-frisonne car le frison et l'anglais partagent d'autres caractéristiques, telles que la palatalisation des consonnes qui étaient des consonnes vélaires en proto-germanique (voir ). * Les anglais chantent, chantent, chantent ; Néerlandais zingen, zong, gezongen ; Allemand chanté, chanté, gesungen (verbe fort) Les Anglais rient, rient ; néerlandais et allemand lachen, lachte (verbe faible) * Foot anglais, voet néerlandais, Fuß allemand, fot norvégien et suédois (initiale dérivée du proto-indo-européen par la loi de Grimm) Latin pes, tige ped-; Pódi grec moderne ; Pod russe ; Sanskrit pád (original proto-indo-européen) * Fromage anglais, tsiis frison (ch et ts de palatalisation) Käse allemand et kaas néerlandais (k sans palatalisation) L'anglais, comme les autres langues germaniques insulaires, l'islandais et le féroïen, s'est développé indépendamment des langues germaniques continentales et de leurs influences. L'anglais n'est donc mutuellement intelligible avec aucune langue germanique continentale, différant par son vocabulaire, sa syntaxe et sa phonologie, bien que certaines, comme le néerlandais, montrent de fortes affinités avec l'anglais, en particulier dans ses premiers stades. Parce que l'anglais au cours de son histoire a considérablement changé en réponse au contact avec d'autres langues, en particulier le vieux norrois et le français normand, certains chercheurs ont soutenu que l'anglais peut être considéré comme une langue mixte ou un créole – une théorie appelée l'hypothèse créole du moyen anglais. Bien que le degré élevé d’influence de ces langues sur le vocabulaire et la grammaire de l’anglais moderne soit largement reconnu, la plupart des spécialistes du contact linguistique ne considèrent pas l’anglais comme une véritable langue mixte. Histoire Du proto-germanique au vieil anglais La première forme d'anglais est appelée vieil anglais ou anglo-saxon (vers 550-1066 CE). Le vieil anglais s'est développé à partir d'un ensemble de dialectes germaniques de la mer du Nord parlés à l'origine le long des côtes de la Frise, de la Basse-Saxe, du Jutland et du sud de la Suède par des tribus germaniques connues sous le nom d'Angles, de Saxons et de Jutes. Au Ve siècle, les Anglo-Saxons s'installèrent en Grande-Bretagne et les Romains se retirèrent de la Grande-Bretagne. Au septième siècle, la langue germanique des Anglo-Saxons est devenue dominante en Grande-Bretagne, remplaçant les langues de la Grande-Bretagne romaine (43-409 CE) : le breton commun, une langue celtique, et le latin, introduit en Grande-Bretagne par l'occupation romaine. L'Angleterre et l'anglais (à l'origine Englaland et Englisc) portent le nom des Angles. Le vieil anglais était divisé en quatre dialectes : les dialectes angliens, mercien et northumbrien, et les dialectes saxons, kentish et saxon occidental. Grâce aux réformes éducatives du roi Alfred au IXe siècle et à l'influence du royaume de Wessex, le dialecte saxon occidental est devenu la variété écrite standard. Le poème épique Beowulf est écrit en saxon occidental et le premier poème anglais, Cædmon's Hymn, est écrit en Northumbrie. L'anglais moderne s'est développé principalement à partir du Mercien, mais la langue écossaise s'est développée à partir du Northumbrien. Quelques courtes inscriptions de la première période du vieil anglais ont été écrites en utilisant une écriture runique. Au VIe siècle, un alphabet latin fut adopté, écrit avec des formes de lettres semi-onciales. Il comprenait les lettres runiques wynn et thorn, ainsi que les lettres latines modifiées eth et ash. Le vieil anglais est très différent de l’anglais moderne et difficile à comprendre pour les anglophones du 21e siècle. Sa grammaire était similaire à celle de l'allemand moderne et son parent le plus proche est le vieux frison. Les noms, adjectifs, pronoms et verbes avaient beaucoup plus de terminaisons et de formes flexionnelles, et l'ordre des mots était beaucoup plus libre qu'en anglais moderne. L'anglais moderne a des formes de cas dans les pronoms (il, lui, son) et quelques terminaisons de verbes (j'ai, il a), mais le vieil anglais avait également des terminaisons de cas dans les noms, et les verbes avaient plus de terminaisons de personnes et de nombres. La traduction de Matthieu 8 :20 de 1000 CE montre des exemples de terminaisons de cas (nominatif pluriel, accusatif pluriel, génitif singulier) et de terminaison verbale (présent pluriel) : Nid de Foxas habbað holu et heofonan fuglas Renard-comme habb-að hol-u et heofon-an fugl-as nid-∅ renard- avoir- trou- et paradis- oiseau- nid- "Les renards ont des trous et les oiseaux du ciel des nids" Anglais moyen Entre le VIIIe et le XIIe siècle, le vieil anglais s'est progressivement transformé, grâce au contact linguistique, en anglais moyen. Le moyen anglais est souvent arbitrairement défini comme commençant par la conquête de l'Angleterre par Guillaume le Conquérant en 1066, mais il s'est développé davantage au cours de la période 1200-1450. Premièrement, les vagues de colonisation nordique des parties nord des îles britanniques aux VIIIe et IXe siècles ont mis le vieil anglais en contact intense avec le vieux norrois, une langue germanique du Nord. L'influence nordique était la plus forte dans les variétés du vieil anglais du nord-est parlées dans la région de Danelaw autour de York, qui était le centre de la colonisation nordique ; aujourd'hui, ces caractéristiques sont encore particulièrement présentes en écossais et en anglais du nord. Cependant, le centre de l'anglais norsifié semble avoir été dans les Midlands autour de Lindsey, et après 920 CE, lorsque Lindsey a été réincorporée dans le système politique anglo-saxon, les caractéristiques du norrois se sont propagées à partir de là dans des variétés anglaises qui n'avaient pas été en contact intense avec les locuteurs du norrois. Certains éléments d'influence nordique qui persistent aujourd'hui dans toutes les variétés anglaises sont les pronoms commençant par th- (ils, eux, leur) qui ont remplacé les pronoms anglo-saxons par h- (hie, lui, hera). Avec la conquête normande de l'Angleterre en 1066, la langue anglaise ancienne, désormais norsifiée, fut soumise au contact de la langue ancienne normande, une langue romane étroitement liée au français moderne. La langue normande en Angleterre est finalement devenue anglo-normande. Parce que le normand était parlé principalement par les élites et les nobles, tandis que les classes inférieures continuaient à parler l'anglo-saxon, l'influence du normand consistait à introduire un large éventail d'emprunts liés à la politique, à la législation et aux domaines sociaux prestigieux. Le moyen anglais a également grandement simplifié le système flexionnel, probablement afin de réconcilier le vieux norrois et le vieil anglais, qui étaient flexionnellement différents mais morphologiquement similaires. La distinction entre le cas nominatif et accusatif a été perdue, sauf dans les pronoms personnels, le cas instrumental a été abandonné et l'utilisation du cas génitif s'est limitée à décrire la possession. Le système flexionnel a régularisé de nombreuses formes flexionnelles irrégulières et a progressivement simplifié le système d'accord, rendant l'ordre des mots moins flexible. Dans la Bible Wycliffe des années 1380, le passage Matthieu 8 : 20 a été écrit Foxis han dennes et briddis de heuene han nestis Ici, le suffixe pluriel -n sur le verbe have est toujours conservé, mais aucune des terminaisons de casse des noms n'est présente. Au XIIe siècle, le moyen anglais était pleinement développé, intégrant à la fois des caractéristiques nordiques et normandes ; il a continué à être parlé jusqu'à la transition vers l'anglais moderne vers 1500. La littérature en anglais moyen comprend Les Contes de Canterbury de Geoffrey Chaucer et Le Morte d'Arthur de Malory. Au cours de la période du moyen anglais, l'utilisation de dialectes régionaux dans l'écriture a proliféré, et les traits dialectaux ont même été utilisés à des fins efficaces par des auteurs tels que Chaucer. Anglais moderne ancien La période suivante de l’histoire de l’anglais fut celle de l’anglais moderne (1500-1700). L'anglais moderne était caractérisé par le grand changement de voyelle (1350-1700), la simplification flexionnelle et la standardisation linguistique. Le Great Vowel Shift a affecté les voyelles longues accentuées du moyen anglais. Il s’agissait d’un changement en chaîne, ce qui signifie que chaque changement déclenchait un changement ultérieur dans le système vocalique. Les voyelles moyennes et ouvertes étaient élevées et les voyelles fermées étaient divisées en diphtongues. Par exemple, le mot morsure était à l'origine prononcé comme le mot betterave l'est aujourd'hui, et la deuxième voyelle du mot about a été prononcée comme l'est aujourd'hui le mot botte. Le grand changement de voyelle explique de nombreuses irrégularités dans l'orthographe, puisque l'anglais conserve de nombreuses orthographes du moyen anglais, et explique également pourquoi les voyelles anglaises ont des prononciations très différentes des mêmes lettres dans d'autres langues. L'anglais a commencé à gagner en prestige sous le règne d'Henri V. Vers 1430, la Cour de Chancellerie de Westminster a commencé à utiliser l'anglais dans ses documents officiels, et une nouvelle forme standard d'anglais moyen, connue sous le nom de Chancery Standard, s'est développée à partir des dialectes de Londres. et les East Midlands. En 1476, William Caxton introduisit l’imprimerie en Angleterre et commença à publier les premiers livres imprimés à Londres, élargissant ainsi l’influence de cette forme d’anglais. La littérature de la période moderne comprend les œuvres de William Shakespeare et la traduction de la Bible commandée par le roi Jacques Ier. Même après le changement de voyelle, la langue sonnait toujours différemment de l'anglais moderne : par exemple, les groupes de consonnes dans chevalier, moucheron et l'épée était encore prononcée. De nombreuses caractéristiques grammaticales qu'un lecteur moderne de Shakespeare pourrait trouver désuètes ou archaïques représentent les caractéristiques distinctes de l'anglais moderne. Dans la version King James de la Bible de 1611, écrite en anglais moderne, Matthieu 8 : 20 dit : Les renards ont des trous et les oiseaux de l'ayre ont des nids Cela illustre la perte de casse et ses effets sur la structure de la phrase (remplacement par l'ordre des mots Sujet-Verbe-Objet et utilisation de of au lieu du génitif non possessif), ainsi que l'introduction d'emprunts au français (ayre) et de remplacements de mots. (oiseau signifiant à l'origine « niché » avait remplacé OE fugol). Propagation de l'anglais moderne À la fin du XVIIIe siècle, l’Empire britannique avait facilité la propagation de l’anglais grâce à ses colonies et à sa domination géopolitique. Le commerce, la science et la technologie, la diplomatie, l’art et l’éducation formelle ont tous contribué à faire de l’anglais la première langue véritablement mondiale. L'anglais a également facilité la communication internationale dans le monde entier. À mesure que l’Angleterre continuait à former de nouvelles colonies, celles-ci devinrent à leur tour indépendantes et développèrent leurs propres normes sur la façon de parler et d’écrire la langue. L'anglais a été adopté en Amérique du Nord, en Inde, dans certaines parties de l'Afrique, en Australasie et dans de nombreuses autres régions. Dans la période postcoloniale, certaines des nations nouvellement créées qui avaient plusieurs langues autochtones ont choisi de continuer à utiliser l'anglais comme langue officielle pour éviter les difficultés politiques inhérentes à la promotion d'une langue autochtone au-dessus des autres. Au XXe siècle, l'influence économique et culturelle croissante des États-Unis et leur statut de superpuissance après la Seconde Guerre mondiale ont, parallèlement à la diffusion mondiale en anglais de la BBC et d'autres diffuseurs, accéléré considérablement la diffusion de la langue à travers la planète. . Au 21e siècle, l’anglais était plus largement parlé et écrit que n’importe quelle autre langue. Une caractéristique majeure des premiers développements de l'anglais moderne a été la codification de normes explicites pour un usage standard et leur diffusion à travers les médias officiels tels que l'éducation publique et les publications parrainées par l'État. En 1755, Samuel Johnson publia son A Dictionary of the English Language qui introduisit un ensemble standard de conventions orthographiques et de normes d'usage. En 1828, Noah Webster a publié l'American Dictionary of the English Language dans le but d'établir une norme pour parler et écrire l'anglais américain, indépendante de la norme britannique. En Grande-Bretagne, les caractéristiques dialectales non standard ou de classe inférieure étaient de plus en plus stigmatisées, conduisant à la propagation rapide des variétés de prestige parmi les classes moyennes. En termes d'évolution grammaticale, l'anglais moderne a maintenant atteint un stade où la perte de casse est presque totale (la casse ne se trouve désormais que dans les pronoms, comme lui et lui, elle et elle, qui et qui), et où le mot SVO- l'ordre est en grande partie fixe. Certains changements, comme l'utilisation du do-support, sont devenus universalisés. (Auparavant, l'anglais n'utilisait pas le mot « do » comme auxiliaire général comme le fait l'anglais moderne ; au début, il n'était utilisé que dans les constructions de questions où il n'était pas obligatoire. Aujourd'hui, le support do avec le verbe have est de plus en plus standardisé.) L'utilisation de formes progressives en -ing semble s'étendre aux nouvelles constructions, et les formes telles que celles qui étaient en cours de construction deviennent plus courantes. La régularisation des formes irrégulières se poursuit également lentement (par exemple rêvé au lieu de rêvé), et les alternatives analytiques aux formes flexionnelles deviennent de plus en plus courantes (par exemple plus polies au lieu de plus polies). L'anglais britannique subit également des changements sous l'influence de l'anglais américain, alimentés par la forte présence de l'anglais américain dans les médias et le prestige associé aux États-Unis en tant que puissance mondiale. Distribution géographique En 2010, 359 millions de personnes parlaient l'anglais comme langue maternelle. L'anglais est probablement la troisième langue en termes de nombre de locuteurs natifs, après le mandarin et l'espagnol. Cependant, si l’on combine locuteurs natifs et non natifs, c’est probablement la langue la plus parlée au monde. L'anglais est parlé par des communautés sur tous les continents et sur les îles océaniques de tous les principaux océans. Les pays dans lesquels l'anglais est parlé peuvent être regroupés en différentes catégories selon la manière dont l'anglais est utilisé dans chaque pays. Les pays du « cercle restreint » comptant de nombreux locuteurs natifs de l’anglais partagent une norme internationale d’anglais écrit et influencent conjointement les normes d’expression de l’anglais dans le monde entier. L’anglais n’appartient pas à un seul pays ni aux seuls descendants de colons anglais. L'anglais est une langue officielle dans des pays peuplés de quelques descendants de locuteurs natifs de l'anglais. Il est également devenu de loin la langue de communication internationale la plus importante lorsque des personnes qui ne partagent aucune langue maternelle se rencontrent n’importe où dans le monde. Trois cercles de pays anglophones Braj Kachru distingue les pays où l'anglais est parlé selon un modèle à trois cercles. Dans son modèle, les pays du « cercle intérieur » sont des pays avec de grandes communautés de locuteurs natifs de l'anglais, les pays du « cercle extérieur » ont de petites communautés de locuteurs natifs de l'anglais mais une utilisation répandue de l'anglais comme langue seconde dans l'éducation ou la radiodiffusion ou pour les activités locales. à des fins officielles, et les pays du « cercle en expansion » sont des pays où de nombreux apprenants apprennent l'anglais comme langue étrangère. Kachru fonde son modèle sur l'histoire de la diffusion de l'anglais dans différents pays, sur la manière dont les utilisateurs acquièrent l'anglais et sur l'éventail d'utilisations de l'anglais dans chaque pays. Les trois cercles changent de composition au fil du temps. Les pays comptant de grandes communautés de locuteurs natifs de l'anglais (le cercle intérieur) comprennent la Grande-Bretagne, les États-Unis, l'Australie, le Canada, l'Irlande et la Nouvelle-Zélande, où la majorité parle anglais, et l'Afrique du Sud, où une minorité importante parle anglais. Les pays comptant le plus de locuteurs natifs anglais sont, par ordre décroissant, les États-Unis (au moins 231 millions), le Royaume-Uni (60 millions), le Canada (19 millions), l'Australie (au moins 17 millions), l'Afrique du Sud (4,8 millions). millions), l'Irlande (4,2 millions) et la Nouvelle-Zélande (3,7 millions). Dans ces pays, les enfants de locuteurs natifs apprennent l'anglais auprès de leurs parents, et les populations locales qui parlent d'autres langues ou les nouveaux immigrants apprennent l'anglais pour communiquer dans leur quartier et sur leur lieu de travail. Les pays du cercle restreint constituent la base à partir de laquelle l’anglais se propage dans d’autres pays du monde. Les estimations du nombre d'anglophones qui parlent une langue seconde ou une langue étrangère varient considérablement de 470 millions à plus de 1 000 millions selon la façon dont la compétence est définie. Le linguiste David Crystal estime que les locuteurs non natifs sont désormais plus nombreux que les locuteurs natifs dans un rapport de 3 pour 1. Dans le modèle à trois cercles de Kachru, les pays du « cercle extérieur » sont des pays tels que les Philippines, la Jamaïque, l'Inde, le Pakistan, Singapour et Le Nigéria, avec une proportion beaucoup plus faible de locuteurs natifs de l'anglais mais une forte utilisation de l'anglais comme langue seconde pour l'éducation, le gouvernement ou les affaires nationales, et où l'anglais est couramment utilisé pour l'enseignement scolaire et les interactions officielles avec le gouvernement. Ces pays comptent des millions de locuteurs natifs de continuums dialectaux allant du créole basé sur l'anglais à une version plus standard de l'anglais. Ils comptent beaucoup plus d'anglophones qui acquièrent l'anglais en grandissant, en l'utilisant au quotidien et en écoutant des émissions, surtout s'ils fréquentent des écoles où l'anglais est la langue d'enseignement. Les variétés d'anglais apprises par des locuteurs qui ne sont pas des locuteurs natifs nés de parents anglophones peuvent être influencées, notamment dans leur grammaire, par les autres langues parlées par ces apprenants. La plupart de ces variétés d’anglais comprennent des mots peu utilisés par les locuteurs natifs de l’anglais dans les pays du cercle restreint, et elles peuvent également présenter des différences grammaticales et phonologiques par rapport aux variétés du cercle restreint. L’anglais standard des pays du cercle intérieur est souvent considéré comme la norme d’utilisation de l’anglais dans les pays du cercle extérieur. Dans le modèle des trois cercles, des pays comme la Pologne, la Chine, le Brésil, l'Allemagne, le Japon, l'Indonésie, l'Égypte et d'autres pays où l'anglais est enseigné comme langue étrangère constituent le « cercle en expansion ». Les distinctions entre l'anglais comme première langue, comme deuxième langue et comme langue étrangère sont souvent discutables et peuvent changer dans certains pays au fil du temps. Par exemple, aux Pays-Bas et dans certains autres pays d'Europe, la connaissance de l'anglais comme langue seconde est presque universelle, avec plus de 80 pour cent de la population capable de l'utiliser. L'anglais est donc couramment utilisé pour communiquer avec les étrangers et souvent dans les domaines supérieurs. éducation. Dans ces pays, bien que l'anglais ne soit pas utilisé dans les affaires gouvernementales, l'usage répandu de l'anglais dans ces pays les place à la frontière entre le « cercle extérieur » et le « cercle en expansion ». L'anglais est inhabituel parmi les langues du monde dans la mesure où nombre de ses utilisateurs ne sont pas des locuteurs natifs mais des locuteurs de l'anglais comme langue seconde ou étrangère. De nombreux utilisateurs de l'anglais dans le cercle en expansion l'utilisent pour communiquer avec d'autres personnes du cercle en expansion, de sorte que l'interaction avec des locuteurs natifs de l'anglais ne joue aucun rôle dans leur décision d'utiliser l'anglais. Les variétés non natives de l'anglais sont largement utilisées pour la communication internationale, et les locuteurs d'une de ces variétés rencontrent souvent les caractéristiques d'autres variétés. Très souvent aujourd’hui, une conversation en anglais n’importe où dans le monde peut ne comporter aucun locuteur natif de l’anglais, même si elle inclut des locuteurs de plusieurs pays différents. Anglais pluricentrique L’anglais est une langue pluricentrique, ce qui signifie qu’aucune autorité nationale ne fixe de norme d’utilisation de la langue. Mais l'anglais n'est pas une langue divisée, malgré une plaisanterie de longue date attribuée à l'origine à George Bernard Shaw selon laquelle le Royaume-Uni et les États-Unis sont « deux pays séparés par une langue commune ». L'anglais parlé, par exemple l'anglais utilisé dans la radiodiffusion, suit généralement les normes nationales de prononciation qui sont également établies par la coutume plutôt que par la réglementation. Les diffuseurs internationaux sont généralement identifiables comme venant d'un pays plutôt que d'un autre grâce à leurs accents, mais les scripts des lecteurs de nouvelles sont également rédigés en grande partie dans un anglais écrit standard international. Les normes de l’anglais écrit standard sont maintenues uniquement par le consensus des anglophones instruits du monde entier, sans aucune surveillance de la part d’un gouvernement ou d’une organisation internationale. Les auditeurs américains comprennent généralement facilement la plupart des émissions britanniques, et les auditeurs britanniques comprennent facilement la plupart des émissions américaines. La plupart des anglophones du monde entier peuvent comprendre les programmes de radio, les programmes de télévision et les films de nombreuses régions du monde anglophone. Les variétés d'anglais standard et non standard peuvent inclure des styles formels ou informels, se distinguant par le choix des mots et la syntaxe et utiliser des registres techniques et non techniques. L'histoire de la colonisation des pays anglophones du cercle restreint en dehors de la Grande-Bretagne a contribué à niveler les distinctions dialectales et à produire une forme koinisée de l'anglais en Afrique du Sud, en Australie et en Nouvelle-Zélande. La majorité des immigrants aux États-Unis sans ascendance britannique ont rapidement adopté l'anglais après leur arrivée. Aujourd’hui, la majorité de la population des États-Unis est monolingue anglophone, bien que l’anglais n’ait reçu un statut officiel que de 30 des 50 gouvernements des États américains. L'anglais comme langue mondiale L'anglais a cessé d'être une « langue anglaise » dans le sens d'appartenir uniquement à des personnes d'origine ethnique anglaise. L’usage de l’anglais se développe pays par pays en interne et pour la communication internationale. La plupart des gens apprennent l’anglais pour des raisons pratiques plutôt qu’idéologiques. De nombreux locuteurs de l'anglais en Afrique font désormais partie d'une communauté linguistique « afro-saxonne » qui unit les Africains de différents pays. Alors que la décolonisation progressait dans l’ensemble de l’Empire britannique dans les années 1950 et 1960, les anciennes colonies ne rejetaient pas l’anglais mais continuaient plutôt à l’utiliser en tant que pays indépendants définissant leurs propres politiques linguistiques. Par exemple, chez de nombreux Indiens, la langue anglaise est passée du colonialisme à l’association au progrès économique, et l’anglais continue d’être une langue officielle de l’Inde. L'anglais est également largement utilisé dans les médias et la littérature, et le nombre de livres en anglais publiés chaque année en Inde est le troisième au monde après les États-Unis et le Royaume-Uni. Cependant, l'anglais est rarement parlé comme première langue, avec seulement quelques centaines de milliers de personnes, et moins de 5 % de la population parle couramment l'anglais en Inde. David Crystal a affirmé en 2004 qu'en combinant locuteurs natifs et non natifs, l'Inde compte désormais plus de personnes parlant ou comprenant l'anglais que tout autre pays au monde, mais le nombre d'anglophones en Inde est très incertain, la plupart des chercheurs concluant que les États-Unis comptent encore plus d’anglophones que l’Inde. L'anglais moderne, parfois décrit comme la première lingua franca mondiale, est également considéré comme la première langue mondiale. L'anglais est la langue la plus utilisée au monde dans l'édition de journaux, l'édition de livres, les télécommunications internationales, l'édition scientifique, le commerce international, le divertissement de masse et la diplomatie. L'anglais est, par traité international, la base des langues naturelles contrôlées requises Seaspeak et Airspeak, utilisées comme langues internationales de la navigation et de l'aviation. L'anglais a remplacé l'allemand comme langue dominante de la recherche scientifique. Il a atteint la parité avec le français comme langue de diplomatie lors des négociations du Traité de Versailles en 1919. Au moment de la fondation des Nations Unies à la fin de la Seconde Guerre mondiale, l'anglais était devenu prédominant et est aujourd'hui la principale langue mondiale. de la diplomatie et des relations internationales. C'est l'une des six langues officielles des Nations Unies. De nombreuses autres organisations internationales à travers le monde, y compris le Comité international olympique, spécifient l'anglais comme langue de travail ou langue officielle de l'organisation. De nombreuses organisations internationales régionales telles que l'Association européenne de libre-échange, l'Association des nations de l'Asie du Sud-Est (ASEAN) et la Coopération économique Asie-Pacifique (APEC) ont défini l'anglais comme seule langue de travail de leur organisation, même si la plupart de leurs membres ne sont pas des pays à majorité autochtone. Anglophones. Alors que l'Union européenne (UE) autorise les États membres à désigner n'importe quelle langue nationale comme langue officielle de l'Union, dans la pratique, l'anglais est la principale langue de travail des organisations de l'UE. Bien que dans la plupart des pays l’anglais ne soit pas une langue officielle, c’est actuellement la langue la plus souvent enseignée comme langue étrangère. Dans les pays de l’UE, l’anglais est la langue étrangère la plus parlée dans dix-neuf des vingt-cinq États membres où il n’est pas langue officielle (c’est-à-dire les pays autres que le Royaume-Uni, l’Irlande et Malte). Dans un sondage Eurobaromètre officiel de 2012, 38 % des personnes interrogées dans l'UE en dehors des pays où l'anglais est une langue officielle ont déclaré qu'elles parlaient suffisamment bien l'anglais pour avoir une conversation dans cette langue. La deuxième langue étrangère la plus fréquemment mentionnée, le français (qui est la langue étrangère la plus connue au Royaume-Uni et en Irlande), pourrait être utilisée dans une conversation par 12 % des personnes interrogées. Une connaissance pratique de l'anglais est devenue une exigence dans un certain nombre de métiers tels que la médecine et l'informatique. L'anglais est devenu si important dans l'édition scientifique que plus de 80 pour cent de tous les articles de revues scientifiques indexés par Chemical Abstracts en 1998 étaient rédigés en anglais, tout comme 90 pour cent de tous les articles dans des publications en sciences naturelles en 1996 et 82 pour cent des articles dans des publications en sciences humaines. d'ici 1995. Des sous-ensembles spécialisés de l’anglais apparaissent spontanément dans les communautés internationales, par exemple parmi les hommes d’affaires internationaux, en tant que langue auxiliaire. Cela a conduit certains chercheurs à développer l’étude de l’anglais comme langue auxiliaire. Globish utilise un sous-ensemble relativement restreint de vocabulaire anglais (environ 1 500 mots les plus utilisés en anglais des affaires internationales) en combinaison avec la grammaire anglaise standard. D'autres exemples incluent l'anglais simple. L'utilisation accrue de la langue anglaise à l'échelle mondiale a eu un effet sur d'autres langues, conduisant à l'assimilation de certains mots anglais dans le vocabulaire d'autres langues. Cette influence de l'anglais a suscité des inquiétudes quant à la mort de la langue et des affirmations d'impérialisme linguistique, et a provoqué une résistance à la diffusion de l'anglais ; Cependant, le nombre de locuteurs continue d'augmenter parce que de nombreuses personnes dans le monde pensent que l'anglais leur offre des opportunités d'emploi et d'amélioration de la vie. Bien que certains chercheurs évoquent la possibilité d’une future divergence des dialectes anglais en langues mutuellement inintelligibles, la plupart pensent qu’un résultat plus probable est que l’anglais continuera à fonctionner comme une langue koinisée dans laquelle la forme standard unifie les locuteurs du monde entier. L'anglais est utilisé comme langue de communication plus large dans les pays du monde entier. Ainsi, l’usage de l’anglais s’est développé dans le monde entier bien plus que n’importe quelle langue construite proposée comme langue auxiliaire internationale, y compris l’espéranto. Phonologie La phonétique et la phonologie de l'anglais diffèrent selon les dialectes, généralement sans interférer avec la communication mutuelle. La variation phonologique affecte l'inventaire des phonèmes (sons de la parole qui distinguent le sens), et la variation phonétique correspond aux différences de prononciation des phonèmes. Cet aperçu décrit principalement les prononciations standards du Royaume-Uni et des États-Unis : Prononciation reçue (RP) et General American (GA) (voir la section ci-dessous sur « Dialectes, accents et variétés »). Les symboles phonétiques utilisés ci-dessous proviennent de l'alphabet phonétique international (IPA). Les consonnes La plupart des dialectes anglais partagent les mêmes 24 phonèmes consonnes. L'inventaire des consonnes indiqué ci-dessous est valable pour l'anglais californien américain et pour le RP. *Transcrit de manière conventionnelle. Dans le tableau, lorsque les obstruants (stops, affriquées et fricatives) apparaissent par paires, comme, et, le premier est fortis (fort) et le second est lenis (faible). Les obstruants Fortis, tels que, sont prononcés avec plus de tension musculaire et de force respiratoire que les consonnes lenis, telles que, et sont toujours sans voix. Les consonnes de Lenis sont partiellement exprimées au début et à la fin des énoncés, et entièrement exprimées entre les voyelles. Les arrêts Fortis ont des caractéristiques articulatoires ou acoustiques supplémentaires dans la plupart des dialectes : ils sont aspirés lorsqu'ils apparaissent seuls au début d'une syllabe accentuée, souvent non aspirés dans d'autres cas, et souvent inédits ou pré-glottalisés à la fin d'une syllabe. Dans un mot d'une seule syllabe, une voyelle avant un arrêt fortis est raccourcie : ainsi nip a une voyelle sensiblement plus courte (phonétiquement, mais pas phonémiquement) que nib (voir ci-dessous). * lenis s'arrête : bin, about, nib * arrêts fortis : épingler, tourner, heureux, pincer ou En RP, l'approximant latéral, possède deux allophones principaux (variantes de prononciation) : le clair ou clair, comme en clair, et le sombre ou vélarisé, comme en entier. GA a un l sombre dans la plupart des cas. * clair l : voyant RP * foncé l : RP et GA pleins, GA clair Tous les sonorants (liquides et nasaux) dévoient lorsqu'ils suivent un obstruant sourd, et ils sont syllabiques lorsqu'ils suivent une consonne à la fin d'un mot. * sonorités sourdes : argile et neige * sonorités syllabiques : pagaie et bouton Voyelles La prononciation des voyelles varie beaucoup selon les dialectes et constitue l'un des aspects les plus détectables de l'accent d'un locuteur. Le tableau ci-dessous répertorie les phonèmes voyelles dans la prononciation reçue (RP) et l'américain général (GA), avec des exemples de mots dans lesquels ils apparaissent à partir d'ensembles lexicaux compilés par des linguistes. Les voyelles sont représentées par des symboles de l'alphabet phonétique international ; ceux donnés pour RP sont standard dans les dictionnaires britanniques et autres publications. En RP, la longueur des voyelles est phonémique ; les voyelles longues sont marquées d'un deux-points triangulaire dans le tableau ci-dessus, comme la voyelle de besoin par opposition à enchère. GA n'a pas de voyelles longues. En RP comme en GA, les voyelles sont phonétiquement

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Quel est le nom de la locomotive à vapeur qui a établi le record du monde de vitesse en juillet 1938 en atteignant 200 km/h sur la ligne principale de la côte Est en Angleterre ?

colvert

Une locomotive à vapeur est une locomotive ferroviaire qui produit sa force de traction grâce à une machine à vapeur. Ces locomotives sont alimentées en brûlant des matériaux combustibles – généralement du charbon/coke, du bois ou du pétrole – pour produire de la vapeur dans une chaudière. La vapeur déplace des pistons alternatifs qui sont mécaniquement reliés aux roues principales de la locomotive (conducteurs). Les réserves de carburant et d'eau sont transportées avec la locomotive, soit sur la locomotive elle-même, soit dans des wagons (annexes) tirés derrière. La première locomotive à vapeur, fabriquée par Richard Trevithick, a fonctionné pour la première fois le 21 février 1804, trois ans après la locomotive routière qu'il avait fabriquée en 1801. Les locomotives à vapeur ont été développées pour la première fois en Grande-Bretagne au début du XIXe siècle et utilisées pour le transport ferroviaire jusqu'au milieu du XXe siècle. À partir du début des années 1900, elles ont été progressivement remplacées par des locomotives électriques et diesel, avec des conversions complètes à l'énergie électrique et diesel à partir des années 1930. La majorité des locomotives à vapeur ont été retirées du service régulier dans les années 1980, même si plusieurs continuent de circuler sur des lignes touristiques et patrimoniales. Origines Royaume-Uni Les premiers chemins de fer employaient des chevaux pour tirer les charrettes le long des voies ferrées. En 1784, William Murdoch, un inventeur écossais, construisit un prototype à petite échelle de locomotive routière à vapeur. Un premier modèle fonctionnel de locomotive à vapeur a été conçu et construit par le pionnier des bateaux à vapeur John Fitch aux États-Unis en 1794. Sa locomotive à vapeur utilisait des roues intérieures à aubes guidées par des rails ou des voies. Le modèle existe toujours au Ohio Historical Society Museum à Columbus. L'authenticité et la date de cette locomotive sont contestées par certains experts et un train à vapeur fonctionnel devrait attendre l'invention de la machine à vapeur à haute pression par Richard Trevithick. La première locomotive à vapeur ferroviaire en état de marche à grande échelle a également été construite par Richard Trevithick, surnommé le « Puffing Devil », au Royaume-Uni et, le 21 février 1804, le premier voyage ferroviaire au monde a eu lieu alors que la locomotive à vapeur sans nom de Trevithick transportait un train le long du chemin de fer. le tramway reliant les usines sidérurgiques de Pen-y-darren, près de Merthyr Tydfil, à Abercynon dans le sud du Pays de Galles. Accompagné d'Andrew Vivian, il a connu un succès mitigé. La conception incorporait un certain nombre d'innovations importantes, notamment l'utilisation de vapeur à haute pression, ce qui réduisait le poids du moteur et augmentait son efficacité. Trevithick visita la région de Newcastle en 1804 et eut un auditoire composé de propriétaires de mines et d'ingénieurs. La visite a connu un tel succès que les chemins de fer houillers du nord-est de l'Angleterre sont devenus le principal centre d'expérimentation et de développement de la locomotive à vapeur. Trevithick a poursuivi ses propres expériences de propulsion à vapeur à travers un autre trio de locomotives, concluant avec la Catch Me Who Can en 1808. Quatre ans plus tard, la locomotive bicylindre à succès Salamanca de Matthew Murray pour le chemin de fer à crémaillère et pignon sur rails de Middleton a fait ses débuts en 1812. Une autre locomotive bien connue était la Puffing Billy, construite entre 1813 et 1814 par l'ingénieur William Hedley. Il était prévu de travailler sur la mine de charbon Wylam près de Newcastle upon Tyne. Cette locomotive est la plus ancienne conservée et est exposée statique au Science Museum de Londres. George Stephenson a construit la locomotion pour le chemin de fer de Stockton et Darlington, dans le nord-est de l'Angleterre, qui fut le premier chemin de fer à vapeur public au monde. En 1829, son fils Robert construisit à Newcastle le Rocket qui participa et remporta les Rainhill Trials. Ce succès a permis à l'entreprise de devenir le principal constructeur de locomotives à vapeur utilisées sur les chemins de fer au Royaume-Uni, aux États-Unis et dans une grande partie de l'Europe. Le Liverpool and Manchester Railway a ouvert ses portes un an plus tard, utilisant exclusivement la vapeur pour les trains de voyageurs et de marchandises. États-Unis Bon nombre des premières locomotives des chemins de fer américains ont été importées de Grande-Bretagne, y compris la première Stourbridge Lion et plus tard la John Bull (toujours le plus ancien véhicule à moteur opérationnel aux États-Unis, en 1981), mais une locomotive nationale L'industrie manufacturière s'est rapidement implantée. La Tom Thumb du Baltimore and Ohio Railroad en 1830, conçue et construite par Peter Cooper, fut la première locomotive construite aux États-Unis à circuler en Amérique, bien qu'elle ait été conçue comme une démonstration du potentiel de la traction à vapeur, plutôt que comme une source de revenus. locomotive. Le DeWitt Clinton a également été construit dans les années 1830. Le premier brevet américain, US1, a été obtenu en 1836 par John Ruggles pour une locomotive à vapeur destinée aux chemins de fer et à d'autres routes. La locomotive proposée par Ruggles avait un engrenage à deux vitesses et un mécanisme à crémaillère qui n'était engagé que lors de la montée de pentes abruptes. On ne sait pas s’il a réellement été construit. Europe continentale Le premier service ferroviaire en Europe continentale (ou ailleurs en dehors du Royaume-Uni et des États-Unis) a été ouvert le 5 mai 1835 en Belgique, entre Malines et Bruxelles. Le nom de la locomotive utilisée était The Elephant. En Allemagne, la première locomotive à vapeur en état de marche était un moteur à crémaillère, semblable à la Salamanca, conçu par le pionnier britannique des locomotives John Blenkinsop. Construite en juin 1816 par Johann Friedrich Krigar dans la fonderie royale de Berlin (Königliche Eisengießerei zu Berlin), la locomotive circulait sur une voie circulaire dans la cour de l'usine. Il s'agissait de la première locomotive construite sur le continent européen et du premier service de transport de passagers à vapeur, car les curieux pouvaient monter dans les voitures attenantes moyennant un supplément. Elle est représentée sur un insigne du Nouvel An de la Fonderie Royale daté de 1816. Une autre locomotive a été construite avec le même système en 1817. Elles devaient être utilisées sur les chemins de fer à fosse à Königshütte et à Luisenthal sur la Sarre (qui fait aujourd'hui partie de Völklingen), mais ni l'un ni l'autre n'ont pu être remis en état de marche après avoir été démontés, déplacés et remontés. Le 7 décembre 1835, l'Adler circulait pour la première fois entre Nuremberg et Fürth sur le chemin de fer bavarois Ludwig. Il s'agissait du 118e moteur de l'usine de locomotives de Robert Stephenson et était protégé par un brevet. En 1837, le premier chemin de fer à vapeur a été mis en service en Autriche sur le chemin de fer du Nord de l'empereur Ferdinand entre Vienne-Floridsdorf et Deutsch-Wagram. La plus ancienne machine à vapeur en activité au monde fonctionne également en Autriche : la GKB 671, construite en 1860, n'a jamais été mise hors service et est toujours utilisée pour des excursions spéciales. En 1838, la troisième locomotive à vapeur construite en Allemagne, la Saxonia, fut fabriquée par la Maschinenbaufirma Übigau près de Dresde, construite par le professeur Johann Andreas Schubert. La première locomotive de conception indépendante en Allemagne fut la Beuth construite par August Borsig en 1841. En 1848, la première locomotive produite par Henschel-Werke à Kassel, la Drache, fut livrée. La première ligne ferroviaire traversant le territoire suisse fut la ligne Strasbourg-Bâle, ouverte en 1844. Trois ans plus tard, en 1847, la première ligne ferroviaire entièrement suisse, le Spanisch Brötli Bahn, de Zurich à Baden fut ouverte. Forme basique Chaudière Bien que d'autres types de chaudières aient été essayés historiquement et récemment avec des locomotives à vapeur, leur utilisation ne s'est pas répandue et la chaudière à tube de fumée avec foyer a été la source d'énergie dominante à l'ère de la locomotion à vapeur, depuis la Fusée en 1829 jusqu'au Canard colvert en 1938 et au-delà. La locomotive à vapeur, lorsqu'elle est allumée, utilise généralement une chaudière à tube de fumée à foyer en acier qui contient une source de chaleur à l'arrière, qui génère et maintient une hauteur de vapeur dans la zone sous pression partiellement remplie d'eau de la chaudière à l'avant. La source de chaleur, contenue dans la chambre de combustion, est l'énergie libérée par la combustion, généralement d'un combustible solide ou liquide, avec comme sous-produit des gaz de combustion chauds. Si du bois, du charbon ou du coke est utilisé comme matériau de combustion, ils sont introduits par une porte, généralement par un pompier, sur un ensemble de grilles où les cendres tombent du combustible en combustion. En cas d'utilisation d'huile, une porte permet de régler le débit d'air, d'effectuer l'entretien ou de nettoyer les jets d'huile. La chaudière à tube de fumée est caractérisée par des tubes internes reliés au foyer qui guident les fumées et les gaz de combustion chauds à travers la zone humide sous pression de la chaudière. Ces tubes augmentent considérablement la zone de contact entre les zones chaudes et humides de la chaudière, ce qui augmente l'efficacité des processus de conduction thermique et de rayonnement thermique de transfert de chaleur entre les deux. Les gaz de combustion sortent des extrémités des tubes de fumée à l'avant de la chaudière et sont évacués via le fumoir vers la cheminée (stack ou smokestack aux USA). Autour de la chaudière se trouvent des couches d'isolation ou de calorifugeage pour minimiser les pertes de chaleur dans l'environnement. La pression dans la chaudière peut être surveillée par une jauge montée dans la cabine et la pression de vapeur excessive peut être évacuée manuellement par le conducteur ou le pompier. Alternativement, dans des conditions de pression élevée de la chaudière, une soupape de sécurité peut être déclenchée pour réduire la pression et empêcher l'éclatement violent de la chaudière, ce qui avait auparavant entraîné des blessures et des décès parmi les personnes à proximité, ainsi que des dommages importants à la locomotive et aux structures à proximité. À l'avant de la chaudière se trouve le fumoir, dans lequel la vapeur d'échappement utilisée est injectée pour augmenter le tirage de la fumée et des gaz de combustion à travers les tubes de fumée de la chaudière et à travers la cheminée. La recherche d'une efficacité thermique supérieure à celle d'une chaudière à tube de fumée typique a conduit des ingénieurs tels que Nigel Gresley à envisager des innovations telles que la chaudière à tube d'eau : bien qu'il ait testé le concept sur le LNER Classe W1, les difficultés de développement ont dépassé la volonté. pour résoudre le problème à ce moment-là. La vapeur générée dans la chaudière propulse non seulement la locomotive, mais alimente également d'autres dispositifs tels que les sifflets, les freins, les pompes et les systèmes de chauffage des voitures particulières. La demande constante de vapeur nécessite un approvisionnement continu en eau de la chaudière, généralement pompée automatiquement. La source de cette eau est un réservoir non pressurisé qui fait généralement partie du annexe de la locomotive ou qui est enroulé autour de la chaudière dans le cas d'une locomotive-citerne. Des arrêts périodiques sont nécessaires pour remplir l'eau. Pendant le fonctionnement, le niveau d'eau de la chaudière est surveillé en permanence, normalement via un tube transparent appelé voyant, ou avec une jauge. Le maintien d’un niveau d’eau adéquat est essentiel au fonctionnement efficace et sûr de la chaudière. Si le niveau d'eau est trop élevé, la production de vapeur diminue, l'efficacité est perdue et, dans les cas extrêmes, l'eau sera évacuée avec la vapeur dans les cylindres, provoquant éventuellement des dommages mécaniques. Plus grave encore, si le niveau d'eau devient trop bas, la couronne (supérieure) et/ou les tôles latérales de la chambre de combustion peuvent être exposées. Sans suffisamment d'eau pour absorber la chaleur de combustion, les tôles de la chambre de combustion peuvent ramollir et fondre, avec pour conséquence possible que de la vapeur à haute pression soit éjectée avec une force énorme à travers la chambre de combustion et dans la cabine de la locomotive. Le développement du bouchon fusible pour relâcher la pression dans des conditions de température excessivement élevée et de faibles niveaux d'eau a été conçu pour se protéger contre ce phénomène. Le tartre peut s'accumuler dans la chaudière et empêcher un transfert de chaleur adéquat, et la corrosion finira par dégrader les matériaux de la chaudière au point où elle devra être reconstruite ou remplacée. Le démarrage d'un gros moteur peut nécessiter des heures de chauffage préliminaire de l'eau de la chaudière avant qu'une quantité suffisante de vapeur soit disponible. Bien que la chaudière soit généralement placée horizontalement, pour les locomotives conçues pour fonctionner dans des endroits avec des pentes abruptes, il peut être plus approprié d'envisager une chaudière verticale ou montée de telle sorte que la chaudière reste horizontale mais que les roues soient inclinées pour s'adapter à la pente des rails. Circuit vapeur La vapeur générée dans la chaudière remplit l'espace de vapeur au-dessus de l'eau dans la chaudière partiellement remplie. Sa pression de service maximale est limitée par des soupapes de sécurité à ressort. Elle est ensuite collectée soit dans un tube perforé installé au-dessus du niveau de l'eau, soit à partir d'un dôme qui abrite souvent la vanne de régulation, ou papillon, dont le but est de contrôler la quantité de vapeur sortant de la chaudière. La vapeur circule alors directement le long d'un conduit de vapeur jusqu'au groupe moteur ou peut d'abord passer dans le collecteur humide d'un surchauffeur, le rôle de ce dernier étant d'améliorer l'efficacité thermique et d'éliminer les gouttelettes d'eau en suspension dans la "vapeur saturée", l'état dans lequel il quitte la chaudière. En quittant le surchauffeur, la vapeur sort du collecteur sec du surchauffeur et passe dans un tuyau de vapeur entrant dans les coffres à vapeur adjacents aux cylindres d'un moteur alternatif. À l'intérieur de chaque coffre à vapeur se trouve une vanne coulissante qui distribue la vapeur via des ports qui relient le coffre à vapeur aux extrémités de l'espace du cylindre. Le rôle des vannes est double : admission de chaque nouvelle dose de vapeur et évacuation de la vapeur usagée une fois qu'elle a fait son travail. Les cylindres sont à double effet, la vapeur étant admise tour à tour de chaque côté du piston. Dans une locomotive à deux cylindres, un cylindre est situé de chaque côté de la locomotive. Les manivelles sont déphasées de 90°. Lors d'une rotation complète de la roue motrice, la vapeur fournit quatre coups de force ; chaque cylindre reçoit deux injections de vapeur par tour. La première course se fait vers l'avant du piston et la deuxième course vers l'arrière du piston ; d'où deux coups de travail. Par conséquent, deux livraisons de vapeur sur chaque face de piston dans deux cylindres génèrent un tour complet de la roue motrice. Chaque piston est relié à l'essieu moteur de chaque côté par une bielle, les roues motrices sont reliées entre elles par des bielles d'accouplement pour transmettre la puissance du moteur principal aux autres roues. A noter qu'aux deux "points morts", lorsque la bielle est sur le même axe que le maneton de la roue motrice, la bielle n'applique aucun couple à la roue. Par conséquent, si les deux pédaliers pouvaient être au "point mort" en même temps et que les roues s'arrêtaient dans cette position, la locomotive ne pourrait pas démarrer. Par conséquent, les manetons sont fixés aux roues à un angle de 90° les uns par rapport aux autres, de sorte qu'un seul côté à la fois peut être au point mort. Chaque piston transmet la puissance directement via une bielle (US : bielle principale) et un maneton (US : dragonne) sur la roue motrice (US main driver) ou à une manivelle sur un essieu moteur. Le mouvement des soupapes dans le coffre à vapeur est contrôlé par un ensemble de tiges et de tringleries appelées engrenages de soupapes, actionnées depuis l'essieu moteur ou depuis le maneton ; l'engrenage de soupape comprend des dispositifs qui permettent d'inverser le moteur, d'ajuster la course des soupapes et le timing des événements d'admission et d'échappement. Le point de coupure détermine le moment où la vanne bloque un orifice de vapeur, "coupant" l'admission de vapeur et déterminant ainsi la proportion de la course pendant laquelle la vapeur est admise dans le cylindre ; par exemple, une coupure de 50 % laisse passer la vapeur pendant la moitié de la course du piston. Le reste de la course est entraîné par la force expansive de la vapeur. Une utilisation prudente de la coupure permet une utilisation économique de la vapeur et, par conséquent, réduit la consommation de carburant et d'eau. Le levier d'inversion (US : Johnson bar), ou inverseur à vis (le cas échéant), qui contrôle la coupure remplit donc une fonction similaire à un changement de vitesse dans une automobile : coupure maximale, fournissant un effort de traction maximal aux dépens d'efficacité, est utilisé pour démarrer à partir d'un départ arrêté, tandis qu'une coupure aussi basse que 10 % est utilisée en croisière, ce qui permet de réduire l'effort de traction avec une consommation de carburant et d'eau inférieure. La vapeur d'échappement est dirigée vers l'atmosphère à travers la cheminée, au moyen d'une buse appelée blastpipe qui donne lieu au son familier de « soufflement » de la locomotive à vapeur. Le tube de souffle est placé à un point stratégique à l'intérieur du fumoir qui est en même temps traversé par les gaz de combustion aspirés à travers la chaudière et la grille par l'action du souffle de vapeur. La combinaison des deux flux, vapeur et gaz d'échappement, est cruciale pour l'efficacité de toute locomotive à vapeur, et les profils internes de la cheminée (ou, plus strictement parlant, de l'éjecteur) nécessitent une conception et un ajustement minutieux. Cela a fait l'objet d'études intensives par un certain nombre d'ingénieurs (et presque totalement ignoré par d'autres avec des effets parfois catastrophiques). Le fait que le tirage dépend de la pression d'échappement signifie que la puissance délivrée et la production d'énergie s'ajustent automatiquement. Entre autres choses, il faut trouver un équilibre entre obtenir un tirage suffisant pour la combustion tout en laissant aux gaz d'échappement et aux particules suffisamment de temps pour être consommés. Dans le passé, un fort courant d'air pouvait éteindre le feu de la grille ou provoquer l'éjection de particules non brûlées de carburant, de saleté et de pollution pour lesquelles les locomotives à vapeur avaient une réputation peu enviable. De plus, l'action de pompage de l'échappement a pour contre-effet d'exercer une contre-pression du côté du piston recevant la vapeur, réduisant ainsi légèrement la puissance du cylindre. La conception de l'éjecteur d'échappement est devenue une science spécifique dans laquelle Chapelon, Giesl et Porta sont passés maîtres successivement, et elle a été en grande partie responsable d'améliorations spectaculaires du rendement thermique et d'une réduction significative du temps de maintenanceVoir la section de l'article du LNER Classe A1/A3 sur les pointus augmentation de la disponibilité provoquée à cet égard par l'application de l'échappement Kylchap aux Gresley Pacifics au début des années 1960 et par la pollution. Un système similaire a été utilisé par certains premiers fabricants de tracteurs à essence/kérosène (Advance-Rumely/Hart-Parr) : le volume de gaz d'échappement évacué par une tour de refroidissement signifiait que l'échappement de vapeur aidait à aspirer plus d'air au-delà du radiateur. Train de roulement Cela comprend les freins, les essieux, les boîtes d'essieux, les ressorts et le mouvement qui comprend les bielles et les soupapes. La transmission de la puissance des pistons aux rails et le comportement de la locomotive en tant que véhicule, capable de franchir les courbes, les points et les irrégularités de la voie, sont d'une importance primordiale. Etant donné que la puissance alternative doit être appliquée directement au rail à partir de 0 tr/min, cela pose des problèmes uniques d'adhérence des roues motrices à la surface lisse du rail. Le poids adhésif est la partie du poids de la locomotive qui repose sur les roues motrices. Ceci est rendu plus efficace si une paire de roues motrices est capable d'exploiter au maximum sa charge par essieu, c'est-à-dire sa part individuelle du poids adhésif. Les locomotives équipées de poutres d'égalisation reliant les extrémités des ressorts à lames ont souvent été considérées comme une complication, mais les locomotives qui en sont équipées ont généralement été moins sujettes à une perte de traction due au patinage des roues. Les locomotives à adhérence totale, c'est-à-dire dont toutes les roues sont couplées entre elles, manquent généralement de stabilité à vitesse. Cela rend souhaitable l'inclusion de roues porteuses non motorisées montées sur des bogies à deux roues ou des bogies à quatre roues centrées par des ressorts qui aident à guider la locomotive dans les virages. Ceux-ci supportent généralement le poids des cylindres à l'avant ou du foyer à l'arrière lorsque la largeur de celui-ci dépasse celle des châssis principaux. Pour plusieurs roues couplées sur un châssis rigide, il existe une variété de systèmes de jeu latéral contrôlé. Les chemins de fer voulaient généralement une locomotive avec moins d'essieux, afin de réduire les coûts de maintenance. Le nombre d'essieux requis était dicté par la charge maximale par essieu du chemin de fer en question. Un constructeur ajoutait généralement des essieux jusqu'à ce que le poids maximum sur un essieu soit acceptable par rapport à la charge maximale par essieu du chemin de fer. Une locomotive avec une disposition de roues composée de deux essieux principaux, de deux essieux moteurs et d'un essieu traîné était en réalité une machine à grande vitesse. Deux essieux principaux étaient nécessaires pour avoir une bonne tenue de route à grande vitesse. Deux essieux moteurs avaient une masse alternative inférieure à celle de trois, quatre, cinq ou six essieux couplés. Ils étaient ainsi capables de tourner à des vitesses très élevées grâce à leur masse alternative plus faible. Un essieu traîné était capable de supporter une énorme chambre de combustion, c'est pourquoi la plupart des locomotives dotées de la disposition des roues 4-4-2 (American Type Atlantic) étaient appelées bateaux à vapeur libres et étaient capables de maintenir la pression de la vapeur quel que soit le réglage des gaz. Châssis Le châssis ou châssis de locomotive est la structure principale sur laquelle est montée la chaudière et qui intègre les différents éléments du train de roulement. La chaudière est montée rigidement sur une « selle » sous la boîte à fumée et à l'avant du fût de la chaudière, mais la chambre de combustion à l'arrière peut glisser vers l'avant et vers l'arrière, pour permettre l'expansion lorsqu'elle est chaude. Les locomotives européennes utilisent généralement des « châssis à plaques », où deux plaques plates verticales forment le châssis principal, avec une variété d'entretoises et une poutre tampon à chaque extrémité pour les maintenir séparées. Lorsque des cylindres intérieurs sont montés entre les cadres, il s'agit d'un seul grand moulage qui constitue un support majeur pour les cadres. Les boîtes d'essieu glissent de haut en bas pour donner une certaine suspension à ressorts, contre des toiles épaissies fixées au châssis, appelées « cornblocks ». La pratique américaine pendant de nombreuses années consistait à utiliser des cadres de barres construits, avec la structure selle/cylindre de la boîte à fumée et la poutre de traînée intégrées à l'intérieur. Dans les années 1920, avec l'introduction de la « superpuissance », le lit de locomotive en acier moulé est devenu la norme, incorporant des cadres, des suspensions à ressort, des supports de mouvement, une selle de boîte à fumée et des blocs-cylindres dans une seule pièce moulée complexe, robuste mais lourde. André Chapelon développa une structure similaire mais de construction soudée avec un gain de poids d'environ 30% pour les locomotives mort-nées 2-10-4 dont la construction fut commencée puis abandonnée en 1946. Carburant et eau Généralement, les plus grosses locomotives sont attelées en permanence à un annexe qui transporte l'eau et le carburant. Souvent, les locomotives travaillant sur des distances plus courtes ne disposent pas d'annexe et transportent le carburant dans une soute, l'eau est transportée dans des réservoirs placés à côté de la chaudière soit dans deux réservoirs à côté (réservoir latéral et réservoir de sacoche), un au dessus (réservoir en selle). ou un en dessous (réservoir de puits) ; ceux-ci sont appelés moteurs de réservoir et ont généralement un suffixe « T » ajouté à la notation Whyte, par exemple 0-6-0T. Le carburant utilisé dépendait de ce qui était économiquement disponible pour le chemin de fer. Au Royaume-Uni et dans d’autres régions d’Europe, les réserves abondantes de charbon en ont fait le choix évident dès les premiers jours de la machine à vapeur. Jusqu'en 1870, la majorité des locomotives aux États-Unis brûlaient du bois mais, à mesure que les forêts de l'Est furent défrichées, le charbon devint progressivement plus important. Par la suite, le charbon est devenu et est resté le combustible dominant dans le monde jusqu'à la fin de l'utilisation généralisée des locomotives à vapeur. La bagasse, un sous-produit du processus de raffinage, était brûlée dans les exploitations agricoles de canne à sucre. Aux États-Unis, la disponibilité immédiate du pétrole en a fait un carburant populaire pour les locomotives à vapeur après 1900 pour les chemins de fer du sud-ouest, en particulier dans le Pacifique Sud. À Victoria, en Australie, après la Seconde Guerre mondiale, de nombreuses locomotives à vapeur ont été converties au fioul lourd. Les chemins de fer allemands, russes, australiens et britanniques ont expérimenté l'utilisation de poussière de charbon pour allumer leurs locomotives. Pendant la Seconde Guerre mondiale, un certain nombre de locomotives de manœuvre à vapeur suisses ont été modifiées pour utiliser des chaudières chauffées électriquement, consommant environ 480 kW d'énergie collectée à partir d'une ligne aérienne équipée d'un pantographe. Ces locomotives étaient nettement moins efficaces que les locomotives électriques ; ils ont été utilisés parce que la Suisse avait accès à une électricité hydroélectrique abondante, mais souffrait d'une pénurie de charbon à cause de la guerre. Un certain nombre de lignes touristiques et de locomotives patrimoniales en Suisse, en Argentine et en Australie utilisent du pétrole léger de type diesel. L'eau était fournie aux aires d'arrêt et aux dépôts de locomotives à partir d'un château d'eau dédié relié à des grues à eau ou à des portiques. Au Royaume-Uni, aux États-Unis et en France, des abreuvoirs (bacs de voie américains) ont été installés sur certaines lignes principales pour permettre aux locomotives de reconstituer leur approvisionnement en eau sans s'arrêter, à partir de l'eau de pluie ou de la fonte des neiges qui remplissait l'abreuvoir en raison des intempéries. Ceci a été réalisé en utilisant une « écope d'eau » déployable installée sous l'annexe ou le réservoir d'eau arrière dans le cas d'un moteur à gros réservoir ; le pompier a abaissé à distance la pelle dans l'auge, la vitesse du moteur a fait monter l'eau dans le réservoir et la pelle a été relevée une fois pleine. L'eau est un élément essentiel au fonctionnement d'une locomotive à vapeur ; car, comme le soutenait Swengel : il a la chaleur spécifique la plus élevée de toutes les substances communes ; c'est-à-dire que plus d'énergie thermique est stockée en chauffant de l'eau à une température donnée qu'en chauffant une masse égale d'acier ou de cuivre à la même température. De plus, la propriété de se vaporiser (former de la vapeur) permet de stocker de l'énergie supplémentaire sans augmenter la température... l'eau est un milieu très satisfaisant pour convertir l'énergie thermique du carburant en énergie mécanique. Swengel a poursuivi en notant qu'« à basse température et avec des puissances de chaudière relativement faibles », une bonne eau et un lavage régulier de la chaudière étaient une pratique acceptable, même si un tel entretien était exigeant. Cependant, à mesure que la pression de la vapeur augmentait, un problème de « moussage » ou « d'amorçage » se développait dans la chaudière, dans lequel les solides dissous dans l'eau formaient des « bulles à peau dure » ​​à l'intérieur de la chaudière, qui à leur tour étaient transportées dans les tuyaux de vapeur et pouvaient souffler les culasses. Pour résoudre le problème, de l'eau chaude concentrée en minéraux était délibérément gaspillée (soufflée) de la chaudière de temps en temps. Des pressions de vapeur plus élevées nécessitaient une plus grande purge d'eau hors de la chaudière. L'oxygène généré par l'eau bouillante attaque la chaudière et, avec l'augmentation de la pression de la vapeur, le taux de rouille (oxyde de fer) généré à l'intérieur de la chaudière augmente. Une façon de résoudre ce problème était le traitement de l’eau. Swengel a suggéré que les problèmes liés à l'eau contribuaient à l'intérêt pour l'électrification des chemins de fer. Dans les années 1970, L.D. Porta a développé un traitement chimique sophistiqué de l'eau (Porta Treatment) qui non seulement maintient l'intérieur de la chaudière propre et prévient la corrosion, mais modifie la mousse de manière à former une « couverture » compacte sur la surface de l'eau qui filtre l'eau. la vapeur au fur et à mesure de sa production, la gardant pure et empêchant le transfert d'eau et de matières abrasives en suspension dans les cylindres. Équipage Une locomotive à vapeur est normalement contrôlée depuis l'arrière de la chaudière et l'équipage est généralement protégé des éléments par une cabine. Un équipage d'au moins deux personnes est normalement nécessaire pour faire fonctionner une locomotive à vapeur. L'un d'entre eux, le conducteur du train, est responsable du contrôle du démarrage, de l'arrêt et de la vitesse de la locomotive, tandis que le pompier est responsable de l'entretien du feu, de la régulation de la pression de la vapeur et de la surveillance des niveaux d'eau de la chaudière et de l'annexe. En raison de la perte historique d'infrastructures opérationnelles et de personnel, les locomotives à vapeur préservées fonctionnant sur la ligne principale auront souvent une équipe de soutien voyageant avec le train. Équipements et appareils électroménagers Toutes les locomotives sont équipées de divers appareils. Certains d’entre eux concernent directement le fonctionnement de la machine à vapeur ; tandis que d'autres sont destinés à la signalisation, au contrôle des trains ou à d'autres fins. Aux États-Unis, la Federal Railroad Administration a rendu obligatoire l'utilisation de certains appareils au fil des années en réponse à des problèmes de sécurité. Les appareils les plus courants sont les suivants : Pompes à vapeur et injecteurs L'eau (eau d'alimentation) doit être amenée à la chaudière pour remplacer celle qui est épuisée sous forme de vapeur après avoir délivré une course de travail aux pistons. Comme la chaudière est sous pression pendant son fonctionnement, l'eau d'alimentation doit être forcée dans la chaudière à une pression supérieure à la pression de la vapeur, ce qui nécessite l'utilisation d'une sorte de pompe. Les premiers moteurs utilisaient des pompes entraînées par le mouvement des pistons (pompes à essieu). Plus tard, des injecteurs de vapeur ont remplacé la pompe, tandis que certains moteurs utilisent des turbopompes. La pratique standard a évolué pour utiliser deux systèmes indépendants pour alimenter en eau la chaudière. Des tubes de verre verticaux, appelés jauges d'eau ou verres à eau, indiquent le niveau d'eau dans la chaudière et sont soigneusement surveillés à tout moment pendant le fonctionnement de la chaudière. Chaudière en retard De grandes quantités de chaleur sont gaspillées si une chaudière n’est pas isolée. Les premières locomotives utilisaient des lattes en bois profilées installées dans le sens de la longueur le long du fût de la chaudière et maintenues en place par des bandes métalliques. Les méthodes d'isolation améliorées comprenaient : l'application d'une pâte épaisse contenant un minéral poreux, tel que le kieselgur, ou la fixation de blocs façonnés de composé isolant tels que des blocs de magnésie. Dans les derniers jours de la vapeur, des "matelas" en toile d'amiante cousue étaient fixés et bourrés de fibres d'amiante (mais sur des séparateurs pour ne pas toucher tout à fait la chaudière) ; cependant, dans la plupart des pays, l’amiante est aujourd’hui interdite pour des raisons de santé. Le matériau le plus courant de nos jours est la laine de verre ou les emballages de papier d’aluminium. Le revêtement est protégé par une enveloppe en tôle bien ajustée appelée habillage de chaudière ou revêtement. Un retard efficace est particulièrement important pour les locomotives sans feu ; cependant, ces derniers temps, sous l'influence de L.D. Porta, une isolation « exagérée » a été pratiquée pour tous types de locomotives sur toutes les surfaces susceptibles de dissiper la chaleur, telles que les extrémités des cylindres et les parements entre les cylindres et les châssis. Cela réduit considérablement le temps de préchauffage du moteur avec une augmentation marquée de l’efficacité globale. Soupapes de sécurité Les premières locomotives étaient équipées d'une vanne commandée par un poids suspendu à l'extrémité d'un levier, la sortie de vapeur étant arrêtée par une vanne en forme de cône. Comme rien n'empêchait le levier lesté de rebondir lorsque la locomotive roulait sur des irrégularités de la voie, gaspillant ainsi de la vapeur, le poids a été remplacé par une colonne à ressort plus stable, souvent fournie par Salter, un fabricant bien connu de balances à ressort. . Le danger de tous ces dispositifs était que l'équipage de conduite pouvait être tenté d'ajouter du poids au bras pour augmenter la pression. La plupart des chaudières étaient dès les premiers temps équipées d'un robinet à tournant sphérique à chargement direct inviolable, protégé par un capot. À la fin des années 1850, John Ramsbottom a introduit une soupape de sécurité qui est devenue populaire en Grande-Bretagne à la fin du XIXe siècle. Non seulement cette valve était inviolable, mais une manipulation par le conducteur ne pouvait avoir pour effet que de relâcher la pression. La soupape de sécurité de George Richardson était une invention américaine introduite en 1875 et conçue de manière à libérer la vapeur uniquement au moment où la pression atteignait le maximum autorisé. Ce type de valve est actuellement utilisé presque universellement. La Great Western Railway britannique constituait une exception notable à cette règle, conservant le type à charge directe jusqu'à la fin de son existence distincte, car on considérait qu'une telle vanne perdait moins de pression entre l'ouverture et la fermeture. Manomètre Les premières locomotives n'indiquaient pas la pression de la vapeur dans la chaudière, mais il était possible de l'estimer par la position du bras de la soupape de sécurité qui s'étendait souvent sur la plaque arrière de la chambre de combustion ; les graduations marquées sur la colonne du ressort donnaient une indication approximative de la pression réelle. Les promoteurs des essais Rainhill ont insisté pour que chaque concurrent dispose d'un mécanisme approprié pour lire la pression de la chaudière et Stephenson a conçu un tube de mercure vertical de neuf pieds avec un voyant au sommet, monté le long de la cheminée, pour le Rocket. La jauge à tube de Bourdon, dans laquelle la pression redresse un tube enroulé de laiton ou de bronze de section ovale relié à un pointeur, a été introduite en 1849 et a rapidement été acceptée. C'est l'appareil utilisé aujourd'hui. Certaines locomotives sont équipées d'un manomètre supplémentaire dans le coffre à vapeur. Cela aide le conducteur à éviter le patinage des roues au démarrage, en avertissant si l'ouverture du régulateur est trop importante. Pare-étincelles et boîtes à fumée ;Pare-étincelles et fumoir autonettoyant Les poêles à bois émettent de grandes quantités d'étincelles volantes qui nécessitent un dispositif pare-étincelles efficace généralement logé dans la cheminée. De nombreux types ont été installés, le premier type le plus courant étant la cheminée Bonnet qui incorporait un déflecteur en forme de cône placé avant l'embouchure du tuyau de cheminée ainsi qu'un écran métallique couvrant la large sortie de la cheminée ; plus efficace était le type centrifuge Radley et Hunter breveté en 1850 (généralement connu sous le nom de pile de diamants) incorporant des chicanes orientées de manière à induire un effet de tourbillon dans la chambre qui encourageait les braises à s'éteindre et à tomber au fond sous forme de cendres. Dans le fumoir autonettoyant, l'effet inverse a été obtenu : en permettant aux gaz de combustion de frapper une série de plaques déflectrices, inclinées de manière à ce que le souffle ne soit pas altéré, les plus grosses particules étaient brisées en petits morceaux qui seraient éjectés avec le souffle, plutôt que de se déposer au fond de la boîte à fumée pour être retiré à la main en fin de parcours. Comme pour le parafoudre, un écran a été incorporé pour retenir les grosses braises. Les locomotives des classes standard des chemins de fer britanniques équipées de fumoirs autonettoyants ont été identifiées par une petite plaque ovale en fonte marquée « S.C. », installée au bas du s.

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